De todos estos estilos de escultores del mundo, ¿cuál es tu preferido?

De todos estos estilos de escultores del mundo, ¿cuál es tu preferido?

Publicada el 12.01.2020 a las 21:39h.

Se llama escultura (del latín sculptūra) al arte de modelar el barro, tallar en piedra, madera u otros materiales. También se denomina escultura a la obra elaborada por un escultor.1​ Es una de las Bellas Artes en la cual el escultor se expresa creando volúmenes y conformando espacios. En la escultura se incluyen todas las artes de talla y cincel, junto con las de fundición y moldeado. Dentro de la escultura, el uso de diferentes combinaciones de materiales y medios ha originado un nuevo... (continuar leyendo)

Etiquetas: del, escultores, estilos, estos, todos

Avatar de irenegm

Último acceso 09:38h

Leonardo da Vinci

1

Leonardo da Vinci

Considerado el paradigma del homo universalis, del sabio renacentista versado en todos los ámbitos del conocimiento humano, Leonardo da Vinci (1452-1519) incursionó en campos tan variados como la aerodinámica, la hidráulica, la anatomía, la botánica, la pintura, la escultura y la arquitectura... Ver mas
Considerado el paradigma del homo universalis, del sabio renacentista versado en todos los ámbitos del conocimiento humano, Leonardo da Vinci (1452-1519) incursionó en campos tan variados como la aerodinámica, la hidráulica, la anatomía, la botánica, la pintura, la escultura y la arquitectura, entre otros. Sus investigaciones científicas fueron, en gran medida, olvidadas y minusvaloradas por sus contemporáneos; su producción pictórica, en cambio, fue de inmediato reconocida como la de un maestro capaz de materializar el ideal de belleza en obras de turbadora sugestión y delicada poesía.


Recreación de un retrato de Leonardo

En el plano artístico, Leonardo conforma, junto con Miguel Ángel y Rafael, la tríada de los grandes maestros del Cinquecento, y, pese a la parquedad de su obra, la historia de la pintura lo cuenta entre sus mayores genios. Por los demás, es posible que de la poderosa fascinación que suscitan sus obras maestras (con La Gioconda a la cabeza) proceda aquella otra fascinación en torno a su figura que no ha cesado de crecer con los siglos, alimentada por los múltiples enigmas que envuelven su biografía, algunos de ellos triviales, como la escritura de derecha a izquierda, y otros ciertamente inquietantes, como aquellas visionarias invenciones cinco siglos adelantadas a su tiempo.

Juventud y descubrimientos técnicos

Leonardo nació en 1452 en la villa toscana de Vinci, hijo natural de una campesina, Caterina (que se casó poco después con un artesano de la región), y de Ser Piero, un rico notario florentino. Italia era entonces un mosaico de ciudades-estado como Florencia, pequeñas repúblicas como Venecia y feudos bajo el poder de los príncipes o el papa. El Imperio romano de Oriente cayó en 1453 ante los turcos y apenas sobrevivía aún, muy reducido, el Sacro Imperio Romano Germánico; era una época violenta en la que, sin embargo, el esplendor de las cortes no tenía límites.

A pesar de que su padre se casaría cuatro veces, sólo tuvo hijos (once en total, con los que Leonardo entablaría pleitos por la herencia paterna) en sus dos últimos matrimonios, por lo que el pequeño Leonardo se crió como hijo único. Su enorme curiosidad se manifestó tempranamente: ya en la infancia dibujaba animales mitológicos de su propia invención, inspirados en una profunda observación del entorno natural en el que creció. Giorgio Vasari, su primer biógrafo, relata cómo el genio de Leonardo, siendo aún un niño, creó un escudo de Medusa con dragones que aterrorizó a su padre cuando se topó con él por sorpresa.

Consciente del talento de su hijo, su padre le permitió ingresar como aprendiz en el taller de Andrea del Verrocchio. A lo largo de los seis años que el gremio de pintores prescribía como instrucción antes de ser reconocido como artista libre, Leonardo aprendió pintura, escultura y técnicas y mecánicas de la creación artística. El primer trabajo suyo del que se tiene certera noticia fue la construcción de la esfera de cobre proyectada por Brunelleschi para coronar la iglesia de Santa Maria dei Fiori. Junto al taller de Verrocchio, además, se encontraba el de Antonio Pollaiuolo, en donde Leonardo hizo sus primeros estudios de anatomía y, quizá, se inició también en el conocimiento del latín y el griego.

Joven agraciado y vigoroso, Leonardo había heredado la fuerza física de la estirpe de su padre; es muy probable que fuera el modelo para la cabeza de San Miguel en el cuadro de Verrocchio Tobías y el ángel, de finos y bellos rasgos. Por lo demás, su gran imaginación creativa y la temprana pericia de su pincel no tardaron en superar a las de su maestro. En el Bautismo de Cristo, por ejemplo, los inspirados ángeles pintados por Leonardo contrastan con la brusquedad del Bautista hecho por Verrocchio.


Ángeles atribuidos a Leonardo en el Bautismo de Cristo (c. 1475), de Andrea del Verrocchio

El joven discípulo utilizaba allí por vez primera una novedosa técnica recién llegada de los Países Bajos: la pintura al óleo, que permitía una mayor blandura en el trazo y una más profunda penetración en la tela. Además de los extraordinarios dibujos y de la participación virtuosa en otros cuadros de su maestro, sus grandes obras de este período son un San Jerónimo y el gran panel La adoración de los Magos (ambos inconclusos), notables por el innovador dinamismo otorgado por la destreza en los contrastes de rasgos, en la composición geométrica de la escena y en el extraordinario manejo de la técnica del claroscuro.

Florencia era entonces una de las ciudades más ricas de Europa; las numerosas tejedurías y los talleres de manufacturas de sedas y brocados de oriente y de lanas de occidente la convertían en el gran centro comercial de la península itálica; allí los Medici habían establecido una corte cuyo esplendor debía no poco a los artistas con que contaba. Pero cuando el joven Leonardo comprobó que no conseguía de Lorenzo el Magnífico más que alabanzas a sus virtudes de buen cortesano, a sus treinta años decidió buscar un horizonte más prospero.

Primer período milanés (1482-1499)

En 1482 se presentó ante el poderoso Ludovico Sforza, el hombre fuerte de Milán, en cuya corte se quedaría diecisiete años como «pictor et ingenierius ducalis». Aunque su ocupación principal era la de ingeniero militar, sus proyectos (casi todos irrealizados) abarcaron la hidráulica, la mecánica (con innovadores sistemas de palancas para multiplicar la fuerza humana) y la arquitectura, además de la pintura y la escultura. Fue su período de pleno desarrollo; siguiendo las bases matemáticas fijadas por Leon Battista Alberti y Piero della Francesca, Leonardo comenzó sus apuntes para la formulación de una ciencia de la pintura, al tiempo que se ejercitaba en la ejecución y fabricación de laúdes.

Estimulado por la dramática peste que asoló Milán y cuya causa veía Leonardo en el hacinamiento y suciedad de la ciudad, proyectó espaciosas villas, hizo planos para canalizaciones de ríos e ingeniosos sistemas de defensa ante la artillería enemiga. Habiendo recibido de Ludovico el encargo de crear una monumental estatua ecuestre en honor de Francesco, el fundador de la dinastía Sforza, Leonardo trabajó durante dieciséis años en el proyecto del «gran caballo», que no se concretaría más que en un modelo en barro, destruido poco después durante una batalla.



Resultó sobre todo fecunda su amistad con el matemático Luca Pacioli, fraile franciscano que hacia 1496 concluyó su tratado De la divina proporción, ilustrado por Leonardo. Ponderando la vista como el instrumento de conocimiento más certero con que cuenta el ser humano, Leonardo sostuvo que a través de una atenta observación debían reconocerse los objetos en su forma y estructura para describirlos en la pintura de la manera más exacta. De este modo el dibujo se convertía en el instrumento fundamental de su método didáctico, al punto que podía decirse que en sus apuntes el texto estaba para explicar el dibujo, y no al revés, razón por la que Leonardo da Vinci ha sido reconocido como el creador de la moderna ilustración científica.

El ideal del saper vedere guió todos sus estudios, que en la década de 1490 comenzaron a perfilarse como una serie de tratados inconclusos que serían luego recopilados en el Codex Atlanticus, así llamado por su gran tamaño. Incluye trabajos sobre pintura, arquitectura, mecánica, anatomía, geografía, botánica, hidráulica y aerodinámica, fundiendo arte y ciencia en una cosmología individual que da, además, una vía de salida para un debate estético que se encontraba anclado en un más bien estéril neoplatonismo.

Aunque no parece que Leonardo se preocupara demasiado por formar su propia escuela, en su taller milanés se creó poco a poco un grupo de fieles aprendices y alumnos: Giovanni Boltraffio, Ambrogio de Predis, Andrea Solari y su inseparable Salai, entre otros; los estudiosos no se han puesto de acuerdo aún acerca de la exacta atribución de algunas obras de este período, tales como la Madona Litta o el retrato de Lucrezia Crivelli.


Detalle de La Virgen de las Rocas (segunda versión, c. 1507)

Contratado en 1483 por la hermandad de la Inmaculada Concepción para realizar una pintura para la iglesia de San Francisco, Leonardo emprendió la realización de lo que sería la celebérrima Virgen de las Rocas, cuyo resultado final, en dos versiones, no estaría listo a los ocho meses que marcaba el contrato, sino veinte años más tarde. En ambas versiones la estructura triangular de la composición, la gracia de las figuras y el brillante uso del famoso sfumato para realzar el sentido visionario de la escena supusieron una revolución estética para sus contemporáneos.

A este mismo período pertenecen el retrato de Ginevra de Benci (1475-1478), con su innovadora relación de proximidad y distancia, y la belleza expresiva de La belle Ferronnière. Pero hacia 1498 Leonardo finalizaba una pintura mural, en principio un encargo modesto para el refectorio del convento dominico de Santa Maria dalle Grazie, que se convertiría en su definitiva consagración pictórica: La Última Cena. Necesitamos hoy un esfuerzo para comprender su esplendor original, ya que se deterioró rápidamente y fue mal restaurada muchas veces. La genial captación plástica del dramático momento en que Jesucristo dice a los apóstoles «uno de vosotros me traicionará» otorga a la escena una unidad psicológica y una dinámica aprehensión del momento fugaz de sorpresa de los comensales (del que sólo Judas queda excluido). El mural se convirtió no sólo en un celebrado icono cristiano, sino también en un objeto de peregrinación para artistas de todo el continente.

El regreso a Florencia

A finales de 1499 los franceses entraron en Milán; Ludovico el Moro perdió el poder. Leonardo abandonó la ciudad acompañado de Pacioli y, tras una breve estancia en Mantua, en casa de su admiradora la marquesa Isabel de Este, llegó a Venecia. Acosada por los turcos, que ya dominaban la costa dálmata y amenazaban con tomar el Friuli, la Signoria de Venecia contrató a Leonardo como ingeniero militar.

En pocas semanas proyectó una cantidad de artefactos cuya realización concreta no se haría sino, en muchos casos, hasta los siglos XIX o XX: desde una suerte de submarino individual, con un tubo de cuero para tomar aire destinado a unos soldados que, armados con taladro, atacarían a las embarcaciones por debajo, hasta grandes piezas de artillería con proyectiles de acción retardada y barcos con doble pared para resistir las embestidas. Los costes desorbitados, la falta de tiempo y, quizá, las pretensiones de Leonardo en el reparto del botín, excesivas para los venecianos, hicieron que las geniales ideas no pasaran de bocetos. En abril de 1500, tras casi veinte años de ausencia, Leonardo da Vinci regresó a Florencia.

Dominaba entonces la ciudad César Borgia, hijo del papa Alejandro VI. Descrito por el propio Maquiavelo como «modelo insuperable» de intrigador político y déspota, este hombre ambicioso y temido se estaba preparando para lanzarse a la conquista de nuevos territorios. Leonardo, nuevamente como ingeniero militar, recorrió los territorios del norte, trazando mapas, calculando distancias precisas y proyectando puentes y nuevas armas de artillería. Pero poco después el condottiero cayó en desgracia: sus capitanes se sublevaron, su padre fue envenenado y él mismo cayó gravemente enfermo. En 1503 Leonardo volvió a Florencia, que por entonces se encontraba en guerra con Pisa, y concibió allí su genial proyecto de desviar el río Arno por detrás de la ciudad enemiga para cercarla, contemplando además la construcción de un canal como vía navegable que comunicase Florencia con el mar. El proyecto sólo se concretó en los extraordinarios mapas de su autor.


Santa Ana, la Virgen y el Niño (c. 1510)

Pero Leonardo ya era reconocido como uno de los mayores maestros de Italia. En 1501 había trazado un boceto de su Santa Ana, la Virgen y el Niño, que trasladaría al lienzo a finales de la década. En 1503 recibió el encargo de pintar un gran mural (el doble del tamaño de La Última Cena) en el palacio Viejo: la nobleza florentina quería inmortalizar algunas escenas históricas de su gloria. Leonardo trabajó tres años en La batalla de Anghiari, que quedaría inconclusa y sería luego desprendida por su deterioro. Pese a la pérdida, circularon bocetos y copias que admirarían a Rafael e inspirarían, un siglo más tarde, una célebre reproducción de Peter Paul Rubens.

También sólo en copias sobrevivió otra gran obra de este periodo: Leda y el cisne. Sin embargo, la cumbre de esta etapa florentina (y una de las pocas obras acabadas por Leonardo) fue el retrato de Mona (abreviatura de Madonna) Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo, razón por la que el cuadro es conocido como La Mona Lisa o La Gioconda. Obra famosa desde el momento de su creación, se convirtió en modelo de retrato y casi nadie escaparía a su influjo en el mundo de la pintura. Como cuadro y como personaje, la mítica Gioconda ha inspirado infinidad de libros y leyendas, y hasta una ópera; pero es poco lo que se conoce a ciencia cierta. Ni siquiera se sabe quién encargó el cuadro, que Leonardo llevaría consigo en su continua peregrinación vital hasta sus últimos años en Francia, donde lo vendió al rey Francisco I por cuatro mil piezas de oro.


Detalle de La Gioconda (c. 1503-1507)

Perfeccionando su propio hallazgo del sfumato, llevándolo a una concreción casi milagrosa, Leonardo logró plasmar un gesto entre lo fugaz y lo perenne: la «enigmática sonrisa» de la Gioconda es uno de los capítulos más admirados, comentados e imitados de la historia del arte, y su misterio sigue aún hoy fascinando. Existe la leyenda de que Leonardo promovía ese gesto en su modelo haciendo sonar laúdes mientras ella posaba; el cuadro, que ha atravesado no pocas vicisitudes, ha sido considerado como cumbre y resumen del talento y de la «ciencia pictórica» de su autor.

De nuevo en Milán (1506-1513)

El interés de Leonardo por los estudios científicos era cada vez más intenso. Asistía a disecciones de cadáveres, sobre los que confeccionaba dibujos para describir la estructura y funcionamiento del cuerpo humano; al mismo tiempo hacía sistemáticas observaciones del vuelo de los pájaros (sobre los que planeaba escribir un tratado), con la convicción de que también el hombre podría volar si llegaba a conocer las leyes de la resistencia del aire (algunos apuntes de este período se han visto como claros precursores del moderno helicóptero).

Absorto por estas cavilaciones e inquietudes, Leonardo no dudó en abandonar Florencia cuando en 1506 Charles d'Amboise, gobernador francés de Milán, le ofreció el cargo de arquitecto y pintor de la corte; honrado y admirado por su nuevo patrón, Leonardo da Vinci proyectó para él un castillo y ejecutó bocetos para el oratorio de Santa Maria dalla Fontana, fundado por el mecenas. Su estadía milanesa sólo se interrumpió en el invierno de 1507, cuando colaboró en Florencia con el escultor Giovanni Francesco Rustici en la ejecución de los bronces del baptisterio de la ciudad.

Quizás excesivamente avejentado para los cincuenta años que contaba entonces, su rostro fue tomado por Rafael como modelo del sublime Platón para su obra La escuela de Atenas. Leonardo, en cambio, pintaba poco, dedicándose a recopilar sus escritos y a profundizar en sus estudios: con la idea de tener finalizado para 1510 su tratado de anatomía, trabajaba junto a Marcantonio della Torre, el más célebre anatomista de su tiempo, en la descripción de órganos y el estudio de la fisiología humana.


Leonardo como Platón en La escuela de Atenas (1511), de Rafael

El ideal leonardesco de la «percepción cosmológica» se manifestaba en múltiples ramas: escribía sobre matemáticas, óptica, mecánica, geología, botánica; su búsqueda tendía hacia el encuentro de leyes, funciones y armonías compatibles para todas estas disciplinas, para la naturaleza como unidad. Paralelamente, a sus antiguos discípulos se sumaron algunos nuevos, entre ellos el joven noble Francesco Melzi, fiel amigo del maestro hasta su muerte. Junto a Ambrogio de Predis, Leonardo culminó hacia 1507 la segunda versión de La Virgen de las Rocas; poco antes, había dejado sin cumplir un encargo del rey de Francia para pintar dos madonnas.

El nuevo hombre fuerte de Milán era entonces Gian Giacomo Trivulzio, quien pretendía retomar para sí el monumental proyecto del «gran caballo», convirtiéndolo en una estatua funeraria para su propia tumba en la capilla de San Nazaro Magiore; pero tampoco esta vez el monumento ecuestre pasó de los bocetos, lo que supuso para Leonardo su segunda frustración como escultor. En 1513 una nueva situación de inestabilidad política lo empujó a abandonar Milán; junto a Melzi y Salai marchó a Roma, donde se albergó en el belvedere de Giuliano de Médicis, hermano del nuevo papa León X.

Últimos años: Roma y Francia

En el Vaticano vivió una etapa de tranquilidad, con un sueldo digno y sin grandes obligaciones: dibujó mapas, estudió antiguos monumentos romanos, proyectó una gran residencia para los Médicis en Florencia y, además, reanudó su estrecha amistad con el gran arquitecto Donato Bramante, hasta el fallecimiento de éste en 1514. Pero en 1516, muerto su protector Giuliano de Médicis, Leonardo dejó Italia definitivamente para pasar los tres últimos años de su vida en el palacio de Cloux como «primer pintor, arquitecto y mecánico del rey».

El gran respeto que le dispensó Francisco I de Francia hizo que Leonardo pasase esta última etapa de su vida más bien como un miembro de la nobleza que como un empleado de la casa real. Fatigado y concentrado en la redacción de sus últimas páginas para el nunca concluido Tratado de la pintura, cultivó más la teoría que la práctica, aunque todavía ejecutó extraordinarios dibujos sobre temas bíblicos y apocalípticos. Alcanzó a completar el ambiguo San Juan Bautista, un andrógino duende que desborda gracia, sensualidad y misterio; de hecho, sus discípulos lo imitarían poco después convirtiéndolo en un pagano Baco, que hoy puede verse en el Louvre de París.


Detalle de San Juan Bautista (c. 1516)

A partir de 1517 su salud, hasta entonces inquebrantable, comenzó a desmejorar. Su brazo derecho quedó paralizado; pero, con su incansable mano izquierda, Leonardo aún hizo bocetos de proyectos urbanísticos, de drenajes de ríos y hasta decorados para las fiestas palaciegas. Convertida en una especie de museo, su casa de Amboise estaba repleta de los papeles y apuntes que contenían las ideas de este hombre excepcional, muchas de las cuales deberían esperar siglos para demostrar su factibilidad y aun su necesidad; llegó incluso, en esta época, a concebir la idea de hacer casas prefabricadas. Sólo por las tres telas que eligió para que lo acompañasen en su última etapa (San Juan Bautista, La Gioconda y Santa Ana, la Virgen y el Niño) puede decirse que Leonardo poseía entonces uno de los grandes tesoros de su tiempo.

El 2 de mayo de 1519 murió en Cloux; su testamento legaba a Melzi todos sus libros, manuscritos y dibujos, que el discípulo se encargó de retornar a Italia. Como suele suceder con los grandes genios, se han tejido en torno a su muerte algunas leyendas; una de ellas, inspirada por Vasari, pretende que Leonardo, arrepentido de no haber llevado una existencia regida por las leyes de la Iglesia, se confesó largamente y, con sus últimas fuerzas, se incorporó del lecho mortuorio para recibir, antes de expirar, los sacramentos.



Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Leonardo da Vinci. Biografía. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/monografia/leonardo/ el 9 de enero de 2020.



Sobre este sitio Contacto Enlácenos Cómo citar Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2020

¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 23 puntos

Vótalo:

Miguel Ángel Buonarotti

2

Miguel Ángel Buonarotti

Michelangelo Buonarroti fue un hombre solitario, iracundo y soberbio, constantemente desgarrado por sus pasiones y su genio. Dominó las cuatro nobles artes que solicitaron de su talento: la escultura, la pintura, la arquitectura y la poesía, siendo en esto parangonable a otro genio polifacético... Ver mas
Michelangelo Buonarroti fue un hombre solitario, iracundo y soberbio, constantemente desgarrado por sus pasiones y su genio. Dominó las cuatro nobles artes que solicitaron de su talento: la escultura, la pintura, la arquitectura y la poesía, siendo en esto parangonable a otro genio polifacético de su época, Leonardo da Vinci. Durante su larga vida amasó grandes riquezas, pero era sobrio en extremo, incluso avaro, y jamás disfrutó de sus bienes. Si Hipócrates afirmó que el hombre es todo él enfermedad, Miguel Ángel encarnó su máxima fiel y exageradamente, pues no hubo día que no asegurase padecer una u otra dolencia.


Miguel Ángel (retrato de Baccio Bandinelli, 1522)

Quizás por ello su existencia fue una continua lucha, un esfuerzo desesperado por no ceder ante los hombres ni ante las circunstancias. Acostumbraba a decir en sus últimos días que para él la vida había sido una batalla constante contra la muerte. Fue una batalla de casi noventa años, una lucha incruenta cuyo resultado no fueron ruinas y cadáveres, sino algunas de las más bellas y grandiosas obras de arte que la humanidad afortunadamente ha conocido.

La dorada Florencia

En Caprese, hermosa aldea rodeada de prados y encinares, nació el 6 de marzo de 1475 Miguel Ángel, hijo de Ludovico Buonarroti y de Francesa di Neri di Miniato del Sera. Su padre descendía de artesanos y, quizás por ello, siempre se opuso a la vocación de su hijo; consideraba que el comercio era mucho más rentable y distinguido que cualquier actividad manual plebeya. Miguel Ángel siempre estuvo agradecido a su nodriza, mujer de un cincelador, pues aseguraba que con su leche había mamado "el escoplo y el mazo para hacer las estatuas".

Cuando siendo apenas un adolescente el joven Buonarroti se trasladó a Florencia, la ciudad vivía uno de sus momentos más esplendorosos. Lorenzo de Médicis, llamado el Magnífico, reinaba sobre los florentinos impregnándolo todo de belleza y sabiduría. Refinado y abrumadoramente inteligente, Lorenzo era un extraordinario príncipe poeta, considerado un erudito por los helenistas, un guerrero invencible por los soldados y un amante insuperable por los libertinos.

En la corte de este dechado de virtudes, rodeado de pensadores de la talla de Pico della Mirandola, Poliziano o Marsilio Ficino, y junto a maestros como Domenico Ghirlandaio o Sandro Botticelli, Miguel Ángel dio sus primeros pasos por el rutilante camino de las bellas artes. En el jardín de San Marcos, que Lorenzo había hecho decorar con antiguas estatuas, el joven escultor pudo estudiar a los autores del pasado e imbuirse de su técnica. El lugar se había convertido en una especie de academia al aire libre donde los jóvenes se ejercitaban bajo la dirección de un discípulo de Donatello, el maestro Bertoldo. El talento precoz de Miguel Ángel se reveló al cincelar una cabeza de fauno que suscitó el interés del propio príncipe, siempre en busca de nuevos valores a los que acoger bajo su protección. Inmediatamente, Miguel Ángel ingresó en la reducida y selecta nómina de sus favoritos.

Un día, mientras Miguel Ángel admiraba los frescos de Masaccio en el claustro de la iglesia del Carmine junto a Pietro Torrigiano, amigo y condiscípulo, surgió entre ambos una agria disputa. A Buonarroti le fascinaba la plasticidad de las figuras, que casi poseían relieve; para Torrigiano, los frescos carecían de brillantez y expresividad. La discusión acabó en reyerta: los muchachos intercambiaron algunos golpes y Pietro propinó a Miguel Ángel un puñetazo que le fracturó la nariz. El rostro de nuestro héroe quedó marcado por esa pequeña deformidad, que le amargaría en lo sucesivo. Sin embargo, un dolor aún mayor se adueñó de su corazón a raíz de la súbita muerte de Lorenzo el Magnífico, sobrevenida cuando el príncipe acababa de cumplir cuarenta y tres años. Ni Florencia ni Miguel Ángel volverían a ser como antes.

Primeras obras maestras

Tras la desaparición del Magnífico, Buonarroti dejó la corte y regresó a la casa paterna durante algunos meses. El nuevo señor de la ciudad, Piero de Médicis, tardó en acordarse de él, y cuando lo hizo fue para proponerle una efímera fama mediante un encargo sorprendente: había nevado en Florencia y quiso que Miguel Ángel modelara en el patio de su palacio una gran estatua de nieve. El blanco monumento fue tan de su agrado que, de un día para otro, el artista se convirtió por voluntad suya en un notorio personaje. Miguel Ángel aceptó los honores en silencio, ocultando el rencor que le producía tal afrenta, y luego decidió marcharse de Florencia antes que seguir soportando a aquel estúpido que en nada se parecía a su predecesor.


La Piedad (1498-1499)

Además, negros nubarrones se cernían sobre la ciudad. Los ejércitos franceses y españoles luchaban muy cerca de las murallas y, en el interior, un terrible fraile dominico llamado Girolamo Savonarola agitaba a las masas con su verbo ardiente contra el lujo pagano de los Médicis. Piero de Médicis acabó huyendo y Savonarola se apresuró a instaurar una república teocrática, pródiga en autos de fe y piras purificadoras donde se consumían libros, miniaturas, obras de arte y otros objetos impuros. Miguel Ángel nunca olvidó las prédicas de aquel iluminado, ni las llamas que terminaban para siempre con el sueño de una Florencia joven, alegre, culta y confiada.

Buonarroti se trasladó por primera vez a Roma en 1496. Allí estudió a fondo el arte clásico y esculpió dos de sus mejores obras juveniles: el delicioso Baco y la conmovedora Piedad, en las que su personalísimo estilo empezaba a manifestarse de manera rotunda e incontrovertible. Luego, de regreso a Florencia, acometió uno de sus proyectos más valientes, aceptando un desafío que ningún creador había osado hasta entonces: trabajar en un bloque de mármol de casi cinco metros de altura que yacía abandonado desde un siglo antes en la cantera del "duomo" florentino. Con abrumadora seguridad, Miguel Ángel hizo surgir de él el monumental David, como si la figura se hallase desde siempre en el interior de la piedra, creando para sus contemporáneos una imagen orgullosa e impresionante del joven héroe, en clara rivalidad con las dulces y adolescentes representaciones anteriores de Donatello y Verrocchio.

La Capilla Sixtina

En marzo de 1505 el artista fue requerido de nuevo en Roma por el papa Julio II. Se trataba de un pontífice de fuerte personalidad, vigoroso y tenaz, que iba a presidir el gran momento artístico e intelectual de la Roma renacentista, en la que destacarían por encima de todos dos artistas sublimes: Miguel Ángel Buonarroti y Rafael Sanzio de Urbino.

Julio II encargó a Buonarroti la realización de su monumento funerario. El proyecto original elaborado por Miguel Ángel preveía un vasto conjunto escultórico y arquitectónico con más de cuarenta estatuas destinadas a enaltecer el triunfo de la Iglesia. Pero algunos consejeros interesados susurraron al oído del papa que no podía ser de buen agüero construirse un mausoleo en vida, y Julio II arrinconó el proyecto de su monumento funerario para dedicarse a los planos que Bramante había realizado para la nueva basílica de San Pedro.


La creación de Adán (Capilla Sixtina, 1508-1512)

Miguel Ángel, despechado, abandonó Roma dispuesto a no regresar nunca más. Sin embargo, en mayo de 1508 aceptó un nuevo cometido del papa, quien deseaba mitigar su disgusto y compensarle de algún modo confiándole la decoración de la Capilla Sixtina. Miguel Ángel aceptó, aunque estaba seguro de que el inspirador del nuevo encargo no podía ser otro que Bramante, su enemigo y competidor, que ansiaba verle fracasar como fresquista para sustituirle por su favorito, Rafael.

Pero Buonarroti no se arredró. Tras mandar construir un portentoso andamio que no tocaba la pared de la Sixtina por ningún punto, despidió con soberbia infinita a los expertos que se habían ofrecido a aconsejarle y comenzó los trabajos completamente solo, ocultándose de todas las miradas y llegando a enfermar del esfuerzo que suponía pintar durante horas recostado en aquellas duras tablas a la luz de un simple candil.

Sólo Julio II estaba autorizado a contemplar los progresos de Miguel Ángel y, aunque el artista trabajaba con rapidez, el pontífice comenzó a impacientarse, pues sentía cercano el día de su muerte. "¿Cuándo terminaréis?", preguntaba el papa, y Miguel Ángel respondía: "¡Cuando acabe!" En cierta ocasión, el Santo Padre amenazó a Buonarroti con tirarle del andamio, y éste repuso que estaba dispuesto a abandonar Roma y dejar los frescos inacabados. Las disputas entre ambos menudearon a lo largo de los cuatro años que duró la decoración de la bóveda de la capilla, concluida finalmente el día de Todos los Santos de 1512, cuatro meses antes del fallecimiento de Julio II.



A juicio de Giorgio Vasari, historiador del arte, arquitecto y pintor contemporáneo de Miguel Ángel, los frescos de la Capilla Sixtina eran "una obra cumbre de la pintura de todos los tiempos, con la que se desvanecían las tinieblas que durante siglos habían rodeado a los hombres y oscurecido el mundo". Julio II, en su lecho de muerte, se declaró feliz porque Dios le había dado fuerzas para ver terminada la obra de Miguel Ángel, pudiendo así conocer de antemano a través de ella cómo era el reino de los cielos.

Buonarroti se había inspirado en la forma real de la bóveda para insertar en ella gigantescas imágenes de los profetas y las sibilas, situando más arriba el desarrollo de la historia del Génesis y dejando la parte inferior para las figuras principales de la salvación de Israel y de los antepasados de Jesucristo. Mediante una inmensa variedad de perspectivas y la adaptación libre de cada personaje a la profundidad de la bóveda, Miguel Ángel consiguió crear uno de los conjuntos más asombrosos de toda la historia del arte, una obra de suprema belleza cuya contemplación sigue siendo hoy una experiencia inigualable.

Misterio y poesía

Desaparecido Julio II y finalizada la Capilla Sixtina, Miguel Ángel quiso reemprender los trabajos para el mausoleo del pontífice, pero una serie de modificaciones sobre el proyecto primitivo y de pleitos con los herederos del fallecido impidieron su consecución, lo que contribuyó a mortificar su ya de por sí amargado carácter. De la célebre tumba quedarían tan sólo dos obras, insignificantes comparadas con la grandiosidad del conjunto pero extraordinarias por sí mismas: los portentosos Esclavos que se conservan en el Museo del Louvre y el famoso Moisés, que expresa con su atormentada energía el mismo ideal de majestad que había inspirado las figuras de la Capilla Sixtina.

A partir de 1520 trabajaría principalmente en la Capilla Médicis de San Lorenzo, preparando los sepulcros de los hermanos Juliano y Lorenzo de Médicis y de sus descendientes homónimos, Juliano, duque de Nemours, y Lorenzo, duque de Urbino. Es una de sus obras más orgánicas y armoniosas, en la que arquitectura y escultura se funden en un todo excepcionalmente unitario y equilibrado. Las estatuas del Día, la Noche, la Aurora y el Crepúsculo están envueltas en un halo de misteriosa hermosura que ya en su tiempo y durante siglos sería objeto de conjeturas e interpretaciones contradictorias.


La Noche (1526-1531)

Miguel Ángel, halagado por la admiración que suscitaban y a la vez cansado de escuchar hipótesis sobre lo que podían significar, quiso dar voz a sus esculturas y acallar a los parlanchines que tanto disputaban con estos hermosos y delicados versos:

Me es grato el sueño y más ser de piedra;
mientras dura el engaño y la vergüenza,
no sentir y no ver me es gran ventura;
mas tú no me despiertes; ¡habla bajo!

Fue precisamente en esta época cuando Miguel Ángel empezó a prodigarse como poeta. En 1536 emprendió la realización de un grandioso fresco destinado a cubrir la pared del altar de la Capilla Sixtina: el Juicio Final. Ese mismo año conoció a Vittoria Colonna, marquesa de Pescara. A ella iba a dedicarle sus mejores sonetos, en los que refleja al mismo tiempo su pasión platónica y su admiración por la que sería la única mujer de su vida.

Vittoria Colonna representó, para el alma desilusionada y solitaria de Miguel Ángel, un consuelo y un remanso de paz; se erigió en guía espiritual y moral del artista y dio un nuevo sentido a su vida. Incluso después de la muerte de su amiga, quizás el único ser que supo comprenderle y amarle, Miguel Ángel mantuvo una actitud muy distinta al constante y angustiado batallar que había caracterizado hasta entonces su existencia, con lo que pudo afrontar con un insólito sosiego el paso de la madurez a la ancianidad.

Arquitectura precursora

En los últimos años de su vida, Buonarroti se reveló como un gran arquitecto. Fue en 1546 cuando el papa Paulo III le confió la dirección de las obras de San Pedro en sustitución de Antonio da Sangallo el Joven. Primero transformó la planta central de Bramante y luego proyectó la magnífica cúpula, que no vería terminada.

La cúpula de la Basílica de San Pedro, una de las piezas más perfectas y más felizmente unitarias jamás concebidas, es junto al proyecto de la Plaza del Campidoglio y al Palacio Farnesio la culminación de las ideas constructivas de Miguel Ángel, que en este aspecto se mostró, si cabe, aún más audaz y novedoso que en el ámbito de la pintura o la escultura. En su arquitectura buscaba ante todo el contraste entre luces y sombras, entre macizos y vacíos, logrando lo que los críticos han denominado "fluctuación del espacio" y anticipándose a las grandes creaciones barrocas que más tarde llevarían a cabo grandes artistas como Bernini o Borromini.


Cúpula de la Basílica de San Pedro

A partir de 1560, el polifacético e hipocondríaco genio comenzó a padecer una serie de dolencias y achaques propios de la ancianidad. Mientras los expertos empezaban a considerarle superior a los clásicos griegos y romanos y sus detractores le acusaban de falta de mesura y naturalidad, Buonarroti se veía obligado a guardar cama y era víctima de frecuentes desvanecimientos. A finales de 1563 se le desencadenó un proceso arteriosclerótico que le mantuvo prácticamente inmóvil hasta su muerte. Poco antes, aún tuvo tiempo de reunir, ayudado por su discípulo Luigi Gaeta, cuantos bocetos, maquetas y cartones había diseminados por su taller, con objeto de quemarlos para que nadie supiese jamás cuáles habían sido los postreros sueños artísticos del genio.

Apenas dos meses después, el 18 de febrero de 1564, se extinguió lentamente. Sus últimas palabras fueron: "Dejo mi alma en manos de Dios, doy mi cuerpo a la tierra y entrego mis bienes a mis parientes más próximos." Cuatro hombres le acompañaron en esos instantes: Daniello da Volterra, Tomaso dei Cavalieri y Luigi Gaeta, sus más fieles ayudantes, y su criado Antonio, que fue el único capaz de cerrar sus párpados cuando expiró. Con él moría toda una época y concluía ese portentoso momento histórico que conocemos como Renacimiento italiano.

Su epitafio bien podría ser aquel que el mismo Miguel Ángel escribió para su amigo Cechino dei Bracci, desaparecido en la flor de la edad:

Por siempre de la muerte soy, y vuestro
sólo una hora he sido; con deleite
traje belleza, mas dejé tal llanto
que valiérame más no haber nacido.




Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Miguel Ángel. Biografía. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/monografia/miguel_angel/ el 12 de enero de 2020.



Sobre este sitio Contacto Enlácenos Cómo citar Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2020

¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 22 puntos

Vótalo:

Auguste Rodin

3

Auguste Rodin

(París, 1840 - Meudon, Francia, 1917) Escultor francés. Fue alumno de Jean-Baptiste Carpeaux en la Escuela de Artes Decorativas y de Antoine-Louis Barye en el Museo de Historia Natural, dos escultores a los que admiró y en quienes se inspiró en cierta medida. Por sus modestos orígenes, se vio... Ver mas
(París, 1840 - Meudon, Francia, 1917) Escultor francés. Fue alumno de Jean-Baptiste Carpeaux en la Escuela de Artes Decorativas y de Antoine-Louis Barye en el Museo de Historia Natural, dos escultores a los que admiró y en quienes se inspiró en cierta medida. Por sus modestos orígenes, se vio obligado a ganarse la vida como ayudante de decoración, compaginando el trabajo profesional con su dedicación a la escultura.


Auguste Rodin

Su primera obra, El hombre de la nariz rota, tuvo muy malas críticas en el Salón de 1864, hasta el punto de ser rechazada por considerarse inacabada e incompleta. Rodin incorporaba en esta escultura el modelado espontáneo y expresivo que habría de caracterizar toda su obra posterior. Tras unos años al servicio del empresario Albert Carrier-Belleuse, para quien trabajó en la decoración de la fachada de la Bolsa de Bruselas, en 1875 emprendió un viaje a Italia para conocer la obra de Miguel Ángel.

El resultado de su contacto con el genio del Renacimiento fue La edad del bronce, presentada en el Salón de 1877, que desagradó profundamente por su extraordinario realismo. La figura muestra una época de dolor y sufrimiento y refleja la influencia del David de Donatello y del Esclavo moribundo de Miguel Ángel, obras que Rodin pudo apreciar su viaje a Italia. La edad de bronce despertó una encendida polémica por su acentuado naturalismo, que hizo pensar a algunos críticos que se trataba del vaciado de un modelo vivo. En esta obra se inicia la importancia del gesto en la obra de Rodin, que comenzaba aquí a perfilarse de forma discreta y crecería luego en firmeza y expresividad.

Rodin seguía sin triunfar como escultor, lo que consiguió al fin en 1881, cuando presentó en el Salón su San Juan Bautista predicando. Poco antes, en 1880, recibió el gran encargo de su vida: las puertas monumentales del futuro Museo de Artes Decorativas de París. El portal estaba inspirado en temas dantescos, de ahí que el propio Rodin le diera el nombre de Puerta del Infierno, en la que trabajó desde 1880 hasta su muerte en 1917. Rodin se inspiró en la Divina Comedia de Dante y en la Puerta del Paraíso de Lorenzo Ghiberti, por el que el escultor sentía una gran admiración.

Sin embargo, el edificio para el que estaba destinada nunca llegó a construirse. A pesar de ello, los numerosos motivos y figuras en los que trabajó el artista para esta obra marcarían las directrices de la mayor parte de sus esculturas más famosas, como El pensador (1880) o La bella esposa del fabricante de cascos (1880-1883), que posteriormente se expondría con el nombre de La vieja cortesana y que surgió de un pequeño fragmento de la parte inferior de las puertas. La obra trata el tema, tan cultivado en el Barroco, de la perecedera y efímera belleza física. La mujer, con la mano abierta y extendida hacia atrás, busca desesperadamente lo que ya perdió para siempre.


El beso (1886), de Auguste Rodin

Otra obra que deriva también del diseño de las puertas es El beso (1886), inspirada, en un principio, en el idilio entre Paolo Malatesta y Francesca de Rímini que Dante relató en la Divina Comedia, aunque esta idea fuera finalmente rechazada y se excluyó toda referencia a circunstancias concretas. El autor representa a los amantes besándose en un conjunto escultórico en donde premeditadamente no se marca con claridad el límite de las figuras con el fondo que las acompaña; suaviza las gradaciones y crea la impresión de que todo está envuelto en un ambiente etéreo en el que prevalece la belleza y la poesía. Como obra independiente, se ha convertido en símbolo universal del deseo y la pasión.

Cuando todavía trabajaba en los modelos de las puertas, Rodin aceptó el encargo de levantar el monumento de Los burgueses de Calais (1884-1888), una obra de dramatismo contenido. A pesar de recibir, tras la exposición de 1889, el apoyo de la crítica de vanguardia y de que su fama era ya notable a fines de siglo, vivió siempre envuelto en grandes polémicas en torno a su obra. Los burgueses de Calais fue mal vista por los concejales que la habían encargado, sintiéndose defraudados por un monumento que no cumplía sus expectativas de exaltación patriótica. El artista nos muestra seis reacciones complejas ante la tragedia, enfrentando el drama de los personajes con el espectador; aunque en esta ocasión los personajes no mantienen un contacto físico entre sí, la disposición de las figuras, que parecen entrelazadas, ofrece una dimensión poco corriente del espacio interpuesto.

Fueron éstos sus años de máxima creatividad, con obras que han llevado a considerarlo el principal escultor impresionista, junto con el italiano Medardo Rosso, por sus estudios texturales y lumínicos. Con posterioridad, siguió creando obras de inspiración personal, pero se centró en los retratos y en la realización de monumentos públicos, tales como los dedicados a Victor Hugo y a Honoré de Balzac, no siempre exentos de polémicas. Es el caso de Balzac (1891-1898), obra que le encargó Émile Zola, presidente de la Sociedad de Hombres de Letras, cuyos miembros consideraron después que estaba inacabada; de hecho, el retrato de Rodin fue rechazado y se pasó el encargo a Falguière. Rodin representó a un Balzac replegado en sí mismo, erguido y orgulloso. La cabeza altiva, inclinada hacia atrás, destaca sobre la túnica intemporal (el hábito de monje que solía utilizar en sus sesiones nocturnas de trabajo), que otorga un aire espectral a la figura.

La audacia y el énfasis en la expresión, así como su capacidad de innovación, asentarían el prestigio del escultor. Es difícil hallar una visión tan descarnada y libre de prejuicios del cuerpo de una mujer como la que ofrece Iris, la mensajera de los dioses (1890). La cabeza fue arrancada y aprovechada en otra escultura, centrando así la atención en el movimiento de la bailarina y en su sexo.



En 1900, una gran exposición de su obra en el Salón de la Sociedad Nacional consagró la fama del escultor. La serie de retratos se enriqueció en los últimos tiempos con las cabezas de Bernard Shaw (1906), la Duquesa de Choiseul (1908), Gustavo Mahler (1909) y los bustos de Clemenceau (1911) y Benedicto XV (1915). Entregado a su actividad hasta el fin de sus días, Rodin falleció casi al mismo tiempo que su esposa, fiel compañera suya durante más de cincuenta años. En 1911 Paul Gsell había reunido en un tomo de conversaciones con el maestro sus ideas artísticas. Por otra parte el escultor ya había escrito y publicado un volumen titulado Les cathédrales de France.

Indudablemente no puede considerarse el arte de Rodin al margen del arte de Edgar Degas. Ambos supieron persistir en el realismo otorgándole una nueva dimensión escultórica, en un intento por descubrir nuevas posibilidades en la estructura de la figura. La obra madura del escultor está, evidentemente, vinculada a los principios fundamentales del impresionismo, pues ambos tienden a representar el poder de los elementos naturales. Tanto los impresionistas como el propio escultor emplearon la luz en sus obras. Las alusiones literarias, así como el desacuerdo y la despreocupación en el arte de Rodin están también relacionados con el impresionismo.

Su obra marca la cima del movimiento romántico y abarca toda la gama de posibilidades plásticas, desde la espontaneidad de los movimientos hasta el patetismo heroico. Rodin evidenció la creación de la forma partiendo del caos como proceso dramático prometeico, influencia que recibió de Medardo Rosso. La obra de Rodin fue el inicio y el final de la escultura impresionista, pero sobre todo marcó un principio escultórico y revolucionario que ejercería una influencia determinante en los escultores posteriores y en numerosos artistas modernos.

Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Auguste Rodin. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/r/rodin.htm el 11 de enero de 2020.



Sobre este sitio Contacto Enlácenos Cómo citar Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2020

¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 15 puntos

Vótalo:

Antonio Soares dos Reis

4

Antonio Soares dos Reis

António Soares dos Reis, nacido el 14 de octubre de 1847 en Vila Nova de Gaia y fallecido el 16 de febrero de 1889 en Vila Nova de Gaia, fue un escultor portugués. Datos biográficos António Manuel Soares dos Reis nació en 1847 en la freguesia de Mafamude, Vila Nova de Gaia. En 1861, con... Ver mas
António Soares dos Reis, nacido el 14 de octubre de 1847 en Vila Nova de Gaia y fallecido el 16 de febrero de 1889 en Vila Nova de Gaia, fue un escultor portugués.



Datos biográficos
António Manuel Soares dos Reis nació en 1847 en la freguesia de Mafamude, Vila Nova de Gaia. En 1861, con 13 años de edad, Soares dos Reis inició sus estudios de diseño en la Academia Portuense de Belas Artes con el maestro João Correia, concluyendo los cursos en 1866. De 1867 a 1870 vivió en París y, en 1872, en Roma. Posteriormente se trasladó a vivir a Oporto, donde recibió varios premios. A partir de 1880 fue profesor en la Academia Portuense de Belas Artes. En 1885 se casó con Amélia Macedo.

Se suicidó en 1889 en su taller en Vila Nova de Gaia.

En 1911 el llamado Museo Portuense, instalado en el edificio del Convento de Santo António da Cidade, actual edificio de la Biblioteca Pública Municipal de Oporto, pasó a llamarse Museo Soares dos Reis en homenaje al escultor. Gran parte del legado del escultor forma parte de la colección del Museo. Desde 1940 el Museo Nacional Soares dos Reis se localiza en el antiguo Palácio dos Carrancas, en la Rua D. Manuel II en la Ciudad de Oporto.1​

Obras
Entre las mejores y más conocidas obras de António Soares dos Reis se incluyen las siguientes:

O Desterrado - Museu Soares dos Reis, Oporto
Estátua de Afonso Henriques , 1888 - Colina Sagrada, Guimarães (réplica en el Castillo de San Jorge de Lisboa) (ver también 2 existentes en el Regimiento de Artillería Nº5 en Gaia)
Flor Agreste - Museo Nacional Soares dos Reis, Oporto
Estatua de Avelar Brotero, 1887 - Jardín botánico de Coimbra
Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

Leopoldo de Almeida

5

Leopoldo de Almeida

Nació en Lisboa y estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes de la ciudad convirtiéndose posteriormente en profesor de diseño y escultura de la misma. Estuvo residiendo durante un tiempo en Francia e Italia con el fin de completar sus estudios. A lo largo de su trayectoria profesional... Ver mas
Nació en Lisboa y estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes de la ciudad convirtiéndose posteriormente en profesor de diseño y escultura de la misma. Estuvo residiendo durante un tiempo en Francia e Italia con el fin de completar sus estudios.

A lo largo de su trayectoria profesional participó en diversas exposiciones, aunque cabe destacar la realizada en la Exposición del mundo portugués de 1940 con la obra Monumento a los Descubrimientos que se ejecutó posteriormente en Belem.

Otras obras destacables son:

Estatua ecuestre de Nuno Álvares Pereira frente al Monasterio de Batalha, realizada en 1966.
Estatua ecuestre de Juan I de Portugal en la plaza da Figueira de Lisboa.
Estatua de Marcelino Mesquita en Cartaxo, realizada en 1956.
Estatua de Ramalho Ortigão en Oporto, realizada en 1954.
Estatua de Eça de Queiroz en Póvoa de Varzim, realizada en 1952.
Estatua de Sancho I de Portugal en Castelo de Silves, realizada en 1946.
Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

Augustin Pajou

6

Augustin Pajou

(París, 1730- id., 1809) Escultor francés. Alumno de Lemoyne y uno de los principales cultivadores de la escultura rococó, fue el escultor oficial de Luis XVI y autor de numerosos bustos: Lemoyne (1759), El actor Carlin (1763), Psique abandonada (1785-1791), su obra más característica, etc.
Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

Mirón

7

Mirón

(Eleutera, actual Grecia, siglo V a.C.) Escultor griego que figura, junto con Fidias y Polícleto, entre los máximos exponentes de la escultura griega del periodo clásico. Nació en Beocia, pero desarrolló su actividad (entre el 470 y el 440 a.C. aproximadamente) en la Atenas de Pericles, donde... Ver mas
(Eleutera, actual Grecia, siglo V a.C.) Escultor griego que figura, junto con Fidias y Polícleto, entre los máximos exponentes de la escultura griega del periodo clásico. Nació en Beocia, pero desarrolló su actividad (entre el 470 y el 440 a.C. aproximadamente) en la Atenas de Pericles, donde obtuvo la ciudadanía. Las fuentes literarias le atribuyen numerosos obras, en particular estatuas de atletas y héroes. Sin embargo, sólo se le han podido asignar con certeza tres, conocidas por copias romanas: el Discóbolo, el grupo de Atenea y Marsias y el Anadumenos.


El Discóbolo de Mirón

Las dos primeras, sobre todo, son emblemáticas del estilo de Mirón, centrado en la plasmación del movimiento a través de las tensiones del cuerpo. El Discóbolo, que está captado en el instante anterior a la realización de un movimiento violento, constituye un ejemplo magistral de equilibrio dinámico, de desnudo juvenil ágil y vivo: el brazo derecho y la pierna izquierda insinúan el movimiento; el brazo izquierdo y la pierna derecha sugieren equilibrio.

Una idea semejante se encuentra en el grupo de Atenea y Marsias, plasmado en el momento en que el sátiro se detiene ante la diosa antes de retroceder. En estas dos obras, de figuras estáticas pero llenas de vitalidad y en las que se adivina el movimiento, se percibe su propósito de superar por todos los medios la inmovilidad característica del estilo arcaico. Por esta razón, Mirón ha sido considerado un artista adelantado a su tiempo; y ciertamente su obra anticipó algunos rasgos de la escultura posclásica (Praxíteles, Lisipo, Escopas) y helenística.

Mediante copias fragmentarias se ha podido reconstruir la estatua del Anadumenos, un atleta que recuerda al Discóbolo por la estructura del cuerpo. No se conoce el bronce titulado Vaca, situado en la plaza del mercado de Atenas, que reportó a Mirón una gran fama en su tiempo y fue motivo de inspiración para numerosos epigramistas por su intenso realismo.



Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Mirón. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/miron.htm el 12 de enero de 2020.



Sobre este sitio Contacto Enlácenos Cómo citar Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2020

¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

Bartolomeo Ammannati

8

Bartolomeo Ammannati

(Settignano, 1511-Florencia, 1592) Escultor y arquitecto italiano. Influido por Miguel Ángel y por Sansovino, es un representante típico del manierismo escultórico. En Florencia, sus obras más conocidas son el patio del palacio Pitti (1560), la fuente de Neptuno en la plaza de la Señoría (1563... Ver mas
(Settignano, 1511-Florencia, 1592) Escultor y arquitecto italiano. Influido por Miguel Ángel y por Sansovino, es un representante típico del manierismo escultórico. En Florencia, sus obras más conocidas son el patio del palacio Pitti (1560), la fuente de Neptuno en la plaza de la Señoría (1563-1567) y el puente de Santa Trinità (1567-1569). Con posterioridad, su obra se orientó hacia un purismo geométrico, buen ejemplo del cual es el colegio Romano (1581-1585).
Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

Fernando Botero

9

Fernando Botero

Fernando Botero Angulo (Medellín, 19 de abril de 1932) es un pintor, escultor y dibujante colombiano, domiciliado en Pietrasanta (Italia), París, Mónaco y Nueva York.1​ Las creaciones artísticas de su autoría llevan impresa una sui generis e irreverente interpretación del estilo figurativo... Ver mas
Fernando Botero Angulo (Medellín, 19 de abril de 1932) es un pintor, escultor y dibujante colombiano, domiciliado en Pietrasanta (Italia), París, Mónaco y Nueva York.1​

Las creaciones artísticas de su autoría llevan impresa una sui generis e irreverente interpretación del estilo figurativo, denominado por algunos como «boterismo», el cual impregna de una identidad inconfundible a las iconográficas obras, reconocibles no sólo por la crítica especializada, sino también por el gran público, incluyendo niños y adultos por igual,2​ constituyéndose en una de las principales manifestaciones del arte contemporáneo a nivel global; la original interpretación que da el artista a un variopinto espectro de temas se caracteriza desde lo plástico por una volumetría exaltada que impregna a las creaciones de un carácter tridimensional, así como de fuerza, exuberancia y sensualidad, junto a una concepción anatómica particular, una estética que cronológicamente podría encuadrarse en los años cuarenta en occidente aplicada a tramas que pueden ser actuales o pretéritas, locales pero con vocación universal (mitología griega y romana; el amor, costumbres, vida cotidiana, naturaleza, paisajes, muerte, violencia, mujer, sexo, religión y política en Latinoamérica y Europa occidental, así como bodegones, reinterpretación de obras clásicas, retratos y autorretratos, entre otras), representadas con un uso vivaz y magistral (desde el punto de vista técnico) del color, acompañadas de finos y sutiles detalles de crítica mordaz e ironía en cada obra. Es considerado el artista latinoamericano vivo más cotizado actualmente del mundo.3​4​

Itinera entre sus afamados estudios de esculturas de Pietra Santa, Italia y los de pintura en París (Francia), Nueva York (Estados Unidos de América) y de Montecarlo (Principado de Mónaco); así mismo, dedica tiempo al dibujo algunos días del año en Zihuatanejo, México y Rionegro, en Colombia.

En 2012 se celebraron una serie de homenajes internacionales con motivo de la efemérides de su natalicio número ochenta (80). Las celebraciones incluyeron exposiciones de sus obras en museos de la Ciudad de México, Sao Paulo en Brasil, Pietra Santa y Asís en Italia, Santiago de Chile, Bogotá y Medellín en Colombia, Bilbao en España, Bielefeld en Alemania, entre otras. Así mismo, la Presidencia de Colombia anunció un decreto en que cataloga las 479 obras de Botero que se encuentran en suelo Colombiano como de "interés cultural del ámbito nacional",5​ lo que implica medidas de protección, conservación y promoción por parte del Estado Colombiano. En 2013 se conoció una colección colmada de sensualidad y erotismo denominada colección Boterosutra6​ y en 2015, la más reciente creación artística, que en contraposición a la anterior se denominó como colección «santas».7​

Desde noviembre de 2015 y hasta abril de 2016, se llevó a cabo una de las más importantes exposiciones antológicas realizadas sobre el artista, en la República Popular China, específicamente en las ciudades de Pekín en el Museo Nacional de China y en Shangai en el China Art Museum.8​9​ Igualmente y de forma paralela, se llevó a cabo una exposición de obras del artista, incluyendo la serie Boterosutra, en el Musée Würth de Erstein, Francia, del 25 de septiembre de 2015 al 15 de mayo de 2016.10​


Í
Comienzos

Jinete, Museo de Israel, Jerusalén, Israel.
Botero nació el 19 de abril de 1932 en Medellín, en el seno de la familia conformada por David Botero, Flora Angulo y su hermano cuatro años mayor, Juan David. En 1936 nace su hermano menor, Rodrigo, y fallece su padre.11​

A partir de 1938 realiza estudios de primaria en el Ateneo Antioqueño y el bachillerato en la Bolivariana.11​

En 1944 asiste a la escuela de torero en la plaza de La Macarena de Medellín, con el banderillero ‘Aranguito’, a petición de un tío, quien no se imaginaba que su verdadera vocación era la pintura. Tuvo un percance con los toros, lo que hizo que él los dejara. Es de notar que en ese período hizo su primera obra, una acuarela de un torero. Una vez que su familia comprendió su vocación, Botero realizó su primera exposición en Medellín en 1948.

Realizó ilustraciones para un periódico local (El Colombiano), con lo que financiaba sus estudios, redactó un artículo sobre Picasso, lo que le acarreó la expulsión del Colegio Bolivariana, plantel en el que estudiaba, ya que sus dibujos fueron considerados como obscenos, y debió culminar sus estudios en el Liceo de la Universidad de Antioquia.

Bogotá
Una vez terminados sus estudios secundarios en 1950, se trasladó a Bogotá en 1951 donde tuvo contacto directo con algunos de los intelectuales colombianos más importantes de la época. Ese mismo año, Botero realizó sus dos primeras exposiciones individuales y en la galería Leo Matiz dio un muy buen avance a su carrera . Posteriormente se radicó en Tolú, en la Costa Caribe colombiana, donde se dedicó a pintar en la pensión de Isolina García, y pagó su estadía con un mural.11​ A su regreso a Bogotá, con el óleo Frente al mar ganó el segundo puesto en el IX salón nacional de artistas.12​13​


Mano, Paseo de la Castellana (Madrid).
Formación en Europa
En 1952 con el dinero recibido por el premio y con la venta de algunas de sus obras, Botero llega a Europa en el barco italiano "Uso dimare", que sale desde el puerto de Buenaventura en el Pacífico colombiano. Llega a España, primero a Barcelona y se establece luego en Madrid, donde se inscribe en la Real Academia de Arte de San Fernando11​ y para garantizar su sostenimiento, hace dibujos y pinturas a las afueras del Museo del Prado.

En 1953 pasa el verano en París con el cineasta Ricardo Irragarri, y luego se muda con él a Florencia, se inscribe en la Academia de San Marcos, donde recibió un fuerte influjo del arte del renacimiento italiano, estudiando especialmente la obra de Piero della Francesca, Paolo Uccello, Tiziano, entre otros.11​ Su encuentro con el libro Los pintores italianos del Renacimiento de Bernard Berenson y con la obra de Paolo Ucello (especialmente con el díptico de la Batalla de San Romano en la Galería Uffizi) serán determinantes para su experimentación con el volumen en la pintura, especialmente por la noción de "valores táctiles" y tridimensionalidad que Berenson le adjudica a Ucello y Giotto en sus obras.14​

Regreso a Colombia y viaje a México

Caballo, Medellín.
Tras su regreso de Italia en 1955, el artista decidió hacer una exposición en Bogotá de las obras realizadas en Europa, de las cuales obtuvo muchas críticas pues en ese momento el país estaba influido por la vanguardia francesa, lo que le acarreó una fría recepción.


Fernando Botero y La Camara degli Sposi (Homenaje a Mantegna), obra con la que obtiene el primer premio en el X Salón de artistas colombianos.
Luego de esta difícil experiencia, Botero se casó con Gloria Zea, con quien en 1956 partió a Ciudad de México. Nuevas influencias se van haciendo visibles en su obra, especialmente la del pintor colombiano Alejandro Obregón con su lenguaje moderno y la del mexicano Rufino Tamayo con su desbordante color. Por otra parte, la obra del muralismo mexicano que tanto le había desvelado en su juventud ahora parece desilusionarle, por lo cual decide estudiar sus nuevas influencias y centrarse durante un tiempo en la experimentación del volumen a partir de bodegones. A partir de esta indagación Botero descubre un lenguaje propio que primero se evidencia en objetos de sus naturalezas muertas y que posteriormente empieza a crear en personajes humanos que interactúan con sus objetos.15​ Un año después, expuso por primera vez en Nueva York: el éxito comenzaba a acompañarle. Fernando Botero logró intensificar sus batallas personales, sus combates lienzo a lienzo, del arte contra el tiempo y de la belleza contra la muerte.

Botero regresó a Bogotá y en el año de 1958 fue nombrado docente de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Colombia. Este presenta una obra de formato grande, al X Salón de Artistas Colombianos. Concebida con la consciencia de ser una obra maestra, Botero obtiene con La Camera degli sposi (Homenaje a Mantegna) el primer premio en el salón, consolidándose como el pintor más importante de este año en Colombia. Ese mismo año expuso en varias galerías de Estados Unidos. En una de estas exitosas exhibiciones del mismo año, La Camara degli sposi es vendida a un empresario en Chicago, y desde entonces la obra desaparece. Numerosos críticos e historiadores de arte latinoamericanos han señalado esta como una de las obras más importantes del arte colombiano por ser un punto de la consolidación del lenguaje pictórico de Botero, y por abrir las puertas a la nueva figuración que después experimentarían otros pintores jóvenes.16​ La obra había causado una gran polémica al ser inicialmente descartada del salón, luego reintegrada y finalmente premiada. Despertaba una tremenda duda en el público y en los jurados que inicialmente concibieron la obra como una caricatura de La Cámara de los Esposos del pintor renacentista Andrea Mantegna. Marta Traba tuvo que mediar para explicar que los artistas hacían recreaciones artísticas en las cuales aludían o hacían homenajes a otras obras que les precedían, y que el lenguaje "feista" usado por Botero era una pintura de gran calidad y poder visual.17​18​

En el matrimonio con Gloria Zea, directora del Museo de Arte Moderno de Bogotá, Botero tuvo tres hijos: Fernando, Lina y Juan Carlos. Este último nacido el mismo año en que el decide separarse de su primera esposa.


La apoteosis de San Juan, 1962. Imagen tomada de: Padilla, Christian (2012). Fernando Botero. La búsqueda del estilo: 1949 - 1963. Fundación Proyecto Bachué. ISBN 978-958-57671-0-2.
Botero y las vanguardias de Nueva York
En 1960, Botero regresó a Nueva York para instalarse. Una vez allí, alquiló un pequeño apartamento donde vivía modestamente, pues acababa de separarse de su esposa; además, sus obras no tenían mucho éxito, pues los gustos neoyorquinos de la época cambiaban rápidamente y ahora la abstracción se imponía.

La influencia del expresionismo abstracto ya se hacía evidente desde las obras de 1958, producto de los primeros viajes de Botero a Nueva York, donde había podido ver los formatos enormes de Jackson Pollock, Franz Kline y de Kooning. Este encuentro marcó la producción de Botero, que sin embargo conservó su lenguaje figurativo pero experimentó con la pincelada agresiva, la utilización de tonalidades fuertes y el uso de formatos grandes. Mientras su estudio por el volumen parecía pasar a un segundo plano por la preocupación por la pincelada y el color, Botero creó interesantes series como la de la Monalisa (una de las cuales fue adquirida por el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1962) y la de Los niños de Vallecas en homenaje a Diego Velázquez.19​

Para 1962, su lenguaje expresionista llega a un punto de inflexión, porque está a punto de tomar un rumbo que lo aleja definitivamente de su preocupación por el volumen. Botero reinicia su experimentación, esta vez interesándose mas por las obras de artistas pop que están exhibiendo en Nueva York, producto de lo cual su obra retoma las preocupaciones temáticas de sus personajes figurativos dejando de lado el aspecto formal de la pincelado, y usando colores planos en su pintura. En algunos casos llega incluso a incluir collages en sus pinturas del año 1963.20​ Después de haber encontrado su serenidad económica, Botero se casa de nuevo.

En 1963 cambió su residencia al East Side y alquiló un nuevo estudio en Nueva York. Es allí donde surgió su estilo plástico en muchas de sus obras de este período con colores tenues y delicados. Su pasión por Rubens se deja ver en sus obras.

A comienzos de 2008, Fernando Botero recibió el Doctorado Honoris Causa de la Universidad Autónoma de Nuevo León, en Monterrey, México. Igualmente, presentó por primera vez en esta ciudad su colección de pinturas sobre "Abu Ghraib" y su enorme escultura en bronce titulada "Caballo".

Fama

Gato (1990), Rambla del Raval, Barcelona.
En 1962 fue organizada en EE.UU. su primera exposición Una nueva muestra en el Milwaukee Art Center recibió críticas ampliamente positivas. Es así como Botero empezó un período de muestras y exposiciones entre Europa, los Estados Unidos y Colombia. En 1969 expuso en París; fue a partir de ese momento que Botero empezó un peregrinaje por todo el mundo en busca de inspiración; se movía continuamente de Bogotá a Nueva York y a Europa.

En 1970 nació en Nueva York su hijo Pedro Botero, llamado Pedrito. Paralelamente, su fama mundial aumentaba cada vez más y lo convirtió en ese entonces en el escultor viviente más cotizado del planeta. En 1974, cuando su hijo apenas tenía cuatro años, Botero tuvo un accidente de tránsito en España, lo que le costó la vida a Pedrito.

