De estos estilos de escultores de España ¿os gustan?

De estos estilos de escultores de España ¿os gustan?

Publicada el 29.12.2019 a las 11:27h.

Se llama escultura (del latín sculptūra) al arte de modelar el barro, tallar en piedra, madera u otros materiales. También se denomina escultura a la obra elaborada por un escultor.1​ Es una de las Bellas Artes en la cual el escultor se expresa creando volúmenes y conformando espacios. En la escultura se incluyen todas las artes de talla y cincel, junto con las de fundición y moldeado. Dentro de la escultura, el uso de diferentes combinaciones de materiales y medios ha originado un nuevo... (continuar leyendo)

Etiquetas: escultores, españa, estilos, estos

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Juan de Mesa

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Juan de Mesa

Juan de Mesa y Velasco (Córdoba, 1583-Sevilla, 26 de noviembre de 1627) fue un escultor español del Barroco. Biografía Juan de Mesa nació en Córdoba, siendo bautizado en la iglesia de San Pedro de esta ciudad el 26 de junio de 1583. En el año 1606 se traslada a Sevilla, e ingresa en... Ver mas
Juan de Mesa y Velasco (Córdoba, 1583-Sevilla, 26 de noviembre de 1627) fue un escultor español del Barroco.



Biografía
Juan de Mesa nació en Córdoba, siendo bautizado en la iglesia de San Pedro de esta ciudad el 26 de junio de 1583.

En el año 1606 se traslada a Sevilla, e ingresa en el taller del entonces ya afamado escultor Juan Martínez Montañés,1​ con el cual firma un contrato de aprendizaje de cuatro años. Junto a este maestro completa una formación probablemente iniciada en Córdoba.

Contrajo matrimonio en 1613 con María de Flores. Aunque no se ha conservado la carta de su examen para acreditar su suficiencia en la escultura, se sabe que en 1615 disponía de taller propio en la colación de San Martín y contrataba sus propias obras. En la metrópolis hispalense crea lo mejor de su valiosa producción artística, en una vida profesional intensa pero corta, ya que muere en esta ciudad el 26 de noviembre de 1627, con cuarenta y cuatro años de edad, víctima de la tuberculosis.

Juan de Mesa fue enterrado en la iglesia de San Martín de Sevilla, según se atestigua en una lápida conmemorativa existente en el exterior del muro lateral de la misma, que fue colocada a instancias de la ciudad y la Academia de Buenas Letras de Sevilla, en el año 1937.

Actividad artística
La obra documentada de Juan de Mesa como escultor independiente se inicia en 1615 con la escultura de San José con el Niño, obra concertada con fray Alonso de la Concepción para realizar en blanco -sin estofar ni encarnar-, pues su policromía corresponde a una actuación posterior del siglo XVIII, para la Iglesia de Santa María la Blanca (Fuentes de Andalucía).

Después de algunas obras menores, comienza y se consolida su etapa más importante como gran imaginero, que va de 1618 a 1623.


Juan de Mesa: San Juan Bautista (1623). Museo de Bellas Artes de Sevilla.
La serie se inicia con el Cristo del Amor, el primero de un total de diez crucificados que llegó a realizar; fue iniciado en mayo de 1618 y terminado en junio de 1620. Es una imagen de 1,81 m. de alto realizada para la Hermandad del mismo nombre que radica en la iglesia del Salvador de Sevilla. Se contrató haciendo constar en escritura notarial que la haría "Por mi persona sin que en ella pueda entrar oficial alguno…".

Del año 1618 es el retablo del altar mayor del Hospital de San Bernardo, denominado popularmente De los Viejos, hoy desaparecido; y del año siguiente la imagen del Cristo del Buen Ladrón de la Cofradía de la Conversión del Buen Ladrón, más conocida como Monserrat, de la capilla homónima, también de Sevilla, obra de cierto barroquismo con el que comienza sus creaciones de carácter realista. Con 1,92 m. de altura, en este Cristo se aparta de la obra de su maestro Martínez Montañés, aumentando aquí el claroscuro y acentuando una mayor fuerza pasional.

De 1620 es el Cristo de la Buena Muerte, creado para una Hermandad de Sacerdotes ubicada en la Casa Profesa de la Compañía de Jesús en la iglesia de la Anunciación y que actualmente es titular de la Hermandad de los Estudiantes, que radica en la capilla de la Universidad de Sevilla, sita en la calle San Fernando.2​


En ese mismo año, 1620, Mesa realiza una de sus obras más conocida, el Jesús del Gran Poder, una imagen de Jesús con la cruz a cuestas, para la sevillana Hermandad del Gran Poder, hoy convertido en símbolo de la ciudad. Obra de un marcado barroquismo, consigue reflejar las secuelas del sufrimiento humano en un rostro que aparece como envejecido por los daños soportados. También realizó sobre misma fecha la imagen del San Juan Evangelista para la misma Hermandad; ambas imágenes de vestir se veneran en la Basílica del Gran Poder, junto a la iglesia de San Lorenzo.

Otra de sus obras más significativas se encuentra en La Rambla (Córdoba), conocida como Jesús El Nazareno (1622). Se trata de una talla de 1,92 m., donde se representa a Jesús con la cruz a cuestas, a punto de caer. Es una escultura exenta con una perfección técnica muy notoria. Desde su llegada a La Rambla en el año 1622 permanece en la iglesia del Espíritu Santo.

En 1622 recibió el encargo del bergarés Juan Pérez de Irazábal, contador del rey, para esculpir un crucificado, la obra del Santo Cristo de la Agonía, que se conserva en la iglesia parroquial de San Pedro de Ariznoa en Vergara (Guipúzcoa), que constituye según el profesor Hernández Díaz, una de las obras más destacadas del escultor. Está en dicha parroquia desde 1626

En 1623 realiza el Cristo de la Misericordia para el convento de Santa Isabel en Sevilla y también, por encargo del canónigo Diego de Fontiveros, otro crucificado también conocido como Cristo de la Misericordia, destinado a la Colegiata de Osuna.

En 1624 realiza un Cristo crucificado para la Compañía de Jesús, que se encuentra en la iglesia de San Pedro de Lima, así como otro Crucificado para la hermandad de Vera Cruz de Las Cabezas de San Juan, considerado en principio talla anónima; se sabe de su autor gracias a un pergamino guardado en un pequeño cofre a la espalda de la imagen.

De sus últimos años (hacia 1626-1627) es el San Ramón Nonnato que realizara para el convento de la Merced Descalza de Sevilla, conservado actualmente en el Museo de Bellas Artes de la ciudad. Y ya del año mismo de su muerte, 1627, es el grupo que realizó para la iglesia de san Agustín de Córdoba, conocido como Virgen de las Angustias.

Obra de Juan de Mesa

Cristo de la Buena Muerte, Capilla de la Universidad (Sevilla)



Cristo de la Misericordia, Convento de Santa Isabel



San Ramón Nonato



Jesús del Gran poder



'La Asunción de la Virgen, iglesia de la Magdalena



Cristo del Amor, Iglesia del Salvador

Otras obras

Juan de Mesa: San Nicolás de Tolentino. Museo Nacional de Escultura, Valladolid.
Otras obras de Juan de Mesa, algunas de ellas atribuidas, son:

Cristo Yacente de la Hermandad del Santo Entierro, que se venera en la iglesia de San Gregorio de Sevilla.
Virgen del Valle de la hermandad del mismo nombre que reside en la iglesia de la Anunciación de Sevilla.
Virgen de la Victoria, cotitular de la Hermandad de las Cigarreras de Sevilla.
Cristo de la Vera Cruz, en Las Cabezas de San Juan, Sevilla. Esta imagen se venera en la iglesia de San Juan Bautista.
Cristo crucificado, en el presbiterio de la Catedral de la Almudena, Madrid. Proviene de la Colegiata de san Isidro de la misma ciudad.
San Nicolás de Tolentino en penitencia. Museo Nacional de Escultura, Valladolid.
Nuestra Señora de las Angustias Coronada. Obra datada y firmada,contratada por el padre provincial de los padres agustinos fray Pedro Suárez de Góngora. Cobrada a cuenta 500 reales sobre el precio de tasación final, le quedaban tres días de trabajo, como escribió en su testamento, y quedó inconclusa a su muerte.
Muchas de sus esculturas fueron atribuidas durante mucho tiempo a su maestro, Martínez Montañés. El trabajo de Juan de Mesa parece dedicado casi en exclusividad a las imágenes que procesionan en Semana Santa. El realismo de su obra responde a un proceso en el que hizo estudios y observaciones de figuras humanas reales vivas y muertas, que le permitieron aprender a plasmar estas anatomías en sus obras de forma realista, con una sensibilidad que le acerca a la imaginería castellana, más dada al dramatismo.

Sus imágenes de santos, como el San Juan procedente de la Cartuja de las Cuevas (1624) o el San Ramón de los Mercedarios de Señor San José (1626), ambos en el Museo de Bellas Artes de Sevilla, mantienen personales características a lo largo de su carrera. Y ello a pesar de que ésta no se produce mediante un recorrido lineal y uniforme, sino dividida en ciclos de febril actividad separados por periodos de silencio, como muy bien observó Hernández Díaz. Algunos atribuyen las fases de inactividad a crisis repetidas de una enfermedad crónica que le atenazó hasta desembocar en una muerte relativamente temprana.

El realismo es la otra gran aportación de la estética de Juan de Mesa. El padre Ceballos lo ha destacado con agudeza al comentar las figuras de los santos jesuitas Diego Kisai, Juan de Goto y Pablo Miki, procedentes de la Casa Profesa. Realizadas en 1627 para celebrar la beatificación de estos mártires japoneses, Mesa se inspiró en personas reales, consiguiendo tres espléndidos retratos, especialmente el del último.
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Francisco Salzillo

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Francisco Salzillo

Francisco Salzillo y Alcaraz (Murcia, 12 de mayo de 1707-ibídem, 2 de marzo de 1783) fue un escultor barroco español, considerado como el más representativo imaginero del siglo xviii español y uno de los más grandes del Barroco. Salzillo se dedicó en exclusiva a la temática religiosa y supo... Ver mas
Francisco Salzillo y Alcaraz (Murcia, 12 de mayo de 1707-ibídem, 2 de marzo de 1783) fue un escultor barroco español, considerado como el más representativo imaginero del siglo xviii español y uno de los más grandes del Barroco. Salzillo se dedicó en exclusiva a la temática religiosa y supo transmitir a su estilo los cambios que se fueron produciendo durante el siglo xviii, lo que se vio plasmado en una escultura de transición hacia el rococó y el neoclasicismo,1​ así como en diversos cambios que se fueron produciendo en el taller que heredó de su padre, el también escultor e imaginero Nicolás Salzillo.

Su vida transcurrió enteramente en Murcia. Hoy día cuenta con un museo dedicado a su obra, el Museo Salzillo, que alberga algunas de sus obras más características, como el belén o los ocho pasos que procesionan el Viernes Santo en la llamada procesión de los Salzillos.

Biografía

Francisco Salzillo hacia 1780, dibujo a lápiz grafito de Joaquín Campos para ilustrar el Diccionario histórico de Juan Agustín Ceán Bermúdez. Biblioteca Nacional de España.
Francisco Salzillo nació en Murcia el 12 de mayo de 1707. Su padre, Nicolás Salzillo, era un escultor italiano, procedente de Santa Maria Capua Vetere, que unos años antes se había afincado en Murcia. Tras iniciar estudios de Letras con los jesuitas, parece que entró en la Orden Dominicana como novicio, tras lo cual tuvo que hacerse cargo del taller escultórico de su padre a la muerte de este en 1727, cuando Francisco contaba con tan solo veinte años.2​

Era el segundo de siete hermanos, algunos de los cuales trabajarían en el taller familiar, concretamente José Antonio y Patricio, nacidos en 1710 y 1722 respectivamente, y posiblemente Inés, encargada del dorado y estofado de las imágenes realizadas en el taller familiar.3​ En 1746 se casó con Juana Vallejo y Taibilla, matrimonio fruto del cual nacieron dos hijos: Nicolás, nacido en 1750 y muerto al año siguiente, y María Fulgencia. Toda la vida de Francisco Salzillo tuvo lugar en Murcia, donde se hizo con un nombre y una fama que trascendieron lo meramente artístico. Solamente hay documentado un viaje suyo fuera de la ciudad de Murcia, el que realizó a Cartagena para la entrega de las imágenes de los Cuatro Santos en 1755. Rechazó la invitación del Conde de Floridablanca para trasladarse a Madrid, lo que le habría servido para darse a conocer en la Corte.

Con el paso de los años, su obra fue adquiriendo fama y recibió multitud de encargos de iglesias y conventos de Murcia y de las provincias limítrofes: Alicante, Albacete y Almería. En 1755 se le nombró Escultor Oficial del Concejo de Murcia e inspector de pintura y escultura.

Tras la muerte de su esposa en 1763, las reuniones de Salzillo con otros artistas e intelectuales murcianos se hicieron más frecuentes. En 1777 fundaron la Real Sociedad Económica de Amigos del País de Murcia, que sirvió para que en 1779 se creara la Escuela Patriótica de Dibujo, que tuvo como primer director a Salzillo. Falleció en Murcia el 2 de marzo de 1783. Fue enterrado en el desaparecido Convento de Capuchinas de Murcia, donde había profesado su hermana Francisca de Paula.

Obra
Véase también: Anexo:Obras de Francisco Salzillo
El historiador y crítico de arte ilustrado Juan Agustín Ceán Bermúdez, en su Diccionario de los profesores de las bellas artes en España (1800), nombraba al escultor como Francisco Salcillo4​ y lo hacía autor de mil setecientas noventa y dos obras. Se trata de una cantidad exagerada, ya que la cifra estaba basada en una publicación en la que Luis Santiago Bado, periodista murciano contemporáneo del escultor y primer biógrafo suyo,5​ declaraba:

Pudo llegar a contar ochocientas noventa y seis obras, salidas de sus manos: que, aunque sólo se calculen a dos figuras cada una (pues era rara la que, aunque fuese a una sola imagen, no llevase un grupo de ángeles, nubes, etc.) ascienden a mil setecientas noventa y dos.6​
Los grupos procesionales habían sido considerados como un grupo homogéneo, pero las demás obras se habían cuantificado sin medida. A pesar de ello, lo cierto es que Francisco Salzillo desarrolló una intensa actividad entre 1727 y 1783, circunstancia que el mismo Luis Santiago Bado calificaba como:

Su singular agilidad y destreza testifica de un modo irrefragable su infatigable y no interrumpida aplicación.6​
Desgraciadamente, la Guerra Civil española (1936-1939), fue marco de la destrucción de muchas de sus creaciones. De entre las que se conservan, la mayoría se distribuyen por toda la Región de Murcia y algunas provincias limítrofes.

Etapas

Medallón de la Virgen de la leche, Museo de la Catedral de Murcia.
Las producciones más destacadas de su época juvenil, en la que le tocó hacerse cargo del taller de su padre, fueron la Dolorosa de la parroquia de Santa Catalina, el San José de Santa Clara, la Sagrada Familia de San Miguel y la Inmaculada del convento de Verónicas, todas ellas presentes en la ciudad de Murcia.

A partir de 1740 empezó a apreciarse con mayor claridad su estilo personal y bien definido. Fue en este año cuando consiguió fama con La Piedad de la Cofradía de los Servitas de la parroquia de San Bartolomé de Murcia, modelo que repitió para Lorca, Dolores de Alicante y Yecla. Fue su primera incursión en la iconografía pasionaria, de la que se convertiría en un gran maestro. Otras obras importantes que siguieron a ésta fueron el San Antón de la ermita de San Antón (1746), el San Agustín del Convento de las Agustinas del Corpus Christi y el medallón de la Virgen de la Leche para la Catedral de Murcia. La influencia italiana se aprecia en obras de este período como las imágenes de San Francisco y Santa Clara del convento de Capuchinas. El movimiento y la expresión de sus manos les convierten en unas de las principales obras barrocas en el terreno de la espiritualidad y la mística.

A partir de 1765 y con Roque López, el principal de sus discípulos, trabajando ya en su taller, se puede hablar de una producción más industrializada. Son características de este período la Virgen de las Angustias de Yecla, la Virgen de la Aurora de Aledo, el Lavatorio de los pies de Cristo al Príncipe de los Apóstoles de las Salesas Reales de Orihuela,7​ o la Sagrada Familia de la Iglesia de Santiago de Orihuela. Además destaca el Cristo de las Isabelas o de la Buena Muerte o Cristo Yacente de las Clarisas de Orihuela (1774), única escultura en toda su producción de esta temática. Destacan también los santos Dominicos de la Iglesia de Santiago de Orihuela (1775).

A partir de 1776 se observa un viraje en la producción de Salzillo incluyendo algunas notas del neoclasicismo. Son características de este periodo la imagen de Cristo del paso de Pretorio en Casa de Pilatos (1777) de la cofradía del Ecce-Homo de Orihuela o el Cristo atado a la columna (1777-1778) de la Cofradía de Jesús de Murcia

Obra procesional
Muchas cofradías acudieron a Salzillo cuando se había convertido en maestro indiscutible en el arte escultórico en el Reino de Murcia. Sin embargo, son dos las que atesoran el mayor número de ellas: la de Nuestro Padre Jesús en Murcia, y la del Prendimiento (Cofradía California) en Cartagena.

El Belén

Detalle del Belén (Museo Salzillo).
Entre la variada producción del maestro, el Belén ocupa un lugar destacado por su calidad artística y la fina observación de la realidad campesina del siglo XVIII.

Realizado a partir de 1776 por encargo de su amigo Jesualdo Riquelme y Fontes para decorar su palacio, y culminado por Roque López, el belén es una de las obras más representativas de la obra de Francisco Salzillo. Está compuesto por 525 figuras de 25-30 centímetros (166 humanas y 364 animales) realizadas en barro cocido, madera y cartón. Además del paisaje con sus elementos naturales, hay un marco arquitectónico compuesto por 8 edificios, entre ellos el palacio de Herodes, el templo de Jerusalén, la posada...que se pueden ver amueblados con pequeños enseres. Basándose en los Evangelios de San Mateo y de San Lucas, Salzillo va relatando la historia bíblica del Nacimiento de Cristo, desde la Anunciación a la Huida a Egipto, compaginando las escenas religiosas con otras de carácter popular o costumbrista, siendo fiel reflejo de muchas de las tradiciones de la época. Basado en origen en la tradición del Pesebre napolitano, crearía una auténtica escuela de belenes que perdura en Murcia hasta nuestros días.

El escritor y erudito Javier Fuentes y Ponte fue el autor del primer catálogo descriptivo de este belén en 1897. En 1909, el belén salió de Murcia con el objetivo de ser vendido, siendo expuesto en 1914 en el Museo Arqueológico Nacional y tasado en 165 000 pesetas.8​ La obra regresó a Murcia en 1915, cuando el Ministerio de Instrucción Pública y Bellas Artes autorizó su compra para el pueblo de Murcia por 27 000 pesetas.9​ En un principio estuvo situado en el Museo de la Trinidad, siendo trasladado en 1956 al Museo Salzillo.10​

El Belén de Salzillo ha sido expuesto en dos ocasiones en la ciudad de Madrid. La primera fue en 1961 en el Museo Nacional de Artes Decorativas, y la segunda en 1998 en el Palacio Real.11​ Asimismo, en 1999 tuvo lugar una exposición en la sala Braccio di Carlomagno de la Ciudad del Vaticano, donde se mostraron las principales figuras del mismo.12​

Estilo

San Isidoro. 1755. Iglesia de Sta.María de Gracia en Cartagena.
Francisco Salzillo trabajó exclusivamente la temática religiosa (procesional y no procesional), y casi siempre en madera policromada. Su obra es el resultado de un cruce de influencias y estilos. Por medio de su padre Nicolás recibió la influencia de escultores italianos como Bernini y Andrea Bolgi, aunque la obra del escultor francés Antonio Dupar y la tradición española también estuvieron presentes en su formación. La disposición de las manos en algunas de sus obras fue un rasgo significativo que heredó de su padre: la izquierda sobre el pecho y la derecha extendida, a veces invertidas. También las obras de este le sirvieron de inspiración para la escultura infantil.

No obstante, el Barroco italiano fue lo que le marcó más, mediante la estampa, el grabado y contactos directos con diferentes artistas y con sus creaciones. Con todo esto, el estilo personal de Francisco que caracterizaría sus obras destacó desde muy pronto, con técnicas como el terminado del cabello a punta de cincel o su labrado en forma de estrías muy finas.7​ A diferencia de los grandes autores del siglo xvii, como Montañés o Gregorio Fernández, Francisco Salzillo no profundizaría en los aspectos dramáticos de las escenas, ahondando en conceptos naturalistas y de idealizada belleza que serán ya transición del final del Barroco al Rococó y al Neoclasicismo.

Salzillo creó escuela, la llamada Escuela Murciana de Escultura, que trascendió a su época y que ha permanecido vigente hasta nuestros días pues, tanto sus primeros seguidores como los que se han ido sucediendo hasta la fecha, han perpetuado los modelos y tipos iconográficos y estilísticos de Francisco Salzillo.

El taller de Salzillo
Salzillo heredó el taller de su padre tras la muerte de este en 1727 y asumió su dirección. Empezó siendo un taller familiar, en el que trabajaban sus hermanos José Antonio y Patricio, y años más tarde se incorporaron diversos discípulos, de los que solo son conocidos los nombres de José López y Roque López. El primero entró a trabajar en 1753, cuando Salzillo estaba comenzando los trabajos de la serie pasionaria de Viernes Santo y el taller necesitaba de pupilos dispuestos para los trabajos más rudimentarios que requería la talla en madera. Por su parte, Roque López se comprometió mediante contrato en 1765, año en el que Salzillo inauguró su academia doméstica. Asimismo, es sabido que el taller de Salzillo mantuvo contactos con el arquitecto y escultor Jaime Bort, aunque únicamente en el mundo del retablo.

Sistema de trabajo

La Oración del Huerto. Obra maestra de Salzillo (1754) perteneciente a la Cofradía de Nuestro Padre Jesús Nazareno de Murcia.
Francisco recibió de su padre como herencia herramientas, dibujos y obras como santos eremitas, figuras de mujer o modelos infantiles. Gracias a ellos, el autor se fue formando como escultor y fue construyendo su propio estilo. En el taller, estas piezas eran estudiadas con frecuencia para ver novedades iconográficas, soluciones espaciales, formas anatómicas, giros corporales o expresiones de rostros antes de ser llevados a la madera.

Los bocetos que se conservan en el Museo Salzillo han sido una fuente de gran valor para comprender la organización del trabajo en el taller y el proceso previo al trabajo de la madera. Tras recibir un encargo, Salzillo dibujaba en papel la idea original, con sus rasgos tridimensionales sugeridos con el empleo de tintas y sombreados. El siguiente paso era modelar el boceto, para lo cual empleaba materiales como la arcilla, el yeso o la cera. No todos los bocetos se verían plasmados en la obra definitiva, sino que a veces servirían solo como experimentación, razones por las que eran como un libro instructivo para oficiales y obradores durante su proceso de aprendizaje.

El trabajo en el taller estaba fuertemente jerarquizado. Salzillo, como representante legal, se encontraba al frente del mismo. Detrás contaba con la colaboración de diversos ayudantes que se encargaban de los trabajos previos a la talla de la madera y de intervenir en diversos aspectos de su proceso de ejecución.

Los miembros del taller quedaban sometidos a la disciplina de Salzillo, cuya personalidad y calidad como escultor iban trazando el estilo a seguir, con el resultado de una gran uniformidad en todas las obras que salían del mismo. Su concepto de la imagen y del color se veía reflejado en todos los pasos a seguir hasta llegar al resultado final. Aspectos como el boceto, la textura quebrada de la talla, la policromía, los matices o las veladuras reflejaban las señas diferenciales de su estilo. Este modelo salzillesco, caracterizado por la producción de imágenes en un lenguaje fácil de comprender, llevó a un aumento en el número de encargos que recibía el taller hacia la década de 1740.13​

La academia de Salzillo
En 1765, fruto de las frecuentes tertulias que el escultor mantenía con sus amigos ilustrados, nació la llamada academia de Salzillo en un intento de superar el modelo ya caduco del escultor solitario encargado de educar a sus discípulos. Desde la creación en 1752 de la Academia de San Fernando, diversas academias oficiales estaban sustituyendo el clásico modelo empírico y personal por un método según el cual el estudio era la base fundamental para adquirir nuevos conocimientos.

Salzillo continuó como director del taller y principal encargado de la formación de sus pupilos pero, siguiendo las corrientes de la Ilustración, pasó a preocuparse más de la educación artística impartida a los mismos.

En la ciudad de Murcia no existía un organismo encargado de la reglamentación de ese tipo de enseñanzas. Tampoco había óptimos modelos que indicasen lo que debía hacerse durante las diversas etapas del saber artístico pero, imitando lo que se hacía en otras ciudades españolas, Salzillo consiguió que empezase a producirse una completa renovación del sistema de aprendizaje, demostración de la capacidad del escultor para comprender los cambios que se fueron produciendo a lo largo del siglo xviii.13​

Salzillo y la ciudad de Murcia

Parte superior del Monumento a Salzillo, en la Plaza de Santa Eulalia de Murcia. Obra de Sánchez Araciel (1899)
Francisco Salzillo es considerado una de las personas más célebres de la ciudad levantina de Murcia. El primer reconocimiento le llegó en vida, cuando fue nombrado escultor de la ciudad en 1755.14​ Actualmente, su nombre sigue siendo recordado en numerosos puntos de la misma. Se le levantó un monumento conmemorativo en 1899 en la Plaza de Santa Eulalia de la ciudad, así como se le otorgó su nombre a una de sus arterias principales, la Gran Vía.

Museo Salzillo

Exterior del Museo Salzillo.
Artículo principal: Museo Salzillo
El Museo Salzillo, situado en la plaza murciana de San Agustín, está íntegramente dedicado a la obra del escultor. Aunque el primer intento de creación se debió a Isidoro de la Cierva en 1919, este se vio materializado por Decreto de 30 de mayo de 1941.15​ La inauguración oficial se retrasó hasta 1960. En 1962 fue declarado Monumento Histórico-Artístico.16​ En el interior del mismo se celebró con motivo del III centenario del nacimiento del autor, desde el 2 de marzo de 2007 hasta el 31 de julio de 2007, la exposición Salzillo, testigo de un siglo,17​ que fue inaugurada por Juan Carlos I, Rey de España.18​

Los pasos de Salzillo en la Semana Santa de Murcia
Véase también: Semana Santa en Murcia
Durante la Semana Santa de Murcia, fiesta declarada de Interés Turístico Internacional,19​ salen en procesión diversos pasos en los que intervino la mano de Francisco Salzillo:

Viernes de Dolores. En la procesión que tiene lugar este día, la primera de cuantas se celebran, forman parte los pasos de María Santísima de los Dolores (1741) y el Santísimo Cristo del Amparo (1739), los cuales reciben culto durante todo el año en la Iglesia de San Nicolás y son atribuidos a la mano de Francisco Salzillo.20​ Sin embargo recientes estudios datan a la Dolorosa a principios del siglo xix, obra de algún discípulo, y al crucificado como algo anterior, debido a la gubia del escultor francés afincado en Murcia, Antonio Dupar.
Sábado de Pasión. De las dos procesiones que se celebran en este día, la organizada por la Cofradía del Santísimo Cristo de la Caridad cuenta con el paso de María Dolorosa (1742).21​
Domingo de Ramos. Es uno de los días en los que más obras de Salzillo se pueden contemplar por las calles de Murcia; en concreto, tres: Arrepentimiento de San Pedro (1780), La Dolorosa (1756) y Santísimo Cristo de la Esperanza (1755).22​
Lunes Santo. El Santísimo Cristo del Perdón, titular de la cofradía del mismo nombre (hacia 173323​); y el San Juan (hacia 1737). Ambos, junto con la Dolorosa (Roque López, 1793) y María Magdalena (Francisco Sánchez Araciel, 1897) forman un espectacular Calvario, paso creado en 1896.24​
Martes Santo. La procesión organizada por la Asociación del Santísimo Cristo de la Salud, una de las dos que se celebran en este día, cuenta con el paso de la Santísima Virgen del Primer Dolor (mediados del siglo xviii).25​
Viernes Santo. En la procesión que se celebra por la mañana, organizada por la Cofradía de Nuestro Padre Jesús Nazareno y popularmente conocida como la “Procesión de los Salzillos”,26​ todos los pasos son obra del escultor murciano a excepción del titular de la institución, autoría de Juan de Aguilera (1601). Entre ellos, se encuentran algunas de las piezas más célebres de Salzillo: La Santa Cena (1763), La Oración en el Huerto (1754), El Prendimiento (1763), Jesús en la columna (1777), La Santa Mujer Verónica (1755), La Caída (1752), San Juan (1756) y La Dolorosa (1755).27​ Por la tarde, se pueden admirar dos obras más de Salzillo en otras procesiones: La Virgen de las Angustias (1740), titular de la Cofradía de Servitas de María Santísima de las Angustias28​ y el Santísimo Cristo de Santa Clara la Real (1770), en la procesión de la Cofradía del Santo Sepulcro.29​
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Gregorio Fernández

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Gregorio Fernández

(Sarria, España, 1576 - Valladolid, 1636) Escultor español. No está documentado con seguridad su origen gallego ni el período de su formación. Sólo se sabe que a partir de 1605 estaba activo en Valladolid, donde contaba ya con taller propio, lo cual no excluye que trabajase como ayudante en... Ver mas
(Sarria, España, 1576 - Valladolid, 1636) Escultor español. No está documentado con seguridad su origen gallego ni el período de su formación. Sólo se sabe que a partir de 1605 estaba activo en Valladolid, donde contaba ya con taller propio, lo cual no excluye que trabajase como ayudante en otros talleres antes de esa fecha. Fue uno de los grandes maestros de la escultura religiosa en madera policromada de la llamada escuela castellana de los siglos XVI-XVII. Heredó de Juan de Juni la tradición de las imágenes religiosas cargadas de dramatismo, pero incorporó al lenguaje de su antecesor un mayor naturalismo.

De hecho, Gregorio Fernández evolucionó desde una primera etapa bastante vinculada al período anterior hasta una segunda fase en la que impuso un gran naturalismo, presente no sólo en los gestos y las actitudes, sino también y sobre todo en la policromía; en este campo, exigió a los policromistas que trabajaron para él el abandono del oro y los tonos brillantes tan en boga hasta entonces para iluminar las figuras con colores inspirados en el natural.


Detalle del Cristo Yacente, de Gregorio Fernández

De su primera etapa, las obras más destacadas son el retablo de San Miguel de Valladolid y la Piedad del convento de San Francisco en la misma ciudad. A su segunda época, la más fecunda y de mayor calidad, corresponden el extraordinario Cristo yacente del Museo Natural de Escultura, una talla en que la representación del cuerpo de Jesucristo alcanza un verismo difícilmente superable, y los pasos procesionales del Descendimiento y la Flagelación, realizados para la iglesia de la Vera Cruz de Valladolid.

Creó varios tipos iconográficos (la Inmaculada, Santa Teresa de Jesús, la Magdalena penitente) que fueron después muy imitados y alcanzó un alto grado de virtuosismo en sus realizaciones tanto en los retablos, de gran sobriedad ornamental, como en las figuras aisladas y los pasos procesionales, que suscitaron en su tiempo un gran fervor popular.



Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Gregorio Fernández. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/f/fernandez_gregorio.htm el 27 de diciembre de 2019.



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Pedro Roldán

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Pedro Roldán

Pedro Roldán (Sevilla, 1624-ibídem, 1699) fue un escultor español del Barroco. Fue padre de la escultora Luisa Roldán, conocida como la Roldana.1​ Biografía La familia Roldán era de León y se había instalado en Antequera, provincia de Málaga, en el siglo XIV.2​ Su padre fue Marcos Roldán... Ver mas
Pedro Roldán (Sevilla, 1624-ibídem, 1699) fue un escultor español del Barroco. Fue padre de la escultora Luisa Roldán, conocida como la Roldana.1​

Biografía
La familia Roldán era de León y se había instalado en Antequera, provincia de Málaga, en el siglo XIV.2​ Su padre fue Marcos Roldán, carpintero, y su madre fue Isabel de Fresneda u Onieva. Ambos se casaron en 1609 y eran vecinos de Antequera. En esa localidad tuvieron a su primer hijo, Marcos. Se trasladaron a Sevilla en una fecha desconocida.3​ En 1624 nació Pedro Roldán y Onieva. Fue bautizado el 14 de enero en la parroquia del Sagrario. En fecha desconocida, la familia se trasladó a Orce, provincia de Granada, donde permanecieron hasta la muerte del padre de familia.2​ Durante varias décadas del siglo XX se consideró que podía ser natural de Antequera o de Orce, pero en la segunda mitad del siglo esto se descartó.4​

En 1638, con catorce años, Pedro Roldán se trasladó a Granada para ser aprendiz de Alonso de Mena.5​ El 1 de octubre de 1642 contrajo matrimonio en la iglesia de San Nicolás, en el barrio del Albaicín,5​ con Teresa de Jesús Ortega y Villavicencio.6​ Es probable que Teresa fuese pariente de Mena.5​ La primera hija del matrimonio, de nombre María, fue bautizada el 14 de agosto de 1644 en la iglesia de San Nicolás de Granada.7​

En 1646 falleció Alonso de Mena, que dejó como director del taller a Bernardo de Mora. En 1647 Pedro se trasladó a Sevilla.8​ Puso su propio taller en la plazuela de Valderrama, en el barrio de San Marcos.8​ Su primer aprendiz fue Miguel Benito.8​ En 1651 se mudó al barrio de Santa Marina.9​ Ahí nacieron sus hijas Fernanda y Luisa Ignacia.9​ A los 31 años se fue a vivir a la calle Colcheros (actual calle Tetuán), y poco después se mudó a la calle de la Muela (actual calle O'Donell),9​ donde vivió unos 10 años.9​ En esta zona nacieron Isabel, Teresa, los mellizos Ana Manuela y Marcelino José y Pedro de Santamaría, que fueron bautizados en la iglesia de la Magdalena.9​

En 1645 Marcos, hermano de Pedro, se casó en Archidona con Inés de la Hixa. Tuvieron tres hijos: Julián, Pedro y Manuel. Estos se mudaron posteriormente a Sevilla y dos de ellos terminaron trabajando en el taller de su tío, Pedro Roldán.2​


Santo Entierro. Retablo mayor de la iglesia de San Jorge, hospital de la Caridad, Sevilla.
En 1658 Juan de Valdés Leal fue padrino de bautismo de la cuarta hija de Pedro, Isabel.10​ Ese mismo año Valdés Leal y Pedro Roldán firmaron un escrito en el que argumentaban que ellos ya tenían conocimientos de pintura y dorado, y que por ello solicitaban una licencia para poder ejercer también de esos oficios.10​

Debió de efectuar algún viaje a Granada antes de 1660, en el que conoció la obra de Alonso Cano y Pedro de Mena. Fue padrino de bautismo en la iglesia de la Magdalena de un sobrino de Pedro de Mena, hijo de su hermana, Sebastiana de Mena y Medrano, y de Juan Pérez Crespo.10​

En 1660 el pintor Bartolomé Esteban Murillo creó su Academia de Arte para enseñar dibujo y pintura. Esta academia tuvo su sede en la Casa Lonja. Pedro Roldán fue alumno de esta academia entre 1662 y 1672.11​

En 1665 compró un corral de vecinos en la plazuela de Valderrama (la misma zona donde puso su primer taller en Sevilla). Dedicó varias casas del corral para su vivienda y otras para que le sirviesen de taller.10​ En 1667 compró un solar junto a dicho corral, que empleó para ampliar sus inmuebles.12​ Posteriormente, reservó toda esta zona para su vivienda y creó en otro lugar de la ciudad un gran taller a base de comprar solares entre los barrios de San Marcos y San Isidoro.12​ Con esto, consiguió tener una gran vivienda y uno de los talleres artesanales más grandes de Andalucía.10​

En 1665 adquirió un solar en la calle Beatos y en 1674 el Cabildo Catedralicio le cedió un solar en la aneja calle Raspaviejas. Posteriormente, construyó una casa que ocupaba ambos solares y vivió ahí el resto de su vida.11​ Tras su muerte, la casa fue comprada por su nieto, Pedro Duque y Cornejo.11​

Entre 1675 y 1684 realizó diversos viajes por Andalucía. En ellos, realizó obras en Jaén, Córdoba, Jerez de la Frontera, Puerto de Santa María, Villamartín, Cádiz, Medina Sidonia y otros lugares.13​ En Jaén él y su sobrino, Julián Roldán, realizaron algunos relieves para la catedral.13​ En diciembre de 1678 recibió el encargo del Cabildo de la colegiata del Salvador de regresar a Jaén para que Eufrasio López de Rojas, arquitecto real, diese su aprobación a la planta del templo.13​

En torno a 1685 se construyó una casa en Mairena del Alcor.14​ Visitó esta casa asiduamente entre 1685 y 1690.14​ Murió en 1699. Fue enterrado en una cripta de la iglesia de San Marcos.15​

Descendencia
Pedro Roldán tuvo ocho hijos de su matrimonio con Teresa de Jesús Ortega y Villavicencio, que colaboraron ampliamente en su taller, y de los que alguno adquirió relieve propio.6​

María Josefa Roldán (1644), hija mayor del matrimonio Roldán, practicó la escultura y contrajo matrimonio con el escultor Matías de Brunenque.
Francisca Roldán, (1651), se encargaba del encarnado de las imágenes, contrajo matrimonio con el escultor José Felipe Duque Cornejo. Su hijo fue el también escultor Pedro Duque y Cornejo, maestro del barroco sevillano en el siglo XVIII.
Luisa Roldán (1652), conocida como la Roldana, una de las principales escultoras del barroco andaluz, casada con el dorador Luis Antonio de los Arcos.
Isabel Roldán (1657), ahijada de Valdés Leal y casada con Alejandro Martagón, colaborador del taller.
Teresa Roldán (1660), casó con Manuel Caballero y en segundas nupcias con Pedro de Castillejos.
Marcelino José Roldán (1662), escultor y director del taller a la muerte de su padre. Sus hijos Jerónimo y Diego también fueron escultores.
Ana Marcela Roldán (1662), se casó dos veces.
Pedro de Santa María Roldán (1665), también escultor aunque sin mucho éxito.
Estilo
Sus esculturas tienen un estilo sencillo y mesurado.16​ Sus obras no son nada complejas, aunque en ocasiones las dotó de la simbología religiosa habitual.16​ En Granada, con Alonso de Mena, aprendió cierto manierismo, aunque también empezó a hacer obras más realistas.17​ En Sevilla aprendería aprendería formas barrocas.18​ Entre 1666 y 1685 empezó a hacer obras barrocas con características más personales y originales, lo que siguió haciendo hasta 1699.19​ Entre 1685 y 1699 no se aprecian más variaciones en su estilo.19​

Obras destacadas

Retablo de la iglesia del Sagrario en Sevilla.

San José con el niño (1664) en la catedral de Sevilla.

Cristo atado la columna (1689) en la iglesia de San Juan Bautista de la Villa de La Orotava.
1650-1651. Virgen de la Antigua: Realizada para la Cofradía de Nuestra Señora de la Antigua, sita en la iglesia de la Magdalena. En la actualidad se venera como Virgen de los Siete Dolores en la iglesia de Santiago. Sevilla.20​21​22​
1652. Esculturas del retablo mayor de la iglesia de Santa Ana. Montilla, provincia de Córdoba.21​23​
1653-1655. Arquitectura del colegio de las Becas. Sevilla. Desaparecido.21​
1656. Esculturas para el colegio de las Becas. Sevilla. Desaparecidas.21​
1657. Piedad para la iglesia de San Juan de Palma. Sevilla. Desaparecida.21​
1657-1658. Arcángel San Miguel para la iglesia de San Vicente. Sevilla.21​23​
1659. Relieves del paso de la Hermandad de la Quinta Angustia. Desaparecidos.21​
1660. Yeserías de la iglesia de Santa María la Blanca. Sevilla.21​
1660. Figuras del Descendimiento de Cristo (Jesús, san Juan, los Santos Varones y las Tres Marías), iglesia de la Magdalena. Titulares de la Hermandad de la Quinta Angustia. Sevilla.24​22​25​26​
1661. Relieves y yeserías para el convento de Regina Angelorum. En la actualidad están en un retablo de la capilla del Rosario de la Real Maestranza de Caballería. Sevilla.21​22​
1663. Virgen del Rosario, parroquia de Santa María Magdalena. Sevilla.27​
1664. San José con el niño. Catedral de Sevilla.23​
1665. Urna para la Cofradía del Santísimo Nombre de Jesús. Desaparecida.27​
1667. Relieve del Descendimiento de Cristo para la capilla de los Vizcaínos del convento Casa Grande de San Francisco. Sevilla. En la actualidad está en el retablo mayor de la iglesia iglesia del Sagrario. Sevilla.28​
1667. Urna para la Cofradía de Nuestra Señora del Carmen. Córdoba.27​
1668. Inmaculada, iglesia de Nuestra Señora de Gracia, de los trinitarios. Córdoba.29​27​22​
1669. Relieves en los altos de la capilla de los Vizcaínos de la desaparecida iglesia de San Francisco. Desaparecidos.27​
1670-1673. Esculturas del retablo mayor de la iglesia de San Jorge (hospital de la Caridad): Santo Entierro, san Jorge, san Roque y Cristo de la Caridad. Sevilla.29​
1671. San Fernando. Sacristía mayor de la catedral de Sevilla. Realizado con motivo de la canonización del rey. Realizó varias réplicas, como la que se encuentra en la iglesia de Santiago de Carmona.30​
1672. Santa Ana y la Virgen. iglesia de Santa Cruz. Sevilla.31​
1672. Esculturas del retablo de Nuestra Señora de la Alegría de la iglesia de San Bartolomé de Sevilla. En la actualidad solo se conserva una figura de san Ignacio de Loyola en la capilla del Sagrario de dicho templo.27​
1673-1681. Retablo mayor de la iglesia de Santiago. Carmona.27​
1673. Retablo de las Ánimas, iglesia de Santiago. Alcalá de Guadaíra, provincia de Sevilla.
1674. Retablo de la Virgen de la Salud, iglesia de San Isidoro. Sevilla.32​
1674. San Hermenegildo y san Fernando, iglesia de San Ildefonso. Sevilla.29​32​
1675. Jesús atado a la columna, iglesia de Santiago. Lucena, provincia de Córdoba.22​
1675-1681. Relieve de la Huida a Egipto y esculturas de los cuatro evangelistas, cuatro doctores de la Iglesia y san Fernando para la fachada de la catedral de Jaén.25​32​
1676. Relieves de la iglesia del Sagrario del monasterio de la Cartuja de Sevilla.32​
1676. Crucificado del monasterio de la Cartuja de Jerez de la Frontera. Desaparecido.32​
1677. Jesús Nazareno y san Juan Evangelista. Colegiata del Puerto de Santa María, provincia de Cádiz.32​
1677. Relieves del paso de las Tres Necesidades, capilla de la Carretería. Sevilla. Desaparecido.32​
1678-1680. Esculturas de san Pedro y san Pablo y retablo mayor de la iglesia parroquial de Villamartín, provincia de Cádiz.25​32​
1679. Esculturas de la capilla de don Pedro de Paiba. Iglesia de Santo Ángel. Sevilla. Desaparecidas.32​
1680. Esculturas del retablo mayor de la iglesia del convento de Santa Isabel. Córdoba.32​
1680. Nuestra Señora de la Fe de la Iglesia de Santa Bárbara. Hermandad de Jesús Sin Soga.Écija, provincia de Sevilla.25​.
1680. Cristo de la Expiración de la iglesia de Santiago. Écija, provincia de Sevilla.25​
1680. Jesús abrazado a la cruz, iglesia de Santa Cruz. Écija, provincia de Sevilla.25​
1681. Crucificado de la sacristía de la iglesia de San Juan Bautista. Écija, provincia de Sevilla.32​
1682. Relieves para el retablo mayor de la iglesia de Santa Isabel. Córdoba.32​
1683. Virgen del Rosario, portada del convento de Madres Dominicas. Úbeda, provincia de Jaén.32​
1683-1684. Relieves del paso del Cristo de la Exaltación. Sevilla.33​
1685. Jesús Nazareno, iglesia de Nuestra Señora de la O. Sevilla.25​32​
1686. Esculturas del retablo lateral de la capilla de los Vizcaínos de la iglesia de San Francisco. Sevilla. Desaparecido.32​
1687. Ecce Homo y cuatro niños, iglesia de Santa Ana. Sevilla. Desaparecido.32​
1687. Diseño de las esculturas de san Germán y san Servando, catedral de Cádiz.32​
1687. Virgen de Gracia, iglesia de Omnium Sanctorum. Sevilla. Desaparecida.32​
1688. Cristo de la Coronación, iglesia de la Anunciación. Sevilla.32​
1689. Cristo atado a la columna. Parroquia de San Juan Bautista, Villa de La Orotava, Tenerife (1689).25​32​
1690. Veinticuatro columnas de mármol, iglesia del Buen Suceso. Sevilla.32​
1690-191. Retablo mayor de la iglesia de Santa María de Jesús. Sevilla.32​
1694. Esculturas para la iglesia de San Felipe Neri. En la actualidad están en la iglesia de San Alberto. Sevilla.32​
1695. Retablo y Virgen de los Reyes, iglesia del Omnium Sanctorum. Sevilla. Desaparecidos.
1696-1697. Jesús del Silencio, iglesia de San Juan de Palma. Titular de la Hermandad de la Amargura. Sevilla.22​
1698. San Pedro y san Fernando sedentes, hospital de los Venerables. Sevilla.25​32​
1698-1699. Retablo mayor de la iglesia del convento de Santa Isabel. Écija, provincia de Sevilla.32​
Principales obras atribuidas

Cristo del Perdón. Iglesia de Santa María, Medina-Sidonia.
San Agustín, convento de Jesús Nazareno. Chiclana de la Frontera.
Arcángel San Miguel, iglesia de San Antonio Abad. Sevilla.34​
Arcángel San Miguel, colegiata del Puerto de Santa María, provincia de Cádiz.34​
Inmaculada, iglesia del Sagrario. Sevilla.34​
Crucificado para el monasterio de la Cartuja de Sevilla.34​
Crucificado, monasterio de San Isidoro del Campo. Santiponce, provincia de Sevilla.34​
Crucificado, oratorio Escuela de Cristo. Sevilla.34​
San Juan Evangelista, iglesia de San Andrés. Sevilla.34​
Relieve de la Sagrada Familia, convento de San Agustín. Medina-Sidonia, provincia de Cádiz.34​
Virgen de la Palma y María Magdalena, iglesia de San Antonio de Padua. Son titulares de la Hermandad del Buen Fin. Sevilla.35​
San Juan Evangelista, iglesia de San Martín. Titular de la Hermandad de la Lanzada. Sevilla.35​
Relieve de las Ánimas del Purgatorio, iglesia de San Lucas. Jerez de la Frontera, provincia de Cádiz.
Relieve de San Miguel y las Ánimas del Purgatorio, iglesia de San Agustín. Arcos de la Frontera, provincia de Cádiz.35​
Cristo de la Salud, iglesia de San Bernardo. Sevilla.35​
Cristo de la Salud, iglesia de San Gil. Écija, provincia de Sevilla.35​
San José, colegiata de Olivares, provincia de Sevilla.35​
C. 1680. Cristo del Perdón, iglesia de Santa María. Medina-Sidonia, provincia de Cádiz.35​22​
C. 1687. Cristo de la Exaltación, iglesia de San Román. Titular de la Hermandad de la Exaltación. Sevilla.36​
1690. Nacimiento de la Virgen y efigies de bulto redondo de san Francisco de Asís, santa Clara, santa Catalina, san Miguel y los Santos Juanes. Monasterio de Santa María de Jesús. Sevilla.34​22​
1675-1680. Jesús de la Oración en el Huerto y ángel, capilla de Monte-Sion. Realizó también a los apóstoles, aunque los originales han desaparecido. Este Jesús está inspirado en el de la Hermandad de la Estrella labrado por José de Arce en 1655. Son titulares de la Hermandad de Monte-Sion. Sevilla.22​
Obras realizadas por su taller (sin Pedro Roldán)
C.1670. Nuestro Padre Jesús de la Humildad y Paciencia. Titular de la Hermandad de la Soledad Coronada. Badajoz. 37​
C.1700. Jesús de las Penas, iglesia de San Vicente. Estuvo en el convento Casa Grande del Carmen. Atribución. Titular de la Hermandad de las Penas. Sevilla.38​22​
1700. Finalización del retablo mayor de la iglesia del convento de Santa Isabel. Écija, provincia de Sevilla.32​
1701. Crucificado, Jesús atado a la columna y Jesús Nazareno para el convento de Santa Isabel. Écija, provincia de Sevilla.32​
1701. Retablo de la Virgen del Rosario, iglesia de San Juan de Palma. Sevilla. Desaparecido.39​
C.1702. San Fernando para el monasterio de San Clemente. Sevilla.39​
1704. Cuatro ángeles, san Juan y la Virgen para el retablo mayor de la iglesia de San Vicente. Sevilla.39​
1709-1710. Cristo de la Humildad y Paciencia, iglesia de San Juan de Dios. Constantina, provincia de Sevilla.39​
1709-1710. Jesús de los Remedios, iglesia de Santiago el Mayor. Castilleja de la Cuesta, provincia de Sevilla.39​
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Martín Chirino

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Martín Chirino

. Martín Chirino López (Las Palmas de Gran Canaria, 1 de marzo de 1925-Madrid, 11 de marzo de 2019)1​ fue un escultor español. Cofundador del grupo El Paso en 1957, Chirino empleó principalmente el hierro y su obra se enmarca dentro del arte abstracto. Sus esculturas comprenden tanto la... Ver mas
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Martín Chirino López (Las Palmas de Gran Canaria, 1 de marzo de 1925-Madrid, 11 de marzo de 2019)1​ fue un escultor español. Cofundador del grupo El Paso en 1957, Chirino empleó principalmente el hierro y su obra se enmarca dentro del arte abstracto. Sus esculturas comprenden tanto la carencia de componentes narrativos como la riqueza formal y simbólica.



Biografía
Primeros años
Nació en Las Palmas de Gran Canaria, en la playa de Las Canteras, el 1 de marzo de 1925. Undécimo de doce hermanos, su padre era jefe de talleres de los astilleros de la Compañía Blandy Brothers, del Puerto de la Luz, donde Chirino tendría el primer contacto con el metal.

En su adolescencia conocería a Manolo Millares, con el que haría amistad. Por voluntad paterna, trabajó durante un par de años en el mundo de los buques. Realizó varios viajes a la costa africana (Marruecos, Sahara, Senegal…) para aprovisionamiento de los buques, experiencia que se haría presente en su obra. Comenzó su aprendizaje escultórico en la academia de Manuel Ramos.

En 1948 marchó a Madrid, donde, tras una primera intención de cursar Filosofía y Letras, ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Durante algunos años completó su formación con su trabajo como ayudante de Manuel Ramos, que se traslada a Madrid.

En 1952 finalizó sus estudios de Bellas Artes, obteniendo el título de profesor. Al año siguiente viajó a Londres, donde tomó clases en la School of Fine Arts; la estancia le permitió conocer la escultura contemporánea inglesa (Henry Moore, Barbara Hepworth). Completó su formación de escultor en talleres privados de forja. Regresó a Las Palmas, donde mantuvo una estrecha colaboración con su amigo Manolo Millares.

Marcha a Madrid. El Paso
Tras una primera serie escultórica, Reinas Negras, y alguna exposición, como la colectiva del Museo Canario, Chirino se marchó a Madrid el 14 de septiembre de 1955. Le acompañaban sus amigos Manolo Millares, Elvireta Escobio, Manuel Padorno y Alejandro Reino. La estancia de un mes en Londres le permitió conocer las esculturas sumerias y egipcias del British Museum, por las que se mostró interesado. El Museo de Arte Contemporáneo de Madrid adquirió dos esculturas suyas: una "Composición" en hierro (1956) y otra pieza de madera, más antigua, actualmente perdida. Comenzó a impartir clases de inglés en el Colegio de Nuestra Señora Santa María, de Madrid.

Realizó su primera exposición individual en el Ateneo de Madrid. En febrero de 1957 se funda el "Grupo El Paso", con Antonio Saura, Manolo Millares, Manuel Rivera, Rafael Canogar, Luis Feito, Antonio Suárez, Pablo Serrano, Juana Francés, José Ayllón y Manuel Conde. Tras su exposición en el Ateneo se sumó Martín Chirino, además de Manuel Viola, y se darían de baja posteriormente Pablo Serrano, Juana Francés y Antonio Suárez.

En la Bienal de São Paulo de 1959 se le dedicó, dentro del pabellón español, una sala especial, donde se expusieron nueve esculturas. La colectiva del MOMA de 1960, seleccionada y prologada por el poeta Frank O'Hara, entonces curator del Museo, incluyó a varios artistas españoles. Chirino presentó cuatro piezas: "Homenaje a Julio González" (hoy en el Hirshhorn Institute, Instituto Smithsonian, Washington), "Raíz n° 2", "Raíz n° 3" y "El Viento". Con "El viento" apareció el tema más recurrente de la obra de Chirino: la espiral. Grace Borgenicht, impresionada por sus esculturas en la muestra del MOMA, viajó a Madrid para ofrecerle un contrato en exclusiva para los Estados Unidos. Este contrato permaneció vigente hasta la muerte de la galerista en 1994, y la disolución de la galería.

En mayo de 1960 se disolvió El Paso por diferencias internas. Chirino abrió su taller, obra de Antonio Fernández Alba, arquitecto próximo a El Paso, en San Sebastián de los Reyes (Madrid), donde residiría durante treinta y cinco años.2​3​

Etapa en solitario
En 1961 contrajo una grave enfermedad, siendo ingresado en el Sanatorio SEAR de Valdelatas (Madrid). Al año siguiente realizó su primera exposición individual en la Grace Borgenicht Gallery (Nueva York). Presentó catorce piezas, realizadas entre 1959 y 1962, incluyendo las cuatro presentadas en el MOMA. Las nuevas piezas figurativas fueron, entre otras: "Margarita" —ese año Chirino contrajo matrimonio con Margarita Argenta—, "Santa Teresa", "Guerrero", "El mito de Orfeo" e "Inquisidor". Al año siguiente realizó una exposición en el Ateneo de Madrid, marcada por las series de “Vientos” y “Raíces”, además de otras obras como “El Grito”, “Cabeza reclinada” o “El Inquisidor”. De ese año son algunas obras hoy en paradero desconocido, como “Cabezón de la Sal” o “Dado eterno”. Nació su hija Marta el mismo año.

En 1964 realizó un viaje de dos meses a Grecia, que influirá en su serie “Mediterránea”. En 1966 asistió a la inauguración del Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, que adquirió para su colección "Raíz" (1958) y "El Viento" (1966).

La muestra individual en la Grace Borgenicht Gallery de Nueva York, en 1969, fue la primera que mostraba un conjunto de "Mediterráneas". Son esculturas de chapa de hierro, soldadas y pintadas de colores vivos. Chirino comenzó a trabajar con chapas, creando volúmenes huecos.


Mediterránea, en el Museo Arte Público de Madrid.
Participó con una "Mediterránea" en el Museo de Escultura al Aire Libre de la Castellana. De 1972 es su obra "My Lady" ( “Lady Tenerife”), escultura de gran formato, emplazada frente al Colegio de Arquitectos de Canarias de Santa Cruz de Tenerife. Esta escultura formaría parte de la I Exposición Internacional de Escultura en la Calle de esta ciudad. El tema de las "Ladies" -figura femenina recostada- deriva de las "Mediterráneas". Durante su estancia en Tenerife, mantuvo una estrecha relación con Maud y Eduardo Westerdahl, Domingo Pérez Minik y Pedro García Cabrera. Lady Lazarus (Homenaje a Sylvia Plath)" y "Lady Verdigris of the Condor", son homenajes a los "poemas agónicos" de la poetisa Sylvia Plath, a la que había conocido en Yale poco antes de que se suicidara, y a través del también poeta Ted Hughes.

En el X Concorso Internazionale del Bronzetto de Padova le concedieron el Primer Premio Internacional. En una nueva exposición en la Grace Borgenicht, presentó como novedad los “Aeróvoros”, esculturas de apariencia ingrávida y voladora bautizadas por Maud Westerdahl. El Guggenheim Museum adquirió uno.

A partir de 1974, Chirino pasó largas temporadas en Nueva York, trabajando en el estudio de la escultora Beatrice Perry, es Soutwood, Germantown (New York State). Realizó una escultura para la tumba del hijo de Beatrice, su amigo Scott Perry, en el cementerio de Barrytown.

En 1976 participó en la redacción del "Manifiesto del Hierro”, que identifica la identidad canaria con el continente africano, en términos posteriormente matizados por la mayoría de los firmantes. En el mismo sentido suscribió el “Documento Afrocán”, firmado en Madrid el 20 de noviembre de ese año. En este contexto realizó la exposición individual "Afrocán" en la Galería Juana Mordó de Madrid. Al año siguiente se organizó una exposición homenaje en la Casa de Colón de Las Palmas, y posteriormente en el Colegio Oficial de Arquitectos de Canarias, de Santa Cruz de Tenerife. En el nº 20 de la revista Guadalimar apareció su texto "Pintadera de 7 puntos", en el que abogaba por una revolución cultural canaria fundamentada en el estudio y conocimiento del arte aborigen, pero atendiendo a la universalidad del arte.

Recibió el Primer Premio en la Bienal Internacional de Escultura de Budapest en 1978. En 1979 la exposición “Afrocán” en la Grace Borgenicht Gallery causó un notable interés en la prensa neoyorquina.

En 1980 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas por toda su obra. Cinco años más tarde le sería concedida la Medalla de Oro de Bellas Artes.

En el año 1982, tras ganar las elecciones el Partido Socialista, el secretario de estado del Ministerio de Cultura Mario Trinidad le propuso a Chirino ser presidente del Circulo de Bellas Artes de Madrid, cargo en el que estuvo hasta 1992.4​


Sede del Parlamento de Canarias, Santa Cruz de Tenerife.
En 1987 realizó la obra “Gran Cabeza Africana”, que se encuentra en la sede social de la Caja General de Ahorros de Canarias. Fue nombrado miembro de la Comisión Asesora del Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. Dos años más tarde se inauguró el Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM) de Las Palmas de Gran Canaria, siendo nombrado director del mismo. Compaginaría dicho cargo con el de director del Círculo de Bellas Artes de Madrid, que ostentaba desde 1982. En 1992 decidió no presentarse a la reelección, para concentrarse en la dirección del CAAM y en su propia obra.

En 1996 es inaugurada la “Lady Harimaguada”, convertida posteriormente en símbolo de la ciudad y en premio del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria. De 1999 es la espiral que decora la cubierta del Parlamento de Canarias, que la ha adoptado como símbolo. También la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria representa en su logotipo a "El Pensador", obra instalada en el Campus de Tafira.

En 2002 Martín Chirino dimitió como director del CAAM, en medio de una polémica reestructuración del museo.5​6​


Escultura en la confluencia de la calle Mayor de Triana con el parque de San Telmo en Las Palmas de Gran Canaria.
En 2007 fue nombrado hijo adoptivo de San Sebastián de los Reyes, localidad donde había residido hasta 1995. También fueron nombradas en su honor una calle y una sala de exposiciones.2​3​

El 11 de octubre de 2014 ingresó como miembro Honorario en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.7​

El 21 de mayo de 2016 recibió el título de hijo adoptivo del municipio madrileño Morata de Tajuña en el que residió sus últimos años. Su vinculación con este municipio se manifiesta además en la escultura La Morateña, con la que quiso homenajear al pueblo morateño.8​

Fundación Martín Chirino
El 28 de marzo de 2015 se inauguró en el Castillo de la Luz de Las Palmas de Gran Canaria la Fundación de Arte y Pensamiento Martín Chirino.Se trata de un espacio museístico con un total de 25 obras del escultor que forman parte de la exposición permanente, piezas que realizan un repaso por la trayectoria de artista.9​
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Alonso Berruguete

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Alonso Berruguete

(Paredes de Nava, España, 1490-id., h. 1555) Escultor y pintor español. Hijo del pintor Pedro Berruguete, iniciador del Renacimiento pictórico en España, fue seguramente discípulo de su padre antes de trasladarse a Italia en 1504 para completar su formación. No se conocen obras de su período... Ver mas
(Paredes de Nava, España, 1490-id., h. 1555) Escultor y pintor español. Hijo del pintor Pedro Berruguete, iniciador del Renacimiento pictórico en España, fue seguramente discípulo de su padre antes de trasladarse a Italia en 1504 para completar su formación. No se conocen obras de su período italiano, durante el cual se sabe que estudió sobre todo las creaciones de Miguel Ángel y las obras maestras de la Antigüedad clásica. Su única actividad artística documentada de esta etapa es la finalización de la Coronación de la Virgen de Filippino Lippi.

Se cree que Berruguete llegó a Italia siendo esencialmente un pintor y que regresó a España convertido en un escultor por la enorme influencia que ejercieron en él las obras de Miguel Ángel y el Laocoonte. Pero su formación italianizante desembocó en un arte singular, de fuerte personalidad, signado por una intensa plasmación de la espiritualidad y por la traducción en patético de cualquier sentimiento.

Retornó a España hacia el año 1518 y poco después fue nombrado pintor de la corte de Carlos I, pese a lo cual trabajó principalmente como escultor. Valladolid y Toledo fueron sus dos centros de actividad. En la primera de estas dos ciudades realizó el retablo del monasterio de San Benito. En la segunda esculpió la sillería alta del coro de la catedral, dos obras maestras que permiten considerar a Berruguete el principal escultor español del siglo XVI y una de las grandes figuras de la escultórica hispánica de todos los tiempos.

En el grandioso retablo de San Benito, realizado entre 1528 y 1532, el estilo más peculiar de Berruguete se presenta ya en toda su plenitud. Sus figuras recuerdan las de Miguel Ángel por la musculatura poderosa y la fuerza emocional, pero se acercan, anticipándolas, a las del Greco en cuanto a estilización y expresionismo. Por todas estas características se considera a este artista el introductor del manierismo en España. Del retablo de San Benito, el grupo más valorado es el Sacrificio de Isaac, en el que alcanza su cima el trazo nervioso típico del artícife, que modela con cierto frenesí los cabellos, los ropajes y las carnes. También son muy conocidos el San Jerónimo y el San Sebastián, dotados de gran patetismo, con un realismo triste en los rostros y los gestos.



Por la importancia de su actividad en la ciudad de Valladolid a partir de 1517 y hasta su traslado a Toledo, se considera a Berruguete el fundador de la escuela vallisoletana de escultura, uno de los principales focos del arte español del Renacimiento y el Barroco. Su trayectoria artística culminó con la sillería alta del coro de la catedral de Toledo, que ocupó los últimos años de su actividad. En cada sitial del coro, el autor talló una figura en altorrelieve con la expresividad y la fuerza dramática que le son características: todo un repertorio de personajes bíblicos en las actitudes más diversas, fruto, en cada caso, de un detallado estudio psicológico. Esta obra magistral culmina en el grupo de la Transfiguración, labrado en alabastro por encima del sitial central y que compendia en sí todas las cualidades artísticas de este escultor único.

Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Alonso Berruguete. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/berruguete_alonso.htm el 29 de diciembre de 2019.



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Juan de Juni

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Juan de Juni

Juan de Juni1​ (Joigny, Francia, 1506-Valladolid, 10 de abril de 1577) fue un escultor franco-español. Junto con Alonso Berruguete, Juni formó la gran escuela de la escultura castellana, con una gran y extensa obra realizada mayormente en los más de treinta años que permaneció en Valladolid... Ver mas
Juan de Juni1​ (Joigny, Francia, 1506-Valladolid, 10 de abril de 1577) fue un escultor franco-español.

Junto con Alonso Berruguete, Juni formó la gran escuela de la escultura castellana, con una gran y extensa obra realizada mayormente en los más de treinta años que permaneció en Valladolid. Eso le ha valido su presencia destacada en el Museo Nacional de Escultura, especialmente, y en el Museo Diocesano y Catedralicio de Valladolid, entre otros lugares de la ciudad.

Presentó un gran dominio en los materiales escultóricos como el barro cocido, la piedra y la madera y un perfecto conocimiento de la anatomía humana.2​

Su oficio fue el de escultor, también denominado como «maestro de hacer imágenes» o como entallador que por misión tenía el hacer los elementos decorativos de fachadas, portadas o retablos, así también se dedicó a la construcción y al montaje de la arquitectura de los retablos a quienes se les llamaba ensamblador y como prueba de su oficio de arquitectura se sabe que realizó en el año 1565, en Valladolid, el Arco para recibir a la reina Isabel de Valois, conservándose aún el diseño de dicha obra.3​



Biografía
Juan de Juni se formó en Francia y en Italia, de donde fue llamado por el obispo Pedro Álvarez de Acosta, que era portugués, para construir el palacio episcopal de Oporto;4​ después viajó a España hacia 1533, donde trabajó en León y participó en la realización de la decoración de la fachada del edificio de San Marcos con los relieves del Descendimiento y en la parte alta el de la Resurrección así como en el claustro con el altorrelieve del Nacimiento de Cristo realizado en piedra, también intervino en la obra de la sillería del coro. Se sabe que en el año 1537 estaba modelando unas figuras en barro cocido y policromado para la iglesia de San Francisco de Medina de Rioseco.

En 1540 recibió por parte del obispo de Mondoñedo fray Antonio de Guevara el importante encargo de ejecutar para su sepulcro del Convento de San Francisco de Valladolid, El Entierro de Cristo. Antes había pasado por Salamanca para ejecutar el sepulcro del arcediano Gutierre de Castro (existente en la Catedral Vieja). Durante su estancia en esta ciudad cuando enfermó e hizo la redacción de su testamento el 26 de octubre de 1540 pero una vez repuesto se trasladó a Valladolid, para trabajar en ese encargo.

En 1545 los canónigos y parroquianos de la iglesia de Santa María de La Antigua le encargaron el retablo mayor que a pesar del largo pleito que sostuvo con el discípulo de Berruguete, Francisco Giralte, finalmente fue realizado y terminado por él. Su fama se fue extendiendo y no le faltaron los encargos ni clientela selecta: la Orden de Santiago para la sillería del coro de San Marcos de León; Pedro Álvarez de Acosta que entre otras obras le encargó el retablo mayor de la catedral de Burgo de Osma; para el obispo de Zamora, Antonio del Águila y Paz, su sepulcro en Ciudad Rodrigo.5​

A partir de 1577 y por razones de salud fue delegando en su hijo Isaac las funciones del oficio y administración de bienes

Sepan quantos esta carta vieren... cómo yo Juan de Juni, escultor, vecino desta villa de Valladolid, morador, fuera de la puerta del Campo... doy mi poder cumplido a vos Isac de Juny, mi hijo, vecino desta villa, para que por mi... podais pedir e demandar e recibir e cobrar en juicio...6​
Dictó su nuevo testamento el 8 de abril de 1577,7​ y cumpliéndose su voluntad recibió sepultura en la iglesia del convento de Santa Catalina de Siena en Valladolid. En el convento hay un libro titulado Inscripciones de las lápidas que se conservan en el pavimento de la iglesia, debajo del entarimado en el cual, entre otros, menciona como enterrados a varios familiares de Juni y a él mismo fallecido entre el 9 y el 17 de abril de 1577.8​

Familia
Contrajo matrimonio por primera vez con Catalina de Montoya con quien tuvo una hija, María, a la que declaró heredera en su testamento del año 1540.9​ Ana de Aguirre fue su segunda esposa en 1544, la cual falleció sin descendencia en 1556. Una tercera vez contrajo matrimonio Juni, con María de Mendoza, con la que tuvo el artista varios hijos, y a la que menciona en 1561, como fiadora en la conclusión del retablo de La Antigua. Pero el hijo con quien tuvo más relación y se sabe más de él, es Isaac, hijo natural nacido en León, ya nombrado en el primer testamento, «como hijo natural viviendo en su casa». En su último testamento de 1577 se nombra a Isaac como de treinta y ocho años quien recibió la cuarta parte de los bienes propios del escultor; estos bienes se escogerían entre los que se refirieran al arte de escultura y ensamblaje.10​

Italia
Su estancia en Italia se puede comprobar por la influencia en sus obras, por ejemplo, en el estilo de Jacopo della Quercia, en el concepto de relieve de poco grosor, (uno de los logros del siglo XV en la plástica italiana), en los ropajes que dan un ritmo movido a la escultura, y que se ve con claridad en sus primeros trabajos en León. Se da como segura la estancia de Juni en Bolonia, Módena y Florencia, donde a mitad del siglo XV, se realizó mucha escultura en barro cocido policromada con grandes efectos naturalistas como la inclusión de ojos de cristal.


Llanto sobre Cristo muerto de Niccolò dell'Arca



El entierro de Cristo de Juan de Juni. Museo Nacional de Escultura, Valladolid



Llanto sobre Cristo muerto de Guido Mazzoni

La obra del Llanto sobre Cristo muerto del año 1463 realizada por Niccolò dell'Arca de la iglesia de Santa María de la Vita de Bolonia, es la obra que se encuentra más cercana al El entierro de Cristo de Juan de Juni; consta también de siete figuras en tamaño natural. El sentido del desgarro por el dramatismo del momento es lo que debió de impresionar a Juni y que más tarde él sintetizó en su obra. Como es muy posible la también influencia de Guido Mazzoni con su Llanto sobre Cristo muerto, de la iglesia de San Juan en Módena, con los mismos personajes y en muy idénticas posiciones.11​


Nuestra Señora de las Angustias en procesión, imagen con cierta semejanza a la escultura italiana de Miguel Ángel
De Miguel Ángel captó la composición, los escorzos, la forma de movimiento de los miembros en las figuras apuntando en varias direcciones. La composición en hélice, muy empleada por Miguel Ángel, se aprecia en la Purísima de la capilla de los Benavente en Medina de Rioseco. Otra semejanza se encuentra entre el rostro de Nuestra Señora de las Angustias, obra ya de madurez del artista, aunque posterior a 1561, con la cabeza de La Aurora del sepulcro de Lorenzo de Médicis, que sigue como la escultura de la Purísima, con el esquema helicoidal, avanzando el hombro izquierdo, mientras la mano izquierda se encuentra como escondida entre los ropajes, la derecha, destaca sobre su pecho, con un claro recuerdo manierista inspirada también en la Virgen de los Médicis de Miguel Ángel; la boca la tiene entreabierta y los ojos dirigen su mirada hacia la cruz donde se encuentra su hijo con una expresión de profundo dolor. De Roma, y por la visión del Laocoonte y sus hijos, la obra de la Antigüedad, más admirada por entonces, trajo la línea "serpentiforme" tan empleada por los manieristas; en la capilla de los Benavente, el cuerpo del demonio se resuelve como una gran serpiente, así como, en el San Juan Bautista del Museo Nacional de Escultura, todo su cuerpo está en un movimiento de torsión, la boca entreabierta y el pecho tenso por la emoción; es donde se puede apreciar más el parecido con el sacerdote Laocoonte.12​

España
Su estilo en la imaginería mantuvo el patetismo expresivo del arte borgoñón y sobre todo en la grandilocuencia de los paños de sus esculturas heredado del escultor gótico Claus Sluter, junto a la influencia de Miguel Ángel. Sus figuras son de correcto modelado, opulentas, carnosas, vivamente apasionadas, bien en la expresión de la dulzura, como la Inmaculada de la Capilla de los Benavente en Medina de Rioseco, bien en el acentuado patetismo de sus Dolorosas, tales como la Virgen de los Cuchillos. La intensidad emocional de sus imágenes y el agitado revuelo de sus ropajes han hecho que se le denomine como el padre de la escultura barroca española. Junto con Alonso Berruguete se le considera fundador de la escuela escultórica de Valladolid, que se extiende a lo largo del siglo XVI con estos y otros escultores, del siglo XVII, con Gregorio Fernández a la cabeza, y del siglo XVIII con Luis Salvador Carmona.

León
Aparece por primera vez nombrado en la ciudad de León, en 1535, época en la que hay una gran actividad arquitectónica con la construcción de San Marcos e importantes obras en la catedral, donde se requiere la profesionalidad de escultores. En esa década se encuentran en la ciudad, varios escultores franceses entre ellos Juni. El historiador Gómez Moreno fue el primero en afirmar la participación de Juni en los medallones de la fachada de San Marcos así como en algunos relieves de este mismo edificio; la mayor parte de los relieves de dichos medallones tienen un mismo estilo con el característico rostro levantado y un poco inclinado, la boca entreabierta y un hombro levantado, lo que hace pensar que si no los realizó todos él, sí estuvieron bajo su dirección. En uno de los dos tabernáculos de la fachada de la iglesia es donde se encuentra el Descendimiento, relieve en piedra en gran formato. Esta obra tiene un gran dinamismo y los cortes son agudos. Otro relieve, el del Nacimiento de Cristo, se halla en el interior del claustro con un estilo lleno de elementos clásicos, y la obra más importante en madera fue la realizada en la sillería también para san Marcos junto con Guillén Doncel,13​ (se atribuye a Juni la sillería alta.14​) Importante es la escultura de San Mateo, actualmente en el Museo de León, en barro cocido de color rojo, con una composición en hélice, de clara influencia de Miguel Ángel.

En la iglesia de Santa Marina, de León, se encuentra la imagen de la Virgen de las Candelas realizada para la capilla funeraria de Catalina Pimentel y que se hallaba en el convento de Santo Domingo. Consta de las imágenes de la Virgen con el Niño y San Juan Bautista; tiene un claro sabor italiano, relacionándose con pinturas de Rafael como la Virgen del jilguero, la Virgen de la silla o La bella Jardinera. Esta escultura se muestra con unas formas dulces y sin dramatismo; a pesar de ser para León, la pieza se debió de ejecutar hacia 1549 cuando ya era vecino de Valladolid.

La Cofradía de Ntra. Señora de las Angustias y Soledad posee dos tallas titulares, ambas de Juan de Juni: La Virgen de las Angustias, una preciosa piedad; un yacente popularmente llamado La Urna, al ir dentro de una urna dorada, procesionado en la Procesión del Santo Entierro.

Medina de Rioseco
En el año 1537 realizó unas imágenes de san Jerónimo y san Sebastián por encargo del almirante de Castilla para su capilla funeraria en el monasterio de San Francisco de Medina de Rioseco, realizadas en barro policromado y de tamaño natural. El grupo de San Jerónimo está compuesto por el propio santo junto con el león y un árbol seco. San Jerónimo se muestra medio cubierto con una túnica y con una anatomía extraordinaria viéndose los distintos planos musculares y el gesto de su rostro vuelto hacia lo alto con el cabello y la barba serpenteando. Remite sin duda al grupo del Laocoonte.15​ Al lado contrario el grupo de San Sebastián; se encuentra el santo en medio de un soldado romano y un judío en una composición completamente simétrica.

Álvaro Alfonso de Benavente, conocido como Álvaro de Benavente, mandó realizar una gran capilla de enterramiento para su familia en la iglesia de Santa María de Mediavilla conocida como Capilla de la Concepción o Capilla de los Benavente, empezando su construcción en 1544 por el arquitecto Juan de Corral, y la decoración en yeso policromado por su hermano Jerónimo de Corral. A la muerte del propietario de la capilla, faltaba el retablo, por lo que se acudió a Juan de Juni, ya vecino de Valladolid, en 1557, fecha en que se firmó el contrato con el escultor. La obra consta de banco y dos cuerpos:

en la parte central del primer cuerpo están las imágenes de San Joaquín y Santa Ana casi como escultura de bulto redondo
en los laterales unos relieves con escenas de la vida de estos santos
en el centro del segundo cuerpo se encuentra la escultura de la Inmaculada en una hornacina, donde su remate se dispone con dos angelotes en actitud de coronar a la Virgen. Esta imagen de la Purísima tiene un ritmo helicoidal que fue muy empleado por Juni y por Miguel Ángel: la mano izquierda apoyada sobre su pecho y la derecha sosteniendo la vara de azucenas.

Piedad de Medina del Campo, de Juan de Juni
Medina del Campo
Una Piedad realizada sobre los años 1575 se encuentra guardada en el Museo de las Ferias de Medina del Campo, procedente de una capilla de la Casa Blanca, de un retablo que se puede ver documentado en el testamento de Juan de Juni.16​ Por ser una obra de la madurez del artista, se nota que a pesar del dramatismo de la escena y la policromía, las formas respiran tranquilidad, gracias a la composición en trapecio irregular, en vez del esquema clásico piramidal. La figura del Cristo se acopla perfectamente a la madre y los pliegues del ropaje se hacen suaves, la mirada de María hacia su hijo es de tristeza más que de dolor, incluso se puede apreciar esa suavidad en el contacto de las manos entre ellos.

Salamanca

Sepulcro de Gutierre de Castro en la Catedral Vieja de Salamanca
Se trasladó Juni a Salamanca para realizar el sepulcro del arcediano Gutierre de Castro, conservado en el claustro de la Catedral Vieja. Según la descripción de Palomino es:

... un retablo de piedra que está en la iglesia antigua de Salamanca, con un Descendimiento de la cruz, y a un lado Santa Ana dando lección a su Hija Santísima, y al otro San Juan Bautista, y en el frontal de la mesa del altar, el bulto del sepultado en bajorrelieve, sobre dos almohadas, en su féretro, muy bien dispuesto en perspectiva, en que se conoce lo sabía muy bien; y asimismo la arquitectura del retablo con sus buenos adornos, niños, serafines y algunas calaveras.17​
El sepulcro realizado en piedra arenisca policromada, es de tipo arcosolio enmarcado por dos columnas corintias con un entablamento con calaveras entre paños que cuelgan de cabezas de leones, con los escudos del arcediano. El arcosolio es profundo y formado por arco de medio punto. Hay angelotes sosteniendo guirnaldas que bordean toda la arquivolta. En la parte frontal cubre todo el fondo el relieve de la Piedad o Calvario. Todas las figuras están unidas por medio de sus manos: la Virgen ocupa el lugar central, María Magdalena toma una de las manos de Cristo, el cual tiene la cabeza en escorzo inclinada hacia atrás, formando una línea de composición con la cabeza de su Madre y de María Salomé, que a la vez tiene sujeta a la Virgen. Los pliegues son de una gran ductilidad, con ondulaciones suaves. Las esculturas de Santa Ana y San Juan Bautista que habían estado a los lados de este sepulcro, se encuentran en el trascoro de la Catedral Nueva de Salamanca; en las dos se aprecia con claridad la monumentalidad de la tendencia de Juni.18​

Crucifijos
La iconografía del crucificado es una temática de la que hizo una extensa serie. Normalmente, la que más realizó fue con el Cristo muerto, pero también existen algunos ejemplares en el momento de la expiración.


Crucifijo del convento de Santa Catalina de Valladolid realizado por Juan de Juni en su último período, entre los años de 1572-73
En el monasterio de las Huelgas Reales (Valladolid) se encuentra un crucifijo de la época central de Juni. Tiene una proporción alargada en las piernas en relación a los brazos, con la cabeza caída sobre el pecho y los ojos ligeramente abiertos; se encuentra en el momento de la expiración. Tiene en la cabeza la corona con grandes espinas, el paño de pureza con un gran nudo que en la parte central le pasa entre las piernas y ondea en la parte posterior; los pies están cruzados y con un solo clavo ambos. El tamaño es mayor que el natural; pertenece a un calvario, aunque el resto de las imágenes son de otro escultor datado a finales del siglo XVI.
Procedente de la iglesia de San Andrés, se encuentra un crucifijo en el Museo Diocesano y Catedralicio de Valladolid, de madera policromada y en bastante mal estado de conservación. Representa a Cristo muerto; el paño de pureza se pega al cuerpo y en la parte trasera tiene abundantes pliegues, el cruzado de los pies es muy semejante al de las Huelgas Reales.
En la iglesia de Mojados, se conserva un crucifijo de pequeño tamaño, también policromado. El Cristo está muerto y con la cabeza sobre el tórax; presenta gran similitud con el del retablo de La Antigua, por lo que se ha datado del año 1560.
En Olivares de Duero, en un retablo barroco se encuentra un pequeño Cristo, con la corona labrada en el mismo bloque de madera y los pies cruzados en aspa. Su paño de pureza tiene un gran nudo en el frente. Se data de 1550.
El convento de Santa Teresa de Valladolid guarda en su clausura un Cristo expirando y en perfecto estado. Presenta la cabeza mirando hacia arriba con ansiedad, la boca entreabierta y no tiene aún la herida de lanza en el costado. En este Cristo el paño de pureza tiene el nudo en un costado; solo el rostro presenta un gran dramatismo, por lo que se cree que debió de realizarse en la década última de la vida de Juni.
Parroquia San Juan Bautista. San Muñoz (Salamanca).- Cristo de la Buena Muerte. Custodiado en la Iglesia, en su propia capilla. Es una talla de finales del S. XVI. La talla es una de las más valiosas de la Diócesis de Ciudad Rodrigo. Ha sido expuesta en la Exposición Imágenes del Misterio, en el año 2000 y en las Edades del Hombre de 2006, en Ciudad Rodrigom (Salamanca). Se sabe con casi toda certeza que puede ser una talla de Juan de Juni o de su taller, por la zona estuvo trabajando su discípulo Lucas Mitata. Es una talla de bulto redondo, policromada y procesional, pertenece a la Cofradía de la Vera Cruz. Fue restaura a finales de los años noventa. Procesiona el Viernes Santo por la tarde-noche en la localidad de San Muñoz (Salamanca).-
Un magnífico Crucifijo se encuentra en el convento de Santa Catalina de Valladolid. Fue González García-Valladolid el primero en atribuirlo a Juan de Juni.
Más tarde también lo fue por Manuel Gómez-Moreno y Juan Agapito y Revilla. Se realizó para la sepultura de Cristóbal de Robles, caballero de la orden de Santiago y de su esposa, pero se sabe con certeza que fueron enterrados en el coro al pie de la reja. De ahí ha surgido la posibilidad de que esté enterrado bajo este Crucifijo el propio Juan de Juni. Se encuentra dentro de un arcosolio con dos pilastras sosteniendo el arco de medio punto, ornamentado en sus lados con serafines, conchas y cruces de Santiago y en el centro del arco un pelícano. El crucifijo representa a Cristo muerto con la cabeza sobre su hombro izquierdo, el vientre muy hundido por el dolor. El paño de pureza se encuentra dorado y con la forma del último período del escultor, por lo que se da como fecha de ejecución hacia 1572-73.

Segovia

Capilla de la Piedad. Catedral de Santa María de Segovia
Para la capilla de la Piedad de la Catedral de Segovia, en los años 1570 realizó un retablo con el Entierro de Cristo. Demuestra un clasicismo en la traza y un concepto escultórico mucho más reposado, de un Juni ya en plena madurez. El retablo carece de banco y tabernáculo. El grupo del Entierro en un gran altorrelieve está colocado dentro de un cuadrado central, a cuyos lados se encuentran dos intercolumnios corintios donde se hallan dos personajes con vestimenta militar y esculpidos de pleno bulto. Sobre el frontón del Entierro hay una pareja de angelotes desnudos que recuerdan a otros de Miguel Ángel. En la parte central del ático, dentro de un marco redondo, se encuentra un relieve del Padre Eterno sobre el cual se lee la fecha de 1571. Palomino lo describe:

De Juan de Juni he visto una medalla de todo relieve en la catedral de Segovia, que es el Entierro de Cristo, de figuras del natural, que iguala a cuanto se ha visto del gran Miguel Angel; y tiene a los lados dos soldados caprichosamente vestidos y con rostro tan afligido que mueven a ternura y llanto.17​
En el grupo del Entierro, la Virgen ocupa el espacio central y avanza hacia delante, descansando un brazo de Cristo sobre su rodilla; ambos brazos los tiene abiertos en señal de dolor. Cristo en primer término está colocado casi horizontalmente y se cubre con un pequeño paño, pudiéndose apreciar la magnífica anatomía de su cuerpo. Como en el Entierro de Cristo de Valladolid, se encuentran en total siete personajes, San Juan que se halla detrás de la Virgen con muestras de dolor en el rostro, María Magdalena, que aguanta en una mano el frasco de perfume y con la otra sostiene el sudario; a su lado José de Arimatea, sentado, con los símbolos de la pasión, espinas, clavos y tenazas, al otro lado María Salomé que con una mano levanta su toca. Éste es un recurso muy empleado en el clasicismo, y junto a ella Nicodemo, que sostiene el cuerpo de Cristo por medio del sudario. A pesar de lo dramático del tema las líneas empleadas son curvas y dulces; toda la escena está colocada sobre el fondo pintado que representa la ciudad de Jerusalén.19​

Obra
Ávila
Estatua funeraria de San Segundo. Alabastro, altura, 1,65 metros. Iglesia de San Segundo. (Ávila).
Barcelona
Piedad. Barro cocido policromado, altura, 0,28 metros, anchura, 0,58 metros. Museo Marés. Barcelona.
El Burgo de Osma (Soria)

Retablo mayor de la catedral de El Burgo de Osma
Retablo mayor de la Catedral de El Burgo de Osma. Madera policromada, anchura 10,14 metros. Catedral de El Burgo de Osma. (Soria).
Cristo Resucitado. Madera policromada, altura, 2 metros. Catedral de El Burgo de Osma. (Soria).
Ciudad Rodrigo
Calvario del monumento funerario del obispo de Zamora Antonio del Águila. Encargado para la capilla familiar en el convento de San Francisco de Ciudad Rodrigo, durante la guerra de la Independencia fue trasladado al palacio de los Águila y nunca fue devuelto. Terminó siendo parte de la colección del Marqués de Espeja y en 1998 pasó a manos del Estado y en la actualidad se expone en el Museo Nacional de Escultura (Valladolid)
León
San Mateo. Barro rojo cocido, altura, 0,91 metros. Museo de León.
Juicio contra un hereje. Relieve en madera de nogal sin policromar, dimensiones, 0,86 x 1,53 metros. Museo de León.
Fachada, relieves y sillería en el Hostal San Marcos de León.
Virgen de las Candelas. Madera policromada, altura, 1,20 metros. Iglesia de Santa Marina de León.
La Cofradía de Nuestra Señora de las Angustias y Soledad procesiona La Virgen de las Angustias y un yacente, popularmente llamada "La Urna" también de dicho autor.

