¿Cuál de estos pintores impresionistas españoles te gustan más?

¿Cuál de estos pintores impresionistas españoles te gustan más?

Publicada el 24.03.2020 a las 12:19h.

El impresionismo es un movimiento artístico​ inicialmente definido para la pintura impresionista, a partir del comentario despectivo de un crítico de arte (Louis Leroy) ante el cuadro Impresión, sol naciente de Claude Monet, generalizable a otros expuestos en el salón de artistas independientes de París entre el 15 de abril y el 15 de mayo de 1874 (un grupo en el que estaban Camille Pissarro, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Paul Cézanne, Alfred Sisley, Berthe Morisot).

Etiquetas: españoles, estos, gustan, pintores

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Último acceso 27.05.2020

Joaquín Sorolla

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Joaquín Sorolla

(Valencia, 1863 - Cercedilla, España, 1923) Pintor español. Formado en su ciudad natal con el escultor Capuz, estudió posteriormente las obras del Museo del Prado y, gracias a una beca, pudo residir y estudiar en Roma de 1884 a 1889. En esta época se dedicó sobre todo a cuadros de temática... Ver mas
(Valencia, 1863 - Cercedilla, España, 1923) Pintor español. Formado en su ciudad natal con el escultor Capuz, estudió posteriormente las obras del Museo del Prado y, gracias a una beca, pudo residir y estudiar en Roma de 1884 a 1889. En esta época se dedicó sobre todo a cuadros de temática histórica, que no ofrecen demasiado interés.


Detalle de un Autorretrato de 1904

Un viaje a París en 1894 lo puso en contacto con la pintura impresionista, lo que supuso una verdadera revolución en su estilo. Abandonó los temas anteriores y comenzó a pintar al aire libre, dejándose invadir por la luz y el color del Mediterráneo. Son precisamente las obras de colores claros y pincelada vigorosa que reproducen escenas a orillas del mar las que más se identifican con el arte de Sorolla.

Sin embargo, fue un artista muy activo, que realizó también numerosos retratos de personalidades españolas y algunas obras de denuncia social (¡Y aún dicen que el pescado es caro!) bajo la influencia de su amigo Blasco Ibáñez.

Su estilo agradable y fácil hizo que recibiera innumerables encargos, que le permitieron gozar de una desahogada posición social. Su fama rebasó las fronteras españolas para extenderse por toda Europa y Estados Unidos, donde expuso en varias ocasiones. De 1910 a 1920 pintó una serie de murales con temas regionales para la Hispanic Society of America de Nueva York.


¡Y aún dicen que el pescado es caro! (1894)
y Niños en la playa (1910), de Joaquín Sorolla


En el estilo más característico de Sorolla, el de técnica y concepción impresionista, destaca la representación de la figura humana (niños desnudos, mujeres con vestidos vaporosos) sobre un fondo de playa o de paisaje, donde los reflejos, las sombras, las transparencias, la intensidad de la luz y el color transfiguran la imagen y dan valor a temas en sí mismo intrascendentes.

Algunos críticos consideran estas obras un cruce entre los impresionistas franceses y los acuarelistas ingleses. Existe una importante colección de pintura suya en el Museo Sorolla de Madrid.



Cómo citar este artículo:
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Joaquín Sorolla. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/sorolla.htm el 24 de marzo de 2020.



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Santiago Rusiñol Prats

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Santiago Rusiñol Prats

Santiago Rusiñol y Prats2​ (Barcelona, 25 de febrero 1861-Aranjuez, 13 de junio de 1931) fue un pintor, escritor y dramaturgo español en lengua catalana.Biografía Nació en el seno de una familia de industriales del textil, procedentes de Manlleu. Mientras que su hermano Alberto se dedicó a... Ver mas
Santiago Rusiñol y Prats2​ (Barcelona, 25 de febrero 1861-Aranjuez, 13 de junio de 1931) fue un pintor, escritor y dramaturgo español en lengua catalana.Biografía

Nació en el seno de una familia de industriales del textil, procedentes de Manlleu. Mientras que su hermano Alberto se dedicó a los negocios y la política, Santiago se dedicaría a la pintura. Se formó en el Centro de acuarelistas de Barcelona y fue discípulo de Tomás Moragas. Viajó a París en 1889, donde vivió en Montmartre junto con Ramón Casas y con Ignacio Zuloaga.