La muerte de su hijo dejaría trazos en la obra de Botero que, a partir de ese momento, comenzó a tener cambios profundos, considerados por la crítica como huellas de la pérdida de su hijo. Además, su matrimonio con Cecilia Zambrano no superó la pérdida de Pedrito y Botero se separó por segunda vez.

Un año antes, él se había instalado en París y había comenzado a trabajar la escultura. En 1976, Botero hizo una donación de dieciséis de sus obras al Museo de Antioquia, que le consagró una sala permanente para sus obras, la sala Pedrito Botero.


La Maternidad, en Oviedo.
Desde 1979, cuando la primera retrospectiva de Botero fuera presentada en el Hirshhorn Museum21​ de Washington, sus exposiciones a través del mundo no se detuvieron. En 1983 se trasladó a Pietrasanta en Toscana (Italia), un pequeño pueblo famoso por sus fundiciones, lo que para Botero significaba la continuidad de su obra escultórica. Al año siguiente, Botero hizo una nueva donación al Museo de Antioquia. Esta vez se trataba de una serie de esculturas que también encontraron lugar en una nueva sala permanente dedicada a Botero en el museo.

A partir de 1983, Botero comenzó una serie de exposiciones a través de todo el mundo que aún hoy no acaba. Es así como sus obras son expuestas y por supuesto conocidas en ciudades como Dubái, Londres, Roma, San Francisco, Chicago, Basilea, Buenos Aires, Tokio, San Juan de Puerto Rico, Santo Domingo, Berlín, Múnich, Fráncfort, Milán, Nápoles, París, Montecarlo, Barcelona, el Aeropuerto del Prat - Barcelona -, Moscú, Ciudad de México, Monterrey, Caracas, su obra ha pasado por la mayoría de países europeos y americanos. Botero es uno de los pocos artistas (por no decir el único), que se ha dado el lujo de exponer sus obras en varias de las avenidas y plazas más famosas del mundo, como los Campos Elíseos en París, la Gran Avenida de Nueva York, la Rambla del Raval de Barcelona, la Plaza del Comercio de Lisboa, la Plaza de la Señoría en Florencia, frente al palacio de Bellas Artes en Ciudad de México y hasta en las Pirámides de Egipto.

También tiene escultura urbana en ciudades de España, como en Oviedo con su obra La Maternidad del año 1996, y en Madrid.22​

Estilo y técnicas
Anexo:Obras de Fernando Botero


Mujer con espejo se encuentra en Madrid, en la Plaza de Colón.
Su obra se inscribe en un original interpretación del estilo figurativo. Desde sus inicios Botero ha recurrido a escenas costumbristas, inicialmente con una pincelada suelta de colores oscuros (con ocasionales contrastes fuertes) cercana al expresionismo y desde finales de los años 1960, ha recurrido a una pincelada cerrada, con figuras y contornos más definidos.

A la orilla de esa carretera del arte contemporáneo, Botero ha instalado durante cinco décadas una escuela de arte con un graduado: él mismo.

En su obra reciente, Botero ha recurrido temáticamente a la situación política colombiana y mundial. Por ejemplo, la serie sobre "Abu Ghraib" está compuesta por 78 cuadros que tratan de representar los horrores de la tortura y de la guerra, relacionada con la invasión de los Estados Unidos a Irak y los sucesos de la Prisión de Abu Ghraib a partir de las declaraciones de las personas allí torturadas.23​

En lo pictórico se destaca el manejo magistral del óleo, el pastel y la acuarela, así como el dibujo en carboncillo, lápiz, bistre y sanguina sobre lienzo y papel, y en lo escultórico, el esculpido del bronce en diversas pátinas y en mármol de Carrara principalmente.

Donaciones de Botero

Museo de Antioquia y Plaza Botero, Medellín Colombia.
En 1976, primera donación de Botero al Museo de Antioquia, siete óleos, un pastel y dos acuarelas.
A principios de los años 1980, donó al Museo de Antioquia 6 óleos.
En 1984 donó al Museo de Antioquia 16 esculturas y 18 pinturas a la Biblioteca Nacional de Colombia en Bogotá.
En 1992 donó a Santiago de Chile la escultura de un caballo, la que fue ubicada frente al Museo de Arte Contemporáneo en el Parque Forestal.
En 1998 Botero donó al Banco de la República de Colombia, una importante colección, consistente en 203 obras, 123 obras de su autoría y 87 de artistas internacionales al Museo Botero en Bogotá.
En 2000, el Museo de Antioquia recibió por parte del maestro una donación de 114 pinturas (óleos, acuarelas y dibujos) del maestro, 23 esculturas que hoy componen la Plaza Botero y 21 obras de artistas internacionales de su colección personal.
En 2004, efectuó una nueva donación. En esta ocasión al Museo Nacional de Colombia, consistente en las obras de la serie sobre la violencia, denominada El dolor de Colombia, integrada por 23 óleos y 27 dibujos.
En el año 2007, donó 47 obras de la serie Abu Ghraib, a la Universidad de Berkeley, que se expone en su sede en California (Estados Unidos de América).
En el año 2012, dona la serie El Viacrucis al Museo de Antioquia.
Vida personal
En 1954, Botero se casó con Gloria Zea (fundadora del Museo de Arte Moderno de Bogotá y directora del Instituto Colombiano de Cultura, Colcultura) y tuvieron tres hijos: Fernando (quien nació en 1956 mientras vivían en Ciudad de México y fue Ministro de Defensa durante el gobierno de Ernesto Samper, el cual fue acusado de enriquecimiento en el proceso 8000), Lina (1958) y Juan Carlos Botero Zea (1960). Los Botero Zea se divorciaron en 1960.24​11​

En 1964, Botero se casó con Cecilia Zambrano, con quien tuvo un hijo, Pedro (1970), quien falleció trágicamente en 1974 en un accidente de tránsito en España mientras la familia estaba de vacaciones. Botero y Zambrano se separaron en 1975.24​11​

En 1978, Botero se casó con la artista griega Sophia Vari. Viven en París y tienen una casa en Pietrasanta, Italia.11​

Exposiciones públicas y permanentes en el mundo

El Caballo. Museo de Arte Contemporáneo de Santiago del Parque Forestal de Santiago.
Alemania: Kunsthalle de Núremberg, Museo Wallraf-Richartz de Colonia, Staatsgalerie y Pinacoteca de Múnich, Escultura plazoleta en Bamberg (Baviera).
Argentina: Exhibición Busto, en el lugar público de Parque Thays. Buenos Aires; pintura los viudos en Museo MALBA. Mujer Reclinada, en Museo Estación Sur de Mar del Plata
Armenia: Cafesjian Museum, Ereván.
Austria: Moderne Kunst de Viena.
Chile: Museo Nacional de Bellas Artes, de Santiago;
Colombia: Museo de Antioquia y Plaza Botero (colección permanente más grande en el mundo de obras del artista, donadas por el mismo Botero), de Medellín; Museo Nacional de Colombia, en Bogotá; el Museo de Arte Moderno (MamBo) en Bogotá; Museo de Arte del Banco de la República (Museo Botero) de Bogotá; Parque San Pío en Bucaramanga; plaza de Santo Domingo (Cartagena de Indias).
Corea del sur: Museo Ho-am, de Seúl;
Emiratos Árabes Unidos: Explanada frente al Burj Khalifa de Dubái.
España: Paseo de la Castellana, Plaza de Colón, aeropuerto de Barajas de Madrid, aeropuerto "El Prat" de Barcelona; así como también el Son Sant Joan de Palma de Mallorca, en el centro de la ciudad de Oviedo; Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), y plazoleta de la Domus, en La Coruña
Estados Unidos de América: Hirshhorn Museum y su jardín de esculturas, Instituto Smithsonian, de Washington; Arte Lowe, de la Universidad de Miami, de Coral Gables (Florida); Museo de la Universidad de Rochester (Míchigan); Metropolitan, de Nueva York; Arte de Milwaukee (Wisconsin); Arte Moderno, MOMA, de Nueva York; Solomon R. Guggenheim y en el Time Warner Center, de Nueva York; Art Hood, de Dartmouth College, de Hanover, Nuevo Hampshire, Universidad de Berkeley, Berkeley (California); Grand Wailea Resort Maui, Botero Gallery (Hawái), New Orleans Museum of Art, Nueva Orleans.
France: Erstein; Museo Würth .
Israel: Museo de Israel, de Jerusalén;
Italia y Ciudad del Vaticano: Colección de Arte Religioso Moderno de los Museos Vaticanos; ingreso y plazoletas de Pietrasanta.

Big bird. Singapur.
Japón: Museo de Arte Contemporáneo de Hiroshima, Museo Yamanashi Prefectural, Museo Moderno de Tokushima, Museo Moderno de Saitama, Museo de Arte Miyagi.
Kazajistán: CAI, Almaty.
México: Explanada de los héroes en Monterrey y Museo Soumaya, México D.F.
Panamá: Trump Ocean Club International Hotel & Tower, Ciudad de Panamá.
Portugal: Casa das Mudas Arts Center, en Calheta (Isla Madeira); Parque Amalia Rodrigues, en Lisboa.
Principado de Liechtenstein: Museo de las Artes de Liechtenstein en Vaduz.
Principado de Mónaco: Adán y Eva, Jardines de Montecarlo.
Puerto Rico: Museo de Arte de Ponce y Museo de Arte de Puerto Rico.
Reino Unido de Gran Bretaña: Broadgate Venus en Exchange square - Liverpool Street Station; Londres, Soho.
Rusia: Museo Pushkin, de Moscú; el Museo Hermitage de San Petersburgo.
Singapur: Boat Quay-Cavenagh Bridge; Resorts World Sentosa-Hotel Michael.
Suecia: Vastra Gotaland.
Suiza: Museo Olímpico de Lausana.
Venezuela: Museo de Bellas Artes y de Arte Contemporáneo de Caracas.
Ha recibido 7 puntos

Vótalo:

Baccio Bandinelli

10

Baccio Bandinelli

(Florencia, 1488 - id., 1560) Escultor, orfebre y pintor italiano. Fue discípulo de Giovanni Rustici y rivalizó con Cellini y con Miguel Ángel. Sus obras más representativas son los relieves del coro de la catedral de Florencia y el grupo de Hércules y Caco (1534, Florencia, plaza de la Señoría... Ver mas
(Florencia, 1488 - id., 1560) Escultor, orfebre y pintor italiano. Fue discípulo de Giovanni Rustici y rivalizó con Cellini y con Miguel Ángel. Sus obras más representativas son los relieves del coro de la catedral de Florencia y el grupo de Hércules y Caco (1534, Florencia, plaza de la Señoría). Dieciocho años más joven que Miguel Ángel, de quien fue a la vez rival e imitador, Baccio Bandinelli es el representante de una escultura que pudiera calificarse de manierista tanto por el espíritu que la anima como desde un punto de vista cronológico, a pesar de que posee una regularidad, un equilibrio y un orden característicos del clasicismo inmediatamente anterior.


Baccio Bandinelli

Hijo del orfebre florentino Michelangelo Brandini, en cuyo taller recibió su primera formación, Baccio Bandinelli fue discípulo de Giovanni Francesco Rustici, quien debió de contagiarle primero su devoción por Leonardo da Vinci y luego su admiración por Miguel Ángel, que Bandinelli trocó en envidia. El apoyo y las relaciones sociales de su progenitor le resultaron de gran utilidad y le proporcionaron contactos con la corte de los Médicis, que a la postre se convirtieron en sus protectores. Pero, exceptuando a los Médicis, nunca se granjeó la simpatía de los florentinos. Contemporáneos suyos le describen como un hombre problemático, de carácter áspero, a la vez celoso y arrogante respecto a las obras ajenas. Según Vasari, en 1512 hizo pedazos, en un arrebato de celos, el cartón que Miguel Ángel había elaborado para el fresco de La batalla de Cascina, expuesto a la sazón en la Sala del Consiglio del Palazzo Vecchio.

Tras haber presumido de ser capaz de realizar una réplica del grupo de Laocoonte del Belvedere de calidad superior a la copia romana, recibió este encargo de León X, quien deseaba complacer al rey Francisco I de Francia. El Laocoonte de Bandinelli, terminado en 1525, no llegó nunca a Francia y hoy se encuentra en la Galería de los Uffizi. Con una anatomía menos pronunciada que en el original, Bandinelli prefirió modelar superficialmente las musculaturas, destacando con maestría la red de finas venas que discurren bajo la piel del personaje principal. Incluyó además la reconstrucción de las partes que faltaban en el grupo del Belvedere y en especial el brazo derecho del sacerdote troyano, que situó en posición vertical, pugnando con la retorcida serpiente, a fin de subrayar el agónico patetismo de la figura.

El proyecto de oponer al David de Miguel Ángel, situado en la Piazza della Signoria, una pareja colosal del mismo tipo parece datar de 1508. La larga y difícil historia de esta idea, propuesta sin éxito al propio Buonarroti, estuvo determinada por los cambios políticos y finalmente fue encomendada a Bandinelli. Su Hércules y Caco, cincelado entre 1525 y 1534, presenta a Caco, el gigante tricéfalo e ignívomo, apaleado por Hércules en castigo por haber robado los bueyes de Gerión, con un único rostro grotesco, arrodillado y sometido por un blando Hércules en reposo que parece ausente de la escena.


Hércules y Caco (Piazza della Signoria, Florencia)

Ya el traslado del bloque desde Carrara hasta Florencia provocó las burlas de los florentinos, que desconfiaban de las capacidades escultóricas del autor. Cuando la piedra cayó accidentalmente al Arno no lejos de su destino, se comentó jocosamente que había tratado de huir al enterarse de que iba a ser maltratada por Bandinelli. Las chanzas continuaron una vez terminada la obra, y Cellini asegura que llegaron a colgar de la figura más de mil sonetos oprobiosos. Sea como fuere, las enfáticas y voluminosas figuras de los personajes mitológicos, carentes de fuerza y movimiento, se encuentran lejos de la vigorosa monumentalidad del David, que Bandinelli, una vez más, había asegurado vanamente superar.

Su estilo siguió fiel a esta afectada vacuidad, como testimonia el Baco (Galería Palatina, palacio Pitti, Florencia) esculpido en 1547. No obstante, en otras obras como Cristo muerto (iglesia de la Santissima Annunziata) o en los elegantes relieves para el coro de la iglesia de Santa Maria del Fiore (1547-1555, Museo dell'Opera del Duomo) supo expresar un virtuosismo que le aproxima a las experiencias de sus coetáneos manieristas. La personalidad de Baccio Bandinelli es también importante debido al papel que ejerció en la puesta a punto de las academias, ya que fundó una en Roma (1531) y otra en Florencia (1550), sentando así las bases de lo que más tarde sería la Academia del Dibujo creada por Vasari en 1561. Entre los continuadores de su línea escultórica cabe destacar a Vincenzo dei Rossi (1525-1587) y a Vincenzo Danti (1530-1576).



Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Baccio Bandinelli. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/bandinelli.htm el 12 de enero de 2020.



Sobre este sitio Contacto Enlácenos Cómo citar Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2020

¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 7 puntos

Vótalo:

Igor Mitoraj

11

Igor Mitoraj

Igor Mitoraj (Oederan (actual Alemania), 26 de marzo de 1944 - París, 6 de octubre de 2014)1​ fue un escultor polaco. Testa Addormentata, escultura de Mitoraj situada en Canary Wharf, Londres. Biografía Estudió en la Escuela de Arte y la Academia de Bellas Artes de Cracovia con Tadeusz... Ver mas
Igor Mitoraj (Oederan (actual Alemania), 26 de marzo de 1944 - París, 6 de octubre de 2014)1​ fue un escultor polaco.


Testa Addormentata, escultura de Mitoraj situada en Canary Wharf, Londres.

Biografía
Estudió en la Escuela de Arte y la Academia de Bellas Artes de Cracovia con Tadeusz Kantor. Tras algunas exposiciones colectivas, en 1967 celebró su primera exposición individual en la Galería Krzysztofory. Al año siguiente partió hacia París para continuar sus estudios en la Escuela Nacional de Arte.

Fascinado por el arte y la cultura latinoamericana, pasó un año en México, lo que le hizo cambiar la pintura por la escultura. Volvió a París en 1974 y dos años más tarde realiza otra exposición individual importante (Galería La Hune), dedicada ya a la escultura.

En 1979 se va a Carrara (Italia), y se pasa al mármol como medio principal, sin dejar de trabajar en terracota y bronce. En 1983 instala su estudio en Pietrasanta. En 1986 participa con una sala personal de la Bienal de Venecia. Realiza otras muestras individuales en Milán (Compagnia del Disegno, 1987) y Nueva York (Academy of Art, 1989). En 2001 es nombrado ciudadano honorario de Pietrasanta y recibe el Premio Vittorio de Sica a su trayectoria artística. Su estilo parte de la tradición clásica pero introduce un toque postmoderno al truncar deliberadamente las extremidades, lo que en las obras clásicas es el resultado de las vicisitudes que han sufrido a lo largo del tiempo.

Hay que reseñar la controversia derivada de la instalación (5 de abril de 2008) de uno de sus trabajos en la Piazza Trento de Tívoli, frente a la iglesia de santa María Maggiore y la Villa d'Este.

Falleció el 6 de octubre de 2014 en un hospital de la ciudad francesa de París, a los 70 años.1​

Un homenaje póstumo a Mitoraj tuvo lugar en Italia cuando 30 de sus monumentales esculturas de bronce fueron distribuidas por calles y foros de las ruinas del Parque Arqueológico de Pompeya, entre mayo de 2016 y enero de 2017. La exposición se llamó "Mitoraj y Pompeya".

Obra

Per Adriane, escultura frente al Teatro Guimerá de Santa Cruz de Tenerife.
Tindaro aplastado (bronce, 1998)
Eros atado (bronce, 1999)
Heros de Lumiere (mármol de Carrara, 1986), Jardín de Esculturas de Yorkshire
Piernas aladas (bronce, 2002)
Cabeza dormida, Canada Square, Canary Wharf, Londres
Per Adriane (bronce, 1993), Santa Cruz de Tenerife
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Francisco Franco de Sousa

12

Francisco Franco de Sousa

Escultor portugués nacido en Funchal. Hermano del pintor Enrique Franco, estudió escultura en la Escuela de Bellas Artes de Lisboa y, a principios del siglo XX, se trasladó a París con el fin de completar su formación académica. Influenciado por los escultores Auguste Rodin y Antoine Bourdelle... Ver mas
Escultor portugués nacido en Funchal. Hermano del pintor Enrique Franco, estudió escultura en la Escuela de Bellas Artes de Lisboa y, a principios del siglo XX, se trasladó a París con el fin de completar su formación académica. Influenciado por los escultores Auguste Rodin y Antoine Bourdelle, en esta ciudad formó parte del grupo "Los Cinco Independientes", junto a Dordio Gomes, Enrique Franco, Alfredo Miguéis y Diogo de Macedo. Con el estallido de la Primera Guerra Mundial, regresó a su ciudad natal. Sus obras de este período revelan el paso de un gusto naturalista, con influencia de Rodin, a una estética más expresionista y un interés por los valores formales y por la modelación. En este punto, Francisco Franco es uno de los más importantes escultores modernistas portugueses. Su escultura dedicada a João Gonçalves Zarco (1927), señala el período público de su carrera como escultor. A partir de la década de los 30, se convirtió en uno de los escultores más solicitados de Portugal.
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Fidias

13

Fidias

(Atenas, h. 490 a.C.-?, 431 a.C.) Escultor griego. Fue el artista más famoso del mundo clásico, y el maestro que llevó la escultura a las cotas más altas de perfección y armonía. La biografía de Fidias nos es en su mayor parte desconocida. Apenas se sabe nada de su formación, si bien se cree que... Ver mas
(Atenas, h. 490 a.C.-?, 431 a.C.) Escultor griego. Fue el artista más famoso del mundo clásico, y el maestro que llevó la escultura a las cotas más altas de perfección y armonía. La biografía de Fidias nos es en su mayor parte desconocida. Apenas se sabe nada de su formación, si bien se cree que tenía experiencia como grabador, pintor y repujador. Vivió en la época de Pericles, estadista empeñado en hacer de la Acrópolis de Atenas un signo majestuoso de la grandeza de la ciudad. Pericles se convirtió en el principal protector de Fidias, quien básicamente trabajó en y para Atenas.

Fidias sobresalió tanto en la escultura exenta como en el relieve. La primera obra que se conoce de él es la Atenea Lemnia, una estatua de la diosa destinada a la Acrópolis de Atenas, de la que se conservan dos copias parciales: un busto en el Museo Arqueológico de Bolonia y una figura casi completa en el Albertinum de Dresde.

En el 438 a.C. se consagró la Atenea Partenos, la obra que le significó la fama. La patrona de Atenas está representada en esta estatua de nueve metros de altura como una diosa guerrera, con escudo y casco, preparada para la defensa de la ciudad. La obra, perdida, se conoce a través de copias de tamaño mucho menor. Además de la Atenea para el Partenón, Fidias realizó otra estatua criselefantina, ésta para el santuario de Olimpia: la efigie de Zeus, incluida por los antiguos entre las siete maravillas del mundo. Era una estatua sedente del dios, de doce metros de altura, que destilaba grandeza y majestuosidad; es conocida a través de reproducciones en monedas y joyas.


Relieves de Fidias en el Partenón

Pero lo que engrandeció el nombre del artista ya en su tiempo y ha mantenido inalterada su fama a través de los siglos son las esculturas del Partenón. Finalizada la construcción del templo, Fidias y su taller se ocuparon de la decoración escultórica, que incluía un friso en bajorrelieve de unos ciento sesenta metros de longitud, dos frontones decorados con figuras exentas y noventa y dos metopas en altorrelieve.

Si bien diseñó todo el conjunto, se cree que Fidias ejecutó una pequeñísima parte, pese a lo cual esta obra constituye una muestra indiscutible de su genio. Las piezas que se conservan se encuentran en su mayoría en el British Museum. Gozan de particular celebridad el grupo de las Tres Parcas y los fragmentos de la Procesión de las Panateneas, sobre todo el grupo de los dioses del Olimpo, donde es de admirar el magistral tratamiento de las telas, que se adhieren al cuerpo y dibujan sus contornos, una faceta creativa que ha contribuido decisivamente a la fama del arte fidíaco; también los caballos, poderosos y dinámicos, y sus fieros jinetes denotan la maestría del escultor.



Entre las restantes obras que se atribuyen a Fidias, conocidas por copias, se encuentran el Apolo Parnopios, estatua de bronce erigida en la Acrópolis de Atenas; el Anadumeno de Olimpia, en bronce, que se identifica como el Farnesio de mármol del British Museum de Londres; la Amazonas de Éfeso, creada en competencia con Policleto y Cresilas; y el Anacreonte, que se ha identificado con la estatua Borghese de Copenhague.

Los últimos años de la vida de Fidias están envueltos en el misterio. A la caída de su protector, Pericles, el escultor fue acusado de malversación del oro destinado a la estatua de Atenea, y pese a demostrar su inocencia, fue encarcelado so pretexto de impiedad, por haber incluido su retrato y el de Pericles en el escudo de la diosa Atenea. Según algunos cronistas, Fidias murió en la cárcel; al decir de otros, consiguió fugarse y se exilió en Olimpia, enclave donde en 1954-1958 se excavaron los restos de su taller. Su influencia se extendió tanto a la pintura de vasos coetánea como a la escultura de los siglos siguientes.

Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Fidias. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/f/fidias.htm el 12 de enero de 2020.



Sobre este sitio Contacto Enlácenos Cómo citar Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2020

¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Augustus Saint-Gaudens

14

Augustus Saint-Gaudens

Nació el 1 de marzo de 1848 en Dublin, Irlanda. Hijo de un zapatero francés y una irlandesa. Seis meses después de su nacimiento la familia emigró a la ciudad de Nueva York. A los trece años su padre lo colocó de aprendiz de un cortador de cameos. Por la noche tomaba clases de... Ver mas
Nació el 1 de marzo de 1848 en Dublin, Irlanda.

Hijo de un zapatero francés y una irlandesa.

Seis meses después de su nacimiento la familia emigró a la ciudad de Nueva York.




A los trece años su padre lo colocó de aprendiz de un cortador de cameos. Por la noche tomaba clases de arte en la Cooper Union y la National Academy of Design.

Entre 1867 y 1875 cursó estudios en París y Roma, y al regresar a Estados Unidos en el año 1875, abrió su estudio en la ciudad de Nueva York.

En 1876 recibió el encargo de realizar la estatua del almirante estadounidense David Glasgow Farragut en la plaza Madison de Nueva York y más adelante, tuvo un gran número de encargos como la figura (1887) de Abraham Lincoln en Chicago, el Memorial Adams (1886-1891) en Washington y la famosa estatua ecuestre (1903) del general estadounidense William Tecumseh Sherman en Central Park, Nueva York.

Ofreció tutela a jóvenes artistas y enseñó en la Art Students League. También colaboró como asesor artístico en la Columbian Exposition de 1893 y con la MacMillan Commission.




Augustus Saint-Gaudens falleció en Cornish, Nuevo Hampshire, el 3 de agosto de 1907.
Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Giambologna "Juan de Bolonia"

15

Giambologna "Juan de Bolonia"

Jean Boulogne (Douai, 1529 - Florencia 1608), conocido en Italia como Giovanni da Bologna o más abreviadamente Giambologna y en España como Juan de Bolonia, fue un escultor flamenco que trabajó en la Italia de finales del Renacimiento. Fue autor de varias de las esculturas más famosas, en... Ver mas
Jean Boulogne (Douai, 1529 - Florencia 1608), conocido en Italia como Giovanni da Bologna o más abreviadamente Giambologna y en España como Juan de Bolonia, fue un escultor flamenco que trabajó en la Italia de finales del Renacimiento.

Fue autor de varias de las esculturas más famosas, en mármol y bronce, sobre temática mitológica. Ocupa asimismo un puesto clave en la historia de la escultura europea, como puente entre el Renacimiento de Miguel Ángel y el Barroco de Bernini.

Biografía

La Fuente de Neptuno en Bolonia.
Juan de Bolonia nació en Douai, parte del condado de Flandes, actualmente en el noreste de Francia. Tras unos estudios tempranos de artes en Amberes con Jacques du Broeuq, se mudó a Italia en 1550, donde completó sus estudios en Roma estudiando la obra de Miguel Ángel (del que imitaría la tensión y dinamismo de sus obras) y de autores clásicos.

Tras perder un concurso para la Fuente de Neptuno de la Plaza de la Señoría de Florencia, el Papa Pío IV le compró su primera obra de importancia, una colosal estatua de bronce de Neptuno con figuras menores para la Fuente de Neptuno (con base de Tommaso Laureti, 1566) en Bolonia.

Juan de Bolonia pasó sus mejores años en la capital cultural de la época, Florencia, donde se asentó en 1553 bajo el mecenazgo de Bernardo Vecchietti. Terminó sus estudios con el análisis de las obras de Niccolò Tribolo y Pierino da Vinci (sobrino de Leonardo) y, gracias a la mediación de Vecchietti, fue presentado en la corte de Francisco I de Médici.

Se convirtió en escultor de la corte de los Médici, que le pagaron un sueldo mensual a cambio de esculturas tanto para exposición pública como para su colección privada, realizando numerosas esculturas a lo largo de los años hasta su muerte a la edad de 79 en la misma ciudad. Fue enterrado en una capilla que él mismo había diseñado en la iglesia de la Santissima Annunziata.

Estilo

Rapto de las Sabinas, Florencia.
Juan de Bolonia, inmerso en el Manierismo con el que finalizaba el Renacimiento, realizó un profundo estudio de la antigüedad clásica, que tomó como modelo. Se vio muy influido por Miguel Ángel y el dinamismo de su obra, aunque desarrolló su propio estilo basado en el manierismo tal vez menos emotivo, pero más refinado y elegante. Sus estatuas, como un todo, están cuidadosamente equilibradas, lo que les da ligereza y gracia. Esto no concuerda mucho con la visión de autores como Miguel Ángel que creían que la escultura debe recordar en cierta forma que es un pesado bloque de piedra extraído de la roca y modelado, pero Juan de Bolonia rompe con dicha concepción, prefiriendo desafiar los cánones y mostrar los efectos que se pueden llegar a lograr.

Juan de Bolonia ejerció una importante influencia en escultores posteriores gracias a su discípulos Adriaen de Vries y Pietro Francavilla que dejaron su taller de camino a París en 1601, o Pierre Puget que expandió su estilo por el norte de Europa, Pietro Tacca, que le sustituyó en su taller o Gian Lorenzo Bernini y Alessandro Algardi en Roma.

Obra

Hércules y el centauro Neso, 1599
La mayor colección de obras suyas se encuentra en Florencia, particularmente en el Museo Bargello. Ahí se pueden observar numerosas estatuas suyas, con obras famosas como la estatua de bronce del dios Mercurio, posado sobre un pie y soportado por un céfiro, Florencia venciendo a Pisa, varias imágenes de Venus, la estatua dedicada a la Arquitectura, además de varias obras menores y modelos de otras obras famosas del autor.1​

Otra de sus obras más destacadas es la fuente dedicada al dios Neptuno. Inicialmente diseñada para la Piazza della Signoria de Florencia, perdió el concurso frente a Bartolomeo Ammannati, siendo finalmente expuesta en Bolonia. A pesar de este revés, fue posteriormente autor de varias de las obras expuestas en la plaza florentina, como por ejemplo, la estatua ecuestre de Cosme I de Médici junto al Palacio Vecchio o el Rapto de las Sabinas (1574-82) y el Hércules y el centauro Neso (1599) en la Loggia dei Lanzi, San Lucas para la iglesia de Orsanmichele.2​

En los Jardines de Boboli se encuentra su Venus de la gruta, aparte de fuentes y otras figuras menores. En la Villa Demidoff, una antigua mansión médici, también se puede contemplar sus Apeninos, colosal escultura en piedra representando a los montes Apeninos.


Estatua de Felipe III en Madrid.
En otras ciudades italianas se pueden observar varias obras suyas, por ejemplo, en el altar de la Catedral de Lucca, de los relieves en bronce que adornan la entrada de la Catedral de Pisa, de relieves de la Universidad de Génova o la ya citada fuente en Bolonia.

En París, el 23 de agosto de 1614, cuatro años después del asesinato del rey Enrique IV, se inauguró una estatua en honor del rey encargada por María de Médicis a Juan de Bolonia en la Isla de la Cité, cerca del Pont Neuf. La estatua fue destruida durante la Revolución francesa y no se remplazó hasta tiempos de Luis XVIII, por una obra de François Frédéric Lemot.

En Londres se conserva el grupo Sansón venciendo a los Filisteos, diseñada inicialmente para Francisco de Médici (1562). La figura de mármol, ideada para una fuente, fue entregada al Duque de Lerma, luego cedida a Carlos I, Príncipe de Gales durante las negociaciones de su boda con una infanta española y posteriormente otorgado por Jorge III del Reino Unido a Sir Thomas Worsley. Fue finalmente comprada en 1953 por el Museo Victoria y Alberto a través del Art Fund.3​

Una versión en bronce del Hércules y Neso se halla en el Rijksmuseum de Ámsterdam.4​

En la Plaza Mayor de Madrid se puede contemplar una estatua ecuestre de Felipe III de España, comenzada por él y acabada en 1616 por Pietro Tacca. Se ubicó inicialmente en un jardín real y fue trasladada a la plaza en 1848. El Museo del Prado, también en Madrid, posee un bajorrelieve que representa una Alegoría de Francisco de Médicis, delicado trabajo muy representativo del estilo de este artista.

En el Colegio de Nuestra Señora de la Antigua, de Monforte de Lemos, se puede admirar una estatua orante del cardenal Rodrigo de Castro, otra de las pocas obras que de mano de este escultor se conservan en España.
Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

El Anatsui

16

El Anatsui

El Anatsui (1944, Anyaco) es un escultor ghanés activo la mayor parte de su carrera en Nigeria. Datos biográficos Anatsui nació en Anyako, y se formó en la Escuela de Arte, en la Universidad de Ciencia y Tecnología en Kumasi, en Ghana central. Comenzó a impartir docencia en la Universidad de... Ver mas
El Anatsui (1944, Anyaco) es un escultor ghanés activo la mayor parte de su carrera en Nigeria.

Datos biográficos
Anatsui nació en Anyako, y se formó en la Escuela de Arte, en la Universidad de Ciencia y Tecnología en Kumasi, en Ghana central. Comenzó a impartir docencia en la Universidad de Nigeria, en la ciudad de Nsukka, en 1975, y se unió al Nsukka group.1​

Los materiales preferidos por Anatsui son la arcilla y la madera, que emplea para crear objetos basados en las creencias y sujetos de las tradiciones ghanesas. El proceso seguido por el escultor es el corte de la madera con motosierra y su ennegrecido con antorcha de acetileno; más recientemente, ha puesto su atención en la realización de la instalación artística. Algunas de sus obras se asemejan a las telas realizadas con los telares kente. Anatsui también incorpora diseños uli del pueblo igbo y símbolos Nsibidi en sus trabajos junto a motivos ghaneses.1​

El Anatsui ha expuesto sus obras alrededor del mundo, incluyendo el Metropolitan Museum of Art, Nueva York (2008–09);2​ Museo Nacional de Arte Africano, Washington, D.C. (2008);3​ La Bienal de Venecia (2007);4​ Hayward Gallery (2005);5​ Bienal de Liverpool (2002); el National Museum of African Art (2001); el Centro de Cultura Contemporania Barcelona (2001);6​ la 8ª edición de la Trienal de Escultura de Osaka (1995); y la Bienal de Venecia (1990).7​

Una retrospectiva de su producción, subtitulada When I Last Wrote to You About Africa fue inaugurada en el Royal Ontario Museum de Toronto, Canadá, en octubre de 2010. Esta exposición adquirirá el carácter itinerante y será expuesta a lo largo de Norte América durante los próximos tres años.8​

En 2009 ganó un Premio Príncipe Claus.9​
Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Adriano Cecioni

17

Adriano Cecioni

Pintor y escultor italiano nacido en Florencia. Teórico y crítico de arte, fue el único artista italiano que utilizó únicamente el hormigón en el siglo XIX. Voluntario en la batalla del Risorgimento, inició la búsqueda de su arte, la escultura y la aplicación de estos principios, que se... Ver mas
Pintor y escultor italiano nacido en Florencia. Teórico y crítico de arte, fue el único artista italiano que utilizó únicamente el hormigón en el siglo XIX. Voluntario en la batalla del Risorgimento, inició la búsqueda de su arte, la escultura y la aplicación de estos principios, que se discutieron en el Caffè Michelangelo. Más tarde, se trasladó a Nápoles, donde se convirtió en el promotor de la Scuola di Resina, y donde permaneció hasta 1867. La observación de los moldes de los cuerpos de Pompeya, le llevó a reflexionar sobre cómo la vida puede ser detenida súbitamente por la tragedia. © epdlp
Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Antonio Canova

18

Antonio Canova

(Possagno, actual Italia, 1757 - Venecia, 1822) Escultor italiano. Junto con el danés Bertel Thorvaldsen, Antonio Canova es el máximo exponente de la escultura neoclásica europea, de forma análoga a como el francés Jacques-Louis David fue el gran maestro del neoclasicismo pictórico. A causa de... Ver mas
(Possagno, actual Italia, 1757 - Venecia, 1822) Escultor italiano. Junto con el danés Bertel Thorvaldsen, Antonio Canova es el máximo exponente de la escultura neoclásica europea, de forma análoga a como el francés Jacques-Louis David fue el gran maestro del neoclasicismo pictórico. A causa de sus modestos orígenes familiares, no pudo realizar estudios artísticos y comenzó practicando otros oficios. En 1768, a raíz de su traslado a Venecia, Antonio Canova empezó a dedicarse a la escultura, y rápidamente alcanzó una fama y un prestigio que mantuvo durante toda su vida.


Antonio Canova

Sus primeras obras venecianas, como Orfeo y Eurídice o Dédalo e Ícaro, están impregnadas todavía del espíritu barroco que reinaba en la ciudad de la laguna. Cuando era ya un artista consagrado, se estableció en Roma (1781), donde definió el estilo que lo caracteriza, inspirado en la Antigüedad clásica y poderosamente influido por los principios teóricos de Winckelman, Milizia y otros autores cuyas doctrinas se hallan en la base del nacimiento del estilo neoclásico.

Sus primeras obras del período romano, como Teseo y el Minotauro, manifiestan ya la maestría técnica y la perfección en el acabado que le eran habituales. De hecho, todas sus obras fueron fruto de una larga elaboración, de una ejecución realizada con un detallismo casi artesanal. No fue Antonio Canova un escultor nato y de cincel fácil, sino que se forjó a través del estudio y el trabajo; mediante la práctica diaria del dibujo, por ejemplo, perfeccionó su plasmación del desnudo y superó las deficiencias de sus primeros estudios anatómicos.

En su estudio romano desplegó una enorme actividad para poder atender todos los encargos que recibía de las más destacadas personalidades del momento, desde Napoleón hasta Catalina la Grande de Rusia. Era ya por entonces el principal escultor del estilo neoclásico, condición con la que se ha perpetuado su figura en la historia del arte.


Detalle de Las tres Gracias (1817), de Antonio Canova


El nombre de Canova se asocia esencialmente a esculturas de mármol de acabado y pulido perfectos, que encarnan la belleza ideal y son frías y distantes, libres de la expresión de cualquier sentimiento o turbación. Este escultor, que encarna de maravilla el gusto de su tiempo, plasmó la belleza natural en reposo, libre de cualquier movimiento espontáneo y con una monocromía y simplicidad que contrastan vivamente con la etapa precedente.

En esta línea se inscriben sus dos creaciones más conocidas: el retrato de la hermana de Napoleón, Paulina Borghese, y Las tres Gracias. Paulina Borghese está esculpida como una Venus, sobre un diván, con la elegancia y la ligereza características de Canova. Las tres Gracias encarnan el desnudo femenino en toda su perfección, y en ellas el artista parece querer reflejar algo de su mundo interior.

Canova tiene, además, el mérito de haber renovado profundamente el género del sepulcro monumental, gracias a los que esculpió para los papas Clemente XIII y Clemente XIV. Entre las muchas efigies oficiales que realizó es particularmente célebre el Napoléon desnudo, cabal ilustración de los ideales neoclásicos. Su fama como artista le abrió numerosas puertas y lo convirtió en un hombre enormemente influyente, a quien el Papado encomendó algunas misiones delicadas, como la recuperación de las obras de arte expoliadas por Napoleón.



Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Antonio Canova. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/canova.htm el 12 de enero de 2020.



Sobre este sitio Contacto Enlácenos Cómo citar Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2020

¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Nanni di Banco

19

Nanni di Banco

Escultor italiano nacido en Florencia. Fue discípulo de Lamberti y colaborador de Donatello. Sus primeras obras (Profeta, Isaías) muestran rasgos góticos. Con posterioridad, dominó las formas más clásicas, inspiradas en modelos de la Antigüedad, como Los cuatro santos coronados y Virgen gloriosa... Ver mas
Escultor italiano nacido en Florencia. Fue discípulo de Lamberti y colaborador de Donatello. Sus primeras obras (Profeta, Isaías) muestran rasgos góticos. Con posterioridad, dominó las formas más clásicas, inspiradas en modelos de la Antigüedad, como Los cuatro santos coronados y Virgen gloriosa. Murió en su ciudad natal en 1421. © B.Y.V.
Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Nicola Pisano

20

Nicola Pisano

(Apulia, c. 1220-Pisa, c. 1284) Escultor y arquitecto italiano. En 1260 esculpió el púlpito del baptisterio de Pisa, inspirándose en el arte bizantino, romano y gótico. Su composición equilibrada y su sentido de la luz lo sitúan en el centro del Renacimiento pisano. Hizo también el púlpito de la... Ver mas
(Apulia, c. 1220-Pisa, c. 1284) Escultor y arquitecto italiano. En 1260 esculpió el púlpito del baptisterio de Pisa, inspirándose en el arte bizantino, romano y gótico. Su composición equilibrada y su sentido de la luz lo sitúan en el centro del Renacimiento pisano. Hizo también el púlpito de la catedral de Siena (1265-1268). Como arquitecto trabajó en varias iglesias y en el campanario de San Nicolás de Pisa.
Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Theo Jansen

21

Theo Jansen

Theo Jansen (Scheveningen, 1948) es un artista y escultor cinético, vive y trabaja en Holanda. Hizo estudios de física en la Universidad de Delft a partir de 1968, los cuales dejó en 1975 y se convierte en pintor. En 1981 desarrolló una máquina de pintar en Delft. En 1990 desarrolló los... Ver mas
Theo Jansen (Scheveningen, 1948) es un artista y escultor cinético, vive y trabaja en Holanda.

Hizo estudios de física en la Universidad de Delft a partir de 1968, los cuales dejó en 1975 y se convierte en pintor. En 1981 desarrolló una máquina de pintar en Delft. En 1990 desarrolló los Animaris (animales de playa), dedicándose a diseñar una "nueva naturaleza".

Construye grandes figuras imitando esqueletos de animales que son capaces de caminar usando la fuerza del viento de las playas holandesas. Sus trabajos son una fusión de arte e ingeniería. En un anuncio de BMW, Jansen dijo: "Las barreras entre el arte y la ingeniería existen sólo en nuestra mente".

Jansen se dedica a crear vida artificial mediante el uso de algoritmos genéticos. Estos programas poseen evolución dentro de su código. Los algoritmos genéticos se pueden modificar para solucionar variedad de problemas incluyendo diseños de circuitos, y en el caso de las creaciones de Theo Jansen, sistemas muy complejos.


Escultura de Theo Jansen en plástico. Fotografía tomada en una exposición del autor en Madrid en 2015.

El primer ordenador (de la marca Atari) donde generó y estudió los algoritmos para sus esculturas. Fotografía tomada en una exposición del autor en Madrid en 2015.
Un criterio determinado de aptitud es insertado en el algoritmo; Theo selecciona como criterio que sobrevivan en la playa moviéndose entre las fronteras de arena húmeda cerca al mar y arena seca en el límite con las dunas. Aquellos diseños que tengan el mejor rendimiento en la tarea, dentro de una simulación del entorno, serán hibridados y probados otra vez. Con el tiempo emergen diseños complejos que desarrollan y aletean en la brisa presionando órganos que aparentan botellas plásticas de 2 litros. Brotan también patas articuladas que se desplazan por la arena como las de los cangrejos. Theo usa tubos plásticos para conductos eléctricos para construir algunos de los más prometedores diseños de la computadora. Y luego los suelta en la playa, evalúa sus logros y los mejora.


Una de las creaciones de Theo Jansen, exhibida en la ciudad de Linz durante la Ars Electronica 2005.
Según su página web (Strandbeest.com):

Desde hace diez años Theo Jansen ha estado ocupado en la creación de una nueva naturaleza. No usa polen o semillas sino tubos amarillos de plástico como material básico de su nueva naturaleza. Fabrica esqueletos que son capaces de caminar en el viento. A largo plazo, quisiera llevar estas creaciones a playas para que vivan sus propias vidas.
Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Francisco Zúñiga

22

Francisco Zúñiga

(San José de Costa Rica, 1912 - México, 1998) Escultor y pintor costarricense, afincado en México. Aprendió el oficio en el taller de su padre, Manuel Zúñiga Rodríguez, autor de imágenes religiosas y continuador de una tradición familiar de tallistas y escultores. En 1927 se matriculó en la... Ver mas
(San José de Costa Rica, 1912 - México, 1998) Escultor y pintor costarricense, afincado en México. Aprendió el oficio en el taller de su padre, Manuel Zúñiga Rodríguez, autor de imágenes religiosas y continuador de una tradición familiar de tallistas y escultores.

En 1927 se matriculó en la Escuela de Bellas Artes de su ciudad natal, donde recibió lecciones de dibujo por poco tiempo. En el periodo 1928-1934 trabajó como ayudante en el taller familiar de escultura religiosa. En 1935 ganó el primer premio del Salón de Escultura en Costa Rica, con una imponente escultura en piedra que denominó La maternidad.

Seducido por México, fijó en aquel país su residencia en 1936. Estudió diseño con Rodríguez Lozano y escultura con Oliverio Martínez, con quien colaboró para realizar los innovadores grupos escultóricos del monumento a la Revolución Mexicana. En 1938 fue nombrado profesor la escuela de Escultura y Talla Directa "La Esmeralda", dirigida por Guillermo Ruiz, su fundador.


Maternidad, de Francisco Zúñiga

En 1943 participó en la organización del Taller Libre de Escultura junto a Pedro Coronel, Alberto de la Vega y Manuel Felguérez. En 1946 se independizó y comenzó los encargos oficiales con el monumento conmemorativo de la presa de Valsequillo (Puebla). En 1958 obtuvo el Primer Premio de Escultura del Instituto Nacional de Bellas Artes.

Realizó numerosos monumentos, entre los que destaca el monumento al poeta Ramón López Valverde, un conjunto de bajo-relieves y de figuras levantado en la villa de Zapotecas; La richesse de la mer (La riqueza de la mar), en el puerto de Veracruz, o la fachada de la Secretaría de Comunicaciones.

Su personal estilo se caracteriza por la representación de recios y orgullosos personajes indígenas, sobre todo femeninos, como Elena sentada (1966), Evelia sentada (1970), Juchiteca sentado y un canasto (1973), Yalalteca (1975), Tres generaciones (1985) y Orate (1987); en ellas utilizó como materiales el bronce, la madera, la piedra, el mármol o el ónix. También trabajó la litografía.



Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Francisco Zúñiga. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/z/zuniga_francisco.htm el 10 de enero de 2020.



Sobre este sitio Contacto Enlácenos Cómo citar Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2020

¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 4 puntos

Vótalo:

Jacopo della Quercia

23

Jacopo della Quercia

(Jacopo Di Pietro d'Agnolo della Quercia; Quercia Grossa, Siena, hacia 1374 - Siena, 1438) Escultor italiano. Formado como orfebre por su padre en la tradición gótica, estimulado por el ambiente de Lucca a fines del siglo y abierto a las influencias de escultura y la orfebrería centroeuropea y... Ver mas
(Jacopo Di Pietro d'Agnolo della Quercia; Quercia Grossa, Siena, hacia 1374 - Siena, 1438) Escultor italiano. Formado como orfebre por su padre en la tradición gótica, estimulado por el ambiente de Lucca a fines del siglo y abierto a las influencias de escultura y la orfebrería centroeuropea y francesa, nunca se apartó de los grandes modelos sieneses de Giovanni Pisano y Nicola Pisano, que conjuga con la cultura florentina del Renacimiento.

La primera noticia sobre su actividad, es de 1401, como participante en el concurso de la segunda puerta del baptisterio de Florencia, sin que se conozca la obra que presentó. En 1406 y 1407 realiza la Tumba de Hilaria de Carretto en la catedral de Lucca.

Se trata de una obra por entero renacentista en su concepción y ejecución. Tiene la forma de un sarcófago romano, con querubines alados que sostienen elaboradas guirnaldas talladas en un acentuado altorrelieve. Sobre la tapa yace la serena efigie de Ilaria del Carretto, envuelta en unos ropajes de pliegues tallados con gran maestría, y con una expresión de paz en el rostro.


Tumba de Hilaria de Carretto, de Jacopo della Quercia



Su temperamento inquieto hizo que con frecuencia interrumpiera los trabajos durante largo tiempo; la finalización de sus obras se dilata a lo largo de años, por lo que son constantes las discusiones y altercados con sus clientes, que le acusarán y denunciarán por su conducta, adjetivada de inmoral, y por malversación.

Pese a esto recibe varios encargos públicos, como la Fonte Gaia de Siena, en 1409, donde introduce la técnica de tutto tondo, es decir, es concebida para ser observada desde todos los ángulos; o los Doce Apóstoles para la catedral de la ciudad, de los cuales sólo realizó uno; o el relieve con el anuncio a Zacarías y los Profetas para la pila bautismal de la catedral.



En El portal de San Petronio de Bolonia, iniciado en 1425 e inacabado a su muerte, presenta escenas del Génesis donde por primera vez un pasaje bíblico se presenta con un carácter meramente histórico. El cuerpo humano aparece en su plenitud, imponiendo su presencia de forma equiparable a la divina. Se le atribuyen también la Anunciación del Museo dell'Opera del Duomo de Florencia, y parte de la Puerta de la Almendra de la catedral de Florencia.

En su obra se realiza una síntesis muy personal entre la tradición gótica tardía, que se advierte en el tratamiento de los ropajes, inspirados en la escultura borgoñona de finales del siglo XVI y en especial de Claus Sluter, y el sentido clásico propio del Renacimiento, evidente en los rostros y en el volumen de los cuerpos y la desnudez de los mismos. Su escultura tuvo poca repercusión durante el siglo XV, continuándola sólo modestos imitadores. Sin embargo, fue determinante para la formación de Miguel Ángel el estudio que hizo de los relieves del portal de San Petronio.

Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Jacopo della Quercia. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/q/quercia.htm el 12 de enero de 2020.



Sobre este sitio Contacto Enlácenos Cómo citar Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2020

¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 4 puntos

Vótalo:

Amadeo Modigliani

24

Amadeo Modigliani

Amedeo Clemente Modigliani (Livorno; 12 de julio de 1884-París; 24 de enero de 1920) fue un pintor y escultor italiano. Muerto prematuramente a los 35 años, trabajó principalmente en Francia. Es conocido por sus retratos y desnudos en un estilo que se caracterizaba por el alargamiento de los... Ver mas
Amedeo Clemente Modigliani (Livorno; 12 de julio de 1884-París; 24 de enero de 1920) fue un pintor y escultor italiano. Muerto prematuramente a los 35 años, trabajó principalmente en Francia. Es conocido por sus retratos y desnudos en un estilo que se caracterizaba por el alargamiento de los rostros y las figuras, lo cual no fue bien acogido durante su vida, pero que logró gran aceptación posteriormente. Pasó su juventud en Italia donde estudió el arte de la antigüedad y el Renacimiento. A los 22 años, en 1906, se mudó a París donde entró en contacto con prominentes artistas, como Pablo Picasso y Constantin Brâncuși.

La obra de Modigliani es profusa en pinturas y dibujos, si bien desde 1909 a 1914 se dedicó principalmente a la escultura. Durante su vida tuvo poco éxito y no fue sino posteriormente que su obra fue apreciada logrando sus trabajos un alto precio. Murió de una meningitis ocasionada por la tuberculosis.



Biografía
Italia: Infancia y estudios

Casa natal de Amedeo Modigliani (Livorno, 1903)
Nació en una familia judía sefardí en Livorno, Italia, una ciudad portuaria que servía como refugio de aquellos perseguidos por su religión y contaba con una amplia comunidad judía. Fue el cuarto hijo de Eugenia Garsin, una francesa nativa de Marsella, descendiente de una familia intelectual y erudita de origen sefardita. Hablaba fluidamente varios idiomas. Sus ancestros fueron expertos en los textos sagrados judíos y fundaron una escuela de estudio del Talmud. El linaje de la familia alcanza al filósofo holandés del siglo XVII, Baruch Spinoza. La familia manejaba una agencia de crédito con sucursales en Marsella, Túnez y Londres, aunque el negocio tenía sus alzas y sus bajas.

Su padre, Flaminio Modigliani, nació en Roma (sus hermanos mayores eran Giuseppe Emanuele, Margherita e Umberto). El padre de Amedeo se dedicaba al préstamo, pero era mal negociante. Prestaba atendiendo más a las necesidades que a las garantías de sus clientes y, muy pronto, debió recurrir él mismo a otros acreedores.


Padres de Amedeo Modigliani (Livorno 1884). Eugenie Garsin y Flaminio Modigliani
Así como Flaminio Modigliani era benevolente con sus clientes, sus acreedores fueron inflexibles. Eugenia estaba embarazada de Amedeo cuando los oficiales de la justicia se presentaron en su casa. Una vieja ley italiana sirvió para dar un respiro a la familia: todos los objetos que estuvieran sobre la cama de una mujer embarazada eran intocables. Flaminio y Eugenia acumularon en su cama de matrimonio todas las joyas y objetos de algún valor que aún poseían. Esa pequeña fortuna les sirvió para instalarse en una casa más modesta y tratar de comenzar una nueva vida.

Flaminio se alejó de Livorno para probar suerte en la minería. Eugenia abrió una escuela de lenguas para señoritas, a la vez que se dedicaba a escribir cuentos y artículos literarios para algunos periódicos. Mientras tanto, criaba a sus cuatro hijos, y así es como Modigliani pasa su infancia entre la pobreza y la enfermedad.

A los 14 años, Amedeo ("Dedo", como lo llamaban en su familia) comenzó a asistir a clases de pintura con Guglielmo Micheli, un discípulo de Fattori, uno de los pintores del movimiento florentino conocido como los macchiaioli, un nombre que eligieron a partir de los ataques de algunos críticos que decían que pintaban con manchas ("macchie"). Poco después de comenzar sus estudios de pintura, Amedeo sufre un ataque de fiebre tifoidea y dos años más tarde una tuberculosis. En 1898, su hermano de 26 años, Emmanuele, futuro diputado del Partido Socialista Italiano, es condenado a seis meses de prisión por ser militante del movimiento anarquista.

En 1902, Amedeo se inscribe en la Escuela libre del Desnudo, Scuola libera di Nudo, en Florencia y al año siguiente en el Instituto de las Artes de Venecia, ciudad en la que se mueve por los bajos fondos.

París: arte y desenfreno
En 1906 se traslada a París, que es por la época el centro de la vanguardia. En el Bateau-Lavoir, un falansterio para proletarios de Montmartre, conoce a Max Jacob, Van Dongen, Picasso, Guillaume Apollinaire, Diego Rivera, Chaïm Soutine, Vicente Huidobro y otros personajes célebres. Influido en principio por Toulouse-Lautrec, Amedeo encuentra inspiración en Paul Cézanne, el cubismo y la época azul de Picasso. También es evidente la influencia que ejercen sobre él Gustav Klimt y las estampas del japonés Utamaro. Su rapidez de ejecución le hace famoso. Nunca retocaba sus cuadros, pero los que posaron para él decían que era como si hubiesen desnudado su alma.

En 1909, se pasa un breve período en Livorno, enfermo y deteriorado en su salud por los excesos de su vida. Regresa a París y alquila un estudio en Montparnasse. Se considera a sí mismo más escultor que pintor, y siguió sobre esa vía cuando Paul Guillaume, un marchante joven y ambicioso le presenta a Constantin Brâncuşi.

Constantin Brâncuşi, conoció personalmente a Modigliani en 1909 recién mudado a su estudio de Montparnasse. Y fue a partir de este encuentro que comenzó la fase escultórica de Modigliani que se prolongó hasta 1914. Según el historiador de arte Gerhard Kolberg, las esculturas de Modigliani conjugan pretensiones idealistas y plásticas, con una realización escultórica primitiva, incluso arcaica. De hecho las figuras de Modigliani presentan una fuerte estilización que se puede apreciar en sus cabezas con cuellos largos, narices agudas y ojos representados como contornos, que son clara referencia a aquellas esculturas de los primitivos muy apreciadas por los círculos de vanguardistas de París.1​


Amedeo Modigliani en su estudio, 1915. Foto de Paul Guilliaume
Descubre el arte africano y camboyano en el Musée de l'Homme de París. Sus estatuas se reconocen por los ojos almendrados, las bocas pequeñas, las narices torcidas y los cuellos alargados. Se presentó una serie en el Salón de Otoño de 1912, pero tuvo que dejar de esculpir porque el polvo le causaba problemas de salud.


Taller de Amedeo Modigliani en Venecia, 1903.
Retrató a los habituales de Montparnasse, como Soutine, Diego Rivera, Juan Gris, Max Jacob, Blaise Cendrars y Jean Cocteau.

Al iniciarse la Primera Guerra Mundial, intenta alistarse, pero su precaria salud se lo impide.

Conocido como "Modì" por sus amigos, Amedeo emana magnetismo hacia las mujeres. Tiene numerosos romances hasta que entra en su vida Beatrice Hastings, con la que mantendrá una relación tormentosa de unos dos años. Ésta le sirve de modelo en varios retratos, como "Madame Pompadour". Cuando está bajo los efectos del alcohol, es triste y violento, como muestra el dibujo de Maria Vassilieff. Sobrio, es tímido y encantador, le gusta citar a Dante Alighieri y recitar poemas del libro del conde de Lautréamont Los cantos de Maldoror (Les Chants de Maldoror) libro del que siempre tiene cerca un ejemplar.

En 1916, conoce al poeta y marchante de arte polaco Léopold Zborowski y a su mujer Anna. Modigliani lo retrata en varias ocasiones, cobrándole sólo diez francos por retrato.


Reclining Nude (1917), de Amedeo Modigliani. Óleo sobre tela. Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
El siguiente verano, la escultora ucraniana Chana Orloff le presenta a su amiga Jeanne Hébuterne, una estudiante de 18 años que había posado para Foujita. Cuando la familia burguesa de Jeanne se entera de esta relación con el que era considerado un depravado, le corta su asignación económica.


Amedeo Modigliani, de niño en la escuela, primera línea al centro.
El 3 de diciembre de 1917 celebra su primera exposición, en la galería de Berthe Weill, pero horas después la autoridad la cierra por indecencia. Debido a sus problemas de salud, tiene que trasladarse a Niza con Hébuterne, que da a luz en 1919 a una hija a la que llamará Jeanne. Por sugerencia del marchante Guillaume, realiza una serie de desnudos (ahora sus obras más cotizadas), con la pretensión de venderlos a los millonarios que veranean en la Costa Azul, sin mayores éxitos.[cita requerida]

En mayo de 1919, vuelve a París, a la calle de la Grande Chaumière. Su salud se deteriora con rapidez. Tras un largo período en el que sus vecinos no sabían nada de él y después de una noche de excesos y de haber peleado con unos vándalos en la calle, le encuentran delirando en la cama a la vez que sostenía la mano de Jeanne embarazada casi de nueve meses. Lo único que puede hacer el médico es atestiguar que su estado es desesperado. Muere de meningitis tuberculosa el 24 de enero de 1920. Unos días antes había pedido el permiso al gobierno francés para contraer matrimonio con Jeanne.


Cartel de la primera y única exposición individual de Amedeo Modigliani, en la galería de Berthe Weill en París, en diciembre de 1917. Debido a sus desnudos, fue cerrada bajo la acusación de escándalo público.
Los más importantes artistas de Montmartre y Montparnasse siguen los funerales hasta el cementerio parisino de Père-Lachaise. Jeanne Hébuterne, llevada a casa de sus padres, se suicida tirándose desde la ventana de un quinto piso después del funeral de Modigliani, embarazada por segunda vez.

La hermana de Modigliani que vivía en Florencia, adopta a su hija huérfana. Ésta escribirá una importante biografía de su padre titulada Modigliani: Hombre y mito.

Fama póstuma
La concepción de su pintura, basada en el diseño lineal, la pureza arcaica de su escultura, y su vida romántica y llena de tribulaciones económicas y enfermedad, dieron a Modigliani una personalidad excepcional en el marco de la pintura moderna, aislada de las corrientes de gusto contemporáneo (cubismo, futurismo, dadaísmo, surrealismo) que estaban en desarrollo en el mismo período. En la actualidad Modigliani es considerado uno de los mayores artistas del siglo XX y sus obras se exponen en los principales museos del mundo.

Sus esculturas raramente han cambiado de manos y las pocas pinturas que se encuentran en el mercado, han alcanzado valores excepcionales. En 2010 en la Casa Christies de París, una de sus esculturas, Tete de Caryatide, fue vendida en la cifra récord de 43 millones de euros. En noviembre de 2015 el millonario chino Liu Yiqian adquiere su pintura Nu Couché (1917) en el remate de la casa Christies en 170,4 millones de dólares, la segunda mejor pagada en subasta en esa fecha, solo superada por Mujeres de Argel de Picasso que se había vendido en 179,3 millones de dólares en mayo de 2015.
Ha recibido 3 puntos

Vótalo:

Lorenzo Quinn

25

Lorenzo Quinn

Lorenzo Quinn Italia, 1966 El artista italiano contemporáneo Lorenzo Quinn es un escultor figurativo de vanguardia, cuyo trabajo está inspirado en maestros como Miguel Ángel, Bernini y Rodin. Su obra se ha expuesto en todo el mundo y tanto su arte monumental público como sus piezas más... Ver mas
Lorenzo Quinn
Italia, 1966

El artista italiano contemporáneo Lorenzo Quinn es un escultor figurativo de vanguardia, cuyo trabajo está inspirado en maestros como Miguel Ángel, Bernini y Rodin. Su obra se ha expuesto en todo el mundo y tanto su arte monumental público como sus piezas más pequeñas e íntimas transmiten su pasión por los valores eternos y las emociones auténticas. Por lo que mejor se le conoce es por sus recreaciones expresivas de manos humanas. “Yo quería esculpir la que se considera la parte más difícil y más compleja del cuerpo humano a nivel técnico», afirma. “La mano tiene tanto poder: el poder de amar, odiar, crear, destruir.»

Nacido el 7 de mayo de 1966 en Roma, hijo del actor mexicano-estadounidense Anthony Quinn y su segunda esposa, la diseñadora de vestuario Iolanda Addolori, Lorenzo Quinn pasó su infancia a caballo entre Italia y Estados Unidos. Su padre ejerció una profunda influencia sobre él, tanto en lo que se refiere a ser el centro de atención en el mundo del cine como a los primeros trabajos de Anthony en pintura y arquitectura.

Lorenzo Quinn estudió en la Academia Americana de Bellas Artes de Nueva York, con intención de convertirse en un pintor surrealista. Sin embargo, a los 21 años decidió que su futuro estaba en la escultura, que era un terreno que podía acomodar mejor su energía y originalidad. Recuerda con total claridad el momento de 1989 en el que sintió que había creado su primera obra de arte genuina: «Había hecho un torso a partir del dibujo de Adán de Miguel Ángel… Un trabajo artesanal…. Tuve una idea, empecé a cincelar y Eva salió del cuerpo de Adán… Había empezado como un ejercicio puramente académico, pero se había convertido en una obra de arte”.

En 1988, Quinn se casó con Giovanna Cicutto y cuando nació el primero de sus tres hijos decidió dejar Nueva York —un lugar que “pone a prueba tus valores humanos”— y establecerse en España. “Elegimos España por su carácter latino, su fervor… Por la forma en que se valora a las personas y a la familia y su gran trayectoria artística», comenta.

En la veintena, Quinn tuvo una breve carrera como actor; trabajó, por ejemplo, al lado de su padre en Stradivarius (1989) y realizó una aclamada actuación como Salvador Dalí. Sin embargo, no disfrutaba con esa profesión y decidió concentrarse exclusivamente en la escultura.

Las ideas creativas de Quinn surgen con la rapidez de una chispa: «La inspiración llega en una milésima de segundo», dice, ya que la observación de la energía cotidiana que llena la vida lo invade de la necesidad de esculpir. No obstante, terminar un proyecto lleva meses y tiene que tener un significado claro. Generalmente, Quinn concibe sus trabajos por escrito y el texto poético resultante se exhibe con la escultura como parte integral de la pieza, más allá de una mera explicación.

El trabajo de Quinn forma parte de muchas colecciones privadas de todo el mundo y ha sido expuesto internacionalmente durante los últimos 20 años. Entre sus encargos se halla El árbol de la vida, realizado para las Naciones Unidas y que esta organización distribuyó como sello en 1993. Al año siguiente, el Vaticano le encargó esculpir la imagen de San Antonio de la Basílica del Santo en Padua, en conmemoración del 800º aniversario del nacimiento del santo; la escultura fue bendecida por el Papa en la Plaza de San Pedro de Roma, frente a una multitud de 35.000 personas.

El arte público de Quinn incluye Encuentros, un enorme globo que encierra una mano que señala, que se dio a conocer en 2003 frente al Museo de Arte Moderno de Palma de Mallorca (España). En Birmingham, El árbol de la vida se erigió ante la iglesia de St. Martin en 2005, para conmemorar a las víctimas del bombardeo que hubo sobre la ciudad durante la Segunda Guerra Mundial. Otras de sus obras están expuestas en el King Edward Wharf —La Creación, Volare y Cruzando un Milenio— y se aprecia su tema característico de la mano, la forma humana y el círculo.