Orense
Inmaculada. Madera policromada, altura, 1,30 metros. Museo Arqueológico Provincial de Ourense.20​
Virgen de la Esperanza. Madera policromada, altura, 1,08 metros. Iglesia parroquial de Santiago. Allariz (Orense).
Palencia
Virgen con el Niño, alabastro. Iglesia parroquial de Capillas.
Virgen con el Niño, madera policromada. Museo de Santa María, Becerril de Campos.
Salamanca
Santa Ana y San Juan Bautista. Piedra policromada, trascoro de la Catedral Nueva de Salamanca, procedentes del claustro de la Catedral Vieja de Salamanca. Altura Santa Ana, 1,10 metros. Altura San Juan, 1,18 metros.
Sepulcro del arcediano Gutierre de Castro, relieve de la Piedad, en piedra policromada, anchura, 3,84 metros. Catedral Vieja de Salamanca.
Segovia
La Piedad o el Entierro de Cristo. Madera policromada, anchura del retablo, 5,20 metros del relieve del Entierro 2,68 metros. Catedral de Segovia.
Valladolid

Nuestra Señora de las Angustias (Valladolid)
Retablo de la Iglesia de Santa María de La Antigua. Madera policromada, anchura 11 metros. Catedral de Nuestra Señora de la Asunción de Valladolid.
Busto de Ecce Homo. Museo Diocesano y Catedralicio de Valladolid.
El entierro de Cristo. Madera policromada, el grupo tiene una anchura de 3,25 metros y el Cristo una longitud de 1,97 metros. Museo Nacional de Escultura de Valladolid.
Crucifijo. Madera policromada, altura, 1,82 metros. Monasterio de las Huelgas Reales (Valladolid).
Crucifijo. Madera policromada, tamaño mayor que el natural. Convento de Santa Catalina (Valladolid).
San Juan Bautista. Madera policromada, altura, 1.07 metros. Museo Nacional de Escultura.
Santa María Magdalena. Madera policromada, altura, 1,20 metros. Museo Nacional de Escultura.
Busto de Santa Ana. Madera policromada, altura, 0,48 metros. Museo Nacional de Escultura.
San Antonio de Padua. Madera policromada, altura, 1,94 metros. Museo Nacional de Escultura.
San Francisco. Madera policromada, anchura del retablo, 2,20 metros, en la iglesia del convento de Santa Isabel. (Valladolid).
Nuestra Señora de las Angustias. Madera policromada, altura, 1,21 metros. (Valladolid).
Piedad de Medina del Campo. Madera policromada, altura, 0,96 metros; anchura, 1,28 metros. (Medina del Campo, Museo de las Ferias).
Retablo de la Capilla de los Benavente Madera policromada, anchura, 2,30 metros. (Iglesia de Santa María. Medina de Rioseco).
Relieves de San Pedro y San Pablo del Retablo Mayor, en madera policromada, de la Iglesia de Santa María de Medina de Rioseco.
Grupo de Barro Cocido Policromado de San Sebastián y San Jerónimo. Altura de San Sebastián, 1,80 metros; altura de San Jerónimo, 1,40 metros. Iglesia de San Francisco Medina de Rioseco.
Sepulcro del clérigo leonés don Diego González del Barco. (Iglesia de San Miguel. Villalón de Campos)
Madrid
Cristo flagelado de Juan de Juni en el Museo Lázaro Galdiano. Terracota policromada, 21,5 x 12 x 15 cm [inv. 2354]. Se considera uno de los modelos citados en el inventario redactado a la muerte del escultor: "112 piezas de barro todas modelos de su mano...".
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Salvador Dalí

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Salvador Dalí

Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech,1​ marqués de Dalí de Púbol (Figueras, 11 de mayo de 1904-ibídem, 23 de enero de 1989), fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español del siglo XX. Se le considera uno de los máximos representantes del surrealismo. Salvador Dalí es... Ver mas
Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech,1​ marqués de Dalí de Púbol (Figueras, 11 de mayo de 1904-ibídem, 23 de enero de 1989), fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español del siglo XX. Se le considera uno de los máximos representantes del surrealismo.

Salvador Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante.2​3​ Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la capacidad de acrisolar un estilo genuinamente personal y palpable al primer contacto, que en realidad era muy ecléctico y que «succionó» de innovaciones ajenas. Una de sus pinturas más célebres es La persistencia de la memoria (también conocida como Los relojes blandos), realizada en 1931.

Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Esta conducta irritaba a quienes apreciaban su arte y justificaba a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas como un reclamo publicitario ocasionalmente más llamativo que su producción artística.4​ Dalí atribuía su «amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo, su pasión por el lujo y su amor por la moda oriental» a un autoproclamado «linaje arábigo»,5​ que remontaba sus raíces a los tiempos de la dominación árabe de la península ibérica.

... que no conozca el significado de mi arte, no significa que no lo tenga...

La única diferencia entre un loco y yo, es que yo no estoy loco.6​
Salvador DalíBiografía
Infancia

La familia Dalí en 1910: desde la izquierda, su tía María Teresa, sus padres, su tía Catalina (segunda esposa de su padre), su hermana Ana María y su abuela Ana.
Salvador Dalí nació a las 8:45 horas del 11 de mayo de 1904,7​ en el número 20 de la calle Monturiol, en Figueras, provincia de Gerona,8​ en la comarca catalana del Ampurdán, cerca de la frontera con Francia.8​ El hermano mayor de Dalí, también llamado Salvador (nacido el 12 de octubre de 1901 y bautizado como Salvador Galo Anselmo),1​ había muerto de un «catarro gastroenterítico infeccioso» unos nueve meses antes (el 1 de agosto de 1903). Esto marcó mucho al artista posteriormente, quien llegó a tener una crisis de personalidad, al creer que él era la copia de su hermano muerto.9​ Su padre, Salvador Dalí i Cusí, era abogado de clase media y notario, de carácter estricto suavizado por su mujer Felipa Domènech i Ferrés, quien alentaba los intereses artísticos del joven Salvador.10​11​ Con cinco años, sus padres lo llevaron a la tumba de su hermano y le dijeron que él era su reencarnación, una idea que él llegó a creer.12​13​ De su hermano, Dalí dijo:
... nos parecíamos como dos gotas de agua, pero dábamos reflejos diferentes... Mi hermano era probablemente una primera visión de mí mismo, pero según una concepción demasiado absoluta.14​
Dalí también tuvo una hermana, Anna Maria Dalí, cuatro años más joven que él.15​ En 1949 ella publicó un libro sobre su hermano, titulado Dalí visto por su hermana.16​ En su infancia, Dalí trabó amistad con futuros jugadores del F.C. Barcelona, como Emilio Sagi Liñán o Josep Samitier. En época de vacaciones, en el floreciente Cadaqués, el trío pasaba mucho tiempo jugando al fútbol.17​

En 1916 descubrió la pintura contemporánea durante una visita familiar a Cadaqués, donde conoció a la familia de Ramón Pichot, un artista local que viajaba regularmente a París, la capital del arte del momento.10​ Siguiendo los consejos de Pichot, su padre lo envió a clases de pintura con el maestro Juan Núñez. Al año siguiente, su padre organizó una exposición de sus dibujos al carboncillo en la casa familiar. En 1919, con catorce años, Dalí participó en una exposición colectiva de artistas locales en el teatro municipal de Figueras y en otra en Barcelona, auspiciada por la Universidad, en la que recibió el premio Rector de la Universidad.

En 1919, cuando cursaba sexto de bachillerato en el instituto Ramón Muntaner, editaron entre varios amigos la revista mensual Studium. Había ilustraciones, textos poéticos y una serie de artículos sobre pintores como Goya, Velázquez o Leonardo da Vinci.18​

En febrero de 1921 su madre murió a consecuencia de un cáncer de útero. Dalí tenía 16 años. Sobre la muerte de su madre diría más tarde que fue «el golpe más fuerte que he recibido en mi vida. La adoraba. No podía resignarme a la pérdida del ser con quien contaba para hacer invisibles las inevitables manchas de mi alma...».19​ Tras su muerte, el padre de Dalí contrajo matrimonio con la hermana de su esposa fallecida. Dalí nunca aprobó este hecho.10​



















Gal Dalí i Viñas














Salvador Dalí i Cusí

















Teresa Cusí i Marcó














Salvador Dalí i Domènech




















Anselm Domènech i Serra














Felipa Domènech i Ferrés

















María Anna Ferrés i Sadurní













Juventud en Madrid y París


Dalí tuvo dos posibles influencias para el bigote que lucía: a la izquierda, Josep Margarit, un militar catalán cuyo retrato colgaba en la sala de estar de la casa paterna del artista; a la derecha, Diego Velázquez, el maestro pintor andaluz admirado por el genio catalán.
En 1922 Dalí se alojó en la célebre Residencia de Estudiantes de Madrid para comenzar sus estudios en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.10​ Dalí enseguida atrajo la atención por su carácter de excéntrico dandi. Lucía una larga melena con patillas, gabardina, medias y polainas al estilo de los artistas victorianos. Sin embargo, fueron sus pinturas, en las que Dalí tanteaba el cubismo, las que llamaron la atención de sus compañeros de residencia y academia, entre los que se incluían futuras figuras del arte español, como Maruja Mallo, Federico García Lorca y Luis Buñuel. En aquella época, sin embargo, es posible que Dalí no entendiese completamente los principios cubistas: sus únicas fuentes eran artículos publicados en la prensa y un catálogo que le había dado Pichot, puesto que en el Madrid de aquella época no había pintores cubistas.

En 1924 un todavía desconocido Salvador Dalí ilustró un libro por primera vez. Era una publicación del poema en catalán Les Bruixes de Llers, de uno de sus amigos de la residencia, el poeta Carles Fages de Climent. Dalí pronto se familiarizó con el dadaísmo, influencia que lo marcó el resto de su vida. En la residencia también trabó una apasionada relación con el joven Lorca, pero Dalí terminó rechazando los amorosos reclamos del poeta.20​21​


Postal de Federico García Lorca y Salvador Dali a Antonio de Luna García
Dalí fue expulsado de la Academia en 1926, poco antes de sus exámenes finales, por afirmar que no había nadie en ésta en condiciones de examinarlo.22​ La maestría de sus recursos pictóricos se refleja en su impecablemente realista Cesta de pan, pintada en 1926.23​ Ese mismo año, visitó París por primera vez, donde conoció a Pablo Picasso, a quien el joven Dalí admiraría profundamente. Picasso ya había recibido algunos comentarios elogiosos sobre Dalí de parte de Joan Miró. Con el paso del tiempo y el desarrollo de un estilo propio, Dalí se convirtió a su vez en una referencia y en un factor influyente en la pintura de estos.

Algunas de las características de la pintura de Dalí de aquella época se convirtieron en distintivas para toda su obra posterior. Dalí absorbía las influencias de muchos estilos artísticos, desde el academicismo clásico a las vanguardias más rompedoras.24​ Sus influencias clásicas pasaban por Rafael, Bronzino, Zurbarán, Vermeer y, por supuesto, Velázquez.25​ Alternaba técnicas tradicionales con sistemas contemporáneos, a veces en una misma obra. Las exposiciones de su obra realizadas en Barcelona en aquella época atrajeron gran atención, en la que se mezclaban las alabanzas y los debates suscitados por una crítica dividida.

En aquella época, Dalí se dejó crecer un vistoso mostacho que imitaba al del célebre pintor Diego Velázquez, y que se convertiría en uno de sus distintivos personales el resto de su vida.

De 1929 a la Segunda Guerra Mundial

Las miradas alucinadas de Dalí (izquierda) y su camarada en el surrealismo, Man Ray, en París, el 16 de junio de 1934, según fotografía de Carl Van Vechten.
En 1929 Dalí colaboró con el director de cine Luis Buñuel, amigo de la residencia de estudiantes, en la redacción del polémico cortometraje Un chien andalou, en el que se mostraban escenas propias del imaginario surrealista. Dalí afirmó haber desempeñado un papel esencial en el rodaje del film, sin que este extremo se haya visto confirmado por la historiografía del arte contemporáneo.26​ En agosto de ese mismo año conoció a su musa y futura esposa Gala.27​ Nacida con el nombre de Elena Ivanovna Diakonova, era una inmigrante rusa, once años mayor que él, en aquel tiempo casada con el poeta francés Paul Éluard. Ese mismo año, Dalí continuó exponiendo regularmente, ya como profesional, y se unió oficialmente al grupo surrealista afincado en el barrio parisino de Montparnasse. Durante los dos años siguientes, su trabajo influyó enormemente en el rumbo del surrealismo, que lo aclamó como creador del método paranoico-crítico, el cual, según se decía, ayudaba a acceder al inconsciente, liberando energías artísticas creadoras.10​11​

A los veintisiete años, recién llegado a París, realicé, en colaboración con Buñuel, dos películas que ha pasado a la historia: Un perro andaluz y La Edad de Oro. Después, Buñuel trabajó solo y dirigió otras dos películas, con lo que me hizo el inestimable servicio de revelar al público a quién se debía el aspecto genial y a quién el aspecto primario de Un perro andaluz y de La Edad de Oro. Si llego a rodar mi película, quiero asegurarme de que será de principio a fin, sin interrupción, un prodigio, pues no vale la pena molestarse para ir a ver espectáculos que no sean sensacionales. Cuanto más numeroso sea mi público, más dinero proporcionará la película a su autor, con tanta justicia bautizado Avida Dollars.
Salvador Dalí, junio de 195328​
En el ámbito doméstico, la relación de Dalí con su padre estaba próxima a la ruptura. Salvador Dalí i Cusí se oponía al romance del joven artista con Gala, y condenaba su vinculación con los artistas del surrealismo por considerarlos —como buena parte de la opinión pública— elementos tendentes a la degeneración moral. La tensión fue en aumento hasta culminar en un enfrentamiento personal, a raíz de una noticia sobre Dalí publicada en la prensa, en la que se refería que un dibujo de un Sagrado Corazón de Jesucristo expuesto en París por el joven mostraba una inscripción en la que se leía: «En ocasiones, escupo en el retrato de mi madre para entretenerme». Ultrajado, su padre demandó una satisfacción pública. Dalí se negó, quizá por temor a ser expulsado del grupo surrealista, y fue echado violentamente de casa el 28 de diciembre de 1929. Su padre lo desheredó y le prohibió regresar jamás a Cadaqués. Posteriormente, Dalí describió cómo en el curso de este episodio le presentó a su padre un preservativo usado conteniendo su propio esperma, con las palabras: «Toma. ¡Ya no te debo nada!». El verano siguiente, Dalí y Gala alquilaron la pequeña cabaña de un pescador en una bahía cerca de Portlligat. Compró el terreno, y a lo largo de los años fue ampliándola hasta convertirla en su fastuosa villa junto al mar, hoy reconvertida en casa-museo. Gala y Dalí se casaron en 1934 en una ceremonia civil en París, y volverían a hacerlo por el rito católico el 8 de agosto de 1958 en el Santuario de los Ángeles, provincia de Girona, al que llegaron en un Cadillac, hoy expuesto en el Teatro-Museo Dalí.29​30​


Retrato de Salvador Dalí, Federico García Lorca (1927)
En 1931 Dalí pintó una de sus obras más célebres, La persistencia de la memoria (Los relojes blandos), obra en la que según algunas teorías ilustró su rechazo del tiempo como una entidad rígida o determinista.31​ Esta idea se ve apoyada por otras imágenes de la obra, como el extenso paisaje, o algunos relojes de bolsillo devorados por insectos.32​ Los insectos, por otra parte, formarían parte del imaginario daliniano como una entidad destructora natural y, tal como explicó en sus memorias, venía determinada por un recuerdo de infancia.

Dalí llegó a Estados Unidos gracias al marchante Julien Levy en 1934. La exposición de algunas obras de Dalí —incluida la célebre Persistencia...— levantó un enorme revuelo en Nueva York. Se organizó un baile en su honor, el Dalí Ball, al que compareció llevando una caja de cristal colgada sobre el pecho con un sostén dentro.33​ Ese mismo año, Dalí y Gala ofrecieron un baile de máscaras en Nueva York, cortesía de la heredera Caresse Crosby. Fueron disfrazados del bebé Lindbergh y su secuestrador, en alusión a un dramático suceso reciente. El escándalo levantado en la prensa fue tan notable que Dalí pidió disculpas públicamente. Al regresar a París, debió explicarse ante los surrealistas que no entendieron por qué se había disculpado por un acto considerado surrealista.34​

Aunque la mayor parte del surrealismo se había adscrito a ideas políticas de izquierda, Dalí mantenía una posición que se juzgaba ambigua en la cuestión de las relaciones entre arte y activismo político. Los líderes del movimiento, principalmente André Breton, lo acusaron de defender lo «nuevo» e «irracional» del fenómeno hitleriano, acusación que Dalí refutó afirmando que «no soy un hitleriano ni de hecho ni de intención».35​ Dalí insistía en que el surrealismo podía existir en un contexto apolítico, y se negó a denunciar públicamente el régimen fascista alemán. Éste y otros factores le hicieron perder su prestigio entre sus camaradas artistas, y a finales de 1934 Dalí fue sometido a un «juicio surrealista» del cual resultó su expulsión del movimiento.27​ A esto, Dalí respondió con su célebre réplica, «Yo soy el surrealismo».22​

Sin embargo, en 1936, Dalí volvió a participar en una exposición surrealista, esta vez de índole internacional, celebrada en Londres. Su conferencia, titulada Fantômes paranoiques authentiques, fue impartida con un traje de buzo, casco incluido.36​ Llegó a la conferencia con un taco de billar y un par de sabuesos rusos, y en su transcurso tuvo que retirarse el casco para poder tomar aire. Comentó al respecto que «simplemente quería mostrar que estaba sumergiéndome profundamente en la mente humana».37​

En aquel entonces, el mecenas de Dalí era el muy adinerado Edward James, que había colaborado generosamente al ascenso del artista comprándole numerosas obras y prestándole dinero durante dos años. Se convirtieron en buenos amigos, tanto es así que James aparece en la pintura de Dalí Cisnes reflejando elefantes. Colaboraron igualmente en la creación de dos de los iconos más representativos del movimiento: el Teléfono Langosta y el sofá de los labios de Mae West. En 1939 Breton acuñó el anagrama despectivo «Avida Dollars» para criticar su pasión por el dinero.38​ Esta sarcástica referencia a su pujante negocio del arte también pretendía acusarle de cultivar la megalomanía mediante la fama y el dinero. Algunos de los surrealistas comenzaron incluso a hablar de Dalí en pretérito perfecto, como si ya hubiera fallecido. Algunos grupos surrealistas, y miembros adscritos posteriormente, como Ted Joans, mantuvieron contra Dalí una enconada polémica que llegó hasta el día de su muerte (y aún más adelante).

Estancia en Nueva York
En 1940, con la Segunda Guerra Mundial arrasando Europa, Dalí y Gala huyeron a los Estados Unidos, donde vivieron durante ocho años. Después de la mudanza, Dalí retomó su antiguo catolicismo. «Durante ese período», informan Robert y Nicholas Descharnes, «Dalí nunca dejó de escribir».39​

En 1941 Dalí entregó un guion cinematográfico a Jean Gabin, titulado Moontide (en español, Marea lunar). En 1942 publicó su autobiografía, La vida secreta de Salvador Dalí. Escribía regularmente para los catálogos de sus exposiciones, como la organizada en la Knoedler Gallery de Nueva York en 1943. En ese artículo exponía que
el surrealismo habrá servido por lo menos para dar una prueba experimental de que la total esterilidad de los intentos por automatizar han llegado demasiado lejos y han llevado a un sistema totalitario... La pereza contemporánea, y la total falta de técnica, han alcanzado su paroxismo en la significación psicológica del uso actual de la institución universitaria.
También escribió una novela, publicada en 1944, sobre un salón de moda para automóviles. De ahí surgió una caricatura de Erdwin Cox, del The Miami Herald, que presentaba a Dalí luciendo un automóvil como vestido de fiesta.39​


Exposición sobre Dalí en Londres. En primer término hay una escultura de un elefante de patas alargadas con una pirámide en el lomo, idéntico a uno de los que aparecen en el cuadro. Al fondo se encuentra el London Eye.
Aceptó la decoración de un escaparate de los almacenes Bonwit-Tellerle en la Quinta Avenida de Nueva York. Hizo una polémica composición dedicada al día y a la noche: en un lado un maniquí con peluca roja en una bañera de astracán; en el otro, una figura acostada en una cama con baldaquino negro sobre cuya almohada ardían carbones. Pero se realizaron modificaciones sin permiso del autor, y Dalí en protesta acabó lanzando la bañera contra el vidrio del escaparate. Fue detenido y debió pagar los desperfectos. El juzgado le absolvió, pues argumentó que defendía su obra. Se entendió esta protesta como una defensa de los derechos de autor.40​

En esos años, Dalí diseñó ilustraciones para ediciones traducidas al inglés de clásicos como el Quijote, la autobiografía de Benvenuto Cellini y los Ensayos de Michel de Montaigne. También aportó decorados para la película Spellbound de Alfred Hitchcock (conocida como Recuerda en España, Cuéntame tu vida en Argentina), y emprendió con Walt Disney la realización de una película de dibujos animados, Destino, que quedó inconclusa y que se montó en 2003, mucho después del fallecimiento de ambos.41​

Fue una de las épocas más fructíferas de su vida, pero también discutida por ciertos críticos, que veían que Dalí difuminaba la frontera entre arte y bienes de consumo al arrinconar la pintura para volcarse más en el diseño y en artículos comerciales.

La imagen pública de Dalí fue sumando todo tipo de rumores sobre sus extravagancias y obsesiones. Un fraile italiano llamado Gabriele Maria Berardi anunció haber realizado un exorcismo a Dalí en una visita de éste a Francia en 1947.42​ En el 2005, una escultura del Cristo en la cruz fue inaugurada en la ciudad de dicho fraile. Se ha comentado que Dalí entregó esta obra al fraile como prenda de gratitud,42​ y dos expertos españoles sobre Dalí han considerado que hay motivos suficientes para pensar que la obra fuese realmente suya.42​

Últimos años en Cataluña
Desde 1949 Dalí vivió en Cataluña. El hecho de que eligiese España para vivir en tiempos de la dictadura hizo que algunos de sus antiguos colegas, así como sectores progresistas, le hicieran blanco de nuevas críticas.43​ Esto sugiere que el descrédito con que Dalí era considerado entre surrealistas y críticos de arte se debiese, al menos en parte, a motivaciones políticas, más que al valor intrínseco de sus obras de arte. En 1959 Breton organizó una exposición antológica titulada Homage to Surrealism (en español Homenaje al surrealismo), que reunía obras surgidas en las cuatro décadas del movimiento. La exposición recuperaba piezas de Dalí, de Joan Miró, de Enrique Tábara y Eugenio Granell. Al año siguiente, sin embargo, Breton se opuso enérgicamente a la inclusión de la Madonna Sixtina de Dalí en la Exposición Internacional Surrealista de Nueva York.44​


Salvador Dali, The Rainbow (1972), Centro M. T. Abraham de Artes Visuales.
Al final de su carrera, Dalí no se limitó a la pintura, desarrollando nuevos procesos y medios experimentales: creó un boletín45​ y se convirtió en uno de los pioneros de la holografía artística,46​ algo nada extraño considerando su larga exploración artística de juegos visuales. Ya durante sus últimos años, artistas como Andy Warhol proclamaron al catalán como una de las influencias más notables del pop art.47​ Dalí también mostró desde siempre un acusado interés por las ciencias naturales y las matemáticas. Así se observa en muchas de sus obras —sobre todo las creadas en la década de los 50— en las cuales llegó a componer retratos individuales a partir de cuernos de rinoceronte. Según el artista, el cuerno de rinoceronte significaba la geometría divina, puesto que crece en una progresión espiral logarítmica. También relacionó el concepto con los temas de la castidad y la santidad de la Virgen María.48​ Otro de los intereses de Dalí era el ADN, y el hipercubo (un cubo de cuatro dimensiones) que llegó a plasmar desplegado en su Crucifixión (Corpus Hypercubus).


La bahía de Portlligat, el paisaje que cautivó al artista en Cadaqués, con su casa, hoy Casa-Museo. Está formada por un conjunto de barracas de pescadores que fueron adquiridas por el pintor y su mujer, Gala. Abierta al público en 1997, en su interior se exhiben recuerdos del pintor, su taller, la biblioteca, sus habitaciones y el jardín.
La posguerra abrió para Dalí una nueva etapa artística, caracterizada por el virtuosismo técnico y el recurso a ilusiones ópticas, así como al imaginario de la ciencia o la religión. Su aproximación al catolicismo se fue haciendo más marcada, influida quizás por la conmoción causada por la bomba de Hiroshima y el amanecer de la era nuclear. El mismo Dalí denominó esta etapa de su arte como el período místico-nuclear. Su intención parecía ser la síntesis de la iconografía cristiana con imágenes en descomposición relacionadas con la física nuclear,49​ como se desprende de obras como Crucifixión (Corpus Hypercubus). Bajo la clasificación de «misticismo nuclear» se incluyen también La gare de Perpignan (1965) y El torero alucinógeno (1968-1970). En 1960 Dalí empezó a trabajar en un teatro y museo personal, levantados en el edificio del antiguo Teatro Municipal, construcción del siglo XIX destruido al final de la Guerra Civil; fue el mayor de sus proyectos individuales, y a él dedicaría buena parte de sus energías hasta 1974. Incluso más adelante, a mediados de los 80, realizó algunas reformas menores en el edificio.


Salvador Dalí en 1972.
En su madurez, el artista también se implicó con otras actividades «extra-artísticas» que daban una medida de su enorme popularidad como personaje público. En 1968 Dalí grabó un anuncio televisivo para la marca de chocolate Lanvin,50​ y en 1969 diseñó el logo de Chupa Chups. Ese mismo año trabajó como responsable creativo de la campaña publicitaria de Eurovisión, y creó una gran escultura metálica que se instaló en el escenario del Teatro Real de Madrid. En 1971 Dalí inauguró Sala Gaudí Barcelona, la primera y más grande galería de arte de España, junto con otras personalidades como Gabriel García Márquez. 51​

En el programa Dirty Dali: A Private View (en español Dalí el sucio: Una visión íntima), emitido por el Channel 4 en 2007, el crítico Brian Sewell describía cómo a finales de los 60 fue requerido por el artista a posar sin pantalones en posición fetal bajo la axila de una figura de Jesucristo, mientras Dalí le fotografiaba y fingía hurgarse bajo el pantalón.52​53​

En 1980 la salud de Dalí se deterioró seriamente. Con su mujer, Gala —que ya manifestaba síntomas de senilidad—, supuestamente consumió un cóctel de fármacos que dañó seriamente su sistema nervioso, con la consecuencia de incapacitarle prácticamente para la creación artística. Con 76 años, el estado de Dalí era lamentable, y su mano sufría constantes temblores que evidenciaban el progreso de la enfermedad de Parkinson.54​55​ Hasta 1980 era atendido por el psiquiatra y catedrático Joan Obiols i Vié, médico con amplias relaciones en el mundo del arte.56​

En 1982 el rey Juan Carlos I concedió a Dalí el título de marqués de Dalí de Púbol, que el artista agradeció con un dibujo, titulado Cabeza de Europa, que a la postre resultó ser su último dibujo,[cita requerida] y que le entregó tras la visita real a su lecho de muerte.


La iglesia de Sant Pere en Figueras, donde Dalí recibió el bautismo, la primera comunión, y donde se llevó a cabo su funeral.

Teatro-Museo Dalí en Figueras. Cuando el alcalde invitó al artista a regalar una pintura para el museo local, Dalí respondió estar dispuesto a donar un museo entero y sugirió como sede el teatro entonces abandonado. En este teatro había expuesto sus dos primeras obras en 1918.
Gala murió el 10 de junio de 1982. Tras su muerte, Dalí perdió su entusiasmo por vivir. Deliberadamente, se deshidrató seriamente —supuestamente como consecuencia de un intento de suicidio—, aunque justificó su acción como un método de entrar en un estado de animación suspendida, del mismo modo en que algunas bacterias pueden hacer. Se mudó de Figueras al castillo de Púbol, que había comprado para Gala, y donde ella había fallecido. En 1984 un incendio de causas desconocidas se declaró en su dormitorio.57​ De nuevo se sospechó de un intento de suicidio, aunque quizás se debiese a negligencia del personal doméstico.22​ De todos modos, Dalí fue rescatado y regresó a su domicilio en Figueras, donde un grupo de artistas, mecenas y colegas artistas se encargaron de su bienestar hasta sus últimos años.

Se ha denunciado que Dalí fue obligado por algunos de sus «cuidadores» a firmar lienzos en blanco que serían vendidos tras su muerte como originales.58​ Estos rumores hicieron que el mercado del arte se mostrase escéptico con las obras atribuidas a Dalí durante su última época.

En noviembre de 1988 Dalí fue ingresado a raíz de un serio fallo cardíaco, y el 5 de diciembre de 1988 fue visitado por el rey Juan Carlos I, quien le confesó que siempre había sido un fiel admirador de su obra.59​

Fallecimiento
El 23 de enero de 1989, oyendo su disco favorito —Tristán e Isolda, de Richard Wagner— murió a causa de una parada cardiorrespiratoria en Figueras, con 84 años, y cerrando el círculo fue enterrado en la cripta de Figueres, situada en su teatro-museo (ver imagen). Su cripta se encuentra al otro lado de la iglesia de Sant Pere, donde había sido bautizado, había recibido su primera comunión y donde descansa desde entonces; a pocos metros de distancia de su casa natal.60​

Conforme a su último deseo, manifestado el 1 de diciembre de 1988 al entonces alcalde de Figueras, Marià Lorca, fue enterrado embalsamado y con el rostro cubierto por un velo bajo la cúpula de su museo en Figueras y no junto a Gala en Púbol, como había pedido en alguna ocasión anterior. También, y contrariamente a lo que se opinaba, se supo a su muerte que en 1982 había testado a favor del Estado español como «heredero universal y libre de todos sus bienes, derechos y creaciones artísticas».61​ Poco antes de la firma de ese testamento el Estado había comprado a Dalí dos obras por valor de cien millones y se había encargado de repatriar sus obras depositadas en París y Nueva York, además de concederle el título de marqués de Dalí de Púbol. Por el contrario, sus relaciones con el consejero de cultura de la Generalitat, Max Cahner, eran tensas. Al hacerse público ese último testamento, Jordi Pujol, presidente de la Generalitat, que esperaba recibir la mitad del legado, declaró sentirse engañado y Cahner acusó a Dalí de cobardía, pero finalmente se alcanzó un acuerdo entre el Estado y la Generalitat para repartirse el legado daliniano.62​ Con todo, Dali que tiene calles y plazas dedicadas en muchas ciudades de España, no tiene ninguna en Barcelona.63​

En la madrugada del 20 de julio de 2017 su cadáver fue exhumado con objeto de obtener muestras de ADN por orden del Juzgado de Primera Instancia número 11 de Madrid , en relación con una demanda de paternidad infundada.64​ Su embalsamador, Narcís Bardalet, presente en el momento de la exhumación, declaró que al retirar el pañuelo de seda que ocultaba su rostro pudo ver «cómo su bigote seguía intacto, marcando las 10 y 10, como él quería».65​

La Fundación Gala-Salvador Dalí se encarga en la actualidad de la gestión de su legado.66​ En los Estados Unidos, el responsable legal de su representación es la Artist Rights Society.67​ En 2002 esta sociedad salió en las noticias por requerir de Google que retirasen un logotipo de la firma diseñado a semejanza de la obra de Dalí y que había sido especialmente creado para conmemorar el aniversario de su nacimiento, alegando derechos de copyright. Google accedió a retirar el logotipo —cuyo uso, teóricamente, era de un solo día— pero se negó a admitir la violación de sus derechos de autor.

Simbolismo
Dalí describió un extenso y personal universo simbólico a lo largo de su obra. Los «relojes blandos», que habían aparecido en 1931, fueron interpretados como una referencia a la teoría de la relatividad de Albert Einstein,32​ y fueron supuestamente creados tras la observación de unos pedazos de camembert expuestos al sol un caluroso día de agosto,68​ Además de que siempre marcan las seis, la hora del surrealismo. Otro de sus símbolos recurrentes es el elefante, que apareció por vez primera en el Sueño causado por el vuelo de una abeja sobre una granada un segundo antes de despertar (1944). Los elefantes dalinianos, inspirados por el Obelisco de la Piazza della Minerva de Roma de Gian Lorenzo Bernini, suelen aparecer con «patas largas, casi invisibles de deseo»,69​ y portando obeliscos en sus lomos. Conjuntadas con esas delicadas extremidades, los obeliscos —en los que algunos han querido ver un símbolo fálico— crean un sentido de fantasmal irrealidad. «El elefante es una distorsión en el espacio», explicó Dalí en Dalí y el Surrealismo, de Dawn Ades, «con sus aguzadas patas contrastando la idea de ingravidez, definida sin la menor preocupación estética, estoy creando algo que me inspira una profunda emoción y con la que intento pintar honestamente».

Otro de sus símbolos recurrentes es el huevo. Enlaza con los conceptos de vida prenatal intrauterina, y a veces se refiere a un símbolo de la esperanza y el amor;70​ y así es como se interpreta en su Metamorfosis de Narciso. También recurrió a imágenes de fauna a lo largo de toda su obra: hormigas como símbolo de muerte, corrupción, y un intenso deseo sexual; el caracol como cabeza humana (había visto un caracol sobre una bicicleta en el jardín de Sigmund Freud cuando fue a visitarle); y las langostas como un símbolo de decadencia y terror.70​

Otras actividades artísticas

Atomicus Dalí, fotografía de 1948 de Philippe Halsman, donde explora la idea de la suspensión, representando tres gatos que vuelan, un cubo de agua lanzada y Salvador Dalí en el aire.

Patio central del Museo Dalí de Figueras.
La actividad artística de Dalí no se limitó a la pintura. Algunas de sus obras más populares son esculturas o ready-mades, y también destacó en sus contribuciones al teatro, la moda y la fotografía, entre otras disciplinas artísticas. Dos de los artefactos surrealistas dalinianos más notables fueron el Teléfono-langosta y el Sofá de los labios de Mae West (realizados entre 1936 y 1937). El artista y mecenas Edward James encargó estas piezas a Dalí. James había heredado a los cinco años de edad una gran parcela en West Dean (Sussex, Inglaterra), desde donde alentó la producción surrealista a lo largo de la década de los 30.71​ «Las langostas y los teléfonos tienen claras connotaciones sexuales para Dalí», refiere la placa explicativa del Teléfono-langosta expuesto en la Tate Gallery, «y de ahí él extraía una analogía entre la comida y la sexualidad».72​ Este teléfono era perfectamente operativo, y James adquirió cuatro de ellos para sustituir los que tenía en su retiro inglés. Uno de ellos se encuentra actualmente en la mencionada galería, el segundo está en el museo del teléfono de Fráncfort del Meno, el tercero es propiedad de la Fundación Edward James y el cuarto pertenece a la Galería Nacional de Australia.71​

El sofá de Mae West, hecho de madera y satén, recibía su forma de los labios de la célebre actriz, a quien Dalí encontraba fascinante.27​ Mae West ya había aparecido en una pintura de 1935 titulada Cara de Mae West. El sofá se encuentra actualmente en el Museo Brighton and Hove, en Inglaterra.

Entre 1941 y 1970 Dalí se dedicó al diseño de joyería, hasta un número de 39 piezas en total. Las joyas creadas, de intrincado diseño, integraban partes móviles. La más conocida de ellas, Corazón Real, está hecha en oro y tiene 46 rubíes, 42 diamantes y 4 esmeraldas incrustadas, y está hecha de modo que el centro «lata» como un corazón auténtico. El mismo Dalí comentó en 1949 que «sin un público, sin la presencia de espectadores, estas joyas no podrían cumplir la función para la que fueron creadas. El observador es, en último término, el creador definitivo». Las Dalí-Joies (en español, Joyas de Dalí) se encuentran actualmente en el teatro-museo de Figueras, como parte integrante de su colección permanente.

Dalí también colaboró en la creación teatral. En 1927 diseñó la escenografía para la obra de Lorca Mariana Pineda.73​ Para Las bacanales, un ballet de 1939 basado en el Tannhäuser de Richard Wagner (1845), Dalí se encargó del diseño de escenario y de la edición del libreto.74​ En 1941 Dalí accedió al diseño de escenarios para Laberinto, y de nuevo en 1949 para El sombrero de tres picos.75​

Una curiosidad de la obra de Dalí es su incursión en las Fallas de Valencia con el diseño de una falla. Se trata de la plantada por la comisión de El Foc en 1954, cuyo lema era La corrida de toros surrealista. Construida por el escultor Octavio Vicent con no pocos problemas técnicos, fue muy criticada por el mundo fallero por la ruptura estética y conceptual que supuso.[cita requerida]

Aunque principalmente conocido por sus pinturas, Dalí también manifestó un temprano interés por el cine durante su juventud, y acudía regularmente al cine todos los domingos. Había conocido el cine mudo, en el que la apariencia del medio primaba sobre su contenido, y que concedía a sus estrellas una gran popularidad. Opinaba que había dos dimensiones en cuanto a las teorías del cine: «las cosas de por sí», es decir los hechos que son presentados en el mundo de la cámara, y la «imaginación fotográfica», o el modo en que la cámara muestra la imagen y el valor creativo que puede desprenderse del mismo.76​ Dalí se mostró especialmente activo a ambos lados de la cámara. Creó espléndidas obras de arte como Destino (en colaboración con Walt Disney), una película iniciada en 1946 y completada en 2003 por Baker Bloodworth y Roy Oliver Disney. En este trabajo se incluyen imágenes oníricas, como extrañas figuras voladoras, y está inspirada por la canción Destino (del letrista mexicano Armando Domínguez). Sin embargo, cuando Disney contrató a Dalí, su empresa no estaba preparada para asumir el trabajo que el artista iba a desarrollar. Después de ocho meses de trabajo intenso, la compañía tuvo que abandonar el proyecto por dificultades presupuestarias, y sólo 57 años más tarde se remató su producción. Exhibida en diversos festivales de cine, la película combina el espíritu artístico daliniano con la clásica animación Disney.

Dalí trabajó como co-guionista de la película surrealista de Luis Buñuel Un chien andalou (Un perro andaluz), un corto de 17 minutos que incluye alguna de las imágenes antológicas del surrealismo (como el ojo cortado con una cuchilla de afeitar, aunque dicha imagen es más obra de Buñuel que de Dalí). Esta película es su aportación más notable al mundo del cine independiente. Un chien andalou fue el modo en que Dalí logró incluir sus imágenes oníricas en una dimensión real. La sucesión de escenas provoca en el espectador un torrente de sensaciones, según las expectativas despertadas por la película se ven continuamente frustradas por otras. La segunda película que produjo con Buñuel fue L'âge d'or (La edad de oro), rodada en el Estudio 28 de París en 1930. Esta película fue «prohibida durante años por grupos fascistas y antisemitas que desarrollaron una fuerte campaña de descrédito en la prensa en el cine parisino en el que se exhibía».77​ Aunque la acusación de propagar conductas antisociales afectó indudablemente al éxito de su carrera artística, Dalí nunca se molestó en manifestar su propia opinión o sus creencias sobre su actividad artística. De cualquier modo, esas dos películas tuvieron un impacto extraordinario en el movimiento cinematográfico surrealista: «Si Un chien andalou permanece como el documento supremo de la aventura cinematográfica surrealista en los dominios del inconsciente, L'age d'or es quizás la manifestación más implacable de su intención revolucionaria».78​

Dalí colaboró con reconocidos cineastas como Alfred Hitchcock. El más sonado entre sus proyectos cinematográficos es probablemente la secuencia onírica de Spellbound (1945), en la que se pretendía mostrar aspectos del inconsciente. Hitchcock, interesado en dotar a esta escena de calidad onírica, quería mostrar en su película como la represión de experiencias podía conducir a la neurosis. Familiarizado con la obra de Dalí, pensó que su espíritu creativo podía potenciar la atmósfera que buscaba para su película. Dalí, por otra parte, también trabajaría en un documental titulado Caos y creación, que contiene numerosas referencias artísticas que intentan explicar el concepto de arte preconizado por Dalí. La última película en la que Dalí colaboró fue Impresiones de Mongolia Superior (1975), en la que narraba la aventura de una expedición que busca un gigantesco hongo alucinógeno. La imaginería del filme gira en torno a microscópicas manchas de orina en la banda de un bolígrafo sobre el que Dalí miccionó durante varias semanas.79​

El mundo de la moda y la fotografía tampoco quedó libre de su influencia artística. Dalí colaboró con Elsa Schiaparelli en la confección de un vestido blanco con una langosta impresa. Otros diseños de Dalí son un sombrero con forma de zapato y un cinturón rosado con labios en la hebilla. En 1950 diseñó un «vestido para el año 2045» en colaboración con Christian Dior.74​ También creó sus propios diseños textiles y botellas de perfume. Su aportación al mundo de la fotografía se ve ampliamente reflejada en sus colaboraciones con Man Ray, Brassaï, Cecil Beaton y Philippe Halsman. Con Man Ray y Brassaï realizó fotografías de la naturaleza; con los demás se introdujo en un mundo de temas oscuros, como la serie Dalí Atómica (1948) que se inspiraba en su obra Leda atómica. Una de las fotografías muestra «un caballete de pintor, tres gatos, un cubo de agua, y el mismo Dalí flotando por los aires».74​

Las referencias a Dalí en el contexto de la ciencia se entienden en términos de la fascinación general provocada por el nuevo paradigma científico surgido a raíz de la mecánica cuántica del siglo XX. Inspirado por el «principio de incertidumbre» de Werner Heisenberg, Dalí escribió en 1958 un Manifiesto de la antimateria: «En el período surrealista, quería crear la iconografía del mundo interior y lo maravilloso de mi padre Freud. Hoy, el mundo exterior y el de la física ha trascendido a aquel de la sicología. Mi padre, hoy, es el doctor Heisenberg».80​

En este sentido, La desintegración de la persistencia de la memoria, de 1954, representa un giro sobre la obra realizada en 1931, y simboliza el salto conceptual daliniano desde su perspectiva acientífica y psicológica al nuevo enfoque atomista de posguerra.80​

Su visión de la arquitectura se refleja en la construcción de su casa en Portlligat, cerca de Cadaqués, así como en el pabellón surrealista —llamado Sueño de Venus— que fue expuesto en la Exposición Internacional de Lieja (1939), y que contenía numerosas y extrañas esculturas. En cuanto a su proyección literaria, Dalí escribió su autobiografía (La vida secreta de Salvador Dalí, 1942), un libro de diarios (Diario de un genio, 1952-1963), y varios ensayos (Oui: The paranoid-critical revolution, 1927-1933; El mito trágico de «El Angelus de Millet», 1978), entre otras obras. La edición literaria, y especialmente su interés por las artes gráficas, le llevaron a producir numerosos grabados y litografías. Aunque en su primer período su obra gráfica igualaba en calidad a su obra pictórica, con el transcurso de los años Dalí se dedicaría a vender los derechos de sus imágenes, pero sin molestarse personalmente en su impresión. Por otra parte, un buen número de falsificaciones fueron producidas en las décadas de los 80 y 90, confundiendo aún más el ya poco fiable mercado de obra gráfica daliniana.

Al igual que había hecho su muy admirado81​ colega Marcel Duchamp, una de las obras más notables de Dalí resultó ser una persona. En 1965 Dalí conoció en un club francés a la modelo de moda Amanda Lear, conocida artísticamente como Peki d'Oslo.82​ Lear se convirtió en su protegida y su musa,82​ y describió su relación en la biografía Mi vida con Dalí (1986).83​ Impresionado por su aspecto hombruno, Dalí dirigió el salto de Lear desde el mundo de la moda al de la música, aconsejándola respecto a sus apariciones públicas y desatando brumosas leyendas sobre sus orígenes, que atrajeron inmediatamente la atención de la escena de la música disco. Según Lear, ella y Dalí contrajeron un «matrimonio espiritual» en la desértica cumbre de una montaña.84​85​ Lear ocupó el espacio que la anterior musa de Dalí, Isabelle Collin Dufresne (alias «Ultra Violet») había dejado desocupado tras acogerse en la Factory de Andy Warhol.86​

Ideología y personalidad

Dalí en la década de 1960, luciendo el ostentoso mostacho que le caracterizaba, junto a su mascota, un ocelote llamado Babou.
Las ideas políticas de Salvador Dalí desempeñaron un papel muy relevante en sus inicios artísticos. Posteriormente se le acusó de apoyar ideológicamente el franquismo.43​87​ André Breton, el «padre» del surrealismo, se distinguió por sus esfuerzos para separar el nombre de Dalí del grupo surrealista. Sin embargo, ese enfrentamiento obedecía a motivos más complejos. De cualquier modo, Dalí nunca fue antisemita como se desprende de su amistosa relación con el afamado arquitecto y diseñador Paul László, que era judío. Manifestó una profunda admiración hacia Freud —a quien conoció personalmente— y hacia Albert Einstein, a juzgar de sus escritos. Sobre la personalidad de Dalí, George Orwell dijo en un ensayo que
Uno debería ser capaz de conservar en la cabeza simultáneamente las ideas de que Dalí era al mismo tiempo un buen dibujante y un ser humano repugnante. La una no invalida, o efectivamente, no afecta a la otra.88​
En su juventud el artista estuvo relacionado con el anarquismo y el comunismo. En sus escritos se suelen encontrar afirmaciones políticas —probablemente, más dirigidas a impresionar al público por su radicalidad que basadas en una inspiración profunda— que señalan cierta vinculación con el activismo político del dadaísmo. Con el avanzar de los años, sus adhesiones políticas cambiaron, especialmente según el surrealismo se identificó con el liderazgo de André Bretón, de orientación trotskista. En diversas ocasiones, Breton pidió explicaciones a Dalí por sus relaciones políticas. De cualquier modo, ya en 1970 Dalí se declaró89​ como un «anarco-monárquico», dando pie a numerosas especulaciones sobre esta orientación política (indudablemente minoritaria).

Con el inicio de la Guerra Civil Española, Dalí rehuyó el enfrentamiento y rechazó manifestar su adhesión a ninguno de los bandos. Del mismo modo, tras la Segunda Guerra Mundial, Dalí fue criticado por George Orwell, quien le acusó de «escabullirse como una rata en cuanto Francia estuvo en peligro»,90​ después de haber vivido y prosperado allí durante años:
Cuando la guerra europea se acerca, él sólo se preocupa de una cosa: encontrar un lugar donde se coma bien y de donde pueda escapar rápidamente en caso de que se acercase el peligro.91​
Tras su retorno a Cataluña tras la guerra, Dalí se aproximó al régimen franquista. Algunas de las declaraciones de Dalí sirvieron como respaldo a la dictadura; así felicitó a Franco por sus acciones dirigidas a «limpiar España de fuerzas destructivas».92​ Dalí, que se había convertido al catolicismo y se fue volviendo una persona más religiosa con el paso de los años, podía referirse a los grupos comunistas, socialistas y anarquistas que durante la época de guerra civil habían ejecutado a más de siete mil monjas y sacerdotes.93​94​ Dalí envió incluso algunos telegramas a Franco, elogiando la pena de muerte con que el dictador había condenado a algunos criminales de guerra.43​ Dalí incluso conoció a Franco personalmente95​ y pintó un retrato de la nieta del dictador. Es difícil determinar si sus gestos hacia el franquismo fueron sinceros o caprichosos, ya que los simultaneaba con manifestaciones decididamente surrealistas, como felicitar al líder comunista rumano Nicolae Ceaușescu por incluir un cetro entre sus atributos. El diario rumano Scînteia se hizo eco de esta noticia, sin percatarse de su índole burlona. De cualquier modo, uno de los temas en los que Dalí mostró una indudable desafección al régimen fue el polémico asesinato del poeta Federico García Lorca por milicias franquistas, que denunció incluso en los años en los que la obra del poeta estaba oficialmente prohibida.21​

Si muero, no moriré del todo.
Salvador Dalí.96​
Dalí, con su llamativa presencia y su omnipresente capa y barretina, ostentando un bastón y una expresión solemne enmarcada por su vistoso mostacho, se forjó una imagen de megalómano con declaraciones como «cada mañana, al levantarme, experimento un supremo placer: ser Salvador Dalí».97​ Una curiosa costumbre de Dalí era quedarse con todos los bolígrafos con los que firmaba sus autógrafos. Entrevistado por Mike Wallace para el programa 60 Minutes, el artista no dejó de referirse a sí mismo en tercera persona, llegando a declarar que «Dalí es inmortal y no morirá». En otra de sus apariciones televisivas en el Tonight Show, el artista apareció cargando con un rinoceronte de cuero, y rehusó tomar asiento en ningún otro lugar. Salvador Dalí viajaba frecuentemente con su mascota, un ocelote llamado Babou, llevándolo consigo incluso en el transatlántico de lujo SS France.98​ También era conocido por evitar las propinas en los restaurantes, prefiriendo dibujar en los cheques con los que pagaba. Pensaba que el restaurante no querría desprenderse de una obra de arte tan valorada, y generalmente estaba en lo cierto.99​

Obra
Artículo principal: Anexo:Obras de Salvador Dalí

Escultura del Rinoceronte vestido con puntillas de 1956. Puerto Banús, Marbella.

Representación de la firma de Dalí en la entrada del antiguo Museo Dalí en San Petersburgo (Florida), Estados Unidos.

'El galerista, el artista y el coleccionista'. Placa en la Galerie Dali de Montmartre, París
Una característica principal de la obra de Dalí es la minuciosidad en el detalle de sus formas, las cuales se pueden considerar como simbólicas. Estas se muestran de una manera inconsciente la realidad misma del artista, siempre mostrando opuestos que se complementan, a esto se le llamó método paranoico critico. Los ejemplos más claros de esto son la vida y la muerte, lo real y lo imaginario, dando primacía a lo mental sobre lo físico, incluso se puede llegar a observar una relación entre lo estático y el movimiento. Lo que hace con los objetos que representa es una destrucción del mismo como un intento de probar que tal objeto existe en la realidad,100​ que aunque se centra en lo inconsciente, da una alternativa hiper real que confunde a la mente.

Su obra también está directamente relacionada con los principios del Psicoanálisis de Sigmund Freud. En primer lugar se hace evidente los mecanismos de defensa, siendo el más común la paranoia como una proyección de los miedos atribuidos a alguien externo al individuo.101​ También, la sexualidad juega un papel importante en la obra de Dalí y en el psicoanálisis, la cual, en la teoría del desarrollo psicosexual se cree que desde el vientre materno se desarrollan fijaciones y traumas que estarán ligados con el comportamiento, pero estos se suprimen en el inconsciente.102​

Pintura
Categoría principal: Cuadros de Salvador Dalí
Dalí produjo alrededor de 1500 pinturas a lo largo de su carrera,103​ además de decenas de ilustraciones para libros, litografías, diseños escenográficos, vestuarios, y una ingente cantidad de dibujos, esculturas y proyectos paralelos en fotografía y cine. Colaboró en la película Dalí en Nueva York (1965), de Jack Bond.3​

En la biografía Sexo, surrealismo, Dalí y yo, coescrita entre Carlos Lozano y Clifford Thurlow, se afirma que Dalí nunca dejó de ser un surrealista. Como afirmó en una ocasión, parafraseándose a sí mismo, «la única diferencia entre los surrealistas y yo, es que yo soy un surrealista».38​

A continuación se detalla una lista de algunas de las obras y acciones más importante de Dalí durante su carrera.

Paisaje cerca de Figueras (1910)
Vilabertran (1913)
Fiesta en Figueras (1916)
Vista de Cadaqués con la sombra del monte Pani (1917)
Viejo crepuscular (1918)
Puerto de Cadaqués (Noche) y Autorretrato en el estudio (1919)
El padre del artista en la playa de Llaner y Vista de Portdogué (Port Aluger) (1920)
Jardín de Llaner (Cadaqués) y Autorretrato (1921)
Escena de cabaret y Sueños noctámbulos (1922)
Autorretrato con humanidad y Autorretrato cubista con La Publicitat (1923)
Bodegón con botella de ron y Retrato de Luis Buñuel (1924)
Gran arlequín y pequeña botella de ron y una serie de retratos realistas para su hermana Ana María, especialmente Muchacha en la ventana (1925)
Retrato de mi padre (1925)
El cesto de pan y Joven de Figueres (1926)
Composición con tres figuras (Academia neo-cubista) y La miel es más dulce que la sangre (su primera obra surrealista de importancia) (1927)
El juego lúgubre, El gran masturbador, Los primeros días de la primavera, La profanación de la Hostia'la', El enigma del deseo, El hombre invisible, Los placeres iluminados y Retrato de Paul Éluard (1929).
La edad de oro, película en colaboración con Luis Buñuel (1930)
La persistencia de la memoria (su obra más conocida, también llamada Los relojes blandos), La vejez de Guillermo Tell, y Guillermo Tell y Gradiva (1931)
El espectro del Sex Appeal, El nacimiento de los deseos líquidos, Pan antropomórfico, y Huevos fritos al plato sin el plato. Termina El hombre invisible (iniciado en 1929) (aunque no quedó muy satisfecho del resultado) (1932)
Busto retrospectivo de mujer (escultura de técnica mixta) y Retrato de Gala con dos chuletas de cordero en equilibrio sobre su hombro, Gala en la ventana (1933)
El fantasma de Vermeer de Delft que puede ser usado como mesa, Meditación sobre el arpa (iniciado en 1932) y Una impresión de velocidad (1934)
Retrato de Mae West que puede utilizarse como apartamento surrealista, Reminiscencia arqueológica del «Ángelus», de Millet y Caballero de la muerte (1935)
Canibalismo otoñal, Teléfono-langosta, Construcción blanda con judías hervidas (Premonición de la Guerra Civil), Pareja con las cabezas llenas de nubes y dos obras tituladas Eco morfológico (1936)
Metamorfosis de Narciso, Cisnes reflejando elefantes, La jirafa ardiente, El sueño, El enigma de Hitler, Sofá de los labios de Mae West y Canibalismo en Otoño (1937)
El momento sublime, Impresiones de África y Afgano invisible con aparición sobre la playa del rostro de García Lorca en forma de frutero con tres higos (1938)
Shirley Temple, el más joven y más sagrado monstruo del cine de su tiempo (1939)
El mercado de esclavos, con busto de Voltaire desapareciendo El rostro de la guerra (1940)
La miel es más dulce que la sangre (1941)
La poesía de América, Retrato del embajador Cárdenas, y Niño geopolítico observando el nacimiento del nuevo hombre (1943)
Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar y Galarina (1944)
Rostros Ocultos (novela) (1944-48)
Mi esposa desnuda, Cesto de pan – Antes la muerte que la vergüenza, Fuente de leche derramada inútilmente en tres zapatos; ese mismo año, Dalí colaboró con Alfred Hitchcock en la secuencia del film Spellbound, para recíproca insatisfacción (1945)
La tentación de San Antonio (1946)
Los elefantes (1948)
Decorados y figurines (vestidos) de la obra Don Juan Tenorio de Zorrilla en el Teatro María Guerrero de Madrid, estrenada el 1 de noviembre de 1949104​
Leda atómica (1949)
La Madonna de Port Lligat (1950)
Cristo de San Juan de la Cruz y Cabeza rafaelesca explotando (1951)
Galatea de las esferas (1952)
Dalí desnudo, en contemplación ante cinco cuerpos regulares metamorfoseados en corpúsculos en los que aparece repentinamente la Leda de Leonardo cromosomatizada por el rostro de Gala, Crucifixión, La desintegración de la persistencia de la memoria y Joven virgen autosodomizada por los cuernos de su propia castidad (1954)
La Última Cena, Eco solitario, carátula de un disco de Jackie Gleason (1955)
Naturaleza muerta en rápido movimiento, Rinoceronte vestido con puntillas (1956)
Santiago el Grande óleo sobre lienzo en exposición permanente en la Beaverbrook Art Gallery en Fredericton, NB, Canadá 1957.
Rosa meditativa (1958)
El descubrimiento de América por Cristóbal Colón (1959)
Dalí inicia las obras en el Teatro-Museo Dalí. Pinta el Retrato de Juan de Pareja, ayudante de Velázquez. Figura humana en la forma de una nube (1960)
El retrato de mi hermano muerto (1963)
La apoteosis del dólar. Dalí dona un dibujo de la crucifixión (témpera, lápiz y tinta) para la prisión de Rikers Island de Nueva York. El dibujo estuvo colgado en el comedor del penal entre 1965 y 1981.105​
Dalí en New York (1965)
La pesca del atún (1967)
Crea el logotipo de Chupa Chups (1969)
El torero alucinógeno, adquirido en 1969 por A. Reynolds Morse y Eleanor R. Morse antes de ser terminado (1970)
La Toile Daligram (1972)
Dalí pintando a Gala por detrás y Le Diners De Gala, un libro de cocina profusamente ilustrado (1973)
Hombre sobre delfín (1974)
Gala contemplando el Mediterráneo (1976)
La mano de Dalí retirando un toisón de oro en forma de nube para mostrar a Gala la aurora completamente desnuda, muy lejos, detrás del sol (pintura estereoscópica) (1977)
Dalí termina su última pintura, Cola de golondrina (1983)
Se estrena Destino, producción de dibujos animados creada a raíz de una colaboración en 1945 con Walt Disney (2003)
Escultura

Busto de Salvador Dalí, de Arno Breker (1975)
Inspirada en su obra plástica, de la cual retoma varias imágenes, la producción escultórica de Salvador Dalí comprende series diversas. Una de las más famosas es la Colección de esculturas originales de Salvador Dalí, o también conocida como Colección Clot ,106​ que se compone de 54 esculturas realizadas en los años 70, enteramente por la mano Salvador Dalí sin la intervención de terceros, para Isidro Clot (Isidro Clot Fuentes) y Juan Quirós (Juan González-Quirós y Corujo). Esta es la última etapa de producción del surrealista español.

Estas esculturas fueron realizadas en la época en la que Enrique Sabater era secretario personal y colaborador de Salvador Dalí.

Salvador Dalí creó los modelos originales de estas 54 esculturas con una cera blanca de modelar. Estas esculturas fueron realizadas por la propia mano de Dalí, sin la intervención de terceros lo que las convierte en únicas.

Una vez realizado por Dalí el modelo original, este era llevado por Enrique Sabater y Juan Quirós a los fundidores para la realización del molde original, (la totalidad de los moldes originales de estas 54 esculturas, son propiedad de Juan Quirós).

Las etapas de este proceso pueden apreciarse en Memoria de los Sueños. Salvador Dalí, 1904-1984, editado por el Consorcio de Museos de la Comunidad Valenciana..107​ Exposición comisariada por el que fuera secretario de Dalí en la época en la que realizó las esculturas, Enrique Sabater.

Dalí también autorizó a realizar otras esculturas a partir de algunas de sus acuarelas y gouaches originales.

Al igual que su pintura, las esculturas de Dalí corresponden a un estilo surrealista, el cual se basa en el Primer Manifiesto Surrealista que escribió André Bretón en 1924, en donde expone una postura a favor de la irracionalidad. Con base en él, Dalí postula lo que denomina automatismo psíquico, un dictado y ejecución del inconsciente sin la intervención reguladora de la razón. Esto, a su vez, está directamente relacionado con las teorías psicoanalíticas de Sigmund Freud.

El surrealismo es un movimiento que surge en el periodo de la primera posguerra, como reacción de inconformidad ante actos bélicos, así como disgusto hacia la sociedad burguesa y materialista. En opinión de los surrealistas, la elevada importancia que se le daba a la ciencia y a la tecnología, fueron consecuencias de la guerra. Una de las aportaciones más importantes de Dalí, dentro del círculo surrealista, fue la creación del Método paranoico-crítico: búsqueda de opuestos que se complementan de manera espontánea e irracional. Freud definió el concepto de Inconsciente y Bretón tradujo la concepción en un método artístico-literario.

En sus obras, Dalí, como lector versátil y genuinamente interesado en materias como la ciencia y la literatura, se fascinó con diversos personajes medievales para la creación de algunas de sus piezas, retomó la historia de san Jorge y el dragón, lady Godiva, o la dama y el unicornio. En todos Dalí representó al caballo erguido y con gran fuerza, símbolo y testimonio de masculinidad.108​

Entre las esculturas destacan:

Las dos Nikes – La doble Victoria de Samotracia, homenaje a Raymond Roussel (1965/66)
Gala Gradiva (1972/73)
Mujer jirafa (1973)
San Juan Bautista (1973)
Mujer desnuda subiendo la escalera (nacimiento de Venus) (1974)
Elefante cósmico (1974)
Trajano a caballo (1974)
Cabeza de caballo riendo (1974)
Perseo, homenaje a Benvenuto Cellini (1974/75)
Dios solar emergiendo en Okinawa (1975)
Mercurio (1973)
Ángel triunfante (1976)
Ícaro (1976)
Ama de Llaves (1976)
Alicia en el país de las maravillas (1977)
Homenaje a Terpsícore, la musa de la danza (1975/76)
Newton surrealista (1977)
Perfil del tiempo (1977)
Géminis (1978)
Serie La danza del tiempo (1979)
Caballo montado por el tiempo (1980)
El elefante espacial (1980)
La mujer en llamas (1980)
Literatura
También animado por su amigo Federico García Lorca, Dalí tanteó la creación literaria en una «novela pura». En su única obra literaria Dalí describe en vistosos términos, las intrigas y amoríos de un grupo de aristócratas excéntricos y frívolos que, con su lujoso y sofisticado estilo de vida, representan la decadencia de los años 1930.

Museografía
La mayor colección de obras de Dalí está reunida en el Teatro-Museo Dalí de Figueras, seguida por la colección del Salvador Dalí Museum, de San Petersburgo (Florida), que recibió la colección privada de A. Reynolds Morse y su mujer. Agrupa unas 1500 piezas de Dalí. Otras colecciones significativas se reparten entre el Museo Reina Sofía de Madrid, la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (California), el Dalí Paris de Montmartre (París), o el Dalí Universe de Londres (itinerante), que guardan una amplia colección de dibujos y esculturas.

La sala de exposición más singular de la obra daliniana fue la prisión de Rikers Island, en Nueva York: un boceto de una Crucifixión donada por el autor permaneció colgado durante 16 años en el comedor colectivo, antes de ser trasladado a las oficinas de la penitenciaría por su seguridad. El dibujo fue sustraído en 2003 y no ha vuelto a aparecer.105​

Una muestra del singular poder de la obra de Dalí para congregar a la gente la encontramos en las sucesivas retrospectivas de su obra que se han realizado en diversos museos europeos. Así, el Centro Pompidou de Francia atrajo en 1979 a más de 840 000 personas; y en la temporada 2012-2013 congregó a más de 790 000 visitantes durante los cinco meses que duró otra exposición similar.109​ Estas dos antológicas ostentan el récord de visitantes a una exposición en el citado Centro Pompidou, seguidas por las de Matisse —1993, 734 896 visitantes— y la de Kandinski —2009, 702 905 visitantes—.109​
En otra exposición en España, la retrospectiva Dalí. Todas las sugestiones poéticas y todas las posibilidades plásticas atrajo a lo largo del verano de 2013 a más de 730 000 personas al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid.110​

Museos dedicados en exclusiva a Dalí
Gestionados por la Fundación Gala-Salvador Dalí
Teatro-Museo Dalí (Figueras, España).
Casa-Museo Salvador Dalí (Cadaqués, España).
Castillo de Púbol (La Pera, España).
En el extranjero
Salvador Dalí Museum (San Petersburgo, Florida, EEUU).
Dalí Paris (París, Francia).
Dalí. La exposición en Potsdamer Platz (Berlín, Alemania).111​
Dalí y el cine
Salvador Dalí mantuvo con el cine una intensa relación, de ello son muestra las colaboraciones con Alfred Hitchcock, Walt Disney y Luis Buñuel. En su participación cinematográfica hay referentes de sus obras, tales como El asno podrido, Un chien andalou, El alma, La carretilla de carne y Babaouo. Colaboró con Buñuel en Un perro andaluz, donde se muestra plásticamente materializada la iconografía del El asno podrido con elementos como “la mierda, la sangre y la putrefacción”. Así, evoca imágenes surrealistas como la decepción, el desagrado y la repulsión. También realizó con Buñuel La edad de oro.

Poco después de sus colaboraciones con el director, publicó Babaouo donde reitera animales muertos o decapitados, de ojos vendados y un gran pan sobre la cabeza. Las macroestructuras y los elementos gigantescos son una constante de la plástica de Dalí, es decir, camas de quince metros con cipreses yacentes, cucharas gigantescas, grandísimas sábanas colgantes de las fachadas, etc. Estos elementos suelen ser recurrentes en numerosos guiones cinematográficos surrealistas. En 1997 Manuel Cussó-Ferrer realizó una película basada en el guion de Salvador Dalí.112​

Si la obra El alma se hubiera filmado habría sido un precedente al "film neo-místico" en la historia del cine español, con personajes como Santa Teresa y el gusano convertido en mariposa. También podemos ver su huella en una secuencia onírica que elaboró para Spellbound, dirigida por Alfred Hitchcock y que quedó fuera de la edición final por decisión de uno de los productores. Dalí es partícipe a su vez de la película de animación Destino de Walt Disney. Dispuso para este proyecto un centenar de dibujos, pinturas y guiones, aunque el film nunca fue estrenado. No obstante, se recreó en 2003 en la Tate Modern.

A pesar de que llevó a cabo pinturas, dibujos, guiones y algunos ensayos relacionados con la cinem
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Pedro de Mena

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Pedro de Mena

Pedro de Mena y Medrano (Granada, agosto de 1628 - Málaga, 13 de octubre de 1688), fue un escultor del barroco español. Pedro de Mena se dedicó principalmente a la realización de imaginería religiosa, oficio al que también se había dedicado su padre, Alonso de Mena, y de quien heredó un... Ver mas
Pedro de Mena y Medrano (Granada, agosto de 1628 - Málaga, 13 de octubre de 1688), fue un escultor del barroco español.

Pedro de Mena se dedicó principalmente a la realización de imaginería religiosa, oficio al que también se había dedicado su padre, Alonso de Mena, y de quien heredó un taller en Granada. Además, tuvo otro taller instalado durante treinta años en Málaga, a donde se había dirigido para participar en una de sus obras más reconocidas, la sillería del coro de la Catedral de Málaga. En esta ciudad ejecutó gran cantidad de encargos, especialmente para órdenes religiosas. 2​

En sus obras destacan: los rostros y rasgos alargados de sus figuras, las ropas trabajadas con unos perfiles extremadamente finos y la policromía empleada (colores en fuerte contraste) y el realismo en las encarnaduras, que se muestra claramente y, sobre todo, en su Magdalena Penitente, «Dolorosas» y «Ecce Homo». Debido al gran impacto que produjo la imagen de San Francisco de Asís realizada para la Catedral Primada de Toledo y gracias a la intervención del cardenal Moscoso y Sandoval, antiguo conocido de su padre, fue nombrado maestro mayor de la misma.3​

Trayectoria humana y profesional
Fue bautizado el 29 de agosto de 1628 en Granada en la parroquia de San Andrés. Sus padres fueron Alonso de Mena, famoso escultor, y su segunda esposa Juana de Medrano. Sus primeros años de aprendizaje los pasó con su padre junto con otros aprendices de taller entre los que se encontraba Pedro Roldán. Al fallecimiento de su padre en 1646, Pedro, con dieciocho años, se hizo cargo del taller, que compartió a partir de 1652 con Alonso Cano —cuando este regresó a Granada desde Madrid, para actuar de racionero en la catedral—,4​ con quien trabajó y colaboró estrechamente, poniendo a su disposición su propio taller. Gracias a esta colaboración, Mena pudo asimilar unos procedimientos de trabajo más elaborados y un nuevo concepto estético que desarrolló por la vía de la perfección técnica y el realismo.


Mater Dolorosa, talla de madera policromada conservada en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid).

San Juan Bautista Niño (1674), Museo de Bellas Artes de Sevilla.
El 5 de junio de 1647 contrajo matrimonio con Catalina de Vitoria y Urquízar, natural de Granada y de 13 años de edad, con la que tuvo seis hijos antes de su marcha a Málaga, de los que sobrevivieron tres que se hicieron religiosos. Durante su estancia en Málaga tuvieron otros ocho hijos, quedando en vida sólo dos, José, capellán real en la Capilla Real de Granada y Juana Teresa en el Císter, donde ya estaban sus hermanas Andrea y Claudia Juana.5​ Redactó su primer testamento en 1666; pero es en el realizado en 1675 cuando habla de su hija Juana que aún no tenía seis años:

... y desea vivir y permanecer en estado de religión, guardando pureza y castidad, por lo que deseamos que sea religiosa por ser de los estados más perfectos y seguros para la salvación.6​
Por sus firmes creencias religiosas, pidió ser enterrado entre las dos puertas de la iglesia del Císter para que su lápida fuera pisada por todos los fieles que entraran en la iglesia.

Mena mantuvo una gran vinculación religiosa con distintas cofradías y fue hermano mayor de la del gremio de artistas del Santísimo Corpus Christi, Ánimas y Misericordia.

Luchó y consiguió ser aceptado como familiar de la Inquisición en 1678. Este hecho significaba un ascenso social, ya que suponía un reconocimiento público de limpieza de sangre y llevaba además aparejados ciertos privilegios como el verse libre de pagar impuestos. Sus grandes amistades fueron sobre todo eclesiásticas, según Palomino:

...fue un hombre de la primera estimación, y así nunca se acompañó sino con la primera nobleza, llevándolo el señor D. Fray Alonsonota 1​ a su lado en los paseos públicos y recreos de la caza.7​
Permaneció en Granada hasta que en 1658 fue llamado por el obispo de Málaga, Diego Martínez de Zarzosa, para realizar la sillería del coro de la Catedral de la Encarnación de Málaga. En esta ciudad, excepto una estancia en Madrid entre los años 1662 y 1663, montó su taller definitivo con gran éxito de encargos, hasta su fallecimiento en el mes de octubre de 1688.8​

Fue nombrado maestro mayor de escultura de la catedral de Toledo en mayo de 1663 por iniciativa del cardenal Baltasar Moscoso y Sandoval, donde se encuentra San Francisco de Asís, una de sus mejores obras. Regresó a Málaga y, demostrando grandes dotes empresariales, dejó en Madrid un representante encargado de recoger posibles encargos y de suministrarle material necesario para su trabajo.

Sus trabajos se fueron extendiendo por toda la península; se cree que con la colaboración de su hijo Alonso, jesuita, ya que se encuentran numerosas obras de Mena en templos de esta orden en Alcalá de Henares, Madrid, Marchena, Sevilla e incluso en Ciudad de México o Lima.

Destacó por su gran capacidad de trabajo así como por sus dotes administrativas y su visión comercial.nota 2​le proporcionaron un patrimonio que le permitió una vida holgada y una respetable posición que consiguió al ser nombrado teniente de alcalde de la fortaleza de Gibralfaro en 1679. En este mismo año, meses más tarde, afectado por la enfermedad de la peste, volvió a redactar el que sería su tercer y último testamento, donde detalló la propiedad de seis viviendas y regaló al convento de Santa Ana del Císter, a cambio de su sepultura, la pareja de bustos de una Dolorosa y un Ecce Homo.9​ No sucumbió a la peste pero debieron quedarle secuelas ya que, a partir de entonces, puso al frente del taller a su discípulo Miguel Félix de Zayas. Este, después de la muerte de su maestro, firmó su escasa obra conocida como «discípulo de Pedro de Mena».10​ Durante estos últimos años de vida, se cree que la participación de Mena en los trabajos del taller se limitó a dibujar y hacer bocetos, ya siempre con modelos repetidos, pero que cumplían los encargos solicitados al taller. Recibió sepultura, como había deseado, en el convento del Císter el 14 de octubre de 1688.

En 1876, la abadía cisterciense de Santa Ana de Málaga fue derribada y se localizaron sus restos en una caja de pino, entonces fueron trasladados a la iglesia del Santo Cristo de la Salud, hasta su nuevo traslado en 1996 a la actual iglesia del Císter, muy cerca de la casa donde vivió y murió, donde sigue enterrado en una pequeña capilla con los bustos de la Dolorosa y el Ecce Homo, que había realizado y donado para tal fin.

Estilo

Ecce Homo del Museo Diocesano y Catedralicio de Valladolid, se ve cómo la policromía da carácter a la talla.
En sus primeras obras se aprecia perfectamente el estilo de su padre que va transformando poco a poco, según autores como Antonio Palomino11​ o Ceán Bermúdez. La gran influencia que tuvo Alonso Cano sobre su obra artística, se aprecia en que los rostros femeninos los va haciendo más ovalados, los cuellos más largos, la nariz la perfilaba estrechándola y reducía la boca.12​ A partir de su estancia en Málaga fue proyectándose hacia un estilo mucho más realista y naturalista además de ir adquiriendo un gran dominio técnico en la talla y policromía. El conocimiento de las obras y artistas castellanos le lleva a simplificar las formas y los volúmenes de sus figuras, sobrecargando en cambio su contenido espiritual; es cuando consiguió sus mejores obras. Sólo en su última etapa los modelos se volvieron más simples, y es donde se aprecia su maestría y su habilidad técnica, ya que sin gran esfuerzo, realizaba obras muy dignas.

Los modelos iconográficos que empleaba en su gran mayoría no eran creaciones personales, sino que estaban inspirados en los realizados por sus allegados: su padre, Alonso de Mena —su gran maestro—, Alonso Cano, Gregorio Fernández, Pablo de Rojas. Otro punto de inspiración fueron pinturas o estampas; aunque en Mena, la calidad de la técnica es lo que imperaba, dando como resultado orillas de las túnicas y mantos que parecen telas finísimas y rostros que expresan una gran espiritualidad. Toda su producción fue de tema religioso excepto las imágenes de los Reyes Católicos de las catedrales de Granada y Málaga.

A pesar de ser una época de gran auge de las hermandades penitenciales de Semana Santa, sólo se tiene noticia de la realización de una escultura, concretamente de un Nazareno en 1679 para la ciudad de Lucena, que por no tener el mecanismo de articulación en el brazo que debía bendecir, no fue del agrado de la cofradía.13​ Mena se dedicó sobre todo a tallas generalmente pequeñas, con temas como el Niño Jesús, Santos, Inmaculadas, Dolorosas y Ecce Homo, con sólo un Crucificado, desaparecido. De tamaño mayor que el natural es el Cristo de la Buena Muerte del convento de Santo Domingo, las restantes obras de Cristos son también de tamaño menor.

En su primera etapa de trabajo se ocupaba él mismo del acabado de sus imágenes y de la aplicación de la policromía. Con el tiempo dejó esta labor en manos de un pintor especialista que lo realizaba siempre bajo su supervisión. También aquí se advierte la influencia de Alonso Cano. En sus primeros tiempos la policromía empleada era con estofado de ricos motivos y bordes con cenefas y carnaciones tostadas. A partir de su colaboración con Cano, fue dejando las estofas y prefiriendo los tonos lisos con colores contrastados y el realismo en las austeras estameñas del hábito de los santos franciscanos. Las carnaciones se hicieron más claras, añadiéndose los postizos frecuentes de la época: pelo natural, pestañas, dientes de marfil y ojos de cristal.

Período de Granada

San Pedro de Alcántara. Museo Nacional de Escultura. Valladolid
Entre sus primeras obras realizadas en el taller de su padre en Granada, se encuentra un San Francisco Solano, encargado por los marqueses de Priego en el año 1647 para el convento franciscano de Montilla. Se trata de una talla de tamaño natural con los atributos propios del santo: una concha para bautizar y un crucifijo en la otra mano, que se conserva en la parroquia de Santiago, de dicha ciudad.14​ Las mejores obras catalogadas de este primer periodo son: San Pedro y San Pablo del convento de San Antón, de tamaño mediano (123 cm); tienen las vestiduras talladas con pliegues finos de gran naturalidad, una policromía muy rica en estofados y tostada la pintura de los rostros.

La llegada de Cano al taller y sus mutuas colaboraciones hacen difícil precisar las autorías concretas. En la iglesia de los santos Justo y Pastor se pueden apreciar los cuatro evangelistas, recolocados en un tabernáculo de finales del siglo XVII, que presentan una gran policromía de la misma calidad que el San Juan Bautista del convento de San Antón de Granada.15​ Palomino afirma que Mena ejecutó las imágenes de San José y San Antonio con el Niño, San Diego de Alcalá y San Pedro de Alcántara, hoy en el museo de Bellas Artes de Granada:

... con asistencia y modelos de su maestro, quien le dio las últimas carnaciones... con las cuales acabó de asentar su crédito en toda Andalucía, y aún en toda España.16​
De estas mismas imágenes, Sánchez-Mesa en 1967, recalcaba que, aunque talladas por Mena a partir de modelos de Cano y bajo su dirección, este debió de introducir correcciones. Estas esculturas resaltan por su elegancia, por su capacidad para captar las figuras en total aislamiento, con el realismo que le caracteriza; en el gesto de San Diego de Alcalá, mientras levanta el hábito dónde se ha producido el milagro de la conversión del pan en rosas, alza su rostro ligeramente ladeado hacia las alturas; en San Pedro de Alcántara se aprecia su actitud totalmente natural durante la redacción de su libro que se encuentra abierto y apoyado sobre su pierna izquierda. Este tema fue representado varias veces por Mena a lo largo de su vida laboral.nota 3​

En la capilla de Nuestra Señora del Carmen en la catedral se encuentra la imagen de San Elías, una escultura muy expresiva, con gran movimiento, que presenta al profeta blandiendo la espada flamígera con la mano derecha, mientras sostiene en la contraria el libro de las profecías; el rostro es el de un anciano con arrugas, enjuto y enérgico con barba y una larga cabellera.nota 4​

Periodo de Málaga
Pedro de Mena fue un hombre con inquietudes y ambición. Aceptó con diligencia la invitación de asumir el proyecto de la ejecución de la sillería alta del coro de la Catedral de Málaga propuesta por el obispo Martínez Zarzosa, coincidiendo con la estancia de Cano otra vez en Madrid, con la intención de volver a su ciudad natal una vez realizado el encargo. Pero la gran popularidad y prestigio que consiguió con esta obra y la poca competencia que había en la ciudad de Málaga, así como con el aumento ininterrumpido de encargos, le hicieron montar taller y permanecer en ella hasta su muerte.17​

Sillería de la catedral
El obispo Martínez Zarzosa le encargó en 1658 la terminación de la sillería del coro de la Catedral de Málaga, comenzada en 1630 por el escultor jiennense Luis Ortiz de Vargas, continuada tras la marcha de este en 1638 por José Micael y Alfaro y, tras la muerte del mismo en 1650, se paralizó la obra, reanudándose en 1658 con el encargo, tras concurso cerrado, a Mena.

Se realizó el contrato el 25 de julio de 1630 para la realización de cuarenta paneles con imágenes de santos, propuestos por el cabildo catedralicio, en los que se incluyen mártires de la iglesia universal y española, padres y doctores de la Iglesia, fundadores y miembros de órdenes religiosas, en fin, un amplio repertorio iconográfico, todos colocados en la sillería alta. En este trabajo se aprecia la gran influencia de Alonso Cano; por un parte, imágenes de una gran serenidad totalmente clásica, como la imagen de San Lucas que sirvió como modelo de presentación al obispo, junto con el San José con el Niño inspirado en un dibujo de Cano con el mismo tema del Museo del Prado; y, por otra, las realizadas posteriormente, donde se ve el realismo y los detalles naturalistas como en San Ignacio de Loyola, San Agustín, o los patronos de Málaga, San Ciriaco y Santa Paula. Tienen gran calidad las anatomías de San Sebastián y San Jerónimo, que al estar todo el trabajo sin policromar, podrían resaltar más los fallos. Es evidente que ésta es una de sus obras más importantes y mejor logradas.18​ Como «la octava maravilla del mundo» consideró el coro de la catedral de Málaga el pintor y escritor Antonio Palomino.19​

Estancia en Madrid
Se trasladó a Madrid y Toledo durante los años 1662-1663 para conocer la obra de la etapa madrileña de Cano, además de la de otros artistas y, aconsejado por este, para darse a conocer en la corte. Poco después, regresó a Málaga, donde había dejado la familia, con encargos nuevos y dejando representante en Madrid para futuras obras.

San Francisco de Asís
En la sacristía de la Catedral Primada de Toledo se encuentra la imagen de San Francisco de Asís de 83 cm, una obra de imaginería magnífica, que a pesar que ya Palomino hablaba de ella, dando como autor a Pedro de Mena, estuvo mucho tiempo durante el siglo XIX atribuida al propio Alonso Cano. La iconografía que representó fue la momia del santo, tal como se describe cuando fue contemplada hacia 1449 por el papa Nicolás V en la basílica inferior de San Francisco de Asís, en su sepultura, puesto de pie, cubierto con capucha, mirando al cielo con las manos ocultas en las mangas y mostrando el pie descalzo con la llaga. Este hallazgo fue ampliamente difundido y llegó a España dónde diversos artistas lo representaron, como Zurbarán a través de la pintura y Gregorio Fernández y Alonso Cano en escultura, incluso Mena ya lo había tratado en la sillería de la catedral de Málaga.20​ Muy complacidos quedaron con su obra, por lo que le nombraron maestro mayor de escultura de la catedral de Toledo a instancias del cardenal Moscoso y Sandoval. El tema de San Francisco de Asís fue uno de los más frecuentes dentro de su producción, con ligeras variantes como el del Museo de la Ciudad de Antequera (Antequera) y el de la iglesia de San Martín de Segovia.

Obras de madurez
María Magdalena penitente

Magdalena penitente en el Museo Nacional de Escultura, Valladolid.
Pedro de Mena es especialmente reconocido por sus esculturas de María Magdalena en situación suplicante, que ha sido denominada como Magdalena Penitente.

La Magdalena de Mena es una mujer joven aunque demacrada por la penitencia, con la cara ovalada y que muestra un gran sentimiento con una espiritualidad que refuerza la nariz afilada, la boca pequeña entreabierta y la mirada triste; una gran cabellera, más escueta que la de Fernández, le cae sobre los hombros. El dramatismo se aprecia en la mano derecha abierta sobre su pecho y siguiendo la mirada de la imagen hacia el crucifijo que sostiene en la mano izquierda; cubre su cuerpo con un tejido de estera de palma hasta los tobillos, atado con una soga formando un gran nudo a la cintura. Se encuentra de pie; asomando por debajo del sayo los pies descalzos y tiene el izquierdo adelantado como en acción de echar un paso.21​ Es una pieza de gran realismo que trasmite profundo valor místico-espiritual que muestra la influencia de la escultura castellana de Gregorio Fernández.22​

Tras la expulsión de los jesuitas por la Pragmática Sanción de 1767, pasó al oratorio de San Felipe Neri hasta la desamortización de 1835. La imagen la guardaron las Salesas Reales hasta su exclaustración en 1870, cuando fue trasladada al Museo de la Trinidad. Más tarde, en 1921, estuvo en el Museo del Prado que la depositó en 1933, por orden del gobierno de la II República, en el Museo Nacional de Escultura, en Valladolid.23​ Esta obra excepcional, restaurada en el Museo del Prado, retornó al Museo de Valladolid en 2008.

Ecce Homo y Dolorosas
El Ecce Homo es la representación del momento en que después de ser azotado Jesús, con corona de espinas, manto y soga al cuello, es mostrado por Poncio Pilato al pueblo según el evangelio de Juan (19, 5) y dice: Ecce Homo, («este es el hombre»), que es lo que dará nombre a esta iconografía. Aunque hay realizaciones anteriores tanto en pintura como en escultura, es durante el Barroco cuando se encuentran más muestras ejecutadas por artistas en la pintura (Tiziano) como en la escultura (Alonso Berruguete, Juan de Juni, Diego de Siloé y sobre todo, Gregorio Fernández).24​ No obstante, Mena optó por la realización bustos de Ecce Homo. Estas esculturas responden a la necesidad de devociones familiares o conventuales; todas son de dimensiones relativamente pequeñas. Además del Ecce Homo que custodia el Museo catedralicio de Valladolid, hay otros dos en el Museo Nacional Colegio de San Gregorio: el que se expone habitualmente, y otro más, adquirido en 2008.

El Cristo puede representarse de medio cuerpo con una altura de unos 95 cm y se corta la imagen por debajo de las caderas, con las manos cruzadas y con los atributos de corona de espinas, soga y caña, como los ejemplares de Budia en Guadalajara y el de las Descalzas Reales en Madrid. Otro modelo tiene el busto hasta los pectorales, con los brazos y las manos atadas y los atributos pertinentes, como el de las Madres Mercedarias de Madrid. Por último, el tipo más numeroso es el del busto corto representado hasta el arranque de los brazos, con la soga colgada del cuello y la corona de espinas, logrando el impacto principal con la policromía del rostro. Entre ellos están el del convento de la Concepción de Zamora y el de la casa Profesa de Ciudad de México.


Ecce Homo y Mater Dolorosa. Museo Metropolitano de Nueva York.
Como los Ecce Homo, las Dolorosas están realizadas con los mismos tipos y mismas medidas, siendo el más corriente el de medio busto, donde aparece la Virgen con los brazos completos, como la guardada en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid, la del Museo de Bella Artes de Granada, o la de las Descalzas Reales también de Madrid, de medio cuerpo con túnica roja, velo blanco y manto azul, con una mano sobre el pecho y la otra extendida, en el rostro los ojos entornados con la boca entreabierta y lágrimas sobre las mejillas, con dolor contenido; el modelado es sobrio y la talla de los paños finísima.25​

Una de las creaciones singulares de la escultura granadina atribuida a Mena, es la de emparejar ambos bustos. Entre éstos destacan el grupo del monasterio de las Descalzas Reales, fechados en 1673, los procedentes de la iglesia parroquial de Valdestillas que se guardan en el Museo Diocesano y Catedralicio de Valladolid, de la iglesia de San Luis de los Franceses de Sevilla o los de la iglesia de San Pedro de Lima.26​

Esculturas de los Reyes Católicos
De toda la obra de Mena, las esculturas de los Reyes Católicos para las catedrales de Granada y Málaga son las únicas que no son de tema religioso.

El contrato para las efigies orantes de los reyes, que debían colocarse en la capilla mayor de la catedral de Granada, se firmó el 26 de agosto de 1675 entre los cabildos catedralicios, el municipal de la ciudad y por Pedro de Urrea en representación de Pedro de Mena:

... en atención y consideración a los muy esclarecidos e invencibles Señores Reyes Católicos de Castilla, Don Fernando y Doña Isabel, de feliz Memoria, con su poder y cristiano celo, ganaron y conquistaron esta ciudad y su reino, fabricando y edificando en ella muchos templos, a honra y gloria de Dios, Nuestro Señor, y su Bendita Madre, en especial mandaron edificar esta dicha Santa Iglesia Metropolitana, [...] que de presente se esta acabando con tanta grandeza que será uno de los mayores templos de España y para ilustrarlo, con mayor perfección, han determinado que [...]se coloquen las efigies de los Sres. Reyes Católicos[...] con la decencia y majestad que se debe.27​
El escultor fijó la cantidad de 3.000 ducados por la realización de la obra incluida la policromía, habiendo mandado para su aceptación las condiciones junto con dibujos preparatorios a pluma y tinta con aguadas. El dibujo de Isabel se encuentra en el The Getty Center de Los Ángeles28​ y el de Fernando en la Universidad de Leiden.29​ El trabajo se concluyó con la colocación de las esculturas el 29 de diciembre de 1676, Mena cobró el último pago de 1.000 ducados el 11 de enero de 1677. Las imágenes realizadas en madera de cedro tienen unas medidas de 146x126x157 cm y están colocadas a unos ocho metros del suelo, en actitud orante ante el tabernáculo central de la capilla, arrodillados ambos sobre un cojín y con las manos unidas por las yemas de los dedos. Para el rostro de Isabel parece que tomó como modelo el de la Virgen de Belén realizada por él mismo, mientras que el de Fernando parece remitir al del cenotafio real de Domenico Fancelli. La calidad de las vestiduras talladas con los más mínimos detalles queda resaltada por la magnífica policromía. La reina luce el brial y el manto con un rico estofado con adornos de tipo vegetal, predominando los colores rojos y dorados; el rey se encuentra vestido con un manto rojo forrado de armiño y adornado con símbolos y emblemas de los monarcas. La pintura la llevó a cabo el pintor Luis de Zayas como aparece en las condiciones que remitió Mena al cabildo, previas al contrato.30​

En 1676, seguramente al ver las anteriores imágenes, se le encargó a Mena la realización de otra pareja real, también orantes, para la capilla de la Virgen de los Reyes de la catedral de Málaga, perteneciente a la Hermandad de los Racioneros. Las esculturas son de tamaño más reducido que sus homónimas de la catedral de Granada. En éstas de Málaga se muestran más humildes en sus vestiduras y las cabezas de los monarcas están ladeadas hacia arriba para orar en dirección de la imagen de la Virgen con el Niño que se encuentra en un plano superior.