Se familiarizó con el simbolismo y la pintura al aire libre. Tras regresar a España funda en Sitges el taller-museo del "Cau Ferrat", y frecuenta en Barcelona las tertulias del café Els Quatre Gats. Su posición social y económica acomodada le permitió hacer frecuentes viajes. En 1901 fue a Mallorca con Joaquín Mir.

El año 1908 recibió la medalla de la Exposición Nacional de Bellas Artes.

Su pintura está muy influida por los impresionistas y tiene temática paisajista, tanto rural como urbana, retratos y composiciones simbólicas de inspiración modernista. Al comienzo de su carrera incluía figuras humanas. En las etapas finales sólo pintaba paisajes, especialmente de los Reales Sitios como Aranjuez o La Granja. Entre sus obras más destacadas figuran La morfina y La medalla, ambas de 1894.

En su obra literaria, siempre en catalán, se incluyen poemas en prosa (Oracions, 1897), dramas como L'alegria que passa (1898), Cigales y formigues (1901),3​ La bona gent (1906) o El místico4​ y novelas costumbristas como L'auca del senyor Esteve (1907), que fue adaptada al teatro por el propio Rusiñol en 1917, La niña Gorda (1914), El català de La Mancha (1917) o En Josepet de Sant Celoni. Excepción fue un relato autobiográfico titulado Impresiones de arte, publicado en 1897 como regalo a los suscriptores de La Vanguardia, escrita en castellano. También escribió para periódicos como La Vanguardia o revistas como L'Esquella de la Torratxa.

Fue un personaje importante de la Renaixença literaria y cultural de Cataluña, y del mundo intelectual y bohemio de la Barcelona de su tiempo.

Estuvo en Buenos Aires, en Rosario y en Córdoba para el centenario de la Revolución de Mayo, en 1910; estrenando obras suyas.

Homenaje
Del 13 de junio de 2006 hasta el 13 de junio de 2007, en el 75º aniversario de su muerte, las ciudades de Sitges y Aranjuez celebraron el llamado Año Rusiñol, con multitud de eventos culturales sobre la figura de este artista catalán.5​
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Joaquín Mir

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Joaquín Mir

Joaquín Mir y Trinxet1​ (en catalán, Joaquim Mir i Trinxet) (Barcelona, 6 de enero 1873 - Barcelona, 27 de abril de 1940) fue un pintor español.2​ Estudió en la la Escuela de La Lonja1​, así como en el taller del pintor Luis Graner. Formó en 1893 la Colla del Safrà con otros artistas, como... Ver mas
Joaquín Mir y Trinxet1​ (en catalán, Joaquim Mir i Trinxet) (Barcelona, 6 de enero 1873 - Barcelona, 27 de abril de 1940) fue un pintor español.2​

Estudió en la la Escuela de La Lonja1​, así como en el taller del pintor Luis Graner. Formó en 1893 la Colla del Safrà con otros artistas, como Isidro Nonell, Ricard Canals, Ramón Pichot, Julio Vallmitjana y Adrià Gual. En los últimos años del siglo se relaciona con el ambiente artístico de Els Quatre Gats. En 1901 fue a Mallorca con Santiago Rusiñol, y se instaló en La Calobra. Allí hizo algunas de sus mejores pinturas, llenas de colores, pero menos populares, destacando de esta etapa en las pinturas murales que hizo para la casa de su tío y mecenas Avelino Trinxet Casas, de Barcelona, gran industrial textil: la Casa Trinxet, cuyo arquitecto fue Josep Puig i Cadafalch. En 1903 se trasladó a Reus por motivos de salud, y pintó los paisajes de L'Aleixar y Maspujols a partir de 1906. A partir de esta época se reconoció más su obra. En 1913, por razones familiares, se trasladó a Mollet del Vallès, y en 1918 a Caldas de Montbui. En 1921 se casó y se instaló en Villanueva y Geltrú.