En noviembre de 2005, una de las mayores esculturas públicas de Quinn, Crece a través de la educación, se instaló en ASPIRE, la Academia de Alto Rendimiento Deportivo de Doha, por encargo del Estado de Qatar. Este impresionante monumento de 8 toneladas de peso muestra un par de manos adultas que ponen el mundo en la mano de un niño, con los brazos formando un círculo sobre un libro abierto. El comentario del artista en la pieza reza: “Un niño es el activo más preciado de nuestro futuro. Nuestra obligación es guiarle…. Solo a través de la educación y el conocimiento puede una persona ser dueña de su vida”. Quinn creó una segunda escultura para el interior de la academia que representaba la búsqueda de la excelencia: Alcanzando el oro es una pirámide de siete brazos que salen de una base de arena, con las manos estirándose hacia una medalla.

Única entre sus obras como un monumento vivo, El legado (2006) fue esculpida para Sant Climent de Llobregat, en España. Quinn estaba fascinado con la historia de los cerezos de la ciudad y decidió realizar una pieza que reflejara esa historia. El tronco está formado por una mano masculina y otra femenina que sostienen ramas cargadas de cerezas dispuestas para simular el ADN humano. En esta zona famosa por sus jugosas cerezas, la escultura tiene tantos frutos como habitantes tiene Sant Climent y cada año se añaden más cerezas para representar a los nuevos vecinos de la localidad.

En 2008, Evolution, una gran exposición de la producción de Quinn, fue elegida para inaugurar las nuevas instalaciones de la Galería Halcyon en Mayfair, Londres, y la galería publicó un importante libro sobre su obra. Muchas de las esculturas que forman parte de Evolution contienen el símbolo que se ha convertido en sinónimo de Quinn: la mano humana.

Equilibrium, una exposición de esculturas monumentales de Quinn, seguiría en noviembre de 2009, coincidiendo con la instalación de Dar y Tomar III en Berkeley Square, durante seis meses. Varias de sus piezas nuevas más importantes estaban incluidas en el programa, como ¿Qué fue antes? — dos formas, una masculina y otra femenina, que yacen en sendos hemisferios en forma de huevo— y Hogar dulce hogar —una mujer de mármol en el interior de un capullo hecho de alambre de púas. El título de la exposición refleja la creencia de Quinn de que «es esencial encontrar un equilibrio en la vida. Muchas veces ese equilibrio se logra con la ayuda de las personas que nos rodean y nos mantienen con los pies en el suelo, sin los cuales flotaríamos hacia la perdición».

Quinn expuso internacionalmente en 2010, con instalaciones en la Galería Rafart (España), la Galería Rarity (Grecia), la Galería de Arte Hewar (Arabia Saudita), la Galería Marigold (India) y la Galería Ode to Art (Singapur). Su escultura Vroom vroom, una interpretación lúdica de la independencia de los jóvenes adultos se exhibió en el Instituto Valenciano de Arte Moderno en verano y, posteriormente ese mismo año, en la Feria de Arte de Abu Dhabi. En enero de 2011, la obra fue instalada en Park Lane, Londres, como parte del Festival de Escultura del Ayuntamiento de Westminster, mientras que Encontrando el amor se dio a conocer a la entrada del edificio de reciente inauguración One Hyde Park, en Knightsbridge. Coincidiendo con otras dos instalaciones destacadas de la escultura monumental de Quinn —La Fuerza de la Naturaleza II, en Berkeley Square, y Volare, en Cadogan Gardens— estas piezas catapultaron la escultura pública de la Galería Halcyon en la ciudad de Londres.

En la primavera de 2011, Quinn fue invitado a participar en la primera exposición estival de esculturas al aire libre de Roma. Aunque en inicio iba a llamarse Roma Biennale di Scultura, posteriormente fue rebautizada como Rassegna Internazionale di Scultura di Roma y contó con una serie de artistas contemporáneos e históricos significativos. En la Casina Valadier, en el parque de Villa Borghese, expuso La Dolce Vita, una pieza que representa la joie de vivre de ese período y un «sentimiento de total abandono al niño que llevamos dentro». Ese verano también fue seleccionado para exponer en el Pabellón de Italia de la Bienal de Venecia. Su poderosa y provocativa instalación antibelicista Esto no es un juego constaba de dos partes, con un comentario que observaba: «Los líderes del mundo utilizan los ejércitos como si fueran sus juguetes privados, que pueden requisar y destruir como lo haría un niño descuidado».

La alta estima en la que se tiene a Quinn queda confirmada por la invitación que recibió para exponer La mano de Dios y Salto de fe en el Palacio de Invierno del Museo Estatal del Hermitage de San Petersburgo, coincidiendo con la edición de 2011 del festival de arte internacional Noches Blancas. Expuestas junto a obras de Henry Moore, las esculturas de Quinn reflejan su enfoque creativo sobre el paso del tiempo: «El pasado está escrito en piedra, el presente se está tallando en madera y el futuro es una copa vacía que llenar de sueños”.

En la primavera de 2012, la retrospectiva de Quinn en el Harrods de Londres —su primera exposición individual en ese lugar de fama mundial— presenta piezas de la serie “Amor”, paneles fotográficos de aluminio y una película que explora su obra. Uno de los aspectos más destacados de la exposición fue la escultura doble Relación perfecta (2011): un par de elegantes manos de bronce surgiendo de dos fósiles de nautilus, conchas enrolladas en espiral con la proporción áurea que aquí simbolizan la perfección de las almas gemelas en el amor. Otra prestigiosa oportunidad que se le brindó en Londres fue la instalación de La Dolce Vita en Park Lane, a finales de septiembre de 2012.

En Estados Unidos, la Galería Halcyon donó La fuerza de la naturaleza II de Quinn, una pieza creada a raíz del tsunami de 2009, en beneficio de dos organizaciones sin ánimo de lucro: Happy Hearts Fund, establecida para reconstruir comunidades después de desastres naturales, y March to the Top Foundation, que ayuda a los habitantes del continente africano afectados por la pobreza económica. La escultura, un símbolo claro de la fuerza humana y la capacidad de resistencia frente a la adversidad, tiene una base especial construida con hileras de placas de los contribuyentes que han hecho una donación y los fondos recaudados fueron destinados a financiar la construcción de dos nuevas escuelas. En octubre de 2012, La fuerza de la naturaleza II se instaló en el magnífico rascacielos del Grupo Paramount en la Avenue of the Americas de Nueva York. Para complementar esta mezcla entre arte público y filantropía se realizó una instalación adicional de La fuerza de la naturaleza II en un proyecto de desarrollo cultural en el paseo marítimo de Doha (Qatar), con el objetivo de fomentar y promover las artes. Más recientemente, dos de las esculturas de Quinn, Amor y Emociones fueron donadas para una subasta y recaudaron más de 300.000£ para varias organizaciones benéficas en 2014.

Full Circle (2013), la quinta exposición individual de Quinn en la Galería Halcyon de Londres, marcó un momento crucial en la carrera del artista. Con una mezcla de obras nuevas intercaladas con piezas antiguas y más familiares, la exposición fue un reflejo de la experimentación del artista con nuevos materiales y temas que destacaba su desarrollo creativo de la última década. Después de la exposición en New Bond Street que duró todo el verano, Full Circle pasó por la Galería Halcyon de Harrods hacia finales de 2013.

A lo largo de 2013 y 2014, Quinn expuso en una serie de importantes ferias de arte internacionales como Art Mónaco ’13; Art Palm Beach; la Feria de Arte Internacional de Miami; PINTA, en Londres; SCOPE, de Nueva York, y Art Toronto, en Canadá. Durante este período, el artista también fue premiado con varias instalaciones públicas, incluyendo las nuevas Cuerda floja II y Cuatro Amores (junto con La fuerza de la naturaleza II), en la isla de Ibiza en 2013. En diciembre de 2014, Quinn volvió a Park Lane para desvelar Armonía, su interpretación única del símbolo tradicional del yinyang. La monumental pieza se mostró en el Reino Unido por primera vez, mide 3 metros de altura y está hecha de aluminio pulido y acero inoxidable.

La historiadora del arte y conservadora Consuelo Císcar Casabán describe la obra de Quinn como «profunda, espiritual y existencial porque trata de las pasiones que experimentamos como seres humanos y de las preguntas que nos planteamos en silencio sobre la verdad última…. Son esculturas basadas en grandes mitos, que se refieren a los grandes temas recurrentes de nuestra civilización y trascienden las distinciones de la cultura y el tiempo».
Ha recibido 3 puntos

Vótalo:

Georg Kolbe

26

Georg Kolbe

Georg Kolben Georg Kolbe.jpg Información personal Nacimiento 1877 Waldheim, Alemania Fallecimiento 1947 (70 años) Berlín Causa de la muerte Cáncer de vejiga Ver y modificar los datos en Wikidata Lugar de sepultura Friedhof Heerstraße (Alemania) Ver y modificar los datos en Wikidata... Ver mas
Georg Kolben
Georg Kolbe.jpg
Información personal
Nacimiento 1877
Waldheim, Alemania
Fallecimiento 1947 (70 años)
Berlín
Causa de la muerte Cáncer de vejiga Ver y modificar los datos en Wikidata
Lugar de sepultura Friedhof Heerstraße (Alemania) Ver y modificar los datos en Wikidata
Nacionalidad Alemana
Educación
Educado en
Académie Julian Ver y modificar los datos en Wikidata
Información profesional
Área escultura
Género Arte figurativo Ver y modificar los datos en Wikidata
Miembro de
Academia de las Artes de Berlín
Secesión de Berlín Ver y modificar los datos en Wikidata
Distinciones
Premio Goethe (1936)
Medalla Goethe de la ciudad de Fráncfort (1937) Ver y modificar los datos en Wikidata
[editar datos en Wikidata]
Georg Kolbe (Waldheim, 1877 - Berlín, 1947) fue un escultor alemán. Trabajó en París, Roma, Leipzig y Berlín. De estilo clasicista, posteriormente recibió la influencia del expresionismo. Fue una figura destacada de una generación de escultores surgida en la primera mitad del siglo XX. El estilo de sus obras, moderno y a la vez clásico y simplificado, se caracteriza por el vigor de sus figuras, comparable al del escultor francés Aristide Maillol.1​
Ha recibido 3 puntos

Vótalo:

Lisipo

27

Lisipo

(Sición, Grecia, h. 390 a.C. - h. 305 a.C) Escultor griego al que se incluye, junto con Praxíteles y Escopas, en la tríada de los grandes maestros de la escultura posclásica, periodo que corresponde aproximadamente al siglo IV a. C. Fue sin duda uno de los escultores más famosos de la antigua... Ver mas
(Sición, Grecia, h. 390 a.C. - h. 305 a.C) Escultor griego al que se incluye, junto con Praxíteles y Escopas, en la tríada de los grandes maestros de la escultura posclásica, periodo que corresponde aproximadamente al siglo IV a. C. Fue sin duda uno de los escultores más famosos de la antigua Grecia y ha sido considerado un precursor del estilo helenístico. De las 1.500 esculturas de bronce que realizó, según Plinio el Viejo, no se ha conservado ninguna, pero se conocen algunas de sus creaciones a través de copias helenísticas y romanas.


Detalle del Apoxiómeno de Lisipo (copia romana del Museo Pío-Clementino)

Su obra más famosa es el Apoxiómeno, un atleta que se limpia el cuerpo con el estrígilo, y que ejemplifica uno de sus rasgos estilísticos más característicos: una mayor profundidad espacial, conseguida en este caso mediante la proyección de los brazos hacia adelante. El acentuado realismo de sus estatuas, otra de sus singularidades, se advierte en el Hércules Farnesio, considerado una copia del Hércules de Sición.

Las figuras de Lisipo son siempre altas y esbeltas, lo que corrobora la tradición según la cual sustituyó el canon de Policleto por uno nuevo, en el que la cabeza representa una octava parte de la altura del cuerpo.

Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Lisipo. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/l/lisipo.htm el 12 de enero de 2020.



Sobre este sitio Contacto Enlácenos Cómo citar Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2020

¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 3 puntos

Vótalo:

Praxíteles

28

Praxíteles

(Atenas, siglo IV a. C.) Escultor griego. Se cree que era hijo de Cefisodoto el Viejo. Su figura domina con autoridad la escultura del siglo IV a. C. en Atenas y se sitúa casi al mismo nivel de fama y prestigio que la de Fidias en el siglo anterior. Sin romper con los rasgos estilísticos de... Ver mas
(Atenas, siglo IV a. C.) Escultor griego. Se cree que era hijo de Cefisodoto el Viejo. Su figura domina con autoridad la escultura del siglo IV a. C. en Atenas y se sitúa casi al mismo nivel de fama y prestigio que la de Fidias en el siglo anterior.

Sin romper con los rasgos estilísticos de la cultura ática, Praxíteles los interpretó desde una visión muy personal, que sentó las bases para el posterior desarrollo de la escultura helenística. Se alejó de la tradición anterior al preferir como material el mármol, más que el bronce, pero se mantuvo en la línea de sus antecesores por su elección como modelo para sus obras de la belleza juvenil idealizada. Desde este punto de partida, evolucionó hacia una mayor humanización de las estatuas, hacia una plasmación algo más intensa de los sentimientos.


Detalle de Hermes con Dioniso niño, de Praxíteles

Gozó de un gran prestigio desde sus primeras realizaciones, en particular por la suavidad del modelado y la postura indolente de los cuerpos, que gravitan fuera de su eje, descansando sobre un punto de apoyo. Es emblemático en este sentido el grupo de Hermes con Dioniso niño, encontrado en 1877 en Olimpia y que se considera un original, el único que se conserva de un escultor griego de primera magnitud.

Sus obras restantes se conocen a través de copias romanas. La que gozó de mayor renombre en la Antigüedad fue la Afrodita de Cnido, estatua de tamaño natural de la diosa en la que por primera vez se la representa desnuda. El Sátiro en reposo y el Apolo Sauróctono destilan el encanto sensual y la gracia delicada connaturales en la obra de Praxíteles. El escultor obtuvo también un gran éxito con un tipo de Eros desnudo al que la cabellera rizada confiere una nueva plasticidad, un nuevo encanto romántico.



Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Praxíteles. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/p/praxiteles.htm el 12 de enero de 2020.



Sobre este sitio Contacto Enlácenos Cómo citar Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2020

¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 3 puntos

Vótalo:

Polícleto

29

Polícleto

(Argos o Sición, actual Grecia, h. 480 a. C.-?) Escultor griego. Se formó en la tradición de los broncistas de Argos y realizó casi todas sus obras en este mismo material. En la actualidad sólo se conocen algunas de ellas a través de copias helenísticas y romanas, realizadas en mármol. La más... Ver mas
(Argos o Sición, actual Grecia, h. 480 a. C.-?) Escultor griego. Se formó en la tradición de los broncistas de Argos y realizó casi todas sus obras en este mismo material. En la actualidad sólo se conocen algunas de ellas a través de copias helenísticas y romanas, realizadas en mármol.

La más celebrada es el Doríforo ("Portador de lanza"); denominada "el canon", el autor aplicó en ella el sistema de proporciones de la figura humana que consideraba ideal y sobre el que escribió un tratado homónimo; conforme a ello, la cabeza equivale a la séptima parte de la altura. La posición corresponde al llamado contraposto: el peso se apoya en la pierna derecha y el brazo izquierdo sostiene la lanza, mientras los miembros opuestos permanecen relajados. La copia romana hallada en Pompeya y conservada en el Museo Arqueológico de Nápoles permite vislumbrar la maestría de Policleto.


El Doríforo y el Diadumeno, de Policleto

Otra de sus mejores obras es el Diadumeno, en la que también representa a un atleta que, tras la competición, se ciñe la cinta de la victoria en la cabeza. Esculpida probablemente hacia el 420 a.C., la composición de la figura, también con proporciones conforme al canon y en contraposto, presenta un equilibrio de movimiento y quietud y produce, con la elevación de los brazos, una notable sensación de ingravidez. Del Diadumeno se conserva una valiosa copia en el Museo Arqueológico de Atenas.

Policleto fue, de hecho, un gran especialista en la plasmación escultórica de la belleza del cuerpo humano. De su obra más admirada en la Antigüedad, la estatua criselefantina de Hera para el Heraión de Argos, sólo se conocen reproducciones sobre monedas. Fue, junto con Fidias, la gran figura de la escultura griega del siglo V a.C.



Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Policleto. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/p/policleto.htm el 12 de enero de 2020.



Sobre este sitio Contacto Enlácenos Cómo citar Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2020

¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 3 puntos

Vótalo:

Benvenuto  Cellini

30

Benvenuto Cellini

(Florencia, 1500-id., 1571) Escultor y orfebre italiano. Su personalidad de es una de las mejor conocidas del Renacimiento italiano gracias a su autobiografía (Vita, h. 1558-1566), que gozó de gran fama en los siglos XVII-XVIII, hasta el extremo de encumbrar al artista por encima de sus... Ver mas
(Florencia, 1500-id., 1571) Escultor y orfebre italiano. Su personalidad de es una de las mejor conocidas del Renacimiento italiano gracias a su autobiografía (Vita, h. 1558-1566), que gozó de gran fama en los siglos XVII-XVIII, hasta el extremo de encumbrar al artista por encima de sus merecimientos. La obra muestra a un Cellini orgulloso de sí mismo y narra una vida llena de aventuras y de anécdotas que dan origen a páginas de gran interés, reveladoras del ambiente cultural y social de su época.

De 1519 a 1540 residió fundamentalmente en Roma, donde se sabe que recibió encargos del Papa y de otros comitentes destacados, pese a lo cual sólo se conservan de aquel período algunos sellos, monedas y medallas.

En 1540 se trasladó a Francia para trabajar al servicio de Francisco I en Fontainebleau. Por entonces realizó el celebérrimo Salero de oro con esmaltes, que constituye la mejor creación de la orfebrería renacentista gracias a su plasmación en pequeño tamaño y con multitud de detalles de un grupo escultórico digno de haber sido realizado en gran escala.

La Ninfa de Fontainebleau es la primera escultura que se conoce de su mano, fechada poco antes de su regreso a Florencia motivado por problemas con la corte, en 1545. En esta ciudad trabajó al servicio de Cosme I de Médicis, para quien realizó bustos y esculturas de en metal, entre las cuales se cuenta el famoso Perseo en bronce de la Loggia dei Lanzi, que se considera su obra maestra.



Todas estas creaciones se caracterizan por el trazo nervioso y la riqueza de detalles, transposición a la escultura de su formación como orfebre. Escribió dos tratados (de escultura y de orfebrería), de carácter eminentemente práctico, en los que incluyó detalladas descripciones de sus obras y noticias sobre otros artistas de su tiempo.

Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Benvenuto Cellini. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/cellini.htm el 12 de enero de 2020.



Sobre este sitio Contacto Enlácenos Cómo citar Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2020

¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 3 puntos

Vótalo:

Donatello

31

Donatello

(Donato di Betto Bardi; Florencia, 1386 - id., 1466) Escultor italiano. Junto con los arquitectos Leon Battista Alberti y Filippo Brunelleschi y el pintor Masaccio, Donatello fue uno de los creadores del estilo renacentista y uno de los artistas más grandes del Renacimiento. Su formación junto a... Ver mas
(Donato di Betto Bardi; Florencia, 1386 - id., 1466) Escultor italiano. Junto con los arquitectos Leon Battista Alberti y Filippo Brunelleschi y el pintor Masaccio, Donatello fue uno de los creadores del estilo renacentista y uno de los artistas más grandes del Renacimiento. Su formación junto a Lorenzo Ghiberti le dejó un importante legado técnico pero casi ningún vestigio estilístico, ya que desde sus comienzos desarrolló un estilo propio basado en la fuerza emocional, y en un singular sentido del movimiento.


Donatello

Su revolucionaria concepción de la escultura resulta evidente ya en las grandes estatuas para nichos destinadas a Orsanmichele y la catedral de Florencia. La gravedad y el realismo de estas monumentales figuras de mármol contrastan vivamente con la gracia y el decorativismo del gótico internacional, el estilo vigente en Europa hasta entonces. Donatello comenzó esta serie en 1411 con el San Marcos y la concluyó en 1436 con el llamado Zuccone. A esta serie pertenece también el San Jorge, su primera obra famosa, de la que Giorgio Vasari afirmó: «Posee el maravilloso don de moverse dentro de la piedra».

Tras asociarse con su aprendiz Michelozzo, Donatello emprendió a partir de 1427 la realización en Pisa de la tumba del cardenal Brancacci, en la que esculpió en relieve el tema de la Asunción de la Virgen. Poco después, la tumba de Baldasare Coscia para el baptisterio de Florencia permitió al artista dar sus primeros pasos en el difícil arte de la fundición en bronce.

El viaje a Roma que realizó el escultor hacia 1430-1432 condicionó de manera decisiva toda su producción posterior, ya que le brindó la oportunidad de conocer en directo el arte de la Antigüedad. A su regreso a Florencia comenzó la famosa Cantoría para la catedral, en la que recreó libremente algunos de los motivos clásicos admirados en Roma. Poco posterior es su escultura exenta más famosa, el David en bronce, comparable en ciertos aspectos al San Jorge de su etapa anterior.


Detalle de David (bronce, c. 1440)
y María Magdalena (madera policromada, c. 1455)


En 1443, el artista se estableció en Padua, seguramente después de haber recibido el encargo de esculpir la estatua ecuestre del Gattamelata, la primera de tamaño natural desde la Antigüedad. Realizada al estilo del Marco Aurelio romano, posee la fuerza expresiva característica de sus estatuas anteriores, una fuerza que se transmite también al caballo, representado con brío y vitalidad.

En la misma ciudad obró el retablo mayor del santuario de San Antonio, en el cual combinó siete estatuas y cuatro relieves, en una disposición que fue modificada en el siglo XVI. En estos relieves, que representan los milagros de San Antonio, son por igual magistrales el sentido dramático y la organización del espacio. Donatello volvió en 1454 a Florencia, donde esculpió sus obras de mayor fuerza emocional, en las que trabajó las posibilidades expresivas de la deformación. A este período corresponden Judit y Holofernes y la sublime María Magdalena, en madera. Aunque no tuvo un heredero directo, Donatello influyó de forma decisiva en la escultura florentina hasta comienzos del siglo XVI.



Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Donatello. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/donatello.htm el 12 de enero de 2020.



Sobre este sitio Contacto Enlácenos Cómo citar Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2020

¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 3 puntos

Vótalo:

Andrea Pisano

32

Andrea Pisano

Nacido en 1290 en Pontadera. Fundador de la escuela florentina de escultura. Aunque no hay suficientes datos al repecto, se cree que obtuvo su formación en Pisa. Comenzó siendo ayundante de Giotto, y en el año 1340 le sucede al frente de las obras de la catedral de Florencia, donde esculpe una... Ver mas
Nacido en 1290 en Pontadera. Fundador de la escuela florentina de escultura. Aunque no hay suficientes datos al repecto, se cree que obtuvo su formación en Pisa. Comenzó siendo ayundante de Giotto, y en el año 1340 le sucede al frente de las obras de la catedral de Florencia, donde esculpe una serie de paneles hexagonales de piedra para el campanario. Entre 1330 y 1336 realiza la que sería su obra más famosa, las tres puertas de bronce (al Sur) del baptisterio de Florencia. En el año 1347 pasa a ser maestro de obras de la catedral de Orvieto. Se cree que falleció en 1349.
Ha recibido 3 puntos

Vótalo:

Vincenzo Gemito

33

Vincenzo Gemito

Vincenzo Gemito (Nápoles, 16 de julio 1852 - 1 de marzo 1929) fue un escultor, diseñador y orfebre italiano. Fue considerado por sus contemporáneos al mismo tiempo como un genio y un loco, pero cuyas obras son tenidas en gran estima por galerías y coleccionistas internacionales. A pesar de... Ver mas
Vincenzo Gemito (Nápoles, 16 de julio 1852 - 1 de marzo 1929) fue un escultor, diseñador y orfebre italiano. Fue considerado por sus contemporáneos al mismo tiempo como un genio y un loco, pero cuyas obras son tenidas en gran estima por galerías y coleccionistas internacionales.

A pesar de haber trabajado en varios estudios de artistas famosos en Nápoles, Roma y París, se considera en gran medida autodidacta, y este hecho se atribuye a su capacidad de producir tanto obras originales, y ser capaz de sustituir el sentimentalismo de su tiempo con un contundente realismo.
Biografía
Vincenzo Gemito nació en una familia pobre, hijo de un leñador. El día después de su nacimiento, su madre lo entregó a un orfanato (orfanato de la Anunciación), donde vivió durante varios años con otros niños huérfanos y donde fue nombrado «Genito», transformado por «Gemito» en los registros de estructura.

En junio de 1862 fue adoptado por una familia que había perdido recientemente a un niño. El padre era un artesano y el joven Vicenzo pronto empezó a disfrutar del arte de la pintura y la escultura.

Vicenzo Gemito comenzó sus actividades en el taller de Emmanuele Caggiano, escultor de gusto académico, aprendiendo hacer retratos simples, y más tarde fue alumno de Stanislaus Lista. Antiacadémico por instinto, dejó pronto al profesor para trabajar con Antonio Mancini y buscó a tientas el camino del realismo. Con su primera gran obra, El jugador (1888, actualmente en el Museo de Capodimonte en Nápoles), participó en la Exposición de la Promoción, en el mismo año que realizó una serie de figurillas de mendigos de terracota, tratando de conseguir la metamorfosis de la realidad.

En los retratos durante 1872-73 fue capaz de captar, aunque con menos vivacidad, la naturaleza del carácter de los personajes: de Morelli a Verdi, de Mariano Fortuny a Michetti. Este último retrato fue expuesto en el Salón de París de 1878, mientras que en el salón del siguiente año Il Pescatorello, tuvo un éxito extraordinario, tanto es así que Gemito trabajó para la Exposición Universal. Allí retrató a los personajes importantes de la época, entre ellos el pintor Jean-Louis-Ernest Meissonier.

De regreso a Nápoles en 1880, realizó en 1885 una copia del Narciso del Museo Nacional, prueba de su continuo acercamiento a los clásicos, vivido como ejemplo de realismo vital.

En 1887 se le encargó una estatua de mármol de Carlos V, construida para el frente al Palacio Real de Nápoles. El mármol era el material menos querido por Gemito, y el resultado del trabajo fue, en su opinión y también de la crítica, por debajo de su capacidad. Gemito sufrió una crisis nerviosa y se recluyó en un apartamento de un dormitorio, y pasó también períodos de hospitalización en un psiquiátrico. Durante los siguientes 21 años, produjo solo dibujos mientras permaneció ingresado, hasta que en 1909 comenzó a esculpir de nuevo. Esta fase de su arte fue, de hecho, entre la más apreciada por los críticos modernos y contemporáneos.

En los últimos años, Gemito se dedicó a la orfebrería en oro y plata, y sus obras eran de un trabajo delicado, son muy admiradas en la actualidad.

En 1952, Italia emitió un sello postal para conmemorar el centenario de su nacimiento.

Museos
Museo de Capodimonte, Nápoles
Museo Michelangiolesco, Caprese Michelangelo (Arezzo)
Ha recibido 2 puntos

Vótalo:

Giuliano Vangi

34

Giuliano Vangi

Giuliano Vangi (nacido en Barberino di Mugello (Florencia) en 1931) es un escultor y pintor italiano. Estudió en el Instituto del Arte y en la Academia de Bellas Artes de Florencia. Giuliano Vangi ha realizado numerosos monumentos colocados en entornos prestigiosos, entre otros: la estatua de... Ver mas
Giuliano Vangi (nacido en Barberino di Mugello (Florencia) en 1931) es un escultor y pintor italiano.

Estudió en el Instituto del Arte y en la Academia de Bellas Artes de Florencia. Giuliano Vangi ha realizado numerosos monumentos colocados en entornos prestigiosos, entre otros: la estatua de San Juan Bautista en Florencia, La loba en la Plaza Postierla de Siena, el Crucifijo y el nuevo presbiterio para la catedral de Padua o el nuevo altar y ambón de la Catedral de Pisa.

Recibió en 2002 el Praemium Imperiale japonés en la categoría de escultura, que asciende a 15 millones de yenes (aproximadamente, unos 129.000 euros).
Ha recibido 2 puntos

Vótalo:

Constantin Meunier

35

Constantin Meunier

(Etterbeek, 1831 - Ixelles, 1905) Pintor y escultor belga. Artista polifacético de estilo realista, se formó en academias oficiales y estudios particulares en Bruselas, y se dedicó a la pintura religiosa e histórica. En los años ochenta del siglo XIX se interesó por el mundo del trabajador... Ver mas
(Etterbeek, 1831 - Ixelles, 1905) Pintor y escultor belga. Artista polifacético de estilo realista, se formó en academias oficiales y estudios particulares en Bruselas, y se dedicó a la pintura religiosa e histórica. En los años ochenta del siglo XIX se interesó por el mundo del trabajador, temática que le inspiró varias pinturas y esculturas.


Constantin Meunier

Constantin Émile Meunier aprendió primero de su hermano, el grabador Jean-Baptiste Meunier, para luego ingresar en 1845 en la Academia de Bruselas, donde fue dirigido por el escultor Louis Jehotte desde 1848. Después, entre 1851 y 1857, estuvo en un estudio privado bajo las órdenes del escultor Charles-Auguste Fraikin y del pintor François Joseph Navez. Por las tardes asistía a la clases de pintura de Charles de Groux, del estudio de San Lucas, quien tuvo importante influencia en Meunier. Hizo amistad con artistas como Louis Dubois o Félicien Rops, con los que fundaría en 1868 la Société Libre des Beaux-Arts (Sociedad Libre de Bellas Artes) en Bruselas, exponente del realismo de vanguardia.

A partir de una estancia en la trapa de Westmalle (cerca de Amberes) entre 1857 y 1859, Constantin Meunier se sintió atraído por escenas de la vida claustral, y también por personajes religiosos e históricos. Aceptó muchos encargos de iglesias por necesidades económicas. De esta etapa es Entierro de un trapense (1860); Ecce homo; Martirio de San Esteban; Maternidad o Episodio de la guerra de los campesinos.

Más tarde, desde la década de los años 80 del siglo XIX, le impresionó vivamente una visita a la provincia de Henao en Valonia, profundamente transformada por el auge de la minería y la revolución industrial, y cambió su temática anterior por otra en que representaba a los trabajadores de la zona y la sombría degradación de sus paisajes. Envió algunas pinturas al Salón de París y al de Bruselas. Ilustró el libro La Belgique (Bélgica), de Camille Lemonnier, y estuvo en España entre 1882 y 1883, con el propósito de copiar El descendimiento de Van der Weyden. También adquirió nueva experiencia en el tratamiento de escenas; de ese momento es su obra Factoría de Tabaco en Sevilla (1883).


Área minera, de Constantin Meunier

Al regresar a Bruselas inició sus primeras esculturas, como El pudelador (1885). Mostró especial atención al mundo de la minería, con obras como El viejo caballo de la mina de carbón, La explosión de grisú (1887, sobre una tragedia real), Las mujeres de los mineros o Regreso de los mineros. Trabajó casi exclusivamente en bronce, dando a sus figuras de trabajadores conciencia de su humanidad y dignidad.

En 1887 fue nombrado profesor de la Academia de Lovaina y luego de la de Bruselas. Comenzó entonces un conjunto de austeras esculturas dedicadas al trabajo que quiso llamar Monumento al Trabajo. El conjunto quedó inacabado, pues sólo realizó del mismo cuatro relieves (La industria, La cosecha, El puerto y La mina) coronados con cuatro figuras alusivas (El herrero, El sembrador, El antepasado y El minero); el monumento fue instalado mucho tiempo después, en 1930, en la plaza de Trooz en Bruselas.

En 1896 presentó una exposición retrospectiva de su obra en la Galería Art Noevau de París, con la ayuda de Henry Van de Velde. Fue luego bien recibido en Alemania y Austria. Elegido miembro de la Academia Real de Bélgica (1900), recibió varios premios como pintor (medalla de bronce en la Exposición Universal de 1889) y como escultor (gran premio en las exposiciones universales de 1889 y 1900, oficial de la Orden de Leopoldo y caballero de la Legión de honor en 1889). Su casa de Bruselas fue habilitada como museo ya desde 1900, unos años antes de su muerte, la cual le sobrevino mientras realizaba un grupo escultórico titulado Fecundidad, en honor del escritor Émile Zola. Su obra ejerció una importante influencia en el arte contemporáneo.



Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Constantin Meunier. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/meunier.htm el 10 de enero de 2020.



Sobre este sitio Contacto Enlácenos Cómo citar Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2020

¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 2 puntos

Vótalo:

Bertel Thorvaldsen

36

Bertel Thorvaldsen

(Copenhague, 1770 - id., 1848) Escultor danés. Es, junto con Antonio Canova, el gran maestro de la escultura neoclásica. Fue hijo de un escultor en madera y se formó durante cinco años en la Academia Real de Copenhague. Bertel Thorvaldsen En 1797 se estableció en Roma, ciudad que se... Ver mas
(Copenhague, 1770 - id., 1848) Escultor danés. Es, junto con Antonio Canova, el gran maestro de la escultura neoclásica. Fue hijo de un escultor en madera y se formó durante cinco años en la Academia Real de Copenhague.


Bertel Thorvaldsen

En 1797 se estableció en Roma, ciudad que se había convertido en la cuna del neoclasicismo y en la que trabajaban algunos de los más insignes representantes de esta corriente. Thorvaldsen se identificó de tal modo con este ambiente artístico y cultural que en lo sucesivo consideró la fecha de su llegada a Roma como un segundo nacimiento.

En 1803, su estatua de Jasón, inspirada en el Doríforo de Policleto, le reportó una fama que no haría sino aumentar en el futuro. La multitud de encargos que recibió de los principales comitentes de la época le obligó a contar con gran número de ayudantes, en muchos casos verdaderos autores de las obras a partir de modelos ideados por él. Se dedicó con similar fortuna a la estatuaria, el busto, el relieve y la escultura monumental, siempre con el deseo de revivir la grandeza de la escultura griega.


Detalle de Cupido y Psyque (1807), de Bertel Thorvaldsen

Como los escultores de la Grecia clásica, basó sus obras en un canon abstracto, en un ideal de belleza desvinculado de la realidad, que dio origen a un idealismo artístico de considerable influencia. Sin embargo, a causa de su carácter frío y excesivamente racional, sus obras no han gozado de demasiada aceptación en las épocas históricas más proclives a la exaltación de los sentimientos.

Destacan, entre otras, la decoración de la iglesia de Nuestra Señora de Copenhague, la tumba de Pío VII en la basílica de San Pedro de Roma y el monumento a lord Byron en el Trinity College de Cambridge. En 1838 regresó definitivamente a Copenhague, donde fue recibido como una gran autoridad artística y donde, después de su muerte, se le dedicó un museo que reúne una buena representación de sus trabajos.



Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Bertel Thorvaldsen. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/t/thorvaldsen.htm el 10 de enero de 2020.



Sobre este sitio Contacto Enlácenos Cómo citar Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2020

¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 2 puntos

Vótalo:

George Segal

37

George Segal

George Segal (26 de noviembre de 1924 – 9 de junio de 2000) fue un pintor y escultor estadounidense vinculado al movimiento conocido como Arte Pop. Le fue concedida la Medalla Nacional de las Artes de Estados Unidos en 1999. Obras Aunque Segal comenzó su carrera artística como pintor... Ver mas
George Segal (26 de noviembre de 1924 – 9 de junio de 2000) fue un pintor y escultor estadounidense vinculado al movimiento conocido como Arte Pop. Le fue concedida la Medalla Nacional de las Artes de Estados Unidos en 1999.


Obras



Aunque Segal comenzó su carrera artística como pintor, sus obras más conocidas son sus figuras de escayola a tamaño real y los marcos en los que estas habitan. En lugar de usar las técnicas habituales de escayola, Segal fue pionero en el uso de vendajes de escayola (tiras de gasas impregnadas con yeso, generalmente utilizadas para para escayolas ortopédicas) como medio escultórico. El proceso comenzaba, en primer lugar, envolviendo a un modelo con vendas por partes. A continuación, retiraba por trozas la escayola ya endurecida y volvía a poner de nuevo los trozos juntos, uniéndolas con más yeso, hasta formar un caparazón vacío. Estas formas no eran luego utilizadas como moldes, sino que la propia concha se convertía en la escultura final, incluyendo la textura áspera de las vendas. Inicialmente, Segal mantenía las esculturas completamente blancas, pero unos años más tarde empezó a pintar sobre ellas, por lo general con colores brillantes monocromos. En una etapa posterior, acabó por fundir las formas finales en bronce, añadiendo a veces un patinado en blanco para parecerse a la original de yeso.

Las figuras de Segal apenas tienen un mínimo de color y de detalles, lo que les confiere un aspecto fantasmal y melancólico. En obras de mayor envergadura, coloca una o más de las figuras en entornos típicamente urbanos y anónimos, tales como la esquina de una calle, el autobús o una cafetería. Por contraposición con las figuras, los ambientes se construían con objetos encontrados.

Biografía
Segal nació en Nueva York. Sus padres, inmigrantes judíos de Europa Oriental, regentaban una carnicería en el Bronx y posteriormente se trasladaron a una granja avícola en Nueva Jersey , donde Segal creció. Asistió a la Escuela secundaria Stuyvesant, así como al Instituto Pratt, la Cooper Union y la Universidad de Nueva York, donde se graduó en 1949 con un Grado en Magisterio.1​ En 1946 contrajo matrimonio con Helen Steinberg, con quien tuvo dos hijos,2​ y adquirieron otra granja de pollos en South Brunswick, Nueva Jersey, donde vivió el resto de su vida.3​

Durante los pocos años que se encargó de la granja de pollos, Segal, celebrada en ella un picnic anual, al que invitaba a sus amigos del mundillo artístico de Nueva York. Su proximidad con el centro de Nueva Jersey facilitó su amistad con los profesores del departamento de arte de la Universidad Rutgers. Segal presentó a varios profesores de Rutgers a John Cage y participó en las legendarias clases de composición experimental de Cage. Allan Kaprow acuñó el término happening para describir el arte de las interpretaciones o ejecuciones que tuvieron lugar en la granja de Segal en la primavera de 1957. Su viuda, Helen Segal, mantuvo vivos su memoria y su obra, hasta su muerte, en 2014, a través de la Fundación George y Helen Segal. La Fundación continúa esta misión.

Obras más destacadas
El Camión (The Truck) (1966)
La Cartelera (The Billboard) (1966) - incluido en la colección de arte del Empire State Plaza, Albany, NY4​
La Lavandería (The Laundromat) (1966-67)
La Fiesta de Disfraces (The Costume Party) (1965-72) – conservado en el Museo Solomon R. Guggenheim5​
Aparcamiento en Garaje (Parking Garage) (1968) - instalado en la Biblioteca Paul Robeson en la Universidad de Rutgers-Camden
Puesto de perritos calientes (Hot Dog Stand) (1978) - instalado en el Museo de Arte Moderno de San Francisco
Abraham e Isaac (1978-79) – encargado en recuerdo de la masacre de la Universidad Estatal de Kent, en la década de 1970, y ubicado en el Jardín de Esculturas Modernas de la Universidad de Princeton6​
Liberación Gay (Gay Liberation) (1980) – encargado en recuerdo de los disturbios de Stonewall de 1969; se trata del primer ejemplo de arte público dedicado a los derechos de las personas LGBT y estaba compuesto por dos figuras de escayolas, una se encuentra ahora en el Monumento de la Liberación Gay, en Christopher Street Park, en Manhattan, y la otra otro en la Universidad de Stanford7​
Los Viajeros (The Commuters) (1982) – instalado en la Terminal de Autobuses de la Autoridad Portuaria8​ de Nueva York.
Pareja de japoneses contra una Pared de Ladrillo (Japanese Couple against a Brick Wall) (1982) – Museo de Arte de Honolulu9​
Memorial del holocausto en el Palacio de la Legión de Honor de California (Holocaust Memorial at California Palace of the Legion of Honor) (1984) en San Francisco
Chance Meeting (1991) – instalado en el campus de la Universidad de Hawái en Manoa
El Cruce (Street Crossing) (1992) – instalado en el paseo College Avenue de la Universidad Estatal de Montclair10​
Reconocimientos
En la primavera de 2006 se abrió la Galería George Segal en la Universidad Estatal de Montclair.
La recopilación de sus escritos se encuentran en la Biblioteca de la Universidad de Princeton.11​
Premios y distinciones
(1992) Premio a toda su trayectoria en la escultura contemporánea, Centro de Escultura Internacional, Hamilton, Nueva Jersey, Estados unidos.12​
Películas
George Segal (1979). Dirigida por Michael Blackwood. Documental sobre Segal, quien explica y es mostrado creando su escultura de bronce Abraham e Isaac, pensada originalmente como un memorial para la masacre de la Universidad Estatal de Kent de 1970.
George Segal: American Still Life (2001). Dirigida por Amber Edwards. Documental de televisión sobre su vida y obra.13​
Ha recibido 2 puntos

Vótalo:

Aristide Maillol

38

Aristide Maillol

Nació el 8 de diciembre de 1861 en Banyuls-sur-Mer. Cursó estudios entre 1882 y 1886 en la Escuela de Bellas Artes de París. Con una gran influencia del arte clásico griego, se dedicó casi en exclusiva al desnudo femenino representando a mujeres contundentes. Admirador de Rodin, conoce a... Ver mas
Nació el 8 de diciembre de 1861 en Banyuls-sur-Mer.

Cursó estudios entre 1882 y 1886 en la Escuela de Bellas Artes de París.

Con una gran influencia del arte clásico griego, se dedicó casi en exclusiva al desnudo femenino representando a mujeres contundentes. Admirador de Rodin, conoce a Gauguin, quien le introduce en el arte de los tapices medievales.




En 1886 organizó en Banyuls un taller con el propósito de renovar el arte de la tapicería con mayor sencillez de la forma; en ello, como en sus dibujos y pinturas de esta primera época, denota la influencia de los nabis, grupo del que no llegó a formar parte, pero con el que tuvo importantes contactos (La mujer de la sombrilla, 1896, Museo de Arte Moderno, París).

Después de la pintura, la tapicería y la cerámica, se interesó tardíamente por la escultura, que comenzó a practicar hacia 1895.

Si la estética de los "profetas de un art nouveau" es sensible en sus primeros relieves, Maillol evoluciona hacia una simplificación de las formas, una interpretación cada vez más "clásica" de la figura humana.

Las formas y modelos recreadas por Maillol nunca presentaban formas rebuscadas, los rostros expresan serenidad. Buscaba más la perfección que la originalidad, y su estilo experimentó pocos cambios durante su carrera. Por ejemplo, La montaña, de 1937 (Museo Nacional de Arte Moderno, París), una figura desnuda sentada, es una variación de El Mediterráneo (1905, Ayuntamiento de Perpiñán) de la que difiere solamente por un cierto refinamiento y una mayor nitidez.




Fue el escultor más destacado en Francia durante el periodo comprendido entre Auguste Rodin y las vanguardias.

Aristide Maillol falleció el 27 de septiembre de 1944 en Banyuls-sur-Mer a consecuencia de un accidente sufrido días antes.
Ha recibido 2 puntos

Vótalo:

Eduardo Paolozzi

39

Eduardo Paolozzi

Eduardo Luigi Paolozzi (7 de marzo de 1924 – 22 de abril de 2005), fue un escultor y artista escocés. Paolozzi en Leith al norte de Edimburgo, el hijo mayor de inmigrantes italianos. Estudió en el Edinburgh College of Art in 1943, brevemente en la St Martin's School of Art en 1944, y luego en la... Ver mas
Eduardo Luigi Paolozzi (7 de marzo de 1924 – 22 de abril de 2005), fue un escultor y artista escocés. Paolozzi en Leith al norte de Edimburgo, el hijo mayor de inmigrantes italianos. Estudió en el Edinburgh College of Art in 1943, brevemente en la St Martin's School of Art en 1944, y luego en la Slade School of Art en Londres desde 1944 hasta 1947, después de lo cual trabajó en París, Francia.

Ampliamente surrealista, Paolozzi llamó la atención pública en los años 1960 al producir varias impresionantes serigrafías. Paolozzi fue el fundador del Independent Group, que es considerado como precursor del movimiento británico pop art de los 60s. Su collage de 1947 I was a rich man's plaything [1], a veces es etiquetado como la primera muestra real del Pop Art, si bien él ha descrito su obra como surrealista. Posteriormente se haría mejor conocido como escultor. Paolozzi es conocido por crear bastantes estatuas casi reales, pero con elementos rectilíneos (a menudo cúbicos) agregados o extraídos, o formas humanas deconstruidas de un modo cubista.

Entre sus obras están:

Las paredes llenas de mosaicos de la Tottenham Court Road tube station.
La cubierta del álbum de Paul McCartney Red Rose Speedway.
La paneles de los techos y la tapicería de las ventanas del Castillo Cleish.
La escultura Piscator fuera de la Euston Station de Londres.
Homenaje a Gaudí, de la I Exposición Internacional de Escultura en la Calle, Santa Cruz de Tenerife.
Puertas de aluminio con relieves para el Hunterian Museum and Art Gallery de la Universidad de Glasgow
Casos de displayamientos en el Museo de Escocia.
Enseñó escultura y cerámica en varias instituciones, tales como la Universidad de California, Berkeley (en 1968) y en el Royal College of Art. Paolozzi ha tenido una larga relación con Alemania, habiendo trabajado en Berlín desde 1974 como parte del Artists Exchange Scheme. Fue profesor de la Fachhochschule en Colonia desde 1977 hasta 1981, y posteriormente enseñó escultura en la Akademie der Bildenden Künste en Múnich.

Paolozzi fue condecorado con la CBE en 1968 y en 1979 fue elegido para la Royal Academy. Recibió el título de Her Majesty's Sculptor in Ordinary for Scotland en 1986, conservando el oficio hasta su muerte. Se convirtió en Sir Eduardo después de su ordenación en 1989.

En 1994 Paolozzi cedió a la Scottish National Gallery of Modern Art una buena cantidad de sus obras, y mucho del contenido del estudio del artista. En 1999 las Galerías Nacionales de Escocia abrieron la Dean Gallery para mostrar su colección, y la galería muestra una reproducción del estudio de Paolozzi, con sus contenidos colocados como lo estaban en su ubicación original en Londres.

En 2001 Paolozzi sufrió un accidente cerebrovascular casi fatal (causando un reporte incorrecto en una revista que señalaba que había muerto).

Sin embargo, la enfermedad lo confinó a una silla de ruedas, y murió en un hospital de Londres en abril de 2005.
Ha recibido 2 puntos

Vótalo:

Jason deCaires  Taylor

40

Jason deCaires Taylor

Jason deCaires Taylor (Dover, condado de Kent, Reino Unido, 12 de agosto de 1974)1​ es un escultor británico, creador del primer parque de esculturas submarinas en Grenada y del primer museo submarino en el mundo2​ conocido por instalar esculturas estratégicamente en el fondo del mar que la... Ver mas
Jason deCaires Taylor (Dover, condado de Kent, Reino Unido, 12 de agosto de 1974)1​ es un escultor británico, creador del primer parque de esculturas submarinas en Grenada y del primer museo submarino en el mundo2​ conocido por instalar esculturas estratégicamente en el fondo del mar que la naturaleza convierte en arrecifes de coral artificiales integrando sus aptitudes como escultor, conservacionista, fotógrafo submarino3​ e instructor de submarinismo.4​ Su trabajo en Grenada ha sido elegido como una de las 25 Maravillas del Mundo por National Geographic. Hasta la fecha, sus proyectos más ambiciosos son la creación del museo submarino más extenso del mundo MUSA (Museo Subacuático de Arte), situado en las aguas que separan la costa de Cancún e Isla Mujeres, México, y Ocean Atlas (2014), una escultura de 5 metros de altura y 60 toneladas de peso, ubicada en las Bahamas5​ Taylor reside actualmente en la isla de Lanzarote, en España, donde está desarrollando el proyecto de un nuevo museo submarino, primero del Océano Atlántico.


Primeros años
Hijo de padre inglés y madre guyanesa, fue educado en Kent, al sureste de Inglaterra, continuando sus estudios en Camberwell College of Arts (enlace roto disponible en Internet Archive; véase el historial y la última versión)., Institute of London, donde se graduó en 1998 en Escultura y Cerámica. Habiendo practicado submarinismo desde la edad de 18, en 2002 obtuvo la licencia como instructor.

Carrera
Los trabajos iniciales de Taylor incluyen Vicissitudes, Grace Reef, The Lost Correspondent and The Unstill Life.6​ Todos ellos están situados en el primer parque público de esculturas submarinas en el mar Caribe, en la Bahía Molinere, Grenada , Las Antillas y situados en un área de la costa que había sido muy dañada por el Huracán Iván en 2004. Las obras de Taylor constituyen inquietantes y enigmáticas escenas submarinas que muestran en ocasiones la cotidianidad de la vida en tierra seca pero transportada a un nuevo ambiente alquímico. Al contrario que el proceso entrópico típicamente asociado a las tendencias corrosivas del océano, las piezas de Taylor contribuyen a que los organismos crezcan, afectando así a la superficie de sus obras. Estas llevan a menudo implícita una reflexión sobre las relaciones de la humanidad con la naturaleza del mundo, y una apuesta por reivindicar la necesidad de conservarla.7​ La mayoría de sus esculturas están basadas en personas cotidianas a través de un proceso denominado Lifecasting (enlace roto disponible en Internet Archive; véase el historial y la última versión)., que consiste en crear un molde o negativo del cuerpo tras ser recubierto por bandas de escayola. Con el paso del tiempo, las características fenotípicas de los modelos se van viendo alteradas a medida que las esculturas inertes de hormigón evolucionan hasta convertirse en vivos arrecifes artificiales. Taylor considera que a través de su obra trata de “representar cómo la intervención y la interacción humana con la naturaleza puede ser positiva y sostenible, como un icono que refleje que podemos vivir en perfecta simbiosis y armonía con la naturaleza".8​ En 2009 Taylor traslada su práctica artística a México, donde consigue otro hito: la creación del primer museo submarino en el mundo. MUSA, el Museo Subacuático de Arte, acoge más de 485 esculturas sumergidas por Taylor, y 30 piezas inspiradas en otras referencias de nuestra vida terrestre. El Museo está situado entre la costa de Cancún y la costa oeste de Isla Mujeres. El proyecto fue apoyado y puesto en marcha en 2008 por CONANP, Comisión Nacional de Áreas Naturales Protegidas (National Commission of Mexican Protected Natural Areas) y la "Asociados Náuticos de Cancún" (The Cancun Nautical Association), inaugurándose oficialmente en noviembre de 2010. Las obras del museo incluyen instalaciones individuales en las que se han implantado esquejes de corales vivos, rescatados de zonas de arrecifes dañados. Hombre en llamas (Man on Fire), creada a partir de un pescador local de la zona, se alza hacia la corriente con rotundidad, exhibiendo afilados fragmentos de coral de fuego implantados en su cabeza y torso ,.9​ La Jardinera (The Gardener) muestra a una chica tumbada en un patio mientras riega una variedad de macetas con corales. Entre otros trabajos se incluyen El colecionista de los sueños (The Dream Collector), donde un hombre se muestra archivando mensajes encontrados en botellas que hubieran podido ser absorbidas por los océanos y arrastradas por las corrientes.10​ La Evolución Silenciosa (The Silent Evolution) es la más extensa colección de arte submarina. Fue instalada en MUSA en noviembre de 2010 y consta de 450 figuras de cemento de escala humana, agrupadas en pie sobre una superficie estéril de arena.11​ Las esculturas evocan contenidos narrativos tanto contemporáneos como históricos, formando bloques de construcción que evolucionan hasta convertirse en complejos arrecifes artificiales que acogen vida marina. A pesar de que la apariencia de la colección desde las profundidades del agua es una agrupación de figuras humanas, la visibilidad desde la superficie muestra una forma ocular, ovalada. La colección ocupa más de 420 metros cuadrados de fondo marino, y la localización fue elegida con el objetivo de desviar a visitantes de los arrecifes naturales cercanos y así contribuir a que puedan regenerarse.

MUSA está considerado como uno de los más destacados y ambiciosos proyectos submarinos del mundo.12​ A finales de 2013, Taylor ya había instalado aproximadamente 700 esculturas alrededor del mundo. Los trabajos llevados a cabo en 2014 incluyen Ocean Atlas, ubicada en las Bahamas, la más grande escultura jamás sumergida bajo el mar, con 5 metros de altura y 60 toneladas de peso.5​ Taylor reside en la actualidad en la isla de Lanzarote, en España, donde está trabajando en la creación de un nuevo y ambicioso proyecto: el primer museo submarino del Océano Atlántico.
La creación del monumental proyecto Museo Atlántico del artista Jason deCaires Taylor aspira a crear un fuerte diálogo visual entre arte y naturaleza. Diseñado con un enfoque conservacionista para generar un arrecife artificial a gran escala, desde sus primeras instalaciones, en 2016, ya ha logrado un considerable incremento en los índices de generación y abundancia de especies, siendo frecuentado actualmente por tiburones ángel, bancos de barracudas y sardinas, pulpos, esponjas marinas y la ocasional raya mariposa.
El museo, que ocupa un área de 50 x 50 metros de lecho marino arenoso desprovisto de vida, está construido con materiales de pH neutro respetuosos con el medio ambiente, y todas las piezas han sido diseñadas para adaptarse a la vida marina endémica. El museo inicia su recorrido en una entrada y concluye en una salida. Está formado por diez instalaciones que aspìran a reflejar la contemporaneidad y nos trasladan algunos interrogantes sobre el uso de los recursos naturales. Más de 300 esculturas componen el Museo Atlántico, visitado por cientos de buceadores en el mundo.

Conservación
Taylor ha alcanzado reconocimiento mundial como uno de los primeros artistas en integrar la creación de arte contemporáneo con la conservación de la vida.13​ Estos corales artificiales submarinos desvían la atracción de turistas de arrecifes naturales. Puesto que éstos están sufriendo los efectos adversos provocados por la polución, el calentamiento global, los huracanes o la sobrepesca, la creación de arrecifes artificiales les proporciona la oportunidad de que se regeneren.14​ Trabajando junto a biólogos marinos, Taylor emplea materiales resistentes, estables y sensibles con el medio ambiente. Utilizando un cemento de pHneutro que promueve la vida coral, contribuye también a sanar los fragmentos de coral dañados que se encuentran en el océano integrándolos en sus esculturas.15​ Las propias estructuras también incorporan espacios destinados a servir como hábitat para la vida marina, contribuyendo a incrementar la biomasa de los ecosistemas locales. [1] Las esculturas son ubicadas en lugares estratégicos del fondo del mar, evitando fuertes corrientes y mareas, siendo instaladas en el momento idóneo para el desove coral y así maximizar su potencial influencia en la reavivación de ecosistemas marinos.16​ A decir del escritor de arte Dr. De Russo, las esculturas constituyen una exhibición viva que evoluciona en la medida en que la naturaleza las coloniza, y el mar y los movimientos de las mareas deforman su apariencia desarrollando una plataforma que impulsará la regeneración de la vida marina. Son el medio por el cual se transmite un mensaje de esperanza y de conciencia medioambiental17​ Al compaginar cualidades bio-restauradoras con contenidos culturalmente educativos, el trabajo de Taylor ha sido categorizado dentro del movimiento artístico Eco-Art.18​ En 2010 su trabajo presentó la campaña de Greenpeace con el objetivo de concienciar acerca del Calentamiento global previamente a la Conferencia sobre el cambio climático de las Naciones Unidas en Cancún.14​


Reconocimiento
2011: El parque submarino de esculturas de Grenada fue descrito como “una de las maravillas del mundo - uno de los lugares más asombrosos de la tierra” en una edición especial de la revista National Geographic, publicada en 2011. [2]

2010: MUSA (México) fue elegida por la corporación Forbes como uno de los lugares más únicos en el mundo que se pueden visitar.19​ . 2014: Taylor fue galardonado con el premio Foreign Policy Global Thinker award.20​ También fue nombrado miembro de la junta directiva de la Asociación Internacional de Life Casting.

2015: Taylor ha sido honrado con el premio “Pergamino” de Amigos del Museo de Anclas Phillipe Cousteau, un premio que se otorga anualmente coincidiendo con el aniversario de la muerte de Phillipe Cousteau en reconocimiento a su magnífica contribución al campo del arte submarino.21​

Trabajos principales
La página web de Taylor [3] incluye imágenes de casi la totalidad de sus obras. Entre las más destacadas:

2016 - 2017 Museo Atlántico [4] Fase 2, Lanzarote, Islas Canarias, España
2015 Museo Atlántico Fase 1, Lanzarote, Islas Canarias, España
2014 Ocean Atlas. New Providence in Nassau, Bahamas
2013 No turning back. Punta Nizuc, Museo Subacuático de Arte. Cancún, México
2013 Self-immolation. Punta Nizuc, Museo Subacuático de Arte. Cancún, México
2013 Resurrection. Punta Nizuc, Museo Subacuático de Arte. Cancún, México
2013 Vein Man. Punta Nizuc, Museo Subacuático de Arte. Cancún, México
2012 Urban Reef. Isla Mujeres, Museo Subacuático de Arte. Cancún, México
2012 Reclamation. Punta Nizuc, Museo Subacuático de Arte. Cancún, México
2012 The Listener. Punta Nizuc, Museo Subacuático de Arte. Cancún, México
2012 The Last Supper. Punta Nizuc, Museo Subacuático de Arte. Cancún, México
2011 The Holy Man. Punta Nizuc, Museo Subacuático de Arte. Cancún, México
2011 Time Bomb. Punta Nizuc, Museo Subacuático de Arte. Cancún, México
2011 The Musician. Musha Cay, Copperfield Bay, Bahamas
2011 The Anthropocene. Isla Mujeres, Museo Subacuático de Arte. Cancún, México
2011 The Promise. Isla Mujeres, Museo Subacuático de Arte. Cancún, México
2011 Ineria. Punta Nizuc, Museo Subacuático de Arte. Cancún, México
2011 Void. Punta Nizuc, Museo Subacuático de Arte. Cancún, México
2011 Inheritance. Punta Nizuc, Museo Subacuático de Arte. Cancún, México
2011 The Silent Evolution. (450 sculptures) Isla Mujeres, Museo Subacuático de Arte.
Cancún, México

2009 The Gardener of Hope. Punta Nizuc, Museo Subacuático de Arte. Cancún, México
2009 Dream Collector. Isla Mujeres, Museo Subacuático de Arte. Cancún, México
2009 Man on Fire. Isla Mujeres, Museo Subacuático de Arte. Cancún, México
2009 Inverted Solitude. Chepstow national diving centre, UK
2008 Alluvia. The Stour River, Canterbury, Kent, UK
2008 The Un-Still Life II. Public stone sculpture, Palini, Crete, Greece
2007 Vicissitudes. Moliniere underwater sculpture park, Grenada
2007 The Fall from Grace. Moliniere underwater sculpture park, Grenada
2007 The Un-Still Life. Moliniere underwater sculpture park, Grenada
2006 Grace Reef. Moliniere underwater sculpture park, Grenada
2006 Sienna. Moliniere underwater sculpture park, Grenada
2006 The Lost Correspondent. Moliniere underwater sculpture park, Grenada
Publicaciones y películas
The Underwater Museum: The Submerged Sculptures of Jason deCaires Taylor, (2014) Chronicle Books El Ángel Azul (2012) Dir. Marcy Cravat [5] The Last Reef (2012) Dir. Luke Cresswell [6]
Ha recibido 2 puntos

Vótalo:

Claus Sluter

41

Claus Sluter

(Haarlem, Países Bajos, h. 1340 - Dijon, Francia, 1405 o 1406) Escultor flamenco que trabajó en Dijon. Su obra se inscribe dentro del estilo gótico, al cual supo dotar de una monumentalidad y un naturalismo que conducen prácticamente a las puertas del Renacimiento. Se le considera, por ello, el... Ver mas
(Haarlem, Países Bajos, h. 1340 - Dijon, Francia, 1405 o 1406) Escultor flamenco que trabajó en Dijon. Su obra se inscribe dentro del estilo gótico, al cual supo dotar de una monumentalidad y un naturalismo que conducen prácticamente a las puertas del Renacimiento. Se le considera, por ello, el principal escultor del norte de Europa de finales del siglo XIV.

En 1379 está documentada su presencia en Bruselas, pero puede decirse que su carrera como escultor comenzó en 1385, cuando entró al servicio de Felipe el Atrevido, duque de Borgoña. Éste había fundado una cartuja en Champmol, cerca de Dijon, que constituía por entonces un foco artístico de primer orden. Sluter ingresó en el taller de escultura de la cartuja y no tardó en estar al frente de toda la decoración escultórica del edificio religioso, a la que dedicó el resto de su vida.


Pilar del llamado Pozo de Moisés, de Claus Sluter

Esculpió en primer lugar las figuras para la portada de la iglesia, casi de bulto redondo; en ellas, el peso de las masas y el intenso poder de caracterización se alejan considerablemente de la linealidad del gótico. A continuación se ocupó de una fuente, conocida como Pozo de Moisés, de la que sólo se conserva intacto un pilar hexagonal con seis figuras de reyes y profetas: Moisés, el rey David y los profetas Jeremías, Zacarías, Daniel e Isaías; la fuerza física de estas figuras y su individualización es todavía mayor que en las estatuas de la portada. La fuente estaba rematada por un Calvario, del que quedan, entre otros fragmentos, el torso y la cabeza de Jesucristo, esta última con una intensidad sin precedentes en la expresión del sentimiento de dolor, motivo por el cual es considerada como la obra maestra del escultor.

Su última obra fue el sepulcro de Felipe el Atrevido, que no pudo concluir; la mayor parte de la sepultura la realizó su sobrino, Claus de Werve; a Sluter se deben las figuras de pleurants (plañideras), que impresionan por su solemnidad y por la fuerza expresiva de los pliegues de las túnicas, un rasgo singular de su estilo. La obra ejerció una enorme influencia, también en la pintura, y las figuras de pleurants fueron adoptadas a partir de entonces por otros artistas en multitud de monumentos funerarios.



Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Claus Sluter. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/sluter.htm el 12 de enero de 2020.



Sobre este sitio Contacto Enlácenos Cómo citar Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2020

¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 2 puntos

Vótalo:

Gian Lorenzo Bernini

42

Gian Lorenzo Bernini

(Nápoles, 1598 - Roma, 1680) Escultor, arquitecto y pintor italiano. Bernini es el gran genio del barroco italiano, el heredero de la fuerza escultórica de Miguel Ángel y principal modelo del Barroco arquitectónico en Europa. Autorretrato de Bernini Aprendió los rudimentos de la... Ver mas
(Nápoles, 1598 - Roma, 1680) Escultor, arquitecto y pintor italiano. Bernini es el gran genio del barroco italiano, el heredero de la fuerza escultórica de Miguel Ángel y principal modelo del Barroco arquitectónico en Europa.


Autorretrato de Bernini

Aprendió los rudimentos de la escultura en el taller de su padre, Pietro (1562-1629), un escultor manierista de cierto relieve. Fue también su padre quien lo puso en contacto con algunos de los mecenas más importantes de su tiempo, lo que le permitió manifestar su talento de una forma bastante precoz. En sus obras más tempranas (Eneas, Anquises y Ascanio, El rapto de Proserpina) resultan ya evidentes la ruptura con el manierismo tardío y una concepción radicalmente distinta de la escultura; el intenso dramatismo, la grandiosidad y la búsqueda de efectos escenográficos están ya presentes en estas primeras creaciones.

En 1629, Bernini fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro por el papa Urbano VIII. Desde entonces hasta su muerte trabajó ininterrumpidamente para los sumos pontífices, salvo un cierto paréntesis durante el pontificado de Inocencio X, quien prefirió a otros artistas (entre ellos Francesco Borromini, otra de las grandes personalidades del Barroco italiano) y le encargó pocas obras. De sus realizaciones para San Pedro destacan el gran baldaquino sobre el altar mayor y el grupo escultórico de los Padres de la Iglesia que, observado a través de las columnas del baldaquino, ofrece efectos de una gran fuerza teatral, tal como pretendía el artífice.