Obras
San Antonio, Convento de San Antonio Montefrío (Granada)
Virgen de la Sangre (1672), Hermandad de la Vera Cruz. Rute (Córdoba) (atribución).
Soledad y Quinta Angustia. Cabra (Córdoba) (atribución).
Magdalena penitente. Museo Nacional Colegio de San Gregorio (Valladolid).
Magdalena penitente. Real Iglesia de San Miguel y San Julián de Valladolid.
Magdalena penitente. Iglesia de la Magdalena de Valladolid.
San Pedro de Alcántara. Museo Nacional Colegio de San Gregorio (Valladolid).
Bustos en pareja de Ecce Homo y Dolorosa. Museo Diocesano y Catedralicio de Valladolid.
Bustos en pareja de Ecce Homo y Dolorosa. Museo del Císter, Málaga.
Bustos en pareja de Ecce Homo y Dolorosa. Museo de Bellas Artes de Málaga.
Bustos en pareja de "Ecce Homo y Dolorosa". Iglesia de San Pedro Apóstol. Budia (Guadalajara)
Sillería alta del coro de la Catedral de la Encarnación de Málaga.
San Francisco de Asís en la Catedral de Toledo.
Los Reyes Católicos. Catedral de Granada.
Los Reyes Católicos. Catedral de Málaga.
La Dolorosa, en el Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid.
San Pascual Baylón. Museo catedralicio de Málaga.
Inmaculada. Iglesia de San Nicolás de Bari (Murcia).
María Santísima de la Esperanza. Pontificia y Real Archicofradía del Dulce nombre de Jesús Nazareno del Paso y María Santísima de la Esperanza Coronada. Basílica de la Esperanza (Málaga)
Inmaculada. Museo del Císter, Málaga.
Inmaculada. Seminario de Málaga, (recientemente descubierta).
San Juan Bautista Niño, (1674), Museo de Bellas Artes de Sevilla.
Grupo escultórico del Sagrado Lavatorio. Ermita de Dios Padre de Lucena.
Cristo de la Buena Muerte y Ánimas (Cristo de Mena). Iglesia de Santo Domingo (destruido en la quema de conventos de 1931; parte de una pierna no quemada completamente de la escultura original se exhibe en el museo del Palacio Episcopal, y el pie lo guarda la Congregación de Mena)
Virgen de Belén. Iglesia de Santo Domingo (destruido en la quema de conventos de 1931)
Ecce homo y Dolorosa. Parroquia del Carmen (destruido en la quema de conventos de 1931)
La Soledad. Parroquia de San Pablo (destruido en 1931)
Virgen de las Lágrimas. Iglesia de los Santos Mártires (Málaga)|Parroquia de los Mártires (destruido en la quema de conventos de 1931)
San Pedro de Alcántara. Iglesia de los Santos Mártires (destruido en la quema de conventos de 1931)
Bustos de jesuitas. Parroquia de Santiago Apóstol (destruido en la quema de conventos de 1931)
San Juan de Dios. Parroquia de Santiago Apóstol (destruido en la quema de conventos de 1931)
Dolorosa de las Servitas. Parroquia de San Felipe Neri (destruido en la quema de conventos de 1931)
Santa Ana. Parroquia de San Felipe Neri (destruido en la quema de conventos de 1931)
San José. Parroquia de San Felipe Neri (destruido en la quema de conventos de 1931)
San Joaquín. Parroquia de San Felipe Neri (destruido en la quema de conventos de 1931)
Dolorosa. Iglesia de San Agustín (destruido en la quema de conventos de 1931)
Dolorosa. Basílica y Real Santuario de Santa María de la Victoria (Málaga).
Dolorosa de la Catedral de la Encarnación de Málaga.
Niño en la cuna. Museo del Císter, Málaga.
Aparición de la Virgen a San Antonio de Padua. Museo de Bellas Artes de Málaga.
Busto de Dolorosa. Convento de San José de Málaga, similar a la Dolorosa de Cuenca. (destruido en la quema de conventos de 1931)
Busto de Dolorosa. Sacristía de la Catedral de Cuenca.
San Elías. Iglesia de la Encarnación. Alcaudete (Jaén)
Bustos en pareja de Ecce Homo y Dolorosa. Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
Dolorosa. Museo Fitzwilliam, Cambridge (Reino Unido).
San Diego. Museo de Arte de San Diego, San Diego (California).
Inmaculada Concepción. Museo de Arte Sacro San Antolín, Tordesillas, (Valladolid).
Inmaculada concepción ( Alhendín)
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Miguel Blay

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Miguel Blay

Miguel Blay y Fábrega1​ (en catalán, Miquel Blay i Fàbregas) (Olot, octubre de 1866 — Madrid, 22 de enero de 1936) fue un escultor español. Biografía Nació en octubre de 1866 en la ciudad gerundense de Olot,2​ hizo su aprendizaje en la Escuela de Dibujo y Pintura de Olot, dirigida por... Ver mas
Miguel Blay y Fábrega1​ (en catalán, Miquel Blay i Fàbregas) (Olot, octubre de 1866 — Madrid, 22 de enero de 1936) fue un escultor español.



Biografía
Nació en octubre de 1866 en la ciudad gerundense de Olot,2​ hizo su aprendizaje en la Escuela de Dibujo y Pintura de Olot, dirigida por Josep Berga i Boix y Joaquín Vayreda. Más tarde en Italia y Francia recibe una sólida formación artística, y en París acude al taller del escultor Henri Chapu.

Recibió en 1892 la primera medalla de la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid por la escultura Los primeros fríos obra que con su lenguaje modernista influyó en toda una generación de escultores catalanes. Esta obra fue premiada también con una medalla de oro en Barcelona en 1894. En esa ciudad se encuentra la versión en bronce3​ y en el Jardín Botánico Carlos Thays, en Buenos Aires, la versión en mármol, adquirida en 1906 por Eduardo Schiaffino.

En 1900 es primera medalla en la Exposición Universal de París, le conceden el título de caballero de la Legión de Honor en 1901, permanece en la capital francesa hasta 1906, fecha en que se instala en Madrid, siendo ya un artista reconocido. Fue un gran maestro de escultores, tuvo en su taller entre otros al tarraconense Julio Antonio (1889-1919).

Introduce en su escultura con un naturalismo extremo, todos los elementos del modernismo. Colaboró con el arquitecto Lluís Domènech i Montaner con una escultura La canción popular, colocada en un ángulo de la fachada del Palacio de la Música Catalana en Barcelona, obra ya totalmente modernista.

En 1909 fue nombrado académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid y profesor de modelado en la Escuela de San Fernando, cargo que ocupó hasta el año 1925 en que recibe el nombramiento de director de la Academia Española de Bellas Artes en Roma.4​ Fallecido el 22 de enero de 1936,5​ fue enterrado en la Sacramental de San Lorenzo de Madrid.6​

Obra

Los primeros fríos (1892), versión en mármol de la escultura de Miguel Blay, Jardín Botánico de Buenos Aires.
1886 Primavera
1890 Remordimiento
1892 Los primeros fríos
1892 La niña desnuda. Museo Nacional del Prado7​
1896. Al ideal. Museo Nacional del Prado8​
1900 Desencanto
1905. Eclosión. Museo del Prado9​
1910 Sensitiva. Real Academia de Bellas Artes de San Fernando10​
1918 La Lectura. Passeig d'en Blay, Olot, Gerona
Monumentos
1903 Monumento a Víctor Chávarri. Portugalete (Vizcaya).
1906 Monumento al Doctor Federico Rubio. Madrid.
1907 Grupo escultórico en el Palacio de la Música Catalana. Barcelona.
1909 Monumento a Mariano Moreno. Buenos Aires (Argentina)
1914 Monumento a Mesonero Romanos. Madrid.
1914 Monumento a José Pedro Varela. Montevideo (Uruguay).
1914 Monumento al Conde de Romanones. Guadalajara.
1910 (inauguración 1922) Grupo La Paz y bajorrelieves en el Monumento a Alfonso XII de los Jardines del Buen Retiro. Madrid.
Grupos escultóricos en la Fuente de la Plaza de España (Barcelona).
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Pablo Picasso

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Pablo Picasso

Pablo Ruiz Picasso (Málaga, 25 de octubre de 1881-Mougins, 8 de abril de 1973) fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque, del cubismo. Es considerado desde la génesis del siglo xx como uno de los mayores pintores que participaron en muchos movimientos artísticos que... Ver mas
Pablo Ruiz Picasso (Málaga, 25 de octubre de 1881-Mougins, 8 de abril de 1973) fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque, del cubismo.

Es considerado desde la génesis del siglo xx como uno de los mayores pintores que participaron en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Sus trabajos están presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales. También tiene una breve obra literaria.

En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido Comunista de España y del Partido Comunista Francés hasta su muerte,2​ acaecida el 8 de abril de 1973 a los noventa y un años de edad, en su casa llamada «Notre-Dame-de-Vie»3​4​ de la localidad francesa de Mougins. Está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues (Bouches-du-Rhone).5​Infancia
Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso (según su certificado de nacimiento) o Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso (según su partida de bautismo),6​a​ fue el primer hijo de José Ruiz y Blasco y María Picasso López. Nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga (España), en el seno de una familia burguesa. Picasso tuvo dos hermanas, Dolores (1884-1958) y Concepción (1887-1895). Su bisabuelo materno, Tommaso Picasso (nacido en 1787), era originario de la localidad de Sori en Génova, Italia, y se trasladó a España alrededor del 1807.7​

De su padre se sabe que quiso ser artista y fue profesor de dibujo en la Real Academia de Bellas Artes de San Telmo. De la madre se conoce poco; al parecer era de una personalidad más fuerte que la de su marido, y Picasso tuvo siempre hacia ella mayor respeto y ternura, lo que algunos creen ver en el retrato que le dibujó en 1923.8​ Pablo empezó a pintar desde temprana edad; en 1889, a los ocho años, tras una corrida de toros y bajo la dirección de su padre pintó El picador amarillo,9​ primera pintura al óleo10​11​ de la que siempre se negó a separarse.


Pablo Picasso y su hermana Lola en 1889.
En 1891, la familia se vio obligada a abandonar Málaga, debido a la poca estabilidad económica de la que disfrutaba. José Ruiz Blasco había comenzado a pedir reiteradamente el traslado a la ciudad de La Coruña, —donde se había creado una plaza de profesor en la Escuela de Bellas Artes tras su cese como conservador del Museo de Bellas Artes de Málaga en 1888.12​b​ El cambio no fue para nada agradable para su familia, como queda plasmado en la expresión que Picasso recordaba de su padre en esta etapa: «Ni Málaga, ni toros, ni amigos, ni nada de nada».13​14​«Solamente para mí fue una fiesta el traslado a Galicia.»15​ En Galicia, Pablo trabajó en sus dibujos y mostró una fuerte confianza en sí y en sus dotes; tenía diez años. Sus primeros trabajos, de un realismo vigoroso y casi feroz, mostraban una temprana predilección por los personajes populares.8​ En La Coruña hizo su primera exposición con trece años y publicó caricaturas y dibujos en las revistas autoeditadas a mano "La Coruña", "Azul y Blanco" o "Torre de Hércules".16​15​

El de 1895 fue un año de sucesos importantes en su infancia; en enero, falleció su hermana Concepción, y en septiembre su padre obtuvo una cátedra en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, donde el joven Pablo fue admitido como alumno y cursó estudios durante dos años, lo que le condujo a pintar, quizás por complacer a su padre, una serie de cuadros en los que el academicismo sentimental del estilo sorprendía tras la vitalidad de los retratos que había realizado en La Coruña.8​

Estudiante brillante y precoz, Picasso superó en un solo día, a la edad de catorce años, el examen de ingreso en la Escuela de la Lonja, y se le permitió saltarse las dos primeras clases. De acuerdo con una de las muchas leyendas sobre el artista, su padre, tras reconocer el extraordinario talento de su hijo al contemplar sus primeros trabajos infantiles, le entregó sus pinceles y su paleta y prometió no volver a pintar en su vida.8​

A diferencia de la música, no hay niños prodigios en la pintura. Lo que la gente percibe como genio prematuro es el genio de la infancia. No desaparece gradualmente a medida que envejece. Es posible que ese niño se convierta en un verdadero pintor un día, quizás incluso un gran pintor. Pero tendría que empezar desde el principio. Por lo tanto, por lo que a mí respecta, yo no era un genio. Mis primeros dibujos nunca se han mostrado en una exposición de dibujos infantiles. Me faltaba la torpeza de un niño, su ingenuidad. He hecho dibujos académicos a la edad de siete años, con una precisión de la que me asusto.
Picasso
Juventud: sus amistades en París
En 1912 durante su estadía en la ciudad de París, Picasso formó parte de un círculo de amigos distinguidos en los barrios de Montmartre y Montparnasse, ellos eran André Breton, poeta; Guillaume Apollinaire, el escritor; Alfred Jarry; y Gertrude Stein. Apollinaire fue arrestado bajo sospecha de haber robado la Mona Lisa en el Louvre, y ser parte de una banda de ladrones internacional. Apollinaire culpó a su amigo Picasso, quien también fue sometido a un interrogatorio, pero ambos fueron exonerados más tarde.17​

Primeras pinturas

Entrada al café Els Quatre Gats.
En el invierno de 1895 realizó su primer gran lienzo académico, La primera comunión (Museo Picasso, Barcelona),18​ en Barcelona, ciudad en la que residió unos nueve años, salvo algunas vacaciones de verano y estancias más o menos largas en Madrid y París.19​ En 1897 presentó el lienzo Ciencia y caridad (Museo Picasso, Barcelona) en la Exposición General de Bellas Artes de Madrid.20​ Durante el verano pasó, una vez más, sus vacaciones en Málaga, donde pintó paisajes y corridas de toros.21​

En septiembre, marchó a Madrid para iniciar estudios en la Academia de San Fernando,21​ pero pronto abandonó la Academia: la atmósfera intelectual de la capital, impermeable al modernismo catalán que Picasso intentaba introducir (fundó una pequeña revista en 1901, Arte Joven, que tuvo una existencia bastante breve) no le convencía. No obstante, aprovechó sus frecuentes visitas al Museo del Prado para conocer mejor la obra del Greco, que era vindicada por artistas y estudiosos de finales del siglo xix.22​

Desde 1898 firmó sus obras como «Pablo Ruiz Picasso», luego como «Pablo R. Picasso», y sólo como «Picasso» desde 1901. El cambio no parece implicar un rechazo de la figura paterna; antes bien obedecía al deseo de Picasso de distinguirse como personaje, iniciado por sus amigos catalanes, que tomaron la costumbre de llamarlo por el apellido materno, mucho menos corriente que el Ruiz paterno.23​


Ramón Casas: Pablo Picasso, 1900, Museo Nacional de Arte de Cataluña.
Volvió a Barcelona en junio de 1898, enfermo de escarlatina y se trasladó a Horta de Ebro (actual Horta de San Juan), el pueblo de su amigo Manuel Pallarés, situado al sur del Ebro cerca de la ciudad de Gandesa (Tierra Alta, Tarragona). En esta estancia, Picasso se reencontró con las raíces primordiales del país y con un cierto retorno a la naturaleza, más en consonancia con el ideario modernista, lo que constituyó uno de los primeros episodios «primitivistas» de su carrera.24​

Abandonado el propósito de vivir en Madrid para dedicarse a copiar a los grandes maestros, en febrero de 1899 estaba de vuelta en Barcelona,25​ donde comenzó a frecuentar la cervecería Els Quatre Gats, insignia de la bohemia modernista y lugar en el que realizó su primera exposición individual e hizo amistad con Jaime Sabartés y Carlos Casagemas. En este ambiente Picasso entró en contacto con el pensamiento anarquista, implantado en Barcelona. La miseria reinante en los barrios bajos de Barcelona, los soldados enfermos y heridos que volvían a España tras la desastrosa Guerra de Cuba, crearon un caldo de cultivo de violencia social que sin duda marcó, a un nivel individual y moral más que puramente político, la sensibilidad de Picasso, y que pueden ser apreciados en ciertos dibujos realizados entre 1897 y 1901: El prisionero, Un miting anarquista.26​27​

En octubre de 1900 visitó París con Casagemas para asistir a la Exposición Universal, donde se exhibía una obra suya, Últimos momentos, actualmente desaparecida.28​ En París se instaló en el estudio de Isidre Nonell, artista catalán que Picasso conocía del grupo Els Quatre Gats influido por el impresionismo y que reflejaba la situación social catalana de principios de siglo mediante retratos de personajes marginados y miserables. La obra de Nonell, junto a la de Toulouse-Lautrec, influyeron en gran medida en el estilo de Picasso de esta época, lo que puede apreciarse en obras como La espera (Margot), Bailarina enana y El final del número, ambas de 1901.29​27​ También conoció al que sería su primer marchante, Pere Mañach (quien le ofreció 150 francos mensuales por toda su obra de un año) y entró en contacto con la galerista Berthe Weill. Regresó a Barcelona el 20 o 23 de diciembre (según distintas fuentes) con Casagemas, al que Picasso llevó consigo a celebrar el fin de año en Málaga.28​

Entre Barcelona y París. El período azul
Artículo principal: Período azul de Picasso
El entierro de Casagemas

El entierro del conde de Orgaz (1586-1588, Santo Tomé, Toledo), obra más conocida del Greco. La división del espacio en dos zonas inspiró a Picasso en su cuadro El entierro de Casagemas.
Se conoce como período azul de Picasso al que discurre aproximadamente entre 1901 hasta 1904: este nombre proviene del color que domina la gama cromática de las pinturas, y tiene su origen en el suicidio de su amigo Carlos Casagemas el 17 de febrero de 1901, que lo dejó lleno de dolor y tristeza.30​ Casagemas, después de haber tratado de asesinar a su amante Germaine, una bailarina del Moulin Rouge que frecuentaba el círculo de artistas españoles, se suicidó en París. Picasso, motivado y sensibilizado por la muerte de su amigo, pintó un cuadro que nombró El entierro de Casagemas,31​ cuadro alegórico que empezaba a mostrar su paso al período azul. La división del espacio del cuadro en dos partes, tierra y cielo, cuerpo y espíritu, recuerda la del Entierro del Conde de Orgaz, del Greco.32​


Van Gogh en un autorretrato dedicado a Gauguin.
Otras influencias en la obra de Picasso en este periodo fueron las de Van Gogh y Gauguin, el primero sobre todo a un nivel psicológico, como se refleja en la intensidad emotiva de los cuadros de esta época, aunque también se aprecia una simplificación de volúmenes y contornos definidos que hacen pensar en Gauguin, de quien también tomaría una concepción universal de la sentimentalidad.30​ Picasso manifestaba la soledad de los personajes aislándolos en un entorno impreciso, con un uso casi exclusivo del azul durante un período superior a dos años, hecho que prácticamente carecía de precedentes en la historia del arte. Asimismo, el alargamiento de las figuras que se iba introduciendo en sus obras recordaba de nuevo el estilo del Greco.

Entre Barcelona y París
Picasso era un trabajador infatigable. A finales de abril de 1901 regresó a Barcelona, donde exponía Mujer en azul (Museo Reina Sofía, Madrid)33​ en la Exposición General de Bellas Artes y luego en mayo volvió a París, donde se estableció en el número 130 del bulevar de Clichy, en el lugar en que Casagemas había tenido su estudio. Entre junio y julio del mismo año, Picasso e Iturrino realizaron una exposición en la galería de Vollard en París.34​ Sin dinero ni trabajo, en junio conoció al poeta Max Jacob, con el que mantendría una cercana relación hasta la muerte de Jacob en 1944. El poeta recordaría más tarde que descubrió la obra de Picasso y, siendo crítico de arte, expresó su admiración por el talento del pintor. Poco después recibió una invitación de Mañach para presentarle a su joven representado (Picasso tenía por entonces unos dieciocho años); que estuvieron todo el día viendo la ingente obra de Picasso, quien por aquella época pintaba uno o dos cuadros por noche, y los vendía por ciento cincuenta francos en la Rue Laffite.35​ Durante el otoño pintó Los dos saltimbanquis (arlequín y su compañera) (Museo Pushkin, Moscú),36​ Arlequín apoyado (MoMA, Nueva York)37​ y acabó El entierro de Casagemas. En invierno pintó una serie de retratos en azul; el Retrato de Jaime Sabartés (Museu Picasso, Barcelona),38​ el Retrato de Mateu Fernández de Soto (Museo Picasso, Málaga)39​ y el Autorretrato azul (Museo Picasso, París).40​

A finales de enero de 1902 rompió su acuerdo con Mañach, y tras la liquidación correspondiente volvió a Barcelona. Empezó a trabajar en el estudio de Ángel Fernández de Soto, en el número 6 de la calle Nou de la Rambla, donde durante la primavera el color azul empezó a dominar su obra. Con Fernández de Soto visitó los burdeles de Barcelona, lo que quedó reflejado en una serie de dibujos eróticos entre los que se encuentra un Autorretrato con desnudo (colección privada, Alemania); un dibujo a la tinta y acuarela de Ángel Fernández de Soto con una mujer41​ y La macarra (composición alegórica),42​ propiedad del Museo Picasso de Barcelona.


Max Jacob en 1934. Fotografía de Carl van Vechten.
En París, Mañach arregló una exposición de pinturas y pasteles en la galería Berthe Weill, del 1 al 15 de abril, con obras de Picasso y Lemaire, y otra en junio en la misma galería con obras de Picasso y Matisse. En Barcelona Picasso recibió un aviso para incorporarse al servicio militar en octubre. Para eludirlo, debió pagar dos mil pesetas, cantidad que le fue proporcionada por su tío. Justo después volvió a París con Sébastien Junyer, y mostró sus pinturas azules por primera vez del 15 de noviembre al 15 de diciembre en una exposición colectiva organizada de nuevo por Mañach en la galería Berthe Weill.

De esa fecha data un Retrato de Germaine43​ que Acquavella Galleries adquirió por 18,6 millones de dólares en una subasta de Christie's en 2006.44​ En diciembre de 1902 se mudó un tiempo al apartamento de Max Jacob en el número 87 del bulevar Voltaire; la habitación solo disponía de una cama, por lo que Picasso trabajaba de noche y dormía de día, mientras Jacob trabajaba. En este tiempo no podía comprar lienzo, y debía limitarse a dibujar.45​

La vida
En enero de 1903 Picasso volvió a Barcelona. En primavera comenzó el cuadro La vida (Cleveland Museum of Fine Arts),46​ uno de los mayores y más complejos lienzos de su época azul, considerado su trabajo más importante de estos años, obra de un simbolismo inusualmente oscuro en sus primeras obras y sujeto a múltiples interpretaciones académicas, sobre las cuales el artista nunca se pronunció. Picasso realizó cuatro bocetos preparatorios para el cuadro, variando la composición de las figuras al menos dos veces; cabe destacar que la figura masculina, que empezó siendo un autorretrato, acabó siendo una representación de su amigo Carlos Casagemas.47​ La Vida resume la mayor parte de los temas y la atmósfera de la época azul: el pesimismo nihilista desarrollado en su época de formación en Barcelona, recrudecido bajo las dificultades materiales que sufre en la época. «Cree que el Arte es hijo de la Tristeza y del Dolor», decía su amigo Jaime Sabartés.48​ La soledad de los niños, la miseria de pobres, mendigos y ciegos son a menudo descritos en los cuadros de ese momento: Las dos hermanas (Museo del Hermitage, San Petersburgo),49​ Pobres a orillas del mar (Galería Nacional de Arte, Washington D.C.),50​ El viejo guitarrista ciego (Instituto de Arte de Chicago),51​ El asceta (Barnes Foundation, Filadelfia),52​ y La Celestina (Carlota Valdivia) (Museo Picasso, París)53​ se cuentan entre las primeras obras maestras de Picasso.

Hacia finales de 1903 Picasso empezó a pensar que sólo estableciéndose permanentemente en Francia su reputación superaría las fronteras de España. Se trasladó al estudio del escultor Pablo Gargallo (1881-1934), quien en aquel momento se encontraba en París, en el número 28 del Carrer del Comerç de Barcelona,54​ donde finalizó La Celestina (Carlota Valdivia) y comenzó un nuevo Retrato de Jaime Sabartés (Kunsternes Museum, Oslo)55​ que finalizó en la primavera de 1904.56​

París, Bateau Lavoir. El período rosa
Artículo principal: Período Rosa de Picasso
La belle Fernande

Pablo Picasso fotografiado por Ricard Canals. La instantánea está dedicada a sus amigos Suzanne y Henri Bloch, París, 1904.
En abril de 1904 Picasso se instaló en París en el Bateau-Lavoir, situado en el barrio de Montmartre, en un taller que su amigo el escultor Paco Durrio estaba por dejar. Allí reanudó su contacto con varios artistas españoles que también vivían en el Bateau-Lavoir, especialmente con Ricardo Canals, quien le enseñó en septiembre del mismo año la técnica del aguafuerte, y con su mujer; también con Manuel Hugué y con su esposa Totote, y con Ramón Pichot y Germaine, la bailarina por la cual su amigo Casagemas se había suicidado. Durante el verano tuvo una relación con «Madeleine», que aparece en varios dibujos y pinturas, como La mujer del acróbata (Instituto de Arte de Chicago)57​ e inspiró el tema de La familia de Arlequín (1905).58​ En agosto de 1904 Picasso conoció a su primera compañera sentimental: Fernande Olivier (1881-1966), modelo de artistas y amiga de Benedetta, la mujer de Ricardo Canals, era conocida entre la colonia española del Bateau-Lavoir como «la belle Fernande». Con veintiún años los dos, Fernande fue el primer amor verdadero de Picasso, y se convirtió en su fuente de inspiración hasta 1910, aunque su relación no acabaría definitivamente hasta 1912.56​

La bohemia del Lapin Agile
En octubre de 1904 Picasso conoció al poeta André Salmon, y también a Guillaume Apollinaire, poeta y escritor precursor del surrealismo, con los que estableció una relación muy cercana. Picasso se convirtió en un asiduo del cabaret Lapin Agile (el «Conejo ágil») y del Cirque Medrano. Desde que se instaló en Montmartre, la paleta y los temas de Picasso empezaron a cambiar; la pobreza y dureza de la vida de los artistas de circo y saltimbanquis aportaron un nuevo lirismo a sus cuadros en el paso de la época azul a la denominada época rosa. La época rosa se distingue por sus colores pastel y tonos cálidos, de líneas suaves y delicadas; con un especial énfasis sobre la línea y el dibujo, más que sobre el color, continuó trabajando las figuras con proporciones alargadas que recuerdan su admiración por el Greco, como en El actor (MoMA, Nueva York)59​ o en la acuarela El loco (Museo Picasso, Barcelona),60​ un recurso a fórmulas manieristas del que se ha señalado que Picasso hizo uso constante a lo largo de su carrera.61​ Los temas que trataba eran la alegría y la inquietud existencial; como en la época azul, subyace un toque de melancolía, pero en ese momento dominada por el afecto, con muchas referencias al mundo del zoológico y del circo. Pintó máscaras, arlequines, domadores y payasos; también es la época de las maternidades rosas. Obras representativas de esta época son Acróbata con balón (Muchacha con balón) (Museo Pushkin, Moscú),62​ La familia de saltimbanquis (Galería Nacional de Arte de Washington),63​ Acróbata y joven arlequín (Barnes Foundation, Filadelfia)64​ y Familia de acróbatas con mono (Göteborgs Kunstmuseum, Gotemburgo).65​

La familia de saltimbanquis

Madame Cézanne en el invernadero (1891-92), de Paul Cézanne, un antecedente de la esquematización del rostro en la pintura de Picasso.
Del 25 de febrero al 6 de marzo de 1905 expuso en la Galería Sérurier sus primeras telas rosas. La crítica habló del anuncio de una transformación luminosa de su talento; tras el dramatismo de la época azul, Apollinaire describió las obras del período rosa en la Revue immoraliste: «Bajo los oropeles destellantes de sus saltimbanquis, se siente verdaderamente la piedad de las gentes del pueblo, versátiles, astutos, mañosos, pobres y mentirosos.». Según dijo Fernande Olivier, Picasso parecía amar aquello para lo que no estaba hecho, aquello que era diferente a él: los gitanos, las corridas de toros, los cabarés turbios, los payasos y el mundo del circo; amaba y se sumergía con delicia en todo aquello que tenía un color local violento.66​

En la primavera del mismo año pintó una de sus principales obras de ese año, La familia de saltimbanquis,63​ una clara evolución hacia la época rosa; un paisaje desnudo y desdibujado en el que se enmarcan aisladas las bien dibujadas y estilizadas figuras de los titiriteros, personajes marginales cuya vida solitaria impresionaba a Picasso.67​ Una tarde, tras abandonar el Cirque Médrano con Max Jacob, decidió modelar su cabeza en barro, y conforme trabajaba la pieza en los siguientes días, añadió el sombrero y cascabeles de un bufón, al estilo de los personajes circenses. La pieza fue llamada El loco (cabeza de arlequín) (Museo Picasso, París),68​ que el galerista Ambroise Vollard consiguió que fuera fundida en bronce.69​

Gertrude Stein

Gertrude Stein, fotografía de Carl van Vechten, 1935
Durante el verano, hizo un viaje al norte de los Países Bajos, y permaneció en Schoorl por seis semanas invitado por el escritor neerlandés Tom Schilperoort. Durante su estancia pintó un desnudo, La bella holandesa (Queensland Art Gallery, South Brisbane),70​ y Las tres holandesas (Museo Picasso, París),71​ una versión personal del tema clásico de las tres gracias. Tras un breve paso por París, pasó unas vacaciones en agosto con Fernande, en Tiana, al noreste de Barcelona. A su vuelta en septiembre, Fernande se mudó al modesto estudio de Picasso en el Bateau-Lavoir; el principio de su relación fue muy feliz, y las pinturas y dibujos que realizaba Picasso de Fernande celebraban su belleza y cercanía personal. Picasso tomó por costumbre visitar las pequeñas galerías, y junto con Fernande acudía a los populares vernissages de los salones oficiales.69​

Gertrude Stein y su hermano Leo se habían instalado en París, y dedicaban su fortuna a reunir una extraordinaria colección de arte. Leo Stein compró Familia de acróbatas con mono65​ al marchante Clovis Sagot, por mediación del cual Leo y Gertrude fueron a visitar el estudio de Picasso y le compraron numerosas obras por 900 francos. Picasso se convirtió en un asiduo visitante del salón de Gertrude Stein en su apartamento de París; pintó un retrato de Leo y su hijo Michael e inició las primeras de las entre ochenta y noventa sesiones del famoso Retrato de Gertrude Stein (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York).72​ Gertrude había comprado recientemente Mujer con sombrero de Matisse, y decidió que ambos artistas debían encontrarse.69​

Primitivismo ibérico

La Dama de Elche (Museo Arqueológico Nacional de España, Madrid).
En 1906, después de tres meses trabajando en el Retrato de Gertrude Stein,72​ lo abandonó temporalmente, y realizó los primeros bocetos de Las señoritas de Aviñón. Abandonó el tema de los arlequines por los jinetes y jóvenes en paisajes bucólicos, en la línea de Gauguin y Puvis de Chavannes, en una búsqueda de clasicismo tanto temático como formal, que condujo a Picasso al estudio del arte antiguo; en marzo descubrió el arte primitivo español en una exposición en el Louvre de esculturas ibéricas encontradas en Osuna y en el Cerro de los Santos, entre las que se encontraba la Dama de Elche. La galería de Ambroise Vollard adquirió la mayoría de las telas rosas también en marzo. En mayo se fue con Fernande Olivier a Barcelona, donde la presentó a amigos y parientes, y luego durante el verano a Gósol, en Lérida, donde entró de nuevo en contacto con el primitivismo esencial de la cultura popular, y pintó escenas de baños y desnudos vistos desde un exquisito dominio del rojo; esta paleta rojiza de Gósol refleja una preocupación por el modelado de los volúmenes, y un retorno a las raíces de un mediterráneo arcaico.73​ Esto le inspiró una serie de cuadros con personajes que rescatan ciertas características de ese primitivismo, rompiendo con su estilo anterior. Aunque la simplificación de rasgos y volúmenes son rasgos precursores del cubismo, esta fue una etapa con entidad propia, que no puede incluirse en ningún estilo reconocido. Podemos observar en estos cuadros sus propios rasgos faciales incluso entre las figuras femeninas, lo que puede apreciarse comparándolos con los autorretratos de esta serie.74​ Esta estancia tuvo un impacto importante en la obra de Picasso, pues las pinturas de Gósol marcaron el comienzo de su revolución cubista el año siguiente; años más tarde Picasso retomó lo que hubiera sido el transcurrir lógico de este estilo, en su época neoclásica.

Protocubismo

Picasso en 1908.
En agosto de 1906, al volver de Gósol, retomó el Retrato de Gertrude Stein72​ trabajando de memoria (Stein se encontraba en Italia) y redujo su rostro a una especie de máscara ibérica, impasible y expresiva a la vez.75​72​ Picasso dijo del Retrato de Gertrude Stein: «Todo el mundo piensa que ella no es en absoluto como su retrato, pero no importa, al final conseguirá parecerse a él.»73​ Bajo la influencia de la escultura ibérica y la pintura de Cézanne, que contemplaba expuesta en los salones, Picasso investigaba la forma y el volumen,76​ lo que puede apreciarse en el Autorretrato con paleta (Museo de Arte de Filadelfia),77​ cuadro de un arcaísmo casi salvaje que también adelantaba las influencias acumuladas por Picasso desde 1905.78​74​

El Salón de Otoño de 1906 exhibió una retrospectiva de Gauguin que impresionó profundamente a Picasso y tuvo gran influencia en su trabajo; el Salón también incluía diez obras de Cézanne, que falleció por esas mismas fechas. En invierno Picasso pintó Dos mujeres desnudas (MoMA, Nueva York),79​ en las que llevó al extremo la estilización escultórica; la monumentalidad de las figuras y el uso autónomo de las luces y sombras remiten a Las grandes bañistas de Cézanne. Hacia final de año dejó de pintar, y se enfrascó en una serie de estudios y bocetos de desnudos para una composición de múltiples figuras bajo el tema del burdel, que culminaría en 1907 con la revolución que supusieron Las señoritas de Aviñón.73​

Un burdel de la calle Avinyó
La primera reacción del entorno de Picasso ante los estudios previos de las señoritas fue en general poco favorable: sus amigos no acababan de entender este nuevo estilo. En un cuaderno de notas, Apollinaire lo describió como un «maravilloso lenguaje que ninguna literatura puede expresar, porque nuestras palabras ya han sido creadas.» Durante la primavera de 1907 Picasso conoció, a través de Apollinaire, a Georges Braque, quien tras visitar su estudio manifestó cierta agitación frente a la gran pintura.80​

A mediados de mayo pintó Autorretrato (Národni Galerie, Praga):81​ la línea se convierte en un elemento estructural dominante, marcando las facciones y delineando incluso el resto de áreas de la imagen, casi todas llenas de color, y muy pocas de ellas modeladas. Incluso dejó zonas del lienzo sin pintar.82​ Hacia finales de mayo inició el lienzo definitivo de Las señoritas de Aviñón, y las figuras masculinas desaparecieron: una de ellas, un marinero, fue eliminada, y un estudiante situado a la izquierda fue reemplazado por una mujer desnuda sosteniendo una cortina.80​

Influencias africanas

Escultura fang del siglo xix, similar en estilo a las que Picasso conoció en París antes de finalizar Las señoritas de Aviñón.
Animado por André Derain, Picasso visitó en 1907 el Museo de Etnografía en el Palacio del Trocadero de París. Este fue su primer contacto con un amplio número de piezas africanas y oceánicas, que tanto Derain como Matisse coleccionaban desde hacía tiempo,c​ pero a las cuales Picasso no había prestado demasiada atención hasta ese momento. El descubrimiento del arte no-occidental dio un nuevo empuje a Las señoritas de Aviñón, y también ejerció una considerable influencia sobre su trabajo escultórico.83​ Picasso modificó entonces los rostros de algunas de las señoritas, los dos de aspecto más «cubista» de los cinco, que se asemejan a máscaras africanas, mientras los dos centrales son más afines al estilo de los frescos medievales y las primitivas esculturas ibéricas; también el rostro de la figura de la izquierda presenta un perfil que recuerda las pinturas egipcias. Sin embargo, «art négre, connais pas», era la respuesta de Picasso a una pregunta de la revista Action en 1920; este período protocubista,84​ que se sitúa entre 1907 y 1909, es conocido también como el Período Africano, Período Negro o Período Oscuro de Picasso; su estilo se vio fuertemente influenciado por la escultura africana, pero el artista pretendió siempre lo contrario.85​

Las señoritas de Aviñón
Artículo principal: Las señoritas de Aviñón
Las señoritas de Aviñón (MoMA, Nueva York)86​ supuso un nuevo punto de partida para Picasso, que eliminó las referencias a la tradición rompiendo con el realismo, abandonando los cánones de profundidad espacial y perspectiva, así como el ideal hasta entonces existente del cuerpo femenino, al reducir la obra a un conjunto de planos angulares, sin fondo delimitado ni perspectiva espacial, en el que las formas están marcadas por líneas claro-oscuras. Los tonos ocre-rojizos son característicos de su más amable época rosa, pero la crudeza del cuadro los convierte en agresivos.

El cuadro pudo estar también influenciado por las figuras alargadas del Greco, en particular por su Visión del Apocalipsis, que Picasso posiblemente vio ese verano en París;80​ su estructura y composición deriva de Las grandes bañistas de Cézanne; la pintura de Cézanne hace de los objetos una presencia real, con especial énfasis en los volúmenes y el peso de los mismos, sin la palpitación atmosférica propia del impresionismo. Según Fermigier, 1969, p. 69, su retrospectiva en el Salón de Otoño de 1907 determinó la evolución ulterior de Picasso. También Braque, inspirado por Cézanne, inicia una serie de paisajes que muestran su transición del fovismo a su época protocubista.80​

Hacia el cubismo

Las grandes bañistas de Cézanne, 1906, Museo de Arte de Filadelfia: una posible influencia.
La relación con Fernande entró en crisis, y decidieron separarse a finales de verano de 1907,d​ aunque se reconciliaron a finales de noviembre. En su ausencia, Max Jacob y Apollinaire habían persuadido a Picasso de fumar opio; Picasso se movía entre las bendiciones de las visiones y el temor a entregarse a la apatía y el hastío hacia el trabajo. La paleta de Picasso se llenó de brillantes colores «africanos»: pintó Mujer desnuda (la bailarina de Aviñón) (colección privada, Lausana),87​ un epílogo a Las señoritas de Aviñón en el que los elementos basados en el arte ibérico y africano alcanzan un nuevo grado de simplificación geométrica; en el mismo estilo, La danza de los velos (desnudo con drapeado) (Museo del Hermitage, San Petersburgo),88​ iniciado en verano y que fue comprado por Gertrude Stein junto a los bocetos preparatorios del mismo;80​ también Flores sobre una mesa (MoMA, Nueva York).89​ En las subsiguientes obras, las carnaciones se vuelven ocres y marrones, y Picasso se enfrenta a la vez con muchos experimentos de ruptura en sus cuadros: el abandono de la perspectiva; la conquista del espacio, fragmentando los planos mediante tonos planos con contornos gruesos y definidos; la búsqueda del relieve, mediante exagerados contornos azules en un fondo marrón y sombreados espesos; entre ellas se cuentan La amistad (Museo del Hermitage, San Petersburgo)90​ y Desnudo con toalla (colección privada, París).91​ El estudio de Picasso se convirtió en un centro de discusiones y debate, y no sólo sobre su obra. Braque llevó sus propias obras allí, Matisse y Picasso intercambiaron cuadros: el bodegón Cántaro, bol y limón (Fundación Beyeler, Riehen, Basilea)92​ de Picasso por el Retrato de Marguerite, la hija de Matisse.80​ La relación de Picasso y Matisse iba de la competición a la burla, pasando por una intensa admiración mutua; Matisse dijo que nadie había mirado su obra como Picasso, y nadie había mirado la obra de Picasso como él.93​

Cubismo
Véase también: Cubismo
Teniendo Las señoritas de Aviñón como punto de partida, Braque y Picasso acabaron formulando el cubismo en 1908. El cubismo fue un punto de inflexión radical en la historia del arte que inspiró al resto de vanguardias artísticas el abandono del ilusionismo pictórico, rechazando la descripción naturalista en beneficio de composiciones de formas abstraídas de la percepción convencional, jugando con la tridimensionalidad y la estructura de las superficies.94​ Esta técnica, iniciada por Picasso y Braque, tuvo muchos seguidores, como Juan Gris, Francis Picabia, Brancusi, Delaunay y Albert Gleizes.

Cubismo cezannesco

Paul Cézanne: Mont Sainte-Victoire (1904), Museo de Arte de Filadelfia. Los paisajes de Cézanne inspiraron las primeras fases del cubismo.
En enero de 1908 Matisse abrió su escuela, la Academie Matisse. Por otro lado, Derain y Braque eran seguidores de Picasso, lo cual, añadido a su creciente amistad con Gertrude Stein, irritaba a Matisse. En el Salón de los Independientes de mayo de ese año, Derain y Braque presentaron cuadros inspirados en el nuevo estilo de Picasso que causaron un gran impacto entre la crítica. A Picasso le indignó que se hiciese la primera exhibición de arte cubista sin que se reconociera su papel como fuente de inspiración; especialmente Mujer (1908), un desnudo de Braque muy reciente, que no había comentado con nadie, ni siquiera con Picasso. Tras la clausura del Salón, Braque marchó a L'Estaque hasta septiembre. Los elementos africanos fueron cediendo terreno en la obra de Picasso en beneficio de efectos de relieve influencia de Cézanne, quizás relacionados con el reductivismo cezannista de los paisajes de Braque.95​

Su amigo el pintor alemán Wieghels se suicidó en el Bateau-Lavoir, tras una velada en la que consumió un exceso de drogas variadas; esta tragedia convenció a Picasso y Fernande de abandonar el consumo de opio; Composición con cabeza de muerto (Museo del Hermitage, San Petersburgo),96​ finalizado a finales de primavera, podría ser una conmemoración de la muerte de Wieghels.95​

Durante el verano, Braque elaboró en L'Estaque una serie de paisajes cubistas en los que más que una inspiración, la ruptura de la perspectiva mecanizada de Cézanne es considerada una iniciación por el pintor. Picasso alquiló una granja en la Rue des Bois-par-Creil-Verneuil-Oise, a 60 kilómetros al norte de París; Fernande mencionó que con este retiro Picasso buscaba superar el estado de agitación nerviosa que la muerte de Wieghels le había provocado.95​ Ambos artistas comenzaron a representar la sensación de relieve mediante la aplicación arbitraria de las luces y sombras en detrimento del sombreado naturalista; las formas se simplificaron al extremo, con una mayor y más profunda esculturalidad en los cuadros de Picasso, cuya paleta se restringió a una gama de marrones, grises y verdes.97​ En los paisajes de Picasso se aprecian influencias de Henri Rousseau (1844-1910) y un primitivo Cezanne.

Matisse bautiza el Cubismo. Período verde

Henri Matisse en mayo de 1933.
Cuando en septiembre Braque presentó sus paisajes al Salón de Otoño el jurado, entre cuyos miembros estaba Matisse, rechazó las obras. Según Apollinaire, Matisse fue el primero en aplicar los términos «cubista» y «cubismo», al rechazar las obras de Braque presentadas al Salón. Esta historia es considerada desde 1912 el origen oficial del movimiento. Josep Palau i Fabre señala que en otoño de 1908 se inició lo que denomina período verde de Picasso: los bodegones que pintó en esa época muestran una estilización formal que se debe, posiblemente, a la aplicación de los postulados cezanescos, según los cuales las formas debían reducirse a conos, cilindros y esferas. Esta esquematización geométrica no lleva consigo una pérdida de corporeidad en los objetos representados, por lo que puede hablarse de un relieve plano.98​ Durante todo el verano y el mes de octubre completó la versión final de las Tres mujeres (Museo del Hermitage, San Petersburgo),99​ donde las influencias africanas de los primeros estudios del cuadro se diluyen en el nuevo estilo del período verde.

El banquete de Rousseau

Henri Rousseau: Portrait de femme (1895), Museo Picasso, París.
Tras la exposición de las obras de Braque en la galería de Daniel-Henry Kahnweiler, que fue mejor recibida por la crítica que sus obras presentadas al Salón de los Independientes, Picasso organizó en el Bateau-Lavoir un banquete en honor a Rousseau, para celebrar que acababa de comprar una obra del pintor, Retrato de una mujer, por cinco francos en la tienda de antigüedades de Père Soulier. Durante ese invierno el intercambio de ideas entre Braque y Picasso se incrementó hasta un nivel diario, al tiempo que su amistad se consolidaba.95​ El bodegón de frutas, un motivo emblemático de Cézanne, era uno de los temas que ambos pintores compartían en este momento:100​ Le compotier (Plato de fruta) (MoMA, Nueva York),101​ Naturaleza muerta con pescados y botellas (Musée d'Art Moderne de Lille Métropole, Villeneuve d'Ascq).102​ También trabajó durante el invierno en el Carnaval en el bistrot (Museo Picasso, París),103​ que cristalizaría a principios de 1909 en Panes y frutero con frutas sobre una mesa (Museo de Arte de Basilea).104​

Cubismo analítico
Retorno a Horta de San Juan
Picasso empezó a ser apreciado por los coleccionistas; amigo de los Stein, que acababan de comprarle las Tres mujeres, el suizo Hermann Rupf compró varias obras suyas, y Dutilleul (cliente también de Braque) inició su colección. En marzo de 1909 se publicó en el Mercure de France un artículo de Charles Morice en el que por primera vez apareció impreso el término Cubismo. En mayo, Picasso y Fernande fueron a Barcelona a visitar a la familia y viejos amigos; pintó un Retrato de Manuel Pallarés (The Detroit Institute of Arts)105​ en el estudio de su amigo. Posteriormente se trasladaron a Horta de San Juan, once años después de su primera visita.106​ Allí pintó y dibujó naturalezas muertas y numerosos retratos de Fernande, entre ellos Mujer desnuda en un sillón (colección privada, Francia)107​ y Busto de mujer (Fernande) (Hiroshima Museum of Art).108​ La serie de retratos de Fernande iniciada en París culminó en Mujer con peras (Fernande) (MoMA, Nueva York).109​ También realizó seis grandes paisajes, entre ellos El embalse (Horta de Ebro) (MoMA, Nueva York);110​ La fábrica de Horta (Museo del Hermitage, San Petersburgo)111​ y Casas en la colina (Horta de Ebro) (Nueva Galería Nacional, Berlín).112​ Fueron los inicios del cubismo analítico, deudor de los conceptos de relieve, «perspectiva inversa» y modelado de Cézanne.


Cabaña cercana a la vía férrea Tortosa-Valdezafán a Horta de San Juan. El paisaje catalán, sus colores y la estructura casi cubista de los pueblos y construcciones coincidían con las ideas de Picasso; yo pinto lo que pienso, no lo que veo, dijo Picasso.113​
En las obras que pintó en Horta los árboles y formas naturales fueron obviadas, y la roca superficialmente amorfa fue analizada y rota en planos para luego reconstruirla mediante la superposición de los planos; en algunos casos la geometrización se extendió al cielo, y el conjunto ofrecía una composición rigurosa con una profundidad que no envidiaba a la perspectiva tradicional. El uso de la luz era completamente arbitrario, estrictamente para acentuar los contornos y afilar los relieves. No obstante, el cubismo analítico era todavía una revisión y no un rechazo de la tradición; el cuadro seguía siendo una ventana ilusoria a un mundo representado, reconstruido. El cubismo sintético constituyó una negación de la tradición europea; el collage rompió la inviolabilidad de la superficie del cuadro y la representación de la realidad dejó de ser el objetivo del cuadro para ser su punto de partida.113​

Traslado al bulevar de Clichy
En septiembre se trasladó a París, al n.º 11 del bulevar de Clichy. Volvió cargado de obras del nuevo estilo y, pese al rechazo de público y crítica en la exposición que Vollard organizó con ellas, el selecto grupo de coleccionistas encabezado por Gertrude Stein y Serguéi Shchukin seguía comprándola. Encerrado en su nuevo estudio, siguió desarrollando el cubismo, que en ese momento compartía además de con Braque, con un grupo de artistas de Montmartre fuertemente influenciados por el nuevo estilo entre los que estaban Derain, el español Juan Gris y Léger. El cubismo se extendía por Europa, con el constructivista y suprematista Malévich en Rusia y Mondrian en los Países Bajos, aunque ambos mostraban serias diferencias con el estilo de Picasso: según Penrose, su persecución de una geometría pura de las formas les alejaba del sujeto pictórico hacia la abstracción, algo que no formaba parte de los instintos de Picasso, para quien eliminar los símbolos y las alusiones poéticas de la pintura era una forma de castración; también inspiró a los futuristas liderados por Marinetti en Italia y los vorticistas en Inglaterra, que basaron su teoría estética en la forma y el movimiento y ritmo mecánicos, intentando introducir el tiempo en la representación pictórica. Pero Picasso no buscaba el desarrollo de teorías o escuelas; su necesidad era la ruptura con el pasado y darle a la obra de arte su propia vida interna.114​

En el estudio de Manuel Hugué hizo esculturas como Cabeza de mujer (Fernande) (Museo Picasso de Barcelona115​ inspirada en las telas que pintó en Horta.106​ Fernande no se sentía a gusto con los cambios que se producían en su entorno y estilo de vida, añoraba la espontaneidad de sus primeros tiempos juntos.116​

Los retratos cubistas
Ya en 1909 Picasso realizó una serie de retratos en los que el rigor en su disciplina de búsqueda de una nueva concepción del espacio le condujo a una reducción progresiva en el uso del color; en los paisajes de Horta y en Mujer que cose (Colección Claire B. Zeisler, Chicago),117​ pintado durante el invierno de 1909 a 1910, la paleta se restringió a ocres, grises y verdes, hasta eliminar este color y entrar en una monocromía que en ocasiones se rompía con sutiles gradaciones de grises y ocres. En 1910, pintó entre otros los retratos de Ambroise Vollard (Museo Pushkin, Moscú),118​ Wilhelm Uhde (Colección Pulitzer, St. Louis)119​ y Daniel-Henry Kahnweiler (Instituto de Arte de Chicago),120​ en los que, a pesar de su tendencia progresiva a pintar con el ojo del pensamiento más que directamente de la naturaleza, trabajó en numerosas sesiones con los modelos, a semejanza del de Gertrude Stein anteriormente; a pesar del progresivo proceso de segmentación analítica del espacio y la forma, Picasso captaba la fisonomía de los personajes.121​

Picasso y Fernande pasaron el verano de 1910 en Cadaqués (Gerona, España), donde su amigo Ramón Pichot pasaba las vacaciones; alquilaron una casa a pie de mar, y se les unieron Derain y su esposa. Tras las vacaciones, Picasso volvió cargado de obras inacabadas en las que se hizo patente un avance hacia el nuevo lenguaje del cubismo;122​ en el Retrato de Daniel-Henry Kahnweiler120​ que pintó tras las vacaciones el personaje es tratado como una estructura tridimensional que se manifiesta en elementos trastocados en el espacio en una trama transparente, vista desde múltiples ángulos y aun así conformando una totalidad coherente,123​ como también sucede en cuadros como Mujer desnuda en pie (Museo de Arte de Filadelfia).124​

El invierno de 1910 a 1911 Picasso y Braque mantuvieron una colaboración tan estrecha que es difícil aventurar el origen de las ideas que ambos pusieron en marcha, y al no firmar los cuadros hubo momentos en que se les hizo difícil distinguir la propia obra de la del otro; a medida que avanzaban en su análisis del objeto, Picasso y Braque sentían perder la referencia con su realidad reconocible. La inclusión de elementos de la realidad en sus composiciones cubistas les condujo posteriormente al trampantojo o trompe l'œil, y de aquí a la invención del collage, con lo que rompían con la tradición de no emplear más de un medio para una obra y ponían en cuestión los principios de la pintura misma.125​

Reconocimiento del cubismo

Retrato de Picasso por Juan Gris (1912) en estilo cubista.
Picasso viajó a Céret, un pueblo francés situado en la región histórica del Rosellón, en julio de 1911. Fernande Olivier y Braque se reúnen con él en agosto, y ambos pintores prosiguieron con su estrecha colaboración en la definición del cubismo. Realizaron varios cuadros en los que introducían la cabecera del periódico local en sus obras, con una tipografía gótica reconocible, como El abanico ('L'Indépendant') (colección privada, Ascona, Suiza).126​ El 5 de septiembre Picasso regresó a París y en el Salón de Otoño de 1911 presentó una sala cubista, de la cual tanto él como Braque estuvieron ausentes. Este hecho chocó entre la prensa de Nueva York, Madrid y Ámsterdam, que cubrían el evento, puesto que era sabido que ellos eran los fundadores del estilo; se publicaron varios artículos y ensayos en torno a Picasso y Braque por toda Europa. La relación con Fernande se había deteriorado, y en otoño de ese año Picasso conoció a Eva Gouel (Marcelle Humbert), hasta el momento pareja sentimental del pintor polaco Louis Markus, a la que llamó ma jolie (mi bella) en varias de sus pinturas.127​

A principios de 1912 Picasso realizó la primera escultura construida,128​ Guitarra (MoMA, Nueva York), hecha de cartón, cordel y alambre.129​ Picasso inició en gran medida un proceso que provocó la liberación de la escultura de conceptos clásicos como el volumen y la sustitución de los procesos de modelado o talla por todo tipo de técnicas constructivas que constituyeron una transformación revolucionaria en la escultura.130​ En un paralelismo con la técnica del collage cubista, cuya primera muestra es Naturaleza muerta con silla trenzada (Museo Picasso, París),131​ creado en la primavera de 1912,128​ las formas se redujeron a planos que podían articularse libremente. Los conceptos de ensamblaje y construcción hicieron posible la introducción de nuevas técnicas y materiales; la descomposición del volumen aportó nuevas perspectivas, la valoración del vacío y de la luz como elementos escultóricos de importancia equivalente a la masa.130​

Cubismo hermético
Entre Céret y Sorgues
Entre 1912 y 1915, Picasso y Braque desarrollaron la segunda fase del cubismo, en la que retornaron a su obra un equivalente a los conceptos tradicionales que habían roto o eliminado en la fase precedente; formas, objetos y palabras se volvieron reconocibles al tiempo que se reconstituyó la superficie; recuperaron el uso de un cromatismo más sólido y brillante, los planos se contornearon y demarcaron claramente, superponiéndose y apareciendo una implicación con superficies texturadas y estampados decorativos.132​

Entre abril y mayo de 1912 se celebró una exposición cubista en la Galería Dalmau de Barcelona sin obras de Picasso ni de Braque. La relación con Fernande se acabó; Picasso escribió a Braque: «Fernande me ha dejado tirado por un futurista». El 18 de mayo llega a Céret con Eva, donde realiza algunos dibujos en los que aplica papeles pintados del siglo xix y pedazos de diarios. Cuando en junio Picasso se entera de que Fernande planea ir a Céret el verano con Pitxot y su mujer, escribe a Kahnweiler para que le diga que no espere nada de él, que estaría feliz si no volviera a verla más, al tiempo que reafirma su amor por Eva, indicando que va a escribirlo en sus pinturas. Es probable que entre junio y septiembre trabajara en Desnudo femenino ('J'aime Eva') (Museo de Arte de Columbus, Ohio),128​ donde aparece la declaración de amor escrita en el cuadro; se trata de una obra más ligera de cromatismo, con toques de colores ácidos, en la que la construcción de la figura femenina deriva de la técnica del collage que estaba aplicando en sus dibujos.133​ Escapando de la visita de Fernande, el 25 de junio se instala en la Villa des Clochettes, en Sorgues-sur-L'ouvèze. Las pinturas de Céret impresionaron a Braque, Picasso le pidió su opinión sobre Violín ('Jolie Eva') (Nueva Galería Estatal de Stuttgart),134​ en la que pintó superficies imitando añadidos de madera y de papeles escritos, o sobre El aficionado (Le torero) (Museo de Arte de Basilea).135​ Braque se instaló en agosto en Sorgues, donde reiniciaron su trabajo y siguieron perfilando sus conceptos artísticos.128​

Traslado al bulevar Raspail

Cartel del Armory Show (1913).
En septiembre de 1912 visita París un par de semanas para organizar su traslado a un nuevo estudio en el 242 del bulevar Raspail, pero vuelve a Sorgues, donde trabaja sobre El aficionado (Le torero) y El poeta (Museo de Arte de Basilea).136​ El endurecimiento y aplanamiento de las formas caracteriza el cubismo hermético, que marca el inicio de la transición al cubismo sintético. Hacia finales de septiembre vuelve a París con Eva para recoger sus pertenencias y mudarse al nuevo estudio, donde se instalan el primero de octubre. A mediados de noviembre comienza la primera serie de papiers collés,137​ en respuesta al trabajo de Braque en este medio,128​ aplicando las técnicas de ensamblaje e incorporación de materiales en Guitarra, partitura, vaso (Museo de Arte McNay, San Antonio, Texas):138​ sobre un fondo de papel pintado, Picasso pegó fragmentos de papel entre los que hay un titular de Le Journal en el que preservó las palabras La bataille s'est engagé[e] (ha empezado la batalla).

A mediados de diciembre volvió a Céret, desde donde viajó a Barcelona con Eva durante las fiestas navideñas. Volvió a París el 21 de enero de 1913, donde empezó a trabajar en Violín colgado en la pared (Museo de Bellas Artes, Berna), en el que puso en práctica el uso de añadir arena en la pintura y en una doble imitación, simula el efecto de collage mediante planos que recuerdan los recortes de papel (que a su vez imitan una textura de madera) que solían usar Braque y Picasso en sus collages,139​ al tiempo que realizó una segunda serie de papiers collés140​ en los que utiliza diarios contemporáneos de París (en varios de ellos utilizó Le Figaro) o de Céret en la que se observa un incremento de la abstracción y mayor colorido.141​

A finales de febrero se celebró la primera retrospectiva de Picasso en Alemania, en la Moderne Galerie Heinrich Thannhauser en Múnich; también se incluyeron ocho obras suyas y tres de Braque en la International Exhibition of Modern Art (el Armory Show) en Nueva York, en el 69th Regiment Armory, que posteriormente viajaría a Chicago y Boston, uno de los eventos más influyentes en la historia del arte estadounidense en la que también estaba el famoso Desnudo descendiendo una escalera de Marcel Duchamp.141​

Cubismo sintético
Cubismo poético
Picasso y Eva volvieron a Céret en marzo de 1913, aunque viajaría en varias ocasiones a Barcelona. Su padre murió a principios de mayo y Picasso acudió a su funeral. La salud de Eva tampoco era buena, y empeoró a finales de la primavera. En junio Picasso volvió a París, al tiempo que cayó enfermo con anginas o bronquitis (de las que se recuperaría a finales de julio), al igual que Eva, que al parecer nunca se recuperó del todo. En agosto vuelven a Céret, donde completó Hombre con guitarra (MoMA, Nueva York),142​ en el que se muestra el cubismo sintético desarrollado: motivos fragmentados del cubismo analítico sintetizados en formas grandes y planas que son «signos» de objetos. Tras una corta estancia, volvieron el 19 de agosto a París, donde comenzaron la mudanza a un nuevo estudio en el número 5bis de la calle Schoelcher, en el bulevar Raspail, con vistas al cementerio del Montparnasse. En ese momento se inició el periodo llamado cubismo poético.141​

Alrededor de la época del Salón de Otoño, Picasso pintó dos grandes obras de particular importancia, el Jugador de cartas (MoMA, Nueva York),143​ que contiene muchos elementos del collage trampantojo, y Mujer en camisa sentada en un sillón (colección privada, Nueva York), en la que se combinan el color del cubismo analítico y los patrones esquemáticos del sintético. Sigue desarrollando por otro lado sus ensamblajes; hacia finales de año el ruso Vladímir Tatlin, que conocía su trabajo por la colección Shchukin de Moscú, visitó París para ver a Picasso y su estudio, donde vio las construcciones de éste. A su retorno a Moscú, Tatlin hizo sus primeras construcciones.141​

Cubismo surrealista
En 1914 Picasso realizó una tercera serie de papiers collés.144​ El 14 de enero Kahnweiler publicó El sitio de Jerusalén de Max Jacob, ilustrado por Picasso. Fue el inicio del cubismo surrealista.145​ También trabajó en sus construcciones, entre las que destaca El vaso de absenta (MoMA, Nueva York),146​ de la que su marchante Kahnweiler ordenó seis copias en bronce,147​ pintadas de distintos modos, algunas altamente coloreadas, otras con textura de arena.145​

Cubismo puntillista y cubismo frío

Modigliani, Picasso y André Salmon frente al Café de la Rotonde, París, en 1916.
A finales de junio Picasso y Eva se instalaron en Aviñón, cerca de Derain, que estaba en Montfavet, y de Braque en Sorgues. El atentado de Sarajevo en el que fueron asesinados el archiduque Francisco Fernando de Austria y su esposa desencadenó el inicio de la Primera Guerra Mundial. Apollinaire solicitó la ciudadanía francesa para alistarse como voluntario; Braque y Derain fueron movilizados, Picasso se despidió de ellos en la estación de Avignon el 2 de agosto de 1914.145​ En otoño, aún en Avignon, Naipes, vasos, botella de ron (Vive la France) (Colección Leigh B. Bloch, Chicago)148​ abrió el periodo del cubismo puntillista. Trabajó en series de dibujos de hombres apoyados en una balaustrada, una mesa o una silla, en estilos que van del naturalismo al cubismo; el lienzo inacabado El artista y su modelo (Museo Picasso, París),149​ que presumiblemente sería Eva, muestra una tendencia de retorno a la figuración representacional que resurgirá posteriormente.145​

De retorno a París a mediados de noviembre, su en cierto modo ambivalente actitud hacia la guerra y su relación con sus patrones alemanes Kahnweiler y Thannhauser, unidos a que la mayor parte de los hombres jóvenes estaban en el frente, provocaron que Picasso fuera visto con desconfianza. En invierno pintó el óleo Naturaleza muerta: guitarra, periódico, vaso y as de trébol (Museo Picasso, París),150​ que introdujo el periodo llamado cubismo frío,145​ donde la composición se trabajaba en colores fríos, con una predominancia del azul.

Enfermedad y muerte de Eva
En enero de 1915 realizó el dibujo a lápiz Retrato de Max Jacob (Museo Picasso, París),151​ en un estilo naturalista. La salud de Eva sigue declinando y sufre una operación; en mayo, mientras ella se encuentra en un sanatorio, Picasso tiene un romance con Gabrielle Depeyre, con la que realizó ese mismo año un viaje en secreto a Saint-Tropez. En agosto realiza otro dibujo, Retrato de Ambroise Vollard (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York),152​ de técnica clásica y parecido casi fotográfico. Este tipo de dibujos seguían siendo contemporáneos con pinturas cubistas, como Arlequín (MoMA, Nueva York),153​ una composición austera de grandes áreas geométricas monocromas sobre un fondo negro, parte de una serie larga sobre ese tema, que puede entenderse como una alegoría de la pérdida, particularmente la enfermedad fatal de Eva, que fue trasladada al hospital de Auteil en noviembre. Picasso pasó momentos muy duros, «mi vida es un infierno», le escribía a Gertude Stein. Eva falleció el 14 de diciembre de 1915.154​

Durante la guerra su trabajo se centró en bodegones cubistas y retratos de estilo naturalista; el cubismo, puntillismo, manierismo y neoclasicismo coexistieron en su trabajo desde 1917. Al finalizar la guerra, aunque siguió trabajando simultáneamente en estos estilos tan dispares, Picasso tendió poco a poco hacia un estilo neoclásico, que se mostró plenamente desarrollado en 1920 y que sustentó su interés hasta 1924.155​

Los Ballets Rusos
Las señoritas de Aviñón en el Salón de Otoño
En 1916 tuvo relaciones con dos mujeres: Gabrielle Lespinasse, una corista de Montparnasse con la que tuvo un romance sin consecuencias y Elvira Paladini, sensual y sibarita, cuya presencia estimuló una cierta premonición de Italia en la obra de Picasso. En marzo, Apollinaire regresó herido del frente y Picasso realizó varios dibujos retratándole en los siguientes tres meses, como Retrato de Apollinaire (colección privada),156​ también en un estilo realista. En junio comenzó a mudarse al número 22 de la calle Víctor-Hugo, en el barrio de Montrouge. Realizó varios retratos de Elvira Paladini y de Apollinaire, en un estilo realista, y varios dibujos de arlequines que recuerdan en su trazo a la época rosa. En julio se produjo la primera exhibición al público de Las señoritas de Aviñón en el Salón de Otoño, que organizó André Salmon. Al igual que sucedía con el cubismo, la crítica fue bastante dura con una obra que no alcanzaban a comprender.157​

Parade

Retrato de Jean Cocteau (1916) por Amedeo Modigliani.
Tras un par de visitas previas, Jean Cocteau, a quien conoció en diciembre del año anterior, le invita el 1 de mayo a realizar el diseño del decorado para la compañía de los Ballets Rusos, dirigida por Sergéi Diágilev, con libreto del mismo Cocteau y música de Erik Satie; durante la visita realizaría un retrato realista del escritor. A finales de mayo Cocteau llevó a Diágilev a visitarle a su estudio, donde discutieron planes para el ballet, Parade. En agosto de 1916 aceptó finalmente trabajar en el ballet Parade. Picasso introdujo varios cambios en la obra, ideas que gustaban a Satie más que las de Cocteau. Finalmente en septiembre se pusieron de acuerdo,157​ y en enero de 1917 confirmó con Diágilev el acuerdo para realizar los decorados y vestuario para el ballet por la suma de 5000 francos, con 1000 francos adicionales si tuviera que ir a Roma. Entre febrero y marzo trabajó sobre el Telón para el ballet Parade (Musée National d'Art Moderne, Centro Georges Pompidou, París).158​

El 19 de febrero llegó con Cocteau a Roma para unirse a Diágilev y los Ballets Rusos. Permaneció ocho semanas en el Grand Hôtel de Russie, en la esquina de Vía del Babuino y la Piazza del Popolo, donde hizo muchos dibujos de la Villa Médici desde su ventana. Produjo muchos bocetos para los vestidos y decoración del ballet en un estudio alquilado en el 53b de la Vía Margutta. Cuando no estaba trabajando socializaba con Diágilev, el coreógrafo de la obra Léonide Massine, el diseñador escénico Léon Bakst, Cocteau e Igor Stravinsky, de los que hizo retratos rápidos y caricaturas. También se encontró con los artistas futuristas italianos y visitó los lugares famosos de la ciudad con ellos, la Capilla Sixtina, las Estancias de Rafael y los museos vaticanos de escultura. Su estancia en Roma renovó su interés en el estilo académico de Ingres, cuya influencia se reflejaría en su obra en los años siguientes. Durante este periodo conoció a la bailarina Olga Khokhlova, miembro de la compañía de Diágilev con la que acabaría casándose.155​


Partitura de Parade, música de Erik Satie. Este ballet fue la primera de una serie de colaboraciones de Picasso para la realización de telones, decorados y vestuarios para el teatro o la danza.
En marzo de 1917, Diágilev llevó a Picasso, Stravinsky, Cocteau y Massine de viaje a Nápoles, desde donde visitaron las ruinas de Herculano y Pompeya. En esos días vio la luz en París el magacín de literatura vanguardista Nord-Sud, que durante su corta existencia destacó como un poderoso foro de discusión vanguardista sobre cubismo, e intentó reunir los centros parisinos de literatura tradicional y de vanguardia, Montmartre y Montparnasse. Entre sus colaboradores se encontraban buena parte de los escritores que darían forma al surrealismo: Apollinaire (que acuñó el término por esas fechas), André Breton, Louis Aragon y Tristan Tzara entre otros. En abril, Cocteau regresó a París y Picasso se unió a la compañía de los Ballets Rusos en su viaje por Italia para estar cerca de Olga, pasando por Florencia (donde visitó la Capilla de los Médici, con las tumbas realizadas por Miguel Ángel) y Venecia.155​

Tras la gira por Italia, la compañía se dirigió a finales de abril a París, donde el 18 de mayo de 1917 tuvo lugar la primera presentación de Parade en el Théâtre du Châtelet. La conjunción de estilos vanguardistas en arte, música y coreografía de la obra, en un periodo marcado por la guerra en Europa, convirtió ésta en el escándalo que Diágilev esperaba, siendo tachada de «ofensivamente anti-francesa». Apollinaire señaló en su ensayo para el programa del ballet que la síntesis de los diseños de Picasso y la coreografía de Massine alcanzaba por primera vez un tipo de «surrealismo donde veo el punto de partida de una serie de manifestaciones de este Nuevo Espíritu». Las noticias en la prensa fueron, por otro lado, terribles.155​ Entre mayo y junio realizó un realista Autorretrato (Museo Picasso, París)159​ y Los ojos del artista (Museo Picasso, Málaga)160​

Estancia en Barcelona
Enamorado de Olga, Picasso acompañó a los Ballets Rusos a Madrid, donde actuaron durante el mes de junio; por influencia de Olga y su contacto con la compañía, Picasso frecuentó la alta sociedad madrileña. El 23 de junio llegaron a Barcelona, donde los Ballets Rusos representaron Las Meninas en el Teatro del Liceo. A finales de mes la compañía partió para Sudamérica, mientras que Olga y Picasso, ya comprometidos, se quedaron cuatro meses en Barcelona, donde sus amigos artistas catalanes Miguel Utrillo, Ángel Fernández de Soto, Ramón Reventós, Pallarés, Ricardo Canals, los hermanos Vidal y Francisco Iturrino le dieron un banquete de bienvenida en las Galerías Layetanes en julio.155​ Pintó el naturalista Arlequín de Barcelona (Museo Picasso, Barcelona)161​ y Olga Kokhlova con mantilla (Museo Picasso, Málaga);162​ Mujer con vestido español (La Salchichona) (Museo Picasso, Barcelona), con técnica divisionista;163​ en un estilo cubista, Mujer sentada en un sillón (Personaje) (Museo Picasso, Barcelona)164​ y Frutero (Museo Picasso, Barcelona).165​ También realizó numerosos dibujos de corridas de toros y retratos y dibujos de Olga.166​

En noviembre los Ballets Rusos volvieron a España; representaron Parade en Barcelona, con una tibia recepción; durante la representación la hermana de Picasso, Lola, y su marido le presentaron al por entonces estudiante de arte Joan Miró. A finales de noviembre Olga y Picasso se preparan para volver a París.155​

Periodo duquesa

La tumba de Apollinaire en el cementerio del Père Lachaise presenta un monumento-menhir concebido por Picasso y financiado por la venta de dos obras de Matisse y Picasso el 21 de junio de 1924.
1918 marca el inicio de lo que Max Jacob identificó como el periodo duquesa, que terminó sobre 1923. Desde el 23 de enero hasta el 15 de febrero de 1918, Picasso expuso con Matisse en la galería de Paul Guillaume, una serie de pinturas protocubistas. En un clima aún hostil al cubismo, la exposición suscitó numerosos comentarios en la prensa; es posible que Las señoritas de Aviñón fueran parte de la exposición.167​ Finalizó un Retrato de Olga en un sillón (Museo
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Alonso Cano

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Alonso Cano

Alonso Cano Almansa (Granada, 19 de febrero de 1601-ibídem, 3 de septiembre de 1667) fue un pintor, escultor y arquitecto español. Por su contribución en las tres disciplinas y la influencia de su obra en los lugares donde trabajó, se le considera uno de los más importantes artistas del barroco... Ver mas
Alonso Cano Almansa (Granada, 19 de febrero de 1601-ibídem, 3 de septiembre de 1667) fue un pintor, escultor y arquitecto español. Por su contribución en las tres disciplinas y la influencia de su obra en los lugares donde trabajó, se le considera uno de los más importantes artistas del barroco en España, siendo además el iniciador de la Escuela granadina de pintura y escultura. Importantes discípulos suyos fueron los pintores Juan de Sevilla, Pedro Atanasio Bocanegra y José Risueño, también escultor, y los escultores Pedro de Mena y José de Mora entre otros.



Biografía

Rey de España, uno de los lienzos de Alonso Cano en el Museo del Prado.
Su padre, Miguel Cano, era un prestigioso ensamblador de retablos de origen manchego, su madre, María Almansa (natural de Villarrobledo), quien también podría haber practicado el dibujo. Establecidos en Granada, al poco tiempo nació Alonso, siendo bautizado en la parroquia de San Ildefonso, donde se conserva un retablo con las trazas de su padre. Alonso aprendió sus primeras nociones de dibujo arquitectónico y de imaginería, llegando a colaborar tempranamente en los encargos granadinos de su padre, pues muy pronto sus progenitores comenzaron a descubrir su talento. Se dice que, en una visita a Granada del pintor Juan del Castillo en 1614, éste advirtió las grandes dotes del muchacho y aconsejó a su padre que lo llevase a Sevilla, donde había un ambiente artístico más acorde con su talento.

Compañero de Velázquez
En 1614 o 1615 se traslada junto a su familia a la ciudad de Sevilla, donde al poco tiempo entra en el taller de pintura de Francisco Pacheco el más prestigioso maestro de la ciudad, maestro de Velázquez, de quien fue compañero y con el que mantuvo amistad durante toda su vida. Se considera tradicionalmente que se formó como escultor con Juan Martínez Montañés, aunque no hay constancia documental de ello. Su primer cuadro conocido y firmado, un San Francisco de Borja (Museo de Bellas Artes de Sevilla) con la inconfundible huella de Pacheco, es de 1624, dos años antes de obtener el título de Maestro Pintor. En esta época seguiría colaborando con su padre en el diseño y ensamblado de retablos. En 1627 muere, al parecer de parto, su primera esposa, María de Figueroa. Vuelve a casarse en 1631, esta vez con Magdalena de Uceda, sobrina del pintor Juan de Uceda.

En Madrid
En 1638 Cano se trasladó a la capital, donde el valido de Felipe IV, el poderoso conde-duque de Olivares, lo nombró pintor de cámara. Fue también profesor de dibujo del príncipe Baltasar Carlos. Por su proximidad a la corte, Cano pudo conocer las colecciones reales, ricas en pintura veneciana del siglo XVI y en obras recientes de su colega Velázquez. Todo esto ayuda a explicar su evolución, del tenebrismo derivado de Caravaggio a un estilo más colorista y de figuras elegantes que a veces recuerdan a Van Dyck.

Acusado de asesinato
En 1644 su esposa murió asesinada, siendo Alonso acusado de su asesinato, llegando incluso a ser torturado, aunque no se le pudo condenar, al no haberse demostrado que fuera culpable. Tras un año de estancia en Valencia, refugiado en el convento de San Francisco, vuelve a Madrid, donde en 1647, sería nombrado mayordomo de la Hermandad de Nuestra Señora de los Siete Dolores.

Regreso a Granada
En 1651 regresa a Granada con el propósito de ordenarse sacerdote y obtener un puesto de canónigo en la catedral. En espera del puesto (que obtuvo en 1652), trabajó en numerosos proyectos para la catedral, así como para otras iglesias, monasterios y conventos de la ciudad, especialmente los pertenecientes tanto a la rama masculina como la femenina de la orden franciscana. En 1660, luego de una estancia en Madrid y en Salamanca durante la cual recibió los hábitos de sacerdote, se reintegró a la catedral de Granada como canónigo y terminó su serie sobre la vida de la Virgen para esa iglesia. Pocos meses antes de su muerte recibió el título de maestro mayor de la catedral y diseñó su fachada, que se construyó póstumamente. Fue enterrado en la cripta de la catedral de Granada.

Tuvo un carácter pendenciero e intervino en duelos. Pese a ganar grandes cantidades de dinero, mantuvo muchas deudas a lo largo de su vida, llegando a pisar la cárcel, aunque su amigo Juan del Castillo pagó sus deudas.

Obra
La obra de Alonso Cano ha sufrido, quizá más que la de ninguno de sus contemporáneos, pérdidas irreparables a lo largo del tiempo. Incendios, guerras, robos, saqueos, nos han privado de una parte importante de su legado. En la actualidad se halla dispersa y, en ocasiones, oculta o mal conservada; pocas de las obras se encuentran aún en su ubicación original. Sigue siendo, sin embargo, un legado inmenso que abarca, además de pintura y escultura, obras arquitectónicas de relevancia. Mención aparte merecen sus dibujos, de los que se conserva gran número y que permiten seguir el desarrollo de la carrera de este artista y su gran influencia en los ámbitos en los que ejerció su labor (Sevilla, Madrid, Granada).

Sus obras fueron, al comienzo de su carrera, una mezcla entre el manierismo italiano y el Barroco. Al igual que Velázquez, evolucionó del tenebrismo predominante en Sevilla a un estilo más colorista, aunque con carácter propio, puede decirse que, junto con Velázquez, su obra supone un punto de inflexión en la pintura española de su época hacía una tendencia más idealista.


La Inmaculada Concepción, 1648, obra maestra de su pintura (en depósito en Vitoria, Museo Diocesano de Arte Sacro de Álava).
Pintura
Podemos distinguir tres periodos estilísticos en su obra. De su primera etapa sevillana es poco lo que nos ha llegado, la aportación más temprana es el citado San Francisco de Borja (Museo de Bellas Artes de Sevilla) y algunas obras menores. Hacia 1635 se observa un importante cambio con obras con un colorido más brillante y una interpretación más lírica de los modelos de Pacheco, como en La Visión de San Juan de 1637 (Londres, Wallace Collection) o la perdida Santa Inés de la que se conserva, sin embargo, una buena copia descubierta recientemente. Este avance estilístico de mitad de la década de los 30 hace pensar en una posible visita a la Corte en esa época (no documentada) antes de su marcha definitiva a Madrid en 1638.

En su primera etapa madrileña algunas pinturas destacadas son El milagro del pozo alusivo a San Isidro Labrador (Museo del Prado), y el Retablo del Niño Jesús de la Catedral de Getafe. También son suyas el Cristo atado a la columna y Cristo flagelado por dos verdugos conservados en el Convento del Santísimo Cristo de la Victoria de Serradilla (Cáceres).

Establecido ya de nuevo en Granada, recibe el encargo más importante de su vida, completar la decoración de la capilla mayor de la Catedral de su ciudad natal con siete enormes lienzos con episodios de la vida de la Virgen, que constituyen lo principal de su obra pictórica y uno de los conjuntos más impresionantes de la pintura barroca europea.

El dibujo fue fundamental como parte del proceso creativo de Alonso Cano. Ya sus coetáneos destacan su gran habilidad, su extraordinaria inventiva y su exquisita técnica, a lo que se añade la cualidad de saber dibujar cualquier cosa, desde un motivo arquitectónico a una figura.

Escultura

La Inmaculada del facistol, 1655, obra escultórica maestra de Alonso Cano conservada en la sacristía de la Catedral de Granada.
En muchas ocasiones se hace referencia a la escultura como la principal ocupación de Cano y donde ha dejado una huella más perdurable. Es frecuente que en muchos manuales de historia del arte, se le mencione casi exclusivamente como imaginero. Sin embargo, como bien argumentó Gómez-Moreno, esta afirmación es errónea. En la obra de Cano, la escultura ocupa un lugar secundario respecto a la pintura, el mismo se consideraba antetodo pintor; ninguna de sus obras es una imagen de tipo procesional y la mayoría son de pequeño tamaño. Su importancia radica más en la delicada belleza de algunas de estas joyas, que apuntan ya hacia el arte rococó y en la perfección y concentrada belleza de las mismas.

En su etapa sevillana nos deja, como escultor-retablista, sus obras más importantes que se encuentran en el retablo de Santa María de la Oliva en la iglesia de Lebrija, de 1628, que supone, en fecha tan temprana de su producción, su aportación más grandiosa como retablista con las figuras colosales de San Pedro y San Pablo. En Sevilla realizó Cano otra de sus obras más importantes, la Inmaculada que se venera en la iglesia parroquial de San Julián, escultura en madera policromada de 1,41 m de altura.

Entre su producción escultórica destaca la conocida Inmaculada del facistol de la Catedral de Granada, obra maestra realizada en 1655 en madera policromada de apenas 50 cm de altura, que por su finura y virtuosismo pronto fue trasladada a la sacristía, para protegerla mejor y a su vez favorecer su contemplación.
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Venancio Blanco

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Venancio Blanco

Venancio Blanco (Matilla de los Caños del Río, Salamanca, 13 de marzo de 1923-Madrid, 22 de febrero de 2018)1​ fue un escultor español. Biografía Tras estudiar en Madrid, fue profesor de Modelado en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid desde los años sesenta. En 1975 es nombrado Académico... Ver mas
Venancio Blanco (Matilla de los Caños del Río, Salamanca, 13 de marzo de 1923-Madrid, 22 de febrero de 2018)1​ fue un escultor español.

Biografía
Tras estudiar en Madrid, fue profesor de Modelado en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid desde los años sesenta. En 1975 es nombrado Académico de Número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. En 1981 se desempeña como director de la Academia Española de Bellas Artes en Roma y en 1986 deviene la Miembro Correspondiente de la “Pontificia Insigne Academia Artística dei Virtuosi al Pantheom”.

Su obra se encuentra en diversos museos nacionales y extranjeros como los Museos Vaticanos, el Museo Nacional de El Cairo, el Museo de Bellas Artes de Amberes, el Museo de Bellas Artes de Salamanca, el Museo de Escultura al Aire Libre en Alcalá de Henares; y la Catedral de la Almudena y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, en Madrid.2​

En Salamanca, se puede contemplar una variada selección de sus obras, tanto en el Museo de Bellas Artes, como en la Sala de exposiciones de Santo Domingo, donde se exponen de forma permanente una selección de sus obras. Además, algunas de sus principales obras escultóricas se encuentran repartidas por la capital castellana, como: el monumento al Vaquero Charro —situado en la plaza de España—, el monumento a Gerardo Gombáu —en la plaza de San Julián—, el monumento a San Francisco de Asís o el medallón del Rey Juan Carlos y Doña Sofía —en la plaza mayor—.2​

Antes de fallecer, al artista le confiaba a su hijo: “Lo hermoso de un artista cuando llega la muerte es que has sido feliz en tu vida, que has elegido lo que te gustaba; y en tus últimos años reconoces la suerte que has tenido, y sigues dando gracias al Creador que te eligió para contemplar la belleza del arte y desde ahí la belleza de la amistad, de la familia, de la Naturaleza, y de tantas cosas. Así es como yo entiendo la vida, y la muerte, que es un nuevo y definitivo nacimiento”.3​

El artista falleció en su domicilio madrileño, en la madrugada del 22 de febrero de 2018, a causa de un paro cardíaco.4​ Fue enterrado en el Cementerio de La Almudena.


Exposición de la Fundación Venancio Blanco
Para dar continuidad a la obra y a la personalidad del escultor salmantino, se creó la Fundación Venancio Blanco.3​

Exposiciones individuales
1959 Ateneo de Madrid.
1960 Galería Nebli, Madrid. Sala Artis, Salamanca.
1961 Círculo de la Amistad, Córdoba.
1963 Galería Forum, Nueva York.
1967 Sala Artis, Salamanca. Galería Grises, Bilbao.
1968 Sala Libros, Zaragoza.
1973 Galería Castilla, Valladolid.
1974 Sala Santa Catalina del Ateneo de Madrid.
1975 Galería Tolmo, Toledo. Caja de Ahorros de Salamanca y Zamora.
1978 Galería Fauna’s de Madrid.
1980 Sala Luzán, Zaragoza. Exposición Antológica en el Palacio Velázquez del Retiro de Madrid.
1981 Exposición Antológica en la Fundación Rodríguez Acosta de Granada.
1984 Antológica en la Academia de Bellas Artes en Roma y en el Real Colegio de España en Bolonia.
1986 Sala Mapfre, Madrid.
1987 Galería Tavira, Bilbao.
1992 Exposición Antológica Fundación Mapfre, Madrid.
Premios
Premio Nacional de Escultura (1959)
Segunda Medalla de la Exposición Nacional de Bellas Artes (1960)
Primera Medalla de la Exposición Nacional de Bellas Artes (1962)
Gran Premio de Escultura al Aire Libre, Fundación Rodríguez Acosta
Gran Premio de la V Bienal de Alejandría (1963)
Medalla de Oro de la IV Bienal Internacional de Arte Sacro, en Salzburgo (1964)
Primer Premio de Escultura de la Exposición de Valdepeñas.
Medalla de Oro en la X Exposición de “Las Artes en Europa”, Bruselas (1965)
Premio en la VI Bienal de “El Deporte en las Bellas Artes" (1977)
Premio Castilla y León de las Artes (2001)
Medalla de Oro de Salamanca (2015)1​
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Gil de Siloé

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Gil de Siloé

(Siglos XV-XVI) Escultor español documentado entre 1486 y 1503. Aunque nació en Orleáns o en Amberes (en ocasiones se le menciona como Gil de Amberes), se estableció en Burgos y trabajó siempre en España, por lo que es considerado un artista español. Es, de hecho, la máxima figura de la... Ver mas
(Siglos XV-XVI) Escultor español documentado entre 1486 y 1503. Aunque nació en Orleáns o en Amberes (en ocasiones se le menciona como Gil de Amberes), se estableció en Burgos y trabajó siempre en España, por lo que es considerado un artista español. Es, de hecho, la máxima figura de la escultura hispánica del siglo XV, cuando las formas góticas, ensambladas con las mudéjares, dieron origen al llamado estilo Isabel, exclusivo de España, uno de cuyos principales representantes es Gil de Siloé.

Las obras que se le atribuyen con total seguridad se encuentran en la ciudad de Burgos, pero se cree que trabajó también en Valladolid, donde guardan evidentes analogías con su estilo exuberante y decorativista la fachada del colegio de San Gregorio (hoy Museo Nacional de Escultura) y la fachada de la iglesia de San Pablo. La atribución de estas obras resulta, sin embargo, problemática.


Sepulcro de Juan II de Castilla e
Isabel de Portugal, de Gil de Siloé

En la cartuja de Miraflores, en las afueras de la ciudad de Burgos, se conserva su obra maestra, un magnífico conjunto que se cuenta entre las grandes realizaciones de la escultura española. Incluye los sepulcros de Juan II y su esposa Isabel de Portugal, el sepulcro del infante Alfonso y el retablo mayor: tres obras emblemáticas de su estilo goticista, recargado y minucioso, más atento a los efectos ornamentales que al tratamiento de las figuras y los elementos individualizados. En el sepulcro de Juan II y su esposa destacan, no obstante, las plañideras esculpidas en el zócalo, que se inscriben en la línea de la tradición europea de la época.

En esta obra y en muchas de sus restantes realizaciones, Siloé colaboró con Diego de la Cruz, quien seguramente se encargaba de la policromía. En la catedral de Burgos realizó el retablo de la capilla de Santa Ana y el sepulcro del obispo Alonso de Cartagena. Con Gil de Siloé se formó su hijo Diego de Siloé, una de las grandes figuras del Renacimiento español, que perfeccionó su estilo en Italia.



Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Gil de Siloé. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/siloe_gil.htm el 28 de diciembre de 2019.



