Personajes de la Commedia dell'Arte

Personajes de la Commedia dell'Arte

Publicada el 21.12.2019 a las 15:28h.

La comedia del arte (Commedia dell'Arte) o comedia del arte italiana es un tipo de teatro popular nacido a mediados del siglo XVI en Italia y conservado hasta comienzos del siglo XIX. Como género, mezcla elementos del teatro literario del Renacimiento italiano con tradiciones carnavalescas (máscaras y vestuario), recursos mímicos y pequeñas habilidades acrobáticas. Su aparición es contemporánea de la profesionalización de los actores y la creación de compañías estables.

Etiquetas: personajes

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Último acceso 06.04.2020

Arlequín

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Arlequín

Arlequín (Arlecchino en italiano) es el personaje más popular de la Commedia dell'Arte, aparecida en Italia en el siglo XVI, pero cuyo origen tiene lugar en la Edad Media. En las sencillas tramas de la «commedia» aparece como compañero habitual del astuto Brighella y la pícara Colombina... Ver mas
Arlequín (Arlecchino en italiano) es el personaje más popular de la Commedia dell'Arte, aparecida en Italia en el siglo XVI, pero cuyo origen tiene lugar en la Edad Media. En las sencillas tramas de la «commedia» aparece como compañero habitual del astuto Brighella y la pícara Colombina, formando el grupo más popular de los «zanni» (criados).

La personalidad de Arlecchino puede llegar a resultar camaleónica: astuto y necio, intrigante e indolente, sensual y grosero, brutal y cruel, ingenuo y pobre de solemnidad, como describe su propio atuendo, mil veces remendado y parcheado, que con el tiempo tomó ese aspecto de malla de estampado romboidal. Lleva una máscara negra de nariz geminiana y es un fabuloso acróbata saltarín. Representa al criado tragón y tonto, siempre en busca de pelea, comida y mujeres, pero de pronto humanizado ante las humillaciones, el miedo al hambre, el amor de Colombina y con una inigualable capacidad de supervivencia.1​
Traje y máscara
En su origen, el traje de Arlequín, nacido visualmente como el prototipo del mendigo harapiento, estaba hecho de retales irregulares de otras ropas, que demostraban su estatus de servidor y esclavo. Con el tiempo, se convirtió en un traje de triángulos multicolores, prevaleciendo el rojo y el verde. Más tarde, en el arlequinadas siglo XVIII, el personaje tomó otras características pasando a ser un amante insidioso, y cuyos parches se convirtieron en cuadros en forma de rombo, de colores muy brillantes.2​ Similares cambios convirtieron el original sombrero de ala, en ocasiones adornado con un rabo de conejo o de zorro, en un sombrerete de bufón de influencia centroeuropea.3​


El hermafroditismo estético de Arlequín en esta dama dibujada por Jules Cheret (litografía de 1896).
La máscara de Arlequín, síntesis de gato y mono, resume todas las características del personaje, su forma de ser, sus gestos y movimientos; de ahí su nariz chata y respingona, sus mofletes regordetes y ojos redondos (denunciando su glotonería), o las expresiones mezcla de alegría y sorpresa pero nunca de enfado. Además, la máscara de Arlequín, por lo general de cuero negro, tiene una enorme verruga o chichón en la parte alta (un posible cuerno cortado, vestigio de su origen diablesco). El personaje original lucía grandes bigotes (atributo físico que desapareció en la adaptación francesa de la comedia del arte italiana).4​

Origen del nombre y del personaje
El origen de Arlequín está en «Hellekin» o «Helle-kin», un reflejo diablesco del dios Odín (padre de todos en la mitología escandinava). También se lo identifica con el demonio del «Car-navalis» o «Carrus-navalis» de las fiestas del equinoccio de primavera, fiestas que duraron hasta el siglo XIII en Flandes y Alemania, y en las que se parodiaba el terror de las escaramuzas vikingas.5​

En otros estudios se especifica que, además de "Harlequin, Herlequin o Hellequin", diablo mayor en los misterios medievales franceses, otras posibles fuentes podrían ser: "Alichino", diablo dantesco; o el gnomo escandinavo "Erlenköning"; o el histrión italiano "Harlayquino, acogido por el caballero francés Aquiles de Arlay; o un diminutivo del pájaro multicolor llamado «harle» o «herle».6​

Su comportamiento social, que sirve de pauta al resto de los «zanni», es una imitación burlesca de los campesinos pobres de Bérgamo emigrados a la vecina Serenísima República de Venecia para poder ganarse la vida.nota 1​ Como tal, sus intereses no siempre coinciden con los de sus amos, pues su astucia principal es tener más de uno, aunque antes que varios salarios acaba recibiendo distintas palizas.7​

De la «commedia dell'arte» a la Comédie Italienne
En el ámbito de la comedia del arte, casi todos los autores coinciden en citar a Tristano Martinelli como introductor de la máscara del «Arlecchino» en Europa, o al menos el primero conocido.8​ En el esquema original italiano, tanto en el modelo veneciano como en el napolitano, Arlequín es el segundo cómico o criado tonto, y en ocasiones se identificará con otros zannis como "Mezzettino" , "Truffaldino" y "Tabarin".

A partir del siglo XVIII fue habitual protagonista en la obra de Lesage, y Carlo Goldoni fijó el personaje en su amplia producción de comedias italianas. Fue el "Trivelino" creado por el actor Domenico Locatelli y desarrollado por el dramaturgo Pierre de Marivaux. El personaje perdió definitivamente sus proporciones originales con las arlequinadas, género teatral cómico británico.

En Alemania, y durante el periodo de la Ilustración («Aufklärung»), Arlequín y sus compañeros de la comedia italiana fueron desterrados. Johann Christoph Gottsched los consideraba vicios anárquicos de la comedia, amén de obscenos e inmorales.9​ Bajo la dirección de la actriz Friederike Caroline Neuber un muñeco de Arlequín fue quemado en el escenario en 1737, como símbolo de la expulsión del tonto del mundo ilustrado de teatro.10​

Famosos arlequines
Zan Ganassa (hacia 1540 — 1584), nombre artístico de Alberto Naselli (o Gavazzi), activo en Mantua en 1568 y reformador del teatro en España.11​
Tristano Martinelli (hacia 1555-1630), actor de la Compañía de los Comici Gelosi, supuesto creador del disfraz.12​
Doménico Biancolelli (1637-1688), actor boloñés y gran vedette de la Comédie Italienne.
El veronés Angelo Costantini (1655-1730), llamado "Mezzettino" ó "Mezzetin", e inmortalizado por el pintor Antoine Watteau.13​
John Rich (1692-1761), alias "Lun", actor y director londinense, introductor de la pantomima en Inglaterra.14​
Antonio Sacco o Sacchi (1708-1788), el "Truffaldino" favorito de Goldoni y Carlo Gozzi.15​
Carlo Bertinazzi (1710-1783), alias "Carlin", uno de los más recordados Arlequines de Francia.
Alexander Moissi (1879-1935), actor de origen albanés, gran mimo del teatro y el cine francés.
Nijinsky (1890-1950), el bailarín ruso, esculpido con traje de Arlequín sobre la lápida de su tumba en el cementerio de Montmartre en París.
Ferruccio Soleri (1929), uno de los últimos arlequines de la escena italiana.
Iconografía

Porcelana de Johann Joachim Kaendler, «Arlecchino fa la riverenza» (hacia 1740). Germanisches Nationalmuseum.
La repercusión artística de Arlequín se ha extendido a otros diversos campos.16​ En el lenguaje, generó el término arlequinado, referido a toda estética visual compuesta de paralelogramos romboidales o losanges de distintos colores.nota 2​

Dicha influencia iconográfica y lingüística, además de producir términos derivados como arlequinada y arlequinesco, le ha hecho sinónimo de payaso, bufón, gracioso, bromista, burlón, etc. En el mundo de la estructura teatral, se llama arlequines a los bastidores verticales (telones colgantes o bambalinas) situadas en la embocadura del escenario para ocultar al público los laterales de la escena.17​

En el mundo de la investigación médica, la estética arlequín aparece en la enfermedad conocida como «ictiosis o síndrome arlequín».18​

En el arte
La vistosidad tonal de Arlequín lo ha convertido en motivo habitual en la Historia de la Pintura Occidental, y muy especialmente en la segunda mitad del siglo XIX y a lo largo del siglo XX. Quizá el cenit de su presencia pictórica se produjo en el París bohemio en torno al 1900, desde impresionistas como Pierre-Auguste Renoir, o cubistas como Juan Gris, hasta el estudio obsesivo en André Derain o Picasso.nota 3​


Arlequín y Colombina (1884, detalle), de Edgar Degas. Galería Belvedere (Viena).



Arlequín (hacia 1889), de Paul Cézanne. Galería Nacional de Arte (Washington).



Arlequín con guitarra (1919), de Juan Gris. Galería Louise Leiris (París).

