Frases Celébres (V)

Frases Celébres (V)

Publicada el 12.09.2017 a las 17:36h.

Una cabeza sin memoria es como una fortaleza sin guarnición. Memoria - Napoleón Bonaparte (1769-1821) Militar y emperador francés. Comentar Joseph Joubert La memoria es el espejo donde vemos a los ausentes. Memoria - Joseph Joubert (1754-1824) Moralista y ensayista francés. Comentar Sepan que olvidar lo malo también es tener memoria. Memoria - José Hernández (1834-1886) Militar, periodista, poeta y político argentino. Comentar Marco Tulio Cicerón El que sufre tiene... (continuar leyendo)

Etiquetas: celebres, frasese

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Último acceso 15.01.2019

La mejor vida no es la más duradera, sino más bien aquella que está repleta de buenas acciones (Marie Curie)

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La mejor vida no es la más duradera, sino más bien aquella que está repleta de buenas acciones (Marie Curie)

Nació el 7 de noviembre de 1867 en Varsovia (Polonia). Fue la última de los cinco hijos de los maestros Bronislawa Boguska, y Wladyslaw Sklodowski, que impartía clases de matemáticas y física. Cuando tenía diez años de edad comenzó a asistir a la escuela internado de J. Sikorska; después... Ver mas
Nació el 7 de noviembre de 1867 en Varsovia (Polonia).

Fue la última de los cinco hijos de los maestros Bronislawa Boguska, y Wladyslaw Sklodowski, que impartía clases de matemáticas y física.

Cuando tenía diez años de edad comenzó a asistir a la escuela internado de J. Sikorska; después asistió a una escuela para las niñas, en la que se graduó el 12 de junio 1883 con medalla de oro. Sufrió un colapso, posiblemente debido a una depresión, y pasó un año en el campo con parientes de su padre, y el año siguiente con su padre en Varsovia, donde dio clases particulares porque no fue posible inscribirla en una institución de educación superior por ser mujer. Junto a su hermana Bronislawa ingresó en la clandestina Uniwersytet Latajacy, una institución de educación superior que si admitía estudiantes femeninos.



En 1891 partió hacia París, donde cambió su nombre por Marie. En 1891 se matriculó en el curso de ciencias de la Universidad parisiense de la Sorbona. Pasados dos años, finalizó sus estudios de física con el número uno de su promoción. Compartió su tiempo de estudio con el aprendizaje y la actuación en un teatro de aficionados.

En 1894 conoció a Pierre Curie. En ese momento, los dos trabajaban en el campo del magnetismo. Con 35 años, Pierre Curie era una brillante esperanza en la física francesa. Se enamoró enseguida de aquella fina y casi austera polaca de 27 años que compartía su fe altruista en la ciencia. Después de que Pierre le propusiera matrimonio y la convenciera para vivir en París, celebran el 26 de julio de 1895 su boda con una sencillez extrema: ni fiesta, ni alianzas, ni vestido blanco. La novia luce ese día un traje azul común y corriente y luego, con su novio, monta en una bicicleta para iniciar la luna de miel por las carreteras de Francia. El matrimonio tuvo dos hijas, una de ellas también ganó un Nobel: Irène Joliot-Curie y su marido, Frédéric, recibieron el Premio Nobel de Química en 1935 por la obtención de nuevos elementos radiactivos.

Marie Curie estaba interesada en los recientes descubrimientos de los nuevos tipos de radiación. Wilhelm Roentgen había descubierto los rayos X en 1895, y en 1896 Antoine Henri Becquerel descubrió que el uranio emitía radiaciones invisibles similares. Por todo esto comenzó a estudiar las radiaciones del uranio y, utilizando las técnicas piezoeléctricas inventadas por Pierre, midió cuidadosamente las radiaciones en la pechblenda, un mineral que contiene uranio. Cuando vio que las radiaciones del mineral eran más intensas que las del propio uranio, se dio cuenta de que tenía que haber elementos desconocidos, incluso más radiactivos que el uranio. Marie Curie fue la primera en utilizar el término 'radiactivo' para describir los elementos que emiten radiaciones cuando se descomponen sus núcleos.

Su marido acabó su trabajo sobre el magnetismo para unirse a la investigación de su esposa, y en 1898 el matrimonio anunció el descubrimiento de dos nuevos elementos: el polonio (Marie le dio ese nombre en honor de su país de nacimiento) y el radio. Durante los siguientes cuatro años el matrimonio, trabajando en condiciones muy precarias, trató una tonelada de pechblenda, de la que aislaron una fracción de radio de un gramo.

En 1903 les concedieron el Premio Nobel de Física por el descubrimiento de los elementos radiactivos, que compartieron con Becquerel. Sin embargo, para ellos, esta gloria es un "desastre"; muy reservados los dos, devorados por la misma pasión por la investigación, sufren al verse apartados de ella y al ver su laboratorio asaltado por gente inoportuna, su modesto pabellón parisino invadido por los periodistas y los fotógrafos. A las frivolidades que les pesan, se añade un correo cada vez más voluminoso, del que se ocupan los domingos. Marie Curie se convirtió en la primera mujer que recibía este premio.

En 1904 Pierre Curie fue nombrado profesor de física en la Universidad de París, y en 1905 miembro de la Academia Francesa. Estos cargos no eran normalmente ocupados por mujeres, y Marie no tuvo el mismo reconocimiento. Pierre falleció mientras cruzaba la calle Dauphine, atropellado por un carro de caballos el 19 de abril de 1906. A partir de este momento, Marie se ocupó de sus clases y continuó sus propias investigaciones.

En 1911, Marie protagoniza un escándalo cuando establece una relación con el sabio Paul Langevin, que está casado. Parte de la prensa se lanza contra la "ladrona de maridos", "la extranjera". Este mismo año la otorgaron un segundo Nobel, el de Química, por sus investigaciones sobre el radio y sus compuestos. Fue nombrada directora del Instituto de Radio de París en 1914 y se fundó el Instituto Curie.

En mayo de 1921, gracias a la periodista estadounidense Mary Meloney, ella y sus hijas se trasladaron a los Estados Unidos, donde, gracias a fondos recaudados entre la comunidad polaca y a algún millonario estadounidense pudieron comprar un gramo de radio para el Instituto del Radio. Además consiguió el dinero extra para equipo de laboratorio.

Marie Curie sufrió una anemia perniciosa causada por las largas exposiciones a la radiación. Tras quedar ciega, falleció el 4 de julio de 1934 en la Clínica Sancellemoz, cerca de Passy, Alta Saboya, Francia. Fue enterrada junto a su marido en el cementerio de Sceaux, pocos kilómetros al sur de París.


Premios más destacados

Premio Nobel de Física — 1903
Medalla Davy — 1903
Medalla Matteucci — 1904
Premio Nobel de Química — 1911
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La comprensión es una calle de doble sentido (Eleanor Roosevelt)

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La comprensión es una calle de doble sentido (Eleanor Roosevelt)

FICHA PERSONAL Nombre: Eleanor Roosevelt Nace: 11 de octubre de 1884 En: Nueva York Muere: 7 de noviembre de 1962 Ocupación: vida eleanor rossevelt, biografia eleanor rossevelt, eleanor rossevelt Categoría: Política Anna Eleanor Roosevelt de Roosevelt (11 de octubre de 1884 - 7 de... Ver mas
FICHA PERSONAL

Nombre: Eleanor Roosevelt
Nace: 11 de octubre de 1884
En: Nueva York
Muere: 7 de noviembre de 1962
Ocupación: vida eleanor rossevelt, biografia eleanor rossevelt, eleanor rossevelt
Categoría: Política
Anna Eleanor Roosevelt de Roosevelt (11 de octubre de 1884 - 7 de noviembre de 1962) Escritora, diplomática, activista por los derechos humanos y feminista. Primera Dama estadounidense que trabajo por la paz y la tolerancia. Esposa del Presidente de los Estados Unidos Franklin Delano Roosevelt.

Durante su infancia, Eleanor se caracterizó como una niña tímida e insegura, sumándose además la muerte de sus padres. Pronto cambiaría su carácter cuando ingresa en la escuela de Londres, donde pasó los últimos años de su juventud, cuando, con la ayuda de la directora, logró poseer una gran autoestima y confianza en sí misma, convirtiéndose en líder de su escuela.

En 1905 se casó con su primo lejano y el que sería futuro presidente de los Estados Unidos, Franklin Delano Roosevelt. Su matrimonio nunca fue para ella obstáculo para oponerse a diversas decisiones de su marido con las que ella no estaba de acuerdo.

A partir de los años 20, Eleanor comenzó a participar activamente en la Liga de las Mujeres Votantes, en la Liga de Mujeres de la Unión de Comercio y en la División de Mujeres del Partido Demócrata.

Tras la Segunda Guerra Mundial participó en la formulación de la Declaración Universal de los Derechos Humanos de las Naciones Unidas, refiriéndose a ella como "La carta magna de la humanidad"

Rompiendo los esquemas, dio 350 conferencias de prensa a periodistas mujeres únicamente, viajó por todo el país, dictó conferencias, participó en emisiones radiales y expresó sus opiniones en una columna de periódico llamada My Day (Mi Día.)

Continuó participando activamente en la vida política de su país hasta su muerte en 1962.
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Una bella ancianidad es, ordinariamente, la recompensa de una bella vida (Pitágoras)

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Una bella ancianidad es, ordinariamente, la recompensa de una bella vida (Pitágoras)

(Isla de Samos, actual Grecia, h. 572 a.C. - Metaponto, hoy desaparecida, actual Italia, h. 497 a.C.) Filósofo y matemático griego. Aunque su nombre se halla vinculado al teorema de Pitágoras y la escuela por él fundada dio un importante impulso al desarrollo de las matemáticas en la antigua... Ver mas
(Isla de Samos, actual Grecia, h. 572 a.C. - Metaponto, hoy desaparecida, actual Italia, h. 497 a.C.) Filósofo y matemático griego. Aunque su nombre se halla vinculado al teorema de Pitágoras y la escuela por él fundada dio un importante impulso al desarrollo de las matemáticas en la antigua Grecia, la relevancia de Pitágoras alcanza también el ámbito de la historia de las ideas: su pensamiento, teñido todavía del misticismo y del esoterismo de las antiguas religiones mistéricas y orientales, inauguró una serie de temas y motivos que, a través de Platón, dejarían una profunda impronta en la tradición occidental.


Pitágoras

Se tienen pocas noticias de la biografía de Pitágoras que puedan considerarse fidedignas, ya que su condición de fundador de una secta religiosa propició la temprana aparición de una tradición legendaria en torno a su persona. Parece seguro que fue hijo del mercader Mnesarco y que la primera parte de su vida transcurrió en la isla de Samos, que probablemente abandonó unos años antes de la ejecución del tirano Polícrates, en el 522 a.C. Es posible que viajara entonces a Mileto, para visitar luego Fenicia y Egipto; en este último país, cuna del conocimiento esotérico, Pitágoras podría haber estudiado los misterios, así como geometría y astronomía.

Algunas fuentes dicen que Pitágoras marchó después a Babilonia con Cambises II, para aprender allí los conocimientos aritméticos y musicales de los sacerdotes. Se habla también de viajes a Delos, Creta y Grecia antes de establecer, por fin, su famosa escuela en la ciudad de Crotona, una de las colonias que los griegos habían fundado dos siglos antes en la Magna Grecia (el actual sur de Italia), donde gozó de considerable popularidad y poder. La comunidad liderada por Pitágoras acabó, plausiblemente, por convertirse en una fuerza política aristocratizante que despertó la hostilidad del partido demócrata, de lo que derivó una revuelta que obligó a Pitágoras a pasar los últimos años de su vida en la también colonia griega de Metaponto, al norte de Crotona.

La comunidad pitagórica estuvo siempre rodeada de misterio; parece que los discípulos debían esperar varios años antes de ser presentados al maestro y guardar siempre estricto secreto acerca de las enseñanzas recibidas. Las mujeres podían formar parte de la hermandad; la más famosa de sus adheridas fue Teano, esposa quizá del propio Pitágoras y madre de una hija y de dos hijos del filósofo.

La filosofía de Pitágoras

Pitágoras no dejó obra escrita, y hasta tal punto es imposible distinguir las ideas del maestro de las de los discípulos que sólo puede exponerse el pensamiento de la escuela de Pitágoras. De hecho, externamente el pitagorismo más parece una religión mistérica (como el orfismo) que una escuela filosófica; en tal sentido fue un estilo de vida inspirado en un ideal ascético y basado en la comunidad de bienes, cuyo principal objetivo era la purificación ritual (catarsis) de sus miembros.

Sin embargo, tal purificación (y ésta es su principal singularidad respecto a los cultos mistéricos) se llevaba a cabo a través del cultivo de un saber en el que la música y las matemáticas desempeñaban un papel importante. El camino hacia ese saber era la filosofía, término que, según la tradición, Pitágoras fue el primero en emplear en su sentido literal de «amor a la sabiduría»; cuando el tirano Leontes le preguntó si era un sabio, Pitágoras le respondió cortésmente que era «un filósofo», es decir, un amante del saber.


Pitágoras en La escuela de Atenas (1511), de Rafael

También se atribuye a Pitágoras haber transformado las matemáticas en una enseñanza liberal (sin la utilidad por ejemplo agrimensora que tenían en Egipto) mediante la formulación abstracta de sus resultados, con independencia del contexto material en que ya eran conocidos algunos de ellos. Éste es, en especial, el caso del famoso teorema de Pitágoras, que establece la relación entre los lados de un triángulo rectángulo: el cuadrado de la hipotenusa (el lado más largo) es igual a la suma de los cuadrados de los catetos (los lados cortos que forman el ángulo rectángulo). Del uso práctico de esta relación existen testimonios procedentes de otras civilizaciones anteriores a la griega (como la egipcia y la babilónica), pero se atribuye a Pitágoras la primera demostración del teorema, así como otros numerosos avances a su escuela.

El esfuerzo para elevarse a la generalidad de un teorema matemático a partir de su cumplimiento en casos particulares ejemplifica el método pitagórico para la purificación y perfección del alma, que enseñaba a conocer el mundo como armonía. En virtud de ésta, el universo era un cosmos, es decir, un conjunto ordenado en el que los cuerpos celestes guardaban una disposición armónica que hacía que sus distancias estuvieran entre sí en proporciones similares a las correspondientes a los intervalos de la octava musical; las esferas celestes, al girar, producían la llamada música de las esferas, inaudible al oído humano por ser permanente y perpetua.

En un sentido sensible, la armonía era musical; pero su naturaleza inteligible era de tipo numérico, y si todo era armonía, el número resultaba ser la clave de todas las cosas. Mientras casi todos sus predecesores, empezando por Tales y los filósofos milesios, buscaron el arjé o principio constitutivo de las cosas en sustancias físicas (el agua, el aire, etc.), los pitagóricos vieron tal principio en el número: las leyes y proporciones numéricas rigen los fenómenos naturales, revelando el orden y la armonía que impera en el cosmos. Sólo con el descubrimiento de tales leyes y proporciones llegamos a un conocimiento exacto y verdadero de las cosas.

La voluntad unitaria de la doctrina pitagórica quedaba plasmada en la relación que establecía entre el orden cósmico y el moral; para los pitagóricos, el hombre era también un verdadero microcosmos en el que el alma aparecía como la armonía del cuerpo. En este sentido, entendían que la medicina tenía la función de restablecer la armonía del individuo cuando ésta se viera perturbada, y, siendo la música instrumento por excelencia para la purificación del alma, la consideraban, por lo mismo, como una medicina para el cuerpo.



La santidad predicada por Pitágoras implicaba toda una serie de normas higiénicas basadas en tabúes como la prohibición de consumir animales, que parece haber estado directamente relacionada con la creencia en la transmigración de las almas; se dice que el propio Pitágoras declaró ser hijo de Hermes, y que sus discípulos lo consideraban una encarnación de Apolo. La creencia en la metempsicosis, idea orientalizante y extraña a la tradición griega, implicaba la concepción del alma como ente racional inmortal aprisionado en el cuerpo y responsable de sus actos, de forma que de su conducta en la vida dependería el ser en el que se reencarnaría tras la muerte del cuerpo.

Su influencia

Más de un siglo después de la muerte de Pitágoras, en el transcurso de un viaje al sur de Italia efectuado antes de la fundación de la Academia, Platón tuvo conocimiento de la filosofía pitagórica a través de sus discípulos. Se ha afirmado que la concepción del número como principio de todas las cosas preparó el terreno para el idealismo platónico; en cualquier caso, la influencia de Pitágoras es clara al menos en la doctrina platónica del alma (inmortal y prisionera del cuerpo), que también en Platón alcanza su liberación mediante el saber.

De este modo, a través de Platón, diversas concepciones pitagóricas se convertirían en temas recurrentes o polémicos de la filosofía occidental; todavía en el siglo XVII un astrónomo tan insigne como Kepler, a quien se debe el descubrimiento de las órbitas elípticas de los planetas, seguía creyendo en la música de las esferas. Otros conceptos suyos, como los de armonía y proporción, quedarían incorporados a la música y las artes. Pitágoras ha sido visto también como el precursor de una aspiración que tendría grandísimo predicamento a partir de la revolución científica de Galileo: la formalización matemática del conocimiento.



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Si se quiere viajar lejos, no hay mejor nave que un libro (Emily Dickinson)

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Si se quiere viajar lejos, no hay mejor nave que un libro (Emily Dickinson)

(Amherst, 1830 - id., 1886) Poetisa estadounidense cuya obra, por su especial sensibilidad, misterio y profundidad, ha sido celebrada como una de las más grandes de habla inglesa de todos los tiempos. Su padre, miembro del Congreso y tesorero del Amherst College, fue un abogado culto y... Ver mas
(Amherst, 1830 - id., 1886) Poetisa estadounidense cuya obra, por su especial sensibilidad, misterio y profundidad, ha sido celebrada como una de las más grandes de habla inglesa de todos los tiempos.

Su padre, miembro del Congreso y tesorero del Amherst College, fue un abogado culto y austero, según el estilo burgués de Nueva Inglaterra. Dickinson estudió en la Academia de Amherst y en el seminario Femenino de Mount Holyoke, en Massachussets, donde recibió una rígida educación calvinista que dejó huellas en su personalidad y a la que se enfrentaría con su carácter escéptico. A través de Benjamín F. Newton conoció muy temprano la obra de Emerson. También leyó a Thoreau, a Hawthorne y a Beecher Stowe.


Emily Dickinson

Muy pronto decidió aislarse del mundo, manteniendo contacto solamente con unas pocas amistades, como el escritor Samuel Boswell, con quien sostuvo una larga correspondencia. A los veintitrés años, Dickinson tenía conciencia de su propia vocación casi mística, y a los treinta su alejamiento del mundo era ya absoluto, casi monástico. Retirada en la casa paterna, se dedicaba a las ocupaciones domésticas y garabateaba en pedazos de papel (con frecuencia ocultados en los cajones) sus apuntes y versos que, después de su muerte, se revelaron como uno de los logros poéticos más notables de la América del siglo XIX. En su aislamiento sólo vistió de color blanco ("mi blanca elección", según sus propias palabras), rasgo que expresaba la ética y transparencia de su poesía.

Uno de sus biógrafos escribió acerca de su naturaleza poética: "Era una especialista de la luz". Su escritura puede ser descrita como producto de la soledad, del retiro de cualquier tipo de vida social, incluida la relativa a la publicación de sus poemas. De ella dijo Jorge Luis Borges: "No hay, que yo sepa, una vida más apasionada y solitaria que la de esa mujer. Prefirió soñar el amor y acaso imaginarlo y tenerlo". Algunos de sus poemas reflejan la decepción que sufrió por un amor (dirigía cartas a un hombre al que llamaba "Master", del que no se conoce su verdadero nombre), y la ulterior sublimación y trasvase de ese amor a Dios.

Sus primeros poemas fueron convencionales, según el estilo corriente de la poesía en esos momentos, pero ya a comienzos de 1860 escribió versos más experimentales, sobre todo en lo que respecta al lenguaje y a los elementos prosódicos. Su escritura se volvió melódica y a la vez precisa, despojada de palabras superfluas y exploradora de nuevos ritmos, unas veces lentos y otras veloces, según el momento y la intención y no como un patrón rígido, como era usual. Su poesía devino intelectual y meditativa, sin que esto supusiera una merma de su sensibilidad.

Actualmente algunos especialistas subrayan esa complejidad intelectual, pues por lo general la crítica había jerarquizado su lirismo como un valor supremo, o su feminidad como categoría poética que la separaba de los demás autores norteamericanos. En su poesía pesan la extrañeza y la oscuridad como cualidades esenciales, y la sutilidad dialéctica entre las imágenes, las sensaciones y los conceptos. Influyó en poetas posteriores (como E. Bishop, A. Rich, W. Stevens y otros) por esa capacidad de crear un lenguaje a la vez metafísico y emotivo.



Únicamente cinco de sus composiciones poéticas fueron publicadas, con carácter anónimo, durante la vida de la autora. Hasta pasados cuatro años de su muerte no se publicó su primer poemario; posteriormente, a lo largo de sucesivas ediciones, llegaron a rescatarse alrededor de 1.800 poemas. No fue hasta a partir de 1920 que Dickinson alcanzó su posición prominente en la historia de la literatura norteamericana. En este aspecto constituyó una fecha notable el año 1924, en el que su sobrina Martha Dickinson Bianchi publicó The Life and Letters of Emily Dickinson, texto al cual opuso Geneviève Taggard en 1930 The Life and Mind of Emily Dickinson.

La poesía de Emily Dickinson
La obra de Dickinson es copiosa y desigual; muchos textos son piezas fragmentarias, pero en los mejores poemas, todos breves, se revela una fuerza excepcional de expresión, una concisión que es la condensación del pensamiento o de la impresión en una "evocatividad" metafísica como sólo se encuentra en algunos de los mejores poetas de nuestro tiempo. A esto se une una forma nítida, segura, que logra los máximos efectos con medios muy simples, y un personalísimo ritmo desarrollado usualmente en poemas de ocho o doce versos, de ordinario dos cuartetos yámbicos o bien tres cuartetos con rima ABCB.

Sus composiciones se agrupan en diversos apartados: "La vida" ["Life"], "La naturaleza" ["Nature"], "El amor" ["Love"], "El tiempo y la eternidad" ["Time and Eternity"], lo que da una idea de las líneas de su inspiración. La naturaleza, con sus desconcertantes leyes, encuentra en Emily Dickinson una comentarista aguda y serena que, como en el poema "Muerte y vida" ["Death and Life"], sabe expresar, en el consabido esquema de los dos cuartetos, uno de los más tormentosos problemas que turban la mente y el corazón del hombre:

En apariencia sin sorpresa
para la flor feliz,
el hielo, jugando, la decapita
valiéndose de su momentáneo poder.
El rubio asesino prosigue,
el sol avanza sin conmoverse
a medir otro día,
para un Dios que lo aprueba.

En los poemas que tienen como tema el amor (todos ellos inspirados por la única e infeliz pasión de la poetisa) domina la nota personal, y la feminidad de Dickinson, casi siempre sofocada, halla aquí a veces un desahogo. Son, sin embargo, rarísimos los gritos de pasión; más a menudo Dickinson nota, con delicada sensibilidad, las pequeñas alegrías de un casto sentimiento correspondido o el sentimiento por lo que nunca podrá ser.

No es, sin embargo, en este grupo donde se hallan sus logros mejores. El tiempo y la eternidad, descubriendo más vastos y menos personales horizontes interiores, le dan mayor libertad y felicidad de expresión. Así, en "Ha habido una muerte en la casa de enfrente" [There's been a Death in the opposite house"], hallamos la sobria y casi prosaica descripción de lo que, mirando por la ventana, se puede adivinar de la casa de enfrente por su aspecto externo: "Los vecinos se mueven dentro y fuera, el coche del doctor se va. Una ventana se abre mecánicamente, de golpe, de un modo súbito; alguien saca un colchón. Los niños pasan apretando el paso, se preguntan si Eso se muere allá arriba. Así hacia yo, de niña. El sacerdote entra tranquilo como si la casa fuese suya... y después la modista, y el hombre de la triste profesión, para tomar las medidas de la caja". Dickinson logra comunicar al lector el sentido trágico y conmovedor de la muerte humana, con sus pequeñas ceremonias siempre iguales, con sus exterioridades tan míseras, frente al misterio. Misterio al que Dickinson no tiene miedo:

No he visto nunca una landa,
nunca he visto el mar,
y sin embargo, sé cómo está hecho el yermo,
y sé lo que debe ser la ola.
Nunca he hablado con Dios,
nunca he visto el Cielo,
y sin embargo, conozco el lugar
como si tuviese un mapa de él.

Los versos comprendidos en el apartado "Un solo sabueso" ["A single Hound"] se inspiran siempre en los mismos temas, pero tienen el semblante más vivo, menos cuidado. La variedad y la bizarría de los ritmos se enfrentan con una incierta y menos profunda actitud mental. Es difícil encuadrar a la Dickinson en una época o en una escuela. Toda su obra expresa un tormento sutil a través de una intensa castidad estilística, y la meditada exigüidad de los medios formales y literarios da lugar a logros reservados a artistas verdaderamente geniales que siguen conmoviendo la sensibilidad actual.



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La única manera de disfrutar de algo en esta vida es habérselo ganado (Ginger Rogers)

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La única manera de disfrutar de algo en esta vida es habérselo ganado (Ginger Rogers)

Ginger Rogers (nacida Virginia Katherine McMath , 16 de julio de 1911 - 25 de abril de 1995) fue una actriz, bailarina y cantante estadounidense, ampliamente conocida por actuar en películas y películas musicales de RKO , y se asoció con Fred Astaire . Apareció en el escenario, así como en la... Ver mas
Ginger Rogers (nacida Virginia Katherine McMath , 16 de julio de 1911 - 25 de abril de 1995) fue una actriz, bailarina y cantante estadounidense, ampliamente conocida por actuar en películas y películas musicales de RKO , y se asoció con Fred Astaire . Apareció en el escenario, así como en la radio y la televisión, durante gran parte del siglo XX.
Nacida en Independence, Missouri , en 100 West Moore Street, y criada en Kansas City , Rogers y su familia se mudaron a Fort Worth, Texas , cuando tenía nueve años. Después de ganar un concurso de baile que lanzó una exitosa carrera de vodevil , ganó reconocimiento como actriz de Broadway por su papel de etapa debut en Girl Crazy . Este éxito condujo a un contrato con Paramount Pictures , que terminó después de cinco películas. Rogers tuvo su primer papel cinematográfico exitoso como actriz de reparto en 42nd Street (1933). A lo largo de la década de 1930, Rogers hizo 10 películas con Astaire, entre las que se encuentran algunos de sus mayores éxitos, como Swing Time (1936) y Top Hat (1935). Después de dos fracasos comerciales con Astaire, Rogers comenzó a diversificarse en películas dramáticas y comedias. Su actuación fue bien recibida por la crítica y el público, y se convirtió en uno de los sorteos de taquilla más grandes de la década de 1940. Su actuación en Kitty Foyle (1940) le valió el Premio de la Academia a la Mejor Actriz .
Rogers siguió siendo exitoso a lo largo de la década de 1940 y en un momento fue la actriz mejor pagada de Hollywood, pero su popularidad había alcanzado su punto álgido a fines de la década. Se reencontró con Astaire en 1949 en el comercialmente exitoso The Barkleys of Broadway . Después de un período infructuoso durante la década de 1950, Rogers hizo un exitoso regreso a Broadway en 1965, interpretando el papel principal en Hello, Dolly! . Siguieron más papeles principales en Broadway, junto con su debut como directora teatral en 1985 en una producción fuera de Broadway de Babes in Arms . Rogers también hizo apariciones en televisión hasta 1987. En 1992, Rogers fue reconocido en el Kennedy Center Honors . Murió de un ataque cardíaco en 1995, a la edad de 83 años.
Rogers está asociado con la frase "al revés y con tacones altos", el título de sus memorias, atribuido a la historieta de Frank y Ernest de Bob Thaves con el subtítulo "Claro que él [Astaire] era genial, pero no se olvide que Ginger Rogers lo hizo todo lo que hizo ... al revés y con tacones ". Un republicano y un devoto científico cristiano , Rogers se casó cinco veces, con todos sus matrimonios terminando en divorcio; ella no tuvo hijos Durante su larga carrera, Rogers hizo 73 películas, y sus películas musicales con Fred Astaire se acreditan con la revolución de su género. Rogers tuvo éxito durante la Edad de Oro de Hollywood , y a menudo se lo considera un ícono estadounidense. Ella ocupa el puesto número 14 en la lista de estrellas femeninas del clásico cine estadounidense de 100 años ... 100 Estrellas de la AFI .

Primeros años [ editar ]
Rogers nació Virginia Katherine McMath el 16 de julio de 1911, en la casa alquilada de su madre en 100 Moore Street , Independence, Missouri . [1] : 1, 2 Ella fue la única hija viva de Lela Emogene (née Owens, 25 de diciembre de 1891 - 25 de mayo de 1977) y William Eddins McMath (26 de mayo de 1880 - 12 de abril de 1925), ingeniero eléctrico. [1] : 9, 10 [1] : 16 [2] Era de ascendencia escocesa, galés e inglesa. [3] Su madre no quería que ella naciera en un hospital, ya que había perdido a un niño anterior. [1] : 11 Sus padres se separaron poco después de haber nacido, [1] : 1, 2, 11 pero sus abuelos, Wilma Saphrona (née Ball) y Walter Winfield Owens, vivían cerca de Kansas City . [1] : 3 Después de tratar infructuosamente de volverse una familia, McMath secuestró a su hija dos veces. [1] : 7, 15 [4] Rogers dijo que nunca más volvió a ver a su padre natural. [1] : 15 Su madre se divorció de su padre poco después.
En 1915, Rogers se mudó con sus abuelos mientras su madre viajaba a Hollywood en un esfuerzo por obtener un ensayo que había escrito en una película. [1] : 19 Lela tuvo éxito y continuó escribiendo guiones para Fox Studios. [1] : 26-29 Rogers debía permanecer cerca de su abuelo (mucho más tarde, cuando era una estrella en 1939, ella le compró un hogar en 5115 Greenbush Avenue en Sherman Oaks, California , para poder estar cerca de ella ella estaba filmando en los estudios). [ cita requerida ]
Una de las primas jóvenes de Rogers, Helen, tuvo dificultades para pronunciar "Virginia", acortándola a "Badinda"; el apodo pronto se convirtió en "Ginga".
Cuando "Ginga" tenía nueve años, su madre se volvió a casar, con John Logan Rogers. Ginger tomó el apellido Rogers, aunque nunca fue adoptada legalmente. Vivían en Fort Worth . Su madre se convirtió en crítica teatral para un periódico local, el Fort Worth Record . Asistió, pero no se graduó, de la Escuela Secundaria Central de Fort Worth (más tarde rebautizada como RL Paschal High School ).
Cuando era adolescente, Rogers pensó en convertirse en maestra de escuela, pero con el interés de su madre por Hollywood y el teatro, aumentó su exposición temprana al teatro. Esperando a su madre en las alas del Majestic Theatre, ella comenzó a cantar y bailar junto con los artistas en el escenario. [5]
Carrera [ editar ]
Vaudeville y Broadway [ editar ]
La carrera de entretenimiento de Rogers nació una noche cuando el acto de vodevil viajando de Eddie Foy llegó a Fort Worth y necesitó un sustituto rápido. Luego ingresó y ganó un concurso de baile de Charleston que le permitió recorrer durante seis meses, en un momento en 1926 actuando en un teatro de 18 meses llamado The Craterian en Medford, Oregón . Este teatro la honró muchos años más tarde cambiando su nombre por el Craterian Ginger Rogers Theatre. [ cita requerida ]
A los 17 años, Rogers se casó con Jack Culpepper, un cantante / bailarín / comediante / artista de la época que trabajaba bajo el nombre de Jack Pepper (según la autobiografía de Ginger, conocía a Culpepper cuando era niña, como novio de su primo). Formaron un breve acto doble de vodevil conocido como "Ginger and Pepper". El matrimonio terminó en cuestión de meses, y volvió a hacer giras con su madre. Cuando la gira llegó a la ciudad de Nueva York, se quedó, consiguiendo trabajos de canto radial y luego su debut en Broadway en el musical Top Speed , que se inauguró el día de Navidad de 1929.
A las dos semanas de su apertura en Top Speed , Rogers fue elegido para protagonizar en Broadway en Girl Crazy por George Gershwin e Ira Gershwin . Fred Astaire fue contratado para ayudar a los bailarines con su coreografía. Su aparición en Girl Crazy la convirtió en una estrella de la noche a la edad de 19 años.
Primeros roles cinematográficos [ editar ]
Los primeros papeles cinematográficos de Rogers estuvieron en un trío de cortometrajes realizados en 1929: Noche en el dormitorio , Un día de hombre de negocios y Campus Sweethearts . En 1930, fue contratada por Paramount Pictures para un contrato de siete años.
Rogers pronto salió del contrato de Paramount, bajo el cual había realizado cinco largometrajes en Astoria Studios en Astoria, Queens, y se mudó con su madre a Hollywood. Cuando llegó a California, firmó un contrato de tres fotos con Pathé Exchange . Hizo películas para Warner Bros., Monogram y Fox en 1932, y fue nombrada una de las 15 WAMPAS Baby Stars . Luego hizo un gran avance como Anytime Annie en la película de Warner Brothers , 42nd Street (1933). Continuó haciendo una serie de películas con Fox, Warner Bros. ( Gold Diggers de 1933 ), Universal, Paramount y RKO Radio Pictures .
1933-1939: Astaire y Rogers [ editar ]
Rogers era conocida por su asociación con Fred Astaire. Juntos, desde 1933 hasta 1939, hicieron nueve películas musicales en RKO: Flying Down to Rio (1933), The Gay Divorcee (1934), Roberta (1935), Top Hat (1935), "Star Of Midnight (1935)" Seguir la flota (1936), Swing Time (1936), We Dance (1937), Carefree (1938) y The Story of Vernon e Irene Castle (1939). The Barkleys of Broadway (1949) fue producido más tarde en MGM. Revolucionaron el musical de Hollywood, presentando rutinas de baile de elegancia y virtuosismo sin precedentes, ambientadas en canciones especialmente compuestas para ellos por los mejores compositores de canciones populares de la época.

Rogers con su frecuente coprotagonista Fred Astaire en la película Roberta (1935)
Arlene Croce , Hermes Pan , Hannah Hyam y John Mueller todos consideran que Rogers ha sido el mejor compañero de baile de Astaire, principalmente por su habilidad para combinar habilidades de baile, belleza natural y habilidades excepcionales como actriz dramática y comediante, lo que realmente complementa a Astaire , un bailarín sin igual que a veces luchaba como actor y no era considerado como apuesto a la clase. [ cita requerida ] La asociación resultante de la canción y la danza disfrutó de una credibilidad única a los ojos de las audiencias.
De las 33 danzas asociadas que realizó Rogers con Astaire, Croce y Mueller, han destacado la espontaneidad infecciosa de sus actuaciones en los cómics " Seré difícil de manejar " de Roberta , " Estoy poniendo todos mis huevos en una canasta " desde Follow the Fleet , y " Pick Up " desde Swing Time . También señalan el uso que Astaire hizo de su espalda notablemente flexible en danzas románticas clásicas como " Smoke Gets in Your Eyes " de Roberta , " Cheek to Cheek " de Top Hat , y " Hagamos frente a la música y la danza " de Follow the Flota
Aunque las rutinas de baile fueron coreografiadas por Astaire y su colaborador Hermes Pan , ambos han reconocido las aportaciones de Rogers y también han testificado su consumada profesionalidad, incluso durante períodos de tensión intensa, mientras intentaba hacer malabares con sus muchos otros compromisos contractuales con el ensayo castigador Horarios de Astaire, que hicieron como máximo dos películas en un año. En 1986, poco antes de su muerte, Astaire comentó: "Todas las chicas con las que bailé pensé que no podrían hacerlo, pero por supuesto que sí. Así que siempre lloraron. Todas, excepto Ginger. No, Ginger nunca lloró". [6]
John Mueller resumió las habilidades de Rogers como: "Rogers fue sobresaliente entre los socios de Astaire, no porque fuera superior a los demás como bailarina, sino porque, como una actriz hábil e intuitiva, era lo suficientemente cautelosa como para darse cuenta de que actuar no se detenía cuando el baile comenzó ... la razón por la que tantas mujeres han fantaseado con bailar con Fred Astaire es que Ginger Rogers transmitió la impresión de que bailar con él es la experiencia más emocionante imaginable ". [7]
Según Astaire, cuando se unieron por primera vez en Flying Down to Rio , "Ginger nunca había bailado con una pareja antes. Ella lo fingió muchísimo. No podía tocar y ella no podía hacer esto y eso ... pero Ginger tenía estilo y talento y mejoró a medida que avanzaba. Así, después de un tiempo, todos los demás que bailaban conmigo se veían mal ". [8] El autor Dick Richards, en su libro Ginger: Salute to a Star , citó a Astaire diciendo a Raymond Rohauer, comisario de la Galería de arte moderno de Nueva York, "Ginger fue brillantemente efectivo. Hizo que todo funcionara para ella. Realmente hizo cosas muy bien para los dos y ella se merece la mayor parte del crédito por nuestro éxito ". Cuando le preguntaron quién era su compañero de baile favorito por el entrevistador de televisión británico Michael Parkinson en Parkinson en 1976, Astaire dijo: "Disculpe, debo decir que Ginger fue ciertamente el uno. Saben, el socio más efectivo que tuve. Todo el mundo sabe. Era un todo lo demás lo que hicimos ... solo quiero rendir un homenaje a Ginger porque hicimos tantas fotos juntas y créanme que era un valor tener a esa chica ... ¡lo tenía! ¡Era genial! "
En sus clásicos musicales de la década de 1930 con Astaire, Ginger Rogers, co-billeado con él, recibió menos dinero que Fred, la fuerza creativa detrás de los bailes, que también recibió el 10% de las ganancias. También le pagaron menos que muchos de los "farsantes" de apoyo que se le cobraron, a pesar de su papel mucho más importante en los grandes éxitos financieros de las películas. Esto fue personalmente grato para ella y tuvo efectos sobre sus relaciones en RKO, especialmente con el director Mark Sandrich , cuya supuesta falta de respeto hacia Rogers provocó una aguda carta de reprimenda del productor Pandro Berman , que consideró lo suficientemente importante como para publicar en su autobiografía. Rogers luchó mucho por su contrato y los derechos salariales y por mejores películas y guiones.
Después de 15 meses de diferencia y con RKO enfrentando quiebra, el estudio emparejó a Fred y Ginger para otra película titulada Carefree , pero perdió dinero. Luego vino The Story of Vernon e Irene Castle , pero la trama seria y el final trágico resultaron en los recibos de taquilla más peores de cualquiera de sus películas. Esto fue impulsado no por la disminución de popularidad, sino por la dura realidad económica de los años treinta. Los costos de producción de los musicales, siempre significativamente más costosos que las características regulares, continuaron aumentando a un ritmo mucho más rápido que las admisiones.
1933-1939: Rogers sin Astaire [ editar ]
Antes e inmediatamente después de que terminara su sociedad de baile y actuación con Fred Astaire, Rogers protagonizó varias películas no musicales exitosas. Stage Door (1937) demostró su capacidad dramática, como la chica loca pero vulnerable al lado, una aspirante a teatro duro y mental, enfrente de Katharine Hepburn . Las comedias exitosas incluyeron a Vivacious Lady (1938) con James Stewart , Fifth Avenue Girl (1939), donde interpretó a una chica sin trabajo arrastrada a la vida de una familia adinerada, y Bachelor Mother (1939), con David Niven que interpretó a una chica de la tienda que falsamente cree que abandonó a su bebé.
En 1934, Rogers demandó a Sylvia de Hollywood por $ 100 mil por difamación. Sylvia, gurú de la aptitud de Hollywood y personalidad radiofónica, había afirmado que Rogers estaba en el programa de radio de Sylvia cuando, de hecho, ella no estaba. [9]
El 5 de marzo de 1939, Rogers protagonizó "Single Party Going East", un episodio de Silver Theatre en la radio CBS . [10]
Década de 1940 [ editar ]
En 1941, Rogers ganó el Premio de la Academia a la Mejor Actriz por su papel en la década de 1940 Kitty Foyle . Ella disfrutó de un éxito considerable durante la década de 1940, y fue la propiedad más caliente de RKO durante este período. En Roxie Hart (1942), basada en la misma obra que sirvió como plantilla para el Chicago musical posterior, Rogers interpretó a una esposa chistosa en el juicio por el asesinato cometido por su marido.
En el camino de la primitiva neorrealista (1940), dirigida por Gregory La Cava , interpretó a la hija de una prostituta tratando de evitar el destino de su madre. Otros aspectos más destacados de este período fueron Tom, Dick y Harry , una comedia de 1941 en la que sueña con casarse con tres hombres diferentes; Te estaré viendo (1944), con Joseph Cotten ; y el primer largometraje de Hollywood de Billy Wilder : The Major and the Minor (1942), en el que interpretó a una mujer que disfraza como una niña de 12 años para obtener un boleto de tren barato y se ve obligada a continuar el ardid por un periodo extendido. Esta película presentó una actuación de la propia madre real de Rogers, Lela, interpretando a su madre de la película.
Al convertirse en agente libre, Rogers hizo películas de gran éxito con otros estudios a mediados de los años 40, incluyendo Tender Comrade (1943), Lady in the Dark (1944) y Week-End en Waldorf (1945), y se convirtió en el más alto artista pagado en Hollywood Sin embargo, a fines de la década, su carrera cinematográfica había alcanzado su punto máximo. Arthur Freed la reunió con Fred Astaire en The Barkleys of Broadway en 1949, cuando Judy Garland no pudo aparecer en el papel que la habría reunido con su coprotagonista Easter Parade .
Carrera tardía [ editar ]
La carrera cinematográfica de Rogers entró en un período de declive gradual en la década de 1950, ya que las partes de las actrices más antiguas se hicieron más difíciles de obtener, pero aún anotó con algunas películas sólidas. Actuó en Storm Warning (1950) con Ronald Reagan y Doris Day , la película negra, anti Ku Klux Klan de Warner Bros., y en Monkey Business (1952) con Cary Grant y Marilyn Monroe , dirigida por Howard Hawks . ¡En el mismo año, ella también protagonizó We're Not Married! , también con Marilyn Monroe, y en Dreamboat . Ella jugó la delantera femenina en Tight Spot (1955), un misterioso thriller, con Edward G. Robinson . Después de una serie de películas sin importancia, obtuvo un gran éxito popular en Broadway en 1965, interpretando a Dolly Levi en el largometraje Hello, Dolly! . [11]

Con Cary Grant y Marilyn Monroe en Monkey Business (1952)
En la vida posterior, Rogers se mantuvo en buenos términos con Astaire; ella le regaló un Premio de la Academia especial en 1950, y fueron copresentadores de premios individuales de la Academia en 1967, durante los cuales obtuvieron una ovación de pie cuando llegaron al escenario en un baile improvisado. En 1969, tuvo el papel principal en otra producción popular de larga duración, Mame , del libro de Jerome Lawrence y Robert Edwin Lee , con música y letras de Jerry Herman , en el teatro Royal Drury Lane en el West End de Londres , llegando para el papel en el crucero Queen Elizabeth 2 de la ciudad de Nueva York. Su atraco allí ocasionó el máximo de pompa y ceremonia en Southampton . Se convirtió en la artista mejor pagada en la historia de West End hasta ese momento. La producción duró 14 meses y presentó una actuación de mando real para la reina Isabel II .
Desde la década de 1950 en adelante, Rogers hizo apariciones ocasionales en la televisión, incluso sustituyendo a Hal March por vacaciones en The $ 64,000 Question . En los últimos años de su carrera, hizo apariciones como invitado en tres series diferentes de Aaron Spelling : The Love Boat (1979), Glitter (1984) y Hotel (1987), que fue su aparición en la pantalla final como actriz. En 1985, Rogers cumplió un largo deseo de dirigir cuando dirigió el musical Babes in Arms off-Broadway en Tarrytown, Nueva York , a los 74 años. Las entrevistas se pueden encontrar en el New York Times bajo "Ginger Rogers directs". Fue producido por Michael Lipton y Robert Kennedy de Kennedy Lipton Productions. La producción fue protagonizada por los talentos de Broadway Donna Theodore, Carleton Carpenter, James Brennan, Randy Skinner , Karen Ziemba , Dwight Edwards y Kim Morgan. También se nota en su autobiografía Ginger, My Story .
El Kennedy Center honró a Ginger Rogers en diciembre de 1992. Este evento, que se mostró en televisión, fue un tanto estropeado cuando la viuda de Astaire, Robyn Smith, quien permitió que los clips de Astaire bailando con Rogers se mostraran gratis en la función en sí, no pudo llegar a un acuerdo con CBS Television para los derechos de transmisión de los clips (todos los titulares de derechos anteriores que han donado derechos de transmisión gratis ). [12]
Por sus contribuciones a la industria cinematográfica, Rogers tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en 6772 Hollywood Boulevard. [13]
Vida personal [ editar ]
Rogers era hija única, y durante toda su vida mantuvo una estrecha relación con su madre, Lela Rogers, que era periodista, guionista y productora de películas. Su madre también fue una de las primeras mujeres en alistarse en la Infantería de Marina , [14] fue fundadora del exitoso "Hollywood Playhouse" para aspirantes a actores y actrices en el set RKO, y fundador de Motion Picture Alliance for the Preservation de los ideales norteamericanos
Rogers y su madre tenían una relación profesional extremadamente estrecha, también. A Lela Rogers se le atribuyeron muchas contribuciones fundamentales a los primeros éxitos de su hija en Nueva York y en Hollywood, y le brindó mucha ayuda en las negociaciones contractuales con RKO.
El 29 de marzo de 1929, Rogers se casó por primera vez a los 17 años con su compañero de baile Jack Pepper (nombre real Edward Jackson Culpepper). Se divorciaron en 1931, habiéndose separado poco después de la boda. Ginger fechó a Mervyn LeRoy en 1932, pero terminaron la relación y siguieron siendo amigos hasta su muerte en 1986. En 1934, se casó con el actor Lew Ayres (1908-96). Se divorciaron siete años después.
En 1943, Rogers se casó con su tercer esposo, Jack Briggs , quien era un marine estadounidense. A su regreso de la Segunda Guerra Mundial, Briggs no mostró interés en continuar su incipiente carrera en Hollywood. Se divorciaron en 1949. En 1953, se casó con Jacques Bergerac , un actor francés de 16 años de edad, a quien conoció en un viaje a París. Abogado en Francia, vino a Hollywood con ella y se convirtió en actor. Se divorciaron en 1957. Su quinto y último esposo fue el director y productor William Marshall . Se casaron en 1961 y se divorciaron en 1971, después de sus ataques con alcohol y el colapso financiero de su compañía de producción cinematográfica conjunta en Jamaica .
Rogers fue amigo de toda la vida con las actrices Lucille Ball y Bette Davis . Apareció con Ball en un episodio de Here's Lucy el 22 de noviembre de 1971, en el que Rogers bailó el Charleston por primera vez en muchos años. Rogers protagonizó una de las primeras películas codirigidas y codificadas por una mujer, Wanda Tuchock 's Finishing School (1934). Rogers mantenía una estrecha amistad con su prima, escritora / socialista Phyllis Fraser , pero no era la prima natural de Rita Hayworth , como se ha informado. El tío materno de Hayworth, Vinton Hayworth , estaba casado con la tía materna de Rogers, Jean Owens.
Ella se crió un científico cristiano y siguió siendo una adherente de toda la vida. [15] Dedicó mucho tiempo en su autobiografía a la importancia de su fe a lo largo de su carrera. Rogers fue un miembro de toda la vida del Partido Republicano .
La madre de Rogers murió en 1977. Rogers permaneció en las 4-R (Rogers's Rogue River Ranch) hasta 1990, cuando vendió la propiedad y se mudó a la cercana Medford, Oregón .
La Ciudad de la Independencia, Missouri designó la casa natal de Ginger Rogers como una propiedad histórica en 1994. El 16 de julio de 1994, Ginger y su secretaria Roberta Olden visitaron Independence, Missouri para presentarse en la celebración del Día de los Ginger Rogers presentada por la ciudad. Ginger estuvo presente cuando el alcalde Ron Stewart colocó una placa de la Propiedad Histórica en el frente de la casa donde nació el 16 de julio de 1911. Firmó más de 2.000 autógrafos en este evento. La casa se está restaurando actualmente y estará abierta al público en 2018. En julio, se celebra un festival anual del Día de Ginger Rogers en la Independencia. El propietario actual de la casa es Three Trails Cottages, Inc. y el director del museo es Marge Padgitt. Se han comenzado los planes para un segundo edificio para albergar recuerdos de Ginger Rogers.

100 W Moore St., Independence, Missouri, casa natal de Ginger Rogers
Hizo su última aparición pública el 18 de marzo de 1995, cuando recibió el Premio del Legado Viviente del Centro Internacional de Mujeres (WIC). Durante muchos años, Rogers regularmente apoyó, y celebró presentaciones presenciales, en el Teatro Crateriano , en Medford, donde había actuado en 1926 como un villano. El teatro fue completamente restaurado en 1997 y renombrado póstumamente en su honor como el teatro Craterian Ginger Rogers.
Muerte [ editar ]

Tumba de Ginger Rogers en Oakwood Memorial Park
Rogers invirtió los inviernos en Rancho Mirage y los veranos en Medford. Ella continuó haciendo apariciones públicas (principalmente en shows de premios) hasta sufrir un derrame cerebral que la dejó parcialmente paralizada y dependiente de una silla de ruedas. A pesar de su ataque cerebral, era una practicante de la Ciencia Cristiana y nunca vio a un médico o fue a un hospital. Su último marido, William Marshall, engañaría a Rogers para que tomara insulina desde que le diagnosticaron diabetes tipo 1 a los 22 años. Declaró que estaba inyectando vitaminas y tomó las inyecciones diarias y supo que era insulina después del divorcio. Ella pasó a un coma diabético y fue hospitalizada donde sufrió un derrame cerebral y complicaciones por un incumplimiento de su diabetes durante toda su vida. [16] Murió en su hogar de Rancho Mirage el 25 de abril de 1995, a la edad de 83 años. Una autopsia concluyó que la causa de la muerte era un ataque al corazón . Fue incinerada y sus cenizas enterradas en el cementerio Oakwood Memorial Park en Chatsworth, California , con los restos de su madre. [ cita requerida ]
Representaciones de Rogers [ editar ]
Las similitudes de Astaire y Rogers, aparentemente pintadas desde el baile "Cheek to Cheek" en Top Hat , están en la sección " Lucy in the Sky With Diamonds " de The Beatles film Yellow Submarine (1968).
La imagen de Rogers es una de las muchas imágenes de mujeres famosas de los años 30 y 40 que aparecen en la pared de la habitación en la casa de Ana Frank en Amsterdam , una galería de recortes de revistas pegada en la pared creada por Anne y su hermana Margot mientras se esconden de los nazis . Cuando la casa se convirtió en museo, la galería que las hermanas Frank crearon se conservó debajo del vidrio.
Ginger The Musical de Robert Kennedy y Paul Becker, que Ginger Rogers aprobó y debía dirigir en Broadway el año de su muerte, se encuentra actualmente en negociaciones para la temporada 2016-17 de Broadway. Marshall Mason dirigió su primera producción en 2001 protagonizada por Donna McKechnie y Nili Bassman y fue coreografiada por Randy Skinner.
Un musical sobre la vida de Rogers, titulado Backwards in High Heels , se estrenó en Florida a principios de 2007. [17] [18]
Rogers fue la heroína de una novela, Ginger Rogers y Riddle of the Scarlet Cloak (1942, de Lela E. Rogers), en la que "la heroína tiene el mismo nombre y apariencia que la famosa actriz, pero no tiene conexión ... es como si la famosa actriz hubiera entrado en una realidad alternativa en la que ella es una persona común ". Es parte de una serie conocida como "Ediciones autorizadas de Whitman", 16 libros publicados entre 1941-1947 que presentaban a una actriz de cine como heroína. [19]
La Casa Danzante en Praga (Checo: Tancici dum ), a veces conocida como Ginger y Fred, fue diseñada por el arquitecto estadounidense Frank Gehry e inspirada por el baile de Astaire y Rogers.
En la película Pennies From Heaven de 1981, Bernadette Peters baila con Steve Martin en una escena que utiliza la secuencia "Hagamos frente a la música y la danza" de Fred y Ginger (de Follow the Fleet de 1936) como su inspiración.
La película de Federico Fellini , Ginger and Fred, se centra en dos imitadores italianos envejecidos de Ginger Rogers y Fred Astaire. Rogers demandó a la producción y al distribuidor cuando la película fue lanzada en los Estados Unidos por apropiación indebida e infracción de su personalidad pública. Sus afirmaciones fueron desestimadas, ya que de acuerdo con el juicio, la película solo se relacionaba oblicuamente con Astaire y con ella. [20]
Filmografía [ editar ]
Artículo principal: filmografía de Ginger Rogers
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Si queremos ser cautos no debemos tomarnos una alta confianza, como si fuese garantía de algo (Elizabeth Loftus)

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Si queremos ser cautos no debemos tomarnos una alta confianza, como si fuese garantía de algo (Elizabeth Loftus)

Elizabeth Loftus es una matemática y psicóloga norteamericana que trabaja en el ámbito de la memoria humana y cómo esta puede ser modificada. Elizabeth Loftus es una profesora de la Universidad de California, Irvine, en la que desarrolla su labor en los Departamentos de Psicología y... Ver mas
Elizabeth Loftus es una matemática y psicóloga norteamericana que trabaja en el ámbito de la memoria humana y cómo esta puede ser modificada.
Elizabeth Loftus es una profesora de la Universidad de California, Irvine, en la que desarrolla su labor en los Departamentos de Psicología y Comportamiento Social y Criminología, Derecho y Sociedad. 1​ Ha publicado más de 20 libros y alrededor de 500 artículos científicos sobre el tema de lo que ella llama falsa memoria. Ha tenido una carrera muy controvertida. En enero de 1996 presentó su renuncia en la APA. La American Psychological Foundation le otorgó el Gold Medal for Lifetime Achievement.2​
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En algúnn sitio algo increíble espera ser descubierto (Carl Sagan)

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En algúnn sitio algo increíble espera ser descubierto (Carl Sagan)

Carl Edward Sagan fue un astrónomo , cosmólogo , astrofísico , astrobiólogo , autor, divulgador de la ciencia y comunicador científico en astronomía y otras ciencias naturales, el 9 de noviembre de 1934 al 20 de diciembre de 1996. Él es mejor conocido por su trabajo como un divulgador de la... Ver mas
Carl Edward Sagan fue un astrónomo , cosmólogo , astrofísico , astrobiólogo , autor, divulgador de la ciencia y comunicador científico en astronomía y otras ciencias naturales, el 9 de noviembre de 1934 al 20 de diciembre de 1996. Él es mejor conocido por su trabajo como un divulgador de la ciencia y comunicador. Su contribución científica más conocida es la investigación sobre la vida extraterrestre , incluida la demostración experimental de la producción de aminoácidos a partir de productos químicos básicos por radiación . Sagan reunió los primeros mensajes físicos enviados al espacio: la placa Pioneer y el Voyager Golden Record , mensajes universales que podrían ser entendidos por cualquier inteligencia extraterrestre que pudiera encontrarlos. Sagan argumentó la ahora aceptada hipótesis de que las altas temperaturas superficiales de Venus pueden atribuirse y calcularse utilizando el efecto invernadero . [1]
Sagan publicó más de 600 artículos científicos y fue autor, coautor o editor de más de 20 libros. Escribió muchos libros de ciencia populares , como The Dragons of Eden , Broca's Brain y Pale Blue Dot , y narró y co-escribió la premiada serie de televisión de 1980 Cosmos: A Personal Voyage . La serie más vista en la historia de la televisión pública estadounidense, Cosmos , ha sido vista por al menos 500 millones de personas en 60 países diferentes. [2] El libro Cosmos fue publicado para acompañar la serie. También escribió la novela de ciencia ficción Contact , la base para una película de 1997 del mismo nombre . Sus papeles, que contienen 595,000 artículos, [3] se archivan en la Biblioteca del Congreso . [4]
Sagan abogó por la investigación escéptica científica y el método científico , fue pionero de la exobiología y promovió la Búsqueda de Inteligencia Extra Terrestre ( SETI ). Pasó la mayor parte de su carrera como profesor de astronomía en la Universidad de Cornell , donde dirigió el Laboratorio de Estudios Planetarios . Sagan y sus obras recibieron numerosos premios y honores, entre ellos la Medalla de Servicio Público Distinguido de la NASA , la Medalla de Bienestar Público de la Academia Nacional de Ciencias , el Premio Pulitzer de No Ficción General por su libro Los Dragones del Edén y Cosmos: A Personal Voyage , dos premios Emmy , el Peabody Award y el Hugo Award . Se casó tres veces y tuvo cinco hijos. Después de sufrir de mielodisplasia , Sagan murió de neumonía a la edad de 62 años, el 20 de diciembre de 1996.
Vida temprana [ editar ]
Carl Sagan nació en Brooklyn , Nueva York. [5] Su padre, Samuel Sagan, era un trabajador inmigrante de la ropa de Kamianets-Podilskyi , entonces en el imperio ruso , [6] en Ucrania de hoy. Su madre, Rachel Molly Gruber, era ama de casa de Nueva York. Carl fue nombrado en honor de la madre biológica de Rachel, Chaiya Clara, en las palabras de Sagan, "la madre que nunca supo". [7]
Tenía una hermana, Carol, y la familia vivía en un modesto apartamento cerca del Océano Atlántico , en Bensonhurst , un barrio de Brooklyn. Según Sagan, eran judíos de la Reforma , el más liberal de los cuatro grupos principales del judaísmo norteamericano. Carl y su hermana coincidieron en que su padre no era especialmente religioso, pero que su madre "definitivamente creía en Dios, y estaba activo en el templo, ... y sólo servía carne kosher ". [7] : 12 Durante las profundidades de la Depresión , su padre trabajó como ujier del teatro.
Según el biógrafo Keay Davidson, la "guerra interior" de Sagan fue el resultado de su estrecha relación con sus dos padres, que en muchos aspectos eran "opuestos". Sagan describió sus posteriores impulsos analíticos a su madre, una mujer que había sido extremadamente pobre como un niño en la ciudad de Nueva York durante la Primera Guerra Mundial y los años veinte. [7] : 2 Como mujer joven, ella tenía sus propias ambiciones intelectuales, pero estaban frustradas por las restricciones sociales: su pobreza, su condición de mujer y esposa, y su etnia judía. Davidson señala que, por lo tanto, "adoraba a su único hijo, Carl, que cumpliría sus sueños incumplidos". [7] : 2
Sin embargo, afirmó que su sentido de la maravilla vino de su padre. En su tiempo libre le dio manzanas a los pobres o ayudó a calmar las tensiones laborales dentro de la industria de prendas de vestir de Nueva York. [7] : 2 Aunque estaba impresionado por las habilidades intelectuales de Carl, él tomó la curiosidad de su hijo en zancada y la vio como parte de su crecimiento. En sus últimos años como escritor y científico, Sagan a menudo se basaba en sus recuerdos de infancia para ilustrar puntos científicos, como lo hizo en su libro, Shadows of Forgotten Ancestors . [7] : 9 Sagan describe la influencia de sus padres en su pensamiento posterior:
Mis padres no eran científicos. No sabían casi nada de ciencia. Pero al introducirme simultáneamente al escepticismo y al asombro, me enseñaron los dos modos de pensamiento que conviven con inquietud y que son centrales para el método científico. [8]
Feria Mundial de 1939 [ editar ]
Sagan recuerda que uno de sus momentos más decisivos fue cuando sus padres lo llevaron a la Feria Mundial de Nueva York de 1939 cuando tenía cuatro años. Las exposiciones se convirtió en un punto de inflexión en su vida. Más tarde recordó el mapa en movimiento de la exposición América del Mañana : "Mostraba hermosas autopistas y tréboles y coches pequeños de General Motors que llevaban a la gente a rascacielos, edificios con encantadoras torres, contrafuertes volantes ... ¡y se veía genial!" [7] : 14 En otras exposiciones, recordó cómo una linterna que brillaba en una celda fotoeléctrica creó un sonido crujiente y cómo el sonido de un diapasón se convirtió en una onda en un osciloscopio . También fue testigo de la futura tecnología mediática que reemplazaría a la radio: la televisión. Sagan escribió:
Claramente, el mundo celebró maravillas de una clase que nunca había adivinado. ¿Cómo podría un tono convertirse en un cuadro y la luz convertirse en un ruido? [7] : 14
También vio uno de los eventos más publicitados de la Feria, el entierro de una cápsula del tiempo en Flushing Meadows , que contenía recuerdos de la década de 1930 para ser recuperados por los descendientes de la Tierra en un futuro milenio. "La cápsula del tiempo emocionó a Carl", escribe Davidson. Como adulto, Sagan y sus colegas crearían cápsulas de tiempo similares, cápsulas que serían enviadas a la galaxia; se trataba de la placa Pioneer y de la Voyager Golden Record , todas ellas derivadas de los recuerdos de Sagan de la Feria Mundial. [7] : 15
Segunda Guerra Mundial [ editar ]
Durante la Segunda Guerra Mundial, la familia de Sagan se preocupó por el destino de sus familiares europeos. Sagan, sin embargo, era generalmente inconsciente de los detalles de la guerra en curso. Él escribió, "Claro, teníamos parientes que fueron atrapados en el Holocausto . Hitler no era un tipo popular en nuestra casa ... Pero por otro lado, yo estaba bastante aislado de los horrores de la guerra". Su hermana, Carol, dijo que su madre "sobre todo quería proteger a Carl ... Ella tuvo un tiempo extraordinariamente difícil lidiar con la Segunda Guerra Mundial y el Holocausto". [7] : 15 El libro de Sagan, The Demon-Haunted World (1996), incluía sus recuerdos de este período conflictivo, cuando su familia se ocupó de las realidades de la guerra en Europa, pero trató de impedir que socavara su espíritu optimista. [8]
Inquisición sobre la naturaleza [ editar ]
Poco después de entrar a la escuela primaria comenzó a expresar una fuerte curiosidad sobre la naturaleza. Sagan recordó haber tomado sus primeros viajes a la biblioteca pública solo, a la edad de cinco años, cuando su madre le consiguió una tarjeta de la biblioteca. Quería saber lo que eran las estrellas, ya que ninguno de sus amigos ni sus padres podían darle una respuesta clara:
Fui al bibliotecario y pedí un libro sobre las estrellas; ... Y la respuesta fue impresionante. Era que el Sol era una estrella, pero muy cerca. Las estrellas eran soles, pero tan lejos que eran sólo pequeños puntos de luz ... La escala del universo de repente se abrió para mí. Era una especie de experiencia religiosa. Había una magnificencia, una grandeza, una escala que nunca me ha dejado. Nunca me dejó nunca. [7] : 18
A los seis o siete años de edad, él y un amigo cercano tomaron viajes al Museo Americano de Historia Natural a través del East River en Manhattan . Mientras estaban allí, fueron al Planetario Hayden y caminaron por las exhibiciones de objetos espaciales del museo, como meteoritos , y exhibiciones de dinosaurios y animales en entornos naturales. Sagan escribe sobre esas visitas:
Me quedé atrapado por los dioramas, representaciones reales de los animales y sus hábitats en todo el mundo. Pingüinos en el helado poco iluminado de la Antártida; ... una familia de gorilas , el macho golpeando su pecho, ... un oso grizzly americano de pie sobre sus patas traseras, de diez o doce pies de alto, y me mira directamente en el ojo. [7] : 18
Sus padres ayudaron a nutrir su creciente interés en la ciencia al comprarle conjuntos de química y materiales de lectura. Su interés en el espacio, sin embargo, fue su principal objetivo, especialmente después de leer historias de ciencia ficción de escritores como HG Wells y Edgar Rice Burroughs , que despertaron su imaginación sobre otros planetas como Marte . Según el biógrafo Ray Spangenburg, estos primeros años como Sagan trató de comprender los misterios de los planetas se convirtió en una "fuerza motriz en su vida, una chispa continua a su intelecto, y una búsqueda que nunca se olvidará". [8]
En 1947 descubrió la revista Astounding Science Fiction , que le introdujo a más especulaciones de ciencia ficción que las de las novelas de Burroughs. Ese mismo año inauguró la histeria en masa del " platillo volante " con el joven Carl sospechando que los "discos" podrían ser naves espaciales extraterrestres. [9]
Años de escuela secundaria [ editar ]
Sagan había vivido en Bensonhurst donde fue a la escuela secundaria de David A. Boody. Él tenía su barra mitzvah en Bensonhurst cuando cumplió 13 años. 23 Al año siguiente, 1948, su familia se trasladó a la ciudad cercana de Rahway, Nueva Jersey para el trabajo de su padre, donde Sagan entonces entró en la High School secundaria de Rahway . Se graduó en 1951. [7] : 23 Rahway era una ciudad industrial más antigua, y los Sagans estaban entre sus pocas familias judías. [7] : 23

Foto de Sagan del anuario de la escuela secundaria, 1951
Sagan era un estudiante directo, pero estaba aburrido debido a las clases no desafiantes y los profesores poco interesantes. [ 23 ] Sus maestros se dieron cuenta de esto y trataron de convencer a sus padres de enviarlo a una escuela privada, el administrador les dijo: "Este chico debe ir a una escuela para niños superdotados, tiene algo realmente notable". [7] : 24 Esto no podían hacer, en parte debido al costo.
Sagan fue nombrado presidente del club de química de la escuela, y en casa creó su propio laboratorio. Se enseñó a sí mismo acerca de las moléculas haciendo recortes de cartón para ayudarlo a visualizar cómo se formaron las moléculas : "Encontré eso tan interesante como hacer experimentos [químicos]", dijo. Sagan permanecía sobre todo interesado en la astronomía como afición, y en su año menor hizo una meta de la carrera después de que él aprendió que los astrónomos fueron pagados para hacer lo que él gozó siempre: "Ése era un día espléndido - cuando comencé a sospecho que si lo intenté duro podría hacer astronomía a tiempo completo, no sólo a tiempo parcial. " [7] : 25
Antes del final de la secundaria, entró en un concurso de ensayos en el que planteó la cuestión de si el contacto humano con las formas de vida avanzada de otro planeta podría ser tan desastroso para la gente en la Tierra como lo fue para los nativos americanos cuando tuvieron contacto con europeos . [10] El tema fue considerado polémico, pero su habilidad retórica ganó a los jueces y le concedieron el primer premio. [10] Al graduarse, sus compañeros de clase le habían votado "Lo más probable de tener éxito", y ponerlo en la línea para ser valedictorian. [10]
Educación [ editar ]
Sagan asistió a la Universidad de Chicago , que fue una de las pocas universidades que solicitó que consideraría la posibilidad de admitir a un adolescente de dieciséis años, a pesar de sus excelentes calificaciones de la escuela secundaria. Su canciller, Robert Hutchins, estructuró la escuela como una "meritocracia ideal", sin requisitos de edad. [11] La escuela también empleó a un número de los científicos principales de la nación, incluyendo Enrico Fermi y Teller de Edward , junto con funcionar el observatorio famoso de Yerkes . [11]
Durante su tiempo como estudiante del programa de honores, Sagan trabajó en el laboratorio del genetista HJ Muller y escribió una tesis sobre los orígenes de la vida con el físico químico Harold Urey . Sagan se unió a la Ryerson Astronomical Society, [12] recibió un título de BA en autoproclamado "nada" con honores generales y especiales en 1954, y un grado de BS en física en 1955. Pasó a obtener una maestría en física en 1956 , antes de obtener un doctorado. grado en 1960 con la disertación "Estudios Físicos de Planetas" presentada al Departamento de Astronomía y Astrofísica. [13] [14] [15] [16]
Utilizó los meses de verano de sus estudios de posgrado para trabajar con su director de tesis , el científico planetario Gerard Kuiper , así como con el físico George Gamow y el químico Melvin Calvin . El título de la disertación de Sagan refleja sus intereses compartidos con Kuiper, quien a lo largo de los años 50 había sido presidente de la Comisión de la Unión Astronómica Internacional sobre "Estudios Físicos de Planetas y Satélites". [17] En 1958, los dos trabajaron en el proyecto militar clasificado A119 , el plan secreto de la fuerza aérea para detonar una ojiva nuclear en la luna. [18]
Sagan tenía un permiso de " Top Secret " en la Fuerza Aérea de los Estados Unidos y una autorización " secreta " con la NASA. Mientras trabajaba en su tesis doctoral, Sagan reveló los títulos clasificados por el gobierno de los Estados Unidos de dos papeles del Proyecto A119 cuando solicitó una beca de la Universidad de California en Berkeley en 1959. La fuga no fue revelada públicamente hasta 1999, cuando fue publicada en el revista "Naturaleza". Una carta de seguimiento a la revista por el líder del proyecto, Leonard Reiffel, confirmó la fuga de seguridad de Sagan. [20]
Carrera científica [ editar ]
Archivo: ¿Quién está ahí (1973) .ogv Reproducir multimedia
Sagan es uno de los que hablan de la probabilidad de vida en otros planetas en Who's Out There? (1973), un galardonado documental de la NASA por Robert Drew .
De 1960 a 1962 Sagan era un compañero de Miller en la universidad de California, Berkeley . Mientras tanto, publicó un artículo en 1961 en la revista Science sobre la atmósfera de Venus, mientras también trabajaba con el equipo Mariner 2 de la NASA y sirvió como "Consultor de Ciencias Planetarias" a la Corporación RAND . [22]
Después de la publicación del artículo Sagan's Science , en 1961 los astrónomos de la Universidad de Harvard Fred Whipple y Donald Menzel ofrecieron a Sagan la oportunidad de dar un coloquio en Harvard, y posteriormente le ofrecieron un puesto de profesor en la institución. Sagan en cambio pidió ser nombrado profesor asistente , y eventualmente Whipple y Menzel fueron capaces de convencer a Harvard para ofrecer a Sagan la posición de profesor asistente que pidió. Sagan dio conferencias, realizó investigaciones y asesoró a estudiantes de posgrado en la institución desde 1963 hasta 1968, además de trabajar en el Smithsonian Astrophysical Observatory , ambos ubicados en Cambridge, Massachusetts .
En 1968, a Sagan se le negó la tenencia en Harvard. Posteriormente indicó que la decisión fue muy inesperada. La negación de la tenencia ha sido atribuida a varios factores, incluyendo que él enfocó sus intereses demasiado extensamente a través de varias áreas (mientras que la norma en la academia es convertirse en un experto renombrado en una especialidad estrecha), y quizás debido a su bien -publicó la defensa científica, algo que algunos científicos percibieron como el préstamo de las ideas de los demás para poco más que la autopromoción. [19] Un consejero de sus años como estudiante de pregrado, Harold Urey, escribió una carta al comité de tenencia que recomendaba fuertemente contra la tenencia para Sagan. [9]
La ciencia es más que un cuerpo de conocimiento; es una forma de pensar. Tengo un presentimiento de una América en el tiempo de mis hijos o nietos - cuando Estados Unidos es una economía de servicios e información; cuando casi todas las principales industrias manufactureras se han deslizado a otros países; cuando los poderes tecnológicos impresionantes están en manos de muy pocos, y nadie que represente el interés público puede incluso comprender los temas; cuando la gente ha perdido la capacidad de establecer sus propias agendas o cuestionar sabiamente a los que tienen autoridad; cuando, agarrando nuestros cristales y consultando nerviosamente nuestros horóscopos, nuestras facultades críticas en declive, incapaces de distinguir entre lo que se siente bien y lo que es verdad, nos deslizamos, casi sin darnos cuenta, de vuelta a la superstición y la oscuridad.
Carl Sagan , de Demon-Haunted World (1995) [24]
Mucho antes del malogrado proceso de tenencia, el astrónomo de la Universidad Cornell Thomas Gold había cortejado a Sagan para que se trasladara a Ithaca, Nueva York y se uniera a la facultad de Cornell. Después de la negación de la tenencia de Harvard, Sagan aceptó la oferta de oro y permaneció un miembro de la facultad en Cornell durante casi 30 años hasta su muerte en 1996. A diferencia de Harvard, el departamento más pequeño y más relajado de la astronomía en Cornell dio la bienvenida a Sagan. [25] Después de dos años como profesor asociado, Sagan se convirtió en profesor titular en Cornell en 1970, y dirigió allí el Laboratorio de Estudios Planetarios . De 1972 a 1981, fue director asociado del Centro de Radiofísica e Investigación Espacial (CRSR) de Cornell. En 1976, se convirtió en el Profesor David Duncan de Astronomía y Ciencias Espaciales, cargo que ocupó durante el resto de su vida. [26]
Sagan se asoció con el programa espacial estadounidense desde sus inicios. A partir de la década de 1950, trabajó como asesor de la NASA , donde uno de sus deberes incluía informar a los astronautas de Apolo antes de sus vuelos a la Luna . Sagan contribuyó a muchas de las misiones espaciales robóticas que exploraron el Sistema Solar , organizando experimentos en muchas de las expediciones. Sagan reunió el primer mensaje físico enviado al espacio: una placa anodizada en oro , unida a la sonda espacial Pioneer 10 , lanzada en 1972. Pioneer 11 , que también llevaba otra copia de la placa, fue lanzada al año siguiente. Continuó refinando sus diseños; el mensaje más elaborado que ayudó a desarrollar y reunir fue el Voyager Golden Record que fue enviado con las sondas espaciales Voyager en 1977. Sagan a menudo desafió las decisiones de financiar el transbordador espacial y la Estación Espacial Internacional a expensas de nuevas misiones robóticas. [27]
Logros científicos [ editar ]
El ex estudiante David Morrison describe a Sagan como "una" persona de la idea "y un maestro de argumentos físicos intuitivos y cálculos" de vuelta del sobre " [19] y Gerard Kuiper dijo que" Algunas personas trabajan mejor en especializarse en un programa importante en el laboratorio, mientras que otros son el mejor enlace entre las ciencias, y el doctor Sagan pertenece a este último grupo. [19]
Las contribuciones de Sagan fueron centrales para el descubrimiento de las altas temperaturas superficiales del planeta Venus . A principios de los años sesenta nadie sabía con certeza las condiciones básicas de la superficie de Venus, y Sagan enumeró las posibilidades en un informe que más tarde se representó para su popularización en un libro de Time-Life , Planets . Su propia opinión era que Venus estaba seco y muy caliente en contraposición al paraíso dulce que otros habían imaginado. Había investigado las emisiones de radio de Venus y concluyó que había una temperatura superficial de 500 ° C (900 ° F). Como científico visitante del Laboratorio de Propulsión a Chorro de la NASA, contribuyó a las primeras misiones Mariner a Venus, trabajando en el diseño y la gestión del proyecto. Mariner 2 confirmó sus conclusiones sobre las condiciones superficiales de Venus en 1962.
Sagan estaba entre [la aclaración necesitó ] el primer para hipotetizar que la luna de Saturno Titán podría poseer océanos de compuestos líquidos en su superficie y que la luna Europa de Júpiter podría poseer los océanos subsuperficiales del agua. Esto haría Europa potencialmente habitable. [29] El océano subterráneo de Europa de agua fue más tarde confirmado indirectamente por la nave espacial Galileo . El misterio de la neblina rojiza de Titán también fue resuelto con la ayuda de Sagan. La neblina rojiza se reveló debido a moléculas orgánicas complejas constantemente lloviendo sobre la superficie de Titán. [30]
Él contribuyó además a las ideas acerca de las atmósferas de Venus y Júpiter , así como los cambios estacionales en Marte . También percibió el calentamiento global como un peligro creciente, creado por el hombre y lo comparó con el desarrollo natural de Venus en un planeta caliente, hostil a la vida a través de una especie de efecto invernadero fuera de control . [31] Sagan y su colega de Cornell Edwin Ernest Salpeter especularon sobre la vida en las nubes de Júpiter , dada la densa composición atmosférica del planeta, rica en moléculas orgánicas. Estudió las variaciones de color observadas en la superficie de Marte y llegó a la conclusión de que no eran cambios estacionales o vegetacionales como la mayoría creía [la clarificación era necesaria ], sino cambios en el polvo superficial causado por tormentas de viento .
Sin embargo, Sagan es más conocido por sus investigaciones sobre las posibilidades de la vida extraterrestre , incluyendo la demostración experimental de la producción de aminoácidos a partir de productos químicos básicos por radiación . [32] [33]
También es el ganador de 1994 de la Medalla de Bienestar Público , el premio más alto de la Academia Nacional de Ciencias por "contribuciones destacadas en la aplicación de la ciencia al bienestar público". [34] Se le negó la pertenencia a la Academia, supuestamente debido a que sus actividades mediáticas lo hicieron impopular con muchos otros científicos. [35] [36] [37]
Cosmos : popularizando la ciencia en la TV [ editar ]

Sagan en el Cosmos (1980)
En 1980, Sagan co-escribió y narró la premiada serie de televisión PBS de 13 piezas, Cosmos: A Personal Voyage , que se convirtió en la serie más vista en la historia de la televisión pública estadounidense. El espectáculo ha sido visto por al menos 500 millones de personas en 60 países diferentes. [2] [38] [39] El libro, Cosmos , escrito por Sagan, fue publicado para acompañar a la serie. [40]
Debido a su anterior popularidad como escritor científico de sus libros más vendidos, incluyendo a The Dragons of Eden , que le valió un Premio Pulitzer en 1977, se le pidió que escribiera y narrara el programa. Fue dirigido a una audiencia general de espectadores que Sagan había sentido perdido el interés por la ciencia, en parte debido a un sistema educativo sofocado. [41]
Cada uno de los 13 episodios fue creado para centrarse en un tema particular o persona, demostrando así la sinergia del universo. [41] Abarcaban una amplia gama de temas científicos, incluyendo el origen de la vida y una perspectiva del lugar de los humanos en la Tierra.
El espectáculo ganó un Emmy [42] junto con un Peabody Award , y transformó Sagan de un astrónomo oscuro en un icono de la cultura pop. [44] La revista Time publicó una historia de portada sobre Sagan poco después de la emisión del programa, refiriéndose a él como "creador, escritor jefe y narrador anfitrión del programa." [44] En 2000, "Cosmos" fue lanzado en un conjunto remasterizado de DVDs.
"Billones y mil millones" [ editar ]
Ver también: Número de Sagan

Sagan con un modelo del aterrizador Viking que aterrizaría en Marte . Sagan examinó posibles lugares de aterrizaje para Viking junto con Mike Carr y Hal Masursky.
Desde Cosmos , fue invitado a presentaciones frecuentes en The Tonight Show protagonizada por Johnny Carson . [45] Sagan se asoció en broma con el eslogan "miles de millones y miles de millones", aunque nunca utilizó la frase en la serie Cosmos . [46] Más bien usó el término "miles de millones sobre miles de millones". Sin embargo, Carson usaba a veces la frase durante sus parodias de Sagan. [48] [a]
Como tributo humorístico a Sagan y su asociación con el eslogan "miles de millones y miles de millones", un sagan se ha definido como una unidad de medida equivalente a un número muy grande - técnicamente por lo menos cuatro mil millones (dos mil millones más dos mil millones) - de cualquier cosa. [50] [51] [52]
Defensa del pensamiento científico y crítico [ editar ]
La capacidad de Sagan para transmitir sus ideas permitió que muchas personas comprendieran mejor el cosmos, enfatizando simultáneamente el valor y la dignidad de la raza humana y la relativa insignificancia de la Tierra en comparación con el Universo . Entregó la serie 1977 de Conferencias de Navidad de la Institución Real en Londres. [53]
Sagan era un defensor de la búsqueda de la vida extraterrestre. Instó a la comunidad científica a escuchar con radiotelescopios señales de potenciales formas de vida extraterrestre inteligente. Sagan fue tan persuasivo que en 1982 consiguió una petición de SETI publicada en la revista Science y firmada por 70 científicos, entre ellos siete ganadores del Premio Nobel . Esto marcó un tremendo aumento en la respetabilidad de un campo entonces controvertido. Sagan también ayudó a Frank Drake a escribir el mensaje de Arecibo , un mensaje de radio transmitido al espacio desde el radiotelescopio de Arecibo el 16 de noviembre de 1974, destinado a informar a posibles extraterrestres sobre la Tierra.
Sagan fue director de tecnología de la revista profesional de estudios planetarios Ícaro durante doce años. Fue cofundador de The Planetary Society y miembro del Consejo de Administración del SETI Institute . Sagan fue Presidente de la División de Ciencias Planetarias de la Sociedad Astronómica Americana , Presidente de la Sección de Planetología de la Unión Geofísica Americana y Presidente de la Sección de Astronomía de la Asociación Americana para el Avance de la Ciencia .