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Mariano Benlliure

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Mariano Benlliure

Mariano Benlliure Gil (Valencia, 8 de septiembre de 1862-Madrid, 9 de noviembre de 1947) fue un escultor español, considerado como el último gran maestro del realismo decimonónico. Biografía Mariano Benlliure nació en el barrio del Carmen, de Valencia, concretamente en el nº16 de la calle... Ver mas
Mariano Benlliure Gil (Valencia, 8 de septiembre de 1862-Madrid, 9 de noviembre de 1947) fue un escultor español, considerado como el último gran maestro del realismo decimonónico.


Biografía
Mariano Benlliure nació en el barrio del Carmen, de Valencia, concretamente en el nº16 de la calle Baja, en el seno de una familia de amplia tradición artística, aunque humilde. Su padre fue Juan Antonio Benlliure Tomás (1832-1907). Realizaba trabajos de decoración de viviendas dibujando falsas perspectivas, elementos de jardín, jarrones, guirnaldas…, una pintura ornamental muy del gusto de la alta sociedad de la época. Entre sus hermanos mayores destacaron los pintores Juan Antonio y José Benlliure.


Firma de Mariano Benlliure en el monumento al Marqués de Larios.
Mariano fue un creador muy precoz, pues desde muy niño dejó muestra de su don para la escultura. No empezó a hablar hasta la edad de siete años; dijo de él mismo 'He sido mudo hasta los siete años en que comencé a decir algunas palabras. Luego tartamudeé mucho tiempo y tengo dificultad para hablar, incluso cuando me enfado soy más torpe de expresión [...]'. Con apenas cinco años acudía junto a su hermano Pepe al estudio de Francisco Domingo, joven pintor que por aquellos años descollaba apartándose de la tradicional tendencia clasicista y academicista a favor de la corriente realista. A los nueve años Mariano se inició como tallista bajo la tutela de su hermano Pepe, en Madrid. Sus primeros concursos y exposiciones tuvieron lugar antes de cumplir los diez años. Hizo su primera obra importante en Zamora, a la temprana edad de quince años, en 1878. Allí, la misma persona para la que trabajaba temporalmente su padre, le encargó un paso procesional, 'El Descendido', para la Real Cofradía del Santo Entierro de esa ciudad.

El que sería uno de los más famosos escultores españoles de todos los tiempos comenzó a cultivar en su juventud una materia en la que ocupa un lugar destacado: la tauromaquia, con representaciones en bronce de las distintas suertes y protagonistas del toreo. A los trece años participó en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1876 presentando un grupo escultórico de cera llamado La cogida de un picador.


Monumento al general Martínez Campos en el Parque del Retiro de Madrid; inaugurado en 1907.

Monumento al general José de San Martín en Lima; inaugurado en 1921.
Su dedicación principal, sin embargo, era entonces la pintura, que siguió cultivando en París al lado de su maestro Domingo Marqués. En 1879 fue a Roma, donde, fascinado por Miguel Ángel, abandonó los pinceles para dedicarse exclusivamente a la escultura.1​ Declarada desierta la Primera Medalla de la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid de 1884, Benlliure recibió la Segunda por Accidenti!, un tema novedoso con un monaguillo que se quema con el incensario, lo que significó un paso fundamental en su carrera. En 1887 se estableció definitivamente en Madrid, donde, en la Exposición Nacional de dicho año, obtuvo la primera medalla por la estatua del pintor Ribera. Su nombre pronto adquirió fama. Los bustos y monumentos públicos que realizó son numerosos, entre otras razones porque ganaba casi todas las convocatorias públicas. Caracteriza su estilo un naturalismo detallista y minucioso, un impresionismo espontáneo, de modelado nervioso, tan rápido y vivaz que queda patente en el barro la huella manual del artista. En este orden alcanzó una maestría prodigiosa. Alfonso XIII le encargó trabajos para la Casa Real. Obras importantes suyas son los monumentos de Castelar, Gayarre, Agustina de Aragón, María Cristina de Borbón, San Martín, Velázquez, Fortuny, Joselito y Pastora Imperio. Cultivó además la imaginería religiosa. Ha dejado una producción vastísima, dominando un amplio abanico de técnicas. Alternó sus estancias en Roma con viajes a París y obtuvo primeras medallas en las Exposiciones Internacionales de Berlín, Múnich, Viena y París.

En 1887 alcanzó la Primera Medalla con la estatua del pintor José Ribera y en 1895 obtuvo la Medalla de Honor en la Exposición Nacional por la escultura del poeta Antonio Trueba, instalada en Bilbao, ciudad para la que también hizo la estatua de su fundador, Diego López V de Haro. Recibió ilustres condecoraciones extranjeras, como la de la Legión de Honor, de Francia, y la medalla especial del emperador Francisco José. En 1900 ganó en la Exposición Universal de París la Medalla de Honor en Escultura por un conjunto de obras entre las que destacan el Mausoleo de Gayarre, el relieve Retrato de la Familia Real y el busto del pintor Francisco Domingo. En 1910 consiguió el Gran Premio en Escultura en Buenos Aires. Al año siguiente el Pabellón Español de la Exposición Internacional de Roma le dedicó una sala en la que destacó el grupo taurino monumental El Coleo. En España recibió a Medalla de Oro del Círculo Bellas Artes de Madrid en 1924 por el busto La lección. Fue presidente de la Asociación de Escritores y Artistas Españoles durante el periodo 1929 - 1947. Además, fue Director de la Academia de España en Roma, Director General de Bellas Artes y Director del Museo de Arte Moderno de Madrid, así como miembro de diversas Academias de Bellas Artes en Madrid, Valencia, Zaragoza, Málaga, San Lucas de Roma, Milán, Carrara y París, y recibió innumerables condecoraciones como la Legión de Honor francesa, Comendador de la Orden de la Corona italiana o la Gran Cruz de Alfonso X de España. En 1947 se acuñaron las primeras monedas de pesetas con la efigie de Franco, grabadas por el propio Mariano Benlliure.2​

Casado con la famosa tiple Lucrecia Arana,3​ formó una de las parejas más populares del momento. Gozó de reconocimiento en vida y de una situación económica saneada. Puede decirse que fue el escultor oficial de la Restauración y por su taller madrileño de la calle José Abascal pasaron todos los personajes públicos de ese periodo. Hizo una gran vida social, dejándose ver con frecuencia por cosos taurinos, teatros y tertulias culturales. Fue propietario, entre otros bienes, de la finca de Collado Villalba que hoy ocupa el Colegio de Santa María de los Hermanos Maristas. Tras su fallecimiento en Madrid, sus restos fueron trasladados a Valencia con todos los honores. Sus restos reposan en el cementerio del Cabañal,4​ junto a los de sus padres, según planeó el propio artista. Su tumba, de gran modestia considerando las grandes creaciones funerarias que hizo para otros muchos, solo consta de una sencilla cruz tendida en el suelo y unos altorrelieves con las cabezas de sus padres y su propio busto.


Fuente de los Niños (1928). Copia de la original en cerámica policromada realizada por Benlliure por encargo del Marqués de Valdecilla.

Monumento al Duque de Rivas en los jardines de la Victoria de Córdoba (España).
Obra
Obra civil y funeraria

Estatua de Jacinto Ruiz, en Madrid.

Monumento a los Cazadores de Alcántara, Valladolid (1931).
Mausoleo de la vizcondesa de Térmens, 1914, en Cabra.
Monumento a Bárbara de Braganza, 1882, en Madrid.
Monumento al teniente Jacinto Ruiz y Mendoza, Madrid, 1891 (ver).

Mausoleo de la vizcondesa de Térmens.
Monumento a Álvaro de Bazán, Madrid, 1891 (ver).
Monumento funerario a Joselito "El Gallo", en el Cementerio de San Fernando de Sevilla.
Monumento funerario -mausoleo- al tenor Julián Gayarre en Roncal (Navarra) (1891-1895).
Monumentos a Sagasta, Eduardo Dato y Canalejas en el Panteón de Hombres Ilustres de Madrid.
Mausoleo de Blasco Ibáñez (Valencia)
Ángel que abre la puerta en el mausoleo de la familia Moróder (Valencia)
Escultura funeraria del tenor Francisco Viñas Dordal, en el cementerio de Montjuïc de Barcelona (1940-1943).
Monumento a Diego López V de Haro, que en su día se instaló frente al Ayuntamiento de Bilbao y hoy está en la Plaza Circular (antes Plaza de España).
Monumento a Antonio Trueba en los Jardines de Albia, en Bilbao.
Retratos de la familia de Joaquín Sorolla y Bastida, hoy en la Casa Sorolla, en Madrid.
Monumento a Goya (1902), frente a la entrada norte del Museo del Prado, en Madrid (ver).
Monumento a Arsenio Martínez Campos en el Buen Retiro, Madrid; inaugurado en 1907.
Monumento a Emilio Castelar (1908), en Madrid.
Monumento a Agustina de Aragón (1908), en Zaragoza.
Monumento a José Campo Pérez I Marqués de Campo (1908), en Valencia.
Estatuas alegóricas en el Edificio Metrópolis de Madrid que se inauguró en 1911.
Monumento al cabo Noval, Madrid (Pl. Oriente), 1912 (ver).
Monumento al general José de San Martín en la Plaza San Martín de Lima (1921).
Estatua ecuestre de Alfonso XII, 1922.
Monumento a Miguel Moya, Madrid, 1928 (ver).
Monumento a Antonio Maura, Palma de Mallorca, 1929.
Monumento a Miguel Primo de Rivera, Jerez de la Frontera, 1929.
Monumento al Duque de Rivas. Córdoba, 1929.
Monumento al Marqués de Larios en Málaga, 1889.
Monumento a los Cazadores de Alcántara. Valladolid, 1931.
Monumento a Isabel la Católica (1892), en la plaza de Isabel la Católica de Granada.
Monumento a su amigo el escultor Aniceto Marinas, 1943, en los Jardines de San Roque (Segovia).
Estatua en honor de Aniceto Coloma, Almansa, 1922.
Monumento a Bernardo de Irigoyen, 1934, plaza Rodríguez Peña, Buenos Aires, Argentina.
Obra religiosa
Cabra (Córdoba)

Retablos de mármol, sillería del coro y tapa de la pila bautismal de la iglesia de la Asunción y Ángeles.
Calanda (Teruel)
Milagro de Miguel Pellicer, 1940. Templo del Pilar.
Cartagena
Santísimo Cristo de la Fe, 1941. Iglesia del Carmen.
Nuestro Padre Jesús del Prendimiento, 1942. Cofradía California
Santísima Virgen del Primer Dolor, 1946. Cofradía California
San Juan Evangelista, 1946. Cofradía California
Grupo del Beso de Judas, 1946. Cofradía California
Santísimo Cristo de la Flagelación, 1947. Cofradía California
Jesús del grupo de la Entrada en Jerusalén, 1947. Cofradía California
Crevillente (Alicante)
Nuestro Padre Jesús Nazareno, 1944.
María Magdalena, 1945.
Virgen de los Dolores, 1946. Cofradía Virgen de los Dolores. La imagen está expuesta al culto en la Iglesia de Nuestra Sra.de Belén de Crevillent.
Santísimo Cristo de Difuntos y Ánimas, 1946.
Las Tres Marías y San Juan, 1946. Uno de los más bellos grupos escultóricos procesionales,
Santísimo Cristo Yacente, 1946.
Entrada de Jesús en Jerusalén, 1947. Última obra realizada por el genial artista valenciano.
San Juan de la Tercera Palabra de la Cruz, 1947. Adquirida por la familia de D. Vicente Martínez Mas y su esposa Dña. Encarnación Carreres a los herederos y colaboradores del artista, confirmando la autoría de Benlliure.
Nuestra Señora del Rosario, 1945 (patrona de Crevillente).
Cuenca
Alegoría de la Fe y de la Esperanza, Catedral de Cuenca
Hellín (Albacete)
Cristo Yacente (1942)
Cabe destacar que Hellín estuvo a punto en dos ocasiones de perder la singular imagen que realizó Mariano Benlliure; una de ellas fue el mismo escultor que una vez concluido el trabajo del Cristo no quiso desprenderse de la imagen e intentó quedarse con ella. La segunda ocasión fue el papa Pio XII que mandó un comunicado a Hellín para traspasar la imagen del Yacente al Vaticano al precio que fuese. Sin duda Hellín dijo un "no" a las dos propuestas, ya que es una verdadera figura de anatomía.

Madrid
El Divino Cautivo, 1944. Real Hermandad y Cofradía de Nazarenos de Ntro. Padre Jesús Divino Cautivo. [3]
Virgen de Gracia de San Lorenzo de El Escorial. Hermandad de Romeros de La Virgen de Gracia. San Lorenzo de El Escorial.
Málaga
Nazareno del Paso, 1935. Archicofradía del Paso y la Esperanza.
Cristo de la Expiración, 1940. Archicofradía de la Expiración.
Onteniente (Valencia)
Mare de Déu en la seua Soledat, 1943. [4]
Cristo yacente, 1943.
Salamanca
Nuestra Señora de la Soledad, 1941-1943. Hermandad de la Soledad, Catedral Nueva de Salamanca.
Estatua orante del XVII Marqués de Cerralbo y Frontal de altar, en la Capilla de Cerralbo de Ciudad Rodrigo.
Andújar (Jaén)
Santísimo Cristo de la Agonía, 1943. Se encuentra en el Real Santuario Basílica de Nuestra Señora de la Cabeza
Sagrado Corazón de Jesús, 1943. También en el Real Santuario Basílica de Nuestra Señora de la Cabeza.
Úbeda (Jaén)
Nuestro Padre Jesús de la Caída, 1942. Muy Ilustre Cofradía de Nuestro Padre Jesús de la Caída y María Santísima de la Amargura de Úbeda (Jaén)5​
Un torito y tres tondos de políticos de su época. Colección del Palacio Vela de los Cobos. Úbeda (Jaén).
Villanueva del Arzobispo (Jaén)
Santísimo Cristo de la Veracruz, año 1942. Esta imagen es el patrón de la ciudad y se venera en el Templo de la Veracruz.
Villanueva de la Serena (Badajoz)
Nuestra Señora la Virgen de los Dolores fechada en 1943, es la imagen titular de la Cofradía de Nuestra Señora la Virgen de los Dolores y la única en Villanueva de la Serena que procesiona bajo palio. Fue adquirida por suscripción popular, llegando a la ciudad el 25 de julio de 1943. Sorprende por su realismo y por la serenidad de su rostro que, a la vez, refleja un dolor contenido que, sin lugar a dudas, la hace originalmente bella.
Zamora
El Descendido, 1879. Grupo escultórico que desfila la tarde de Viernes Santo en la Real Cofradía del Santo Entierro.
La Redención, 1931. Grupo escultórico que sale en la madrugada de Viernes Santo en la Cofradía de Jesús Nazareno (vulgo, "Congregación")
Játiva (Valencia)
Virgen de la Seo o Mare de Déu de la Seu, 1943.
Villanueva de los Infantes Ciudad Real
Cristo Yacente "El sepulcro", parroquia San Andrés Apóstol.
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Antonio López García

16

Antonio López García

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Aniceto Marinas

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Aniceto Marinas

Aunque todos conocemos alguna de las esculturas de Aniceto Marinas (1866-1953), no muchos recuerdan su nombre. Es autor de las más importantes obras que adornan Madrid (Velázquez, Eloy Gonzo, Alfonso XII...)y otras ciudades. Y ahora su olvido será conjurado por la exhaustiva monografía que... Ver mas
Aunque todos conocemos alguna de las esculturas de Aniceto Marinas (1866-1953), no muchos recuerdan su nombre. Es autor de las más importantes obras que adornan Madrid (Velázquez, Eloy Gonzo, Alfonso XII...)y otras ciudades. Y ahora su olvido será conjurado por la exhaustiva monografía que Antonio Horcajo ha preparado y que será presentada el próximo día 8 de junio en el salón de Actos de la Biblioteca Nacional. Tendrá dos presentadores de lujo: Leticia Azcue, jefa de escultura del Museo del Prado, y el académico Pedro de Navascués.

Marinas, como Miguel Ángel, siempre quiso ser escultor. Fue académico de Bellas Artes de la Real Academia de San Fernando y sacó cátedra en la escuela de Artes y Oficios de Madrid. De un escultor, para la historia, sólo persiste esa memoria hueca del bronce vaciado. Porque España tiene una mala memoria de bronce en casi todas sus calles que una vez ideó, esbozó y llevó a cabo algún artista hoy olvidado. A los visitantes del Museo del Prado, cuando se fotografían frente al «Velázquez» les pregunta Antonio Horcajo con picardía «de quién es la escultura». «De Velázquez, hombre», responde airado un turista. «¿Y el escultor de la obra?», replica. «¡Ah, eso ni idea!».

Antonio Horcajo presenta su libro «Grita el bronce. Habla la piedra. Reza la madera. Una memoria entorno a la vida y obra del escultor Aniceto Marinas (Segovia, 1866 - Madrid 1953)». Un propósito casi pedagógico el que se ha marcado, como presidente del Centro de Estudios Segovianos en Madrid. Quiere recobrar la memoria de uno de sus paisanos al que trató por extenso durante los tres últimos años de su vida.

«El Cascorro»
«El Cascorro» - Maya Balanya
Madrid, en palabras de Umbral, «es un invento de sus escritores». Pero hablando con el autor de este volumen se cae en la cuenta de que Madrid, también, es un invento de sus escultores. Y a ese invento, en cierta medida, ha contribuido Aniceto Marinas. «A raíz de la perdida de Filipinas los escultores de la generación del 98 se encargaron de sacar a la calle la Historia para que el pueblo la viera y se enorgulleciera de ella. Esos escultores ahora son tratados con un injusto olvido», afirma Horcajo.

El artista consideraba su mejor obra el grupo «Las Cortes de Cádiz», o eso confesó en 1950 en entrevista al «Adelantado de Segovia». Pero su «Velázquez», frente al Museo del Prado, quizá sea una de las estampas más reconocibles. Un trabajó que le llevó más tiempo en la silla concibiéndolo que ejecutándolo. Prueba de ello son las semanas que pasó sentado frente al museo observando el lugar donde se colocaría la escultura. Marinas se marcó la preclara misión de que no estorbara al conjunto arquitectónico del museo. Cuando le preguntaron cómo debían colocar la escultura afirmó: «Con un simple dado de piedra, para que se pueda conversar directamente con Velázquez». Y es que «a mí lo que más tiempo me lleva es la paciencia de la silla».

Aniceto Marinas
Aniceto Marinas - ABC
La escultura de Marinas «ha sido una lección de historia en bronce para la gente analfabeta. Esas esculturas hablan para el pueblo». En su cruzada pedagógica por recuperar la memoria de estos escultores afirma Horcajo que «las instituciones deberían adoptar la memoria de estos artistas. Organizar conferencias, exposiciones... Hay muchos caminos». La estatuaria española tiene un momento cumbre en el XIX cuando los ayuntamientos quieren recordar las más importantes efemérides. «Ahora deberíamos rescatar aquello».

Cuenta Horcajo que los últimos tres años el escultor de «Hermanitos de leche» se encontraba muy sólo. «Hablando de la “Soledad al pie de la Cruz”, le interrogaba yo sobre si esa era su soledad». «No se equivoque, esa obra ya no es de Marinas», defendía el propio artista. «Espiritualmente es de quien las observa».

Pero también hay obras importantes en Segovia, su ciudad natal, como la estatua de Juan Bravo junto al Torreón de Lozoya, en la Plaza de San Martín. Y en Teruel dejó el friso de los célebres Amantes. Cabe recordar que es el autor del grupo escultórico del Cerro de los Ángeles, en Getafe, que fue destruido en la Guerra Civil. El libro de Horcajo recorre la totalidad de su obra. Marinas también esculpió tallas religiosas. Como pasaba los veranos en Las Navas del Marqués (Ávila) regaló a la localidad varios crucificados salidos de su gubia después de que los que había fueran quemados durante la Guerra Civil. Porque como dejó escrito en su discurso de ingreso en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, igual que en el 98, «España tiene que salir adelante».

La estatua ecuestre de Alfonso XII del Retiro
La estatua ecuestre de Alfonso XII del Retiro - Isabel Pemuy
Itinerario por el Madrid de Aniceto
Antonio Horcajo tiene su propia ruta con la que da a conocer la obra de Aniceto Marinas en Madrid.

1. En la Calle Ferraz, Iglesia del Corazón de María: «Inmaculado Corazón de María» (imagen central del presbiterio) y «La Piedad».

2. Plaza de España, frente a los Carmelitas Descalzos: «Monumento a los Héroes del 2 de mayo».

3. Y en El Rastro: «El Cascorro».

4. De ahí al Paseo del Prado: «Velázquez».

5. Y subiendo al Retiro: «Monumeto a Alfonso XII», cuyo altar es de Marinas. El resto de la obra es de sus amigos Benlliure y Blay.
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Pablo Serrano

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Pablo Serrano

Pablo Serrano Aguilar (Crivillén, Teruel, 10 de febrero de 1908 – Madrid, 26 de noviembre de 1985) fue un escultor español. Es considerado uno de los artistas españoles más importantes del siglo XX. Biografía El ser está más allá de la realidad y de la vida. Es la soledad frente a la... Ver mas
Pablo Serrano Aguilar (Crivillén, Teruel, 10 de febrero de 1908 – Madrid, 26 de noviembre de 1985) fue un escultor español. Es considerado uno de los artistas españoles más importantes del siglo XX.


Biografía
El ser está más allá de la realidad y de la vida. Es la soledad frente a la incógnita.

Venida de la Virgen, Zaragoza, 1969.
Estudió escultura primero en Zaragoza y después en Barcelona, hasta su marcha en el año 1929, a Argentina. Entre este país y la ciudad de Montevideo (Uruguay) pasará 25 años realizando esculturas, entre las que podemos destacar su serie Los toros, logrando una pureza de formas comparable a la de Constantin Brancusi. En este período inicia su amistad con los artistas Lucio Fontana y Joaquín Torres García conociendo de primera mano las vanguardias europeas.

En los años 1944, 1951 y 1954 obtiene el Primer Premio Nacional del Salón de Bellas Artes de Montevideo, siendo ya el escultor más reconocido de Uruguay y un referente en Sudamérica, donde actualmente se pueden contemplar esculturas públicas de Serrano en países como Argentina, Uruguay, Chile, Puerto Rico o México. Regresa a España justo después de obtener el Gran Premio en la Bienal de Montevideo de 1955, consiguiendo ese mismo año el Gran Premio de Escultura en la Bienal Hispanoamericana de Barcelona. Funda el Grupo El Paso en el año 1957 junto a artistas como Antonio Saura, Manolo Millares, Rafael Canogar o Juana Francés. El Paso se convierte en el movimiento de vanguardia que introduce el arte abstracto en la península, revitalizando el mundo artístico español de posguerra.

Crea numerosas esculturas. En 1957 expone individualmente en el Ateneo de Madrid obras expresionistas Interpretaciones al retrato en las que capta magistralmente lo que el propio Serrano denominaba «rostro metafísico» y abstractas Hierros encontrados y soldados reinventando la tradición de la forja que inició Julio González. Posteriormente inicia su serie Quema del objeto utilizando el fuego como destrucción y a la vez creación de un nuevo orden; estas innovadoras y radicales experiencias sobre el volumen vacío en relación con las teorías de Martin Heidegger las realizará en ciudades como Milán, Berlín o en el MoMA de Nueva York. Muy valorados por la crítica también son los Ritmos en el espacio, esculturas móviles que gravitan con gran elegancia, desprovistas casi por completo de volumen. Expone en los principales museos de Europa y América convirtiéndose en uno de los artistas más influyentes de la segunda mitad del siglo XX.

Su consolidada fama le permite ser seleccionado para participar en la exposición New Spanish Painting and Sculpture, con itinerancia de dos años entre el MoMA de Nueva York, y otros museos norteamericanos como el de Washington, Chicago o New Hampshire. En 1961 recibe el Premio Julio González en el Salón de Mayo de Barcelona y un año después presenta en el Pabellón Español de la XXXI Bienal de Venecia, 23 obras bajo el título Bóvedas para el hombre, consiguiendo un gran éxito de crítica. En 1964 realiza la serie Los fajaditos, seres amordazados y anulados, metáfora en respuesta a la campaña franquista de los 25 años de Paz y emparentados con los Artefactos de su amigo Manolo Millares.


Unidades-yunta, Madrid, 1972.
Exhibe en 1967 sus Hombres con puerta en el Museo Guggenheim de Nueva York. En 1973 el Museo Español de Arte Contemporáneo, actual Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, le dedica una exposición antológica, y en el mismo año Pablo Serrano expone en el Museo Nacional de Arte Moderno de la Villa de París, ciudad en la que poseía un estudio que anteriormente había pertenecido al también escultor Alberto Giacometti. Al finalizar ese año interviene en la I Exposición Internacional de Escultura en la Calle de Santa Cruz de Tenerife con la obra Homenaje a las Islas Canarias. En septiembre de 1975 retira su obra de la exposición Telecom 75 en Ginebra como protesta por los últimos fusilamientos franquistas. Ese mismo año expone en Sala Gaudí Barcelona, quien coloca una obra suya en las famosas Ramblas de Barcelona,1​ y que hoy, renombrada Gaudifond Arte, posee una parte de su obra.2​ Expone su serie El pan en la Galería Darthea Speyer de París en 1979, el mismo año en el que Joaquín Soler Serrano le entrevista en su programa A fondo de TVE. Un año más tarde se le dedica una exposición antológica en la Fundación Gulbenkian de Lisboa en la que Serrano realiza un happening con una Quema del objeto nocturna. En el año 1982 se le concede el Premio Príncipe de Asturias de las Artes por la trascendencia universal de su obra. Ese mismo año expone en Moscú y en el Museo del Ermitage de Leningrado, siendo hasta el momento el único artista español al que se le dedica una exposición individual en dicho museo.

En los meses de septiembre, octubre y noviembre del año 1985 expone en el Museo Guggenheim de Nueva York su serie Divertimentos con Picasso, la guitarra y el cubismo. Muere en Madrid, cediendo parte de sus obras al Museo Pablo Serrano de Zaragoza responsable de investigar, exhibir y difundir el legado del artista. Sus herederos Pablo B. Serrano (hijo) y Valeria Serrano Spadoni (nieta) confirman esta donación. Tras su muerte el interés por su figura aumenta y se siguen sucediendo innumerables exposiciones de su obra en ciudades como Estrasburgo, Roma, Buenos Aires, Brasilia, Santiago de Chile, Rabat, Valencia, Madrid, Barcelona... Paralelamente se está elaborando el catálogo razonado de su obra escultórica que tiene prevista su publicación en el año 2014.

Poseen obras suyas el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), el Museo del Ermitage de San Petersburgo, el Museo Guggenheim de Nueva York, el Centro Georges Pompidou de París, el Museo de Arte Contemporáneo de la Villa de París, la Fundación Gulbenkian de Lisboa, el Museo Middelheim de Amberes, la colección Gaudifond Arte2​los Museos Vaticanos, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, etc.

Reconocimientos

Escultura de Unamuno en Salamanca, 1968.
En 1955 Gran Premio de Escultura en la III Bienal Hispanoamericana de Arte de Barcelona.
En 1961 Premio Julio González en el Salón de Mayo de Barcelona.
En 1967 es elegido miembro de la Société Européenne de Culture en Venecia.
En 1969 es nombrado miembro de la Real Academia de Flandes (Bélgica).
En 1976 es nombrado por el Ayuntamiento de Zaragoza Hijo Adoptivo de la ciudad.
En 1977 Caballero de las Artes y las Letras por el Ministerio de Cultura de Francia.
En 1980 recibe la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes
En 1981 es nombrado miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid.
En 1982 se le concede el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.3​4​
En 1983 es nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad de Zaragoza.
En 1984 se le concede el Premio Aragón a las Artes.
Museos
Selección de Museos con obras de Pablo Serrano

América
MoMA Museo de Arte Moderno de Nueva York, EE. UU.

Boceto para el monumento a Don Miguel de Unamuno. 1960-1967. Salamanca. Loci et imagines.
Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, EE. UU.
Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington D.C., EE. UU.
Brown University Providence, Rhode Island, EE. UU.
Wadsworth Atheneum Hartford, Connecticut, EE. UU.
Public Art of the University of Houston System/University of Houston-Clear Lake, Houston, Texas, EE. UU.
Indianapolis Museum of Art 'IMA', Indianápolis, Indiana, EE. UU.
Virginia Museum of Fine Arts, Richmond, Virginia, EE. UU.
MNAV, Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo, Uruguay
Museo de la Solidaridad Salvador Allende, Santiago de Chile, Chile

Monumento funerario dedicado a Félix Rodríguez de la Fuente en el cementerio de San José de Burgos.
Museo de Arte de Ponce, Puerto Rico
Museo de Río Piedras, Puerto Rico
Europa
Museo del Ermitage, San Petersburgo, Rusia
Pushkin Museum, Moscú, Rusia
Centre Pompidou, París, Francia
Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Francia
Museos Vaticanos, Ciudad del Vaticano
Galleria Nazionale d' Arte Moderna, Roma, Italia
Galleria d'Arte Moderna, Venecia, Italia
Museo de Henraux, Querceta, Lucca, Italia
Kunstmuseum Winterthur, Winterthur, Suiza
Museum Morsbroich, Leverkusen, Alemania
Stedelijk Museum, Ámsterdam, Países Bajos
Middelheim Museum, Amberes, Bélgica
Galería Nacional de Budapest, Hungría
Fundación Gulbenkian, Lisboa, Portugal
Marlborough Gallery, Londres, Reino Unido
España

Una de las "cabezas" de Pablo Serrano en memoria de Antonio Machado. El 19 de junio de 2007 se instaló en los jardines de la Biblioteca Nacional de Madrid, sobre un pedestal del diseñador Alberto Corazón, la última "cabeza" de Antonio Machado de la casi legendaria serie realizada por el escultor Pablo Serrano desde la década de 1960. Antes, en 1981, otra "cabeza" de don Antonio había sido regalada por Serrano y expuesta en el museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. En la imagen aparece la instalada en Soria en 1982, frente al colegio donde el poeta impartió sus clases de francés. La cabeza original de toda la serie pudo colocarse finalmente en Baeza en 1983.5​
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, MNCARS, Madrid
Fundación Juan March, Madrid
Fundación Banco Santander, Madrid
Fundación AENA, Madrid
Biblioteca Nacional de España, Madrid
Museo Arte Público, Madrid
Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid
Colección del Congreso de los Diputados, Madrid
Colección ADIF, Madrid
Colección de la I Exposición Internacional de Escultura en la Calle de Santa Cruz de Tenerife
Museo de Escultura al Aire Libre de Alcalá de Henares, Madrid
Museo de Bellas Artes, Bilbao
ARTIUM Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria
Museo de Arte Abstracto Español, Cuenca
Museo Patio Herreriano, Valladolid
Museo Picasso, Málaga
MUPAM, Museo Del Patrimonio Municipal, Málaga
CAAC, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla
CAAM, Centro Atlántico de Arte Moderno, Las Palmas
MACA, Museo de Arte Contemporáneo, Alicante
Museo Pablo Serrano, Zaragoza
CDAN, Centro de Arte y Naturaleza, Huesca
Museo de Dibujo «Julio Gavín», Castillo de Larrés, Huesca
Centro de Arte Contemporáneo Pablo Serrano de Crivillén (Teruel)
Es Baluard, Museo de Arte Moderno y Contemporáneo, Palma
Universidad Autónoma de Barcelona
Universidad Politécnica de Valencia
Colección Corporativa Iberdrola
Escritos
Selección de escritos de Pablo Serrano

Manifiesto del Grupo El Paso. Pablo Serrano y otros. Madrid, 1957.
Tribuna Libre: Manifiesto del Intra-Espacialismo. Bellas Artes 73, n.º 19, Madrid, 1973.
El lenguaje y la comunicación en la escultura. Once ensayos sobre arte. Boletín informativo de la Fundación Juan March, n.º 25, Madrid, 1975.
Recuerdo y homenaje a Torres García. Construction et symboles Musée d'art moderne de la ville de Paris, 1975.
Julio González, un escultor olvidado. Centenario de otro gran emigrado. Diario 16. 1976.
Pablo Gargallo texto en el catálogo Gargallo 1881-1981. Exposición del Centenario: Palacio de Cristal, Madrid, 1981.
Relación espiritual y formal del artista moderno con su entorno social. Discurso de ingreso en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid, 1981.
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Pablo Gargallo

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Pablo Gargallo

Pablo Emilio Gargallo Catalán (Maella, Zaragoza, 5 de enero de 1881- Reus, Tarragona, 28 de diciembre de 1934) fue un escultor y pintor español. Es considerado uno de los escultores más importantes e innovadores del siglo XX, a lo largo de su vida artística combinó paralelamente el clasicismo... Ver mas
Pablo Emilio Gargallo Catalán (Maella, Zaragoza, 5 de enero de 1881- Reus, Tarragona, 28 de diciembre de 1934) fue un escultor y pintor español. Es considerado uno de los escultores más importantes e innovadores del siglo XX, a lo largo de su vida artística combinó paralelamente el clasicismo con la experimentación. En El profeta, de 1933, culmina toda su trayectoria, que incorpora la vanguardia cubista en una escultura que conjuga el volumen y el vacío, y posee una gran energía de carácter expresionista.

Biografía
Nacido en Maella (Zaragoza), se traslada con su familia a Barcelona en 1888, donde comenzará su formación artística. En Barcelona, fue discípulo de Eusebio Arnau, para quien trabajó en su taller. Se relacionó con los artistas de Els Quatre Gats, como Picasso o Isidro Nonell. Colaboró con Lluís Domènech i Montaner en trabajos escultóricos para sus edificios, como el Palacio de la Música Catalana, el Hospital de San Pablo de Barcelona; y en el Institut Pere Mata de Reus con esculturas de piedra y bronce.

Pasó parte de su vida en el barrio de Montparnasse de París. En 1903 vivió en la comuna de artistas Bateau-Lavoir con Max Jacob, Juan Gris y Picasso, cuya cabeza modeló en una escultura. Al año siguiente Juan Gris le presentó a Magali Tartanson, con la que se casó en 1915. En 1934 sufrió una neumonía fulminante y murió en Reus (Tarragona), a donde se había desplazado para inaugurar una exposición de su obra.

Obra

Urano, Casa de la Ciudad de Barcelona (1933).
Durante toda su carrera mantuvo simultáneamente dos estilos aparentemente muy distintos: uno clásico, relacionado con el modernismo en sus inicios y con el novecentismo, y un estilo vanguardista en el que experimenta con la desintegración del espacio y las formas y los nuevos materiales.

Gargallo, influido por su amigo Julio González, desarrolló un estilo de escultura basado en la creación de objetos tridimensionales de placas planas de metal, usando también papel y cartón. También realizó esculturas más tradicionales en bronce, mármol y otros materiales. Entre sus obras se encuentran tres piezas inspiradas en Greta Garbo: Masque de Greta Garbo à la mèche, Tête de Greta y los Garbo avec chapeau y Masque de Greta Garbo aux cils.

Sin embargo, su obra más conocida es su pieza maestra El profeta, de 1933, que es la culminación de su concepto cubista de escultura del hueco y a la vez posee una energía expresionista que conecta, por el tema tratado, con la tradición bíblica.

Se le considera uno de los artistas más significativos de la vanguardia española e internacional. En 1985 se inauguró el Museo Pablo Gargallo en el Palacio Arguillo de Zaragoza. El Museo cuenta con un excelente Centro de documentación donde se puede consultar información sobre la vida y obra del artista. Además, el Centro de documentación reúne un importante fondo documental sobre otros escultores contemporáneos.

Esculturas destacadas

Los aurigas olímpicos, copia del original en el Parque de Can Dragó, Barcelona.
Los Humildes (1904)
La Pareja (1904)
Pablo Picasso (relieve de la fachada del cine Bosque de Barcelona, 1907, donde también esculpió un retrato de Isidro Nonell). Versiones posteriores son el Retrato de Picasso en piedra (1913) y Máscara de Picasso con versiones en terracota y también en bronce del mismo año.
Fauno con barba, Fauno con monóculo, Faunesa con flequillo y Faunesa con pendientes (1915, chapa de cobre)
Retrato de Ángel Fernández de Soto y Mano de Ángel Fernández de Soto (ambas de 1920).
El violinista (1920)
El virtuoso (1921)
La mujer con la sombrilla (1921)
Pequeño marinero con pipa, (1922)
El joven de la margarita (El aragonés) (1927)
El pastor del águila (1928)
Kiki de Montparnasse (1928)
Muchacha de Caspe (1929)
Los aurigas olímpicos (1929)
Greta Garbo con pestañas, (1930)
Bailarina española (1931)
El profeta (1933)
Urano (1933)
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Juan Martínez Montañés

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Juan Martínez Montañés

] Juan Martínez Montañés (Alcalá la Real, Jaén, 16 de marzo de 1568 - Sevilla, 18 de junio de 1649) fue un escultor español. Su obra conserva la sobriedad clásica propia del Renacimiento, aunque aportando la profundidad de la escultura del Barroco.1​ Se formó en Granada con Pablo de Rojas y... Ver mas
]
Juan Martínez Montañés (Alcalá la Real, Jaén, 16 de marzo de 1568 - Sevilla, 18 de junio de 1649) fue un escultor español. Su obra conserva la sobriedad clásica propia del Renacimiento, aunque aportando la profundidad de la escultura del Barroco.1​ Se formó en Granada con Pablo de Rojas y completó su educación en Sevilla, donde se estableció para el resto de su vida, convirtiéndose en el máximo exponente de la escuela sevillana de imaginería. Prácticamente toda su obra fue de tema religioso, menos dos estatuas orantes y el retrato de Felipe IV. Recibió y realizó encargos para diversas ciudades del continente americano. En su tiempo fue conocido como el «Lisipo andaluz» y también como el «dios de la madera» por la gran facilidad y maestría que tenía al trabajar con dicho material.2​



Biografía
Nacimiento en Alcalá
Nació en la ciudad jienense de Alcalá la Real, siendo bautizado en la iglesia parroquial de Santo Domingo de Silos, el 16 de marzo de 1568.3​ Sus padres fueron Juan Martínez, de oficio bordador y conocido con el sobrenombre de "Montañés", y su madre Marta González. El matrimonio tuvo seis hijos de los cuales Juan era el único varón. Mantuvo una profunda relación con las dos únicas de sus hermanas que llegaron a la edad adulta. La menor de ellas, Tomasina, fallecida en 1619, convivió con el escultor, hasta su muerte, su pérdida impulsó una época de decaimiento anímico de Montañés.4​ En Alcalá conoció probablemente al que sería posteriormente su mentor, Pablo de Rojas, casi veinte años mayor que él.

Formación en Granada
En 1579 se trasladó junto con su familia a Granada, donde, con unos doce años, comenzó su formación escultórica, en el taller de su paisano Pablo de Rojas, al que a lo largo de su vida reconocería como su maestro y del que se nota su influencia en las esculturas de crucificados.5​ Allí trató también con otros artistas como los hermanos García (Jerónimo, Francisco y Miguel Jerónimo). El aprendizaje en esta ciudad sería corto, por cuanto en 1582 se encontraba ya en Sevilla.6​

Vida en Sevilla

Monumento a Montañés en la plaza del Salvador, Sevilla. Obra de Agustín Sánchez-Cid (1924). Martínez Montañés aparece sentado con la Inmaculada.7​
Terminado el periodo de aprendizaje con Rojas, se traslada a Sevilla, a donde lo seguiría toda su familia. Allí estaban asentados ya varios artistas originarios de Alcalá, como Gaspar de Rages o Raxis, sobrino de Rojas. En esta ciudad comenzó a trabajar en un taller de escultura, que se cree pudo ser el de Gaspar Núñez Delgado. Se inscribió en la «Hermandad del Dulce Nombre», donde consta que donó una imagen mariana, aunque no dice que fuera de su autoría.8​

Los primeros datos de su estancia en Sevilla corresponden a junio de 1587, cuando contrajo matrimonio con Ana de Villegas, hija del ensamblador Juan Izquierdo, en la iglesia parroquial de San Vicente. De este matrimonio nacerían cinco hijos: Mariana (monja dominica), Bernardino (fraile franciscano), José (prebístero), Rodrigo y Catalina.8​ El 1 de diciembre de 1588 compareció ante un tribunal examinador, compuesto por Gaspar del Águila y Miguel de Adán, para acreditar su suficiencia en la escultura y el diseño de retablos. En presencia del tribunal esculpió una figura vestida y otra desnuda, y realizó también el alzado de un retablo, siendo declarado "hábil y suficiente para ejercer dichos oficios y abrir tienda pública".9​

Se estableció en la colación de la Magdalena, viviendo en la calle de la Muela; allí moriría, en 1613 su esposa Ana, que fue enterrada el 28 de agosto en una sepultura que poseía el matrimonio en el convento de San Pablo de Sevilla.8​ Montañés contrajo nuevamente matrimonio el 28 de abril de 1614 con Catalina de Salcedo y Sandoval, hija del pintor Diego de Salcedo y nieta del escultor Miguel de Adán, con la que tendría siete hijos: Fernando, Mariana, Francisco, Ana Micaela, José Ignacio, Teresa y Hermenegildo.10​En el mes de agosto de 1591 fue encarcelado por sospecharse su implicación en el asesinato de un tal Luis Sánchez, permaneciendo en la cárcel dos años, hasta que la viuda le perdonó previa entrega de cien ducados. El documento del pleito se guarda en el Archivo de Protocolos Notariales de Sevilla.11​

En 1629 cayó enfermó y tuvo que permanecer en cama durante cinco meses, lo que le impidió trabajar en el retablo e imágenes de la capilla de la Inmaculada, y le arrastró a un pleito por demora e incumplimiento del contrato.12​ 13​ En 1635 viajó a Madrid, donde había sido contratado para moldear en barro el busto del rey Felipe IV, que junto con el retrato ecuestre de Velázquez debían servir como modelo para una estatua ecuestre que iba a realizar el italiano Pietro Tacca. Esta estatua se encuentra actualmente en la plaza de Oriente de Madrid.14​El éxito que obtuvo con este busto fue muy importante y desde entonces fue conocido como el «Lisipo andaluz», alias que le dio el poeta Gabriel de Bocángel y Unzueta al nombrarlo así en un soneto dedicado al escultor.15​

En la capital pasó seis meses para la elaboración del trabajo. Durante su estancia fue retratado por Velázquez (Retrato de Juan Martínez Montañés), obra expuesta en el Museo del Prado. El escultor ya conocía a Velázquez de su etapa sevillana como aprendiz en el taller de Francisco Pacheco. Se conserva otro retrato del escultor, propiedad del Ayuntamiento de Sevilla, en la actualidad expuesto en el Hospital de los Venerables, pintado por Francisco Varela, en el que se le representa esculpiendo el San Jerónimo de Santiponce. Para José Hernández Díaz, uno de los máximos especialistas en Montañés, era un temperamento cicloide, proclive a reacciones violentas y a crisis depresivas. Finalmente fue retratado por Francisco Pacheco para su obra Libro de descripción de verdaderos retratos, realizado en los últimos años de Martínez Montañés.2​


Partida de enterramiento de Martínez Montañés en el libro de difuntos de la parroquia de la Magdalena de Sevilla, correspondiente al 18 de junio de 1649.
Falleció en Sevilla, a los 81 años, víctima de la epidemia de peste de 1649 que asoló Sevilla y en la que murió casi el cincuenta por ciento de la población de la ciudad, siendo enterrado en la antigua parroquia de la Magdalena. Catalina de Salcedo, su viuda, declaró en un documento de 1655:

... mi marido quiso ser enterrado en el convento de San Pablo, en la sepultura que allí tenemos, y por haber muerto el año 1649, en el rigor de la peste, el susodicho me pidió que fuese sepultado, como lo está, en la iglesia parroquial de la Magdalena de esta ciudad...
Con motivo de la desamortización española del siglo XIX la parroquia de la Magdalena fue demolida y se perdieron sus restos.16​

Religiosidad
La vida de Martínez Montañés en Sevilla fue una vida ordenada, profundamente religiosa, como había sido desde su infancia y que se cultivó durante su estancia en Sevilla, con un conocimiento más profundo de la Biblia y de textos de santa Teresa de Jesús, Fray Luis de Granada y san Juan de la Cruz. En consonancia con su religiosidad, varios de sus hijos profesaron órdenes religiosas. Perteneció a una agrupación religiosa llamada "Congregación de la Granada", que defendía ardientemente la Concepción Inmaculada de la Virgen María, lo que le provocó un problema con la Inquisición en 1624, cuando este tribunal secuestró y confiscó el archivo de la citada congregación y los documentos de muchos de sus miembros.17​ Parece que relacionado con el seguimiento del que era objeto la congregación, en diciembre de 1620 solicitó que se hiciera información para acreditar su limpieza de sangre.18​

Vida cultural
La formación y vida cultural humanística acostumbraban a ir unidas en aquella época, de manera que los talleres de aprendizaje eran lugares donde el maestro disponía de una buena librería especializada de la cual el aprendiz podía disponer. Por otro lado, era conveniente, y así se hacía, que asistiesen los aprendices a las reuniones de los artistas que se producían en los propios talleres de trabajo.19​ En Sevilla se organizaban tertulias en la universidad, academias y en la Casa de Pilatos que además poseía una buena biblioteca, y en ellas debió de acudir Montañés. En las de la academia del pintor Pacheco, debió de conocer a Velázquez y Alonso Cano —entonces ambos discípulos de Pacheco—; asistían además Andrés García de Céspedes, Vicente Espinel, Francisco de Salinas y diversos teólogos, filósofos, escultores y pintores.20​

Colaboró en 1598 con Miguel de Cervantes, cuando se realizó el túmulo de Felipe II, con motivo de la defunción del rey y por orden del capítulo catedralicio. En esta obra intervinieron, además, una gran parte de artistas sevillanos. A Montañés se le encargaron diecinueve esculturas de gran medida y a Cervantes un escrito para leer delante del túmulo, un soneto titulado: Al túmulo del rey Felipe II,21​ en tono satírico, que fue muy comentado entre el círculo cultural de Sevilla.22​

Estilo y obra

Retablo Mayor de la iglesia funeraria de Guzmán el Bueno del Monasterio de San Isidoro del Campo, realizado por Montañés entre 1609 y 1613.
Según se ha expuesto anteriormente, inició su aprendizaje en Granada, con el imaginero Pablo de Rojas. Durante los primeros años que vivió en Sevilla, recibió influencias de Jerónimo Hernández y sus discípulos Gaspar Núñez Delgado y Andrés de Ocampo. Aunque existen referencias de que en su fase inicial trabajó la piedra, su material preferido fue siempre la madera policromada. En la policromía, que por contrato supervisaba, contó con la colaboración de grandes pintores, entre los que destacan Francisco Pacheco, Juan de Uceda y Baltasar Quintero, predominando la encarnación mate más cercana al efecto neutral.5​

Casi toda su obra es de carácter religioso; en el campo profano solo se conocen las estatuas orantes de Alonso Pérez de Guzmán y su esposa María Alfonso Coronel, realizadas para la capilla mayor del monasterio de San Isidoro del Campo en Santiponce, y también la mencionada cabeza del rey Felipe IV, que se envió al escultor italiano Pietro Tacca y que no ha sido conservada.

Fue el máximo exponente de la denominada escuela sevillana de imaginería, en la que tuvo como discípulo predilecto al cordobés Juan de Mesa.

Maestro ensamblador de retablos
Como ya se ha mencionado anteriormente, Martínez Montañés obtuvo de manera conjunta el título de maestro escultor y ensamblador, lo que le facultaba para trazar la arquitectura, diseño y elaboración de los retablos, por lo que ejecutó muchos de los retablos para los que también realizó obra escultórica. El modelo de retablo utilizado es el dominante en el periodo manierista. En los retablos mayores suele predominar la estructura de dos cuerpos, con tres calles. Las columnas son sencillas y acanaladas, no llegando nunca a emplear la columna salomónica y los capiteles de estilo corintio. Nunca abandonó la actividad retablista y la mayor parte de su labor imaginera fue realizada dentro de obras de retablos.

Escultura
Su arte se inspiró en el natural y su producción tiene unas características más clasicistas y manieristas que propiamente barrocas, aunque al final de su carrera apuntó al realismo barroquizante. Fue creador de un lenguaje sereno y clásico que transmitió a toda la Escuela Andaluza y que contrasta con el dramatismo y apasionamiento de la Escuela de Valladolid. Las esculturas de carácter religioso realizadas podían tener como fin, bien la participación en cortejos procesionales, o bien su finalidad podía ser la decoración interior de una iglesia, tanto en forma individual como formando parte de un retablo.

Entre los temas más tratados en sus obras se encuentran la figura de Cristo crucificado, del que recibió más de una docena de encargos, además de los que se podían incluir en el conjunto de los retablos realizados. De entre ellos destaca el de la Clemencia, conservado en la catedral de Sevilla, y que constituye una de las cumbres del arte del imaginero alcalaíno. Esta imagen es más conocida como Cristo de los Cálices, por haber estado en la sacristía de ese nombre de la catedral.23​ Otro tema repetido en su iconografía es el del Niño Jesús, que durante el renacimiento había vuelto a surgir de forma destacada. Montañés consiguió la versión definitiva en la imagen del niño que se encuentra en la iglesia del Sagrario de Sevilla, fechado en 1606, del que se realizaron numerosas réplicas e imitaciones, construyéndose vaciados en plomo de varias de estas representaciones para colmar la demanda existente en su día.14​

Cristo de los Cálices (1603-1604). Catedral de Sevilla.

Ribeiro

Pliegues de la ropa

Pies
El Cristo de los Cálices fue realizado por encargo del arcediano hispalense Mateo Vázquez de Leca.
Cronología de su obra

San Cristóbal y el Niño. Iglesia del Salvador, Sevilla.
Siglo XVI
Una vez conseguido el título de maestro escultor y arquitecto de retablos en 1588, comenzó a recibir numerosos encargos.24​ En 1589 se sabe que recibió un encargo por parte de Gaspar Peralta vecino de Sevilla, de una Santa Cena en piedra; se trataba de un relieve dentro de un marco de madera. Otras obras realizadas en ese mismo año fueron Nuestra Señora de Belén que debía terminarse en 24 días y cuyo precio se estipuló en 24 ducados y un San Diego de Alcalá para el convento de San Francisco de Cádiz. Todas estas obras no han podido ser identificadas debido a su desaparición.24​

De 1597, data la primera obra conservada de Martínez Montañés; corresponde a una imagen de san Cristóbal con el Niño Jesús. Fue un encargo realizado por el gremio de guanteros. Actualmente se conserva en la iglesia del Salvador de Sevilla. Es una pieza de gran tamaño que mide 2,2 metros de altura, sus atléticas proporciones muestran una ya temprana tendencia al naturalismo; fue concebida como imagen de carácter procesional y se conoce que salió en cortejos de 1598. Proske manifiesta que la escultura del Niño no corresponde al maestro y que pudo ser ejecutada por algún ayudante. Esta obra supone un trabajo destacable de dibujo, modelado y composición, y en él se encuentran profundas huellas de la influencia de Miguel Ángel Buonarroti.20​

De 1598 procede un retablo realizado por Juan de Oviedo para el convento de Santa Clara en Llerena (Badajoz), en el que Montañés realizó la escultura de san Jerónimo penitente, proyectada para el nicho central del retablo. Aunque no ha llegado a nuestros días el retablo, sí se conserva la escultura; parece estar inspirada en la figura de san Jerónimo penitente, obra de Pietro Torrigiano, conservada actualmente en el Museo de Bellas Artes de Sevilla. Ese mismo año también colaboró en el monumento funerario construido en Sevilla por las honras fúnebres de Felipe II.

Siglo XVII

Santo Domingo penitente. 1605-1609. La policromía fue realizada por Francisco de Pacheco. La escultura fue encargada para el convento de Porta Coeli. En la actualidad se conserva en el Museo de Bellas Artes de Sevilla.25​

Virgen con el Niño, catedral de Huelva, 1616.
El periodo más maduro de Martínez Montañés comienza con la realización del Cristo de los Cálices, en 1603, que se encuentra en la catedral de Sevilla. El encargo fue realizado por Mateo Vázquez de Leca, canónigo de la catedral y arcediano de Carmona en 1602. El contrato fue muy detallado en lo relativo a la figura del Crucificado, que debía realizarse así: "Ha de estar vivo antes de haber expirado, con la cabeza inclinada sobre el lado derecho, mirando a cualquier persona que estuviese orando al pie de él, como que está el mismo Cristo hablándole y como quejándose de que aquello que padece es por él". La policromía, de tono mate, fue realizada por Francisco Pacheco, con el que trabajaría en diversas ocasiones. Esta obra tuvo su precedente en Cristo del Auxilio de Lima, obra del propio año 1603. El Cristo de los Desamparados, de la iglesia del Santo Ángel de Sevilla, es una copia del Cristo de los Cálices, por lo que pudo ser una imagen encargada por los Carmelitas Descalzos a Martínez Montañés en 1617; aunque también es una obra de gran categoría, no llega a superar a su original.

En 1604 contrató la construcción del retablo de la capilla de San Onofre del desaparecido convento de San Francisco de Sevilla, que constituyó su primer encargo para la arquitectura de un retablo. Entre 1605 y 1609 realizó la estatua de Santo Domingo que actualmente se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Sevilla.25​ Pertenecía al retablo del convento de Portaceli. En esta escultura el santo se encuentra en éxtasis contemplativo, con la cruz sujeta en una mano, y es destacable la anatomía musculosa que presenta. Del año siguiente, 1606, data el Niño Jesús encargado por la Cofradía del Santísimo Sacramento, con sede en la Catedral de Sevilla, y que actualmente se encuentra en la parroquia del Sagrario, anexa a la catedral. Aunque Montañés no crea el tipo, pues ésta ya existía en el arte sevillano del siglo XVI, la figura desnuda del Niño creada por él ha perdurado como modelo de la figura e icono representativo del Niño. De este mismo año data la figura de la Inmaculada para el retablo de la iglesia de Nuestra Señora de la Consolación de El Pedroso; se observa en esta figura la influencia de la Inmaculada realizada por Jerónimo Hernández para la iglesia de San Andrés de Sevilla, para el mismo retablo se encuentran los relieves de los apoóstoles Santiago y san Bartolomé, los dos interpretados según la hagiografía que el maestro conocía perfectamente.26​ También data de este año el retablo de la Circuncisión encargado por el Almirante Andrés de Vega y Garrocho patrono de la capilla mayor del desaparecido convento de San Francisco en Huelva. Este retablo se encuentra hoy en día en el monasterio de Santa Clara de Moguer.

En 1607 realiza el diseño y las figuras principales del retablo del convento de la Concepción de Lima; el escultor ya había realizado otras varias obras destinadas al continente americano. La hornacina principal del retablo la dedica a un Crucificado. El modelo de retablo que crea para este encargo le serviría para posteriores obras.27​

En 1609 comienza la ejecución del que sería uno de sus trabajos más destacado, el retablo de la iglesia del convento de San Isidoro del Campo en Santiponce, perteneciente a la orden de los jerónimos. La obra quedó concluida en 1613 y en ella intervinieron varios artistas ensambladores y escultores, casi con toda seguridad Juan de Mesa y Francisco de Ocampo. Para esta obra Montañés se separó del modelo habitual de retablo sevillano que tenía una estructura a base de pequeños relieves. La figura principal del retablo es la estatua de san Jerónimo, que por contrato debía ser elaborada directamente por el maestro sin ayuda de ninguno de sus colaboradores, y que se inspira en la figura homónima de Pietro Torrigiano y Jerónimo Hernández. También destacan las figuras de la Virgen con el Niño, san Joaquín y santa Ana. Asimismo, también bajo el patrocinio de la casa de Medina Sidonia, en 1616 realizó la Virgen con el Niño, que se conserva en la Catedral de Huelva.28​

Se puede decir que alrededor de 1620 comienza lo que se ha llamado decenio crítico del maestro, marcado por diversas circunstancias personales como el largo trabajo desarrollado durante a lo largo de los años y la muerte de su hermana y de varios de sus colaboradores y amigos más directos como Juan de Oviedo y Juan de Mesa, así como algunos pleitos profesionales que mantuvo en torno a la ejecución de sus trabajos. A pesar de lo anterior, es una etapa plenamente productiva en la que contrata el retablo del monasterio de Santa Clara y los retablos de san Juan Buatista y san Juan Evangelista del convento de San Leandro.

De 1631 finaliza el retablo de las capillas de la Inmaculada en la catedral sevillana, en las que destacan la figura central de la Inmaculada, conocida popularmente como «la Cieguecita», y las imágenes de san Juan Bautista niño al estilo de Donatello y la de san Gregorio con una gran atención en su iconografía. La escultura de la Inmaculada se caracteriza por la abundancia de ropajes y ladeamiento de cabeza y manos; el policromado corresponde de nuevo a Pacheco, después de haber mantenido un pleito profesional con Montañés por motivo de competencias profesionales.29​

Inmaculada. Catedral de Sevilla

Detalle del rostro.

Parte inferior.

Ropaje policromado.
El retablo de la iglesia jerezana de San Miguel fue una obra accidentada que se contrató en cuatro ocasiones. Las obras se iniciaron en 1601, concertadas con Juan de Oviedo el Joven, Montañés y Gaspar de Águila, pero los trabajos más importantes no empezaron hasta 1617, año en que Montañés asumió plenamente la obra. Las obras se prolongaron hasta 1643 debido a la falta de recursos financieros. En el año 1638 el proyecto también tuvo una variación significativa, cuando se decidió la sustitución de los cuatro lienzos pictóricos de las calles laterales por relieves escultóricos, ejecutados por José de Arce, al igual que las estatuas de san Juan Bautista y san Juan evangelista. De este retablo destaca el relieve de la Batalla de los ángeles, ejecutado en 1641, siendo también de gran interés el relieve de la Ascensión y las figuras de Santiago y una de san Juan evangelista, realizadas entre 1630 y 1638, y las figuras de san Pedro y san Pablo, ejecutadas en 1633, y la Transfiguración, terminada en 1643. El conjunto arquitectónico del retablo, con sus dos alas laterales adelantadas y las esculturas en posición muy sobresaliente, supone una obra atrevida y de efecto espectacular, que constituye una de las más barrocas de Martínez Montañés.30​

En 1632 trazó la parte arquitectónica del retablo mayor de la iglesia de San Lorenzo. Las esculturas y relieves del mismo fueron realizados por Felipe y Francisco Dionisio de Rivas entre 1645 y 1652.31​

Obras destacadas

Imagen de san Ignacio de Loyola, de la que Martínez Montañés esculpió en 1610 la cabeza y las manos, con motivo de la beatificación del fundador de la Compañía de Jesús, actualmente conservada en la iglesia de la Anunciación de Sevilla.

San Bruno (1634). Escultura destinada el monasterio cartujo de Santa María de las Cuevas, Sevilla. Hoy se conserva en el Museo de Bellas Artes de Sevilla.

San Francisco de Borja, iglesia de la Anunciación, Sevilla.
Título Fecha Ubicación
San Cristóbal. Encargo realizado por el gremio de guanteros 1597 Iglesia del Salvador, Sevilla
San Jerónimo 1598 Convento de Santa Clara, Llerena, provincia de Badajoz
Cristo de los Cálices. Realizado por encargo del arcediano hispalense Mateo Vázquez de Leca. 1603-1604 Catedral de Sevilla
Cristo del Auxilio 1603 Iglesia de la Merced, Lima32​
Santo Domingo penitente 1605-1609 Museo de Bellas Artes de Sevilla25​
Niño Jesús 1606-1607 Iglesia del Sagrario, Sevilla
Retablo e imágenes de la Inmaculada, san Bartolomé y Santiago 1606 Iglesia de Santa María de la Consolación, El Pedroso, provincia de Sevilla
Retablo de san Juan Bautista. Contiene una escultura de Cristo crucificado, escultura de san Juan Bautista y relieves entre los que están la predicación del bautismo, san Juan Evangelista, Salomé con la cabeza de Juan el Bautista y la cabeza de Juan el Bautista glorificada por los ángeles Siglo XVII Catedral de Lima32​
Relieve de la Sagrada Familia y la Trinidad (conocido como las «Dos Trinidades») 1609 Iglesia de San Ildefonso, Sevilla33​34​
Retablo de san Juan Bautista 1610 Convento de Santa María del Socorro, Sevilla
Retablo mayor 1609-1613 Monasterio de San Isidoro del Campo, Santiponce, provincia de Sevilla
San Ignacio de Loyola 1610 Iglesia de la Anunciación, Sevilla
Jesús de Pasión 1610-1615 Iglesia del Salvador, Sevilla35​36​
Virgen con el Niño 1616 Catedral de Huelva
Cristo de los Desamparados 161737​ Iglesia del Santo Ángel, Sevilla
Retablo mayor 1621 Iglesia del convento de Santa Clara, Sevilla
San Francisco de Borja 1624 Iglesia de la Anunciación, Sevilla
Inmaculada. Tiene los ojos cerrados y es conocida como «la Cieguecita» 1629-1631 Catedral de Sevilla
Relieve de san Juan Evangelista en Patmos 1632 Iglesia del convento de San Leandro, Sevilla
Santa Ana instruyendo a la Virgen María 1633 Iglesia del Buen Suceso, Sevilla
San Bruno 1634 Museo de Bellas Artes de Sevilla
San Juan Bautista 1625-1635 Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (procedente del convento de Nuestra Señora de la Concepción)38​
San Juan Evangelista 1637 Convento de Santa Paula, Sevilla
San Juan Bautista 1638 Convento de Santa Paula (en el retablo de Felipe de Ribas), Sevilla
Batalla de los ángeles 1640 Retablo mayor de la iglesia de San Miguel, Jerez de la Frontera, provincia de Cádiz
San Juan Bautista - Museo Meadows de Dallas39​
Cristo de la Vera Cruz40​ - Iglesia de San Francisco, Popayán
Atribuciones

San Francisco de Asís. Se exhibe en la Colegiata de Osuna, donde permanecía depositada hasta su restauración en 2010, cuando fue atribuida a Montañés.
Las siguientes obras han sido atribuidas a Juan Martínez Montañés:

España
Virgen de la Salud en su Soledad. Juan Martínez Montañés la habría realizado para la Hermandad de Pasión, que la habría rechazado. Posteriormente, en 1582, Martínez Montañés habría donado esta Virgen a la Hermandad de la Quinta Angustia, que la conservó hasta la década de 1930. Existe la posibilidad de que esta imagen pasara posteriormente a ser titular de la Hermandad de la Vera Cruz de Linares, provincia de Jaén.41​
Escultura de San Francisco de Asís, de madera tallada y policromada, Colegiata de Osuna. Ha sido atribuida en 2010 a Juan Martínez Montañés. Esta imagen había llegado a la Colegiata en 1970, después del hundimiento de parte de la iglesia del Convento de Santa Clara de esta localidad y había permanecido depositada en dependencias de la Colegiata hasta 2010, en que se restauró.42​43​
San Juan Bautista. Iglesia del convento de Santa Ana, Sevilla.44​
San Diego de Alcalá. Iglesia de Nuestra Señora de las Angustias, Ayamonte, provincia de Huelva. Pudiera tratarse de la imagen contratada por Montañés para el convento de franciscanos de la misma localidad.14​
Cristo de la Expiración. Iglesia de la Trinidad, La Rambla, provincia de Córdoba.45​
Virgen de la Hiniesta en sus misterios dolorosos. Iglesia de San Julián, Sevilla. Destruida en 1932.46​
Cristo yacente. Iglesia de Santa María de Almocóvar, Alcántara, provincia de Cáceres.47​
Virgen de la Encarnación (1592). Fue regalada por Martínez Montañés a la antigua Hermandad del Dulce Nombre. En la actualidad la conserva la Hermandad de la Quinta Agustia.48​
San Hermenegildo. Imagen del altar mayor de la iglesia del mismo nombre, en Sevilla.49​
Hispanoamérica
Santo Niño Cautivo (1622).50​ Catedral Metropolitana de México.32​
Niño Jesús. Convento de San Francisco, Guatemala.14​
Cabeza de Cristo muerto. Convento de San Francisco, Guatemala.32​
San José. Catedral de Guatemala.
Santa Catalina. Iglesia de Santa Catalina, Guatemala.32​
Inmaculada (1640). Catedral de Oruro, Bolivia.32​
Cristo crucificado (siglo XVII). Iglesia de San Francisco, Bogotá, Colombia.32​
Virgen con el Jesús de la Espina. Convento de la Buena Muerte, Lima, Perú.32​
Santa Apolonia (1625). Catedral de Lima, Perú.32​
San Juan Evangelista (1618). Catedral de Lima, Perú.32​
La Visitación de la Virgen (1620-1625). Catedral de Lima, Perú.32​
Niño Jesús, conocido como «el Doctorcito». Santuario de Santa Rosa, Lima, Perú.32​
Cristo de la caña, conocido como Señor del Mar, Parroquia de Santa Rosa, El Callao, Perú 32​
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Miquel Barceló

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Miquel Barceló

Miquel Barceló Artigues (Felanitx, Mallorca, 8 de enero de 1957) es un pintor español, próximo a la corriente neo-expresionista.1​ Su cuadro Faena de muleta fue subastado en 2011 por 4,4 millones de euros.2​ Biografía Un viaje a París en 1970 le permite descubrir el Art brut, estilo que... Ver mas
Miquel Barceló Artigues (Felanitx, Mallorca, 8 de enero de 1957) es un pintor español, próximo a la corriente neo-expresionista.1​ Su cuadro Faena de muleta fue subastado en 2011 por 4,4 millones de euros.2​


Biografía
Un viaje a París en 1970 le permite descubrir el Art brut, estilo que deja una fuerte influencia en las primeras obras que presenta en público. Formó parte del grupo Taller Llunàtic de Mallorca. Estudió en la Escuela de Artes Decorativas de Palma de Mallorca entre 1972 y 1973 y continuó en 1974 en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi de Barcelona, pero poco después abandona sus estudios. Actualmente reside entre París, Mallorca y Malí, en los Acantilados de Bandiagara.


Gran elefante enhiesto (2009), en Barcelona
Empieza a ser más conocido cuando participa en la Bienal de Sao Paulo (1981) y a raíz de la Documenta VII de Kassel (1982), en que Rudi Fuchs le presenta; desde entonces su obra es incluida en las más prestigiosas muestras internacionales, configurándose como una de las mayores revelaciones del arte español de los años ochenta.

En 2010, es profesor invitado de la Escuela Nacional Superior de Arquitectura de Versalles3​.

Premios y distinciones
En 1986 se le concede el Premio Nacional de Artes Plásticas y, en 1988, instala su taller en Malí, al mismo tiempo que expone su obra en los museos y salas más relevantes del mundo. Entre ellas, destaca la importante retrospectiva que en 1996 le dedica el Centro Pompidou de París.

En el 2003, recibió el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, uno de los premios más importantes de España.

En 2004 expuso en el museo del Louvre las acuarelas que creó para ilustrar La Divina Comedia, convirtiéndose en el primer artista contemporáneo vivo que expone en el museo. En Nueva York ha expuesto en la galería de Leo Castelli.

En 2008, expone 84 piezas de su obra africana en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, al mismo tiempo que el desvío de Fondos de Ayuda al Desarrollo (FAD) para la decoración de la Cúpula de la sala XX del Palacio de Naciones Unidas en Ginebra levanta un torbellino mediático.

El 29 de noviembre de 2012 es investido Doctor Honoris Causa por la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona.

El 22 de septiembre de 2017 es investido Doctor Honoris Causa por la Universidad de Salamanca, acto enmarcado dentro de la celebración del VIII Centenario de la fundación de esta Universidad.4​

Exposiciones

Obras de Barceló expuestas en las Escuelas Menores de Salamanca, con motivo del 800 aniversario de la Universidad salmantina. Septiembre de 2017.
Entre sus recientes exposiciones se encuentra la celebrada en el Caixaforum de Madrid y Barcelona la muestra "Miquel Barceló. 1983-2009. La solitude organisative", retrospectiva de los 25 años del artista. Tras el cierre en 2012 de la galería Soledad Lorenzo, su obra pasó a ser representada en Madrid por la galería Elvira González, que acogió la primera exposición del artista en enero de 2013. Además Miquel Barceló está representado por Bruno Bischofberger y Tobias Mueller Modern Art (muellermodern.com) en Suiza y por Acquavella Galleries en Nueva York.5​

Obra

Escultura en la Capilla del Santísimo de La Seu en Palma de Mallorca.
Sus enormes lienzos figurativos de finales de los años setenta con temas de animales de marcado expresionismo reciben la influencia de Joan Miró, el action painting ("pintura de acción"), Jackson Pollock, Antoni Tàpies, el arte conceptual y el art brut.

Posteriormente da paso a una pintura más entroncada con la tradición y así surgen las series de las bibliotecas, los museos y los cines de forzadas perspectivas y denso tratamiento pictórico.

Entre las características de su obra hay que destacar la inspiración en la naturaleza, consiguiendo relieve a través del uso de unos empastes densos y generalmente oscuros. El Mediterráneo y África han sido dos de sus más importantes referentes. El descubrimiento de África en un viaje a Malí ha hecho que sus gentes y la vida del desierto sea uno de los temas más desarrollados en su obra en los últimos años, siempre reflejando una gran preocupación por la naturaleza, el paso del tiempo y los orígenes.

En la última época ha evolucionado hacia referentes más intelectuales y abstractos. En marzo de 2007 la catedral de Mallorca ha inaugurado la capilla elaborada por él en arcilla. Consta de dos mundos: Los frutos del mar y los frutos de la tierra. En mayo de 2007 también comienza los trabajos de decoración de la Cúpula de la sala XX del Palacio de Naciones Unidas en Ginebra. Esta sala acogerá las reuniones del Consejo de los Derechos Humanos y pasará a llamarse Sala de los DDHH y de la Alianza de Civilizaciones.

La literatura ha sido siempre también una de sus inspiraciones. Ha sido ilustrador de libros y él mismo suele redactar los prólogos de sus catálogos. La imagen de la cabecera diario Público, editado desde septiembre de 2007, es obra del autor mallorquín.

Obras
Dante Alighieri; ilustrada por Miquel Barceló (2002). Divina Comedia. Infierno. Barcelona: Galaxia Gutenberg. ISBN 978-84-8109-418-3.
Dante Alighieri; ilustrada por Miquel Barceló (2003). Divina Comedia. El Paraíso (Vol. III). Barcelona: Galaxia Gutenberg. ISBN 978-84-8109-420-6.
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Julio López Hernández

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Julio López Hernández

Julio López Hernández (Madrid, 1930-ibidem, 8 de mayo de 2018) fue un escultor español. Biografía Su contacto con la escultura es temprano ya que su padre y abuelo eran orfebres. Comienza su formación en la Escuela de Artes Oficios de Madrid y con 19 años en la de Bellas Artes San Fernando... Ver mas
Julio López Hernández (Madrid, 1930-ibidem, 8 de mayo de 2018) fue un escultor español.


Biografía
Su contacto con la escultura es temprano ya que su padre y abuelo eran orfebres. Comienza su formación en la Escuela de Artes Oficios de Madrid y con 19 años en la de Bellas Artes San Fernando. En esta escuela establece amistad con otros artistas como Antonio López García y Lucio Muñoz. En 1962 contrae matrimonio con Esperanza Parada, con la que tiene dos hijas. Obtiene becas del Liceo Francés y la fundación Juan March para realizar viajes a Francia e Italia. Desde 1970 ejerce como profesor de Modelado de la Escuela de Artes y Oficios de Madrid.

Fue premiado con el Premio Nacional de Artes Plásticas de España en 1982, el 28 de abril de 1986 es elegido académico en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid; su discurso de ingreso en abril de 1988 fue La medalla, territorio de lectura.

Falleció en Madrid el 8 de mayo de 2018, a los 88 años de edad.1​

Su entierro fue en el Cementerio Sacramental de San Isidro de Madrid el 9 de mayo de 2018.

Trayectoria artística

Julio López en la exposición "El camino inverso" (2016) en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid.
Comienza trabajando tallas religiosas aunque pronto sus temas se hacen más cotidianos y familiares, creando una especie de imágenes congeladas; el material más empleado en sus figuras es el bronce dándole gran importancia a las texturas. Su trabajo se en cuentra en piezas a tamaño natural pero también en medallas. Una de sus series incluye los escritores ganadores de los premios Cervantes, en otras destacan piezas como "el tesoro de Marcela" (1970) o "el umbral" (1997). Entre sus piezas mayores están : Torso de Jorge Manrique en Paredes de Nava (Palencia); Monumentos a Andrés Segovia, a Federico García Lorca, al pintor Sebastián Muñoz; bustos de Fernando de los Ríos, Gerardo Diego; etc.

En 1951 participa en el proyecto de "Escuela de Escultores de Coca" junto a César Montaña y Eduardo Capa entre otros. Su evolución del expresionismo al realismo permite incluirlo en la "escuela realista madrileña" al lado de Antonio López García, Amalia Avia, Isabel Quintanilla, María Moreno.


Estatua de Federico García Lorca, Madrid.
Un recorrido por sus exposiciones podría ser:

1965. Galería Juana Mordó. Madrid
1973. Galería Juana Mordó. Madrid; Galería Juana de Aizpuru. Sevilla
1975. Fundación "Rodríguez Acosta". Granada
1979. Galería Maese Nicolás. León
1980. Exposición Antológica, Palacio de Cristal del Retiro. Madrid; Exposición Antológica, Caja de Ahorros de Asturias. Oviedo, Gijón
1981. Exposición: maqueta y dibujos para el Proyecto de Monumento a Andrés Segovia, Casa de Cultura de Linares. Linares
1982. Exposición Antológica en el Museo Nacional de Escultura. Valladolid
1983. Exposición Antológica, Institución Cultural "El Brocense", Monasterio de San Francisco. Cáceres; Exposición Antológica en la Fundación Santillana, Santillana del Mar
1985. Fundación "Rodríguez Acosta". Granada; Exposición de dibujos: Proyecto de Escultura de Federico García Lorca, Teatro Español. Madrid
1986. Sala Luzán, Caja de la Inmaculada, Zaragoza
1987. Sala de Exposiciones de la Caja de Ahorros de Alicante y Murcia. Alicante
1989. Exposición Retrospectiva en Cultural Rioja, Sala Amós Salvador (Logroño) y Museo de Albacete.
1990. Museo Barjola. Gijón; Casa Municipal de Cultura de Avilés.
1995. Exposición Antológica: Obra 1960-1995, Sala de Exposiciones de Plaza de España. Madrid
1997. Galería Leandro Navarro. Madrid
1998. "La realidad paralela", Caja de Asturias. Oviedo
2005. "La escultura durmiente. Julio López Hernández, el dibujo como proceso", Sala Cultural Cajastur, Oviedo
2016. "El camino inverso", Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid.
Sus obras se pueden encontrar en:

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.
Museo Nacional de la Moneda, Madrid.
Museo de Figueira de Foz, Portugal.
Museo de Arte Contemporáneo, Sevilla.
Museum Atheneum, Helsinki.
Muzeum Sztuki Medalierskiej, Varsovia.
Musèe de Sculpture en Plein Air, Middelheim, Amberes.
Colección de Arte del Siglo XX. Casa de la Asegurada, Alicante.
Museo de Bellas Artes de Alava, Vitoria.
British Museum, Departamento de Medallas, Londres.
Museo de Arte Contemporáneo, casa de los Caballos, Cáceres.
Museo Nacional de Escultura, Valladolid.
Museo Vaticano, Roma.
Colección Fundación Juan March, Madrid.
Museo al Aire Libre de Hakone, Japón.
Sala Juan de Villanueva, Museo del Prado, Madrid.
Palais de l'Europe, Strasburg.
Chase Manhattan Bank, New York.
Auditorio Nacional de Música, Madrid.
Colección Amigos del Arte Contemporáneo, Madrid.
Colección ICO, Istituto de Crédito Oficial, Madrid.
Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid.
Col-lecció March, Palma de Mallorca.
Obras públicas

"Esperanza caminando", Teatro Campoamor, Oviedo.
Torso de Jorge Manrique, 1984, Paredes de Nava, Palencia.2​
Monumento a Andrés Segovia, 1982-1985, Linares, Jaén.2​
Monumento a Federico García Lorca, 1985-1986, Plaza de Santa Ana, Madrid.2​
Un pintor para el Prado, 1988-1989, Museo del Prado, Madrid.2​
“Formaste de tu amor simetría”, 1991, Glorieta de los Tilos del Jardín Botánico de Madrid.2​
Busto de Fernando de los Rìos, 1995-1996, Residencia de Estudiantes Carlos III, Madrid.2​
Busto homenaje a Gerardo Diego, 1997-98, Santander (réplica en Madrid.)2​
Esperanza caminando, 1998, Teatro Campoamor, Oviedo.2​
Monumento al pintor Sebastián Muñoz, 2005, Parque Histórico de Navalcarnero, Madrid.2​
Escultura homenaje a las madres "Valdepeñas a sus madres", Plaza de España, Valdepeñas, 2017.
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Susana Solano

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Susana Solano

Susana Solano (Barcelona, 1946) es una escultora española. Artista de gran proyección internacional,2​ es considerada la heredera de la tradición escultórica española iniciada por Julio González, Jorge Oteiza o Eduardo Chillida.3​ Biografía Estudió en la Facultad de Bellas Artes de... Ver mas
Susana Solano (Barcelona, 1946) es una escultora española. Artista de gran proyección internacional,2​ es considerada la heredera de la tradición escultórica española iniciada por Julio González, Jorge Oteiza o Eduardo Chillida.3​


Biografía
Estudió en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona, donde impartió clases. participó en certámenes internacionales como Documenta de Kassel VIII y IX (1987 y 1992), XIX Bienal de Sao Paolo (1987), Skulptur Projekte en Münster (1987), Bienal de Venecia (1988 y 1993) y Carnegie Internacional de Pittsburg (1988). Fue galardonada con el Special Prize, otorgado por The Utsukushi-Ga-Hara Open Air Museum, en Tokio (1985), con el Premio Nacional de las Artes Plásticas del Ministerio de Cultura de España (1988), recibió el Premio CEOE a las Artes (1996), el Premio Tomás Francisco Prieto de la Real Casa de la Moneda, en Madrid (2011), premio GAC por su trayectoria artística, en Barcelona (2015) y Mestres. La Cadena del FAD, Barcelona (2018). Ha colaborado en diferentes ocasiones con los arquitectos: José Acebillo, Ignacio Linazasoro, Hans Hollein, I. Sánchez Doménech, Rafael Moneo, Francisco Torres, Javier Romero y Guillermo Vázquez Consuegra.

Trayectoria artística
Un recorrido por sus exposiciones individuales:

1980. Fundación Joan Miró, Barcelona
1983. Galería Ciento, Barcelona
1985. "Colinas huecas nº 8". The Utsu´Kushi-Ga-Hara Open Air Museum, Tokio
1986. Galería Fernando Vijande, Madrid
1987. "Senza Uccelli". Galería Montenegro, Madrid. Galería Maeght, Barcelona. Galerie des Arères y Chapelle des Jésuites, Nimes. "Perpendicular al Garonne". CAPC Musée d´Art Contemporain de Bordeaux, Burdeos. "Estació Termal-Associació Balneària". Galleria Giorgio Persano, Torino
1988. "Plaça del Joc de la Pilota" Bonnefantenmueum, Maastricht. Anthony Reynolds Gallery, Londres, "De Varia Commesuración. XLIII Bienal de Venecia.
1989. Städisches Museum Abteiberg Mönchengladbach, Mönchengladbach. Donald Young Gallery, Chicago. Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington
1990. Mala Galerija Ljubljana, Ljubljana. "Acotación nº1". Fattoria di Celle-Spazi d ́Arte. Santomato di Pistoia
1991. “Anna I” 1984-1991. Ayuntamiento de Leganés, Madrid. Galerie Daniel Lelong, París. University Art Museum Berkeley. San Francisco Museum of Modern Art. San Francisco. Centre d ́Art Contemporain Domaine de Kerguéhennec. Bignan
1992. “Dime, dime, querido” 1986-1992. Vall d´Hebron, Barcelona. Galería Luís Adelantado. Valencia. Galería Joan Prats, Barcelona. “Hidroteràpia”. Galería Joan Prats-Artgràfic. Barcelona. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Palacio de Velázquez, Madrid
1993. Whitechapel Art Gallery, Londres. Anthony Reynolds Gallery, Londres. Malmö Konsthall, Malmö. Centre National d ́Art Contemporain de Grenoble, Grenoble
1994. Galleria Giorgio Persano, Torino. “En busca de un paisaje”. Galería Oliva Arauna. Madrid
1995. Galería Luís Adelantado, Valencia. Galería Maior, Pollença. “Moldura al paisaje”. Facultad de Psicología de la UNED, Madrid. “La Demi Lune”. Bonefantenmuseum, University of Maatricht
1996. NBK Neuer Berliner Kunstverein, Berlin. Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien Palais Liechtenstein, Viena. “Paisagem”. Galería Quadrdo Azul, Porto. Galería Juana de Aizpuru, Sevilla. David McKee Gallery, New York
1997. “A céu aberto” Fundaçao de Serralves. Porto
1998. “Jaosokor”. Galería Senda, Barcelona. “Lalibela” Galería Robayera, Miengo. “Mobles” Galería Maior, Pollença
1999. “Muecas”. MACBA Museu d ́Art Contemporani de Barcelona, Barcelona. Galería Quadrado Azul, Porto. David McKee Gallery, New York. MACBA, Barcelona
2000. Galleria Giorgio Persano, Torino. Galería Gráfica Caja Negra, Madrid. “La piel de nadie”, Galería Senda y Espai 292. Barcelona. Galería SCQ. Santiago de Compostela
2001. Palacio Condes de Gabia y Palacio de Dar-al Horra, Granada. “Encens i Mirra”. NMAC Montenmedio Arte Contemporáneo. Vejer de la Frontera-Barbate, Cádiz. Sintra Museu de Arte Moderna. Sintra
2002. Galería Porta 33, Madeira. “Oro” Galería Maior, Pollença
2003. Abadía de Santo Domingo de Silos. Centro de Arte Reina Sofía. Santo Domingo de Silos. Burgos. Galería VGO, Vigo. Galería Senda y Espai 292, Barcelona. “La Linterna I”. Montehermoso, Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz
2004. MEIAC. Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, Colección Helga de Alvear. Badajoz. Galería Helga de Alvear. Madrid
2005. Galería Maior, Palma de Mallorca. “Cobalto” Nuevos Juzgados. Ciudad Real
2006. Galleria Giorgio Persano, Torino. David McKee Gallery, New York
2007. "Proyectos. Susana Solano", Fundación ICO, Madrid. "Un hecho insignificante”. Galería Helga de Alvear, Madrid
2008. Galerie Bernard Bouche, París
2010. “Lugares” Fotografías. Galería Estiarte, Madrid. Galería Maior, Palma de Mallorca. "Photografhies". Galerie Bernard Bouche, París
2011. "Artefactos". Galería Distrito 4, Madrid. "Carmen". Irish Museum of Modern Art. Dublín
2012. "Trazos colgados". Museo Casa de La Moneda, Madrid
2013. "Cantata" Homenaje al filósofo Eugenio Trías. Universitat Pompeu Fabra. Barcelona. "A meitat de camí -Halfway there". Jack Shainman Gallery 20th Street and 24th Street. New York
2014. "Where´er you walk" instalación en Great Meadows, Crestwood. KY. "Vol rasant". Fundació Suñol, Barcelona. "Signatures nº 1" Celler Mas Blanch i Jové. La Pobla de Cérvoles, Lleida
2015. "Footprints" muebles. Galería Maior. Pollença. "Footprints: 2 mobles i 3 catifes". Showroom Didi atelier. Barcelona
2017. Galería R. Pérez Hernando. Madrid
2018. Galería Maior. Palma de Mallorca
2019. "Acta". IVAM Institut Valencià d´Art Modern. València
Ha participado en exposiciones colectivas en: ARC-Musée d'Art Moderne de la Ville de París; CCCB, Barcelona; Centre Georges Pompidou, París; Fundación Querini Stampalia, Venecia; Gallery National, Atenas; MoMA, Nueva York; Museo Guggenheim, Bilbao; Museo Marugame Hirai (Japón); Museo Patio Herreriano, Valladolid; Museo Rufino Tamayo, México D.F.; Sprengel Museum, Hannover; Stedelijk Museum, Ámsterdam; The National Museum of Contemporary Art, Oslo...


Detalle de una escultura en un parque austríaco.
Colecciones entre otras:

Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo. Victoria-Gasteiz (España)
Ayuntamiento de Leganés. Leganés (España)
Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz (España)
Banco de Sabadell. Barcelona (España)
Bonnefantenmuseum. Maastricht (Holanda)
The Edward R. Broida Collection. Palm Beach. Florida (USA)
Carré d´Art - Musée d'Art Contemporain de Nimes. Nimes (Francia)
The Carnegie Museum of Art. Pittsburg (USA)
CAPC- Musée d´Art Contemporain de Bordeaux. Bordeaux (Francia)
European International Bank Luxemburgo (Luxemburgo)
Fattoria di Celle-Spazi d'Arte. Fundación Gori. Santomato di Pistoia (Italia)
Fine Arts Museums of San Francisco. San Francisco (USA)
Fonds National d'Art Contemporain. Centre National des Arts Plastiques. París (Francia)
FRAC Bretagne. Fons régional d´art contemporain. Rennes (Francia)
FRAC Nouvelle-Aquitaine. Bordeaux (Francia)
Fundació "la Caixa". Barcelona (España)
Fundació J. Suñol. Barcelona (España)
Fundaçao de Serralves. Porto (Portugal)
Fundación Santander Central Hispano. Madrid (España)
Fundación Helga de Alvear. Cáceres (España)
Guggenheim Bilbao. Bilbao (España)
IVAM. Institut Valencià d´Art Modern. València (España)
La vinya dels artistes - Mas Blanch i Jové. La Pobla de Cérvoles (España)
MACBA Museu d'Art Contemporani de Barcelona. Barcelona (España)
Malmö Konsthall. Malmö (Suecia)
MoMA The Museum of Modern Art. New York (USA)
Moderner Kunst Stiftung Ludwig Museum. Viena (Austria)
Museet for Samtidskunst. The National Museum of Contemporary Art. Oslo (Noruega)
Museum Van Hedendaagse Kunst Citadelpark. Gent (Bélgica)
Musée d´Art Moderne Ville de Céret. Céret (Francia)
Museo Marugame Hirai de Arte Español Contemporáneo. Marugame (Japón)
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid (España)
NMAC Montenmedio. Vejer de la Frontera-Barbate. Cádiz (España)
Stedelijk Museum. Ámsterdam (Holanda)
Sintra Museu de Arte Moderna. Colección Berardo. Sintra (Portugal)
The Utsu-Kushi-Ga-Hara Open Air Museum. Tokio (Japón)
UNED. Universidad Nacional de Educación a Distancia. Facultad de Psicología. Madrid (España)
Westfalisches Landesmuseum fur Kunst und Kulturgeschichte. Münster (Alemania)
Referencias
Walther, Ingo F. Arte del siglo XX, Taschen, 2001, ISBN 3-8228-5829-3, p. 565.
Calvo Serraller, Francisco (2 de octubre de 2004). «La huella desnuda». El País. Consultado el 24 de febrero de 2014.
García, Ángeles (2 de octubre de 2007). «"Trabajo pensando en el hombre"». el País. Consultado el 24 de febrero de 2014.
Bibliografía
Catálogo "Signatures nº1" La Vinya dels artistes/ Mas Blanch i Jové. La Pobla de Cérvoles. Marta LLORENTE: "Entre les oliveres, una obra de Susana Solano". 2014
Catálogo "Vol rasant" Fundació Suñol, Barcelona. Marta LLORENTE: "La interpretació de l´obra i l´escriptura del món". 2014
Catálogo "Trazos colgados" Real Casa de la Moneda, Madrid. Aurora GARCÍA: "La realidad inaprensible". Enrique JUNCOSA "Los dibujos de Susana Solano". 2013
Catálogo "Photographies" Galerie B. Bouche, París. Aurora GARCÍA: "Una mirada distinta". 2010
Catálogo "Projectes-Proyectos" Fundación ICO y Gustavo Gili. Madrid/Barcelona. Marta LLORENTE": "El espacio compartido: escultura y arquitectura". 2007
Catálogo "La piel de nadie" Quadrado Azul de Porto y Porta 33, Madeira. Aurora GARCÍA: "Dibujos". 2002
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Jaume Plensa

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Jaume Plensa

Jaume Plensa (Barcelona, 1955) es un artista plástico español, escultor y grabador. Artista muy polifacético que ha experimentado también con el dibujo, escenarios para ópera, videoproyecciones o instalaciones acústicas.1​ Es conocido por sus grandes esculturas formadas por letras y números.2... Ver mas
Jaume Plensa (Barcelona, 1955) es un artista plástico español, escultor y grabador. Artista muy polifacético que ha experimentado también con el dibujo, escenarios para ópera, videoproyecciones o instalaciones acústicas.1​ Es conocido por sus grandes esculturas formadas por letras y números.2​

Nacido en Barcelona en 1955, estudió en la Escuela Llotja y en la Escuela Superior de Bellas Artes de Sant Jordi
Trayectoria
En una primera etapa, su obra refleja el interés por cuestiones relacionadas con el volumen, el espacio y la tensión. En 1983-1984 empieza a moldear el hierro con la técnica de la fundición y desarrolla un concepto escultórico de formas zoomórficas utilizando cortes y dobleces. En 1986 empezó a trabajar con hierro fundido, y luego utilizó cristal, resina, luces y sonidos.

