Mujeres más sensuales

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Publicada el 21.11.2017 a las 21:26h.

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Último acceso 13.12.2017

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Mónica Bellucci

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Mónica Bellucci

Biografía[editar] Monica Bellucci nació en la localidad italiana de Città di Castello (Umbría),2​3​ única hija de Pasquale Bellucci, dueño de una compañía camionera, y Brunella Briganti, pintora.4​ Comenzó a trabajar como modelo a los 16 años de edad, cuando cursaba bachillerato de Letras. Sus... Ver mas
Biografía[editar]
Monica Bellucci nació en la localidad italiana de Città di Castello (Umbría),2​3​ única hija de Pasquale Bellucci, dueño de una compañía camionera, y Brunella Briganti, pintora.4​ Comenzó a trabajar como modelo a los 16 años de edad, cuando cursaba bachillerato de Letras. Sus primeros pasos profesionales se encaminaron a ejercer la abogacía, aunque decidió trabajar como modelo para pagar sus estudios en la Universidad de Perugia.5​ El estilo de vida de la moda la llevó a abandonar su carrera de Derecho.
Se casó con el fotógrafo de moda Claudio Carlos Basso en 1990, pero luego se divorciaron al año siguiente.
Posteriormente su siguiente marido fue el actor francés Vincent Cassel, con quien coincidió en numerosas películas, y cuya separación se hizo pública el 26 de agosto de 2013.6​ Tuvieron dos hijas en común: Deva (nacida el 12 de septiembre de 2004) y Léonie (nacida el 21 de mayo de 2010).7​8​9​
Tras su divorcio, numerosas revistas de la prensa rosa, la relacionaron con Telman Ismailov, un multimillonario ruso de 56 años con orígenes en Azerbaiyán.
Habla tres idiomas con fluidez: italiano (su lengua materna), francés e inglés; y algo de español. Ha interpretado papeles hablando todos esos idiomas, además de arameo para su papel como María Magdalena en La Pasión de Cristo y serbio el la úlima película de Emir Kusturica "On the Milky Road" (2016).
En 2004, mientras estaba embarazada de Deva, Bellucci posó desnuda para la edición italiana de la revista Vanity Fair como protesta en contra de las leyes italianas que prohíben la donación de esperma.10​ Volvió a aparecer embarazada y semidesnuda para la revista en abril de 2010, durante su segunda gestación.11​
En el documental The Big Question, sobre la película La Pasión de Cristo, comentó: "Soy agnóstica, aunque respeto y me interesan todas las religiones. Si hay algo en lo que creo es en la misteriosa energía; esa que llena los océanos durante los oleajes, esa que une la naturaleza con los seres".12​
Trayectoria profesional[editar]
Modelaje[editar]
En 1988, se trasladó a uno de los puntos neurálgicos de la moda europea, Milán, firmando para la prestigiosa firma Elite Model Management. En 1989 ya era una modelo reconocida en París e incluso al otro lado del Atlántico, en Nueva York. Posó para Dolce & Gabbana y para la marca francesa Elle, entre otras. Ese mismo año, Monica Bellucci se ve atraída por el cine, toma clases de interpretación, para convertirse en actriz. En febrero de 2001 apareció en la portada de la revista Esquire y en 2003 en Maxim.13​ En 2004 ocupó el primer puesto en la lista anual de las 100 mujeres más hermosas del mundo de AskMen. La carrera de Bellucci como modelo es manejada por Elite+ en Nueva York. Es considerada un sex symbol italiano.14​15​16​ Actualmente es la cara de la línea Dior Cosmetics.17​
Cine[editar]

Monica Bellucci en el Festival de Cannes de 2002.
Su carrera en el cine comenzó a principios de los años 1990. Interpretó breves papeles en La Riffa (1991) y Drácula de Bram Stoker (1992). En 1996 fue nominada al premio César como mejor actriz de reparto por su rol de Lisa en L'appartement y afianzó su posición como actriz.18​ En 1998 participó en un filme de la española Isabel Coixet: A los que aman.
Su popularidad aumentó en todo el mundo después de sus papeles en varios filmes europeos de repercusión, como Malèna (2000) de Giuseppe Tornatore, El pacto de los lobos (2001) e Irreversible (2002).
Desde entonces ha trabajado en varias películas europeas y norteamericanas como Bajo sospecha (2000), con Gene Hackman y Morgan Freeman; Astérix y Obélix: Misión Cleopatra (2002), con Gérard Depardieu; Lágrimas del sol (2003), donde trabajó con Bruce Willis; The Matrix Reloaded (2003) de los hermanos Wachowski, La pasión de Cristo (2004) dirigida por Mel Gibson, Los hermanos Grimm (2005) de Terry Gilliam, Le Deuxième souffle (2007), Shoot 'Em Up (2007), con Clive Owen; Ne te retourne pas (2009) y El aprendiz de brujo (2010).
Bellucci ha participado fundamentalmente en varios filmes de cine negro como es el caso del controvertido Irreversible, donde se expone una violación explícita y violenta, y En el punto de mira. También ha incursionado en películas de ciencia ficción como Matrix Revolutions y de acción como es el caso de Lágrimas del sol, junto a Bruce Willis.
En 2007 interpreta con José Fidalgo Heart Tango, cortometraje publicitario de la firma de lencería Intimissimi dirigido por Gabriele Muccino (ver cortometraje).
Bellucci iba a interpretar a la política india Sonia Gandhi en el biopic Sonia, en un principio planeada a estrenarse en 2007, pero el proyecto fue cancelado.19​

Monica Bellucci en 2008.
Bellucci dobló su propia voz para las versiones de Francia e Italia de la película Shoot 'Em Up (2007).20​ Además prestó su voz a Kaileena en la videojuego Prince of Persia: Warrior Within e hizo la voz en francés de Cappy en el doblaje de la película animada Robots (2005).
Una de las grandes bellezas del cine europeo actual, Bellucci ha sido considerada en este sentido una digna sucesora de las grandes divas del cine italiano como Sophia Loren y Claudia Cardinale, y todavía a edad madura mantiene una espléndida imagen. En 2015 intervino en Spectre, la 24.ª película de la saga James Bond, junto con Daniel Craig. Con su papel, se convirtió en la chica Bond de más edad (50 años).21​
Filmografía[editar]
Título película Año Papel
Vita coi figli 1990 Elda
The Raffle 1991 Francesca
Drácula, de Bram Stoker (Bram Stoker's Dracula) 1992 Amante de Drácula
Ostinato Destino 1992 Marina/Angela
Briganti – Amore e libertà 1994 Costanza
I Mitici 1994 Deborah
Snowball 1995 Melina
Bits and Pieces 1995
José y el Faraón 1995 Esposa del faraón
L'appartement 1996 Lisa
Sorellina e il principe del sogno 1996 Princess
Stressati 1997
Dobermann 1997 Nat the Gypsy
Mauvais genre 1997 Camille
Come mi vuoi 1997 Nellina
Le Plaisir 1998 Girl
Compromise 1998 Monique
Kaputt Mundi 1998 Giulia Giovannini
A los que aman 1998 Valeria
Comme un poisson hors de l'eau 1999 Myrtille
Méditerranées 1999 Marguerite
Bajo sospecha 2000 Chantal Hearst
Franck Spadone 2000 Laura
Malèna 2000 Malèna Scordia
El pacto de los lobos (Le pacte des loups) 2001 Sylvia
Astérix y Obélix: Misión Cleopatra 2002 Cleopatra
Irreversible 2002 Alex
Ricordati di me 2003 Alessia
Lágrimas del sol 2003 Lena Fiore Kendricks
Matrix Reloaded 2003 Persephone
Enter the Matrix 2003 Persephone
Matrix Revolutions 2003 Persephone
La Pasión de Cristo 2004 María Magdalena
Agentes secretos 2004 Barbara/Lisa
Ella me odia 2004 Simona Bonasera
El secreto de los Hermanos Grimm 2005 La Reina del Espejo
¿Cuánto me amas? (Combien tu m'aimes?) 2005 Daniela
'Sheitan 2006 La belle vampiresse
N. Napoleón y yo 2006 Baronesa Emilia Speziali
The Stone Council 2006 Laura Siprien
Heartango 2007 L'inafferrabile
Manuale d'amore 2 2007 Lucia
Shoot 'Em Up 2007 Donna Quintano
Le deuxième souffle 2007 Manouche
Sanguepazzo (Una historia italiana)'' 2008 Luisa Ferida
L'uomo che ama 2008 Alba
Don't Look Back 2009 Jeanne
The Private Lives of Pippa Lee 2009 Gigi Lee
Baarìa – La porta del vento 2009 Bricklayer's girlfriend
Omaggio a Roma 2009 Tosca
The Whistleblower 2010 Laura Levin
El aprendiz de brujo 2010 Veronica
Rose, c'est Paris 2010 L'esprit de gala
Manuale d'amore 3 2011 Viola
A Burning Hot Summer 2011 Angèle
Rhino Season 2012 Mina
Des gens qui s'embrassent 2013 Giovanna
Lungo la Via Lattea 2014
The Wonders 2014 Milly Catena
Ville-Marie 2015 Sophie
Spectre 2015 Lucia Sciarra
On the Milky Road 2016 Nevesta
Mozart in the jungle 2016 Alessandra
Videoclips[editar]
Año Título original Intérprete BSO Película Notas
2015 Writing's on the Wall Sam Smith Spectre Spectre
Globo de Oro 2016, Mejor canción original.22​
Ha recibido 212 puntos

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Scarlett Johansson

2

Scarlett Johansson

Scarlett Johansson (Nueva York, 22 de noviembre de 1984)2​ es una actriz de cine y modelo estadounidense que alcanzó la fama con su papel en la película The Horse Whisperer (1998) y posteriormente obtuvo la aclamación por parte de los críticos de cine debido a su participación en Ghost World... Ver mas
Scarlett Johansson (Nueva York, 22 de noviembre de 1984)2​ es una actriz de cine y modelo estadounidense que alcanzó la fama con su papel en la película The Horse Whisperer (1998) y posteriormente obtuvo la aclamación por parte de los críticos de cine debido a su participación en Ghost World. Asimismo, fue acreedora a un premio BAFTA y fue nominada en los Globos de Oro por su actuación en Lost in Translation y Girl with a Pearl Earring en 2003. El 20 de mayo de 2008, debutó como vocalista en su primer álbum musical titulado Anywhere I Lay My Head, el cual contiene varias versiones de canciones del compositor y cantante Tom Waits.3​ Johansson ha interpretado al personaje Viuda Negra en Iron Man 2 (2010), The Avengers (2012), Captain America: The Winter Soldier (2014), Avengers: Age of Ultron (2015) y Captain America: Civil War (2016).4​ Los papeles de Johansson en Don Jon (2013) y Under the Skin (2014) recibieron elogios de la crítica y ganó el Premio Tony a la Mejor Actriz de Reparto por su actuación en la obra de teatro de Broadway de 2010 Panorama desde el puente de Arthur Miller.
Johansson es considerada como uno de los símbolos sexuales modernos de Hollywood y con frecuencia aparece en las listas de las mujeres más sexys del mundo, más notablemente cuando fue nombrada la «mujer viva más sexy» por la revista Esquire en 2006 y 2013 (la única mujer en ser elegida dos veces por el título)5​6​7​ y la «celebridad más sexy» por la revista Playboy en 2007.8​

Biografía[editar]
Johansson nació en la ciudad de Nueva York.9​ Su padre, Karsten Johansson es un arquitecto danés originario de Copenhague,10​ y su abuelo paterno, Ejner Johansson fue guionista y director cinematográfico. Su madre, Melanie Sloan, una productora, proviene de una familia de origen judío asquenazí del Bronx.11​12​13​ Los ancestros de Sloan emigraron a Nueva York desde Minsk, Imperio ruso.14​ La actriz tiene una hermana mayor llamada Vanessa, quien también es actriz, un hermano llamado Adrian, un hermano mellizo llamado Hunter (quién apareció con ella en la película Manny & Lo);15​ y un medio hermano mayor, Christian, del primer matrimonio de su padre.16​
Johansson creció en un hogar con «poco dinero»,17​ y con una madre que era una «cinéfila». Ella y su hermano mellizo asistieron a la escuela primaria en el barrio de clase media-alta de Greenwich Village, en Manhattan.18​ Johansson comenzó su formación teatral asistiendo y graduándose de la Professional Children's School en Manhattan en el año 2002.19​
Carrera[editar]
Primeros papeles[editar]
Johansson comenzó a actuar durante la infancia, después de que su madre comenzó a llevarla a audiciones. Ella hizo audiciones para anuncios, pero asumía los rechazos tan duramente que su madre comenzó a limitarla sólo a pruebas para películas.20​ Hizo su debut cinematográfico a la edad de 9 años, como hija de John Ritter en la comedia de fantasía de 1994, North.9​ Después de papeles menores en la película de 1995 Causa justa, como la hija de Sean Connery y Kate Capshaw, y If Lucy Fell en 1996, interpretó el papel de Amanda en Manny & Lo (1996). Su actuación en Manny & Lo obtuvo una nominación para el premio Independent Spirit a la mejor actriz,9​ y comentarios positivos, uno de ellos observando, «[la película] crece en ti, en gran medida por el encanto de Scarlett Johansson»,21​ mientras que el crítico de San Francisco Chronicle Mick LaSalle comentó sobre su «aura pacífica» y escribió «Si puede conseguir atravesar la pubertad con esa aura imperturbable, podría convertirse en una actriz importante».22​
Después de aparecer en papeles menores en Fall y Mi pobre angelito 3 en 1997, Johansson ampliamente atrajo la atención por su actuación en la película de 1998 El hombre que susurraba a los caballos, dirigida por Robert Redford.9​ Ella recibió una nominación de la Asociación de Críticos de Cine de Chicago a la Actriz Más Prometedora por la película.23​24​ En 1999, apareció en My Brother the Pig y en 2001 en la película neo-noir de los hermanos Coen El hombre que nunca estuvo. Aunque la película no fue un éxito de taquilla,25​ recibió elogios por su papel en Ghost World (2001),26​27​ siendo acreditada con poseer una «sensibilidad y talento [que] desmienten su edad».28​ En el año 2002, apareció en Eight Legged Freaks.29​
Transición a papeles adultos[editar]
Johansson hizo la transición de papeles adolescentes a papeles adultos con dos papeles en el año 2003.30​ En la película Lost in Translation de Sofia Coppola, interpretó a Charlotte, una esposa joven solitaria y apática, junto a Bill Murray.31​32​ Roger Ebert escribió que amaba la película y describió las actuaciones de Johansson y Murray como «maravillosas».33​Entertainment Weekly escribió sobre la «abrazadora, tranquila serenidad» de Johansson34​ y el New York Times dijo que «a los 18 años, la actriz pasa como una mujer de 25 años de edad mediante el uso de su voz ronca para probar el nivel de acidez en el aire... la Srta. Johansson no tiene tantos logros como intérprete como el Sr. Murray, pero la Srta. Coppola soluciona esto mediante el uso de la simplicidad y curiosidad de Charlotte como claves para su personaje».35​ Johansson ganó el premio BAFTA36​ y el premio de la Boston Society of Film Critics a la mejor actriz37​ y fue nominada al Globo de Oro a la mejor actriz.38​ También recibió nominaciones de un número de organizaciones de críticos de cine, incluyendo la Broadcast Film Critics Association39​ y la Asociación de Críticos de Cine de Chicago.40​

Johansson en el estreno de Girl with a Pearl Earring (La joven de la perla) en el Festival Internacional de Cine de Toronto en septiembre de 2003.
A los 18 años, Johansson interpretó a Griet en Girl with a Pearl Earring (La joven de la perla). Mientras notaba que las «audiencias sienten como si ellos están espiando un momento de inspiración artística cuando el pintor Vermeer crea la obra del título», USA Today la elogió, sugieriendo que «[ella] está teniendo un año excepcional que los votantes del Oscar deben reconocer».41​ En su crítica para The New Yorker, Anthony Lane dijo, «lo que mantiene viva a la película de Webber es la tensión de la instalación... y, sobre todo, la presencia de Johansson. A menudo es muda y casi plana en la pantalla, pero espera a que el ardor con que puede invocar a un primer plano y aflora bajo su mirada; ésta es su película, no de Vermeer».42​ Owen Gleiberman, de Entertainment Weekly, escribió de su «interpretación casi silenciosa», observando, «la interacción en su cara de miedo, ignorancia, curiosidad y sexo es intensamente dramática».43​ Fue nominada para el Globo de Oro a la mejor actriz en un Drama38​ y al Premio BAFTA a la mejor actriz.36​ Fue nominada por el London Film Critics' Circle44​ y la Phoenix Film Critics Society.
Johansson fue invitada a unirse a la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas en junio de 2004.45​ Ese mismo año tuvo papeles en la pantalla o voz en cinco películas: en Bob Esponja: La Película; A Good Woman, una adaptación de El abanico de Lady Windermere de Oscar Wilde, que tuvo un lanzamiento limitado de Estados Unidos y fue tanto un fracaso de taquilla46​ como de crítica,47​ descrita por el New York Times como una «adaptación a la pantalla con vocación de espurio de Hollywood» con «una terrible división entre actores británicos de la película (dirigida por Tom Wilkinson y Stephen Campbell Moore), quienes están cómodos entregando aforismos de Wilde... y nombres de marquesinas estadounidenses como Helen Hunt y Scarlett Johansson, [que tienen] poca conexión con la lengua inglesa como hablada en el alto estilo de Wilde»;48​ la película adolescente The Perfect Score,49​ la comedia romántica In Good Company, un éxito de crítica y taquilla;50​ y finalmente, el oscuro drama A Love Song for Bobby Long, por la cual ella obtuvo su tercera nominación al Globo de Oro por mejor actriz.38​
2005-07[editar]
En julio de 2005, Johansson protagonizó con Ewan McGregor la película de ciencia ficción de Michael Bay La isla, en papeles duales como Sarah Jordan y su clon, Jordan Dos Delta. La película fue un fracaso comercial51​52​ y recibió reseñas críticas mixtas.53​54​ Por el contrario, su papel como Nola Rice, la actriz estadounidense con quien Chris (Jonathan Rhys-Meyers) está obsesionado en el drama dirigido por Woody Allen Match Point, fue bien recibido. El New York Times dijo: «La Srta. Johansson y el Sr. Rhys-Meyers manejan unas de las mejores actuaciones vistas en una película de Woody Allen en mucho tiempo, escapando de la malicia y la desconexión emocional que sus guiones a menudo imponen».55​ Mick LaSalle, escribiendo para el San Francisco Chronicle, dijo que «[Johansson] es una potencia desde el vamos» y «[su actuación] confina en asombrosa».56​ Johansson recibió su cuarta nominación al Globo de Oro,38​ y una de la Asociación de Críticos de Cine de Chicago, por mejor actriz de reparto.40​
En otra colaboración con Allen, actuó junto a Hugh Jackman y Allen en la película de 2006 Scoop. Mientras que la película tuvo un éxito modesto en taquilla en todo el mundo,57​ recibió críticas encontradas por parte de los críticos.58​59​ Ese mismo año, ella apareció en La Dalia Negra de Brian De Palma, una película de cine negro filmada en Los Ángeles. Johansson dijo que era un fanática de De Palma y quería trabajar con él en la película, aunque pensó que era «físicamente incorrecta» para la parte.60​

Johansson en el set de Vicky Cristina Barcelona en 2007.
Johansson luego tuvo un papel secundario en la película de Christopher Nolan The Prestige, otra vez junto a Hugh Jackman y Christian Bale. Nolan, quien describió a Johansson como poseyendo una «ambigüedad... una calidad blindada»,61​ dijo que estaba «muy entusiasmado» de que interpretara el papel.62​Johansson dijo que a «[ella] le encantó trabajar con [Nolan]», y fue «increíblemente centrado y conducido e involucrado y realmente implicado en la interpretación en todos los aspectos».63​ La película fue un éxito de taquilla64​ y de crítica65​ en todo el mundo, recomendada por Los Angeles Times como «una adulta, provocativa obra de arte».66​
Johansson protagonizó The Nanny Diaries en 2007, junto a Laura Linney. La película tuvo una marginal recaudación en la taquilla,67​ y fue un fracaso de crítica.68​ Comentarios sobre Johansson fueron encontrados, con Variety diciendo: «[ella] ensaya una heroína atractiva»,69​ al tiempo que The New Yorker la criticó por lucir «meramente confundida» mientras «trataba de dar al material un centro emocional plausible».70​
2008–presente[editar]
En 2008, protagonizó The Other Boleyn Girl, con Natalie Portman y Eric Bana,71​ una película que obtuvo opiniones encontradas.72​73​ Escribiendo para Rolling Stone, Peter Travers criticó la película por «[moverse] entre frustrantes tirones», pero fue más positivo en su evaluación de Johansson y Portman y escribió, «lo que funciona es el combustible equipo de Natalie Portman y Scarlett Johansson, que dan a la Bolenas un núcleo duro de inteligencia e ingenio, balanceando las cuestiones protofeministas del siglo XVI de la película cómodamente en ésta».74​ Variety acreditó el reparto como «casi impecables... en la cima de su juego», citando a «Johansson como la silenciosa Mary... como centro emocional de la película, su historia de amor con el monarca en conflicto evocando los únicos sentimientos genuinos en pantalla».75​
Filmó su tercera película con Woody Allen, Vicky Cristina Barcelona, en España,76​ apareciendo junto a Penélope Cruz y Javier Bardem. La película fue una de las más rentables de Allen77​ y apareció en las listas top ten de muchos críticos de las mejores películas de 2008.[cita requerida]
Johansson interpretó a la mujer fatal Silken Floss en la película de cine negro de Frank Miller The Spirit. La película, descrita como «una película que luce muy bien con un equilibrio difícil de pulp noir y autoconciencia cursi»78​ y «estilo sin sustancia, girando en un vacío sin sentido del estilo»79​ recibió comentarios en su mayoría pobres.80​
Johansson apareció en el papel de Anna, una instructora de yoga, en la película de 2009 He's Just Not That Into You, con Jennifer Connelly, Kevin Connolly, Bradley Cooper y Drew Barrymore. La película fue un éxito de taquilla81​ pero sólo obtuvo una recepción crítica promedio.82​83​ La crítica del San Francisco Chronicle fue que «[la película] nunca se eleva, y nunca lo marca» aunque todavía alaba a Johansson, diciendo: «Se ha convertido en una hábil actriz cómica».84​ El Los Angeles Times llama a la película una «comedia romántica antirromántica» y cita la escena en la que Johansson aparece con Jennifer Connelly y Bradley Cooper como teniendo «más carne que otras», por lo que es «una de los mejores». The Baltimore Sun criticó la película, pero elogió a Johansson por «probar que no necesita de Woody Allen para ser graciosa».85​
En marzo de 2009, Johansson firmó para interpretar a la Viuda Negra en Iron Man 286​ después de que Emily Blunt rechazó el papel.87​ La película fue lanzada en mayo de 2010.88​
Apareciendo en la San Diego Comic-Con el 26 de julio de 2009, Johansson bromeó sobre su audición para la película, diciendo que consistió en «un par de profundas dobladuras de rodillas y arremetidas», pero Favreau le acreditó que hizo sus propias escenas de acción: «todas las escenas de acción y trabajo con alambres es suyo. Ella trabajó muy duro y se muestra en la pantalla».88​ Iron Man 2 fue un éxito de taquilla89​ y recibió críticas mayormente positivas de los críticos.90​ En 2011, Johansson interpretó el papel de Kelly, la guardiana de un zoológico en la película familiar We Bought a Zoo. La película recibió principalmente críticas favorables.91​ Calvin Wilson del St. Louis Post-Dispatch escribió que Johansson «la da a Kelly la combinación adecuada de una forma de ser y duramente ganada madurez».92​ Johansson repitió su papel de Natasha Romanoff en The Avengers en 2012. The Avengers recibió críticas positivas93​ y fue un gran éxito de taquilla, convirtiéndose en la tercera película más taquillera en Estados Unidos y en todo el mundo.94​

Johansson en el Festival Internacional de Cine de Toronto en septiembre de 2013.
En noviembre de 2011, se informó que ella planeaba hacer su debut directorial mediante la adaptación de la novela de Truman Capote Summer Crossing, cuyo guión será escrito por la dramaturga Tristine Skyler.95​96​ Producción de la película está programada para comenzar en el primer semestre de 2014.97​ A principios de marzo de 2012, se anunció que Johansson había sido contratada para interpretar a Janet Leigh en la película Hitchcock, un drama tras bastidores sobre el rodaje de la película de 1960 de Alfred Hitchcock Psicosis.98​99​ Estrenada en noviembre de 2012, Hitchcock recibió críticas entre mixtas y positivas.100​ Roger Ebert escribió que Johansson «como Janet Leigh, no se parece mucho a la original, pero proyecta su coraje, inteligencia y sentido del humor».101​
Johansson recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood el 2 de mayo de 2012 en el 6931 Hollywood Blvd., frente al Museo Madame Tussauds.102​
En 2012, Johansson fue fichada para el debut como director de Joseph Gordon-Levitt, Don Jon.103​ La película fue estrenada en el Festival de Cine de Sundance de 2013104​ y tuvo su lanzamiento oficial en septiembre de 2013. Don Jon recibió críticas positivas.105​ La actuación de Johansson fue elogiada por los críticos; Peter Travers de Rolling Stone escribió que «Johansson, afrontando sin miedo un papel con bordes afilados, es dinamita»106​ mientras que Claudia Puig de USA Today afirmó que «da una de sus mejores actuaciones como la chica mandona y mascachicle de Jersey».107​ También en 2013, Johansson interpretó el personaje de Samantha, un sistema operativo de computadora inteligente, en la película de Spike Jonze Her. Ella reemplazó a Samantha Morton en el papel.108​ La película recibió elogios de la crítica tras su lanzamiento,109​ con la actuación de Johansson siendo bien recibida entre los críticos.110​111​
En noviembre de 2010, fue elegida para protagonizar la adaptación cinematográfica de la novela de Michel Faber Under the Skin, dirigida por Jonathan Glazer.112​113​ La película fue lanzada en los Estados Unidos en el año 2014 siendo bien recibida entre los críticos.114​ La actuación de Johansson tuvo una recepción positiva.115​116​
Johansson repitió su papel como Viuda Negra en la secuela de 2014 Captain America: The Winter Soldier, junto a su frecuente co-estrella Chris Evans como el personaje titular. Su participación fue confirmada en octubre de 2012.4​ La película recibió críticas positivas.117​ Ella también interpretó a Viuda Negra en Avengers: Age of Ultron, junto con el reparto original de la primera película de The Avengers. La película se estrenó el 1 de mayo de 2015.118​
Teatro[editar]
Johansson hizo su primer aparición en escena fuera de Broadway en la obra Sophistry. En el 2009, hizo su debut en Broadway en el Teatro Cort de Nueva York119​ en el drama A View from the Bridge, escrito por Arthur Miller y dirigida por Gregory Mosher. En junio de 2010 recibió el Premio Tony, como Mejor actriz por este papel.120​
De nuevo en Broadway, protagonizó la obra de Tennessee Williams La gata sobre el tejado de zinc en 2013.
Carrera musical[editar]

Scarlett Johansson y Michael Caine en el Nobel Peace Prize Concert de 2008
En 2005, Johansson fue considerada para el papel de Maria 121​ del musical de Andrew Lloyd Webber The Sound of Music, aunque el papel le fue dado a Connie Fisher después de ganar el programa How Do You Solve a Problem Like Maria? de la BBC.122​ En el 2006 grabó la canción «Summertime» de George Gershwin,123​ una colección de canciones grabadas por actores de Hollywood.
En abril de 2007 se presentó junto a The Jesus and Mary Chain para un especial del festival Coachella en Indio, California, con el tema «Just Like Honey».124​
El 20 de mayo de 2008 publicó su primer disco, Anywhere I Lay My Head, un álbum que consiste en 10 versiones de canciones de Tom Waits y una canción original,125​126​ fue producido por Dave Sitek y presenta a David Bowie como segunda voz y a Nick Zinner,127​ miembro de los Yeah Yeah Yeahs128​ y Celebration.129​130​ El álbum recibió críticas mixtas.131​ Fue nombrado el «23º mejor álbum de 2008» por NME132​ y alcanzó la posición #1 en el Billboard Top Heatseekers y #126 en el Billboard 200.133​
En 2009, grabó un cover de la canción «Last Goodbye» de Jeff Buckley para la banda sonora de la película He's Just Not That Into You.134​ Posteriormente en septiembre de ese año, junto al cantante y compositor Pete Yorn grabaron un álbum titulado Break Up, inspirado por los duetos de Serge Gainsbourg con Brigitte Bardot.135​ El álbum alcanzó la posición #41 del Billboard 200136​ y #160 en el Reino Unido.137​
En 2010 la banda Steel Train lanzó el álbum Terrible Thrills Vol. 1 el cual incluye a sus artistas femeninas favoritas cantando canciones de su álbum homónimo, en el cual Johansson es la primera, con la canción «Bullet».138​ En 2011 grabó «One Whole Hour» para el documental Wretches And Jabberers.139​140​
En 2015 formó la banda pop Singles, junto a Este Haim, Holly Miranda, Kendra Morris y Julia Haltigan. En febrero de 2015 lanzaron su primera canción, «Candy» 141​
Vida personal[editar]
Entre 2001 y 2002, ella salió con Jack Antonoff, quien luego sería el guitarrista de la banda Fun.142​ Tuvo una relación con su coestrella de La Dalia Negra Josh Hartnett durante dos años hasta finales de 2006, con Hartnett citando sus ocupadas vidas como la razón de la separación.143​
Scarlett anunció su compromiso con el actor Ryan Reynolds en mayo de 2008 en una gala del Museo Metropolitano de Arte en Nueva York. La pareja había estado en una relación desde febrero de 2007. El 28 de septiembre de 2008, la pareja anunció a la revista People que se había casado en la más estricta intimidad en las afueras de Vancouver, Canadá.144​ Esta misma revista fue la elegida para difundir el comunicado con el que la pareja anunció el fin de su matrimonio el 14 de diciembre de 2010.145​
Tras su separación de Reynolds, Johansson estuvo con el actor Sean Penn en una relación efímera, pero altamente mediática que duró hasta junio de 2011,146​ después de la cual Johansson entró en una relación de un año y medio con el ejecutivo de publicidad Nate Naylor. La pareja se separó en octubre de 2012.147​148​
En septiembre de 2013, Johansson se comprometió con su novio Romain Dauriac, dueño de una agencia de publicidad independiente.149​150​ La pareja comenzó a salir en noviembre de 2012.151​ En mayo de 2014, el colaborador en el álbum de Johansson Break Up, Pete Yorn, declaró que ella estaba «muy embarazada».152​ El 4 de septiembre de 2014, el portavoz de la actriz, Marcel Pariseau confirmó que la actriz dio a luz a una niña llamada Rose Dorothy en Nueva York.153​Scarlett y Dauriac se casaron después del nacimiento de su hija.154​ El 26 de enero de 2017, la pareja anunció su separación.
Discografía[editar]
Álbumes[editar]
Anywhere I Lay My Head (2008)
Break Up (2009)
Filmografía[editar]
Como actriz[editar]

Johansson en la Comic-Con de 2013.
Año Película Personaje Director
1994 Un muchacho llamado Norte Laura Nelson Rob Reiner
1995 Just Cause Kate Armstrong Arne Glimcher
1996 If Lucy Fell Emily Eric Schaeffer
1996 Manny & Lo Amanda Lisa Krueger
1997 Fall Pequeña chica Eric Schaeffer
1997 Home Alone 3 Molly Pruitt Raja Gosnell
1998 The Horse Whisperer Grace MacLean Robert Redford
1999 My Brother the Pig Kathy Caldwell Erik Fleming
2001 The Man Who Wasn't There Rachael 'Birdy' Abundas Hermanos Coen
2001 Ghost World Rebecca Terry Zwigoff
2001 An American Rhapsody Zsuzsi/Suzanne Sandor (a los 15 años) Éva Gárdos
2002 Arac Attack Ashley Parker Ellory Elkayem
2003 Lost in Translation Charlotte Sofia Coppola
2003 Girl with a Pearl Earring Griette Peter Webber
2004 The Perfect Score Francesca Curtis Brian Robbins
2004 A Love Song for Bobby Long Pursy Will Shainee Gabel
2004 A Good Woman Meg Windermere Mike Barker
2004 The SpongeBob SquarePants Movie Mindy Stephen Hillenburg
2004 In Good Company Alex Foreman Paul Weitz
2005 Match Point Nola Rice Woody Allen
2005 La isla Jordan Dos Delta/Sarah Jordan Michael Bay
2006 Scoop Sondra Pransky Woody Allen
2006 The Black Dahlia Kay Lake Brian De Palma
2006 The Prestige Olivia Wenscombe Christopher Nolan
2007 The Nanny Diaries Annie Braddock Robert Pulcini
2008 The Other Boleyn Girl Mary Boleyn Justin Chadwick
2008 Gomorra Ella misma Matteo Garrone
2008 Vicky Cristina Barcelona Cristina Woody Allen
2008 The Spirit Silken Floss Frank Miller
2009 He's Just Not That Into You Anna Marks Ken Kwapis
2010 Iron Man 2 Natasha Romanoff / Viuda Negra Jon Favreau
2011 We Bought a Zoo Kelly Cameron Crowe
2012 The Avengers Natasha Romanoff / Viuda Negra Joss Whedon
2012 Hitchcock Janet Leigh Sacha Gervasi
2013 Her Samantha Spike Jonze
2013 Under the Skin Laura/Isserley Jonathan Glazer
2013 Don Jon Barbara Sugarman Joseph Gordon-Levitt
2014 Captain America: The Winter Soldier Natasha Romanoff / Viuda Negra Joe Russo y Anthony Russo
2014 Chef Molly Jon Favreau
2014 Lucy Lucy Luc Besson
2015 Avengers: Age of Ultron Natasha Romanoff / Viuda Negra Joss Whedon
2016 Hail, Caesar! DeeAnna Moran Hermanos Coen
2016 El libro de la selva Kaa Jon Favreau
2016 Captain America: Civil War Natasha Romanoff / Viuda Negra Joe Russo y Anthony Russo
2016 Sing Ash Garth Jennings
2017 Ghost in the Shell The Major Rupert Sanders
2017 Spider-Man: Homecoming Natasha Romanoff/ Viuda Negra (Cameo) Jon Watts
2017 Rough Night Jess Lucia Aniello
2017 Thor: Ragnarok Natasha Romnoff/ Viuda Negra (Cameo) Taika Waititi
2018 Avengers: Infinity War Natasha Romanoff / Viuda Negra Joe Russo y Anthony Russo
Como productora[editar]
Año Trabajo Notas
2010 The Whale Documental
Productora ejecutiva
Como directora[editar]
Año Trabajo Notas
2009 These Vagabond Shoes Cortometraje
Como escritora[editar]
Año Trabajo Notas
2009 These Vagabond Shoes Cortometraje
Otros trabajos[editar]
Infantiles[editar]
Año Videojuego Personaje
2004 The SpongeBob Squarepants Movie Mindy (voz)
Videos musicales[editar]
Año Título Director Artista(s)
2009
Relator Jim Wright155​ Pete Yorn y Scarlett Johansson
2008
Falling Down Bennet Miller156​ Scarlett Johansson
2007
What Goes Around... Comes Around Samuel Bayer157​ Justin Timberlake
2006
When the Deal Goes Down Bennet Miller157​ Bob Dylan
2004
Everything Chris Robinson158​ Fefe Dobson
2003
City Girl Sofia Coppola Kevin Shields
Girl with a Pearl Meiert Avis157​ Truman
2001
I'm All About You Andrew MacNaughton159​ Aaron Carter
Audiolibros[editar]
Año Título Autor
2009 The Snake Chief: A Story from Nelson Mandela's Favorite African Folktales160​ Nelson Mandela
2002 The Dive from Clausen's Pier161​ Ann Packer
Ha recibido 164 puntos

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Kim Basinger

3

Kim Basinger

Kimila Ann Basinger (Athens, Georgia, Estados Unidos, 8 de diciembre de 1953) más conocida como Kim Basinger, es una actriz, productora y modelo estadounidense. Varias veces galardonada por su desempeño actoral y por su carrera como modelo. Se convirtió en actriz de televisión a mediados de los... Ver mas
Kimila Ann Basinger (Athens, Georgia, Estados Unidos, 8 de diciembre de 1953) más conocida como Kim Basinger, es una actriz, productora y modelo estadounidense. Varias veces galardonada por su desempeño actoral y por su carrera como modelo.
Se convirtió en actriz de televisión a mediados de los años 1970 y en actriz de cine a comienzos de los años 1980, década durante la cual fue una de sus principales sex-symbol. Participó en más de treinta películas, entre las que se encuentran éxitos de taquilla como Nunca digas nunca jamás, Nueve semanas y media, Locos de amor y Batman. Su actuación en el filme L.A. Confidential la hizo acreedora de diversos galardones, entre ellos un Óscar, un Globo de Oro y un premio del Sindicato de Actores.
Kim se casó dos veces. La primera de ellas en 1980 con el maquillador Ron Snyder, del que se divorció nueve años después. Posteriormente, en 1993, con el también actor Alec Baldwin, padre de su hija Ireland Eliesse y de quien se separó en 2002

Biografía[editar]
A los 16 años fue elegida Miss Georgia y durante las eliminatorias nacionales en Nueva York le ofrecieron un contrato como modelo fotográfica. Con sólo 17 años comenzó una carrera plagada de éxitos como modelo de alta costura. Además de realizar dicho trabajo, asistió a clases de interpretación y de canto. En 1977 hizo su primera aparición en series de televisión, entre otras, en Los ángeles de Charlie. En 1978 obtuvo su primer papel principal en un telefilme.
Inició su carrera en el cine en 1981 con la película "Hard Country", dirigida por David Greene.
Sus primeros éxitos llegaron con películas como la no oficial de Bond, "Nunca digas nunca jamás" (1983) y, sobre todo, con "Nueve semanas y media" (1986), junto a Mickey Rourke. Entre sus trabajos siguientes, cabe citar "Loco de amor" (1985), "Cita a ciegas" (1987), "Batman" (1989), "Análisis final" (1992) y "La huida" (1994). Recibió el Óscar a la mejor actriz secundaria por su trabajo en "L.A. Confidential" en 1998.
En 1993, protagonizó el anuncio de Freixenet. Kim salía cantando "As time goes by" (Casablanca) y deseando felices fiestas a los españoles.1​
En 1993 también protagonizó el videoclip del tema Mary Jane's Last Dance (El último baile de Mary Jane) del grupo Tom Petty And The Heartbreakers.
Kim Basinger es vegana desde los 8 años, y activista por los derechos de los animales. Una de sus frases más conocidas al respecto es: "Si pudieras sentir o ver el sufrimiento, no lo pensarías dos veces. Devuelve la vida. No comas carne". 2​ 3​
Posee una estrella en el paseo de la fama de Hollywood.
Premios[editar]
Premios Óscar
Año Categoría Película Resultado
1997 Mejor actriz de reparto L. A. Confidential Ganadora
Premios Globo de Oro
Año Categoría Película Resultado
1998 Mejor actriz de reparto L. A. Confidential Ganadora
1985 Mejor actriz de reparto El mejor Nominada
Premios BAFTA
Año Categoría Película Resultado
1998 Mejor actriz L. A. Confidential Nominada
Premios del Sindicato de Actores
Año Categoría Película Resultado
1997 Mejor reparto L. A. Confidential Nominado
1997 Mejor actriz de reparto L. A. Confidential Ganadora
Filmografía[editar]
Año Película Papel Notas
1981 Hard Country Jodie
1981 Killjoy Laury Medford
1982 Mother Lode Andrea Spalding
1983 Nunca digas nunca jamás Domino Petachi
Mis problemas con las mujeres Louise Carr Adaptación de la película francesa L'homme_qui_aimait_les_femmes de 1977
1984 The Natural Memo Paris El mejor
1985 Fool for Love May
1986 Nueve semanas y media Elizabeth
No Mercy Michel Duval
1987 Cita a ciegas Nadia Gates
Nadine Nadine Hightower
1988 Mi novia es una extraterrestre Celeste Martin
1989 Batman Vicki Vale
1991 The Marrying Man Vicki Anderson Ella siempre dice sí
1992 Final Analysis Heather Adams Análisis final
Cool World Holli Would
The Real McCoy Karen McCoy
1993 El mundo de Wayne 2 Honey Horneé
Mary Jane's Last Dance
1994 A Century of Cinema Ella misma Documental
The Getaway Carol McCoy
Prêt-à-Porter Kitty Potter
1997 L.A. Confidencial Lynn Bracken
2000 Soñé con África (I Dreamed of Africa) Kuki Gallmann
Bless the Child Maggie O'Connor
2002 8 Mile Stephanie Smith
People I Know Victoria Gray
2004 The Door in the Floor Marion Cole
Elvis Has Left the Building Harmony Jones
Cellular Jessica Martin
2006 La sombra de la sospecha 1st Lady Sarah Ballentine
Even Money Carolyn Carver
2008 The Burning Plain Gina
While She Was Out Della
The Informers Laura
2010 Charlie St. Cloud Louise St. Cloud
2012 Black November Kristy
2013 Third Person Elaine
Grudge Match Sally Rose
2014 4 Minute Mile Claire Jacobs
The 11th Hour Maria
2016 The Nice Guys En rodaje
2017 Fifty Shades Darker Elena Lincoln/Sra. Robinson
Ha recibido 162 puntos

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Sharon Stone

4

Sharon Stone

Biografía[editar] Inicios[editar] Sharon nació del matrimonio conformado por Joseph William Stone II (1930-2009) y Dorothy Stone (aún viva); fue la segunda de cuatro hermanos. Sus primeros pasos profesionales los dio en el mundo de la publicidad, posando como modelo tanto en Estados Unidos... Ver mas
Biografía[editar]
Inicios[editar]
Sharon nació del matrimonio conformado por Joseph William Stone II (1930-2009) y Dorothy Stone (aún viva); fue la segunda de cuatro hermanos. Sus primeros pasos profesionales los dio en el mundo de la publicidad, posando como modelo tanto en Estados Unidos como en Europa.
Su debut en el cine fue con un pequeño papel en la película Stardust Memories (Recuerdos) de Woody Allen en 1980 y al año siguiente participó brevemente en un filme de Claude Lelouch, Les Uns et les Autres (Los unos y los otros), protagonizado por James Caan. Durante gran parte de la década de 1980 actuó en producciones para televisión y en películas modestas, como dos adaptaciones de relatos sobre Allan Quatermain (personaje protagonista de Las minas del rey Salomón) en 1985 y 1987 (ambas protagonizadas por Richard Chamberlain) y la cuarta entrega de la saga Loca academia de policía. En 1988 tuvo un papel como esposa de Steven Seagal en Above the Law.
En 1989 el director Javier Elorrieta contó con ella para la película Sangre y arena, basada en la novela homónima del escritor Vicente Blasco Ibáñez; aquí la actriz norteamericana participó junto a los actores españoles José Luis Gómez y Ana Torrent. Esta película supuso la primera incursión de Sharon Stone en el cine español.
Ascenso meteórico[editar]
Su aparición en la película de ciencia ficción Total Recall (Desafío total o El Vengador del Futuro) en 1990, protagonizada por Arnold Schwarzenegger, lanzó su carrera en el panorama cinematográfico estadounidense ya que supo adaptarse a todo tipo de géneros y registros interpretativos. Coincidiendo con este filme, a los 32 años posó desnuda en la revista Playboy: apareció en la portada del número de julio de 1990.2​

Sharon Stone en Francia, 1991.
Instinto básico[editar]
La trayectoria de Sharon Stone se caracteriza por sus reiteradas interpretaciones de personajes seductores, destacando su papel en 1992 en la película Basic Instinct (Instinto Básico en España, Bajos Instintos en Hispanoamérica), del director Paul Verhoeven. Su personaje, lleno de sexualidad y matices la convirtió en una de las mujeres más deseadas de Hollywood, y la catapultó a la fama a nivel internacional. Su personaje, Catherine Tramell, encarna a una misteriosa mujer que despierta tanto el interés como la sospecha de un policía (interpretado por Michael Douglas) que investiga un caso de asesinato. Gracias a este papel, la actriz consiguió una nominación como mejor actriz a los Globos de Oro. La famosa escena del cruce de piernas durante el interrogatorio en la comisaría forma parte de la historia del cine, y desde entonces, Sharon Stone ha sido considerada un mito erótico.
Etapa de éxito[editar]
Tras el éxito de Instinto básico, Sharon protagonizó otras películas comerciales con tintes sexuales como Acosada (Sliver) con William Baldwin y El especialista con Sylvester Stallone; esta segunda cinta causó polémica por las escenas sexuales con Stallone. La prensa incluso llegó a especular con un posible romance entre sus protagonistas, cosa que Sharon negó. En el apogeo de su tirón comercial, Stone protagonizó: Intersection con Richard Gere; el western Rápida y mortal con Sam Raimi como director y Gene Hackman y Leonardo DiCaprio como protagonistas; y Diabolique, la adaptación del clásico francés Las diabólicas, donde compartió protagonismo con Isabelle Adjani.
En 1996 recibió una nominación al premio Óscar de la academia de Hollywood como mejor actriz por el papel de Ginger en la película Casino, dirigida por Martin Scorsese y por la que fue galardonada con el Globo de Oro a la mejor actriz. En la película compartió cartel con Robert De Niro. Además, la actriz también ha estado nominada al Globo de Oro como mejor actriz protagonista y de reparto por las películas La musa y El poderoso.
Ya a finales de los años 1990, la actriz protagonizó las películas Esfera de Barry Levinson, junto a Dustin Hoffman, Samuel L. Jackson y Peter Coyote, y Gloria de Sidney Lumet, remake del clásico de John Cassavetes.
Segundo plano[editar]