En Picasso
La imagen del arlequín se repite a lo largo de la obra de Picasso desde de 1901 y sobre todo a partir de 1905, cuando casi se convierte en protagonista de la llamada época rosa. Parece indiscutible que este personaje de la Comedia del arte, como ocurriría en los años 30 con el minotauro, se convirtió en el «alter ego» del artista malagueño. Los especialistas han querido leer en el arlequín picassiano un testigo de la comedia humana; un iniciado que busca transgredir y trascender las limitaciones del hombre terrenal.19​ En 1915, Picasso hizo una serie de investigaciones en torno al arlequín, cuya culminación, según palabras del artista, fue el Arlequín, propiedad del MoMA de Nueva York. Otras famosas pinturas suyas son: el Arlequín pensativo (1901) del periodo azul, el tierno Arlequín de 1917, o el retrato de su hijo Paulo, Arlequín (1924).20​

En la música, la ópera y el ballet

Nijinsky como Arlequín, fotografiado por Adolf de Meyer en el París de 1910.
Compartiendo con Polichinela las preferencias de músicos y grandes bailarines, Arlequín, nacido cómico ambulante, popularizado por la "Comédie Italienne" en Francia y la obra de Carlo Goldoni a lo largo del siglo XVIII, entró en los dos siglos siguientes por la vía del teatro y la opereta en el santuario musical de la ópera y el ballet. Sirvan de ejemplo la ópera de Ferruccio Busoni: Arlecchino (1913) y el conjunto de ballets del bailarín ruso Nijinsky.nota 4​

Secuelas
Seducido por el potencial comercial de un personaje que nació muerto de hambre y para escándalo de los referentes intelectuales de siglos pasados, en el umbral del siglo XXI se pusieron en escena nuevos arlequines más o menos literarios, cinematográficos o cibernéticos; de entre los más populares, puede mencionarse a la nueva Harley Quinn, enemiga de Batman y secuaz de Joker, perversión de el enigmático señor Quin de Agatha Christie.21​

En la fiesta popular
Arlequín y su mundo son personajes habituales en las fiestas de Carnaval en Europa y América. Entre sus muchas manifestaciones pueden citarse: los arlequines del Carnaval de Binche (en Bélgica) y las murgas americanas.22​
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Il Dottore

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Il Dottore

Il Dottore, también llamado Baloardo, Graziano, Spaccastrummolo y Balanzón,nota 1​ es un personaje de la commedia dell'arte. Dentro del grupo de los vecchi (viejos o amos) ocupa el vértice intelectual del "triángulo satírico del poder", junto con Pantaleón en el vértice económico y el Capitán en... Ver mas
Il Dottore, también llamado Baloardo, Graziano, Spaccastrummolo y Balanzón,nota 1​ es un personaje de la commedia dell'arte. Dentro del grupo de los vecchi (viejos o amos) ocupa el vértice intelectual del "triángulo satírico del poder", junto con Pantaleón en el vértice económico y el Capitán en el militar.1​ Personaje de origen boloñés, unas veces médico y otras jurista, viste toga doctoral de la Universidad de Bolonia y habla con marcado dialecto de esa región italiana. Una de sus perogrulladas favoritas es: "Lo que no es verdad es simplemente mentira".


Máscara y características
El personaje tipo de "Il Dottore" es el de un hombre obeso que disfruta de beber y comer en abundancia. Su máscara, que le cubre solamente frente y nariz, suele ser negra (otras veces color carne y con nariz roja); negros son también su sombrero y vestimenta, a veces con un lechuguino o golilla blanca. Entrometido y cargante, está siempre enojado y no deja que nadie le dé lecciones sobre aquellos temas que asegura conocer en profundidad, que son muchos (medicina, leyes, etc.). No se cansa de repetir que ha estudiado en Boloña (en algunos libretos es Padua), ciudad renacentista con una de las más prestigiosas universidades de Europa.2​ A menudo, se le retrata como una persona adinerada y procedente de una familia rica. Ama el sonido de su propia voz cuando pronuncia frases en latín macarrónico y griego incomprensible, en un tono claramente impostado, y es un personaje de la commedia en el que el discurso, lo que dice, es más importante que sus gestos o cómo se mueve (preponderancia del texto sobre la mímica).


Estatuilla del siglo XVIII, conservada en el Museo Carnavalet de París.



Il Dottore Balanzone, como reclamo publicitario en una marca de pasta italiana.



Uno de los varios diseños de Maurice Sand, en su libro Masques et bouffons (1860).

Sus precedentes literarios van desde el "Sócrates" de Las nubes, de Aristófanes, hasta el Pedante de la comedia clásica.3​ Y, como secuelas del personaje, podría citarse, de entre una lista interminable de sabios pedantes y libidinosos, al profesor Farnsworth, de la serie Futurama.
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Pantaleón

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Pantaleón

Pantaleón, Pantaleone, Pantalón y, en su origen, El Magnífico o El Bisognosi,nota 1​ son los nombres por los que se conoce a uno de los principales personajes de la commedia dell'arte. Dentro del grupo de los vecchi ('viejos' o 'amos') ocupa el vértice económico del «triángulo satírico del poder... Ver mas
Pantaleón, Pantaleone, Pantalón y, en su origen, El Magnífico o El Bisognosi,nota 1​ son los nombres por los que se conoce a uno de los principales personajes de la commedia dell'arte. Dentro del grupo de los vecchi ('viejos' o 'amos') ocupa el vértice económico del «triángulo satírico del poder», junto con Il Dottore en el vértice intelectual y el Capitán en el militar.1​ Personaje de origen veneciano, representa a un rico y viejo comerciante de la ciudad, que habla con marcado dialecto de esa región italiana. Evocando la estética tradicional de los diablos, viste jubón y calzas encarnados y se cubre con una capa negra («zimarra»).2​
Máscara y características
Pantaleón se presenta con máscara negra de enorme nariz ganchuda y, con frecuencia, una larga perilla blanca de chivo, similar al senex de la Comedia latina.3​ El personaje de «Pantaleón» puede desarrollarse en dos tipos muy diferentes. En algunos canovacci ('guiones esquemáticos sobre los que improvisa el actor') es un viejo celoso, desconfiado, libidinoso y avaro, enemigo de la juventud.nota 2​ En otros argumentos, como en su rol de «Pantaleone dei Bisognosi» (de los Necesitados), es un anciano de buen corazón, bondadoso y comprensivo. Ambos tipos, no obstante, coinciden en el desarrollo de una misma personalidad dramática, la del mercader enriquecido que por lucrarse dejó de lado el amor y, sintiéndose viejo, intenta recuperarlo; pero su destino es ver cómo son otros los agraciados con el don amoroso, sean hijos o criados. En su rol bondadoso se consolará reparando los desastres de los jóvenes. En su rol celoso y resentido intentará entrometerse en su felicidad.4​ Muy a menudo, como padre de una hija joven y casadera (uno de los innamorati de la trama básica de la commedia), «Pantaleón» centra, junto con sus criados gran parte de la trama.

Se han barajado dos posibles orígenes del nombre de este personaje. Uno, el del protector de la ciudad de Venecia, san Pantaleón; y otro «pianta-leone», mote o apodo que se les daba a los venecianos, por su costumbre de colocar (plantar) imágenes del conocido león de San Marcos en los territorios conquistados.5​nota 3​

Algunas representaciones de Pantaleón

Estatuilla del s.XVIII conservada en el Museo Carnavalet de París.



Estatua de Pantaleón en el jardín de Villa Reale di Marlia (Lucca).



Dibujo de Maurice Sand, en su libro Masques et bouffons (1860).

Influencias
Tiene antecedentes literarios en el «Eudión» de Plauto.6​ Ha sido visto en su doble personalidad en muchos dramas de Goldoni, y con especial brillantez en La bancarrota, donde desarrolla la vertiente negativa del «Pantaleón» tacaño y libidinoso, o en «I due Pantaloni», donde el actor Antonio Mattiuzzi il Collalto encarnaba a padre e hijo.7​ En el teatro español de la primera mitad del siglo XX resulta evocador el «señor Pantalón» de «Los intereses creados» de Jacinto Benavente.

Considerado como uno de los antepasados de Groucho Marx, también se han querido ver secuelas del Pantalón clásico en personajes de dibujos animados como el Montgomery Burns de «Los Simpson» y el abuelo Robert Freeman Jebediah de «The Boondocks».8​
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Coviello

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Coviello

Coviello es un personaje de la commedia dell'arte.1​ Dentro del grupo de los zanni (siervos o criados) tiene un protagonismo menor al de Arlequín o Brighella.2​ Su nombre, al parecer, es un diminutivo de «Giacomo». Creado en el sur de Italia a finales del siglo xvi, entre sus habilidades... Ver mas
Coviello es un personaje de la commedia dell'arte.1​ Dentro del grupo de los zanni (siervos o criados) tiene un protagonismo menor al de Arlequín o Brighella.2​ Su nombre, al parecer, es un diminutivo de «Giacomo». Creado en el sur de Italia a finales del siglo xvi, entre sus habilidades características están la de bailarín e intérprete de mandolina.3​
Origen, máscara y proyección
Aparece en la comedia del arte presentado como un «zanni astuto, intrigante, falso e millantatore», diestro con la espada, la lengua y la mandolina; y algunos estudiosos lo han relacionado con el personaje de Terencio, ‘Trasone’ o ‘Trasono’ (opcionalmente soldado o eunuco).4​ Su máscara, exagerada, suele acompañarse de un gorro con plumas. Se caracteriza por la larga nariz como el pico de un pájaro, y sonrojada como sus mejillas; también puede llevar gafas. El traje, con leotardo o pantalón, varía en el tiempo y las zonas de expansión.