Desde 1996 se ha dedicado también a crear elementos y decorados para montajes de ópera y teatro, principalmente en colaboración con la compañía La Fura dels Baus. También destaca como dibujante y grabador.

En 2008 realizó la escultura llamada "Alma del Ebro" en Zaragoza (Aragón) con motivo de la Exposición Internacional del Agua allí celebrada. Esta escultura tiene 11 metros de altura y está situada delante del Palacio de Congresos, a orillas del río Ebro. Las letras representan células del cuerpo humano, el cual está compuesto por más del 60% de agua. Sus letras blancas y estructura hueca invitan al espectador a mirar dentro y reflexionar sobre la relación entre los seres humanos y el agua.

En diciembre de 2012 fue elegido ganador del Premio Nacional de Arte Gráfico 2013 que otorga la Calcografía Nacional y que da reconocimiento a la trayectoria del artista en el campo del arte gráfico.3​

En el año 2012 realizó el cartel de la Fiestas de la Mercè de Barcelona.4​

Distinciones

Mirar en mis sueños, estatua de 12 metros, hecha de resina y polvo de mármol, fue colocada ante la playa de Botafogo, en Río de Janeiro, con motivo de la Mostra Internacional de Arte Público de Brasil, durante 2012.5​
Las principales distinciones obtenidas por el artista han sido las siguientes:

1993: Medaille des Chevaliers des Arts et Letres, Ministerio de Cultura, Francia.
1996: Premio de la Fondation Atelier Calder, Saché, Francia.
1997: Premio Nacional d'Arts Plàstiques, Generalidad de Cataluña, Barcelona, España.
2002: Investido Doctor Honoris Causa por la School of the Art Institute de Chicago.
2012: Premio Nacional de Artes Plásticas de 2012.
2012: Premio Nacional de Arte Gráfico 2013.
2013 Premio Velázquez de Artes Plásticas, (equivalente en pintura al Premio Cervantes).2​ El jurado de este premio valoró la coherencia de una trayectoria en la que ha renovado en profundidad el lenguaje plástico de la escultura, integrando poesía y conceptualización con propuestas de gran intensidad estética.6​
2015: Premio Ciudad de Barcelona por la proyección internacional de ciudad de Barcelona 2015.
2018: Investido Doctor Honoris Causa por la Universidad Autónoma de Barcelona.
Publicaciones
Ilustraciones de Teatro completo de William Shakespeare, Galaxia Gutenberg, Barcelona, 2006. ISBN 978-84-8109-639-2.
Sombras y textos, Galaxia Gutenberg, Barcelona, 2008. ISBN 978-84-8109-723-8.
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Mateo Inurria

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Mateo Inurria

Mateo Inurria Lainosa (Córdoba, 24 de marzo de 1867-Madrid, 21 de febrero de 1924) fue un escultor español.1​ Biografía Nace en Córdoba, ciudad en la que se educa y desarrolla gran parte de su actividad como escultor, profesor, restaurador y decorador. Hasta 1883 asiste a los cursos de la... Ver mas
Mateo Inurria Lainosa (Córdoba, 24 de marzo de 1867-Madrid, 21 de febrero de 1924) fue un escultor español.1​


Biografía
Nace en Córdoba, ciudad en la que se educa y desarrolla gran parte de su actividad como escultor, profesor, restaurador y decorador. Hasta 1883 asiste a los cursos de la Escuela Provincial de Bellas Artes, donde también recibieron formación artística notables creadores durante el último cuarto del siglo XIX: Lorenzo Coullaut Valera, Rafael García Guijo, y los hermanos Romero de Torres, Rafael y Julio. Entre 1883 y 1885 cursa estudios en la Escuela Especial de Pintura, Escultura y Grabado de Madrid. Debido a sus progresos en el aprendizaje académico, la Diputación Provincial de Córdoba le concede una pensión para continuar sus estudios en Madrid hasta 1890, año en que Inurria presenta en la Exposición Nacional de Bellas Artes su obra «Un náufrago», de tal verismo que la mala fe de algunos miembros del jurado lo tachan de vaciado del natural.


Ensueño (1922, R.A.B.A.S.F., Madrid), obra de madurez de Inurria .
Entre 1891 y 1901, Inurria vive inmerso en un ambiente provinciano, poco abierto a la crítica y al público, e inicia su labor como restaurador y profesor. Su escultura supera las restricciones del academicismo y tiende hacia un naturalismo sobrio, de expresión sencilla y carente de detalles anecdóticos, en el que ya se advierte la tendencia a idealizar sus modelos que impregnará su obra de madurez. Inurria se considera a sí mismo un autodidacto, llegando a afirmar: «No he tenido maestro, me he hecho solo». Trabaja la escultura religiosa y conmemorativa, y durante toda su carrera, en Córdoba y en Madrid, recibe abundantes encargos monumentales para homenajear a celebridades de la vida local y nacional, que no siempre llegan a erigirse. También, en esta época, vivió temporalmente en Roma donde coincidió con otros artistas de su generación como el también cordobés Rafael Romero de Torres y con el artista burgalés Marceliano Santa María.2​

Su vocación docente tiene para él una gran significación. Cree firmemente que mediante la enseñanza se puede contribuir a la mejora del individuo y de la sociedad, económica, industrial y artísticamente. Ejerce como catedrático de Modelado de la Figura y Dibujo del Antiguo en la Escuela Municipal de Artes y Oficios de Córdoba, y en 1901 es nombrado director de la Escuela Superior de Artes Industriales de Córdoba, con atribuciones para programar los estudios de Platería, Guadamecilería, Herrería, Carpintería, Cantería y Cerámica en escuelas-taller. Realiza alguna obra en la línea de denuncia social que triunfa a finales de siglo, como La mina de carbón, y diseños y decoraciones de influencia modernista para la biblioteca del Círculo de la Amistad, Liceo Artístico y Literario de Córdoba, donde ingresa en 1900.


Estudio
En 1905 el escultor Rodin llega a España acompañado de su íntimo amigo Ignacio Zuloaga. Inurria tiene la ocasión de conocerle y de ser su cicerone en su visita a Córdoba. Desde esta época, Inurria participa periódicamente en los jurados de la sección de escultura de las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes de Madrid.

En 1911, Inurria es nombrado profesor de término de Modelado y Vaciado en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid, iniciando una nueva etapa en la que su dedicación a la escultura es más intensa. El hecho de residir en Madrid le facilita un mayor contacto con el mundo cultural y artístico, así como un mayor reconocimiento de su obra. Se concentra cada vez más en su tema preferido: el desnudo femenino, como materialización de un ideal estético en el que se funden la perfección formal, un naturalismo idealizado y sobrio, la sensualidad y el erotismo. Ejemplos de ello son: «Ídolo eterno», «Deseo», «La parra» y «Forma», estas dos últimas pertenecientes actualmente a la colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Obtiene una Medalla de Honor en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1920, y dos años después ingresa en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Fallece en Madrid, en 1924 y es enterrado en el cementerio de la Almudena.3​

Exposiciones
1890. Exposición Nacional de Bellas Artes
1895. Exposición Nacional de Bellas Artes
1899. Exposición Nacional de Bellas Artes
1915. Exposición Internacional de Panamá
1919. Exposición Hispano-Francesa, Zaragoza
1920. Exposición Nacional de Bellas Artes
Premios y distinciones
1895. Medalla de Segunda Clase en la Exposición Nacional de Bellas Artes
1899. Medalla de Primera Clase en la Exposición Nacional de Bellas Artes
1915. Medalla de Oro en la Exposición Internacional de Panamá
1919. Diploma de Honor en la Exposición Hispano-Francesa celebrada en Zaragoza
1920. Medalla de Honor en la Exposición Nacional de Bellas Artes
Obras públicas

Ángel orantenota 1​
«Monumento a Lope de Vega», 1902, Madrid.
Grupo representativo de La Marina para el «Monumento a Alfonso XII», 1905, Madrid.
Busto y lápida al poeta Manuel Reina, 1906, Puente Genil, Córdoba.
«Monumento a Eduardo Rosales», 1922, Paseo del Pintor Rosales, Madrid.
«Monumento al Gran Capitán», 1923, Córdoba.
«Ángel orante», para el cementerio de Montoro, actualmente en el Museo de esta ciudad..
"Busto de Don Luis Ramírez Galuzo", 1922, en los jardines del Ayuntamiento de La Línea de la Concepción
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Eduardo Chillida

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Eduardo Chillida

(Eduardo Chillida Juantegui; San Sebastián, 1924 - 2002) Escultor español, considerado uno de los más importantes del siglo XX. Nacido en el seno de una familia tradicional y de fuertes convicciones católicas, fue el tercer hijo de Pedro Chillida, militar que alcanzaría el grado de teniente... Ver mas
(Eduardo Chillida Juantegui; San Sebastián, 1924 - 2002) Escultor español, considerado uno de los más importantes del siglo XX. Nacido en el seno de una familia tradicional y de fuertes convicciones católicas, fue el tercer hijo de Pedro Chillida, militar que alcanzaría el grado de teniente coronel, y Carmen Juantegui, un ama de casa aficionada al canto que compatibilizaba sus tareas domésticas con la práctica de conciertos corales en el seno del Orfeón Donostiarra.


Eduardo Chillida

Eduardo Chillida realizó los estudios de primaria y secundaria en el Colegio de los Maristas de su ciudad natal y en 1943 se trasladó a Madrid para comenzar la carrera de arquitectura. Aunque nunca acabaría dichos estudios (en 1947 abandonó la facultad para dedicarse exclusivamente al dibujo y la escultura), algunos de los preceptos ahí aprendidos, tales como la relación entre volúmenes y espacio, tendrían, a la postre, una importancia decisiva en la ideación conceptual de sus posteriores trabajos escultóricos. Asimismo, en esos años, Chillida adquirió una buena reputación como portero de fútbol, llegando incluso a ser titular de la Real Sociedad.

Primeras exploraciones creativas

En 1948, buscando un ambiente creativo más propicio al que se vivía en la España franquista, se trasladó a París. Allí entabló amistad con el pintor Pablo Palazuelo y, además de conocer de primera mano la obra de artistas como Picasso, Julio González o Constantin Brancusi, sintió una especial fascinación por la escultura arcaica griega del Louvre. En esa primera y efímera etapa realizó en yeso y terracota una serie de esculturas aún influidas por la tradición figurativa. Con todo, aquellos sondeos artísticos no satisficieron a Chillida.

Agotado y frustrado, decidió abandonar la capital francesa para volver a su tierra natal. Tiempo después, rememorando aquellos años, diría: «Me di cuenta de que París, así como mis frecuentes visitas al Louvre, me llevaban hacia la blanca luz de Grecia, del Mediterráneo. Comprendí que aquél no era mi lugar y le dije a Pili: “Volvamos a casa, estoy acabado”. Al llegar comprendí por qué me sentía acabado: mi país tiene una luz negra, el Atlántico es oscuro».

En 1951 se instaló en el País Vasco con su esposa, Pilar Belzunce, con la que había contraído matrimonio un año antes. En la localidad guipuzcoana de Hernani comenzó a trabajar en la fragua de Manuel Illarramendi, quien le enseñó los seculares secretos del arte de la forja.

Aquel mismo año, Chillida alumbró su primera escultura abstracta, Ilarik: una austera y «primitiva» estela en la que el hierro y la madera (materiales con fuertes connotaciones míticas dentro de la tradición y la cultura vascas) se integraban desmintiendo la vieja jerarquía entre «estatua» y «peana». Esta obra supuso un antes y un después en su trayectoria artística, no sólo por la elección de los materiales mencionados, sino, sobre todo, porque en ella se asentaban, aunque de modo todavía incipiente, conceptos constitutivos de su obra posterior como el espacio, la materia, el vacío o la escala.


Yunque de sueño X (1962)

Las exploraciones creativas iniciadas con Ilarik se irían redefiniendo y concretando en los años siguientes con piezas como Elogio del aire, Música callada, Rumor de límites o El peine del viento. Esta última obra (una de las más conocidas del artista) la estuvo trabajando, en sus distintas versiones, durante más de quince años y no la culminó hasta 1977, cuando las tres piezas de acero de la instalación fueron definitivamente engarzadas frente a aquel mar, atávico y oscuro, que lo había visto nacer.

El reconocimiento internacional le vino también en los años cincuenta al exponer en galerías y museos de ciudades como París, Londres, Milán, Madrid, Nueva York o Chicago, entre otras, y participar en certámenes tan importantes como la Bienal de Venecia de 1958, en la que ganó el Gran Premio Internacional de Escultura, o la Documenta de Kassel de 1959.

Materiales y soportes nuevos

A fines de la década empezó a experimentar con nuevos materiales y soportes. En 1959 realizó Abesti Gogora, su primera escultura en madera. Ese mismo año, ejecutó también su primera obra en acero, Rumor de límites IV, y sus primeros aguafuertes. En 1963, junto con el historiador y crítico de arte Jacques Dupin, viajó a Grecia. Nuevamente entraba en contacto con el mundo y la cultura egea, pero en esta ocasión (sin la mediación, quizá, de las ampulosas salas del Louvre) la luz cegadora y, para él, distante del Mediterráneo, se le reveló con nuevos esplendores.


Los peines del viento

De aquel periplo por tierra griegas nacerían, dos años después, sus primeros alabastros, como los de la serie Elogio de la luz. Utilizando la técnica del vaciado, la misma que ya emplearon los grandes escultores de la Grecia clásica y el Renacimiento, Chillida horadó y modeló el bloque para que el espacio y la luz entraran en sus pétreas entrañas. Esta concepción prometeica del hecho escultórico, llevada, eso sí, a una escala titánica, sería la que iluminaría su inconcluso proyecto para la montaña de Tindaya, en Fuerteventura.

En 1971 realizó su primer trabajo en hormigón. En los años subsiguientes, coincidiendo con los grandes encargos de escultura pública, este material sería empleado en un gran número de obras, como Lugar de encuentros III (Madrid, 1971), La casa de Goethe (Frankfurt, 1986), Elogio del agua (Barcelona, 1987), Elogio del horizonte (Gijón, 1990) o Monumento a la tolerancia (Sevilla, 1992).


Berlín, de Eduardo Chillida

Asimismo, también utilizó el acero (uno de los materiales en los que trabajaba más a gusto) en la concreción de muchas de sus esculturas de los años ochenta y noventa, como el Monumento a los Fueros (Vitoria, 1980), Homenaje a Jorge Guillén (Valladolid, 1982), Helsinki (Helsinki, 1991), Homenaje a Rodríguez Sahagún (Madrid, 1993), Jaula de la libertad (Trier, 1997), Diálogo-Tolerancia (Münster, 1997) o Berlín (con esta obra, situada frente a la nueva Cancillería de la capital alemana e inaugurada póstumamente en 2002, Chillida quiso simbolizar el espíritu conciliador de la nueva Alemania unificada).

En el año 1999, el Museo Guggenheim Bilbao -ampliando la muestra que un año antes había ofrecido el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS)- celebró el 75º aniversario del escultor con una interesante retrospectiva en la que se presentaron más de doscientas obras. Esta exposición ha sido, hasta el momento, la más importante que se le haya dedicado al artista.



En septiembre de 2000, Chillida vio realizado uno de sus grandes sueños. Aquel día, en Hernani, abrió sus puertas el centro que él mismo había bautizado como Chillida-Leku (Casa de Chillida). Este proyecto empezó a gestarse en 1984, cuando él y su esposa adquirieron un viejo caserío del siglo XVI, rodeado de prados y bosques, con la idea de crear un espacio que contribuyese a la divulgación de su obra y albergase de forma permanente una muestra representativa de la misma. El Museo Chillida-Leku no sólo fue el último legado de este artista universal que sin olvidar sus raíces supo reinventar la escultura para llenarla de nuevos significados, sino que en poco tiempo se ha convertido en uno de los nuevos referentes culturales del País Vasco.

Un legado esencial

Desde que se diera a conocer en la escena internacional allá por los años cincuenta, la obra de Chillida ha quedado representada en los principales museos y colecciones de arte de Europa y Estados Unidos. Asimismo, sus trabajos han sido comentados y analizados tanto por parte de los historiadores y críticos de arte como por poetas de la talla de Octavio Paz, Gabriel Celaya y José Ángel Valente, entre otros, y filósofos tan importantes como Martin Heidegger o Gaston Bachelard. Galardonada en innumerables ocasiones y expuesta en numerosos museos y retrospectivas, su obra constituye un legado de referencia ineludible en el panorama artístico contemporáneo. Para muchos fue el mejor escultor español de la segunda mitad del siglo XX.

A lo largo de sus más de cincuenta años de trayectoria creativa, Chillida exploró conceptos (opuestos para algunos, complementarios para él) como los de vacío y volumen, luz y sombra, límite e infinitud. El material del que estaban hechos sus trabajos (aun indagando en componentes tan diversos como el hierro, la piedra, el alabastro, el acero o el hormigón) no fue para él un fin en sí mismo, como tampoco lo fueron esas formas austeras y arcanas tan definitorias de su trabajo. Más allá de la materia y la forma, lo que quiso expresar Chillida a través de sus obras fue una concepción ética, mística y trascendental de la existencia.

Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Eduardo Chillida. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/chillida.htm el 27 de diciembre de 2019.



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Agustín Querol

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Agustín Querol

Agustín Querol Subiratsa​ (Tortosa, 17 de mayo de 1860-Madrid, 14 de diciembre de 1909) fue un escultor español. Originario de Cataluña y tras estudiar en la Escuela de la Lonja y en Roma gracias a una pensión, terminaría instalándose en la capital del país.Infancia y juventud Alegoría de... Ver mas
Agustín Querol Subiratsa​ (Tortosa, 17 de mayo de 1860-Madrid, 14 de diciembre de 1909) fue un escultor español. Originario de Cataluña y tras estudiar en la Escuela de la Lonja y en Roma gracias a una pensión, terminaría instalándose en la capital del país.Infancia y juventud

Alegoría de Zaragoza del Monumento a los mártires de la religión y de la patria, 1904.
Hijo de un panadero originario de la localidad de Ulldecona (Tarragona), recibió sus primeras clases de arte de la mano de Ramon Cerveto Bestraten (Tortosa, 1829-1906).

Estudió en la Escuela de la Lonja, siendo discípulo de Domènec Talarn y de los hermanos Vallmitjana (Agapito y Venancio).

Junto a Eduardo Barrón en 1884 gana por oposición una pensión para estudiar en Roma, donde ejecuta una gran cantidad de obras, instalándose hacia finales de 1890 en Madrid. En la capital tuvo un estudio en el por aquel entonces «paseo del Cisne», hoy día paseo de Eduardo Dato, donde se educaron numerosos artistas.1​

Sus obras eran abigarradas y con un gran efectismo, en su época consiguió una gran popularidad con numerosos encargos oficiales, que le hicieron montar un enorme taller con decenas de ayudantes entre los que se encontraba Coullaut Valera y Jacinto Higueras. Gaya Nuño, no libre de prejuicios, lo definió como «el caso Querol»,
porque, evidentemente, hubo un caso de psicosis colectiva en derredor de este hombre suficiente para engañar a casi todos sus contemporáneos, y a él mismo a la cabeza de todos
Gaya Nuño, Arte del siglo XIX.2​
Recibió reconocimientos como la medalla de primera clase en la exposición de Madrid de 1887 (por el grupo La Tradición); Medalla de oro en Múnich en el año 1891 y 1895; medalla de oro en Viena en 1898; Primer premio en la Exposición Universal de 1888, con la obra El suicidio de Sagunto.

De notable fama en vida, tras su fallecimiento,1​ acaecido en Madrid el 14 de diciembre de 1909,3​ quedaría un tanto olvidada su figura.4​

Algunas obras

La Gloria y los Pegasos, en la azotea del Ministerio de Agricultura de España (Madrid).
1881- Cabeza de Dolorosa.
1885- Guerrero vencido.
1886- Sagunto (Museo Nacional del Prado).5​
1887- La Tradición (en bronce en el Museo del Prado6​, en mármol en el Club Español de Buenos Aires, etc).
1889- San Félix y Santa Eulalia. Fachada de la catedral de Barcelona.
1890- Monumento a Méndez Núñez7​ y Monumento a José Elduayen (1896) en Vigo.
1891- Busto de la reina regente María Cristina (mármol). Palacio Real de Madrid y Museo Nacional de Arte de Cataluña (Barcelona).
1892-1903- Frontón para la Biblioteca Nacional de Madrid.
1892- Monumento a los Bomberos. Cementerio de Colón (La Habana, Cuba). Inaugurado en 1897.
1895. San Francisco curando a los leprosos (Museo Nacional del Prado).8​
1897- La Gloria y los Pegasos, para el Ministerio de Fomento (hoy Ministerio de Agricultura donde actualmente existe una réplica en bronce de Juan de Ávalos de los tres conjuntos).9​
1893- Monumento a Legazpi y Urdaneta. Manila (Filipinas).7​
1897- Moisés y las leyes. Palacio de Justicia de Barcelona.
1897- Proyecto de Monumento al obispo Manuel Ros de Medrano (Tortosa).
1900- Monumento a Aureliano Linares7​ y Monumento a Daniel Carballo (1903) en La Coruña.

Monumento de los españoles.
1900- Monumento a la "Carta Magna y las cuatro regiones argentinas". Popularmente conocido como "Monumento de los españoles". Buenos Aires (Argentina).
1902- Monumento a Quevedo (Madrid),7​ Monumento al conde de Ribadedeva (Colombres, Asturias) y Monumento al General Bolognesi7​ (Lima, Perú; inaugurado en 1905), esta escultura fue sustituida en 1954 por la realizada por el escultor peruano Artemio Ocaña y se conserva en el Museo del Real Felipe.10​
1904- Monumento a los mártires de la religión y de la patria (Zaragoza, España).7​
1906- Monumento a la viuda de Epalza (Bilbao), Monumento a los Mártires de la Religión y de la Patria (Zaragoza) y el Monumento a Frederic Soler ("Pitarra") de Barcelona.
1908- Mausoleo de Cánovas del Castillo. Panteón de Hombres Ilustres (Basílica de Atocha, Madrid).
1908- Monumento a los Sitios de Zaragoza (España).7​
1908- Gana por concurso el proyecto de Monumento al general Justo José de Urquiza; da inicio a las obras —pedestal de mármol y fragmentos del conjunto—, que son finalizadas por su compatriota Mariano Benlliure. La obra se inaugura el 11 de noviembre de 1920, fecha en que se conmemora el Pacto de Unión Nacional (Parque Urquiza, Paraná, Entre Ríos, República Argentina).[cita requerida]
1908- Panteón Guirao, Cementerio de San Isidro (Madrid).
1909- Proyecto de Monumento a Garibaldi.
Son conocidos y apreciados sus Pegados al frente del "Palacio de Bellas Artes" en la ciudad de México. 1909 (Montevideo, Uruguay)7​ y Monumento a Moret (Cádiz).7​
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Andreu Alfaro

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Andreu Alfaro

InicioBiografía Biografía ANDREU ALFARO (Valencia, 1929 - Rocafort, 2012). Escultor de formación autodidacta, inicia su actividad artística a finales de los años cincuenta con una escultura de herencia constructivista para desarrollar, en las tres décadas siguientes, una obra cambiante y... Ver mas
InicioBiografía
Biografía
ANDREU ALFARO (Valencia, 1929 - Rocafort, 2012).

Escultor de formación autodidacta, inicia su actividad artística a finales de los años cincuenta con una escultura de herencia constructivista para desarrollar, en las tres décadas siguientes, una obra cambiante y diversificada pero fiel a ciertas concepciones básicas: la asimilación en la creación artística de la metodología de los procesos y materiales industriales, una vocación sintética en la forma y el convencimiento de que la escultura debe recuperar su carácter público y conmemorativo.

Realiza sus primeras exposiciones individuales en 1957 y 1958. Ha participado en la Bienal de Venecia en varias ocasiones (1966, 1976 y 1995), y es frecuente que sus obras concurran a las prestigiosas ferias de Colonia, Düsseldorf, Basilea, París o Madrid. Entre sus más de cincuenta exposiciones individuales cabe destacar las importantes retrospectivas de 1979 en el Palacio Velázquez del Parque del Retiro de Madrid y de 1991 en el Instituto Valenciano de Arte Moderno; y las exposiciones del año 1989 en París, en la Galerie de France, del 2000 en Quadrat Bottrop, en el Josef Albers Museum y la del 2001 en Den Haag, Scheveningen, en el Museum Beelden aan...
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Diego de Siloé

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Diego de Siloé

(Burgos, hacia 1495 - Granada, 1569) Escultor y arquitecto español. Se formó con su padre, el escultor Gil de Siloé, y merced a una estancia de dos años en Italia entró en contacto con el arte renacentista. Precisamente por ello Diego de Siloé es una de las grandes figuras del Renacimiento... Ver mas
(Burgos, hacia 1495 - Granada, 1569) Escultor y arquitecto español. Se formó con su padre, el escultor Gil de Siloé, y merced a una estancia de dos años en Italia entró en contacto con el arte renacentista. Precisamente por ello Diego de Siloé es una de las grandes figuras del Renacimiento español, al que aportó un elegante dominio de los esquemas italianizantes, enriquecidos a menudo con una profusa decoración, tendencia heredada quizás de su padre.

En 1517 se estableció en Burgos, donde realizó la escalera dorada de la catedral, considerada una de las obras maestras del Renacimiento hispánico. En la propia catedral de Burgos se le deben varias obras en la capilla del Condestable, en particular el retablo mayor, esculpido en colaboración con Vigarny. Sus figuras, poderosas y monumentales, se enmarcan en espacios arquitectónicos de claro sabor italianizante.


La escalera dorada de la catedral de Burgos
e interior de la catedral de Granada


Trabajó en diferentes localidades de Castilla antes de trasladarse en 1528 a Granada, donde labró las estatuas orantes de los Reyes Católicos para la Capilla Real. En Andalucía, donde trabajó principalmente como arquitecto, dejó dos grandes creaciones: la catedral de Granada y la iglesia de San Salvador de Úbeda.

En la primera, de la que se ocupó a partir de 1528, partió de los planos trazados por Enrique Egas, pero introdujo en ellos modificaciones sustanciales para crear un templo de cinco naves en el que demostró su gran dominio del espacio; resulta particularmente notable la concepción de la cabecera, constituida por la capilla mayor y la girola y precedida por siete espectaculares arcos de medio punto, de los que se derivan singulares efectos espaciales.

Siloé compaginó el trabajo en la catedral de Granada, en la que se le debe también la decoración escultórica de algunas puertas, con la dirección de las obras del Colegio de los Irlandeses, en Salamanca, en el que trazó un patio de un clasicismo impecable.



Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Diego de Siloé. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/siloe_diego.htm el 28 de diciembre de 2019.



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Juan Múñoz

Escultor, escritor, ilustrador y creador de artes auditivas, Juan Muñoz Torregrosa — el “poeta del espacio” — nació en Madrid, en 1953 en el seno de una familia numerosa y bien asentada. Sus primeras experiencias en el colegio no fueron exitosas: fue expulsado de la escuela por prestar poca... Ver mas
Escultor, escritor, ilustrador y creador de artes auditivas, Juan Muñoz Torregrosa — el “poeta del espacio” — nació en Madrid, en 1953 en el seno de una familia numerosa y bien asentada. Sus primeras experiencias en el colegio no fueron exitosas: fue expulsado de la escuela por prestar poca atención en clase, pero su educación continuó en casa gracias a la enseñanza privada de un poeta y crítico de arte contratado por su padre. Y fue a través de este encuentro que Muñoz descubrió el modernismo, aspecto clave en sus futuras obras escultóricas. En la década de los setenta, durante el régimen franquista, el joven Muñoz decide viajar a Londres donde estudia en el Croydon College y después en la Central School of Art and Design. Tras conocer a su futura esposa, la escultora española Cristina Iglesias, a la edad de 29 años gana la beca Fulbright con la que pudo viajar a Nueva York para estudiar en el prestigioso Pratt Institute, el centro de estudios privado de arquitectura, diseño interior y diseño industrial fundado en 1887.



En el año 1984, a los 31 años, Muñoz exhibe su trabajo por primera vez en la galería Fernando Vijande en su ciudad natal, empezando así una trayectoria de exposiciones internacionales por los museos Guggenheim en Bilbao y Nueva York, el Art Institute de Chicago, el Museo de Arte Contemporáneo en Los Ángeles y la Tate Modern de Londres.

Una década más tarde, en la primera mitad de los noventa, Muñoz empieza a romper con los conceptos tradicionales de la escultura, a través de la introducción de un elemento narrativo en sus instalaciones. Sus figuras humanas son algo inferiores al tamaño real e interactúan entre sí en el espacio expositivo, creando una secuencia viva, dinámica, en la que el espectador puede participar y sentirse involucrado. Al mismo tiempo, el escultor juega con la ausencia de individualidad en sus figuras, ya que su monocromatismo les hace perder sus rasgos de personalidad hasta crear una sensación incómoda e inquietante en el espectador.


Juan Muñoz seguirá su exploración psicológica de la persona, el espacio y la relación espectador-obra en centenares de obras artísticas posteriores, principalmente escultóricas pero también pasando por otras disciplinas: ensayos-ficción literarios, obras sonoras, piezas radiofónicas e ilustraciones a mano. En 2001 realiza su serie emblemática Conversation Piece, en la que aborda los temas del silencio, la teatralidad, la interacción y la (in)comunicación a través de cinco figuras humanas realizadas en bronce: bases redondas (incapacidad de moverse, trasladarse) y rostros vacíos, inexpresivos, contrastados con sus gestos vivos y cinéticos. La instalación crea un espacio teatral cargado de drama, narrativa y psicología — nos preguntamos qué relación tienen las figuras entre sí, qué es lo que quieren, pero no pueden, contarse, y cuál es nuestro rol como espectadores en este juego (in)comunicativo.

Después de varios años de exposiciones internacionales, en 2000 Muñoz recibe el célebre Premio Nacional de Artes Plásticas, al que respondio con un lacónico “Creo que me compraré un reloj”. El escultor fue el primer artista español en exponer en la Sala de las Turbinas de la Tate Modern, con su obra Double Bind de 2001, su última creación y la que es considerada su obra cumbre. Quizá el ejemplo más claro de la influencia del modernismo en la concepción artística del escultor. Double Bind funciona como una suerte de meta-escultura: transformando radicalmente el amplio espacio de la Sala de las Turbinas (155 m x 35 m), la obra nos presenta varias escenas en diferentes puntos del entorno, jugando con visibilidad e invisibilidad, certeza y misterio, realidad y ficción — temas siempre presentes en la obra de Muñoz. En la parte superior de la instalación, pasan dos ascensores paralelos en movimiento continuo; algunos de los agujeros negros en el suelo son en realidad ilusiones ópticas. En la parte inferior desciende la oscuridad, rota puntualmente por rayos de luz provenientes de los pozos de los ascensores. En estos pozos vislumbramos la presencia de unas figuras humanas cuyas expresiones no conseguimos detectar, haciendo imposible nuestra participación en su drama privado. El cuidadoso posicionamiento de las figuras en un espacio sofisticado y visualmente complejo nos invita a reflexionar sobre la psicología de los personajes y a interactuar — activa o pasivamente — con la escena.




Juan Muñoz falleció en 2001 en Ibiza a los 48 años de un paro cardíaco.
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Cristina Iglesias

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Cristina Iglesias

Cristina Iglesias Fernández Berridi1​ (San Sebastián, 1956) es una escultora y grabadora española, galardonada y reconocida por su obra que se encuentra repartida por museos y espacios públicos de todo el mundo.2​3​ En 2016 se le concedió el Tambor de Oro de la Ciudad de San Sebastián.4... Ver mas
Cristina Iglesias Fernández Berridi1​ (San Sebastián, 1956) es una escultora y grabadora española, galardonada y reconocida por su obra que se encuentra repartida por museos y espacios públicos de todo el mundo.2​3​ En 2016 se le concedió el Tambor de Oro de la Ciudad de San Sebastián.4​

Biografía
Nacida en el seno de una familia donde los cinco hermanos han sido artistas, comenzó estudiando Ciencias Químicas, carrera que abandonó para marcharse a Barcelona donde practicó dibujo y cerámica un tiempo. Después, se formó en Escultura en la Chelsea School of Art en Londres.2​5​ Allí conoció al que sería después su marido, Juan Muñoz, y a otros artistas como Anish Kapoor.5​ Su estancia en la capital británica —y también su paso por Italia— marcó su futuro como artista que deseaba, sobre todo, trabajar en el espacio y el contexto.5​ Al terminar en el Reino Unido, pudo acceder a una beca Fulbright para estudiar en la Escuela de Bellas Artes del prestigioso Pratt Institute de New York (1988). En los años 1980 realizó sus dos primeras exposiciones individuales en Portugal y representó a España por vez primera en la Bienal de Venecia (1986).5​ Esta presencia internacional le permitió comenzar a ser reconocida. En los años 1990, pasó con éxito por Suiza, participó en la Exposición Universal de Sevilla de 1992, en la Bienal de Sídney, visitó por segunda vez la Bienal veneciana y expuso obra en el Reino Unido y Estados Unidos, siendo galardonada en 1999 con el Premio Nacional de Artes Plásticas en España, por los «nuevos caminos» abiertos.1​ Durante esos años, fue también profesora de escultura en la Academia de Bellas Artes de Múnich.6​

Ya consagrada en Europa y Estados Unidos, en los años 2000, después de superar el fallecimiento de su marido,5​ participó en la Bienal de Taipei (2003) y fue la primera española en ser invitada a participar en la Trienal de Folkstone (Reino Unido, 2011).7​ La primera obra pública en España,5​ fue el encargo que le realizó Rafael Moneo de la puerta de entrada del nuevo edificio en la remodelación del Museo del Prado (2007), el Portón-pasaje, constituido por seis grandes planchas móviles con forma de vegetales fosilizados en bronce.5​

En 2018 con motivo del 40 aniversario de la Constitución española su escultura Sin título, 1988 fue seleccionada entre las obras procedentes del Museo Centro de Arte Reina Sofía para estar representada en la exposición El poder del arte. La exposición se ha ubicado en los edificios del Congreso de los Diputados y del Senado.8​

Obra
La obra de Cristina Iglesias emplea todo tipo de materiales como hormigón, acero, agua, cristal, bronce, bambú, hojarasca, ....5​9​ y ella misma se considera influida por el constructivismo ruso, los bajorrelieves asirios que pudo contemplar en el Museo Británico, la arquitectura italiana del renacimiento5​ y se califica como una escultora-constructora, atraída por la arquitectura.10​ La crítica, Nancy Princenthal, considera sus obras como «pantallas», que unas veces actúan para ocultar y, en otras ocasiones, son camino para atraer la atención del espectador hacia algo. Adrian Searle, por su parte, considera que las esculturas de Iglesias, con su geometría vegetal, recrean los espacios arquitectónicos y «alteran nuestra forma de mirar sus escenarios».3​

Ganadora del Berliner Kunstpreis en 2012 en la modalidad de artes visuales,7​ su obra se encuentra en lugares públicos de todo el mundo (Brasil, Dinamarca, España, Estados Unidos, Italia, México, Países Bajos y Reino Unido) y en museos de gran prestigio en arte contemporáneo como el MACBA (Barcelona), la Tate Gallery (Londres), el centro de Arte Reina Sofía (Madrid), el MoMA y el Solomon R. Guggenheim Museum (Nueva York), la Fundaçión Serralves (Oporto), el Centro Georges Pompidou (París), o el Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas (Washington), entre otros.6​7​ En 2016, expuso sus obras en el Museo de Grenoble durante tres meses.11​

Premios y distinciones
1999 - Premio Nacional de Artes Plásticas en España12​
2015 - Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (Ministerio de Cultura y Deportes)13​
2016 - Tambor de Oro de San Sebastián.14​
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Jorge de Oteiza

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Jorge de Oteiza

(Orio, 1908 - San Sebastián, 2003) Escultor español, figura clave de la vanguardia de la década de los cincuenta. Jorge Oteiza Embil nació en el seno de una familia acomodada que había prosperado en el negocio de la hostelería. Introvertido y acosado por temores irracionales, tuvo una infancia... Ver mas
(Orio, 1908 - San Sebastián, 2003) Escultor español, figura clave de la vanguardia de la década de los cincuenta. Jorge Oteiza Embil nació en el seno de una familia acomodada que había prosperado en el negocio de la hostelería. Introvertido y acosado por temores irracionales, tuvo una infancia triste, alejada de los juegos y las riñas de los demás niños.


Jorge Oteiza

Entre 1914 y 1920 cursó el bachillerato en el Colegio del Sagrado Corazón de San Sebastián y en el de los Capuchinos de Lekaroz, Navarra. En esos años de formación su personalidad cambió radicalmente. Se volvió más extravertido y sociable: no sólo cultivó el boxeo y el teatro amateur, sino que también trabó amistad con incipientes artistas como el pintor Juan Cabanas o el músico Nicanor Zabaleta.

Estudios, penurias y primeras obras

En 1927 se trasladó a Madrid con el propósito de estudiar arquitectura, aunque, por razones burocráticas, finalmente tuvo que matricularse en medicina. Pese a que nunca terminaría la carrera (la abandonó en el tercer curso para apuntarse en la Escuela de Artes y Oficios), la asignatura de bioquímica despertó su interés por la escultura, por la experimentación de lo que él definió como «biología del espacio». Fue también en la capital de España donde se acentuó, desde posiciones sociales y de izquierdas, su conciencia identitaria vasca.

En 1928 su padre y su hermano, después de la quiebra del negocio familiar, emigraron a Argentina, teniendo él que responsabilizarse de su madre y sus cinco hermanos pequeños. Para poder costearse los estudios, trabajó de camarero, de contable en una frutería e incluso de linotipista. Aun así, pasó grandes dificultades económicas y durante una larga temporada estuvo alimentándose con la sopa para indigentes que repartían en un convento.

Sus primeras esculturas, figurativas y con un cierto aire arcaizante, nacieron bajo la influencia de artistas como Jacob Epstein, Alberto Sánchez y, sobre todo, Pablo Picasso. Ya en los años treinta, junto a sus amigos los pintores Narkis de Balenciaga y Nicolás de Lekuona, se introdujo en la vida artística de San Sebastián a través de diversas exposiciones y concursos. Así, en 1931 fue galardonado con el primer premio en el IX Concurso de Artistas Noveles Guipuzcoanos, con una escultura singularmente titulada: Adán y Eva, TgS=A/B (tangente S igual a A partido por B).

En 1935, junto con Balenciaga, viajó a Sudamérica, iniciando un periplo que lo llevaría a Argentina primero y a Chile, Colombia y Perú en los años sucesivos. En los casi quince años que estuvo en tierras americanas el joven Oteiza no dejó terreno por explorar: fue profesor en la Escuela Nacional de Cerámica de Buenos Aires, participó en Santiago de Chile en la creación del teatro político experimental, se imbuyó de movimientos de vanguardia como el cubismo y el constructivismo, estudió con devoción la estatuaria megalítica de las culturas amerindias... Y además, conoció a quien fue el gran amor de su vida, Itziar Carreño, con la que se casó en 1938.

Hacia la obra esencial y mística

A principios de la década de los cuarenta empezó a introducir oquedades en sus esculturas. Aquellas incipientes exploraciones sobre el hueco y el volumen (en la línea del gran escultor británico Henry Moore) habrían de devenir el cauce creativo por el que discurrirían sus producciones posteriores. En 1948 regresó al País Vasco, instalándose en Bilbao. El panorama que se encontró era a todas luces desolador; nada quedaba de aquel ímpetu cultural que había florecido durante la República.

Ideológicamente, Oteiza luchó por cohesionar y revitalizar el decaído mundo artístico vasco, pero se topó con la desidia de las instituciones, tanto las del régimen franquista como las del nacionalismo vasco en la clandestinidad. En lo artístico, continuó sus especulaciones en torno a la desocupación del espacio escultórico, creando piezas cada vez más esenciales y místicas.


Caja metafísica, de Jorge Oteiza

En 1950 se le adjudicó la estatuaria para la nueva basílica de Aránzazu (Guipúzcoa), proyectada por el arquitecto Francisco Javier Sáenz de Oiza. Su intervención fue polémica desde el principio: la heterodoxa iconografía del friso de los Apóstoles (representó catorce) así como su estética, demasiado vanguardista para el gusto de las instituciones eclesiásticas, provocaron que la Comisión Pontificia paralizara la ejecución de las piezas por considerarlas sacrílegas. A instancias del papa Pablo VI, el proyecto se reanudó en 1968. Las puertas del templo, realizadas por un joven Eduardo Chillida en hierro y en un estilo geométrico espacialista, causaron una honda impresión en Oteiza.

Aunque durante años ambos escultores serían enemigos acérrimos (más por parte de Oteiza que de Chillida), lo cierto es que la poética desplegada en aquellas puertas, aun sin que él lo reconociera nunca, determinó en gran manera la evolución de su obra. Tanto fue así que en los años cincuenta (su período artístico más fructífero) abandonó definitivamente la figuración y se adentró por un camino de depuración formal y de diálogo entre la materia y el vacío.

El éxito y el reconocimiento internacional no se hicieron esperar, y en 1957 ganó el primer premio de escultura de la Bienal de São Paulo, en Brasil, con la serie Propósito experimental. Su particular forcejeo con el volumen y el espacio llegaría a su cenit en series como Desocupación de la esfera (1957-1958) y Cajas vacías o Cajas Metafísicas (1958), en las que el objeto quedaba desmaterializado casi por completo en favor de un espacio que él entendía metafísico y espiritual.


Homenaje a Mallarmé (1958)

Otras inquietudes

A partir de la década siguiente, Oteiza abandonó la práctica escultórica convencional para desarrollar nuevas inquietudes creativas como la poesía, la arquitectura o la filosofía. «Noté que de mis esculturas salían palabras», señalaría el artista vasco. Con todo, no fue la suya una actitud de mutismo o retiro; al contrario, a partir de entonces desarrolló una actividad pública frenética: no sólo escribió ensayos tan decisivos como Quosque tandem...! Ensayo de interpretación estética del alma vasca (1963), sino que impulsó el movimiento de vanguardia con la creación de grupos como Gaur, Emen, Danok y Orain.

En 1988 la Fundación La Caixa y el Museo de Bellas Artes de Bilbao organizaron una gran exposición antológica sobre su obra. Como viniendo a desmentir que aquellos años de silencio hubiesen puesto fin a sus investigaciones plásticas, se exhibió en aquella muestra una multitud de maquetas y obras de pequeño formato que el artista había elaborado en papel, cartón, aluminio y tiza.



A lo largo de los años noventa, siguió en su papel de activista y agitador cultural, desatando sonadas polémicas, como la que protagonizó con el Museo Guggenheim Bilbao. «Nunca expondré en este museo», dijo en 1996 cuando se encontraba visitando las obras de dicho centro. Su relación con las instituciones vascas tampoco fue buena: «Harto del país y sus gobernantes», en 1992 decidió donar todos sus fondos artísticos y documentales al gobierno de Navarra, herencia ésta que quedó supeditada a la creación de una fundación que contribuyera al estudio y la divulgación de su obra y del arte contemporáneo en general.

Este deseo se hizo realidad en el mes de abril de 2003 al inaugurarse en Alzuza, un pequeño pueblo próximo a Pamplona, el Museo Oteiza, diseñado por su viejo amigo y colaborador Sáenz de Oiza. Con todo, ni uno ni otro pudieron ver el proyecto culminado: Sáenz de Oiza había muerto dos años antes, en 2001, y Jorge Oteiza falleció el 9 de abril de 2003, pocos días antes de que el centro abriera sus puertas, a los noventa y cuatro años de edad, a causa de una prolongada enfermedad respiratoria.

Escultor, poeta, filósofo y arquitecto vocacional, Jorge Oteiza fue uno de los artistas más importantes del siglo XX. En su obra supo conjugar la magia y la espiritualidad de los monumentos megalíticos, especialmente los del País Vasco, con las innovaciones formales de los movimientos de vanguardia. Igualmente, su labor pedagógica, así como sus aportaciones en el campo de la estética y la teoría del arte, contribuyeron a forjar varias generaciones de escultores, algunos de ellos tan señalados como Andreu Alfaro o Txomin Badiola. Aunque siempre rehuyó los agasajos y los honores, a lo largo de su vida recibió premios tan importantes como el Príncipe de Asturias de las Artes, en 1988, o la Medalla del Círculo de Bellas Artes, en 1998.

Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Jorge Oteiza. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/o/oteiza.htm el 27 de diciembre de 2019.



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Victorio Macho

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Victorio Macho

Victorio Macho (Palencia, 23 de diciembre de 1887-Toledo, 13 de julio de 1966) fue un escultor español, precursor de la escultura contemporánea española.1​ Biografía Hijo de un ebanista, Victorio nació en Palencia en 1887 en el seno de una familia humilde. Sus padres deciden matricularle... Ver mas
Victorio Macho (Palencia, 23 de diciembre de 1887-Toledo, 13 de julio de 1966) fue un escultor español, precursor de la escultura contemporánea española.1​


Biografía
Hijo de un ebanista, Victorio nació en Palencia en 1887 en el seno de una familia humilde. Sus padres deciden matricularle en la escuela de Bellas Artes y Oficios de Santander, donde aprende a esculpir. En 1903, con dieciséis años y una pensión de la Diputación de Palencia, se traslada a Madrid continuando sus estudios en la Academia de Bellas Artes de San Fernando. Su obra y esfuerzos son ignorados durante tres lustros hasta que recibe el encargo oficial del sepulcro del doctor Llorente. Consigue luego la fama con su primer monumento a Galdós y se consagra en la exposición del Museo de Arte Moderno de 1921. En ese periodo monta su vivienda-estudio en Las Vistillas, para trasladarse luego a la del paseo del pintor Rosales.2​

Sale de España durante la dictadura de Primo de Rivera y se instala en Hendaya, Francia; esculpe a Unamuno y a Ramón y Cajal. En 1936 es nombrado académico de Bellas Artes de San Fernando. Sale de Madrid al estallar la Guerra Civil, junto al Gobierno de la República a Valencia. El desenlace de la guerra civil lo llevó a trece años de exilio en Francia, Rusia, y luego en América. Tras residir seis meses en Colombia, inicia una prolongada estancia en Lima, donde se casó con Zoila Barrós Conti. Regresó a España en 1952, instalando su casa y taller en Toledo, en el mismo edificio que desde 1967 es el Casa-Museo Victorio Macho (Roca Tarpeya), creado para albergar su legado donado al Estado español.

En 1964 fue nombrado caballero gran cruz de la Orden de Isabel la Católica.3​ Dos años después muere en Toledo, víctima de una silicosis diagnosticada en 1952; sus restos son trasladados a Palencia, siguiendo su última voluntad, y enterrados bajo la ermita excavada a los pies del Cristo del Otero.

Obra
Retratos
1903 - Danielillo
1916 - Marinero Vasco.Toledo, Museo Victorio Macho.
1920 - Estatua yacente de su hermano Marcelo. Toledo, Museo Victorio Macho.
1929 - Cabeza de Valle Inclán Toledo, Museo Victorio Macho.
1935 - Busto de Pío Baroja. San Sebastián, Museo San Telmo.
1935 - Estatua de su madre Toledo, Museo Victorio Macho.
Obra pública

Monumento a Galdós en el Retiro de Madrid (1919)



Cristo del Otero (Palencia)



Monumento erigido por suscripción popular en memoria de José Torán de la Rad en Teruel (1935)



Busto de Simón Bolívar, donado por el Gobierno Venezolano (Parque Simón Bolívar de Bogotá)



Escultura en la Universidad de Panamá (1951)



Escultura de la Casa Museo Victorio Macho de (Toledo)

1918 - Monumento a Benito Pérez Galdós, inaugurado el 20 de enero de 1919, en presencia del escritor, ya ciego, en los Jardines del Retiro de Madrid.
1922 - Segundo Monumento a Benito Pérez Galdós, Las Palmas de Gran Canaria, que sería lentamente 'devorado' por el mar, hasta que fue retirado de su emplazamiento original; se conserva en la Casa-Museo Pérez Galdós.
1922 - Esculturas del Monumento a Juan Sebastián Elcano en Guetaria, Guipúzcoa, diseñado por los arquitectos Agustín Aguirre y José Azpíroz.
1925-1927 - Fuente de Concha Espina, Jardines de Pereda, Santander.
1926 - Monumento a Santiago Ramón y Cajal, Paseo de Venezuela, Jardines del Retiro de Madrid.

Monumento a Santiago Ramón y Cajal en el Retiro (Madrid).
1930 - Busto de Miguel de Unamuno, Universidad de Salamanca, Salamanca.
1930 - El Romano, en la cúspide del edificio de la Gran Vía, número 60, en Madrid.
1931 - Cristo del Otero, Palencia, en cuya cripta está enterrado el escultor.
1935 - Monumento en memoria del ingeniero José Torán de la Rad en Teruel, erigido por suscrupción popular.
1937 - Monumento a Sebastián de Belalcázar, Santiago de Cali, Colombia.
1937 - Monumento ecuestre a Sebastián de Belalcázar, en el Morro de Tulcán. Popayán, Colombia. (Elaborada con motivo del IV centenario de fundación de la ciudad)
1940 - Monumento a Rafael Uribe Uribe, en el Parque Nacional Enrique Olaya Herrera de Bogotá, Colombia.
1946 - Monumento a Miguel Grau Seminario, Lima, Perú
1951 - Monumento a Justo Arosemena, ubicado actualmente a un costado de la Facultad de Derecho y Ciencias Políticas de la Universidad de Panamá, Ciudad de Panamá.
1962 - Monumento a Jacinto Benavente, Parque del Retiro, Madrid.
Monumento a Alonso Berruguete, Plaza Mayor de Palencia.
Monumento a Simón Bolívar El Genio, Plaza Caracas de Caracas. (Venezuela). Existen copias en Bogotá (Colombia), Sao Paulo (Brasil), Riobamba (Ecuador) y Lima (Perú).
Obra religiosa
Cristo, Iglesia de Corrales de Buelna, Cantabria.
Obra funeraria
Sepulcro del Dr. Llorente, cementerio de San Justo, Madrid (1917).
Sepulcro del poeta Tomás Morales Castellano, Las Palmas de Gran Canaria (en el conjunto aparece la figura el Implorante, que expuso en la Primera Exposición de la Sociedad de Artistas Ibéricos, en Madrid)
Sepulcro de Marcelino Menéndez Pelayo, Catedral de Santander.
Sepulcro de Marcelo Macho, hermano del artista, Casa-Museo Victorio Macho, Toledo.
Mausoleo de la Familia de Simón Bolívar, Capilla de la Trinidad, Catedral de Caracas, Venezuela (1930).
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Lorenzo Coullant Valera

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Lorenzo Coullant Valera

Lorenzo Coullaut Valera (Marchena, 12 de abril de 1876-Madrid, 21 de agosto de 1932) fue un escultor e ilustrador español. Biografía Blanco y Negro (1902) Nace el 12 de abril de 1876 en la localidad sevillana de Marchena, hijo del ingeniero francés Louis Alfred Coullaut Boudeville. Pasa... Ver mas
Lorenzo Coullaut Valera (Marchena, 12 de abril de 1876-Madrid, 21 de agosto de 1932) fue un escultor e ilustrador español.


Biografía

Blanco y Negro (1902)
Nace el 12 de abril de 1876 en la localidad sevillana de Marchena, hijo del ingeniero francés Louis Alfred Coullaut Boudeville. Pasa su infancia y realiza sus primeros estudios en Francia y de regreso a España en 1893, (según Wifredo Rincón su vuelta se produjo en 1880), para quedarse definitivamente.

En Sevilla se forma en los talleres de Susillo y de Querol.

Coullaut Valera contó con el apoyo de su tío el escritor Juan Valera, de quien realiza un busto con el que participó en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1897, obteniendo en ella la mención honorífica.

Como ilustrador colaboró en revistas como Blanco y Negro y Hojas Selectas.1​

Trabajó sobre todo en obra monumental pública, ubicadas tanto en España como en Hispanoamérica y participó en diversas Exposiciones Nacionales de Bellas Artes y en la Exposición Universal de Barcelona de 1929.

Fue padre del también escultor Federico Coullaut-Valera, y abuelo del pedagogo, sacerdote escolapio y escritor Enrique Iniesta Coullaut-Valera.


Monumento a Cervantes en la plaza de España (Madrid)

Monumento a Campoamor en el parque del Retiro (Madrid)
Obras

Monumento a Pereda en los jardines homónimos (Santander)
1911- Monumento a José María de Pereda. Santander
1911- Busto monumento al escritor gallego Manuel Curros Enríquez situado en un principio en O Castro, después en O Alameda de Vigo, Galicia.
1913- Monumento a los Saineteros. Madrid.
1914- Monumento a Campoamor. Madrid.
1916- Monumento a Pardo Bazán. La Coruña.
1917- Conjunto escultórico del panteón de los Marqueses de Linares. Linares (Jaén)
1917- Monumento a Menéndez Pelayo. Madrid.2​
1918- Monumento a la Inmaculada Concepción en la Plaza del Triunfo en Sevilla.
1926- Monumento al Obispo Osio. Córdoba.
1927- Monumento al Sagrado Corazón de Jesús. Bilbao.3​
1928- Monumento a Juan Valera. Madrid.
1929- Sagrado Corazón de Jesús en las Ermitas. Córdoba.
1930- Monumento a Cervantes. Madrid.
La Caridad Real en el monumento a Alfonso XII de los Jardines del Retiro de Madrid.
Monumento a Bruno Zavala. Montevideo.
Monumento a Bécquer en el Parque de María Luisa. Sevilla.4​
Monumentos alegóricos "El Arte" y "El Genio" en la glorieta de Covadonga del Parque de María Luisa de Sevilla
Premios y distinciones
1897. Mención Honorífica en la Exposición Nacional de Bellas Artes (presenta el busto de D. Juan Valera)
1901. Medalla de Tercera Clase en la sección de Escultura y en la de Arte Decorativo, ambas en la Exposición Nacional de Bellas Artes
1904. Medalla de Tercera Clase en la Exposición Nacional de Bellas Artes.
1905.Ganador del concurso para la ejecución de la lápida conmemorativa de la Primera Edición de El Quijote
1906. Medalla de Segunda Clase en la Exposición Nacional de Bellas Artes (presenta Regina Sanctorum Omnium)
Premio Nacional de Escultura de la Real Academia de San Francisco
1908. Medalla de Segunda Clase en la sección de Escultura y en la de Arte Decorativo, ambas en la Exposición Nacional de Bellas Artes
1910. Presenta el proyecto de homenaje a Béquer, que no resulta premiado y ocasiona que no vuelva a presentarse a estos certámenes.
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Alberto Sánchez Pérez

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Alberto Sánchez Pérez

- 1895. Alberto Sánchez Pérez nace en Toledo, segundo de una familia de seis hermanos. El padre es panadero y la madre sirvienta. - 1900-1905. Alberto trabaja como porquerizo y como ayudante de un carretero que reparte pan por los pueblos de Toledo. - 1905-1907. Por quiebra del negocio... Ver mas
- 1895. Alberto Sánchez Pérez nace en Toledo, segundo de una familia de seis hermanos. El padre es panadero y la madre sirvienta.

- 1900-1905. Alberto trabaja como porquerizo y como ayudante de un carretero que reparte pan por los pueblos de Toledo.

- 1905-1907. Por quiebra del negocio la familia se traslada a Madrid. Alberto queda en Toledo trabajando como ayudante en una herrería. Comienza a manifestarse su vocación artística y sueña sus primeras obras, concebidas como monumentos públicos.

- 1907. La fragua le daña la vista y marcha a Madrid. Entra como aprendiz en el taller del escultor-decorador José Estanys.

- 1910. Por estas fechas, un amigo de la Casa del Pueblo le enseña a leer.

- 1910-1912. Comienza a trabajar por las noches como panadero (seguirá haciéndolo hasta 1926). Ingresa en las Juventudes Socialistas. Conoce a Francisco Mateos y se afirma su decisión de convertirse en artista. Visita asiduamente los museos de Madrid.

- 1912-1913. Alberto y Mateos se reúnen habitualmente en el Círculo Socialista del Sur. Allí conciben proyectos de arte ceremonial de agitación y propaganda y una vanguardista Casa del Pueblo.

- 1915. Realiza un viaje a Lisboa en compañía de Mateos. Juntos, contemplan en Madrid una exposición con obras cubistas de María Blanchard y Diego Rivera, primera manifestación plástica de vanguardia acontecida en Madrid.

- 1917-1920. Cumple servicio militar en Melilla. Realiza sus primeras esculturas y expone algunas de estas obras en una tienda de campaña del Regimiento.

- 1921-1923. Tras su regreso a Madrid, vuelve al trabajo de la panadería. La Escuela de Artes y Oficios le niega el acceso. Realiza murales políticos y pasa largas horas dibujando en el Gran Café de Oriente, en la Puerta de Atocha, donde traba una estrecha amistad con Rafael Barradas. Este encuentro constituye un hito fundamental en la vida de ambos artistas. A partir de este momento, Alberto comienza a establecer contacto con los círculos intelectuales y artísticos madrileños. Realiza sus primeras ilustraciones para Alfar y Ronsel.

- 1924. Participa en el Salón de Otoño con cuatro dibujos. Se multiplican sus conexiones con los círculos culturales madrileños (Abril, Garrán, Lacasa, Lorca, Dalí, Maruja Mallo, Cansinos Assens, Ferrant, Maroto...)

- 1925. Participa en la Exposición de la Sociedad de Artistas Ibéricos con nueve esculturas y varios dibujos. Con ello se da a conocer como artista de vanguardia. Intelectuales y artistas postulan para que se le conceda una ayuda que le permita dedicarse plenamente a la escultura. La Diputación toledana le concede una beca que le será renovada durante los tres años siguientes. Tras la diáspora de artistas de vanguardia que se produce después de los Ibéricos se queda relativamente aislado en Madrid.

- 1926. Primera exposición individual en el Ateneo madrileño (Dibujos y apuntes para esculturas). Por estas fechas, conoce al escultor canario Francisco Lasso en el Café de Oriente, mateniendo con él una relación maestro-discípulo. Ambos recorren los alrededores de Madrid, buscando motivos de inspiración en suburbios y campos.

-1927. Participa en el Concurso Nacional de Escultura con un boceto para un monumento a Góngora, ganando un accésit de 1000 pts.

- 1928. La Diputación toledana le retira la beca. Hacia octubre, Benjamín Palencia regresa de París y pone en conocimiento de Alberto las novedades artísticas que ha conocido en la ciudad que sigue constituyendo el centro internacional de la vanguardia. Autoretrato de Alberto Sanchez

- 1929. Alberto y Palencia participan en la exposición celebrada en el Botánico madrileño por los artistas españoles residentes en París (Alberto expone su "Bailarina", todavía cubofuturista).

- 1930. Alberto participa en el Concurso Nacional de Escultura con el "Monumento a los niños". A lo largo de este año, después de nuevos viajes de Palencia a París e Italia, podría estar comenzando lo que será una corta pero estrecha colaboración artística entre ambos. Este intercambio de formas e ideas entre Alberto y Palencia constituirá el núcleo fundamental de lo que conocemos como "Escuela de Vallecas".

- 1931. En junio, Alberto y Palencia exponen juntos en el Ateneo madrileño, en lo que representa la primera manifestación plástica documentada de la estética de Vallecas (Alberto presenta dibujos y proyectos escultóricos). En octubre, Alberto vuelve a exponer en solitario en la misma sala sus "esculturas populares", obras que ya reflejan bastantes aspectos de la mencionada estética.

- 1932. Por razones de diversa índole, se producen ciertas desavenencias entre Alberto y Palencia; éste publica en solitario un libro que expresa por escrito el contenido de la poética vallecana. A finales de año Alberto dicta una conferencia en el Ateneo con su ideario artístico (el texto se publicará al año siguiente en la revista CNT). En noviembre y diciembre participa con cuatro esculturas y veinte dibujos en las exposiciones celebradas por los Ibéricos en Copenhague y Berlín.

- 1933. En junio publica en ARTE (órgano de la reactivada Sociedad de Artistas Ibéricos) su famoso texto "Palabras de un escultor", manifiesto programático de la poética de Vallecas y contrarréplica contundente al mencionado texto de Palencia. En octubre participa con una escultura en el Salón de Otoño, dentro del "Grupo de Artistas de Arte Constructivo" organizado por Torres García. El escultor Díaz Yepes trabaja bajo la influencia directa de Alberto. Mientras tanto, los aspectos plásticos y poéticos de la "Escuela de Vallecas" han ido interesando cada vez a más artistas y escritores, incluso de otros lugares del Estado Español. Dentro del teatro ambulante La Barraca, Alberto realiza decorados y figurines para "Fuenteovejuna". Contratado por la compañía de Ignacio Sánchez Mejías y "la Argentinita" realiza también decorados para "Las dos Castillas" y "La romería de los cornudos". A principios de noviembre es nombrado profesor de dibujo en El Escorial. En diciembre, participa con dibujos políticos en la Exposición de la Asociación de Artistas y Escritores Revolucionarios.

- 1934. Conoce a Neruda y se le encargan unos decorados para "Yerma" que no llegan a término.

- 1935. Desde las páginas de la Valenciana Nueva Cultura Renau y Rodríguez Luna entablan una
polémica con Alberto sobre la naturaleza del compromiso político del artista y sus implicaciones en el lenguaje visual.

- 1936. Contrae matrimonio con Clara Sancha, la que será su compañera el resto de su vida. Publica cuatro "dibujos políticos" acompañados de textos en la revista Octubre. En abril, realiza una importante muestra individual (diez esculturas) en Madrid, en el local de los Amigos de las Artes Nuevas. La Guerra Civil le sorprende en El Escorial. Combate en el frente de Peguerinos y su familia marcha a Valencia. Un bombardeo destruye su estudio madrileño de la calle Joaquín MUSEO López, dañando un número indeterminado de sus esculturas y dibujos. A finales de año es evacuado hacia Valencia formando parte de la caravana organizada por el 5? Regimiento. Va en calidad de profesor de dibujo del Instituto Obrero.

- 1937. Nace su hijo Alcaén. Colabora en labores de propaganda y en las revistas Hora de España y El mono azul. Realiza los decorados para "Numancia" y para "El triunfo de las Germanías". Por iniciativa de Luis Lacasa y Josep Renau marcha a París para participar en el Pabellón de la Exposición Internacional. Allí realiza el monolito de 11 metros situado de la entrada del Pabellón ("El pueblo español tiene un camino que conduce a una estrella") y las estanterías donde se exponen piezas de arte popular que él mismo selecciona. Conoce a Picasso y a numerosos intelectuales y artistas franceses. Realiza bocetos para los decorados de una nueva versión de "Fuenteovejuna", que no llegará a estrenarse. Regresa a España.

- 1938. En septiembre abandona España como profesor de los niños españoles que van a refugiarse en la URSS. El itinerario es: La Garriga-Barcelona-El Havre-Leningrado-Moscú. Trabaja en la moscovita Escuela Nº 7 como profesor de dibujo.

- 1939-1945. Expone las obras traídas de España en la fábrica Stalin de Moscú. Reemprende su actividad de escenógrafo, realizando (entre 1940 y 1941) decorados y figurines para las siguientes obras: "El puente del Diablo" (Tolstoi, para el Teatro Kamerni de Moscú); una obra de Sender en el Teatro de Miniaturas; "La zapatera prodigiosa" (Lorca, para el Teatro Gitano de Moscú) y "La Gitanilla" (adaptación de Arconada sobre la obra de Cervantes). A fines de 1941 la familia es evacuada a la R.S. de Bashkiria, en la que permanecerán dos años y donde Alberto realizará murales en su propia vivienda y juguetes para los niños refugiados. En 1943 La familia regresa a Moscú. Alberto pinta decorados para "Bodas de Sangre", del Teatro Gitano (la obra permanecerá 14 años en cartel).

- 1946-1956. Comienza a pintar paisajes, bodegones y retratos mediante una figuración llena de ingenuismo sombrío y melancólico. Redobla su actividad como escenógrafo haciendo figurines y decorados para adaptaciones de Arconada de "El sombrero de tres picos" (Alarcón) y "La verbena de la Paloma", así como para dos obras de este mismo escritor ("Manuela Sánchez" y "La molinera") y dos de Lope de Vega ("La dama Boba" y "Los dos habladores"), todas ellas para el moscovita Teatro Ossoaviajin. A finales de este periodo realiza también la escenografía de "El alcalde de Zalamea" (Calderón) y "Mariana Pineda" (Lorca) para el teatro Maikovsky de Moscú.

- 1956-1961. En 1956 reemprende su actividad como escultor, que no abandonará hasta el final de sus días y que tendrá como fruto casi medio centenar de piezas importantes. Durante 1957 viaja a Pekín con Luis Lacasa y trabaja como asesor en la película de Kozintsev "Don Quijote". En 1958 realiza los decorados de "La casa de Bernarda Alba" de Lorca, para el Teatro Stanislavsky. En 1959 expone su obra escenográfica en el local de la Unión de Pintores, Escultores y Escenógrafos de Moscú.

- 1962. Muere en octubre. Es enterrado en el cementerio de Viedenskoye.

A) ESCRITOS DE ALBERTO SÁNCHEZ

- "El arte como superación personal" (extracto de una conferencia pronunciada en el Ateneo madrileño), en APAA (Asociación Profesional de Alumnos de Arquitectura), Madrid, I-1933; publicado también en CNT, Madrid, 7-I-1933, pág. 3.
- "Palabras de un escultor", en Arte Nº 2, Madrid, VI-1933, pp. 18-19.

- S/T (dibujo acompañado de un pequeño texto anónimo), en Octubre, Madrid, X-XI-1933.

- "Carta del escultor Alberto", en Nueva Cultura, Valencia, III-IV-1936.

- "Cuatro dibujos políticos de Alberto Sánchez" (con sus respectivos textos), en Nueva Cultura Nº 11, Valencia, III-IV-1936, pág. 6.

- Palabras de un escultor, Valencia, 1975, Fdo. Torres (libro que contiene una importante recopilación de textos de Alberto, la mayoría hasta entonces inéditos: "Carta a Luis Lacasa. Septiembre de 1958"; "El callejón de los muertos"; "Descripción de la casa de un padre jesuita en Toledo"; "Recuerdos de Rafael Barradas"; "Sobre la escuela de Vallecas"; "Cuartillas leídas por Alberto en un homenaje a Miguel Hernández"; "Palabras de un escultor", "Notas Biográficas").

- "Mi autocultura en la historia de las artes plásticas" (texto escrito en torno a 1949); "1; 2; 3; 4" (cuatro poemas registrados magnetofónicamente en 1961 o reconstruídos de memoria por Alcaén Sánchez), en AA.VV.: Alberto (libro-homenaje en el Centenario), Toledo, 1995, Ayuntamiento, pp. 1 y 292 a 296, respectivamente.


B) FUENTES Y BIBLIOGRAFIA ANTERIORES A LA GUERRA CIVIL.

- ABRIL, M.: "La exposición en el Palacio del Retiro (I y II)", en Heraldo de Madrid, Madrid, 9-VI-1925 y 16-VI-1925. - "La crítica de arte. Sus fundamentos y su alcance", en Alfar, La Coruña, VII-1925 (reproduce una "Maternidad" de Alberto hoy en paradero desconocido).

- S/T, en Revista de la Españas, Madrid, VII-1927. - "Artistas españoles en París", en Revista de las Españas, Madrid, IV-V-1929. - "Un gran monumento de Alberto", en Blanco y Negro, Madrid, 26-VI-1930.

- "El Concurso Nacional de Escultura", en Revista de las Españas, Madrid, VIII-IX-1930.

- "Alberto y Palencia", en Blanco y Negro, Madrid, 7-VI-1931.

- "Crónica de arte: Alberto Sánchez", en Revista de las Españas, Madrid, XI-XII-1931.

- "Rumbos, exposiciones y artistas. El escultor Alberto", en Blanco y Negro, Madrid, 20-XII-1931.

- "Comentarios a nuestros grabados. El escultor Alberto Sánchez", en Arte, Madrid, VI-1933.

- "Un fenómeno artístico", en Blanco y Negro, Madrid, VI-1933.

- "Exposiciones en Copenhague y Berlín", en Arte, Madrid, VI-1933.

- S/T: en Blanco y Negro, Madrid, 24-V-1936.

- "Artistas españoles contemporáneos: Alberto escultor", en La Nación, Buenos Aires, (c. 1930) (recorte sin indicación de fecha, texto posiblemente escrito hacia 1928).

- ALCANTARA, J.: "En el Salón de artistas Ibéricos. Los escultores", en El Sol, Madrid, 24-VI-1925.

- ANONIMO: "Exposición de Artistas Ibéricos", en Buen Humor, Madrid, 21-VI-1925 (reproduce "Buey" y "Maternidad", esculturas de Alberto en paradero desconocido).

- ANONIMO: S/T, en La Tierra, Madrid, 2-VI-1931 (reseña de la exp. Alberto-Palencia).

- ANONIMO: "I Exposición de arte revolucionario", en Octubre, Madrid, IV-1934.

- ANONIMO (J. Renau y F. Carreño): "Situación y horizontes de la plástica española. Carta de Nueva Cultura al escultor Alberto", en Nueva Cultura, Valencia, II-1935

- ANONIMO (J. Renau y F. Carreño): "Los artistas y Nueva Cultura. Carta del escultor Alberto", ibid,
VII-1935.

- ANONIMO: "Exposición de Alberto en el Salón de Adlan", en Gaceta de Bellas Artes, Madrid, V-1936.

- CARREÑO. F.: "Elementos para una plástica teatral española", en Nueva Cultura, Valencia, IV-1937.

- CATALOGO del V Salón de Otoño, Madrid, 1924 .

- CATALOGO de la Exposición de la Sociedad de Artistas Ibéricos, Madrid, 1925.

- CATALOGO de la Exposición de Pinturas y esculturas de Españoles residentes en París, Madrid, 1929.

- CATALOGO de Artistas Ibéricos. Exposición de obras en Charlottenborg, Copenhague, IX-1932.

- CATALOGO de la Neuere Spanische Kunst, Berlín, XII-1932--I-1933, GALERÍA Fletcheim.

- CATALOGO DEL XIII Salón de Otoño, Madrid, 1933.

- CATALOGO de la 1ª Exposición del Grupo de Arte Constructivo", Madrid, X-1933.

- DELARME, J.: "La exposición de artistas Ibéricos", en Informaciones, Madrid, 3-VI-1925.

- "EL OTRO": "Exposición Alberto", en El Sol, Madrid, 7-V-1936.

- FRANCES, J.: "Los artistas Ibéricos", en El año artístico 1925-1926, Madrid, 1927.

- G.H.E. "Alberto y Palencia", en El Imparcial, Madrid, 20-VI-1931.

- HERNANDEZ, Miguel: "Alberto el vehemente" (III-1935), rep. en Obra completa. III. Prosas, correspondencia, Madrid, 1992, E. Calpe, pp. 2146 y 2147.

- "JUAN DE LA ENCINA" (José Gutiérrez Abascal): "Salón de Artistas Ibéricos", en La Voz, Madrid,
9VI-1925.

-"Alberto el panadero", ibid, 16-II-1926.

- KUSENBERG: "Neuere Spanische Kunst", en Die Welt Kunst, Berlín, 1-I-1933.

- MATEOS, F.: "El escultor Alberto", en El Socialista, Madrid, 15-II-1926.

- "Esculturas populares de Alberto en el Ateneo", en La Tierra, Madrid, 10-XII-1931.

- NERUDA, P.: "El escultor Alberto", en Repertorio Americano, San José de Costa Rica, 5-IX-1934.

- "El escultor Alberto", en El Sol, Madrid, 14-V-1936.

- OTEIZA, J.: "De la escultura actual en Europa. El escultor español Alberto Sánchez", en Arquitectura, Santiago de Chile (c. 1935) (recorte sin indicación de fecha).

- PALENCIA, B.: Los nuevos pintores españoles. Benjamín Palencia, Madrid, 1932, Plutarco.

- PEDRO, V. de: "El escultor Alberto. Un hijo del pueblo, panadero y artista, como Gorky", en Informaciones, Madrid, 12-VI-1925.

- PEREZ BUENO, L.: "El Salón de Artistas Ibéricos", ebn El Liberal, Madrid, 3-VII-1925.

- RODRIGUEZ LUNA, J.: "Carta del pintor R. Luna a Alberto", en Nueva Cultura, Valencia, VI-1935.

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- TORRES GARCIA, J.: "Un grup d'Art Constructiú a Madrid", en ART, Barcelona, II-1934.

- "UN INGENIO DE ESTA CORTE" : S/T, en Blanco y Negro, Madrid, 28-VI-1925.

- VEGUE Y GOLDONI: "España en la Exposición de París", en La Voz, Madrid, 12-VII-1937.

- WESTERDAHL, E: "El escultor Alberto", en Gaceta de Arte, Tenerife, IX-X-1934.


C) BIBLIOGRAFIA POSTERIOR A 1939.

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- AA.VV.: España, vanguardia artística y realidad social. 1936-1976, Barcelona, 1976, G. Gili.

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- CATÁLOGO de la Exposición La Barraca y su entorno teatral, Madrid, 1975, GALERÍA Multitud.

- CATÁLOGO de la Exposición Escuela de Vallecas. 1927-1936; 1939-1942, Madrid, 1884, publicado con motivo de la inauguración del centro cultural Alberto Sánchez.

- CHAVARRI, R.: Mito y realidad de la Escuela de Vallecas, Madrid, 1975, I.E. Ed.

- CIRICI, A.: "Estudio del arte del siglo XX", en AA. VV.: Historia del arte español, Barcelona-Madrid, 1955, t. II.

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- EHRENBURG, I.: Lliudi, godi, zhizn (Hombres, años y vida) libros 3? y 4?, Moscú, 1963, Sovietskiy pisátel, pág. 775.

- FREEDBERG, C.: The Spanish Pavillon at the Paris World's Fair, Nueva York, 1986, Garland.

-GAYA NUÑO, J.A.: Escultura española contemporánea, Madrid, 1957, Guadarrama.

- GOMEZ CEDILLO, A.: "Alberto Sánchez: un dibujo inédito y extracto de una conferencia". Anuario del Dto. de Historia y Teoría del Arte. Madrid, Universidad Autónoma, 1991, pp. 151 a 159.

- "Alberto Sánchez casi surrealista. Seis esculturas y veinte dibujos", en Boletín de Arte del Dto. de Arte de la Universidad de Málaga, Málaga, 1991. pp. 279 a 292.

- La escultura de Alberto Sánchez (Tesis Doctoral, inédita), Universidad Autónoma de Madrid, 1992. - LACASA, L.: Escritos 1921-1931, Madrid, 1976, COAM.

- LOMBA, C.: "El nuevo rostro de una vieja bandera. La S.A.I. en la República. 1931-1936", en el Cat. de la Exp. La Sociedad de Artistas Ibéricos y el Arte español en 1925, Madrid, 1995, MNCARS, pp. 85 a 104.

- LOSADA, MUSEO J.: Alberto Sánchez en su época, Toledo, 1985, IPIET.

- MARCHAN, S.: "La escultura española de Alberto Sánchez", en Goya, Madrid, VII-VIII-1970, pp. 16 a 23.

- MARTIN, F.: El Pabellón español en la Exposición Universal de París en 1937, Sevilla, 1982, Universidad.

- MORENO GALVAN, J.M.: "El arte español entre 1925 y 1935", en Goya, Madrid, V-VI-1960, pp. 62 a 67.

- OSPOVAT, L.S.: "Sobre la exposición de obra pictórica de Alberto", en Literatura soviética, Nº 2, Moscú, 1946.

- "PETER MARTIN" (Luis Lacasa): Alberto, Budapest, 1964 (con prefacio de Pablo Picasso).

- RENAU, J.: La batalla per una Nova Cultura, Valencia, 1978, E. Climent.

- ROBLES VIZCAINO, MUSEO Socorro: "Aportaciones sobre Alberto", en Cuadernos de Arte de la Universidad de Granada, Granada, 1974, pp. 208 a 291.

- "Consideraciones sobre el realismo de Alberto", ibid. 1984, pp. 465 a 474.

- SAENZ DE LA CALZADA, L.: "La Barraca" Teatro universitario, Madrid, 1976, R. De Occidente.

- YUTKEVITCH, S.: "Picasso benz taini" (Picasso sin misterio), en Iskusstvo Kino, Nº 3, Moscú, 1957.


D) CATALOGOS DE EXPOSICIONES MONOGRAFICAS RETROSPECTIVAS

- El pintor español alberto, Moscú, 1967, MUSEO Pushkin.
- Alberto (1895-1962), Madrid, V-VI-1970, MEAC.
- Alberto, Sevilla. I-II-1975, Centro M-11.
- Alberto, Alicante, II-III-1975, Caja de Ahorros.
- Alberto, Valencia, III-IV-1975, GALERÍA Punto.
- Alberto, A Coruña, IV-1975, MUSEO Carlos Maside.
- Alberto, Granada, V-VI-1975, Banco de Granada.
- Alberto, Tenerife, X-XII-1975, Casa Museo Colón.
- Alberto, Barcelona, II-1976, GALERÍA de arte Laietana.
- Alberto, Vitoria, III-1979, GALERÍA de arte Amarica.
- Alberto, El Ferrol, XI-1979, Sala do concello Ferrolan.
- Alberto, Santiago de Compostela, I-II-1980, GALERÍA Sargadelos.
- Alberto, Toledo, VI-VII-1980, Palacio de Fuensalida.
- Alberto, Málaga, I-II-1981, Museo de Bellas Artes.
- Alberto, Valladolid, IV-V-1981, Museo Nacional de Escultura.
- Alberto, Cáceres, X-XII-1982, Palacio de los Rivera.
- Alberto, su obra y sus amigos, Nambroca (Toledo), III-1989, Casa Municipal de Cultura.
- Alberto Sánchez, Toledo, III-1989, Centro "Posada de la Hermandad".
- Alberto Sánchez: Retorno a El escorial, San Lorenzo de El Escorial, VIII-1989.
- Alberto Sánchez 1895-1962. Dibujos, Bilbao, IX-X-1997, Museo de Bellas Artes.

(Después de su muerte, la obra de Alberto ha participado también en numerosas exposiciones
retrospectivas de carácter colectivo o temático).


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José Álvarez Cubero

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José Álvarez Cubero

José Álvarez Cubero (Priego de Córdoba, 23 de abril de 1768-Madrid, 26 de noviembre de 1827) fue un escultor español de estilo neoclásico, que realizó una gran parte de su carrera en París y Roma. Biografía Ganímedes (1804, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid). José... Ver mas
José Álvarez Cubero (Priego de Córdoba, 23 de abril de 1768-Madrid, 26 de noviembre de 1827) fue un escultor español de estilo neoclásico, que realizó una gran parte de su carrera en París y Roma.

Biografía

Ganímedes (1804, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid).
José Álvarez Cubero nació en Priego de Córdoba, donde su padre, Domingo Álvarez, era un tallador de piedra. Realizó sus primeros estudios en Priego, asistiendo entre 1791 y 1794 a las academias de Córdoba, Granada y Madrid, donde fue admitido en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

El 21 de julio de 1799 recibió una beca de 12.000 reales de la Casa real para proseguir su formación en París, donde el 28 de septiembre fue registrado como alumno en la École des Beaux-Arts y más tarde, aunque se desconoce la fecha precisa, integrado en el equipo del taller del artista Jacques-Louis David. Gracias a su relación con el embajador de España en la capital gala, quien era un gran admirador de José Nicolás de Azara, Álvarez Cubero estableció relaciones con el escultor neoclásico francés Augustin Pajou, en cuya mansión de la calle Fromenteau, cerca del Museo del Louvre, estableció su residencia.

Álvarez Cubero se integró en la vida parisina y participó en diferentes concursos; así, en 1804 ganó una medalla de oro en el certamen de la Academia parisina, siendo coronado por Napoleón en persona. Ese mismo año esculpió una de sus obras maestras, Ganímedes (Academia de San Fernando de Madrid) y contrajo matrimonio con Isabel Bouquel y Wanreggem, con quien tuvo tres hijos: José Álvarez Bouquel (París, 1805-Burgos, 1830, escultor), Aníbal (Roma, 1806-Madrid, 1870, arquitecto) y Carlota (Roma, 1824-Madrid, 1843).

A partir de 1805, José Álvarez Cubero se instaló en Roma, donde entabló amistad con el escultor Antonio Canova. Durante los veinte años siguientes en los que permaneció en la Ciudad eterna, Álvarez Cubero fue asistente de Canova y también escultor de la corte en el exilio del rey Carlos IV. Realizó dos retratos de cuerpo entero al modo de la Madame Récamier de David: uno de Isabel de Braganza (Museo del Prado) y otro de La duquesa de Ariza (Palacio de Liria de Madrid), este último encargado por Carlos Miguel Fitz-James, duque de Alba.

En 1825, emprendió su viaje de regreso a España por barco, trayecto que resultó accidentado tras el naufragio del buque cerca de Perpiñán.

En sus últimos dos años en España, José Álvarez Cubero prosiguió con su arte, realizando diversas esculturas. Una de sus obras más conocidas es el monumental grupo marmóreo La defensa de Zaragoza, que se exhibe en el vestíbulo del Museo del Prado.
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Juan Luis Vassallo

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Juan Luis Vassallo

Juan Luis Vassallo Parodi (Cádiz; 2 de mayo de 1908-Madrid; 18 de abril de 1986) fue un escultor e imaginero español. Biografía Hijo del pintor chiclanero Eduardo Vassallo Dorronzoro y de Dolores Parodi Rosas, antes de cumplir un año se trasladó a Córdoba donde su padre fue profesor en la... Ver mas
Juan Luis Vassallo Parodi (Cádiz; 2 de mayo de 1908-Madrid; 18 de abril de 1986) fue un escultor e imaginero español.
Biografía

Hijo del pintor chiclanero Eduardo Vassallo Dorronzoro y de Dolores Parodi Rosas, antes de cumplir un año se trasladó a Córdoba donde su padre fue profesor en la Escuela de Artes y Oficios. Allí inició sus estudios artísticos sin tener edad para matricularse oficialmente y conoció al escultor Mateo Inurria, gran amigo de la familia.

En 1922, con 14 años de edad, su padre se trasladó a la Escuela de Artes y Oficios de Baeza, en la que estuvo matriculado durante cinco años. Sus dotes artísticas empezaron a plasmarse en una serie de retratos entre los que cabe destacar una cabeza de la anciana: La Jeroma.

A la vista de las cualidades que demostraba para la escultura a los 19 años se marchó a estudiar a Madrid tras lograr una beca para asistir a las clases de Dibujo del Natural en el Círculo de Bellas Artes. También acudió al turno de noche en la Escuela de Artes y Oficios donde tuvo maestros como Aniceto Marinas y José Capuz. En 1927 logró el primer premio de escultura en la exposición anual del Casino de Clases del Ejército con el mencionado retrato de La Jeroma cuya reproducción en bronce costeó el escultor Mariano Benlliure, miembro del jurado a quien impactó gratamente la obra.

El 24 de mayo de 1930 contrajo matrimonio en la iglesia de las Maravillas de Madrid con Amparo Rubio Juliá, a la que había conocido años atrás en Baeza, con la que tendría tres hijos: Juan Luis, José Manuel y Amparo. Su fallecimiento en 1981 supuso una muy dura pérdida para el artista.

Estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando entre 1931 y 1934. Se trasladó después a Ávila como profesor de la Escuela de Artes y Oficios. Sus dos años de estancia en Ávila le aproximaron a la escultura del realismo castellano y al trabajo en piedra que se pueden apreciar en su Mujer abulense y en Añoranza, obra por la que obtuvo la tercera medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1934.

En 1936 comienza una nueva etapa andaluza al trabajar sucesivamente en las Escuelas de Artes y Oficios de Jerez de la Frontera (1936-1941) y en la Escuela Superior de Bellas Artes de Sevilla desde 1943; dirigió este último centro desde 1952 a 1958. En 1943 realizaría a Jesús orando en el huerto para la hermandad homónima de Jerez.

En 1958 obtuvo la cátedra de Modelado en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando de Madrid a donde se trasladó y donde siguió vinculado a la docencia hasta su jubilación en 1978.


Minerva, Círculo de Bellas Artes de Madrid. Fotografía de Felipe Gabaldón.
Premios y distinciones
Fue nombrado académico de las de Bellas Artes de Cádiz (1938) y Sevilla (1953). En 1967 fue elegido académico numerario de la de Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. En el acto de recepción pronunció un discurso titulado "Forma y materia"1​ que fue contestado por el académico y escultor Enrique Pérez Comendador. La obra que regaló a la Academia con este motivo, El mármol y la forma plasmaba precisamente algunas ideas de su discurso: en ella tras varios estudios Vassallo mostraba, con una concepción muy moderna de la escultura, las figuras de un desnudo femenino y un sugerido desnudo masculino que emergen de un bloque de mármol fundiéndose la forma y la materia como si fueran una única realidad.

Entre los galardones a su obra escultórica destacan el primer premio en el Concurso Nacional de 1936 y la primera medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1948 con Gades, una figura alegórica de su ciudad natal. En 1964 obtuvo el primer premio en el Concurso Nacional de escultura convocado por el Círculo de Bellas Artes de Madrid convocado para realizar un monumento a Minerva, diosa de las artes. En 1972 ganó el primer premio en el Concurso de Proyectos para el monumento a Santa Teresa en Ávila aunque este monumento no se realizó hasta 1982, año en que fue inaugurado por Juan Pablo II en su visita a esta ciudad.