Stone en 2007.
En 2006 Sharon Stone protagonizó una secuela de Instinto básico, Basic Instinct 2, que recibió malas críticas y fracasó a nivel de taquilla, lo que supuso un tropiezo importante en la carrera de la actriz.
Por suerte, se ha mantenido en la industria del cine con papeles secundarios en películas como Alpha Dog de Nick Cassavetes (donde se codea con Bruce Willis, Justin Timberlake y otras figuras), Catwoman (donde encarna a la rival de Halle Berry), Bobby (basada en el asesinato de Robert Kennedy), y Flores rotas (Broken Flowers, con Bill Murray). Además ha participado en numerosas campañas publicitarias de cosmética y es considerada una gran filántropa.
Casada tres veces, en 2003 por desavenencias conyugales interpuso un pleito por divorcio a su tercer marido Phil Bronstein, editor del San Francisco Chronicle. A pesar de su fama y prestigio, Sharon Stone mantiene con bastante discreción (dentro de lo que cabe) su vida personal. Últimamente han sido públicas las fiestas y las galas solidarias que organiza en Hollywood con compañeros suyos como George Clooney y también ha seguido participando en anuncios publicitarios.
En los últimos años Stone ha participado en varios filmes con figuras de renombre, pero no son grandes producciones destinadas al mercado global. En 2008 rodó junto a Christopher Walken la comedia Five Dollars a Day, y en 2009 participó en el filme de acción Streets of Blood, protagonizado por Val Kilmer. Más recientemente, se anunció que la actriz formaría parte del reparto de Satisfaction, una película sobre gigolós, junto a Chris Evans, aunque todavía no se ha confirmado fecha de rodaje.
Durante 2010 participó estrella invitada en 4 episodios de la serie Ley y orden, encarnando a una ex policía. En 2012 estrenó una comedia sobre mitología griega en el Nueva York actual, Gods Behaving Badly, donde interpreta a la diosa Afrodita y repite colaboración con Christopher Walken, en un reparto que incluye además a Alicia Silverstone y Oliver Platt.
También en 2012 participó junto a Woody Allen y Sofía Vergara en la comedia Fading Gigolo, dirigida por John Turturro, y en septiembre del mismo año rodó varias escenas en Tosa de Mar para la película What About Love, junto a Andy García y Miguel Ángel Muñoz. En 2013 hizo un papel en el filme Lovelace sobre la actriz porno Linda Lovelace, protagonizado por Amanda Seyfried y James Franco.
Polémicas[editar]

Sharon Stone en los Premios Óscar de 2010 celebrados el 27 de febrero de 2011.
En mayo de 2008, China prohíbe las películas de la actriz por sus comentarios sobre Tíbet.3​ La actriz había comentado
El terremoto que ha devastado la provincia de Sichuan y que ha matado al menos a 68.000 chinos fue una catástrofe que les sobrevino por el mal karma que había generado su actitud hacia el pueblo tibetano.
Derrame cerebral y experiencia cercana a la muerte[editar]
En cuanto a su vida personal, la actriz sufrió una crisis de salud en octubre de 2001, cuando tras intensos dolores de cabeza tuvo que ser internada en un hospital de San Francisco. Fue llevada de urgencia al hospital por su marido Phil Bronstein. En el recinto se le diagnosticó una leve hemorragia cerebral provocada por un pequeño aneurisma, y debió permanecer atendida durante una semana. “Creemos que es posible que fuera una lesión de un accidente de equitación, agravada por los ajustes quiroprácticos” declaró Stone a la prensa. Afortunadamente, se recuperó del derrame sin sufrir secuelas permanentes, tras ser intervenida en el hospital. Desde hace algunos años padece de diabetes. Stone dice que casi murió después de la hemorragia interna. Stone reveló que incluso tuvo una experiencia cercana a la muerte (ECM) durante la enfermedad. Experiencia de contenido muy impactante que le cambió la vida. Según el semanario Paris-Match, vislumbró la clásica “luz blanca” que delimita la frontera con el otro lado, pudo ver a su padre ya fallecido y escuchar las voces de sus dos hijos, perdidos en el embarazo, animándola para que “regresara”. La experiencia contribuiría a un “despertar de conciencia” en la actriz, orientándola en el autoconocimiento y la ayuda al prójimo.
Casi dos años después, y como resultado de esa búsqueda espiritual, su esposo Phil Bronstein, director del San Francisco Chronicle solicitó la separación por “incompatibilidad de caracteres”.4​
Cuatro años más tarde perdió la custodia de su hijo adoptivo y en 2010, cuando interpretó un papel secundario en la serie de televisión Ley y orden: unidad de víctimas especiales tocó fondo según sus propias palabras. Sin embargo, aquel suceso la hizo más fuerte y en 2015 consiguió levantar su carrera volviendo a hacer un papel principal en la serie Agent X.5​
Filmografía[editar]
Año Título Papel Notas
2018 Sunny
2017 A Little Something for Your Birthday Senna Berges Junto a Famke Janssen, Tony Goldwyn y Ellen Burstyn
2016 Darknet Eva
Running Wild Meredith Parish Filmando
Mothers Day Nina Filmando
What About Love Linda Tarlton
2015 Savva: Heart of the Warrior Puffy Voz
Life on the Line Madre
Agent X Natalie Maccabee Programa de TV
2014 A Golden Boy Ludovica Stern Junto a Riccardo Scamarcio
Love in Vegas Angela Blake Comedia ucraniana/rusa
2013 Fading Gigolo Doctora Parker Junto a Woody Allen y Sofia Vergara
Lovelace Dorothy Boreman Junto a Amanda Seyfried y James Franco
What About Love?
Border Run
Gods Behaving Badly Afrodita Junto a Alicia Silverstone y Christopher Walken
2011 Largo Winch II: Conspiración en Birmania Diane Francken Junto a Tomer Sisley
2009 Streets of Blood
2008 Five Dollars a Day
If I Had Know I Was a Genius
The Year of Getting to Know Us
When a Man Falls in the Forest
2006 Alpha Dog
Bobby
Instinto Básico 2
2005 Broken Flowers
2004 Catwoman Laurel Hedare Junto a Halle Berry
2003 A Different Loyalty Sally Cauffield
La casa (Cold Creek Manor) Leah Tilson
2000 Beautiful Joe Hush
Picking Up the Pieces
If These Walls Could Talk 2
1999 Happily Ever After: Fairy Tales for Every Child Henny Penny Voz
The Muse Sarah Little Junto a Albert Brooks
Simpático Rosie Carter Junto a Nick Nolte y Jeff Bridges
Gloria Gloria Junto a Jeremy Northam
1998 Hormigaz Princesa Bala Voz
Un mundo a su medida Gwen Dillon Junto a Gena Rowlands
Sphere Doctora Elizabeth 'Beth' Halperin Junto a Dustin Hoffman y Samuel L. Jackson
1996 Last Dance Cindy Liggett Junto a Rob Morrow
Diabolique Nicole Horner Junto a Isabelle Adjani, Chazz Palminteri y Kathy Bates
1995 Casino Ginger McKenna-Rothstein Junto a Robert De Niro y Joe Pesci
The Quick and the Dead La Dama Ellen Junto a Gene Hackman , Russell Crowe y Leonardo DiCaprio
1994 Intersection Sally Eastman Junto a Richard Gere
El especialista May Munro/Adrian Hastings Junto a Sylvester Stallone
1993 Last Action Hero Catherine Tramell Cameo
Sliver Carly Norris Junto a William Baldwin y Tom Berenger
1992 Instinto Básico Catherine Tramell Junto a Michael Douglas y Jeanne Tripplehorn
1991 Where Sleeping Dogs Lie Junto a Dylan McDermott y Tom Sizemore
Diary of a Hitman Kiki Cameo
Year of the Gun Alison King Junto a Andrew McCarthy
Scissors Angie Anderson Junto a Ronny Cox y Steve Railsback
Diary of a Hitman
He Said, She Said Linda Metzger Junto a Kevin Bacon y Elizabeth Perkins
1990 Total Recall Lori Quaid Junto a Arnold Schwarzenegger
1989 Beyond the Stars Laurie McCall Junto a Christian Slater y Martin Sheen
Sangre y arena Doña Sol Junto a Ana Torrent
1988-1989 War and Remembrance Janice Henry Miniserie
1988 Badlands 2005 Alex Neil Piloto de TV
Above the Law Sara Toscani Junto a Steven Seagal
Action Jackson Patrice Dellaplane Junto a Carl Weathers
Tears in the Rain Casey Cantrell Película para TV
1987 Cold Steel Kathy Connors Junto a Brad Davis
Police Academy 4: Citizens on Patrol Claire Mattson Junto a Steve Guttenberg y Bubba Smith
Allan Quatermain and the Lost City of Gold Jesse Huston Junto a Richard Chamberlain
1986 Sr. y Sra. Ryan Ashley Hamilton Ryan Piloto de TV
1985 King Solomon's Mines Jesse Huston Junto a Richard Chamberlain
T. J. Hooker Dani Starr Programa de TV
1984 Irreconcilable Differences Blake Chandler Junto a Shelley Long, Ryan O'Neal y Drew Barrymore
The Vegas Strip War Sarah Shipman Película de TV
Calendar Girl Murders Cassie Bascomb Película de TV
Magnum, P.I. Diane Dupree y Diedra Dupree programa de TV
The New Mike Hammer Julie Eland Programa de TV
1983 Remington Steele Jillian Montague Programa de TV
Bay City Blues Cathy St. Marie Programa de TV
1982 Silver Spoons Debbie Programa de TV
Not Just Another Affair Lynette Película para TV
1981 Bendición mortal Lana Marcus Dirigida por Wes Craven
Les Uns et les Autres Chica en la cama con Glenn No acreditada
1980 Recuerdos Chica guapa en el tren Dirigida por Woody Allen
Premios[editar]
Óscar
Año Categoría Película Resultado
1995 Mejor actriz Casino Candidata
Globos de Oro
Año Categoría Película Resultado
2000 Mejor actriz - Comedia o musical The Muse Candidata
1999 Mejor actriz de reparto The Mighty Candidata
1996 Mejor actriz - Drama Casino Ganadora
1993 Basic Instinct Candidata
Premios Emmy
Año Categoría Película Resultado
2004 Mejor actriz invitada en una serie dramática The Practice Ganadora
Premios del Sindicato de Actores
Año Categoría Película Resultado
2007 Mejor reparto Bobby Candidata
Ha recibido 161 puntos

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Marilyn Monroe

5

Marilyn Monroe

El 5 de agosto de 1962, la actriz estadounidense Marilyn Monroe, el gran mito erótico de los años cincuenta, fue hallada muerta en su casa de Hollywood. Aunque el forense dictaminó que la actriz se había suicidado con una sobredosis de somníferos, las causas de su muerte permanecen aún confusas... Ver mas
El 5 de agosto de 1962, la actriz estadounidense Marilyn Monroe, el gran mito erótico de los años cincuenta, fue hallada muerta en su casa de Hollywood. Aunque el forense dictaminó que la actriz se había suicidado con una sobredosis de somníferos, las causas de su muerte permanecen aún confusas; se apreciaron algunas contradicciones en el informe médico de su trágico fin.


Marilyn Monroe en una imagen de 1953

Las dificultades profesionales y su agitada vida sentimental parecieron estar en el origen de su muerte. En cualquier caso, la jovialidad y el vivir desenfrenado y despreocupado que muchas veces había representado en el cine y fuera de él se corresponden poco con el verdadero perfil de su vida, marcada por las contradicciones y los complejos de una niñez y una juventud desgraciadas, seguidas después de un éxito arrollador al que no supo hacer frente, ni siquiera cuando creyó encontrar, junto a personalidades como Arthur Miller, la estabilidad y la seguridad que persiguió durante toda su vida.

Marilyn Monroe, de verdadero nombre Norma Jean Baker (o Norma Jean Mortenson, apellido de su padrastro), nació el 1 de junio de 1926 en Los Ángeles, en el estado norteamericano de California. Hija de Gladys Baker, quien nunca le comunicó la identidad de su padre, su primera infancia fue muy dura. Su madre la dejó en manos de un matrimonio amigo hasta que cumplió siete años; entonces se la llevó a vivir consigo.

Pero un año más tarde Gladys fue internada en un sanatorio psiquiátrico en el que se le diagnosticó una esquizofrenia paranoide, enfermedad que luego Marilyn creería haber heredado, especialmente cuando era internada por sus frecuentes depresiones. Su infancia y adolescencia transcurrieron entre un orfanato (en el que ingresó a la edad de nueve años y trabajó como ayudante de cocina), la casa de sus abuelos y las de varias familias que la adoptaron. En una de estas casas de acogida sufrió al parecer abusos sexuales por parte del cabeza de familia cuando contaba ocho años.

Nada hacía pensar que Norma Jean tuviera una futura carrera como actriz, ni tan siquiera el hecho de que su madre, una mujer extraordinariamente atractiva, hubiera trabajado durante un tiempo como montadora de negativo en Consolidated Film Industries. Marcada por la inestabilidad emocional y la pobreza, a los dieciséis años, tras abandonar sus estudios, se empleó en una planta de construcción de aviones. En la misma fábrica conoció a un mecánico de 21 años, James Dougherty, con quien contrajo matrimonio el 19 de junio de 1942 y de quien se divorciaría cuatro años después.

De modelo a actriz

Ese mismo año de 1946 un fotógrafo de modas la descubrió y la convenció de que se hiciera modelo. Así, la aún llamada Norma Jean comenzó su carrera como modelo bajo la tutela de la agente Emmeline Snively, que le sugirió cambiar el color de su cabello, que era castaño de nacimiento, por el característico rubio platino. Durante esta época, Norma Jean realizó un sinfín de campañas publicitarias, siendo muy recordadas las que hizo para anunciar trajes de baño. Paralelamente, su carácter inquieto y deseoso siempre de adquirir nuevos conocimientos la llevó a tomar clases de arte dramático en el Actor's Lab de Hollywood y a asistir a cursos de literatura en la Universidad de Los Ángeles (UCLA).



El rostro de la modelo comenzaba a ser muy conocido. Sus innumerables trabajos publicitarios hicieron que en 1947 el magnate Howard Hughes, propietario de la compañía cinematográfica R.K.O., le ofreciera hacer unas pruebas de pantalla con el objeto de saber si podía dar juego ante una cámara cinematográfica; pero Norma Jean prefirió aceptar una oferta de la 20th Century Fox para trabajar unos meses como actriz de reparto. Intervino en tres películas olvidables en los que no fue debidamente acreditada, y ya entonces se verificó el cambio de nombre: Norma Jean pasó a llamarse Marilyn Monroe. Uno de sus primeros papeles era de figurante entre una multitud; se trataba de la película de Frederick Hugh Herbert Scudda Hoo! Scudda Hay!, con June Harver. En un momento del film, Marilyn se separaba del grupo para saludar a la actriz principal. Esta escena, sin embargo, se cortó luego en el montaje, y Marilyn recordaba algunos años después: "Una parte de mi espalda es visible en un plano, pero nadie lo supo aparte de mí y algunos amigos íntimos."

Un año después la Fox rehusó renovarle el contrato, por lo que aceptó uno nuevo de parecidas características en Columbia. Para esta compañía actuó en la comedia musical Ladies of the chorus (1948), de Phil Karlson. Marilyn era una modesta bailarina de striptease llamada Peggy Martin y cantaba dos canciones. Para preparar este papel recibió lecciones del director musical de la Columbia, Fred Karger, con quien se cree que mantuvo relaciones íntimas. Al año siguiente participó en el que sería el penúltimo filme de los hermanos Marx más o menos al completo (Groucho, Harpo y Chico), Amor en conserva (Love Happy), de David Miller. En la película, Marilyn contoneó sus caderas con tanta donosura que Groucho Marx, que interpretaba al detective Sam Grunion, manifestó por ella con su proverbial histrionismo un bullicioso deseo.


Con Groucho Marx en Amor en conserva (1949)

A continuación consiguió, ya para la productora Metro Goldwyn Mayer, un papel breve pero de suma importancia para su futuro como actriz: en el excelente thriller de John Huston La jungla de asfalto (The Asphalt Jungle, 1950), interpretaba con bastante soltura a Ángela, la amante de un gángster al que acaba por traicionar. El siempre atento Joseph L. Mankiewicz, que había iniciado su carrera como realizador cuatro años antes, reparó en la joven Marilyn y le ofreció otro pequeño pero suculento papel en su melodrama Eva al desnudo (All About Eve, 1950). En esta película interpretaba a una superficial aspirante a actriz en lo que podríamos calificar como uno de los primeros papeles que respondían al estereotipo que más tarde se crearía de ella.

Poco antes, en 1949, Marilyn, que durante un tiempo compaginó las profesiones de actriz y modelo, dio su primer golpe en aras de la celebridad al posar para una sesión fotográfica cuyo resultado es aún hoy una de las más genuinas imágenes de una pin-up girl. Se trata de las imágenes que muestran en tomas cenitales a Marilyn desnuda sobre un cubrecamas de color rojo. Algunas de las fotos aparecerían ese mismo año en un calendario, y algo después, en 1953, una de ellas sería la portada del primer número de la famosa revista erótica Playboy. Esto, sin duda, fue un verdadero acontecimiento mediático, quizá de los primeros que pueden ser comparados a los que se dan hoy día.

Mientras tanto, la actriz no abandonaba su carrera en el cine. Tras realizar algunos papeles secundarios no demasiado destacables, en 1952 apareció en algunos títulos de cierta importancia, bien por sus directores, bien por el trabajo que desempeñó en ellos: Encuentros en la noche (Clash by night), de Fritz Lang; No estamos casados (We're not married), de Edmund Goulding; el episodio que Henry Koster realizó para el film colectivo Cuatro páginas de una vida (O´Henry's Full House); y la película de intriga Niebla en el alma (Don´t bother to knock), de Roy Ward Baker, en el que encarnó de manera muy convincente al personaje de Nell Forbes.


En Niebla en el alma (1952)

Marilyn estuvo verdaderamente espléndida en su papel de Nell, una niñera perturbada que había intentado suicidarse en el pasado y que, desesperada y medio loca tras haber perdido a su gran amor, se disfraza ahora con las joyas de su señora para seducir a un atractivo piloto. La niña a la que debe cuidar aquella noche, Benny, frustra sus planes, por lo que la alucinada muchacha la amenaza primero con destriparla con tanta facilidad como a una muñeca, y luego la amordaza y la ata a la cama. En esta sádica y desquiciada relación con la pequeña, Marilyn dio muestras de una convincente crueldad que, al tiempo que desvelaba sus excelentes dotes dramáticas, tal vez le trajo a la memoria los horrores sufridos durante su propia infancia. Fue sin duda uno de los mejores papeles de su carrera.

Estrella de la comedia

Pero el filme realmente importante de ese año fue la comedia de enredo Me siento rejuvenecer (Monkey Business), de Howard Hawks, el director que junto a John Huston y Billy Wilder tal vez supo extraer lo mejor de Marilyn Monroe. En esta comedia, verdadero clásico del género escrita por Ben Hecht, Charles Lederer y I.A.L. Diamond, hacía el papel de una secretaria rubia y tonta junto a dos verdaderos monstruos del género, Cary Grant y Ginger Rogers. La maestría de la puesta en escena y la espléndida carpintería dramático-cómica de la película era lo que estaba necesitando la carrera de Marilyn, que por fin podía demostrar su valía más allá de lo estúpido que pudiera ser el personaje que interpretara. Además, y como se vería más adelante, fue en la comedia más o menos pura donde la actriz dio lo mejor de sí misma.

En 1953 se rodaron las tres primeras películas en que su contribución era importante. En primer lugar, Niágara, un filme de suspense a lo Hitchcock que dirigió el siempre eficiente Henry Hathaway, pero que no era el tipo de producción idónea para la actriz. Mucho más relevante, ya que tal vez es el título que marca el inicio de Marilyn Monroe como estrella y como mito sexual, es Los caballeros las prefieren rubias (Gentlemen prefer blondes), una nueva comedia, esta vez musical, de Howard Hawks.

Los caballeros las prefieren rubias, basada en una ingeniosa novela de Anita Loos, contaba la historia del enfrentamiento de dos coristas, una morena, la turgente Jane Russell, y otra rubia, Marilyn, que tratan de cazar a uno de los solterones más deseados y ricos de América. En esta película, plagada de excelentes gags y de provocativos números musicales, Marilyn demostró que era, además de una buena actriz de comedia, una notable cantante y bailarina, con un estilo personal y muy sugestivo. De hecho, el buscado personaje masculino, que interpretó Charles Coburn, optaba finalmente por quedarse con Lorelei Lee, la rubia.


Marilyn en Los caballeros las prefieren rubias
y Cómo casarse con un millonario (1953)



El tercer trabajo que hizo ese año fue un filme argumentalmente bastante parecido, Cómo casarse con un millonario (How to marry a millionaire), de Jean Negulesco, en el que Marilyn y otras dos actrices, esta vez Betty Grable y Lauren Bacall, se proponían conquistar a un millonario a toda costa. No tan exuberante ni rotunda como la anterior, era una película que explotaba en clave de comedia la disparidad de físicos y caracteres de las tres intérpretes femeninas y, por tanto, resultaba un trabajo muy a la medida de las aptitudes de Marilyn Monroe. Como consecuencia de estos sensacionales trabajos, en 1954 le sería otorgado el prestigioso Globo de Oro a la mejor actriz.

Convertida en menos de un año en una de las estrellas más rutilantes del firmamento cinematográfico hollywoodiense, el 14 de enero de 1954 contrajo matrimonio con el mítico jugador de béisbol Joe DiMaggio, uno de los primeros deportistas estadounidenses cuya popularidad era comparable a la de una estrella del cine. La boda fue uno de los acontecimientos sociales más sonados de ese año, pero sólo unos meses después, el 27 de octubre, DiMaggio y Marilyn se divorciaron. A pesar de ello, y según el testimonio de amigos de la actriz, Joe DiMaggio fue, de los tres maridos que tuvo, el único al que quiso realmente.


Joe DiMaggio

Cinematográficamente hablando, 1954 no fue un gran año si se compara con el precedente o con los siguientes. Participó en dos títulos; el primero fue un peculiar cruce entre el melodrama y el western que dirigió Otto Preminger, Río sin retorno (River of no return), un buen filme coprotagonizado con Robert Mitchum en el que Marilyn no brilló especialmente. El segundo, la comedia musical Luces de candilejas (There's no business like show business), realizada por Walter Lang, resultó de un nivel muy inferior a las que había protagonizado el año anterior.

En la cumbre

Pese a los éxitos profesionales que había obtenido en poco tiempo, su vida personal no era nada satisfactoria. Además del reciente fracaso sentimental con DiMaggio, no cesaba de luchar para demostrar que era algo más que una cara y una figura bonitas. Cuanto más se convertía en una sex-symbol, más intentaba no sucumbir a la conformista imagen que proyectaba. El acoso al que era sometida por parte de los directivos de las productoras era constante. Si en sus filmes ella atraía al hombre con su cuerpo y su inocente encanto, en la vida se jactaba de no haber aceptado nunca acostarse con los productores y jefes de los estudios, algo que a buen seguro le habría facilitado las cosas para conseguir mejores papeles, sobre todo en los inicios de su carrera.



Por otra parte, su arraigado complejo de nulidad intelectual, seguramente causado por haber abandonado pronto los estudios, la llevó a nuevas actividades. En 1955, por ejemplo, acudió al prestigioso Actors Studio neoyorquino para tomar clases con Lee Strasberg. Inducida por Strasberg, estudió el psicoanálisis con la finalidad de conocerse más a sí misma y hacer aflorar su potencial interpretativo. Strasberg, un hombre generoso, la trató como un padre y le ofreció intervenir en sesiones teatrales del centro, protagonizando obras como Un tranvía llamado deseo, de Tennessee Williams, y Anna Christie, de Eugene O'Neill. Estos detalles fueron objeto de burlas por parte de ciertos ambientes de Hollywood que se obstinaban en verla como una actriz cuyo único atributo valioso era el de despertar una irrefrenable atracción en los hombres.

Las dos películas en las que intervino a continuación, aunque excelentes, presentaban al personaje que debía interpretar como alguien con más de un paralelismo con esa otra Marilyn de la vida real. Tanto en La tentación vive arriba (The seven year itch, 1955), de Billy Wilder, como en Bus Stop (1956), de Joshua Logan, Marilyn ofreció dos actuaciones intachables. Pero el gran público, en lugar de cambiar la idea que tenía de la actriz fijándose en su capacidad interpretativa, todavía la encasillaba más, debido a que eran papeles similares a la imagen que desde los estudios se había dado de ella.


Marilyn Monroe en La tentación vive arriba (1955)
y en Bus Stop (1956)



La presión habitual a la que se sometía a una gran estrella, el menosprecio que sentía que le profesaban algunos profesionales de la industria y el descontento consigo misma no tardaron en hacer mella en Marilyn. Su comportamiento en los rodajes era cada día más problemático, con frecuentes impuntualidades, excusas para intempestivas ausencias y malas relaciones con actores y técnicos. Por esta época comenzó a tomarse períodos de descanso en clínicas debido a las depresiones en que cada vez con mayor frecuencia se veía sumida.

Con todo, seguía estando en el ojo del huracán, siendo el objeto preferido de la prensa; pero también ello resultaba frustrante. Aceptaba conceder una entrevista a la espera de que algún periodista se interesara por sus inquietudes intelectuales, por lo que leía o por el tipo de películas que le gustaría interpretar, pero lo único que encontraba sistemáticamente eran burdas cuestiones de tocador. Algunas de sus respuestas de entonces se convirtieron en célebres, como cuando aseguró que no usaba ropa interior o que para dormir sólo se ponía Chanel nº 5. Así es que, inconscientemente o no, la propia Marilyn terminaba contribuyendo a consolidar la percepción que de ella tenía la gente.

Nuevos rumbos

1956 fue un año crucial en su vida, ya que el 29 de junio se casó con el dramaturgo Arthur Miller, para lo que debió convertirse previamente al judaísmo. Este enlace fue más sorprendente si cabe para el público y la prensa que el de DiMaggio. Miller, escritor y dramaturgo serio, proveniente de la élite intelectual judía, de posiciones ideológicas abiertamente izquierdistas, se casaba con una mujer que supuestamente era la antítesis: superficial, frívola, sin ideas propias y que aparecía habitualmente en las portadas de la prensa amarilla. Y quienes le auguraron lo peor, acertaron, ya que este tercer y último matrimonio fue un nuevo fracaso personal. La desenfadada e ingenua Marilyn Monroe no congenió con el exclusivo círculo de intelectuales neoyorquinos en que se desenvolvía Miller, y a pesar de que no se divorciaron hasta enero de 1961, pronto se distanciaron de forma irremediable.


Arthur Miller y Marilyn Monroe

Entretanto, Marilyn había puesto en marcha un nuevo proyecto que causaba el recelo de los jefes de los estudios: su propia productora. Cansada del maltrato y el desprecio, en 1957 viajó a Gran Bretaña para protagonizar y producir El príncipe y la corista (The Prince and the Showgirl), nueva variación algo más dramática del tema de Los caballeros las prefieren rubias y Cómo casarse con un millonario. Como director y partenaire suyo Marilyn eligió al shakesperiano y muy británico Laurence Olivier. El rodaje fue, como venía siendo habitual, algo turbulento, con enfrentamientos con Olivier, retrasos, pastillas y alcohol. Curiosamente la crítica especializada, que ya había destacado su buen hacer como actriz dramática en Bus Stop, fue unánime al señalar que la espontaneidad y el encanto de Marilyn habían eclipsado a Olivier, aunque fue inmisericorde con la película.

De regreso a Estados Unidos, volvieron a surgir los problemas, las inseguridades y los temores de Marilyn: un matrimonio que ya no funcionaba; unos estudios cada vez más refractarios a contratarla, por extraño que esto pudiera parecer dada su inmensa popularidad; nuevas depresiones; nuevas estancias en sanatorios o clínicas de descanso, y dos nuevos factores, o cuando menos más acentuados: el consumo de alcohol y de píldoras, en especial barbitúricos.


En El príncipe y la corista (1957)

En su siguiente película, Con faldas y a lo loco (Some like it hot, 1959), genial y mordaz comedia sobre el amor y el transexualismo en que volvió a dirigirla Billy Wilder, el rodaje se convirtió en un verdadero suplicio. En sus memorias, Wilder lo recordaría como la experiencia más traumática de su carrera debido al imprevisible comportamiento de la actriz, que nunca llegaba a la hora o que, simplemente, tenía que repetir hasta 65 veces un plano en el que tan sólo tenía una frase. No obstante, y gracias en cierto modo a la buena química que había con los otros dos actores principales, Tony Curtis y Jack Lemmon, el resultado final fue satisfactorio; el trabajo de Marilyn sería premiado en 1960 con un nuevo Globo de Oro, esta vez en la categoría de mejor actriz de comedia o musical.

En 1960 coprotagonizó junto al actor francés Yves Montand el film de George Cukor El multimillonario (Let´s make love). Aunque con un planteamiento habitual en la filmografía de Monroe (chica humilde pero con ansias de superación que encuentra el amor en un hombre rico), Cukor imprimió al argumento un mayor acento dramático. Era una producción suntuosa, correctamente realizada, y con un buen trabajo de la pareja protagonista, pero aun así había algo en el conjunto que no terminó de funcionar. Durante el rodaje, Monroe y Montand tuvieron un romance que no pasó a mayores. Marilyn se enamoró del actor, pero para Montand no era más que una aventura. Una vez más, la mujer más deseada del mundo no encontraba o tenía dificultades para conservar un amor.

Un triste final

Su última aparición cinematográfica, si descontamos la incompleta y no estrenada película de Cukor Something´s got to give, fue para muchos críticos y aficionados el mejor trabajo de cuantos realizó Marilyn Monroe. Dirigido por John Huston y con guión del aún marido de Marilyn, Arthur Miller, Vidas rebeldes (The Misfits, 1961) era un filme elegíaco, tocado con la rara cualidad de lo irrepetible, que unía en la pantalla a tres grandes actores, Clark Gable, Montgomery Clift y Marilyn Monroe, tres estrellas que además estaban atravesando por distintos motivos unos momentos personales especialmente delicados. Una historia de perdedores, tan del gusto de Huston, que en un último crepúsculo encontrarán al menos un lugar donde poder descansar y compartir sus experiencias con alguien. Intensa y emotiva, quizá este papel fue el mejor regalo que pudo hacer a Marilyn Arthur Miller, de quien se divorciaría poco después, el día 21 de enero de 1961, justo una semana antes del estreno de Vidas rebeldes. Su sentida interpretación de la divorciada Roslyn Taber, que encuentra un nuevo amor en el personaje que encarna Gable, volvió a ser destacada en 1962 con un nuevo Globo de Oro.


En Vidas rebeldes (1961)

Los últimos meses de la vida de Marilyn presentan una serie de zonas oscuras que probablemente nunca lleguen a esclarecerse, como su relación con el entonces presidente de Estados Unidos, John F. Kennedy, que parece probado que fue de naturaleza íntima, o más tarde con el hermano de éste, el senador Robert Kennedy, en la que algunos indicios pueden hacer pensar que fue tan sólo de amistad. De cualquier modo, los nombres de ambos aparecieron entonces y siguen apareciendo hoy en el asunto de la muerte por suicidio de la actriz, que falleció el 5 de agosto de 1962 a causa de una sobredosis de barbitúricos en su casa de Brentwood, California.

A las tres de la madrugada la señora Murray, su ama de llaves, la encontró en la cama en una postura extraña, con el teléfono fuertemente aferrado en una de sus manos y las luces encendidas. Un frasco vacío de Nembutal encima de la mesilla atestiguaba la ingestión masiva de pastillas por parte de la estrella. El médico forense certificó su muerte y expresó su convencimiento de que se trataba de un suicidio. En años posteriores, una auténtica industria del escándalo, de la que formarían parte la prensa amarilla, la de la extrema derecha y un Norman Mailer arruinado y angustiosamente necesitado de dinero, especularon incansablemente sobre la relación entre su muerte y los hermanos Kennedy.

No era la primera vez que había ingerido una sobredosis de barbitúricos combinada con alcohol: exactamente lo mismo había ocurrido en la primavera del año anterior, poco después de la separación de Miller y del estreno de Vidas rebeldes. La policía, extrañamente, no reveló el nombre de la sustancia que había tomado Marilyn, e incautó y rehusó hacer públicas las cintas magnetofónicas de la compañía de teléfonos en que estaban grabadas las llamadas que efectuó la noche de su muerte. Esto no hizo más que confirmar las sospechas de que Marilyn llamó a alguien en busca de ayuda, alguien cuya alta posición pública no le permitía afrontar el escándalo que hubiera supuesto verse envuelto en semejante asunto.

Pese a la infinidad de biografías y libros que sobre ella se han escrito (incluyendo su autobiografía, aparecida póstumamente en 1974), en los que se ha podido percibir esa otra Marilyn que no se ajusta al tópico, aún hoy sigue apareciendo en primer lugar, o en un lugar muy destacado, en toda clase de rankings más o menos frívolos: en 1995 fue votada por los lectores de la revista inglesa Empire como la actriz cinematográfica más sexy de todos los tiempos; la misma revista, en 1997, la situaba como la octava estrella del cine (masculina y femenina) más grande de todos los tiempos; y en 1999, la americana People Magazine la consideraba la mujer más sexy del siglo.


La tentación vive arriba (1955)

En definitiva, a pesar de los denodados intentos que Marilyn Monroe llevó a cabo en vida para ser considerada de manera distinta a como se la veía, difícilmente desaparecerá nunca de la imaginación colectiva como uno de los íconos eróticos del siglo XX. La imagen de La tentación vive arriba, con blusa y falda plisada blancas que se le levantan y agitan cuando pasa sobre un respiradero del metro de Nueva York, ha quedado indisociablemente unida a su nombre. Su desaparición en plena juventud, y en la cumbre de su fama como actriz y como mito erótico vivo, no hizo más que acrecentar la leyenda.





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6

Ursula Andress

Biografía[editar] Ursula Andress fue un sex symbol de la década de 1960, al ser la segunda «chica Bond» de la primera película de la exitosa saga del agente 007, James Bond contra el doctor No (1962). De esta película es especialmente recordada su escena en una playa vestida con un bikini. Sus... Ver mas
Biografía[editar]
Ursula Andress fue un sex symbol de la década de 1960, al ser la segunda «chica Bond» de la primera película de la exitosa saga del agente 007, James Bond contra el doctor No (1962). De esta película es especialmente recordada su escena en una playa vestida con un bikini. Sus comienzos fueron en el cine italiano, aunque no logró la fama hasta interpretar el personaje de Honey Ryder en la citada producción cinematográfica basada en la novela de Ian Fleming, 007.
Actuó junto a personajes de la talla de Elvis Presley, Frank Sinatra, Dean Martin, Peter Sellers o Peter O'Toole en películas dirigidas por grandes maestros como Robert Aldrich o Richard Thorpe.
Se casó en 1957 con John Derek, actor y director de cine que luego se casó con Linda Evans y Bo Derek. En 1966 se separó de John Derek. Aunque protagonizó sonados romances con los actores Marlon Brando, James Dean, Ryan O'Neal y el boxeador argentino Carlos Monzón, Ursula no volvió a casarse. De su romance con Harry Hamlin (La ley de los Ángeles), tuvo su único hijo. Ambos coincidieron juntos en Furia de Titanes (1981), donde Ursula interpretaba a Afrodita y Harry a Perseo.
Asidua a fotografiarse desnuda en la revista Playboy, Ursula Andress fue un ícono sexual hasta el fin de la década de 1970. En 1995 fue elegida por la revista estadounidense Empire Magazine una de las cien mujeres más sexy del cine de todos los tiempos.
Filmografía[editar]
In 80 Jahren um die Welt (2001)
The Best of So Graham Norton (2000)
Inside 'Diamonds Are Forever' (2000)
Ken Adam: Designing Bond (2000)
Inside 'Dr. No' (2000)
Cremaster 5 (1998)
Invitación a morir (1988)
Liberte, Egalite, Choucroute (1985)
Campanas rojas (Krasnye Kolokolá I: Meksika v Ogne; 1982)
Furia de titanes (1981)
El quinto mosquetero (1979)
La montaña del Dios Caníbal (1978)
La enfermera (1976)
Africa Express (1975)
La espía se desnuda (1974)
Sol rojo (1971)
La Estrella del Sur (1969)
Casino Royale (1967)
The Blue Max (1966)
La diosa de fuego (1965)
La víctima número diez (La decima vittima, 1965, dirigida por Elio Petri).1​
Las tribulaciones de un chino en China (1965)
¿Qué tal, Pussycat? (1965)
Cuatro tíos de Texas (1963)
El ídolo de Acapulco (1963)
Dr. No (1962)
Scaramouche (1952)
Las Aguilas Azules (1966
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Brigitte Bardot

7

Brigitte Bardot

Brigitte Bardot nació un 28 de septiembre de 1934 en París. Hija de una familia de clase media, su padre era directivo de una empresa industrial y su mamá se dedicaba a organizar desfiles en una casa de modas; esto ayudó a la pequeña Brigitte a destacarse en las pasarelas, desde muy temprano... Ver mas
Brigitte Bardot nació un 28 de septiembre de 1934 en París. Hija de una familia de clase media, su padre era directivo de una empresa industrial y su mamá se dedicaba a organizar desfiles en una casa de modas; esto ayudó a la pequeña Brigitte a destacarse en las pasarelas, desde muy temprano.



Luego, en la adolescencia, Brigitte Bardot estudiaba en el Conservatorio Nacional de Danza con Boris Kniaseff. Apenas con 15 años conoció a un joven guionista y ayudante de dirección, Roger Vadim, con quien vivió su primer y apasionado amor. Fue una historia difícil la que vivieron los dos. Ella quería casarse antes de los 18 años y su padre se lo impidió. Se sabe que el día en que Roger fue a pedirle la mano, el padre de Brigitte lo esperó con un revólver en su escritorio y lo echó de su casa. Finalmente se casaron un 20 de diciembre de 1952 en el Registro Civil del distrito de Auteuil en París. Al año siguiente, ya era una estrella de moda.

Trabajó en la película Ladrones al claro de luna, polémica por sus escenas de desnudez. A ella siguieron películas como El gran seductor y Dichosa muchacha. A principios de los 60 ya cobraba cerca de un millón de francos para rodar su primer película protagónica, Y Dios creó a la mujer..., junto a su marido como director. Este film la consagró con muchísimo éxito, pero le acarreó grandes problemas en su vida matrimonial, lo que significó la ruptura con Vadim. Pero pronto se descubrió un romance muy breve y contradictorio con el protagonista de la película, Jean-Louis Trintignant, con quien convivió después de pedirle el divorcio a su marido.

Cuando tenía 45 años, la prensa francesa le contabilizaba 42 amantes. Entre estos podemos nombrar al cantante Gilbert Becaud (al dejarla por su esposa intentó suicidarse), el músico Sacha Distel o el actor Jacques Charrier (con quien se casó y tuvo un hijo el 11 de enero de 1960 llamado Nicholas). Al poco tiempo estuvo con el actor Sami Frey, por quien estuvo al filo de la muerte cuando se separaron, al igual que el mismo Sami, que intentó quitarse la vida. Muchos romances son los que formaron parte de su vida.



A los 39 años se retiró del cine. Para entonces había filmado más de 60 películas, y su figura entera había sido fotografiada unas 60 mil veces. Sus gestos, tan personales, estaban llenos de una sensualidad diferente, que no dejaba a nadie afuera; parecía buscar complicidad y picardías en el espectador. Su cuerpo hablaba en las fotografías, demostrando diversos mensajes continuamente.

Brigitte representó un movimiento hacia la libertad femenina que acaparó los años 60 en Francia. Pero claro, Brigitte sentiría un abismo de libertad que le producía manifestarse graciosa, simpática, hasta sensual, para no sentirse tan sola. Todo provenía de una gran necesidad de afecto, lleno de desgarradoras depresiones que ocasionalmente la llevaron a intentar varias veces quitarse la vida. Cuando cumplió 50 años dijo: "Lo difícil no es vivir; lo difícil es sobrevivir". Para entonces los animales llenaban su vida.



En 1962 accedió a contar su vida en televisión. Estallaron las mediciones de audiencia. El mito, pese a los años, no había muerto. Brigitte poseía en su casa, La Mandrague, en la costa del Mediterráneo, una colección de animales recogidos o comprados a sus expropietarios, que los maltrataban: un asno, siete perros, sesenta gatos, tres cabras... Hasta hace poco contribuían a paliar su soledad. "Sé lo que es vivir sin amor", dijo. "Sé lo que es necesitar que nos abracen, y despertar a solas en mi cuarto".

Hoy, con 67 años, ya no está sola por las noches. Disfruta de su último matrimonio con Bernard D'Ormale, un político de ideas discutidas en Francia; la protege de esa soledad aterradora que recorrió toda su vida y le ha devuelto las primaveras que creyó perdidas.

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Angelina Jolie

8

Angelina Jolie

Angelina Jolie Voight es una actriz, modelo, filántropa, actriz de voz, directora, guionista y activista por los derechos de las mujeres estadounidenses que también posee la nacionalidad camboyana. A lo largo de su carrera, Jolie ha recibido varios reconocimientos por sus logros actorales, entre... Ver mas
Angelina Jolie Voight es una actriz, modelo, filántropa, actriz de voz, directora, guionista y activista por los derechos de las mujeres estadounidenses que también posee la nacionalidad camboyana. A lo largo de su carrera, Jolie ha recibido varios reconocimientos por sus logros actorales, entre ellos dos Premios Óscar (uno a mejor actriz y el premio humanitario) y tres Globos de Oro. Desde 2012 es Enviada Especial del Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Refugiados.1​ En 2016 la London School of Economics anunció que Jolie sería profesora de un nuevo tipo de máster sobre "Las mujeres, la paz y la seguridad" con el objetivo de promover la igualdad de sexos y ayudar a las mujeres afectadas por los conflictos de todo el mundo.2​
Aunque comenzó actuando en 1982 junto con su padre Jon Voight, se le atribuye como debut oficial su papel en la película Cyborg 2 de 1993. La primera interpretación principal que hizo fue en la película Hackers de 1995. En 1997 actuó en la polémica película George Wallace. Interpretó a un personaje principal en el filme para televisión GIA en 1998. Su reconocimiento mundial comenzó a desarrollarse después de que ganara un premio Óscar como mejor actriz de reparto en el 2000 gracias a su trabajo en la película Inocencia interrumpida.
Interpretó el personaje del videojuego Tomb Raider, Lara Croft, en la película homónima, y gracias al éxito taquillero del filme, desde entonces obtuvo fama internacional y es considerada como una de las actrices mejor pagadas en Hollywood.3​ Actuó como Jane Smith, en la película de acción y comedia Sr. y Sra. Smith, junto a Brad Pitt.4​ Su mayor éxito comercial fue Kung Fu Panda, que a su vez fue producida por la empresa Dreamworks y dirigida por el cineasta Mark Osborne.4​
En agosto de 2001, fue nombrada Embajadora de Buena Voluntad de ACNUR por su compromiso y trabajo humanitario y, desde entonces, ha visitado cumpliendo su mandato más de 40 zonas de especial importancia, entre ellas Libia, Bosnia, Haití, Congo, Siria o Irak5​ denunciando de manera especial la violencia sexual contra las mujeres en las guerras.6​ En 2012 ACNUR la nombró Enviada Especial del Alto Comisionado otorgándole un papel de mayor envergadura.1​
El 31 de julio de 2005, el rey de Camboya, Norodom Sihamoní, emitió un decreto a través del cual la nombró «ciudadana del país por sus esfuerzos para preservar el alma humanitaria».7​
A mediados del 2009, Angelina Jolie ocupó el primer lugar en la lista de la revista Forbes, de las actrices mejor pagadas de Hollywood, según datos difundidos por esa publicación especializada. Angelina ganó entre junio de 2008 y junio de 2009 un total de 27 millones de dólares gracias a películas como Kung Fu Panda y Wanted.8​
En el 2011, nuevamente ocupó el primer lugar en la lista de la revista Forbes de las actrices mejor pagadas de Hollywood, junto con Sarah Jessica Parker. Ha conseguido este puesto gracias a la exitosa película Salt, que recaudó en Estados Unidos 300 millones de dólares, y a The Tourist, que consiguió 280 millones de dólares.
El febrero de 2013, a los 37 años, Jolie se sometió a una doble mastectomía preventiva tras descubrir que tenía un gen BRCA1 defectuoso, responsable del desarrollo de cáncer de seno y ovario. En marzo de 2015 se sometió a una ooferectomia preventiva con el fin de reducir el riesgo de cáncer de ovario. En ambas ocasiones escribió en el New York Times un artículo explicando su proceso y los motivos de sus decisiones médicas con el objetivo de apoyar a otras mujeres en la misma situación, rompiendo con el tabú social del silencio sobre el cáncer.
Sus películas más exitosas en términos comerciales han sido: Maléfica que ingreso 758 millones de dólares; Sr. y Sra. Smith, que ingresó 478 millones de dólares; Wanted, que ingresó 341 millones de dólares; Salt con 293 millones de dólares de ingresos; The Tourist, que ingresó 278 millones de dólares; Lara Croft: Tomb Raider, que ingresó 275 millones de dólares y 60 segundos con una recaudación mundial de 237 millones de dólares.9​
Primeros años y familia[editar]
Nació en Los Ángeles, California, Estados Unidos. Angelina Jolie es hija de los artistas: Jon Voight y Marcheline Bertrand.