Su mejor aportación a la basílica de San Pedro fue, sin embargo, la columnata que rodea la plaza, justo delante del templo, que le ha valido elogios continuos por su armonía y sus efectos escenográficos. Esta columnata representó una gran novedad, no sólo por sus dimensiones, sino sobre todo por su disposición elíptica, una forma muy cara a los arquitectos barrocos, inclinados a conferir a todas sus obras efectos de movimiento. Las monumentales estatuas que la rematan en su parte superior dotan al conjunto de un aire todavía más majestuoso y solemne si cabe.


La Plaza de San Pedro (1656-1657)
y detalle de Éxtasis de Santa Teresa (1647-1652)



Aunque en menor medida, Bernini trabajó también para mecenas privados, y fruto de esa colaboración es la obra quizá más representativa de su estilo escultórico, el Éxtasis de Santa Teresa. Resulta difícil concebir una mayor intensidad dramática y una mayor fuerza dinámica en una realización de pequeñas dimensiones ejecutada mediante un tratamiento exquisito del mármol. Por su condición de elemento para la decoración de una capilla y sus magníficos efectos de claroscuro, esta representación de una experiencia mística (relatada por la misma Santa Teresa de Jesús en el Libro de la vida) es considerada un compendio magistral de las tres artes mayores, arquitectura, escultura y pintura, y por ello ha quedado como modelo incomparable de la escultura barroca.

De sus realizaciones como arquitecto, la más valorada, además de la columnata de San Pedro, es la pequeña iglesia de San Andrea al Quirinale, en la que arquitectura y escultura se unen en una búsqueda de efectismo destinada a crear un ambiente adecuado para suscitar la fe y los sentimientos religiosos. El palacio Chigi-Odescalchi, que ejerció una influencia decisiva en toda Europa, es uno de sus edificios civiles más conseguidos.

Con sus hermosos edificios barrocos, Bernini coadyuvó como nadie en la renovación urbanística de Roma, a la cual aporto así mismo multitud de estatuas y algunas fuentes monumentales que todavía contribuyen en la actualidad a la belleza de la urbe. La que le encargó Inocencio X para decorar la piazza Navona, llamada Fuente de los cuatro ríos, es la más espectacular de estas realizaciones. Como arquitecto, la influencia de Gian Lorenzo Bernini se extendió a más allá de su época, y alcanzó a figuras como el británico Christopher Wren y el español Ventura Rodríguez. Pintor por afición, sus obras se conservan hoy en los museos más reputados por su gran calidad, lo mismo que sus dibujos, que figuran en las mejores colecciones del mundo.



Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Gian Lorenzo Bernini. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/bernini.htm el 12 de enero de 2020.



Sobre este sitio Contacto Enlácenos Cómo citar Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2020

¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 2 puntos

Vótalo:

Pompeo Leoni

43

Pompeo Leoni

(Pavía, c. 1533-Madrid, 1608) Escultor italiano. Hijo de Leone. Fue protegido de Felipe II y trabajó sobre todo en España. Sus esculturas en mármol le definen como un manierista de desigual valor. Mucho más importantes son sus obras en bronce: retablo mayor del monasterio de El Escorial y grupos... Ver mas
(Pavía, c. 1533-Madrid, 1608) Escultor italiano. Hijo de Leone. Fue protegido de Felipe II y trabajó sobre todo en España. Sus esculturas en mármol le definen como un manierista de desigual valor. Mucho más importantes son sus obras en bronce: retablo mayor del monasterio de El Escorial y grupos monumentales de los mausoleos de Carlos V y de Felipe II.
Ha recibido 2 puntos

Vótalo:

Medardo Rosso

44

Medardo Rosso

Medardo Rosso (Turín, 21 de junio de 1858 - Milán, 31 de marzo de 1928) fue un escultor y pintor italiano, famoso por sus esculturas en cera y yeso. Biografía Después de realizar el servicio militar entre los años 1879 y 1881 empezó a estudiar pintura y escultura en la Academia de Brera de... Ver mas
Medardo Rosso (Turín, 21 de junio de 1858 - Milán, 31 de marzo de 1928) fue un escultor y pintor italiano, famoso por sus esculturas en cera y yeso.


Biografía
Después de realizar el servicio militar entre los años 1879 y 1881 empezó a estudiar pintura y escultura en la Academia de Brera de Milán, pero fue expulsado en 1883 por protestar por la ausencia en el programa de estudios de la asignatura de dibujo del natural. De entonces data su interés por el impresionismo francés; se instaló en París en 1889, y allí frecuentó la amistad de compañeros escultores como Auguste Rodin y Amedeo Modigliani, evitando sin embargo el mundo del arte oficial.

Tras experimentar con materiales diversos, comenzó a trabajar el modelado en cera. Se hizo ciudadano francés en 1902 pero, después de 1915 viajó mucho, dividiendo su tiempo, principalmente entre París y Milán. Murió el 31 de marzo de 1928 en esta ciudad italiana.

Etha Fles
El aislamiento artístico de Rosso y sus puntos de vista socialistas le impidieron recibir el reconocimiento de crítica y público, hasta que su trabajo comenzó a ser promocionado por su amante, la pintora holandesa Etha Fles, a la que conoció en 1900.

Sus trabajos
Entre sus trabajos destacan Hombre leyendo el periódico (1894, Museo de Arte Moderno de Nueva York), Beso bajo la farola (1882) y Conversación en una jardín (1893, Galleria Nazionale d'Arte Moderna, Roma).
Ha recibido 1 puntos

Vótalo:

Ron Mueck

45

Ron Mueck

Ron Mueck nació en Melbourne, Australia, en 1958. Hijo de jugueteros, desde pequeño, entre títeres y disfraces, convivió con técnicas asociadas a dar vida objetos inertes. Sin ninguna clase de formación artística formal, desde niño dedica su tiempo al modelado de figuras, vocación que luego... Ver mas
Ron Mueck nació en Melbourne, Australia, en 1958. Hijo de jugueteros, desde pequeño, entre títeres y disfraces, convivió con técnicas asociadas a dar vida objetos inertes. Sin ninguna clase de formación artística formal, desde niño dedica su tiempo al modelado de figuras, vocación que luego desarrolla dentro la industria del cine, la televisión y la publicidad, como realizador de efectos especiales y creador de personajes.

Trabajó en programas de televisión durante años antes de entrar en efectos especiales para cine, como es sabido trabajó en los personajes de Laberinto (1986), un film de culto épico-fantástico protagonizado por David Bowie.

A partir del año 1996, colaborando con su suegra Paula Rego produciendo pequeñas figuras como parte de una escena que ella estaba mostrando en la Galería Hayward, comienza a abandonar progresivamente la producción de maquetas y modelos para cine y televisión. La transición de artesano a la de artista se completa cuando es descubierto por Charles Saatchi, quien comienza a coleccionar sus obras y lo consagra como valor en alza. Saatchi elige Dead Dad , una escultura hiperrealista de pequeña escala del padre de Mueck muerto y desnudo, en la exhibición Sensation en el Royal Academy en 1997. Esa exposición incluyó también a otros “nuevos” artistas británicos como Damien Hirst y los hermanos Jake y Dinos Chapman, que llevan su quehacer a extremos definitivamente estremecedores.

Luego, en 2001, Mueck obtiene gran aceptación internacional y se destaca desde ese momento como uno de los artistas más originales del arte contemporáneo con Boy, un enorme niño agazapado de cinco metros de altura que se exhibió en el Milenium Dome y en la 49 ª Bienal de Venecia.

Ron Mueck no brinda entrevistas, incluso en el período previo a una nueva exhibición.

Hoy vive y trabaja en Londres.



Cronología de exhibiciones
Exposiciones individuales

2013
Ron Mueck, Fondation Cartier pour l´art contemporain, Paris; Fundación Proa, Buenos Aires

2012
In Bed by Ron Mueck, KickArts Contemporary Arts, Cairns (Australia)

Ron Mueck, Hauser &Wirth, London

2011
Ron Mueck, Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, Monterrey (México);
Ron Mueck: Hiperrealismo de alto impacto, Antiguo Colegio de San Ildefonso, Ciudad de México.

2010
Ron Mueck, National Gallery of Victoria, Melbourne; Queensland Art Gallery – Gallery of Modern Art, Brisbane (Australia); Christchurch Art Gallery Te Puna o Waiwhetu, Christchurch (New Zealand)

2009
Artist Rooms: Ron Mueck, Aberdeen Art Gallery, Aberdeen (Scotland); Manchester Art Gallery, Manchester (England) (2010); Wolverhampton Art Gallery, Wolverhampton (England) (2013)

2008
Ron Mueck @ McClelland, Mc Clelland Gallery + Sculpture Park, Langwarrin (Australia)

2007
Ron Mueck: A Girl, Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, Málaga (España)

2005
Ron Mueck: The Making of “Pregnant Woman” 2002, National Gallery of Australia, Canberra; National Gallery of Victoria, Melbourne; Queensland Art Gallery – Gallery of Modern Art, Brisbane (Australia)

Ron Mueck, Fondation Cartier pour l´art contemporain, Paris; National Galleries of Scotland, Edinburgh (2006); Brooklyn Museum, New York (2006); National Gallery of Canada, Ottawa (2007); Modern Art Museum of Fort Worth, Fort Worth (Estados Unidos) (2007); The Andy Warhol Museum, Pittsburgh (Estados Unidos) (2008); 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa (Japón) (2008)

2003
Ron Mueck: Making Sculpture at the National Gallery, The National Gallery, Londres

Ron Mueck: Hyperreal, Nationalgalerie im Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart, Berlin

Ron Mueck, Frans Hals Museum, De Hallen Haarlem, Haarlem (Holanda)

2002
Directions: Ron Mueck, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington DC

Ron Mueck: Sculpture, Museum of Contemporary Art, Sydney

2001
Ron Mueck: New Sculpture, James Cohan Gallery, New York

2000
Ron Mueck, Anthony d´Offay Gallery, Londres

1998
Ron Mueck, Anthony d´Offay Gallery, Londres



Exposiciones colectivas

2013
Divine Bodies, Laing Art Gallery, Newcastle upon Tyne (Inglaterra)

2012
Lifelike, Walker Art Center, Minneapolis; New Orleans Museum of Art, New Orleans; Museum of Contemporary Art, San Diego (2013); Blanton Museum of Art, Austin (2013)

Through the Looking Glass, me Collectors Room Berlin – Stiftung Olbricht, Berlin

Presence: The Art of Portrait Sculpture, The Holburne Museum, Bath (Inglaterra)

Der Nackte Mann, LENTOS Kunstmuseum Linz, Linz (Austria)

2011
Nothing in the World but Youth, Turnen Contemporary, Margate (Inglaterra)

Gevaarlijk Jong: Kind in Gevaar, Kind als Gevaar, Museum Dr. Guislain, Ghent (Belgium)

Mémoires du futur: La collection Olbricht, La Maison Rouge, Paris

The Sculpture Show, Scottish National Gallery of Modern Art, Edinburgh

2010
Size Does Matter, The FLAG Art Foundation, New York

Disquieted, Portland Art Museum, Portland

Extraordinary Measures, Belsay Hall, Belsay (Inglaterra)

Lebenslust & Totentanz: Olbricht Collection, Kunsthalle Krems, Krems (Austria)

2009
Inspired, Mitchell Library, Glasgow

2008
Attention to Detail, the FLAG Art Foundation, New York

Real Life: Ron Mueck and Guy Ben-Ner, La Cité de l´Énergie, Shawinigan (Canada); Art Gallery of Alberta, Edmonton (Canada) (2009); Glenbow Museum, Calgary (Canada) (2009); Oakville Galleries, Oakville (Canada) (2010)

Statuephilia: Contemporary Scultuptors at the British Museum, Th British Museum, Londres

Great Collections, Campbelltown Arts Centre, Campbelltown (Australia); Tweed River Art Gallery, Murwilumbah (Australia) (2009); Western Plains Cultural Centre, Dubbo (Australia) (2009); Albury Library Museum and Albury Regional Gallery, Albury (Australia) (2009); Art Gallery of Ballarat, Ballarat (Australia) (2009)

Bizarre Perfection, The Israel Museum, Jerusalem

2007
Rockers Island: Werke aus der Sammlung Olbricht, Museum Folkwang, Essen (Alemania)

Den Haag Sculptuur 07: De Overkant/Down Under, La Haya

All the More Real: Portrayals of Intimacy and Empathy, Parrish Art Museum, Southampton (Estados Unidos)

2006
Collection of the Fondation Cartier pour l´art contemporain at MOT – Tokyo, Museum of Contemporary Art, Tokyo

Best in Show: The Dog in Art from the Renaissance to Today, Bruce Museum, Greenwich (Estados Unidos); The Museum of Fine Arts, Houston

Slowtech, Museum of contemporary Art, Taipei

2005
In Limbo, Victoria H. Myhren Gallery, Denver

Getting Emotional, The Institute of Contemporary Art, Boston

Tate Sculpture: The Human Figure in Britsh Art from Moore to Gormley, Millennium Gallleries, Sheffield Galleries and Museums Trust, Sheffield (Inglaterra)

Soul: Bezielde Kunst = Inspired Art, Museum voor Moderne Kunst, Ostend (Belgica)

Mélancolie: Génie et folie en Occident, Galeries nationales du Grand Palais, Paris; Neue Nationalgalerie, Berlin (2006)

2004
Mike Kelley: The Uncanny, Tate Liverpool, Liverpool (Inglaterra); Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien, Viena

Bodily Space: New Obsessions in Figurative Sculpture, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo (Estados Unidos)

Noah´s Ark, La Cité de l´Énergie, Shawinigan (Canada)

Ich will, dass Du mir glaubst!, 9.Triennale Kleinplastik Fellbach, Fellbach (Alemania)

In Bed: Images from a Vital Stage, Toyota Municipal Museum of Art, Ciudad de Toyota (Japón)

2003
Gewissenlos – Gewissenhaft: Menschenversuche im Konzentrationslager, Berliner Medizinhistorisches Museum der Charité, Berlin

Child in Time: Views of Contemporary Artists on Youth and Adolescence, Germeentemuseum Helmond, Helmond (Holanda)

The Body Transformed, La Cité de l´Énergie, Shawinigan (Canada)

Silver: Dreams, Screens and Theories, Art Gallery of Greater Victoria, Victoria (Canada)

Supernova: Art of the 1990s from the Logan Collection, San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco

2002
Ebenbilder: Kopien von Körpern – Modelle des Menschen, Ruhrlandmuseum, Essen (Alemania)

Startkapital, K21 Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf (Alemania)

Heavenly Creatures: Paula Rego and Ron Mueck, The British School at Rome, Roma

A Perspective on Contemporary Art: Continuity/Transgression, The National Museum of Modern Art, Tokyo; The National Museum of Art, Osaka (2003)

Imagine, You Are Standing Here in Front of Me: Caldic Collectie, Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam

2001
Ohne Zögern: Die Sammlung Olbricht, Teil 2, Weserburg – Museum für Moderne Kunst, Bremen (Alemania)

La Biennale di Venezia, 49. esposizione internazionale d´arte: Platea dell´Umanità, Corderie, Venecia

Naked Since 1950, C&M Arts, Nueva York

2000
The Mind Zone, Millennium Dome, Londres

Ant Noises at the Saatchi Gallery: Part 1, Saatchi Gallery, Londres

Crusaid, Vinopolis, Londres

Extra Ordinary, James Cohan Gallery, Nueva York

1999
Spaced Out: Late 1990s Works from the Vicki and Kent Logan Collection, California College of Arts and Crafts, San Francisco

House of Sculpture, Modern Art Museum of Fort Worth, Fort Worth (Estados Unidos); Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, Monterrey (México)

Unsichere Grenzen, Kunsthalle zu Kiel, Kiel (Alemania)

Heaven, Kunsthalle Düsseldorf, Düsseldorf (Alemania); Tate Liverpool, Liverpool (Inglaterra)

1997
Sensation: Young British Artists from the Saatchi Collection, Royal Academy of Arts, Londres; Nationalgalerie im Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart, Berlin (1998); Brooklyn Museum, Nueva York (1999)

1996
Spellbound: Art and Film, Hayward Gallery, Londres



Fuentes:
Ron Mueck, Fondation Cartier pour l´art contemporain, París, 2013.
Real Life: Ron Mueck and Guy Ben-Ner, National Gallery of Canada, 2010.
James Cohan Gallery, 02 de agosto de 2006. It's big and it's very, very clever, por Alex O'Connell.
Ha recibido 1 puntos

Vótalo:

Jean Baptiste Carpeaux

46

Jean Baptiste Carpeaux

Jean Baptiste Carpeaux Escultor francés Nació el 11 de mayo de 1827 en Valenciennes. Hijo de un albañil. Cursó estudios en la Escuela de Arquitectura de Valenciennes. En el año 1842, marcha a París y trabaja en diversos oficios para pagar algunos cursos para completar su... Ver mas
Jean Baptiste Carpeaux

Escultor francés



Nació el 11 de mayo de 1827 en Valenciennes.

Hijo de un albañil.

Cursó estudios en la Escuela de Arquitectura de Valenciennes. En el año 1842, marcha a París y trabaja en diversos oficios para pagar algunos cursos para completar su formación.




Su situación comienza a mejorar al encargarle unos bajorrelieves decorativos para un palacete, y unas imágenes para una iglesia de Pas-de-Calais. En 1850 ingresa en el taller de Duret.

Viaja a Roma en 1854 y en 1866 Napoleón III le encarga la decoración escultórica del Pabellón de Flora dándose así su participación con el arquitecto imperial Lefuel.

Entre sus obras destacan: "Hugolino y sus hijos" (1861); "La Danza" (Museo del Louvre); "Las cuatro partes del mundo" (1870).

Jean Baptiste Carpeaux falleció en Courbevoie el 11 de octubre de 1875.
Ha recibido 1 puntos

Vótalo:

Eugene Guillaume

47

Eugene Guillaume

Jean-Baptiste Claude Eugène Guillaume, llamado Eugène Guillaume, (Montbard, 4 de julio de 1822 – Roma, 1 de marzo de 1905), fue un escultor, profesor y crítico de arte francés. Biografía Discípulo del escultor James Pradier, ganó el Premio de Roma de escultura en 1845 con una estatua que... Ver mas
Jean-Baptiste Claude Eugène Guillaume, llamado Eugène Guillaume, (Montbard, 4 de julio de 1822 – Roma, 1 de marzo de 1905), fue un escultor, profesor y crítico de arte francés.

Biografía
Discípulo del escultor James Pradier, ganó el Premio de Roma de escultura en 1845 con una estatua que tenía como tema a Teseo, que se encontraba representado sobre una roca con la espada de su padre.

Eugène Guillaume fue sucesivamente jefe de taller y después, desde 1864 hasta 1878, director de la École nationale supérieure des beaux-arts de París. Dirigió la Academia Francesa en Roma desde 1891 hasta 1904 y fue profesor en el Collège de France en 1882. El 26 de mayo de 1898, fue elegido miembro de la Academia francesa sustituyendo al duque de Aumâle.


Eugène Guillaume en su estudio, circa 1885–90.
Obras
El segador (1849), estatua, bronce, París, Museo de Orsay.
Anacreonte (1849 - 1851), estatua, mármol, París, Museo de Orsay .
Cenotafio de los Gracos, grupo, bronce, París, Museo de Orsay.
Emperador Napoleón I como emperador romano, estatua, cera, París, Museo de Orsay.
Retrato de Jules Ferry, el político (1832 - 1893) (1887), busto, yeso, París, Musée d'Orsay
Retrato de Jules Grevy, presidente de la República (1807 - 1891) (1896), busto, yeso, París, Museo de Orsay.
La música instrumental, grupo de piedra, París, la Ópera Garnier, fachada principal.
La Fuerza (1860), estatua, piedra, París, fuente de Saint-Michel: una de las cuatro virtudes cardinales.
Monumento a Ingres (1871), París, École nationale supérieure des beaux-arts.
Retrato de Félix Duban (1884), busto, bronce, París, École nationale supérieure des Beaux-Arts entrada al anfiteatro de honor.
Retrato de Ludwig van Beethoven, busto, mármol, Copenhague, Ny Carlsberg Glyptotek
Fuente de poesía (1873), estatua, yeso París
Retrato de Paul Bert, político (1833 – 1886), (1887), busto de yeso, Versalles, Palacio de Versalles.
Monumento a Adolphe Thiers, presidente de la República (1797 – 1877), (1903), monumento, Versalles, Palacio de Versalles:Thiers está representado en pie en la tribuna, a sus pies se encuentran tres obras representativas de la historia de Revolución, el Consulado y el Imperio, el pedestal está flanqueado por los genios de la Historia y la Elocuencia.
Monumento de Michael Eugene Chevreul, químico francés (1786 – 1889), (1893), bronce, fundido por los estudiantes de la Escuela Nacional de Artes y Oficios de Angers en 1893, Chevreul se representa sentado. Angers, entrada al Jardín de las Plantas.
Estatua de San Luis realizada en 1878 para la Galerie Saint-Louis de la Cour, Palacio de Justicia de París.
Decoración de la fachada principal del Palacio de justicia de Marsella.
Ha recibido 1 puntos

Vótalo:

Andy Warhol

48

Andy Warhol

Andrew Warhola (Pittsburgh; 6 de agosto de 1928 - Nueva York; 22 de febrero de 1987), comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador... Ver mas
Andrew Warhola (Pittsburgh; 6 de agosto de 1928 - Nueva York; 22 de febrero de 1987), comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió fama mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.

Warhol utilizó medios diferentes para crear sus obras, como el dibujo a mano, la pintura, el grabado, la fotografía, la serigrafía, la escultura, el cine y la música. El Museo Andy Warhol en su ciudad natal, Pittsburgh, Pensilvania, contiene una amplia colección permanente de arte. Resulta ser el museo más grande de Estados Unidos dedicado a un solo artista.

Uno de los aportes más populares de Warhol fue su declaración: «En el futuro todo el mundo será famoso durante 15 minutos». Esta frase de cierta manera vaticinó el actual poder de los medios de comunicación y el apogeo de la prensa amarilla y de los reality shows.

Fue un personaje polémico durante su vida —algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas— y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, análisis, libros y documentales, además de ser recreado en obras de ficción como la película I Shot Andy Warhol (Mary Harron, 1996). Al margen de la fama y de la polémica, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo xx debido a sus revolucionarias obras.



Biografía
Infancia
Fue el tercer hijo de un matrimonio eslovaco que emigró a Estados Unidos. Sus padres eran Andrej y Julia Warhola, originarios de Miková, una ciudad muy pequeña por aquel entonces perteneciente al Imperio austrohúngaro y hoy al distrito de Stropkov, República Eslovaca. En 1914 Andrej Warhola emigró a Estados Unidos para trabajar en minas de carbón, mientras que su mujer emigró siete años después con sus dos hijos mayores.

Mientras cursaba tercero de primaria, Andy empezó a sufrir el popularmente conocido como baile de San Vito, es decir, la corea de Sydenham. Esta enfermedad provoca una afección del sistema nervioso que causa movimientos incontrolados de las extremidades y desórdenes en la pigmentación de la piel. Desde entonces fue hipocondríaco y desarrolló pavor a médicos y hospitales. Pasó buena parte de su infancia postrado en una cama y se convirtió en un proscrito entre sus compañeros de clase, desarrollando una fuerte fijación hacia su madre.1​ Mientras estaba en la cama dibujaba, oía la radio y coleccionaba imágenes de estrellas de cine que colocaba alrededor de su cama. Más tarde, definió esta etapa como muy importante en el desarrollo posterior de su personalidad, sus habilidades y sus gustos.

Principios de su carrera
Decidió estudiar Arte comercial en la actual Carnegie Mellon University (Pittsburgh). En 1949 se trasladó a Nueva York para iniciar una carrera como ilustrador de revistas y publicista. Durante los años 1950 ganó cierta reputación gracias a sus ilustraciones para un anuncio de zapatos. Dibujos a tinta, bastante sueltos y emborronados que fueron expuestos en la galería Bodley de Nueva York.

Con la difusión de las nuevas tecnologías del vinilo y la alta fidelidad, las empresas discográficas se encontraron en un contexto comercial completamente nuevo que no tardarían en explotar. RCA contrató a Warhol y a Sid Maurer, entre otros artistas freelance, para el departamento de diseño de portadas de discos, cartelería y material promocional.2​

Años 1960

La serie de Latas de sopa Campbell, también conocida como 32 latas de sopa Campbell,3​ fue producida por Warhol en 1962 y es uno de sus trabajos más conocidos.
Probablemente las experiencias que lo llevaron a acercarse a la generación de artistas Neoyorquinos Pop, fue cuando en la primavera de 1960 Warhol compró un pequeño dibujo en la galería de Leo Castelli, este contenía una bombilla dibujada por Jasper Johns. Posterior a eso se le mostró un gran lienzo pintado por Roy Lichtenstein que reproducía un anuncio de un complejo turístico en Catskill, esto causó una impresión en Warhol debido a como los artistas estaban pintando publicidad estereotípica4​.

Su primera exposición individual fue en la galería californiana Ferusel.5​6​ Era el 9 de julio de 1962 y marcó el debut del movimiento pop art en la costa oeste.7​ Cuatro meses más tarde, entre el 6 y el 24 de noviembre, inauguró su primera exposición en Nueva York. Exactamente en la galería Stable, propiedad de Eleanor Ward. Allí incluyó el Díptico de Marilyn, Latas de sopa Campbell, 100 botellas de cola y 100 billetes de dólar. Y fue allí donde conoció a John Giorno, con quién después coincidiría en la primera película warholiana: Sueño (1963).

En esa época empezó a pintar sus famosos dibujos de la sopa Campbell y de las botellas de Coca-Cola, a los que consideraba tan iconos estadounidenses como Marilyn Monroe, Troy Donahue o Elizabeth Taylor. También fundó su estudio The Factory, por donde pasaron artistas, escritores, modelos, músicos y celebrities underground del momento. El taller, decorado con hojas de papel de aluminio color plata, estaba inicialmente en la calle 47. Después se mudaría a Broadway. Su obra empezó a ser muy conocida y desató ciertas polémicas sobre el papel del artista y la finalidad del arte.

Desarrolló unas imágenes personales a partir de objetos completamente impersonales, como billetes de dólar o nuevos productos de moda. Utilizaba imágenes propias de los periódicos, los carteles y la televisión para definir un Olimpo particular, compuesto de símbolos de la cultura estadounidense: la silla eléctrica, las fotografías de cargas policiales contra manifestantes por los derechos civiles o los retratos de celebridades del momento.8​ La botella de Coca-Cola se convirtió, para él, en un tema pictórico. Sobre esto declaró:

Lo que es genial de este país es que Estados Unidos ha iniciado una tradición en la que los consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más pobres. Puedes estar viendo la tele, ver un anuncio de Coca-Cola y sabes que el Presidente bebe Coca-Cola, Liz Taylor bebe Coca-Cola y piensas que tú también puedes beber Coca-Cola. Una cola es una cola, y ningún dinero del mundo puede hacer que encuentres una cola mejor que la que está bebiéndose el mendigo de la esquina. Todas las colas son la misma y todas las colas son buenas. Liz Taylor lo sabe, el Presidente lo sabe, el mendigo lo sabe, y tú lo sabes.
Andy Warhol9​
El MOMA organizó un simposio sobre arte pop en diciembre de 1962 y algunos artistas, entre ellos Warhol, fueron atacados por «rendirse» al consumismo. Para las élites que dictaban la crítica de arte, el entusiasmo que Warhol sentía por la cultura del consumismo resultaba embarazoso e inadmisible. Este simposio definió el tono en que se iba a recibir la obra de Warhol, aunque a lo largo de los años 1960 iba a hacerse cada vez más evidente que se habían dado profundos cambios en la cultura y el mundo del arte. También que Warhol había jugado un papel esencial en ese cambio.


Marilyn Monroe fue inmortalizada en una de las obras más conocidas de Andy Warhol.
Un evento crucial fue la exhibición The American Supermarket, una muestra celebrada en 1964 en la galería Paul Bianchinni, en el Upper East Side de Manhattan. La exposición estaba organizada como el típico pequeño supermercado estadounidense, aunque los productos exhibidos (conservas, carne o pósteres) eran obra de prominentes artistas del pop: Mary Inman, Robert Watts o el controvertido Billy Apple. La contribución de Andy Warhol fue una pintura de una lata de sopa Campbell, valorada en 1 500 dólares. Lo curioso es que la lata tan solo costaba 6 dólares. La exposición fue uno de los primeros actos públicos en los que se confrontó al público con el pop art y la cuestión planteada por las vanguardias clásicas acerca de qué podía ser arte.

Como ya había hecho en su etapa de ilustrador comercial en los años 1950, Warhol recurrió a asistentes para aumentar la productividad de su taller artístico. Esta colaboración también planteó encarnizadas polémicas sobre sus métodos de trabajo y su valor como arte, especialmente durante los años 1960. Uno de los colaboradores más importantes con que contó en esta época fue Gerard Malanga, quién le ayudó en la producción de serigrafías, películas, esculturas y otras obras producidas en The Factory. Otros colaboradores esporádicos fueron Freddie Herko, Ondine, Ronal Travel, Mary Woronov, Billy Name y Brigid Berlin (que fue quien, al parecer, le dio la idea de grabar sus conversaciones telefónicas).

Durante los años 1960 también reunió a una variopinta comitiva de excéntricos y bohemios, a quien él designaba como las superstars, y que incluía a Edie Sedgwick, Viva y la célebre Ultra Violet. Todos ellos solían actuar en las películas de Warhol y algunos, como Berlin, mantuvieron una estrecha amistad con el artista hasta su muerte. Su relación con artistas como Frangeline, una cantante de la escena guapachosa, y también con artistas como el escritor John Giorno o el cineasta Jack Smith (que también figuró en algunos cortos de Warhol) revelaba su estrecha relación con distintas clases de producción artística. Hacia el final de esa década el mismo Warhol se había convertido en una celebridad y aparecía frecuentemente en la prensa, escoltado por alguno de sus compañeros en la Factory.

En 1965 conoció al grupo de música The Velvet Underground, liderado por Lou Reed. No tardó en convertirse en el mánager del grupo y añadiendo a su amiga, la cantante alemana Nico. En 1967 salió al mercado el disco de los Velvet llamado The Velvet Underground and Nico: Andy Warhol, producido por este último. Ese mismo año, por diferencias con el resto del grupo, Nico se retiró y los servicios de Warhol ya no fueron necesarios. En 1969 comenzó a publicar su revista Interview.

Atentado
El 3 de junio de 1968, Valerie Solanas disparó a Warhol y al crítico de arte y comisario Mario Amaya en la entrada al estudio de Warhol.10​

Antes del atentado, Solanas había sido un miembro discreto del colectivo de la Factory. Redactó el «Manifiesto SCUM» («capa de suciedad»; en inglés: scum) un alegato feminista separatista contra el patriarcado (y que, con el paso de los años, adquirió cierta resonancia).11​ Solanas también aparecía en la película de Warhol "I, A Man" (1968). En 1967, Valerie le había dado una obra de teatro a Warhol proponiéndole que sea su productor. Warhol aceptó y le pidió el borrador del texto. Este borrador de la obra nunca regresó a Solanas. Se cree que Warhol nunca tuvo la intención de producir la obra ni como obra teatral ni como película y el manuscrito se le perdió. Esto enfureció a Solanas, quien pasaba por un momento de desequilibrio mental e inestabilidad emocional.12​ Amaya sufrió sólo heridas menores, y fue dado de alta ese mismo día. Warhol, sin embargo, recibió tres disparos (el primero ni lo rozó) pero los otros dos disparos lo dejaron muy grave. Las secuelas de este ataque le acompañarían el resto de su vida, y no es de extrañar que por tanto el recuerdo del atentado dejase una marca profunda en el resto de la vida y la obra de Warhol.13​14​Esa misma tarde, Valerie se entregó a la policía. Argumentó que Warhol estaba planeando robar su trabajo y que controlaba demasiado su vida. El juez ordenó que la trasladaran al Hospital Psiquiátrico de Bellevue bajo observación. Se declaró culpable de intento de homicidio, asalto y tenencia ilícita de armas y recibió una sentencia de tres años. Warhol rechazó testificar en su contra. El juez la declaró inhabilitada legalmente y la envió al Hospital Ward Island.12​ Tras el tiroteo, el acceso a la Factory quedó rígidamente controlado, y en opinión de muchos esto causó el fin de la época de «la Factory de los 60».14​ El atentado, sin embargo, quedó bastante desdibujado en los medios debido al asesinato de Robert F. Kennedy, dos días después.

A raíz del atentado sufrido, Warhol declaró que «antes de que me disparasen, siempre pensé que estaba un poco más para allá que para acá. Siempre sospeché que estaba viendo la tele en vez de vivir la vida».15​

Años 1970

BMW M1 decorado por Warhol.
Comparados con la escandalosa (y exitosa) década de los 1960, los 1970 fueron años más tranquilos para Warhol, que se convirtió en un emprendedor. Según Bob Colacello, Warhol pasaba la mayor parte de su tiempo rondando a nuevas estrellas y personajes famosos para proponerles un retrato. La lista incluía a Mick Jagger, Liza Minnelli, John Lennon, Diana Ross, Brigitte Bardot y Michael Jackson. El famoso retrato del líder comunista chino Mao Zedong es de esta época (1973). También fundó (en 1969), con el apoyo de Gerard Malanga la revista Interview, y publicó «La filosofía de Andy Warhol» (1975), en la que exponía su pensamiento con rotundidad y sentido del humor: «Hacer dinero es arte, y el trabajo es arte, y un buen negocio es el mejor arte». Warhol solía frecuentar diversos clubes nocturnos de Nueva York, como el Max's Kansas City, el Serendipity 3 y, más adelante, el célebre Studio 54.16​ Normalmente se comportaba como un tranquilo, tímido y meticuloso observador. El crítico de arte Robert Hughes le llamó «el lunar blanco de Union Square».17​ Su estilo inicialmente rupturista fue progresivamente asimilado por el circuito de galerías y por los círculos adinerados, a los que satisfacía con retratos por encargo. Esta etapa es juzgada de manera dispar por la crítica actual. En los años 1970 hace retratos de sus amigos, clientes habituales de la discoteca Studio 54, entre ellos Carolina Herrera, Liza Minnelli y Elizabeth Taylor. Es también en esta época cuando es contratado por varios fabricantes de automóviles para pintar sus vehículos de competición de una manera que llamen la atención, entre ellos la firma BMW. Así se creó el art car. Dichos vehículos participaban sobre todo en las famosas 24 horas de Le Mans. Son famosas sus cápsulas del tiempo en donde guardaba (desde el año 1974) cosas cotidianas en cajas de cartón, como expone en Philosophy of Andy Warhol, su primer libro. En 1979 exhibe, de manera importante, en el Whitney Museum de Nueva York, su serie de retratos Portraits of the Seventies (Retratos de los Setenta).

Años 1980
Warhol tuvo una segunda juventud para la crítica —y los negocios— durante los años 1980, gracias en parte a su estrecha relación con algunas de las nuevas figuras del arte, que eran en realidad quienes conducían la tendencia del mercado en aquel momento: se trataba de personajes como Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, David Salle y otras figuras del así llamado neoexpresionismo. Warhol también frecuentaba la compañía de artistas del movimiento de transvanguardia europea, como Francesco Clemente y Enzo Cucchi. Por entonces Warhol era acusado de haberse convertido en un «artista de los negocios».18​ En 1979 recibió algunas críticas poco favorables sobre sus exposiciones de retratos de celebridades de los años 1970, críticas en las que su obra se tachaba de superficial, fácil y comercial, carente de profundidad de la significación del tema. Esta actitud crítica, debida en parte a las propias tendencias del mercado, hizo que su siguiente exposición sobre «Genios Judíos»18​ (1980), expuesta en Nueva York, también fuese recibida con frialdad.19​ Una mirada más atenta a la obra de Warhol ha hecho que algunos críticos hayan creído ver en la "superficialidad" y "comercialidad" de Warhol «uno de los reflejos más brillantes de nuestra época», señalando que «Warhol ha capturado algo esencial sobre el zeitgeist de la cultura americana de los años setenta».18​ Warhol siempre apreció el glamour de Hollywood. En una ocasión declaró:
«Amo Los Ángeles. Amo Hollywood. Son tan hermosos. Todo es plástico, pero amo el plástico. Quiero ser plástico».20​
En 1981 empieza a pintar detalles de cuadros de artistas renacentistas como Da Vinci, Botticelli y Uccello. En 1983 hace el retrato del cantante español Miguel Bosé para la portada del disco Made In Spain, también utilizada para el disco Milano-Madrid de este mismo artista. Existen rumores sobre el pago de una fortuna por la colaboración de Warhol para este disco; hasta entonces apenas conocía al cantante. Luego le mencionaría en algún libro como «hijo de un torero español». Warhol también apareció en su videoclip Ángeles Caídos. Ese año visita Madrid, donde es recibido con entusiasmo por Almodóvar, Fabio McNamara y otras personalidades de la cultura y la vida social madrileña. A pesar de todo, la exposición que presentó en la ciudad se saldó con poquísimas ventas.

En esa época, Warhol produce abundantes retratos de celebridades y magnates, no sólo amistades o gente de su círculo, sino también diseñadores, empresarios y demás gente adinerada, que por grandes sumas posan para Warhol. Entre ellos, el modisto Valentino. Según él mismo contó, en una ocasión viajó a Europa para tomar polaroids de empresarios alemanes, y basándose en tales fotografías elaboraba los retratos.

En 1985, el 12 de enero, Warhol participó junto a Joseph Beuys y el artista japonés Kaii Higashiyama en el proyecto „Global-Art-Fusion“. Iniciado por el artista conceptual Ueli Fuchser, éste era un proyecto especial de „FAX-ART“, en el cual un fax con diferentes dibujos de los tres artistas participantes fue mandado por todo el mundo dentro de solamente 32 minutos – de Dusseldorf via Nueva York hacia Tokyo, finalmente recibido por Wiener Stadtpalais Liechtenstein. Este fax debería ser un signo de la paz durante la Guerra Fría.21​

En 1986 pinta lo que serán sus últimas obras, autorretratos y retratos de Lenin y Mao Tse Tung.

Muerte
Warhol murió en Nueva York a las 6:32 de la mañana del 22 de febrero de 1987. Según los noticiarios, se estaba recuperando sin dificultades de una operación de vesícula en el New York Hospital cuando falleció dormido debido a una repentina arritmia post-operatoria. También se ha señalado cierto exceso de líquidos por intoxicación de agua.22​ Antes de su diagnóstico y la operación consiguiente, Warhol había intentado retrasar los reconocimientos, debido sobre todo a su pavor a los hospitales y los médicos.


La tumba de Warhol, junto a la de sus padres, se encuentra en el cementerio católico bizantino de San Juan Bautista en Pensilvania (Estados Unidos).
El cuerpo de Warhol fue devuelto por sus hermanos a Pittsburgh para el funeral. El velatorio tuvo lugar en el Thomas P. Kunsak Funeral Home y fue una ceremonia corpore insepulto. El ataúd era una pieza de bronce macizo, con adornos dorados y soportes blancos. Warhol llevaba puesto un traje negro de cachemira, una corbata de estampado también de cachemira, una peluca plateada y sus características gafas de sol. Tenía en las manos un pequeño breviario y una rosa roja. El funeral se celebró en la iglesia católica bizantina del Espíritu Santo, en el North Side de Pittsburgh. Monseñor Peter Tray pronunció su encomio. Yōko Ono también se presentó. El féretro quedó cubierto por rosas blancas y brotes de esparraguera. Tras la liturgia, el ataúd fue llevado al cementerio católico bizantino de San Juan Bautista, en Bethel Park (un barrio apartado al sur de Pittsburgh). Allí el sacerdote pronunció una breve oración y asperjó con agua bendita el ataúd. Antes de proceder al descenso del mismo, Paige Powell dejó caer un ejemplar de "Interview", una camiseta de la misma revista y una botella del perfume Beautiful, de Estée Lauder. Warhol fue enterrado junto a su madre y su padre, y unas semanas más tarde23​ se repitió un oficio conmemorativo para Warhol en Manhattan.

El testamento de Warhol legaba toda su propiedad —con excepción de algunos modestos detalles— a miembros de su familia, con el fin de crear una fundación dedicada al «avance de las artes visuales». Warhol tenía tantas posesiones que Sotheby's necesitó nueve días para subastar sus bienes tras su muerte, y la suma total excedía los 20 millones de dólares. Su riqueza total era aún mayor, debido principalmente a astutas inversiones realizadas a lo largo de toda su vida.

En 1987, de acuerdo con la última voluntad de Warhol, se constituyó la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. La fundación no sólo sirve como representante legal de Andy Warhol, sino que defiende su misión de «espolear la innovación en la expresión artística y el proceso creativo», y se declara «centrada, principalmente, en apoyar el trabajo de un valor experimental o rompedor».24​

Pensamiento
Sexualidad
Se ha opinado mucho sobre la asexualidad de Warhol, pero algunas especulaciones se han visto más o menos rebatidas por sus biógrafos (como Victor Bockris), por socios de la Factory como Bob Colacello,25​ así como por algunos estudiosos del arte como Richard Meyer.26​ La cuestión de la posible influencia de la sexualidad de Warhol sobre su obra, y cómo modeló su relación con otras personas se ha convertido en un tema esencial para los estudios de su obra, en tanto que es un tema al que el propio Warhol se refirió en entrevistas y conversaciones con sus contemporáneos, así como en varias de sus publicaciones (por ej."Popism: The Warhol Sixties). A lo largo de su carrera Warhol realizó numerosas fotografías de desnudos masculinos. La mayoría de sus obras más conocidas —los retratos de Liza Minnelli, Judy Garland y Elizabeth Taylor—, y películas como "Blow job", "My Hustler" y "Lonesome Cowboys" tenían su origen en la subcultura gay y el underground, y se trataba de exploraciones más o menos sistemáticas de la complejidad de la sexualidad y el deseo. La mayoría de sus películas fueron estrenadas en cines X para homosexuales. Por ello no es de extrañar que algunas de las dificultades iniciales de Warhol para lanzar su carrera tuvieran que ver con el carácter sexual de su obra —así, los dibujos homoeróticos que presentó a una galería para su primera exposición—, generalmente considerado «demasiado abiertamente gay».27​ En "Popism", el artista menciona una conversación con el cineasta Emile de Antonio sobre las dificultades que Warhol había tenido para ser admitido en sociedad por artistas como Jasper Johns o Robert Rauschenberg, que ocultaban al público su orientación homosexual. De Antonio sostuvo que Warhol tenía «demasiada pluma, y eso les molestaba». Warhol se defendía diciendo que «no había nada que pudiese decir al respecto. Era totalmente cierto. Así que decidí que no me iba a preocupar, porque esas eran precisamente las cosas que no quería cambiar de ningún modo, y no pensaba que debiese cambiarlas. Otras personas podían cambiar su actitud, pero yo no».28​29​ Revisando la biografía de Warhol, muchos se refieren al periodo comprendido entre los últimos años 1950 y los primeros 1960 como un momento clave en el desarrollo de su carácter. Algunos han sugerido que su habitual negativa a comentar su obra, a hablar sobre sí mismo —limitándose, en las entrevistas, a responder cosas del tipo «Um, no» y «Um, sí», o dejando que otros contestasen por él—, o incluso la evolución de su estilo pop pueden haberse originado en los años en los que Warhol fue «rechazado» por los elitistas círculos del arte de Nueva York.30​

Creencias religiosas
Warhol era un creyente practicante del rito bizantino de la Iglesia católica bizantina rutena. Fue voluntario en algunos albergues para vagabundos de Nueva York, particularmente durante las épocas más complicadas del año, y se describía a sí mismo como una persona religiosa.31​ Varias de las obras tardías de Warhol representan temas religiosos, especialmente dos series tituladas «Detalles de pinturas renacentistas» (1984) y «La última cena» (1986). Tras su muerte, se localizaron dibujos de índole religiosa en su apartamento.31​ A lo largo de su vida, Warhol asistió frecuentemente a la misa, y el párroco de la iglesia a la que asistía Warhol —el templo de San Vicente Ferrer de Nueva York— afirmó que el artista iba casi diariamente.31​ La madre de Warhol también era católica, ella y Warhol rezaban juntos en casa y en la iglesia. Tras la muerte de su madre, Andy continuó yendo a misa. Se ha comentado que su estilo está fuertemente influido por la tradición de la iconografía oriental cristiana, que ocupa un lugar preeminente en los lugares de culto. Su hermano, por otra parte, dijo de él que era «profundamente religioso, pero no quería que la gente lo supiera porque (lo consideraba) privado». A pesar de la naturaleza privada de sus creencias, la elegía de John Richardson le retrata como una persona de gran devoción: «Tengo la certeza de que él fue responsable de al menos una conversión. Estuvo bastante orgulloso de financiar los estudios de teología de su sobrino».31​

Producción artística
Warhol siempre se apoyó en sus asistentes para sus pinturas, y lo mismo puede decirse de sus producciones cinematográficas. Fundó la revista de sociedad Interview, que se convirtió en una buena lanzadera para artistas a las que patrocinaba y en un buen negocio para sus amigos colaboradores. Del mismo modo, su obra literaria es resultado de su colaboración con Pat Haccket. Apadrinó al explosivo Jean-Michel Basquiat cuando éste apenas era conocido, y convirtió a The Velvet Underground en una banda conocida internacionalmente. Fue en realidad un inquieto y activo «productor de personajes artísticos», como sus conocidas «superestrellas» —de dispar suerte— y un infalible detector de talento. Del mismo modo, Warhol alentaba el consumo de ciertos productos, aparecía en publicidad y era un invitado frecuente a programas televisivos que iban desde Love Boat al Saturday Night Live, o la película de Richard Pryor "Dynamite Chicken". En este sentido, Warhol era un firme defensor del «negocio del arte» y el «arte del negocio». De hecho, escribió largamente sobre este tema, tal como se puede comprobar en «La filosofía de Andy Warhol: De la A a la B y de la B a la A».

Obra
Pintura
Se puede decir que hasta principios de la década de los 60, Warhol era un ilustrador comercial de éxito. Sus elegantes y detallados dibujos para la empresa zapatera I. Millar eran particularmente populares. Estos dibujos a tinta, de línea bastante desenvuelta, se alternaban con impresiones monoprint (similares a una monotipia) que aplicó extensivamente en su primera etapa como artista. Aunque esta posición entre el mundo artístico y el comercial no era infrecuente, sí es cierto que por motivos de prestigio la mayoría de artistas llevaban con discreción su condición de profesionales de la publicidad. De hecho, la fama de Warhol como ilustrador supuso en un primer momento un obstáculo para su consideración como artista.32​ Por entonces trató de exponer alguno de los dibujos realizados con estas técnicas en galerías de arte, pero sus intentos no tuvieron éxito. De esta época parte su cuestionamiento sobre el estatus de arte y su relación con el mercado: A partir de entonces, criticaría su separación y trató de interpretar la cultura comercial y popular como un tema artístico.

El pop art ya era una corriente en estado germinal que algunos artistas exploraban de modo aislado; algunos de estos pioneros, como Roy Lichtenstein o el propio Warhol (que pasaría a ser conocido como «el Papa del Pop») se volverían con el tiempo en sinónimos del pop. Warhol comenzó a involucrarse en este movimiento artístico realizando imágenes tomadas de dibujos animados y anuncios televisivos que pintaba con cuidadosas salpicaduras de pintura. Estas salpicaduras emulaban el aspecto del expresionismo abstracto estadounidense, entonces muy en boga. Eventualmente Warhol iría retirando referencias de sus imágenes hasta reducirlas a la representación icónica de una marca comercial, una celebridad, o el signo del dólar; suprimió también cualquier huella de la mano del artista en sus pinturas.33​ Se trataba en cierto sentido de devolver al arte el valor de cosa mentale, tal y como Leonardo la había definido ya en el Renacimiento.

Warhol extrapoló su profundo conocimiento del mundo comercial en su faceta artística. Así, intuía que definir un nicho comercial era al fin y al cabo definir un tema artístico. Los dibujos animados y los cómics ya habían sido utilizados por Lichtenstein, la tipografía era parte del lenguaje de Jasper Johns; y Warhol también quería definir su propia estética distintiva. Sus amigos le aconsejaron pintar las cosas que más amase: En su peculiar manera de tomar las cosas literalmente, para su primera exposición de importancia pintó las famosas latas de sopa Campbell, que según decía había sido el almuerzo más frecuente a lo largo de su vida. La obra fue vendida por $10.000 dólares en una subasta celebrada el 17 de noviembre de 1971 en la sede de Sotheby's en Nueva York, un precio irrisorio si lo comparamos con los 6 millones de dólares obtenidos más recientemente por la misma obra.34​

Pero Warhol también amaba a las celebridades, y por ello decidió pintarlas. Estos primeros pasos en el mundo artístico fueron definiendo poco a poco su impronta personal, que consistía precisamente en evitar la huella personal del artista en beneficio de unos temas que aunque eran considerados «anti-artísticos» constituían la esencia de la cultura de la sociedad del bienestar estadounidense. Warhol utilizó frecuentemente la serigrafía, y cuando se veía obligado lo hacía calcando de una diapositiva. Según se afianzaba su carrera como pintor, Warhol contrató a varios asistentes que le ayudaban a procesar sus imágenes, siguiendo sus indicaciones para realizar variaciones y versiones sobre el mismo tema.

En 1979, Warhol recibió de BMW el encargo de pintar un coche de carreras de competición BMW M1 para la cuarta exposición del proyecto «BMW Art Car». A diferencia de los tres artistas que le habían precedido, Warhol declinó utilizar inicialmente un modelo a escala, y se puso a pintar directamente sobre el vehículo. Se dice que Warhol tardó un total de 23 minutos en pintar el coche entero.35​

La obra de Warhol adquirió un tono más serio tras el atentado sufrido en 1968. Una tendencia cómica coexistía con una más solemne, y por ello en su obra se pueden encontrar viñetas de cómic o sillas eléctricas, indistintamente. Por otra parte, Warhol utilizó las mismas técnicas —serigrafía, offset, pintura en tonos planos con colores brillantes— para representar a sus queridas celebridades, objetos cotidianos, accidentes de coche, imágenes de suicidios o desastres, como prueba la serie «Death and Disaster» realizada entre 1962 y 1963. Las pinturas de esta serie —como «Accidente de coche en rojo», «Hombre púrpura saltando» o «Desastre naranja»— transforman tragedias personales en espectáculos públicos, y anuncian el uso de imágenes de catástrofe que se volvería inherente a la cultura de los medios de masas.

El elemento unificador de la obra de Warhol es su estilo deliberadamente inexpresivo y la construcción de un personaje aparentemente imperturbable, como un Buster Keaton del arte.36​ Estos rasgos eran subrayados por la propia personalidad de Warhol, que prefería hacerse pasar por tonto ante los medios y rechazaba dar explicaciones sobre su trabajo. Warhol declaró en cierta ocasión que «todo lo que necesitas saber sobre el cuadro está ahí, en la superficie».

Algunos de sus dibujos a tinta, que podían recordar imágenes del test de Rorschach pretendían ser comentarios desde el punto de vista del pop sobre lo que el arte podría ser. Otras pinturas, como el «papel de pared de vaca» (un papel de pared con estampado de vacas) o sus «pinturas de oxidación» (a partir de lienzos preparados con cobre oxidado con orina) también pueden entenderse en este sentido. Es igualmente remarcable la manera en que esta obra —y los medios con que se producía— encajaban en el ambiente de la Factory de Nueva York. El biógrafo Bob Colacello aporta un testimonio sobre las «pinturas de orines» de Andy:

Victor... era el espíritu meón de Andy para las Oxidaciones. Venía a la Factory para orinar en lienzos que habían sido preparados con una imprimación basada en cobre por Andy o por Ronnie Cutrone (quien era el segundo espíritu meón, muy apreciado por Andy, quien decía que la vitamina B que Ronnie tomaba proporcionaba un tono más bonito cuando el ácido úrico corroía el cobre). ¿Utilizó Andy su propia orina? Mi diario dice que cuando empezó esa serie, en diciembre de 1977, lo hizo, y hubo más de una persona en ello: chicos que venían a comer y que habían bebido algún vino más de la cuenta, quedaban muy divertidos o intimidados cuando se les pedía que ayudasen a Andy «a pintar». Andy siempre parecía entusiasmado durante el trayecto hacia el estudio...37​
El ciclo inacabado de «La última cena», que habría aportado un carácter religioso completamente nuevo a su obra, es posiblemente la mayor de sus series, y en palabras de algunos críticos también, «la mejor».38​ Es igualmente la mayor serie de tema religioso realizada por un artista estadounidense.38​

Películas

Andy Warhol conversando con el dramaturgo Tennessee Williams en 1967.
Warhol recurrió a una gran variedad de medios de expresión artística: pintura, dibujo, fotografía, grabado, escultura y cine, y fue un cineasta experimental bastante prolífico, si consideramos que entre 1963 y 1968 produjo más de sesenta películas. En una de las más conocidas, "Sleep", John Giorno dormía durante seis horas. El mediometraje "Blowjob" ('35) muestra un plano de DeVeren Bookwalter (supuestamente felado por el cineasta Williard Maas). En "Empire", una película de ocho horas de duración, la cámara muestra una vista del Empire State Building al amanecer. Warhol ignoraba las convenciones usuales sobre la duración de una película, como podemos juzgar en "Eat", una película de 45 minutos de duración en la que aparece un hombre comiéndose una seta. En 1962, Warhol asistió al estreno de una composición estática de LaMonte Young, titulada "Trio for Strings", a partir de la cual creó una serie de películas estáticas como "Kiss", "Eat" o la misma "Sleep" (para la que contrató a Young como compositor). Uwe Hussein dice que el cineasta Jonas Mekas —que acompañó a Warhol en el estreno del "Trio"— afirmó que el espectáculo fue una influencia esencial para esas películas de Warhol.39​

En 1964 Warhol dirigió y produjo "Batman Dracula", una película que no contaba con la aprobación de DC Comics, propietaria legal del personaje. Esta película fue proyectada únicamente en exposiciones. Warhol se confesó un gran admirador de la serie y afirmó que pretendía realizar un homenaje personal al superhéroe. Actualmente se la considera la primera representación de Batman en la estética camp. La película se había considerado perdida hasta 2006, con la proyección del documental "Jack Smith and the Destruction of Atlantis" en el que aparecían fragmentos de la pieza original.

En 1965, Warhol produjo "Vinyl", una adaptación de la célebre distopía de Burgess, "A Clockwork Orange". Otras grabaciones eran improvisadas, y registran encuentros entre los habituales de la Factory, como Viva, Edie Sedgwick, Candy Darling, Holly Woodlawn, Ondine, Nico y Jackie Curtis. El legendario artista underground Jack Smith aparece en la película "Camp".

Su producción cinematográfica de más éxito —tanto de público como de crítica— fue "Chelsea Girls" (1966), una película muy innovadora que se exhibía con dos proyectores de 16mm funcionando simultáneamente. Cada película tenía su propia historia, y ofrecían una lectura simultánea de acontecimientos aparentemente inconexos. Eventualmente, desde la cabina de proyección se regulaba el sonido para darle a una de las proyecciones cierta preponderancia sobre la otra. Esta multiplicación de imágenes evocaba los trabajos de serigrafía de Warhol de principios de esa década, en los que se superponían diversas «capas de información». La influencia de esta división de pantalla, con el valor multi-narrativo que implicaba, tuvo una gran resonancia posterior.40​

Otras de sus películas más importantes son "Bike Boy", "My Hustler", y "Lonesome Cowboys", un pseudo-western de bajo presupuesto en el que Warhol se interpretaba a sí mismo. Estas películas han trascendido más como documentales de la subcultura gay del momento y aún hoy ocupan un lugar ilustre en los estudios de arte y sexualidad.41​42​ La última producción de Warhol como director fue "Blue Movie", en la que Viva, una súper-estrella de la Factory, sale haciendo el amor y tonteando con un hombre durante 33 minutos. La polémica desatada alrededor de esta película —debida a ese franco planteamiento de un encuentro sexual— hizo que la propia intérprete se negase durante años a su proyección pública. "Blue Movie" fue proyectada en Nueva York por primera vez en 2005, tras más de treinta años de espera.

Después del atentado sufrido en 1968, Warhol se volvió más reticente a la producción de películas. Su colaborador y ayudante de dirección, Paul Morrissey, llevó las producciones del colectivo de la Factory a un terreno más convencional y narrativo, con producciones de serie-B y películas de tono contestatario como "Flesh", "Trash", y "Heat" (1972). Todas estas películas, incluyendo las versiones de Drácula y Frankenstein, iban dirigidas a un público convencional adulto, más que a los sofisticados espectadores que habían apreciado las obras de Warhol. En estas últimas películas actuó Joe Dallesandro, a quien algunos han querido catalogar como una «estrella de Morrisey», y no una auténtica «estrella de Warhol».

Música
A mediados de los sesenta, Warhol «adoptó» a una banda llamada The Velvet Underground, y les convirtió en un elemento crucial de la exposición de arte multimedia que organizaba, la Exploding Plastic Inevitable. Warhol convirtió a Paul Morrissey en el agente de la banda, y les presentó a Nico, quien se convertiría en miembro de la banda a petición de Warhol. En 1966 produjo su primer disco, titulado "The Velvet Underground and Nico", y realizó la decoración del disco. En realidad, la producción de Warhol se limitó a pagar por el estudio de grabación. Tras la publicación de este álbum, Warhol y el líder de la banda, Lou Reed, empezaron a disentir sobre la dirección que la banda debería tomar. Esta tensión pudo haber causado el final de su buena relación artística.

Warhol había diseñado numerosas portadas de discos desde su primera portada, una fotografía para el primer disco de John Wallowitch (titulado "This Is John Wallowitch", 1964). También diseñó las portadas del "Sticky Fingers" de los Rolling Stones en 1971, y del "Love You Live" (1977). En 1975 le encargaron hacer varios retratos de la cara visible de la banda, el músico Mick Jagger. Para John Cale diseñó la portada de "Honi Soit" (1981) y para Diana Ross las ilustraciones que aparecían en la cubierta de "Silk Electric". El póstumo "Menlove Ave." (1986) de Lennon también fue diseñado por Warhol.

Andy tenía buena relaciones en el mundo de la música, como Deborah Harry, Grace Jones, Diana Ross y John Lennon. El videoclip, formato que surgiría en los años 1970, también entraba en sus inquietudes creativas. La productora de vídeo de Warhol produjo, entre otros, el clip del sencillo "Misfit", para los Curiosity Killed The Cat, y el clip del sencillo "Hello Again" de The Cars (en el que figuraba como barman).

La relación de Warhol con la música no fue de índole estrictamente profesional. Su influencia sobre la llamada New Wave —como la banda Devo— y sobre la formación de artistas jóvenes, como David Bowie es sobradamente conocida. Bowie incluía una canción llamada Andy Warhol en su Hunky Dory (1971), y Lou Reed compuso una canción llamada "Andy Chest", que trataba sobre el atentado sufrido en 1968 a manos de Valerie Solanas. Esta canción fue grabada entonces con The Velvet Underground, pero la versión no fue publicada hasta que salió el álbum VU en 1985. En 1972 grabó una versión diferente para su disco Transformer, producida por Bowie y Mick Ronson.

Warhol y la edición
Desde comienzos de la década de 1950, Warhol realizó regularmente los portafolios que utilizaba para mostrar su trabajo. El primero de estos libros publicados por el mismo autor fue «25 Cats Name Sam and One Blue Pussy», impreso en 1954 por Seymour Berlin en papel Arches con marca de agua, y estaba ilustrado con litografías realizadas en el mismo estilo emborronado con el que se identificaba su trabajo de ilustrador. La edición original estaba limitada a 190 ejemplares, coloreadas a mano con tinta acualerable Dr. Martin's. Warhol regaló la mayoría de estos libros a clientes y amigos. La copia número 4, con la palabra "Jerry" manuscrita en la cubierta, fue un regalo de Warhol para Geraldine Stutz, y se utilizó en 1987 como modelo de una edición facsímil.43​ El original fue subastado en mayo de 2006 por Doyle New York, y alcanzó un valor de 35.000 dólares. Otros de los libros autoeditados por Warhol fueron A Gold Book, Wild Raspberries y Holy Cats.

Tras convertirse él mismo en una celebridad, Warhol escribió varios libros que fueron publicados con fines comerciales.

A, a Novel (1968, ISBN 0-8021-3553-6) es una transcripción literal —aderezada con faltas de ortografía y murmullos ininteligibles interpretados fonéticamente— de varias grabaciones de sonido realizadas por Ondine y varios de los asiduos visitantes de la Factory, y contiene sus charlas, sus saludos y sus despedidas.
The Philosophy of Andy Warhol (From A to B and Back Again) —traducido al español como «La filosofía de Andy Warhol: De la A a la B y de la B a la A»— (1975, ISBN 0-15-671720-4) es un extracto de las conversaciones telefónicas diarias (algunas mientras Warhol estaba de viaje) entre el artista y Pat Hackett. La investigadora explica en la introducción de The Andy Warhol Diaries que las cintas que Warhol le daba para que grabase sus charlas contenían fragmentos de conversaciones previamente grabadas entre el artista, Brigid Berlin y el antiguo editor de la revista Magazine, Bob Colacello.
Popism: The Warhol Sixties, (1980, ISBN 0-15-672960-1) es una revisión retrospectiva de los años sesenta y el auge del pop art, y sus coautores son Andy Warhol y Pat Hackett.
The Andy Warhol Diaries (1989, ISBN 0-446-39138-7), editado por Pat Hackett, es una especie de «diario» dictado por Warhol a Hackett a lo largo de conversaciones telefónicas diarias. Warhol le había dado inicio para revisar el progreso de sus gastos tras revisiones fiscales, pero pronto evolucionó hasta incluir observaciones personales y comentarios artísticos.
Warhol fue además el creador de Interview, una revista de moda que aún se publica. El título garabateado en la portada puede ser obra de la propia mano de Warhol o de su madre, Julia Warhola, quien solía hacer ese tipo de colaboraciones escritas para sus primeras piezas comerciales. Fue enterrado con un ejemplar de su publicación.

Otros medios
Como se ha señalado, aunque Warhol es más conocido como pintor y realizador, fue un autor prolífico que se expresaba en medios muy diversos.