En 1930 el artista recibe una medalla de honor por el conjunto de su producción.

El fondo personal de Joaquín Mir se conserva en la Biblioteca de Cataluña
Obra
Se le considera el máximo exponente del posmodernismo. Renovó el género paisajístico a finales del siglo XIX. Su estilo es personal. Dinámica de gran colorido y expresividad.

El huerto de la ermita, segunda medalla en la Exposición Nacional (1899).
Crepúsculo.
La cala encantada.
Pueblo escalonado, conservado en el MNAC.
"Las Comparsas" (1925), conservado en la Biblioteca Museo Víctor Balaguer.
"Vista de Vilanova i la Geltrú des de la Collada" (1925), conservado en la Biblioteca Museo Víctor Balaguer.
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Ramón Casas

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Ramón Casas

Ramón Casas y Carbó1​ (en catalán, Ramon Casas i Carbó; Barcelona, 4 de enero de 1866 - 29 de febrero de 1932) fue un pintor español célebre por sus retratos de la élite social, intelectual, económica y política de Barcelona, Madrid y París. Fue diseñador gráfico y sus carteles y postales... Ver mas
Ramón Casas y Carbó1​ (en catalán, Ramon Casas i Carbó; Barcelona, 4 de enero de 1866 - 29 de febrero de 1932) fue un pintor español célebre por sus retratos de la élite social, intelectual, económica y política de Barcelona, Madrid y París. Fue diseñador gráfico y sus carteles y postales contribuyeron a perfilar el concepto de modernismo catalán.2​

Barcelona y París
El padre de Ramón había hecho fortuna en Matanzas (Cuba) y su madre procedía de una familia acomodada. En 1877, Casas abandonó la escuela para estudiar arte en el estudio de Juan Vicens Cots.3​ En 1881, siendo todavía un adolescente, fue cofundador de la revista L'Avenç. El número publicado el 9 de octubre de 1881 incluía un esbozo del claustro del monasterio de San Benito de Bages. Ese mismo mes, acompañado de su primo Miquel Carbó i Carbó, estudiante de medicina, inició su primera estancia en París. Ese invierno estudió con Carolus-Duran y, más tarde, con Henri Gervex. Mientras, ejercía como corresponsal en la capital francesa para L'Avenç. Al año siguiente expuso algunas de sus obras en la Sala Parés de Barcelona y en 1883 expuso su Autorretrato vestido de flamenco en la sala de los Campos Elíseos de París. Ese cuadro le valió una invitación como miembro del salón de la Société d'artistes françaises.4​5​


Retrato de Ramón Casas en Mundo Gráfico.
Los siguientes años siguió pintando y viajando, pasando el otoño y el invierno en París y el resto del año en España, básicamente en Barcelona pero también en Madrid y en Granada; su cuadro representando a la multitud en una corrida de toros pintado en 1886 fue el primero de una serie de pinturas detalladas sobre multitudes. Ese mismo año de 1886 sobrevivió a una tuberculosis y quedó convaleciente en Barcelona.6​ En ese periodo de su vida conoció a artistas como Santiago Rusiñol, Eugène Carrière e Ignacio Zuloaga.

Casas y Rusiñol viajaron por Cataluña en 1889 y colaboraron en el libro Por Cataluña (desde mi carro), con textos de Rusiñol e ilustraciones de Casas. Regresaron juntos a París donde se alojaron en el Moulin de la Galette en Montmatre junto con el crítico de arte y pintor Miquel Utrillo y el dibujante Ramón Canudas. Rusiñol realizó una serie de crónicas para el periódico La Vanguardia con el título Desde el Molino que contaron también con las ilustraciones de Casas.7​ Casas se convirtió en miembro de la Société d'artistes françaises lo que le permitió participar en dos exhibiciones anuales sin tener que pasar por un jurado previo.