Jon Voight, padre de la actriz, en 1988.
Jolie tiene ascendencia alemana y checoslovaca,10​11​ y su madre era de ascendencia franco-canadiense, nacida en Riverdale, Illinois.12​ Después de la separación de sus padres en 1976, Angelina y su hermano, el también actor James Haven, fueron con su madre que actuaba con ellos, pero poco después ella abandonó su carrera y se mudó a Nueva York.13​ Como una niña normal, la actriz vio películas con su madre, y más tarde dijo que su interés en actuar no se había visto influido por su padre.14​ Cuando tenía once años, su familia se mudó de nuevo a Los Ángeles y Angelina quiso volver a actuar. Su autoestima se vio disminuida tras un intento de convertirse en modelo mientras cursaba la educación secundaria; todos sus compañeros se burlaban de su aspecto. Empezó a maltratarse a sí misma, a lo que comentó:
Por alguna razón, el ritual de haberme cortado y sentir el dolor tal vez me hacía vivir la sensación de algún tipo de liberación; es de alguna manera terapéutica para mí.
Angelina Jolie15​
Algunas de sus mascotas murieron a causa de sus experimentos y llegó a intentar matar a su serpiente; comentó que a la edad de doce años «era una niña mala y golpeaba a mis amigos».16​ A los catorce años, abandonó sus clases de actuación y deseó convertirse en una directora funeraria.17​ Durante este periodo, vestía de color negro y su cabello estaba teñido de color púrpura.14​ Regresó a los estudios de teatro después de haberse graduado de secundaria. En los últimos tiempos, se ha referido a su periodo de adolescencia con la frase: "Todavía estas épocas están en mi corazón, me encantaba ser chica punk, llena de tatuajes".18​ Jolie ha tenido una mala relación con su padre, aunque en julio de 2002 hubo un intento de reconciliación y ambos aparecieron en Lara Croft: Tomb Raider. Después de esto, Angelina presentó una solicitud para cambiar legalmente su nombre por el de "Angelina Jolie", pasando Voight como su segundo apellido; el cambio de nombre se hizo oficial el 12 de septiembre de 2002.19​ Aunque también dijo de su padre que "Y mi papá, eres un gran actor, pero eres un mejor padre".20​ En agosto del mismo año, Voight afirmó, en el programa de televisión All Access del canal VH1, que su hija tenía graves problemas emocionales. Angelina respondió que ya no deseaba continuar una relación cordial con su padre: "No estoy muy enojada con él, pues es de mi sangre, pero las familias se ganan y uno tiene que hacer lo mejor para hacer sentir bien a sus seres queridos." Jolie estudió en varias universidades, como la Escuela Juilliard o la USC. La única razón que dio acerca del distanciamiento con su padre es que no quiere que sus hijos crezcan cerca de él y los llame "nietos".21​
Primeros trabajos, 1993-1997[editar]
Angelina Jolie comenzó a trabajar como modelo a los quince años. Logró cotizarse como modelo finesse y llegó a modelar en los Estados Unidos y en Europa, sobre todo en Los Ángeles, en Nueva York y en Londres. Apareció en numerosos vídeos musicales, entre ellos "Rock & Roll Dreams Come Through" de Meat Loaf; "Alta Marea" de Antonello Venditti; "Stand by My Woman" de Lenny Kravitz, y "It's About Time" de Lemonheads. A los 16 años, Jolie regresó al teatro y desempeñó su primer papel como una alemana en Dominatrix. Comenzó a aprender de su padre, anotó el método que él tenía al observar a la gente y lograr imitarlas a la perfección. Su relación con su padre durante este tiempo no fue tensa.14​
Jolie apareció en cinco películas de su hermano mientras él asistía a la escuela USC school of cinema arts, pero su carrera profesional se inició formalmente en 1993, cuando desempeñó su primer papel protagonista en la película de bajo presupuesto Cyborg 2, como "Casella Reese", un robot-humano concebido para seducir a los rivales del fabricante. Después de varios proyectos de bajo presupuesto, volvió a tener un papel protagónico; esta vez trabajó como "Kate Libby", su primer papel en Hollywood, en la película Hackers (1995), donde conoció a su primer marido, Jonny Lee Miller. The New York Times escribió:
Angelina Jolie se destaca. Opino eso porque lo hace con aún más profesionalismo que sus compañeros, y es raro ver a una mujer hacker tan metida en su rol. Puede no ser la mejor producción de Hollywood, pero Jolie tiene el talento heredado de su padre.
Janet Maslin22​
Actuó como "Gina Malacici" en 1996 en la comedia Love Is All There Is, adaptación moderna de Romeo y Julieta.23​ El mismo año desempeñó el papel de "Margret Sadovsky", uno de las cinco protagonistas en la película Foxfire. Jolie habló con Los Angeles Times sobre el papel, a lo que comentó: "Se me hizo muy duro interpretar este personaje, pero lo disfruté".24​ La actriz protagonizó junto a David Duchovny la película Playing God, una película que trata sobre un médico que es despojado de su licencia y por esta razón se vuelve uno de los más buscados criminales. La película no fue bien recibida por los críticos, y Roger Ebert, periodista del Sunset Times, señaló: "Angelina Jolie es demasiado sexy para un papel de 'niña buena', tiene un casting más apropiado de chica ruda".25​ Después apareció en la película de televisión True Women, un drama romántico establecido en el Oeste, basado en el libro de Janice Woods Windle. Ese año desempeñó el papel de una stripper en el video Anybody Seen My Baby? de The Rolling Stones.
Progreso, 1997-2000[editar]
Jolie comenzó a mejorar las perspectivas de su carrera, después de haber hecho el papel de "Cornelia Wallace" en 1997, para la película George Wallace, que la hizo acreedora de un Globo de oro y una nominación para un Emmy. La película fue muy elogiada por los críticos; otro de los premios ganados fue el de mejor miniserie o película televisiva. En el papel, representa a la segunda esposa del gobernador Wallace, que recibe un disparo durante la ejecución del gobernador. Trabajó allí al lado de Gary Sinise, ambos dirigidos por John Frankenheimer.
Protagonizó la película GIA, producción de HBO donde hizo el papel de una supermodelo de los 80 llamada "Gia Carangi". La película describe un mundo muy sexista, e incluye el tema de las adicciones a drogas (la destrucción del personaje a través de las adicciones a las sustancias y al alcohol) y el drama emocional. Vanessa Vance, periodista de Reel, señaló: “Angelina Jolie ha logrado un amplio reconocimiento por su papel protagónico en "Gia",” su feroz imagen concluye un contraste fantástico para el personaje, estoy segura que es el papel más impactante que ha hecho Jolie en toda su carrera”.26​ Por su desempeño en esta película, se hizo acreedora a su segundo Globo de Oro y volvió a ser nominada para un Emmy y gana un premio Sindicato de Actores. El director Lee Strasberg dijo que Angelina era muy complicada para hacer una escena, señaló que era demasiado perfeccionista; esto hizo que la actriz ganara reputación de persona difícil de tratar.27​
Después de GIA, Jolie se mudó a Nueva York y dejó de actuar durante un periodo breve de tiempo, pues sentía que "no había nada más para dar". Se matriculó en la Universidad de Nueva York para estudiar cine y asistió a clases de escritura. Estudiando cine, se refirió a su nueva carrera: "Soy buena para analizarme y quiero ser una gran profesional".28​
En 1998, Jolie regresó a la actuación interpretando el papel de “Gloria McNeary” en la película Hell's Kitchen, y ese mismo año participó en la película Jugando con el corazón, con un elenco que incluía a Gillian Anderson, Sean Connery, Ryan Phillippe y Jon Stewart. Nuevamente la actuación de Angelina recibió buenas críticas y fue señalada como toque de luz de la película.29​ Ese año, Jolie ganó el premio Breakthrough de la Junta Nacional de Revisión.
Protagonizó Fuera de control, un drama-comedia protagonizado por John Cusack, Billy Bob Thornton y Cate Blanchett. Jolie hizo el papel de mujer seductora. La película recibió críticas neutras pues fue la primera película en la que criticaron la actuación de Jolie. Respecto a su papel como “Mary”, The Washington Post comentó: "Un papel flojo y tieso; llora más que las plantas Hibiscus; lleva un montón de anillos turquesa innecesarios."30​ Ese mismo año, trabajó con Denzel Washington en The Bone Collector (El coleccionista de huesos, en español), adaptación hecha por el propio autor de la novela original, Jeffrey Deaver. Jolie interpretó a “Amelia Donaghy”, agente de la policía obsesionada por el suicidio de su padre que ayuda a Washington a buscar a un asesino en serie. La película llegó a un promedio de 151 millones de dólares31​ y fue el primer éxito comercial de la actriz.
Jolie aceptó el papel de Lisa Rowe en Inocencia interrumpida (1999), basada en un suceso de la vida real, que relata la vida de "Susanna Kaysen", interpretada por Winona Ryder. Los críticos creyeron en la película como el regreso triunfal de Winona, pero la señalaron como “la gran coronación en Hollywood” de Jolie.32​ Ese mismo año, Jolie ganó su tercer Globo de Oro, su segundo Premio del Sindicato de Actores y un Óscar a la Mejor actriz de reparto. La revista Variedades señaló: El papel de Jolie es excelente como extravagante, chica irresponsable que resulta ser mucho más instrumental que la propia Susanna (Winona), mientras que Rogert Ebert señaló: "Jolie está surgiendo como uno de los grandes espíritus salvajes de las actuales películas, un cañón suelto que de alguna manera está buscando un objetivo mortal; será una de las mejores actrices de toda la historia."33​
Jolie apareció en 60 segundos, su segundo éxito comercial,34​ en la que hizo el papel de “Sara Waylnad”, ex novia de un ladrón de coches interpretado por Nicolas Cage. El papel era pequeño y The Washington Post publicó: "Una gran actriz desperdiciada en un corto papel."35​
Éxito internacional, 2001-presente[editar]

Jolie como Christine Collins en el set de Changeling, noviembre de 2007.
Aunque es muy apreciada por su capacidad actoral, las películas de Angelina Jolie hasta la fecha no habían tenido un éxito taquillero demasiado alto, pero el estreno de Lara Croft: Tomb Raider en 2001 hizo de ella una estrella internacional. En esta adaptación del popular videojuego "Tomb Raider", Jolie estuvo obligada a tener un acento británico y a someterse a clases de artes marciales para poder desempeñar el papel de Lara Croft. Fue elogiada en general por su desempeño físico, pero la película le generó comentarios negativos. Slant Magazine comentó: "Angelina Jolie nació para actuar; en la película nos muestra una faceta de jugadora, la película no está enfocada al juego y a su esencia como debería, nada más."36​ La película fue un gran éxito taquillero, y llegó a reunir un promedio de 270 millones de dólares a nivel mundial.37​ Ese mismo año, Jolie protagonizó junto a Antonio Banderas la película Pecado original, basada en la novela de Cornell Woolrich. La película fue un gran fracaso crítico; The New York Times señaló: "La película se sumerge, igual que el escote de Angelina Jolie."38​
En el 2002 interpretó a “Lanie Kerrigan” en Siete días y una vida, película acerca de una ambiciosa reportera de televisión que morirá en una semana. La película fue mal recibida por los críticos, aunque la actuación de Jolie recibió comentarios positivos. Paul Clinton, de CNN, escribió: "Jolie hace un excelente papel. A pesar de algunos de los puntos de la trama absurda en medio de la película, esta ganadora del Óscar es muy creíble en su camino hacia el descubrimiento de sí misma y del verdadero significado de la vida plena."39​
Jolie vuelve a interpretar a “Lara Croft”, esta vez en la secuela titulada Lara Croft Tomb Raider: La cuna de la vida (2003). No fue lucrativa como la antecesora, pero logró recaudar 156 millones de dólares en taquilla.40​ Ese mismo año, protagonizó Amar peligrosamente, una película sobre los trabajos humanitarios en África. La película obtuvo críticas negativas y no le fue muy bien financieramente. Los Angeles Times escribió:
Jolie, como hizo en su papel ganador del Óscar en la película Inocencia interrumpida, puede traer electricidad y credibilidad a las películas que tienen una realidad por entender; hasta puede darle vida a un ser de videojuego, como es el caso de "Tomb Raider". Sin embargo, este personaje es de carácter híbrido con malos libretos, imágenes de personas infestadas de moscas, sangre y tripas. Completamente en desacuerdo con su papel.
Kenneth Turan41​
Jolie protagonizó, junto con Ethan Hawke, la película Vidas Ajenas (2004), en el papel de Illeana Scott, agente del FBI que viaja a Montreal para ayudar a resolver un crimen y termina persiguiendo a un asesino en serie. La película recibió diversos comentarios y The Hollywood Reporter llegó a la conclusión de que "Angelina Jolie tiene un papel en el cual se siente como algo que ya ha hecho, y lo hace inconfundible al añadir un toque de emoción y glamour."42​ Ese mismo año, hizo la voz de “Lola” un pez ángel para la película de Dreamworks Shark Tale; el elenco incluía a Will Smith, Renée Zellweger y Robert De Niro. En ese mismo año, Jolie formó parte del elenco de la película Alejandro Magno, de Oliver Stone, donde desempeñó el papel de “Olimpia”, madre de Alejandro. La película tuvo una mala aceptación del público, al no gustar el enfoque que Stone le da a la bisexualidad de Alejandro Magno,43​ pero internacionalmente logró ingresos de 139 millones de dólares.44​
En 2005 Jolie solo hizo una película, la comedia de acción titulada Sr. y Sra. Smith, que fue su mayor éxito comercial y reunió un promedio de 470 millones de dólares mundialmente.45​ La película, dirigida por Doug Liman, cuenta la historia de un matrimonio aburrido en el que ninguno de los dos sabe que el otro es un detective secreto. Jolie interpreta a “Jane Smith”. La película, en general, fue bien recibida y se elogió mucho la "química" de los dos protagonistas. The Star Tribune señaló:
Si bien la historia se siente azarosa, la película consigue un encanto gregario, una energía galopante, y la química termonuclear de las estrellas en la pantalla.
Colin Covert46​
En el 2006, Jolie apareció en la película de Robert De Niro, El buen pastor, película sobre los inicios de la CIA, de cómo se ha visto a través de los ojos de “Edward Wilson”, interpretado por Matt Damon. El papel de Jolie era el de “Margaret Russell”, la esposa descuidada de “Wilson”. La película recibió críticas mixtas: según el Chicago Tribune, "la edad de Jolie es convincente para el papel, y veo que no se preocupa de cómo su carácter frágil viene de una simpatía audaz."47​

Jolie en el estreno de Salt en Berlín, 18 de agosto de 2010.
Jolie debutó como directora con el documental A Place in Time, de 2007, que trata sobre cómo es la vida en 27 ubicaciones diferentes del mundo en solo una semana; los compañeros y actores que trabajaron con Jolie en este proyecto fueron: Jude Law, Hilary Swank, Colin Farrell y Jonny Lee Miller. El documental está destinado para ser distribuido a través de la National Education Association, principalmente en la educación secundaria.48​ Jolie protagonizó la película A Mighty Heart, sobre el secuestro y asesinato del reportero de The Wall Street Journal Daniel Pearl en Pakistán. Tuvo su estreno en el Festival de Cannes. The Hollywood Reporter dice que su actuación es "medida, con respeto y con agarre firme."49​ La película le otorgó a Jolie su cuarta nominación al Globo de Oro y su tercera nominación a los Premios del Sindicato de Actores. Ese mismo año, Jolie apareció en la épica cinta de animación Beowulf, basada en el poema inglés del mismo nombre, dirigida por Robert Zemeckis. En este filme la actriz interpretó a la madre del monstruo Grendel, mediante la técnica de captura de movimiento.
Jolie apareció en la película de acción Wanted, (2008), adaptación de una novela gráfica de Mark Millar. También prestó su voz para la película de Dreamworks, Kung Fu Panda.50​ Su último gran proyecto es Changeling (El intercambio), de Clint Eastwood, película de drama rodada en diciembre de 2007 que le valió una candidatura al Óscar a la mejor actriz.51​
En 2009, Jolie filmó la cinta de acción, Salt , cuyo papel protagónico antes estaba estimado para el actor Tom Cruise. El rodaje tuvo lugar en Nueva York y Washington D. C., la actriz tuvo una pequeña lesión en la cabeza, que no impidió la detención del rodaje. La actriz interpreta una agente de la CIA, acusada de ser una espía rusa, su estreno fue el 23 de julio de 2010.52​ En el 2010, Jolie intervino en el documental, "El viaje de Jane" que narra la vida de la naturista inglesa Jane Goodall.
El 11 de junio de 2010 se confirmó que Jolie protagonizaría a Cleopatra en una nueva versión titulada Cleopatra: A Life, película que está basada en el libro de Stacy Schiff y con guion escrito por Eric Roth.
También en 2010 protagonizó The Tourist junto con Johnny Depp, dirigida por el director ganador de un Óscar Florian Henckel von Donnersmarck. Roger Ebert escribió que "Jolie interpreta su papel de mujer fatal con una sensualidad directa y abrumadora". El Daily Star la llamó "chisporroteante sirena"53​ mientras que el blog "unblogdepelícula" comenta que "[...]parecía que no actuaban, podía imaginar que son así en la vida real y que las cámaras simplemente captaban su día a día.54​ Por su trabajo en el film Angelina ganó un Teen Choice Award y fue nominada tanto a un Globo de Oro como a un People's Choice Award. "The Tourist"" ingresó un total de 278.346.189$ en taquilla en todo el mundo, la cuarta mejor película de su carrera, y consolidó a la actriz como la mayor estrella femenina mundial.
Vanity Fair publicó la lista de las Top 40 celebridades de Hollywood con más ingresos a lo largo de 2010. Jolie fue clasificada vigésimo primera en la lista, con unas ganancias estimadas en 23.5 millones de dólares norteamericanos por sus películas.55​
Influenciada por sus experiencias como embajadora de Naciones Unidas, en 2011, Angelina Jolie estrenó su primera película como directora, In the Land of Blood and Honey (de la cual también fue guionista), ambientada en la Guerra de Bosnia, y que narra la influencia de los trágicos sucesos acaecidos durante el conflicto en el país sobre la historia de amor de una pareja formada por una mujer bosnia musulmana y un hombre serbio.56​
Tras ausentarse tres años y medio en pantalla reaparece protagonizando la película Maléfica (2014) una versión de la película de La Bella Durmiente (1959) la cual llegó a recaudar alrededor de 758 millones de dólares convirtiéndose en la cuarta película más taquillera del año y con la cual Angelina ha ganado más dinero.
Angelina Jolie completó su segunda aventura como directora con la película Invencible (2014) que narra la historia real de Louis Zamperini, exestrella olímpica que sobrevivió a un accidente de aviación en el Pacífico y que fue capturado por los japoneses convirtiéndolo en prisionero de guerra. Esta película tuvo 3 nominaciones a los Óscars incluyendo mejor fotografía.
En 2013, durante nueve semanas se somete a una doble mastectomía, ante el elevado riesgo de padecer cáncer de mama que le comunicaron.57​ Casi inmediatamente anunció que también pensaba extirparse los ovarios,58​ lo que hizo finalmente en marzo de 2015.59​
Trabajo humanitario[editar]
Según Jolie, la primera vez que le llegó a interesar la pobreza mundial y la crisis humanitaria en el mundo fue a raíz del rodaje de Tomb Raider, pues le impactó la amplia pobreza camboyana. Se unió al Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Refugiados (ACNUR), y así obtuvo mucha información sobre los focos de tensión internacional. En los siguientes meses, comenzó a visitar diferentes campamentos de refugiados humanitarios en diferentes partes del mundo. Todo esto lo hacía solo para aprender más acerca de la situación y las condiciones en estas áreas. En febrero de 2001, Jolie hizo su primera visita humanitaria a Sierra Leona y Tanzania, donde permaneció 18 días; más tarde expresó su conmoción por lo que había visto.60​ Los dos siguientes meses regresó a Camboya y se quedó allí dos semanas; más tarde se reuniría con refugiados afganos en Pakistán, donde donó 1 millón de dólares en respuesta a la apelación de ACNUR.61​ El ACNUR le propuso pagar a Jolie los gastos de sus viajes, pero ella se negó e insistió en que iba a cubrir todos los gastos relacionados con sus misiones, y dijo también que iba a tener y compartir los mismos rudimentos de trabajo y las condiciones de vida que si fuera personal del ACNUR.60​
En respuesta al gran interés de Jolie y su dedicación al tema, ACNUR la nombró Embajadora de Buena Voluntad el 27 de agosto de 2001 en la sede de Ginebra.62​ En una rueda de prensa, Jolie habló sobre sus motivos de ingreso en la agencia de refugiados:
No podemos cerrar a nosotros mismos la información de la crisis y pasar por alto el hecho de que millones de personas están sufriendo por ahí. Honestamente quiero ayudar. No me siento diferente a las demás personas. Creo que todos queremos justicia e igualdad, la oportunidad de una vida con sentido. A todos nos gustaría recibir ayuda si estuviéramos en una mala situación.
Angelina Jolie60​
Durante sus primeros tres años como Embajadora de Buena Voluntad, Jolie concentró sus esfuerzos en las misiones de terreno, visitando varios refugiados de guerra y desplazados internos (IDP) en todo el mundo. En una entrevista le preguntaron qué quería llevar a cabo, a lo que contestó: «La toma de conciencia de la difícil situación de estas personas. Creo que deben ser elogiadas por lo que han vivido».63​ En 2002, Jolie visitó Tham Hin, campamento de refugiados en Tailandia, y ese mismo año visitó a refugiados colombianos en Ecuador, a lo que comentó: «El hemisferio occidental también tiene graves crisis humanitarias».64​ Después, Jolie viajó a diversas instalaciones de ACNUR en Kosovo y realizó una visita al campamento de refugiados de Kakuma, en Kenia.
Jolie asistió a una misión de seis días en Tanzania en 2003, donde viajó a la frontera occidental de ese país; más exactamente a los campamentos de los refugiados congoleños. Más tarde decidió hacer un viaje a Rusia que duró cuatro días, durante los cuales viajó al norte del Cáucaso. Simultáneamente con el lanzamiento de su película Beyond Borders, publicó Notas de mis viajes, una especie de diario en donde narró sus experiencias en los campamentos y las misiones de terreno durante el 2001 y el 2002. Durante un viaje privado que hizo a Jordania visitó a los refugiados iraquíes; más tarde, ese mismo mes, viajó a Egipto y visitó a los refugiados sudaneses.
Hizo su primer viaje de parte de las Naciones Unidas dentro de los Estados Unidos. Visitó Arizona y llegó a donde estaban los solicitantes de asilo detenidos en tres diferentes instalaciones. Con el empeoramiento de la crisis humanitaria en Sudán, Jolie viajó a Chad en junio de 2004, hizo una visita a sitios fronterizos y visitó varios campamentos de refugiados que habían huido de los combates en el oeste de la región sudanesa de Darfur. Cuatro meses más tarde regresó a la región, esta vez directamente a Darfur occidental. Ese mismo año, Jolie se reunió con refugiados afganos en Tailandia y el Líbano durante la Navidad. Como embajadora de ACNUR, visitó la oficina regional de Beirut, así como a algunos jóvenes refugiados de guerra y a pacientes con cáncer en la capital libanesa.
En 2005, Jolie visitó los campos de refugiados afganos en Pakistán, y también se reunió con el presidente y el primer ministro de ese país, Pervez Musharraf y Shaukat Aziz, respectivamente. Regresó a Pakistán con Brad Pitt durante el Día de Acción de Gracias en noviembre, para ver el impacto del terremoto del 8 de octubre en Cachemira. En 2006, Jolie y Pitt volaron a Haití y visitaron una escuela respaldada por Yéle Haití, organización caritativa fundada por el músico haitiano de hip hop Wyclef Jean y, al mismo tiempo, a filmar A Mighty Heart en la India. Ese año Jolie se reunió con los refugiados birmanos en Nueva Delhi. Pasó la Navidad de 2006 con refugiados colombianos en San José, Costa Rica. En 2007, Jolie regresó a Chad para evaluar el deterioro de la seguridad de los refugiados de Darfur; esta misión duró dos días. Jolie y Pitt posteriormente donaron un millón de dólares a tres diferentes organizaciones de socorro en Chad y Darfur.65​ Ese mismo año, Jolie hizo su primera visita a Irak, donde se reunió con refugiados iraquíes y también con fuerzas militares estadounidenses.

Jolie con Condoleezza Rice, en el Día Mundial del Refugiado, 2005.
Con la experiencia, Jolie se ha vuelto una participante cada vez más activa en la promoción de causas humanitarias a nivel político. Asiste regularmente al Día Mundial de los Refugiados en Washington, D. C., y fue la invitada especial en el Foro Económico Mundial de Davos en 2005 y 2006. Jolie comenzó a elevar el interés humanitario en la capital de Estados Unidos, donde se reunió con congresistas y senadores.62​ Explicó en Forbes:
Por mucho que deseaba no haber visitado Washington D. C., ésa es la forma de hacer mover el balón.
Angelina Jolie62​
Ese mismo año, Jolie formó parte del club de prensa nacional, donde anunció la fundación del Centro Nacional para los Refugiados y los Niños Inmigrantes, organización que proporciona asistencia de forma gratuita a los niños solicitantes de asilo que carecen de representación legal. Durante sus dos primeros años, fue financiada con una donación de 500 000 dólares hecha por Jolie.66​ Jolie presionó en el senado de los Estados Unidos varios proyectos de ley para la ayuda de niños refugiados y niños vulnerables en el tercer mundo.62​ Además de su participación política, Jolie comenzó a utilizar su imagen pública para promover causas humanitarias a través de los medios de comunicación. Filmó un especial de MTV titulado The Diary of Angelina Jolie & Dr. Jeffrey Sachs (El diario de Angelina Jolie y el doctor Jeffrey Sachs), en África. Allí, Sachs (miembro de las Naciones Unidas) elaboró un proyecto titulado Proyecto del Milenio, junto con un equipo que está trabajando con la población local para acabar la pobreza, el hambre y las enfermedades. En 2006, Jolie anunció la fundación Jolie/Pitt Foundation que busca donaciones a la acción mundial para los niños, donando inicialmente cada uno un millón de dólares.67​ Jolie también es copresidenta de la Asociación de Educación para los Niños del Conflicto Armado, fundada por la iniciativa mundial en 2006, la cual ayuda a financiar programas de educación para los niños afectados por algún tipo de conflicto armado.
Jolie ha recibido un gran reconocimiento por su labor humanitaria. En 2003 fue la primera beneficiada de la recién creada United Nations Correspondents Association, y en 2005 fue galardonada con el Premio Humanitario Mundial de la UNA-USA.68​ El 12 de agosto de 2005, el rey de Camboya Norodom Sihamoní le otorgó la ciudadanía camboyana por su trabajo de conservación del país. Ella ha prometido cinco millones de dólares para la creación de un santuario de vida silvestre en la provincia noroccidental de Battambang, siendo dueña de la propiedad.7​ En 2007, Jolie se convirtió en miembro del Consejo de Relaciones Exteriores69​ y recibió el Premio Libertad, otorgado por el Comité Internacional de Rescate.70​
Después de que ella y Pitt donaran 1 000 000 dólares para los esfuerzos de ayuda en Haití tras el devastador terremoto de 2010, Jolie visitó Haití y la República Dominicana para discutir el futuro de las actividades de socorro.
En 2012 ACNUR la nombró Enviada Especial del Alto Comisionado con la responsabilidad de centrarse en las crisis a gran escala que están provocando desplazamientos masivos de personas y asumir la representación en nombre de ACNUR y António Guterres a nivel diplomático, "entablando contacto con los interlocutores relevantes en temas relacionados con el desplazamiento global".1​
Contra la violencia sexual en las guerras[editar]
Uno de ejes de su compromiso como embajadora de la ONU ha sido la denuncia de la violencia sexual contra las mujeres en las guerras. Su primera película como directora En tierra de sangre y miel estrenada en 2011 denunció especialmente las violaciones masivas en Bosnia.71​ A raíz de este trabajo conoció a Arminka Helic entonces asesora especial del Ministro de Asuntos Exteriores británico William Hugue que le propuso participar en una campaña internacional para denunciar la violencia sexual en zonas de conflicto. Nació así la Iniciativa Global contra la Violencia Sexual en las Guerras del Reino Unido que Jolie lideró con el Ministro Hugue.6​ En junio de 2014 se organizó una cumbre internacional en Londres para reclamar a los gobiernos un compromiso sobre este tema que la actriz inauguró con el ministro británico.72​
En octubre de 2014, Jolie fue galardonada con el título de “dama de honor” por la reina Isabel II, por su campaña para tratar de poner fin a la violencia sexual en las zonas de guerra y por sus servicios a la política exterior del Reino Unido.73​ De acuerdo a los medios locales, la actriz recibió el nombramiento en una audiencia privada celebrada en el Palacio de Buckingham.
Arminka Helic y Angelina Jolie han continuado trabajando juntas y Jolie ha dicho de ella que la consideraba su mentora. En septiembre de 2015 Helic y Jolie firmaron conjuntamente un artículo para el New York Times pidiendo "un camino diplomático que ayude a solucionar el conflicto en Siria"74​
La experiencia y la información recogida durante más de una década han convertido a Jolie en una voz acreditada en estos temas. Asiste regularmente a reuniones de congresistas y senadores estadounidenses y ha sido invitada durante varios años al Foro Económico Mundial de Davos. En septiembre de 2015 compareció ante la Cámara de los Lores del Reino Unido.75​
En mayo de 2016 algunos medios de comunicación anunciaron que Angelina Jolie estaba preparando dar el salto a la política de la mano de Arminka Helic, su nueva consejera, y que por ello se había trasladado a vivir con su familia desde febrero a Surrey, cerca de Londres.76​
Vida personal[editar]
Relaciones[editar]
El 28 de marzo de 1996, Jolie se casó con el actor británico Jonny Lee Miller, su compañero de trabajo en la película Hackers. Asistió a su boda en pantalón de cuero negro y una camisa blanca, sobre la que había escrito el nombre de Jonny Lee Miller con sangre.50​ Jolie y Miller se separaron el año siguiente y posteriormente, se divorciaron el 3 de febrero de 1999. El divorcio no les dio grandes complicaciones y Jolie explicó más adelante "creo que es el mejor marido que una niña puede pedir. Siempre le gusté, simplemente era demasiado joven, ahora ya crecí".27​
Después de ese matrimonio, el 5 de mayo de 2000 se casó con el actor estadounidense Billy Bob Thornton, que había conocido al haber trabajado con él en Fuera de control. Como resultado de sus frecuentes declaraciones públicas de amor, sus gestos de pasión y su muy nombrado amor, su relación se convirtió en un tema favorito en la prensa de entretenimiento.50​ Jolie y Thornton se divorciaron el 27 de mayo de 2003. Vogue le preguntó a Jolie sobre el divorcio repentino, a lo que Jolie dijo:
Me tomó por sorpresa, mucho, porque de la noche a la mañana habíamos cambiado totalmente. Pienso que llegó el día en que no teníamos nada en común. Y es horrible pero creo que… es lo que puede suceder cuando te involucras sentimentalmente y no te conoces a ti mismo.
Angelina Jolie77​
Jolie decía en las entrevistas que era bisexual, y ha reconocido que tuvo una relación con la co-estrella de Foxfire, Jenny Shimizu, respecto a lo cual declaró: "Probablemente me hubiera casado con Jenna si no me hubiera casado con Jonny. Me enamoré de ella desde el primer segundo que la vi."78​ En 2003, le preguntaron si era bisexual, a lo que respondió: "Por supuesto. Si me enamorara de una mujer en un mañana, ¿crees que no la tocaría ni besaría? ¿Que si estoy enamorada de ella? ¡Por supuesto, sí!"79​ Y, tiempo después confirmó en una entrevista que ya no era bisexual, y dijo: "Lógicamente era bisexual, pues tuve una relación sentimental con una mujer; puede que ahora no, pero lo hice".78​ A principios de 2005, Jolie participó en un escándalo de Hollywood cuando fue acusada de ser la “otra mujer” en el matrimonio de los actores Brad Pitt y Jennifer Aniston. La acusación decía que Jolie y Pitt habían iniciado un romance durante la filmación de Sr. y Sra. Smith; sin embargo, lo negó en varias entrevistas. En 2005 explicó: "No tendría ningún tipo de relación íntima con ningún hombre casado; cuando mi propio padre engañó a mi madre, es algo que yo no me podría perdonar, no me podría ver al otro día, nunca exhortaría a ningún hombre a que engañe a su esposa".79​

Jolie en Washington D. C.
Aunque nunca se comentó sobre la naturaleza de la relación de Jolie y Pitt, las especulaciones continuaron a lo largo del 2005. La primera foto paparazi de la pareja surgió en abril, un mes después de que Aniston presentara el divorcio. Mostró a Pitt, Jolie y a su hijo Maddox en una playa de Kenia. Durante el verano, Jolie y Pitt fueron vistos juntos cada vez con mayor frecuencia, y la prensa de entretenimiento los comenzó a considerar una pareja con el doblaje de “Brangelina”. El 11 de enero de 2006, Jolie confirmó a la revista People que estaba embarazada de un niño de Pitt y por ende, confirmó su relación por primera vez en público.50​
Pitt y Jolie anunciaron su compromiso en abril de 2012, después de siete años juntos. La pareja, apodada "Brangelina" por los medios de entretenimiento, son el tema de los medios de comunicación de todo el mundo.
El 28 de agosto de 2014, la revista People Magazine informó que la pareja contrajo nupcias el 23 de agosto en una pequeña parroquia del Castillo de Miraval en el departamento del Var en el sur de Francia.80​ Se realizó una ceremonia privada a la cual solo asistieron algunos amigos cercanos a la pareja y sus familiares.
A pesar de la aparente solidez de su matrimonio, el 19 de septiembre de 2016, según el portal TMZ, Angelina Jolie presentó una solicitud de divorcio alegando “diferencias irreconciliables” tras once años de relación y dos de matrimonio. La mayoría de las fuentes sostiene que, Brad Pitt ejercía violencia sobre sus hijos; versión que se vio acentuada luego de un altercado entre el intérprete y su hijo Maddox en un avión. Otros medios afirman que Pitt, a menudo, fumaba marihuana y "se volvía violento" así agrediendo a sus hijos. 81​
Hijos[editar]

Jolie y Pitt en los Premios Óscar, febrero de 2009.
El 10 de marzo de 2002, Jolie adoptó a su primer hijo de siete meses, llamado Maddox Chivan Jolie-Pitt (originalmente Maddox Chivan Thornton Jolie).19​ Nació el 5 de agosto de 2001, bajo el nombre de Rath Vibol en Camboya, y vivía en un orfanato local en Battambang. Jolie decidió adoptarlo después de que había visitado dos veces Camboya, en el rodaje de Tomb Raider y en un viaje que hizo para ACNUR en 2001. Después del divorcio de Billy Bob Thornton, Jolie recibió la patria potestad exclusiva de Maddox. Al igual que los demás niños de Jolie, Maddox ha ganado un renombre considerable de celebridad y aparece regularmente en los tabloides de los medios de comunicación.82​
El 6 de julio de 2005, Jolie adoptó a una niña de Etiopía de seis meses, llamada Zahara Marley Jolie-Pitt (originalmente Zahara Marley Jolie). Zahara nació el 8 de enero de 2005; su nombre original era Yemsrach.83​ Poco después de su llegada a los Estados Unidos, Zahara fue hospitalizada por deshidratación y desnutrición. En 2007, los medios de comunicación informaron que la madre biológica de Zahara, Mentewabe Dawit, quería de vuelta a su hija,[cita requerida] pero se arrepintió más adelante, a lo que se refirió: "Es un ser humano muy afortunado al ser adoptada por una dama famosa mundialmente".83​
Brad Pitt estuvo presente cuando Angelina Jolie firmó la aprobación y los demás documentos de la adopción de Zahara,50​ a lo que Angelina Jolie comentó que ella y Brad Pitt tomaron juntos la decisión de adoptar a Zahara.84​ En diciembre de 2005 se confirmó que Pitt estaba tratando de adoptar legalmente los hijos de Jolie, y el 19 de enero de 2006, un juez de California aprobó esta petición. Jurídicamente los apellidos de los niños se cambiaron por "Jolie-Pitt".85​
El 27 de mayo de 2006 Jolie dio a luz a una niña, llamada Shiloh Nouvel Jolie-Pitt, en Swakopmund, Namibia por medio de una cesárea programada. Pitt confirmó que su recién nacida tendría ciudadanía de Namibia,86​ mientras que Jolie decidió ofrecer las fotos a través de Getty Images por su propia cuenta, en lugar de permitir que un paparazzi las tomara y cobrara una gran recompensa por ellas. La revista estadounidense People pagó más de 4,1 millones de dólares para obtener los derechos legales de las fotos solo en Norteamérica, mientras que la revista británica Hello! obtuvo los derechos internacionales con una cifra de 3,5 millones de dólares; el derecho legal total de venta de las fotos valió más de 10 millones de dólares en todo el mundo.87​ Todos los beneficios fueron donados a la fundación sin ánimo de lucro de Jolie y Pitt. En 2006, se volvió amiga de Gwen Stefani88​ al unirlas la meta de eliminar la desnutrición del planeta; puede decirse que los hijos de las dos artistas son los más fotografiados en los Estados Unidos.89​

Tatuajes de Jolie.
El museo de cera de Nueva York a cargo de Madame Tussauds hizo la figura del bebé de dos meses de edad y lo expuso allí.90​ En 2007, Jolie adoptó un niño de tres años de edad, vietnamita, al que llamó Pax Thien Jolie-Pitt;91​ el niño nació el 29 de noviembre de 2003 y había sido abandonado en un hospital local, donde fue inicialmente llamado Pham Quang Sang.92​ Jolie reveló que el nombre Pax fue sugerido por la madre antes que muriera.93​ En 2008, Jolie confirmó su segundo embarazo y confesó que había tomado píldoras de fertilidad;94​ ese mismo año, Jolie dio a luz a unos mellizos en Francia de nombres Knox Leon y Vivienne Marcheline, nacidos el 12 de julio de 2008.95​ Nuevamente, la revista estadounidense People, en unión con la revista británica Hello!, ofrecieron a la pareja la suma de 14 millones de dólares por el derecho de las fotografías exclusivas de los mellizos; la pareja aceptó.96​
Cáncer[editar]
El 16 de febrero de 2013,97​ a los 37 años, Jolie se sometió a una doble mastectomía preventiva tras descubrir que tenía un gen BRCA1 defectuoso, responsable del desarrollo de cáncer de seno y ovario y que, según explicó posteriormente en un artículo publicado en el New York Times98​ los médicos estimaban que tenía un 87% de probabilidades de padecer cáncer de seno y un 50% de probabilidades de desarrollar un cáncer de ovario.98​99​ Su madre, la actriz Marcheline Bertrand, murió de cáncer de ovario en 2007 a los 56 años mientras que su abuela materna padeció de cáncer de seno, y después murió de cáncer de ovario a los 45 años. Su tía materna, Debbie Martin que tenía el mismo gen BRCA1 defectuoso, fue diagnosticada de cáncer de mama en 2004 y murió a los 61 años el 26 de mayo de 2013. 9 semanas después de la mastectomía, que redujo sus probabilidades de desarrollar cáncer de mama a menos del 5%, el 27 de abril de 2013 Angelina Jolie se realizó una cirugía reconstructiva que involucró implantes y alotrasplante.
En su artículo del New York Times publicado en mayo de 2013 en el que detalla paso a paso el proceso quirúrgico que vivió:
"Escribo sobre ello ahora porque espero que otras mujeres puedan beneficiarse de mi experiencia. El cáncer es todavía una palabra que provoca temor en los corazones de las personas, produciendo un profundo sentimiento de impotencia. Hoy en día es posible tratar de averiguar a través de un análisis de sangre si usted tiene altas probabilidades de sufrir un cáncer de mama y de ovario y actuar (...)
Espero que a cualquier mujer que lea esto le ayuda a saber que tiene opciones. Quiero animar a todas las mujeres, especialmente si tiene antecedentes familiares de cáncer de mama o de ovario, a buscar la información y los expertos médicos que puedan ayudarle en esta etapa de su vida y tome sus propias decisiones informadas."98​
Dos años después, en marzo de 2015, después de que en un control médico anual descubrió que tenía signos tempranos de cáncer de ovario, Angelina se sometió a la extirpación preventiva de sus ovarios y Trompas de Falopio tras saber que tenía 50% de posibilidades de desarrollar cáncer de ovario debido al mismo defecto del gen BRCA1. A pesar de la terapia de reemplazo hormonal, la operación le provocó menopausia prematura. De nuevo explicó públicamente el proceso de su intervención ya la toma de decisiones en nueva tribuna del New York Times: Angelina Jolie Pitt: Diario de una cirugía.100​
Filmografía completa[editar]
Año Película Papel Notas
2019 Maléfica 2 Maléfica
2016 Kung Fu Panda 3 Maestra Tigresa Voz
2015 By the Sea Directora - Protagonista (Vanessa Bertrand)
2014 Maléfica Maléfica
Unbroken Directora - Guionista nominada del premio de la Crítica Cinematográfica a mejor directora
2011 En la tierra de sangre y miel Directora - Guionista
Kung Fu Panda 2 Maestra Tigresa Voz
2010 El turista Elise Clifton-Ward - Nominada: Globo de Oro a Mejor Actriz Drama
Salt Evelyn Salt
2008 El Intercambio Christine Collins - Nominada: Óscar a Mejor Actriz
- Nominada: Globo de Oro a Mejor Actriz Drama
- Nominada: Premio BAFTA a Mejor Actriz Protagonista
Kung Fu Panda Maestra Tigresa Voz
Wanted Fox
2007 Beowulf Madre de Grendel Nominada MTV Movie Award a Mejor Villano
Un corazón invencible Mariane Pearl Nominada - Globo de Oro a Mejor Actriz Drama
2006 El buen pastor Margaret Russell Película dirigida por Robert De Niro
2005 Sr. y Sra. Smith Jane Smith MTV Movie Award a Mejor Pelea, compartido con Brad Pitt
2004 Alejandro Magno Olimpia
El espantatiburones Lola Voz
Sky Captain y el mundo del mañana Francesca "Franky" Cook
Taking Lives Illeana Scott
2003 Más allá de las fronteras Sarah Jordan
Lara Croft Tomb Raider: La cuna de la vida Lara Croft
2002 Una vida en siete días Lanie Kerrigan
2001 Pecado original Julia Russell
Lara Croft: Tomb Raider Lara Croft
2000 60 segundos Sara "Sway" Wayland
1999 Inocencia interrumpida Lisa Rowe - Óscar a Mejor Actriz de Reparto.
- Globo de Oro a Mejor Actriz de Reparto.
- Premio del Sindicato de Actores a Mejor Actriz de Reparto.
El coleccionista de huesos Amelia Donaghy
Pushing Tin Mary Bell
1998 Jugando con el corazón Joan National Board of Review Award a Actriz del Momento.
La cocina del infierno Gloria McNeary
Gia Gia Marie Carangi - Globo de Oro a Mejor Actriz de Televisión - Miniserie O Telefilme.
- Premio del Sindicato de Actores a Mejor Actriz de Televisión - Miniserie O Telefilme.
- Nominada- Premios Primetime Emmy a Mejor Actriz Miniserie o Telefilme.
1997 True Women Georgia Virginia Lawshe Woods
Playing God Claire
George Wallace Cornelia Wallace - Globo de Oro a Mejor Actriz de Televisión - Miniserie O Telefilme.
1996 La luna del desierto Eleanor "Elie" Rigby
Jóvenes incomprendidas Margret "Legs" Sadovsky
Love Is All There Is Gina Malacici
1995 Sin pruebas Jodie Swearingen
Hackers Kate "Acid Burn" Libby
1993 Cyborg 2 Casella "Cash" Reese
1982 Lookin' to Get Out Tosh
Premios y nominaciones[editar]
Artículo principal: Premios y nominaciones de Angelia Jolie
Ha recibido 139 puntos

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Bo Derek

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Bo Derek

Bo Derek (nacida Mary Cathleen Collins; Long Beach, California, 20 de noviembre de 1956) es una actriz de cine y exmodelo estadounidense. Su actividad en el cine ha tenido desigual fortuna: fue nominada a un Globo de Oro en 1979 por 10, la mujer perfecta, pero por otros filmes más fallidos ha... Ver mas
Bo Derek (nacida Mary Cathleen Collins; Long Beach, California, 20 de noviembre de 1956) es una actriz de cine y exmodelo estadounidense. Su actividad en el cine ha tenido desigual fortuna: fue nominada a un Globo de Oro en 1979 por 10, la mujer perfecta, pero por otros filmes más fallidos ha sido «premiada» como mala actriz con tres premios Golden Raspberry (los anti-Oscars, también llamados Razzies).

