Grandes Compositores de Música Clásica

Grandes Compositores de Música Clásica

Publicada el 15.07.2018 a las 17:49h.

Nos hablan de compositores de música clásica y nos imaginamos a unos genios excéntricos, normalmente con peluca y aires de divos… Pero, ¿a cuántos de ellos sabrías reconocer? Cuando los ves programados en un festival de música clásica, ¿sabes a qué período musical pertenecen? ¿Y qué aportaron a la historia? ¿No? Pues sigue leyendo, que te traemos una lista con los imprescindibles.

Etiquetas: clasica, compositores, grandes, música

Avatar de irenegm

Último acceso 10:08h

Johann Sebastian Bach

1

Johann Sebastian Bach

https://www.youtube.com/watch?v=mu_C_g8VoPE

(Eisenach, actual Alemania, 1685 - Leipzig, 1750) Compositor alemán. Considerado por muchos como el más grande compositor de todos los tiempos, Johann Sebastian Bach nació en el seno de una dinastía de músicos e intérpretes que desempeñó un papel determinante en la música alemana durante cerca... Ver mas
(Eisenach, actual Alemania, 1685 - Leipzig, 1750) Compositor alemán. Considerado por muchos como el más grande compositor de todos los tiempos, Johann Sebastian Bach nació en el seno de una dinastía de músicos e intérpretes que desempeñó un papel determinante en la música alemana durante cerca de dos siglos y cuya primera mención documentada se remonta a 1561.


Johann Sebastian Bach

Hijo de Johann Ambrosius, trompetista de la corte de Eisenach y director de los músicos de dicha ciudad, la música rodeó a Johann Sebastian Bach desde el principio de sus días. A la muerte de su padre en 1695, se hizo cargo de él su hermano mayor, Johann Christoph, a la sazón organista de la iglesia de San Miguel de Ohrdruf. Bajo su dirección, el pequeño Bach se familiarizó rápidamente con los instrumentos de teclado, el órgano y el clave, de los que sería un consumado intérprete durante toda su vida.

Su formación culminó en el convento de San Miguel de Lüneburg, donde estudió a los grandes maestros del pasado, entre ellos Heinrich Schütz, al tiempo que se familiarizaba con las nuevas formas instrumentales francesas que podía escuchar en la corte.

A partir de estos años, los primeros del siglo XVIII, Bach estaba ya preparado para iniciar su carrera como compositor e intérprete. Una carrera que puede dividirse en varias etapas, según las ciudades en las que el músico ejerció: Arnstadt (1703-1707), Mühlhausen (1707-1708), Weimar (1708-1717), Köthen (1717-1723) y Leipzig (1723-1750).

Si en las dos primeras poblaciones, sobre todo en Mühlhausen, sus proyectos chocaron con la oposición de ciertos estamentos de la ciudad y las propias condiciones locales, en Weimar encontró el medio adecuado para el desarrollo de su talento. Nombrado organista de la corte ducal, Bach centró su labor en esta ciudad sobre todo en la composición de piezas para su instrumento músico: la mayor parte de sus corales, preludios, tocatas y fugas para órgano datan de este período, al que también pertenecen sus primeras cantatas de iglesia importantes.

En 1717 Johann Sebastian Bach abandonó su puesto en Weimar a raíz de haber sido nombrado maestro de capilla de la corte del príncipe Leopold de Anhalt, en Köthen, uno de los períodos más fértiles en la vida del compositor, durante el cual vieron la luz algunas de sus partituras más célebres, sobre todo en el campo de la música orquestal e instrumental: los dos conciertos para violín, los seis Conciertos de Brandemburgo, el primer libro de El clave bien temperado, las seis sonatas y partitas para violín solo y las seis suites para violoncelo solo.



Durante los últimos veintisiete años de su vida fue Kantor de la iglesia de Santo Tomás de Leipzig, cargo éste que comportaba también la dirección de los actos musicales que se celebraban en la ciudad. A esta etapa pertenecen sus obras corales más impresionantes, como sus dos Pasiones, la monumental Misa en si menor y el Oratorio de Navidad. En los últimos años de su existencia su producción musical descendió considerablemente debido a unas cataratas que lo dejaron prácticamente ciego.

Casado en dos ocasiones, con su prima Maria Barbara Bach la primera y con Anna Magdalena Wilcken la segunda, Bach tuvo veinte hijos, entre los cuales descollaron como compositores Wilhelm Friedemann Bach, Carl Philipp Emanuel Bach, Johann Christoph Friedrich Bach y Johann Christian Bach.

Pese a que tras la muerte del maestro su música, considerada en exceso intelectual, cayó en un relativo olvido, compositores de la talla de Mozart o Beethoven siempre reconocieron su valor. Recuperada por la generación romántica, desde entonces la obra de Johann Sebastian Bach ocupa un puesto de privilegio en el repertorio. La razón es sencilla: al magisterio que convierte sus composiciones en un modelo imperecedero de perfección técnica, se une una expresividad que las hace siempre actuales.

Más información en la monografía sobre Bach.


Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 89 puntos

Vótalo:

Wolfgang Amadeus Mozart

2

Wolfgang Amadeus Mozart

https://www.youtube.com/watch?v=Gy953Fg6Je4

Considerado por muchos como el mayor genio musical de todos los tiempos, Wolfgang Amadeus Mozart compuso una obra original y poderosa que abarcó géneros tan distintos como la ópera bufa, la música sacra y las sinfonías. El compositor austriaco se hizo célebre no únicamente por sus... Ver mas
Considerado por muchos como el mayor genio musical de todos los tiempos, Wolfgang Amadeus Mozart compuso una obra original y poderosa que abarcó géneros tan distintos como la ópera bufa, la música sacra y las sinfonías. El compositor austriaco se hizo célebre no únicamente por sus extraordinarias dotes como músico, sino también por su agitada biografía personal, marcada por la rebeldía, las conspiraciones en su contra y su fallecimiento prematuro. Personaje rebelde e impredecible, Mozart prefiguró la sensibilidad romántica y fue, junto con Händel, uno de los primeros compositores que intentaron vivir al margen del mecenazgo de nobles y religiosos, hecho que ponía de relieve el paso a una mentalidad más libre respecto a las normas de la época. Su carácter anárquico y ajeno a las convenciones le granjeó la enemistad de sus competidores y le creó dificultades con sus patrones.


Wolfgang Amadeus Mozart

Wolfgang Amadeus Mozart nació el 27 de enero de 1756, fruto del matrimonio entre Leopold Mozart y Anna Maria Pertl. El padre, compositor y violinista, publicaría ese mismo año un útil manual de iniciación al arte del violín; la madre procedía de una familia acomodada de funcionarios públicos. Mozart era el séptimo hijo de este matrimonio, pero de sus seis hermanos sólo había sobrevivido una niña, Maria Anna. Wolferl y Nannerl, como se llamó a los dos hermanos familiarmente, crecieron en un ambiente en el que la música reinaba desde el alba hasta el ocaso, ya que el padre era un excelente violinista que ocupaba en la corte del príncipe-arzobispo Segismundo de Salzburgo el puesto de compositor y vicemaestro de capilla.

Por aquel entonces Salzburgo empezaba a recuperarse de los desastres humanos y económicos de las guerras civiles del siglo XVII, pero aun así la vida cultural y económica giraba casi exclusivamente en torno a la figura feudal del arzobispo, al tiempo que empezaban a circular ideas ilustradas entre una naciente burguesía urbana, todavía ajena a los centros sociales de prestigio y poder. Una atmósfera que cabe recordar para, en su momento, hacerse cargo de la mentalidad de Mozart padre, así como de la rebeldía juvenil del hijo.

Leopold, en efecto, educó a sus hijos desde una tempranísima edad como a músicos capaces de contribuir al sustento de la familia y de convertirse lo antes posible en servidores a sueldo del príncipe de Salzburgo. Una aspiración lógica y común en su tiempo. Nannerl, cinco años mayor que Wolfgang, ya daba clases de piano a los diez años de edad, y uno de sus alumnos fue su propio hermano. El interés y las atenciones de Leopold se concentraron al principio en la formación de la dotadísima Nannerl, sin percatarse de la temprana atracción que el pequeño Wolferl sentía por la música: a los tres años se ejercitaba con el teclado del clavecín, asistía sin moverse y con los ojos como platos a las clases de su hermana y se escondía debajo del instrumento para escuchar a su padre componer nuevas piezas.

El más precoz de los genios

Pocos meses después, Leopold se vio obligado a dar lecciones a los dos y quedó estupefacto al contemplar a su hijo de cuatro años leer las notas sin dificultad y tocar minués con más facilidad con que se tomaba la sopa. Pronto fue evidente que la música era la segunda naturaleza del precoz Wolfgang, capaz a tan tierna edad de memorizar cualquier pasaje escuchado al azar, de repetir al teclado las melodías que le habían gustado en la iglesia y de apreciar con tanto tino como inocencia las armonías de una partitura.


El Tratado para una escuela violinística básica,
de Leopold Mozart

Un año más tarde, Leopold descubrió conmovido en el cuaderno de notas de su hija las primeras composiciones de Wolfgang, escritas con caligrafía infantil y llenas de borrones de tinta, pero correctamente desarrolladas. Con lágrimas en los ojos, el padre abrazó a su pequeño "milagro" y determinó dedicarse en cuerpo y alma a su educación. Bromista, sensible y vivaracho, el pequeño Mozart estaba animado por un espíritu burlón que sólo ante la música se transformaba; al interpretar las notas de sus piezas preferidas, su sonrosado rostro adoptaba una impresionante expresión de severidad, un gesto de firmeza casi adulto capaz de tornarse en fiereza si se producía el menor ruido en los alrededores. Ensimismado, parecía escuchar entonces una maravillosa melodía interior que sus finos dedos intentaban arrancar del teclado.

El orgullo paterno no pudo contenerse y Leopold decidió presentar a sus dos geniecillos en el mundo de los soberanos y los nobles, con objeto tanto de deleitarse con las previsibles alabanzas como de encontrar generosos mecenas y protectores dispuestos a asegurar la carrera de los futuros músicos. Renunciando a toda ambición personal, se dedicó exclusivamente a la misión de conducir a los hermanos prodigiosos hasta la plena madurez musical. Aunque el niño era a todas luces un genio, cabe observar que su talento fue educado, espoleado y pulido por la diligencia del padre, al que sólo cabe achacar haber expuesto a un niño de salud quebradiza a los constantes rigores de unos viajes ciertamente incómodos. La iconografía de Mozart niño no nos ofrece un retrato fiel de su aspecto, pero los testimonios coinciden en una palidez extrema, casi enfermiza.

Así, los hermanos Mozart se convirtieron en concertistas infantiles en giras cada vez más ambiciosas; contaban con el beneplácito del príncipe, sin el cual no habrían podido abandonar la ciudad. De 1762 a 1766 realizaron varios viajes por Alemania, Francia, Gran Bretaña y los Países Bajos. En 1762, un año después de la primera composición escrita de Mozart, los hermanos daban conciertos en los salones de Munich y Viena. En el mismo año viajaron a Frankfurt, Lieja, Bruselas y París.


Su hemana Maria Anna Mozart

En Versalles, aquel niño mimado por el aplauso de todos, pero niño al fin y al cabo, saltó en un arrebato a las faldas de la emperatriz para abrazarla, y le propuso a la futura reina María Antonieta, entonces niña de su misma edad, casarse con él, además de hacer un público desplante a madame de Pompadour por negarse a besarlo. De allí marcharon a Londres, donde tocaron en el palacio de Buckingham y conocieron a Johann Christian Bach, el hijo predilecto de Johann Sebastian Bach, cuyas composiciones sedujeron al niño. En sólo seis semanas Wolfgang fue capaz de asimilar su estilo y componer versiones personales de su música.

Sin embargo, no todos los viajes estaban alfombrados de éxito y beneficios. Los conciertos, en ocasiones similares a números de circo, no daban todo lo esperado. El monedero del padre Mozart se encontraba vacío con demasiada frecuencia. Como la memoria de los grandes es escasa y caprichosa, algunas puertas se cerraron para ellos; además, la delicada salud del pequeño les jugó diversas veces una mala pasada. El mal estado de los caminos, el precio de las posadas y los viajes interminables provocaban mal humor y añoranza, lágrimas y frustraciones.

La primera gira concluyó en 1766. De 1767 a 1769 dieron conciertos por Austria, y desde esta fecha hasta 1771 por Italia, donde recibió la protección de Martini, que gestionó su ingreso en la Accademia Filarmonica. Leopold reconoció que pedía demasiado a su hijo y en varias ocasiones volvieron a Salzburgo para poner fin a la vida nómada. Pero la ciudad poco podía ofrecer a Wolfgang, aunque recibiría a los trece años el título honorífico de Konzertmeister de la corte salzburguesa; Leopold quiso que Wolferl continuase perfeccionando su educación musical allí donde fuese preciso, y continuó su peregrinar de país en país y de corte en corte. Wolfgang conoció durante sus giras a muchos célebres músicos y maestros que le enseñaron diferentes aspectos de su arte y las nuevas técnicas extranjeras.


Mozart en Verona (óleo de Saverio dalla Rosa, 1770)

El muchacho se familiarizó con el violín y el órgano, con el contrapunto y la fuga, la sinfonía y la ópera. La permeabilidad de su carácter le facilitaba la asimilación de todos los estilos musicales. También comenzó a componer en serio, primero minués y sonatas, luego sinfonías y más tarde óperas, encargos medianamente bien pagados pero poco interesantes para sus aspiraciones, aceptados debido a la necesidad de ganar el dinero suficiente para sobrevivir y seguir viajando. A menudo se vio también obligado a dar clases de clavecín a estúpidos niños de su edad que le irritaban enormemente.

Entretanto, el padre se sentía cada vez más impaciente. ¿Por qué no había conseguido todavía la gloria máxima su hijo, que ya sabía más de música que cualquier maestro y cuya genialidad era tan visible y evidente? Ni sus conciertos para piano ni sus sonatas para clave y violín, y tampoco los estrenos de sus óperas cómicas La tonta fingida y Bastián y Bastiana habían logrado situarle entre los más grandes compositores. Sólo en 1770 Leopold considerará que al fin su hijo goza de un éxito merecido: el Papa Clemente XIV le otorga la Orden de la Espuela de Oro con el título de caballero, la Academia de Bolonia le distingue con el título de compositore y los milaneses acompañan su primera ópera seria, Mitrídates, rey del Ponto, con frenéticos aplausos y con gritos de "¡Viva il maestrino!"


Mozart (al clavicordio) con el violinista
Linley en Florencia, 1770

El 16 de diciembre de 1771 los Mozart regresaban a Salzburgo, aureolados por el triunfo conseguido en Italia pero siempre a merced de las circunstancias. Aquel afamado adolescente de quince años ya tenía en su haber la escritura de más de cien composiciones (conciertos, sinfonías, misas, motetes y óperas) y lucía con orgullo la Espuela de Oro del papa. Ese mismo año, sin embargo, había fallecido el arzobispo de Salzburgo, y las ideas y el carácter del nuevo mitrado, el conde Gerónimo Colloredo, alteraron el rumbo de la vida de Mozart.

En Salzburgo

Contra lo que pueda parecer, la atmósfera en la Austria católica era menos rígida y puritana que en la Alemania protestante, sobre todo en Viena, y el nuevo arzobispo no era un señor feudal a la antigua usanza, sino todo un reformista ilustrado, que convirtió a los siervos y criados de su corte en funcionarios públicos. En esta operación, sin embargo, Colloredo actuó con la rigidez de un déspota, y para el joven Mozart, equiparado administrativamente a los jardineros de palacio, la modernización de la corte le resultó más humillante y gravosa que el trato benevolente y paternal, aunque arbitrario, de su antiguo señor. La corte salzburguesa estaba, además, impregnada de clericalismo e intrigas en la tradición vaticana, y el vitalismo y cosmopolitismo de Mozart ansiaba la vida de Viena, por la intensidad de su apertura y curiosidad musical y la animación artística de sus teatros.


El arzobispo Colloredo (óleo de F. X. Koenig, 1772)

Sólo su naturaleza alegre y despreocupada salvó al joven de la apatía o la rebelión y le permitió crear en esta época más y mejor que nunca. Era el fin del niño prodigio y el comienzo de la madurez musical. En sus conciertos rompía con las concepciones tradicionales alcanzando un verdadero diálogo entre la orquesta y los solistas. Sus sinfonías, de brillantes efectos instrumentales y dramáticos, eran excesivamente innovadoras para los perezosos oídos de sus contemporáneos. Mozart resultaba para todos a la vez nuevo y extraño. Pero tampoco su siguiente ópera, La jardinera fingida, en la que fundía por primera vez audazmente drama y bufonada, constituyó un éxito, aunque había tratado de seguir al pie de la letra las reglas de la moda y los convencionalismos. El joven se sentía frustrado, deseaba componer con libertad y huir del marco estrecho y provinciano de su ciudad natal. Nuevas y breves visitas a Italia y Viena aumentaron sus ansias de amplios horizontes.

Durante este período su producción de encargo fue básicamente sacra, aunque Mozart compuso además varias óperas cortesanas, cuartetos de cuerda, sonatas y divertimentos. Tras una estancia en Munich, en enero de 1775, para representar ante el elector Maximiliano III La jardinera fingida, Mozart consiguió finalmente autorización de Colloredo para una nueva gira. Acompañado esta vez de su madre, partió de Salzburgo, feliz de abandonar su «salvaje ciudad natal» y con la esperanza de revivir sus éxitos infantiles en París. Pero primero se detuvo largos meses de 1777 en Munich, Augsburgo y Mannheim, entre otras ciudades. En la última trabó amistad con Ramm, Wendling y Cannabich y escribió el Concierto para piano que fue la número 271 de sus composiciones.

El 23 de marzo de 1778 llegó a París, donde conoció la primera de sus más amargas experiencias: la ciudad le ignoraba; había crecido; ya no era, por su edad, un fenómeno de la naturaleza que pudiera ser exhibido en los salones, unos salones contra los que Mozart escribió durísimas palabras por la frivolidad e insensibilidad musical ante su obra. Sus condiciones de subsistencia se hicieron extraordinariamente precarias, lo que sin duda contribuyó a minar la ya precaria salud de su madre. Anna Maria falleció el 3 de julio, y esta muerte contribuyó a incrementar los malentendidos y tensas relaciones entre padre e hijo.


La madre de Mozart, Anna Maria Pertl

Derrotado, antes de regresar a Salzburgo, Mozart recaló en el hospitalario refugio de la familia Weber en Mannheim. Durante su viaje de ida se había enamorado de Aloysia Weber, quien, a su corta edad, presagiaba una prometedora carrera de cantante. Si esperaba entonces encontrar consuelo en ella, ésta sería su tercera experiencia de dolor. En su ausencia, Aloysia había triunfado y le hizo saber claramente que no uniría su vida a un músico sin un futuro asegurado como él.

Los dos años siguientes los pasó en Salzburgo, languideciendo en su «esclavitud episcopal», hasta que le llegó un encargo de Munich: la composición de una ópera, Idomeneo, en la que Mozart, aun dentro del esquema cortesano de Gluck, superaría sus anteriores composiciones para la escena. En 1781 Mozart y la familia Weber coincidieron en Viena. Él, como miembro de la corte de Colloredo, trasladada a la capital; la familia Weber, para seguir los acontecimientos musicales de la temporada. Surgió entonces el amor por la hermana de Aloysia, Constance.

Entretanto, las relaciones con el arzobispo se encresparon. Mozart, para desesperación de Leopold, no era ningún modelo de diplomacia y, pese a su carácter risueño y bondadoso, reaccionaba con acritud instantánea cuando se sentía atacado o humillado. A primeros de mayo, Mozart recibió la orden, a través de un lacayo de Colloredo, de abandonar inmediatamente Viena, al parecer, para llevar un paquete a Salzburgo, en donde se le indicó que debía permanecer. Mozart presentó su carta de dimisión al arzobispo, quien la aceptó de inmediato. Libre de patrones, Mozart residiría en Viena el resto de su vida.

En Viena

Mozart prefiguraba así el artista moderno del romanticismo, muy en consonancia con el espíritu rebelde del Sturm und Drang y la sensibilidad wertheriana que conmocionaba a la juventud alemana de la época; un artista que quería liberarse de la servidumbre feudal, que se resistía a insertarse en las filas del funcionariado cultural, y pretendía sobrevivir a sus solas expensas. Mozart habría de pagar muy cara su ejemplar osadía; pero, por el momento, se sintió feliz y libre. Comenzó a dar lecciones de piano y a componer sin descanso.



Muy pronto la suerte se puso de su lado: recibió el encargo de escribir una ópera para conmemorar la visita del gran duque de Rusia a Viena. Como por aquel entonces estaban de moda los temas turcos, exponentes del exotismo oriental con ciertos toques levemente eróticos, Mozart abordó la composición de El rapto del serrallo, que, estrenada un año más tarde, se convirtió en su primer éxito verdadero, no solamente en Austria sino también en Alemania y otras ciudades europeas como Praga.

El 4 de agosto de 1782, poco después de este gran triunfo, Mozart se casó con Constance Weber, a quien dedicó la serenata Nachmusik (K. 388). Mucho han discutido los biógrafos los motivos de esta boda. ¿Auténtico amor? ¿Debilidad ante las maniobras casamenteras de la madre de Constance? ¿Necesidad de afirmarse en su nueva independencia frente a las presiones de Leopold? Posiblemente hubiera de todo un poco. La genialidad musical de Mozart no tenía por qué coincidir con la madurez del carácter.

En general se tiende a creer que la señora Weber, que había soñado alguna vez con convertir al prometedor joven en su yerno, intentó despertar el interés de Mozart por su hija menor, Constance, de catorce años. No sería difícil: Wolfgang no pudo ni quiso resistirse a la dulce presión y se prometió a la muchacha, que era bonita, infantil, alegre y cariñosa, aunque quizás no iba a ser la esposa ideal para el caótico compositor. Constance tenía aún menos sentido práctico que él, todo le resultaba un juego y no podía ni remotamente compartir el profundo universo espiritual de su marido, enmascarado tras las bromas y las risas. Pero aunque era una joven de poca finura espiritual, su vitalismo tenía que agradar e incluso fascinar al rebelde Mozart. Y Mozart se consideró el hombre más afortunado del mundo el día de su boda, y continuó creyendo que lo era durante los nueve años siguientes, hasta su muerte. Parece injusto afirmar que Constance fuera la sola causa de su ruina y quebrantos. No es seguro que le fuera fiel (algunas de las cartas del marido a la esposa son extremadamente patéticas, en sus ruegos de que sepa «guardar las apariencias»), pero tampoco lo es que Mozart se lo fuera a ella en todo momento.


Constance Weber (óleo de Joseph Lange, 1782)

Lo indudable es que, al igual que su joven esposo, Constance no era la administradora que la delicada situación de un artista independiente hubiera requerido, y parece ser que derrochaba con la misma alegría que Wolfgang Amadeus: el hogar vienés de los Mozart recibía diariamente la visita de peluquero y otros servidores; en los momentos de mayor penuria, Mozart se las ingeniaba para aparecer en público impecablemente vestido y mostrarse liberal y obsequioso. Sólo tras su muerte, sus amigos, muchos de ellos en envidiable situación económica, se enterarían con sorpresa de la magnitud de su endeudamiento.

El matrimonio se instaló en Viena en un lujoso piso céntrico que se llenó pronto de alegría desbordante, fiestas hasta el amanecer, bailes, música y niños. Era un ambiente enloquecido, anárquico y despreocupado, muy al gusto de Mozart, que en medio de aquel caos pudo desarrollar su enorme impulso creador. Una sombra en estos años fue la poca salud de su mujer, debilitada con cada embarazo; en los nueve años de su matrimonio dio a luz siete hijos, de los que sólo sobrevivieron dos: Karl Thomas y Franz Xaver (nacido cuatro meses antes de la muerte de Mozart y futuro pianista). Constance se vio obligada a seguir curas de reposo, gravosísimas para la endeble economía familiar.

Todo en Mozart era, por tanto, derroche: de facultades, de vitalismo, de proyectos, de obras y de sentimientos. No se acercó a la francmasonería en 1784 en busca de una ayuda económica que nunca, por orgullo, solicitó de sus amigos, sino por saciar un ansia de universal fraternidad y espiritualidad que Mozart, como muchos católicos austriacos, sacerdotes incluidos, encontró en los símbolos y los ritos masones antes que en la pompa clerical de la Iglesia. Una simbología que más adelante sabría plasmar musicalmente en la composición de La flauta mágica.

Los nueve años que separan su matrimonio de su muerte pueden dividirse en dos períodos. Hasta 1787, y sobre todo a partir de los éxitos vieneses de 1784, Mozart disfruta de unos años que pueden ser calificados de «felices». Durante este primer período, su producción fue ingente en todos los géneros: conciertos para piano, tríos, cuartetos, quintetos... De 1783 es la Misa en do menor, a la vez solemne y exultante; de 1784 datan sus más célebres Conciertos para piano; en 1785 dedicará a Haydn los Seis cuartetos. Todas ellas son obras magistrales, pero el público seguía mostrándose consternado ante una música que no acababa de entender y que por lo tanto le ofendía.


Representación de Las bodas de Fígaro

De 1786 data la ópera Las bodas de Fígaro, con libreto de Lorenzo da Ponte a partir de la obra de Beaumarchais. La elección del tema era arriesgada, pues la obra original estaba prohibida; pero en esta misma elección se puso de manifiesto el arrojo liberal del compositor al participar de la crítica suave, pero en el fondo corrosiva, que de los privilegios nobles había llevado a cabo Beaumarchais. Mozart espera con impaciencia el día del estreno de su nueva ópera: los mejores artistas habían sido contratados y todo parecía anunciar un triunfo absoluto, pero después de algunas representaciones los vieneses no volvieron al teatro y la crítica descalificó la obra tachándola de excesivamente audaz y difícil.

El ocaso

Viena empezó a cerrarle inexplicablemente sus puertas e inició así un período gris y doloroso que duraría hasta su muerte. Los biógrafos hablan de su excesivo tren de vida, de las costosas enfermedades de Constance y de las maquinaciones de los músicos vieneses, envidiosos no de su fortuna pero sí de su genio. En la casa de los Mozart se instaló de pronto la mala suerte. El dinero faltaba, los encargos escasearon y el desprecio de los vieneses se redobló. Mozart se enfrentó a la amenaza de la miseria sin saber cómo detenerla.

El matrimonio cambió de casa diversas veces buscando siempre un alojamiento más barato. Sus amigos les prestaron al principio con gesto generoso sumas suficientes para pagar al carnicero y al médico, pero al darse cuenta de que el desafortunado músico no iba a poder devolverles lo prestado, desaparecieron uno tras otro. Si la pareja seguía bailando en salas de dimensiones cada vez más reducidas durante los largos e inclementes inviernos de Viena no era por su alegría festiva, sino para que la sangre circulase por sus heladas piernas. La salud de Constance empeoraba y Mozart tuvo que enviarla, pese a sus deudas, a un sanatorio. Era la primera vez que los esposos se separaban, y el compositor sufrió enormemente; nunca dejó de escribirle cada día apasionadas cartas, como si su amor continuara tan vivo como el día de la boda.

Para sobrevivir, el genio se vio obligado al recurso de las clases particulares, que no siempre encontró. La ausencia de Constance, la humillación de sentirse injustamente relegado, las penurias económicas, la experiencia del dolor, en suma, no agriaron su carácter; es más, se acrecentó y afinó su inspiración musical en una fecunda serie de obras maestras en el ámbito de la sinfonía, del concierto, de la música de cámara y de la ópera. Las composiciones de esta época nos hablan de un Mozart tierno, ligero y casi risueño, aunque con algunos toques de melancolía. La Pequeña música nocturna y su célebre Sinfonía Júpiter son buena muestra de ello.


Fotograma de Amadeus (1984), de Milos Forman

Mientras Constance está internada, Mozart recibirá desde Praga el encargo de una ópera. El resultado será Don Giovanni, estrenada apoteósicamente el 29 de octubre de 1787. Praga, enamorada del maestro, le suplicó que permaneciese allí, pero Wolfgang rechazó la atractiva oferta, que seguramente hubiera mejorado su posición, para estar más cerca de su esposa. Al fin y al cabo, Viena le atraía como el fuego a la mariposa que ha de quemarse en él.

En 1790 se estrenó en la capital austriaca su ópera Così fan tutte y al año siguiente La flauta mágica. Inesperadamente, ambas fueron recibidas con entusiasmo por el público y la crítica. Parecía que los vieneses apreciaban al fin su genio sin reservas y deseaban mostrarle su gratitud teñida de arrepentimiento, aunque fuese tarde. Pero su salud se quebró: sabemos que el día del estreno en Viena de La flauta mágica, el 30 de septiembre de 1791, ya no pudo asistir al gran triunfo popular de la más optimista y querida de sus composiciones. El maestro comenzó a padecer fuertes dolores de cabeza, fiebres y extraños temblores.

Un Réquiem para su propia muerte

Mucho se ha escrito sobre la muerte de Mozart. La idea romántica de que fue envenenado tenía incluso un protagonista: Antonio Salieri, músico de éxito de la época al que la leyenda dibuja como un artista mediocre que supo, como ninguno en su época, comprender el original genio de Mozart, y, muerto de envidia, no pudo soportar la idea de que un hombre aniñado tuviera semejante don. El paroxismo llegó al extremo de creer que Mozart fue enterrado en una fosa común para borrar las huellas del homicidio. Hasta tal punto se extendió esta historia que se convirtió en el argumento de la ópera Mozart y Salieri de Rimski-Kórsakov, de una obra de teatro del célebre escritor ruso Alexander Pushkin y del drama Amadeus de Peter Shaffer (texto en el que se basa la exitosa película homónima de Milos Forman, estrenada en 1984 y protagonizada por Tom Hulce). No existe ningún referente histórico que pueda corroborar dicha versión.


Antonio Salieri

La realidad es que en julio de 1791, cuando ya sufría los síntomas de la enfermedad que le resultaría mortal (posiblemente uremia), Mozart recibió la visita de un personaje «delgado y alto que se envolvía en una capa gris», que le encargó la realización de un réquiem. La leyenda romántica pretende que Mozart vio en el anónimo personaje la encarnación de su propia muerte. Desde 1954 se conoce, por un retrato, el aspecto físico del visitante, que no era otro que Anton Leitgeb, cuya catadura era ciertamente siniestra; le enviaba el conde Franz von Walsegg, y la misa de réquiem era por la recientemente fallecida esposa del conde.

El hecho de que altos personajes encargaran secretamente composiciones a músicos famosos y las presentaran en público como obras propias no era algo infrecuente por aquel entonces, y no podía sorprender a Mozart, quien, en cualquier caso, aceptó el dinero del encargo. Pero la ominosa coincidencia del siniestro aspecto del mensajero, la condición fúnebre del encargo y la conciencia de la propia debilidad de sus fuerzas tuvo que impresionar profundamente la sensibilidad del músico, quien no ocultó a sus amigos su creencia de estar componiendo su propio réquiem.

En cualquier caso, está fuera de lugar la calumniosa hipótesis de una alevosa trama o de un envenenamiento urdido por Salieri o algún otro músico rival. Mozart nunca fue diplomático con sus colegas de inferior talla artística, pero precisamente Salieri no escatimó sus alabanzas a Mozart, y fue uno de los entristecidos asistentes a su funeral. Hoy en día sólo un dudoso interés novelesco puede ignorar las razones y la identidad, perfectamente establecida, que se ocultaba tras el encargo del réquiem. Si bien se mira, las coincidencias reales del azar son más inquietantes que la maliciosa fantasía de los fabuladores.


Mozart componiendo el Réquiem

Mozart acertó en su intuición de que moriría antes de terminar su Réquiem. Como en las otras obras de este último período, su estilo es más contrapuntístico y su escritura melódica más depurada y sencilla, pero ahora con protagonismo de unos muy sombríos clarinetes tenores y fagotes. A la muerte de Mozart, Joseph Eyble recibió la partitura para su terminación, que no llevó a cabo, recayendo esta tarea en Süssmayer. Éste pretendió haber orquestado completamente los movimientos del Réquiem, desde el «Dies irae» hasta el «Hostias», pretensión sobre la que no existen pruebas fehacientes.

La mañana del 4 de diciembre de 1791, Mozart todavía trabajó en el Réquiem, preparando el ensayo que sus amigos músicos habrían de realizar por la tarde en su alcoba. Hacía ya una semana que los médicos le habían desahuciado. Aquella tarde, durante el ensayo del «Lacrimosa», Mozart lloró y le dijo a su cuñada Sophie, llegada para ayudar a Constance: «Ah, querida Sophie, qué contento estoy de que hayas venido. Tienes que quedarte esta noche y presenciar mi muerte». A la noche, con gran serenidad, dio sus últimas instrucciones para después de su fallecimiento y entró en coma. Murió a las pocas horas, en la madrugada del 5 de diciembre.

Su amigo el conde Deym le hizo una mascarilla fúnebre, lamentablemente perdida, pues habría podido clarificar el enigma de su aspecto físico, tan contradictorio en sus varios retratos. A continuación tuvo lugar un funeral en una nave lateral de la catedral de Salzburgo, al que asistieron, pese a la fortísima tormenta de nieve y granizo desencadenada, un nutrido número de músicos, francmasones y miembros de la nobleza local. El dato es significativo, porque desmiente la leyenda sobre la indiferencia que rodeó su muerte y entierro. Es cierto, sin embargo, que nadie acompañó el cadáver al cementerio de San Marx, donde fue enterrado sin ataúd. Pero éstas eran las normas dictadas por el emperador José II en su curioso afán de «modernizar» la salubridad pública, normas que, incluso después de ser abolidas, fueron respetadas por numerosos librepensadores y francmasones.





Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 72 puntos

Vótalo:

Ludwig van Beethoven

3

Ludwig van Beethoven

https://www.youtube.com/watch?v=O7Ra3MpiGow

(Bonn, actualmente Alemania, 1770 - Viena, 1827) Compositor alemán. Nacido en el seno de una familia de origen flamenco, su padre, ante las evidentes cualidades para la música que demostraba el pequeño Ludwig, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque con escaso éxito. Ludwig van... Ver mas
(Bonn, actualmente Alemania, 1770 - Viena, 1827) Compositor alemán. Nacido en el seno de una familia de origen flamenco, su padre, ante las evidentes cualidades para la música que demostraba el pequeño Ludwig, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque con escaso éxito.


Ludwig van Beethoven

La verdadera vocación musical de Beethoven no comenzó en realidad hasta 1779, cuando entró en contacto con el organista Christian Gottlob Neefe, quien se convirtió en su maestro. Él fue, por ejemplo, quien le introdujo en el estudio de Johann Sebastian Bach, músico al que Beethoven siempre profesaría una profunda devoción.

Miembro de la orquesta de la corte de Bonn desde 1783, en 1787 Ludwig van Beethoven realizó un primer viaje a Viena con el propósito de recibir clases de Mozart. Sin embargo, la enfermedad y el posterior deceso de su madre le obligaron a regresar a su ciudad natal pocas semanas después de su llegada.

En 1792 Beethoven viajó de nuevo a la capital austriaca para trabajar con Haydn y Antonio Salieri, y se dio a conocer como compositor y pianista en un concierto que tuvo lugar en 1795 con gran éxito. Su carrera como intérprete quedó bruscamente interrumpida a consecuencia de la sordera que comenzó a afectarle a partir de 1796 y que desde 1815 le privó por completo de la facultad auditiva.

Los últimos años de la vida de Beethoven estuvieron marcados también por la soledad y una progresiva introspección, pese a lo cual prosiguió su labor compositiva, e incluso fue la época en que creó sus obras más impresionantes y avanzadas.

Obras de Ludwig van Beethoven

La tradición divide la carrera de Beethoven en tres grandes períodos creativos o estilos, y si bien el uso los ha convertido en tópicos, no por ello resultan menos útiles a la hora de encuadrar su legado.

La primera época abarca las composiciones escritas hasta 1800, caracterizadas por seguir de cerca el modelo establecido por Mozart y Joseph Haydn y el clasicismo en general, sin excesivas innovaciones o rasgos personales. A este período pertenecen obras como el célebre Septimino o sus dos primeros conciertos para piano.

Una segunda manera o estilo abarca desde 1801 hasta 1814, período este que puede considerarse de madurez, con obras plenamente originales en las que Ludwig van Beethoven hace gala de un dominio absoluto de la forma y la expresión (la ópera Fidelio, sus ocho primeras sinfonías, sus tres últimos conciertos para piano, el Concierto para violín).

La tercera etapa comprende hasta la muerte del músico y está dominada por sus obras más innovadoras y personales, incomprendidas en su tiempo por la novedad de su lenguaje armónico y su forma poco convencional; la Sinfonía n.º 9, la Missa solemnis y los últimos cuartetos de cuerda y sonatas para piano representan la culminación de este período y del estilo de Ludwig van Beethoven.



En estas obras, Beethoven anticipó muchos de los rasgos que habían de caracterizar la posterior música romántica e, incluso, la del siglo XX. La obra de Ludwig van Beethoven se sitúa entre el clasicismo de Mozart y Haydn y el romanticismo de un Schumann o un Brahms. No cabe duda que, como compositor, señala un antes y un después en la historia de la música y refleja, quizá como ningún otro artista (a excepción del pintor español Francisco de Goya, contemporáneo suyo), no sólo el cambio entre el gusto clásico y el romántico, entre el formalismo del primero y el subjetivismo del segundo, sino también entre el Antiguo Régimen y la nueva situación social y política surgida de la Revolución Francesa.

Efectivamente, en 1789 caía La Bastilla y con ella toda una concepción del mundo que incluía el papel del artista en su sociedad. Siguiendo los pasos de su admirado Mozart, Ludwig van Beethoven fue el primer músico que consiguió independizarse y vivir de los encargos que se le realizaban, sin estar al servicio de un príncipe o un aristócrata, si bien, a diferencia del salzburgués, él consiguió triunfar y ganarse el respeto y el reconocimiento de sus contemporáneos.

Más información en la monografía sobre Beethoven.


Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 72 puntos

Vótalo:

Tchaikovsky

4

Tchaikovsky

https://www.youtube.com/watch?v=sb7LEpuA9a4

Piotr Ilich Tchaikovsky o Chaikovski; Votkinsk, Rusia, 1840 - San Petersburgo, 1893) Compositor ruso. A pesar de ser contemporáneo estricto del Grupo de los Cinco, constituido por figuras de la talla de Borodin, Mussorgsky o Rimski-Korsakov, el estilo de Tchaikovsky no puede encasillarse dentro... Ver mas
Piotr Ilich Tchaikovsky o Chaikovski; Votkinsk, Rusia, 1840 - San Petersburgo, 1893) Compositor ruso. A pesar de ser contemporáneo estricto del Grupo de los Cinco, constituido por figuras de la talla de Borodin, Mussorgsky o Rimski-Korsakov, el estilo de Tchaikovsky no puede encasillarse dentro de los márgenes del nacionalismo imperante entonces en su Rusia natal. De carácter cosmopolita en lo que respecta a las influencias (entre ellas y en un lugar preponderante la del sinfonismo alemán, aunque no carente de elementos rusos), su música es ante todo profundamente expresiva y personal, reveladora de la personalidad del autor, compleja y atormentada.


Tchaikovsky

A los años de su plácida infancia se remontan los primeros estudios teóricos y las primeras experiencias musicales, entre ellas la ópera Don Giovanni de Mozart, que dejó una huella imborrable en el ánimo del muchacho. Desde entonces se dedicó siempre al estudio del arte, aunque, por deseo de su padre, se matriculó en la facultad de derecho de San Petersburgo y, conseguido el título de leyes, aceptó un puesto en el Ministerio de Justicia, en el que, sin embargo, no permaneció mucho tiempo: en 1863 renunció al empleo para poder asistir al curso de composición que Anton Rubinstein impartía en el Conservatorio de San Petersburgo. Diplomado en 1865, fue designado al año siguiente para enseñar armonía en el Conservatorio de Moscú, donde desarrolló su actividad hasta 1877.

Los primeros pasos de Tchaikovsky en el mundo de la música no revelaron un especial talento ni para la interpretación ni para la creación. Sus primeras obras, como el poema sinfónico Fatum o la Sinfonía núm. 1 «Sueños de invierno», mostraban una personalidad poco definida. De inspiración fácil, gustaba del lirismo efusivo y espontáneo, abierto a inflexiones idílicas o elegíacas de una grata cantabilidad, lo que explica el éxito posterior de sus obras tanto en su patria como en el extranjero.

De finales de esta etapa data la primera de sus composiciones que gozó de aceptación, la obertura Romeo y Julieta (1869). Esta "obertura fantasía" rehúye todo pintoresquismo para centrarse en el destino de la pareja protagonista. Inspirada en el trágico devenir del Romeo y Julieta shakespeariano y dotada de una expresividad poco corriente, la partitura tuvo una larga gestación: a causa de los juicios críticos de Mily Balakirev, Tchaikovsky llegó a escribir tres versiones de la misma, la más interpretada de las cuales es la tercera, fechada en 1880.


Tchaikovsky a los 25 años (San Petersburgo, 1865)

Sólo tras la composición, ya en la década de 1870, de partituras como la Sinfonía núm. 2 «Pequeña Rusia» y, sobre todo, del célebre Concierto para piano y orquesta núm. 1 (pieza virtuosista estrenada en 1875 con momentos absolutamente inolvidables, como su conocida y brillante introducción), la música de Tchaikovsky empezó a adquirir un tono propio y característico, en ocasiones efectista y cada vez más dado a la melancolía. En julio de 1877 se casó con una joven de la que se separó pocos meses después de la boda. Las inquietudes y amarguras de este triste episodio trastornaron su vida interior, causando también perjuicios a su salud; atacado de una grave depresión nerviosa, abandonó entonces Rusia para recluirse en una pequeña aldea junto al lago de Ginebra.

La madurez

Gracias al sostén económico de una rica viuda, Nadejda von Meck (protectora también de Debussy y a la que, paradójicamente, nunca llegaría a conocer), Tchaikovsky pudo dedicar, desde finales de la década de 1870, todo su tiempo a la composición. Fruto de esa dedicación exclusiva fueron algunas de sus obras más hermosas y originales, entre las que sobresalen el Concierto para violín y orquesta (1877), el ballet El lago de los cisnes (1877), la ópera Evgeny Oneguin (1878), la Obertura 1812 (1880) y Capricho italiano (1880).

De todas ellas, la más conocida es su primer gran ballet, El lago de los cisnes (1877). Pese al escaso éxito de su estreno, la romántica y mágica historia de amor entre Sigfrido y Odette, princesa transformada en cisne, es actualmente una de las piezas cimeras del repertorio, con números tan célebres como el Vals del acto primero, la Introducción del segundo o las danzas características del tercero.

No menos importante es el Concierto para violín y orquesta (1877), construido en tres movimientos según el esquema de los grandes modelos clásicos. El segundo movimiento es un andante en menor titulado "Canzonetta", y destaca como uno de los fragmentos más famosos de Tchaikovsky y más a menudo interpretados por su notable facilidad de ejecución. La "Canzonetta" es ciertamente una de las más bellas páginas de Tchaikovsky; la lánguida y femenina melancolía, uno de los rasgos más característicos y constantes de su arte, no aparece aquí bajo su forma habitual (elegancia expresiva y acento graciosamente sentimental), sino ajustada a un motivo impregnado de una delicadeza íntima y de pura poesía, algo que raramente se encuentra en Tchaikovsky.


Tchaikovsky en el mismo año de su fallecimiento
(Járkov, marzo de 1893)

En 1885, ya restablecido, regresó a Rusia, y dos años después inició una vasta gira de conciertos por Europa y América. A la última fase de su actividad creadora pertenecen la ópera La dama de picas (1890), los dos ballets La bella durmiente (1890) y Cascanueces (1892) y la última de sus seis sinfonías, verdadero testamento musical: la Sinfonía núm. 6 «Patética».

Estrenado en San Petersburgo el 15 de enero de 1890, La bella durmiente es el segundo de sus grandes ballets y fue uno de los primeros ejemplos del género compuestos según la norma de unir la creación musical y la coreográfica: Tchaikovsky compuso la partitura según las indicaciones del coreógrafo francés Marius Petipa. La obra nació así como una unidad, en la que la música se adapta admirablemente a la acción dramática. Destacan el vals del primer acto y las danzas del tercero, éstas protagonizadas por diferentes personajes de los cuentos de hadas.

Dos años después estrenaría también en San Petersburgo el ballet en dos actos Cascanueces, cuya historia, basada en un relato de E. T. A. Hoffmann, prescindió de la vertiente oscura y psicológica del original para convertirse en un mágico cuento de Navidad. A pesar de que fue el ballet menos apreciado por el propio compositor, se cuenta entre los que más fama ha alcanzado, gracias sobre todo al divertissement que marca su punto culminante: seis danzas características (Trepak, Danza árabe, Danza española, Danza china...) y el Vals de las flores.



Pocos días antes de morir, Tchaikovsky dirigió en Moscú su Sinfonía núm. 6 (1893), más conocida con el nombre de Patética, obra especialmente reveladora de la compleja personalidad del músico y del drama íntimo que rodeó su existencia, atormentada por una homosexualidad reprimida y un constante y mórbido estado depresivo. De amplias proporciones pero desigual, esta partitura refleja, quizá mejor que las otras, las peculiares características del estilo de Tchaikovsky y la volubilidad de su fantasía, que tendía a desperdigar los propios temas en lugar de unirlos en una visión constructiva unitaria. El mismo año de su estreno, 1893, se declaró una epidemia de cólera; contagiado el compositor, la enfermedad puso fin a su existencia.

Desde entonces se ha querido interpretar la Sinfonía núm. 6 «Patética» (y especialmente el último tiempo, que, contrariamente a la costumbre sinfónica, es un movimiento lento: "Adagio lamentoso") como la expresión de un triste presentimiento que Tchaikovsky debió de tener de su próximo fin. Ciertamente, en el "Adagio lamentoso" vuelve a caer sobre la orquesta la atmósfera sombría y dolorida que había abierto la sinfonía y que había quedado como olvidada en el paréntesis de los dos "Allegros" serenos y desenvueltos, apenas rozados aquí y allá por acentos de una amable melancolía; el movimiento final, en cambio, expresa todo el dolor y la amargura de un músico sobremanera sensible y trágicamente escindido.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 63 puntos

Vótalo:

Antonio Vivaldi

5

Antonio Vivaldi

https://www.youtube.com/watch?v=GRxofEmo3HA

(Antonio Lucio Vivaldi; Venecia, 1678 - Viena, 1741) Compositor y violinista italiano cuya abundante obra concertística ejerció una influencia determinante en la evolución histórica que llevó al afianzamiento de la sinfonía. Igor Stravinsky comentó en una ocasión que Vivaldi no había escrito... Ver mas
(Antonio Lucio Vivaldi; Venecia, 1678 - Viena, 1741) Compositor y violinista italiano cuya abundante obra concertística ejerció una influencia determinante en la evolución histórica que llevó al afianzamiento de la sinfonía. Igor Stravinsky comentó en una ocasión que Vivaldi no había escrito nunca quinientos conciertos, sino «quinientas veces el mismo concierto». No deja de ser cierto en lo que concierne al original e inconfundible tono que el compositor veneciano supo imprimir a su música y que la hace rápidamente reconocible.


Antonio Vivaldi

Autor prolífico, la producción de Vivaldi abarca no sólo el género concertante, sino también abundante música de cámara, vocal y operística. Célebre sobre todo por sus cuatro conciertos para violín y orquesta reunidos bajo el título Las cuatro estaciones, cuya fama ha eclipsado otras de sus obras igualmente valiosas, si no más, Vivaldi es por derecho propio uno de los más grandes compositores del período barroco, impulsor de la llamada Escuela veneciana (a la que también pertenecieron Tommaso Albinoni y los hermanos Benedetto y Alessandro Marcello) y equiparable, por la calidad y originalidad de su aportación, a sus contemporáneos Bach y Haendel.

Biografía

Poco se sabe de la infancia de Vivaldi. Hijo del violinista Giovanni Battista Vivaldi, el pequeño Antonio se inició en el mundo de la música probablemente de la mano de su padre. Orientado hacia la carrera eclesiástica, fue ordenado sacerdote en 1703, aunque sólo un año más tarde se vio obligado a renunciar a celebrar misa a consecuencia de una enfermedad bronquial, posiblemente asma.

También en 1703 ingresó como profesor de violín en el Pio Ospedale della Pietà, una institución dedicada a la formación musical de muchachas huérfanas. Ligado durante largos años a ella, muchas de sus composiciones fueron interpretadas por primera vez por su orquesta femenina. En este marco vieron la luz sus primeras obras, como las Suonate da camera Op. 1, publicadas en 1705, y los doce conciertos que conforman la colección L'estro armonico Op. 3, publicada en Ámsterdam en 1711.

Aun cuando en tales composiciones se dan todavía las formas del "concerto grosso", la vivacidad y la fantasía de la invención superan ya cualquier esquema y atestiguan una tendencia resuelta hacia la concepción individualista y por ende solista del concierto, que se halla mejor definida en los doce conciertos de La stravaganza Op. 4: estructura en tres movimientos (allegro-adagio-allegro), composición más ligera y rápida, casi exclusivamente homofónica, y modulación dinámica y expresiva, inclinada al desarrollo del proceso creador y fuente de nuevas emociones e invenciones.

Con estas colecciones, Antonio Vivaldi alcanzó en poco tiempo renombre en todo el territorio italiano, desde donde su nombradía se extendió al resto del continente europeo, y no sólo como compositor, sino también, y no en menor medida, como violinista, pues fue uno de los más grandes de su tiempo. Basta con observar las dificultades de las partes solistas de sus conciertos o sus sonatas de cámara para advertir el nivel técnico del músico en este campo.


Vivaldi

Conocido y solicitado, la ópera, el único género que garantizaba grandes beneficios a los compositores de la época, atrajo también la atención de Vivaldi, a pesar de que su condición de eclesiástico le impedía en principio abordar un espectáculo considerado en exceso mundano y poco edificante. De hecho, sus superiores siempre recriminaron a Vivaldi su escasa dedicación al culto y sus costumbres laxas.

Inmerso en el mundo teatral como compositor y empresario, Ottone in Villa (1713) fue la primera de las óperas de Vivaldi de la que se tiene noticia. A ella siguieron títulos como Orlando furioso, Armida al campo d'Egitto, Tito Manlio y L'Olimpiade, hoy día sólo esporádicamente representadas.

La fama del músico alcanzó la cúspide en el meridiano de su vida con la publicación de sus más importantes colecciones instrumentales: Il cimento dell'armonia e dell'inventione Op. 8 y La cetra Op. 9. La primera colección, publicada en Ámsterdam en 1725, contenía un total de doce conciertos y se iniciaba con el conjunto de cuatro conciertos con violín solista titulado Las cuatro estaciones, los mejores de la colección y los más célebres de su obra.

Las cuatro estaciones

En Las cuatro estaciones, Vivaldi muestra no sólo la capacidad semántica de la música sino también su habilidad para crear climas sonoros, a la vez evocadores e intimistas. La obra describe el ciclo anual de la naturaleza, de los hombres que la trabajan y de los animales que la habitan. Cada uno de los cuatro conciertos desarrolla musicalmente el soneto de autor desconocido que lo precede, en cuyos versos se dibuja un cuadrito de la estación. Así, La primavera, siguiendo lo representado en el soneto, imita el canto de los pájaros y el temporal; y el afán descriptivo llega hasta detalles como representar a través del violín solista al pastor que duerme, mientras los restantes violines imitan el murmullo de las plantas y la viola los ladridos del perro.

El verano describe primero el sopor de la naturaleza bajo la aridez del sol y después una tormenta, ya anunciada en el primer movimiento y que alcanza el máximo de su violencia en la parte final. El otoño parece presidido por el dios Baco; el compositor presenta la embriaguez soporífera de un aldeano, feliz por la cosecha; luego, al alba, parte el cazador con sus cuernos y sus perros en busca de una presa. En El invierno predominan las imágenes sonoras de la nieve y el hielo.



La popularidad de esta obra se remonta a la época misma de su creación. Especialmente del primero de los conciertos, La primavera, circularon enseguida en Francia copias manuscritas, arreglos e imitaciones. Pero a fines de la década de 1730 el público veneciano empezó a mostrar menor interés por su música, por lo que Vivaldi decidió en 1741 probar fortuna en Viena, donde murió en la más absoluta pobreza un mes después de su llegada.

Caído en el olvido tras su muerte, el redescubrimiento de Vivaldi no tuvo lugar hasta el siglo XX, merced a la música de Bach, quien había trascrito doce conciertos vivaldianos a diferentes instrumentos. El interés por el músico alemán fue precisamente el que abrió el camino hacia el conocimiento de un artista habilidoso en extremo, prolífico como pocos y uno de los artífices de la evolución del concierto solista tal y como hoy lo conocemos.

Tras la Segunda Guerra Mundial, apenas dos décadas después de iniciarse la recuperación y divulgación de su obra, Vivaldi se convirtió en uno de los autores más interpretados en el mundo. A pesar del triste final del compositor y del largo período de olvido, la obra de Vivaldi contribuyó, a través de Bach, a sentar las bases de lo que sería la música de los maestros del clasicismo, sobre todo en Francia, y a consolidar la estructura del concierto solista.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 57 puntos

Vótalo:

Fredéric Chopin

6

Fredéric Chopin

https://www.youtube.com/watch?v=9E6b3swbnWg

(Fryderyk Franciszek Chopin; Zelazowa Wola, actual Polonia, 1810 - París, 1849) Compositor y pianista polaco. Si el piano es el instrumento romántico por excelencia se debe en gran parte a la aportación de Frédéric Chopin: en el extremo opuesto del pianismo orquestal de su contemporáneo Liszt... Ver mas
(Fryderyk Franciszek Chopin; Zelazowa Wola, actual Polonia, 1810 - París, 1849) Compositor y pianista polaco. Si el piano es el instrumento romántico por excelencia se debe en gran parte a la aportación de Frédéric Chopin: en el extremo opuesto del pianismo orquestal de su contemporáneo Liszt (representante de la faceta más extrovertida y apasionada, casi exhibicionista, del Romanticismo), el compositor polaco exploró un estilo intrínsecamente poético, de un lirismo tan refinado como sutil, que aún no ha sido igualado.


Frédéric Chopin

Ciertamente son pocos los músicos que, a través de la exploración de los recursos tímbricos y dinámicos del piano, han hecho «cantar» al instrumento con la maestría con qué él lo hizo. Y es que el canto constituía precisamente la base, la esencia, de su estilo como intérprete y como compositor.

Hijo de un maestro francés emigrado a Polonia, Chopin fue un niño prodigio que desde los seis años empezó a frecuentar los grandes salones de la aristocracia y la burguesía polacas, donde suscitó el asombro de los asistentes gracias a su sorprendente talento. De esa época datan también sus primeras incursiones en la composición.

Wojciech Zywny fue su primer maestro, al que siguió Jozef Elsner, director de la Escuela de Música de Varsovia. Sus valiosas enseñanzas proporcionaron una sólida base teórica y técnica al talento del muchacho, quien desde 1829 emprendió su carrera profesional como solista con una serie de conciertos en Viena.

El fracaso de la revolución polaca de 1830 contra el poder ruso provocó su exilio en Francia, donde muy pronto se dio a conocer como pianista y compositor, hasta convertirse en el favorito de los grandes salones parisinos. En ellos conoció a algunos de los mejores compositores de su tiempo, como Berlioz, Rossini, Luigi Cherubini y Vincenzo Bellini, y también, en 1836, a la que había de ser uno de los grandes amores de su vida, la escritora George Sand.

Por su índole novelesca y lo incompatible de los caracteres de uno y otro, su relación se ha prestado a infinidad de interpretaciones. Se separaron en 1847. Para entonces Chopin se hallaba gravemente afectado por la tuberculosis que apenas dos años más tarde lo llevaría a la tumba. En 1848 realizó aún una última gira de conciertos por Inglaterra y Escocia, que se saldó con un extraordinario éxito.

La obra de Chopin

Excepto los dos juveniles conciertos para piano y alguna otra obra concertante (Fantasía sobre aires polacos Op. 13, Krakowiak Op. 14) o camerística (Sonata para violoncelo y piano), toda la producción de Chopin está dirigida a su instrumento musical, el piano, del que fue un virtuoso incomparable. Sin embargo, su música dista de ser un mero vehículo de lucimiento para este mismo virtuosismo: en sus composiciones hay mucho de la tradición clásica, de Mozart y Beethoven, y también algo de Bach, lo que confiere a sus obras una envergadura técnica y formal que no se encuentra en otros compositores contemporáneos, más afectos a la estética de salón.



La melodía de los operistas italianos, con Bellini en primer lugar, y el folclor de su tierra natal polaca, evidente en sus series de mazurcas y polonesas, son otras influencias que otorgan a su música su peculiar e inimitable fisonomía.

A todo ello hay que añadir la propia personalidad del músico, que si bien en una primera etapa cultivó las formas clásicas (Sonata núm. 1, los dos conciertos para piano), a partir de mediados de la década de 1830 prefirió otras formas más libres y simples, como los impromptus, preludios, fantasías, scherzi y danzas.

Son obras éstas tan brillantes -si no más- como las de sus predecesores John Field y Carl Maria von Weber, pero que no buscan tanto la brillantez en sí misma como la expresión de un ideal secreto; música de salón que sobrepasa los criterios estéticos de un momento histórico determinado. Sus poéticos nocturnos constituyen una excelente prueba de ello: de exquisito refinamiento expresivo, tienen una calidad lírica difícilmente explicable con palabras.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 52 puntos

Vótalo:

Richard Wagner

7

Richard Wagner

https://www.youtube.com/watch?v=E6t0CwpT0ps

Richard Wagner, nacido el 22 de mayo de 1813 en Leipzig, recibió muy pronto las influencias artísticas de su familia; su padre adoptivo Ludwig Geyer, que era actor y pintor, fue su primer instructor. Por otra parte, su hermana mayor Rosalie era también actriz y su otra hermana, Klara, era... Ver mas
Richard Wagner, nacido el 22 de mayo de 1813 en Leipzig, recibió muy pronto las influencias artísticas de su familia; su padre adoptivo Ludwig Geyer, que era actor y pintor, fue su primer instructor. Por otra parte, su hermana mayor Rosalie era también actriz y su otra hermana, Klara, era cantante. El destino profesional de Klara hizo que la cada de los Wagner fuese visitada por C.M. von Weber, por quien el joven sintió especial predilección que trasciende a la opera alemana.
En 1829 Richard descubrió el arte al que dedicaría toda su vida: asistió a una representación de Fidelio, quedando deslumbrado ante las dotes vocales y dramáticas de la soprano Wihelmine Schröder-Devrient (Leonora). El joven le escribió una carta esa misma noche felicitándola y profetizando su propia carrera de compositor.
Los estudios musicales de Richard comprendían el piano y el violín (en los que no destacaba), algunos elementos de teoría de la música a escondidas de su familia con G. Mullert, músico de la orquesta de Leipzig. Durante seis meses estudió con Theodor Weinlig, cantor de Santo Tomás de Leipzig, el arte de la fuga, cánones, etcétera.
Por otro lado, el interés del joven por la literatura, sobre todo clásica, le indujo a ser escritor y tras unos primeros contactos con es te genero en la escuela, Richard descubría en la opera su ideal, puesto que así podría dedicarse a los dos géneros conjuntamente.
Su carrera profesional comenzó a los veinte años, cuando fue contratado como director de coro de Würzburg. Desde ese momento, Wagner trabajó en una serie de teatros provincianos, escasos de dinero y con un público de poca categoría. El joven Richard compuso sus primera operas para tales teatros desde el puesto de director de orquesta: Las hadas (Die Feen), en Magdeburgo (1834), basada en un cuento de Gozzi (La donna serpente), que por su complejidad se estrenó en 1888 (cinco años después de su muerte), y La prohibición de amar (Das Liebesverbot), estrenada en Magdeburgo (1836) e inspirada en la obra de Shakespeare Medida por medida.
El 24 de Noviembre de 1836 se casó con la actriz Minna Planer. Pronto tuvo problemas tanto económicos como amorosos. Sus deudas acumuladas mientras trabajó en los teatros de Königsberg, Dresde y Riga, lo indujeron a huir del país.
Llevaba consigo una obra pensada para ser estrenada en un gran teatro, Rienzi. En ella imita el estilo de Meyerbeer, con grandes coros, ballet y una escenografía complicada (como el incendio del Capitolio). París sería su destino; durante la travesía hacia Londres (camino de París) una serie de terribles tempestades le inspiró una nueva opera: El holandés errante (Der fliegende Höllander).
La estancia en París fue un fracaso absoluto para Wagner. Además de no poder estrenar ninguna de sus operas, hubo de trabajar en reducciones para piano y canto de operas italianas por las que tomó gran aversión.
Incluso permaneció un breve tiempo en la cárcel de deudores, puesto que sus deudas se acumulaban rápidamente y los ingresos escaseaban. Finalmente fue la ciudad de Dresde la que, gracias a la ayuda de Meyerbeer, aceptó el estreno de Rienzi. Wagner abandonó París con amargura, pero con las esperanzas puestas en su propia patria.
Rienzi se estrenó el 20 de Octubre de 1842 con gran éxito, a pesar de su estilo parisiense de gran envergadura (cinco horas). Wagner fue desde entonces un compositor considerado en su patria.


El comienzo el drama musical wagneriano

El mismo Teatro Real de Dresde aceptó El holandés errante en 1842-1843. Wagner daba un paso de gran importancia hacia el drama musical al utilizar desde la obertura la unión de temas musicales con los personajes principales, los sentimientos y los hechos del drama, adquiriendo gradualmente la noción de leitmotiv o tema conductor, que sería esencial en la forma de componer sus óperas posteriores. Por otro lado, la influencia de Weber aumenta su interés por el mundo germánico, sobre todo por el mítico y legendario, tan importante en la tradición cultural alemana.
Así El holandés es una leyenda germánica sobre el capitán blasfemo que cada siete años desembarca en tierra con la esperanza de que el amor redentor de una mujer fiel lo libere de la maldición a la que ha sido condenado.
A pesar de los cambios estilísticos, Wagner todavía utiliza las arias y dúos tradicionales, que poco a poco irán desapareciendo en sus nuevas obras. La ópera no tuvo la acogida de Rienzi, pero gracias a ella consiguió el puesto de director de cámara de la casa real de Sajonia.

Con Tannhäuser, estrenada en Dresde en 1845, avanzaba en la utilización de los temas conductores, ahora más extensos. Revive el mundo legendario medieval de los caballeros Minnesinger alemanes, equivalentes a los trovadores provenzales. Pero aquí el drama toma un aspecto religioso enfrentándose, por un lado, el amor "carnal" que simboliza la diosa Venus y, por otro, el amor espiritual de Elisabeth.

La obra comienza en el Venusberg, donde permanece Tannhäuser junto a la diosa. El caballero añora el mundo terrenal y consigue que Venus le permita volver a él. Una vez en la región de Turingia (principios de siglo XIII), reencuentra a sus compañeros de canto y caballería, que al pronunciar el nombre de Elisabeth (antiguo amor del caballero) consiguen que Tannhäuser los acompañe hasta el castillo, donde los esperan para celebrar uno de los concursos.
El landgrave de Turingia lo abre. Tannhäuser, en medio de una alucinación, realiza el exaltado canto sobre los placeres del Venusberg (utilizando para ello su leitmotiv). Ante tal osadía los caballeros presentes lo rodean para matarlo; pero intercede Elisabeth por él y logra que los caballeros acepten que Tannhäuser vaya en peregrinación a Roma para que el papa le perdone. En el acto tercero, Elisabeth, viendo que Tannhäuser no regresa, muere encomendándose a la Virgen para que su amado logre el perdón. De vuelta al valle de Turingia, Tannhäuser al conocer el hecho renuncia al Venusberg y muere junto a su amada mientras un grupo de peregrinos provenientes de Roma anuncian que el santo padre le ha perdonado al fin.
El constante entrelazamiento de los diferentes temas conductores, perfectamente adaptadas al texto, consigue que la música transcurra a través del propio texto. La idea de Wagner es utilizar la música como medio para llegar al drama; al contrario de la opera italiana donde el drama es el medio para llegar a la música.

En Lohengrin utiliza el nuevo método dramático musical en forma intensiva. En la obertura, por ejemplo, escuchamos el "tema del misterio" y el del santo Grial; este último reaparece en la misma forma tras casi cuatro horas de ópera, cuando Lohengrin se identifica como un caballero del Santo Grial.
A pesar de que Wagner creía en la eficacia de su sistema, éste realmente tenía sus fisuras, ya que para sus contemporáneos era muy difícil reconocer los numerosos temas que configuran la música y que se relacionaban íntimamente con el texto; sistema que casi nadie comprendía por su complejidad y porque sus óperas sólo se representaban en pocos teatros.
Richard Wagner comenzó la composición de Lohengrin en 1845, pero la participación activa por parte del compositor en los hechos revolucionarios de Dresde (1848-1849) le obligaron a refugiarse primero en Weimar junto a Listz y, al decretarse la orden de busca y captura contra él, a exiliarse en Suiza.

Lohengrin fue por tanto la primera ópera que se estrenó en Alemania (Weimar, 28 de Agosto de 1850) mientras Richard permanecía en el exilio. En ella encontramos aún influencias notablemente italianizantes y meyerbeerianas.


El mecenazgo del rey Luis II de Baviera

Cuando el compositor se había retirado a Mariafeld (cerca de Zurich, mayo de 1864) huyendo de sus acreedores se le presentó como un milagro el secretario del gabinete de Luis II para indicarle que el rey, su más ardiente admirador, se sentiría halagado si aceptase ser su invitado. Rápidamente fueron pagadas las numerosas deudas contraídas por el compositor que se instaló cómodamente en una casa cercana a la residencia de verano del rey en Berg. Para él compuso La marcha del Homenaje.
El 1 de Junio de 1865 se estrenó Tristán e Isolda en Munich, mientras Wagner comenzaba su autobiografía Mi vida (Mein Leben). Pero se supo que había iniciado relaciones con Cosima Listz y fueron aprovechadas para una intriga cortesana que obligó a Luis II a pedirle que se alejase un tiempo de Munich. Se trasladó a Suiza y, tras la muerte de su esposa Minna en Dresde (1866), se instaló con Cosima en la hermosa villa de Triebschen a orillas del lago de Ginebra, con sus cuatro hijas.
Richard pudo trabajar en sus óperas sin preocuparse de sus gastos y en 1867 terminaba Los maestros cantores de Nuremberg (Die Meistersinger von Nürnberg); una obra concebida en teoría como ópera cómica, pero que en realidad es una aproximación a las costumbres de la época de los Cantores Gremiales (Meistersingers) alemanes.


Bayreuth

Continuó viviendo en Triebschen, donde frecuentemente le visitaba Nietzsche. A lo largo de 1869 terminó Sigfrido casi por entero; las últimas páginas las acabaría en 1871. El 22 de septiembre de 1869 presentó El oro del Rin en Munich, mientras iniciaba la composición de El ocaso de los dioses. Ese poema fue leído por Wagner en Dresde, Zurich y París con notable éxito. Los amigos mostraban su admiración ante la epopeya del héroe germano, si bien ponían ciertos reparos de la viablidad de su representación escénica y la ilación del argumento. Tras largos años de convivir con Wagner, Cósima se divorcia de Hans von Bülow y se casa con Richard (1870); para su cumpleaños él le compuso El idilio de Sigfrido. Por ésta época viajó Wagner sucesivamente a Alemania para preparar el camuino de su Fesrspielhaus en Bayreuth y para la fundación de la Sociedad Wagner. El día de su quincuagésimo noveno cumpleaños puso la primera piedra del Teatro de Bayreuth, y al año siguiente realizó una gira de conciertos por Alemania para recoger fondos, y finalmene y gracias a la generosa ayuda de Luis II se pudo terminar.
Ese mismo año (1874) construyó su casa Wahnfried de Bayreuth, a la que se trasladó. En ella terminó El ocaso de los dioses, dando fin a la Tetralogía, que fue estrenada formando tres ciclos completos en Bayreuth (1876). Las pérdidas económicas fueron cuantiosas; pero era el espectáculo que todos querían ver. Después del festival, Wagner se trasladó con su familia a Londres. Donde dirigió una serie de conciertos para captar fondos que cubriesen las pérdidas de Bayreuth. Poco después se le presentaron sus primeros problemas de corazíon, por lo que se trasladó a Bad Ems (1877) para una cura de salud.


Parsifal, la última opera

En 1882 Wagner terminó su última ópera, Parsifal, en Palermo; tomó como modelo el Parzival de Wolfram von Echenbach (1160-1220 aprox.) quien, a su vez, había sacado el argumento de antiguas leyendas bretonas. La trama se centra en la montaña de Monsalvat, donde los caballeros del Santo Grial guardan celosamente el cáliz sagrado de la última cena. Amfortas, rey de los caballeros, fue seducido por Kundry y aprovechando su debilidad, Klingsor, un caballero réprobo y ambicioso, le había quitado la santa alianza hiriéndole con ella. Desde entonces la herida no había dejado de sangrar.
Una profecía que había de un joven puro que salvará a Amfortas es la única esperanza. Cierto día lleha un joven puro, que no conoce su nombre ni a sus padres; Gurnemanz, uno de los caballeros, lo lleva al ágape sagrado, pero al ver que el joven no da señales de ser el enviado de la profecía le hace salir del castillo. Parsifal, sin embargo, vencerá a Kundry y a Klingsor recuperando la lanza sagrada.
En el último acto ha pasado mucho tiempo y Parsifal retorna al castillo del Grial. Es Viernes Santo; Guernemanz reconoce ahora al salvador de la profecía y lo proclama como nuevo rey del Grial. Se dirigen a la sala donde permanecen Amfortas y los caballeros, Parsifal toca la herida de Amfortas, que queda curado. Entonces descubre el grial, que recupera su purísma luz, mientras que desde el cielo desciende una paloma blanca sobre los caballeros, momento en que Kundry, que se ha convertido, muere.
El último drama wagneriano es de hecho un cuadro místico cristiano. Parsifal se convierte al din en mensajero de salvación, Kunfry y Amfortas representan el símbolo de la culpa y la superción.