Interior al aire libre (1892), MNAC.
Con Rusiñol y con el escultor Enric Clarasó realizaron una exposición en la Sala Parés en 1890; los trabajos de esta época se encuentran a medio camino entre el estilo académico y el de los impresionistas franceses. Este estilo, que llegó a conocerse como modernismo, aún no estaba del todo desarrollado pero los artistas empezaban a conocerse unos a otros y los artistas catalanes empezaban a identificarse más con Barcelona que con París.8​

Su fama continuó extendiéndose por toda Europa, realizando exposiciones de éxito en Madrid (1892-1894), Berlín (1891-1896) y en la Exposición Mundial de Chicago de 1893;6​ mientras, el círculo bohemio que incluía a Casas y Rusiñol empezó a organizar frecuentes exposiciones en Barcelona y en Sitges. Con el aumento de la actividad en Cataluña, Casas se estableció en Barcelona aunque seguía viajando a París para los salones anuales.

Els Quatre Gats
El mundo del arte modernista estableció su centro de operaciones en Els Quatre Gats, un bar al estilo de Le Chat Noir de París. Casas financió este bar, situado en los bajos de la Casa Martí, edificio del arquitecto Josep Puig i Cadafalch situado en la calle Montsió en el centro de Barcelona; se inauguró el mes de junio de 1897 y estuvo abierto durante seis años (se reconstruyó en 1978). Sus compañeros de empresa fueron Pere Romeu, Rusiñol y Miquel Utrillo. En el bar se desarrollaban tertulias y exposiciones de arte, incluyendo una de las primeras de Pablo Picasso. La pieza más destacada de su colección permanente fue un autorretrato de Casas en el que aparece pedaleando sobre un tándem junto a Romeu: Ramon Casas y Pere Romeu en un tándem.9​

Al igual que Le Chat noir, Els 4 Gats mantuvo su propia revista literaria en la que Casas contribuyó de forma destacada. Tuvo una vida corta pero fue seguida de Pel i Ploma y Forma en las que también contribuyó Casas. Pel i Ploma patrocinó diversas exposiciones de arte incluyendo la primera exposición en solitario de Casas (1899 en la Sala Parés).9​

Mientras que su carrera como pintor prosperaba, Casas empezó a trabajar en el diseño gráfico, adoptando el estilo art noveau que llegó a definir al modernismo. Diseñó carteles para el bar y también realizó anuncios para la firma «Codorniu», fabricante de cava o para el «Anís del Mono».8​

Aumento de su fama
Para la exposición universal de 1900 en París, el comité español seleccionó dos retratos al óleo realizado por Casas: un retrato de 1891 de Eric Satie y otro de la hermana de Casas, Elisa. Su retrato de una ejecución mediante El garrote vil ganó uno de los premios principales en Múnich en 1901. Sus obras se exhibían por toda Europa y en otras puntos del mundo, como Buenos Aires. En 1902 doce de sus obras quedaron expuestas de forma permanente en el Círculo del Liceo, club exclusivo asociado al teatro de la ópera barcelonés.10​


El garrote vil (1894), Museo Reina Sofía.
En 1903 se convirtió en Societaire completo del Salon du Champ de Mars de París, lo que le permitió realizar una exposición anual; de hecho, sólo expuso durante dos años. En 1903, la obra presentada fue La carga que más tarde renombró como Barcelona 1902 en referencia a una huelga general ocurrida en Barcelona en esas fechas. Sin embargo, la pintura de Casas, que muestra a un Guardia Civil cargando contra la multitud, había sido pintada dos años antes de la huelga. En 1904, esa misma pintura ganó el primer premio en la Exposición General de Madrid.11​

En 1904, durante una estancia en la capital española, realizó una serie de caricaturas de la elite madrileña así como de pintores como Joaquín Sorolla y Agustín Querol, escultor oficial del gobierno español. En el estudio de Querol realizó un retrato ecuestre del rey Alfonso XIII que fue adquirido por el coleccionista norteamericano Charles Deering.11​