Biografía y carrera[editar]
Es de ascendencia irlandesa, alemana, holandesa y galesa. Tiene dos hermanas y un hermano. Su padre era un ejecutivo de la empresa Hobie Cat, constructora de pequeñas embarcaciones de tipo catamarán; y su madre era maquilladora y peluquera de la actriz Ann-Margret. El matrimonio se divorció y la madre contrajo nuevas nupcias con un especialista de cine, Bobby Bass, que doblaba a actores en escenas de riesgo.
Descubierta por John Derek[editar]
Bo empezó a trabajar como modelo en la adolescencia, y en una audición en Hollywood conoció al director John Derek, treinta años mayor. Ella apenas tenía 16 años, y para evitar problemas legales la pareja residió por un tiempo en Alemania. Coincidiendo con su estancia en Europa rodaron su primera película juntos. Poco después de cumplir Bo la mayoría de edad, regresaron a Estados Unidos y se casaron en 1976, en Las Vegas. Seguirían juntos hasta que él falleció en 1998.
La carrera de Bo Derek en el cine fue encauzada por su marido y explotó más su atractivo físico que su talento. Elevada a categoría de sex symbol, Bo era sin embargo criticada por sus actuaciones, y buena prueba de ello es que ganó tres veces el infausto premio Golden Raspberry o Razzie (el anti-Oscar) como peor actriz, y fue nominada a otro como peor actriz del siglo.
El debut de Bo en el cine fue en 1974, cuando participó en una película erótica rodada en Mykonos bajo dirección de John Derek: Fantasies (Helena, la isla del amor), filme que generó cierta controversia en su época pues Bo lo había rodado siendo menor de edad. No pudo distribuirse hasta 1981, y ello gracias al súbito despegue de Bo como icono erótico. La joven actriz figuraba acreditada en este primer filme con el nombre de Kathleen Collins.
En 1977 participó con un papel secundario en la taquillera Orca, la ballena asesina, producción de Dino de Laurentiis que seguía la estela del éxito mundial Tiburón de Steven Spielberg. Fue un largometraje protagonizado por Richard Harris y Charlotte Rampling. Anteriormente Bo se había presentado al casting del remake de King Kong de 1976, igualmente producido por De Laurentiis, pero el papel lo ganó finalmente Jessica Lange, quien saltó a la fama gracias a este filme a pesar de su fracaso comercial.
Sex symbol mundial con 10[editar]
La exitosa comedia 10, la mujer perfecta, protagonizada por Dudley Moore y Julie Andrews, fue seguramente el mejor trabajo de Bo Derek: le valió una nominación a los Globos de Oro, además de un inmediato estatus de sex symbol. Pero por desgracia, sus siguientes trabajos no gozarían de mucho reconocimiento por su escasa calidad.
Participó en A Change of Seasons (1980), filme similar en argumento a 10, que no obtuvo el éxito esperado a pesar de contar con dos protagonistas tan ilustres como Shirley MacLaine y Anthony Hopkins.
Malas críticas[editar]
En 1981 recuperó la popularidad con otra película dirigida su marido: Tarzán el hombre mono, con el musculoso Miles O'Keeffe y la participación de Richard Harris y John Phillip Law. Fue una producción en clave de comedia erótica que triunfó en taquilla, al multiplicar por seis el dinero que costó, si bien cosechó malas críticas y un premio Golden Raspberry para la actriz.
En 1984 Bo trabajó nuevamente con su marido John Derek en otra producción picante que explotaba su belleza: Bolero, parcialmente rodada en España con George Kennedy, Olivia d'Abo y las actrices españolas Ana Obregón y Mirta Miller. El papel de galán (encarnando a un torero corneado en la entrepierna) recayó en el italiano Andrea Occhipinti. A pesar de las malas críticas (segundo Razzie para Bo) la película tuvo un buen debut en taquilla: alcanzó la tercera posición de recaudación en su estreno en Estados Unidos, por encima de la película musical Purple Rain de Prince y muy cerca de Los cazafantasmas. Por desgracia la afluencia de público decayó rápidamente, y en recaudación global el filme apenas cubrió costes.
En 1989 los Derek estrenaron su siguiente comedia erótica, igualmente dirigida por John y protagonizada por Bo: Ghosts Can't Do It (Los fantasmas no pueden hacerlo), con estrellas veteranas como Anthony Quinn, Don Murray y Julie Newmar. Supuso para la actriz su tercer premio Razzie.
A partir de entonces, la actividad de Bo Derek en cine y televisión empezó a disminuir, en buena medida debido a los problemas de salud de su marido, quien a fin de cuentas era su principal apoyo en la profesión. A pesar de todo, grabó dos telefilmes, Hot Chocolate (1992) y Shattered Image (1994), y regresó al cine en 1994 con Woman of Desire, película dirigida por Robert Ginty que fue clasificada R en Estados Unidos por su contenido erótico; aquí tuvo por compañeros de reparto al legendario Robert Mitchum y a Jeff Fahey y Steven Bauer. A pesar del llamativo elenco, esta producción tuvo escasa promoción y en paralelo a su reducido estreno en cines, salió a la venta en formato VHS.
Últimos trabajos en cine y TV[editar]
Aunque Bo Derek empezó a espaciar sus trabajos en el cine, tuvo un papel en la exitosa película de comedia Tommy Boy (1995) protagonizada por Chris Farley y David Spade, entonces muy populares por sus apariciones en el show de televisión Saturday Night Live. Por este trabajo Bo fue nuevamente nominada a un premio Razzie, pero la derrotó Madonna por su criticada actuación en Four Rooms.
Tras el fallecimiento de su marido John Derek en 1998, Bo aumentó sus apariciones en televisión (intervino en seis programas distintos en pocos años) y reapareció en el cine en 2000 con el filme de intriga Frozen in Fear, junto a Stephen Shellen y Wayne Rogers. En 2003 tuvo un papel en la comedia taquillera Malibu's Most Wanted, encarnando a la madre del joven protagonista; el papel de padre (y marido de ella) lo hizo Ryan O'Neal. Ya en 2006, Bo participó en cuarenta episodios de la serie de televisión Fashion House, junto a Morgan Fairchild, y en 2015 volvió a ponerse de actualidad en el cine por su papel en Sharknado 3 Oh Hell No!, donde coincidió con figuras tan populares como Ian Ziering y David Hasselhoff.
Otros trabajos[editar]
Derek posó varias veces desnuda para la revista Playboy (la primera vez en 1980, en fotos realizadas por su marido John) y en 2004 fue parte del jurado de Miss Universo.
Vida privada[editar]
Es una republicana conservadora que apoyó a George W. Bush.
Vive en un rancho en el valle de Santa Ynez en California, Estados Unidos, junto a su hermana, el marido de ésta, y sus dos hijos. Desde 2002 se la relaciona sentimentalmente con el actor John Corbett.
Derek es una gran fan de la equitación y la Fórmula 1.
Filmografía[editar]
Cine y televisión[editar]
1977: Orca, la ballena asesina
1979: 10
1980: A Change of Seasons
1981: Tarzan, the Ape Man
1981: Fantasies
1984: Bolero
1990: Ghosts Can't Do It
1992: Hot Chocolate
1993: Woman of Desire
1994: Shattered Image (TV)
1995: Tommy Boy
2000: Murder at the Cannes Film Festival (TV)
2000: Horror 101
2000: Frozen With Fear (TV)
2001: Sunstorm (TV)
2001: Life In The Balance
2002: The Master of Disguise
2002: Kentucky (TV)
2003: Malibu's Most Wanted
2004: Crusader (TV)
2012: Chuck: Chuck vs Bo (TV)
Ha recibido 138 puntos

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Dita von Teese

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Dita von Teese

Biografía[editar] Infancia y adolescencia[editar] Fascinada con el cine clásico de la década de 1940 que conoció gracias a su madre, desde muy pequeña tuvo el deseo de imitar el encanto de las celebridades de entonces como Hedy Lamarr o su preferida, Betty Grable. A los 12 años se mudó al... Ver mas
Biografía[editar]
Infancia y adolescencia[editar]
Fascinada con el cine clásico de la década de 1940 que conoció gracias a su madre, desde muy pequeña tuvo el deseo de imitar el encanto de las celebridades de entonces como Hedy Lamarr o su preferida, Betty Grable.
A los 12 años se mudó al condado de Orange, California con sus padres y sus dos hermanas. Pasó algunos años estudiando ballet, ya que su primera vocación fue la de bailarina. Sin embargo, después lo dejaría para trabajar en una tienda de lencería cuando aún era adolescente. Este hecho, unido a las revistas Playboy de su padre que asegura leía a escondidas, le produjo una fascinación hacia la lencería y la moda retro y poco después empezó a coleccionar ropa, joyas y toda suerte de objetos vintage, principalmente lencería y corsés.
Carrera[editar]

Dita Von Teese durante una sesión fotográfica.
A los 19 años empezó a trabajar en un club de striptease local y abandonó la universidad porque "ya estaba trabajando en lo que quería". Tras experimentar con drogas en dicho local durante unos años tuvo que ponerse implantes de silicona en los pechos ya que, según dijo, las drogas los habían hecho desaparecer y, aconsejada por un amigo, se trasladó a otro local de mejor calidad. Allí, sus guantes y corsés estilo retro llamaron la atención de la revista Playboy, para la que posó poco después, rebautizada 'Dita' por la actriz alemana Dita Parlo y 'Von Teese' tras buscar apellidos en una guía telefónica (originalmente era Von Treese pero se imprimió mal). Aun así, Dita ha dicho en varias ocasiones que Playboy no la descubrió, sino que fue ella quien hizo lo posible para salir en la revista.
En 1991 vio una imagen de Bettie Page y se dispuso a utilizar un estilo muy similar para sus propias sesiones de fotos, tiñéndose el pelo de negro (es rubia natural) y cortándose el flequillo como la famosa pin-up. Años después cambiaría este estilo por uno más moderado al ser criticada y acusada de copiar el estilo de Bettie Page, lo que incluso le costó perder varios proyectos profesionales.

Dita posando para una sesión.
Su carrera en el burlesque comenzó en 1993 y desde entonces ha cosechado un gran éxito, sobre todo con un conocido número en el que se sumerge en una copa de martini gigante. Además, ha colaborado en varias ocasiones con otra bailarina de neo-burlesque, Catherine D´Lish, diseñadora de la mayoría de vestidos, corsés y accesorios que Dita luce en sus shows.
Dita también es conocida por su pasado en películas pornográficas, como Pin-Ups 2, de Andrew Blake, acompañada entre otras por Anita Blonde; Decadence, también de Blake, donde aparece en una corta escena de masturbación, o Slick City: Las aventuras de Lela Devin, de temática sadomasoquista. También ha aparecido en numerosos vídeos para Playboy y otras revistas como Bizarre, para la que actuó en el vídeo fetichista Stiletto Sluts (Putas con tacones).
Dita ha participado en varios clips musicales, entre ellos Kiss your ass goodbye para Graveyard Farmers (Dita tuvo una relación sentimental con uno de los miembros de esta banda), Waiting for a girl like you, video que finalmente fue cancelado, el vídeo de Marilyn Manson para la canción Mobscene, en su copa de Martini, y en "Up in the Air", de la banda Thirty Seconds to Mars.
El músico Marilyn Manson se fijó en ella tras su ruptura con la actriz Rose McGowan, comenzando una larga relación de siete años que acabó en matrimonio el 3 de diciembre de 2005 en un castillo en Irlanda propiedad del artista Gottfried Helnwein. La ceremonia fue oficiada por el escritor, dramaturgo y cineasta chileno Alejandro Jodorowsky, amigo de Manson. Colaborando para el videoclip de la banda del musico mobscene del año 2003. Sin embargo, tras sólo un año de matrimonio, en enero de 2007, Dita solicitó el divorcio alegando diferencias irreconciliables, enviando a Manson los papeles del divorcio justo el día de su cumpleaños. Supuestamente estas "diferencias" no son otra cosa que el romance entre Manson y la actriz Evan Rachel Wood, aunque éste aseguró que solo fue algo platónico hasta que Dita le presentó la demanda de divorcio.
Esta relación le dio a Dita mucha publicidad, incluidas varias apariciones en la televisión americana, en el programa de Tyra Banks y en la versión americana de Supermodelo ('America's next top model'), entre otros. Además, Dita se convirtió de la noche a la mañana en un icono de la moda y en asidua de las pasarelas, y llevó sus espectáculos a las fiestas de marcas como Chopard o John Richmond. Desde entonces, Dita ha hecho publicidad para marcas como M.A.C., Peach John, Agent Provocateur, Coco de Mer, Audi TT, Cointreau, Vivienne Westwood, Frederick's of Hollywood, PETA y Wonderbra (para la cual diseñó lencería), entre otras. Es asidua de los zapatos del diseñador Christian Louboutin, de gran reconocimiento por su famosa suela roja, y se la considera su musa.
También ha escrito dos libros, uno sobre burlesque y otro sobre fetichismo.
En 2009 formó parte de la puesta en escena de Alemania en el Festival de Eurovisión en Moscú, acompañando a Alex Christensen y Oscar Loya que interpretaron el tema Miss Kiss Kiss Bang. Este año ha sido la estrella invitada al Baile de la Ópera de Viena por el millonario Richard Lugner, que ya invitó a este mismo baile a Paris Hilton o Pamela Anderson.
Además, la actriz puede contarse entre las personalidades que tienen una bebida que lleva su nombre; el Cointreau Teese, elaborado a base de Cointreau, jugo de manzana, limón y jarabe de violeta.
Anteriormente, había estado relacionada con el actor Peter Sarsgaard, relación que terminó al tener éste un romance con la modelo canadiense Shalom Harlow.
En 2013, apareció en el videoclip del single "Up in the Air" de la banda de rock 30 Seconds to Mars, dirigido por Jared Leto bajo el seudónimo de Bartholomew Cubbins.
En 2014 aparece en el vídeo musical "Ugly Boy" de Die Antwoord.
Filmografía[editar]

Dita durante la Sydney Fashion Week.
Pin-Ups Vol. 2
Dita and Stacia: The living room
Corset sisters
Playboy's Girlfriends 2
High On Heels
Decadence
Naked and Helpless
Bound in Stockings
Tickle Party Vol. 2
Dita fetish goddess
Slick City: The Adventures of Lela Devin
Byte me: 20 Hottest Women on the Web
Stiletto Sluts
Playboy's Wet and Wild Live: Backstage Pass
Fetish in Paradise: Kink in the Caribbean
Vintage Dita
Dita's dance
Captured on camera (bondage)
Dita in Rubber
Dita and Stacia: The kitchen
Erotic fantasy party
Dita's mischievous maid
Dita's intimate moments
Saint Francis
Matter of Trust
Romancing Sara
Blooming Dahlia (corto)
Death of Salvador Dalí (corto)
Lest we forget: the video collection
Dita: behind closed doors
Dita strip teases
Ha recibido 133 puntos

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Penélope Cruz

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Penélope Cruz

Penélope Cruz Sánchez (Alcobendas, Madrid, 28 de abril de 1974)2​ es una actriz y modelo española ganadora de un Óscar. Su filmografía incluye múltiples películas en lengua española y otros idiomas: inglés, italiano y francés. Varias de estas producciones han alcanzado gran éxito en Europa y... Ver mas
Penélope Cruz Sánchez (Alcobendas, Madrid, 28 de abril de 1974)2​ es una actriz y modelo española ganadora de un Óscar. Su filmografía incluye múltiples películas en lengua española y otros idiomas: inglés, italiano y francés. Varias de estas producciones han alcanzado gran éxito en Europa y América, y han proporcionado a la actriz otros premios de carácter nacional e internacional: un Premio Óscar, tres Premios Goya, el Premio BAFTA y el Premio David de Donatello.
En 2006 fue la primera actriz española candidata a los Premios Óscar y a los Globos de Oro en la categoría de mejor actriz protagonista, por su papel en la película española Volver, dirigida por el cineasta español Pedro Almodóvar; en esa ocasión no obtuvo el Óscar, pero en el año 2009 se convirtió en la primera actriz española en conseguir el Óscar como mejor actriz de reparto gracias a la película Vicky Cristina Barcelona dirigida por Woody Allen.3​4​ Con esta película ganó además el premio BAFTA, su tercer Goya, y fue nominada a los Globos de Oro y al Premio del Sindicato de Actores. Penélope volvió a ser nominada al Óscar como mejor actriz de reparto de 2009 por su papel en Nine.

Biografía[editar]
Niñez y adolescencia[editar]
Penélope nació en una familia de Alcobendas (Madrid), formada por Eduardo Cruz (1953-2015), un comerciante que trabajaba en un concesionario de automóviles5​ y proveniente de Alconchel (Extremadura), y Encarnación Sánchez, una andaluza que regentaba una peluquería. Su nombre deriva de una de las canciones favoritas de sus padres, «Penélope», compuesta e interpretada por Joan Manuel Serrat.6​ Es mayor que sus dos hermanos: Mónica Cruz, también actriz (de televisión) y Eduardo Cruz, (cantante).
De muy pequeña asistió al colegio Juan XXIII y al I.E.S El Portillo. Pronto se sintió atraída por el mundo del arte y la interpretación y, especialmente desde el momento en el que vio la película ¡Átame! de Pedro Almodóvar protagonizada por Victoria Abril, cuando tenía trece años. A partir de ese momento decidió ser actriz para poder llegar a cumplir un sueño: trabajar algún día con Pedro Almodóvar. Recibió nueve años de aprendizaje de ballet clásico en el Conservatorio Nacional de Madrid, cuatro años de mejora de la danza en diversos cursos en la Escuela Cristina Rota en Madrid y tres años de ballet español con Ángela Garrido. Además realizó cursos de baile de jazz con Raúl Caballero. Paralelamente estudió interpretación y se presentó a multitud de pruebas a fin de trabajar en el cine como actriz.
La primera aparición interpretativa de Penélope fue en el videoclip de la canción La fuerza del destino del grupo pop Mecano. Tras una exhaustiva búsqueda entre más de 200 chicas, Cruz quedó seleccionada para ser la protagonista de la canción. Posteriormente inició una larga relación de seis años con el integrante del grupo Nacho Cano, (1991-1996).
Tras ello le surgió la oportunidad de presentar La quinta marcha en Tele 5, un programa de televisión orientado a adolescentes donde coincidió con Jesús Vázquez. Dicha participación le sirvió para acercarse al medio televisivo y posteriormente trabajó en 1991 en un episodio de la serie erótica Serie rosa dirigido por Jaime Chavarri.
Carrera cinematográfica[editar]

Penélope en el Festival de Cannes 2003.
La primera película de Penélope fue El laberinto griego en 1990 dirigida por Rafael Alcázar, y después vino Jamón, jamón del director Bigas Luna en 1992, tras ser elegida por dicho director entre multitud de actrices. De esta película, rodada gran parte en Los Monegros (Zaragoza, Aragón), la actriz salió potenciada como una sex-symbol atractiva y sensual debido al contenido erótico de la película. Compartió protagonismo con los también por entonces principiantes Javier Bardem y Jordi Mollá. Con esta película fue nominada en la VII edición de los Premios Goya de la academia del cine español como actriz protagonista y al Fotogramas de Plata a la mejor actriz de cine.
En 1992 también trabajó en un episodio de la serie Framed protagonizada por Timothy Dalton, en la que interpretaba el papel de Lola Del Moreno, y en Belle Époque de Fernando Trueba, película rodada gran parte en Portugal, que ganó el Premio Óscar a la mejor película de habla no inglesa en 1993. En ella compartió reparto con actores como Ariadna Gil, Jorge Sanz, Agustín González, Chus Lampreave o Fernando Fernán Gómez entre muchos otros. Esta película, ganadora de nueve galardones en la VII edición de los Premios Goya de la academia española, se desarrolla durante la Segunda República en los años treinta. En ella interpretó a una cándida e ingenua muchacha, personaje que le sirvió para huir de su imagen erótica de Jamón, jamón y con el que estuvo nominada al Fotogramas de Plata como mejor actriz de cine.
Tras estas dos películas, Penélope no paró de trabajar durante la primera parte de la década de los 1990 en películas como Por amor, sólo por amor, La rebelde, Todo es mentira, Entre rojas, Allegro ma non troppo, Hablando con los ángeles o El efecto mariposa entre otras. Con todas ellas tuvo contacto con diversos profesionales del cine y poco a poco su carrera como actriz cinematográfica en España se consolidaba cada vez más.
En 1996 le surgieron dos grandes oportunidades: protagonizar La Celestina, dirigida por Gerardo Vera, en la que trabajó con Terele Pávez, Juan Diego Botto y Maribel Verdú entre otros actores y la comedia romántica El amor perjudica seriamente la salud, de Manuel Gómez Pereira. Con esta última se consagró en el cine español.
Amenábar y Almodóvar. Premio Goya[editar]
Tras el éxito de El amor perjudica seriamente la salud, Penélope se convirtió en una actriz popular y solicitada en el panorama cinematográfico español y finalmente en 1997 consiguió su sueño: colaborar con un pequeño personaje en una película de Pedro Almodóvar. Fue en Carne trémula, protagonizada por Javier Bardem, Liberto Rabal, José Sancho y Ángela Molina entre otros actores. El mismo año también protagonizó la película Abre los ojos, dirigida por Alejandro Amenábar donde actuó junto a Eduardo Noriega y Fele Martínez entre otros. Fue un gran éxito de taquilla que la lanzó a la fama y al prestigio nacional.

Pedro Almodóvar y Penélope Cruz en los Premios Goya en 2017
Tras estas dos películas, que marcaron un claro punto de inflexión en su carrera cinematográfica nacional, la actriz protagonizó en 1998 la película La niña de tus ojos con Fernando Trueba de nuevo, en la que compartió reparto con actores populares como Antonio Resines, Jorge Sanz, Loles León, Rosa María Sardá y Santiago Segura entre otros. Con ella logró su primer galardón relevante en la XIII edición de los Premios Goya de la academia del cine español como actriz protagonista y muchos otros reconocimientos por parte de la crítica y el público, quién la premió con el Fotogramas de Plata a la mejor actriz de cine. También consiguió un reconocimiento por parte de sus compañeros de profesión con el galardón a la mejor actriz protagonista en la Unión de Actores.
Con estas tres películas y reconocida en el cine español, empezó a darse a conocer en el mercado internacional al ser nominada como mejor actriz protagonista por La niña de tus ojos en los Premios del cine europeo.
El salto a Hollywood[editar]
Tras el éxito internacional, de público y crítica, de Todo sobre mi madre, ganadora de la mejor película extranjera en los Óscar; en 2000 dio el salto a Estados Unidos. Actuó junto a Matt Damon en All the Pretty Horses, con Nicolas Cage en La mandolina del capitán Corelli, con Tom Cruise en Vanilla Sky (remake de Abre los ojos), con Johnny Depp en Blow y con Matthew McConaughey en Sahara, filme de aventuras que alcanzó notable éxito comercial. En 2003 rodó el filme de terror Gothika con Halle Berry y Robert Downey Jr..
Su comentada relación sentimental con Tom Cruise ayudó a hacerla popular entre el público anglosajón, si bien las mejores críticas a su trabajo le seguían llegando gracias a su participación en el cine europeo. En el año 2004 protagonizó la película italiana No te muevas, por la que ganó el premio David de Donatello a la mejor interpretación femenina y fue candidata al Premio Goya a la mejor actriz.
Primera candidatura a los Premios Óscar[editar]

Penélope en los Oscar, 2009.
La siguiente colaboración entre Pedro Almodóvar y la actriz fue en Volver (2006), película que protagonizó y por la que ganó el premio a la mejor interpretación femenina en el Festival de Cannes del mismo año 2006, compartido con el resto de actrices del filme: Carmen Maura, Chus Lampreave, Lola Dueñas, Blanca Portillo y Yohana Cobo. Gracias a esta película, el 23 de enero de 2007 se convirtió en la primera actriz española candidata a un Óscar de Hollywood como mejor actriz principal, compitiendo con Judi Dench, Meryl Streep, Kate Winslet y Helen Mirren.
En el 28 de enero de 2007, obtuvo su segundo Goya como mejor actriz protagonista por su papel de Raimunda en Volver. También por este trabajo recibió el mes de octubre de 2006 el premio a la mejor interpretación femenina en los Hollywood Awards, galardones otorgados anualmente por críticos de cine, productores y directores de festivales.
A continuación rodó Elegy, película inspirada en la novela El animal moribundo, de Philip Roth, junto a Ben Kingsley y Dennis Hopper y dirigida por Isabel Coixet.
Segunda candidatura y primera española ganadora de un Óscar[editar]
En el año 2007 protagonizó, junto a Javier Bardem, Scarlett Johansson y Rebecca Hall, la película del director estadounidense Woody Allen titulada Vicky Cristina Barcelona rodada en Avilés, Oviedo y Barcelona. Estrenada en agosto de 2008 en Estados Unidos y en septiembre en España, el trabajo de Penélope fue elogiado y motivó su nominación a los Globos de Oro y, por segunda vez, a los Óscar del año 2009, esta vez como mejor actriz secundaria y logró la estatuilla. Por este papel, además, ya había ganado un nuevo Goya, el tercero de su historial, en la categoría de mejor actriz de reparto.
El mismo año encarnó uno de los personajes centrales de la decimoséptima película de Pedro Almodóvar, Los abrazos rotos, una historia inspirada en el cine negro de los años 50 en la que también intervienen Blanca Portillo, Lluís Homar, José Luis Gómez y Ángela Molina. Por este papel, Penélope obtuvo su sexta nominación a los Goya.
Tercera candidatura a los Premios Óscar y posteriores trabajos[editar]
En 2009 Penélope se sumó al reparto de la adaptación al cine del musical Nine, bajo la dirección de Rob Marshall. En la cinta compartió cartel junto a Daniel Day Lewis, Marion Cotillard, Sophia Loren, Judi Dench y Nicole Kidman además de Kate Hudson. Por su encarnación de Carla Albanese, la amante del protagonista, la actriz fue nominada al Globo de Oro, al Premio del Sindicato de Actores y, por tercera vez en cuatro años, al Óscar. El mismo año se estrenó Manolete, película que rodó con Adrien Brody tres años antes, en 2006, y que no había podido estrenarse en su momento por problemas económicos.
En 2010 Penélope fue considerada la mejor vestida de los Óscar en las dos últimas décadas[cita requerida] y, candidata al Óscar por Nine, fue valorada la mejor representante del estándar de la moda de los Óscar por el vestido Versace que lució en la edición de 2007.7​ El mismo año se estrenó Sex and the City 2, donde Penélope hizo un pequeño papel, interpretando a Carmen, una banquera. En 2011 participó como coprotagonista (junto a Johnny Depp) en una de las entregas de la saga Piratas del Caribe: Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides, filme que superó los mil millones de dólares de recaudación mundial. Por las mismas fechas rodó nuevamente con Woody Allen; en esta ocasión, un papel más secundario en To Rome with Love, película con un extenso reparto que incluye a Alec Baldwin, Roberto Benigni y Ornella Muti.
Entre finales de 2012 y principios de 2013 estrenó Volver a nacer, una película italiana en la que fue reconocida por la crítica y obtuvo una nueva candidatura al Premio Goya cómo mejor actriz principal. Filmó también la película The Counselor de Ridley Scott, con su marido Javier Bardem, Cameron Diaz, Brad Pitt y Michael Fassbender. A mediados de 2014 rodó Ma Ma bajo la dirección de Julio Médem, con Luis Tosar y Asier Etxeandía y Grimsby bajo la dirección de Louis Leterrier, con Mark Strong, Rebel Wilson y Annabelle Wallis. Gracias al trabajo en la primera logró una nueva nominación a los premios Goya.
En 2016 estrenó la segunda parte de la película de Zoolander protagonizando ella la película con Owen Wilson y Ben Stiller.
En 2017, el canal FX confirmó a Penélope en el papel de Donatella Versace para la serie de televisión sobre el asesinato de Gianni Versace.8​
Trabajos en televisión[editar]
Ella y él - dirigida por Jaime Chávarri.
Crónicas urbanas - dirigida por Ricardo Palacios.
Barrio Sésamo - dirigida por Joan Ganz Cooney.
The Assassination of Gianni Versache: American Crime Story - dirigida por Ryan Murphy
Filmografia (selección)[editar]
Año Película Personaje
1992 Belle Époque Luz
Jamón jamón Silvia
1993 Por Amor solo por Amor Virgen María
El Laberinto Griego Elisa
1994 Alegre ma non troppo Salomé
Todo es Mentira Lucía
1995 Entre Rojas Lucía
La Celestina Melibea
1996 El amor perjudica seriamente la salud Diana Balaguer
1997 Abre los Ojos Sofía
1998 Don Juan Mathurine
La niña de tus ojos Macarena Granada
Lluvia en los Zapatos Louisi
El Ángel del Deseo Pilar
1999 Volavérunt Pepita Tudó
Todo Sobre mi Madre Hermana Rosa
2000 Las Mujeres Arriba Isabella Oliveira
2001 Vanilla Sky Sofía
Blow Mirta Jung
La mandolina del capitán Corelli Pelagia
Sin Noticias de Dios Carmen Ramos
2002 Waking up in Reno Brenda
2003 Masked and Anonymous Pagan Lace
Fanfan la Tulipe Adéline La Franchise
(Gothika) En Compañia del Miedo Chloe Sava
2004 No te Muevas Italia
Head in the Clouds Mia
Noel Nina Vásquez
2005 Sahara Eva Rojas
Alta Sociedad (Chromophobia) Gloria
2006 Bandidas María Álvarez
Volver Raimunda
2007 The Good Night Anna, Melodía
2008 Manolete Lupe Sino
Elegy Consuela Castillo
Vicky Cristina Barcelona María Elena
2009 Nine Carla
Los abrazos rotos Lena
2010 Sexo en Nueva York 2 Carmen G
2011 Piratas del Caribe: en mareas misteriosas Angelica Teach Barbanegra
2012 A Roma con Amor Anna
Volver a Nacer Gemma
2013 The Counselor Laura
Los Amantes pasajeros Jessica
2015 Ma ma Magda
2016 Agente contrainteligente Rhonda George
Zoolander 2 Jessica Carter
La Reina de España Macarena Granada
2017 Escobar Virginia Vallejo
Asesinato en el Orient Express Greta Ohlsson
2018 Untitled Asghar Farhadi Project
2019 Layover
Teatro[editar]
Don Juan - dirigida por Marta Montblanc.
Imagen pública[editar]
En 2011 The Telegraph informó sobre las partes del cuerpo más buscadas de los ricos y famosos, revelada por dos cirujanos plásticos de Hollywood, que se llevó a cabo en una encuesta entre sus pacientes para construir la imagen de la mujer perfecta. En la categoría del cuerpo más buscado fue la de Penélope Cruz, votado como el top con Gisele Bundchen y Jennifer Aniston también acabando entre los top tres.9​
Desnudos en películas[editar]
Trabajó en 1991 en un episodio de la serie erótica Serie rosa dirigido por Jaime Chavarri, apareció totalmente desnuda. Penélope declaró que no volvería a hacer un desnudo, tras el de la película española Jamón, jamón donde se le puede ver desnuda de la cintura para arriba mostrando sus senos. Mantuvo dicha norma durante unos años, hasta que reapareció semidesnuda en la película Volavérunt donde la dirigió Bigas Luna por segunda vez; luego en Abre los Ojos y en su remake titulado Vanilla Sky aparece semidesnuda. Más recientemente, volvió a desnudarse para la película Elegy de Isabel Coixet, y también sale desnuda de cintura para arriba en la película Los abrazos rotos de 2009, dirigida por Pedro Almodóvar.
Comerciales[editar]
Penélope ha sido imagen comercial de diversas marcas, como Coca-Cola, L'Oréal o Nintendo. Junto a su hermana Mónica Cruz es imagen y ha colaborado en la creación de una colección de ropa para Mango. En 2010 sustituyó a Kate Winslet como imagen de Tresor, un perfume de Lancôme y en 2014 a Uma Thurman como la nueva cara de Schweppes.[cita requerida]
Música[editar]
Ha participado en el mundo de la música en varias ocasiones. Una colaboración suya aparece en el disco Voices of hope de la Fundación Sabera, en donde canta a dúo con Joan Manuel Serrat la canción por la que fue bautizada así, «Penélope», y en la comedia musical Nine interpreta el tema «A call from the Vatican». En 2012 colaboró junto a Miguel Bosé en su nuevo disco Papitwo cantando una canción con él a dúo.
Vida personal[editar]
El 14 de julio de 2010 se confirmó que Penélope se había casado en secreto a principios de mes con Javier Bardem, en la isla privada de Johnny Depp en las Bahamas, tras tres años de noviazgo.10​
Después de meses de rumores, el 14 de septiembre de 2010, el jefe de prensa de la agencia que representa a Penélope Cruz anunció a través de un escueto comunicado que Penélope Cruz estaba embarazada de cuatro meses y medio.11​ El 22 de enero de 2011 dio luz a su hijo, en la clínica Cedars-Sinaí, en Los Ángeles (California).12​ El 12 de febrero de 2013 Penélope y Javier confirmaron que esperaban su segundo hijo.13​ El bebé, una niña, nació el 22 de julio de 2013 en la clínica Ruber Internacional de Madrid.
Premios y nominaciones[editar]
Artículo principal: Anexo:Premios y nominaciones de Penélope Cruz

Penélope Cruz en los Premios Goya en 2017
Premios Óscar
Año Categoría Película Resultado
2009 Mejor actriz de reparto Nine Nominada
2008 Vicky Cristina Barcelona Ganadora
2006 Mejor actriz Volver Nominada
Premios Globo de Oro
Año Categoría Película Resultado
2010 Mejor actriz de reparto Nine Nominada
2009 Vicky Cristina Barcelona Nominada
2007 Mejor actriz - Drama Volver Nominada
Premios BAFTA
Año Categoría Película Resultado
2008 Mejor actriz de reparto Vicky Cristina Barcelona Ganadora
2006 Mejor actriz Volver Nominada
Festival de Cine de Hollywood
Año Categoría Película Resultado
2006 Mejor actriz del año Volver Ganadora
Festival Internacional de Cine de Cannes
Año Categoría Película Resultado
2006 Mejor actriz (en conjunto con el resto de actrices) Volver Ganadora
Premios David de Donatello
Año Categoría Película Resultado
2004 Mejor actriz protagonista No te muevas Ganadora
Premios Goya
Año Categoría Película Resultado
2016 Mejor interpretación femenina protagonista La reina de España Nominada
2015 Ma ma Nominada
2012 Volver a nacer (Venuto al mondo) Nominada
2009 Los abrazos rotos Nominada
2008 Mejor interpretación femenina de reparto Vicky Cristina Barcelona Ganadora
2006 Mejor interpretación femenina protagonista Volver Ganadora
2004 No te muevas Nominada
1998 La niña de tus ojos Ganadora
1992 Jamón, jamón Nominada
Premios del Cine Europeo
Año Categoría Película Resultado
2009 Mejor actriz Los abrazos rotos Nominada
2006 Mejor actriz Volver Ganadora
2004 Mejor actriz No te muevas Nominada
2004 Mejor actriz No te muevas Ganadora
2000 Mejor actriz La niña de tus ojos Nominada
Premios del Sindicato de Actores
Año Categoría Película Resultado
2010 Mejor reparto Nine Nominada
Mejor actriz de reparto Nine Nominada
2009 Vicky Cristina Barcelona Nominada
2006 Mejor actriz Volver Nominada
Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos14​
Año Categoría Película Resultado
2008 Mejor actriz secundaria Vicky Cristina Barcelona Nominada
2006 Mejor actriz Volver Ganadora
Premios Gaudí
Año Categoría Película Resultado
2008 Mejor actriz secundaria Vicky Cristina Barcelona Ganadora
Premios Fotogramas de Plata
Año Categoría Película Resultado
2009 Mejor actriz de cine Los abrazos rotos Ganadora
2008 Mejor actriz de cine Vicky Cristina Barcelona Nominada
2006 Mejor actriz de cine Volver Ganadora
1998 Mejor actriz de cine La niña de tus ojos Ganadora
1997 Mejor actriz de cine Abre los ojos / El amor perjudica seriamente la salud / Carne trémula / Por amor, sólo por amor Nominada
1994 Mejor actriz de cine Alegre ma non troppo / Todo es mentira Nominada
1992 Mejor actriz de cine Jamón, jamón / Belle Époque Nominada
Premios de la Unión de Actores
Año Categoría Película Resultado
2009 Mejor actriz protagonista de cine Los abrazos rotos Nominada
2008 Mejor actriz de reparto de cine Vicky Cristina Barcelona Ganadora
2006 Mejor actriz protagonista de cine Volver Ganadora
1998 Mejor interpretación protagonista de cine La niña de tus ojos Ganadora
1992 Mejor interpretación secundaria de cine Belle Époque Ganadora
Premios EñE del cine
Año Categoría Película Resultado
2009 Mejor interpretación femenina protagonista Los abrazos rotos Ganadora
2008 Mejor interpretación femenina protagonista
Mejor interpretación femenina de reparto Elegia
Vicky Cristina Barcelona Candidata
2006 Mejor interpretación femenina protagonista Volver Ganadora
2004 Mejor interpretación femenina protagonista No te muevas Nominada
1999 Mejor interpretación femenina de reparto Todo sobre mi madre Nominada
1998 Mejor interpretación femenina protagonista La niña de tus ojos Ganadora
1997 Mejor interpretación femenina protagonista Abre los ojos Nominada
Premio Jameson del Público a la mejor actriz, Academia de Cine Europeo, por No te muevas
Premio Micrófono de Oro en la categoría Apartado Cinematográfico, otorgado en 2007.
Mejor actriz de reparto - Boston Society of Film Critics Awards (BSFC) por Vicky Cristina Barcelona.
Mejor actriz de reparto - Gaudi Award por Vicky Cristina Barcelona.
Mejor actriz de reparto Ex-aequo - Gotham Awards por Vicky Cristina Barcelona.
Mejor actriz de reparto - Kansas City Film Critics Circle Award por Vicky Cristina Barcelona.
Mejor actriz de reparto - Los Angeles Film Critics Association Awards por Vicky Cristina Barcelona.
Mejor actriz de reparto - National Board of Review (NBR) Awards por Vicky Cristina Barcelona.
Mejor actriz de reparto - New York Film Critics Circle Awards por Vicky Cristina Barcelona.
Mejor actriz de reparto - Santa Bárbara International Film Festival por Vicky Cristina Barcelona.
Mejor actriz de reparto - Southeastern Film Critics Association Awards por Vicky Cristina Barcelona.
Nominada como mejor actriz de reparto por el Sindicato de Actores de EE. UU. (SAG) por Vicky Cristina Barcelona.
Nominada mejor actriz de reparto por los Broadcast Film Critics Associación (BCA)por Vicky Cristina Barcelona
Nominada como mejor actriz de reparto - Chicago Film Critics Association Awards por Vicky Cristina Barcelona.
Nominada como mejor actriz de reparto - Cinema Writers Circle Awards por Vicky Cristina Barcelona.
Nominada como mejor actriz de reparto a los Independent Spirit Awards por Vicky Cristina Barcelona
Nominada como mejor actriz de reparto a los Black Reel Awards por Vicky Cristina Barcelona.
Nominada como mejor actriz de Reparto a London Critics Circle Film Awards por Vicky Cristina Barcelona.
Nominada a mejor actriz de reparto - Screen Actors Guild Awards por Nine.
Estrella en el Paseo de la Fama de Madrid (2011)
Estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood (2011)
Filmografía[editar]
Artículo principal: Filmografía de Penélope Cruz
Debutó en el cine en 1991 con la película El laberinto griego, de Rafael Alcázar, aunque popularmente se considera como tal su participación al año siguiente en Jamón, jamón, de Bigas Luna. Ha participado en cincuenta películas,15​ y trabajado con Bigas Luna, Trueba y Almodóvar en varias ocasiones. Las películas más taquilleras en las que aparece en reparto son Piratas del Caribe, G-Force,Vanilla Sky, Gothika, Sahara, Vicky Cristina Barcelona, Volver y Blow.
Videoclips[editar]
Decirnos adiós (2012) de Miguel Bosé.
Cosas que contar (2007) de Eduardo Cruz.
El waltz de los locos (Dirección) (1995) de Nacho Cano.
El patio (1994) de Nacho Cano.
La fuerza del destino (1989) de Mecano.
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Ava Gardner

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Ava Gardner

Ava Lavinia Gardner (Brogden, Carolina del Norte, 24 de diciembre de 1922 - Ciudad de Westminster, 25 de enero de 1990) fue una actriz de cine estadounidense nominada a los Premios Óscar, considerada una de las grandes estrellas del siglo XX y como uno de los mitos del Séptimo Arte. Conocida por... Ver mas
Ava Lavinia Gardner (Brogden, Carolina del Norte, 24 de diciembre de 1922 - Ciudad de Westminster, 25 de enero de 1990) fue una actriz de cine estadounidense nominada a los Premios Óscar, considerada una de las grandes estrellas del siglo XX y como uno de los mitos del Séptimo Arte. Conocida por su exuberante y fotogénica belleza, se dice de ella que fue "el animal más bello del mundo".1​

Infancia y juventud[editar]
Ava Gardner nació en 1922 en la pequeña comunidad rural de Johnston, Smithfield en el estado de Carolina del Norte. Creció en el ambiente rústico del campo, en el seno de una familia muy pobre de cultivadores de tabaco y algodón, junto con sus seis hermanos, de los cuales ella era la menor. Su madre, Molly, era una mujer bautista de orígenes irlando-escoceses e ingleses y su padre, Jonas Bailey Gardner, era un hombre católico de ascendencia irlandesa y amerindia. Cuando los hermanos aún eran pequeños, la familia Gardner perdió la propiedad que tenía y Jonas Gardner se vio obligado a trabajar como aserradero y su madre, Molly, como cocinera y ama de llaves en el colegio mayor de Brogden.
Al cumplir Ava 13 años, toda la familia se trasladó a Newport News, en el estado de Virginia, esperando mejorar su suerte. Pero, en poco tiempo, ante las dificultades de encontrar empleo, tuvieron que volver a mudarse a Rock Ridge, un suburbio de Wilson (Carolina del Norte). El año 1935 su padre, Jonas Gardner, murió de bronquitis y Ava y algunos de sus hermanos decidieron acudir a la escuela de Rock Ridge con el fin de graduarse. De esta forma, Ava pudo ir posteriormente a clases de secretariado en el Atlantic City Christian College.
Carrera cinematográfica[editar]
Inicios en el séptimo arte[editar]
Con 18 años, Ava se había convertido en una bella joven de ojos verdes y una preciosa melena de color castaño. Así, el año 1940 mientras estaba visitando a su hermana Beatriz en Nueva York, el marido de ésta, que era fotógrafo, le pidió si le podía hacer algunas fotos y, satisfecho con el resultado, decidió colgarlas en el escaparate de su Estudio Fotográfico de la Quinta Avenida.
Dio la casualidad de que, mientras sus fotografías estaban expuestas en el establecimiento de su cuñado, Barnard "Barney" Duhan, un cazatalentos de los estudios Metro-Goldwyn-Mayer, las vio y decidió ponerse en contacto con ella. Duhan entró en la tienda y pidió su número de teléfono pero, no consiguió que nadie se lo diera. Finalmente, se fue comentando que "alguien tenía que enviar información de ella a la MGM" y su hermana lo hizo inmediatamente. En poco tiempo, Ava, que aún era una estudiante del Atlantic Christian College, viajó de nuevo a Nueva York para entrevistarse con los directivos que la MGM tenía en las oficinas de la ciudad y aquel mismo año se le ofreció un contrato de siete años con la compañía. En 1941 dejó la escuela para ir a Hollywood con su hermana Beatriz y lo primero que hizo fue ir a clases de arte dramático y de dicción ya que su acento de Carolina del Norte era prácticamente incomprensible.
Fue en el año 1942 cuando comenzó a intervenir como protagonista en películas y en los siguientes años actuó en numerosas producciones de modesto presupuesto como La casa encantada (1943), una comedia de terror que pertenece a la etapa de decadencia del gran Béla Lugosi, o Three men in white de 1944, una comedia-drama de médicos en la que intervenían también Van Johnson y Lionel Barrymore.
Los años dorados[editar]