Niccolo Barbieri (Vercelli, 1586-1641), escritor y actor de la commedia dell'arte, habla de Coviello como el charlatán que «embauca a su audiencia con su repertorio de muecas y un lenguaje afectado». También lo describieron el pintor napolitano Salvator Rosa y, ya en el siglo xx Duchartre como un personaje popular napolitano, que en roles de siervo, mercader o soldado llega a mimetizarse o confundirse con otros zanni importantes, como Pedrolino o Brighella.5​

En el siglo xvii, producto quizá de la resonancia de la «comédie Italienne» en Francia, fue incorporado por Moliere a su repertorio como personaje de enredo en El burgués gentilhombre, acercándolo más al personaje de Scapino que el comediógrafo francés inmortalizaría luego con el nombre de «Scapin». En ese mismo ámbito, aparece en uno de los dibujos clásicos que para «I balli di Sfessania» («cioè di Fescennia») hizo Callot,a​ en el que aparece bailando junto a Bello Sguardo la “danza de Sfessani”. En la Italia moderna se ha usado la expresión “es un Coviello” como sinónimo de fanfarrón.6​
Ha recibido 44 puntos

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Pierrot

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Pierrot

Pierrot es un personaje de la Comédie Italienne, a partir de Pierotto o Pedrolino, máscara secundaria de la Commedia dell'Arte del siglo XVI, cuya personalidad se atribuye al cómico Giuseppe Giratoni en el siglo XVII. Pasó a Francia a finales de esa misma centuria,nota 2​ donde el mimo Jean... Ver mas
Pierrot es un personaje de la Comédie Italienne, a partir de Pierotto o Pedrolino, máscara secundaria de la Commedia dell'Arte del siglo XVI, cuya personalidad se atribuye al cómico Giuseppe Giratoni en el siglo XVII. Pasó a Francia a finales de esa misma centuria,nota 2​ donde el mimo Jean-Gaspard Deburau le dio el carácter y apariencia que le harían universal.1​

En el umbral del siglo XXI, la iconografía que se conserva de Pierrot son las del mimo silencioso definido por Deburau en Les funambules; el mismo de Les folies nouvelles, del mimo Paul Legrand, y de La historia de un Pierrot (1890), de Mario Costa y Fernand Beissier.2​


Evolución y transformación
En su origen italiano, "Pedrolino", uno de los zanni (criados o siervos) secundarios, era, al igual que "Trivellino", un habilidoso bailarín y, como tal, fue interpretado por Giovanni Pellesini, actor de la compañía «Gelosi» (Los Celosos). Casi un siglo después, hacia 1660-1665, el cómico Giratoni le dio relevancia en sus argumentos añadiéndole características de músico y recitador, y presentándolo en sus giras por Francia con estos atributos.

Otras fuentes dan como primer gran "Pierrot" al actor italiano Fabio Antonio Sticotti (1676-1741), que lo adaptó al gusto francés junto con su hijo, Antonio-Jean Sticotti (1715?-1772), que lo llevó luego a Alemania.3​

La transformación definitiva fue obra de Deburau (1796-1846) que representó al Pierrot taciturno con éxito durante varias temporadas en el "Theâtre des Funanbules" de París. La propia vida de Deburau inspiró el personaje de "Baptiste", que más tarde fue interpretado por Jean-Louis Barrault en la película Les Enfants du paradis (1945) de Marcel Carné.4​

Debureau estableció las características que, en adelante, definirían la iconografía del Pierrot, también llamado "payaso Blanco", "Carablanca", "Enharinado" y "Listo". Suele ir maquillado de blanco y con un disfraz claro y brillante a juego con una gran gorguera. La antigua máscara italiana perdió las características de astucia e ironía propias de los zanni de la comedia del arte, convertido por Deburau en una víctima melancólica del amor no correspondido, precedente a su vez del clown triste, enamorado de la luna, con el que finalmente se le identifica.5​6​

Iconografía
El éxito de este personaje entre artistas e intelectuales del siglo XX lo subrayan obras como el Pierrot Lunaire de Arnold Schoenberg (pieza musical sobre 21 poemas de Albert Giraud), las múltiples representaciones plásticas de pintores y escultores de los siglos XIX y XX, o en el mundo del cine, la película de Godard Pierrot el loco.
Ha recibido 42 puntos

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Títeres de Cachiporra

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Títeres de Cachiporra

Títeres de cachiporra es el nombre popular que reciben en España los muñecos de guante del teatro de guiñol, con antepasados en la Comedia del arte como Pulcinella o en sus hermanos septentrionales (Guiñol, Punch y Kásperle).nota 1​1​ El origen de este nombre lo dio la porra o cachiporra con la... Ver mas
Títeres de cachiporra es el nombre popular que reciben en España los muñecos de guante del teatro de guiñol, con antepasados en la Comedia del arte como Pulcinella o en sus hermanos septentrionales (Guiñol, Punch y Kásperle).nota 1​1​ El origen de este nombre lo dio la porra o cachiporra con la que el protagonista de las historias se defiende o ataca a sus contrincantes en escena.2​3​

Con esa denominación, en castellano, de "títeres de cachiporra", uno de los más populares fue el que Federico García Lorca describió en el Retablillo de Don Cristóbal, dándole valor literario,4​ que en esta tradición titiritera recuperaba la figura de Cristóbal Polichinela, Cristobica o Cristobita.5​

Origen histórico

Títeres de cachiporra en una miniatura que ilustra el códice 'Romance of Alexander' (1338-1344), en la Bodleian Library (Oxford), atribuida a la escuela del flamenco Johan de Grise.
De la marioneta romana medieval al títere de guante
Encuadradas en la Edad Media europea, las primeras imágenes gráficas de títeres que responden al tipo "de cachiporra" que se conocen aparecen en manuscritos iluminados como el Roman de Alexandre, atribuido al taller del flamenco Jehan o Johan de Grise. En una miniatura puede verse un teatrito en el que actúan dos títeres de guante, uno de ellos con un enorme garrote o cachiporra, mientras tres damas contemplan la función.nota 2​ El abandono de una técnica tan difícil y de complicada puesta en escena como son las marionetas de cuerdas, en favor del cómodo y manejable sistema del guante parece fruto de la lógica evolución impuesta por necesidades utilitarias.6​ Su uso se convertiría en el más popular desde la Baja Edad Media hasta los poetas del títere de cachiporra del siglo XX, como Lorca o Villafañe.

Tipología y argumento

Burattini (hacia 1770), a partir del lienzo de Francesco Maggiotto. Detalle del grabado en color conservado en el Museo Gadagne, de Lyon.
El títere de cachiporra suele ser, salvo en raras excepciones, un muñeco de tela (del tipo títere de guante), con los dos brazos colgantes que se mueven con los dedos pulgar y anular, o como aspas con un giro de la muñeca del titiritero, y una cabeza, de trapo, fieltro, pasta, plástico u otros materiales similares, que permite meter en su interior uno o dos dedos.7​

El argumento, sencillo, atávico e infantil, suele tener como desenlace, como en muchas historias de los títeres tradicionales, una buena paliza, varias persecuciones a garrotazo limpio y un gran cachiporrazo final que deja K.O al malo de turno.
Ha recibido 36 puntos

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Scapino

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Scapino

Scapino es un personaje de la commedia dell'arte, dentro del grupo de los zanni (criados o sirvientes).1​2​ Su nombre deriva del verbo italiano «scapare» (huir), y se le cataloga dentro del conjunto de personajes bergamescos de la commedia del arte. Fue popularizado por el actor Francesco... Ver mas
Scapino es un personaje de la commedia dell'arte, dentro del grupo de los zanni (criados o sirvientes).1​2​ Su nombre deriva del verbo italiano «scapare» (huir), y se le cataloga dentro del conjunto de personajes bergamescos de la commedia del arte. Fue popularizado por el actor Francesco Gabrielli (1588–1636) a finales del siglo xvii.3​



Origen, máscara y proyección
El Scapino más frecuente en la comedia del arte es un «zanni astuto, imaginativo, escurridizo y audaz», y en muchos «lazzi» acompañando a Brighella.4​ Su máscara se caracteriza por la barba y nariz ganchuda, y en su origen italiano componen su atuendo una túnica a rayas verdes y blancas, pantalones y «un sombrero libertino con dos largas plumas»; ocasionalmente podía llevar también una espada de madera.


Escena de una comedia de Nicolò Barbieri donde Scapino ronda su serenata a Spineta.5​
Aunque en alguna iconografía aparece o se describe con un traje a rayas blancas y verdes –o turquesa como en el figurín de Maurice Sand–, muy parecido al rojo y blanco de Mezzetino, Callot lo dibujó con tabardo y espada al cinto y tocado con un sombrero andrajoso aunque adornados con plumas, apariencia casi gemela a la de Brighella, con quien se le ha relacionado hasta el punto de presentarle como hermano o hijo suyo. También fue pintado hacia 1860 por Honoré Daumier como puede verse en la escena de la «Comédie Italienne» que se expone en el Museo de Orsay de París con el título de Crispin y Scapin.

Su relevancia como personaje se desarrolló en Francia a partir de la segunda mitad del siglo xvii, gracias al protagonismo que Moliere le da en su comedia «Les Fourberies de Scapin» estrenada en 1671, donde figura como criado de Léandre, y que tuvo continuación en Los Trucos de Scapin (1677).2​6​ También aparece en los dibujos que Callot hizo para «I balli di Sfessania».a​ Y ya en el siglo xx, William Walton lo utiliza en su obra Scapino: A Comedy Overture (1940).
Ha recibido 33 puntos

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Polichinela

8

Polichinela

Polichinela, también conocido como Pulcinella o Pulchinela, es un personaje de la commedia dell'arte. Dentro del grupo de los zanni (siervos o criados) es, con "Coviello", uno de los principales personajes de la trama en el modelo napolitano. Retrato, máscara y origen Máscaras del... Ver mas
Polichinela, también conocido como Pulcinella o Pulchinela, es un personaje de la commedia dell'arte. Dentro del grupo de los zanni (siervos o criados) es, con "Coviello", uno de los principales personajes de la trama en el modelo napolitano.

Retrato, máscara y origen
Máscaras del «Pullecenella» napolitano


"Pulcinella", popular rufián, alcahuete y filósofo (físicamente socrático y resignado senequista),1​ es un «zanno» con una especial capacidad de adaptación y una gran experiencia en apalear y ser apaleado. Jorobado, barrigudo y de enorme nariz ganchuda (atributos físicos de su aspecto encorvado y su media máscara negra con profundas arrugas), es sin embargo un excelente orador y un singular cantor. Es el único que ha conservado el traje blanco original, común a los «zanni».

Origen del nombre

Grabado francés (hacia 1650).