Julia Peraire

Julia, c. 1915, óleo sobre lienzo, Museo Carmen Thyssen, Málaga.
Debido al aumento de su fama como retratista, Casas se instaló de nuevo en Barcelona. Frecuentó las tertulias de la Maison Dorée, donde conoció a Julia Peraire, una vendedora de lotería veintidós años más joven que él.12​13​ La pintó por primera vez en 1906 cuando Julia tenía dieciocho años. Pronto se convirtió en su modelo preferida y en su amante. En 1915, Casas la pintó vestida de torera y peinada con flores y peineta. Algunos autores han establecido conexiones entre esta obra y el Periodo Azul de Picasso, así como con la obra de Zuloaga.14​A pesar de que la familia de él no aprobaba esta relación llegaron finalmente a casarse en 1922.15​

Patrocinio
La madre de Casas compró en 1907 el monasterio de San Benito de Bages y contrató a Josep Puig i Cadafalch para que lo restaurara. Casas pasó mucho tiempo en San Benito y cinco años más tarde, a la muerte de su madre, heredó el monasterio.

En 1908, Casas junto a su patrocinador Deering, viajaron por Cataluña. Deering compró un antiguo hospital en Sitges con la idea de convertirlo en su residencia. Ese mismo año, Casas inicia un viaje de seis meses por Cuba y los Estados Unidos. Durante este viaje realizó una docena de retratos al óleo y cerca de una treintena de dibujos al carbón de amigos y socios de Deering.11​

De regreso a España expuso en Madrid y Barcelona, En la galería Fayanç Català de Barcelona, mostró unos 200 dibujos al carbón que donó al Museo de Barcelona. Su exposición de Madrid se realizó en el Ministerio de Turismo e incluía retratos de figuras destacadas de la ciudad, incluido el rey.16​

Antes de que se iniciara la Primera Guerra Mundial viajó por España y Europa, visitando Viena, Budapest, Múnich, París, Países Bajos, Madrid y Galicia. Realizó importantes exposiciones en España y en Francia. En 1913 compró una vivienda en Barcelona, una torre en el barrio de San Gervasio de Barcelona;17​ en 1915 realizó una exposición conjunta con Rusiñol y Clarassó en la Sala Parés, conmemorando así el 25º aniversario de su primera exposición conjunta.18​

Tamarit

Retrato de las señoritas N.N. (1890), colección particular.

Plein air (ca. 1890-1891), MNAC.

Flores deshojadas (1894), colección particular.
En 1916 Casas y Charles Deering viajaron a Tamarit (Tarragona). Deering compró el castillo y el despoblado entero y colocó a Casas en la dirección del proyecto de restauración del mismo. Años más tarde, en 1924, Casas regresó a Tamarit para pintar diversos paisajes.17​

Casas, Rusiñol, y Clarassó siguieron realizando exposiciones conjuntas en la Sala Parés que se hicieron constantes hasta la muerte de Rusiñol en 1931. Casas continuó pintando retratos y paisajes, así como algunos carteles para la lucha contra la tuberculosis pero en el momento de su muerte, en 1932, se había convertido más en una figura del pasado que del presente. Fue enterrado en el Cementerio de Montjuic de Barcelona.