Ava Gardner junto a Burt Lancaster en The Killers (1946).
Su gran oportunidad llegó en 1946 con dos títulos: el thriller Whistle stop, en el que tiene un papel principal junto a George Raft; y el drama negro basado en una historia de Ernest Hemingway Los asesinos, donde se lucía junto a un también jovencísimo Burt Lancaster y a Edmond O'Brien. Esta última película será la que la ponga en el mapa dentro de la industria de Hollywood.
En los siguientes años despunta en The hucksters (junto a Clark Gable), Venus era mujer (comedia más bien bobalicona pero simpática) y Soborno (1949), estupendo thriller dramático donde actúa junto a Robert Taylor, según la leyenda otra de sus conquistas amorosas.
A partir de aquí, comienza su reinado encadenando producciones de muchos medios para los grandes estudios, y realizando grandes interpretaciones. Sobresalen: El gran pecador (drama moral —que no moralista— con grandes trabajos de Gregory Peck y Ethel Barrymore y un guion impecable), Mundos opuestos (1949, donde la actriz trabaja en pantalla junto a James Mason, Barbara Stanwyck y Van Heflin), Pandora y el holandés errante (1951), drama onírico-vanguardista, donde Ava actuaba con James Mason y otra de sus sonadas conquistas, el torero Mario Cabré, rodando el film parcialmente en España y llenando los titulares de la prensa de la época. En esta etapa comienzan sus escalas en Madrid, sus estancias en España y sus amores (con Luis Miguel Dominguín, etc.).
Rodó Magnolia, remake de una legendaria obra musical de Broadway, pero finalmente los productores decidieron que no utilizase su propia voz en las partes cantadas. Trabajó con Howard Keel y Agnes Moorehead. Luego actuó en Mi pasado prohibido junto a Robert Mitchum (1951), con quien mantuvo otro de sus affaires. Siguieron las películas: Las nieves del Kilimanjaro (su segunda obra de Hemingway, en África y junto a Gregory Peck y Susan Hayward) y Mogambo (1953), film de inusitada popularidad dirigido por John Ford y donde Ava actúa junto a la bella Grace Kelly, al lado de un imponente Clark Gable.
Tras Los caballeros del rey Arturo, clásico del cine de aventuras medievales, con Robert Taylor y Mel Ferrer en lujosa producción de la Metro, Ava comienza a atravesar algunos problemas personales y de salud. Todavía brilla en La condesa descalza, en un papel inspirado en la vida de Rita Hayworth, donde da lo mejor de sí misma y logra una de sus mejores caracterizaciones —si no la mejor—, acompañada por Humphrey Bogart, Edmond O'Brien, Rossano Brazzi y Valentina Cortese.
Hacia 1955 Ava Gardner empieza a residir de manera habitual en España; dice no encajar en el tipo de vida de Hollywood y en Europa vive en un relativo anonimato, menos perseguida por la prensa. En 1954 compra por 66.000 dólares de la época una casa en La Moraleja, a las afueras de Madrid, y años después se muda a la capital. En el barrio residencial de El Viso (Chamartín) es vecina del general Juan Domingo Perón, expresidente de Argentina, quien la denuncia por el alboroto que generan sus fiestas.
En esos años llegan films de menor éxito y/o entidad: el drama romántico-de aventuras Destinos cruzados (junto a Stewart Granger), la comedia de origen teatral La cabaña (junto a David Niven), su tercer Hemingway llamado en España Fiesta (al lado de Tyrone Power en una de sus últimas interpretaciones), la biografía de la Duquesa de Alba en La Maja Desnuda (1958; con Tony Franciosa encarnando a Goya) y el drama On the Beach ( La hora final, en España), sobre las consecuencias de la explosión de una bomba nuclear, que Stanley Kramer rodó en 1959 junto a Gregory Peck y Fred Astaire.
Durante todo este tiempo, la actriz fue encasillada como estrella de gran atractivo físico, calificada por la publicidad de su estudio como «el animal más bello del mundo», eslogan que Ava odiaba.
Años de madurez[editar]
Los años 60 van a cambiar todo esto, tanto porque Ava Gardner va envejeciendo como porque cambian los gustos del público. En 1960 actúa en El ángel vestía de rojo junto a su amigo Dirk Bogarde, película que tuvo que ser rodada en Italia, pese a estar ambientada durante la Guerra civil española.
Ella encuentra mayor dificultad a la hora de encontrar papeles de altura, o al desechar títulos memorables como Dulce pájaro de juventud, La Pantera Rosa o El Graduado, entre otros. No obstante, tres películas sobresalen de esta etapa: en 55 días en Pekín (1963), realiza una memorable encarnación de una condesa arruinada en medio de una revolución anticolonial, con Charlton Heston y David Niven a su lado. Siete días de mayo (1963) es casi la mejor película estadounidense de trasfondo político de la década, y una de las mejores de su director —John Frankenheimer— donde Ava compartía cartel con Burt Lancaster, Kirk Douglas y Fredric March. Por último, en 1964 protagonizó La noche de la iguana (dirigida por John Huston y basada en la obra teatral de Tennessee Williams), destacándose junto a Richard Burton y Deborah Kerr.
Sin embargo, merecen recordarse también sus apariciones en películas que no tuvieron tanta fortuna comercial o artística: La Biblia (1966), superproducción dirigida por John Huston, y Mayerling (1968), en la que encarnó a la emperatriz Sissí dentro de un reparto con Omar Sharif y Catherine Deneuve.
En 1968 Gardner dejó España, supuestamente por problemas fiscales, y se instaló en Londres, ya parcialmente retirada. En 1969 actúa bajo las órdenes del actor/director Roddy McDowall en el filme La balada de Tam Lin donde McDowall le rinde un homenaje a su belleza. Esta película fue reeditada y lanzada en 1972 bajo el título La viuda diabólica.
Dos películas de los años 70, El juez de la horca (1972) y Terremoto (1974) fueron grandes éxitos, cintas dignas y bastante apreciables y buenas interpretaciones de Ava y su espléndida madurez física. También destaca en un entretenido thriller británico de 1975 donde la actriz compartía protagonismo con el inolvidable Dirk Bogarde y con Timothy Dalton: El hombre que decidía la muerte. Por último, Gardner descollaba en la fantasía de estrepitoso fracaso comercial El pájaro azul (1976), junto a Elizabeth Taylor, Jane Fonda y Cicely Tyson, primera coproducción en plena guerra fría entre EE.UU. y la ex Unión Soviética.
Posteriormente intervino en el filme de género catastrófico El puente de Cassandra (1977) junto a Sophia Loren, Burt Lancaster, Richard Harris, Martin Sheen y O.J. Simpson; en la interesante cinta de terror La centinela (1977), al lado de Christina Raines y Chris Sarandon; en Ciudad en llamas (1979) y en un drama de intriga donde ya realizaba un papel muy secundario pero todavía jugoso: El secuestro del presidente (1980), donde el susodicho era el notable Hal Holbrook. Actuó también en el filme biográfico del escritor D.H. Lawrence, El sacerdote del amor (1981), junto a Ian McKellen y John Gielgud.
Su último trabajo para el cine fue en 1982 en Regina, junto a Anthony Quinn, rodada íntegramente en Cinecittá, donde componía a una mamma posesiva y tirana. Esta película no fue estrenada comercialmente, y fue conocida a través del VHS.
Intervino más tarde en varias producciones para la televisión, como Harem, junto a Omar Sharif, y Knots Landing. También participaría en la serie Anno Domini, donde interpreta a Agripina, la inescrupulosa madre del emperador Nerón, y en una nueva versión de El largo y cálido verano, junto a Jason Robards, Don Johnson y Cybill Shepherd. Su última labor actoral la realizó en el piloto de una serie televisiva junto a Stefanie Powers, titulada Maggie, que no llegó a estrenarse.
Vida sentimental y muerte[editar]
Ava Gardner fue pretendida obsesivamente por el excéntrico millonario Howard Hughes cuyas propuestas de matrimonio siempre rechazó, si bien nunca rechazó ninguno de sus espléndidos regalos.
Estuvo casada en tres ocasiones, todas ellas con actores conocidos. Su primer matrimonio fue con el actor Mickey Rooney, que duró menos de un año. Fue la única que nunca pidió indemnización de su matrimonio con el actor.
El segundo, con el mítico músico Artie Shaw, fue igual de breve.
Su tercer marido fue el legendario cantante y actor Frank Sinatra, con el que estuvo casada seis tormentosos años entre 1951 y 1957, relación que hizo correr ríos de tinta, en periódicos y revistas de espectáculos. Sinatra le puso el apodo del "animal más adorable del mundo", y que fue seguramente el amor de su vida, así como ella de él. Se cuenta que aún en su vejez, Ava escuchaba en su casa los discos de Frank y de hecho mantuvieron su amistad. En 1988 ella sufrió una apoplejía y Sinatra costeó su traslado y tratamiento en Estados Unidos; e igualmente cuando ella se recuperó, él pagó su vuelo de regreso a Londres.
Su madre murió de cáncer uterino y ella, por temor a heredar la enfermedad, se sometió a una intervención preventiva donde le practicaron una histerectomía.
Murió en Londres de una neumonía a los 67 años de edad, el 25 de enero de 1990.
Está sepultada en el Sunset Memorial Park de Smithfield, en Carolina del Norte.
Filmografía[editar]

Ava Gardner en Cruce de destinos (1956).
Maggie (TV, 1986, inédita)
The long hot summer (TV, Un largo y cálido verano, 1985)
Knots Landing (TV, 1985)
Harem (TV, 1985)
A.D. Anno Domini (TV, 1984)
Regina Roma (íd., 1982)
Priest of Love (Sacerdote del amor, 1981)
The Kidnapping of the President (El secuestro del presidente, 1980)
City on Fire (Emergencia, 1979, Alvin Rakoff)
The Sentinel (La centinela, 1977, Michael Winner)
The Cassandra Crossing (El puente de Cassandra, 1977, George Pan Cosmatos)
The Blue Bird (El pájaro azul, 1976, George Cukor)
Permission to Kill (El hombre que decidía la muerte, 1975, Cyril Frankel)
Earthquake (Terremoto, 1974, Mark Robson)
The Life and Times of Judge Roy Bean (El juez de la horca, 1972, John Huston)
The Devil's Widow (La viuda del diablo, 1972)
Go west (1971) (F.A.D)
Mayerling (íd., 1968, Terence Young)
The Bible (La Biblia, 1966, John Huston)
The night of the iguana (La noche de la iguana, 1964, John Huston)
Seven days in may (Siete días de mayo, 1964, John Frankenheimer)
55 days at Peking (55 días en Pekín, 1963, Nicholas Ray)
The Angel Wore Red (1960, Nunnally Johnson)
On the beach (La hora final, 1959, Stanley Kramer)
The naked maja (La maja desnuda, 1959)
Sun Also Rises, The (Fiesta, 1957)
The Little Hut (La cabaña, 1957, Mark Robson)
Bhowani Junction (Cruce de destinos, 1956, George Cukor)
The barefoot contessa (La condesa descalza, 1954, Joseph L. Mankiewicz)
Knights of the Round Table (Los caballeros del rey Arturo, 1953, Richard Thorpe)
Mogambo (íd., 1953, John Ford)
Ride, Vaquero! ('/Una vida por otra, 1953, John Farrow)
The Snows of Kilimanjaro (Las nieves del Kilimanjaro, 1952, Henry King)
The Lone Star (Estrella del destino, 1952, Vincent Sherman)
Show Boat (Magnolia, 1951, George Sidney)
My Forbidden Past (Odio y orgullo, 1951, Robert Stevenson)
Pandora y el holandés errante (1951, Albert Lewin)
East Side, West Side (Mundos opuestos, 1949, Mervyn LeRoy)
The Great Sinner (El gran pecador, 1949, Robert Siodmak)
The Bribe (Soborno, 1949, Robert Z. Leonard)
One Touch of Venus (Venus era mujer, 1948, William A. Seiter)
The Hucksters (1947)
Singapore (Una vida y un amor), 1947
The killers (Forajidos, 1946, Robert Siodmak)
Whistle Stop (1946)
She Went to the Races (1945)
Three Men in White (1944)
Maisie Goes to Reno (1944)
Ghosts on the Loose (La casa encantada, 1943)
Mighty Lak a Goat (1942)
Joe Smith, American (1942)
Premios[editar]
Premios Óscar[editar]
Categoría Película Resultado
Mejor Actriz Mogambo Nominada
Globos de Oro[editar]
Categoría Película Resultado
Mejor Actriz - Drama La Noche de la Iguana Nominada
Premios BAFTA[editar]
Categoría Película Resultado
Mejor Actriz Bohwani Junction Nominada
Mejor Actriz La Hora Final Nominada
Mejor Actriz La Noche de la Iguana Nominada
Festival Internacional de Cine de San Sebastián[editar]
Categoría Película Resultado
Mejor Actriz La Noche de la Iguana Ganadora
Libros[editar]
Gardner, Ava ([1990] 1995): Ava, con su propia voz / traducción y prólogo de Lucía Graves - Barcelona : Grijalbo Mondadori, 1995 - ISBN 84-253-2746-6 - Traducción de: Ava, My Story. London : Bantam Press, 1990.
Juan Carlos Prats - "Ava Gardner, la diosa descalza" / editorial JC Clémentine (Madrid, 2000)
Serrano Cueto, José Manuel: Ava Gardner. De la A a la Z - Madrid: Jaguar, 2007.
"Beberse la vida, Ava Gardner en España", de Marcos Ordóñez, 2004, editorial Aguilar, Madrid
"Ava", una biografía de Roland Flamini, 1983, Coward, McCann & Geoghegan Publishers
"Los hombres de Ava", de Jane Ellen Wayne, 1990
"Ava Gardner, beautiful, wild, innocent", 2002, de Gilles Dagneau, Editorial Gremese
"Grabtown Girl", 2001, de Doris Rollins Cannon, Editorial Down Home Press
"Mitos de Cano" 2009, Paco Cano y Andrés Amoros edt: Rom editors
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Liz Taylor

13

Liz Taylor

(Dame Elizabeth Rosemond Taylor, también llamada Liz Taylor; Londres, 1932 - Los Ángeles, 2011) Actriz estadounidense de origen británico. Hija de emigrados estadounidenses en el Reino Unido, regresó con ellos a Estados Unidos poco antes de la Segunda Guerra Mundial. Tras participar en varias... Ver mas
(Dame Elizabeth Rosemond Taylor, también llamada Liz Taylor; Londres, 1932 - Los Ángeles, 2011) Actriz estadounidense de origen británico. Hija de emigrados estadounidenses en el Reino Unido, regresó con ellos a Estados Unidos poco antes de la Segunda Guerra Mundial. Tras participar en varias comedias de escasa calidad, en 1950 alcanzó su primer éxito comercial y crítico con El padre de la novia. Durante las décadas de 1950 y 1960 se convirtió en una de las mayores estrellas del firmamento de Hollywood gracias a su presencia en títulos tan significativos como Gigante (1956), La gata sobre el tejado de cinc (1958) o la por aquel entonces película más cara de la historia, Cleopatra (1963), filmes en los que supo explotar con maestría su turbador atractivo sexual. Tan famosa por su carrera cinematográfica como por su vida sentimental (contrajo matrimonio en ocho ocasiones), recibió dos Oscar por sus papeles en Una mujer marcada (1960) y ¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966). Célebre asimismo por su labor humanitaria en la lucha contra el sida, fue por este último motivo galardonada con el Premio Príncipe de Asturias a la Concordia en 1992.


Elizabeth Taylor

Alentada por su madre, que también piso las tablas en otro tiempo, Elizabeth Rosemond Taylor debutó como actriz cuando era aún una niña; su predisposición y un extraordinario atractivo físico, que habría de acompañarle hasta su madurez, llamó pronto la atención de los ejecutivos de Hollywood. Tras su efímero paso por la Universal, la Metro Goldwyn Mayer le ofreció un primer papel interesante en La cadena invisible (1943), de Fred Wilcox, al lado de la famosa perra Lassie.

Con esta película inició una carrera en la Metro Goldwyn Mayer que se prolongaría durante veinte años. De temperamento dulce, pero no por ello empalagoso, los papeles infantiles que interpretó la hacían parecer casi angelical, aunque al mismo tiempo emitía un gran magnetismo y sensualidad. Sus ojos color violeta, su acento y una madurez impropia de su edad hacían imposible que pasase desapercibida.

Ya en su adolescencia y en su primera juventud, los estudios de la Metro empezaron a no saber muy bien qué hacer con ella, pues no se acoplaba a los estereotipos de las chicas estadounidenses. Desde finales de la década de los cuarenta y principios de los cincuenta interpretó por lo general a muchachas ricas de luminosa belleza, aunque también existían trabajos donde demostraba poseer un inteligente sentido del humor y una personalidad fuerte y apasionada. Películas de cierta relevancia y enorme éxito fueron jalonando aquellos años: El coraje de Lassie (1946), de Fred Wilcox; Mujercitas (1949), de Mervyn LeRoy; Traición (1950), de Victor Saville; o El padre de la novia (1950), de Vincente Minnelli, entre otras.

Marcada por una serie de matrimonios fallidos, la actriz fue dejando de lado el tipo de cine que había hecho para aceptar proyectos de mayor fuerza. Películas históricas como Quo Vadis? (1951), de LeRoy, e Ivanhoe (1952), de Richard Thorpe, anticiparon en una década uno de sus personajes más famosos, Cleopatra. Su figura fue adquiriendo gran popularidad, y sus interpretaciones ganaron en profundidad psicológica. Así, en Gigante (1956), de George Stevens, La gata sobre el tejado de zinc (1958), de Richard Brooks, o Una mujer marcada (1960), de Daniel Mann, por la que consiguió su primer Oscar, encarnó mujeres de personalidad compleja que se enfrentaban a situaciones difíciles con valor y madurez.


Con Paul Newman en
La gata sobre el tejado de zinc (1958)

Fue perdiendo así el aura de joven delicada e infantil, y empezó a sentirse atraída por papeles de mujeres duras que sufren presiones psicológicas, un estilo que iba a ser una constante a lo largo del resto de su carrera, quizá porque tales interpretaciones permitían reflejar su propia personalidad; su experiencia vital le había hecho pasar por difíciles situaciones a lo largo de sus múltiples matrimonios.

Un hito en su carrera lo marcó Cleopatra (1963), de Joseph L. Mankiewicz, y su relación con Richard Burton, que se inició durante el rodaje de esta película. Elizabeth Taylor interpretó a la reina de Egipto a cambio de un millón de dólares, cifra astronómica para una actriz en aquellos años. La actriz era consciente de su elevado estatus y de que todo el mundo la consideraba una estrella. Sus caprichos la fueron haciendo antipática, y su salud comenzó a mostrar su fragilidad. Con Burton, con el que se casó en dos ocasiones, vivió el romance más tempestuoso y el que más honda huella dejó en su vida privada y profesional.


Elizabeth Taylor en Cleopatra (1963)

Su papel en ¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966), de Mike Nichols, le valió su segundo Oscar y fue el detonante de un cambio radical en su carrera. La mujer alcoholizada, de lengua afilada y que ha dejado de ser joven, le permitió mostrar nuevas facetas de su personalidad, algo por lo que ella había luchado desde que encarnara a la esposa de Rock Hudson en Gigante. Desde entonces, y en títulos como La mujer indomable (1966), de Franco Zefirelli; Reflejos en un ojo dorado (1967), de John Huston; o La mujer maldita (1968), de Joseph Losey, fue rebelándose contra el academicismo y la edulcoración de aquellos primeros trabajos en la Metro Goldwyn Mayer con los que se había dado a conocer.

En 1981, ya en plena madurez, debutó en Broadway en un montaje de La loba, de Lillian Hellman. En sus últimos años intervino en programas y en episodios de diversas series de televisión (Hotel, The Whoopi Goldberg Show, Roseanne, Hight Society, Murphy Brown y La niñera, entre otros). Alejada por un lado de su profesión, no escatimó sin embargo sus apariciones públicas, en las que adoptó a menudo una imagen barroca, exhibiendo su obsesiva afición a las joyas, y actuando con una acusada teatralidad que siempre dio la sensación de ser premeditada, un escudo para poder prescindir hasta cierto punto de sus atributos de gran estrella.

Desarrolló a la vez una importante actividad para ayudar a los enfermos de sida en Estados Unidos, y en 1993 recibió un Oscar honorífico. En octubre de 2009 la actriz ingresó en un hospital de Los Ángeles para ser sometida a una operación del corazón. Dos años después, con su fallecimiento en Los Ángeles, desaparecía un capítulo imprescindible de la historia del Hollywood dorado, una actriz mítica destinada a perdurar en el recuerdo no sólo por su atractivo físico sino principalmente por la fuerza de sus emotivas interpretaciones.





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14

Rita Hayworth

Se llamaba Margarita Carmen Cansino y sus padres eran descendientes de irlandeses y mexicanos. Había sido bailarina y un día la llevaron a una ciudad espectacular, Hollywood. Esto ocurrió cerca de 1935, en los viejos estudios de la Fox. Rita fue el símbolo de una belleza particular. Su rostro... Ver mas
Se llamaba Margarita Carmen Cansino y sus padres eran descendientes de irlandeses y mexicanos. Había sido bailarina y un día la llevaron a una ciudad espectacular, Hollywood. Esto ocurrió cerca de 1935, en los viejos estudios de la Fox.

Rita fue el símbolo de una belleza particular. Su rostro estaba dibujado en cada avión de combate de la segunda guerra mundial. Fue amada por su marido Orson Welles, y el príncipe Alí Khan, de quien tuvo hijos. Rita hizo con Welles La dama de Shangai, en 1948, una de las películas más originales y discutidas del realizador. Ya se habían separado y tenían el mejor derecho a no seguirse viendo, pero en los pasillos de Hollywood se supo que, si no fuera por Rita, Welles no habría convencido a la empresa Columbia de que se le permitiera volver a dirigir.


Rita Hayworth

En ese momento Rita tenía en el cine norteamericano la importancia que después alcanzó Marilyn Monroe. Fue la mujer más deseada en su tiempo: fue la novia de Hollywood. Ella nunca sintió tener límites. Ni en su carrera, ni en su vida. Su límite fue siempre la secreta y pública admiración de los hombres.

El padre le enseñaba a bailar y ella lo adoraba. En el cine llegó a lograrlo de la mano de dos genios en la materia: Gene Kelly y Fred Astaire. Protagonizó un pequeño papel en El infierno del Dante, otro en Charlie Chan en Egipto y otras dos docenas de títulos condujeron a Rita Hayworth hasta Sólo los ángeles tienen alas en 1939, Ay qué rubia, Sangre y arena, Seis destinos, Las modelos y sobre todo Gilda, que la consagró como una gran estrella de Hollywood; película por la cual se inmortaliza la tremenda bofetada a Glenn Ford, que todavía se recuerda como una de las secuencias más impresionantes del cine de todos los tiempos.

Rita Hayworth vivió apresuradamente hasta el final, por el gran temperamento que la caracterizaba. Pese a que filmó más de 60 películas, nunca ganó un Oscar, pero no por eso dejaba de ser una gran actriz. La carrera de Rita descendió lentamente en 1972 y después se fue oscureciendo lentamente como en un ocaso tibio que no dejaba rastro en el pasado.


Rita Hayworth, una belleza deslumbradora

En 1976 visitó Argentina pero ya la enfermedad se adueñaba de su ser. Esta heroica mujer creía enfrentar su enfermedad: el mal de Alzheimer, enfermedad que afecta los centros nerviosos, la mente. Esto provocó que se hablara muchas cosas de ella, que estaba alcoholizada o drogada. Lejos de una realidad tan triste y tan trágica que ella no podía afrontar. La enfermedad le iba devorando su capacidad de inteligencia. La enfermedad la llevó a que todo lo suyo se adormeciera lejos de la realidad.

Lo cierto es que falleció a los 68 años de edad. Uno de sus amigos, Glenn Ford, contaba al conocer su muerte: "Estoy triste, una querida amiga me ha dejado sólo. Ver sus imágenes, sentir el halo que desprenden, hace más terrible pensar en su lento deterioro. Pocas como ella lograron hacer brillar tanto la magia del cine. Y ninguna pudo brillar tan alto y con tanta alegría de vivir".



Rita es parte de una leyenda que hoy cuesta llegar a entender, todo lo maravilloso de aquel momento donde ni siquiera ella misma puede reconocer la que fue ayer. Hoy podemos construir sólo una vaga fantasía de aquella mujer inmortal por la que nuestros tíos y abuelos quedaron marcados en una época lejos de ésta.

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Jane Birkin

15

Jane Birkin

Biografía[editar] Jane Birkin nació en Londres el 14 de diciembre de 1946, siendo la segunda hija del Mayor David Birkin y de la actriz y cantante Judy Campbell. En la primera mitad de los sesenta se introduce de lleno en el ambiente pop del Swinging London y debuta como actriz a los 17 años... Ver mas
Biografía[editar]
Jane Birkin nació en Londres el 14 de diciembre de 1946, siendo la segunda hija del Mayor David Birkin y de la actriz y cantante Judy Campbell.
En la primera mitad de los sesenta se introduce de lleno en el ambiente pop del Swinging London y debuta como actriz a los 17 años. En esa época conoce al compositor John Barry (compositor del famoso tema de James Bond), quien le anima a debutar como cantante y con el que acaba casándose a los 19 años.
En la película Blow Up (1966) de Michelangelo Antonioni protagoniza su primera escena polémica (aparece desnuda), lo que provoca un gran escándalo en su ciudad natal.
Tras el fracaso matrimonial y el nacimiento de su hija Kate (1967-2013), en 1967, Jane desembarca en Francia. Allí conoce a Serge Gainsbourg, con quien forma una de las parejas de moda en la escena parisina, donde se hacen célebres en 1969 con Je t'aime... moi non plus, canción sensual y provocadora que convierte en un éxito mundial los suspiros de Jane haciendo el amor con su compañero. En 1971 nace su hija Charlotte Gainsbourg, una actriz y cantante reconocida.
Una voz frágil, tenue, siempre a punto de romperse permaneció como su marca distintiva y fue utilizada con inteligencia por Gainsbourg, que adaptó sus canciones al timbre de voz de Jane, componiendo varias obras especialmente para que ella las interpretara. Permanecieron juntos durante 12 años, convirtiéndose en una pareja popular para el público y los medios. A principios de los años 1980, su vida personal y profesional sufrió un duro revés debido a su separación de Serge Gainsbourg.

Con Dirk Bogarde
en Cannes. 1990.
En 1982 tuvo otra hija, Lou Doillon, también actriz, con el director de cine francés Jacques Doillon.
Serge Gainsbourg continuó componiendo para ella, pero sus canciones se volvieron solemnes, complejas y sutiles. Su disco Baby alone in Babylone fue un gran éxito en 1983.
En 1987, dio su primer concierto en la sala parisina Bataclan. Hizo una actuación en el Casino de París en 1991 dos meses después de la muerte de Gainsbourg y le dedicó el concierto. También le rindió homenaje en Londres en septiembre de 1994 para darle reconocimiento en su tierra natal.
En 1998, publicó su primer disco sin Serge Gainsbourg, A la légère, con canciones escritas por 12 compositores contemporáneos franceses.
En 1999, Jane Birkin conoció al músico Djamel Benyelles que orientalizó algunos de los temas de Gainsbourg como Elisa, Couleur Café o Comment te dire adieu.
En 2017, publicó su decimotercer álbum de estudio "Birkin-Gainsbourg le symphonique" un disco con versiones clásicas de sus canciones más famosas1​
Relaciones sentimentales[editar]
John Barry
Jane dio sus primeros pasos ante las cámaras en 1964 en The Knack ... y cómo conseguirlo. Durante ese rodaje conoció a los diecisiete años al compositor John Barry, con quién se casó a la temprana edad de 19. Al poco tiempo, en 1967, tuvieron una hija, Kate (diseñadora de moda y posteriormente fotógrafa, quien se suicidó en 2013).2​ El matrimonio duraría tres años y más tarde se divorciarían.
Serge Gainsbourg
Poco después, en un viaje a Francia conoció al que sería el gran amor de su vida: el cantautor Serge Gainsbourg, una de las figuras máximas del pop francés del siglo XX. Jane y Serge contrajeron matrimonio en 1968, y comenzaron así una sociedad creativa que se extendió por dos décadas. Jane Birkin y Serge Gainsbourg –ese poeta maldito, eternizado con su voz ronca y sus Gitanes en primer plano en la tapa de sus discos– se transformaron en una pareja, que encandiló a su generación. Nada de lo que hacían pasaba inadvertido. De ese matrimonio con Gainsbourg, nació la actriz y cantante Charlotte Gainsbourg. La pareja se separó, pero siguieron haciendo canciones juntos hasta el fallecimiento de Serge, en 1991.
Jacques Doillon
De la relación con su tercera pareja, el director de cine francés Jacques Doillon, nació su hija la actriz y modelo Lou Doillon en 1982.
Filmografía parcial[editar]

Charlotte Gainsbourg y Jane Birkin en el 2010.
Siete muertos en el ojo del gato (1973)
El knack... y cómo conseguirlo (1965)
Blow-Up (1966)
Wonderwall (1968)
La piscina (1969)
Demasiado bonitas para ser honestas (Trop jolies pour être honnêtes) (1972)3​
Muerte en el Nilo (1978)
La miel (1979)
Egon Schiele Exsesse (Fiebre y pasión. la vida de Egon Schiele) (1980)
Muerte bajo el sol (1981)
Dust (1985)
Soigne ta droite (1987)
Nuestros (días felices) (1990)
La bella mentirosa (1991)
Oscuros recuerdos (1995)
On connaît la chanson
La hija de un soldado nunca llora (1998)
Merci, docteur Rey (2002)
La tête de maman (2007)
Discografía[editar]
1969 - La Chanson du Slogan
1973 - Di Doo Dahs
1975 - Lolita Go Home
1978 - Ex-Fan des Sixties
1983 - Baby Alone en Babylone
1987 - Lost Songs
1987 - Jane Birkind au Bataclan
1990 - Amours des feintes
1992 - Jane Beak.
1992 - Intégrale au Casino de Paris
1996 - Versions Jane
1996 - Intégrale à l'Olympia
1998 - The Best Of the floor
1999 - À la legère
2002 - Arabesque
2004 - Rendezvous
2006 - Fictions
2008 - Enfants d'Hiver
Vídeo[editar]
Arabesque. Voyage (1DVD + 1CD). Capitol, 2002-2004.
Condecoraciones[editar]
En 1989 rechazó la Légion d'honneur (Francia).
En 2001 fue condecorada como Caballero de la Orden del Imperio Británico por la reina Isabel II (Reino Unido).
En 2004 fue nombrada Chevalier de l'Ordre national du mérite por el ministro francés de Asuntos Exteriores.
También fue nombrada Chevalier des Arts et Lettres (Francia).
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Sophia Loren

16

Sophia Loren

(Sofia Villani Scicolone; Roma, 1932) Actriz de cine italiana. Su padre era un ingeniero y barón siciliano que abandonó a la familia cuando nació su hermana María. Fue educada por su madre en Pozzuoli, un pequeño pueblo cerca de Nápoles. A los 11 años se sintió ya atraída por el mundo de las... Ver mas
(Sofia Villani Scicolone; Roma, 1932) Actriz de cine italiana. Su padre era un ingeniero y barón siciliano que abandonó a la familia cuando nació su hermana María. Fue educada por su madre en Pozzuoli, un pequeño pueblo cerca de Nápoles. A los 11 años se sintió ya atraída por el mundo de las películas norteamericanas, las cuales eran muy populares en Italia. Sin embargo, antes se dedicó a estudiar Magisterio, aunque nunca llegaría a terminarlo.


Sophia Loren

En 1949 logró quedar bien clasificada en un concurso de belleza: obtuvo el segundo puesto en el concurso de "Princesa del Mar", en Nápoles, y en 1950 fue nombrada Miss Elegancia en otro concurso que tuvo lugar en Roma, la elección de Miss Italia (que no llegó a conseguir). Debutó en el cine como figurante, en esos mismos años, en películas como Quo Vadis? (1951), de Mervin Leroy, al tiempo que participaba en fotonovelas, donde trabajó con el pseudónimo de Sofia Lozzaro. Comenzaron a surgirle oportunidades en el mundo del cine, en parte debido a su gran belleza, opulenta y generosa, que suponía un fuerte anzuelo con el que atraer a los espectadores.

A lo largo de los primeros años cincuenta intervino en un serie de películas de escasa importancia. Conoció al productor de cine Carlo Ponti, mucho mayor que ella, con quien se casó en 1957. Carlo Ponti se convirtió en su mentor y haría de ella una de las personalidades más importantes de la historia del cine. A partir de ese cambio en su situación, Ponti la hizo participar en películas irregulares, aunque de cierto impacto en la época, como es el caso de Hombre o demonio (1953), de Pietro Francisci. Luego protagonizó La ladrona, su padre y el taxista (1955), de Alejandro Blasetti.

Bajo los auspicios de su marido, recibió la llamada de Hollywood y trabajó en La sirena y el delfín (1956), de Jean Negulesco, y Orgullo y pasión (1957), de Stanley Kramer, ambientada en la guerra de la Independencia española y con un elenco en el que participaban Cary Grant y Frank Sinatra (se dice que Grant trató durante el rodaje de entablar un romance con la bella italiana, pero sus intentos no prosperaron). También tuvo la oportunidad de trabajar con John Wayne en Arenas de muerte (1957), con dirección de Henry Hathaway.

En 1960, ya con un estilo más perfeccionado y convertida en una verdadera actriz, consiguió el Oscar a la mejor interpretación femenina por su impresionante trabajo en Dos mujeres, que dirigió Vittorio de Sica, y cuya acción se sitúa en la Italia de la Segunda Guerra Mundial, durante la llegada de las tropas aliadas. De esta película rodó una versión televisiva años más tarde. La maggiorata, la piazzola, se había convertido en una mujer con clase y distinción, por obra y gracia de su inteligencia y de su Pigmalión, Carlo Ponti.


Sophia Loren en La caída del Imperio Romano (1964)
y Arabesco (1966)

Cuando el productor Samuel Bronston preparaba el rodaje de El Cid (1961), que habría de llevar a cabo Anthony Mann, y tras descartar a Sara Montiel, le dio a Sophia Loren el papel de Jimena. La película, en clave de western, con guión de Philip Yordan, construía una interesante y extensa historia sobre el héroe español de la Edad Media. Junto a Charlton Heston, resultó una pareja con más atractivo y química de lo que podía pensarse en un principio.

Volvió a Italia y rodó, de nuevo a las órdenes de De Sica, Boccaccio 70 (1961) y Los secuestrados de Altona (1962), dos películas con ambición de calidad, dentro de un cine europeo que empezaba a perder la batalla frente al norteamericano, entre otros motivos por ir enfocado más a un público intelectual que al mayoritario; el cine europeo, en definitiva, estaba bien considerado por la crítica, aunque se le tachaba de ser demasiado coyuntural. En estas fechas regresó al cine espectáculo con La caída del Imperio Romano (1964), una nueva producción de Bronston dirigida por Anthony Mann.

A finales de los sesenta y durante los setenta trabajó en una serie de películas italianas que tuvieron buena acogida de público. La Loren se había convertido en una auténtica estrella, que podía permitirse cualquier tipo de papel y cuyo trabajo se situaba más allá de las críticas, que solían valorarla por encima de muchos de los títulos en los que encarna a la protagonista. Era "una gran dama"; tenía más de cuarenta años y su físico se había tornado elegante. No recordaba ya a la muchacha de las fotonovelas de sus comienzos. Pero, además, era una excelente actriz. Entre las películas de este periodo se pueden citar Los girasoles (1969), de Vittorio de Sica, Mortadela (1971), de Mario Monicelli, y la excelente Una jornada particular (1977), de Ettore Scola.



A finales de los años ochenta se redujo su participación en películas, pero mantuvo su popularidad y su fama entre una sociedad que la ha convertido en uno de sus símbolos de referencia. En 1994 apareció junto a Marcello Mastroianni en Prêt-a-porter, una película de Robert Altman con resultados bastante malos en taquilla, a pesar de contar con un gran número de actores "comerciales" provenientes del cine estadounidense, pero que, con todo, no dejaba de ser una especial crítica de muchos de los tics del mundo de la moda.

Sophia Loren fue la gran diva del cine europeo y el prototipo de la belleza mediterránea, pero, también, una mujer que supo recorrer un camino que le llevó de la simpática vulgaridad a ser considerada una gran señora del mundo del cine. Además del Oscar, obtuvo el Cesar honorífico del cine francés. En 1994 fue galardonada con un Globo de Oro y en 1995 recibió el Nastro de Argento italiano. En 1997 recibió la Orden de Caballero de la República de manos del presidente italiano Oscar Luigi Scalfaro, lo que sumía en el olvido los años en que fue juzgada y hasta encarcelada por evasión de divisas.



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Jane Fonda

17

Jane Fonda

Jane Fonda nació un 21 de diciembre de 1937, en la ciudad de Nueva York, en Estados Unidos. Su nombre completo es Jane Symour. Su padre era el famoso actor Henry Fonda y su madre, Frances Seymour Brokaw. Ambos pertenecían a una familia aristocrática. Ella era la segunda esposa de su padre, quién... Ver mas
Jane Fonda nació un 21 de diciembre de 1937, en la ciudad de Nueva York, en Estados Unidos. Su nombre completo es Jane Symour. Su padre era el famoso actor Henry Fonda y su madre, Frances Seymour Brokaw. Ambos pertenecían a una familia aristocrática. Ella era la segunda esposa de su padre, quién ya tenía una hija y soñaba en este matrimonio con tener el varón deseado. Su presagio no se cumplió. Enseguida, nació la pequeña Jane y dos años más tarde su hermano, Peter.

Este hecho le hacía sentir que su padre no le daba el afecto que necesitaba, y que la rechazaba continuamente. La relación, de muchos años, fue muy conflictiva en gran parte de su vida. Quizás esta pequeña buscaba tener una relación mejor con su padre y es por eso que le gustaban tanto las actividades que a él lo hacían feliz. Por eso, de niña se dedicaba a ayudar a cuidar su huerta y le gustaba mucho andar a caballo. Contaba el padre: "Ella quiere ser como yo".

Al padre le gustaban demasiado las mujeres y poco a poco fue decayendo su matrimonio. Hasta que inevitablemente llegaron los problemas conyugales, que afectaron la salud psicológica de su madre. El suicidio era lo que se acercaba. Y tristemente llego de la forma más cruel, cuando decidió cortarse el cuello con una cuchilla de afeitar. El padre, en vez de contarles la realidad tal cual fue, decidió mentirles, diciendo que su madre falleció de un ataque al corazón.

Esta mentira terminó de destruir a los hermanos Fonda. Más tarde, al enterarse la verdad a través de las revistas, Peter intenta suicidarse de un tiro en el vientre y Jane comienza a enfermar de bulimia con dependencia compulsiva. Su vida dependía de diuréticos y anfetaminas para no comer y no engordar. Fue presa de esta enfermedad por más de veinte años.



Jane estudió pintura en París. Se formó como actriz en EE.UU., en el Actor's Studio, de la mano de Marlon Brando y Paul Newman. Ahí comienza a dar sus primeros pasos como modelo para ganar su primer dinero. Pronto fue tapa de Vogue y otras revistas. Su vida amorosa se encontraba con nuevos festejantes, entre ellos James Franciscus.

A los 23 años protagonizó la película Me casaré conmigo, cuyo director fue Joshua Logan (amigo del padre). Cuatro años más tarde, realiza Los Felinos con Alain Delon, en Francia. Y ella confiesa a los medios de comunicación: "Sin duda, me enamoraré de Delon porque sólo sé interpretar bien escenas de amor cuando amo a mi pareja." Esto la llevó a tener una relación complicada con Romy Schneider, quien era su pareja del momento.

Otro amor de Jane Fonda fue Roger Vadim (descubridor de la famosa actriz Brigitte Bardot, con la que estuvo casado y de Catherine Deneuve, con quien acababa de tener un hijo). Vadim confesaba: "En Jane encontré un deseo básico que lleva las cosas al límite." En agosto de 1965, decide casarse porque esperaba su primera hija de Vadim, llamada Vanessa.

Fue la estrella de las películas clásicas de los 60 incluyendo Gata Negra y Barbarella. En Barbarella -con los trajes y corsés que eran dolorosos de usar- Jane Fonda es uno de los caracteres más memorables de la década, y los trajes, que anticipan teóricamente el 41º siglo, están entre ésos conectados lo más claramente posible con sensibilidades de los 60. En 1964 filma Juegos de amor a la francesa junto a Vadim. Dos años después, realiza La ingenua explosiva, La jauría humana, El engaño, y las Historias extraordinarias, basadas en los relatos de Edgar Alan Poe. Luego realizó con Robert Redford Descalzos en el parque.


En Barbarella (1968)

En 1968, consagrada por el público como una figura sexy, se suceden varios episodios trágicos por motivo de los cuales ella resuelve viajar a la India en busca de paz y abandona a su hija y marido. Los problemas sociales en su vida entran a tener difusión en los medios masivos de comunicación. Los episodios fueron el asesinato de Jennedy y de Luther King. En la India, la miseria y el hambre abundaban, la asustan y cambia de decisión. Vuelve a EE.UU. y encabeza una marcha en contra de la guerra de Vietnam.

Su carrera artística le dio grandes gratificaciones. Tuvo una primera nominación a los premios Oscar, por el título Danzad, danzad malditos. Luego logra obtener dos Oscar por Klute, donde encarna a una prostituta, y por El regreso. Esta última trata de una tragedia de veteranos en Vietnam. Mientras rodaba Klute se la vinculó sentimentalmente con Donald Sutherland.

En enero de 1973, con el fin de la guerra, Jane se casa nuevamente embarazada de un abogado activista, Tom Hayden. Seis meses después, nace su hijo Troy. A mediados del 70 protagonizó Julia, California suite, Roba sin mirar a quién y, nuevamente con Robert Redford, El jinete eléctrico.

A principios de la década del '80, con casi 50 años, se reconcilia con su padre. Por la película En el estanque dorado, que interpretaron los dos. El tema de la misma es la relación con problemas entre un padre y una hija que no logran entenderse. Y como si estuviera preparado el destino, en el dialogo de este film, por primera vez se dicen "te quiero".



En 1985, cuando recién había superado la bulimia, nos contaba lo siguiente: "Me encantaba comer, pero quería estar delgada. Comía y vomitaba de 15 a 20 veces al día". Esto no sólo fue debilitando su estado físico sino también la dañaba psicológicamente. Protagonizó Gringo viejo (1989) de Luis Puenzo y Cartas a Iris (1990), que fue su último trabajo en el cine con Robert de Niro. En esta misma década se dedica al negocio de los gimnasios y videos para mantener la forma, con el que logra ganar mucho dinero.

En los años 90 se separa de Hayden. Se dedica a cambiar su estética, a través de cirugías en los párpados y pechos y se quita unas costillas para realzar su cintura. En 1991 se casa con el conocido magnate de televisión Ted Turner; diez años más tarde se divorció. El problemas de esta simpática pareja era aparentemente las diferencias religiosas, para tomar la decisión de volver a actuar. Ted Turner fue el fundador de la CNN. Compraron la estancia "La Primavera", propiedad en las afueras de Bariloche, cerca de Villa Traful. El campo tenía cuatro mil cuatrocientas hectáreas de paradisíaca belleza, a ochenta kilómetros de Bariloche. La estancia había pertenecido a la familia Larriviere, quienes la compraron en los años 30, fueron expropiados en 1945 y la recuperaron en 1955. Por ésta le pedían 10 millones de dólares y la compró finalmente por 6,5 millones de dólares.

Hace siete años, Ted llegó a Buenos Aires con su alocada agenda de soltero ocasional (con Jane había venido antes del estreno del film Gringo Viejo; ella decidió en esa oportunidad trabajar como productora de programas especiales del canal TNT). Hizo una visita a la Casa Rosada y un paseo para conocer por el sur Argentino.



A principios de 2004, Jane Fonda anunció que volvería a actuar después de catorce años de ausencia. La película, Monstruo-en-Ley, es una comedia en la cual ella representa a la suegra anticipada de Jennifer López. Esta persona amable con público, humilde y muy educada, deja en su pasado la multiplicidad de personalidades en una. Jugaba continuamente con su público a ser un poco de todo. Un poco sex-symbol, otras veces a activista pacifista, como a la de actriz notable, y hasta la reina de la salud y de la aptitud, sin olvidar su papel de ser esposa siempre.

Todos estos roles a la vista y actuados dos o tres a la vez, hacen que el público se desconcierte absolutamente. Por eso es complicado cerrar parte su historia... porque hubo muchos matices en su escenario y quizás perdió demasiado tiempo en no haber elegido su verdadero color, por la avaricia de ser toda en una y no ser simplemente ella.