Wagner sufrió un primer ataque al corazón en Berlín (1881) y el segundo en Bayreuth, donde ya repuesto estrenó el 26 de julio de 1882 Parsifal, dando 16 funciones en las que el trercer acto de cada una de ellas fue dirigida por el propio compositor. Se trasladó a Venecia para recuperar su salud ya muy deteriorada; pero en 13 de febrero de 1883 moría en dicha ciudad. El día 18 fue enterrado en el jardín de Wahnfried, en Bayreuth, donde después se enterró también a su esposa.
Ha recibido 49 puntos

Vótalo:

Verdi

8

Verdi

https://www.youtube.com/watch?v=wX93BytFfkk

(Roncole, actual Italia, 1813 - Milán, 1901) Compositor italiano. Coetáneo de Wagner, y como él un compositor eminentemente dramático, Verdi fue el gran dominador de la escena lírica europea durante la segunda mitad del siglo XIX. Su arte, empero, no fue el de un revolucionario como el del... Ver mas
(Roncole, actual Italia, 1813 - Milán, 1901) Compositor italiano. Coetáneo de Wagner, y como él un compositor eminentemente dramático, Verdi fue el gran dominador de la escena lírica europea durante la segunda mitad del siglo XIX. Su arte, empero, no fue el de un revolucionario como el del alemán, antes al contrario, para él toda renovación debía buscar su razón en el pasado. En consecuencia, aun sin traicionar los rasgos más característicos de la tradición operística italiana, sobre todo en lo concerniente al tipo de escritura vocal, consiguió dar a su música un sesgo nuevo, más realista y opuesto a toda convención no justificada.


Giuseppe Verdi

Nacido en el seno de una familia muy modesta, tuvo la fortuna de contar desde fecha temprana con la protección de Antonio Barezzi, un comerciante de Busseto aficionado a la música que desde el primer momento creyó en sus dotes. Gracias a su ayuda, el joven Giuseppe Verdi pudo desplazarse a Milán con el propósito de estudiar en el Conservatorio, lo que no logró porque, sorprendentemente, no superó las pruebas de acceso.

Tras estudiar con Vincenzo Lavigna, quien le dio a conocer la música italiana del pasado y la alemana de la época, fue nombrado maestro de música de Busseto en 1836, el mismo año en que contrajo matrimonio con la hija de su protector, Margherita Barezzi. El éxito que en 1839 obtuvo en Milán su primera ópera, Oberto, conte di San Bonifacio, le procuró un contrato con el prestigioso Teatro de la Scala. Sin embargo, el fracaso de su siguiente trabajo, Un giorno di regno, y, sobre todo, la muerte de su esposa y sus dos hijos, lo sumieron en una profunda depresión en la que llegó a plantearse el abandono de la carrera musical.



No lo hizo: la lectura del libreto de Nabucco le devolvió el entusiasmo por la composición. La partitura, estrenada en la Scala en 1842, recibió una acogida triunfal, no sólo por los innegables valores de la música, sino también por sus connotaciones políticas, ya que, en aquella Italia oprimida y dividida de la época, el público se sintió identificado con el conflicto recreado en el drama.

Con este éxito, Verdi no sólo consiguió su consagración como compositor, sino que también se convirtió en un símbolo de la lucha patriótica por la unificación política del país. I lombardi alla prima Crociata y Ernani participaron de las mismas características. Son éstos los que el compositor calificó como sus «años de galeras», en los cuales, por sus compromisos con los empresarios teatrales, se vio obligado a escribir sin pausa una ópera tras otra.

Esta situación empezó a cambiar a partir del estreno, en 1851, de Rigoletto, y, dos años más tarde, de Il Trovatore y La Traviata, sus primeras obras maestras. A partir de este momento compuso sólo aquello que deseaba componer. Su producción decreció en cuanto a número de obras, pero aumentó proporcionalmente en calidad. Y mientras sus primeras composiciones participaban de lleno de la ópera romántica italiana según el modelo llevado a su máxima expresión por Gaetano Donizetti, las escritas en este período se caracterizaron por la búsqueda de la verosimilitud dramática por encima de las convenciones musicales.

Aida (1871) es ilustrativa de esta tendencia, pues en ella desaparecen las cabalette, las arias se hacen más breves y cada vez más integradas en un flujo musical continuo -que no hay que confundir con el tejido sinfónico propio del drama musical wagneriano-, y la instrumentación se hace más cuidada. Prácticamente retirado a partir de este título, aún llegó a componer un par de óperas más, ambas con libretos de Arrigo Boito sobre textos de Shakespeare: Otello y Falstaff, esta última una encantadora ópera cómica compuesta cuando el músico frisaba ya los ochenta años. Fue su canto del cisne.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 49 puntos

Vótalo:

Händel

9

Händel

https://www.youtube.com/watch?v=Wt2y_vyWWLs

George Frideric Handel compuso óperas, oratorios e instrumentales. Su obra de 1741, 'Mesías', es uno de los oratorios más famosos de la historia. Sinopsis El compositor barroco George Frideric Handel nació en Halle, Alemania, en 1685. En 1705 debutó como compositor de ópera con Almira... Ver mas
George Frideric Handel compuso óperas, oratorios e instrumentales. Su obra de 1741, 'Mesías', es uno de los oratorios más famosos de la historia.
Sinopsis

El compositor barroco George Frideric Handel nació en Halle, Alemania, en 1685. En 1705 debutó como compositor de ópera con Almira . Produjo varias óperas con la Real Academia de Música de Inglaterra antes de formar la Nueva Real Academia de Música en 1727. Cuando las óperas italianas pasaron de moda, comenzó a componer oratorios, incluido su más famoso, el Mesías . Handel murió en Londres, Inglaterra, en 1759.

Vida temprana

Georg Frideric Handel nació el 23 de febrero de 1685 en Georg y Dorothea Handel de Halle, Sajonia, Alemania. Desde una edad temprana, Handel deseaba estudiar música, pero su padre se opuso, dudando de que la música fuera una fuente realista de ingresos. De hecho, su padre ni siquiera le permitió tener un instrumento musical. Su madre, sin embargo, fue de apoyo, y ella lo alentó a desarrollar su talento musical. Con su cooperación, Handel se dedicó a practicar a escondidas.

Cuando Handel todavía era un niño, tuvo la oportunidad de tocar el órgano de la corte del duque en Weissenfels. Fue allí donde Handel conoció al compositor y organista Frideric Wilhelm Zachow. Zachow quedó impresionado con el potencial de Handel e invitó a Handel a convertirse en su alumno. Bajo la tutela de Zachow, Handel dominó la composición para el órgano, el oboe y el violín cuando tenía 10 años. Desde la edad de 11 años hasta el momento en que tenía 16 o 17 años, Handel compuso cantatas de iglesia y música de cámara que, al ser escrita para un público reducido, no lograron atraer mucha atención y desde entonces se perdieron en el tiempo.

A pesar de su dedicación a su música, ante la insistencia de su padre, Handel inicialmente aceptó estudiar leyes en la Universidad de Halle. Como era de esperar, no permaneció inscrito por mucho tiempo. Su pasión por la música no sería reprimida.

En 1703, cuando Handel tenía 18 años, decidió dedicarse por completo a la música, aceptando un puesto de violinista en el Teatro Goose Market de la Ópera de Hamburgo. Durante este tiempo, complementó su ingreso enseñando lecciones privadas de música en su tiempo libre, transmitiendo lo que había aprendido de Zachow.

Ópera

Aunque trabajó como violinista, fue la habilidad de Handel en el órgano y el clave que comenzó a llamarle la atención y le dio más oportunidades para actuar en óperas.

Handel también comenzó a componer óperas, debutando a principios de 1705 con Almira . La ópera tuvo un éxito inmediato y logró una ejecución de 20 actuaciones. Después de componer varias óperas más populares, en 1706 Handel decidió probar suerte en Italia. Mientras estuvo allí, Handel compuso las óperas Rodrigo y Agrippina , que se produjeron en 1707 y 1709, respectivamente. También logró escribir más de unas pocas obras dramáticas de cámara durante este período.

Recorriendo las principales ciudades italianas durante tres temporadas de ópera, Handel se presentó a la mayoría de los principales músicos de Italia. Inesperadamente, mientras estaba en Venecia, conoció a varias personas que expresaron su interés en la escena musical de Londres. Animado a experimentar con una carrera musical independiente allí, en 1710, Handel salió de Venecia y se dirigió a Londres. En Londres, Handel se reunió con el gerente del King's Theatre, quien le encargó a Handel que escribiera una ópera. En solo dos semanas, Handel compuso a Rinaldo . Lanzado durante la temporada de ópera de Londres 1710-11, Rinaldo fue el gran avance de Handel. Su trabajo más aclamado por la crítica hasta esa fecha, le ganó el reconocimiento generalizado de que mantendrá durante el resto de su carrera musical.

Después del debut de Rinaldo , Handel pasó los siguientes años escribiendo y actuando para la realeza inglesa, incluidos Queen Anne y King George I. Luego, en 1719, Handel fue invitado a convertirse en el Maestro de la Orquesta en la Royal Academy of Music, la primera compañía de ópera italiana en Londres. Handel aceptó con entusiasmo. Produjo varias óperas con la Royal Academy of Music que, si bien le gustaba, no eran especialmente lucrativas para la atribulada academia.

En 1726, Handel decidió hacer de Londres su hogar de forma permanente y convertirse en ciudadano británico. (También Anglicized su nombre en este momento, a George Frideric.) En 1727, cuando la última ópera de Handel, Alessandro , se realizaba, la ópera italiana en Londres sufrió un duro golpe como resultado de una rivalidad hostil entre dos cantantes femeninas. Frustrado, Handel se separó de la Royal Academy y formó su propia compañía, llamándola la Nueva Real Academia de Música. Bajo la Nueva Real Academia de Música, Handel produjo dos óperas al año durante la próxima década, pero la ópera italiana cayó cada vez más de moda en Londres. Handel compuso otras dos óperas italianas antes de finalmente decidir abandonar el género fallido.

Oratorios

En lugar de óperas, los oratorios se convirtieron en el nuevo formato elegido por Handel. Oratorios, piezas de concierto de gran escala, inmediatamente se encendieron con el público y resultaron bastante lucrativas. El hecho de que los oratorios no requirieran trajes y conjuntos elaborados, como lo hicieron las óperas, también significaba que costaban mucho menos producir. Handel revisó varias óperas italianas para adaptarse a este nuevo formato y las tradujo al inglés para la audiencia de Londres. Sus oratorios se convirtieron en la última moda en Londres y pronto se convirtieron en una característica habitual de la temporada de ópera.

En 1735, solo durante la Cuaresma, Handel produjo más de 14 conciertos compuestos principalmente por oratorios. En 1741, el Lord Lieutenant de Dublín encargó a Handel escribir un nuevo oratorio basado en un libreto bíblico ensamblado por el patrón de arte Charles Jennens. Como resultado, el oratorio más famoso de Handel, Messiah , hizo su debut en el New Music Hall de Dublín en abril de 1742.

De vuelta en Londres, Handel organizó una temporada de suscripción para 1743 que consistía exclusivamente de oratorios. La serie se inauguró con la composición de Handel, Samson , para gran aclamación de la audiencia. Sansón fue seguido por una carrera del amado Mesías de Handel.

Handel continuó componiendo una larga serie de oratorios durante el resto de su vida y carrera. Estos incluyen Semele (1744), José y Sus Hermanos (1744), Hércules (1745), Belshazzar (1745), Oratorio ocasional (1746), Judas Macabeo (1747), Josué (1748), Alejandro Balus (1748), Susana ( 1749), Salomón (1749), Teodora (1750), La elección de Hércules (1751), Jeftha (1752) y El triunfo del tiempo y la verdad (1757).

Además de sus oratorios, los concerti grossi , himnos y piezas orquestales de Handel también le dieron fama y éxito. Entre los más conocidos se encuentran Water Music (1717), Coronation Anthems (1727), Trio Sonatas op. 2 (1722-1733), Trio Sonatas op. 5 (1739), Concerto Grosso op. 6 (1739) y Music for Royal Fireworks , completada una década antes de su muerte.

Problemas de salud

En el transcurso de su carrera musical, Handel, agotado por el estrés, sufrió una serie de problemas potencialmente debilitantes con su salud física. También se cree que sufrió de ansiedad y depresión. Sin embargo, de alguna manera, Handel, que era conocido por reírse frente a la adversidad, permaneció prácticamente indiferente en su determinación de seguir haciendo música.

En la primavera de 1737, Handel sufrió una apoplejía que perjudicó el movimiento de su mano derecha. Sus fanáticos estaban preocupados de que nunca volvería a componer. Pero después de solo seis semanas de recuperación en Aix-la-Chapelle, Handel estaba completamente recuperado. Regresó a Londres y no solo volvió a componer, sino que también regresó tocando el órgano.

Seis años después, Handel sufrió un segundo ataque de primavera. Sin embargo, aturdió audiencias una vez más con una pronta recuperación, seguida de una prolífica corriente de oratorios ambiciosos.

El oratorio en tres actos de Handel, Samson , que se estrenó en Londres en 1743, refleja cómo Handel se relacionó con la ceguera del personaje a través de su propia experiencia de primera mano con la progresiva degeneración de su vista:

¡Eclipse total! sin sol, sin luna Todo oscuro en medio del resplandor del mediodía. Oh gloriosa luz! no rayo que anima Para alegrar mis ojos con el día de bienvenida.
En 1750, Handel había perdido completamente de vista en su ojo izquierdo. Se forjó, sin embargo, componiendo el oratorio Jephtha , que también contenía una referencia a la visión oscurecida. En 1752, Handel perdió la vista en el otro ojo y quedó completamente ciego. Como siempre antes, la búsqueda apasionada de la música de Handel lo impulsó hacia adelante. Siguió actuando y componiendo, confiando en su aguda memoria para compensar cuando era necesario, y permaneció activamente involucrado en las producciones de su trabajo hasta el día de su muerte.

Muerte y herencia

El 14 de abril de 1759, George Handel murió en la cama en su casa alquilada en 25 Brook Street, en el distrito de Mayfair de Londres. El compositor y organista barroco tenía 74 años.

Handel era conocido por ser un hombre generoso, incluso en la muerte. Como nunca se había casado o engendrado hijos, su voluntad dividió sus bienes entre sus sirvientes y varias organizaciones benéficas, incluido el Hospital Foundling. Incluso donó el dinero para pagar su propio funeral para que ninguno de sus seres queridos soportara la carga financiera. Handel fue enterrado en la Abadía de Westminster una semana después de su muerte. Después de su muerte, comenzaron a circular documentos biográficos, y George Handel pronto adquirió un estatus legendario a título póstumo.

Durante su vida, Handel compuso casi 30 oratorios y cerca de 50 óperas. Al menos 30 de esas óperas fueron escritas para la Royal Academy of Music, la primera compañía de ópera italiana de Londres. También fue un prolífico escritor de piezas orquestales y concerti grossi . Se dice que hizo contribuciones significativas a todos los géneros musicales de su generación. Su obra más famosa es el oratorio Messiah , escrito en 1741 y estrenado en Dublín en 1742.

En 1784, 25 años después de la muerte de Handel, se celebraron tres conciertos conmemorativos en su honor en el Partenón y la Abadía de Westminster. En 2001, la casa de Handel en Brook Street (desde 1723 hasta 1759) se convirtió en el sitio de Handel House Museum, establecido en memoria de su legendaria vida y obras.
Ha recibido 38 puntos

Vótalo:

Franz Schubert

10

Franz Schubert

https://www.youtube.com/watch?v=iiChxN0T2kA

(Himmelpfortgrund, actual Austria, 1797 - Viena, 1828) Compositor austríaco. Nacido en las proximidades de la misma Viena que acogió a Haydn, Mozart y Beethoven, a menudo se le considera el último gran representante del estilo clásico que llevaron a su máximo esplendor esos tres compositores y... Ver mas
(Himmelpfortgrund, actual Austria, 1797 - Viena, 1828) Compositor austríaco. Nacido en las proximidades de la misma Viena que acogió a Haydn, Mozart y Beethoven, a menudo se le considera el último gran representante del estilo clásico que llevaron a su máximo esplendor esos tres compositores y uno de los primeros en manifestar una subjetividad y un lirismo inconfundiblemente románticos en su música. El lied para canto y piano, uno de los géneros paradigmáticos del Romanticismo, encontró en él a su primer gran representante, cuyas aportaciones serían tomadas como modelo por todos los músicos posteriores, desde Robert Schumann hasta Hugo Wolf y Gustav Mahler.


Franz Schubert

Hijo de un modesto maestro de escuela, Schubert aprendió de su padre la práctica del violín y de su hermano mayor, Ignaz, la del piano, con tan buenos resultados que en 1808, a los once años de edad, fue admitido en la capilla imperial de Viena como miembro del coro y alumno del Stadtkonvikt, institución ésta en la que tuvo como maestro al compositor Antonio Salieri. La necesidad de componer se reveló en el joven Schubert durante estos años con inusitada fuerza, y sus primeras piezas fueron interpretadas por la orquesta de discípulos del Stadtkonvikt, de la que él mismo era violinista.

Tras su salida de este centro en 1813, Schubert, a instancias de su padre, empezó a trabajar como asistente en la escuela de éste, a pesar del poco interés demostrado por el músico hacia la labor pedagógica. En estos años es cuando ven la luz sus primeras obras maestras, como el lied El rey de los elfos, inspirado en un poema de Goethe, uno de sus escritores más frecuentados. Después de abandonar sus funciones en la escuela paterna, Schubert intentó ganarse la vida únicamente con su música, con escaso éxito en su empresa.

El único campo que podía reportar grandes beneficios a un compositor de la época era el teatro, la ópera, y aunque éste fue un género que Schubert abordó con insistencia a lo largo de toda su vida, nunca consiguió destacar en él, bien fuera por la debilidad de los libretos escogidos o por su propia falta de aliento dramático. Sus óperas, entre las que merecen citarse Los amigos de Salamanca, Alfonso y Estrella, La guerra doméstica y Fierabrás, continúan siendo la faceta menos conocida de su producción.

Si Schubert no consiguió sobresalir en el género dramático, sí lo hizo en el lied. Un solo dato da constancia de su absoluto dominio en esta forma: sólo durante los años 1815 y 1816 llegó a componer más de ciento cincuenta lieder, sin que pueda decirse de ellos que la cantidad vaya en detrimento de la calidad. Escritos muchos de ellos sobre textos de sus amigos, como Johann Mayrhofer y Franz von Schober, eran interpretados en reuniones privadas, conocidas con el elocuente nombre de «schubertiadas», a las que asistía, entre otros, el barítono Johann Michael Vogl, destinatario de muchas de estas breves composiciones.



Los ciclos La bella molinera y Viaje de invierno constituyen quizás la cima de su genio en este campo, a los que hay que sumar títulos como El caminante, La trucha, A la música, La muerte y la doncella o el celebérrimo Ave Maria. A pesar de la belleza de estas composiciones y de la buena acogida que encontraron entre el público, la vida de Schubert discurrió siempre en un estado de gran precariedad económica, agravada considerablemente a partir de 1824 por los primeros síntomas de la enfermedad que acabaría prematuramente con su existencia.

Admirado en un círculo muy restringido, la revalorización del compositor se llevó a cabo a partir de su muerte: obras inéditas o que sólo se habían interpretado en el marco familiar empezaron a ser conocidas y publicadas, y defendidas por músicos como Robert Schumann o Felix Mendelssohn. Es, sobre todo, el caso de su producción instrumental madura, de sus últimas sonatas para piano, sus cuartetos de cuerda y sus dos postreras sinfonías, a cuyo nivel sólo son equiparables las de Beethoven.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 35 puntos

Vótalo:

Joseph Haydn

11

Joseph Haydn

https://www.youtube.com/watch?v=tF5kr251BRs

(Rohrau, Austria, 1732 - Viena, 1809) Compositor austriaco. Con Mozart y Beethoven, Haydn es el tercer gran representante del clasicismo vienés. Aunque no fue apreciado por la generación romántica, que lo consideraba excesivamente ligado a la tradición anterior, lo cierto es que sin su... Ver mas
(Rohrau, Austria, 1732 - Viena, 1809) Compositor austriaco. Con Mozart y Beethoven, Haydn es el tercer gran representante del clasicismo vienés. Aunque no fue apreciado por la generación romántica, que lo consideraba excesivamente ligado a la tradición anterior, lo cierto es que sin su aportación la obra de los dos primeros, y tras ellos la de Schubert o Mendelssohn, nunca habría sido lo que fue. Y es que a Haydn, más que a ningún otro, se debe el definitivo establecimiento de formas como la sonata y de géneros como la sinfonía y el cuarteto de cuerda, que se mantuvieron vigentes sin apenas modificaciones hasta bien entrado el siglo XX.


Joseph Haydn

Nacido en el seno de una humilde familia, el pequeño Joseph Haydn recibió sus primeras lecciones de su padre, quien, después de la jornada laboral, cantaba acompañándose al arpa. Dotado de una hermosa voz, en 1738 Haydn fue enviado a Hainburg, y dos años más tarde a Viena, donde ingresó en el coro de la catedral de San Esteban y tuvo oportunidad de perfeccionar sus conocimientos musicales.

Allí permaneció Haydn hasta el cambio de voz, momento en que, tras un breve período como asistente del compositor Nicola Porpora, pasó a servir como maestro de capilla en la residencia del conde Morzin, para quien compuso sus primeras sinfonías y divertimentos.

El año 1761 se produciría un giro decisivo en la carrera del joven músico: fue entonces cuando los príncipes de Esterházy -primero Paul Anton y poco después, a la muerte de éste, su hermano Nikolaus- lo tomaron a su servicio. Haydn tenía a su disposición una de las mejores orquestas de Europa, para la que escribió la mayor parte de sus obras orquestales, operísticas y religiosas.

El fallecimiento en 1790 del príncipe Nikolaus y la decisión de su sucesor, Anton, de disolver la orquesta de la corte motivó que Joseph Haydn, aun sin abandonar su cargo de maestro de capilla, instalara su residencia en Viena. Ese año, y por mediación del empresario Johann Peter Salomon, el músico realizó su primer viaje a Londres, al que siguió en 1794 un segundo. En la capital británica, además de dar a conocer sus doce últimas sinfonías, tuvo ocasión de escuchar los oratorios de Händel, cuya impronta es perceptible en su propia aproximación al género con La Creación y Las estaciones.

Fallecido Paul Anton ese mismo año de 1794, el nuevo príncipe de Esterházy, Nikolaus, lo reclamó de nuevo a su servicio, y para él escribió sus seis últimas misas, entre las cuales destacan las conocidas como Misa Nelson y Misa María Teresa. Los últimos años de su existencia vivió en Viena, entre el reconocimiento y el respeto de todo el mundo musical.



La aportación de Haydn fue trascendental en un momento en que se asistía a la aparición y consolidación de las grandes formas instrumentales. Precisamente gracias a él, dos de esas formas más importantes, la sinfonía y el cuarteto de cuerda, adoptaron el esquema en cuatro movimientos que hasta el siglo XX las ha caracterizado y definido, con uno primero estructurado según una forma sonata basada en la exposición y el desarrollo de dos temas melódicos, al que seguían otro lento en forma de aria, un minueto y un rondó conclusivo.

No es, pues, de extrañar que Haydn haya sido considerado el padre de la sinfonía y del cuarteto de cuerda: aunque ambas formas existían como tales con anterioridad, por ejemplo entre los músicos de la llamada Escuela de Mannheim, fue él quien les dio una coherencia y un sentido que superaban el puro divertimento galante del período anterior. Si trascendental fue su papel en este sentido, no menor fue el que tuvo en el campo de la instrumentación, donde sus numerosos hallazgos contribuyeron decisivamente a ampliar las posibilidades técnicas de la orquesta sinfónica moderna.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 34 puntos

Vótalo:

Debussy

12

Debussy

https://www.youtube.com/watch?v=CvFH_6DNRCY

(Claude Achille Debussy; St. Germain-en-Laye, 1862 - París, 1918) Compositor francés. Iniciador y máximo representante del llamado impresionismo musical, sus innovaciones armónicas abrieron el camino a las nuevas tendencias musicales del siglo XX. Ya en su niñez había iniciado el estudio del... Ver mas
(Claude Achille Debussy; St. Germain-en-Laye, 1862 - París, 1918) Compositor francés. Iniciador y máximo representante del llamado impresionismo musical, sus innovaciones armónicas abrieron el camino a las nuevas tendencias musicales del siglo XX.

Ya en su niñez había iniciado el estudio del plano en su hogar; sin embargo, no pensaba entonces en la carrera musical. Fue una antigua discípula de Chopin, la señora Manté de Fleurville, quien intuyó la vocación del muchacho e indujo a sus familiares a cultivarla. De esta forma, Debussy ingresó en 1873 en el Conservatorio de París; allí tuvo por maestros, entre otros, a Lavignac, a Marmontel y, en composición, a Ernest Guiraud.


Claude Debussy

Grato paréntesis en sus estudios fue, en el verano de 1880, su empleo de acompañante como pianista de cámara y profesor de piano de los hijos de una rica dama rusa, Nadesda von Meck, protectora de Chaikovski y fanática de su música, en sus viajes a través de la Francia meridional, Suiza e Italia. Esto le permitió conocer a Wagner. Debussy vio renovado el empleo en los veranos siguientes, posiblemente hasta 1884, y entonces visitó Moscú, donde pudo establecer cierto contacto con la música del "grupo de los Cinco".

En el Conservatorio había adquirido fama de músico revolucionario; sin embargo, en 1884 logró el "Prix de Rome" con la cantata El hijo pródigo, que presenta al joven compositor aún envuelto en la amable sensualidad melódica propia del gusto de Massenet, pero también capaz de esbozar un aria perfecta en su género, como la de Lía. Los tres años pasados en Villa Médicis resultaron enojosos para el joven Debussy, que no sentía inclinación alguna por el clasicismo romano y con gran amargura echaba de menos París y su vida intelectual, inquieta y moderna.

De Roma se trajo la cantata La Demoiselle élue (1887-88, La damisela bienaventurada), sobre un texto de D. G. Rossetti y de un gusto prerafaelista muy propio de la época; todavía arrastrado por un sentimentalismo hijo del siglo XIX, y musicalmente situado entre Massenet y Chaikovski, Debussy buscaba a tientas la salida hacia una nueva concepción artística y cayó, como era natural, en el wagnerismo. Más bien que de experiencias musicales (entre ellas contaron singularmente las llevadas a cabo en Rusia y el descubrimiento del canto gregoriano y de melodías exóticas africanas y javanesas, presentadas en la Exposición Universal de París), la liberación le vino de literatos y pintores: la amistad de poetas simbolistas y parnasianos, dominados por la figura de Mallarmé, y el ejemplo de renovación de la pintura impresionista fueron las fuerzas determinantes que impulsaron al compositor hacia un camino artístico original.

Las obras líricas para canto y piano son las composiciones que permiten seguir mejor la evolución lógica del artista desde un formalismo melódico de gusto un tanto aburguesado hasta la creación de una prosa poética intensamente evocadora; así, Arietas olvidadas (1888), Cinco poemas de Baudelaire (1890), Fêtes galantes (1892 y 1904), Prosas líricas (1893) y Tres canciones de Bilitis (1898). De tal forma se forjó el nuevo lenguaje musical y dramático que le permitió aportar una solución personal al problema de la ópera con Pelléas et Mélisande, sobre texto de M. Maeterlinck y representada en la Opéra-Comique el 30 de abril de 1902 (su composición había durado diez años); el éxito fue muy discutido y sólo con gran lentitud la ópera llegó a conquistar el puesto que le correspondía en la historia de la música, como etapa básica en el desarrollo del teatro musical.

En una segunda etapa, alcanza el primer plano de la producción de Debussy la música instrumental. De las posiciones de elegancia un tanto formalista propias de los dos Arabesque (1888) y de la Suite bergamasque (1890), para piano, así como del Cuarteto (1893) y del Preludio a la "Siesta de un fauno", de 1892, el compositor llegó, sobre todo en el ámbito pianístico, a la creación de un impresionismo musical que llevó a las últimas consecuencias la disolución de las formas clásicas realizada por el romanticismo y, al mismo tiempo, abrió las puertas al futuro. Con ello se produjo el tránsito del momentáneo clasicismo de Para el piano (1901) a la libertad impresionista de Estampas (1903), de L'isle joyeuse (1904) y de las dos colecciones de Imágenes (1905 y 1907).

A la engañosa facilidad de El rincón de los niños (1908), obra abierta a sugerencias y temas de la vida actual, a pesar de su tema infantil, siguió, con los dos tomos de los Preludios (1910 y 1913), el equilibrio definitivo de la composición moderna para piano. La devolución a la música del sentido de la precisión fónica, o sea la conversión de la pieza instrumental en un consistente objeto sonoro donde se cobijan los eventuales valores expresivos sin menoscabo de su solidez, permite considerar realmente a Debussy como el iniciador de las tendencias musicales de la actualidad: en la estela de Estampas se desarrolla el florecimiento de las modernas obras de piano, con Ravel, Bartók, Schoenberg y Prokofiev.



En oposición a la perfección alcanzada en el lenguaje pianístico hay que reconocer, posiblemente, una menor seguridad en la evolución comunicada por el compositor al impresionismo orquestal, y ello a pesar del pomposo interés por la fantasía en el timbre y por la sensualidad sonora manifestados en los poemas sinfónicos; en realidad, ni El mar (1905) ni Imágenes (1909), para orquesta, renuevan por completo la equilibrada concisión de los tres Nocturnos (1899).

Hacia 1910 cabe situar la aparición en el arte del músico de una nueva orientación clasicista y arcaizante que tiende a reaccionar contra la dispersión impalpable del impresionismo en el ambiente, manifestada en la restauración de una necesidad de precisión fónica e incluso formal cada vez más consciente. En un decidido salto por encima de los últimos siglos, Debussy buscó en el XVI y en el XVII los orígenes culturales del arte y del gusto franceses; la Primera Guerra Mundial acabaría de fortalecer en el músico un proceso ya iniciado de enlace con las tradiciones de la civilización nacional.

En el segundo cuaderno de las Fêtes galantes habían aparecido ya formas melódicas arcaizantes; asimismo, algunos textos de antiguos poetas franceses pasan a ocupar el lugar de los versos de los simbolistas y parnasianos predilectos en Tres canciones de Francia (1904), Tres baladas de François Villon (1910) y Tres canciones de Charles d'Orléans (1908), para coro polifónico y abiertamente inspiradas en los modos de la antigua canción típica de Francia. La renacida voluntad de clasicismo y de reconstitución formal se manifestó claramente en el proyecto de seis Sonatas para varios instrumentos diversamente agrupados, idea surgida en el curso de la Guerra Mundial y que el artista sólo pudo llevar a cabo en su mitad, con la audaz Sonata para violoncelo y piano (1915), la Sonata para flauta, arpa y viola (1915), y la Sonata para violín y piano, que ha alcanzado gran popularidad.

Sin embargo, el principal monumento de esta última fase del arte de Debussy, tan abierta hacia las perspectivas artísticas del futuro, sigue siendo una obra maestra todavía mal apreciada, la partitura de El martirio de San Sebastián (1911), donde la elevación de los valores musicales aparece algo menoscabada por el artificioso rebuscamiento del texto dannunziano y, sobre todo, por el carácter híbrido del espectáculo escénico, ni ópera ni ballet, sino mescolanza de recitación y canto destinada a la interpretación de Rubinstein.


Debussy con su primera esposa, Rosalie Texier

La existencia del compositor se desenvolvió en un plano retirado y careció de acontecimientos sensacionales externos, salvo la dolorosa crisis sentimental que indujo al artista a separarse de su esposa Rosalie Texier, compañera fiel y valerosa de los años difíciles, para unirse a Emma Bardac Moyse (1905). Raramente y con desgana se alejaba de París. En 1893 fue a Gante para pedir a Maeterlinck que le permitiera poner música a su drama; el literato le dio su asentimiento, si no su comprensión. En 1909 estuvo en Londres con motivo de la presentación de Pelléas en aquel país.

Luego, la fama creciente le obliga a estancias en Viena y Budapest (1910), Turín (1911), Rusia (1913-14), Holanda y Roma (1914) para la dirección de sus propias composiciones. No ocupó cargos ni buscó jamás puestos estables; careció de discípulos y sí tuvo únicamente amigos, con quienes gustaba de hacer música, conversar y discutir sobre arte y poesía. Actuó frecuentemente como colaborador musical en diversas revistas, generalmente literarias, y reunió los principales frutos de tal colaboración en el volumen Monsieur Croche, antidilettante (1917). Operado en 1915 de un cáncer intestinal, no pudo recobrar ya la plenitud de sus fuerzas físicas, y moría en 1918, amargado y conmovido profundamente por los desastres de la Primera Guerra Mundial.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 33 puntos

Vótalo:

Rachmaninov

13

Rachmaninov

https://www.youtube.com/watch?v=3aqty1eIjpg

(Serguéi Vasílievich Rajmáninov; Onega, 1873 - Beverly Hills, 1943) Compositor ruso. Fue uno de los más delicados pianistas de su tiempo y, como compositor, el último gran representante del Romanticismo tardío ruso. Hijo de un capitán de la Guardia Imperial y descendiente de una familia noble, a... Ver mas
(Serguéi Vasílievich Rajmáninov; Onega, 1873 - Beverly Hills, 1943) Compositor ruso. Fue uno de los más delicados pianistas de su tiempo y, como compositor, el último gran representante del Romanticismo tardío ruso. Hijo de un capitán de la Guardia Imperial y descendiente de una familia noble, a los nueve años inició sus estudios de piano en el Conservatorio de San Petersburgo. Tres años después fue aceptado en el Conservatorio de Moscú por Zverev. Junto con otros dos aventajados alumnos, estuvo durante cuatro años en casa de Zverev, donde la rigurosa disciplina y la práctica supervisada dieron como resultado un destacado progreso técnico.


Serguéi Rajmáninov

El deseo de Rajmáninov de seguir estudios de composición, al mismo tiempo que de piano, le condujeron al alejamiento de su profesor. Tras dejar a Zverev, a partir de 1888 fue discípulo de Siloti (piano), Taneiev (contrapunto y fuga) y Arensky (composición) en el Conservatorio moscovita, finalizando sus estudios en 1892. Siendo todavía estudiante escribió las piezas para piano opus 3, a las que pertenece el célebre Preludio en do sostenido menor, y su ópera en un acto Aleko, que le valió la medalla de oro y que fue representada con gran éxito en el Teatro Bolshoi en 1893. En estas primeras composiciones se acusa la influencia de Taneiev y Arensky.

A partir de 1893 fue profesor de piano en la Escuela María de Moscú, actividad que abandonó para dedicarse a su carrera de virtuoso del piano. En este período compuso su Primera Sinfonía (1895); el desastroso estreno de esta obra bajo la dirección de Alexander Glazunov, en 1897, provocó las críticas de Cesar Cui y de la prensa de San Petersburgo y marcó al músico durante varios años. Como resultado de ello no volvió a componer hasta 1900.

Sin embargo, durante esos años reapareció como director de ópera al hacerse amigo del bajo Fiódor Chaliapin, con el que posteriormente trabajó en giras de recitales. Juntos visitaron Italia y allí Rajmáninov empezó a componer la que sería una de sus obras maestras más populares: el segundo Concierto para piano, por la que un jurado compuesto por Rimski-Korsakov, Anatoli Liadov y Glazunov le concedió un premio en 1904. Se casó con su prima Natalia Satin y fue director de orquesta de la Ópera privada de S. I. Mamomotov en Moscú (1897-1898) y del Teatro Bolshoi (1904-1906). Anteriormente, en 1898 fue invitado por la Sociedad Filarmónica de Londres para dirigir su orquesta.

Hacia 1906, los acontecimientos políticos y sociales de Rusia empujaron al músico a buscar asilio en Alemania, donde se dedicó a la composición, en particular a la ópera Monna Vanna (inconclusa) y a la Segunda Sinfonía (1907), que posteriormente ganó el primer premio en el Concurso Glinka. Más tarde vivió algún tiempo en Rusia y Alemania, a la vez que realizó giras de conciertos como director y pianista por Europa Occidental, Inglaterra y Estados Unidos de América.



Serguéi Rajmáninov dejó definitivamente su país en 1917, tras la Revolución de Octubre, para vivir durante algún tiempo en Escandinavia. Posteriormente residió en París, Suiza y, finalmente, en los Estados Unidos de América, donde se estableció en 1935, dedicándose sobre todo a su carrera de intérprete hasta que murió en Beverly Hills (California), el 28 de marzo de 1943. Su música fue prohibida entre 1931 y 1935 por las autoridades rusas como resultado de las críticas que Rajmáninov había dirigido al régimen soviético.

Entre sus obras se cuentan, además de las ya citadas, la ópera Francesca da Rimini (1904); las cantatas La Primavera (1902), Litugia de San Juan Crisóstomo (1910) y una Misa de vísperas (1915); Tres cantos populares rusos (1926) para coro y orquesta; cuatro Conciertos para piano (1891-1942), y la Rapsodia sobre un tema de Paganini (1934) para piano y orquesta. Sus obras para piano con el concurso de orquesta sinfónica representan el final en el ciclo del concierto romántico cuya línea habían mantenido Schumann, Grieg, Listz y Tchaikowski. Influido por este último, Serguéi Rajmáninov introdujo la elocuencia romántica en un planteamiento melódico de brillante colorido nacionalista.

Rajmáninov fue un fértil compositor del que se conocen poco sus obras menores, al margen del ya citado Preludio en do sostenido menor. Entre otras muchas creaciones merecen citarse Trío elegíaco (1892) para violín, violoncelo y piano; Quinteto para piano y otro Trío para piano; varias piezas para violín y piano, para violoncelo y piano, para piano solo, dos Sonatas (1907 y 1913), Variaciones sobre temas de Chopin (1902-1903) y Corelli (1932), y cuatro obras para piano a cuatro manos. Además, compuso setenta y siete lieder. En el género sinfónico, además de sus dos Fantasías, creó entre otras obras el poema sinfónico basado en la escena de Boecklin La isla de los Muertos (1909).



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 33 puntos

Vótalo:

Ravel

14

Ravel

https://www.youtube.com/watch?v=r30D3SW4OVw

(Ciboure, Francia, 1875-París, 1937) Compositor francés. Junto a Debussy, con quien se le suele relacionar habitualmente, es el gran representante de la moderna escuela musical francesa. Conocido universalmente por el Bolero, su catálogo, aunque no muy extenso, incluye una serie de obras hasta... Ver mas
(Ciboure, Francia, 1875-París, 1937) Compositor francés. Junto a Debussy, con quien se le suele relacionar habitualmente, es el gran representante de la moderna escuela musical francesa. Conocido universalmente por el Bolero, su catálogo, aunque no muy extenso, incluye una serie de obras hasta cierto punto poco conocidas que hablan de un autor complejo, casi misterioso, que evitaba cualquier tipo de confesión en su música. Un autor que concebía su arte como un precioso artificio, un recinto mágico y ficticio alejado de la realidad y las preocupaciones cotidianas. Stravinsky lo definió con acierto como «el más perfecto relojero de todos los compositores», y así hay que ver su música: como la obra de un artesano obsesionado por la perfección formal y técnica de su creación.


Maurice Ravel

Nacido en el País Vasco francés, heredó de su padre, ingeniero suizo, su afición por los artilugios mecánicos -cuyos ecos no son difíciles de encontrar en su música- y de su madre, de origen vasco, su atracción por España, fuente de inspiración de muchas de sus páginas. Aunque inició sus estudios musicales a una edad relativamente tardía, cuando contaba siete años, siete más tarde, en 1889, fue admitido en el Conservatorio de París, donde recibió las enseñanzas, entre otros, de Gabriel Fauré.

Discreto pianista, su interés se centró pronto en la composición, campo en el que dio muestras de una gran originalidad desde sus primeros trabajos, como la célebre Pavana para una infanta difunta, si bien en ellos es todavía perceptible la huella de su maestro Fauré y de músicos como Chabrier y Satie. La audición del Prélude à l'après-midi d'un faune, de Debussy, marcó sus composiciones inmediatamente posteriores, como el ciclo de poemas Schéhérazade, aunque pronto se apartó de influencias ajenas y encontró su propia vía de expresión.

En 1901 se presentó al Gran Premio de Roma, cuya obtención era garantía de la consagración oficial del ganador. Logró el segundo premio con una cantata titulada Myrrha, escrita en un estilo que buscaba adaptarse a los gustos conservadores del jurado y que para nada se correspondía con el que Ravel exploraba en obras como la pianística Jeux d'eau, en la que arrancaba del registro agudo del piano nuevas sonoridades. Participó otras tres veces, en 1902, 1903 y 1905, sin conseguir nunca el preciado galardón. La última de ellas, en la que fue eliminado en las pruebas previas, provocó un escándalo en la prensa que incluso le costó el cargo al director del Conservatorio.



Sin necesidad de confirmación oficial alguna, Ravel era ya entonces un músico conocido y apreciado, sobre todo gracias a su capacidad única para tratar el color instrumental, el timbre. Una cualidad ésta que se aprecia de manera especial en su producción destinada a la orquesta, como su Rapsodia española, La valse o su paradigmático Bolero, un auténtico ejercicio de virtuosismo orquestal cuyo interés reside en la forma en que Ravel combina los diferentes instrumentos, desde el sutil pianissimo del inicio hasta el fortissimo final. Su música de cámara y la escrita para el piano participa también de estas características.

Hay que señalar, empero, que esta faceta, aun siendo la más difundida, no es la única de este compositor. Personaje complejo, en él convivían dos tendencias contrapuestas y complementarias: el placer hedonista por el color instrumental y una marcada tendencia hacia la austeridad que tenía su reflejo más elocuente en su propia vida, que siempre se desarrolló en soledad, al margen de toda manifestación social, dedicado por entero a la composición. Sus dos conciertos para piano y orquesta, sombrío el primero en re menor, luminoso y extrovertido el segundo en Sol mayor, ejemplifican a la perfección este carácter dual de su personalidad.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 32 puntos

Vótalo:

Stravinski

15

Stravinski

https://www.youtube.com/watch?v=5UJOaGIhG7A

(Igor Stravinski o Stravinsky; Oranienbaum, Rusia, 1882 - Nueva York, 1971) Compositor ruso nacionalizado francés y, posteriormente, estadounidense. Una de las fechas clave que señalan el nacimiento de la llamada música contemporánea es el 29 de mayo de 1913, día en que se estrenó el ballet de... Ver mas
(Igor Stravinski o Stravinsky; Oranienbaum, Rusia, 1882 - Nueva York, 1971) Compositor ruso nacionalizado francés y, posteriormente, estadounidense. Una de las fechas clave que señalan el nacimiento de la llamada música contemporánea es el 29 de mayo de 1913, día en que se estrenó el ballet de Stravinsky La consagración de la primavera. Su armonía politonal, sus ritmos abruptos y dislocados y su agresiva orquestación provocaron en el público uno de los mayores escándalos de la historia del arte de los sonidos.


Igor Stravinsky

Autor de otros dos ballets que habían causado sensación, El pájaro de fuego (la obra que lo dio a conocer internacionalmente en 1910) y Petrushka, el citado día de 1913 Stravinsky se confirmó como el jefe de filas de la nueva escuela musical. Sin embargo, él nunca se consideró un revolucionario; de manera similar a Picasso en el campo de las artes plásticas, el compositor se caracterizó siempre por transitar de un estilo a otro con absoluta facilidad, sin perder por ello su propia personalidad. El ruso, el neoclásico y el dodecafónico son, a grandes rasgos, los tres períodos en los que puede dividirse la carrera compositiva de este maestro, uno de los referentes incuestionables de la música del siglo XX.

Alumno de Nikolai Rimski-Korsakov en San Petersburgo, la oportunidad de darse a conocer se la brindó el empresario Sergei Diaghilev, quien le encargó una partitura para ser estrenada por su compañía, los Ballets Rusos, en su temporada parisiense. El resultado fue El pájaro de fuego, obra en la que se advierte una profunda influencia de su maestro en su concepción general, pese a lo cual apunta ya algunos de los rasgos que definirán el estilo posterior de Stravinsky, como su agudo sentido del ritmo y el color instrumental.

Su rápida evolución culminó en la citada Consagración de la primavera y en otra partitura destinada al ballet, Las bodas, instrumentada para la original combinación de cuatro pianos y percusión, con participación vocal. En estas obras el músico llevó al límite la herencia de la escuela nacionalista rusa hasta prácticamente agotarla.



Su estilo experimentó entonces un giro que desconcertó a sus propios seguidores: en lugar de seguir el camino abierto por estas obras, en 1920 dio a conocer un nuevo ballet, Pulcinella, recreación, a primera vista respetuosa, de la música barroca a partir de composiciones de Giovanni Battista Pergolesi.

Comenzaba así la etapa neoclásica, caracterizada por la revisitación de los lenguajes del pasado, con homenajes a sus compositores más admirados, como Bach (Concierto en re), Tchaikovsky (El beso del hada), Haendel (Oedipus rex), Haydn (Sinfonía en do) o Mozart (La carrera del libertino) y obras tan importantes como el Octeto para instrumentos de viento, la Sinfonía de los salmos o el ballet Apollon Musagète.

En ellas Stravinsky abandonó las armonías disonantes y la brillante orquestación de sus anteriores composiciones para adoptar un estilo más severo y objetivo -el neoclasicismo, de hecho, nació como una oposición al arrebatado subjetivismo del Romanticismo y el expresionismo germánicos-, estilo, sin embargo, que no excluía cierto sentido del humor en su aproximación al pasado.

Con la Sinfonía en tres movimientos y la ópera La carrera del libertino concluye esta etapa, tras la cual Stravinsky volvió a sorprender al adoptar el método dodecafónico sistematizado por su colega y rival Arnold Schönberg, aunque, eso sí, a la muerte de éste. De nuevo un ballet, Agon, señaló la apertura de este nuevo período, en el que sobresalen títulos como Canticum sacrum, Threni, Monumentum pro Gesualdo y Requiem Canticles, ninguno de los cuales ha obtenido el nivel de aceptación de las obras de las dos épocas precedentes. Fallecido en Estados Unidos, sus restos mortales fueron inhumados en Venecia.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 29 puntos

Vótalo:

Liszt

16

Liszt

https://www.youtube.com/watch?v=_pysf5ixCTQ

(Raiding, actual Hungría, 1811 - Bayreuth, Alemania, 1886) Compositor y pianista húngaro. Su vida constituye una de las novelas más apasionantes de la historia de la música. Virtuoso sin par, durante toda su trayectoria vital, y sobre todo durante su juventud, se rodeó de una aureola de artista... Ver mas
(Raiding, actual Hungría, 1811 - Bayreuth, Alemania, 1886) Compositor y pianista húngaro. Su vida constituye una de las novelas más apasionantes de la historia de la música. Virtuoso sin par, durante toda su trayectoria vital, y sobre todo durante su juventud, se rodeó de una aureola de artista genial, violentamente escindido entre el arrebato místico y el éxtasis demoníaco.


Franz Liszt

Paradigma del artista romántico, fue un niño prodigio que llegó a provocar el entusiasmo del mismo Beethoven, músico poco dado por naturaleza al elogio. Alumno en Viena de Carl Czerny y Antonio Salieri, sus recitales causaron sensación y motivaron que se trasladara con su padre a París, donde en 1825 dio a conocer la única ópera de su catálogo, Don Sanche, ou Le Château d'amour, fríamente acogida por un público que veía en el pequeño más un prodigioso pianista que un compositor.

En la capital gala conoció a dos de los músicos que habían de ejercer mayor influencia en su formación: el compositor Hector Berlioz con su Sinfonía fantástica y, en mayor medida aún, el violinista Niccolò Paganini. La audición de un recital de este último en 1831 constituyó una revelación que incidió de modo decisivo en la forma de tocar del joven virtuoso: desde aquel momento, el objetivo de Liszt fue lograr al piano los asombrosos efectos que Paganini conseguía extraer de su violín. Y lo consiguió, en especial en sus Estudios de ejecución trascendente.

Ídolo de los salones parisinos, del año 1834 data su relación con Marie d'Agoult, condesa de Flavigny, de la cual nació su hija Cosima, futura esposa del director de orquesta Hans von Bülow primero, y de Richard Wagner después. Su carrera musical, mientras tanto, proseguía imparable, y en 1848 obtuvo el puesto de maestro de capilla de Weimar, ciudad que convirtió en un foco de difusión de la música más avanzada de su tiempo, en especial la de Wagner, de quien estrenó Lohengrin, y la de Berlioz, del que representó Benvenuto Cellini.



Si hasta entonces su producción se había circunscrito casi exclusivamente al terreno pianístico, los años que vivió en Weimar marcaron el inicio de su dedicación a la composición de grandes obras para orquesta, entre las que sobresalen las sinfonías Fausto y Dante, sus más célebres poemas sinfónicos (Tasso, Los preludios, Mazeppa, Orfeo) y las versiones definitivas de sus dos conciertos para piano y orquesta. Fue la época más prolífica en cuanto a nuevas obras, favorecida por el hecho de que el músico decidió abandonar su carrera como virtuoso para centrarse en la creación y la dirección.

Sin embargo, diversos conflictos e intrigas con las autoridades de la corte y el público lo indujeron a dimitir de su cargo en 1858. Se iniciaba así la última etapa de su vida, dominada por un profundo sentimiento religioso que le llevó a recibir en 1865 las órdenes menores y a escribir una serie de composiciones sacras entre las que brillan con luz propia los oratorios La leyenda de santa Isabel de Hungría y Christus, aunque no por ello el abate Liszt -como empezó a ser conocido desde aquel momento- perdió su afición a los placeres terrenales.

Su aportación a la historia de la música puede resumirse en dos aspectos fundamentales: por un lado amplió los recursos técnicos de la escritura y la interpretación pianísticas, y por otro dio un impulso concluyente a la música de programa, aquella que nace inspirada por un motivo extramusical, sea éste literario o pictórico. Padre del poema sinfónico, su influencia en este campo fue decisiva en la obra de músicos posteriores como Bedrich Smetana, Camille Saint-Saëns, César Franck o Richard Strauss. No menos interés tiene la novedad de su lenguaje armónico, en cuyo cromatismo audaz se anticipan algunas de las características de la música de su amigo y más adelante yerno Richard Wagner e, incluso, de los integrantes de la Segunda Escuela de Viena. Todas estas características hacen de Liszt un músico revolucionario.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 28 puntos

Vótalo:

Bizet

17

Bizet

https://www.youtube.com/watch?v=VABoyE12Mr4

Georges Bizet Alexandre Cesar Leopold Bizet Compositor francés Nació el 25 de octubre de 1838 en Bougival. Hijo de Adolphe Armand Bizet y de Aimée Marie Louise Léopoldine Joséphine Delsarte. Su padre era profesor de canto. Fue admitido tras dos intentos en el... Ver mas
Georges Bizet
Alexandre Cesar Leopold Bizet

Compositor francés






Nació el 25 de octubre de 1838 en Bougival.

Hijo de Adolphe Armand Bizet y de Aimée Marie Louise Léopoldine Joséphine Delsarte. Su padre era profesor de canto.

Fue admitido tras dos intentos en el conservatorio de la capital francesa. Alumno de Zimmermann, Marmontel, Benoist y Halévy, a los diecisiete años es Primer Premio en piano, órgano y fuga del Conservatorio de París.




Obtuvo el Premio de Roma en 1857, el premio de composición más importante de Francia.

Entre sus óperas se encuentran Los pescadores de perlas (1863), La jolie fille de Perth (1867) y Djamileh (1872). Carmen (1875) está considerada como su obra más famosa. La ópera no gozó del éxito inmediato, sufrió por la mala acogida del público, aunque con el paso del tiempo se ha convertido en una de las óperas más conocidas. Fue compuesta sobre un libreto de una novela de Prosper Mérimée.

Su obra influyó en la escuela de ópera realista de finales del siglo XIX.

Otras composiciones son la Sinfonía en do (1855); la suite sinfónica Roma (1866-1868); música para la obra de teatro La arlesiana (1872), del escritor francés Alphonse Daudet; la obertura dramática Patrie (1873) y obras para piano y voz. Fue nombrado Caballero de la Legión de Honor de Francia ese mismo año.




Georges Bizet falleció en París el 3 de junio de 1875.


Obras

Ópera y música para escena

Le Docteur miracl, (1856)
Don Procopio (1858-9)
La Prêtresse (1861)
Les pêcheurs de perles (1863)
L'andalousie (1864)
Ivan IV, (1864-5)
La jolie fille de Perth (1866)
Noé (1869)
Djamileh (1871)
L'Arlésienne(1872)
Carmen (1873-4)

Orquesta

Simfonia en do major (1855)
Obertura (c.1855)
Scherzo i Marxa fúnebre (1860-1)
Sis cants del Rin (1865)
Marxa fúnebre (1868-9)
Souvenirs de Rome (1860-8)
Jeux d'enfants (1871)
L'Arlésienne (1872)
Patrie (1873)

Música para piano

Gran Vals de Concert en Mi bemoll (1854)
Nocturn en fa major (1854)
Cants del Rin (1865)
Variacions Cromàtiques de Concert (1868)
Nocturn en re mayor (1868)
Jeux d'enfants 12 peces (1871)

Coral

Vals en sol major (1855)
La Chanson du Rouet
(1857) Clovis et Clotilde (1857)
Te Deum (1858)
Vasco de Gama (1859-60)
La Mort s'avance (1869)

Canciones

Vieille Chanson (1865)
Après l'hiver (1866)
Feuilles d'Album (1866)
Chants des Pyrénees (1867)
Berceuse (1868)
La Coccinelle (1868)
Sérénade: O, quand je dors (1870)
Absence (1872)
Chant d'Amour (1872)
Ha recibido 28 puntos

Vótalo:

Mahler

18

Mahler

https://www.youtube.com/watch?v=Zmk2j5WYfyU

(Kaliste, actual Austria, 1860 - Viena, 1911) Compositor y director de orquesta austriaco. En una ocasión, Mahler manifestó que su música no sería apreciada hasta cincuenta años después de su muerte. No le faltaba razón: valorado en su tiempo más como director de orquesta que como compositor... Ver mas
(Kaliste, actual Austria, 1860 - Viena, 1911) Compositor y director de orquesta austriaco. En una ocasión, Mahler manifestó que su música no sería apreciada hasta cincuenta años después de su muerte. No le faltaba razón: valorado en su tiempo más como director de orquesta que como compositor, hoy es considerado uno de los más grandes y originales sinfonistas que ha dado la historia del género; más aún, uno de los músicos que anuncian y presagian en su obra de manera más lúcida y consecuente todas las contradicciones que definirán el desarrollo del arte musical a lo largo del siglo XX.


Gustav Mahler

Aunque como intérprete fue un director que sobresalió en el terreno operístico, como creador centró todos sus esfuerzos en la forma sinfónica y en el lied, e incluso en ocasiones conjugó en una partitura ambos géneros. Él mismo advertía que componer una sinfonía era «construir un mundo con todos los medios posibles», por lo que sus trabajos en este campo se caracterizaban por una manifiesta heterogeneidad, por introducir elementos de distinta procedencia (apuntes de melodías populares, marchas y fanfarrias militares...) en un marco formal heredado de la tradición clásica vienesa.

Esta mezcla, con las dilatadas proporciones y la gran duración de sus sinfonías y el empleo de una armonía disonante que iba más allá del cromatismo utilizado por Richard Wagner en su Tristán e Isolda, contribuyeron a generar una corriente de hostilidad general hacia su música, a pesar del decidido apoyo de una minoría entusiasta, entre ella los miembros de la Segunda Escuela de Viena, de los que Mahler puede considerarse el más directo precursor.

Su revalorización, al igual que la de su admirado Anton Bruckner, fue lenta y se vio retrasada por el advenimiento al poder del nazismo en Alemania y Austria: por su doble condición de compositor judío y moderno, la ejecución de la música de Mahler fue terminantemente prohibida. Sólo al final de la Segunda Guerra Mundial, y gracias a la labor de directores como Bruno Walter y Otto Klemperer, sus sinfonías empezaron a hacerse un hueco en el repertorio de las grandes orquestas.



Formado en el Conservatorio de Viena, la carrera de Mahler como director de orquesta se inició al frente de pequeños teatros de provincias como Liubliana, Olomouc y Kassel. En 1886 fue asistente del prestigioso Arthur Nikisch en Leipzig; en 1888, director de la Ópera de Budapest; y en 1891, de la de Hamburgo, puestos en los que tuvo la oportunidad de ir perfilando su personal técnica directorial.

Una oportunidad única le llegó en 1897, cuando le fue ofrecida la dirección de la Ópera de Viena, con la única condición de que apostatara de su judaísmo y abrazara la fe católica. Así lo hizo, y durante diez años estuvo al frente del teatro; diez años ricos en experiencias artísticas en los que mejoró el nivel artístico de la compañía y dio a conocer nuevas obras.

Sin embargo, el diagnóstico de una afección cardíaca y la muerte de una de sus hijas lo impulsaron en 1907 a dimitir de su cargo y aceptar la titularidad del Metropolitan Opera House y de la Sociedad Filarmónica de Nueva York, ciudad en la que se estableció hasta 1911, cuando, ya enfermo, regresó a Viena.

Paralelamente a su labor como director, Mahler llevó a cabo la composición de sus sinfonías y lieder con orquesta. Él mismo se autodefinía como un compositor de verano, única estación del año en la que podía dedicarse íntegramente a la concepción de sus monumentales obras.

Son diez las sinfonías de su catálogo, si bien la última quedó inacabada a su muerte. De ellas, las números 2, 3, 4 y 8 (la única que le permitió saborear las mieles del triunfo en su estreno) incluyen la voz humana, según el modelo establecido por Beethoven en su Novena. A partir de la Quinta, su música empezó a teñirse de un halo trágico que alcanza en la Sexta, en la Novena y en esa sinfonía vocal que es La canción de la tierra, su más terrible expresión.





Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 26 puntos

Vótalo:

Salieri

19

Salieri

https://www.youtube.com/watch?v=AO7xz7qTrlI

(Legnano, actual Italia, 1750-Viena, 1825) Compositor y pedagogo italiano. Aunque en su tiempo fue uno de los compositores más apreciados, en la actualidad es más conocido por su rivalidad con Mozart que por su propia labor creativa, hasta el punto de ser protagonista de una leyenda, surgida... Ver mas
(Legnano, actual Italia, 1750-Viena, 1825) Compositor y pedagogo italiano. Aunque en su tiempo fue uno de los compositores más apreciados, en la actualidad es más conocido por su rivalidad con Mozart que por su propia labor creativa, hasta el punto de ser protagonista de una leyenda, surgida durante el Romanticismo, que le acusaba de haber envenenado al genio de Salzburgo.


Antonio Salieri

Salieri se educó en Venecia, ciudad desde la que se trasladó a Viena en 1766 en compañía de Leopold Gassmann, su maestro desde ese momento. Fue este compositor bohemio quien le introdujo en la corte austriaca, al servicio de la cual iba a desarrollarse toda la carrera del músico. En Viena se relacionó con Gluck, Scarlatti, Metastasio y Calzabigi y se dio a conocer como autor de óperas cómicas en el teatro de la corte. En 1771, con Armida, inició la ópera seria. En 1774 sucedió a Gassmann como compositor cortesano. Entre 1778 y 1780 viajó por Italia, donde hizo representar algunas de sus obras en diversas poblaciones del país. Vuelto a Viena, alcanzó uno de sus mayores éxitos con la ópera alemana El deshollinador.

En 1784 estrenó en París su obra maestra: la ópera Las Danaides. En ella, la clara vena melódica se funde admirablemente con un fuerte dramatismo: arias, duetos, coros, intermedios, todo se sucede en un sugestivo crescendo, en el que la música y el argumento se funden en una conciencia de valores expresivos que anuncia ya, en cierto sentido, al teatro romántico. En la primera representación de Las Danaides, Salieri figuró como "colaborador" de Gluck, pero en las representaciones siguientes, tras el gran éxito, el maestro italiano se reveló como el único autor de la obra y su nombre llegó al máximo de la fama.

Luego, en Viena, llevó a la escena las composiciones cómicas La gruta de Trofonio (1785) y Prima la musica e poi le parole (1786). La primera de ellas fue una de las que tuvieron mayor éxito en los escenarios vieneses de su época. La obertura es indudablemente su mejor página: comprende los diversos temas, comenzando por el de Trofonio cuando evoca los espíritus; luego unos recitativos instrumentales alternan con movimientos de tono juguetón campestre o de carácter grotescamente grave. Esta obertura, importante por la riqueza de su elaboración en contraste con lo que era usual en su época, sólo es comparable por su madurez de forma con las de las últimas óperas mozartianas. En cambio, es inferior el valor musical de los dos actos.

Durante el período 1788-1824 desempeñó en la corte austríaca el cargo del maestro de capilla. Por aquel entonces desarrolló asimismo una importante actividad didáctica; entre sus discípulos figuraron Beethoven, Schubert y Liszt. De sus restantes óperas merecen citarse Le donne letterate (1770), Don Chisciotte (1770), L’Europa riconosciuta (1778), Tarare (1787) y Falstaff (1799).





Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 23 puntos

Vótalo:

Pachelbel

20

Pachelbel

https://www.youtube.com/watch?v=soIQ52hkMXw

Johann Pachelbel (pron. [ˈpaxɛlbl̩, ˈpaxl̩bɛl, paˈxɛlbl̩]) (Núremberg, Sacro Imperio, 1 de septiembre de 1653-ibídem, 3 de marzo de 1706) fue un destacado compositor, clavicembalista y organista alemán del periodo barroco. Se encuentra entre los más importantes músicos de la generación anterior... Ver mas
Johann Pachelbel (pron. [ˈpaxɛlbl̩, ˈpaxl̩bɛl, paˈxɛlbl̩]) (Núremberg, Sacro Imperio, 1 de septiembre de 1653-ibídem, 3 de marzo de 1706) fue un destacado compositor, clavicembalista y organista alemán del periodo barroco. Se encuentra entre los más importantes músicos de la generación anterior a Johann Sebastian Bach, de cuyo padre fue amigo. Entre sus numerosas composiciones hay que mencionar su célebre Canon en re mayor, escrito para tres violines y bajo continuo, obra que ha sido objeto de numerosas grabaciones. Además de componer una gran cantidad de obras sacras y seculares, contribuyó al desarrollo del preludio de coral y fuga, lo que le granjeó un lugar entre los compositores más importantes de la era barroca.1​ La música de Pachelbel gozó de mucha popularidad en su época, gracias a la cual obtuvo muchos alumnos y logró convertirse en un modelo para los compositores del sur y del centro de Alemania. La obra más conocida de Pachelbel, Canon en re mayor, fue el único canon que escribió —aunque, en realidad, el término es relativamente inexacto porque la pieza no es estrictamente un canon sino, más bien, una chaconne o una passacaille—. Además de esta pieza, su obra más conocida, se incluyen entre sus composiciones la Chaconne en fa menor, la Toccata en mi menor para órgano y el Hexachordum Apollinis, una serie de variaciones musicales al teclado.2​

La música de Pachelbel fue influenciada por compositores de diversos orígenes, tales como Johann Jakob Froberger y Johann Caspar Kerll del sur de Alemania, los italianos Girolamo Frescobaldi y Alessandro Poglietti, además de compositores franceses y de la llamada tradición de Núremberg.

Pachelbel se decantaba por un estilo lúcido y sin complicaciones, haciendo especial énfasis en la claridad melódica y armónica. Comparándola con la de Dieterich Buxtehude, la música de Pachelbel era menos virtuosa y audaz armónicamente; sin embargo, el compositor experimentó con los mismos ensambles y combinaciones de instrumentos tanto en su música de cámara, como en su música vocal. Pachelbel exploró muchas técnicas y formas de variaciones musicales, dejándolas manifiestas en varias de sus obras, que fueron desde conciertos de música sacra hasta suites de clavicordios.


Biografía[editar]
1653-1674: Edad temprana y educación (Núremberg, Altdorf, Ratisbona)[editar]

Iglesia de San Sebaldo en Núremberg, lugar que influyó notablemente en la vida de Pachelbel.
Johann Pachelbel nació en el año 1653 en Núremberg, en el seno de una familia de clase media, siendo hijo de Johann (Hans) Pachelbel (nacido en Wunsiedel, Alemania, en 1613), un comerciante de vinos,3​ y de su segunda esposa, Anne Maria Mair. La fecha exacta de su nacimiento es desconocida, aunque a juzgar por la fecha de su bautismo (1 de septiembre), se estima que pudiera haber nacido a finales de agosto.

A temprana edad, Pachelbel recibió clases de música de Heinrich Schwemmer, un profesor de música que posteriormente se convirtió en el cantor de la iglesia de San Sebaldo (Sebalduskirche). Algunas fuentes indican que Pachelbel también estudió con Georg Caspar Wecker, un organista perteneciente a la misma iglesia e importante compositor de la escuela de Núremberg, aunque actualmente se cree que esto fue muy poco probable.4​ En cualquier caso, tanto Wecker como Schwemmer fueron educados por Johann Erasmus Kindermann, uno de los fundadores de la tradición musical de Núremberg, quien además había sido alumno de Johann Staden.

La Grundlage einer Ehrenpforte (Hamburgo, 1740) de Johann Mattheson es una de las fuentes más importantes de información que tratan de la vida de Pachelbel. En ella se menciona que el joven compositor demostraba habilidades excepcionales tanto académica como musicalmente. Había recibido educación primaria en la Academia de San Lorenzo (Lorenz Hauptschule) y en el Auditorio Aegediano en Núremberg. Posteriormente, el 29 de junio de 1669, se matriculó en la Universidad de Altdorf, donde fue nombrado organista de la iglesia de San Lorenzo ese mismo año. Las dificultades económicas posteriores obligaron a Pachelbel a dejar la universidad, en menos de un año. A fin de completar sus estudios, se convierte en un estudiante becado en 1670, en el Gymnasium Poeticum en Ratisbona. Las autoridades académicas quedaron tan impresionadas por las calificaciones de Pachelbel, que incluso fue admitido por encima de la cuota normal de la escuela.

A Pachelbel también se le permitó estudiar música fuera del Gymnasium. Su maestro fue Kaspar (Caspar) Prentz, quien a su vez era alumno de Johann Kaspar Kerll. Puesto que este último estuvo muy influenciado por compositores italianos como Giacomo Carissimi, es probable que a través de Prentz, Pachelbel comenzara a desarrollar interés por la música italiana contemporánea, y por la música católica eclesiástica en general.

1673-1690: Carrera profesional (Viena, Eisenach, Erfurt)[editar]
Éste es el período menos documentado sobre la vida de Pachelbel. No se sabe a ciencia cierta si permaneció en Ratisbona hasta 1673 o terminó con su maestro ese mismo año. En todo caso, en 1673 Pachelbel estaba viviendo en Viena, donde se convirtió en organista suplente en la famosa Catedral de San Esteban (Stephansdom). En esa época, Viena era el centro del vasto Imperio austríaco y lugar destacado de la cultura europea. Allí trabajaban varios compositores de renombre, muchos de los cuales contribuyeron al intercambio de las tradiciones musicales en Europa. En particular, Johann Jakob Froberger sirvió como organista de la corte en Viena hasta 16575​ y fue sucedido por Alessandro Poglietti.6​ Georg Muffat vivió en la ciudad por algún tiempo, y aún más importante, Johann Kaspar Kerll se mudó a Viena en 1673.7​ Mientras estuvo allí, es probable que haya conocido o hasta enseñado a Pachelbel, cuya música muestra trazas del estilo de Kerll. Pachelbel pasó cinco años en Viena, absorbiendo la música de los compositores católicos del sur de Alemania y de Italia, que fue un estilo muy diferente al que aprendió cuando estuvo bajo la estricta tradición luterana. A este respecto, Pachelbel se parece mucho a Haydn, quien también trabajó como músico profesional en la Catedral de San Esteban (Stephansdom) durante su juventud y, como tal, estuvo expuesto a la música de los principales compositores de la época.

En 1677, Pachelbel se mudó a Eisenach, donde consiguió trabajo como organista de la corte bajo el maestro de capilla (Kapellmeister) Daniel Eberlin (también nacido en Núremberg), contratados por Johann Georg I, duque de Sajonia-Eisenach. Allí conoció a varios miembros de la familia Bach (casualmente, Eisenach era la ciudad natal del padre de J.S. Bach, Johann Ambrosius) y se hizo amigo muy allegado de Johann Ambrosius y llegó a ser tutor para sus hijos.8​ Sin embargo, a consecuencia de la muerte de Bernhard II, duque de Sajonia-Jena y hermano de Johann Georg I, se suscitó un período de duelo que disminuyó la actividad de los músicos de la corte. Esto hizo que Pachelbel se quedara sin empleo y tuviera que abandonar Eisenach en apenas un año.9​ Solicitó una carta de recomendación a Eberlin, quien se la otorgó, describiéndolo como un «raro y perfecto virtuoso» —einen perfecten und raren Virtuosen.9​ Con ese documento en la mano, Pachelbel dejó Eisenach el 18 de mayo de 1678.