Obras
Categoría principal: Cuadros de Ramon Casas
Antes del baño, óleo sobre lienzo, 72,5 × 60 cm, Montserrat, Museo de Montserrat, 1894
Au Moulin de la Galette, óleo sobre lienzo, 117 × 90 cm, Montserrat, Museo de Montserrat, 1892
Autorretrato vestido de flamenco, óleo sobre lienzo, 115 x 96.5 cm, Barcelona, MNAC, 1883
Corrida de toros, óleo sobre lienzo, 53.7 x 72.4 cm, Barcelona, Museo de Montserrat, 1884
Autorretrato vestido de bandolero, óleo sobre lienzo, 100 x 81 cm, Barcelona, Museo de Montserrat, 1885
Retrato de Montserrat Casas, óleo sobre lienzo, 202 x 92 cm, Colección Banco Hispano Americano, 1888
Retrato de Elisa Casas, óleo sobre lienzo, 200 × 100 cm, colección particular 1889
Retratándose, óleo sobre lienzo, 59 x 73 cm, Sitges, Cau Ferrat, 1890
La viuda, óleo sobre lienzo, 186 x 115 cm, Villanueva y Geltrú, Biblioteca Museo Víctor Balaguer, 1890
Club Náutico de Barcelona, óleo sobre lienzo, 100 x 140 cm, Barcelona, Museo de Montserrat, 1890-1891
Doméstico domesticado, óleo sobre lienzo, 42,2 x 32 cm, Barcelona, Museo de Montserrat, 1890
Retrato de las señoritas N.N., óleo sobre lienzo, 220 × 160 cm, colección particular, 1890
Montmartre, óleo sobre lienzo, 64 × 45 cm, Villanueva y Geltrú, Biblioteca Museo Víctor Balaguer, 1890-91
Plein Air, óleo sobre lienzo, 115 x 82 cm, Barcelona, MNAC, 1891
Interior, óleo sobre lienzo, 102 x 82 cm, Barcelona, MNAC, 1891
Sacré Cour, óleo sobre lienzo, 67 x 55.5 cm, Barcelona, MNAC, 1891
Interior al aire libre, óleo sobre lienzo, 160,5 x 121 cm, Barcelona, Colección Carmen Thyssen-Bornemisza, 1892
Bal du Moulin de la Galette, óleo sobre lienzo, Sitges, Cau Ferrat,1893
El garrote vil, óleo sobre lienzo, 127 x 166,2 cm, Madrid, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 1894
Flores deshojadas, óleo sobre lienzo, 101 x 80 cm, colección particular, 1894
Baile de tarde, óleo sobre lienzo, 170 x 230 cm, Barcelona, Círculo del Liceo, 1896
Procesión del Corpus de la Iglesia de Santa María, óleo sobre lienzo, Barcelona, MNAC, 1896-1898
Ramon Casas y Pere Romeu en un tándem, óleo sobre lienzo, 191 x 215 cm, Barcelona, MNAC, 1897
Joven decadente, óleo sobre lienzo, 46,5 × 56 cm, París, Museo de Montserrat, 1899
La carga, óleo sobre lienzo, 298 x 470.5 cm, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en depósito en Olot, Museo Comarcal de la Garrocha, 1903
Julia, óleo sobre lienzo, 85 x 67 cm, Málaga, Museo Carmen Thyssen, 1915
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Marceliano Santa María

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Marceliano Santa María

Marceliano Santa María (Burgos, 18 de junio de 1866-Madrid, 12 de octubre de 1952) fue un pintor español, famoso especialmente por sus paisajes castellanos, sus cuadros de historia y sus retratos. Biografía Aprendizaje en España e Italia Monumento a Marceliano Santa María en el paseo del... Ver mas
Marceliano Santa María (Burgos, 18 de junio de 1866-Madrid, 12 de octubre de 1952) fue un pintor español, famoso especialmente por sus paisajes castellanos, sus cuadros de historia y sus retratos.
Biografía
Aprendizaje en España e Italia

Monumento a Marceliano Santa María en el paseo del Espolón de Burgos. El busto fue realizado por Félix Alonso González.
Nació en el seno de una familia de fuertes convicciones religiosas. Su nombre y apellidos completos eran Marceliano Santamaría Sedano, pero firmaba su obra como Marceliano Santa María. Su tío, el canónigo en la catedral de Burgos Ángel Sedano, fue el fundador del Círculo Católico de Obreros de Burgos, al que también pertenecía su padre, platero de profesión. Desde muy pequeño empezó a dar muestras de habilidad con la pintura; llamaba mucho la atención su rapidez a la hora de dibujar retratos. Santa María estudió el bachillerato en su ciudad natal (aunque los finalizó en Palencia) y asistió a la Academia Provincial de Dibujo de Burgos ubicada en el Paseo del Espolón, donde recibió las clases de Isidro Gil y Evaristo Barrio.