El actor Pierre Deschars como "Polichinelle" (1703).
La RAE, anota que el nombre procede del sonido «paolocinelli», referido a Paolo Cinelli, comediante napolitano del siglo XVI. Otra tesis, igual de legendaria, asegura que el nombre le viene de Puccio d'Aniello, campesino napolitano que tras pelearse con unos cómicos acabó uniéndose a la compañía. Una tercera propuesta le otorga el bautismo oficial a Silvio Fiorillo, actor capuano del Cinquecento. La tradición popular lo hace derivar de «pullicinello» (pollito), de ahí —o quizá a causa de ello— que Polichinela se mueva como un pollo barrigón cacareante y paticorto.2​

Como figura teatral, se le ha relacionado como síntesis de varios personajes de la farsa atelana, el "Maccus",nota 1​ el "Dossennus" jorobado, el "Papus" comilón y el torpe "Bucco".3​ El etruscólogo Alain Hus, partiendo de una pintura en la Tumba de los Augures de Tarquinia, propuso el origen de Polichinela a partir del «Pannuceatus» de la comedia atelana.nota 2​4​

Evolución del personaje
En el siglo XVIII, a Polichinela le creció la barba y el bigote, y un alto sombrero de alas levantadas (continuando el simbolismo gallináceo). En la versión francesa, Polichinela evolucionó hacia el enano malvado que primero cambió su tocado por una pañoleta, como la de Pierrot, y finalmente recuperó el sombrero, ahora con dos plumas de gallo. En el espacio escénico de los teatros de títeres del Lyon obrero del siglo XVIII, "polichinela" (sucedáneo de marioneta) se convirtió en "Monsieur Guignol".5​

Principales intérpretes
Antonio Petito
Apodado Il re dei Pulcinella (El Rey de los Polichinelas), Antonio Petito fue el más conocido Polichinela del siglo XIX, inventor de su traje moderno y autor de numerosas comedias dedicadas a esta máscara, a menudo inspiradas en temas de actualidad de la sociedad napolitana de su época.6​

Eduardo de Filippo
Actor, dramaturgo y director de escena, Eduardo De Filippo, cómico de una familia de grandes 'comediantes' dialectales y considerado máximo representante de la Commedia dell'Arte en el siglo XX, fue el gran continuador de la máscara de "Pulcinella".7​ Nacido hijo natural de Eduardo Scarpetta, en 1981 fue nombrado senador vitalicio de la República Italiana.

Inmortalidad de Polichinela
Sólo tres «zanni» han alcanzado la 'inmortalidad' más allá del conocimiento erudito o profesional del mundo del teatro y el arte. Arlequín y Colombina, que se convirtieron en eternos amantes en las salas de muchos museos del mundo, máscaras que del teatro callejero y el ballet más imaginativo del siglo XX, saltaron a la galería de tipos de la historia de la pintura occidental. El otro inmortal (todavía vivo en el carnaval napolitano), se quedó en los teatros hasta hacerse carne en una larga lista de actores o trapo y pasta en innumerables retablos titiriteros en salones y jardines. Con sus muchos nombres y rostros, el "polichinela" es orto y ocaso del mimo escénico.8​

El Pulcinella de Stravinsky
Bello eco de esa inmortalidad fue el Pulcinella de Igor Stravinsky, ballet basado en una obra de teatro del siglo XVIII, con el viejo "Pulcinella" (Polichinela) como protagonista. El ballet se estrenó en la ópera de París el 15 de mayo de 1920 bajo la batuta de Ernest Ansermet. El bailarín Léonide Massine creó el libreto y la coreografía, y Pablo Picasso diseñó los trajes y decorados originales. La obra fue encargada por Sergei Diaghilev. El propio Stravinsky escribió acerca de esta composición:
«Pulcinella fue mi descubrimiento del pasado, la epifanía a través de la cual la totalidad de mi obra tardía se hizo posible. Fue una mirada hacia atrás por supuesto, la primera de las muchas historias de amor en esa dirección, pero era además una mirada en el espejo.»9​
Esta idea fue retomada y revisada por dos expertos bailarines del New York City Ballet, George Balanchine y Jerome Robbins, que la pusieron en escena con ocasión del Festival Stravinsky de 1972, interpretando Robbins el papel protagonista.
Ha recibido 31 puntos

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Tartaglia

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Tartaglia

Tartaglia es un personaje delicado en la Commedia dell'arte . Es hipermétrope y con un tartamudeo menor (de ahí su nombre; cf. tartamudear español ), por lo general se lo clasifica como uno del grupo de personajes antiguos (vecchio) que aparece en muchos escenarios como uno de los amantes... Ver mas
Tartaglia es un personaje delicado en la Commedia dell'arte . Es hipermétrope y con un tartamudeo menor (de ahí su nombre; cf. tartamudear español ), por lo general se lo clasifica como uno del grupo de personajes antiguos (vecchio) que aparece en muchos escenarios como uno de los amantes ( innamorati ). Su estatus social varía; a veces es alguacil, abogado, notario o químico. El dramaturgo Carlo Gozzi lo convirtió en un estadista, por lo que se mantuvo a partir de entonces. Tartaglia lleva un gran sombrero de fieltro, una capa enorme, botas de gran tamaño, una espada larga, un bigote gigante y una nariz de cartón. Usualmente representa a la clase trabajadora baja pero a veces la clase media o alta en la comedia del arte.

Otros personajes de ficción llamados Tartaglia
En la ópera Le maschere de Mascagni , uno de los personajes es Tartaglia, un tartamudo tartamudo.

Hay un sargento voluble. Gino Tartaglia, interpretado por Charles Calvert, en el drama de radio y crimen Broadway Is My Beat .
Ha recibido 28 puntos

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Colombina

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Colombina

Colombina es el personaje femenino de mayor presencia en la Commedia dell'Arte. En el juego de tramas tejidas entre "criados" (zanni), "amos" ("vecchi") y "enamorados", Colombina es compañera y musa entre los sirvientes, tentación y cebo para los viejos , confidente y aliada de las jóvenes amas... Ver mas
Colombina es el personaje femenino de mayor presencia en la Commedia dell'Arte. En el juego de tramas tejidas entre "criados" (zanni), "amos" ("vecchi") y "enamorados", Colombina es compañera y musa entre los sirvientes, tentación y cebo para los viejos , confidente y aliada de las jóvenes amas. Su especial proyección entre las otras «zagna» (criadas), se debe a su desarrollo en el modelo francés de la Comédie Italienne y a Goldoni que fijó este personaje en la comedia italiana del siglo XVIII.1​ Su nombre, Colombina, (del latín 'columba', paloma) evoca el animal que la representa. A menudo se la confunde o se mixtifica con otras criadas como Coralina (más dinámica) y Esmeraldina (más intrigante).


Porcelana del s.XVIII, Germanisches Nationalmuseum (Limbach).

Características
En su original en italiano, "Colombina" (palomita), y en francés, "Colombine", es un personaje que por lo general aparece sin máscara de la Commedia dell'Arte. Como la mayoría de las criadas,nota 1​ habla con acento toscano, huérfana o miembro de una familia tan numerosa y pobre que no puede alimentarla. Viste de campesina, bien un traje raído, bien vestidos de colores;nota 2​ cuando se presenta como "Arlequina", suele llevar un traje parecido al romboidal convencional de "Arlecchino".

Colombina alterna el rol de sirvienta (de Pantalone, de sus hijos o del dottore), con el de celestina de su señora, "Isabella", "Rosaura" o la innamorata del enamorado de turno, llámese "Lelio" o "Florindo", entre otros muchos nombres. Hábil, astuta e ingeniosa, sabe sacar partido de cualquier situación. Goldoni le dio carácter y riqueza humana, sacándola del estereotipo de los zanni.

Las actrices en la commedia dell'arte
A pesar del ejemplo conocido de actrices como Isabella Andreini, "famosa por su talento, belleza y virtud",2​ y aceptado el hecho de que, en el pasado, ser comediante era casi sinónimo de maleante, las actrices de la comedia del arte, catalogadas en peores contextos, si cabe, que además actuaban sin máscara, solían recurrir al maquillaje para cambiar su cara y darle carácter al personaje. En algunas sociedades, europeas y norteamericanas, todavía en el siglo XX, el maquillaje ha ido asociado a la mala vida y a la carne de farándula. No así en el teatro en Oriente

En el carnaval sudamericano
En Uruguay, Colombina es una de las figuras que ha tomado el carnaval y la murga en particular junto a Pierrot —enamorado de Colombina—, Arlequín y Polichinela.3​
Ha recibido 27 puntos

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Stenterello

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Stenterello

Stenterello es la máscara tradicional de Florencia . Conocida como la única máscara del Carnaval y el Teatro Florentino, según los testimonios de Pellegrino Artusi y Pirro Maria Gabrielli , también fue la última máscara de la comedia del arte antiguo. Stenterello en una pintura de 1800... Ver mas
Stenterello es la máscara tradicional de Florencia . Conocida como la única máscara del Carnaval y el Teatro Florentino, según los testimonios de Pellegrino Artusi y Pirro Maria Gabrielli , también fue la última máscara de la comedia del arte antiguo.


Stenterello en una pintura de 1800

Stenterello en el Teatro Reims de Florencia, interpretado por Lorenzo Andreaggi
índice
Creación
Stenterello fue concebido en el siglo XVIII por el actor florentino Luigi Del Buono ( 1751-1832 ), creador de brillantes comedias populares.

Del Buono era, al igual que su personaje Stenterello, delgado, demacrado, extremadamente frágil, como el que "parece haber crecido apenas". De baja estatura, tez amarillenta, frente amplia y pestañas arqueadas, tenía una predisposición natural a la recitación animada y a la composición de diálogos cómicos tanto en verso como en prosa.