El dibujo era una parte esencial de la pintura de Warhol. Formado como ilustrador, Warhol acuñó un característico estilo «emborronado» con el que realizó sus celebrados anuncios de zapatos. Algunos de sus dibujos fueron publicados por el propio autor en forma de folletos (así, Yum, yum, yum, sobre la comida; Ho, Ho, Ho, de tema navideño; y Shoes, Shoes, Shoes, de uno de sus temas favoritos). Su libro de dibujos más aclamados es quizás A Gold Book, que reúne numerosas y delicadas ilustraciones de jóvenes. El título de esta obra se debe a una hoja dorada que decora sus páginas.44​
La escultura más conocida de Warhol es quizás la caja de Brillo, una réplica serigrafiada sobre madera de las cajas de un detergente bastante conocido. Las Cajas de Brillo formaban parte de una serie de esculturas que representan objetos típicos de tienda de barrio, como el kétchup Heinz o las Latas de Sopa Campbell.45​ Otras obras que Warhol realizó en este medio fueron la Silver Clouds, unos globos plateados de mylar con forma almohadillada. Una de estas "nubes plateadas" fue parte de la exposición itinerante Air Art organizada por Willoughby Sharp entre 1968 y 1969. "Clouds" fue también el título de una parte del RainForest, un espectáculo de danza contemporánea coreografiado por Merce Cunningham en 1968.46​
Música y edición de sonido: A partir de determinado momento, Warhol decidió no separarse de una grabadora portátil que llevaba a donde quiera que fuese, y con la que registraba cualquier cosa que dijese alguien cerca de él. Llamaba al aparato como «mi esposa», y utilizó parte del material grabado como soporte literario de algunos de sus libros. Otra importante obra sonora de Warhol fue su Invisible Sculpture, una instalación en la que las alarmas anti-rrobo dejaban de sonar al entrar. Por otra parte, la colaboración de Warhol con The Velvet Underground fue una vertiente muy destacada de su expreso deseo de convertirse en productor de música.
La Time Capsule, creada en 1973, es una pieza con la que Warhol quería rescatar objetos de su entorno cotidiano —cartas, periódicos, souvenirs, objetos de infancia, incluso billetes de avión y restos de comida— que reunía y sellaba dentro de cajas de cartón que él llamaba cápsulas del tiempo. Para la fecha de su muerte, existían cerca de 600 de estas cajas, todas adecuadamente fechadas y clasificadas. Las «cápsulas» están ahora reunidas en la colección del Andy Warhol Museum.47​
Warhol siempre manifestó su entusiasmo por un programa televisivo que quería llamar The Nothing Special, un programa especial sobre su tema favorito: nada. Al final de su carrera creó dos programas televisivos, la Andy Warhol's TV (1982) y Andy Warhol's Fifteen Minutes (1986), basado en su célebre frase sobre los «quince minutos de fama» que todo el mundo deberíamos tener. Además de las apariciones en sus propios programas, Warhol frecuentaba otras emisiones, como The Love Boat, en el que una mujer casada de nombre Marion Ross temía que Warhol revelase a su entonces marido, Tom Bosley —quien actuaba con Ross en el sitcom Happy Days— su dudoso pasado como Marina del Rey, una de las muchas «superestrellas» de Warhol. Warhol también realizó un anuncio de televisión para la cadena de restaurantes Schrafft's, de Nueva York. El anuncio promocionaba un postre helado apropiadamente llamado «Underground Sundae».48​
Una frase supuestamente atribuida a Warhol dice que «preferiría comprarme un vestido y colgarlo de la pared antes que poner un cuadro, ¿tú no?». Indudablemente, la moda era uno de los mayores intereses de Warhol, quien fundó Interview como un apasionado experto en la materia. Una de sus más conocidas superestrellas, Edie Sedgwick, manifestó siempre su intención de convertirse en diseñadora de moda, y su buen amigo Halston lo fue, y de enorme éxito. La aportación personal de Warhol a la moda pasaba por impresiones serigrafiadas sobre la tela, una breve incursión como modelo de pasarela, libros sobre moda y por supuesto los célebres zapatos que tanto le gustaba pintar.
Perfomance: Warhol escenificó con sus conocidos diversos montajes teatrales, multimedia y happenings en fiestas y lugares públicos, en los que combinaba música, proyecciones de diapositivas y en alguna ocasión incluso espectáculos de BDSM con su amigo Gerard Malanga ataviado de vinilo y blandiendo un látigo. El Exploding Plastic Inevitable de 1966 fue la culminación de su trabajo en esta área.49​
Teatro: «Pork», de Andy Warhol, se estrenó el 5 de mayo de 1971 en el teatro LaMama de Nueva York, y permaneció dos semanas en el escenario. Posteriormente fue llevada al Roundhouse de Londres para una gira más prolongada durante 1971. «Pork» se basaba en la grabación de conversaciones sostenidas entre Brigid Berlin y Andy, y que trataban sobre las cintas que Brigid había grabado durante charlas con su madre. La obra estaba presentaba a Jayne County como el personaje de Vulva, y Cherry Vanilla como Amanda Pork.
Para producir sus litografías, Warhol solía utilizar fotografías que eran sacadas indistintamente por él o por alguno de sus asistentes. Estas imágenes solían tomarse con un tipo de cámara Polaroid que la marca decidió mantener en producción únicamente para satisfacer a su insigne cliente. Su aproximación fotográfica a la pintura, y su personal visión de la fotografía instantánea tuvieron una fuerte influencia en la fotografía artística posterior. Warhol era un notable fotógrafo y disfrutaba retratando a sus numerosos invitados en la Factory.
Una de las contribuciones menos conocidas de Warhol al mundo artístico es su producción como artista digital. Warhol utilizaba los ordenadores Amiga para generar imágenes con el apoyo de Amiga, Inc. También mostró la diferencia entre slow fill y fast fill en un programa en directo en la televisión, con Debby Harry como modelo.
La Factory de Nueva York
El célebre estudio de Warhol cambió en numerosas ocasiones de dirección. La siguiente lista refiere sus sucesivas localizaciones, siempre dentro de la ciudad de Nueva York, así como la dirección de algunos de sus domicilios conocidos.

Factory: 1342 Lexington Avenue, la Factory original.
1963-1967: The Factory en el 231 East de la 47th Street. El edificio actualmente no existe.
1967-1973: Factory, en el 33 de Union Square.
1973-1984: Factory, en el 860 de Broadway (cerca del 33 de Union Square; el edificio ha sido completamente remodelado, entre 2000 y 2001 fue la sede de la asesoría Scient, dedicada al comercio virtual).
1984-1987: Factory, en el 22 East 33rd Street. El edificio actualmente no existe.
Casa: 1342 Lexington Avenue.
Casa: 57 East 66th Street (la última casa de Warhol).
El último estudio en que Warhol trabajó estaba en el 158 de la Madison Avenue de Nueva York.

Legado

The Andy Monument (2012), obra de Rob Pruitt, se yergue afuera de la tercera ubicación de The Factory, en la calle Broadway, Nueva York.
La Artists Rights Society (el equivalente a la SGAE española) es la representante legal de los derechos de propiedad de las obras de la Fundación, con la excepción de algunos fotogramas de películas de Warhol.50​ El representante legal de dichos fotogramas es el Museo Warhol de Pittsburgh.51​ Por otra parte, la fundación tiene acuerdos en lo relativo a sus imágenes de archivo. Todas las imágenes digitalizadas de obra de Warhol son propiedad de Corbis, mientras que las imágenes en diapositiva son gestionadas por Art Resource.52​ La fundación Andy Warhol publicó su informe anual especial del 20 aniversario en 2007, está dividido en tres tomos, a saber: Vol. I, 1987-2007; Vol. II, Asistencias y exposiciones; y Vol. III, Programa de Legado.53​ La fundación sigue siendo el mayor donante de becas para las artes visuales en los Estados Unidos.54​ Dos años tras la muerte de Warhol, "Songs for Drella", una obra conceptual encargada por la Academia de Música de Brooklyn y The Arts at St. Ann's, de Nueva York, fue interpretada por Lou Reed y John Cale, un epígono de The Velvet Underground. La actuación fue grabada por el director Ed Lachman el 6 de diciembre de 1989, y editada en formato VHS y laserdisc. En 1990 fue publicada en forma de CD en un envoltorio negro de textura aterciopelada por Sire Records. «Drella» era un apodo acuñado por la estrella Ondine para Warhol, un cruce entre Drácula y Cenicienta muy popular entre los allegados al artista.55​ "Songs for Drella" presenta una especie de descripción literaria de la vida de Warhol, y se centra en sus relaciones personales. Las canciones se agrupan en tres categorías: Una interpretación semi-fantástica desde la perspectiva de Warhol, crónicas en tercera persona de su vida y sus asuntos, y otra perspectiva más emocional guiada por comentarios sobre Warhol de Reed y Cale. En este disco, Reed se disculpa ante el difunto Warhol y pone las bases para una reconciliación a su conflicto personal.56​ Reed y Cale habían estado interpretando las canciones en directo desde 1989 como un ciclo de canciones antes de entrar en un estudio. Hacia el final de la grabación, Cale prometió no volver a trabajar jamás con Reed, debido a diferencias personales, sin embargo el disco sería la causa de la revitalización del grupo The Velvet Underground.57​ Aunque el álbum fue ideado como una unidad indivisible, se lanzó un sencillo titulado "Nobody But You". En el 20 aniversario de su muerte el hotel Gershwin de Nueva York celebró un ciclo de actos homenajeando el arte de Warhol —y sus «superestrellas»—. Hubo una ceremonia de premios, un pase de moda y Blondie actuó en el acto de clausura. Al mismo tiempo, la galería Carrozzini von Buhler de Nueva York organizó Andy Warhol: In His Wake, una exposición que incluía obras de algunas de las «superestrellas» —Ultra Violet, Billy Name, Taylor Mead e Ivy Nicholson—, así como una joven generación de epígonos de Warhol. Una escultura interactiva de Cynthia von Buhler titulada The Great Warhola presentaba a Warhol como una máquina tragaperras que adivinaba el futuro. La galería se modificó para parecerse a la plateada Factory. Una película titulada Factory Girl, interpretada por Sienna Miller y Hayden Christensen y que versaba sobre la vida de Edie Sedgwick, fue lanzada una semana antes de la muerte de Warhol. En 2007, el Financial Times definió a la pintora británica Stella Vine como «una descendiente de Warhol».58​ Arifa Akbar, de The Independent señaló que la perspectiva de Vine sobre la cultura de la celebridad podía adscribirse a la tradición warholiana.59​ Vine ha declarado sentir una fuerte relación hacia Warhol, indicando60​ que es «el mismo tipo de persona que él» (sic).

Museos
Existen dos museos dedicados especialmente a Warhol. El Andy Warhol Museum, uno de los Museos Carnegie de Pittsburgh está localizado en el 117 de Sandusky Street, en Pittsburgh, Pensilvania. Con sus más de 12.000 piezas de Warhol, es el mayor museo dedicado a un solo artista en todos los Estados Unidos. El segundo museo dedicado a la memoria de Warhol es el Andy Warhol Museum of Modern Art, fundado en 1991 por su hermano John Warhola, el Ministerio de cultura del gobierno eslovaco y la Warhol Fundation de Nueva York. El museo se encuentra en la pequeña ciudad de Medzilaborce, a 15 kilómetros de Miková, el pueblo donde nacieron los padres de Warhol, en Eslovaquia. El museo aloja numerosas obras originales cedidas por la Warhol Foundation y algunos objetos personales donados por los parientes de Warhol.

Andy Warhol en la ficción

Warhol (derecha) con el director Ulli Lommel en el rodaje de Cocaine Cowboys (1979) en la cual se interpretaba a sí mismo.
En 1979, Warhol actuó en la película Cocaine Cowboys (1979).61​ Después de su muerte, Warhol fue interpretado por Crispin Glover en la película de Oliver Stone The Doors (1991), por David Bowie en Basquiat (1996), de Julian Schnabel, y por Jared Harris en la película I Shot Andy Warhol (1996), de Mary Harron. Warhol también aparece como un personaje de la ópera de Michael Daugherty Jackie O (1997). El actor Mark Bringlesson hace una breve aparición como Andy en Austin Powers (1997). Por otra parte, muchas películas del cineasta de vanguardia Jonas Mekas muestran imágenes de la vida de Warhol. Sean Gregory Sullivan también retrató la vida de Warhol en 54 (1998). La última producción relacionada con Warhol es el largometraje Factory Girl (2007), cuyo papel es interpretado por el actor australiano Guy Pearce. Esta película trata sobre la vida de la modelo Edie Sedgwick.62​ Gus Van Sant planeó rodar una versión de la vida de Warhol, con River Phoenix en el papel protagonista, pero el proyecto quedó frustrado con la muerte del actor en 1993.63​ Andy Warhol aparece como W, un agente de MIB encubierto en la película Men in Black III donde es interpretado por Bill Hader. En una de las pocas escenas en las que se ve al personaje, Warhol le ruega al Agente K que finja su muerte para poder volver a su vida normal, diciendo «Pinto latas de sopa y bananas ridículas. Finge mi muerte, ya no puedo seguir escuchando ésa maldita música. ¡Ya no se quién es mujer y quién es hombre!». También aparece brevemente en la adaptación cinematográfica de la novela gráfica Watchmen (2009), discutiendo el fenómeno de los superhéroes con Truman Capote, frente a una pintura de Búho Nocturno.

Documentales
En 2001 el director polaco Stanislaw Mucha produjo Absolut Warhola, un documental que retrataba la vida de la familia de Warhol en su ciudad natal, en Eslovaquia.64​
Andy Warhol: A Documentary Film es una película-homenaje de cuatro horas de duración dirigida por Ric Burns en 2006.65​
Ha recibido 1 puntos

Vótalo:

Antoine Bourdelle

49

Antoine Bourdelle

(Montauban, 1861 - Vésinet, 1929) Escultor francés. Hijo de un ebanista, Émile-Antoine Bourdelle comenzó a adquirir conocimientos prácticos de talla siendo aún niño, haciendo figuras en el taller de su padre. Gracias a estos conocimientos no le fue difícil ingresar en la Escuela de Bellas Artes... Ver mas
(Montauban, 1861 - Vésinet, 1929) Escultor francés. Hijo de un ebanista, Émile-Antoine Bourdelle comenzó a adquirir conocimientos prácticos de talla siendo aún niño, haciendo figuras en el taller de su padre. Gracias a estos conocimientos no le fue difícil ingresar en la Escuela de Bellas Artes de Toulouse. En 1884 pasó a estudiar por medio de una beca a la Escuela Superior de Bellas Artes, donde fue discípulo de Alexandre Falguiére, Jules Dalou y Jean-Baptiste Carpeaux.


Antoine Bourdelle

En 1893 recibió el encargo de realizar el monumento commemorativo de la guerra en Montauban. En esta época su obra estaba muy influida por Auguste Rodin, a quien había conocido en París, y con quien trabajó como ayudante desde 1893 a 1898. Sin embargo, más tarde se reveló como un artista independiente, de categoría, desarrollando el estilo monumental al que debe gran parte de su fama.


Hércules arquero, de Antoine Bourdelle

La originalidad de Bourdelle ha quedado a veces ensombrecida por su relación con Rodin, pero su amplia influencia sobre otros escultores más jóvenes, como Alberto Giacometti, fue muy importante. Sus obras se inspiraban en los escultores románicos y en los de la Grecia arcaica. Entre las más famosas se cuentan Hércules arquero, expuesto por primera vez en 1910; los relieves de la fachada del teatro de los Champs-Elysées en 1911 y del teatro de Marsella en 1924; el monumento ecuestre al general Alvear en Buenos Aires, y el Centauro moribundo (1914).



Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Émile-Antoine Bourdelle. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/bourdelle.htm el 11 de enero de 2020.



Sobre este sitio Contacto Enlácenos Cómo citar Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2020

¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 1 puntos

Vótalo:

Camille Claudel

50

Camille Claudel

Nació el 8 de diciembre de 1864 en Villeneuve-sur-Fère. Hermana del poeta Paul Claudel y amante del que fuera su maestro, el escultor Auguste Rodin. Desde muy temprana edad se apreció en ella un talento natural para el arte. Desde su infancia modela y esculpe, siendo su hermano... Ver mas
Nació el 8 de diciembre de 1864 en Villeneuve-sur-Fère.

Hermana del poeta Paul Claudel y amante del que fuera su maestro, el escultor Auguste Rodin.

Desde muy temprana edad se apreció en ella un talento natural para el arte.




Desde su infancia modela y esculpe, siendo su hermano Paul y su sirvienta Helene sus primeros modelos. A los doce años, su familia se traslada a Nogent-sur-Seine y entra en la Academia Colarossi, una de las pocas escuelas de arte que admitía estudiantes femeninas.

Su encuentro con Rodin, de cuarenta y tres años, y ella, de diecinueve, fue el inicio de una relación que duró quince años, en los que recibió influencias en la técnica y temática de las composiciones.

En 1884, colaboró con Rodin en la realización de Las Puertas del Infierno y en Los Burgueses de Calais.

Por esa época realiza las composiciones Giganti (1885), o Joven mujer con una gavilla, ejecutada seis años después.




En 1893 abandona a Rodin.

En 1906 destruyó la mayor parte de su obra. El 10 de marzo de 1913, por orden de su madre y su hermano, es internada en el asilo de Ville-Evrard y un año después es transferida al hospital psiquiátrico de Montdevergues. Su madre jamás irá a visitarla y rechaza, a fines de los años veinte, el consejo de los médicos de regresarla a su hogar. Paul Claudel, embajador y célebre poeta adinerado, se niega, en 1933, a pagar la pensión hospitalaria.

Camille Claudel falleció el 19 de octubre de 1943 en el manicomio de Montdevergues. Fue enterrada en una fosa común.
Ha recibido 1 puntos

Vótalo:

Paul Landowski

51

Paul Landowski

Biografía Paul Landowski es un famoso escultor francés del siglo XX. Es mejor conocido por tallar a Cristo Redentor en el Monte Corcovado en Río de Janeiro, Brasil. Desarrolló su arte de acuerdo con las ideas humanísticas de su tiempo y logró, al final de su carrera, obtener puestos de... Ver mas
Biografía
Paul Landowski es un famoso escultor francés del siglo XX. Es mejor conocido por tallar a Cristo Redentor en el Monte Corcovado en Río de Janeiro, Brasil. Desarrolló su arte de acuerdo con las ideas humanísticas de su tiempo y logró, al final de su carrera, obtener puestos de responsabilidad de acuerdo con sus intereses.
Infancia y primeros estudios (1875-1892)
Paul Landowski nació en París el 1 de junio de 1875 en una familia mixta, siendo su madre francesa y su padre polaco. Hizo sus estudios secundarios en Rollin College, donde aprendió sobre cultura literaria. Entró en Hypokhagne en 1892 y conoció a Henri Barbusse, con quien mantendría una fuerte amistad toda su vida. Es él quien inspirará a Landowski el aliento humanista que surgirá de sus obras. Durante sus estudios se apasionó por los grandes autores (Hugo, Shakespeare, Plutarch) que se convirtieron en modelos para él. Busca, en sus primeros años, qué camino tomar. Así lo vemos tratando de escribir dramas en verso o dibujo.


Estudios artísticos (1893-1900)
En 1893 se inscribió en las clases de Jules Lefebvre en la Academia Jullian. Jules Lefebvre fue un pintor riguroso que enseñó en una técnica que quería estar cerca de la perfección. Esta búsqueda de la perfección permanecerá en la mente de Landowski, quien tendrá, durante toda su vida, este deseo de lograrlo, cuando haga un trabajo. Con Lefevre, aprende a dominar el arte del desnudo y los retratos.

Paralelamente realiza su primer trabajo práctico. El profesor de anatomía Louis-Hubert Farabeuf, que imparte cursos de disección en la Escuela de Medicina, le encargó que produjera placas descriptivas. Es este trabajo el que le da un gran conocimiento en el cuerpo humano, conocimiento que se utilizará más adelante para sus esculturas. También es gracias a eso que sus esculturas tendrán un cierto aliento humanista. Entre 1895 y 1900 seguirá los cursos de la Escuela de Bellas Artes, siguiendo las enseñanzas del escultor Louis-Ernest Barrias. Estos cursos le fueron provechosos desde que dejó esta escuela con el Gran Premio de Roma por su trabajo "David contra Goliat".

Entonces pudo ingresar a la Villa Medici, pero se debe saber que en ese momento Paul Landowski era un joven enérgico que participaba en el boxeo. Esta pasión puramente personal le hizo realizar dos obras importantes: "El pugilista", así como el "boxeador caído".


Los años en la Villa Medicis y el diseño del templo del hombre (1901-1905)
Así pues, tras su Gran Premio de Roma, Paul Landowski ingresa a la villa de los Medici durante los 4 años siguientes. Interpretará varias obras importantes: "El ladrón de naranjas", "El faquir", "El beduino en la jarra", "Los portadores de agua ciegos", etc. Algunas de estas obras son temas del Magrebí, se debe a algunos viajes que realizó durante estos años, especialmente en Túnez, y luego en la antigua Italia, que fue una fuente de inspiración racional.

Durante este período sus esculturas fueron de un estilo bastante clásico. Se caracterizan por la calidad de la representación del movimiento y el realismo que emerge de él. Pero estas esculturas eran pequeñas, y ya imaginaba una obra mucho más grande. imaginó un lugar para la gloria del hombre, de conformidad con su voluntad de proponer la corriente que más tarde se llamará humanismo. Se imaginó un templo. Es Paul Valery quien le dará un nombre: el templo del hombre.

El templo del hombre era, en su opinión, un lugar artístico que magnifica a los pueblos, las esculturas que se instalarán allí deben estar relacionadas con la grandeza de la idea principal, la de la humanidad en sentido amplio. Su escultura llamada "The Rhapsode", realizada en 1905, ya estaba en este espíritu y sirvió como figura central de "hijo de Caín", una obra expuesta en el Salon des Artistes French en 1906 y recibió una cálida bienvenida por parte de la crítica. quien vio en Paul Landowski una esperanza para la escultura francesa. El camino era entonces libre para moverse hacia la realización concreta del templo del hombre.


Las primeras obras humanistas (1906-1914)
La bailarina de serpientes
La bailarina de serpientes

A la salida de la villa, Medici Paul Landowski se estableció en 1906 en Boulogne-Billancourt con una serie de artistas que evolucionaron en varios campos. Fue durante estos años que su fama nació gracias a la entrega, en 1909, de "A los artistas cuyo nombre está perdido", una escultura que se instalará bajo la cúpula del Panteón.

Luego trabajó en diferentes proyectos mientras ponía la mano en su templo del hombre. Quería que fuera una especie de historia sobre el hombre en la Tierra, desde la antigüedad hasta el siglo XIX. Sus "Hijos de Caín" deben estar lógicamente en el patio del templo. Fueron inspirados por tres jóvenes tunecinos que se reunieron durante el viaje allí, caminando "fraternalmente unidos, sin ningún sentimentalismo". Sus otras obras son, por ejemplo, "La arquitectura" de Reims, "El bailarín con serpientes", "El Monumento a la Reforma", en Ginebra (que realizará con Henri Bouchard), etc.


La guerra y sus consecuencias sobre su obra (1914-1920)
El pugilista
El pugilista

Luego viene la primera guerra mundial. Paul Landowski es llamado y actúa como un soldado en la lucha. Vuelve vivo y decorado con la cruz de la guerra. De esta experiencia guarda algunos recuerdos difíciles de los que surgirá la idea de especializarse en la escultura de monumentos a los muertos. Probablemente sea el encuentro de su profesión y su experiencia militar lo que lo empujó en esta dirección, todo ello cimentado con los conceptos de humanismo a los que siempre se ha adherido.

Aún así, él construye toda una serie de monumentos a los muertos, la mayoría de ellos en un estilo sobrio. Por ejemplo, es el "Monumento a la gloria de los internos de los hospitales en París", que actualmente se encuentra en el Hotel Dieu (1921), el "Monumento a la Victoria" en Casablanca (1924), el "baluarte". de Argel "(1928), el" Monumento a los muertos de la École Normale Supérieure ", y especialmente" Los Fantasmas ", un conjunto muy bello de 8 gigantes cada 8 metros de altura que se colocó en el cerro de Chalmont. donde tuvo lugar la batalla del Marne (Monumento establecido en 1935). Estos trabajos no son todos grandes éxitos, algunos son de poca calidad, de acuerdo con lo que luego podrá hacer el artista. Pero son para él una fuente de inspiración a través de la cual presenta temas como el heroísmo (especialmente sobre los dos monumentos que hizo en el norte de África), el progreso de la humanidad o el vínculo materno. -child.

También fue en este momento que Landoski realizó algunas de estas obras emblemáticas: las "tres alegorías en piedra" para el palacio Piratini, en Porto Alegre (Brasil), el "beduino en la jarra", "el Himno a la 'aurora', que se suponía que se colocaba en el templo del hombre, y luego en muchos bustos, piedras funerarias y todavía monumentos a los muertos (comisiones públicas).


El periodo heroico y el abandono del templo del hombre (1920-1933)
1920 es el año en el que Paul Landowski obtiene su legión de honor (la recibe el 8 de agosto). Será nombrado comandante 8 años después, el 30 de abril de 1928. Esta distinción contribuye a su visión de la grandeza del ser humano y luego aborda un tema subyacente hasta ahora en sus obras: La hazaña a través de diferentes disciplinas. . En 1920 instaló un monumento a la gloria de Wilbur Wright y los precursores de la aviación (1920), el deporte lo inspira, implementa su propio deporte, el boxeo, y realiza una escultura de belleza llamada simplemente " El boxeador "se presenta en los IX Juegos Olímpicos de Ámsterdam. Ganó la medalla de oro en la categoría de escultura. En el mismo tema, siga a "Fallen Boxer" y al "Pugilist" que combina un personaje real y un estilo antiguo. Luego, en 1922, la oficina de turismo sueca le pidió que esculpiera la Copa Internacional de Esquí, Landowski optó con curiosidad por representar a Heracles y a la gama con pies de bronce.

Se cometen otros culpables: "Sainte Geneviève que protege París", que se encuentra hoy a la entrada del Pont de Tournelle (1928), el "Shield to the dead", en el ayuntamiento del distrito 16, aún en París ( 1929), el mausoleo de Sun Yat Sen ", en Nankin (China, 1930), pero especialmente Landowski adelantó su proyecto de un templo del hombre. En 1925 expuso en Arts Décoratifs un modelo de su futuro templo que es entonces Consisten en cuatro paredes enfrentadas, dos puertas y un patio. Las dos puertas son la puerta de la ciencia y la puerta de la Psique, que conducen al patio en el centro del cual se encuentran los "Hijos de Caín", una obra ya hecha. Las 4 paredes debían recibir las estatuas monumentales de 8 metros de altura centradas en los 4 temas de Prometeo, religión, leyendas e himnos. Cada una de estas paredes debía recibir bajorrelieves relacionados con el tema: El Cristo crucificado, Prometeo encadenado, los Vedas hindúes de la Himno al amanecer, el canto de las criaturas de San Francisco, etc.

El templo del hombre debía ser un lugar de meditación y meditación. Tenía que ser público, contener salas de exposiciones, salas de conferencias, una biblioteca, un cine. Los edificios fueron diseñados con arquitectos internacionales: Taillens, Bigot y Laprade. Tuvo que extender el eje de los Campos Elíseos entre Porte Maillot y La Défense, pero al final, nunca se realizó.


Funciones oficiales (1933-1944)
En 1933, Landowski tomó la dirección de la Academia de Francia en Roma, comúnmente conocida como "Villa Medici". Así comienza su periodo directivo. Dejó su puesto en 1937 y se hizo cargo de la Ecole des Beaux-Arts en el velatorio, donde trató de orientar la enseñanza hacia el papel social del campo artístico. También experimenta con sus alumnos enseñando 3 artes simultáneas, arquitectura, escultura y pintura, donde previamente cada arte estaba separado. Él cree que esculpir sin tener en cuenta los preceptos de la pintura o, peor, la arquitectura y la herejía. Solo la síntesis de las 3 artes permite que el artista florezca y el éxito de los proyectos artísticos.

Landowski también continúa su trabajo. Si su templo del hombre cambia constantemente, responde a las órdenes de la ciudad de París: la "estatua de Montaigne", situada en la rue des Ecoles (1934), los bajorrelieves de las fuentes de la Porte de Saint Cloud, La tumba del mariscal Foch son obras de Landowski. Él está ganando lentamente una reputación internacional. Además, en 1928 había trabajado para China. En 1931, es Brasil quien se presenta ante él en la persona de da Silva Costa, quien le pide que esculpe a su Cristo Redentor, que debe colocarse en la cima de Corcovado, una colina que domina Río. Este es probablemente su trabajo más conocido, pero también es una originalidad en el hecho de que hizo la estatua de arcilla (en varias piezas, ya que es una estatua monumental) y la envió al Brasil donde fueron reproducidos en concreto. ¡Paul Landoswki es el autor de una estatua que nunca ha visto desde que nunca puso un pie en este país!

En 1941, participó con Paul Belmondo y André Derain en el "Voyage à Berlin". Fue una gira en Alemania de las autoridades nazis que habían invitado a muchos artistas europeos a colaborar intelectualmente con Alemania. Considerados como sospechosos, los participantes de este viaje estaban preocupados durante el proceso de purga realizado con la liberación, sospechoso de colaboración con el enemigo. Pero fueron lavados, logrando demostrar que el propósito de tal viaje era más obtener la liberación de los estudiantes de la Escuela de Bellas Artes y tratar de limitar la intervención alemana en el campo artístico que colaborar realmente. El proyecto de Goebbels para sacar a relucir una nueva Europa.


Sus últimos trabajos (1944-1961)
El eterno regreso
El eterno regreso

Al final de la guerra, Paul Landowski continuará su proyecto del templo del hombre, pero sin poder hacerlo realidad. Tendrá que renunciar definitivamente a su idea y sus obras ya realizadas permanecerán en los lugares que ya les dieron la bienvenida. Por lo tanto, los "Hijos de Caín" todavía son visibles en el Jardín de las Tullerías. El "Porte de la Science" es la entrada a la nueva Facultad de Medicina de París, y el "Himno al amanecer", se encuentra en el Museo de los años treinta. Era una parte del Muro de los Himnos.

También dañará a un "Miguel Ángel" de 3 metros de altura y dará una impresión de voluntad, una "Caída de Ícaro", los "cuatro bailarines camboyanos". En 1956 dirigió "Le retour éternel" en el Père Lachaise Columbarium. Esta escultura se hace eco de los monumentos de guerra de la década de 1920, un período durante el cual destacó el vínculo entre una madre y su hijo. Este "retorno eterno" retoma este tema, que luego aparece un poco como una obra testamentaria.

Paul Landowski murió el 31 de marzo de 1961 en su casa de Boulogne-Billancourt. Tenía 85 años.


Vida privada
Paul Landowski proviene de una familia polaca por su padre y francés por su madre. Es nieto de Henri Vieuxtemps, compositor y violinista. Se casó dos veces. Una primera con Geneviève Nénot (1888-1911), de la que tiene dos hijos: Nadine Landowski (1908-1943, pintora) y Jean Max Landowski (1911-1943), y una segunda con Amélie Cruppi, de la que también tendrá dos hijos, Marcel. Landowski (1915-1999, profesor de música) y Françoise Landowski-Caillet (1917-2007, pintora y pianista). La familia está por lo tanto en el dominio artístico por varias generaciones.



Las obras de Landowski
Aquí hay una lista de las obras de Paul Landowski, la mayoría esculturas. Esta lista no es exhaustiva pero casi. Según lo que era este hombre, algunas de estas esculturas son grandiosas, otras modestas, pero todas tienden a un humanismo que busca reproducir, en relación con la idea de su época de que un artista debe tener un rol social.

Haga clic en los títulos para obtener una descripción y, a veces, una foto de las esculturas que Paul Landowski hizo en el año indicado.
Ha recibido 1 puntos

Vótalo:

Louise Bourgeois

52

Louise Bourgeois

“El arte es garantía de cordura. Es lo más importante que puedo decir”. Estas palabras son un fiel reflejo de lo que la artista Louise Bourgeois (1911-2010) experimentó durante su vida. Considerada una de las creadoras más influyentes, poderosas y profundas de los siglos XX y XXI, Bourgeois no... Ver mas
“El arte es garantía de cordura. Es lo más importante que puedo decir”. Estas palabras son un fiel reflejo de lo que la artista Louise Bourgeois (1911-2010) experimentó durante su vida. Considerada una de las creadoras más influyentes, poderosas y profundas de los siglos XX y XXI, Bourgeois no dejó de trabajar en su imaginario artístico particular hasta prácticamente el día de su muerte, a los 98 años de edad. Fuertemente influenciada por sus experiencias vitales, su infancia y su entorno familiar, su obra despliega un corpus creativo de altísimo nivel que se divide en cientos de formatos, materiales e historias. Las obras de Louise Bourgeois no son mera plástica ni espectáculo vacío: son relatos personales que se extienden a todo el colectivo de seres humanos, exhibiendo de forma impúdica sus sentimientos más profundos para llegar al fondo del espectador. Sus famosísimas arañas, sus perturbadoras celdas y sus poéticos e inquietantes grabados conforman una trayectoria vasta, única y fascinante, que trasciende las fronteras de la razón y la cultura para alcanzar el yo íntimo de quien las contempla y penetra.



Louise Joséphine Bourgeois nace en París en 1911, en una familia estrechamente relacionada con el negocio textil: sus padres poseían una galería y un taller con telares donde se confeccionaban, restauraban y vendían tapices. Esta circunstancia marca profundamente el trabajo de la creadora, que a lo largo de su vida incluirá tejidos, cordeles, lanas y redes en gran parte de sus obras. El entorno familiar que rodea a Louise Bourgeois es acomodado y protector, pero al mismo tiempo inestable: en 1921, su madre Joséphine contrae la gripe española y cae gravemente enferma. Tan solo un año después, la familia contrata a la joven Sadie Gordon Richmond para trabajar como profesora de inglés. Sadie se convierte en la amante de Louis, el padre, y pasa temporadas viviendo en la casa familiar. Esta complicada situación afectará al carácter de Louise, que durante toda su vida experimentará un profundo sentimiento de abandono y un intenso miedo a la pérdida de sus seres queridos.




Con solo 12 años, su padre le pide que empiece a colaborar con el negocio familiar creando dibujos para los tapices. La artista en ciernes combina este trabajo con su educación y con las temporadas que dedica a cuidar de su madre, quien sufre varias recaídas y fallece en 1932. Ese mismo año, Louise se gradúa con honores en Filosofía. La muerte de su madre hace que caiga en una fuerte depresión de la que decide salir a través del arte: deja los estudios y entra en contacto con los talleres que entonces bullían en Montparnasse y Montmartre. En 1938 estudia con Fernand Léger; ese mismo año se desvincula del todo del negocio familiar y abre su propia galería de arte. Es también el año de su matrimonio con el historiador de arte Robert Goldwater, con quien se muda a Nueva York.




Una vez en Norteamérica, Louise Bourgeois se enrola de inmediato en la Art Students League y se interesa por el grabado, técnica que no abandonará durante toda su vida. Durante esos años investiga la tridimensionalidad en el arte: a mediados de la década de los 40 crea su primera serie de esculturas en madera, tótems de formas estilizadas e inquietantes. En 1945 se inaugura su primera exposición en solitario, que tiene lugar en la prestigiosa Bertha Schaeffer Gallery de Nueva York. Son los años del imperio del Expresionismo Abstracto: Bourgeois entra en contacto con los artistas más representativos del movimiento y expone con figuras como Rothko, de Kooning o Pollock. Sin embargo, su obra se mantiene alejada de las encorsetadas propuestas abstraccionistas para mostrar un universo más carnal e inquietante. Louise Bourgeois desarrolló siempre un imaginario periférico a escuelas y tendencias, a las que trascendió creando una trayectoria artistica íntima y fascinante.

Tras la repentina muerte de su padre en 1951, la artista entra en una profunda depresión y empieza a desarrollar instalaciones envolventes relacionadas con sus recuerdos, experiencias y traumas. Es entonces cuando empieza a asistir a sesiones de psicoanálisis, entrando a la vez en un periodo de reclusión. En 1964 sale de su aislamiento para organizar una exposición en solitario, la primera en 11 años: en ella muestra su última obra, orgánica y plástica, y por primera vez incluye el concepto de “guarida” (que más adelante dará lugar a sus impresionantes Cells – Celdas).





La trayectoria artística de Louise Bourgeois parece ensancharse y enriquecerse a partir de 1973. Son los años de sus primeras instalaciones, basadas en el concepto de “lair” (guarida) y que utiliza como herramienta para enfrentarse a sus fantasmas personales. Tras la muerte de su marido, decide utilizar el dolor y el resentimiento enquistados en su interior para crear obras en las que (literalmente) desnuda su yo interior. Es el caso de The destruction of the father (1974), una impresionante instalación que parece reflejar el interior de un órgano vital y que al mismo tiempo reproduce una siniestra cena. El entorno, revestido de formas orgánicas y teñido de una luz roja, destila degradación e incluso “digestión”: es un enfrentamiento directo al recuerdo de su relación con su padre, que obligó a su familia a convivir con su amante (la tutora Sadie, a la que Louise Bourgeois adoraba) e incluso intentó emparejarla con uno de sus amigos (acto que derivó en su primer intento de suicidio).

En el libro Destrucción del padre/Reconstrucción del padre: escritos y entrevistas (1923-1927), la artista describe el doloroso proceso de creación de la obra: “Con The destruction of the father, el recuerdo que evocaba era tan poderoso, y tan duro el trabajo de proyectarlo hacia fuera, que [… ] sentía como si efectivamente hubiese sucedido. Realmente me transformó”.





Reportaje sobre la instalación Confrontation (1978), la performance A Banquet: A Fashion Show of Body Parts (1978) y varios aspectos de la obra de Louise Bourgeois.




Los años de psicoanálisis de Louise Bourgeois se reflejan en muchas de sus obras. Pero es a partir de 1986 cuando empieza a crear ciertas piezas que contienen la esencia de su relación con sus experiencias vitales, el compromiso social y el subconsciente. Son las Cells (Celdas), instalaciones cerradas que cuentan historias en sí mismas y se convierten en experiencias que se filtran en la mente de quien las penetra. La primera, Articulated Lair (Guarida articulada, 1986), será la primera de una serie que comprende unas 60 obras creadas con elementos dramáticos, escenográficos y espacios de interacción. Y con la presencia, siempre, de las emociones. Louise Bourgeois empleó estos espacios para conectar su trabajo con determinados traumas vitales, utilizando esos escenarios como liberación: cuando el espectador entra en ellos y experimenta el mundo subconsciente de la artista, pasa a compartir sus pesadillas.






A mediados de los 90, Louise Bourgeois empieza a explorar otra de sus obsesiones: la araña como madre, depredadora y tejedora. Acudiendo de nuevo a los referentes de su infancia (los telares, la madre enferma y a la vez protectora) y ya octogenaria, la artista empieza a diseñar esculturas con forma de araña que son a la vez terribles y frágiles, destructoras y víctimas. Para ella, la araña representaba “la inteligencia, la productividad y la protección”. Crea esculturas monumentales (como la famosa Maman de 1999, situada junto al Museo Guggenheim Bilbao) y a escala diminuta: seres casi mitológicos con la misión de reconstruir y restaurar. “Vengo de una familia de reparadores”, dijo en una ocasion. “La araña es una reparadora. Si rompes su telaraña, no se altera. Teje y la repara”.






Louise Bourgeois fallece en 2010 a la edad de 98 años, sin dejar de trabajar e investigar hasta los últimos días de su vida. Su obra, vasta y llena de matices, es fundamental para comprender el devenir del arte de los siglos XX y XXI.


Louise Bourgeois vio organizar su primera exposición individual en 1945. Desde entonces, su obra fue recorriendo distintas galerías y museos estadounidenses hasta la llegada del reconocimiento universal. Durante décadas, las exposiciones de su obra se han repartido por todo el mundo y arrastran a miles de visitantes. Hoy siguen despertando un enorme interés, tanto por parte de la crítica especializada como del público.








En el 2007, la Tate Modern de Londres inaugura una gran retrospectiva con la obra de Louis Bourgeois en colaboración con el Centro Pompidou. La muestra viajó después a distintos museos de Estados Unidos.








MAL haya QUIEN mal piense es el título de un dibujo de Louise Bourgeois, que dio nombre a la exposición que organizó La Casa Encendida en 2013. La selección se centró en revisar la obra realizada por la artista durante los últimos 10 años de su vida.










En colaboración con la Fundación BBVA, el museo Guggenheim Bilbao organizó en 2016 una gran exposición de las famosas Cells de la artista (veintiocho instalaciones en total) y del trabajo previo que le llevó a desarrollar estas piezas, plenas de imaginario personal.



Este libro fundamental recoge el imaginario de una joven Louise Bourgeois, tanto en el aspecto plástico y artístico como en el literario. La artista lo construyó en el momento previo a su transición a la escultura, disciplina a la cual llegó a través de sus primeros tótems de madera. Las ilustraciones del libro reflejan la investigación que llevó a Bourgeois a la mencionada transición. El texto, breve e intenso, derivó de un esfuerzo por parte de la artista para difundir su obra y hacerla más conocida a nivel mundial. Si bien en su momento no fue un éxito, hoy día se considera una obra de referencia para comprender su trabajo. La edición no se terminó de completar hasta varias décadas después.



“Cada día, tienes que dejar atrás el pasado o aceptarlo; si no puedes aceptarlo, te conviertes en escultora”. Es una de las muchas reflexiones que aparecen en este libro fascinante, que reúne los pensamientos y textos recogidos por Louise Bourgeois a lo largo de siete décadas. En el volumen también se recogen varias entrevistas que reflejan su concepto del arte, y dan pistas sobre el origen de muchas de sus obras. En sus páginas encontramos algunos de sus pen-thoughts (pensamientos de pluma), ilustraciones que combinan textos con dibujos. Es sin duda uno de los libros imprescindibles para comprender la rica y vasta obra de Bourgeois.



El catálogo de la magnífica exposición que el Museo Guggenheim Bilbao organizó sobre las Celdas de Louise Bourgeois es también un estudio exhaustivo sobre este corpus de obra, fundamental en el trabajo de la artista. El estudio incluye la catalogación completa de cada instalación, así como las claves del proceso creativo que llevó a Bourgeois a diseñar y completar cada una de ellas. En sus páginas encontrarnos un análisis exhaustivo de los conceptos que constituyen la base de su obra: el espacio y la memoria, el pensamiento consciente y el subconsciente, el cuerpo y la arquitectura.
Ha recibido 1 puntos

Vótalo:

César

53

César

César Baldaccini (Marsella, 1 de enero de 1921 - París, 6 de diciembre de 1998) fue un destacado escultor francés; generalmente se le conoce como César. Biografía Nació de padre italianos de clase trabajadora en el barrio de la Belle-de-Mai, en Marsella. Estudió en la Escuela de Bellas Artes... Ver mas
César Baldaccini (Marsella, 1 de enero de 1921 - París, 6 de diciembre de 1998) fue un destacado escultor francés; generalmente se le conoce como César.

Biografía
Nació de padre italianos de clase trabajadora en el barrio de la Belle-de-Mai, en Marsella. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Marsella entre 1935 y 1939 y luego en la de París (1943-1948). Comenzó a hacer esculturas soldando restos de metal en 1952. Se ganó un nombre con esculturas de insectos, varias clases de animales y desnudos. Su primera exposición individual se celebró en la Galería Lucien Durand de París en 1954.

Se casó con Rosine y tuvieron una hija, Anna. Falleció en París en diciembre de 1998. Después de su muerte hubo una amplia disputa sobre su testamento entre su viuda e hija, por un lado, y Stéphanie Busuttil, su compañera al tiempo de su muerte, por otro.

Obra
Estuvo en primera línea del movimiento Nuevo realismo con sus radicales compresiones (automóviles compactados, metal descartado, o basura), expansiones (esculturas de espuma de poliuretano), y representaciones fantásticas de animales e insectos.

Inicialmente usó metal soldado pero, a partir de 1960 experimentó con "compresiones" realizadas con una máquina hidráulica. Para aplastar y comprimir escogió coches, mezclando elementos de vehículos de diferente color. De esta manera podía controlar la superficie y el esquema de color de la pieza. Más tarde, ese mismo año, se unió a los Nouveaux Réalistes (Nuevos realistas) con Arman, Klein, Martial Raysse, Jean Tinguely, Pierre Restany y otros que encontraron su inspiración en la vida urbana.

A partir de 1965 trabajó con plástico, primero con moldes de plástico de huellas humanas, y luego a partir de 1966 vertiendo poliuretano al que se permitía expandir y solidificar ("expansiones").

Es el creador del trofeo César du cinéma que premia a los mejores del cine francés.
Ha recibido 1 puntos

Vótalo:

Jacob Epstein

54

Jacob Epstein

(Nueva York, 1880 - Londres, 1959) Escultor inglés, pionero de la escultura moderna. En 1902 viaja a París, donde estudia en la Academia de Bellas Artes y en la academia Julian hasta 1904. Las visitas al Louvre despiertan su interés por la escultura primitiva y antigua. Tras viajar por el... Ver mas
(Nueva York, 1880 - Londres, 1959) Escultor inglés, pionero de la escultura moderna. En 1902 viaja a París, donde estudia en la Academia de Bellas Artes y en la academia Julian hasta 1904. Las visitas al Louvre despiertan su interés por la escultura primitiva y antigua. Tras viajar por el continente y visitar Florencia, se traslada a Londres en 1905, y dos años después obtiene la nacionalidad británica.


Jacob Epstein

En 1907 recibe su primer encargo: la talla de dieciocho figuras para la sede de la Asociación Médica Británica en Strand. El énfasis en el desnudo y el tema de la procreación ofenden al público y producen escándalo (las figuras fueron mutiladas en 1935).

En 1910 realizó la tumba de Oscar Wilde para el cementerio Père-Lachaise de París. En ella muestra al poeta como un ángel-demonio alado, pero las autoridades se ofenden otra vez por la desnudez de la figura y la cubren de alquitrán. La idea está inspirada en los grandes toros alados asirios del Museo Británico y en el simbolismo exótico del propio Oscar Wilde. Gracias a esta estancia en París, conoce en 1912 a Constantin Brancusi, Pablo Picasso y Amedeo Modigliani.

Al año siguiente se establece en Pett Level, Sussex, y durante un periodo de intensa actividad reliza The Rock Drill, una figura mecanicista de escayola de un hombre montado sobre una taladradora. Es una de las obras capitales de la primera escultura moderna. Sus orígenes están en el cubismo y el futurismo, y tiene afinidades con obras de Umberto Boccioni y con los ready-mades de Marcel Duchamp, que aparecieron en el mismo año.


The Rock Drill

Hay en esta pieza un grado de inspiración e invención que no aparecerá más en la obra de Epstein. El propio Epstein acabaría rechazando esa parte de su imaginación y los motivos que le llevaron a hacer esta escultura unos años más tarde, describiéndola como "una siniestra figura armada de hoy y de mañana... sin humanidad, sólo el terrible monstruo Frankenstein en el que nos hemos convertido".

En 1913 se asocia brevemente con el Vorticismo y expone con el grupo de Londres en 1915 la versión original de The Rock Drill; colabora con dos dibujos en el primer número de la revista vorticista Blast. Al año siguiente expone una versión truncada, sin la taladradora neumática, renunciando con ello a una actitud vanguardista. Sus principales encargos durante los años veinte son Rima (1925) para el W. H. Hudson Memorial, en Hyde Park, y las figuras Noche y Día de 1929 para St. James Park, tras lo cual no recibió ningún otro encargo público en veintidós años.



A partir de entonces realizaría infinidad de retratos en bronce, de los cuales el más conocido es el de Albert Einstein (1933), retratos en los que continua la tradición romántica del naturalismo expresivo en la línea de Auguste Rodin. Entre sus grandes grupos en bronce están Madonna and Child (1951), para el Convent of the Holy Child, y Saint Michael and the Devil (1957) en la Coventry Cathedral.

Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Jacob Epstein. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/e/epstein.htm el 11 de enero de 2020.



Sobre este sitio Contacto Enlácenos Cómo citar Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2020

¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 1 puntos

Vótalo:

Raymond Mason

55

Raymond Mason

Escultor británico nacido en Birmingham, que reflejó el drama diario de la vida en las grandes urbes occidentales. A los 15 años ganó una beca para ingresar a la Birmingham School of Arts and Crafts, antes de ser llamado por el servicio militar. Después de dos años de estar enrolado en la Royal... Ver mas
Escultor británico nacido en Birmingham, que reflejó el drama diario de la vida en las grandes urbes occidentales. A los 15 años ganó una beca para ingresar a la Birmingham School of Arts and Crafts, antes de ser llamado por el servicio militar. Después de dos años de estar enrolado en la Royal Navy, ingresó al Royal College of Art y luego a la Slade School. En 1946 se trasladó a París, donde se familiarizó con las principales figuras artísticas y literarias de ese momento, entre ellos Giacometti, Balthus, Picasso, Dubuffet y Cartier-Bresson, quienes influyeron en la obra del británico. Mason pasó gran parte de su vida en París, donde desarrolló su muy particular estilo de realismo escultórico, en donde ambientes sombríos, figuras espectrales, multitudes apretujadas en las calles, reflejan el acontecer diario en las ciudades, así como conflictos sociales que trastocaban el cotidiano vivir de los ciudadanos, todo a base de resinas epóxicas coloridas y arcilla hábilmente manejadas al grado de representar fielmente los más variados sentimientos y expresiones de los ciudadanos. Considerado un outsider en los círculos artísticos estadounidenses, recibió una mejor acogida en Inglaterra y Francia, donde se realizaron muchas exposiciones del artista. Practicó un arte narrativo que lo ubicó en la línea de artistas como Hogarth, Blake, Stanley Spencer y Bacon. © Daniela Villegas
Ha recibido 1 puntos

Vótalo:

Sean Henry

56

Sean Henry

PAREJA, 2007, bronce, acero, pintura marina, 12.25 x 21 x 6 m, instalación permanente, Newbiggin Bay, Northumberland Sean Henry Studio, 2006 Tim Berners Lee, 2015, bronce, pintura al óleo, 114 cm. John (de pie) 2009, bronce, pintura al óleo, 78 x 30 x 19 cm Mujer (siendo observada... Ver mas
PAREJA, 2007, bronce, acero, pintura marina, 12.25 x 21 x 6 m, instalación permanente, Newbiggin Bay, Northumberland

Sean Henry Studio, 2006

Tim Berners Lee, 2015, bronce, pintura al óleo, 114 cm.

John (de pie) 2009, bronce, pintura al óleo, 78 x 30 x 19 cm

Mujer (siendo observada), 2006, bronce, pintura, 260 x 82 x 74 cm, The Peacock Center, Woking

Figura sentada, Castleton Rigg
Sean Henry (nacido en 1965, Woking, Surrey [1] ) es un escultor británico, con sede en Hampshire, Inglaterra. Su trabajo incluye instalaciones privadas y públicas en muchos lugares de Europa y Estados Unidos. Fusionando las disciplinas de la cerámica con las de la escultura para crear un enfoque nuevo e innovador para representar la figura humana, las figuras pintadas de Henry han ayudado a revivir la larga tradición de la escultura policromada.

Contenido
Vida temprana
Henry creció en Surrey, Inglaterra y estudió en la Escuela de Arte Farnham (ahora Universidad de Artes Creativas ) antes de tomar una licenciatura en cerámica en el Bristol Polytechnic de 1984 a 1987. Fue el artista visitante en la Universidad de California de 1991 a 1992 , y ganó el Premio Villiers David en 1998, convirtiéndose en el primer escultor en ganar el premio. [2] [3]

Obras
Sus obras incluyen Walking Man en el Holland Park de Londres (1998) y Man with Potential Selves en el centro de Newcastle-Upon-Tyne (2001). Las ediciones de Walking Woman se pueden encontrar en Londres, Oslo, Bad Homburg y Colchester, Essex. Completó la primera escultura permanente en alta mar del Reino Unido, Couple , en 2007, una escultura aclamada por la crítica de 13 m de altura ubicada a 300 m de la costa de Northumberland en Newbiggin Bay. Otras obras notables incluyen Standing Man en Estocolmo (2010), Lying Man en los jardines Frederick Meijer y Sculpture Park en Michigan, EE. UU. (2011). Más recientemente, Seated Figure , se puede ver una escultura de 3 m de altura ubicada dentro del Parque Nacional North York Moors (2017).

En 2017-2020, se verán siete obras de Henry instaladas permanentemente en varios lugares de Woking, Surrey, incluido Seated Man (2011) y la poderosa figura de The Wanderer (2013) dentro y fuera de la estación de trenes de Woking. En Jubilee Square, el contemplativo Standing Man (2009) ahora se mezcla con los peatones, y en 2020 el elenco final de Catafalque (2003) se unirá a la colección en la recién terminada Victoria Square.

Henry describe el tema de su trabajo como "la tensión entre la creación y puesta en escena de figuras que parecen pertenecer al mundo real, y el grado en que se hacen eco de nuestras experiencias y simpatías". El historiador del arte Tom Flynn ha dicho que "a través del modelado vigorosamente expresivo Henry imbuye a sus figuras de una poderosa presencia psicológica, el tema de la vida y la muerte un subtexto constante". [2]

La primera exposición individual de Henry fue en Londres en 1988 y desde entonces ha exhibido su trabajo ampliamente en exposiciones individuales y colectivas en el Reino Unido, Estados Unidos, Suecia, Alemania, Holanda, Italia, Australia, Grecia y Suiza.

En 2008, Scala Publishers publicó una monografía completa sobre el trabajo de Henry, escrita por el historiador de arte Tom Flynn. [2] Esto fue seguido en 2011 por una segunda publicación de Scala Conflux: A Union of the Sacred and the Anonymous para marcar la exposición individual de Henry de 22 figuras en la Catedral de Salisbury. [4] [5] [6] En 2015, la National Portrait Gallery de Londres encargó a Henry que creara una escultura de bronce pintada de Sir Tim Berners-Lee, fundador de la World Wide Web. Henry ha estado representado por Osborne Samuel Galler en Londres desde 1999, y por Galleri Andersson Sandström en Suecia desde 2004.

El sitio web www.seanhenry.com incluye muchas imágenes de sus obras.

Obras notables
Figura sentada (2017) North York Moors National Park y The Hills, Queenstown, Nueva Zelanda
Mujer (siendo observada) (2005) Strandvertkat Konsthall, Suecia, Folketheatret, Oslo y Woking Town Centre, Reino Unido
Tim Berners-Lee "(2015) National Portrait Gallery, Londres, Inglaterra
Catafalque (2003/2011) Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park, Michigan, EE. UU., La Fundación Seven Bridges, Connecticut, EE. UU., Y la Universidad de Boras, Suecia
Lying Man (2003/2011) Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park, Michigan, Estados Unidos. [7]
Hombre de pie (2009) Colección de la ciudad de Estocolmo, Estocolmo, Suecia
Walking Woman (2008) Christian Ringes - Ekeberg Sculpture Park, Oslo, Noruega
Instalación de varias figuras (2008) Standard Chartered Bank, Londres, Reino Unido.
Pareja (2007) Newbiggin-by-the-Sea, Northumberland, Reino Unido. [8]
Locura (The Other Self) 2007–2011) Cass Sculpture Foundation, Goodwood, Sussex, Reino Unido
Lugar de encuentro (2003) Paddington Central Development, Londres, Reino Unido
Man with Potential Selves (2003) Newcastle City Collection, Newcastle upon Tyne, Reino Unido, Le Meridien Cumberland Hotel, Marble Arch, Londres, Reino Unido y Umedalen skulpturepark, Umea City Collection, Umea, Suecia
Dos figuras (2003) Sheldon Square, Paddington Basin, Londres, Reino Unido.
TPOLR (2002) The Seavest Collection, Florida, EE. UU.
Ben (Ideas sin resolver) (2001) Museo de Arte de la Universidad de Virginia, Charlottesville, VA, EE. UU.
Walking Man (1998) Holland Park, Royal Borough of Kensington & Chelsea, Londres, Reino Unido.
Difícil de tragar (1991) Museo de la Universidad Estatal de Arizona, Arizona, EE. UU.
Libros y catálogos
Howard Jacobson 'TIME BEING' Osborne Samuel, 64p, 210 x 260 mm 2016
Aidan Dunne 'SEAN HENRY' Forum Gallery, Nueva York, 28 p, 216 x 280 mm, 2015
Sean Henry, Tom Flynn 'Aidan Dunne' SEAN HENRY 'Galleri Andersson Sandström, Suecia, 36 p, 210 x 210 mm, 2014
Peter Osborne, Tom Flynn, Sean Henry 'SEAN HENRY EN GLYNDEBOURNE' Osborne Samuel, 36p, 235 x 180 mm, 2013
Ann Elliot 'EL CAMINO ES' Osborne Samuel, 46 p, 280 x 220 mm, 2012
Richard Cork, Tom Flynn 'CONFLUX: SEAN HENRY EN LA CATEDRAL DE SALISBURY' Scala Publishers Reino Unido, 72 p, 330 x 250 mm, 2011
Mark Lawson, Anna Woodford 'PAREJA' Inspire Northumberland, 60 p, 260 x 190 mm, 2008
Tom Flynn 'SEAN HENRY' Scala Publishers, Reino Unido (tapa dura) 160 p, 280 x 240 mm, 2008
Tom Flynn 'NUEVA ESCULTURA Y DIBUJO' Osborne Samuel, 24 p, 280 x 160 mm, 2008
PRESENCIA 'Galerie Von Braunbehrens, Alemania (tapa dura) 104 p, 300 x 230 mm, 2007
Tom Flynn 'Tú no eres el mismo' Forum Gallery, Nueva York, 34 p, 280 x 190 mm, 2006
Judith Bouwknegt 'SEAN HENRY: ITALIA' Kunsthandel Frans Jacobs, Holanda (tapa dura) 52 p, 270 x 165 mm, 2005
Jack Turner, Elspeth Moncrieff 'AQUÍ Y AHORA' Osborne Samuel, 56 p, 240 x 190 mm, 2004
Norbert Lynton, Barbara S. Krulik 'ESCULTURA Y DIBUJOS' Berkeley Square Gallery, 48 p, 280 x 215 mm, 2001
Ann Elliot 'A PILGRIMMAGE' The Air Gallery, Londres, 24 p, 210 x 210 mm, 1999
Edward Lucie Smith, Beatrice Buscaroli, David Hart, Paul Durcan 'EL CENTRO DEL UNIVERSO' Circle Delgi Artisti, Faenza, Italia (tapa dura) 63 p, 295 x 220 mm, 1998
Ha recibido 1 puntos

Vótalo:

Escopas

57

Escopas

(Escopas o Scopas; Paros, actual Grecia, s. IV a. C.) Escultor griego. Junto con Praxíteles y Lisipo, se le considera la tercera gran figura de la escultura griega del periodo posclásico (siglo IV a.C.). Escopas nació en la isla griega de Paros, y trabajó en la península helénica y en las... Ver mas
(Escopas o Scopas; Paros, actual Grecia, s. IV a. C.) Escultor griego. Junto con Praxíteles y Lisipo, se le considera la tercera gran figura de la escultura griega del periodo posclásico (siglo IV a.C.).

Escopas nació en la isla griega de Paros, y trabajó en la península helénica y en las ciudades griegas de Asia menor. Los escasos testimonios sobre su vida se deben a los cronistas clásicos. Así, el geógrafo e historiador griego Pausanias relata que Escopas llevó a cabo la reconstrucción del templo de Atenea Alea en Tegea (Arcadia), del cual se conservan fragmentos de ambos frontones, en los que se relataba la Caza del jabalí de Calidón y el Combate entre Aquiles y Telefo.


Meleagro y el jabalí de Calidón, de Escopas

Por su parte, el romano Plinio el Viejo le atribuye los relieves de una columna en el templo de Artemisa en Éfeso. Se sabe asimismo que, alrededor del 350 a.C., cuando era ya un artista consagrado, le fue encomendada a Escopas, junto con Timoteo, Briaxis y Leócares, la decoración escultórica del Mausoleo de Halicarnaso, construcción funeraria erigida en honor del rey Mausolo que fue una de las siete maravillas del mundo antiguo.

Entre las piezas escultóricas cuya paternidad se atribuye a Escopas, conservadas en copias del período helenístico, se encuentran el grupo de las Nióbides, que representa el sacrificio de las hijas de Níobe, y Meleagro y el jabalí de Calidón. Constituye una magnífica síntesis de su estilo la famosísima Ménade, una danzante que encarna el movimiento y la gracia.

Más interesado por mostrar el estado anímico que el físico, Escopas creó unas figuras agitadas, representadas en un movimiento convulso, y puso en los rostros una expresión de gran patetismo acentuada por los ojos profundamente hundidos y la boca entreabierta. En sus obras se advierte un estilo de gran originalidad, caracterizado por el trazo nervioso, la fastuosidad de los drapeados y una considerable intensidad dramática. Con este innovador tratamiento, Escopas abandona la idealización característica del clasicismo y anticipa la carga emocional propia de la escultura helenística.



Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Escopas. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/e/escopas.htm el 12 de enero de 2020.



Sobre este sitio Contacto Enlácenos Cómo citar Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2020

¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 1 puntos

Vótalo:

Pietro Lombardo

58

Pietro Lombardo

Arquitecto y escultor italiano nacido en la ciudad suiza de Carona (Ticino). Padre de los también escultores Tullio Lombardo (1455-1532) y Antonio Lombardo (1458-1516), su formación la realizó en la región de la Toscana, trasladándose más tarde a Venecia. En ésta ciudad se especializó en la... Ver mas
Arquitecto y escultor italiano nacido en la ciudad suiza de Carona (Ticino). Padre de los también escultores Tullio Lombardo (1455-1532) y Antonio Lombardo (1458-1516), su formación la realizó en la región de la Toscana, trasladándose más tarde a Venecia. En ésta ciudad se especializó en la realización de monumentos funerarios para infinidad de iglesias, y en los que intervinieron también sus hijos. Los más importantes serían las tumbas del poeta Dante Alighieri, Pasquale Malipiero y Pietro Mocenigo. Como arquitecto sus edificios más destacados son, la iglesia de Santa María dei Miracoli (1489), la iglesia de San Giobbe (1493) y la Escuela Grande de San Marcos (1495), todas ellas en Venecia. © epdlp
Ha recibido 1 puntos

Vótalo:

Andrea del Verrocchio

59

Andrea del Verrocchio

(Andrea di Michele Cioni; Florencia, 1435 - Venecia, 1488) Orfebre, escultor y pintor italiano. La celebridad del artista florentino Andrea del Verrocchio se debe fundamentalmente a su obra escultórica, que prosiguió la tradición naturalista iniciada por Donatello dentro de un mayor interés por... Ver mas
(Andrea di Michele Cioni; Florencia, 1435 - Venecia, 1488) Orfebre, escultor y pintor italiano. La celebridad del artista florentino Andrea del Verrocchio se debe fundamentalmente a su obra escultórica, que prosiguió la tradición naturalista iniciada por Donatello dentro de un mayor interés por la gracilidad y ligereza de la pose.

Andrea Cioni, verdadero nombre de Verrocchio, nació en Florencia en 1435. Aunque su vida es poco conocida, se sabe con certeza que estudió orfebrería y pintura con Giuliano Verrocchi (de quien tomó su nombre) y Alesso Baldovinetti, respectivamente, y escultura con Antonio Rossellino y, según algunos autores, Donatello.

Aunque no se conservan obras de sus primeros años, debió de poseer notable prestigio, pues en 1665 creó un taller de escultura que aceptaba también encargos de pintura y orfebrería, y un año más tarde, a raíz de la muerte de Donatello, se convirtió en el artista preferido de la familia Médicis. Su primer trabajo importante fue de hecho la construcción del mausoleo de Juan y Pedro de Médicis en la iglesia de San Lorenzo, que realizó en 1472 con una lujosa ornamentación de mármol y bronce.

Durante los últimos años de su vida Verrocchio desarrolló una intensa actividad escultórica, entre cuyos logros más notables cabe citar el monumento al cardenal Niccolò Forteguerri de la catedral de Pistoia, la delicada Dama del ramillete en mármol y el grupo conocido como Cristo y Santo Tomás.


Dama del ramillete (c.1478), de Andrea del Verrocchio

Mención aparte merecen dos obras inspiradas en modelos de Donatello: un David en bronce de apariencia soñadora ejecutado antes de 1476 y la monumental estatua broncínea del condottiere veneciano Bartolomeo Colleoni a caballo, terminada tras su muerte por Alessandro Leopardi y erigida en Venecia en 1496, que, si no posee la intensidad trágica del Gattamelata de Donatello, constituye con éste, por su extraordinaria sensación de vitalidad y movimiento, el principal monumento ecuestre del Renacimiento italiano.

Menor interés posee su pintura, si bien tuvo discípulos de la talla de Perugino, Lorenzo di Credi y Leonardo da Vinci; su cuadro más conocido, el Bautismo de Cristo (1474-1475), debe en buena medida su fama a dos figuras de ángeles que se atribuyen a la mano de Leonardo.

Obra escultórica

Como Antonio Pollaiuolo, Andrea del Verrocchio se formó como orfebre pero, a diferencia de aquél, cambió pronto de oficio para dedicarse de lleno a la escultura. Según los autores se le sitúa de aprendiz en el taller de Donatello o como socio de Desiderio da Settignano en el monumento Marsuppini, aunque lo más probable es que frecuentara a los hermanos Rossellino. En todo caso, se reveló pronto como un artista de extraordinaria versatilidad técnica, que pudo desarrollar gracias a la protección de los Médicis. Figuraba a la cabeza de un taller en el cual se acometían trabajos tanto de escultura y pintura como se realizaban armaduras o retablos. Durante varios años los obradores de Pollaiuolo y Verrocchio mantuvieron una rivalidad que fue en alto grado fructífera para la Florencia del último tercio del siglo.