Sus padres se oponían a su vocación artística, pero siempre contó con el apoyo de su tío, quien le animó a pintar asuntos religiosos. Junto a su tío, se trasladó a Madrid, en 1885, con la intención de asistir a las clases del Círculo de Bellas Artes, Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando. De igual manera, acudió al estudio del pintor Manuel Domínguez Sánchez, que compartió con otros jóvenes pintores como Fernando Álvarez de Sotomayor y Eduardo Chicharro Agüera. También en 1885, gracias a un estudio de paisaje, consiguió el Segundo Premio en la Exposición de Bellas Artes de Burgos.1​

Estudió en Roma entre 1891 y 1895, aunque regresaba con frecuencia a España. Estaba pensionado por la Diputación de Burgos y durante su estancia en Italia pintó una de sus obras más famosas: El Triunfo de la Santa Cruz, que se expuso en la Exposición Internacional de Madrid y la Exposición Universal de Chicago (1933), donde ganó una medalla única. Este lienzo representa la batalla de las Navas de Tolosa y actualmente se muestra en el Museo Marceliano Santa María de Burgos. Después de este éxito siguió exponiendo sus obras en las principales capitales españolas.

Regreso a Burgos
En 1895 vuelve a España para afincarse en Burgos, donde el Ayuntamiento de Burgos le requiere para pintar cuadros, murales y techos. De esta época es su cuadro El Esquileo (conservado en el Salón de Estrados de la Diputación Provincial de Burgos). A partir de 1900 se dedica a la enseñanza en Burgos y crea una famosa escuela de pintores que siguieron con su estilo. De ellos, cabe reseñar al durante muchos años director del Museo Marceliano Santa María, Jesús del Olmo Fernández. Durante esta época, el pintor realizó numerosos retratos reales, retratos de aristócratas y burgueses locales. No obstante, el sobrenombre de "Pintor de Castilla" le viene por sus innumerables paisajes, de una sensibilidad cercana a la mostrada en literatura por la Generación del 98, que consideraba Castilla y sus paisajes como médula de España. En este tiempo, su cuadro más famoso es Se va ensanchando Castilla, que representa al Cid desterrado y preside la escalera principal del ayuntamiento de Burgos. Más adelante, en 1920 pinta el fresco La Ley triunfando sobre el mal o El vencimiento de los delitos y los vicios ante la aparición de la Justicia en el techo del Salón de Plenos del Tribunal Supremo. Esta pieza demuestra con una diosa, que sostiene dos caballos blancos, como la correcta ejecución de las leyes puede vencer el mal, que serían la violación, el homicidio, el robo, entre otros. Simboliza la esperanza y la prevalencia del bien sobre mal gracias a la futura aplicación de las leyes.2​3​

Última etapa

Calle de Marceliano Santa María en Madrid
En 1934, Marceliano Santa María es nombrado director de la Escuela de Artes y Oficios de Madrid. En este año, recibe la Medalla de Honor en la Nacional de Bellas Artes. Durante la Guerra Civil, su salud empeora y tiene que ingeniar soluciones para poder pintar, ya que le era imposible comprar los instrumentos necesarios. Tras la Guerra Civil continuó su actividad con mucha menos intensidad. En esta época recibió la Medalla de Oro Extraordinaria del Círculo de Bellas Artes en 1943. También se convirtió, durante estos años, en mentor, protector y benefactor de jóvenes artistas como Luis Sáez Díez. En su honor el paseo Marceliano Santa María, junto al Espolón de Burgos, un colegio con su nombre también en Burgos, la calle Marceliano Santa María en Madrid (perpendicular al Estadio Santiago Bernabéu) además de calles en numerosas localidades, como en Poza de la Sal.

Murió en Madrid el 12 de octubre de 1952

Premios
1893: Medalla en la Exposición Mundial Colombina de Chicago.
1901 y 1910: Primera Medalla de la Exposición Nacional de Madrid.4​
1929: Medalla de Oro en la Exposición Iberoamericana de Sevilla.
1934: Medalla de Honor en la Exposición Nacional de Madrid.
1943: Medalla de Oro Extraordinaria del Círculo de Bellas Artes de Madrid.
Museo Marceliano Santa María