Los miembros de la Sociedad Planetaria en la fundación de la organización. Carl Sagan está sentado a la derecha.
En el apogeo de la Guerra Fría , Sagan se involucró en los esfuerzos de desarme nuclear promoviendo hipótesis sobre los efectos de la guerra nuclear cuando el concepto "Twilight at Noon" de Paul Crutzen sugirió que un intercambio nuclear sustancial podría desencadenar un crepúsculo nuclear y delicado equilibrio de la vida en la Tierra mediante el enfriamiento de la superficie. En 1983 fue uno de los cinco autores -el "S" -en el modelo de seguimiento "TTAPS" (según se conoció el trabajo de investigación), que contenía el primer uso del término " invierno nuclear " que su colega Richard P. Turco acuñó. En 1984 fue coautor del libro El frío y la oscuridad: El mundo después de la guerra nuclear y en 1990 fue coautor del libro Un camino donde nadie pensaba: el invierno nuclear y el fin de la carrera armamentista , que explica la hipótesis nuclear del invierno y con la que aboga por el desarme nuclear . Sagan recibió un gran escepticismo y desdén por el uso de los medios de comunicación para difundir una hipótesis muy incierta. En correspondencia personal con Edward Teller c. 1983, aunque comenzando amistosamente, con Teller que expresa el apoyo para la investigación continua para determinar la credibilidad de la hipótesis del invierno, la correspondencia de Sagan y de Teller acabaría en Teller que escribe "un propagandist es uno que utiliza la información incompleta para producir la persuasión máxima. al ser, de hecho, un excelente propagandista recordando que un propagandista es tanto mejor cuanto menos parece ser uno ". [56] Los biógrafos de Sagan también comentan que desde el punto de vista científico, el invierno nuclear era un punto bajo para Sagan, aunque políticamente hablando popularizó su imagen entre el público. [56]
Sagan también escribió libros para popularizar la ciencia, como Cosmos , que reflejó y amplió algunos de los temas de Un Viaje Personal y se convirtió en el libro de ciencia más vendido publicado en inglés; [57] Los Dragones del Edén: Especulaciones sobre la Evolución de la Inteligencia Humana , que ganó un Premio Pulitzer ; y el Cerebro de Broca: Reflexiones sobre el Romance de la Ciencia . Sagan también escribió la novela de ciencia ficción más vendida, Contact, en 1985, basada en un tratamiento cinematográfico que escribió con su esposa en 1979, pero no vivió para ver la adaptación cinematográfica en 1997, que protagonizó Jodie Foster y ganó el Hugo 1998 Premio a la mejor presentación dramática.

Punto Azul Punto : La Tierra es un píxel brillante cuando fotografiado desde la Voyager 1 a seis mil millones de kilómetros (más allá de Plutón). Sagan animó a la NASA a generar esta imagen.
de Pale Blue Dot (1994)
En él, todos los que alguna vez oísteis ... El agregado de todas nuestras alegrías y sufrimientos, miles de religiones confiadas, ideologías y doctrinas económicas, todo cazador y buscador, todo héroe y cobarde, todo creador y destructor de civilizaciones, campesino, cada joven pareja enamorada, cada niño que espera, cada madre y padre, cada inventor y explorador, cada maestro de moral, cada político corrupto, cada superestrella, cada líder supremo, cada santo y pecador en la historia de nuestra especie vivió allí sobre una mota de polvo, suspendida en un rayo de sol. . . .

Piensa en los ríos de sangre vertida por todos esos generales y emperadores, para que en gloria y triunfo que pudieran convertirse en amos momentáneos de una fracción de un punto.
Carl Sagan, Cornell conferencia en 1994 [58]
Él escribió una secuela de Cosmos , punto azul pálido: Una visión del futuro humano en el espacio , que fue seleccionado como libro notable de 1995 por The New York Times . Apareció en PBS Charlie Rose programa en enero de 1995. [27] Sagan también escribió la introducción de Stephen Hawking 's éxito de ventas, Una breve historia del tiempo . Sagan también era conocido por su divulgación de la ciencia, sus esfuerzos para aumentar la comprensión científica entre el público en general, y sus posiciones en favor del escepticismo científico y en contra de la pseudociencia , tales como su refutación de laBetty y Barney Hill secuestro . Con motivo del décimo aniversario de la muerte de Sagan, David Morrison , un antiguo alumno de Sagan, recordó "inmensas contribuciones de Sagan a la investigación planetaria, la comprensión pública de la ciencia, y el movimiento escéptico" en Skeptical Inquirer . [19]
Después de Saddam Hussein 'amenazas s a la luz Kuwait ' pozos de petróleo s en el fuego en respuesta a cualquier desafío físico a Irak el control de los activos de petróleo, Sagan junto con sus colegas 'TTAPS' y Paul Crutzen , advirtió en enero de 1991 en el Baltimore Sun y Wilmington Morning Star periódicos que si los incendios fueron dejados para quemar durante un período de varios meses, el humo suficientemente lejos de las 600 o 1.991 incendios del petróleo de Kuwait "podría llegar tan alto como para interrumpir la agricultura en gran parte de Asia del Sur ..." y que esta posibilidad debe "afectar a los planes de guerra"; [59] [60]estas afirmaciones también fueron objeto de un debate televisado entre Sagan y el físico Fred Singer el 22 de enero, se emitió en la ABC News programa Nightline . [61] [62]

Sagan admitió que había sobreestimado el peligro planteado por los 1991 incendios del petróleo de Kuwait .
En el debate televisado, Sagan sostuvo que los efectos del humo serían similares a los efectos de un invierno nuclear , la cantante argumentando lo contrario. Tras el debate, el fuego quemó durante muchos meses antes de que los esfuerzos de extinción estaban completas. Los resultados del humo no produjeron enfriamiento-continental tamaño. Sagan tarde reconoció en El mundo y sus demonios que la predicción no resultó ser correcta: "que era completamente negro al mediodía y la temperatura bajó 4 ° -6 ° C en el Golfo Pérsico , pero no mucho humo llegó a altitudes estratosféricas y Asia se salvó". [63]
En sus últimos años Sagan defendió la creación de una búsqueda organizada de asteroides / objetos cercanos a la Tierra (NEO) que podrían afectar a la Tierra, sino para prevenir o posponer el desarrollo de los métodos tecnológicos que serían necesarios para defenderse de ellos. [64] Se argumentó que todos los numerosos métodos propuestos para alterar la órbita de un asteroide , incluyendo el empleo de las detonaciones nucleares , crearon un dilema Desviación : si existe la posibilidad de desviar un asteroide lejos de la Tierra, entonces también tendría la capacidad para desviar un objeto no amenazante hacia la Tierra, creando un arma enormemente destructiva. [65] [66]En un artículo de 1994, fue co-autor, ridiculizó a 3 el día " cercanos a la Tierra de objetos Interceptación taller " en poder de LANL en 1993 que no lo hizo, "aunque sea de paso" estado que tales tecnologías de interceptación y desviación podrían tener estos " peligros auxiliares". [sesenta y cinco]
Sagan sin embargo tenía la esperanza de que la amenaza naturales NEO impacto y la esencia intrínseca de doble filo, de los métodos para prevenir estas amenazas, servirían como una "motivación nueva y potente para madurar las relaciones internacionales". [65] [67] Más tarde, reconociendo que, con suficiente supervisión internacional, en el futuro un "trabajo nuestro camino hacia arriba" para alinear a los métodos de desviación explosivos nucleares podrían intervenir en el juego, y cuando los conocimientos suficientes fue adquirida, a utilizarlos para ayudar en la minería asteroides . [66] Su interés en el uso de las detonaciones nucleares en el espacio surgió de su trabajo en 1958 para la Fundación de Investigación de la armadura 's Proyecto A119 , Respecto a la posibilidad de detonar un dispositivo nuclear en la superficie lunar. [68]
Sagan fue un crítico de Platón , habiendo dicho del filósofo griego: "La ciencia y las matemáticas debían ser eliminado de las manos de los comerciantes y los artesanos Esta tendencia encontró su defensor más eficaz en un seguidor de Pitágoras llamó Platón" y
Él (Platón) cree que las ideas eran mucho más real que el mundo natural . Aconsejó a los astrónomos no perder su tiempo observando las estrellas y planetas. Era mejor, a su juicio, sólo para pensar en ellos. Platón expresó hostilidad a la observación y el experimento. Él enseñó desprecio por el mundo real y el desprecio por la aplicación práctica de los conocimientos científicos. Seguidores de Platón tuvieron éxito en la extinción de la luz de la ciencia y la experimentación que había sido encendida por Demócrito y los otros jónicos . [69]
Divulgación de la ciencia [ editar ]
Hablando sobre sus actividades en la popularización de la ciencia, Sagan dijo que había por lo menos dos razones para que los científicos comparten los propósitos de la ciencia y su estado actual. Simple auto-interés fue uno: gran parte de la financiación de la ciencia vino por parte del público, y por lo tanto el público tenía derecho a saber cómo se gasta el dinero. Si los científicos aumentaron la admiración del público por la ciencia, había una buena oportunidad de tener partidarios más comunes. [ Aclaración necesaria ] La otra razón era el entusiasmo de comunicar la propia entusiasmo por la ciencia a los demás. [70]
Criticas [ editar ]
Mientras que Sagan fue ampliamente adorada por el público en general, su reputación en la comunidad científica era más polarizada. [71] Los críticos a veces caracterizan su trabajo como imaginaria, no rigurosa, y auto-engrandecimiento, [72] y otros se quejaron en sus últimos años que descuidó su papel como miembro de la facultad de fomentar su estatus de celebridad. [73]
Uno de los más duros críticos de Sagan, Harold Urey, sintieron que Sagan estaba recibiendo demasiada publicidad para un científico y estaba tratando a algunas teorías científicas con demasiada facilidad. [74] Urey y Sagan se dice que tienen diferentes filosofías de la ciencia, de acuerdo con Davidson. Mientras Urey era un "empirista de los viejos tiempos" que evitó teorizar sobre lo desconocido, Sagan fue por el contrario dispuestos a especular abiertamente sobre estos asuntos. [75] Fred Whipple quería Harvard para mantener Sagan, pero aprendió que debido a Urey era un premio Nobel, su opinión era un factor importante en la tenencia de Harvard negar Sagan. [74]
Amigo de Harvard de Sagan Lester Grinspoon también declaró: "Yo sé Harvard suficientemente bien como para saber que hay gente ahí que sin duda no les gusta la gente" que son abiertamente. [74] Grinspoon añadido:
Donde quiera que se volvió, había un astrónomo siendo citado en todo, un astrónomo cuya cara que estaba viendo en la televisión, y uno astrónomo cuyos libros tenido la ranura de visualización preferido en la librería local. [74]
Algunos, como Urey, más tarde se dieron cuenta de la popular marca de Sagan de promoción científica era beneficioso para la ciencia como un todo. [76] Urey le gusta especialmente el libro de Sagan 1977, Los dragones del Edén , y escribió Sagan con su opinión: "Me gusta mucho y me sorprende que alguien como usted tiene un conocimiento íntimo de las diversas características del problema ... lo felicito ... usted es un hombre de muchos talentos ". [76]
Sagan fue acusado de pedir prestado algunas ideas de otros para su propio beneficio, mientras que Sagan contrarrestado estas afirmaciones explicando que la apropiación indebida es un efecto secundario desafortunado de su papel como un comunicador de la ciencia y explicador, y que él trató de dar crédito siempre que sea posible. [74]
Las preocupaciones sociales [ editar ]
Sagan cree que la ecuación de Drake , en sustitución de estimaciones razonables, sugirió que formaría un gran número de civilizaciones extraterrestres, pero que la falta de evidencia de tales civilizaciones destacadas por la paradoja de Fermi sugiere tecnológicos civilizaciones tienden a autodestruirse. Esto estimuló su interés en identificar y dar a conocer formas en que la humanidad podría destruir en sí, con la esperanza de evitar una tal cataclismo y, finalmente, convertirse en una espaciales especies. Profunda preocupación de Sagan en cuanto a la posible destrucción de la civilización humana en un holocausto nuclearfue transmitido en una memorable secuencia cinemática en el episodio final del Cosmos , llamado "¿Quién habla en nombre de la Tierra?" Sagan ya había renunciado [ Falta la fecha ] del Consejo Asesor Científico de la Fuerza Aérea OVNI 's investigar Comité Condon y entregado voluntariamente su autorización de alto secreto en protesta por la guerra de Vietnam . [77] Después de su matrimonio con su tercera esposa ( novelista Ann Druyan) en junio de 1981, Sagan se convirtió en políticamente más activo sobre todo en oposición a la escalada de la carrera de armamentos nucleares bajo el presidente Ronald Reagan .

Los Estados Unidos y la Unión Soviética / Rusia arsenales nucleares, en número total de bombas / cabezas nucleares en existencia en toda la Guerra Fría y la época posterior a la Guerra Fría.
En marzo de 1983, Reagan anunció la Iniciativa de Defensa Estratégica -un proyecto de billones de dólares para desarrollar una amplia defensa contra el ataque de misiles nucleares , que rápidamente fue apodado el programa "Star Wars". Sagan se manifestó en contra del proyecto, argumentando que era técnicamente imposible desarrollar un sistema con el nivel de perfección requerida, y mucho más caro de construir un sistema de este tipo de lo que sería para un enemigo para derrotar a través de señuelos y otros medios, y que su construcción desestabilizaría seriamente el "equilibrio nuclear" entre Estados Unidos y la Unión Soviética , seguir avanzando hacia el desarme nuclear imposible. [78]
Cuando el líder soviético Mikhail Gorbachev declaró una moratoria unilateral en el ensayo de armas nucleares , que comenzaría el 6 de agosto, 1985 hasta el 40 aniversario del bombardeo atómico de Hiroshima -la administración Reagan despidió al movimiento dramático como nada más que propaganda, y se negó a seguir su ejemplo. En respuesta, los Estados Unidos antinucleares activistas de paz y llevaron a cabo una serie de acciones de protesta en el Sitio de Pruebas de Nevada , que comienza el domingo de Pascua en 1986 y continuando hasta 1987. Cientos de personas en el " desierto de Nevada Experiencia"Grupo fueron detenidos, incluyendo Sagan, que fue detenido en dos ocasiones distintas mientras subía sobre una valla de tela metálica en el sitio de prueba durante el subterráneo Operación Auriga y series de ensayos nucleares Mosquetero de Estados Unidos de detonaciones. [79]
Sagan fue también un firme defensor de la controvertida noción de envenenamiento por testosterona , con el argumento de que en 1992 los varones humanos podrían quedar atrapado por una "[caso de] inusualmente severo envenenamiento por testosterona" y esto podría obligarlos a convertirse genocida . [80] En su revisión de Moondance revista escritor Daniela Gioseffi libro de 1990 's de las mujeres sobre la guerra , argumenta que las mujeres son el único medio de la humanidad 'no contaminado por el envenenamiento por testosterona'. [81] Uno de los capítulos de su libro de 1993 Sombras de antepasados olvidados se dedica a la testosterona y sus supuestos efectos tóxicos. [82]
Vida personal y creencias [ editar ]
Acabo de terminar La conexión cósmica y amado cada palabra de ella. Usted es mi idea de un buen escritor porque tiene un estilo unmannered, y cuando leo lo que escribe, le oigo hablar. Una cosa sobre el libro me puso nervioso. Era totalmente demasiado obvio que usted es más inteligente que yo. Odio eso.
Isaac Asimov , en carta a Sagan, 1973 [83] [84]
Sagan se casó tres veces. En 1957, se casó con el biólogo Lynn Margulis . La pareja tuvo dos hijos, Jeremy y Dorion Sagan . Después de Carl Sagan y Margulis divorciaron, se casó con el artista Linda Salzman en 1968 y también tenían un hijo juntos, Nick Sagan . Durante estos matrimonios, Carl Sagan se centró en gran medida de su carrera, un factor que puede haber contribuido al primer divorcio de Sagan. [19] En 1981, Sagan se casó autor Ann Druyan y más tarde tuvo dos hijos, Alexandra y Samuel Sagan. Carl Sagan y Druyan permanecieron casados hasta su muerte en 1996. Vivió en una reactivación casa egipcia en Ithacaposado en el borde de un acantilado que anteriormente había sido la sede de una de Cornell sociedad secreta. [85]
Isaac Asimov describe Sagan como uno de sólo dos personas que he conocido cuyo intelecto superado su propia. El otro, según él, era el científico de la computación y la inteligencia artificial experto Marvin Minsky . [86]
Sagan escribió con frecuencia sobre la religión y la relación entre la religión y la ciencia, expresando su escepticismo sobre la conceptualización convencional de Dios como un ser sapiente. Por ejemplo:
Algunas personas piensan que Dios es un macho de gran tamaño, de piel clara, con una larga barba blanca, sentado en un trono en algún lugar allá arriba en el cielo, marcando afanosamente la caída de cada gorrión. Otros -por ejemplo Baruch Spinoza y Albert Einstein ; considerados como que Dios es esencialmente la suma total de las leyes físicas que describen el universo. No sé de ninguna evidencia convincente para patriarcas antropomórficos que controlan el destino humano desde un punto de vista celeste oculta, pero sería una locura negar la existencia de las leyes físicas. [87]
En otra descripción de su visión sobre el concepto de Dios, Sagan escribió enfáticamente:
La idea de que Dios es un hombre de raza blanca de gran tamaño con una barba que fluye que está sentado en el cielo y acumula la caída de cada gorrión es absurdo. Pero si por Dios uno significa el conjunto de leyes físicas que gobiernan el universo, entonces es claro que hay un Dios tal. Este Dios es emocionalmente insatisfactorio ... que no tiene mucho sentido para orar a la ley de la gravedad. [88]
En el ateísmo , Sagan comentó en 1981:
Un ateo es alguien que está seguro de que Dios no existe, alguien que tiene pruebas contundentes en contra de la existencia de Dios. No conozco ningún tales pruebas convincentes. Debido a que Dios puede ser relegado a los tiempos y lugares remotos y para causas últimas, tendríamos que saber mucho más sobre el universo que lo hacemos ahora para asegurarse de que no hay tal Dios existe. Para estar seguro de la existencia de Dios y tener la certeza de la no existencia de Dios me parecen ser los extremos confianza en un tema tan plagados de duda e incertidumbre como para inspirar confianza muy pequeña por cierto. [89]
Sagan también comentó sobre el cristianismo y la Biblia de Jefferson , declarando "Mi visión de largo plazo sobre el cristianismo es que representa una amalgama de dos partes aparentemente inmiscibles, la religión de Jesús y la religión de Pablo . Thomas Jefferson trató de extirpar las partes Pauline de el Nuevo Testamento. no había mucho fue cuando hubo terminado, pero era un documento inspirador ". [90]
En cuanto a la espiritualidad y su relación con la ciencia, Sagan declaró:
'Espíritu' viene de la palabra latina 'respirar'. Lo que respiramos es aire, que es sin duda la materia, sin embargo delgada. A pesar de la utilización de lo contrario, no hay ninguna implicación necesaria de la palabra 'espiritual' que estamos hablando de otra cosa que materia (incluyendo la materia de la que está hecho el cerebro), o cualquier cosa fuera del ámbito de la ciencia. En ocasiones, yo no dude en utilizar la palabra. La ciencia no sólo es compatible con la espiritualidad; es una fuente profunda de la espiritualidad. Cuando reconocemos nuestro lugar en una inmensidad de años luz y en el paso de las edades, cuando comprendemos la complejidad, la belleza y la sutileza de la vida, entonces esa sensación en alza, esa sensación de euforia y humildad combinada, es sin duda espiritual. [91]
Una apelación del medio ambiente, "Preservar y en el cultivo de la tierra", firmado por Sagan con otros científicos notables en enero de 1990, declaró que "El registro histórico deja claro que la enseñanza religiosa, el ejemplo y el liderazgo son de gran alcance capaz de influir en la conducta personal y compromiso .. . por lo tanto, hay un papel de vital importancia para la religión y la ciencia ".
En respuesta a una pregunta en 1996 acerca de sus creencias religiosas, Sagan contestó, "Soy agnóstico." [92] Sagan sostuvo que la idea de un Dios creador del Universo era difícil de probar o refutar y que el único descubrimiento científico concebible que podría desafiar sería un universo infinitamente viejo. [93] vistas de Sagan sobre la religión han sido interpretadas como una forma de panteísmo comparable a la creencia de Einstein en el Dios de Spinoza . [94] Su hijo, Dorion Sagan dijo: "Mi padre creía en el Dios de Spinoza y Einstein, Dios no detrás de la naturaleza, pero como la naturaleza, lo que equivale a la misma." [95] Su última esposa, Ann Druyan, declaró:
Cuando murió mi marido, porque él era tan famoso y conocido por no ser un creyente, muchas personas vienen a mí-que todavía a veces sucede, y me pregunta si Carl cambió al final y se convierte en una creencia en una vida futura. También con frecuencia me preguntan si creo que lo veré de nuevo. Carl se enfrentó a su muerte con valor inquebrantable y nunca buscó refugio en ilusiones. La tragedia fue que sabíamos que no volvería a ver otra vez. No esperes nunca a reunirse con Carl. [96]
En 2006, Ann Druyan editado 1985 en Glasgow Sagan Gifford Lectures en la teología natural en un libro, La diversidad de la ciencia: Una visión personal de la búsqueda de Dios , en la que desarrolla sus puntos de vista de la divinidad en el mundo natural .

Carl Sagan (centro) habla con CDC empleados en 1988.
Sagan también es ampliamente considerado como un librepensador o escéptico ; uno de sus citas más famosas, en Cosmos , fue: "demandas extraordinarias requieren pruebas extraordinarias" [97] (llamado el " estándar Sagan " por algunos [98] ). Esto se basó en una declaración casi idéntica por su compañero fundador del Comité para la Investigación Científica de las Afirmaciones de lo Paranormal , Marcello Truzzi "una afirmación extraordinaria requiere pruebas extraordinarias." [99] [100] Esta idea había sido anteriormente en aphorized Théodore Flournoy trabajo 's de la India al planeta Marte(1899) a partir de una cita más larga por Pierre-Simon Laplace (1749-1827), un matemático y astrónomo francés, como el Principio de Laplace: "El peso de la evidencia debe ser proporcionada a la extrañeza de los hechos." [101]
Al final de su vida, los libros de Sagan elaborados en su escepticismo, naturalista visión del mundo. En El mundo y sus demonios , presentó argumentos para herramientas de prueba y la detección de los engañosos o fraudulentos, abogando esencialmente amplio uso del pensamiento crítico y el método científico. La compilación Mil millones y mil millones: Reflexiones sobre la vida y la muerte al borde del Milenio , publicado en 1997 después de la muerte de Sagan, contiene ensayos escritos por Sagan, como sus puntos de vista sobre el aborto, y la cuenta de Ann Druyan de su muerte como un escéptico su viuda , agnóstico , librepensador y.
Sagan advirtió en contra de la tendencia humana hacia el antropocentrismo . Fue el asesor académico para los estudiantes de Cornell para el Tratamiento Ético de los Animales. En el Cosmos capítulo "Azules Para un planeta rojo", Sagan escribió: "Si hay vida en Marte, creo que hay que hacer nada con Marte. Marte entonces pertenece a los marcianos, incluso si los marcianos son sólo los microbios." [102]
Sagan fue un usuario y defensor de la marihuana . Bajo el seudónimo de "señor X", que contribuyó con un ensayo sobre fumar cannabis al libro de 1971 Marihuana reconsiderado . [103] [104] El ensayo se explica que el uso de la marihuana había ayudado a inspirar a algunas de las obras de Sagan y potenciar experiencias sensoriales e intelectuales. Después de la muerte de Sagan, su amigo Lester Grinspoon reveló esta información con el biógrafo de Sagan, Keay Davidson. La publicación de la biografía, Carl Sagan: A Life , en 1999 trajo atención de los medios a este aspecto de la vida de Sagan. [105] [106] [107]No mucho tiempo después de su muerte, la viuda Ann Druyan había pasado a presidir el consejo de administración de la Organización Nacional para la Reforma de las Leyes sobre Marihuana (NORML), una organización sin ánimo de lucro dedicada a la reforma de las leyes de marihuana. [108] [109]
En 1994, los ingenieros de Apple Computer cuyo nombre en código el Power Macintosh 7100 "Carl Sagan" con la esperanza de que Apple podría hacer que "miles y miles" con la venta de la PowerMac 7100. [5] El nombre fue utilizado solamente internamente, pero Sagan estaba preocupado de que se convertiría en un respaldo del producto y enviado a Apple una carta de cese y desista. Manzana accedió, pero los ingenieros respondió cambiando el nombre en clave interna para "BHA" para " Butt-Head Astrónomo ". [110] [111] Sagan demandó a Apple por difamación en una corte federal. El tribunal accedió a la petición de Apple para desestimar las reclamaciones de Sagan y opinó en obiterque un lector consciente del contexto entendería Apple estaba "claramente tratando de vengarse de una manera humorística y satírica", y que "las cepas razón para concluir que el acusado estaba tratando de criticar a la reputación del demandante o competencia como astrónomo. Uno no serio atacar a los conocimientos de un científico utilizando la frase indefinido 'butt-Head' ". [110] [112] Sagan entonces demandado por uso original de Apple de su nombre e imagen, pero volvió a perder. [113] Sagan apeló el fallo. [113]En noviembre de 1995, se llegó a un acuerdo fuera de la cancha y la oficina de Apple de marcas y patentes publicado una declaración conciliadora que "Apple siempre ha tenido un gran respeto por el Dr. Sagan. Nunca fue la intención de Apple para hacer que el Dr. Sagan o su familia ningún tipo de vergüenza o preocupación ". [114] tercer y último nombre en clave de Apple para el proyecto era "LEY", abreviatura de "Los abogados son unos cobardes". [111]
Sagan sirvió brevemente como asesor de Stanley Kubrick película 's 2001: Odisea del espacio . [7] : 168 Sagan propuso que la película sugiere, en lugar de representar, superinteligencia extraterrestre. [115]
Sagan y OVNIS [ editar ]
En 1947, el año en que inauguró el " platillo volador " locura , el joven Sagan sospechaba que los "discos" podrían ser naves extraterrestres. [9]
El interés de Sagan en UFO informes le impulsó el 3 de agosto de 1952, a escribir una carta a la secretaria de Estado Dean Acheson para preguntar cómo respondería Estados Unidos si los platillos volantes resultaron ser extraterrestre. [7] : 51-52 Más tarde tuvo varias conversaciones sobre el tema en 1964 con Jacques Vallée . [116] Aunque son bastante escépticos de cualquier extraordinaria respuesta a la cuestión OVNI, Sagan pensaban los científicos deben estudiar el fenómeno, al menos porque no había interés del público en los informes de OVNIs.
Stuart Appelle señala que Sagan "escribió con frecuencia en lo que él percibe como los lógicos y empíricos falacias respecto a los ovnis y la experiencia de abducción . Sagan rechazó una explicación extraterrestre para el fenómeno, pero consideraba que existían dos empíricos y pedagógicos beneficios de examinar los informes OVNI y que el sujeto era, por lo tanto, un tema de estudio legítimo ". [117]
En 1966 Sagan era un miembro del Comité ad hoc para revisar Proyecto Libro Azul , la Fuerza Aérea de los EE.UU. proyecto de investigación OVNI 's. El comité concluyó Libro Azul había estado ausente como un estudio científico, y recomendó un proyecto basado en la universidad para dar el fenómeno OVNI escrutinio más cercano científica. El resultado fue el Comité Condon (1966-1968), dirigido por el físico Edward Condon , y en su informe final que concluyó formalmente que los OVNIS, independientemente de lo que cualquiera de ellos en realidad eran, no se comportó de una manera consistente con una amenaza a la nacional seguridad.
Sociólogo Ron Westrum escribe que "El punto de tratamiento de la cuestión OVNI de Sagan alta fue el simposio de la AAAS' en 1969. Una amplia gama de opiniones educadas sobre el tema fueron ofrecidos por los participantes, incluyendo no sólo los defensores como James McDonald y J. Allen Hynek , sino también los escépticos como los astrónomos William Hartmann y Donald Menzel . La lista de oradores fue equilibrada, y es al crédito de Sagan que este evento se presentó a pesar de la presión de Edward Condon." [116] Con el físico Thornton página, Sagan editar las conferencias y discusiones presentadas en el simposio; éstos fueron publicados en 1972 como OVNIS: un debate científico. Algunos de muchos libros de Sagan examinar OVNIS (al igual que un episodio de Cosmos ) y se reivindica un trasfondo religioso al fenómeno.
Sagan reveló una vez más sus puntos de vista sobre los viajes interestelares en su 1980 Cosmos serie. En una de sus últimas obras escritas, Sagan argumentó que las posibilidades de naves espaciales extraterrestres visitando la Tierra son extremadamente pequeña. Sin embargo, Sagan creía que plausible que las preocupaciones de la Guerra Fría contribuyeron a los gobiernos engañosas a sus ciudadanos sobre los OVNIS, y escribió que "algunos informes OVNI y análisis, y tal vez los archivos voluminosos, se han hecho inaccesible para el público que paga las cuentas ... Es tiempo para que los archivos a ser desclasificada y generalizada ". También advirtió en contra de sacar conclusiones acerca de los datos suprimidos OVNI y subrayó que no había una fuerte evidencia de que los alienígenas estaban visitando la Tierra, ya sea en el pasado o presente. [118]
Paradoja de Sagan [ editar ]
La contribución de Sagan al simposio de 1969 fue un ataque a la creencia de que los OVNIS son pilotados por seres extraterrestres: La aplicación de varios supuestos lógicos (ver ecuación de Drake ), Sagan calculó el número posible de civilizaciones avanzadas capaces de viajes interestelares en alrededor de un millón. Se prevé que cualquier civilización que deseen comprobar en todos los demás sobre una base regular de, digamos, una vez al año tendría que lanzar naves espaciales 10.000 al año. No sólo hace que parezca un número excesivo de lanzamientos, pero tendrían que pasar todo el material en un uno por ciento de las estrellas del universo para producir todas las naves espaciales necesarios para todas las civilizaciones que se buscan entre sí.
Para argumentar que la tierra estaba siendo elegido para las visitas regulares, Sagan dijo, habría que suponer que el planeta es de alguna manera única. Y ese supuesto "va exactamente en contra de la idea de que hay un montón de civilizaciones alrededor. Porque si hay entonces nuestro tipo de civilización debe ser bastante común. Y si no tenemos bastante común, entonces no van a ser muchas civilizaciones avanzadas lo suficiente como para enviar a los visitantes ".
Este argumento, que algunos llamaron "paradoja de Sagan," ayudado a establecer una nueva escuela de pensamiento: la creencia de que existe vida extraterrestre, pero no tiene nada que ver con los ovnis. La nueva creencia tuvo un efecto saludable en los estudios de OVNIS. Se ayudó a los investigadores independientes que querían identificar los objetos voladores no identificados de los que querían identificar sus pilotos. Y se dio a los científicos la oportunidad de buscar el universo de vida inteligente no comprometido por el estigma asociado con los ovnis. [119]
Muerte [ editar ]

Piedra dedicado a Carl Sagan en el Camino de la celebridad del Jardín Botánico de Brooklyn
Después de sufrir de mielodisplasia por dos años, y la recepción de tres trasplantes de médula ósea de su hermana Cari, Sagan murió de neumonía a la edad de 62, en el Centro de Investigación del Cáncer Fred Hutchinson en Seattle , Washington, en la madrugada del 20 de diciembre de 1996 . [120] El entierro tuvo lugar en el cementerio de Lakeview en Ithaca, Nueva York. [121]
Reconocimiento póstumo [ editar ]
La película de 1997 de contacto , basada en la novela del mismo nombre de Sagan y terminó después de su muerte, termina con la dedicación "Para Carl". Su foto también se puede ver en 59:23 en la película.
En 1997, el Sagan Planet Walk se abrió en Ithaca, Nueva York. Es un modelo de caminar a escala del sistema solar, que se extiende 1,2 km del centro de los comunes en el centro de Ithaca a la Sciencenter , un museo interactivo. La exposición fue creada en memoria de Carl Sagan, que era un residente de Itaca y profesor de Cornell. El profesor Sagan había sido miembro fundador del consejo asesor del museo. [122]
El lugar de aterrizaje no tripulado de la Mars Pathfinder nave espacial pasó a denominarse Memorial Station Carl Sagan , el 5 de julio de 1997. El asteroide 2709 Sagan se nombra en su honor, como es el Instituto Carl Sagan para la búsqueda de planetas habitables.
El hijo de Sagan, Nick Sagan, escribió varios episodios en el Star Trek de la franquicia. En un episodio de Star Trek: Enterprise titulado " Terra Prime ", un tiro rápido se muestra de la reliquia rover Sojourner , que forma parte de la misión Mars Pathfinder, colocado por un marcador histórico en la estación Memorial Carl Sagan en la superficie de Marte. El marcador muestra una cita de Sagan: "Cualquiera que sea la razón de que estés en Marte, estoy feliz de que estés allí, y me gustaría estar con ustedes." Estudiante de Sagan Steve Squyres dirigió el equipo que conectó los rovers Spirit y Opportunity éxito en Marte en 2004.
El 9 de noviembre de 2001, en lo que habría sido 67 cumpleaños de Sagan, el Centro de Investigación Ames dedicó el sitio para el Centro Carl Sagan para el Estudio de la Vida en el Cosmos. "Carl era un visionario increíble, y ahora su legado puede ser preservada y avanzó por un laboratorio de investigación y educación del siglo 21 ha comprometido a mejorar nuestra comprensión de la vida en el universo y promover la causa de la exploración espacial de todos los tiempos", dijo el administrador de la NASA Daniel Goldin . Ann Druyan estaba en el centro, ya que abrió sus puertas el 22 de octubre, 2006.
Sagan tiene al menos tres premios nombrados en su honor:
El Carl Sagan Memorial Award presentado conjuntamente desde 1997 por la American Astronomical Society y The Planetary Society,
La Medalla Carl Sagan a la Excelencia en Comunicación Pública de Ciencia Planetaria presentado desde 1998 por la Sociedad Americana de Astronomía División de Ciencias Planetarias (AAS / DPS) para la comunicación excepcional por un científico planetario activo al público en general, Carl Sagan fue uno de los organizativo inicial los miembros del comité de la DPS, y
El Premio Carl Sagan para la Comprensión Pública de la Ciencia presentada por el Consejo de Presidentes Scientific Society (CSSP) -Sagan fue el primero en recibir el premio CSSP en 1993. [123]
Agosto de 2007 Investigaciones Independent Group (IIG) otorgó Sagan póstumamente el Premio a la Trayectoria. Este honor también ha sido otorgado a Harry Houdini y James Randi . [124]
A partir de 2009, un proyecto musical conocida como Sinfonía de la Ciencia muestrea varios extractos de Sagan de su serie Cosmos y los mezcló de nuevo a la música electrónica . Hasta la fecha, los videos han recibido más de 21 millones de visitas en todo el mundo en YouTube . [125]
El 2014 la ciencia ficción sueca de cortometrajes Wanderers utiliza extractos de la narración de su libro de Sagan Un punto azul pálido , jugaron más de efectos visuales creados digitalmente de una posible expansión futura de la humanidad en el espacio exterior. [126] [127]
En febrero de 2015, la sede en Finlandia metal sinfónico banda Nightwish lanzó la canción "Sagan" como bonus track no solo por su álbum " Elan ". [128] La canción, escrita por el compositor de la banda / compositor / teclista Tuomas Holopainen , es un homenaje a la vida y obra del fallecido Carl Sagan.
En agosto de 2015, se anunció que una película biográfica de la vida de Sagan estaba siendo planeado por Warner Bros. [129]
Premios y honores [ editar ]

Medalla al Servicio Público Distinguido de la NASA
Premio Anual de Excelencia Televisión-1981- Universidad Estatal de Ohio de la serie a Pbs Cosmos: Un viaje personal
Apolo Achievement Award- Nacional de Aeronáutica y del Espacio
NASA Servicio Público Distinguido Medalla -Nacional de Aeronáutica y del Espacio (1977)
Emmy Achievement-1981-PBS serie -Outstanding individual Cosmos: Un viaje personal [42]
Emmy Mejor serie Informativo -1981-PBS serie Cosmos: Un viaje personal [42]
Logro Científico Excepcional medalla -Nacional de Aeronáutica y del Espacio
Helen Caldicott Premio al Liderazgo - Se concede por acción de la mujer para el desarme nuclear
Hugo Premio -1981- mejor presentación dramática - Cosmos: Un viaje personal
Hugo Award-1981- Mejor no relacionados con la ficción libro - Cosmos
Hugo Award-1998-Mejor dramático Presentación- Contacto
Humanista del Año -1981-otorgado por la Asociación Humanista Americana [130]
Sociedad Americana de Filosofía -1995-elegido como socio. [131]
En brazos de la premio-1987- Razón Comité par
Ha recibido 21 puntos

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Tengo la teoría de que los hombres aman con los ojos y las mujeres con los oídos (Zsa Zsa Gabor)

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Tengo la teoría de que los hombres aman con los ojos y las mujeres con los oídos (Zsa Zsa Gabor)

Zsa Zsa Gabor ( / ʒ ɑː ʒ ɑː ɡ ɑː b ɔːr , - ɡ ə b ɔːr / ZHAH -zhah GAH -bor, -gə- BOR ; húngaro: [ʒɒʒɒ ɡaːbor] , nacido Sári Gábor [ʃaːri ɡaːbor] ; 6 de febrero de 1917 - 18 de diciembre de 2016) fue una actriz y socia húngara-estadounidense . Sus hermanas fueron actrices Eva y Magda Gabor... Ver mas
Zsa Zsa Gabor ( / ʒ ɑː ʒ ɑː ɡ ɑː b ɔːr , - ɡ ə b ɔːr / ZHAH -zhah GAH -bor, -gə- BOR ; húngaro: [ʒɒʒɒ ɡaːbor] , nacido Sári Gábor [ʃaːri ɡaːbor] ; 6 de febrero de 1917 - 18 de diciembre de 2016) fue una actriz y socia húngara-estadounidense . Sus hermanas fueron actrices Eva y Magda Gabor .
Gabor comenzó su carrera escénica en Viena y fue coronada Miss Hungría en 1936. [3] Ella emigró de Hungría a los Estados Unidos en 1941. Al convertirse en una actriz codiciada con "estilo europeo y estilo", se la consideraba como una personalidad que "exudó encanto y gracia". [4] Su primer papel cinematográfico fue un papel secundario en Lovely to Look At . ¡Más tarde actuó en We're Not Married! y jugó uno de sus pocos papeles principales en la película dirigida por John Huston , Moulin Rouge (1952). Huston más tarde la describiría como una actriz "acreditable". [5]
Fuera de su carrera como actriz, Gabor era conocida por su extravagante estilo de vida de Hollywood, su personalidad glamorosa y sus muchos matrimonios. En total, Gabor tuvo nueve maridos, entre ellos el magnate del hotel Conrad Hilton y el actor George Sanders . Una vez dijo: "A los hombres siempre me han gustado y siempre me han gustado los hombres. Pero me gusta un hombre manso, un hombre que sabe hablar y tratar a una mujer, no solo a un hombre con músculos". [6]

Primeros años y ascendencia
Zsa Zsa Gabor nació Sári Gábor el 6 de febrero de 1917 [7] en Budapest , Hungría , luego parte del Imperio Austro-Húngaro . [7] En medio de tres hijas, sus padres eran Vilmos, un soldado, y Jolie Gabor (née Janka Tilleman). [8] [9] Sus padres tenían ambos ascendencia judía . Mientras su madre escapó de Hungría durante el mismo período de ocupación nazi de Budapest, Gabor abandonó el país en 1941, tres años antes de la toma del poder. [10] [11] [12] [13] [14]
La hermana mayor de Gabor, Magda , eventualmente se convirtió en una personalidad social estadounidense y su hermana menor, Eva , se convirtió en una actriz y empresaria estadounidense. Las hermanas Gabor fueron primos primos de Annette Lantos, esposa del congresista de California Tom Lantos (D-CA). [15]
Carrera
Según Gabor, fue descubierta por el tenor de ópera Richard Tauber en un viaje a Viena en 1934, después de su tiempo como estudiante en un internado suizo . Tauber invitó a Gabor a cantar el papel soubrette en su nueva opereta , Der singende Traum ( The Singing Dream ), en el Theater an der Wien . Esto marcaría su aparición en la primera etapa. En 1936, fue coronada Miss Hungría. [dieciséis]

Bailando con el director Nicholas Ray (1953)
En 1944, coescribió una novela con la escritora Victoria Wolf titulada, "Every Man For Himself". Según Gabor, la historia ficticia se derivó, en una pequeña parte, de las experiencias de vida de Gabor. El libro fue posteriormente comprado por una revista estadounidense. [17] En 1949, Gabor rechazó una oferta para desempeñar el papel principal en una versión cinematográfica del clásico libro Lady Chatterley's Lover . De acuerdo con un artículo escrito en Cedar Rapids Gazette en 1949, rechazó el papel de Lady Chatterley debido al controvertido tema de la historia. [18]
Sus créditos de actuación cinematográfica más serios incluyen Moulin Rouge , Lovely to Look At y We're Not Married! , todos de 1952 y Lili de 1953. En 1958, dirigió la gama de películas, desde Touch of Evil (1958) hasta la rareza del campamento Queen of the Outer Space (1958). Más tarde, apareció en películas como Won Ton Ton, The Dog Who Saved Hollywood (1976) y la Gran tía de Frankenstein Tillie (1984). Hizo camafeos para A Nightmare on Elm Street 3: Dream Warriors (1987), The Beverly Hillbillies (1993) y A Very Brady Sequel (1996) y expresó un personaje en el animado Happily Ever After (1990).
También fue invitada habitual en programas de televisión, apareciendo junto a Milton Berle , [19] Jack Paar , Johnny Carson , Howard Stern , [20] David Frost , Arsenio Hall , Phil Donahue , [21] y Joan Rivers . [22] Fue invitada en los especiales de Bob Hope , [23] Dean Martin Roasts, Hollywood Squares , Rowan & Martin's Laugh-In , y Es el espectáculo de Garry Shandling . [24] En 1968, apareció en el papel de Minerva en un episodio de Batman , convirtiéndose en el último "villano invitado especial" de la serie cuando fue cancelado poco después. Apareció en el programa Late Night donde le contó a David Letterman sobre su cita a ciegas con Henry Kissinger , que fue arreglado por Richard Nixon . [25]
El autor Gerold Frank , que ayudó a Gabor a escribir su autobiografía en 1960, describió sus impresiones sobre ella:
Zsa Zsa es único. Ella es una mujer de la corte de Luis XV que de alguna manera ha logrado vivir en el siglo 20, sin daños en la PTA ... Ella dice que quiere ser toda la Pompadours y Du Barrys de la historia convertida en una, pero también dice: "Siempre me molesta. Pago todas mis cuentas ... Quiero elegir al hombre. No permito que los hombres me elijan". [26]
En su autobiografía, el presentador de televisión Merv Griffin , que era conocido por pasar tiempo con la hermana menor de Gabor Eva socialmente, escribió sobre la presencia inicial de las hermanas Gabor en Nueva York y Hollywood: "Todos estos años más tarde, es difícil describir el fenómeno de la tres chicas glamorosas de Gabor y su omnipresente madre. Entraron en las páginas de la sociedad y en las columnas de chismes tan repentinamente, y con tanta fuerza, fue como si hubieran sido lanzadas desde el cielo ". [27]
En 1973 fue la invitada en el show de Dean Martin Roast , [28] y en 1998, el historiador de cine Neal Gabler llamó a su tipo de celebridad "The Zsa Zsa Factor". [29]
Vida personal

Gabor en la Maratón de televisión Denver Dystrophy Muscular, c. 1955
Gabor se casó nueve veces. Ella se divorció siete veces, y un matrimonio fue anulado . "En general, me encanta estar casado", escribió en su autobiografía. "Me encanta la compañía, me encanta cocinar para un hombre (cosas simples como la sopa de pollo y el goulash especial de Drácula de Hungría), y pasar todo el tiempo con un hombre. Por supuesto que me encanta estar enamorado, pero es el matrimonio lo que realmente Me satisface. Pero no en todos los casos ". [30] Sus esposos, en orden cronológico, fueron:
Burhan Asaf Belge (17 de mayo de 1935 - 1941, divorciado) [31] [32]
Conrad Hilton (10 de abril de 1942 a 1947, divorciada) [32] [33] "La decisión de Conrad de cambiar mi nombre de Zsa Zsa a Georgia simbolizaba todo lo que mi matrimonio con él se convertiría en. Mis raíces húngaras serían arrancadas y mi fondo ignorado ... Pronto descubrí que mi matrimonio con Conrad significaba el fin de mi libertad. Mis propias necesidades fueron completamente ignoradas: pertenecía a Conrad ". [30]
George Sanders (2 de abril de 1949 - 2 de abril de 1954, divorciado) [32] [34]
Herbert Hutner (5 de noviembre de 1962 - 3 de marzo de 1966, divorciado) [35] [36] "Herbert me quitó la voluntad de trabajar. Con su amabilidad y generosidad, él casi aniquiló mi unidad. Siempre he sido el tipo de mujer quien nunca podría estar satisfecho con el dinero, solo entusiasmo y logros ". [30] [37]
Joshua S. Cosden, Jr. (9 de marzo de 1966 - 18 de octubre de 1967, divorciado) [38]
Jack Ryan (21 de enero de 1975 - 24 de agosto de 1976, divorciado) [39]
Michael O'Hara (27 de agosto de 1976 - 1983, divorciada) [40]
Felipe de Alba (13-14 de abril de 1983; anulado) [41]
Frédéric Prinz von Anhalt (14 de agosto de 1986 - 18 de diciembre de 2016; su muerte)

Gabor llega a un estreno de película en 1962
Los divorcios de Gabor la inspiraron a hacer numerosos juegos de palabras e insinuaciones sobre su historia matrimonial (y extramatrimonial). Ella comentó: "Soy una maravillosa ama de llaves: cada vez que dejo a un hombre, guardo su casa". [42] [43] Cuando se le preguntó: "¿Cuántos maridos has tenido?", Ella fue citada como respondiendo: "¿Quieres decir que no soy el mío?" [42] Gabor luego afirmó haber tenido un encuentro sexual con su hijastro, Nicky . [14]
En 1970, Gabor compró una casa de estilo Hollywood Regency de casi 9,000 pies cuadrados en Bel Air , que una vez perteneció a Elvis Presley , y donde los Beatles lo visitaron en 1965. Fue construido originalmente por Howard Hughes [44] y presentó un techo de estilo francés de aspecto único. [45]
La única hija de Gabor, la hija Constance Francesca Hilton , nació el 10 de marzo de 1947. [33] [46] Según la autobiografía de 1991 de Gabor One Lifetime Is not Enough , su embarazo fue resultado de una violación por parte del entonces marido Conrad Hilton . Ella era la única hermana de Gabor que tuvo un hijo. [14] En 2005, se presentó una demanda acusando a su hija de hurto y fraude, alegando que había falsificado su firma para obtener un préstamo de US $ 2 millones en la casa de Bel Air de su madre. Sin embargo, el Tribunal Superior del Condado de Los Ángeles , Santa Mónica, desestimó el caso debido a que Gabor no compareció ante el tribunal ni a firmar una declaración jurada en el sentido de que era una coacusadora en la demanda original presentada por su esposo, Frédéric von Anhalt. Francesca Hilton murió en 2015 a la edad de 67 años de un derrame cerebral . [47] [48] El marido de Gabor nunca le contó sobre la muerte de su hija, por preocupación por su estado físico y emocional. [49] [50]
Gabor y su último marido, Frédéric Prinz von Anhalt , adoptaron al menos diez hombres adultos que les pagaron una cuota de hasta $ 2,000,000 para convertirse en descendientes por adopción de la princesa Marie-Auguste de Anhalt . Prinz von Anhalt le había pagado a Marie-Auguste para que lo adoptara cuando tenía 36 años. [51]
Dificultades legales y financieras
El 14 de junio de 1989, en Beverly Hills, California , Gabor fue acusado de abofetear el rostro del agente de policía de Beverly Hills, Paul Kramer, cuando la detuvo por una infracción de tránsito en el 8551 Olympic Boulevard . [52] En el juicio, tres meses después, un jurado la condenó por abofetear a Kramer. También la encontraron culpable de conducir sin licencia y de poseer un envase abierto de alcohol -un matraz de Jack Daniel's- en su Rolls-Royce de 215,000 dólares, pero la absolvió del cargo de desobedecer a Kramer cuando se alejó de la parada de tráfico. [53] El 25 de octubre de 1989, el juez municipal de Beverly Hills, Charles G. Rubin, condenó a Gabor a cumplir tres días de cárcel, para pagar multas y restitución por un total de $ 12,937, para realizar 120 horas de servicio comunitario y someterse a una evaluación psiquiátrica. [54] El 14 de junio de 1990, Gabor retiró su apelación por la condena y aceptó cumplir su sentencia. [55] Sin embargo, se negó a tomar parte en el servicio comunitario y cumplió tres días de cárcel del 27 de julio al 30 de julio de 1990. [56]
Gabor tuvo una larga disputa con la actriz alemana Elke Sommer, que comenzó en 1984 cuando ambos aparecieron en el Circus of the Stars y se convirtieron en una demanda de difamación multimillonaria para 1993. La demanda dio lugar a una orden para que Gabor y su marido pague a Sommer $ 3.3 millones en daños generales y punitivos. [57]
El 25 de enero de 2009, la Associated Press informó que su abogado declaró que los contadores forenses determinaron que Gabor pudo haber perdido hasta 10 millones de dólares invertidos en la compañía de Bernie Madoff , posiblemente a través de un administrador de dinero de terceros. [58]
Vida y salud posteriores
El 27 de noviembre de 2002, Gabor fue un pasajero del asiento delantero en un accidente automovilístico en Sunset Boulevard , Los Ángeles, del que permaneció parcialmente paralizada y dependiente de una silla de ruedas para la movilidad. [59] [60] Sobrevivió a los trazos en 2005 y 2007 y se sometió a cirugías. En 2010, se fracturó la cadera y se sometió a un reemplazo de cadera exitoso. [61] [62]
En agosto de 2010, Gabor fue admitido en el Centro Médico Ronald Reagan UCLA en estado grave y recibió los últimos ritos de un sacerdote católico. [63] [64]
En 2011, su pierna derecha fue amputada por encima de la rodilla para salvar su vida de una infección. [65] Ella fue hospitalizada nuevamente en 2011 por una serie de emergencias. [66] [67]
El 8 de febrero de 2016, dos días después de su cumpleaños número 99, Gabor fue trasladado al hospital tras sufrir dificultades respiratorias. Fue diagnosticada con una infección pulmonar relacionada con un tubo de alimentación y fue programada para someterse a una cirugía para extirpar su tubo de alimentación. [68] [69]
En abril de 2016, Gabor expresó su deseo de regresar a Hungría en 2017 y vivir el resto de su vida allí. Su marido declaró que estaba decidido a hacer realidad su deseo y que tenía la intención de organizar una "gran fiesta en el verano" para celebrar el cumpleaños número 100 de la actriz, después de lo cual regresaría a Budapest. [49]
Muerte
Gabor murió a los 99 años de un paro cardiaco en el Centro Médico Ronald Reagan UCLA , [1] el 18 de diciembre de 2016, menos de dos meses antes de que se hubiera convertido en centenario . [70] Había estado recibiendo apoyo vital durante los últimos cinco años. [71]
Su funeral se llevó a cabo el 30 de diciembre en una ceremonia católica en la Iglesia del Buen Pastor en Beverly Hills, donde asistieron alrededor de 100 dolientes. [72] Sus cenizas, colocadas en una caja rectangular de oro, fueron enterradas en el cementerio Westwood Village Memorial Park . [73]
Filmografía
Película
Año Película Director Nota
1952 Encantador de mirar [74] LeRoy
¡No estamos casados! [75] Goulding
Moulin Rouge [75] Huston
1953 La historia de tres amores [76] Minelli
Lili [75] Walters
L'ennemi public no. 1 ( El hombre más buscado ) Verneuil
1954 Sangre y luces [Amor en un clima cálido] [77] Rouquier / Suey
3 Ring Circus [75] Pevney
1956 Muerte de un sinvergüenza [75] Martín
1957 La niña en el Kremlin [78] Birdwell
1958 El hombre que no hablaba Wilconx
Country Music Holiday [78] Ganzer
Touch of Evil [75] Welles
Reina del espacio exterior [75] Bernds
1959 Por primera vez Compañero
1960 Pepe [3] Sidney
1962 El camino a Hong Kong [79] Panamá Camafeo
Boys 'Night Out [75] Gordon
1966 Imagen Mamá muerta [75] Gordon
Drop Dead Darling [80] Hughes
1967 Jack of Diamonds [81] Taylor
1972 Arriba el frente Kiliett
1976 Won Ton Ton, el perro que salvó a Hollywood [82] Ganador
1978 Cada chica debe tener una Hyatt
1984 La gran tía de Frankenstein Tillie [83] Oro
1987 Una pesadilla en Elm Street 3: Dream Warriors [84] Russell Camafeo
1992 La verdad desnuda [78] Mastorakis
1993 Felizmente después [85] Flor Solo voz
The Beverly Hillbillies [86] Spheeris Camafeo
Televisión (abreviada)
Fuente adicional: Guía de TV [87]
Año Serie Papel Notas
1953 Jurado de Jukebox Juez musical
1955 The Red Skelton Show Estrella de cine
¡Clímax! [78] Mme Florizel, la princesa Stephanie
Novia de diciembre [78]
1956 The Milton Berle Show [88] Sí misma 13 de marzo de 1955
The Ford Show , protagonizada por Tennessee Ernie Ford Sí misma 18 de octubre de 1956
1956-1961 Teatro General Electric Flora
1957 La vida de riley Gigi
¿Cuál es mi línea? [89] Invitado misterioso 18 de agosto de 1957
Playhouse 90 Erika Segnitz, Marita Lorenz
The Pat Boone Showroom de Chevy Sí misma
1958 Ducha de estrellas [90] Sí misma 20 de marzo de 1958
1959 Lux Video Theatre Helen
The Dinah Shore Chevy Show Sí misma
1960 Ninotchka
Haz una habitación para papá Lisa Laslow
1962 Mister Ed [78] Sí misma
1963 El show de Dick Powell Niña
1963-1964 La ley de Burke Anna, la criada
1965 Bob Hope presenta el teatro Chrysler Piloto
Isla de Gilligan Erika Tiffany Smith
1966 Alicia en el país de las maravillas (o ¿Qué hace un buen chico como tú en un lugar como este?) [3] La reina de los corazones voz
Los redondos Ilona Hobson Episodio "The Scavenger Hunt"
F Tropa Marika
1967 Bonanza [91] Madama Marova 7 de mayo de 1967
1968 Mis tres hijos [92] Sí misma
Rowan y Martin's Laugh-In [92] Sí misma
El nombre del juego Mira Retzyk
Batman [93] Minerva 3 de marzo de 1968
1969 Bracken's World Sí misma Camafeo
1971 Mooch va a Hollywood Narrador Voz
Galería Nocturna La señora Moore
1976 Vamos a hacer un trato Visor de inicio
1979 Supertrain Audrey Episodio "Un atraco muy formal"
1980 The Love Boat Annette
1981 Los hechos de la vida Condesa calvet
Mientras el mundo gira Lydia Marlowe miembro del elenco
mil novecientos ochenta y dos Matt Houston
1983 niñas California
1988 Pee-wee's Playhouse Christmas Special Princesa Zsa Zsa
1989 Es el show de Garry Shandling [75] Diosa del Compromiso
1989 The Munsters Today [94] Sí misma
1990 Ciudad Babette Croquette
1991 El nuevo príncipe de Bel-Air [95] Sonya Lamor
1994 Espectáculo tardío con David Letterman [78] Sí misma Bosquejo
1994 Esta es tu vida [96] Sí misma Tributo
Obras de teatro
Gabor apareció de vez en cuando en el teatro. De 1961 a 1970, retrató a Elvira en giras nacionales de Blithe Spirit . En 1970, hizo su debut en Broadway en Cuarenta Quilates . [97]
De 1971 a 1983, Gabor apareció en giras nacionales de Cuarenta quilates , Campana, Libro y Vela , Espíritu alegre , Arsénico y Encaje antiguo (con su hermana, Eva), Finders Will Return y Ninotchka . Finalmente, en 1993, retrató a la Hada Madrina en la puesta en escena de Cenicienta por parte de UCLA . [98]
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Las mujeres inteligentes aman a hombres inteligentes más de lo que ellos las aman (Natalie Portman)

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Las mujeres inteligentes aman a hombres inteligentes más de lo que ellos las aman (Natalie Portman)

Natalie Portman (nacida Neta-Lee Hershlag;3​ en hebreo, נטע-לי הרשלג‎;3​ Jerusalén, Israel; 9 de junio de 1981)4​ es una actriz, productora, directora y psicóloga estadounidense de origen israelí (con doble nacionalidad). Es una de las pocas actrices que ha ganado los cuatro premios más... Ver mas
Natalie Portman (nacida Neta-Lee Hershlag;3​ en hebreo, נטע-לי הרשלג‎;3​ Jerusalén, Israel; 9 de junio de 1981)4​ es una actriz, productora, directora y psicóloga estadounidense de origen israelí (con doble nacionalidad). Es una de las pocas actrices que ha ganado los cuatro premios más importantes del cine por una sola película: el Óscar, el BAFTA, el Globo de oro y el Premio del Sindicato de Actores. Debutó en el cine en la película francesa Léon (1994), donde encarnó el papel de una huérfana que es salvada por un asesino a sueldo. En la década de 1990 interpretó varios papeles protagonistas en filmes como Beautiful Girls y Anywhere But Here, antes de que fuese seleccionada para dar vida al personaje de Padmé Amidala en Star Wars. En 1999, mientras trabajaba en la filmación de Star Wars, ingresó en la Universidad de Harvard en la carrera de Psicología y obtuvo su licenciatura en 2003.5​
En 2001 participó en la obra de teatro La gaviota del escritor ruso Antón Chéjov,6​ la cual se estrenó en el Public Theater de Nueva York.7​ En 2005, por su actuación en el drama Closer fue acreedora de un Globo de Oro a la mejor actriz de reparto y fue nominada a un premio Óscar en la misma categoría. Para su papel protagonista en V de Vendetta se rapó la cabeza y aprendió a hablar con acento británico, su actuación le valió un premio Saturn a la mejor actriz. Posteriormente interpretó el papel principal en las películas históricas Los fantasmas de Goya (2006) y The Other Boleyn Girl (2008). En mayo de 2008 se convirtió en el miembro más joven del jurado de la 61ª edición del Festival de Cannes.8​ Ese mismo año debutó como directora en el cortometraje Eve, el cual fue estrenado en la 65ª edición del Festival Internacional de Cine de Venecia.9​
En 2011 por su interpretación protagonista en Black Swan fue ganadora de un premio Óscar a la mejor actriz, un Globo de Oro a la mejor actriz en un drama, un Premio del Sindicato de Actores a la mejor actriz protagonista y un premio BAFTA a la mejor actriz.
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Portman nació en Jerusalén, Israel.10​11​12​ Su padre, Avner Hershlag, es un médico especialista en fertilidad,13​ y su madre, Shelley Hershlag (nacida Stevens), es un ama de casa estadounidense que trabaja como su agente artística.14​13​ Sus antepasados maternos fueron inmigrantes judíos de Rusia y Austria, y sus antepasados paternos, judíos que se trasladaron a Israel desde Polonia y Rumania. Su abuelo materno, quien perdió a sus padres en Auschwitz,15​ fue profesor de economía en Israel, y su bisabuela, originaria de Rumania, sirvió como espía para el Servicio de Inteligencia Británico durante la Segunda Guerra Mundial.16​17​ Los padres de Portman se conocieron en el centro de estudios judaicos de la Universidad Estatal de Ohio. Intercambiaron correspondencia después de que su padre retornara a Israel y años más tarde, cuando su madre fue de visita, contrajeron matrimonio. En 1984, cuando Portman tenía tres años de edad, se trasladó con su familia a los Estados Unidos, donde su padre continuó su carrera de Medicina.18​ Tiene doble nacionalidad, es israelí y estadounidense,19​20​ y ha declarado que a pesar de que «amo verdaderamente a los Estados Unidos [...] mi corazón está en Jerusalén. Es allí en donde me siento en casa».16​

Natalie Portman en el set de Free Zone en 2005.
Los primeros años la familia vivió en Washington, D.C., ciudad en la que Portman asistió a la escuela Charles E. Smith Jewish Day School. Sin embargo en 1988 se trasladaron a Connecticut y en 1990 se establecieron en Long Island, Nueva York.21​ La actriz aprendió hebreo e inglés y estudió en una escuela primaria judía llamada Solomon Schechter Day School en Glen Cove, Nueva York.22​23​24​ Recibió su educación secundaria en la preparatoria Syosset High School en Syosset, Long Island y se graduó en 1999.25​26​ De hecho, no pudo asistir al estreno de Star Wars: Episode I porque tenía que estudiar para los exámenes finales de su escuela secundaria.27​
Carrera universitaria[editar]
Natalie, además de actriz, también se destacó como psicóloga.28​ El 5 de junio de 2003 Portman se graduó de la Universidad de Harvard con un título en Psicología. En una entrevista publicada en el periódico New York Post declaró «No me importa si la universidad arruina mi carrera», y de acuerdo con un artículo de Fox News la actriz dijo «Prefiero ser inteligente que una estrella de cine».29​ En Harvard fue la ayudante de investigación de Alan Dershowitz en el laboratorio de psicología.30​31​ Durante sus años de estudio vivió en la residencia de estudiantes Lowell House y escribió una carta al periódico estudiantil The Harvard Crimson en respuesta a un ensayo que criticaba las acciones de los israelíes hacia los palestinos.32​33​
En 2004 tomó cursos de postgrado en la Universidad Hebrea de Jerusalén.34​ En marzo de 2006 fue invitada como conferenciante a un curso sobre el terrorismo y el contraterrorismo en la Universidad de Columbia, y la actriz habló sobre la película V de Vendetta.35​
Desde su infancia demostró interés en aprender otros idiomas y ha estudiado francés, japonés, alemán, hebreo y árabe.36​37​38​ Durante su época de estudiante fue coautora de dos ensayos de investigación publicados en revistas científicas. En 1998, un artículo suyo —titulado «A Simple Method to Demonstrate the Enzymatic Production of Hydrogen from Sugar» (Un método sencillo para demostrar la producción enzimática de hidrógeno desde azúcar)— participó en un concurso de ciencias en el que fue seleccionado como semifinalista.39​40​ En 2002, durante sus años en Harvard, contribuyó en un estudio de la memoria llamado «Activación del lóbulo frontal durante la permanencia de los objetos».41​42​
En mayo de 2015 la actriz pronunció en la universidad estadounidense de Harvard un emotivo discurso dirigido a los recién graduados, en el que les animó a asumir su propia inexperiencia, inseguridades e ignorancias para tomar riesgos y lograr objetivos inimaginables para ellos.
Carrera artística[editar]
Inicios[editar]

Natalie en la premier de la película "No Strings Attached" en 2011.
A la edad de cuatro años su madre la inscribió en clases de baile y desde entonces participó en pequeñas obras dirigidas por las compañías de danza locales. Una agencia de modelaje visitó su escuela de danza en busca de modelos para un catálogo y la seleccionaron para una sesión fotográfica. Las imágenes llamaron la atención de la agencia Wilhelmina Models, con la que posteriormente firmó un contrato.43​ Cuando tenía diez años de edad un agente de modelos de Revlon la vio en una pizzería y le ofreció trabajo como modelo, pero rechazó la oferta porque quería enfocarse en la actuación.44​45​ En una entrevista dijo «[...] que era distinta al resto de niños. Era más ambiciosa, sabía lo que me gustaba y lo que quería, y me esforcé mucho. Era una niña muy seria».46​ Para favorecer su carrera cinematográfica, a los doce años, sus padres le cambiaron su apellido por otro más fácil y comercial, el de su abuela materna.47​
Durante las vacaciones escolares Portman asistió a campamentos de teatro. A los diez años participó en la audición del musical Ruthless!, el cual trata sobre una niña que comete un asesinato con el fin de obtener el papel protagónico en una obra de teatro escolar. Tras la audición fue seleccionada como actriz sustituta junto a la cantante Britney Spears para el papel de Tina Denmark, el cual fue interpretado por Laura Bell Bundy.34​ Su debut cinematográfico fue a los 13 años en Léon, película de Luc Besson estrenada en 1994. Sus padres obligaron a suprimir una escena de esa película en la que debía aparecer desnuda y a rectificar el guion en los pasajes en que la niña se mostraba fascinada por la violencia.48​ Rodó sus escenas durante las vacaciones de verano de 1993.49​ Esta exigencia ha mantenido en posteriores películas, lo que le permitió culminar su carrera de psicología.
1995-1999[editar]
En los años siguientes Portman intervino en Beautiful Girls (1995), de Ted Demme, en Heat (1995), en la que actuó con Al Pacino; en Mars Attacks (1996), de Tim Burton, protagonizada por Jack Nicholson y Glenn Close, y en Todos dicen I Love You (1996), de Woody Allen. Esta última resultó ser una experiencia dura para una actriz juvenil, ya que Allen prefiere no dar instrucciones precisas a sus actores y obtener registros de improvisación.

Natalie Portman en el Festival Internacional de Cine de Toronto en 2009.
En 1996 tuvo que abandonar su intervención en Romeo y Julieta, de Baz Luhrmann, debido a la diferencia de edad entre ella y Leonardo DiCaprio. Por otra parte, rechazó ofertas de trabajo en Lolita (1997), de Adrian Lyne, debido a su alto contenido sexual, y en La tormenta de hielo (1997), de Ang Lee, debido a que su personaje era demasiado siniestro. En A cualquier otro lugar (1999), de Wayne Wang, también obligó a eliminar las escenas en las que debía aparecer desnuda. Los productores quisieron sustituirla, pero Susan Sarandon, protagonista de la película, se negó a ello. Portman fue nominada a un Globo de Oro como mejor actriz de reparto, que se llevó Angelina Jolie.
En 1997 dio vida a la niña Ana Frank en la adaptación teatral de El diario de Ana Frank, que se montó sobre los escenarios de Broadway.
A los 18 años se independizó de su familia y de sus asesores. La fuerza del amor (1999), de Matt Williams, fue el primer trabajo que realizó sin sus padres y el primero en que hizo una escena de amor. Interpretó también por primera vez el papel de madre. Fue criticada por su fallido intento de imitar un acento sureño.
2000-2005[editar]
Portman actuó en los tres primeros episodios de Star Wars, de George Lucas. Fue contratada en 1997 para estas tres películas. Rodó el primer episodio a los 16 años durante el verano de 1997; el segundo, a los 19 años, durante el verano del 2000 en Australia; Túnez, España e Italia y marzo de 2001 en Londres, y el tercero a los 22 años en los estudios de Fox en Australia desde el 30 de junio hasta septiembre de 2003. Su papel en esta nueva trilogía fue el de la reina y después senadora Padmé Amidala, esposa (secreta) de Anakin Skywalker y madre de Luke y Leia.
En 2003, inmersa en la finalización de sus estudios superiores de psicología, participa en Cold Mountain, de Anthony Minghella, con un pequeño papel de mujer abandonada con un hijo pequeño.
Pero tenía que llegar 2004 para que Portman lanzase su carrera definitivamente hacia papeles más serios y adultos. En el verano llegó Algo en común, un inesperado éxito de público y crítica en Estados Unidos, con la que demostró que podía participar en películas independientes. Aunque tendría que esperar a finales de año, con el estreno de Closer de Mike Nichols, para su confirmación como estrella y gran actriz. Gracias a esta película en que realiza escenas de una bailarina nudista del caño con escenas de alta sugestividad sexual, consigue un Globo de Oro a la Mejor Actriz Secundaria por su papel de Alice. No sería ésta la última buena noticia, ya que también fue nominada a los Óscar por este mismo papel en la categoría de Actriz Secundaria, aunque esta vez no se llevaría la estatuilla.
En el 2005 apareció en la película independiente Free Zone de Amos Gitai y en la superproducción V de Vendetta de James McTeigue, en donde interpretó a Evey Hammond. Para la película Portman se rapó totalmente la cabeza.
2006-2009[editar]

Portman en la gala de estreno de Love and Other Impossible Pursuits en el Festival Internacional de Cine de Toronto 2009.
En 2006 graba en España Los fantasmas de Goya, de Miloš Forman, junto a Javier Bardem y Stellan Skarsgard, interpretando a la musa del pintor Goya. Los escenarios son variados, destacando los exteriores rodados en el parque de El Retiro de Madrid, así como en el palacio del Infante don Luis (Boadilla del Monte).
La actriz ha estado varias veces en España. Rodó una escena en la Plaza de España de Sevilla, en Star Wars Episodio II: El Ataque de los Clones, y recientemente para rodar Los fantasmas de Goya ha estado en Madrid y Salamanca.
En 2007 trabajó en la primera película con producción norteamericana del aclamado director asiático Wong Kar Wai, creador del film 2046 (ganador del premio a la mejor película europea). Se trató de My Blueberry Nights, que incluyó a un enorme reparto: además de la propia Portman, la ganadora del Óscar Rachel Weisz (El jardinero fiel), Jude Law (Closer), Ed Harris (Las horas) y la sorpresa del reparto: la cantante Norah Jones, quien ya había participado representándose a sí misma.
A continuación rodó la película del debutante Justin Chadwick que lleva por título Las hermanas Bolena, acerca de las hermanas Ana y María Bolena, las cuales se enfrentaron por el amor del rey Enrique VIII. El gran aliciente del filme es que las hermanas fueron interpretadas por Portman y Scarlett Johansson, respectivamente. Enrique VIII fue interpretado por Eric Bana. Tras haber rechazado anteriormente papeles con escenas de desnudo, en el año 2007 ha realizado un corto de 12 minutos, Hotel Chevalier, dirigido por Wes Anderson, en el que aparece totalmente desnuda. El film, que fue colgado en la red, precedió en los cines al largometraje de Anderson, Viaje a Darjeeling. También debutó como directora con el corto-comedia Eve en el Mostra de Venecia en el 2008.
En 2008, participó en la serie documental de la cadena de televisión Animal Planet titulada Gorilas de Ruanda donde, junto con especialistas, veterinarios y exploradores, viajó a dicho país para estudiar la situación ecológica y ambiental de dichos animales, en alerta por su vulnerabilidad (en vías de llegar al peligro de extinción).50​ Participó también en las películas París, te amo y Nueva York, te amo. En esta última actuó en uno de los segmentos y dirigió otro.
2010-[editar]

Portman con su Óscar a la Mejor Actriz por su interpretación en Black Swan.

La actriz presentó en el Festival de Venecia 2010 la película Cisne Negro de Darren Aronofsky, drama ambientado en el mundo del ballet, arte que Portman había practicado en la niñez y que retomó para el filme. Por su actuación obtuvo un Globo de Oro, un premio SAG y además, el Óscar como Mejor Actriz por su interpretación en dicho filme. Este triunfo se vio envuelto en cierta polémica cuando Sarah Lane, la bailarina que ejerció como doble de cuerpo de Portman, restó importancia al trabajo de la actriz afirmando que tan sólo el 5% de las escenas de baile eran de Natalie: «es imposible que en un año se aprenda lo que yo hice durante veintiuno».51​ El director Aronofsky replicó: «Hay 139 tomas de baile en la película. 111 son solo de Natalie Portman. 28 son su doble de baile Sarah Lane. Si haces un cálculo, [el 80%] es Natalie Portman». El director también indicó que en contadas ocasiones las escenas que se grabaron con Lane duran más de un segundo y que sólo hay dos escenas largas donde se tuvo que reemplazar su rostro debido a la complejidad de la rutina. Aun así dijo que fijándose sólo en la duración de la cinta «[...] más del 90% del tiempo sería Natalie Portman».52​
Vida privada[editar]
Portman es judía no religiosa, vegana por propia iniciativa desde los catorce años y aún estando embarazada.[cita requerida] Habla hebreo, inglés y, aunque no los domina, ha tomado clases de francés, japonés, alemán y español.[cita requerida]
Entre sus parejas conocidas se encontraron los actores Lukas Haas, Jake Gyllenhaal, Gael García Bernal, Liron Levo, el modelo Nathan Bogle,53​y los cantantes Moby y Devendra Banhart, este último la invitó a participar en el vídeo musical de su canción "Carmensita".54​55​56​ En diciembre de 2010 la revista People anunció que Portman estaba comprometida con el coreógrafo Benjamin Millepied, a quien conoció mientras trabajaba como coreógrafo en la película Black Swan,57​58​ y en espera de su primer hijo.59​ Portman dio a luz a su hijo Aleph Millepied Portman el 14 de junio de 2011.60​61​
Portman y Millepied se casaron el día 4 de agosto de 2012 en una ceremonia judía cerca de Big Sur, California.62​ El 9 de septiembre de 2016 se da a conocer que el matrimonio espera su segundo hijo para 2017.63​ El matrimonio dio la bienvenida a su segundo hijo, una niña llamada Amalia el 22 de febrero de 2017.64​
Obras de caridad[editar]
Portman ha prestado su ayuda a numerosas causas humanitarias y medioambientales entre las que destacan: su apoyo a FINCA como Ambasador of Hope, el Programa de Escolarización Tacare Girl o el Instituto Jane Goodall, una organización sin ánimo de lucro dedicada a investigar la vida salvaje en Tanzania.65​66​
Filmografía[editar]
Películas[editar]
Año Título Personaje Notas
2018 Annihilation
2017 Planetarium
2017 Song to Song
2016 Jackie Jacqueline Kennedy
Jane Got a Gun Jane Hammond
2015 A Tale Of Love And Darkness Fania Oz
Knight of Cups Elizabeth
2014 The Heyday of the Insensitive Bastard Laura
2013 Thor: Un mundo oscuro Jane Foster
2011 Thor Jane Foster
Hesher Nicole
Una loca aventura medieval Isabel
Amigos con derechos Emma Kurtzman
2010 El cisne negro Nina Sayers Óscar a la mejor actriz
Globo de Oro a la mejor actriz - Drama
BAFTA a la mejor actriz
Premio del Sindicato de Actores a la mejor actriz
I'm Still Here Natalie Portman
2009 Hermanos Grace Cahill
Un amor equivocado Emilia Greenleaf
Nueva York, te amo Rifka
El amor y otras cosas imposibles Emilia Greenleaf
2008 Las hermanas bolena Ana Bolena
2007 El mundo mágico de Magorium Molly Mahoney
Viaje a Darjeeling Ex novia de Jack
Buscando un amor Leslie
2006 Los fantasmas de Goya Inés Bilbatúa/Alicia
París, te amo Francine
2005 Zona libre Rebecca
Star Wars: Episodio III - La venganza de los Sith Padmé Amidala
V de Vendetta Evey Hammond
2004 Closer: Llevados por el deseo Alice Ayres/Jane Jones Globo de Oro a la mejor actriz de reparto
Tiempo de volver Samantha
2003 Regreso a Cold Mountain Sara
2002 Star Wars: Episodio II - El ataque de los clones Padmé Amidala
2001 Zoolander Ella misma
2000 ¿Dónde quedó el amor? Novalee Nation
1999 Cambio de vida Ann August
Star Wars: Episodio I - La amenaza fantasma Padmé Amidala
1996 ¡Mars Attacks! Taffy Dale
Todos dicen que te amo Laura Dandridge
Beautiful Girls Marty
1995 Fuego contra fuego Lauren Gustafson
1994 El perfecto asesino Matilda
Televisión y cortometrajes[editar]

Portman en los 83 Premios de la Academia en 2011.
Año Título Personaje Notas
2013 South Park Ella misma «A History Channel Thanksgiving»
2007 The Simpsons Darcy Episodio «Little Big Girl»
2007 Hotel Chevalier Novia de Jack Corto previo a Viaje a Darjeeling
2006 Saturday Night Live Anfitriona Temporada 31, Episodio 13
2004 True Francine Corto incluido en la película Paris je t'aime
2004 Sesame Street Ella misma Episodio # 35.4
2003 Sesame Street Ella misma Episodio # 34.11
1994 Developing Nina Cortometraje
Productora, directora y escritora[editar]
Año Película Notas
2011 No Strings Attached Productora
2010 Hesher Productora
2008 New York, I Love You Directora (fragmento) y escritora
2008 Eve (Corto) Directora y escritora
2015 A Tale of Love and Darkness Directora
2016 Pride and Prejudice and Zombies Productora
Teatro[editar]
Año Obra Personaje
1992 Ruthless! Tina Denmark
1997 El diario de Ana Frank Ana Frank
2001 La gaviota Nina
Premios[editar]
Artículo principal: Anexo:Premios de Natalie Portman
Premios principales[editar]
Óscar[editar]
Año Categoría Película Resultado
2004 Mejor actriz de reparto Closer Nominada67​
2010 Mejor actriz Black Swan Ganadora68​
2016 Jackie Nominada69​
Globos de Oro[editar]
Año Categoría Película Resultado
1999 Mejor actriz de reparto Anywhere But Here Nominada70​
2004 Closer Ganadora71​
2010 Mejor actriz - Drama Black Swan Ganadora72​
2016 Jackie Nominada73​
Sindicato de Actores[editar]
Año Categoría Película Resultado
2010 Mejor reparto Black Swan Nominada74​
2010 Mejor actriz Ganadora75​
2016 Jackie Nominada76​
BAFTA[editar]
Año Categoría Película Resultado
2004 Mejor actriz de reparto Closer Nominada77​
2010 Mejor actriz Black Swan Ganadora78​
2016 Jackie Nominada79​
Crítica Cinematográfica[editar]
Año Categoría Película Resultado
2004 Mejor reparto Closer Nominada80​
2004 Mejor actriz de reparto Nominada80​
2010 Mejor actriz Black Swan Ganadora81​
2016 Jackie Ganadora82​
Independent Spirit[editar]
Año Categoría Película Resultado
2010 Mejor actriz Black Swan Nominada83​
2016 Jackie Nominada84​
Satellite[editar]
Año Categoría Película Resultado
2010 Mejor actriz Black Swan Nominada85​
2016 Jackie Nominada86​
Ha recibido 20 puntos

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Procuro ser siempre puntual, pues he observado que los defectos de una persona se reflejan muy vivamente en la memoria de quien la espera (Nicolás Boileau)

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Procuro ser siempre puntual, pues he observado que los defectos de una persona se reflejan muy vivamente en la memoria de quien la espera (Nicolás Boileau)

(Llamado Boileau-Despréaux; París, 1636- id., 1711) Escritor francés. Su obra crítica, que refleja los ideales literarios de la Francia de Luis XIV, contribuyó a instaurar la estética del clasicismo francés. Amigo de La Fontaine, Molière y Racine, se dio a conocer en 1666 con sus siete Sátiras... Ver mas
(Llamado Boileau-Despréaux; París, 1636- id., 1711) Escritor francés. Su obra crítica, que refleja los ideales literarios de la Francia de Luis XIV, contribuyó a instaurar la estética del clasicismo francés. Amigo de La Fontaine, Molière y Racine, se dio a conocer en 1666 con sus siete Sátiras, a las que agregó dos más en 1668. Este mismo año comenzó a publicar sus Epístolas. En 1674 publicó su obra más influyente, el Arte poética, y concluyó los cuatro primeros cantos de El atril. En 1677 fue nombrado, junto con Racine, historiógrafo del rey. En la querella de antiguos y modernos, que le opuso a los Perrault, fue un acérrimo defensor de los primeros. Su última obra, la sátira XII, fue censurada por el rey debido a su contenido jansenista.


Nicolas Boileau

Aun cuando Nicolas Boileau no fue un espíritu original ni creó la estética del clasicismo francés, sí realizó su más clara y ordenada exposición y contribuyó definitivamente a la consolidación de esta corriente. Pertenecía a una familia de magistrados, y después de estudiar leyes, su hermano, el escritor Gilles Boileau, lo animó a convertirse en hombre de letras.