Predigerkirche, la iglesia de Erfurt, donde Pachelbel trabajó durante 12 años a partir de 1678.
En junio de 1678, Pachelbel fue contratado como organista de la Predigerkirche en Erfurt, sucediendo a Johann Effler (c. 1640-1711. Effler quien había precedido a Johann Sebastian Bach en Weimar). La familia Bach era muy conocida en Erfurt (donde prácticamente todos los organistas más tarde pasaron a llamarse «Bach»), por lo que la amistad de Pachelbel con ellos continuó aquí. Pachelbel se convirtió en padrino de la hija de Johann Ambrosius, Johanna Juditha. También enseñó a Johann Christoph Bach (1671-1721), hermano mayor de Johann Sebastian, y vivió en casa de Johann Christian Bach (1640-1682).10​ Pachelbel permaneció en Erfurt durante 12 años y estableció su reputación como uno de los principales compositores de órgano alemán durante su estancia. El preludio coral se convirtió en uno de sus productos más característicos cuando estuvo en Erfurt, ya que el contrato de Pachelbel especificaba que debía componer los preludios para la misa en la iglesia.11​ Entre sus deberes estaban el efectuar el mantenimiento de los órganos y, más importante aún, hacer una composición anual de gran envergadura para demostrar su progreso como compositor y organista. Por cierto, dicho trabajo debería considerarse mejor que el que hubiera realizado el año anterior.

Johann Christoph Bach, quien era arrendador de Pachelbel en Erfurt, murió en 1682. En junio de 1684, Pachelbel compró la casa (llamada Zur silbernen Tasche, ubicada en Junkersand 1) de la mano de la viuda de Johann Christian.12​ En 1686, le fue ofrecido un cargo como organista de la iglesia de Santa Trinidad (Trinitatiskirche) en Sondershausen. Pachelbel inicialmente aceptó la invitación, pero, tal y como indica una carta autógrafa superviviente de la época, tuvo que rechazar la oferta después de una larga serie de negociaciones. Aparentemente él estaba obligado a consultar con los obispos de Erfurt y otras autoridades de la iglesia antes de considerar cualquier oferta de trabajo.13​ Todo indica que la situación se resolvió con calma y sin daño a la reputación de Pachelbel, pues se le ofreció un aumento y una estancia en la ciudad por cuatro años más.

Pachelbel se casó dos veces durante su estancia en Erfurt. Primero con Barbara Gabler, hija del burgomaestre de Erfurt, el 25 de octubre de 1681. El matrimonio se llevó a cabo en la casa de su suegro. Por desgracia, tanto Barbara como su único hijo murieron en octubre de 1683 durante una epidemia de peste. El primer trabajo publicado de Pachelbel, un conjunto de variaciones de coral llamadas Musicalische Sterbens-Gedancken (pensamientos musicales sobre la muerte, Erfurt, 1683), fueron muy probablemente influenciadas por este suceso. Diez meses más tarde, Pachelbel contrajo matrimonio con Judith Drommer (Trummert), hija de un calderero,14​ el 24 de agosto de 1684. Tuvieron cinco hijos y dos hijas, de los cuales dos de los varones Wilhelm Hieronymus Pachelbel y Charles Theodore Pachelbel también se hicieron compositores de órgano. Este último se trasladó a la colonia estadounidense en 1734. Otro hijo, Johann Michael, se convirtió en un fabricante de instrumentos musicales en Núremberg y llegó a viajar hasta Londres y Jamaica.9​ Una de sus hijas, Amalia Pachelbel, obtuvo reconocimientos como pintora y talladora.

1690–1706: Años finales (Stuttgart, Gotha, Núremberg)[editar]
A pesar de que Pachelbel fue un organista sobresaliente, además de compositor y maestro en Erfurt, pidió permiso para dejar el cargo, al parecer para buscar un mejor empleo, y le fue otorgado oficialmente el 15 de agosto de 1690, llevando consigo una carta de recomendación que alababa su diligencia y fidelidad.15​

En menos de dos semanas consiguió empleo. A partir del 1 de septiembre de 1690, hizo de músico-organista en la corte de Wurtemberg enStuttgart, bajo el patrocinio de la duquesa Magdalena Sibylla. Ese trabajo era mejor, pero desafortunadamente vivió allí sólo dos años, pues tuvo que huir de los ataques franceses de la guerra de la Gran Alianza. Su siguiente trabajo fue como organista en la ciudad de Gotha, cargo que ocupó durante dos años a partir del 8 de noviembre de 1692. Allí publicó su primera y única colección de música litúrgica: Acht Chorale zum Praeambulieren en 1693 (Erster Theil etlicher Choräle).


Tumba de Johann Pachelbel en el cementerio de San Roque (St. Rochusfriedhof) de Núremberg.16​
Cuando su ex alumno Johann Christoph Bach contrajo matrimonio en Ohrdruf, el 23 de octubre 1694, la familia Bach le invitó a él y otros compositores para que aportaran la música. Es muy probable que haya asistido y, de ser así, también puede concluirse que J.S. Bach, que por entonces contaba con nueve años de edad, hubiera conocido a Pachelbel.17​

Durante sus tres años en Gotha, le ofrecieron cambiar de cargo dos veces, primero la ciudad de Stuttgart y luego la Universidad de Oxford, pero rechazó ambas propuestas. Mientras tanto, en Núremberg, cuando el organista la Iglesia de San Sebaldo, Georg Caspar Wecker (probablemente su antiguo maestro) murió el 20 de abril de 1695, las autoridades de la ciudad estaban tan ansiosas de nombrar como sustituto a Pachelbel (por entonces ya célebre), que le invitaron sin hacerle ninguno de los exámenes de rigor ni exigirle los requisitos normales en organistas prominentes de iglesias menores. Él aceptó, fue dado de baja en Gotha en 1695 y llegó a Núremberg en verano, corriendo incluso el Ayuntamiento con sus viáticos.

Pachelbel pasó el resto de su vida en Núremberg. Durante ese tiempo publicó una colección de música de cámara llamada Musicalische Ergötzung («Deleite musical»), así como la famosa Hexachordum Apollinis (Núremberg, 1699), un conjunto de seis arias para clavicémbalo con variaciones. Aunque la mayor parte de su trabajo estuvo influenciado por compositores italianos y del sur de Alemania, es evidente que también conocía la escuela del norte de Alemania, porque dedicó dicha Hexachordum Apollinis a Dietrich Buxtehude. Sus composiciones finales también tuvieron marcada influencia italiana: concertatos, vísperas y el conjunto de más de noventa Magnificat's para fuga.

Johann Pachelbel murió en su ciudad natal a la edad de 52 años, el 3 de marzo de 1706, y fue enterrado el 9 de marzo. Algunos biógrafos ven poco probable que se dejara su cadáver tantos días sin enterrar, pues la costumbre era hacerlo al tercer o cuarto día, de modo que se estima el 6 o 7 de marzo 1706 como fecha más probable de su muerte.18​ Johann Pachelbel se encuentra sepultado en el cementerio de la iglesia de San Roque de Núremberg (supra imagen de su tumba y placa de la ciudad).

Influencia posterior[editar]
Como compositor de la última mitad del período Barroco, Pachelbel no tuvo una influencia considerable en los compositores famosos que le sucedieron, tales como George Frideric Handel, Domenico Scarlatti o Georg Philipp Telemann. Es probable que haya influido indirectamente en Johann Sebastian Bach, tomando en cuenta que el joven Johann Sebastian estuvo bajo la tutela de su hermano mayor Johann Christoph Bach, quien estudió con Pachelbel. Sin embargo, a pesar de que las primeras corales y las variaciones de coral J.S. Bach las tomó de Pachelbel, es el estilo de los compositores del norte de Alemania, tales como Georg Böhm, Dieterich Buxtehude, Johann Adam Reincken, el que jugó un papel más determinante en el desarrollo del talento de Bach.

Pachelbel fue el último gran compositor de la tradición de Núremberg y del sur de Alemania. La influencia de Pachelbel estuvo limitada sobre todo a sus alumnos, entre ellos destacan Johann Christoph Bach, Johann Heinrich Buttstett, Andreas Nicolás Vetter y dos de los hijos de Pachelbel, Wilhelm Hieronymus y Charles Theodore. Este último se convirtió en uno de los primeros compositores europeos en establecer su residencia en la colonia estadounidense. Es probable, que mediante su hijo, Pachelbel haya tenido cierta influencia en la música de la iglesia americana de la época. El compositor, musicólogo y escritor Johann Gottfried Walther es probablemente el más famoso de los compositores influenciados por Pachelbel - a quien, de hecho, se le llama el «segundo Pachelbel» en el Grundlage einer Ehrenpforte de Mattheson.19​

Como el estilo barroco pasó de moda durante el siglo XVIII, la mayoría de los compositores del prebarroco y el barroco fueron prácticamente olvidados. Los organistas de Núremberg y Erfurt llegaron a aprender la música de Pachelbel y en ocasiones la interpretaban. Pero el resto de los músicos, compositores y el público en general dejaron de prestar atención a Pachelbel y sus contemporáneos. En la primera mitad del siglo XIX, se publicaron algunos trabajos de órgano de Pachelbel y algunos musicólogos llegaron a considerarlo un compositor importante. En particular, Philipp Spitta fue uno de los primeros investigadores que hizo seguimiento al papel de Pachelbel en el desarrollo de la música barroca de teclado. Gran parte de la música de Pachelbel fue publicada a principios del siglo XX en la serie Denkmäler der Tonkunst in Österreich, pero no fue sino hasta la mitad del siglo XX cuando aumentó el interés por la música barroca temprana. Con el advenimiento de la Interpretación historicista y su investigación correspondiente, el trabajo de Pachelbel comenzó a ser estudiado en profundidad y a ser interpretado con mayor frecuencia.

Obra[editar]
Pachelbel es autor de numerosas obras, entre las cuales destacan Musikalische Sterbensgedancken (1683), Musikalische Ergötzung (1691), ocho preludios para corales (1693), Hexachordum Apollinis (para clavicémbalo, 1699), muchas composiciones para órgano (chaconas, fugas y tocatas), lieder espirituales, diversas piezas para clavicémbalo, corales variados, cantatas, fantasías, magníficats, algunas misas y motetes. A pesar de que fue un maestro del estilo cantabile (regularidad del desarrollo de las voces, armonía y ritmo), su música, tanto la instrumental como la vocal, fue olvidada poco después de su muerte y no se recuperó hasta la primera mitad del siglo XIX, cuando Franz Commer publicó la mayor parte de su obra escrita para órgano en Musica Sacra. En 1901 se editó la serie completa de sus 95 fugas sobre el Magníficat en Denkmälern der Tonkunst in Österreich, y muchas de sus obras para clavicémbalo fueron posteriormente incluidas en Denkmälern der Tonkunst in Bayern.

Entre sus obras, destaca el Canon en re mayor, muy utilizado en las ceremonias matrimoniales.
Ha recibido 23 puntos

Vótalo:

Richard Strauss

21

Richard Strauss

https://www.youtube.com/watch?v=j3kzhSe0f-g

(Munich, 1864 - Garmisch-Partenkirchen, 1949) Compositor alemán. Ocupa un lugar de gran relieve en la historia musical de nuestro tiempo, en la que representa las postreras ramificaciones del romanticismo. Hijo de un solista de la orquesta de la ópera de Munich, empezó a aprender música a los... Ver mas
(Munich, 1864 - Garmisch-Partenkirchen, 1949) Compositor alemán. Ocupa un lugar de gran relieve en la historia musical de nuestro tiempo, en la que representa las postreras ramificaciones del romanticismo. Hijo de un solista de la orquesta de la ópera de Munich, empezó a aprender música a los cuatro años de edad. A los siete años escribía sus primeras composiciones. En 1875 tomó sus primeras lecciones de composición de W. Meyer. Desde 1874 a 1882 cursó la segunda enseñanza y luego se matriculó en la Universidad.


Richard Strauss

Hans von Bülow le llamó en 1885 para colaborar con él en la dirección del teatro de corte de Meiningen. Allí trabó amistad con A. Ritter, que ejerció una influencia decisiva en el joven músico y le convirtió al arte de Liszt y de Wagner. En 1886, después de un viaje a Italia, Strauss fue nombrado director adjunto de la ópera de Munich. Durante aquellos años compuso numerosos lieder y los poemas sinfónicos Macbeth y Don Juan. De 1889 a 1894 fue director de orquesta en el teatro de Weimar; de esta época datan el poema sinfónico Muerte y transfiguración y su primera obra teatral: Guntram.

Después de viajar por Grecia, Egipto y Sicilia (1892-93), Richard Strauss fue sucesivamente director de la Ópera de Munich y de la de Berlín (1898-1919). Sus notables poemas sinfónicos ya le habían dado celebridad cuando afirmó con Salomé su concepción "sinfónica" de la obra teatral, que ilustró con producciones posteriores. Strauss, que como director de orquesta triunfó en las grandes capitales del mundo entero, fue codirector de la ópera de Viena desde 1919 a 1924. Pasó sus últimos años en Garmisch, donde murió.

La obra de Richard Strauss

Sus primeros gustos musicales estuvieron orientados por su padre, enemigo implacable del wagnerismo, corriente a la que oponía el formalismo de Mozart, Joseph Haydn y Felix Mendelssohn. Influido por su progenitor, el joven Strauss, a sus dieciséis años, llegó a decir: "Dentro de diez años nadie sabrá quién es Wagner". Esta circunstancia, pura anécdota, no deja de ser curiosa si tenemos en cuenta el posterior devenir de los acontecimientos, con la evolución de la obra straussiana hacia el wagnerismo. De la misma, y aunque no son nada desdeñables sus obras de cámara y corales, despuntan por encima de todo lo demás los poemas sinfónicos y, por supuesto, las óperas.

En los primeros, Strauss combinó una elevada inspiración poética con unas hábiles resoluciones técnicas, sobre todo en el terreno orquestal. El primero de sus grandes Tondichtungen ("Poemas sonoros") y su primera obra maestra verdadera, después de la fantasía sinfónica Aus Italien (1886), fue Don Juan (1888-1889), en el que se advierte la influencia de Richard Wagner y Franz Liszt. Incomprendido por la crítica fue el poema sinfónico que siguió, Muerte y transfiguración (1888-1889), calificado el día de su estreno como una "horrible batalla de disonancias", a pesar de su certera paleta orquestal y su compacta construcción.

Las divertidas travesuras de Till Eulenspiegel (1894-1895) fue su siguiente obra programática, basada en las peripecias de un pícaro personaje de la Alemania del siglo XIV. Ésta daría paso, un año más tarde, a su inmortal y cinematográficamente célebre Así habló Zaratustra (1895-1896), libremente inspirado en la obra del mismo título del filósofo Friedrich Nietzsche. El cineasta Stanley Kubrick incluyó su conocidísimo inicio en la banda sonora de su película 2001: una odisea en el espacio.



Sólo dos poemas sinfónicos más iba a componer Strauss: Don Quijote (1896-1897), para violoncelo y orquesta, según el esquema de un tema y variaciones, y Una vida de héroe (1897-1898), de índole autobiográfica, asombroso alarde de toda su ciencia orquestal. No podemos olvidar dos sinfonías de clara inspiración programática emparentadas con el poema sinfónico, como son la Sinfonía doméstica (1902-1903) y la Sinfonía alpina (1911-1915).

Inaugurado el siglo XX, Strauss iba a centrar sus mayores esfuerzos en la ópera, convirtiéndose en uno de los compositores que mayores aportaciones ha hecho al género lírico: entre 1894 y 1942 compuso quince óperas, que evolucionan desde el wagnerismo militante de las dos primeras, Guntram (1892-1893) y Feuersnot (1900-1901), hasta un cierto agotamiento en las últimas, pasando por una etapa intermedia repleta de verdaderas obras maestras.

Sería en 1905 cuando el compositor alemán daría su primera obra cumbre dentro del género lírico: Salomé. Tras algunos problemas para llevar a cabo el estreno, especialmente por parte de la censura y de los cantantes, éste se produjo y Salomé pasó a ser uno de los hitos fundamentales del repertorio operístico. Sin dejar en ningún momento que el nivel decayera, Strauss compuso Elektra (1906-1908), obra con que iniciaría la fructífera colaboración con el libretista Hugo von Hofmannsthal.

Fruto de este binomio fue también El caballero de la rosa, estrenada en 1911 y radicalmente opuesta a su predecesora, puesto que a la agresividad de la primera se opone la frescura de la segunda, inspirada en el modelo mozartiano. Dejando a un lado la vía abierta por Salomé y Elektra, Richard Strauss compuso en 1912 la primera versión de la sutil Ariadna auf Naxos. La ruptura con su estilo "elektrificante" (como se calificaba la música de Elektra en caricaturas de la época) se ratifica con su ópera de atmósfera maravillosa La mujer sin sombra (1914-1918).

Aun sin ser desdeñables, son mucho menos relevantes las óperas compuestas por Strauss a partir de 1920: Intermezzo (1918-1923), Elena de Egipto (1923-1927), La mujer callada (1933-1934), Día de paz (1935-1936), Dafne (1936-1937) o El amor de Dánae (1938-1940) son los títulos menores de la producción lírica straussiana de los últimos años. Sólo Arabella (1929-1932) y Capriccio (1940-1941) son escenificadas esporádicamente en la actualidad. En la primera de ellas, la última con libreto de Hofmannsthal, Strauss regresa a la Viena de El caballero de la rosa; la segunda fue la postrera de las que compuso, ya octogenario. Se trata de una hermosa obra en la que se plantea el dilema, nunca resuelto, entre la supremacía de la palabra o la de la música dentro de la ópera.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 22 puntos

Vótalo:

Dvorak

22

Dvorak

https://www.youtube.com/watch?v=_9RT2nHD6CQ

(Antonin o Anton Dvorak; Nelahozeves, 1841 - Praga, 1904) Compositor checo. Hijo de un mesonero, ya desde niño demostró disposición para la música. Inició sus estudios en Zlonice en 1853 y los prosiguió en Praga durante el período 1857-59. Luego tocó la viola en una orquesta hasta 1871. Al mismo... Ver mas
(Antonin o Anton Dvorak; Nelahozeves, 1841 - Praga, 1904) Compositor checo. Hijo de un mesonero, ya desde niño demostró disposición para la música. Inició sus estudios en Zlonice en 1853 y los prosiguió en Praga durante el período 1857-59. Luego tocó la viola en una orquesta hasta 1871. Al mismo tiempo emprende su actividad de compositor. El primer éxito alcanzado en este ámbito fue un Himno con texto de Hálek (1873); gracias a tal obra obtuvo el cargo de organista de la iglesia de San Etelberto, que conservó hasta 1877.


Antonin Dvorak

A estos años pertenecen el Stabat Mater y otras composiciones sinfónicas y vocales, pero sobre todo para conjuntos de cámara. En 1875 recibió un estipendio del Estado. Mientras tanto, sus obras provocaban el interés de Brahms y Hanslick, así como el del editor Simrock. La música de Dvorak conoció entonces mayor auge, publicando las Danzas eslavas (1878), el Cuarteto op. 51 (1879) y las primeras Sinfonías. El músico visita repetidamente Inglaterra, donde es nombrado doctor "honoris causa" de la Universidad de Cambridge (1891). Las de Viena y Praga le confieren también esta misma distinción.

En 1892 acepta la invitación de marchar a Nueva York como director del Conservatorio Municipal; en América escribiría algunas de sus obras más famosas: la Sinfonía del Nuevo Mundo (1893), el Cuarteto en fa mayor (1893), los Cantos bíblicos (1894) y el Concierto para violoncelo y orquesta (1895). La nostalgia de la patria le indujo a regresar a Praga, donde volvió a ocupar el cargo de profesor de composición del Conservatorio, alcanzado en 1891.

Durante los últimos años de su vida intentó, sin mayor éxito, escribir para el teatro nacional, según el ejemplo de Smetana; en este aspecto cabe recordar sobre todo Russalka (1900). Falleció cuatro años después de la composición de tal obra, apreciado y honrado como uno de los principales músicos de su época y singularmente de su país, aun cuando en su música se hubiera dado, en cierta medida, una contaminación entre los elementos nacionales y la tradición sinfónica alemana.

La música de Dvorak

La obra de Dvorak es muy variada: desde la ópera a la música de cámara pasando por la música sinfónica, terreno al que dedicó más atención. Su obra musical no es tan sencilla y bucólica como la de su compatriota Smetana, ya que Dvorak posee un lenguaje más moderno, emplea mayor sofisticación técnica y una orquesta de plantilla más numerosa. En su orquestación busca la espectacularidad, conseguida a través de contrastes dinámicos y de la experimentación de nuevas combinaciones tímbricas. Algunos de los recursos que emplea son propios de los compositores eslavos, como la utilización frecuente del registro grave del violín y el uso de los instrumentos de metal en pianissimo. Su fluidez y gran espontaneidad melódica proceden en cierta medida de Schubert.

En sus obras de juventud, Dvorak imitaba los modelos románticos, especialmente los de Mendelssohn. En la década de los años sesenta se puede apreciar en su música cierta ambigüedad tonal y frecuentes modulaciones hacia ámbitos tonales lejanos. Surgieron así obras camerísticas como sus cuartetos de cuerda en fa menor Op. 9 (1873) y la menor Op. 16 (1874); y obras orquestales como la Segunda Sinfonía en Si bemol mayor (1865).

Pero a partir de 1874, Dvorak se alejó del influjo de compositores como Liszt y Wagner y desarrolló un estilo algo más convencional y clásico. Fue en esa época cuando comenzó a estudiar el folclore de su país, cuyos principales elementos utilizó posteriormente en sus composiciones. Así, incluyó en su obra ritmos sincopados de danzas populares como la mazurka, la dumka o la sparcirka y abandonó la práctica de la anacrusa, ya que ésta no existe en el folclore checo.

En esta línea de carácter nacionalista surgieron multitud de títulos, como las Tres rapsodias eslavas (1878), el Cuarteto de cuerda en mi mayor (1879), la ópera Dimitri (1881-1882) y la Sexta Sinfonía en re mayor (1880), cuyo tercer movimiento es una danza popular checa llamada furiant. También corresponden a estos años sus obras maestras Leyendas (1881) para orquesta, la cantata La novia del espectro (1884) y el oratorio Santa Ludmila (1885-1886), que junto con el Requiem (1890) hizo de Dvorak el creador del oratorio checo.



Un lugar destacable de su producción lo ocupa su Stabat mater de 1877. Es su obra sacra más importante y fue concebida para ser interpretada en versión de concierto, y no en la liturgia religiosa. Es una obra de carácter meditativo y orquestación transparente, con abundancia de cromatismos. Otras obras religiosas que cabe señalar son la Misa en Re mayor Op. 86, para solistas, coro y órgano, y el Te Deum (1892) para soprano, bajos solistas, coro y orquesta.

Al ser un excelente intérprete de viola, se sintió fuertemente inclinado también hacia la música de cámara. Entre sus partituras de este género destacan los cuartetos de cuerda y los tríos con piano, entre los que destaca el Op. 90, más conocido como Dumky. En él no utiliza la clásica estructura de cuatro movimientos, sino que emplea seis movimientos basados en la dumka y los divide en dos grupos.

En el campo de la música orquestal desarrolló gran parte de su talento, ya que además de sus nueve sinfonías, escribió poemas sinfónicos, oberturas de concierto, rapsodias y conciertos para instrumento solista, entre otras. El músico checo ha sido considerado como un sinfonista brahmsiano en la forma, pero de sonido wagneriano. Su Sexta sinfonía en Re mayor (1880), compuesta para la Orquesta Filarmónica de Viena, fue la primera en proporcionarle notoriedad internacional dentro del campo de la música sinfónica.

Pero, sin lugar a dudas, su sinfonía más célebre es la Novena o del Nuevo Mundo (1892). Esta última obra posee reminiscencias de los cantos espirituales negros y de las melodías de las plantaciones del sur de los Estados Unidos que Dvorak oyó cantar en Nueva York a Harry T. Burleigh, un alumno suyo. El compositor realizó investigaciones sobre cuáles serían los aspectos definitorios de un estilo musical propiamente americano y llegó a la conclusión de que el uso de la escala pentatónica en la línea melódica, las cadencias plagales y los ritmos sincopados eran las características más típicas de esta música.

Estos aspectos se dejan ver en otras obras de Dvorak compuestas en Estados Unidos, como son el Cuarteto de Cuerda nº 12 en Fa mayor, el Quinteto de Cuerda en Mi bemol mayor y las Biblické pisne (Canciones bíblicas). En cambio, el Concierto para violonchelo en Si menor, compuesto en América en 1895, no contiene los citados elementos de la música norteamericana y fue escrito para el chelista checo Hanus Wihan.

En el último periodo de su obra, Dvorak volvió a las formas de su juventud y prestó especial interés a las óperas y al poema sinfónico. De todas la óperas de esta época, en vida del autor sólo conoció el éxito La Ondina (1900). Respecto a sus poemas sinfónicos, destacan títulos como El hada del mediodía, La rueda de oro, La paloma (todos de 1896) y el Canto heroico (1897).



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 22 puntos

Vótalo:

Shostakóvich

23

Shostakóvich

https://www.youtube.com/watch?v=mmCnQDUSO4I

(Dimitri o Dmitri Shostakovich; San Petersburgo, 1906 - Moscú, 1975) Compositor soviético. Su producción abarca todos los géneros: la ópera, la comedia musical, la sinfonía a la miniatura para piano, la música concertante, la cantata, el cuarteto de cuerda y la música para el cine. Autor... Ver mas
(Dimitri o Dmitri Shostakovich; San Petersburgo, 1906 - Moscú, 1975) Compositor soviético. Su producción abarca todos los géneros: la ópera, la comedia musical, la sinfonía a la miniatura para piano, la música concertante, la cantata, el cuarteto de cuerda y la música para el cine. Autor prolífico, escribió un total de 147 números de opus, correspondientes muchos de ellos a obras que hoy se cuentan entre las páginas más interpretadas y grabadas del repertorio.


Dimitri Shostakovich

Sin embargo, a pesar de ser considerado, junto a Prokofiev, el compositor más representativo de la desaparecida Unión Soviética, su carrera no fue fácil: premios y condecoraciones -entre los que se contaban los Premios del Estado y Lenin y la distinción de Artista del Pueblo-, se alternaban con continuas persecuciones y condenas por parte del mismo régimen que lo laureaba, bajo la acusación de realizar una música antipopular y en exceso moderna. Todo ello dejó su huella en el estilo de sus últimas composiciones, caracterizadas por un tono amargo y sombrío, así como también por una crudeza que contrasta con el espíritu jovial y desenfadado de las primeras.

Nacido en el seno de una familia en la cual la cultura ocupaba un lugar importante, Shostakovich recibió sus primeras lecciones musicales de su madre, pianista profesional, a una edad que se puede considerar relativamente tardía, los nueve años. Ante sus grandes progresos, en 1919 ingresó en el Conservatorio de Leningrado, en donde tuvo como principal maestro a Aleksandr Glazunov. Huérfano de padre desde 1922, Shostakovich proseguía sus estudios al mismo tiempo que, para mantener a su familia, tocaba en diversas salas de cine como pianista acompañante.

El estreno en 1926 de su sorprendente Sinfonía núm. 1, escrita en ocasión de su graduación en el conservatorio, atrajo inmediatamente sobre él la atención del mundo musical. Las obras inmediatamente posteriores, como la ópera La nariz o el ballet La edad de oro, no hicieron sino confirmar el talento de un joven compositor especialmente dotado para la sátira.



La carrera ascendente de Shostakovich sufrió un inesperado revés con el estreno en 1934 de su segunda ópera, Lady Macbeth de Mtsensk: entusiásticamente recibida por el público, tanto en Leningrado como en su posterior escenificación en Moscú, fue retirada de cartel tras la aparición de una crítica en el diario oficial Pravda, titulada Caos en lugar de música, en la que se acusaba al compositor de haber escrito un «concierto de aullidos», ajeno a los presupuestos de la música socialista, que debía ser clara y fácilmente asequible.

Se iniciaba así una larga y contradictoria relación con el régimen estalinista: mientras en Occidente era considerado el compositor oficial soviético, en su propio país Shostakovich hubo de sufrir las injerencias de sus autoridades culturales, a pesar de lo cual, y pese a su aparente aceptación tácita de los preceptos del realismo socialista, consiguió mantener siempre su independencia creativa.

Los estrenos de la clásica Sinfonía núm. 5 y, sobre todo, de la patriótica Sinfonía núm. 7 «Leningrado», símbolo de la lucha del pueblo ruso contra el invasor nazi, rehabilitaron a un compositor que en 1948 volvió a ver de nuevo prohibida la ejecución de sus obras bajo el estigma del formalismo.

Tras la muerte de Stalin en 1953, la música de Shostakovich se hizo más personal, y se tradujo en una larga serie de partituras presididas por la idea de la muerte. Es el caso de las tres últimas sinfonías y de sus cuartetos de cuerda, un género que el compositor convirtió en el medio idóneo en el que expresar sus preocupaciones y miedos de una manera privada, sin necesidad de recurrir a máscaras o disfraces. Su música, sobre todo la de estos años postreros, ha influido considerablemente sobre la de sus compatriotas más jóvenes, como Alfred Schnittke o Edison Denisov, entre otros.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 22 puntos

Vótalo:

Johannes Brahms

24

Johannes Brahms

https://www.youtube.com/watch?v=-4M0vtyzxTE

(Hamburgo, 1833 - Viena, 1897) Compositor alemán. En una época en que la división entre partidarios y detractores de Richard Wagner llegó a su grado más alto, la figura de Brahms encarnó para muchos de sus contemporáneos el ideal de una música continuadora de la tradición clásica y de la primera... Ver mas
(Hamburgo, 1833 - Viena, 1897) Compositor alemán. En una época en que la división entre partidarios y detractores de Richard Wagner llegó a su grado más alto, la figura de Brahms encarnó para muchos de sus contemporáneos el ideal de una música continuadora de la tradición clásica y de la primera generación romántica, opuesta a los excesos y las megalomanías wagnerianos.


Johannes Brahms

No por ello cabe considerarlo un músico conservador: como bien demostró en las primeras décadas del siglo XX un compositor como Arnold Schönberg, la obra del maestro de Hamburgo se situaba mucho más allá de la mera continuación de unos modelos y unas formas dados, para presentarse cargada de posibilidades de futuro. Su original concepción de la variación, por ejemplo, sería asimilada provechosamente por los músicos de la Segunda Escuela de Viena.

Respetado en su tiempo como uno de los más grandes compositores y considerado a la misma altura que Bach y Beethoven, con los que forma las tres míticas «B» de la historia de la música, Brahms nació en el seno de una modesta familia en la que el padre se ganaba la vida tocando en tabernas y cervecerías. Músico precoz, el pequeño Johannes empezó pronto a acompañar a su progenitor al violín interpretando música de baile y las melodías entonces de moda.

Al mismo tiempo estudiaba teoría musical y piano, primero con Otto Cossel y más tarde con Eduard Marxsen, un gran profesor que supo ver en su joven alumno un talento excepcional, mucho antes de que éste escribiera su Opus 1. Marxsen le proporcionó una rigurosa formación técnica basada en los clásicos, inculcándole también la pasión por el trabajo disciplinado, algo que Brahms conservó toda su vida: a diferencia de algunos de sus contemporáneos que explotaron la idea del artista llevado del arrebato de la inspiración y del genio, el creador del Réquiem alemán dio siempre prioridad especial a la disciplina, el orden y la mesura.



Excelente pianista, se presentó en público el 21 de septiembre de 1848 en su ciudad natal con gran éxito, pese a que, más que la interpretación, su verdadera vocación era la composición. En el arduo camino que siguió hasta alcanzar tal meta, Marxsen constituyó un primer eslabón, pero el segundo y quizá más importante fue Robert Schumann. Tras una corta estancia en Weimar, ciudad en la que conoció a Franz Liszt, Brahms se trasladó a Düsseldorf, donde entabló contacto con Schumann, quien quedó sorprendido ante las innegables dotes del joven artista. La amistad entre ambos, así como entre el compositor y la esposa del autor de Manfred, se mantuvo durante toda su vida.

Siguiendo los pasos de Beethoven, en 1869 Brahms fijó su residencia en Viena, capital musical de Europa desde los tiempos de Mozart y Joseph Haydn. Allí se consolidó su personal estilo, que, desde unos iniciales planteamientos influidos por la lectura de los grandes de la literatura romántica alemana y cercanos a la estética de Schumann, derivó hacia un posicionamiento más clásico que buscaba sus modelos en la tradición de los clásicos vieneses y en la pureza y austeridad de Bach.

Brahms, que al principio de su carrera se había centrado casi exclusivamente en la producción pianística, abordó entonces las grandes formas instrumentales, como sinfonías, cuartetos y quintetos, obras todas ellas reveladoras de un profundo conocimiento de la construcción formal. A diferencia de la mayoría de sus contemporáneos, y al igual que su rival, Anton Bruckner, fue partidario de la música abstracta y nunca abordó ni el poema sinfónico ni la ópera o el drama musical. Donde se advierte más claramente su inspiración romántica es en sus numerosas colecciones de lieder. En el resto de su producción, de una gran austeridad y nobleza de expresión, eludió siempre cualquier confesión personal.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 21 puntos

Vótalo:

Manuel de Falla

25

Manuel de Falla

https://www.youtube.com/watch?v=V3XfmRZAQ-o

(Cádiz, 1876 - Alta Gracia, Argentina, 1946) Compositor español. Con los catalanes Isaac Albéniz y Enrique Granados, el gaditano Manuel de Falla es el tercero de los nombres que conforman la gran trilogía de la música nacionalista española. Fue también uno de los primeros compositores de esta... Ver mas
(Cádiz, 1876 - Alta Gracia, Argentina, 1946) Compositor español. Con los catalanes Isaac Albéniz y Enrique Granados, el gaditano Manuel de Falla es el tercero de los nombres que conforman la gran trilogía de la música nacionalista española. Fue también uno de los primeros compositores de esta tradición que, cultivando un estilo tan inequívocamente español como alejado del tópico, supo darse a conocer con éxito en toda Europa y América, y con ello superó el aislamiento y la supeditación a otras tradiciones a que la música hispana parecía condenada desde el siglo XVIII.

Nunca fue un compositor prolífico, pero sus creaciones, todas ellas de un asombroso grado de perfección, ocupan prácticamente un lugar de privilegio en el repertorio. Recibió sus primeras lecciones musicales de su madre, una excelente pianista que, al advertir las innegables dotes de su hijo, no dudó en confiarlo a mejores profesores. Tras trabajar la armonía, el contrapunto y la composición en su ciudad natal con Alejandro Odero y Enrique Broca, ingresó en el Conservatorio de Madrid, donde tuvo como maestros a José Tragó y Felip Pedrell.


Manuel de Falla

La influencia de este último sería decisiva en la conformación de su estética: fue él quien le abrió las puertas al conocimiento de la música autóctona española, que tanta importancia había de tener en la producción madura falliana. Tras algunas zarzuelas, hoy perdidas u olvidadas, como Los amores de Inés, los años de estudio en la capital española culminaron con la composición de la ópera La vida breve, que se hizo acreedora del primer premio de un concurso convocado por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Aunque las bases del concurso estipulaban que el trabajo ganador debía representarse en el Teatro Real de Madrid, Falla hubo de esperar ocho años para dar a conocer su partitura, y ello ni siquiera fue en Madrid sino en Niza.

Francia, precisamente, iba a ser la siguiente etapa de su formación: afincado en París desde 1907, allí entró en relación con Claude Debussy, Maurice Ravel, Paul Dukas e Isaac Albéniz, cuya impronta es perceptible en sus composiciones de ese período, especialmente en Noches en los jardines de España, obra en la que, a pesar del innegable aroma español que presenta, está latente cierto impresionismo en la instrumentación. Noches en los jardines de España huye tanto de la forma del concierto como de la sinfonía; en ella el papel del piano, verdadero protagonista, tiene gran relieve, pero en ningún momento la orquesta (rica y expresiva) se limita a una función de mero acompañamiento, sino que asume auténtica importancia. Consta de tres movimientos ("En el Generalife", "Danza lejana" y "En los jardines de la Sierra de Córdoba"), y sobresale por su capacidad para describir las esencias del paisaje andaluz a través de una música de un exquisito refinamiento.

La madurez creativa de Falla empieza con su regreso a España, en el año 1914. Es el momento en que compone sus obras más célebres: la pantomima El amor brujo y el ballet El sombrero de tres picos (éste compuesto para cumplimentar un encargo de los célebres Ballets Rusos de Serge de Diaghilev), las Siete canciones populares españolas para voz y piano y la Fantasía bética para piano.

Estrenado el 15 de abril de 1915 en el Teatro Lara de Madrid, El amor brujo es un ballet en un solo acto que narra en un ambiente de brujería y misterio el triunfo del amor sobre las tinieblas; protagoniza la acción la gitana Candelas, quien ve cómo el espíritu de su antiguo amante, ya muerto, se interpone entre ella y Carmelo. A través de una música que bebe directamente del cante jondo, del folclore y de la música popular andaluza, se evoca el mundo de los gitanos, de sus sortilegios y leyendas, en una atmósfera inquietante y maléfica.

Sin duda es la Danza del fuego la página más apreciada de El amor brujo, y una de las más universales de la música española: se trata de una danza compuesta por tres motivos de carácter rítmico, casi obsesivos, acorde con la escena de conjuro y encantamiento que intenta evocar. El fragmento es una excelente muestra de la habilidad de Falla para tratar los diferentes instrumentos de la orquesta, por ejemplo el piano, usado de manera percusiva. La celebridad de la Danza del fuego no debe eclipsar otros momentos de tanta o más belleza, como la Introducción y escena, En la cueva, la Canción del fuego fatuo o la Danza del terror. Todos ellos prueban la capacidad de Falla para crear una música sumamente personal y, al mismo tiempo, universal, inspirándose en motivos o ritmos populares andaluces.

El sombrero de tres picos fue estrenado en Londres el 22 de julio de 1919 por los Ballets Rusos de Diaghilev, con coreografía de Leonid Massine y decorados y figurines de Picasso. La acción de este ballet cómico (inspirado en la novela homónima de Pedro Antonio de Alarcón) nos sitúa en una villa castellana del siglo XVIII, en la que la joven esposa del molinero es acosada por el viejo corregidor local, quien se toca con un tricornio como símbolo de poder. Para la música, Falla empleó material folclórico de diversas regiones de España, y consiguió así el carácter popular que buscaba. La Fantasía bética fue compuesta en 1919 por encargo del virtuoso pianista polaco Arthur Rubinstein. Obra con aires muy andaluces, derivados directamente del cante jondo, fue paradójicamente rechazada durante bastante tiempo por el público y repudiada por los intérpretes españoles. Rubinstein la estrenó en Nueva York en 1920.



El estilo de Manuel de Falla fue evolucionando a través de estas composiciones desde el nacionalismo folclorista que revelan estas primeras partituras, inspiradas en temas, melodías, ritmos y giros andaluces o castellanos, hasta un nacionalismo que buscaba su inspiración en la tradición musical del Siglo de Oro español y al que responden la ópera para marionetas El retablo de maese Pedro, una de sus obras maestras, y el Concierto para clave y cinco instrumentos.

Adaptación musical y escénica de un conocido episodio de Don Quijote de la Mancha, la inmortal creación de Miguel de Cervantes, El retablo de maese Pedro es una de las joyas de la música moderna: realizado con arreglo a los cánones de una inspiración purísima para un conjunto instrumental de cámara, puede considerarse como la obra más señera de Manuel de Falla. La partitura se mantiene en el plano de una perfectísima y finísima caracterización musical para títeres hasta la última escena; cuando interviene don Quijote con su trágica locura, súbitamente se expande en notas de humana compasión. Es un mundo que hasta aquel momento vemos a través de un anteojo invertido, que reduce sus proporciones, y súbitamente las proporciones de los sentimientos vuelven a ser normales y la figura de don Quijote campea trágica y compasiva, en su eterna humanidad. Mientras que en sus obras anteriores Falla hacía gala de una extensa paleta sonora, heredada directamente de la escuela francesa, en estas últimas composiciones su estilo fue haciéndose más austero y conciso, y de manera especial en el Concierto.

Los últimos veinte años de su vida, el maestro los pasó trabajando en la que consideraba había de ser la obra de su vida: la cantata escénica La Atlántida, sobre un poema del poeta en lengua catalana Jacint Verdaguer, que le había obsesionado desde su infancia y en el cual veía reflejadas todas sus preocupaciones filosóficas, religiosas y humanísticas. Conocida de momento sólo por unos cuantos amigos íntimos, esta cantata escénica de vastas dimensiones para solistas, coro y orquesta era considerada por el autor como su testamento artístico y espiritual, y como un homenaje extremo a los valores de la fe cristiana y de la civilización mediterránea, objeto de su veneración constante. Aunque irregular, algunas de sus páginas (el Prólogo, el Aria y muerte de Pirene, el Sueño de Isabel) contienen lo mejor del genio de Falla. El estallido de la guerra civil española lo obligó a buscar refugio en Argentina, donde le sorprendería la muerte sin que hubiera podido culminar la obra. La tarea de finalizarla según los esbozos dejados por el maestro correspondió a su discípulo Ernesto Halffter.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 21 puntos

Vótalo:

Puccini

26

Puccini

https://www.youtube.com/watch?v=PayOhjMYGk4

(Lucca, actual Italia, 1858 - Bruselas, 1924) Compositor italiano. Heredero de la gran tradición lírica italiana, pero al mismo tiempo abierto a otras corrientes y estilos propios del cambio de siglo, Puccini se convirtió en el gran dominador de la escena lírica internacional durante los... Ver mas
(Lucca, actual Italia, 1858 - Bruselas, 1924) Compositor italiano. Heredero de la gran tradición lírica italiana, pero al mismo tiempo abierto a otras corrientes y estilos propios del cambio de siglo, Puccini se convirtió en el gran dominador de la escena lírica internacional durante los primeros decenios del siglo XX. No fue un creador prolífico: sin contar algunas escasas piezas instrumentales y algunas religiosas compuestas en su juventud, doce óperas conforman el grueso de su producción, cifra insignificante en comparación con las de sus predecesores, pero suficiente para hacer de él un autor clave del repertorio operístico y uno de los más apreciados y aplaudidos por el público.


Puccini

Giacomo Puccini nació en el seno de una familia alguno de cuyos miembros había ocupado, desde el siglo XVIII, el puesto de maestro de capilla de la catedral de Lucca. A la muerte de su padre, Michele, en 1863, el pequeño Giacomo, pese a no haber demostrado un especial talento músico, fue destinado a seguir la tradición familiar, por lo que empezó a recibir lecciones de su tío Fortunato Magi, con resultados poco esperanzadores.

Fue a la edad de quince años cuando el director del Instituto de Música Pacini de Lucca, Carlo Angeloni, consiguió despertar su interés por el mundo de los sonidos. Puccini se reveló entonces como un buen pianista y organista cuya presencia se disputaban los principales salones e iglesias de la ciudad.

En 1876, la audición en Pisa de la Aida de Verdi constituyó una auténtica revelación para él; bajo su influencia, decidió dedicar todos sus esfuerzos a la composición operística, aunque ello implicara abandonar la tradición familiar. Sus años de estudio en el Conservatorio de Milán le confirmaron en esta decisión. Amilcare Ponchielli, su maestro, lo animó a componer su primera obra para la escena: Le villi, ópera en un acto estrenada en 1884 con un éxito más que apreciable.

Con su tercera ópera, Manon Lescaut, Puccini encontró ya su propia voz. El estreno de la obra supuso su consagración, confirmada por su posterior trabajo, La bohème, una de sus realizaciones más aclamadas. En 1900 vio la luz la ópera más dramática de su catálogo, Tosca, y cuatro años más tarde la exótica Madama Butterfly.



Su estilo, caracterizado por combinar con habilidad elementos estilísticos de diferentes procedencias, ya estaba plenamente configurado. En él la tradición vocal italiana se integraba en un discurso musical fluido y continuo en el que se diluían las diferencias entre los distintos números de la partitura, al mismo tiempo que se hacía un uso discreto de algunos temas recurrentes, a la manera de Wagner. A ello hay que añadir el personal e inconfundible sentido melódico de su autor, una de las claves de la gran aceptación que siempre ha tenido entre el público.

Sin embargo, a pesar de su éxito, tras Madama Butterfly Puccini se vio impelido a renovar un lenguaje que amenazaba con convertirse en una mera fórmula. Con La fanciulla del West inició esta nueva etapa, caracterizada por conceder mayor importancia a la orquesta y por abrirse a armonías nuevas, en ocasiones en los límites de la tonalidad, que revelaban el interés del compositor por la música de Claude Debussy y Arnold Schönberg. En la misma senda, el músico de Lucca promovió la renovación de los argumentos de sus óperas, se distanció de los temas convencionales tratados por otros compositores y abogó por un mayor realismo.

Todas estas novedades contribuyeron a que sus nuevas óperas, entre ellas las que integran Il trittico, no alcanzaran, pese a su calidad, el mismo grado de popularidad que sus obras anteriores. Su última ópera, la más moderna y arriesgada de cuantas escribió, Turandot, quedó inconclusa a su muerte. La tarea de darle cima, a partir de los esbozos dejados por el maestro, correspondió a Franco Alfano.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 21 puntos

Vótalo:

Albinoni

27

Albinoni

https://www.youtube.com/watch?v=XMbvcp480Y4

(Tommaso o Tomaso Albinoni; Venecia, 1671 - 1751) Músico italiano. Estudió violín y canto, actividades a las que quiso dedicarse sin entrar a formar parte de una corte, como era entonces frecuente. Fue así como pasó a formar parte de los llamados dilettanti del siglo XVIII, antecesores del... Ver mas
(Tommaso o Tomaso Albinoni; Venecia, 1671 - 1751) Músico italiano. Estudió violín y canto, actividades a las que quiso dedicarse sin entrar a formar parte de una corte, como era entonces frecuente. Fue así como pasó a formar parte de los llamados dilettanti del siglo XVIII, antecesores del artista independiente que aparecería con el Romanticismo. De este modo, se dedicó a la composición tanto vocal como instrumental, y su primera ópera, Zenobia, reina de los palmirenos (1694), fue estrenada en su ciudad natal.


Tomaso Albinoni

A pesar de que en su época consiguieron cierto éxito, aunque éste fuera irregular, sus obras vocales cayeron pronto en el olvido, al contrario que su obra instrumental, de la que Johann Sebastian Bach tomó algunos temas. También en 1694 publicó en Venecia, donde desarrolló su actividad musical, sus Doce sonatas y Sinfonías y conciertos (1700).

En 1704 aparecieron sus Seis sonatas de iglesia para violín y violoncelo, y entre 1707 y 1722 escribió treinta y seis conciertos, que fueron recopilados en una sola edición. En ellos se adscribe a la tradición del concerto grosso que por los mismos años desarrolló Marcello bajo la influencia de Arcangelo Corelli, combinando al mismo tiempo dicha tradición con las innovaciones expresivas de su también contemporáneo Antonio Vivaldi.

Se conservan algunas composiciones manuscritas de Albinoni, como las seis Sinfonías (1735); según Torrefranca, él fue quien introdujo el minué en la sinfonía. En 1740 aparecieron sus últimas Seis sonatas para violín, y un año más tarde se publicó la ópera Artamene, su última obra. Compuso con regularidad música teatral e instrumental hasta 1740, año en que abandonó su actividad creadora.





Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 21 puntos

Vótalo:

Rossini

28

Rossini

https://www.youtube.com/watch?v=WIf8Zi6dZaY

(Gioacchino o Gioachino Rossini; Pésaro, actual Italia, 1792 - París, 1868) Compositor italiano. Situado cronológicamente entre los últimos grandes representantes de la ópera napolitana (Cimarosa y Paisiello) y los primeros de la romántica (Bellini y Donizetti), Gioachino Rossini ocupa un lugar... Ver mas
(Gioacchino o Gioachino Rossini; Pésaro, actual Italia, 1792 - París, 1868) Compositor italiano. Situado cronológicamente entre los últimos grandes representantes de la ópera napolitana (Cimarosa y Paisiello) y los primeros de la romántica (Bellini y Donizetti), Gioachino Rossini ocupa un lugar preponderante en el repertorio lírico italiano gracias a óperas bufas como Il barbiere di Siviglia, La Cenerentola o L'italiana in Algeri, que le han dado fama universal, eclipsando otros títulos no menos valiosos.


Rossini

Hijo de un trompetista del municipio de Pésaro que colaboraba con las orquestas de los teatros de la provincia, y de una soprano que llevó a cabo una corta carrera como seconda donna, la existencia de Rossini se vio ligada, desde la infancia, al universo operístico. Alumno del Liceo Musical de Bolonia desde 1806, en esta institución tuvo como maestro de contrapunto al padre Mattei y entró en contacto con la producción sinfónica de los clásicos vieneses, Mozart y Haydn, que ejercerían una notable influencia en la fisonomía instrumental de sus grandes óperas, de una riqueza tímbrica y de recursos (los célebres y característicos crescendi rossinianos) desconocidos en la Italia de su tiempo.

Tras varias óperas escritas según el modelo serio (Demetrio e Polibio, Ciro in Babilonia), ya en decadencia, y bufo (La cambiale di matrimonio, L'inganno felice), sin excesivas innovaciones, el genio de Gioachino Rossini empezó a manifestarse en toda su grandeza a partir de 1813, año del estreno de Il signor Bruschino.

Dotado de una gran facilidad para la composición, los títulos fueron sucediéndose uno tras otro sin pausa (llegó a estrenar hasta cuatro obras en el mismo año). En París, ciudad en la que se estableció en 1824, Rossini compuso y dio a conocer la que iba a ser su última partitura para la escena, Guglielmo Tell (1829). A pesar de su éxito, el compositor abandonó por completo -cuando contaba treinta y siete años y por razones desconocidas- el cultivo de la ópera.





Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 20 puntos

Vótalo:

Johann Strauss II

29

Johann Strauss II

https://www.youtube.com/watch?v=_CTYymbbEL4

Johann Strauss Johann Strauss II Músico austriaco Nació el 25 de octubre de 1825 en St. Ulrich, Austria. Hijo primogénito del músico Johann Strauss y hermano de los compositores Josef Strauss y Eduard Strauss. Su nacimiento fue motivo para que su padre se casara con Anna... Ver mas
Johann Strauss
Johann Strauss II

Músico austriaco






Nació el 25 de octubre de 1825 en St. Ulrich, Austria.

Hijo primogénito del músico Johann Strauss y hermano de los compositores Josef Strauss y Eduard Strauss. Su nacimiento fue motivo para que su padre se casara con Anna Streim, a la que había dejado embarazada.

Destinado a una profesión técnica por voluntad de su padre, como ocurrió con su hermano Josef, Johann hizo gala del mismo comportamiento indisciplinado y disipado que su padre en el Instituto Politécnico en que se había matriculado. Cuando su padre le escuchó practicar con el violín, le arrebató el instrumento. Al día siguiente, su madre le compró otro violín y habló con un amigo para que pudiera practicar en su casa.




A los seis años compuso su primer vals. Siendo aún niño recibe clases del concertista Amon, a quien pagaba ofreciendo sus conocimientos de música para dar clases de piano a los niños vecinos. Más tarde solicita permiso policial para "tocar con una orquesta en establecimientos de hostelería".

En 1844 fundó su primera orquesta, que cinco años después se uniría a la de su padre, tras la muerte de éste. El 15 de octubre debutó con éxito junto a su orquesta en el establecimiento "Dommayer" en el distrito 13, Hietzing. En la época este café era uno de los principales salones de baile de Viena.

Se publican sus primeras composiciones por la editorial Mechetti. Se desencadena una lucha musical entre padre e hijo, ambos ponen todo su empeño en ganarse a los críticos de la prensa. El verano de 1847 la familia se reconcilia. Se dice que en la víspera del santo del padre, le tocó una serenata, con lo que el primero le perdonaría. Cuando su padre murió en septiembre de 1849, se encargó de la orquesta de su progenitor. En los funerales del 11 de octubre haría la primera salida a escena con la orquesta paterna, tocando el réquiem de Mozart. Los músicos, sin embargo, se oponían al joven sucesor con lo que no le quedó más remedio que disolver eventualmente la orquesta y reorganizarla.

Revitalizó el vals ennobleciendo una danza campesina para el entretenimiento de la Corte Real de los Habsburgo. Strauss es sinónimo de vals, una música que representa a la perfección el espíritu alegre y sentimental que presidió la Viena del siglo XIX. Con 28 años disponía de un cuerpo orquestal de 300 instrumentalistas, divididos en varios conjuntos musicales. Tocaban en diferentes establecimientos y salones de baile. Strauss mismo iba de un lugar a otro, a veces dirigiendo en más de 6 estrados durante una sola noche. Compuso alrededor de 500 obras de baile, de las cuales más de 150 corresponden a valses.




La cumbre de su proceso creativo sería sin duda el vals "El Danubio azul". En 1868 el Príncipe de Gales (que sería el rey Eduardo VII más adelante), le invitó a Londres donde ofreció seis conciertos. En 1870 renunció a la dirección de la orquesta cediendo el puesto a sus hermanos Josef y Eduard, con el fin de profundizar su labor en la composición musical. En 1871 presenta "Indigo y los cuarenta ladrones", cuyo título fue cambiado posteriormente a "1001". Tres años más tarde sigue "El murciélago". En 1876 fue invitado a Boston donde ofreció un concierto con motivo del 100 aniversario de la declaración de la independencia.

En 1878 moriría su esposa Jetty, cantante de ópera. Tras un breve matrimonio con otra cantante, Angélica Dietrich, una mujer 25 años menor que él y que lo abandonó con un amigo, se casaría con Adele Deutsche, viuda del hijo de uno de sus amigos, un personaje noble que le animó a dedicarse de nuevo a la opereta. Los resultados fueron "Una noche en Venecia" (1883) y "El barón gitano" (1885). El año 1888 creó el famoso "Vals del emperador". Su última obra, tal vez la más alegre, fue "Sangre vienesa".

Johann Strauss falleció célebre y rico, en Viena, el 3 de junio de 1899.


Obras

Operetas

Indigo und die Vierzig Räuber, Índigo y los cuarenta ladrones (1871)
Der Karneval in Rom, El Carnaval en Roma (1873)
Die Fledermaus, El Murciélago (1874)
Cagliostro in Wien, Cagliostro en Viena (1875)
Prinz Methusalem, Príncipe Matusalén (1877)
Blindekuh, Gallina ciega (1878)
Das Spitzentuch der Königin, El Pañuelo de encaje de la Reina (1880)
Der lustige Krieg, La guerra divertida (1881)
Eine Nacht in Venedig, Una noche en Venecia (1883)
Der Zigeunerbaron, El Barón gitano (1885)
Simplicius (1887)
Fürstin Ninetta, Princesa Ninetta (1893)
Jabuka - Das Apfelfest, Fiesta de la manzana (1894)
Waldmeister, Asperilla (1895)
Die Göttin der Vernunft, La Diosa de la Razón (1897)
Wiener Blut, Sangre vienesa (1899)

Ópera

Ritter Pásmán, Caballero Pásmán (1892)

Ballet

Aschenbrödel, Cenicienta (1899)

Valses

Chalao op. 1 Epigramas (1844)
Gunstwerber op. 4 Procurador de favores (1844)
Faschingslieder op. 11 Canciones de Carnaval (1846)
Jugendträume op. 12 Sueños juveniles (1846)
Sträußchen op. 15 Ramilletes (1846)
Sängerfahrten op. 41 Viajes de cantantes (1847)
Lava-Ströme op. 74 Corrientes de lava (1850)
Rhadamantus-Klänge op. 94 Ecos de Rhadamantus (1851)
Mephistos Höllenrufe op. 101 Gritos de Mefistófeles desde el infierno (1851)
Liebeslieder op. 114 Canciones de amor (1852)
Phönix-Schwingen op. 125 Balanceo Fénix (1853)
Schneeglöckchen op. 143 Narciso de las nieves (1854)
Nachtfalter op. 157 Mariposa nocturna (1855)
Man lebt nur einmal! op. 167 ¡Sólo vives una vez! (1855)
Accelerationen op. 234 Aceleraciones (1860)
Immer heiterer op. 235 Siempre alegre (1860)
Karnevalsbotschafter op. 270 Embajador del Carnaval (1862)
Leitartikel op. 273 Editorial (1863)
Morgenblätter op. 279 Diario matutino (1863)
Studentenlust op. 285 Alegría estudiantil (1864)
Feuilleton op. 293 Folletín (1865)
Bürgersinn op. 295 Espíritu ciudadano (1865)
Flugschriften op. 300 Panfletos (1865)
Wiener Bonbons op. 307 Bombones de Viena (1866)
Feenmärchen op. 312 Cuento de hadas (1866)
An der schönen blauen Donau op. 314 En el bello Danubio azul (1867)
Künstlerleben op. 316 Vida de artista (1867)
Telegramme op. 318 Telegramas (1867)
Die Publicisten op. 321 Los publicistas (1868)
G'schichten aus dem Wienerwald op. 325 Cuentos de los bosques de Viena (1868)
Illustrationen op. 331 Ilustraciones (1869)
Wein, Weib und Gesang op. 333 Vino, mujeres y canciones (1869)
Freuet Euch des Lebens op. 340 Disfrutad la vida (1870)
Neu Wien op. 342 Nueva Viena (1870)
Tausend und eine Nacht op. 346 Las mil y una noches (1871)
Wiener Blut op. 354 Sangre vienesa (1873)
Bei uns Z'haus op. 361 En casa (1873)
Wo die Zitronen blühen op. 364 Donde florecen los limones (1874)
Du und du de El Murciélago op. 367 Tú y tú (1874)
Cagliostro-Walzer op. 370 Vals Cagliostro (1875)
O schöner Mai! op. 375 ¡Oh, hermoso Mayo! (1877)
Rosen aus dem Süden op. 388 Rosas del Sur (1880)
Nordseebilder op. 390 Imágenes del Mar del Norte (1880)
Kuss-Walzer op. 400 Vals del beso (1881)
Frühlingsstimmen op. 410 Voces de primavera (1883)
Lagunen-Walzer op. 411 Vals de la laguna (1883)
Schatz-Walzer op. 418 Vals del tesoro (1885)
Wiener Frauen op. 423 Damas vienesas (1886)
Donauweibchen op. 427 Doncellas del Danubio (1887)
Kaiser-Jubiläum-Jubelwalzer op. 434 Aniversario Imperial (1888)
Kaiser-Walzer op. 437 Vals del Emperador (1888)
Rathausball-Tänze op. Gran Viena (1891)
Seid umschlungen Millionen op. 443 Sed abrazados por millones (1892)
Klug Gretelein op. 462 Astuta Gretel (1895)
Trau, Schau, Wem! op. 463 ¡Ten cuidado en quien confías! (1895)

Polcas

Explosions-Polka op. 43 Polca Explosiones (1847)
Albion op. 102
Harmonie Polka op. 106 Polca Armonía
Electro-magnetische Polka op. 110
Blumenfest Polka op. 111
Annen-Polka op. 117 Ana (1852)
Veilchen op. 132 Violetas
Elisen Polka op. 151
Aurora op. 165
Alexandrinen Polka-française op. 198
Champagne-Polka op. 211 Polca Champán
Tritsch-Tratsch op. 214 (1858)
Der Kobald Polka Mazur op. 226
Maskenzug op. 240 Baile de máscaras
Demolirer Polka-française op. 269 Polca francesa de los demoledores (1862)
Bluette Polka-française op. 271
Bauern Polka-française op. 276 Polca francesa de los Campesinos
Vergnügungszug op. 281 Viaje en tren (1864)
'S gibt nur a Kaiserstadt,'s gibt nur a Wien! op. 291´¡Sólo hay una Ciudad Imperial, sólo hay una Viena!
Electrofor Polka Schnell op.297
Kreuzfidel op. 301 Muy alegre
Lob der Frauen Polka-mazurka op. 315 Elogio a las mujeres
Leichtes Blut Galop op. 319 Galope sangre ligera (1867)
Figaro-Polka op. 320 Polca Fígaro
Stadt und Land Polka-mazurka op. 322 Ciudad y país, polca-mazurca
Ein Herz, ein Sinn! Polka-mazurka op. 323 ¡Un corazón, un sentimiento!
Unter Donner und Blitz op. 324 Bajo truenos y relámpagos (1868)
Freikugeln op. 326 Cazador libre (1868)
Fata Morgana Polka-mazurka op. 330
Éljen a Magyar! polka schnell op. 332 ¡Larga vida al magiar!, polca rápida
Im Krapfenwald'l Polka-française op. 336 En los bosques de Krapfen
Im Sturmschritt op. 348 ¡En paso de carga!
Die Bajadere Polka Schnell op. 351 La Bayadera
Vom Donaustrande op. 358 Por las orillas del Danubio
Bitte schön! Polka-française op. 372 ¡Si tú lo pides! (1875)
Auf der Jagd! op.373 ¡A la caza! (1875)
Banditen-Galopp op. 378 Galope de los bandidos (1877)
Csárdas Aus 'ritter Pasman' op. 441-1
Diplomaten Polka-française op. 448

Marchas

Patrioten op. 8 Patriotas (1845)
Austria op.20 (1846)
Fest op. 49 Fiesta (1847)
Revolutions op. 54 Revolución (1848)
Studenten-Marsch Marcha de los estudiantes op. 56 (1848)
Brünner Nationalgarde, op. 58 Guardia Nacional de Brno (1848)
Kaiser Franz Josef op. 67 Emperador Francisco José (1849)
Dance of the Gay Piper op.93 (1849)
Triumph op. 69 Triunfo (1850)
Wiener Garnison op. 77 Guarnición de Viena (1850)
Ottinger Reiter op. 83 (1850) Caballería de Ottingen
Kaiser-Jäger op. 93 "Unidos con fuerza” (1851)
Grossfürsten El Gran Duque op. 107 (1852)
Sachsen-Kürassier op. 113 Coraceros sajones (1852)
Wiener Jubel-Gruss op. 115 Alegre saludo vienés (1852)
Kaiser-Franz-Josef-Rettungs-Jubel Op.126 Júbilo por la salvación del Emperador Francisco José (1853)
Caroussel op.133 Carrusel (1853)
Kron Corona op.139 (1853)
Erzherzog Wilhelm Genesungs Convalecencia del Archiduque Guillermo op.149 (1854)
Napoleon Napoleón op.156 (1854)
Alliance Alianza op. 158 (1854)
Krönungs op.183 Coronación (1856)
Fürst Bariatinsky Príncipe Bariatinsky op.212 (1858)
Deutscher Kriegermarsch Marcha de guerra alemana op.284 (1864)
Verbrüderungs op.287 Confraternidad (1864)
Persischer op.289 Marcha persa (1864)
Ägyptischer op.335 Marcha egipcia (1869)
Indigo-Marsch op.339 Marcha Índigo (de Índigo y los cuarenta ladrones)
Hoch Osterreich! op.371 ¡Viva Austria! (de Cagliostro en Viena)
Jubelfest op.396 Festival de júbilo (1881)
Der Lustige Krieg La guerra divertida op.397 (1882)
Matador op.406 (sobre temas de El pañuelo de encaje de la Reina) (1883)
Habsburg Hoch! op. 408 ¡Vivan los Habsburgo! (1882)
Russischer Marsch op.426 Marcha rusa (1886)
Reiter op. 428 (de Simplicius) (1888)
Spanischer Marsch op. 433 Marcha española (1888)
Fest op. 452 Festival (1893)
Živio! op. 456 ¡A su salud! (1894)
Es war so wunderschön op.467 Fue tan maravilloso (de Waldmeister) (1896)
Deutschmeister Jubiläums op. 470 (1896)
Auf´s Korn! op. 478 ¡Al grano! (1898)


*buscabiografias.com
Ha recibido 20 puntos

Vótalo:

Mendelssohn

30

Mendelssohn

https://www.youtube.com/watch?v=vL0HSxg8_Fc

(Hamburgo, 1809 - Leipzig, actual Alemania, 1847) Compositor, pianista y director de orquesta alemán. Robert Schumann definió a Felix Mendelssohn como «el Mozart del siglo XIX, el músico más claro, el primero que ha sabido ver y conciliar las contradicciones de toda una época». No le faltaba... Ver mas
(Hamburgo, 1809 - Leipzig, actual Alemania, 1847) Compositor, pianista y director de orquesta alemán. Robert Schumann definió a Felix Mendelssohn como «el Mozart del siglo XIX, el músico más claro, el primero que ha sabido ver y conciliar las contradicciones de toda una época». No le faltaba razón: su música, de una gran perfección técnica y formal, es una espléndida síntesis de elementos clásicos y románticos. Romántico que cultivaba un estilo clásico o clásico que reflejaba una expresividad romántica, Mendelssohn fue uno de los músicos más influyentes y destacados del romanticismo.


Felix Mendelssohn

Segundo de cuatro hermanos, nació en el seno de una familia de banqueros de origen judío, que se había convertido al protestantismo. Niño prodigio, pronto dio muestras de un inusitado talento no sólo para la música, sino también para el dibujo, la pintura y la literatura. Sus dotes fueron estimuladas por un ambiente familiar en el que siempre se alentaron las manifestaciones artísticas.

Alumno de composición de Carl Friedrich Zelter (a través del cual conoció al gran Goethe), los primeros trabajos de Mendelssohn en este terreno se tradujeron en doce sinfonías para cuerda, algunas pequeñas óperas, un Octeto para cuerda y la obertura El sueño de una noche de verano. Estas dos últimas obras marcan el inicio de su madurez como compositor.

Fue, además, un buen intérprete de violín, viola y piano, facetas a las que más tarde se añadiría la de director de orquesta. En este ámbito, una de sus primeras y más recordadas actuaciones tuvo lugar en 1829, cuando interpretó en Berlín la Pasión según san Mateo, de Bach, en un concierto que supuso la recuperación de esta obra después de un siglo de olvido. Bach, junto con Mozart y Haendel, constituiría uno de los pilares de su estilo.

Pocos años más tarde, en 1835, le fue confiada la dirección de la orquesta de la Gewandhaus de Leipzig, cargo que ejerció hasta su prematura muerte. Su hermana Fanny Mendelssohn (1805-1847) fue también compositora de talento, autora de valiosos lieder y piezas para piano.





Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 19 puntos

Vótalo:

Grieg

31

Grieg

https://www.youtube.com/watch?v=c0Dfztnk4qM

(Edvard Hagerup Grieg; Bergen, 1843 - 1907) Compositor noruego considerado el principal representante de la música nacionalista de su país. Edvard Grieg Inició su formación musical con su madre, Gesine Judith Grieg, que era pianista y había estudiado con Albert Methfessel en Hamburgo. En 1858... Ver mas
(Edvard Hagerup Grieg; Bergen, 1843 - 1907) Compositor noruego considerado el principal representante de la música nacionalista de su país. Edvard Grieg Inició su formación musical con su madre, Gesine Judith Grieg, que era pianista y había estudiado con Albert Methfessel en Hamburgo. En 1858 tuvo lugar un acontecimiento relevante para la formación musical del compositor noruego: un amigo de los Grieg, el compositor y violinista Ole Bull, les hizo una visita en el transcurso de la cual escuchó tocar el piano al joven Edvard. Quedó tan impresionado que convenció a sus padres para que lo enviaran a estudiar al Conservatorio de Leipzig.

Grieg ingresó en dicho centro de estudios cuando contaba 15 años, y allí estudió piano con Louis Plaidy y E. F. Wenzel, que había sido amigo de Robert Schumann, e Ignaz Moscheles. Adquirió también conocimientos de armonía y contrapunto de la mano de E. F. Richter, Robert Papperitz y Moritz Hauptman. Su profesor de composición en Leipzig fue Carl Reinecke. En la ciudad alemana, Grieg tuvo la oportunidad de asistir a importantes recitales como el que dio Clara Schumann en el Gewandhaus o a diversas representaciones de óperas de Wagner como Tannhäuser. En aquella época, alrededor de 1862, Grieg ya había escrito su Op. 1, que consistía en cuatro piezas para piano, además de sus Cuatro canciones para contralto con textos alemanes, que constituyen su Op. 2.


Edvard Grieg

En mayo de 1863 decidió trasladarse a Copenhague, ciudad donde se desarrollaba la mayor parte de la vida cultural de Escandinavia. Allí estudió con el compositor danés Niels Gade, líder de la escuela romántica escandinava. Éste le animó a componer una sinfonía que Grieg llevó a cabo pero nunca quiso estrenar. También en la capital danesa entró en contacto con otros músicos como Emil Hartmann y Gottfred Matthison-Hansen, así como con los escritores Benjamin Feddersen y Hans Christian Andersen. Este último le proporcionó poemas para su obra Hjertets melodier (Melodías del corazón), Op. 5, que interpretaría magistralmente su prima y futura esposa, la cantante Nina Hagerup.

Fue también en la capital danesa donde trabó amistad con la persona que más le marcó en su trayectoria posterior: el compositor Rikard Nordraak (1842-1866). Nordraak, autor del himno nacional noruego, fue quien introdujo a Grieg en la música nacionalista de su país. Cuando ambos se conocieron en 1864, el joven Nordraak estaba trabajando en la música incidental para la obra Sigurd Slembe del dramaturgo Martinus Björnson, con quien también colaboraría Grieg años después.

El agradecimiento que sintió el músico de Bergen hacia su compatriota le llevó a dedicarle su Humoresker Op. 6 para piano, primera obra de Grieg que muestra influencias de la música popular noruega. Su interés creciente por el folclore y la tradición musical de su país le llevó a fundar la sociedad Euterpe, junto a los ya citados Nordraak y Matthison-Hansen, cuyo objetivo era divulgar la música escandinava.

Entre 1865 y 1866 vivió en Roma, donde conoció al dramaturgo Henrik Ibsen, a cuya obra Peer Gynt pondría música más adelante. El 15 de octubre de 1866 dio un concierto de música noruega en el Teatro de Christiania (la actual Oslo) junto a la cantante Nina Hagerup y la violinista Wilma Neruda. Al año siguiente se inauguró la Academia de Música Noruega que Grieg y el crítico Otto Winter-Hjelm habían proyectado fundar. Ese mismo año, el 11 de junio, se casó con Nina y pronto acabó de componer su segunda Sonata para Violín Op. 13.