De profesión relojero, Del Buono tenía su taller en la Piazza del Duomo , cerca del Arco de 'Pecori (a través de' Pecori ), pero su gran pasión por el teatro lo llevó a unirse a la compañía Giorgio Frilli y 1778-1779 se convirtió en director de los académicos florentinos en el teatro Ognissanti. En 1782 , eligió definitivamente su carrera artística vendiendo la tienda de relojería, y tres años más tarde ingresó a la compañía de Pietro Andolfati , donde se especializó como personaje. Fundó su propia compañía en 1791 , y alcanzó el pináculo del éxito al fusionar todas las características de sus personajes en una sola figura. Una figura que la gente en broma llamaba Stenterello.

Los Stenterelli posteriores no siempre fueron delgados y secos, como lo fue Del Buono mismo. Cada persona lo personificó según su propia persona y su estilo de actuación. El apodo, comúnmente utilizado en la Toscana, se le dio a niños y hombres "criados con instinto". De hecho, parece que incluso Del Buono tuvo este apodo desde una edad temprana debido a su físico atrofiado. Raffaello Landini, uno de los más cercanos a Del Buono, recordando el origen de la máscara, dijo que su amigo había tomado la idea del personaje de las formas de hacer y ser un mendigo, que estaba debajo de un tabernáculo en Via della Scala . Por el lenguaje, parecía haber sido inspirado por el chico de un barbero que hablaba muy ingeniosamente.

características
Con una nariz prominente, Stenterello es el típico personaje florentino hablador, temeroso e impulsivo; pero también sabio, ingenioso y listo para ponerse del lado de los más débiles, aunque el temblor a menudo los pone al volante: y en este contraste está el punto de apoyo de la comedia.

Junto con la pronta respuesta, siempre tiene líneas mordaces, expresadas en lengua vernácula florentina, no vulgar sino suave y vivaz; según lo informado por Artusi:

«... desde el escenario, Stenterello lanzaría fritas y lemas, aunque carentes de vulgaridad, tanto que familias enteras asistieron a su espectáculo».

En ella se representa a la población florentina, de baja extracción, que oprimida por la adversidad y la injusticia, siempre tiene la fuerza para reír y bromear.

La técnica favorita con la que Stenterello habla con la imaginación popular, para excitar el arroz, es la picadura, o la cercanía de diferentes palabras de significado y sonido similares: "Me inclino ante el himno, y la primera impresión en la mente de 'amante: recuerda mis tormentos que nunca se extinguen, sino que son más escasos ... ", dándoles mayor efecto a través de una charla rápida.

Sin embargo, dependiendo del intérprete, Stenterello a veces también podía lanzar oraciones y soltar gestos audaces: recuerde que Lorenzo Cannelli fue acusado de interpretarlo con demasiada vulgaridad, y por eso su Stenterello merecía el apellido de Porcacci .

Contra estas interpretaciones tergiversadas que condujeron al final de la máscara, personas del calibre de Giuseppe Giusti , que insinuaron satíricamente: "¡Cállate, el malentendido / Di Stenterello, / Quién sabe a taberna / Y a burdel! /"

Con el tiempo, el personaje popular está rodeado de un aura política. Su perspicacia y sus bromas, de la mano de los tiempos, golpearon a los "invasores" franceses, extranjeros, y luego a los principios que obstaculizaron las aspiraciones italianas de independencia.

El disfraz de Stenterello es tan alegre y brillante como el personaje y recuerda la era de su nacimiento: el siglo XVIII . Comenzando desde la parte superior, tiene un tricornio negro o una lámpara con un friso, una chaqueta ( zimarra ) o una chaqueta azul pálido o azul, sobre una enagua brillante, chaleco amarillo canario, pantalón negro corto (a veces negro y verde) , un calcetín rojo de algodón y un patrón, o dos diferentes entre sí, pero con rayas, zapatos de hebilla baja y una peluca blanca con una coleta hacia arriba. Ropa stenterellesque inventada por el propio Luigi Del Buono.

De una reproducción de la máscara del propio Luigi Del Buono vemos en la enagua una botella diseñada, probablemente de vino, que podría subrayar un aspecto de borracho, y leemos la palabra reveladora posapiano , otra forma de decir florentina que revela otro aspecto de la Su personalidad multifacética.

Otros actores que se hicieron pasar por Stenterello solían maquillarse, pálidos y desteñidos, con marcas rojas en la cara y marcas fuertes en las comisuras de los ojos y la boca (reproduciendo las cicatrices que se decía que tenía Stenterello), con grandes cejas arqueadas, así reproducidas La cara, exagerada en la parodia de su personaje, por Luigi Del Buono.

Citas

Placa de Luigi del Buono en Ognissanti (Florencia)
Stenterello ha sido tan parte de la imaginación florentina que muchas personas han acuñado dichos sobre su figura. Incluso en italiano, extensión significa una persona larguirucha, frágil y torpe.

Incluso Carducci en Davanti San Guido (vv. 83-84) para atacar a aquellos que, a raíz de Manzoni, intentaron imitarlo fracasando, cayendo en el ridículo poético, insertando palabras y frases florentinas en sus escritos, por lo que escribió: "... el Favella toscana, que es una tontería / en el estilo Manzoni del stenterelli ".

Pellegrino Artusi en su La ciencia en la cocina y el Arte de comer bien , recuerda que cocinar "... es una pequeña brinconcella; a menudo te hace desesperar, pero también te da placer ...", e informa la receta de los Panqueques de tondone escribe: "Si no sabes qué es un tondone, pregúntale a Stenterello quién lo come a menudo porque le gusta ...".

El Stenterello fue un periódico satírico de Risorgimento publicado en Florencia en los años 1848 y 1849. Tomó su nombre de la tradicional máscara florentina.

Intérpretes Stenterello
Luigi Del Buono ( 1751-1832 )
Gaetano Cappelletti
Lorenzo Cannelli (en el escenario en 1855 )
Augusto Bargiacchi
Amado Ricci
Raffaele Landini ( 1823-1884 )
Ludovico Corsini
Alceste Corsini
Zanobi Bartoli (escenificado en 1895 )
Andrea Niccoli ( 1862-1917 )
Arrigo Chiostrini (1920s-1900s)
Vasco Salvini (escenificado en 1930 )
Carlo Staccioli, con sus títeres (1915-1971)
Mario Fanfulla (escenificado en 1972 )
Lorenzo Buti
Giovanni Nannini (escenificado en 1991 )
Enrico Spinelli, con los Pupi de Stac (desde 1993)
Andrea Nannelli (en el escenario en 1998 )
Marco Venienti (en el escenario en 2006 )
Sauro Artini (en el escenario en 2006 , en 2009 - 2010 - 2011 )
Giovanni Casini Raggi
Alessandro Riccio (en el escenario en 2008 - 2009 - 2012 )
Lorenzo Andreaggi (en el escenario en 2009 )
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El Capitán Matamoros

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El Capitán Matamoros

El Capitán, Il Capitano, Capitán Fracassa, Matamore (o Matamoros) y Fierabrás son algunos de los múltiples nombres de un tipo de personaje de la Comedia del arte,1​ encarnado por un soldado tan fanfarrón como cobarde, y que se sintetizó en la imagen de un militar del imperio español, con... Ver mas
El Capitán, Il Capitano, Capitán Fracassa, Matamore (o Matamoros) y Fierabrás son algunos de los múltiples nombres de un tipo de personaje de la Comedia del arte,1​ encarnado por un soldado tan fanfarrón como cobarde, y que se sintetizó en la imagen de un militar del imperio español, con sombrero de plumas, enorme espada y voz de trueno.nota 1​

En el esquema básico que divide los personajes de la comedia del arte en "criados" (zanni), "amos" ("vecchi") y "enamorados", el Capitán (que se codea con los amos, se bate en duelo con los siervos y, de enamorado, 'solo tiene la pretensión') funciona como catalizador ridículo y patético. Pero, si hubiera que encajarlo en alguno de los tres grupos, su lugar más apropiado sería ocupando "el tercer vértice del triángulo satírico del poder", es decir, con los "vecchi": Pantaleón en el vértice económico, Il Dottore en el intelectual y el Capitán en el militar.2​ En la historia del teatro, se le considera un heredero legítimo del «miles gloriosus» de Plauto.3​


Grabado napolitano (hacia 1650).



Grabado de Abraham Bosse (hacia 1650).



Figurín de Maurice Sand (1860).

Los muchos primos de Il Capitano
El teatro europeo, en el proceso de expansión de la commedia dell'arte generó una rica red de personajes de este tipo, con nombres como: Spavento (espanto), Rodomonte della Papironda o Rinoceronte, Spaccamonti o Spezza-Monti (hiende-montañas), Cocodrilo, Terremoto, Brandimarte o Martebellonio, Basilisco, Scarabombardon o Escobonbardón, Cerimonia, Giangurgolo (Juan Bocazas), Rogantino, y el más famoso de todos y más cercano al grupo de los criados: Scaramuccia, etc. Que en Francia fueron los Scaramouche, Briarée, Brisemur, o Fierabrás.