Como amigo que era de Molière, comenzó su producción por la vía satírica. Sus primeros versos, Sátiras (1666-1668), constituían una divertida queja personal contra sus enemigos, y en ellos se criticaba el preciosismo literario en favor de un estilo basado en la claridad y el rigor. Simultáneamente empezó a componer las Epístolas, en las que repitió la temática de las Sátiras pero con una mayor agilidad formal, y trabó amistad con Jean Racine y Jean de La Fontaine. En Decreto burlesco (1671), satirizó el rechazo del cartesianismo por parte de la Universidad. En 1674 dio a conocer cuatro cantos de El atril, una discusión sobre futilidades entre clérigos en la que parodió el estilo solemne.

Su faceta más conocida fue, no obstante, la de teórico, gracias a su Arte poética (1674), en la que, inspirándose en Horacio y Aristóteles, preconizaba una literatura basada en la imitación de la naturaleza, la organización racional de los elementos y el respeto a las normas clásicas. Considerada como un manifiesto teórico del neoclasicismo, esta obra consolidó y extendió su prestigio por toda Europa.

En 1677 fue nombrado cronista de Luis XIV, y en 1684 éste lo eligió miembro de la Academia Francesa. A partir de 1692 reanudó su actividad polemista escribiendo varias sátiras en apoyo de los «antiguos», que defendían la superioridad de los clásicos, frente a los «modernos». Aunque su obra tuvo una considerable importancia entre los escritores de su época e influyó en autores como Voltaire, su presencia en la literatura francesa, al contrario de la de Moliere o Racine, fue decreciendo con el paso del tiempo.





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El problema real no es si las máquinas piensan, sino si lo hacen los hombres (B.F. Skinner)

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El problema real no es si las máquinas piensan, sino si lo hacen los hombres (B.F. Skinner)

(Burrhus Frederic Skinner; Susquehanna, 1904 - Cambridge, Estados Unidos, 1990) Psicólogo estadounidense. Obtuvo el doctorado en psicología por la Universidad de Harvard en 1931, y continuó sus investigaciones en la misma universidad como asistente de laboratorio de biología con el profesor... Ver mas
(Burrhus Frederic Skinner; Susquehanna, 1904 - Cambridge, Estados Unidos, 1990) Psicólogo estadounidense. Obtuvo el doctorado en psicología por la Universidad de Harvard en 1931, y continuó sus investigaciones en la misma universidad como asistente de laboratorio de biología con el profesor Crozier; en 1936 empezó a trabajar como profesor en la Universidad de Minnesota, donde permaneció nueve años.


B. F. Skinner

En 1938 Skinner publicó su primer libro, Las conductas de los organismos, y tras un breve período en la Universidad de Indiana, se estableció en Harvard (1948). Influido por la teoría de los reflejos condicionados de Pavlov y por el conductismo de John B. Watson, Skinner creyó que era posible explicar la conducta de los individuos como un conjunto de respuestas fisiológicas condicionadas por el entorno, y se entregó al estudio de las posibilidades que ofrecía el control científico de la conducta mediante técnicas de refuerzo (premio de la conducta deseada), necesariamente sobre animales.

Entre los experimentos más célebres de Skinner cabe citar el adiestramiento de unas palomas para jugar al pimpón, la llamada caja de Skinner, todavía hoy utilizada para el condicionamiento de animales, o el diseño de un entorno artificial específicamente pensado para los primeros años de vida de las personas.

Su conductismo radical levantó abundante polémica en su país, y alcanzó una fama notable con la publicación de la novela Walden 2 (1948), en la que especulaba sobre una sociedad futura totalmente programada con técnicas de ingeniería de la conducta.

En su ensayo Más allá de la libertad y la dignidad (1971), Skinner defendió que tales conceptos resultaban en último término perniciosos para la sociedad, y que la única manera de alcanzar una convivencia óptima pasa necesariamente por aplicar unas técnicas adecuadas en el diseño de la conducta de sus miembros.





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No hay nada más hermoso que la risa (Frida Kahlo)

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No hay nada más hermoso que la risa (Frida Kahlo)

(Magdalena Carmen Frida Kahlo; Coyoacán, México, 1907 - id., 1954) Pintora mexicana. Aunque se movió en el ambiente de los grandes muralistas mexicanos de su tiempo y compartió sus ideales, Frida Kahlo creó una pintura absolutamente personal, ingenua y profundamente metafórica al mismo tiempo... Ver mas
(Magdalena Carmen Frida Kahlo; Coyoacán, México, 1907 - id., 1954) Pintora mexicana. Aunque se movió en el ambiente de los grandes muralistas mexicanos de su tiempo y compartió sus ideales, Frida Kahlo creó una pintura absolutamente personal, ingenua y profundamente metafórica al mismo tiempo, derivada de su exaltada sensibilidad y de varios acontecimientos que marcaron su vida.


Frida Kahlo

A los dieciocho años Frida Kahlo sufrió un gravísimo accidente que la obligó a una larga convalecencia, durante la cual aprendió a pintar, y que influyó con toda probabilidad en la formación del complejo mundo psicológico que se refleja en sus obras. En 1929 contrajo matrimonio con el muralista Diego Rivera; tres años después sufrió un aborto que afectó en lo más hondo su delicada sensibilidad y le inspiró dos de sus obras más valoradas: Henry Ford Hospital y Frida y el aborto, cuya compleja simbología se conoce por las explicaciones de la propia pintora.

También son muy apreciados sus autorretratos, asimismo de compleja interpretación: Autorretrato con monos o Las dos Fridas. Cuando André Breton conoció la obra de Frida Kahlo, afirmó que la mexicana era una surrealista espontánea y la invitó a exponer en Nueva York y París, ciudad esta última en la que no tuvo una gran acogida. Frida nunca se sintió cerca del surrealismo, y al final de sus días rechazó abiertamente que su creación artística fuera encuadrada en esa tendencia.


Junto a su cuadro Las dos Fridas

En su búsqueda de las raíces estéticas de México, Frida Kahlo realizó espléndidos retratos de niños y obras inspiradas en la iconografía mexicana anterior a la conquista, pero son las telas que se centran en ella misma y en su azarosa vida las que la han convertido en una figura destacada de la pintura mexicana del siglo XX.

La obra de Frida Kahlo

La producción de la artista mexicana es un ejemplo de ese tipo de arte que sirve como poderoso instrumento con el que exorcizar la angustia de una realidad hostil. El signo trágico de su existencia, marcada por la lucha contra la enfermedad, había comenzado cuando a los seis años contrajo una poliomielitis que le dejó importantes secuelas. En 1925 sufrió un grave accidente de tráfico que le fracturó la columna vertebral y la pelvis. Además de imposibilitarle tener hijos, el accidente fue la causa de numerosas operaciones futuras y de una salud siempre precaria.

A través de la pintura, que empezó a practicar en los largos meses de inmovilidad tras el accidente, Frida Kahlo reflejaría de forma soberbia la colisión entre su ansia de felicidad y la insistente amenaza de su destrucción, a la vez que conjuraba la dualidad irreductible entre los sueños (de amor, de hijos) y la realidad (dolor e impotencia).

Durante la convalecencia del accidente, sin poder ni siquiera incorporarse, comenzó a pintar tomándose ella misma como modelo principal. Le colocaron un espejo bajo el baldaquino de su cama y un carpintero le fabricó una especie de caballete que le permitía pintar estando acostada. Éste fue el inicio de una larga serie de autorretratos, tema que ocupa el grueso de su producción, de carácter fundamentalmente autobiográfico. En una ocasión afirmó: "Me retrato a mí misma porque paso mucho tiempo sola y porque soy el motivo que mejor conozco." En poco tiempo Frida desarrolló un vocabulario simbólico propio; con él acompañaba sus retratos para representar metafóricamente sus experiencias y sus pensamientos.


Autorretrato con monos (1943)

Influida por las ideas de vindicación de identidad que propagaba el nacionalismo revolucionario, Frida vestía con largas faldas mexicanas, moños trenzados con cintas de colores y collares y pendientes precolombinos. Así la encontramos en Autorretrato como Tehuana (1943, Colección Natasha Gelman, Ciudad de México), representada como mexicana "auténtica" y acentuando sus rasgos mestizos (tenía sangre española, india y alemana). Producto de esa misma ideología nacionalista son los fondos de algunas de sus obras como el Autorretrato con monos (1943, Colección Natasha Gelman, Ciudad de México), en el que su figura aparece recortada sobre plantas selváticas y rodeada de animales, o aquellos en los que retoma imágenes de la cultura precolombina, como Mi nana y yo (1937, Colección Dolores Olmedo, Ciudad de México).

Otras veces, como en Autorretrato - El Marco (1938, Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Georges Pompidou, París), se inspira en la imaginería popular y muy específicamente en los retablos cargados de ese barroquismo ingenuo y colorista tan específicamente mexicano que conjuga vívidamente lo espectacular con lo escatológico.

Una de las formas más comunes del arte popular mexicano son los exvotos. Frida vincula a esta tradición sus cuadros de desarrollo narrativo representando de forma sintética los elementos más significativos y de mayor carga expresiva. El tamaño pequeño de los cuadros y la técnica (óleo sobre plancha metálica) proviene también de ellos.


Henry Ford Hospital (1932)

Esta fusión entre la temática personal y las formas de la imaginería popular se encuentra expresada de forma emblemática en la obra Henry Ford Hospital (1932, Colección Dolores Olmedo, Ciudad de México). A pesar del accidente, Frida esperaba que su segundo embarazo llegara a buen término, pero su pelvis fracturada no podía acoger el desarrollo de un niño. La traumática experiencia de un nuevo aborto fue el origen del cuadro.

La adopción de las formas narrativas de los exvotos tiene su mejor ejemplo en una pieza singular titulada Retablo (1943, colección privada). Frida había encontrado un exvoto que representaba el choque entre un tren y un autobús; una muchacha herida yacía sobre las vías y la imagen de la Virgen de los Dolores flotaba sobre la escena. Añadiendo a la chica sus propias cejas y unos rótulos al tren y al autobús, lo convirtió en la representación de su propio accidente. En la parte inferior escribió: "Los esposos Guillermo Kahlo y Matilde C. de Kahlo dan gracias a la Virgen de los Dolores por haber salvado a su niña Frida del accidente acaecido en 1925 en la esquina de Cuahutemozin y de Calzada de Tlalpan."


Retablo (1943)

Tras superar algunas graves crisis de salud, y de forma idéntica a como lo hacen los creyentes con los santos de su devoción, Frida mostró su agradecimiento a los médicos mediante pinturas que siguen rigurosamente las convenciones del exvoto. Muestras de ello son las obras dedicadas al doctor Eloesser y al doctor Farill.

Pero no sólo la enfermedad fue causa de sus trastornos y metáfora de sus pinturas; los reveses de su vida afectiva también fueron tematizados en cuadros que constituyen depuradas síntesis simbólicas. En El corazón (1937, Colección Michel Petitjean, París), la ausencia de manos expresa su impotencia y desesperación ante el enredo amoroso entre Diego Rivera y su hermana Cristina. Su corazón, literalmente arrancado, yace a sus pies y posee un tamaño desmesurado que refleja la intensidad de su dolor. Junto a ella, un vestido femenino, que alude a su hermana, pende de un hilo, a la vez que de sus mangas sale un único brazo que enlaza y un palo atraviesa el hueco que ha dejado su propio corazón.


El corazón (1937)

Frida y el surrealismo

La apariencia onírica de sus imágenes propiciaba la relación de su simbología con el surrealismo, algo que Frida Kahlo negaría rotundamente: "Se me tomaba por una surrealista. Ello no es correcto, yo nunca he pintado sueños, lo que yo he representado era mi realidad."


Frida Kahlo y Diego Rivera

Pero Frida no sólo rechazó el carácter surrealista de su pintura, sino que profesó una profunda aversión hacia los representantes del movimiento. Había conocido a Breton en México en 1938 y al año siguiente, en vísperas de la Segunda Guerra Mundial, pasó varios meses en París, donde tuvo ocasión de entrar en contacto con los otros surrealistas. La opinión que le merecían la expresó sin cortapisas en una carta que escribió desde allí a Nicolas Muray: "No puedes imaginarte lo joputas que son esta gente; me hacen vomitar. Son tan condenadamente intelectuales y degenerados, que ya no los aguanto más."

Frente a las representaciones oníricas o al automatismo psíquico de los surrealistas, los numerosos símbolos que Frida Kahlo introduce en sus cuadros poseen significaciones precisas y son producto de la actividad consciente. Su obra se origina y procede de una continua indagación sobre sí misma, y manifiesta los estados de ánimo de forma precisa y deliberada, materializando las oscilaciones entre el sufrimiento y la esperanza. El carácter simbólico de su pintura da cauce a la expresión vehemente de una personalidad apasionada para la que el arte es desafío y combate, lucha violenta contra la enfermedad, pero también repliegue ensimismado hacia su yo interior y huella del reconocimiento doloroso de su identidad maltrecha.





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No es la carne y la sangre, sino el corazón, lo que nos hace padres e hijos (Friedrich von Schiller)

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No es la carne y la sangre, sino el corazón, lo que nos hace padres e hijos (Friedrich von Schiller)

(Friedrich o Federico Schiller; Marbach, Alemania, 1759 - Weimar, id., 1805) Escritor, filósofo e historiador alemán considerado el mejor dramaturgo de la historia de la escena alemana. Hijo de un cirujano militar, estudió medicina y derecho en la Escuela Militar de Stuttgart, en lugar de... Ver mas
(Friedrich o Federico Schiller; Marbach, Alemania, 1759 - Weimar, id., 1805) Escritor, filósofo e historiador alemán considerado el mejor dramaturgo de la historia de la escena alemana. Hijo de un cirujano militar, estudió medicina y derecho en la Escuela Militar de Stuttgart, en lugar de teología, tal como era su deseo. Sin tener en cuenta las prohibiciones de la disciplina militar, empezó a interesarse por la literatura protorromántica del «Sturm und Drang» y, en 1781, estrenó su primera pieza teatral, Los bandidos, drama antiautoritario que le supuso la deposición del cargo de cirujano mayor y la prohibición de escribir obras que pudieran atentar contra el orden social.


Schiller

Obligado a abandonar Stuttgart, se dirigió primero a Mannheim (1782), donde representó obras de contenido republicano que ensalzaban la libertad y la fuerza de espíritu; más tarde, por temor a nuevas represalias, se trasladó a Leipzig. Durante este período de vida errante, fundó una revista y trabó amistad con una dama influyente, Charlotte von Kalb, que le brindó su protección.

Finalmente, se desplazó a Dresde, y se hospedó en casa del jurista Körner, admirador suyo, quien lo encaminó hacia una ideología y una estética menos exaltadas. Bajo esta influencia acabó su Don Carlos (1787), obra que marca la frontera entre su primera etapa revolucionaria y clasicista, caracterizada, sin embargo, por un clasicismo más próximo a Shakespeare que a la cultura grecolatina.

Según la crítica, su obra más lograda es la trilogía en verso Wallenstein (1776-1799), un drama en el cual los acontecimientos históricos adquieren una dimensión ideológica en los personajes que los protagonizan. Durante su estancia en casa de Körner escribió también su himno A la alegría (1775), incorporado por Beethoven a la novena sinfonía, en el que expresa su generoso e imperturbable idealismo.

En 1787 se dirigió a Weimar con el ánimo de conocer a Herder, Wielan y Goethe. Se dedicó entonces a la investigación histórica, y en 1789 obtuvo la cátedra de historia en la Universidad de Jena. Escribió algunos trabajos en los que expuso su concepción idealista de la historia, así como los poemas filosóficos Los dioses de Grecia (1788) y Los artistas (1789).



En 1790 se casó con Charlotte von Lengefeld, y un año más tarde obtuvo una pensión del duque de Holstein-Augustenburg, gracias a la cual pudo dedicarse al estudio de Kant, en cuya filosofía se refugió de las consecuencias reales de la Revolución Francesa, que con tanto ardor había defendido teóricamente. Fruto del estudio de la filosofía kantiana, publicó algunos tratados estéticos en los que, a su ideal de perfección moral, unió la busqueda de la belleza, los dos valores que, según Schiller, determinan los progresos y las transformaciones de la sociedad si son asumidos individualmente.

Dejando de lado sus investigaciones históricas y filosóficas, en 1794 fundó la revista Die Horen e inició una fructífera colaboración con Goethe. Su amistad se consolidó tras fijar su residencia en Weimar (1799), cuando ya habían fundado (1797) otra revista, Musenalmanach (Almanaque de las musas), en la que también colaboraba Wilhelm von Humboldt. En ella, Schiller y Goethe publicaron en colaboración la colección de epigramas Xenias (1797) y, un año más tarde, cada uno de ellos publicó por separado sus Baladas, inspiradas principalmente en la Antigüedad y la Edad Media.

Schiller dedicó los últimos años de su vida al teatro, el género en el que más refulgió su talento. En 1804 vio la luz la más popular de sus obras, Guillermo Tell, en la cual el amor y la glorificación de la libertad, ideal constante en el escritor, se manifiestan de la forma más armoniosa y eficaz. Falleció un año después sin haber podido dar cima a su tragedia más ambiciosa, Demetrio, sobre el hijo de Iván el Terrible, y que parecía preludiar un cambio de orientación en su obra.



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Por favor, no retoque mis arrugas. Me ha costado años conseguirlas (Anna Magnani)

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Por favor, no retoque mis arrugas. Me ha costado años conseguirlas (Anna Magnani)

(Roma, 1908 - 1973) Actriz de cine italiana. Hija ilegítima de madre italiana y padre egipcio, fue criada por su abuela materna y educada en un convento. Estudió interpretación en la Accademia d'Arte Drammatica de Roma mientras se ganaba la vida como cantante en clubes nocturnos. Tras actuar en... Ver mas
(Roma, 1908 - 1973) Actriz de cine italiana. Hija ilegítima de madre italiana y padre egipcio, fue criada por su abuela materna y educada en un convento. Estudió interpretación en la Accademia d'Arte Drammatica de Roma mientras se ganaba la vida como cantante en clubes nocturnos. Tras actuar en espectáculos de variedades, debutó en el teatro en 1926 con una compañía de repertorio. Después de una gira teatral por Argentina, debutó en el cine en Scampolo (1927), de Augusto Genina, con un pequeño papel.

Tras unos años dedicada al teatro, regresó a la pantalla para protagonizar La cieca de Sorrento (1934), de Nuncio Malasomma. En 1935 se casó con el director Goffredo Alessandrini, que la dirigió en Caballería (1936) a pesar de considerarla inapropiada para actuar en el cine. Entre lo mejor de estos primeros años destacó un papel de reparto en Nacida en viernes (1941), de Vittorio De Sica. En 1942 tuvo un hijo fuera del matrimonio con el actor Massimo Serato. El pequeño Luca, afectado de polio, centró la atención de su madre en los años posteriores.

Tras la Segunda Guerra Mundial, su talento interpretativo encontró un vehículo adecuado en Roma, ciudad abierta (1946), de Roberto Rossellini, una obra maestra que supone el nacimiento del neorrealismo y marcó una nueva época en la historia del cine dentro y fuera de Italia. Rodada en escenarios naturales y condiciones precarias poco después de la liberación de Roma, la película mostró al mundo las dificultades para sobrevivir en los últimos años de la guerra. Anna Magnani, miembro de un reparto de actores poco conocidos o no profesionales, realizó una prodigiosa interpretación como Pina, la amante embarazada de un dirigente comunista asesinada por la Gestapo.

Roma ciudad abierta obtuvo un enorme éxito internacional y fue galardonada con la Palma de Oro del Festival de Cannes. Las vicisitudes de su rodaje están reflejadas en la novela de Ugo Pirro "Celuloide". La Magnani, como ya se la conocía en Italia, recibió el premio a la Mejor Actriz extranjera del National Board of Review de los Estados Unidos y se convirtió en una estrella internacional a pesar de su físico, alejado de los cánones del momento. Su temperamento y su enorme talento recibieron numerosos elogios. Vittorio De Sica la calificó como "la mejor actriz de Italia y una de las más interesantes del mundo" y la crítica americana Pauline Kael dijo que es "la más 'real' de las actrices".

Recibió la Copa Volpi a la Mejor Actriz del Festival de Cine de Venecia por su interpretación en Noble gesta (1947), de Luigi Zampa, y colaboró de nuevo con Rossellini en dos capítulos de L'amore (1948), un monólogo basado en la obra teatral "La voz humana" de Jean Cocteau, y el polémico episodio El milagro, en el que dio vida a una campesina que dice llevar en su seno a Jesucristo. En 1950 obtuvo la anulación de su matrimonio con Goffredo Alessandrini.



Se convirtió en la gran actriz italiana de posguerra y trabajó con los mejores directores italianos y extranjeros. Su personalidad cinematográfica se puso de manifiesto en papeles de mujer fuerte, representación de los valores de la mujer italiana y personificación de la mamma a la manera clásica. Uno de los mejores ejemplos de sus trabajos en este registro fue Bellísima (1951), de Luchino Visconti, donde interpretó a la madre que desea que su hija pequeña se convierta en una actriz de cine.

Su enorme versatilidad le permitió elegir proyectos más arriesgados dentro y fuera de Italia, como La carroza de oro (1952), de Jean Renoir, una de las más atípicas películas de su director que cuenta las peripecias de una compañía teatral del Siglo XVIII en América del Sur. Su primera película en los Estados Unidos fue La rosa tatuada (1955), de Daniel Mann, adaptación de la obra homónima que Tennessee Williams, su amigo personal, escribió para que la Magnani la estrenara en Broadway. Fue galardonada con el Oscar de la Academia a la Mejor Actriz y con el Globo de Oro y el premio de la crítica de Nueva York por su interpretación de la viuda Serafina Delle Rose, que mantiene un apasionado romance con un camionero interpretado por Burt Lancaster.

Trabajó desde entonces de forma regular en Hollywood sin dejar de lado las producciones italianas. Recibió el Oso de Plata a la Mejor Actriz del Festival de Berlín y fue nominada al Oscar por segunda vez por su interpretación en Viento Salvaje (1957), de George Cukor, un melodrama que protagonizó junto a Anthony Quinn. Entre lo mejor de sus últimos trabajos destacó poderosamente Mamma Roma (1962), de Pier-Paolo Pasolini, en la que interpretó a una prostituta entrada en años que intenta cambiar su vida y reunirse con su hijo adolescente tras años de separación. Heredera directa y al mismo tiempo homenaje al neorrealismo, Mamma Roma fue la segunda película de Pasolini y pudo rodarse gracias al apoyo de una estrella como Magnani en un papel escrito para ella.

La actriz redujo notablemente su actividad profesional durante los años sesenta y sus apariciones en el cine fueron cada vez más escasas. Se dedicó sobre todo al teatro y a la televisión. Roma (1972), de Federico Fellini, film a caballo entre el documental y la ficción en el que aparece brevemente haciendo de sí misma, fue su último trabajo en la pantalla grande. Anna Magnani falleció a causa de un cáncer de páncreas. Convertida en un verdadero símbolo nacional, su entierro provocó una concentración popular en Roma sólo superada por los honores reservados a los papas. Sus restos descansan en el mausoleo familiar de su amigo Roberto Rossellini.



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Enseñarás a volar, pero no volarán tu vuelo. En él siempre estará la huella del camino enseñado (Madre Teresa de Calcuta)

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Enseñarás a volar, pero no volarán tu vuelo. En él siempre estará la huella del camino enseñado (Madre Teresa de Calcuta)

(Agnes Gonxha Bojaxhiu; Skopje, actual Macedonia, 1910 - Calcuta, 1997) Religiosa albanesa nacionalizada india, premio Nobel de la Paz en 1979. Cuando en 1997 falleció la Madre Teresa de Calcuta, la congregación de las Misioneras de la Caridad contaba ya con más de quinientos centros en un... Ver mas
(Agnes Gonxha Bojaxhiu; Skopje, actual Macedonia, 1910 - Calcuta, 1997) Religiosa albanesa nacionalizada india, premio Nobel de la Paz en 1979. Cuando en 1997 falleció la Madre Teresa de Calcuta, la congregación de las Misioneras de la Caridad contaba ya con más de quinientos centros en un centenar de países. Pero quizá la orden que fundó, cuyo objetivo es ayudar a "los más pobres de los pobres", es la parte menor de su legado; la mayor fue erigirse en un ejemplo inspirador reciente, en la prueba palpable y viva de cómo la generosidad, la abnegación y la entrega a los demás también tienen sentido en tiempos modernos.


La Madre Teresa de Calcuta

Nacida en el seno de una familia católica albanesa, la profunda religiosidad de su madre despertó en Agnes la vocación de misionera a los doce años. Siendo aún una niña ingresó en la Congregación Mariana de las Hijas de María, donde inició su actividad de asistencia a los necesitados. Conmovida por las crónicas de un misionero cristiano en Bengala, a los dieciocho años abandonó para siempre su ciudad natal y viajó hasta Dublín para profesar en la Congregación de Nuestra Señora de Loreto. Como quería ser misionera en la India, embarcó hacia Bengala, donde cursó estudios de magisterio y eligió el nombre de Teresa para profesar.

Apenas hechos los votos pasó a Calcuta, la ciudad con la que habría de identificar su vida y su vocación de entrega a los más necesitados. Durante casi veinte años ejerció como maestra en la St. Mary's High School de Calcuta. Sin embargo, la profunda impresión que le causó la miseria que observaba en las calles de la ciudad la movió a solicitar a Pío XII la licencia para abandonar la orden y entregarse por completo a la causa de los menesterosos. Enérgica y decidida en sus propósitos, Santa Teresa de Calcuta pronunció por entonces el que sería el principio fundamental de su mensaje y de su acción: "Quiero llevar el amor de Dios a los pobres más pobres; quiero demostrarles que Dios ama el mundo y que les ama a ellos".

En 1948, poco después de proclamada la independencia de la India, obtuvo la autorización de Roma para dedicarse al apostolado en favor de los pobres. Mientras estudiaba enfermería con las Hermanas Misioneras Médicas de Patna, Teresa de Calcuta abrió su primer centro de acogida de niños. En 1950, año en que adoptó también la nacionalidad india, fundó la congregación de las Misioneras de la Caridad, cuyo pleno reconocimiento encontraría numerosos obstáculos antes de que Pablo VI lo hiciera efectivo en 1965.


Teresa de Calcuta

Al tiempo que su congregación, cuyas integrantes debían sumar a los votos tradicionales el de dedicarse totalmente a los necesitados, abría centros en diversas ciudades del mundo, ella atendía a miles de desheredados y moribundos sin importarle a qué religión pertenecían: "Para nosotras no tiene la menor importancia la fe que profesan las personas a las que prestamos asistencia. Nuestro criterio de ayuda no son las creencias, sino la necesidad. Jamás permitimos que alguien se aleje de nosotras sin sentirse mejor y más feliz, pues hay en el mundo otra pobreza peor que la material: el desprecio que los marginados reciben de la sociedad, que es la más insoportable de las pobrezas."

En concordancia con esta palabras, Santa Teresa de Calcuta convirtió en el premio de una rifa un coche descapotable que le dio el papa Pablo VI durante su visita a la India en 1964 (regalo a su vez de la comunidad católica) y destinó los fondos recaudados a la creación de una leprosería en Bengala; posteriormente convencería al papa Juan Pablo II de abrir un albergue para indigentes en el mismo Vaticano.

El enorme prestigio moral que la Madre Teresa de Calcuta supo acreditar con su labor en favor de "los pobres más pobres" llevó a la Santa Sede a designarla representante ante la Conferencia Mundial de las Naciones Unidas celebrada en México en 1975 con ocasión del Año Internacional de la Mujer, donde formuló su ideario basado en la acción por encima de las organizaciones. Cuatro años más tarde, santificada no sólo por aquellos a quienes ayudaba sino también por gobiernos, instituciones internacionales y poderosos personajes, recibió el premio Nobel de la Paz.


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Teresa de Calcuta: "El trabajo que hacemos no tiene nada de heroico. Cualquiera que tenga la gracia de Dios puede hacerlo."

Consciente del respeto que inspiraba, el papa Juan Pablo II la designó en 1982 para mediar en el conflicto del Líbano, si bien su intervención se vio dificultada por la complejidad de los intereses políticos y geoestratégicos del área. Desde posiciones que algunos sectores de opinión consideraron excesivamente conservadoras, participó vivamente en el debate sobre las cuestiones más cruciales de su tiempo, a las que no fue nunca ajena. Así, en mayo de 1983, durante el Primer Encuentro Internacional de Defensa de la Vida, defendió con vehemencia la doctrina de la Iglesia, conceptiva, antiabortista y contraria al divorcio.

En 1986 recibió la visita de Juan Pablo II en la Nirmal Hidray o Casa del Corazón Puro, fundada por ella y más conocida en Calcuta como la Casa del Moribundo. En el curso de los años siguientes, aunque mantuvo su mismo dinamismo en la lucha para paliar el dolor ajeno, su salud comenzó a declinar y su corazón a debilitarse. En 1989 fue intervenida quirúrgicamente para implantarle un marcapasos, y en 1993, tras ser objeto de otras intervenciones, contrajo la malaria en Nueva Delhi, enfermedad que se complicó con sus dolencias cardíacas y pulmonares.

Finalmente, tras superar varias crisis, cedió su puesto de superiora a sor Nirmala, una hindú convertida al cristianismo. Pocos días después de celebrar sus 87 años ingresó en la unidad de cuidados intensivos del asilo de Woodlands, en Calcuta, donde falleció. Miles de personas de todo el mundo se congregaron en la India para despedir a la Santa de las Cloacas. Seis años después de su muerte, en octubre de 2003, y coincidiendo con la celebración del 25º aniversario del pontificado de Juan Pablo II, la Madre Teresa de Calcuta fue beatificada en una multitudinaria misa a la que acudieron fieles de todas partes del mundo. A finales de 2015, el Vaticano aprobó su canonización; el 4 de septiembre de 2016, ante más de cien mil fieles congregados en la plaza de San Pedro, el papa Francisco ofició la ceremonia que elevaba a los altares a Santa Teresa de Calcuta, cuya festividad (5 de septiembre), incorporada al santoral católico, se celebró por primera vez al día siguiente.





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Si pudiese vivir otra vez, mi vida volvería a cometer los mismos errores... pero los cometería antes (Tallulah Bankhead)

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Si pudiese vivir otra vez, mi vida volvería a cometer los mismos errores... pero los cometería antes (Tallulah Bankhead)

Biografía[editar] Nació el 31 de enero de 1902 en Huntsville (Alabama) y pertenecía a una familia de políticos destacados del partido demócrata. Su padre fue el Congresista William Brockman Bankhead, su tío John H. Bankhead II fue Senador, como ya lo había sido su abuelo, John H. Bankhead I, y... Ver mas
Biografía[editar]
Nació el 31 de enero de 1902 en Huntsville (Alabama) y pertenecía a una familia de políticos destacados del partido demócrata. Su padre fue el Congresista William Brockman Bankhead, su tío John H. Bankhead II fue Senador, como ya lo había sido su abuelo, John H. Bankhead I, y su bisabuelo, Thomas Patterson Brockman; además, el abuelo, John Hollis Bankhead, antes de Senador, fue un héroe local, uno de los veteranos del derrotado ejército confederado. El peso político de su familia era tal, que su padre sería portavoz del Congreso de Estados Unidos entre el 4 de junio de 1936 y el 16 de junio de 1940, a pesar de que, por entonces, la escandalosa vida de su hija actriz en la cima de su carrera era conocida por todo el país.
Tallulah se educó en un colegio católico aunque su padre era metodista y su madre episcopaliana.
Tallulah empezó a actuar, con 15 años, en las compañías de teatro de Huntsville y alrededores, con 16 años, ganó un concurso de belleza, lo que la animó a trasladarse a Nueva York para intentar trabajar en Broadway, allí viviría con una tía.
En 1918 le llegó su primera oportunidad, intervino en la película Who Loved Him Best? de Dell Henderson. Ese año rodó otras dos películas y otra más en 1919.
En 1920 le ofrecieron un papel el film Dr. Jekyll and Mr. Hyde (Dr. Jekyll and Mr. Hyde) dirigida por John S. Robertson.
Como finalmente tampoco logró lanzar su carrera en Broadway, Tallulah, en 1923, decidió probar suerte en Londres.
En Londres consiguió su propósito y alcanzó gran celebridad, poniendo en escena obras de teatro como Fallen Angels (1925), de Noël Coward. Esto hizo que, en 1927, la compañía Paramount Pictures la contratara. Sus dos primeras películas fueron Woman's Law de Dallas M. Fitzgerald 1927 y His House in Order de Randle Ayrton 1928.
Su siguiente película fue Honor mancillado de George Cukor 1931, la película tuvo cierta repercusión, pero, la crítica sobre la interpretación de Tallulah tenía opiniones dispares. Ese mismo año rodó también Redimida (My Sin) y El fraude (The Cheat) ambas de George Abbott.
Al año siguiente rodaría otros cuatro filmes no obstante eso Tallulah dejó de lado el cine para concentrarse en Broadway donde su talento sí era reconocido.
Habría que esperar 11 años (hasta 1944), para que la actriz volviera a la gran pantalla, aunque el año anterior, ya había accedido a aparecer en un pequeño cameo en Tres días de amor y de fe (Stage Door Canteen) de Frank Borzage. Ese año rodó Náufragos (Lifeboat) dirigida po Alfred Hitchcock, quien siempre contaba la anécdota de que la actriz provocó numerosos problemas durante el rodaje al trabajar sin ropa interior; por este papel Tallulah recibió el premio NYFCC que concede el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York.
En 1945 rodó La zarina (A royal scandal). Después, nuevamente volvió a Broadway y no regresó al cine hasta diez años después. En este largo intervalo, además de papeles teatrales, también intervino en algunas series televisivas interpretando papeles puntuales. Luego, entre 1950 y 1952, fue la conductora del programa radiofónico de la NBC Radio The Big Show.
En 1965 protagonizó Fanatic de Silvio Narizzano, el cual sería su último papel cinematográfico; sin embargo, un año después pondría su voz a uno de los personajes de la película de animación Soñando despierto o El soñador aventurero (The Daydreamer) de Jules Bass.
Su último papel actoral lo desempeñó en televisión, en marzo de 1967, al aparecer en dos episodios de la serie Batman, como "Villana Invitada", personificando a "La Viuda Negra".
Su última aparición pública la tuvo en el programa televisivo The Tonight Show el 14 de mayo de 1968 en la que conversa con John Lennon y Paul McCartney.
Tallulah no fue convencional. Fue una típica artista de los años '20 que experimentó con su sexualidad y al ser bisexual dirigió su amor hacia hombres y mujeres indistintamente.1​ En 1937, se casó con John Emery de quien se divorciaría en 1941.
La vida de Tallulah Bankhead estuvo plagada de escándalos, pero ella nunca mostró remordimiento, de hecho, dijo: Si volviera a nacer cometería los mismos fallos, sólo que antes".2​ Tallulah no ocultaba sus vicios, de hecho, se la recuerda por frases como:
"La cocaína no crea adicción. Lo sé porque llevo tomándola desde hace años".
"Hay una regla que yo recomiendo seguir: nunca practicar dos vicios al mismo tiempo".
"Mi padre me advirtió sobre los hombres y el alcohol, pero nunca dijo nada sobre las mujeres y la cocaína".
Tallulah Bankhead murió como consecuencia de una neumonía en Nueva York el 12 de diciembre de 1968.3​
Filmografía[editar]
1918 Who Loved Him Best? de Dell Henderson.
1918 When Men Betray de Ivan Abramson.
1918 Thirty a Week de Harry Beaumont.
1919 The Trap de Frank Reicher.
1931 Honor mancillado de George Cukor.
1931 Redimida (My Sin) de George Abbott.
1931 El fraude (The Cheat) de George Abbott.
1932 Make Me a Star de William Beaudine. Cameo en el que no actuaba, sino que se interpretaba a sí misma.
1932 Thunder Below de Richard Wallace.
1932 Mujer infiel (The Cheat) de Harry Beaumont.
1932 Entre la espada y la pared (Devil and the Deep) de Marion Gering
1943 Tres días de amor y fe (Stage Door Canteen) de Frank Borzage. Pequeño Cameo.
1944 Náufragos (Lifeboat) de Alfred Hitchcock.
1945 La zarina (A Royal Scandal) de Ernst Lubitsch y Otto Preminger.
1965 Fanatic de Silvio Narizzano.
1966 Soñando despierto (The Daydreamer) de Jules Bass (Voz).
Teatro[editar]

Tallulah Bankhead en la revista argentina Cinelandia (1931).
The Milk Train Doesn't Stop Here Anymore (1964)
Midgie Purvis (1961)
Eugenia (1957)
A Streetcar Named Desire (1956)
Dear Charles (1954 )
Private Lives (1948)
The Eagle Has Two Heads (1947)
Foolish Notion (1945)
The Skin of Our Teeth (1942)
Clash by Night (1941)
The Little Foxes (1939)
The Circle (1938)
Antony and Cleopatra (1937)
Reflected Glory (1936)
Something Gay (1935)
Rain (1935)
Dark Victory (1934)
Forsaking All Others (1933)
The Exciters (1922)
Everyday (1921)
Nice People (1921)
Footloose (1920)
The Squab Farm (1918)
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Las mujeres necesitamos la belleza para que los hombres nos amen, y la estupidez para que nosotras amemos a los hombres (Coco Chanel)

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Las mujeres necesitamos la belleza para que los hombres nos amen, y la estupidez para que nosotras amemos a los hombres (Coco Chanel)

(Gabrielle Bonheur; Saumur, Francia, 1883 - París, 1971) Modista francesa que revolucionó la moda y el mundo de la alta costura de los años de entreguerras. Rompiendo con la acartonada elegancia de la Belle Époque, su línea informal y cómoda liberó el cuerpo femenino de corsés y de aparatosos... Ver mas
(Gabrielle Bonheur; Saumur, Francia, 1883 - París, 1971) Modista francesa que revolucionó la moda y el mundo de la alta costura de los años de entreguerras. Rompiendo con la acartonada elegancia de la Belle Époque, su línea informal y cómoda liberó el cuerpo femenino de corsés y de aparatosos adornos y expresó las aspiraciones de libertad e igualdad de la mujer del siglo XX.


Coco Chanel

Convertida desde los años 20 en la gran dama de la moda francesa, su influencia se extendería después en prácticamente todos los ámbitos, desde el corte de pelo hasta los perfumes, pasando por los zapatos y complementos. En cierto sentido, ella misma fue la principal modelo de su firma: delgada, con poco pecho y el pelo corto, con ropa ancha y cómoda, Chanel se convirtió en el prototipo de garçonne, en un símbolo de la mujer moderna, activa y liberada. Y la imagen de la misma Chanel fue admirada e imitada por millones de mujeres.

Biografía

Nacida en el seno de una familia humilde, a los 12 años perdió a su madre, víctima de la miseria y de los embarazos (Gabrielle tenía cuatro hermanos a los que llegó a pagar para que fingieran que no existían). Su padre, un vendedor ambulante, entregó a la pequeña Gabrielle al cuidado de unas monjas en un hospicio de Corrèze, donde pasó los siguientes seis años aprendiendo a coser. Para entonces, la que luego sería Coco Chanel se había convertido en una fantasiosa adolescente de diecisiete años que no aceptaba su pasado, y comenzó a inventar una biografía llena de novelerías.

Sus ansias de libertad e independencia la empujaron a abandonar el orfanato y a colocarse como dependienta en una mercería de Moulins, trabajo que compaginaba con sus actuaciones en La Rotonde, un lugar de diversión para los oficiales del ejército, donde dejaba oír su voz con temas como Ko ko ri ko y Qui qu'a vu Coco?, una tonadilla popular que narraba la historia de una muchacha que había perdido a su perrito Coco. Fue allí donde comenzaron a llamarla la petite Coco, el nombre con el que luego se haría conocida y entraría en la leyenda. Es posible que por esa misma época sufriera un aborto que le provocaría la esterilidad de por vida, hecho que sin embargo no ha podido precisarse.

Con apenas veintidós años, se enamoró perdidamente (aunque siempre lo negó) de Étienne Balsan, un joven burgués adinerado con el que mantuvo una relación de seis años. Balsan la arrancó de su vida provinciana para mostrarle una existencia de lujo y ocio entre fiestas y carreras de caballos. Pero Coco quería trabajar, así que habló con Balsan para que éste financiara la apertura de una sombrerería; mientras él maduraba la idea, ella aprovechó para fugarse a París con Arthur Boy Capel, un jugador de polo que era uno de los mejores amigos de su amante.

Ya en París, Mademoiselle Coco seguía aferrada a la idea de abrir una casa de modas; sin embargo, como Capel no tenía dinero, se vio obligada a pedírselo a su antiguo amante. En 1914 compró en las Galerías Lafayette varias docenas de sombreros que ella misma reformó y luego los sacó a la venta. Ante el inesperado éxito obtenido, no lo dudó ni un momento: lanzó su propia línea de moda, que consiguió notable aceptación entre sus clientes, muchas de las cuales eran antiguas amantes de Balsan.


Coco Chanel en 1920

Con los beneficios abrió su primera tienda en el número 21 de la rue Cambon y poco después se lanzó a la apertura de una segunda en la elegante y veraniega villa de Deauville, donde impuso su moda entre la gente "chic" de la época, y luego una tercera casa en Biarritz. Para entonces Coco tenía bajo sus órdenes a 300 empleados; pero, en el terreno sentimental, las cosas no le iban tan bien. Los rumores de infidelidad que corrían sobre Capel se vieron confirmados cuando él le comunicó que la dejaba por una aristócrata, con la que se casó en 1919.

Terminada la guerra, Gabrielle volvió a París, se instaló en el Hotel Ritz y se volcó en su negocio, que no tardó en hacer prosperar, ayudada por revistas y periódicos de todo el mundo que difundieron su estilo. En 1929, el crack de Wall Street obligó a reducir la plantilla de la empresa (que por entonces contaba con 4.000 trabajadores) a la mitad. Los precios de los exclusivos diseños de Chanel se redujeron considerablemente, pero ni siquiera de esta forma consiguió levantar la firma. Coco Chanel cerró sus salones y decidió marcharse a Norteamérica durante un tiempo, reclamada por el productor de cine Samuel Goldwyn, que le ofreció la posibilidad de vestir a las estrellas dentro y fuera de la pantalla.

Durante esta etapa pasaron por su vida Igor Stravinsky, el duque Dimitri de Rusia, el duque de Westminster (que la abandonó tras diez años de relaciones porque no podía darle hijos) y, finalmente, cuando ya tenía casi cincuenta años, el artista Paul Iribe, en el que creyó haber encontrado al hombre de su vida. Por desgracia, en 1933 falleció de infarto tras un partido de tenis.

Al comienzo de la Segunda Guerra Mundial Coco hubo de cerrar de nuevo sus salones, pero continuó viviendo en la capital parisina. Conoció entonces a un diplomático alemán, Hans von Dincklage, que se convirtió pronto en su amante. En agosto de 1944 fue detenida bajo la acusación de colaboracionismo y, tras este episodio, se exilió en Suiza. Durante los años en que permaneció retirada del mundo de la moda asistió al triunfo del "New Look" que imponían de Christian Dior y Cristóbal Balenciaga.


Coco Chanel

En 1954, con setenta y un años, reabrió su casa de modas porque, como le dijo a Marlene Dietrich, se aburría. Consumida por el reumatismo y la artritis, pero sin haber dejado ni un momento de poner alfileres (Coco no sabía dibujar ni hacer bocetos, de forma que creaba sus diseños sobre las propias modelos), murió el 10 de enero de 1971. Ese día había salido con su amiga Claude Baillen a dar un paseo; cuando regresaron, fatigada, Coco se tendió en su cama del Hotel Ritz y le dijo: "Mira, así se muere".

El estilo Chanel

Cuando el 28 de junio de 1914 estalló la Primera Guerra Mundial, Coco se dio cuenta que los nuevos tiempos exigían un estilo mucho más deportivo y funcional, adaptado a las nuevas circunstancias. Lo primero que hizo fue suprimir el corsé del traje femenino para dar mayor libertad de movimientos a las mujeres. Dos años más tarde introdujo el punto en sus colecciones, un tejido que nadie había utilizado hasta entonces para la alta costura pero que encantó a sus clientes. Con punto confeccionó el jersey, una prenda casi masculina, que fue seguida de la charming chemise dress, un vestido-camisa sin cintura ni adornos que realzaba el busto femenino, sobre el que se imponía llevar perlas.

Sus innovaciones fueron aún más lejos: no sólo se atrevió a acortar la longitud de las faldas y a descubrir el tobillo femenino, sino que forzó las mujeres a cortarse el pelo cuando una noche apareció en la Ópera con el cabello corto. Acababa de crear el estilo garçon, que marcó el final de una época. Tuvo la audacia de exponerse al sol cuando el broceado se consideraba sinónimo de plebeyez, y también de imponer su extrema delgadez (fruto, por otra parte, de las privaciones que le imponía la guerra) a todas sus clientes.

En este innovador estilo realizó faldas plisadas de estilo marinero, trajes de talle bajo, pijamas playeros, impermeables e, incluso, ¡pantalones femeninos! Fue ella quien lanzó el impermeable, los trajes de tweed escocés con bisutería llamativa, el zapato de punta redonda y, por supuesto, el célebre bolso con cadenitas doradas que se llevaba en bandolera. Creó también el célebre traje negro (la petite robe noire) que, en diversos modelos, ha sido desde entonces portada de todas las revistas de modas. Y no cabe olvidar el conjunto que lanzó en 1925 y que se convertiría en la estrella de la firma: un traje con falda y chaqueta a juego, de manga larga, sin cuello y ribeteado.



Otro de los revolucionarios aportes de Chanel a la moda femenina fue el zapato de tacón bajo. Fue un lanzamiento subversivo, en plena década de los años cincuenta, cuando los zapatos de tacón de aguja se hallaban en su apogeo. Junto a Raymond Massaro colaboró en la creación de un modelo de zapato realizado en dos tonos: el cuerpo y la parte del talón eran de color beige para alargar ópticamente la pierna, mientras que la puntera de color negro hacía que el pie pareciese más pequeño.

Con todo, el vástago más famoso de la Maison Chanel nació en 1923, fruto de la unión con Ernest Beaux: el perfume Chanel nº 5. Se trataba de una mezcla única de aldehídos y sustancias florales destinada a terminar de una vez con los afectados polvos perfumados de violeta de las décadas precedentes. Elevado a la categoría de mito en su tiempo y aún hoy uno de los más vendidos del mundo, su inmenso éxito facilitó el sostén de su imperio. Fue la actriz Marilyn Monroe quien convirtió la fragancia en un símbolo cuando, durante una entrevista, aseguró a los reporteros que unas gotas del nº 5 era lo único que llevaba puesto para dormir.

Luego llegaron otros perfumes, el nº 22, el nº 19 (que conmemora la fecha del nacimiento de Madame), Cristalle y Antaeus (para hombre). Ya después de su muerte, y gracias a Karl Lagerfeld, la casa Chanel pudo recobrar, a partir de 1983, su anterior esplendor. La firma lanzó en 1984 Coco, denominado así para continuar con la tendencia impuesta por ella de asociar su nombre al de sus aromas; y en 1990 nació Egoïste, una esencia para hombre que consiguió dominar el mercado durante los últimos años del siglo XX.



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Ningún hombre es lo bastante bueno para gobernar a cualquier mujer sin su consentimiento (Susan B. Anthony)

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Ningún hombre es lo bastante bueno para gobernar a cualquier mujer sin su consentimiento (Susan B. Anthony)

(Susan Brownell Anthony; Adams, 1820 - Rochester, 1906) Feminista estadounidense. Junto a Elizabeth Cady Stanton, fue una de las principales líderes del movimiento sufragista norteamericano, que durante la segunda mitad del siglo XIX reivindicó el derecho de voto para las mujeres. Entre 1892 y... Ver mas
(Susan Brownell Anthony; Adams, 1820 - Rochester, 1906) Feminista estadounidense. Junto a Elizabeth Cady Stanton, fue una de las principales líderes del movimiento sufragista norteamericano, que durante la segunda mitad del siglo XIX reivindicó el derecho de voto para las mujeres. Entre 1892 y 1900 presidió la Asociación Nacional pro Sufragio Femenino.

Su padre, Daniel Anthony, era un maestro cuáquero liberal que regentaba una empresa de manufacturas de algodón y militaba activamente en el movimiento antiesclavista. Susan se educó en un ambiente de independencia de criterio y rigor ético que marcaría toda su trayectoria política. Cuando tenía seis años, la familia se trasladó a Battensville (Nueva York). Acudió a la escuela primaria local y pasó luego al colegio que su padre había fundado y dirigía. Completó sus estudios, orientados a la pedagogía, en un internado femenino de Filadelfia y en un colegio para señoritas del interior del estado de Nueva York. Al concluir sus estudios, regresó a la casa familiar en Rochester (Nueva York) y se dedicó a la enseñanza hasta que cumplió los treinta años.

Su activismo político se inició en sus años de formación, guiada por el ejemplo de sus padres. En 1848 se unió al movimiento antialcohólico o "movimiento pro temperancia", en el que militó durante cinco años. En él tomó conciencia de las limitaciones que el hecho de ser mujer implicaba, incluso en el seno de una organización reformista liberal, y sintió la necesidad de crear un grupo exclusivamente formado por mujeres, la Sociedad Femenina pro Temperancia del Estado de Nueva York.

Pero su paso al feminismo no se produjo de forma definitiva hasta que, en 1851, conoció a Elizabeth Cady Stanton, la feminista que en 1848 había dirigido la Convención de Séneca Falls, primer manifiesto del sufragismo estadounidense. Stanton se convertiría en su compañera inseparable y ambas encabezarían el feminismo norteamericano durante las siguientes cinco décadas.

Desde 1882 protagonizó, junto a Stanton y Amelia Bloomer, diversas campañas en favor de la igualdad de derechos de las mujeres. La lucha feminista se centró en principio en reivindicaciones de carácter general, para ir progresivamente limitándose a la petición del sufragio universal, por considerar que el voto era el instrumento clave para conseguir ulteriores reformas legales.

Sin embargo, las campañas en favor del sufragio fueron acompañadas de muchas otras, encaminadas a transformar la legislación laboral, la mentalidad sexista y las costumbres discriminatorias de la sociedad norteamericana. Así, por ejemplo, Anthony y Stanton dirigieron una campaña contra las restricciones físicas que la moda femenina decimonónica imponía a las mujeres, promoviendo el uso de pantalones bombachos y faldas amplias.

Desde 1854, Anthony compaginó su activismo feminista con la lucha contra la esclavitud en el seno de la Sociedad Americana Antiesclavista hasta que el estallido de la Guerra de Secesión en 1861 apartó temporalmente a las mujeres de la primera línea de batalla, ocupada desde entonces por los ejércitos. En 1863 fundó la Liga de Mujeres Leales, que promovía la liberación de esclavos en los estados secesionistas del sur.

Al finalizar la guerra, siguió pronunciándose públicamente contra la violencia ejercida sobre la población negra, a la que instó a unirse al movimiento sufragista. Paralelamente, la ya inseparable pareja Anthoy-Stanton dirigió diversas campañas contra las leyes del estado de Nueva York discriminatorias de las mujeres y pronunció numerosas conferencias por todo el estado.

Tras la guerra, las mujeres que habían participado en el movimiento abolicionista comprendieron que la consecución de sus fines propios -la igualdad de derechos para las mujeres- era una lucha que debían emprender por separado, sin contar con el apoyo de sus compañeros antiesclavistas, muchos de los cuales no aprobaban el activismo político femenino. La lucha feminista se centró desde entonces en la obtención del derecho al voto.



En 1868, Anthony y Stanton comenzaron a publicar en Nueva York el semanario feminista The Revolution, que saldría a la calle durante los dos años siguientes con importantes contribuciones de ambas. Anthony se volcó sobre todo en la exigencia de igualdad salarial para las mujeres y en la mejora de las condiciones laborales de las obreras neoyorkinas, para lo cual participó en la creación de la Asociación de Mujeres Trabajadoras de Nueva York. En 1869 fundó con Stanton la Asociación Nacional pro Sufragio Femenino, que comenzó a reclamar la aprobación de una enmienda constitucional que concediera el voto a las mujeres.

A partir de 1872, la Asociación exigió para las mujeres de Estados Unidos los mismos derechos civiles y políticos que acababan de ser concedidos a los varones negros mediante las enmiendas constitucionales decimocuarta y decimoquinta. En las elecciones de ese año, Anthony encabezó una manifestación de mujeres que se presentó ante las urnas en Rochester para ejercer el derecho al voto.

Fue detenida dos semanas después y acusada de violar las leyes federales. Mientras esperaba el inicio del juicio contra ella, recorrió el país dando conferencias, aprovechando el interés público que había despertado su acción. En marzo del año siguiente volvió a presentarse en un colegio electoral de Rochester para votar. Fue juzgada finalmente y condenada a pagar una multa por violación de la ley electoral, a lo que se negó rotundamente.

En 1883 realizó un viaje por Europa, donde entró en contacto con las organizaciones feministas de Inglaterra y Francia y surgió el proyecto de crear una organización sufragista internacional. Cinco años después, durante los actos de conmemoración en Washington del aniversario de la Declaración de Seneca Falls, se estableció el Consejo Internacional de Mujeres, al que se unirían grupos feministas de 48 países.

Durante sus primeros años de existencia, el Consejo fue una organización completanemente americana, en la que Anthony desempeñó un papel muy destacado. En 1890 fue elegida presidenta de la Asociación Nacional Americana pro Sufragio Femenino, cargo que ocupó hasta los ochenta años. Mientras tanto, no dejó de extender el mensaje del sufragismo y la igualdad de derechos, pronunciando conferencias a lo largo y ancho del país. En 1899 se propuso la creación dentro del Consejo Internacional de una organización separada que luchara de forma específica por el sufragio y presionara más directamente a los distintos gobiernos. Tras muchas conversaciones, Anthony participó en la creación de la Alianza Internacional pro Sufragio Femenino durante el congreso del Consejo celebrado en Berlín en 1904.

Su labor dentro del movimiento sufragista fue esencialmente de organización y administración, mientras Stanton se encargaba de escribir la mayor parte de las proclamas y propuestas de la Asociación Nacional pro Sufragio. Junto a Stanton y Mathilda J. Gage compiló y publicó la Historia del Sufragio Femenino, que apareció en cuatro volúmenes entre 1881 y 1902. Asimismo, junto a un grupo numeroso de sufragistas cristianas que buscaban los fundamentos religiosos de la subordinación femenina, trabajó en la edición de la llamada Biblia de las Mujeres, una recopilación comentada de los pasajes bíblicos en que aparecen mujeres. Susan Anthony murió en Rochester (Nueva York) el 13 de marzo de 1906, a la avanzada edad de 86 años, sin llegar a ver la aprobación del sufragio femenino en 1920.



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Soy egoísta, impaciente y un poco insegura. Cometo errores, pierdo el control y a veces soy difícil de lidiar. Pero si no puedes lidiar conmigo en mi peor momento, definitivamente no me mereces en el mejor (Marilyn Monroe)

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Soy egoísta, impaciente y un poco insegura. Cometo errores, pierdo el control y a veces soy difícil de lidiar. Pero si no puedes lidiar conmigo en mi peor momento, definitivamente no me mereces en el mejor (Marilyn Monroe)

El 5 de agosto de 1962, la actriz estadounidense Marilyn Monroe, el gran mito erótico de los años cincuenta, fue hallada muerta en su casa de Hollywood. Aunque el forense dictaminó que la actriz se había suicidado con una sobredosis de somníferos, las causas de su muerte permanecen aún confusas... Ver mas
El 5 de agosto de 1962, la actriz estadounidense Marilyn Monroe, el gran mito erótico de los años cincuenta, fue hallada muerta en su casa de Hollywood. Aunque el forense dictaminó que la actriz se había suicidado con una sobredosis de somníferos, las causas de su muerte permanecen aún confusas; se apreciaron algunas contradicciones en el informe médico de su trágico fin.


Marilyn Monroe en una imagen de 1953

Las dificultades profesionales y su agitada vida sentimental parecieron estar en el origen de su muerte. En cualquier caso, la jovialidad y el vivir desenfrenado y despreocupado que muchas veces había representado en el cine y fuera de él se corresponden poco con el verdadero perfil de su vida, marcada por las contradicciones y los complejos de una niñez y una juventud desgraciadas, seguidas después de un éxito arrollador al que no supo hacer frente, ni siquiera cuando creyó encontrar, junto a personalidades como Arthur Miller, la estabilidad y la seguridad que persiguió durante toda su vida.

Marilyn Monroe, de verdadero nombre Norma Jean Baker (o Norma Jean Mortenson, apellido de su padrastro), nació el 1 de junio de 1926 en Los Ángeles, en el estado norteamericano de California. Hija de Gladys Baker, quien nunca le comunicó la identidad de su padre, su primera infancia fue muy dura. Su madre la dejó en manos de un matrimonio amigo hasta que cumplió siete años; entonces se la llevó a vivir consigo.

Pero un año más tarde Gladys fue internada en un sanatorio psiquiátrico en el que se le diagnosticó una esquizofrenia paranoide, enfermedad que luego Marilyn creería haber heredado, especialmente cuando era internada por sus frecuentes depresiones. Su infancia y adolescencia transcurrieron entre un orfanato (en el que ingresó a la edad de nueve años y trabajó como ayudante de cocina), la casa de sus abuelos y las de varias familias que la adoptaron. En una de estas casas de acogida sufrió al parecer abusos sexuales por parte del cabeza de familia cuando contaba ocho años.

Nada hacía pensar que Norma Jean tuviera una futura carrera como actriz, ni tan siquiera el hecho de que su madre, una mujer extraordinariamente atractiva, hubiera trabajado durante un tiempo como montadora de negativo en Consolidated Film Industries. Marcada por la inestabilidad emocional y la pobreza, a los dieciséis años, tras abandonar sus estudios, se empleó en una planta de construcción de aviones. En la misma fábrica conoció a un mecánico de 21 años, James Dougherty, con quien contrajo matrimonio el 19 de junio de 1942 y de quien se divorciaría cuatro años después.

De modelo a actriz

Ese mismo año de 1946 un fotógrafo de modas la descubrió y la convenció de que se hiciera modelo. Así, la aún llamada Norma Jean comenzó su carrera como modelo bajo la tutela de la agente Emmeline Snively, que le sugirió cambiar el color de su cabello, que era castaño de nacimiento, por el característico rubio platino. Durante esta época, Norma Jean realizó un sinfín de campañas publicitarias, siendo muy recordadas las que hizo para anunciar trajes de baño. Paralelamente, su carácter inquieto y deseoso siempre de adquirir nuevos conocimientos la llevó a tomar clases de arte dramático en el Actor's Lab de Hollywood y a asistir a cursos de literatura en la Universidad de Los Ángeles (UCLA).



El rostro de la modelo comenzaba a ser muy conocido. Sus innumerables trabajos publicitarios hicieron que en 1947 el magnate Howard Hughes, propietario de la compañía cinematográfica R.K.O., le ofreciera hacer unas pruebas de pantalla con el objeto de saber si podía dar juego ante una cámara cinematográfica; pero Norma Jean prefirió aceptar una oferta de la 20th Century Fox para trabajar unos meses como actriz de reparto. Intervino en tres películas olvidables en los que no fue debidamente acreditada, y ya entonces se verificó el cambio de nombre: Norma Jean pasó a llamarse Marilyn Monroe. Uno de sus primeros papeles era de figurante entre una multitud; se trataba de la película de Frederick Hugh Herbert Scudda Hoo! Scudda Hay!, con June Harver. En un momento del film, Marilyn se separaba del grupo para saludar a la actriz principal. Esta escena, sin embargo, se cortó luego en el montaje, y Marilyn recordaba algunos años después: "Una parte de mi espalda es visible en un plano, pero nadie lo supo aparte de mí y algunos amigos íntimos."

Un año después la Fox rehusó renovarle el contrato, por lo que aceptó uno nuevo de parecidas características en Columbia. Para esta compañía actuó en la comedia musical Ladies of the chorus (1948), de Phil Karlson. Marilyn era una modesta bailarina de striptease llamada Peggy Martin y cantaba dos canciones. Para preparar este papel recibió lecciones del director musical de la Columbia, Fred Karger, con quien se cree que mantuvo relaciones íntimas. Al año siguiente participó en el que sería el penúltimo filme de los hermanos Marx más o menos al completo (Groucho, Harpo y Chico), Amor en conserva (Love Happy), de David Miller. En la película, Marilyn contoneó sus caderas con tanta donosura que Groucho Marx, que interpretaba al detective Sam Grunion, manifestó por ella con su proverbial histrionismo un bullicioso deseo.


Con Groucho Marx en Amor en conserva (1949)

A continuación consiguió, ya para la productora Metro Goldwyn Mayer, un papel breve pero de suma importancia para su futuro como actriz: en el excelente thriller de John Huston La jungla de asfalto (The Asphalt Jungle, 1950), interpretaba con bastante soltura a Ángela, la amante de un gángster al que acaba por traicionar. El siempre atento Joseph L. Mankiewicz, que había iniciado su carrera como realizador cuatro años antes, reparó en la joven Marilyn y le ofreció otro pequeño pero suculento papel en su melodrama Eva al desnudo (All About Eve, 1950). En esta película interpretaba a una superficial aspirante a actriz en lo que podríamos calificar como uno de los primeros papeles que respondían al estereotipo que más tarde se crearía de ella.

Poco antes, en 1949, Marilyn, que durante un tiempo compaginó las profesiones de actriz y modelo, dio su primer golpe en aras de la celebridad al posar para una sesión fotográfica cuyo resultado es aún hoy una de las más genuinas imágenes de una pin-up girl. Se trata de las imágenes que muestran en tomas cenitales a Marilyn desnuda sobre un cubrecamas de color rojo. Algunas de las fotos aparecerían ese mismo año en un calendario, y algo después, en 1953, una de ellas sería la portada del primer número de la famosa revista erótica Playboy. Esto, sin duda, fue un verdadero acontecimiento mediático, quizá de los primeros que pueden ser comparados a los que se dan hoy día.

Mientras tanto, la actriz no abandonaba su carrera en el cine. Tras realizar algunos papeles secundarios no demasiado destacables, en 1952 apareció en algunos títulos de cierta importancia, bien por sus directores, bien por el trabajo que desempeñó en ellos: Encuentros en la noche (Clash by night), de Fritz Lang; No estamos casados (We're not married), de Edmund Goulding; el episodio que Henry Koster realizó para el film colectivo Cuatro páginas de una vida (O´Henry's Full House); y la película de intriga Niebla en el alma (Don´t bother to knock), de Roy Ward Baker, en el que encarnó de manera muy convincente al personaje de Nell Forbes.


En Niebla en el alma (1952)

Marilyn estuvo verdaderamente espléndida en su papel de Nell, una niñera perturbada que había intentado suicidarse en el pasado y que, desesperada y medio loca tras haber perdido a su gran amor, se disfraza ahora con las joyas de su señora para seducir a un atractivo piloto. La niña a la que debe cuidar aquella noche, Benny, frustra sus planes, por lo que la alucinada muchacha la amenaza primero con destriparla con tanta facilidad como a una muñeca, y luego la amordaza y la ata a la cama. En esta sádica y desquiciada relación con la pequeña, Marilyn dio muestras de una convincente crueldad que, al tiempo que desvelaba sus excelentes dotes dramáticas, tal vez le trajo a la memoria los horrores sufridos durante su propia infancia. Fue sin duda uno de los mejores papeles de su carrera.

Estrella de la comedia

Pero el filme realmente importante de ese año fue la comedia de enredo Me siento rejuvenecer (Monkey Business), de Howard Hawks, el director que junto a John Huston y Billy Wilder tal vez supo extraer lo mejor de Marilyn Monroe. En esta comedia, verdadero clásico del género escrita por Ben Hecht, Charles Lederer y I.A.L. Diamond, hacía el papel de una secretaria rubia y tonta junto a dos verdaderos monstruos del género, Cary Grant y Ginger Rogers. La maestría de la puesta en escena y la espléndida carpintería dramático-cómica de la película era lo que estaba necesitando la carrera de Marilyn, que por fin podía demostrar su valía más allá de lo estúpido que pudiera ser el personaje que interpretara. Además, y como se vería más adelante, fue en la comedia más o menos pura donde la actriz dio lo mejor de sí misma.

En 1953 se rodaron las tres primeras películas en que su contribución era importante. En primer lugar, Niágara, un filme de suspense a lo Hitchcock que dirigió el siempre eficiente Henry Hathaway, pero que no era el tipo de producción idónea para la actriz. Mucho más relevante, ya que tal vez es el título que marca el inicio de Marilyn Monroe como estrella y como mito sexual, es Los caballeros las prefieren rubias (Gentlemen prefer blondes), una nueva comedia, esta vez musical, de Howard Hawks.

Los caballeros las prefieren rubias, basada en una ingeniosa novela de Anita Loos, contaba la historia del enfrentamiento de dos coristas, una morena, la turgente Jane Russell, y otra rubia, Marilyn, que tratan de cazar a uno de los solterones más deseados y ricos de América. En esta película, plagada de excelentes gags y de provocativos números musicales, Marilyn demostró que era, además de una buena actriz de comedia, una notable cantante y bailarina, con un estilo personal y muy sugestivo. De hecho, el buscado personaje masculino, que interpretó Charles Coburn, optaba finalmente por quedarse con Lorelei Lee, la rubia.


Marilyn en Los caballeros las prefieren rubias
y Cómo casarse con un millonario (1953)



El tercer trabajo que hizo ese año fue un filme argumentalmente bastante parecido, Cómo casarse con un millonario (How to marry a millionaire), de Jean Negulesco, en el que Marilyn y otras dos actrices, esta vez Betty Grable y Lauren Bacall, se proponían conquistar a un millonario a toda costa. No tan exuberante ni rotunda como la anterior, era una película que explotaba en clave de comedia la disparidad de físicos y caracteres de las tres intérpretes femeninas y, por tanto, resultaba un trabajo muy a la medida de las aptitudes de Marilyn Monroe. Como consecuencia de estos sensacionales trabajos, en 1954 le sería otorgado el prestigioso Globo de Oro a la mejor actriz.

Convertida en menos de un año en una de las estrellas más rutilantes del firmamento cinematográfico hollywoodiense, el 14 de enero de 1954 contrajo matrimonio con el mítico jugador de béisbol Joe DiMaggio, uno de los primeros deportistas estadounidenses cuya popularidad era comparable a la de una estrella del cine. La boda fue uno de los acontecimientos sociales más sonados de ese año, pero sólo unos meses después, el 27 de octubre, DiMaggio y Marilyn se divorciaron. A pesar de ello, y según el testimonio de amigos de la actriz, Joe DiMaggio fue, de los tres maridos que tuvo, el único al que quiso realmente.


Joe DiMaggio

Cinematográficamente hablando, 1954 no fue un gran año si se compara con el precedente o con los siguientes. Participó en dos títulos; el primero fue un peculiar cruce entre el melodrama y el western que dirigió Otto Preminger, Río sin retorno (River of no return), un buen filme coprotagonizado con Robert Mitchum en el que Marilyn no brilló especialmente. El segundo, la comedia musical Luces de candilejas (There's no business like show business), realizada por Walter Lang, resultó de un nivel muy inferior a las que había protagonizado el año anterior.

En la cumbre

Pese a los éxitos profesionales que había obtenido en poco tiempo, su vida personal no era nada satisfactoria. Además del reciente fracaso sentimental con DiMaggio, no cesaba de luchar para demostrar que era algo más que una cara y una figura bonitas. Cuanto más se convertía en una sex-symbol, más intentaba no sucumbir a la conformista imagen que proyectaba. El acoso al que era sometida por parte de los directivos de las productoras era constante. Si en sus filmes ella atraía al hombre con su cuerpo y su inocente encanto, en la vida se jactaba de no haber aceptado nunca acostarse con los productores y jefes de los estudios, algo que a buen seguro le habría facilitado las cosas para conseguir mejores papeles, sobre todo en los inicios de su carrera.



Por otra parte, su arraigado complejo de nulidad intelectual, seguramente causado por haber abandonado pronto los estudios, la llevó a nuevas actividades. En 1955, por ejemplo, acudió al prestigioso Actors Studio neoyorquino para tomar clases con Lee Strasberg. Inducida por Strasberg, estudió el psicoanálisis con la finalidad de conocerse más a sí misma y hacer aflorar su potencial interpretativo. Strasberg, un hombre generoso, la trató como un padre y le ofreció intervenir en sesiones teatrales del centro, protagonizando obras como Un tranvía llamado deseo, de Tennessee Williams, y Anna Christie, de Eugene O'Neill. Estos detalles fueron objeto de burlas por parte de ciertos ambientes de Hollywood que se obstinaban en verla como una actriz cuyo único atributo valioso era el de despertar una irrefrenable atracción en los hombres.

Las dos películas en las que intervino a continuación, aunque excelentes, presentaban al personaje que debía interpretar como alguien con más de un paralelismo con esa otra Marilyn de la vida real. Tanto en La tentación vive arriba (The seven year itch, 1955), de Billy Wilder, como en Bus Stop (1956), de Joshua Logan, Marilyn ofreció dos actuaciones intachables. Pero el gran público, en lugar de cambiar la idea que tenía de la actriz fijándose en su capacidad interpretativa, todavía la encasillaba más, debido a que eran papeles similares a la imagen que desde los estudios se había dado de ella.


Marilyn Monroe en La tentación vive arriba (1955)
y en Bus Stop (1956)



La presión habitual a la que se sometía a una gran estrella, el menosprecio que sentía que le profesaban algunos profesionales de la industria y el descontento consigo misma no tardaron en hacer mella en Marilyn. Su comportamiento en los rodajes era cada día más problemático, con frecuentes impuntualidades, excusas para intempestivas ausencias y malas relaciones con actores y técnicos. Por esta época comenzó a tomarse períodos de descanso en clínicas debido a las depresiones en que cada vez con mayor frecuencia se veía sumida.

Con todo, seguía estando en el ojo del huracán, siendo el objeto preferido de la prensa; pero también ello resultaba frustrante. Aceptaba conceder una entrevista a la espera de que algún periodista se interesara por sus inquietudes intelectuales, por lo que leía o por el tipo de películas que le gustaría interpretar, pero lo único que encontraba sistemáticamente eran burdas cuestiones de tocador. Algunas de sus respuestas de entonces se convirtieron en célebres, como cuando aseguró que no usaba ropa interior o que para dormir sólo se ponía Chanel nº 5. Así es que, inconscientemente o no, la propia Marilyn terminaba contribuyendo a consolidar la percepción que de ella tenía la gente.

Nuevos rumbos

1956 fue un año crucial en su vida, ya que el 29 de junio se casó con el dramaturgo Arthur Miller, para lo que debió convertirse previamente al judaísmo. Este enlace fue más sorprendente si cabe para el público y la prensa que el de DiMaggio. Miller, escritor y dramaturgo serio, proveniente de la élite intelectual judía, de posiciones ideológicas abiertamente izquierdistas, se casaba con una mujer que supuestamente era la antítesis: superficial, frívola, sin ideas propias y que aparecía habitualmente en las portadas de la prensa amarilla. Y quienes le auguraron lo peor, acertaron, ya que este tercer y último matrimonio fue un nuevo fracaso personal. La desenfadada e ingenua Marilyn Monroe no congenió con el exclusivo círculo de intelectuales neoyorquinos en que se desenvolvía Miller, y a pesar de que no se divorciaron hasta enero de 1961, pronto se distanciaron de forma irremediable.


Arthur Miller y Marilyn Monroe

Entretanto, Marilyn había puesto en marcha un nuevo proyecto que causaba el recelo de los jefes de los estudios: su propia productora. Cansada del maltrato y el desprecio, en 1957 viajó a Gran Bretaña para protagonizar y producir El príncipe y la corista (The Prince and the Showgirl), nueva variación algo más dramática del tema de Los caballeros las prefieren rubias y Cómo casarse con un millonario. Como director y partenaire suyo Marilyn eligió al shakesperiano y muy británico Laurence Olivier. El rodaje fue, como venía siendo habitual, algo turbulento, con enfrentamientos con Olivier, retrasos, pastillas y alcohol. Curiosamente la crítica especializada, que ya había destacado su buen hacer como actriz dramática en Bus Stop, fue unánime al señalar que la espontaneidad y el encanto de Marilyn habían eclipsado a Olivier, aunque fue inmisericorde con la película.

De regreso a Estados Unidos, volvieron a surgir los problemas, las inseguridades y los temores de Marilyn: un matrimonio que ya no funcionaba; unos estudios cada vez más refractarios a contratarla, por extraño que esto pudiera parecer dada su inmensa popularidad; nuevas depresiones; nuevas estancias en sanatorios o clínicas de descanso, y dos nuevos factores, o cuando menos más acentuados: el consumo de alcohol y de píldoras, en especial barbitúricos.


En El príncipe y la corista (1957)

En su siguiente película, Con faldas y a lo loco (Some like it hot, 1959), genial y mordaz comedia sobre el amor y el transexualismo en que volvió a dirigirla Billy Wilder, el rodaje se convirtió en un verdadero suplicio. En sus memorias, Wilder lo recordaría como la experiencia más traumática de su carrera debido al imprevisible comportamiento de la actriz, que nunca llegaba a la hora o que, simplemente, tenía que repetir hasta 65 veces un plano en el que tan sólo tenía una frase. No obstante, y gracias en cierto modo a la buena química que había con los otros dos actores principales, Tony Curtis y Jack Lemmon, el resultado final fue satisfactorio; el trabajo de Marilyn sería premiado en 1960 con un nuevo Globo de Oro, esta vez en la categoría de mejor actriz de comedia o musical.

En 1960 coprotagonizó junto al actor francés Yves Montand el film de George Cukor El multimillonario (Let´s make love). Aunque con un planteamiento habitual en la filmografía de Monroe (chica humilde pero con ansias de superación que encuentra el amor en un hombre rico), Cukor imprimió al argumento un mayor acento dramático. Era una producción suntuosa, correctamente realizada, y con un buen trabajo de la pareja protagonista, pero aun así había algo en el conjunto que no terminó de funcionar. Durante el rodaje, Monroe y Montand tuvieron un romance que no pasó a mayores. Marilyn se enamoró del actor, pero para Montand no era más que una aventura. Una vez más, la mujer más deseada del mundo no encontraba o tenía dificultades para conservar un amor.

Un triste final

Su última aparición cinematográfica, si descontamos la incompleta y no estrenada película de Cukor Something´s got to give, fue para muchos críticos y aficionados el mejor trabajo de cuantos realizó Marilyn Monroe. Dirigido por John Huston y con guión del aún marido de Marilyn, Arthur Miller, Vidas rebeldes (The Misfits, 1961) era un filme elegíaco, tocado con la rara cualidad de lo irrepetible, que unía en la pantalla a tres grandes actores, Clark Gable, Montgomery Clift y Marilyn Monroe, tres estrellas que además estaban atravesando por distintos motivos unos momentos personales especialmente delicados. Una historia de perdedores, tan del gusto de Huston, que en un último crepúsculo encontrarán al menos un lugar donde poder descansar y compartir sus experiencias con alguien. Intensa y emotiva, quizá este papel fue el mejor regalo que pudo hacer a Marilyn Arthur Miller, de quien se divorciaría poco después, el día 21 de enero de 1961, justo una semana antes del estreno de Vidas rebeldes. Su sentida interpretación de la divorciada Roslyn Taber, que encuentra un nuevo amor en el personaje que encarna Gable, volvió a ser destacada en 1962 con un nuevo Globo de Oro.


En Vidas rebeldes (1961)

Los últimos meses de la vida de Marilyn presentan una serie de zonas oscuras que probablemente nunca lleguen a esclarecerse, como su relación con el entonces presidente de Estados Unidos, John F. Kennedy, que parece probado que fue de naturaleza íntima, o más tarde con el hermano de éste, el senador Robert Kennedy, en la que algunos indicios pueden hacer pensar que fue tan sólo de amistad. De cualquier modo, los nombres de ambos aparecieron entonces y siguen apareciendo hoy en el asunto de la muerte por suicidio de la actriz, que falleció el 5 de agosto de 1962 a causa de una sobredosis de barbitúricos en su casa de Brentwood, California.

A las tres de la madrugada la señora Murray, su ama de llaves, la encontró en la cama en una postura extraña, con el teléfono fuertemente aferrado en una de sus manos y las luces encendidas. Un frasco vacío de Nembutal encima de la mesilla atestiguaba la ingestión masiva de pastillas por parte de la estrella. El médico forense certificó su muerte y expresó su convencimiento de que se trataba de un suicidio. En años posteriores, una auténtica industria del escándalo, de la que formarían parte la prensa amarilla, la de la extrema derecha y un Norman Mailer arruinado y angustiosamente necesitado de dinero, especularon incansablemente sobre la relación entre su muerte y los hermanos Kennedy.

No era la primera vez que había ingerido una sobredosis de barbitúricos combinada con alcohol: exactamente lo mismo había ocurrido en la primavera del año anterior, poco después de la separación de Miller y del estreno de Vidas rebeldes. La policía, extrañamente, no reveló el nombre de la sustancia que había tomado Marilyn, e incautó y rehusó hacer públicas las cintas magnetofónicas de la compañía de teléfonos en que estaban grabadas las llamadas que efectuó la noche de su muerte. Esto no hizo más que confirmar las sospechas de que Marilyn llamó a alguien en busca de ayuda, alguien cuya alta posición pública no le permitía afrontar el escándalo que hubiera supuesto verse envuelto en semejante asunto.

Pese a la infinidad de biografías y libros que sobre ella se han escrito (incluyendo su autobiografía, aparecida póstumamente en 1974), en los que se ha podido percibir esa otra Marilyn que no se ajusta al tópico, aún hoy sigue apareciendo en primer lugar, o en un lugar muy destacado, en toda clase de rankings más o menos frívolos: en 1995 fue votada por los lectores de la revista inglesa Empire como la actriz cinematográfica más sexy de todos los tiempos; la misma revista, en 1997, la situaba como la octava estrella del cine (masculina y femenina) más grande de todos los tiempos; y en 1999, la americana People Magazine la consideraba la mujer más sexy del siglo.


La tentación vive arriba (1955)

En definitiva, a pesar de los denodados intentos que Marilyn Monroe llevó a cabo en vida para ser considerada de manera distinta a como se la veía, difícilmente desaparecerá nunca de la imaginación colectiva como uno de los íconos eróticos del siglo XX. La imagen de La tentación vive arriba, con blusa y falda plisada blancas que se le levantan y agitan cuando pasa sobre un respiradero del metro de Nueva York, ha quedado indisociablemente unida a su nombre. Su desaparición en plena juventud, y en la cumbre de su fama como actriz y como mito erótico vivo, no hizo más que acrecentar la leyenda.