En 1869, Franz Liszt le escribió elogiando una de sus sonatas para violín y piano y le mostró su deseo de conocerle personalmente. Ambos se encontraron en Roma meses más tarde. En el verano de 1869 llegó a manos de Grieg una copia de la colección de canciones populares de Ludwig Mathias Lindeman (1812-1887), titulada Aeldre og myere norske fjeldmelodier (Viejas y nuevas canciones montañesas). Este descubrimiento le posibilitó seguir adentrándose en las posibilidades de la música popular noruega y escribir su Op. 17 para piano, una serie de piezas basadas en estas canciones.

A comienzos de 1870 comenzó su fructífera colaboración con el dramaturgo Björnson en obras como Foran sydens kloster, o diversas cantatas como Arnlijot Gelline, para voces femeninas, y Landkjending, para voces masculinas. Ambos planeaban crear una ópera sobre tema noruego titulada Olav Trygvason que finalmente no llegaron a completar. En 1871, Grieg contribuyó a la fundación de una sociedad musical para promover la música orquestal. En 1874, el Estado le concedió una ayuda económica anual para que pudiera dedicarse de lleno a la composición. De esta época son, entre otras obras, su Cuarteto de cuerda en sol menor, Den Bergtekne para barítono y orquesta y el Álbum para coro masculino.

A partir de 1876 emprendió grandes giras de conciertos por Europa, en las que interpretó y dirigió sus propias obras. Su presentación en Londres en 1888 supuso el reconocimiento internacional de su obra. Entre 1880 y 1882 dirigió la orquesta del Harmonien (Sociedad Armónica) de su natal Bergen. Éste fue uno de los últimos compromisos oficiales que aceptaría, ya que el resto de su vida lo dedicó a otras tareas como la composición de su Sonata para violonchelo Op. 36 y de varios cuadernos de Piezas Líricas. Además, participó en el bicentenario del nacimiento del escritor Ludvig Holberg en 1884 con la suite Fra Holbergs tid (Del tiempo de Holberg).

En el verano de ese mismo año comenzó la construcción de su futuro hogar en Troldhaugen, actualmente casa-museo del compositor. Fue en esa localidad donde pasó el resto de sus años, componiendo y revisando antiguas partituras o paseando por las montañas noruegas. En 1898, sus esfuerzos para la difusión de la música de su país culminaron con la creación del primer festival de música de Noruega, que se celebró en Bergen. Para este evento compuso sus populares Danzas Sinfónicas Op. 64, basadas en las canciones de Lindeman. Su salud se deterioró, pero continuó dando conciertos en ciudades extranjeras como Varsovia y París. En 1906 compuso su última obra, los Fire salmer (Cuatro salmos), basados en melodías populares.



La música de Grieg tiene aires de vida campestre y de contacto con la naturaleza, aspecto que tuvo gran peso en la vida del músico. No es una música de grandes contrastes desgarradores, pero posee gran lirismo y fluye de manera ágil y reposada. Grieg es principalmente un melodista: sus obras poseen un gran atractivo melódico y esto propició su rápida difusión. Es también un instrumentador fino que maneja a la perfección las cuerdas y los instrumentos de viento-madera como el clarinete o el fagot. No emplea en exceso los metales como otros contemporáneos suyos, aunque sí saca partido de las tubas cuando es necesario.

En su etapa de formación, Grieg centró su interés en la música romántica y sobre todo en el compositor alemán Robert Schumann. A partir de 1865, y tras conocer a Nordraak, comenzó a inspirarse en el folclore de su país. Supo tratar la música popular noruega de forma innovadora y es en sus arreglos de melodías folclóricas como las Norwegische Tänze Op. 35 (Danzas noruegas) para piano donde aparecen con mayor claridad los principales avances armónicos de su lenguaje. También se encuentran huellas del impresionismo musical en algunas obras suyas como el Cuarteto en Sol menor Op. 27 (1877-8), en el que utiliza la disonancia de forma muy libre, como después haría Claude Debussy en sus propios cuartetos.

Grieg escribió numerosas colecciones de canciones, en parte porque su esposa, la cantante Nina Hagerup, era su más próxima fuente de inspiración, además de una excelente intérprete de sus melodías. Los temas de sus canciones suelen ser amorosos, como en las Hjertets melodier Op. 5, o populares como el ciclo Haugtussa Op. 67, basado en poemas tradicionales noruegos.

El piano fue el instrumento, aparte de la voz, al que más obras dedicó. El estilo pianístico de Grieg posee delicados adornos y debe bastante a la obra del polaco Frédéric Chopin y, por supuesto, a los ritmos y melodías de Noruega. Su Concierto para piano en La menor, compuesto en 1868 y revisado en 1907, es una obra de gran exuberancia, con tintes folclóricos y rica en material contrastante.

Otro excelente ejemplo de su obra pianística es la Balada en Sol menor Op. 24, estéticamente cercana a su Cuarteto de cuerda en el mismo tono. La balada está inspirada en una de las canciones de Lindeman y está estructurada como un ciclo de variaciones. Sus diez colecciones de Piezas líricas forman parte del repertorio de muchos pianistas aficionados, por su encanto melódico y accesibilidad técnica.

La producción camerística de Grieg, si bien no es tan abundante como su obra pianística o vocal, posee bellos ejemplos como las tres sonatas para violín, la Sonata para violonchelo o los dos cuartetos de cuerda. La obra que le dio más popularidad fue la música incidental para la obra Peer Gynt del dramaturgo Ibsen. Grieg trabajó duramente en esta obra, que en la actualidad se interpreta en dos suites (Op. 46 y Op. 55), que tan sólo incluyen ocho de los veintiséis números originalmente concebidos por el compositor para la obra de Ibsen.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 19 puntos

Vótalo:

Johann Strauss (padre)

32

Johann Strauss (padre)

https://www.youtube.com/watch?v=MobMllyybns

Johann Strauss (padre) Músico austriaco Nació el 14 de marzo de 1804 en Viena. Hijo de Franz Borgias Strauss. Su madre murió cuando él tenía 7 años. Cuando cuenta 12 años, su padre se ahogó en el río Danubio. Se inicia tocando en pequeñas orquestas a los quince años. En... Ver mas
Johann Strauss (padre)

Músico austriaco






Nació el 14 de marzo de 1804 en Viena.

Hijo de Franz Borgias Strauss. Su madre murió cuando él tenía 7 años. Cuando cuenta 12 años, su padre se ahogó en el río Danubio.

Se inicia tocando en pequeñas orquestas a los quince años. En el año 1824 fue segundo director de la orquesta que dirigía el compositor austriaco Joseph Lanner. En 1825 funda su propia orquesta con la que realiza giras por distintos países europeos divulgando la nueva forma del vals.




Autor de 152 valses y numerosas polcas, galops, cuadrillas y marchas. Uno de sus más populares valses es "Lorelei-Voces del Rin". Admirado por Berlioz y Paganini, pasó a la historia como el padre del vals, del que fue un gran maestro.

Contrajo matrimonio con Ana Maria Streim en Viena. Strauss convirtió en 1834, a Emilie Trampusch en su amante, con la que tuvo seis hijos. Fundador de una dinastía musical que dio músicos como Johann Strauss (hijo), Josef Strauss y Eduard Strauss.

Johann Strauss falleció en Viena el 25 de septiembre de 1849.


Obras

Valses

Täuberln-Walzer op. 1 Vals Palomitas
Wiener Karneval op. 3 Carnaval Vienés
Kettenbrücke-Walzer op. 4 Vals Puente Colgante
Tivoli-Rutsch Walzer op. 39 Vals Tobogán Tivoli
Das Leben ein Tanz oder Der Tanz ein Leben! Walzer op. 49 ¡La vida es baile!
Elisabethen-Walzer op. 71
Philomelen-Walzer op. 82
Paris-Walzer op. 101
Huldigung der Königin Victoria von Grossbritannien op. 103 Homenaje a la Reina Victoria de Gran Bretaña
Wiener Gemüths-Walzer op. 116 Sentimientos Vieneses
Lorelei Rhein Klänge op. 154 Sonidos del Rhin y del Lorelei

Polcas

Seufzer-Galopp op. 9 Galope Suspiro
Chineser-Galopp op. 20 Galope de los Chinos
Einzugs-galopp op. 35 Galope Entrada
Sperl-Galopp op. 42 Galope Sperl
Fortuna-Galopp op. 69 Galope Fortuna
Jugendfeuer-Galopp op. 90 Galope Espíritu Joven
Cachucha-Galopp op. 97 Galope Cachucha
Indianer-Galopp op. 111 Galope Indio
Sperl-Polka op. 133 Polca Sperl
Beliebte Annen-Polka op. 137 Polca Querida Ana
Piefke und Pufke Polka op. 235 Polca Piefke y Pufke


*buscabiografias.com
Ha recibido 19 puntos

Vótalo:

Federico Chueca

33

Federico Chueca

https://www.youtube.com/watch?v=Pm1Ny3v7oY0

Federico Chueca y Robles Compositor español Nació el 5 de mayo de 1846 en Madrid. Entró en el conservatorio cuando contaba ocho años. Detenido durante las manifestaciones estudiantiles de 1866 contra el gobierno de Narváez, en los tres días que estuvo en la cárcel de San... Ver mas
Federico Chueca y Robles

Compositor español






Nació el 5 de mayo de 1846 en Madrid.

Entró en el conservatorio cuando contaba ocho años.

Detenido durante las manifestaciones estudiantiles de 1866 contra el gobierno de Narváez, en los tres días que estuvo en la cárcel de San Francisco, en Madrid, compuso unos valses, que tituló Lamentos de un preso. Abandona sus estudios de medicina por los de música.




Trabajó como pianista de café y dirigió la orquesta del Teatro Variedades.

Su formación es más científica que musical por ello necesitó siempre de la ayuda de algún colaborador como Francisco Asenjo Barbieri, Tomás Bretón y, de forma especial, de Joaquín Valverde quien armonizó y orquestó muchas de sus obras.

Sus zarzuelas presentan melodías castizas y populares llenas de vitalidad y está considerado como uno de los más importantes representantes del género chico. Fundó una sociedad de conciertos que desempeñó un papel importante en la vida musical española del siglo XIX.

Autor de numerosas zarzuelas entre las que destacan: ¡A los toros!, Agua, azucarillos y aguardiente (1897), Pobre chica, La alegría de la huerta, El caballero de Gracia, Cádiz y sobre todas ellas La gran vía (1886), cuyo estreno supuso un éxito clamoroso.




Federico Chueca falleció el 20 de junio de 1908 en Madrid.


Obras

El sobrino del difunto
Tres ruinas artísticas
¡A los toros!
Bonito país
Los barrios bajos
La función de mi pueblo
La canción de la Lola
Luces y sombras
La Plaza de Antón Martín
Fiesta nacional
De la noche a la mañana
¡Hoy sale, hoy!
Vivitos y coleando
Caramelo
Así en la tierra como en el cielo
La Gran Vía
Cádiz
Madrid-Barcelona
El año pasado por agua
De Madrid a París
El arca de Noé
El chaleco blanco
La caza del oso o el tendero de comestibles
El cofre misterioso
Los descamisados
Las zapatillas
El coche corre
Agua, azucarillos y aguardiente
Los arrastraos
La alegría de la huerta
El bateo (El bautizo)
La corría de toros
La borracha


*buscabiografias.com
Ha recibido 19 puntos

Vótalo:

Hilarión Eslava

34

Hilarión Eslava

https://www.youtube.com/watch?v=MvrKBvO1y7I

(Miguel Hilarión Eslava Elizondo; Burlada, Navarra, 1807 - Madrid, 1878) Compositor y musicólogo español. Es autor de trabajos didácticos sobre solfeo y armonía y de La lira sacrohispana (1869), antología de obras españolas de los siglos XV y XVI. Escribió óperas y piezas religiosas de estilo... Ver mas
(Miguel Hilarión Eslava Elizondo; Burlada, Navarra, 1807 - Madrid, 1878) Compositor y musicólogo español. Es autor de trabajos didácticos sobre solfeo y armonía y de La lira sacrohispana (1869), antología de obras españolas de los siglos XV y XVI. Escribió óperas y piezas religiosas de estilo clásico, entre las que destaca su Miserere para tenor y orquesta.


Hilarión Eslava

A los nueve años formaba ya parte del coro de la catedral de Pamplona, donde tenía por maestro a Mateo Giménez; a los diecisiete pasó a ser violinista de la misma catedral. Más tarde se desplazó a Calahorra, lugar en el que recibiría las enseñanzas de corte italianizante de Francisco de Secanilla. En la catedral de Burgo de Osma (Soria), fue maestro de capilla entre 1828 y 1832, año en que pasó a ocupar el mismo puesto en la catedral de Sevilla.

Mientras residía en la capital andaluza fue ordenado sacerdote. Hilarión Eslava se dedicó a estudiar el archivo catedralicio y, probablemente motivado por la reducción de su asignación económica, se decidió a componer sus tres óperas italianas: Il solitario del monte selvaggio (estrenada en Cádiz en 1841), La tregua di Ptolemaide (estrenada en la misma ciudad un año después) y Pietro il Crudele (Sevilla, 1843). De su estancia en Sevilla datan varias misas y misereres, de entre los cuales destaca el que en su día dedicara al tenor navarro Julián Gayarre.

En 1847 ganó por oposición el magisterio de la Capilla Real de Madrid, y a partir de 1854 fue profesor de composición del conservatorio de la misma ciudad. Durante los dos años siguientes editó la Gaceta musical de Madrid, y desde 1866 fue director de la sección musical del conservatorio madrileño y se ocupó de reformar los métodos de estudio y de impulsar la creación de una cátedra de órgano. Entre sus discípulos destacan Esperanza y Sola, Monasterio, Romero, Zubiaurre, Pinilla, Aranguren, Fernández Caballero, Gorriti y Barrera. Con el objetivo de defender la ópera española, Hilarión Eslava fundó, junto con Arrieta, Barbieri, Gaztambide, Basili, Salas y Saldoni, el grupo La España Musical.



Como compositor, Eslava suele ser llamado romántico; su estilo se caracteriza por dar entrada a la impronta italiana y por la abundancia de invención melódica. Aparte de las obras profanas ya mencionadas, su catálogo cuenta con unas 140 piezas de música religiosa. Como pedagogo, su labor fue de una importancia incuestionable, llegando a mantenerse sus obras didácticas en la enseñanza musical durante un siglo. En 1846 apareció el Método completo de solfeo sin acompañamiento, algunas de cuyas melodías llegaron a ser conocidas por haber cobrado entidad propia en España y en el extranjero. Su voluminoso tratado Escuela de armonía y composición (1861-1871) abarcaba conocimientos de armonía, contrapunto, melodía y discurso musical, composición e instrumentación. Estaba dividido en cinco libros, el último de los cuales no llegó a ser impreso. Escribió también Prontuario de contrapunto, fuga y composición en preguntas y respuestas (1870), además de un Breve tratado de armonía.

Pero el campo en el que ejerció una mayor influencia fue el de la musicología. La mayoría de sus trabajos estaban encaminados a la depuración de la música religiosa (que debía ser librada, a su juicio, de cualquier referencia profana), así como a la recuperación de piezas musicales españolas de los maestros del pasado. Su obra La lira sacrohispana (1869) constituye una antología de la música religiosa española en diez volúmenes; en Museo Orgánico Español (1854) recopiló piezas para órgano.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 19 puntos

Vótalo:

Scarlatti

35

Scarlatti

https://www.youtube.com/watch?v=SxtuHuTKn3c

Nápoles, 1685 - Madrid, 1757) Compositor, clavecinista y pedagogo italiano. Nacido el mismo año que J. S. Bach y G. F. Haendel, ocupa en la historia de la música una posición intermedia entre el gran estilo contrapuntístico barroco y el espíritu más sencillo y ligero del posterior período... Ver mas
Nápoles, 1685 - Madrid, 1757) Compositor, clavecinista y pedagogo italiano. Nacido el mismo año que J. S. Bach y G. F. Haendel, ocupa en la historia de la música una posición intermedia entre el gran estilo contrapuntístico barroco y el espíritu más sencillo y ligero del posterior período galante, del que se le puede considerar precursor, sobre todo por sus más de quinientas sonatas para clave. Hijo de Alessandro Scarlatti, los primeros pasos de Domenico en el mundo de la música estuvieron guiados por el ejemplo de su progenitor; en este contexto cabe situar su temprana dedicación a la ópera, género en el que su padre había conquistado una merecida fama. En 1719 recaló en Lisboa, donde entró al servicio de la infanta María Bárbara de Braganza como maestro de clave. El matrimonio de ésta en 1728 con el príncipe heredero español Fernando llevó al compositor a Madrid, ciudad en la cual permaneció hasta su muerte, dedicado preferentemente a la docencia (entre sus discípulos se cuenta Antonio Soler) y a la composición de sonatas para clave y música sacra.


Domenico Scarlatti

No se ha podido confirmar que Scarlatti se educara junto a los compositores Gaetano Greco, Francesco Gasparini y Bernardo Pasquini, como durante mucho tiempo se mantuvo. Cabe suponer, sin embargo, que se formó como músico al lado de su padre, Alessandro Scarlatti, y otros miembros de su familia: sus tías, cantantes de profesión; Tomasso, su tío tenor, o su hermano Pietro Filippo, también compositor. En septiembre de 1701 fue nombrado segundo organista y compositor de la Capilla Real de Nápoles, donde su progenitor estaba empleado como maestro.

Al año siguiente Alessandro Scarlatti obtuvo un permiso para viajar con su hijo a Florencia. Es muy probable que Alessandro intentara conseguir un puesto ventajoso, con mejores condiciones que las que tenía en Nápoles, en el teatro de la corte. Durante los meses de estancia en la ciudad toscana Domenico conoció seguramente a Bartolomeo Cristofori, constructor de clavicémbalos para la corte y adelantado en la experimentación y la evolución del instrumento que Cristofori llamaba gravicembalo col piano y forte, uno de los antecedentes del piano moderno.

En 1703 Domenico Scarlatti escribió en Nápoles su primera ópera, L'Ottavia ristituita al trono, que fue dedicada a la condesa de San Esteban de Gormaz. Meses después, en ese mismo año, compuso el drama Giustino, destinado al palacio real de Nápoles con motivo del cumpleaños de Felipe V y dedicado al virrey del reino, el marqués de Villena. Un año más tarde readaptó la ópera de Pollarolo L'Irene y la dedicó a Antonio López Pacheco Girón y Portocarrero. En 1705 su padre le recomendó que acompañara al célebre castrato Nicolo Grimaldi a Venecia y a otras ciudades de Italia.

Ya por aquel entonces Alessandro comprendió que el gran potencial creador de su hijo debía empezar a templar sus armas alejado de la acogedora férula familiar. Prácticamente nada se conoce de los cuatro años que Domenico Scarlatti pasó en Venecia junto a Nicolo Grimaldi y su compañía. En 1709 fue contratado para servir a la reina viuda de Polonia María Casimira, exiliada en Roma. Para su pequeña corte Scarlatti llegó a escribir una cantata, un oratorio y al menos siete óperas –conocidas–, entre las que se encuentran los títulos La Silvia (1710), Tolomeo e Alessandro (1711), Tetide in Sciro (1712) y Amor d'un ombra, e gelosia d'un'aura (1714). En la ciudad eterna fue nombrado maestro de capilla de la basílica Giulia y, algún tiempo después, pasó a trabajar para el embajador de Portugal en el Vaticano, el marqués de Fontes.

Aunque no está debidamente documentado y contrastado, se cree que fue en esa época cuando tuvo lugar el mítico enfrentamiento musical entre Scarlatti y Haendel; el primero fue declarado ganador en el clave, y el segundo, en el órgano. Tras una temporada de trabajo en el Teatro Italiano de Londres, pudo en 1719 viajar a Lisboa gracias a su relación con el mentado embajador portugués, e ingresar como director en la Capilla Real portuguesa. Allí permaneció protegido por el monarca Juan V y fue maestro de música de la princesa María Bárbara de Braganza. En el ínterin realizó un viaje a Nápoles (1725) y otro a Roma (1728), donde contrajo matrimonio con Maria Gentili, con la que tuvo cinco hijos.



En 1729 acompañó a Sevilla a la princesa María Bárbara de Braganza y al príncipe Fernando (heredero de la Corona española que reinaría como Fernando VI), recientemente esposados. En el alcázar de Sevilla permaneció cuatro años como clavicembalista y maestro de la princesa antes de que la corte se trasladara a Madrid en 1733, previo paso por Aranjuez (Madrid). En la capital continuó instruyendo a la futura reina en calidad de músico de cámara, pero también ejerció un magisterio directo sobre algunos músicos españoles, entre los que destaca el genial Antonio Soler. Siete años después de su llegada a Madrid, el músico italiano contrajo un segundo matrimonio con Anastasia Ximénez, natural de Cádiz, con la que tuvo cuatro hijos. En 1735 residía en una casa del noviciado de los jesuitas, en la calle ancha de San Bernardo, y, algunos años después, en la calle Leganitos, de donde seguramente ya no se mudó.

Su vida en la villa y corte estuvo marcada por su trabajo para la princesa y luego reina, para quien, en teoría, escribió sus casi seiscientas celebérrimas sonatas para clavicémbalo, y por otro factor sobre el que se ha especulado mucho, sin llegar a conocer los detalles: su afición al juego, convertida en Madrid en una verdadera adicción, que le llevó en numerosas ocasiones a la ruina económica, de la cual era rescatado una y otra vez por su protectora. El musicógrafo y compositor inglés Charles Burney escribió: “Farinelli nos informó de que Domenico Scarlatti, un encantador hombre de mundo, se había convertido en un adicto al juego [...] y cómo era liberado por su real señora de sus deudas”. Según otros testimonios, también Farinelli ayudó económicamente a su compatriota en más de una ocasión. A pesar de todo, el músico gozó siempre de los parabienes de la corte y del cariño y la admiración de la reina y de cuantos pudieron acercarse a él y descubrir su inmenso talento musical.

La obra de Domenico Scarlatti

Scarlatti es una figura fundamental en el ámbito de la música para clavicémbalo. Fue, en efecto, el primero que estableció una técnica definitivamente adecuada a la naturaleza del instrumento, anteriormente sometido a las exigencias propias del órgano. Su estilo brillante da paso ya, hasta cierto punto, al vasto imperio del futuro piano. En sus sonatas para clavicémbalo sigue la feliz inspiración de su fantasía, lo cual no impide la aparición de ciertos matices más profundos y melancólicos. Si inconfundible resulta el ritmo propio de Scarlatti, como claramente se manifiesta a través de sus más de quinientas sonatas, no menos interesante es la armonía, con frecuencia establecida sobre audaces combinaciones de acordes, cuyas disonancias confirman el genio revolucionario del compositor.

La música que Scarlatti compuso en su etapa italiana muestra corrección y profesionalidad (por ejemplo, en sus óperas), pero no alcanza el milagroso estado creativo de la mayoría de las sonatas. De su música religiosa destacan especialmente la conocida como Misa de Madrid, de fecha incierta, en la que el autor demuestra su capacidad para la melodía y, a la vez, una gran maestría y un excelente conocimiento de la polifonía del siglo XVI, y el Stabat Mater, acaso posterior a la misa, también de límpida estructura polifónica, tratada con una gran riqueza armónica.

En cuanto a las sonatas para clave, en 1783 se realizó en Londres una primera edición de sus piezas bajo el título Essercizi per gravicembalo; este conjunto comprende un total de 29 sonatas y una fuga, conocida como “fuga del gato”. La colección había sido concebida por Scarlatti en señal de agradecimiento a Juan V de Portugal por haberlo nombrado caballero de la Orden de Santiago. Por su parte, las fuentes venecianas están formadas por quince volúmenes (copiados entre 1742 y 1757 y adquiridos por la Biblioteca Marciana de Venecia en 1835) que contienen 496 sonatas. Los documentos del Conservatorio de Parma contienen 463 sonatas, doce de las cuales no están incluidas en los libros venecianos. En Múnich existen otras tres sonatas únicas; el Museo Británico de Londres conserva también tres originales, y hay dos más en Cambridge (Gran Bretaña), dos en Turín (Italia), etc.

De hecho, el número de sonatas no deja de aumentar, pues han seguido apareciendo nuevos ejemplos, especialmente en archivos españoles (investigadores como Antonio Baciero o Rosario Álvarez han contribuido a enriquecer este patrimonio). Estas obras se olvidaron casi completamente hasta su “rescate” y publicación parcial por Czerny en 1839 y la reivindicación a contracorriente de talentos como Chopin. La edición y catalogación casi completa fue realizada por Alessandro Longo en 1906 y sería luego corregida y aumentada por el máximo estudioso de su figura, Ralph Kirkpatrick, cuyo trabajo definitivo sobre el napolitano apareció en 1953.

Casi todas estas sonatas, de breve duración (entre dos y ocho minutos, aproximadamente), responden a un idéntico esquema binario: dos partes sensiblemente similares que presentan esquemas rítmicos y motivos, casi sin desarrollo, por caminos modulantes. Esta fiel identidad estructural se vio compensada con un libérrimo y aparentemente inagotable estilo de escritura. Son incontables las invenciones de figuras rítmicas y brevísimos motivos melódicos, modelados por una heterodoxa e ilimitada imaginación tonal en la que destacan algunos recursos que utilizó como pocos en su época: los acordes de séptima no resueltos y, sobre todo, la acciaccatura, adorno disonante convertido en un principio de excitación, atracción, sensualización y repulsión tonal perfectamente encajado en la dinámica de la música. También frecuentó la extensión de las tesituras (recurrió con asombrosa libertad a todo el teclado) y el cruce de manos (apenas practicado hasta su época) como recurso virtuosístico y efectista, sin perder nunca el sentido de cohesión del discurso sonoro, aunque forzándolo al máximo.

Sus tempos lentos, impregnados de melancólica ensoñación, participan de la estética del llamado estilo sentimental germano (sencillez homofónica, periodicidad melódica, etc.), pero son especiados con la luminosidad cantabile de la música italiana y española. Fundamental para la definición de su estilo, efectivamente, fue la asunción de la música popular española y andaluza en particular, hasta el punto de que estas piezas se han considerado como música propiamente española.

Casi todos los estudiosos de Scarlatti, en efecto, han querido ver en el enriquecimiento que hizo de la escritura para clave una consecuencia de su fascinación por los cantes, tonadas, aires y, en fin, sonidos varios (guitarras, castañuelas o zapateados) del folclore que escuchó entre la gente del pueblo. Esta visión, si bien es parcialmente incontrovertible tras la audición de unas cuantas sonatas, ha sido matizada por algunos críticos, como Ann Livermore, quien sostiene que el foco de influencia primero fue la música de las Cantigas de Alfonso X el Sabio (1252-1284), que Scarlatti, según su hipótesis, debió de transcribir para la reina.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 19 puntos

Vótalo:

Robert Schumann

36

Robert Schumann

https://www.youtube.com/watch?v=PO2lPPY43p8

Composiciones: Sinfonía n.º 1, Sinfonía n.º 3, Kinderszenen... Género: Clásica, ópera, sinfonía Instrumento: Piano Padres: Johanna Christiane Schnabel y August Schumann Cónyuge: Clara Wieck Hijos: Marie, Elise, Julie, Emil, Ludwig, Ferdinand, Eugenie, Felix Nació el 8 de junio de 1810... Ver mas
Composiciones: Sinfonía n.º 1, Sinfonía n.º 3, Kinderszenen...
Género: Clásica, ópera, sinfonía
Instrumento: Piano
Padres: Johanna Christiane Schnabel y August Schumann
Cónyuge: Clara Wieck
Hijos: Marie, Elise, Julie, Emil, Ludwig, Ferdinand, Eugenie, Felix


Nació el 8 de junio de 1810 en Zwickau, Sajonia.

Fue el quinto y último hijo de Johanna Christiane Schnabel y August Schumann. Pasó su infancia cultivando la literatura tanto como la música influenciado por su padre, librero, editor y novelista.

Comenzó a recibir instrucción musical y piano de Johann Gottfried Kuntzsch, profesor en la escuela secundaria Zwickau. Trabajó en la creación de composiciones musicales por sí mismo, sin la ayuda de Kuntzsch.




A los catorce años, escribió un ensayo sobre la estética de la música y contribuyó a un volumen, editado por su padre, titulado Retratos de hombres famosos. En la escuela en Zwickau, leyó obras de los poetas y filósofos alemanes como Friedrich Schiller y Johann Wolfgang von Goethe, así como Lord Byron y los trágicos griegos.

El interés de Schumann en la música fue provocado por una actuación de Ignaz Moscheles en Karlsbad; más tarde se interesó por las obras de Ludwig van Beethoven, Franz Schubert y Felix Mendelssohn. Su padre, que había alentado sus aspiraciones musicales, falleció en 1826 cuando Schumann tenía 16 años. Ni su madre ni su tutor le animaron a seguir su carrera en la música. En 1828 dejó la escuela, y después de una gira durante la cual se reunió con Heinrich Heine en Munich, fue a Leipzig para estudiar Derecho (obligado a cumplir con los términos de su herencia). En 1829 continuó sus estudios en Heidelberg, pero en 1830 abandonó para dedicarse exclusivamente a la música.

Estudió piano con el maestro alemán Friedrich Wieck, pero una lesión irreversible en uno de sus dedos terminó con su carrera como pianista. Se dedicó a la composición y a escribir sobre música. En 1834 fundó la revista musical Neue Zeitschrift für Musik, que editó hasta 1844. En 1843 fue profesor del recién fundado Conservatorio de Leipzig.

Compuso ciento treinta y ocho canciones, entre las que se encuentran las colecciones de Liederkreis (con textos de Heinrich Heine y Joseph Eichendorff), Myrthen, Amor y vida (con texto de Adelbert von Chamisso), y Los amores del poeta (sobre textos de Heinrich Heine).




Sus composiciones para piano suelen ser expresiones musicales sobre estados de ánimo. Con excepción de la Fantasía en do mayor (1836) y los Estudios sinfónicos (1854), sus obras para piano son colecciones de piezas cortas. Además del Carnaval, compuso Mariposas (1829-1832), Escenas de niños (1838), Kreisleriana (1838) y Álbum para la juventud (1848). Entre sus obras largas destacan la Sinfonía nº 1 (1841), el Quinteto para piano en mi bemol mayor (1842), el Concierto para piano en la menor (1845), la Sinfonía nº 2, la Sinfonía nº 3 Renana (1846), y el Trío para piano (1847).

Se casó en 1840 con la pianista Clara Josephine Wiek, hija de su maestro Friedrich Wieck. Permanecieron juntos hasta casi la muerte del compositor y tuvieron ocho hijos.

En 1850 fue nombrado director musical en Düsseldorf, pero una enfermedad mental, que padecía desde la adolescencia, le hizo dimitir en 1854 (se cree que era esquizofrénico, aunque otra hipótesis sostiene que fue un maníaco-depresivo en sus primeros años desarrollando una afección cerebral orgánica, y otra es que pudo padecer de sífillis).

El 27 de febrero de 1854, intentó suicidarse arrojándose desde un puente al río Rin. Fue rescatado por unos barqueros y llevado a casa. Entró en el sanatorio del Dr. Franz Richarz en Endenich, cerca de Bonn, donde permaneció hasta su fallecimiento el 29 de julio 1856. Durante su encierro, no se le permitió ver a Clara. Finalmente lo visitó dos días antes de su fallecimiento, y él, aunque pareció reconocerla, fue incapaz de hablar.

Desde el momento de su muerte, Clara se dedicó a la interpretación de sus obras por Europa. Fallecida en 1896, está enterrada en la misma tumba que su esposo.
Obras
Música instrumental

Piano solo

Op. 1 - Variaciones sobre el nombre "Abegg" (1830)
Op. 2 - Mariposas ("Papillons") (1829–1831)
Op. 3 - Estudios sobre los Caprichos de Paganini (1832)
Op. 4 - Intermezzi (1832)
Op. 5 - Impromptus (Sobre un tema de Clara Wieck) (1833)
Op. 6 - Davidsbündlertänze (Danzas de La Cofradía de David) (1837)
Op. 7 - Toccata (1832)
Op. 8 - Allegro in B minor (1831)
Op. 9 - Carnaval (1834–1835)
Op. 10 - 6 Estudios de Concierto sobre los Caprichos de Paganini (Libro II) (1833)
Op. 11 - Gran Sonata No. 1 en fa sostenido menor (1835)
Op. 12 - Fantasiestücke ("Fantasy Pieces")(1837)
Op. 13 - Estudios sinfónicos (1834)
Op. 14 - Gran Sonata No. 3 in fa menor, "Concierto sin Orquesta" (1835)
Op. 15 - Escenas de niños ("Kinderszenen") (1838)
Op. 16 - Kreisleriana (1838)
Op. 17 - Fantasía en do mayor (1836)
OP. 18 - Arabeske en do mayor (1839)
Op. 19 - Blumenstuck("Flower Piece") in re bemol mayor (1839)
Op. 20 - Humoresca en si bemol mayor (1839)
Op. 21 - Novelletten ("Novelettes") (1838)
Op. 22 - Sonata No. 2 en sol menor(1833–1835)
Op. 23 - Nueve Piezas ("Nachtstücke") (1839)
Op. 26 - Carnaval de Viena ("Carnival Jest from Vienna") (1839)
Op. 28 - Three Romances (1839)
Op. 32 - 4 Klavierstucke (Scherzo, Gigue, Romance and Fughette) (1838–39)
Op. 56 - Estudios en la forma de Canon para Órgan o Pedal Piano (1845)
Op. 58 - Esbozos para Órgano 0 Pedal Piano (1845)
Op. 60 - 6 Fugas sobre B–A–C–H para órgan o pedal piano (1845)
Op. 66 - "Pictures from the East" (1848)
Op. 68 - Álbum para la juventud (1848)
Op. 72 - 4 Fugas (Vier Fugen) (1845)
Op. 76 - 4 Marchas (Vier Märsche) (1849)
Op. 82 - Escenas en el Bosque (Waldszenen) (1848–1849)
Op. 85 - 12 Piezas para para jóvenes y niños mayores (1849)
Op. 99 - Bunte Blätter (1836–1849)
Op. 109 - Scenes from a Ball ("Ball-Scenen") (1851)
Op. 111 - 3 Fantasiestücke (1851)
Op. 118 - 3 Sonatas para jóvenes(1853)
Op. 124 - Album Leaves ("Albumblätter") (1832–1845)
Op. 126 - 7 Piezas en forma de Fugueta (1853)
Op. 130 - Children's Ball ("Kinderball") (1853)
Op. 133 - Cantos del Alba ("Gesänge der Frühe") (1853)
WoO 24 - Variaciones en mi bemol mayor sobre un tema original (1854)
WoO 31 - Estudios en la forma de 3 variaciones sobre un tema de Beethoven (1831–32)

Orquestales

Op. 38 - Sinfonía nº. 1 "Primavera" en si bemol mayor (1841)
Op. 52 - Obertura, Scherzo y Finale en mi mayor (1841)
Op. 61 - Sinfonía nº. 2 en do mayor (1845–46)
Op. 97 - Sinfonía nº. 3 "Renana" en mi bemol mayor (1850)
Op. 100 - Obertura de "Die Braut von Messina" en do menor (1850–51)
Op. 120 - Sinfonía nº. 4 en re menor (1841; revised en 1851)
Op. 115 - Obertura de "Manfred"
Op. 128 - Obertura de "Julius Caesar" (1851)
Op. 136 - Obertura de "Hermann und Dorothea" en si menor (1851)
WoO 29 - Sinfonía en si menor "Fahrenkrog" (incompleta, 1832-1833)

Conciertos

Op. 54 - Concierto para piano y orquesta en la menor (1841–45)
Op. 86 - Konzertstück para cuatro trompas (1849)
Op. 92 - Introducción y allegro appassionato para piano y orquesta (1849)
Op. 129 - Concierto para violonchelo en la menor (1850)
Op. 131 - Fantasía en do para violín y orquesta (1853)
Op. 134 - Introducción y allegro-appassionato para piano y orquesta (1853)
WoO 23 - Concierto para violín en re menor (1853)

Música de cámara

Op. 41 - 3 Cuartetos para cuerdas en la menor, fa mayor y la mayor (1842)
Op. 44 - Quinteto para piano en mi bemol mayor (1842)
Op. 46 - Andante y variaciones para dos pianos (1843)
Op. 47 - Cuarteto para piano en mi bemol mayor (1842)
Op. 63 - Trio para piano No. 1 en re menor (1847)
Op. 66 - Bilder aus Osten para piano a 4 manos (1848)
Op. 70 - Adagio y Allegro para trompa y piano (1849)
Op. 73 - Fantasías para clarinete y piano (1849)
Op. 80 - Trío para piano No. 2 en F (1847)
Op. 88 - Fantasías para piano, violín y violonchelo (1842)
Op. 94 - Tres romanzas para oboe y piano (1849)
Op. 102 - Cinco piezas en tono popular ("Stücke im Volkston") para piano y violonchelo (1849)
Op. 105 - Sonata para violín No. 1 en la menor (1851)
Op. 110 - Trío para piano No. 3 en sol menor (1851)
Op. 113 - Märchenbilder, para piano y viola (1851)
Op. 121 - Sonata para violín No. 2 en re menor (1851)
Op. 132 - Märchenerzählungen, cuatro piezas para clarinete, viola y piano (probably 1853)
WoO 27 - Sonata para violín No. 3 en la menor (1853)
WoO 32 - Cuarteto para piano en do menor (1829)

Música vocal

Lieder y canciones

Op. 24 - Liederkreis (ciclo con poemas de Heinrich Heine, 9 canciones (1840)
Op. 25 - Myrthen, veintiséis canciones (1840)
Op. 27 - Lieder und Gesänge volume I (1840)
Op. 29 - 3 Poemas Gedichte (1840)
Op. 30 - 3 Poemas Gedichte (1840)
Op. 31 - 3 Lieder Gesänge (1840) Op. 33 - 4 Lieder (1840)
Op. 34 - 4 Duetos (soprano y tenor con piano) (1840)
Op. 35 - 12 Poemas Gedichte (1840)
Op. 36 - 6 Poemas Gedichte (1840)
Op. 37 - Liebesfrühling (12 canciones, las número 2, 4 y 11 compuestas por Clara Schumann) (1840)
Op. 39 - Liederkreis (ciclo con poemas de Eichendorff), 12 canciones (1840)
Op. 40 - 5 Lieder (1840)
Op. 42 - Amor y vida de mujer (Frauenliebe und -leben, con textos de Adelbert von Chamisso, ocho canciones (1840)
Op. 43 - 3 Duetos (1840)
Op. 45 - Romanzen & Balladen, volumen I (1840)
Op. 48 - Amor de poeta (Dichterliebe), 16 canciones sobre poemas de Heine (1840)
Op. 49 - Romanzen & Balladen volumen II (1840)
Op. 51 - Lieder und Lieder "Gesänge" volume II (1842)
Op. 53 - Romanzen & Balladen volume III (1840)
Op. 55 - 5 Lieder (partsongs) (1846)
Op. 57 - Belsatzar, ballad (Heine) (1840)
Op. 59 - 4 Lieder "Gesänge" (1846)
Op. 62 - 3 Lieder "Gesänge" (1847)
Op. 64 - Romanzen & Balladen volume IV (1841–47)
Op. 65 - "Ritornelle en canonischen Weisen" (1847)
Op. 67 - Romanzen & Balladen volume I (1849)
Op. 69 - Romanzen volume I (1849)
Op. 74 - "Spanisches Liederspiel" (1849)
Op. 75 - Romanzen & Balladen volume II (1849)
Op. 77 - Lieder und Lieder "Gesänge" volume III (1841–50)
Op. 78 - 4 duets (soprano y tenor) (1849)
Op. 79 - Liederalbum für die Jugend (1849)
Op. 83 - 3 Lieder "Gesänge" (1850)
Op. 87 - Ballad, "Der Handschuh" (Schiller) (1850)
Op. 89 - 6 Lieder "Gesänge" (1850)
Op. 90 - 6 Poemas "Gedichte" (1850)
Op. 91 - Romanzen volume II (1849)
Op. 95 - 3 Lieder "Gesänge" (1849)
Op. 96 - Lieder und Lieder "Gesänge" volume IV (1850)
Op. 101 - "Minnespiel" (1849)
Op. 103 - "Mädchenlieder" (1851)
Op. 104 - 7 Lieder (1851)
Op. 106 - Declamation con piano, "Schön Hedwig" (1849)
Op. 107 - 6 Lieder "Gesänge" (1851–52)
Op. 114 - 3 Lieder für 3 Frauenstimmen (1853)
Op. 117 - 4 Husarenlieder (1851)
Op. 119 - 3 Poemas "Gedichte" (1851)
Op. 122 - Declamation con piano: "Ballade vom Heideknaben" y "Die Flüchlinge" (1852)
Op. 125 - 5 heitere Lieder "Gesänge" (1851)
Op. 127 - 5 Lieder und Lieder "Gesänge" (1850–51)
Op. 135 - Canciones de Maria Estuardo ("Poemas "Gedichte" der Königin Maria Stuart") (1852)
Op. 137 - Jagdlieder (1849)
Op. 138 - Spanische Liebeslieder (1849)
Op. 142 - 4 Lieder "Gesänge" (1852)
Op. 145 - Romanzen & Balladen Vol. III (1849–51)
Op. 146 - Romanzen & Balladen Vol. IV (1849)

Coral y dramática

Op. 50 - Das Paradies und die Peri, oratorio (1841–43)
Op. 71 - Adventlied para soprano, coro y orquesta (1848)
Op. 81 - Genoveva, ópera (1848)
Op. 84 - "Beim Abschied zu singen" for chorus & winds (1848)
Op. 93 - Motet, "Verzweifle nicht im Schmerzenstal" (1849, orchestrated 1852)
Op. 98a - canciones from Wilhelm Meister
Op. 98b - Réquiem para Mignon para voces solistas, coro y orquesta (1849)
Op. 108 - "Nachtlied" for chorus y orchestra (1849)
Op. 112 - "Der Rose Pilgerfahrt" oratorio (1851)
Op. 115 - Overture y incidental music, "Manfred" (1848–49)
Op. 116 - "Der Königssohn" (Uhland), (1851)
Op. 123 - Festival overture on the Rheinweinlied for orchestra y chorus (1853)
Op. 139 - "Des Sängers Fluch" (Uhland) (1852)
Op. 140 - "Vom Pagen und der Königstochter" (1852)
Op. 141 - 4 Doppelchörige Lieder "Gesänge" (1849)
Op. 143 - "Das Glück von Edenhall" (Uhland) para solista vocal, coro y orquesta (1853)
Op. 144 - "Canción de Añonuevo" para coro y orquesta (1849–50)
Op. 147 - Mass (1852)
Op. 148 - Requiem (1852)
WoO 3 - "Escenas del Fausto de Goethe", oratorio (1844–1853)
Ha recibido 18 puntos

Vótalo:

Berlioz

37

Berlioz

https://www.youtube.com/watch?v=0DWjI1uLSzw

(La Côte-Saint-André, Francia, 1803 - París, 1869) Compositor francés. El Romanticismo tiene en Hector Berlioz una de sus figuras paradigmáticas: su vida novelesca y apasionada y su ansia de independencia se reflejan en una música osada que no admite reglas ni convenciones y que destaca, sobre... Ver mas
(La Côte-Saint-André, Francia, 1803 - París, 1869) Compositor francés. El Romanticismo tiene en Hector Berlioz una de sus figuras paradigmáticas: su vida novelesca y apasionada y su ansia de independencia se reflejan en una música osada que no admite reglas ni convenciones y que destaca, sobre todo, por la importancia concedida al timbre orquestal y a la inspiración extramusical, literaria. No en balde, junto al húngaro Franz Liszt, Berlioz fue uno de los principales impulsores de la llamada música programática.


Hector Berlioz

Hijo de un reputado médico de Grenoble, fue precisamente su padre quien le transmitió su amor a la música. Por su consejo, el joven Hector aprendió a tocar la flauta y la guitarra y a componer pequeñas piezas para diferentes conjuntos. Sin embargo, no era la música la carrera a la que le destinaba su progenitor; y así, en 1821 Berlioz se trasladó a París para seguir los estudios de medicina en la universidad. No los concluyó: fascinado por las óperas y los conciertos que podían escucharse en la capital gala, el futuro músico abandonó pronto la carrera médica para seguir la musical, en contra de la voluntad familiar. Gluck, primero, y Carl Maria von Weber y Beethoven, después, se convirtieron en sus modelos musicales más admirados, mientras Shakespeare y Goethe lo eran en el campo literario.

Admitido en el Conservatorio en 1825, fue discípulo de Jean François Lesneur y Anton Reicha y consiguió, tras varias tentativas fracasadas, el prestigioso Premio de Roma que anualmente concedía esa institución. Ello fue en 1830, el año que vio nacer la obra que lo consagró como uno de los compositores más originales de su tiempo: la Sinfonía fantástica, subtitulada Episodios de la vida de un artista. Página de inspiración autobiográfica, fruto de su pasión no correspondida por la actriz británica Harriet Smithson, en ella se encuentran todos los rasgos del estilo de Berlioz, desde su magistral conocimiento de la orquesta a su predilección por los extremos -que en ocasiones deriva en el uso de determinados efectismos-, la superación de la forma sinfónica tradicional y la subordinación a una idea extramusical.

La orquesta, sobre todo, se convierte en la gran protagonista de la obra: una orquesta de una riqueza extrema, llena tanto de sorprendentes hallazgos tímbricos como de combinaciones sonoras novedosas, que en posteriores trabajos el músico amplió y refinó más aún, y que hallaron en su Tratado de instrumentación y orquestación su más lograda plasmación teórica. Fue tal el éxito conseguido por la Sinfonía fantástica que inmediatamente se consideró a su autor a la misma altura que Beethoven, comparación exagerada pero que ilustra a la perfección la originalidad de la propuesta de Berlioz, en una época en que muchas de las innovaciones del músico de Bonn aún no habían sido asimiladas por público y crítica.



Tras el estreno de esta partitura, la carrera del músico francés se desarrolló con rapidez, aunque no por ello estuvo libre de dificultades. En 1833 consiguió la mano de Harriet Smithson, con lo cual se cumplía uno de los sueños del compositor, aunque la relación entre ambos distara luego de ser idílica. Durante la década de 1830, a pesar del fracaso de su ópera Benvenuto Cellini, otras sinfonías programáticas incrementaron la fama de Berlioz: Harold en Italia, basada en un texto de lord Byron, un monumental Réquiem y la sinfonía coral Romeo y Julieta, basada en el Romeo y Julieta de Shakespeare.

Un nuevo trabajo lírico, la ambiciosa epopeya Los troyanos, le iba a ocupar durante cuatro años, de 1856 a 1860, sin que llegara a verla nunca representada íntegra en el escenario. Los infructuosos esfuerzos por estrenarla, junto a la indiferencia y aun hostilidad con que era recibida cada una de sus nuevas obras en Francia, son algunas de las razones que explican que los últimos años de vida de Berlioz estuvieron marcados por el sentimiento de que había fracasado en su propio país.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 18 puntos

Vótalo:

Schönberg

38

Schönberg

https://www.youtube.com/watch?v=KsIATAaR-X0

(Arnold Schoenberg o Schönberg; Viena, 1874 - Los Ángeles, 1951) Compositor y pintor austríaco, nacionalizado estadounidense. Su vida y su obra se vieron siempre rodeadas de polémica. Compositor y pedagogo -sus alumnos Alban Berg y Anton von Webern ocupan un lugar de privilegio en la historia de... Ver mas
(Arnold Schoenberg o Schönberg; Viena, 1874 - Los Ángeles, 1951) Compositor y pintor austríaco, nacionalizado estadounidense. Su vida y su obra se vieron siempre rodeadas de polémica. Compositor y pedagogo -sus alumnos Alban Berg y Anton von Webern ocupan un lugar de privilegio en la historia de la música- , fue una figura capital en la evolución de la música durante el siglo XX, aunque chocó con la incomprensión del público y la crítica de su época, poco dispuestos a aceptar la ruptura con el sistema tonal que su obra representaba.

Sin embargo, es importante señalar que Schönberg nunca se consideró a sí mismo como un revolucionario, sino más bien como un eslabón más en una tradición musical que se remonta hasta Bach. En este sentido el dodecafonismo, más que el fin de la tonalidad, suponía el intento de sistematización de un nuevo método que permitiera superar sus contradicciones.


Arnold Schönberg

Hijo de una familia de origen judío, Schönberg se inició en la música de forma autodidacta. Las únicas lecciones que recibió en su vida se las dio el compositor Alexander von Zemlinsky, quien en 1901 se convirtió en su cuñado. Su impecable técnica fue fruto de una innegable capacidad innata y del estudio constante de la obra de los grandes maestros de la tradición germánica, desde Bach hasta Mahler, músico éste con el que mantuvo un estrecho contacto, no exento, por cierto, de tensiones.

De 1899 data su primera obra maestra, el sexteto de cuerda Noche transfigurada, acabada expresión de la estética posromántica de moda entonces. Pronto, sin embargo, su propia evolución le condujo a la conclusión de que el tradicional sistema armónico tonal se sustentaba sobre una falacia: desde el Tristán e Isolda de Wagner, los principios que definían el concepto de tonalidad se hallaban en crisis, ya que la generalidad de compositores empleaba una armonía en la que la disonancia, la excepción a la regla, no encontraba una resolución inmediata.

Schönberg se propuso entonces buscar un sistema en el que la disonancia quedara emancipada, de modo que todas las notas tuvieran idéntico valor, sin estar sometidas a un centro tonal. La Sinfonía de cámara núm. 1 y el Cuarteto de cuerda núm. 2 inician el camino hacia lo que se ha dado en llamar la etapa expresionista, o atonal, del maestro. Los monodramas Erwartung y La mano feliz, las Cinco piezas para orquesta y el ciclo de veintiún «melodramas» Pierrot lunaire son las obras más representativas de este período, durante el cual el compositor llevó a cabo también, junto a la musical, una importante labor pictórica, su otra gran afición.



El escándalo suscitado por el estreno de la última partitura mencionada en Berlín (1912) fue uno de los mayores que se recuerdan en los anales de la música contemporánea. No por ello Schönberg cejó en sus investigaciones: su preocupación por hallar una técnica que ofreciera suficientes garantías de organización interna y libertad creativa y que, al mismo tiempo, superara las limitaciones de la atonalidad, le llevó a la promulgación del «método de composición con doce sonidos» por primera vez en 1923, en la quinta de las Cinco piezas para piano Op. 23 y, en 1924 y de manera definitiva, en la Suite para piano Op. 25.

Con este sistema, el músico compuso algunas de sus obras más importantes, como las Variaciones para orquesta, la ópera cómica en un acto De hoy a mañana o la bíblica Moisés y Aarón, sin lugar a dudas una de sus partituras más ambiciosas, que quedó inconclusa a su muerte.

La ascensión del nazismo al poder en 1933 privó a Schönberg de su cargo como profesor en la Academia Prusiana de las Artes de Berlín, a cuya plantilla pertenecía desde 1925, y además lo obligó, por su doble condición de judío y compositor «moderno», a tomar el camino del exilio. Estados Unidos fue su destino. Fijada su residencia en Los Ángeles, allí continuó con su actividad docente hasta prácticamente el fin de sus días.





Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 18 puntos

Vótalo:

Eduard Strauss

39

Eduard Strauss

https://www.youtube.com/watch?v=YJ3fTFx6-Bg

Eduard "Edi" Strauss (15 de marzo de 1835 - 28 de diciembre de 1916) fue un compositor austriaco que, junto con los hermanos Johann Strauss II y Josef Strauss formaron la dinastía musical de Strauss. Él era el hijo de Johann Strauss I y Maria Anna Streim. La familia dominó el mundo de la música... Ver mas
Eduard "Edi" Strauss (15 de marzo de 1835 - 28 de diciembre de 1916) fue un compositor austriaco que, junto con los hermanos Johann Strauss II y Josef Strauss formaron la dinastía musical de Strauss. Él era el hijo de Johann Strauss I y Maria Anna Streim. La familia dominó el mundo de la música ligera vienesa durante décadas, creando muchos valses y polcas para muchos nobles austríacos y entusiastas de la música dance de toda Europa. Fue conocido cariñosamente en su familia como 'Edi'.
Vida y música [ editar ]

"Edi" Strauss, silueta de Otto Böhler
El estilo de Eduard Strauss fue individual y no intentó emular las obras de sus otros hermanos o sus contemporáneos. Pero fue recordado principalmente y reconocido como un director de música de baile en lugar de como un compositor importante en la familia Strauss ( ja ) , y su popularidad fue eclipsada por la de sus hermanos mayores. Al darse cuenta de esto, selló su propia marca con la polka rápida, conocida en alemán como "polka-schnell". Entre las polkas más populares que escribió para la Orquesta de Strauss, que continuó conduciendo hasta su disolución el 13 de febrero de 1901, fueron " Bahn Frei! ( Ja ) ", op. 45, "Ausser Rand und Band", op. 168, y "Ohne Bremse", op. 238. También encontró tiempo para escribir algunos hermosos valses, de los cuales solo un puñado sobrevivió a la oscuridad. El más famoso es probablemente "Doctrinen", Op.79. [ citación necesitada ]

La carrera musical de Strauss estuvo plagada de rivalidades, no solo entre sus hermanos, sino también entre el maestro de orquesta militar y compositor de música dance Karl Michael Ziehrer , quien incluso formó una orquesta rival llamada "Orquesta de Eduard Strauss" y comenzó a dar conciertos en Viena bajo este nuevo título. Eduard Strauss archivó con éxito una acción judicial contra Ziehrer por el uso indebido y engañoso de su nombre, pero Ziehrer eventualmente superaría a la familia Strauss en popularidad en Viena, particularmente después de la muerte de sus hermanos más talentosos, Johann Strauss II y Josef Strauss . Su rivalidad se extendería hasta que la Strauss Orchestra se disolviera. [ citación necesitada ]

Strauss se casó con Maria Klenkhart el 8 de enero de 1863 y tuvo dos hijos, Johann Strauss III y Josef Eduard Strauss . [1] El hijo mayor, Johann Strauss III, iba a dirigir el renacimiento de Strauss hasta el siglo XX. El hijo de Josef Eduard, Eduard Strauss II , estaba activo como director.

Sin embargo, los reveses personales en la década de 1890, como la muerte del hermano Johann Strauss II en 1899, y su comprensión de que su familia inmediata había desperdiciado su fortuna personal, llevaron a Eduard Strauss a decidir sobre la jubilación. Eduard Strauss participó en la gira final de su carrera musical a América del Norte en 1899 y en 1901, disolvió la Orquesta Strauss, y regresó a Viena, donde murió en 1916. [1] Se retiró de la vida pública y nunca participó activamente en cualquier actividad musical pública, aunque documentó las memorias de su familia tituladas Erinnerungen en 1906. Está enterrado en el cementerio de Zentralfriedhof (Viena). [ citación necesitada ]

Desde 1825, los Archivos de la Orquesta de Strauss recopilaron las composiciones no solo de Eduard, sino también de Johann II y el resto de la familia Strauss. En 1907, Eduard instruyó que los archivos fueran quemados. Ochenta años después, los directores Alfred Walker y Klaus Heymann lograron armar una colección semi-completa de las obras de Johann (según Johann Strauss II: The Complete Orchestral Edition).

Obras de Eduard Strauss [ editar ]

Eduard Strauss
Artículo principal: Lista de composiciones de Eduard Strauss
Trabaja con los hermanos Strauss [ editar ]
Trifolien vals, ('Trébol') (con Johann II y Josef Strauss) (1865) [2]
Schützen quadrille, ('Sharpshooter') (con Johann II y Josef Strauss) (1866)
Ha recibido 18 puntos

Vótalo:

Barbieri

40

Barbieri

https://www.youtube.com/watch?v=57dkJKSkM0A

Francisco Asenjo Barbieri (Madrid, 3 de agosto de 1823 - 19 de febrero de 1894) fue un compositor y musicólogo español, autor principalmente de zarzuelas. Barbieri es honrado como el creador de un teatro musical característicamente español. Vida y Obra[editar] Barbieri compuso unas... Ver mas
Francisco Asenjo Barbieri (Madrid, 3 de agosto de 1823 - 19 de febrero de 1894) fue un compositor y musicólogo español, autor principalmente de zarzuelas.

Barbieri es honrado como el creador de un teatro musical característicamente español.

Vida y Obra[editar]
Barbieri compuso unas sesenta zarzuelas. Entre ellas destacan algunas obras plenas de ingenio y espíritu popular, como Jugar con fuego (1851), Los diamantes de la corona (1854), Pan y toros (1864) y El barberillo de Lavapiés (1874).

Sus años de infancia transcurrieron entre las paredes del teatro de la cruz, donde su abuelo materno había ejercido de alcaide. Ingresó en el Conservatorio de Madrid donde estudió con Pedro Albéniz (piano), Baltasar Saldoni (canto), Pedro Broca (clarinete) y Ramón Carnicer i Batlle (composición).

Ingresó como clarinete en una banda de la Milicia Nacional, y se vinculó a una compañía de ópera italiana, para la que escribió la ópera Il Buontempone, que el fracaso económico de la compañía le impidió estrenar; ejerció de crítico y fue apuntador del teatro del Real Palacio, cuya efímera existencia le impidió prosperar. Fundó una revista de música, La España musical, donde surgió su interés por la naciente ciencia de la musicología, de la que fue, junto con Felipe Pedrell, el primer representante en España.

Participó en las polémicas sobre la «ópera nacional», tan en boga en la década de 1840, y finalmente se sumó a las iniciativas de teatro musical en castellano que desembocarían en el espectacular renacimiento de la zarzuela, fundando con Gaztambide, Ynzenga, Hernando y Oudrid la «Sociedad Artística», que consolidó el género. Poco más tarde fundó, con la incorporación de Arrieta a la entidad, el Teatro de la Zarzuela de Madrid, en la calle de Jovellanos (octubre de 1856).

Durante estos años de dedicación teatral escribió más de setenta zarzuelas: Gloria y Peluca (1850), Jugar con fuego (1851), Todos son raptos (1851), El marqués de Caravaca (1853), Los diamantes de la corona (1854), El sargento Federico (junto con Gaztambide, 1855), Mis dos mujeres (1855), El diablo en el poder (1856), Un tesoro escondido (1861), Pan y toros (zarzuela) (1864), El barberillo de Lavapiés (1874) y El señor Luis el tumbón (1891), por citar splo los títulos más sobresalientes.

También cultivó Barbieri otros géneros musicales. En 1884 puso música al himno Visça la pau, con texto del poeta catalán Apel-Les Mestres, y el motete Versa est Luctum.

Barbieri escribió multitud de artículos y reunió un importante archivo de documentación musical que ha sido publicado por la Sociedad de Autores en años recientes. Redactó el importante prólogo de la Crónica de la ópera italiana en Madrid, de Luis Carmena y Millán (1878), donde puso las bases de la historia del género italiano en Madrid. Publicó, entre otros documentos musicales de primer orden, El cancionero de Palacio; investigó y reconstruyó parte de la biografía de Antonio Eximeno, el más importante musicólogo español, de quien editó su novela satírica y musicológica Don Lazarillo Vizcardi. Por lo demás, fue académico de Bellas Artes al crearse la Sección de Música en esta institución; más tarde fue miembro de la Real Academia Española. Hasta el fin de su vida polemizó en defensa de una formación musical más específicamente española en los conservatorios, y en especial en el Madrid.

Las zarzuelas[editar]
A continuación se clasifica la mayoría de las zarzuelas estrenadas por Francisco Asenjo Barbieri.


Catálogo de zarzuelas de Francisco Asenjo Barbieri
Año Obra Tipo de obra Libretista
1850 Gloria y peluca Zarzuela (1 acto) José de la Villa del Valle
1850 Tramoya Zarzuela (1 acto) José Olona
1850 Escenas en Chamberí (en colaboración con Joaquín Gaztambide, Rafael Hernando y Cristóbal Oudrid) Zarzuela (1 acto) José Olona
1850 La picaresca (en colaboración con Gaztambide) Zarzuela (2 actos) Carlos García Doncel y Eduardo Asquerino
1851 Jugar con fuego Zarzuela (3 actos) Ventura de la Vega
1851 Por seguir a una mujer viaje. (en colaboración con Gaztambide y Hernando) Zarzuela (4 escenas) José Olona
1852 El Manzanares Zarzuela (1 acto) Mariano Pina y Bohigas
1852 Gracias a Dios que está puesta la mesa!. Zarzuela (1 acto) José Olona
1853 El marqués de Caravaca Zarzuela (2 actos) Ventura de la Vega
1853 Don Simplicio Bodadilla (en colaboración con Gaztambide, Hernando] y José Inzenga) Zarzuela (3 actos) Manuel Tamayo y Baus y Victorino Tamayo y Baus
1853 Galanteos en Venecia Zarzuela (3 actos) José Olona
1854 Aventura de un cantante Zarzuela (1 acto) José María Gutiérrez de Alba
1854 Los diamantes de la corona Zarzuela (3 actos) Francisco Camprodón según Eugène Scribe
1855 Mis dos mujeres Zarzuela (3 actos) Luis Olona
1855 Los dos ciegos Zarzuela (1 acto) Luis Olona
1855 El sargento Federico (en colaboración con Gaztambide]) Zarzuela (4 actos) José Olona
1855 El vizconde Zarzuela (1 acto) Francisco Camprodón
1856 El diablo en el poder Zarzuela (3 actos) Francisco Camprodón
1857 El relámpago Zarzuela (3 actos) Francisco Camprodón
1857 Jugar con fuego Zarzuela (3 actos) Ventura de la Vega
1857 El sargento Federico (en colaboración con Gaztambide]) Zarzuela (4 actos) Luis Olona
1858 Amar sin conocer (en colaboración con Gaztambide]) Zarzuela (3 actos) José Olona
1858 Un caballero particular Zarzuela (1 acto) Carlos Frontaura
1858 Por conquista Zarzuela (1 acto) Francisco Camprodón
1859 El robo de las sabinas Zarzuela (2 actos) Antonio García Gutiérrez
1859 Entre mi mujer y el negro Zarzuela (2 actos) Luis Olona
1859 El niño Zarzuela (1 acto) Mariano Pina Domínguez
1861 Un tesoro escondido Zarzuela (3 actos) Ventura de la Vega
1862 El secreto de una dama Zarzuela (3 actos) Luis Rivera
1863 Dos pichones del Turia Zarzuela (1 acto) Rafael María Liern
1864 Pan y toros Zarzuela (3 actos) José Picón
1866 Gibraltar en 1890 Zarzuela (1 acto) José Picón
1867 Un tesoro escondido Zarzuela (3 actos) Ventura de la Vega
1868 El pan de la boda Zarzuela (2 actos) Francisco Camprodón
1869 Le trésor caché Zarzuela (3 actos) Ventura de la Vega
1870 Robinsón (zarzuela) Zarzuela (3 actos) Rafael García Santisteban
1871 Los holgazanes Zarzuela (3 actos) José Picón
1871 Don Pacífico (o «El dómine irresoluto») Zarzuela (1 acto) Antonio María Segovia
1871 El hombres es débil Zarzuela (1 acto) Mariano Pina Domínguez
1872 Sueños de oro Zarzuela (3 actos) Luis Mariano de Larra
1873 Los comediantes de antaño Zarzuela (3 actos) Mariano Pina y Bohigas
1873 El matrimonio interrumpido Zarzuela (1 acto) Miguel Pastorfido
1874 El Barberillo de Lavapiés Zarzuela (3 actos) Luis Mariano de Larra
1874 El domador de fieras Zarzuela (1 acto) Ramos Carrión y Campo-Arana
1875 La vuelta al mundo. Zarzuela (3 actos) Luis Mariano de Larra
1876 Chorizos y polacos Zarzuela (3 actos) Luis Mariano de Larra
1876 La confitera Zarzuela (1 acto) Mariano Pina y Bohiga
1876 Juan de Urbina Zarzuela (3 actos) Luis Mariano de Larra
1877 Artistas para La Habana Zarzuela (1 acto) Rafael Maria Liern y Augusto E. Mandan y García
1877 Los carboneros Zarzuela (1 acto) Mariano Pina y Bohigas
1878 El triste Chactas Zarzuela (1 acto) Pedro María Barrera
1879 Los chichones Zarzuela (1 acto) Mariano Pina y Bohigas
1880 ¡A Sevilla por todo! Zarzuela (2 actos) Javier de Burgos
1881 Anda, valiente zarzuela Mariano Pina Bohigas
1883 Sobre el canto de Ultreja Zarzuela (1 acto) Flores Laguna
1884 De Getafe al paraíso (o «La familia del tío Maroma») Sainete Lírico (2 actos) Ricardo de la Vega
1884 Hoy sale hoy ...! (en colaboración con Federico Chueca) Zarzuela (1 acto) Tomas Luceño y Javier de Burgos
1884 Los fusileros Zarzuela (3 actos) Mariano Pina Domínguez
1885 Novillos en polvoranca (o «Las hijas de Paco Ternero») Zarzuela (1 acto) Ricardo de la Vega
1891 El señor Luis el Tumbón (o «Despacho de huevos frescos») Zarzuela (1 acto) Ricardo de la Vega
- La vuelta al mundo Zarzuela (4 actos) Luis Mariano de Larra
Curiosidades[editar]
En su infancia Barbieri ya era descrito como un niño de fuerte personalidad, hasta el punto de que su abuelo decidió internarlo en el Convento de los Trinitarios de Santa Cruz de la Zarza (Toledo).1​ Allí estudió latín, retórica, poética, y fue donde se gestó la base del escritor, crítico, bibliófilo, dominador de latines y de literatura española, de lo que hizo gala durante el resto de su vida.

Detalle curioso de la vida del compositor fue el haber sido madrina suya una hija del famoso músico y tonadillero Blas de La Serna. Parece como si le hubiese transmitido el don de la música, puesto que el joven Asenjo (más tarde usará con preferencia el apellido Barbieri, de sonido italiano y por lo tanto «más musical») abandonó otras carreras de «mayor provecho» por la música. Francisco Asenjo Barbieri figura en la Lista de los autores encargados de la redacción del "Diccionario Enciclopédico Hispano-Americano de Literatura, Ciencias y Artes" publicado por Montaner y Simón en Barcelona, entre 1887 y 1899 por "Instrumentos de música populares en España". Fue igualmente una figura destacada dentro de la cultura gastronómica de la época, citado por muchos autores.2​

También destaca como curiosidad su afán por dominar el arte de la zanfoña y el elevado número de piezas que escribió para este instrumento. Además, por último, cabe destacar su gusto por el motete.
Ha recibido 18 puntos

Vótalo:

Isaac Albéniz

41

Isaac Albéniz

https://www.youtube.com/watch?v=ShXNe4kc6M8

(Camprodón, España, 1860 - Cambo-les-Bains, Francia, 1909) Compositor y pianista español. La vida de Isaac Albéniz, sobre todo durante su niñez y su juventud, es una de las novelas más apasionantes de la historia de la música. Niño prodigio, debutó como pianista a los cuatro años, con gran éxito... Ver mas
(Camprodón, España, 1860 - Cambo-les-Bains, Francia, 1909) Compositor y pianista español. La vida de Isaac Albéniz, sobre todo durante su niñez y su juventud, es una de las novelas más apasionantes de la historia de la música. Niño prodigio, debutó como pianista a los cuatro años, con gran éxito, en un recital en Barcelona. Tras estudiar piano en esta ciudad e intentar, infructuosamente, ingresar en el Conservatorio de París, prosiguió sus estudios en Madrid, adonde su familia se había trasladado en 1869.


Isaac Albéniz

Espíritu inquieto, a los diez años se fue de casa, y recorrió varias ciudades y pueblos de Castilla organizando sus propios conciertos. Una segunda fuga, en 1872, le llevó a Buenos Aires. Protegido por el secretario particular de Alfonso XII, el conde de Morphy, Albéniz, consciente de sus carencias técnicas, pudo proseguir sus estudios en el Conservatorio de Bruselas.

Año importante fue el de 1882: contrajo matrimonio y conoció al compositor Felip Pedrell, quien dirigió su atención hacia la música popular española, inculcándole la idea, esencial para el desarrollo de su estilo de madurez, de la necesidad de crear una música de inspiración nacional. Fue entonces cuando Albéniz, que hasta ese momento se había distinguido por la creación de piezas salonísticas agradables y sin pretensiones para su instrumento, el piano, empezó a tener mayores ambiciones respecto a su carrera como compositor.

Su estilo más característico comenzó a perfilarse con las primeras obras importantes de carácter nacionalista escritas a partir de 1885, en especial con la Suite española de 1886. Su ideal de crear una «música nacional de acento universal» alcanzó en la suite para piano Iberia, su obra maestra, su más acabada expresión. Admirada por músicos como Debussy, la influencia de esta partitura sobre otros compositores nacionalistas españoles, entre ellos Falla y Granados, fue decisiva. Ella sola basta para otorgar a Albéniz un lugar de privilegio en la música española.

La obra de Albéniz

Aunque cultivó variados géneros, en su obra predominan las composiciones para piano. En su música para este instrumento se pueden distinguir tres épocas. En la primera, que abarca desde sus composiciones de juventud hasta aproximadamente 1880, Albéniz compone obras de carácter romántico e intimista, influidas claramente por la música de salón. Entre las principales piezas de dicha etapa cabe citar sus siete sonatas para piano y sus tres Suites anciennes, además de los Seis pequeños valses.