La primera gran obra en la producción de Verrocchio, y una de las de mayor audacia por su sencillez, es la tumba de Juan y Pedro de Médicis en San Lorenzo (1472). En vez de seguir los modelos monumentales de sus antecesores, reservados para los miembros de las ricas familias patricias, escogió como prototipo los modestos sarcófagos sin figuras destinados a las gentes menos acaudaladas. En ausencia de ostentosas estructuras arquitectónicas o grandes grupos escultóricos, son los materiales sabiamente combinados los que consiguen bellos efectos ornamentales: el sarcófago de mármol con follaje de bronce en las esquinas y con laterales de pórfido rojo (verde para los medallones) se apoya sobre una plataforma de mármol que descansa sobre dos pequeñas tortugas, y el conjunto queda enmarcado por una reja de bronce. Por el contrario, en el cenotafio Forteguerri, comenzado en 1477 para la catedral de Pistoia, Verrocchio concibió un amplio despliegue de figuras que desgraciadamente no pudo terminar, y fue maltratado con torpes añadidos en los siglos XVI y XVIII.


David (c. 1473-75)

Es célebre su David de bronce (Museo del Bargello, Florencia), realizado entre 1473 y 1475, de tamaño ligeramente menor que el de Donatello. La representación de David como un joven héroe triunfante sobre el gigante filisteo Goliat es un motivo recurrente en el arte del Renacimiento, quizás porque su figura fue considerada por los artistas muy adecuada para encarnar los nuevos valores humanistas. El joven pastor aparece representado con unos rasgos finos, elegantes y un tanto andróginos, al tiempo que muestra una expresión altanera y desdeñosa, como si se sintiera orgulloso de haber dado muerte a Goliat, cuya cabeza cortada yace a sus pies.


Amorcillo con delfín

Anteriormente (1470) había fundido el Amorcillo con delfín (1478-1479, Palazzo Vecchio, Florencia), pensado para coronar una fuente en la villa medicea de Careggi; es un delicioso niño que presenta un movimiento espiral con numerosos perfiles, precedente de la figura serpentinata (que gira sobre su propio eje y que se impondrá en el siglo XVII).

Dieciocho años, desde 1465 hasta 1483, tardó en acabar el grupo de Cristo y Santo Tomás, también llamado Incredulidad de Santo Tomás, para uno de los tabernáculos exteriores de Orsanmichele, un impresionante bronce lleno de contrastes, con drapeado claroscuro y líneas oblicuas, que es una de sus obras maestras. No sería difícil encontrar en el repertorio de Donatello las esculturas que han inspirado estos trabajos, pues Verrocchio se propuso siempre adaptar los más célebres temas del maestro, para lo cual siguió un camino intermedio entre el trazo marcado y a veces duro de éste y la tersura plana y sutil de Desiderio da Settignano.


Cristo y Santo Tomás, de Verrocchio

La frontalidad y la centralidad que habían dominado hasta entonces el retrato en busto fueron transformadas por Verrocchio en un continuo escultórico en el que se multiplican los planos de la figura y surge una significación nueva a partir de inusitados rasgos de carácter. La Dama con ramillete (h. 1478, Museo del Bargello, Florencia), de ricas transparencias, incluye por primera vez las manos en una escultura de estas características, y en el retrato de Giuliano de Médicis (National Gallery of Art, Washington) contrasta el enérgico relieve de la armadura con el rostro del personaje, que dirige vivazmente su atención hacia un punto situado fuera del alcance del espectador.

A partir de 1481-1488 se le encargó en Venecia la realización del monumento al condottiere Bartolomeo Colleoni, grandiosa estatua ecuestre para cuya concepción partió, como Donatello para su Gattamelata, del Marco Aurelio (siglo II d.C.) del Museo Capitolino. Verrocchio, como es habitual, da otra vuelta de tuerca al ejercicio donatelliano aumentando el tamaño del jinete e imprimiéndole su característico giro en el torso, al tiempo que trata de reproducir el movimiento del corcel por medio del insuperable plasticismo de la musculatura y la posición más activa de las patas, con lo que supera la apariencia, un tanto estática, del Gattamelata.



Como al morir el autor en 1488 aún no se había fundido el monumento, se propuso la tarea a su alumno y heredero el pintor Lorenzo di Credi, que la rechazó; se encargó de ello Alessandro Leopardi en 1490. El acabado final en frío de esta magna estatua ecuestre no se debe, por tanto, a Verrocchio, lo que no impide apreciar la magnitud de su concepción. Es comprensible que su más destacado discípulo, Leonardo da Vinci, la tomase como modelo para el monumento Sforza, que desgraciadamente nunca se realizó.

Obra pictórica

Andrea del Verrocchio adquirió su formación pictórica a través de Alesso Baldovinetti, del que heredó la preocupación por las gradaciones tonales del paisaje, aunque sus preocupaciones pictóricas eran más acordes con las de Antonio Pollaiuolo en lo que se refiere al estudio de anatomías y a la ejecución mediante un dibujo duro e incisivo. Bien es cierto que Verrocchio aportó algunas soluciones técnicas y consiguió nuevos efectos lumínicos procurando dar mayor relieve plástico a sus figuras, lo que se derivaba ciertamente de su experiencia como escultor.


Bautismo de Cristo (c.1475)

Su actividad pictórica se desarrolló durante diez años, entre 1470 y 1480. Como obra más significativa debe señalarse el Bautismo de Cristo (Galería de los Uffizi, Florencia), realizado hacia 1475. Al parecer Verrocchio completó un cuadro sin terminar, y uno de sus discípulos más aventajados, Leonardo da Vinci, pintó las dos figuras infantiles de la izquierda. Los cuerpos y ropajes de Jesucristo y San Juan Bautista están poderosamente trabajados, con un modelado seco y casi metálico apenas atenuado por algún refinado claroscuro. No obstante, en el dulcísimo ángel de la izquierda que sostiene la túnica de Cristo y en el luminoso y mórbido paisaje del fondo parece detectarse, efectivamente, la intervención del joven Leonardo.


Virgen con San Juan Bautista y San Donato (c.1478)

Más explícito es el estilo de Verrocchio en la Virgen con San Juan Bautista y San Donato (catedral de Pistoia), retablo realizado hacia 1478 que presenta una composición de una sencilla amplitud, un delicado paisaje y figuras de espléndido modelado. En esta obra colaboró Lorenzo di Credi (1459-1537), uno de sus alumnos y principal ayudante para los encargos pictóricos. En este sentido, no es fácil dilucidar qué partes corresponden a su mano de las dos madonas que se le atribuyen (National Gallery, Londres; Staatliche Museen, Berlín), ya que el fino modelado, que imita el brillo del bronce y acentúa el efecto de relieve, fue perfectamente asimilado por su discípulo.

Lorenzo di Credi pintó en su juventud obras importantes como Venus y una Anunciación (h. 1485, Galería de los Uffizi, Florencia) o la Virgen con el Niño y San Juan Niño (h. 1485, Galería Borghese, Roma), basándose en el estilo de su maestro pero fundiendo eclécticamente características de Perugino o Botticelli. También se interesó por el refinamiento del arte flamenco y por el naturalismo leonardesco, y a partir de 1500 realizó casi exclusivamente impecables y minuciosas tablas de tema sacro. También los mencionados Botticelli, Perugino y Leonardo fueron alumnos de Verrocchio, lo cual da idea de su trascendencia como personalidad dinamizadora y aglutinante de fermentos pictóricos en la etapa postrera del Renacimiento temprano, tendencias que se consolidarán y conformarán las líneas maestras del Cinquecento.

Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Il Verrocchio. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/v/verrocchio.htm el 12 de enero de 2020.



Sobre este sitio Contacto Enlácenos Cómo citar Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2020

¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 1 puntos

Vótalo:

Luca della Robbia

60

Luca della Robbia

Conocido por perfeccionar la técnica de la terracota esmaltada. Obras: La Puerta de Bronce de la Catedral de Florencia, Cantoría de la Catedral de Florencia, Madonna con el Niño y dos ángeles... Género: Escultura, ceramica, joyería Periodo: Renacimiento Luca della Robbia nació el 22 de... Ver mas
Conocido por perfeccionar la técnica de la terracota esmaltada.
Obras: La Puerta de Bronce de la Catedral de Florencia, Cantoría de la Catedral de Florencia, Madonna con el Niño y dos ángeles...
Género: Escultura, ceramica, joyería
Periodo: Renacimiento

Luca della Robbia nació el 22 de diciembre de 1400 en Florencia.

Criado el seno de una familia de tintoreros (robbia significa "granza" en toscano, palabra que designa a una planta usada para el teñido).

Desde una edad muy temprana aprendió orfebrería en el taller de Leonardo di ser Giovanni, dedicándose al dibujo y a modelar con cera.




En 1414 ingresó al taller de Nanni di Banco, con el que colaboró en la Assunta para la puerta Mandorla de la Catedral de Florencia. Después de la muerte de su maestro, Nanni di Banco (1421 ), se mudó al taller de Donatello donde se hizo amigo de Filippo Brunelleschi.

Vinculado al clasicismo más puro, se caracterizó por un gran rigor formal y gran atención a los acabados y detalles. Reconocido por perfeccionar la técnica de la terracota esmaltada, dando lugar a una producción exitosa por la combinación de pintura y escultura y con una extraordinaria resistencia a la intemperie.

Sus obras, como las refinadas Madonnas, retratos en forma de bustos y escenas sagradas, a menudo tienen la belleza y el poder expresivo de las obras contemporáneas de otros grandes artistas como Donatello.

Entre sus obras más destacadas figuran: "Cantoría de la Catedral de Florencia", realizada en mármol entre 1431-1438; Medallones de Campanille (1437-1439); La Puerta de Bronce de la misma Catedral en 1446; Tabernáculo para Santa María Novella en la Colegiata de Peretola; Madonna con el Niño y dos ángeles, de la Vía del Agnolo (Museo Nacional del Bargello - Florencia).




Luca della Robbia falleció en febrero de 1482 en Florencia. Fue enterrado en San Pier Maggiore, una iglesia demolida en 1783.
Ha recibido 1 puntos

Vótalo:

Lorenzo Ghiberti

61

Lorenzo Ghiberti

(Florencia, 1378-id., 1455) Escultor y orfebre italiano. Comenzó su actividad artística como orfebre, pero fue una personalidad modesta hasta 1401, cuando participó con El sacrificio de Isaac en el concurso para la realización de las segundas puertas (o puertas norte) del baptisterio de... Ver mas
(Florencia, 1378-id., 1455) Escultor y orfebre italiano. Comenzó su actividad artística como orfebre, pero fue una personalidad modesta hasta 1401, cuando participó con El sacrificio de Isaac en el concurso para la realización de las segundas puertas (o puertas norte) del baptisterio de Florencia, en el que resultó ganador, imponiéndose, entre otros, a Brunelleschi.

Este hecho marcó su vida, ya que una obra de tal envergadura requirió la creación de un importante taller que sería el principal de Florencia a lo largo de medio siglo; en él se formaron destacadas figuras como Donatello, Michelozzo, Uccello, Masolino y Filarete. Las puertas norte, realizadas de 1403 a 1424, incluyen veinte episodios de la vida de Jesucristo y ocho figuras de santos, talladas con el estilo elegante y minucioso, lleno de detalles, que caracteriza la escultura gótica.

En esta tarea, Ghiberti fue auxiliado, entre otros, por pintores como Masolino y Uccello y por escultores como el joven Donatello. El sacrificio de Isaac, con el que había participado en el certamen, es representativo de un estilo suave que hunde sus raíces en el naturalismo tardomedieval, aunque no vuelve la espalda a las formas clásicas; gracias a su esmerada formación como orfebre había alcanzado un refinamiento que fue elogiado por Vasari. Mientras ejecutaba las puertas pudo llevar a cabo una serie de trabajos notables, como los tabernáculos con San Juan Bautista, San Mateo y San Esteban para la iglesia de Orsanmichele o el Bautismo de Jesús y El Bautista frente a Herodes, bajorrelieves en bronce dorado para la pila bautismal de Siena.


Plafón con la historia de Abraham en las puertas del
Paraíso (puerta este del Baptisterio de Florencia)

En 1425, el gremio de comerciantes de Florencia, satisfecho con su trabajo, le pidió que se ocupara también de las puertas este, que centraron su actividad hasta 1452. Sus diez grandes plafones de bronce dorado representan escenas del Antiguo Testamento en un estilo que nada tiene que ver con el anterior, por sus figuras poderosas, construidas sobre fondos de paisaje en los que se aplican con rigor las reglas de la perspectiva renacentista. Son, pues, estas puertas una obra típica ya del Renacimiento y que gozó de merecida fama en su tiempo, hasta el punto de que muchas grandes figuras del arte viajaron a Florencia para admirarlas. Vasari relata que Miguel Ángel las consideró dignas de ser las puertas del Paraíso, nombre con el que se las designa habitualmente.

Las diferencias en el estilo de ambas puertas son, ciertamente, tan notorias como significativas. Si en las puertas norte había tratado la vida de Cristo, en las puertas del Paraíso Ghiberti desplegó diez escenas del Antiguo Testamento según un programa establecido por el humanista Leonardo Bruni. En vez de recurrir a la división en medallones cuadrilobulados, tal como había hecho Andrea Pisano y él mismo en la anterior, Ghiberti adoptó la división en paneles separados por bandas, que incluyen nichos con pequeñas figuras y medallones con cabezas, una de las cuales es su autorretrato. Las figuras se destacan suavemente de un fondo de finas arquitecturas por medio de un modelado magistral, mientras una multitud de detalles enriquece cada una de las escenas.

En las puertas del Paraíso, Ghiberti se despojó de su dependencia respecto al arte tardomedieval y asumió conscientemente los principios de la representación en perspectiva, sobre todo en lo que respecta a las composiciones, aunque sigue practicando una escultura ondulante, minuciosa y exquisita. Se produce así una lograda fusión de los valores del mejor gótico lineal con el naturalismo clasicista del primer Renacimiento. Además, a pesar del idealismo que emana de sus figuras, aparece en los fondos todo un repertorio de formas arquitectónicas renacentistas, semejante al de Brunelleschi en las puertas norte y más cercano al lenguaje de Leon Battista Alberti en las del Paraíso. Algo parecido ocurría en el tabernáculo de San Mateo en Orsanmichele, que a pesar de su delicada estructura gótica puede considerarse esencialmente clásico.

Al final de su vida, hacia 1447, Ghiberti comenzó a escribir los tres libros que componen sus Comentarios, tratado en el que quiso dejar claro cuáles habían sido sus convicciones estéticas. Después de examinar, en el primero, los textos antiguos de Plinio el Viejo y Vitruvio y de tratar, en el tercero, cuestiones de óptica, anatomía y proporciones, escribe en el segundo la que puede considerarse primera historia del arte moderno. Cuando habla de la pintura italiana ensalza las figuras de Giovanni Cimabue, Duccio di Buoninsegna o Giotto, pero a la hora de ocuparse de la escultura pasa de puntillas por artistas de la talla de Nicola y Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio o Tino di Camaino. Ello se debe a que, desde su punto de vista, el cambio que había tenido lugar en la pintura no había acontecido en la escultura hasta su propia época. Ghiberti pretendió siempre establecer un nexo entre el arte medieval y el antiguo. Probablemente, su fórmula hubiera sido duradera de no haber aparecido otros artistas más decididos que él a romper, definitivamente, con la abstracción gótica en la escultura.



Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Lorenzo Ghiberti. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/ghiberti.htm el 12 de enero de 2020.



Sobre este sitio Contacto Enlácenos Cómo citar Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2020

¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 1 puntos

Vótalo:

Felice Casorati

62

Felice Casorati

Felice Casorati (4 de diciembre de 1883 - 1 de marzo de 1963) fue un pintor, escultor y grabador italiano . Las pinturas por las que más se destaca incluyen composiciones de figuras, retratos y bodegones, que a menudo se distinguen por efectos de perspectiva inusuales. Vida y obra Casorati... Ver mas
Felice Casorati (4 de diciembre de 1883 - 1 de marzo de 1963) fue un pintor, escultor y grabador italiano . Las pinturas por las que más se destaca incluyen composiciones de figuras, retratos y bodegones, que a menudo se distinguen por efectos de perspectiva inusuales.

Vida y obra
Casorati nació en Novara . Mostró una temprana pasión por la música, pero abandonó su estudio de piano después de una grave enfermedad y se interesó por el arte. [1] Para complacer a su madre, estudió derecho en la Universidad de Padua hasta 1906, pero su ambición de ser pintor se confirmó en 1907 cuando se mostró una pintura suya en la Bienal de Venecia . Las obras que produjo en los primeros años de su carrera fueron de estilo naturalista, pero después de 1910 la influencia de los simbolistas y particularmente de Gustav Klimt lo convirtió en un enfoque más visionario. En 1915 realizó una exposición individual en la Secesión III de Roma, donde mostró varias pinturas y la primera de sus esculturas en terracota barnizada. [2] Su servicio militar en la Primera Guerra Mundial comenzó ese año y duró hasta su salida del ejército después de la muerte de su padre en 1917. [3]

En 1918, "intrigado por la atmósfera decadente de Turín con sus siniestras opiniones", se instaló allí con su madre y sus dos hermanas. [3] Sus obras de la próxima década tipifican, en su énfasis en la geometría y la claridad formal, el " retorno al orden " que prevaleció en las artes como reacción a la guerra. Aunque muchos críticos encontraron su trabajo frío, cerebral y académico, Casorati logró el reconocimiento internacional como una figura destacada en este movimiento. [4] A menudo trabajando en temple , Casorati se inspiró en su estudio de maestros del Renacimiento , especialmente Piero della Francesca , como en su retrato de 1922 titulado Silvana Cenni . [5] Esta composición simétrica de una mujer sentada con un vestido blanco es quizás la más conocida de las obras del artista. [5] En él, la representación cuidadosa de los volúmenes resulta paradójicamente en un sentido de irrealidad que es característico del arte de Casorati.

En 1925, Raffaello Giolli resumió los aspectos desconcertantes del arte de Casorati: "Los volúmenes no tienen peso y los colores no tienen cuerpo. Todo es ficticio: incluso los vivos carecen de vitalidad nerviosa. El sol parece ser la luna ... nada es fijo o definitivo ", y argumentó que estas mismas cualidades le dan a su obra su originalidad y lo conectan con los pintores metafísicos . [6] Casorati mismo escribió, en 1931: "Al abordar, contra mí, la vieja polémica del clasicismo y el romanticismo, la gente se rebela contra el orden intelectualizado y escolástico, acusa a mi arte de ser poco sincero y deliberadamente académico, en una palabra, de ser neoclásico ... ya que mi arte nace, por así decirlo, desde adentro, y nunca tiene su origen en cambiar "impresiones", es bastante natural que ... las formas estáticas, y no las imágenes fluidas de la pasión, deban reflejarse en mis obras ". [5]

Brevemente arrestado en 1923 por su participación en un grupo antifascista , Casorati posteriormente evitó antagonizar con el régimen. A partir de 1923, abrió su estudio a los jóvenes estudiantes de arte de Turín, [3] y a artistas italianos emergentes como Quinto Martini y pintores del Gruppo dei Sei (Grupo de los Seis). En 1925, una de sus estudiantes fue Daphne Mabel Maugham , más tarde su esposa. [7] Uno de sus últimos estudiantes fue el pintor italiano Enrico Accatino . Su obra Carità di San Martino , 1939, se encuentra en el Museo cantonale d'arte de Lugano . [8] Después de 1930, la severidad del estilo anterior de Casorati se suavizó un poco y su paleta se iluminó. Continuó exhibiendo ampliamente, ganando muchos premios, incluido el Primer Premio en la Bienal de Venecia de 1938. También participó en el diseño de escenarios. Murió en Turín en 1963.

La mayoría de las obras importantes de Casorati se encuentran en colecciones italianas, públicas y privadas, incluido el Museo de Arte Moderno Revoltella en Trieste y Galleria Nazionale d'Arte Moderna .
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Mario Merz

63

Mario Merz

Mario Merz (Milán, 1 de enero de 1925 - Turín, 9 de noviembre de 2003) fue un artista italiano relacionado con el arte povera. Empezó a dibujar durante la Segunda Guerra Mundial, cuando fue apresado por sus actividades con el grupo antifascista Giustizia e Libertà. En los años sesenta, la... Ver mas
Mario Merz (Milán, 1 de enero de 1925 - Turín, 9 de noviembre de 2003) fue un artista italiano relacionado con el arte povera.

Empezó a dibujar durante la Segunda Guerra Mundial, cuando fue apresado por sus actividades con el grupo antifascista Giustizia e Libertà. En los años sesenta, la obra de Merz, con energía, luz y materia, lo colocó dentro del movimiento que Germano Celant llamó arte povera, que, junto con el futurismo, permanece como uno de los más influyentes movimientos de arte italiano en el siglo XX. Es famoso, sobre todo, por sus iglúes formados con materiales diversos, que comenzó a confeccionar en 1968.

Este artista utilizó de forma frecuente la sucesión de Fibonacci en muchas de sus obras desde la década de los 70, con elementos diferentes (neones,mesas,animales,periódicos...) y en formatos variados. Así como los números de Fibonacci apuntan al infinito y describen un crecimiento progresivo a partir de la suma de las cifras anteriores, Merz utiliza la famosa sucesión para simbolizar el arte y el progreso social. Fue una importantísima influencia artística para el director de cine y artista plástico Hugo Sofovich, aunque esa faceta del cineasta siga siendo poco conocida.

Obras
La obra más famosa de Merz, la que realmente escapa al concepto tradicional de escultura para situarse en el terreno de una ambigüedad manifiesta, es Iglú de Giap (1968). A partir de la primera versión, Merz recurriría, en distintas épocas, a la misma estructura, la del casquete semiesférico, para trabajarla en materiales distintos, destinados a ámbitos diversos. El significado del iglú dentro de la trayectoria artística de Merz fue esencial, pues le permitió expresar de modo sintético su pensamiento plástico. Desde un punto de vista simbólico es una toma de posición política, su deseo de no acceder ni a lo anecdótico ni a lo teatral, el carácter del iglú puede asociarse al de la cúpula, con todo lo que ello representa. Observado como configuración geométrica, posee un carácter marcadamente racional que choca con el primitivismo inherente a la construcción de los nómadas esquimales. Merz no sólo se interesó por estos aspectos constructivos, sino que logró mostrar, a través de los materiales utilizados, que su preocupación también residía en la noción espacial. Con el tema del iglú, Merz permite que el observador comprenda cuán importante es el espacio exterior, en unas ocasiones, y, en otras, cuán significativo resulta el espacio interior. Aunque Mario Merz emplease materiales nuevos, como los tubos de neón, las baterías acumuladores, no dejó de utilizar otros materiales que ya tenían una tradición en el arte del siglo xx, como los que aparecen en el citado Iglú de Giap (los saquitos de arena y el armazón metálico sobre los que los situó).
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Marino Marini

64

Marino Marini

Marino Marini (Pistoia, Toscana, 1901 - Milán, 1980) fue un escultor y pintor italiano. Trayectoria Marino Marini, nacido con el siglo XX, inició su formación artística en la Academia de Bellas Artes de Florencia, donde hay en la actualidad un amplio museo de su nombre y con su obra de... Ver mas
Marino Marini (Pistoia, Toscana, 1901 - Milán, 1980) fue un escultor y pintor italiano.

Trayectoria
Marino Marini, nacido con el siglo XX, inició su formación artística en la Academia de Bellas Artes de Florencia, donde hay en la actualidad un amplio museo de su nombre y con su obra de pintura y escultura.

Desde 1929, Marini se dedicó a viajar por el mundo. Por otro lado impartió clases de su especialidad hasta 1940 en en Monza, y, desde 1940, en la Academia de Brera en Milán. En 1952 le concedieron el premio de la Bienal de Venecia.

Obras
En 1930, establecido ya en el territorio de la escultura, realizaba figuras humanas de mucha envergadura, generalmente mujeres o acróbatas en bronce. A partir de 1935, Marini sin embargo descubrió los temas que dominarían sus trabajos de madurez: la escultura arcaica, los caballos, el caballo y el jinete. Ahora realiza las obras escultóricas que le valieron el reconocimiento de sus contemporáneos, con figuras vigorosas y trágicas, pero desprovistas de movimiento (a veces mutiladas).


Escultura de Marino Marini
Hizo por otro lado un gran número de retratos en bronce, y destacan los de Igor Stravinsky (1951), y Mies van der Rohe.

Hacia 1948, Marini comienza sus trabajos como pintor. En ese momento vivía en Suiza. Muchas de sus pinturas, distorsionadas, se acercan al arte abstracto sin que dejen de reconocerse elementos figurativos en ellos, como sucede asimismo con su escultura. Hoy se le considera un clásico del siglo XX.
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Arnaldo Pomodoro

65

Arnaldo Pomodoro

Arnaldo Pomodoro (n. Morciano, Romaña; 23 de junio de 1926) es un escultor italiano. Actualmente vive y trabaja en Milán. Su hermano, Giò Pomodoro (1930-1993) fue también escultor. Arnoldo Pomodoro, 1965. Pomodoro diseñó un controvertido crucifijo de fibra de vidrio para la Catedral de San... Ver mas
Arnaldo Pomodoro (n. Morciano, Romaña; 23 de junio de 1926) es un escultor italiano. Actualmente vive y trabaja en Milán. Su hermano, Giò Pomodoro (1930-1993) fue también escultor.


Arnoldo Pomodoro, 1965.
Pomodoro diseñó un controvertido crucifijo de fibra de vidrio para la Catedral de San Juan Evangelista en Milwaukee, Wisconsin. La pieza tiene en lo alto una corona de espinas que cuelga sobre la figura de Cristo.
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Cecco Bonanotte

66

Cecco Bonanotte

Escultor italiano nacido en Porto Recanati, en la región de Las Marcas, junto al Adriático. Su infancia la pasó en el taller de su padre, que era fabricante de muebles, entre materiales y herramientas. A la edad de 16 años se mudó a Roma, donde estudió en la Academia de Bellas Artes. Gracias a... Ver mas
Escultor italiano nacido en Porto Recanati, en la región de Las Marcas, junto al Adriático. Su infancia la pasó en el taller de su padre, que era fabricante de muebles, entre materiales y herramientas. A la edad de 16 años se mudó a Roma, donde estudió en la Academia de Bellas Artes. Gracias a una beca en Rumania, tuvo la oportunidad de acercarse al trabajo de Costantin Brancusi. Después de completar sus estudios, enseñó dibujo y modelado en la Escuela Superior Artística de Roma. Su primera exposición individual fue en 1971, en la galería Schneider de Roma. Sus trabajos son apreciados especialmente por Kimihiro Fuji, propietario de una galería en Japón que, fascinado por su trabajo, le abrió las puertas de su país, un evento clave para la formación y la producción del artista. Después de su actividad artística logró varios premios internacionales, con exposiciones en varias ciudades del mundo. En 2012 fue galardonado con el prestigioso Premio Imperiale. © epdlp
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Giuseppe Penone

67

Giuseppe Penone

Giuseppe Penone (nacido el 3 de abril de 1947, Garessio , Italia ) es un artista y escultor italiano , conocido por sus esculturas a gran escala de árboles que están interesados ​​en el vínculo entre el hombre y el mundo natural. [1] Sus primeros trabajos a menudo se asocian con el movimiento... Ver mas
Giuseppe Penone (nacido el 3 de abril de 1947, Garessio , Italia ) es un artista y escultor italiano , conocido por sus esculturas a gran escala de árboles que están interesados ​​en el vínculo entre el hombre y el mundo natural. [1] Sus primeros trabajos a menudo se asocian con el movimiento Arte povera . [2] En 2014, Penone recibió el prestigioso premio Praemium Imperiale . [3] Actualmente vive y trabaja en Turín , Italia . [1]

Giuseppe Penone
Giuseppe Penone 2010.jpg
Giuseppe Penone en 2010
Nacido
3 de abril de 1947 (72 años)
Garessio , Italia
Nacionalidad
italiano
Conocido por
Escultura
Movimiento
Arte Povera
Premios
Praemium Imperiale
Contenido
Vida temprana y educación
Giuseppe Penone nació el 3 de abril de 1947 en Garessio , Italia . [1] En 1970, se graduó de la Academia Albertina en Turín , Italia , donde estudió escultura. [4]

Obras

La vida oculta de Penone
Las esculturas, instalaciones y dibujos de Penone se distinguen por su énfasis en el proceso y su uso de materiales naturales, como arcilla, piedra, metal y madera. [5] Su trabajo se esfuerza por asimilar la palabra natural con su práctica artística, unificando el arte y la naturaleza. [5] Más específicamente, el árbol, un organismo vivo que se parece mucho a una figura humana, es un elemento recurrente en la obra de Penone. [6] Penone creó su primera escultura Albero ("Árbol") en 1969, una serie que continúa hasta el presente. [7] Desde este momento, su práctica ha continuado explorando e investigando el mundo natural y la relación poética entre el hombre y la naturaleza, el proceso artístico y el proceso natural. [8]

Primeras obras
En la primera exposición de Penone a la edad de 21 años, una exposición individual en el Deposito d'Arte Presente en Turín en 1968, presentó obras hechas de plomo, hierro, cera, brea, madera, yeso y arpillera. Dos de ellos involucraron la acción natural de los elementos: Scala d'acqua ("Escalera de agua"), en la que el tono fundido se esculpió con un chorro de agua, y Corda, pioggia, zinco. Corda, pioggia, suela ("Cuerda, lluvia, sol"), una estructura en movimiento con su forma fue alterada por la intemperie.

En diciembre de 1968, Penone realizó una serie de actos en un bosque cerca de su casa, la región de los Alpes Marítimos . [7] En este trabajo, titulado Alpi Marittime , Penone intervino en los procesos de crecimiento de un árbol, cuya forma retuvo el recuerdo de su gesto a lo largo del tiempo. [7] Uno de sus actos involucró el flujo de las aguas en una corriente, la savia vital que da fuerza al árbol y sobre la cual el artista recurre constantemente a su trabajo, un vehículo de crecimiento y proliferación. Entrelazó los tallos de tres árboles jóvenes en Ho intrecciato tre alberi ("He entrelazado tres árboles") y usa clavos para dejar la huella de su mano en el tronco de un árbol y luego le colocó veintidós pedazos de plomo. número de sus años, uniéndolos con alambre de zinc y cobre: Albero / filo di zinco / rame ("Árbol / Alambre de Zinc / Cobre). Encerró la copa de un árbol en una red cargada por el peso de las plantas: Crescendo innalzerà la rete (" Crecerá elevará la red"). Presionó su cuerpo contra un árbol y marcó en el tronco los puntos de contacto con alambre de púas: L'albero ricorderà il contatto ("El árbol recordará el contacto").

En otro de los primeros experimentos de Penone, Continuerà a crescere tranne che in quel punto ("Continuará creciendo excepto en ese punto") (1968), insertó un molde de acero de su mano en el tronco de un árbol, obligando al árbol a crecer alrededor de su mano. [9] Sumergió en una corriente una tina de cemento con las dimensiones de su cuerpo en el que había dejado las huellas de sus manos, pies y cara: La mia altezza, la lunghezza delle mie braccia, il mio spessore in un ruscello ( "Mi altura, la longitud de mis brazos, mi anchura en una corriente").

En 1969, las obras de Penone se publicaron en la publicación seminal de Germano Celant , Arte Povera, en una especie de diario relacionado con dibujos, fotografías y notas breves. [9] Seis fotos en blanco y negro, cada una de las cuales documenta una acción diferente, se exhibieron en una exposición colectiva en la galería de Gian Enzo Sperone en Turín en mayo del mismo año.

Otras obras de Penone incluyen: Alfabeto de panel ("Alfabeto de pan"), una gran barra de pan picoteada por pájaros que revela las letras de metal que contiene; Scrive / legge / ricorda (Escribe / Lee / Recuerda), una cuña de acero con el alfabeto marcado incrustado en el tronco de un árbol; Gli anni dell'albero più uno ("Los años del árbol más uno"); una rama cubierta de cera con, impresa en ella, la corteza del árbol por un lado y por el otro los gestos del artista; Alberi e pietre , I rami dell'albero più uno, Zona d'ombra ("Árboles y piedras, Las ramas del árbol más uno, Zona de sombras") se crearon entre 1969 y 1971 en el bosque de Garessio, donde el artista asimiló su trabajo al comportamiento de otros seres vivos, en su mayor parte, los árboles.

En 1969, Penone también produjo la obra titulada Il suo essere nel ventiduesimo anno di età in un'ora fantastica ("Su ser en el vigésimo segundo año de su edad en una hora fantástica"), que creó al descubrir dentro de una madera vigilar el árbol como era cuando era su propia edad. El tronco y las ramas están solo parcialmente descubiertos y revelan su origen natural mientras permanecen parcialmente incorporados en la estructura geométrica de la viga. "Levántate de los árboles del bosque, del bosque", escribió el artista en un texto de 1979, "levántate de los huertos, de las avenidas, de los jardines, de los parques, levántate del bosque que has formado, llévanos regrese al recuerdo de sus vidas, cuéntenos acerca de los eventos, las estaciones, los contactos de su existencia Llévenos de regreso al bosque, la oscuridad, la sombra, el aroma de la maleza, la maravilla de la catedral que nace en la tierra del bosque ".

1970s
En 1970, Penone creó dos esculturas, tituladas Albero di dodici metri ("Árboles de doce metros"), como actuaciones durante el Aktionsraum 1 en Munich , Alemania. [10] Para este trabajo, Penone talló un árbol existente en un haz mucho más pequeño y desnudo, y luego creó nuevas ramas para transportar el árbol a un período anterior de su vida. [10] Otro Albero di dodici metri , que data de 1980, se afeitó de una viga en toda su altura, con la excepción de una parte en la parte superior de la planta que solía formar la base de la escultura. Se exhibió en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York en 1982 y en el Museo de Bellas Artes de Nantes en 1986. Otros ejemplos de árboles, tallados en vigas de diferentes maneras, conforman las diversas instalaciones tituladas Ripetere il bosco ("Repeating the Forest") en el Museo Stedelijk, Amsterdam, en 1980 y en el Museo de Arte Contemporáneo Castello di Rivoli en 1991. En su impresionante escultura Cedro di Versailles ("Cedro de Versalles") de 2004, el perfil de El árbol joven está tallado en el tronco de un cedro antiguo desarraigado por la tormenta que causó estragos en el bosque de Versalles en diciembre de 1999.

En Rovesciare i propri occhi ("Turning One's Eyes Inside Out"), una acción de 1970, Penone usa lentes de contacto con acabado de espejo que interrumpen el canal de información visual entre el individuo y su entorno, confiando a la fotografía la posibilidad de ver en el futuro las imágenes que el ojo debería haber recogido. [7] "El trabajo del poeta", escribió Penone, "es reflejar como un espejo las visiones que le ha dado su sensibilidad, producir las vistas, las imágenes necesarias para las imaginaciones colectivas".

Durante este período, Penone llevó a cabo su trabajo sobre huellas e impresiones obtenidas mediante diversos procedimientos, todos basados ​​en el contacto. Van desde la técnica del molde o el molde hasta diferentes acciones basadas en el ejercicio de la presión. En Svolgere la propria pelle ("Desarrollando la propia piel"), una obra de arte de 1970 publicada al año siguiente en forma de libro de artista, Penone grabó el límite de su cuerpo con cientos de fotos tomadas superponiendo una lámina de vidrio en su piel . [11] "La imagen animal, la huella es cultura involuntaria. Tiene la inteligencia del material, una inteligencia universal, una inteligencia de la carne del material del hombre. La huella de toda la epidermis del cuerpo, un salto hacia el aire, una zambullida en el agua, el cuerpo cubierto de tierra Desarrollando la piel contra el aire, agua, tierra, rocas, paredes, árboles, perros, pasamanos, ventanas, caminos, cabello, sombreros, manijas, alas, puertas, asientos , escaleras, ropa, libros, ojos, ovejas, hongos, hierba, piel ... ", escribió el artista, reflexionando sobre la cantidad de signos voluntarios e involuntarios de que los cuerpos se diseminan y difunden en diferentes cosas: las luces de neón en una galería, el Paneles de vidrio en una ventana en el Kunsthalle en Kassel en " Documenta 5 " en 1972, en una piedra en Svolgere la propria pelle / pietra ("Desarrollando la propia piel / piedra") de 1971, o en los dedos en Svolgere la propria pelle / dita ("Desarrollo de la propia piel / dedo") del mismo año.

El propósito de Penone es producir el trabajo a partir de una imagen tan automática e inconsciente como una huella dactilar, y hacerlo consciente y voluntario a través de la acción insustituible del dibujo, que lo amplía y vuelve sobre todo en su arte. Otros ejemplos son los ciclos titulados Pressione ("Presión") iniciados en 1974 y Palpebre ("Párpados") en 1975. El procedimiento adoptado por el artista se articula en diferentes fases: hacer que las tiras de cinta adhesiva se adhieran a su piel salpicada de negro, o presionar imprimiendo su propio cuerpo o extendiendo una fina capa de resina en sus párpados y luego fotografiando la imagen derivada del contacto, proyectándola ampliada sobre papel u otras superficies, donde se transcribe en carbón o lápiz y con otro acto de contacto, que el artista ejerce dibujando. En algunos casos, el trabajo, que es la proyección de la piel de un individuo sobre lo que está fuera de su cuerpo, adquiere la dimensión de un interior y las huellas trazadas en las paredes del espacio envuelven al espectador, como en las instalaciones que realizó. para las exposiciones en el Kunstmuseum of Lucerne (1977), el Museum of Modern Art, Nueva York (1981), The National Gallery of Canada en Ottawa (1983), o el Musée d'Art Moderne de la Ville en París (1984) .

La conexión entre el acto de contacto y el proceso de la memoria se hizo más prominente en Vaso ("Florero") de 1975. Consistía en un jarrón de terracota de una excavación arqueológica y una expansión, en cuatro esculturas de bronce, de las huellas dactilares dejadas en él. por el alfarero. Aquí, por primera vez, Penone trabajó en bronce. En 1978, Penone comenzó una serie de obras en arcilla titulada Soffio ("Aliento"). [12] Con estas obras, reprodujo el volumen de la respiración contra su cuerpo en forma de un gran jarrón de arcilla, haciendo visible un gesto performativo del artista. [12] En 1979, también produjo Soffio di foglie ("Aliento de hojas"), en el que el volumen de la respiración y la impresión del cuerpo del artista están impresos en un montón de hojas. [11]

Con su Patate ("Patatas") de 1977, Penone se insertó en formas orgánicas. [13] En este trabajo, Penone cultivó papas dentro de los moldes de su cara, para que parecieran partes de su cara, como las orejas y la nariz. [13] Este proceso se repitió nuevamente con su Zucche ("Pumpkins") de 1978, que vio a Penone crear esculturas de bronce a partir de moldes de calabazas cultivadas dentro de moldes faciales. Este trabajo se mostró por primera vez en su exposición individual en el Halle für Internationale Neue Kunst de Zürich en 1980, y siempre está acompañado por la escultura Nero d 'Africa ("Negro de África"), un bloque de mármol parcialmente esculpido en La forma negativa y positiva de la propia figura del artista.

1980s
En 1981 Penone comenzó una serie titulada Essere Fiume ("Ser el río"). [9] Para esta serie, Penone eligió una roca del lecho de un río y luego fue a la fuente del río para extraer el mismo tipo de piedra. [9] El artista talló minuciosamente la piedra para replicar los procesos naturales que han moldeado la roca en el río, copiando los rebotes y golpes lo más cerca posible. [9] Luego exhibe las dos piedras una al lado de la otra. [11] Al imitar el trabajo realizado por los agentes naturales en la roca, Penone destaca las similitudes entre la acción del río y la acción del escultor, identificándose así con el río. [9] Él escribió: "Recogiendo una piedra usada por el río, volviendo a subir el curso del río para descubrir el punto en las colinas de donde vino la piedra y cortando un nuevo bloque de piedra de la montaña y luego replicando exactamente la piedra recogida en el río en el nuevo bloque de piedra: esto será un río. Producir una piedra hecha de piedra es una escultura perfecta, un retorno a la naturaleza, es una herencia cósmica, pura creación, la naturalidad de un bien la escultura adquiere un valor cósmico. Ser un río es la verdadera escultura de piedra ".

Algunas de las obras de Penone producidas entre 1979-1980, como Albero d'acqua ("Árbol de agua") y Colonna d'acqua ("Columna de agua"), todas provienen de la misma lógica de superponer líquido sobre líquido verticalmente. de agua es horizontalidad, la condición de verticalidad es escultura, elevar el agua es un gesto poético ", escribió en 1976. Ve todos los elementos como fluidos y lo que describiríamos como duro o blando depende solo del estado en el que nos encontremos nosotros mismos actuando.

En Gesti vegetali ("Gestos de vegetación"), una serie de esculturas en las que Penone comenzó a trabajar en 1982, Penone "fosilizó" las huellas de sus manos en tiras de arcilla pegadas a un muñeco que sirvió de marco. Luego fundió la arcilla en bronce usando la técnica de cera perdida y completó el trabajo colocando los moldes uno al lado del otro para crear la apariencia de un ser humano. Gesti vegetali ("Gestos de vegetación") se exhibió por primera vez en exposiciones en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago y el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris en 1984. "Los gestos fosilizados que se han realizado en un espacio", escribió el artista en 1977, "acerca al hombre a las plantas, que se ven obligadas a vivir eternamente bajo la carga de los gestos de su pasado". En su instalación en el Parque Merian de Basilea en 1984, comenzó a injertar vegetación en sus esculturas, como aparece en su exposición individual en la Galería Marian Goodman en Nueva York en 1985.

Penone ha hecho árboles de bronce que se han erigido en varios espacios públicos. Un ejemplo es el Pozzo di Münster ("Pozo de Münster") creado para la edición de 1987 Skulpture Projects; En su tronco había la huella de una mano que brotaba agua. Otros fueron el Faggio di Otterloo ("Haya de Otterloo") concebido para el parque de esculturas al aire libre, el Rijksmuseum Kroller-Müller en 1988, el Albero delle vocali ("Árbol de vocales"), una escultura de treinta metros de largo colocada horizontalmente en las Tullerías en París , donde se ha instalado desde el año 2000, o Elevazione ("Elevación") 01 2000-2001, un gran árbol levantado del suelo en Rotterdam.

Muchas de las obras de Penone producidas en la segunda sala de la década de 1980 están estrechamente relacionadas con la idea del contacto como generador de memoria y cambio. La serie de obras titulada Verde del bosco , creada entre 1983 y 1987, son franjas sobre lienzo de los troncos de los árboles forestales, hechas con las hojas de los árboles. A veces, los lienzos se unen en una sola obra con los troncos que los produjeron, o con Gesti vegetali ("Gestos de vegetación"), como en sus instalaciones en 1986 en el Museo de Grenoble en Francia y el Palais des Beaux-Arts en Charleroi .

Al igual que el cabello, las uñas son una extensión del cuerpo, la parte utilizada para investigar o atacar la materia, pero también son la parte donde los materiales del contacto tienden a sedimentarse. A partir de 1987, Penone creó una gran escultura de vidrio en la tormenta de clavos y los puso en contacto con diferentes materiales, montones de hojas, árboles forestales, troncos y bloques de mármol. Fueron el tema de la exposición de 1998 en el Museo Rodin de París.

En el ciclo de obras titulado Terre ("Tierras") creado a partir de 1988, la tierra sedimentada en capas, como en su estado natural, está encerrada en un paralelepípedo de vidrio transparente a través del cual se puede ver la huella dejada por un gesto del artista. , la agitación en el suelo que conserva la imagen de la mano que lo causó.

1990 en adelante
En la exposición personal presentada en la Église Courmelois en Val-De-Vesle en 1991, Penone exhibió la gran escultura titulada Sutura ("Suturas"), en la que trabajó entre 1987 y 1991. En ella, el negativo ampliado de la imagen de un El cerebro humano está representado por cuatro líneas irregulares de acero que reproducen los puntos de contacto entre los cuatro lóbulos, marcando sus límites y líneas de contacto entre sí. Un tubo de vidrio transparente en forma de Y que contiene tierra constituye el elemento central de la escultura y plantea el tema de la relación entre el hombre y la naturaleza.

En los grandes dibujos titulados Foglie ("Hojas"), las huellas que una materia blanda como el cerebro deja en el cráneo se transponen a las imágenes de las hojas. En la Anatomía ("Anatomías"), que se muestra por primera vez en el Museo de Arte Contemporáneo de Nimes en 1993, el artista cortó la superficie del mármol de Carrara (muy favorecido por las estatuas) para resaltar las vetas, que tan de cerca se asemeja a los vasos a través de los cuales fluye la sangre en las criaturas vivientes.

En el ciclo de obras de 1994 titulado Propagazione ("Propagación"), las líneas concéntricas derivadas de la huella de un dedo se expanden en un sistema de ondas. En Sorgente di cristallo ("Crystal Spring") de 1996, el molde de vidrio en el que el agua parece cristalizarse, se toma de un molde de un tronco. Nuevamente en Albero delle vertebre ("Árbol de las vértebras"), presentado por primera vez en un espectáculo itinerante en los museos de Nimes , Tilburgo y Trento entre 1997 y 1998, la forma del tronco de un árbol vive en el material transparente de cristal y surge de formas en yeso creadas al agrandar los moldes de un cráneo humano.

Respirare l'ombra ("Respirando la sombra") es una habitación tenuemente iluminada llena de hojas de laurel, donde las impresiones visuales y táctiles se combinan con sensaciones olfativas. En otra instalación, mostrada por primera vez en el Centro de Arte Contemporáneo Galego en Santiago de Compostela y luego en el Palacio de los Papas de Aviñón en 2000, en el centro de una de las paredes aparece un pulmón de bronce dorado, cuyos lóbulos también modelado con hojas de laurel.

En las esculturas de bronce tituladas Pelle di foglie ("Piel de hojas"), 2000, las hojas parecen las terminaciones de un sistema de nervios o venas evocados por los tallos densamente entrelazados. En spoglia d'oro su spine d'acacia ("Piel dorada sobre espinas de acacia") 01 2002, la huella 01 de los labios se recoge en miríadas de espinas de acacia, transformando así la huella humana en un paisaje natural. Al mismo tiempo, evoca las terminaciones nerviosas de la boca y, por el contrario, enfatiza su sensibilidad. El trabajo forma parte de una serie hecha de espinas de acacia aplicadas a la seda y, a veces, asociadas con losas de mármol, cuyo veteado en relieve se combina con las huellas marcadas por la vegetación. Un ejemplo es el trabajo titulado Pelle di marmo su spine d'acacia ("Piel de mármol en espinas de acacia"), exhibido en 2001 en el Museo de Orsay de París y la Galería Fujikawa en Osaka.

En Pelle di cedro ("Piel de cedro") de 2002 exhibida por primera vez en la exposición antológica de la obra de Penone realizada por el Centro Georges Pompidou en París en 2004, una huella de la corteza de un árbol está impresa en las pieles de vaca curtidas con piel tradicional. métodos. La aspereza de la corteza transferida a las pieles y mostrada en negativo se asemeja a un patrón de venas, como en la Anatomía . Bark también subyace a los elencos que aparecen en Lo spazio della scultura ("El espacio de la escultura"), una instalación presentada en la reciente exposición en el Studio per l'Arte Contemporanea Tucci Russo en Torre Pellice y el Museo Kurhaus Kleve entre 2006 y 2007.

"La estructura de los fluidos es la misma sea cual sea el elemento. Un curso de agua, un árbol en crecimiento y un camino tienen formas similares", escribe Penone sobre el trabajo titulado Albero giardino ("Jardín de árboles"), producido para un antiguo sitio ferroviario en Turín en 2002 En este trabajo al aire libre, la acción humana, por lo tanto, la cultura, se compara con la fuerza de los elementos naturales y se expresa en el diseño de un camino trazado por la vegetación, cuyo contorno representa el crecimiento de un árbol.

Entre 2003 y 2007, Penone participó en la producción de una instalación de esculturas a gran escala para el Palazzo di Venaria del siglo XVII en el Piamonte . [14] Este trabajo, titulado "El jardín de las esculturas fluidas", incluye catorce esculturas hechas en bronce, madera y mármol y repartidas en varios acres de jardines al aire libre. [14] En 2007, Penone también fue invitado a la Bienal de Venecia, donde instaló una instalación para la nueva apertura del Padiglione Italiano.

En 2011, Penone participó en la Galería de Arte de Ontario "Galleria Italia", que incluyó su obra Repeating the Forest (2007–2008). [2] Con este trabajo, Penone había eliminado cuidadosamente los anillos de crecimiento de un abeto para revelar su antigua forma joven oculta bajo décadas de crecimiento, y el cedro de Versalles, 2000-2003 . [2] "Penone llega a estas formas al tallar el tronco del árbol dejando los nudos en su lugar hasta que emerjan como ramas, revelando el retoño interior". [15] Con respecto a este trabajo, declaró: "Mi obra de arte muestra, con el lenguaje de la escultura, la esencia de la materia y trata de revelar con el trabajo, la vida oculta dentro". [2]

Penone en Arte Povera
Desde 1969, Penone ha sido uno de los principales representantes de Arte Povera , la teoría crítica acuñada por Germano Celant en 1967 y basada en el trabajo de varios artistas italianos, incluidos Giovanni Anselmo , Alighiero Boetti , Luciano Fabro , Jannis Kounellis , Mario Merz. , Marisa Merz , Giulio Paolini , Pino Pascali , Michelangelo Pistoletto y Gilberto Zorio . [16] Estos artistas rechazaron los lenguajes artísticos tradicionales. La aparición de Penone en este grupo de artistas coincidió con la aparición en las elaboraciones críticas del "valor mágico y sorprendente de los elementos naturales". [17] Esto fue en un momento en que el diálogo y el debate con las vanguardias internacionales de coeval se estaban volviendo más intensos, a través de una serie de encuestas grupales en las que Penone participó. Estos eventos incluyeron Konzeption-Conception en el Schloss Morsbroich en Leverkusen en 1969, arte conceptual arte en tierra en la Galleria Civica d'Arte Moderna en Turín e Información en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en 1970.

Honores y premios
2001 del Premio Rolf Schock , Artes Visuales. [18]
2014 Praemium Imperiale , Escultura [3]
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Sandro Chia

68

Sandro Chia

Sandro Chia (Florencia, 20 de abril de 1946) es un pintor y escultor italiano, uno de los más destacados de la Transvanguardia y uno de los principales exponentes del arte postmoderno. Biografía Nacido en Florencia en 1946, estudió en el Istituto d’Arte y en la Accademia di Belle Arti de... Ver mas
Sandro Chia (Florencia, 20 de abril de 1946) es un pintor y escultor italiano, uno de los más destacados de la Transvanguardia y uno de los principales exponentes del arte postmoderno.


Biografía
Nacido en Florencia en 1946, estudió en el Istituto d’Arte y en la Accademia di Belle Arti de Florencia, obteniendo su diploma en 1969. Después de graduarse, viajó por la India, Turquía y toda Europa, antes de establecerse en Roma en 1970.

Durante los años 70 se aleja del arte conceptual de moda en aquel momento y evoluciona hacia un estilo más figurativo. Entre septiembre de 1980 y agosto de 1981 obtiene una beca en la ciudad de Mönchengladbach, en Alemania, donde se traslada a trabajar por un año. Al año siguiente se encuentra en Nueva York, donde permanecerá durante más de dos decenios, con frecuentes viajes a Ronciglione primero, y luego Montalcino.

Miembro destacado del movimiento italiano de la Transvanguardia –junto a Francesco Clemente, Mimmo Paladino, Nicola De Maria y Enzo Cucchi–, su obra se ha expuesto en los más importantes museos y galerías del mundo, destacando su participación en las Bienales de París, São Paulo y Venecia. Entre sus más importantes exposiciones figuran la del Stedelijk Museum de Ámsterdam (1983), el Metropolitan Museum de Nueva York (1984), la Antigua Galería Nacional de Berlín de Berlín (1984, 1992), el Museo de Arte Moderno de París (1984); los museos de Düsseldorf (1984), Amberes (1989), Ciudad de México (1989), Palazzo Medici Riccardi en Florencia (1991), Karlsruhe (1992), Palm Springs (1993), Villa Médici en Roma (1995), Palazzo Reale de Milán (1997), el Boca Raton Museum of Art, Florida (1997), la Galleria Civica de Siena (1997), la Galleria Civica de Trento (2000), el Museo d'Arte de Rávena (2000), el Palazzo Pitti y el Museo Archeologico Nazionale de Florencia (2002); y, más recientemente, la Catedral de Sant’Agostino en Pietrasanta (2005).

Chia suele trabajar en formatos grandes, con fuerte colorido, utilizando todo tipo de técnicas. En su obra destaca el análisis y reutilización de la obra de artistas del pasado: en su obra En agua extraña y brillante un punto blanco salta y un dolor en su vuelo me afecta (1979), recibe la influencia del grabado de Max Ernst Una semana de bondad (1934); en El esclavo (1980) hace una simbiosis del Esclavo de Miguel Ángel y El nacimiento de Venus de Botticelli; en Génova (1980) superpone dos obras de Chagall y De Chirico; El rostro escandaloso (1981) se inspira igualmente en los maniquís de De Chirico. Chia pone especial énfasis en el título de sus obras, ya que es parte del mensaje que quiere transmitir; en ocasiones, incluso añade algún pequeño poema dentro del cuadro. Su obra es en parte autobiográfica, le gusta evocar momentos de su propia vida; su estilo es expresivo y teatral, destacando las figuras humanas de aspecto monumental, heroico.

En 2003, el Estado italiano adquirió tres importantes obras de su colección permanente del Senado de Italia en el Palazzo Madama, y en 2005, dos monumentales esculturas fueron adquiridas por la Provincia de Roma y colocadas delante de su sede en Via IV Novembre, Roma.

Actualmente vive entre Miami, Roma y Castello Romitorio, y tiene negocios de viticultura en Montalcino, donde se dedica a la producción de vinos de prestigio, entre los que se encuentra el mundialmente famoso vino Brunello.

Obra seleccionada
La pereza de Sísifo – MoMA, Nueva York.
El acuario – Tate Gallery, Londres.
Figuras nocturnas con lámpara, Setagaya Art Museum, Japón.
Pergola, Fukuyama Museum of Art, Japón.
Padre e hijo, Fukuyama Museum of Art, Japón.
Solitario ángel alado con corazón, Museum of Art of Kōchi, Kōchi, Japón.
Conejo para cenar, Stedelijk Museum, Ámsterdam.
Es bello para el artificiero saltar con el propio fuego, Museum Boymans-van Beuningen, Rotterdam.
Chicos valientes en una balsa, Marx Collection, Neue Nationalgalerie, Berlín.
La cocina de Dioniso, Marx Collection, Neue Nationalgalerie, Berlín.
El rostro escandaloso, Kunsthalle Bielefeld, Bielefeld, (Alemania).
Pasión por el arte, escultura de bronce en la Plaza Rathausplatz, Bielefeld (Alemania).
Mesa de la paz, grupo escultórico en bronce, Tel Aviv Museum of Art, Tel Aviv, (Israel).
Sinfonía incompleta, Museo d’Arte Contemporanea, Rivoli, (Italia).
Buen gobierno y Al servicio del ente público, Senato della Repubblica, Palazzo Madama, Roma.
Solitario ángel alado, Biblioteca del Senato della Repubblica, Piazza della Minerva, Roma.
Eneas y Europa, escultura en bronce, Palazzo Valentini, Roma.
Rostros de Italia, mosaico, Ministero degli Affari Esteri, Roma.
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Rob Krier

69

Rob Krier

Rob Krier (nacido en 1938 en Grevenmacher ) es un escultor , arquitecto , diseñador urbano y teórico luxemburgués . Es ex profesor de arquitectura en la Universidad Tecnológica de Viena , Austria. Desde 1993 hasta mediados de 2010 trabajó en colaboración con el arquitecto Christoph Kohl en una... Ver mas
Rob Krier (nacido en 1938 en Grevenmacher ) es un escultor , arquitecto , diseñador urbano y teórico luxemburgués . Es ex profesor de arquitectura en la Universidad Tecnológica de Viena , Austria. Desde 1993 hasta mediados de 2010 trabajó en colaboración con el arquitecto Christoph Kohl en una oficina conjunta con sede en Berlín , Alemania.

Es el hermano mayor del compañero arquitecto Léon Krier . Ambos son conocidos representantes del Nuevo Urbanismo y la Nueva Arquitectura Clásica .

Contenido
Carrera
Krier estudió arquitectura en la Universidad Técnica de Munich de 1959 a 1964. Después de graduarse, trabajó con Oswald Mathias Ungers en Colonia y Berlín (1965–66) y Frei Otto en Berlín y Stuttgart (1967–70). De 1973 a 1975, fue asistente en la escuela de arquitectura de la Universidad de Stuttgart . En 1975, fue profesor invitado en la École polytechnique fédérale de Lausanne , en Suiza . De 1976 a 1998, fue profesor de arquitectura en la Universidad Tecnológica de Viena . [1] Además, en 1996, fue profesor invitado en la Universidad de Yale , en los Estados Unidos .

De 1976 a 1994, Krier tuvo su propia oficina de arquitectos en Viena. Desde 1992 hasta 2004, dirigió una oficina conjunta con Nicolas Lebunetel en Montpellier , Francia. En 1993, también fundó una oficina conjunta con Christoph Kohl en Berlín. [1] incorporado más recientemente como "Krier ∙ Kohl Gesellschaft von Architekten mbH". Desde junio de 2010, el renombrado KK Gesellschaft von Architekten mbH cuenta con el respaldo de Rob Krier como asesor principal.

Krier llamó la atención internacional por primera vez con su libro Stadtraum de 1975, que fue traducido al inglés bajo el título Urban Space en 1979, [1] reimpreso como Stadtraum / Urban Space en 2005 [2] Krier contribuyó teórica y prácticamente a varios proyectos clave, incluidos Ritterstrasse (1977-80) y Rauchstrasse (1980) en Berlín, Breitenfurterstrasse en Viena (1981-87) y Kirchsteigfeld en Potsdam (1992-97). [3
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Juan Soriano

70

Juan Soriano

Juan Francisco Rodríguez Montoya, conocido como Juan Soriano (Guadalajara, México, 18 de agosto de 1920-Ciudad de México, México, 10 de febrero de 2006)1​ fue un artista plástico mexicano, llamado "El Mozart de la Pintura", debido a que desde temprana edad demostró grandes aptitudes para la... Ver mas
Juan Francisco Rodríguez Montoya, conocido como Juan Soriano (Guadalajara, México, 18 de agosto de 1920-Ciudad de México, México, 10 de febrero de 2006)1​ fue un artista plástico mexicano, llamado "El Mozart de la Pintura", debido a que desde temprana edad demostró grandes aptitudes para la creación plástica.


Biografía
A la edad de catorce años montó su primera exposición colectiva mientras participaba en el taller de Francisco Rodríguez. Lola Álvarez Bravo, José Chávez Morado y María Izquierdo llegaron a la exposición que había quedado bajo el resguardo de Soriano; cuando le preguntaron de quién eran unas pinturas ahí expuestas, el joven Juan respondió que eran de él. En ese momento, aquellos personajes lo convencieron de irse a la Ciudad de México para mejorar su técnica, ya que calificaron su obra como "interesante".

Siendo adolescente, en 1935 se afincó en la Ciudad de México para estudiar artes plásticas, motivado por su talento y el aliciente de la compañía de su hermana Martha. Sus mentores fueron grandes exponentes de la plástica mexicana como Emilio Caero y Santos Balmori. Por invitación de este último, se integró a la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios (LEAR) en la cual permaneció apenas un par de años; sin embargo, a partir de ello se relacionó con conocidos personajes del ámbito cultural, lo cual le permitió ampliar sus horizontes intelectuales y plásticos. Entre estas amistades se cuentan al maestro Alfonso Reyes, Juan Rulfo, Dolores del Río, María Félix, Octavio Paz, Rufino Tamayo, Guadalupe Marín, Xavier Villaurrutia, Elena Garro, Lola Álvarez Bravo, María Asúnsolo, Leonora Carrington, Carlos Pellicer, María Zambrano, Ignacio Retes, Salvador Novo, Frida Kahlo, Carlos Mérida, y Antonio M. Ruiz, El Corcito, entre otros.

A principio de la década de los cincuenta, viajó a Europa, ahí, conforme fue madurando su obra, amplió su círculo de amistades internacionales, lo que contribuyó a que su estilo plástico se consolidase.

De 1952 a 1956 retornó brevemente al país para retomar sus vínculos con intelectuales mexicanos y colaboró con Octavio Paz, Juan José Arreola, Héctor Mendoza, Juan José Gurrola y Leonora Carrington dentro del grupo de teatro experimental "Poesía en Voz Alta" que tuvo 8 programas en la segunda mitad de la década de los 50 y principio de los 60. Diseñó la escenografía y el vestuario para varias de sus producciones como el sexto programa: Las criadas (1947) de Jean Gennet que se presentó en el Teatro Fábregas en 1963.2​

De 1956 a 1957 se estableció en Roma, Italia, para después, a partir de 1974, cambiar su residencia a París, la cual a la postre visitaría asiduamente, después de volver a afincarse en la ciudad de México. Ahí conoció y trabó amistad con Antonio Saura, Julio Cortázar y Milan Kundera.

Su obra se distingue por haber desarrollado un estilo propio, basado en el lirismo y una búsqueda constante, derivada de la inquieta personalidad del creador. Experimentó con diversos materiales, géneros y estilos; incursionando incluso en el abstraccionismo y la creación de vestuarios y escenografías para teatro.

En el plano anecdótico, se recuerda que, cuando dejaba de tener otra superficie para pintar, lo hacía sobre las puertas de su casa, las cuales después vendía.

En reconocimiento a su trayectoria, recibió diversos premios tales como el Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes del gobierno de México en 1987,3​ la Medalla de Oro del Palacio de Bellas Artes de México, la Condecoración de la Legión de Honor, en Grado de Oficial de Francia, la Mención Honorífica en el Festival Internacional de Pintura de Cagnes-sur-Mer en Francia, la Orden al Mérito de la República de Polonia y el Premio Velázquez de Artes Plásticas de España. Fue doctor honoris causa por la Universidad de Colima.

La última y prolífera etapa de su vida la vivió junto con su compañero Marek Keller, en su casa-estudio ubicado en el número 71 de la Av. Ámsterdam, casi esquina con Parras; hoy aquella fortaleza de concreto ha desaparecido, para dar paso a un edificio habitacional.

Fallece el 10 de febrero de 2006 a los 85 años de edad en Ciudad de México. En las fechas posteriores a su fallecimiento, ha trascendido que el gobierno español reconocerá póstumamente el legado y trayectoria del artista, nombrándolo comendador de la Orden de Isabel la Católica.

Escultura
En el espacio público, se pueden hallar algunas de sus obras descollantes: Paloma (Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, México), Ola (World Trade Center de Guadalajara, México), Luna (Auditorio Nacional, Ciudad de México) y Sirena (Plaza Loreto, Ciudad de México).

La Paloma

La Paloma, escultura de Juan Soriano ubicada en Colima, México.
Escultura de bronce de 6 metros de alto y 4 toneladas de peso, ubicada en la ciudad de Colima, México. Otra copia de esta obra se encuentra en el museo MARCO de Monterrey, Nuevo León.

La Luna
Se trata de una escultura monumental que mide diez metros de alto, realizada a principios de los años 90s especialmente para ser instalada en el ala izquierda de la explanada del Auditorio Nacional de la Ciudad de México, todo esto a sugerencia del arquitecto Teodoro González de León. La técnica usada para su realización es vaciado en bronce.

Ésta fue su primer obra escultórica monumental para la Ciudad de México. Este trabajo es una representación surrealista de la luna, ya que agrega elementos formales al ideal colectivo de cuarto creciente de luna.

Toda al obra presenta una textura rugosa, irrelular; similar a la piedra, de color aqua-verdoso. Así mismo se pueden distinguir una serie de elementos principales: cuarto creciente de superior e inferior, tronco, par de horadaciones

Los temas abarcados por esta obra están definidos tanto por el concepto inicial que Soriano tuvo en mente como por el lugar donde se encuentra, la explanada del Auditorio Nacional. Por encontrarse allí cubre temas sociales, ya que está en un lugar público; quien sea puede verla, y hasta tocarla, sentirse partícipe de la obra de arte.

Es uno de los elementos que saludan a la gente que va a presenciar un espectáculo a tan reconocido recinto.