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El mayor peligro que nos depara el futuro es la apatía (Jane Goodall)

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El mayor peligro que nos depara el futuro es la apatía (Jane Goodall)

Dame Jane Morris Goodall (Londres, 3 de abril de 1934, con el nombre de Valerie Jane Morris Goodall)1​ es una primatóloga, etóloga, antropóloga y mensajera de la paz de la ONU inglesa.2​ Se le considera la mayor experta en chimpancés, y es conocida por su estudio de 55 años de duración sobre las... Ver mas
Dame Jane Morris Goodall (Londres, 3 de abril de 1934, con el nombre de Valerie Jane Morris Goodall)1​ es una primatóloga, etóloga, antropóloga y mensajera de la paz de la ONU inglesa.2​ Se le considera la mayor experta en chimpancés, y es conocida por su estudio de 55 años de duración sobre las interacciones sociales y familiares de los chimpancés salvajes en el Parque Nacional Gombe Stream en Tanzania.3​ Es la fundadora del Instituto Jane Goodall y el programa Roots & Shoots (Raíces y Brotes). Ha trabajado extensivamente en asuntos de conservación y bienestar animal. Pertenece al comité del Proyecto de los Derechos No Humanos desde su fundación en 1996.4​5​

Biografía[editar]
Valerie nació en Londres, en 1934. Sus padres fueron Mortimer Herbert Morris-Goodall, un hombre de negocios, y Margaret Myfanwe Joseph, una novelista que escribía bajo el pseudónimo Vanne Morris-Goodall.1​ De niña, recibió de regalo un juguete realista de chimpancé al que su padre nombró Jubilee; su cariño al juguete fue el inicio de su amor a los animales. A la fecha, el juguete se encuentra en su vestidor en Londres. Ella escribió en su libro, Reason for Hope (Motivo de esperanzas): «Las amistades de mi madre se horrorizaban con este juguete, pensando que me asustaría y me causaría pesadillas».6​ Goodall tiene una hermana, Judith, con quien comparte la fecha de su cumpleaños aunque entre ellas hay una diferencia de cuatro años de edad.
África[editar]
Goodall siempre ha sido una apasionada de los animales y África, lo cual la llevó a la granja de un amigo suyo en las tierras altas de Kenia en 1957.7​ Allí consiguió trabajo de secretaria y siguiendo el consejo de su amigo llamó por teléfono al paleontólogo y arqueólogo keniano, Louis Leakey, para concertar una cita para discutir de animales. Leakey, que creía que el estudio de los grandes simios podría dar indicaciones de la conducta de los primeros homínidos,8​ estaba en busca de un investigador de chimpancés, aunque esta idea la guardo para sí mismo. En vez de lo anterior, propuso a Goodall que trabajara para él como secretaria. Después de que su esposa Mary Leakey aprobara, Louis mandó a Goodall a la Garganta de Olduvai en Tanzania, donde puso en marcha sus planes.
En 1958, Leakey envió a Goodall a Londres para estudiar la conducta de los primates con Osman Hill y anatomía de los primates con John Napier.9​ Leakey recaudó fondos y el 14 de julio de 1960, Goodall fue al Parque nacional Gombe Stream, convirtiéndose en la primera de Las Trimates.10​ Su madre la acompañó –su presencia era necesaria para satisfacer los requerimientos de David Antsey, jefe de los guardianes, quien estaba preocupado por su seguridad– Tanzania era Tanganyika en ese tiempo y era un protectorado británico.7​
Leakey consiguió los fondos y en 1962, mandó a Goodall, quien no tenía título universitario, a la Universidad de Cambridge donde obtuvo un doctorado (PhD) en etología.7​11​ Fue la octava persona a la que se le permitió estudiar un doctorado sin contar con una licenciatura previa.1​ Defendió su tesis en 1965 bajo la tutela de Robert Hinde, antes maestro de St. John's College, Cambridge, titulada «Comportamiento del chimpancé en libertad», detallando los primeros cinco años de su estudio en la Reserva Gombe.1​11​
Vida personal[editar]
Goodall ha estado casada dos veces. El 28 de marzo de 1964 se casó con un noble holandés, el barón Hugo van Lawick, fotógrafo de vida silvestre, en la Chelsea Old Church, Londres, y ella se hizo conocida con el nombre de baronesa Jane van Lawick-Goodall durante su matrimonio. La pareja tuvo un hijo, Hugo Eric Louis (nacido en 1967); y se divorció en 1974. El siguiente año se casó con Derek Bryceson (un miembro del parlamento de Tanzania y director de sus parques nacionales); quien murió de cáncer en octubre de 1980.12​ Con su posición en el gobierno de Tanzania como cabeza del sistema de parques nacionales, Bryceson fue capaz de proteger la investigación de Goodall e implementar una prohibición al turismo en Gombe mientras estuvo vivo.12​
Goodall ha expresado su fascinación por el Pie Grande.13​
Al ser preguntada si creía en Dios, Goodall dijo en septiembre del 2010: «No tengo idea de quién o qué es Dios. Pero sí creo en un poder espiritual mayor. Lo siento en particular, cuando estoy en la naturaleza. Es algo que es más grande y más fuerte que yo o cualquiera. Lo siento. Eso es suficiente para mí.»14​
Vida Profesional[editar]
Investigación en el Parque nacional Gombe Stream[editar]
Archivo:Jane Goodall, The Green Interview.webm
Goodall conversando con Silver Donald Cameron sobre su trabajo.
Goodall es conocida por sus estudios sobre la vida social y familiar de los chimpancés. Empezó a estudiar en la comunidad de chimpancés de Kasakela, en el Parque nacional Gombe Stream, Tanzania, en 1960.15​ Sin un trasfondo universitario que influenciaría su investigación, Goodall observó cosas que las estrictas doctrinas científicas habrían pasado por alto.16​ En vez de numerar a los chimpancés que observaba, les daba nombres como Fifi y David Greybeard, y notó que tenían personalidades únicas e individuales, una idea no convencional en ese tiempo.16​ Descubrió que, «no solamente los seres humanos tienen personalidad, y son capaces de tener pensamiento racional y emociones como alegría y tristeza».16​ Además observó conductas como abrazos, besos, palmadas en las espalda e incluso cosquillas que nosotros consideramos como acciones «humanas».16​ Goodall insiste que estos gestos son evidencia de «las relaciones afectivas, cercanas y de apoyo que se establecen entre miembros de la familia y otros individuos dentro de una comunidad, que puede tener una esperanza de vida de más de 50 años».16​ Estos hallazgos sugieren que las similitudes entre humanos y chimpancés no solo son genéticas sino que pueden ser vistas en las emociones, inteligencia y relaciones familiares y sociales.
La investigación de Goodall en Gombe Stream es reconocida en la comunidad científica por contradecir dos creencias muy arraigadas en aquel entonces: que solamente los humanos podían crear y utilizar herramientas, y que los chimpancés eran vegetarianos.16​ Observando a un chimpancé alimentarse de un termitero, pudo apreciar que éste colocaba repetidamente tallos de pasto en los hoyos del montículo y los removía cubiertos de termitas, «pescando» termitas efectivamente.17​ Los simios también tomaban ramitas de los árboles y les removían las hojas, para hacerlas más efectivas, una manera de modificar objetos, lo que es el inicio rudimentario de la construcción de herramientas.17​ Los humanos se habían distinguido a sí mismos del resto del reino animal como «Hombre, el creador de herramientas» por mucho tiempo. En respuesta a los hallazgos revolucionarios de Goodall, Louis Leakey escribió: "Ahora, debemos de redefinir al hombre, redefinir a las herramientas o aceptar a los chimpancés como humanos!".17​18​19​
En contraste a las conductas cariñosas y pacíficas que observó, Goodall también encontró el lado agresivo de la naturaleza de los chimpancés en Gombe Stream. Ella descubrió que estos animales hieren y cazan a primates más pequeños como monos colobos sistemáticamente.16​ Goodall observó a un grupo de caza aislar un colobo en la parte alta de un árbol y bloquear todas las posibles salidas, y después a un chimpancé trepar, capturar y matar al colobo.19​ Entonces, los otros tomaron cada uno una parte del cadáver, y lo compartieron con los miembros restantes de la tropa en respuesta a conductas de ruego.19​ Los chimpancés de Gombe matan y devoran hasta a un tercio de la población de colobos en el parque cada año.16​ Esto por su propia cuenta fue un descubrimiento mayor que desafió las concepciones previas de la conducta y dieta de los chimpancés.
Pero, tal vez aún más alarmante y perturbadora, era la tendencia a la agresión y violencia dentro de los grupos de chimpancés. Goodall observó a hembras dominantes matar deliberadamente a hembras más jóvenes en el grupo para mantener su dominancia,16​ a veces llegando al canibalismo.17​ Ella comenta de esta revelación: «Durante los primeros diez años del estudio había creído [...] que los chimpancés de Gombe eran, en su mayor parte, más agradables que los seres humanos. [...] Después hallamos que los chimpancés pueden ser brutales— que ellos, como nosotros, tenían un lado oscuro en su naturaleza».17​ Ella describió la Guerra Chimpancé de Gombe ocurrida en 1974-1978 en sus memorias, A través de una ventana: mis treinta años con los chimpancés de Gombe. Sus descubrimientos revolucionaron el conocimiento contemporáneo de la conducta del chimpancé, y fueron evidencia de las similitudes sociales entre chimpancés y humanos, aunque en una manera mucho más oscura.
Goodall también se diferenció de las convenciones tradicionales nombrando a los animales en sus estudios en vez de asignar un número a cada uno. La numeración era una práctica casi universal en ese tiempo y se creía que era importante para eliminar el propio apego emocional al objeto estudiado. Esto le permitió desarrollar una conexión cercana con los chimpancés y a convertirse en el único ser humano aceptado en una sociedad de chimpancés hasta la fecha. Ella fue el miembro con menor estatus de una tropa por un periodo de 22 meses. Algunos de los chimpancés que Goodall nombró en sus años en Gombe fueron:20​
David Greybeard, un macho con mentón gris, que fue el primero en abrirse a Goodall.21​
Goliath, un amigo de David Greybeard, originalmente el macho alfa, nombrado así por su naturaleza audaz.
Mike, quien utilizando su astucia e improvisación desplazó a Goliath y se convirtió en macho alfa.
Humphrey, un macho alto y bravucón.
Gigi, una hembra grande y estéril quien se regocijaba en ser la "tía" de cualquier joven chimpancé o humano.
Mr. McGregor, macho mayor y beligerante.
Flo, una hembra maternal y con estatus alto, de nariz bulbosa y orejas rasgadas, y sus hijos: Figan, Faben, Freud, Fifi, y Flint.22​23​
Frodo, El segundo hijo mayor de Fifi, un macho agresivo que atacaba frecuentemente a Jane y que en última instancia, la forzó a dejar el grupo cuando se convirtió en el macho alfa.24​
Instituto Jane Goodall[editar]

Jane Goodall en 2009 con miembros de Roots & Shoots de Hungría.
En 1977, Goodall estableció el Instituto Jane Goodall (IJG), el cual apoya a la investigación de Gombe, y del cual ella es la líder global, en un esfuerzo por proteger a los chimpancés y a sus hábitats. Con 19 oficinas alrededor del mundo, el IJG es altamente reconocido por sus programas de conservación y desarrollo en África, innovadores y centrados en la comunidad. Su programa global para la juventud, Roots & Shoots (Raíces y Brotes) se inició en 1991 cuando un grupo de 16 adolescentes locales se reunieron con ella en su porche trasero, en Dar es Salaam, Tanzania. Ellos estaban ansiosos por discutir una variedad de problemas de los que sabían por experiencia y que les causaban gran preocupación. La organización ahora tiene más de 10,000 grupos en más de 100 países.25​

Goodall en 2009 con Lou Perrotti, que contribuyó a su libro , Hope for Animals and Their World (Esperanza para los animales y su mundo).
Debido a la excesiva cantidad de notas escritas a mano, fotografías e información apilándose en el hogar de Jane en Dar es Salaam a mediados de los 90, el Instituto Jane Goodall para el Estudio de los Primates fue creado en la Universidad de Minnesota, para organizar y almacenar esta información. Actualmente los archivos de información originales de Jane Goodall residen ahí y han sido digitalizados, analizados y ubicados en una base de datos en línea. .26​ El 17 de marzo de 2011, el portavoz de la Universidad de Duke Karl Bates anunció que los archivos se moverían a Duke, bajo la supervsión de Anne E. Pusey, la directora de antropología evolutiva de Duke, Pusey quien administraba los archivos en Minessota y trabajaba con Goodall en Tanzania había trabajado en Duke por un año.27​
Hoy en día, Goodall dedica virtualmente todo su tiempo a la defensa de los chimpancés y su ambiente, viajando casi 300 días al año28​ Goodall también es un miembro del consejo del santuario de chimpancés más grande fuera de África, Save the Chimps (Salven a los Chimpancés) en Fort Pierce, Florida.
Activismo[editar]

Goodall con Allyson Reed de Skulls Unlimited International, en la conferencia anual de la Asociación de Zoológicos y Aquarios. 09, 2009.
Goodall es la ex presidenta de Advocates for Animals (Defensores de Animales), una organización que se opone al uso de animales en investigación médica, zoológicos, granjas y deportes, cuya base está en Edinburgo, Escocia.
Goodall es vegetariana, ella propugna esta dieta por motivos éticos, ambientales y de salud. En El mundo interior de los animales de granja, Goodall escribe que los animales de granja son «mucho más conscientes e inteligentes de lo que nunca imaginamos y, a pesar de haber sido criados como esclavos domésticos, son seres individuales en derecho propio. Como tales, merecen nuestro respeto. Y nuestra ayuda. ¿Quién alegará por ellos si nosotros nos quedamos en silencio?»29​ Goodall también ha dicho: «Miles de personas que dicen "amar" a los animales, se sientan una o dos veces al día a disfrutar la carne de criaturas que han sido tratadas con muy poco respeto y gentileza solamente para crear más carne».
En abril de 2008, Goodall dio una cátedra titulada "Motivo de esperanza" en el Instituto Joan B. Kroc de Universidad de San Diego para la Serie de Cátedras para la Paz y Justicia.
Controvertidamente, en mayo de 2008, Goodall describió el nuevo recinto para primates del Zoológico de Edimburgo como unas "maravillosas instalaciones" donde los monos "probablemente se encuentran mejor [que aquellos] en la naturaleza en áreas como Budongo, donde uno de cada seis queda atrapado en trampas de alambre y en países como el Congo, donde los chimpancés, monos y gorilas son cazados para comercializarlos como alimento."30​ Esto generó un conflicto con la visión de Advocates for Animals sobre los animales cautivos.31​ En junio de 2008 Goodall confirmó haber renunciado a la presidencia de la organización, la cual había llevado desde 1998, refiriéndose a su agenda apretada y explicando "no tengo tiempo para ellos"32​
Goodall es madrina de eventos de caridad centrados en el crecimiento sostenible de la población Population Matters,33​ y actualmente es embajadora de Disney nature.34​
En 2011, Goodall apadrinó al grupo de protección animal australiano, Voiceless, The Animal Protection Institute (Sin voz, el Instituto de Protección Animal). "Por décadas he sentido preocupación por la granja, en parte por el tremendo daño que se inflige al medio ambiente, pero también por la impactante crueldad perpetuada en millones de seres sensibles."35​
En 2012 Goodall tomó el rol de retadora en el Desafío de Participación en la Conservación con la Escuela DO, antes conocida como Academia D&F.36​ Trabajó con un grupo de aspirantes a emprendedor social para crear un taller que pusiera en contacto a gente joven con la conservación de la biodiversidad, y para atacar el problema percibido de la falta de consciencia global en el tema.37​
En 2014 Goodall escribió a ejecutivos de Air France criticando el continuo transporte de monos hacia laboratorios perpetrado por la aerolínea. Goodall dijo que esta práctica era "cruel" y "traumática" para los monos involucrados. El mismo año, Goodall también escribió a los Institutos Nacionales de Salud (National Institutes of Health o NIH) criticando los experimentos de privación maternal realizados en monos bebé en los laboratorios de los mismos.38​39​
Antes de las elecciones generales del Reino Unido de 2015, ella era una de varias celebridades que aprobaban la candidatura parlamentaria de Caroline Lucas del Partido Verde de Inglaterra y Gales.40​
Goodall critica la caza de zorro y fue una de las más de 20 personas famosas que firmaron una carta a los miembros del parlamento en 2015 para oponerse al plan del primer ministro conservador David Cameron que buscaba enmendar el Acta de Caza de 2004 que la prohibía.41​
Críticas[editar]

Goodall en TEDGlobal 2007
Algunos primatólogos han sugerido fallos en la metodología de Goodall, lo que pondría en cuestión la validez de sus observaciones. Goodall utilizó prácticas poco convencionales en su estudio, por ejemplo, el nombramiento de individuos en vez de numerarlos. En ese tiempo, la numeración se utilizaba para prevenir el apego emocional y la pérdida de objetividad. Sus comentarios sobre la individualidad y emoción de los chimpancés, le trajeron acusaciones de haber cometido "el peor de los pecados etológicos",42​ el antropomorfismo.
Muchos métodos estandarizados buscan evitar la interferencia por observadores, y en particular, algunos creen que el uso de estaciones de alimento para atraer a los chimpancés de Gombe ha alterado los patrones de forrajeo y alimentación y relaciones sociales. Este argumento es el enfoque de un libro publicado por Margaret Power en 1991.43​ Ha sido mencionado que niveles más altos de agresión y conflicto con otros grupos de chimpancés en el área ocurrieron debido a la alimentación, que pudo haber generado las "guerras" entre los grupos sociales de los chimpancés que Goodall describe, aspectos que no presenció en los años previos a que la alimentación artificial iniciara en Gombe. En consecuencia, algunos consideran las observaciones de Goodall como distorsiones de la conducta normal de los chimpancés.44​ Goodall misma reconoció que la alimentación contribuyó a la agresión dentro y entre los grupos, pero mantuvo que el efecto se limitaba a la alteración de la intensidad y no a la naturaleza del conflicto entre chimpancés, y sugirió la alimentación fue necesaria para que el estudio fuera efectivo. Craig Stanford del Instituto de Investigación Jane Goodall en la Universidad del Sur de California afirma que los investigadores llevando a cabo estudios sin aprovisionamiento encuentran difícil observar las conductas sociales de los chimpancés, especialmente aquellas relacionadas con conflictos intergrupales.45​
Algunos estudios recientes como los realizados por Crickette Sanze en el Triángulo de Gualougo (Congo) y Christophe Boesch en el Parque nacional de Taï (Costa de Marfil) no han mostrado la agresión observada en los estudios de Gombe.46​ Sin embargo, no todos los primatólogos concuerdan con que los estudios son incorrectos; por ejemplo, Jim Moore ha criticado las afirmaciones de Margaret Powers47​ y otros estudios de otros grupos de chimpancés han mostrado agresión similar a la de Gombe aún en ausencia de alimentación48​
El 22 de marzo de 2013, Hachette Book Group anunció que el libro de Goodall y su coautora Gail Hudson, Seeds of Hope (Semillas de esperanza), no sería lanzado el 2 de abril como era planeado debido al descubrimiento de porciones plagiadas.49​ Un crítico del Washington Post encontró secciones sacadas de sitios web acerca del té ecológico, tabaco y "un sitio de astrología amateur" así como de Wikipedia a las que no se les había dado crédito.50​ Goodall se disculpó y afirmó que "Es importante para mí que todas las fuentes estén propiamente acreditadas, y estaré trabajando diligentemente con mi equipo para atender a todas las áreas que lo requieran. Mi meta es asegurarme que cuando este libro sea publicado no solo alcance los más altos estándares, sino que enfoque los mensajes cruciales que contiene."51​
En la cultura popular[editar]

Escultura de David Greybeard en Animal Kingdom de Disney.
En el episodio de Los Simpsons, «Simpson Safari», la Dra. Joan Bushwell, es un personaje medianamente basado en Goodall,52​ es una investigadora científica a cargo de un refugio de chimpancés que secretamente fuerza a sus simios a minar por diamantes para su beneficio.
Stevie Nicks en su álbum, Street Angel, hace un tributo a Goodall, en la pista «Jane»53​
Una parodia de Goodall en aparece en el webcomic, Irregular Webcomic!53​ como un modelo a mejorar de Steve, el cual era una parodia de Steve Irwin. Ella vuelve a aparecer como sí misma interaccionando con el escritor el cómic, David Morgan-Mar.54​
Ella está incluida en el video Symphony of Science de The Unbroken Thread.55​
Ella fue destacada en la campaña de Apple «Think Different».[cita requerida]
Goodall se dobló a sí misma en un episodio de The Wild Thornberrys en el que ella y Eliza salvaban a animales de cazadores furtivos.[cita requerida]
Incidente de la caricatura Gary Larson[editar]
Una de las caricaturas Far side más famosa del caricaturista Gary Larson muestra dos chimpancés acicalándose. Uno encuentra un pelo rubio humano en el otro y pregunta: "¿Haciendo un poco más de "investigación" con esa fulana Jane Goodall?". Goodall se encontraba en Estados Unidos en ese momento; al Instituto Jane Goodall le pareció de mal gusto e hizo que sus abogados redactaran una carta a Larson y a su sindicato de distribución, en el que describieron la caricatura como una "atrocidad". Ellos fueron sin embargo refrenados por la propia Goodall, que encontró la caricatura divertida.56​ Desde entonces, todas las ganancias de las playeras con esta caricatura se dirigen al Instituto Jane Goodall. Goodall escribió un prefacio a la The Far Side Gallery 5 (Galería 5 de The Far Side), detallando su versión de la controversia y la carta del Instituto se incluyó junto a la caricatura en la colección completa de Far Side.57​ Ella elogió las creatividad de Larson's creative, que frecuentemente comparan y contrastan la conducta de los humanos y los animales. En 1998, Larson visitó Gombe.56​
Premios y reconocimientos[editar]
Condecoraciones[editar]

Goodall enseñando acerca de los pantanos en Martha's Vineyard, E.U.A., 2006
Goodall ha recibido muchas condecoraciones por su trabajo ambiental y humanitario, entre otros. Se le nombró Dama Comandante en la Orden del Imperio Británico en una ceremonia en el Palacio de Buckingham en 2004.58​ En abril de 2002, El General Secretario Kofi Annan nombró a Goodall Mensajera de Paz de Las Naciones Unidas. Otras condecoraciones incluyen el Premio Tyler por Logros Ambientales (Tyler Prize for Environmental Achievement), La Legión de Honor francesa, la Medalla de Tanzania, la prestigiosa presea japonesa, el Premio Kyoto , La Medalla Benjamin Franklin en Ciencias de la vida, el Premio Gandhi-King para la no violencia y el Premio Español Príncipe de Asturias. También es miembro del consejo de la revista BBC Wildlife y madrina de Population Matters (antes Fondo de Población Óptima). Ha recibido muchos tributos, honores y premios de gobiernos locales, escuelas, instituciones e instituciones benéficas alrededor del mundo. Goodall ha sido honrada con una placa por la Compañía Walt Disney en el árbol de la vida en el parque temático Animal Kingdom en Walt Disney World junto con un una escultura tallada de su amado David Greybeard, el chimpancé que originalmente se acercó a Goodall en su primer año en Gombe.59​ En 2010 Dave Matthews y Tim Reynolds organizaron un concierto de caridad en el DAR Constitution Hall en Washington DC para conmemorar Gombe 50: una celebración global del trabajo pionero de Jane Goodall en la investigación de chimpancés y su inspiradora visión de nuestro futuro.60​
Premios[editar]
1984: Premio J. Paul Getty a la Conservación de Vida Silvestre.
1985: Premio Legado Viviente por la Liga Internacional de Mujeres.
1985: Sociedad de los Estados Unidos; Premio por Excelencia Humana, de la Sociedad Estadounidense para la Prevención de la Crueldad Animal.
1987: Premio Ian Biggs.
1987: Premio Golden Plate, Academy of Achievement.
1989: Premio Encyclopædia Britannica por Excelencia de Diseminación del Aprendizaje para el Beneficio de la Humanidad; Premio Antropólogo del Año.
1990: Premio AMES, Sociedad Estadounidense de Antropología;Premio de Conservación Whooping Crane, Conoco, Inc.; Medalla de Oro de la Sociedad de Mujeres Geógrafas; Premio Fundación Inamori; Premio Woashoe; Premio Kyoto en Ciencia Básica.
1991: Medalla de Edimburgo.
1993: Premio Rainforest Alliance Champion.
1994: Medalla Diamond Jubilee del Zoo de Chester.
1995: comandante de la Orden del Imperio Británico presentada por Su Majestad la Reina Isabel II; La Medalla Hubbard de la National Geographic Society por Distinción en Exploración, Descubrimiento e Investigación; Premio Lifetime Achievement, en Defensa de los Animales; El Premio Ambiental Moody Gardens; Guardabosques Honoraria de los Parques nacionales de Uganda.
1996: La Medalla de Plata de la Sociedad Zoológica de Londres; La medalla tanzana Kilimanjaro; El Premio de Conservación de la Sociedad de Primates de Gran Bretaña; El Premio Caring Institute; El Premio Oso Polar; Premio William Procter por Logros Científicos.
1997: Premio John & Alice Tyler por Logros Ambientales; Premio David S. Ingells, Jr. por Excelencia; Premio Common Wealth por Servicio Público; Premio Field Museum por Méritos; Premio Tyler Prize por Logros Internacionales; Premio de la Royal Geographical Society / Discovery Channel Europe por una Vida de Descubrimientos.
1998: Premio Eco Héroe del Animal Kingdom; Premio de la National Science Board Public Service; Premio de la Orion Society's John Hay.
1999: Premio Internacional de la Paz; Premio de Excelencia en Conservación por el Instituto Botánico de Texas, Premio Internacional de la Comunidad de Cristo.

Desfile del Torneo de las Rosas La Gran Alguacil Dra. Jane Goodall, 11° Gran Alguacil Femenina, en la Casa del Torneo, 2012
2001: Premio Graham J. Norton por Logros en Incrementar la Habitabilidad de la Comunidad; Premio Rungius del National Museum of Wildlife Art, E.U.A; Medalla Memorial Roger Tory Peterson, del Museo de Historia Nacional de Harvard; Premio Master de la Paz; Premio Gandhi/King por la No Violencia.
2002: Medalla Memorial Huxley, del Royal Anthropological Institute de Gran Bretaña e Irlanda; Nombramiento como "Mensajera de la Paz" de las Naciones Unidas.
2003: Medalla Benjamin Franklin de Ciencias de la Vida; Premio de Harvard Medical School's Center for Health and the Global Environment; Premio Príncipe de Asturias por Logros Científicos y Técnicas; Dama Comandante de la Orden del Imperio Británico presentada por Su Alteza Real el Príncipe Carlos; Premio de Liderazgo Ambiental por la Academia de Ciencias de Chicago.
2004: Premio Nierenberg por Ciencia con Interés Público; Premio Will Rogers Spirit, del The Rotary Club of Will Rogers and Will Rogers Memorial Museums; Premio de Logros de Cumplimiento, International Fund for Animal Welfare; Grado Honorario por el Haverford College.
2005: Grado de Doctorado Honorario en ciencias por la Universidad de Siracusa.
2005: Grado de Doctorado Honorario en ciencias por la Universidad Rutgers.
2005: Premio Discovery and Imagination.
2006: Recibió la Medalla del 60 aniversario de la UNESCO y la Legión de Honor Francesa.
2007: Grado de Doctorado Honorario en conmemoración de Carlos Linneo de la Universidad de Upsala.
2007: Grado de Doctorado Honorario de la Universidad de Liverpool.
2008: Grado de Doctorado Honorario por la Universidad de Toronto.
2009: Grado de Doctorado Honorario por la Universidad Nacional de Córdoba.61​
2011: Grado de Doctorado Honorario por la Universidad Americana de París.
2011: Gran Oficial del la Orden de Mérito de la República Italiana.
2012: Nombramiento de Gran Alguacil del Desfile del Torneo de las Rosas62​
2012: Grado de Doctorado Honorario por la Universidad Nacional de Tsing Hua (NTHU, Taiwan)63​
2016: Premio Ecovidrio "Personalidad ambiental del año"..64​
Medios[editar]
Libros[editar]
1969 My Friends the Wild Chimpanzees Washington, DC: National Geographic Society
1971 Innocent Killers (with H. van Lawick). Boston: Houghton Mifflin; Londres: Collins.
1971 In the Shadow of Man Boston: Houghton Mifflin; Londres: Collins. Publicado en 48 idiomas.
1986 The Chimpanzees of Gombe: Patterns of Behavior Boston: Bellknap Press de la Harvard University Press. Publicado también en Japonés y Ruso. Premio R.R. Hawkins por Libro Médico, Técnico o Científico de 1986, en la Bellknap Press of Harvard University Press, Boston. Premio de la Wildlife Society (E.U.A.) por "Publicación Sobresaliente en Ecología de Vida Silvestre y Desarrollo".
1990 Through a Window: 30 years observing the Gombe chimpanzees Londres: Weidenfeld & Nicolson; Boston: Houghton Mifflin. Traducido a más de 15 idiomas. 1991 Penguin edition, UK. American Library Association "Mejor" lista among Nine Notable Books (Nonfiction) for 1991.
1991 Visions of Caliban (coescrito con Dale Peterson, PhD). Boston: Houghton Mifflin. "Libro destacado" del Nueva York Times en 1993. "Mejor Libro Sci-Tech " del 1993 Library Journal.
1999 Brutal Kinship (con Michael Nichols). Nueva York: Aperture Foundation.
1999 Reason For Hope; A Spiritual Journey (con Phillip Berman). Nueva York: Warner Books, Inc. Traducido al japonés y portugués.
2000 40 Years At Gombe Nueva York: Stewart, Tabori, y Chang.
2000 Africa In My Blood (edición por Dale Peterson). Nueva York: Houghton Mifflin Co.
2001 Beyond Innocence: An Autobiography in Letters, the later years (edición por Dale Peterson). Nueva York: Compañía Houghton Mifflin. ISBN 0-618-12520-5 Online version
2002 The Ten Trusts: What We Must Do To Care for the Animals We Love (con Marc Bekoff). San Francisco: Harper San Francisco
2005 Harvest for Hope: A Guide to Mindful Eating Nueva York: Warner Books, Inc. ISBN 0-446-53362-9
2009 Hope for Animals and Their World: How Endangered Species Are Being Rescued from the Brink Grand Central Publishing ISBN 0-446-58177-1
2013 Seeds of Hope: Wisdom and Wonder from the World of Plants (con Gail Hudson) Grand Central Publishing ISBN 1-4555-1322-9
Libros para Niños[editar]
1972 Grub: The Bush Baby (con H. van Lawick). Boston: Houghton Mifflin.
1988 My Life with the Chimpanzees Nueva York: Byron Preiss Visual Publications, Inc. Traducido al Francés, Japonés y Chino. Parenting's Premio Reading-Magic por "Libro para Niños Sobresaliente", 1989.
1989 The Chimpanzee Family Book Saxonville, MA: Picture Book Studio; Munich: Neugebauer Press; Londres: Picture Book Studio. Traducido a más de 15 lenguajes, incluyendo Japonés y Sujili. Premio UNICEF para mejor libro para niños de 1989. Premio Austriaco al mejor libro infantil de 1990.
1989 Jane Goodall's Animal World: Chimps Nueva York: Macmillan.
1989 Animal Family Series: Chimpanzee Family; Lion Family; Elephant Family; Zebra Family; Giraffe Family; Baboon Family; Hyena Family; Wildebeest Family Toronto: Madison Marketing Ltd.
1994 With Love Nueva York / London: North-South Books. Traducido al Alemán, Francés, Italiano y Japonés.
1999 Dr. White (ilustrado por Julie Litty). Nueva York: North-South Books.
2000 The Eagle & the Wren (ilustrado por Alexander Reichstein). Nueva York: North-South Books.
2001 Chimpanzees I Love: Saving Their World and Ours Nueva York: Scholastic Press
2002 (Prefacio) "Slowly, Slowly, Slowly," Said the Sloth por Eric Carle. Philomel Books
2004 Rickie and Henri: A True Story (con Alan Marks) Penguin Young Readers Group
Películas[editar]
1963 Miss Goodall and the Wild Chimpanzees National Geographic Society
1975 Miss Goodall: The Hyena Story World of Animal Behavior Series 16mm versión de 1979 paraDiscoVision, no lanzada para LaserDisc.
1984 Among the Wild Chimpanzees National Geographic Special.
1988 People of the Forest with Hugo van Lawick.
1990 Chimpanzee Alert in the Nature Watch Series, Central Television.
1990 The Life and Legend of Jane Goodall National Geographic Society.
1990 The Gombe Chimpanzees Bavarian Television.
1995 Fifi's Boys for the Natural World series for the BBC.
1996 Chimpanzee Diary for BBC2 Animal Zone.
1997 Animal Minds para BBC.
Goodall se dobló a sí misma en la serie de TV animada The Wild Thornberrys.
2000 Jane Goodall: Reason For Hope PBS especial producido por KTCA
2001 Chimps R Us, on season 11 , episode 8 of Scientific American Frontiers.
2002 Jane Goodall's Wild Chimpanzees (IMA
2002 Jane Goodall's Wild Chimpanzees (formato IMAX), en colaboración con Science North
2005 Jane Goodall's Return to Gombe for Animal Planet
2006 Chimps, So Like Us HBO película nominada para el Premio de la Academia de 1990.
2007 When Animals Talk We Should Listen documental teatral coproducido con Animal Planet
2010 Jane's Journey documental teatral coproducido con Animal Planet.
2012 Chimpanzee teatro documental de la naturaleza coproducido por Disneynature.
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Mejor no tener lógica que no tener sentimientos (Charlotte Brönte)

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Mejor no tener lógica que no tener sentimientos (Charlotte Brönte)

Charlotte Brönte Escritora británica Nació el 21 de abril de 1816 en Yorkshire (Gran Bretaña). Hermana de las también novelistas Emily y Anne Brönte. Su padre, Patrick Brönte fue rector de Haworth, un pueblo de los páramos de Yorkshire al que desde entonces quedó ligada la... Ver mas
Charlotte Brönte

Escritora británica



Nació el 21 de abril de 1816 en Yorkshire (Gran Bretaña).

Hermana de las también novelistas Emily y Anne Brönte.

Su padre, Patrick Brönte fue rector de Haworth, un pueblo de los páramos de Yorkshire al que desde entonces quedó ligada la familia. En 1824 se produce el fallecimiento de su madre, por lo que Charlotte y Emily son enviadas con sus hermanas mayores, María y Elizabeth, al colegio de Clergy Daughters, en Cowan Bridge, donde cayeron enfermas de tuberculosis.



Es en este colegio donde se inspira para describir el infame colegio Lowood que aparece en su novela Jane Eyre. María y Elizabeth volvieron enfermas a Haworth y fallecieron de tuberculosis en 1825. Por este motivo y por las pésimas condiciones del colegio la familia sacó a Charlotte y a Emily del internado.

En 1835, regresó a Roe Head como maestra, llevando a Emily con ella. En 1842 intentó abrir una escuela privada y, para mejorar su francés, Charlotte y Emily ingresaron en un internado privado de Bruselas, pero la muerte de su tía, que se encargaba de la casa de la familia, les obligó a volver. Emily se quedó como administradora de la casa.

Las experiencias que Charlotte vivió en Bruselas le servirían a su regreso para plasmar la soledad, nostalgia y aislamiento de Lucy Snow en su novela Villete (1853). En otoño de 1845, el descubrimiento por Charlotte de los poemas de Emily las decidió a publicar un libro con las poesías de las tres hermanas, que se editó con el título Poemas por Currer, Ellis y Acton Bell (1846). Tan sólo se vendieron dos ejemplares. Tras esto Charlotte publicó Jane Eyre (1847) que tuvo un éxito inmediato.

Tras la muerte de sus hermanas, quedo sola con su padre en Haworth, así que reanudó el trabajo con Shirley (1849), primera novela regional inglesa. Contrajo matrimonio en 1852 con el coadjutor de su padre, Arthur Bell Nicholls, que fue el cuarto hombre en proponérselo.

El 31 de marzo de 1855, estando embarazada, Charlotte Brönte falleció en Yorkshire, Haworth, de tuberculosis.


Obras

Juvenilia

The Young Men's Magazine, (agosto 1830)

The Spell
The Secret
Lily Hart
The Foundling
The Green Dwarf
My Angria and the Angrians
Albion and Marina
Tales of the Islanders
Tales of Angria (1838–1839)
Mina Laury
Stancliffe's Hotel
The Duke of Zamorna
Henry Hastings
Caroline Vernon
The Roe Head Journal Fragments
The Green Dwarf

Novela

Jane Eyre, (1847)
Shirley, (1849)
Villette, (1853)
The Professor, (1857)
Emma

Poesía

Poems by Currer, Ellis, and Acton Bell (1846)
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Dime y lo olvido, enséñame y lo recuerdo, involúcrame y lo aprendo (Benjamin Franklin)

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Dime y lo olvido, enséñame y lo recuerdo, involúcrame y lo aprendo (Benjamin Franklin)

(Boston, 1706 - Filadelfia, 1790) Político, científico e inventor estadounidense. Estudioso de la electricidad y de cuanto atrajo su interés, inventor del pararrayos y de otros útiles artefactos, honesto y eficiente hombre público y destacado artífice de la independencia de los Estados Unidos... Ver mas
(Boston, 1706 - Filadelfia, 1790) Político, científico e inventor estadounidense. Estudioso de la electricidad y de cuanto atrajo su interés, inventor del pararrayos y de otros útiles artefactos, honesto y eficiente hombre público y destacado artífice de la independencia de los Estados Unidos, Benjamin Franklin fue acaso el personaje más querido de su tiempo en su país y el único americano de la época colonial británica que alcanzó fama y notoriedad en Europa.


Benjamin Franklin

Sólo desde la admiración es posible aproximarse a su figura, y al mismo tiempo es difícil pensar en Franklin sin experimentar una sensación de calor humano. Su apariencia era tan sencilla, su personalidad resultaba tan agradable y su sentido del humor brotaba tan espontáneamente que para la gente resultaba fácil quererlo y respetarlo. Unos grandes ojos grises y una boca propensa a la sonrisa adornaban el rostro de este dechado de virtudes, que fue capaz de sobresalir en cuantos campos se propuso.

"La voluntad, el talento, el genio y la gracia se reunían en él, como si la naturaleza al formarle se hubiese sentido derrochadora y feliz", afirmó uno de sus biógrafos. Más allá de esos dones, Franklin siempre creyó firmemente que era posible modificar los aspectos negativos del carácter mediante una disciplina a la vez suave y constante. En su juventud llevaba siempre consigo una lista de cualidades dignas de admiración, que más tarde se convirtió en un pequeño libro donde cada página estaba consagrada a una virtud. Franklin dedicaba una semana de atención a cada una de ellas, que releía en cuanto tenía ocasión, y volvía a empezar cuando llegaba al final.

Biografía

Decimoquinto hermano de un total de diecisiete, Benjamin Franklin cursó únicamente estudios elementales, que abandonó a la edad de diez años; la vasta erudición enciclopédica que exhibiría en su madurez fue el resultado de una curiosidad insaciable y de un esfuerzo autodidacta que compaginaría siempre con sus actividades profesionales. A los doce años comenzó a trabajar como impresor en una empresa propiedad de John Franklin, uno de sus hermanos.

En 1723, tras una disputa con su hermano, huyó a Filadelfia, donde, sin un céntimo en el bolsillo, halló trabajo en una tipografía. Tras haber desempeñado por espacio de dos años la misma actividad en Inglaterra, adonde había sido enviado con recomendaciones sin ningún valor, regresó a Filadelfia y trabajó por su cuenta como tipógrafo y editor. En 1727 fue responsable de la emisión de papel moneda en las colonias británicas de América. Más tarde fundó el periódico La Gaceta de Pensilvania, que publicó entre los años 1728 y 1748, y en 1732 emprendió la edición del Almanaque del pobre Richard (1732-1757).


Benjamin Franklin

Con la publicación del Almanaque, un tipo de anuario misceláneo frecuente en la época que incluía el santoral, horóscopos, consejos médicos y previsiones meteorológicas, se abrió en su vida un período de prosperidad. El propio Franklin ejercía como redactor, editor y director, aunque atribuía la autoría del mismo a un personaje ficticio que acabaría siendo famosísimo: el extravagante Richard Saunders, de donde procede el título de Almanaque del pobre Richard.

El tal Richard es un viejo "yanqui" provinciano de variable humor, un filósofo rústico con sus puntas y ribetes de misoginismo, que, con gran desesperación de su esposa Bridget, se pasa el tiempo entre polvorientos libros y cálculos astrológicos, en lugar de ganar dinero para sostener a su familia; decide editar el almanaque, precisamente, para poder conciliar sus aficiones con esa necesidad.

Junto a las secciones habituales, Franklin tuvo el acierto de incluir además toda clase de máximas, proverbios, sentencias y frases célebres, extraídas de fuentes variadas; en ocasiones, aplicando su genio y experiencia a la conducta humana, llegó a inventarlas él mismo, con tanta fortuna que acabaron pasando al acervo popular. Después de veinticinco años de publicación ininterrumpida, con tiradas que alcanzaron los diez mil ejemplares (una cifra impresionante para la época), Benjamin Franklin había conseguido un considerable patrimonio que le permitió abandonar la impresión.

El estadista

La época de más intensa actividad política de Benjamin Franklin se inició en 1757, una vez finalizada aquella larga etapa como impresor. Lo más importante de la misma fue su tarea como inspirador y activo factótum de la independencia. Puede atribuírsele la idea primigenia de unos Estados Unidos como nación única y no como un grupo de colonias separadas, ya que dos décadas antes de la guerra de independencia americana concibió un sistema de gobiernos estatales reunidos bajo una sola autoridad federal.

Previamente, convertido ya en uno de los más importantes personajes públicos de Filadelfia, había sido elegido miembro de la Asamblea legislativa; llevó a buen fin el tratado con los indios rebeldes, encontró un sistema racional para la limpieza de las calles y promovió numerosas iniciativas y mejoras. Su temperamento activo y polifacético lo impulsaría a participar en las cuestiones de ámbito local, por ejemplo, en la creación de instituciones como el cuerpo de bomberos de Filadelfia, la biblioteca pública y la Universidad de Pensilvania, así como la Sociedad Filosófica Americana. Como director general de Correos en Filadelfia, primero de importancia de los múltiples cargos públicos que desempeñaría con brillante eficiencia, Franklin alcanzó una serie de éxitos fulgurantes en la mejora del servicio, amplió considerablemente la frecuencia de los envíos y mejoró los caminos postales.



Cuando en 1757 fue enviado a Londres para defender los intereses de las colonias americanas ante la metrópoli, Benjamin Franklin inició una intensa labor política que acabaría dando los frutos apetecidos. En una famosa ocasión estuvo durante todo el día en la Cámara de los Comunes, contestando con gran habilidad las preguntas que le dirigían los miembros de tan honorable institución en torno a la resistencia de las colonias ante la muy odiada ley tributaria inglesa, que resultaba nefasta para los intereses de los colonos americanos. El resultado fue que el Parlamento revocó la ley (1766) y la guerra se retrasó diez años, dando a los independentistas tiempo suficiente para prepararse.

Ante las nuevas presiones fiscales y políticas ejercidas por la metrópoli, Benjamin Franklin dejó Londres; regresó a Filadelfia en 1775 y se adhirió decididamente al movimiento independentista. Ese mismo año fue nombrado diputado por Pensilvania ante el II Congreso Continental, en el que los representantes de las trece colonias norteamericanas decidieron formar un ejército para luchar contra Inglaterra. Al año siguiente redactó, conjuntamente con Thomas Jefferson y John Adams, la histórica Declaración de Independencia (1776).

Debido a su prestigio, se le escogió en diciembre de ese año para efectuar una gira por Europa (1776-1785) en busca de apoyo para la causa independentista. Era fundamental conseguir la ayuda de Francia, sin la cual la contienda podía prolongarse indefinidamente e incluso perderse. George Washington se había entregado a la organización de un ejército norteamericano, pero la metrópoli contaba con todo el poder, las armas e importantes aliados. Era preciso contrarrestar ese poderío consiguiendo el auxilio de Francia. Franklin no sólo convenció al reacio monarca francés, Luis XVI, de que enviara secretamente suministros al general Washington, sino que un año después (1778) logró que entrara abiertamente en la guerra como aliado después de firmar un tratado de amistad.


Benjamin Franklin (retrato de David Martin, 1767)

Finalizada la guerra y lograda la independencia efectiva, Benjamin Franklin fue partícipe en las conversaciones para concluir el tratado de paz que pondría fin al conflicto (1783). Tras su regreso a Filadelfia fue nombrado miembro de la convención encargada de la redacción de la Constitución estadounidense (1787). Franklin consiguió además resolver un problema que amenazaba con dificultar seriamente la formación del nuevo país: los pequeños Estados querían tener idéntica representación en el Congreso que los grandes y, a su vez, éstos pretendían que el número de delegados se eligiera según la población de cada Estado.

Franklin resolvió la dificultad aceptando la primera propuesta como base para el Senado y la segunda para la Cámara de Representantes; luego, cuando la Constitución estuvo lista, se encargó personalmente de que fuera ratificada por los distintos Estados, tarea para la que tuvo que poner en juego todas sus dotes de persuasión y sus capacidades de magistral razonador: ninguno de sus interlocutores se resistió a sus argumentos. Vuelto a Filadelfia, ya viejo y fatigado, y con la esperanza de un descanso bien merecido, se vio inmediatamente agobiado por nuevas responsabilidades públicas, llevando una vez más a cabo con su perfecto y admirable estilo las misiones confiadas.

El científico

El interés de Benjamin Franklin por los temas científicos comenzó a mediados del siglo y coincidió aproximadamente con aquella etapa de intensa actividad política. Durante una estancia en Francia, en 1752, llevó a cabo el famoso experimento de la cometa, que le permitió demostrar que las nubes están cargadas de electricidad y que, por lo tanto, los rayos son esencialmente descargas de tipo eléctrico.

Para la realización del experimento, no exento de riesgo, utilizó una cometa dotada de un alambre metálico unido a un hilo de seda que, de acuerdo con su suposición, debía cargarse con la electricidad captada por el alambre. Durante la tormenta acercó la mano a una llave que pendía del hilo de seda, y observó que, lo mismo que en los experimentos con botellas de Leyden que había realizado con anterioridad, saltaban chispas, lo cual demostraba la presencia de electricidad.


El experimento de la cometa (óleo de B. West)

Este descubrimiento le permitió inventar el pararrayos, cuya eficacia dio lugar a que ya en 1782, en la ciudad de Filadelfia, se hubiesen instalado 400 de estos ingenios. Sus trabajos acerca de la electricidad le llevaron a formular conceptos tales como el de la electricidad negativa y positiva (a partir de la observación del comportamiento de las varillas de ámbar) o el de conductor eléctrico, entre otros. Expuso además una teoría acerca de la electricidad en la que consideraba que ésta era un fluido sutil que podía presentar un exceso o un defecto, descubrió el poder de las puntas metálicas al observar que un cuerpo con carga eléctrica se descarga mucho más deprisa si termina en punta, y enunció el principio de conservación de la carga eléctrica.

Benjamin Franklin inventó también la llamada estufa Franklin (1742), una estufa de hierro de mayor eficiencia y menor consumo, y las lentes bifocales. La gran curiosidad que sentía por los fenómenos naturales le indujo a estudiar, entre otros, el curso de las tormentas que se forman en el continente americano, y fue el primero en analizar la corriente cálida que discurre por el Atlántico norte y que en la actualidad se conoce con el nombre de corriente del Golfo.

Músico e instrumentista experto, escribió también sobre los problemas de la composición musical, en particular sobre los referentes a la adaptación de la música a la letra para que esta última pudiera ser inteligible. Una relación detallada de sus hallazgos resultaría interminable y agotadora, pues su capacidad creadora y su sentido de anticipación fueron absolutamente extraordinarios.

Benjamin Franklin falleció en Filadelfia a los 84 años de edad. Había permanecido activo prácticamente toda su vida; sólo dos años antes había decidido retirarse de la vida pública y completar su Autobiografía (iniciada hacia 1771), que vería la luz póstumamente. Una de las razones que lo llevaron a la longevidad fue su profundo conocimiento de los temas relativos a la salud. Daba largas caminatas en cuanto tenía ocasión, era un ejemplo de moderación en la mesa y, en contra de muchos prejuicios acatados por sus contemporáneos, tenía hábitos que resultaban insólitos para el americano medio, como la costumbre, considerada extravagante y perniciosa, de dormir con las ventanas abiertas de par en par.





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No se puede confundir la verdad con la opinión de la mayoría (Jean Cocteau)

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No se puede confundir la verdad con la opinión de la mayoría (Jean Cocteau)

Jean Cocteau Jean Maurice Clément Cocteau Escritor y director de cine francés "Si yo prefiero los gatos a los perros es porque no hay gatos policias" Jean Cocteau Nació el 5 de julio de 1889, en Maisons-Laffitte, cerca de París. Cuando tan sólo contaba con nueve años su... Ver mas
Jean Cocteau
Jean Maurice Clément Cocteau

Escritor y director de cine francés



"Si yo prefiero los gatos a los perros es porque no hay gatos policias"
Jean Cocteau


Nació el 5 de julio de 1889, en Maisons-Laffitte, cerca de París.

Cuando tan sólo contaba con nueve años su padre se quitó la vida. Fue un niño consentido y con malos resultados en el colegio.

Cursó estudios en el Liceo Condôrcet y a muy temprana edad comienza su actividad literaria. En la escuela se enamoró de un compañero, Pierre Dargelos, quien se vería posteriormente reencarnado en muchas de sus obras.



Se trasladó a París y con dieciséis años se encontró con el actor Édouard de Max, que tomó parte en su lanzamiento como poeta.

Siendo muy joven publicó su primer volumen de poemas, La lámpara de Aladino, que rápidamente le situó como un escritor importante. En 1909 los Ballets Rusos se establecieron en París y consiguió a través de una buena relación que mantenía con el empresario Sergei Diáguilev, trabajar en ellos. Combinó su talento con el del compositor Erik Satie, el coreógrafo Leonid Massine y el pintor español Pablo Picasso para crear un ballet revolucionario llamado Parade, que se representó por primera vez en 1917, y Le Boeuf sur le toit (El buey en el tejado, 1920, con música del compositor francés Darius Milhaud).

Jean Cocteau, participa en la I Guerra Mundial en una unidad voluntaria de ambulancias.

Dramaturgo, poeta, cineasta, pintor, ensayista. Su relación con el aviador Roland Garros inspiró los poemas de su obra The Cape of Good Hope (1919). Traba amistad con Diahgllev, Nijinsky y Stravinski primero y con Apollinaire,Max Jacob, se relaciona también con Amedeo Modigliani. Todas sus experiencias fueron narradas en su novela Thomas el impostor, publicada en 1923.

Se enamoró de Raymond Radiguet, un joven poeta de 15 años. En 1923, cuando Radiguet contaba 20 años, muere de tifus, Cocteau incrementa su adicción al opio lo que le obliga a pasar un periodo de recuperación en un sanatorio. Esta experiencia la describió en Opio (1923). Durante este tiempo escribió algunas de sus obras más importantes: Orfeo (1927) y La máquina infernal (1934), la novela Los muchachos terribles (1929) y su primera película, La sangre de un poeta (1930).

Sus películas fueron importantes para la introducción del surrealismo en el cine francés. Varias de ellas, especialmente La bella y la bestia (1945), Orfeo (1950) y Los muchachos terribles(1929), han llegado a ser consideradas clásicas del cine moderno.

Alcanzó el reconocimiento con su elección para la Academia Francesa en 1955 y asombró al mundo literario parisiense, con su aparatosa conversión al catolicismo practicante.

Jean Cocteau falleció el 11 de octubre de 1963 en Milly-la-Fôret, cerca de Fontainebleau, tras convertirse en una de las figuras más brillantes y polémicas del mundo artístico francés.


Obras

Novelas

Le Potomak — 1919
Le Grand écart — 1923
Thomas l'imposteur — 1923
Le Livre blanc — 1928
Les Enfants terribles — 1929
La Fin du Potomak — 1940
Les deux travestis — 1947

Poesía

La lampe d'Aladin — 1909
Le prince frivole — 1910
La danse de Sophocle — 1912
Le Cap de Bonne-Espérance — 1918
L'Ode à Picasso — 1919
Vocabulaire — 1922
Plain-chant — 1923
Cri écrit — 1925
Prière mutilée — 1925
L'Ange Heurtebise — 1926
Opéra — 1927
Morceaux choisis, poèmes, 1926-1932 — 1932
Mythologie — 1934
Énigme — 1939
Allégories — 1941
Poèmes écrits en allemand — 1944
Léone — 1945
La crucifixion — 1946
Poèmes — 1948
Anthologie poétique de Jean Cocteau — 1951
La nappe du Catalan — 1952
Le chiffre sept — 1952
Appogiatures — 1953
Dentelle d'éternité — 1953
Clair-obscur — 1954
Poèmes — 1916-1955 — 1956
Paraprosodies précédées de 7 dialogues — 1958
Gondole des morts — 1959
Cérémonial espagnol du phénix, suivi de La partie d'échecs — 1961
Le Requiem — 1962

Teatro

Orphée — 1926
Oedipe roi — 1928
Roméo et Juliette — 1928
La Voix humaine — 1930
La machine infernale — 1934
Le bel indifférent — 1940
Théâtre I: Antigone - Les Mariés de la tour Eiffel - Les Chevaliers de la table ronde - Les Parents terribles — 1948
Théâtre II: Les Monstres sacrés - La Machine à écrire - Renaud et Armide - L'aigle à deux têtes — 1948
Théâtre de poche — 1949
Bacchus — 1952
Nouveau théâtre de poche — 1960
L'Impromptu du Palais-Royal — 1962
Paul et Virginie — 1968
Le gendarme incompris — 1971

Ensayo

Carte blanche — 1920
Le Secret professionnel — 1922
Le Rappel à l'ordre - Lettre à Jacques Maritain — 1926
Portraits-Souvenir — 1935
Le Foyer des artistes - La Difficulté d'être — 1943
Lettres aux Américains - Reines de la France — 1949
Journal d'un inconnu. Démarche d'un poète — 1953
Discours d'Oxford — 1956
Poésie critique I — 1959
Poésie critique II — 1960
Le Cordon ombilical — 1962
La Comtesse de Noailles — oui et non — 1963
Lettres à sa mère — 1989

Filmografía

Le sang d'un poète — 1930
La Belle et la Bête — 1945
L'aigle à deux têtes — 1945
Les parents terribles — 1948
Orphée — 1950
La villa Santo-Sospir — 1952
L'Amour sous l'électrode — 1955
Le testament d'Orphée — 1959
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A veces el amor dura; otras, en cambio, duele mucho (Adele)

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A veces el amor dura; otras, en cambio, duele mucho (Adele)

Adele Laurie Blue Adkins (Tottenham, Londres, Inglaterra, 5 de mayo de 1988), conocida simplemente como Adele, es una cantante y compositora británica. Desde muy joven mostró su interés por la música y en 2006 egresó de la BRIT School de Artes Escénicas y Tecnología, año en el que firmó un... Ver mas
Adele Laurie Blue Adkins (Tottenham, Londres, Inglaterra, 5 de mayo de 1988), conocida simplemente como Adele, es una cantante y compositora británica. Desde muy joven mostró su interés por la música y en 2006 egresó de la BRIT School de Artes Escénicas y Tecnología, año en el que firmó un contrato con XL Recordings, tras ser descubierta por unos demos que un amigo publicó en MySpace.2​ En los Premios Brit de 2007 recibió el galardón elección de los críticos y también ganó la encuesta Sound of 2008 realizada por la BBC.3​ En 2008 Adele lanzó su álbum de estudio debut, 19 que se situó en la posición 1 de la lista de álbumes británica y ha sido certificado doble platino en Estados Unidos.4​5​ Su carrera se vio favorecida en el territorio estadounidense tras una actuación en el programa Saturday Night Live a mediados de octubre de 2008, el espectáculo contó con la mayor cantidad de espectadores en catorce años.3​ Un año después, en la 51.ª entrega de los Premios Grammy ganó los galardones mejor artista nuevo y mejor interpretación vocal pop femenina por «Chasing Pavements».6​
A principios de 2011 Adele lanzó su segundo álbum de estudio, 21, y fue éxito comercial en todo el mundo llegando a vender más de treinta millones de copias.7​ Por sus ventas ha sido certificado dieciséis veces platino en Reino Unido y en el territorio estadounidense se le concedió la certificación de diamante por la Asociación de Industria Discográfica de Estados Unidos (RIAA).4​ El álbum también contó con críticas favorables y recibió numerosos premios a lo largo de 2011 y 2012, entre los que incluyen un récord de seis grammys,8​ dos galardones en los Brit y tres American Music Awards, respectivamente. Adele ha vendido más de cuarenta millones de álbumes y cincuenta millones de sencillos en todo el mundo.9​
Debido al éxito de 21, cuenta con varias menciones en el Guinness World Records,10​ a su vez fue condecorada como un Miembro de la Excelentísima Orden del Imperio Británico por el príncipe Carlos.11​ Adele es la primera mujer en la historia que sitúa tres sencillos entre las primeras diez posiciones de la lista musical Billboard Hot 100 simultáneamente, y la primera fémina en tener dos álbumes y dos sencillos entre los primeros cinco puestos de la lista Billboard 200 y Billboard Hot 100 al mismo tiempo. Además 21 pasó a ser el álbum con más entradas al primer puesto de la lista musical de Reino Unido y Estados Unidos. En 2013, recibió un óscar y un globo de oro a la mejor canción original por el tema «Skyfall», compuesto para la vigésimo tercera película de James Bond del mismo nombre.12​ Después de haberse tomado un descanso de tres años, Adele lanzó su tercer álbum de estudio 25, en noviembre de 2015, que debutó en el puesto número uno en la mayoría de los mercados principales. En la primera semana rompió récords de ventas en varios países, incluyendo Reino Unido y Estados Unidos. El disco fue antecedido por la publicación de «Hello».
En 2011 y 2012, Billboard la nombró artista del año.13​ VH1 la incluyó en el quinto puesto de las 100 mujeres más grandes de la música,14​ y la revista Time la calificó como una de las personas más influyentes en el mundo.15​ El 18 de diciembre de 2015, se estimó que Adele vendió de más de 100 millones de sencillos y discos, haciendo de ella una de las artistas musicales con mayores ventas en el mundo.16​

Carrera musical[editar]
Comienzos y álbum 19[editar]

Adele realizando un acto acústico en Kilburn, Londres en 2007.
Comenzó a cantar a los tres años y afirma que se obsesionó con las voces de algunas intérpretes por cómo cambiaban sus tonos, de enojado a excitado y de alegre a descontento.17​ Recuerda que la primera artista que llamó su atención fue Gabrielle, y para imitarla le pidió a su madre comprar un parche ocular, que adornó con lentejuelas, sin embargo, al día siguiente de haberlo usado lo tiró tras sufrir «burlas en la escuela».18​ En 2003, a los catorce años, descubrió unos discos compactos de Etta James y Ella Fitzgerald en una tienda de antigüedades de música jazz local, y sostuvo que «fue como un despertar».18​19​ Asimismo afirma que «comenzó a escuchar a Etta James durante una hora» todos los días, y la rutina la llevó a «conocer [su] propia voz».18​ En 2003, ingresó a la BRIT School de Artes Escénicas y Tecnología en Croydon, graduándose en el 2006.2​3​18​ En una ocasión, «como parte de su curso grabó algunas demos, y un amigo las subió a MySpace», que posteriormente serían descubiertos por un empresario de un sello discográfico.2​ Tras graduarse, estaba más interesada en entrar en una A&R para descubrir talentos y convertirlos en famosos que iniciar una carrera musical.20​
En 2006, las demos que su amigo subió a MySpace fueron descubiertas de casualidad por Richard Russell, del sello discográfico XL Recordings, quien la contactó a través de correos electrónicos y la citó. Inicialmente, Adele dudaba de la veracidad de la oferta y pensaba que era «un pervertido de Internet» ya que «nunca había oído hablar de XL [Recordings]», así que optó por ir acompañada a la reunión.2​ Adele firmó su primer contrato discográfico en junio de 2006 con el mánager Jonathan Dickins de September Management, luego de ser recomendado por Nick Huggett.21​ Sin embargo, en septiembre del mismo año deja dicho sello y firma con Jamie T, de XL.21​ En 2007 prestó su voz para la canción «My Yvonne» de Jack Peñate, incluida en su álbum, Matinée (2007), y fue durante esa grabación que conoció al productor Jim Abbiss, quien se encargó de producir buena parte de su álbum de estudio debut, 19 y su sucesor, 21.22​ Su canción revelación, «Hometown Glory», se lanzó a finales de octubre de 2007 y supuso su entrada al mercado musical británico.19​21​ Ella sirvió como telonera para Will Young en los MENCAP Sesiones Poco Ruido 2007, un concierto benéfico que se llevó cabo en Union Chapel de Londres.23​
En 2008 interpretó un repertorio acústico siendo la artista principal de un evento realizado en Union Chapel, Londres, apoyada por Damien Rice.23​ En los Premios Brit fue elogiada con el galardón elección de los críticos y a su vez ganó la encuesta Sound of 2008, realizada por BBC.19​ Su álbum 19, titulado así por la edad que tenía la artista cuando escribió y compuso muchas de las canciones, entró en la posición número 1 de la lista de álbumes de Reino Unido, y recibió críticas favorables tanto de los articulistas especializados como de varios artistas, sobre todo por su destreza vocal,5​ que la llevó a ser llamada «la nueva Amy Winehouse».18​19​ El 14 de enero de 2008 se puso en venta su segundo sencillo, «Chasing Pavements», dos semanas después de su álbum de estudio debut, 19. La canción se situó en el puesto 2 de la lista de sencillos británica, y permaneció en dicha posición cuatro semanas.24​ De acuerdo con Daily Mail, la canción se prohibió en varias emisoras de radio de Estados Unidos, ya que la letra podría significar «perseguir a los hombres homosexuales», lo cual causó mucha controversia en contra de Adele.25​
Ella estuvo nominada para un premio Mercury Prize por 19 en 2008.26​ También recibió el galardón mejor artista de jazz en los premios Urban Music,27​ a su vez optó por artista revelación en los premios Q y figuró en la categoría mejor mujer británica en los Music of Black Origin.28​29​ En marzo de 2008 Adele firmó un contrato con Columbia Records y XL Recordings para su incursión en Estados Unidos.30​ En el mismo mes se embarcó en una breve gira musical por Norteamérica 30​ y en junio, 19 fue lanzado en el mercado estadounidense. La revista Billboard declaró que: «Adele realmente tiene potencial para convertirse en uno de los artistas internacionales más respetados e inspiradores de su generación.».31​ La gira mundial, An Evening with Adele, comenzó en mayo de 2008 y terminó en junio de 2009, después de haber cancelado una serie de espectáculos que realizaría por los Estados Unidos. Según la cantante decidió cancelarlos para estar con su novio y por el consumo de alcohol. Además afirmó que se inspiró en su amorío para componer buena parte de su segundo álbum de estudio.32​

Adele actuando en directo en 2009.
A mediados de octubre de 2008, el intento de Adele por obtener fama en Norteamérica pareció haber fracasado; sin embargo, tuvo una segunda oportunidad al ser reservada como la artista musical invitada para el episodio de 18 de octubre de Saturday Night Live, en la que interpretó los temas «Chasing Pavements» y «Cold Shoulder». El capítulo también incluyó una aparición de Sarah Palin, quien en ese entonces era candidata a la vicepresidencia de Estados Unidos. Tanto fue su éxito que el programa obtuvo la mayor cantidad de espectadores en catorce años con 17 millones, asimismo se cataloga a su actuación como la que impulsó su carrera en el mercado musical estadounidense.2​33​ Al día siguiente de haberse emitido el espectáculo, 19 encabezó las listas de iTunes e ingresó a los primeros cinco en Amazon.com, al mismo tiempo «Chasing Pavements» se elevó a las primeras veinticinco.34​ Además, el álbum alcanzó la posición 11 del Billboard 200, un salto de treinta y cinco lugares durante la semana anterior.35​ El álbum fue certificado doble platino por la Recording Industry Association of America (RIAA) en noviembre de 2012.4​
En la edición de 2009 de los Premios Brit, estuvo nominada a artista revelación británico, solista británica femenina y sencillo británico por «Chasing Pavements».36​ Por otro lado, en la 51.ª entrega de los premios Grammy recibió galardones mejor artista nuevo y mejor interpretación vocal pop femenina por «Chasing Pavements», además figuró en las categorías grabación del año y canción del año por el mismo tema.6​ Al año siguiente recibió una nominación a la Mejor Interpretación Vocal Pop Femenina por «»Hometown Glory».37​ El 3 de febrero de 2009, lanzó su primer EP, iTunes Live from SoHo, que consta de ocho canciones grabas en vivo.38​ En abril de 2010 su canción «My Same» entró en la lista de éxitos de sencillos de Alemania luego que fuera interpretada por Lena Meyer-Landrut en el concurso de talento Unser Star für Oslo, o Our Star for Oslo.39​40​ A finales de septiembre, después de haber sido interpretada la versión de Adele de «Make You Feel My Love» de Bob Dylan en The X Factor, volvió a entrar a la lista de sencillos británica en el puesto número 4.41​ Durante el especial CMT Artists of the Year, Adele cantó junto Darius Rucker la canción de la «Need You Now» de Lady Antebellum;42​ esta actuación luego fue nominada para un CMT Music Award.43​
Fama mundial[editar]
21[editar]
Adele lanzó su segundo álbum de estudio, 21, el 24 de enero de 2011 en Reino Unido y el 22 de febrero en Estados Unidos.44​45​ Ella citó a una relación rota como su fuente de inspiración, y a su vez, en su título, refleja el crecimiento que experimentó desde la publicación de su disco debut, 19.46​ Por otro lado, su sonido está influenciado por la música country del Sur de Estados Unidos; género del que Adele se sintió atraída mientras estaba de gira promocionando su álbum 19. Asimismo, para su composición, tomó como referencia un material discográfico de Lady Antebellum y la forma de cantar de Wanda Jackson.47​ 21 tuvo una buena recepción crítica y también en lo comercial, situándose en la posición número uno en más de veintiséis países, entre ellos Australia, Irlanda, Canadá, Estados Unidos, México, Nueva Zelanda y Reino Unido.48​49​ El álbum fue antecedido por el lanzamiento de «Rolling in the Deep», el sencillo principal, que alcanzó el puesto número 1 del Billboard Hot 100 de Estados Unidos y la número 2 del listado de sencillos de Reino Unido, respectivamente.50​ Hasta abril de 2015, contaba con más de 8.3 millones de copias en el territorio estadounidense, lo que la convierte en la segunda canción más vendida de todos los tiempos en formato digital y la primera por una artista solista.51​

Adele cantando en Seattle, Washington, en agosto 2011.
Tras realizar actuación de «Someone Like You» en los premios Brit de 2011, el tema ingresó en la número 1 del ranking de sencillos de Reino Unido y «Rolling in the Deep» se situó en la cuarta posición del mismo listado.52​ Al mismo tiempo su álbum debut, 19, junto con 21 ingresaron a los cinco principales del listado de álbumes británica, hazaña que convirtió a Adele en la primera artista viva que consiguió tener dos álbumes y dos sencillos en entre los primeros cinco de dichas listas de éxitos simultáneamente desde que los Beatles lo hicieran en 1964.2​53​ Ambas canciones encabezaron varias listas de éxitos y rompieron varios récords de ventas; después de interpretar a «Someone Like You» en los MTV Video Music Awards 2011, se convirtió en el segundo sencillo número uno de Adele en la Billboard Hot 100.54​ Para diciembre de 2011, 21 vendió más de 3.4 millones de copias en Reino Unido, y se convirtió en el disco más vendido del siglo XXI en dicho territorio, tras superar a Back to Black (2006) de Amy Winehouse.55​ Asimismo convirtió a su intérprete en la primera artista en vender más de tres millones de copias en un año en Reino Unido.56​ «Set Fire to the Rain» se convirtió en el tercer número uno de la cantante en la Billboard Hot 100, y con 21 situado en el primer puesto de la Billboard 200, Adele hizo historia al encabezar simultáneamente la lista de álbumes y sencillos.57​ Según Fraser T. Smith, compositor de la canción, responde a una fuerte discusión que tuvo la artista con su enamorado, un fotógrafo llamado Alex Sturrock; anonadada por la situación, en medio de una lluvia infructuosamente intentaba encender un cigarrillo, pero sin resultados, de allí se originó el título de dicho tema.58​
Para promocionar el álbum, se embarcó en su segunda gira musical Adele Live, que agotó todas las entradas en la etapa de Norteamérica.59​ Sin embargo, tuvo que cancelar la serie de espectáculos que, llevaría a cabo en octubre de 2011, a causa de una hemorragia en las cuerdas vocales, que ya había experimentado a inicios de año, y anunció que necesitaba un largo período de descanso a fin de evitar un daño permanente a su voz.31​60​ En la primera semana de noviembre, el director Steven M. Zeitels del Centro de Cirugía de laringe y Rehabilitación de voz en el Hospital General de Massachusetts en Boston hizo una microcirugía láser en las cuerdas vocales de Adele para eliminar un pólipo benigno.61​ Una grabación de su gira, Live at the Royal Albert Hall, fue lanzada en noviembre de 2011, debutando en la posición número uno en Estados Unidos, con 96 000 copias vendidas, la cifra más alta de una semana para un DVD de música en cuatro años, convirtiéndose en el DVD de música más vendido de 2011.62​ Adele es la primera artista en la historia de Nielsen SoundScan en culminar un año con tres éxitos número uno: 21, «Rolling in the Deep» y el DVD Live at the Royal Albert Hall.63​ En los American Music Awards 2011, ganó tres premios: artista favorito pop/rock femenino, artista favorito adulto contemporáneo y álbum favorito pop/rock por 21.64​ En diciembre, Billboard la elogió como la artista del año, y encabezó los listados anuales de popularidad de Billboard 200 por 21 y Billboard Hot 100 por «Rolling in the Deep», respectivamente.65​
Tras haberse recuperado de la microcirugía, hizo su reaparición en vivo en la 54.ª entrega de los Premios Grammy, ceremonia en la se alzó con seis galardones, convirtiéndose en la segunda artista femenina en la historia de los Grammy, después de Beyoncé, en ganar varios premios en una sola noche.8​ Luego de su éxito, 21 registró su mejor semana de ventas con 730 000 unidades; 19 y 21 se situaron entre los primeros cinco puestos de la Billboard 200 y ubicó a «Set Fire to the Rain», «Rolling in the Deep» y «Someone Like You» entre las primeras diez, esto convirtió Adele en la primera fémina que logra dicha hazaña en los cincuenta y tres años de historia de Billboard. Asimismo fue la primera mujer que posicionó dos títulos diferentes en entre los cinco primeros de la Billboard Hot 100.66​ En los premios Brit de 2012 recibió los galardones solista británica femenina y álbum británico por 21.67​ Tras la emoción de la ceremonia, 21 alcanzó el primer puesto en la lista de álbumes de Reino Unido y pasó a ser su encabezamiento número veintiuno, no consecutivo.68​ Desde su lanzamiento ha vendido más de 4.5 millones de copias en el Reino Unido, donde figura como el cuarto álbum más vendido de todos los tiempos.69​ En noviembre de 2012 superó los diez millones de copias en Estados Unidos, convirtiendo a la intérprete en la primera y única artista de la década de 2010 que obtiene la certificación de Diamante de la Recording Industry Association of America (RIAA) por un álbum en menos de dos años.4​70​ Para julio de 2014 el disco contaba con más de treinta millones de copias vendidas en todo el mundo.7​

Adele en la 70.ª ceremonia de los premios Globo de Oro en Beverly Hills.
En julio de 2012, Adele figuró en el sexto puesto de la lista de Forbes como las celebridades britanicas mejor pagadas en el mundo menores a treinta años, después de haber ganado £23 millones ($35 millones) entre mayo de 2011 a mayo de 2012.71​ A inicios de octubre confirmó que había compuesto, junto con Paul Epworth, el sencillo principal de la vigésima tercera película de James Bond, Skyfall. La música del tema fue arreglado y producido por Epworth, y cuenta con orquestación de J. A. C. Redford.72​ Adele declaró a «Skyfall» como «uno de los momentos de mayor orgullo de mi vida».72​ Su mayor éxito lo tuvo en Europa, donde encabezó las listas de Alemania, Bélgica, Francia, Irlanda, Países Bajos y Suiza. En Reino Unido se situó en la posición 2 de la lista de sencillo de Reino Unido y en el puesto 8 del Billboard Hot 100 de Estados Unidos.73​ Adele recibió el galardón mejor canción original en la 70.ª edición de los Golden Globes y también la 85.ª edición de los Premios Óscar, respectivamente.12​74​ En diciembre de 2012, la cantante fue elogiada artista del año y 21 nombrado el álbum del año por Billboard, catalogada como la primera artista en recibir estos premios por dos años consecutivos.13​ Además se le concedió el título mejor artista femenina.13​ Por su parte, The Associated Press la nombró Artista del Año.12​
En la 55.ª entrega de los Premios Grammy, ganó su noveno galardón por una versión en vivo de «Set Fire to the Rain»,75​ y en los Premios Brit recibió el galardón sencillo británico por «Skyfall».76​ Composición por la cual también recibió el premio mejor canción escrita para una película u otros medios visuales en la edición 56 de los Premios Grammy. A finales de diciembre de 2013, fue condecorada como un Miembro de la Excelentísima Orden del Imperio Británico, concedido por el príncipe Carlos en el Palacio de Buckingham, en reconocimiento a la contribución que ha hecho al mundo de la música.11​
25[editar]
A inicios de abril de 2012, Adele sostuvo que su tercer álbum de estudio podría tardar al menos dos años, considerando que tenía que vivir un poco más para poder hacer nueva música.77​ En octubre de 2014, tras varios anuncios de que el tercer disco de la cantante saldría a los mercados musicales a finales de 2014, el sello XL Recordings descartó dicho lanzamiento y anunció que sería pospuesto para 2015, alegando que si llevaban a cabo el lanzamiento en 2014 tanto el álbum como la compañía se verían perjudicados en ventas.78​
El 21 de octubre de 2015 Adele anunció que su tercer álbum se titularía 25 y que se publicaría el 20 de noviembre de 2015; el 23 de octubre se publicó el sencillo principal del disco, «Hello».79​ El tema fue un hito en ventas y en listas musicales en varios países; en el Reino Unido ingresó al puesto número 1 de la lista de sencillos británica por 330 000 copias,80​ y en los Estados Unidos debutó en la número 1 del Billboard Hot 100 y marcó récord tras vender 1.1 millón de copias en formato digital en su primera semana.81​ «Hello» también entró en la posición número uno en los ránquines de éxitos de países como Alemania, Australia, Canadá, Francia, Irlanda y Nueva Zelanda, entre otros.
El 27 de octubre de 2015, la BBC One anunció planes para un concierto titulado Adele at the BBC, un especial de una hora presentado por Graham Norton, en el que Adele habla de su nuevo álbum y realiza nuevas canciones del mismo. Esta fue su primera aparición en televisión desde que se presentó en la 85.ª edición de los Premios Óscar. El concierto fue grabado antes con audiencia en vivo el 2 de noviembre y se emitió el 20 de noviembre, coincidiendo con el lanzamiento de 25.82​83​84​ El 30 de octubre, Adele confirmó que iba a realizar un concierto único titulado "Adele Live in New York City" grabado en el Radio City Music Hall el 17 de noviembre. Posteriormente, la NBC transmitió el concierto especial el 14 de diciembre.85​86​
25, tras su lanzamiento ingresó en el puesto 1 del listado de álbumes británica y se convirtió en el disco con más copias vendidas en su primera semana en el Reino Unido por más de 800 000 copias.87​ Asimismo se situó en la número 1 del Billboard 200 de los Estados Unidos, donde vendió 3.38 millones de unidades en su semana de estreno, lo que lo convirtió en el primer álbum en vender dicha cantidad en su primera semana desde que Nielsen SoundScan comenzó a monitorear las ventas en 1991.88​ 25 se convirtió en el álbum más vendido de 2015, en varios países, entre ellos Australia, Reino Unido y Estados Unidos, donde estuvo siete semanas consecutivas en el puesto número uno en cada uno de esos países antes de ser desplazado por Blackstar, álbum del cantante David Bowie.89​En noviembre de 2015 la cantante anuncia su gira Adele Live 2016, su primer gira desde el 2011.90​
En 2016, en la 36.ª entrega los Brit Awards Adele recibió los galardones solista británica femenina, sencillo británico por «Hello», álbum británico por 25 y éxito global en reconocimiento a sus ventas discográficas.91​
Características musicales[editar]
Influencias y estilo musical[editar]


Etta James y Beyoncé son dos de las artistas que han inspirado a Adele.
Desde muy joven mostró interés por el jazz, el R&B, el blues y soul, «influencias que agobiarían a un cantante menor, pero Adele toma estos géneros con gusto», según Gary McGinley, de No Ripcord.92​ Ella ha declarado que sus mayores influencias son Etta James y Beyoncé.93​ Una de las primeras influencias fue Gabrielle, una cantante británica de soul, a quien ha admirado desde los cinco años, recuerda que emuló a la artista en sus años de escuela, utilizando el parche ocular característico de Gabrielle.18​ Asimismo afirma que uno de los momentos más definitorios de su vida fue a los trece o catorce años cuando vio actuar a Pink en Brixton Academy. Sostiene que «nunca había escuchado a alguien cantar así en vivo», y que sintió una sensación «como que estaba en un túnel de viento, su voz por un poco me golpea. Fue increíble.».94​ Ella reconoce que, su madre la indujo a la música de Aaliyah, Lauryn Hill, Mary J. Blige y Alicia Keys.95​ También cita a las Spice Girls, Dusty Springfield, The Cure, Celine Dion y Annie Lennox como influencias,18​ y sobre Alabama Shakes y Lana Del Rey dice que son unos de sus artistas favoritos.96​
Su álbum de estudio debut, 19 (2008), es de género soul y en sus letras abordan el amor, las relaciones y el desamor.20​ Su sucesor, 21 (2011), un álbum de ruptura; mezcla los géneros musicales blues, soul y country,92​ asimismo incluye pero en poca medida el género pop.97​ La cantante afirma que, para su sonido y composición, tomo como referencia «Need You Now» de Lady Antebellum, la forma de cantar de Wanda Jackson, principalmente en el tema «Rolling in the Deep», y la música country del Sur de los Estados Unidos.98​ En una revisión para 21, Ian Wade, de BBC News, aseguró que «realmente es tan maravilloso, que casi estás obligado a levantarte y aplaudirlo después de la primera escucha».».98​ Joseph Viney, de Sputnikmusic, opinó que «su habilidad para cambiar entre varios estilos es un testimonio al talento ya a su disposición.».99​
Estilo vocal y actuaciones en directo[editar]
Adele tiene una tesitura de contralto;46​1​ al principio se comparaba mucho con la cantante británica Amy Winehouse.18​19​ Asimismo la crítica elogió sus destrezas vocales con su álbum debut, 19, aunque algunos sostuvieron que su composición no iba a par con su voz, comentarios con los que Adele estuvo de acuerdo.5​ Según ella, «aprendí a cantar por mi misma escuchando a Ella Fitzgerald por su acrobática y escalas vocales», de Etta James aprendió su «pasión» y de Roberta Flack a controlar su voz.100​ Joseph Viney, de Sputnikmusic, sostiene que «“Rolling in the Deep” es una buena demostración de sus habilidades vocales.».99​ Según Gary McGinley, de No Ripcord, «se podría argumentar que sus actuaciones son falsas debido a su edad y antecedentes, pero al oír la música, es difícil argumentar contra su entrega casi perfecta.».92​ Por su parte, Bill Lamb, de About.com, afirmó que «es simplemente uno de los artistas vocales más cautivadores en la industria musical.» a su vez alega que «el poder absoluto y la emoción en la voz de Adele es infinitamente impresionante.».101​
Imagen pública[editar]
Adele en 2012, fue considerada por Chris Molanphy, de Rolling Stone, como la «Reina del Pop» en un conteo de dieciséis artistas, en dicho ranking también figuraron Katy Perry, Lady Gaga, Christina Aguilera, Beyoncé, entre otras.102​ Asimismo es considerada por el editor del Libro Guinness de los récords, Craig Glenday, como «un maravilloso modelo a seguir para los aspirantes a cantantes».10​ En 2013, fue listada en el puesto número cinco de las 100 Mujeres Más Grandes de la Música.14​ Por otro lado, la revista Time la calificó como una de las personas más influyentes en el mundo.15​
Filantropía[editar]
Adele ha actuado en numerosos conciertos benéficos durante su carrera. En julio y noviembre de 2008, realizó unas puestas en escenas en el Keep a Child Alive Black Ball en Londres y Nueva York, respectivamente.103​ El 17 de septiembre de 2009, Adele realizó en el Brooklyn Academy of Music, para el canal VH1 el Divas evento, un concierto para recaudar fondos para la fundación Save The Music Foundation.104​105​ En 2011, la cantante dio un concierto gratuito para los Pride London, una organización benéfica registrada por la comunidad LGBT que realizan eventos en Londres.106​
Adele ha sido una importante contribuyente a la fundación MusiCares, una organización de caridad fundada por los premios Grammy para los músicos necesitados. En febrero de 2009, Adele actuó en el concierto benéfico MusiCares de 2009 en Los Angeles. En 2011 y 2012, Adele donó artículos autografiados de subastas para apoyar a la MusiCares.107​108​109​ Adele declaró a «Skyfall» como «uno de los momentos de mayor orgullo de mi vida». Cuando Adele estaba en su gira por Europa y Reino Unido, a los turistas que fueran a verla les pedía que donaran una contribución mínima de caridad de 20 $ para el "UK charity Sands", una organización dedicada a "apoyar a cualquier persona afectada por la muerte de un bebé y la promoción de la investigación para reducir la pérdida de vida de los bebés". Durante la etapa de su gira en vivo de Adele en Reino Unido y Europa, se recolectó 13 000 dólares para la caridad.110​
Vida personal[editar]
Adele Laurie Blue Adkins nació el 5 de mayo de 1988 en el barrio londinense Tottenham en Inglaterra, Reino Unido.19​ Hija de la inglesa Penny Adkins (1970) una masajista y del galés Mark Evans.19​ Cuando tenía apenas dos años su padre la abandonó dejando a su madre, de veinte años, sola y sin ayuda de nadie.46​ En 1997, a los nueve años, se mudó con su madre a Brighton, ya que Penny había encontrado trabajo como fabricante de muebles y organizadora de actividades de aprendizaje para adultos.19​ Dos años más tarde, ella su madre y su padrastro se mudaron nuevamente a Londres; primero a Brixton y luego en los suburbios del distrito West Norwood en el sur de Londres.19​
El 19 de octubre 2012 tuvo su primer hijo llamado Angelo con Simon Konecki, un empresario británico,111​112​ y tras haber sido fotografiado por un paparazzi en 2013 mientras lo llevaba en una salida familiar, la cantante, presentó una demanda contra una agencia fotográfica con sede en Reino Unido por haber publicado la imagen en todo el mundo sin su consentimiento. La agencia ofreció pagar todos los daños y perjuicios causados, además se hizo cargo de los gastos legales.113​
Discografía[editar]
Véanse también: Lista de canciones y Discografía de Adele.
19 (2008)
21 (2011)
25 (2015)
Giras musicales[editar]
An Evening with Adele (2008-09)
Adele Live (2011)
Adele Live 2016 (2016)
Premios y nominaciones[editar]
Artículo principal: Premios y nominaciones de Adele
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El objeto de toda discusión no debe ser el triunfo, sino el progreso (Joseph Joubert)

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El objeto de toda discusión no debe ser el triunfo, sino el progreso (Joseph Joubert)

Joseph Joubert (Montignac, Périgord, 7 de mayo de 1754 - París, 4 de mayo de 1824) fue un moralista y ensayista francés recordado sobre todo por sus "Pensamientos" publicados póstumamente. Asistió desde los 14 años a un colegio religioso en Toulouse, donde posteriormente fue profesor hasta el... Ver mas
Joseph Joubert (Montignac, Périgord, 7 de mayo de 1754 - París, 4 de mayo de 1824) fue un moralista y ensayista francés recordado sobre todo por sus "Pensamientos" publicados póstumamente.
Asistió desde los 14 años a un colegio religioso en Toulouse, donde posteriormente fue profesor hasta el año 1776. En 1778 fue a París donde conoció a D'Alembert y Diderot, entre otros. Posteriormente se hizo amigo del joven escritor y diplomático Chateaubriand. Colaboró, en un primer momento, con la Revolución; más pronto, por los excesos de esa etapa, perdió toda ilusión por el ideal revolucionario.
Alternaba la vida en París junto a sus amigos con la vida en el campo en Villeneuve-sur-Yonne.
Joubert no publicó nada en vida, pero tuvo una amplia correspondencia y rellenó muchos cuadernos con pensamientos sobre la naturaleza del ser humano y la literatura. En tiempos de Napoleón fue nombrado Inspector General de la Universidad. Influido por el epicureísmo, Joubert se tomó con buen humor su propio sufrimiento ya que creía que la enfermedad afinaba el alma.
Cuando murió, su viuda confió a Chateaubriand sus apuntes y, en 1838, publicó una selección titulada Recueil des pensées de M. Joubert (Colección de Pensamientos del Sr. Joubert).
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No puedes evitar que los pájaros de la tristeza vuelen sobre ti, pero debes evitar que aniden en tu cabello (Proverbio chino)

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No puedes evitar que los pájaros de la tristeza vuelen sobre ti, pero debes evitar que aniden en tu cabello (Proverbio chino)

La gente se arregla todos los días el cabello. ¿Por qué no el corazón? Más frases sobre: Corazón Si te caes siete veces, levántate ocho. Más frases sobre: Perseverancia Las grandes almas tienen voluntades; las débiles tan solo deseos. Más frases sobre: Grandeza El sabio puede... Ver mas
La gente se arregla todos los días el cabello. ¿Por qué no el corazón?
Más frases sobre: Corazón

Si te caes siete veces, levántate ocho.
Más frases sobre: Perseverancia

Las grandes almas tienen voluntades; las débiles tan solo deseos.
Más frases sobre: Grandeza

El sabio puede sentarse en un hormiguero, pero sólo el necio se queda sentado en él.
Más frases sobre: Sabiduría

No puedes evitar que el pájaro de la tristeza vuele sobre tu cabeza, pero sí puedes evitar que anide en tu cabellera.
Más frases sobre: Tristeza

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Cuando te inunde una enorme alegría, no prometas nada a nadie. Cuando te domine un gran enojo, no contestes ninguna carta.
Más frases sobre: Moderación

El trabajo del pensamiento se parece a la perforación de un pozo: el agua es turbia al principio, mas luego se clarifica.
Más frases sobre: Pensamientos

Cuando bebas agua, recuerda la fuente.
Más frases sobre: Gratitud

Si quieres que algo se haga, encárgaselo a una persona ocupada.
Más frases sobre: Hacer

Nunca se pierden los años que se quita una mujer, van a parar a cualquiera de sus amigas.
Más frases sobre: Edad

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La generosidad consiste en dar antes de que se nos pida (Proverbio árabe)

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La generosidad consiste en dar antes de que se nos pida (Proverbio árabe)

Lo pasado ha huido, lo que esperas está ausente, pero el presente es tuyo. Más frases sobre: Presente Si lo que vas a decir no es más bello que el silencio: no lo digas. Más frases sobre: Hablar La primera vez que me engañes, será culpa tuya; la segunda vez, la culpa será mía. Más... Ver mas
Lo pasado ha huido, lo que esperas está ausente, pero el presente es tuyo.
Más frases sobre: Presente

Si lo que vas a decir no es más bello que el silencio: no lo digas.
Más frases sobre: Hablar

La primera vez que me engañes, será culpa tuya; la segunda vez, la culpa será mía.
Más frases sobre: Engaño

Quien no comprende una mirada tampoco comprenderá una larga explicación.
Más frases sobre: Comprensión

Cuatro cosas hay que nunca vuelven más: una bala disparada, una palabra hablada, un tiempo pasado y una ocasión desaprovechada.
Más frases sobre: Ocasión

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Castiga a los que tienen envidia haciéndoles bien.
Más frases sobre: Envidia

Al perro que tiene dinero se le llama señor perro.
Más frases sobre: Dinero

La crueldad es la fuerza de los cobardes.
Más frases sobre: Crueldad

Libros, caminos y días dan al hombre sabiduría.
Más frases sobre: Libros

Los ojos no sirven de nada a un cerebro ciego.
Más frases sobre: Ojos

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Las cosas de la vida siguen su rumbo; eso es algo que nadie es capaz de parar, pero no hay que dejarse llevar por su destino, ese es el mayor error (Gabriela Mistral)

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Las cosas de la vida siguen su rumbo; eso es algo que nadie es capaz de parar, pero no hay que dejarse llevar por su destino, ese es el mayor error (Gabriela Mistral)

(Seudónimo literario de Lucila Godoy Alcayaga; Vicuña, Chile, 1889 - Nueva York, 1957) Poetisa y educadora chilena. Tras el declive del modernismo, parte de la lírica hispanoamericana de los años de entreguerras siguió los pasos de las vanguardias europeas: citando solamente ejemplos chilenos... Ver mas
(Seudónimo literario de Lucila Godoy Alcayaga; Vicuña, Chile, 1889 - Nueva York, 1957) Poetisa y educadora chilena. Tras el declive del modernismo, parte de la lírica hispanoamericana de los años de entreguerras siguió los pasos de las vanguardias europeas: citando solamente ejemplos chilenos, éste sería el caso de Vicente Huidobro, fundador del creacionismo, o de Pablo Neruda, deudor del surrealismo en Residencia en la tierra.