Su etapa nacionalista española se abre con las cinco piezas que integran los Cantos de España (Preludio, Oriental, Bajo la palmera, Córdoba, Seguidillas). La mayoría de las composiciones de esta segunda etapa están inscritas en la corriente de tintes andaluces denominada "alhambrismo", caracterizada por la profusión de ritmos de danzas populares y de elementos del cante jondo, así como por el uso de escalas modales como la frigia y ornamentaciones propias de la escritura para guitarra; no obstante, en algunas piezas de este período también se escuchan rasgos folclóricos de otras provincias españolas. Otras obras incluidas dentro de este apartado son las Doce piezas características, la Suite Española y el Concierto fantástico en La menor.



La tercera etapa creadora de Albéniz posee resonancias impresionistas, en parte fruto de sus viajes a París y de la amistad que le unió a compositores como Debussy, máximo representante del impresionismo musical francés. Su obra principal de esta última época es Iberia, una síntesis de diversos estilos musicales que debe mucho a la escritura virtuosística para piano de Liszt, con ciertos ecos guitarrísticos.

Las doce piezas que componen los cuatro cuadernos de Iberia tienen una arquitectura compleja. La mayoría de ellas emplean ritmos característicos de danza que se alternan con un estribillo lírico de carácter vocal o copla. El primer cuaderno incluye las piezas Evocación, El puerto y Corpus Christi en Sevilla, esta última eminentemente descriptiva. En el segundo cuaderno se hallan las obras Rondeña, Almería y Triana, que de nuevo hacen mención a rincones andaluces. El tercer cuaderno lo inicia la pieza titulada El Albaicín (en honor al barrio granadino de igual nombre), seguida de El Polo y de Lavapiés, única pieza de Iberia inspirada en un lugar no andaluz. Y por último Málaga, Jerez y Eritaña, que son las tres piezas que integran el cuarto cuaderno.


Albéniz y su hija Laura (hacia 1905)

Albéniz no posee una producción orquestal muy amplia, pero todas sus obras sinfónicas están dotadas de un colorido y una armonía de gran riqueza, así como de destacables innovaciones instrumentales. En ocasiones incluso integraba en la orquesta instrumentos de viento de la cobla catalana. Respecto a su música escénica, hay que citar Pepita Jiménez; representada en toda Europa, fue siempre la obra favorita del compositor. En esta ópera Albéniz se aleja de la tradición wagneriana para desarrollar un lenguaje autóctono, expresivo y lírico. En cambio, en sus óperas Henry Clifford y Merlin, es patente su admiración por Wagner.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 18 puntos

Vótalo:

Offenbach

42

Offenbach

https://www.youtube.com/watch?v=0-92JDBLKjw

(Jakob Eberscht; Colonia, Alemania, 1819 - París, 1880) Compositor y violoncelista francés de origen alemán. La opereta francesa tiene en Offenbach a su representante más universal. Hijo de un cantor de la sinagoga de Colonia, se llamaba en realidad Jakob Eberscht (según otros, Jakob Lévy: el... Ver mas
(Jakob Eberscht; Colonia, Alemania, 1819 - París, 1880) Compositor y violoncelista francés de origen alemán. La opereta francesa tiene en Offenbach a su representante más universal.

Hijo de un cantor de la sinagoga de Colonia, se llamaba en realidad Jakob Eberscht (según otros, Jakob Lévy: el seudónimo Offenbach derivaría, según algunos, del lugar de nacimiento, que sería la pequeña ciudad de Offenbach, y no Colonia). Habiendo marchado muy joven a París, siguió durante un año el curso de violoncelo en el Conservatorio y entró después (1834) en la orquesta de la ópera Cómica.


Jacques Offenbach

Su primera opereta, Pascal et Chambord, fue representada el 2 de marzo de 1839 en el Théâtre del Palais-Royal, pero no dejó ninguna huella de su nombre. Alcanzó el éxito en 1849, cuando, habiendo obtenido la dirección de la orquesta del Théâtre Français, escribió la Chanson de Fortunio para la representación de El Candelero de A. de Musset.

Offenbach comenzó con Pepito su afortunada carrera de compositor de operetas. En 1855 abrió un teatro propio, que llamó "des Bouffes-Parisiens". Debutó allí el 5 de julio con Les deux aveugles y Une nuit blanche, primeras de una serie de 87 operetas (sin contar los arreglos y los trabajos póstumos), la mayor parte de las cuales se estrenaron en su teatro. Pero hasta 1858 no conoció Offenbach un triunfo auténtico: entre las producciones de aquellos años sólo cuatro merecen citarse: Madame Papillon (1855), que marca el comienzo de su afortunadísima colaboración con Ludovic Halévy, Ba-ta-clan (1855), Tromb-al-Cazar (1856) y Le mariage aux lanternes (1857).

El 21 de octubre de 1858 los "Bouffes-Parisiens" presencian el estreno de Orfeo en los infiernos; irónico y audaz, Offenbach dibuja en esta obra un retrato despreocupado y realista, aunque parcial, de la sociedad del Segundo Imperio, sazonado con una música irresistible y pegadiza, por su ritmo, por su color y por su gracia melódica.



Siguieron, entre otras, Geneviève de Brabant (1859), Chanson de Fortunio (1861, desarrollo autónomo de El Candelero), Bavard et Bavarde (1862), Lieschen et Fritzchen (1863), hasta el 17 de diciembre de 1864 en que se representó, en el Théâtre des Varietés, la que se ha considerado su obra maestra, La bella Elena.

A ella le siguieron Barba Azul (1866), La vida parisiense (1866), La Gran Duquesa de Gérolstein (1867), todas con libreto de Meilhac y Halévy. Con La Périchole (1868), comienza Offenbach a buscar un mayor refinamiento, una sensibilidad más variada y delicada, un ambiente armónico más cuidado.

Vertvert (1869), La princesse de Trébizonde (1869), Les brigands (1869), Le roi Carotte (1872, con texto de Sardou), Les braconniers (1873); La jolie parfumeuse (1873), los arreglos de Orphée aux Enfers y de Geneviève de Brabant (1874 y 1875) y La boulangère (1875) marcan un continuo progreso en tal sentido, hasta Madame Favart (1878) y La fille du tambour-majeur (1879), que se resienten ya de una atmósfera massenetiana y se encuentran en el límite que separa espiritualmente, aunque no formalmente, la ópera de la opereta. Límite que Offenbach se había propuesto franquear definitivamente con Los cuentos de Hoffmann; esta obra le ocupó los últimos años de su vida y le abrió las puertas de la Opéra Comique, aunque después de su muerte, ya que fueron representados el 10 de febrero de 1881.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 18 puntos

Vótalo:

Ennio Morricone

43

Ennio Morricone

https://www.youtube.com/watch?v=C6B1k8F_FZQ

(Roma, 1928) Compositor italiano. Considerado uno de los más grandes autores de música para el cine de todos los tiempos, compuso la banda sonora de más de 400 películas. Su producción, eminentemente cinematográfica, es vastísima y sumamente heterogénea, siempre centro de polémicas, objeto de... Ver mas
(Roma, 1928) Compositor italiano. Considerado uno de los más grandes autores de música para el cine de todos los tiempos, compuso la banda sonora de más de 400 películas. Su producción, eminentemente cinematográfica, es vastísima y sumamente heterogénea, siempre centro de polémicas, objeto de amores y de odios. En febrero de 2007, y después de cinco nominaciones sin galardón, recibió un Oscar honorífico de la Academia de Hollywood como homenaje a su dilatada carrera.

Hijo de un trompetista y de una ama de casa, Ennio Morricone fue el mayor de cinco hermanos. Su familia, de clase media y afincada en el barrio del Trastevere, vivió durante mucho tiempo sin penurias, pero también sin lujos, únicamente con el sueldo del padre, hasta que la madre probó fortuna trabajando en una tienda de ropa. Curiosamente, en la escuela coincidió con Sergio Leone, quien con el tiempo se convertiría en realizador y para el que el futuro compositor escribiría bandas sonoras.


Ennio Morricone

Con sólo diez años, y tras foguearse en la orquestina aficionada de Constantino Ferri, Morricone se matriculó en el Conservatorio de Santa Cecilia para estudiar trompeta bajo la égida de Umberto Semproni, y tres años más tarde fue escogido entre otros estudiantes jóvenes para formar parte de la orquesta de la institución, con la que realizó una gira por el Véneto bajo la dirección de Carlo Zecchi.

En 1943, viendo las impresionantes dotes de Ennio Morricone para la armonía, el profesor Roberto Caggiano lo animó a iniciar seriamente los estudios de esta disciplina. Al completar el curso en sólo seis meses, le sugirió que encaminase su formación hacia la composición. Esto fue lo que hizo al año siguiente, al estudiar con Carlo G. Gerofano y Antonio Ferdinandi.

El director Alberto Flamini lo escogió como segundo trompa para su orquestina, en la que doblaba las líneas del primer trompeta, que no era otro que Mario Morricone, su propio padre. Con esta formación se acostumbró a los escenarios profesionales, tocando en diversos hoteles de Roma para las tropas americanas establecidas en territorio italiano al término de la II Guerra Mundial.

Después de obtener el título de trompetista, inició su carrera como compositor, dedicándose particularmente a la música vocal y de cámara. Su producción “culta” abarca piezas corales, lied, música incidental y de cámara. Durante la década de 1950 completó su formación compositiva de la mano del gran Goffredo Petrassi. En 1955 comenzó a arreglar música para películas, actividad que interrumpió por su servicio militar. Un año después se casó con Maria Travia, y al siguiente tuvo a su primer hijo, Marco.

Por motivos exclusivamente crematísticos, en 1958 aceptó un empleo como asistente de dirección para la RAI, pero el primer día de trabajo abandonó. En lugar de eso, y todavía influido por el vanguardismo de su maestro Petrassi, se matriculó en un seminario impartido por John Cage en Darm-stadt. El dinero venía de un lado bien distinto: sus arreglos para series de televisión.

Es difícil imaginar qué hubiera sido de la posterior carrera de Morricone si las circunstancias lo hubieran convertido en otro de los compositores italianos de vanguardia (como Luciano Berio y Luigi Nono) que triunfaron en el entorno de Darmstadt durante la década de 1960. Pero la historia quiso que en 1961, el mismo año en que nació su hija Alessandra, compusiera su primera banda sonora para el cine.

Se trataba de la música para el filme Il Federale, de Luciano Salce. En 1964 comenzaron sus colaboraciones para Bernardo Bertolucci y Sergio Leone. Curiosamente, fue el cine de este último el que le dio fama: la pegadiza melodía de Por un puñado de dólares le reportó una inmensa popularidad y un montón de nuevos encargos: Pier Paolo Pasolini y Giulio Pontecorvo, entre otros, reclamaron sus servicios. Al mismo tiempo, formaba parte del Gruppo Internazionale d’Improvvisazione.

La creciente actividad cinematográfica le haría abandonar a finales de la década la faceta “culta” de su producción, sobre todo a raíz del estruendoso éxito de la música para El bueno, el feo y el malo (1966), de Sergio Leone. La fórmula de Morricone era tan sencilla como efectiva: orquestaciones poco densas, pero con un sonido seco y transparente que años más tarde inspiraría a muchas bandas de rock, temas que se clavaban inmediatamente en la memoria del oyente, y un enorme respeto por la trama y los personajes del filme. Músico de gran intuición, Morricone dejaba “hablar a la historia” y huía de divismos de autor. No olvidemos que una curiosa teoría de Morricone es la de que la música de una score no pertenece al compositor, sino al filme: “Lo que prima es la necesidad de la historia que cuenta la película”.



A partir de 1970 inició una nueva actividad, la pedagógica. Maestro de composición en el Conservatorio de Frosinone, tuvo como alumnos a Luigi de Castris y Antonio Poce, entre otros. Esta etapa favoreció un cierto retorno a su faceta de autor, en forma de una colaboración con el Studio R7 de Música Electrónica.

Un año más tarde, después de trabajar siempre en Europa, aceptó un encargo americano, concretamente del gran Edward Dmytryk, para quien compuso la música de El factor humano. Su relación con Estados Unidos nunca fue positiva: el estilo de vida estadounidense no le atraía en absoluto, se negó a instalarse en Los Ángeles y más aún a aprender inglés. Aun así, fue nominado cinco veces al Oscar, la primera en 1979 por el western Días del cielo.

Después de veinte años de una actividad monstruosa, lo que implicaba una producción de calidad harto desigual, en 1983 se convirtió en miembro del Consejo de Administración de la asociación Nuova Consonanza, dedicada a la música contemporánea, y redujo drásticamente su producción para el cine. A pesar de ello, tuvo tiempo de firmar en 1984 la que muchos consideran su mejor partitura: la banda sonora de Érase una vez en América, el último filme de su amigo Sergio Leone.

En 1986 fue nominado por la banda sonora de La misión, de Azahara Seller, pero sorprendentemente tampoco se llevó el Oscar, una decisión por parte de los miembros de la Academia de las Artes y las Ciencias de Hollywood que a día de hoy aún le resulta incomprensible a Morricone. Dos años más tarde volvió a quedarse a las puertas de la gloria con una tercera nominación, por Los intocables de Elliot Ness, de Brian de Palma. Aún volvería a ser nominado en otras dos ocasiones: en 1992, por Bugsy, de Barry Levinson y en 2001, por Malena, de Giuseppe Tornatore. Esta reticencia siempre se ha interpretado como un voto de castigo de la crítica estadounidense por la actitud de un artista de reconocida militancia europeísta.

Volcado hacia finales de la década de 1980 y la primera mitad de la década de 1990 en su producción culta, Morricone recibió un auténtico rosario de premios, homenajes y reconocimientos en forma de programaciones y ciclos de conciertos a lo largo y ancho de toda la geografía italiana. La culminación fue la concesión, por iniciativa del primer ministro Oscar Luigi Scalfaro, del título de Commendatore dell’Ordine Al Merito della Reppublica Italiana en 1995.

Sorprendentemente, en la edición de los Oscar de 2007, Ennio Morricone recibió por fin una estatuilla por parte de la Academia, en reconocimiento a su inmensa carrera. Un premio que llegó cuando Morricone ya no lo necesitaba, pero que, según reconoció, “finalmente me lo quedaré”.

Morricone, que siguió trabajando al ritmo que le apetecía para el cine y la televisión, fue siempre un personaje de trato difícil, seco y hostil con la prensa e implacable con el diletantismo. Aseguraba no comprender el éxito de su música, que atribuía a la claridad temática y a la simplicidad armónica de muchas de sus composiciones, y afirmaba estar convencido de que no volvería a trabajar jamás en Estados Unidos. Crítico con todos los sectores, incluidos los de su medio, su mismo método de trabajo apuntaba a sus carencias: “como los realizadores no saben demasiado de música, preparo siempre tres orquestaciones diferentes para mis temas”.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 18 puntos

Vótalo:

Joaquín Rodrigo

44

Joaquín Rodrigo

https://www.youtube.com/watch?v=SyD9KmZXw8w

(Sagunto, 1902 - Madrid, 1999) Compositor español. Perdió la vista a los tres años de edad a causa de una difteria, por lo que escribió en Braille toda su producción, que después dictaba a un copista. Estudió composición con Francisco Antich en Valencia (1920-1923). En 1927 se trasladó a París... Ver mas
(Sagunto, 1902 - Madrid, 1999) Compositor español. Perdió la vista a los tres años de edad a causa de una difteria, por lo que escribió en Braille toda su producción, que después dictaba a un copista. Estudió composición con Francisco Antich en Valencia (1920-1923). En 1927 se trasladó a París para ampliar sus estudios en la École Normale de Musique con Paul Dukas (hasta 1932) y, posteriormente, musicología con Maurice Emmanuel y André Pirro.


Joaquín Rodrigo

En la capital gala trabó amistad con personalidades tan eminentes como Manuel de Falla, Arthur Honegger o Maurice Ravel. En 1933 contrajo matrimonio con la pianista turca Victoria Kamhi y, después de una estancia en Suiza, se instalaron definitivamente en Madrid a partir de 1940, donde ganó la plaza de catedrático de Historia de la Música para la Universidad de Madrid.

Ese mismo año presentó su Concierto de Aranjuez para guitarra y orquesta que le daría fama universal. El compositor mostró en esta obra un estilo inconfundible, al que denominó "neocasticismo". En sus composiciones destaca la preferencia por las formas clásicas y los elementos refinados como enlace entre las tradiciones españolas del pasado y las tradiciones del presente. Conocedor de las corrientes estéticas europeas, no abandonó su propio estilo, con el que continuamente afirmó su propia personalidad.

Escribió obras en todas las estructuras musicales formales, particularmente el concierto. Sus composiciones incluyeron música para teatro, y cultivó, sobre todo, la música vocal (Cántico de la esposa, 1934; Cuatro madrigales amatorios, 1948), aportando a la canción un nuevo lenguaje universal con piezas maestras. Además, compuso importantes obras para violín, violoncelo y flauta. No obstante, debe su fama a su contribución al repertorio de guitarra, dándole universalidad a la guitarra española como instrumento de concierto.



Entre sus obras para instrumentos y orquesta destacan Suite (1923), Berceuse de otoño (1923), Preludio al gallo mañanero (1926), À l'ombre de Torres Bermeja (1945) y Cinco sonatas de Castilla (1951), Concierto heroico para piano y orquesta (1942), Concierto de estío para violín y orquestra (1943), Ausencias de Dulcinea, para gran orquesta, barítono y cuatro sopranos (1948), Concierto galante para violoncelo y orquestra (1949), Música para un códice salmantino (1953), para solistas, coro y orquesta de cámara, Junto al Generalife (1955), para guitarra sola, Fantasía para un gentilhombre (1955), para guitarra y orquestra, Concierto Andaluz (1966), para cuatro guitarras y orquesta y música de escena, Concierto para una fiesta (1982), Homenaje a Turina (1982) y Cántico de san Francisco de Asís (1986).

Entre los muchos galardones que recibió destacan su investidura como doctor "honoris causa" por varias universidades (Salamanca, California del Sur, Politécnica de Valencia, Complutense de Madrid, Alicante y Exeter), Medalla de Oro al Trabajo, Medalla de Oro de Bellas Artes y Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1996). En 1990 fue investido por el rey don Juan Carlos I con el título nobiliario de Marqués de los Jardines de Aranjuez.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 18 puntos

Vótalo:

Monteverdi

45

Monteverdi

https://www.youtube.com/watch?v=yxBT1pfVAKQ

(Cremona, actual Italia, 1567-Venecia, 1643) Compositor italiano. La figura que mejor ejemplifica la transición en el ámbito de la música entre la estética renacentista y la nueva expresividad barroca es la del cremonés Monteverdi. Educado en la tradición polifónica de los Victoria, Lasso y... Ver mas
(Cremona, actual Italia, 1567-Venecia, 1643) Compositor italiano. La figura que mejor ejemplifica la transición en el ámbito de la música entre la estética renacentista y la nueva expresividad barroca es la del cremonés Monteverdi. Educado en la tradición polifónica de los Victoria, Lasso y Palestrina, este músico supo hacer realidad la nueva y revolucionaria concepción del arte musical surgida de las teorías de la Camerata Fiorentina, que, entre otras cosas, supuso el nacimiento de la ópera.

Hijo de un médico de Cremona, se dio a conocer en fecha bastante temprana como compositor: publicó su primera colección de motetes en Venecia cuando sólo contaba quince años. Su maestría en el arte de tañer la viola le valió entrar en 1592 al servicio del duque Vincenzo Gonzaga de Mantua, a la sazón una de las cortes más prósperas de Italia.


Monteverdi

Tras seguir a su señor en la campaña contra los turcos en Austria y Hungría, y visitar Flandes, viajes éstos que le permitieron conocer otras escuelas musicales ajenas a la italiana, fue nombrado maestro de capilla de Mantua en 1601, con la función de proveer toda la música necesaria para los actos laicos y religiosos de la corte.

Una fecha clave en su evolución fue la del año 1607, en que recibió el encargo de componer una ópera. El reto era importante para un compositor educado en la tradición polifónica que hasta aquel momento había destacado en la composición de madrigales a varias voces, pues se trataba de crear una obra según el patrón que Jacopo Peri y Giulio Caccini; ambos músicos de la Camerata Fiorentina, habían establecido en su Euridice, una obra en un nuevo estilo, el llamado stile rappresentativo, caracterizado por el empleo de una sola voz que declama sobre un somero fondo instrumental. Una pieza dramático-musical, en fin, en que a cada personaje le correspondía una sola voz.

Esto, que hoy puede parecer pueril, en la época suponía un cambio de mentalidad radical: el abandono de la polifonía, del entramado armónico de distintas voces, por el cultivo de una única línea melódica, la monodia acompañada. El resultado fue La favola d'Orfeo, composición con la que Monteverdi no sólo superó el modelo de Peri y Caccini, sino que sentó las bases de la ópera tal como hoy la conocemos.



El éxito fue inmediato y motivó nuevos encargos, como L'Arianna, ópera escrita para los esponsales de Francisco de Gonzaga y Margarita de Saboya, de la que sólo subsiste un estremecedor Lamento. La muerte en 1612 de su protector Vincenzo Gonzaga motivó que el músico trocara Mantua por Venecia, donde permaneció hasta su muerte. Maestro de capilla de la catedral de San Marcos, compuso la magistral colección Madrigali guerrieri et amorosi. Las composiciones religiosas ocupan un lugar destacado en su quehacer durante esta larga etapa. También las óperas: en 1637, cuando el compositor contaba ya setenta años, abrieron sus puertas en Venecia los primeros teatros públicos de ópera y, lógicamente, se solicitaron a Monteverdi nuevas obras.

Desde que el músico escribiera Orfeo, el espectáculo había evolucionado considerablemente: de la riqueza vocal e instrumental de las primeras óperas se había pasado a un tipo de obras en las que la orquesta quedaba reducida a un pequeño conjunto de cuerdas y bajo continuo, sin coro; además, la distinción entre recitativo y arioso se había acentuado. A pesar de estas diferencias, Monteverdi supo adaptarse a las nuevas circunstancias con éxito: las dos óperas que han llegado hasta nosotros, Il ritorno d'Ulisse in patria y L'incoronazione di Poppea, son dos obras maestras del teatro lírico, de incontestable modernidad.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 17 puntos

Vótalo:

Rimsky-Korsakov

46

Rimsky-Korsakov

https://www.youtube.com/watch?v=v-jmJzIm-7E

(Nikolái Andréievich Rimski-Korsakov o Rimsky-Korsakov; Tichvin, 1844 - Lyubensk, 1908) Compositor y director de orquesta ruso. Entre 1856 y 1862 estudió en la Escuela de Marina de San Petersburgo, a la vez que se formaba musicalmente. En 1859 comenzó a estudiar piano con F. A. Canille, quien le... Ver mas
(Nikolái Andréievich Rimski-Korsakov o Rimsky-Korsakov; Tichvin, 1844 - Lyubensk, 1908) Compositor y director de orquesta ruso. Entre 1856 y 1862 estudió en la Escuela de Marina de San Petersburgo, a la vez que se formaba musicalmente. En 1859 comenzó a estudiar piano con F. A. Canille, quien le animó a componer y le presentó a Mily Balakirev y Cesar Cui. Junto con estos dos, además de con Borodin y Mussorgsky, formaba el grupo de innovadores de los Cinco.


Rimski-Korsakov

En 1871, cuando aún era oficial de la marina, fue nombrado profesor en el Conservatorio de San Petersburgo, función que ejerció hasta su muerte. Los acontecimientos políticos de 1905 provocaron que fuese suspendido provisionalmente como profesor al haberse opuesto a las medidas disciplinarias tomadas contra los estudiantes del Conservatorio. Abandonó el servicio en la marina en 1873, siendo entonces designado inspector de las orquestas militares de la tropa, puesto que mantuvo hasta 1884. Se dedicó entonces plenamente a la música.

Fue director de orquesta en los conciertos de la Escuela gratuita de música (1874-1881) y subdirector de la Capilla Imperial de 1883 a 1893. A partir de 1886 dirigió también los conciertos sinfónicos rusos creados por Beliaiev. Desde principios de la década de los 90 hasta los primeros años del siglo XX atravesó un período de gran creatividad, dedicado principalmente a la ópera.

Rimski-Korsakov fue el miembro mejor preparado desde el punto de vista técnico del grupo de los Cinco, aunque, como en los casos de sus compañeros Balakirev, Borodin, Cui y Mussorgsky, su dedicación a la música no fuera en sus inicios profesional. Como los demás músicos de su generación, buscaba plasmar en sus óperas un carácter más auténticamente ruso en los temas y la música que sus predecesores. Partió de personajes de la poesía popular, de viejos cuentos, de ritos eslavos, de temas legendarios fantásticos y del romanticismo de Oriente, y trató la ópera con gran variedad de estilos y riqueza musical. Pero también se ocupó de temas en los que la tendencia política se manifiesta claramente, como en El gallo de oro (1906-1907).



Maestro de la orquestación, Nikolái Rimski-Korsakov ocupa un lugar destacado en la música sinfónica de finales del siglo XIX, llegando su influencia hasta Debussy y Ravel. En sus composiciones utilizó tanto modos antiguos de la iglesia como modos poco frecuentes con intervalos aumentados y disminuidos. Escribió, entre otras muchas piezas, tres Sinfonías (1865-1884), Sinfonietta sobre temas rusos (1884), Capricho español (1887) y Sheherezade (1888). Finalizó y reinstrumentó algunas obras de Mussorgsky (La Khovantchina y Boris Gudonov, entre otras), de Borodin (El príncipe Igor), de Dargomijsky (El Convidado de piedra) y preparó numerosas partituras de Glinka para su edición. Entre sus óperas se encuentran títulos como Mlada (1889-1890), Noche de Navidad (1894-1895), Sadko (1895-1896) y Leyenda de la ciudad invisible de Kitej y de la virgen Fevronia (1903-1905).



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 17 puntos

Vótalo:

Paganini

47

Paganini

https://www.youtube.com/watch?v=niAbeJDWZTo

Niccolò Paganini nació en Génova el 27 de octubre de 1782 y falleció en Niza el 27 de mayo de 1840. Como se ha nombrado en la introducción, ha sido el mejor violinista que haya existido, también tocaba la viola, la guitarra y componía y ha marcado una etapa importante de cambios musicales... Ver mas
Niccolò Paganini nació en Génova el 27 de octubre de 1782 y falleció en Niza el 27 de mayo de 1840. Como se ha nombrado en la introducción, ha sido el mejor violinista que haya existido, también tocaba la viola, la guitarra y componía y ha marcado una etapa importante de cambios musicales. Falleció a causa de varias enfermedades que se explicarán seguidamente.

Un dato importante es que nació en una época de supersticiones, por lo que esto ayudó en su carrera. Cuando Paganini era muy pequeño, su padre, Antonio Paganini, se dio cuenta de su gran talento y le dio clases de violín, pues él aparte de dedicarse al comercio marítimo era violinista. Cuando Antonio le enseñó todo lo que sabía, buscó a otros maestros.Tenía los dedos y los brazos más largos de lo normal, lo que le permitió hacerse construir un arco más largo y abarcar más espacio en las cuerdas; este hecho era causa de una enfermedad que se desarrollará con el aumento de su edad. A los 9 años hizo su primer concierto en el que interpretó una obra propia e impresionó tanto al público que éste recogió fondos para que fuera a estudiar con un profesor de prestigio: Allesandro Rolla, en Parma. Cuando Rolla le escuchó tocar le dijo que él no tenía nada que enseñarle.

Debido a su carácter tan aventurero y apasionado, se independizó y comenzó sus giras en 1805 muy joven para lanzarse al mundo de la música empezando por Lombardía, pero hasta 1813 no se le consideró un virtuoso del violín.

En 1827 realizó un concierto bastante importante para su carrera. Fue un concierto propio, compuesto por él en Nápoles. Tuvo gran éxito y ahí realmente demostró su talento al ser él el autor e incluir nuevas técnicas que parecían imposibles hasta el momento.

En 1828 viajó aViena y dio 14 conciertos, donde debutó marcando un antes y un después en su carrera. Siguió preparando conciertos y en 1829 y 1831 se reunió con Goethe, Heine y Schumann. Paganini tuvo gran influencia sobre estos artistas, quienes vieron inspiración en él. Después empezó a viajar por Inglaterra, pero ya empezaba a sentir demasiado la fama y el coste de las entradas era muy elevado, excesivo, por lo que el público estaba descontento. Aun así la gente hacía todo lo posible por verle tocar, pues aparte de ser un violinista prodigioso, tenía una forma muy peculiar de tocar por su conformación biológica especial y por su tal distinta manera de interpretar la música.

Heinrich Heine (1797-1856), el gran poeta alemán con quien se reunió en 1829, se ocupó de plasmar en 1830la manera de interpretar de Paganini:

"...Por lo que a mí se refiere, ya conoce usted el otro lado de mi afición musical, la capacidad que tengo de ver la figura adecuada de cada nota que oigo sonar; y así sucedió que, con cada movimiento de su arco, Paganini ponía ante mis ojos imágenes y situaciones visibles, y en una escritura plástica de sonidos me contaba todo género de historias estridentes, que desfilaban ante mí como un fuego coloreado de sombras, en el que él mismo, con su música, era el protagonista..."



"...Si Paganini me pareció ya harto extraño y fantástico, al verle venir (...) ¿qué sorpresa no habría de producirme en la tarde del concierto su estremecedora y extraña figura? (...) En la sala había un silencio religioso. Todos los ojos estaban clavados en la escena. Todos los oídos se preparaban para escuchar.

Finalmente apareció en escena una figura oscura, que parecía haber salido del infierno; era Paganini con su traje negro de etiqueta, frac negro y chaleco negro, de hechura horrible, como quizás lo prescribía la etiqueta infernal en la corte de Proserpina, unos pantalones negros que caían temerosos por las piernas flacas. Los largos brazos parecían alargarse más aún cuando, con el violín en una mano y en la otra el arco -con el que tocaba casi la tierra- hacía el artista al público sus inverosímiles reverencias. En los esquinados contornos de su cuerpo había una rigidez terrible, y al propio tiempo algo cómicamente animal, que inducía a reírse; pero su cara, más cadavérica aún por la chillona iluminación de las candilejas, tenía una expresión suplicante, tan estúpidamente humilde, que una compasión tremenda sofocaba nuestro deseo de reír. ¿Habrá aprendido estos saludos de un autómata o de un perro? Esa mirada suplicante, ¿es la de un enfermo moribundo o acaso la mueca burlona de un avaro astuto? ¿Es un hombre vivo a punto de fenecer y que va a divertir al público con sus convulsiones, como un luchador moribundo, o un muerto que ha salido de la tumba, vampiro del violín, que, si no la sangre del corazón, extrae de nuestros bolsillos el dinero almacenado?..."

Estos fueron los conciertos que realmente marcaron su carrera, después de viajar a Inglaterra ya era un supremo del violín y siguió viajando por toda Europa.

Compuso obras, sonatas y conciertos para violín y guitarra principalmente. Sus composiciones abarcan todos los niveles, desde iniciación (como La danza de las brujas) o al máximo virtuosismo (los 24 caprichos). Sus obras más importantes son: los conciertos para violín N°1 y Nº3 en re mayor, Opus 6, el Concierto N°2 en si menor, Opus 7 "La campanella" y sus caprichos. Estos últimos inspiraron a compositores como Liszt, Brahms y Rachmaninov.

Esta es toda su carrera, en cuanto a su vida personal, ya no fue tan suprema. Al comienzo de su carrera, como de pequeño había sido pobre, dinero que caía en sus manos, dinero que derrochaba. Lo utilizaba en el juego y en las mujeres, aunque también invertía en violines; sólo se compraba Stradivarius, Guarnerius y Amati. Le molestaba mucho que le invitasen a comer para luego tener que ejecutar algunas piezas gratis, entonces cuando le invitaban y le decían: «No olvide el violín», éste respondía: -Mi violín no come nunca fuera de casa.

Tenía muchas amantes, entre ellas Elisa y Paulina, hermanas de Napoleón Bonaparte; pero finalmente se casó con la bailarina Antonia Bianchi, con quien se fue a vivir y tuvo un hijo: Aquiles. La gente veía a Paganini como un avaricioso que sólo le importaba el dinero y gastarlo en sus caprichos, pero con el paso del tiempo cambió su ideal del dinero. La gente no hacía saber que subvencionó la carrera de un joven músico y que no dudaba en prestar algo de dinero a quien le hiciera falta, como a Berlioz, a quien acababa de conocer. Le dio un cheque por valor de veinte mil francos, para ayudarle a salir de su penuria económica.De su vida personal se sabe poca cosa más, pues fue muy desorganizada y sólo mostraba su vida musical.Como tenía una formación biológica algo diferente, tenía varias enfermedades serias. Éstas empezaron a desarrollarse gravemente cuando Paganini tenía 38 años y se desarrollaron durante 20 más. En el siguiente cuadro se resumen cronológicamente:





En 1820 empezaron sus síntomas. Tenía tos, debilidad y molestias digestivas a causa de una constipación crónica. Para calmar estos síntomas recibió “calomel”, un laxante con gran cantidad de mercurio. Paganini abusó de este medicamento y sus síntomas se fueron haciendo más graves y molestos a causa del mercurio. Los médicos le diagnosticaron sífilis, aunque no lo tenían claro; por ello siguió abusando del mercurio hasta crear una adicción. Esto le produjo una enfermedad gastrointestinal. En 1828 se le infectó la mandíbula inferior y le tuvieron que operar y extraerle los dientes. Esta operación le desfiguró el rostro. Paralelamente desarrollaba problemas en el sistema nervioso. Tenía temblores posturales que le impedían sujetar el arco del violín o incluso escribir. Sus ánimos iban bajando y se le veía muy envejecido. Su médico se dio cuenta de que estos síntomas eran la consecuencia del abuso del mercurio, por lo que se lo prohibió. Él, en cambio, seguía consumiéndolo. Los problemas del sistema nervioso aumentaron y se tuvo que retirar a causa de las críticas. También aumentaron sus problemas neuropsiquiátricos haciendo que tuviera cambios frecuentes de personalidad e irritabilidad. En 1830 ya empezó una disfonía que se completó en 1838, quedándose completamente mudo. Finalmente falleció en 1840 a causa de todos estos síntomas desarrollados, pero el síntoma con más peso para su muerte fue la disfonía. Al principio la relacionaban con una laringitis tuberculosa, pero el especialista Dr. Miguel no encontró signos de esta enfermedad. Más tarde se supuso que padecía el síndrome de Marfán. Éste es un trastorno hereditario del tejido conectivo que se manifiesta mediante alteraciones cardiovasculares, oculares y óseas. La parálisis de los nervios recurrentes laríngeos provocada por la contigüidad de una carótida alterada, podría causar la disfonía; sin embargo Paganini no manifestó alteraciones cardíacas ni oculares significativas. Una hipótesis bastante reciente plantea que Paganini fuera portador de la enfermedad EhlersDanlos. Esto explicaría gran parte de los síntomas que padeció y parte de su virtuosismo musical gracias a las ventajas anatómicas que presenta esta enfermedad. La enfermedad EhlersDanlos es una alteración del tejido conectivo que causa una gran laxitud difusa de las extremidades. Hay 11 fenotipos descritos, el IV se relaciona a mutaciones en el colágeno tipo III con locus en el cromosoma 2, resulta en una hiperflexibilidad de todas las articulaciones, hiperlaxltud de la piel, fragilidad del tejido colectivo e hiperelasticidad de la piel. Paganini tenía la piel muy pálida y algo translúcida, por lo que podría ser a causa de esta enfermedad. La hemoptisis (derrame sanguíneo providente del aparato respiratorio) de la laringitis tuberculosa puede explicarse con ésta enfermedad; pues causa una función anormal del colágeno debido a una mutación del gen (con el fenotipo IV, que es la que sufría Paganini) que codifica para hidroxilina( cataliza el metabolismo con el colágeno y otras proteínas).

También le causaba gran flexibilidad de las extremidades, por lo que podía tocar perfectamente en 3 octavas sin mover la mano, sólo estirando sus dedos, pues su mano estirada legaba a medir 45 cm.


Cuando falleció, el 27 de mayo de 1840 en Niza, el obispo negó su entierro a causa de los rumores sobre Paganini y el diablo; por lo que su cuerpo fue embalsamado durante dos meses y durante un año fue depositado en el sótano de la casa de su hijo hasta ser enterrado en el lazareto de Villefranche. Finalmente,en 1876 sus restos fueron llevados a Parma.
Ha recibido 17 puntos

Vótalo:

Leonard Bernstein

48

Leonard Bernstein

https://www.youtube.com/watch?v=zCXLi8pcIvg

Leonard Bernstein Louis Bernstein Compositor y director de orquesta estadounidense Nació el 25 de agosto de 1918 en Lawrence, Massachusetts (Estados Unidos). Hijo de Jennie Resnick y Samuel Joseph Bernstein, un emigrante ucraniano hebreo. A los veintiún años ingresó en... Ver mas
Leonard Bernstein
Louis Bernstein

Compositor y director de orquesta estadounidense






Nació el 25 de agosto de 1918 en Lawrence, Massachusetts (Estados Unidos).

Hijo de Jennie Resnick y Samuel Joseph Bernstein, un emigrante ucraniano hebreo.

A los veintiún años ingresó en el Instituto Curtis de Filadelfia, donde las lecciones de Fritz Reiner despertaron su vocación de director de orquesta. Estudió con Kousessevitzky y con Mitropulos.




A los 27 años fue nombrado director de la Orquesta Sinfónica de Nueva York, y titular de la Filarmónica de esta ciudad cuando murió Mitropoulos. Dirigió las principales orquestas del mundo: Sinfónica de Londres, Filarmónica de Viena, Nacional de Francia y la Filarmónica de israel.

Durante varios años escribió y presentó en televisión, el programa Omnibus y los Conciertos juveniles de la Filarmónica.

Entre sus obras principales están las sinfonías "Jeremías" (1944), "La edad de la angustia" (1949), "los Salmos de Chichester", los ballets "Capricho libre" (1944) y "Facsímil" (1947), la cantata "Hanhkwenu" (1945), y obras de música de cámara, como la Sonata para clarinete y piano (1942).

Popular sobre todo por sus comedias musicales, "En la ciudad" (1944) fue representada en Broadway durante 12 meses y llevada posteriormente al cine. En 1985 recibió el premio Grammy por su dedicación a la música. Entre sus composiciones destacan West Side Story (1961), Candide y Un día en Nueva York (1949).




Leonard Bernstein falleció el 14 de octubre de 1990 a consecuencia de un infarto de miocardio en Nueva York, 5 días después de anunciar su retirada.


Cargos

Director musical, Orquesta Filarmónica de Nueva York
1958–1969

Director laureado, Orquesta Filarmónica de Nueva York
1943–1990


Obras seleccionadas

Obras para el teatro

Fancy Free (ballet) — 1944
On the Town (Musical: Un día en Nueva York) — 1944
Facsimile (ballet) — 1946
Peter Pan (canciones — música incidental) — 1950
Trouble in Tahiti (ópera en un acto) — 1952
Wonderful Town (musical) — 1953
On the Waterfront (banda sonora) — 1954
The Lark (música incidental) — 1955
Candide (opereta cómica) — 1956
West Side Story (musical) — 1957
The Firstborn (música incidental) — 1958
Mass (pieza de teatro para cantantes — músicos y bailarines) — 1971
Dybbuk (ballet) — 1974
1600 Pennsylvania Avenue (musical) — 1976
A Quiet Place (ópera en dos actos) — 1983
The Race to Urga (musical) — 1987

Obras orquestales

Sinfonía n.º 1 — Jeremiah — 1942
Fancy Free y Three Dance Variations from "Fancy Free," — 1946
Three Dance Episodes from "On the Town," ("Un día en Nueva York") — estreno 1949
Sinfonía n.º 2 — La edad de la ansiedad — 1949
Serenade — 1954
Prelude — 1949
Suite sinfónica de "On the Waterfront" — 1955
Danzas sinfónicas de "West Side Story" — 1961
Sinfonía n.º 3 — Kaddish — 1963
Dybbuk — 1975
Songfest — 1977
Three Meditations from "Mass" para violonchelo y orquesta — 1977
Slava!: Una obertura política para orquesta — 1977
Divertimento for Orchestra — 1980
Halil — 1981
Concerto for Orchestra — 1989


*buscabiografias.com
Ha recibido 17 puntos

Vótalo:

Agustín Lara

49

Agustín Lara

https://www.youtube.com/watch?v=fAZzqJIzuXE

(Agustín Lara Aguirre y Pino; Tlacotalpán, México, 1897 - Ciudad de México, 1970) Compositor de canción melódica mexicano. Por su formación autodidacta, su prolífica producción y su incontestable éxito, Agustín Lara ha sido considerado en numerosas ocasiones como el Irving Berlin de la canción... Ver mas
(Agustín Lara Aguirre y Pino; Tlacotalpán, México, 1897 - Ciudad de México, 1970) Compositor de canción melódica mexicano. Por su formación autodidacta, su prolífica producción y su incontestable éxito, Agustín Lara ha sido considerado en numerosas ocasiones como el Irving Berlin de la canción mexicana.


Agustín Lara

Conocido como el Flaco de Oro, son incontables las canciones compuestas por este músico que han conquistado una fama imperecedera: Granada (inmortalizada por el tenor Mario Lanza), el chotis Madrid, Noche criolla, La Cumbancha, Noche de ronda, Solamente una vez, Palmera o María bonita (escrita para su esposa, la actriz María Félix) son sólo algunas de las más célebres.

Adaptadas a numerosos idiomas y cantadas en los más diferentes estilos, el éxito de estas canciones en el Viejo y el Nuevo Mundo procuró a su autor los mayores honores y el reconocimiento general. Junto con la canción melódica, Lara también sobresalió en la composición de música para cine; suya es, por ejemplo, la partitura de Santa, una de las primeras películas sonoras realizadas en México.

Biografía

Aunque había estudiado piano y demostrado sus excepcionales dotes para la música, Agustín Lara ingresó a los quince años en el Colegio Militar; pronto se daría cuenta de que su vocación no era castrense. Durante la década de 1920 trabajó como pianista en bares y cafés y en salas de cine mudo; a finales de la década acompañaba ya al piano a intérpretes como Juan Arvizu y Maruja Pérez, que daban sus recitales en cines de la capital.

En 1931 se puso al frente del programa La hora azul, de la emisora XEW. Comenzó a dirigir la orquesta El Son Marabú mientras voces como las de Ana María Fernández y Toña la Negra popularizaban sus canciones. Empezó entonces una frenética carrera hacia la fama. En 1932 realizó su primera gira por el extranjero; actuó en París, donde su canción El farolito se convirtió en tema de moda, y también en Chile y Perú. Obtuvo también un éxito sin parangón durante la gira que efectuó en México en 1935, junto a Pedro Vargas y el Chino Ibarra. Entre los principales espectáculos que Agustín Lara presentó al público se recuerdan especialmente Pecadora, Revancha, Coqueta, Mujeres en mi vida, Perdida y La mujer que yo amé.

Contratado para trabajar en Hollywood como musicalizador de películas, no le resultó sin embargo fácil acostumbrarse a aquel mundo frívolo y deshumanizado, con sus tensiones y su abundancia de divas y directores caprichosos. Aunque no quiso centrar su carrera profesional en el cine, su prestigio acabó por consolidarse en la industria del celuloide, gracias a las bandas sonoras que compuso para filmes como Santa, México Lindo, Carne de Cabaret, Virgen de medianoche, Pervertida, Noche de ronda, Humo en los ojos, Señora tentación, Cortesana y Aventurera.

Facilitó sin duda su entrada triunfal en el cine su matrimonio con la bellísima y siempre controvertida actriz mexicana María Félix, que tuvo lugar en 1945. Célebre por sus devaneos amorosos (se le solían atribuir romances con personajes populares del cine y la política), la actriz trabajó junto a los más destacados galanes del cine mexicano (Jorge Negrete, Pedro Infante o Pedro Armendáriz). Durante su matrimonio con María Félix, Agustín Lara convirtió su casa de Las Lomas en un acogedor centro de reunión de escritores y artistas. Foco de atención del gran público, la popularidad de ambos no cesaba de crecer.



A lo largo de su dilatada carrera como compositor (y también como autor de la mayoría de sus letras), creó hermosas y románticas canciones que alcanzarían una popularidad universal. La obra de Lara comprende unas setecientas piezas entre boleros, pasodobles, baladas, tangos, pasacalles y melodías, que podrían enmarcarse dentro del género tropical; fue también el autor de la extraordinaria opereta El pájaro de oro (1946). Entre sus temas más conocidos sobresalen, junto a los ya citados, Lamento jarocho, Mujer, Veracruz, Azul, Rival y Arráncame la vida; títulos todos ellos entrañables que han resistido el paso del tiempo hasta convertirse en canciones de siempre.

Con temáticas abiertamente eróticas, una asimilación de todas las corrientes musicales en boga y desconcertantes imágenes modernistas, Agustín Lara dotó a la canción romántica de una sensibilidad acorde con el medio urbano de los años treinta y cuarenta. Las letras de algunas canciones surgidas de su inspiración (Señora tentación, Te quiero, Cada noche un amor o Humo en los ojos) escandalizaron a la opinión pública, hasta el punto de que llegaron a prohibirse sus piezas en las escuelas. Cuestionado y considerado por sus detractores "el sepulturero de la canción mexicana", Lara fue pionero en el óptimo aprovechamiento de todos los medios de difusión: teatro de revista, discos y radio.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 17 puntos

Vótalo:

Fauré

50

Fauré

https://www.youtube.com/watch?v=f-McJ7y1zbQ

(Pamiers, Francia, 1845-París, id., 1924) Compositor, pedagogo y pianista francés. Por la elegancia de su escritura, la perfección de la forma, la constante búsqueda de la belleza y su intenso melodismo, Gabriel Fauré es uno de los músicos franceses por antonomasia. Es también una de las figuras... Ver mas
(Pamiers, Francia, 1845-París, id., 1924) Compositor, pedagogo y pianista francés. Por la elegancia de su escritura, la perfección de la forma, la constante búsqueda de la belleza y su intenso melodismo, Gabriel Fauré es uno de los músicos franceses por antonomasia. Es también una de las figuras clave de la evolución de la música francesa desde el Romanticismo hasta la modernidad del siglo XX, representada por Claude Debussy y Maurice Ravel.


Gabriel Fauré

Discípulo y más tarde amigo de Camille Saint-Saëns, Fauré se inició en la música como organista en diversas parroquias de París, antes de que le fuera concedido el cargo de maestro de coro de la Madeleine en 1877. Primer organista de esta iglesia desde 1896, ese mismo año entró en el Conservatorio de París como profesor.

Excelente pedagogo, siempre abierto y respetuoso con las nuevas corrientes musicales, contó entre sus alumnos con algunos de los nombres más destacados de la música francesa de las primeras décadas del siglo XX, como Maurice Ravel, Charles Koechlin, Florent Schmitt, Nadia Boulanger o el rumano George Enescu. En 1905 alcanzó la cúspide de su carrera profesoral al ser nombrado director de dicha institución. Dimitió de este cargo en 1920 a causa de la sordera, que en los últimos años de su vida fue total.

Como compositor, Fauré destacó sobre todo en la creación de música de cámara y para piano, y de melodías para voz y piano. Sus dos sonatas para violín y piano (1876 y 1917), sus dos cuartetos con piano (1879 y 1886), los Nocturnos para piano solo (1875-1921) o el ciclo de melodías sobre poemas de Verlaine La bonne chanson (1894), entre otras obras, representan lo mejor de su talento en este campo. Sin embargo, no se deben olvidar algunas de sus incursiones en la escena lírica, con títulos como Prométhée (1900) y Pénélope (1913), o la música incidental compuesta para el drama de Maurice Maeterlinck Pelléas et Mélisande (1898), uno de cuyos fragmentos, Siciliana, se ha convertido con el tiempo en una de las páginas más divulgadas del compositor francés.





Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 16 puntos

Vótalo:

Gluck

51

Gluck

https://www.youtube.com/watch?v=xTZgMQ7TVes

(Christoph Willibald Ritter von Gluck; Erasbach, actual Alemania, 1714 - Viena, 1787) Compositor y teórico alemán. El lugar destacado que ocupa en la historia de la música radica sobre todo en la reforma que llevó a cabo del género operístico, precursora que propugnaría Richard Wagner un siglo... Ver mas
(Christoph Willibald Ritter von Gluck; Erasbach, actual Alemania, 1714 - Viena, 1787) Compositor y teórico alemán. El lugar destacado que ocupa en la historia de la música radica sobre todo en la reforma que llevó a cabo del género operístico, precursora que propugnaría Richard Wagner un siglo después. Hijo de un guarda forestal, en 1736 el príncipe Lobkowitz tomó a Gluck a su servicio en Viena, y un año después el príncipe Melzi se lo llevó consigo a Milán, en Italia, donde recibió lecciones de composición de Giovanni Battista Sammartini.


Gluck

Fruto de estas enseñanzas fue su primera ópera seria, Artajerjes, compuesta en 1741 según el estilo italiano entonces imperante. Dado el éxito alcanzado, Gluck dio a la escena nuevos títulos, entre ellos Il Tigrane (1743), La clemencia de Tito (1752) y La Cinesi (1754). Ninguno de ellos dejaba entrever las innovaciones que lo harían célebre, antes al contrario: se adaptaban plenamente a las convenciones formales de la ópera seria.

Determinante en su posterior evolución fue el conocimiento de la ópera francesa, la tragédie-lyrique de Lully y Rameau, que tuvo oportunidad de estudiar en Viena. Influido por ella, dio a conocer en 1762 la obra que inauguraba su reforma, Orfeo y Eurídice, con libreto de su colaborador Raniero de Calzabigi. Esta reforma, sistematizada con detalle en el prólogo de su posterior trabajo, Alceste (1767), intentaba devolver a la ópera el espíritu de la tragedia griega.



Con ese fin, Gluck eliminó el aria da capo, adecuó las voces a los personajes, sustituyó los recitativos secchi por otros acompañados por la orquesta, a la que enriqueció en efectivos y otorgó un mayor protagonismo, y difuminó las diferencias entre estos recitativos y las arias. El resultado fueron unas obras en las que devolvía a la ópera su contenido teatral, perdido en el Barroco.

La reforma no consiguió consolidarse en Viena, pero sí en Francia, país en el cual el músico se estableció en el año 1773, y en el cual dio a conocer con éxito Ifigenia en Áulide (1774), Armide (1777) e Ifigenia en Táuride (1779).



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 15 puntos

Vótalo:

Oscar Strauss

52

Oscar Strauss

https://www.youtube.com/watch?v=CuCi9ANa3Zk

(Viena, 1870 - Bad Ischl, 1954) Compositor austriaco. Realizó sus estudios musicales en Viena y Berlín. Desde 1893 hasta 1899 fue director de orquesta en Brünn, Presburgo, Maguncia y Hamburgo. En 1900 fue nombrado pianista y compositor del Überbrett de E. von Wolzogen en Berlín. En 1904 hizo su... Ver mas
(Viena, 1870 - Bad Ischl, 1954) Compositor austriaco. Realizó sus estudios musicales en Viena y Berlín. Desde 1893 hasta 1899 fue director de orquesta en Brünn, Presburgo, Maguncia y Hamburgo. En 1900 fue nombrado pianista y compositor del Überbrett de E. von Wolzogen en Berlín. En 1904 hizo su presentación en Viena como director de orquesta y compositor y la popularidad le llegó tres años más tarde con la opereta Ein Walzertraum. Otros de sus títulos de este género fueron Marietta, El soldado de chocolate y El teniente seductor. Exiliado de Austria en 1939, vivió durante la II Guerra Mundial en Francia y Estados Unidos de América, instalándose en Bad Ischl después de la guerra.
Ha recibido 15 puntos

Vótalo:

Sarasate

53

Sarasate

https://www.youtube.com/watch?v=829qvbi7U1U

(Martín Melitón Sarasate; Pamplona, 1844 - Biarritz, 1908) Compositor y violinista español. Pablo de Sarasate dio su primer recital de violín a los siete años y, posteriormente, estudió con Rodríguez Sáez en Madrid, donde fue presentado a la familia real. Bajo la protección de la reina Isabel II... Ver mas
(Martín Melitón Sarasate; Pamplona, 1844 - Biarritz, 1908) Compositor y violinista español. Pablo de Sarasate dio su primer recital de violín a los siete años y, posteriormente, estudió con Rodríguez Sáez en Madrid, donde fue presentado a la familia real. Bajo la protección de la reina Isabel II de España desde 1856, inició sus estudios en París con Alard y al año siguiente ganó el Primer Premio de Violín. Emprendió su carrera internacional en 1859, consiguió grandes éxitos y fue objeto de dedicatorias por parte de grandes músicos de la época, como Bruch (Concierto nº 2 y Fantasía escocesa), Saint-Saëns (Introducción y rondó caprichoso y Primer y Tercer Concierto) y Antonin Dvorák (Mazurek).


Pablo de Sarasate

En su repertorio, además de las obras escritas para él por grandes compositores, incluía conciertos de Beethoven, Mendelssohnn y Mozart, así como sonatas, en una época en que los violinistas preferían las piezas virtuosas de salón. Pero rechazaba interpretar el Concierto de Brahms por ser obra del repertorio de su rival, Joseph Joachim. Pese a ser un virtuoso, también tocaba música de cámara en cuartetos, quintetos y sextetos. En 1860 formó un cuarteto con Turban, Wesfelghem y Delsart, que tocaba especialmente música de Brahms en una época en la que era rechazada en los países latinos.

Además de por su gran técnica, Pablo de Sarasate destacó por la pureza y dulzura del sonido, inaugurando un nuevo tipo de violinista frente a la escuela de Joachim. Como compositor se basó a menudo en aires populares españoles, y puede considerársele un antecedente de la escuela nacionalista española. En su obra se incluyen títulos como Aires gitanos (1878), Serenata andaluza (1883), Introducción y capricho-jota (1899), Melodía rumana (1902) y Barcarola veneciana (1902).





Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 15 puntos

Vótalo:

Prokófiev

54

Prokófiev

https://www.youtube.com/watch?v=DUmq1cpcglQ

(Serguéi Sergueievich Prokofiev; Sontsovka, actual Ucrania, 1891 - Moscú, 1953) Compositor y pianista soviético. Junto a Dimitri Shostakovich, es el mejor representante de la escuela de composición soviética, y su obra ha dejado profunda huella en el estilo de sus compatriotas más jóvenes, como... Ver mas
(Serguéi Sergueievich Prokofiev; Sontsovka, actual Ucrania, 1891 - Moscú, 1953) Compositor y pianista soviético. Junto a Dimitri Shostakovich, es el mejor representante de la escuela de composición soviética, y su obra ha dejado profunda huella en el estilo de sus compatriotas más jóvenes, como Aram Khachaturian o Dimitri Kabalevski. Es, además, uno de los grandes clásicos del siglo XX, autor de una música en la que tradición y modernidad se conjugan de manera ejemplar.


Prokofiev

Niño prodigio, recibió sus primeras lecciones musicales de su madre, pianista aficionada, con tan buen resultado que ya a los nueve años dio a conocer en una versión doméstica su primera ópera, El gigante, a la que siguieron inmediatamente tres más, la última de ellas, El festín de la peste, escrita bajo las indicaciones del compositor Reinhold Glière. En 1904 ingresó en el Conservatorio de San Petersburgo, donde tuvo como maestros, entre otros, a Anatol Liadov y Nikolai Rimski-Korsakov y empezó a interesarse por las corrientes más avanzadas de su tiempo.

En este sentido, fue el enfant terrible de la música rusa de la primera década del siglo XX, no sólo en su faceta de compositor, sino también en la de intérprete. Con fama de músico antirromántico y futurista, sus primeras obras, disonantes y deliberadamente escandalosas, provocaron el estupor del público. En ellas, el joven músico mostró ya algunas de las constantes que iban a definir su estilo durante toda su carrera, como son cierta tendencia a lo grotesco y una inagotable fantasía, junto a un recogido lirismo y una asombrosa capacidad para crear hermosas y sugestivas melodías, que el propio Shostakovich reconocía y admiraba. Su famosa Sinfonía núm. 1 «Clásica» es reveladora en cuanto a esta tendencia, que resulta más sorprendente aún si se la compara con una obra sólo dos años anterior, de 1915, la brutal Suite escita.

Aunque el joven músico contaba con las simpatías de los revolucionarios soviéticos por su talante iconoclasta e irreverente, un año después de los hechos de octubre de 1917, Prokofiev dejó su país para instalarse en Occidente, más en busca de la tranquilidad necesaria para componer que por motivos de índole ideológica. Japón, Estados Unidos (donde su presentación como pianista se calificó de «bolchevismo musical») y Francia fueron los países en que se presentó, no siempre con fortuna. Mientras los trabajos escritos para la compañía de los Ballets Rusos de Serguei Diaghilev -Chout, El paso de acero, El hijo pródigo- fueron relativamente bien recibidos, su ópera cómica El amor de las tres naranjas fue acogida con indiferencia en su estreno en Chicago en 1921.



El poco éxito y la añoranza que sentía por su patria fueron dos de las razones que le llevaron en 1933 a regresar de forma definitiva a su país. Sin embargo, la Unión Soviética había experimentado profundos cambios desde que el compositor la abandonara en 1918: a la libertad de que los artistas disfrutaban en aquellos primeros tiempos, había sucedido el control estatal respecto a toda creación artística, que debía ceñirse de manera obligatoria a unos cánones estrictos, los del realismo socialista. Algunas de sus obras, como la Cantata para el vigésimo aniversario de la Revolución, fueron consideradas excesivamente modernas y, en consecuencia, prohibidas.

El estilo de Prokofiev derivó entonces hacia posiciones más clásicas, con lo que el componente melódico de sus composiciones ganó en importancia. Algunas de sus páginas más célebres datan de esta época: los ballets La Cenicienta y Romeo y Julieta, inspirado en el Romeo y Julieta de Shakespeare, el cuento infantil Pedro y el lobo, las partituras para dos filmes de Sergei Eisenstein, Alexander Nevski e Iván el Terrible, las tres «sonatas de guerra» para piano, la Sinfonía núm. 5, la monumental ópera Guerra y paz... Falleció el mismo día y año que Stalin, el 5 de marzo de 1953.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 14 puntos

Vótalo:

Purcell

55

Purcell

https://www.youtube.com/watch?v=uUGpaSPEjII

(Westminster, Inglaterra, 1659 - Londres, 1695) Compositor inglés. Entró a formar parte del coro de la Capilla Real con apenas ocho años y tuvo por maestros a John Blow y Matthew Locke. En 1677 fue nombrado compositor de los violines del rey, y en 1679 sustituyó a Blow como organista de la... Ver mas
(Westminster, Inglaterra, 1659 - Londres, 1695) Compositor inglés. Entró a formar parte del coro de la Capilla Real con apenas ocho años y tuvo por maestros a John Blow y Matthew Locke. En 1677 fue nombrado compositor de los violines del rey, y en 1679 sustituyó a Blow como organista de la abadía de Westminster. Se encargó de la restauración de los instrumentos de la corte, así como de la composición de numerosas obras de carácter religioso, entre las que destacan algunos anthems y oficios como I was glad, in the midst of life (1682), Morning and evening service (1682-1683) o Te Deum and jubilate (1694).


Henry Purcell

De entre sus óperas y sus obras escénicas cabe mencionar la célebre Dido y Eneas (1689), obra clave en los inicios de la música dramática, con importante ascendencia de Jean-Baptiste Lully; destacan también Dioclasian (1690), The Fairy Queen (1692) o La tempestad (1695), en la que adaptó al drama musical la obra homónima de Shakespeare.

Dedicó también un buen número de cantatas y odas a diversos monarcas, a quienes sirvió durante toda su vida: Carlos II, Jacobo II y la reina María, para la que escribió algunas de sus composiciones más brillantes, como Why are all the Muses mute (1685), Arise my muse (1690) o Celebrate this festival (1693). Destacables son así mismo las odas que dedicó a santa Cecilia, como Welcome to all the pleasures (1683) o Hail bright Cecilia (1692).

Su música instrumental, si bien no tan conocida, asimiló los mismos importantes logros que su música vocal, tal como evidencian sus fantasías y sonatas, escritas todas ellas según una concepción contrapuntística en conjunción con el estilo italiano y el peculiar humor inglés, de lo que resultó una música de personal estilo.





Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 14 puntos

Vótalo:

Messiaen

56

Messiaen

https://www.youtube.com/watch?v=IhEHsGrRfyY

(Avignon, Francia, 1908 - Clichy, Hauts-de-Seine, id., 1992) Compositor, organista, pedagogo y ornitólogo francés. Una profunda fe cristiana, la fascinación por el hinduismo, la seducción por el color instrumental y, sobre todo, el amor a los pájaros y la naturaleza son algunos de los... Ver mas
(Avignon, Francia, 1908 - Clichy, Hauts-de-Seine, id., 1992) Compositor, organista, pedagogo y ornitólogo francés. Una profunda fe cristiana, la fascinación por el hinduismo, la seducción por el color instrumental y, sobre todo, el amor a los pájaros y la naturaleza son algunos de los heterogéneos elementos sobre los que se sustenta el personal estilo de Olivier Messiaen, un autor difícilmente encasillable en una corriente concreta. Fascinante por su riqueza tímbrica, rítmica y armónica, inconfundiblemente moderna, su música es portadora de un mensaje humano y universal que supera su evidente confesionalidad católica.


Olivier Messiaen

Hijo de un profesor de literatura y traductor de Shakespeare, y de una poetisa, Cécile Sauvage, Olivier Messiaen creció en un ambiente favorable a toda expresión artística. Talento precoz, fue alumno del Conservatorio de París, donde estudió órgano (instrumento del que iba a ser un consumado intérprete) y composición. En 1936 fue uno de los fundadores de la Jeune France, grupo dedicado a difundir la nueva música francesa.

Llamado a filas tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial, en 1940 Olivier Messiaen fue hecho prisionero por los alemanes e internado en un campo de concentración en Silesia, donde compuso el Quatuor pour la fin du temps. Acabada la contienda, el nombre del compositor comenzó a cobrar cierta relevancia, sobre todo a partir del estreno (en 1949 y bajo la batuta de Leonard Bernstein) de la monumental Sinfonía Turangalila.

Profesor en Darmstadt entre 1950 y 1953, y del Conservatorio de París desde 1966 hasta 1978, sus clases ejercieron una influencia determinante en compositores como Pierre Boulez, Iannis Xenakis y Karlheinz Stockhausen. Aclamado como uno de los mejores compositores de su época, Messiaen recibió numerosas distinciones a lo largo de su vida, entre otras la de un monte en el estado norteamericano de Utah que fue bautizado con su nombre. La muerte le sorprendió mientras trabajaba en la orquestación del Concert à quatre (para flauta, oboe, violoncelo, piano y orquesta), culminado por su viuda, la pianista Yvonne Loriod.





Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 14 puntos

Vótalo:

Clara Schumann

57

Clara Schumann

https://www.youtube.com/watch?v=c6gYwX5zaqA

(Clara Wieck; Leipzig, 1819 - Frankfurt del Main, 1896) Pianista y compositora alemana, esposa del también compositor y pianista alemán Robert Schumann. Profesora del Conservatorio de Frankfurt desde 1872 hasta 1892 y excelente intérprete de Beethoven, Frédéric Chopin, Franz Liszt y del propio... Ver mas
(Clara Wieck; Leipzig, 1819 - Frankfurt del Main, 1896) Pianista y compositora alemana, esposa del también compositor y pianista alemán Robert Schumann. Profesora del Conservatorio de Frankfurt desde 1872 hasta 1892 y excelente intérprete de Beethoven, Frédéric Chopin, Franz Liszt y del propio Schumann, dirigió la edición de las obras de su marido.


Clara Schumann

Formada por su padre, el destacado profesor de piano Friedrich Wieck, en 1830 debutó como niña prodigio con la orquesta de la Gewandhaus de Leipzig y realizó luego giras durante dos años. En 1835 se enamoró de Robert Schumann, huésped de los Wieck desde 1830. Cuando Clara cumplió los 21 años, ambos se fugaron para casarse en contra de los deseos de su padre.

Su estatura artística ya se había consolidado en sus giras, pero el nacimiento de ocho hijos limitó su carrera y en 1853 abandonó la composición, ámbito en el que daba muestras de ser una promesa considerable. Posteriormente, sin embargo, el deterioro mental de Schumann la condujo a reanudar sus giras a tiempo completo.

En la década de 1890 se retiró de los escenarios y de la enseñanza debido a su delicada salud. Desde 1853 había mantenido una duradera y cercana relación con el compositor Johannes Brahms, al que ayudó en la difusión de su música.





Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 14 puntos

Vótalo:

Gershwin

58

Gershwin

https://www.youtube.com/watch?v=eFHdRkeEnpM

(Jacob Gershvin; Brooklyn, Estados Unidos, 1898 - Beverly Hills, id., 1937) Compositor estadounidense. En un país que, hasta el final de la Primera Guerra Mundial, había dependido en el ámbito musical casi exclusivamente de modas, compositores e intérpretes llegados de Europa, George Gershwin... Ver mas
(Jacob Gershvin; Brooklyn, Estados Unidos, 1898 - Beverly Hills, id., 1937) Compositor estadounidense. En un país que, hasta el final de la Primera Guerra Mundial, había dependido en el ámbito musical casi exclusivamente de modas, compositores e intérpretes llegados de Europa, George Gershwin fue el primero en hacer oír una voz inequívocamente autóctona, aunque capaz, al mismo tiempo, de conquistar el éxito fuera de las fronteras de su patria. Y lo hizo a través de unas obras en que hábilmente se sintetizaban elementos procedentes del jazz y de la tradición clásica, y que le permitieron destacar por igual en campos tan dispares como el de la música sinfónica y la popular.


George Gershwin

Hijo de una familia de inmigrantes rusos de origen judío, su talento para la música se manifestó a temprana edad, cuando, mediante un voluntarioso aprendizaje autodidacto, aprendió a tocar el piano de oído. Ante su entusiasmo, su padre decidió hacerle estudiar en serio con un profesor, Charles Hambitzer, quien le descubrió el mundo sonoro de compositores como Liszt, Chopin o Debussy. Sin embargo, los grandes referentes de Gershwin en aquellos primeros años fueron Irving Berlin y Jerome Kern, reyes del Broadway de la época gracias a sus canciones y sus comedias musicales. El deseo de triunfar como compositor en las salas de concierto, aunque latente entonces, no tomaría forma hasta años más tarde.

Así, abandonó en 1914 sus estudios para trabajar en unos almacenes de música en los que, sentado al piano, presentaba al público las melodías de moda. Pronto se animó él mismo a componer sus primeras canciones, algunas de las cuales consiguieron cierta popularidad y, sobre todo, le valieron la oportunidad de escribir su primer musical para Broadway, La, la, Lucille. Su inmediato éxito significó el verdadero comienzo de su carrera como compositor. A éste siguieron otros títulos como Lady Be Good, Oh Kay!, Funny Face, Girl Crazy y Of Thee I Sing, que contribuyeron a cimentar su fama y a convertirlo en un personaje aún más popular que sus admirados Kern y Berlin.

A partir de la década de 1920, inició también la composición de otros trabajos destinados a las salas de concierto. Fecha señalada en este sentido fue la del 12 de febrero de 1924, cuando estrenó en el Aeolian Hall de Nueva York su Rhapsody in blue, una pieza para piano y orquesta en la que de manera original se sintetizaban algunos elementos del jazz, como la síncopa, con otros de procedencia clásica. La obra fue polémica, sobre todo a causa de esa misma mezcla de estilos «serio» y «ligero» que constituye su esencia, pero en poco tiempo consiguió hacerse con un puesto en el repertorio de los mejores solistas y las más destacadas orquestas.

Rhapsody in blue fue la primera obra seria en que Gershwin abandonó los fáciles éxitos de las operetas, del cinematógrafo y de los teatros de variedades, e intentó revestir las características rítmicas, instrumentales y temáticas del jazz con los modos sabios de la música europea, la cual estaría representada en este caso por el poema sinfónico de Richard Strauss. Con todo, algo del énfasis y de la megalomanía instrumental del modelo ha pasado a la susodicha imitación americana, sofocando en parte la frescura y la sinceridad de los elementos del jazz.

El "blue", que es, como se sabe, típica expresión americana que indica tristeza, nostalgia o melancolía, sentimiento característico que se infiltra en la ruidosa jovialidad, dio lugar a un ritmo en el que se inspiró Gershwin cuando quiso celebrar, en su primera composición de gran acierto y serias aspiraciones, la vida intensa y tumultuosa de las metrópolis, los torbellinos de las muchedumbres atareadas, el caos de las grandes arterias bulliciosas y palpitantes bajo las moles despiadadas de los rascacielos, la insatisfacción y la tristeza reprimida del individuo perdido en medio de la muchedumbre. Fenómeno típicamente americano; la flor del sentimiento brota tenue y delicada del árido suelo de cementos y asfaltos en la geométrica rigidez de la vida moderna.



Musicalmente, Rhapsody in blue está compuesta de varios órdenes de elementos: los gritos lacerantes y descarados de una abigarrada instrumentación de jazz, atractiva con la insignificancia de su fácil y clamorosa alegría; el angustiado replegarse en la nostalgia de los instrumentos de cuerda y de los saxofones; y por debajo de todo esto, el ritmo obstinado y frenético del jazz, ininterrumpidamente palpitante como el cuerpo gigantesco de la gran ciudad, como el pisoteo de los pies de la enorme muchedumbre atareada. Rhapsody in blue no es una obra ligera y burlesca, como podría darlo a creer su exterioridad espectacular y brillante; en ella está profundamente sentida y parcialmente expresada la trágica contradicción de la vida moderna en las grandes metrópolis apresuradas, rígidas y desecadas en sus construcciones geométricas de cemento y acero. Una especie, en suma, de Dos Passos musical, incluso por su ingenua afición a la sensacional exterioridad técnica.

El éxito de Rhapsody in blue no hizo olvidar a Gershwin sus numerosas lagunas técnicas, por lo que prosiguió sus estudios musicales con la intención de enriquecer su estilo y abordar metas más ambiciosas. En 1925 llegó otra composición concertante, el Concierto para piano en fa, a la que siguió la pieza sinfónica Un americano en París.