Justo después de colocar La Luna en el Auditorio Nacional, hubo opiniones de reprobación con la obra ya que la generalidad sostenía que no representa la grandeza ni lo cosmopolita del recinto y la zona. A lo que el artista respondió: "La luna se asocia con todo. Es una de las imágenes más llevadas y traídas por los poetas, los músicos, los bailarines, la religión, la mitología".

Pintura
Autor, entre otras obras pictóricas, de María Asúnsolo en Rosa y Apolo y las musas. También se interesó por la escultura monumental, entre cuyas obras se recuerdan Pato, Pájaro Dos Caras, y Pájaro Con Semillas.

Apolo con peces
Apolo con peces, esta obra pertenece a Juan Soriano, el cual relata plásticamente un soberbio contenido onírico, junto con la famosa Muerte enjaulada, Tres mujeres, Retrato de Marek y La palmera.

Apolo, para la tradición grecolatina, era protector de las letras y las artes. Soriano recrea el mito en la figura de un hombre joven y portentoso, acompañado de la lira, su principal atributo, la cual producía una música tan dulce que era capaz de adormecer a las bestias y hacer brotar agua de las piedras.

La muerte enjaulada
Acuarela sobre papel, pintado en 1983. Esta obra pertenece a la colección Marek Keller.4​

Museo Morelense de Arte Contemporáneo “Juan Soriano”
El Museo Morelense de Arte Contemporáneo “Juan Soriano” en Cuernavaca, Morelos, abrió sus puertas en junio 2018 para promover el arte moderno y contemporáneo, convirtiéndose en una opción para recibir exposiciones nacionales e internacionales.

Se construyó con una inversión de $300 millones de pesos,dentro del primer cuadro de la ciudad de Cuernavaca, como un espacio que fomenta la cohesión y el desarrollo social, por medio del arte y el disfrute del espacio público, fortaleciendo así a la comunidad.

Mantiene la exposición permanente del artista Juan Soriano, dicho acervo cultural está integrado por 1,200 obras entre óleos, esculturas, esculturas de plata, gobelinos (tapiz), cerámicas y obra gráfica, así como decenas de grabados y carteles, cientos de dibujos y fotografías.

El "Museo Morelense de Arte Contemporáneo Juan Soriano” se suma a un importante patrimonio cultural con el que cuenta Morelos, y que antes no se tenía para el arte y la cultura como el Centro Cultural Teopanzolco, el Centro de Desarrollo Comunitario “Los Chocolates” y la Academia de Música Benning, ubicada en la Antigua Estación del Tren en Cuernavaca.

Además de otros proyectos como la rehabilitación del Centro Cultural Jardín Borda y el embellecimiento del primer cuadro de la ciudad con el proyecto de Ecozona, que fomentan las actividades artísticas – culturales.

Con estas obras, Morelos se convierte por su nueva infraestructura cultural en uno de los destinos para las artes y cultura más importante del centro del país.
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Gustav Vigeland

71

Gustav Vigeland

Gustav o Gustaf Adolf Thorsen Vigeland; Mandal, 1869 - Oslo, 1943) Escultor noruego. Desde joven mostró grandes dotes para la escultura en madera. Inició sus estudios de Arte en el taller del escultor Floed, pero tuvo que interrumpirlos cuando falleció su padre. Por este motivo, a los 17 años... Ver mas
Gustav o Gustaf Adolf Thorsen Vigeland; Mandal, 1869 - Oslo, 1943) Escultor noruego. Desde joven mostró grandes dotes para la escultura en madera. Inició sus estudios de Arte en el taller del escultor Floed, pero tuvo que interrumpirlos cuando falleció su padre. Por este motivo, a los 17 años volvió a casa de su madre, donde permaneció durante dos años y se encargó de la manutención de su familia. Se dedicó, además de a la escultura, a la lectura de los clásicos: la Ilíada, la Odisea, la Biblia y la Divina Comedia, entre otros textos.

Cuando volvió a Oslo, llevó consigo sus dibujos, pero no se atrevió a mostrarlos. Para ganarse la vida, volvió a reanudar su trabajo de escultor de madera; con su escaso salario, apenas cinco coronas semanales, supo hacer frente al hambre y la miseria. Mostró sus dibujos en el taller del escultor Bergslien, quien, entusiasmado, enseñó dichos dibujos a Lorenz Dietrichson, profesor de historia del arte, lo que provocó la admiración del profesor, que exclamó al conocer la obra del joven Vigeland: "es un genio". Como consecuencia del apoyo prestado por éstos, ante la capacidad artística que se vislumbraba en la obra temprana de Vigeland, recibió autorización para entrar a trabajar en el taller de Bergslien.

En 1889 expuso el pequeño grupo Agar e Ismael en la Exposición Nacional de escultores. Recibió una beca del estado y se dirigió a Copenhague, con una carta de recomendación dirigida a Christian Gottlieb Vilhelm Visen, célebre escultor y profesor danés. Trabajó un año bajo su dirección y creó, entre otras obras, el grupo escultórico Des Réprouvés. Al año siguiente fue beneficiario de una nueva beca de estudios y en esta ocasión viajó a París, donde el arte de Rodin le impresionó profundamente, lo que le llevó a visitarle en su taller y a dejarse influenciar por la técnica del maestro francés.

Volvió a Noruega en 1893. Al año siguiente llevó a cabo su primera exposición, que despertó entre público y crítica los sentimientos más dispares. En 1895 viajó a Berlín y a Florencia. A su regreso a Noruega sus condiciones de vida rozaban, de nuevo, la miseria. Se empleó en el equipo encargado de la restauración de la catedral de Trondheim; la vieja iglesia gótica estaba siendo restaurada y Vigeland, de 1897 a 1902, esculpió toda una serie de excelentes estatuas.

No obstante, no encontró placer en este trabajo, debido a las limitaciones estilísticas que le suponía el trabajo de restauración y, por este motivo, abandonó la Trondheim. Consiguió instalarse en un mísero taller en Hammersborg, en el que padeció el rigor de los inviernos nórdicos. Es en estas condiciones cuando creó sus esculturas mas bellas: Nordraak, Abel, Beethoven, Wergeland y otras de sus obras capitales. También realizó un primer esbozo de la Fuente Monumental, cuya primera versión definitiva presentó en 1900. Expuesta en 1906, le valió tanto el ganarse a los enemigos más encarnizados como a los más entusiastas partidarios.



En 1907 fue creado el primer comité encargado de reunir los fondos necesarios para la erección de la mencionada fuente, que debía levantarse cerca de la universidad. En 1921, ante la amplitud de sus proyectos, buscó otro lugar de trabajo y firmó el contrato mas extraño que haya firmado jamas un artista con una autoridad oficial: Vigeland se comprometía a legar a la ciudad de Oslo los derechos de propiedad de todas las obras de arte que se encontraban en su posesión: esculturas en madera, bronces, esculturas de piedra, grabados en madera, bocetos, diseños, toda su obra creada y futura; a cambio la ciudad de Oslo le facilitaba un taller adecuado donde proseguir su labor, el futuro Museo Vigeland.

El proyecto para el parque Frogner, terminado en 1930, fue pagado con los beneficios de los cines de Oslo. Otro de sus proyectos, el de adornar el Abelhaugen, fue abandonado, y por un momento pensó en emplazar la fuente delante del taller. Pero este lugar no convenía, y en 1931 el Consejo Municipal aceptó los planos propuestos, con el puente, la fuente, el monolito y las esculturas del parque Frogner, casi todas compuestas de una maraña de cuerpos unidos (incluso de niños) que producen una sensación confusa e impactante, con un total de más de 600 figuras. Tras su fallecimiento en 1943, antes de la conclusión completa del proyecto, el Consejo decidió en otoño de 1947 que los trabajos proseguirían según el plan de Vigelang. El parque Frogner constituye su más vasta obra, aunque su genio creador se manifestó también en otras muy importantes, entre las cuales destaca una serie de estatuas de hombres célebres: Rikard, Nordraak, Camilla Collett y Niels Henrik Abel.

El arte de Gustav Vigeland ha sido siempre objeto de polémica. Criticado y contestado, también ha suscitado la mas grande admiración y los más vivos elogios. Su obra, que por su amplitud sobrepasa la de cualquier otro escultor noruego, evidencia el genio con el que desempeñó su quehacer artístico. El conjunto de estatuas que adornan el Parque de Frogner constituyó su obra mas importante, mientras que el museo Vigeland permite seguir la evolución de su obra.

Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Gustav Vigeland. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/v/vigeland.htm el 8 de enero de 2020.



Sobre este sitio Contacto Enlácenos Cómo citar Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2020

¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Constantin Brancusi

72

Constantin Brancusi

(Pestiani, Rumania, 1876-París, 1957) Escultor rumano. Estudió escultura en la Academia de Bucarest y perfeccionó sus conocimientos en Viena y Munich, antes de establecerse en París (1904), donde entabló amistad con Amedeo Modigliani y Auguste Rodin y desarrolló la mayor parte de su carrera... Ver mas
(Pestiani, Rumania, 1876-París, 1957) Escultor rumano. Estudió escultura en la Academia de Bucarest y perfeccionó sus conocimientos en Viena y Munich, antes de establecerse en París (1904), donde entabló amistad con Amedeo Modigliani y Auguste Rodin y desarrolló la mayor parte de su carrera. Tuvo unos comienzos difíciles, durante los cuales pasó penurias y privaciones, pero tras la Primera Guerra Mundial se consagró como uno de los grandes escultores de la vanguardia artística.


Constantin Brancusi

Con la eliminación de todos los atributos accesorios, evolucionó progresivamente hacia una mayor esencialidad formal para crear formas puras y elementales. En sus obras, Brancusi buscaba una belleza pura y espiritual, expresada a través de sus figuras favoritas (el pájaro, el huevo, las cabezas femeninas) y resaltada mediante el pulido de los materiales (bronce, mármol y, ocasionalmente, madera). Realizó varios viajes a Estados Unidos, donde celebró con éxito exposiciones personales.

En 1937 regresó a Rumania para llevar a cabo algunos encargos, como la Columna sin fin, de casi treinta metros de altura, para el parque público de Tirgu Jiu, cerca de su ciudad natal. Ese mismo año fue a la India para proyectar el Templo de la Meditación, por encargo del maharajá de Indore. Mademoiselle Pogany, El recién nacido y Pájaro en el espacio, tres de sus creaciones más apreciadas, constituyen otras tantas muestras de esa búsqueda de la forma pura que llevó a Brancusi hasta los límites de la abstracción, aunque sin abandonar por completo el figurativismo; en todo caso, su alejamiento de los cánones realistas decimonónicos abrió el camino a la escultura abstracta de artistas como Jean Arp o Henry Moore.



Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Constantin Brancusi. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/brancusi.htm el 8 de enero de 2020.



Sobre este sitio Contacto Enlácenos Cómo citar Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2020

¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Mijaíl Mikeshin

73

Mijaíl Mikeshin

Biografía: Escultor y pintor ruso nacido en Roslavl, que trabajó frecuentemente al servicio de la dinastía Romanov y diseñó una gran cantidad de monumentos y estatuas para las grandes ciudades del Imperio ruso. Estudió en la Academia Imperial de las Artes de San Petersburgo, tomando clases... Ver mas
Biografía:
Escultor y pintor ruso nacido en Roslavl, que trabajó frecuentemente al servicio de la dinastía Romanov y diseñó una gran cantidad de monumentos y estatuas para las grandes ciudades del Imperio ruso. Estudió en la Academia Imperial de las Artes de San Petersburgo, tomando clases con maestros de la talla de Bogdán Villevalde. Sus diseños con motivos patrióticos de ese periodo, de influencia romántica, le valieron numerosos premios académicos y la simpatía de la familia del zar Alejandro II, siendo contratado para dar clases de pintura y dibujo a los miembros de la familia real. Recién graduado de la academia y con poca experiencia en el área escultórica, decide participar en el concurso del año 1859 para el diseño del monumento conmemorativo de los mil años de la fundación del Estado ruso, el Milenio de Rusia, de la ciudad de Nóvgorod. Resultó elegido para sorpresa de todos y, haciendo gala de una gran capacidad organizativa, convocó a dos experimentadas personas a su lado, el escultor Iván Shréder (que trabajó como coautor) y el arquitecto Víktor Hartmann. Su creación refleja la transición artística de esa época, del neoclasicismo al realismo. Por este monumento, Mikeshin fue condecorado con la Orden de San Vladimiro, haciéndose popular y obteniendo muchos encargos, principalmente obras escultóricas. Llegó a convertirse en uno de los escultores más llamados por el zar Alejandro II para decorar las ciudades con esculturas de personajes eminentes o monumentos de acontecimientos importantes. Sus obras muestran un estilo pronunciadamente patriótico, combinado con elementos autocráticos, folclóricos y de la Iglesia ortodoxa. Algunos monumentos representativos de su estilo son, la estatua de Kuzmá Minin y Dmitri Pozharski en Nizhni Nóvgorod, de Alexéi Greig en Nikoláyev y del propio Alejandro II en Rostov del Don. Pocos monumentos de Mikeshin sobrevivieron a la era de la Unión Soviética. Entre estos se encuentran el monumento a Catalina la Grande en San Petersburgo, a Bohdán Jmelnytsky en Kiev y a Yermak en Novocherkask. Además realizó algunas obras para monarquías extranjeras, como la estatua de Pedro IV en Lisboa. © WK
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Naum Gabo

74

Naum Gabo

Naum Neemia Pevsner; Briansk, 1890 - Waterbury, 1977) Escultor ruso, fundador del movimiento constructivista, que se caracterizó por la realización de esculturas a partir de materiales industriales. Las primeras obras que Naum Gabo realizó entre 1915 y 1917 son cabezas y torsos "constructivos... Ver mas
Naum Neemia Pevsner; Briansk, 1890 - Waterbury, 1977) Escultor ruso, fundador del movimiento constructivista, que se caracterizó por la realización de esculturas a partir de materiales industriales. Las primeras obras que Naum Gabo realizó entre 1915 y 1917 son cabezas y torsos "constructivos", deudores de la descomposición de volúmenes en planos del cubismo analítico de Picasso y Braque. Naum Gabo pronto prescindiría de toda referencia figurativa para indagar en la introducción de factores hasta entonces inéditos en la escultura, como el movimiento (Construcción cinética, 1920, Tate Gallery, Londres) o la transparencia (Construcción en el espacio equilibrada entre dos puntos, 1925, Colección familia Pevsner), ligados a la experimentación de los nuevos materiales industriales (acero, plexiglás, vidrio). Con el tiempo su escultura evolucionó hacia los grandes formatos y adoptó escalas relacionables con las dimensiones de las obras arquitectónicas.


Naum Gabo

Naum Gabo comenzó a pintar y dibujar en 1907; en 1910, tras una breve estancia en Berlín, se instaló en Munich, donde se matriculó en la Facultad de Medicina y posteriormente en la de Ciencias Naturales e Ingeniería; asistió además a los cursos de historia del arte de Heinrich Wölfflin y conoció la obra de Wilhelm Worringer. En 1912 visitó a su hermano, Antoine Pevsner, en París, y al año siguiente entró en contacto con los expresionistas del Blaue Reiter en Munich (Kandinsky, Franz Marc, Paul Klee). Pasó los años de la Primera Guerra Mundial en Oslo, donde se reunió de nuevo con su hermano; juntos realizaron sus primeras construcciones y a partir de entonces sus carreras se desarrollaron en paralelo.

Regresó a Rusia al estallar la Revolución de Octubre y se instaló en Moscú, compartiendo taller con Pevsner; mantuvo contactos con Kandinsky, Kazimir Malevich y Vladimir Tatlin, en un período de grandes discusiones teóricas. En 1920 realizó sus primeras construcciones cinéticas y redactó, con Antoine Pevsner, el Manifiesto Realista. En 1922 se le permitió abandonar Rusia y se instaló en Berlín, donde participó en la Primera Exposición de Arte Ruso, organizada por el gobierno soviético en la galería Van Diemen. En los dos años siguientes mantuvo contactos con la Bauhaus de Weimar, que le invitó a pronunciar conferencias y a colaborar en la revista.


Cabeza nº 2 (1916), de Naum Gabo

En 1924 tuvo lugar en la galería Percier de París la exposición Constructivistas Rusos: Gabo y Pevsner. Pinturas y Construcciones. Al año siguiente formó parte del comité director del Grupo de Noviembre. Instalado en París desde 1932, se unió al grupo Abstracción-Creación, del que también formaban parte Piet Mondrian y el escultor Jean Arp. En 1939 se trasladó a Londres y participó en la exposición Abstract Art of Gabo, Pevsner, Mondrian and Domela en el Wadsworth Atheneum en Hartford (Estados Unidos), y en la muestra Cubism and Abstract Art, organizada por el Museo de Arte Moderno de Nueva York; en 1939 su obra estuvo presente en Réalités Nouvelles en París. En 1946 abandonó Londres; desde entonces vivió en los Estados Unidos, hasta su fallecimiento en Waterbury en 1977.

La obra de Naum Gabo se caracteriza por una constante investigación espacial llevada a cabo de forma científica; se interesa por los nuevos materiales industriales, en especial los transparentes, que le permiten construir superficies regladas y desarrollables, elementos que materializan ecuaciones matemáticas tridimensionales y exploran el espacio entendido en su sentido metafísico.



Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Naum Gabo. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/gabo.htm el 9 de enero de 2020.



Sobre este sitio Contacto Enlácenos Cómo citar Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2020

¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Vladimir Tatlin

75

Vladimir Tatlin

(Vladimir Evgráfovich Tatlin; Moscú, 1885 - 1956) Artista ruso, iniciador del constructivismo. Activo representante de la vanguardia soviética, defendió que el arte debía integrarse en el conjunto de la producción, disolverse en la vida cotidiana y renunciar a su actividad exclusivamente... Ver mas
(Vladimir Evgráfovich Tatlin; Moscú, 1885 - 1956) Artista ruso, iniciador del constructivismo. Activo representante de la vanguardia soviética, defendió que el arte debía integrarse en el conjunto de la producción, disolverse en la vida cotidiana y renunciar a su actividad exclusivamente estética. Su maqueta para el Monumento a la III Internacional se convirtió en el paradigma del nuevo arte.

En Rusia, la revolución de 1917 consiguió por primera vez en la historia identificar la voluntad de construir una sociedad socialista con los cambios perseguidos en el campo artístico por la vanguardia. Era el momento de poner a prueba el arte como factor de transformación social y los vanguardistas aceptaron este reto, asumiendo el protagonismo en la dirección de la nueva política cultural y la dedicación a la docencia artística como forma de educar al pueblo.


Tatlin (sentado) con tres de sus ayudantes (1920)

Pero en el seno de la propia izquierda surgieron pronto dos concepciones enfrentadas respecto a la función que debía cumplir el arte. Si para Malevich la investigación artística debía ser ajena a toda contaminación externa, para Tatlin era ineludible su función de servicio hacia la nueva sociedad: el arte debía integrarse en la producción convertido en arquitectura, diseño industrial, carteles, etc. Los constructivistas, con Tatlin a la cabeza, negaban toda validez del arte como actividad estrictamente estética y exigían su disolución en la vida cotidiana.

Frente a la individualidad creadora, el constructivismo soviético oponía el sentido colectivo de cultura revolucionaria. Frente al arte como pura investigación formal (actividad necesariamente aislada y sin rentabilidad funcional a corto plazo), se requería inmediatez para la resolución de las demandas revolucionarias. Del juego gratuito y la especulación formal pura como fundamentos esenciales de la investigación plástica, se pasa a la búsqueda de la fusión entre arte y tecnología, que son designados como agentes del cambio social y se integran en una unidad ética y estética.

Tatlin llegaría al constructivismo partiendo del cubismo y el futurismo, a los que despojó de toda referencia al dato real; del cubismo tomó la descomposición de los objetos por planos y del futurismo el interés por el uso de todo tipo de materiales y la estética maquinista. En 1913 había visitado el estudio de Picasso en París, donde tuvo oportunidad de ver las esculturas efímeras, pinturas con añadidos de cartones recortados o plegados que utilizaba para sus análisis cubistas.



La influencia de éstas sería decisiva para la construcción de los Contrarrelieves y Relieves de esquina que realizó en los dos años siguientes. Estos relieves son el resultado de una exploración de los volúmenes en su interacción con el espacio; básicamente están formados por la intersección de planos y líneas con los que se delimitan aberturas o cerramientos, con el objeto de examinar las posibilidades de articulación de los planos entre sí y con el espacio real que los contiene.

Después de la Revolución de Octubre, todo su trabajo estuvo presidido por la idea del artista-constructor dedicado a la elaboración del nuevo mundo. Donde mejor pudo plasmar sus ideales constructivos, esa transformación de los elementos de la cultura industrial en volúmenes, planos, colores, superficie y luz, fue en el proyecto para el Monumento a la Tercera Internacional, cuya maqueta presentó en 1920.


Maqueta del Monumento a la III Internacional

Con el proyecto para el Monumento a la Tercera Internacional, Tatlin fue pionero en el uso conjugado de nuevos materiales (hierro, acero y cristal), así como en la concepción del edificio como espacio plural y en la idea de dotarlo de movimiento, aspectos que otros harían realidad después. El edificio estaba concebido como la superposición de tres cuerpos geométricos un cubo, una pirámide y un cilindro articulados por un eje vertical y arropados por una estructura helicoidal ascendente; los tres volúmenes albergarían, respectivamente, las salas de congresos, las del órgano ejecutivo y el centro de comunicaciones. Los tres cuerpos girarían en torno a su eje con una periodicidad de un año, un mes y un día respectivamente y estarían rematados por un mecanismo para proyectar imágenes y sonido. Emblema de la utopía socialista apoyada por la tecnología, el monumento se entiende como faro que alumbra el nuevo mundo.

Las investigaciones plásticas de los constructivistas rusos tuvieron una influencia directa en el desarrollo de la arquitectura moderna. Su decidida aspiración de unir arte y sociedad encontraba su plasmación natural en la arquitectura, como compendio de todas las artes, y, aunque sus realizaciones fueron escasas, sus investigaciones cristalizaron en proyectos que fueron significativos para el desarrollo posterior de la arquitectura contemporánea.

Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Vladimir Tatlin. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/t/tatlin.htm el 9 de enero de 2020.



Sobre este sitio Contacto Enlácenos Cómo citar Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2020

¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Jean Arp

76

Jean Arp

Nació el 16 de septiembre de 1887 en Estrasburgo. Entre 1905 y 1909 cursó estudios de arte en Weimar y en la Academia Julian de París. En 1912 conoce a Paul Klee y se une, por poco tiempo, al grupo conocido como Blaue Reiter (El Jinete Azul). En 1914, vuelve a París donde entabla amistad... Ver mas
Nació el 16 de septiembre de 1887 en Estrasburgo.

Entre 1905 y 1909 cursó estudios de arte en Weimar y en la Academia Julian de París.

En 1912 conoce a Paul Klee y se une, por poco tiempo, al grupo conocido como Blaue Reiter (El Jinete Azul). En 1914, vuelve a París donde entabla amistad con artistas como Picasso, Jacob, Modigliani y Delaunay.




La obra de Arp durante esos años (1915-1916) estuvo dedicada a los tapices de motivos angulares y totalmente abstractos, así como a los dibujos. Al estallar la Primera Guerra Mundial se traslada a Zurich donde en 1916 funda el movimiento dadá. En 1917 transformó su estilo artístico hacia una abstracción de formas curvilíneas que caracteriza su obra posterior, la más conocida actualmente.

En 1921 contrae matrimonio con Sophie Taeuber, artista Suiza, trasladándose, un año después a París, donde se unió a los surrealistas participando en varias de las exposiciones que éste movimiento realiza. En 1926 se establece en Meudon, cerca de País, donde se une al grupo Abstracción-Creación. En la década de 1930 Arp comenzó a realizar esculturas exentas, tallando y modelando en los más diversos materiales. Su obra está representada en la Tate Gallery de Londres, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en el Museo de Arte de la ciudad de Filadelfia y en el Museo de Arte de Basilea. A lo largo de toda su vida escribió poesía y ensayo.

Jean Arp falleció en Basilea el 7 de junio de 1966.
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Jesús Rafael Soto

77

Jesús Rafael Soto

(Ciudad Bolívar, 1923 - París, 2005) Artista venezolano. A partir de influencias cubistas y constructivistas, se convirtió en uno de los principales representantes del arte cinético y óptico. En 1950 se trasladó a París, ciudad en la que residiría hasta su muerte. En Francia descubrió la obra de... Ver mas
(Ciudad Bolívar, 1923 - París, 2005) Artista venezolano. A partir de influencias cubistas y constructivistas, se convirtió en uno de los principales representantes del arte cinético y óptico. En 1950 se trasladó a París, ciudad en la que residiría hasta su muerte. En Francia descubrió la obra de Paul Klee y, sobre todo, a Piet Mondrian, quien le suscitó la idea de "dinamizar el neoplasticismo". En la década de 1950 intentó plasmar en su serie Metamorfosis (1954) un equivalente de la serialidad musical. En 1956 creó sus primeras estructuras cinéticas: su cinetismo se caracterizó por integrar en la obra la percepción del espectador en desplazamiento ante el objeto; son notables Dinámica del color (1957) y Escrituras (1963). A partir de la década de 1960 diseñó penetrables y obras de integración arquitectónica, como la decoración del interior del edificio de la UNESCO en París (1970), el interior del Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou de París (1976) y numerosos espacios públicos en Caracas.


Jesús Rafael Soto

El desarrollo de la obra de Jesús Soto partió del cinetismo perceptivo (estudios en blanco y negro basados en efectos moiré, planos activados mediante el color y vibración retiniana de líneas provocada por la interacción entre figura y fondo) para llegar a la conquista total del espacio. Entre un punto y otro, Soto no escatimó la exploración de las fases y estadios intermedios.

A las primeras obras bidimensionales de los años cincuenta pronto les sucederían otras en las que interviene el espacio como elemento dinamizador. Mediante la superposición de planos transparentes (láminas de plexiglás que sirven de soporte a entramados lineales), Jesús Soto creó imágenes múltiples para la mirada de un espectador móvil (Doble transparencia, 1956, Colección Lia Imber de Coronil, Venezuela; Estructura cinética horizontal-vertical, 1957, Museo de Arte Moderno JesúsSoto, Ciudad de Bolívar, Venezuela). El mismo efecto lo consiguió mediante superficies de líneas paralelas que sirven de fondo a finas varillas suspendidas, cuyos trazos vienen a sumarse a los dibujados provocando configuraciones siempre cambiantes, como se observa en Vibraciones metálicas (1966, Colección del artista) o Ana (1968, Colección del artista).


Doble transparencia (1956)

Llevando a gran escala estas mismas composiciones mediante la articulación de planos formados por enrejados de diversas inclinaciones, Soto construyó un tipo de esculturas a las que llamó penetrables y, efectivamente, el espectador puede introducirse en los laberintos de su interior, con lo que su experiencia visual será múltiple en función del número de enrejados que funda con su mirada, los puntos de vista que adopte y los movimientos de cabeza que efectúe (Prepenetrable, 1957, Colección Alfredo Boulton, Caracas).

Otras veces los penetrables son grandes espacios de juego, como en las instalaciones formadas por miles de hilos de nailon que penden del techo creando una selva imaginaria que cada uno recorre a su antojo. En otras ocasiones impera el sentido monumental de ocupación del espacio. Soto creó entonces estructuras geométricas que en repetición clónica alcanzan grandes dimensiones, o sembró techos y suelos de varillas pintadas (Progresión suspendida, Hall del Museo de Arte Moderno, París; Volumen suspendido, 1979, Centro Vanaveu, Caracas; o Extensión amarilla y blanca, 1979, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid).

En 1988 realizó la Esfera Virtual para el Parque Olímpico de Escultura de Seúl. En los años noventa mostró su trabajo en el Museo de Arte Moderno de Kamakura, Japón (1990), en el Centro Georges Pompidou de París (1993), en la Kunshalle de Colonia, Alemania (1993) y en el MOMA de Nueva York (1993). Uno de los principales museos de artes plásticas de Venezuela, instalado en su ciudad natal, lleva su nombre.



Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Jesús Rafael Soto. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/soto_jesus.htm el 9 de enero de 2020.



Sobre este sitio Contacto Enlácenos Cómo citar Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2020

¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Alberto Giacometti

78

Alberto Giacometti

(Stampa, Suiza, 1901 - Chur, id., 1966) Escultor y pintor suizo. Nació en un ambiente artístico, ya que su padre, Giovanni, era un pintor impresionista. Se inició en el dibujo y la plástica en la Escuela de Artes y Oficios de Ginebra, antes de trasladarse a París para seguir los cursos de... Ver mas
(Stampa, Suiza, 1901 - Chur, id., 1966) Escultor y pintor suizo. Nació en un ambiente artístico, ya que su padre, Giovanni, era un pintor impresionista. Se inició en el dibujo y la plástica en la Escuela de Artes y Oficios de Ginebra, antes de trasladarse a París para seguir los cursos de escultura de Antoine Bourdelle en la Academia de Grand Chaumière.


Alberto Giacometti

En la capital francesa entró en contacto con el cubismo de Picasso y Braque, y más tarde con el grupo surrealista de André Breton, del que formó parte de 1930 a 1935. En la producción de este período, ya sumamente personal, se perciben sin embargo aportaciones de surrealismo, como el simbolismo de los objetos.

El abandono del surrealismo y la vuelta al arte figurativo constituyó el preludio de la llegada de Alberto Giacometti a su estilo más singular y característico, que se desarrolló a partir de comienzos de la década de 1940. Surgieron entonces sus figuras humanas alargadas y de apariencia nerviosa, muy delgadas y de superficie áspera, a menudo de tamaño natural, que pueden aparecer solas o en grupo.

Son estas obras las que hicieron de Giacometti uno de los artistas más originales del siglo XX, también en el campo de la pintura, con cuadros que representan figuras rígidas y frontales, simbólicamente aisladas en el espacio. En estas creaciones que representan la soledad y el aislamiento del hombre se ha querido ver un trasunto de la filosofía existencialista, y de hecho Jean-Paul Sartre, el máximo representante de la tendencia, reconoció en la obra de Giacometti algunas de sus ideas y escribió sobre ella. La familia y los amigos del artista fueron sus modelos preferidos, en particular su hermano Diego, al que reprodujo en numerosas esculturas, pinturas y dibujos.



Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Alberto Giacometti. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/giacometti.htm el 9 de enero de 2020.



Sobre este sitio Contacto Enlácenos Cómo citar Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2020

¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Max Bill

79

Max Bill

Max Bill (Winterthur, Suiza, 22 de diciembre de 1908-Berlín, Alemania, 9 de diciembre de 1994) fue un arquitecto, pintor, escultor, diseñador gráfico, tipográfico e industrial, publicista y educador suizo. Estudió en la Kunstgewerbeschule de Zúrich y en el Bauhaus de Dessau. Fue el primer rector... Ver mas
Max Bill (Winterthur, Suiza, 22 de diciembre de 1908-Berlín, Alemania, 9 de diciembre de 1994) fue un arquitecto, pintor, escultor, diseñador gráfico, tipográfico e industrial, publicista y educador suizo. Estudió en la Kunstgewerbeschule de Zúrich y en el Bauhaus de Dessau. Fue el primer rector de la escuela HfG de Ulm y formó parte del grupo Abstraction-Création desde 1932 hasta 1937. Organizó la exposición circulante Die gute Form (1949).


Biografía
De 1924 a 1927 estudió orfebrería en la Kunstgewerbeschule de Zúrich, donde fue influido por el dadaísmo y el cubismo. De 1927 a 1929 estudió artes en la Bauhaus de Dessau, donde se aproximó al funcionalismo del diseño con profesores como Vasili Kandinski, Paul Klee y Oskar Schlemmer.

Cuando terminó sus estudios regresó a Zúrich para dedicarse a la pintura, la arquitectura y el diseño gráfico. En 1930 crea su propio estudio de arquitectura y ya como miembro de la Deutscher Werkbund realiza la finca de Nuebühl de estilo moderno, cerca de Zúrich. En 1931 adoptó la teoría del «arte concreto» de Theo van Doesburg, según la cual era posible alcanzar la universalidad con la claridad. En 1932 trabajó como escultor y se adhirió a algunas organizaciones artísticas como la Abstraction-Création, el grupo de artistas Allianz de Suiza, el Congrès Internatonal d'Architecture Moderne (CIAM) y la Union des Artistes Modernes (UAM), de París.

En 1944 llevó a cabo una primera incursión en el campo del diseño industrial, con el diseño de un reloj de aluminio para Junghans, firma con la que colaboró durante varios años realizando modelos de relojes de pared, de cocina y de pulsera con estilo racionalista y estética industrial. Uno de esos relojes de pared está expuesto en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York. Los relojes de pulsera Junghans «Max Bill» se siguen produciendo y son apreciados por los aficionados y coleccionistas de relojes. Diseñó un taburete minimalista, el Ulmer Hocker (1954), uno de sus diseños más conocidos.

Organizó la exposición "Die gute industrieform", que pretendía fomentar la alta calidad de los objetos de diseño industrial.

En 1951 fundó junto a Inge Scholl y Otl Aicher, la Hochschule für Gestaltung en Ulm, Alemania (HfG Ulm), una escuela de diseño que continuaba la tradición de la Bauhaus. En esta institución fue rector y director de los departamentos de arquitectura y diseño de producción entre 1951 y 1956. En esta escuela Bill defendió el funcionalismo y el formalismo geométrico de la Bauhaus, ya que creía que las formas basadas en las leyes matemáticas poseían una pureza estética, y por lo tanto, universalidad.

Sus proyectos intentaban representar la complejidad matemática de la Nueva Física de principios del siglo XX. Trató de crear objetos a fin de que esta nueva ciencia de la forma puede ser entendido por los sentidos. Un buen ejemplo de ello es su trabajo con la banda de Moebius.1​ Esta aproximación al diseño luego fue continudada por Hans Gugelot en la misma HfG de Ulm.

En 1957, y tras abandonar la HfG de Ulm, fundó su propio estudio en Zúrich y se dedicó a la escultura, la pintura y la arquitecura. En 1964 fue nombrado arquitecto jefe del pabellón de "Educación y creación" en la Exposición Nacional de Suiza y miembro honorario del American Institute of Architects.

Desde 1967 hasta 1971 se convirtió en miembro del Consejo Nacional de Suiza, y luego se convirtió en profesor en la Staatliche Hochschule für Bildende Künste de Hamburgo y presidente de Diseño Ambiental, de 1967 a 1974. En 1973 se convirtió en miembro asociado de la Real Academia de Ciencias, Literatura y Arte de Flandes, en Bruselas. En 1976 se convirtió en miembro de la Academia de las Artes de Berlín.

El buen diseño depende de la armonía entre la forma de un objeto y su uso.
Max Bill
Distinciones
Premio honorífico, Triennale de Milán, 1936
Premio Kandinsky, 1949.
Primer premio internacional de la Bienal de Arte de San Pablo, Brasil, 1951.
Gran Premio de la Triennale de Milán, 1951
Premio al arte de la ciudad de Zúrich, 1968
Doctor honoris causa de la Universidad de Stuttgart, 1979
Gran Cruz de Mérito de la República Federal Alemana, 1985
Caballero de la Orden de las Artes y Letras, Francia, 1985
Doctor honoris causa de la Escuela Politécnica Federal de Zúrich, 1994
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Zurab Tsereteli

80

Zurab Tsereteli

Zurab Konstantines dze Tsereteli (en georgiano: ზურაბ კონსტანტინეს ძე წერეთელი; en ruso: Зураб Константинович Церетели) (Tiflis, Georgia; 4 de enero de 1934) es un pintor, escultor y arquitecto ruso-georgiano, presidente de la Academia de las Artes rusa. Biografía Tsereteli nació en... Ver mas
Zurab Konstantines dze Tsereteli (en georgiano: ზურაბ კონსტანტინეს ძე წერეთელი; en ruso: Зураб Константинович Церетели) (Tiflis, Georgia; 4 de enero de 1934) es un pintor, escultor y arquitecto ruso-georgiano, presidente de la Academia de las Artes rusa.



Biografía
Tsereteli nació en Tiflis y se graduó en la Academia estatal de Artes de Tiflis, aunque pronto se mudó a Moscú. Entre sus trabajos durante el período soviético, destaca el complejo para niños en Sochi, finalizado en 1986. Su esposa es la princesa Inessa Aleksándrovna Andronikashvili, proveniente de una familia noble georgiana que reclama la descendencia patrilineal del emperador bizantino Andrónico I Comneno.

A pesar de que gran parte de su carrera ha sido seguida por la controversia, Tsereteli se relacionó con el alcalde de Moscú, Yuri Luzhkov, quien le proporcionó importantes encargos como, por ejemplo, la reconstrucción de la Catedral del Cristo Salvador de Moscú, la Plaza del Manège y el monumento conmemorativo de la Segunda Guerra Mundial en Poklónnaya Gorá. Luzhkov le permitió también ocupar una antigua mansión en el centro de Moscú, en la que ahora se aloja la galería Zurab Tsereteli y donde se expone la estatua a tamaño real del presidente Vladímir Putin. Se relacionó a Tsereteli con Eunice Kennedy Shriver por su trabajo por la creación de los Juegos Olímpicos Especiales. Tsereteli diseñó e instaló un monumento llamado Joy and Happiness to All Children of the World en el campus de la Universidad Estatal de Nueva York en Brockport que conmemoraba los Juegos Olímpicos Especiales de 1979 y el Año Internacional del Niño.1​

Carrera profesional
Profesor y Presidente de la Academia de las Artes rusa.
Presidente de la Fundación para el Parque de los Milagros (desde 1988), de ahí provienen los rumores sobre su implicación en la construcción de Disneyland en Rusia.
Fundador de la Fundación Internacional para el apoyo a la UNESCO de Moscú, fue nombrado Embajador de Buena Voluntad de la UNESCO el 30 de marzo de 1996.
Desde 2005 ha sido miembro de la Cámara Pública de la Federación Rusa.
Miembro Eminente de la Fundación Sergio Vieira de Mello.
Obras y proyectos

"El huevo de Colón" en Sevilla.
La estatua de Pedro I de Rusia en el centro de Moscú, con 94 metros de altura, era la 3.ª estatua más alta del mundo cuando fue inaugurada en 1997; en 2019, la 7.ª). Un rumor indica que la estatua iba a ser en un principio de Cristóbal Colón, pero después de ser rechazada por el gobierno de los Estados Unidos, su cabeza fue reemplazada, y fue vendida al gobierno ruso como una estatua naval de Pedro I de Rusia. En noviembre de 2008 se votó como la décima construcción más fea del mundo por Virtual Tourist.2​
Una desarmada estatua conocida como El Huevo de Colón representa a Cristóbal Colón. La estatua fue rechazada también por el gobierno de los Estados Unidos cuando Tsereteli pretendió instalarla en el país en 1992 en conexión con el V centenario del descubrimiento de América. El gobierno municipal de Cataño, en Puerto Rico, consintió construir la estatua en la ciudad, pero fue incapaz de conseguir suficientes fondos y apoyo públicos. El 15 de agosto de 2008, el contratista encargado de construir una serie de instalaciones para los XXI Juegos Centroamericanos y del Caribe, anunció que la corporación había comprado la estructura y la construiría en la población de Mayagüez, con la esperanza de que estuviese terminada para el comienzo de los Juegos.3​ Una copia llegó a Sevilla (España). Fue regalada por Rusia en 1993 e instalada en el parque de San Jerónimo.
La estatua de san Jorge en el monumento conmemorativo de la Segunda Guerra Mundial en Poklónnaya Gorá y hay varias versiones sobre el mismo tema en Moscú y otras ciudades. La más importante entre éstas es una escultura hecha a partir porciones de un misil norteamericano MGM-31 Pershing y otro misil nuclear SS-20 soviético. La escultura, titulada «El bien derrota al mal», está situada en el edificio de las Naciones Unidas en Nueva York. La escultura, de casi 12 metros de altura y 40 toneladas de bronce, es una estatua monumental de san Jorge luchando contra el dragón que en este caso hace referencia a la guerra nuclear. Fue donada a las Naciones Unidas por parte de la Unión Soviética en 1990.
La clave de sol que corona la cúpula del Centro Internacional de Artes Escénicas de Moscú. Mide 9,5 metros de altura, pesa 2 toneladas y está recubierta de un mosaico dorado. La escultura gira como una veleta.4​
Su obra «A la lucha contra el terrorismo en el mundo» muestra una lágrima de 12 metros suspendida en una fisura realizada en una torre rectangular de bronce de 32 metros de altura. El monumento incluye los nombres de todas las víctimas de los atentados del 11 de septiembre de 2001 en Nueva York, Washington D.C. y en Pensilvania; así como las del atentado del World Trade Center de 1993. Vladímir Putin presentó y llamó al monumento «un regalo de la gente de Rusia».5​ Se erigió cerca de la antigua terminal militar oceánica en Bayonne, Nueva Jersey, ahora llamada The Peninsula, una zona residencial, comercial y lúdica. Se inauguró el 11 de septiembre de 2006 con la presencia del expresidente de los Estados Unidos, Bill Clinton.
Referencias culturales
Como reflejo de su controvertida reputación, Borís Akunin publicó en su antología «Cuentos de hadas para idiotas» (en ruso: Сказки для идиотов [Skazki dlya idiótov])? un cuento satírico caracterizando a Tsereteli como un alien instalando una luz, haciendo las veces de faro, en sus esculturas. El nombre que le dio al alien fue Yagkfi Yeyukuyeudsh (en ruso: Ягкфи Еыукуеудш)?, una combinación de letras que deletrea “Zurab Tsereteli” cuando se intenta escribir en un teclado latino QWERTY tecleando las letras donde se encontrarían los correspondientes caracteres en un teclado cirílico.

Crítica
La obra de Tsereteli, a pesar de, a menudo, ser bienvenida por las autoridades, tiende a convertirse en objeto de una fuerte crítica popular. Sus esculturas suelen ser cuestión de mofa y burla por ser incongruentemente pomposas y desproporcionadas.6​

Honores y premios
Héroe del Trabajo Socialista, Orden de Lenin y medalla de oro “Hoz y Martillo” el 11 de noviembre de 1990 por su gran contribución personal al desarrollo del arte soviético y las actividades sociales productivas.
Orden al Mérito por la Patria;
Primera clase, el 26 de julio de 2010 por su contribución al desarrollo de las Bellas Artes y por su actividad creativa durante años.
Segunda clase, el 4 de enero de 2006 por su contribución al desarrollo de las Bellas Artes.
Tercera clase, el 29 de abril de 1996 por su gran contribución personal al desarrollo y la finalización de los trabajos en el Monumento a la Victoria en Poklónnaya Gorá.
Orden de la Amistad de los Pueblos en 1994.
Artista del Pueblo de la Federación Rusa el 4 de enero de 1994, por sus grandes logros en el campo de las Bellas Artes.
Artista del Pueblo de la URSS en 1980.
Artista del Pueblo de Georgia en 1978.
Premio Estatal de la Federación de Rusia en la categoría de Literatura y Arte el 21 de junio de 1996 por el “Monumento a la victoria en la Gran Guerra de 1941-1945” en Poklónnaya Gorá.
Premio Lenin en 1976 por la decoración de la zona para niños en el complejo de Adler en 1973.
Premio Estatal de la URSS
En 1970 por la composición del mosaico del monumento a Lenin en Uliánovsk en 1969 y por el Palacio del Comercio en Tbilisi (1969-1970).
En 1982 por la participación en la creación del complejo hotelero de Izmáilovo en Moscú en 1980.
Caballero de la Legión de Honor en Francia en 2010.
Oficial de la Orden de las Artes y las Letras en Francia en 2005.
Medalla “Astaná” en Kazajistán el 11 de diciembre de 1998.
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Veit Stoss

81

Veit Stoss

Veit Stoss (en alemán, Veit Stoß; en polaco, Wit Stwosz) (Horb am Neckar, ca. 1445-1450 - Núremberg, 20 de septiembre de 1533) fue un escultor alemán del gótico tardío, uno de los más importantes de su época en Europa. Biografía Tras pasar la juventud en su tierra natal, en el año 1473... Ver mas
Veit Stoss (en alemán, Veit Stoß; en polaco, Wit Stwosz) (Horb am Neckar, ca. 1445-1450 - Núremberg, 20 de septiembre de 1533) fue un escultor alemán del gótico tardío, uno de los más importantes de su época en Europa.


Biografía
Tras pasar la juventud en su tierra natal, en el año 1473 marchó a la ciudad de Núremberg, donde contrajo matrimonio con Barbara Hertz. En esta ciudad nació el mayor de sus hijos, Andreas. En 1477 renunció a su ciudadanía de Núremberg, mudándose a Cracovia, lugar en el que permanecen él y su familia hasta 1496. En esta etapa de Cracovia realizó algunas de sus mejores obras, como el magnífico Altar de la Dormición, en la Basílica de Santa María de esta ciudad. En esta obra se aprecian algunas de las principales características de su estilo: decorativismo, fuerte caracterización de los personajes, gusto por la riqueza y el detalle, como se observa en los ricos plegados de los vestidos. Otro trabajo importante de este período fue la tumba del rey polaco Casimiro IV en la catedral de Wawel.

En 1496, regresó a Núremberg con su esposa y sus ocho hijos. Allí adquirió la ciudadanía y comenzó a trabajar en diversos encargos. En el periodo de 1500-1503, talló el altar de la Asunción de María para la iglesia parroquial de Schwaz, Tirol. En 1503, copió el sello y la firma de un contratista fraudulento y fue condenado a ser abofeteado en público en ambas mejillas y que no le fuera permitido salir de Núremberg sin un permiso explícito del concejo de ciudad.

A pesar de la prohibición, en 1504 fue a Münnerstadt para colaborar en el altar de Tilman Riemenschneider. Realizó también un altar para la catedral de Bamberg y otras esculturas en Núremberg, incluyendo un Anuncio de Tobías por el ángel. En 1506 lo arrestaron otra vez. El emperador Maximiliano escribió una carta conmutando la pena, pero fue rechazada por el concejo de la ciudad como interferencia en sus asuntos internos.

Obra
Altar de Cracovia, Basílica de Santa María de Cracovia.
El arcángel Rafael y el joven Tobías, Núremberg, Germanisches Nationalmuseum, 1516.
Crucificado, Núremberg, St. Lorenz.
Altar de Veit Stoss, catedral de Bamberg.
Escultura para las cuatro escenas de la leyenda de Kilian en el ala del altar de Tilman Riemenschneider en la iglesia de Münnerstadt, 1504.
Galería de imágenes

Altar en la Catedral de Bamberg



Altar de la Dormición o Altar de Cracovia



Detalle de la escena principal del Altar de Cracovia

Literatura
The Limewood Sculptors of Renaissance Germany, Michael Baxandall, 1980
Bergau: Der Bildschnitzer Veit Stoß und seine Werke, Nürnberg (1884)
Leo Weismantel: Gericht über Veit Stoss, Reinbek b. Hamburg, Rowohlt (1988)
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Tilman Riemenschneider

82

Tilman Riemenschneider

(Osterode, c. 1460-Wurzburgo, 1531) Escultor alemán. Al frente de un importante taller en Wurzburgo, realizó diversos monumentos para la catedral de la ciudad (tumbas de los obispos Lorenz von Bibra y R. von Scherenberg); la tumba del emperador Enrique II y su esposa (catedral de Bamberg); las... Ver mas
(Osterode, c. 1460-Wurzburgo, 1531) Escultor alemán. Al frente de un importante taller en Wurzburgo, realizó diversos monumentos para la catedral de la ciudad (tumbas de los obispos Lorenz von Bibra y R. von Scherenberg); la tumba del emperador Enrique II y su esposa (catedral de Bamberg); las estatuas de Adán y Eva, así como notables altares en madera y alabastro, como el altar de la Magdalena (parroquial de Münnerstadt) y el de la Santa Sangre (Jakobskirche, Rothenburg). Fue uno de los escultores más destacados de la época de transición del gótico al renacimiento.
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Mathias Gasteiger

83

Mathias Gasteiger

Escultor y empresario alemán nacido en Munich. De padres agricultores, se graduó en la Academia de Bellas Artes de su ciudad natal. Además de su carrera artística, fue profesor desde 1896 y junto a Julius Exter de la Escuela de Escultura del Castillo de Mayrhofen en Dachau, donde mantuvo... Ver mas
Escultor y empresario alemán nacido en Munich. De padres agricultores, se graduó en la Academia de Bellas Artes de su ciudad natal. Además de su carrera artística, fue profesor desde 1896 y junto a Julius Exter de la Escuela de Escultura del Castillo de Mayrhofen en Dachau, donde mantuvo contactos con artistas locales como Adolf Hölzel y Ludwig Dill. Durante su vida creó una serie de esculturas en la ciudad de Munich, siendo la más popular la fuente llamada Brunen Buberl. Su casa que está rodeada por un parque ajardinado, hoy en día es un museo dedicado a su obra. © epdlp
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Ernst Barlach

84

Ernst Barlach

(Wedel, 1870 - Rostock, 1938) Escritor y escultor alemán. Al igual que otros muchos dramaturgos del expresionismo alemán, procedía de las artes figurativas. Análogamente a Kokoschka, que antes de ser dramaturgo se dedicó a la pintura, Barlach fue escultor antes de cultivar las letras. Su... Ver mas
(Wedel, 1870 - Rostock, 1938) Escritor y escultor alemán. Al igual que otros muchos dramaturgos del expresionismo alemán, procedía de las artes figurativas. Análogamente a Kokoschka, que antes de ser dramaturgo se dedicó a la pintura, Barlach fue escultor antes de cultivar las letras. Su escultura refleja un primitivismo plástico en el que la gravedad protogótica es sublimada por un encendido misticismo.

Este último aspecto se plasma también en su obra teatral, con un pathos carente del más mínimo distanciamiento. Barlach llevaba al extremo los elementos formales del teatro expresionista. El tormento íntimo del artista fluye en el drama, impermeable a cualquier análisis racional, lingüísticamente inconexo y destructor de las reglas lógicas y las convenciones sintácticas. Sus personajes son, abiertamente, proyecciones de la condición esencial del autor. La distinción entre sueño y verdad, vida real e imaginaria, se anula por completo. Episodios grotescos, macabros, crueles y hechizados irrumpen en escenografías oscuramente trágicas.

En Barlach aflora la vertiente más mística del expresionismo; pero es una religiosidad triste y solitaria, hundida en el abismo sombrío del bosque nórdico. El resultado es, casi siempre, la muerte, el suicidio, como única solución a la necesidad de rebelarse del individuo. En Der tote Tag (1907), obra densa, plagada de simbolismos y de oscuras e inquietantes apariciones sobrenaturales, aparecen una madre y un hijo. Un mendigo ciego pide cobijo. En el hijo se desvela el deseo de encontrar al padre desconocido. La madre, al principio, se opone; pero después, ante la desesperación del hijo, se quita la vida. Las últimas palabras nos descubren que el padre buscado es Dios.

También en El primo pobre (1918) el protagonista acaba suicidándose, después de haber escandalizado, al explicar su "verdad superior", a un público de ideología conservadora y tradicionalista. El tema de la farsa medieval aparece en Die echten Sedemuns (1920), donde se caracteriza de manera grotesca a los parroquianos de un pueblo: el rico, el pobre, el viejo, la mujer y el pecador. El pretexto de la acción es una anécdota rural: el león de un circo, en realidad muerto y despellejado, aterroriza a los vecinos, dando lugar a escenas de malandrines y falsos tullidos, en un clima apocalíptico de locura colectiva finisecular, descrito mediante una poesía de insólita vena humorística.



Por el contrario, Der Findling (El niño abandonado, 1922) es un collage de miserias y horrores. En El diluvio (1924), considerada una de las mejores obras de Barlach, se transmite, a través de un lenguaje denso y aliterante, la personal visión religiosa del autor. Un tema análogo, pero expresado con menor eficacia, subyace en Der blaue Boll (1926), donde aparecen Dios, el diablo y Alemania.

Tras la muerte de Barlach, que en los últimos años de su vida sufrió la marginación del régimen nazi, debido a sus concepciones religiosas y a su pesimismo, se publicó Der Graf von Ratzeburg, obra representada por primera vez en 1951. La religiosidad de Barlach se manifiesta, en este caso, dentro de un contexto medieval reconstruido en términos entre góticos y barrocos. En medio de una escena poblada por ermitaños, bufones, diablos y otros personajes, se describe la peregrinación del protagonista en busca de Dios. Al final, el protagonista vuelve a casa, donde unos hombres crueles le matan. El sacrificio consciente, al que el protagonista se dirige sin gozo, es el tema fundamental del autor: la muerte como expresión extrema de la totalidad de la existencia.

Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Ernst Barlach. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/barlach.htm el 9 de enero de 2020.



Sobre este sitio Contacto Enlácenos Cómo citar Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2020

¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Wilhelm Lehmbruck

85

Wilhelm Lehmbruck

Nació el 4 de enero de 1881 en Meiderich, cerca de Duisburgo. Asistió a la Academia de Düsseldorf. En su juventud viajó por Italia y pasó cuatro años en París. Trabajó ilustrando libros económicos y en la decoración. De 1914 a 1917 participó en el movimiento expresionista en Berlín... Ver mas
Nació el 4 de enero de 1881 en Meiderich, cerca de Duisburgo.

Asistió a la Academia de Düsseldorf.

En su juventud viajó por Italia y pasó cuatro años en París.

Trabajó ilustrando libros económicos y en la decoración. De 1914 a 1917 participó en el movimiento expresionista en Berlín.




En su trabajo utilizó distorsiones, y es muy conocido por sus desnudos angulares.

La crítica destacó a uno de ellos como una obra maestra, Mujer arrodillándose (1911, Museo de Arte Moderno, Nueva York).

En 1908 contrajo matrimonio con Anita Kaufmann y un año más tarde tuvieron a su hijo Gustav.

Wilhelm Lehmbruck se suicidó el 25 marzo de 1919 en Berlín.
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Jörg Wiele

86

Jörg Wiele

Escultor alemán nacido en Blievenstorf, Mecklenburg, conocido por sus obras con propiedades cinéticas. Sus trabajos incluyen esculturas figurativas al aire libre, instaladas la mayoría en su país natal. De 1967 a 1971 estudió mecánica de precisión y dos años después en la Academia de Arte de... Ver mas
Escultor alemán nacido en Blievenstorf, Mecklenburg, conocido por sus obras con propiedades cinéticas. Sus trabajos incluyen esculturas figurativas al aire libre, instaladas la mayoría en su país natal. De 1967 a 1971 estudió mecánica de precisión y dos años después en la Academia de Arte de Dusseldorf. En 1978 recibió la beca Ernst-Poensgens y trabajó como artista independiente y escultor en esa ciudad. Desde 1981 realizó varios viajes a Turquía, Egipto, la India, Sri Lanka e Indonesia. Las impresiones de esos viajes y especialmente de la cultura asiática se reflejan en todas sus obras. © epdlp
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Lucio Fontana

87

Lucio Fontana

Lucio Fontana (Rosario, 19 de febrero de 1899-Comabbio, 7 de septiembre de 1968) fue un pintor, ceramista y escultor ítalo-argentino. Fundó en 1946 el Espacialismo. Biografía Fue hijo de padre italiano (Luigi) y madre argentina. Pasó los primeros años de su vida en Italia, se enrola en el... Ver mas
Lucio Fontana (Rosario, 19 de febrero de 1899-Comabbio, 7 de septiembre de 1968) fue un pintor, ceramista y escultor ítalo-argentino. Fundó en 1946 el Espacialismo.

Biografía
Fue hijo de padre italiano (Luigi) y madre argentina. Pasó los primeros años de su vida en Italia, se enrola en el Ejército Italiano, combate en la Iª Guerra Mundial, es herido y le otorgan una medalla de plata al mérito. En 1921 regresó a Argentina, donde permaneció hasta 1928, trabajando como escultor junto a su padre hasta el momento en que abrió su propio Estudio.

En 1928 regresó a Italia, donde en 1930 presentó su primera exposición, organizada por la galería Il Milione, en Milán. En la siguiente década viajó varias veces entre Italia y Francia, trabajando con artistas de arte abstracto y también con expresionistas.

En 1940 retornó nuevamente a Buenos Aires, Argentina, lugar donde en 1946 fundó, junto con algunos de sus alumnos la academia Altamira y dio a conocer el Manifiesto Blanco, en el cual sotiene "La materia, el color y el sonido en movimiento son los fenómenos cuyo desarrollo simultáneo integra el nuevo arte"


Escultura Concetto Spaziale "Natura" (1959-1960) en Países Bajos
Nuevamente en Milán, en 1947 apoyó junto a otros escritores y filósofos el primer manifiesto del espacialismo, retomando al mismo tiempo sus trabajos de cerámica en Albisola.

A partir de 1958 inició la denominada serie de los tajos, consistente en agujeros o tajos sobre la tela de sus pinturas, los cuales dibujan el signo de lo que él mismo denomina "un arte para la Era Espacial". Por esos años, en 1959, Fontana realizó presentaciones con telas recortadas con múltiples elementos combinables, denominando a estos conjuntos "Quanta".

Fontana participó en la Bienal de San Pablo y en numerosas exposiciones en Europa y en Oriente, así como también en Londres, París y Nueva York. Es en esta última ciudad donde, poco antes de su muerte, estuvo presente en la manifestación Destruction Art, Destroy to Create (Arte de Destrucción, Destruir para crear ) en el Finch College Museum of Art. Poco tiempo después abandona Milán y se traslada a Comabbio, poblado del cual es originaria su familia, donde muere el 7 de septiembre de 1968.

Sus obras se encuentran en las colecciones permanentes de más de cien museos de todo el mundo. Es suyo el busto del periodista y fundador del periódico 'La Capital', obra en mármol de Carrara.

Algunos de los continuadores de los postulados de Fontana en Italia son Piero Manzoni, Castellani, Agostino Bonalumi, Paolo Scheggi y Nigro, Alviani y Mari. En España el escultor Pablo Serrano, quien entabló amistad con Fontana en sus años en Rosario, es considerado uno de los artistas que más ha aplicado y difundido las ideas de Fontana en la Península ibérica a través del manifiesto del Intraespacialismo.
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Adolfo Schlosser

88

Adolfo Schlosser

Adolfo Schlosser (Leitersdorf, Austria, 18 de julio] de 1939 - Bustarviejo, Madrid, 9 de diciembre de 2004) fue un artista austriaco que vivió en España desde mediados de los años sesenta, país donde desarrolló la mayor parte de su trabajo artístico. Biografía Nacido austriaco, aunque sus... Ver mas
Adolfo Schlosser (Leitersdorf, Austria, 18 de julio] de 1939 - Bustarviejo, Madrid, 9 de diciembre de 2004) fue un artista austriaco que vivió en España desde mediados de los años sesenta, país donde desarrolló la mayor parte de su trabajo artístico.

Biografía
Nacido austriaco, aunque sus padres procedían de la antigua Checoslovaquia, habiendo luego instalado en Leitersdorf un taller de cerámica, fue el menor de siete hijos. Poco antes de nacer Adolfo, para evitar conflictos con los vecinos del pueblo debido al hollín que despedía la chimenea del taller, su padre ayudado por sus hijos mayores construyó una nueva vivienda-taller fuera del casco urbano, en la proximidad del bosque. Allí, el futuro artista fue aprendió las técnicas y procesos de la cerámica, la preparación de pinturas y las técnicas artesanales de construcción, en un entorno sensible a la naturaleza. Allí tendrían origen sus trabajos con maderas y piedras del bosque, adobe, sebo, hollín, que caracterizan buena parte de su producción artística. El conocimiento de las setas, a cuya recolección fue siempre muy aficionado, le inspiraría asimismo algunas de sus esculturas e instalaciones.

Spanish Language Wiki.svg
Este artículo o sección sobre biografías necesita ser wikificado, por favor, edítalo para que las cumpla con las convenciones de estilo.
Este aviso fue puesto el 31 de mayo de 2016.
En 1953 se trasladó a Graz para estudiar en la Escuela de Artes y Oficios.

1955-1956. En 1955 viaja por primera vez a Viena para ver una exposición de Van Gogh. Al año siguiente viaja a Italia. Allí conoce Roma y llegará hasta Nápoles, movido más por un deseo de aventura que por interés artístico.

1957-1959. Se traslada a Viena para estudiar pintura en la Academia de Bellas Artes, habitando en la misma torre de la Academia con dos amigos. Para subsistir realiza, junto con otro compañero, copias de cuadros con intención de venderlos. Comienza a interesarse por la literatura, lee a escritores rusos: Pushkin, Gogol, Dostoievski. Se acerca a la filosofía a través de los presocráticos, de Wittgenstein y, en menor medida, de Nietzsche. Forma un grupo musical, inventando melodías que compone de manera intuitiva para ser interpretadas por el grupo. Estas primeras incursiones en el mundo de la música anteceden a la posterior creación de instrumentos musicales y a sus acciones-concierto llevadas a cabo durante su residencia en España.

1559-1962. Sus inquietudes comienzan a desplazarse, guiado por el deseo de viajar y conocer mundo, le surge la posibilidad de partir hacia Islandia para trabajar en un barco que se dedica a la pesca del bacalao, el Dorkell Mány (nombre de un héroe islandés). Posteriormente le servirá de inspiración para varias de sus esculturas. Permanecerá en Islandia durante cuatro años. En Reikiavik conoce a algunos españoles que trabajaban en las fábricas de pescado donde comenzará a interesarse por España. Esta experiencia en Islandia será uno de los hechos que más le marquen en su posterior trayectoria artística.

1963- Regresa a Austria y se instala de nuevo en Viena donde comienza a realizar sus primeros trabajos escultóricos.

1967- A la edad de 27 años y para eludir el servicio militar, se marcha de Austria y, junto a Eva Lootz, artista a la que conoció antes de su viaje a Islandia, llega a España. Se instala en Madrid en una buhardilla de la calle Piamonte. Acude con frecuencia a escribir al Café Gijón. Entre 1965 y 1970 escribirá la mayor de sus textos, como La tarde en el café.

1970- Un amigo, Luis Garrido, le introduce en el mundo del tapiz. Este aprendizaje lo aplicará a su territorio artístico personal realizando una serie de tapices en lana con motivos geométricos.

1973- Conoce a Patricio Bulnes, filósofo y escritor chileno que se encuentra conectado en la escena artística madrileña. A través de él conoce a Mercedes Buades y Chiqui Abril, propietarios de la galería Buades que será, durante las siguientes décadas, una de las galerías de referencia del arte contemporáneo español. Schlosser celebra sus primeras exposiciones individuales en las galerías Ovidio y Skira, de Madrid, y Carl van der Voort, de Ibiza.

1975-1976. Patricio Bulnes atrae a la galería Buades a Juan Navarro Baldeweg, Eva Lootz y Adolfo Schlosser. Schlosser trabaja con maderas encontradas en los alrededores de Madrid y en la ribera del río Manzanares; también comienza a emplear lonas tensadas, anticipando sus trabajos con pieles de cabra. Conoce a María Rosa Arija Soutullo (con quién más tarde se casaría) y alquila una casa en Bustarviejo, pueblo situado en el norte de la provincia de Madrid. Aunque la idea inicial era tener una casa de fin de semana, la atracción por este lugar, rodeado de bosques y montañas, le incita a instalarse en Bustarviejo. Utiliza y experimenta con nuevos materiales cercanos en su infancia en Austria y los incorpora como conductores de su obra. Ramas, plantas, piedras, pieles o barro son los componentes que le ayudarán a elaborar una de las poéticas mas singulares del panorama artístico español de los años setenta. Una de las obras más significativas de este momento es La oreja del silencio.

1977-1979. El período entre 1977 y 1979 es de gran creatividad y entusiasmo. Realiza la primera exposición individual el la Galería Buades de Madrid. Celebra exposiciones en Suecia: en la Galería I, de Gotemburgo, y junto a Eva Lootz en Asard&Asard, de Estocolmo. A principios de verano de 1977 tiene lugar la acción Vuelo con escultura.

1980- Participa en la exposición colectiva Madrid D.F.

1981- Nacen sus dos hijos mellizos Juan y Daniel el 31 de julio.