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Lana Turner

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Lana Turner

Biografía[editar] Lana Turner nació el 8 de febrero de 1921, en Wallace, Idaho (Estados Unidos), pero pronto se trasladó con su familia a las costas de California. Con apenas 16 años ya era una mujer de gran belleza y físico rotundo; pero no era buena estudiante y no acudía a muchas clases... Ver mas
Biografía[editar]
Lana Turner nació el 8 de febrero de 1921, en Wallace, Idaho (Estados Unidos), pero pronto se trasladó con su familia a las costas de California.
Con apenas 16 años ya era una mujer de gran belleza y físico rotundo; pero no era buena estudiante y no acudía a muchas clases. Así fue descubierta para el mundo del espectáculo. Un día en que se ausentó de una clase de mecanografía, fue vista por un cazatalentos mientras tomaba una bebida en un local público, y en poco tiempo fue puesta en contacto con el cómico Zeppo Marx, quien gestionaba una agencia de actores.
Primeros papeles[editar]
Su primera aparición en la pantalla grande consistió en un breve papel en la película Ha nacido una estrella (1937) de William A. Wellman. Ese mismo año consiguió mejores papeles en dos clásicos imprescindibles como The Great Garrick de James Whale y They won´t forget de Mervyn LeRoy. Otras películas como Andy Hardy se enamora (1938), junto a Mickey Rooney, o la comedia fantástica La pareja invisible (Topper, 1937) de Norman Z. MacLeod, junto a Cary Grant y Constance Bennett, hicieron que Lana Turner fuera más conocida debido a su imponente físico. Pero cuando verdaderamente saltó al estrellato fue en la década de 1940.
Tres maridos en cuatro años[editar]
Turner escondía tras su gran apariencia una personalidad emocionalmente inestable; de esto darían testimonio las muchas parejas que tuvo en vida.
Su primer matrimonio de los siete que contrajo, fue en 1940 con el músico Artie Shaw, al que conoció en el rodaje de Dancing Co-Ed (1939). Siete meses después de la boda se separaron.
En 1942 se casó de nuevo, con el actor Steve Crane, del que se divorciaría un año después, para reincidir en matrimonio con el mismo Crane, el mismo año de la separación. Con él tuvo a su única hija, Cheryl, tras un parto difícil que se prolongó 16 horas. Años después la actriz afirmaría: «Yo quise tener un marido y siete hijos, pero sólo tuve una hija y siete maridos».
Su vida sentimental era muy inestable. Tras su nuevo divorcio de Crane en 1944 se casó con el millonario Bob Topping y debido a sus ocupaciones crió a su hija Cheryl recurriendo a niñeras e ingresándola en internados, con una escasa relación maternal.
Apogeo en el cine[editar]
Durante estos años alcanzó la fama en títulos importantes como El extraño caso del Dr. Jekyll (1940) de Victor Fleming, donde trabajó junto a Spencer Tracy. En esos años se codeó con otros destacados actores como Lionel Barrymore en Calling Dr. Kildare, James Stewart en el musical Las chicas de Ziegfield (1940) de Robert Z. Leonard, Clark Gable en Quiero a este hombre (1941), Robert Taylor y Van Heflin en Senda prohibida, John Garfield en su película más memorable, El cartero siempre llama dos veces (1946), y con Gene Kelly en Los tres mosqueteros (1948).
Su actuación en El cartero siempre llama dos veces la lanzó al estrellato, confirmándose su popularidad con Cautivos del mal (1952) de Vincente Minnelli, donde trabajó con Kirk Douglas, y con Vidas borrascosas (1957) de Mark Robson. Por su papel en Vidas borrascosas Lana Turner obtuvo su única nominación a los Premios Óscar.
A sus constantes devaneos amorosos se le añadieron problemas con el alcoholismo. En 1953 se casó con el actor Lex Barker (el Tarzán más famoso de las pantallas después de Johnny Weissmüller) del que se divorció en 1957.
Asesinato, juicio y éxito de taquilla[editar]
En 1958 llegó la tragedia que marcó la cúspide mediática y luego el declive profesional de Lana Turner: durante una violenta discusión, su amante Johnny Stompanato, un mafioso tan seductor como violento, fue asesinado de una cuchillada por parte de la hija de la actriz, Cheryl Crane, de tan solo catorce años. Cheryl escuchó la pelea entre la pareja, y cuando él amenazó a Lana con rajarle la cara, la adolescente acudió con un cuchillo de cocina y se lo clavó en el estómago.
La relación entre Lana Turner y Stompanato había sido tormentosa casi desde el principio: él trabajaba como matón de la mafia y por consejo de sus jefes inició una relación con la actriz para introducirse en la industria del cine como productor. Pero era muy celoso y violento, y además ella era muy voluble y se interesaba por otros hombres. Semanas antes del crimen, ella rodaba una película en el Reino Unido con Sean Connery, y Stompanato sintió tales celos que se presentó en el set con una pistola; Connery tuvo que desarmarle retorciéndole un brazo. Las autoridades británicas expulsaron a Stompanato obligándole a coger un avión de vuelta a Estados Unidos. Poco después Lana Turner acudió a la entrega de los Óscars acompañada de un colaborador y no de Stompanato, para evitar la publicidad negativa pues era cosa sabida que él se movía en los bajos fondos. Esto y los deseos de Lana de cortar la relación desembocaron en la pelea con final dramático.
En el juicio por la muerte de Stompanato se airearon detalles de su tormentosa relación con Lana, y se manejaron cartas y testimonios que desvelaron las supuestas aficiones sadomasoquistas de ella. Ello acrecentó el escándalo y alimentó kilómetros de prensa amarilla, la cual comentó que la actriz bebía demasiado e incluso que Cheryl tenía celos de su madre, pues también ella se sentía atraída por Stompanato. La sospecha de que la asesina real de Stompanato era Lana y no su hija perduraría por décadas. El juicio dictaminó que Cheryl actuó en defensa propia ante el maltrato al que él las sometía. Por ser menor de edad Cheryl no había podido declarar. La joven pasó un tiempo en un centro de menores y su abuela fue su tutora por orden judicial.
Explotando la sensación mediática que Lana Turner suscitaba, los estudios Universal la contrataron para Imitación a la vida (1959) de Douglas Sirk, filme cuyo argumento (la difícil relación entre una madre y su hija) tenía cierto paralelismo con la vida real de la actriz. Con un estreno relativamente modesto, la película alcanzó un gran éxito de taquilla e hizo rica a Lana Turner, quien se había reservado el 50% de los beneficios; solamente en un año la actriz percibió 11 millones de dólares.
Alcoholismo y recuperación[editar]
Lana Turner inició la década de los años 60 con un nuevo matrimonio con Fred May, del que se divorciaría dos años más tarde. En apenas diez años se casaría dos veces más.
El asesinato de Stompanato empujó su carrera cinematográfica al declive. Sus apariciones en la cartelera se fueron haciendo menos profusas, y quizás tanto crítica como público infravaloraron su talento al limitarse a encarar el encasillamiento en melodramas típicos de la actriz. Entre sus filmes de esta época se puede destacar La mujer X (1966), donde compartió protagonismo con John Forsythe y Ricardo Montalbán.
La actriz vivió una etapa difícil en la década de 1970; consumía demasiada bebida y descuidó su alimentación, cayendo en una delgadez excesiva. Tras su último divorcio dio un giro a su vida: afirmó que optó por el celibato, sin más peripecias sentimentales. En 1980 declaró ser católica y que su fe renovada le había ayudado.
Falcon Crest[editar]
Se retiró definitivamente a finales de los 80, si bien participó en la teleserie Falcon Crest en el papel de Jacqueline Perrault Gioberti. En un principio fue contratada para la primera temporada como estrella invitada especial para un solo capítulo, si bien cuando la serie fue renovada para una segunda temporada fue contratada de nuevo con el mismo status anterior pero para intervenir en la mayoría de los capítulos de la segunda temporada.
Aunque los guionistas tenían previsto continuar con su papel en la tercera temporada, Turner se negó tajantemente a continuar, pues entendía que su personaje no daba para más, además de que su enemistad con Jane Wyman les obligaba a rodar las mínimas escenas posibles cuando estaban en el mismo decorado, dificultando enormemente el rodaje de escenas en las que ambas aparecían (se llegó a rumorear que no compartían plano porque rodaban sus escenas por separado y después las montaban en posproducción) y para asegurarse de que ni ella misma podría cambiar de opinión, exigió que su personaje fuese una de las víctimas del tiroteo de Julia en la Casa Victoriana, asegurando el suspense de la segunda temporada.
A pesar de la muerte del personaje de Jacqueline, esta siguió teniendo una importancia vital en toda la tercera y cuarta temporadas a través de argumentos y sucesos retroactivos y hasta principios de la séptima temporada todavía era constantemente nombrada pues siempre se descubrían sucesos y secretos, dejando la sombra de la interpretación de Turner en las dos primeras temporadas como un recuerdo imperecedero en la serie.
Romances[editar]
Además de sus siete matrimonios, mantuvo relaciones con Howard Hughes, Clark Gable, Frank Sinatra, Errol Flynn, Victor Mature, Fernando Lamas, Tyrone Power y Luis Miguel Dominguín.
Últimos años[editar]
Fue galardonada en 1994 con el Premio Donostia del Festival de cine de San Sebastián. Al acudir a la ciudad supo que entre las estrellas invitadas también estaba Mickey Rooney, al que detestaba pues él había publicado un libro de memorias en el que afirmaba que en su juventud mantuvo un romance con ella y tuvieron una hija secreta. El enojo de la actriz era tal, que en una rueda de prensa en el festival escupió cuando le mencionaron el nombre de Mickey Rooney. Por suerte, no llegaron a verse.
Murió el 29 de junio de 1995 en California, víctima de un cáncer, a la edad de 74 años. Había sido tratada de la misma enfermedad en 1992, con éxito, pero recayó en julio de 1994.
Su testamento y el reparto de sus bienes generó un litigio, pues su hija Cheryl apenas recibió algunos recuerdos personales y 50.000 dólares, mientras que el resto de la herencia (supuestamente valorada en más de un millón) lo recibía una cuidadora de la actriz, de origen hispano: Carmen Lopez. Ésta había trabajado al servicio de Lana Turner durante 45 años y la cuidó también durante los últimos tiempos de su enfermedad, mientras que la hija de la actriz se desentendió de ella. El conflicto judicial por la herencia proseguía aún en 2001.
Filmografía[editar]

Turner y Spencer Tracy en Dr. Jekyll y Mr. Hyde.
Ha nacido una estrella (1937) (escenas eliminadas del montaje final)
They Won't Forget (1937)
La pareja invisible (1937)
El Gran Garrick (1937)
Las aventuras de Marco Polo (1938)
Andrés Harvey se enamora (1938)
The Chaser (1938) (escenas eliminadas del montaje final)
Four's a Crowd (1938)
Rich Man, Poor Girl (1938)
Dramatic School (1938)
Calling Dr. Kildare (1939)
These Glamour Girls (1939)
Dancing Co-Ed (1939)
Two Girls on Broadway (1940)
We Who Are Young (1940)
Las chicas de Ziegfeld (1941)
El extraño caso del doctor Jekyll (1941)
Quiero a ese hombre (1941)
Senda prohibida (1942)
Te encontraré en alguna parte (1942)
Strictly G.I. (1943)
The Youngest Profession (1943) (Cameo)
Slightly Dangerous (1943)
Show Business at War (1943)
Du Barry Was a Lady (1943) (Cameo)
Marriage Is a Private Affair (1944)
Keep Your Powder Dry (1945)
Fin de semana (1945)
El cartero siempre llama dos veces (1946)
La calle del Delfín Verde (1947)
Dos edades del amor (1947)
La rival (1948)
Los tres mosqueteros (1948)
A Life of Her Own (1950)
Mr. Imperium (1951)
La viuda alegre (1952)
Cautivos del mal (1953)
Mi amor brasileño (1953)
The Flame and the Flesh (1954)
Brumas de traición (1954)
El hijo pródigo (1955)
El zorro de los océanos (1955)
Las lluvias de Ranchipur (1955)
Diane (1956)
Vidas borrascosas (1957)
Escala en Tokio (1958)
Brumas de inquietud (1958)
Imitación a la vida (1959)
Retrato en negro (1960)
Poseídos por el amor (1961)
Soltero en el paraíso (1961)
Trampa a mi marido (1962)
Mil caras tiene el amor (1965)
La mujer X (1966)
El terrón de azúcar (1969)
El demonio de Sheba (1974)
Bittersweet Love (1976)
Conjuro de brujas (1980)
Thwarted (1991)
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Madonna Louise Veronica Ciccone1​ (Bay City, Míchigan, 16 de agosto de 1958), conocida simplemente como Madonna, es una cantautora, actriz y empresaria estadounidense. Pasó sus primeros años en Bay City y en 1977 se mudó a la ciudad de Nueva York para realizar una carrera de danza contemporánea... Ver mas
Madonna Louise Veronica Ciccone1​ (Bay City, Míchigan, 16 de agosto de 1958), conocida simplemente como Madonna, es una cantautora, actriz y empresaria estadounidense. Pasó sus primeros años en Bay City y en 1977 se mudó a la ciudad de Nueva York para realizar una carrera de danza contemporánea. Después de participar en dos grupos musicales, Breakfast Club y Emmy, en 1982 firmó con Sire Records (filial de Warner Bros. Records) y lanzó su álbum debut Madonna al año siguiente. Siguió lanzando una serie de álbumes en los que encontró una inmensa popularidad, superando los límites de contenido de las letras de sus canciones y explotando las imágenes en sus vídeos musicales, que a lo largo de su carrera se han convertido en piezas de arte.2​ Muchas de sus canciones han alcanzado el número uno en las listas musicales de varios países alrededor del mundo; sus mayores éxitos incluyen temas como «Like a Virgin», «Material Girl», «Papa Don't Preach», «La isla bonita», «Like a Prayer», «Express Yourself», «Vogue», «Frozen», «Ray of Light», «Music», «Hung Up» y «4 Minutes». Madonna ha sido elogiada por los críticos por sus producciones musicales y puestas en escena, dándole el título de «La Reina del Pop».3​
Su carrera se vio reforzada por sus papeles en diversas películas por las que ha recibido comentarios variados. Su protagónico más elogiado es el de Eva Perón para la película Evita de 1996, por el que incluso ganó un Premio Globo de Oro por mejor actriz de comedia o musical; pero ha recibido críticas negativas por otros papeles.4​ Otras ocupaciones de Madonna incluyen ser diseñadora de moda, escritora de libros infantiles, directora de cine y productora discográfica, además de que es dueña del sello discográfico Maverick. También es una aclamada empresaria, y en 2007, firmó un contrato de 120 millones de dólares con Live Nation.5​
Madonna ha vendido más de 300 millones de producciones musicales,6​7​ con lo que establece el récord mundial de «la solista más exitosa y de mayores ventas musicales de todos los tiempos», incluido en el Libro Guinness de los récords.8​ Según la Recording Industry Association of America (RIAA) es la solista con mayores ventas del siglo XX, y la segunda con mayores ventas en los Estados Unidos (detrás de Barbra Streisand) con 64 millones de álbumes certificados.9​ En el Reino Unido es la solista femenina con mayores ventas de sencillos en la historia, con 17,6 millones.10​
En 2008, la revista Billboard clasificó a Madonna en el número dos, detrás de The Beatles, en el Billboard Hot 100 All-Time Top Artists,11​ convirtiéndola en la solista más exitosa en la historia musical, además de ser incluida en el Salón de la Fama del Rock en el mismo año. De manera general, diversos biógrafos, escritores, periodistas y demás medios de comunicación la consideran como la mujer más influyente y exitosa de la historia musical.12​13​14​15​16​17​18​19​20​ Considerada como una de las figuras más influyentes en la música contemporánea, Madonna es conocida por reinventar continuamente tanto su música e imagen. Además es reconocida como una fuente de inspiración por varios artistas y por su gran legado a la cultura pop.1​
Vida y carrera[editar]
1958-1981: Niñez e inicios artísticos[editar]

Silvio Ciccone, padre de Madonna, con su esposa Joan Gustafson en una fotografía tomada en 2009.
Madonna Louise Ciccone nació en Bay City, Míchigan el 16 de agosto de 1958. Su madre, Madonna Louise Fortin, era de ascendencia franco-canadiense,21​ y su padre, Silvio Anthony Ciccone, es italo-americano.22​ La familia Ciccone es originaria de Pacentro, Italia; su padre emigró desde Europa para conseguir trabajo en América como ingeniero de diseño en Chrysler y General Motors. Madonna fue apodada «Little Nonni» para distinguirla de su madre.23​24​ Es la cuarta de seis hijos, sus hermanos mayores son Martin, Anthony y Paula y sus hermanos menores, Christopher y Melanie Ciccone.25​ Madonna fue criada en los suburbios de Detroit, Pontiac y Avon (ahora parte de Rochester Hills).
Su madre falleció de cáncer mamario a los 30 años en 1963, cuando Madonna tenía cinco años de edad.25​ Meses antes de su muerte, Madonna notó cambios en el comportamiento y personalidad de su madre, aunque no entendía la razón.26​ Al momento de intentar explicarle la condición médica que padecía a su pequeña hija, la señora Ciccone comenzaba a llorar, a lo cual Madonna respondía con un abrazo. «Recuerdo que me sentía más fuerte que ella», dijo Madonna, «yo era tan pequeña y aun así sentía como si ella fuese la niña».26​ Posteriormente, Madonna reconoció que no había comprendido la idea de que su madre estaba muriendo. «Hubo mucho que no se dijo, tantas emociones reprimidas y sin resolverse, el remordimiento, la culpa, la pérdida, la ira, la confusión. [...] Vi a mi madre, se veía tan hermosa simplemente recostada como si estuviera dormida en el ataúd abierto. Luego me di cuenta que su boca se veía rara. Me tomó un rato darme cuenta de que estaba cosida. En ese horrible momento entendí que la había perdido para siempre. La última imagen de mi madre, a la vez pacífica y a la vez grotesca, aún me asusta hoy».27​
Madonna finalmente aprendió a cuidar de sí misma y de sus hermanos, y volvió con su abuela con la esperanza de encontrar algún consuelo y alguna clase de figura materna en ella. Los hermanos Ciccone mantenían la casa en orden y se rebelaron invariablemente contra cualquiera que llegara a su hogar para ocupar el lugar de su querida madre.26​ En una entrevista con la revista Vanity Fair, Madonna comentó que en su juventud se vio a sí misma como una «chica solitaria que estaba buscando algo. Yo no era rebelde en cierta manera. Me preocupaba por ser buena en algo. No me afeitaba mis axilas y no usaba maquillaje como las otras niñas. Pero estudié y obtuve buenas notas... quería ser alguien».26​ Asustada por la idea de que su padre también se fuera, a menudo no podía dormir a menos que él estuviera cerca de ella.26​ Su padre se casó con el ama de llaves de la familia, Joan Gustafson, y tuvieron dos hijos: Jennifer y Mario Ciccone.28​ En este punto, Madonna comenzó a expresar sentimientos de ira hacia su padre, los cuales duraron décadas y desarrolló una actitud rebelde.26​ Asistió a las escuelas primarias de St. Frederick y St. Andrew, y al concluir, a la West Middle School. En la escuela fue conocida por su promedio alto y alcanzó notoriedad por su comportamiento poco convencional: hacía volteretas y piruetas en los pasillos entre las clases, se colgaba de sus rodillas en las barras de mono durante el receso y se levantaba la falda durante la clase, todo para que los chicos pudieran ver su ropa interior.29​

Bay City, ciudad natal de Madonna.
Más tarde, asistió a la Rochester Adams High School y fue una estudiante modelo, además de ser miembro del equipo de animadoras.25​ Después de graduarse, recibió una beca de danza en la Universidad de Míchigan.30​ Convenció a su padre para permitirle tomar clases de ballet31​ y fue persuadida por su profesor, Christopher Flynn, para seguir una carrera en el mundo de la danza.32​ A finales de 1977, Madonna dejó la escuela y se trasladó a la ciudad de Nueva York.33​34​ Tenía poco dinero, por lo que consiguió un trabajó como mesera en Dunkin' Donuts y con grupos de danza contemporánea.35​ Madonna dijo de su traslado a Nueva York: «fue la primera vez que viajé en avión y la primera vez que viajé en taxi. Vine aquí con 35 dólares en el bolsillo. Fue lo más valiente que he hecho».36​ Comenzó a trabajar como bailarina sustituta para otros artistas. Durante una noche, mientras regresaba de un ensayo, fue arrastrada hasta un callejón por un par de hombres y obligada a realizar una felación. Madonna comentó que «el episodio fue una prueba de mi debilidad, me demostró que todavía no podía salvarme a pesar de todo el look de chica fuerte. Nunca podré olvidarlo».37​ Mientras actuaba como bailarina para el cantante francés Patrick Hernandez en su gira mundial de 1979,29​ Madonna se implicó románticamente con el músico Dan Gilroy. Juntos formaron su primera banda de rock, Breakfast Club,28​38​ en donde Madonna cantaba y tocaba la guitarra y la batería. En 1980 dejó a Breakfast Club y, con su exnovio Stephen Bray como batería, formaron la banda Emmy. Su música impresionó al DJ y productor Mark Kamins, quien arregló un encuentro entre Madonna y Seymour Stein, fundador de la discográfica Sire Records.39​40​
1982-1985: Madonna, Like a Virgin y primer matrimonio[editar]

Madonna, acompañada de su banda, en 1985 durante la realización de la gira The Virgin Tour.
En 1982, Madonna firmó un contrato con Sire Records, un sello discográfico perteneciente a Warner Bros. Records.41​ Su primer sencillo, «Everybody», fue lanzado el 6 de octubre de ese año y el segundo, «Burning Up» se lanzó en marzo de 1983. Ambos se convirtieron en un éxito en Estados Unidos, alcanzando el número tres en la lista Hot Dance Club Play de Billboard.42​ Después de este éxito, comenzó a trabajar en su álbum debut Madonna, producido principalmente por Reggie Lucas. Sin embargo, la cantante no estaba contenta con las pistas terminadas y tuvo varios desacuerdos con las técnicas de producción de Lucas, por lo que decidió buscar ayuda adicional. Madonna acudió en busca de ayuda con su nuevo novio, John «Jellybean» Benitez, para terminar la producción del álbum. Benitez mezcló la mayoría de las pistas y produjo el tema «Holiday», que fue el tercer sencillo y su primer éxito internacional. En general, el sonido de Madonna es «disonante», cuyo estilo se asemeja a la música disco combinada con el sintetizador, utilizando algunas de las tecnologías recientes de la época, como la caja de ritmos LinnDrum, el bajo Moog y el sintetizador OB-X.39​43​ El álbum fue lanzado en julio de 1983 y alcanzó el número ocho en la lista Billboard 200 seis meses después, en 1984. También se lanzaron dos sencillos más, «Borderline» y «Lucky Star».44​45​
Me sorprendí por cómo reaccionó la gente ante "Like a Virgin" porque cuando grabé esa canción, para mí, estaba cantando sobre cómo algo me hizo sentir de cierta manera –renovada y fresca– y todos pensaron que cantaba que ya no quería ser virgen. ¡Joder! No tiene nada que ver con lo que canté. "Like a Virgin" fue siempre absolutamente ambigua.
—Madonna comentando sobre «Like a Virgin».46​47​
Gradualmente, el aspecto de Madonna, su forma de vestir, sus actuaciones y sus videos musicales comenzaron a influir en mujeres y niñas. Su estilo se convirtió en una moda femenina de la década de 1980, el cual fue creado por la diseñadora de joyería y estilista, Maripol. Este look, mezcla de estética punk y new romantic, consistía de tops con encaje, faldas encima de pantalones capri, medias de rejilla, joyería (que incluía un crucifijo y brazaletes) y el cabello aclarado.48​ Madonna logró el reconocimiento mundial después del lanzamiento de su segundo álbum de estudio, Like a Virgin en noviembre de 1984. Encabezó las listas de popularidad en varios países y se convirtió en su primer álbum que llegó al número uno en el Billboard 200.44​49​ La canción homónima, «Like a Virgin», encabezó la lista Billboard Hot 100 durante seis semanas consecutivas,45​ y atrajo la atención de las organizaciones familiares, quienes se quejaron de que la canción y su video promovían las relaciones sexuales prematrimoniales y socavaban los valores familiares,50​ razón por la cual intentaron censurarlos.51​ Madonna alimentó la polémica cuando interpretó la canción en la primera entrega de los MTV Video Music Awards, donde apareció en el escenario encima de un pastel de boda gigante, con un vestido de novia y un velo, adornado con su característica hebilla de cinturón «Boy Toy». Sorprendiendo a los técnicos que movían las cámaras, Madonna improvisó parte de su coreografía echándose al suelo y moviéndose sensualmente. Esta actuación es reconocida como una presentación icónica en la historia de MTV.52​ En años posteriores, Madonna comentó que estaba realmente aterrorizada por la actuación. Dijo, «recuerdo a mi mánager Freddy gritándome, '¡Oh, Dios mío! ¿Qué estabas haciendo? Llevabas un vestido de novia. ¡Dios mío! ¡Estabas rodando por el suelo!' Fue lo más valiente y lo más sexual que había hecho en la televisión».52​53​ El siguiente éxito fue «Material Girl», promovido por el video musical icónico, que era una imitación de la interpretación de Marilyn Monroe de la canción «Diamonds Are a Girl's Best Friend» de la película de 1953, Los caballeros las prefieren rubias. Mientras filmaba este video, Madonna comenzó a salir con el actor Sean Penn, con quien contrajo matrimonio en su cumpleaños número 27 en 1985.54​ Like a Virgin fue certificado con disco de diamante por la Recording Industry Association of America (RIAA) y vendió más de 25 millones de copias en todo el mundo.55​56​ En 1998, la Academia Nacional de Grabación de Artes y Ciencias y el Salón de la Fama del Rock lo clasificaron como uno de los mejores 200 álbumes de todos los tiempos.57​

Madonna estuvo casada con el actor Sean Penn (fotografía) desde 1985 hasta 1989.
Madonna entró al mundo del cine en 1985, comenzando con una breve aparición como cantante de un club en la película Vision Quest, una comedia romántica. La banda sonora de la película contenía dos nuevos sencillos, el éxito número uno en Estados Unidos, «Crazy for You» y también «Gambler».58​ Pero su despegue como figura cinematográfica fue gracias a la comedia Desperately Seeking Susan de 1985, una película donde sobresalía la canción «Into the Groove», el primer número uno de la cantante en el Reino Unido.59​ Aunque no era la actriz principal de la cinta, su participación fue tal que la película fue ampliamente vista (y comercializada) como un proyecto de Madonna.60​ La película recibió una nominación para un Premio César a la mejor película extranjera y el crítico de cine Vincent Canby, de The New York Times, la consideró como una de las diez mejores películas de 1985.61​
En abril de 1985, Madonna emprendió su primera gira musical por América del Norte, The Virgin Tour, con los Beastie Boys como su acto de apertura.62​ Madonna comentó: «Toda la gira fue una locura, porque fui de cantar en locales pequeños como CBGB y el Mudd Club a presentarme en estadios deportivos. Actué en un pequeño teatro en Seattle y las chicas usaban faldas con solapas, medias que llegaban por debajo de sus rodillas, guantes de encaje, rosarios, moños y aretes de aros grandes. [...] Después de Seattle, todos los espectáculos fueron trasladados a estadios».63​ En ese momento, lanzó dos sencillos más del álbum, «Angel» y «Dress You Up». En julio, las revistas Penthouse y Playboy publicaron una serie de fotografías en las que se mostraba a Madonna desnuda, las cuales habían sido tomadas en Nueva York en 1978 como fotografías artísticas, no destinadas a ninguna revista. Había posado para ellas porque necesitaba dinero en aquella época, aunque recibió sólo 25 dólares por la sesión.64​ La publicación de las fotos causó un alboroto en los medios de comunicación, pero Madonna permaneció desafiante y sin remordimientos. Las fotografías se vendieron por más de 100 000 USD.64​ En el concierto benéfico Live Aid de 1985, Madonna se refirió a esta experiencia cuando dijo que no se quitaría su chamarra porque «[los medios de comunicación] podrían reclamármelo dentro de diez años».65​66​
1986-1991: True Blue, ¿Quién es esa chica?, Like a Prayer y Dick Tracy[editar]

Madonna presentándose en Róterdam, Países Bajos, el 26 de agosto de 1987, como parte de la gira Who's That Girl World Tour.
En junio de 1986, se lanzó True Blue, el tercer álbum de estudio de Madonna, el cual estuvo inspirado por y dedicado a Sean Penn. De este se deprendieron tres sencillos que alcanzaron el número uno del Billboard Hot 100: «Live to Tell», «Papa Don't Preach» y «Open Your Heart»; además de dos sencillos que se colocaron dentro de las primeras cinco posiciones de la misma lista: «True Blue» y «La isla bonita».45​58​ El álbum encabezó las listas de popularidad de más de 28 países del mundo, un logro sin precedentes en aquel tiempo y es el álbum de estudio más vendido de su carrera, con ventas mundiales de 25 millones de copias.67​ Los críticos de la revista Rolling Stone quedaron impresionados con esta producción, al escribir que el álbum «suena como si saliera del corazón».68​ Ese mismo año, Madonna también protagonizó la película Shanghai Surprise, que recibió varias críticas negativas, al mismo tiempo que hizo su debut teatral en una producción de David Rabe, Goose and Tom-Tom, ambas coprotagonizadas con Penn.69​ Al año siguiente, se publicó el segundo largometraje de Madonna, ¿Quién es esa chica?. Aunque la película no fue bien recibida, la intérprete contribuyó con cuatro canciones a su banda sonora, destacando «Who's That Girl» y «Causing a Commotion».45​
En junio de 1987, se embarcó en la gira Who's That Girl World Tour, que continuó hasta septiembre. Con respecto a la gira, Madonna comentó: «me di cuenta que podría dejar de ser arcilla sin moldear, y con el tiempo y con la ayuda de los demás, me podría convertir en algo más. Esta gira es el reflejo de esa creencia y es como si me dijera '¿Quién eres tú, chica? De ahí el nombre, algo nuevo para mí».70​71​ Más tarde ese año, lanzó un álbum de remezclas de éxitos pasados, titulado You Can Dance, que alcanzó el puesto 14 en el Billboard 200.72​ Luego de una solicitud de divorcio anulada en diciembre de 1987, Madonna y Penn solicitaron el divorcio en enero de 1989, citando diferencias irreconciliables. El abogado de Madonna apuntó hacia el problema de alcoholismo de Penn y su carácter agresivo.73​ De su matrimonio con Penn, Madonna dijo más tarde, «estaba completamente obsesionada con mi carrera y de ninguna manera estaba lista para ser generosa».54​
En enero de 1989, Madonna firmó un acuerdo de respaldo con el fabricante de refrescos Pepsi. Su canción «Like a Prayer» debutó en uno de los comerciales de la empresa. El video musical correspondiente contó con muchos símbolos católicos, como los estigmas y cruces en llamas, así como un sueño sobre hacer el amor a un santo, lo que llevó al Vaticano a condenar el video. Varios grupos religiosos trataron de prohibir el comercial y boicotear los productos de Pepsi, quien retiró el comercial y canceló su contrato de patrocinio. Sin embargo, se le permitió a Madonna mantener su cuota de cinco millones de dólares por el comercial.25​ La canción fue incluida en su cuarto álbum de estudio, Like a Prayer, que fue coescrito y coproducido por Patrick Leonard y Stephen Bray.74​ El álbum recibió buenas críticas y Rolling Stone lo aclamó diciendo que era «...lo más cerca que la música pop puede estar del arte».75​ Like a Prayer alcanzó el número uno en el Billboard 200 y vendió más de 15 millones de copias en todo el mundo, con cuatro millones de copias vendidas únicamente en Estados Unidos.44​76​ Seis sencillos fueron lanzados del álbum, destacando la canción homónima, que alcanzó el número uno en varios países, «Express Yourself» y «Cherish», que llegaron al número dos del Hot 100.45​58​ A finales de la década de 1980, Madonna fue nombrada como la «artista de la década» por varios medios de comunicación, tales como MTV, Billboard y Musician.77​78​79​ Además, durante los primeros siete años de su carrera, a finales de la década de 1980, Madonna había vendido alrededor de 75 millones de discos en todo el mundo.80​
En Like a Prayer estuve lidiando con problemas más específicos que significan mucho para mí. Tratan sobre la asimilación de experiencias que he tenido en mi vida y en mis relaciones. Son acerca de mi madre, mi padre y mi unión con mi familia, sobre el dolor de morir, de crecer y de dejar las cosas atrás. Fue un disco para madurarme emocionalmente. [...] Tuve que realizar una búsqueda muy profunda en mi alma y creo que [el álbum] es un reflejo de esto.
—Madonna hablando sobre la inspiración detrás de Like a Prayer.81​82​
En 1990, Madonna actuó como Breathless Mahoney en la película Dick Tracy, al lado de Warren Beatty como protagonista.83​ Para acompañar la película, lanzó el álbum de banda sonora I'm Breathless, que incluía canciones inspiradas por la temática de la película ambientada durante la década de 1930. También incluía el éxito número uno en Estados Unidos, «Vogue»84​ y «Sooner or Later», este último le brindó al compositor Stephen Sondheim un Óscar a la mejor canción original en 1991.85​ Mientras filmaba la película, Madonna comenzó una relación con Beatty que se disolvió a finales de 1990.86​87​ En abril de 1990, comenzó su gira Blond Ambition World Tour, que continuó hasta agosto. Respecto a la gira, Madonna dijo «sé que no soy la mejor cantante y sé que no soy la mejor bailarina. Pero, puedo joder a la gente y ser tan provocativa como yo quiera. El objetivo de la gira es romper los tabúes inútiles».88​ Rolling Stone le llamó una «extravagancia con coreografía elaborada y sexualmente provocativa» y lo proclamó «el mejor tour de 1990».89​ La gira se encontró con la fuerte oposición de grupos religiosos por la interpretación de «Like a Virgin», durante la cual dos bailarines acariciaban su cuerpo antes de que ella simulara masturbarse.71​ El Papa pidió al público en general y a la comunidad cristiana no asistir al concierto.90​ Una asociación privada de católicos autodenominada Famiglia Domani también boicoteó la gira por su erotismo, mientras que el Vaticano la calificó como «uno de los espectáculos más satánicos en la historia de la humanidad».91​ 92​ En respuesta, Madonna comentó: «soy italo-estadounidense y estoy orgullosa de ello. [...] La gira de ninguna manera hiere los sentimientos de nadie. Es para gente de mente abierta y que le hacer percibir la sexualidad de manera diferente»; también declaró que la Iglesia «prohibió completamente el sexo... excepto para la procreación».93​ Se grabó un concierto para ser lanzado en formato Laserdisc, el cual le brindó a Madonna un Premio Grammy en 1992 para el mejor vídeo musical de formato largo.94​
En noviembre de 1990, se publicó el primer álbum de grandes éxitos de Madonna, titulado The Immaculate Collection. Este incluía dos canciones nuevas, «Justify My Love» y «Rescue Me».95​ El álbum fue certificado con disco de diamante por la RIAA y vendió más de 30 millones de copias en todo el mundo, convirtiéndose en el álbum recopilatorio más vendido por un solista en la historia.55​96​ «Justify My Love» alcanzó el número uno en Estados Unidos y otros diez países alrededor del mundo.58​97​ El video musical realizado para su promoción contaba con escenas de sadomasoquismo, bondage, besos entre personas del mismo sexo y desnudez parcial.98​99​ El video fue considerado demasiado explícito sexualmente por MTV y su distribución fue prohibida. Madonna respondió a la censura: «¿Por qué será que la gente está dispuesta a ir a ver una película sobre alguien siendo golpeando sin razón aparente, y nadie quiere ver dos chicas besándose y dos hombres acariciándose? [...] MTV ha sido bueno conmigo y conocen a su audiencia. Si es demasiado fuerte para ellos, entiendo. Aunque parte de mi pensaba que iba a llegar lejos con esto».98​100​ En ese momento, el segundo sencillo «Rescue Me», se convirtió en el sencillo de una solista con el debut más alto en la historia del Billboard Hot 100, entrando en el número 15 y llegando hasta el número nueve.95​
En diciembre de 1990, Madonna decidió dejar la película de Jennifer Lynch, Boxing Helena, que previamente había firmado para protagonizar, sin ninguna explicación a los productores.101​ Desde finales de 1990 hasta principios de 1991, Madonna salió con Tony Ward, un modelo y actor porno que apareció en los videos musicales para «Cherish» y «Justify My Love». También tuvo una relación de ocho meses con el rapero Vanilla Ice.102​ Su primer documental, En la cama con Madonna (lanzado originalmente como Madonna: Truth or Dare), fue lanzado a mediados de 1991. El documental narra su gira Blond Ambition World Tour y deja entrever la vida personal de la cantante.40​
1992-1997: Maverick, Sex, Erotica, Bedtime Stories, Evita y maternidad[editar]

Madonna durante su gira The Girlie Show World Tour, en septiembre de 1993.
En 1992, Madonna obtuvo un papel en la película A League of Their Own como Mae Mordabito, una jugadora de béisbol. Además, grabó el tema principal de la película, «This Used to Be My Playground», que se convirtió en un éxito número uno en el Hot 100.58​ Ese mismo año fundó su propia compañía de entretenimiento, Maverick, conformada por una compañía discográfica (Maverick Records), una productora de cine (Maverick Films) y varias divisiones asociadas a publicaciones musicales, televisión, libros y merchandising. El acuerdo fue una empresa conjunta con Time Warner, quien ya había pagado a Madonna un adelanto de 60 millones de dólares. La cantante recibía el 20% de las regalías provenientes de la venta y promoción de su música, uno de los porcentajes más altos en la industria, que igualó en ese momento la tasa de regalías de Michael Jackson, establecida un año antes con Sony.42​ El primer lanzamiento de la empresa fue el primer libro escrito por ella misma, titulado Sex, el cual consistía en su mayor parte de imágenes sexualmente explícitas y provocativas, fotografiadas por Steven Meisel. El libro causó una fuerte reacción negativa en los medios de comunicación y el público en general, pero vendió 1,5 millones de ejemplares en cuestión de días.103​104​ Al mismo tiempo, Madonna lanzó su quinto álbum de estudio, Erotica, que debutó en el número dos en el Billboard 200.44​104​ La canción homónima alcanzó el número tres en el Billboard Hot 100.58​ Erotica también produjo cinco sencillos más: «Deeper and Deeper», «Bad Girl», «Fever», «Rain» y «Bye Bye Baby».105​
La imagen provocativa se convirtió en su sello personal, el cual continuó en la década de 1990 con Body of Evidence, una película que contenía escenas de sadomasoquismo y bondage, que recibió críticas negativas.106​107​ También protagonizó la película Dangerous Games (Juegos peligrosos), dirigida por Abel Ferrara, que en Norteamérica salió a la venta directamente en video. The New York Times describió la película como «furiosa y dolorosa, y el dolor se siente real».108​ En septiembre de 1993, Madonna se embarcó en The Girlie Show World Tour, en el que se vistió como una dominatrix rodeada de bailarines en topless.109​ El espectáculo enfrentó reacciones negativas, específicamente en Puerto Rico, donde Madonna frotó la bandera de la isla entre sus piernas.71​ En marzo de 1994, apareció como invitada en el programa Late Show with David Letterman, donde utilizó palabras soeces que debían ser censuradas en la televisión y entregó a Letterman un par de ropa interior pidiéndole que la oliera.110​ Sus películas, discos y el libro de temática sexual, aunado con la polémica aparición agresiva en el programa de Letterman, llevaron a identificar a Madonna como una renegada sexual. Se enfrentó a una intensa recepción negativa de críticos y aficionados, quienes comentaron que «había ido demasiado lejos» y que había terminado con su carrera.111​
Según el biógrafo J. Randy Taraborrelli, la balada «I'll Remember» (1994), fue un intento de suavizar su imagen provocativa. La canción fue grabada para la película With Honors de Alek Keshishian.112​ Hizo una aparición discreta junto a Letterman en un programa de premios y apareció en The Tonight Show con Jay Leno después de darse cuenta de que necesitaba cambiar su dirección musical para mantener su popularidad.113​ Con su sexto álbum de estudio, Bedtime Stories (1994), Madonna utilizó una imagen más suave para volver a conectarse con el público en general.113​ El álbum debutó en el número tres del Billboard 200 y produjo cuatro sencillos, incluyendo «Secret» y «Take a Bow», este último encabezó el Hot 100 por siete semanas, el período más largo de un sencillo de Madonna.58​ Al mismo tiempo, inició una relación amorosa con el entrenador físico, Carlos Leon.114​ Something to Remember, una colección de baladas, fue publicado en noviembre de 1995. El álbum incluyó tres canciones inéditas: «You'll See», «One More Chance» y una versión del tema de Marvin Gaye, «I Want You».58​115​ En años posteriores, Madonna comentó que era muy aficionada a los álbumes lanzados entre Like a Prayer y Something to Remember, «aunque estoy de acuerdo en que todos estos álbumes fueron momentos clave para mí».116​
«Este es el personaje para el que nací. Puse todo de mi parte porque era algo más que un papel de una película. Era tan emocionante e intimidante al mismo tiempo. Y fue lo más lejos que tuve que impulsar mi creatividad. En cada nivel, obtuve un gran aprendizaje. Y estoy más orgullosa de Evita que de cualquier otra cosa que hice».
—Madonna hablando de la importancia de Evita y su papel como Eva Perón.117​
En 1996 tuvo lugar el estreno de la película Evita, en la que Madonna interpretó el papel de Eva Perón.118​119​ Durante mucho tiempo, Madonna había deseado personificar a Perón, e incluso escribió una carta al director Alan Parker, explicando el porque era perfecta para el papel. Después de asegurarlo, asistió a clases de música para mejorar su voz y aprendió sobre de la historia de Argentina y Perón. Durante el rodaje cayó enferma muchas veces, comentando que «la intensidad de las escenas que hemos estado grabando, la cantidad de trabajo emocional y la concentración necesaria para terminar el día son tan agotadoras física y mentalmente, que estoy segura que tendré que ser hospitalizada cuando termine».120​ Evita es un film histórico donde fueron necesarios casi 6 000 atuendos para las escenas. Madonna usó 370 trajes diferentes, fijando un récord Guinness por el mayor número de cambios de vestuario en una película.119​ Después de su lanzamiento, Evita obtuvo el reconocimiento de la crítica. Zach Conner de la revista Time, comentó «es un alivio decir que Evita es realmente buena, un buen reparto y visualmente atractiva. Madonna confunde una vez más nuestras expectativas. Interpreta a Evita con un esfuerzo conmovedor y tiene algo más que un poco de calidad de una estrella. Ames u odies a Madonna-Eva, es un imán para los ojos».121​122​ Madonna ganó un Globo de Oro a la mejor actriz en un musical o comedia por su papel como Eva Perón.123​ De la banda sonora de Evita se lanzaron varios sencillos, destacando «You Must Love Me» (que ganó un Óscar a la mejor canción original en 1997) y su versión de «Don't Cry for Me Argentina».124​ El 14 de octubre de 1996, Madonna dio a luz a Lourdes Maria Ciccone Leon, su hija con Leon.125​ Después del nacimiento de Lourdes, Madonna se involucró en el misticismo oriental y la Cábala, introducida a esta corriente por la actriz Sandra Bernhard en 1997.126​
1998-2002: Ray of Light, Music y segundo matrimonio[editar]

Madonna en 2001, durante un concierto de su gira Drowned World Tour.
El séptimo álbum de estudio de Madonna, Ray of Light (1998) reflejó un cambio en su percepción y su imagen.127​ Comentó: «este disco, más que cualquier otro, cubre todas las áreas de la vida. Me había unido recientemente a la Cábala y había dejado a un lado la fiesta, además de que recién había tenido un bebé, por lo que mi alegría estaba completa, y me encontraba increíblemente reflexiva, pensando en retrospectiva e intrigada por los aspectos místicos de la vida».128​ El álbum recibió buenas críticas y Slant Magazine lo describió como «una de las grandes obras maestras del pop de los años 1990».129​ Ray of Light fue galardonado con cuatro premios Grammy y apareció como uno de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos según la revista Rolling Stone.130​131​ Llegó a la cima de las listas en Australia, Canadá, Reino Unido y Europa continental, el álbum también debutó en el número dos del Billboard 200 y vendió más de 20 millones de copias en todo el mundo.44​132​ El primer sencillo, «Frozen», se convirtió en el primer sencillo de Madonna que debutó en el número uno en la lista UK Singles Chart, mientras que en Estados Unidos se convirtió en su sexto sencillo número dos, dándole otro récord a Madonna como la artista con más éxitos que llegaron al número dos del Billboard Hot 100.58​133​ Sin embargo, la canción fue prohibida en Bélgica, por considerarse un plagio del tema de 1993, «Ma Vie fout L'camp», compuesto por el belga Salvatore Acquaviva.134​ El segundo sencillo, «Ray of Light», debutó en el número cinco en el Billboard Hot 100.135​ En diciembre de 1998, la relación de Madonna con Leon terminó; más tarde declaró que estaban «mejor como buenos amigos».136​ Tras su ruptura, Madonna aceptó un papel como profesora de violín en la película Music of the Heart, pero abandonó el proyecto, alegando «diferencias creativas» con el director Wes Craven.137​ El éxito de Ray of Light fue sucedido con el sencillo «Beautiful Stranger», grabada para la película de 1999, Austin Powers: The Spy Who Shagged Me. Alcanzó el número 19 en el Hot 100 y ganó un Grammy a la mejor canción escrita para una película, televisión u otro medio visual.58​94​
En 2000, Madonna protagonizó la película The Next Best Thing y contribuyó con dos canciones para la banda sonora: «Time Stood Still» y el éxito internacional «American Pie».138​ En septiembre de 2000, lanzó su octavo álbum de estudio, Music, el cual contenía elementos de la época de Ray of Light, inspirado en la música electrónica y temáticas sobre su vida personal.139​ Sobre su colaboración con el productor francés Mirwais Ahmadzaï, Madonna comentó: «me encanta trabajar con excéntricos que nadie conoce, las personas que tienen un talento crudo y que están haciendo música a diferencia de cualquier otro por ahí. Music es el futuro del sonido».139​ Stephen Thomas Erlewine de Allmusic consideró que Music «es como un caleidoscopio de color, técnica, estilo y sustancia. Tiene tanta profundidad y tantos niveles que fácilmente puede ser considerado tan detallado y serio como Ray of Light».140​ El álbum tomó la posición número uno en más de veinte países en todo el mundo y vendió cuatro millones de copias en los primeros diez días que estuvo a la venta.130​ En Estados Unidos, Music debutó en el primer lugar y se convirtió en su primer álbum número uno en once años desde Like a Prayer.141​ El álbum produjo tres sencillos: el éxito número uno «Music», «Don't Tell Me» y «What It Feels Like for a Girl».58​ El video musical de «What it Feels Like for a Girl» mostraba a Madonna cometiendo asesinatos y causando accidentes automovilísticos, por lo que fue prohibido por las cadenas MTV y VH1.142​
Junto con el lanzamiento del álbum Music, Madonna se involucró en una relación sentimental con Guy Ritchie, a quien había conocido en 1999 a través de Sting y su esposa, Trudie Styler. El 11 de agosto de 2000, dio a luz a su hijo, Rocco Ritchie.143​ En diciembre, Madonna y Guy Ritchie se casaron en una ceremonia privada en Escocia.144​ Su quinta gira, titulada Drowned World Tour, comenzó en junio de 2001.71​ La gira visitó ciudades en Europa y América del Norte y fue una de las giras más taquilleras del año, ganando 75 millones de dólares en 47 espectáculos.145​ También lanzó su segunda colección de grandes éxitos, titulada GHV2, coincidiendo con el lanzamiento del DVD de la gira. GHV2 debutó en el número siete en el Billboard 200.146​ En 2002, Madonna protagonizó la película Swept Away, dirigida por Ritchie. En el Reino Unido la película fue lanzada directamente en formato DVD, pero se convirtió en un fracaso comercial y crítico.147​ Ese mismo año, se publicó el sencillo «Die Another Day», banda sonora de la película de James Bond, Die Another Day, en el que Madonna hizo un cameo. La canción suscitó reacciones dispares: alcanzó el número ocho en el Billboard Hot 100 y fue nominada para un Globo de Oro a la mejor canción original, pero también fue candidata a un Golden Raspberry en la categoría de peor canción.58​148​
2003-2006: American Life, libros infantiles y Confessions on a Dance Floor[editar]