Estrenada el 13 de diciembre de 1928 en Nueva York, Un americano en París es una partitura colorista y brillante en la que Gershwin intentó describir las impresiones de un turista estadounidense mientras pasea por la capital gala. Y lo hizo con un envidiable sentido del humor, evidente en algunos originales recursos instrumentales, como el sorprendente uso de bocinas de automóvil o la cita de melodías de variopinta procedencia. La orquestación es del propio Gershwin, y en ella interviene destacadamente la batería, así como las cuatro bocinas de auto adquiridas por el compositor en un establecimiento situado en la avenida de la Grand'Armée. El cine, de la mano del director Vincente Minnelli y el actor y bailarín Gene Kelly, contribuirían a la celebridad de la pieza.


Representación de Porgy and Bess

La culminación de su carrera como compositor llegó en 1935 con la ópera Porgy and Bess, en la que el autor, fiel a su estilo, sintetizó las dos tradiciones que conocía: la estadounidense, representada por el jazz y el espiritual, y la sinfónica europea. Gershwin escogió para su primera y única ópera (su prematura muerte truncó la realización de nuevos proyectos) un argumento en el que se describe de forma vívida y poética la vida de una comunidad negra en el sur de Estados Unidos, concretamente en la localidad de Charleston.

Sus protagonistas principales son el inválido Porgy y Bess, una joven con problemas de adicción a las drogas. El conflicto estalla cuando Crown, el amante de ella, mata a un hombre durante una partida de dados y huye. Cuando Bess busca refugio al lado de Porgy, el amor nace entre ellos dos. La felicidad de ambos, sin embargo, no será posible: Crown regresa y Porgy se ve obligado a matarlo. Con Porgy en la cárcel, Bess cederá a las insinuaciones de Sporting Life, un traficante de drogas, para marchar a Nueva York con él. Cuando el inválido sale de la prisión y se entera de la noticia, decide partir en busca de su amada.

Compuesta sobre un libreto escrito por su hermano Ira, su habitual colaborador, y Du Bose Heyward, sobre una novela original del segundo, Porgy and Bess no sólo es el título de la obra fundamental del repertorio operístico estadounidense, sino que también es el de una de las más extraordinarias óperas del siglo XX. Una de las características más sorprendentes de esta ópera es el uso que su autor hace del jazz (asociado primordialmente al personaje de Sporting Life) y del espiritual afroamericano. Ya en obras anteriores Gershwin se había distinguido por su habilidad para sintetizar recursos de estos lenguajes con la tradición clásica europea, pero es en su ópera donde esta síntesis alcanza sus mejores resultados. Números como Summertime (una de las canciones más universales de todo el repertorio estadounidense), Oh, I got plenty o'nuttin o Bess, you is my woman now son absolutamente inolvidables. Ellos son los que, junto a algunas páginas corales, hacen de Porgy and Bess una obra irrepetible y fascinante.

El estreno de Porgy and Bess tuvo lugar el 30 de setiembre de 1935 en Boston, provocando el desconcierto de algunos críticos por su innovador uso de fórmulas procedentes del jazz y del espiritual africano, dos estilos alejados de la ópera convencional. A pesar de esa inicial resistencia por parte de la crítica especializada, Porgy and Bess se impuso rápidamente en los escenarios de todo el mundo, hasta el punto de que hoy es la ópera estadounidense por antonomasia. George Gershwin, sin embargo, no pudo disfrutar durante mucho tiempo de su éxito: un tumor cerebral truncó prematuramente su vida, privando a la música estadounidense de uno de sus compositores más representativos y universales.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 13 puntos

Vótalo:

Donizetti

59

Donizetti

https://www.youtube.com/watch?v=rXL4UkmKqEg

(Bérgamo, actual Italia, 1797 - id., 1848) Compositor italiano. Junto a Rossini y Bellini, Gaetano Donizetti conforma la tríada de compositores italianos que dominó la escena operística hasta la eclosión de Verdi. Representantes los tres de la corriente belcantista, Donizetti fue el más... Ver mas
(Bérgamo, actual Italia, 1797 - id., 1848) Compositor italiano. Junto a Rossini y Bellini, Gaetano Donizetti conforma la tríada de compositores italianos que dominó la escena operística hasta la eclosión de Verdi. Representantes los tres de la corriente belcantista, Donizetti fue el más prolífico, con 71 óperas en su haber, escritas entre 1816 y 1844.


Gaetano Donizetti

Quinto hijo de una modesta familia, fue admitido a los nueve años en las Lezioni Caritatevoli, una escuela gratuita de música destinada a formar coristas e instrumentistas para las funciones litúrgicas. Sus tempranas dotes musicales llamaron la atención del creador de dicha institución, el compositor alemán Simon Mayr, quien decidió tomarlo bajo su protección. Bajo su guía, y más tarde bajo la del padre Mattei (el maestro de Rossini) en Bolonia, Donizetti se inició en los secretos de la composición, escribiendo con increíble facilidad cuartetos de cuerda, sinfonías y su primera ópera, el intermezzo en un acto Pigmalione.

La ópera sería el género al que dedicaría sus mayores esfuerzos creativos. La primera oportunidad de darse a conocer en este campo le llegó en 1818 con Enrico di Borgogna, obra que, a pesar de su irregularidad, obtuvo una calurosa acogida. La madurez de su estilo, y con ella sus primeras obras maestras, llegaron en la década de 1830, con títulos como Anna Bolena, L'elisir d'amore, Maria Stuarda y Lucia di Lammermoor. Aclamado en toda Europa, su última gran creación, Don Pasquale, se dio a conocer en 1843 en París.

En sus últimos años, la salud del músico fue decayendo irremediablemente: internado en un manicomio en París y luego en su Bérgamo natal, murió allí prácticamente perdida la razón al parecer a causa de la sífilis terciaria. Aunque no toda su producción alcanza el mismo nivel de calidad, su música, al tiempo que permite el lucimiento de los cantantes, posee una incontestable fuerza dramática y un arrebatado lirismo que lo convierten en el más directo precursor del arte verdiano.





Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 13 puntos

Vótalo:

Bruckner

60

Bruckner

https://www.youtube.com/watch?v=Tw2LNhwnquk

Anton Bruckner Josef Anton Bruckner Compositor y organista austriaco Nació el 4 de septiembre de 1824 en Ansfelden, cerca de Linz. Hijo de un maestro de escuela que tocaba el órgano de la iglesia. Bruckner fue autodidacta. Su primera obra, una misa de réquiem es del año... Ver mas
Anton Bruckner
Josef Anton Bruckner

Compositor y organista austriaco






Nació el 4 de septiembre de 1824 en Ansfelden, cerca de Linz.

Hijo de un maestro de escuela que tocaba el órgano de la iglesia.

Bruckner fue autodidacta. Su primera obra, una misa de réquiem es del año 1849. Con profundas convicciones religiosas, en 1851 inició su trabajo como organista en el monasterio de San Florián, cerca de Ansfelden, y de 1856 a 1868, en la catedral de Linz.




Estudió con el prestigioso maestro de contrapunto Simon Sechter, y compuso tres de sus más importantes obras corales: la Misa en re menor (1864), la Misa en mi menor (1866) y la Misa en fa menor (1867). También su primera sinfonía en do menor (1866).

Entre los años 1868 y 1892 fue organista de la corte y profesor del conservatorio de Viena. Compuso otras ocho sinfonías, así como obras sacras, orquestales, corales, para órgano y para piano.

Obtuvo varios galardones, así como una pensión para el resto de sus días. Bruckner no había oído ni una sola nota de Wagner hasta la edad de 40 años. Fue entonces cuando acudió a una representación de Tannhäuser y a partir de aquel momento su vida dio un vuelco convirtiéndose en un ferviente wagneriano y, sin pretenderlo, se vio envuelto en las violentas querellas entre wagnerianos y antiwagnerianos que agitaron los treinta últimos años del siglo XIX.

Anton Bruckner falleció en Viena el 11 de octubre de 1896 a causa de una crisis fulminante de hidropesía mientras componía su novena sinfonía en re menor. Sus restos fueron enterrados en la Abadía de Sankt Florian, según dejó escrito el propio compositor.


Obras

Sinfonías

Sinfonía de estudio — 1863
Sinfonía n° 1 — 1866, 1877, 1891
Sinfonía n° 0 — 1869
Sinfonía n° 2 — 1872, 1876, 1892
Sinfonía n° 3 — 1873, 1876, 1877, 1889
Sinfonía n° 4 — 1874, 1878, 1880, 1888
Sinfonía nº 5 — 1876
Sinfonía nº 6 — 1881
Sinfonía n° 7 — 1883
Sinfonía n° 8 — 1887, 1890
Sinfonía n° 9 — inacabada — 1896

Para orquesta

Tres piezas para orquesta 1862
Marcha en re menor 1862
Obertura en sol menor 1862

Música de cámara

Cuarteto en do menor obra de juventud, 1862
Quinteto para cuerdas en fa mayor 1881

Música religiosa

Te Deum para coro y orquesta 1885
Salmo 150, para coro y gran orquesta 1892
Motetes como Locus Iste y Ave María
Ha recibido 12 puntos

Vótalo:

Ruperto Chapí

61

Ruperto Chapí

https://www.youtube.com/watch?v=1tRh1rAlmzQ

(Villena, 1851 - Madrid, 1909) Compositor español, particularmente recordado por sus populares zarzuelas. A los cinco años empezó el estudio del solfeo. A los dieciséis marchó a Madrid, donde ingresó en el Conservatorio; allí estudió el piano con Fernández Grajal y la armonía con Galiana. En... Ver mas
(Villena, 1851 - Madrid, 1909) Compositor español, particularmente recordado por sus populares zarzuelas. A los cinco años empezó el estudio del solfeo. A los dieciséis marchó a Madrid, donde ingresó en el Conservatorio; allí estudió el piano con Fernández Grajal y la armonía con Galiana. En 1872 era director de una banda militar y compuso Fantasía morisca, obra que se hizo famosa.


Ruperto Chapí

Pensionado en Roma, Chapí compuso y mandó a Madrid las obras Polaca de concierto, para orquesta; Motete, a siete voces; La hija de Jefté, ópera en un acto, estrenada en Madrid en 1875; y una monografía de las obras de autores españoles existentes en la Capilla Sixtina. De Roma pasó a Milán, donde compuso La muerte de Garcilaso, ópera en un acto, y el poema sinfónico Escenas de capa y espada. Desde París, donde residió una temporada, envió la ópera en tres actos Roger de Flor, estrenada en Madrid en 1878.

De regreso en la capital de España, Ruperto Chapí se dedicó a producir obras para la escena, sobre todo zarzuelas. El 11 de marzo de 1882 estrenó La tempestad, zarzuela en tres actos que constituyó uno de sus mayores triunfos, a la que siguió El milagro de la Virgen. Cinco años después alcanzaba otro éxito clamoroso con el estreno de la zarzuela en tres actos La bruja. Sucesivamente dio a la escena La revoltosa, Pepe Gallardo, La chavala y Curro Vargas.

En 1902 estrenó en el Teatro Lírico de Madrid la ópera Circe, con libreto de Ramos Carrión. Su última obra, Margarita la tornera, fue estrenada el 24 de febrero de 1909. La producción teatral de Chapí es muy copiosa. Además de las obras citadas, cabe señalar la zarzuela El puñao de rosas, con texto de Carlos Arniches, estrenada con gran éxito en Madrid el 30 de octubre de 1902. Nuestro autor compuso también música instrumental y de cámara; sus tres Cuartetos para cuerda y la suite sinfónica La corte de Granada, sobre todo la Serenata, fueron en su tiempo ejecutadas infinidad de veces.

La obra teatral de Chapí dio un gran impulso a la zarzuela. Fue un compositor de vena fácil y limpia técnica, creador de agradables melodías. Dominó el género cómico y el dramático, y también las producciones de carácter típico y callejero. Media docena de sus zarzuelas alimentaron constantemente los programas del género hasta los años treinta, época en que se inició la rápida decadencia de esta modalidad teatral.





Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 12 puntos

Vótalo:

Tomás Bretón

62

Tomás Bretón

https://www.youtube.com/watch?v=iXKtxmHFwx4

(Tomás Bretón Hernández; Salamanca, 1850-Madrid, 1923) Compositor y director de orquesta español. Hijo de una humilde familia y huérfano de padre a los dos años, pudo, a costa de grandes sacrificios, empezar sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de San Eloy de su ciudad natal. Discípulo de... Ver mas
(Tomás Bretón Hernández; Salamanca, 1850-Madrid, 1923) Compositor y director de orquesta español. Hijo de una humilde familia y huérfano de padre a los dos años, pudo, a costa de grandes sacrificios, empezar sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de San Eloy de su ciudad natal. Discípulo de Emilio Arrieta en el Conservatorio de Madrid, durante su juventud se ganó la vida tocando el violín en diversas orquestas y cafés.


Tomás Bretón

En 1875 estrenó con gran éxito su primera tentativa operística, Guzmán el Bueno. En la década de 1880 prosiguió su formación en Roma, Milán, Viena y París. A su regreso a España, dirigió la Orquesta de la Sociedad de Conciertos, con la que realizó una valiosa labor en la introducción del repertorio sinfónico europeo.

Como compositor, e influido por la corriente nacionalista en boga en otros países europeos, apoyó decididamente la causa de la ópera española con títulos como Los amantes de Teruel (1889) y La Dolores (1894), ninguna de las cuales ha obtenido el éxito de La verbena de la Paloma. Por una de esas paradojas que se dan a veces, Tomás Bretón, que durante toda su vida luchó por la creación de una ópera nacional española, hoy día es recordado por una obra que él consideraba menor, La verbena de la Paloma (1894), uno de los retratos musicales más acabados y llenos de vida del Madrid de finales del siglo XIX.

En 1895 estrenó la ópera La Dolores sobre un libreto de Feliu y Codina. Luego de triunfar clamorosamente en Madrid y Barcelona, esta obra fue aplaudida en Portugal, Viena, Praga y otros escenarios de Europa y América. El propio autor la dirigió en el teatro Colón de Buenos Aires en 1910. Anteriormente había dirigido algunos conciertos en el St. James Hall de Londres. Compuso además obras corales, de cámara e instrumentales.





Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 12 puntos

Vótalo:

Francisco Tárrega

63

Francisco Tárrega

https://www.youtube.com/watch?v=y_goHl-GuNk

Francesc Tárrega Francisco Tárrega Guitarrista y compositor español Nació el 29 de noviembre de 1852 en Villareal (Castellón). Su interés por la guitarrista se despertó cuando escuchó y aprendió de un guitarrista popular de su localidad, 'el ciego de la Marina'. Cursó... Ver mas
Francesc Tárrega
Francisco Tárrega

Guitarrista y compositor español



Nació el 29 de noviembre de 1852 en Villareal (Castellón).

Su interés por la guitarrista se despertó cuando escuchó y aprendió de un guitarrista popular de su localidad, 'el ciego de la Marina'.

Cursó estudios en Valencia con Arcas y Tomás Damas y más tarde armonía y piano en el Conservatorio de Madrid con Hernando y Galiana.




Decidió dedicarse por completo a la guitarra, sobre todo después del éxito que tuvo en un concierto en el teatro Alhambra de Madrid.

Se estableció en París, conquistando la admiración del público. Hizo buenas amistades entre artistas, poetas, políticos y músicos de la talla de Isaac Albéniz, Felipe Pedrell o Tomás Bretón.

En el año 1882 se radicó definitivamente en Barcelona donde creó su propia escuela.

Dio un nuevo impulso a la guitarra rescatándola del menosprecio en que había quedado desde hacía varias décadas.




Entre sus obras destacan: Alborada, Capricho árabe, Danza mora, Variaciones sobre el carnaval de Venecia y Pavana, así como numerosas transcripciones de obras de Friedrich Händel, Wolfgang Amadeus Mozart, Frédéric Chopin e Isaac Albéniz, entre otros.

Francesc Tárrega falleció el 15 de diciembre de 1909 en Barcelona.


*buscabiografias.com
Ha recibido 12 puntos

Vótalo:

Johann Strauss III

64

Johann Strauss III

https://www.youtube.com/watch?v=cdP0fHdtXzU

Johann Strauss III (Viena, 16 de febrero de 1866 - Berlín, 9 de enero de 1939), fue un músico austriaco, el último representante de la dinastía Strauss: hijo de Eduard Strauss, nieto de Johann Strauss padre, y sobrino de Johann Strauss y de Josef Strauss, todos ellos músicos destacados... Ver mas
Johann Strauss III (Viena, 16 de febrero de 1866 - Berlín, 9 de enero de 1939), fue un músico austriaco, el último representante de la dinastía Strauss: hijo de Eduard Strauss, nieto de Johann Strauss padre, y sobrino de Johann Strauss y de Josef Strauss, todos ellos músicos destacados.

Biografía[editar]
Estudió humanidades, aunque para seguir la tradición familiar iniciada por su abuelo, también estudio a la vez piano, violín y composición. Las influencias de su familia le valieron para ocupar varios cargos oficiales, no obstante en 1894 regresó al mundo de la música. Por esa época se casó con Maria Hofer, cuyo padre era un importante empresario vienés.

Es más recordado como director de orquesta y concertista que como compositor. Realizó numerosas giras tanto por su Austria natal, como por varios países europeos, llegando incluso a realizar giras por Estados Unidos.

Como compositor entre otras muchas obras, sobresale por la opereta El gato y la sonrisa.
Ha recibido 11 puntos

Vótalo:

Josef Strauss

65

Josef Strauss

https://www.youtube.com/watch?v=7uLJS0oUUzg

Compositor austriaco nacido en Viena, hijo de Johann Strauss y hermano de Johann y Eduard Strauss. Sustituyó en 1856 a su hermano Johann al frente de la célebre orquesta de la familia, debido a los continuos viajes de éste a Rusia. Sus dotes de director fueron aumentando en el transcurso del... Ver mas
Compositor austriaco nacido en Viena, hijo de Johann Strauss y hermano de Johann y Eduard Strauss. Sustituyó en 1856 a su hermano Johann al frente de la célebre orquesta de la familia, debido a los continuos viajes de éste a Rusia. Sus dotes de director fueron aumentando en el transcurso del tiempo. Esta función, compartida junto a Eduard Strauss, no la abandonaría hasta su muerte acaecida el 22 de julio de 1870, después de un accidentado concierto de la orquesta. Son conocidas su Pizzicato Polka (1869), escrita junto a Johann Strauss jr, y su Jockey Polka (1870). © epdlp
Ha recibido 11 puntos

Vótalo:

Ernesto Lecuona

66

Ernesto Lecuona

https://www.youtube.com/watch?v=b7QpfaxGuFc

(La Habana, 1896-Santa Cruz de Tenerife, España, 1963) Compositor y pianista cubano. Excelente pianista, dedicó la mayor parte de su creatividad musical a este instrumento, con obras en las que explotaba, de manera imaginativa y original, los ritmos y las melodías caribeños. Nacido en el seno de... Ver mas
(La Habana, 1896-Santa Cruz de Tenerife, España, 1963) Compositor y pianista cubano. Excelente pianista, dedicó la mayor parte de su creatividad musical a este instrumento, con obras en las que explotaba, de manera imaginativa y original, los ritmos y las melodías caribeños. Nacido en el seno de una familia de músicos, sus inicios en la composición fueron muy precoces (escribió su primera canción a los once años). Precisamente han sido sus canciones, más que su música instrumental, las que le han valido el reconocimiento de muchos melómanos. De entre su amplia producción en este campo destacan las tituladas Andalucía, Malagueña, Siempre en mi corazón, La comparsa, El crisantemo, Mariposa y, sobre todo, Siboney, su pieza más recordada. Junto a ellas, merecen citarse también las zarzuelas Rosa la China, María de la O y El cafetal, en las que supo encontrar un estilo propio, independiente de los modelos tradicionales españoles y con ciertos puntos de contacto con la comedia musical estadounidense.


Ernesto Lecuona

Ernesto Lecuona se dio a conocer como precoz y extraordinario pianista: con sólo diecisiete años se graduó en el Conservatorio Nacional con Medalla de Oro en interpretación. Durante los años siguientes consiguió éxito internacional como intérprete, dando conciertos en La Habana y Nueva York; en esta ciudad comenzó a profundizar en la composición, que se convertiría en su actividad principal. A lo largo de su vida, Lecuona se mantuvo muy activo profesionalmente: actuó en teatros y salas de España, Cuba y Latinoamérica como compositor, pianista y director. Fundó además los grupos Havana Symphony (con Gonzalo Roig), la Lecuona Cuban Boys Band y La Orquesta de La Habana. Durante algunos años, tocó el piano en la discoteca madrileña Long Play, cercana a la Gran Vía. Murió en Santa Cruz de Tenerife, adonde había viajado para conocer la tierra natal de su padre.

Lecuona se dedicó también al cine, componiendo un total de once bandas sonoras para estudios cinematográficos de Hollywood, España y Latinoamérica. En 1942 fue nominado para un Premio de la Academia por la música de la película Always in my heart, una producción de la Warner Brothers. Otra banda sonora para Hollywood fue la de All This and Glamour Too (1938), en la que se interpretan los temas Siboney y WhenYou're in Love. Para la película Under Cuban Skies creó los temas Free Soul (1931), Susana Lenox (1931), Pearl Harbor (se desconoce el año de composición) y The Cross and the Sword (también de fecha desconocida). Películas realizadas fuera de los Estados Unidos para las que el compositor hizo la banda sonora son María de La O (México), Adiós Buenos Aries (Argentina) y La Última (Cuba).

Pero su popularidad procede sobre todo de su talento melódico: llegó a componer un total de 406 magníficas canciones, muchas de las cuales se convirtieron en grandes temas que serían adaptados con arreglos diversos a lo largo de los años, con varias combinaciones vocales e instrumentales, realizadas tanto por Lecuona como por muchos otros músicos. Escribió también operetas, ballet, zarzuelas, revistas y ópera. Son especialmente recordadas por su calidad las zarzuelas ya citadas (María de la O, El cafetal y Rosa la china). Su obra más ambiciosa fue la ópera El Sombrero de Yarey, en la que estuvo trabajando durante varios años y que no llegó a representarse; gran parte de las partituras se perdieron.



Lecuona compuso también más de 176 piezas para piano solo, entre las que se cuentan las seis piezas que componen la Suite Andalucía: Córdoba, Andaluza, Alhambra, Gitanerías, Guadalquivir y Malagueña. Otras obras conocidas son Ante El Escorial, Zambra gitana, Aragonesa, Granada, San Francisco el Grande, Aragón y La habanera. De sus 37 obras para orquesta (que incluyen tres para piano y orquesta) la más famosa es Rapsodia Negra, una fantasía basada en temas de su zarzuela El cafetal. Lecuona raramente orquestaba sus obras, dejando esta labor para amigos y colegas. Muchas de sus piezas para orquesta, como la Rapsodia Negra, son popurrís basados en temas de otras composiciones suyas. A menudo utilizaba el término mosaico para describir su obra.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 11 puntos

Vótalo:

Mikis Theodorakis

67

Mikis Theodorakis

https://www.youtube.com/watch?v=cec34OOdnRA

(Quíos, 1925) Político y compositor griego. Su padre fue un destacado funcionario del Ministerio del Interior, por lo que su infancia fue un constante deambular por la geografía griega. La inclinación musical de Theodorakis comenzó muy temprano y ya desde muy joven colaboró en las celebraciones... Ver mas
(Quíos, 1925) Político y compositor griego. Su padre fue un destacado funcionario del Ministerio del Interior, por lo que su infancia fue un constante deambular por la geografía griega. La inclinación musical de Theodorakis comenzó muy temprano y ya desde muy joven colaboró en las celebraciones barrocas de la liturgia ortodoxa. Ingresó en el Conservatorio de Atenas a los trece años, donde estudió composición y dirección musical.

Sin embargo, durante la Segunda Guerra Mundial, abandonó los estudios para pasarse a las fuerzas griegas de resistencia contra la ocupación de las tropas del Eje (1943). Tuvo por ello que terminar luego sus estudios en París, donde fue alumno de Olivier Messiaen y René Leibowitz. Durante la guerra civil griega estuvo encarcelado desde 1947 a 1953.


Mikis Theodorakis

A lo largo de toda su carrera Mikis Theodorakis desarrolló una intensa actividad política. Militante de la izquierda, llegó a ser diputado (1963 y 1981-1986) y ministro sin cartera (1990). En la época de la dictadura militar estuvo detenido desde 1967 hasta 1970; posteriormente marchó a vivir a París. Finalmente, volvió a Grecia en 1974.

Como compositor, Mikis Theodorakis es autor de una música políticamente comprometida basada en las melodías populares griegas, aunque aprovechando las técnicas de la música culta contemporánea. En 1941 compuso su primera canción, El Capitán Zacarías, con motivo de la invasión nazi-fascista; ésta se convirtió más tarde en el himno de la resistencia helena.

Theodorakis es también conocido a nivel internacional por sus composiciones musicales tanto para películas como para ballet y teatro. Entre sus partituras para el cine destacan las de Zorba, el griego (1964), protagonizada por Antonny Quinn, Zeta (1969), Estado de Sitio (1972) y Sérpico (1973). Para el teatro compuso los fondos musicales de Electra, Ifigenia, Las Troyanas, Antígona, Edipo, rey y otras obras de los grandes trágicos griegos (Esquilo, Sófocles y Eurípides). Se le deben asimismo las composiciones musicales de los ballets Los amantes de Teruel, Antígona y Orpheo y Eurídice.

Escribió además dos oratorios (es justamente famoso el Canto general, de 1973, inspirado en el poema épico-social de Pablo Neruda), diez piezas sinfónicas, varias sonatas y más de quinientas canciones. En 1991 estrenó Medea; en 1993 fue nombrado director musical de la televisión griega y apareció uno de sus últimos trabajos discográficos, Mikis Theodorakis on the Screen.





Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 11 puntos

Vótalo:

Henry Mancini

68

Henry Mancini

https://www.youtube.com/watch?v=jBupII3LH_Q

(Enrico Nicola Mancini; Cleveland, 1924 - Beverly Hills, California, 1994) Compositor estadounidense reconocido como uno de los grandes creadores de bandas sonoras para el cine. Formado musicalmente en Pittsburgh y Nueva York, se sintió tempranamente inclinado hacia el jazz, llegando a ser... Ver mas
(Enrico Nicola Mancini; Cleveland, 1924 - Beverly Hills, California, 1994) Compositor estadounidense reconocido como uno de los grandes creadores de bandas sonoras para el cine. Formado musicalmente en Pittsburgh y Nueva York, se sintió tempranamente inclinado hacia el jazz, llegando a ser pianista de la orquesta de Glenn Miller. Se mantuvo en ella desde el final de la Segunda Guerra Mundial hasta 1952, año en el que ingresó en el departamento musical de la Universal Pictures.


Henry Mancini

Muy poco después de empezar a componer para el cine demostró sus dotes como arreglista en Música y lágrimas (1954). Compuso partituras y canciones para numerosas películas, pero serían sus temas para la serie de televisión Peter Gunn (1959) y la partitura para Mr. Lucky (1960) los que asentaron su prestigio en la industria. La banda sonora de Peter Gunn (serie dirigida por Blake Edwards, con quien colaboraría en veintisiete largometrajes) cautivó a la audiencia con su aire jazzístico propio de las grandes orquestas.

Su estilo colorista se integraba muy bien en la acción cinematográfica y encajaba a la perfección en los temas satíricos o de suspense. En filmes como Desayuno con diamantes (1961), la música de Mancini, oscarizada no sólo por el conjunto de la banda sonora, sino también por la celebérrima canción Moon River (con letra de Johnny Mercer), terminó de dar homogeneidad al conjunto del filme, amén de contribuir en no poca medida a su popularidad. Se recuerda también el espléndido tema musical de regusto latino que acompaña el impresionante plano-secuencia con que se abre Sed de mal (1958), de Orson Welles.

La partitura de La pantera rosa (Blake Edwards, 1964) fue sin duda una de las más populares. Mancini ganó de nuevo el Oscar por la canción de Días de vino y rosas (1962) y por la partitura de ¿Víctor o Victoria? (1982). Entre sus restantes bandas sonoras merecen destacarse las de ¡Hatari! 1962), Charada (1963), Dos en la carretera (1967), El guateque (1968), Los indomables (1970), Basil, el ratón superdetective (1986) y El zoo de cristal (1987).





Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 11 puntos

Vótalo:

Amadeo Vives

69

Amadeo Vives

https://www.youtube.com/watch?v=-v7YsRyoKcM

(Amadeu Vives i Roig; Collbató, 1871 - Barcelona, 1932) Músico español. Aprendió las primeras nociones de música de su hermano. En Barcelona estudió piano, armonía y composición con José Ribera. Más tarde dirigió la banda de un asilo de Málaga, y la capilla de las religiosas de Loreto, en... Ver mas
(Amadeu Vives i Roig; Collbató, 1871 - Barcelona, 1932) Músico español. Aprendió las primeras nociones de música de su hermano. En Barcelona estudió piano, armonía y composición con José Ribera. Más tarde dirigió la banda de un asilo de Málaga, y la capilla de las religiosas de Loreto, en Barcelona. Sentía veneración por Beethoven, cuyas sonatas imitó en sus primeras composiciones, a los catorce años de edad. Colaboró entrechamente con Lluís Millet, con el que fundó en 1891 el Orfeó Català, la sociedad coral más prestigiosa de Cataluña.


Amadeo Vives

Las primeras canciones que interpretó dicho conjunto coral fueron armonizaciones de canciones populares catalanas realizadas por Vives. A raíz de la muerte de su padre compuso L'Emigrant, canción que pronto alconzó gran popularidad. En 1895 estrenó, en el teatro Novedades de Barcelona, la ópera Arthus. Trasladado a Madrid, presentó allí la zarzuela Don Lucas del Cigarral, cuyo libreto está basado en la obra de Francisco de Rojas Zorrilla Entre bobos anda el juego.

Vives fue un compositor fecundo. Las obras que marcan las principales etapas de su carrera son la ópera Euda d'Uriac, con libreto de Àngel Guimerà; la zarzuela Bohemios, uno de sus mayores éxitos de público; la ópera Maruxa (1913), de ambiente gallego; Balada de Carnaval (1915), ópera; Canciones epigramáticas (1915-16), y Doña Francisquita (1923), cuyo libreto está inspirado en La discreta enamorada de Lope de Vega, y que representa el punto más alto de la madurez artística del compositor.

Dejó inconclusa la partitura de El abanico, escrita sobre una versión de la comedia de Carlo Goldoni. El autor probó suerte asimismo como dramaturgo, pero su drama Jo no sabia que el món era així fue estrenado en Barcelona en 1929 con poca fortuna. Amadeu Vives era un hombre simpático, entusiasta, leal, brillante y de indudable talento. En sus últimos años publicó un ensayo optimista titulado L'entusiasme és la sal de l'ànima.





Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 11 puntos

Vótalo:

Enrique Granados

70

Enrique Granados

https://www.youtube.com/watch?v=omyYWt_CvPA

(Enrique o Enric Granados y Campiña; Lérida, 1867 - en el canal de la Mancha, 1916) Pianista y compositor español. Era hijo de padre cubano y de madre gallega. Su disposición para la música se reveló ya en su niñez; estudió los primeros elementos de solfeo y teoría en su ciudad natal con José... Ver mas
(Enrique o Enric Granados y Campiña; Lérida, 1867 - en el canal de la Mancha, 1916) Pianista y compositor español. Era hijo de padre cubano y de madre gallega. Su disposición para la música se reveló ya en su niñez; estudió los primeros elementos de solfeo y teoría en su ciudad natal con José Junceda. Niño aún, pasó a Barcelona, donde entró en la Escolanía de la Merced, dirigida por Francisco Jurnet; luego recibió lecciones de Juan Pujol (piano) y Felipe Pedrell (armonía).


Enrique Granados

A los diez años de edad empezó a dar conciertos públicos. En 1887 pasó a París, donde estudió con C. de Bériot; en la capital francesa vivió con su amigo y coterráneo, el pianista Ricardo Viñes. Regresó a Barcelona en 1889, donde dio un memorable concierto en el Teatro Lírico. En 1892 obtuvo un nuevo triunfo como concertista y como compositor al dar a conocer sus tres primeras Danzas.

Como pianista fue excelente colaborador de grandes violinistas como Joan Manén, Eugène Ysaye, Mathieu Crickboom y Jacques Thibaud. También actuó al lado de Édouard Risler, Camille Saint-Saëns y Joaquín Malats en la interpretación pública de obras escritas para dos pianos. En una de las primeras "Festes de la Música Catalana", obtuvo el primer premio; su Allegro de concierto fue laureado en un concurso nacional.

En 1910 envió sus composiciones para piano Goyescas al pianista Montoriol Tarrés, que residía en París. Tarrés estudió la obra y se entusiasmó con ella. La divulgó y pronto, ganado el apoyo de Vuillermoz, logró que la Société Musicale Independante organizara el 4 de abril de 1914 un concierto enteramente dedicado a Enrique Granados. El éxito fue rotundo y constituyó la consagración del joven compositor. A raíz de este concierto le fue concedida la Legión de Honor y recibió de Rouché, director de la ópera parisiense, el encargo de convertir las Goyescas en ópera, para su representación en París.



Enrique Granados puso manos a la obra y concluyó la partitura sobre un libreto de F. Periquet; pero estalla la Primera Guerra Mundial y el proyecto se vuelve irrealizable. Así las cosas, Schirmer, el editor neoyorquino, enterado de la dificultad, se apresura a hacer proposiciones a Granados. Schirmer está dispuesto a editar la obra y la hará representar en Nueva York; Granados acepta y se traslada a América con su esposa.

La representación de Goyescas, efectuada en el Metropolitan el 28 de enero de 1916, constituyó un éxito, y Granados fue invitado por el presidente de los Estados Unidos para tocar en la Casa Blanca. Esta circunstancia fue causa de que el compositor perdiera el transatlántico que había de volverle a España. Cumplido su compromiso, no quiso esperar la salida de otro buque español y embarcó para Inglaterra; allí, en Folkestone, tomó el "Sussex", el cual, a poco de zarpar, fue torpedeado y hundido por un submarino alemán. Granados y su esposa murieron ahogados. La noticia causó sensación; en Barcelona, en Lérida, en París, en Nueva York, se le tributaron homenajes póstumos.

Además de las partituras citadas se deben a Granados, entre otras, las siguientes obras: Bocetos, 12 Danzas españolas, Piezas sobre cantos populares, Valses poéticos, Madrigal, la ópera María del Carmen (1898), Follet, Picarol, Liliana (sobre textos de Apel·les Mestres), una nueva serie de Danzas españolas, Sardana, Rapsodia aragonesa, El Pelele y El canto de las estrellas (para piano, coro y órgano). Para canto y piano compuso Canciones amatorias, Tonadillas, Elegía eterna, el poema sinfónico Dante, etc.

Enrique Granados fue además notable pedagogo; de la academia de música que en Barcelona llevaba su nombre salieron muchos de los mejores pianistas catalanes de esos últimos tiempos. Nuestro autor fue un extraordinario intérprete de la música popular hispánica, a la que estilizó con su alto sentido poético y su fina intuición.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 11 puntos

Vótalo:

Pau Casals

71

Pau Casals

https://www.youtube.com/watch?v=qKoX01170l0

Pau Casals i Defilló,1​ cuyo nombre completo era Pau Carles Salvador Casals i Defilló (El Vendrell, Tarragona, España, 29 de diciembre de 1876 - San Juan, Puerto Rico, 22 de octubre de 1973), es uno de los músicos españoles más destacados del siglo XX. De padre catalán y madre nacida dentro de... Ver mas
Pau Casals i Defilló,1​ cuyo nombre completo era Pau Carles Salvador Casals i Defilló (El Vendrell, Tarragona, España, 29 de diciembre de 1876 - San Juan, Puerto Rico, 22 de octubre de 1973), es uno de los músicos españoles más destacados del siglo XX. De padre catalán y madre nacida dentro de una familia de catalanes indianos en Puerto Rico, Casals es considerado uno de los mejores violonchelistas de todos los tiempos.

Una de sus composiciones más célebres es el «Himno de las Naciones Unidas», conocido como el «Himno de la Paz», compuesto mientras residía en Puerto Rico, y donde habían residido otros españoles renombrados internacionalmente, como Juan Ramón Jiménez y Francisco Ayala. Magnífico director de orquesta y notabilísimo compositor, Casals fue siempre un artista completísimo, de férrea disciplina y gran dedicación.

Además de destacar como intérprete, Casals también fue reconocido por su activismo en la defensa de la paz, la democracia, la libertad y los derechos humanos, que le valieron prestigiosas condecoraciones como la Medalla de la Paz de la ONU y ser nominado al Premio Nobel de la Paz. Casals también manifestó públicamente su oposición al régimen franquista y su deseo de ver una Cataluña independiente o con un grado alto de autonomía (vid. cap. V de sus memorias, dictadas originariamente en francés a Albert E. Kahn y traducidas al catalán como Joia i Tristor).

Pau Casals murió el 22 de octubre de 1973, a la edad de noventa y seis años, en San Juan (Puerto Rico), a consecuencia de un ataque al corazón. Fue enterrado en el Cementerio Conmemorativo de San Juan de Puerto Rico. En esa localidad se organiza el actual Festival Casals de Puerto Rico y está ubicado el Museo Pablo Casals.

El 9 de noviembre de 1979, restablecida la democracia en España, sus restos fueron trasladados al cementerio de El Vendrell, su población natal, donde actualmente descansan.

En el centro de Vendrell se ubica la Casa-Museo de Pau Casals, y en el barrio de San Salvador de la misma población, la sede de la Fundación Pau Casals, con otra casa-museo frente a un auditorio bautizado con su nombre, y con un busto realizado por el escultor Josep Maria Subirachs.


Su obra musical como violonchelista, compositor y director[editar]

Casals hacia 1909
Entre las contribuciones más importantes de Pau Casals destaca haber cambiado la técnica de la interpretación de violonchelo, buscando movimientos más naturales alejados de la técnica rígida del siglo XIX y pegando el arco a las cuerdas siempre. Rescató del olvido las estupendas suites para violonchelo de Johann Sebastian Bach, son legendarias las grabaciones que de ellas hizo entre 1936 y 1939, aunque las grabó repetidamente.

Casals mostró ya desde su infancia una gran sensibilidad por la música. Su padre, Carles Casals i Ribes, también músico, le transmitió los primeros conocimientos musicales, que Pau Casals amplió con estudios en Barcelona y Madrid. En esta ciudad compartió estudios con el otro grande del violonchelo español del siglo XX, Juan Ruiz Casaux, siendo ambos discípulos del catedrático de la Escuela Nacional de Música, Víctor Mirecki, iniciador de la escuela violonchelística española moderna, y de Jesús de Monasterio en la cátedra de perfeccionamiento de música de cámara. Con tan solo veintitrés años, inició su trayectoria profesional y actuó como intérprete en los mejores auditorios del mundo.

En calidad de intérprete, aportó cambios innovadores a la ejecución del violonchelo e introdujo nuevas posibilidades técnicas y expresivas. Como director, buscaba igualmente la profundidad expresiva, la esencia musical que sabía alcanzar con el violonchelo. Son especialmente conocidas las versiones que dirigió en el Festival de Malborough de los Conciertos de Brandeburgo de Johann Sebastian Bach, su músico predilecto, sinfonías de Wolfgang Amadeus Mozart, etc.

Pau Casals ejerció también como profesor en el Real Conservatorio de Madrid. Además de violonchelista, también desarrolló su carrera como compositor, dejando un legado de obras, entre las que se incluyen el oratorio El Pessebre, que presentó en diversos países. Popularizó la antigua canción catalana "El cant dels ocells" tocándola en la sede de la ONU; esta melodía ha acabado erigiéndose en un verdadero canto a la paz.

En 1973, muere en San Juan de Puerto Rico: el gobierno del país declara tres días de luto nacional, se reciben las condolencias de todos los jefes importantes de estado, los grandes músicos y el pueblo en general. En la Ciudad de México, desde el teatro principal, el Palacio de las Bellas Artes, se presenta el poema sinfónico El Pessebre con renombrados solistas, dos orquestas y coro, dirigidos por Enrique Gimeno que fue retransmitido por satélite internacionalmente.


Testimonio del músico Pablo Casals.
MENÚ0:00
Testimonio del músico Pablo Casals desde San Juan de Puerto Rico
¿Problemas al reproducir este archivo?
Composiciones de Pau Casals[editar]
Misa de Gloria a cuatro voces y armonium (Barcelona, 1892)
Minuetto para quinteto de cuerda (Barcelona,1892)
A tu-des de Santes Creus. Queixa (Santes Creus, 1892) Canción. Texto de Joan Ramon.
Concierto para violonchelo y piano (Barcelona, 1892)
Cuarteto en mi menor (Barcelona, 1893)
Romanza para canto y piano sobre una poesía de Heine (Madrid, 1893)
Pastoral para violonchelo y piano (Madrid, 1893)
Balada (Madrid, 1893)
Romanza para canto y piano (Madrid, 1894)
Cuatro romanzas sin palabras para piano (Madrid, 1894)
Pequeña Mazurca de Salón (Madrid, 1895)
Primer Preludio Orgánico para piano (Madrid, 1895)
Segundo Preludio Orgánico para piano (París, 1895)
En el mirall canviant de la mar blava (Canción catalana núm.1) (Sardañola del Vallés, 1895)
A l'enterrament de un nin (Canción catalana núm.2) (Barcelona, 1895)
Al despertar-se de matinada (Canción catalana núm.3) (Barcelona, 1896)
Nigra Sum (para el monasterio de Montserrat)
Cançó a la Verge (a la Mare de Déu de Montserrat)
Oració a la Verge
O Vos Omnes
El Pessebre, Oratorio con texto de Joan Alavedra. Acapulco, Guerrero, México. 1960
Su compromiso político y social[editar]

Monumento a Pau Casals en Barcelona
Junto a su carrera como músico, Pau Casals mantuvo siempre una incansable dedicación a la defensa de la paz, la democracia y la libertad, y a lo largo de su vida dejó constancia de su compromiso en favor de la clase trabajadora con orquestas que fundaba y patrocinaba para los obreros y labradores, así como haciendo aportaciones económicas para refugiados y exilados. Además, en 1905 fundó en Barcelona el Comité Catalán contra la Guerra junto con el astrónomo José Comas y Solá y el geólogo Alberto Carsí.

Pese a que, durante los años del régimen franquista, en los estamentos oficiales y medios de comunicación españoles se le llamaba Pablo Casals, siempre reclamó que le llamasen Pau, no sólo porque ese era su nombre en catalán, lengua que siempre defendió, sino también porque en catalán la palabra "pau" significa "paz".2​

En 1917 anunció su decisión de no volver a actuar en Rusia, tras los sucesos de la Revolución rusa y la implantación del sistema comunista. En los años posteriores extendería esa decisión a todos los países llamados comunistas donde no hubiese "democracia".

En 1926 creó en Barcelona la Associació Obrera de Concerts (Asociación Obrera de Conciertos): una entidad independiente cuyo objetivo era permitir el acceso de la clase trabajadora a la enseñanza de la música y la audición de conciertos.

Conocido por sus ideales republicanos, en 1931 mostró públicamente su contento por la proclamación de la Segunda República en España, y fue invitado a participar en los actos conmemorativos del suceso. Participó en los actos dirigiendo a la Orquestra Pau Casals y el Orfeó Gracienc, que interpretaron la Novena Sinfonía de Beethoven en una actuación en el Palacio de Montjuïc de Barcelona. Ideológicamente se hizo republicano por el progresivo distanciamiento que sufrió con Alfonso XIII a partir de la Dictadura de Primo de Rivera y la supresión de la Mancomunidad. De hecho, tal como cuenta en el capítulo cuarto sus memorias, siempre expresó su gratitud a la reina María Cristina y llevó engarzado al arco de su violoncelo un anillo que ella le regaló.

En 1933 rechazó una invitación para actuar en Alemania a causa de la llegada al poder de Adolf Hitler, cuya doctrina detestaba. Manifestó su intención de no tocar en ese país hasta que no hubiese un cambio de régimen político pese a haber sido amenazado por los nazis con quemarle las manos[cita requerida].

En 1936, con el estallido de la Guerra Civil Española se declaró públicamente a favor de la República en la medida en que quería expresar su actitud antifascista. En 1937 fue nombrado miembro de la Junta de Relaciones Culturales de Cataluña, junto con el poeta Gabriel Alomar, el jurisconsulto Josep Xirau i Palau y el geólogo Alberto Carsí entre otros.

Con la consolidación de la dictadura militar decidió trasladarse a vivir a San Juan de Puerto Rico (su madre Pilar Defilló Amiguet había nacido en Puerto Rico, donde sus abuelos maternos, catalanes, habían ido a trabajar).

Entre 1946 y 1950 se dedicó a la composición, al estudio y la enseñanza, mientras seguía ayudando a los refugiados españoles en el extranjero.

En 1950 impulsó y presidió la celebración de los primeros Juegos Florales de la lengua catalana en el exilio, que tuvieron lugar en Perpiñán (Francia). Ese mismo año también impulsa, a instancias del exhorto del violinista Alexander Schneider, la creación del festival de música de Prades, que desde entonces se celebra cada año con el nombre de Festival Internacional de Música Pau Casals.

En 1950 volvió a actuar en público gracias también a la persuasión Alexander Schneider. Fue con motivo del primer Festival de Prades, organizado con motivo del bicentenario de la muerte de Bach, el compositor preferido de Casals.

El 13 de julio de 1954 el Parlamento de Cataluña en el exilio, reunido en la embajada de la República Española en México, lo propuso como Presidente de la Generalidad de Cataluña. El violonchelista rechazó el cargo, convencido de que "sirvo mejor a Cataluña en las circunstancias actuales como la sirvo" y porque decía no estar a la altura de tal dignidad.

En 1956, Puerto Rico, Cuba y México se unen para rendir tributo al artista y humanista en un sensible homenaje con la participación de grandísimos músicos, estadistas, personajes de las artes, la cultura, masas corales y asociaciones. Este hecho está registrado en el libro "Pau Casals, peregrino en América" de Josep García Borrás y en ese año, se crea el Festival Casals de Puerto Rico y un disco "Long play".

En 1958, Casals visita México para el Concurso mundial de violonchelo donde, en compañía de chelistas como Mstislav Rostropovich, Rubén Montiel y otros, califica el desempeño de instrumentistas de primer nivel.

El 24 de octubre de 1958 fue invitado a participar en la Asamblea General de las Naciones Unidas, para conmemorar el Día de las Naciones Unidas. El concierto y el mensaje de paz de Casals fue retransmitido por radio a más de 40 países. Aquella intervención le convirtió en uno de los símbolos mundiales de la lucha por la paz y la libertad en el mundo, y le valió la nominación al Premio Nobel de la Paz de ese mismo año.


P. Casals dirigiendo "El Pesebre" en el teatro Colón de Buenos Aires
El 17 de diciembre de 1960, estrena en el fuerte de San Diego en Acapulco (Guerrero, México), como agradecimiento al país que había recibido a los españoles exiliados, el oratorio que había compuesto con ideales pacifistas desde los años cuarentas del poema premiado de Joan Alavedra, El Pesebre en catalán.2​


Detalles de publicidad para El Pesebre, oratorio de Pau Casals.
El 13 de noviembre de 1961 realiza un concierto en la Casa Blanca junto al Gobernador de Puerto Rico, Luis Muñoz Marín, invitado por el presidente de Estados Unidos John Fitzgerald Kennedy. Previamente, Casals había apoyado públicamente la política demócrata del presidente Kennedy.

El 19 de abril de 1962 actúa en el Memorial Opera House de San Francisco donde presenta El Pesebre. Con motivo de ese concierto, Pau Casals anuncia que dedicará el resto de su vida a una cruzada personal por la dignidad humana, la fraternidad y la paz.

El 24 de octubre de 1963 vuelva a la sede de las Naciones Unidas en Nueva York para interpretar El Pessebre, con la Orquesta del Festival Casals y el Coro de la Orquesta de Cleveland. El presidente de Estados Unidos, John Fitzgerald Kennedy, le concede la Medalla de la Libertad de Estados Unidos.2​

A principios del año 1970, el periodista Jacobo Zabludovsky es llevado por el músico Enrique Gimeno a casa de Casals, en Puerto Rico, donde se le realiza la única entrevista que el chelista concediera en esas condiciones, televisada y de larga duración.


Entrevista a Pau Casals en su hogar por Jacobo Zabludovsky y Enrique Gimeno, 1970
En marzo de 1970 fue invitado por su amigo, el director orquestal catalán, Enrique Gimeno a Guadalajara, Jalisco, México a interpretar al chelo inaugurando los Festivales Casals de México y dirige junto con el propio Gimeno, su oratorio El Pessebre. Regresaría a México para otras audiciones de su Pesebre en el 71 donde el Gobierno del estado de Jalisco, lo obsequia con una residencia.

El 24 de octubre de 1971 recibe la Medalla de la Paz en un homenaje en la sede de la Asamblea General de las Naciones Unidas en Nueva York. En el acto se interpretó, bajo su dirección, el Himno de las Naciones Unidas compuesto por Casals con letra del poeta W. H. Auden por encargo de U Thant, secretario general de la organización. La pieza se convierte en el Himno a la paz, como también es conocida. Tras la interpretación del himno de la ONU, Casals pronunció un discurso en inglés y catalán, convirtiéndose en la primera persona que utilizaba la lengua catalana en la Asamblea General de las Naciones Unidas.

Dejadme que os diga una cosa ... Yo soy catalán. Cataluña es hoy una región de España, pero ¿qué fue Cataluña? Cataluña ha sido la nación más grande del mundo. Yo os contaré el porqué. Cataluña tuvo el primer Parlamento, mucho antes que Inglaterra. Cataluña tuvo las primeras Naciones Unidas: en el siglo XI todas las autoridades de Cataluña se reunieron en una ciudad de Francia -entonces Cataluña- para hablar de paz, en el siglo XI ... Paz en el mundo y contra, contra, contra las guerras, la inhumanidad de las guerras.3​
Pau Casals i Defilló, discurso en la sede de las Naciones Unidas en 1971
Tras el discurso, interpretó el Cant dels ocells (en castellano, "El canto de los pájaros"), una composición tradicional catalana que, desde entonces, se convirtió en un nuevo himno a la libertad.

No obstante, Casals siempre afirmó su españolidad, que compatibilizó con un catalanismo militante, y mantuvo una intensa y extensa relación afectiva con la monarquía, actitudes ambas que se resumen en la siguiente entrevista concedida al diario ABC en los últimos años de su vida:

"Soy catalanista pero jamás he sido separatista". "La reina María Cristina fue para mi como una segunda madre. Tocaba el piano con ella y jugaba con Alfonso XIII". "Una gran mujer Isabel de Bélgica. 50 años fuimos amigos. Mi mujer y yo pasábamos temporadas con ella". "En plena República, cuando me hicieron hijo adoptivo de Madrid, elogié a la reina y me ovacionó todo el mundo". 4​
Pau Casals estuvo afiliado a la Liga Regionalista catalana.

Tras la muerte de Casals, se realizó como homenaje póstumo el día de Navidad de 1973, en el palacio de las Bellas Artes, en la capital mexicana, la presentación del oratorio "El Pessebre", dirigido por Enrique Gimeno, con varios coros y orquestas, la presencia de solistas de primer orden, como el barítono puertorriqueño Pablo Elvira, el chelista argentino Adolfo Odnopossoff, transmitido a todo el mundo en vivo, ante las autoridades culturales y civiles (entre ellas, el representando del presidente de la República) y un nutrido público.2​

Trayectoria vital[editar]

Redactar como texto normal.

Un joven Pau Casals visto por Ramon Casas (MNAC)
1876: Pau Casals nace el 29 de diciembre en la calle Santa Ana, número 2, de El Vendrell, en Cataluña. Es hijo del músico Carles Casals Riba y de la puertorriqueña Pilar Defilló Amiguet, quien nació en Puerto Rico donde sus padres catalanes se habían desplazado a trabajar.
1889: Se desplaza a vivir a Barcelona, y es contratado para actuar en el Cafè Tost tres horas cada noche, los siete días de la semana, por 4 pesetas al mes.
1893: Se gradúa con honores en la Escuela Municipal de Música de Barcelona.
1893: Se traslada con su madre y sus hermanos a vivir a Madrid, donde inicia su segunda etapa de formación en el Conservatorio de Música y Declamación, con Jesús de Monasterio como profesor de música de cámara. Obtiene una beca de 250 pesetas de la reina María Cristina.
1895: Viaja a Bruselas para estudiar en el Conservatorio de Música. Tras un incidente con un profesor, Casals decide irse a París. La reina María Cristina le retira la pensión. Tras días difíciles en París, decide regresar a Barcelona.
1896: En mayo entra como profesor en la Escuela Municipal de Música de Barcelona, y en noviembre entra como profesor de violonchelo en el Conservatorio del Liceu. Entra a formar parte de la Gran Orquesta del Gran Teatro del Liceu como violonchelista.
1897: Forma el "Cuarteto Crickboom" con los violinistas Mathieu Crickboom y Josep Rocabruna, y el viola Rafael Gálvez. Hace una gira por España con Enrique Granados y Mathieu Crickboom.
1899: Se traslada a París, instalándose en casa de la cantante estadounidense Emma Nevada. En la Isla de Wight, da un concierto privado para la reina Victoria de Inglaterra.5​
1900: Se instala en París e inicia su carrera como solista.
1901: Primera gira por Estados Unidos.
1903: Primera gira por Sudamérica.
1904: Viaja de nuevo a Estados Unidos, ahora para actuar como solista. El 15 de enero actúa por primera vez en la Casa Blanca, invitado por el presidente de Estados Unidos, Theodore Roosevelt.
1905: Inicia una relación sentimental con Guilhermina Suggia, violonchelista portuguesa.
1905: Funda el Trío Cortot-Thibaud-Casals, junto al violinista Jacques Thibaud y el pianista Alfred Cortot. El trío llegará a ser uno de los más prestigiosos del mundo.
1905: Primer viaje a Rusia. Actúa en el Salón de la Nobleza de San Petersburgo.
1908: Fallece su padre, Carles Casals Riba.
1912: Se rompe la relación sentimental con Guilhermina Suggia.
1914: Se casa con la soprano estadounidense Susan Metcalfe, el 4 de abril en New Rochelle (Nueva York). Inician juntos una gira por Estados Unidos.
1914: Primer concierto en el Metropolitan Opera House de Nueva York, el 13 de diciembre.
1915: Primeras grabaciones para la Columbia Gramophone Company.
1919: Regresa a Barcelona. Se instala en el número 440 de la Avenida Diagonal, junto al Paseo de Gràcia.
1920: Funda la Orquestra Pau Casals, junto a su hermano Enric Casals como primer violín, Enric Ainaud como primer violín adjunto y Bonaventura Dini como primer violonchelo. 1 de noviembre: Concierto inaugural.
1927: El Vendrell coloca una lápida conmemorativa en su casa natal. Participa en la conmemoración del centenario de la muerte de Beethoven en Viena como solista y director de orquesta.5​
1928: Creación de la Associació Obrera de Concerts de Barcelona.5​
1929: Durante una estadía en Milán tiene como alumno a Antonio Janigro.
1932: Nombrado presidente de la Junta de Música de Cataluña.5​
1933: Suspende actividades artísticas en Alemania, como protesta a las persecuciones nazis.5​
1934: Barcelona inaugura la Avinguda Pau Casals. Doctor honoris causa por la Universidad de Edimburgo, al mismo tiempo que a Albert Schweitzer.5​
1935: Nombrado "Hijo adoptivo" de la ciudad por el Ayuntamiento de Madrid.5​
1936: Se entera de la sublevación militar del 18 de julio, mientras dirigía en Barcelona la Sinfonía Coral de Beethoven.5​
1939: Durante una enfermadad en París se entera del desenlace de la Guerra civil. Se traslada a Prades y se dedica a prestar ayuda a los refugiados españoles en los campos de concentración.5​
1940: Trata en Burdeos, sin conseguirlo, de embarcarse para viajar a Inglaterra. Regresa a Prades a Villa Colette.
1941: Conciertos de beneficencia en Francia.5​
1942: Reclusión voluntaria en Prades, después de que en noviembre se ocupara la "zona libre" de Francia.5​
1944: Tropas alemanas evacuan Prades en la segunda quincena de agosto.5​
1945: Termina la guerra de Europa en junio. Éxito apoteósico en el Albert Hall de Londres y en otras ciudades inglesas. El gobierno provisional de la República Francesa le nombra Grand Officier de la Legión de Honor.5​
1946: Declara públicamente que no aceptará contratos o invitaciones a Inglaterra hasta que no cambie la política del gobierno.5​
1950: Primer Festival de Prades, conmemorando el bicentenario de la muerte de Bach.5​
1952: Celebración en la Abadía de Sant Miquel de Cuixà del Festival de Prades. En la misma graba, con la colaboración del pianista Rudolf Serkin, las cinco sonatas para cello y piano de Beethoven.5​
1955: Primera visita a Puerto Rico, donde el gobernador Luis Muñoz Marín y la Asamblea Legislativa le tributan máximos honores. Viaja a Alemania (primer viaje desde 1933) y ofrece un concierto privado en la Beethovenhaus de Bonn.5​
1956: En celebración de su ochenta cumpleaños, se ofrece en octubre un concierto por la Orchestre Lamoureaux y más de cien cellistas en el Paraninfo de La Sorbona.5​
1957: Primer Festival Casals de Puerto Rico en abril. Durante los ensayos con la orquesta sufre una crisis cardíaca.5​
1958: Reanudación de los Festivales de Puerto Rico y Prades. En octubre alocución en favor de la paz y concierto en la Sala de la Asamblea de la Naciones Unidas.5​
1960: Estreno, el 24 de diciembre, de su oratorio El Pessebre en Acapulco (México), dirigido por él mismo. Principa «la peregrinación por la paz».5​
1961: David Ben Gurion le otorga el título de Ciudadano honorario de Israel. El príncipe heredero de Japón le obsequia en el Palacio Imperial. El 13 de noviembre, invitado por el Presidente John F. Kennedy, ofrece un concierto en la Casa Blanca.5​
1962: Presenta en Nueva York el oratorio El Pessebre en el Carnegie Hall. Kennedy instiuye la Medal of Freedom y la concede a algunas personalidades nortemaericanas y a dos extranjeros a Casals y a Jean Monnet.5​
1963: Con motivo del XV Aniversario de la Declaración Universal de los Derechos Humanos, dirige El Pessebre en las Naciones Unidas el 24 de octubre.5​
1964: Presidente del Jurado de los «CVI Juegos Florales de la Lengua Catalana», celebrados en Perpiñán, en el Palacio de los Reyes de Mallorca.5​
1966: Los festivales de San Juan y Prades celebran el noventa cumpleaños de su fundador.5​
1972: Constitución de la Fundació Pau Casals de Cataluña, en San Juan, Puerto Rico.5​
1973: El 22 de octubre fallece en San Juan, Puerto Rico.5​
1974: Se inaugura la primera etapa del Museu Pau Casals en la que fuera su casa en Sant Salvador.5​
1976: Inauguración de la segunda etapa del museo.5​
1979: Repatriación de sus restos mortales el 26 de octubre.5​
1981: Inauguración en Sant Salvador, del Auditori Pau Casals, 6 de junio.5​
1983: En Barcelona, se devela un monumento al Maestro en la rebautizada Avinguda Pau Casals.5​
Festivales de música en homenaje a Pau Casals[editar]
Actualmente, se celebran tres festivales internacionales de música que llevan el nombre de Pau Casals. Los festivales se celebran en tres de las localidades más importantes en la vida de Casals: El Vendrell, donde nació, creció y descansan sus restos; Prades (Francia), donde vivió exiliado tras el triunfo franquista en la Guerra Civil española; y San Juan de Puerto Rico, donde fijó su residencia en 1942 hasta fallecer en 1973. Los festivales son:


La presentación del oratorio El Pesebre de Pau Casals, dirigido por Enrique Gimeno, cantan Pablo Elvira, Paulino Saharrea, Gdl. Jal. México.
Festival Pau Casals de Prades, se celebra desde 1950.
Festival Casals de Puerto Rico, se celebra desde 1956.
Festival Internacional de Música Pau Casals de El Vendrell, se celebra desde 1980.
Existieron también:

Festival Casals de México. Realizados entre 1970 y 1973 en diversos sitios de México.
Jornadas Casals. Llevados a cabo en el año 1974 en la Ciudad de México.
Distinciones personales[editar]

Medalla de la Libertad de los Estados Unidos
1895: El 14 de febrero recibe la distinción de "Caballero de la Real Orden de Isabel la Católica".
1927: Nombrado "hijo predilecto" de El Vendrell, su ciudad natal.
1934: Nombrado "Doctor Honoris Causa" por la Universidad de Edimburgo.
1934: La ciudad de Barcelona le nombra hijo adoptivo y le entrega de la "Medalla de la Ciudad".
1939: Nombrado "Doctor Honoris Causa" por la Universidad de Barcelona.
1945: Nombrado "Doctor Honoris Causa" por las universidades de Oxford y Cambridge. Casals rechaza la distinción en protesta por la inacción del gobierno inglés ante la dictadura de Franco en España.
1945: Nombrado "Ciudadano de Honor" de Perpiñán.
1946: El 7 de noviembre es nombrado Gran Oficial de la Legión de Honor Francesa.
1956: Reconocimiento como Socio de Honor del Ateneo Español de México.
1958: Pau Casals es nominado para el Premio Nobel de la Paz.
1963: Medalla de la Libertad, concedida por el presidente de los Estados Unidos John Fitzgerald Kennedy, el 24 de octubre de 1963, 28 días antes del asesinato de JFK.
1970: Durante los Festivales Casals de Guadalajara (Jalisco, México), el gobierno estatal lo condecora con la medalla al mérito.
1971: Nominación de la calle Pablo Casals en Guadalajara, (México).
1971: Gran Cruz de la Orden del Mérito Nacional de Francia.
1971: Medalla de la Paz de las Naciones Unidas, entregada por el Secretario General de la

Monumento de Pau Casals en Wolfenbüttel
ONU, U Thant, en la sesión del 24 de octubre de 1971.
1974: Imposición del nombre "Pau Casals" a la Escuela Secundaria diurna No. 125 en Ciudad de México, México, a instancias de Enrique Gimeno.
1979: Medalla de Oro de la Generalidad de Cataluña.
Monumento[editar]
Se erigió un monumento del maestro en la ciudad alemana de Wolfenbüttel. Autor y donante principal: el artista de Alcoy/Alicante Antoni Miró. Fecha: 5 de mayo de 1985, Día de Europa, año declarado por la UNESCO "Año de la música".

Otro monumento dedicado A Pau Casals se encuentra en la avenida que lleva el nombre del músico en Barcelona, con una estatua del músico de Josep Viladomat y una estela alegórica de Apel·les Fenosa.
Ha recibido 11 puntos

Vótalo:

Jean Sibelius

72

Jean Sibelius

https://www.youtube.com/watch?v=afUFvbVwq-I

(Tavastehus, 1865 - Järvenpäa, 1957) Compositor finlandés, iniciador de la escuela moderna de composición musical de su país. Huérfano de padre desde los tres años de edad, pertenecía a una familia de ascendencia sueca, por lo que en su hogar se hablaba en este idioma. Más tarde aprendió... Ver mas
(Tavastehus, 1865 - Järvenpäa, 1957) Compositor finlandés, iniciador de la escuela moderna de composición musical de su país. Huérfano de padre desde los tres años de edad, pertenecía a una familia de ascendencia sueca, por lo que en su hogar se hablaba en este idioma. Más tarde aprendió finlandés en la escuela y se interesó más profundamente por diversos aspectos de la cultura de su país, que hasta 1917 pertenecía a Rusia.


Jean Sibelius

Adquirió sus primeras nociones de piano de la mano de su tía Julia, y más tarde, en 1885, comenzó sus estudios de derecho en la Universidad de Helsinki, para abandonarlos un año más tarde y así poder centrarse en la música. Estudió composición con Wegelius y violín con Csillag en la capital finesa hasta 1889. Wegelius descubrió rápidamente las grandes dotes musicales del joven Sibelius, que por aquellos años ya había compuesto obras entre las que se encuentran un Trío para piano en Do mayor y una Sonata para violín en Fa mayor. Durante su época como estudiante en el Conservatorio de Helsinki, Sibelius entró en contacto con algunas de las personas que más tarde influirían tanto en su vida como en su obra: el pianista y compositor Ferruccio Busoni y el también compositor Armas Järnefelt, con cuya hermana se casaría Sibelius años más tarde.

Fue su profesor Wegelius quien le animó a pedir una beca de estudios para Berlín y, al serle concedida ésta, se trasladó a la ciudad alemana en septiembre de 1889. Allí estudió composición de forma privada con Albert Becker y, si bien no quedó muy contento con las enseñanzas que recibió de él, sí que disfrutó intensamente de la vida cultural berlinesa. En verano del año siguiente volvió a Finlandia, donde escribió su Cuarteto de cuerda en Si bemol mayor. De nuevo obtuvo una ayuda del gobierno de su país para estudiar en el extranjero, y esta vez fue Viena la ciudad elegida. Allí se formó con Robert Fuchs y con el húngaro Karl Goldmark, y fue en la capital austriaca donde comenzó a centrarse en la escritura para orquesta gracias a la influencia de las obras de Bruckner y Wagner.

Su primer proyecto de resonancias nacionalistas fue Kullervo, una composición de ideas melódicas finlandesas y de tono oscuro y grave. La obra fue concebida en Viena y finalizada tras regresar a su país natal en 1891. Su exitoso estreno se produjo al año siguiente en Helsinki. En esa época Sibelius se unió al movimiento carelianista, un grupo de artistas interesados en profundizar en las raíces de Finlandia por medio del estudio de la epopeya nacional o Kalevala. En 1892 compuso otra obra de inspiración finesa: el poema sinfónico En saga. Ese mismo año se casó con Aino Järnefelt y realizó un viaje a la región de Carelia, donde tuvo oportunidad de transcribir melodías populares de la zona.

En la década de los años noventa nacieron sus primeras tres hijas y en 1892, debido a las necesidades económicas de su familia, Sibelius comenzó a dar clases de música en el Instituto Musical de Helsinki. Afortunadamente, el gobierno de su país acordó concederle en 1897 una pensión vitalicia de 3.000 marcos anuales que le proporcionó cierta holgura económica, al menos durante los primeros años.


Sibelius en una imagen de 1918

Tras el estreno en 1898 de la obra teatral Kung Kristian II de Adolf Paul, cuya música incidental compuso Sibelius, le surgieron ofertas para publicar su obra tanto en su país como en Alemania, donde firmó un contrato con la prestigiosa editorial Breitkopf. En julio de 1900 realizó una exitosa gira por Europa (Escandinavia, Alemania, Holanda y Francia) que le sirvió para adquirir fama y prestigio en estos países.

A pesar de los logros musicales obtenidos, Sibelius continuaba bebiendo hasta extremos preocupantes; su esposa Aino decidió adquirir una casa de campo en el bosque de Järvenpää y así alejar al compositor de la vida urbana de Helsinki. En septiembre de 1904 se trasladó junto a su mujer y sus cuatro hijas a la nueva vivienda, llamada Ainola, en la que residió durante el resto de su vida.

Al año siguiente logró publicar su obra en la editorial Schlesinger de Berlín, propiedad de Robert Lienau. Firmó con él un contrato en el que se comprometía a entregar varios trabajos por año. El primero que vio la luz en la editorial fue Pélleas y Mélisande, una partitura de música incidental. También en 1905 se produjo su primer viaje a Inglaterra, donde dirigió varias de sus obras y adquirió gran popularidad. Siguió componiendo y en 1907 terminó su Tercera Sinfonía en Do mayor, una obra más recatada que sus dos sinfonías anteriores. Ese mismo año coincidió en Helsinki con Gustav Mahler, y pudo conversar con él sobre temas musicales.

Tras el nacimiento de sus dos últimas hijas, en 1908 y 1911 respectivamente, Sibelius se sumió en una crisis personal y económica en la que el alcohol se convirtió en su compañero inseparable. En este período se produjo su acercamiento a la música de cámara, que queda reflejado en su Cuarteto en Re Menor de 1909 y en obras vocales como las Ocho canciones op. 57 basadas en textos del escritor sueco Ernst Josephson o las Diez piezas para piano op. 58.

En 1909 y de nuevo en 1912 volvió a Inglaterra. Allí seguía siendo un compositor admirado, mientras que en Europa central comenzaba a haber opiniones que lo relegaban a un segundo plano, ya que habían surgido grandes figuras de la música, como Claude Debussy o Arnold Schoenberg, que planteaban propuestas estilísticas más avanzadas. Su Cuarta sinfonía fue un fracaso de público en Alemania y Francia, pero él continuó explorando el lenguaje compositivo que venía realizando hasta el momento, resistiéndose a adoptar las tendencias musicales del resto de Europa.



En 1914 tuvo lugar un acontecimiento importante para su carrera musical: realizó un viaje a los Estados Unidos de América invitado por el también compositor Horatio Parker. Allí estrenó su poema sinfónico Las Oceánidas, compuesto por encargo del Festival de Música de Norfolk, y recibió un doctorado honorífico que le concedió la prestigiosa Universidad de Yale.

Una vez de vuelta en Finlandia acabó de escribir la Quinta Sinfonía en Mi bemol, que revisó meticulosamente hasta darla por terminada en 1919. En 1921 rechazó el puesto de director de la Eastman School of Music de Estados Unidos que le fue ofrecido y, lamentablemente, continuó bebiendo en exceso hasta el punto de llegar a dirigir ebrio su Sexta Sinfonía en un concierto celebrado en Göteborg (Suecia) durante la primavera de 1923. Al año siguiente concluyó su Séptima sinfonía, una obra maestra del género escrita en un solo movimiento; y en 1926, por encargo de la Sociedad Filarmónica de Nueva York, acabó el poema sinfónico Tapiola, basado en un personaje mitológico finés llamado Tapio.