Callot lo describió con máscara. El actor "Bellemore", sin embargo, no aparece enmascarado en la litografía que Lauglumé dejó del estreno en el Hôtel de Bourgogne en el París de 1672.4​ Estre los primeros "capitanos", al parecer más conseguidos, hay noticia de los interpretados por Francesco Andreini (1548-1624) actor de la compañía de los «gelosi», como «Capitano Spavento della Valle Inferna»; y el "Capitán Matamoros" logrado por Silvio Fiorillo (1560-1632), miembro de la «Compagnia degli Uniti».5​

Algunas literaturas, y en especial la francesa, llegaron a desarrollar personajes análogos, en especial en el campo de la comedia. Se han propuesto autores como Larivey, Scarron, Desmarets, Adrien de Montluc-Montesquiou, Cyrano de Bergerac, Rotrou, Corneille y Tristan L'Hermite.nota 2​ También se pueden mencionar los trabajos del actor Francesco Andreini y el viajero Teófilo Gautier.6​

Il Vappo visto por Sand
Il Vappo fue un nombre más para el prototipo de il Capitano, convertido en espadachín napolitano, cuya sombra ofrece contornos terribles que a menudo le producen miedo a él mismo. El diseñador de vestuario francés Maurice Sand (hijo de George Sand) lo describió así: "Va vestido como un capitán del siglo pasado (XVI), con la capa cuadrada y amplia de la Regencia, un tricornio de exagerada altura, calzón amarillento y una larga espada, cuya guarda mohosa produce al andar gran ruido de hierro".7​8​

En la ópera
Este personaje también se ha desarrollado en el género operístico, evolucionando en cuanto a sus orígenes pero conservando la esencia de su personalidad. Así aparece por ejemplo en libretos de ópera como El elixir de amor, de Gaetano Donizetti, donde toma el nombre del sargento Belcore, engreído, superficial y egocéntrico.9​
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Truffaldino

13

Truffaldino

facebooktwitterpinterest CATEGORIA GRAMATICAL DE TRUFFALDINO sustantivo adjetivo verbo adverbio pronombre preposición locución interjección artículo Truffaldino puede actuar como un sustantivo y un adjetivo. El nombre o sustantivo es aquel tipo de palabras cuyo significado determina... Ver mas
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CATEGORIA GRAMATICAL DE TRUFFALDINO
sustantivo
adjetivo
verbo
adverbio
pronombre
preposición
locución
interjección
artículo
Truffaldino puede actuar como un sustantivo y un adjetivo.
El nombre o sustantivo es aquel tipo de palabras cuyo significado determina la realidad. Los sustantivos nombran todas las cosas: personas, objetos, sensaciones, sentimientos, etc.

El adjetivo es la palabra que acompaña al nombre para determinarlo o calificarlo.


QUÉ SIGNIFICA TRUFFALDINO EN ITALIANO
Pulsa para ver la definición original de «truffaldino» en el diccionario italiano.
truffaldino
Truffaldino
En la comedia El sirviente de dos jefes de Carlo Goldoni, Truffaldino es el personaje principal.
Ha recibido 25 puntos

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Brighella

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Brighella

Brighella es un personaje de la commedia dell'arte. Dentro del grupo de los zanni (siervos o criados) es, con Arlequín, uno de los principales tipos de procedencia bergamesca en las tramas del modelo veneciano; ambos conforman habitualmente la pareja tradicional de payasos, siendo Brighella el... Ver mas
Brighella es un personaje de la commedia dell'arte. Dentro del grupo de los zanni (siervos o criados) es, con Arlequín, uno de los principales tipos de procedencia bergamesca en las tramas del modelo veneciano; ambos conforman habitualmente la pareja tradicional de payasos, siendo Brighella el listo y Arlequín el tonto, una tipología que fue modificándose con el paso del tiempo hasta diluirse.1​

Origen, máscara y proyección
Brighella es el primer bufón, «zanni» cómico y pícaro originario de Bérgamo. Su nombre parece proceder de «brigare» (engañar) o de «bringa» (intriga). Compañero inseparable de "Arlequino", buen consejero aunque vicioso (capaz de subastar a su mismísima hermana). De voz grave y ronca, viste de blanco y verde, y se oculta tras media máscara rematada por una gorrilla o boina. Como personaje dramático, se le ha relacionado con el Epídico de Plauto.2​

En algunos estudios se le ha identificado con "Buffetto", personaje creado por el actor parmesano Carlo Cantù (1609 – 1676). Otros expertos le acercan al rol de Scapino y su proyección francesa en el "Scapin" de Moliére.
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Innamorati

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Innamorati

Los enamorados (Gli innamorati [ʎi innamoˈraːti], junto con los "vecchi" (amos) y los "zanni" (criados), forman los tres grupos o categorías esenciales en el conjunto de personajes tipo de la Commedia dell'arte.1​ Son el grupo más tópico y menos atractivo, aunque el resto de los personajes se... Ver mas
Los enamorados (Gli innamorati [ʎi innamoˈraːti], junto con los "vecchi" (amos) y los "zanni" (criados), forman los tres grupos o categorías esenciales en el conjunto de personajes tipo de la Commedia dell'arte.1​ Son el grupo más tópico y menos atractivo, aunque el resto de los personajes se mueven en función de sus sentimientos. Los nombres son siempre bucólicos y aparecen emparejados según capricho: Florinda y Lelio, Rosana y Florindo, Isabel y Octavio, Angélica y Fabricio, Aurelia y Cinzio, Lucilla y Flavio, etc.2​ Su tipología quedó en gran medida fijada en la comedia goldoniana Los enamorados («Gl'innamorati»), de 1759.

Contexto
Los «innamorati», jóvenes e ingénuos, suelen ser el hijo o la hija de Pantaleone y de Il Dottore, o viceversa. Su base argumental es amar y ser amados, es decir amarse con cándida desesperación. Se expresan en un dialecto toscano culto, suspiran mucho y se dejan enredar por sus criados.3​

Todos los «innamorati» suelen ir sin máscara, como si su origen petrarquista los humanizase y dignificase por contraste con los mimos, bufónes y fantoches que les rodean en el escenario. Por contra, carecen de definición psicológica y su carga satírica o crítica es prácticamente nula.4​ En el mismo grupo suele incluirse también a las cortesanas, que ponen en juego sus encantos cuando la trama lo requiere.

La primera enamorada con personalidad de la que se tiene noticia fue Vicenza Armani, cómica veneciana de la compañía de "Ganassa", cuya dominio del arte de la improvisación contribuyó en gran parte a la fama de dicha compañía. Se la considera digna precursora de la gran «Isabella».5​

Isabella
Ha sido frecuente que la identificación del cómico con su máscara les haya llevado a adoptarla como un sobrenombre o mote artístico; así ocurrió con Alberto Naselli, alias «Ganassa» o «Zan Ganassa», y con Tiberio Fiori «Scaramuccia». Lo realmente significativo fue el caso opuesto, protagonizado por la actriz, poetisa y dramaturga paduana, Isabella Andreini, inmortalizada por pintores y poetas de su época ( segunda mitad del siglo xvi). Isabella generó el arquetipo más logrado de la enamorada de la Comedia del Arte, que desde entonces se llama como ella.6​

Galería
Esta es la representación de dos de los «innamorati» más populares en los figurines del romántico francés Maurice Sand.7​


Florindo (o Lelio)



Isabella

Galería de nombres
enamoradas
Angélica
Beatrice
Florinda, creada por Virginia Ramponi-Andreini alias "La Florinda".8​
Flaminia
Isabella, creada por Isabella Andreini alias «Isabella»
Eulalia
Silvia
Vincenza, probablemente creada por Vicenza Armani
Hortensia
Lavinia
Lucía
enamorados
Flavio, creado por Flaminio Scala
Fabrizio
Cinzio
Horacio
Silvio
Aurelio
Ottavio
Ortensio
Tristano
Lelio, popularizado por Giambattista Andreini
Leandro
Florindo
Lindoro
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Scaramouche

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Scaramouche

Scaramouche (término francés), originalmente Scaramuccia (término italiano), es un personaje de la Comedia del arte. Con frecuencia se le agrupa con los "zanni" (criados), que junto con los "vecchi" (amos) y los "innamorati" (enamorados) conforman la tipología básica de la «commedia»; pero si... Ver mas
Scaramouche (término francés), originalmente Scaramuccia (término italiano), es un personaje de la Comedia del arte. Con frecuencia se le agrupa con los "zanni" (criados), que junto con los "vecchi" (amos) y los "innamorati" (enamorados) conforman la tipología básica de la «commedia»; pero si hubiera que encajarlo en alguno de los tres grupos, su lugar más apropiado sería ocupando "el tercer vértice del triángulo satírico del poder", es decir, con los "amos": Pantaleón en el vértice económico, Il Dottore en el intelectual y el Capitán en el militar.1​ Ricard Salvat concluye que "como máscara, Scaramuccia es una derivación napolitana del Capitán.2​

Su nombre significa literalmente "pequeña y rápida riña" (término del cual proviene la palabra castellana escaramuza).3​ También llamado «Capitano Scaramuccia», delata así sus raíces en la commedia dell'arte, tomadas del ya referido personaje «Il Capitano» ("El Capitán Matamoros" en castellano), de ahí el traje negro, uniforme de palacio de los españoles que estaban en Nápoles, con el que suele aparecer. Ambos presumen de alta cuna y gloriosa existencia (a pesar de su cobardía bufonesca).nota 1​


Tiberio Fiorilli
El mérito de haber fijado el personaje de Scaramuccia se le concede sin discusión histórica al maestro de Molière, el actor italiano Tiberio Fiorilli (1608-1694).4​ El propio Molière declamaba en una de sus obras: "Le ciel s'est habillé ce soir en Scaramouche" (El cielo se ha vestido de Scaramouche esta noche), haciendo referencia a su vestimenta negra de pies a cabeza. La identificación entre personaje y actor fue tal que en la biografía de Fiorilli resulta difícil separarlos; así, el actor se declaraba de noble aunque misteriosa cuna, afirmando haberse codeado con príncipes y ser un juguete del destino que tan pronto le enriquecía como le sumía en la pobreza.