Gabriela Mistral

Otros poetas, en cambio, optaron por alejarse del modernismo orientándose hacia una poesía más sencilla y humana. Gabriela Mistral es la figura capital de esta última tendencia: tras unos inicios aún marcados por el modernismo, desarrolló una expresividad propia basada en un estilo elemental de imágenes intensas, con el que desnudó su intimidad dolorida y un corazón rebosante de amor, volcado (tras el amor trágico de Desolación) sobre los niños, los desvalidos o su propia tierra, en tonos hondamente religiosos. Su vida se movió sin pausas entre la literatura, la docencia y la carrera diplomática, actividad esta última por la que realizó numerosos viajes y pasó diversas temporadas en ciudades europeas, norteamericanas y latinoamericanas, en las que publicó la mayoría de sus obras.

Biografía

Hija de un maestro de escuela, con dieciséis años decidió dedicarse ella también a la enseñanza; trabajó como profesora de secundaria en su país y como directora de escuela. Como poetisa, Gabriela Mistral se dio a conocer en los Juegos Florales de Chile en 1914 con Los sonetos de la muerte, nacidos del dolor causado por el suicidio de su prometido, el empleado ferroviario Romelio Ureta, a quien había conocido en 1906. Firmados ya con el pseudónimo de Gabriela Mistral (formado a partir de dos autores admirados, el italiano Gabriele D'Annunzio y el poeta provenzal Frédéric Mistral), estos tres sonetos fueron incorporados en 1922 a una colección más amplia de sus versos editada por el Instituto Hispánico de Nueva York bajo el título de Desolación.

Ese mismo año dejó Chile para trasladarse a México, a petición del gobierno de este país, con el fin de que colaborara en la reforma de la educación iniciada por José Vasconcelos. En México, Gabriela Mistral fundó la escuela que lleva su nombre y colaboró en la organización de varias bibliotecas públicas, además de componer poemas para niños (Rondas de niños, 1923) por encargo del ministro de Instrucción Pública mexicano, y preparar textos didácticos como Lecturas para mujeres (1924).

Terminada su estancia en México, viajó a Europa y a Estados Unidos, y en 1926 fue nombrada secretaria del Instituto de Cooperación Intelectual de la Sociedad de Naciones. Paralelamente, fue redactora de una revista de Bogotá, El Tiempo (sus artículos fueron recogidos póstumamente en Recados: contando a Chile, en 1957). Representó a Chile en un congreso universitario en Madrid y pronunció en Estados Unidos una serie de conferencias sobre el desarrollo cultural estadounidense (1930).


Gabriela Mistral

En 1945 Gabriela Mistral recibió el Premio Nobel de Literatura (fue la primera concesión a una escritora en lengua española) y en 1951 el Premio Nacional de Literatura de Chile. Siguió su carrera diplomática y con ella sus numerosos viajes hasta su fallecimiento en Nueva York, en 1957. Por deseo de la propia Mistral, sus restos fueron trasladados a Chile y fue enterrada en Montegrande: dejaba tras de sí algunas obras inéditas, para su publicación póstuma.

La poesía de Gabriela Mistral

De tendencia modernista en sus inicios, su poesía derivó hacia un estilo personal, con un lenguaje coloquial y simple, de gran musicalidad, y un simbolismo que conecta con una imaginería de tradición folclórica. En sus obras expresó temas como el sufrimiento o la maternidad frustrada, así como inquietudes religiosas y sociales que responden a su ideología cristiana y socialista. Poetisa de acento genuino y entrañable, parte de su no muy abundante producción está dedicada a los niños (fue maestra rural durante quince años), y tal vez sea éste el aspecto más conocido y celebrado de su obra. Sin embargo, su verdadera personalidad se revela, sincera, poderosa y conmovedora, en versos por los que circula una intimidad dolorida y una ternura en busca de sus propios cauces de manifestación.

La obra de Gabriela Mistral pasó por distintas etapas; en un primer momento, con la publicación de Desolación (México, 1922), existe un fuerte predomino del sentimiento sobre el pensamiento, a la vez que una cercanía muy estrecha con lo religioso. Los temas que aparecen en este libro, bajo una profunda reivindicación del retorno a valores de una trascendente espiritualidad, giran en torno a la frustración amorosa, al dolor por la pérdida, la muerte, la infidelidad, la maternidad y el amor filial, todo ello envuelto en la reflexión adulta de la poetisa, que vivió el suicidio de su amado como una pérdida irreparable.

Pese al lastre modernista, se aprecian ya en este primer poemario manifestaciones de un lenguaje más sencillo, particularmente patente en las canciones de cuna que contiene su última sección. También en México publicó Lecturas para mujeres (1923), una selección de prosas y versos de diversos autores destinada al uso escolar a la que incorporó textos propios, algunos ya incluidos en Desolación.


Gabriela Mistral

Las composiciones "para niños" son el núcleo de su segundo libro, Ternura (1924), en el que se advierte la pureza expresiva propia de aquella lírica humana y sencilla que convivió con las vanguardias tras la liquidación del modernismo; una lírica generalmente inspirada en la naturaleza y que de hecho fue también abordada por algunos escritores vanguardistas, que con frecuencia conciliaron la experimentación con su interés por la poesía popular. Dedicado a su madre y hermana, está dividido en siete secciones: Canciones de Cuna, Rondas, Jugarretas, Cuenta-Mundo, Casi Escolares, Cuento y Anejo. Para el lector adulto, el conjunto viene a expresar la pérdida de la infancia, que es restituida, en parte, a través del lenguaje.

Con Tala (1938), considerada una de sus obras más importantes, Gabriela Mistral inauguró una línea de expresión neorrealista que afirma valores del indigenismo, del americanismo y de las materias y esencias fundamentales del mundo. En los sesenta y cuatro poemas de este libro se produce una evolución temática y formal que será definitiva. Aunque en el arranque del libro el poema "Nocturno de los tejedores viejos" sólo insinuaba un renovado tratamiento fantástico, la sección Historias de loca esbozaba ya un nuevo acento que se consolidará en las siguientes, Materias y América, hasta alcanzar la plenitud de su expresión en la sección titulada Saudade, donde se encuentran piezas memorables como "Todas íbamos a ser reinas", en la que la poetisa rememora la infancia junto a sus tres hermanas y evoca sus respectivos sueños, eternizados pese el paso del tiempo mediante un lenguaje a la vez humorístico y mágico, teñido también por momentos de un cierto tradicionalismo folclórico.

En Chile apareció su siguiente colección de poemas, Lagar (1954), la última que publicó en vida. En esta obra estarían presentes todas las muertes, las tristezas, las pérdidas y el sentimiento de su propio fin. Un profunda originalidad convive con la carga de tristeza y trascendencia que ya había impregnado parte de sus primeros escritos, culminando una temática presidida por la resignación cristiana y el encuentro con la naturaleza.



Póstumamente aparecieron el poemario Poema de Chile (1967), un recorrido por la geografía, la naturaleza y las gentes de su país, y la primera edición de sus Poesías Completas (1970), así como diversas antologías de sus versos y recopilaciones de sus cartas y textos: Motivos de San Francisco (1965), serie de poemas en prosa dedicados al admirado San Francisco de Asís, y Cartas de Amor de Gabriela Mistral (1978).

Atenta a los problemas de su tiempo, en el género de los "Recados" (un tipo muy personal y elaborado de artículo periodístico, recogidos en Recados: contando a Chile, 1957), Mistral analizó múltiples temas, como la condición de la mujer en América Latina, la valoración del indigenismo, la educación de los pueblos americanos, la necesidad de elevar la dignidad y condición social de los niños en el continente, la religiosidad, el judaísmo y la maternidad. Sus ensayos educacionales fueron reunidos en el libro Magisterio y niño (1982).



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Si crees que funcionará, verás oportunidades. Sí crees que no lo hará, verás obstáculos (Wayne Dyer)

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Si crees que funcionará, verás oportunidades. Sí crees que no lo hará, verás obstáculos (Wayne Dyer)

Wayne Walter Dyer (Detroit, Míchigan, 10 de mayo de 1940-Condado de Maui, Hawái, 29 de agosto de 2015)1​ fue un psicólogo escritor de libros de autoayuda estadounidense. Su inspiración fue la psicología transpersonal, y en concreto su fundador, Abraham Maslow. Ésta es la llamada "cuarta... Ver mas
Wayne Walter Dyer (Detroit, Míchigan, 10 de mayo de 1940-Condado de Maui, Hawái, 29 de agosto de 2015)1​ fue un psicólogo escritor de libros de autoayuda estadounidense.

Su inspiración fue la psicología transpersonal, y en concreto su fundador, Abraham Maslow. Ésta es la llamada "cuarta fuerza", que complementa las anteriores escuelas de psicología: el psicoanálisis, la psicología conductista, la psicología cognitiva y la psicología humanista. En sus primeros libros, esta influencia se muestra en su creencia en las posibilidades de desarrollo de la persona más allá de «la persona», para llegar a desarrollar todas nuestras potencialidades como seres humanos (persona «sin límites»), en lugar de centrarse en tratar la enfermedad o el trastorno inconsciente, la mera modificación de conducta o pensamiento, o limitándonos a ser "solamente" humanos.

Sus enseñanzas sobre la superación personal se basaron en su propia historia vital, ya que vivió bastante tiempo en orfanatos hasta los 10 años cuando su padre abandonó a la familia, y fue levemente alcohólico por veinte años.

Dyer fue psicoterapeuta y doctor en psicología por la Wayne State University. Era profesor en la St. Johns University de Nueva York cuando escribió su primer libro "Tus Zonas Erróneas" (1976), que vendió 35 millones de ejemplares en diferentes idiomas, permaneciendo 64 semanas consecutivas como best-seller en el New York Times, y que cambió su vida para siempre. Además editó un documental, fue co-autor de tres libros de texto, colaboraba con muchos periódicos, daba conferencias en todo el territorio estadounidense y aparecía regularmente en programas de TV y radio. A partir de su primer libro, escribió muchos otros siempre desde una perspectiva espiritual, llegando a convertirse en un maestro espiritual que ha ayudado a miles de personas.

Solía decir: "Mis creencias son que la verdad es verdad hasta que la organizas, y entonces se convierte en mentira. No creo que Jesús enseñara Cristianismo, Jesús enseñaba bondad, amor, compasión, y paz. Lo que digo a la gente es: no seas cristiano, sé como Cristo. No seas budista, sé como Buda."2​

Obras[editar]
Tus Zonas Erróneas (1976)
Evite ser utilizado
El Cielo es el Límite
¡Felices Fiestas!
Los regalos de Eykis
Tus Zonas Mágicas
La Felicidad de nuestros Hijos
Tus Zonas Sagradas
La Fuerza de Creer
Promesa de amor
Construye tu destino
Camino de la Perfección
La Sabiduría de Todos Los Tiempos
Diez secretos para el éxito y la paz interior
El Poder de la Intención
En busca del equilibrio
Inspiración: Tu llamado primordial
Nuevos pensamientos para una vida mejor
Piensa diferente, vive diferente
El Cambio
El Mejor de mis maestros
En busca del equilibrio
Vive la sabiduría del Tao
Todo lo que puedas imaginar
La fuerza del espíritu. Hay una solución espiritual para cada problema
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La ceguera nos separa de las cosas que nos rodea, pero la sordera nos separa de las personas (Helen Keller)

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La ceguera nos separa de las cosas que nos rodea, pero la sordera nos separa de las personas (Helen Keller)

Helen Keller nació el 27 de junio de 1880, en Tuscumia, Alabama, Estados Unidos. No nació ciega ni sorda, sino como una niña perfectamente normal. No fue sino hasta diecinueve meses después que contrajo una enfermedad que los doctores describieron como una congestión aguda del estómago y el... Ver mas
Helen Keller nació el 27 de junio de 1880, en Tuscumia, Alabama, Estados Unidos. No nació ciega ni sorda, sino como una niña perfectamente normal. No fue sino hasta diecinueve meses después que contrajo una enfermedad que los doctores describieron como una congestión aguda del estómago y el cerebro. Helen no tuvo la enfermedad por mucho tiempo, pero ésta dejó sus huellas: sordera, ceguera e incapaz de hablar. Pero su intelecto pudo más que todas sus limitaciones: a la edad de siete años ya había inventado más de sesenta distintas señas que podía emplear para comunicarse con su familia.

Helen de pequeña, leyendo un libro braille, sentada

En 1887, sus padres, el Capitán Arthur H. Keller y Kate Adams Keller, finalmente se pusieron en contacto con el mismísimo Alexander Graham Bell, quien trabajaba con jóvenes sordos. Graham Bell sugirió contactar al Instituto Perkins para los Ciegos en Watertown, Massachusetts. Le delegaron a la profesora Anne Sullivan, quien al momento de recibirla tenía tan sólo 20 años, para intentar estimular a Helen y enseñarle el lengua de señas. Esto fue el inicio de un período de 49 años de amistad y trabajo en conjunto.

Sullivan exigió y recibió permiso del padre de Helen para aislar a la niña del resto de la familia, en una pequeña casa en su jardín. Su primera tarea era disciplinar a la niña mimada. Pero el gran paso lo dio Helen cuando un día cuando se dio cuenta de que los movimientos que su maestra estaba haciendo con sus palmas simbolizaban la idea de “agua”. Lo que vino fue insistirle a Sullivan, a quien siguió exigiendo nombres de otros objetos familiares en su mundo (incluyendo su preciada muñeca).

Helen junto a Ann Sullivan, están sentadas, Helen sostiene una muñeca

Helen Keller y Anne Sullivan, 1888


Hoja de papel escrito con lápiz de Helen

Helen Keller texto, 1887

Anne pudo enseñar a Helen a pensar inteligiblemente y a hablar, usando el método Tadoma: tocando los labios de otros mientras hablan, sintiendo las vibraciones, y deletreando los caracteres alfabéticos en la palma de la mano de Helen. También aprendió a leer francés, alemán, griego, y latín en braille.

Helen, Alexander y AnnieHelen Keller, Alexander Graham Bell y Annie Sullivan, 1894

Helen sentada leyendo un libro
Helen Keller leyendo, 1899

En 1888, asistió al Instituto Perkins para ciegos y a la Escuela Wright-Humason para los Sordos en Nueva York. Cuando Helen tenía 24 años, en 1904, se graduó cum laude de Radcliffe College, donde Anne Sullivan había traducido cada palabra en su mano, y llegó a ser la primera persona sorda en graduarse de la universidad.

Helen con birrete y toga sentada en su graduación en 1904
Helen en el día de su graduación en Radcliffe, 1904



Helen se convirtió con una tremenda fuerza de voluntad en una oradora y autora mundialmente famosa. Estableció la lucha por los sensorialmente discapacitados del mundo como la meta de su vida. En 1915, fundó Helen Keller International (Helen Keller Internacional), una organización sin fines de lucro para la prevención y tratamiento de la ceguera. Helen y Anne Sullivan viajaron a más de 39 países, e hicieron varios viajes a Japón, llegando a ser favorecidas por la gente japonesa. Helen Keller conoció a cada presidente estadounidense desde Grover Cleveland hasta John F. Kennedy y fue amiga de varios personajes famosos incluyendo Alexander Graham Bell, Charlie Chaplin, y Mark Twain.

Helen graduacion 1904Helen acompañada de Polly Thomson visitan Hiroshima, Japón,
para experimentar de primera mano las consecuencias de las
consecuencias de las bombas atómicas lanzadas, 1948

Helen Keller veteranos guerra 1919
Helen con veteranos que quedaron ciegos por los bombardeos
o por el gas mostaza en la Primera Guerra Mundial, 1919

Helen siendo ayudada por dos mujeres a vestirse con ropas indias
Helen vistiendo un Sari (vestido tradicional), Bombay, India, 1955

Helen conociendo a Chaplin en el rodaje de una película
Junto a Chaplin en el rodaje de la película "Sunnyside",
Los Angeles, E.E.U.U. 1919

Fue miembro activo del partido socialista, hacía campañas y escribía en apoyo de las clases trabajadoras desde 1909 hasta 1921, apoyó al candidato Eugene V. Debs del Partido Socialista de América en cada una de sus campañas para la presidencia. Sus opiniones políticas se reforzaban por frecuentes visitas de trabajadores. En sus propias palabras, dijo “He visitado talleres donde se explota al obrero, fábricas, barrios afectados. Si no lo podía ver, lo podía oler.”

Helen Keller también se unió a la llamada Unión industrial, los Trabajadores Industriales del Mundo (Industrial Workers of the World, IWW) de orientación entre el sindicalismo revolucionario y el anarcosindicalismo, en 1912 después de sentir que el socialismo parlamentario "se hundía en el pantano político". Helen Keller escribió: "Me convertí en un trabajador industrial del mundo". Helen escribió incansablemente sobre su motivación para el activismo, el que fue motor de su interés por la ceguera y otras incapacidades. Tuvo una larga y feliz vida, muriendo a los 88 años de edad. Hasta hoy es un ícono de la superación y de los corazones fuertes.

Helen Keller 1960

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Vivir es como avanzar por un museo: es luego cuando empiezas a entender lo que has visto (Audrey Hepburn)

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Vivir es como avanzar por un museo: es luego cuando empiezas a entender lo que has visto (Audrey Hepburn)

Audrey Hepburn nació un 4 de mayo de 1929 en la ciudad Belga de Bruselas, descendiente de una familia de la aristocracia de Holanda, los Van Heemstra. Su abuelo era un barón muy próximo a la Corte. Su padre fue un banquero llamado Joseph Víctor Henry Ruston y su madre una aristócrata de origen... Ver mas
Audrey Hepburn nació un 4 de mayo de 1929 en la ciudad Belga de Bruselas, descendiente de una familia de la aristocracia de Holanda, los Van Heemstra. Su abuelo era un barón muy próximo a la Corte. Su padre fue un banquero llamado Joseph Víctor Henry Ruston y su madre una aristócrata de origen holandés. Su nombre, con el que fue bautizada, era Edda Kathleen Van Heemstra Hepburn-Ruston.


Audrey Hepburn

Vivió en Holanda hasta los diez años; en 1939, sus padres se separaron y se fueron a vivir a Londres. Allí comenzó a estudiar danza y arte dramático en la Marie Rambert School. Durante los difíciles años de la Segunda Guerra Mundial viajó a Holanda y después a Inglaterra, donde empezó a incursionar como una pequeña modelo. La guerra terminó con su triste infancia: uno de sus hermanos fue llevado a un campo de concentración; el otro se perdió en los ataques de resistencia; un tío y un primo fueron fusilados.

Años más tarde se dedicó a interpretar pequeños roles en diversas películas y a trabajar de corista en algunos teatros. En 1952 el director William Wyler le ofreció coprotagonizar una excelente comedia, Vacaciones en Roma (1953), compartiendo cartel con el consagrado Gregory Peck. Por su papel en este filme (titulado en Hispanoamérica La princesa que quería vivir), Audrey Hepburn obtuvo ya el Oscar a la mejor actriz. A partir de ahí su vida cambió: había nacido una nueva estrella del cine.

Se inició así un maravilloso período en que comenzó a rodar sin parar y a acrecentar su filmografía con varias películas imposibles de olvidar, como Desayuno con diamantes (1961) o Sola en la oscuridad (1967), incursionando en un papel más dramático en Historia de una monja (1959), y volviendo a la comedia en Sabrina (1954). Por su labor en cada una de estas cuatro películas fue nominada al Oscar a la mejor actriz. En 1958 recibió el premio a la mejor actriz en el Festival de San Sebastián y el Bafta Británico en la misma categoría por Historia de una monja; posteriormente merecería por segunda vez este mismo galardón por su papel en la película Charada (1963).


Audrey Hepburn y Gregory Peck en Vacaciones en Roma (1953)

En 1954 Audrey Hepburn conoció en Hollywood a un actor en la cima: Mel Ferrer. El 25 de septiembre del mismo año contrajo matrimonio con Mel Ferrer y el 17 de julio de 1960 nació su hijo Sean. Aunque se prolongó durante más de diez años, el matrimonio se resintió de la pérdida de sus cinco embarazos, y en noviembre de 1968 se divorciaron. Volvió a casarse en enero de 1969; esta vez su compañero era un psiquiatra italiano, Andrea Dotti, del cual nacería su hijo Luca Andrea el 8 de febrero de 1970. Pero pronto le llegarían los problemas a Audrey; las infidelidades en la vida conyugal llevarían a un irremediable divorcio en 1976.

Durante algunos años se retiró del cine para ocuparse de su dos hijos, regresando con la historia final de Robin Hood en Robin y Marian (1976), un film dirigido por Richard Lester. Pero ella necesitaba encontrar su lugar en el mundo y creyó hallarlo refugiándose en su casa de campo. Lejos del ruido de la ciudad, compró una propiedad de treinta años de antigüedad en Tolochenaz, una comuna suiza de medio millar de habitantes.

Aunque había decidido alejarse del cine, frecuentaba todavía los sets de filmación, y en uno de ellos conoció a su último amor, el actor holandés Bob Wolders. Su único fiel amor, según Audrey declaraba a la prensa: "Él me hizo vivir de nuevo, darme cuenta de que no todo se había terminado para mí". Y siguió interviniendo en nuevas películas; en 1979 rodó en Nueva York Lazos de Sangre, con Omar Sharif y Ben Gazzara.



En 1988 fue nombrada embajadora de UNICEF; su humanitaria solidaridad por los niños pobres marcaría los últimos años de su vida. Los viajes a Sudán, El Salvador, Guatemala, Honduras y Vietnam fueron ocupando una larguísima agenda donde siempre faltaban horas. Viajó a Somalia poco antes de que se le declarara la enfermedad terminal (un cáncer de colon) que le obligó a abandonar toda su generosa actividad. El 24 de enero de 1993, sus dos hijos Sean y Luca, junto a sus ex maridos y su última pareja, Bob Wolders, estuvieron acompañando su funeral en aquel pueblito de Suiza donde había decidido vivir. Sus cinco hombres estuvieron juntos en el cementerio en aquel día frío y gris.

La personalidad y el estilo de Audrey Hepburn fueron dignos de una moda inolvidable, inmortalizada en el tiempo; su sonrisa fue la forma en que las chicas de la época debían sonreír; su figura esbelta y tenue era la silueta que todas las muchachas debían tener. Pero ciertamente su singular aureola y magnetismo perduraría más allá de las modas. Su última actuación había sido con el rey Midas de Hollywood, Steven Spielberg, en Always (1989), donde su sola presencia hace eterna referencia a la frase inscripta en su funeral: "Si en el cielo existen los ángeles, estoy convencido de que deben tener los ojos, las manos, el rostro y la voz de Audrey Hepbrun". En 1993, unos meses después de su muerte, la academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood le concedió un Oscar Humanitario Jean Hersholt por su labor como embajadora permanente de UNICEF.

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Una mujer es fría a los 20, cálida a los 30 y ardiente a los 40 (Gina Lollobrigida)

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Una mujer es fría a los 20, cálida a los 30 y ardiente a los 40 (Gina Lollobrigida)

Gina Lollobrigida, nacida como Luigia o Luigina Lollobrigida (Subiaco, Lacio, 4 de julio de 1927) es una actriz italiana de cine y televisión, reconocida con diversos galardones como cinco premios David de Donatello (dos de ellos honoríficos) y un Globo de Oro. Eterna rival de Sophia Loren... Ver mas
Gina Lollobrigida, nacida como Luigia o Luigina Lollobrigida (Subiaco, Lacio, 4 de julio de 1927) es una actriz italiana de cine y televisión, reconocida con diversos galardones como cinco premios David de Donatello (dos de ellos honoríficos) y un Globo de Oro. Eterna rival de Sophia Loren, alcanzó tal fama que sería llamada en Italia «La Lollo». Según sus propias declaraciones, se hizo actriz por una serie de casualidades; su vocación inicial era la de la dedicación a las artes plásticas, y de hecho sigue trabajando la escultura y la fotografía
Biografía y carrera[editar]
Infancia[editar]
Gina fue una de las cuatro hijas de un fabricante de muebles (sus hermanas se llamaban Giuliana, Maria y Fernanda). Pasaron su juventud en una pintoresca villa montañosa de Italia. En un bombardeo aliado durante la Segunda Guerra Mundial, el negocio familiar quedó destruido. Concluido el conflicto armado, la familia se trasladó a Roma y allí empezó Gina sus estudios de arte (pintura y escultura).
Inicios en el cine[editar]
Ya en su adolescencia Gina trabajó como modelo en algunos desfiles de ropa, y participó con éxito en diversos concursos de belleza. Ya por esta época, empezaba a aparecer en filmes en Italia. En el año 1947 logró la tercera posición en el concurso de Miss Italia. El concurso fue ganado por Lucia Bosè y el segundo puesto recayó en Gianna Maria Canale, mientras que otra futura actriz, Eleonora Rossi Drago, fue descalificada porque estaba casada y era madre, condiciones que chocaban con el reglamento del concurso. Otra de las participantes fue Silvana Mangano. Este evento fue muy importante para la carrera de Gina Lollobrigida ya que le dio un renombre que le abriría las puertas del éxito.
Se rumoreó que, tras verla en un film italiano, el excéntrico millonario Howard Hughes voló desde Hollywood en 1947 para verla, pero tal visita no hizo que ella se trasladara a los Estados Unidos: Gina permaneció en Italia, y en 1949 se casó con un médico esloveno llamado Milko Škofič. Con él tendría un hijo: Andrea Milko1​ (Milko Škofič Jr.), pero la pareja terminó divorciándose en 1971.2​
En 1950 Gina accedió a viajar a Hollywood contratada por Hughes, quien la acomodó en el hotel Town House de Wilshire Boulevard. Pero ella entonces hablaba muy poco inglés, y al cabo de seis semanas regresó a su casa por sentirse «vigilada permanentemente» por él. En estos años, trabajó en filmes italianos de directores como Luigi Zampa y Alberto Lattuada. Pero si atrajo la atención de los productores de Hollywood fue gracias a éxitos más taquilleros como Pan, amor y fantasía de Luigi Comencini (junto a Vittorio de Sica), por el cual fue nominada al premio BAFTA, y Fanfan la Tulipe (1952), de Christian-Jacque (junto a Gerard Philipe).

Raymond Pellegrin y Gina Lollobrigida
en un fotograma de la película de 1954
La romana, de Luigi Zampa (1905 - 1991).
Debut en Hollywood[editar]
El debut de Gina Lollobrigida en la industria estadounidense fue inmejorable: con un papel relevante en La burla del diablo (Beat the Devil, 1953), filme de John Huston rodado en Italia, donde compartió cartel con Humphrey Bogart y Jennifer Jones. Luego protagonizó la coproducción franco-italiana El gran juego de Robert Siodmak, y Crossed swords con Errol Flynn, y fue alternando trabajos entre Hollywood e Italia.
A medida que su fama iba creciendo, Lollobrigida ganaba más seguidores para ser considerada «la mujer más bella del mundo». Esta expresión recayó en ella por doble razón: era el título de una película en la que representó el papel principal, La mujer más guapa del mundo (La donna più bella del mondo, 1955), de Robert Z. Leonard, donde se codeó con Vittorio Gassman. El filme trata de la vida de la vedette, soprano y actriz cinematográfica Lina Cavalieri.3​Con este trabajo, Gina ganó el nuevo premio David de Donatello, instituido ese mismo año por la Academia de Cine italiana. Por posteriores filmes ganaría otros dos, aparte de dos honoríficos.
Apogeo en Hollywood[editar]
La etapa de esplendor de Gina Lollobrigida en el cine duró unos quince años, entre mediados de la década de 1950 y principios de los 70.
Hizo una aparición notable en el film Trapecio (1956) con Burt Lancaster y Tony Curtis, y ese mismo año protagonizó Nuestra Señora de París, adaptación de la popular novela de Victor Hugo sobre el jorobado de Notre Dame. En dicha película encarnó a la bella Esmeralda, mientras que el papel de Quasimodo lo hizo Anthony Quinn.
En 1958 rodó en España la superproducción Salomón y la reina de Saba de King Vidor, un proyecto que se vio afectado por el repentino fallecimiento del protagonista masculino, Tyrone Power. Le sustituyó Yul Brynner, teniendo que repetirse las partes ya rodadas por Power, salvo algunas escenas de lejos, que se aprovecharon.
Los siguientes años fueron de mucha actividad para la actriz italiana. En 1959, trabajó con Frank Sinatra y Paul Henreid en Never So Few (se rumoreó que en este rodaje tuvo un affaire con Sinatra) y también rodó La ley con el francés Yves Montand. En 1961 hizo Desnuda ante el mundo, con Anthony Franciosa y Ernest Borgnine, y uno de los más populares films, Cuando llegue septiembre (Tuya en septiembre), con Rock Hudson, por el cual ganó el Henrietta Award, premio especial de los Globos de Oro. En 1965 volvió a colaborar con Rock Hudson en Strange Bedfellows (Habitación para dos). En 1962 encarnó a Paulina Bonaparte en Venus imperial (junto a Stephen Boyd), papel con el cual ganó su segundo premio David de Donatello. En 1964 rodó con Sean Connery el thriller Woman of Straw (La mujer de paja), y en 1966 trabajó con Alec Guinness en el film Hotel Paradiso. En este mismo año interpretó a una prostituta en el filme Cervantes, sobre el famoso escritor español, donde trabajó junto a Horst Buchholz, José Ferrer, Paco Rabal y Fernando Rey bajo dirección de Vincent Sherman.
En 1968, acompañada por Shelley Winters, Phil Silvers y Telly Savalas, Gina representó el papel principal en Buona Sera, Señora Campbell, película cuyo argumento inspiraría décadas después el musical Mamma Mia!, luego llevado al cine. Con este filme ganó su tercer David de Donatello.
Aunque tuvo un gran éxito en Hollywood, Gina nunca fue candidata a los Oscar, pero buena prueba de su popularidad es que fue elegida para entregar a Billy Wilder el premio a la mejor dirección por la película The Apartment en la 33.ª Ceremonia de los Oscar (1961).
Década de 1970[editar]
A principios de los años 70, su carrera fílmica perdió pujanza a pesar de haber rodado dos comedias con Bob Hope y David Niven; e hizo sólo algunas apariciones, en producciones por lo general menores. Estrechó contactos con el cine español: en 1971 rodó un spaghetti western de Eugenio Martín, El hombre de Río Malo, junto a James Mason y Lee van Cleef, y en 1973 No encontré rosas para mi madre, de Rovira-Beleta, donde se codeó con Danielle Darrieux. Avanzada la década redujo su actividad en el cine mientras retomaba su faceta como fotógrafa y escultora.
En el ámbito televisivo, en 1972 participó en la serie Las aventuras de Pinocho, dirigida por Luigi Comencini.
Actividad artística: fotografía y escultura[editar]

Foto tomada el 5 de junio de 1979.
En esta época se embarcó en la que llegaría a ser una exitosa carrera de fotógrafa de prensa. Entre otras, tomó instantáneas de Paul Newman, Audrey Hepburn, Salvador Dalí y de la selección de fútbol de Alemania Federal, y llegó a tener una entrevista periodística en exclusiva con Fidel Castro. En 1973 se publicó en Italia Mia una colección de trabajos de Gina Lollobrigida.
Se dedicó a otros intereses, incluyendo la escultura. En 1978, hizo gala de su madura belleza siendo miembro del jurado en el XIX Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, en el que anunció a Chile como ganador del certamen.
Reaparición en Falcon Crest y última etapa[editar]
Fue en el año 1984 cuando Gina Lollobrigida retornó triunfalmente a las pantallas de televisión de Estados Unidos formando parte de algunos capítulos de Falcon Crest en el papel de Francesca Gioberti. Con casi 60 años de edad, mostró un espléndido estado de forma: en una escena de la serie bailó la tarantella, y por su papel fue nominada a un Globo de Oro a la mejor actriz no protagonista. En realidad, su papel iba a permanecer la mayor parte de los episodios de la cuarta temporada en una sustitución rápida de Sophia Loren, primera elección ya apalabrada para el papel de Francesca. Sin embargo, la negativa de ultimisima hora de Sophia y, ante la obligatoriedad de que el personaje tenía que ser ostensiblemente italiano (cuna de la familia protagonista de la serie) los productores llegaron a negociaciones rápidas con Lollobrigida. Sin embargo, a pesar del despliegue publicitario de la incorporación de Gina como personaje fijo y del enorme guardarropa que se le preparó para la cuarta temporada (en directa competencia a Alexis Carrington de 'Dinastía'), sorprendentemente solamente intervino en cinco episodios. Para más inri, en el sexto episodio en el que su personaje aparece, el de su rápida despedida al aeropuerto, realmente únicamente lo hace entre sombras dentro de una limusine, a pesar de los dialogos que Richard mantiene con ella, el personaje de Francesca se mantiene en silencio para no delatar que estaba interpretado por una extra pues Gina ya había abandonado días antes el set.
En 1986 participó en dos episodios de la igualmente popular serie Vacaciones en el mar (The Love Boat).
En 1990 recibe el ASP International Award de American Society of Photographers por su trayectoria en la fotografía.
Hizo algunas apariciones menores en los años 90 y en 1996 ganó un premio David de Donatello especial en reconocimiento a su carrera. Diez años después ganaría otro, en conmemoración al primero que había obtenido cincuenta años antes, en la primera edición de los premios.
En 1999 hizo su incursión en la política, pero no salió bien parada en las elecciones al Parlamento Europeo ya que no logró ninguno de los 87 asientos asignados a Italia. Tuvo además cargos en empresas de cosmética y de moda. Virtualmente retirada de los escenarios, no ha realizado un film desde 1997.
En el 16 de octubre de 1999, Gina Lollobrigida fue nombrada Embajadora de Buena Voluntad de la Organización de las Naciones Unidas para la Agricultura y la Alimentación (FAO).
En abril de 2000 se publicaron estas afirmaciones suyas en la Parade Magazine:
Estudié pintura y escultura en la escuela y me hice actriz por error.... He tenido muchos amantes y romances. Estoy muy cansada. En toda mi vida sólo he tenido demasiados amantes.
2006-13: extraño anuncio de boda... ¿y estafa?[editar]
En octubre de 2006 a la edad de 79 años, Gina anunció a la revista del corazón española ¡Hola! el romance con el empresario español Francisco Javier Rigau y Rafols,4​ de 45 años entonces, y su intención de casarse a finales de ese año. Explicó que se conocían desde muchos años antes, pues se encontraron en una fiesta en el año 1984, y que tuvieron posteriormente citas en secreto,5​ si bien muchas fuentes pusieron en duda tal afirmación, por la corta edad de Rigau. La fecha de la boda se fijó para el 6 de diciembre de 2006 debido a la presión insistente de los medios, pero luego se suspendió y la relación se rompió, según ellos porque el acoso periodístico la dificultaba.
En enero de 2013, la pretérita relación entre la actriz y Rigau volvía a ser noticia cuando ella desveló una presumible estafa: Rigau había escenificado (ayudado por una impostora caracterizada como Gina) una boda civil en Barcelona.6​ Con tan rocambolesco plan Rigau pretendería (si las acusaciones son ciertas) ganarse la condición de heredero de la actriz. Según explican varios medios de comunicación, años antes Rigau había conseguido que Lollobrigida firmase (mediante engaño) unos papeles que formalizaban la boda o al menos unos poderes para heredar. El 9 de mayo de 2014, la actriz acudió a testificar a un juzgado de Barcelona, donde reiteró que en ningún momento ha formalizado una unión matrimonial con Rigau y exigió que se efectuasen pruebas caligráficas.
Filmografía[editar]
Cine[editar]
1946:
Águila negra (Aquila nera, 1946), que es una adaptación de la novela de Aleksandr Pushkin El bandido Dubrovski (Дубровский), escrita en 1832 y publicada en 1841;7​ la película fue dirigida por Riccardo Freda.
Lucía de Lammermoor (Lucia di Lammermoor), adaptación dirigida por Piero Ballerini de la ópera homónima; Lollobrigida no figura en el elenco oficial.
1947:
L'elisir d'amore, adaptación dirigida por Mario Costa de la ópera homónima.
Il delitto di Giovanni Episcopo, de Alberto Lattuada.
Il segreto di Don Giovanni, de Camillo Mastrocinque.
A Man About the House, de Leslie Arliss.
1948:
Follie per l'opera, de Mario Costa.
Pagliacci, adaptación dirigida por Mario Costa de la ópera homónima; Lollobrigida encarnó al personaje de Nedda, esposa de Canio.

Fotograma de la película de 1949 Campane a martello, de Luigi Zampa: Eduardo De Filippo, Gina Lollobrigida
e Yvonne Sanson (1926 - 2003).
1949:
Campane a martello, de Luigi Zampa.
La sposa non può attendere, de Gianni Franciolini.
1950:
Miss Italia, de Duilio Coletti.
Cuori senza frontiere, de Luigi Zampa.
Alina, de Giorgio Pàstina.
Vida de perros (Vita da cani), de Mario Monicelli y Steno.
1951:
La città si difende, de Pietro Germi.
Enrico Caruso, leggenda di una voce, película sobre el tenor italiano; fue dirigida por Giacomo Gentilomo.
A Tale of Five Cities, o Passaporto per l'oriente (en los Estados Unidos, A Tale of Five Women), película de seis episodios, con distinto director cada uno; Gina Lollobrigida y Marcello Mastroianni tuvieron pequeños papeles en el primer episodio, titulado Roma (Rome) y dirigido por Romolo Marcellini.
Atención, ¡bandidos! (Achtung! Banditi!), de Carlo Lizzani.
Amor non ho... però... però, de Giorgio Bianchi.

Gina Lollobrigida y Gino Cervi en un fotograma de Moglie per una notte (1952).

Con Renato Tontini en la película de 1954 La romana.
1952:
Moglie per una notte, de Mario Camerini.
Fanfan la Tulipe, de Christian-Jaque.
Altri tempi - Zibaldone n. 1, película de episodios dirigida por Alessandro Blasetti; Lollobrigida actúa en el noveno, que es el último y se titula Il processo di Frine.
Les Belles de nuit o Le belle della notte, de René Clair.
1953:
Le infedeli, de Mario Monicelli y Steno.
La provinciale, de Mario Soldati.
Pan, amor y fantasía (Pane, amore e fantasia), de Luigi Comencini.
La burla del diablo (Beat the Devil), de John Huston.
1954:
El gran juego (Le grand jeu), de Robert Siodmak.
Espadas cruzadas (Crossed Swords o Il maestro di Don Giovanni), de Milton Krims.
La romana, que es adaptación de la novela homónima de 1947, escrita por Alberto Moravia; la película fue dirigida por Luigi Zampa.
Pan, amor y celos (Pane, amore e gelosia), de Luigi Comencini.
Fotogramas de la película de 1954 La romana.

Con Franco Fabrizi (1916 - 1995).

Riccardo Garrone (n. 1926), Daniel Gélin, G. Lollobrigida y Xenia Valderi (Xenia Valdameri Boncelli: n. 1926).

Gina Lollobrigida y Daniel Gélin.
1955:
La mujer más guapa del mundo (La donna più bella del mondo), de Robert Z. Leonard, que trata de la vida de la vedette, soprano y actriz cinematográfica Lina Cavalieri.3​

Yul Brynner y Gina Lollobrigida en un fotograma del reclamo de la película Salomón y la reina de Saba (1959).
1956:
Trapecio (Trapeze), de Carol Reed.
1957:
Nuestra Señora de París (Notre Dame de Paris), que es adaptación de la novela homónima escrita por Victor Hugo; la película fue dirigida por Jean Delannoy.
1958:
Anna di Brooklyn, de Vittorio De Sica y Carlo Lastricati.
1959:
La ley (La legge), de Jules Dassin.
Salomón y la reina de Saba (Solomon and Sheba), de King Vidor.
Cuando hierve la sangre (Never So Few), de John Sturges.

Cartel de Reynold Brown para
Desnuda frente al mundo (1961).
1961:
Desnuda frente al mundo (Go Naked in the World), de Ranald MacDougall.
Cuando llegue septiembre (Come September), de Robert Mulligan.
1962:
La belleza de Hipólita (La bellezza di Ippolita), de Giancarlo Zagni.
Venere imperiale, de Jean Delannoy.
1963:
Mare matto, de Renato Castellani.
1964:
La mujer de paja (Woman of Straw), de Basil Dearden.
1965:
Las cuatro muñecas (Le bambole), película de episodios; Lollobrigida actúa en el cuarto y último: Monsignor Cupido, dirigido por Mauro Bolognini.
Beldades nocturnas (Les Belles de Nuit) de Rene Clair.
Habitación para dos (Strange Bedfellows), de Melvin Frank.
1966:
Yo, yo, yo... y los demás (Io, io, io... e gli altri), de Alessandro Blasetti.
Hotel Paradiso, de Peter Glenville.
Los sultanes (Les Sultans), de Jean Delannoy.
Los placeres de la noche (Le piacevoli notti notti), de Armando Crispino y Luciano Lucignani.
1967:
Cervantes, película que fantasea sobre la juventud de Miguel de Cervantes: el personaje del escritor (interpretado Horst Buchholz) tiene una relación con una prostituta (interpretada por Gina Lollobrigida); de la dirección se encargó Vincent Sherman.
Dos menos uno, tres (La morte ha fatto l'uovo), de Giulio Questi.
1968:
Cerveza para todos (The Private Navy of Sgt. O'Farrell), de Frank Tashlin.
Stuntman, de Marcello Baldi.
Un bellissimo novembre, de Mauro Bolognini.
1968:
Buona Sera, Mrs. Campbell, de Melvin Frank.
1971:
El hombre de Río Malo (Bad Man's River), de Eugenio Martín.
1972:
King, Queen, Knave, de Jerzy Skolimowski.
1973:
No encontré rosas para mi madre, de Rovira-Beleta.
1995:
Las cien y una noches (Les cent et une nuits de Simon Cinéma), de Agnès Varda.
1997:
XXL, de Ariel Zeitoun.
2011:
Box Office 3D - Il film dei film, de Ezio Greggio: se ve a Gina Lollobrigida en un cameo.
Televisión[editar]
1972:
Miniserie Las aventuras de Pinocho (Le avventure di Pinocchio), basada en la novela homónima escrita por Carlo Collodi: en esta adaptación, dirigida por Luigi Comencini y transmitida por primera vez por la RAI, Gina Lollobrigida encarnó al Hada Azul.
1984:
Serie Falcon Crest: Lollobrigida intervino en 5 episodios interpretando el personaje de Francesca Gioberti.
1985:
Telefilme El engaño (Deceptions), dirigido por Robert Chenault y Melville Shavelson.
1986:
Serie The Love Boat: Lollobrigida intervino en 2 episodios.
1988:
Miniserie La romana, que es adaptación de la novela de Moravia que ya había sido llevada al cine; esta versión televisiva fue dirigida por Giuseppe Patroni Griffi.
1996:
Telefilme Una donna in fuga, de Roberto Rocco.
En la cultura popular[editar]
En la historieta mexicana Memín Pinguín, en un capítulo, Memín queda atrapado en un hospital de salud mental en donde una paciente se cree Gina Lollobrigida y abraza y besa a Memín diciéndole "Carissimo bambino".
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La risa es un tónico, un alivio, un respiro que permite apaciguar el dolor (Charles Chaplin)

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La risa es un tónico, un alivio, un respiro que permite apaciguar el dolor (Charles Chaplin)

Las tres primeras décadas del siglo XX presenciaron el nacimiento y esplendor del cine mudo y la aparición de talentosos actores y cineastas que gozaron de una inmensa popularidad. De todos ellos, ninguno llegaría a alcanzar un reconocimiento tan unánime entre el público y la crítica como el... Ver mas
Las tres primeras décadas del siglo XX presenciaron el nacimiento y esplendor del cine mudo y la aparición de talentosos actores y cineastas que gozaron de una inmensa popularidad. De todos ellos, ninguno llegaría a alcanzar un reconocimiento tan unánime entre el público y la crítica como el británico Charles Chaplin (1889-1977), considerado uno de los grandes genios de la historia del séptimo arte.


Charles Chaplin caracterizado como Charlot

Creador del tierno y humanísimo Charlot, personaje más universal si cabe que el mismo actor y cineasta, Charles Chaplin sobrepasó en su filmografía de madurez la idiosincrasia meramente lúdica del género cómico para transmitir al público su perspectiva crítica sobre el capitalismo salvaje, el auge de los totalitarismos y la deshumanización del mundo moderno. La profundidad de tales cargas, cuya vigencia comprobamos al revisitar sus películas, llegaron a ponerlo en el punto de mira de la «caza de brujas» estadounidense, hasta el punto de forzar el regreso a su país: ningún hecho ilustra mejor su insobornable condición de artista comprometido.

Biografía

Los padres de Charles Spencer Chaplin eran cantantes y actores de variedades de origen judío que, en su momento, alcanzaron un razonable éxito. Especialmente la madre, Hannah Hili, hija de un zapatero, menuda, graciosa y con una agradable voz. El niño nació a las ocho de la tarde del 16 de abril de 1889 en la calle londinense de East Lane, Walworth.

No era un buen momento para la familia. El padre, Charles, había abandonado el hogar en pos de su afición alcohólica, y Hannah se vio obligada a mantener por sí sola a sus hijos Sydney y Charles. Estaba en la cumbre de su carrera artística con el pseudónimo de Lily Harvey, pero comenzaba a fallarle la voz. En 1894, durante una función en Aldershot, su gorjeo se quebró en medio de una canción. El empresario envió a escena al pequeño Charles, de cinco años, que imitó la voz de Lily incluyendo el desfallecimiento final, para gran diversión del público. Ése fue su debut artístico.


Chaplin en A Night Out (Charlot trasnochador, 1915)

El fracaso y la falta de dinero trastornaron la salud mental de Hanna Hill, que comenzó a dar muestras de extravío. Ella y los niños pasaron a vivir en el asilo de la calle Lambeth. Sydney y Charlie asistieron un tiempo a la escuela para niños pobres de Hanwell, sufriendo su severa disciplina y las burlas de los niños más afortunados. En 1896 el estado de Hannah obligó a recluirla en un sanatorio frenopático. Al año siguiente, Charlie se unió a los Eight Lancashire Lads (Los ocho muchachos de Lancashire), un grupo de actores juveniles aficionados que hacían giras por los pueblos. Más tarde formó parte de otras compañías ambulantes, ya profesionales aunque muy modestas. En 1898 murió el padre, mientras Charlie Chaplin era ya un experto actor infantil.

En 1901, con doce años, representó el rol de protagonista en Jim, the Romance of a Cockney, y cuatro años más tarde realizó una gira con The Painful Predicament of Sherlock Holmes. El año 1906 fue afortunado para el joven cómico. Se inició con un contrato en el Casey Court Circus como una de las primeras atracciones, y finalizó con otro contrato para la célebre compañía de pantomimas de Fred Karno, en la que también actuaba Stan Laurel.

Los comienzos en Hollywood

A los diecinueve años Charlie vivió el primero de sus numerosos e intensos romances, al enamorarse perdidamente de la joven actriz Hetty Kelly. Con Fred Karno el futuro Charlot había perfeccionado y diversificado sus notables recursos mímicos, y el director lo incluyó en la troupe que realizaba una gira a París en 1909 y al año siguiente otra de seis meses por Estados Unidos. Fue la época en que Mack Sennett obtuvo un gran éxito con sus filmes cortos de bañistas y policías, basados en corridas, gesticulaciones exageradas, palos y peleas con tartas de crema. Sennett adivinaba las posibilidades cinematográficas de la mímica más refinada y compleja de Chaplin, y cuando éste realizó su segunda gira en 1912 lo convenció para que se incorporase a su productora, la Keystone.


El aventurero (1917)

Charlie Chaplin llegó a Hollywood en la primavera de 1913, y comenzó a trabajar en noviembre. El 2 de febrero de 1914 se estrenaba su primera película, Making a Living (Ganándose la vida, también conocida como Charlot periodista). En ese mismo año rodó 35 films de un rollo (cortos de entre doce y dieciséis minutos de duración), escritos y dirigidos por Sennett, el propio Charles u otros directores. Todavía sus caracterizaciones eran sólo esbozos del vagabundo ingenuo y sentimental que le daría fama en todo el mundo, pero como Chaplin interpretaba en cada uno un oficio o situación distinta, se los bautizaría luego como Charlot bailarín, Charlot camarero, Charlot de conquista, Charlot ladrón elegante, etc.

El éxito fue arrollador, y en 1915 la productora Essanay le robó a Sennett su estrella por un contrato de 1.500 dólares a la semana, una cifra fabulosa para un cómico de cine mudo, que en Keystone venía cobrando diez veces menos. Con la Essanay, Chaplin pasó a escribir y dirigir los catorce films que rodó ese año. Tenían ya una duración de dos rollos, una trama más complicada que introducía toques románticos y melancólicos en la receta humorística, y un guión meticulosamente estructurado y ensayado.



En todos ellos Chaplin era el protagonista absoluto (en alguno en rol femenino), y en la mayoría su partenaire era Edna Purviance. Cabe recordar A Night in the Show, The Champion, A Night Out y sobre todo The Tramp (El vagabundo), en la que redondeaba el personaje que luego se conocería como Charlot. Él mismo contaría después que fue escogiendo casi al azar -como lo haría un vagabundo real- el sombrero, el bastón, los anchos pantalones, la chaqueta estrecha y los zapatones. El resultado fue el atuendo más famoso y perdurable en la historia del cine.

La celebridad de Chaplin y su personaje era ya universal (el nombre de Charlot se lo daría en 1915 el distribuidor de sus filmes en Francia), y el exitoso mimo cambió nuevamente de productora en 1916. Con la Mutual realizaría doce películas en dos años, entre ellas The Pawnshop (El prestamista), Easy Street (La calle de la paz) y especialmente The Immigrant (El inmigrante), las tres con Edna Purviance. A principios de 1918 la First National contrató a Charlie Chaplin por la cifra récord de un millón de dólares anuales. Fue también el año de la primera de sus bodas con jovencitas casi adolescentes. Su matrimonio con la actriz secundaria de diecinueve años Mildred Harris, celebrado el 23 de octubre, duraría hasta 1920; el divorcio le costó a Charles 200.000 de sus preciosos dólares.


Chaplin en El chico (1920)

También en 1918 realizó una gira para vender bonos de guerra junto a otras dos superestrellas de la época: Mary Pickford (llamada «La novia de América») y el galán acrobático Douglas Fairbanks. Con la First National filmó doce películas entre ese año y 1922, algunas tan clásicas en su filmografía como A Dog Life (Vida de perro) y Shoulder Arms (Armas al hombro). Y también la que se considera su primera obra maestra, en la que cinceló su estilo tragicómico, crítico y sutilmente conmovedor: The Kid (El chico), con Jackie Coogan, la infaltable Purviance y seis rollos de duración. En 1921 regresó por primera vez a Europa para el estreno de esa película y recibió una recepción multitudinaria, al tiempo que la severa crítica europea lo consagraba como un genio del cine.

Ya en 1919 Chaplin, Pickford y Fairbanks, junto al director David W. Griffith (sin duda otro genio del cine) habían constituido la productora independiente United Artists, pero Chaplin no trabajó para ésta hasta no acabar su contrato con la First National. En 1923, con productora propia, sólida fortuna personal y una suntuosa mansión en Beverly Hills, se sintió al fin con las manos libres para desarrollar sin ataduras su creatividad. Ese año dirigió, sin actuar, la excelente A Woman of Paris, con su admirada Edna y Adolphe Menjou. El multifacético creador tenía ya treinta y cinco años, y el 24 de noviembre de 1924 contrajo matrimonio en México con la jovencísima actriz Lolita McMurray (o Lita Grey), de sólo dieciséis años. La unión duró hasta 1927 y Chaplin obtuvo de ella sus dos primeros hijos (Charles Spencer y Sydney Earle); pagó un millón de dólares al divorciarse de su Lolita.

En esa época inició la gran trilogía final del personaje de Charlot, rodando en 1925 The Gold Rush (La quimera del oro), de la que en 1942 realizó una versión sonora narrada por su voz y con música propia. En 1927 se estrenó la primera película sonora, El cantor de jazz, con Al Jolson, pero Chaplin seguía fiel al cine mudo cuando en 1928 realizó The circus (El circo), película que él mismo consideraba menos lograda que las que integraban la trilogía, pese a ser un magnífico filme cómico. Por esta película recibió su primer Oscar de la Academia en 1929. Dos años más tarde estrenó City Lights (Luces de la ciudad), paradigma de la ternura y la desolación de su alter ego cinematográfico, con inclusión de escenas sonoras y música de Chaplin.


Tiempos modernos (1936)

En 1932 realizó un nuevo y extenso viaje a Europa, donde en una recepción conoció a la actriz francesa Paulette Goddard. Ambos prosiguieron juntos el itinerario de lo que llegó a ser una gira mundial, y al año siguiente Paulette sería su pareja en el último film de la trilogía: Modern Times (Tiempos modernos), una ácida parábola sobre las tiranías y miserias del maquinismo y del capitalismo, y, en definitiva, sobre la modernidad originada por el abrumador triunfo de la Revolución Industrial.

Al desatarse la Segunda Guerra Mundial y la invasión alemana sobre Europa, Chaplin filmó, en 1940, The Great Dictator (El gran dictador), una divertida y feroz parodia del nazismo en la que el actor se desdoblaba en un Charlot transformado en peluquero judío y en un Hitler mitómano y paranoico que anunciaba la disposición de Chaplin a encarnar nuevos roles, sin bombín ni zapatones. Lo acompañaba la Goddard, cuyo personaje llevaba el nombre de la madre de Charles (Hannah), fallecida en 1928.


El gran dictador (1940)

Chaplin y Paulette Goddard se distanciaron en 1941 y poco después el cineasta se vio envuelto en un proceso por la paternidad de la hija de la actriz Joan Barry, llamada Carol Ann. Condenado en abril de 1942 por violación de la Ley Mann, debió hacerse cargo de la manutención de la niña. El escándalo no le impidió casarse, a sus cincuenta y cuatro años, con la hija del insigne dramaturgo Eugene O'Neill, una hermosa joven de dieciocho años llamada Oona, que permanecería a su lado el resto de su vida.

El patriarca de Vevey

Tras rodar Monsieur Verdoux en 1947, Charles Chaplin cayó bajo la ola del maccarthismo que tenía como blanco a intelectuales y artistas de Hollywood. La crítica social que rezumaba su obra, sumada probablemente a su origen judío y al hecho de ser extranjero (nunca se nacionalizó), lo llevaron a comparecer en 1949 ante el inquisicional Comité de Actividades Antinorteamericanas. Al año siguiente, mientras él y su familia viajaban por Europa, se ordenó a las autoridades de inmigración que lo retuvieran a su regreso. Chaplin decidió no volver jamás y se instaló en una lujosa residencia en Corsier-sur-Vevey, en la plácida ribera del lago suizo de Léman, frente a Ginebra. Oona se encargó de liquidar sus asuntos económicos y profesionales en Estados Unidos.

Inglaterra ofreció a su hijo pródigo un sitio para continuar su trabajo. En 1952 rodó en Londres Limelight (Candilejas), magnífica y sentimental rememoración de sus días de cómico ambulante, y dos años más tarde recibió el Premio Internacional de la Paz. Su resentimiento contra Estados Unidos se reflejó en A King in New York (Un rey en Nueva York), filme de 1957 cuyos altibajos no ocultan el corrosivo humor chapliniano. El gran cineasta era ya un anciano patriarcal y vitalista que comenzaba a escribir sus memorias en 1959. A los setenta y ocho años fue padre de su octavo hijo con Oona, Christopher, nacido en 1962, y en 1964 se publicó en Londres su autobiografía, Historia de mi vida.


Chaplin con su última esposa, Oona O'Neill

Ya octogenario, Chaplin tenía todavía ánimo y energías para escribir y rodar una última película, A Countess from Hong Kong (La condesa de Hong Kong, 1966). Pese a contar con dos protagonistas de lujo como Sophia Loren y Marlon Brando, y al propio director en el rol menor de un camarero, el filme no tuvo éxito y quizá no lo merecía. La mano maestra de Chaplin conservaba cierta elegancia, pero el tema era trivial y el estilo claramente anacrónico. El anciano creador debió de advertirlo, porque no volvió a insistir.

Charles Chaplin vivió todavía una década en su refugio de Vevey, rodeado de sus hijos y acompañado por la leal Oona. En 1972 aceptó un breve retorno triunfal a Hollywood para recibir un Oscar por la totalidad de su obra. En 1976 Richard Patterson rodó The Gentleman Tramp (El vagabundo caballero), inspirada en su autobiografía, que incluía escenas familiares en Vevey filmadas por el director de fotografía español Néstor Almendros. Otro español, el cineasta Carlos Saura, se casó con Geraldine, la hija de Oona más consecuente con el oficio de su padre.

El creador de Charlot murió a los ochenta y ocho años, el día de Navidad de 1977. Dejaba un total de 79 películas filmadas en más de cincuenta años de actividad como actor y director. En la casi totalidad de ellas fue también autor del guión, y del diálogo y la música en las sonoras. Además de las ya mencionadas, cabe agregar Carmen (1916), según la novela de Prosper Mérimée; The Vagabond (El vagabundo), 1916; A Day's Pleasure (Un día de juerga), 1919; Pay Day (Día de paga), 1922, y The Pilgrim (El peregrino), 1923, entre las más apreciadas por la crítica y celebradas por el público.





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Hay que controlar las emociones estresantes y paralizantes. El resto es lo que hace a nuestra vida rica (Daniel Goleman)

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Hay que controlar las emociones estresantes y paralizantes. El resto es lo que hace a nuestra vida rica (Daniel Goleman)

Daniel Goleman (Stockton, 7 de marzo de 1946) es un psicólogo estadounidense. Adquirió fama mundial a partir de la publicación de su libro Emotional Intelligence (en español Inteligencia emocional) en 1995.1​ Daniel Goleman posteriormente también escribió Inteligencia social, la segunda parte... Ver mas
Daniel Goleman (Stockton, 7 de marzo de 1946) es un psicólogo estadounidense. Adquirió fama mundial a partir de la publicación de su libro Emotional Intelligence (en español Inteligencia emocional) en 1995.1​
Daniel Goleman posteriormente también escribió Inteligencia social, la segunda parte del libro Inteligencia emocional.
Trabajó como redactor de la sección de ciencias de la conducta y del cerebro del periódico The New York Times. Ha sido editor de la revista 'Psychology Today' y profesor de psicología en la Universidad de Harvard, en la que obtuvo su doctorado.
Goleman fue co-fundador de la Collaborative for Academic, Social and Emotional Learning (Sociedad para el Aprendizaje Académico, Social y Emocional) en el Centro de Estudios Infantiles de la Universidad de Yale (posteriormente en la Universidad de Illinois, en Chicago), cuya misión es ayudar a las escuelas a introducir cursos de educación emocional.
Editado por primera vez en 1995, el libro Inteligencia emocional se mantuvo durante un año y medio en la lista de los libros más vendidos del The New York Times. Según la página web oficial de Daniel Goleman, se han vendido, hasta 2006, alrededor de 5.000.000 de ejemplares en 30 idiomas, y ha sido best seller en muchos países.
En 2009 se publicó en español su libro Inteligencia ecológica.
Obras[editar]
Focus: The Hidden Driver of Excellence (2013) Harper Collins. ISBN 978-0-06-234443-4
Ecological Intelligence: How Knowing the Hidden Impacts of What We Buy Can Change Everything (2009) Broadway Business. ISBN 0-385-52782-9, ISBN 978-0-385-52782-8 (Trad.: Inteligencia ecológica).
Social Intelligence: The New Science of Social Relationships (2006) Bantam Books. ISBN 978-0-553-80352-5 (Trad.: Inteligencia social).
Destructive Emotions: A Scientific Dialogue with the Dalai Lama (2003) Bantam Books. ISBN 978-0-553-38105-4
Primal Leadership: The Hidden Driver of Great Performance (2001) Co-authors: Boyatzis, Richard; McKee, Annie. Harvard Business School Press. ISBN 978-1-57851-486-1
The Emotionally Intelligent Workplace (2001) Jossey-Bass. ISBN 978-0-7879-5690-5
Harvard Business Review on What Makes a Leader? (1998) Co-authors: Michael MacCoby, Thomas Davenport, John C. Beck, Dan Clampa, Michael Watkins. Harvard Business School Press. ISBN 978-1-57851-637-7
Working with Emotional Intelligence (1998) Bantam Books. ISBN 978-0-553-37858-0
Healing Emotions: Conversations with the Dalai Lama on Mindfulness, Emotions, and Health (1997) Shambhala. ISBN 978-1-59030-010-7
Emotional Intelligence: Why It Can Matter More Than IQ (1996) Bantam Books. ISBN 978-0-553-38371-3 (Trad.: Inteligencia emocional. ISBN 84-7245-371-5).
Vital Lies, Simple Truths: The Psychology of Self Deception (1985) Bloomsbury Publishing. ISBN 978-0-7475-3413-6
The Varieties of the Meditative Experience (1977) Irvington Publishers. ISBN 0-470-99191-7. Later republished as The Meditative Mind: The Varieties of Meditative Experience (1988) Tarcher. ISBN 978-0-87477-833-5.
"The Brain and Emotional Intelligence: New Insights" (2011) More Than Sound. ISBN 978-1-93444-115-2
"Leadership: The Power of Emotional Intelligence - Selected Writings" (2011) More Than Sound. ISBN 978-193444-117-6
Traducciones recientes[editar]
El líder resonante crea más, Debolsillo (2010) ISBN 978-84-990-8711-5
La Fuerza de la compasión: la enseñanza del Dalai Lama para nuestro mundo, Kairos (2015) ISBN 978-84-998-8456-1
Liderazgo, Zeta Bolsillo (2014) ISBN 978-84-987-2946-7
Focus, Kairós (2014) ISBN 978-84-998-8305-2
Ecoeducación, Juventud (2013) ISBN 978-84-261-4037-1
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En las adversidades sale a la luz la virtud (Aristófanes)

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En las adversidades sale a la luz la virtud (Aristófanes)

(Atenas, 450 a.C. - id., 385 a.C.) Comediógrafo griego. Poco se sabe sobre su vida; tan sólo algunos detalles extraídos de su obra, de la que se conserva una cuarta parte. Fue un ciudadano implicado en la política ateniense: participó en las luchas políticas para la instauración del Partido... Ver mas
(Atenas, 450 a.C. - id., 385 a.C.) Comediógrafo griego. Poco se sabe sobre su vida; tan sólo algunos detalles extraídos de su obra, de la que se conserva una cuarta parte. Fue un ciudadano implicado en la política ateniense: participó en las luchas políticas para la instauración del Partido Aristocrático y, desde sus filas, mostró su desacuerdo con la manera de gobernar de los demócratas. En diversas obras, sobre todo en Lisístrata, denunció la guerra del Peloponeso, en la que vio un conflicto fratricida que llevaba a la miseria a los campesinos del Ática.


Aristófanes

Su postura conservadora le llevó a defender la validez de los tradicionales mitos religiosos y se mostró reacio ante cualquier nueva doctrina filosófica. Especialmente conocida es su animadversión hacia Sócrates, a quien en su comedia Las nubes presenta como a un demagogo dedicado a inculcar todo tipo de insensateces en las mentes de los jóvenes. En el terreno artístico tampoco se caracterizó por una actitud innovadora; consideraba el teatro de Eurípides como una degradación del teatro clásico.

Obras de Aristófanes

De sus cuarenta comedias, nos han llegado íntegras once, que son además las únicas comedias griegas conservadas; es difícil, por tanto, establecer el grado de originalidad que se le atribuye como máximo representante de este género. Sus comedias se basan en un ingenioso uso del lenguaje, a menudo incisivo y sarcástico, y combinan lo trivial y cotidiano con pausadas exposiciones líricas que interrumpen la acción. Constituye ésta una fórmula personal, que nunca ha sido adaptada, ni por los latinos ni durante el Renacimiento.

Aristófanes debutó siendo aún muy joven, en el año 427, con Los convidados; en el 426 presentó Los babilonios, donde atacaba la política de Cleonte, lo que le valió un proceso. Ambas obras se encuentran hoy perdidas. En el siglo V era costumbre que el autor asumiera también la función de instructor del coro y encargado de la puesta en escena (corodidáscalo). Pero también podía ocurrir que otra persona se ocupara de esa tarea y figurara entonces con su nombre en las actas de las fiestas. Por esta razón estas dos piezas aparecen atribuidas a Calístrato.

La primera comedia que dirigió el propio Aristófanes fue Los acarnienses (425), que es también la más antigua que se conserva de él. En ella, el campesino ático Diceópolis, harto de la guerra del Peloponeso, que dura ya seis años, decide concluir por su propia cuenta la paz con los espartanos y encarga que le envíen de Esparta una paz privada de treinta años en forma de una exquisita bebida, llevando así una alegre vida pacífica en medio de los horrores de la guerra.

Esta fantasía cómica antimilitarista es de una endiablada jocundidad, plena de pasajes divertidos. En Los caballeros (424), los nobles y ricos jóvenes de la élite conservadora, que forman parte del coro, atacan duramente al demagogo Cleonte, que aparece representado en el pícaro esclavo que engaña a su anciano amo. El tono de esta comedia es tan áspero que Cleonte, quien con su acusación a raíz de Los babilonios no había logrado intimidar a Aristófanes, intentó otro proceso contra él.

En Las nubes (423), representada en las Grandes Dionisíacas, Aristófanes avanza en otra dirección, satirizando en la figura de Sócrates a la nueva filosofía y a los nuevos métodos de educación. La obra debe su nombre al coro integrado por nubes, creación poética muy compleja cuyo primer canto, según Albin Lesky, "pertenece a lo más hermoso de la poesía griega".

El tema de Las avispas (422) es la manía de los atenienses por los pleitos y procesos ante los tribunales. Se desarrolla entre jocosas escenas, como la del proceso casero contra un perro, acusado de haber robado un queso. Su título alude al coro de viejos jueces populares, caracterizados como avispas provistas de grandes aguijones. En esta pieza, imitada por Jean Racine, vuelve a aparecer la problemática de la relación padre e hijo, presente en Los convidados y en Las nubes.



Con La paz (421), el comediógrafo retoma otro argumento que le era grato, desarrollándolo con más serenidad y comicidad que en Los acarnienses: el viñador Trigeo sube al cielo para liberar a la Paz, prisionera en la caverna de Pólemos (la guerra). Las aves (414), que según algunos críticos es la obra maestra de Aristófanes, combina la más audaz fantasía con la más delicada poesía; describe la evasión de dos atenienses al reino de los pájaros, donde establecen, entre cielo y tierra, una nueva ciudad ideal y llegan a sustituir a los dioses en el gobierno del mundo. En Las tesmoforiantes (411), las atenienses proyectan, durante las Tesmoforias (festividad que celebraban las mujeres en la época de la siembra con la rigurosa exclusión de los hombres), tomar represalias contra Eurípides, su difamador.

Lisístrata (411) varía el tono con respecto a las comedias precedentes: si antes se hablaba primordialmente de las penurias de la guerra y se criticaba con dureza a quienes se aprovechaban del sufrimiento colectivo, Lisístrata muestra un espíritu conciliador. Su argumento narra la decisión de todas las mujeres, atenienses y espartanas, de hacer huelga conyugal hasta la consecución de la paz. Las ranas (405), cuyo coro está formado por renacuajos de la laguna Estigia, presenta a Dionisos, quien, habiendo bajado al Hades para hacer volver a la vida al trágico Eurípides, se decidirá, al fin, por revivir a Esquilo.

Al igual que en Lisístrata, en Las asambleístas (392) las mujeres traman una revuelta: hartas de la deficiente administración masculina, deciden hacerse cargo del gobierno y se introducen embozadas en la Asamblea de los hombres para conseguir la aprobación de las decisiones correspondientes. La última obra de Aristófanes de la que se tiene noticia es Pluto, pieza representada por su propio autor en el año 388. Su argumento gira en torno a la restitución de la vista a Pluto, dios de la riqueza, cuya ceguera es responsable de la triste situación del mundo.

Pese a ser un autor muy admirado, Aristófanes ejerció muy poca influencia. Mayor arraigo tuvo entre los escritores latinos la Comedia Nueva, a cuyo esquema se remitió posteriormente la gran mayoría de los autores europeos que buscaban sus modelos en la Antigüedad clásica. La cultura alemana, en cambio, a partir del Sturm und Drang, demostró una mayor consideración y comprensión del valor de su obra.



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Un pueblo sin tradición es un pueblo sin porvenir (Alberto Lleras Camargo)

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Un pueblo sin tradición es un pueblo sin porvenir (Alberto Lleras Camargo)

Alberto Lleras Camargo Político, periodista y diplomático colombiano, presidente de la República (1945-1946; 1958-1962) Nació el 3 de julio de 1906 en Bogotá. Militó en el Partido Liberal desde su juventud y dirigió (1929) el diario El Tiempo, propiedad de su familia y principal... Ver mas
Alberto Lleras Camargo

Político, periodista y diplomático colombiano, presidente de la República (1945-1946; 1958-1962)



Nació el 3 de julio de 1906 en Bogotá.

Militó en el Partido Liberal desde su juventud y dirigió (1929) el diario El Tiempo, propiedad de su familia y principal órgano del partido liberal.

Su labor periodística se extendió a otros muchos diarios, como El Mundo y La Nación de Buenos Aires, o los que él mismo fundó: La Tarde (1930), El Liberal (1938-1943) y Semana (1946-1947).




Su carrera política se inició en 1930 cuando fue elegido diputado a la Cámara de Representantes, cuya presidencia ostentó en 1931. Durante la primera presidencia de Alfonso López Pumarejo (1934-1938) ocupó varias carteras ministeriales: Educación (1936) y Gobierno (1936-1938). Durante el segundo periodo del mismo presidente (1942-1945) se ocupó de las relaciones exteriores, siendo nombrado embajador en Estados Unidos.

De Washington regresó en 1945, cuando fue llamado ante la eventualidad de la renuncia del presidente López Pumarejo a quien aún le quedaba un año de mandato. Lleras fue nombrado presidente, cargo que ocupó hasta la elección, en 1946, de Mariano Ospina Pérez.

De regreso a la política internacional dirigió la Unión Panamericana (1947-1948), y en 1948 fue elegido primer secretario de la Organización de Estados Americanos (OEA), cargo que abandonó en 1954, cuando fue nombrado director de la Universidad de los Andes.

En 1956, al ser designado jefe del Partido Liberal se convirtió en figura política del máximo relieve, e inició una serie de actuaciones tendentes a asegurar el acuerdo con el Partido Conservador: el Manifiesto de Benidorm (1956), por el que se creaba el Frente Nacional; el Pacto de Marzo (1957) para oponerse a la continuidad en la presidencia del general Gustavo Rojas Pinilla; el Pacto de Bogotá (1957), que suponía la alianza definitiva de ambos partidos, y que cristalizó en el Pacto de Sitges (España), por el que ambos partidos se comprometían a una rotación de la presidencia, asegurando así el triunfo de la oligarquía burguesa. El acuerdo liberal-conservador suponía una enmienda constitucional que fue aprobada en referéndum en diciembre de 1957.

En 1958, gracias al apoyo de los grandes capitalistas del país, fue elegido presidente con el 80% de los votos, y hubo de enfrentarse con dificultades económicas, por las fluctuaciones de los precios del café y a la inestabilidad social. El gobierno de Lleras, que empezó levantando el estado de sitio, se caracterizó por una hábil política antisindical y la defensa de los intereses de la burguesía, en contra de las masas campesinas, lo que propició la aparición de grupos guerrilleros y provocó un nuevo estado de sitio. En 1961 se inició una moderada reforma agraria para racionalizar el tamaño de la propiedad. En política exterior, el gobierno de Lleras se alineó con Estados Unidos en su estrategia anticomunista.

En 1962, acabado su mandato, fue reemplazado por el conservador Guillermo León Valencia.

Alberto Lleras Camargo murió el 4 de enero de 1990 en Bogotá.


Cargos

41º presidente de la República de Colombia
7 de agosto de 1945 - 7 de agosto de 1946

47º presidente de la República de Colombia (Segundo período)

Director General de la Unión Panamericana
1947-1948

Secretario General de la Organización de los Estados Americanos
1948-1954
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Si he hecho descubrimientos invaluables ha sido más por tener paciencia que cualquier otro talento (Isaac Newton)

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Si he hecho descubrimientos invaluables ha sido más por tener paciencia que cualquier otro talento (Isaac Newton)

(Woolsthorpe, Lincolnshire, 1642 - Londres, 1727) Científico inglés. Fundador de la física clásica, que mantendría plena vigencia hasta los tiempos de Einstein, la obra de Newton representa la culminación de la revolución científica iniciada un siglo antes por Copérnico. En sus Principios... Ver mas
(Woolsthorpe, Lincolnshire, 1642 - Londres, 1727) Científico inglés. Fundador de la física clásica, que mantendría plena vigencia hasta los tiempos de Einstein, la obra de Newton representa la culminación de la revolución científica iniciada un siglo antes por Copérnico. En sus Principios matemáticos de la filosofía natural (1687) estableció las tres leyes fundamentales del movimiento y dedujo de ellas la cuarta ley o ley de gravitación universal, que explicaba con total exactitud las órbitas de los planetas, logrando así la unificación de la mecánica terrestre y celeste.