Obra
Entre sus obras, citemos la estatua en bronce de Minerva en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, Monumento a los Caídos y La Virgen de la Amargura en Úbeda (Jaén), Monumento a la Asunción en Jerez de la Frontera y Figuras y relieves, en piedra, en las portadas de la Universidad de Sevilla, y la estatua de La Virgen María con el Niño, ubicada en la capilla del colegio Retamar, en Madrid, que es una composición de una sencillez y una belleza prodigiosas. También hace un Inmaculado Corazón de María ubicada bajo un baldaquino en la parroquia de San Antonio María Claret de Sevilla.

En la escultura de Vassallo se aprecia una constante conexión entre temas, forma y materia -con estas dos últimas palabras tituló su discurso de ingreso en la Academia de Bellas Artes de San Fernando-. Escultor de fina expresividad, adecua su escultura, influida por un concepto clásico, al símbolo. Unas veces, los grupos más o menos interpretados, pero siempre bajo formas identificables, adquieren con toda fuerza carácter de monumento en sí. Otras, el monumento se integra sabiamente con la arquitectura, la geografía, el entorno.

Desnudo con cisne (1936), Mármol
Niña de la Piedra (1938), Bronce
Jesús orando en el huerto (1943) de la Hermandad de la Oración en el Huerto de Jerez de la Frontera.
Gades (1948), Medalla de la Exposición Nacional de Bellas Artes
Lavandera (1957), Mármol
Córdoba (1966), Piedra de Sepúlveda
Bañista descandando (1977), Bronce
Obras en Úbeda

Nuestra Señora de la Amargura (cofradía de la Caída). Convento de Santa Clara.
Santísimo Cristo de la Expiración (cofradía del mismo nombre). Convento de la Trinidad.
Monumento a los Caídos. Plaza del Ayuntamiento.
Monumento a Alfredo Cazabán Laguna. Corredera de San Fernando.
Mausoleo de Antonio Medina. Cementerio de San Ginés.
Retablo de la Sacra Capilla Funeraria de El Salvador (recuperación y restauración de la obra perdida de Alonso de Berruguete).
Obras en Baeza

Grupo escultórico para el paso de misterio de la Ilustre y Venerable Cofradía del Santísimo Cristo del Calvario y Nuestra Señora de la Amargura (Parroquia de la Santa Cruz).
Restauración y policromado del misterio de la Piedad perteneciente a la Muy Ilustre y Fervorosa Cofradía y Hermandad de María Santísima de las Angustias (Parroquia de San Pablo).
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Eusebi Arnau

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Eusebi Arnau

Eusebi Arnau y Mascort (Barcelona, 1864 – 1933) fue un escultor español. Biografía . Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona y fue discípulo de Josep Gamot. Prosiguió sus estudios en Roma en el año 1887, gracias a una beca de la Escuela de la Lonja. En París amplió sus... Ver mas
Eusebi Arnau y Mascort (Barcelona, 1864 – 1933) fue un escultor español.



Biografía

.
Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona y fue discípulo de Josep Gamot. Prosiguió sus estudios en Roma en el año 1887, gracias a una beca de la Escuela de la Lonja. En París amplió sus conocimientos en la Academia Julien; expuso en esta capital francesa en los años 1895 y 1902.

En su taller tuvo como discípulo a Pablo Gargallo y a Josep Dunyach entre otros. Junto con el escultor Josep Llimona trabajó en el retablo de la Iglesia basílica de Santa Engracia de Zaragoza.

Sus esculturas aplicadas a la arquitectura como las de la casa Lleó Morera, casa Amatller,1​ Hotel España, Palacio de la Música Catalana y Hospital de San Pablo2​ (todas en Barcelona), lo catalogaron totalmente como escultor destacado del modernismo.

Fue colaborador habitual del arquitecto Enric Sagnier i Villavecchia, con el que trabajó en el edificio de la Aduana del Puerto de Barcelona, la Casa Rupert Garriga, el Via Crucis de Montserrat, el Templo Expiatorio del Sagrado Corazón, la Parroquia del Sagrado Corazón del Pueblo Nuevo, la agencia de la Caja de Pensiones en Reus, etc.

Destacó como medallista, entre otras realizó la de la Exposición Universal de 1888, la de la Solidaridad Catalana, la del Centenario de Colón y la conmemorativa del derribo de las murallas de Barcelona.

Reconocimientos

Marina, Palacio Real de Pedralbes (1929).
Diploma en la Exposición Universal de Barcelona de 1888.
1891-Diploma Honorífico en la Exposición de Bellas Artes de Barcelona.
1896-Premio en la Exposición de Bellas Artes de Barcelona.
Obras

Sepultura Carbó, cementerio de Montjuic (1905).
Traslación del cuerpo de Santa Eulalia. 1891
Ave María. 1891
Redención. 1896
La Sagrada Família a Nazareth. 1896
Beso de madre. 1898
Retrato de Marià Aguiló. 1898
Figura de Barcelona del monumento A Francesc Rius i Taulet. 1901
Retrato de Jacinto Verdaguer. 1902
Retrato de Teodoro Llorente.
Relieve en la fachada de la Casa de Lactancia en Barcelona. 1910
Musas del hemiciclo del Palacio de la Música Catalana. 1905
Caballo alado del Palacio de la Música Catalana. 1905
Sepultura Carbó, cementerio de Montjuic (1905).
Chimenea del Hotel España en Barcelona.
Escudo de Barcelona en el Edificio de Correos de Barcelona. 1927
La Navegación y Montserrat, Plaza de Cataluña, Barcelona. 1928
Marina, Palacio Real de Pedralbes. 1929
1932 (inaugurado en 1934), A Narcís Oller. Barcelona.
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Antoni Tapies

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Antoni Tapies

Antoni Tàpies i Puig, I marqués de Tàpies1​ (Barcelona, 13 de diciembre de 1923 - ibídem, 6 de febrero de 2012),2​ fue un pintor, escultor y teórico del arte español. Uno de los principales exponentes a nivel mundial del informalismo, está considerado como uno de los más destacados artistas... Ver mas
Antoni Tàpies i Puig, I marqués de Tàpies1​ (Barcelona, 13 de diciembre de 1923 - ibídem, 6 de febrero de 2012),2​ fue un pintor, escultor y teórico del arte español. Uno de los principales exponentes a nivel mundial del informalismo, está considerado como uno de los más destacados artistas españoles del siglo XX. La obra del artista catalán goza de un centro de estudio y conservación en la Fundación Antoni Tàpies de Barcelona.

De formación autodidacta, Tàpies creó un estilo propio dentro del arte de vanguardia del siglo XX, en el que se combinaban la tradición y la innovación dentro de un estilo abstracto pero lleno de simbolismo, dando gran relevancia al sustrato material de la obra. Cabe destacar el marcado sentido espiritual dado por el artista a su obra, donde el soporte material trasciende su estado para significar un profundo análisis de la condición humana.

La obra de Tàpies ha tenido una gran valoración a nivel tanto nacional como internacional, estando expuesta en los más prestigiosos museos del mundo. A lo largo de su carrera ha recibido numerosos premios y distinciones, entre los que cabe destacar el Premio de la Fundación Wolf de las Artes (1981), la Medalla de Oro de la Generalidad de Cataluña (1983), el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1990), la Medalla Picasso de la Unesco (1993) y el Premio Velázquez de Artes Plásticas (2003). Como reconocimiento a su trayectoria artística el rey Juan Carlos I le otorgó el 9 de abril de 2010 el título de marqués de Tàpies.

La obra de Antoni Tàpies está dentro de la tradición de estas explosiones que de tiempo en tiempo se producen en nuestro país y que conmueven tantas cosas muertas. Es auténticamente barcelonesa con irradiación universal. Por esto merece toda mi admiración.3​
Joan Miró

Biografía

Tàpies era hijo del abogado Josep Tàpies i Mestres y de Maria Puig i Guerra, hija de una familia de políticos catalanistas. La profesión de su padre y las relaciones de su familia materna con miembros de la vida política catalana propiciaron un ambiente liberal durante la infancia del artista. Tàpies siempre remarcó que la confrontación entre el anticlericalismo de su padre y el catolicismo ortodoxo de su madre le llevaron a una búsqueda personal de una nueva espiritualidad, que encontró en las filosofías y religiones orientales, principalmente el budismo zen.4​

Según propia confesión, su vocación artística despertó con un número de Navidad de la revista D'Ací i d'Allà de 1934, que presentaba un extenso panorama del arte moderno internacional.5​ Uno de los hechos que marcaron su vida fue su convalecencia por tisis a los 18 años, circunstancia que le hizo replantearse el sentido de su vida, así como su vocación, ya que durante su recuperación se dedicó intensamente al dibujo. Los estados febriles que padeció le provocaron frecuentes alucinaciones que serían primordiales para el desarrollo de su obra. Durante su estancia en el sanatorio de Puig d'Olena (1942-1943) se refugió en la música (Wagner) y la literatura (Ibsen, Nietzsche, Thomas Mann), y realizó copias de Van Gogh y Picasso.5​

Compaginó sus estudios de Derecho en la Universidad de Barcelona, que había iniciado en 1943, con su pasión por el arte. Finalmente se decantó por la pintura y abandonó los estudios en 1946.6​ De formación autodidacta, tan sólo estudió brevemente en la Academia de Nolasc Valls.7​ Su primer estudio de pintura lo instaló en Barcelona en 1946.

En 1948 fue uno de los fundadores de la revista y del movimiento conocidos como Dau al Set, relacionados con el surrealismo y el dadaísmo. El líder de este movimiento fue el poeta catalán Joan Brossa y, junto a Tàpies, figuraron Modest Cuixart, Joan-Josep Tharrats, Joan Ponç, Arnau Puig y posteriormente Juan Eduardo Cirlot. La revista perduró hasta 1956,3​ pero Tàpies había marchado a París en 1950 y se había alejado del grupo aunque siguiera colaborando esporádicamente en la publicación.8​

Las primeras obras de Tàpies se enmarcaron dentro del surrealismo, pero a partir de aquel alejamiento cambió de estilo, convirtiéndose en uno de los principales exponentes del informalismo. Representante de la llamada “pintura matérica”, Tàpies utilizaba para sus obras materiales que no están considerados como artísticos, sino más bien de reciclaje o de desecho, como pueden ser cuerdas, papel o polvo de mármol.


Placa colocada en la casa natal de Antoni Tàpies, calle de la Canuda, Barcelona.
En 1948 expuso por primera vez su obra en el I Salón de Octubre de Barcelona, mostrando dos obras de 1947: Pintura y Encolado. Ese año conoció a Joan Miró, uno de sus más admirados artistas.3​ En 1949 participó en la exposición Un aspecto de la joven pintura catalana en el Instituto Francés de Barcelona, donde lo vio Eugeni d'Ors, que lo invitó al VII Salón de los Once, en Madrid (1950).9​ En 1950 hizo su primera exposición individual en las Galeries Laietanes de Barcelona, donde volvió a exponer en 1952. Becado por el Instituto Francés, viajó a París (1950), donde consiguió exponer en el concurso internacional Carnegie de Pittsburgh, y donde conoció a Picasso.6​

En 1950 fue seleccionado para representar a España en la Bienal de Venecia, donde participó varias veces. En 1953 expuso en Chicago y Madrid; ese año la marchante Martha Jackson le organizó una exposición en Nueva York, dándolo a conocer en Estados Unidos. El mismo año ganó el primer premio del Salón del Jazz de Barcelona, y conoció al crítico Michel Tapié, asesor de la Galería Stadler de París, donde expuso en 1956 y varias veces más desde entonces.6​ En 1954 se casó con Teresa Barba i Fàbregas, con la que tuvo tres hijos: Antoni (poeta), Clara y Miquel Àngel.

Fue uno de los fundadores del grupo Taüll en 1955, junto con Modest Cuixart, Joan-Josep Tharrats, Marc Aleu, Josep Guinovart, Jordi Mercadé y Jaume Muxart.4​ Ese año fue premiado en la III Bienal Hispanoamericana en Barcelona, y expuso en Estocolmo con Tharrats, presentados por Salvador Dalí. En 1958 tuvo sala especial en la Bienal de Venecia, y ganó el primer premio Carnegie y el Premio Unesco.10​

En 1960 participó en la exposición New Spanish Painting and Sculpture en el MOMA de Nueva York.11​ Desde entonces hizo exposiciones en Barcelona, Madrid, París, Nueva York, Washington, Berna, Múnich, Bilbao, Buenos Aires, Hannover, Caracas, Zúrich, Roma, Sankt Gallen, Colonia, Kassel, Londres, Cannes, etc., y recibió premios en Tokio (1960), Nueva York (1964) y Menton (1966). En 1967 entró en la órbita del marchante Aimé Maeght y expuso en el Musée d'Art Moderne de París (1973), Nueva York (1975) y en la Fundación Maeght (1976).6​

En los años 1970 su obra adquirió un mayor tinte político, de reivindicación catalanista y de oposición al régimen franquista, generalmente con palabras y signos sobre los cuadros, como las cuatro barras de la bandera catalana (El espíritu catalán, 1971). Ese activismo le llevó igualmente a acciones como el encierro del convento de los Capuchinos de Sarrià para constituir un sindicato democrático de estudiantes (1966) o la marcha a Montserrat en protesta por el proceso de Burgos (1970), por la que fue encarcelado durante un corto espacio de tiempo.12​

Desde entonces realizó numerosas exposiciones personales o de carácter antológico: Tokio, 1976; Nueva York, 1977; Roma, 1980; Ámsterdam, 1980; Madrid, 1980; Venecia, 1982; Milán, 1985; Viena, 1986; Bruselas, 1986; MNCARS, Madrid, 2000; Pabellón Micovna del Jardín Real de Praga, 1991; MOMA, Nueva York, 1992; Museo Guggenheim, Nueva York, 1995; Kirin Art Space Harajuku, Tokio, 1996; Centro per l'Arte Contemporanea Luigi Pecci, Prato, 1997.13​ La obra de Antoni Tàpies se ha expuesto en los principales museos de arte moderno del mundo. Además de ser nombrado doctor honoris causa por diversas universidades, Tàpies fue galardonado con diversos premios, entre ellos, el Premio de la Fundación Wolf de las Artes (1981), la Medalla de Oro de la Generalidad de Cataluña (1983) y el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1990).

En 1990 abrió las puertas al público la Fundación Antoni Tàpies, institución creada por el propio artista para potenciar el arte contemporáneo, situada en el edificio de la antigua Editorial Montaner i Simón, obra modernista de Lluís Domènech i Montaner. La fundación tiene además la función de museo, contando entre sus fondos con gran cantidad de obras donadas por el artista, y cuenta asimismo con una biblioteca y un auditorio.14​

Tàpies fue autor también de escenografías (Or i sal, de Joan Brossa, 1961) e ilustraciones para libros, principalmente de Brossa (El pa a la barca, 1963; Fregoli, 1969; Nocturn matinal, 1970; Poems from the Catalan, 1973; Ú no és ningú,1979); se dedicó igualmente al cartelismo, realizando en 1984 una exposición con su principal obra cartelística, así como a la producción gráfica: grabados, litografías, serigrafías, etc.15​ En el año 2002 realizó el cartel para las fiestas de la Mercè de Barcelona.

Como teórico del arte, Tàpies publicó artículos en Destino, Serra d'Or, La Vanguardia, Avui, etc., la mayoría recopilados en los libros La práctica del arte (1970), El arte contra la estética (1974), La realidad como arte (1982) y Por un arte moderno y progresista (1985), así como la autobiografía Memoria personal (1977). En sus obras atacó tanto el arte tradicional como la extrema vanguardia del arte conceptual.15​

Con la transición al siglo XXI Tàpies no dejó de recibir numerosos reconocimientos tanto a nivel nacional como internacional, organizándose exposiciones retrospectivas de su obra en los mejores museos y galerías del mundo. En 2003, en ocasión de su octogésimo aniversario, se celebró una retrospectiva con sus mejores obras en la Fundación Antoni Tàpies, con asistencia del público en una jornada de puertas abiertas. Asimismo, en 2004, se organizó un homenaje a su figura en el MACBA de Barcelona, con una gran exposición formada por 150 obras realizadas desde los años 1940 hasta el presente, contando con pinturas, esculturas, dibujos y diversas creaciones del genial artista.16​

Entre sus últimos actos públicos cabe destacar su colaboración con José Saramago el año 2005 en defensa del grupo pacifista vasco Elkarri, o la donación el mismo año de su obra 7 de noviembre al Parlamento de Cataluña con motivo del 25 aniversario de la restauración del mismo.17​ En octubre de 2007 cedió una obra original suya a la campaña contra el cierre de las emisiones de TV3 en Valencia, para que se vendiesen sus reproducciones a diez euros y así sufragar la multa impuesta a ACPV por parte de la Generalidad Valenciana. El mismo año dejó un mensaje en la Caja de las Letras del Instituto Cervantes que no se abrirá hasta el 2022.18​ El 9 de abril de 2010 fue nombrado marqués de Tàpies por el rey Juan Carlos I.19​

Antoni Tàpies falleció el 6 de febrero de 2012 en su domicilio de Barcelona, a los 88 años.20​

Estilo

Mural del Pabellón de Cataluña en la Exposición Universal de Sevilla de 1992.
De formación prácticamente autodidacta en el terreno artístico, Tàpies fue sin embargo un hombre de gran cultura, amante de la filosofía (Nietzsche), la literatura (Dostoyevski) y la música (Wagner).21​ Fue un gran defensor de la cultura catalana, de la que estaba profundamente imbuido: era un gran admirador del escritor místico Ramon Llull (del que realizó un libro de grabados entre 1973 y 1985), así como del Románico catalán y la arquitectura modernista de Antoni Gaudí.22​ A la vez, era un admirador del arte y la filosofía orientales, que como Tàpies diluyen la frontera entre materia y espíritu, entre el hombre y la naturaleza. Influido por el budismo, mostró en su obra cómo el dolor, tanto físico como espiritual, es algo inherente a la vida.23​

La iniciación de Tàpies en el arte fue a través de dibujos de corte realista, principalmente retratos de familiares y amigos. Su primera toma de contacto con el arte de vanguardia de la época lo llevó a adscribirse a un surrealismo de tono mágico influenciado por artistas como Joan Miró, Paul Klee y Max Ernst, estilo que cristalizó en su etapa de Dau al Set.9​

Dau al Set fue un movimiento influido principalmente por el dadaísmo y el surrealismo, pero que también se nutrió de múltiples fuentes literarias, filosóficas y musicales: redescubrieron al místico mallorquín Ramon Llull, a la música de Wagner, Schönberg y el jazz, a la obra artística de Gaudí y literaria de Poe y Mallarmé, a la filosofía de Nietzsche y el existencialismo alemán, a la psicología de Freud y Jung, etc. Su pintura era figurativa, con un marcado componente mágico-fantástico, así como un carácter metafísico, de preocupación por el destino del hombre.24​

Tras su paso por Dau al Set, en 1951 comenzó una fase de abstracción geométrica, pasando en 1953 al informalismo: en 1951 viajó a París, donde conoció las nuevas corrientes europeas, así como las nuevas técnicas pictóricas (dripping, grattage, etc.); aquí contactó con artistas informalistas como Jean Fautrier o Jean Dubuffet. El informalismo fue un movimiento surgido tras la Segunda Guerra Mundial, que muestra la huella dejada por el conflicto bélico en una concepción pesimista del hombre, influenciada por la filosofía existencialista. Artísticamente, los orígenes del informalismo se pueden rastrear en la abstracción de Kandinsky o en los experimentos realizados con diversos materiales por el dadaísmo. El informalismo busca además la interrelación con el espectador, dentro del concepto de “obra abierta” expresado por el teórico italiano Umberto Eco.25​

Dentro del informalismo, Tàpies se situó dentro de la denominada “pintura matérica”, también conocida como “art brut”, que se caracteriza por la mixtificación técnica y el empleo de materiales heterogéneos, muchas veces de desecho o de reciclaje, mezclados con los materiales tradicionales del arte buscando un nuevo lenguaje de expresión artística. Los principales exponentes de la pintura matérica fueron, además de Tàpies, los franceses Fautrier y Dubuffet y el español Manolo Millares.26​ El informalismo matérico fue desde los años 1950 el principal medio de expresión de Tàpies, en el que con distintas peculiaridades trabajó hasta su fallecimiento.

Las obras más características de Tàpies son las que aplica su mixtura de diversos materiales en composiciones que adquieren la consistencia de muros o paredes, a las que añade distintos elementos distintivos a través de signos que enfatizan el carácter comunicativo de la obra, semejando el arte popular del "grafiti". Esta consistencia de muro siempre ha atraído a Tàpies, al cual además le gustaba relacionar su estilo con la etimología de su propio apellido:

“El muro es una imagen que encontré un poco por sorpresa. Fue después de unas sesiones de pintura en las que me peleaba tanto con el material plástico que utilizaba y lo llenaba de tal cantidad de arañazos que, de pronto, el cuadro cambió, dio un salto cualitativo, y se transformó en una superficie quieta y tranquila. Me encontré con que había pintado una pared, un muro, lo cual se relacionaba a la vez con mi nombre”.27​
Asimismo, tiene una primordial significación en la obra de Tàpies el carácter iconográfico que añade a sus realizaciones a través de distintos signos como cruces, lunas, asteriscos, letras, números, figuras geométricas, etc.28​ Para Tàpies estos elementos tienen una significación alegórica relativa al mundo interior del artista, evocando temas tan trascendentales como la vida y la muerte, o como la soledad, la incomunicación o la sexualidad. Cada figura puede tener un significado concreto: en cuanto a las letras, A y T son por las iniciales de su nombre o por Antoni y Teresa (su mujer); la X como misterio, incógnita, o como forma de tachar algo; la M la explica de la siguiente manera:

“Todos tenemos una M dibujada en las líneas de la palma de la mano, lo cual remite a la muerte, y en el pie hay unas arrugas en forma de S; todo combinado era Muerte Segura”.27​
Otro rasgo distintivo en Tàpies era la austeridad cromática, generalmente se movía en gamas de colores austeros, fríos, terrosos, como el ocre, marrón, gris, beige o negro.29​ El artista nos da su propia explicación:

“Si he llegado a hacer cuadros sólo con gris, es en parte por la reacción que tuve frente al colorismo que caracterizaba el arte de la generación anterior a la mía, una pintura en la que se utilizaban mucho los colores primarios. El hecho de estar rodeado continuamente por el impacto de la publicidad y las señalizaciones características de nuestra sociedad también me llevó a buscar un color más interiorizado, lo que podría definirse como la penumbra, la luz de los sueños y de nuestro mundo interior. El color marrón se relaciona con una filosofía muy ligada al franciscanismo, con el hábito de los frailes franciscanos. Hay una tendencia a buscar lo que dicen los colores alegres: el rojo, el amarillo; pero en cambio para mí, los colores grises y marrones son más interiores, están más relacionados con el mundo filosófico”.27​
En su obra Tàpies reflejó una gran preocupación por los problemas del ser humano: la enfermedad, la muerte, la soledad, el dolor o el sexo. Tàpies nos dio una nueva visión de la realidad más sencilla y cotidiana, enalteciéndola a cotas de verdadera espiritualidad. La concepción vital de Tàpies se nutría de la filosofía existencialista, que remarca la condición material y mortal del hombre, la angustia de la existencia de que hablaba Sartre;30​ la soledad, la enfermedad, la pobreza que percibimos en Tàpies la encontramos también en la obra de Samuel Beckett o Eugène Ionesco. El existencialismo señala el destino trágico del hombre, pero también reivindica su libertad, la importancia del individuo, su capacidad de acción frente a la vida; así, Tàpies pretendía con su arte hacernos reflexionar sobre nuestra propia existencia:

“Pienso que una obra de arte debería dejar perplejo al espectador, hacerle meditar sobre el sentido de la vida”.22​
En los años 1970, influenciado por el pop-art, empezó a utilizar objetos más sólidos en sus obras, como partes de muebles. Sin embargo, la utilización de elementos cotidianos en la obra de Tàpies no tiene el mismo objetivo que en el pop-art, donde son utilizados para hacer una banalización de la sociedad de consumo y los medios de comunicación de masas; en cambio, en Tàpies siempre está presente el sustrato espiritual, la significación de los elementos sencillos como evocadores de un mayor orden universal.31​

Se suele considerar a Tàpies como precursor del arte povera, en su utilización de materiales pobres y de desecho, aunque nuevamente hay que remarcar la diferencia conceptual de ambos estilos.

Técnica

Calcetín, Fundación Antoni Tàpies.
En su obra más característica dentro del informalismo matérico, Tàpies empleaba técnicas que mezclaban los pigmentos tradicionales del arte con materiales como arena, ropa, paja, etc., con predominio del collage y el assemblage, y una textura cercana al bajorrelieve.

Tàpies definía su técnica como “mixta”: pintaba sobre tela, en formatos medios, en posición horizontal, disponiendo una capa homogénea de pintura monocromática, sobre la que aplicaba la ”mixtura”, mezcla de polvo de mármol triturado, aglutinante, pigmento y óleo, aplicado con espátula o con sus propias manos.32​

Cuando estaba casi seco hacía un grattage con tela de arpillera, aplicada sobre la superficie, y cuando estaba adherida la arrancaba, creando una estructura de relieve, con zonas rasgadas, arañadas o incluso horadadas, que contrastan con los cúmulos y densidades matéricas de otras zonas del cuadro. A continuación, hacía un nuevo grattage con diversos útiles (punzón, cuchillo, tijeras, pincel). Por último, añadía signos (cruces, lunas, asteriscos, letras, números, etc.), en composiciones que recuerdan el grafiti, así como manchas, aplicadas mediante dripping.

No añadía elementos de fijación, por lo que las obras se degradaban rápidamente –la mixtura es bastante efímera–; sin embargo, Tàpies defendía la descomposición, como pérdida de la idea de la eternidad del arte, le gustaba que sus obras reflejasen la sensación del paso del tiempo. A ello contribuía también sus propias huellas en la obra, las incisiones que practicaba, que para él eran un reflejo de la naturaleza.33​

Obra

Homenaje a Picasso, en el Parque de la Ciudadela de Barcelona.
Los inicios de Tàpies fueron en el terreno del dibujo, generalmente en tinta china, dedicándose principalmente al retrato, preferentemente de familiares y amigos, de gran realismo: Josep Gudiol, Antoni Puigvert, Pere Mir i Martorell, Autorretrato (1944).9​ Se empezó a interesar por técnicas novedosas, y comenzó a dejar sus huellas en la obra: Zoom (1946), retrato invertido, en forma de sol, con un tono amarillo influido en Van Gogh y un blanco de España muy puro, dando una fuerte luminosidad.

Hacia 1947 realizó dibujos más fluidos, con influencia de Matisse. Más tarde comenzó su obra ya auténticamente personal, con materiales espesos y pinceladas cortas y separadas, con un aire primitivo y expresionista, con una temática mágica y panteísta (Tríptico, 1948).24​

Durante la etapa de Dau al Set, Tàpies se enmarcó en un surrealismo mágico figurativo, con influencia de Joan Miró, Paul Klee y Max Ernst: Ninfas, dríadas y arpías (1950), ambiente nocturno, con influencia de Henri Rousseau en la vegetación; El gato, con influencia de Klee, fuertes claroscuros, mundo fantástico, irreal, colores oscuros; El dolor de Brunhilde, con influencia del expresionismo alemán en los contrastes de color, luz y sombra.

Por último, tras su paso por Dau al Set, en 1951 comenzó una fase de abstracción geométrica, pasando en 1953 al informalismo de tendencia matérica que sería característico de su obra. Sus realizaciones fueron adquiriendo una densidad más gruesa, con empastes muy densos, incorporando el grattage, que solía efectuar con el pincel invertido, creando relieve. También realizó collages con papel de periódico o cartulina, y materiales reciclados o incluso detríticos, mostrando la influencia de Kurt Schwitters (Collage de cruces, 1947; Collage de cuerdas y arroz). Sus colores típicos eran oscuros: castaño, ocre, beige, marrón, negro; el blanco suele ser “sucio”, mezclado con tonos oscuros. Tan sólo esporádicamente se explayaba en colores vibrantes, como el rojo (Rojo y negro con zonas arrancadas, 1963-1965) y el azul (Azul y dos cruces, 1980).34​

En 1954 realizó unos plafones escultóricos en relieve en la fachada del edificio de oficinas Finanzauto, en la calle Balmes 216 de Barcelona, con motivos alusivos a los escolapios, propietarios del edificio.35​

Entre 1955 y 1960 tuvo su período más radicalmente matérico, con un estilo austero, con colores neutros, de la tierra, y profusión de signos: cruz, T (de Tàpies), cruz en aspa (X), 4 (por los cuatro elementos y los cuatro puntos cardinales, como símbolo de la tierra), etc.: Gran pintura gris (1956), Gran óvalo (1956), Óvalo blanco (1957), Pintura en forma de T (1960).29​


Relieves del edificio Finanzauto (1954), calle Balmes 216, Barcelona.
También es importante en la obra de Tàpies la presencia del cuerpo humano, generalmente en partes separadas, de formas esquemáticas, muchas veces con apariencia de deterioro, el cuerpo aparece rasgado, agredido, agujereado.36​ Así lo percibimos en El fuego interior (1953), torso humano en forma de tela de arpillera descompuesta por quemaduras; Relieve ocre y rosa (1965), figura femenina arrodillada; Materia en forma de axila (1968), en que a la figura de un torso mostrando la axila añade cabellos reales; Cráneo blanco (1981) evoca las “vanitas” del barroco español, el recordatorio de la caducidad de la vida; Cuerpo (1986) refleja una figura yaciente, evocadora de la muerte –lo que se acentúa por la palabra “Tartaros”, el infierno griego–; Días de Agua I (1987), un cuerpo que se sumerge en olas de pintura gris, evocando la leyenda de Hero y Leandro.

Otra de las características de Tàpies es su profusa utilización de los más diversos objetos dentro de sus obras:37​ Caja de cordeles (1946) ya anticipaba esta tendencia, con una caja llena de cordeles dispuestos de forma radial que recuerdan una cabellera; Puerta metálica y violín (1956) es una curiosa composición de los dos elementos citados, aparentemente antitéticos, uno por su carácter prosaico y otro por su elevada connotación artística e intelectual; Paja prensada con X (1969), para Tàpies la paja evoca el renacer de la vida, su vinculación con los mitos solares; Cojín y botella (1970), nueva conjunción de dos objetos dispares, pretende contraponer un cojín de refinado gusto burgués con una simple botella de vidrio de aire casi proletario.

También son importantes en Tàpies las figuras geométricas, quizá influidas por el Románico catalán o el arte primitivo y oriental:31​ Óvalo blanco (1957), círculo como símbolo solar y de perfección y eternidad; Materia doblada (1981), lienzo semejante al sudario de Cristo, con ciertas reminiscencias que recuerdan a Zurbarán, pintor admirado por Tàpies; La escalera (1974), como símbolo de ascensión, inspirado en obras de Miró como Perro ladrando a la luna o Carnaval del Arlequín.

Aunque la evolución de la obra tapiana fue uniforme desde sus inicios en el informalismo, con el paso del tiempo se produjeron sutiles diferencias tanto en técnicas como en contenidos: entre 1963 y 1968 recibió cierta influencia del pop-art, en su acercamiento al mundo de la realidad circundante, en que se destaca el objeto cotidiano: Materia en forma de sombrero, El marco, La mujer, Materia en forma de nuez, Mesa y sillas (1968), Materia con manta (1968), Gran paquete de paja (1968), Paja prensada (1969). Entre 1969 y 1972 dio preponderancia a los temas catalanes: Atención Cataluña (1969), El espíritu catalán (1971), Pintura románica con barretina (1971), Sardana (1971), Inscripciones y cuatro barras sobre arpillera (1971-1972), Cataluña-Libertad (1972).38​

En el periodo 1970-1971 tuvo una etapa conceptualista, trabajando con materiales detríticos, con manchas de grasa o materias brutas: Pica de lavar con cruz, Mueble con paja, Palangana con Vanguardias, Paja cubierta con trapo. Después de una época de crisis hasta finales de los 70, en que se centró en la escultura y el grabado, desde 1980 renovó técnicas y temáticas, volviendo a un cierto informalismo. Asimismo, durante esa década, por influencia del arte postmoderno –especialmente el neoexpresionismo alemán–, incorporó más elementos figurativos, generalmente como homenaje a estilos y artistas tradicionales de la historia del arte, como en Recuerdo (1982), que alude a Leonardo Da Vinci, o Materia ocre (1984) y Mancha marrón sobre blanco (1986), que evocan al Barroco.36​

En los años 1990 recibió una serie de encargos institucionales: en 1991 realizó Las cuatro crónicas, en la Sala Tarradellas del Palacio de la Generalidad de Cataluña.34​ En 1992 se encargó de la decoración mural de los pabellones de Cataluña y del Comité Olímpico Internacional para la Exposición Universal de Sevilla.7​ Ese mismo año se suscitó una fuerte polémica por el proyecto encargado por el Ayuntamiento de Barcelona para decorar la Sala Oval del Palacio Nacional de Montjuïc, sede del MNAC. Tàpies proyectó una escultura en forma de calcetín, de 18 metros de altura, con la significación, según él, de “un humilde calcetín en cuyo interior se propone la meditación y con el que quiero representar la importancia en el orden cósmico de las cosas pequeñas”. Sin embargo, debido al rechazo popular al proyecto y a la oposición de la Generalidad de Cataluña, la obra finalmente no se llevó a término. Aun así, años más tarde el artista retomó el proyecto y construyó su obra en la terraza de la Fundación Antoni Tàpies, como principal obra representativa de la Fundación tras su reapertura en 2010, después de dos años de reforma del museo. Pese a todo, no se construyó el proyecto original de 18 metros, sino una versión reducida de 2,75 metros.39​

En 1994 Tàpies recibió el encargo por parte de la Universidad Pompeu Fabra de adecuar un espacio como capilla laica, es decir, como espacio de recogimiento para la reflexión y la meditación. El espacio formaba parte del Ágora Rubió i Balaguer de la universidad, diseñada por el arquitecto Jordi Garcés, que une subterráneamente los antiguos edificios de los cuarteles de Roger de Llúria y Jaume I, y que además de la capilla contiene un auditorio y una sala de exposiciones. Tàpies concibió el espacio como un refugio del mundo exterior, dejando la estructura arquitectónica como estaba, con paredes de hormigón, instalando una serie de intervenciones artísticas para completar el aire de recogimiento de la capilla: el mural Díptico de la campana y la escultura Serpiente y plato, así como unas sillas de espadaña colgadas en una pared y una alfombra de arpillera, todo para producir un ambiente de meditación y reposo. La escultura se sitúa sobre un altar, con un gran plato de porcelana sobre el que se sitúa la serpiente; podemos vislumbrar el antecedente del proyecto del calcetín para el Palacio Nacional, que también se habría situado sobre un altar.40​

En escultura, desde sus inicios en la técnica del assemblage en la década de los 70 pasó a la utilización de la terracota desde 1981 y del bronce desde 1987, siempre en una línea parecida a la de su pintura, con técnicas mixtas y utilización de materiales reciclados o de desecho, en asociaciones a veces insólitas que buscan impactar al espectador. Destacan su Homenaje a Picasso (Parque de la Ciudadela, 1983), y el mosaico cerámico de la Plaza de Cataluña de San Baudilio de Llobregat (1983), así como la instalación titulada Nube y silla en la Fundación Tàpies (1989).

Obra seleccionada

Nube y silla, en la Fundación Antoni Tàpies.
Zoom (1946) – óleo y blanco de España sobre lienzo, 65 x 54 cm, Fundación Antoni Tàpies, Barcelona.
Cruz de papel de periódico (1947) – collage y acuarela sobre papel, 40 x 31 cm, Colección particular, Barcelona.
Tríptico (1948) – óleo sobre lienzo, 97 x 65, 97 x 130, 97 x 65 cm, Colección particular, Barcelona.
Collage de arroz y cuerdas (1949) – pintura y collage sobre cartón, 75 x 52,5 cm, Colección particular, París.
El escarnecedor de diademas (1949) – óleo sobre lienzo, 92 x 73 cm, Colección particular, Barcelona.
La barbería de los malditos y de los elegidos (1950) – óleo sobre lienzo, 97 x 130 cm, Colección particular, Barcelona.
Dríadas, ninfas, arpías (1950) – óleo sobre lienzo, 97 x 130 cm, Colección particular, Barcelona.
El fuego interior (1953) – técnica mixta sobre tela, 60 x 73 cm, Colección particular, Barcelona.
Blanco con manchas rojas (1954) – técnica mixta sobre tela, 115 x 88 cm, Colección particular, Barcelona.
Tierra y pintura (1956) – técnica mixta sobre madera, 33,5 x 67,5 cm, Colección particular, Barcelona.
Laberinto (1956) – técnica mixta sobre tela, 65 x 81 cm, Colección particular, Weiden.
Pintura ocre (1959) – técnica mixta sobre tela, 240 x 190 cm, MACBA, Barcelona.
M (1960) – técnica mixta sobre tela montada sobre madera, 195 x 170 cm, Colección particular, Lieja.
Signo y materia 3d (1961) - técnica mixta sobre cartón, 74,8 x 105,3 cm, Museo de Bellas Artes de Bilbao.
Relieve con cuerdas (1963) – técnica mixta sobre tela, 148,5 x 114 cm, Fundación Antoni Tàpies.
En forma de silla (1966) – técnica mixta sobre tela, 130 x 97 cm, Colección particular.
Materia en forma de axila (1968) – técnica mixta sobre tela, 65,5 x 100,5 cm, Colección particular.
Caja de embalar (1969) – montaje de madera y papel, 170 x 125 x 8 cm, Galería Martha Jackson, Nueva York.
Paja prensada a la X (1969) – técnica mixta sobre tela, 200 x 175 cm, MNCARS, Madrid.
Homenaje a Richard Wagner (1969) - acrílico y collage sobre papel, 76 x 40 cm, Fundació Joan Brossa, Barcelona.
Pintura con esposas (1970) – assemblage y pintura sobre tela, 130 x 167 cm, Colección particular.
Silla cubierta (1970) – objeto-assemblage, 77,5 x 69,5 x 56,5 cm, Wilhelm-Lehmbruck-Museum der Stadt, Duisburg.
Mesa de despacho con paja (1970) – objeto-assemblage, 108 x 130 x 92 cm, Adrien Maeght, París.
El espíritu catalán (1971) – técnica mixta sobre madera, 200 x 270 cm, Museo Universidad de Navarra.
Brazo (1973) – técnica mixta sobre madera, 82 x 130 cm, Colección particular, Barcelona.
La escalera (1974) – técnica mixta sobre madera, 250 x 300 cm, Galería Maeght, París.
Efecto de bastón en relieve (1979) – técnica mixta sobre ropa y tela, 134,5 x 162 cm, Galería Maeght, Barcelona.
Materia sobre madera con óvalo (1979) – técnica mixta sobre madera, 270 x 200 cm, Galería Maeght, París.
Azul con dos cruces (1980) – técnica mixta sobre manta y tela, 206 x 146 cm, Colección particular.
Dragón (1980) – pintura, lápiz y barniz sobre madera, 89 x 146,5 cm, Colección particular, Barcelona.
Desnudo de barniz (1980) – técnica mixta sobre tela, 65 x 100 cm, Colección particular, Barcelona.
Amor, a muerte (1980) – pintura sobre tela, 200,5 x 276 cm, IVAM, Valencia.
Cráneo blanco (1981) – pintura sobre cartón, 52,5 x 42,5 cm, Colección particular, Barcelona.
Pie sobre blanco (1981) – técnica mixta sobre madera, 162 x 97 cm, Colección particular, Barcelona.
Materia doblada (1981) – técnica mixta sobre tabla, 130 x 130 cm, Galería Maeght, Barcelona.
Rojo y negro (1981) – técnica mixta sobre madera, 170 x 195 cm, Colección particular, North Egremont, Massachusetts.
A tumbada (1982) – pintura y barniz sobre madera, 162 x 261 cm, Fundación Renault, Boulogne-sur-Mer.
Barniz con formas negras (1982) – pintura y barniz sobre tela, 200,5 x 275 cm, Galería Lelong, París.
Materia del tiempo (1983) – pintura sobre madera, 270 x 220 cm, Colección particular, Barcelona.
Tríptico de los graffiti (1984) – técnica mixta sobre tela, 195 x 300 cm, Colección particular, Barcelona.
M blanca (1984) – pintura y barniz sobre madera, 270 x 220 cm, Colección particular, Barcelona.
Lector (1984) – pintura sobre tela, 100 x 100 cm, Colección particular, Barcelona.
Materia ocre (1984) – pintura sobre madera, 195 x 170 cm, Colección particular, Barcelona.
Torso (1985) – pintura y barniz sobre madera, 97 x 130 cm, Colección particular, Barcelona.
Dos bastidores (1985) – pintura y collage sobre madera, 250 x 200 cm, Galería Bayeler, Basilea.
Ojos cerrados (1985) – pintura sobre tabla, 97 x 130 cm, Colección particular, Barcelona.
Gran blanco con mano (1985) – pintura y collage sobre madera, 200 x 250 cm, Colección particular, Barcelona.
Capitoné (1986) – pintura y assemblage sobre madera, 130 x 162 cm, Colección particular, Barcelona.
Gran díptico de tierra (1987) – técnica mixta sobre madera, 220 x 600 cm, Galería Lelong, París.
Puertas y flechas (1987) – pintura, barniz y assemblage sobre tela, 195,5 x 300 cm, Colección particular, Barcelona.
Blanco y silla (1987) – técnica mixta y assemblage sobre tela, 225 x 330 cm, Colección particular, Barcelona.
Días de Agua II (1987) – pintura, lápiz y collage sobre tela, 60 x 73 cm, Colección particular, Barcelona.
Infinito (1988) – técnica mixta sobre madera, 250 x 330 cm, Colección particular, Barcelona.
Tres dedos (1990) – pintura y barniz sobre tela, 146 x 114 cm, Colección particular, Barcelona.
Nube y silla (1990) – aluminio anodizado y acero inoxidable, 12,7 x 24 x 6,8 cm, Fundación Antoni Tàpies, Barcelona.
Inspiración-expiración (1991) – técnica mixta sobre madera, 225 x 200 cm, Colección particular, Barcelona.
Las cuatro crónicas (1991) – técnica mixta sobre madera, 251 x 600 cm, Palacio de la Generalidad de Cataluña, Barcelona.
Pregunta (1992) – collage, pintura y barniz sobre tela, 275 x 200,5 cm, Colección particular, Barcelona.
Perfil metálico (1993) – repujado y collage sobre plancha metálica, 100 x 84,5 cm, Colección particular, Barcelona.
Cabeza (1995) – técnica mixta sobre madera, 116,5 x 89 cm, Colección particular, Barcelona.
Cama (1995) – técnica mixta sobre madera, 225 x 400 cm, Colección particular, Barcelona.
Cuerpo y alambres (1996) – pintura y assemblage sobre madera, 162,5 x 260,5 cm, Fundación Antoni Tàpies, Barcelona.
Monólogo (1997) – pintura sobre madera, 175 x 200 cm, Colección particular, Barcelona.
Tierra de sombra (1998) – pintura y assemblage sobre tela, 220 x 270 cm, Fundación Antoni Tàpies, Barcelona.
Pie y cesto (1999) – pintura sobre bronce, 39 x 48 x 52 cm, Colección particular, Barcelona.
Martillo (2002) – pintura sobre tela, 130 x 162 cm, Colección particular, Barcelona.
1/2 (2003) – pintura y barniz sobre madera, 200 x 175 cm, Colección particular, Barcelona.
Formas en el espacio (2009) – técnica mixta sobre tela, 300 x 250 cm, Colección particular, Barcelona.
Exposiciones

7 de noviembre de 1971, Sala de Pasos Perdidos del Parlamento de Cataluña.
1948: I Salón de Octubre de Barcelona.
1949: Instituto Francés de Barcelona.
1950: VII Salón de los Once en Madrid y primera exposición individual en las Galeries Laietanes de Barcelona.
1952: XXVI Bienal de Venecia y nueva exposición en las Galeries Laietanes de Barcelona.
1953: exposiciones individuales en la Martha Jackson Gallery de Nueva York, las Galerías Biosca de Madrid y la Marshall Field Art Gallery de Chicago.
1954: XXVII Bienal de Venecia y nueva exposición en las Galeries Laietanes de Barcelona.
1955: III Bienal Hispanoamericana, Barcelona. Exposiciones individuales en la Sturegalleriet de Estocolmo y la Sala Gaspar de Barcelona.
1956: exposición individual, Galerie Stadler, París.
1957: exposiciones individuales en la Martha Jackson Gallery de Nueva York, la Galerie Stadler de París y la Galerie Schmela de Düsseldorf.
1958: sala especial en la XXIX Bienal de Venecia.
1959: exposiciones en el Museo de Arte de Bilbao, la Martha Jackson Gallery de Nueva York, la Gres Gallery de Washington, la Galerie Stadler de París, la Kunsthalle de Berna y la Galerie Van de Loo de Múnich (con Antonio Saura).
1960: exposiciones en la Sala Gaspar de Barcelona, el Museo de Arte de Bilbao, la Martha Jackson Gallery de Nueva York y la Galleria dell'Ariete de Milán.
1961: exposiciones individuales en la Martha Jackson Gallery de Nueva York, la Gres Gallery de Washington y la Galerie Stadler de París.
1962: exposiciones retrospectivas en la Kestner Gesellschaft de Hanóver, el Guggenheim Museum de Nueva York y la Kunsthaus de Zúrich.
1963: exposiciones en el Phoenix Art Center (Phoenix, Arizona), el Pasadena Art Museum (Pasadena, California), la Felix Landau Gallery de Los Ángeles, la Martha Jackson Gallery de Nueva York, Berggruen & Cie. de París y la Galerie Im Erker de Sankt Gallen.
1964: sala especial en la III Documenta de Kassel y exposiciones en la Galerie Rudolf Zwirner de Colonia, la Galerie Stadler de París, la Gallery Moos de Toronto y la Sala Gaspar de Barcelona.
1965: exposición retrospectiva en el Institute of Contemporary Arts de Londres e individuales en la Galerie Rudolf Zwirner de Colonia y la Galerie van de Loo de Múnich.
1966: participación en la Bienal de Menton y exposición en la Galerie Stadler de París.
1967: participación en la Bienal de Liubliana, retrospectiva en el Kunstmuseum de Sankt Gallen y exposiciones individuales en la Martha Jackson Gallery de Nueva York y la Galerie Maeght de París.
1968: exposiciones retrospectivas en el Museum des 20. Jahrhunderts de Viena, en el Kunstverein de Hamburgo y el Kölnischer Kunstverein de Colonia, e individuales en la Martha Jackson Gallery de Nueva York, la Galerie Maeght de París y la Galerie Schmela de Düsseldorf.
1969: exposiciones en la Galerie Maeght de París, la Gallery Moos de Toronto, la Sala Gaspar de Barcelona y retrospectiva en la Kasseler Kunstverein de Kassel.
1970: Martha Jackson Gallery de Nueva York.
1971: Il Collezionista d’Arte Contemporanea de Roma y Galerie Maeght de Zúrich.
1972: Galerie Maeght de París y retrospectiva en la Städtische Galerie im Haus Seel de Siegen.
1973: exposiciones retrospectivas en el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, el Musée Rath de Ginebra y el Palais des Beaux-Arts de Charleroi, e individuales en la Martha Jackson Gallery de Nueva York, la Jodi Scully Gallery de Los Ángeles y la Galería Juana Mordó de Madrid.
1974: exposiciones retrospectivas en el Louisiana Museum de Copenhague, la Nationalgalerie de Berlín, la Hayward Gallery de Londres y la Glynn Vivian Art Gallery de Swansea, e individuales en la Galerie Maeght de París y la Gallery Moos de Toronto.
1975: exposiciones en la Galeria Maeght de Barcelona, la Galerie Maeght de Zúrich, la Ruth S. Schaffner Gallery de Los Ángeles, la Galerie Beyeler de Basilea y la Martha Jackson Gallery de Nueva York.
1976: exposiciones retrospectivas en la Fundación Maeght de Saint-Paul-de-Vence, el Seibu Museum de Tokio, la Fundación Joan Miró de Barcelona.
1977: exposiciones retrospectivas en la Albright-Knox Art Gallery (Buffalo, Nueva York), el Museum of Contemporary Art de Chicago, el Marion Koogler McNay Art Institute de San Antonio (Texas), el Des Moines Art Center (Des Moines, Iowa), el Musée d’Art Contemporain de Montreal, el Kunstverein de Bremen y el Staatliche Kunsthalle de Baden-Baden.
1978: exposiciones retrospectivas en el Kunstmuseum de Winterthur y el Musée de l’Abbaye de Sainte Croix de Les Sables-d’Olonne, e individuales en la Martha Jackson Gallery de Nueva York, la Galeria Maeght de Barcelona y la Galerie Schmela de Düsseldorf.
1979: exposiciones en la Galerie Maeght de París y la Hastings Gallery del Spanish Institute de Nueva York, y retrospectiva en la Badischer Kunstverein de Karlsruhe.
1980: exposiciones retrospectivas en el Museo Español de Arte Contemporáneo de Madrid, el Stedelijk Museum de Ámsterdam, la Kunsthalle de Kiel y el Wolfgang-Gurlitt-Museum de Linz e individuales en la Galerie Maeght de Zúrich y el Studio Dueci de Roma.
1981: exposiciones en la Galeria Maeght de Barcelona, la Galerie Maeght de Zúrich, M. Knoedler & Co. de Nueva York y la Stephen Wirtz Gallery de San Francisco, y retrospectiva en la Fondation du Chateau de Jau, Cases de Pène.
1982: retrospectivas en el Palacio de la Lonja de Zaragoza y la Scuola di San Giovanni Evangelista de Venecia, y exposiciones en la Marisa del Re Gallery de Nueva York, la Galerie Maeght de París y el Studio Dueci de Roma.
1983: exposiciones en la Galerie Maeght de Zúrich, el Saló del Paranimf de la Universidad de Barcelona, la Abbaye de Sénanque de Gordes, la Städtische Galerie Prinz-Max-Palais de Karlsruhe y la Galeria Maeght de Barcelona, y retrospectiva en la Fundación Joan Miró de Barcelona.
1984: exposiciones en el Museo Municipal de San Telmo de San Sebastián, la Galerie Maeght Lelong de Nueva York, la Galerie Maeght Lelong de Zúrich, la Galería Antonio Machón de Madrid, la Galerie Maeght Lelong de París y la Galerie Brusberg de Berlín.
1985: exposiciones retrospectivas en el Palazzo Reale de Milán y el Museum voor Moderne Kunst de Bruselas, individual en la Stephen Wirtz Gallery de San Francisco.
1986: exposiciones antológicas en la Wienes Kunstlerhaus de Viena y el Stedelijk van Abbemuseum de Eindhoven, participación en la exposición inaugural del MNCARS de Madrid y exposiciones individuales en la Galería Theo de Madrid, la Galerie Maeght Lelong de Nueva York, la Abbaye de Montmajour de Arlés, la Galerie Maeght Lelong de París, la Galeria Joan Prats de Barcelona y la Galeria Carles Taché de Barcelona.
1987: exposiciones en la Galeria Maeght de Barcelona, la Galerie Lelong de Zúrich y la Galeria Carles Taché de Barcelona.
1988: exposiciones antológicas en el Saló del Tinell de Barcelona, la Llotja de Palma de Mallorca y el Musée Cantini de Marsella e individuales en la Galerie Lelong de París, el Annely Juda Fine Arts de Londres y la Galerie Beyeler de Basilea.
1989: exposición antológica en el Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen de Düsseldorf y el Palacio de Bellas Artes de Pekín e individuales en la Galerie Lelong de Nueva York, la Elkon Gallery de Nueva York y la Galerie Lelong de Zúrich.
1990: retrospectivas en la Fundación Antoni Tàpies de Barcelona y el MNCARS de Madrid, y exposiciones en la Galerie Lelong de Nueva York, la Galerie Lelong de París y la Richard Gray Gallery de Chicago.
1991: exposiciones individuales en el Pabellón Micovna del Jardín Real del Castillo de Praga, la Fuji Television Gallery de Tokio, la Galeria Carles Taché de Barcelona, la Galerie Lelong de Nueva York, la Fundación Antoni Tàpies de Barcelona, la Galerie Lelong de Zúrich, las Waddington Galleries de Londres y la Galerie Lelong de París, y retrospectivas en el Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas, el Centro Cultural Arte Contemporáneo de México, D.F., el Long Beach Museum of Art (Long Beach, California), la Fundação Serralves de Oporto, la Fundação Calouste Goulbenkian de Lisboa y la Fundación Joan Miró de Barcelona.
1992: retrospectivas en la Fundación Antoni Tàpies de Barcelona, el IVAM de Valencia, la Serpentine Gallery de Londres, el Meadows Museum de Dallas y el Museum of Modern Art de Nueva York, y exposiciones en la Middlesbrough Art Gallery de Middlesbrough, la Galería Nieves Fernández de Madrid, la Galería Juan Gris de Madrid y la Galería Theo de Valencia.
1993: participación en la XLV Bienal de Venecia, retrospectivas en la Fundación Antoni Tàpies de Barcelona y la Schirn Kunsthalle de Fráncfort del Meno, y exposiciones en la Pace Gallery de Nueva York y Erker Galerie de Sankt Gallen.
1994: participación en la Bienal de Eslovenia, retrospectivas en el Prins Eugens Waldemarsudde de Estocolmo, el Palacio de Sástago de Zaragoza y la Galerie nationale du Jeu de Paume de París, y exposiciones en las Waddington Galleries de Londres, el Rupertinum Moderne Galerie und Graphische Sammlung de Salzburg y el Museo de Bellas Artes de Santa Fe.
1995: retrospectiva en el Museo Guggenheim de Nueva York, y exposiciones en la Pace Wildenstein de Nueva York, la Galería Soledad Lorenzo de Madrid, el Museo de la Casa de la Moneda de Madrid, el Musée d'Art Moderne de Céret, la Galerie Lelong de Zúrich, la Kunsthaus de Zug y el Marburger Universitäts-Museum de Marburg.
1996: retrospectivas en el Kirin Art Space Harajuku de Tokio, el Marugame Genichiro Inokuma Museum of Contemporary Art de Kagawa, el Nigata City Art Museum de Nigata y el Gunma Museum of Modern Art de Gunma, y exposiciones en el Auditorio de Galicia de Santiago de Compostela, la Galerie Lelong de París, la Fundación César Manrique de Lanzarote y el Centro Cultural de Belém, Lisboa.
1997: exposiciones en el Centro per l'Arte Contemporanea Luigi Pecci de Prato, la Galleria Christian Stein de Milán, la Sala de Exposiciones del Banco Zaragozano (Zaragoza), la Galeria Fernando Santos de Oporto, la Kestner-Gesellschaft de Hanóver y la Galerie Lelong de Zúrich.
1998: exposiciones en la Fundación Antoni Tàpies de Barcelona, la Casa Rusca Pinacoteca Comunale de Locarno, la Galerie Lelong de París, la Kunsthalle de Krems, la Galería Soledad Lorenzo de Madrid, la Sala de Exposiciones del Centro Cultural Palacio de la Audiencia de Soria, la Galeria Toni Tàpies de Barcelona, la Galeria Joan Prats de Barcelona y la Galeria Senda de Barcelona.
1999: exposiciones en el Centro Cultural Casa del Cordón de Burgos, el Centre Cultural Pelaires de Palma de Mallorca y la Fundación Caixa Galicia de Vigo.
2000: exposiciones en la Abadía de Santo Domingo de Silos de Burgos, el MNCARS de Madrid, la Galerie Lelong de París, la Pace Gallery de Nueva York, la Haus der Kunst de Múnich y la Galeria Toni Tàpies de Barcelona.
2001: exposiciones en la Bibliothèque Nationale de France de París, el Centro Cultural Borges de Buenos Aires, la Fundació Caixa de Girona (Gerona), la Galerie Lelong de Zúrich, la Galería Soledad Lorenzo de Madrid y las Waddington Galleries de Londres.
2002: exposiciones en el Centro Cultural de Cascais, la Fundación Antoni Tàpies de Barcelona, la Galerie Bab Rouah de Rabat, la Galerie Lelong de París y el Musée Picasso de Antibes.
2003: exposiciones en La Casa Encendida de Madrid, la Galeria Toni Tàpies de Barcelona, la Pace Wildenstein Gallery de Nueva York, las Waddington Galleries de Londres, el Centre d'Art La Panera de Lérida, la Galería Soledad Lorenzo de Madrid y la Kunsthalle de Emden.
2004: exposiciones en el MACBA de Barcelona, el Neues Museum de Núremberg, el Museo Patio Herreriano de Valladolid, el Centro Cultural Banco do Brasil de Río de Janeiro, la Fundación Marcelino Botín de Santander, el MNCARS de Madrid, el Museo de Arte de Zapopan y la Galeria Toni Tàpies de Barcelona.
2005: exposiciones en el Hara Museum of Art de Tokio, las Waddington Galleries de Londres, la Galerie Lelong de Zúrich, la Fundación Caixa Galicia de Ferrol, el Museo d'Arte Contemporanea de Lissone, el Singapore Art Museum de Singapur y el Centro de Exposiciones y Congresos de Zaragoza.
2006: exposiciones en la Galeria Fernando Santos de Oporto y Lisboa, las Waddington Galleries de Londres, la Pace Wildenstein Gallery de Nueva York, el Hôtel des Arts de Toulon, la Galerie Lelong de París, la Galería Soledad Lorenzo de Madrid, la Galeria Toni Tàpies de Barcelona y la Fundación Antoni Tàpies de Barcelona.
2007: exposiciones en el Museum Schloss Moyland de Bedburg-Hau, el Espoo Museum of Modern Art de Espoo y el Instituto Cervantes de Madrid.
2008: exposiciones en el Instituto Cervantes de Berlín, el Instituto Cervantes de Praga, el Instituto Cervantes de Toulouse, la Galerie Lelong de Zúrich, la Galeria Toni Tàpies de Barcelona y las Waddington Galleries de Londres.
Obra en museos
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
Fundación Antoni Tàpies, Barcelona.
MACBA, Museu d'Art Contemporani de Barcelona.
Museo de Arte Contemporáneo de Madrid.
Museo de Bellas Artes de Bilbao.
Museum of Modern Art, Nueva York.
Guggenheim Museum, Nueva York.
Galleria Nazionale d'Arte Moderna, Roma.
Carnegie Institute, Pittsburgh.
Albright Art Gallery, Buffalo.
Stedelijk Museum, Ámsterdam.
Moderna Museet, Estocolmo.
Stedelijk van Abbe Museum, Eindhoven.
Museo de Arte Moderno de São Paulo.
Museo de Arte Moderno de Venecia.
Museo de Arte Moderno de Bolonia.
Museo de Arte Abstracto Español, Cuenca.
Museo de Krefeld.
Museo de Arte Contemporáneo de Caracas.
Museo Nacional de Bogotá.
Museo del Premio Lissone de Milán.
White Memorial Gallery, Ithaca (Nueva York).
Musée National d'Art Moderne, París.
Kunstmuseum, Berlín.
Kunstmuseum, Colonia.
Kunstmuseum, Basilea.
Kunsthaus, Zúrich.
Tate Gallery, Londres.
Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires.
Fundación CIEC, Betanzos (España).
Museo de la Solidaridad Salvador Allende, Chile.
Museo de Antioquia, Medellín, Colombia (Donación Botero)
Fundación Picasso Museo Casa Natal, Málaga.
Museo Universidad de Navarra, Navarra.
Obras de Antoni Tàpies en las colecciones públicas francesas de arte moderno y contemporáneo (en francés)
Premios y distinciones
1953: Premio de la Bienal de São Paulo.
1954: Primer Premio del Salón del Jazz, Barcelona.
1955: Premio de la República de Colombia, en la III Bienal Hispanoamericana.
1958: Premio de la Unesco.
1958: Premio de la Fundación David Bright, Los Ángeles.
1958: Premio del Carnegie Institute, Pittsburgh.
1960: Premio de la Bienal Internacional del Grabado de Tokio.
1964: Premio de la Fundación Guggenheim.
1966: Gran Premio del Presidente de la República en la Bienal de Menton.
1966: Medalla de Oro del XV Congreso Internacional de Críticos de Arte.
1967: Gran Premio de Grabado en la Bienal de Liubliana.
1972: Premio Rubens, Siegen.
1974: Medalla Stephan Lochner, Colonia.
1979: Premio Ciudad de Barcelona.
1979: Miembro Honorario de la Academia de las Artes de Berlín.
1981: doctor honoris causa del Royal College of Arts de Londres.
1981: Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes del Ministerio de Cultura de España.
1982: Premio de la Fundación Wolf de las Artes de Jerusalén.
1983: nombrado Officier de l'Ordre des Arts et des Lettres de Francia.
1983: Premio Rembrandt de la Fundación Toepfer de Hamburgo.
1983: Medalla de Oro de la Generalidad de Cataluña.
1984: Premio de la Paz de la Asociación de las Naciones Unidas en España.
1985: Prix National de Peinture de Francia.
1988: doctor “honoris causa” por la Universidad de Barcelona.
1988: Miembro Honorario de la Gesellschaft Bildener Künstler Österreichs de Viena.
1990: Premio Príncipe de Asturias de las Artes.
1990: “Praemium Imperiale”, de la Asociación Artística de Japón.
1990: doctor Honoris Causa por las Universidades de Glasgow y de Baleares.
1991: Premio Tomás Francisco Prieto.
1992: Miembro de Honor de la Royal Academy of Arts de Londres y de la American Academy of Arts and Sciences de Cambridge.
1992: Medalla de Oro del Ayuntamiento de Barcelona.
1993: León de Oro de la XLV Bienal de Venecia.
1993: Medalla Picasso de la UNESCO.
1993: Orden de Saurí, primera clase. Máxima distinción de Panamá.
1994: Gran Premio Europeo de Obra Gráfica en la Bienal de Eslovenia.
1994: Nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad Rovira i Virgili. Universidad de la que diseñó su emblema, caracterizado por la letra "a", representando el principio del saber universal.
1995: Premio Nacional de Artes Plásticas de la Generalidad de Cataluña.
1996: Cruz de la Orden de Santiago de la República Portuguesa.
1997: Medalla de Oro de la Universidad de Oporto.
1998: doctor honoris causa por la Academia de Bellas Artes de Budapest.
1999: Premio Ciudad de Barcelona.
2003: doctor “honoris causa” por la Universidad Complutense de Madrid.
2003: Comendador de la Orden Nacional de la Legión de Honor de Francia.
2003: Premio Velázquez de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura de España.
2004: Premio Lissone 2004 a toda su carrera, Milán.
2010: Nombrado Marqués de Tàpies por el rey Juan Carlos I.
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Josep Clará

40

Josep Clará

Josep Clarà i Ayats (Olot, 16 de diciembre de 1878 - Barcelona, 4 de noviembre de 1958) fue un escultor español. Biografía Su obra se encuentra enmarcada en el «mediterraneísmo», término para designar especialmente a los artistas plásticos del movimiento noucentista del ambiente catalán... Ver mas
Josep Clarà i Ayats (Olot, 16 de diciembre de 1878 - Barcelona, 4 de noviembre de 1958) fue un escultor español.



Biografía
Su obra se encuentra enmarcada en el «mediterraneísmo», término para designar especialmente a los artistas plásticos del movimiento noucentista del ambiente catalán,1​ su obra es figurativa, sólida y compacta. Inició su formación en la Escuela de Dibujo de Olot con el profesor Josep Berga i Boix (1837-1914) y allí el elogio que le hizo de un dibujo el pintor Joaquín Vayreda (1843-1894),2​ fue un gran estímulo y uno de sus recuerdos infantiles más gratos. Más tarde, en 1897 ingresó en la escuela de Bellas Artes de Toulouse (Francia). Sus inquietudes artísticas y después de ganar una mención en un concurso, le hicieron marcharse a París en 1900, donde conoció a Auguste Rodin, lo que le hizo decidirse definitivamente por el arte de la escultura.3​ Conoce entre otros artistas al escultor Arístides Maillol con quien mantendrá una gran amistad y una afinidad en el sentido de la escultura, en 1907 presentó la obra Turment (Tormento) en la que se aprecia la influencia y admiración que sentía por Rodin.4​Es alumno también de Louis-Ernest Barrias. Como dibujante destacan los dibujos-apuntes, que realizó a la bailarina Isadora Duncan, en distintos movimientos de danza. Isadora murió en 1927. Después, otra gran bailarina le sirvió de modelo para sus dibujos: Antonia Mercé «La Argentina».

Viajes a Londres, y sobre todo a Italia completan su formación. Vuelve a París donde se convierte en un escultor acreditado. Realiza numerosas exposiciones en galerías y salones de París, Londres, Berlín, Roma y Barcelona. Se traslada definitivamente en 1932 a Barcelona, donde sigue trabajando y exponiendo hasta su muerte, ocurrida el 4 de noviembre de 1958.

Su última escultura fue Estática (1954-1958). La gran parte del legado de sus obras están en el Museo Comarcal de la Garrotxa en Olot (Gerona) y en el Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC) en Barcelona.

Reconocimientos
1910 Le conceden la medalla de oro en la Exposición de Bruselas (Bélgica) y también consigue la primera medalla en la Nacional de Bellas Artes de Madrid (España).
1912 Es medalla de oro en la Exposición Internacional de Ámsterdam (Holanda).
1925 Nombrado Académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid.
1929 Con su obra Reposo, obtiene la medalla de honor en la Exposición Internacional de Barcelona.
1934 Es nombrado presidente del Círculo Artístico de Barcelona y académico de la Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jorge de Barcelona.
1954 Recibe el Gran Premio de la II Bienal Hispanoamericana de La Habana (Cuba).
1956 Medalla de Plata de la Diputación Provincial de Barcelona y Medalla de Oro del Círculo Artístico de Barcelona.
1958 Le conceden el Premio de la Fundación Juan March.
Obras

Juventud (Original 1928, Copia 1993). Obra situada en Plaza Cataluña de Barcelona (España).
Se señalan algunas entre la gran cantidad que tiene catalogadas.

Adolescencia 1907
El Crepúsculo 1907-1910
La Diosa 1908-1910
El Ritmo 1910
Venus saliendo del baño 1922
Estática 1926
Juventud 1928
Meditación 1929-1930
Juventud 1933-1935
Pujanza 1936
José Rodríguez Fernández 1940
San Benito 1946
Maternidad 1947-1948
Obras en Museos
Museo Comarcal de La Garrotxa Olot (Gerona). España
Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC) Barcelona. España
Musée National d'Art Moderne de París. (Francia)
Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago de Chile. Chile
Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. Argentina
Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana. Cuba
Musée des Augustins de Toulouse. Francia
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. España
Ha recibido 3 puntos

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Antonio Cano Correa

41

Antonio Cano Correa

1.909:ANTONIO CANO CORREA, NACE EL 4 DE FEBRERO EN GUAJAR FARAGUIT, PUEBLO DE LA CORNISA MEDITERRANEA GRANADINA. 1.910:SUS PADRES, DE ORIGEN CAMPESINO, SE TRASLADAN A VIVIR A GRANADA CAPITAL, DONDE PASA SU NIÑEZ EN EL BARRIO DE SAN LAZARO. APRENDE A LEER Y ESCRIBIR EN LA ESCUELA GRANADINA... Ver mas
1.909:ANTONIO CANO CORREA, NACE EL 4 DE FEBRERO EN GUAJAR FARAGUIT, PUEBLO DE LA CORNISA MEDITERRANEA GRANADINA.

1.910:SUS PADRES, DE ORIGEN CAMPESINO, SE TRASLADAN A VIVIR A GRANADA CAPITAL, DONDE PASA SU NIÑEZ EN EL BARRIO DE SAN LAZARO.

APRENDE A LEER Y ESCRIBIR EN LA ESCUELA GRANADINA DEL AVE MARIA, DONDE NACE SU AFICION A LA MUSICA, FORMANDO PARTE DE LA BANDA DEL COLEGIO, DIRIGIDA POR EL MAESTRO AYALA.

1.919:COMIENZA A TRABAJAR COMO APRENDIZ DE LIBRERO EN LA LIBRERIA DEL GRANADINO DON FELIPE DORRONSORO.

1922:ENTRA A TRABAJAR EN EL TALLER DE IMAGINERIA DE "NAVAS PAREJO" DONDE APRENDE EL OFICIO DE ESCULTOR.

DURANTE ESTA EPOCA, ASISTE A LAS CLASES NOCTURNAS DEL CENTRO ARTISTICO DE GRANADA, EN DONDE DESCUBRE NUEVOS HORIZONTES EN EL ESTUDIO Y LA PRACTICA DEL ARTE, Y DONDE COINCIDE CON EL MUSICO GARCIA CARRILLO, Y EL POETA FEDERICO GARCIA LORCA.

1923:ANTONIO CANO Y SU FAMILIA SE TRASLADAN A BARCELONA, EN DONDE REALIZA DIVERSOS TRABAJOS, EN ELCAMPO, EN UNA FABRICA DE TEJIDOS, Y EN EL TALLER DE ESCULTURA RELIGIOSA "CASA RIUS".

DURANTE ESTA EPOCA ASISTE A LA ESCUELA DE ARTE Y OFICIO, Y EN LAS CLASES DE MODELADO CONOCE AL ESCULTOR "ANGEL FERRANT".

1927:REGRESA A GRANADA, ENTRANDO A TRABAJAR NUEVAMENTE EN EL TALLER DE IMAGINERIA DE "NAVAS PAREJO".

1932:SE TRASLADA A MADRID, DONDE COMIENZA SUS ESTUDIOS EN LA ESCUELA SUPERIOR DE BELLAS ARTES DE SAN FERNANDO, GRACIAS A UNA BECA CONCEDIDA POR EL AYUNTAMIENTO DE GRANADA.

1936:LA GUERRA LE SORPRENDE EN GRANADA, PASANDO LOS TRES AÑOS QUE DURO LA GUERRA, EN LA COMANDANCIA DE INGENIEROS DE GRANADA, EJERCIENDO COMO DELINEANTE.

1939:OBTIENE EL TITULO DE PROFESOR DE DIBUJO POR LA ESCUELA SUPERIOR DE BB.AA. DE VALENCIA.

1941:INGRESA COMO AUXILIAR NUMERARIO EN LA ESCUELA DE ARTE Y OFICIO DE GRANADA.

1944:CONTRAE MATRIMONIO CON LA ESCULTORA CARMEN JIMENEZ SERRANO.

1945:GANA POR OPOSICION LA CATEDRA DE TALLA DE LA ESCUELA SUPERIOR DE BELLAS ARTES SANTA ISABEL DE HUNGRIA DE SEVILLA, EN DONDE FIJA SU RESIDENCIA.

1948:ANTONIO CANO Y SU FAMILIA, ESTABLECEN COMO RESIDENCIA DE VERANO, PUNTA UMBRIA (HUELVA), EN DONDE CONTINUA CON SU LABOR CREATIVA EN LOS PERIODOS DE VACACIONES.

1950:SE TRASLADA A PARIS PARA CURSAR ESTUDIOS, BECADO POR EL MINISTERIO DE ASUNTOS EXTERIORES FRANCES.

1952:SE TRASLADA A ROMA PARA CURSAR ESTUDIOS, BECADO POR EL MINISTERIO DE ASUNTOS EXTERIORES ITALIANO.

1955:ES NOMBRADO ACADEMICO CORRESPONDIENTE DE LA REAL ACADEMIA DE BB.AA. DE SAN FERNANDO DE MADRID.

1955:ES NOMBRADO SOCIO DE HONOR DEL CIRCULO DE BB.AA. DE MADRID.

1962:ES NOMBRADO ACADEMICO CORRESPONDIENTE DE LA REAL ACADEMIA DE BB.AA. DE GRANADA.

1963:ES NOMBRADO MIEMBRO DE LA COMISION DE MONUMENTOS HISTORICOS DE SEVILLA.

1964:GANA POR OPOSICION LA CATEDRA DE PREPARATORIO DE MODELADO DE LA ESCUELA SUPERIOR DE BELLAS ARTES SAN FERNANDO DE MADRID.

1965:ANTONIO CANO Y SU FAMILIA, TRASLADAN SU RESIDENCIA DE VERANO A TORREMOLINOS (MALAGA), EN DONDE CONTINUA TRABAJANDO EN SU OBRA PICTORICA DURANTE LA EPOCA ESTIVAL.

1967:REALIZA LA MEDALLA DE HONOR, CON QUE LA ACADEMIA DE BB.AA. DE SEVILLA PREMIA A ARTISTAS E INSTITUCIONES.

1973:AL FINALIZAR EL MONUMENTO A JUAN SEBASTIAN ELCANO, DECIDE RETIRARSE DE SU ACTIVIDAD COMO ESCULTOR, DEDICANDOSE POR COMPLETO A LA PINTURA.

1990:COMIENZA SU ACTIVIDAD COMO ESCRITOR, PUBLICANDO EN EDITORIAL "DON QUIJOTE" SU PRIMER LIBRO TITULADO "MEMORIAS AMARILLAS".

1993:EL AYUNTAMIENTO DE DOS HERMANAS(SEVILLA) ROTULA UNA DE SUS CALLES, CON EL NOMBRE DE "ESCULTOR ANTONIO CANO".

1993:EL AYUNTAMIENTO DE SU PUEBLO NATAL, GUAJAR FARAGUIT (GRANADA), ACUERDA POR UNANIMIDAD, ROTULAR UNA CALLE CON EL NOMBRE DE "ESCULTOR ANTONIO CANO".

1995:LA EDITORIAL "GUADALQUIVIR" PUBLICA SU LIBRO "GRANADA EN LA MEMORIA".

1996:ES NOMBRADO PROFESOR DE HONOR DE LA FACULTAD DE BB.AA. DE LA UNIVERSIDAD DE GRANADA.

1997:EL AYUNTAMIENTO DE GRANADA LE CONCEDE LA MEDALLA DE ORO DE LA CIUDAD.

2004:SE DEDICA A LA LITERATURA, QUE SIMULTANEA CON LA PINTURA.

2009: FALLECE EL 3 DE JULIO EN SEVILLA DE UN PARO CARDIACO A LOS 100 AÑOS DE EDAD.
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Joan Miró

42

Joan Miró

Joan Miró i Ferrà (Barcelona, 20 de abril de 1893-Palma de Mallorca, 25 de diciembre de 1983) fue un pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En sus obras reflejó su interés en el subconsciente, en lo «infantil» y en la... Ver mas
Joan Miró i Ferrà (Barcelona, 20 de abril de 1893-Palma de Mallorca, 25 de diciembre de 1983) fue un pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En sus obras reflejó su interés en el subconsciente, en lo «infantil» y en la cultura y tradiciones de Cataluña. Aunque se le asocia al arte abstracto por su estilo maduro de formas estilizadas e imaginarias, en su juventud se inició en la figuración, con fuertes influencias fauvistas, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf, como lo es su conocido cuadro La Masía del año 1920. A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más fantasiosa y onírica, coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento.1​ En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década de 1930, Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de "matarlos, asesinarlos o violarlos", para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas.2​

Uno de sus grandes proyectos fue la creación en 1975 de la Fundación Joan Miró, ubicada en Barcelona, centro cultural y artístico para difundir las nuevas tendencias del arte contemporáneo, que se constituyó con un gran fondo de obras donadas por el autor. Otros lugares con importantes fondos de sus obras son: la Fundación Pilar i Joan Miró, en Palma de Mallorca; el Museo Reina Sofía y el Espacio Miró en Madrid; el Centro Pompidou, en París; y el MOMA, en Nueva York.

Biografía
Familia

El Pasaje del Crédito en Barcelona, lugar de nacimiento de Joan Miró
Su padre fue Miquel Miró i Adzeries, hijo de un herrero de Cornudella. Se trasladó a Barcelona donde montó un taller de orfebrería y relojería en un pasaje cerca de la Plaza Real de Barcelona. Allí conoció Miquel Miró a Dolors Ferrà i Oromí, hija de un ebanista mallorquín; se casaron y establecieron su residencia en el mismo pasaje de Crédito donde nacieron sus hijos Dolors y el futuro artista Joan Miró.3​

Miró se casó con Pilar Juncosa en Palma de Mallorca el 12 de octubre de 1929, y se instalaron en París, en un apartamento con suficiente espacio para vivienda y taller del artista; el 17 de julio de 1931, la pareja tuvo a su única hija, Dolors.4​ Al quedar libre del contrato con su marchante Pierre Loeb, Miró decidió volver con la familia a Barcelona, realizando estancias intermitentes en Mallorca y en Montroig. Se encontraba en esta última población cuando estalló la Guerra Civil Española de 1936. En noviembre tenía prevista una exposición en París, y una vez allí y en vista de las circunstancias adversas provocadas por la guerra, decidió quedarse cuando consiguió la llegada de su esposa Pilar y de su hija. En vísperas de la Segunda Guerra Mundial el ambiente en París era cada vez más tenso. Pasaron alguna temporada en una casa ofrecida por su amigo el arquitecto George Nelson en Varengeville-sur-Mer en la costa de Normandía; se encontró bien en la zona, pues le acercaba más a la naturaleza tal y como estaba acostumbrado en Mallorca o en Montroig, y terminó alquilando una casa. En la primavera de 1940, los amigos habían ido desapareciendo de Varengeville, y junto con Pilar decidió volver a Cataluña. Después de una pequeña temporada, la familia se trasladó a Mallorca, donde, según Miró, allí no era nada más que «el marido de la Pilar». En el año 1942 retornó a Barcelona.5​

Estudios

Mujer botella situada en el Parque Cultural Viera y Clavijo de Santa Cruz de Tenerife. El 28 de enero de 2002 es declarada Bien de Interés Cultural con la categoría de Bien Mueble.6​
Estudió comercio, según deseo de su padre, para tener una preparación y conseguir ser “alguien en la vida”. Ante el deseo de Joan de matricularse en la escuela de la Lonja para dibujar y al tener la posibilidad de las clases nocturnas, su padre aceptó la petición como un pasatiempo del muchacho.3​ En la Lonja, se vio influenciado por dos maestros, Modest Urgell y Josep Pascó. Los dibujos datados del año 1907 que se guardan en la Fundación Miró son una buena prueba de esta influencia clara de Modest Urgell; otros dibujos, de poco antes del fallecimiento de Miró, realizados con una simple pero firme línea horizontal y la inscripción: "en recuerdo de Modest Urgell" resumen el gran cariño que guardó siempre para su maestro. De las clases recibidas por Josep Pascó, profesor de artes decorativas, quedan también unos dibujos de aire modernista del año 1909 como diseño de unos broches representando un pavo real y una serpiente. De este profesor aprendió la simplicidad de expresión y las tendencias artísticas del momento.3​

Con diecisiete años acabó sus estudios de comercio y entró a trabajar durante dos años como empleado en una droguería, hasta que una enfermedad le obligó a retirarse a una casa familiar en el pueblo de Montroig. Cuando regresó a Barcelona, ya tenía la firme resolución de ser pintor, y aunque con reticencias, también contaba con el permiso paterno; ingresó en la Academia de arte dirigida por Francesc d'Assís Galí, donde conoció las últimas tendencias artísticas europeas y a la que acudió hasta su cierre en 1915. Mientras también asistía a clases de dibujo del natural, en el Círculo Artístico de Sant Lluc, donde hizo amistad con Josep Francesc Ràfols, Sebastià Gasch, Enric Cristòfor Ricart y Josep Llorens i Artigas, formando con todos ellos el grupo artístico Agrupación Courbet cuya fundación hizo pública el 28 de febrero de 1918 en La Publicitat.1​

Premios y reconocimientos
1954 Gran Premio de Grabado de la Bienal de Venecia
1959 Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X el Sabio
1959 Gran Premio de la Fundación Guggenheim.
1962 Nombrado Chevalier de la Legión de Honor en Francia.
1966 Premio Carnegie de pintura.
1968 Nombrado doctor honoris causa por la Universidad de Harvard.
1978 recibió la Medalla de Oro de la Generalidad de Cataluña, siendo el primer catalán en recibir tal distinción.
1979 Nombrado doctor honoris causa por la Universidad de Barcelona.
1980 recibió, de manos del rey Juan Carlos I de España, la Medalla de Oro de las Bellas Artes.
1983 Nombrado doctor honoris causa por la Universidad de Murcia.
Primeras exposiciones

Gran maternidad, escultura en bronce situada en San Francisco.
La primera exposición individual de Joan Miró se realizó en las Galerías Dalmau de Barcelona entre el 16 de febrero y el 3 de marzo de 1918. Miró presentó sesenta y cuatro obras entre paisajes, naturalezas muertas y retratos. Estas primeras pinturas tienen una clara influencia de las tendencias francesas, sobre todo del postimpresionismo, del fovismo y del cubismo. En las pinturas Ciurana, el pueblo (1917) y Ciurana, la iglesia (1917) se aproxima a las tonalidades más típicas de Van Gogh y a los paisajes de Cézanne, reforzados con una pincelada oscura. Uno de los cuadros que llama más la atención es el titulado Nord-Sud, como la revista francesa que en su primer número (1917), Pierre Reverdy escribía sobre el cubismo. En este cuadro, Miró mezcla técnicas de Cézanne con el uso de rótulos dentro de la pintura, como en las obras cubistas de Juan Gris o Pablo Picasso. En los retratos (por ejemplo el Retrato de V. Nubiola), muestra la fusión del cubismo con el agresivo color fauve.7​ En esta misma primavera expuso en el Círculo Artístico de Sant Lluc junto con los miembros de la Agrupació Coubert.8​

Como era su costumbre y continuaría haciendo durante años, Miró pasó ese verano en Montroig, donde abandonó los colores empleados hasta entonces y las formas duras por las más minuciosas, según explicó en una carta dirigida a su amigo Ricart fechada el 16 de julio de 1918:

Nada de simplificaciones ni abstracciones. Por ahora lo que me interesa más es la caligrafía de un árbol o de un tejado, hoja por hoja, ramita por ramita, hierba por hierba, teja por teja. Esto no quiere decir que estos paisajes al final acaben siendo cubistas o rabiosamente sintéticos. En fin, ya veremos. Lo que si me propongo es trabajar mucho tiempo en las telas y dejarlas lo más acabadas posible, así es que al final de temporada y después de haber trabajado mucho si aparezco con pocas telas; no pasa nada. Durante el invierno siguiente continuarán los señores críticos diciendo que persisto en mi desorientación.
De esta manera se observa en los paisajes pintados durante este tiempo un arquetipo por medio de un vocabulario nuevo de iconografías y de signos meticulosamente seleccionados y organizados siendo el agente estructurador el dibujo. En Viñas y olivos de Montroig se ven las raíces dibujadas debajo de la tierra completamente individualizadas para conseguir la conexión física con la tierra.9​

El primer viaje a París lo realizó en marzo de 1920 y después de pasar nuevamente el verano en Montroig, regresó para establecerse en París donde conoció al escultor Pablo Gargallo que tenía un taller en la calle Blomet, que solo usaba durante los meses de verano, y llegó a un acuerdo con él para utilizarlo solo en la temporada de invierno. Las gestiones hechas por el galerista Dalmau le proporcionaron una exposición individual en la Galerie La Licorne que se inauguró el 29 de abril de 1921; a pesar de no obtener ninguna venta, la crítica fue favorable. En la comunidad artística que se agrupaba en Montparnasse, conoció a André Masson, vecino de la calle Blomet y con quien coincidía en las reuniones de Max Jacob. Otro asiduo de este grupo era Pablo Picasso que le compró el Autorretrato de 1919 y más adelante la Bailarina española de 1921.10​

La masía
Artículos principales: La masía y Mas Miro (Montroig).

Vista del Mas Miró desde donde se pintó la obra.
Durante los años 1921 y 1922 realizó La masía, que es la obra culminante de esta época «detallista». Trabajó en ella durante nueve meses de dura elaboración; la relación mítica mantenida por Miró con la tierra se resume en este cuadro, que representa la granja de su familia en Montroig; el grafismo de carácter ingenuo y realista de todos los objetos, los animales son los domésticos, los vegetales los que el hombre trabaja y los objetos todos de uso diario y necesarios para el hombre. Estudia todos sus detalles al mínimo, es lo que se llama la caligrafía mironiana, punto de partida para los siguientes años de su contacto con el surrealismo11​

Terminada esta pintura en París, por necesidad económica, inició un recorrido entre marchantes para poder venderla. Rosenberg, que se ocupaba de las pinturas de Picasso, accedió a tenerla en depósito y al cabo del tiempo y ante la insistencia de Miró, le sugirió seriamente el dividir la tela en trozos pequeños para su más fácil venta. Miró, enojado, recogió la tela y se la llevó a su taller. Se hizo cargo de la pintura, entonces, Jacques Viot de la galería Pierre, que después de unos tratos, se la vendió al escritor Ernest Hemingway, por cinco mil francos.12​ Actualmente se conserva en la National Gallery de Washington.

Surrealismo

Pájaro lunar en Madrid (1966).
Instalado en el taller de Pablo Gargallo en París, tuvo contacto con artistas provenientes del movimiento Dadá, que fundaron en 1924, con el poeta André Bretón al frente, el grupo del surrealismo.13​

A Miró le sirvió principalmente para abandonar su época detallista y sintetizar los motivos ya apuntados en esa etapa. Es, en el potencial que le ofrecía el surrealismo, en lo inconsciente y lo onírico, donde encontró el perfecto material para sus futuras obras. Así se aprecia en Tierra labrada, con clara alusión a La masía, pero con elementos surrealistas como el ojo y una oreja junto al árbol de la pintura. En Cabeza de fumador, la influencia se ve en la síntesis empleada para la descripción del personaje.14​

Realizó una exposición en la Galería Pierre del 12 al 27 de junio de 1925, con la presentación de 16 pinturas y 15 dibujos. Todos los representantes del grupo surrealista firmaron la invitación a la exposición. La inauguración se realizó a media noche, cosa nada frecuente en aquella época, mientras en el exterior, contratada por su amigo Picasso tocaban los compases de una sardana una orquesta de músicos; los visitantes, tenían que entrar a la sala, por turnos, completamente llena. Las ventas fueron tan buenas como la crítica.15​

En 1926, Joan Miró colaboró con Max Ernst en diseños para los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev, en la obra Romeo y Julieta. El 4 de mayo de 1926, se representó por primera vez en Montecarlo y el 18 de mayo en el teatro Sarah Bernhardt de París. Se sabía que estaba en los ánimos de los surrealistas y comunistas, alterar el estreno del "burgués" Diaghilev y los "traidores" Ernst y Miró, y así fue, al empezar la función, entre silbatos, se lanzó una lluvia de folletos de color rojo con un texto de protesta, firmado por Louis Aragon y André Breton. Sin embargo, al cabo de poco tiempo, la revista La Révolution Surréaliste, que editaba Bretón, siguió con la reproducción de obras de los dos artistas.16​

Carnaval de Arlequín

Escultura de Joan Miró en el Museo Hakone al aire libre, Tokio.
Una de las pinturas más interesantes de este periodo es Carnaval de Arlequín (1925), completamente surrealista y que consiguió un gran éxito en la exposición colectiva de la Peinture surréaliste de la Galería Pierre a finales de 1925, expuesta junto a obras de Giorgio de Chirico, Paul Klee, Man Ray, Pablo Picasso y Max Ernst.