Tras la citada obra, Sibelius se sumió en una depresión que le impidió componer grandes obras. Su octava sinfonía, en la que aparentemente trabajaba hacia 1933, nunca llegó a ver la luz. El 20 de septiembre de 1957 falleció debido a una hemorragia cerebral. El Museo Sibelius de Turku conserva diversos materiales sobre la vida y obra del compositor finlandés, así como la biblioteca de la Universidad de Helsinki, que guarda un gran número de manuscritos y esbozos de sus obras.

Obras de Jean Sibelius

La obra de Sibelius bebe directamente de la gran epopeya literaria de su país, el Kalevala, cuyos textos y motivos rítmicos le sirvieron como material para su música. Su obra destila amor por la naturaleza, es algo sombría y armónicamente conservadora, si bien emplea en ella acordes convencionales con gran libertad. En la década de 1890 compuso tres poemas sinfónicos de tintes nacionalistas: Finlandia, El cisne de Tuonela y En Saga. Este último utiliza el tema principal de un octeto de cuerda compuesto cuando era estudiante y creó gran controversia tras su estreno en Berlín en 1902. A pesar de la influencia de la música popular finesa en la obra de Sibelius, no es fácil hallar en sus composiciones melodías folclóricas reconocibles. La huella de compositores como el noruego Edvard Grieg, el ruso Borodin o el mismo Tchaikovsky se escucha en sus primeras partituras.

A partir de su estancia en Viena centró su interés en la música orquestal, campo en el que desarrolló su talento con mayor facilidad. La primera de sus siete sinfonías fue publicada en 1899 y la última en 1924. Desde la publicación de Tapiola al año siguiente, el compositor finés no volvió a realizar una obra de envergadura. A pesar de ello, continuó siendo un compositor reconocido en su país. Su Primera sinfonía en Mi menor (1899) mezcla su propio estilo con ciertos tintes románticos procedentes de Tchaikovsky. La Segunda, compuesta en 1902 en la tonalidad de Re mayor, contiene resonancias folclóricas especialmente en la parte final, y en ella aparecen ya los motivos melódicos breves tan característicos del estilo de Sibelius.

Sus sinfonías tercera y cuarta están escritas en un lenguaje que combina el modernismo con lo clásico, y fue a partir de su Cuarta sinfonía (1911) cuando decidió alejarse en cierta manera de las estructuras musicales dependientes de la música tradicional. Fruto de estos avances es su Quinta Sinfonía en Mi bemol mayor, de carácter triunfalista y majestuoso. La obra fue revisada en varias ocasiones; su versión definitiva data de 1919.

Su penúltima sinfonía, la Sexta (1923), posee rasgos claramente finlandeses y un temperamento pastoral y meditativo. Está compuesta en cuatro movimientos y en ella encontramos escalas modales como la Doria. Pero su obra más ambiciosa es sin duda la Séptima sinfonía (1924); escrita en un solo movimiento, en ella Sibelius logra una gran expresividad a través de un desarrollo sinfónico sin interrupciones.

Su Concierto para violín en Re menor es una de las obras que más popularidad le dio, y que continuó interpretándose a menudo aún cuando su figura había caído en cierto olvido debido al interés que despertaba en Europa la música de vanguardia. En él trató de fundir el virtuosismo propio de una obra para instrumento solista con la profundidad carente de ostentación por la que se caracterizaba su música. El concierto fue revisado en diversas ocasiones con la minuciosidad propia de Sibelius, hasta que en octubre de 1905 se estrenó en Berlín bajo la batuta de Richard Strauss.

Además de su interés por la música sinfónica, también dedicó parte de su tiempo a la creación de obras vocales. Escribió canciones para soprano con textos en sueco, con frecuencia interpretadas por la cantante finlandesa Ida Ekman. Algunos ejemplos de este tipo de obras son sus Siete Canciones de Runeberg op. 13, publicadas en 1892 y basadas en textos del poeta finés Johan Ludvig Runeberg, o sus canciones de los op. 36, 37 y 38. El lenguaje musical de Sibelius ha influido en la obra de algunos compositores británicos del siglo XX como Ralph Vaughan Williams, además de servir de inspiración para el movimiento minimalista, integrado por compositores como Philip Glass o Steve Reich.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 10 puntos

Vótalo:

Bela Bartók

73

Bela Bartók

https://www.youtube.com/watch?v=szC8cS9M-Ew

(Nagyszenmiklós, hoy Sinnicolua Mare, actual Rumania, 1881 - Nueva York, 1945) Compositor húngaro. Junto a su compatriota Zoltán Kodály, Bela Bartok es el compositor más importante que ha dado la música húngara a lo largo de su historia y una de las figuras imprescindibles en las que se... Ver mas
(Nagyszenmiklós, hoy Sinnicolua Mare, actual Rumania, 1881 - Nueva York, 1945) Compositor húngaro. Junto a su compatriota Zoltán Kodály, Bela Bartok es el compositor más importante que ha dado la música húngara a lo largo de su historia y una de las figuras imprescindibles en las que se fundamenta la música contemporánea.

Hijo de un maestro de la Escuela de Agricultura de Nagyszenmiklós, los siete primeros años de vida del futuro músico transcurrieron en esta pequeña localidad, hoy perteneciente a Rumania. Fallecido su padre en 1888, su infancia se desarrolló en las diversas poblaciones húngaras a las que su madre, institutriz, era destinada.


Bela Bartok

Aunque los primeros pasos de Bartok en el mundo de la música se decantaron hacia la interpretación pianística (en 1905 llegó a presentarse al prestigioso Concurso Rubinstein de piano, en el que fue superado por un joven Wilhelm Backhaus), pronto sus intereses se inclinaron decididamente por la composición musical. De trascendental importancia fue el descubrimiento del folclor húngaro que Bartok, junto al mencionado Kodály, estudió de manera apasionada de pueblo en pueblo y de aldea en aldea, con ayuda de un rudimentario fonógrafo y papel pautado.

Su influencia en su propia labor creadora sería determinante, hasta convertirse en la principal característica de su estilo y permitirle desvincularse de la profunda deuda con la tradición romántica anterior -en especial de la representada por autores como Liszt, Brahms y Richard Strauss- que se apreciaba en sus primeras composiciones, entre las que figura el poema sinfónico Kossuth.

No sólo el folclor húngaro atrajo sus miras: también lo hicieron el eslovaco, el rumano, el turco o el árabe. Con todo, no hay que pensar por ello que en sus obras se limitara a citarlo o a recrearlo, antes al contrario: el folclor era sólo el punto de partida para una música absolutamente original, ajena a los grandes movimientos que dominaban la creación musical de la primera mitad del siglo XX, el neoclasicismo de Stravinsky y el dodecafonismo de Schönberg, por más que en ocasiones utilizara algunos de sus recursos.



Si bien en algunas composiciones se conserva total o parcialmente la melodía original (Cuarenta y cuatro dúos para dos violines), en otras, sobre todo en las más maduras, se asiste a la total absorción de los ritmos y las formas populares, de manera tal que, pese a no existir referencias directas, se advierte en todo momento su presencia. Páginas como las de la única ópera escrita por el músico, El castillo de Barba Azul; los ballets El príncipe de madera y El mandarín maravilloso; el Concierto para piano n.º 1 y el Allegro bárbaro para piano contribuyeron a hacer de Bartok un autor conocido dentro y fuera de las fronteras de su patria, a pesar del escándalo que suscitaron algunas de ellas por lo atrevido de su lenguaje armónico, rítmico y tímbrico.

Profesor de piano en la Academia de Música de Budapest desde 1907 y director adjunto de esta misma institución desde 1919, en 1934 abandonó los cargos docentes para proseguir su investigación en el campo de la musicología popular, al mismo tiempo que, como pianista, ofrecía recitales de sus obras en toda Europa y continuaba su tarea creativa, con partituras tan importantes como Música para cuerdas, percusión y celesta y la Sonata para dos pianos y percusión.

El estallido de la Segunda Guerra Mundial le obligó, como a tantos otros de sus colegas, a buscar refugio en Estados Unidos. Allí, a pesar de algunos encargos puntuales como la Sonata para violín solo o el Concierto para orquesta, Bartok pasó por serias dificultades económicas, agravadas por su precario estado de salud. A su muerte, a causa de una leucemia, dejó inacabadas algunas composiciones, como el Concierto para piano n.º 3 y el Concierto para viola, ambas culminadas por su discípulo Tibor Serly.





Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 10 puntos

Vótalo:

Karl Maria von Weber

74

Karl Maria von Weber

https://www.youtube.com/watch?v=pwYMVty36BI

(Karl o Carl Maria von Weber; Eutin, actual Alemania, 1786 - Londres, Gran Bretaña, 1826) Compositor, pianista y director de orquesta alemán. Karl Maria von Weber es considerado, junto a Schubert y Beethoven, el más destacado representante de la primera generación romántica de músicos alemanes... Ver mas
(Karl o Carl Maria von Weber; Eutin, actual Alemania, 1786 - Londres, Gran Bretaña, 1826) Compositor, pianista y director de orquesta alemán. Karl Maria von Weber es considerado, junto a Schubert y Beethoven, el más destacado representante de la primera generación romántica de músicos alemanes.


Karl Maria von Weber

Nacido en un ambiente musical -su padre era violinista y maestro de capilla en Eutin, y su madre, una buena cantante-, Weber fue un niño prodigio que a los doce años de edad dio a conocer sus primeras obras. Alumno de Michael Haydn en Salzburgo y del abate Vogler en Viena, sus aptitudes le hicieron sobresalir no sólo en la composición, sino también en la práctica del piano y la dirección orquestal, disciplina ésta de la que llegó a ser un consumado especialista, ocupando desde 1816 hasta su muerte el cargo de director musical de la Ópera de Dresde.

Desde fecha temprana, Weber se sintió atraído por la creación operística, en la que cosecharía sus mayores triunfos, hasta el punto de que su aportación en este terreno ha eclipsado sus valiosas incursiones en otros géneros. En 1802 había compuesto ya tres óperas. En 1810 vio la luz Silvana, un ambicioso trabajo en el que se anunciaban las características que definirían El cazador furtivo, la obra que le valió ser considerado el padre de la ópera nacional alemana.



Partiendo del tradicional esquema del singspiel, caracterizado por la alternancia de partes cantadas y declamadas, el compositor consiguió una partitura en la que las danzas y coros de inspiración popular, al empapar toda la acción dramática, constituían la verdadera esencia de la música.

Consciente del valor de su obra, Weber siguió la senda abierta en El cazador furtivo en su siguiente trabajo escénico, Euryanthe, una «gran ópera heroico-romántica» que, pese a no despertar el interés del público, ejerció una influencia decisiva en la evolución del joven Richard Wagner. La tuberculosis puso fin a su vida prematuramente en Londres, donde se había trasladado para asistir al estreno de su última aportación lírica, Oberón.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 10 puntos

Vótalo:

Leoncavallo

75

Leoncavallo

https://www.youtube.com/watch?v=rWDBOQ0jPMo

(Nápoles, 1857-Montecatini, Italia, 1919) Compositor italiano. El triunfal estreno el 21 de mayo de 1892, en el Teatro dal Verme de Milán, de la ópera Pagliacci consagró a Ruggero Leoncavallo como compositor. Dicho trabajo supuso además, junto a Cavalleria rusticana -estrenada sólo dos años... Ver mas
(Nápoles, 1857-Montecatini, Italia, 1919) Compositor italiano. El triunfal estreno el 21 de mayo de 1892, en el Teatro dal Verme de Milán, de la ópera Pagliacci consagró a Ruggero Leoncavallo como compositor. Dicho trabajo supuso además, junto a Cavalleria rusticana -estrenada sólo dos años antes en Roma-, de Pietro Mascagni, el nacimiento de una corriente que dominaría la escena lírica italiana hasta la década de 1920: el verismo. El éxito de su ópera -basada en un hecho real que el compositor había conocido durante su infancia- dio un giro decisivo a la trayectoria de este músico, hasta entonces prácticamente desconocido.

Formado en el Conservatorio de Nápoles, Leoncavallo había compuesto su primera ópera, Tommaso Chatterton, en 1878 sobre un libreto redactado por él mismo, práctica que sería habitual en su carrera. Su juventud transcurrió en diversas capitales europeas, en las que se ganaba la vida como pianista de café, a pesar de lo cual la composición fue siempre su principal objetivo.

Influido por Wagner, en la década de 1880 concibió una ambiciosa trilogía sobre el Renacimiento italiano, titulada Crepusculum e integrada por I Medici, Girolamo Savonarola y Cesare Borgia. No obstante, una disputa con el editor Ricordi, que debía encargarse de su publicación y representación, y el extraordinario éxito obtenido por Pagliacci, hicieron que el músico abandonara la culminación del proyecto. De sus tres partes, sólo la primera sería concluida, siendo estrenada en 1893 sin despertar demasiado interés.
Ha recibido 10 puntos

Vótalo:

Vincenzo Bellini

76

Vincenzo Bellini

https://www.youtube.com/watch?v=bNFjAhg-P7A

(Catania, Italia, 1801 - Puteaux, Francia, 1835) Compositor italiano. Hijo de un organista, estudió en el Colegio de San Sebastián de Nápoles, cuyo director era el célebre Zingarelli. Compuso música sacra (motetes, misas, etc.), de cámara y sinfónica, pero es la ópera el género musical que le... Ver mas
(Catania, Italia, 1801 - Puteaux, Francia, 1835) Compositor italiano. Hijo de un organista, estudió en el Colegio de San Sebastián de Nápoles, cuyo director era el célebre Zingarelli. Compuso música sacra (motetes, misas, etc.), de cámara y sinfónica, pero es la ópera el género musical que le dio fama. Sus óperas más conocidas son Adelson y Salvini (1824), El pirata (1827), La extranjera (1829), Capuletos y Montescos (1830), La sonámbula (1831), Norma (1831) y Los puritanos (1835). Su obra maestra es Norma, de la que destaca su obertura y en donde se conjuga una gravedad clásica con un apasionamiento muy romántico en la expresión. Si en el siglo XIX fue Wagner su admirador más conocido, en el XX fue Stravinsky quien reivindicó la facilidad de Bellini para la melodía, contraponiéndola a las dificultades que parecía encontrar Beethoven en este terreno.


Vincenzo Bellini

Dedicado desde niño al estudio de la música, pasados apenas los siete años inició sus primeros ensayos de composición. Ingresó luego en el Conservatorio de San Sebastián, en Nápoles, donde tuvo por maestro a Nicola Antonio Zingarelli. Ello no interrumpió su actividad de compositor: su primer melodrama, Adelson y Salvini (1825), fue representado en el pequeño teatro del propio conservatorio. En esta obra quiso infundir el sentido más dulce y misterioso de su juventud poética. Vincenzo Bellini poseía una belleza triste y algo femenina, y en la música de la primera época reflejó su melancolía, provocada por las contrariedades amorosas y el temor de no ver satisfecho largo tiempo su afán de vivir.

Los temas de este período pasaron a veces a algunas de sus obras sucesivas, como Los Capuletos y los Montescos o La extranjera. Ello suponía en Bellini un recurso para saborear de nuevo el pasado. En 1826, la representación en el teatro napolitano de San Carlos de la ópera Carlo, duca di Agrigento (reconstituida más tarde con el título de Bianca e Fernando) señaló el principio de su fortuna en la escena. Entre 1827 y 1831 compuso, entre otras obras, El pirata, La sonámbula y Norma; esta última, a pesar del fracaso de su estreno, se impuso muy pronto en los teatros más importantes de Italia y de toda Europa.

El dudoso éxito de Beatrice di Tenda enfrió la amistad del compositor con Romani, hasta entonces su libretista habitual. En mayo de 1833, Vincenzo Bellini marchó a Londres, donde conoció posiblemente la fase más feliz de su existencia. Un año después, en la capital francesa, Carlo Pepoli le ofreció el libreto de Los puritanos; en 1834, y en la villa del judío inglés Lewys, de quien el músico era huésped, se forjó la última obra maestra de Bellini, representada en 1835 con gran éxito. Aquel mismo año falleció el autor en la citada residencia, en Puteaux.

Es opinión general que Norma es la mejor ópera italiana de la primera mitad del siglo XIX, y esta vez la opinión general coincide perfectamente con el juicio de la crítica del siglo pasado y del presente. Esta tragedia lírica en dos actos, cuyo libreto fue obra de Felice Romani (1788-1865), se representó en el teatro de la Scala de Milán el 26 de diciembre de 1831, con Giuditta Pasta como protagonista. La ópera fracasó, interrumpida y saboteada por partidarios de la amante de un maestro rival, pero se rehabilitó inmediatamente en las noches sucesivas y, sin interrupción, prosiguió su carrera triunfal.



La acción de Norma se sitúa en época romana. En un bosque de la Galia, los druidas y su jefe, Oroveso, esperan la luna nueva para desencadenar la rebelión contra los romanos. Norma, hija de Oroveso y sacerdotisa suprema de Irminsul, ha de arengar a los guerreros. Pero Norma tendría muchas más razones de odio contra los romanos si supiese que el procónsul Polión, que la hizo madre de dos niños, ama ahora a Adalgisa y se propone marchar con ella a su regreso de Roma. Norma piensa en matar a los dos hijitos del traidor y suicidarse luego; pero se enternece y confía los inocentes a Adalgisa. Ésta se dirige al campo romano y suplica a Polión que vuelva a su primer amor, porque Norma quiere morir; pero no lo consigue. Entonces rechaza el amor de Polión y vuelve al templo de Irminsul, de donde Polión jura que la raptará. Cuando Norma se entera de ello, golpea el escudo de guerra; de todas partes acuden los galos armados: "Guerra, guerra! le galliche selve quante àn quercie producan guerrieri" ("¡Guerra, guerra!, que las selvas gálicas produzcan tantos guerreros como encinas tienen"), y Polión, sorprendido en el templo, es apresado y conducido a Norma, que espera hacer justicia y ejecutarlo. Sin embargo, Norma todavía duda, y le interroga a solas (con el pretexto de descubrir quién es la cómplice de su amor) para tratar de reconquistarlo. Pero Polión no renuncia a Adalgisa, y entonces Norma llama de nuevo a los sacerdotes y se declara también culpable: una misma hoguera les aguarda.

El estilo de Bellini, que parecía netamente lírico, se afirma en esta ópera a través de una singular fuerza dramática. Su típica melodía (rica en episodios, amplia, llena de luces cambiantes) exhibe todas sus características de pureza lírica: baste recordar la famosa "Casta diva", una de las páginas de melodía más puras y densas de emoción que se hayan escrito nunca. Sin embargo, la inspiración melódica se robustece rítmicamente, sobre todo en los acentos fuertes y marcados de la recitación. La armonía no es más rica de lo acostumbrado, ni su instrumentación más nutrida, pero estos medios son siempre considerados secundarios por Bellini. Partiendo de un libreto excelente (por la escenificación, por las situaciones y por el diálogo e incluso por los versos, de los mejores de Felice Romani), Bellini encuentra la manera de recortar grandes bloques de motivos y reunirlos vigorosamente entre repeticiones corales. El drama resulta armónico, sólido, entre el carácter de los protagonistas y la colectiva pasión del coro. La obertura, de corte rossiniano, aunque sin ser servil a Rossini, es el mejor fragmento musical salido de la pluma del maestro.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 10 puntos

Vótalo:

Antón García Abril

77

Antón García Abril

https://www.youtube.com/watch?v=EpgLSLH3QgM

Antón García Abril (Teruel, 19 de mayo de 1933) es un compositor y músico español, autor de bandas sonoras para películas y series de televisión. Es padre del arquitecto Antón García-Abril. Biografía[editar] Entre 1974 y 2003 fue catedrático de Composición y Formas Musicales del Real... Ver mas
Antón García Abril (Teruel, 19 de mayo de 1933) es un compositor y músico español, autor de bandas sonoras para películas y series de televisión. Es padre del arquitecto Antón García-Abril.


Biografía[editar]
Entre 1974 y 2003 fue catedrático de Composición y Formas Musicales del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. En 1982 fue elegido miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid y en 2008 fue nombrado miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. Asimismo, es Presidente de Honor de la Real Academia de Nobles y Bellas Artes de San Luis, de Zaragoza. Es Premio Nacional de Música de España y en 2006 recibió el VII Premio Iberoamericano de la Música Tomás Luis de Victoria, considerado el equivalente al Cervantes de la música clásica. En el 2002 recibió el premio sol mayor, uno de los premios musicales que se otorgan a músicos ilustres Aragones más reconocido a nivel nacional i internacional.

En 2014 recibió el premio FIMUCITÉ del Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife, que, además, desde dicha edición lleva su nombre. En dicho festival (FIMUCITÉ 8) dedicaron parte de una jornada a su música.

En octubre de 2014 recibe la medalla de oro de la academia de cine en reconocimiento a su obra.1​ En el mismo año recibe el Premio Especial a una Trayectoria en los XV Premios de la Música Aragonesa.2​3​

Obra[editar]
Ha compuesto obras orquestales, música de cámara y obras vocales. Es importante reseñar su faceta como autor de música para cine y series de televisión como El hombre y la tierra de Félix Rodríguez de la Fuente, Los camioneros, Sor Citroën,Fortunata y Jacinta, Anillos de oro, Segunda enseñanza, Brigada Central, Ramón y Cajal, La ciudad no es para mí, Compuesta y sin novio y Requiem por Granada.

En el año 1966 realizó la banda sonora de la película Texas, adiós, un spaghetti western protagonizado por Franco Nero. En el año 1969 trabajó junto al cineasta madrileño Rafael Romero Marchent en la banda sonora de la película Manos torpes, otro spaghetti western.

Dentro de la música para voz y piano destacan sus canciones llevadas al disco de forma magistral por Ainhoa Arteta.

Compuso el himno de Aragón por encargo de las Cortes de Aragón, y que es actualmente el himno oficial de Aragón desde 1989.

Su obra concertística, de carácter eminentemente sinfónico, pretende continuar la tradición nacionalista española con los adelantos vanguardistas del momento. Pese a todo, en los últimos años la música de García Abril parece tender más al nacionalismo que a la vanguardia. Se considera un estudioso y admirador de la melodía, a la cual suele adornar con frecuentes cambios de ritmo y una orquestación generalmente explosiva. En 2014 recibe la Medalla de Oro de la Academia de Cine español por su contribuci\'on a las bandas sonoras.

Selección de composiciones[editar]
Doce canciones sobre texto de Rafael Alberti (para voz y orquesta, 1969)
Hemeroscopium (para orquesta, 1972)
Concierto aguediano (para guitarra amplificada y orquesta, 1976)
Concierto mudéjar (para guitarra y orquesta de cuerdas, 1986)
Vademecum (colección de 12 piezas para guitarra, 1987)
Divinas palabras (ópera, 1992)
Concierto para piano y orquesta (1994)
Nocturnos de la Antequeruela (para piano y orquesta, 1996)
Concierto de las tierras altas (para violonchelo y orquesta, 1999)
Alba de los caminos (para quinteto de cuerda y piano, 2007).
Música para cine y televisión[editar]
Entre 1956 y 1994 más de 150 composiciones para el cine y la televisión, destacando:

Banda sonora de la película Las muchachas de azul (1957)
Banda sonora de la película Franco: ese hombre (1964)
Banda sonora de la película La chica del trébol (1964)
Banda sonora de la película La ciudad no es para mí (1965)
Banda sonora de la película Texas, adiós (1966)
Banda sonora de la película Sor Citroen (1967)
Banda sonora de la película Los chicos del Preu (1967)
Banda sonora de la película El turismo es un gran invento (1968)
Banda sonora de la película Manos torpes (1969)
Banda sonora de la película Crimen imperfecto (1970)
Banda sonora de la película Vente a Alemania, Pepe (1971)
Banda sonora de la película Las Ibéricas F.C. (1971)
Banda sonora de la película La graduada (1971)
Banda sonora de la serie de TVE Los camioneros (1972)
Banda sonora de la serie de TVE El hombre y la Tierra (1974)
Banda sonora de la película El alegre divorciado (1976)
Banda sonora de la serie de TVE La España de los Botejara (1978)
Banda sonora de la película Historia de 'S' (1979)
Banda sonora de la serie de TVE Fortunata y Jacinta (1980)
Banda sonora de la serie de TVE La máscara negra (1982)
Banda sonora de la serie de TVE Ramón y Cajal (1982)
Banda sonora de la serie de TVE Los desastres de la guerra (1983)
Banda sonora de la serie de TVE Anillos de oro (1983)
Banda sonora de la película Los santos inocentes (1984)
Banda sonora de la película Monsignor Quixote (1985)
Banda sonora de la serie de TVE Segunda enseñanza (1986)
Banda sonora de la serie de TVE Brigada Central (1989)
Ha recibido 10 puntos

Vótalo:

Manuel López- Quiroga

78

Manuel López- Quiroga

https://www.youtube.com/watch?v=dIXsitiFypA

Manuel López-Quiroga Miquel (Sevilla, 30 de enero de 1899-Madrid, 13 de diciembre de 1988), conocido como el Maestro Quiroga, pianista, compositor y autor de cuplé y copla, además de uno de los componentes del trío de autores Quintero, León y Quiroga. Biografía[editar] Su padre tenía un... Ver mas
Manuel López-Quiroga Miquel (Sevilla, 30 de enero de 1899-Madrid, 13 de diciembre de 1988), conocido como el Maestro Quiroga, pianista, compositor y autor de cuplé y copla, además de uno de los componentes del trío de autores Quintero, León y Quiroga.


Biografía[editar]
Su padre tenía un taller de grabador, y ése fue el oficio que enseñó a su hijo. Al mismo tiempo que ejercía como organista en la iglesia de los jesuitas de la calle de Jesús del Gran Poder, de Sevilla, Quiroga hizo la carrera de magisterio y realizó estudios de pintura y dibujo en el Museo de Sevilla. Pero lo suyo era la música.

El compositor estrena su primera obra en 1923 Sevilla, que grande eres!, le sigue El cortijo de las matas, Presagio rojo, su mayor éxito en esta época según multitud de periódicos, en colaboración con Salvador Videgain García, Fernando Márquez Tirado y el maestro Matheu.

En 1926 se estrena en el teatro el Cisne de Madrid Luz Roja que lleva ilustraciones musicales de su firma,

En 1929 se traslada a Madrid, por aquellos años, el ambiente musical en España estaba copado por el cuplé, la zarzuela y las coplas folclóricas regionales. Tras muchas horas de trabajo en su estudio y en los cafés cantantes y cabarés de Madrid, el maestro fue perfilando un nuevo estilo, la tonadilla, diferenciada de las canciones regionales, del cuplé y de la zarzuela, pero participando de todos ellos.

En 1934 empezó a dedicarse por completo a las canciones, dando clases a otros artistas noveles y componiendo. Como él no escribía letras, se rodeó de letristas como Salvador Valverde, Antonio Quintero o Rafael de León. Por citar algunas de sus canciones, son de su autoría en cuanto a la música: Tatuaje, Rocío, La Parrala, María de la O, Ojos verdes, La Zarzamora o Badajoz la tierra mía. Fue el autor de más de cinco mil composiciones musicales, muchas de las cuales llegaron a ser muy populares en la España de los años 40 y 50.

Como personaje de la música nunca se olvidó de sus comienzos teatrales y realizó campañas de zarzuela, en teatros como el Teatro Alcála de Madrid en que estrenó La reina fea (1941), e innumerables campañas con giras con figuras folclóricas como Juanita Reina, Rosa Morena, Concha Piquer, Imperio Argentina, Estrellita Castro -su primera musa-, y en sus últimos años espectáculos cómicos con Tony Leblanc.

El 6 de julio de 1972 fue nombrado Consejero de Honor de la Sociedad General de Autores de España.

En 1986 le nombraron Hijo Adoptivo de Madrid y la Sociedad General de Autores de España y el Ministerio de Cultura organizaron un gran homenaje en su honor.1​

Manuel L. Quiroga murió a consecuencia de un edema pulmonar en la clínica Virgen del Mar de Madrid, el 13 de diciembre de 1988, fue enterrado en el Cementerio de la Almudena.2​
Ha recibido 10 puntos

Vótalo:

Pierluigi da Palestrina

79

Pierluigi da Palestrina

https://www.youtube.com/watch?v=hyDRSI1joa8

Giovanni Pierluigi da Palestrina Compositor italiano Nació el 30 de septiembre de 1525 en Palestrina, Roma. En 1537 entra en el coro de la iglesia de Santa María la Mayor y en el año 1544 es organista y director del coro de la catedral de Palestrina. En 1551 dejó este... Ver mas
Giovanni Pierluigi da Palestrina

Compositor italiano






Nació el 30 de septiembre de 1525 en Palestrina, Roma.

En 1537 entra en el coro de la iglesia de Santa María la Mayor y en el año 1544 es organista y director del coro de la catedral de Palestrina.

En 1551 dejó este puesto para trabajar como director del coro de la Capilla Julia de San Pedro de Roma.




Trabajó en San Juan de Letrán (1555-1560), en Santa María la Mayor (1561-1566) y como maestro de música en el Seminario de los Jesuitas (1565-1571).

Entre 1567 y 1571 ocupó el puesto seglar de director musical en la Villa de Hipólito II, cardenal d'Este. En 1571 volvió a la Capilla Julia, donde permaneció hasta su muerte.

Su obra religiosa está compuesta por 102 misas, 250 motetes, 35 magnificats, 68 ofertorios y 45 himnos.

En 1581 contrajo matrimonio, de segundas nupcias, con una rica viuda lo que le permitió publicar en vida gran parte de su obra.




Giovanni Pierluigi da Palestrina falleció en Roma el 2 de febrero de 1594.
Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

Mussorgsky

80

Mussorgsky

https://www.youtube.com/watch?v=DXy50exHjes

(Modest Petrovich Musorgski o Mussorgsky; Karevo, Rusia, 1839 - San Petersburgo, 1881) Compositor ruso. La escuela musical nacionalista rusa tuvo en los miembros del denominado Grupo de los Cinco a sus máximos exponentes. De ellos, el que mejor supo reflejar el alma del pueblo ruso, a pesar de... Ver mas
(Modest Petrovich Musorgski o Mussorgsky; Karevo, Rusia, 1839 - San Petersburgo, 1881) Compositor ruso. La escuela musical nacionalista rusa tuvo en los miembros del denominado Grupo de los Cinco a sus máximos exponentes. De ellos, el que mejor supo reflejar el alma del pueblo ruso, a pesar de las profundas carencias de su preparación técnica, fue Modest Mussorgsky. Músico de formación autodidacta, muchas de sus obras quedaron inacabadas por falta de conocimiento del oficio de compositor, pero a pesar de ello revelan un talento y una originalidad que ejercerían una profunda influencia en autores posteriores como Debussy, Ravel o Shostakovich.


Modest Mussorgsky

Hijo de un terrateniente, la infancia de Mussorgsky transcurrió en el medio rural, en contacto con la realidad del campesinado ruso que tan certeramente supo retratar en sus óperas. Destinado por su familia a seguir la carrera militar, en 1857 entró en contacto, en San Petersburgo, con el crítico Vladimir Stasov y los compositores Mili Balakirev, Alexander Borodin, Cesar Cui y Rimski-Korsakov, con quienes formaría el Grupo de los Cinco.

Arruinada su familia, Mussorgsky dejó el ejército para iniciar, desde 1869 hasta su muerte, una discontinua carrera como funcionario. De 1868 data una ópera inacabada, El matrimonio, seguida poco después de su obra maestra operística, Boris Godunov, compuesta entre 1868 y 1869, y revisada y ampliada en diversas ocasiones. Acogida con notable éxito en su estreno en 1874, en ella el autor hace del pueblo ruso el verdadero protagonista del drama.

Epiléptico y alcohólico, Mussorgsky falleció prematuramente sin poder acabar una nueva ópera, Jovanchina, culminada por Rimski-Korsakov, quien se encargó también de revisar algunas de sus obras más importantes, como Boris Godunov, con el propósito de darles una forma más convencional y académica. El ciclo vocal Canciones y danzas de la muerte (1877), la suite pianística Cuadros de una exposición (1874) y la pieza orquestal Una noche en el Monte Pelado (1867) son otros títulos destacados de su producción música.





Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

Borodin

81

Borodin

https://www.youtube.com/watch?v=R-Djx3xntX4

(Aleksandr o Alexander Borodin; San Petersburgo, 1833 - id., 1887) Compositor y químico ruso. Como la mayoría de sus compañeros del Grupo de los Cinco, Aleksandr Borodin no fue un músico profesional. Químico de reconocido prestigio internacional, autor de importantes tratados sobre esta... Ver mas
(Aleksandr o Alexander Borodin; San Petersburgo, 1833 - id., 1887) Compositor y químico ruso. Como la mayoría de sus compañeros del Grupo de los Cinco, Aleksandr Borodin no fue un músico profesional. Químico de reconocido prestigio internacional, autor de importantes tratados sobre esta disciplina, su dedicación al arte de los sonidos se vio siempre supeditada a su labor científica, lo que explica su reducida producción.


Alexander Borodin

Hijo ilegítimo de un príncipe georgiano, había recibido una esmerada educación musical, familiarizándose desde su infancia con las obras de los clásicos vieneses. La relación con el crítico Stassov y con el que sería su compañero de grupo, Balakirev, atrajo su atención hacia un estilo musical específicamente ruso que buscaba sus raíces en Oriente, pero alejado del exotismo de Rimski-Korsakov.

De su reducido catálogo se destacan tres sinfonías (1867, 1876 y 1886, ésta inacabada), el poema sinfónico En las estepas del Asia Central (1880), el Cuarteto de cuerda n.º 2 (1881), célebre por su nostálgico Nocturno, y, sobre todo, la ópera El príncipe Igor, partitura en la que trabajó desde 1869 hasta su muerte. Inconclusa a su fallecimiento, fue finalizada por Rimski-Korsakov y Alexander Glazunov.





Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

Khachaturian

82

Khachaturian

https://www.youtube.com/watch?v=gqg3l3r_DRI

(Aram Ilich o Ilyich Khachaturian; Tiflis, Rusia, 1904-Moscú, 1978) Compositor y director de orquesta soviético. De origen armenio, estudió en el Conservatorio de Moscú con Nicolai Miaskovski. Aram Khachaturian Sus raíces armenias están presentes en toda su producción, lo cual confiere... Ver mas
(Aram Ilich o Ilyich Khachaturian; Tiflis, Rusia, 1904-Moscú, 1978) Compositor y director de orquesta soviético. De origen armenio, estudió en el Conservatorio de Moscú con Nicolai Miaskovski.


Aram Khachaturian

Sus raíces armenias están presentes en toda su producción, lo cual confiere su característico color e inconfundible ímpetu rítmico a su música. Tuvo gran éxito fuera y dentro de la Unión Soviética, pese a algunas voces discrepantes que desde los estamentos oficiales lo acusaban de formalismo antirrevolucionario.

En 1932 compuso su Primera Sinfonía, y cuatro años después, el Concierto para piano y orquesta. Su fama se debe, sobre todo, a sus ballets Gayaneh (1942), en el que se incluye la celebérrima Danza del sable, y Espartaco (1954). Fue autor asimismo de varias bandas sonoras cinematográficas, entre las que destaca la de La batalla de Stalingrado.





Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

E.T.A. Hoffmann

83

E.T.A. Hoffmann

https://www.youtube.com/watch?v=wa87c6PuVcw

(Ernest Theodor Amadeus Hoffmann; Königsberg, hoy Kaliníngrado, Rusia, 1776 - Berlín, 1822) Escritor y compositor alemán. Hijo de un abogado, su tercer nombre era originalmente Wilhelm, pero más tarde adoptó el de Amadeus en honor a Mozart. Estudió derecho en Königsberg, y empezó en Glogau su... Ver mas
(Ernest Theodor Amadeus Hoffmann; Königsberg, hoy Kaliníngrado, Rusia, 1776 - Berlín, 1822) Escritor y compositor alemán. Hijo de un abogado, su tercer nombre era originalmente Wilhelm, pero más tarde adoptó el de Amadeus en honor a Mozart. Estudió derecho en Königsberg, y empezó en Glogau su carrera administrativa, que lo llevó a Berlín, Poznan y Plock. De 1804 a 1807 residió en Varsovia, donde vivió una época de intensa actividad profesional y artística: creó una orquesta, organizó conciertos y se dedicó a la composición.


E.T.A. Hoffmann

La invasión napoleónica le obligó a regresar a Berlín, ciudad que abandonó en 1808 para trasladarse a Bamberg, en Baviera, donde residió hasta 1813 viviendo en exclusiva de su arte: trabajó en el teatro que dirigía su amigo Holbein y se dedicó a tareas tan diferentes como director de orquesta y arquitecto. Fue en esta época cuando publicó sus Fantasías a la manera de Callot (1814-1815). En 1814 aceptó el cargo de consejero de justicia del tribunal de Berlín, sin que por ello se resintiera su ingente producción literaria de aquellos años.

Su fama se debe más a su obra como escritor que a sus composiciones. Adscrito al Romanticismo, donde más destacó su gran personalidad fue en sus cuentos fantásticos, en los que se mezclan el misterio y el horror, y que han alcanzado fama universal. En ellos crea una atmósfera en ocasiones de pesadilla alucinante, y aborda temas como el desdoblamiento de la personalidad, la locura y el mundo de los sueños, que ejercieron gran influencia en escritores como Victor Hugo, Edgar Allan Poe y el primer Dostoievski.



Las historias de Hoffmann son «siniestras», en el sentido que dio Freud a esta expresión: el efecto de horror y extrañamiento que produce la repentina realización en el mundo real de los temores supersticiosos o infantiles. Muchas de sus novelas cortas más famosas fueron reunidas en dos volúmenes bajo el título de Piezas fantásticas (1814-1815), que también contienen una colección de crítica musical y sus propias ilustraciones. El cariz fantástico de la mayor parte de estas obras atestigua la viva imaginación del autor, que se apoya en sus grandes y sutiles dotes de observación. Sueño y realidad se confunden en el espíritu del autor, que percibe -como él mismo dejó dicho- las cosas «invisibles para los ojos terrenos».

La rica imaginería literaria de Hoffmann inspiró a Jacques Offenbach su ópera Cuentos de Hoffmann, tal como Chaikovski transformó su cuento Cascanueces en un ballet en 1892 y Léo Delibes se basó también en el escritor para la creación de su ballet Coppélia en 1870. Del mismo modo el personaje de Kreisler, que aparece en el cuento de E.T.A. Hoffmann Las opiniones del gato Murr sobre la vida, inspiró a Robert Schumann su obra para piano Kreisleriana. Hoffmann escribió también numerosas piezas para piano, música de cámara, lieder, coros, música religiosa y óperas, entre las que destaca por su calidad Ondina (1816), ópera romántica que ejerció cierta influencia sobre Carl Maria von Weber. En su labor como crítico musical, fue un entusiasta de Beethoven.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

Pablo Sorózabal

84

Pablo Sorózabal

https://www.youtube.com/watch?v=X3gPhsNWMRM

Pablo Sorozábal Compositor español Nació el 18 de octubre de 1887 en San Sebastián. Criado en el seno de una humilde familia procedente del medio rural vasco que se estableció en la ciudad pocos años antes de nacer Pablo. A muy corta edad entra en el Conservatorio donde... Ver mas
Pablo Sorozábal

Compositor español






Nació el 18 de octubre de 1887 en San Sebastián.

Criado en el seno de una humilde familia procedente del medio rural vasco que se estableció en la ciudad pocos años antes de nacer Pablo.

A muy corta edad entra en el Conservatorio donde cursó estudios de solfeo, violín y piano. Por entonces se ganó la vida tocando en cines, cafés y fiestas.




Posteriormente entra en el Orfeón Donostiarra donde prosigue su formación. Con 17 años obtuvo una plaza de violinista en la Orquesta del Gran Casino de San Sebastián y en 1918 toca en la Orquesta Filarmónica en Madrid.

Viaja a Leipzig, donde proseguirá su formación con Hans Sitt, violín, y Stephan Vireh, composición, alternando sus clases con trabajos como músico de café y cervecerías. Allí compone Katiuska, estrenada en Barcelona en 1931 y La Guitarra de Fígaro, opereta estrenada en Bilbao en ese mismo año. En el año 1932 regresa a España y trabaja como director de la Orquesta Filarmónica para pasar a titular de la Banda Municipal de Madrid en 1936.

Con un estilo ecléctico, recibe influencias que van desde Debussy y Puccini a Walton y el musical de Hollywood. En 1933 estrena Adiós a la Bohemia, con texto de Pío Baroja y en 1934 estrenaEl Alguacil Rebolledo y Sol en la Cumbre. En ese mismo año se estrena en el Teatro Fuencarral su más popular sainete La del Manojo de Rosas. En 1935 aparece su opereta No me Olvides con texto de Federico Romero y Guillermo Fernández Shaw, con quienes colaboró para La Tabernera del Puerto (Barcelona, 1936), Cuidado con la Pintura y La Rosario o La Rambla a Fines de Siglo (1941).

En 1942 estrena Black, el Payaso y Don Manolito. En 1945 se presenta La Eterna Canción, zarzuela de innegables valores. Otras obras suyas fueron Los Burladores (1948), San Antonio de la Florida (1953), La Isla de las Perlas, Las de Caín, Entre Sevilla y Triana, y Pan y Toros. Además ha escrito obra sinfónica y de cámara: Capricho Español, Suite Vasca, Txistulariak, etc.




Pablo Sorozábal falleció el 26 de diciembre de 1988 en Madrid.


Obras

Lírica

Katiuska (1931)
La guitarra de Fígaro (1931)
La isla de las perlas (1933)
Adiós a la bohemia (1933)
El alguacil rebolledo (1934)
Sol en la cumbre (1934)
La del manojo de rosas (1934)
No me olvides (1935)
La casa de las tres muchachas (1935)
La tabernera del puerto (1936)
La Rosario o La Rambla de fin de siglo (1941)
Cuidado con la pintura (1941)
Black el payaso (1942)
Don Manolito (1943)
La eterna canción (1945)
Los burladores (1948)
Entre Sevilla y Triana (1950)
La ópera del mogollón (1954)
Brindis (1955)
Las de Caín (1958)
Juan José

Sinfónica

Capricho español (1922)
Suite Vasca (1923)
Variaciones sobre un tema popular vasco (1927)
Paso a cuatro (1956)
Variaciones para quinteto de viento (1988)

Bandas sonoras

Marcelino pan y vino
Jai Alai
María Matrícula de Bilbao


*buscabiografias.com
Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

Manuel Penella Moreno

85

Manuel Penella Moreno

https://www.youtube.com/watch?v=ddOhNF6Wfx4

Manuel Penella Moreno (Valencia, España, 31 de julio de 1880-Cuernavaca, México, 24 de enero de 1939) fue un compositor español, famoso por su composición musical El gato montés, e hijo del también compositor Manuel Penella Raga (1847-1909). Biografía[editar] Estudia música con su padre... Ver mas
Manuel Penella Moreno (Valencia, España, 31 de julio de 1880-Cuernavaca, México, 24 de enero de 1939) fue un compositor español, famoso por su composición musical El gato montés, e hijo del también compositor Manuel Penella Raga (1847-1909).


Biografía[editar]
Estudia música con su padre, Manuel Penella Raga, director del Conservatorio de Valencia, y más tarde composición con Salvador Giner. Su primera intención es convertirse en intérprete de violín, pero a causa de un accidente que le inutiliza la mano izquierda abandona el instrumento y empieza a componer. Tras graduarse, trabaja durante un tiempo como organista en una iglesia de Valencia, pero pronto opta por dedicarse al teatro, pasando gran parte de su vida viajando con compañías de ópera y zarzuela por todos los países de América.


Caricaturizado por Tovar (1918)
Su primer paso por América es el de un verdadero aventurero, trabajando como músico militar, sastre, torero, pintor, payaso, marinero, etc. En Chile pinta y decora la iglesia de Taltal y contrae matrimonio con la chilena Emma Silva Pavez, con quien tuvo cinco hijos.

En 1903 regresa a España y comienza una intensa actividad como compositor de gran renombre. No sólo compone zarzuela de estilo convencional, sino que también se decanta por el musical o la revista. De nuevo, en 1912, Penella inicia una gira por Argentina, donde cosecha numerosos éxitos y vive como un artista de fama.

En 1917 estrena una de sus obras más reconocidas, El gato montés, que él quiso estructurar como ópera, en el Teatro Principal de Valencia. El estreno fue a beneficio de la construcción de un monumento a su maestro, Salvador Giner. De esta ópera, con libreto del mismo compositor, aunque iniciado por su compadre Sassone, y que no pudo terminar por motivos personales, ha quedado como fragmento de una popularidad indiscutible su conocido pasodoble. En la siguiente gira americana, que Penella emprende en 1919, tiene ocasión de representar El gato montés en el Park Theater de Nueva York, durante diez semanas consecutivas, con un gran éxito.

En Barcelona estrena en 1932 la ópera de cámara Don Gil de Alcalá, con orquesta de cuerdas, una de sus obras más valoradas por la crítica. Otras exitosas obras suyas fueron Jazz Band (revista, 1933) y La malquerida (zarzuela en tres actos, 1935).

Además de sus ochenta obras escénicas, entre óperas, zarzuelas, revistas y comedias musicales, también es autor de numerosas canciones; las más conocidas son, sin duda, En tierra extraña, que incluye el pasodoble Suspiros de España, y La Maredeueta, ambas popularizadas por Concha Piquer. También escribió obras de teatro; justamente la célebre actriz María Guerrero murió poco antes de estrenar el drama de Penella Mare Nostrum (1928).

Murió en 1939 a los cincuenta y ocho años de edad en la ciudad mexicana de Cuernavaca, adonde se había trasladado para dirigir la música de una película basada en su ópera Don Gil de Alcalá.

Vida familiar[editar]
Se casó con Emma Silva Pávez (Santiago de Chile, 1883-Madrid, 19 de enero de 1953), con quien tuvo cinco hijos: María del Rosario (fallecida en Madrid el 4 de octubre de 1965), Magdalena (fallecida en 1974), Emma (1904-1973), el periodista y escritor Manuel Penella de Silva (1910-1969), la tiple cómica Teresita Silva (de nombre María Teresa, 1911-1960) y Magdalena. Esta última hija, de frustrada vocación artística, se casó con el político conservador Ramón Ruiz Alonso, y de su unión nacieron cuatro hijas, María Julia y las actrices Emma Penella, Elisa Montés y Terele Pávez, adoptando Elisa el apellido artístico de su obra más célebre, (El gato montés).

Fue bisabuelo de la también actriz y cómica Emma Ozores, hija de Elisa y del actor Antonio Ozores.

Obras[editar]

Don Gil de Alcalá (ópera bufa estrenada en 1932).
Esta es una lista incompleta. Puedes ayudar ampliándola.
Obras líricas

1893 El queso de bola, sainete lírico, Valencia
1906 Las niñas alegres, entremés lírico, Barcelona
1907 Amor ciego, zarzuela
1907 El dinero, sainete lírico, libreto del compositor, Barcelona
1907 El día de reyes "apropósito" en un acto
1908 El padre cura, entremés lírico, Valencia
1908 La perra chica, parodia de La Patria chica de Ruperto Chapí, Barcelona
1908 El arrojado, astracanada
1908 Sal de espuma, zarzuela en un acto, Barcelona
1908 La tentación, humorada lírica
1909 Corpus Christi, drama lírico en un acto
1909 Las gafas negras, sainete lírico en un acto
1909 La noche de las flores, idilio en un acto
1909 Entre chumberas, zarzuela en un acto, Zaragoza
1910 La niña mimada, opereta en tres actos
1910 Los vencedores, zarzuela en un acto
1910 Gracia y justicia, "exposición" en un acto
1910 Las romanas caprichosas, opereta en un acto
1910 La reina de las tintas, humorada en un acto
1911 Huelga de señoras, chirigota en un acto
1911 La niña de los besos, opereta en un acto
1911 El ciego del barrio, sainete lírico en un acto
1911 El viaje de la vida, opereta en un acto
1911 El género alegre, humorada lírica en un acto
1911 La novela de ahora, aventura en un acto
1912 Los pocos años, sainete lírico en un acto
1912 Las musas latinas, revista en un acto, Valencia
1914 Galope de amor, opereta en un acto
1914 La muñeca del amor, capricho en tres actos
1914 La isla de los placeres, astracanada en un acto
1914 La España de pandereta, españolada en un acto
1916 El gato montés, ópera en tres actos, Valencia, Teatro Principal.
1917 La última españolada, revista en un acto, libreto del compositor
1917 El amor de los amores, revista en un acto, libreto del compositor
1917 La cara del ministro, zarzuela en un acto compuesta en colaboración con el maestro Enrique Estela.
1918 Frivolina, opereta en tres actos
1918 El teniente Florisel, vaudeville en tres actos
1918 Bohemia dorada zarzuela en tres actos
1925 El paraíso perdido, cudro en un acto
1926 La última carcelera, zarzuela en dos actos
1927 El milagro de San Cornelio, cuento en un acto
1927 El espejo de las doncellas, pasatiempo en un acto
1927 Entrar por uvas o Feliz año nuevo, lírico en un acto
1928 Ris-Ras, humorada en un acto
1930 Los pirandones, zarzuela en un acto
1930 La reina jamón, zarzuela en dos acteos
1930 Me caso en la mar, zarzuela en dos actos
1930 La pandilla
1931 Ku-Kus-Klan, revista en dos actos
1931 ¡Viva la República!, revista en dos actos, libreto del compositor
1931 Don Amancio el Generoso, zarzuela en tres actos, Madrid
1931 El huevo de Colón, sainete-vodevil-revista en dos actos
1932 Don Gil de Alcalá, ópera buffa en tres actos, Barcelona, Teatro Novedades.
1933 Jazz Band, Zarzuela en tres actos y doce cuadros, Madrid, Teatro de la Comedia
1933 El hermano lobo, zarzuela en tres actos, Barcelona
1934 Tana Fedorova, zarzuela en tres actos, Barcelona
1935 La malquerida, zarzuela en tres actos, libreto del autor sobre la obra de Jacinto Benavente, Barcelona, Teatro Victoria (14 de abril).
Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

Saint-Saëns

86

Saint-Saëns

https://www.youtube.com/watch?v=YyknBTm_YyM

París, 1835 - Argel, 1921) Compositor francés. Perdió a su padre cuando contaba solamente cuatro meses, y recibió la primera formación musical de su madre y de una tía; se mostró tan precoz en tal aspecto que a los cinco años pudo ya componer para el piano. Fue confiado entonces a la guía del... Ver mas
París, 1835 - Argel, 1921) Compositor francés. Perdió a su padre cuando contaba solamente cuatro meses, y recibió la primera formación musical de su madre y de una tía; se mostró tan precoz en tal aspecto que a los cinco años pudo ya componer para el piano. Fue confiado entonces a la guía del pianista Stamaty, el cual lo presentó como pequeño virtuoso del piano en 1845.


Camille Saint-Saëns

Estudió órgano con Benoit y composición con Halévy. En 1852 ganó un concurso con una Ode à Sainte Cécile; en 1853 fue nombrado organista de St. Merry, y en el año 1857 alcanzó el mismo cargo en la Madeleine; en 1861 obtuvo la cátedra de piano de la escuela Niedermeyer. Su primera obra teatral, Le timbre d'argent (1864-1865), no pudo llegar a la escena.

Temperamento batallador y enérgico, fundó en 1871 la Société Nationale de Musique, orientada concretamente al fomento de la ejecución y la difusión de la nueva música francesa. La iniciativa, a la cual se adhirieron, entre otros, Édouard Lalo, César Franck, Georges Bizet y Gabriel Fauré, tuvo una gran importancia en sus aspectos de propulsión y organización. En 1872 Camille Saint-Saëns pudo ver finalmente satisfechas sus aspiraciones escénicas: siquiera con escaso éxito, fue representada en la Opéra Comique su obra La princesse jaune.

A esta misma época pertenecen también algunas de las producciones sinfónicas más importantes de Camille Saint-Saëns: los poemas La rueca de Onfalia (1871), Phaéton (1873), Danza macabra (1874) y La jeunesse d'Hercule (1877), en el que puede percibirse una intensa influencia de las obras análogas de Franz Liszt; y los Conciertos segundo, tercero y cuarto para piano, en sol menor (1868), mi bemol mayor (1869) y do menor (1875), cuyo virtuosismo pianístico alcanza un alto nivel de perfección en cuanto a la forma y a la estructura, y de acuerdo con esquemas imponentes y grandiosos, pero generalmente poco profundos.



La infatigable actividad creadora de Saint-Saëns abarca todos los campos de la música y todas las combinaciones instrumentales y vocales posibles. Sin embargo, su gran aspiración fue siempre el teatro. Le dio ocasión a ello Liszt, su gran admirador, quien promovió en Weimar la representación de Sansón y Dalila, celebrada el 2 de diciembre de 1877; se trata de la mejor obra del músico, tanto por su vigoroso planteamiento como por la fuerza de los coros y la amplitud descriptiva del ambiente, y es la única aún hoy representada.

Cuanto posteriormente compusiera Saint-Saëns presenta bien un valor académico y formal, siquiera siempre dentro de una cuidadosa dignidad de construcción -así, Henri VIII (1883), Ascanio (1890), Déjanire (1898), los dos Conciertos para violín en do mayor y si menor (1879 y 1880), la Sinfonía en do menor con órgano y dos pianos (1886), y el quinto Concierto para piano (1895)-, o bien meramente descriptivo y agradable, como en la "fantasía zoológica" El carnaval de los animales (1886).

Durante las últimos años de su vida Saint-Saëns fue interesándose cada vez más por la música popular árabe; pero su producción no anduvo, en este ámbito, más allá de un genérico orientalismo amanerado. Acariciado por el honor y la fama, terminó casi repentinamente sus días en Argel, donde pasaba el invierno desde hacía ya algunos años, poco después de la Primera Guerra Mundial, época en que figuraba entre los nacionalistas más ardientes. Notables son también los artículos que publicó durante su vida en diversos periódicos y revistas, reunidos en los volúmenes Harmonie et mélodie, Portraits et souvenirs y, singularmente, École buissonnière.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

Holst

87

Holst

https://www.youtube.com/watch?v=Isic2Z2e2xs

(Gustave Theodore von Holst; Cheltenham, 1874 - Londres, 1934) Compositor inglés de origen sueco. Discípulo de Charles Villiers Stanford en el Colegio Real de Música londinense, llegó a ser, como su maestro, un apasionado folklorista. Luego de haber sido músico de orquesta durante algún tiempo... Ver mas
(Gustave Theodore von Holst; Cheltenham, 1874 - Londres, 1934) Compositor inglés de origen sueco. Discípulo de Charles Villiers Stanford en el Colegio Real de Música londinense, llegó a ser, como su maestro, un apasionado folklorista. Luego de haber sido músico de orquesta durante algún tiempo, a partir de 1903 se dedicó a la enseñanza, actividad que ejerció primero en Dulwich, más tarde en el "Morley College", y, finalmente, como maestro de composición, en el Colegio Real de Música.

Es el autor de una de las páginas más interpretadas y grabadas del repertorio: Los planetas, que en cierto sentido ha oscurecido, si no eclipsado totalmente, el resto de su producción. Mostró durante toda su vida un creciente interés por la filosofía y la cultura hindúes, que inspiraron algunas de sus composiciones más importantes, como la ópera de cámara Savitri, que llegaría a ejercer una profunda influencia en los compositores más jóvenes, con Benjamin Britten a la cabeza. Su hija Imogen Holst (Richmond, 1907-Aldeburgh, 1984) fue una conocida musicóloga.


Gustav Holst

Los planetas, pieza que ha inmortalizado el nombre de Gustav Holst, se abre con los violentos y apocalípticos acordes de Marte, el portador de la guerra, movimiento en forma de marcha que, en el momento del estreno (1918), fue considerado una alusión a la Primera Guerra Mundial. Otros seis más, dedicados a otros tantos planetas (Venus, Mercurio, Júpiter, Saturno, Urano y Neptuno) completan esta suite en la que su autor expresó su pasión astrológica. Compuesta entre 1914 y 1918, Los planetas es una obra desarrollada en forma de poema sinfónico, con precisas referencias literarias: se interpreta el significado esotérico ritual de cada planeta, a menudo diverso de la imagen mitológica. Marte aparece como portador de la guerra y Mercurio como mensajero alado; pero Venus es portadora de la paz, y sobre todo Júpiter es portador de alegría, en un sentido casi dionisíaco; Neptuno es el místico que acompaña a Saturno, portador de la vejez, y a Urano el mago.

Se ha querido reconocer en Los Planetas el período oriental de la copiosa producción de Gustav Holst, interesado en el ocultismo místico del pensamiento filosófico indio. Se trata en cualquier caso de un período central, singularmente aislado entre el juvenil, vuelto hacia los descubrimientos del folklore inglés, y el ecléctico de la plena madurez, que desembocará más tarde en la devoción a Bach, de acuerdo con la afirmación de un gusto neoclásico.

La obra es, en el fondo, un producto del último romanticismo alemán; la naturaleza "inspirada" del músico, elocuente, en muchos puntos straussiana, y su gusto por el timbre como inmediato término expresivo de evidencia visual, una y otro estimulados por un tema rico en situaciones, son las características de esta partitura. Es una música descriptiva, o sea de aquella que "mira" a través de sonidos. De un logrado conjunto de imágenes brota y se afirma el gusto de Holst, en un encuentro continuo de motivos comunes, efectista y musicalmente centrado.



Fruto de la fascinación que ejerció el Oriente en Holst durante este mismo período de su producción es también la ópera de cámara en un acto Savitri, compuesta en 1908 y estrenada en 1916 en el Covent Garden de Londres. La protagonista, Savitri, es la joven hija de un rey que escoge por esposo a un príncipe al cual han asignado los dioses sólo un año de vida. La muchacha lo sabe y se propone acompañarlo en la muerte, de la cual, sin embargo, consigue rescatarlo en virtud de la oración.

Holst redujo la copiosa materia de una antigua leyenda hindú al núcleo temático del amor que vence a la muerte, subrayando el carácter místico-emotivo de la leyenda, y aplicó su criterio de simplificación a toda la redacción de la partitura: desde las proporciones del "conjunto instrumental" de la orquesta (la obra es, en efecto, presentada como "poema para tres voces y coro invisible con acompañamiento de un doble cuarteto de cuerda, siete flautas y corno inglés") hasta la sencillez de la interpretación musical, que dio a la obra una real eficacia poética. Además del color opalino del sonido minuciosamente modulado, es de observar la llamada de la muerte que recorre toda la obra en un ritmo angustioso de tres notas repetidas, y el etéreo coro invisible, de marco espectral, en algunos cuadros.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

Elgar

88

Elgar

https://www.youtube.com/watch?v=wo96_cm0TYI

(Broadheath, Reino Unido, 1857-Worcester, id., 1934) Compositor británico. Hijo de un organista y propietario de una tienda de música, Elgar fue un músico autodidacto que no recibió ninguna formación académica formal, lo que no deja de ser sorprendente si se tiene en cuenta el impecable dominio... Ver mas
(Broadheath, Reino Unido, 1857-Worcester, id., 1934) Compositor británico. Hijo de un organista y propietario de una tienda de música, Elgar fue un músico autodidacto que no recibió ninguna formación académica formal, lo que no deja de ser sorprendente si se tiene en cuenta el impecable dominio técnico que demuestran sus composiciones y la complejidad de las mismas. De su padre recibió las primeras y prácticamente únicas lecciones de música.


Edward Elgar

A partir de ahí, el trabajo cotidiano sobre el violín y el órgano, junto a la lectura de partituras, fueron configurando una personalidad y un estilo musical propios, al margen de las grandes corrientes importantes en el Reino Unido de la época. De hecho, su música más característica, sin dejar de ser inconfundiblemente británica en el tono de muchas de sus obras (por ejemplo, las cinco marchas que integran Pompa y circunstancia), refleja una clara influencia del sinfonismo germánico, de Wagner y Brahms, inscribiéndose de lleno en el posromanticismo vigente en la Europa continental de finales del siglo XIX y principios del XX. Es el caso de sus dos extensas sinfonías (1908 y 1911), sus dos conciertos -para violín (1910) y para violoncelo (1919)-, el Cuarteto de cuerda Op. 83 (1918) y el Quinteto con piano (1919).

Otro rasgo de su personalidad que ejerció una notable influencia en el carácter de su estilo fue su profunda fe católica, perceptible en partituras como El sueño de Geronctio (1900) y, sobre todo, Los apóstoles (1903). En ellas, sus convicciones religiosas se conjugan con un género tan arraigado en la tradición musical británica como el oratorio.

Conocido allende las fronteras de su patria hacia 1900, gracias sobre todo a la excelente acogida dispensada a otra de sus obras más populares, las Variaciones sobre un tema original «Enigma» (1899), Elgar pasó los últimos años de su vida en una especie de retiro artístico, aislado por propia voluntad del nuevo rumbo que estaba tomando la música y casi abandonada la composición.





Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

Smetana

89

Smetana

https://www.youtube.com/watch?v=gTKsHwqaIr4

(Litomysl, actual República Checa, 1824-Praga, 1884) Compositor y director de orquesta checo. Aunque históricamente los territorios que conforman Bohemia han dado grandes nombres a la música, Smetana fue el primero que supo expresar en sus obras el espíritu, la esencia y los anhelos de su patria... Ver mas
(Litomysl, actual República Checa, 1824-Praga, 1884) Compositor y director de orquesta checo. Aunque históricamente los territorios que conforman Bohemia han dado grandes nombres a la música, Smetana fue el primero que supo expresar en sus obras el espíritu, la esencia y los anhelos de su patria. En este sentido, debe ser considerado como al padre de la escuela musical nacionalista checa, cuya impronta sería decisiva en los autores que lo siguieron, entre ellos Dvorak y Janacek.


Bedrich Smetana

Hijo de un cervecero amante de la música, las aptitudes musicales se manifestaron a tan temprana edad en el pequeño Smetana, que a los seis años hizo su primera aparición en público como pianista y a los ocho escribió sus primeras piezas. Deseoso de triunfar como concertista, en 1843 el músico se trasladó a Praga con el fin de mejorar su técnica. Eran años de tensión política entre el emergente nacionalismo checo y el centralismo de las autoridades austríacas, y Smetana participó en el movimiento de concienciación patriótica con varias marchas revolucionarias y un exaltado Canto a la libertad (1848).

Tras un paréntesis de cinco años en Göteborg como director de la Sociedad Filarmónica (1856-1861), colaboró en la fundación de numerosos organismos musicales checos, entre ellos el Teatro Nacional de Praga. En 1866 estrenó en él sus dos primeras óperas, Los brandemburgueses en Bohemia y su obra maestra, La novia vendida, primer ejemplo acabado de ópera nacional checa.



Con ella y las que le siguieron -Dalibor (1867) y Libuse (1872), entre otras-, Smetana no sólo se convirtió en el fundador y líder de la escuela nacionalista bohemia, sino que consiguió el anhelado cargo de director del Teatro Nacional, en el que permaneció hasta que en 1874 una sordera provocada por la sífilis le obligó a presentar la dimisión.

Pese a las dificultades, entre 1874 y 1879 vieron la luz los seis poemas sinfónicos que integran su obra maestra orquestal, el ciclo Mi patria. De esta época data también una de sus partituras más sentidas y originales, el Cuarteto de cuerda núm. 1, «De mi vida» (1876). Perdida la razón a consecuencia de la enfermedad, Smetana pasó los últimos años de su existencia recluido en un hospital psiquiátrico de Praga.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

Glinka

90

Glinka

https://www.youtube.com/watch?v=XIVLVHHelRY

(Novospaskoie, Rusia, 1804-Berlín, 1857) Compositor ruso. Considerado el padre de la escuela nacionalista rusa, Glinka nació en el seno de una familia de pequeños propietarios. La acomodada situación familiar le permitió recibir una esmerada y cosmopolita educación musical con maestros privados... Ver mas
(Novospaskoie, Rusia, 1804-Berlín, 1857) Compositor ruso. Considerado el padre de la escuela nacionalista rusa, Glinka nació en el seno de una familia de pequeños propietarios. La acomodada situación familiar le permitió recibir una esmerada y cosmopolita educación musical con maestros privados italianos y alemanes.


Mijail Glinka

Durante un viaje a Italia realizado en 1830 tuvo la oportunidad de ampliar sus conocimientos al lado de compositores como Bellini y Donizetti. A su regreso a su patria, en 1834, entró en contacto con los cenáculos literarios más importantes del momento, entablando amistad con Pushkin y Gogol.

La labor de éstos en pos de una literatura nacional incitó al compositor a escribir una ópera sobre un episodio histórico ruso: La vida por el zar. Su estreno en 1836 significó el nacimiento de un estilo nacional inspirado en el folclore y libre de las influencias alemana e italiana.

A esta obra siguió en 1842 Ruslán y Ludmila, cuya estética fantástica y popular iba a marcar la producción del llamado Grupo de los Cinco (Balakirev, Cui, Borodin, Rimski-Korsakov y Musorgski), la actividad del cual afloró a partir de 1862 con ímpetu, para irse desvaneciendo paulatinamente y de manera irregular en los años siguientes, a tenor de la personalidad y el talento creador de cada uno de sus miembros. Glinka compuso también páginas orquestales (Jota aragonesa, 1845) y música de cámara (Trío patético, 1827).





Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

Francisco Alonso

91

Francisco Alonso

https://www.youtube.com/watch?v=7iEKQb5yjWY

Francisco Alonso López (Granada, 9 de mayo de 1887-Madrid, 18 de mayo de 1948) fue un compositor español. La música de Alonso es graciosa, alegre, de fácil melodía y acento popular. Destacaba en los pasodobles y chotis, a los que imprimía garbo y desenfado. Muchas de sus obras continúan siendo... Ver mas
Francisco Alonso López (Granada, 9 de mayo de 1887-Madrid, 18 de mayo de 1948) fue un compositor español. La música de Alonso es graciosa, alegre, de fácil melodía y acento popular. Destacaba en los pasodobles y chotis, a los que imprimía garbo y desenfado. Muchas de sus obras continúan siendo muy apreciadas, como el pasacalle Los nardos, el chotis El Pichi, ambos de Las Leandras, el chotis Tabaco y cerillas de la revista Las de Villadiego o la canción Maitechu mía (ambas con letra de Emilio González del Castillo). Escribió igualmente dos pasodobles para las fiestas de la ciudad de Alicante, "Les Fogueres de Sant Joan", titulados La festa del poble, que se estrenó en 1934, y La Nit de San Joan, pasodoble foguerer para banda, coro y bajo solista. Llegó a presidir la Sociedad General de Autores de España.

Infancia y primera juventud[editar]
Estudió sus primeros años en los escolapios de Granada. Hijo de una notable pianista se interesó por la música desde su infancia y fue precisamente su madre la que le apoyó cuando, incapaz de superar las clases de disección, abandonó la carrera de medicina por sus estudios musicales. Inicialmente se formó con Antonio Segura, y posteriormente con Celestino Villa, maestro de capilla del coro de la catedral de Granada.

Sus primeras composiciones las realizó para las escuelas del Ave María y posteriormente compuso diversos bailes de salón como polkas, mazurcas, valses, etc. A los 16 años ya dirige la banda de los obreros polvoristas de El Fargue y posteriormente creó un orfeón en la Sociedad Filarmónica de Granada con el que ofrece diversos conciertos en Granada. Asimismo, en el seno de dicha entidad, fundó en el año 1906 una escuela de música —que dirigió hasta su clausura en 1911— que constituye el actecedente directo del Real Conservatorio Superior de Música de Granada, que sería fundado en 1921. Con dieciocho años de edad estrena su primera obra lírica con La niña de los cantares, representada en el Teatro Cervantes en 1905. También en esta época se convierte en director de la banda del regimiento de Córdoba, con la que compone el pasodoble Pólvora sin humo que llega a hacerse bastante popular en medios castrenses.

En Madrid[editar]
Su madre y su padre fallecen en 1905 y 1908 respectivamente y el maestro Alonso decide desplazarse a Madrid para centrarse en la creación lírica aprovechando las mejores oportunidades que la escena de la capital le ofrecen. Tras un banquete y homenaje ofrecido por sus compañeros el 12 de marzo se despide de Granada en 1911.

El maestro llegó con 600 pesetas en el bolsillo y en sus inicios se dedicó a componer cuplés, entonces muy de moda, para estrellas de la época como La Fornarina, Resurrección Quijano, Pastora Imperio, La Bella Chelito o La Goya. Sin embargo solo obtuvo un éxito muy discreto con sus obras escénicas como el sainete de un acto ¡Armas al hombro! junto con el compositor Tomás López Torregrosa, estrenado en el Teatro Martín, el 13 de noviembre de 1911. En 1913 estrena su primera obra de éxito El bueno de Guzmán junto al libretista y compositor Enrique García Álvarez.


Caricaturizado por Tovar en un número de La Novela Teatral (1922)
Hubo de esperar a 1916 para su primer verdadero gran éxito con la revista Música, luz y alegría, estrenada en el Teatro Novedades de Madrid. En 1918 estrena la fantasía cómico-lírica De Madrid al Infierno, con el chotis Oye Nicanora que el público solicitaba una y otra vez pero no alcanza el mismo éxito anterior. Mostró mayor madurez en sus arreglos orquestales en su obra de 1919 Las corsarias estrenada en el Teatro Martín, que logra un grandísimo éxito y popularidad.

Desde esta época el maestro goza de libertad para componer según su voluntad. Sus obras tienen igual éxito en muchos países de Latinoamérica y se llega a estrenar alguna de sus obras en París.