Isaac Newton

Hijo póstumo y prematuro, su madre preparó para él un destino de granjero; pero finalmente se convenció del talento del muchacho y le envió a la Universidad de Cambridge, en donde hubo de trabajar para pagarse los estudios. Allí Newton no destacó especialmente, pero asimiló los conocimientos y principios científicos y filosóficos de mediados del siglo XVII, con las innovaciones introducidas por Galileo Galilei, Johannes Kepler, Francis Bacon, René Descartes y otros.

Tras su graduación en 1665, Isaac Newton se orientó hacia la investigación en física y matemáticas, con tal acierto que a los 29 años ya había formulado teorías que señalarían el camino de la ciencia moderna hasta el siglo XX; por entonces había ya obtenido una cátedra en su universidad (1669). Protagonista fundamental de la «Revolución científica» de los siglos XVI y XVII y padre de la mecánica clásica, Newton siempre fue remiso a dar publicidad a sus descubrimientos, razón por la que muchos de ellos se conocieron con años de retraso. Newton coincidió con Leibniz en el descubrimiento del cálculo integral, que contribuiría a una profunda renovación de las matemáticas; también formuló el teorema del binomio (binomio de Newton).

Las aportaciones esenciales de Isaac Newton se produjeron en el terreno de la física. Sus primeras investigaciones giraron en torno a la óptica: explicando la composición de la luz blanca como mezcla de los colores del arco iris, formuló una teoría sobre la naturaleza corpuscular de la luz y diseñó en 1668 el primer telescopio de reflector, del tipo de los que se usan actualmente en la mayoría de los observatorios astronómicos; más tarde recogió su visión de esta materia en la obra Óptica (1703). También trabajó en otras áreas, como la termodinámica y la acústica.

La mecánica newtoniana

Pero su lugar en la historia de la ciencia se lo debe sobre todo a su refundación de la mecánica. En su obra más importante, Principios matemáticos de la filosofía natural (1687), formuló rigurosamente las tres leyes fundamentales del movimiento, hoy llamadas Leyes de Newton: la primera ley o ley de la inercia, según la cual todo cuerpo permanece en reposo o en movimiento rectilíneo uniforme si no actúa sobre él ninguna fuerza; la segunda o principio fundamental de la dinámica, según el cual la aceleración que experimenta un cuerpo es igual a la fuerza ejercida sobre él dividida por su masa; y la tercera o ley de acción y reacción, que explica que por cada fuerza o acción ejercida sobre un cuerpo existe una reacción igual de sentido contrario.

De estas tres leyes dedujo una cuarta, que es la más conocida: la ley de la gravedad, que según la leyenda le fue sugerida por la observación de la caída de una manzana del árbol. Descubrió que la fuerza de atracción entre la Tierra y la Luna era directamente proporcional al producto de sus masas e inversamente proporcional al cuadrado de la distancia que las separa, calculándose dicha fuerza mediante el producto de ese cociente por una constante G; al extender ese principio general a todos los cuerpos del Universo lo convirtió en la ley de gravitación universal.



La mayor parte de estas ideas circulaban ya en el ambiente científico de la época; pero Newton les dio el carácter sistemático de una teoría general, capaz de sustentar la concepción científica del Universo durante más de dos siglos. Si todavía en nuestros días resulta admirable la elegancia y sencillez de la mecánica newtoniana, puede imaginarse el deslumbramiento que produjo en sus contemporáneos aquella clarificación de un vasto conjunto de fenómenos; así lo expresó un compatriota suyo, el poeta Alexander Pope: "La Naturaleza y sus leyes yacían ocultas en la noche, pero dijo Dios: ¡Hágase la luz!, y nació Isaac Newton".

Hasta que terminó su trabajo científico propiamente dicho (hacia 1693), Newton se dedicó a aplicar sus principios generales a la resolución de problemas concretos, como la predicción de la posición exacta de los cuerpos celestes, convirtiéndose en el mayor astrónomo del siglo. Sobre todos estos temas mantuvo agrios debates con otros científicos (como Edmund Halley, Robert Hooke, John Flamsteed o el citado Leibniz), en los que encajó mal las críticas y se mostró extremadamente celoso de sus posiciones.

Como profesor de Cambridge, Newton se enfrentó a los abusos de Jacobo II contra la universidad, lo cual le llevó a aceptar un escaño en el Parlamento surgido de la «Gloriosa Revolución» (1689-90). En 1696 el régimen le nombró director de la Casa de la Moneda, buscando en él un administrador inteligente y honrado para poner coto a las falsificaciones. Volvería a representar a su universidad en el Parlamento en 1701. En 1703 fue nombrado presidente de la Royal Society de Londres. Y en 1705 culminó la ascensión de su prestigio al ser nombrado caballero.

Más info en nuestra monografía sobre Isaac Newton.



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Libtos, caminos y días dan al hombre sabiduría (Proverbio árabe)

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Libtos, caminos y días dan al hombre sabiduría (Proverbio árabe)

Lo pasado ha huido, lo que esperas está ausente, pero el presente es tuyo. Más frases sobre: Presente Si lo que vas a decir no es más bello que el silencio: no lo digas. Más frases sobre: Hablar La primera vez que me engañes, será culpa tuya; la segunda vez, la culpa será mía. Más... Ver mas
Lo pasado ha huido, lo que esperas está ausente, pero el presente es tuyo.
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Si lo que vas a decir no es más bello que el silencio: no lo digas.
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La primera vez que me engañes, será culpa tuya; la segunda vez, la culpa será mía.
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Quien no comprende una mirada tampoco comprenderá una larga explicación.
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Cuatro cosas hay que nunca vuelven más: una bala disparada, una palabra hablada, un tiempo pasado y una ocasión desaprovechada.
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Castiga a los que tienen envidia haciéndoles bien.
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Al perro que tiene dinero se le llama señor perro.
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La crueldad es la fuerza de los cobardes.
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Libros, caminos y días dan al hombre sabiduría.
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El cuerpo más bellamente formado es aquel que la maternidad ha deformado (Anónimo)

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El cuerpo más bellamente formado es aquel que la maternidad ha deformado (Anónimo)

El anonimato es el carácter o la condición de anónimo,1​ es decir, que la identidad de una persona o entidad es desconocida. Esto puede ser simplemente porque no se le haya pedido su identidad, como en un encuentro ocasional entre extraños, o porque la persona no puede o no quiere revelar su... Ver mas
El anonimato es el carácter o la condición de anónimo,1​ es decir, que la identidad de una persona o entidad es desconocida. Esto puede ser simplemente porque no se le haya pedido su identidad, como en un encuentro ocasional entre extraños, o porque la persona no puede o no quiere revelar su identidad. Por ejemplo, esto puede suceder a víctimas de crimen y guerra, cuya identidad no puede ser reconocida. Disfrazar la identidad puede también ser por elección, por razones legítimas como la privacidad y, en algunos casos, por seguridad personal. Muchas personas, tanto del ámbito del crimen como de muchos otros sectores, a menudo prefieren mantener su anonimato, como en el caso de escribir una carta con una amenaza o demanda: muchos trabajadores prefieren omitir su nombre al hacer pública su queja respecto a las malas condiciones de trabajo. En una gran ciudad existe mayor anonimato que en los pequeños poblados. Esto puede ser considerado tanto ventajoso como desventajoso. Los trabajos anónimos no siempre poseen un autor conocido. Pueden ser el resultado de una tradición folclórica, la difusión oral; o puede tratarse de que la información del autor se perdió o se escondió intencionalmente.[cita requerida]
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Al principio había mala leche en las bromas sobre mi inmortalidad (Jordi Hurtado)

40

Al principio había mala leche en las bromas sobre mi inmortalidad (Jordi Hurtado)

Biografía[editar] Conocido y popular en España por ser el rostro habitual de los concursos en Televisión española desde 1985. Es familiar lejano del periodista Jordi Évole, siendo el abuelo de Évole y el padre de Hurtado primos hermanos y originarios del pueblo extremeño de Garrovillas de... Ver mas
Biografía[editar]
Conocido y popular en España por ser el rostro habitual de los concursos en Televisión española desde 1985. Es familiar lejano del periodista Jordi Évole, siendo el abuelo de Évole y el padre de Hurtado primos hermanos y originarios del pueblo extremeño de Garrovillas de Alconétar.1​
Anteriormente adquirió experiencia en la radio, presentando el programa La radio al sol, en Radio Barcelona de la Cadena SER, espacio ganador del Premio Ondas en 1982.
En los años 90 fue uno de los actores de doblaje que dio voz a Epi, del programa infantil Barrio Sésamo.2​
En 1985 debutó ante la cámara con el concurso de TVE Si lo sé no vengo que presenta junto a Virginia Mataix.3​ El éxito del programa permitió que se mantuviera en antena hasta 1988. La experiencia supuso además su primer contacto profesional con el realizador Sergi Schaaff, con quien en el futuro volvería a coincidir en otros proyectos, entre otros la primera versión solo para el circuito catalán de TVE del después popular programa 3x4. En la temporada 1989-1990, presentó el miniconcurso La liga del millón, dentro del programa deportivo Estudio Estadio, pero el espacio no cuajó y fue retirado. Compaginó ese trabajo con el espacio La alegría de la casa en la Cadena SER.
En 1991 condujo el concurso Pictionary y en 1992 Carros de juego. En 1994 coincidió con Almudena Ariza en la presentación de otro concurso que solo se mantuvo un mes en pantalla: ¿Cómo lo hacen?
En 1997 se incorporó al nuevo proyecto de Sergi Schaaff, el concurso diario de cultura general Saber y ganar, que conduce desde ese año en La 2.4​
En 2007-2008 presentó el programa Memòries de la tele (Memorias de la tele) en el circuito catalán de La 2 de TVE, en el que se repasa la historia de los programas y personajes a lo largo de la historia de TVE en Cataluña.
En 2014 cumplió 17 años al frente de Saber y ganar.5​ Anecdóticamente, el hecho de que Hurtado lleve tanto tiempo en televisión sin haber envejecido perceptiblemente, ha dado pie a todo tipo de chistes y memes sobre su supuesta inmortalidad, o su naturaleza de robot u holograma.6​
En 2015 realizó un cameo en la serie de televisión El Ministerio del Tiempo, donde se presentaba como uno de los agentes del mismo.7​
En mayo de 2016 estuvo de baja laboral por primera vez en 19 años para someterse a una operación.8​ Se reincorporó al programa el 9 de junio de 2016.9​
Radio[editar]
1981: Lo toma o lo deja, Radio Barcelona de la Cadena SER.
1982: Radio al sol, Radio Barcelona de la Cadena SER, Premio Ondas en 1982.
1990: La alegría de la casa.
Televisión[editar]
1985 - 1988: Si lo sé no vengo con Virginia Mataix de Sergi Schaaff.
1989 - 1990: "La liga del millón", en Estudio Estadio.
1991: Pictionary.
1992: Carros de juego.
1994: ¿Cómo lo hacen?, con Almudena Ariza.
1997 - actualmente: Saber y ganar en La 2, de Sergi Schaaff.
2014: Saber y ganar: Parte de tu vida en La 1, de Sergi Schaaff.
Series[editar]
2015: Octavo episodio de la primera temporada de El Ministerio del Tiempo de TVE como personaje.
2016: Décimo tercer episodio de la segunda temporada de El Ministerio del Tiempo de TVE como personaje.
2017: Cuarto episodio de la primera temporada de La peluquería de TVE como personaje.
Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Contaría lo que me pasa si no presintiera la desaprobación (Elvira Lindo)

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Contaría lo que me pasa si no presintiera la desaprobación (Elvira Lindo)

Biografía[editar] Con doce años se trasladó a vivir a Madrid, donde, tras el bachillerato, estudió periodismo, que alternó con su trabajo como locutora para Radio Nacional de España, abandonando finalmente la carrera para dedicarse de lleno a su trabajo en la radio y la televisión como locutora... Ver mas
Biografía[editar]
Con doce años se trasladó a vivir a Madrid, donde, tras el bachillerato, estudió periodismo, que alternó con su trabajo como locutora para Radio Nacional de España, abandonando finalmente la carrera para dedicarse de lleno a su trabajo en la radio y la televisión como locutora, actriz y guionista.
Su primera novela de género infantil se construyó en torno a uno de sus personajes radiofónicos, que ella misma interpretaba en la radio, el niño madrileño "Manolito Gafotas" (1994), que se hizo muy popular y un clásico de la literatura infantil española, protagonizando una serie de novelas en primera persona escritas con sólido estilo literario, humor, ironía y aguda crítica social. Además de los libros de Manolito Gafotas, Elvira Lindo ha publicado siete libros de otro personaje, "Olivia" (una niña muy traviesa, cuyas aventuras van destinadas a un público de corta edad). En 1998 obtuvo el Premio Nacional de Literatura Infantil y Juvenil por Los trapos sucios de Manolito Gafotas
La autora ha escrito también novelas para adultos: Algo más inesperado que la muerte (2002), Una palabra tuya (2005) -XIX Premio Biblioteca Breve- y Lo que me queda por vivir (2010). También ha escrito teatro y los guiones para las películas La primera noche de mi vida, junto al director Miguel Albaladejo, Manolito Gafotas, Ataque verbal, de nuevo junto al director alicantino, la novela homónima de su marido, adaptación de la novela de su marido, el escritor y académico Antonio Muñoz Molina y La vida inesperada (2014) dirigida por Jorge Torregrosa.
En el año 2000 comenzó a colaborar en el periódico El País con su columna veraniega titulada Tintos de verano en la que caracterizó su vida de intelectual progre, crónicas que después han sido publicadas en forma de libros (Tinto de verano, El mundo es un pañuelo —Tinto de verano II— y Otro verano contigo). En la actualidad, Elvira Lindo sigue publicando una columna dominical titulada Don de gentes y que se empezó a publicar en 2001.
En noviembre de 2011 publicó Lugares que no quiero compartir con nadie (ed. Seix Barral), un libro centrado en la ciudad de Nueva York.
Entre 2010 y 2012 se unió al equipo de Asuntos Propios, programa radiofónico diario dirigido por Toni Garrido. Cada miércoles la escritora "elegía su propia aventura" comentando noticias curiosas y de poca repercusión pero de gran relevancia. Actualmente colabora en la Cadena SER en el programa La Ventana dirigido por Carles Francino.
Obra[editar]
Narrativa infantil[editar]
Serie Manolito Gafotas
Manolito Gafotas (1994, Alfaguara Infantil y Juvenil)
Pobre Manolito (1995, Alfaguara Infantil y Juvenil)
¡Cómo molo! (1996, Alfaguara Infantil y Juvenil)
Los trapos sucios (1997, Alfaguara Infantil y Juvenil)
Manolito on the road (1998, Alfaguara Infantil y Juvenil)
Manolito tiene un secreto (2002, Alfaguara Infantil y Juvenil)
Todo Manolito (2000, Alfaguara Infantil y Juvenil), comprendía los 6 primeros títulos
Yo y el Imbécil (1999, Alfaguara Infantil y Juvenil)
Mejor Manolo (2012, Seix Barral)
Serie Olivia
Olivia y la carta a los Reyes Magos (1996, SM)
La abuela de Olivia se ha perdido (1997, SM)
Olivia no quiere bañarse (1997, SM)
Olivia no quiere ir al colegio (1997, SM)
Olivia no sabe perder (1997, SM)
Olivia tiene cosas que hacer (1997, SM)
Olivia y el fantasma (1997, SM)
Otros cuentos
Charanga y pandereta (1999)
Amigos del alma (2000, Alfaguar
a Infantil y Juvenil)
Fue una gran dibujante (2001)
Bolinga (2002, Proyecto Sur de Ediciones, Alfaguara Infantil y Juvenil)
Narrativa adulta[editar]
El otro barrio (1998, Ollero & Ramos, Alfaguara, Seix Barral)1​
Algo más inesperado que la muerte (2002, Alfaguara)
Una palabra tuya (2005, Seix Barral), Premio Biblioteca Breve
Lo que me queda por vivir (2010, Seix Barral)
Lugares que no quiero compartir con nadie (2011, Seix Barral), novela experimental autobiográfica sobre Nueva York
Obras de teatro
La ley de la selva (1996)
La sorpresa del roscón (2004)
Guiones
La primera noche de mi vida (1998)
Manolito Gafotas (1998)
Ataque verbal (2000)
Plenilunio (2000)
El cielo abierto (2000)
Una palabra tuya (2008)
Lo que me queda por vivir (2010)
La vida inesperada (2014)
No ficción
Ser compañera, en: Ser mujer de Laura Freixas (2000)
Tinto de verano (2001, Aguilar), recopilación de artículos publicados en agosto de 2000 en el diario El País
Tinto de verano 2. El mundo es un pañuelo (2002, Aguilar), recopilación de artículos publicados en agosto de 2001 en el diario El País
Tinto de verano 3. Otro verano contigo (2003, Aguilar), recopilación de artículos publicados en agosto de 2002 en el diario El País
Don de gentes (2011, Alfaguara), recopilación de artículos publicados en el suplemento Domingo de El País
Noches sin dormir (2015, Seix Barral)
Tinto de verano (2016, Fulgencio Pimentel), recopilación de artículos publicados entre 2000 y 2004 en el diario El País
Actriz ocasional[editar]
Ha trabajado ocasionalmente como actriz en proyectos cinematográficos con los que ha estado relacionada, haciendo papeles secundarios caracterizados por una gran dosis de humor:
La primera noche de mi vida (1998)
Manolito Gafotas (1999)
Plenilunio (1999)
Ataque verbal (2000)
El cielo abierto (2000)
Sin vergüenza (2001)
Planta 4ª (2003)
Cachorro (2004)
Ha recibido 5 puntos

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Tienes que fracasar. Tienes que cometer cuantos más errores mejor. Es la manera de encontrar tu voz, de saber lo que quieres y lo que eres (Susan Sarandon)

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Tienes que fracasar. Tienes que cometer cuantos más errores mejor. Es la manera de encontrar tu voz, de saber lo que quieres y lo que eres (Susan Sarandon)

Susan Abigail Sarandon, de soltera Tomalin (n. Nueva York, Ciudad de Nueva York; 4 de octubre de 1946), es una laureada actriz y productora estadounidense de teatro, cine y televisión. Su nutrida y extensa filmografía, sumada con sus característicos ojos grandes y cabello rojizo, la han... Ver mas
Susan Abigail Sarandon, de soltera Tomalin (n. Nueva York, Ciudad de Nueva York; 4 de octubre de 1946), es una laureada actriz y productora estadounidense de teatro, cine y televisión. Su nutrida y extensa filmografía, sumada con sus característicos ojos grandes y cabello rojizo, la han convertido en uno de los rostros más reconocibles de Hollywood.
Debutó en la gran pantalla en 1970 con la cinta dramática Joe, para luego saltar a la pantalla chica con la telenovela A World Apart, emitida entre 1970 y 1971. Apareció por primera vez en las tablas de Broadway en 1972 con la obra Una velada con Richard Nixon y en 1975, logró el reconocimiento internacional con la cinta de culto The Rocky Horror Picture Show, el cual marcó el punto de partida de su exitosa carrera como actriz.
Ha acumulado 5 candidaturas al premio Óscar por su destacada participación en las cintas: Atlantic City de 1980, Thelma y Louise de 1991, Lorenzo's Oil de 1992, El cliente de 1994 y, la que sería su victoria, Pena de muerte de 1995. También tiene en su haber un BAFTA y el Premio del Sindicato de Actores a la mejor actriz, además de numerosas nominaciones al Globo de Oro y al Emmy.1​
Algunas de sus intervenciones teatrales más importantes son: A Coupla White Chicks Sitting Around Talking de 1979, Extremidades de 1982 y El rey se muere de 2009. Algunas de sus intervenciones más importantes en la televisión son: sus múltiples apariciones en Friends en 2001 y Malcolm in the Middle en 2002; además de las películas Bernard and Doris de 2007 y You Don't Know Jack de 2010. De igual manera, destacan en su filmografía las cintas: Pretty Baby de 1978, El ansia de 1983, Las brujas de Eastwick de 1987, Pasíon sin barreras de 1990, Mujercitas de 1994, Stepmom de 1998, Igby Goes Down de 2002, Encantada de 2007, Desde mi cielo de 2009 y Tammy de 2014.
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Susan Sarandon nació el 4 de octubre de 1946 en Nueva York, Estados Unidos.2​ Hija de Philip Leslie Tomalin, productor de televisión y de anuncios, y Leonora Marie Criscione, nacida en Sicilia.2​ Tiene ascendencia italiana, inglesa, irlandesa y galesa. Es la mayor de nueve hermanos. Sus padres se divorciaron en 1982, después de cuarenta años de matrimonio.2​ Tras obtener el diploma de High School en la Edison High School de Nueva Jersey con la promoción de 1964, ingresó en la Universidad Católica de América en Washington D. C., donde estudió la carrera universitaria de arte dramático, recibiendo el título de grado en 1968.2​ Durante sus estudios en la universidad fue cheerleader.2​
Vida privada[editar]
Se casó con Chris Sarandon en 1967, divorciándose en 1979. Posteriormente mantuvo una relación sentimental con el también actor Tim Robbins, entre 1988 y 2009, separándose en la época estival de dicho año.3​Tuvieron dos hijos, Jack Henry Robbins (n. 1989) y Miles Robbins (n. 1992). La actriz está involucrada en numerosas organizaciones, es embajadora de UNICEF y desde hace diez años forma parte de Heifer Internacional, una organización que dona animales de granja a las familias que los necesitan para trabajar.2​ También es conocida su activismo en temas políticos. El 30 de marzo de 1999 fue arrestada durante una protesta llevada a cabo en Nueva York, y también apoyó las campañas presidenciales de Ralph Nader en el año 2000 y de Barack Obama.4​
En el 15 de octubre de 2010, Susan Sarandon fue nombrada embajadora de buena voluntad de la Organización de las Naciones Unidas para la Agricultura y la Alimentación (FAO).5​ En 2011 apoyó la causa de los "indignados" en el movimiento apodado Occupy Wall Street, creado como consecuencia de la crisis económica de 2008-2011.6​

Susan Sarandon en 2007
Carrera[editar]
Primeros papeles-1995[editar]
La primera participación de Susan Sarandon en el cine fue con el thriller Joe (1970). Años más tarde obtuvo su primer gran éxito de taquilla en Estados Unidos con The Rocky Horror Picture Show (1975). También intervino en Atlantic City (1980) de Louis Malle, donde trabajó junto a Burt Lancaster y Michel Piccoli. Por este filme fue candidata por primera vez al Óscar a la mejor actriz.1​
En 1983 rodó junto a Catherine Deneuve y David Bowie El ansia, filme de vampiros mal recibido por la crítica, pero a finales de la década de los 80 ganó gran notoriedad al protagonizar junto a Cher, Jack Nicholson y Michelle Pfeiffer Las brujas de Eastwick (1987), y con Kevin Costner Bull Durham (1988).7​
A principios de la siguiente década trabajó con Luis Mandoki en el film romántico White Palace (1990), por el cual recibió su segunda candidatura al Globo de Oro a la mejor actriz en drama, y a las órdenes de Ridley Scott la exitosa road movie Thelma y Louise (1991), donde compartió cartel con Geena Davis y un debutante Brad Pitt.8​ Por su interpretación de Louise recibió nuevas nominaciones al Óscar, Globo de Oro y al BAFTA a la mejor actriz.1​
Poco después intervino en Lorenzo's Oil (1993) por la que nuevamente volvió a ser candidata al Óscar y al Globo de Oro por su interpretación de Michaela, una madre desesperada por encontrar la cura para la enfermedad de su hijo.1​ Chris Hicks apuntó que “la interpretación de Sarandon es increíble".9​ En 1994 ganó el BAFTA a la mejor actriz por su papel de en la adaptación de la novela de John Grisham El cliente, además de cosechar una nueva nominación al Óscar y su primera candidatura al Premio del Sindicato de Actores a la mejor actriz.1​ Emanuel Levy comentó que “Susan Sarandon recibió una merecida candidatura al Óscar por su interpretación”.10​ También ese mismo año trabajó con Winona Ryder, Gabriel Byrne y Kirsten Dunst en el remake de Mujercitas.
1995-2005[editar]
En 1995 ganó el Óscar a la mejor actriz y el Premio del Sindicato de Actores a la mejor actriz y fue candidata al Globo de Oro a la mejor actriz de drama por su interpretación de en Dead Man Walking (1995), a las órdenes de Tim Robbins y con Sean Penn como coprotagonista.1​ Steve Rhodes señaló: “Susan Sarandon realiza una interpretación de tour de force".11​ En 1995 también recibió el Premio Donostia en el Festival de Cine de San Sebastián.12​ Compartió cartel con Julia Roberts y Ed Harris en el drama familiar Stepmom (1998) por la que recibió su sexta candidatura al Globo de Oro; el crítico Philip Wuntch indicó: “Cuando Susan Sarandon quiere que llores, lloras".1​13​ En esta última cinta ejerció como productora ejecutiva.14​ Natalie Portman fue su compañera de reparto en Anywhere But Here (1999).
Apareció como estrella invitada en un episodio de la serie de televisión Friends (2001), siendo candidata por primera vez a los premios Emmy como mejor actriz invitada en una serie de comedia.1​ Realizó una pequeña intervención en Igby Goes Down (2002), dirigida por Burr Steers y donde formó parte de un reparto que incluía nombres como Jeff Goldblum, Amanda Peet o Ryan Phillippe. Fue, de nuevo, candidata al Globo de Oro a la mejor actriz de reparto.1​ También ese año intervino en la comedia The Banger Sisters, con Goldie Hawn, y en Moonlight Mile (2002), con Dustin Hoffman y Jake Gyllenhaal, bajo la dirección de Brad Silberling, siendo además productora ejecutiva del film.14​Dos años después secundó a Jennifer Lopez y Richard Gere en Shall We Dance? (2004) y a Orlando Bloom y Kirsten Dunst en el drama Elizabethtown (2005). Asimismo, coprotagonizó junto a James Gandolfini la comedia musical Romance & Cigarettes, cinta sobre la cual opinó: "Cada vez que recibo un reconocimiento en algún festival de cine me preguntan que quiero que muestren, siempre proponen las películas que esperas, pero yo les pido Romance & Cigarettes y la gente no sabe de lo que hablo".15​
2005-presente[editar]
Por el telefilme Bernard and Doris (2006), con Ralph Fiennes, fue candidata al Emmy a la mejor actriz en miniserie o telefilme y a los Premios del Sindicato de Actores y al Globo de Oro en la misma categoría.16​1​ En 2007 estrenó varias producciones entre las que destacan In the Valley of Elah, a las órdenes de Paul Haggis y junto a Charlize Theron y Tommy Lee Jones. Sobre su interpretación Matt Kelemen dijo: “La reacción de Sarandon cuando le notifican la muerte de Mike debería reportarle automáticamente un Óscar a la mejor actriz secundaria”.17​ También participó la comedia producida por Disney Enchanted (2007), que es la película más taquillera de su carrera con 340 millones de dólares en las taquillas internacionales.18​ Intervino en Speed Racer (2008),19​ y trabajó con Stanley Tucci, Mark Wahlberg y Rachel Weisz, todos ellos bajo la batuta de Peter Jackson, en The Lovely Bones (2009).20​21​ En 2010 interpretó a la madre del personaje encarnado por Shia LaBeouf en la secuela de Wall Street, titulada Wall Street 2: El dinero nunca duerme, también al lado de Michael Douglas y Carey Mulligan.22​
Filmografía[editar]
Cine y televisión[editar]

Susan Sarandon en 2005: Festival Internacional de Cine de Toronto, en la gala de Elizabethtown.
2017
Rick and Morty - Dr.Wong
A Bad Moms Christmas - Madre de Carla
Feud - Bette Davis (Tv serie)
2015
The Secret Life of Marilyn Monroe - Gladys Mortenson (Tv serie)
Slipping Away - Dr. Sylvia Mansfield (Cortometraje)
About Ray - Dolly
Hell & Back - Barb el ángel Voz
2014
Tammy - Pearl Balzen
La llamada - Hazel Micallef
Mike y Molly - J.C. Small (Tv serie)
Ping-Pong Summer - Randi Jammer
Irwin & Fran - Narradora
2013
The Last of Robin Hood - Florence Aadland
La gran boda - Bebe
Snitch - Joanne Keeghan
2012
Cloud Atlas - Madame Horrox
Pacto de silencio - Sharon Solarz
That's My Boy - Mary McGarricle
The Big C - Joy Kleinman (Tv serie)
30 Rock - Lynn Onkman (Tv serie)
Arbitrage - Ellen Miller
Robot & Frank - Jennifer
2011
The Miraculous Year - Patty Atwood (Telefilm)
Jeff, Who Lives at Home - Sharon
Fight for Your Right Revisited - Madre (Cortometraje)
2010
Wall Street: Money Never Sleeps - Madre de Jake
La Mama: An American Nun's Life in a Mexican Prison - Narradora (Cortometraje)
Peacock - Fanny Crill
You Don't Know Jack - Janet Good (Telefilm)
2009
The Greatest - Grace Brewer
The Lovely Bones - Abuela Lynn
One Million Strong - (Cortometraje)
Leaves of Grass - Daisy
Solitary Man - Nancy Kalmen
ER - Nora (Tv serie)
2008
Middle of Nowhere - Rhonda Berry
Meteoro - Madre
2007
Enchanted - Reina Narissa
Emotional Arithmetic - Melanie Winters
Mr. Woodcock - Beverly Farley
In the Valley of Elah - Joan Deerfield
Rescue Me - Alicia Green (Tv serie)
2006
Irresistible - Sophie
Bernard and Doris - Doris Duke
2005
Sonnet 22 - Narradora (Cortometraje)
Romance & Cigarettes - Kitty Kane
Elizabethtown - Hollie Baylor
The Exonerated - Sunny Jacobs (Telefilm)
2004
Alfie - Liz
Shall We Dance? - Beverly Clark
Noel - Rose Collins
2003
Ice Bound - Dra. Jerri Nielsen (Telefilm)
Children of Dune - Princesa Wensicia Corrino (Tv serie)
Freedom: A History of Us - Susan B. Anthony / Mary Hagidorn (Tv serie)
2002
Little Miss Spider - Narradora (Cortometraje)
Moonlight Mile - Jojo Floss
The Banger Sisters - Lavinia Kingsley
Igby Goes Down - Mimi Slocumb
Malcolm - Meg (Tv serie)
2001
Cats & Dogs - Ivy Voz
Friends - Jessica Lockhart (Tv serie)
2000
Rugrats in Paris: The Movie - Coco LaBouche Voz
Joe Gould's Secret - Alice Neel
1999
Anywhere But Here - Adele August
Cradle Will Rock - Margherita Sarfatti
Goodnight Moon & Other Sleepytime Tales - Narradora (Telefilm)
Earthly Possessions - Charlotte Emory (Telefilm)
1998
Illuminata - Celimene
Stepmom - Jackie Harrison
Twilight - Catherine Ames
For Love of Julian - Narradora
1997
The Need to Know - Narradora
1996
James and the Giant Peach - Araña Voz
1995
Dead Man Walking - Helen Prejean
The Simpsons - Profesora de ballet (Tv serie) (Temp #6, Ep #17)
1994
Safe Passage - Margaret "Mag" Singer
The client - Reggie Love
Little Women - Sra. March
School of the Americas Assassins - Narradora (Cortometraje)
All-Star 25th Birthday: Stars and Street Forever! - Bitsy (Telefilm)
1992
Lorenzo's Oil - Michaela Odone
Bob Roberts - Tawna Titan
Light Sleeper - Ann
1991
Thelma y Louise - Louise
1990
White Palace - Nora Baker
1989
A Dry White Season - Melanie Bruwer
The January Man - Christine Starkey
1988
Bull Durham - Annie Savoy
Sweet Hearts Dance - Sandra Boon
1987
The Witches of Eastwick - Jane Spofford
Women of Valor - Margaret Ann Jessup (Telefilm)
1985
Compromising Positions - Judith Singer
Mussolini and I - Edda Mussolini Ciano (Tv serie)
Anno Domini - Livilla (Tv serie)
1984
Oxbridge Blues - Natalie Carlsen (Tv serie)
Faerie Tale Theatre - Bella (Tv serie)
The Buddy System - Emily
The Hunger - Sarah Roberts
1982
Tempest - Aretha Tomalin
American Playhouse - Helene Shaw (Tv serie)
1980
Atlantic City - Sally
Loving Couples - Stephanie Beck
1979
Something Short of Paradise - Madeline Ross
1978
Pretty Baby - Hattie
King of the Gypsies - Rose
1977
The Other Side of Midnight - Catherine Alexander Douglas
The Last of the Cowboys - Ginny
Checkered Flag or Crash - C.C. Wainwright
1976
Dragonfly - Chloe
1975
The Rocky Horror Picture Show - Janet Weiss
El carnaval de las águilas - Mary Beth
1974
The Front Page - Peggy Grant
The Wide World of Mystery - Kate (Tv serie)
Lovin'Molly - Sarah
1971
La mortadella - Sally
Owen Marshall, Counselor at Law - Joyce (Tv serie)
Fleur bleue - Elizabeth Hawkins
Premios[editar]
Premios Óscar[editar]
Año Categoría Película Resultado
1995 Mejor actriz Dead Man Walking Ganadora
1994 El cliente Candidata
1992 Lorenzo's Oil Candidata
1991 Thelma y Louise Candidata
1981 Atlantic City Candidata
Premios Globos de Oro[editar]
Año Categoría Película Resultado
2009 Mejor actriz de miniserie o telefilme Bernard and Doris Candidata
2003 Mejor acrtiz de reparto Igby Goes Down Candidata
1999 Mejor Actriz - Drama Stepmom Candidata
1996 Dead Man Walking Candidata
1993 Lorenzo's Oil Candidata
1992 Thelma y Louise Candidata
1991 White Palace Candidata
1989 Mejor Actriz - Comedia o musical Bull Durham Candidata
Premios del Sindicato de Actores[editar]
Año Categoría Película Resultado
2009 Mejor actriz en miniserie o telefilme Bernard and Doris Candidata
1996 Mejor actriz Dead Man Walking Ganadora
1995 El cliente Candidata
Premios BAFTA[editar]
Año Categoría Película Resultado
1995 Mejor actriz El cliente Ganadora
1992 Thelma y Louise Candidata
Premios Emmy[editar]
Año Categoría Película Resultado
2010 Mejor actriz en miniserie o telefilme You Don't Know Jack Candidata
2008 Bernard and Doris Candidata
2002 Mejor actriz invitada en una serie de comedia Malcolm in the Middle Candidata
2001 Friends Candidata
Festival Internacional de Cine de San Sebastián[editar]
Año Categoría Resultado
1995 Premio Donostia Ganadora
Festival Internacional de Cine de Locarno[editar]
Año Categoría Resultado
2005 Excellence Award Ganadora
Festival Internacional de Cinema Fantástic de Sitges[editar]
Año Categoría Resultado
2017 Gran Premio Honorífico Ganadora
Datos curiosos[editar]
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Ocupa el puesto # 35 en la lista de "las 100 mejores estrellas de cine de todos los tiempos", organizada por la revista Empire (Reino Unido) (octubre de 1997).
Ex-modelo de Ford.
Es embajadora de buena voluntad de UNICEF.
Su padre, Philip Leslie Tomalin, era de ascendencia inglesa, alemana, irlandesa y galesa. Su madre, Marie Lenora Criscione, era de ascendencia italiana (su familia era de Ragusa, Sicilia).
Mantiene su Óscar en el baño.
Durante los últimos diez años, ha estado involucrada con Heifer International, una organización que dona los animales de granja a las familias que necesitan los animales para el trabajo.
Es una de las dos actrices que ganaron un Óscar por interpretar a una monja. La primera fue Jennifer Jones en La canción de Bernadette(1943).
Sus padres se separaron en 1982, tras 40 años de matrimonio.
Es la mayor de nueve hermanos.
Ha recibido 5 puntos

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Que nos guste vestir sexy  no significa que queramos tener relaciones sexuales contigo (Cate Blanchett)

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Que nos guste vestir sexy no significa que queramos tener relaciones sexuales contigo (Cate Blanchett)

Catherine «Cate» Élise Blanchett (AFI: /ˈkæθrɪn eˈliz ˈblɑːntʃət/ Melbourne, 14 de mayo de 1969) es una actriz de cine y teatro australiana. Es una de las pocas actrices que han ganado los cuatro premios más importantes del cine: Dos Premios Óscar, tres Globos de Oro, tres BAFTA y tres premios... Ver mas
Catherine «Cate» Élise Blanchett (AFI: /ˈkæθrɪn eˈliz ˈblɑːntʃət/ Melbourne, 14 de mayo de 1969) es una actriz de cine y teatro australiana. Es una de las pocas actrices que han ganado los cuatro premios más importantes del cine: Dos Premios Óscar, tres Globos de Oro, tres BAFTA y tres premios del Sindicato de Actores de Cine. También posee una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.
Comenzó su carrera en las tablas a principios de la década de los noventa y debutó en el cine en la película Parklands en 1994. Llamó la atención de la crítica internacional en 1998 con su destacada encarnación de Isabel I en Elizabeth, papel que le otorgó diversas distinciones y reconocimientos, tales como: un BAFTA, un Globo de Oro y su primera nominación al premio Óscar. Entre 2001 y 2003 participó en la trilogía cinematográfica de Peter Jackson basada en El Señor de los Anillos del autor británico J. R. R. Tolkien, como la elfa Galadriel, repitiendo este mismo papel en las tres películas basadas en El hobbit.
En 2004, participó en la cinta de Martin Scorsese, El aviador, interpretando a Katharine Hepburn; por dicho papel, se hizo con el aplauso de la crítica y con el Óscar a la Mejor actriz de reparto. Otros títulos como Babel (2006), Diario de un escándalo (2006), Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal (2008), El curioso caso de Benjamin Button (2008), y Blue Jasmine (2013), por la que ganó el Óscar, están incluidos en su filmografía.
En 2013, fue bien acogida por la crítica cinematográfica por su interpretación en la película Blue Jasmine, hecho que le permitió, en la temporada de premios 2013-2014, recibir un número considerable de galardones, ingresando al grupo de actrices que ha ganado los cuatro premios comerciales más importantes de la industria del cine por solo una película: el Globo de Oro, el Bafta, el premio del Sindicato de Actores y el premio Óscar; además otros importantes premios otorgados por la crítica estadounidense (destacando el Independent Spirit y el Critics' Choice Awards) e internacional. Debido a su éxito, talento, su espíritu «anti star» y la diversidad de sus papeles, los críticos a menudo la llaman «la nueva Meryl Streep» o «la Meryl Streep de la próxima generación».
Blanchett y su esposo, Andrew Upton, son actualmente los directores artísticos de la Sydney Theatre Company
Biografía[editar]
Infancia y educación[editar]
Cate Blanchett nació en Ivanhoe, un suburbio de Melbourne (Australia), como hija del oficial de policía estadounidense y alto ejecutivo de publicidad Robert Blanchett y de su esposa June, una maestra de escuela y empresaria australiana, nacida June Gamble. Cuando tenía diez años, Cate y sus dos hermanos, Bob y Genevieve Blanchett, vivieron la pérdida de su padre, que tuvo un ataque al corazón a la edad de cuarenta años. Por esta razón, Cate se define de pequeña como «una niña extrovertida, pero a la vez cerrada». Es una historia que se resiste a explicar ya que la muerte de su padre le afectó profundamente. Así, los tres hermanos fueron educados por su madre.
Cate realizó sus estudios secundarios en el Methodist Ladies College de Melbourne, donde llevó a cabo sus primeros intentos artísticos participando en distintas obras de teatro. Posteriormente fue a la Universidad de Melbourne para estudiar Economía y Bellas Artes; pero, insegura sobre su futuro profesional, la abandonó para dedicarse a viajar y ganar experiencia antes de decidirse por una carrera. Con 18 años, durante su visita al Reino Unido fue forzada a dejar el país debido a la expiración de su visa. Así, desde el Reino Unido se desplazó a Egipto, donde un cliente del hotel de El Cairo, donde se alojaba, le propuso hacer de extra en una película. Y, puesto que necesitaba dinero, decidió participar en ella, dándose cuenta de que la actuación era lo que le gustaba. De esta forma, volvió a Australia y se inscribió en el Instituto Nacional de Arte Dramático de Sídney en el cual se graduó en 1992 para empezar su carrera como actriz.
Inicios artísticos[editar]
Su carrera empezó sobre los escenarios de teatro de Australia el mismo año de su graduación (1992) con la obra Electra de Sófocles. A partir de entonces se fue adentrando en el mundo escénico llegando a trabajar junto con Geoffrey Rush, en 1993, representando la obra de teatro Oleanna de David Mamet, y en 1994 haciendo de Ofelia en Hamlet. Su debut cinematográfico llegó el año 1994 cuando consiguió un papel en la película australiana Police Rescue. Desde ese momento, Cate se fue haciendo su propio espacio en el mundo del séptimo arte de su país natal participando en series de televisión como Heartland y Parklands mientras mantenía, al mismo tiempo, su trabajo en el teatro.
Fue en 1997 cuando, a través de la coproducción cinematográfica australoamericana Camino al paraíso, Cate realizó su salto internacional. A pesar de tener solo un papel secundario como parte de un grupo de mujeres que eran hechas prisioneras por los japoneses en Sumatra durante la Segunda Guerra Mundial, esta participación le permitió compartir escenas con actrices como Glenn Close y Frances McDormand. Con esta experiencia, el mismo 1997 consiguió protagonizar su primera película, Oscar y Lucinda, en la que trabajó junto con el actor británico Ralph Fiennes, y por la que recibió una nominación como mejor actriz del Instituto Cinematográfico Australiano. Su excelente interpretación de Lucinda Leplastrier, sin embargo, no sólo le comportó las mejores críticas de su país natal, sino también uno de los mejores papeles de su carrera: el de Isabel I de Inglaterra en la película Elizabeth. El carácter duro y a la vez sensible que Cate tuvo que representar en el papel de la heredera feminista australiana Lucinda impresionó al director de la película, Shekhar Kapur. De hecho, Kapur la seleccionó para el papel de la Reina Virgen inmediatamente después de ver el tráiler de Oscar y Lucinda en la oficina de su director de casting. Según él, desde el primer momento no tuvo ninguna duda. Buscaba fundamentalmente tres cosas: la habilidad de ser de 400 años antes, la habilidad de ser de la actualidad y la habilidad de no estar más que en espíritu; y Cate cumplía con las tres condiciones a la perfección. Éste era el efecto que su imagen transmitía.
Salto a la fama[editar]
Con Elizabeth, Cate entró directamente en la lista de mejores actrices de la escena internacional. Consiguió su primera nominación a los Óscar como mejor actriz y encandiló a la crítica internacional. Por primera vez todos los críticos coincidían: Cate había sido una Isabel I soberbia representando, de alguna forma, a una dulce joven al principio de la película y transformándose en una monarca intimidadora y rígida al final. A partir de entonces los estudios cinematográficos no dudaron en enviarle nuevos proyectos en los que ella fuera la protagonista. Pero Cate tenía otros planes. Rechazó la mayor parte de estos papeles y se dedicó a aceptar sólo aquellos roles que le aportasen nuevas experiencias; como ejemplos, su interpretación en El talento de Mr. Ripley o Un marido ideal. Así, Cate se estaba preparando para conseguir una larga carrera profesional como actriz, y no como una simple estrella de Hollywood.
Su siguiente éxito vino tres años más tarde, cuando Peter Jackson la dirigió como la reina elfa de El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo. La pálida y sobrenatural imagen que dio al personaje de Galadriel le valió la aprobación de la mayor parte de los fans de los libros de J. R. R. Tolkien. De esta forma, participó en las tres películas de la trilogía, captando un gran número de admiradores. Ello, no obstante, no le impidió seguir trabajando en otras cintas de carácter más independiente que le permitiesen realizarse como actriz. Así, en el año 2001 interpretó a Charlotte Gray, una joven escocesa que se une a la resistencia francesa, en la película británica del mismo nombre, y en 2003 se la pudo ver en la película Veronica Guerin, donde protagonizó la verdadera historia de Veronica, una periodista irlandesa que se enfrentó a los distribuidores de droga de Dublín. Con esta última interpretación, Cate, una vez más, demostró que era capaz de superarse otorgando a su personaje no una simple imagen mitificada, sino la imagen de una mujer real que lucha para un mundo mejor mostrándose tozuda, egocéntrica e, incluso, afectada por su propia fama. Un duro trabajo artístico que siguió una vez terminada la última entrega de la trilogía de El Señor de los Anillos, el año 2003, con Coffee and Cigarettes, un filme de bajo presupuesto sobre vidas paralelas, y el año 2004 con la película Life Aquatic.
Consolidación profesional[editar]
En el año 2004 trabajó con Martin Scorsese en El aviador, una película biográfica del gran empresario estadounidense Howard Hughes, el cual fue interpretado por Leonardo DiCaprio. Con este proyecto, Cate tuvo que enfrentarse al reto de su vida al tener que dar forma a una de las grandes actrices clásicas de Hollywood, Katharine Hepburn. El resultado, sin embargo, fue excelente. No sólo satisfizo al público, sino también a los expertos de la Academia. De manera que en 2005 recibió su segunda nominación a los Óscar y, esta vez, para ganar la estatuilla como mejor actriz de reparto.
A pesar del reconocimiento profesional que recibió en 2005, el año 2006 superó todas las expectativas de Cate. Aquel año estrenó tres nuevas películas, y de éstas, las tres fueron nominadas de nuevo a los Premios Óscar. La primera fue Babel, donde su director, Alejandro González Iñárritu, hizo un análisis de las personas sometidas a presión a través de distintas historias que conducían a hacer una vuelta al mundo. Blanchett, junto con Brad Pitt, encarnó a una turista americana que disfrutaba de sus vacaciones en Marruecos y se encontraba inmergida en un tiroteo del cual salía gravemente herida. La segunda de estas películas fue El buen alemán, de Steven Soderbergh, un intento de recuperar el estilo de las películas de los años 40 en blanco y negro sobre la Alemania de la posguerra, y donde trabajó con los conocidos actores George Clooney y Tobey Maguire. Y, finalmente, la tercera fue Notes on a Scandal, donde compartió protagonismo con la veterana actriz británica Judi Dench, y de la cual película ambas obtuvieron una respectiva nominación a los Óscar.
Cate estaba viviendo uno de los momentos más brillantes de su carrera, y el año 2007 no fue menos que los anteriores. Aquel año supuso para Cate recuperar su principal papel cinematográfico, el de Isabel I de Inglaterra. Con el mismo Shekhar Kapur que la dirigió en la primera película, la actriz volvió a introducirse en el personaje de Elizabeth, pero, esta vez, treinta años más tarde, en el momento de más gloria de la reina, la que sería llamada La edad de Oro de Inglaterra. En Elizabeth: la edad de oro Cate tuvo que enfrentarse a una reina calculadora, inteligente, temperamental y asimismo vulnerable desde su trono. La nueva interpretación que hizo de la Buena Reina Bess le valió otra vez una nominación como mejor actriz en los Óscar junto con la que obtuvo como mejor actriz de reparto por su otra película del año, I'm not there. Con éstas, Cate pasaría a ser recordada en la historia del cine como el undécimo actor en ser nominado en un mismo año por la Academia de Hollywood en las dos categorías, y la primera actriz en recibir una segunda nominación por un papel anterior. Aunque no salió ganadora, ambas representaciones tuvieron su merecedor reconocimiento en los festivales internacionales. Cabe destacar, sobre todo, el Globo de Oro y la Copa Volpi que recibió en Venecia por su representación de Jude Quinn en I'm not there.
Años recientes[editar]

Cate Blanchett en el Festival Internacional de Cine de Venecia de 2008.
En 2008 Cate participó en Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal, la cuarta entrega de Indiana Jones; y también en El curioso caso de Benjamin Button, una nueva película con Brad Pitt, antiguo compañero de rodaje. Cinta, esta última, que tuvo trece nominaciones en la ceremonia de los Premios Óscar de aquel año. En 2010 estrenó la nueva versión cinematográfica de la leyenda de Robin Hood dirigida por Ridley Scott, donde interpreta a Lady Marian. Además, rodó Hanna, su primera colaboración con el director británico Joe Wright, un thriller de acción sobre una joven adolescente que es entrenada para matar. La cinta se estrenó en 2011 y reunió por primera vez en la gran pantalla a Cate Blanchett con el también australiano Eric Bana y la actriz irlandesa Saoirse Ronan. En diciembre de 2012, 2013 y 2014 respectivamente, volvió a dar vida al personaje Galadriel en la Trilogía de El hobbit. En 2013, su magnífica interpretación en la película Blue Jasmine del director Woody Allen, le hicieron ganar el Óscar, el Globo de Oro y el BAFTA a la mejor actriz, entre otros premios, consagrándose definitivamente como una de las mejores actrices de su generación. La misma nominación a dichos premios volvió a recibir en 2016, esta vez por Carol, compitiendo en la misma categoría, en el caso del Globo de Oro, con su compañera en la película, Rooney Mara.
Vida personal[editar]
Su marido es el guionista y dramaturgo australiano Andrew Upton, a quien conoció en 1996. De hecho, su relación no fue un amor a primera vista. Tal como ella misma reconoce: «Él pensaba que yo era distante, y yo que él era arrogante. Esto muestra lo equivocada que una puede llegar a estar. Una vez que me besó, todo cambió». Se casaron el 29 de diciembre de 1997 en el Parque nacional Montañas Azules de Nueva Gales del Sur (Australia), justo antes de que Cate empezara su rodaje de Elizabeth. Desde entonces han tenido tres hijos: Dashiell John, nacido el 2001, Roman Robert, en 2004, e Ignatius Martin, en 2008.
Después de vivir en Brighton (Inglaterra) durante varios años, toda la familia volvió a Sídney el año 2006. Según explica, se dieron cuenta de que su identidad estaba en Australia, donde ellos habían nacido. Así, compraron una casa en Australia ese mismo año donde, además, tuvieron a su último hijo (los dos primeros nacieron en Londres). Desde allí, Cate combina su carrera cinematográfica con su participación en el teatro de Sídney. Además, interviene en algún que otro spot publicitario, como la línea de cremas SK-II de Donna Karan del año 2008.
El 6 de marzo de 2015 el matrimonio confirma la adopción de una hija, Edith Vivian Patricia, y se mudan a Estados Unidos.1​
Filmografía[editar]
Año Película Personaje Notas
2018 Ocean's Eight Lou
Dónde estás, Bernadette? Bernadette
Jungle Book: Origins Kaa (voz)
2017 RED (cortometraje) Red-Back Spider
Thor: Ragnarok Hela
Song To Song Amanda
2015 Manifesto 13 personajes diferentes
Truth Mary Mapes
La Cenicienta Lady Tremaine
Carol Carol Aird
2014 El hobbit: la batalla de los Cinco Ejércitos Galadriel
The Monuments Men Claire Simon
Cómo entrenar a tu dragón 2 Valka (voz)
2013 El Hobbit: La Desolación de Smaug Galadriel
2013 Blue Jasmine Jasmine Óscar a la major actriz
Globo de Oro a la mejor actriz - Drama
BAFTA a la mejor actriz
Premio del Sindicato de Actores a la mejor actriz
2012 El hobbit: un viaje inesperado Galadriel
2011 The Last Time I Saw Michael Gregg
Hanna Marissa
2010 Robin Hood Lady Marian
2008 El curioso caso de Benjamin Button Daisy Fuller
Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal Agente Irina Spalko
2007 I'm not there Jude Quinn/Bob Dylan Globo de Oro a la mejor actriz de reparto
Elizabeth: La edad de oro Isabel I de Inglaterra
2006 Babel Susan Jones
El buen alemán Lena Brandt
Notes on a Scandal Sheba Hart
2005 Little Fish Tracy Heart
2004 El aviador Katharine Hepburn Oscar a la mejor actriz de reparto
BAFTA a la mejor actriz de reparto
Premio del Sindicato de Actores a la mejor actriz de reparto
Life Aquatic Jane Winslett-Richardson
2003 Coffee and Cigarettes Cate/Shelly
El Señor de los Anillos: el retorno del Rey Galadriel
Desapariciones Magdalena «Maggie» Gilkeson
Veronica Guerin Veronica Guerin
2002 En el cielo Philippa
El Señor de los Anillos: las dos torres Galadriel
2001 Bandits Kate Wheeler
Charlotte Gray Charlotte Gray
El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo Galadriel
Atando cabos Petal Bear
2000 Vidas furtivas Lola
The Gift Annabelle «Annie» Wilson
1999 Un marido ideal Lady Gertrude Chiltern
Bangers (cortometraje) Julie-Anne
Fuera de control Connie Falzone
The Talented Mr. Ripley Meredith Logue
1998 Elizabeth Isabel I de Inglaterra Globo de Oro a la mejor actriz - Drama
BAFTA a la mejor actriz
1997 Thank God He Met Lizzie Lizzie
Oscar y Lucinda Lucinda Leplastrier
Camino al paraíso Susan Macarthy
1996 Parklands Rosie
1994 Police Rescue (telefilme) Vivian
Premios y Nominaciones[editar]
Después de tan solo 15 años de carrera artística y con más de 30 películas que la respaldan, Cate Blanchett se ha convertido en una de las actrices que más éxitos ha recogido de sus interpretaciones. En concreto, ha obtenido más de 50 premios y el mismo número de nominaciones. De todos ellos, los más destacados son los siguientes:
Óscar[editar]
Año Categoría Película Resultado
2015 Mejor Actriz Carol Nominada
2013 Blue Jasmine Ganadora
2007 Elizabeth: The Golden Age Nominada
Mejor Actriz de Reparto I'm Not There Nominada
2006 Notes on a Scandal Nominada
2004 The Aviator Ganadora
1998 Mejor Actriz Elizabeth Nominada
Globos de Oro[editar]
Año Categoría Película Resultado
2015 Mejor Actriz - Drama Carol Nominada
2013 Mejor Actriz - Drama Blue Jasmine Ganadora
2007 Mejor Actriz - Drama Elizabeth: The Golden Age Nominada
Mejor Actriz de Reparto I'm Not There Ganadora
2006 Mejor Actriz de Reparto Notes on a Scandal Nominada
2004 Mejor Actriz de Reparto The Aviator Nominada
2003 Mejor Actriz - Drama Veronica Guerin Nominada
2001 Mejor Actriz - Comedia o musical Bandits Nominada
1998 Mejor actriz - Drama Elizabeth Ganadora
BAFTA[editar]
Año Categoría Película Resultado
2015 Mejor Actriz Carol Nominada
2013 Mejor Actriz Blue Jasmine Ganadora
2007 Mejor Actriz Elizabeth: The Golden Age Nominada
Mejor Actriz de Reparto I'm Not There Nominada
2004 Mejor Actriz de Reparto The Aviator Ganadora
1999 Mejor Actriz de Reparto The Talented Mr. Ripley Nominada
1998 Mejor Actriz Elizabeth Ganadora
Sindicato de Actores[editar]
Año Categoría Película Resultado
2015 Mejor Actriz Carol Nominada
2013 Blue Jasmine Ganadora
2008 Mejor Reparto The Curious Case of Benjamin Button Nominada
2007 Mejor Actriz Elizabeth: The Golden Age Nominada
Mejor Actriz de Reparto I'm Not There Nominada
2006 Mejor Reparto Babel Nominada
2006 Mejor Actriz de Reparto Notes on a Scandal Nominada
2004 Mejor Reparto The Aviator Nominada
Mejor Actriz de Reparto The Aviator Ganadora
2003 Mejor Reparto The Lord of the Rings: The Return of the King Ganadora
2002 The Lord of the Rings: The Two Towers Nominada
2001 The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring Nominada
Mejor Actriz de Reparto Bandits Nominada
1998 Mejor Actriz Elizabeth Nominada
Crítica Cinematográfica[editar]
Año Categoría Película Resultado
1999 Mejor Actriz Elizabeth Ganadora
2003 Mejor Reparto The Lord of the Rings: The Return of the King Ganadora
2004 Mejor Actriz de Reparto The Aviator Nominada
2006 Mejor Actriz de Reparto Notes on a Scandal Nominada
2006 Mejor Reparto Babel Nominada
2007 Mejor Actriz Elizabeth: The Golden Age Nominada
Mejor Actriz de Reparto I'm Not There Nominada
2008 Mejor Actriz de Reparto The Curious Case of Benjamin Button Nominada
Mejor Reparto The Curious Case of Benjamin Button Nominada
2013 Mejor Actriz Blue Jasmine Ganadora
2015 Mejor Actriz Carol Nominada
Tony Awards[editar]
Año Categoría Obra Resultado
2017 Mejor actriz principal en una obra de teatro The Present Nominada
Satellite[editar]
Año Categoría Película Resultado
2007 Mejor Actriz - Musical o comedia I'm Not There Nominada
2006 Mejor Actriz de Reparto Notes on a Scandal Nominada
2004 Mejor Actriz de Reparto The Aviator Nominada
2001 Mejor Actriz - Drama Charlotte Gray Nominada
1999 Mejor Actriz - Musical o comedia An Ideal Husband Nominada
1998 Mejor Actriz - Drama Elizabeth Ganadora
Festival Internacional de Cine de Venecia[editar]
Año Categoría Película Resultado
2007 Copa Volpi a la Mejor Actriz I'm Not There Ganadora
Premios Sant Jordi de Cine[editar]
Año Categoría Película Resultado
2007 Mejor actriz extranjera Elizabeth: The Golden Age, The Good German y Notes on a Scandal Ganadora
Obras de teatro[editar]
Año Obra Lugar Papel
antes de 1992 The Odyssey of Runyon Jones Methodist Ladies' College, Melbourne Desconocido
antes de 1992 They Shoot Horses, Don’t They? Methodist Ladies' College, Melbourne Director
1992 Electra Instituto Nacional de Arte Dramático, Melbourne Electra
1992/1993 Top Girls Sydney Theatre Company Desconocido
1993 Oleanna Sydney Theatre Company Carol
1994 Hamlet Belvoir Street Theatre Company Ofelia
1995 Sweet Phoebe Sydney Theatre Company y el Warehouse Theatre, Croydon Helen
1995 The Tempest Belvoir Street Theatre Company Miranda
1995 The Blind Giant is Dancing Belvoir Street Theatre Company Rose Draper
1997 The Seagull Belvoir Street Theatre Company Nina
1999 Plenty Albery Theatre, Londres Susan Traherne
1999 The Vagina Monologues The Old Vic Theatre, Londres Desconocido
2004 Hedda Gabler Sydney Theatre Company Hedda Gabler
2008 The War of the Roses Sydney Theatre Company Ricardo II y Lady Anne
2009 Un tranvía llamado deseo Sydney Theatre Company Blanche DuBois
2013 Las criadas Sydney Theatre Company Claire
2016/2017 The Present Ethel Barrymore Theatre, New York Anna Petrovna
2018 All About Eve Por confirmar Margo Channing
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Aprovechando el talento femenino, todos crecemos más y mejor (Ana Patricia Botín)

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Aprovechando el talento femenino, todos crecemos más y mejor (Ana Patricia Botín)

Ana Patricia Botín-Sanz de Sautuola O'Shea (Santander, España, 4 de octubre de 1960) es una banquera española, presidenta del Banco Santander, consejera delegada de la filial británica del Grupo Santander y miembro del consejo de administración de Coca-Cola. Es hija del que fuera presidente del... Ver mas
Ana Patricia Botín-Sanz de Sautuola O'Shea (Santander, España, 4 de octubre de 1960) es una banquera española, presidenta del Banco Santander, consejera delegada de la filial británica del Grupo Santander y miembro del consejo de administración de Coca-Cola. Es hija del que fuera presidente del Grupo Santander, Emilio Botín, y de Paloma O'Shea, marquesa de O'Shea.

Biografía[editar]
Se graduó en Economía en el Bryn Mawr College en las afueras de Filadelfia y asistió a clases en el Harvard College de la Universidad de Harvard.1​2​ Tras acabar sus estudios, trabajó durante siete años en JP Morgan, en Estados Unidos. En 1988, volvió a España y comenzó a trabajar para el Grupo Santander.

Ana Patricia Botín en la Reunión Anual de 2009 del Foro Económico Mundial celebrada en Davos, Suiza.
Fundó en 2000 el fondo de capital de riesgo Suala Capital,3​ del que se retiró en 2006 tras una gestión decepcionante.4​5​ En 2002 fue nombrada presidenta de Banesto, un banco propiedad del Grupo Santander. Aunque se ha llegado a afirmar en ciertos medios que fue la primera mujer española en presidir un banco,6​ lo cierto es que la primera en hacerlo fue Carmela Arias y Díaz de Rábago, presidenta del Banco Pastor entre 1971 y 2001.7​ Encabezó en los años 2005 y 2006 la clasificación anual de las empresarias más destacadas en Europa que elabora anualmente el diario económico Financial Times.8​
En 2005, Ana Patricia Botín fue clasificada por Forbes Magazine en el puesto 99 de las cien mujeres con más poder en el mundo.9​ En 2008, alcanzó el puesto 51 de la misma lista de mujeres con poder, según Forbes.10​ Participó en las reuniones del Grupo Bilderberg de 2009 en Vouliagmeni, al sur de Atenas, y 2010, en Sitges. En 2010 dejó Banesto para dirigir la filial del Grupo Santander en Reino Unido tras la marcha a Lloyd's del anterior responsable del mismo, Antonio Horta-Osório.11​ En julio de 2013 se incorporó al consejo de administración de The Coca-Cola Company.12​
Tras el fallecimiento de su padre Emilio Botín, el 10 de septiembre de 2014, Ana Patricia Botín fue elegida ese mismo día presidenta del Banco Santander.13​
En julio de 2015, se anunciaba que el Gobierno británico había elegido a Ana Botín para formar parte del llamado Business Advisory Group, el órgano de asesores empresariales de David Cameron,14​ y a finales del mismo año la reina Isabel II le otorgó la Orden del Imperio Británico.15​
Vida personal[editar]
Desde el 1983 está casada con Guillermo Morenés Mariátegui, nieto del primer marqués de Borghetto.16​ Tienen tres hijos: Felipe (casado en 2016 con la catalana Julia Puig, heredera del la empresa de perfumes y moda), Javier y Pablo.
Ha recibido 5 puntos

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La concentración es la raíz de todas las capacidades del ser humano (Bruce Lee)

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La concentración es la raíz de todas las capacidades del ser humano (Bruce Lee)

Bruce Lee, nacido como Lee Jun-Fan (San Francisco, California; 27 de noviembre de 1940-Kowloon, Hong Kong; 20 de julio de 1973), fue un destacado artista marcial, maestro de artes marciales, actor, cineasta, filósofo y escritor estadounidense de origen chino, reconocido en el mundo entero por... Ver mas
Bruce Lee, nacido como Lee Jun-Fan (San Francisco, California; 27 de noviembre de 1940-Kowloon, Hong Kong; 20 de julio de 1973), fue un destacado artista marcial, maestro de artes marciales, actor, cineasta, filósofo y escritor estadounidense de origen chino, reconocido en el mundo entero por ser el renovador y exponente de las artes marciales dedicando su vida a dicha disciplina, buscando la perfección y la verdad, llegando a crear su propio método de combate y filosofía de vida, el Jun Fan Gung-Fu, que tiempo después y sumado a su concepto filosófico se llamaría, el Jeet Kune Do o «el camino del puño interceptor».3​
Sus películas, entrevistas y principalmente su carisma e influencia, contagiaron y extendieron el auge de la pasión de las artes marciales por todo occidente, generando una ola de seguidores a través del mundo.3​
Bruce Lee nació en Chinatown (San Francisco), un 27 de noviembre de 1940, en el año del dragón; sin embargo, Bruce se crio en Kowloon (Hong Kong), lugar donde comenzó a entrenar a los 13 años y de manera formal las artes marciales chinas del Taichí con su padre, y luego el estilo Wing Chun, con el maestro Ip Man.4​ Desde muy pequeño, apareció en películas interpretando a niños y posteriormente a adolescentes. A los 18 años, Bruce regresó a los Estados Unidos, donde comenzó sus estudios de filosofía en la Universidad de Washington, llegando a lograr el doctorado, en esta área. Bruce siendo un innovador y pensador aplicó a su arte lo aprendido; estudió el pensamiento de varios filósofos occidentales y orientales provenientes del taoístas como Lao-Tsé y Chuang-Tsé,5​6​ además, comenzó a entrenar a sus compañeros de universidad en el arte del kung fu chino.4​
Durante ese tiempo, Bruce abrió su primera escuela, de artes marciales llamada: el Jun Fan Gung Fu Institute ubicado en Seattle; ya después, abrió dos escuelas más en Oakland y Los Ángeles.4​ Rápidamente y con base en sus experiencias marciales en las disciplinas de: boxeo, Esgrima occidental (por su hermano Peter Lee), Judo (de parte de su amigo y alumno Taki Kimura), Eskrima filipina (de mano de su amigo y alumno Dan Inosanto), Muay thai, y Tangsudo (de parte de su amigo el también actor Chuck Norris); Bruce comenzó a desarrollar nuevas ideas sobre el entrenamiento de las artes marciales, lo que condujo a la creación de su sistema, el Jun Fan Gung-Fu. Que luego evolucionó en conceptos físicos y filosóficos, dando lugar a su propio método de combate, el cual llamó Jeet Kune Do o «el camino del puño interceptor» del cual siempre pregonaba que no se le debía tomar como un simple "estilo" o "sistema" prefijado.4​ Tiempo después se arrepintió de haberle puesto un nombre ya que eso lo convertía en un arte marcial más y desde ahí insistió en que el Jeet Kune Do era solo un nombre, haciendo hincapié en el "no estilo" o la "no forma".7​
Al mismo tiempo que hacía esto, Bruce se convirtió en una celebridad a través de la serie americana, The Green Hornet, además de sus posteriores y populares películas: The Big Boss, Fist of Fury, Way of the Dragon, Enter the Dragon y Game of Death, logrando la exposición de las artes marciales chinas al mundo occidental.4​ Bruce se convirtió en un ícono reconocido en todo el mundo, especialmente entre los chinos.8​
Bruce Lee se casó con Linda Cadwell en 1964 y posteriormente tuvieron a su hijo Brandon Lee nacido en 1965, además de su hija Shannon Lee, nacida en 1969.4​ La vida de Bruce Lee se vio truncada, un 20 de julio de 1973, cuando murió, consecuencia de un edema cerebral causado por una reacción alérgica a un medicamento para el dolor.3​4​ Su cuerpo descansa en el cementerio Lake View de Capitol Hill, Seattle; al lado de su hijo Brandon, fallecido en 1993 luego de haber recibido una bala accidental en la filmación de la película The Crow.9​10​
El legado dejado por Bruce Lee abarca desde películas hasta libros como El Tao Del Jeet Kune Do, donde se muestra gran parte de su filosofía y métodos de lucha.3​ Su imagen perdura en el tiempo y ha quedado en la historia como una gran leyenda de las artes marciales, incluso, siendo elegido por la revista TIME como uno de los 100 hombres más influyentes del siglo XX, además de ser considerado como uno de los héroes e íconos de la historia.11​12​13​
Primeros años[editar]
Infancia[editar]

Bruce Lee (bebé) y sus padres Grace Ho y Lee Hoi-chuen.
Bruce Lee nació entre las 6 y las 8 de la mañana, un 27 de noviembre de 1940 en el Chinese Hospital, ubicado en la Jackson Street (calle Jackson) de Chinatown, San Francisco (California). Nació en la hora y año del dragón, que según las tradiciones de la astrología china, es un presagio de buena suerte; Los nacidos bajo este signo son considerados personas: nobles, carismáticas, poderosas, sabias y creativas.14​
El matrimonio entre su padre, Lee Hoi-chuen de etnia han y su madre, Grace Ho de ascendencia chino-alemana, dio como fruto a cinco hijos.15​ Bruce fue el cuarto de esos hijos; sus hermanos fueron: Phoebe Lee, Agnes Lee, Peter Lee, y Robert Lee. El nacimiento de Bruce en los Estados Unidos se dio de casualidad, ya que su padre, quien trabajaba como actor de películas cantonesas y comediante en la ópera china, se encontraba de gira presentando una obra de la "Opera Company" que pasó en aquel entonces por San Francisco.14​16​
Según los papeles entregados por el Departamento de Trabajo de los Estados Unidos, Lee fue inscrito con un nombre chino y otro americano.17​ El nombre chino Jun-Fan, fue dado por su madre y se le inscribió como Lee Jun-Fan, mientras que el nombre en inglés, Bruce, fue sugerido por una enfermera del Chinese Hospital, María Glover, con el fin de que el recién nacido llevara un nombre occidental para así evitar cualquier tipo de problemas con su partida de nacimiento estadounidense; finalmente sus padres estuvieron de acuerdo con lo dicho por la enfermera y también fue inscrito con ese nombre, Bruce Lee.16​
Cuando Bruce cumplió tres meses de nacido, sus padres recibieron una correspondencia desde Hong Kong donde se le indicaba que no regresaran ya que la invasión japonesa en Manchuria hacía la situación muy complicada pero Lee Hoi-chuen optó por hacerlo ya que allí se encontraban sus otros hijos Peter, Agnes y Phoebe.18​
Ya estando en Hong Kong, la familia Lee vivió en una residencia de tan sólo dos habitaciones en el 218 Nathan Road, Kowloon, pero tuvieron problemas por la ocupación japonesa durante los años de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945);14​16​ Grace Ho pasó esos años preocupada ya que al otro lado de la calle se encontraban los campamentos militares japoneses y constantemente, Bruce les retaba levantando los puños en señal de pelea, además, cuando los aviones de caza japoneses "Japanese Zero" volaban a baja altitud, Bruce iba a la azotea del edificio donde residían para intentar golpearlos con cualquier cosa que tuviera a su alcance.14​16​
Cuando concluyó la Segunda Guerra Mundial en 1945, Lee Hoi-chuen regresó a su trabajo de actor y muy a menudo era acompañado por su hijo Bruce quien en ese entonces tenía 6 años; a través de ello es que Bruce pasó un casting y participó en la película The Birth of Mankind.18​14​16​
Nombres[editar]

Bruce Lee durante su niñez.
Como es costumbre china poner el apellido delante del nombre, Bruce fue inscrito como "Lee Jun-Fan", pero el nombre "Jun-Fan" tiene su propia explicación. El significado del nombre "Jun" es despertar o hacer próspero algo mientras que la sílaba "Fan" se refiere al nombre chino de la ciudad de San Francisco pero su verdadero significado es el de defender a los países pequeños del abuso de los grandes; el nombre "Fan" era muy utilizado por los chinos nacidos en Hong Kong ya que por esos días se sentían inferiores ante los países invasores y su deseo era el de eclipsar y ser superiores frente a las potencias extranjeras, además de recuperar la edad de oro de China.14​ Por lo tanto, el verdadero significado del nombre "Jun-Fan" era el de despertar y hacer próspera una pequeña nación, además de protegerlos del abuso de los países invasores, siendo estos Japón y el Reino Unido.14​
Sin embargo, durante los primeros de años de su vida, la madre de Lee Hoi-chuen, decidió llamarlo bajo el seudónimo femenino de "Sai Fon", que significa pequeño fénix, siguiendo una vieja y supersticiosa tradición en la cual se trataba de ocultar el sexo del recién nacido ante los espíritus malignos que se roban al bebé varón; los padres de Bruce ya habían sufrido la pérdida de un primer hijo en los primeros años de su matrimonio por eso fue que los padres y la abuela de Bruce lo comenzaron a llamar así para que los espíritus pasasen de largo.14​18​
El nombre occidental "Bruce" fue utilizado por primera vez, cuando cumplió los 12 años y fue inscrito en la escuela secundaria La Salle, un instituto católico de Hong Kong donde se le comenzó a enseñar el idioma inglés.19​14​ Hasta ese entonces, él no sabía cuál era su nombre occidental y al momento que se le pidió a los estudiantes que escriban su nombre, Bruce copió el nombre del estudiante de al lado.14​
Sus nombres en pantalla fueron Lee Siu Lung (en cantonés) y Li Xiao Long (en hanyu pinyin 李小龙 en mandarín simplificado), que literalmente significa "Li el pequeño dragón". Estos nombres fueron usados por vez primera en la película de 1950, My Son, A Chung.3​
Practicante de wing chun y alumno de Ip Man[editar]
Durante su niñez, comenzó a asistir a la primaria Tak Sun que estaba a algunas cuadras de su casa y cuando tenía alrededor de 12 años fue inscrito a un instituto católico de habla inglesa, el Colegio de La Salle, donde fue expulsado por mal comportamiento; Por aquel tiempo, él no estaba interesado en la escuela, su actitud hacia los profesores y directores del colegio de La Salle era desafiante, sus calificaciones no eran altas y su reputación como pandillero derivó en una expulsión.
"Yo era un muchacho desubicado que iba en busca de peleas... Usábamos cadenas y bolígrafos con cuchillos ocultos en su interior."
Bruce Lee sobre su adolescencia, para la revista Black Belt en octubre de 1967.20​

El maestro Ip Man y Bruce Lee practicando wing chun.
Un día, cuando regresaba de casa al colegio, Bruce, sin apoyo de su banda, fue sorprendido por unos maleantes que le intentaron dar una paliza, tras salir ileso de esa situación, su padre le enseñó las bases del arte marcial del tai chi chuan como sistema de defensa y también para apartarle del camino de la violencia pero Bruce encontró este estilo un poco lento, y muy complicado por lo que se planteó aprender otro arte marcial.16​
Por ese tiempo, Bruce conocía a un chico de su edad, o poco mayor, William Cheung, que siempre andaba metido en peleas y nunca perdía. Un día, Bruce le preguntó la razón por la cual siempre ganaba y este le comentó que era debido a su entrenamiento en artes marciales. En aquella ocasión, William le propuso aprender el estilo chino del wing chun y Bruce aceptó. El comportamiento de Bruce cuando ingresó por primera vez a la academia de Ip Man no fue muy respetuoso, sobre todo tratándose de un muchacho oriental, por lo que Ip Man decidió que Bruce no estaba capacitado para aprender el arte del wing chun, y así se lo comunicaron por medio de William Cheung. Bruce decidió volver al día siguiente con humildad y respeto y entonces el maestro Ip Man le dio una oportunidad. Bruce estuvo entre tres y cuatro años aprendiendo wing chun bajo la tutela de Ip Man, aunque la mayor parte de su entrenamiento fue recibido de parte de uno de sus mejores alumnos, Wong Shun Leung.