Esta obra es la considerada como el inicio pleno de la etapa surrealista de Joan Miró. Realizada entre los años 1924 y 1925, la ejecutó en un tiempo en que el artista pasaba por momentos difíciles y con gran penuria, incluso alimentaria. Según explicó el mismo artista:

Intenté plasmar las alucinaciones que me producía el hambre que pasaba. No es que pintara lo que veía en sueños, como decían entonces Breton y los suyos, sino que el hambre me provocaba una manera de tránsito parecido al que experimentaban los orientales.17​
Un autómata que toca la guitarra junto con un arlequín con grandes bigotes, son los personajes principales de la composición pictórica, donde se aprecian también todo un mundo de detalles dominados por la imaginación que se esparcen por toda la pintura, como un pájaro con alas azules saliendo de un huevo, un par de gatos jugando con un ovillo de lana, peces volando, un insecto que sale de un dado, una escalera con una gran oreja, y en la parte superior derecha se ve a través de una ventana una forma cónica con la que quiso representar la torre Eiffel. Compuso Miró un pequeño texto poético en 1938 sobre este cuadro: "En la madeja de hilo deshecha por los gatos vestidos de arlequines ahumados retorciéndose y apuñalando mis entrañas..." Actualmente se encuentra en la colección de Albright-Knox Art Gallery en Buffalo, (Estados Unidos).18​

Interiores holandeses
En 1927 realizó por primera vez una ilustración para el libro Gertrudis de J.V. Foix. Se trasladó a vivir a otro estudio más grande de la calle Tourlaque, donde encontró a viejos amigos Max Ernst, Paul Éluard y conoció a Pierre Bonnard, René Magritte y Jean Arp. Experimentó con ellos el juego del cadáver exquisito. En 1928 viajó a Bélgica y a los Países Bajos, visitando los más importantes museos de ambos países, entre los que destaca una visita al Rijksmuseum. Los pintores neerlandeses, como Vermeer y los maestros del siglo XVII, causaron un gran impacto en el artista, que compró postales coloreadas de estas pinturas reproducidas a partir de la colección del Rijksmuseum, y a su regreso a París se dedicó a la creación de una serie conocida como Interiores holandeses compuesta por un total de 3 pinturas. Realizó numerosos dibujos para la consecución de la primera pintura Interior holandés I, inspirada en El tocador de Laud de Hendrick Martensz Sorgh; en Interior holandés II, es de la obra Niños enseñando a bailar a un gato del pintor Jan Havicksz Steen. Interior holandés III, inspirada en otra obra del mismo autor, Mujer joven en el baño. En esta serie, Miró transformó, la pintura de sus sueños surrealistas, con el espacio vacío en los cuales imperaban los grafismos, a la recuperación de la composición en perspectiva y las formas analizadas.19​

Interior holandés I
La pintura se inspira en la obra del siglo XVII El tocador de Laud de Hendrick Martensz Sorgh que representa a un intérprete de laud en un interior doméstico. La obra de Sorgh, de colores brillantes y planos, se alejaban del modelo naturalista y la perspectiva de la pintura de género holandesa del siglo XVII.

Interior Holandés I incluye los elementos presentes en la obra de Martensz Sorgh: el laud, el intérprete, el mantel, los marcos de la pared, los elementos de detrás de la ventana, un perro, un gato, la mujer joven, una cesta de fruta, etcétera. También se mantiene la posición básica de los objetos en la pintura.

Sin embargo, las formas son claramente mironianas, con una desporporción acentuada respecto de la obra original que reflejan la importancia relativa de los elementos en la composición, en lugar de las proporciones físicas. El laud y el intérprete ocupan la mayor parte del espacio, mientras que la joven se reduce a un detalle fundido en el agua: es parte del paisaje, como los objetos inanimados.

Centrando la atención en la figura del intérprete, se observa que Miró reduce sus rasgos faciales a un rostro distendido y rojo en el centro, con un bigote desplazado hacia la derecha, su cuerpo se va disolviendo hasta que el laud realmente lo sustituye, y todo lo que queda de la figura del joven es un pequeño pie que sobresale por la parte inferior del instrumento. Un personaje desproporcionado que expresa una especie de excitación física con una fuerza capaz de romper las cuerdas del instrumento. En este momento Miró pretende atacar la anatomía humana desde la perspectiva de los términos clásicos, desde la visión ideal de una forma armónica, para abordar su proyecto personal de desarmarla. Miró usa un humorismo gráfico trágico, sacrílego y herético que con un genio quijotesco transforma con su pinzel la obra de Sorgh.

Los colores también son tonos inspirades en la tela original, aunque la intensidad del color es mironiana. Por tanto, el gradiente de color gris verdoso de la pared de la obra de Sorgh se convierte en un verde manzana en la obra de Miró, la luz de color marrón y los tonos ocres del laud se transforman en un color naranja oscuro. Aplica la pintura directamente con el tubo; no los mezcla en la paleta, y tampoco los mezcla en el lienzo. Los verdes, blancos, naranjas, rojos y amarillos son colores muy puros. La obra es un ejemplo de la facilidad de trazo de Miró. Los perfiles de todas las figuras son muy precisas, pintadas con un pincel muy fino, su mano es constante y fuerte en los trazos perimetrales de los personajes.

Interior holandés II
La pintura se inspira en la obra Niños enseñando a bailar a un gato de Jan Havicksz Steen. En esta obra, el artista vuelve a utilizar la técnica y la filosofía de la obra original. Miró conserva los elementos como la guitarra, el perro y el hombre que mira por la ventana. El verdadero tema de la pintura de Steen no era el gato, sinó el sonido, el movimiento y la hiladida que provica la clase de baile. Miró aprovecha de esta anomalía en su versión: a pesar que el gato sirve como eje de la composición centrífuga, pone en acento en la cacofonía y la animación de la lección a través del movimiento giratorio de la gran diversidad de detalles y el ritmo de los puntos y contrapuntos de la danza. La escena es animada, se ve el rostro sonriente de los niños, reforzando la sonrisa grotesca del personaje de la izquierda de la obra de Steen. La figura central de la chica destaca con un perfil que emula su pose llenando con el color azul de su falda toda la superficie de la versión mironiana. Los perros y gatos toman la mayor parte del espacio, mientras que los objetos inanimados se reducen a sus detalles. El personaje inquietante de Steen que observa la escena preocupado des de la ventana se transforma en la versión de Miró en un par de ojos rojos, continuando una larga cola que envuelve la escena y donde su final es un aguijón. Como ya pasaba con Interior holandés I, la fuerza de los colores es intensa y transforma la obra de Steen con diversas variaciones del marrón, que sirve para destacar la ropa de color azul que viste la niña. Las manchas de naranja de Steen (calcetines, gorras) se encuentran en color rojo oscuro en la obra de Miró. La pintura está expuesta en el Museo Guggenheim de Venecia.

Interior holandés III
Si las dos primeras obras de la serie fueron pintadas a partir de tarjetas postales de museos y son fácilmente identificables, no es el caso de la tercera pintura de la serie, que no puede ser claramente vinculada a una única pintura. Una de las propuestas de identificación se ha conseguido teniendo en cuenta los elementos de esta obra coincidentes con Joven en el baño, de Jan Steen. El movimiento de la cara inclinada y cubierta con una manta, los calcetines de color naranja, el movimiento del brazo que acaba en un pie descalzo, un perro blanco y negro en la pared derecha, los dos zapatos marrones hacia abajo, la importancia de la silla marrón con la ropa de color púrpura, y los elementos de la capa en la capa de color amarillo, blanco y pálido, descubren la influencia de la obra original, aunque es más difícil de detectar el paralelismo. Otra interpretación de esta pintura tan compleja es que está inspirada en varias obras de Steen, sobre todo El corral de aves (1660), más aspectos compositivos y elementos de Joven mujer en el baño (1659), Mujer enferma de amor (1660), Mujer enferma y un doctor (c. 1660) y Mujer en el tocador (c. 1661-1665).20​ La pintura se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Muy similar a estos interiores holandeses fue la siguiente serie de Retratos imaginarios, también con el punto de partida de unos retratos ya realizados: Retrato de la señora Mills en 1750 de un cuadro con el mismo título de Georges Engleheart, Retrato de una dama en 1820 de John Constable, La fornarina de Rafael Sanzio y el cuarto el origen fue un anuncio en un periódico de un motor super diésel, que consiguió hacer una metamorfosis hasta conseguir una figura femenina a la que tituló La reina Luisa de Prusia. Miró se servía de la imagen no para hacer una interpretación de una obra ya realizada, sino como punto de partida para analizar la forma pura hasta conseguir su figura mironiana. El proceso se puede seguir de cada pintura, a través de los dibujos preparatorios que se guardan, unos en la Fundación Miró de Barcelona y otros en el Museo de Arte Moderno de Nueva York21​

Ruptura con el surrealismo y "asesinato" de la pintura
Entre los años 1928 y 1930, las diferencias dentro del grupo de los surrealistas cada vez se hacen más evidentes, no sólo en la plástica, también ocurría en la parte política. Miró, cada vez más individualista, se fue distanciando más, a pesar de aceptar los principios de la estética surrealista; no se sintió obligado a ir frecuentemente a participar en todas las manifestaciones. El 11 de marzo de 1929, en una reunión al Bar du Château, Breton ya adherido al partido comunista, el tema de discusión fue el destino de Lev Trotsky; este tema quedó al margen y las discusiones llegaron a clarificar las posiciones. Entre los que se manifestaron en contra de una acción completamente común basado en un programa de Breton, se encontraban Miró, Michel Leiris, Georges Bataille y André Masson entre otros. Miró solo quería defenderse y luchar con la pintura. Entre Marx que abogaba por «transformar el mundo» por medio de la política o el «cambiar la vida» de Rimbaud por medio de la poesía, Miró escogió lo segundo.22​ Fue entonces cuando Georges Hugnet explicó que Miró solo puede defenderse con las armas propias de él, la pintura:

Sí, Miró ha querido asesinar la pintura, la ha asesinado con medios plásticos, mediante una plástica que es una de las más expresivas de nuestro tiempo. La ha asesinado, quizá, porque no quería doblegarse a sus exigencias, a su estética, a un programa demasiado estrecho para dar vía libre a sus aspiraciones y a su sed.2​
A partir de aquí Miró dibujó y se dedicó intensamente a otra alternativa, el collage, que no realizó como habían hecho los cubistas recortando el papel con cuidado y encajándolo en el soporte, sino que sus formas son sin precisión y después de enganchadas en el soporte deja los bordes al aire y los enlaza con un grafismo; su búsqueda no es inútil, le abre las puertas a las esculturas que realizará a partir de 1930.

En 1930 expuso en la galería Pierre esculturas-objetos y seguidamente la primera exposición individual en Nueva York con pinturas de los años 1926-1929. Realizó sus primeras litografías para el libro L’Arbre des voyageurs de Tristan Tzara. En el verano de 1930 empezó su serie llamada Construcciones, consecuencia de los collages, la composición la realizaba a partir de formas elementales, círculos y cuadrados recortados en madera y pegados sobre un soporte generalmente también de madera, con la aplicación de clavos reforzando las líneas del cuadro.23​ Todas estas piezas fueron expuestas en París, donde las vio el bailarín y coreógrafo Leonide Massine, que enseguida se dio cuenta que era el artista que estaba buscando para realizar la decoración, vestuario y diversos objetos para el ballet Jeux d'enfants. Miró aceptó y viajó a Montecarlo a principios del año 1932. Los decorados fueron realizados a base de volúmenes y diversos objetos dotados de movimiento. La obra se estrenó el 14 de abril de 1932 con un gran éxito. Después se representó en París, Nueva York, Londres y en Barcelona en el Gran Teatro del Liceo el 18 de mayo de 1933.24​

A partir de enero de 1932 pasó a residir en Barcelona, con traslados frecuentes a París; formó parte de la asociación de Amics de l'Art Nou (ADLAN) junto a Joan Prats, Joaquim Gomis y el arquitecto Josep Lluís Sert, cuyo objetivo era dar a conocer la vanguardia artística internacional y promocionar la catalana. Realizó numerosas exposiciones en Barcelona, París, Londres, Nueva York, Berlín. Prosiguió con su trabajo de búsqueda y creó las 18 pinturas según un collage a partir de imágenes de anuncios aparecidos en diarios, como comentó posteriormente el artista:
Solía recortar diarios en formas no regulares y pegarlas sobre láminas de papel, día tras día acumulé estas formas, Una vez hechos, los collages me servían como punto de partida de las pinturas. No copiaba los collages. Sencillamente dejaba que me sugirieren formas.25​
Creó unos nuevos personajes con una expresión de gran dramatismo con una perfecta simbiosis entre los signos y las figuras, cuyos fondos son generalmente oscuros, pintados sobre masonita (tablex) como Hombre y mujer frente a un montón de excrementos (1935), o Mujer y perro frente a la luna (1936), seguramente por el estado de ánimo del artista ante los acontecimientos de la Guerra Civil Española y la posterior de la Segunda Guerra Mundial.

Bodegón del zapato viejo
Artículo principal: Bodegón del zapato viejo
Su vuelta a París debido a una exposición que tenía prevista en el mes de noviembre de 1936, con el drama que representaba la guerra española, le hizo sentir la necesidad de volver a pintar la realidad, que el artista vuelca en una naturaleza muerta: Bodegón del zapato viejo, en donde consigue una relación entre el zapato y el resto de los elementos colocados encima la mesa, la botella, una manzana con un tenedor clavado, y el mendrugo de pan; los colores consiguen la máxima agresividad ya que son ácidos y violentos; la pintura en este cuadro no es plana como en obras anteriores sino que perfila y da dimensión a las formas de los objetos. Según el mismo Miró, toda esta representación, la hizo pensando en el cuadro Zapatos del Labriego de Van Gogh, artista muy admirado por él. Está considerada como una pieza clave de este momento pictórico de la realidad.26​

Pabellón de 1937 en París
Después de haber realizado el cartel Aidez l'Espagne (¡Ayudad a España!) para un sello postal, destinado a ayudar al gobierno republicano español, se le encargó pintar una obra de grandes dimensiones para el pabellón de la República Española en la Exposición Internacional de París de 1937 que se iba a inaugurar en el mes de julio de ese mismo año. En este pabellón expusieron también los artistas Picasso con Guernica, Alexander Calder con la Fuente de mercurio, Julio González con la escultura Montserrat, Alberto Sánchez también con una obra escultórica El pueblo español tiene un camino que conduce a una estrella y Miró que realizó El Segador, representando al payés catalán con la hoz en un puño en actitud revolucionaria, simbolizando la colectividad de todo un pueblo en lucha; esta obra desapareció al fin de la exposición, cuando fue desmontado el pabellón. Sólo quedan unas fotografías en blanco y negro.27​

Constelaciones
Artículo principal: Constelaciones (Miró)
Pintadas entre los años 1940 y 1941, en Varengeville-sur-Mer, pequeño pueblo de la costa de Normandía, se sintió atraído por el cielo y empezó una serie de 23 pequeñas obras con el título genérico de «Constelaciones» realizadas en formato de 38x46 cm, con un soporte de papel que el artista humedecía con gasolina y lo fregaba hasta conseguir una superficie con una textura rugosa. A partir de aquí ponía el color manteniendo una transparencia para crear el aspecto final deseado. Sobre este color del fondo, Miró dibujaba con colores puros para lograr el contraste.28​

En las constelaciones, la iconografía quiere representar todo el orden del cosmos, las estrellas hacen referencia al mundo celestial, los personajes simbolizan la tierra y los pájaros son la unión de ambos. Estas pinturas integran perfectamente figuras con el fondo.29​

Más adelante en 1958, se editó un libro con el título Constelaciones de muy pocos ejemplares, con la reproducción de veintidós aguadas de Miró y con veintidós prosas paralelas escritas por André Breton.30​

A partir del año 1960, Miró entró en una nueva etapa, donde se refleja la soltura en la forma de trazar los grafismos con una gran simplicidad, propio de la espontaneidad infantil; los gruesos trazos son realizados con el color negro, en sus telas se ven goteos de pintura y salpicaduras, aludiendo en sus temas repetidamente a la tierra, el cielo, los pájaros y la mujer y con colores primarios.31​

Otros materiales
Cerámica
En 1944 empezó a colaborar con su amigo de la adolescencia Josep Llorens i Artigas en la producción de cerámicas, investigando en la composición de las pastas, tierras, esmaltes y colores; la forma de las cerámicas populares representó para él, una fuente de inspiración; en estas primeras cerámicas poca diferencia hay con las pinturas y litografías de la misma época. En el año 1947 residió durante ocho meses en Nueva York donde realizó un mural en pintura de 3 x 10 metros destinado al restaurante del Cincinnati Terrace Hilton Hotel, a la vez que hizo unas ilustraciones para el libro L'antitête de Tristan Tzara. Más tarde ya en Barcelona y ayudado también por el hijo de Josep Llorens, Joan Gardy Artigas, pasó temporadas en la masía-taller que poseían los Artigas en Gallifa, donde se hicieron todo tipo de pruebas, tanto en las cocciones como en los esmaltes; finalmente el resultado es de 232 obras que fueron expuestas en junio de 1956 en la Galería Maeght de París y después en la Galería Pierre Matisse de Nueva York.


Mural cerámico en Wilhelm-Hack-Museum de Ludwigshafen (1971).
En este mismo año de 1956, se trasladó a vivir a Mallorca, donde dispuso de un gran taller, proyectado por su amigo Josep Lluís Sert. Fue entonces cuando recibió el encargo de realizar dos murales cerámicos para la sede de la Unesco ubicado en París, de 3 x 15 metros y 3 x 7,5 metros, que fueron inaugurados en 1958. Aunque había trabajado en grandes formatos nunca lo había hecho en cerámica; junto al ceramista Josep Llorens Artigas, consigue la posibilidad técnica de la cocción que se elaboró al máximo para obtener un fondo con texturas parecidas a las pinturas de esa época.32​ Se decidió que la composición se hiciera alrededor de los temas del Sol y la Luna, que, según palabras de Miró:

... la idea de un gran disco rojo intenso se impone para el muro más grande. Su réplica en el muro pequeño sería un cuarto creciente azul, dictado por el espacio más reducido, más íntimo, para el cual estaba previsto. Estas dos formas que quería muy coloreadas hacían falta reforzarlas por un trabajo en relieve. Ciertos elementos de la construcción, tales como la forma de las ventanas, me han inspirado las composiciones en escatas y las formas de los personajes. He buscado una expresión brutal en el gran muro, una sugestión poética en el pequeño.33​

Mural de Miró en el Palacio de Congresos de Madrid (1980).
Estos murales de la UNESCO, fueron el prototipo para todos los siguientes. En 1960 el de la Universidad de Harvard para sustituir el de pintura que había hecho en el año 1950; en 1964 realizó el de Handelshochschule de Sankt Gallen en Suiza y el de la Fundación Maeght para Saint-Paul-de-Vence; en 1966 el del Guggenheim Museum; en el año 1970 uno para el aeropuerto de Barcelona y tres para la exposición internacional de Osaka; al siguiente año el de Wilhelm-Hack-Museum de Ludwigshafen; por encargo de la Cinémathèque française de París realizó un mural también junto Artigas en el año 1972 y que fue adquirido en 1977 por la diputación Foral de Álava, encontrándose en la actualidad instalado en el interior del Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria-Gasteiz (ARTIUM);34​ en 1976 realizó el pavimento Miró en la Rambla de Barcelona; en 1977 es la Universidad de Wichita en Estados Unidos el que le encargó uno y finalmente se inauguró en 1980 el mural del nuevo Palacio de Congresos de Madrid.

Escultura

Mujer y Pájaro (1983) en Barcelona.
En 1946 trabajó en esculturas para fundición en bronce que en algunas ocasiones fueron cubiertas con pintura de colores vivos. En la escultura le interesó buscar volúmenes y espacios e incorporar objetos cotidianos o simplemente encontrados, piedras, raíces, cubiertos, tricornios, llaves de agua, que funde a la cera perdida. El sentido de los objetos identificables, lo pierden, al unirse mediante la fundición con otros objetos. Así formó en 1967 El reloj del viento que realizó con una caja de cartón y una cuchara, fundidas en bronce y ensambladas, constituyendo un objeto escultórico que solo mide la intensidad del viento.35​ Construyó junto con Josep Llorens i Artigas una gran escultura de cerámica La diosa del mar que la sumergieron en Juan-les-Pins. Efectuó en el año 1972, unas exposiciones de esculturas en el Walker Art Center de Minneapolis, al Clevelan Art Museum y al Art Institute de Chicago. A partir de 1965 realizó gran cantidad de esculturas para la Fundación Maeght en Saint-Paul-de-Vence, entre ellas están el Pájaro lunar, Pájaro solar, Lagarto, Diosa, Horquilla y Mujer con el cabello revuelto.36​

En abril de 1981 se inauguró en Chicago una escultura monumental de 12 metros de altura, conocida como Miss Chicago; el 6 de noviembre otras dos esculturas fueron colocadas en la vía pública en Palma de Mallorca; en Houston se inauguró en 1982, la escultura Personaje y pájaro y en colaboración con Joan Gardy Artigas realizó su última escultura para Barcelona, Mujer y Pájaro, en hormigón y recubierta de cerámica. Fue inaugurada en 1983 sin la presencia de Miró debido a su delicado estado de salud. Situada en el parque de Joan Miró de Barcelona, al pie de un gran lago artificial, la escultura con 22 metros de altura, representa una forma femenina con sombrero y sobre éste la imagen de un pájaro. La silueta de mujer se soluciona con una forma de hoja alargada y ahuecada. Por todo su exterior se encuentra recubierta con cerámica de colores rojos, amarillos, verdes y azules (los más comunes del artista) tratados como trencadís.37​

Grabados
Siempre le habían interesado los grabados para la realización de litografías, y en estos últimos años se adentró mucho más en ello; en su viaje a Nueva York en 1947, trabajó durante un tiempo en el Atelier 17 dirigido por Hayter, a través del cual aumentó todos sus conocimientos sobre la calcografía; durante estos meses en Nueva York, realizó las planchas para Le Desesperanto uno de los tres volúmenes de que consta la obra L’antitête de Tristan Tzara.

Un año más tarde colaboró nuevamente con este autor en un nuevo libro Parler seul, haciendo 72 litografías en color. A partir de aquí, trabajó en diversos libros de bibliófilo en colaboración con amigos poetas, como Breton en Anthologie de l’humour noir en 1950 y La clé des champs en 1953; con René Cher, Fête des arbres et du chasseur en 1948 y A la santé du serpent en 1954; con Michel Leiris en 1956, Bagatelles végétales; y con Paul Éluard, A toute épreuve con ochenta xilografías realizadas en madera de boj. La ejecución de este trabajo se llevó a cabo entre los años 1947 y 1958.38​

Entre el 9 de junio y 27 de septiembre de 1969 realizó una exposición individual «Oeuvre gravé et lithographié» en la Galería Gérald Cramer de Ginebra y en este mismo año una gran retrospectiva de obra gráfica al Pasadena Art Museum de Pasadena (California).

Obras destacadas

Femme (1981), escultura de Joan Miró en la Casa de la Ciudad de Barcelona.
Pinturas

La casa de la palmera (1918) - Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
La masía (1921) - National Gallery of Art Washington.
Bailarina española (1921) - Centro Georges Pompidou
Tierra labrada (1923) - Solomon R. Guggenheim Museum
El cazador - Paisaje Catalán (1923) Museo de Arte Moderno de Nueva York
Carnaval de Arlequín (1924) - Museo Albright - Knox
Composición (1934) - Museo Soumaya
Mujer desnuda subiendo la escalera (1937) - Fundación Joan Miró
Una estrella acaricia el seno de una negra (1938) - Tate Modern
Las Constelaciones (1940-1941)
Serie Barcelona (1944) - Fundación Joan Miró
La Lección de Esquí (1966) - Museo de Arte Contemporáneo de Caracas
La esperanza del navegante (1968-1973)
Personaje delante del sol (1968) - Fundación Joan Miró
La esperanza del condenado a muerte (1974) - Fundación Joan Miró
Manos volando hacia las constelaciones (1974) - Fundación Joan Miró
Cabeza de campesino catalán
Beso en la pradera (1976) - Fundación Joan Miró
Murales cerámicos

Murales cerámicos del Sol y la Luna, 1958, Sede de la Unesco en París.
Mural cerámico para la Universidad de Harvard, 1950.
Mural cerámico de la Handekshochschule, 1964 de Sankt Gallen en Suiza.
Mural cerámico de la Fundación Maeght, 1964 en Saint-Paul-de-Vence.
Mural de cerámica de la terminal B, 1970 del Aeropuerto de Barcelona.
Murales cerámicos para el pabellón del Gas, 1970 para la exposición internacional de Osaka
Mural cerámico en Wilhelm-Hack-Museum, 1971 de Ludwigshafen.
Mural de cerámica de la Cinemateca, 1972 de París, actualmente en el Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria-Gasteiz (ARTIUM).
Pavimento Miró, Barcelona, 1976.
Mural cerámico del nuevo Palacio de Congresos de Madrid, 1980.
Esculturas

Personaje con paraguas, 1933 escultura de madera, paraguas y hojas secas en la Fundación Miró de Barcelona.
Pájaro lunar, 1946-1949 en bronce diversas copias
Pájaro solar, 1946-1949 en bronce diversas copias
Reloj de viento, 1967 escultura en bronce.
La caricia de un pájaro, 1967 bronce pintado en la Fundación Miró de Barcelona
Mujer botella, 1973 escultura en bronce para el Parque Cultural Viera y Clavijo de Santa Cruz de Tenerife.
Perro, 1974 bronce en la Fundación Miró de Barcelona.
Conjunto monumental para La Défense, 1978 en París.
Miss Chicago, 1981 Escultura pública de doce metros en Chicago.
Femme, 1981 escultura en bronce, expuesta en la Casa de la Ciudad de Barcelona.
Mujer y Pájaro, 1983 escultura de cemento recubierta de cerámica en el Parque Joan Miró de Barcelona
Tapices

Tapiz de la Fundació
Fundaciones
Fundación Joan Miró

Fundación Joan Miró en Barcelona
Artículo principal: Fundación Joan Miró
La Fundación Joan Miró está situada en la ciudad de Barcelona y custodia algunas de las obras más representativas de este pintor catalán.39​ Contiene más de 104.000 piezas40​ entre pinturas, esculturas y tapices. En cuanto a los dibujos, hay que destacar que la Fundación conserva la práctica totalidad de dibujos preparatorios de Joan Miró, con más de 8.000 referencias, un material básico para entender la obra de Miró.

La Fundación Joan Miró fue la primera institución artística de Barcelona que se ideó a partir del trabajo conjunto entre un artista y un arquitecto, Joan Miró y Josep Lluís Sert. El equipamiento resultante fue, durante muchos años, paradigma de la modernidad y la independencia artística. Abrió sus puertas al público el 10 de junio de 1975.41​ Actualmente, la Fundación es dirigida por Rosa Maria Malet, y su patronato por Jaume Freixa.42​

Sus orígenes se remontan al año 1968, con motivo de la primera gran exposición retrospectiva de Joan Miró en Barcelona, ​​presentada en el antiguo Hospital de la Santa Cruz. Varias personalidades del mundo del arte y la cultura se dieron cuenta entonces de la oportunidad histórica de disponer en Barcelona de un espacio de referencia de la obra de Miró.

De acuerdo con la voluntad del artista, la nueva institución debía fomentar el conocimiento y la difusión del arte más actual, en todas sus vertientes. En un momento en que el panorama artístico y cultural era más bien exiguo, la Fundación Joan Miró aportó vitalidad con un nuevo concepto de que debía ser un museo, más dinámico, en el que la creación de Miró convivía con las manifestaciones artísticas más diversas. Este hecho quedaba reflejado en el epígrafe CEAC (Centro de Estudios de Arte Contemporáneo) que hay en la puerta del centro. En 1988 se hizo una ampliación del edificio para poder ampliar el espacio expositivo.43​

Fundación Pilar y Joan Miró

Taller Sert, taller de Miró en Mallorca.
Artículo principal: Fundación Pilar y Joan Miró
La Fundación Pilar y Joan Miró fue establecida en 1981 en Mallorca. Dispone de 3 sedes: Son Boter, una casa mallorquina de finales del siglo XVIII y que el artista empleó como segundo estudio de pintura y escultura; el Taller Sert, estudio diseñado por el amigo y arquitecto Josep Lluís Sert y construido en 1956, y el edificio Moneo, sede de la Fundación, diseñado por Rafael Moneo e inaugurado en 1992. Las dos primeras construcciones se han declarado Bienes de Interés Cultural (BIC). En total hay expuestas 2.500 obras del artista. Su objetivo principal es estimular las nuevas generaciones de artistas y apoyar la investigación sobre la obra de Miró. De manera continua, ofrece programas de capacitación y cursos propios del campo de las artes gráficas (grabado, litografía, serigrafía, fotografía ...)44​ La antigua casa de Miró, Son Abrines, es actualmente de propiedad privada y no se encuentra abierta al público.

Centro Miró
Artículo principal: Centro Miró
Desde 2004, el Centro Miró, situado en la Iglesia Vieja de Mont-roig del Camp, muestra copias de algunas de las obras más representativas del artista. Como anécdota, el edificio aparece en una obra de Miró de 1919, el cuadro Pueblo e iglesia de Mont-roig. Dispone de hojas informativas con los lugares del entorno donde Miró se inspiró para sus primeros temas pictóricos. También conserva reproducciones del «muñecos de Miró», reproducciones hechas a partir de los diseños realizados por Miró, junto con Joan Baixas, para la obra Mori el Merma estrenada en el Teatro del Liceo en 1979.45​ Los muñecos son seis: el gallo, la lechuza, el titolot, el mosquito, la hormiga y la calabaza.
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Gil Morlanes "El Viejo"

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Gil Morlanes "El Viejo"

Gil Morlanes el Viejo (Daroca, provincia de Zaragoza, c. 1445 - Zaragoza, h. 1517) fue un escultor renacentista español activo en Aragón entre 1478 y 1515. Biografía Llamado «el Viejo» para distinguirlo de su hijo homónimo, también escultor, consiguió ocupar en 1493 el cargo de escultor del... Ver mas
Gil Morlanes el Viejo (Daroca, provincia de Zaragoza, c. 1445 - Zaragoza, h. 1517) fue un escultor renacentista español activo en Aragón entre 1478 y 1515.

Biografía
Llamado «el Viejo» para distinguirlo de su hijo homónimo, también escultor, consiguió ocupar en 1493 el cargo de escultor del rey Fernando II de Aragón. De entre sus obras destacan el retablo de la iglesia del Monasterio de Montearagón (contratado el año de 1506), que se conserva en la catedral de Huesca y la portada de la iglesia de Santa Engracia de Zaragoza, terminada en 1514. Es esta última obra uno de los ejemplos más señeros del renacimiento escultórico en Aragón. También trabajó como arquitecto y pintor de decoración, transmitiendo todo su oficio a su hijo Gil Morlanes «el Joven».


Detalle de la portada de Santa Engracia: escena de Fernando II de Aragón.
Fue un escultor que trabajó sobre todo a cincel, y cuyos materiales habituales son el mármol, el alabastro y la piedra, lo que indica que sus encargos eran de gran categoría.

Se destacó en la realización de sepulcros, como el del padre Rodrigo de Alcaraz, realizado en 1489 para el monasterio de la Virgen de la Piedad de Zaragoza o el de Luis de Beaumont, conde de Lerín, obra de 1492 en la que contó con la colaboración del escultor de origen flamenco Pedro de Amberes. Para la familia real esculpe los monumentos funerarios de Fernando I de Aragón y Juan II, junto con el de su esposa y su hija, todos ellos en 1493, alojados el panteón fúnebre de los reyes de la Casa de Aragón del monasterio de Poblet. También le fue encargado en 1508 el del virrey de Sicilia entre 1495 y 1507 y Justicia Mayor de Aragón Juan de Lanuza II de su capilla del Pilar de Zaragoza.

En cuanto a los retablos hay que señalar como más destacados el de la capilla del Palacio de la Diputación del Reino de Aragón, esculpido en 1503, del cual solo se conservan dos escudos con las armas del linaje real de los Aragón, que se custodian en el Museo de Zaragoza. Debe de mencionarse asimismo, que fue a él a quien se encargó la finalización del retablo de Catedral del Salvador de Zaragoza a partir de 1488, pues había quedado inconclusa tras la labor de Hans de Suabia. Por lo que se refiere a la escultura en alabastro, se conserva el que realizara por iniciativa de Alonso de Aragón en 1506 para la capilla del castillo monacal de Montearagón y que hoy alberga la parroquia de san Salvador de la catedral de Huesca.

Su labor como arquitecto y decorador se constata en sus trabajos de 1498 para la bóveda del crucero de la catedral de Huesca y sus cargo de supervisor de las obras del cimborrio de la La Seo, que se llevaron a cabo entre 1505 y 1520.

Su última obra, que quedó inacabada al contraer la enfermedad que le ocasionaría la muerte, es también su obra maestra y el ejemplo de la plena introducción de las formas renacentistas en la escultura aragonesa. Se trata de la portada del que fue Monasterio de Santa Engracia de Zaragoza, destruido casi totalmente durante los Sitios de Zaragoza de 1808, y del que se salvó la portada, que actualmente conforma la fachada de la actual iglesia de Santa Engracia, reconstruida in situ. Comenzada hacia 1512, su hermano Gil y posteriormente sus hijos, con Gil Morlanes «el Joven» a la cabeza, concluirían la obra de su progenitor.
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Alberto Bañuelos

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Alberto Bañuelos

Fíjate bien en su mirada. pues su discurso y su obra es igual: sincera. Puro reflejo de una concienzuda búsqueda interior. como pasos de un bolero entre el vacío y el lleno. Aunque desconocido aún para el gran público español, su obra se expone ya en China (Los jardines de Changchun), Canadá... Ver mas
Fíjate bien en su mirada. pues su discurso y su obra es igual: sincera. Puro reflejo de una concienzuda búsqueda interior. como pasos de un bolero entre el vacío y el lleno. Aunque desconocido aún para el gran público español, su obra se expone ya en China (Los jardines de Changchun), Canadá (Los Trois-Rivières de Quebec), Italia (el museo de escultura de carrara) o dentro del propio museo de arte moderno de Valencia. A Bañuelos le gusta el número 7, lee tanto como esculpe, le falta un trozo del dedo gordo del pie porque con él intentó parar la caída de una escultura y sueña con la búsqueda de la perfección. ‘pero ¿la búsqueda de la perfección es una razón estética o moral?’ pregunta tratando de expulsar a sus fantasmas. porque es un creador de esculturas que podría haber sido filósofo (aunque él se licenció en políticas y sociología). A fecha de hoy ha creado 732 obras con alma y en armonía con la naturaleza. Así es él.

Por Paloma Rosado. Fotografía: Álex Río



Captura de pantalla 2016-07-13 a las 16.11.28En su taller suena música en una radio Fisher Price a la que no le ha cambiado las pilas desde que sus hijos dejaron de usarla, hace más de 20 años. ‘Es por la energía que hay aquí -dice jocoso-, por la mala leche que circula cuando algo no me sale. Eso las recarga, Jajaja’, dice. Su almacén de piedras ocupa la cancha de tenis de su casa y su biblioteca es uno de sus bienes más preciados. ¿El otro? Su trabajo y su familia de los que habla con pasión. ‘Tengo la suerte de tener una mujer y unos hijos estupendos que aceptan mis defectos’ dice refiriéndose a ellos’.

Su perfil es un tanto atípico. La primera escultura la hizo a los 32 años, su primera exposición a los 35…

Porque antes era pintor, hasta que hice una primera escultura y a partir de ese momento dejé los pinceles que me hacían sufrir mucho y con los que no me expresaba bien. Y ahora no es que siempre disfrute, también sufro, pero me expreso mejor.

¿Quién diría que es usted?

Un hombre del Renacimiento, por lo menos por la edad ¡jajaja! Me veo como alguien enamorado de su trabajo que trata de expre­sar su pensamiento mediante la escultura y que va evolucionando constantemente. En el momento en que no haga algo que sea inte­resante lo dejaré. Copiar a los demás es necesario para aprender, como decía Picasso, pero copiarse a sí mismo es trágico.

¿Por eso cada 6 ó 7 años da un salto y cambia de etapa?

Puede ser. Ahora con la deconstrucción llevo siete años y ya es­toy empezando a hacer unas cosas que me parecen diferentes, trabajando el interior de las piedras, haciendo que la luz ilumine el interior.

¿Por qué deconstruye? ¿Qué es eso exáctamente?

Yo soy licenciado en Ciencias Políticas, he estudiado a Jacques Derrida, el padre de la deconstrucción y él decía que era destruir algo para volver a construirlo. En mi caso con una piedra, que pare­ce que siempre va a ser así, yo la corto y la cambio para que acabe siendo una cosa distinta.

¿Cuánto tiempo lleva este proceso?

Hay esculturas en las que puedo invertir semanas, meses o años. Tengo una que tardé 20 años en acabar, es mi récord. Porque antes de hacer una escultura tengo que pasar por el estudio donde leo, investigo, vivo mi proceso interior, que es lo más duro porque es lo que más tiempo lleva. Aprender a picar piedra es cuestión de un mes, pero qué quieres decir con eso te puede llevar toda la vida. Cuando voy a las canteras a comprar piedras (porque está prohi­bido coger las grandes del campo), cualquiera de los trabajadores pica muchísimo mejor que yo, pero ¿lo viven como proceso inte­rior? Yo ya llevo 732 esculturas y algunas de 400 toneladas.

Captura de pantalla 2016-07-13 a las 16.11.20¿Qué tiene la piedra que no tiene el bronce, el hierro o los plásticos?

La piedra es insustituible. En el momento en el que le haces una transformación ya está, sólo sirve para lo que la has transformado. El bronce lo puedes fundir pero la piedra es lo único que se ha conservado desde la Antigüedad, porque no tiene ningún valor, por eso están esas esculturas en los museos, sino las habrían fundido o vete tú a saber. Pero la piedra es eterna. Tal vez en lo que yo hago hay una intención de perdurar… puede ser algo inconsciente.

¿Por qué elige una piedra concreta y no otra?

A veces estoy buscando algo y la piedra me dice: ‘estoy aquí’ y al verla resulta que he soñado con ella o que es igual a la de mi imaginación. Y hago la maqueta y sale bien. Es muy bonito, son momentos muy creativos (aunque también los hay de otro tipo).

La profesora González Vicario dice que hoy la escultu­ra juega a veces a ser arquitectura y usted tiene esas grandes obras de 400 toneladas.

Así es. Yo estoy trabajando también con arquitectos y tengo obras que ya rozan la arquitectura.

¿Cómo combinan Arte y Naturaleza?

Yo creo que lo interesante es que el Arte no agreda a la Naturaleza. Cuando trato la piedra, la respeto, no la oculto, trato de que se vea que es piedra haciendo un cambio, un juego de movimientos…

¿Con qué crea? ¿Con el corazón, las tripas o la mente?

Con todo y con el inconsciente. Hubo épocas en las que intentaba expresar lo que quería y no podía. Cuando uno sabe lo que quiere expresar, luego tiene que relajarse, porque haga lo haga va a hacer lo que es, lo que vive… Lo que he hecho es invertir en mí y ser hon­rado porque haga lo que haga no tiene ningún mérito. Y no lo hago porque sea buena persona si no porque sé que es la única manera de funcionar bien. Todo lo que veo y lo que leo sale si me relajo.

Lo último que ha visto o leído y que influye en su obra…

La obra de autor que me dejó fuera de juego y que aún no he su­perado. Es un alemán al que se acusó de estar con Hitler y no era así en absoluto. Se llama Benn. Tiene tres tomos enormes que me regaló mi mujer y que me cambiaron la vida; es poesía, su pensa­miento y su biografía. Después de eso cualquier cosa que he leído me ha parecido una tontería, lo que me ha hecho mucho daño porque he estado sin poder leer… Intenté volver a Proust y nada. Volví a El Quijote y lo dejé a la mitad.

Captura de pantalla 2016-07-13 a las 16.11.38

En su taller se respira una paz desordenada. Y mucho tiene que ver que esté en plena naturaleza. Se levanta a las 6.30 h., nada una hora y después de desayunar con la familia al completo, él se pone a trabajar ‘y no salgo, no voy a exposiciones y eventos. Esto es como un convento, algo cuasireligioso’, dice.



Es usted un gran desconocido en España.

Y es por mi culpa, porque estoy aquí todo el día metido. Porque yo a las siete de la tarde tengo aún mucho que leer y estoy cansado, y acabo yéndome al estudio. Aunque reconozco que tampoco me ha preocupado que me conozcan. Siempre he tenido gente que me ha comprado la obra, españoles y sobre todo franceses y ame­ricanos y como puedo vivir bien…

¿Se vende bien su obra?

Hasta la fecha, sí. Porque quien me compra, repite.

Captura de pantalla 2016-07-13 a las 16.11.47¿Qué intuye que ve quien le compra?

Yo creo que se ven reflejados. Porque como lo que hago, lo hago de corazón, eso es un lenguaje universal y lo entiende un chino, un americano o quien sea. Hay alma. Como decía mi bisabuelo, al que yo no conocí: ‘hijo mío, en esta vida sólo hay una manera de comportarse: la fija’. Todos sabemos lo que tenemos que hacer. Otra cosa es que no lo hagamos….

Habla de indignación ante la miseria, la desigualdad, la necesidad de compromiso… pero, ¿cómo se traslada eso a su obra

Yo lo he trasladado a un nivel personal muy íntimo, lo que puedo hacer desde mi pequeño rincón lo hago. Una de las cosas que yo intento hacer, por ejemplo, es ser honrado con mi trabajo porque no está de moda lo que yo hago. La deconstrucción es un movi­miento que me he inventado yo, así que no puede estar de moda, pero esto es lo que tengo que hacer ahora.

¿Es más bello lo más simple?

Sí, sin duda, aunque a mí me ha costado años llegar a eso.

Ya ha salido el tema de la trascendencia y que usted sospecha que busca trascender con su obra porque la vida es corta…

… y la mitad de noche, jajaja… Y, encima, hay noches geniales y otras son un desastre. Yo de eso me dí cuenta muy joven. De pe­queño tuve meningitis, estuve muy malito pero me salvé. Y siempre he sentido que esto es un suspiro. Esto va tan rápido que no se puede perder el tiempo en no ser uno mismo y en no hacer lo que se tiene que hacer. Por eso pensar ‘ya lo haré mañana’ es un error. Si quieres hacer algo ponte hoy. Fíjate yo trabajo un montón ¡y soy consciente de que no me va a dar tiempo a hacer lo que quiero! Me voy a quedar en la entrada de las cosas.

Hablando de hacer, ¿qué hace este verano?

Trabajar. Tengo que cerrar un par de cosas en México D.F. y aquí, en Guadalajara. Además me han ofrecido el Hispanic Institute de Nueva York. Este año cuando a Frank Stella le dieron el Premio In­ternacional Julio González del IVAM, él y su ex mujer, Barbara Rose, vieron mi exposición y me propusieron llevarme a Nueva York.

Tal vez su momento para dar el salto al gran público está llegando.·

Tags: Alberto Bañuelos, Arte, Bañuelos, Biografía, Corazón, Cultura, Deconstrucción, Escultura, González Vicario, Naturaleza, Obra, Piedra
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Ricardo Bellver

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Ricardo Bellver

Nació el 23 de febrero de 1845 en Madrid. Hijo del escultor valenciano Francisco Bellver y Collazos. Cursó estudios en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde obtuvo varios premios en las categorías de Anatomía Pictórica y de Dibujo del Antiguo, Natural y Paños... Ver mas
Nació el 23 de febrero de 1845 en Madrid.

Hijo del escultor valenciano Francisco Bellver y Collazos.

Cursó estudios en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde obtuvo varios premios en las categorías de Anatomía Pictórica y de Dibujo del Antiguo, Natural y Paños.

Cuando cuenta 17 años, realiza una efigie de Tucapel, el héroe de La Araucana, y a los 19, un bajorrelieve de ninfas y sátiros.

En 1870 va pensionado a Roma.

Su Ángel caído (del que fue promotor el duque Fernan Nuñez, que donó 11.000 duros para llevar a cabo el proyecto), recibió un premio cuando se presentó en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1878. Realizó la estatua de la Fama, coronando el mausoleo de Goya, Meléndez Valdés y Donoso Cortés; el monumento a Juan Sebastián Elcano, para el Ministerio de Estado; las efigies de San Andrés y de San Bartolomé, para San Francisco el Grande.

Autor muy valorado en su tiempo, fue nombrado académico y fue director de la Escuela de Artes y Oficios de Madrid.




Ricardo Bellver falleció en Madrid el 20 de diciembre de 1924.


Obras seleccionadas

1862 - Tucapel
1864 - Joven fauno jugando con una cabra y Sátiro tocando las tibias
1867 - La Virgen con su Hijo en el regazo
1875 - Estatuilla en bronce de Lagartijo
1875 - Busto de El Gran Capitán
1876 - Bajorrelieve El entierro de Santa Inés, San Francisco el Grande, Madrid
1877 - El Ángel Caído, Jardines del Buen Retiro de Madrid



1880 - Sepulcro del Eminentísimo Sr. Cardenal de la Lastra y Cuesta, arzobispo de Sevilla, mármol, Catedral de Sevilla
1881 - Monumento a Juan Sebastián Elcano, mármol, Plaza del Ayuntamiento de Guetaria (Vizcaya)
1883 - Asunción de la Virgen, relieve en yeso, labrado luego en piedra y colocado en 1885 en la Puerta del Príncipe de la Catedral de Sevilla
1887 - Monumento funerario de Goya, Meléndez Valdés y Donoso Cortés, junto con Joaquín de la Concha Alcalde, Cementerio de San Isidro de Madrid
1888 - La muerte de Santa Ágata
1897 - Escudo para la fachada del Ministerio de Fomento, Madrid
1905 - Tallas de San Francisco, San Expedito y los Sagrados Corazones, Iglesia de San Vicente Mártir de Abando, Bilbao (Vizcaya)


*buscabiografias.com

Cómo citar esta biografía
Artículo: Biografía de Ricardo Bellver
Autor: Víctor Moreno, María E. Ramírez, Cristian de la Oliva, Estrella Moreno y otros
Website: Buscabiografias.com
URL: https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/9217/Ricardo%20Bellver
Publicación: 2016/08/06
Última actualización: 2019/12/17
Fecha de acceso: 2019/12/27
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Francisco López Hernández

46

Francisco López Hernández

Francisco López Hernández (Madrid, 28 de abril de 1932 - 8 de enero de 2017)1​ fue un escultor español. Biografía Perteneció a una familia de orfebres y recibió las primeras lecciones en escultura de su padre. Posteriormente estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid y en la Escuela... Ver mas
Francisco López Hernández (Madrid, 28 de abril de 1932 - 8 de enero de 2017)1​ fue un escultor español.

Biografía
Perteneció a una familia de orfebres y recibió las primeras lecciones en escultura de su padre. Posteriormente estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid y en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.

En 1956, viajó a Roma (Italia) con una beca de estudios del Ministerio de Educación. También lo hará con estancias en París (Francia) y en Grecia, ampliando su formación.

Expuso por primera vez en el año 1955, en compañía de otros artistas pertenecientes a la escuela realista contemporánea española, Antonio López García y Julio López Hernández, su hermano, y de un informalista, Lucio Muñoz. En 1960 se casó con la artista visual Isabel Quintanilla y se trasladaron a vivir a Roma entre 1960 y 1964, en la Academia de España en Roma, ocupando una plaza ganada por oposición.2​

Obras

Homenaje al agente comercial (1998), Atocha, Madrid.
Sus obras se encuentran en numerosos museos, incluyendo el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Museo Británico de Londres,[cita requerida] la Nueva Pinacoteca de Múnich, Alemania o la Fundación Juan March.

Obras en lugares públicos:

Relieve de Madrid, 1965, Facultad de Filosofía de la Universidad Complutense, Madrid (en colaboración con Rafael Moneo)
Ofelia ahogada], 1964, situada en los jardines de Villa Cecilia de Barcelona.
Monumento a Enrique Tierno Galván,1988, parque del Planetario, Madrid
Monumento a Lluís Companys, 1998 Barcelona.
Homenaje al agente comercial, 1998, Estación Puerta de Atocha, Madrid
Monumento a Josemaría Escrivá de Balaguer, 2001, Universidad de Navarra (edificio central), Pamplona
Escultura, en la escalera de acceso al Instituto del Patrimonio Cultural de España.
Monumento a Velázquez, s/f, Madrid
Mujer en la fuente, Ayuntamiento de Logroño
Monumento a Carlos III, el Noble, 2004, plaza del Castillo con avenida de Carlos III, Pamplona
Monumento a José Antonio Aguirre y Lecube, 2004, Calle Ercilla, Bilbao
Monumento a Blas de Otero, 2005, Bilbao
Retrato del Pintor Pablo Picasso, 2008 plaza de la Merced, Málaga
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Inocencio Berruguete

47

Inocencio Berruguete

Inocencio Berruguete (Paredes de Nava, hacia 1520 - fallecido hacia 1575) fue un escultor renacentista español. Biografía Pertenece a la saga de artistas de la familia Berruguete. Su figura ha quedado eclipsada por la fama de su abuelo, Pedro Berruguete, y su tío Alonso Berruguete. Nació... Ver mas
Inocencio Berruguete (Paredes de Nava, hacia 1520 - fallecido hacia 1575) fue un escultor renacentista español.

Biografía
Pertenece a la saga de artistas de la familia Berruguete. Su figura ha quedado eclipsada por la fama de su abuelo, Pedro Berruguete, y su tío Alonso Berruguete.

Nació en Paredes de Nava hacia 1520. Se formó profesionalmente en el taller de su tío Alonso. Seguramente ayudó a éste en la labra de la sillería del coro de la catedral de Toledo. Emparentó también con el escultor Esteban Jordán , ya que fue su cuñado. Alonso Berruguete le enseñó el arte de la escultura y le protegió toda su vida como escultor y como pariente1​
[…] procurando de él hacer todo provecho y dar toda la ganancia que ha podido.
Trabajó también con Juan de Juni, del que también recibió influencias.

El hecho de haber estado entre astístas tan señeros como Alonso Berruguete o Juan de Juni es lo que puede explicar que Inocencio Berruguete haya pasado relativamente desapercibido en la Historia del Arte Español.

Obra escultórica

Asunción del antiguo retablo del monasterio de la Santa Espina, hoy en San Cebrián de Mazote.
Sus mejores obras, que se conocen por descripciones o por contratos, se hallan en paradero desconocido.

Una de las obras de encargo de más envergadura fue la organización y disposición del nuevo retablo de la iglesia de Santa Eulalia en Paredes de Nava, que sustituyó al que había anteriormente en estilo Gótico, con tablas de Pedro Berruguete. El trabajo fue un encargo que se hizo a Inocencio Berruguete en colaboración con su cuñado Esteban Jordán. En un documento del Archivo Histórico se dice:2​
[…] Ytem los dos lados del cuerpo de en medio a de llevar tres tableros de cada lado de pintura que son ansi mesmo de Berruguete el viejo guarnecidos con molduras y de los lados de los tableros que es en los cabos ángel de ir […]
La traza y esculturas (salvo el Calvario que es de Alonso Berruguete o de su escuela) son de Inocencio y de Jordán. Inocencio Berruguete labró además los grutescos de la parte baja de las columnas.

Se cataloga como una de las esculturas más bellas de este artista el grupo de la Asunción, en alabastro, que perteneció al antiguo retablo del monasterio de la Santa Espina (Valladolid) y que se halla en la actualidad en la iglesia de San Cebrián de Mazote (Valladolid).

Otra obra importante es el retablo de la iglesia del Salvador de Simancas (Valladolid), de 1562, en colaboración con Juan Bautista Beltrán que finalmente lo terminó.
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Josep María Subirachs

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Josep María Subirachs

Josep Maria Subirachs i Sitjar (Barcelona, 11 de marzo de 1927-ibidem, 7 de abril de 2014)1​ fue un escultor, pintor, grabador, escenógrafo y crítico de arte español. Fue uno de los escultores españoles contemporáneos con más prestigio internacional, como puede verse en sus múltiples galardones... Ver mas
Josep Maria Subirachs i Sitjar (Barcelona, 11 de marzo de 1927-ibidem, 7 de abril de 2014)1​ fue un escultor, pintor, grabador, escenógrafo y crítico de arte español. Fue uno de los escultores españoles contemporáneos con más prestigio internacional, como puede verse en sus múltiples galardones y reconocimientos recibidos, así como en la presencia de su obra en numerosos museos y lugares públicos de ciudades de todo el mundo, principalmente Barcelona. También participó en una gran cantidad de exposiciones tanto colectivas como individuales, en museos y galerías públicas y privadas.2​

Artista polifacético, Subirachs destacó especialmente en la escultura, pero también en otras técnicas como la pintura, el dibujo, el grabado, el cartel, el tapiz, la ilustración de libros, el diseño de joyas y la acuñación de medallas. También realizó numerosas escenografías para prestigiosos montajes de obras de teatro y ballet. Igualmente, ejerció de profesor de arte y, en el terreno teórico, como escritor y colaborador en revistas y periódicos, crítico de arte y conferenciante en universidades y academias de todo el mundo. En su larga trayectoria pasó por diversas fases —mediterránea, expresionista, abstracta, nueva figuración—, períodos casi siempre caracterizados por las formas geométricas, las líneas rectas y angulosas, y las texturas rugosas.3​

En su obra, Subirachs sintetizó la maestría técnica y la pureza de materiales y texturas con el afán por comunicar y expresar un lenguaje simbólico y trascendental, a través de la creación de un universo propio de referentes iconográficos que hacen de su producción un corpus personal y particular ampliamente reconocido en todo el mundo. Para el escultor barcelonés el arte es una forma de reivindicar la vida y la creación frente a la muerte y la destrucción, afirmando que:

El hecho decisivo que nos muestra la razón profunda del porqué existe el arte es la conciencia que los humanos tenemos de la muerte. El arte, por el carácter intemporal de la obra y por su valor metafísico, es el que verdaderamente se opone a la muerte. El ser humano, ante la trágica información de que la vida tiene un límite, se rebela e inventa el arte para defenderse de la desesperación, en un supremo esfuerzo por luchar con honor en una batalla perdida de antemano.4​Biografía

Medida del espacio-tiempo (1967), Edificio Mercuri de Barcelona.
Josep Maria Subirachs nació en el barrio barcelonés de Poblenou, hijo de Josep Subirachs Casanovas, obrero en una fábrica de tintes, y de Josepa Sitjar Ferrer. De familia humilde, no dispuso de recursos para dedicarse a la arquitectura, su mayor vocación desde joven, aunque como escultor tuvo muy presente la conjugación de su obra dentro de edificios o espacios públicos. Sin embargo, su padre alentó su vena artística, animándole en sus dibujos a captar diversas perspectivas de la realidad, como las efectuadas en negativo o reverso, ejercicios que estimulan la imaginación y la creatividad.5​

A los catorce años entró como aprendiz en el taller de un dorador, donde tuvo su primer contacto con los procesos artesanales. Posteriormente realizó diversos trabajos, como aprendiz de decorador, retocador en un taller de imaginería, dependiente de anticuario, mecánico, fundidor de pies de lámpara y dibujante publicitario.6​ Entre 1942 y 1947 fue discípulo del escultor Enric Monjo, al tiempo que asistía a clases nocturnas de dibujo en la Escuela Superior de Bellas Artes de Barcelona. En 1947 entró en el taller de Enric Casanovas, que pese a fallecer a los pocos meses influyó poderosamente en el joven escultor, al cual introdujo en el estilo novecentista de moda en aquel momento en la capital catalana.7​

En 1948 realizó su primera exposición individual en la Casa del Libro de Barcelona, presentando diez esculturas y seis dibujos. Al año siguiente participó en el II Salón de Octubre de Barcelona, donde expuso durante varios años seguidos, hasta 1957. En 1950, junto con los escultores Francesc Torres Monsó y Martí Sabé, y los pintores Esther Boix, Ricard Creus y Joaquim Datsira, fundó el grupo Postectura, que fue presentado con un manifiesto y una exposición en las Galeries Laietanes de Barcelona.8​ Este grupo, de efímera duración, se manifestaba heredero del cubismo y el purismo y, según Subirachs, «simboliza la tendencia de humanización del arte actual teniendo como maestro o precursor el estilo elemental constructivo que caracteriza una de las corrientes artísticas de nuestra época derivada de Cézanne».9​

En 1951 obtuvo una beca del Cercle Maillol del Instituto Francés de Barcelona para estudiar en París, donde entró en contacto con la vanguardia europea y recibió la influencia del escultor inglés Henry Moore.10​ En 1953 formó parte de la comisión organizadora de la Associació d'Artistes Actuals (AAA), junto a Enric Planasdurà, Antoni Tàpies, Joan-Josep Tharrats, Joan Fluvià y Alexandre Cirici i Pellicer. Invitado por el artista belga Luc Peire, se instaló un tiempo en Bélgica (1954-1956), donde comenzó su fama internacional, al recibir numerosos encargos del coleccionista Rémy Vanhoidsenhoven. Fue entonces cuando empezó a considerar el dedicarse profesionalmente a la escultura.11​ En 1955 se casó en Bruselas con Cecília Burgaya Ibáñez, y al año siguiente nació su hijo Roger, que se dedicaría al cómic;12​ en 1959 nació su hija Judit, y en 1965 su hijo Daniel.13​


Conjunto de altar, crucifijo y escultura de Santa Cecilia (al fondo), de la iglesia de Santa Cecilia de Barcelona (1964).
En 1956 comenzó su colaboración en la agencia publicitaria Zen, fundada y dirigida por Francesca Granados y Alexandre Cirici i Pellicer, donde recibió numerosos encargos para empresas y entidades de toda Cataluña. Gran parte de la obra de Subirachs está colocada en espacios públicos, accesibles a todo el mundo, una preferencia personal del artista, que a menudo afirma que «el arte sin espectador no tiene razón de ser. El arte debe ser para todos y, por lo tanto, lo mejor es que esté emplazado en espacios públicos».14​ En 1957 recibió su primer encargo para una obra pública, Forma 212, situada en los Hogares Mundet de Barcelona, que fue la primera obra abstracta colocada en la vía pública de Barcelona.15​ A esta obra siguió tres años más tarde Evocación marinera, situada en el barrio de La Barceloneta, que en su día causó cierta polémica por sus formas abstractas —que no tuvo la obra anterior por hallarse en la periferia de la ciudad—. Posteriormente, entre 1959 y 1961, realizó la fachada del santuario de la Virgen del Camino en León, y desde entonces recibió numerosos encargos para lugares públicos de todo el mundo.16​

En 1961 comenzó a dar clases en la Escuela Elisava de Barcelona. Comprometido políticamente, en 1966 realizó la medalla conmemorativa del Sindicato Democrático de Estudiantes de la Universidad de Barcelona, cuya recaudación sirvió para pagar las multas impuestas a los participantes en el encierro en el convento de los Capuchinos de Sarrià, conocido como la Capuchinada.17​


Espai Subirachs.
En 1980 fue elegido académico de la sección de escultura de la Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jorge. Desde entonces ha recibido innumerables distinciones, entre las que se cuenta la consideración de «Artista catalán vivo más importante del siglo XX», según una encuesta popular realizada en 1997 por el periódico La Vanguardia, Catalunya Ràdio y Enciclopèdia Catalana.18​ También ha recibido, entre otras distinciones, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes otorgada por el Ministerio de Educación y Cultura, la Creu de Sant Jordi de la Generalidad de Cataluña y la Medalla de Oro al Mérito Artístico del Ayuntamiento de Barcelona.19​

En 2001 Subirachs firmó un acuerdo con la Fundación Caixa Penedès para constituir un museo dedicado a la obra del escultor que debía llamarse Espai Subirachs (Espacio Subirachs), para el que donó 137 obras representativas de toda su trayectoria artística. Sin embargo, en 2011 esta entidad anunció que no podía hacer frente al coste de dicha inversión debido a la crisis económica.20​ Finalmente, los hijos de Subirachs tomaron la iniciativa y alquilaron un local de 300 m² en el Poblenou, el barrio natal del artista, con una exposición de esculturas, pinturas y dibujos, así como material documental y una videoproyección de su trayectoria. El Espai Subirachs abrió sus puertas el 27 de mayo de 2017.21​

Josep Maria Subirachs falleció en Barcelona el 7 de abril de 2014, a los 87 años. Afectado de Parkinson, había dejado de trabajar en 2010.22​ Según el conseller de Cultura de la Generalidad de Cataluña, Ferran Mascarell, «Subirachs es uno de los grandes escultores que ha tenido Cataluña, muy reconocido internacionalmente, y representa una figura clave en la trayectoria artística catalana del siglo XX».23​

Obra
Escultura

Forma 212 (1957), Hogares Mundet de Barcelona, primera obra abstracta colocada en la vía pública de Barcelona.
Subirachs fue iniciado en el novecentismo por sus maestros Monjo y Casanovas, un estilo clasicista que propugnaba el predominio en el arte de la armonía y el equilibrio, con gusto por la temática mediterránea y una predilección especial por la figura femenina, donde predominaba un gusto estético por la típica muchacha catalana procedente de La bien plantada de Eugenio d'Ors.24​ Sus primeras obras denotan esta influencia aunque con un estilo personal, más estilizado y expresivo que el realismo de sus maestros, lo que apuntaba ya al expresionismo en el que desembocaría posteriormente. Aun así, el gusto por el equilibrio y la sencillez, por el trabajo concienzudo, que adquiere en esta época le acompañará en todo lo largo de su trayectoria.25​ Esta primera fase suele denominarse su «etapa mediterránea», representada por obras como Mujer y niño (1947), Cadaqués (1947), Aurora (1947), Soledad (1948), Deseo (1948), Diálogo (1949), Mujer mediterránea (1949), Voluptuosidad (1950) o Desnudo yacente (1950). En ellas predomina el equilibrio, la proporción, la serenidad, las formas curvas, y denotan la influencia —además de sus dos maestros— de escultores afines a ese sentimiento mediterranista, como Josep Clarà o Aristide Maillol.26​

Sus primeras obras fueron en barro cocido, debido a la precariedad de su situación económica, pero más adelante empleó preferentemente el hierro (generalmente soldado), el bronce (fundido a la cera perdida, y a menudo retocado posteriormente con oxidaciones, bruñidos o baños de ácido), el aluminio, el hormigón o la piedra, en diferentes variedades: granito, basalto, mármol, travertino, piedras calcáreas, etc.27​ Subirachs siempre ha valorado la estabilidad, la durabilidad, la inmutabilidad de sus obras y su pervivencia en el tiempo. Para él una obra de arte ha de ser duradera, por lo que emplea materiales resistentes y busca formas estables, que sufran la lógica erosión del tiempo pero no desaparezcan fácilmente; como él mismo dice: «que la obra se convierta en ruina, pero no en chatarra».28​ Otra de las características de su obra es la frontalidad: le otorga más importancia a la parte delantera de su obra que al resto, casi como si fuese un cuadro, circunstancia curiosa en un escultor pero que él prefiere para mantener un punto de vista único o privilegiado de cara al espectador, teniendo en cuenta que en numerosas ocasiones el carácter simbólico y el complejo programa iconográfico que desarrolla Subirachs en sus obras requiere una lectura en clave narrativa de la obra.29​


Las Tablas de la Ley (1959), Facultad de Derecho de Barcelona.
En los años 1950 evolucionó hacia el expresionismo, estilizando la forma a través de la distorsión de las proporciones y de la incorporación de superficies angulosas, además de un tratamiento inacabado de la materia, con superficies rugosas y ásperas, que dan una mayor sensación expresiva. Sus formas un tanto hieráticas recuerdan la estatuaria egipcia, mientras que el tratamiento dado a la figura femenina, donde destaca un abultado vientre, remite a las Venus esteatopígicas prehistóricas.30​ Recibe en esta época la influencia de escultores como Leandre Cristòfol, Ángel Ferrant o Eudald Serra, que antes de la Guerra Civil se habían adentrado en el terreno del vanguardismo, proceso que se vio truncado con la contienda. También admira profundamente la obra de Antoni Gaudí, al que considera un gran renovador no solo de la arquitectura, sino de las artes plásticas en general, y cuya tendencia a las formas basadas en la geometría reglada influye en el escultor; así como a Orson Welles, cuyo cine le sugirió nuevas formas de expresión artística.31​ Ejemplos de esta etapa serían Piedad (1951), Maternidad (1952), Europa (1953), Yerma (1953), La familia (1953), Mujer delante del mar (1953), Moisés (1953), Maniquí-ídolo (1954), Desesperación (1954) o Las parcas (1954).32​ El final de esta etapa coincide con su estancia en Bélgica (1954-1956), donde la estilización de las figuras apunta ya a la abstracción: La mujer de Putifar (1954), Edipo y Antígona (1955), Ammón (1955), Ícaro (1955), Mujer en la playa (1956).33​ En los años siguientes, la presencia de la figura humana se dará solo en obras religiosas, como Ecce Homo (1957), Virgen sentada (1958), Noé (1960), San Pablo (1960), el altar, crucifijo y ambones de la iglesia de los Hogares Mundet, y el magno encargo para el Santuario de la Virgen del Camino (1958-1961).34​


Homenaje a Barcelona (1968), Montjuic, Barcelona.
Entre 1957 y 1961 se adentró en la abstracción pura, al tiempo que experimentó más con las texturas, especialmente —en paralelo con la pintura matérica practicada en la época— con la técnica del grattage, que creaba unas superficies rugosas e inacabadas.35​ En ese momento recibió la influencia de escultores vanguardistas como Julio González o Pablo Gargallo. Utilizó entonces preferentemente el hierro, que trabajaba con técnicas industriales como la soldadura, en piezas que solían incluir elementos como tornillos, barras y platinas, o bien vigas, planchas y elementos de desecho industriales, pero también utilizó otros materiales, como la madera, la terracota, el gres, la cerámica, el bronce o el hormigón, en los que muestra el mismo interés por las texturas. En cuanto a formas, empleaba asiduamente la recta y el plano, la oposición horizontal-vertical, como en Catedral (1958), por la que recibió el Premio Sant Jordi de la Diputación de Barcelona.36​ Otra importante obra de esta etapa es Las Tablas de la Ley (1959, en colaboración con Antoni Cumella), en la Facultad de Derecho de la Universidad de Barcelona, un relieve trabajado en oposición positivo-negativo —que será recurrente en su obra—, y donde introdujo por primera vez signos de comunicación (en este caso unas cifras romanas que representan los números que encabezan el texto jurídico de Moisés), otra de las constantes en su obra.37​ Otras obras de esta época son: Forma 212 (1957), La sirena (1957), Homenaje a Gaudí (1957), Tekel (1958), Homenaje al cine (1958), Intimidad de la forma (1958), Vertical (1959), Evocación marinera (1960), Doble forma (1961), Cera perdida vertical (1962), Bigornia (1964) o La plomada (1964).38​


Evocación marinera (1960), paseo de Juan de Borbón, Barcelona.
Posteriormente, en los primeros años 1960 desarrolló la etapa llamada «de las penetraciones y las tensiones» —según denominación de José Corredor Matheos—,39​ caracterizada por el empleo de cuñas encajadas con tornillos y tirantes de hierro, o de piezas tensadas con cables o cuerdas, en ensamblajes que jugaban con la materia y el espacio, con elementos opuestos como materia y forma, gravitación y contrapeso, vacío y lleno, horizontal y vertical. Ejemplos de esta etapa son: Introversión (1960), Monumento transportable (1961), Colmenar (1961), la Cruz de San Miguel en Montserrat (1962), Gravitación (1962), Pirámides (1962), el Monumento a las víctimas de las inundaciones del Vallés (1963), Polimateria (1964), Estabilidad (1964), Polifemo (1964), el Monumento a Pompeu Fabra en Planolas (1965) o el Homenaje a Barcelona en la montaña de Montjuïc (1968).40​ Una de sus últimas obras en ese sentido fue el Monumento a las Olimpiadas de México (1968), situado en la llamada Ruta de la Amistad realizada para las Olimpiadas Culturales que se desarrollaron en paralelo a las deportivas; se trata de dos pirámides en forma de cuñas enfrentadas y unidas por un travesaño en la parte central, obra de hormigón de 950 x 1070 x 410 cm y 160 t de peso, con un simbolismo relativo a la historia de México: la pirámide inferior representa el México precolombino, mientras que la superior alude a la cultura hispanoamericana y en la parte central se conjugan los anillos olímpicos con las letras que forman la palabra México.41​

Hacia 1965 Subirachs retornó a la figuración debido a las mayores posibilidades expresivas y comunicativas de esta, aunque nunca sería una figuración realista, sino estilizada y de corte expresionista, remarcando especialmente el componente simbólico de la forma y pretendiendo trascender la realidad, no imitarla.42​ Según el artista, «creía que la abstracción era el lenguaje más útil para el artista, más de nuestro siglo, pero después me di cuenta que por aquel camino no podía llegar a todo el mundo. La abstracción es un lenguaje demasiado críptico, demasiado elitista, y lo que yo quería era facilitar el diálogo, por este motivo me decanté por una nueva figuración, que no tenía nada que ver con la de la primera etapa».43​ Esta nueva etapa, denominada por Corredor Matheos de la «Nueva Realidad Figurada», arranca con dos exposiciones de gran relevancia: la celebrada en el Ateneo de Madrid (1966) y en la Sala Gaspar de Barcelona (1967).44​

Las imágenes de los artistas de la nueva figuración son empleadas de la misma manera que los artistas abstractos utilizan las formas: transformadas en signos; por esto el arte abstracto no representa nada pero significa. Así pues, también la nueva figuración no representa nada pero sí significa, y por esto me place denominarla figuración significativa.
Subirachs, L'artista de la segona meitat del segle XX, en Qüestions d'Art, nº 1, Barcelona, 1967.44​

El arquitecto (Monumento a los constructores de la catedral de Gerona) (1986), en la judería de esa ciudad.
En esta nueva etapa surgen algunos de los principales elementos iconográficos que caracterizan la obra de Subirachs y que serían constantes en toda su posterior producción, como el laberinto, la escalera, la pirámide, la calavera, la torre de Babel, el obelisco fálico, el árbol púbico, la cinta de Möbius, etc.45​ Otra de sus principales características sería la confrontación de dualidades, la oposición de elementos que se contraponen pero se complementan: horizontal-vertical, lleno-vacío, positivo-negativo, cóncavo-convexo, masculino-femenino, espacio-tiempo, materia-forma, vida-muerte, noche-día, alfa-omega, etc.3​ Al tiempo, incorpora elementos del lenguaje arquitectónico, como molduras y vaciados, o bien con la inclusión de referencias mitológicas o elementos clásicos como capiteles, cariátides, hornacinas, balaustradas (que considera un símbolo andrógino), drapeados, etc. En ocasiones tiene tendencia a desplazar una figura en forma de moldura en líneas corridas hacia un lateral, que se interrumpe bruscamente por descantillado de la piedra.46​ También recupera formatos como el díptico o el tríptico, generalmente unidos por bisagras, como en su Autorretrato de 1966. En cuanto a formas, tiene preferencia por formas geométricas simples, como círculos, cuadrados, triángulos, esferas, etc. La figura humana está tratada de una forma arquitectónica, integrada en el espacio que la envuelve, generalmente en relieve, no en bulto redondo, en vaciados o en juegos positivo-negativo, siendo figuras impersonales, sin facciones remarcables, mostrando en ocasiones los órganos sexuales.47​ También se interesa con más intensidad por el color, dando a sus obras un aspecto más policromo, así como por el tiempo, con superficies trabajadas como si por ellas hubiese transcurrido ya un prolongado período de tiempo.48​ A mediados de los años 1970 introdujo igualmente un nuevo repertorio iconográfico procedente del Renacimiento y el Barroco, a través de homenajes o alusiones a artistas como Miguel Ángel, Leonardo, Rafael, Durero, Bernini o Rembrandt.49​


San Francisco y Bernat Metge, panteón de Francesc Cambó, cementerio de Montjuic (1977).
Una de las primeras obras en ese sentido fue el Monumento a Narcís Monturiol (1963), donde incorpora una réplica del Ictíneo (a escala 1:7), el submarino creado por el inventor catalán. En 1966 recibió el encargo de unos relieves para la fachada del nuevo edificio del Ayuntamiento de Barcelona, donde desarrolló un programa relativo a la historia de la ciudad. Otras obras en este estilo serían: La medida del espacio-tiempo (1967), Venus de Peñíscola (1967), Homenaje a Leonardo (1968-1972), Figura metafísica (1968), La esfinge (1969), Santa Ágata (1969), Hombre y mujer (1969), Diosa (1971), Génesis (1972), Introversión (1973), A la Barcelona romana (1975), Gala Placidia (1975), la Puerta de San Jorge en el Palau del Lloctinent (1975), el relieve de San Jorge-Teseo en el Palacio de la Generalidad de Cataluña (1976), Babel (1977), la Capilla del Santísimo en Montserrat (1977), Galatea (1978), Comunicación (1983), Materia-Forma (1984), el San Jorge de Montserrat (1986), El arquitecto (Monumento a los constructores de la Catedral de Gerona) (1986), etc.50​ Un detalle curioso fue su intervención en el diseño de las instalaciones de tigres y leones en el Parque zoológico de Madrid (1970). Cabe destacar que desde 1966 inició una fructífera relación con la entidad General Óptica, para la que realizó diversas obras —entre esculturas, relieves, grafismo y murales— en 21 establecimientos de esta cadena en ciudades de toda España, donde desarrolló una gran variedad de contenidos temáticos, desde el anagrama GO presente en todos los tiradores de puerta de las tiendas, pasando por su habitual repertorio iconográfico —incluyendo ojos, como no podía ser menos en ese tipo de establecimientos— hasta temáticas específicas según la localización, como Ramon Llull en Palma de Mallorca, un Homenaje a Goya en Zaragoza, Las Meninas en Madrid, una alusión a la ciudad romana de Tarraco en Tarragona, un toro en Pamplona, etc.51​

En ocasiones, realiza obras en que conjuga la escultura y la pintura, combinando paneles que suelen ser de bronce y de madera pintada, generalmente al óleo, con un tipo de pintura lisa, de colores suaves y aspecto casi renacentista, donde tiene especial relevancia el dibujo, de contornos bien marcados (Loundun, 1971; Mona Lisa 820, 1976; Moebius, 1977; Leda, 1977; El árbol, 1978; Núria-Fedra, 1979).52​ En algunos casos la pintura se realiza directamente sobre el bronce —los denominados «cuadros de bronce»—, efectuados principalmente entre 1982 y 1983, y que denotan una cierta inspiración surrealista, ya que recuerdan obras de Magritte o De Chirico (Dos figuras, 1982; Del Giocondo, 1982; Agnès Sorel, 1983; La bañera, 1983).53​ Uno de sus temas preferidos en esta etapa sigue siendo la figura femenina, cuya fisonomía responde por lo general a un canon algo manierista (Maternidad, 1979; La esfinge, 1980; Dafne 81, 1981; Europa, 1984).54​ También retoma géneros tradicionales como el retrato, el bodegón, o incluso la escultura ecuestre, siempre reinterpretados bajo su prisma personal: así, el bodegón —que trata preferentemente entre 1985 y 1987— no contiene como en el género tradicional caza, frutas o flores, sino diversos objetos tomados de su peculiar iconografía, dispuestos sobre pedestales a modo de mesa (El pedestal, 1985; Naturaleza muerta 1025, 1985; A Giorgio Morandi, 1985; Rincón de taller, 1986; Pirámides, 1986).55​


Monumento a Francesc Macià (1991), plaza de Cataluña de Barcelona. El pedestal representa la historia de Cataluña, mientras que la escalera invertida e inacabada simboliza el futuro del país, que se va construyendo día a día, peldaño a peldaño.
En 1986, al recibir el encargo de la Fachada de la Pasión del Templo Expiatorio de la Sagrada Familia, inicia una nueva etapa en que recupera dos de los estilos anteriormente practicados, el expresionismo y la abstracción metafísica, manifestando que «la característica más destacada de este nuevo camino, que acaba de empezar, es que constituye una síntesis de mis etapas anteriores, lo que acentúa una de las particularidades de mi escultura y la constatación de un cierto eclecticismo».56​ El primero lo desarrolla en el ciclo pasional del templo gaudiniano, ya que es más conveniente para enfatizar el patetismo del tema, mientras que el segundo lo desarrolla de forma paralela a su trabajo en el templo, en obras donde predomina la forma geométrica y un lenguaje de referencias arquitectónicas, en obras como: A Imhotep (1989), El muro (1991), Champollion (1993), Pináculo (1994), Fundamentos (1994), A Djeser (1999) o Arco de Triunfo (2000).57​


Monumento a Macià (1983), Vilanova i la Geltrú.
Otra de las características en la obra de Subirachs ha sido la reivindicación identitaria, la evocación de la historia y cultura de Cataluña, que ha recreado constantemente en su obra, ya que según declaraciones suyas «me gustaría ser un artista que ayudase a crear los símbolos de identidad de mi país».58​ Así, en su obra abundan los monumentos de carácter nacionalista, como el Homenaje a la Resistencia Catalana (1981), el Monumento al restablecimiento de la Generalidad de Cataluña (1982), el Monumento al milenario de Cataluña (1990), los realizados en homenaje a diversas poblaciones catalanas (Barcelona, Manresa, Hospitalet de Llobregat), o a personajes catalanes: Pompeu Fabra, Ramon Llull, Borrell II, Pau Casals, Salvador Espriu, Francesc Macià, Lluís Companys, Josep Irla, Josep Tarradellas, etc.59​ En ese sentido se sitúa igualmente la figura de san Jorge, patrón de Cataluña, al que el artista ha representado en numerosas ocasiones, desde las figuras individuales situadas en la sede de la Caixa d'Estalvis de Catalunya en Barcelona, en el monasterio de Montserrat o el templo de la Sagrada Familia, hasta su presencia en escenas y relieves de más diversa temática, como en el San Jorge-Teseo de la loggia del palacio de la Generalidad, la puerta de la sacristía de la capilla de San Jorge en el mismo palacio, la puerta de San Jorge en el palau del Lloctinent de Barcelona, o el friso de la capilla del Santísimo en Montserrat.60​

Asimismo, otra de las constantes en la obra del escultor es la presencia de letras y números, como símbolo de la comunicación y del progreso intelectual. A lo largo de su obra ha empleado diversas tipografías, y en numerosas ocasiones ha dado forma geométrica a las letras, como cubos o esferas, o bien las ha representado como pirámides o escaleras. En otras ocasiones ha elaborado anagramas, como el creado para Parkings de Barcelona (1967), que alterna la P y la B de forma sencilla pero original, o los pasamanos con forma de G y O para General Óptica (1966). Obras donde aparecen letras o números son: Las Tablas de la Ley (1959), Tele-eXprés (1966), Comunicación y Computación (1971), el friso de la fachada de la Estación de Sants (1979), A los socios y a las peñas del Barça (1999), Hotel (2002), Estela (2003), y las puertas de bronce del templo de la Sagrada Familia (1987-2010).61​

Otras facetas

Diagonal (1969), mural para la estación homónima del Metro de Barcelona.
Además de la escultura, Subirachs cultivó esporádicamente la pintura, por lo general en la misma línea de un realismo mágico que practicó con su escultura neofigurativa, donde abundan elementos iconográficos como laberintos, torres de Babel, referencias clásicas y mitológicas y, como no podía ser de otra manera, la figura humana, con preferencia por la femenina, generalmente con connotaciones sexuales. Sus primeras obras en este sentido fueron en los años 1970, realizadas generalmente en óleo sobre lienzo, destacando la calidad del dibujo y la pulcritud de la pincelada: Torso (1973), El árbol (1974), El obelisco (1974), La cúpula (1974). En los años 1980 y 1990 continuó en la misma línea: El laberinto (1988), Disfrutar Gaudí (1988), Cerebral (1997), Dánae (1998), Clásica (1998). Desde 2004 se dedicó más preferentemente a la pintura, variando la técnica, que suele ser pintura acrílica: Dédalo (2004), Tercer milenio (2004), Imhotep (2005), Melancolía (2005), Memoria del 66 (2006), Ocho escalones II (2007), La guerra de los mundos (2008), Las glorias (2009).62​

También fue extensa su labor como grabador —primero esporádicamente, y de forma regular desde 1970—, faceta donde utilizó preferentemente técnicas como el aguafuerte, la punta seca, la serigrafía y la litografía, con diseños que por lo general transcriben a las artes gráficas su peculiar mundo iconográfico: Viceversa (1970), Fragmento de infinito II (1972), El rapto de Europa (1974), Adán, Homenaje a Miguel Ángel (1975), Homenaje a Damià Campeny (1977), A Fortuny y a Gaudí (1979), La lluvia (1980), Barcelona II (1985), Sagrada Familia (1987), Dánae (1988), Barcelona'92 (1989), La escalera de Ramon Llull (1990), Paulina Borghese (1992), El caballo de Troya (1996), Montserrat (2001), San Jorge y la princesa (2005), Tirant lo Blanc (2007), etc.63​

Igualmente abundante fue su producción como dibujante, generalmente en bocetos preparatorios de sus esculturas, pero también dibujos individuales y con diseño propio, con especial relevancia en el terreno de la ilustración de libros —donde compaginaba el dibujo y el grabado—, como: Aproximació a tres escultures de Subirachs de Salvador Espriu (1960), Poemes de Kavafis de Carles Riba (1962), Obra poética de Salvador Espriu (1963), La pneumologia a Catalunya i els seus homes de Josep M. Cornudella (1975), Néixer de nou, cada dia de Robert Saladrigas (1979), D'una vella i encerclada terra de Salvador Espriu (1980), Álbum de taller de Camilo José Cela (1981), Poemes. Dibuixos de Salvador Espriu y Subirachs (1984), Les flors del mal de Charles Baudelaire (1985), Narcís de Paul Valéry (1986), Epinicis de Píndaro (1987), Punica Barcino de Francesco Giunta (1988), La Torre de Babel i altres textos de Subirachs (1989), El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha de Miguel de Cervantes (1990), XXV odas a Horacio de Enrique Badosa (1992), La sima de las penúltimas inocencias de Camilo José Cela (1993), etc.64​

Otra faceta ampliamente desarrollada por el artista fue el diseño de medallas, generalmente en cobre, bronce, oro o plata, en colaboración con diversas empresas de acuñación de medallas: de 1956 a 1966 trabajó con Isidre Cistaré, en medallas como las realizadas para los Hogares Mundet (1957), el medallón en terracota para la Associació d'Artistes Actuals (1957, primera medalla realizada en arte abstracto en Barcelona), la de la Pasión de Cervera (1958) o la placa del Premio FAD de Arquitectura e Interiorismo (1958); de 1966 a 1970 colaboró con Manuel Parellada, fundidor de Llissá de Munt con el que colaboró habitualmente en sus esculturas de bronce, destacando la medalla conmemorativa del Sindicato Democrático de Estudiantes de la Universidad de Barcelona (1966) y la del Edificio Mercuri (1967); de 1970 a 1984 acuñó medallas en los Talleres Vallmitjana (Institut d'Investigació Tèxtil de Terrassa, 1971; Seda de Barcelona, 1975; Cincuentenario de Miguel Ángel, 1975; Centro Excursionista de Cataluña, 1976; Jaime I, 1976; Homenaje a Salvador Espriu, 1978; Medalla de Honor de la Universidad Autónoma de Barcelona, 1979; A Kavafis, 1983); y desde 1984 colabora con Miquel Pelegrín, con ejemplos como el Premio Olympia de Filatelia (1984), Homenaje a Xavier Benguerel (1985), Centenario de Narcís Monturiol (1985), II Congrés Internacional de la Llengua Catalana (1986), Gaudí (1987), Milenario de Cataluña (1988), Centenario de las Bases de Manresa (1992), San Longino y Criptograma (1994), VI Bienal Internacional Esportistes en l'Art (1996), Guifré I el Pilós (1997), Unió de Federacions Esportives de Catalunya (1999), Hacia el infinito (2004), Centenario del Instituto de Estudios Catalanes (2007), etc.65​


Relieves del Banco de Sabadell (1971), Barcelona.
Subirachs también cultivó otros géneros como el tapiz y el cartel, el primero diseñando cartones para la confección de estas telas, realizadas generalmente en Tapices Aymat, la casa dirigida por Josep Grau-Garriga, el gran renovador del tapiz contemporáneo: Barcelona (1961), Cataluña y Baleares (1962), Cabeza, corazón, carne (1965), Punto central (1965), Del punto (1967), La creación (1987), Éboli (1988); y el segundo en carteles para exposiciones o bien para diversos eventos, congresos o conferencias: Œuvres de Subirachs (1954), Subirachs (1962), Subirachs. Schetsen + Sculpturen (1974), Subirachs, obra gràfica (1975), Record del Saló d'Octubre (1975), Subirachs esculturas, dibujos y obra gráfica (1981), 5ª Semana del cava (1986), 135a Feria de la Candelera (1986), XIe Congrès Internationel des Néo-Hellénistes Francophones (1987), Fifth Conference of the European Society for Engineering and Medicine (1998), XVIII Semana del Cava (1999), Vuelta ciclista España 2000 (2000), XVII Congrés d'Història de la Corona d'Aragó. El món urbà del 1137 als decrets de Nova Planta (2000).