1982- Exposición individual en la galería Buades con obras fabricadas a base de ramas de árbol, piedras y setas. Prescrito el plazo de su incorporación a filas, en verano viaja por fin a Austria y aprovecha para presentar a su nueva familia. El 20 de diciembre nace su hijo Jacobo.

1984- Participa en la exposición En tres dimensiones, celebrada en la Fundación Caixa de Pensiones de Madrid y comisariada por Gloria Moure.

1985-1986. Nuevos materiales se suman a su repertorio, destacándose el adobe, tan característico de toda su obra posterior. Conoce a Marisol Rodríguez Abascal, que vivirá con él en Bustarviejo y será su colaboradora y ayudante hasta el final de su vida. Con ella tendrá una hija, Elisabeth.

1987- Expone nuevamente en la Galería Buades. Con esta ocasión se edita el pequeño libro Stilleben, donde aparecen publicados poemas del artista. El Museo Nacional Centro de Arte de Reina Sofía presenta desde noviembre de 1987 a enero de 1988, la exposición colectiva Naturalezas españolas, en la que Adolfo Schlosser participa con varias obras.

1988- A lo largo de este año realiza dos de sus instalaciones más destacadas, de cierta proximidad al Land Art. Una de ellas es La rosa de los vientos, un estanque circular donde se reflejan cuatro troncos resultantes del corte transversal de dos árboles que señalan los cuatro puntos cardinales. La otra instalación es Steinbruch, presentada en la Sala Montcada de la Fundación Caixa de Pensions de Barcelona. La pieza la forman ocho bloques cúbicos dispuestos en dos hileras de cuatro, bordeados en la parte exterior por otros ocho bloques, también de granito pero cortados verticalmente. Participa en Antípodas, exposición colectiva de arte español actual para el Pabellón Español de la World Expo 88 en Brisbane, Australia.

1989- El ayuntamiento de Oviedo le encarga, para el teatro Campoamor, una instalación Primera nieve. Un inmenso eucalipto cortado en dos mitades que entrecruza y sujeta con cables de acero.

1990- El 25 de enero inaugura en la nueva sala que ha abierto la Galería Buades en la Gran Vía de Madrid con piezas como Ajedrez continuando el juego de reflejos que luego reaparecerá en Fata Morgana (1991). A principios de febrero participa en la exposición colectiva Madrid, espacio de interferencias. En la que Schlosser coloca en el vestíbulo del edificio la escultura Moby Dick. La universidad de Valencia le encarga una gran instalación en su sala de exposiciones. La Albufera le inspira con sus materiales (cañas y barro) y se titula El Arca de Noé. A través de la galería Buades le encargan una gran escultura para el Auditorio Nacional de Madrid. Schlosser proyecta la obra Velero, una pieza de once metros de altura formada por tres arcos de caña de bambí unidos por un cable de acero que el viento haría vibrar, produciéndose así un leve rumor musical de fondo. A partir de este año, la Colección de Arte Contemporáneo inicia sus primeras adquisiciones de la obra de Schlosser, hoy depositada en el Museo Patio Herrerano de Valladolid, institución que posee el mayor número de obras del artista.

1991. Es incluido en la exposición colectiva 23 artistas, Madrid años 70 y participa en la exposición colectiva Contraparada 12 con la instalación de Fata Morgana. Es invitado a impartir un taller de arte en Arteleku, San Sebastián, donde por primera vez ejerce de docente bajo el título "Arte sin arte". Sobre esta experiencia afirma: "No hay nada que enseñar porque no hay reglas y axiomas para el arte. Un artista es un mundo aparte y debe buscar su camino reconociendo esta verdad". En el mes de septiembre el Ministerio de Cultura le concede el Premio Nacional de Artes Plásticas. Supone el reconocimiento oficial por la importante contribución de Schlosser a la escultura española en las últimas décadas.

1992- El 25 de julio nace su hija Elisabeth. La escultura monumental Moby Dick (1992) se instala en la Plaza Centenario de San Sebastián, Guipúzcoa. Participa en el XII Salón de lo 16, celebrado en el Pabellón Mudéjar de Sevilla y en el Museo Español de Arte Contemporáneo de Madrid. 1993- Presenta la que será su última exposición el la Galería Buades. Esta exposición gira en torno la idea del centro con piezas como El centro del mundo, El altar del cielo y Bóveda para las rogativas de un buen año.

1994- Participa en la exposición Espacios Públicos, sueños privados, celebrada en la Sala de exposiciones de la Comunidad de Madrid. Exposición en la Galería Luis Adelantado, de Valencia, donde se recoge un enfoque plural de su obra. Para la misma exposición realiza la instalación El cielo sobre la tierra (1994). Esta exposición expresa una honda reflexión sobre el centro, lo circular y lo cíclico.

1995- Exposición individual en la sala Robayera, de Miengo, Canatabría, con el título Adolfo Schlosser Construye Velero (1995), una escultura monumental en hierro que se instala en el campus de la Universidad de Valencia. Aunque en años anteriores hace uso de la fotografía en su obra, a partir de 1995 empieza a cobrar un nuevo protagonismo

1996- Doble exposición. En la Galería Helga de Alvear, expone una gran palmera que reside en la sal central. Al lado, otras obras emblemáticas como Don Genaro. Unos metros más arriba la Galería Ginko presenta una serie de obras de mayor tamaño pero de igual intensidad estética: se presenta la edición múltipla de Fata Morgana.

1998- En junio se inaugura la exposición retrospectiva Adolfo Schlosser en el Institut Valencia d´Art Modern, IVAM, Centre del Carme de Valencia con itinerancia al centro Galego de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela, la más importante y completa exposición sobre su trayectoria hasta ese momento.

2000- El 26 de abril se inaugura la exposición Adolfo Schlosser, Obra reciente, en la Galería Elvira González de Madrid. En estos últimos años empieza a colaborar con Adolfo en sus proyectos fotográficos su hijo Juan.

2002-2003. Desde noviembre de 2002 a enero de 2003, la Galería Elvira González presenta la exposición Adolfo Schlosser, con la producción más reciente del artista. La Galería Art Nueve de Murcia inaugura en mazo de 2003 la exposición Adolfo Schlosser, en la que presenta esculturas, fotografías sobre papel de lino y varios dibujos. Es incluido en la exposición Cuatro dimensiones, Escultura en España, 1978-2003, celebrada en el Museo Patio Herreriano -Muso de Arte Contemporáneo Español de Valladolid, en el año 2003-2004.

2004-2005. El día 9 de diciembre de 2004, a los 65 años, fallece en su casa de Bustarviejo como consecuencia de la enfermedad que venía padeciendo desde 2001. Su obra sigue siendo reclamada para participar en importantes muestras, como El arte sucede, inaugurada el 11 de octubre de 2005 en el Museo Nacional Centro de Arte de Reina Sofía en la Fundación Caja Vital Kutxa.

2006- El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía presenta la más importante exposición antológica de su obra.
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Eva Lootz

89

Eva Lootz

Eva Lootz (Viena, 1940)1​es una artista plástica austriaca nacionalizada española2​ residente en España desde 1967. Trayectoria En Austria, Lootz estudió Bellas Artes, Musicología, Cinematografía y Filosofía. En la facultad de Filosofía y en la Escuela de Cinematografía y Televisión de... Ver mas
Eva Lootz (Viena, 1940)1​es una artista plástica austriaca nacionalizada española2​ residente en España desde 1967.


Trayectoria
En Austria, Lootz estudió Bellas Artes, Musicología, Cinematografía y Filosofía. En la facultad de Filosofía y en la Escuela de Cinematografía y Televisión de Viena hizo ese recorrido; en parte con . Sin embargo, su trayectoria artística se ha desarrollado principalmente en España. De hecho, vive y trabaja en Madrid desde 1967.

Participó en la creación de la revista HUMO junto con Juan Navarro Baldeweg, Patricio Bulnes, Santiago Auserón, Catherine François e Ignacio Gómez de Liaño de la que solo se publicó un número. Más conocida por sus esculturas, Lootz : ha trabajado con diferentes lenguajes artísticos como la instalación, el dibujo, el grabado, la fotografía, el y el vídeo.

Su obra, por lo general instalaciones, suele interpretarse como una reflexión sobre la intervención humana en la naturaleza. Trabaja con materiales como el mercurio, el carbón, la arena, la madera... con los que construye un discurso en torno a la memoria, al tiempo y a los problemas esenciales del hombre. Eva Lootz recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1994 y su obra puede encontrarse hoy en prestigiosas colecciones privadas y públicas.

Obra
La obra de Eva Lootz se caracteriza por una preocupación central: rastrear la imbricación entre materia y lenguaje, desde diferentes ángulos.

Tras unos comienzos que revelan una voluntad inequívoca de transgredir los límites históricos del arte al convertirse la obra en huella de un proceso, época de la que proceden sus planchas de materiales efímeros como algodón, tierra, guata, semillas recubiertos de parafina y sus trabajos con líquidos aglutinantes como el lacre, las colas sintéticas y la cera, emprende una reflexión amplia y exhaustiva que aspira a remontarse al origen de la devaluación de la materia con respecto a la idea, devaluación que en la mayoría de las culturas va en paralelo al de la degradación del valor que se concede a la mujer.

En el curso de esta reflexión estudia los procesos de extracción y tratamiento de minerales y materias primas, las rutas de intercambio, las repercusiones socioculturales, las huellas en el paisaje y en el idioma. De esta época, los años ochenta, son los estudios sobre Almadén, Riotinto, Las Médulas, Rodalquilar y Torrevieja, que tienen su reflejo en obras como Metal, Circuito roto, Bucle infinito, Ruta de la seda, así como las obras que hacen alusión a grandes viajeros: Humboldt, Novalis, Lineo, Hiroshigue.

Siempre atenta a detectar huellas poco visibles, en 1987 expone en la sala Montcada de Barcelona Noche, decían, obra en la que parte de un hecho de lenguaje - la vecindad fonética de la palabra noche y la palabra ocho en todos los idiomas indoeuropeos -, para poner de relieve mutaciones del pensamiento y de la conciencia. Le siguen Noche, Arriba y abajo, Canon inverso, No-ma-de-ja-do, Alfombra escrita, Endless Task, Arenas giróvagas entre otras. En 1981 realiza el cortometraje Oeste para el programa Trazos que dirige Paloma Chamorro en TVE.

A partir de A Farewell to Isaac Newton'# en la South London Gallery, Londres 1994, se deja sentir la preocupación acerca de la progresiva saturación de imágenes del entorno que equivale a su irrelevancia y la devaluación de lo palpable a través de la creciente presencia del ordenador en todos los ámbitos de la vida, a la vez que se intensifica el interés por el psicoanálisis y lo específico de la subjetividad femenina. Ellas, Nudos, La mano de Lineo, Como el silencio de una gran orquesta, Tú y yo 1, Cascada, Danaïdes, La madre se agita, Berggasse 19 y Pequeño teatro de derivas, una serie de fotos en blanco y negro, son obras de este período.

En 1994 recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas de España.3​

A partir de La madre se agita empieza a incorporar el sonido en algunas de sus instalaciones, así en Tú y yo 2, Voces para Zamora y La lengua de los pájaros, exposición que tiene lugar en el Palacio de Cristal del Retiro, organizado por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y comienza a retomar la actividad cinematográfica a través de la realización de videos, así Viajes de arena, Urdilde, Neda, Medardos, No es más que un pequeño agujero en mi pecho, Blind spot, Casting, La postal y A veces después de la lluvia'$.

Retomando su primer viaje a Riotinto en 2016 compone La canción de la tierra, una exposición sobre las materias que hacen y destruyen el mundo, como cobre, la sal, el agua y la electricidad.4​

Finalmente hay que destacar, en la obra de Lootz, la importancia del dibujo, donde a la manera de cuadernos de apuntes se han reflejado sus inquietudes y últimamente la publicación de un libro de escritos: Lo visible es un metal inestable (Árdora Ediciones, 2007).

En 2018 participó en la exposición colectiva en La NO comunidad, organizada por CentroCentro, del Ayuntamiento de Madrid, con la obra Ella vive en el traje que se está haciendo. La muestra presenta una mirada poliédrica a la idea de soledad, desde el cuestionamiento de la idea de comunidad.5​6​

En 2018 su escultura Sin título (1977) formó parte de la exposición El poder del arte, organizada con motivo del 40 aniversario de la Constitución española, las obras procedentes del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía se ubicaron en las sedes del Congreso de los Diputados y del Senado.7​

En 2018 participó con otras artistas en la exposición Territorios que importan. Género, Arte y Ecología, organizada por el Centro de Arte y Naturaleza (CDAN) en Huesca, donde se establece una relación entrelazada arte contemporáneo, la naturaleza y la perspectiva de género. La exposición reúne un centenar de obras de diferente procedencia y creadas desde los años setenta hasta la actualid. La obra presentada por Eva Lootz fue Lengua de Tierra. 19838​.9​

Depósito de obra
Su obra se encuentra representada en numerosas colecciones privadas y de instituciones públicas como: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía; Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, Barcelona; Museo de Arte Abstracto de Cuenca, Cuenca; Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria - Gasteiz; Museo de Arte Contemporáneo de Malmö, Suecia; Museo Municipal de Madrid, Madrid; Museo Patio Herreriano, Valladolid; Centro Gallego de Arte Contemporáneo, Santiago de Compostela; Centro Atlántico de Arte Moderno, Las Palmas de Gran Canaria; Centro de Arte Caja de Burgos, Burgos; Fotomuseum, Zarautz; Comunidad Autónoma de la Región de Murcia, Murcia; Asociación Colección Arte Contemporáneo; Biblioteca Nacional, Madrid; Banco de España, Madrid; Banco Exterior de España; Caja de Ahorros de Asturias, Oviedo; Caja de Ahorros de Burgos, Burgos; Colección BBVA, Madrid; The Chase Manhattan Bank, Nueva York, EEUU; Fundació Caixa de Pensions, Barcelona; Fundación Amigos del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Fundación Coca - Cola, Madrid; Fundación Juan March, Palma de Mallorca; Fundación Antonio Pérez, Cuenca; Instituto de Crédito Oficial, Madrid; Colección Unión Fenosa, La Coruña; Colección de Arte del Ayuntamiento de Miengo, Cantabria; Colección Martín Blanco, Segovia; Colección Pilar Citoler, Madrid; Santander.

Libros
«Ser artista, en mi caso es vivir la vulnerabilidad con todas las consecuencias-ha escrito Eva Lootz-. Es un abrirse radical a las cosas y a los otros».10​ Lo mismo que en sus creaciones plásticas, ella atiende en sus prosas a ese especial objeto que es la vida alojada en los ángulos más inadvertidos de la experiencia. Su fragilidad, su carácter aleatorio, su olvido racional, y hasta sus naufragios, son las circunstancias de una realidad menos patente que la atrae por ser probablemente una manifestación más cierta de nuestra naturaleza y del propio arte.

Nudos, CIRCULO DE BELLAS ARTES, ISBN 978-84-87619984
Escultura, negative sculpture, LA OFICINA DE ARTE, ISBN 978-84-94127052
Lo visible es un metal Inestable, Ardora Ed., ISBN 978-84-88020390, ed. de Javier Arnaldo; reúne por vez primera vez una colección de sus textos.
Algunas exposiciones
Desde 1973 ha expuesto de forma regular tanto en España como en el extranjero y entre sus individuales destacan:11​

1981: Galleriet, Lund, Suecia.
1983: Metal, Fundación Valdecilla, Madrid.
1987: Nit, deien, Sala Montcada de la Fundació Caixa de Pensions, Barcelona.
1990: David Beitzel Gallery, Nueva York, EE.UU. Galería Barbara Faber, Ámsterdam, Holanda.
1991: Arenes Girovagues, Tinglado Dos, Tarragona. Intervención en los jardines de la Cartuja, Expo ‘92 Sevilla.
1994: A Farewell to Isaac Newton, South London Gallery, Londres, Reino Unido.
1996: Caer. Fundación Pilar i Joan Miró, Palma de Mallorca. Esculturas y fotografías, Galería Barbara Farber, Ámsterdam, Holanda.
1997: Eva Lootz. La madre se agita, L'Almodí, Valencia. Eva Lootz, Galería Luis Adelantado, Valencia. Itinerancia: Borås Konstmuseum, Borås, Suecia; Lunds Konsthall, Lund, Suecia; Kunsthallen Brandts Klaedefabrik, Odense, Dinamarca.
2002: La lengua de los pájaros, Palacio de Cristal del Retiro, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.
2004: Sedimentaciones. Fundació Sa Nostra, Palma, Mallorca. Cuatro Caminos, Sa Nostra, Ibiza. Salario, Sa Nostra, Formentera.
2016: La canción de la tierra, Tabacalera-La principal, Madrid.12​
Premios y reconocimientos
Premio Arte y Mecenazgo 2013.13​
Premio Tomás Francisco Prieto de Medallística 2009.14​
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Charles van der Stappen

90

Charles van der Stappen

Pierre-Charles Van der Stappen (de su nombre Pierre Charles Vanderstappen,1​ Saint-Josse-ten-Noode, 19 de diciembre de 1843 - Bruselas, 21 de octubre de 1910) escultor belga. Les Bâtisseurs de villes Estudió en la Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles (1859-1868) y terminó su formación... Ver mas
Pierre-Charles Van der Stappen (de su nombre Pierre Charles Vanderstappen,1​ Saint-Josse-ten-Noode, 19 de diciembre de 1843 - Bruselas, 21 de octubre de 1910) escultor belga.

Les Bâtisseurs de villes
Estudió en la Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles (1859-1868) y terminó su formación en París, Florencia y Roma. Sus obras evocan la escultura clásica griega y renacentista representando la escultura realista de su época.

Enseñó en su academia de formación de la que también fue director y sus obras dieron prestigio a la institución.


Le Sphinx mystérieux
En 1893, colaboró con Constantin Meunier en el proyecto de las 52 estatuas exteriores del Jardín Botánico de Bruselas.
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Edgar Negret

91

Edgar Negret

Edgar Negret Dueñas (Popayán, 11 de octubre de 1920 - Bogotá, 11 de octubre de 2012) fue un escultor abstracto colombiano. Junto con Hugo Martínez González y Eduardo Ramírez Villamizar, introdujeron la escultura abstraccionista y geométrica en Colombia a mediados del siglo XX. Sus obras se... Ver mas
Edgar Negret Dueñas (Popayán, 11 de octubre de 1920 - Bogotá, 11 de octubre de 2012) fue un escultor abstracto colombiano. Junto con Hugo Martínez González y Eduardo Ramírez Villamizar, introdujeron la escultura abstraccionista y geométrica en Colombia a mediados del siglo XX. Sus obras se caracterizan por un amplio uso del hierro y el aluminio como material estructural y formal, uniendo sus láminas y partes mediante tuercas y tornillos. Sus esculturas se caracterizan asimismo por el uso de elementos geométricos y por el rigor compositivo. Existen varias esculturas suyas en el espacio público de Bogotá, Medellín y Valencia.1​2​3​

Biografía

El sol, escultura ubicada en el Aeropuerto Internacional José María Córdova, Rionegro.
Hijo del general Rafael Negret Vivas y de María Dueñas, Negret estudió en la Escuela de Bellas Artes de Cali entre 1938 y 1943. Al año siguiente, conoció en su ciudad natal al escultor vasco Jorge Oteiza, quien lo puso al tanto de la escultura moderna.

Así, después de sus figuras erguidas o reclinadas, realizadas en la escuela dentro de una concepción convencional, Negret trabajó entre 1944 y 1948 una serie de yesos de innegable calidad, que anticipan su enorme inventiva. Son cabezas (de los poetas Guillermo Valencia, Porfirio Barba-Jacob, Gabriela Mistral y Walt Whitman), algunos temas religiosos (Virgen, Cabeza del Bautista, Ascensión, Mano de Dios y Anunciación), algunos temas mitológicos (Tritón y Venus') y La muchacha en la ventana. Aunque en las cabezas se reconocen los personajes, estas esculturas son básicamente abstractas por ser ante todo formas esenciales, alejadas de los pormenores.


Cascada en el parque El Virrey.
A fines de 1948 Negret efectuó su primer viaje a Nueva York. Allí, a más de algunas cerámicas biomórficas, realizó sus primeras construcciones. Entre ellas se destacan El nido y Rostro de Cristo, ambas de 1950. En una y otra, la lámina de metal y el alambre aluden a los temas sin ninguna proclividad naturalista.pero admiraba mucho a Eliecer Lopez

En 1949 Negret había realizado otra escultura en metal: Vaso con una flor, un dibujo hecho en varilla de hierro que no sólo representa el tema sino delimita el espacio real. Luego de una breve temporada en Colombia, Negret viajó a Europa; vivió en París, Barcelona, Madrid, Mallorca y Saint Germain-en-Laye, entre 1950 y 1955. Inicialmente siguió trabajando yesos. En estas esculturas la abstracción predomina sobre cualquier alusión figurativa, tal como lo corroboran los propios títulos de las obras: Dirección sur, Homenaje a Gaudí, Columna conmemorativa de una masacre, etc. Luego de ver en París la retrospectiva póstuma de Julio González en 1953, Negret pasó a utilizar el hierro.


Dinamismo en el la plazuela de la Procuraduría de Bogotá.
Estas construcciones realizadas en Palma de Mallorca, entre 1953 y 1954, ya sugieren aparatos o máquinas. A fines de 1955 y hasta 1963 Negret se instaló en Nueva York. Durante estos años ejecutó la serie denominada Aparatos mágicos, en la que, por primera vez, empleó el aluminio (que desde entonces será su material exclusivo) y luego de intentar unir las diferentes piezas con dobleces se decidió por la utilización de tuercas y tornillos. La serie se caracteriza por el empleo de elementos geométricos y por el rigor compositivo; también por el color: las construcciones están pintadas de negro, blanco, rojo y azul. En 1962 expuso sus Eclipses en Espoleto junto a los escultores venezolanos Jesús Rafael Soto y Alejandro Otero.

Luego de quince años de ausencia, Negret regresó a Colombia en 1963, y desde entonces vivió en Bogotá (donde ya había expuesto en 1958 y 1962), con un corto intervalo en Cali entre 1968 y 1971. En 1963 participó en el XV Salón Nacional de Artistas de Colombia y ganó el primer premio en Escultura, con Vigilante celeste. En 1967 volvió a obtener el primer premio en el XIX Salón Nacional, con Cabo Kennedy.

En junio de 2009 realizó su más reciente retrospectiva en la Galería Mundo de Bogotá. El 28 de septiembre de 2010, el Gobierno Nacional de Colombia, en el marco del nonagésimo aniversario de su nacimiento y de los 25 años de creación de su Casa Museo en Popayán (Cauca), le otorgó la Gran Orden Ministerio de Cultura.4​

El 9 de marzo de 2017, se inauguró su obra Horizonte paisaje agustiniano en la urbanización El Viñedo en la ciudad de Valencia, estado Carabobo, en Venezuela. Fue instalada por la alcaldía de Valencia en el paseo cultural Paco Cabrera. Es una obra de hierro, 10 metros de alto y 16 toneladas de peso, que es la más grande construida por el artista.


Galería Casa Negret Buitrago (Bogotá- Colombia). Salvaguardas del Legado del Maestro Edgar Negret
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Doris Salcedo

92

Doris Salcedo

Doris Salcedo (Bogotá, 1958) es una escultora colombiana. Su trabajo responde en cierta manera a la situación política en Colombia. Utiliza a menudo muebles en sus esculturas, eliminando su naturaleza familiar y dándoles un aire de malestar y horror. Vive y trabaja en Bogotá. Ha ganado... Ver mas
Doris Salcedo (Bogotá, 1958) es una escultora colombiana. Su trabajo responde en cierta manera a la situación política en Colombia. Utiliza a menudo muebles en sus esculturas, eliminando su naturaleza familiar y dándoles un aire de malestar y horror. Vive y trabaja en Bogotá. Ha ganado importantes premios como el Premio Velázquez de Artes Plásticas (2010), el Hiroshima Art Prize (2014) y el Nasher Prize de Escultura (2015). En 2019 fue galardonada además con el Premio de Arte Nomura.

Su obra ha sido exhibida en instituciones y museos arte de todo el mundo en las dos últimas décadas. Las más importantes en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, 2017), MAXXI (Roma, 2012), Moderna Museet (Malmö, 2011), Museo Universitario Arte Contemporáneo (Ciudad de México, 2011), Tate Modern (Londres, 2007) o en el New Museum (Nueva York, 1998). Además en bienales de arte internacional la XXIV Bienal de São Paulo (1998), Trace, la Bienal de Arte Contemporáneo de Liverpool (1999), Documenta 11, Kassel (2002) o la Octava Bienal Internacional de Estambul (2003).



Trayectoria

Shibboleth en la Tate Modern
Estudió Bellas Artes en la Universidad Jorge Tadeo Lozano de Bogotá. En 1984 hizo el postgrado en la Universidad de Nueva York, después regresa a Colombia entre 1987 y 1988, allí dirige la Escuela de Artes Plásticas del Instituto de Bellas Artes de Cali. Obtiene una beca de la Fundación Guggenheim y Penny Mc.Call, con esta aumenta su popularidad. Es en este momento que se da cuenta de qué es lo que quiere hacer como artista y se dirige a las zonas más deprimidas de Colombia, allí habla con familiares de personas que han sido asesinadas por la violencia, y luego utiliza sus testimonios como base en la creación de sus obras.

Sus obras han sido expuestas en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), en el Tate Modern de Londres, en el Centro Pompidou de París y en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid. Es una de las artistas colombianas más importantes en la escena contemporánea internacional.

Sobre su obra se publicó el libro Doris Salcedo (2000), de la editorial Phaidon.1​

Entre 1987 y 1988 dirigió la Escuela de Artes Plásticas del Instituto de Bellas Artes de Cali. Ha sido becada por la Fundación Guggenheim y Penny Mc.Call. También fue reconocida por la Galería Camargo Vilaça, San Pablo.

Otras Exposiciones
Shibboleth Turbine Hall de la Tate Modern, Londres (2007-2008).
Trienal de Torino, Turín, 2005. 8ª Bienal de Estambul, Turquía, 2003.
Documenta 11 Kassel, Alemania, 2002.
Doris Salcedo: Unland. Tate Gallery, Londres, 1999.
XXIV Bienal Internacional de São Paulo, 1998.
Doris Salcedo, Galería Camargo Vilaça, São Paulo,1996.
Doris Salcedo, White Cube, Londres,1995.
About place: Recent Art of the Americas, Art Institute of Chicago, 1995.
Cocido y crudo, MNCARS, Madrid, (1994).
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Hiram Powers

93

Hiram Powers

Hiram Powers (29 de junio de 1805 - 27 de junio de 1873) fue un escultor neoclásico estadounidense. Biografía Powers era hijo de un granjero, y había nacido en Woodstock, Vermont, en 1805. En 1818 su padre se mudó a Ohio, a unos diez kilómetros de Cincinnati, donde su hijo concurrió a la... Ver mas
Hiram Powers (29 de junio de 1805 - 27 de junio de 1873) fue un escultor neoclásico estadounidense.


Biografía
Powers era hijo de un granjero, y había nacido en Woodstock, Vermont, en 1805. En 1818 su padre se mudó a Ohio, a unos diez kilómetros de Cincinnati, donde su hijo concurrió a la escuela durante el lapso de un año, viviendo mientras tanto con su hermano que era abogado en Cincinnati. Al dejar la escuela lo emplearon como supervisor de un salón de lectura en conexión con el hotel más famoso del pueblo, pero se vio obligado a dejar dicho empleo ya que no le alcanzaba para ganarse un sustento razonable, por lo que consiguió empleo en una tienda. A los 17 años, Powers comenzó a trabajar como ayudante de Luman Watson, el fabricante de relojes de madera de Cincinnati. Powers tenía habilidad para esculpir figuras. Watson era dueño de una fábrica de relojes y de órganos, y Powers pronto se especializó en la construcción de estos instrumentos, y a causa de su habilidad pronto fue ascendido hasta el cargo de mecánico en jefe de la fábrica.

En 1826 comenzó a visitar a Frederick Eckstein en su estudio, y rápidamente fue desarrollando una gran afinidad y pasión por el arte de la escultura. A causa de su habilidad pronto fue designado ayudante principal y artista del Western Museum, que era cuidado por un naturalista de Luisiana de ascendencia francesa llamado Joseph Dorfeuille, donde tuvo mucho éxito su ingeniosa representación de las regiones infernales que ilustraban escenas del poema de Dante.

Luego de estudiar el arte de modelar y vaciado de piezas, hacia finales de 1834 se muda a Washington DC, donde sus talentos atraen rápidamente la atención. En 1837 se radica en Florencia, donde permanece hasta su muerte, aunque realiza algún viaje a Inglaterra en este período. Desarrolla un negocio exitoso de retratos y realización de bustos, pero también se dedica a crear figuras ideales de tamaño real, muchas de las cuales también las realiza como bustos independientes.

En 1839 su estatua de Eva despertó la admiración de Bertel Thorvaldsen, y en 1844 realizó su obra La esclava griega de estilo neoclásico y en honor a la Venus de Medici. Fue influenciado por la guerra de independencia de Grecia (1821-183) ya que en la obra la representó como un parangón de virtud y heroísmo. Con ésta escultura se ganó y cimentó su prestigio como escultor de renombre. Esta escultura fue exhibida en el centro de la Exhibición del Palacio de Cristal y Elizabeth Barrett Browning escribió un soneto inspirada en ella. La escultura La esclava griega se convirtió en un símbolo de la causa abolicionista y varias copias de ella aparecieron en las casas de muchos que apoyaban a la Unión. En palabras del propio Hiram: "La esclava ha sido tomada de una de las islas griegas por los turcos en la época de la revolución de Grecia. Sus padres y tal vez toda su familia han sido destruidos por sus enemigos. Ahora se encuentra entre bárbaros extranjeros".1​

Entre las estatuas más famosas se encuentran El pescador niño, Il Penseroso, "Eva desconsolada", California, America (realizada para el Palacio de Cristal en Sydenham), y El último de la tribu (también llamada La última de su tribu). Powers murió el 27 de junio de 1873, y se encuentra enterrado en el Cementerio Inglés de Florencia.

En el año 2007 el Taft Museum of Art en Cincinnati, Ohio abrió la primera gran exhibición dedicada al escultor estadounidense más aclamado del siglo XIX, "Hiram Powers: Genio del mármol". Ese es exactamente el sitio en el cual en 1842 Powers realizó su primera gran exhibición exclusiva en Cincinnati, cuando Nicholas Longworth abrió las puertas de su residencia privada para permitirle al público ver la más reciente obra de Powers.[1]

Las siguientes colecciones poseen obras de Hiram Powers:

Addison Gallery of American Art (Andover, Massachusetts),
Amon Carter Museum (Texas),
Arizona State University Art Museum,
Art Gallery of the University of Rochester (New York),
Birmingham Museum of Art (Alabama),
Brooklyn Museum of Art (New York City),
Carnegie Museum of Art (Pittsburgh, Pennsylvania),
Cincinnati Art Museum,
Corcoran Gallery of Art (Washington D.C.),
Cornell Fine Arts Museum at Rollins College (Florida),
Detroit Institute of Arts,
Fine Arts Museums of San Francisco,
Glencairn Museum (Pennsylvania),
Harvard University Art Museums,
Metropolitan Museum of Art,
Museum of Fine Arts, Boston,
National Gallery of Art (Washington D.C.),
Smithsonian American Art Museum (Washington D.C.),
White House Collection, (Washington)
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Alexander Archipenko

94

Alexander Archipenko

(Alexander Porfirievich Archipenko; Kiev, 1887 - Nueva York, 1964) Escultor ruso, pionero de la escultura cubista. Emigrado de Ucrania, Alexander Archipenko llegó a París en 1908 atraído por los trabajos de Picasso y Braque, y un año después expuso en el Salón de Otoño su primera escultura... Ver mas
(Alexander Porfirievich Archipenko; Kiev, 1887 - Nueva York, 1964) Escultor ruso, pionero de la escultura cubista. Emigrado de Ucrania, Alexander Archipenko llegó a París en 1908 atraído por los trabajos de Picasso y Braque, y un año después expuso en el Salón de Otoño su primera escultura cubista, Torso.


La danza (1912), de Alexander Archipenko

"La escultura -afirmó Archipenko- puede empezar en el punto en el que el espacio es rodeado por la materia." Esta afirmación se hizo realidad en el juego sucesivo de formas cóncavas y convexas, como alternancia entre hueco y volumen, con el que construyó estructuras como Mujer andando (1912, The Denver Art Musem) o El combate de boxeo (1913, Colección Perls Galleries, Nueva York), en las que invirtió el concepto tradicional de la escultura haciendo surgir el espacio como negativo de la masa y creando una dinámica de ritmos y contrastes.

Sus "escultopinturas" preludiaron los assemblages dadaístas y demostraron su interés por borrar las fronteras entre las disciplinas, aunque Archipenko fundamentalmente priorizó la investigación escultórica. Establecido en Estados Unidos, fue profesor en la Universidad de Washington, en la New Bauhaus de Chicago y en Nueva York. Las esculturas de su célebre serie de los "Medrano", combinación de madera, metal y vidrio, son buenos ejemplos de su obra.

Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Alexander Archipenko. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/a/archipenko.htm el 10 de enero de 2020.



Sobre este sitio Contacto Enlácenos Cómo citar Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2020

¿Desea reproducir alguna biografía en su web?
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Frederic Auguste Bartholdi

95

Frederic Auguste Bartholdi

Frédéric Auguste Bartholdi Escultor francés Nació el 2 de abril de 1834 en Cohnar, Alsacia. Cursó estudios de pintura con Ary Scheffer en París, aunque posteriormente se dedica a la escultura. Comenzó a interesarse por las obras monumentales ltras varios viajes a Egipto... Ver mas
Frédéric Auguste Bartholdi

Escultor francés



Nació el 2 de abril de 1834 en Cohnar, Alsacia.

Cursó estudios de pintura con Ary Scheffer en París, aunque posteriormente se dedica a la escultura.

Comenzó a interesarse por las obras monumentales ltras varios viajes a Egipto.




Realizó obras como Francesca da Rimini" (1852); "Monument to Martin Schongauer" (1863); "Le Vigne-ron" (1870): y "Vercingetorix" (1872).

La obra por la que es reconocido mundialmente es "La Estatua de la Libertad" que pasó diez años esculpiendo y cuyo marcado estilo clásico pone de manifiesto el recuerdo de la humanidad de su fe primitiva. Diseñada en colaboración con Gustave Eiffel, mide 46 metros, está emplazada sobre un pedestal de 45 metros y pesa 200.000 kilos. Para el rostro de la diosa que sostiene una antorcha, el escultor eligió como modelo a su madre. Los siete rayos de la corona de la estatua representan los siete océanos y continentes del mundo. La antorcha que sostiene en alto con su mano derecha, es un faro que guía las embarcaciones que navegan por la noche, mientras que la tablilla de su mano izquierda dice (en números romanos) "4 de julio de 1776". Aplastadas bajo sus pies yacen las cadenas rotas de la tiranía, dejando muy en claro que todos los grilletes contra la libertad serán destrozados. Originalmente llamada la 'Libertad que ilumina al mundo', esta estatua fue un obsequio de Francia a Norteamérica para conmemorar el centenario de la independencia de los Estados Unidos, y para simbolizar la amistad eterna entre los pueblos de ambas naciones. Es uno de los monumentos más visitados del mundo. Una versión mucho más pequeña fue colocada a su vez en una isla del Sena en París. Otra de sus grandes piezas es el "León de Belfort", en memoria a las víctimas de la ocupación prusiana en 1870/71. Para ello creó un león de 22 metros de largo y 11 de altura.

Frédéric Auguste Bartholdi murió con 70 años de edad el 4 de octubre de 1904 en París.


Obras

Monumento del general Rapp (1856)
Monumento de Martin Schongauer en el museo de Unterlinden (1863)
Monumento del almirante Bruat en el Campo de Marte (1864)
Genio fúnebre, en la escalera del liceo Bartholdi de Colmar (1866)
Monumento al general Arrighi de Casanova (1867)
Pequeño viñador alsaciano, (museo Bartholdi, Colmar) (1869)
Monumento funerario de los Guardias nacionales caídos en 1870, cementerio de Ladhof (1872)
Monumento de Vauban, Avallon (1873)
4 ángeles trompetistas en la Iglesia Unitariana Baptista de Boston (1874)
Estatua de La Fayette en Union Square Park, Nueva York (1876)
Monumento de Champollion en París (1878)
Monumento de Gribeauval en París (1879)
Fuente del Capitolio, parque Bartholdi en Washington D. C. (1878)
León de Belfort, Belfort (Francia) (1880)
Monumento de Rouget de Lisle en Lons-le-Saunier (1882)
Estatua de Diderot, erigida en la plaza Diderot de Langres (1884)
Estatua de la Libertad en Nueva York (1886)
La fuente Roesselmann (1888)
Monumento de Gambetta en Sèvres (1890)
Monumento Gustave Hirn (1890)
Fuente Bartholdi, en la place des Terreaux, en Lyon (Francia) (1892)
Estatua de la libertad en la Plaza del Regocijo, en Potosí (Bolivia) (1890)
Monumento de Cristóbal Colón en la Exposición Universal de Chicago (1893)
Monumento a Suiza socorriendo Estrasburgo, Basilea (Suiza) (1895)
Monumento de La Fayette y Washington en París (1895)
Monumento-fuente al barón Lazare de Schwendi en la plaza del Ancienne Douane (1898)
Tonelero alsaciano, coronamiento de la Casa de las Cabezas (1902)
Estatua ecuestre de Vercingétorix, en Clermont-Ferrand (Francia) (1903)
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Auguste Hyacinthe Debay

96

Auguste Hyacinthe Debay

Auguste-Hyacinthe Debay fue un escultor y pintor francés, nacido el año 1804 en Nantes y fallecido el 1865 en París. Vida y obras Auguste-Hyacinthe Debay fue hijo del eminente escultor Jean-Baptiste Joseph Debay el viejo y hermano menor de Jean-Baptiste Joseph Debay. Frontón de la... Ver mas
Auguste-Hyacinthe Debay fue un escultor y pintor francés, nacido el año 1804 en Nantes y fallecido el 1865 en París.


Vida y obras
Auguste-Hyacinthe Debay fue hijo del eminente escultor Jean-Baptiste Joseph Debay el viejo y hermano menor de Jean-Baptiste Joseph Debay.


Frontón de la fachada principal de Saint-Étienne-du-Mont, París.
En 1817, a la edad de 13 años, envió sus primeros retratos pintados sobre tela al Salón de París.

Conocido por su trabajo, se fue a París y se perfeccionó en la pintura teniendo como maestro al pintor Antoine-Jean Gros.

En 1823, participó en la convocatoria del Premio de Roma y obtuvo el Primer gran Premio de pintura con su obra titulada Égisthe, croyant retrouver le corps d'Oreste mort, découvre celui de Clytemnestre. (Egisto, creyendo recuperar el cuerpo de Orestes muerto, descubre el de Clitemnestra).

Tras la obtención del Premio de Roma, se volcó en la escultura que aprendió bajo la tutela de su padre. Realizó entre otros, el frontón de la iglesia de Saint-Étienne-du-Mont situada en el Barrio Latino de París, así como las fuentes de la Concordia (fr), en la plaza de la Concordia.

Algunas de sus telas está expuestas en el Palacio de Versalles, así como en el Museo de Bellas Artes de Nantes.
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Jean Antoine Houdon

97

Jean Antoine Houdon

Nació el 20 de marzo de 1741 en Versalles. Empieza a esculpir a los 9 años. Ganó el Premio de Roma en escultura en 1761 y cursó estudios en Italia hasta el año 1769. En París expone en 1771 el busto del enciclopedista francés Denis Diderot, el primero que realizó de una serie de esculturas... Ver mas
Nació el 20 de marzo de 1741 en Versalles.

Empieza a esculpir a los 9 años. Ganó el Premio de Roma en escultura en 1761 y cursó estudios en Italia hasta el año 1769.

En París expone en 1771 el busto del enciclopedista francés Denis Diderot, el primero que realizó de una serie de esculturas de personajes destacados de su época.




Creó un nuevo género en el cual archiva la espontaneidad e informalidad de la expresión sin comprometer el decoro y capta las expresiones más vivas y tiernas cuando retrata a sus familiares.

El Louvre posee los bustos de Madame Houdon, de sus hijas, Sabine, Anne-Ange y Claudine, y de los hijos del arquitecto Brongniart, que son buenos ejemplos de una escultura realista y llena de frescor juvenil.

En 1778 realizó la de Benjamin Franklin y la máscara mortuoria del filósofo francés Jean-Jacques Rousseau. En 1781 expuso la famosa estatua del filósofo Voltaire, sedente. En Estados Unidos realizó en 1785 un modelo del natural para una estatua del presidente George Washington (1788-1792, Capitolio de Richmond, Virginia) y retratos de Thomas Jefferson y otros personajes famosos de este país. También esculpió un busto de Napoleón Bonaparte y de María Antonieta, Reina de Francia.

Jean Antoine Houdon falleció en París el 15 de julio de 1828.


Obras seleccionadas

Denis Diderot (1771)
Benjamin Franklin (1778-79)
Jean-Jacques Rousseau (1778)
Voltaire (1781)
Molière (1781)
George Washington (1785-88)
Thomas Jefferson (1789)
Luis XVI (1790)
Robert Fulton (1803-04)
Napoleón Bonaparte (1806)
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Pierre Puget

98

Pierre Puget

(Marsella, 1620- id., 1694) Escultor francés. Se formó en Italia, en la escuela de Pietro da Cortona. De regreso a Francia, se instaló en Toulon como decorador de navíos, realizando los Atlantes (1656-1657) para el Ayuntamiento de esa ciudad. Su estilo barroco no gustó en la Francia clasicista... Ver mas
(Marsella, 1620- id., 1694) Escultor francés. Se formó en Italia, en la escuela de Pietro da Cortona. De regreso a Francia, se instaló en Toulon como decorador de navíos, realizando los Atlantes (1656-1657) para el Ayuntamiento de esa ciudad. Su estilo barroco no gustó en la Francia clasicista de Luis XIV. Residió durante algún tiempo en Génova, donde ejecutó esculturas para las iglesias y palacios genoveses. Más tarde esculpió dos obras de gran fuerza barroca para los jardines de Versalles: Milón de Crotona (1682) y Perseo liberando a Andrómeda (1684).
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

François Girardon

99

François Girardon

(Troyes, Francia, 1628-París, 1715) Escultor francés. Durante una estancia en Roma en su juventud estudió a fondo el arte de la Antigüedad, hecho que marcó decisivamente su producción posterior, la más cercana al clasicismo del período barroco francés. Al regresar a Francia en 1652, trabajó... Ver mas
(Troyes, Francia, 1628-París, 1715) Escultor francés. Durante una estancia en Roma en su juventud estudió a fondo el arte de la Antigüedad, hecho que marcó decisivamente su producción posterior, la más cercana al clasicismo del período barroco francés. Al regresar a Francia en 1652, trabajó principalmente para Luis XIV. Por encargo del soberano realizó numerosas obras para los jardines de Versalles bajo la dirección de Le Brun, en particular el famoso Apolo servido por las ninfas, considerado una de las grandes obras de la escultura francesa del siglo XVII. Resultan más interesantes estas obras mitológicas que las de carácter áulico y celebrativo, como el monumento al cardenal Richelieu de la iglesia de La Sorbona o la desaparecida estatua ecuestre de Luis XIV. Se le deben también numerosos retratos en forma de busto.
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Antoine Coysevox

100

Antoine Coysevox

Biografía: Escultor francés, nacido en Lyón en 1640 y muerto en París en 1720. Procedente de Lyón llega a París en 1675, entrando a trabajar en las fábricas de Versalles bajo la protección de Le Brun, donde realiza estatuas y fuentes para los jardines, controladas por el espíritu clasicista... Ver mas
Biografía:
Escultor francés, nacido en Lyón en 1640 y muerto en París en 1720. Procedente de Lyón llega a París en 1675, entrando a trabajar en las fábricas de Versalles bajo la protección de Le Brun, donde realiza estatuas y fuentes para los jardines, controladas por el espíritu clasicista de Le Brun. Entre ellas las más destacadas son: Francia Triunfante y La ninfa con la concha; participa, igualmente, en la decoración de la Escalinata de los Embajadores y el salón de la Guerra, donde realiza, entre otras obras, un relieve en estuco de Luis XIV vencedor. Su obra más destacada es la de retratos, ricos en vivacidad barroca, como Luis XIV o el de Robert de Cotte, o el realizado a Adelaida de Saboya, representada como Diana cazadora, llena de gracia y vitalidad. En sus monumentos funerarios, de mayor libertad creadora, destaca el tratamiento minucioso de las figuras y de los paños, y las composiciones movidas y dinámicas. Los más conocidos son la Tumba de Colbert y la de Mazarino, con representaciones alegóricas. Su arte culmina en la representación de Luis XIV orante, donde plantea una serena composición clasicista, muy equilibrada, con rasgos naturalista en el tratamiento del rostro y las manos, conjugado con la solemnidad de un arte oficialista. © Esther Alegre Carvajal
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Jean Goujon

101

Jean Goujon

(?, c. 1510-Bolonia, c. 1564-1569) Escultor y arquitecto francés. Durante su época de formación estuvo en Roma y, de regreso en su patria, trabajó con Pierre Lescot (bajorrelieve del Descendimiento de la cruz, 1544-1545). Admirador de la Antigüedad, se interesó más por los aspectos formales que... Ver mas
(?, c. 1510-Bolonia, c. 1564-1569) Escultor y arquitecto francés. Durante su época de formación estuvo en Roma y, de regreso en su patria, trabajó con Pierre Lescot (bajorrelieve del Descendimiento de la cruz, 1544-1545). Admirador de la Antigüedad, se interesó más por los aspectos formales que por el sentimiento y de acuerdo con esa actitud trató Las ninfas de la fuente de los Inocentes (1549) de París, obra que acusa un refinado sentido del ritmo. A partir de 1548, trabajó, sobre todo, para el Louvre.
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Wälnö Aaltonen

102

Wälnö Aaltonen

Wäinö Valdemar Aaltonen (Karinainen, 1894 - Helsinki, 1966) fue un escultor y pintor finlandés. Estudió dibujo y pintura en la Escuela de Pintura de la Asociación Artística de Turku y luego se interesó por la escultura. Gozó de alto prestigio en su país. Utilizó como materiales el bronce, el... Ver mas
Wäinö Valdemar Aaltonen (Karinainen, 1894 - Helsinki, 1966) fue un escultor y pintor finlandés. Estudió dibujo y pintura en la Escuela de Pintura de la Asociación Artística de Turku y luego se interesó por la escultura. Gozó de alto prestigio en su país. Utilizó como materiales el bronce, el mármol, el granito y la madera, donde se denota la influencia cubista.

Obras
Monumento de la liberación finlandesa (Mikkeli, 1921)
Retrato de la princesa Luisa de Suecia (1942)
Retrato de Jean Sibelius.
La Diosa de la Libertad coronando a la juventud
Estatua de Paavo Nurmi (campeón olímpico)
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Richard Serra

103

Richard Serra

Richard Serra (San Francisco, Estados Unidos; 2 de noviembre de 1939) es un escultor minimalista estadounidense conocido por trabajar con grandes piezas de acero corten. Considerado uno de los mejores escultores vivos, Serra obtuvo el Premio Príncipe de Asturias 2010. Biografía De padre... Ver mas
Richard Serra (San Francisco, Estados Unidos; 2 de noviembre de 1939) es un escultor minimalista estadounidense conocido por trabajar con grandes piezas de acero corten. Considerado uno de los mejores escultores vivos, Serra obtuvo el Premio Príncipe de Asturias 2010.



Biografía
De padre español —mallorquín—, y madre ucraniana —de Odesa— (se suicidó en 1979),1​ Serra nació en San Francisco y estudió Literatura en la Universidad de California en Berkeley y Santa Bárbara (1957-1961). Mientras vivía en la costa oeste, se mantenía trabajando en una acerería, actividad que influyó en su trabajo. Después realizó estudios de Arte en la Universidad Yale (1961-1964). Tony Serra, uno de sus dos hermanos, es un famoso abogado en San Francisco.

Obra
El trabajo más temprano de Serra era completamente abstracto; hecho de plomo fundido lanzado contra la pared de un estudio o de un espacio de la exposición, era un claro ejemplo del process art. Sin embargo, es mejor conocido por sus construcciones minimalistas de grandes rodillos y de hojas del acero corten. Muchos de estos pedazos son autosuficientes y acentúan el peso y la naturaleza de los materiales. Rollos del plomo se diseñan para ceder en un cierto plazo. Sus esculturas de acero en exteriores, llevan un proceso inicial de oxidación, pero después de 8 a 10 años, este color se mantiene relativamente estable.

En 1981, Serra instaló el Tilted Arc, un muro de acero de 3,5 metros de altura curvado suavemente en la plaza federal en Nueva York. Hubo una gran controversia sobre la instalación a partir del día uno, en gran parte debido a que los trabajadores de los edificios que rodeaban la plaza se quejaron debido a que la pared de acero obstruía el paso a través de la plaza. Una audiencia pública en 1985 votó a favor de que el trabajo fuera removido, pero Serra alegó que la escultura estaba en su sitio específico y que no se podía colocar en cualquier otro lugar. Serra publicó una declaración famosa donde dijo, “Quitar el trabajo sería destruirlo.” Finalmente, el 15 de marzo de 1989, la escultura fue desmontada por los trabajadores federales y cambiada de sitio a un parque, donde ya no tenía razón de ser.

Otro trabajo famoso de Serra es la gigantesca escultura Snake (Serpiente), tres sinuosas hojas de acero que crean una trayectoria curva. Fue establecido permanentemente en la galería más grande del Museo Guggenheim Bilbao. En 2005, el artista presentó en el mismo museo, un conjunto escultórico titulado La materia del tiempo, entrando a formar parte de la colección del museo. Expuestas también de forma permanente en la sala más grande del edificio de Frank O. Gehry, siete esculturas se unen a Snake (Serpiente), creada para la inauguración del museo, conformando una instalación que el propio autor considera la creación más importante de su carrera.2​3​

El escultor tiene una relación especial con España, aunque no siempre le ha ido tan bien en este país: en 2006, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid anunció que una de sus esculturas, Equal-Parallel-Guernica-Bengasi, de 36 toneladas, «se había perdido». Serra realizó gratis un duplicado, que llegó al museo en diciembre de 2008 y que está expuesta al público en su colección permanente a partir de diciembre de 2009.4​5​

En el verano de 2005, volvió a San Francisco para instalar su primer trabajo público en esa ciudad. Dos láminas de acero de 50 pies de altura de 160 toneladas en el espacio abierto principal del nuevo campus de la Universidad de California en San Francisco.

En 2000 instaló el Charlie Brown, una escultura de 60 pies de alto ubicada en la nueva central de Gap Inc., en San Francisco. Para animar la oxidación, los aspersores fueron ordenados inicialmente hacia las cuatro losas hechas de acero que componen el trabajo. En la bienal de Whitney, 2006, Serra expuso un dibujo simple de crayón de un preso de Abu Ghraib con el subtítulo «STOP BUSH». Esta imagen fue utilizada más adelante por el museo Whitney para hacer los carteles para la bienal. Los carteles ofrecieron una versión alterada del texto en que se leía «STOP B S».

Abanderado del minimalismo en su primera época

Fulcrum (1987), escultura situada en la entrada oeste de la estación de metro de Liverpool Street, en el complejo Broadgate, Londres.

Berlin Curves. Berlín, Alemania.
A finales de los sesenta, las series Prop y Belts, o la muestra Live Animal Habitat, ya ejemplifican la rebeldía y originalidad de su autor, pero todavía a escala pequeña. "Lo importante de esos primeros tiempos", explicaba Serra, «era el proceso creativo, no el resultado final. Eso me mostró cómo crear movimiento, escapar de la metáfora, de la imaginería sencilla».

Paisajes alterados
Mientras pasaban los años, crecía su fama y el tamaño de sus obras. Galeristas como Leo Castelli, coleccionistas como Emily y Joseph Pulitzer, se interesaron por un arte que, debido a su volumen, saltó de las galerías a la calle. Las inclemencias del tiempo, la mutabilidad y la oxidación del metal encontraron perfecto refugio en la intemperie. Esculturas que modifican el entorno, cambian paisajes, otorgan a lugares y espacios una nueva identidad cultural. Serra, entonces, se erige como uno de los grandes representantes del Land Art: junto a Dennis Oppenheim, Joseph Beuys, Christo Javacheff o Robert Smithson, alteran la mirada del arte, lo alejan de la severidad museística y, por qué no, reflejan también la huella humana (casi siempre nociva) sobre la naturaleza.6​

Su compromiso artístico y el volumen de sus obras se prestan a veces a la controversia y le causan algunos disgustos. El ejemplo más llamativo quizá sea la polémica ya citada que se suscitó con su obra Arco Inclinado (Tilted Arch), instalada en 1981 en la Plaza Federal de Nueva York. Con sus tres metros y medio de altura y una longitud de casi cuarenta metros (su grosor, en cambio, es de centímetros), los ciudadanos que tenían que cruzar el lugar se encontraban con una incómoda pared de metal y se pidió su retirada. Una votación pública, finalmente, recomendó su traslado. Serra, que concibe cada obra en función del lugar en que se instala, exigió su destrucción. "O es ahí, o no será", parece decir el artista. En 1989, la descomunal escultura fue desmantelada y convertida en chatarra, convulsionando al escenario cultural. ¿Quién decide dónde situar el arte? ¿Los políticos? ¿La ciudadanía? ¿Los artistas? Serra, provocador, echa más leña a la hoguera: "El arte no es placentero. No es democrático. El arte no es para el pueblo".6​

Su obra, en cambio, desmiente tan arriesgada afirmación. No hace falta saber nada para admirar su monumentalidad. Lejos de abrumar, las medidas de sus esculturas incitan al espectador a olvidar su rol pasivo, obligándolo a tocarlas y pasear entre ellas. Ciudades de medio mundo se pelean por albergar sus creaciones: Londres, Berlín... Los franceses le entregaron su Medalla de las Artes.6​

Instalaciones permanentes en España
Rolled, Encased, Sawed, 1969, MACBA, Barcelona.7​
El Muro, 1984, Plaza de la Palmera, La Verneda, Barcelona.
Pasolini, 1985, Fundación La Caixa, Barcelona.8​
Pentágono en el sentido contrario a las agujas del reloj, 1986, Fundación La Caixa, Barcelona.9​
Crosby, 1989, Fundación La Caixa, Barcelona.10​
The matter of time, 2005, grupo escultórico de ocho esculturas de acero, Museo Guggenheim, Bilbao.
Equal-Parallel/Guernica-Bengasi (reemplazando a la de 1985, extraviada en 1992), 2009, Museo Reina Sofía, Madrid.
Premios y distinciones
Orden de las Artes y las Letras de España 2008.
Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2010.11​
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Joël  Shapiro

104

Joël Shapiro

Joel Shapiro (n. 1941 Nueva York) es un escultor estadounidense famoso por sus obras dinámicas compuestas de formas rectangulares simples. Sus obras figurativas y referencias psicológicas marcaron el fin de la dominación minimalista del arte. Recibió un B.A. en 1964 y un M.A. en 1969 de la New... Ver mas
Joel Shapiro (n. 1941 Nueva York) es un escultor estadounidense famoso por sus obras dinámicas compuestas de formas rectangulares simples. Sus obras figurativas y referencias psicológicas marcaron el fin de la dominación minimalista del arte. Recibió un B.A. en 1964 y un M.A. en 1969 de la New York University. Vive y trabaja en la ciudad de Nueva York.


Biografía
Los primeros trabajos de Shapiro se enfocaban sobre ciertos aspectos de la estética minimalista predominante, incluidas sus formas geométricas simples y la ubicación de objetos directamente en el suelo en cambio de sobre pedestales. Sin embargo, mediante la elección de unos pocos objetos relevantes —tales como una casa, una silla, o un puente— Shapiro invitaba a asociaciones narrativas y sicológicas que los minimalistas habían evitado en forma explícita. Él también vaciaba sus esculturas en bronce o las tallaba de un trozo de roca utilizando técnicas de tallado tradicionales y materiales que los minimalistas habían rechazado. Sin embargo sus rebeliones sutiles no fueron suficientes para interferir con su carrera, ni para evitar que su persona fuera asociado con el movimiento minimalista.

En la década de 1980 Shapiro comenzó a tallar esculturas de madera, entusiasmándose por la forma en que en forma relativamente rápida era capaz de obtener resultados con este material, especialmente al compararlo con el largo proceso que debe seguirse para realizar estatuas de bronce. Las obras y figuras de este período, tanto en bronce como en madera, son construcciones de rectángulos con formas de bloques unidos en posiciones dinámicas que desafían la gravedad.

Obras en colecciones
Estados Unidos
California
Sin título, 1978, San Diego Museum of Contemporary Art, La Jolla
Sin título, 1974, Gersh, Philip & Beatrice, Los Angeles
Sin título, 1988, Gersh, Philip & Beatrice, Los Angeles
Sin título, 1981, Museum of Contemporary Art, Los Angeles
Sin título, 1979, Museum of Contemporary Art, Los Angeles
Sin título, 1982, Museum of Contemporary Art, Los Angeles
Sin título, 1975, Museum of Contemporary Art, Los Angeles
Sin título, 1988, Fine Arts Museums of San Francisco, San Francisco
Distrito de Columbia
Sin título, 1989, National Gallery of Art, Washington
Sin título, 1974, National Gallery of Art, Washington
Sin título, 1975, National Gallery of Art, Washington
Sin título, 1975, National Gallery of Art, Washington
Sin título, 1983, National Gallery of Art, Washington
Sin título, 1986, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington
Loss and Regeneration, 1993, United States Holocaust Memorial Museum, Washington
Illinois
Sin título, 1984, Elliott, Gerald S., Chicago
Untitled (Arching Figure), 1985, Elliott, Gerald S., Chicago
Untitled (for G.S.E.), 1987, Elliott, Gerald S., Chicago
Untitled, 1981, Governors State University, University Park
Indiana
Untitled, 1984, Ball State Museum of Art, Indiana
Iowa
Sin título, 2003, Principal Riverwalk, Des Moines
Maine
Sin título, 1984, Colby College, Museum of Art, Waterville
Maryland
Sin título, 1985, Baltimore Museum of Art, Baltimore
Sin título, 1970, Baltimore Museum of Art, Baltimore
Massachusetts
Sin título, 1990, Fogg Art Museum, Harvard University, Cambridge
Michigan
Sin título, 1975, Detroit Institute of Arts, Detroit
Sin título, 1985, Detroit Institute of Arts, Detroit
Minnesota
Sin título, 1975, Walker Art Center, Minneapolis
Missouri
Untitled, 1984, St. Louis Art Museum, St. Louis
Untitled, 1991, Nelson-Atkins Museum, Kansas City
Nebraska
Untitled, 1984, University of Nebraska-Lincoln, Sheldon Memorial Art Gallery and Garden,
Nueva York
Seven Elements, 2001-2003, Albany Institute of History and Art, Albany
Sin título, 1988, Museum of Modern Art, NYC
Sin título, 1988, Museum of Modern Art, NYC
Sin título (Casa on shelf), 1974, Museum of Modern Art, NYC
Sin título', 1994, Sony Plaza, NYC
Sin título (Casa en un campo), 1976, Whitney Museum of American Art, NYC
Sin título, 1978, Whitney Museum of American Art, NYC
Sin título, 1981, Whitney Museum of American Art, NYC
Sin título, 2000, Rockefeller University, New York
Carolina del Norte
Sin título, 1990, North Carolina Museum of Art
Sin título, 1995, Davidson College, Van Every/ Smith Galleries
Ohio
Untitled, , University of Cincinnati Galleries, Ohio
Untitled, 1977, Cincinnati Art Museum, Cincinnati, Ohio
Untitled, 1989, Cleveland Museum of Art, Cleveland, Ohio
Pennsylvania
Untitled maquette, 1984, CIGNA Museum and Art Collection, Philadelphia
Untitled, 1984, CIGNA Museum and Art Collection, Philadelphia
Texas
Untitled, 1975, Dallas Museum of Art, Dallas
Untitled, 1983, Nasher Sculpture Center, Dallas
Untitled, 1977, Fort Worth Art Museum, Fort Worth
Untitled, 1977, Fort Worth Art Museum, Fort Worth
Untitled, 1990, Museum of Fine Arts, Houston
Untitled, 2000, McNay Art Museum, San Antonio
Washington
Untitled, 1980-81, Restricted Owner, Seattle, Washington
Wisconsin
Untitled, 1987, Milwaukee Art Museum, Milwaukee, Wisconsin
Colecciones en otros países
Australia
Sin título (silla), 1974, Australian National Gallery, Canberra
Canadá
Conjunción, 1999, Embassy of the United States of America, Ottawa
Dinamarca
Louisiana Museum of Modern Art, Humlebaek
Alemania
Sin título, 1999, Köln Skulpture Park, Cologne
Israel
Sin título, 1991, Tel Aviv Museum of Art, Tel Aviv
Sin título, 1996, Billy Rose Art Garden, Israel Museum, Jerusalem
Suecia
Sin título, 1979, Moderna Museet, Stockholm
Sin título, 1982, Moderna Museet, Stockholm
Reino Unido
Sin título, 1978, Tate Gallery, London
Sin título, 1984, Tate Gallery, London
Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Jeff Koons

105

Jeff Koons

(Jeffrey Koons; York, Pennsylvania, 1955) Artista estadounidense, uno de los autores vivos más cotizados y también más polémicos. Con los años sus creaciones, inicialmente kitsch, han derivado hacia el monumentalismo, como en el caso de Puppy, el perro gigante que preside la entrada del Museo... Ver mas
(Jeffrey Koons; York, Pennsylvania, 1955) Artista estadounidense, uno de los autores vivos más cotizados y también más polémicos. Con los años sus creaciones, inicialmente kitsch, han derivado hacia el monumentalismo, como en el caso de Puppy, el perro gigante que preside la entrada del Museo Guggenheim Bilbao.


Jeff Koons

Jeff Koons se formó en la School of the Art Institute of Chicago (SAIC) y se licenció en bellas artes por el Maryland Institute College of Art (MICA) de Baltimore en 1976. Ese mismo año se trasladó a Nueva York, donde sufragó la producción de sus primeras creaciones como corredor de bolsa en Wall Street. La habilidad de Koons en las transacciones bursátiles y comerciales se trasladaría también al mundo del arte, ya que desempeñó funciones de captador de socios para el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, con gran acierto. Esa experiencia iba a resultar decisiva en su posterior carrera artística, marcada por una clara visión mercantilista.

Su obra se iniciaría en 1979 con la serie “Inflatables”, objetos de vinilo (en su mayoría flores) colocados entre espejos, que mostraban ya la intención del autor de combinar el objeto representado con el entorno y los reflejos que del mismo aparecían en él. El gusto por lo kitsch y la utilización de objetos y motivos cotidianos en sus piezas convertirían a Koons en un trasgresor para algunos y en un impostor para otros: una figura polémica que despertaría a lo largo de su carrera odios y pasiones, pero que no dejaría a nadie indiferente.

A principios de la década de 1980, Koons realizaría las series “Prenew” y “The New”, en las que convivían cafeteras, aspiradoras, radiadores y demás utensilios presentes en la mayoría de los hogares. En “The New”, las aspiradoras, solas o en grupo, se combinaban de todas las maneras posibles en unas vitrinas de plexiglás con tubos fluorescentes. En 1984 presentó algunas de sus obras en la galería neoyorquina International with Monuments; los expertos lo adscribieron entonces al movimiento Neo-Geo (Neo-Geometric Conceptualism), que incluiría a figuras dispares como Haim Steinbach y Meyer Vaism.

Su fama crecía a la par que su producción se diversificaba, tanto en los temas tratados como en las técnicas y los materiales utilizados. En su serie “Equilibrium”, realizaba esculturas en bronce de objetos deportivos como pelotas de baloncesto, que se convertían también en motivo escultórico (tomando el relevo de las aspiradoras) en creaciones que simulaban peceras, pues los balones aparecían dentro de urnas de cristal medio llenas de agua. Paralelamente inició su estrecha relación con el mundo de la public