Madonna presentándose durante el Festival de Música y Artes de Coachella Valley, el 30 de abril de 2006.
En 2003, tras el lanzamiento de «Die Another Day», Madonna colaboró con el fotógrafo de moda Steven Klein para realizar una instalación llamada «X-STaTIC Pro = CeSS». Esta incluía imágenes de una sesión de fotografías de la revista W y siete segmentos de vídeo. La instalación duró desde marzo hasta mayo en la galería Deitch Projects de Nueva York, aunque después realizó una gira mundial en una forma editada.149​ Ese mismo año, Madonna lanzó su noveno álbum de estudio, American Life, que se basa en sus observaciones hacia la sociedad estadounidense y recibió críticas mixtas.150​ La intérprete comentó: «[American Life] era como un viaje al baúl de los recuerdos, volteando hacia todo lo que he logrado, todo lo que alguna vez he valorado y todas las cosas que son importantes para mí».151​ Larry Flick de The Advocate consideró que «American Life es un álbum que se encuentra entre los más aventureros y líricamente inteligentes. [...] Es como la cara B de Music y resulta ser un esfuerzo a medias para sonar y ser tomada en serio».151​152​ La canción homónima alcanzó el número 37 en el Hot 100.58​ La emisión del vídeo musical original de «American Life» fue cancelada debido a que Madonna creyó que el vídeo, que incluía violencia e imágenes de guerra, se consideraría antipatriota dado que Estados Unidos acababa de iniciar la guerra con Irak.153​ Con sólo cuatro millones de copias vendidas en todo el mundo, American Life es el disco menos vendido de su carrera.154​ Más tarde en ese año, Madonna dio una presentación provocativa en los MTV Video Music Awards, interpretando el segundo sencillo de su nuevo álbum, «Hollywood», al lado de Britney Spears, Christina Aguilera y Missy Elliott. Madonna besó en los labios a Spears y Aguilera durante la canción, desencadenando un frenesí en los tabloides.155​156​ En octubre de 2003, Madonna colaboró con Spears en el sencillo «Me Against the Music».157​ A esto le siguió el lanzamiento de Remixed & Revisited, un EP que contiene versiones remezcladas de las canciones de American Life, además de incluir «Your Honesty», un tema inédito de las sesiones de grabación de Bedtime Stories.158​ Madonna también firmó un contrato con Callaway Arts & Entertainment para ser la autora de cinco libros infantiles. El primero de estos libros, titulado The English Roses, fue publicado en septiembre de 2003. El libro narra la historia de cuatro colegialas inglesas y la envidia y celos que sienten entre sí.159​ Kate Kellway de The Guardian comentó «[Madonna] es una actriz interpretando algo que nunca podrá ser: una J. K. Rowling, una rosa inglesa».160​ El libro debutó en la cima de la lista de los libros más vendidos de The New York Times y se convirtió en uno de los libros para niños más vendidos de todos los tiempos.161​
Al año siguiente, Madonna y Maverick demandaron a Warner Music Group y su anterior casa matriz Time Warner, alegando una mala gestión de los recursos y una contabilidad pobre, que costó a la empresa millones de dólares. A cambio, Warner presentó una contra demanda argumentando que Maverick había perdido decenas de millones de dólares por cuenta propia.162​163​ La disputa se resolvió cuando las acciones de Maverick, propiedad de Madonna y Ronnie Dashev, fueron compradas por Warner. La compañía de Madonna y Dashev se convirtió en una subsidiaria de Warner Music, pero Madonna aún se encontraba bajo el sello de Warner, en virtud de un contrato de grabación independiente.162​ A mediados de 2004, Madonna comenzó la gira Re-Invention World Tour, presentándose en Estados Unidos, Canadá y Europa. Se convirtió en la gira más taquillera de 2004, ganando 125 millones de dólares.164​ Con las grabaciones de los conciertos de la gira, se realizó un documental denominado I'm Going to Tell You a Secret.165​ Ese mismo año, Rolling Stone clasificó a la cantante en el número 36 en su lista de los «100 mejores artistas de todos los tiempos».166​ En enero de 2005, Madonna realizó una versión de la canción de John Lennon, «Imagine», en la ayuda por el tsunami del océano Índico,167​ además de presentarse en el concierto benéfico Live 8 en Londres.168​
«Traté diferentes cosas hasta que Stuart [el productor Stuart Price] me trajo música. Y fue como una inspiración divina. Simplemente acertó, como si dijera: "Esta es la dirección de mi disco". Esa fue nuestra intención, crear un disco que pudieras escuchar en una fiesta o en tu auto, donde no tienes que saltarte una balada. Es imparable».
—Madonna hablando de Confessions on a Dance Floor.169​
Su décimo álbum de estudio, Confessions on a Dance Floor, fue lanzado en noviembre de 2005 y debutó en el número uno en todos los mercados musicales más importantes.170​ Las canciones en el álbum comenzaban con un ambiente feliz, y mientras avanzaba se volvían más intensas, con letras que hablaban más sobre sentimientos personales, por lo tanto «confesiones».170​ Keith Caulfield de Billboard comentó que el álbum era «el regreso de la Reina del Pop».171​ El álbum ganó un premio Grammy por mejor álbum de dance/electrónica.94​ El primer sencillo del álbum, «Hung Up», llegó al número uno en un récord de 41 países, ganando un lugar en el Libro Guinness de los récords.8​ «Sorry», el segundo sencillo, se convirtió en el duodécimo número uno de Madonna en el Reino Unido.59​
De esta manera, en mayo de 2006 se embarcó en la gira Confessions Tour, que tuvo una audiencia global de 1,2 millones de personas y recaudó más de 193,7 millones de dólares.172​ Madonna utilizó símbolos religiosos, como el crucifijo y la corona de espinas, en la presentación de «Live to Tell», causando que la Iglesia ortodoxa rusa y la Federación de comunidades judías de Rusia instaran a todos sus miembros a boicotear su concierto.173​ El Vaticano también protestó por el concierto, como hicieron los obispos de Düsseldorf.174​ Madonna respondió: «mi presentación no es ni anticristiana, ni sacrílega ni blasfema. Por el contrario, es mi forma de pedir a la humanidad a ayudarnos unos a otros y ver el mundo como un todo».175​ En el mismo año, la Federación Internacional de la Industria Fonográfica anunció que Madonna había vendido oficialmente más de 200 millones de copias de sus álbumes en todo el mundo.176​
Mientras estaba de gira, Madonna participó en la iniciativa Raising Malawi, al financiar parcialmente un orfanato y viajar a ese país.177​ El 10 de octubre de 2006, presentó los documentos para la adopción de un niño del orfanato, David Banda Mwale, más tarde renombrado David Banda Mwale Ciccone Ritchie.178​ La adopción ocasionó una fuerte reacción del público, porque la ley malauí señala que las parejas aspirantes deben residir por lo menos un año en Malaui antes de adoptar, requisito que Madonna no cumplió.179​ La cantante se defendió en The Oprah Winfrey Show, diciendo que no existían leyes de adopción en Malaui que regularan la adopción por parte de extranjeros. Además, describió cómo Banda había sufrido de neumonía después de sobrevivir a la malaria y a la tuberculosis cuando lo conoció.180​ El padre biológico de Banda, Yohane, comentó: «Los llamados 'activistas por los derechos humanos' me están hostigando a diario, amenazándome y diciendo que no soy consciente de lo que estoy haciendo. [...] Me solicitan para defender su caso en la corte, una cosa que no puedo hacer porque sé lo que acordé con Madonna y su marido».181​ La adopción finalizó el 28 de mayo de 2008.182​ En 2006, la cantante lanzó a nivel internacional una línea de ropa titulada M by Madonna, en colaboración con la empresa sueca H&M.183​ La colección constaba de abrigos de piel, vestidos con lentejuelas, pantalones capri color crema y chaquetas con parches. H&M expresó que la colección refleja «el estilo atemporal y siempre glamoroso de Madonna».184​
2007-2009: Live Nation y Hard Candy[editar]

Madonna y Nathan Rissman en el estreno de I Am Because We Are durante el Festival de cine de Tribeca de 2008.
En 2007, Madonna lanzó la canción «Hey You» para la serie de conciertos de Live Earth, presentándose en Londres. La canción estuvo disponible como una descarga gratuita durante su primera semana de lanzamiento.185​ Madonna anunció su salida de Warner Bros. Records, al firmar un nuevo contrato con Live Nation de 120 millones de dólares por diez años.5​ También produjo y escribió I Am Because We Are, un documental sobre los problemas que enfrenta la población malauí. El documental fue dirigido por Nathan Rissman, que previamente trabajó como jardinero de la cantante.186​ Poco después, Madonna dirigió su primera película Filth y Wisdom. La película narra la historia de tres amigos y sus aspiraciones. Madonna comentó que fue Ritchie quien la inspiró a desarrollar el guion de la película. «Lo que importa es que todo el trabajo que hago es muy autobiográfico, directa o indirectamente, ya que ¿quién me conoce mejor que yo misma?»187​ The Times dijo que se había puesto «orgullosa de sí misma», mientras que The Daily Telegraph describió la película como «un primer esfuerzo poco prometedor [pero que] Madonna haría bien en aferrarse a su trabajo».188​189​ En diciembre de 2007, el Salón de la Fama del Rock anunció a Madonna como una de los cinco inducidos de 2008.190​ En la ceremonia de inducción el 10 de marzo de 2008, Madonna no cantó, pero pidió a The Stooges interpretar los temas «Burning Up» y «Ray of Light».191​ En su discurso, agradeció a Christopher Flynn, su profesor de danza de 35 años atrás, por darle el ánimo para perseguir sus sueños.192​
«Es probable que en muchos aspectos, la mayoría de las canciones [en Hard Candy] lo son [autobiográficas]. Pero de una manera más inconsciente. Realmente no pienso en contar historias personales cuando escribo música. Simplemente se da. Y entonces muchas veces, seis meses después, ocho meses más tarde, digo, "Oh, escribí esa canción acerca de eso". Pero eso es cuando toco la canción para mucha gente y todos dicen "me puedo relacionar totalmente con eso"».
—Madonna hablando acerca de las inspiraciones detrás de Hard Candy.193​
En abril de 2008, Madonna lanzó su undécimo álbum de estudio, Hard Candy. El disco contenía influencias de géneros como R&B y pop urbano y las letras eran de naturaleza más autobiográfica, además de que Madonna colaboró con Justin Timberlake, Timbaland, Pharrell Williams y Nate «Danja» Hills.194​ Rolling Stone lo elogió como una «muestra impresionante de su próxima gira».195​ El álbum debutó en el número uno en las listas de 37 países y en el Billboard 200.196​197​ Recibió buenas críticas en todo el mundo, aunque algunos críticos lo señalaron como «un intento de alcanzar el mercado urbano».198​199​ Su primer sencillo, «4 Minutes», alcanzó el número tres en el Billboard Hot 100. La canción fue el 37° éxito top ten de Madonna en el Hot 100, superando el récord de más éxitos en el top ten establecido por Elvis Presley.200​ En el Reino Unido, Madonna obtuvo el récord de más sencillos número uno para una solista cuando «4 Minutes» se convirtió en su 13er sencillo en llegar a la cima de la lista UK Singles Chart.201​ Después de lanzar el segundo sencillo del disco, «Give it 2 Me», Madonna se embarcó en el Sticky & Sweet Tour, su primera gira emprendida con Live Nation. Con una recaudación neta de 280 millones de dólares, se convirtió en la gira con mayores ingresos para un solista, superando el récord anterior impuesto por ella misma con el Confessions Tour.202​ La gira se extendió hasta el año siguiente, después de agregar nuevas fechas europeas, sumando un total de 408 millones de dólares.202​203​
Life with my Sister Madonna, un libro escrito por el hermano de Madonna, Christopher Ciccone, debutó en el número dos en la lista de los más vendidos de The New York Times.204​ La publicación no fue autorizada por Madonna y condujo a un distanciamiento entre los hermanos.205​ También surgieron problemas entre Madonna y Ritchie y los medios de comunicación comenzaron a difundir la noticia de que estaban a punto de separarse. En última instancia, Madonna pidió el divorcio de Ritchie, citando diferencias irreconciliables, en un proceso que finalizó en diciembre de 2008.206​207​ Madonna fue honrada con el Premio de oro para la artista internacional del año, en los Gold Disc Awards entregados por la Recording Industry Association of Japan, por su álbum Hard Candy.208​ En 2009, decidió adoptar otro niño de Malaui. Inicialmente, la Corte Suprema aprobó la adopción de Chifundo «Mercy» James;209​ sin embargo, la solicitud fue rechazada porque Madonna no residía en Malaui.210​ Tras la apelación hecha por sus abogados, el 12 de junio de 2009 el Tribunal Supremo de Malaui le otorgó el derecho de adoptar a Mercy James.211​ Ese mismo año se publicó Celebration, su tercer álbum de grandes éxitos y la liberación de su contrato con Warner Music. La recopilación incluyó dos nuevas canciones «Celebration» y «Revolver», junto con 34 éxitos que abarcaban toda su carrera.212​ Una remezcla de «Revolver» realizada por David Guetta ganó un premio Grammy a la mejor remezcla.213​ Celebration alcanzó el número uno en el Reino Unido, empatando con Elvis Presley como el solista con más álbumes número uno en la historia británica.214​ También apareció en los MTV Video Music Awards 2009, para hablar en homenaje a la recién fallecida estrella del pop Michael Jackson.215​ Madonna terminó la década de 2000 como la artista con más sencillos vendidos en los Estados Unidos.216​ También fue nombrada como la artista más escuchada de la década en el Reino Unido.217​
2010-2012: W.E., Super Bowl y MDNA[editar]

Madonna actuando junto a LMFAO en 2012 durante el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl XLVI.218​
En enero de 2010, Madonna interpretó «Like a Prayer» en el concierto Hope for Haiti Now: A Global Benefit for Earthquake Relief.219​ En abril lanzó su tercer álbum en vivo, Sticky & Sweet Tour; aunque fue su primer lanzamiento bajo Live Nation, fue distribuido internacionalmente por Warner Music.220​ Ese mismo año anunció sus planes para dirigir su segunda película, W.E..221​ Tras la conclusión del rodaje, Madonna lanzó la línea de ropa Material Girl, que diseñó con su hija Lourdes.222​ Esta la línea de ropa estaba inspirada por la moda de la década de 1980 y fue lanzada bajo la marca Macy's; meses más tarde, la marca se extendió para incluir un juego de cosméticos y otros productos femeninos.222​223​
En 2010, Madonna concedió los derechos de su catálogo musical al programa de la televisión estadounidense Glee, que se utilizaron para un episodio en el que se incluyeron únicamente canciones de Madonna.224​ Titulado «The Power of Madonna», el episodio fue aprobado por la propia cantante, diciendo en la revista US Weekly que encontró el episodio «brillante en todos los niveles», alabando las coreografías y el mensaje de igualdad que transmitía.225​ En noviembre de 2010, Madonna también inauguró el primer gimnasio de la franquicia Hard Candy Fitness, una asociación entre Madonna, su administrador Guy Oseary y Mark Mastrov, el fundador y director ejecutivo de 24 Hours Fitness.226​ Madonna comentó que «si alguno de ustedes ha visto mis espectáculos, sabe que no escatimo en gastos, y lo mismo se aplica al gimnasio. Gastamos lo que se necesita para hacer un gimnasio de primera clase a nivel mundial».227​
En 2011 W.E., una película biográfica sobre el romance entre el rey Eduardo VIII y Wallis Simpson, se estrenó durente el Festival de Venecia y recibió críticas mixtas.228​229​ Madonna contribuyó con una nueva canción titulada «Masterpiece» para la banda sonora de W.E., compuesta por ella misma, Julie Frost y Jimmy Harry, por la que recibió un Globo de Oro a mejor canción original.230​ En diciembre de 2011, se reveló que la cantante había firmado un contrato por tres discos con Interscope Records, el cual actuaría como distribuidor.231​
El 5 de febrero de 2012 Madonna se presentó durante el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl XLVI,218​ dirigido y producido por el Cirque Du Soleil y Jamie King, con LMFAO, Nicki Minaj, M.I.A. y Cee Lo Green como artistas invitados. En ese entonces se convirtió el espectáculo de medio tiempo más visto en la historia con más de 114 millones de televidentes, más que el mismo partido.232​ Su décimo segundo álbum de estudio, MDNA, se publicó en marzo de 2012. Para su producción, Madonna se reunió con William Orbit, además de una variedad de productores como Martin Solveig, The Demolition Crew, Benny Benassi, Alle Benassi, Indiigo y Michael Malih.233​ El álbum recibió críticas en su mayoría positivas.234​ Priya Elan de NME lo calificó como «un juego ridículamente disfrutable», pues citó sus «cosas psicóticas e iluminadoras» como «algo de lo más visceral que ha hecho en su carera».235​

Andrea Riseborough y Madonna durante la 69.ª edición de los premios Globo de Oro, el 15 de enero de 2012.
MDNA debutó en la primera posición del Billboard 200 y en muchos otros países.236​ Madonna rompió el récord de Elvis Presley por ser el solista con más álbumes en la primera posición en el Reino Unido.237​ El primer sencillo fue «Give Me All Your Luvin'», con Nicki Minaj y M.I.A. como artistas invitadas, que extendió el récord de Madonna a 38 sencillos dentro de las diez primeras posiciones en el Billboard Hot 100.238​ Más tarde, Madonna fue criticada por su presentación en el Ultra Music Festival en Miami, Florida por su referencia al uso de drogas mientras saludaba a la audiencia.239​ The MDNA Tour, que sirvió para promocionar el álbum, comenzó en mayo de 2012 en Tel Aviv, Israel.240​ Madonna lo describió como «un viaje de la oscuridad a la luz».241​ Se dividió en cuatro segmentos: Transgression, donde las armas y la violencia eran el tema principal; Prophecy, donde presentó una mezcla de canciones alegres para reunir a la multitud; Masculine/Feminine, una combinación de sensualidad y moda donde Madonna interpretó algunos de sus temas clásicos en un estilo de cabaré francés; y Redemption, descrito por la cantante como «una gran fiesta y celebración».242​
La gira fue bien recibida, pero tocaba muchos temas polémicos como la violencia, las armas, los derechos humanos, desnudez y política.243​244​ Incluso la intérprete recibió demandas. La gira fue un éxito comercial y varias fechas se agotaron en cuanto los boletos salieron a la venta. Billboard lo nombró el tour más exitoso de 2012. The MDNA Tour recaudó US$ 305,2 millones de 88 conciertos totalmente vendidos, la novena gira de conciertos más recaudadora de la historia, y superó a Taking Chances Tour de Celine Dion como el segundo tour más exitoso para una solista, sólo detrás de Sticky & Sweet Tour.245​246​ Gracias a esto, ganó los premios de «Mejor artista de gira», «Mejor artista dance» y «Mejor álbum dance» en los Billboard Music Awards de 2013.247​ Además, en agosto de 2013, Forbes nombró a Madonna la celebridad con más ingresos del año, luego de ganar más de US$ 125 millones por la gira.248​
2013-presente: secretprojectrevolution y Rebel Heart[editar]

Madonna ofreciendo un discurso en el concierto «Bringing Human Rights Home», organizado por la Amnistía Internacional, en febrero de 2014.
Para 2013, la fundación Raising Malawi había construido diez escuelas para educar a 4000 niños del país, con un valor estimado de USD 400 000.249​ Cuando la cantante visitó las escuelas en abril de 2013, la entonces presidenta de Malaui, Joyce Banda, la criticó y acusó de exagerar sus contribuciones al país.250​ Banda se refirió a la cantante como abusiva y la acusó de exigir un trato especial durante su visita.250​ Los representantes de Madonna negaron estas acusaciones y alegaron un «resentimiento» contra ella y la fundación.250​ Madonna emitió un comunicado manifestando su tristeza sobre los comentarios «falsos» de Banda; al respecto, declaró: «Me entristece que la presidenta de Malaui elija divulgar mentiras sobre lo que hemos realizado».251​ Luego, se confirmó que Banda no había aprobado la declaración emitida por parte de su equipo de prensa −donde se acusaba a Madonna de abusiva− y que estaba «incandescente de ira» sobre la confusión.252​
En conjunto con el fotógrafo Steven Klein, Madonna grabó un cortometraje de 17 minutos llamado secretprojectrevolution.253​ La compañía BitTorrent lo publicó en septiembre de 2013, junto con la opción de realizar una donación para adquirir las versiones HD y 2K del filme, una entrevista que concedió a la revista VICE y un mensaje grabado por Madonna.254​ Junto con el corto, Madonna también lanzó la iniciativa Art for Freedom, la cual ayuda a promover «el arte y la libertad de expresión como un medio para hacer frente a la persecución y la injusticia en todo el mundo».255​ Como parte de la iniciativa, eligió a la cantante Katy Perry y al ilusionista David Blaine como curadores.256​ Desde su lanzamiento en septiembre de 2013, Art For Freedom ha recibido más de 3000 presentaciones en el mundo a través de su página oficial y sus plataformas de medios sociales.257​ A principios de 2014, la intérprete realizó varias apariciones mediáticas: hizo una aparición sorpresa en la 56.ª entrega de los premios Grammy el 26 de enero y cantó «Open Your Heart» al lado de Macklemore, Ryan Lewis y Mary Lambert, quien interpretó el sencillo «Same Love», mientras 33 parejas contraían matrimonio en el escenario, oficiado por Queen Latifah.258​ Días después, acompañó a la cantante Miley Cyrus en su MTV Unplugged, donde cantó su tema «Don't Tell Me» en un mash up con la canción de Cyrus, «We Can't Stop».259​260​ En febrero de 2014, extendió sus proyectos empresariales y presentó MDNA Skin, una gama de productos para el cuidado de la piel, en Tokio, Japón.261​ En mayo, tras visitar su ciudad natal de Detroit, hizo donaciones a tres organizaciones benéficas dedicadas a erradicar la pobreza. Según su publicista, las mismas representaron «la primera fase de un compromiso a largo plazo con la ciudad».262​ La propia Madonna dijo que «era obvio que tenía que involucrarme y ser parte de la solución para ayudar a Detroit a recuperarse».263​
«¡Esto es una violación artística! La mitad de esos demos ni siquiera estarán en mi disco y la otra mitad han cambiado y evolucionado. Esto es una forma de terrorismo. ¿Por qué quiere la gente destrozar un proceso artístico? ¿Por qué roban? ¿Por qué no me dan la oportunidad de finalizar y ofrecer lo mejor de mí?»
—Madonna hablando sobre las canciones filtradas de Rebel Heart. El uso de términos como «violación» y «terrorismo» causó controversia en los medios de comunicación.264​265​
Madonna también comenzó a trabajar en su decimotercer álbum de estudio con colaboradores como Avicii, Diplo y Natalia Kills.266​267​ En diciembre, The New York Times informó que había sido elegida como el rostro de Versace para su campaña de primavera/verano 2015.268​ Ese mismo mes, trece maquetas de canciones de su nuevo álbum se filtraron en Internet; la artista respondió que la mitad de los temas no serían utilizados en la versión final.265​ Su decimotercer disco de estudio, Rebel Heart, salió al mercado el 10 de marzo de 2015.269​ Según la propia cantante, la introspección fue uno de los temas predominantes durante el desarrollo del álbum.270​ Tras su lanzamiento, recibió reseñas positivas por parte de los críticos musicales; muchos de ellos lo llamaron su «mejor esfuerzo en una década».271​ Rebel Heart se convirtió en el primer álbum de Madonna en no alcanzar la primera posición del Billboard 200 desde 1998, pero alcanzó el número uno en otros mercados musicales importantes, entre ellos Australia, Canadá, Alemania e Italia.272​ Del álbum se desprendieron los sencillos «Living for Love», «Ghosttown» y «Bitch I'm Madonna». Con Rebel Heart, estableció varios récords mundiales, entre ellos ser el acto musical con la mayor cantidad de números uno acumulados en la lista Hot Dance Club Songs de Billboard, con «Bitch I'm Madonna» convirtiéndose en su 46.º número 1.273​
En septiembre de ese mismo año, dio inicio a la gira Rebel Heart Tour en la ciudad de Montreal, Canadá.274​ La gira duró hasta marzo de 2016 y viajó por toda América del Norte, Europa y Asia, y fue la primera visita de la cantante a Australia en 23 años.275​276​ El espectáculo contó con la apreciación crítica, quienes elogiaron a la artista por tener un «humor feliz» en los conciertos, así como la incorporación de sus primeros éxitos.277​278​ Con 82 conciertos, Rebel Heart Tour recaudó 169,8 millones USD con más de un millón de entradas vendidas, por lo que Madonna extendió su récord como el solista en gira con mayores ingresos de todos los tiempos.279​ Durante la gira, Madonna se vio envuelta en una batalla legal con su exesposo Guy Ritchie, por la custodia de su hijo Rocco.280​ La disputa comenzó cuando el Rebel Heart Tour visitó Londres, donde Rocco decidió quedarse en la ciudad viviendo con su padre, mientras que Madonna quería que regresara con ella.280​ Las audiencias tuvieron lugar en Nueva York y Londres; después de varias deliberaciones, la artista decidió retirar su solicitud de custodia y llegar a un acuerdo con Ritchie.280​281​
Obra[editar]
Estilo musical[editar]
Artículo principal: Análisis a la obra musical de Madonna

Madonna tocando un riff de guitarra del tema «A New Level» de la banda de heavy metal Pantera, en 2008.282​

Madonna interpretando «Vogue», utilizando un nuevo modelo del corsé de conos, en 2012.

Madonna vestida de payaso durante el concierto especial de 2016, Tears of a Clown.
La música de Madonna ha sido objeto de muchos análisis y trabajos por parte de los críticos. Robert M. Grant, autor del libro Contemporay Strategy Analysis (2005), comentó que lo que había llevado a Madonna al éxito «ciertamente no era su excepcional talento natural. Como vocalista, música, bailarina, cantante o actriz, el talento de Madonna parece modesto».283​ Afirma que su éxito radica en depender de los talentos de los demás, y que sus relaciones personales han servido como piedras angulares para las numerosas reinvenciones que ha hecho en su larga carrera.283​ Por el contrario, Rolling Stone nombró a Madonna como «una compositora ejemplar que entregó letras pegadizas e indelebles, y como lo atestiguan sus espectáculos en vivo, es mejor como una cantante de estudio».40​ Mark Bego, autor de Madonna: Blond Ambition la llamó «la perfecta vocalista de canciones 'más ligeras que el aire'», a pesar de no poseer un «talento de peso pesado».284​ Madonna siempre ha sido consciente de la calidad de su voz, especialmente en comparación con sus ídolos vocales como Ella Fitzgerald, Prince y Chaka Khan.285​
Según Freya Jarman-Ivens, el talento de Madonna para desarrollar «hooks increíbles» para sus canciones, permite que la letra capte la atención de la audiencia, incluso sin la influencia de la música. Como ejemplo, Jarman-Ivens cita el sencillo de 1985 «Into the Groove» y su frase «Live
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Bette Davis

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Bette Davis

Bette Davis (Lowell, Massachusetts, 5 de abril de 1908-Neuilly-sur-Seine, París, 6 de octubre de 1989) fue el nombre artístico de Ruth Elizabeth Davis, actriz estadounidense de teatro, cine y televisión. Se destacó por su facilidad al interpretar personajes antipáticos y fue ampliamente... Ver mas
Bette Davis (Lowell, Massachusetts, 5 de abril de 1908-Neuilly-sur-Seine, París, 6 de octubre de 1989) fue el nombre artístico de Ruth Elizabeth Davis, actriz estadounidense de teatro, cine y televisión. Se destacó por su facilidad al interpretar personajes antipáticos y fue ampliamente apreciada por sus actuaciones en filmes melodramáticos, históricos y ocasionalmente de comedia, aunque sus mayores éxitos los alcanzó con dramas románticos.
Después de aparecer en obras de teatro de Broadway,1​ Davis se trasladó a Hollywood en 1930, donde sus primeros filmes para Universal Studios tuvieron poca aceptación.2​ Se incorporó a Warner Bros. en 1932 y fortaleció su carrera con varias actuaciones aclamadas por la crítica. En 1937, intentó liberarse de su contrato y aunque perdió un procedimiento legal muy publicitado,3​ dio inicio al período más exitoso de su carrera. Hasta finales de los años de 1940, fue una de las actrices del cine norteamericano más importantes,4​ reconocida por su desenvolvimiento apasionado y decidido. Davis fue calificada como una perfeccionista que podía llegar a ser muy combativa y a menudo se hicieron públicos sus enfrentamientos con ejecutivos de los estudios, directores de cine y coprotagonistas.5​6​ Su manera de ser frontal, su estilo vocal entrecortado y su cigarrillo ubicuo contribuyeron a forjar una imagen pública que a menudo fue imitada y satirizada.7​
Davis fue cofundadora de la Cantina de Hollywood8​ y fue la primera mujer en ser presidente de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas.9​ Obtuvo el premio de la Academia como Mejor Actriz en dos ocasiones y fue la primera persona en alcanzar diez nominaciones a los Óscar por sus actuaciones y en recibir el premio a la Trayectoria del American Film Institute.10​ Su carrera pasó por varios períodos de declive y catástrofes personales. Casada en cuatro ocasiones —se divorció en tres de ellas y quedó viuda una vez—,11​ crió a sus hijos prácticamente como madre soltera. Sus últimos años estuvieron signados por un largo período de mala salud,12​ pero continuó actuando hasta poco antes de su muerte por cáncer de mama, con más de 100 películas, ciclos televisivos y obras teatrales en su haber. En 1999, Davis fue seleccionada como la segunda mejor actriz de todos los tiempos en la lista del American Film Institute, solamente precedida por Katharine Hepburn.13​

Biografía[editar]
Primeros años (1908-1929)[editar]
Ruth Elizabeth Davis, conocida desde su infancia como «Betty», nació el 5 de abril de 1908 en Lowell, Massachusetts. Fue la primera hija de Ruth Augusta «Ruthie» (de soltera, Favor; 1885-1961) y del abogado de patentes Harlow Morrell Davis (1885-1938).14​ Su única hermana, Barbara «Bobby», nació el 25 de octubre de 1909.15​ La familia era protestante, con ascendencia inglesa, francesa y galesa.16​11​ En 1915, los padres de Davis se separaron y las hermanas Betty y Bobby permanecieron en el internado Crestalban en Lanesborough, cerca de las montañas Berkshires,17​ hasta que en 1921, Ruth se trasladó con sus hijas a Nueva York, donde trabajó como fotógrafa retratista. Betty decidió convertirse en actriz con el apoyo de su madre1​ luego de ver a Rodolfo Valentino en Los cuatro jinetes del Apocalipsis (1921) y a Mary Pickford en Little Lord Fauntleroy (1921);18​ por otra parte, decidió cambiar su apodo a «Bette» por el libro La prima Bette de Honoré de Balzac.19​
A principios de la década de 1920, Davis asistió a la Cushing Academy, un internado en Ashburnham, Massachusetts, donde conoció a su futuro esposo, Harmon O. Nelson (conocido como «Ham»).1​ En 1926, asistió a la presentación de la obra El pato silvestre de Henrik Ibsen, con Blanche Yurka y Peg Entwistle. Según Davis recordó más adelante, esa obra le inspiró el pleno compromiso con su carrera: «Antes de esa actuación, quería ser actriz. Después de la misma, tenía que ser una actriz [...] exactamente como Peg Entwistle».20​
Realizó una audición para ser admitida en el Manhattan Civic Repertory de Eva Le Gallienne, pero fue rechazada porque Le Gallienne consideró que tenía una actitud «poco sincera y frívola».21​ Sin embargo, estudió danza con Martha Graham y fue aceptada en la escuela de teatro de John Murray Anderson, donde fue compañera de Lucille Ball.22​23​
También participó en una audición para la compañía de teatro de George Cukor y, aunque no impresionó al director, obtuvo su primer papel remunerado por una estadía de una semana como una de las chicas del coro en la obra Broadway.24​ Luego fue elegida para representar a Hedwig, el personaje que Davis había visto interpretar a Entwistle en El pato silvestre.25​ Tras actuar en Filadelfia, Washington y Boston, debutó en Broadway en 1929 con Broken Dishes1​2​ y continuó con Solid South. Un buscador de talentos de Universal Studios vio su actuación y la invitó a Hollywood para realizar una prueba de cámara.26​
Comienzos en Hollywood (1930-1936)[editar]
Películas iniciales[editar]

Davis en su primer trabajo cinematográfico, Mala hermana (1931).
Davis y su madre viajaron en tren a Hollywood y arribaron el 13 de diciembre de 1930.27​ Más tarde, recordó que le había sorprendido el hecho de que nadie del estudio hubiese ido a recogerla a la estación; en realidad, un empleado de la compañía sí había ido pero se fue porque no vio a nadie que «pareciese una actriz».28​ Davis no aprobó su primera prueba de cámara pero participó en muchas otras dando la réplica a otros actores. En una entrevista de 1971 con Dick Cavett, relató la experiencia: «Yo era la más yanqui del este, la virgen más modesta que haya pisado la tierra. Me pusieron en un sofá, y ensayé con quince hombres... Todos ellos tenían que echarse sobre mí y darme un beso apasionado. ¡Oh!, pensé que iba a morir. Sólo pensé que moriría».29​ Se le dispuso una segunda prueba para el filme La casa de la discordia (1931) donde, vestida apresuradamente con un traje de escote bajo mal ajustado, fue rechazada por el director, William Wyler, quien comentó en voz alta al equipo: «¿Qué piensan ustedes de estas damas que creen que pueden conseguir un trabajo mostrando sus pechos?».30​31​ Carl Laemmle, jefe de Universal Studios, consideró poner fin al empleo de Davis pero el director de fotografía Karl Freund le dijo que tenía unos «ojos encantadores» y sería adecuada para Mala hermana (1931), filme con el que debutó en el mundo del cine.32​ El nerviosismo de Davis se agravó cuando escuchó al jefe de producción, Carl Laemmle Jr., comentar a otro ejecutivo que «tenía casi el mismo atractivo sexual que Slim Summerville», una de las estrellas de la película.33​ El filme no tuvo éxito y su siguiente papel en Semilla (1931) fue demasiado breve para llamar la atención.34​35​
Universal Studios renovó su contrato por tres meses y Davis apareció en un pequeño papel en El puente de Waterloo (1931) antes de ser cedida a Columbia Pictures para La amenaza y a Capital Films para La casa del infierno (ambas rodadas en 1932).36​37​ Después de nueve meses y seis filmes sin éxito, Laemmle decidió no renovar su contrato, aunque George Arliss la eligió para el papel femenino principal de La oculta providencia (1932). Por el resto de su vida, Davis atribuyó a Arliss su consolidación artística en Hollywood.38​ The Saturday Evening Post escribió que «no sólo es hermosa, sino que bulle de encanto» y la comparó con Constance Bennett y Olive Borden.39​ Poco después, Warner Bros. firmó con ella un contrato por siete años.40​
En 1932, se casó con Harmon «Ham» Nelson,41​ quien recibió duras críticas por parte de la prensa: sus ganancias semanales de 100 USD eran comparadas desfavorablemente con los ingresos semanales de 1000 USD de Davis. La actriz tocó el tema en una entrevista señalando que muchas mujeres de Hollywood ganaban más dinero que sus maridos pero la situación fue difícil para Nelson, que se negó a permitir que su esposa comprara una casa hasta que pudiera darse el lujo de pagarla por sí mismo.42​ Davis tuvo varios abortos espontáneos durante su matrimonio.43​
Consagración artística[editar]

Como la gruñona Mildred en Cautivo del deseo (1934), por la que fue aclamada por la crítica.
Después de más de 20 papeles en cine, el rol de la viciosa y desaliñada Mildred Rogers en la producción de RKO Radio Pictures, Cautivo del deseo (1934), una adaptación cinematográfica de la novela de W. Somerset Maugham, le dio a Davis su primera gran aclamación por parte de la crítica.44​ Muchas actrices temían interpretar personajes antipáticos y varias habían rechazado el papel, pero Davis lo vio como una oportunidad para demostrar la gama de sus habilidades interpretativas.45​46​ Su compañero de reparto, Leslie Howard, fue inicialmente despectivo con Davis pero a medida que avanzó el rodaje su actitud fue cambiando y posteriormente habló muy bien de ella.47​ El director John Cromwell le dio una «relativa» libertad y comentó: «Dejé que Bette fuera su propia guía. Confié en sus instintos». Davis insistió en que fuera expuesta de manera realista en la escena de su muerte, aclarando que «las últimas escenas de tuberculosis, pobreza y abandono no son bonitas e intenté ofrecer una imagen convincente».48​
La película fue un éxito y la caracterización a cargo de Davis ganó los elogios de la crítica. La revista Life publicó que su actuación «fue probablemente la mejor jamás registrada en la pantalla por una actriz de EE. UU.».49​ Davis pensó que la recepción que tuvo su caracterización animaría a Warner Bros. a darle papeles más importantes. Sin embargo, se sintió decepcionada cuando Jack Warner se negó a cederla a los estudios Columbia para aparecer en Sucedió una noche (film dirigido por Frank Capra) y, en su lugar, debió participar en el melodrama Ama de casa.50​ Cuando no fue nominada para los premios de la Academia por Cautivo del deseo, el periódico The Hollywood Citizen News cuestionó el hecho y la también candidata Norma Shearer inició una campaña para que Davis fuera nominada. Eso llevó a que el presidente de la Academia, Howard Estabrook, pronunciara un discurso diciendo que bajo las circunstancias «cualquier votante... puede escribir en la votación su opción personal para los ganadores», lo que permitió por esa sola ocasión en la historia de la Academia la consideración de un candidato oficialmente no nominado para un premio.51​ Claudette Colbert ganó el premio por Sucedió una noche pero el escándalo provocó que se llevara a cabo un cambio en los procedimientos de votación de la Academia al año siguiente. Las nominaciones pasaron a ser decididas por los miembros de la Academia de cada especialidad en lugar de por un pequeño comité52​ y los resultados fueron controlados de forma independiente por la empresa auditora Price Waterhouse.53​
En 1935, Davis apareció interpretando a una actriz perturbada en Peligrosa, dirigida por Alfred Green, y recibió muy buenas críticas. E. Arnot Robertson escribió en Picture Post: «Creo que Bette Davis probablemente hubiera sido quemada por brujería si hubiera vivido hace doscientos o trescientos años atrás. Me da la curiosa sensación de que está cargada de un poder que no puede encontrar una salida común».2​ The New York Times escribió que estaba «convirtiéndose en una de nuestras actrices de cine más interesantes».4​ Davis ganó el premio de la Academia a la Mejor Actriz por el papel pero comentó que era un reconocimiento tardío por Cautivo del deseo, calificando a su galardón como un «premio consuelo».54​ Por el resto de su vida, sostuvo que fue ella misma quien le dio el nombre de «Óscar» a la estatuilla cuando dijo que la parte posterior del galardón se parecía al trasero de su marido, cuyo segundo nombre era Oscar.55​56​ Su afirmación fue puesta en duda por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. La versión más fiable es la de Margaret Herrick, bibliotecaria de la Academia, que habría bautizado a la estatuilla como Oscar luego de apreciar un parecido con su tío del mismo nombre.57​ En su siguiente filme, El bosque petrificado (1936), Davis compartió cartel con Leslie Howard y Humphrey Bogart, quien recibió la mayor parte de los elogios de la crítica en su primer papel importante.58​59​
Problemas legales[editar]

Retrato de la actriz de 1938.
Convencida de que su carrera estaba siendo perjudicada por una serie de películas mediocres,2​ Davis aceptó en 1936 una oferta para aparecer en dos filmes en Londres.44​ Huyó a Canadá para evitar que le entregasen citaciones judiciales consciente de que estaba inclumpliendo su contrato con Warner Bros. Finalmente, llevó el caso ante los tribunales del Reino Unido con la esperanza de librarse del acuerdo.3​ Más tarde, Davis recordó el alegato inicial del abogado representante de Warner Bros., Sir Patrick Hastings,60​ quien instó al tribunal a «llegar a la conclusión de que Davis es más bien una dama joven y astuta cuyo único propósito es el de conseguir más dinero».60​ El letrado se burló de la descripción de «esclavitud» que Davis había hecho del contrato al afirmar44​ erróneamente que los pagos consistían de 1350 USD semanales. A su vez, Hastings añadió: «Si alguien quiere someterme a perpetua servidumbre sobre la base de dicha remuneración, me comprometo a tomarlo en consideración».61​ La prensa británica ofreció poco apoyo a Davis y la calificó de «sobrepaga» e «ingrata».62​
Davis explicó su punto de vista a un periodista diciendo: «Supe que, si seguía apareciendo en filmes mediocres, no tendría nunca una carrera por la que valiera la pena luchar».63​ El abogado de Davis presentó sus denuncias: la actriz podía ser suspendida sin sueldo por negarse a trabajar, sumándose el período de suspensión a la duración de su contrato; podía ser llamada a desempeñar cualquier papel dentro de sus capacidades independientemente de sus creencias personales; podía ser requerida para apoyar un partido político en contra de sus creencias; o su imagen podía ser expuesta de cualquier manera que el estudio considerara pertinente.64​ Jack Warner testificó y se le preguntó: «Cualquier papel que usted elija para que interprete... sin importar si es desagradable o humillante, ¿tiene que interpretarlo?», a lo que Warner respondió: «Sí, debe interpretarlo».65​ El caso fue resuelto por Branson J. en el Tribunal Superior Inglés en contra de Davis, que regresó a Hollywood66​ endeudada y sin ingresos para reanudar su carrera. La actriz estadounidense Olivia de Havilland inició un caso similar contra la Warner en 1943 y lo ganó.64​
El éxito con Warner Bros. (1937-1941)[editar]