En cuanto a escenografía, entre sus trabajos destacan: La pell de brau, de Salvador Espriu, representada en la Cúpula del Coliseum, sede del efímero Museu d'Art Contemporani creado por Alexandre Cirici Pellicer (1960); Primera Història d'Esther, de Salvador Espriu, dirigida por Ricard Salvat en el Teatro Romea de Barcelona (1962) y en el Teatro Banderas de Bilbao (1968); Èdip rei, de Sófocles, representada en el Teatre Grec de Barcelona por la Companyia de Teatre La Roda (1977); Esperando a Godot, de Samuel Beckett, dirigida por Vicente Sáinz de la Peña, Compañía María Paz Ballesteros de Madrid (1978); Les Bacants, de Eurípides, dirigida por Ricard Salvat (1980); el ballet Phèdre, acte II, scène 5, con coreografía de Alain Marty, Opéra Comique de París (1981); Cavalls de mar, de Josep Lluís y Rodolf Sirera, dirigida por Josep Maria Flotats e Ignasi Camprodon, Teatro Poliorama de Barcelona (1992).66​

Por último, como crítico y teórico del arte Subirachs desarrolló una teoría del arte (principalmente en L'art, per què? , 1985) que se basa en cuatro factores fundamentales: su cualidad expresiva y comunicativa («todo mi trabajo tiende a la comunicación con los demás, ser a la vez una consecuencia de una sociedad en que vivo y dirigirse a ella»), su historicidad («sin la presencia del tiempo, el arte no tendría ninguna razón de ser»), su oposición a la naturaleza («el hombre hace jardines en lugar de selvas, estatuas en lugar de piedras y pirámides en lugar de montañas») y su conversión de los instintos en erotismo («el arte es el erotismo de la historia»).67​ También ha destacado siempre tres cualidades fundamentales que debe tener todo artista: contemporaneidad, intencionalidad y creatividad.68​ Además, ha escrito diversos ensayos (Quadern de taller 1954-1987, 1987; La torre de Babel i altres textos, 1989; El arte, esta inutilidad imprescindible, 1992; La perdurabilidad de la forma, 2002), textos para catálogos (El que estàs fent, fes-ho de pressa, para la exposición Dibuixos per a la Sagrada Família, 1991), conferencias (Seis pensamientos sobre la escultura, discurso de ingreso en la Real Academia de Bellas Artes de Sant Jordi, 1982; Arte y deporte, 1989; Gaudí, Welles, Steinberg, discurso de ingreso en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, 1990) y artículos para publicaciones como Templo, El Correo Catalán, Avui, La Vanguardia, Serra d'Or, Made in Catalunya, El Observador, etc.69​

Santuario de la Virgen del Camino

Fachada del santuario de la Virgen del Camino.
En 1957 ganó por concurso el encargo de la decoración escultórica del santuario de la Virgen del Camino en León, que culminó en 1961. Fue una de sus mayores obras de juventud, e inició el camino de una larga serie de encargos públicos para numerosas ciudades españolas y del resto del mundo. Para este templo realizó la monumental fachada con las figuras de los Apóstoles, así como cuatro puertas, un altar en la explanada exterior y diversos elementos del interior, como el sagrario, crucifijos, candelabros, ambones, lámparas y la pila bautismal. Esta obra marcó la culminación de la etapa expresionista del escultor, que posteriormente se enmarcó en una más pura abstracción.70​

En la fachada se encuentra un gran friso con trece figuras (la Virgen y los doce Apóstoles), de seis metros de altura y realizadas en bronce. De izquierda a derecha figuran: san Matías —que sustituye como apóstol a Judas Iscariote—, con una piedra en las manos, ya que fue lapidado, y una cicatriz en el cuello, aludiendo a su decapitación; san Felipe, con una cruz —símbolo de su martirio— en el pecho, y unos peces en la mano izquierda, en alusión al milagro de la multiplicación; san Mateo, que como evangelista muestra un libro en sus manos; santo Tomás, el apóstol incrédulo, está mirando al cielo, mientras que en la mano sostiene una lanza, símbolo de su fe corroborada tras tocar las llagas de Cristo; Santiago el Mayor aparece lleno de conchas, símbolo de la peregrinación, y con su mano derecha señala el Camino de Santiago; san Juan custodia el cáliz de la Última Cena; en el centro, María se muestra después de su Asunción y Coronación; san Pedro ofrece con sus manos la bendición papal, y figura con las llaves del cielo, la gran cruz invertida en que fue crucificado y la oreja que cortó a Malco en el huerto de Getsemaní; san Andrés adopta con sus brazos la forma de una cruz en aspa, ejemplificando su martirio; san Bartolomé presenta en sus manos un cuchillo, ya que fue desollado; Santiago el Menor, que fue obispo de Jerusalén, muestra los atributos de su dignidad: mitra, báculo y anillo; san Judas Tadeo muestra en su mano derecha el hacha de su decapitación y en la izquierda una carta canónica; por último, san Simón aparece apoyado sobre una sierra, instrumento de su martirio. Sobre estas figuras aparecen unas lenguas de fuego, que simbolizan el Pentecostés, mientras que los vitrales del fondo son obra de Albert Ràfols Casamada.71​

Otro elemento destacado en la obra subiraquiana en León son las puertas, realizadas en bronce: la principal mide tres metros de alto por cinco de ancho, y en ella se representan los misterios de Gozo de la Virgen (Anunciación, Visitación, Nacimiento de Jesús, Presentación en el Templo y Jesús ante los Doctores de la Ley), junto a referencias al Antiguo y Nuevo Testamento y la frase Ora pro nobis grabada insistentemente en toda la superficie de la puerta;72​ la puerta de San Froilán (fachada sur) está dedicada al patrono de la diócesis de León, y contiene escenas de su vida, junto con la planta de la catedral de León; la puerta del Pastor está situada en el lateral derecho, dando acceso al Camarín de la Virgen, y en ella se representa la aparición de la Virgen del Camino al pastor Alvar Simón Fernández, así como una inscripción que relata la leyenda; y la puerta de San Pablo, situada en la parte norte, está dedicada al apóstol que predicó a los gentiles, en un guiño al mecenas del santuario, Pablo Díez, con la efigie del santo, que sostiene una espada y un libro, y una cita de la Primera epístola a los corintios (1Co, 13:1).73​


Los apóstoles Matías, Felipe y Mateo.



Tomás, Santiago el Mayor y Juan.



Pedro, Andrés y Bartolomé.



Santiago el Menor, Judas Tadeo y Simón.

Monasterio de Montserrat

Monumento a Ramon Llull (1976).
A lo largo de los años Subirachs realizó diversas obras para el Monasterio de Montserrat, situadas en diversos lugares emblemáticos de su recinto eclesiástico: la primera fue la Cruz de San Miguel (1962), situada en la plaza de la Santa Cruz, junto a la estación del tren cremallera; está realizada en bronce, travertino y piedra de Sant Vicenç (530 cm de altura), y pertenece a su etapa «de las penetraciones y las tensiones», por lo que confecciona una cruz a través de una cuña insertada en la piedra que conforma el monolito. En la base aparece la inscripción Sant Miquel, junto a la frase «quien como Dios» escrita en varios idiomas.74​

La siguió la efigie de Santo Domingo de Guzmán (1970), en el camino a la Santa Cueva. Está confeccionada en travertino, de 3 metros de altura, realizado en ocho bloques que adquieren la forma de un monolito de aspecto totémico, en el que al santo solo se le ven el rostro y las manos, además de las cuentas y la cruz de un rosario en el costado. En la base figura la inscripción «Domingo de Guzmán, 1170-1970».75​

En 1976 elaboró el Monumento a Ramon Llull, situado en una explanada bajo la plaza de los Apóstoles, en un lugar abierto a un amplio e impresionante panorama. Es de hormigón, de 870 cm de altura, y está realizado en nueve piezas paralelepipédicas en forma de peldaños ascendientes, que se van abriendo como un abanico, y que representan la Escalera del entendimiento ideada por el beato mallorquín: piedra, llama, planta, bestia, hombre, cielo, ángel, Dios; todos los peldaños son de formas irregulares excepto el último, que es un cubo perfecto, ya que representa a Dios.76​

Al año siguiente recibió el encargo para decorar una de las capillas interiores de la basílica montserratina, la Capilla del Santísimo, situada en un espacio austero e intimista que invita a la reflexión. La intervención de Subirachs se centró en un conjunto de altar, sagrario y retablo realizado en hormigón, sobrio y adusto, donde solo aparecen un fémur (símbolo de la muerte) en el frontal del altar y la figura en negativo de Cristo en el retablo, del que solo se perciben el rostro, las manos y los pies, así como las llagas que recibió en el Calvario, que son unas simples incisiones en el hormigón; esta figura está iluminada con un potente foco de luz que contrasta con la tiniebla circundante, creando un potente efecto expresivo.77​ En las puertas de la capilla confeccionó asimismo dos frisos que sirven de pasamanos, realizados en bronce, con unas medidas de 40 x 430 x 12 cm: en el de la izquierda aparece la escalera del entendimiento tal como la realizó en el Monumento a Ramon Llull, junto al perfil de la montaña de Montserrat, un arco iris como unión entre lo humano y lo divino, San Jorge venciendo al dragón y la princesa; en el de la derecha se aprecia un laberinto (la Tierra), el sol poniéndose (la libertad en declive), una calavera (la muerte) y la torre de Babel (caos e incomunicación). Así, los elementos del bien se oponen a los del mal, la vida a la muerte, consiguiéndose un equilibrio acentuado por la confección del friso en alto y bajorrelieve, en positivo y negativo.78​ En la parte central, ocupando el último plafón de la izquierda y el primero de la derecha, aparece un texto de Salvador Espriu, la Oración al Señor San Jorge: «Señor San Jorge, patrón, caballero sin miedo, guárdanos siempre del crimen de la Guerra Civil, libéranos de nuestros pecados de avaricia y envidia, del dragón, de la ira y del odio entre hermanos, de cualquier otro mal, ayúdanos a merecer la paz, y salva el habla del pueblo catalán, amén».79​

Posteriormente realizó la estatua de San Jorge (1986), en travertino, de 2 m de altura, situado en una hornacina en la Cuesta de Nuestra Señora que antecede a la plaza central delante del monasterio. Aparece de cuerpo entero con un escudo en el lado izquierdo, con un juego de volúmenes que alternan alto y bajorrelieve: la cabeza y el torso figuran en negativo, mientras que los brazos, las piernas y el escudo aparecen en positivo. Uno de los rasgos más distintivos de esta figura son los ojos, que parecen seguirte con la mirada a medida que te desplazas delante de esta estatua.80​

En 2001 efectuó la imagen de Nuestra Señora de Montserrat, conservada en el Museo del monasterio, realizada en madera policromada (70 x 25 x 25 cm). Se trata de una versión de la famosa talla medieval de la Virgen de Montserrat reinterpretada desde una perspectiva moderna, con ciertas reminiscencias cubistas.81​

Por último, en 2013 se colocó en un muro del paseo de la Escolanía, al pie de la torre abacial, el relieve Ariadna y Hermes, original de 1985, confeccionado para el Banco de Sabadell y ubicado originalmente en la sede de esta institución en el paseo de Gracia barcelonés. En 2013 el banco donó la obra al monasterio. El conjunto presenta dos relieves, realizados en travertino y con unas medidas de 2,25 x 2,10 metros. El primero está dedicado a Ariadna, como personificación de la vida, el amor y el arte; figuran una efigie de la heroína mitológica junto a un laberinto, el Sol como símbolo de libertad y unas arquitecturas que señalan el devenir histórico. El segundo está protagonizado por Hermes, como símbolo de la unión entre las ciencias divina y humana, y está representado por una figura femenina modulada como expresión de la armonía y la proporción, una torre de las aguas —la del Pueblo Nuevo, barrio natal del artista— como símbolo del dominio de la naturaleza mediante el ingenio humano, un arco iris y dos serpientes entrelazadas, como vía de comunicación entre los hombres y los dioses.82​


Cruz de San Miguel (1962).



Santo Domingo (1970).



Ariadna y Hermes (1985).



San Jorge (1986).

Ayuntamiento de Barcelona

Materia-Forma (1982-1984).
En 1966 Subirachs recibió el encargo de unos relieves para la nueva fachada del Ayuntamiento de Barcelona (edificio Novísimo) en la plaza de Sant Miquel. Para el edificio principal diseñó unos plafones con el escudo de Barcelona en doce diseños diferentes, realizados en aluminio con unas medidas de 185 x 124 cm cada escudo. En 2001 algunos de estos plafones fueron retirados para derruir las últimas cuatro plantas del edificio, a causa de una nueva normativa sobre altura de edificios en el distrito del Barrio Gótico, los cuales fueron subastados y la recaudación destinada a la urbanización del Fossar de les Moreres.83​

Por otro lado, en el piso de planta baja del edificio situó un friso denominado Friso Barcelona, de 256 x 4500 cm y elaborado en hormigón. Es de estilo abstracto geométrico, con varias inscripciones y elementos figurativos y simbólicos, como es habitual en la obra del escultor, y con una temática que puede leerse de izquierda a derecha, como en la Columna Trajana en la que se inspiró el artista: el inicio es la teoría hilemorfista de Aristóteles (materia y forma); a continuación figura una alusión a Gala Placidia, que representa la Barcelona romana y visigoda, al tiempo que simboliza la política; posteriormente figuran las Tablas de la Ley, que prefiguran la Barcelona judía y el derecho; la posterior representación es la del Condado de Barcelona, con las armas de la ciudad y el origen de la lengua catalana, seguida de san Miguel, por la plaza donde se ubica el edificio Novísimo; luego viene santa Eulalia, patrona de Barcelona; aparecen a continuación varios elementos que simbolizan las letras (la Oda a Barcelona de Jacinto Verdaguer), las artes (una figura femenina), las ciencias y la filosofía (medallón de Ramon Llull), el comercio (una moneda) y la industria (una rueda dentada), junto a la palabra Barcelona; en la parte central se sitúa el sol (que es un reloj) y varias fases de la luna, y finaliza el friso con un plano del Ensanche barcelonés y otras partes de la ciudad, como el casco antiguo, el puerto o la montaña de Montjuic, mientras que una aguja señala al norte como símbolo de la vocación europeísta de la ciudad.84​85​

En el patio interior de la Casa de la Ciudad se encuentra igualmente la escultura Materia-Forma (1982-1984), realizada en travertino sobre base de piedra caliza, con unas dimensiones de 1,67 x 1,20 x 0,30 m. Representa a Adán y Eva, de los que solo aparece medio torso en cada lado de la obra, unidos por un friso corrido, y se enmarca en la frecuente contraposición de binomios enfrentados (hombre-mujer, espacio-tiempo, vida-muerte) constante en la obra del artista, conceptos que se oponen pero también se complementan, que no existirían el uno sin el otro.86​

Friso Barcelona


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Palau del Lloctinent

Puerta de San Jorge (1975).
En 1975 realizó la Puerta de San Jorge para el Palau del Lloctinent (sede del Archivo de la Corona de Aragón), que conecta este palacio con el Salón del Tinell del Palacio Real Mayor de Barcelona. Se trata de una puerta de bronce de dos batientes, de 345 x 210 cm, presidida por la figura del santo patrón de Cataluña que vence al dragón situado a sus pies, mientras que a su lado aparece la princesa a la que salva. El santo aparece en la confluencia de una línea de plafones vertical y otra horizontal, formando una cruz que sin embargo no es uniforme ni se encuentra en el centro de la puerta, sino que está desplazada hacia la parte inferior izquierda. El resto de la representación muestra una serie de símbolos relacionados con la historia de la Corona de Aragón, como los escudos de armas de Cataluña, Aragón, Valencia, Baleares y Sicilia, el escudo primitivo de Aragón, la cruz de San Jorge, una imagen de la ciudad de Palma de Mallorca en tiempos de Jaime I y un mapa del Mediterráneo que alude a la expansión territorial de este reino durante la Edad Media. Además de estas imágenes, aparecen escritas diversas frases en latín, catalán y aragonés, procedentes del Llibre dels feits (una crónica sobre Jaime I), de la crónica de San Juan de la Peña sobre San Jorge, y de una carta de Jaime II al papa Clemente V en respuesta a una petición del pontífice para iniciar una cruzada en Tierra Santa. También aparecen nombres de personajes históricos catalanes, así como los de los autores (escultor y fundidor, en este caso Manuel Parellada) y la fecha de su inauguración. Por otro lado, el artista dejó su propia huella en dorado, junto al pomo de la puerta que representa el escudo de Barcelona. Por último, uno de los plafones es un plano a escala de la misma puerta, un curioso detalle de autorrepresentación.87​

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Palacio de la Generalidad

Relieve de San Jorge-Teseo (1976).
En la sede del gobierno autonómico catalán Subirachs realizó diversas obras: en 1976 diseñó la puerta para la sacristía de la capilla de San Jorge, así como el Relieve de San Jorge-Teseo en la galería que une el Palacio de la Generalidad con la Casa de los Canónigos. La puerta de la sacristía está confeccionada en bronce, con unas medidas de 233 x 101 x 12 cm. Consta de la cruz de San Jorge, junto a las cuatro barras del escudo de Cataluña, además de la planta de la catedral de Barcelona y unas cadenas que simbolizan la esclavitud. El Relieve de San Jorge-Teseo consta de dos plafones de piedra travertino, con una medida total de 380 x 480 x 30 cm. Aquí el artista desarrolló un programa iconográfico que equiparaba la leyenda cristiana del santo capadocio con el mito griego del laberinto de Creta, donde San Jorge se equipara a Teseo, el dragón al Minotauro, y la princesa a Ariadna. Además, situó diversos elementos de su repertorio figurativo, puestos en oposición como es habitual en su obra: el sol como símbolo de la libertad, opuesto a la luna —con forma de laberinto—, que representa la soledad; una balaustrada, como materialización del arte, contrapuesta a una calavera, clara alusión a la muerte. Por último, al fondo de estas escenas se vislumbra el perfil de la montaña de Montserrat. Por otro lado, en la puerta que comunica con la Casa de los Canónigos realizó un tirador de bronce de 21 x 22 x 4 cm con la huella de una mano y la inscripción «Jaime I, 1276-1976».88​

Para la Generalidad elaboró también cuatro bustos con los retratos de los presidentes de esta institución desde la Segunda República hasta la restauración democrática, situados en el patio de los Naranjos del palacio de la Generalidad: Francesc Macià (1984, bronce, 60 x 27 x 32 cm), Lluís Companys (1990, bronce, 58 x 24 x 30 cm), Josep Irla (2001, bronce, 54 x 24 x 27 cm) y Josep Tarradellas (1999, bronce, 57 x 26 x 30 cm).89​

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Sagrada Familia

Fachada de la Pasión del Templo Expiatorio de la Sagrada Familia (1987-2009).
La opera magna de Subirachs fue la decoración escultórica de la Fachada de la Pasión del Templo Expiatorio de la Sagrada Familia de Barcelona, que realizó entre 1987 y 2009.90​ Para esta obra vivió y trabajó por un tiempo en una modesta vivienda situada en el interior del propio templo de la Sagrada Familia, a imagen y semejanza de su ídolo, Antoni Gaudí. En la realización de esta obra contó con la colaboración de sus ayudantes Ramon Millet y Bruno Gallart.

En esta obra Subirachs recuperó su estilo expresionista de los años 1950, para enfatizar el carácter expresivo de las figuras y el patetismo del tema. Sin embargo, su obra en el templo gaudiniano fue muy criticada por su estilo contemporáneo, que rompía con el estilo en que se había desarrollado hasta entonces, de corte más realista —especialmente la Fachada del Nacimiento—. Llegó incluso a producirse en 1990 una manifestación frente a la Sagrada Familia en contra de su intervención en la misma.91​ Sin embargo, con el tiempo parte del público barcelonés ha llegado a aceptar esta obra, que pese a todo no rompe con el espíritu que Gaudí había pensado para esta fachada:

Alguien encontrará esta puerta demasiado extravagante; pero yo querría que haga miedo, y para conseguirlo no ahorraré el claroscuro, los motivos entrantes y salientes, todo lo que resulte de más tétrico efecto. Es más, estoy dispuesto a sacrificar la misma construcción, a romper arcos y a cortar columnas para dar idea de lo cruento del Sacrificio.92​

La crucifixión.
Dedicada a la Pasión de Jesús, esta fachada pretende reflejar el sufrimiento de Cristo en su crucifixión, como redención de los pecados del hombre. Por ello, Gaudí concibió una fachada más austera y simplificada, sin ornamentación, donde destacase la desnudez de la piedra, semejando un esqueleto reducido a las líneas simples de sus huesos. En ese sentido, Subirachs ideó un conjunto simple y esquemático, con formas angulosas que provocan un mayor efecto dramático. El ciclo escultórico de la Pasión está instalado en tres niveles, siguiendo un orden ascendente en forma de S, para reproducir el Calvario de Jesús:93​

Nivel inferior: contiene las escenas de la última noche de Jesús antes de la crucifixión. La Última Cena presenta a Jesús con los doce apóstoles, en el momento en que Judas le traicionará. Pedro y los soldados es el momento en que Pedro corta la oreja a Malco, el criado del Sumo Sacerdote. En El beso de Judas las figuras están toscamente talladas para sugerir una visión nocturna; detrás de Judas se sitúa la serpiente que simboliza el demonio. La negación de Pedro contiene tres figuras de mujer que representan las tres veces que Pedro negó a Jesús. En Ecce Homo Jesús es presentado con la corona de espinas, custodiado por dos soldados y con la figura de un Pilato dubitativo ante lo que debe hacer. La última escena de este nivel es El juicio de Jesús, en que Pilato se lava las manos.94​
Nivel medio: representa el Calvario de Jesús. Aparece en primer lugar Las Tres Marías y Simón de Cirene, en que éste ayuda con la cruz a Jesús, rodeado por la Virgen, María Magdalena y María de Cleofás. La Verónica muestra el rostro de Jesús marcado en negativo en la tela de la mujer que le limpió el sudor; la figura de Verónica no tiene rostro para no interferir con la imagen de Jesús. Aquí Subirachs hace un homenaje a Gaudí, dándole su fisonomía a la figura del evangelista situado a la izquierda, así como en la forma de los cascos de los soldados, que evocan las chimeneas de la Casa Milà. Cierra el ciclo El soldado Longino, que clavó su lanza a Jesús aunque luego se convirtió al cristianismo.95​
Nivel superior: figura la muerte y entierro de Jesús. Comienza el nivel con Soldados jugando a los dados las vestiduras de Jesús. La crucifixión es la escena principal del pórtico, con Jesús colgado en la cruz —que es de cuatro brazos, como las típicamente gaudinianas, pero puesta en horizontal—, que está hecha de hierro, con una I pintada en rojo en la viga central, símbolo del INRI; aparecen de nuevo las tres Marías y San Juan, y figuran también en la escena un cráneo, símbolo de la muerte (y del Gólgota), y una luna, que representa la noche. El velo rasgado es una estructura de bronce que representa el velo del Templo de Jerusalén, que se rasgó a la muerte de Jesús. Por último, en El entierro figuran José de Arimatea y Nicodemo depositando el cuerpo de Jesús en el sepulcro, junto a la Virgen María y un huevo símbolo de la resurrección; la efigie de Nicodemo es un autorretrato del escultor Subirachs.96​

Puerta de la Coronación de Espinas.

Puerta de Getsemaní.
Además de estos ciclos escultóricos, Subirachs realizó también las puertas de bronce de los tres pórticos en que se divide la fachada, dedicados a la Fe, Esperanza y Caridad. El pórtico central —de la Caridad— tiene dos puertas dedicadas al Evangelio, con los textos evangélicos que narran los últimos días de Jesús, separadas por un parteluz con las letras griegas alfa y omega, como símbolo del principio y el fin. Las puertas miden 5,28 metros de alto por 2,82 de ancho, y pesan 6500 kilos. La de la izquierda presenta los pasajes relativos a la Pasión del Evangelio de Mateo, y la de la derecha del de Juan.97​ Frente a las Puertas del Evangelio se sitúa la columna de La Flagelación, que sustituye la cruz inicialmente prevista por Gaudí; por ello, Subirachs dividió la columna en cuatro bloques, simbolizando las cuatro partes de la cruz. Tiene cinco metros de altura, y está realizada en mármol travertino.98​


Autorretrato de Subirachs en la figura de Nicodemo, del grupo de El entierro de la Fachada de la Pasión de la Sagrada Familia.
El pórtico de la Fe presenta la Puerta de Getsemaní, de 4,41 metros de alto por 2,40 de ancho, dedicada a la oración de Jesús en el huerto de los olivos. Vemos las imágenes de Jesús orando, mientras que sus discípulos duermen, y en la parte superior izquierda aparece el cielo nocturno con la luna llena, como presagio de la muerte. En la parte inferior se encuentra un poliedro procedente del grabado La Melancolía de Alberto Durero.99​

El pórtico de la Esperanza presenta la Puerta de la Coronación de espinas, de 5 metros de altura y 2,40 de ancho. Aquí aparece Jesús escarnecido con la corona de espinas, el manto y la caña, como burla de su condición de rey. En otra escena, Jesús es conducido ante Herodes y Pilato, que aparecen enfrentados de forma simétrica, como vistos en un espejo. Incluye además una cita de La Divina Comedia de Dante y un poema de La pell de brau (La piel de toro) de Salvador Espriu.100​

En el frontón situado sobre estos tres pórticos —actualmente en construcción— se situará un friso representando a los profetas, acompañados del cordero del sacrificio de Abraham; y los patriarcas, junto al león de Judá, vencedor de la muerte. Estas figuras bíblicas han sido representadas por Subirachs con sus nombres y símbolos correspondientes en forma de arabesco, grabados en un relieve de 36 metros de largo y 5,5 de alto. La obra ya está finalizada, y solo falta colocarla en su lugar correspondiente cuando finalicen las obras del frontón.101​

Subirachs realizó también las figuras de los cuatro apóstoles a quienes están dedicadas las torres correspondientes a la fachada de la Pasión: Santiago el Menor, Santo Tomás, San Felipe y San Bartolomé. Están hechas en piedra de travertino de 3,25 metros de altura, y fueron colocadas entre febrero y octubre del 2000. Santiago está representado con un báculo de obispo, ya que tradicionalmente fue el primer obispo de Jerusalén; San Bartolomé aparece con un cuchillo, símbolo de su martirio, además de un pergamino, ya que fue autor de un evangelio apócrifo; Santo Tomás se muestra en actitud dubitativa, ya que tuvo que tocar a Jesús para creer en su resurrección; y San Felipe sostiene entre sus manos un libro, símbolo de la predicación que ejerció en Asia Menor.102​

En un nivel superior se sitúa el Espíritu Santo, una escultura para la que Subirachs se inspiró en una paloma, pero de formas casi abstractas, instalada en 2001;103​ y finalmente la Ascensión de Jesús, en el puente que une las torres de San Bartolomé y Santo Tomás, a 60 metros de altura, obra realizada en bronce, instalada en 2005.104​

Además de su obra en la fachada de la Pasión, Subirachs realizó otras obras en el templo: en 2007 se instaló una escultura de San Jorge en la baranda del jubé —en el lado interior de la fachada de la Gloria—, una estatua de bronce de tres metros de altura, inspirada en el San Jorge de Donatello.105​ Asimismo, en septiembre de 2008 se instalaron las puertas de la fachada de la Gloria, realizadas en bronce, con inscripciones del Padre Nuestro, destacando en las puertas centrales el segundo párrafo (Danos hoy nuestro pan de cada día), escrito en cincuenta idiomas distintos.106​

La obra escultórica de Josep Maria Subirachs en la fachada de la Pasión fue declarada el 11 de febrero de 2019 Bien Cultural de Interés Nacional, según la catalogación efectuada por la Generalidad de Cataluña, que señaló que es un «episodio excepcional en la escultura contemporánea que ha convertido a su autor en un referente esencial del arte catalán».107​


Última cena.



El beso de Judas.



Columna de La Flagelación.



Ecce Homo.



La Verónica.



El soldado Longino.



El juicio de Jesús.

Obras principales

Monumento a Narcís Monturiol (1963), Barcelona.
1947: Cadaqués. Colección Rottier, Barcelona.
1953: Europa. Colección Modest Cuixart, Barcelona.
1953: Moisés. Colección Miguel Lerín, Barcelona.
1954: Maniquí-ídolo. Colección Josep Ferrer, Tarragona.
1957: Forma 212. Hogares Mundet, Barcelona.
1958: Tekel (Premio Julio González). Colección del artista.
1958: Ambones Ave / Eva y Santa Cena y Crucifijo, altar mayor de la iglesia de los Hogares Mundet, Barcelona (pintura mural del fondo de Joan-Josep Tharrats).
1959: Frisos y puertas del Santuario de la Virgen del Camino, León.
1959: Las Tablas de la Ley. Facultad de Derecho de Barcelona.
1960: Evocación marinera. Paseo Juan de Borbón, en el barrio de La Barceloneta de Barcelona.
1962: Cera perdida vertical. Museo Internacional, Market Center Award, Dallas.
1962: Cruz de San Miguel. Monasterio de Montserrat.
1963: Monumento a Narcís Monturiol. Barcelona.
1963: Monumento a las víctimas de las inundaciones del Vallés. Rubí.
1964: Santa Cecilia, Crucifijo y La Trinidad, altar mayor de la parroquia de Santa Cecilia, Barcelona.
1965: Monumento a Pompeu Fabra. Planolas.
1965: Monumento a las víctimas del accidente aéreo de Carmona (Sevilla).
1965: Fachada del Colegio de Nuestra Señora de la Paz, junto al arquitecto Fray Coello de Portugal Torrelavega (Cantabria).
1965: Puertas de San Pedro y San Pablo, iglesia de la Residencia Bell-lloc, La Roca del Vallés (con vidrieras de Albert Ràfols-Casamada).
1966: Escudos de Barcelona. Vestíbulo de la Casa de la Ciudad de Barcelona.
1966: La columna. Museo Middelheim de Amberes (Bélgica).
1967: Venus del cerro de Peñíscola. Peñíscola.
1967: La medida del espacio-tiempo. Edificio Mercurio de Barcelona.
1968: Monumento al Comercio Internacional. Dallas.
1968: Monumento a las Olimpiadas de México, en recuerdo de la XIX Olimpiada, Ruta de la Amistad, Ciudad de México.
1968-1972: Homenaje a Le
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Julio González

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Julio González

(Julio González Pellicer; Barcelona, 1876 - Arcueil, 1942) Escultor y pintor español. Figura fundamental de la renovación escultórica del siglo XX, Julio González es especialmente reconocido por su permanente experimentación a nivel formal y su aportación de nuevos materiales a la actividad... Ver mas
(Julio González Pellicer; Barcelona, 1876 - Arcueil, 1942) Escultor y pintor español. Figura fundamental de la renovación escultórica del siglo XX, Julio González es especialmente reconocido por su permanente experimentación a nivel formal y su aportación de nuevos materiales a la actividad creadora.


Julio González

Hijo de una familia de orfebres catalanes, aprendió a forjar en el taller familiar. El joven Julio, sin embargo, quería ser pintor, y con ese propósito marchó en 1900 a París, donde entró en contacto con Picasso y Pablo Gargallo. A pesar de dedicarse a la pintura en sus comienzos, sus conocimientos del metal forjado lo llevarían a iniciarse en la escultura. De 1910 datan sus primeras máscaras de metal repujado, en las que se advierte una sensibilidad cercana a las experiencias cubistas. En 1922 celebró su primera exposición individual, y a partir de 1927 centró ya su actividad artística en la escultura.

En sus primeras obras escultóricas en hierro, Julio González abordó principalmente dos temáticas: las naturalezas muertas y las máscaras. En las primeras se aprecia la influencia del cubismo, y en las segundas, del arte negroafricano. En 1929, con las series El beso y El sueño, se alejó definitivamente del cubismo para adentrarse en la abstracción. Sin embargo, no puede calificarse a González de artista abstracto, ya que su constante ir y venir entre la figuración y la abstracción lo convierte en un escultor singular.


Hombre-cactus (1939), de Julio González

En 1931 colabora con Picasso en la realización de la escultura en hierro forjado para el monumento al poeta Guillaume Apollinaire. Es su período más experimental, durante el que se adentra en territorios inexplorados, haciendo que sus piezas de hierro constituyan dibujos en el espacio. Se integró en el grupo Cercle et Carré y firmó en 1934, junto a Picasso, Fernand Léger y Vasili Kandinsky, el manifiesto del grupo Abstraction-Création.

En 1937 presentó su escultura La Montserrat en el Pabellón de España de la Exposición Internacional de París, con la que quiso expresar el dramatismo de la guerra civil y abordar desde el arte la problemática social española. De 1939 son sus Hombres-cactus, expresión de una época que puede describirse como un surrealismo matérico.



Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Julio González. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/gonzalez_julio.htm el 27 de diciembre de 2019.



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Manuel Hugué

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Manuel Hugué

Nació el 30 de abril de 1872 en Barcelona. Se traslada a París el año 1901 donde para subsistir se dedica a la confección de joyas modernistas, en estas piezas ya se aprecia el gusto por los volúmenes que sería una constante en su obra. En 1910 se marcha a Ceret, la Cataluña francesa... Ver mas
Nació el 30 de abril de 1872 en Barcelona.

Se traslada a París el año 1901 donde para subsistir se dedica a la confección de joyas modernistas, en estas piezas ya se aprecia el gusto por los volúmenes que sería una constante en su obra.

En 1910 se marcha a Ceret, la Cataluña francesa, donde trabajan varios de sus amigos cubistas.

Su obra de pequeño tamaño destaca por su gracia, sobre todo sus series sobre flamencos o del mundo de los toros, de esta época es su obra "El Torero" (Museo de Arte Moderno de Barcelona).




Al estallar la I Guerra Mundial vuelve a Barcelona, regresando a Ceret al termino de esta, donde contrae una enfermedad que le dificulta esculpir, por lo que se dedica a la pintura.

Entre sus obras destacan: "Mujer sentada" (1913), "Vendimiadora" (1913, Museo de Arte Moderno de Nueva York), el relieve "Buey y carreta", "Aragonés" escultura en barro, "El Vasco" (1935-36) etc.

En 1927 se establece en Caldas de Montbui donde fallece el 1 de noviembre de 1945.


*buscabiografias.com
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Damiá Campeny

51

Damiá Campeny

Damià Campeny i Estrany, también citado como Damián Campeny (Mataró, 1771-Barcelona, 1855) fue un escultor español. Biografía Estudió en la Escuela de la Lonja de Barcelona, donde más tarde fue profesor y director de la sección de escultura. Estuvo en el taller del escultor Salvador Gurri... Ver mas
Damià Campeny i Estrany, también citado como Damián Campeny (Mataró, 1771-Barcelona, 1855) fue un escultor español.


Biografía
Estudió en la Escuela de la Lonja de Barcelona, donde más tarde fue profesor y director de la sección de escultura. Estuvo en el taller del escultor Salvador Gurri y posteriormente en el del escultor Nicolau Travé.

Abrió su propio taller, donde realizó encargos para parroquias barcelonesas, como San Vicente y San Jaime y para la Cartuja de Montealegre el San Bruno.

En 1797 ganó una beca de la Junta de Comercio y marchó a Roma, donde conoció al escultor Antonio Canova y permaneció viviendo durante dieciocho años. Allí trabajó en el taller de restauración de obras de arte del Vaticano, realizando obras como Hércules, Farnesio y Neptuno, para la Junta de Comercio envía también toda una serie de esculturas.

Vuelve a Barcelona donde compagina su labor de profesor en la Escuela de la Lonja, junto con la realización de sus obras creativas. En ésta Escuela de la Lonja, o Real Academia de Bellas Artes de San Jorge, fue elegido académico de número el 12 de septiembre de 1850.

El rey Fernando VII de España le otorgó el título de escultor de cámara del rey y fue nombrado académico de San Fernando, ofreciéndosele una plaza de profesor, que no aceptó. En ésta otra Academia de San Fernando se le nombró académico de mérito (en la sección de escultura) el 9 de abril de 1820.

Obras destacadas

Lucrecia, (1803), MNAC, Barcelona.
Diana y las ninfas sorprendidas en el baño por Acteón, 1798-1799. Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jorge. Barcelona
Diana en el baño, 1803. Academia de San Fernando. Madrid
Escultura Lucrecia muerta, 1804. Lonja de Barcelona, Barcelona
Cleopatra, 1804-1810. Museo Nacional de Arte de Cataluña. Barcelona
Centro de Mesa, c. 1805. Galería Nacional de Parma (Italia)
Sacrificio de Calirroe, 1805-1808. Depositado por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en la Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jorge. Barcelona
Eros de Centocelle (copia), 1805-1808. Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jorge. Barcelona
Talía, 1805-1808. Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jorge. Barcelona
Vestal o Niobe, c. 1810. Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jorge. Barcelona
Flora, 1825. Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jorge. Barcelona
La Clemencia o la Paz, 1827. Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jorge. Barcelona
La Fe Conyugal, 1810. Barcelona
Fuente del Viejo, 1818. Barcelona
Fuente de Neptuno, 1832. Igualada
El centauro Nessos y Deyanira, 1836. Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jorge. Barcelona
Almogávar matando a un caballero francés, 1836. Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jorge. Barcelona
Aquiles arrancándose la saeta, 1837. Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jorge. Barcelona
Monumento a Galceran Marquet, 1851. Barcelona
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Sergi Aguilar

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Sergi Aguilar

NTURA / DIBUJO / COLLAGE / FOTOGRAFÍA VÍDEO BIOGRAFÍA CONTACTAR Search … Sergi Aguilar (Barcelona, ​​1946) - Estudia en la Escuela Massana y en el Conservatorio de las Artes del Libro de Barcelona entre 1962 y 1967, momento en que entra en contacto con la obra escultórica de... Ver mas
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Sergi Aguilar
(Barcelona, ​​1946)

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Estudia en la Escuela Massana y en el Conservatorio de las Artes del Libro de Barcelona entre 1962 y 1967, momento en que entra en contacto con la obra escultórica de Julio González, Constantin Brancusi y los constructivistas rusos, entre otros. Durante los cuatro años siguientes continúa su formación y amplia sus intereses creativos con estancias personales en París, Londres, Praga, Stuttgart y Menorca.
En 1972 comienza a trabajar como escultor. Sus primeros objetos son volúmenes abstractos que tienen presente la observación y el análisis de la naturaleza. Entre 1973 y 1980 realiza una serie de bloques de mármol de influencia posminimalistas.
A principios de los años ochenta, sus esculturas derivan en unas construcciones con los conceptos de recinto y rampa como principales referentes. Usar el acero, un material que le permite construir diferentes planos, cuya intersección introduce las ideas de movilidad y acotación, en contraposición al concepto de bloque.
A partir de 1993 comienza a trabajar con dibujos y fotografías de lugares que ha visitado. A menudo utiliza este material gráfico en sus esculturas, combinándolo con estructuras o traduciéndolo en volúmenes.
Hacia el 2005, abandonando la escultura entendida como un ente sólido e independiente; es a partir de entonces que el territorio se convierte en el tema y el eje principal de trabajo, al que incorpora la noción de desplazamiento.
Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en Europa, en Estados Unidos y en Japón, mayoritariamente en galerías. También ha expuesto en el Museo Guggenheim de Nueva York, el Carnegie Museum of Art de Pittsburgh y la Fundación Gulbenkian de Lisboa y ha participado en varias exposiciones colectivas sobre escultura española. Su obra se encuentra en las colecciones del MACBA, la Kunsthalle de Mannheim, la Fundación "la Caixa", el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo Guggenheim de Nueva York, la Fundación Banco Sabadell, la Fundación Juan March y la Universidad Autónoma de Barcelona, ​​entre otros.
También ha realizado esculturas para el espacio público, como las obras Julia (1987) e Interior (1987) en Barcelona y Marca de agua. Homenaje a Carlos Barral (1992) en la playa de la Pineda de Vila-seca (Tarragona) y El paso de las nubes (2003) al parque del Prado, Gasteiz. En el ámbito de la docencia, ha impartido cursos, seminarios y conferencias en diversas instituciones, como Arteleku, la Fundación Botín, la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona y la Escuela Eina de Barcelona.
En el año 2000 la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona editó, con Ediciones UB, Escalas y estancias, un libro que recoge una serie de reflexiones propias sobre la práctica del arte.
Ha sido presidente de la AAVC (Asociación de Artistas Visuales de Cataluña) entre los años 1996 y 2002, y de la UAAV (Unión de Asociaciones de Artistas Visuales) entre 2004 y 2007. Desde 2007, es director de la Fundación Suñol de Barcelona.

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Estudia en la Escuela Massana y en el Conservatorio de las Artes del Libro de Barcelona entre 1962 y 1967, momento en que entra en contacto con la obra escultórica de Julio González, Constantin Brancusi y los constructivistas rusos, entre otros. Durante los Siguientes cuatro años continúa sume formación y amplía sobre intereses creativos con estancias personales en París, Londres, Praga, Stuttgart y Menorca.
1972 Comienza a Trabajar como escultor. Sus primeros Objetos son volúmenes abstractos que Tienen presentes la Observación y el análisis de la naturaleza. Entre 1973 y 1980 realiza una serie de bloques de mármol de influencia posminimalista.
A principios de los años ochenta sobre esculturas derivan en unas construcciones con los Conceptos de recintos y rampa como principales referentes. Utiliza el acero, un material que le Permite que construir diferentes planos cuya intersección Introduce las ideas de Movilidad y acotación, en contraposición al conceptos de bloque.
A partir de 1993 Comienza a Trabaja con dibujos y fotografías de lugar que ha visitado. A Menudo emplea este material gráfico en sobre esculturas, combinandolo con estructuras o traduciéndolo en volúmenes.
Hacia 2005 abandonando la escultura entendido como un ente sólido y independiente; a partir de entónces el territorio se convierte en el tema y eje principal de super trabajo, el cual incorpora la noción de desplazamiento.
Ha Realizado exposiciones individuales y colectivas en Europa, Estados Unidos y Japón, principalmente en galerías. También ha expuesto en Centros como el Museo Guggenheim de Nueva York, el Carnegie Museum of Art de Pittsburgh y la Fundación Gulbenkian de Lisboa, y ha participación en varias exposiciones colectivas sobre escultura española. Su obra Se encuentra en las colecciones del MACBA, la Kunsthalle de Mannheim, la Fundación "la Caixa", el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo Guggenheim de Nueva York, la Fundación Banco Sabadell, la Fundación Juan March y la Universidad Autónoma de Barcelona, ​​entre Otras.
También ha Realizado esculturas para el espacio público, como las obras Julia (1987) y Interior (1987) en Barcelona y Marca de agua. Homenaje a Carlos Barral (1992) en la playa de La Pineda de Vila-seca (Tarragona) y El paso de las nubes (2003) en el parque del Prado, en Vitoria-Gasteiz. En el ámbito de la docencia ha impartición cursos, seminarios y conferencias en diversas instituciones, como Arteleku, la Fundación Botín, la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona y la Escuela Eina de Barcelona.
En el año 2000 la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona edita, con Ediciones UB, Escalas y estancias, un libro que recoge una serie de reflexiones Propias sobre la práctica del arte.
Ha Sido presidente de la AAVC (Asociación de Artistas Visuales de Cataluña) entre los años 1996 y 2002 y de la UAAV (Unión de Asociaciones de Artistas Visuales) entre 2004 y 2007. Desde 2007 es director de la Fundación Suñol de Barcelona.
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Juan de Ávalos y Taborda

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Juan de Ávalos y Taborda

Juan de Ávalos y Taborda (Mérida, 21 de octubre de 1911 – Madrid, 6 de julio de 2006) fue un escultor español. Su escultura es una de las más representativas del arte español contemporáneo, siguiendo la corriente figurativa. Su carrera, impulsada por el régimen de Franco, quedó asociada a las... Ver mas
Juan de Ávalos y Taborda (Mérida, 21 de octubre de 1911 – Madrid, 6 de julio de 2006) fue un escultor español.

Su escultura es una de las más representativas del arte español contemporáneo, siguiendo la corriente figurativa. Su carrera, impulsada por el régimen de Franco, quedó asociada a las esculturas realizadas para del Valle de los Caídos, llegando a ser considerado como uno de los escultores españoles más destacados del siglo XX.Biografía
Infancia y estudios
Nacido en Mérida, de padre extremeño y madre castellana, comenzó a demostrar excelentes dotes para el dibujo con seis años, recibiendo clases de dibujo de Juan Carmona, párroco de la iglesia de santa Eulalia.

Su padre se quedó ciego y, contando con ocho años, su familia se traslada a Madrid. Estudió en el Colegio de los Mercedarios a la par que acudía a la Escuela de Artes y Oficios. Ya de niño gustó de la escultura clásica, acudiendo a hacer bocetos al Casón del Buen Retiro (entonces sede del Museo Nacional de Reproducciones Artísticas), y del Don Juan Tenorio de José Zorrilla, para el cual realizó varios bocetos.

Aunque su familia deseaba su ingreso en la Universidad, le venció su orientación artística, comenzando como aprendiz con diversos escultores de la madera e ingresando con catorce años en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando, finalizando sus estudios con veinte años con Premio Extraordinario y Premio Aníbal Álvarez de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Juventud
En 1933, con 22 años, logra una plaza en la Universidad de Sevilla, desarrollando diversos trabajos de recuperación de restos romanos, destacando los del Teatro de Mérida. Podrá así conjugar su trabajo con su gusto por el teatro. Allí conocerá a Miguel de Unamuno en el estreno de Medea. Un año después fue nombrado subdirector del Museo Arqueológico de Mérida, cuyos fondos catalogará y ampliará.

Entretanto, irá participando en varias exposiciones, destacando sus contribuciones a las anuales Exposiciones Nacionales de Bellas Artes.

Guerra Civil
En 1936 se incorpora al Ejército Nacional, pero en 1938 cae herido de gravedad en Jaén. Si bien seguirá militarizado, se dedicará al dibujo de motores y piezas, ocupación que alterna con la ejecución de tallas religiosas. Ese mismo año contrae matrimonio con Soledad Carballo Núñez en Pontevedra.

Posguerra
Terminada la guerra, instala un estudio en la calle Mejía Lequerica de Madrid, pero en 1940 se le incoa expediente de depuración debido a una denuncia que le acusa de colaborador con actividades culturales republicanas en 1936. Ávalos continuó con su actividad, participando en la Exposición Nacional de Bellas Artes de ese año y realizando la imagen de Jesús Nazareno para la iglesia de Villagonzalo (Badajoz). No obstante, en 1942 se publica en el Boletín Oficial del Estado la resolución del expediente de depuración, en el que se consideran probados los hechos en virtud de una hipotética afiliación al PSOE (con el carné número 7 de Mérida). Se le inhabilita así para ejercer cargos directivos en instituciones académicas, por lo que se centrará en la escultura religiosa, en la restauración y en tallas para particulares.

Estancia en Portugal
En 1945 recibirá un homenaje público por la Cámara municipal de Oporto (Portugal), a lo que le siguen varios encargos en Lisboa, por lo que decide fijar su estudio allí. Participará en exposiciones en Buenos Aires y Río de Janeiro. Se iniciará también en la escultura vanguardista bajo el seudónimo de Arturo Sánchez, con el que obtiene una Mención de Honor para artistas extranjeros en el XI Salón de Arte Moderno de Lisboa.

Regreso a España: el Valle de los Caídos
En 1950, un amigo personal le recomienda que se presente al concurso convocado para la realización de las esculturas de la Basílica de la Santa Cruz del Valle de los Caídos, en Cuelgamuros (Madrid). Ávalos había participado en la Exposición Nacional en Madrid con su obra Héroe muerto, y presentó setenta bocetos en menos de una semana. Gana la adjudicación del concurso y regresa a Madrid, instalándose en la calle Agustín Querol, donde reúne a un gran número de artesanos.

Nunca existió una vinculación personal estrecha entre el escultor y Francisco Franco. La designación de Ávalos resultó toda una sorpresa en las esferas académicas españolas, recibiendo el propio Franco varios escritos de círculos que se oponían a su designación. El propio escultor cuenta que su única relación con Franco tuvo lugar en la citada Exposición de 1950, cuando el Caudillo, visitando la muestra, se paró ante la estatua que presentaba y comentó: Éste es el gran escultor que necesita España.1​

Ávalos quiso renunciar al proyecto ante las protestas, pero Blas Pérez González, Ministro de la Gobernación, le recomienda que se entreviste con Franco en el Palacio de El Pardo. Allí, el escultor propondrá una obra de temática fundamentalmente religiosa, evitando cualquier alusión bélica. Curiosamente, al día siguiente, se promulgó un decreto por el que se acordaba que en el Valle se enterraran juntos muertos de ambos bandos.

El presupuesto, inicialmente fijado en 27 millones de pesetas, se redujo a 9 millones. El escultor reconoció qué, entre material, mano de obra e impuestos, cobró unas 300.000 pesetas.2​ No obstante, el encargo le abrió las puertas a otros muchos. Décadas después, el propio escultor inició una batalla legal contra el ente Patrimonio Nacional por una deuda de 50 millones de pesetas en concepto de derechos de autor y de producción, que no le fueron entregados.1​

Obras y premios

Monumento del Ángel (Santa Cruz de Tenerife), 1966.
Desde el 9 de junio de 1974 fue académico de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. En 1941, con su obra Autorretrato, consiguió la tercera medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes. Con la escultura Soledad, se hizo con la segunda medalla en la misma exposición, el año 1950. La primera medalla la consiguió el año 1957, con la obra titulada Cristo yacente.

Acerca de su estética se ha escrito que es «apreciado como uno de los escultores españoles que mayor pasión ha demostrado por el cuerpo humano»,3​ como se observa en los cuerpos del conocido Mausoleo de los amantes de Teruel, o en los cristos y piedades salidas de su cincel. Comentaba con el maestro Joaquín Rodrigo que los dos eran obreros de las manos, el primero golpeando estéticamente el teclado del piano y el segundo golpeando sobre la piedra hasta que salía la obra bien hecha.

En 1976, coincidiendo con el bicentenario de la Independencia de los Estados Unidos, España regaló a ese país una estatua ecuestre de Gálvez, obra de Juan de Ávalos, que fue colocada en la Avenida de Virginia en Washington, en Washington DC. La estatua está situada en el Bernardo de Galvez Memorial Park, junto a la citada Avenida.

El 2 de septiembre de 1980, en virtud de la disposición transitoria segunda de la creación de la Real Academia de Extremadura de las Letras y las Artes (Real Decreto 1422/1980, de 6 de junio), Juan de Ávalos y García-Taborda fue elegido académico junto con el escultor Enrique Pérez Comendador y el escritor Pedro de Lorenzo. El 22 de marzo de 1981 leyó el discurso de ingreso y tomó posesión de la Medalla número 6 de la Real Academia de Extremadura de las Letras y las Artes, en el Complejo Cultural San Francisco de Cáceres.


Monumento a Juan Pablo II en la Catedral de la Almudena de Madrid.
Algunos conjuntos monumentales notables salidos de su taller son el dedicado a Los amantes de Teruel en la misma ciudad de Teruel, que ideó desde 1955 y que se custodia en la Iglesia de San Pedro; Monumento a Luis Carrero Blanco en Santoña; Ángel de la paz en Valdepeñas; Arco del Triunfo a la Independencia en la República Dominicana; en la parroquia de San Francisco de Barbastro se puede contemplar la primera imagen del beato gitano «el Pelé», realizada a finales del siglo XX. El monumento a Fernando el Católico de Zaragoza data del año 1969.

Para el escultor Julio López, «la obra de Juan de Ávalos es magistral y sólida». Este artista apoyó el proyecto de Ávalos para la escultura de Juan Pablo II y sobre la obra del Valle de los Caídos ha manifestado que «enlaza con la tradición de Miguel Ángel y de las esculturas centroeuropeas».

Venancio Blanco afirma que «su obra tiene ya un sitio 'importante' en el marco de la escultura contemporánea que refleja 'el modo que le tocó vivir'». Hace unos años «recordó una anécdota en la que el escritor Miguel de Unamuno le aconsejó, antes del estreno de Medea en el teatro romano en 1934, que fuera fiel a sí mismo y tuviera amor por sus mayores, 'y eso es lo que he hecho, ser extremeño y amar lo que mis padres me enseñaron'».

En el volumen IV (1993) del Boletín de la Real Academia de Extremadura de las Letras y las Artes, de la que fue miembro numerario, escribió una colaboración titulada «La España profunda: Ortega y Rocío Jurado». En ella cuenta cómo conoció a Ortega y la escultura que realizó por encargo del rector de la Universidad Complutense de Madrid, al mismo tiempo que narra los avatares para cumplir el encargo del alcalde de Chipiona para inmortalizar la figura de Rocío Jurado.

Sobre el primero escribe: «Me presentó a don José Ortega y Gasset en Lisboa, por el año 1944, mi gran amigo y después compañero en la Academia de Bellas Artes, el gran compositor Ernesto Halffter», y recuerda que «fue en mi primera exposición en Lisboa en las Bellas Artes, donde Eugenio Montes hizo la presentación de la misma, inaugurándola el embajador, y allí estaba nuestro increíble don José, derrochando ingenio y simpatía». El editor del BRAEx anota que «Me he permitido engarzar las dos realidades —Ortega y Gasset y Rocío Jurado— bajo el título de La España profunda, puesto que el éxito de la cultura de un pueblo consiste en la unión del pensamiento intelectual con la manifestación artística del genio intrahistórico». Cuando el alcalde de Chipiona le encargó el monumento para inmortalizar a Rocío Mohedano Jurado, Juan de Ávalos confiesa en esa misma publicación que «mi concepto ha tenido base en que ella es una fuente de emociones que con su expresión y registros extraordinarios llega al espectador o a quienes se comunican en la intimidad con la gran alegría de su espléndida comunicación».

Obras de Juan de Ávalos pueden verse en Santa Cruz de Tenerife, Teruel, Barbastro, Zaragoza, Puerto Rico, León, Oviedo, Guayaquil (Sagrado Corazón), La Habana (Homenaje a Cuba), República Dominicana (Esculturas Plaza de la Bandera), entre otros lugares. En una de las plazas de Esquivias (Toledo) se alza el monumento dedicado al cervantista Luis Astrana Marín; y también una estatua gigante de Cervantes. La estatua dedicada a Rocío Jurado en su localidad natal. En Benidorm (Alicante) se puede contemplar el Monumento a los marinos caídos y en la iglesia de Mondragón un Cristo. En Burgos se conserva la estatua ecuestre del conde Diego Porcelos (fundador de la ciudad) y el Monumento a las Fuerzas Armadas. La ciudad de Úbeda exhibe en la plaza de Vázquez de Molina, frente al palacio homónimo, dos leones. En la Catedral de Madrid se custodia un Cristo Yacente debido a su mano.

Diseñó también joyas, y si a Mariano Benlliure se debe el primer diseño de la peseta después de la Guerra Civil, el último bajo el franquismo se debe a Juan de Ávalos.

La obra de Juan de Ávalos también se puede encontrar en su tierra. En Badajoz realizó el monumento a Covarsí y El héroe caído que forma un conjunto con los originales en bronce de los cuatro evangelistas, así como la fuente al Genio de Extremadura y las alegóricas La ciudad y el río y el Monumento a los extremeños universales. En Mérida, la gran estatua A los emeritenses muertos en las guerras y el Homenaje a los arqueólogos de la Puerta de la Villa, La Piedad en su panteón familiar o las imágenes de la Cofradía del Prendimiento de Jesús y Nuestra Señora de la Paz. En Almendralejo, el Cristo crucificado que adorna la pared exterior de la Iglesia parroquial de Nuestra Señora de la Purificación. En Solana de los Barros, la iglesia parroquial de Santa María Magdalena luce un Cristo en bronce, colocado encima de la torre del campanario. La parroquia de San Pedro de Alcántara de la ciudad de Cáceres muestra una talla fechada en 1967 con la figura del confesor de Santa Teresa de Jesús. El parque de El Rodeo de la misma ciudad también luce un monumento debido a su mano. En Llanes (Asturias) en la Basílica de Santa María del Conceyu, existe un paso procesional en madera titulada del Cirineo, del año 1959. Jesucristo, con una rodilla en el suelo carga con la cruz ayudado por el Cirineo.
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Alejo de Vahía

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Alejo de Vahía

Alejo de Vahía (? - circa 1515)1​ fue un escultor gótico de probable origen nórdico, ya que su formación artística parece proceder de la zona del Bajo Rin.2​ Se estableció en España, donde desarrolló su actividad escultórica en un periodo de tiempo impreciso, comprendido entre 1475 y 1515.1​ Se... Ver mas
Alejo de Vahía (? - circa 1515)1​ fue un escultor gótico de probable origen nórdico, ya que su formación artística parece proceder de la zona del Bajo Rin.2​ Se estableció en España, donde desarrolló su actividad escultórica en un periodo de tiempo impreciso, comprendido entre 1475 y 1515.1​ Se desconoce la fecha de su nacimiento aunque se sabe que falleció en 1515 o previamente,3​ deducción que hace Oliva Herrer a partir del censo de Becerril de Campos, en que aparece su mujer como viuda.

No firmaba sus obras y su personalidad se ha reconstruido gracias a su estilo personal muy definido, y a un solo dato documental.4​ Es, sin duda, el escultor con mayor obra conocida entre todos los que trabajan en Castilla a finales del xv, pero a causa de su constancia en repetir esquemas y modelos -que, por otra parte, hace muy fácil el reconocimiento de sus obras- es difícil trazar su evolución estilística.

En un primer momento se aposentó en Valencia, pero a finales del xv fijó su residencia en la localidad palentina de Becerril de Campos, consiguiendo una más que aceptable posición económica. En esta población organizó un próspero taller que abasteció a un amplio pero modesto mercado, principalmente a la zona de Valladolid y Palencia. Mediante atribuciones basadas en el estudio de su estilo, también se sabe que tuvo relación con la ciudad de Oviedo, donde entre 1491 y 1497 intervino en la sillería de coro de su catedral junto a muchos maestros extranjeros.5​

Parte de su obra está realizada en piedra, como los sepulcros de los Núñez de la Serna en la iglesia de Santiago de Valladolid o las ménsulas que realiza en el Colegio Mayor de Santa Cruz, también en Valladolid. Sin embargo, su obra está compuesta mayoritariamente por imaginería devocional realizada en madera policromada, entre la que destacan la María Magdalena del retablo mayor de la Catedral de Palencia, el púlpito de la colegiata de Ampudia, los Doctores de la Iglesia del Museo Diocesano de Valladolid y una extensa serie de vírgenes con el niño.



Primeros estudios y situación actual

A través de la Magdalena de la catedral de Palencia se ha estudiado todo el estilo de Alejo de Vahía. La pista del San Juan que hacía pareja con esta imagen se perdió, pero el historiador de arte Yarza Luaces cree que el San Juan del Museo Marès de Barcelona es el que correspondería al del encargo de 1505 para la catedral palentina.6​
En lo que a su identificación se refiere, la figura de Alejo de Vahía es relativamente nueva en la Historia del Arte, aunque se conocía la existencia de una serie de esculturas en la zona de Tierra de Campos que indicaban un estilo personal y que presentaban las características propias del último periodo gótico.

El primero en percibirse de ello fue Weise -1925-,7​ quien destacó la semejanza de un limitado número de obras dentro del círculo hispano-flamenco palentino.

Wattenberg en 1964 vio, además, los mismos rasgos en las esculturas del Colegio de Santa Cruz de Valladolid.7​ De modo que, intuyendo la existencia de una personalidad de estilo, denominó al autor con el nombre de Maestro de Santa Cruz, al que identificó con Rodrigo de León, siguiendo la atribución que Esteban García Chico había hecho a este artista de una de ellas, la Piedad de la iglesia de Santa Cruz de Medina de Rioseco, dato pronto corregido por Martín González en 1969 tras un análisis del dato documental.7​

A la misma conclusión llegó Ignace Vandevivere tras estudiar el retablo mayor de la Catedral de Palencia.8​ Sus estudios le llevaron a identificar con un tal Alexo de Vahia una de las esculturas atribuidas por Wattenberg al Maestro de Santa Cruz; se trata de la Magdalena que se encuentra actualmente en el nicho más alto de la calle exterior derecha. Según consta en la copia del contrato que se conserva registrado en el Libro de las obras de la Catedral, se sabe que el día 4 de junio de 1505 «se encargó a Alexo de Vahia, ymaginario vecino de Becerril una Magdalena junto con un San Juan Bautista para el retablo mayor de la mencionada Catedral.»9​

Los razonamientos que Vandevivere aducía para establecer dicha identidad se fundamentaban en un análisis minucioso del proceso de realización del retablo. En primer lugar, el obispo Diego de Deza había donado el día 19 de marzo de 1504, 300 000 maravedís a la Catedral de Palencia para la ejecución del retablo mayor, que estaría situado en la capilla actual del Sacramento.10​ El 22 de enero del mismo año había hecho ya un contrato con Pedro de Guadalupe,11​ autor del ensamblaje del retablo del Colegio de Santa Cruz de Valladolid, para que, siguiendo el modelo de éste, hiciese el del retablo de la Catedral.10​ Entretanto, Deza, nombrado arzobispo de Sevilla, se trasladó a dicha ciudad.10​ El 4 de junio de 1505 la comisión encargada del retablo contrató con Alejo de Vahía la ejecución de dos esculturas.12​ En el contrato se lee que:

una de señor Sant Juan Batista y otra de la Madalena, de bulto y madera de nogal bueno sano y limpio, acabadas en perfeçión y puestas en Palencia, todo a su costa solo lo que toca a su ofiçio de ymaginario. Conviene a saber: con sus insynias, e la de Sant Juan en que aya çinco palmos y medio de vara para la parte de la mano yzquierda de la Asunçión en el medio, y la de la Madalena en que aya çinco palmos de vara para la mano derecha de la Asunción en lo alto.9​
Pero antes de que se le hubiese librado a Alejo de Vahía el importe total de las esculturas,13​ éstas fueron excluidas del plan del retablo, ya que fray Diego de Deza, conocedor ya del nuevo estilo renacentista, contrató la totalidad de la obra escultórica del retablo con Felipe Bigarny, el 1 de agosto de 1505.14​ El cabildo vendió entonces el San Juan Bautista al convento de Santa Clara de Palencia,15​ mientras que la Madalena de nogal que fizo Alexo permaneció en el taller de Pedro de Guadalupe, entre los objetos sobrantes de la obra del retablo.14​


Retablo Mayor. Catedral de Palencia.
En 1509, el nuevo obispo, Juan Rodríguez de Fonseca, decidió trasladar el conjunto del retablo a la capilla mayor actual, pero al disponerlo en dicho lugar quedaba pequeño y fue necesario ampliarlo, tanto en anchura como en altura. Fue entonces cuando se le añadieron las pinturas de Juan de Flandes, introduciendo modificaciones en el ensamblaje, y cuando se remató con el Calvario de Juan de Balmaseda.14​ Aun así, quedaban por completar cuatro nichos en las calles laterales, para los que se necesitaban esculturas. Parece muy posible pensar que una de ellas fuese la referida Magdalena contratada por Alejo, ya que la que actualmente se conserva en uno de los nichos laterales del retablo, además de ser en cuanto a estilo anterior a las restantes, coincide en términos generales con las medidas que se especifican en el contrato de Alejo de Vahía de 1505. Además, la atribución de esta imagen a Alejo de Vahia, vecino de Becerril, hecha por Vandevivere, parece confirmarse ante el hecho de que sea precisamente en esta localidad donde se conserve el mayor número de esculturas con las características de la referida Magdalena, y de que el resto de las obras se reparta en un área muy localizada en torno a ella.

Por lo tanto el estudio de Vandevivere hizo que el llamado hasta entonces Maestro de Santa Cruz pasara a tener nombre: Alejo de Vahía.14​ La personalidad del artista fue definida definitivamente en 1974 por Ara Gil en la obra En torno al escultor Alejo de Vahía, (1490-1510), en la que ya se muestran los rasgos propios de este maestro y un amplio catálogo de sus obras.

Finalmente ha sido también objeto de estudio de Yarza Luaces, publicando varios artículos y profundizando aún más en su obra y posible origen. En el Museo Marès de Barcelona hay nueve esculturas suyas, entre ellas un San Juan Bautista, que Yarza cree posible identificar con el realizado para el retablo mayor de la Catedral de Palencia, y en Francia existen también algunas, como la Virgen de la Leche del Museo del Louvre, una santa en el Museo Goya de Castres o un busto relicario en Avignon.16​

En el año 1987 se vendía por Edward R. Lubin un grupo del Llanto sobre Cristo muerto que anteriormente había pertenecido a la colección Bresset de París. Esta obra se encuentra en la actualidad en el Meadows Museum de Dallas.16​

Biografía

Virgen de los Ángeles, hacia 1500. Villafrechós (Valladolid).
Los datos con los que se cuenta, tanto de tipo documental como estilístico, vienen a suministrar un esquema biográfico incompleto, que sitúa el periodo de actividad de este artista o de su taller, aproximadamente entre 1475 y 1515, apuntando una ligerísima evolución en el desarrollo de sus formas, aun dentro de la inmutabilidad de sus características, desde unos esquemas plásticos planos, lineales y cortantes a otros un poco más redondeados y naturales.

No se sabe nada acerca de su origen aunque la repetición en sus esculturas de ciertos convencionalismos usados en los talleres del gótico tardío de Limburgo, Bajo Rin y Westfalia, obliga a no descartar una procedencia germana u holandesa.

Su rastro se percibe por vez primera en Valencia, donde realizó, hacia 1475, la magnífica Dormición de la Virgen de su catedral, pero debió de emigrar enseguida hacia Castilla, instalándose en Becerril de Campos.

De 1487 a 1491 se puede encontrar su estilo, ya hecho, en el Palacio de Santa Cruz (Valladolid) de Valladolid.17​ A él pertenecen un grupo de ángeles portadores de los escudos del Cardenal Mendoza en las ménsulas de los nervios de las bóvedas del zaguán, del salón principal, de la sacristía de la capilla y del patio. Son también obra suya las puertas de madera de la Biblioteca del Colegio.

En fechas en torno a 1490 trabajó en un grupo de retablos para la provincia de Palencia en colaboración con los principales pintores de la época. Realizó el retablo mayor de la iglesia de Santa Eulalia en Paredes de Nava, cuyas pinturas se deben a Pedro Berruguete, para el que hizo el grupo central del Abrazo ante la Puerta Dorada y otras esculturas. El retablo de la iglesia de Santa María de Becerril, de escultura y pintura, en colaboración con Pedro Berruguete, se fecha igualmente hacia 1490. En ese mismo decenio realizó el retablo de la iglesia de Monzón de Campos, cuyas pinturas son del pintor Alejo, anteriormente conocido como Maestro de Sirga.

Entre 1491 y 1497 se fecha su actividad en la sillería de coro de la Catedral de Oviedo en la que intervinieron también otros maestros.18​

A partir de 1498 volvió a trabajar en Valladolid. Su estilo se reconoce en los bultos funerarios yacentes de dos parejas de esposos, realizados en alabastro, para la iglesia de Santiago. Pertenecen a la familia de Luis de la Serna, que adquirió el patronato de la capilla mayor de la iglesia.


Sepulcro de Don Francisco Núñez, Abad de Husillos, 1501. Catedral de Palencia
El sepulcro de Don Francisco Núñez, Abad de Husillos, fallecido en 1501, y situado en la Catedral de Palencia, vuelve a ofrecer un nuevo hito cronológico en su producción. En 1505 recibió el encargo de la Magdalena para el retablo mayor de la misma catedral, que ha servido para identificarlo. En esa fecha era vecino de Becerril, desde donde atendería a los múltiples encargos a juzgar por las numerosas obras que se han conservado en la provincia. En 1509 falleció el Arcediano de Campos, Diego de Guevara, en cuyo sepulcro se reconoce también su estilo.19​ Por último, en la segunda mitad de 1515 su mujer aparece mencionada como viuda.3​

La lista de obras existentes en la provincia de Palencia es muy extensa, lo que pone de manifiesto la popularidad que alcanzó entre la alta clerecía palentina. También en los medios rurales debía de gozar de gran prestigio, a la vista de la dispersión de su obra, quizá porque no cobraba caras sus esculturas, ya que los 1.500 maravedís que le fueron pagados por una pieza como la Magdalena, es un precio muy bajo en comparación con los casi 4.000 que corresponderían por cada una de las esculturas del retablo mayor de la Catedral de Palencia a Felipe Bigarny, no estando obligado, además, a una intervención personal sino en cara y manos.

Sin embargo, su estilo goticista pudo resultar anticuado en ciertos ambientes. Esto es patente en los momentos en que se enfrenta con personalidades que, por cualquier tipo de razón, conocían el espíritu del Renacimiento. Por ejemplo, el obispo Diego de Deza ignoró sus esculturas, prefiriendo el estilo más vigoroso y naturalista de Felipe Bigarny.

Características de estilo

Rostros característicos de Alejo de Vahía.
El origen nórdico de su estilo es evidente, pues muchos de los convencionalismos empleados por el artista los vemos repetirse en las zonas de Limburgo, Bajo Rin y Westfalia.

Para definir su estilo se ha tenido que partir de las características de la María Magdalena del retablo Mayor de la Catedral de Palencia y de aquellas figuras pertenecientes a un grupo en el que una de las esculturas las repita claramente.20​

Composición de las figuras
El escultor parece partir de esquemas geométricos básicos a la hora de componer sus obras, de ahí el gran parecido que existe entre ellas. Las actitudes suelen mostrar un envaramiento característico, a lo que contribuyen la delimitación de los volúmenes mediante agudos bordes lineales que dan una dureza especial al conjunto. Sin embargo esta dureza queda contrarrestada en una buena parte por los vuelos curvos de los bordes de los mantos, por la misma afectación delicada de las posturas y sobre todo por el convencionalismo de las expresiones, que a fuerza de estereotipadas, presentan una mueca graciosa.

Configuración de los rostros
Alejo de Vahía usa dos esquemas, válidos ambos tanto para figuras femeninas como masculinas: el oval, alargado y fino, y el circular, achatado y más fuertemente expresivo, en cuyos trazados se advierte la superposición de los esquemas curvos citados y otros poligonales que sirven para crear puntos de referencia.

En el tratamiento de las cejas también se nota esta dualidad. En unos casos forman un arco de circunferencia continuo, desde las sienes hasta la nariz, y en otros la parte superior permanece recta, marcándose unos pliegues verticales en el entrecejo. Los ojos suelen ser abultados y un poco caídos hacia los lados, la nariz afilada y un poco redondeada en la punta, y las bocas se estiran adaptándose a una línea recta que queda interrumpida por dos pequeños pliegues verticales en las comisuras.


Rasgos propios de Alejo de Vahía.
Tipos de cabellos
La forma más frecuente de disponer el cabello es partido al centro, con dos grandes ondas salientes a la altura de las orejas y, a partir de ellas, dividido en mechones que se entrelazan formando curvas. Además, en las cabelleras masculinas, es normal ver en el centro de la frente dos pequeños rizos simétricos.

También es muy característico el tratamiento que hace de las barbas. Partiendo de las comisuras de la boca, dibuja unas ondas simétricas que dejan un vacío debajo del labio inferior en forma de copa. Además, cuando el cabello es ensortijado, la barba lleva también rizos circulares.

Concepción del cuerpo humano
Cuando se hace imprescindible el tratamiento del cuerpo humano, por el tema mismo, la anatomía está esquematizada. En general, las figuras tienen las caderas altas, el muslo corto en relación con la pierna, al menos en apariencia, y la tibia muy proyectada hacia delante en un agudo vértice. Emplea dos tipos de perizonium. En el primer tipo, uno de los extremos del lienzo, que pasa entre las piernas, se remete por delante formando un borde inferior horizontal, mientras que en el segundo tipo el paño se anuda a la cadera en posición horizontal.

También vemos repetirse una serie de detalles como el pliegue vertical del centro del pecho o el llamativo sistema de pliegues trapezoidales terminados en un gran vértice que se remete bajo el pie. Sin embargo, son especialmente notables los plegados que adoptan los mantos sobre las tocas, siempre con tres dobleces en la parte superior de la cabeza y dos ondas sobre los hombros, a diferencia de los velos que adoptan un sistema de pliegues lineales.

Asimismo, uno de los rasgos más característicos en Alejo de Vahía es la disposición de la mano derecha en un buen número de esculturas, levantada, con la palma vuelta hacia el espectador y los dedos pulgar e índice juntos.

En cualquier caso, se señala una cierta hispanización de su estilo -de ahí que Vandevivere se refiera con toda propiedad a Alejo de Vahía como un escultor hispano-renano-, así como una cierta evolución hacia un tratamiento más suave de las formas.

Obras destacadas

Cristo crucificado. Iglesia de san Francisco, Palencia.
Dormición de la Virgen, hacia 1473-75. Catedral de Valencia.
Abrazo ante la Puerta Dorada, hacia 1485-90. Museo parroquial de Santa Eulalia. Paredes de Nava (Palencia).
Sillería de coro de la Catedral de Oviedo; hacia 1491-97. Sala capitular de la Catedral de Oviedo.
El Padre Eterno. Finales del siglo XV. Iglesia-Museo de Santa María. Becerril de Campos (Palencia).
San Miguel, hacia 1500. Iglesia-Museo de Santa María. Becerril de Campos.
Virgen de los Ángeles, hacia 1500. Real Monasterio de Santa Clara. Villafrechós (Valladolid).
Virgen con el Niño, hacia 1500. Iglesia parroquial de Morales del Vino (Zamora).
La Asunción de María, hacia 1500. Iglesia de santa María. Fuentes de Nava (Palencia).
Cristo crucificado. Hacia 1500. iglesia de San Francisco, Palencia.
San Buenaventura. Hacia 1500. Museo Nacional de Escultura, Valladolid.
Sepulcro de Don Francisco Núñez, Abad de Husillos, 1501. Catedral de Palencia.
María Magdalena, 1505. Retablo mayor de la Catedral de Palencia.
San Juan Bautista, 1505. Museu Frederic Marès, Barcelona.
San Gregorio. Hacia 1508. Museo Diocesano y Catedralicio de Valladolid.
Sepulcro de Don Diego de Guevara, Arcediano de Campos, 1509. Catedral de Palencia.
Púlpito de la Colegiata de Ampudia. Hacia 1510. Ampudia (Palencia).
Santa Ana Triple. Hacia 1510. Museo Catedralicio de Palencia.
Llanto sobre Cristo muerto. Hacia 1510. Museo Diocesano y Catedralicio de Valladolid.
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Felipe Bigarny

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Felipe Bigarny

Felipe Bigarny, nombrado también como Felipe Vigarny, Felipe Biguerny o Felipe de Borgoña, apodado el Borgoñón (Langres, Borgoña, c. 1475 – Toledo, 10 de noviembre de 1543), fue un maestro escultor y tallista borgoñón radicado en España, considerado como uno de los más insignes del Renacimiento... Ver mas
Felipe Bigarny, nombrado también como Felipe Vigarny, Felipe Biguerny o Felipe de Borgoña, apodado el Borgoñón (Langres, Borgoña, c. 1475 – Toledo, 10 de noviembre de 1543), fue un maestro escultor y tallista borgoñón radicado en España, considerado como uno de los más insignes del Renacimiento español. Presentó además algunos proyectos como arquitecto.

En sus obras coexisten rasgos flamencos, borgoñones y renacentistas italianos. Consiguió un gran prestigio y se convirtió en el maestro de escultura y talla de la Catedral de Burgos. También intervino en importantes obras por toda la Corona de Castilla, con lo que llegó a manejar varios talleres simultáneamente, lo que le proporcionó una buena posición socioeconómica.

Trayectoria
Juventud
Nació en Langres (Borgoña), se cree que en 1475. Teniendo ya unos años parece que viajó a Italia, ya que cuando era mayor señaló que había estado en Roma en su juventud. Este viaje a Italia explicaría sus conocimientos del Renacimiento italiano anterior al año 1500; muchos rasgos de este estilo estuvieron presentes en su formación inicialmente gótica.

Vida en España
En 1498, con unos 23 años, realizaba el camino de Santiago cuando se detuvo en Burgos. Allí le encargaron los relieves del trasaltar mayor de la catedral, realizándolos con gran éxito, lo que le conllevaría la contratación de nuevos trabajos y su residencia de por vida en España. Sería el inicio de una imparable actividad en todos los géneros escultóricos, trabajando como decorador e imaginero, con piedra y madera.


Retablo de la catedral de Santa María de Toledo.

Pedro Fernández de Velasco y Manrique de Lara. Capilla del Condestable, Catedral de Burgos.
En 14991​ diseñó las trazas del retablo mayor de la catedral de Santa María de Toledo, contratado por el cardenal Cisneros,2​ arzobispo de ésta, preparando además una figura de San Marcos y comprometiéndose a esculpir cuatro relieves principales,3​ de los que se le atribuyen inequívocamente los dos superiores de la calle central, terminando estos encargos en 1504. En estos años también realizó algunas imágenes para el retablo de la Universidad de Salamanca.4​

Seguidamente comenzó a preparar la decoración de la capilla del Sagrario de la Catedral de Palencia, dejando bien claro que aunque se hiciera el trabajo en su taller, el artista se comprometía a esculpir todos los rostros y manos. El 12 de diciembre de 1506, Bigarny entregó diecisiete esculturas (entre las que iba un San Antolín ya policromado) y el 19 de octubre de 1509 entregó las nueve restantes. Estas finalmente se colocaron en el retablo mayor. Ese año volvió a Burgos a trabajar junto con Andrés de Nájera en la sillería del coro de la catedral, quedando terminada en 1512. Se le atribuyen a él y a su taller los tableros de la fila superior de las sillas laterales.

En 1513 diseñó el baldaquino del sepulcro de santo Domingo para la Catedral de Santo Domingo de la Calzada, que sería llevado a cabo por Juan de Rasines.5​

En 1516 comenzó a trabajar en la portada y retablo mayor de la iglesia de Santo Tomás de Haro, finalizando en 1519. Ese año residió un tiempo en Casalarreina, lo que llevó a pensar que habría colaborado en la construcción del Monasterio de Nuestra Señora de la Piedad, sin haber datos que así lo indiquen.

En estos años realizó un relieve del retrato de perfil del Cardenal Cisneros, que actualmente se encuentra en la Universidad Complutense de Madrid.6​ Hay datos sobre la realización de otro de Antonio de Nebrija.

Contrajo matrimonio con María Sáez Pardo, viuda con hijos que habían emigrado a América; con ella tuvo cinco hijos. El primero, Gregorio Pardo, nació en 1517. Al crecer sería el único hijo que continuaría con la labor de su padre, colaborando con este en sus últimos años, manteniendo el taller paterno en la diócesis de Toledo. Su bella hija Clara era conocida en Burgos como La niña de plata.

En 1519 Bigarny colaboró con Alonso Berruguete en la elaboración del sepulcro del cardenal Selvagio en Zaragoza, continuando probablemente esta colaboración en la Capilla Real de Granada, de la que parece que Bigarny solo participó en su diseño en 1521.

Colaboración con Diego de Siloé
Al regresar a Burgos empezó a colaborar con el burgalés Diego de Siloé, quien tras terminar su formación en Italia habría vuelto a su ciudad hacia 1519. Con él hizo en 1523 el retablo de san Pedro en la capilla del Condestable de la Catedral de Burgos. En la misma capilla realizaron entre 1523 y 1526 las figuras del retablo mayor, con la Presentación de Jesús en el Templo, considerada una de las más bellas obras del Renacimiento hispánico. Antes de 1534 Bigarny habría realizado también las esculturas yacentes de los fundadores de la capilla, Pedro Fernández III de Velasco y su esposa.

Con Diego de Siloé tuvo cierta rivalidad. Consciente de su fama y respeto en la ciudad, Bigarny tomó residencia permanente en Burgos, primero en un inmueble en el barrio de San Juan y después en una destacada vivienda junto a la Casa de la Moneda.

De 1524 es el contrato para el sepulcro del canónigo Gonzalo Díez de Lerma, también en la catedral de Burgos, en la Capilla de la Presentación. Es muy expresivo y tiene influencias del estilo de Diego de Siloé.

En estos años se le atribuyen las obras no documentadas de un retablo de Santiago de la Puebla (Salamanca) y las esculturas de la Virgen de la Silla y Virgen con Niño para la iglesia de la Asunción de El Barco de Ávila; esta última se expone en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid. También por similitud con alguna de sus obras, se le atribuye el sepulcro del canónigo Diego Bilbao y un retablo que se conserva en la parroquia de Cardeñuela Riopico.

Apareció en el libro de 1526 Medidas del Romano de Diego de Sagredo como uno de los interlocutores y fue alabado como singularísimo artífice en el arte de la escultura y estatuaria. Entonces le llegaron encargos de numerosos lugares de España.

En 1527 terminaba el retablo de la Descensión o del Pilar en la Catedral de Toledo, que probablemente habría empezado en 1520. Esta obra también está muy influida por el estilo de Siloé, aunque poco después la relación con éste se enturbió a causa de diferencias en la contratación de la construcción de la torre de la iglesia de la Asunción de Nuestra Señora de Santa María del Campo, por lo que Siloé puso y ganó un pleito contra Bigarny.7​

Últimos años
En 1530 da un parecer sobre la obra de la Catedral de Salamanca. Entre 1531 y 1533 realiza el sepulcro del obispo Alonso de Burgos, para la capilla del Colegio de San Gregorio de Valladolid (Museo Nacional de Escultura). Este trabajo aunque fue muy elogiado tiene menor mérito. En 1534 elabora el sepulcro de Pedro González Manso, obispo de Osma, para el monasterio de San Salvador de Oña.

Al morir su esposa, se casó en 1535 con Francisca Velasco; y tuvo otros cinco hijos. En 1535 el cabildo de Toledo le solicitó unas trazas para ejecutar la sillería del coro de la catedral, además de a Diego de Siloe, Juan Picardo y Alonso Berruguete. Finalmente se las encargaron a Bigarny y Berruguete que se comprometían el 1 de enero de 1539 a hacer treinta y cinco sillas cada uno. Felipe realizaría las del lado del Evangelio y además debería hacer también la arzobispal.8​

En 1536 firma un contrato para realizar en dos años los sepulcros de Diego de Avellaneda, obispo de Tuy (diseñado para su colocación original en el Monasterio de San Jerónimo de Espeja, en Espejón, Soria) y el de su padre (hoy conservado en Alcalá de Henares).9​ En 1539 todavía no había podido realizarlos por su dedicación a otros encargos, subcontratando las figuras de bulto a Enrique de Maestrique.9​ Sería una de las obras inconclusas a su muerte, siendo terminada por Juan de Gómez. El sepulcro de Diego de Avellaneda fue comprado por el Estado español en 1932 para formar parte de la colección permanente del Museo Nacional Colegio de San Gregorio de Valladolid.9​

En 1541 le contratan un retablo para el Museo-Hospital de Santa Cruz en Toledo, que no llegaría a ejecutar.

Murió en 1542 teniendo contratadas y en ejecución obras en Toledo (donde Berruguete terminaría su parte inconclusa), Peñaranda de Duero, Valpuesta y en Burgos. Tenía un taller organizado en cada uno de esos lugares, de los que en su ausencia se encargaba alguno de sus oficiales. Entre ellos se encontraron Maese Enrique, Diego Guillén, Sebastián de Salinas, Juan de Goyaz y su hijo Gregorio Pardo. Entre estos destacó Diego Guillén, su oficial de confianza, casado con una cuñada de Bigarny.

Fue sepultado en el desaparecido convento de San Pablo de Burgos.10​

Descendientes
Con María Sáez Pardo tuvo cinco hijos, entre los que pudo estar el escultor Gregorio Pardo.11​ Su hija Clara era conocida en Burgos por su belleza y apodada la niña de plata. Con Francisca Velasco tuvo otros cinco hijos.

Su estilo
Sus obras de finales del siglo XV en Burgos presentan un estilo notablemente innovador y son fácilmente identificables por unos rasgos muy marcados, que logró imponer a su amplio y disciplinado taller.

Obras
Las ciudades con mayor número de obras del escultor son Burgos, al ser la ciudad donde vivió gran parte de su vida, y Toledo, ciudad donde tenía taller propio.

Escultura
Fue el arte en el que más trabajó. En él tuvo éxitos que lo llevaron a ser famoso en su época.

Catedral de Burgos

Detalle de la tumba del Condestable en la Catedral de Burgos.
Relieve del Camino del Calvario
Su primera obra en Burgos fue un gran relieve para el cabildo catedralicio, representando el Camino del Calvario, que se usaría para decorar el paño mural central del trasaltar de la catedral burgalesa. La obra se inició en 1498 y se acabó en marzo de 1499, cumpliendo el plazo acordado con el Cabildo, que le pagó los 200 ducados acordados y otros 30 más como muestra de su agradecimiento por su trabajo. Esa obra causó un gran impacto debido a que superaba el estilo tardogótico y en ella aparecía por primera vez una ornamentación renacentista en las pilastras de la puerta de Jerusalén, las cuales quedaban rematadas con dos temas clásicos en relación con los doce trabajos de Hércules. Después de realizar esta obra Felipe recibió nuevos encargos que le obligaron a instalarse en Burgos.

Tres relieves del trasaltar
El cabildo le pidió que realizara dos altorrelieves más a juego con el ya hecho. Estos se situarían en otros dos paños del trasaltar. El primero de ellos representaría la Crucifixión y el segundo El Descendimiento de la Cruz y la Resurrección. Ambos se acabaron en el año 1503.

Los tres relieves muestran el estilo inicial de Bigarny, con formas propias del gótico final del norte de Europa. Poseen figuras de noble porte, de actitudes y gestos dramáticos, de forzada expresión y capaces de conmover al espectador. También aparecen otros elementos renacentistas como el movimiento y la composición diagonal del primero de los paneles. La mala calidad de la piedra en que se labraron los relieves y su marco, en especial los Apóstoles debidos a Simón de Colonia y su taller, ha alterado gravemente su estado inicial.

Capilla de los Condestables
Artículo principal: Sepulcro de los condestables Pedro Fernández de Velasco y Mencía de Mendoza
En colaboración con Diego de Siloé, hizo el retablo de la capilla de los Condestables de Castilla. Labró en mármol de Carrara las esculturas yacentes del condestable de Castilla Pedro Fernández III de Velasco y su esposa Mencía de Mendoza y Figueroa que allí se encuentran.12​

Sillería del coro
Artículo principal: Coro de la Catedral de Burgos
Sillería del coro, en la nave principal.

Otras obras

Portada principal de la Iglesia de Santo Tomás de Haro. Estilo plateresco.
Retablo mayor de la Catedral de Santa María de Toledo (de 1500 a 1503). Trabajó con Copín de Holanda. Contrasta el estilo gótico de este conjunto en escultura y arquitectura con el estilo renacentista del retablo de la Descensión hecho para la misma catedral.
Retablo de la universidad de Salamanca (1503).
Esculturas del retablo de la capilla mayor de la Catedral de Palencia (entre 1505 y 1507). Es en parte obra de taller y Bigarny solo se comprometió a que fueran de su mano los rostros.
Sillería coral de la Catedral de Burgos (1505-1512). Fue pedido por el Cabildo dentro del plan de renovación de ésta. Bigarny contó con el tallista Andrés de Nájera y con un equipo de oficiales de muy distinta categoría. Se acabó en 1512.
Retablo de la Capilla de los Reyes de la iglesia de San Gil de Burgos (principios del siglo XVI). Se mezcla la tradición tardogótica con algunos elementos renacentistas tanto en la escultura como en la arquitectura. Se inspira en la Capilla de la Buena Mañana de esta misma parroquia.
Retablo para la Catedral Magistral de los Santos Niños Justo y Pastor de Alcalá de Henares y dos retablos para Torrelaguna (Madrid) (principios del siglo XVI). Encargados por el cardenal Cisneros y realizados junto con León Picardo.
Retablo para don Gutierre de Mier y para la iglesia de Cervera de Pisuerga (Palencia) (1513).
Retablo de la devoción de San Bartolomé (1514). Este era para el altar de la cofradía de dicho santo, en la iglesia de San Esteban de Burgos. León Picardo se debía encargar de la pintura; colaboró continuamente con Bigarny, policromando muchas de sus esculturas. Actualmente la obra se encuentra en la iglesia de San Lesmes de Burgos. Está formada por una imagen de bulto del santo, una serie de tablas pintadas y una arquitectura de formas platerescas.
Portada y retablo mayor de la iglesia de Santo Tomás de Haro (entre 1516 y 1519). Construidas las dos por encargo de Íñigo Fernández de Velasco.13​ El retablo fue destruido tras derrumbarse una parte del edificio durante su construcción.
Sepulcro del Cardenal Selvagio (1519). Lo haría junto con Berruguete en Zaragoza.
Retablo mayor de la Capilla Real de Granada, construida en honor a los Reyes Católicos. Diseñó el conjunto, en el que también pudieron intervenir Alonso de Berruguete y Jacopo Florentino.
Retablo de la Descensión o del Pilar en la Catedral de Toledo, realizada entre 1520 y 1527.
Sepulcro del canónigo Gonzalo de Lerma, para la capilla de la Presentación de la Catedral de Burgos. Realizado en alabastro blanco en 1524.
Parte de la sillería del coro de la Catedral de Toledo. Entre 1539 y su fallecimiento.
Esculturas del Palacio de los Condes de Miranda en Peñaranda de Duero.
Atribuciones sobre las que existen dudas
Aunque tradicionalmente se ha atribuido a Bigarny la decoración del monasterio de Nuestra Señora de la Piedad de Casalarreina y se sabe que en 1519 residió durante un tiempo en esta localidad, no existe indicio alguno para suponer que Felipe y Matías, su entallador, trabajaran en las obras de esta iglesia. José Martí y Monsó realizó un estudio sobre las obras de Haro y Casalarreina, dando un resultado negativo para esta última, con lo que la mayoría de los especialistas actuales ya no atribuyen su autoría a Bigarny o a su taller.14​

Arquitectura
Se ha hablado poco sobre Bigarny como arquitecto. No tuvo grandes éxitos con sus obras arquitectónicas a pesar de su esfuerzo por introducirse en trabajos de este tipo. Se cree que hizo unos diseños para el cimborrio de la catedral de Burgos (que finalmente se reconstruyó con planos de uno de sus discípulos, Juan de Langres)15​ y el arco de Santa Ma