Lo cierto es que Fiorilli fue uno de los artistas favoritos de Luis XIV de Francia, y que la Reina y el cardenal Mazarino apadrinaron a algunos de sus hijos. También parece fruto de la identificación con el personaje su melodramático final: casado a los 80 años con una joven que le procuró pocas alegrías y abundantes problemas, cuando recurrió al Rey para que intercediera en su ayuda, el soberano mandó que prendieran a su esposa, le afeitasen la cabeza y la internaran en un convento. A resultas de lo cual, el actor murió olvidado y solo en la calle Tiquetone de París, el ocho de diciembre de 1694.5​
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Meneghino

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Meneghino

Meneghino (en dialecto milanés Meneghin ) es un personaje de teatro milanés, concebido por Carlo Maria Maggi y luego se convirtió en una máscara de la comedia del arte . Tomando el lugar de Beltrame , se ha convertido en el símbolo popular de la ciudad de Milán , [1] tanto que el término milanés... Ver mas
Meneghino (en dialecto milanés Meneghin ) es un personaje de teatro milanés, concebido por Carlo Maria Maggi y luego se convirtió en una máscara de la comedia del arte . Tomando el lugar de Beltrame , se ha convertido en el símbolo popular de la ciudad de Milán , [1] tanto que el término milanés se usa normalmente para identificar a los ciudadanos milaneses [2] y como adjetivo indica lo que es más característico de la ciudad y sus habitantes. . [3]

El personaje de Meneghino era originalmente el del ingenioso sirviente derivado de la figura de Zanni , pero caracterizado sobre todo por la honestidad, la sinceridad (también simbolizada por el hecho de que, a diferencia de muchos personajes de la comedia del arte, no usa una máscara) y un fuerte sentido de la justicia. A lo largo de los siglos, Meneghino ha asumido diversos roles en el escenario, incluido el del propietario, el agricultor y el comerciante.

Acompañado por su esposa Cecca en los desfiles del Carnaval Ambrosiano , Meneghino generalmente usa un sombrero de tres puntas sobre una peluca negra con cola, una chaqueta larga con un chaleco de flores amarillo o de otro color sobre una camisa blanca, pantalones cortos hasta la rodilla y calcetines verdes. con rayas blancas y rojas, y finalmente zapatos negros con hebillas.

índice
Orígenes

Carlo Maria Maggi
Al contrario de las otras máscaras de la comedia del arte , nacida de caracterizaciones debidas a actores individuales, Meneghino se formó a finales del siglo XVII en comedias escritas por Carlo Maria Maggi [4] sin ninguna posibilidad de improvisación por parte de los artistas intérpretes o ejecutantes. [5]

Se incluyó en cuatro obras escritas por Maggi en dialecto milanés : en Il manco male (1695) aparece solo en el prólogo y en algunas escenas no relacionadas con la acción principal; [6] en Il Barone di Birbanza (1696) es el sirviente tonto de Polidoro, hijo de Polisema, una viuda rica, a quien le gustaría el matrimonio de Polidoro con Baronina, hija del barón de Birbanza, un noble que en realidad fue desplazado; [7] en los Consejos de Meneghino (1697) hace el papel del sirviente de Fabio y le da consejos sobre cómo escapar de un matrimonio decidido por su padre; [8] en la comedia El falso filósofo (1698) juega un papel importante como el sirviente de Pomponio, un viejo rico y enfermo, engañado por Cleante, un filósofo extranjero. [9] Maggi también escribió Il Concorso de 'Meneghini (1698-1699), centrado en la Abadía de los poetas "milaneses", [10] y algunos interludios teatrales centrados en Meneghino. [11]

Gracias al éxito de estas comedias, el personaje, sin máscara y sin maquillaje, reemplazado en las representaciones Beltrame da Gaggiano ( Baltramm de Gagian ), una figura más áspera [12] que representaba "un campesino incómodo e incapaz, que nunca puede salir de vergüenza". [13]

«Meneghino es un criado casado, cargado de hijos, muy aficionado a sus amos, virtuosamente ridículo, honestamente cobarde, siempre operando con una circunspección cómica, y siempre engañado por el primer hombre astuto en el que cae. En el teatro Meneghino es el hazmerreír de todas las intrigas: y por así decirlo, difunde su falta de pensamiento, su estupidez por encima de todos los interlocutores. Fuera del teatro sigue siendo el protagonista de todos los poemas locales; y cuentos, canciones y sátiras casi siempre pasan bajo su nombre ".

( Giuseppe Ferrari [14] )
Según algunas hipótesis, Maggi lo habría derivado de Menghino , un personaje secundario de La Lena (1528) de Ludovico Ariosto o de Menego , un agricultor del Dialogo facetissimo (1528) de Ruzante ; Sin embargo, las características de Meneghino son claramente diferentes. [5] [15] Otra hipótesis, sin embargo considerada poco confiable, [16] es la derivación de la obra Menecmi de Plautus , que entre finales del siglo XV y principios del siglo XVI se tradujo en vulgar como I Menechini también En el área de Milán. [17]

nombre
Hablando con el juez en The False Philosopher (1698), se presenta como Meneghino Babbeo , hijo de Marchionne conocido como Gengiva.

( Milanés )
«Y mi interrogatus responde.
Sont Meneghin Tandœuggia,
Ciamæ par sora nomm el Tananan,
De la condamm Marchionn ditt el Sginsgiva;
Soneto servidor de la hermana Pomponi Gonz,
C'al è trent agn che'l servj "

( IT )
"Y yo interrogatus [18] respondió:
Soy Meneghino Babbeo [19]
apodado el Ciampichino [20]
del fu [21] Marchionne llamó a la Gengiva;
Soy un servidor del Signor Pomponio Gonzo
He estado sirviendo durante treinta años »

( El falso filósofo , acto III, escena XIV [22] )
El nombre Meneghino es un diminutivo de Domenico (en milanés Domenegh o Menegh ) como se muestra por la forma de dirigirse a él ya en la primera comedia de Maggi.

"Bondì Messer Domenico; Que estas haciendo

( Pandora a Meneghino en Il manco male (1695), acto III, escena XII [23] )
Según algunos, se consideraría como un adjetivo sustantivo derivado del latín dominicus con el significado de maestro , dominical ; esto se debería al uso generalizado entre los siglos XVI y XVIII por parte de algunos "medios señores" para tener un sirviente solo los domingos o en ocasiones particulares. [24]

El personaje después de Maggi
Domenico Balestrieri y la lengua milanesa

Domenico Balestrieri
A principios del siglo XVIII después de la muerte de Maggi y con los cambios debidos a la nueva administración austriaca, el personaje pareció desaparecer gradualmente. [25] Domenico Balestrieri se indicó a sí mismo como Meneghin Balestreri en Tears en la muerte de un gato (1741) y en su Rimm Milaness (1744). [26]

La notoriedad de Meneghino entre los literatos a mediados del siglo XVIII se desprende de una disputa sobre el uso del dialecto milanés en el que estaba involucrado el propio Balestrieri. El 8 de septiembre de 1759, el padre Paolo Onofrio Branda publicó un diálogo en Milán sobre el idioma toscano en el que exaltaba el toscano en comparación con los otros dialectos y, en particular, el milanés. Varios escritores se sintieron ofendidos y en pocos meses se publicaron 64 documentos impresos a favor o en contra de las afirmaciones de Branda; [27] después de la degeneración de la disputa hubo la intervención del gobierno con la incautación de algunas publicaciones y la prohibición de imprimir más. [28] Algunos de estos textos fueron publicados en Milán por Balestrieri, Carlo Antonio Oltolina y otros autores no identificados que utilizaron seudónimos con el nombre "Meneghin" ( Meneghin Gambus , Meneghin Boltriga , Meneghin Sgraffigna , Meneghin Tandoeuggia ). [29]

En los textos de Balestrieri, tomó la «Badia di meneghitt» de Il Concorso de 'Meneghini de Maggi, insertando el nuevo personaje Sganzerlon, [30] como una caricatura de Branda. [31] Él en varios lugares indicó el milanés como lenguagg de Meneghin [32] o lengua meneghina . [33] Giuseppe Parini también escribió un soneto, In morte di Domenico Balestrieri (1780), indicándolo como Meneghino y alabando su habilidad para hacer un uso racional del dialecto milanés. [34]

Carlo Porta

Carlo Porta
Aunque también fue utilizado por otros autores, fue Carlo Porta quien revitalizó el personaje de Meneghino, tanto que pudo ser considerado como un segundo creador. [35] Su primera publicación fue El lava piatt del Meneghin ch 'è mort (1792), en la que se presentó como el lavaplatos del difunto Meneghino, con referencia a Balestrieri. [36] Más tarde escribió Meneghin biroeu de ex monegh , [37] Brindes de Meneghin en la ostaria [38] y Meneghin Tandoeuggia a don Rocch Tajana . [39] También las características de Giovannin Bongee con sus desgracias [40] y Marchionn con su lamento [41] se asimilan a las de Meneghino ( Marchionn también era el nombre del padre según Maggi). [42]

Los cambios en la sociedad, sin embargo, condujeron a diferencias entre Maggi y Porta en la forma de enfrentar a la nobleza: la primera, aunque burlona en algunos aspectos, tenía en cuenta a las figuras nobles como la mujer Quinzia , la segunda "es despiadada". . [43] Porta también atribuyó al personaje un lenguaje brillante y un ingenio lleno de amargura. [35]

Carlo Porta también estuvo marginalmente involucrado en una de las representaciones teatrales con Meneghino. En 1818 Angelo Petracchi tradujo la comedia de François Andrieux The Headless del francés; [44] sin embargo, queriendo insertar la máscara milanesa en lugar del sirviente Deschamps, le pidió a Porta que revisara la traducción de las líneas al dialecto. [45] [46] La comedia se representó en el Teatro alla Scala el 26 de julio de 1818 como The Supposed Dead, con el espíritu sirviente de Meneghino en París [47] y la parte del sirviente fue interpretada por Gaetano Piomarta, [45] pero el espectáculo no fue Fue exitoso. [46]

El teatro

Prensa satírica después de los Cinco Días de Milán : Meneghino tira del cuello al águila bicéfala de los Habsburgo y exclama: "Has terminado de atraparme, reina del gallinero"
A principios del siglo XIX, el personaje en el teatro era conocido como Meneghin Pecenna , Meneghino Pettina, peluquera, flanqueada por su esposa Cecca de Birlinghitt , que representaba el prototipo de la mujer en todos los adornos y ceremonias (Cecca es un diminutivo dialectal de Francesca , mientras que los berlinghitt eran cintas y adornos de bajo valor utilizados en ropa de mujer). [48] [49] [50]