Lee in 1958, bailando cha-cha-cha.
Luego de ser expulsado del Colegio de La Salle, sus padres rápidamente lo inscribieron en otro colegio católico llamado Saint Francis Xavier (Colegio de San Francisco Javier) en Kowloon;16​3​ por aquellos tiempos había torneos interescolares en deportes, puesto que se trataba de colegios de marcada influencia inglesa, donde realizaban torneos de boxeo occidental entre ellos. Bruce decidió tomar parte en uno de ellos, que se celebró en el colegio de St. George; lo ganó luego de vencer en el tercer round y por KO al tres veces campeón, Gary Elms. Antes de llegar a la final, Bruce había noqueado a los boxeadores: Yang Huang, Lieh Lo y Shen Yuen en el primer round.3​ También fue introducido por su hermano Peter Lee en el arte de la esgrima occidental del cual su hermano era campeón. Todas estas influencias tuvieron su repercusión a la hora de crear su propio estilo años más tarde.3​
Al mismo tiempo que Bruce era practicante de wing chun, se apuntó a clases de baile lo que le llevó más adelante a ser campeón de cha-cha-cha. Esta inverosímil salida del mundo de violencia que rodeaba a Bruce, hizo que se encaminara de forma más seria y profesional al campo de la expresión artística y el entretenimiento.16​
Dejando Hong-Kong[editar]

Bruce Lee junto a sus hermanos en Hong-Kong.
A inicios de 1959, una escuela de kung-fú retó a la escuela de Ip Man a una pelea por lo que se reunieron en la azotea de uno de los edificios de apartamentos. Bruce represento al wing chun, y se enfrentó ante el chico representante de la escuela de Choi Li Fut;16​18​ durante el combate, Bruce fue atacado con un golpe ilegal quedando con el ojo lastimado pero reaccionó rápidamente y le dio una serie de golpes a su rival dejándolo inconsciente, al punto de romperle unos cuantos dientes. Los padres de este chico no dudaron en denunciar a Bruce ante la policía, algo que lo llevó a ser detenido hasta que su madre acudió a recogerlo.16​20​18​
Con el tiempo, los padres de Lee decidieron que la única alternativa que les quedaba era mandar al problemático Bruce, lejos de Hong-Kong para que así pudiera tener una vida más segura y saludable. Sus padres tenían el temor de que Bruce fuera atacado o reclutado por alguna organización criminal como la Tríada pues anteriormente se peleó con miembros de esta banda al tratar de ayudar a un amigo suyo;18​ además, sus constantes peleas callejeras habían hecho que la policía lo tenga en la mira y existía la posibilidad de que se vaya a prisión.18​
"El agente de la policía vino y le dijo a mi padre: Disculpe Sr. Lee, su hijo se pelea mucho en el colegio. Si se mete en una pelea más, tendré que meterlo en la cárcel."
Robert Lee sobre la vuelta de Bruce a Estados Unidos.21​22​
En abril de ese año y ya luego de aquella pelea, Bruce se fue con destino a los Estados Unidos para quedarse con su hermana mayor, Agnes Lee, quien ya estaba viviendo con algunos amigos de la familia en San Francisco.20​ Sus hermanos mayores, Peter y Agnes, ya habían estado en los Estados Unidos con visas de estudiante y como terminando su educación superior. Bruce no se había graduado formalmente de la escuela secundaria y estaba más interesado en las artes marciales, el baile y la actuación, sin embargo, su familia decidió que era el momento para que volviese a la tierra donde nació y pudiera encontrar su futuro allí.14​
Nueva vida en Estados Unidos[editar]
El 29 de abril de 1959, con 18 años de edad y con $ 100 en el bolsillo, Bruce abandonó Hong Kong y partió hacia San Francisco, Estados Unidos en el barco de vapor "American Presidents Line".14​ Bruce inició su viaje en la cubierta inferior de la nave, pero rápidamente fue invitado a los alojamientos de primera clase para dar a los pasajeros clases de baile como profesor de cha-cha-cha y de paso ganar algo de dinero.14​ 18 días después de haberse subido al barco y tras una breve escala en Osaka, en la cual Bruce aprovechó de ir a Tokio, el barco llegó a San Francisco.23​ La razón oficial de su viaje era el de obtener la nacionalidad norteamericana ya que al haber nacido en San Francisco, podía conseguirla si volvía a residir allí al llegar a la mayoría de edad.18​ Cuando estuvo en San Francisco, Bruce realizó todo el trámite necesario para conseguir la nacionalidad norteamericana y ya luego se trasladó a la ciudad de Seattle, en el estado de Washington, donde tuvo alojamiento además de trabajo en el restaurante de una vieja amiga de la familia, Ruby Chow.14​18​
Por aquel tiempo, Bruce no pensaba en la actuación, ni en el baile ya que tenía la intención de terminar su educación secundaria, por ello es que se inscribió en la Edison Technical School (Escuela Técnica de Edison), de donde se graduó en 1960. Se inscribió en la Universidad de Washington, donde se inscribió en la facultad de filosofía, drama y psicología, entre otras cosas, en 1961,14​3​ y llegó a lograr un doctorado.
Carrera como artista marcial[editar]

Lee en 1967.
Durante los tres años (1961-1964) que estudió en la universidad, Bruce tuvo varios pequeños trabajos en restaurantes, periódicos y más; sin embargo, tuvo que renunciar a estos para así, poder ganarse la vida dando clases de wing chun kung-fú en la habitación sin ventanas que le prestaba de vez en cuando, Ruby Chow y en parques públicos, además de enseñar en garajes vacíos los días sábados.18​14​
Allí Bruce Lee se había instalado un saco y un muñeco de madera para poder entrenar siempre que el tiempo se lo permitía, aunque los vecinos se quejaban del ruido que hacía cuando entrenaba y tuvo que dejarlo. Como no tenía amigos, comenzó a asistir a las reuniones de una sociedad china, donde había gente que también practicaba kung fu y otros estilos del norte de China, en los que predominaba el uso de las piernas, uso que Bruce desconocía puesto que el wing chun trabaja piernas a un nivel muy bajo. La sociedad decidió dar una demostración y así Bruce pudo conocer al que sería uno de sus mejores amigos allí en Seattle, Jesse Glover.
Jesse siempre había estado interesado en las artes marciales (había hecho judo), pero cuando vio a Bruce sintió que debía entrenar con él. Bruce aceptó la propuesta de enseñarle. El primer lugar donde entrenaron fue el salón comedor del apartamento de Jesse Glover. En su primer encuentro Bruce pidió a Jesse que le mostrase todo lo que supiera de kung fu. Jesse no había entrenado nunca kung fu con un maestro; todos los conocimientos que poseía acerca del kung fu los había sacado de un libro de James Yimm Lee. Bruce le pidió que le mostrase el libro y después de pasar hojeándolo un buen rato le hizo saber que el estilo mostrado pertenecía a la familia Hung, y que él lo había practicado en alguna ocasión en Hong Kong, pues era un estilo muy conocido allí.
Más tarde, Jesse tuvo la oportunidad de viajar a California con un par de amigos. El objetivo principal de Jesse era visitar a James Yimm Lee. Una vez en Oakland, fueron al domicilio de James y se presentaron diciéndole que le conocían por el libro que James había escrito. Este les invitó a pasar y enseguida comenzó a mostrarles sus conocimientos. Esta visita llegaría a ser determinante en la vida de Bruce, pues facilitó que Bruce Lee y James se conocieran.
Jun Fan Gung Fu Institute[editar]
En Seattle, Bruce aceptó a un nuevo estudiante, se trataba de Ed Hart, compañero de habitación de Jesse Glover y esto fue la chispa para que Bruce aceptara más y más alumnos, de manera que Jesse y Ed convencieron a Bruce de que cobrase más por sus clases. Al poco tiempo tuvieron que buscar un local, que pronto se les quedó pequeño. Por ese tiempo conoció al japonés Taky Kimura (que también había entrenado Judo obteniendo su cinturón negro 1 Dan), quien llegó a ser el primer instructor asistente de Bruce en el Jun Fan Gung Fu Institute, nombre con el que bautizó a su sala de entrenamiento o kwoon. Por tanto, el nombre del instituto era alusivo al sistema de combate que para el momento era impartido por Bruce Lee, el jun fan gung fu, es decir, el kung fu de Bruce Lee; esto, ya que, gung fu es una frase sinónima de kung fu, mientras que, la frase jun fan se refiere al nombre chino de Bruce Lee.
Allan Joe, alumno de James Y. Lee, fue a visitar a Bruce. Corría el año 1962, y Bruce estaba estudiando filosofía en la Universidad de Seattle. Bruce invitó a Joe a ver algunas de las técnicas de wing chun en el muñeco de madera que tenía en el patio trasero del restaurante de Ruby Chow. Allan Joe quedó impresionado y pensó que a James Lee le ocurriría otro tanto si lo viera. Tras esto, James llamó desde Oakland a Bruce preguntándole si podía hacerle una visita para enseñarle algo de su kung fu; aceptó, al considerarlo una buena oportunidad para extender sus enseñanzas. a la semana siguiente marchó para Oakland, alojándose en casa de James.
Allí tuvo ocasión de conocer a Wally Jay practicante de jiu-jitsu con quien pudo intercambiar conocimientos y aprender algunas de las técnicas de luxación y sumisión. James tenía su garaje repleto de mecanismos para entrenar inventados por él. Allí estuvieron practicando y Bruce le dio algunas sugerencias sobre cómo mejorar estos aparatos. En un viaje posterior Bruce conoció a otros dos artistas marciales, que con el tiempo serían los más famosos de Estados Unidos, Ralph Castro y Ed Parker, con quienes compartió conocimientos y de quienes se ganó el respeto. Este encuentro también fue vital en la vida y futuro de Lee, pues fue Ed Parker quien le abrió las puertas hacia Hollywood.
Bruce siguió viajando repetidas veces a Oakland, a enseñar wing chun a James Lee, e incluso pasaba allí sus vacaciones entrenando con James. El grupo de Seattle seguía creciendo y Taky Kimura fue tomando mayor responsabilidad, no en vano era el asistente instructor de Bruce Lee. Ante el éxito, pensó en ampliar los horizontes de su enseñanza y soñaba con una cadena de gimnasios esparcida por toda el área de California, así que propuso a James ser el instructor jefe del Jun Fan Gung Fu Institute, en Oakland.
James compartía con un alumno suyo, Al Novak, una academia llamada Hayward California, y pensó en transformarla en un Jun Fan Gung Fu Institute, convencido de que su alumno compartiría los planes de conversión. Por aquella época James pensaba en publicarle un libro a Bruce. Cuando las pruebas estuvieron listas le llamó para que fuera a Oakland a revisarlas y en esta ocasión Bruce acudió acompañado de Taky Kimura. Los tres estuvieron entrenando en el garaje de James y Bruce se sorprendió de que James se adaptara tan bien a los movimientos del Chi Sao. Neutralizando las acciones de golpeo y proyección de Taky a punta de fuerza; James había desarrollado su cuerpo gracias al culturismo, incluso había entrenado con Steve Reeves, el famoso culturista Mr. Universo que tantas películas protagonizara como Hércules. James se había basado siempre en la fuerza para ser efectivo y le costaba adaptarse a los nuevos conceptos de suavidad.
El libro finalmente estuvo preparado poco antes de que Bruce regresara a Hong Kong a visitar a su familia y se tituló Chinese Gung Fu, The Philosophical Art of Self Defense. Una vez en Hong Kong, Bruce aprovechó para visitar a su maestro, Yip Man. Pasaron muchas horas tomando té, en las que Yip Man informaba a Bruce sobre materias que desconocía, como historia de arte, etc. Bruce pensaba que Yip era ya muy viejo para defenderse, pero durante esta estancia en Hong Kong se dio cuenta de que todavía estaba en forma a pesar de su edad, sobre todo después de haber practicado Chi Sao con él. Allí en la escuela de Yip Man también pudo ver a otros compañeros suyos, como William Cheung, que estaba de vacaciones pues vivía en Australia desde los 18 años. Bruce pasó cinco semanas en Hong Kong, tras las cuales regresó a Seattle para continuar con sus enseñanzas.
Al regresar a Seattle le esperaba una carta de reclutamiento y empezó a temer por su futuro si tenía que ir al ejército. Pidió consejo a James para evitar ir a filas, aunque parecía muy difícil puesto que personas ágiles y fuertes es precisamente lo que demanda el Ejército. Bruce acudió al examen médico en el Centro de Reclutamiento, y para su sorpresa fue declarado no apto para el servicio militar por tener el arco del pie demasiado pronunciado, un defecto congénito y ser corto de vista.
Long Beach Karate Tournament[editar]
En 1964, el fundador del Kempo Karate, Ed Parker , organizó el campeonato Long Beach Karate Tournament y para la ocasión invitó a Bruce Lee quien sorprendió al público asistente con sus demostraciones y habilidades como hacer flexiones con dos dedos de una mano (usando el pulgar y el dedo índice de la mano) y el golpe de una pulgada contra Bob Baker.3​
"Le dije a Bruce no repetir de nuevo este tipo de demostración... La última vez que él me dio ese golpe, me tuve que quedar en casa y no fui al trabajo porque el dolor en el pecho era insoportable."
Bob Baker recuerda el golpe de una pulgada recibido por Bruce Lee.24​
Fue en aquel campeonato de 1964 donde Lee se reunió por primera vez con Dan Inosanto, quien sirvió como sparring ocasional en las demostraciones que hacía Bruce. Inosanto quedó impresionado con el estilo de este, además le pidió acompañarlo en las demostraciones que haga. Bruce Lee aceptó a Inosanto como alumno en el Jun Fan Gung Fu Institute de Los Ángeles, le enseñó y lo certificó como su primer instructor (y es quien actualmente posee la completa certificación para enseñar el estilo de Lee). Mientras Bruce hacía cine, Inosanto daba clases en el instituto.25​
"No pude dormir pensando como ese hombre me derrotaba tan fácilmente, tenía la sensación de haber aprendido un oficio durante años, y que de repente, llega alguien y te dice: no le necesitamos más, queda despedido.
Dan Inosanto, sobre como conoció a Bruce Lee.25​
Bruce también conoció al maestro de "karate coreano" o taekwondo, Jhoon Goo Rhee. Los dos desarrollaron una amistad de la cual, se beneficiaron como artistas marciales. Goo Rhee enseñó con detalles a Bruce la patada lateral alta y otras, mientras que Lee le enseñó a Rhee el puño "no telegráfico".26​27​
Lee volvió de nuevo a este torneo en 1967 y realizó diversas demostraciones, como el famoso "unstoppable punch" (golpe imparable) contra el campeón mundial de karate del United States Karate Association, Vic Moore. Bruce lanzó ocho golpes a Vic Moore, quien era cinturón negro, 10° dan; Moore no pudo detener ningún golpe, a pesar de que Bruce le dijo a donde iban dirigidos sus golpes.28​
Los desafíos reales[editar]
Bruce Lee recibió muchos desafíos durante su vida pero solo aceptó algunos de ellos que fueron relatados posteriormente. El pensamiento de Bruce acerca de los desafíos que le lanzaban era el de ganar o ganar ya que al estar en una pelea real, podría morir.
«Siempre me preguntan: ¿Oye Bruce, de verdad eres tan bueno? y yo digo: bueno si digo que sí, pensarás que estoy alardeando y si digo que no lo soy, seguro que me llamarás mentiroso... bueno, intentaré ser sincero, lo diré de otra forma... no tengo miedo a ningún oponente, se que soy autosuficiente y que no me preocupa. Cuando tomo la decisión de luchar o de defenderme, ya no hay más que hablar, se acabó, y más te vale matarme antes».
Bruce Lee25​
Pelea con Yoichi Nakachi[editar]
Yoichi Nakachi, un compañero japonés de Bruce Lee en la Edison Technical School (lugar donde cursó su secundaria), solía asistir a las demostraciones que Bruce hacía. En una ocasión, Bruce mencionó que los estilos internos de kung-fu son considerados mejores que los estilos externos, ante esto, Yoichi, quien en ese momento era cinturón negro de karate, se molestó (ya que el karate proviene de estos últimos) e inició una campaña para luchar contra él. A menudo solía molestar a Bruce con gestos y miradas, e incluso mandaba a sus amigos con el fin de retar a Bruce; luego lo desafió abiertamente en público, dondequiera que este realizara demostraciones de kung-fu.29​ Bruce preguntó a sus estudiantes si creían que sería bueno luchar con este tipo pero todos le recomendaron que lo ignore. Pero, a pesar de lo dicho por sus alumnos, Bruce aceptó el combate con Yoichi. Al comienzo, la pelea sería en el último piso de la escuela pero Jesse Glover lo convenció de luchar en el campo de baloncesto del YMCA. Las reglas de la lucha fueron: tres rounds de dos minutos, y si uno era derribado, se pondría fin a la pelea; además si una persona no podía continuar, el contrincante pondría fin a la lucha.29​
Según cuenta Glover, Bruce quiso ir a pelear con todo pero este le recomendó que no lo haga ya que podría matarlo. Así que decidió utilizar solamente sus puños y pies, mientras tanto Yoichi comenzó la lucha desde una postura clásica profunda y larga de karate, pero rápidamente cambió a la posición del gato. Bruce estaba de pie con la clásica postura alta y corta del Wing Chun. Yoichi le lanzó una patada frontal pero Bruce lo bloqueó con su antebrazo y le respondió con una serie de golpes rectos en cadena propios del wing chun lo que hizo que Yoichi retrocediera a través del campo de baloncesto. Cuando Yoichi se chocó con la pared, trató de agarrar a Bruce, pero este lo esquivó y lo golpeó con un golpe doble en el pecho y la cabeza. Desequilibrado Yoichi voló por el aire, rápidamente Bruce lo persiguió hasta que le lanzó una patada al abdomen y finalmente, la rodilla de Yoichi tocó el suelo, y se rindió.29​
Glover, quien era el árbitro de la pelea gritó para que se detuvieran. Yoichi se levantó pero volvió a caer inconsciente en el suelo. Luego de mucho tiempo, recuperó la conciencia. Los asistentes en aquel combate vieron como la cara de Yoichi parecía haber sido golpeado por bates de béisbol; además de su cráneo, que estaba roto y sangraba del ojo.29​
«Ambos iban al mismo colegio en Seattle. Y siempre que Bruce hiciera una demostración este tipo lo tomaba a personal (...) en exhibiciones él se levantaba y desafiaba a Bruce abiertamente en el escenario. Finalmente llegó el punto donde Bruce tuvo que decirle que si seguía así tendrían que arreglar esta situación. Por supuesto, Yoichi estaba listo y Bruce le dijo "Te lo diré directamente, me estás desafiando, ¿cierto?", el karateka japonés (quien años más tarde llegaría a ser el sensei Yoichi Nakachi) respondió "Sí, te estoy desafiando".
Entonces decidieron ir a un campo de balonmano local y encerrarse allí. "Cuando comenzaron, el karateka abrió el combate con una patada que Bruce bloqueó y luego lo golpeó con puños directos a través de todo el predio. Cuando dio contra la pared y estaba cayendo, Bruce lo patea.
Todo terminó en once segundos.
"Después de eso, este tipo quiso hacerse miembro de nuestra clase. Quería hacerse discípulo de Bruce. Para mostrarte qué clase de tipo era Bruce, él lo dejó ir a nuestra clase por un período, después de lo cual el karateka, no se sabe bien por qué, seguramente por la humillación que implicaba, no volvió a aparecer"».
Entrevista a Taky Kimura realizada por Paul Bax. (The Seattle Years: The Taky Kimura Interview).30​
Jesse Glover, el primer estudiante de Bruce Lee, también relató este encuentro en el libro «Bruce Lee Between Wing Chun and Jeet Kune Do» (1976), donde, según cuenta Glover: "el karateka que se encontraba en el suelo luego de recibir la patada que le desfiguró el rostro, preguntó preocupado por la duración del combate y Ed Hart, su compañero también presente y encargado de controlar el tiempo, más piadoso, lo duplicó y le dijo: 22 segundos".
Pelea con Wong Jack Man[editar]
En el barrio chino (Chinatown) de Oakland, California, Bruce Lee se vio retado oficialmente a un desafío frente a la comunidad tradicional china la cual, no estaba de acuerdo con que Bruce enseñara kung fu a estudiantes que no fueran chinos; Bruce tuvo una controvertida pelea con Wong Jack Man, alumno directo de Ma Kin Fung, conocido por ser maestro de Xing Yi Quan, wushu y tai chi chuan.
Según comentó oficialmente su viuda, Linda Emery, la comunidad china le dio un ultimátum a Bruce para que dejara de enseñar sus tradiciones a los que no fueran chinos, considerados en ese entonces como bárbaros, algo que Bruce no acató por lo que fue retado a un combate con un reconocido exponente del kung Fu de San Francisco en aquel entonces, Wong Jack Man, entrenado en el estilo Shaolin norteño, (el cual posee un amplio repertorio de técnicas de patadas, más que el wing chun utilizado por Bruce Lee en ese entonces). Entonces se fijó una fecha para el combate (la fecha fue en diciembre de 1964) el cual tendría lugar en la sala donde el pequeño dragón daba sus clases. La disposición de la pelea era que si Bruce perdía, tendría que dejar de enseñar a los extranjeros, además de cerrar sus escuelas; pero si ganaba, tendría la libertad de enseñar a los blancos caucásicos o a cualquier otra persona, fuera o no china.22​31​ Aunque tiempo después, Wong Jack Man negó esto y dijo que un amigo suyo le entregó un papel en donde Bruce lo invitaba a pelear; ante esto Wong asistió a una demostración que Bruce realizó en un teatro de Chinatown y ahí, luego de oír decir a Bruce que podía vencer a cualquier artista marcial, aceptó pelear y le entregó un papel a Lee.32​ Wong también menciona que no discrimina a los caucásicos y a los no chinos.33​ En una entrevista, Bruce comentó: "ese papel tenía todos los nombres de los sifus del barrio chino (Chinatown), pero no me asusta".
El luchador en representación de la comunidad tradicional china de San Francisco, Wong Jack Man, pretendió poner ciertas reglas al combate, como no pegar en los genitales ni en los ojos, pero Lee le indicó que las condiciones las ponía él, quien era el retado, y el combate se desarrollaría sin regla alguna.
Hay varias versiones de este encuentro. Esta la de Linda Emery, quien relata en el libro que escribió sobre la vida de su esposo, Bruce Lee: The Man Only I Knew y en concordancia a lo que declaró el propio Bruce Lee en una entrevista radial, el luchador chino luego de un intercambio de golpes, comenzó a dar vueltas en círculo por el gimnasio tras lo cual Bruce lo alcanza, lo derriba al piso dándole golpes de puños en la cabeza, y manteniéndolo allí con una técnica de inmovilización le pregunta, tres veces, en idioma cantonés: «¿Es suficiente?», recibiendo como respuesta «si es suficiente».
Otras explicaciones dicen que el desafiante comenzó atacando y Bruce respondió con tres puños rectos, aunque solo el primero impactó claramente en su mandíbula, este se puso a una distancia en la que Bruce Lee no pudiera llegar con sus cortos desplazamientos y le dio un golpe que alcanzó a Bruce en la parte izquierda de su mandíbula, esto lo hizo reaccionar y se lanzó tras Wong Jack Man que parecía huir. Bruce Lee lo persigue a través de toda la sala, golpeándole en la espalda y en la cabeza (producto de esto él relata en la mencionada entrevista radial que se le habían hinchado los puños, comenzando así a darse cuenta de las limitaciones del wing chun, en la distancia larga). El hombre intentaba no darle la cara, giraba para darle la espalda, pero finalmente Bruce lo acorraló y este se rindió.
Posteriormente Bruce se dio cuenta de que la pelea había durado más de lo que pensaba y que estaba exhausto, por lo que decidió mejorar su condición física para tener mayor resistencia. Por otra parte decidió modificar su kung fu para que funcionara mejor contra golpes circulares y añadió una amplia gama de desplazamientos. También empezó a entrenar sus puños con bolsas de arena dura y piedras. A medida que iba haciendo modificaciones en el estilo, se fue desvinculando del wing chun y comenzó a llamar al nuevo estilo Jun Fan Gung fu (el Kung Fu de Bruce Lee) que tres años más tarde lo rotularía como Jeet Kune Do, más evolucionado aún.
Rodaje de Enter the Dragon[editar]
Durante el rodaje de Enter the Dragon (Operación Dragón), que fue la última película que Bruce Lee filmó y finalizó solo semanas antes de su muerte, el productor Fred Weintraub, y los co-protagonistas Bob Wall y Bolo Yeung han relatado públicamente los constantes desafíos que Bruce Lee recibió detrás de cámaras por parte de los extras chinos contratados para la película, muchos de los cuales eran artistas marciales miembros de las organizaciones criminales locales o tríadas chinas. Bruce por lo general trataba de ignorarlos en su mayoría pero en algunas ocasiones le era difícil.25​
El co-protagonista de la película, Bob Wall, relata un reto que presenció en el cual, a pesar de la pérdida de tiempo de filmación y trabajo que implicaba, Bruce Lee aceptó:
«El hombre se presentó de un salto y era mucho más grande que Bruce, definitivamente quería hacerle daño, pero comenzó la pelea y Bruce empezó a golpearlo, a hacerle llaves en los pies, llaves en las manos, jugaba con él. Bruce no era malo pero sí le demostró quién mandaba... El jefe Bruce era un excelente luchador callejero... luego terminaba y decía "adelante, vamos a trabajar"..., este combate con el extra, quedó documentado. Bruce Lee literalmente barrió el suelo con él».
Bob Wall, sobre los retos que recibió Bruce Lee para el documental, The Curse of the Dragon (1993).25​
Bolo Yeung, quien también participó en Enter the Dragon, cuenta que durante la filmación de la mencionada película, mientras Bruce Lee enseñaba las coreografías a sus colegas, aquel extra le hacía comentarios indirectos y ofensivos a Lee detrás de cámaras, haciéndole entender que su estilo de lucha no era real. Ante esto Yeung relata en cantonés:
«Cuando filmábamos Enter the Dragon (Operación Dragón), un doble desafió a Lee Siu Lung ("El pequeño dragón" en chino), este quería probar el Jeet Kune Do, y Bruce le dice: "de acuerdo, ven y baja entonces". Se movieron un poco, hasta que recibió una patada de Bruce Lee. Eso fue suficiente. Y todo terminó... muy rápido».
Bolo Yeung, sobre los extras que retaron a Bruce Lee para el documental, The Life of Bruce Lee (1994).25​
Fred Weintraub, quien fue el productor de la película y además estuvo constantemente con Bruce Lee durante la filmación de tal, también relata sobre los desafíos que hubo durante el rodaje:
«Yo estaba preocupado de que alguien saliera lastimado porque había desafíos todos los días... ellos tenían un rito en que se desafiaban donde cruzaban las manos y golpeaban los pies... pero las peleas por suerte no duraban mucho porque Bruce ¡pa, pa, pa!, los noqueaba y seguía adelante».
Fred Weintraub, sobre los retos hechos a Bruce Lee para el documental, The Curse of the Dragon (1993).25​
También se pueden encontrar otros relatos presenciales como el de Paul Heller, el otro productor de Enter the Dragon, quien refiere a Bruce Lee como alguien "increíblemente rápido".
En la entrevista realizada a Bruce Lee entre 1971 y 1973 por su discípulo George Lee (Saber no es suficiente: Entrevista a Bruce Lee) se menciona a un artista marcial y extra de la película mencionada, llamado Lo Tai Chuen quien desafió a Bruce Lee abiertamente por los medios.25​
Carrera cinematográfica[editar]
Inicios en la actuación[editar]

Bruce Lee es el bebé de la película Golden Gate Girl.
Su primera aparición cinematográfica fue a los dos meses de edad en Golden Gate Girl también conocida como Tears of San Francisco;19​ esta película se grabó en San Francisco en el año 1940, pero se estrenó un años después, 1941.19​
Posteriormente, Bruce rodó alrededor de 20 películas más y en todas ellas figuró su nombre artístico, Lee Siu Lung , que significa el Pequeño Dragón Lee; este apodo lo acompañó por el resto de su vida y fue adquirido en la película de 1948, Wealth is like a Dream.16​ La película de 1950, The Kid es la única en la que trabajó con su padre, pero curiosamente no aparecen juntos en alguna escena.

Lee a los diez años en la película The Kid (1950).
En febrero de 1965, Bruce y su esposa Linda, tuvieron a su primer hijo, Brandon, y seis días más tarde, Lee Hoi-Chuen (el padre de Bruce), murió en Hong Kong por lo que se marchó inmediatamente para asistir al funeral; cuando regresó a Oakland, Bruce recibió la llamada telefónica de Ed Parker, quien le dijo que hiciera una prueba en Hollywood con William Dozier, productor ejecutivo de la serie de televisión Batman, quien lo había visto un año antes en la exhibición de artes marciales que había dado en Long Beach.3​ Luego, Dozier le preguntó a Bruce si él estaría interesado en desempeñar el papel de Lee Chan (The Number One Son) en una adaptación para la televisión de Charlie Chan.34​ Bruce expresó su interés por el proyecto y tan solo una semana después, se marchó a Hollywood donde realizó las pruebas.34​ Bruce firmó una opción de contrato y comenzó inmediatamente las clases de arte dramático; el estudio, 20 Century Fox le impartió clases de arte dramático y actuación, para poder explotar mejor sus dotes de expresión y adaptarlo al mercado del cine americano pero sus esperanzas se desvanecieron cuando recibió la llamada de Dozier comunicándole que la serie se había suspendido.34​ Dozier sabía de Bruce gracias a la mediación de un amigo común de él y Parker (Jay Sebring, el peluquero de Hollywood que era amigo de Sharon Tate, siendo los dos asesinados en la matanza dirigida por Charles Manson).

Lee interpretando a Chow Chung en la película The Thunderstorm.(1957)
En febrero del año siguiente (1966), se le ofreció a Bruce el papel secundario en la serie televisiva The Green Hornet (El Avispón Verde), donde interpretó a Kato, aquí trabajó junto a Van Williams. Una vez firmado el contrato, guardó sus cosas y se marchó con su familia a Los Ángeles, donde compró un pequeño apartamento en el Wilshire Boulevard en Westwood.34​ Su amigo, James Y. Lee, se entristeció mucho, pero Bruce le prometió visitarle tan a menudo como pudiera, para entrenar con él y sus alumnos. El éxito que obtuvo esta serie fue más allá de las pantallas ya que Bruce estaba mostrando una innovadora técnica de lucha desconocida, por ese entonces, para el público estadounidense que estaban acostumbrados a peleas de boxeo; esta duró una temporada y terminó exitosamente en 1967. Asimismo, Bruce volvió con su personaje de Kato y apareció en tres episodios de la serie Batman.3​
En 1967, Bruce abrió su tercer Jun Fan Gung-Fu Institute, que fue su último Kwoon; este se ubicaba en el 628 de College Street, en el barrio chino de Los Ángeles, y, contrariamente a los que tuvo en Seattle y Oakland, este no tuvo ninguna marca que lo identificara, incluso para mantener el anonimato, las ventanas fueron pintadas. Bruce no necesitaba el gimnasio para vivir, pues, afortunadamente, podía hacerlo de sus apariciones en televisión y cine. Así que, de este modo, la gente del Chinatown eran seleccionados cuidadosamente entre artistas marciales con talento, artistas de cine y gente relacionada con el mundo del espectáculo que Bruce había conocido, como Joe Lewis, Mike Stone, Steve McQueen, James Coburn, Stirling Siliphant, Kareem Abdul Jabbar, entre otros.3​

Lee como Kato (derecha) junto a Van Williams en la serie de televisión The Green Hornet (1966).
A Bruce no le gustaban las clases cargadas de gente, él pretendía que las clases fueran lo más parecido al entrenamiento personal, ponía el ejemplo de un entrenador de boxeo que solo podía enseñar a dos o tres como máximo si quería que el boxeador le respondiera arriba, en el cuadrilátero. Fue por ello que rechazó la oferta de fundar una cadena de gimnasios con el nombre de Kato.34​
Por esos años, Bruce tuvo pequeños papeles en Ironside y Here come the brides.3​ En 1969, Lee hizo una pequeña aparición en su primera película americana, Marlowe, en la que representaba a un matón contratado para intimidar al detective privado Philip Marlowe, que era interpretado por James Garner.3​
En 1970, luego de haber sufrido una lesión dorsal mientras levantaba pesas y tener los resultados no alentadores de los doctores, Bruce comenzó a recuperarse en cuestión de meses. Él quiso retomar su carrera artística por lo que comenzó a trabajar en el guion de The Silent Flute en conjunto con James Coburn y Stirling Silliphant, dicha película tuvo que haberlo lanzado al estrellato.23​ Este guion es enviado a Warner Brothers y luego de unos meses le dan luz verde al proyecto con la condición de que se ruede en la India por lo que Bruce, Coburn y Silliphant viajan al mencionado lugar, exactamente a Nueva Delhi.23​ Ahí se pasan 10 días buscando localizaciones para la película sin tener éxito alguno.23​ Ya para inicios de 1971, Bruce tenía en mente The Warrior (El Guerrero), que trata sobre un monje Shaolin del viejo oeste americano en busca de conocimiento y aventura.35​ Paramount Pictures y Warner Brothers recibieron la propuesta de Bruce pero ambos querían que él actúe en un tipo de serie mas a la época, que no este relacionado con el viejo oeste.23​ Para junio de 1971, Bruce se sentía mal anímicamente ya que no lograba encontrar trabajo en el mundo de la actuación, además quería plasmar su sistema de lucha en las pantallas por lo que su amigo Stirling Silliphant escribe un guion exclusivamente para él en el cual Bruce puede mostrar su visión sobre la lucha y filosofía de las artes marciales.23​ Lee comenzó las grabaciones del primer episodio de la serie de televisión Longstreet que se tituló "The Way of the Intercepting Fist", mismo nombre que el de su sistema de lucha.3​23​
"... Sabes, yo hice Longstreet para Paramount, y la Paramount quiere que esté en una serie de televisión. Por otra parte, Warner Brothers me quiere en alguna otra. Pero ambos, en mi opinión, quieren que estuviera en un tipo moderno de algo y piensan que la idea occidental está fuera..."
Bruce Lee, sobre Paramount Pictures y Warner Brothers.36​
Finalmente, la Warner Brothers aceptó la idea de The Warrior y la llevaron a cabo con el nombre principal de Kung-fu, sin embargo, Bruce se llevó una gran decepción cuando se enteró que el creador de la serie no era él sino otra persona llamada Ed Spielman,37​ además de que ABC Network, que trabajaba en conjunto con Warner Brothers, designó al actor americano David Carradine para el papel protagónico, siendo discriminado por su ascendencia china no bien vista en los foros americanos.35​ Tiempo después, el ejecutivo de Warner Brothers, Harvey Frand reconoció que él y Jerry Thorpe, quien fue el director de la serie, querían a Carradine como protagonista alegando que no utilizaron a Bruce como actor principal por que supuestamente iba a ser una apuesta muy arriesgada comercialmente, pero que, aun así, una gran parte del estudio quiso a Lee como Caine.
Consagración[editar]

Bruce Lee en The Big Boss (1971).
A mediados de 1971 y estando de visita en Hong Kong, Bruce se sorprendió al saber que la serie que había grabado unos años atrás, The Green Hornet (El Avispón Verde), era un éxito e incluso donde la llamaban El show de Kato.35​23​ Luego de eso volvió a su hogar en Los Ángeles pero inmediatamente recibió la llamada de un productor de cine en China, Raymond Chow de la Golden Harvest;38​ este le ofreció a Bruce, 15.000 dólares de comisión si aceptaba participar como actor principal en el rodaje en dos de sus películas, algo que Lee acepta aunque antes de irse, termina de grabar el primer episodio de la serie Longstreet, "The Way of the Intercepting Fist".38​23​
En ese momento decide ir a vivir a Hong Kong, y pide a Taky Kimura (responsable de la escuela de Seattle), a James Lee (responsable de la escuela de Oakland) y a Dan Inosanto (responsable de la escuela de Los Ángeles), que cierren sus actividades, y que no se dediquen más a enseñar comercialmente lo que les había enseñado.
Luego de llegar a Hong Kong, Bruce parte inmediatamente hacia Pak Chong en Tailandia, para rodar su primera película The Big Boss (El Gran Jefe o Kárate a muerte en Bangkok).23​ En la primera reunión en persona, que tuvo Bruce Lee con Raymond Chow, al darle la mano, Bruce le dijo: "Voy a ser la estrella más grande china del mundo".38​ El rodaje de la película, que duró seis semanas, se inició en unas condiciones muy duras, y con un presupuesto de $100 000; durante la primera semana de la película, Bruce se torció el tobillo y cogió una fuerte gripe durante su proceso de recuperación, en ocasiones se cortaban las grabaciones por invasión de cucarachas.38​ Bruce y los demás actores perdieron peso durante el rodaje; ellos no comían debido a las malas condiciones en las que se preparaban los alimentos y en su lugar tomaban pastillas vitaminadas para poder aguantar los rodajes.38​ Finalmente, el director, Wu Chai Wsaing es reemplazado por su mal carácter y como reemplazo viene Lo Wei; los problemas entre él y Bruce iniciaron rápidamente.38​ Después de terminar las grabaciones, Bruce y parte del equipo de grabación regresaron a Hong Kong, e inmediatamente, estando aún en el aeropuerto de Kai Tak, realizaron una improvisada rueda de prensa donde anunciaron la fecha de estreno para el 3 de octubre de ese mismo año en Hong-Kong.23​38​
3 días después, Bruce regresó a los Estados Unidos solamente para grabar 3 episodios más de Longstreet, donde apareció como el maestro de artes marciales de Mike Longstreet (James Franciscus).23​ A inicios de octubre, Lee volvió a Hong-Kong para el estreno de The Big Boss; película que se convirtió en un éxito rotundo logrando recaudar en su primer día $372 000, a los tres días alcanza el millón y llega hasta un total de $3 200 000.23​ Tras el estreno de The Big Boss, Bruce se ganó la cúspide de la popularidad china quien le consideraba un héroe nacional.38​
Luego de la película, diversas productoras querían tener a Bruce en sus filas; incluso le hicieron llegar un cheque en blanco con el fin de dejar a Chow.38​ Por otra parte, la Warner Brothers quiso retomar y apurar el proyecto de The Silent Flute, ofreciéndole 25 000 dólares,38​ sin embargo, Lee decidió rechazarlos a todos y cumplir el contrato que tenía con la Golden Harvest, dedicándose por completo a su próxima película Fist of Fury (Furia Oriental o Puños de Furia) donde se explotó la superioridad del Kung Fu sobre las artes marciales japonesas del karate, el judo y la esgrima samurái. Como una forma de conjurar el sentimiento de inferioridad chino frente a la invasión del territorio de Manchuria de parte de los japoneses durante la guerra.23​ El éxito logrado en Fist of Fury superó toda expectativa y logró recaudar 4 431 423 dólares en su natal Hong-Kong, batiendo un récord de taquilla establecido por su anterior película The Big Boss;38​ con esto, Bruce Lee se transformó en una consolidada estrella de películas de artes marciales.

Logotipo de Concord Production Inc.
En 1972 y ya acabado el contrato con Golden Harvest, Raymond Chow le ofreció un nuevo contrato para así volver a trabajar con el director Lo Wei en la película Yellow Faced Tiger,23​39​ pero Bruce se negó ya que él mismo quería dirigir sus propias películas por lo que Bruce y Chow crean la Concord Production Inc., en la cual Bruce aportaba el aspecto creativo y Chow el económico.23​39​
El primer proyecto de Lee y Chow fue Way of the Dragon (El regreso del Dragón o el furor del Dragón), película de la cual Bruce fue actor, guionista, coproductor y director, además se encargó de tocar la percusión en el tema central de la banda sonora.23​ La grabación de este filme se llevó a cabo en Roma donde también actuaron la actriz Nora Miao, el actor Bob Wall y el siete veces campeón mundial de "karate deportivo" en la modalidad de full contact, y estilista de Tang Soo Do, el actor norteamericano Chuck Norris.23​ Luego de un mes de grabaciones en Roma, Bruce volvió a Hong Kong junto a Norris y Wall.23​ Un día después, los tres aparecieron en el programa de televisión "Enjoy Yourself Tonight" para promocionar la película.23​
Bruce Lee tuvo la intención de que Way of the Dragon fuese la primera de una trilogía aunque antes de hacer eso, dio inicio a lo que sería su próxima película, Game of Death (Juego de la Muerte); grabando escenas con sus amigos y discípulos Dan Inosanto, Tse Hon Joi, y Kareem Abdul Jabbar.40​
En diciembre de ese año (1972), Bruce asistió al estreno de Way of the Dragon, película que se convirtió en otro éxito de taquilla dentro del circuito chino, ya que Bruce no quiso que saliera de él, recaudando más de 5 000 000 de dólares y batiendo nuevamente todos los récords establecidos por sus anteriores películas.23​ Esta película es considerada un clásico de las artes marciales y la lucha en el coliseo romano es una de las más memorables en la filmografía de Bruce Lee; es conocida como el combate del siglo.
Unos días después del estreno de Way of the Dragon, Bruce tuvo la intención de seguir con las grabaciones de Game of Death pero esto se vio interrumpido luego de que recibió una oferta de 500,000 dólares por parte de Ted Ahley, presidente de la Warner Brothers, para ser el actor principal y codirector de las escenas de lucha en el filme de artes marciales, Blood and Steel;39​14​ a Bruce no le agradó el nombre y pidió que se llame Enter the Dragon (Operación Dragón), título que los productores aceptaron.41​ Esta fue la primera película de artes marciales chinas en ser producida por un estudio importante de Hollywood (Warner Brothers) en asociación con la compañía Concord Production Inc;39​
Game of Death fue puesto en espera para dar paso a la filmación de Enter the Dragon que inició en enero de 1973, en Hong Kong.23​14​ La producción cinematográfica de esta nueva película era mejor que las anteriores pero aun así, Bruce estaba nervioso ya que era su primer proyecto internacional, lo que hizo retrasar el comienzo de la producción.39​ Hubo problemas con la traducción del guion, además de algunos conflictos culturales, ya que el equipo americano no quería comer comida típica china, también habían lesiones frecuentes por falta de equipos especiales para garantizar la seguridad en las escenas más arriesgadas.39​ Bruce sufrió varias lesiones y accidentes durante la grabación, tal como un corte con una botella que impactó contra él y la mordedura de una cobra.39​ Él se preocupó y trabajó en cada uno de los aspectos de la película, tanto así que en marzo, cuando finalizaron las grabaciones de la película, había perdido peso, además se encontraba inquieto y nervioso; quería que la película sea buena y aceptada por el público occidental.14​39​
Bruce y algunos trabajadores del filme, vieron el proyecto completo de Enter the Dragon en un pre-estreno especial de revisión donde ni la música ni los efectos especiales habían sido añadidos aún; Bruce sintió que finalmente se iba a convertir en una estrella internacional. El estreno se fijó para el 29 de agosto de 1973, en el Grauman's Chinese Theatre (Teatro chino de Hollywood).42​23​
"... Bruce pudo ver la versión final de Enter the Dragon y pudo ver su trabajo terminado. A él le gustó mucho. Entre el día de su muerte en julio y el estreno en agosto, se cortaron algunas escenas de la película, sobre todo las de contenido filosófico. Él tenía mucha determinación y sabía lo que quería comunicar acerca de las artes marciales y su filosofía. Estaba decidido a que su sueño formara parte de la película... Me alegra mucho de que los espectadores conozcan a Bruce con la versión que a él más le gustaba, Bruce se sentiría muy orgulloso de poder decir y de que la gente dijera de él: Él fue un verdadero ser humano. Era vibrante y estaba lleno de vida siendo fiel a si mismo."
Linda Lee Cadwell, sobre Bruce Lee y Enter the Dragon.42​
Enter the Dragon, se exhibió en Hong-Kong 6 días después de su muerte mientras que el estreno en Estados Unidos se dio recién en agosto de ese año. Este tuvo un éxito de taquilla abrumador recaudando 200 000 000 de dólares en su estreno, quedando en segundo lugar, solo por detrás de The Exorcist (que recaudó 357 500 000 de dólares en su estreno),43​ pero superando a otras películas como Serpico de Al Pacino, High Plains Drifter de Clint Eastwood, Cahill U.S. Marshal de John Wayne, entre otras; Bruce Lee se granjeó una fama póstuma entre el público estadounidense y es considerada su obra cumbre. Una de las escenas más recordadas de esta película es la pelea que Lee, nombre del personaje de Bruce, tiene ante Mr. Han (Shih Kien) en la sala de los espejos. Dicha película fue catalogada en el 2004 como "culturalmente significante e importante" por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos (Library of Congress) y fue seleccionada para ser preservada en el Registro Nacional de Cine (National Film Registry) de dicho país.44​45​46​
Game of Death fue la siguiente película en su filmografía; esta se comenzó a grabar a finales de 1972, antes de iniciar Enter the Dragon, por lo que Bruce Lee solo grabó 40 minutos del filme antes de su prematura y polémica muerte.14​ El largometraje fue terminado por la Golden Harvest y se estrenó en 1978, haciendo uso de un doble y notorios ―hasta burdos― montajes. Solo se añadieron 11 minutos del rodaje inicial.47​
Últimos meses y fallecimiento[editar]
Artículo principal: Betty Ting Pei

La tumba de Bruce Lee está junto a la de su hijo Brandon en el cementerio Lakeview de Seattle.
Bruce Lee tuvo una vida muy corta, falleció en Kowloon, Hong Kong, el 20 de julio de 1973 con tan solo 32 años de edad debido a una hipersensibilidad alérgica al meprobanato, uno de los componentes químicos del Equagesic, un analgésico para el dolor de cabeza.14​ Meses antes de fallecer, Bruce había tenido diversos desmayos, exactamente desde inicios de 1973, de los que logró recuperarse rápidamente.3​48​
El 10 de mayo de 1973, durante una de las sesiones de doblaje de Enter the Dragon en los estudios Golden Harvest, Bruce empezó sentirse mal y decidió ir al baño para refrescarse, en dicho lugar comenzó a tener convulsiones y vómitos hasta que finalmente sufrió un colapso, a raíz del cual pierde el conocimiento.48​ La gente que se encontraba en los estudios Golden Harvest notaron que Bruce se tardaba mucho tiempo por lo que fueron a buscarle. Cuando entraron, lo encontraron en el suelo y rápidamente lo llevaron a un hospital donde lo examinaron a fondo.48​23​ El neurocirujano Peter Woo, doctor que lo atendió, no sabía exactamente a qué se debía la hinchazón cerebral que presentaba, pero, con el fin de tratarle y reducirle la inflamación, le administraron mannitol; le salvaron la vida en aquella ocasión.48​ Bruce comenzó a recuperar el sentido inmediatamente; sin embargo, no podía hablar y tardó varios días en recuperarse por completo.48​
Ese mismo mes, tras terminar la post-producción de Enter the Dragon, Bruce vuelve a Los Ángeles para realizarse un examen médico completo en la UCLA (Universidad de California).48​ El resultado arrojó un resultado positivo para Bruce ya que le dijeron que tenía la salud y el cuerpo de una persona de 18 años; además, no se encontró ninguna anomalía. Le explicaron que la pérdida de conocimiento que tuvo unos días antes fue producida por un edema cerebral, con un exceso de líquido que rodeaba al cerebro.48​ A Bruce le recetaron dilatin, un medicamento que calma la actividad del cerebro.48​
El 10 de julio de ese año, Bruce tuvo un altercado con su antiguo director, Lo Wei, en los estudios Golden Harvest.23​ Lo Wei afirmaba que Bruce lo había amenazado con un cuchillo. Este incidente llegó a oídos de la prensa y ocasionó que Bruce fuera invitado al programa "Enjoy Yourself Tonight", donde habla sobre el incidente.23​ Ésta fue la última aparición televisiva que Bruce hizo en vida.23​
El 20 de julio de 1973 (diez días después de aquel incidente), Bruce Lee estaba en su casa de Kowloon discutiendo el guion de Game of Death con Raymond Chow. Entre los dos eligieron a la actriz taiwanesa Betty Ting Pei para un papel femenino importante en la película. Después de esto, Chow regresó a su casa pero antes acordó con Bruce y el actor George Lazenby tener una cena la noche de aquel día; Chow quería que Lazenby trabajase en la película Game of Death.48​ Unas horas después, Bruce se dirigió a la casa de Betty Ting Pei con el fin de tratar el guion de la película. Estando en el apartamento de su amiga, alrededor de las 2 de la tarde de ese día, Lee sintió un profundo y agobiante dolor de cabeza. Betty, según su versión que es considerada oficial, le proporcionó un analgésico con receta médica llamado Equagesic (combinación de aspirina y el tranquilizante meprobanato), que le sumió en una profunda inconsciencia de la cual ya no volvería, entrando en estado de coma.14​
A las 9 de la noche, Raymond Chow llamó por teléfono a casa de Betty para saber por qué Bruce no había asistido a la cena como habían acordado. Betty le respondió que no podía molestar a Bruce porque estaba durmiendo. Cuando se dirigió al dormitorio para intentar despertarlo, no respondía, había entrado en un estado de coma.48​ A los 10 minutos, llegó un médico de urgencias a la casa de Betty e intentó reanimar a Bruce, pero viendo que no respondía llamaron a una ambulancia que llegó alrededor de las 10 de la noche y que lo llevó al Queen Elizabeth Hospital.48​ Raymond llamó por teléfono a la esposa de Bruce, Linda, para avisarle lo que estaba sucediendo.48​23​ Cuando Bruce llegó al hospital, los doctores lo ingresaron en cuidados intensivos y comenzaron a darle masajes cardíacos para su reanimación, seguido de descargas eléctricas, pero no sirvieron de nada, ya que Bruce Lee había ingresado sin vida al hospital.48​14​
Actualmente todavía se especula sobre las causas de su muerte. Chow afirmó en una entrevista en 2005 que la muerte de Bruce Lee se había debido a una reacción alérgica al meprobamato (componente del Equagesic que describió como un ingrediente habitual en los analgésicos), una interpretación respaldada también por el forense Donald Teare. No obstante, Filkins, un médico de gran prestigio, afirmó que la explicación oficial en torno a la causa de la muerte de Lee es errónea, puesto que en las reacciones alérgicas a los fármacos se suelen presentar indicios como hinchazón irregular en el cuello o insuficiencia respiratoria. En vez de eso, Filkins piensa que Lee murió a causa de un síndrome de muerte súbita inesperada, derivada de la epilepsia Sudep, síndrome que no se identificó hasta 1995.
Lee tenía casi 33 años y los médicos aseguraron que su cuerpo no representaba más de 18-20 años biológicos. Recientemente se ha dicho como otra causa atribuible, que su deceso se debió a un aneurisma que le provocó el dolor de cabeza y finalmente lo llevó a la muerte.3​ Su muerte sorprendió al público de Hong Kong y en un principio se atribuyó como falsa la información. La autopsia de Lee demostró que su cerebro se había inflamado masivamente comprimiéndose dentro de la caja craneal. No había lesiones externas visibles, pero tenía Equagesic en su organismo.3​
Cerca de 20.000 personas se congregaron ante la fachada del establecimiento de Pompas Fúnebres de Kowloon donde estaba su ataúd de bronce, abierto por la parte superior, que había costado 40.000 dólares. El funeral que siguió fue apoteósico en Hong Kong; la multitud de admiradores fue tan impresionante que el ambiente donde estaba el ataúd de Lee era sofocante. En el traslado de la caja fúnebre de Hong Kong a Seattle, donde al fin fue sepultado, tuvo que cambiarse la caja fúnebre, ya que con la humedad o condensación, el forro blanco con que estaba forrada la caja se tiñó de azul, debido al traje de Bruce.3​
Finalmente fue enterrado en el cementerio de Lake View en Capitol Hill, Seattle, Estados Unidos. En marzo de 1993, su hijo Brandon, fallecido tras recibir un disparo accidental, fue enterrado a su lado.3​48​23​14​
Vida privada[editar]

Bruce Lee y su hijo Brandon en 1966.
En marzo de 1961, Bruce Lee estudió en la Universidad de Washington y se especializó en filosofía; durante el otoño de 1962, comenzó a dar clases de kung fu en el Restaurante "Space Needle" en Seattle y fue durante el transcurso de una de sus clases que conoció a una chica llamada Linda Emery Cadwell (mujer caucásica de padres de nacionalidad inglesa y sueca), ella había sido invitada por uno de los amigos de Bruce.49​ Luego de salir un tiempo, se hicieron novios. Durante el año 1963, Bruce abrió el "Jun Fan Gung Fu Inst
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Quien sabe de dolor todo lo sabe (Dante Alighieri)

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Quien sabe de dolor todo lo sabe (Dante Alighieri)

(Florencia, 1265 - Rávena, 1321) Poeta italiano. Si bien sus padres, Alighiero de Bellincione y Gabriella (Bella), pertenecían a la burguesía güelfa florentina, Dante aseguró siempre que procedía de familia noble, y así lo hizo constar en el Paraíso (cantos XV y XVI), en donde trazó un vínculo... Ver mas
(Florencia, 1265 - Rávena, 1321) Poeta italiano. Si bien sus padres, Alighiero de Bellincione y Gabriella (Bella), pertenecían a la burguesía güelfa florentina, Dante aseguró siempre que procedía de familia noble, y así lo hizo constar en el Paraíso (cantos XV y XVI), en donde trazó un vínculo familiar con su supuesto antepasado Cacciaguida, quien habría sido armado caballero por el emperador Conrado II de Suabia.


Dante Alighieri

Durante sus años de estudio Dante Alighieri coincidió con el poeta Guido Cavalcanti, representante del dolce stil nuovo, unos quince años mayor que él, con quien intimó y de quien se convirtió en discípulo. Según explica en su autobiografía más o menos recreada poéticamente Vida nueva, en 1274 vio por primera vez a Beatriz Portinari, cuando ella contaba ocho años y él tan sólo uno más; el apasionado y platónico enamoramiento de Dante tendría lugar al coincidir de nuevo con ella nueve años más tarde.

En 1285 Dante tomó parte en el asedio de Poggio di Santa Cecilia, defendido por los aretinos, y dos años más tarde se trasladó a Bolonia, quizás a estudiar, si bien se tienen dudas en lo referente a su paso por la universidad de dicha ciudad. Sí que hay pruebas, en cambio, de su participación (en calidad de «feritore» de a caballo) en la batalla de Campaldino, en la cual se enfrentó a los gibelinos de Arezzo.

En 1290 murió Beatriz, y un año más tarde Dante contrajo matrimonio con Gemma di Manetto, con quien tuvo cuatro hijos. En 1295 se inscribió en el gremio de médicos y boticarios, y a partir del mes de noviembre empezó a interesarse por la política municipal florentina; entre mayo y septiembre del año siguiente fue miembro del Consejo de los Ciento, y en 1298 participó en la firma del tratado de paz con Arezzo. En 1300, y en calidad de embajador, se trasladó a San Gimignano para negociar la visita de representantes de la Liga Güelfa a Florencia, y entre el 15 de junio y el 14 de agosto ocupó el cargo de prior, máxima magistratura florentina.

En octubre de 1301, y tras oponerse al envío de tropas para ayudar al papa Bonifacio VIII, Dante fue designado embajador ante el pontífice, a quien ofreció un tratado de paz. El Papa, sin embargo, lo retuvo en Roma en contra de su voluntad, con la intención de ayudar en Florencia a la facción güelfa opuesta a la de Dante, sector que a la postre se hizo con el control de la ciudad y desterró a sus oponentes.



Acusado de malversación de fondos, Dante fue condenado a multa, expropiación y exilio, y más tarde a muerte en caso de que regresara a Florencia. A partir de esta fecha Dante inició un largo exilio que iba a durar el resto de su vida: residió en Verona, Padua, Rímini, Lucca y, finalmente, Ravena, ciudad en la cual fue huésped de Guido Novello de Polenta y donde permaneció hasta su muerte.

Obras de Dante Alighieri

La influencia de la poesía trovadoresca y estilnovista sobre Dante Alighieri queda reflejada en su Vida nueva, conjunto de poemas y prosas dirigidos a Beatriz, razón de la vida del poeta y también de sus tormentos, y en sus Rime Petrose, dirigidas a una amada supuesta, a la que escribe sólo para disimular ante los demás su verdadero amor. El juego poético-amoroso oscila entre la pasión imposible y la espiritualizada idealización de la figura de la amada, aunque las rígidas formas del estilnovismo adquieren una fuerza y sinceridad nuevas en manos de Dante.

El experimentalismo de los poemas de Dante Alighieri y la búsqueda consciente de un estilo propio culminarán finalmente en La Divina Comedia, una de las cumbres de la literatura universal. Dividida en en tres cantos (el Infierno, el Purgatorio y el Paraíso) y escrita en tercetos, se resume en ella toda la cosmología medieval mediante la presentación del recorrido del alma de Dante, guiada primero por Virgilio y más adelante por Beatriz, en la expiación de sus pecados. Con un lenguaje vívido y de gran riqueza expresiva, el poeta mezcla los elementos simbólicos con referencias a personajes históricos y mitológicos, hasta construir una equilibrada y grandiosa síntesis del saber acumulado por el hombre desde la Antigüedad clásica hasta la Edad Media.

Más información en el monográfico sobre Dante.



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La peor soledad es no estar cómodo contigo mismo (Mark Twain)

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La peor soledad es no estar cómodo contigo mismo (Mark Twain)

(Samuel Langhorne Clemens; Florida, EE UU, 1835 - Redding, id., 1910) Escritor estadounidense. Aventurero incansable, encontró en su propia vida la inspiración para sus obras literarias. Creció en Hannibal, pequeño pueblo ribereño del Mississippi. A los doce años quedó huérfano de padre... Ver mas
(Samuel Langhorne Clemens; Florida, EE UU, 1835 - Redding, id., 1910) Escritor estadounidense. Aventurero incansable, encontró en su propia vida la inspiración para sus obras literarias. Creció en Hannibal, pequeño pueblo ribereño del Mississippi. A los doce años quedó huérfano de padre, abandonó los estudios y entró como aprendiz de tipógrafo en una editorial, a la vez que comenzó a escribir sus primeros artículos periodísticos en redacciones de Filadelfia y Saint Louis.


Mark Twain

Con dieciocho años decidió abandonar su hogar e iniciar sus viajes en busca de aventuras y, sobre todo, de fortuna. Trabajó como tipógrafo durante un tiempo en su región, para después dirigirse a Nueva Orleans; de camino se enroló como aprendiz de piloto de un vapor fluvial, profesión que le entusiasmaba y que desempeñó durante un tiempo, hasta que la guerra de Secesión de 1861 interrumpió el tráfico fluvial, poniendo fin a su carrera de piloto.

Posteriormente se dirigió hacia el oeste, a las montañas de Nevada, donde trabajó en los primitivos campos de mineros. Su deseo de hacer fortuna lo llevó a buscar oro, sin mucho éxito, por lo que se vio obligado a trabajar como periodista, escribiendo artículos que enseguida cobraron un estilo personal. Su primer éxito literario le llegó en 1865, con el cuento corto La famosa rana saltarina de Calaveras, que apareció en un periódico firmado ya con el seudónimo de Mark Twain, nombre técnico de los pilotos que significa «marca dos sondas».

Como periodista, viajó a San Francisco, donde conoció al escritor Bret Harte, quien le animó a proseguir su carrera literaria. Empezó entonces una etapa de continuos viajes, como periodista y conferenciante, que le llevaron a Polinesia y Europa, y cuyas experiencias relató en el libro de viajes Los inocentes en el extranjero (1869), al que siguió A la brega (1872), en el que recrea sus aventuras por el Oeste.

Tras contraer matrimonio en 1870 con Olivia Langdon, se estableció en Connecticut. Seis años más tarde publicó la primera novela que le daría fama, Las aventuras de Tom Sawyer, basada en su infancia a orillas del Mississippi. Antes había escrito una novela en colaboración con C. D. Warner, La edad dorada (1873), considerada bastante mediocre.

Sin embargo, su talento literario se desplegó plenamente con Las aventuras de Huckleberry Finn (1882), obra ambientada también a orillas del Mississipi, aunque no tan autobiográfica como Tom Sawyer, y que es sin duda su obra maestra, e incluso una de las más destacadas de la literatura estadounidense, por la que ha sido considerado el Dickens norteamericano. Cabe destacar también Vida en el Mississippi (1883), obra que, más que una novela, es una espléndida evocación del Sur, no exenta de crítica, a raíz de su trabajo como piloto.



Con un estilo popular, lleno de humor, Mark Twain contrapone en estas obras el mundo idealizado de la infancia, inocente y a la vez pícaro, con una concepción desencantada del hombre adulto, el hombre de la era industrial, de la "edad dorada" que siguió a la guerra civil, engañado por la moralidad y la civilización. En sus obras posteriores, sin embargo, el sentido del humor y la frescura del mundo infantil evocado dejan paso a un pesimismo y a una amargura cada vez más patente, aunque expresada con ironía y sarcasmo.

Una serie de desgracias personales, entre ellas la muerte de una de sus hijas y de su esposa, así como un grave quebranto económico, ensombrecieron los últimos años de su vida. En una de sus últimas obras, El forastero misterioso, manifiestaba que se sentía como un visitante sobrenatural, llegado con el cometa Halley, y que había de abandonar la Tierra con la siguiente reaparición del cometa, tal como efectivamente sucedió.



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El hombre que más ha vivido no es aquél que más años ha cumplido, sino aquél que más ha experimentado la vida (Jean-Jacques Rousseau)

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El hombre que más ha vivido no es aquél que más años ha cumplido, sino aquél que más ha experimentado la vida (Jean-Jacques Rousseau)

(Ginebra, Suiza, 1712 - Ermenonville, Francia, 1778) Filósofo suizo. Junto con Voltaire y Montesquieu, se le sitúa entre los grandes pensadores de la Ilustración en Francia. Sin embargo, aunque compartió con los ilustrados el propósito de superar el oscurantismo de los siglos precedentes, la... Ver mas
(Ginebra, Suiza, 1712 - Ermenonville, Francia, 1778) Filósofo suizo. Junto con Voltaire y Montesquieu, se le sitúa entre los grandes pensadores de la Ilustración en Francia. Sin embargo, aunque compartió con los ilustrados el propósito de superar el oscurantismo de los siglos precedentes, la obra de Jean-Jacques o Juan Jacobo Rousseau presenta puntos divergentes, como su concepto de progreso, y en general más avanzados: sus ideas políticas y sociales preludiaron la Revolución Francesa, su sensibilidad literaria se anticipó al romanticismo y, por los nuevos y fecundos conceptos que introdujo en el campo de la educación, se le considera el padre del pedagogía moderna.

Biografía

Huérfano de madre desde temprana edad, Jean-Jacques Rousseau fue criado por su tía materna y por su padre, un modesto relojero. Sin apenas haber recibido educación, trabajó como aprendiz con un notario y con un grabador, quien lo sometió a un trato tan brutal que acabó por abandonar Ginebra en 1728.


Jean-Jacques Rousseau (retrato de Maurice Quentin de La Tour, 1753)

Fue entonces acogido bajo la protección de la baronesa de Warens, quien le convenció de que se convirtiese al catolicismo (su familia era calvinista). Ya como amante de la baronesa, Jean-Jacques Rousseau se instaló en la residencia de ésta en Chambéry e inició un período intenso de estudio autodidacto.

En 1742 Rousseau puso fin a una etapa que más tarde evocó como la única feliz de su vida y partió hacia París, donde presentó a la Academia de la Ciencias un nuevo sistema de notación musical ideado por él, con el que esperaba alcanzar una fama que, sin embargo, tardó en llegar. Pasó un año (1743-1744) como secretario del embajador francés en Venecia, pero un enfrentamiento con éste determinó su regreso a París, donde inició una relación con una sirvienta inculta, Thérèse Levasseur, con quien acabó por casarse civilmente en 1768 tras haber tenido con ella cinco hijos.

Rousseau trabó por entonces amistad con los ilustrados, y fue invitado a contribuir con artículos de música a la Enciclopedia de D'Alembert y Diderot; este último lo impulsó a presentarse en 1750 al concurso convocado por la Academia de Dijon, la cual otorgó el primer premio a su Discurso sobre las ciencias y las artes, que marcó el inicio de su fama.


Jean-Jacques Rousseau (óleo de Allan Ramsay, 1766)

En 1754 visitó de nuevo Ginebra y retornó al protestantismo para readquirir sus derechos como ciudadano ginebrino, entendiendo que se trataba de un puro trámite legislativo. Apareció entonces su Discurso sobre el origen de la desigualdad entre los hombres, escrito también para el concurso convocado en 1755 por la Academia de Dijon. Rousseau se opuso en esta obra a la concepción ilustrada del progreso, considerando que los hombres en estado natural son por definición inocentes y felices, y que son la cultura y la civilización las que imponen la desigualdad entre ellos (en especial a partir del establecimiento de la propiedad) y acarrean la infelicidad.

En 1756 se instaló en la residencia de su amiga Madame d'Épinay en Montmorency, donde redactó algunas de sus obras más importantes. Julia o la nueva Eloísa (1761) es una novela sentimental inspirada en su pasión -no correspondida- por la cuñada de Madame d'Épinay, la cual fue motivo de disputa con esta última.

En El contrato social (1762), Rousseau intenta articular la integración de los individuos en la comunidad; las exigencias de libertad del ciudadano han de verse garantizadas a través de un contrato social ideal que estipule la entrega total de cada asociado a la comunidad, de forma que su extrema dependencia respecto de la ciudad lo libere de aquella que tiene respecto de otros ciudadanos y de su egoísmo particular. La voluntad general señala el acuerdo de las distintas voluntades particulares, por lo que en ella se expresa la racionalidad que les es común, de modo que aquella dependencia se convierte en la auténtica realización de la libertad del individuo, en cuanto ser racional.


Ilustración de Emilio o De la educación (1762)

Finalmente, Emilio o De la educación (1762) es una novela pedagógica, cuya parte religiosa le valió la condena inmediata por parte de las autoridades parisinas y su huida a Neuchâtel, donde surgieron de nuevo conflictos con las autoridades locales, de modo que, en 1766, aceptó la invitación de David Hume para refugiarse en Inglaterra, aunque al año siguiente regresó al continente convencido de que Hume tan sólo pretendía difamarlo. A partir de entonces Rousseau cambió sin cesar de residencia, acosado por una manía persecutoria que lo llevó finalmente de regreso a París en 1770, donde transcurrieron los últimos años de su vida, en los que redactó sus escritos autobiográficos.

La obra de Jean-Jacques Rousseau

Considerado unánimemente una de las máximas figuras de la Ilustración, Jean-Jacques Rousseau aportó obras fundamentales a la teorización del deísmo (Profesión de fe del vicario saboyano), la creación de una nueva pedagogía (Emilio), la crítica del absolutismo (Discurso sobre el origen y el fundamento de la desigualdad entre los hombres, El contrato social), la controversia sobre el sentido del progreso humano (Discurso sobre las ciencias y las artes), el auge de la novela sentimental (Julia o la nueva Eloísa) y el desarrollo del género autobiográfico (Confesiones). En suma, Rousseau abordó los grandes temas de su época y participó activamente en todos los debates intelectuales que apasionaron al siglo.

Sin embargo, al tiempo que es un hombre representativo de la ideología ilustrada (con sus presupuestos basados en la razón, la naturaleza, la tolerancia y la libertad), Rousseau anuncia algunas corrientes que se difundirán a partir de la Revolución. Así, por un lado, el pensador ginebrino puso en circulación determinadas ideas que cuestionaban el optimismo radical de las Luces: la perfección del estado de naturaleza frente a la corrupción de la sociedad comprometía la confianza en el progreso de los ilustrados; la idealización del buen salvaje se enfrentaba a la del "innoble salvaje" de los economistas que estudiaban los medios para el desarrollo material de la humanidad, y el énfasis sobre el sentimiento y la voluntad podía mermar la confianza ilustrada en el imperio de la razón.



Por otro lado, sus propuestas políticas no sólo desbarataban las ilusiones puestas en el reformismo benevolente de los déspotas ilustrados, sino que ofrecían un modo alternativo de organización de la sociedad y lanzaban una inequívoca consigna contra el absolutismo de derecho divino al defender el principio de la soberanía nacional y la voluntad general de la comunidad de los ciudadanos.

De este modo, Rousseau se situaba en la encrucijada de la Ilustración, alimentando al mismo tiempo las corrientes subterráneas que inspiraron el prerromanticismo y las fuentes doctrinales de donde brotará pujante la Revolución. Pese a esgrimir argumentos no demasiado sólidos, su primer texto importante, el Discurso sobre las ciencias y las artes (1750), es la clave para entender su reticencia frente al optimismo racionalista que creía firmemente en el progreso de la civilización.

Rousseau se alejaba ya en esta obra del pensamiento ilustrado al atribuir escasa importancia al perfeccionamiento de las ciencias y conceder mayor valor a las facultades volitivas que a la razón. Contestando la unilateralidad de una visión del progreso ceñida al ámbito técnico y material, en detrimento del moral y cultural, denunció la incongruencia que suponía denominar progreso humano a lo que era un mero desarrollo tecnológico. Aunque se había avanzado en el dominio de la naturaleza y se había aumentado el patrimonio artístico, la civilización no había hecho al hombre más libre, más feliz o más bondadoso.


Jean-Jacques Rousseau

La empresa de dilucidar los efectos de la organización social sobre la naturaleza humana la acometió en el Discurso sobre el origen y el fundamento de la desigualdad entre los hombres (1755). Si en escritos anteriores ya había teorizado sobre la bondad natural del hombre y el efecto corruptor de la sociedad, ahora pasó a desarrollar la idea del buen salvaje. En un primitivo estado de naturaleza no existían entre los humanos desigualdades relevantes (sólo las derivadas de la biología) y los hombres no eran ni buenos ni malos, sino simplemente "amorales". Una serie de causas externas empujaron a los hombres a agruparse y prestarse ayuda mutua para determinadas empresas, y en el transcurso de esa asociación nacieron las pasiones que transformaron su espíritu.

Ese "estado de naturaleza" era esencialmente un concepto teórico, pero ofrecía a Rousseau la base para condenar las injusticias del mundo de su tiempo, advertir sobre la corrupción reinante y desenmascarar el desorden de la sociedad civil. Así, partiendo de un estadio asociativo primitivo e idílico, nucleado en torno a la familia y más tarde traspasado a la comunidad (a la que inspiraba la solidaridad y guiaba la costumbre y no la ley, repartiéndose el fruto de la caza), llegó a determinar el momento de la fractura: la aparición de la agricultura, la minería y, por ende, la propiedad privada y la acumulación de riquezas en manos de unos pocos.

El proceso continuaba con la aparición de la servidumbre, consistente en que los desposeídos ofrecían su trabajo a cambio de la protección de los poderosos. Los abusos propiciaron la desconfianza mutua y la necesidad de prevenir el crimen, por lo que se hizo necesaria la instauración de un gobierno y la promulgación de leyes para la protección de la propiedad privada. Si hasta aquí el esbozo de esta evolución no era nuevo (ya había sido apuntado por John Locke), la originalidad consistía en matizar que el proceso se había operado en defensa de la propiedad de los ricos; de ahí el carácter revolucionario de la hipótesis.


Primera edición de El contrato social (1762)

Claro es que Rousseau no abogaba por la abolición de la propiedad privada, a la que consideraba un hecho irreversible y por tanto inherente al estado de sociedad, sino que apuntaba hacia la mejora de la situación a través del perfeccionamiento de la organización política. En cuanto diagnosis del origen de la injusticia social y la infelicidad del hombre, el Discurso tiene en efecto su necesario complemento en otra de sus obras fundamentales, El contrato social (1762), con su propuesta de una nueva sociedad fundada sobre un pacto libremente aceptado por los individuos, de los que emana una voluntad general que se expresa en la ley y que concilia la libertad individual con un orden social justo.

Si bien no es posible contraponer una Ilustración de la razón y otra del sentimiento (pues precisamente entre los fenómenos más característicos de las Luces se encuentran la exaltación de la naturaleza, la revolución de la afectividad o el triunfo de la privacidad), no cabe duda de que el énfasis rousseauniano sobre la reivindicación del sentimiento frente a la razón pura, la idealización arcádica de la naturaleza y la indagación obstinada en el secreto reducto de la intimidad son elementos que preludian la aparición del nuevo clima espiritual del prerromanticismo.

En este sentido, Rousseau colaboró decisivamente en la difusión de una estética del sentimiento con la publicación de su novela La nueva Eloísa (1761), aunque no sea ni el único escritor de novelas sentimentales ni el único responsable de los melodramas lacrimógenos que siguieron (las denominadas pleurnicheries). La bondad del hombre en un ideal estado de naturaleza es la base de una obra destinada a inaugurar la pedagogía moderna: Emilio o De la educación (1762); por ello la labor educativa ha de llevarse a cabo al margen de la sociedad y de sus instituciones y no consiste en imponer normas o dirigir aprendizajes, sino en impulsar el desarrollo de las inclinaciones espontáneas del niño facilitando su contacto con la naturaleza, que es sabia y educativa.



Por otro lado, sus Confesiones (publicadas póstumamente en 1782 y 1789) representan, en un siglo inclinado a la autobiografía, un ejemplo excepcional de introspección personal y de exhibición extremada de la propia intimidad, en un grado que no se alcanzaría hasta el pleno romanticismo. Finalmente, no resulta extraño que la muerte le sorprendiera meditando en la soledad de los jardines a la inglesa del castillo de Ermenonville, donde le había invitado el marqués de Girardin, mientras se entregaba al ilustrado placer de la herborización, tal como había dejado descrito en Las ensoñaciones del paseante solitario, publicadas también póstumamente en 1782.

La dualidad de la figura y la obra de Rousseau no pasó desapercibida a sus coetáneos, como demuestran las palabras de Goethe: "Con Voltaire termina un mundo, con Rousseau comienza otro". Un mundo que, por un lado, conducía al romanticismo (debido al avance del irracionalismo, la exacerbación del sentimentalismo, el auge de los nacionalismos y la revalorización de las oscuras edades medievales) y, por otro, a la Revolución.



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Sé tú, e intenta ser feliz, pero sobre todo, sé tú (Charles Chaplin)

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Sé tú, e intenta ser feliz, pero sobre todo, sé tú (Charles Chaplin)

Las tres primeras décadas del siglo XX presenciaron el nacimiento y esplendor del cine mudo y la aparición de talentosos actores y cineastas que gozaron de una inmensa popularidad. De todos ellos, ninguno llegaría a alcanzar un reconocimiento tan unánime entre el público y la crítica como el... Ver mas
Las tres primeras décadas del siglo XX presenciaron el nacimiento y esplendor del cine mudo y la aparición de talentosos actores y cineastas que gozaron de una inmensa popularidad. De todos ellos, ninguno llegaría a alcanzar un reconocimiento tan unánime entre el público y la crítica como el británico Charles Chaplin (1889-1977), considerado uno de los grandes genios de la historia del séptimo arte.


Charles Chaplin caracterizado como Charlot

Creador del tierno y humanísimo Charlot, personaje más universal si cabe que el mismo actor y cineasta, Charles Chaplin sobrepasó en su filmografía de madurez la idiosincrasia meramente lúdica del género cómico para transmitir al público su perspectiva crítica sobre el capitalismo salvaje, el auge de los totalitarismos y la deshumanización del mundo moderno. La profundidad de tales cargas, cuya vigencia comprobamos al revisitar sus películas, llegaron a ponerlo en el punto de mira de la «caza de brujas» estadounidense, hasta el punto de forzar el regreso a su país: ningún hecho ilustra mejor su insobornable condición de artista comprometido.

Biografía

Los padres de Charles Spencer Chaplin eran cantantes y actores de variedades de origen judío que, en su momento, alcanzaron un razonable éxito. Especialmente la madre, Hannah Hili, hija de un zapatero, menuda, graciosa y con una agradable voz. El niño nació a las ocho de la tarde del 16 de abril de 1889 en la calle londinense de East Lane, Walworth.

No era un buen momento para la familia. El padre, Charles, había abandonado el hogar en pos de su afición alcohólica, y Hannah se vio obligada a mantener por sí sola a sus hijos Sydney y Charles. Estaba en la cumbre de su carrera artística con el pseudónimo de Lily Harvey, pero comenzaba a fallarle la voz. En 1894, durante una función en Aldershot, su gorjeo se quebró en medio de una canción. El empresario envió a escena al pequeño Charles, de cinco años, que imitó la voz de Lily incluyendo el desfallecimiento final, para gran diversión del público. Ése fue su debut artístico.


Chaplin en A Night Out (Charlot trasnochador, 1915)

El fracaso y la falta de dinero trastornaron la salud mental de Hanna Hill, que comenzó a dar muestras de extravío. Ella y los niños pasaron a vivir en el asilo de la calle Lambeth. Sydney y Charlie asistieron un tiempo a la escuela para niños pobres de Hanwell, sufriendo su severa disciplina y las burlas de los niños más afortunados. En 1896 el estado de Hannah obligó a recluirla en un sanatorio frenopático. Al año siguiente, Charlie se unió a los Eight Lancashire Lads (Los ocho muchachos de Lancashire), un grupo de actores juveniles aficionados que hacían giras por los pueblos. Más tarde formó parte de otras compañías ambulantes, ya profesionales aunque muy modestas. En 1898 murió el padre, mientras Charlie Chaplin era ya un experto actor infantil.

En 1901, con doce años, representó el rol de protagonista en Jim, the Romance of a Cockney, y cuatro años más tarde realizó una gira con The Painful Predicament of Sherlock Holmes. El año 1906 fue afortunado para el joven cómico. Se inició con un contrato en el Casey Court Circus como una de las primeras atracciones, y finalizó con otro contrato para la célebre compañía de pantomimas de Fred Karno, en la que también actuaba Stan Laurel.

Los comienzos en Hollywood

A los diecinueve años Charlie vivió el primero de sus numerosos e intensos romances, al enamorarse perdidamente de la joven actriz Hetty Kelly. Con Fred Karno el futuro Charlot había perfeccionado y diversificado sus notables recursos mímicos, y el director lo incluyó en la troupe que realizaba una gira a París en 1909 y al año siguiente otra de seis meses por Estados Unidos. Fue la época en que Mack Sennett obtuvo un gran éxito con sus filmes cortos de bañistas y policías, basados en corridas, gesticulaciones exageradas, palos y peleas con tartas de crema. Sennett adivinaba las posibilidades cinematográficas de la mímica más refinada y compleja de Chaplin, y cuando éste realizó su segunda gira en 1912 lo convenció para que se incorporase a su productora, la Keystone.


El aventurero (1917)

Charlie Chaplin llegó a Hollywood en la primavera de 1913, y comenzó a trabajar en noviembre. El 2 de febrero de 1914 se estrenaba su primera película, Making a Living (Ganándose la vida, también conocida como Charlot periodista). En ese mismo año rodó 35 films de un rollo (cortos de entre doce y dieciséis minutos de duración), escritos y dirigidos por Sennett, el propio Charles u otros directores. Todavía sus caracterizaciones eran sólo esbozos del vagabundo ingenuo y sentimental que le daría fama en todo el mundo, pero como Chaplin interpretaba en cada uno un oficio o situación distinta, se los bautizaría luego como Charlot bailarín, Charlot camarero, Charlot de conquista, Charlot ladrón elegante, etc.

El éxito fue arrollador, y en 1915 la productora Essanay le robó a Sennett su estrella por un contrato de 1.500 dólares a la semana, una cifra fabulosa para un cómico de cine mudo, que en Keystone venía cobrando diez veces menos. Con la Essanay, Chaplin pasó a escribir y dirigir los catorce films que rodó ese año. Tenían ya una duración de dos rollos, una trama más complicada que introducía toques románticos y melancólicos en la receta humorística, y un guión meticulosamente estructurado y ensayado.



En todos ellos Chaplin era el protagonista absoluto (en alguno en rol femenino), y en la mayoría su partenaire era Edna Purviance. Cabe recordar A Night in the Show, The Champion, A Night Out y sobre todo The Tramp (El vagabundo), en la que redondeaba el personaje que luego se conocería como Charlot. Él mismo contaría después que fue escogiendo casi al azar -como lo haría un vagabundo real- el sombrero, el bastón, los anchos pantalones, la chaqueta estrecha y los zapatones. El resultado fue el atuendo más famoso y perdurable en la historia del cine.

La celebridad de Chaplin y su personaje era ya universal (el nombre de Charlot se lo daría en 1915 el distribuidor de sus filmes en Francia), y el exitoso mimo cambió nuevamente de productora en 1916. Con la Mutual realizaría doce películas en dos años, entre ellas The Pawnshop (El prestamista), Easy Street (La calle de la paz) y especialmente The Immigrant (El inmigrante), las tres con Edna Purviance. A principios de 1918 la First National contrató a Charlie Chaplin por la cifra récord de un millón de dólares anuales. Fue también el año de la primera de sus bodas con jovencitas casi adolescentes. Su matrimonio con la actriz secundaria de diecinueve años Mildred Harris, celebrado el 23 de octubre, duraría hasta 1920; el divorcio le costó a Charles 200.000 de sus preciosos dólares.


Chaplin en El chico (1920)

También en 1918 realizó una gira para vender bonos de guerra junto a otras dos superestrellas de la época: Mary Pickford (llamada «La novia de América») y el galán acrobático Douglas Fairbanks. Con la First National filmó doce películas entre ese año y 1922, algunas tan clásicas en su filmografía como A Dog Life (Vida de perro) y Shoulder Arms (Armas al hombro). Y también la que se considera su primera obra maestra, en la que cinceló su estilo tragicómico, crítico y sutilmente conmovedor: The Kid (El chico), con Jackie Coogan, la infaltable Purviance y seis rollos de duración. En 1921 regresó por primera vez a Europa para el estreno de esa película y recibió una recepción multitudinaria, al tiempo que la severa crítica europea lo consagraba como un genio del cine.

Ya en 1919 Chaplin, Pickford y Fairbanks, junto al director David W. Griffith (sin duda otro genio del cine) habían constituido la productora independiente United Artists, pero Chaplin no trabajó para ésta hasta no acabar su contrato con la First National. En 1923, con productora propia, sólida fortuna personal y una suntuosa mansión en Beverly Hills, se sintió al fin con las manos libres para desarrollar sin ataduras su creatividad. Ese año dirigió, sin actuar, la excelente A Woman of Paris, con su admirada Edna y Adolphe Menjou. El multifacético creador tenía ya treinta y cinco años, y el 24 de noviembre de 1924 contrajo matrimonio en México con la jovencísima actriz Lolita McMurray (o Lita Grey), de sólo dieciséis años. La unión duró hasta 1927 y Chaplin obtuvo de ella sus dos primeros hijos (Charles Spencer y Sydney Earle); pagó un millón de dólares al divorciarse de su Lolita.

En esa época inició la gran trilogía final del personaje de Charlot, rodando en 1925 The Gold Rush (La quimera del oro), de la que en 1942 realizó una versión sonora narrada por su voz y con música propia. En 1927 se estrenó la primera película sonora, El cantor de jazz, con Al Jolson, pero Chaplin seguía fiel al cine mudo cuando en 1928 realizó The circus (El circo), película que él mismo consideraba menos lograda que las que integraban la trilogía, pese a ser un magnífico filme cómico. Por esta película recibió su primer Oscar de la Academia en 1929. Dos años más tarde estrenó City Lights (Luces de la ciudad), paradigma de la ternura y la desolación de su alter ego cinematográfico, con inclusión de escenas sonoras y música de Chaplin.


Tiempos modernos (1936)

En 1932 realizó un nuevo y extenso viaje a Europa, donde en una recepción conoció a la actriz francesa Paulette Goddard. Ambos prosiguieron juntos el itinerario de lo que llegó a ser una gira mundial, y al año siguiente Paulette sería su pareja en el último film de la trilogía: Modern Times (Tiempos modernos), una ácida parábola sobre las tiranías y miserias del maquinismo y del capitalismo, y, en definitiva, sobre la modernidad originada por el abrumador triunfo de la Revolución Industrial.

Al desatarse la Segunda Guerra Mundial y la invasión alemana sobre Europa, Chaplin filmó, en 1940, The Great Dictator (El gran dictador), una divertida y feroz parodia del nazismo en la que el actor se desdoblaba en un Charlot transformado en peluquero judío y en un Hitler mitómano y paranoico que anunciaba la disposición de Chaplin a encarnar nuevos roles, sin bombín ni zapatones. Lo acompañaba la Goddard, cuyo personaje llevaba el nombre de la madre de Charles (Hannah), fallecida en 1928.


El gran dictador (1940)

Chaplin y Paulette Goddard se distanciaron en 1941 y poco después el cineasta se vio envuelto en un proceso por la paternidad de la hija de la actriz Joan Barry, llamada Carol Ann. Condenado en abril de 1942 por violación de la Ley Mann, debió hacerse cargo de la manutención de la niña. El escándalo no le impidió casarse, a sus cincuenta y cuatro años, con la hija del insigne dramaturgo Eugene O'Neill, una hermosa joven de dieciocho años llamada Oona, que permanecería a su lado el resto de su vida.

El patriarca de Vevey

Tras rodar Monsieur Verdoux en 1947, Charles Chaplin cayó bajo la ola del maccarthismo que tenía como blanco a intelectuales y artistas de Hollywood. La crítica social que rezumaba su obra, sumada probablemente a su origen judío y al hecho de ser extranjero (nunca se nacionalizó), lo llevaron a comparecer en 1949 ante el inquisicional Comité de Actividades Antinorteamericanas. Al año siguiente, mientras él y su familia viajaban por Europa, se ordenó a las autoridades de inmigración que lo retuvieran a su regreso. Chaplin decidió no volver jamás y se instaló en una lujosa residencia en Corsier-sur-Vevey, en la plácida ribera del lago suizo de Léman, frente a Ginebra. Oona se encargó de liquidar sus asuntos económicos y profesionales en Estados Unidos.

Inglaterra ofreció a su hijo pródigo un sitio para continuar su trabajo. En 1952 rodó en Londres Limelight (Candilejas), magnífica y sentimental rememoración de sus días de cómico ambulante, y dos años más tarde recibió el Premio Internacional de la Paz. Su resentimiento contra Estados Unidos se reflejó en A King in New York (Un rey en Nueva York), filme de 1957 cuyos altibajos no ocultan el corrosivo humor chapliniano. El gran cineasta era ya un anciano patriarcal y vitalista que comenzaba a escribir sus memorias en 1959. A los setenta y ocho años fue padre de su octavo hijo con Oona, Christopher, nacido en 1962, y en 1964 se publicó en Londres su autobiografía, Historia de mi vida.