Davis como Jezabel en 1938, papel que le dio su segundo Óscar.
Davis comenzó a trabajar en La mujer marcada (1937), un drama negro inspirado en el caso de Lucky Luciano, recreando a una prostituta.67​ Por su actuación, fue galardonada con la Copa Volpi en el Festival de Cine de Venecia de 1937.68​ Durante la producción de su siguiente filme, Jezabel (1938), Davis inició una relación con el director William Wyler. Más tarde, lo describió como «el amor de mi vida» y dijo que hacer la película con él fue «el momento de mi vida de mayor felicidad».69​ El filme fue un éxito y la actuación de Davis como una belleza sureña consentida le valió su segundo premio de la Academia, lo que llevó a la especulación dentro de la prensa de que podría ser elegida para interpretar un personaje similar, el de Scarlett O'Hara en Lo que el viento se llevó. Davis manifestó su deseo de interpretar a Scarlett70​ y mientras David O. Selznick estaba llevando a cabo la búsqueda de la actriz que interpretaría el papel, una votación radiofónica la nombró como la favorita del público.71​ Warner ofreció sus servicios a Selznick como parte de un acuerdo que también incluía a Errol Flynn y Olivia de Havilland, pero Selznick no consideró adecuada a Davis y rechazó la oferta.72​
Jezabel marcó el inicio de la etapa más exitosa de su carrera72​ y durante los siguientes años fue incluida en la encuesta anual de Quigley, compilada a partir de los votos de los exhibidores de cine a lo largo de EE. UU., sobre las estrellas que habían generado más ingresos en sus teatros respecto al año anterior.73​ En contraposición con el éxito de Davis, su esposo Nelson Ham no había logrado establecer una carrera por sí mismo y la relación de ambos comenzó a tambalear. En 1938, Nelson comprobó que Davis estaba involucrada en una aventura extramatrimonial con el empresario multimillonario Howard Hughes y solicitó el divorcio.74​
La actriz tuvo altibajos emocionales durante el rodaje de su siguiente película, Amarga victoria (1939), y consideró abandonar el proyecto hasta que el productor Hal B. Wallis la convenció de que canalizara su angustia en la actuación.75​ El filme se convirtió en uno de los más taquilleros del año y el papel de Judith Traherne le valió una nominación al Óscar.76​ Años más tarde, Davis destacó esa actuación como su favorita.77​ Ese mismo año apareció en otros tres éxitos de taquilla, La solterona con Miriam Hopkins, Juárez con Paul Muni y La vida privada de Elizabeth y Essex con Errol Flynn. Esta última no sólo fue su primera película a color sino también la única de este tipo que rodaría en el apogeo de su carrera. Para recrear los últimos años de Isabel I, Davis debió afeitarse la línea del cabello y las cejas.78​ Durante el rodaje, fue visitada en el set por el actor Charles Laughton, a quien le comentó el valor que estaba teniendo al interpretar a una mujer de unos sesenta años. Laughton le respondió: «Nunca tengas miedo de atreverte a salirte de ti misma. Es la única manera de crecer en tu profesión. Debes intentar cosas que estén más allá de ti o te estancarás en una rutina interminable». Recordando el episodio muchos años después, Davis comentó que ese consejo la había influenciado a lo largo de su carrera.79​

Davis interpretó frecuentemente papeles antipáticos, tales como el de Regina Giddens en La loba (1941).
En ese momento, Davis era la estrella más rentable de Warner Bros y recibía los papeles protagónicos femeninos más importantes a tal punto que comenzó a ser llamada «el quinto hermano Warner».80​ Su imagen fue tratada con más cuidado y, a pesar de que continuó interpretando papeles de carácter, a menudo fue filmada con primeros planos que resaltaban sus ojos llamativos. El cielo y tú (1940) fue el mayor éxito comercial de ese período81​ mientras que La carta (1940) fue considerada «una de las mejores películas del año» por The Hollywood Reporter.82​ Davis fue elogiada por su papel de una asesina adúltera, el mismo rol que la actriz Katharine Cornell había interpretado originalmente en Broadway.83​ Durante este tiempo, mantuvo una relación con su antiguo compañero de reparto George Brent,11​ quien le propuso matrimonio. Davis rehusó ya que había conocido a Arthur Farnsworth, un posadero de Nueva Inglaterra, con quien se casó en Lake Montezuma, Arizona, en diciembre de 1940.11​84​
En enero de 1941 se convirtió en la primera mujer en ocupar el cargo de presidente de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas,9​ pero contrarió a los miembros del comité con su actitud insolente y propuestas radicales. Ante el rechazo y la resistencia frecuentes del comité, renunció y fue sustituida por Walter Wanger,85​ que implementó los cambios que ella había sugerido.86​ Davis protagonizó tres películas en 1941, entre ellas La gran mentira. El protagonista masculino, George Brent, le hizo cosquillas en muchas de las escenas, lo que permitió que el público, acostumbrado a la fuerza de carácter de sus personajes, presenciara fragmentos poco comunes de una Davis que se retorcía de risa.87​ William Wyler la dirigió por tercera vez en La loba (de RKO, 1941) de Lillian Hellman, pero ambos se enfrentaron por el personaje de Regina Giddens. Como ese papel había sido interpretado originalmente en teatro por Tallulah Bankhead, Davis quiso tomar como base su interpretación pero Wyler manifestó su opinión de suavizar el personaje. La actriz rehusó a llegar a un acuerdo y, si bien recibió otra nominación para el Óscar, nunca más volvió a trabajar con Wyler.88​
Esfuerzo de guerra y tragedia personal (1942-1944)[editar]
Después del ataque a Pearl Harbor, Davis pasó los primeros meses de 1942 vendiendo bonos de guerra.89​ Se enfureció con Jack Warner luego de que este criticara su tendencia a engatusar a las personas y sintiera que ella estaba llevando su imagen demasiado lejos.90​ Sin embargo, la actriz continuó con sus propios métodos e incluso visitó fábricas en Oklahoma, donde arengó a una multitud a contribuir materialmente como parte de los esfuerzos necesarios para colaborar en la guerra.90​ En apenas dos días recaudó dos millones de dólares en bonos y otros 250 000 USD por una fotografía suya en Jezabel.90​ También formó parte de regimientos integrados por personas de color (Davis era la única integrante blanca) en un grupo actoral conformado por Hattie McDaniel, Lena Horne y Ethel Waters.91​

Paul Henreid le enciende un cigarrillo a Davis en La extraña pasajera (1942).
Luego de la sugerencia de John Garfield de abrir un club para militares en Hollywood, Davis (con la ayuda de Warner, Cary Grant y Jule Styne) transformó un antiguo club nocturno en la Cantina de Hollywood, que se inauguró el 3 de octubre de 1942.8​ Las estrellas más importantes de Hollywood ofrecieron llevar a cabo servicios de animación a los militares. Davis aseguró que todas las noches habría unas cuantas figuras «importantes» para los soldados que llegaran92​ y apareció como sí misma en la película La Cantina de Hollywood (1944), que utilizó el local como escenario de rodaje para una historia de ficción.93​ Davis comentó más adelante: «Hay pocos logros en mi vida de los que estoy sinceramente orgullosa. La Cantina de Hollywood es uno de ellos». En 1980 fue galardonada con la Medalla al Servicio Civil del Ejército, uno de los más altos galardones civiles entregados por el Departamento de Defensa de Estados Unidos, por su desempeño en la Cantina de Hollywood.40​
Una de las escenas más imitadas del drama romántico La extraña pasajera (1942) es aquella en la que Paul Henreid enciende dos cigarrillos mientras mira fijamente los ojos de Davis y le pasa uno.94​ Los críticos de cine elogiaron su actuación y el National Board of Review comentó que le dio al filme «una dignidad que no estaba plenamente garantizada por el guion».95​ En la película, Claude Rains actuó como su coestrella. Davis lo acompañó en tres filmes más y confesó en sus memorias que fue su partenaire favorito.96​ La extraña pasajera ocupa el puesto 23 de las mejores películas románticas de todos los tiempos según la lista del American Film Institute.97​
Durante principios de la década de 1940, muchas de las opciones cinematográficas de Davis estuvieron influenciadas por la temática de la guerra, como Vigilancia en el Rhin (1943) de Lillian Hellman, y Adorables estrellas (1943), una alegre cabalgata musical donde cada una de las estrellas más destacadas donaron sus honorarios a la Cantina de Hollywood.98​ Ahí, Davis interpretó una canción novedosa: «They're Either Too Young or Too Old», que se convirtió en un éxito después del estreno de la película.99​ En Vieja amistad (1943) volvió a trabajar con Miriam Hopkins. La historia narra los conflictos originados entre ambas cuando una de ellas se convierte en una novelista exitosa.100​ Davis sintió que Hopkins intentó opacarla a lo largo de la película y101​ el director Vincent Sherman recordó la intensa competitividad y animosidad entre las dos actrices. Davis solía bromear diciendo que no se contuvo nada en una escena en la que debía sacudir a Hopkins en un ataque de ira.6​
En agosto de 1943, el esposo de Davis, Arthur Farnsworth, se desvaneció inesperadamente mientras caminaba por una calle de Hollywood y murió dos días después.84​ Una autopsia reveló que su desmayo fue causado por una fractura de cráneo que había sufrido dos semanas antes.102​ Davis declaró ante una investigación que no sabía cuál podría haber sido la causa de su lesión y se llegó a la conclusión de que fue una muerte accidental.84​ Abatida por el hecho, tomó una semana de luto pero luego insistió en regresar para rodar El señor Skeffington (1944).103​ Sin embargo, desde el primer día de rodaje tuvo serios enfrentamientos con el director Vincent Sherman.103​ Davis explicó más tarde que su modo de actuar era errático y fuera de lo común debido a su catástrofe personal con la siguiente observación: «Cuando más infeliz era, atacaba en lugar de lamentarme».104​ Algunos críticos la analizaron, entre ellos James Agee, quien escribió que «demuestra los horrores del egocentrismo en una escala maratónica».105​ A pesar de las críticas mixtas, recibió otra nominación a los premios de la Academia.102​
Reveses profesionales (1945-1949)[editar]

Davis en El trigo está verde (1945)
En 1945 Davis se casó con el artista William Grant Sherry, que ocasionalmente trabajaba como masajista.106​ Se sintió atraída por él cuando supo que Sherry nunca había oído hablar de ella y, por lo tanto, no se sentía intimidado.107​ Ese mismo año rechazó el papel principal de Alma en suplicio (1945),108​ por el que Joan Crawford ganó un premio de la Academia, y en su lugar participó en El trigo está verde (1945), basada en una obra de Emlyn Williams.109​ Davis interpretó a la señorita Moffat, una profesora de inglés que salva a un joven minero galés (John Dall) de vivir confinado en las minas de carbón al ofrecerle educación.110​ La obra había sido estrenada en teatro por Ethel Barrymore,111​ pero Warner Bros. consideró que la versión cinematográfica debía contar con una mujer joven en el personaje femenino principal y eligió a Davis. Sin embargo, la actriz no estuvo de acuerdo e insistió en hacer el papel tal como estaba escrito y llevar una peluca gris y relleno debajo de la ropa para crear una apariencia desaliñada.112​111​ La película fue bien recibida por la crítica y obtuvo una ganancia de 2,2 millones USD.113​ El crítico E. Arnot Robinson observó que «sólo Bette Davis podría haber luchado con éxito contra la intención evidente de los adaptadores de la obra, interesados en hacer del sexo frustrado el motivo principal de interés del personaje principal con el joven minero».111​ Llegó a la conclusión de que «la interpretación sutil que Davis insistió en dar» mantiene el enfoque en «la alegría que sintió la profesora al transferir sus conocimientos».114​
Su siguiente película, Una vida robada (1946), fue la primera y única que Davis hizo con su propia compañía de producción, BD Productions.115​ En ella interpretó dos papeles: las gemelas Kate y Patricia Bosworth.116​ A pesar de las malas críticas y de que Bosley Crowther la describiera como «una pieza inquietantemente vacía»,117​ el filme recaudó 2,5 millones USD y fue uno de sus más grandes éxitos de taquilla.118​ La primera película en la que intervino que fracasó en términos económicos en este período fue Engaño (1946).119​
El próximo proyecto de Davis iba a ser El amor que mata (1947), que se había adecuado a sus pretensiones,120​ pero quedó embarazada y pidió licencia por maternidad,121​ por lo que fue reemplazada por Joan Crawford, que fue nominada para un premio de la Academia como Mejor Actriz. En 1947, a la edad de 39 años, Davis dio a luz a una niña, Barbara Davis Sherry (conocida como BD). Más tarde escribió en sus memorias que se sintió absorbida por la maternidad y consideró poner fin a su carrera, pero su matrimonio empezó a deteriorarse y siguió haciendo películas. Su popularidad, sin embargo, fue en constante declive.122​
Uno de los papeles que se le ofrecieron para que retornara a la actividad fue el de Rose Sayer en La reina de África (filmada en 1951), pero lo rechazó al enterarse que la película iba rodarse en África. Contrataron en su lugar a Katharine Hepburn,123​ quien fue nominada a un premio de la Academia por su labor. Recibió una propuesta para encarar un papel junto a Joan Crawford en una versión cinematográfica del drama Women Without Men de Virginia Kellogg, pero Davis dejó en claro que no iba a aparecer en cualquier «filme de tortilleras».124​ La película, con Eleanor Parker y Agnes Moorehead en los papeles principales, se estrenó como Sin remisión en 1950.125​ Davis presionó a Jack Warner para hacer dos filmes, uno sobre la novela Ethan Frome y otro sobre la biografía de Mary Todd Lincoln, pero ambas propuestas fueron vetadas.126​

Más allá del bosque (1949) fue la última película que Davis hizo para Warner Bros., después de 17 años con el estudio.
En 1948, Davis fue elegida para protagonizar el melodrama Reunión de invierno, con el joven Jim Davis. A pesar de que inicialmente estuvo entusiasmada,127​ pronto supo que Warner había dispuesto una iluminación «más suave» para disimular su edad. Recordó que había visto «la misma técnica de iluminación en los sets de Ruth Chatterton y Kay Francis, y sabía lo que eso suponía».128​ Comenzó a arrepentirse de haber aceptado el papel y, como añadidura a su desilusión, no confiaba en las habilidades de su compañero Jim Davis.129​ Tampoco estuvo de acuerdo con las modificaciones introducidas al guion debido a restricciones de censura y descubrió que muchos de los aspectos de su papel que la habían atraído inicialmente, habían sido quitados.129​ La película fue descrita por Bosley Crowther como «interminable» y señaló que «de todos los dilemas miserables en los que la señorita Davis intervino... este es probablemente el peor».130​ El filme fracasó rotundamente y el estudio perdió casi un millón USD.131​
Mientras rodaba el papel protagonista de La novia de junio (1948), Davis se enfrentó con su coestrella Robert Montgomery y lo describió como «un Miriam Hopkins masculino... un excelente actor, pero adicto al robo de escenas».132​ El filme fue una de las pocas comedias que realizó en su carrera y le valió algunas críticas positivas, pero no fue especialmente popular entre el público y recaudó sólo una pequeña ganancia.133​ A pesar del poco éxito de sus últimos trabajos, en 1949 negoció un contrato de cuatro películas con Warner Bros., que le pagó 10285 USD por semana y la convirtió en la mujer mejor remunerada en los Estados Unidos.133​134​ En 1947, la Tesorería de Estados Unidos la había nombrado la mujer con mejores ingresos del país.135​
Davis odiaba el guion de Más allá del bosque (1949) y le había pedido a Warner rearmar el papel, pero este se negó a permitir la aprobación de los cambios sugeridos e inició el rodaje de todas formas.136​ Después de que la película fuera finalizada, Warner liberó a Davis de su contrato por pedido suyo137​ y los comentarios que surgieron fueron mordaces. Dorothy Manners de The Angeles Examiner calificó al filme como «un final desafortunado para su brillante carrera»,138​ mientras que Hedda Hopper escribió: «Si Bette pretende destruir su carrera deliberadamente, no pudo encontrar un método más apropiado que este».139​ En la película, la actriz pronunció la frase «¡Qué basura!», que fue estrechamente relacionada con Davis después de que se hiciera una referencia en ¿Quién teme a Virginia Woolf? de Edward Albee. De hecho, los imitadores comenzaron a decirla en sus actos y años después, Davis comenzó a utilizarla como frase de apertura en muchas de sus presentaciones ante el público.11​
Inicio de una carrera independiente (1949-1960)[editar]

Davis interpretando a Margo Channing en una imagen promocional de Eva al desnudo (1950), junto a Gary Merrill, con quien permaneció casada desde 1950 hasta 1960.
Para 1949 Davis y Sherry estaban distanciados y los columnistas de Hollywood anticipaban que su carrera había llegado a su fin. Al momento en que filmó La historia de un divorcio (lanzada por RKO Radio Pictures en 1951 como La egoísta), no había recibido otras ofertas laborales.140​141​ Poco antes de que la filmación fuera completada, el productor Darryl F. Zanuck le ofreció el papel de una actriz teatral ya entrada en años, Margo Channing, en Eva al desnudo (1950).140​ Claudette Colbert, la actriz elegida inicialmente, se había lesionado gravemente la espalda y no pudo continuar.142​ Tras leer el libreto, Davis lo describió como el mejor que había leído en su vida y aceptó el papel.143​ En pocos días, se incorporó al elenco y comenzó a filmar en San Francisco.141​ Durante la producción, forjó una gran amistad con su compañera de reparto, Anne Baxter, y una relación romántica con su protagonista, Gary Merrill, con el que contrajo matrimonio en cuartas nupcias.144​ Joseph L. Mankiewicz, quien dirigió la producción, comentó que estuvo «perfecta» y fue «el sueño del director: la actriz dispuesta».145​
Los críticos respondieron positivamente a la caracterización de Davis y varias de sus frases se hicieron ampliamente conocidas, en particular: «Abróchense sus cinturones, va a ser una noche movida».146​147​ Fue nominada nuevamente al Oscar y críticos como Gene Ringgold describieron su interpretación como «la mejor actuación de todos los tiempos».148​ Pauline Kael escribió que gran parte de la visión de Mankiewicz sobre el teatro era «un disparate» pero elogió a Davis, escribiendo que «[la película] es salvada por una actuación verdaderamente real: Bette Davis está en lo más instintivo y asegurado. La actriz, vanidosa, asustada, una mujer que va demasiado lejos en sus reacciones y emociones, hace que todo cobre vida».149​ Davis ganó el premio a la Mejor Actriz del Festival de Cine de Cannes y del New York Film Critics Circle.146​ También recibió el premio a la Mejor Actriz del San Francisco Film Critics Circle (que la había nombrado como la Peor Actriz de 1949 por Más allá del bosque).150​151​ Durante este tiempo, fue invitada a dejar las huellas de sus manos en la parte exterior del Grauman's Chinese Theatre.152​
El 3 de julio de 1950 se concretó su divorcio con William Sherry y el 28 de julio siguiente se casó con Gary Merrill.153​ Bajo el consentimiento de Sherry, Merrill adoptó a BD, la hija de Davis,154​ y en el mismo año el matrimonio adoptó a una niña a la que llamaron Margot.153​ La familia viajó a Inglaterra donde la pareja protagonizó una película de asesinato y misterio, Veneno para tus labios (1951).153​ Cuando el filme recibió críticas poco entusiastas y fracasó en la taquilla,155​ columnistas de Hollywood escribieron que el retorno de Davis había sido frustrado; su nominación a los premios de la Academia por La estrella (1952) no logró detener su declive.
Davis y Merrill adoptaron un niño llamado Michael en 1952.153​ Más tarde, Davis apareció en una revista de Broadway dirigida por Jules Dassin, Two's Company, pero admitió sentirse incómoda por trabajar fuera de su área de experiencia ya que nunca había hecho una actuación musical y su última experiencia teatral se remontaba a veinte años atrás.156​ También estuvo gravemente enferma y fue operada de osteomielitis de la mandíbula.157​ Su hija Margot fue diagnosticada con un grave daño cerebral debido a una lesión sufrida poco después de su nacimiento y fue ingresada en una institución especializada.158​ Davis y Merrill comenzaron a tener discusiones con frecuencia; su hija BD recordó posteriormente los episodios de alcoholismo y violencia doméstica.159​
Pocas de las películas de Davis en la década de 1950 tuvieron éxito y muchas de sus actuaciones fueron reprobadas por los críticos. The Hollywood Reporter escribió sobre peculiaridades «que usted esperaría encontrar en una imitación de [Davis] en un club nocturno»,160​ mientras que el crítico londinense Richard Winninger, escribió: «La señorita Davis, sin decir más que la mayoría de las estrellas en cuanto a las películas que hace, parece haber caído en el egoísmo. El criterio para su elección de filmes parece ser que nada debe competir con el completo despliegue de cada faceta de su arte. Solo las películas malas son lo suficientemente buenas para ella».161​ Sus filmes de este período incluyen The Virgin Queen (1955), Storm Center (1956) y Banquete de bodas (1956). A medida que su carrera fue declinando, su matrimonio siguió deteriorándose hasta que Davis solicitó el divorcio en 1960, un año antes de que su madre muriera.162​163​ En ese tiempo apareció en televisión en tres episodios de Caravana, una popular producción de la NBC con personajes diferentes en cada una de las emisiones en 1959 y 1961.164​
Éxito renovado (1961-1970)[editar]

Bette Davis en ¿Qué fue de Baby Jane? (1962), por la que recibió su última nominación a los Oscar.
En 1961, Davis intervino en la producción de Broadway, La noche de la iguana, cuyas críticas fueron en su mayoría mediocres, y abandonó la obra después de cuatro meses debido a una «enfermedad crónica».165​ Luego actuó junto a Glenn Ford y Ann-Margret en el filme de Frank Capra, Un gángster para un milagro (1961, una adaptación de la película de Capra de 1933, Dama por un día),166​ basada en una historia de Damon Runyon. Aceptó trabajar en la película de terror de Grand Guignol, ¿Qué fue de Baby Jane? (1962) y, según Variety, «los resultados en gran medida favorecieron a Davis (y ella se lleva el crédito)».167​ La película se convirtió en uno de los mayores éxitos del año.168​
Davis y Joan Crawford interpretaron a dos hermanas actrices entradas en años forzadas por las circunstancias a compartir una decadente mansión en Hollywood.169​ El director, Robert Aldrich, explicó que Davis y Crawford fueron cada una conscientes de lo importante que era la película en sus respectivas carreras y comentó: «Es apropiado decir que realmente se detestaban entre sí, pero se comportaron perfectamente».5​ Después de que el filme fuera acabado, las declaraciones públicas de una contra la otra provocaron que se forjara una tensión que luego propició una enemistad de por vida. Cuando Davis fue nominada para un premio de la Academia, Crawford se puso en contacto con las otras actrices nominadas en el mismo rubro que no podían asistir a la ceremonia y se ofreció a aceptar el premio de cualquiera de ellas en caso de que ganaran.170​ Sobre Crawford, Davis dijo: «Se ha acostado con todas las estrellas de la Metro, menos con la perra Lassie» y, paralelamente, «no la orinaría ni aunque estuviese ardiendo en llamas».171​ A la muerte de Crawford en 1977, manifestó: «Uno nunca debe decir cosas malas sobre los muertos, solo se deben decir cosas buenas: Joan Crawford está muerta, ¡qué bien!».171​ Davis recibió su única nominación a los premios BAFTA por su actuación en ¿Qué fue de Baby Jane?.10​ Su hija BD desempeñó un pequeño papel en la película y cuando ambas visitaron el Festival de Cine de Cannes para promocionarla, BD conoció a Jeremy Hyman, un ejecutivo de Seven Productions Arts. Después de un corto noviazgo, se casó a la edad de 16 años con permiso de Davis.172​
A principios de 1963, mientras Raymond Burr se estaba recuperando de una cirugía, la actriz fue la estrella invitada en el primero de los cuatro episodios de Perry Mason, con Burr haciendo sólo papeles de cameo. Interpretó a una abogada recientemente viuda que defendía a Cal Leonard, acusado de asesinar a su primo en The Case of Constant Doyle.173​
En septiembre de 1962, Davis puso un aviso en la revista Variety que decía: «Madre de tres hijos. Divorciada. Norteamericana. 30 años de experiencia como actriz de cine. Capaz aún de moverse; más amable de lo que dicen los chismes. Se ofrece para trabajo en Hollywood (ya estuvo en Broadway)».174​ Posteriomente, Davis dijo que lo publicó con intención de broma.175​ Su propia víctima (1964) fue un drama en el que interpretó a dos hermanas gemelas y ¿A donde fue el amor? (1964) estuvo basado en una novela romántica de Harold Robbins. Ahí, interpretaba a la madre de Susan Hayward pero el rodaje se vio obstaculizado por las tensas discusiones entre ambas.176​ Canción de cuna para un cadáver (1964) fue una continuación de Robert Aldrich de ¿Qué fue de Baby Jane?, en la que tenía prevista reunir a Davis y Crawford, pero esta última se retiró supuestamente debido a una enfermedad poco después de empezar el rodaje y fue reemplazada por Olivia de Havilland.177​ La película fue un gran éxito y renovó la popularidad de su elenco, también integrado por Joseph Cotten, Mary Astor y Agnes Moorehead.177​ Al año siguiente, Davis fue elegida para ser protagonista de una sitcom de Aaron Spelling, The Decorator.178​ Si bien se filmó un episodio piloto, nunca salió al aire y el proyecto fue dado por terminado.179​180​ A finales de la década, apareció en las películas británicas A merced del odio (1965), El aniversario (1968) y Connecting Rooms (1970), pero su carrera se estancó de nuevo.
Última etapa de su carrera (1971-1983)[editar]

Davis en un anuncio comercial del whisky Jim Beam de 1974.
A principios de 1970, Davis fue invitada a viajar a Nueva York para la puesta en escena de Great Ladies of the American Cinema. Durante cinco noches consecutivas, diferentes estrellas femeninas debatieron sobre su carrera y respondieron las preguntas del público: Myrna Loy, Rosalind Russell, Lana Turner, Sylvia Sidney y Joan Crawford fueron las otras participantes. Davis tuvo una buena recepción y fue invitada a realizar una gira por Australia con Bette Davis in Person and on Film, similar al anterior, y su éxito le permitió llevar la producción a Reino Unido.181​
En 1972, interpretó el papel protagonista en dos películas para televisión, cada una pensada como pilotos para una serie de la NBC: Madame Sin, con Robert Wagner,182​ y The Judge and Jake Wyler, con Joan Van Ark. A pesar de que fueron estrenadas, la cadena de televisión decidió no producir las series en ambos casos.183​ Apareció en la producción teatral Miss Moffat, una adaptación musical de la película El trigo está verde, pero después de que fuera reprobada por críticos de Filadelfia, Davis alegó una lesión en la espalda y abandonó el espectáculo, que finalizó inmediatamente.184​185​ Interpretó papeles secundarios en Pesadilla diabólica (1976) y La desaparición de Aimee (1976), en las cuales se enfrentó con Karen Black y Faye Dunaway, las estrellas de las dos respectivas producciones, luego de sentir que no le dirigieron el respeto apropiado y que sus comportamientos en los sets de filmación no fueron profesionales.186​
En 1977, Davis se convirtió en la primera mujer en recibir el premio a la Trayectoria del American Film Institute.187​ El evento televisado incluyó comentarios de varios de sus colegas, tales como William Wyler, Jane Fonda, Henry Fonda, Natalie Wood y Olivia de Havilland, quien comentó que Davis «consiguió los papeles que yo siempre he querido».188​ Después de la transmisión, recibió varias ofertas de trabajo y aceptó interpretar los papeles de la miniserie de televisión The Dark Secret of Home Harvest (1978) y la película Muerte en el Nilo (1978), basada en la obra de asesinato y misterio de Agatha Christie.189​ La mayor parte de su obra restante fue para la televisión. Davis obtuvo un premio Emmy por Strangers: Madre e hija (1979) con Gena Rowlands y fue nominada por sus actuaciones en White Mama (1980) y La pequeña Gloria (1982).10​ También interpretó papeles secundarios en dos películas de Disney, Los pequeños extraterrestres (1978) y Los ojos del bosque (1980).
El nombre de Davis se puso de moda entre el público más joven cuando la canción de Jackie DeShannon, «Bette Davis Eyes», se convirtió en un éxito mundial gracias a la versión interpretada por Kim Carnes y fue uno de los registros musicales más vendidos de 1981 en los EE. UU., donde se mantuvo en el primer puesto de las listas de música por más de dos meses.190​ La nieta de Davis quedó impresionada de que su abuela fuera la temática de una canción de tanta repercusión, mientras que la actriz la aceptó como un cumplido y les escribió a Carnes y sus compositores.11​ Por otro lado, aceptó como regalo los Discos de Oro y Platino de Carnes y los colgó en su pared.191​192​ Davis continuó actuando para la televisión y apareció en Family Reunion (1981) junto a su nieto Ashley J. Hyman, A Piano for Mrs. Cimino (1982) y Derecho a elegir con James Stewart. En 1983, fue galardonada con el premio «Women in Film Crystal».193​
Últimos años (1983-1989)[editar]

Bette Davis en el Festival de Cine de Deauville, en Francia, en septiembre de 1987. Extremadamente delgada a causa de su enfermedad, continuó trabajando y realizando apariciones públicas hasta su muerte.
En 1983, después de filmar un episodio piloto para la serie Hotel, Davis fue diagnosticada de cáncer de mama y se sometió a una mastectomía.12​194​ Dos semanas después de la cirugía, padeció cuatro accidentes cerebrovasculares que le causaron una parálisis en el lado izquierdo de la cara y en el brazo izquierdo que la dejaron con dificultad para hablar.194​195​ Comenzó un largo período de terapia física y con la ayuda de su asistente personal, Kathryn Sermak, logró recuperarse parcialmente de la parálisis.196​
Durante este tiempo, su relación con su hija, B.D. Hyman, se deterioró cuando esta última se convirtió en una cristiana renacida y trató de persuadir a Davis a seguir su ejemplo.197​ Con su salud estable, viajó a Inglaterra para filmar Murder with Mirrors (1985),197​ basada en la obra de misterio de Agatha Christie. A su regreso, se enteró de que su hija había publicado un libro de memorias, El guardián de mi madre, en el que hablaba de la difícil relación madre-hija, el comportamiento prepotente y los episodios de alcoholismo de su madre.197​ Varios de los amigos de Davis comentaron que las descripciones de Hyman sobre los hechos no eran exactas; uno de ellos dijo que «la mayor parte del libro está fuera de contexto».197​ Mike Wallace retransmitió una entrevista de 60 minutos que había grabado con Hyman unos años antes, donde la elogió en sus habilidades como madre y dijo que había adoptado varios de los principios de Davis en la crianza de sus propios hijos.198​ Los críticos de Hyman señalaron que Davis había apoyado económicamente a la familia de su hija durante muchos años y recientemente los había salvado de perder su casa.199​ A pesar de las asperezas de los primeros años de divorcio, Gary Merrill también defendió a Davis; entrevistado por CNN, Merrill dijo que Hyman fue motivada por «la crueldad y la codicia».200​ El hijo adoptivo de Davis, Michael Merrill, terminó todo contacto con Hyman y se negó a hablar con ella de nuevo, al igual que Davis, que la desheredó.201​
En sus segundas memorias, This 'N That (1987), Davis escribió: «Todavía me estoy recuperando del hecho de que una hija mía escriba sobre mí a mis espaldas, no diré nada sobre el tipo de libro que es. Nunca me recuperaré completamente del libro de BD como lo hice con el accidente cerebrovascular. Ambas fueron experiencias demoledoras».202​ Sus memorias concluyeron con una carta a su hija, en la que se dirigió a ella varias veces como «Hyman» y describió sus acciones como «una notoria falta de lealtad y agradecimiento por la vida privilegiada que creo que te he dado». Para concluir con una referencia al título del libro de Hyman, expresó: «Si se refiere al dinero, si mi memoria no falla, he sido tu guardián todos estos años. Sigo siéndolo, ya que mi nombre ha hecho de tu libro un éxito».203​

Bette Davis junto al presidente estadounidense Ronald Reagan, en 1987, dos años antes de su muerte.
Davis apareció en la película para televisión As Summers Die (1986) y en Las ballenas de agosto (1987) de Lindsay Anderson, en la que interpretó a la hermana ciega de Lillian Gish.204​ La película obtuvo buenas críticas, una de las cuales decía: «Bette se arrastra a través de la pantalla como un viejo avispón cascarrabias en el cristal de una ventana, gruñendo, tambaleándose, temblando... Una sinfonía de sinapsis que falló».205​ Su última actuación fue el papel protagonista en La bruja de mi madre de Larry Cohen (1989). Para entonces su salud estaba deteriorándose y después de algunos desacuerdos con Cohen, se bajó del proyecto.206​ El guion fue reescrito para poner más énfasis en el carácter del personaje de Barbara Carrera y la versión reelaborada se lanzó después de la muerte de Davis.207​208​
Luego de abandonar La bruja de mi madre y sin más ofertas de cine (a pesar de que estaba dispuesta a trabajar en The Turn Of The Century de Craig Calman y colaboró con él en la adaptación de la obra de teatro para un guion de largometraje),209​ Davis apareció en varios programas de entrevistas y fue reporteada por Johnny Carson, Joan Rivers, Larry King y David Letterman, con quienes habló de su carrera y se negó a opinar de su hija. Sus apariciones eran populares; Lindsay Anderson observó que el público disfrutaba viendo la forma «tan perra» en la que se comportaba.210​
Durante 1988 y 1989, Davis fue agasajada por su trayectoria y recibió el premio del Centro John F. Kennedy, la Legión de Honor de Francia, el Campione d'Italia y el premio a la trayectoria de la Sociedad Fílmica del Lincoln Center.211​
Fallecimiento[editar]

Tumba de Davis en Los Ángeles.
Davis se desmayó durante la entrega de los premios American Cinema en 1989 y poco después descubrió que el cáncer había reaparecido. Se recuperó lo suficiente como para viajar a España, donde fue galardonada con el premio Donostia en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Durante su estadía en San Sebastián su salud se deterioró rápidamente.44​ Demasiado débil para hacer el largo viaje de regreso a EE. UU., viajó a Francia, donde murió a las 23.20 h del 6 de octubre de 1989 a los 81 años, en el Hospital Americano de Neuilly-sur-Seine.44​212​ Sus restos fueron sepultados en el Forest Lawn—Hollywood Hills Cemetery de Los Ángeles, al lado de su madre, su hermana Bobby (fallecida en 1979) y con su nombre grabado en una letra más grande con respecto a las otras dos.212​ El epitafio de Davis dice: «Lo hizo a la manera difícil»,212​ que también fue mencionado en su libro de memorias Mother Goddam por sugerencia de Joseph L. Mankiewicz poco después de haber terminado de filmar Eva al desnudo.213​
Críticas y legado[editar]
A lo largo de su carrera, Davis fue señalada como una actriz de carácter difícil, lo que se vio reflejado en diversas discusiones que mantuvo con directores e integrantes de elencos.214​ A diferencia de otras actrices de su época, optó por interpretar papeles poco simpáticos y fuera de los comunes para una mujer de ese momento, como manipuladoras, asesinas o personas de mayor edad a la suya.215​ Muchos de sus contemporáneos señalan que, si bien muchas de sus películas no tuvieron el éxito esperado, Davis se destacaba de todas formas por la recreación de personajes muy variados y su personalidad fuerte.216​ De hecho, la revista Life la calificó como la actriz más representativa de su época y el AFI la situó en el segundo puesto de su lista de las «50 mayores leyendas estadounidenses de la pantalla», sólo por detrás de Katharine Hepburn.217​13​ La Fundación Bette Davis, fundada en 1997, premia con becas a jóvenes actores prometedores.218​
En 1964, Jack Warner comentó la «cualidad mágica que transformaba a esta muchachita a veces sosa y poco hermosa en una gran artista»,213​ y en una entrevista de 1988, Davis remarcó que, a diferencia de muchas de sus contemporáneas, había forjado una carrera sin la ventaja de la belleza.219​ Admitió que estaba aterrada durante el rodaje de sus primeras películas y que se volvió dura por necesidad. Dijo que: «En mi profesión hasta que no tienes fama de monstruo, no eres una estrella» pero «yo nunca luché por nada de forma desleal. Nunca luché por nada que no fuera por el bien de la película».214​ Durante el rodaje de Eva al desnudo (1950), Joseph L. Mankiewicz le dijo que en Hollywood existía la idea de que su carácter era difícil, y Davis le explicó que cuando la audiencia la veía en pantalla, no tenía en cuenta que su apariencia era el resultado del trabajo de numerosas personas entre bastidores. Si fuera presentada como «una burra... de cuarenta pies de ancho, y treinta de alto», eso sería todo lo que la audiencia «vería o valoraría».220​

Davis en La carta (1940).
Aunque fue elogiada por sus éxitos, a veces Davis y sus películas fueron ridiculizados. Pauline Kael describió La extraña pasajera (1942) como un «clásico de baratillo»,221​ y a mediados de la década de 1940, sus actuaciones a veces artificiosas e histriónicas fueron objeto de caricatura. Edwin Schallert para The Ángeles Times elogió su actuación de Sr. Skeffington (1944), aunque observaba que «los mimos tendrán más gracia que una caja de monos imitando a la señorita Davis»,222​ y Dorothy Manners en The Angeles Examiner dijo de su interpretación en la pobremente acogida Más allá del bosque (1949), que «ningún humorista de club nocturno habría hecho una imitación tan cruel de los gestos de la Davis como la misma Bette realizó en esta».138​ La revista Time destacó que Davis era digna de observarse compulsivamente incluso cuando criticaba su técnica interpretativa, resumiendo su actuación en Su propia víctima (1964) con el comentario: «su interpretación, no es realmente una actuación, es alardear descaradamente. ¡Pero intente mirar para otro lado!».223​
Atrajo muchos seguidores de la subcultura gay,224​ y con frecuencia era imitada por transformistas como Tracey Lee y Charles Pierce.7​ En un intento de explicar su popularidad entre la audiencia homosexual, el periodista Jim Emerson escribió: «¿Ella es el mascarón de proa del camp simplemente por su estilo de actuar crispado, melodramático y que no ha envejecido bien? ¿o porque fue «Más grande que la vida», una tipa dura que ha sobrevivido? Probablemente por ambas cosas».219​
Su elección de películas fue poco convencional, interpretó papeles de manipuladoras y asesinas cuando las actrices de la época generalmente preferían papeles más simpáticos, y se destacó con ellos.215​ Era partidaria de la autenticidad por encima del glamour y deseaba cambiar su propia apariencia si le venía bien al personaje. Claudette Colbert comentó que Davis fue la primera actriz en interpretar personajes de más edad que ella misma, y por ello no tuvo que hacer la difícil transición a papeles de carácter cuando envejeció.214​

Firma de Bette Davis y la huella de sus manos frente al Grauman's Chinese Theatre.
Cuando entró en la tercera edad, Davis fue reconocida por sus logros. John Springer, que organizaba sus giras de conferencias a principios de la década de 1970, escribió que a pesar de los éxitos de muchas de sus contemporáneas, Davis fue «la estrella de los treinta y principios de los cuarenta», que logró notoriedad por la variedad de sus caracterizaciones y su habilidad para hacerse valer, incluso cuando su material era mediocre.216​ Sus interpretaciones personales siguieron recibiendo elogios; en 1987, Bill Collins analizó La carta (1940) y describió su actuación como un «logro brillante y sutil», y escribió: «Bette Davis hace de Leslie Crosbie una de las mujeres más extraordinarias del cine».225​ En una reseña de 2000 de Eva al desnudo (1950), Roger Ebert apuntó que «Davis era un personaje, un ícono con un gran estilo, tanto que incluso sus excesos son realistas».226​ En 2006, la revista Premiere situó su recreación de Margo Channing en la película en el puesto quinto de su lista «Las 100 interpretaciones más grandes de todos los tiempos», comentanto que: «Hay algo deliciosamente audaz en su alegre voluntad de interpretar emociones tan desagradables como los celos, la amargura y la necesidad».227​ En su reseña de ¿Qué fue de Baby Jane? (1962) de 2008, Ebert afirmó que «nadie que la haya visto en la película la olvidará jamás».228​
Unos meses antes de su muerte en 1989, Davis fue uno de los actores que aparecieron en la portada de la revista Life. En una retrospectíva cinematográfica que homenajeaba a los filmes y las estrellas de 1939, Life concluyó que Davis fue la actriz más significativa de su época y destacó Amarga victoria (1939) como una de las películas más importantes del año.217​ Angela Lansbury resumió el sentimiento de los miembros de la comunidad de Hollywood que asistieron a su funeral, comentando tras la proyección de una muestra de las películas de Davis, que habían presenciado «un extraordinario legado de la interpretación del siglo veinte por una auténtica maestra del oficio», que debería proporcionar «estímulo y ejemplo para futuras generaciones de aspirantes a actores».229​
En 1977, Davis se convirtió en la primera mujer galardonada con el premio a los logros de una vida del AFI.230​ En 1999, el American Film Institute publicó la lista «100 años de la AFI... 100 estrellas», resultante de una encuesta entre la industria cinematográfica para determinar las «50 mayores leyendas estadounidenses de la pantalla» para conseguir el reconocimiento público y el aprecio del cine clásico. De las 25 actrices elegidas para la lista, Davis quedó situada en el segundo puesto, por detrás de Katharine Hepburn.13​231​
En 1997, los albaceas de su herencia, Michael Merrill, su hijo, y Kathryn Sermak, su antigua asistente, crearon la Fundación Bette Davis que premia con una beca a actores y actrices prometedores.218​ En 2008, el Servicio Postal de los Estados Unidos celebró el centenario del nacimiento de Bette Davis con la emisión de un sello conmemorativo.232​ La celebración del primer día de emisión tuvo lugar el 18 de septiembre de 2008, en la Universidad de Boston, en la que se almacena un extenso archivo de Bette Davis. Entre los oradores del acto más destacados estaban su hijo Michael Merrill y Lauren Bacall.211​
Premios Óscar de la Academia[editar]
En 1962, Davis se convirtió en la primera intérprete en recibir diez nominaciones a los premios Oscar por sus actuaciones.211​ Desde entonces, sólo cuatro personas han igualado o superado esta cifra: Meryl Streep (veinte nominaciones y tres victorias), Katharine Hepburn (doce nominaciones y cuatro victorias), Jack Nicholson (doce nominaciones y tres victorias) y Laurence Olivier (diez nominaciones y una victoria).233​
A principios de los años 2000, Steven Spielberg compró en una subasta los dos Oscars que Davis ganó por Peligrosa (1935) y Jezabel (1938) (por 207 500 USD y 578 000 USD, respectivamente) y los devolvió a la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas.234​235​
El trabajo de Davis en Cautivo del deseo (1934) fue tan ampliamente aclamado que cuando no recibió una nominación para un premio Oscar, varias figuras influyentes montaron una campaña para que se incluyera a la actriz. La Academia flexibilizó sus reglas por ese año sólo para permitir la consideración de cualquier artista nominado en una votación escrita, por lo que cualquier votación del año fue técnicamente elegible para su consideración. Debido al alboroto tan publicitado, algunas fuentes todavía la consideran una nominación para Davis, aunque la Academia nunca la registró oficialmente como una candidatura.51​
Año Categoría Película Resultado
1962
Mejor actriz
¿Qué pasó con Baby Jane? Nominada
1952
La estrella Nominada
1950
Eva al desnudo Nominada
1944
El señor Skeffington Nominada
1942
La extraña pasajera Nominada
1941
La loba Nominada
1940
La carta Nominada
1939
Amarga victoria Nominada
1938
Jezabel Ganadora
1935
Peligrosa Ganadora
1934
Cautivo del deseo Nominada
Filmografía completa[editar]
Bad sister (1931)
Semilla (1931)
El puente de Waterloo (1931)
La vuelta al hogar (1932)
La estatua vengadora (1932)
Casa correccional (1932)
La oculta providencia (1932)
So big (1932)
The rich are always with us (1932)
The dark horse (1932)
Esclavos de la tierra (1932)
Tres vidas de mujer (1932)
20.000 años en Sing Sing (1933)
Los gángsters del aire (1933)
Se necesita un rival (1933)
Ex-lady (1933)
Los desaparecidos (1933)
El altar de la moda (1934)
The big shakedown (1934)
A la caza de herederos (1934)
Fog over Frisco (1934)
Cautivo del deseo (1934)
Una mujer de su casa (1934)
Barreras infranqueables (1935)
La chica de la décima avenida (1935)
La que apostó su amor (1935)
Agente especial (1935)
Peligrosa (1935)
El bosque petrificado (1936)
The golden arrow (1936)
Satan met a lady (1936)
La mujer marcada (1937)
Kid Galahad (1937)
Aquella mujer (1937)
Es amor lo que busco (1937)
Jezabel (1938)
Las hermanas (1938)
Amarga victoria (1939)
Juárez (1939)
La solterona (1939)
La vida privada de Elizabeth y Essex (1939)
El cielo y tú (1940)
La carta (1940)
La loba (1941)
El hombre que vino a cenar (1941)
Como ella sola (1942)
La extraña pasajera (1942)
Alarma en el Rhin (1943)
Thank your lucky stars (1943)
Vieja amistad (1943)
El señor Skeffington (1944)
Hollywood Canteen (1944)
El trigo está verde (1945)
Una vida robada (1946)
Engaño (Deception) (1946)
Encuentro invernal (1948)
La novia de junio (1948)
Más allá del bosque (1949)
La gran mentira (1950)
Eva al desnudo (1950)
Una novia contra reembolso (1950)
La egoísta (1951)
Another's man poison (1952)
Llama un desconocido (1952)
La estrella (1952)
El favorito de la reina (1955)
En el ojo del huracán (1956)
Banquete de bodas (1956)
El capitán Jones (1959)
Donde el círculo termina (1959)
Un gángster para un milagro (1961)
¿Qué fue de Baby Jane? (1962)
Su propia víctima (Dead Ringer) (1964)
The empty canvas (1964)
A donde fue el amor (1964)
Canción de cuna para un cadáver (1964)
A merced del odio (1965)
El aniversario (1968)
Conecting rooms (1970)
Bunny O'Hare (1971)
Sembrando ilusiones (1972)
Pesadilla diabólica (1976)
The Dark Secret of Harvest Home (1978)
Los pequeños extraterrestres (1978)
Muerte en el Nilo (1978)
Watcher in the woods (1980)
Las ballenas de agosto (1987)236​
Wicked stepmother (1989)
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