Primero, la interpretación de Gaetano Piomarta tuvo un éxito considerable, [51] luego hubo la transformación realizada por Giuseppe Moncalvo (1781-1859), quien creó una verdadera máscara de la comedia del arte. Moncalvo insertó a Meneghino en todo tipo de comedia, dio lugar a improvisaciones sobre temas de la época, dándole al personaje una connotación patriótica en particular en 1848. [52] [53]

«Moncalvo se identificó en Meneghino, le dio su corazón, su percepción lista y sagaz, el ingenio penetrante, el espíritu de rebelión, la inclinación a la sátira, la tendencia erótica y el odio indomable contra todos los extranjeros en en general, contra los gobernantes austriacos en particular. [54] »

Después de Moncalvo, Luigi Preda fue el intérprete, seguido de algunos otros; El personaje desapareció gradualmente de las escenas teatrales y permaneció solo en el teatro de marionetas y títeres. [35]

"Entonces, con tiempos y eventos cambiantes, incluso el tipo de Meneghino cambia y se transforma: el criado bromista ahora vive con su siglo XIX, oye la voz de la patria, y cuando suenen las campanas de los cuarenta y ocho en un rebaño, será el luchador de la barricada; una vez que la máscara grotesca haya caído, el hombre moderno, el pensador y el mártir lo serán. [...] El Meneghino del Maggi, el Meneghino del Porta ahora se han establecido, y los admiramos solo como espléndidas reliquias de un pasado que ya no regresa. Meneghino también continuará su evolución y se transformará: ya no es un símbolo del antiguo Ambrosiano, sino una personificación de esta maravillosa ciudad nuestra, que, hecha por su posición geográfica no menos que por su propio emporio internacional de industrias y oficios, se transforma y renueva al poderoso aliento de nueva vida. [55] »

Carnaval

La casa de Meneghino y la feria Porta Genova en 1890
En el carnaval ambrosiano lo acompaña su esposa Cecca; en la segunda mitad del siglo diecinueve juntos estuvieron a la cabeza de la procesión que inició la fiesta. [56]

«Hacia la medianoche de mañana, miércoles 6 de marzo, el teatro Dal Verme abrirá sus puertas a las multitudes que asistirán a la fiesta en competencia en la Associazione del Carnevalone Ambrosiano. Meneghino y Cecca participarán solemnemente. Los preparativos son espléndidos. El cortejo de Meneghino y Cecca recorrerá triunfalmente las calles de la ciudad desde el Teatro Milanese hasta el Teatro Dal Verme. »

( Carnaval 1878 [56] )
Los dos personajes también inauguraron la Fiera di Porta Genova para el carnaval y en 1890 se creó una "casa Meneghino" como punto de partida para la procesión. [57]

Posteriormente, la mascarada de Meneghino y Cecca fue promovida por la asociación de familias Meneghina , fundada en 1924; después de la Segunda Guerra Mundial, la tradición fue propuesta nuevamente por el Círculo Ambrosiano Meneghin y Cecca desde 1948. [58] Desde mediados de la década de 1950, la costumbre de una visita del Rey y la Reina del Carnaval a las autoridades de la ciudad y en particular a alcalde, en algunos casos con la entrega simbólica de las llaves de la ciudad; [59] [60] [61] desde 2018 esta costumbre ha sido eliminada. [62]

vestuario
A principios del siglo XX, Luigi Rasi describió el traje como similar al de la máscara piamontesa Gianduja , basada en la de los aldeanos de principios del siglo XVIII. Meneghino no lleva una máscara; En su cabeza tiene un tupé oscuro con una coleta y un sombrero de fieltro negro, con bordes rojos, con tres puntos. Lleva una chaqueta verde oscuro, cortada en cuartos, con forro, dobladillo y botones rojos; el chaleco es de flores, también con bordes en rojo. Lleva pantalones cortos oscuros; ella tiene calcetines a rayas rojas y zapatos planos negros con una hebilla. [63] Otra versión menos conocida incluye un tejido de punto blanco, medias largas verdes, un cinturón y botas de cuero. [64] [65]
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Zanni

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Zanni

Los zanni [ˈdzanni] (criados, siervos o sirvientes), junto con los "amos" ("vecchi") y los "enamorados", forman los tres grupos o categorías esenciales en el conjunto de personajes tipo de la Commedia dell'arte. Componen el grupo más numeroso y son los conductores de la historia y sus intrigas... Ver mas
Los zanni [ˈdzanni] (criados, siervos o sirvientes), junto con los "amos" ("vecchi") y los "enamorados", forman los tres grupos o categorías esenciales en el conjunto de personajes tipo de la Commedia dell'arte. Componen el grupo más numeroso y son los conductores de la historia y sus intrigas; su actuación cómico-dramático se acompaña de mimos y acrobacias. Los más populares, con el paso de los siglos, han sido: Arlequín y su novia Colombina, el astuto Brighella, y el filosófico Polichinela.1​Origen y características
El término «zanni» parece derivar de la pronunciación dialectal de los "sanniones", o bien de "Zan", "Zuan" o "Gian", quizá diminutivos de Gianni y Giovanni;2​ «zanni» es asimismo el origen de la palabra "zany" en inglés.

Originalmente, los «zanni» vestían de blanco, y luego incorporaron a su atuendo rayas verdes (simulando las libreas de los criados); iban por parejas y, por lo general, acompañando a los "enamorados" (como los siervos de la comedia clásica). 3​

Prototipos
Arlequín
Al parecer, su nombre pudo derivar de "Harlequin, Herlequin o Hellequin", diablo mayor en los misterios medievales franceses. Otras posibles fuentes podrían ser: "Alichino", diablo dantesco; o el gnomo escandinavo "Erlenköning"; o el histrión italiano "Harlayquino, acogido por el caballero francés Aquiles de Arlay; o un diminutivo del pájaro multicolor llamado «harle» o «herle».4​

La personalidad de Arlecchino puede llegar a resultar camaleónica: astuto y necio, intrigante e indolente, sensual y grosero, brutal y cruel, ingenuo y pobre de solemnidad, como describe su propio atuendo, mil veces remendado y parcheado, que con el tiempo tomó ese aspecto de malla de estampado romboidal. Es un fabuloso acróbata saltarín.

Su comportamiento social, que sirve de pauta al resto de los «zanni», es una imitación burlesca de los campesinos pobres de Bérgamo emigrados a Venecia para poder ganarse la vida. Como tal, sus intereses no siempre coinciden con los de sus amos, pues su astucia principal es tener más de uno, aunque antes que varios salarios acaba recibiendo distintas palizas. Lleva máscara de cuero negro y grandes bigotes (atributo físico que desapareció en la adaptación francesa de la comedia del arte italiana).5​

Brighella
Brighella es el primer bufón, «zanni» cómico y pícaro originario de Bérgamo. Su nombre parece proceder de «brigare» (engañar) o de «bringa» (intriga). Compañero inseparable de "Arlequín", buen consejero aunque vicioso (capaz de subastar a su mismísima hermana). De voz grave y ronca, viste de blanco y verde, y se oculta tras media máscara rematada por una gorrilla o boina. Como personaje dramático, se le ha relacionado con el Epídico de Plauto.4​

Polichinela
De origen napolitano, Pulcinella, torpe, rufián y alcahuete, es un «zanni» filosófico (físicamente socrático y resignado senequista) con una especial capacidad de adaptación y una gran experiencia en apalear y ser apaleado. Jorobado, barrigudo y de enorme nariz ganchuda (atributos físicos de su aspecto encorvado y su media máscara negra con profundas arrugas), es sin embargo un excelente orador y un singular cantor. Es el único que ha conservado el traje blanco original, común a los «zanni».

Su nombre, según una tesis casi legendaria, le viene de Puccio d'Aniello, campesino napolitano que tras pelearse con unos cómicos acabó uniéndose a la compañía. Otra propuesta lo hace derivar de «pullicinello» (pollito), de ahí o quizá a causa de ello Polichinela se mueve como un pollo barrigón cacareante y paticorto. Como figura teatral, se le ha relacionado con algunos personajes de la farsa atelana, el "Maccus", el "Dossennus" jorobado, el "Papus" comilón y el torpe "Bucco".6​

En el siglo XVIII, a Polichinela le creció la barba y el bigote, y un alto sombrero de alas levantadas (continuando el simbolismo gallináceo). En la versión francesa, Polichinela evolucionó hacia el enano malvado que primero cambió su tocado por una pañoleta, como la de Pierrot, y finalmente recuperó el sombrero, ahora con dos plumas de gallo.7​ En el espacio escénico de los teatros de títeres, "polichinela" (sucedáneo de marioneta) se convirtió en "Monsieur Guignol".8​

Colombina
En su original en italiano, "Colombina" (palomita), y en francés, "Colombine", es un personaje que por lo general aparece sin máscara de la Commedia dell'Arte. Habitual compañera de Arlequín; objeto sexual del "amo", que la acosa infructuosamente; y confidente de la hija de este, la enamorada de turno. Sus más conocidas compañeras, entre las «zagna» (criadas), son Coralina, Esmeraldina, Mariolina, Ricciolina, Arlequina, Pasquetta, Diamantina, Turchetta, Sineraldina y, por antonomasia, "Francisquita".

Otros criados
También habituales en los lazzi de la Commedia dell'arte son: "Pedrolino", "Truffaldino" (introducido por Carlo Gozzi en la segunda mitad del siglo XVIII), "Scapino", "Coviello", "Naccherino", "Tabarrino", "Sganarello" o "Ganassa", personaje que se fundiría con la persona del actor Alberto Naselli, como era muy habitual entre los cómicos que representaban la comedia del arte.

Figurines
Esta es la representación de los «zanni» más populares en los figurines del romántico francés Maurice Sand.9​
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