Chaplin con su última esposa, Oona O'Neill

Ya octogenario, Chaplin tenía todavía ánimo y energías para escribir y rodar una última película, A Countess from Hong Kong (La condesa de Hong Kong, 1966). Pese a contar con dos protagonistas de lujo como Sophia Loren y Marlon Brando, y al propio director en el rol menor de un camarero, el filme no tuvo éxito y quizá no lo merecía. La mano maestra de Chaplin conservaba cierta elegancia, pero el tema era trivial y el estilo claramente anacrónico. El anciano creador debió de advertirlo, porque no volvió a insistir.

Charles Chaplin vivió todavía una década en su refugio de Vevey, rodeado de sus hijos y acompañado por la leal Oona. En 1972 aceptó un breve retorno triunfal a Hollywood para recibir un Oscar por la totalidad de su obra. En 1976 Richard Patterson rodó The Gentleman Tramp (El vagabundo caballero), inspirada en su autobiografía, que incluía escenas familiares en Vevey filmadas por el director de fotografía español Néstor Almendros. Otro español, el cineasta Carlos Saura, se casó con Geraldine, la hija de Oona más consecuente con el oficio de su padre.

El creador de Charlot murió a los ochenta y ocho años, el día de Navidad de 1977. Dejaba un total de 79 películas filmadas en más de cincuenta años de actividad como actor y director. En la casi totalidad de ellas fue también autor del guión, y del diálogo y la música en las sonoras. Además de las ya mencionadas, cabe agregar Carmen (1916), según la novela de Prosper Mérimée; The Vagabond (El vagabundo), 1916; A Day's Pleasure (Un día de juerga), 1919; Pay Day (Día de paga), 1922, y The Pilgrim (El peregrino), 1923, entre las más apreciadas por la crítica y celebradas por el público.





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Incluso la gente que afirma que no podemos hacer nada para cambiar nuestro destino, mira antes de cruzar la calle (Stephen Hawking)

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Incluso la gente que afirma que no podemos hacer nada para cambiar nuestro destino, mira antes de cruzar la calle (Stephen Hawking)

(Stephen William Hawking; Oxford, Reino Unido, 1942) Físico teórico británico. A pesar de sus discapacidades físicas y de las progresivas limitaciones impuestas por la enfermedad degenerativa que padece, Stephen Hawking es probablemente el físico más conocido entre el gran público desde los... Ver mas
(Stephen William Hawking; Oxford, Reino Unido, 1942) Físico teórico británico. A pesar de sus discapacidades físicas y de las progresivas limitaciones impuestas por la enfermedad degenerativa que padece, Stephen Hawking es probablemente el físico más conocido entre el gran público desde los tiempos de Einstein. Luchador y triunfador, a lo largo de toda su vida ha logrado sortear la inmensidad de impedimentos que le ha planteado el mal de Lou Gehrig, una esclerosis lateral amiotrófica que le aqueja desde que tenía veinte años. Hawking es, sin duda, un caso particular de vitalidad y resistencia frente al infortunio del destino.


Stephen Hawking

Biografía

El 8 de enero de 1942, en momentos en que la capital del Reino Unido sobrevivía bajo la permanente amenaza de los bombardeos alemanes, nacía Stephen Hawking en la ciudad de Oxford. Allí comenzó a estudiar en el University College, donde se licenció en 1962 con los títulos de matemático y físico. Por esa época era un chico de vida normal, cuyas singularidades eran únicamente su brillante inteligencia y un gran interés por las ciencias.

Pero en 1963, en el transcurso de una sesión de patinaje sobre hielo, el joven Stephen resbaló y tuvo dificultades para incorporarse. De inmediato se le diagnosticó un trastorno degenerativo neuromuscular, la ELA o esclerosis lateral amiotrófica. Los médicos supusieron que la enfermedad iba a acabar con su vida en pocos años; sin embargo, se equivocaron. Naturalmente, la vida de Stephen no fue la misma a partir de entonces, pero sus limitaciones físicas no interrumpieron en ningún momento su actividad intelectual; de hecho, más bien la incrementaron.

Mientras cursaba su doctorado en el Trinity Hall de Cambridge, se casó con Jane Wayline (1965). Tras casi veinticinco años de matrimonio, en 1990 la pareja se separó y el científico se fue a vivir con Elaine Mason, una de las enfermeras que lo cuidaba y con la que cinco años más tarde contrajo matrimonio. Tras obtener el título de doctor en física teórica (1966), su pasión por el estudio del origen del universo fue en aumento, y sus investigaciones se centraron en el campo de la relatividad general, particularmente en la física de los agujeros negros.


Con Jane Wayline el día de la boda (1965)
y con Elaine Mason, con la que se casó en 1995



Ciertamente, Hawking no sólo es comparable con Albert Einstein por su popularidad: al igual que el formulador de la teoría de la relatividad, Stephen Hawking se planteó la ambiciosa meta de armonizar la relatividad general y la mecánica cuántica, en busca de una unificación de la física que permitiese dar cuenta tanto del universo como de los fenómenos subatómicos. En 1971 sugirió la formación, a continuación del big bang, de numerosos objetos denominados «miniagujeros negros», que contendrían alrededor de mil millones de toneladas métricas de masa, pero ocuparían sólo el espacio de un protón, circunstancia que originaría enormes campos gravitatorios, regidos por las leyes de la relatividad.

Sus estudios sobre los miniagujeros negros lo llevarían a combinar por primera vez la teoría de la relatividad y la mecánica cuántica para resolver el problema de estudiar estas estructuras de dimensiones muy reducidas y de densidad extraordinariamente elevada, sobre las que no se creía que se pudiese obtener algún conocimiento. En 1974 propuso, de acuerdo con las predicciones de la física cuántica, que los agujeros negros emiten partículas subatómicas hasta agotar su energía, momento en el cual se produce un estallido final. Hawking ha explorado asimismo algunas singularidades del binomio espacio-tiempo.

En 1974 Hawking fue designado miembro de la Royal Society y, tres años más tarde, profesor de física gravitacional en Cambridge, donde se le otorgó la cátedra Lucasiana de matemáticas (1980), que había sido dictada por Isaac Newton y que el profesor británico continuaría ocupando en las décadas siguientes. Pero a medida que los logros intelectuales y los reconocimientos se iban sucediendo en su vida (ha publicado multitud de libros y recibido innumerables premios y doctorados honoris causa), también avanzaba el proceso degenerativo de su enfermedad. Primero la inmovilidad de sus extremidades lo llevó a depender de una silla de ruedas; después la parálisis se extendió a casi todo su cuerpo y, a sus 58 años, sólo podía comunicarse mediante un sintetizador conectado a su silla.

Un gran divulgador

Resulta una gran paradoja, sin duda, que un hombre que se involucró plenamente en la tarea de clarificar los conceptos científicos para el público medio (a diferencia de la mayoría de sus colegas, Hawking optó decididamente por la divulgación) se haya tenido que enfrentar duramente con la dificultad de poder comunicarlos. No obstante, gracias a su empeño y tenacidad, no ha dejado de salvar los escollos que se derivan de sus discapacidades físicas. En 1989, en ocasión de su visita a España para recibir el premio Príncipe de Asturias, Stephen Hawking subrayó la importancia de que los ciudadanos de a pie posean las nociones científicas suficientes para participar en los debates que abren los nuevos avances científicos y tecnológicos, evitando que todo quede en manos de los expertos.

Ése es el mensaje que se descubre en algunos de sus libros más famosos, como Historia del tiempo: del big bang a los agujeros negros (1988), que ha sido traducido a treinta y siete idiomas y del que en pocos años se vendieron más de veinte millones de ejemplares. En su propósito de hacer llegar el libro a un público amplio, Stephen Hawking renuncia a las fórmulas y a las exposiciones para especialistas, pero no abandona el tratamiento riguroso de la cuestión. Procede primero a una amplia exposición de las ideas cosmológicas actuales (el big bang y la expansión del universo), así como de los principales hallazgos de la física de las partículas, que explican a nivel subatómico cómo es la materia y las fuerzas que la gobiernan. Hawking pone de manifiesto la sorprendente convergencia de estas dos vías de investigación, que han dado nacimiento a una nueva disciplina: la astrofísica de las partículas.



En Historia del tiempo el autor aborda también, manteniendo siempre el tono de alta divulgación, temas como los agujeros negros y, además del origen, el posible destino del universo. Tampoco elude la pregunta que se formula el hombre común cuando se enfrenta a estas cuestiones: el papel de Dios en todos esos fenómenos, así como la creación del universo, punto en el que Stephen Hawking abandona el tratamiento rigurosamente científico para aventurarse en los inciertos caminos de la especulación metafísica.

Otro libro posterior, El universo en una cáscara de nuez (2002), tiene una intención divulgativa todavía mayor que sus libros precedentes. Respecto a su bibliografía más especializada, sus esfuerzos para describir desde un punto de vista teórico las propiedades de los agujeros negros, así como la relación que estas propiedades guardan con las leyes de la termodinámica clásica y de la mecánica cuántica, han quedado recogidos en obras como The Large Scale Structure of Space-Time (1973, en colaboración con G.F.R. Ellis), Superspace and Supergravity (1981) y The Very Early Universe (1983).



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Soy optimista. No parece muy útil ser otra cosa (Winston Churchill)

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Soy optimista. No parece muy útil ser otra cosa (Winston Churchill)

(Sir Winston Leonard Spencer Churchill; Blenheim Palace, Oxfordshire, 1874 - Londres, 1965) Político británico especialmente recordado por su mandato como primer ministro (1940-45) durante la Segunda Guerra Mundial: con su divisa "sangre, sudor y lágrimas", logró elevar la moral de las tropas y... Ver mas
(Sir Winston Leonard Spencer Churchill; Blenheim Palace, Oxfordshire, 1874 - Londres, 1965) Político británico especialmente recordado por su mandato como primer ministro (1940-45) durante la Segunda Guerra Mundial: con su divisa "sangre, sudor y lágrimas", logró elevar la moral de las tropas y de la población civil y sostener la nación hasta la victoria aliada.


Winston Churchill

A lo largo de su brillante carrera, Winston Churchill fue sucesivamente el hombre más popular y el más criticado de Inglaterra, y a veces ambas cosas al mismo tiempo. Considerado el último de los grandes estadistas, siempre será recordado por su rara habilidad para predecir los acontecimientos futuros, lo que en ocasiones se convirtió en una pesada carga para sus compatriotas.

Durante años, Churchill fue algo así como la voz de la conciencia de su país, una voz que sacudía los espíritus y les insuflaba grandes dosis de energía y valor. Su genio polifacético, además de llevarlo a conquistar la inmortalidad en el mundo de la política, lo hizo destacar como historiador, biógrafo, orador, corresponsal de guerra y bebedor de coñac, y en un plano más modesto como pintor, albañil, novelista, aviador, jugador de polo, soldado y propietario de caballerías.

Biografía

Winston Churchill nació el 30 de noviembre de 1874 en el palacio de Blenheim, por aquel entonces propiedad de su abuelo, séptimo duque de Marlborough. Su padre era lord Randolph Churchill y su madre una joven norteamericana de deslumbrante belleza llamada Jennie Jerome. No hay duda de que en sus primeros años conoció la felicidad, pues en su autobiografía evoca con ternura los días pasados bajo la sombra protectora de su madre, que además de hermosa era culta, inteligente y sensible.

Quizás por ello, al ser internado por su padre en un costoso colegio de Ascot, el niño reaccionó con rebeldía; estar lejos del hogar le resultaba insoportable, y Winston expresó su protesta oponiéndose a todo lo que fuese estudiar. Frecuentemente fue castigado y sus notas se contaron siempre entre las peores. Cuando en 1888 ingresó en la famosa escuela de Harrow, el futuro primer ministro fue incluido en la clase de los alumnos más retrasados. Uno de sus maestros diría de él: "No era un muchacho fácil de manejar. Cierto que su inteligencia era brillante, pero sólo estudiaba cuando quería y con los profesores que merecían su aprobación."

Churchill fracasó dos veces consecutivas en los exámenes de ingreso en la Academia Militar de Sandhurst. Sin embargo, una vez entró en la institución, se operó en él un cambio radical. Su proverbial testarudez, su resolución y su espíritu indomable no lo abandonaron, pero la costumbre de disentir caprichosamente de todo comenzó a desaparecer. Trabajaba con empeño, era aplicado y serio en las clases y muy pronto se destacó entre los alumnos de su nivel.

Poco después se incorporó al Cuarto de Húsares, regimiento de caballería reputado como uno de los mejores del ejército. Estuvo, en 1895, en la guerra de Cuba, y combatió en la India (1898) y el Sudán (1899); en los campos de batalla aprendió sobre el arte de la guerra todo cuanto no había encontrado en los libros, especialmente cuestiones prácticas de estrategia que más tarde le servirían para hacer frente a los enemigos de Inglaterra.

Del periodismo a la política

No obstante, la vida militar no tardó en cansarlo. Renunció a ella para dedicarse a la política y se afilió al Partido Conservador en 1898, presentándose a las elecciones un año después. Al no obtener el acta de diputado por escaso margen, Churchill se trasladó a África del Sur como corresponsal del Morning Post en la guerra de los bóers.

Allí fue hecho prisionero y trasladado a Pretoria, pero consiguió escapar y regresó a Londres convertido en un héroe popular: por primera vez, su nombre saltó a las portadas de los periódicos, pues había recorrido en su huida más de cuatrocientos kilómetros, afrontando un sinfín de peligros con extraordinaria sangre fría. No es de extrañar, pues, que consiguiese un escaño como representante conservador de Oldham en la Cámara de los Comunes (1900) y que, recién cumplidos los veintiséis años, pudiese iniciar una fulgurante carrera política.


Winston Churchill a los 26 años

En el Parlamento, sus discursos y su buen humor pronto se hicieron famosos. Pero su espíritu independiente, reacio a someterse a disciplinas partidarias, le granjeó importantes enemigos en la cámara, incluso entre sus propios correligionarios. No es de extrañar que cambiara varias veces de partido y que sus intervenciones, a la vez esperadas y temidas por todos, suscitaran siempre tremendas polémicas.

En desacuerdo con el partido respecto a la cuestión sudafricana, Churchill se pasó a los liberales en 1904, y en 1906, a los treinta y un años, alcanzó su primer cargo gubernamental en el gabinete de Henry Campbell-Bannerman, que lo nombró subsecretario de Colonias; desde ese puesto defendió la concesión de autonomía a los bóers. Luego fue ministro de Comercio (1908-1910) y del Interior (1910-1911) en el gobierno de quien sería primer ministro entre 1908 y 1916, Herbert Henry Asquith.

La Primera Guerra Mundial

Churchill previó con extraordinaria exactitud los acontecimientos que desencadenaron la Primera Guerra Mundial y el curso que siguió la contienda en su primera etapa. Sus profecías, consideradas disparatadas por los militares, se convirtieron en realidad y sorprendieron a todos por la clarividencia con que habían sido formuladas.

En 1911, tres años antes de estallar la conflagración, el primer ministro Asquith lo nombró lord del Almirantazgo; Churchill se embarcó inmediatamente en una profunda reorganización del ejército de su país. Primero se propuso hacer de la armada británica la primera del mundo, cambiando el carbón por petróleo como combustible de la flota y ordenando la instalación en todas las unidades de cañones de gran calibre. Luego puso en marcha la creación de un arma aérea y, por último, decidido a contrarrestar el temible poderío alemán, impulsó la construcción de los primeros "acorazados terrestres", consiguiendo que el tanque empezase a ser considerado imprescindible como instrumento bélico.


Churchill en 1919

Ante el fracaso de la batalla de los Dardanelos (1915), se vio obligado a dimitir; se reincorporó al ejército y luchó en el frente occidental como comandante y teniente coronel. En 1916, en plena guerra, cayó el gobierno de Herbert Henry Asquith, que fue substituido por David Lloyd George; el nuevo primer ministro llamó de nuevo a Churchill para integrarlo en su gabinete, primero como ministro de Armamento (1917) y luego para la cartera de Guerra y Aire (1918).

Finalizada la Primera Guerra Mundial, Winston Churchill sufrió las consecuencias de la reacción de la posguerra, y durante un tiempo fue relegado a un papel secundario dentro de la escena política. En 1924 se reconcilió con los conservadores y un año después fue puesto al frente del ministerio de Hacienda en el gobierno de Stanley Baldwin. Era una época de decadencia económica, inquietud, descontento laboral y aparatosas huelgas, y el conservadurismo obstinado de que hacía gala no contentó ni siquiera a sus propios colegas. En una palabra, todo el mundo estaba cansado de él y su popularidad descendió a cotas inimaginables años antes.

Retiro entre dos guerras

Entre 1929 y 1939, Winston Churchill se apartó voluntariamente de la política y se dedicó principalmente a escribir y a cultivar su afición por la pintura bajo el seudónimo de Charles Morin. "Si este hombre fuese pintor de oficio -dijo en una ocasión Picasso-, podría ganarse muy bien la vida."

Churchill siguió perteneciendo al Parlamento, pero durante esos años careció prácticamente de influencia. Recobró protagonismo cuando, al observar la creciente amenaza que constituía Adolf Hitler, proclamó la necesidad urgente de que Inglaterra se rearmase y emprendió una lucha solitaria contra el fascismo emergente. En reiteradas ocasiones, tanto en la cámara como en sus artículos periodísticos, denunció vigorosamente el peligro nazi ante una nación que, una vez más, parecía aquejada de una ceguera que podía acabar en tragedia.

Tras la firma en 1938 del Acuerdo de Munich, en el que Gran Bretaña y Francia cedieron ante el poderío alemán, la gente se dio cuenta nuevamente de que Churchill había tenido razón desde el principio. Hubo una docena de ocasiones en las que hubiera sido posible detener a Hitler sin derramamiento de sangre, según afirmarían después los expertos. En cada una de ellas, Churchill abogó ardorosamente por la acción. Pero a pesar de la energía desplegada, sus avisos habían sido ignorados por el gobierno.

El primer ministro de la Segunda Guerra Mundial

El 1 de septiembre de 1939, el ejército nazi entró con centelleante precisión en Polonia; dos días después, Francia e Inglaterra declararon la guerra a Alemania y, por la noche, Churchill fue llamado a desempeñar su antiguo cargo en el Almirantazgo por el primer ministro Neville Chamberlain, que hasta entonces había intentado una inútil política de apaciguamiento frente a Alemania. Todas las unidades de la flota recibieron por radio el mismo mensaje: "Winston ha vuelto con nosotros."

Los mismos diputados que una semana antes lo combatían con saña, lo aclamaron puestos en pie cuando hizo su entrada en el Parlamento. Pero aquella era una hora amarga para la historia del Reino. La nación estaba mal preparada para la Segunda Guerra Mundial, tanto material como psicológicamente. Por eso, cuando fue nombrado primer ministro el 10 de mayo de 1940, Churchill pronunció una conmovedora arenga en la que afirmó no poder ofrecer más que "sangre, sudor y lágrimas" a sus conciudadanos.


Churchill en la radio

El pueblo británico aceptó el reto y convirtió tan terrible frase en un verdadero lema popular durante cinco años; su contribución a la victoria iba a ser decisiva. Churchill consiguió mantener la moral en el interior y en el exterior mediante sus discursos, ejerciendo una influencia casi hipnótica en todos los británicos. Formó un gobierno de concentración nacional, que le aseguró la colaboración de sus adversarios políticos, y creó el ministerio de Defensa para una mejor dirección del esfuerzo bélico. Cuando Francia quedó totalmente sometida al dominio de Hitler, y mientras los Estados Unidos seguían proclamando su inamovible neutralidad, Churchill convocó una reunión de su gabinete y con excelente humor dijo: "Bien, señores, estamos solos. Por mi parte, encuentro la situación en extremo estimulante."

Por supuesto, Churchill hizo todo lo posible para que Estados Unidos y la URSS entrasen en la guerra, lo que consiguió en breve tiempo. Mantuvo estrecho contacto con el entonces presidente de los Estados Unidos, Franklin D. Roosevelt; en 1941, después del ataque japonés a Pearl Harbour, los norteamericanos declararon la guerra al Japón e incorporaron su valiosísimo potencial militar al bando aliado. También en 1941, el año decisivo de la contienda, Hitler emprendió la invasión de Rusia, poniendo fin a la neutralidad soviética y empujando a Stalin a una frágil alianza con Inglaterra, que Churchill supo conservar, relegando a un segundo plano su visceral anticomunismo y demostrando su pragmatismo.

Como primer ministro, le correspondió participar en las cruciales conferencias de Casablanca (1943), El Cairo (1943), Teherán (1943), Yalta (1945) y Potsdam (1945), en las que se diseñó la estrategia de la guerra y, una vez acabado el conflicto, el mapa político mundial que se mantendría vigente hasta 1989. Durante interminables jornadas dirigió las operaciones militares y diplomáticas trabajando entre dieciséis y dieciocho horas diarias, transmitiendo a todos su vigor y contagiándoles su energía y optimismo.



Por fin, el día de la victoria aliada, se dirigió de nuevo al Parlamento y al entrar fue objeto de la más tumultuosa ovación que registra la historia de la asamblea. Los diputados olvidaron todas las formalidades rituales y se subieron a los escaños, gritando y sacudiendo periódicos. Churchill permaneció en pie a la cabecera del banco ministerial, mientras las lágrimas rodaban por sus mejillas y sus manos se aferraban temblorosas a su sombrero.

Los últimos años

A pesar de la enorme popularidad alcanzada durante la guerra, dos meses después el voto de los ingleses lo depuso de su cargo. Churchill continuó en el Parlamento y se erigió en jefe de la oposición. En un discurso pronunciado en marzo de 1946 popularizó el término "telón de acero", y algunos meses después hizo un llamamiento para impulsar la creación de los Estados Unidos de Europa.

Tras el triunfo de los conservadores en 1951 volvió a ser primer ministro, y dos años después fue galardonado con el Premio Nobel de Literatura por sus Memorias sobre la Segunda Guerra Mundial. Alegando razones de edad, presentó la dimisión en abril de 1955, después de ser nombrado Caballero de la Jarretera por la reina Isabel II y de rechazar un título nobiliario a fin de permanecer como diputado en la Cámara de los Comunes.

Reelegido en 1959, ya no se presentó a las elecciones de 1964. No obstante, su figura siguió pesando sobre la vida política y sus consejos continuaron orientando a quienes rigieron después de él los destinos del Reino Unido. El pueblo había visto en Churchill la personificación de lo más noble de su historia y de las más hermosas cualidades de su raza; por eso no cesó de aclamarlo como su héroe hasta su muerte, acaecida el 24 de enero de 1965.



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La lectura es una conversación con los hombres más ilustres de los siglos pasados (René Descartes)

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La lectura es una conversación con los hombres más ilustres de los siglos pasados (René Descartes)

(La Haye, Francia, 1596 - Estocolmo, Suecia, 1650) Filósofo y matemático francés. Después del esplendor de la antigua filosofía griega y del apogeo y crisis de la escolástica en la Europa medieval, los nuevos aires del Renacimiento y la revolución científica que lo acompañó darían lugar, en el... Ver mas
(La Haye, Francia, 1596 - Estocolmo, Suecia, 1650) Filósofo y matemático francés. Después del esplendor de la antigua filosofía griega y del apogeo y crisis de la escolástica en la Europa medieval, los nuevos aires del Renacimiento y la revolución científica que lo acompañó darían lugar, en el siglo XVII, al nacimiento de la filosofía moderna.


René Descartes

El primero de los ismos filosóficos de la modernidad fue el racionalismo; Descartes, su iniciador, se propuso hacer tabla rasa de la tradición y construir un nuevo edificio sobre la base de la razón y con la eficaz metodología de las matemáticas. Su «duda metódica» no cuestionó a Dios, sino todo lo contrario; sin embargo, al igual que Galileo, hubo de sufrir la persecución a causa de sus ideas.

Biografía

René Descartes se educó en el colegio jesuita de La Flèche (1604-1612), por entonces uno de los más prestigiosos de Europa, donde gozó de un cierto trato de favor en atención a su delicada salud. Los estudios que en tal centro llevó a cabo tuvieron una importancia decisiva en su formación intelectual; conocida la turbulenta juventud de Descartes, sin duda en La Flèche debió cimentarse la base de su cultura. Las huellas de tal educación se manifiestan objetiva y acusadamente en toda la ideología filosófica del sabio.

El programa de estudios propio de aquel colegio (según diversos testimonios, entre los que figura el del mismo Descartes) era muy variado: giraba esencialmente en torno a la tradicional enseñanza de las artes liberales, a la cual se añadían nociones de teología y ejercicios prácticos útiles para la vida de los futuros gentilhombres. Aun cuando el programa propiamente dicho debía de resultar más bien ligero y orientado en sentido esencialmente práctico (no se pretendía formar sabios, sino hombres preparados para las elevadas misiones políticas a que su rango les permitía aspirar), los alumnos más activos o curiosos podían completarlos por su cuenta mediante lecturas personales.

Años después, Descartes criticaría amargamente la educación recibida. Es perfectamente posible, sin embargo, que su descontento al respecto proceda no tanto de consideraciones filosóficas como de la natural reacción de un adolescente que durante tantos años estuvo sometido a una disciplina, y de la sensación de inutilidad de todo lo aprendido en relación con sus posibles ocupaciones futuras (burocracia o milicia). Tras su etapa en La Flèche, Descartes obtuvo el título de bachiller y de licenciado en derecho por la facultad de Poitiers (1616), y a los veintidós años partió hacia los Países Bajos, donde sirvió como soldado en el ejército de Mauricio de Nassau. En 1619 se enroló en las filas del Maximiliano I de Baviera.

Según relataría el propio Descartes en el Discurso del Método, durante el crudo invierno de ese año se halló bloqueado en una localidad del Alto Danubio, posiblemente cerca de Ulm; allí permaneció encerrado al lado de una estufa y lejos de cualquier relación social, sin más compañía que la de sus pensamientos. En tal lugar, y tras una fuerte crisis de escepticismo, se le revelaron las bases sobre las cuales edificaría su sistema filosófico: el método matemático y el principio del cogito, ergo sum. Víctima de una febril excitación, durante la noche del 10 de noviembre de 1619 tuvo tres sueños, en cuyo transcurso intuyó su método y conoció su profunda vocación de consagrar su vida a la ciencia.


Supuesto retrato de Descartes

Tras renunciar a la vida militar, Descartes viajó por Alemania y los Países Bajos y regresó a Francia en 1622, para vender sus posesiones y asegurarse así una vida independiente; pasó una temporada en Italia (1623-1625) y se afincó luego en París, donde se relacionó con la mayoría de científicos de la época.

En 1628 decidió instalarse en Holanda, país en el que las investigaciones científicas gozaban de gran consideración y, además, se veían favorecidas por una relativa libertad de pensamiento. Descartes consideró que era el lugar más favorable para cumplir los objetivos filosóficos y científicos que se había fijado, y residió allí hasta 1649.

Los cinco primeros años los dedicó principalmente a elaborar su propio sistema del mundo y su concepción del hombre y del cuerpo humano. En 1633 debía de tener ya muy avanzada la redacción de un amplio texto de metafísica y física titulado Tratado sobre la luz; sin embargo, la noticia de la condena de Galileo le asustó, puesto que también Descartes sostenía en aquella obra el movimiento de la Tierra, opinión que no creía censurable desde el punto de vista teológico. Como temía que tal texto pudiera contener teorías condenables, renunció a su publicación, que tendría lugar póstumamente.

En 1637 apareció su famoso Discurso del método, presentado como prólogo a tres ensayos científicos. Por la audacia y novedad de los conceptos, la genialidad de los descubrimientos y el ímpetu de las ideas, el libro bastó para dar a su autor una inmediata y merecida fama, pero también por ello mismo provocó un diluvio de polémicas, que en adelante harían fatigosa y aun peligrosa su vida.



Descartes proponía en el Discurso una duda metódica, que sometiese a juicio todos los conocimientos de la época, aunque, a diferencia de los escépticos, la suya era una duda orientada a la búsqueda de principios últimos sobre los cuales cimentar sólidamente el saber. Este principio lo halló en la existencia de la propia conciencia que duda, en su famosa formulación «pienso, luego existo». Sobre la base de esta primera evidencia pudo desandar en parte el camino de su escepticismo, hallando en Dios el garante último de la verdad de las evidencias de la razón, que se manifiestan como ideas «claras y distintas».

El método cartesiano, que Descartes propuso para todas las ciencias y disciplinas, consiste en descomponer los problemas complejos en partes progresivamente más sencillas hasta hallar sus elementos básicos, las ideas simples, que se presentan a la razón de un modo evidente, y proceder a partir de ellas, por síntesis, a reconstruir todo el complejo, exigiendo a cada nueva relación establecida entre ideas simples la misma evidencia de éstas. Los ensayos científicos que seguían al Discurso ofrecían un compendio de sus teorías físicas, entre las que destaca su formulación de la ley de inercia y una especificación de su método para las matemáticas.

Los fundamentos de su física mecanicista, que hacía de la extensión la principal propiedad de los cuerpos materiales, fueron expuestos por Descartes en las Meditaciones metafísicas (1641), donde desarrolló su demostración de la existencia y la perfección de Dios y de la inmortalidad del alma, ya apuntada en la cuarta parte del Discurso del método. El mecanicismo radical de las teorías físicas de Descartes, sin embargo, determinó que fuesen superadas más adelante.

Conforme crecía su fama y la divulgación de su filosofía, arreciaron las críticas y las amenazas de persecución religiosa por parte de algunas autoridades académicas y eclesiásticas, tanto en los Países Bajos como en Francia. Nacidas en medio de discusiones, las Meditaciones metafísicas habían de valerle diversas acusaciones promovidas por los teólogos; algo por el estilo aconteció durante la redacción y al publicar otras obras suyas, como Los principios de la filosofía (1644) y Las pasiones del alma (1649).


Descartes con la reina Cristina de Suecia

Cansado de estas luchas, en 1649 Descartes aceptó la invitación de la reina Cristina de Suecia, que le exhortaba a trasladarse a Estocolmo como preceptor suyo de filosofía. Previamente habían mantenido una intensa correspondencia, y, a pesar de las satisfacciones intelectuales que le proporcionaba Cristina, Descartes no fue feliz en "el país de los osos, donde los pensamientos de los hombres parecen, como el agua, metamorfosearse en hielo". Estaba acostumbrado a las comodidades y no le era fácil levantarse cada día a las cuatro de la mañana, en plena oscuridad y con el frío invernal royéndole los huesos, para adoctrinar a una reina que no disponía de más tiempo libre debido a sus obligaciones. Los espartanos madrugones y el frío pudieron más que el filósofo, que murió de una pulmonía a principios de 1650, cinco meses después de su llegada.

La filosofía de Descartes

Descartes es considerado como el iniciador de la filosofía racionalista moderna por su planteamiento y resolución del problema de hallar un fundamento del conocimiento que garantice su certeza, y como el filósofo que supone el punto de ruptura definitivo con la escolástica. En el Discurso del método (1637), Descartes manifestó que su proyecto de elaborar una doctrina basada en principios totalmente nuevos procedía del desencanto ante las enseñanzas filosóficas que había recibido.

Convencido de que la realidad entera respondía a un orden racional, su propósito era crear un método que hiciera posible alcanzar en todo el ámbito del conocimiento la misma certidumbre que proporcionan en su campo la aritmética y la geometría. Su método, expuesto en el Discurso, se compone de cuatro preceptos o procedimientos: no aceptar como verdadero nada de lo que no se tenga absoluta certeza de que lo es; descomponer cada problema en sus partes mínimas; ir de lo más comprensible a lo más complejo; y, por último, revisar por completo el proceso para tener la seguridad de que no hay ninguna omisión.


René Descartes

El sistema utilizado por Descartes para cumplir el primer precepto y alcanzar la certeza es «la duda metódica». Siguiendo este sistema, Descartes pone en tela de juicio todos sus conocimientos adquiridos o heredados, el testimonio de los sentidos e incluso su propia existencia y la del mundo. Ahora bien, en toda duda hay algo de lo que no podemos dudar: de la misma duda. Dicho de otro modo, no podemos dudar de que estamos dudando. Llegamos así a una primera certeza absoluta y evidente que podemos aceptar como verdadera: dudamos.

Pienso, luego existo

La duda, razona entonces Descartes, es un pensamiento: dudar es pensar. Ahora bien, no es posible pensar sin existir. La suspensión de cualquier verdad concreta, la misma duda, es un acto de pensamiento que implica inmediatamente la existencia del "yo" pensante. De ahí su célebre formulación: pienso, luego existo (cogito, ergo sum). Por lo tanto, podemos estar firmemente seguros de nuestro pensamiento y de nuestra existencia. Existimos y somos una sustancia pensante, espiritual.

A partir de ello elabora Descartes toda su filosofía. Dado que no puede confiar en las cosas, cuya existencia aún no ha podido demostrar, Descartes intenta partir del pensamiento, cuya existencia ya ha sido demostrada. Aunque pueda referirse al exterior, el pensamiento no se compone de cosas, sino de ideas sobre las cosas. La cuestión que se plantea es la de si hay en nuestro pensamiento alguna idea o representación que podamos percibir con la misma «claridad» y «distinción» (los dos criterios cartesianos de certeza) con la que nos percibimos como sujetos pensantes.

Clases de ideas

Descartes pasa entonces a revisar todos los conocimientos que previamente había descartado al comienzo de su búsqueda. Y al reconsiderarlos observa que las representaciones de nuestro pensamiento son de tres clases: ideas «innatas», como las de belleza o justicia; ideas «adventicias», que proceden de las cosas exteriores, como las de estrella o caballo; e ideas « ficticias», que son meras creaciones de nuestra fantasía, como por ejemplo los monstruos de la mitología.


René Descartes

Las ideas «ficticias», mera suma o combinación de otras ideas, no pueden obviamente servir de asidero. Y respecto a las ideas «adventicias», originadas por nuestra experiencia de las cosas exteriores, es preciso obrar con cautela, ya que no estamos seguros de que las cosas exteriores existan. Podría ocurrir, dice Descartes, que los conocimientos «adventicios», que consideramos correspondientes a impresiones de cosas que realmente existen fuera de nosotros, hubieran sido provocados por un «genio maligno» que quisiera engañarnos. O que lo que nos parece la realidad no sea más que una ilusión, un sueño del que no hemos despertado.

Del Yo a Dios

Pero al examinar las ideas «innatas», sin correlato exterior sensible, encontramos en nosotros una idea muy singular, porque está completamente alejada de lo que somos: la idea de Dios, de un ser supremo infinito, eterno, inmutable, perfecto. Los seres humanos, finitos e imperfectos, pueden formar ideas como la de "triángulo" o "justicia". Pero la idea de un Dios infinito y perfecto no puede nacer de un individuo finito e imperfecto: necesariamente ha sido colocada en la mente de los hombres por la misma Providencia. Por consiguiente, Dios existe; y siendo como es un ser perfectísimo, no puede engañarse ni engañarnos, ni permitir la existencia de un «genio maligno» que nos engañe, haciéndonos creer que es real un mundo que no existe. El mundo, por lo tanto, también existe. La existencia de Dios garantiza así la posibilidad de un conocimiento verdadero.

Esta demostración de la existencia de Dios constituye una variante del argumento ontológico empleado ya en el siglo XII por San Anselmo de Canterbury, y fue duramente atacada por los adversarios de Descartes, que lo acusaron de caer en un círculo vicioso: para demostrar la existencia de Dios y así garantizar el conocimiento del mundo exterior se utilizan los criterios de claridad y distinción, pero la fiabilidad de tales criterios se justifica a su vez por la existencia de Dios. Tal crítica apunta no sólo a la validez o invalidez del argumento, sino también al hecho de que Descartes no parece aplicar en este punto su propia metodología.

Res cogitans y res extensa

Admitida la existencia del mundo exterior, Descartes pasa a examinar cuál es la esencia de los seres. Introduce aquí su concepto de sustancia, que define como aquello que «existe de tal modo que sólo necesita de sí mismo para existir». Las sustancias se manifiestan a través de sus modos y atributos. Los atributos son propiedades o cualidades esenciales que revelan la determinación de la sustancia, es decir, son aquellas propiedades sin las cuales una sustancia dejaría de ser tal sustancia. Los modos, en cambio, no son propiedades o cualidades esenciales, sino meramente accidentales.


René Descartes

El atributo de los cuerpos es la extensión (un cuerpo no puede carecer de extensión; si carece de ella no es un cuerpo), y todas las demás determinaciones (color, forma, posición, movimiento) son solamente modos. Y el atributo del espíritu es el pensamiento, pues el espíritu «piensa siempre». Existe, por lo tanto, una sustancia pensante (res cogitans), carente de extensión y cuyo atributo es el pensamiento, y una sustancia que compone los cuerpos físicos (res extensa), cuyo atributo es la extensión, o, si se prefiere, la tridimensionalidad, cuantitativamente mesurable en un espacio de tres dimensiones. Ambas son irreductibles entre sí y totalmente separadas. Es lo que se denomina el «dualismo» cartesiano.

En la medida en que la sustancia de la materia y de los cuerpos es la extensión, y en que ésta es observable y mesurable, ha de ser posible explicar sus movimientos y cambios mediante leyes matemáticas. Ello conduce a la visión mecanicista de la naturaleza: el universo es como una enorme máquina cuyo funcionamiento podremos llegar a conocer mediante el estudio y descubrimiento de las leyes matemáticas que lo rigen.

La comunicación de las sustancias

La separación radical entre materia y espíritu es aplicada rigurosamente, en principio, a todos los seres. Así, los animales no son más que máquinas muy complejas. Sin embargo, Descartes hace una excepción cuando se trata del hombre. Dado que está compuesto de cuerpo y alma, y siendo el cuerpo material y extenso (res extensa), y el alma espiritual y pensante (res cogitans), debería haber entre ellos una absoluta incomunicación.

No obstante, en el sistema cartesiano esto no ocurre, sino que el alma y el cuerpo se comunican entre sí, no al modo clásico, sino de una manera singular. El alma está asentada en la glándula pineal, situada en el encéfalo, y desde allí rige al cuerpo como «el nauta rige la nave», por medio de los espíritus animales, sustancias intermedias entre espíritu y cuerpo a manera de finísimas partículas de sangre, que transmiten al cuerpo las órdenes del alma. La solución de Descartes no resultó satisfactoria, y el llamado problema de la comunicación de las sustancias sería largamente discutido por los filósofos posteriores.

Su influencia

Tanto por no haber definido satisfactoriamente la noción de sustancia como por el franco dualismo establecido entre las dos sustancias, Descartes planteó los problemas fundamentales de la filosofía especulativa europea del siglo XVII. Entendido como sistema estricto y cerrado, el cartesianismo no tuvo excesivos seguidores y perdió su vigencia en pocas décadas. Sin embargo, la filosofía cartesiana se convirtió en punto de referencia para gran número de pensadores, unas veces para intentar resolver las contradicciones que encerraba, como hicieron los pensadores racionalistas, y otras para rebatirla frontalmente, como los empiristas.



Así, el filósofo alemán Gottfried Wilhelm Leibniz y el holandés Baruch Spinoza establecieron formas de paralelismo psicofísico para explicar la comunicación entre cuerpo y alma. Spinoza, de hecho, fue aún más lejos, y afirmó que existía una sola sustancia, que englobaba en sí el orden de las cosas y el de las ideas, y de la que la res cogitans y la res extensa no eran sino atributos, con lo que se llegaba al panteísmo.

Desde un punto de vista completamente opuesto, los empiristas británicos Thomas Hobbes y John Locke negaron que la idea de una sustancia espiritual fuera demostrable; afirmaron que no existían ideas innatas y que la filosofía debía reducirse al terreno de lo conocido por la experiencia. La concepción cartesiana de un universo mecanicista, en fin, influyó decisivamente en la génesis de la física clásica, fundada por Newton.

No resulta exagerado afirmar, en suma, que si bien Descartes no llegó a resolver muchos de los problemas que planteó, tales problemas se convirtieron en cuestiones centrales de la filosofía occidental. En este sentido, la filosofía moderna (racionalismo, empirismo, idealismo, materialismo, fenomenología) puede considerarse como un desarrollo o una reacción al cartesianismo.



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Recomendad a vuestros niños la virtud; solo eso, y no el dinero, puede hacerles felices (Ludwig van Beethoven)

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Recomendad a vuestros niños la virtud; solo eso, y no el dinero, puede hacerles felices (Ludwig van Beethoven)

(Bonn, actualmente Alemania, 1770 - Viena, 1827) Compositor alemán. Nacido en el seno de una familia de origen flamenco, su padre, ante las evidentes cualidades para la música que demostraba el pequeño Ludwig, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque con escaso éxito. Ludwig van... Ver mas
(Bonn, actualmente Alemania, 1770 - Viena, 1827) Compositor alemán. Nacido en el seno de una familia de origen flamenco, su padre, ante las evidentes cualidades para la música que demostraba el pequeño Ludwig, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque con escaso éxito.


Ludwig van Beethoven

La verdadera vocación musical de Beethoven no comenzó en realidad hasta 1779, cuando entró en contacto con el organista Christian Gottlob Neefe, quien se convirtió en su maestro. Él fue, por ejemplo, quien le introdujo en el estudio de Johann Sebastian Bach, músico al que Beethoven siempre profesaría una profunda devoción.

Miembro de la orquesta de la corte de Bonn desde 1783, en 1787 Ludwig van Beethoven realizó un primer viaje a Viena con el propósito de recibir clases de Mozart. Sin embargo, la enfermedad y el posterior deceso de su madre le obligaron a regresar a su ciudad natal pocas semanas después de su llegada.

En 1792 Beethoven viajó de nuevo a la capital austriaca para trabajar con Haydn y Antonio Salieri, y se dio a conocer como compositor y pianista en un concierto que tuvo lugar en 1795 con gran éxito. Su carrera como intérprete quedó bruscamente interrumpida a consecuencia de la sordera que comenzó a afectarle a partir de 1796 y que desde 1815 le privó por completo de la facultad auditiva.

Los últimos años de la vida de Beethoven estuvieron marcados también por la soledad y una progresiva introspección, pese a lo cual prosiguió su labor compositiva, e incluso fue la época en que creó sus obras más impresionantes y avanzadas.

Obras de Ludwig van Beethoven

La tradición divide la carrera de Beethoven en tres grandes períodos creativos o estilos, y si bien el uso los ha convertido en tópicos, no por ello resultan menos útiles a la hora de encuadrar su legado.

La primera época abarca las composiciones escritas hasta 1800, caracterizadas por seguir de cerca el modelo establecido por Mozart y Joseph Haydn y el clasicismo en general, sin excesivas innovaciones o rasgos personales. A este período pertenecen obras como el célebre Septimino o sus dos primeros conciertos para piano.

Una segunda manera o estilo abarca desde 1801 hasta 1814, período este que puede considerarse de madurez, con obras plenamente originales en las que Ludwig van Beethoven hace gala de un dominio absoluto de la forma y la expresión (la ópera Fidelio, sus ocho primeras sinfonías, sus tres últimos conciertos para piano, el Concierto para violín).

La tercera etapa comprende hasta la muerte del músico y está dominada por sus obras más innovadoras y personales, incomprendidas en su tiempo por la novedad de su lenguaje armónico y su forma poco convencional; la Sinfonía n.º 9, la Missa solemnis y los últimos cuartetos de cuerda y sonatas para piano representan la culminación de este período y del estilo de Ludwig van Beethoven.



En estas obras, Beethoven anticipó muchos de los rasgos que habían de caracterizar la posterior música romántica e, incluso, la del siglo XX. La obra de Ludwig van Beethoven se sitúa entre el clasicismo de Mozart y Haydn y el romanticismo de un Schumann o un Brahms. No cabe duda que, como compositor, señala un antes y un después en la historia de la música y refleja, quizá como ningún otro -a excepción de su contemporáneo Francisco de Goya-, no sólo el cambio entre el gusto clásico y el romántico, entre el formalismo del primero y el subjetivismo del segundo, sino también entre el Antiguo Régimen y la nueva situación social y política surgida de la Revolución Francesa.

Efectivamente, en 1789 caía La Bastilla y con ella toda una concepción del mundo que incluía el papel del artista en su sociedad. Siguiendo los pasos de su admirado Mozart, Ludwig van Beethoven fue el primer músico que consiguió independizarse y vivir de los encargos que se le realizaban, sin estar al servicio de un príncipe o un aristócrata, si bien, a diferencia del salzburgués, él consiguió triunfar y ganarse el respeto y el reconocimiento de sus contemporáneos.

Más información en la monografía sobre Beethoven.


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Amo a aquellos capaces de sonreír en mitad de los problemas (Leonardo da Vinci)

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Amo a aquellos capaces de sonreír en mitad de los problemas (Leonardo da Vinci)

Considerado el paradigma del homo universalis, del sabio renacentista versado en todos los ámbitos del conocimiento humano, Leonardo da Vinci (1452-1519) incursionó en campos tan variados como la aerodinámica, la hidráulica, la anatomía, la botánica, la pintura, la escultura y la arquitectura... Ver mas
Considerado el paradigma del homo universalis, del sabio renacentista versado en todos los ámbitos del conocimiento humano, Leonardo da Vinci (1452-1519) incursionó en campos tan variados como la aerodinámica, la hidráulica, la anatomía, la botánica, la pintura, la escultura y la arquitectura, entre otros. Sus investigaciones científicas fueron, en gran medida, olvidadas y minusvaloradas por sus contemporáneos; su producción pictórica, en cambio, fue de inmediato reconocida como la de un maestro capaz de materializar el ideal de belleza en obras de turbadora sugestión y delicada poesía.


Recreación de un retrato de Leonardo

En el plano artístico, Leonardo conforma, junto con Miguel Ángel y Rafael, la tríada de los grandes maestros del Cinquecento, y, pese a la parquedad de su obra, la historia de la pintura lo cuenta entre sus mayores genios. Por los demás, es posible que de la poderosa fascinación que suscitan sus obras maestras (con La Gioconda a la cabeza) proceda aquella otra fascinación en torno a su figura que no ha cesado de crecer con los siglos, alimentada por los múltiples enigmas que envuelven su biografía, algunos de ellos triviales, como la escritura de derecha a izquierda, y otros ciertamente inquietantes, como aquellas visionarias invenciones cinco siglos adelantadas a su tiempo.

Juventud y descubrimientos técnicos

Leonardo nació en 1452 en la villa toscana de Vinci, hijo natural de una campesina, Caterina (que se casó poco después con un artesano de la región), y de Ser Piero, un rico notario florentino. Italia era entonces un mosaico de ciudades-estado como Florencia, pequeñas repúblicas como Venecia y feudos bajo el poder de los príncipes o el papa. El Imperio romano de Oriente cayó en 1453 ante los turcos y apenas sobrevivía aún, muy reducido, el Sacro Imperio Romano Germánico; era una época violenta en la que, sin embargo, el esplendor de las cortes no tenía límites.

A pesar de que su padre se casaría cuatro veces, sólo tuvo hijos (once en total, con los que Leonardo entablaría pleitos por la herencia paterna) en sus dos últimos matrimonios, por lo que el pequeño Leonardo se crió como hijo único. Su enorme curiosidad se manifestó tempranamente: ya en la infancia dibujaba animales mitológicos de su propia invención, inspirados en una profunda observación del entorno natural en el que creció. Giorgio Vasari, su primer biógrafo, relata cómo el genio de Leonardo, siendo aún un niño, creó un escudo de Medusa con dragones que aterrorizó a su padre cuando se topó con él por sorpresa.

Consciente del talento de su hijo, su padre le permitió ingresar como aprendiz en el taller de Andrea del Verrocchio. A lo largo de los seis años que el gremio de pintores prescribía como instrucción antes de ser reconocido como artista libre, Leonardo aprendió pintura, escultura y técnicas y mecánicas de la creación artística. El primer trabajo suyo del que se tiene certera noticia fue la construcción de la esfera de cobre proyectada por Brunelleschi para coronar la iglesia de Santa Maria dei Fiori. Junto al taller de Verrocchio, además, se encontraba el de Antonio Pollaiuolo, en donde Leonardo hizo sus primeros estudios de anatomía y, quizá, se inició también en el conocimiento del latín y el griego.

Joven agraciado y vigoroso, Leonardo había heredado la fuerza física de la estirpe de su padre; es muy probable que fuera el modelo para la cabeza de San Miguel en el cuadro de Verrocchio Tobías y el ángel, de finos y bellos rasgos. Por lo demás, su gran imaginación creativa y la temprana pericia de su pincel no tardaron en superar a las de su maestro. En el Bautismo de Cristo, por ejemplo, los inspirados ángeles pintados por Leonardo contrastan con la brusquedad del Bautista hecho por Verrocchio.


Ángeles atribuidos a Leonardo en el Bautismo de Cristo (c. 1475), de Andrea del Verrocchio

El joven discípulo utilizaba allí por vez primera una novedosa técnica recién llegada de los Países Bajos: la pintura al óleo, que permitía una mayor blandura en el trazo y una más profunda penetración en la tela. Además de los extraordinarios dibujos y de la participación virtuosa en otros cuadros de su maestro, sus grandes obras de este período son un San Jerónimo y el gran panel La adoración de los Magos (ambos inconclusos), notables por el innovador dinamismo otorgado por la destreza en los contrastes de rasgos, en la composición geométrica de la escena y en el extraordinario manejo de la técnica del claroscuro.

Florencia era entonces una de las ciudades más ricas de Europa; las numerosas tejedurías y los talleres de manufacturas de sedas y brocados de oriente y de lanas de occidente la convertían en el gran centro comercial de la península itálica; allí los Medici habían establecido una corte cuyo esplendor debía no poco a los artistas con que contaba. Pero cuando el joven Leonardo comprobó que no conseguía de Lorenzo el Magnífico más que alabanzas a sus virtudes de buen cortesano, a sus treinta años decidió buscar un horizonte más prospero.

Primer período milanés (1482-1499)

En 1482 se presentó ante el poderoso Ludovico Sforza, el hombre fuerte de Milán, en cuya corte se quedaría diecisiete años como «pictor et ingenierius ducalis». Aunque su ocupación principal era la de ingeniero militar, sus proyectos (casi todos irrealizados) abarcaron la hidráulica, la mecánica (con innovadores sistemas de palancas para multiplicar la fuerza humana) y la arquitectura, además de la pintura y la escultura. Fue su período de pleno desarrollo; siguiendo las bases matemáticas fijadas por Leon Battista Alberti y Piero della Francesca, Leonardo comenzó sus apuntes para la formulación de una ciencia de la pintura, al tiempo que se ejercitaba en la ejecución y fabricación de laúdes.

Estimulado por la dramática peste que asoló Milán y cuya causa veía Leonardo en el hacinamiento y suciedad de la ciudad, proyectó espaciosas villas, hizo planos para canalizaciones de ríos e ingeniosos sistemas de defensa ante la artillería enemiga. Habiendo recibido de Ludovico el encargo de crear una monumental estatua ecuestre en honor de Francesco, el fundador de la dinastía Sforza, Leonardo trabajó durante dieciséis años en el proyecto del «gran caballo», que no se concretaría más que en un modelo en barro, destruido poco después durante una batalla.



Resultó sobre todo fecunda su amistad con el matemático Luca Pacioli, fraile franciscano que hacia 1496 concluyó su tratado De la divina proporción, ilustrado por Leonardo. Ponderando la vista como el instrumento de conocimiento más certero con que cuenta el ser humano, Leonardo sostuvo que a través de una atenta observación debían reconocerse los objetos en su forma y estructura para describirlos en la pintura de la manera más exacta. De este modo el dibujo se convertía en el instrumento fundamental de su método didáctico, al punto que podía decirse que en sus apuntes el texto estaba para explicar el dibujo, y no al revés, razón por la que Leonardo da Vinci ha sido reconocido como el creador de la moderna ilustración científica.

El ideal del saper vedere guió todos sus estudios, que en la década de 1490 comenzaron a perfilarse como una serie de tratados inconclusos que serían luego recopilados en el Codex Atlanticus, así llamado por su gran tamaño. Incluye trabajos sobre pintura, arquitectura, mecánica, anatomía, geografía, botánica, hidráulica y aerodinámica, fundiendo arte y ciencia en una cosmología individual que da, además, una vía de salida para un debate estético que se encontraba anclado en un más bien estéril neoplatonismo.

Aunque no parece que Leonardo se preocupara demasiado por formar su propia escuela, en su taller milanés se creó poco a poco un grupo de fieles aprendices y alumnos: Giovanni Boltraffio, Ambrogio de Predis, Andrea Solari y su inseparable Salai, entre otros; los estudiosos no se han puesto de acuerdo aún acerca de la exacta atribución de algunas obras de este período, tales como la Madona Litta o el retrato de Lucrezia Crivelli.


Detalle de La Virgen de las Rocas (segunda versión, c. 1507)

Contratado en 1483 por la hermandad de la Inmaculada Concepción para realizar una pintura para la iglesia de San Francisco, Leonardo emprendió la realización de lo que sería la celebérrima Virgen de las Rocas, cuyo resultado final, en dos versiones, no estaría listo a los ocho meses que marcaba el contrato, sino veinte años más tarde. En ambas versiones la estructura triangular de la composición, la gracia de las figuras y el brillante uso del famoso sfumato para realzar el sentido visionario de la escena supusieron una revolución estética para sus contemporáneos.

A este mismo período pertenecen el retrato de Ginevra de Benci (1475-1478), con su innovadora relación de proximidad y distancia, y la belleza expresiva de La belle Ferronnière. Pero hacia 1498 Leonardo finalizaba una pintura mural, en principio un encargo modesto para el refectorio del convento dominico de Santa Maria dalle Grazie, que se convertiría en su definitiva consagración pictórica: La Última Cena. Necesitamos hoy un esfuerzo para comprender su esplendor original, ya que se deterioró rápidamente y fue mal restaurada muchas veces. La genial captación plástica del dramático momento en que Jesucristo dice a los apóstoles «uno de vosotros me traicionará» otorga a la escena una unidad psicológica y una dinámica aprehensión del momento fugaz de sorpresa de los comensales (del que sólo Judas queda excluido). El mural se convirtió no sólo en un celebrado icono cristiano, sino también en un objeto de peregrinación para artistas de todo el continente.

El regreso a Florencia

A finales de 1499 los franceses entraron en Milán; Ludovico el Moro perdió el poder. Leonardo abandonó la ciudad acompañado de Pacioli y, tras una breve estancia en Mantua, en casa de su admiradora la marquesa Isabel de Este, llegó a Venecia. Acosada por los turcos, que ya dominaban la costa dálmata y amenazaban con tomar el Friuli, la Signoria de Venecia contrató a Leonardo como ingeniero militar.

En pocas semanas proyectó una cantidad de artefactos cuya realización concreta no se haría sino, en muchos casos, hasta los siglos XIX o XX: desde una suerte de submarino individual, con un tubo de cuero para tomar aire destinado a unos soldados que, armados con taladro, atacarían a las embarcaciones por debajo, hasta grandes piezas de artillería con proyectiles de acción retardada y barcos con doble pared para resistir las embestidas. Los costes desorbitados, la falta de tiempo y, quizá, las pretensiones de Leonardo en el reparto del botín, excesivas para los venecianos, hicieron que las geniales ideas no pasaran de bocetos. En abril de 1500, tras casi veinte años de ausencia, Leonardo da Vinci regresó a Florencia.

Dominaba entonces la ciudad César Borgia, hijo del papa Alejandro VI. Descrito por el propio Maquiavelo como «modelo insuperable» de intrigador político y déspota, este hombre ambicioso y temido se estaba preparando para lanzarse a la conquista de nuevos territorios. Leonardo, nuevamente como ingeniero militar, recorrió los territorios del norte, trazando mapas, calculando distancias precisas y proyectando puentes y nuevas armas de artillería. Pero poco después el condottiero cayó en desgracia: sus capitanes se sublevaron, su padre fue envenenado y él mismo cayó gravemente enfermo. En 1503 Leonardo volvió a Florencia, que por entonces se encontraba en guerra con Pisa, y concibió allí su genial proyecto de desviar el río Arno por detrás de la ciudad enemiga para cercarla, contemplando además la construcción de un canal como vía navegable que comunicase Florencia con el mar. El proyecto sólo se concretó en los extraordinarios mapas de su autor.


Santa Ana, la Virgen y el Niño (c. 1510)

Pero Leonardo ya era reconocido como uno de los mayores maestros de Italia. En 1501 había trazado un boceto de su Santa Ana, la Virgen y el Niño, que trasladaría al lienzo a finales de la década. En 1503 recibió el encargo de pintar un gran mural (el doble del tamaño de La Última Cena) en el palacio Viejo: la nobleza florentina quería inmortalizar algunas escenas históricas de su gloria. Leonardo trabajó tres años en La batalla de Anghiari, que quedaría inconclusa y sería luego desprendida por su deterioro. Pese a la pérdida, circularon bocetos y copias que admirarían a Rafael e inspirarían, un siglo más tarde, una célebre reproducción de Peter Paul Rubens.

También sólo en copias sobrevivió otra gran obra de este periodo: Leda y el cisne. Sin embargo, la cumbre de esta etapa florentina (y una de las pocas obras acabadas por Leonardo) fue el retrato de Mona (abreviatura de Madonna) Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo, razón por la que el cuadro es conocido como La Mona Lisa o La Gioconda. Obra famosa desde el momento de su creación, se convirtió en modelo de retrato y casi nadie escaparía a su influjo en el mundo de la pintura. Como cuadro y como personaje, la mítica Gioconda ha inspirado infinidad de libros y leyendas, y hasta una ópera; pero es poco lo que se conoce a ciencia cierta. Ni siquiera se sabe quién encargó el cuadro, que Leonardo llevaría consigo en su continua peregrinación vital hasta sus últimos años en Francia, donde lo vendió al rey Francisco I por cuatro mil piezas de oro.


Detalle de La Gioconda (c. 1503-1507)

Perfeccionando su propio hallazgo del sfumato, llevándolo a una concreción casi milagrosa, Leonardo logró plasmar un gesto entre lo fugaz y lo perenne: la «enigmática sonrisa» de la Gioconda es uno de los capítulos más admirados, comentados e imitados de la historia del arte, y su misterio sigue aún hoy fascinando. Existe la leyenda de que Leonardo promovía ese gesto en su modelo haciendo sonar laúdes mientras ella posaba; el cuadro, que ha atravesado no pocas vicisitudes, ha sido considerado como cumbre y resumen del talento y de la «ciencia pictórica» de su autor.

De nuevo en Milán (1506-1513)

El interés de Leonardo por los estudios científicos era cada vez más intenso. Asistía a disecciones de cadáveres, sobre los que confeccionaba dibujos para describir la estructura y funcionamiento del cuerpo humano; al mismo tiempo hacía sistemáticas observaciones del vuelo de los pájaros (sobre los que planeaba escribir un tratado), con la convicción de que también el hombre podría volar si llegaba a conocer las leyes de la resistencia del aire (algunos apuntes de este período se han visto como claros precursores del moderno helicóptero).

Absorto por estas cavilaciones e inquietudes, Leonardo no dudó en abandonar Florencia cuando en 1506 Charles d'Amboise, gobernador francés de Milán, le ofreció el cargo de arquitecto y pintor de la corte; honrado y admirado por su nuevo patrón, Leonardo da Vinci proyectó para él un castillo y ejecutó bocetos para el oratorio de Santa Maria dalla Fontana, fundado por el mecenas. Su estadía milanesa sólo se interrumpió en el invierno de 1507, cuando colaboró en Florencia con el escultor Giovanni Francesco Rustici en la ejecución de los bronces del baptisterio de la ciudad.

Quizás excesivamente avejentado para los cincuenta años que contaba entonces, su rostro fue tomado por Rafael como modelo del sublime Platón para su obra La escuela de Atenas. Leonardo, en cambio, pintaba poco, dedicándose a recopilar sus escritos y a profundizar en sus estudios: con la idea de tener finalizado para 1510 su tratado de anatomía, trabajaba junto a Marcantonio della Torre, el más célebre anatomista de su tiempo, en la descripción de órganos y el estudio de la fisiología humana.


Leonardo como Platón en La escuela de Atenas (1511), de Rafael

El ideal leonardesco de la «percepción cosmológica» se manifestaba en múltiples ramas: escribía sobre matemáticas, óptica, mecánica, geología, botánica; su búsqueda tendía hacia el encuentro de leyes, funciones y armonías compatibles para todas estas disciplinas, para la naturaleza como unidad. Paralelamente, a sus antiguos discípulos se sumaron algunos nuevos, entre ellos el joven noble Francesco Melzi, fiel amigo del maestro hasta su muerte. Junto a Ambrogio de Predis, Leonardo culminó hacia 1507 la segunda versión de La Virgen de las Rocas; poco antes, había dejado sin cumplir un encargo del rey de Francia para pintar dos madonnas.

El nuevo hombre fuerte de Milán era entonces Gian Giacomo Trivulzio, quien pretendía retomar para sí el monumental proyecto del «gran caballo», convirtiéndolo en una estatua funeraria para su propia tumba en la capilla de San Nazaro Magiore; pero tampoco esta vez el monumento ecuestre pasó de los bocetos, lo que supuso para Leonardo su segunda frustración como escultor. En 1513 una nueva situación de inestabilidad política lo empujó a abandonar Milán; junto a Melzi y Salai marchó a Roma, donde se albergó en el belvedere de Giuliano de Médicis, hermano del nuevo papa León X.

Últimos años: Roma y Francia

En el Vaticano vivió una etapa de tranquilidad, con un sueldo digno y sin grandes obligaciones: dibujó mapas, estudió antiguos monumentos romanos, proyectó una gran residencia para los Médicis en Florencia y, además, reanudó su estrecha amistad con el gran arquitecto Donato Bramante, hasta el fallecimiento de éste en 1514. Pero en 1516, muerto su protector Giuliano de Médicis, Leonardo dejó Italia definitivamente para pasar los tres últimos años de su vida en el palacio de Cloux como «primer pintor, arquitecto y mecánico del rey».

El gran respeto que le dispensó Francisco I de Francia hizo que Leonardo pasase esta última etapa de su vida más bien como un miembro de la nobleza que como un empleado de la casa real. Fatigado y concentrado en la redacción de sus últimas páginas para el nunca concluido Tratado de la pintura, cultivó más la teoría que la práctica, aunque todavía ejecutó extraordinarios dibujos sobre temas bíblicos y apocalípticos. Alcanzó a completar el ambiguo San Juan Bautista, un andrógino duende que desborda gracia, sensualidad y misterio; de hecho, sus discípulos lo imitarían poco después convirtiéndolo en un pagano Baco, que hoy puede verse en el Louvre de París.


Detalle de San Juan Bautista (c. 1516)

A partir de 1517 su salud, hasta entonces inquebrantable, comenzó a desmejorar. Su brazo derecho quedó paralizado; pero, con su incansable mano izquierda, Leonardo aún hizo bocetos de proyectos urbanísticos, de drenajes de ríos y hasta decorados para las fiestas palaciegas. Convertida en una especie de museo, su casa de Amboise estaba repleta de los papeles y apuntes que contenían las ideas de este hombre excepcional, muchas de las cuales deberían esperar siglos para demostrar su factibilidad y aun su necesidad; llegó incluso, en esta época, a concebir la idea de hacer casas prefabricadas. Sólo por las tres telas que eligió para que lo acompañasen en su última etapa (San Juan Bautista, La Gioconda y Santa Ana, la Virgen y el Niño) puede decirse que Leonardo poseía entonces uno de los grandes tesoros de su tiempo.

El 2 de mayo de 1519 murió en Cloux; su testamento legaba a Melzi todos sus libros, manuscritos y dibujos, que el discípulo se encargó de retornar a Italia. Como suele suceder con los grandes genios, se han tejido en torno a su muerte algunas leyendas; una de ellas, inspirada por Vasari, pretende que Leonardo, arrepentido de no haber llevado una existencia regida por las leyes de la Iglesia, se confesó largamente y, con sus últimas fuerzas, se incorporó del lecho mortuorio para recibir, antes de expirar, los sacramentos.





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Con orden y tiempo se encuentra el secreto de hacerlo todo y de hacerlo bien (Pitágoras)

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Con orden y tiempo se encuentra el secreto de hacerlo todo y de hacerlo bien (Pitágoras)

(Isla de Samos, actual Grecia, h. 572 a.C. - Metaponto, hoy desaparecida, actual Italia, h. 497 a.C.) Filósofo y matemático griego. Aunque su nombre se halla vinculado al teorema de Pitágoras y la escuela por él fundada dio un importante impulso al desarrollo de las matemáticas en la antigua... Ver mas
(Isla de Samos, actual Grecia, h. 572 a.C. - Metaponto, hoy desaparecida, actual Italia, h. 497 a.C.) Filósofo y matemático griego. Aunque su nombre se halla vinculado al teorema de Pitágoras y la escuela por él fundada dio un importante impulso al desarrollo de las matemáticas en la antigua Grecia, la relevancia de Pitágoras alcanza también el ámbito de la historia de las ideas: su pensamiento, teñido todavía del misticismo y del esoterismo de las antiguas religiones mistéricas y orientales, inauguró una serie de temas y motivos que, a través de Platón, dejarían una profunda impronta en la tradición occidental.


Pitágoras

Se tienen pocas noticias de la biografía de Pitágoras que puedan considerarse fidedignas, ya que su condición de fundador de una secta religiosa propició la temprana aparición de una tradición legendaria en torno a su persona. Parece seguro que fue hijo del mercader Mnesarco y que la primera parte de su vida transcurrió en la isla de Samos, que probablemente abandonó unos años antes de la ejecución del tirano Polícrates, en el 522 a.C. Es posible que viajara entonces a Mileto, para visitar luego Fenicia y Egipto; en este último país, cuna del conocimiento esotérico, Pitágoras podría haber estudiado los misterios, así como geometría y astronomía.

Algunas fuentes dicen que Pitágoras marchó después a Babilonia con Cambises II, para aprender allí los conocimientos aritméticos y musicales de los sacerdotes. Se habla también de viajes a Delos, Creta y Grecia antes de establecer, por fin, su famosa escuela en la ciudad de Crotona, una de las colonias que los griegos habían fundado dos siglos antes en la Magna Grecia (el actual sur de Italia), donde gozó de considerable popularidad y poder. La comunidad liderada por Pitágoras acabó, plausiblemente, por convertirse en una fuerza política aristocratizante que despertó la hostilidad del partido demócrata, de lo que derivó una revuelta que obligó a Pitágoras a pasar los últimos años de su vida en la también colonia griega de Metaponto, al norte de Crotona.

La comunidad pitagórica estuvo siempre rodeada de misterio; parece que los discípulos debían esperar varios años antes de ser presentados al maestro y guardar siempre estricto secreto acerca de las enseñanzas recibidas. Las mujeres podían formar parte de la hermandad; la más famosa de sus adheridas fue Teano, esposa quizá del propio Pitágoras y madre de una hija y de dos hijos del filósofo.

La filosofía de Pitágoras

Pitágoras no dejó obra escrita, y hasta tal punto es imposible distinguir las ideas del maestro de las de los discípulos que sólo puede exponerse el pensamiento de la escuela de Pitágoras. De hecho, externamente el pitagorismo más parece una religión mistérica (como el orfismo) que una escuela filosófica; en tal sentido fue un estilo de vida inspirado en un ideal ascético y basado en la comunidad de bienes, cuyo principal objetivo era la purificación ritual (catarsis) de sus miembros.

Sin embargo, tal purificación (y ésta es su principal singularidad respecto a los cultos mistéricos) se llevaba a cabo a través del cultivo de un saber en el que la música y las matemáticas desempeñaban un papel importante. El camino hacia ese saber era la filosofía, término que, según la tradición, Pitágoras fue el primero en emplear en su sentido literal de «amor a la sabiduría»; cuando el tirano Leontes le preguntó si era un sabio, Pitágoras le respondió cortésmente que era «un filósofo», es decir, un amante del saber.


Pitágoras en La escuela de Atenas (1511), de Rafael

También se atribuye a Pitágoras haber transformado las matemáticas en una enseñanza liberal (sin la utilidad por ejemplo agrimensora que tenían en Egipto) mediante la formulación abstracta de sus resultados, con independencia del contexto material en que ya eran conocidos algunos de ellos. Éste es, en especial, el caso del famoso teorema de Pitágoras, que establece la relación entre los lados de un triángulo rectángulo: el cuadrado de la hipotenusa (el lado más largo) es igual a la suma de los cuadrados de los catetos (los lados cortos que forman el ángulo rectángulo). Del uso práctico de esta relación existen testimonios procedentes de otras civilizaciones anteriores a la griega (como la egipcia y la babilónica), pero se atribuye a Pitágoras la primera demostración del teorema, así como otros numerosos avances a su escuela.

El esfuerzo para elevarse a la generalidad de un teorema matemático a partir de su cumplimiento en casos particulares ejemplifica el método pitagórico para la purificación y perfección del alma, que enseñaba a conocer el mundo como armonía. En virtud de ésta, el universo era un cosmos, es decir, un conjunto ordenado en el que los cuerpos celestes guardaban una disposición armónica que hacía que sus distancias estuvieran entre sí en proporciones similares a las correspondientes a los intervalos de la octava musical; las esferas celestes, al girar, producían la llamada música de las esferas, inaudible al oído humano por ser permanente y perpetua.

En un sentido sensible, la armonía era musical; pero su naturaleza inteligible era de tipo numérico, y si todo era armonía, el número resultaba ser la clave de todas las cosas. Mientras casi todos sus predecesores y coetáneos (desde los filósofos milesios Tales, Anaximandro y Anaxímenes hasta Heráclito y los eleatas Jenófanes y Parménides) buscaban el arjé o principio constitutivo de las cosas en sustancias físicas (el agua, el aire, el fuego, la tierra), los pitagóricos vieron tal principio en el número: las leyes y proporciones numéricas rigen los fenómenos naturales, revelando el orden y la armonía que impera en el cosmos. Sólo con el descubrimiento de tales leyes y proporciones llegamos a un conocimiento exacto y verdadero de las cosas.

La voluntad unitaria de la doctrina pitagórica quedaba plasmada en la relación que establecía entre el orden cósmico y el moral; para los pitagóricos, el hombre era también un verdadero microcosmos en el que el alma aparecía como la armonía del cuerpo. En este sentido, entendían que la medicina tenía la función de restablecer la armonía del individuo cuando ésta se viera perturbada, y, siendo la música instrumento por excelencia para la purificación del alma, la consideraban, por lo mismo, como una medicina para el cuerpo.



La santidad predicada por Pitágoras implicaba toda una serie de normas higiénicas basadas en tabúes como la prohibición de consumir animales, que parece haber estado directamente relacionada con la creencia en la transmigración de las almas; se dice que el propio Pitágoras declaró ser hijo de Hermes, y que sus discípulos lo consideraban una encarnación de Apolo. La creencia en la metempsicosis, idea orientalizante y extraña a la tradición griega, implicaba la concepción del alma como ente racional inmortal aprisionado en el cuerpo y responsable de sus actos, de forma que de su conducta en la vida dependería el ser en el que se reencarnaría tras la muerte del cuerpo.

Su influencia

Más de un siglo después de la muerte de Pitágoras, en el transcurso de un viaje al sur de Italia efectuado antes de la fundación de la Academia, Platón tuvo conocimiento de la filosofía pitagórica a través de sus discípulos. Se ha afirmado que la concepción del número como principio de todas las cosas preparó el terreno para el idealismo platónico; en cualquier caso, la influencia de Pitágoras es clara al menos en la doctrina platónica del alma (inmortal y prisionera del cuerpo), que también en Platón alcanza su liberación mediante el saber.

De este modo, a través de Platón, diversas concepciones pitagóricas se convertirían en temas recurrentes o polémicos de la filosofía occidental; todavía en el siglo XVII un astrónomo tan insigne como Kepler, a quien se debe el descubrimiento de las órbitas elípticas de los planetas, seguía creyendo en la música de las esferas. Otros conceptos suyos, como los de armonía y proporción, quedarían incorporados a la música y las artes. Pitágoras ha sido visto también como el precursor de una aspiración que tendría grandísimo predicamento a partir de la revolución científica de Galileo: la formalización matemática del conocimiento.



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No se puede atravesar el mar simplemente mirando el agua (Rabindranath Tagore)

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No se puede atravesar el mar simplemente mirando el agua (Rabindranath Tagore)

(Rabindranath Thakur, Calcuta, 1861 - Santiniketan, 1941) Escritor indio. Es el más prestigioso escritor indio de comienzos del siglo XX. De origen noble, era el último de los catorce hijos de una familia consagrada a la renovación espiritual de Bengala, y se educó junto a su padre en el retiro... Ver mas
(Rabindranath Thakur, Calcuta, 1861 - Santiniketan, 1941) Escritor indio. Es el más prestigioso escritor indio de comienzos del siglo XX. De origen noble, era el último de los catorce hijos de una familia consagrada a la renovación espiritual de Bengala, y se educó junto a su padre en el retiro que éste tenía en Santiniketan. En 1878 fue enviado a Gran Bretaña, donde estudió literatura y música.


Rabindranath Tagore

Evocó este viaje en Cartas de un viajero (1881), que publicó en el periódico literario Bharati, fundado por dos de sus hermanos en 1876. De la misma época son los dramas musicales El genio de Valmiki (1882) y Los cantos del crepúsculo (1882), y la novela histórica La feria de la reina recién casada (1883).

En 1882, unas experiencias místicas le llevaron a escribir los Cantos de la aurora (1883). En este mismo año casó con una joven de dieciséis años, y a partir de entonces se dedicó a administrar los bienes de la familia de su esposa y a viajar por toda Bengala. En 1890 realizó un segundo viaje a Gran Bretaña. De este período son las colecciones poéticas Citra (1896) y El libro de los cumpleaños (1900).

En 1901 fundó una escuela en Santiniketan (Hogar de la Paz), en la que estructuró un sistema pedagógico que defendía la libertad intelectual del ser humano. En 1904 publicó el ensayo político El movimiento nacional, en el que se pronuncia en favor de la independencia de su país. En 1910 apareció La ofrenda lírica, una de sus obras más conocidas.

A partir de 1912 recibió numerosas invitaciones para pronunciar conferencias en Europa, EE UU y algunos países asiáticos, labor que le sirvió para acrecentar su prestigio. Durante la I Guerra Mundial, y al agudizarse la agitación en la India, tuvo que definir su postura política y adoptó una postura pacifista exenta de nacionalismo. En sus últimos años se dedicó casi por completo a la administración de su centro de estudios, que a fines de 1921 se convirtió en universidad internacional con el nombre de Visva Bharati, y fue declarado universidad estatal en 1951.

De su extensa producción literaria cabe citar además los dramas Kacha y Devayani (1894), El cartero del rey (1913), Ciclo de la primavera (1916) y La máquina (1922); las novelas Gora (1910) y La casa y el mundo (1916); los poemarios La luna nueva (1913), El jardinero (1913) y La fugitiva (1918), y algunas colecciones de sus conferencias, como Sadhana (1912) y La religión del hombre (1930). Recibió el premio Nobel de Literatura en 1913.





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Es importante que tú no te des por vencido (Stephen Hawking)

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Es importante que tú no te des por vencido (Stephen Hawking)

(Stephen William Hawking; Oxford, Reino Unido, 1942) Físico teórico británico. A pesar de sus discapacidades físicas y de las progresivas limitaciones impuestas por la enfermedad degenerativa que padece, Stephen Hawking es probablemente el físico más conocido entre el gran público desde los... Ver mas
(Stephen William Hawking; Oxford, Reino Unido, 1942) Físico teórico británico. A pesar de sus discapacidades físicas y de las progresivas limitaciones impuestas por la enfermedad degenerativa que padece, Stephen Hawking es probablemente el físico más conocido entre el gran público desde los tiempos de Einstein. Luchador y triunfador, a lo largo de toda su vida ha logrado sortear la inmensidad de impedimentos que le ha planteado el mal de Lou Gehrig, una esclerosis lateral amiotrófica que le aqueja desde que tenía veinte años. Hawking es, sin duda, un caso particular de vitalidad y resistencia frente al infortunio del destino.


Stephen Hawking

Biografía

El 8 de enero de 1942, en momentos en que la capital del Reino Unido sobrevivía bajo la permanente amenaza de los bombardeos alemanes, nacía Stephen Hawking en la ciudad de Oxford. Allí comenzó a estudiar en el University College, donde se licenció en 1962 con los títulos de matemático y físico. Por esa época era un chico de vida normal, cuyas singularidades eran únicamente su brillante inteligencia y un gran interés por las ciencias.

Pero en 1963, en el transcurso de una sesión de patinaje sobre hielo, el joven Stephen resbaló y tuvo dificultades para incorporarse. De inmediato se le diagnosticó un trastorno degenerativo neuromuscular, la ELA o esclerosis lateral amiotrófica. Los médicos supusieron que la enfermedad iba a acabar con su vida en pocos años; sin embargo, se equivocaron. Naturalmente, la vida de Stephen no fue la misma a partir de entonces, pero sus limitaciones físicas no interrumpieron en ningún momento su actividad intelectual; de hecho, más bien la incrementaron.

Mientras cursaba su doctorado en el Trinity Hall de Cambridge, se casó con Jane Wayline (1965). Tras casi veinticinco años de matrimonio, en 1990 la pareja se separó y el científico se fue a vivir con Elaine Mason, una de las enfermeras que lo cuidaba y con la que cinco años más tarde contrajo matrimonio. Tras obtener el título de doctor en física teórica (1966), su pasión por el estudio del origen del universo fue en aumento, y sus investigaciones se centraron en el campo de la relatividad general, particularmente en la física de los agujeros negros.


Con Jane Wayline el día de la boda (1965)
y con Elaine Mason, con la que se casó en 1995



Ciertamente, Hawking no sólo es comparable con Albert Einstein por su popularidad: al igual que el formulador de la teoría de la relatividad, Stephen Hawking se planteó la ambiciosa meta de armonizar la relatividad general y la mecánica cuántica, en busca de una unificación de la física que permitiese dar cuenta tanto del universo como de los fenómenos subatómicos. En 1971 sugirió la formación, a continuación del big bang, de numerosos objetos denominados «miniagujeros negros», que contendrían alrededor de mil millones de toneladas métricas de masa, pero ocuparían sólo el espacio de un protón, circunstancia que originaría enormes campos gravitatorios, regidos por las leyes de la relatividad.

Sus estudios sobre los miniagujeros negros lo llevarían a combinar por primera vez la teoría de la relatividad y la mecánica cuántica para resolver el problema de estudiar estas estructuras de dimensiones muy reducidas y de densidad extraordinariamente elevada, sobre las que no se creía que se pudiese obtener algún conocimiento. En 1974 propuso, de acuerdo con las predicciones de la física cuántica, que los agujeros negros emiten partículas subatómicas hasta agotar su energía, momento en el cual se produce un estallido final. Hawking ha explorado asimismo algunas singularidades del binomio espacio-tiempo.

En 1974 Hawking fue designado miembro de la Royal Society y, tres años más tarde, profesor de física gravitacional en Cambridge, donde se le otorgó la cátedra Lucasiana de matemáticas (1980), que había sido dictada por Isaac Newton y que el profesor británico continuaría ocupando en las décadas siguientes. Pero a medida que los logros intelectuales y los reconocimientos se iban sucediendo en su vida (ha publicado multitud de libros y recibido innumerables premios y doctorados honoris causa), también avanzaba el proceso degenerativo de su enfermedad. Primero la inmovilidad de sus extremidades lo llevó a depender de una silla de ruedas; después la parálisis se extendió a casi todo su cuerpo y, a sus 58 años, sólo podía comunicarse mediante un sintetizador conectado a su silla.

Un gran divulgador

Resulta una gran paradoja, sin duda, que un hombre que se involucró plenamente en la tarea de clarificar los conceptos científicos para el público medio (a diferencia de la mayoría de sus colegas, Hawking optó decididamente por la divulgación) se haya tenido que enfrentar duramente con la dificultad de poder comunicarlos. No obstante, gracias a su empeño y tenacidad, no ha dejado de salvar los escollos que se derivan de sus discapacidades físicas. En 1989, en ocasión de su visita a España para recibir el premio Príncipe de Asturias, Stephen Hawking subrayó la importancia de que los ciudadanos de a pie posean las nociones científicas suficientes para participar en los debates que abren los nuevos avances científicos y tecnológicos, evitando que todo quede en manos de los expertos.

Ése es el mensaje que se descubre en algunos de sus libros más famosos, como Historia del tiempo: del big bang a los agujeros negros (1988), que ha sido traducido a treinta y siete idiomas y del que en pocos años se vendieron más de veinte millones de ejemplares. En su propósito de hacer llegar el libro a un público amplio, Stephen Hawking renuncia a las fórmulas y a las exposiciones para especialistas, pero no abandona el tratamiento riguroso de la cuestión. Procede primero a una amplia e