En 1924 llegaron una serie consecutiva de éxitos iniciados con La linda tapada, estrenada en el Teatro Cómico y que incluía la popular Canción del gitano; seguida por La bejarana estrenada el mismo año en el Teatro Apolo y que hizo igualmente popular su Pasodoble de los quintos. En esta época se inspira sobre todo en el folclore de las distintas regiones de España como en Curro el de Lora de ambiente andaluz y con libreto de Luis Fernández Ardavín, estrenada en 1925 con escaso éxito pese a su excelente partitura. En el Teatro de la Zarzuela y el mismo año estrena La calesera de ambiente madrileño y con el Pasodoble de los chisperos y el Himno a la libertad. La parranda, de ambiente murciano se estrena en 1937. Esta incluye la Canción del platero y el Canto a Murcia, que se convirtió en el himno popular de la región. De La picarona (1931), de ambiente segoviano, destaca su Canto a Segovia.

Paco Alonso no solo compuso zarzuelas, era un autor versátil que creó numerosos sainetes y revistas. De estas estrenó en 1927 en el Teatro Eslava Las castigadoras, con el Chotis de las taquimecas, Las lloronas 1928 y Las cariñosas con el Chotis de la Lola.

Sin embargo su mayor éxito en el campo de la revista llegó en 1931 con Las Leandras, estrenada en el Teatro Pavón y escrita especialmente para la vedette Celia Gámez que alcanzó un enorme éxito con el Pasodoble de los nardos y el chotis El Pichi.

Hasta la Guerra Civil estrena principalmente revistas como Las de Villadiego , Las de los ojos en blanco que incluye el pasodoble Horchatera valenciana, Mujeres de fuego y alguna zarzuela como Me llaman la presumida (1935).

Tras la guerra la afición por la zarzuela entró en una profunda decadencia y pese a que el maestro estrenó algunas como Manuelita Rosas, y La zapaterita se centró en la opereta y comedia musical con las que tuvo algunos éxitos como Doña Mariquita de mi corazón (1942), Luna de miel en El Cairo (1943), Aquella noche azul y Tres días para quererte, (1945 ambas).

En 1947 es elegido como director de la Sociedad General de Autores y Editores. Estando convaleciente de una operación por desprendimiento de retina estrena 24 horas mintiendo una comedia escrita por Francisco Ramos de Castro.

Tras fallecer en su casa de la madrileña calle Sagasta en 1948 fue sepultado en un entierro multitudinario.

Su obra póstuma La rumbosa, sainete lírico, se estrenó en 1951.

Obras[editar]
Francisco Alonso tiene una extensa obra en la que hay zarzuelas, sainetes líricos, canciones, revistas, himnos y pasodobles, bandas sonoras para películas, obras sinfónicas, para piano y ballet comedias musicales y cuplés. En cuanto a la zarzuela y revista musical se destacan:

Zarzuela:
El bueno de Gúzman.(1914)
La zapaterita.(1941)
La bejarana.(1923)
La linda tapada.(1924)
La calesera. (1925)
La Parranda. (1928)
Me llaman la presumida (1935)
Rosa, la pantalonera (1939)
Manuelita Rosas (1941)
La picarona (1930)
La mejor del puerto (1928)
Coplas de Ronda (1929)
Curro el de Lora (1926)
La rumbosa (1951)
Revista y comedia musical:
Las lloronas. (1928).
Las cariñosas. (1930)
¡Por si las moscas! (1929)
Las corsarias (1919).
Las castigadoras (1927).
Me acuesto a las ocho (1930).
Las Leandras (1931).
La Gruta de los Suspiros (1934), revista musical compuesta en colaboración con el maestro Enrique Estela.
Las de Villadiego (1933).
Las mujeres bonitas (1933).
Luna de miel en El Cairo (1943).
Mi costilla es un hueso (1933)
Las de armas tomar (1935)
¿Qué pasa en Cádiz? (1932)
Mujeres de fuego (1933)
Doña Mariquita de mi corazón (1942)
Campanas a vuelo (1931)
El ceñidor de Diana (1929)
De Madrid al Infierno (1916)
Música, luz y alegría 1916
Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

Joaquín Turina

92

Joaquín Turina

https://www.youtube.com/watch?v=YDJP2H1Gq2k

1. Sevilla (1882-1902) Joaquín Turina Pérez nace en Sevilla el 9 de diciembre de 1882 en el seno de una familia de clase media. Su padre, Joaquín, de ascendencia italiana, nacido también en Sevilla en 1847, pintor, formado en la Escuela Provincial de Bellas Artes y miembro destacado de la... Ver mas
1. Sevilla (1882-1902)
Joaquín Turina Pérez nace en Sevilla el 9 de diciembre de 1882 en el seno de una familia de clase media. Su padre, Joaquín, de ascendencia italiana, nacido también en Sevilla en 1847, pintor, formado en la Escuela Provincial de Bellas Artes y miembro destacado de la escuela sevillana. Su madre, Concepción, nació en un pueblo cercano a Sevilla.

Con cuatro años adquirió la reputación de niño prodigio por sus improvisaciones con un acordeón regalado por una de las criadas. Recibió las primeras lecciones de música en el Colegio del Santo Ángel y acompañaba al coro de niñas de ese centro.

Cursa el bachillerato en el Colegio de San Ramón y empieza los estudios de piano con Enrique Rodríguez. A partir de 1894 estudia armonía y contrapunto con Evaristo García Torres, al que Turina siempre recordaba con cariño y admiración.

Sus primeros éxitos como interprete y compositor los obtuvo con un quinteto con piano que formó con unos amigos y al que dieron el nombre de La Orquestina para actuar en fiestas y reuniones. También tocaba el piano a cuatro manos con sus profesores.

Su presentación oficial ante el público fue el 14 de marzo de 1897, en la sala Piazza de Sevilla, en un recital organizado por la Sociedad de Cuartetos, en el que interpretó al piano una Fantasía sobre el Moisés de Rossini de Segismundo Thalberg. Las críticas de la prensa local destacan el éxito y la superación de las dificultades de la obra.

Diez meses después vuelve a actuar con éxito de crítica y público en la misma sala y empieza a explorar la composición para teclado o conjuntos de cámara. Su primera obra orquestal es Coplas al Señor de la Pasión, escrita para la Hermandad de Pasión y estrenada en la Iglesia del Salvador con una orquestita de veinte músicos, coro de hombres, tenor y barítono, dirigidos por el autor.

Su afán de crear una obra de mayor envergadura hace que con quince años escriba una ópera, La Sulamita, basada en un libro de Pedro Balgañón. El autor confiesahaber escrito y orquestado los tres actos de la ópera con todo entusiasmo y que creía fácil su estreno en el Teatro Real de Madrid. Más tarde celebraría que ese estreno no se realizara.

Iniciados y abandonados los estudios de medicina decide dedicarse profesionalmente a la música y su maestro García Torres le señala la necesidad de trasladarse a Madrid. Cuenta con el apoyo de su padre que deja incluso disposiciones testamentarias para que su hijo cuente con recursos para ampliar sus estudios fuera de Sevilla.





2. Madrid (1902 – 1905)
En marzo de 1902, a los tres días de llegar a Madrid, Turina acude al paraíso del Teatro Real para escuchar a la Orquesta de la Sociedad de Conciertos, bajo la dirección de Wassilly Sapelnikow, que ofrecía la primera interpretación en Madrid de la Quinta Sinfonía de Chaikovski.

De toda la vida musical madrileña serán los conciertos orquestales lo que más impresionen al joven Turina, por encima de la ópera, la zarzuela, los recitales o los conjuntos de cámara.

En este primer viaje a Madrid su padre moviliza a sus amistades, sobre todo al también pintor José Villegas, con el ingenuo propósito de que su hijo estrene su ópera La Sulamita en el Teatro Real. En una audición privada conocerá a Conrado del Campo del que luego sería compañero durante tantos años. Vuelve a Sevilla sin haber logrado su propósito y en el mes de octubre retorna a Madrid para quedarse durante tres años estudiando. Reanuda la relación con José Villegas, que en aquel momento era Director del Museo del Prado, se hace amigo del librero Fernado Fé, del crítico y compositor Manuel Manrique de Lara y, en el paraíso del Teatro Real, conoce a Manuel de Falla, al que le unirá una amistad de toda la vida.

El 14 de marzo de 1903 se presenta ante el público madrileño en el Ateneo, con obras de Scarlatti, Beethoven, Schumann, Wagner y tres obras propias hoy desaparecidas: La danza de los elfos, Variaciones sobre cantos populares y Gran polacca.

En Madrid no llega a dar ninguna clase de composición, seguramente porque no encontró a un profesor adecuado. En cambio perfeccionó su preparación pianística con José Tragó. Sigue componiendo obras para piano, un trío, un quinteto, un sainete titulado La Copla y otro, con libreto de los hermanos Álvarez Quintero, titulado Fea y con gracia.

Su vida personal cambia radicalmente entre 1903 y 1904 con la muerte de sus padres y la decisión de seguir el consejo de José Villegas de trasladarse a estudiar a París.





3. París (1905 -1913)
Turina se instala en París a finales de 1905, en el Hotel Kléber y por mediación de Joaquín Nin empieza a dar clases de piano y de composición con Moritz Moszkowski. A las pocas semanas, en enero de 1906, siempre a través de Nin, se inscribe en las clases de composición de Vincent D’Indy en la Schola Cantorum, aunque continua con Moszkowski como profesor de piano.

El 29 de abril de 1907 se presenta con éxito frente al público parisino en la Sala Aeolian. Junto al Cuarteto Parent, interpretaron Quintetos de Brahms y de Franck , y Turina en solitario presentó su Poema de las estaciones. A los ocho días vuelve a la misma sala con el mismo cuarteto para el estreno de su Quinteto en sol menor. La obra tuvo éxito, entró en el repertorio y fue galardonada en el Salón de Otoño del año siguiente. Al organizar su propio catálogo Turina considerará este Quinteto como su primera obra, ignorando todo lo escrito con anterioridad.

Pero el mejor premio fue que en la Sala Aeolian estaba Isaac Albéniz. Turina confiesa que la conversación con Albéniz y con Falla, que también estaba entre el público, en la velada que siguió a ese concierto le cambió completamente sus ideas estéticas. La define como la metamorfosis más completa de su vida.

Albéniz puso todo su empeño para que el Quinteto se editara y a cambio le hizo prometer a Turina que nunca más escribiría música de influencia francesa, que basaría su arte en el canto popular español, o, mejor aún, andaluz.

En su etapa parisina Turina escribe otras diez obras en las que poco a poco va distanciándose del ambiente de la Schola Cantorum para dar paso a los cantos, ritmos, luz y alegría tan característicos de su Andalucía natal.

En 1908 contrae matrimonio con Obdulia Garzón y dos años después nace el primero de sus cinco hijos.

En 1913 culmina su periodo de formación en la Schola Cantorum. El certificado de estudios firmado por Vincent D’Indy está fechado el 4 de marzo y el día 30 de ese mismo mes se estrena con enorme éxito en el Teatro Real de Madrid La procesión del Rocío por la Orquesta Sinfónica de Madrid bajo la dirección de Enrique Fernández Arbós.

El estallido de la Primera Guerra Mundial fuerza la salida de París y el retorno definitivo de Turina a Madrid.





4. Madrid (1914 – 1949)
Se instala en el que será su domicilio definitivo en la calle Alfonso XI n. 5 (hoy n.7) y el primer estreno que realiza, en octubre de 1914, es la comedia lírica Margot, op.11, con libreto del matrimonio formado por Gregorio Martínez Sierra y María Lejárraga, que serían su colaboradores habituales para las obras teatrales.

En enero de 1915 se hace un concierto en el Ateneo de Madrid para presentar a dos jóvenes músicos que acaban de terminar su formación en París: Falla y Turina. La producción de Turina se centrará en la música sinfónica, de cámara, canciones y, sobre todo, obras para piano, que dentro de su catálogo sobrepasan los sesenta títulos de los poco más de cien totales.

Además Turina mantiene una intensa actividad concertística, bien solo o con conjuntos de cámara o con cantantes. Como director de orquesta realiza los estrenos de sus obras Navidad (1916) y La adúltera penitente (1917), de la pantomima de Falla El corregidor y la molinera (1917) y en 1918 Serge Diaguilev le contrata como director de la gira de los Ballets Rusos por España.

Estuvo contratado como maestro concertador en el Teatro Real en las mismas fechas que, como compositor, estrenaba las Danzas fantásticas (1919), la Sinfonía sevillana (1920), Sanlúcar de Barrameda (1921), Jardín de Oriente (1923), La oración del torero (1925) y el Trío n.1 (1926).

También se dedica a la enseñanza de composición, primero de forma particular en su casa y, a partir de 1931, desde su Cátedra en el Conservatorio de Madrid y lo compagina con conferencias y clases magistrales, dentro y fuera de España. Y en la misma línea de aportación teórica hay que destacar, por su singularidad en el panorama musical español, la publicación en 1917 de la Enciclopedia abreviada de la música y, al final de su vida estaba preparando un Tratado de composición musical del que solo completó los dos primeros volúmenes.

En el año 1926 inicia la que será una constante hasta el final de su vida. La colaboración en la prensa escrita como crítico musical. Primero en El Debate hasta la desaparición del periódico en 1936. Luego en el periódico Ya y por último en el semanario Dígame. Después de la Guerra Civil española, que Turina pasa en Madrid, amparado por un carnet que le identifica como ''empleado'' del consulado británico, se le integra primero en una comisión encargada de la reorganización de los conservatorios españoles y luego se le nombra Comisario General de la Música, puesto desde el que impulsa la definitiva organización de la Orquesta Nacional.

La acumulación de empleos, ocupaciones y una enfermedad que iba haciéndose cada vez más evidente hizo disminuir mucho su producción musical. En los últimos nueve años de vida solo compuso 13 obras. La última de su catálogo es la pieza pianística titulada Desde mi terraza que lleva el número de opus 104 y está fechada en 1947.

Turina falleció en Madrid el 14 de enero de 1949.

Entre las evasiones favoritas del músico estaban la lectura y la fotografía, que siempre cultivó. En su primera época las tertulias de café, las reuniones con amigos, casi siempre con música, los paseos familiares por el cercano Parque de El Retiro y por el Madrid de los Austrias. Gran pasión por las procesiones: si le era posible acudía a Sevilla en Semana Santa. No era asiduo pero le gustaban los toros y el cine. Acudía, en compañía de sus hijos, a todo tipo de manifestaciones militares: desfiles, paradas, relevos. También con sus hijos le gustaba ir al circo y a las verbenas de barrio para subirse a la noria.

Alfredo Morán.
Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

Moreno Torroba

93

Moreno Torroba

https://www.youtube.com/watch?v=bQIr7QwaEZg

Federico Moreno Torroba (Madrid, 3 de marzo de 1891 - 12 de septiembre de 1982) fue un compositor español, uno de los más vitales y prolíficos cultivadores de zarzuelas del siglo XX. Fue también crítico musical y compositor de piezas para guitarra. Desde muy temprano, su talento lo inclinó al... Ver mas
Federico Moreno Torroba (Madrid, 3 de marzo de 1891 - 12 de septiembre de 1982) fue un compositor español, uno de los más vitales y prolíficos cultivadores de zarzuelas del siglo XX. Fue también crítico musical y compositor de piezas para guitarra. Desde muy temprano, su talento lo inclinó al teatro musical.

Nacido en el seno de una familia de músicos, recibió sus primeras lecciones de su padre José Moreno Ballesteros, que era organista de la iglesia de la Concepción, y de Conrado del Campo en el Conservatorio de Madrid. Su carrera de compositor se abrió hacia el campo sinfónico, pero bien pronto se introdujo en la tradición zarzuelera, componiendo aproximadamente cincuenta títulos.

Afirmado en su estilo expresivo en el más castizo españolismo, utilizaba un lenguaje directo y sencillo, pero de gran elegancia formal. Hasta su muerte, que lo sorprendió trabajando para el ballet Don Quijote, desempeñaba el cargo de presidente de la Sociedad General de Autores de España, que tomó en 1974, y el de presidente de la Academia Nacional de Bellas Artes que asumiera en 1978.1​

Obras[editar]
Entre algunas de sus zarzuelas más conocidas podemos citar:

La mesonera de Tordesillas (1925)
La pastorela (En colaboración con Pablo Luna) (1926)
La marchenera (1928)
La manola del portillo (En colaboración con Pablo Luna) (1928)
Luisa Fernanda (1932)
Azabache (1932)
Xuanon (1933)
La chulapona (1934)
Paloma Moreno (1935)
La boda del señor Bringas, o, Si te casas la pringas (1936)
Sor Navarra (1936)
Monte Carmelo (1939)
Oro de ley (1939)
Maravilla (1941)
La Caramba (1942)
La ilustre moza (1943)
Polonesa (1944)
Los Laureles (1947)
El cantar del organillo (1949)
María Manuela (1952)
Baile en capitanía (1960)
Federico Moreno Torroba también compuso dos óperas:

La virgen de mayo (1925)
El poeta (1980), estrenado con Plácido Domingo
Además, en 1930 transformó la zarzuela La tempranica de Gerónimo Giménez en ópera, titulándola María la tempranica.

A la guitarra dedicó también conciertos como el Romántico de Castilla, Homenaje a la seguidilla, Fantasía flamenca, Tonada concertante y la muy conocida Sonatina "La cortinita". Junto a su amigo Jean Pierre Farfán compuso actos para guitarra. En 1981 compuso una última con la colaboración de Alberto López, conocido por sus amigos por Alberto Joly por su ascendencia francesa; poco después Alberto sería detenido por la policía al tener un altercado con un joven. Años más tarde el compositor madrileño Jorge Moreno siguió el ejemplo de Federico, componiendo obras poco conocidas como: Mi vida y Miriam (en referencia a su esposa) y Río Turbio.
Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

Jesús Guridi Bidaola

94

Jesús Guridi Bidaola

https://www.youtube.com/watch?v=7TxksL1l3y4

Jesús Guridi Bidaola (Vitoria, 25 de septiembre de 1886 - Madrid, 7 de abril de 1961) fue un compositor español. Entre sus obras destacan El caserío, Diez melodías vascas y Amaya. Biografía[editar] Nace en Vitoria en el seno de una familia de músicos. Su madre, María de Trinidad Bidaola, fue... Ver mas
Jesús Guridi Bidaola (Vitoria, 25 de septiembre de 1886 - Madrid, 7 de abril de 1961) fue un compositor español. Entre sus obras destacan El caserío, Diez melodías vascas y Amaya.

Biografía[editar]
Nace en Vitoria en el seno de una familia de músicos. Su madre, María de Trinidad Bidaola, fue violinista, y su padre, Lorenzo Guridi, fue pianista. Tras cursar sus primeros estudios con los escolapios y con jesuitas de Zaragoza, se traslada a Madrid, donde recibe clases de Valentín Arin. Ya en Bilbao, participa en las actividades de la sociedad llamada El cuartito, donde conoce a quienes serán sus mentores. Recibe clases de violín de Lope Alaña y de armonía de José Sáinz Bésame.

El 28 de enero de 1901, con tan solo quince años, ofrece su primer concierto público en la Sociedad Filarmónica de Bilbao. A los 18 años ingresa en la Schola Cantorum de París, estudiando órgano con Abel Decaux, composición con Auguste Sérieyx y contrapunto y fuga con Vincent d'Indy. Es aquí donde conoce a Usandizaga, al que le unirá una profunda amistad. Se traslada a Bruselas, donde estudia con Joseph Jongen, y a Colonia, con Otto Neitzel siguiendo las recomendaciones de Resurrección María de Azkue.

En junio de 1912 es nombrado director de la Sociedad Coral de Bilbao. En este mismo año muere Usandizaga. Diez años más tarde, en 1922, se casa con Julia Ispizua. El matrimonio tendrá seis hijos: María Jesús, Luis Fernando, María Isabel, Ignacio, Julia y Javier.

En 1944 entra en el conservatorio de Madrid, siendo, años más tarde, su director.

El 7 de abril de 1961 fallece repentinamente, a la edad de 74 años, en su domicilio en la calle de Sagasta de Madrid.

Su música[editar]
Muy influido por Wagner y los músicos del romanticismo tardío, encuentra en las raíces del folclore vasco su inspiración y las primeras notas que más tarde darán cuerpo y alma a sus composiciones. Guridi abarca con solidez un enorme abanico de géneros: música de cámara, composiciones vocales, orquestales, piezas religiosas para órgano, óperas y zarzuelas, etc. Entre sus obras destacan: El caserío (1926), Diez melodías vascas (1940), Así cantan los niños (1909), Amaya (1920), Mirentxu (1910), Una Aventura de Don Quijote (1916), La meiga (1929), Seis canciones castellanas (1939), Sinfonía pirenaica (1945) y Homenaje a Walt Disney (1956).

Cronología de títulos, cargos y distinciones[editar]
1912 - Director de la Sociedad Coral de Bilbao.
1913 - Correspondiente de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.
1918 - Organista de la Basílica de Santiago de Bilbao.
1920 - Director honorario de la Coral Vitoriana.
1927 - Director de la Coral de Guinea.
1939 - Director musical de Producciones Cinematográficas Ulargui Films.
1944 - Cátedra de Órgano del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.
1945 - Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X el Sabio.
1947 - Académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.
1952 - Hijo predilecto de la ciudad de Vitoria.
1952 - Comendador de la orden Mehdanía del Jalifato de Marruecos.
1956 - Director del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.
1957 - Hijo adoptivo de la Villa de Bilbao.
1958 - Vocal de la Asociación Española de San Pío X y Santa Cecilia.
Además, ha desempeñado los siguientes puestos:

Consejero de la Sociedad General de Autores de España
Consejero del Consejo superior de Teatro
Organista de Iglesia de San Manuel y San Benito de Madrid
Presidente honorario de la Sociedad Coral de Bilbao
Asesor y colaborador del Diccionario Enciclopédico de la Música. Publicado por la Central Catalana de Publicaciones
Miembro honorario del Consejo Superior de Investigaciones (Sección Música)
Catálogo de obras[editar]
Catálogo de obras de Jesús Guridi
Año Obra Tipo de obra
1905 Piezas para piano Música para piano
1906-07 Fantasía para gran órgano Música para órgano
1907 Fantasía Música para órgano
1907 Ave Maria Música vocal
1909 Interludio Música para órgano
Rosario de Navidad Tres voces y órgano
1910 Mirentxu, ópera (libreto: Alfredo Etxabe) (Bilbao, Campos Elíseos, 31 may. 1910) Ópera
1910 Tres piezas breves [1. Amanecer - 2. Nostalgia - 3. Serenata] Música para piano
1910-20 Amaya, ópera (libreto: José M. Arroita Jauregi) (Bilbao, Coliseo Albia, 23 may. 1920) Ópera
1913 Cantos populares vascos (1ª serie): 1. Iru errege, 2. Maitasun atsekabea, 3. Goizian goizik, 4. Beñat Mardo abeslariya, 5. Aldapeko, 6.Txori urretxindorra. Música vocal
1913-1923 Cantos populares vascos (2ª serie): 1.Antón Aizkorri, 2. Matsaren orpotik, 3. Goiko Mendijna, 4. Oñazez, 5. Txeru, Amatxo, 6. Boga boga Música coral
1915 Tantum ergo Coro y órgano
1915 Leyenda vasca Música orquestal
1907 Así cantan los niños, para coro y orquesta Música coral
1916 Una aventura de Don Quijote, poema sinfónico Música orquestal
1916 Salve Coro y órgano
1918 Misa de réquiem Música para coro y órgano
((1920)) Ator, ator mutil (Canción de Nochebuena) Canto y piano en su primer arreglo. Versión coral después para "Cantos populares vascos 3.ª serie"
1922 Misa en honor a San Ignacio de Loyola, 3 voces y órgano Música vocal
1924 Vasconia [1. Viejo carillón - 2. Leyenda - 3. En El Txakoli - Tocata Festiva] Música para piano
1926 El caserío, zarzuela (libreto: Guillermo Fernández Shaw y Federico Romero) (Madrid, Zarzuela, 11 nov. 1926) Zarzuela
1925 En un barco fenicio, poema sinfónico Música orquestal
1929 La meiga, zarzuela, libreto: Guillermo Fernández Shaw y Federico Romero) (Madrid, Zarzuela, 28 dic. 1928) Zarzuela
1931 La cautiva, zarzuela (L. F. de Sevilla y A. Carreño),) (Madrid, Calderón, 10 feb. 1931) Zarzuela
1932 Euskal folkloreko XXII abesti Música vocal
1934 Mandolinata, zarzuela (A. C. de la Vega) (Madrid, Calderón, 17 nov. 1934) Zarzuela
1934 Cuarteto en sol menor Música de cámara
1936 Mari-Eli, zarzuela vasca (Carlos Arniches y E. Garay) (Madrid, Fontalba, 11 de abril de 1936) Zarzuela
1937 Te Deum Música para coro y órgano
1939 Danzas viejas [1. Tamboreillo de Navidad - 2. Muérdago - Zortziko del dolor - 3. La carrasquilla] Música para piano
1939 La bengala, sainete lírico (L. Tejedor, J. Huecas) (Zaragoza, Argensola, 12 de enero de 1939) Zarzuela
1939 Seis canciones castellanas [1. No quiero tus avellanas - 2. Cómo quieres que adivine - 3. Allá arriba, en aquella montaña - 4. Sereno! - 5. Llámale con el pañuelo - 6. Mañanita de San Juan] Música vocal
1940 Diez melodías vascas Música orquestal
1944 Peñamariana, retablo popular (Romero, Fernández Shaw) (Madrid, 16 nov. 1944) Zarzuela
1944 Preludio elegíaco Contrabajo y piano
1945 Sinfonía pirenaica Música orquestal
1946 Boda de rumbo, ballet Ballet
1948 Variaciones sobre un tema vasco Música para órgano. Arreglo para banda de txistularis
1948 Acuarelas vascas Zarzuela
1949 Cuarteto en la menor Música de cámara
1950 La condesa de la aguja y el dedal Zarzuela
1951 Escuela española de órgano [1. Introducción - 2. Capriccio - 3. Cantinela - 4. Himno - 5. Improvisación - 6. Canción vasca - 7. Salida - 8. Interludio - 9. Plegaria - 10. Preludio - 11. Pastorela - 12. Villancico - 13. Glosa (Puer natus est) - 14. Éxtasis - 15. Fuga - 16. Adagio - 17. Ave Maria - 18. Ofertorio I - 19. Ofertorio II - 20. Toccata] Música para órgano
1953 Tríptico del buen pastor [1. El rebaño - 2. La oveja perdida - 3. El buen pastor] Música para órgano
1954 Ocho apuntes para piano [1. Amanecer - 2. Canción vasca - 3. Danza rústica - 4. Canto de arriero - 5. Romanza - 6. Cortejo fúnebre - 7. Rumor de agua - 8. Marcha humorística] Música para piano
1955 Misa en honor del arcángel San Gabriel Música para coro y órgano
1956 Fantasía homenaje a Walt Disney, para piano y orquesta Música orquestal
1956 Canciones vascas [1. Ala baita - 2. Arantzazura - 3. Zorabiatua naiz - 4. Alabatua] Música vocal
1958 Lamento e imprecación de Agar Música para piano
Archivo documental[editar]
El archivo documental de partituras, documentos y grabaciones sonoras se encuentra muy repartido entre el ERESBIL-Archivo Vasco de la Música, SGAE, la Biblioteca Nacional de España, la Biblioteca del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, la Biblioteca Musical de Ayuntamiento de Madrid, la [Fundación Juan March]http://www.march.es/], el archivo sonoro de Radio Nacional de España, la Fonoteca Nacional, Archivo de la Unión Musical Española, Archivo de Música del seminario de Derio y la Filmoteca Española.

Catálogo de Obras de Jesús Guridi de Víctor Pliego de Andrés. Centro de Documentación de la Música Contemporánea.
Fundación Juan March. Madrid 1989
Labor cinematográfica[editar]
Guridi compuso diversas bandas sonoras para cine a lo largo de su vida. En 1956 fue galardonado con la Medalla del Círculo de Escritores Cinematográficos a la mejor música por su labor en la película La gran mentira.1​
Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

José Serrano Simeón

95

José Serrano Simeón

https://www.youtube.com/watch?v=MYgi-EIeJyc

José Calixto Serrano Simeón (Sueca; 14 de octubre de 1873-Madrid; 8 de marzo de 1941) fue un compositor español, conocido por sus más de cincuenta zarzuelas. Autor, entre otras, de las famosas zarzuelas La reina mora, La canción del olvido, La dolorosa y Los claveles, se le considera el heredero... Ver mas
José Calixto Serrano Simeón (Sueca; 14 de octubre de 1873-Madrid; 8 de marzo de 1941) fue un compositor español, conocido por sus más de cincuenta zarzuelas. Autor, entre otras, de las famosas zarzuelas La reina mora, La canción del olvido, La dolorosa y Los claveles, se le considera el heredero musical de Federico Chueca. Las obras de Serrano, tienden hacia un teatro popular, simple pero cargado de emoción dramática. La influencia de Giacomo Puccini y el verismo italiano es evidente en muchas de sus obras. Compuso el himno de la Exposición Regional Valenciana de 1909, que ha sido adoptado oficialmente como Himno de la Comunidad Valenciana.


Biografía[editar]

Placa en la casa natal en Sueca.
Su padre, director de una banda de música en Sueca —su ciudad natal—, fue quien le introdujo en el mundo de la música dándole sus primeras clases, más bien como un juego. Sin embargo, la afición y el interés que mostraba el pequeño José era tan grande que a los cinco años, ya sabía solfeo y a los 12 años tocaba la guitarra y el violín.


Casa Natal.
En 1889, se trasladó a Valencia para proseguir con sus estudios musicales en el Conservatorio con Salvador Giner.1​ Comenzó a estudiar piano, aunque pronto abandonó este instrumento, y prosiguió sus estudios de violín y composición. En 1892, se trasladó a Madrid con la intención de obtener una beca con la que proseguir sus estudios, beca que consigue del Ministerio de Fomento gracias a la recomendación de Emilio Serrano y que duraría un año. En Madrid, durante esta época y para poder sobrevivir, compone canciones, a 25 pesetas cada una, que servían para promocionar a artistas menores. Durante esta época encontró serias dificultades para triunfar en Madrid por la dificultad de hallar libretistas y teatros donde estrenar. Prestó ayuda a Manuel Fernández Caballero, que padecía una ceguera progresiva, en la composición de su zarzuela Gigantes y cabezudos, lo que le sirvió para darse a conocer en el mundo teatral. Así los hermanos Álvarez Quintero, en un intento de darle una oportunidad, le ofrecieron el libreto de El motete. Estrenada con éxito el 24 de abril de 1900, fue la primera composición de Serrano y con la que se dio a conocer. Más tarde bautizaría a una de sus hijas como María del Motete, apadrinada por su amigo el científico Bernardino Landete Aragó.2​ En 1909 compuso el Himno a la Exposición, pieza estrenada en la Exposición Regional Valenciana, y que sería elegida en 1925 como himno regional. En 1923, la Diputación de Valencia le encargó un himno conmemorativo de la Coronación de la Virgen de los Desamparados, patrona de Valencia. El estreno de esta obra tuvo lugar el 24 de mayo de 1923 ante unas 30 000 personas, constituyendo un clamoroso éxito.

Su figura se va ensalzando y se ve consolidada por la labor llevada a cabo. Compuso obras tanto para el género chico como para la zarzuela grande. Entre ellas cabe destacar: La Reina mora (1903) con texto de los Hermanos Álvarez Quintero, Moros y cristianos (1905); El Perro chico (1905), El pollo Tejada (1906) y El Príncipe Carnaval (1919) en colaboración con Quinito Valverde; Alma de Dios (1907), El amigo Melquíades (1914) —también en colaboración con Quinito Valverde—, La canción del olvido (1916) —con textos de Federico Romero Sarachaga y Guillermo Fernández-Shaw—, Los de Aragón (1927), Los claveles (1929) y La Dolorosa (1930).


Monumento de José Serrano, sito en Valencia, avenida del Regne de València, obra de Octavio Vicent.
Los últimos años de su vida los pasó en la localidad valenciana de El Perelló, donde se dedicó exclusivamente a la pesca. Tras detectársele cáncer de esófago, se trasladó en 1940 a Madrid para ser tratado, falleciendo en esta ciudad en 1941.

Obras[editar]

Representación de La canción del olvido en el Auditorio Insular de Puerto del Rosario, Fuerteventura el 9 de diciembre de 2000.
Zarzuelas y obras líricas[editar]
El motete (1900).
El corneta de órdenes (1900).
La alegría del batallón (1900).
Don Miguel de Mañarra (1902).
El olivar (1902) —Tomás Barrera—.
La mazorca roja (1902).
El pelotón de los torpes (1903) —Ángel Rubio—.
El solo de trompa (1903).
La Reina mora (1903).
La torería (1904).
El trébol (1904) —Quinito Valverde—.
Las estrellas (1904) —Quinito Valverde—.
Y no es noche de dormir (1904) —Quinito Valverde—.
La casita blanca (1904).
El contrabando (1905) —José Fernández Pacheco—,
La reja de la Dolores (1905) —Quinito Valverde—.
El amor en solfa (1905) —Ruperto Chapí—.
El mal de amores (1905).
Moros y cristianos (1905).
El perro chico (1905) —Quinito Valverde—.
La Infanta de los bucles de oro (1906).
La mala sombra (1906).
La noche de reyes (1906).
El pollo Tejada (1906) —Quinito Valverde—.
La banda nueva (1906) —Apolinar Brull—.
La gente seria (1907).
Namita Naná (1907).
Alma de Dios (1907).
La suerte loca (1907) —Quinito Valverde—.
El palacio de los duendes (1910) —Amadeo Vives—.
El trust de los tenorios (1910).
Barbarroja (1911).
El carro del sol (1911).
La gentuza (1913).
El Príncipe carnaval (1914) —Quinito Valverde—.
El rey de la banca (1914).
El amigo Melquíades (1914) —Quinito Valverde—.
La sonata de Grieg (1916).
La canción del olvido (1916) —Federico Romero Sarachaga y Guillermo Fernández-Shaw Iturralde—.
Los leones de Castilla (1917).
Si yo fuera rey (1917).
La venda de los ojos. (1919).
Danza de apaches (1924).
La maga de Oriente (1924) —Ernesto Pérez Rosillo—.
Magda la tirana (1926).
Las hilanderas (1927).
Los de Aragón (1927)
La prisionera (1927) —Francisco Balaguer—.
Los claveles (1929).
La dolorosa (1930).
La venta de los gatos (1943).
Golondrina de Madrid (1944).
Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

Léo Delibes

96

Léo Delibes

https://www.youtube.com/watch?v=Zrcvz8hEYqM

Saint-Germain-du-Val, Francia, 1836 - París, 1891) Compositor francés. Aunque carece del genio de Bizet o la inspiración de Gounod, la música de Delibes ocupa un puesto de privilegio en el repertorio lírico galo. Formado en el Conservatorio de París, donde tuvo como maestro a Charles Adam, se... Ver mas
Saint-Germain-du-Val, Francia, 1836 - París, 1891) Compositor francés. Aunque carece del genio de Bizet o la inspiración de Gounod, la música de Delibes ocupa un puesto de privilegio en el repertorio lírico galo. Formado en el Conservatorio de París, donde tuvo como maestro a Charles Adam, se dio a conocer como compositor de operetas, la primera de las cuales fue Dos céntimos de carbón, estrenada con éxito en 1856. Le siguieron títulos como Seis señoritas casaderas (1856), La tortilla a la Follembuche (1859) y Mi amigo Pierrot (1862), partituras en las que el músico hacía gala de una inventiva y un desenfado poco comunes. Su consagración, empero, hubo de esperar hasta el estreno en 1870 de su ballet Coppélia, que aún hoy sigue siendo uno de los más populares del repertorio. Su éxito se repitió en 1876 con Sylvia. En 1883, la Opéra Comique de París representó su ópera más ambiciosa y lograda, Lakmé, exótica historia de amor ambientada en la India que le procuró un éxito resonante.


Léo Delibes

Agradable y afortunado autor de óperas, operetas y ballets, Léo Delibes estudió en el Conservatorio de la capital francesa con Le Couppey, Benoist, Bazin y Adam. En 1853 fue nombrado maestro de clavicordio del Théâtre-Lyrique; al mismo tiempo ocupó el cargo de organista en la iglesia de Saint Pierre, de Chaillot. Luego fue acompañante y segundo maestro de los coros de la Opéra (1863-72) y organista del templo de St. Jean y St. François (1862-71). En 1881 se le nombró profesor de composición del Conservatorio parisiense, y en 1884 ingresó en la Academia de Francia.

Entre sus numerosas obras (escritas para el Théátre-Lyrique, el Folies-Nouvelles, el Bouffes-Parisiens, el Variétés, la Opéra y la Opéra Comique), destaca por su mayor celebridad el brillante ballet Coppélia, ofrecido por vez primera en la Opéra el 25 de mayo de 1870 y todavía hoy objeto de frecuentes representaciones. Basado en un cuento de E. T. A. Hoffmann, este ballet en tres actos narra cómo un joven alocado, Franz, se siente atraído por una autómata maravillosa, Coppélia, y cómo Swanilda, la prometida de Franz, consigue recuperar su afecto al demostrarle que Coppélia es, en realidad, una muñeca mecánica.

La historia tiene un trasfondo filosófico que se resume en la lucha entre lo vivo y lo inerte, entre lo bello y lo siniestro, con la victoria final de lo real (Swanilda) sobre lo irreal (Coppélia). La música de Delibes se reveló aquí danzarina, pintoresca, ingeniosa, espiritual y llena de colorido. Al situar la acción en la Europa central, los libretistas brindaron al músico la ocasión de abordar temas exóticos, sobre todo eslavos y húngaros. Números como la brillante Mazurca o el Vals de Swanilda han alcanzado una merecida celebridad como piezas de concierto.



Del resto de sus obras sobresale la ópera en tres actos Lakmé, según libreto de Edmond Gondinet y Philippe Gille. Estrenada en la Opéra Comique de París el 14 de abril de 1883, es la única ópera de Léo Delibes que aún se recuerda y, a veces, se ejecuta. La acción ocurre en las Indias inglesas, donde Gérald, un joven oficial, ha de casarse con Miss Ellen. El azar quiere que un día conozca a la bella y encantadora Lakmé, hija de un brahmán, y se enamore de ella. Pero el padre de Lakmé, Nilacantha, es un sacerdote fanático que, en cuanto se entera de que Gérald ha osado profanar el jardín donde se halla su hija, jura vengarse. Nilacantha ordena a Lakmé que le siga a través de la ciudad, y, disfrazado de monje mendicante, obliga a su hija a entonar canciones para atraer la atención de Gérald, y de este modo encontrarle.

El padre consigue su propósito: el joven oficial se da a conocer y una puñalada le hace caer gravemente herido. Lakmé le cuida a escondidas y consigue curarlo, y ambos deciden unirse para siempre y huir. Pero cuando Lakmé prepara la boda según el rito de Brahma, se oye en la lejanía una marcha militar: es el regimiento de Gérald que se dispone a reprimir una rebelión de los indios. El sentido del deber supera el amor de Gérald, que quiere abandonar a Lakmé para unirse con los suyos. La bella india no sabe resistir este golpe: se envenena con el jugo de una hoja mortal y muere entre los brazos de su amado. La aparente facilidad y frescura de sus melodías y la delicadeza de sus tonos y colores fueron las claves del arrollador éxito que tuvo en Europa esta obra, que sobresale ente la producción operística francesa de finales del XIX por su refinamiento artístico y su gusto romántico.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 7 puntos

Vótalo:

Nino Rota

97

Nino Rota

https://www.youtube.com/watch?v=msYzDoGUHgA

(Milán, 1911 - Roma, 1979) Compositor italiano. Nieto del pianista y compositor Giovanni Rinaldi, en 1919 empezó a estudiar piano con su madre, y solfeo con A. Perlasco. En 1923 ingresó en el Conservatorio de Milán, donde fue alumno de Delachi, Orefice y Bas. Nino Rota destacó por su precocidad... Ver mas
(Milán, 1911 - Roma, 1979) Compositor italiano. Nieto del pianista y compositor Giovanni Rinaldi, en 1919 empezó a estudiar piano con su madre, y solfeo con A. Perlasco. En 1923 ingresó en el Conservatorio de Milán, donde fue alumno de Delachi, Orefice y Bas. Nino Rota destacó por su precocidad; a los once años ya compuso un oratorio, y a los trece una comedia lírica en tres actos, Il Principe porcaro (1925).


Nino Rota

Entre 1925 y 1926 recibió clases particulares de Pizzetti y, posteriormente, estudió composición con Casella en la Accademia di Santa Cecilia en Roma, graduándose en 1930. Al año siguiente, Nino Rota se trasladó a Estados Unidos e ingresó en el Curtis Institute of Music de Filadelfia (1931-1932), donde estudió composición con Rosario Scalero, historia con Beck y dirección de orquesta con Fritz Reiner. El autor regresó a Italia y, en 1937, se licenció en letras en la Universidad de Milán, realizando una tesis sobre Zalino.

De 1937 a 1938 impartió clases de teoría y solfeo en la escuela de música Taranto. A partir de 1939 fue profesor de armonía, y después de composición, del Bari Liceo Musicale, y en 1950 pasó a ser su director, cargo que ocupó hasta 1978.

Nino Rota cultivó todos los géneros, evitando la sensiblería, y trabajó con una perspicacia y una maestría técnica que le hicieron ganar el respeto incluso de aquellos que lo consideraban pasado de moda. El compositor consiguió un particular éxito con sus óperas Il cappello di paglia di Firenze (El sombrero de paja florentino), de 1946, y La visita meravigliosa (La visita maravillosa), de 1970, considerada como una alegoría de su filosofía, y con sus sonetos Mysterium Catholicum (1962) y La vita de Maria (La vida de María), de 1970, de una delicada y penetrante elegancia.



Sin embargo, Nino Rota debe su fama internacional a las bandas sonoras que compuso para películas de cine de directores como Eduardo De Filippo en Nápoles millonaria (Napoli milionaria, 1950), Luchino Visconti en Il gattopardo (El gatopardo, 1963) y Francis Ford Coppola en The Godfather (El padrino I, 1972, y El padrino II, 1974), entre otros. De 1968 es su partitura para Romeo e Giulietta, de Franco Zeffilleri, la más apreciada de las traslaciones a la gran pantalla del Romeo y Julieta de Shakespeare.

Sus partituras cinematográficas destacan por la atractiva sencillez y suelen ser melódicas e inolvidables. Obtuvo un Oscar por la música de El padrino II (1974), pero sus más relevantes obras para el cine se encuentran en las películas de Federico Fellini; la colaboración entre el director y el compositor, que se prolongó a lo largo de más de un cuarto de siglo, ha sido definida como una simbiosis entre imagen y sonido, como una interdependencia de sensibilidades afines, como se aprecia en La dolce vita (1959); Otto e mezzo (Ocho y medio), de 1963; Fellini Roma (1972), Amarcord (1974) e Il Casanova (El Casanova), de 1977, entre otras.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 7 puntos

Vótalo:

Carmelo Bernaola

98

Carmelo Bernaola

https://www.youtube.com/watch?v=DOWXhKcTijg

(Otxandiano, 1929 - Madrid, 2002) Compositor español. Al estallar la Guerra Civil se instaló junto a su familia en Medina de Pomar (Burgos), donde permanecería hasta 1946. Allí formó parte de un trío y de la banda de música de la localidad, para la que escribió marchas y otras composiciones. En... Ver mas
(Otxandiano, 1929 - Madrid, 2002) Compositor español. Al estallar la Guerra Civil se instaló junto a su familia en Medina de Pomar (Burgos), donde permanecería hasta 1946. Allí formó parte de un trío y de la banda de música de la localidad, para la que escribió marchas y otras composiciones. En la capital burgalesa recibió clases de los maestros Amoreti, Blanco y Quesada y años más tarde, en 1949, obtuvo la plaza de segundo clarinete de la Orquesta Sinfónica de Burgos.

En 1951 fue destinado a Madrid como clarinetista de la Banda del Ministerio de Ejército, y así pudo estudiar contrapunto, fuga y composición en el conservatorio madrileño con los profesores Massó, Calés Pina y Julio Gómez. En 1953 obtuvo un puesto de clarinetista en la Banda Municipal madrileña, pero la obtención del Premio de Roma en 1959 le llevó a instalarse en Italia.

Allí fue alumno de Goffredo Petrassi (Academia Santa Cecilia de Roma), quien, en palabras del propio Bernaola, "latinizó" su lenguaje musical. También en Italia, esta vez en la Academia Chigiana de Siena, trabajó la dirección orquestal con el maestro rumano Sergiu Celibidache. Asimismo, recibió lecciones de Bruno Maderna y Messiaen en los prestigiosos cursos estivales de Darmstadt (Alemania), donde pudo conocer la obra de Boulez, Stockhausen, Luigi Nono y Ramón Barce. También fue alumno de Jolivet y Tansman en los cursos de verano de Santiago de Compostela.

1962 fue el año en que obtuvo el Premio Nacional de Música con su Primer Cuarteto y en el que decidió regresar a Madrid para ocupar el puesto de profesor de armonía en el Conservatorio, así como el de clarinetista en la Banda Municipal. Poco tiempo después fue nombrado profesor de Música Cinematográfica en la Universidad de Valladolid. Más tarde, en 1981, pasó unos años en Vitoria para ocuparse de la dirección del conservatorio de dicha ciudad, y tras su jubilación volvió a Madrid, ciudad en la que fallecería.

Bernaola fue elegido Académico numerario de la Academia de Bellas Artes de San Fernando en 1990 en sustitución del fallecido Ernesto Halffter y, reconocido como uno de los máximos compositores españoles de su generación, recibió de nuevo el Premio Nacional de Música en 1992 en el apartado de composición. Asimismo, en 1988 fue nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad Complutense de Madrid y ese mismo año recibió el premio Goya a la Mejor Música Original por el largometraje Pasodoble. En 2001 le fue otorgado el Premio de la Fundación Guerrero, uno de los más importantes del panorama musical español. En junio de ese mismo año, la Orquesta Sinfónica de la BBC estrenó en el Festival de Música y Danza de Granada su obra Fantasías.



El músico vizcaíno sentía una profunda admiración por los compositores de la Segunda Escuela de Viena, en especial por Webern, y se consideraba estéticamente cercano a sus contemporáneos Cristóbal Halffter y Luis de Pablo, representantes junto a él y otros compositores de la llamada "Generación del 51". Fue gracias a De Pablo que se produjeron sus primeros contactos con el dodecafonismo. Su obra comienza dentro de la tradición escolástica y sigue criterios academicistas hasta la década de los años setenta, en la que comienza a experimentar con lenguajes aleatorios y a preocuparse por el serialismo y las tendencias de vanguardia. Esta trayectoria fue una constante en los miembros de la Generación del 51.

Las composiciones de Bernaola nacen de la materia musical misma, dejando al margen los problemas literarios, siempre al servicio de una libertad investigadora de primer orden. Su profunda formación tradicional le facilitó crearse un lenguaje avanzado y personal en el que destaca su talento para la orquestación. Si bien se sentía profundamente vasco, su obra apenas posee tintes folcloristas.

Entre sus composiciones se encuentran Suite-divertimento (1957, orquesta), Superficie nº 1 (1961, conjunto de cámara), Espacios Varia-dos (1962), Mixturas (1964), Traza (1966), Heterofonías (1967), Continuo (1968), Oda für Marisa (1970), Villanesca (1978), Variantes combinadas (1980, música de cámara), Nostálgico (1986), Abestiak (1989), Clamores y secuencias (1993) y piezas para instrumentos a solo. Escribió numerosas obras para cine y televisión, entre las que cabe citar la música para las películas El Love feroz (1975), Akelarre (1984), Espérame en el cielo (1987), Jarrapellejos (1987) y Adios con el corazón (2000); y para los programas televisivos Verano Azul y La Clave.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 7 puntos

Vótalo:

Britten

99

Britten

https://www.youtube.com/watch?v=jFeRels8AyY

(Lowestoft, 1913 - Aldeburg, 1976) Compositor y pianista británico. Músico precoz, desde su más tierna infancia se sintió atraído por la composición. Su Simple Symphony, escrita a partir de temas melódicos compuestos en aquella época, da rápida cuenta de la originalidad y valor de esos primeros... Ver mas
(Lowestoft, 1913 - Aldeburg, 1976) Compositor y pianista británico. Músico precoz, desde su más tierna infancia se sintió atraído por la composición. Su Simple Symphony, escrita a partir de temas melódicos compuestos en aquella época, da rápida cuenta de la originalidad y valor de esos primeros ensayos. Estudió con Frank Bridge, quien le descubrió el universo sonoro de la Segunda Escuela de Viena, uno de cuyos integrantes, Alban Berg, sería uno de sus referentes durante toda su vida.


Benjamin Britten

A mediados de la década de 1930 comenzó a trabajar para el cine y la radio. En estos medios su música empezó a adquirir una fisonomía propia, basada en la síntesis personal de elementos de distinta procedencia: desde la artificiosa vocalidad de Monteverdi hasta la obsesión formal y expresiva del mencionado Berg, pasando por Puccini, Musorgski, Mahler y Purcell.

El estreno en 1941 de la Sinfonía de réquiem marcó un punto de inflexión en su carrera: fue entonces cuando el director de orquesta Serge Koussevitzky le encargó una ópera, Peter Grimes, la cual marcaría el verdadero inicio de la carrera del músico británico como compositor. La obra fue un hito en la historia de la ópera británica por las características complejas de su personaje protagonista, un hombre sádico y socialmente inadaptado. Britten consiguió que el público sintiera a la vez atracción y repulsión hacia el personaje de Grimes y, gracias a la excelente acogida que tuvo la partitura, sentó las bases de lo que sería la nueva ópera británica, cuyos representantes son, entre otros, Maxwell Davies, Alexander Goehr y Harrison Birtwistle.

La violación de Lucrecia, Billy Budd, Otra vuelta de tuerca, Sueño de una noche de verano y Muerte en Venecia son algunos de los títulos que le convirtieron en uno de los autores operísticos más aclamados del siglo XX. En ellos, Britten trata temas como el enfrentamiento del individuo con la sociedad o la pérdida de la inocencia, que se convertirán en constantes a lo largo de su producción.



El cultivo de la ópera no le impidió, sin embargo, sobresalir en otros géneros, en especial en la música vocal, con obras como Les illuminations, la Serenata para tenor, trompa y cuerdas o el monumental Réquiem de guerra. Britten fue, además, un sobresaliente director de orquesta, de quien se conservan excelentes grabaciones, no tan sólo de su propia música, sino también de obras del repertorio tradicional de concierto.

Britten fue siempre un compositor conservador que tan sólo realizó breves incursiones en tendencias de vanguardia como el dodecafonismo. Su música fue esencialmente tonal, y su éxito se debe en gran parte a la facilidad con la que evocaba estados de ánimo por medio de armonías y melodías, a su gran lirismo y al eclecticismo con el que abordaba sus obras según las demandas particulares de cada una. Sus partituras también se caracterizan por su complejidad estructural. Recibió influencias de Stravinsky y de Mahler, y su gran interés por la obra de Purcell se deja ver en diversas obras. Gustaba de incluir elementos de parodia en sus obras: buen ejemplo de ello lo encontramos en las Variaciones sobre un tema de Frank Bridge y en las Veladas Musicales (1936), obra en la que realiza una pastiche de una partitura de Rossini.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2018
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Jacinto Guerrero

100

Jacinto Guerrero

https://www.youtube.com/watch?v=RZEWAPyjirM

Jacinto Guerrero Torres (Ajofrín, 16 de agosto de 1895-Madrid, 15 de septiembre de 1951) fue un músico español y compositor de zarzuelas del siglo XX.Primeros años[editar] Infancia en Ajofrín y estancia en Toledo. Nació en Ajofrín (Toledo), el 16 de agosto de 1895, en el seno de una familia... Ver mas
Jacinto Guerrero Torres (Ajofrín, 16 de agosto de 1895-Madrid, 15 de septiembre de 1951) fue un músico español y compositor de zarzuelas del siglo XX.Primeros años[editar]
Infancia en Ajofrín y estancia en Toledo. Nació en Ajofrín (Toledo), el 16 de agosto de 1895, en el seno de una familia humilde cuyo padre, Avelino Guerrero Cruz, era sacristán y su madre, Petra Torres Benito, bordaba y cosía. Ambos poseían un carácter apasionado y jubiloso, siempre alegres y nerviosos, rasgos que el todavía pequeño Jacinto heredaría. Era el mayor de cuatro hermanos: Inocencio, Consuelo y Paquita completaban la familia. Su formación musical comienza por la ilusión de su padre, que para entonces era director de la banda en su pueblo natal, por tener al chiquillo en la misma, tocando el bombo y los platillos, tarea que Jacinto comenzó con tan solo 6 años, siendo ya un amante del teatro y de la música (sus preferidas eran la sacra y la popular). Cuando cumplió 9 años, su padre murió de una pulmonía. Ese mismo año, en 1904, llega a Toledo, donde ingresa en el Colegio de Infantes, desarrollando sus dotes en el mundo de los negocios y su afición por las mujeres. Aquí estudió solfeo, canto llano, latín y literatura. En el Archivo de Música, estudia de manera autodidacta a autores como Palestrina o Victoria. Tres años más tarde compuso su primera partitura (Salve a cuatro voces). Siendo aún muy pequeño (14-16 años), se sacrificó enormemente para sacar adelante a su familia, trabajando de capillero, lector de coro, animador en fiestas de los pueblos, músico en cafés, pianista en la sala de cine El Miradero, compraventa de objetos etc. Compaginaba sus múltiples y variados empleos con el estudio y práctica del violín y el piano. En 1914 compone la primera obra que le proporciona un enorme éxito y fama: Himno a Toledo, escrito para banda. Gracias a ello, consigue una beca de la Diputación y el Ayuntamiento para ingresar en el Conservatorio de Madrid.

Traslado a Madrid[editar]
Ya en la capital, y sobreviviendo con la cantidad de una peseta diaria, Jacinto aprende que para triunfar en Madrid es tan importante componer como hacer buenas amistades y contactos. Tan solo un año después de su llegada, consigue un puesto como violinista en la Orquesta del Teatro Apolo. Se examina en el Conservatorio de tercero de solfeo y 1º y 2º de armonía, preparando en verano el examen equivalente a tres cursos de piano. En 1916 recibe instrucción militar en Toledo durante corto tiempo, pero tiene la fortuna de evitar ser llamado a quintas. Un año más tarde, obtiene por unanimidad el Diploma de Primera Clase de Armonía del Real Conservatorio Superior de Madrid. En 1918, compone su primera obra escénica: un sainete de costumbres llamado La cara de Dios, además de una breve pieza sinfónica llamada Jhaía (Danza mora). Este mismo año, estrenó también su primer poema sinfónica Jhaía, pero, pese a su gran éxito, el trabajo duro y los pocos beneficios, hicieron que Guerrero escribiera esta obra seria como la primera y la última. En 1919 estrena su primera obra, El Camino de Santiago, que no tuvo mucho éxito.

Ramos Martín y la búsqueda de la fama[editar]
Para que no volviera a ocurrirle, buscó un libretista, contratando a José Ramos Martín, para el que compuso el sainete La pelusa o el regalo de los Reyes, estrenada en el Teatro de La Latina en 1920. Esta obra fue aclamada tanto por el público como por la crítica. Ese mismo año consigue un nuevo trabajo como pianista en el teatro de Fuencarral. Ocupará este cargo hasta la llegada de su hermano Inocencio a Madrid, quien es llamado a quintas obligando a toda la familia a trasladarse a la capital junto a Jacinto. En 1921 se estrena en Barcelona La alsaciana. En 1922 estrenó su zarzuela La montería en Zaragoza, dentro de la cual se encontraba el número “¡Hay que ver!” que interpretó Victoria Pineda (con quien el maestro entabló amistad) y que tuvo un enorme éxito. El propio Guerrero comenzó a dirigir al público en las numerosas veces que la pieza se repitió, generando una importante repercusión posterior.

Triunfo en España[editar]
Su familia encuentra por fin la estabilidad económica gracias a los ingresos cada vez mayores de Jacinto, sin dejar de ser tan trabajadores y humildes como lo eran en Ajofrín. En 1923 se estrena Los gavilanes, donde Guerrero consiguió que la SGAE pagara el 10% de la taquilla al autor (hasta la fecha no era así). Un año más tarde, estrena varios sainetes y zarzuelas, como La sombra del Pilar, con libreto de Federico Romero y Guillermo Fernández Shaw, pero la más importante, donde se refleja el espíritu de Guerrero en su estado más puro, se estrenó en 1927: El huésped del sevillano, cuyo número “Coro de las Lagarteranas”, que se hizo famoso mundialmente, tuvo un impacto tan fuerte o incluso mayor que el que encontrábamos algunos años antes en el “¡Hay que ver!”. En septiembre de 1929 se estrena el Himno de los Carabineros (con letra de Francisco Serrano Anguita).1​ En 1930, compuso la banda sonora de uno de los primeros largometrajes del cine sonoro en español: La canción del día. Además, estrenó La rosa del azafrán en el Teatro Calderón, lo que sirvió para acallar algunas malas críticas que tachaban a Guerrero de ser excesivamente popular.

Sólo un país se le queda corto[editar]
Viaja a París ese mismo año y, en verano a América, Buenos Aires concretamente, donde presentó numerosas zarzuelas y revistas, que triunfan incluso más que en Madrid. Sin embargo, surgen algunos problemas: debido a la revolución de “Irigoyen”, hubo varios tiroteos en la calle donde estaba el teatro, por lo que decidió partir hacia otras ciudades argentinas.

Guerrero como empresario[editar]
En 1931, y tras recibir la cruz de Isabel la Católica inicia, de la mano de los arquitectos Don Castro Fernández- Shaw y Don Pedro Muguruza, la creación del Teatro Coliseum. Tras varias huelgas y complicaciones económicas que el maestro consiguió resolver, se erigió por fin el teatro. A partir de aquí comienza una etapa nueva de Guerrero dentro del mundo de las Asociaciones: Un año más tarde, participa en la Asociación Cinematográfica Española y Americana (CAE), como miembro fundador y presidente, ya que su finalidad es llevar su obra también a las músicas de película. En 1935 nace su sobrino y ahijado, hijo de Paquita, pero un año después estalla la Guerra Civil, por lo que la familia se ve obligada a trasladarse a París y posteriormente a San Sebastián. Con el fin de la Guerra en 1939, estrena Carlo Monte en Montecarlo, con libreto de Enrique Jardiel Poncela, una opereta. Poncela tenía la intención de introducir cómicos en lugar de actores cantantes, por lo que, tras las disputas con Guerrero y ceder éste, la música perdió valor. Ese mismo año, su familia puede regresar a Madrid y, a partir de aquí, Guerrero estrenará sus obras en Madrid y Barcelona. Su madre era una fiel seguidora de la obra de su querido Jacinto, más de las zarzuelas que de las revistas, y nunca dejaba de acudir al Coliseum. Algunos días después del estreno de Loza, Lozana en 1943, Doña Petra falleció, lo que supuso una pena enorme para Guerrero, quien admiraba y quería a su madre más que a ninguna otra mujer, pese a que en su vida hubo muchas.

La salud del maestro se fue poco a poco deteriorando[editar]
Fumaba y comía demasiado, sin cuidarse y, en dos ocasiones, en 1944, tiene que ser operado de un absceso intestinal en el Sanatorio de Santa Alicia en Madrid, con algunas complicaciones, pero consigue salir adelante. Ese mismo año, compone la revista ¡5 minutos, nada menos!. En 1948, ocupa la presidencia de la SGAE, lo que le lleva, un año más tarde, a viajar a Bruselas, París y Lisboa. En 1951, vuela a Nueva York con Federico Moreno Torroba y, a su vuelta, solicita la ayuda de los hermanos Fernández- Shaw para realizar su nueva zarzuela (El canastillo de fresas, que es estrenará como obra póstuma), con objeto de formar una compañía bajo el lema “Resurgimiento de la Zarzuela”. Él mismo reconoce que lo que más le gusta es “buscar figuras, formar compañías y organizar espectáculos”. Estrena también El tríptico toledano en Barcelona y recibe un homenaje en Toledo por su trayectoria profesional. En septiembre de ese mismo año, fallece en el sanatorio Ruber de Madrid.2​

Éxito póstumo[editar]
En 1977, se inauguró un monumento en su honor, por iniciativa del Concejal de Festejos del Ayuntamiento de Toledo en aquel año, el ocañense y vecino de Toledo Pedro Toledo Martínez. Dicho monumento fue realizado por el escultor hervasense Enrique Pérez Comendador; en 1982, su hermano Inocencio crea la Fundación Jacinto e Inocencio Guerrero en Madrid (ese mismo año fallece Inocencio). En 2001, con motivo del cincuentenario de su fallecimiento, se editaron sus piezas sinfónicas y se realizaron numerosas grabaciones en disco compacto, además de una reducción de sus obras para sexteto de cuerda y piano.

Catálogo de obra[editar]
Catálogo de obras de Jacinto Guerrero (lista no exhaustiva)
Año Obra Tipo de obra Libretistas
1922 La reina de las praderas Opereta (3 actos) Enrique Arroyo y Francisco Lozano
1931 La loca juventud Zarzuela (1 acto) José Ramos Martín
1944 ¡Cinco minutos nada menos! Opereta (2 actos) José Muñoz Román
1919 El Camino de Santiago (en colaboración con Eduardo Fuentes) Humorada (1 acto) Manuel Díez Enrich
1920 La cámara oscura Revista (1 acto) José Ramos Martín
1930 Ramón del alma mía Humorada (1 acto) José Ramos Martín
1920 Salustiano patrono (en colaboración con Augusto Vela) Zarzuela Eduardo Ugarte
1921 La alsaciana Opereta (1 acto) José Ramos Martín
1921 La hora del reparto Sainete (1 acto) Pedro Muñoz Seca y Pedro Pérez Fernández
1921 El Otelo del barrio Sainete (1 acto) José Fernández del Villar
1925 El collar de Afrodita Opereta bufa (3 actos) Eduardo Marquina y José Juan Cadenas
1922 La montería Zarzuela (2 actos) José Ramos Martín
1922 El número 15 Sainete (2 actos) Pedro Muñoz Seca y Pedro Pérez Fernández
1922 El rey nuevo Zarzuela (3 actos) Pedro Muñoz Seca y Pedro Pérez Fernández
1921 Manolita la Peque Entremés (1 acto) José Ramos Martín
1923 Los gavilanes Zarzuela (3 actos) José Ramos Martín
1923 La muerte del dragón Música incidental para teatro Pedro Muñoz Seca
1923 La luz de Bengala Zarzuela (2 actos) Antonio Paso y Cano
1923 Cándido Tenorio Sainete (2 actos) José Fernández del Villar
1923 Teodoro y compañía Vodevil (3 actos) Gavault y Marcel Voucey. Adaptación castellana de Federico Reparaz Chamorro y José-Juan Cadenas Muñoz
1924 A la sombra Sainete (1 acto) Antonio Ramos Martín
1924 Don Quintín el amargao (o «El que siembra vientos») Sainete (2 actos) Carlos Arniches y Antonio Estremera
1924 Lo que va de ayer a hoy Zarzuela (2 actos) Antonio Ramos Martín y Emilio Ferraz Revenga
1924 La sombra del Pilar Zarzuela (3 actos) Federico Romero Sarachaga y Guillermo Fernández Shaw Iturralde
1925 María Sol Zarzuela (2 actos) José Ramos Martín
1925 Por los flecos del mantón Sainete (2 actos) Pilar Millán Astray
1925 ¡Vivan los novios! Sainete (1 acto) José Ramos Martín
1925 Todo el mundo futbolista o Manuela y su conquista Entremés (1 acto) Francisco Serrano Anguita
1926 Selección del «El huésped del sevillano» Orquestal (banda) —
1926 El huésped del sevillano Zarzuela (2 actos) Juan Ignacio Luca de Tena y Enrique Reoyo
1926 Las mujeres de Lacuesta Humorada (1 acto) Antonio Paso (Hijo) y Francisco García Loygorri
1926 Quietos, un momento Entremés (1 acto) Antonio Paso Díaz
1927 Las alondras Comedia Lírica (2 actos) Federico Romero y Guillermo Fernández Shaw Iturralde
1927 La hora de la verdad. Relojería (en colaboración con Enrique Estela) Zarzuela (1 acto) Francisco Ramos de Castro, José Mesa Andrés y Manuel López Marín
1927 Cornópolis Fantasía (1 acto) Guillermo Perrin
1927 Las inyecciones (o «El Doctor Cleofás Uthof vale más que Varonoff») Humorada (1 acto) Pedro Muñoz Seca
1927 Juan de Madrid Zarzuela (3 actos) Luis de Vargas
1927 El sobre verde Revista (2 actos) Enrique Paradas del Cerro y Joaquín Jiménez
1927 Los bullangueros Revista (2 actos) José Juan Cadenas y Emilio González del Castillo
1928 Viva la cotorra Andaluzada (1 acto) Enrique Paradas, Joaquín Jiménez y Torres
1928 Abajo las coquetas Revista (2 actos) Antonio Paso Díaz y Francisco García Loygorri
1928 La orgía dorada (en colaboración con Julián Benlloch) Revista (19 cuadros) Pedro Muñoz Seca, Pedro Pérez Fernández y Tomás Borrás
1928 Martierra Zarzuela (3 actos) Alfonso Hernández Cata
1929 La Melitona Chascarrillo baturro (1 acto) Francisco de Torres y Enrique Paso Díaz
1929 El tejar de Cantarranas Sainete (3 actos) Enrique Paradas y Joaquín Jiménez
1930 La rosa del azafrán Zarzuela (2 actos) Federico Romero Sarachaga y Guillermo Fernández Shaw Iturralde
1930 Campanela Zarzuela (1 acto) José Ramos Martín
1930 Colilla IV Zarzuela —
1930 El país de los tontos Revista (2 actos) Francisco de Torres, Enrique Paradas y Joaquín Jiménez Martínez
1930 Selección del «La rosa del azafrán» Orquestal (banda) —
1931 Fantasía del «La fama del tartanero» Orquestal (banda) —
1930 Duro con ellas Sainete (1 acto) Francisco de Torres, Enrique Paradas y Joaquín Jiménez Martínez
1931 La fama del tartanero Zarzuela (3 actos) Luis Manzano y Manuel de Góngora
1931 Pelé y Melé Revista (2 actos) Enrique Paradas y Joaquín Jiménez
1931 Miss Guindalera Sainete (1 acto) Ángel Torres del Álamo y Antonio Asenjo Pérez
1932 Sole, la Peletera Sainete (2 actos) Ángel Torres del Álamo y Antonio Asenjo Pérez
1932 El ama Zarzuela (3 actos) Luis Fernández Ardavín
1933 ¡Gol! Revista (3 actos) Francisco Ramos de Castro y Gonzalo Ribas
1933 La camisa de la Pompadour Historieta (3 actos) Joaquín Vela y Enrique Sierra
1934 Colores y barro Zarzuela (2 actos) Serafín y Joaquín Álvarez Quintero
1934 Peccata mundi Revista Carlos Arniches y Antonio Estremera
1934 La españolita Zarzuela (3 actos) Luis Fernández Ardavín
1934 Las insaciables Historieta (3 actos) Joaquín Vela y Enrique Sierra
1936 La Cibeles Comedia lírica (3 actos) Federico Romero Sarachaga y Guillermo Fernández Shaw Iturralde
1938 candelaria marcha marcha para semana santa (sevilla)
1936 ¡Hip! ¡hip! ¡¡hurra!! Revista (18 escenas) Joaquín Vela y Enrique Sierra
1936 La sota de oros Revista (2 actos) Enrique Paradas y Joaquín Jiménez
1931 La sal por arribas (en colaboración con Pablo Luna Carné) Humorada (2 actos) Antonio Paso y Francisco de Torres
1928 Los faroles Fantasía (1 acto) Enrique Paradas y Joaquín Jiménez
1938 Candelaria, marcha procesional Orquestal (banda) —
1939 Carlo Monte en Montecarlo Opereta (14 cuadros) Enrique Jardiel Poncela
1941 Canción del Ebro Zarzuela (3 actos) Enrique Calonge y Enrique Reoyo
1942 La media de cristal Zarzuela Cómica (3 actos) Joaquín Vela y Enrique Martínez Sierra
1943 Loza lozana Zarzuela (3 actos) Federico Romero Sarachaga y Guillermo Fernández Shaw Iturralde
1946 Macarena marcha marcha para semana santa sevilla
1947 La blanca doble Humorada (3 actos) Enrique Paradas y Joaquín Jiménez
1949 Los Países Bajos Fantasía M. Jiménez, C. Paradas y P. Torres
1950 Tres gotas nada más Revista Enrique Paradas y Joaquín Jiménez
1951 El canastillo de fresas Zarzuela (2 actos) Guillermo y Rafael Fernández Shaw Iturralde
1951 Cancionero Musical Pedro Echevarría Bravo
1932 Chicote Bar Pasodoble (banda) Pedro Muñoz Seca
1932 Las tentaciones Humorada (2 actos) Antonio Paso, Ángel Torres del Álamo y Antonio Asenjo
1950 Arriba y abajo Humorada (1 acto) Francisco de Torres y Ricardo González del Toro
Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Comentarios
¡¡Comenta!!

Buscador

 
Listeros 20m
Grupo de Facebook · 6 miembros
Unirte al grupo
Como parte de la renovación y modernización de Listas de 20Minutos, hemos abierto este exclusivo grupo de Facebook para los listeros, para que os conozcáis mejor y compartáis experiencias. Aquí podéis difundir vuestras Listas, distribuir las de otros usuarios y dejarnos todo tipo de comentarios. ¿Te vienes?