Interior del Museo Marceliano Santa María en el Monasterio de San Juan
En Burgos hay un museo monográfico con su nombre, dedicado exclusivamente a su obra. Se encuentra en el interior del monasterio de San Juan. Fue inaugurado el 29 de junio de 1966, con cuadros donados por la familia del pintor. Alguno de los cuadros expuestos en este museo se encuentran depositados por el Museo del Prado como el cuadro "Paisajes de Castilla".5​

Obra en otros museos
La obra de Marceliano Santa María se puede encontrar también en los Museos de Arte moderno de Madrid y Barcelona, Museos municipales de Madrid y Barcelona, Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, Museo del Ejército en Toledo, Museo Fundación Camón Aznar de Zaragoza y otros museos de España, Europa y América y en numerosas colecciones particulares.

Exposiciones
Exposiciones individuales

Estas son algunas de sus exposiciones individuales más destacadas:

1923: Escuela Municipal del Teatro de Burgos. 6​
1930: Estudio particular del pintor en Madrid.
1935: Galerías Layetanas de Barcelona.
1940: Salon Cano de Madrid.
1940, 1942 y 1944: Galerías Pallarés de Barcelona.
1940, 1941, 1943, 1945, 1947, 1949 y 1951: Círculo de Bellas Artes de Madrid
1941: Salon Delclaux de Bilbao
1945: Asociación de Escritores y Artistas Españoles de Madrid
1948: Teatro Principal de Burgos
1950: Sala Aranaz Darras en San Sebastián
1951: Mesa de Burgos en Madrid
Exposiciones colectivas

Marceliano Santa María participó en numerosas exposiciones colectiva, de las que cabe destacar la siguientes, por su importancia y el papel prominente que tuvo su obra en ellas:

1887-1952: Exposición Nacional de Bellas Artes en Madrid (participó en 24 ediciones)
1893: Exposición Mundial Colombina de Chicago
1894: Exposición Internacional de Bellas Artes de Barcelona
1898: Salón de Paris
1912: Exposición Internacional de Santiago de Chile
1919: Exposición Hispano-Francesa de Zaragoza
1929-1930: Exposición Iberoamericana de Sevilla
1930, 1934, 1935 y 1942: Exposición Bienal de Venecia
1936: Exposición Casa Whitcomb de Buenos Aires
1945, 1946 y 1948: Exposiciones de Artistas Laureados con Medalla De Oro y de Honor Organizada por el Círculo de Bellas Artes de Madrid
1947: Exposición de Arte Español Contemporáneo de Buenos Aires
1952: Primera Exposición Bienal Hispanoamericana de Arte
Honores
Órdenes 1​
Caballero Gran Cruz de la Orden Española y Americana de Isabel la Católica
Caballero de la Legión de Honor
Gran Cruz de Alfonso X el Sabio
Gran Cruz de Leopoldo II de Bélgica
Medalla de Oro de la ciudad de Burgos
Medalla de oro de la Cruz Roja Española
Caballero del Santísimo y Santiago de Burgos
Medalla del Trabajo
Cargos 1​
Académico de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid desde 1913,fue después Presidente de la Sección de Pintura , Presidente del Museo de la Academia y Presidente de las academias filiales de América.
Miembro del Instituto de España.
Miembro correspondiente de la Academia Nacional de Artes y Letras de la Habana.
Miembro correspondiente del Instituto Arqueológico Iberoamericano de Atenas.
Miembro de galería cultural da Academia brasileira de Bellas Artes.
Académico correspondiente de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia.
Académico de honor de la Academia burgense Institución Fernán González de Burgos.
Catedrático de la Escuela de Artes y Oficios Artísticos de Madrid y Director de dicho centro en 1934.
Profesor del Instituto de San Isidro de Madrid.
Presidente de la Asociación de Pintores y Escultores de Madrid.
Presidente de honor del Círculo de Bellas Artes de Madrid.
Varias veces jurado y presidente del jurado de las Exposiciones Nacionales e Internacionales de Madrid.
Presidente del Segundo Congreso de Bellas Artes.
Presidente de la X comisión de la Cruz Roja Española.
Representante de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en el centenario de Fortuny en la ciudad de Reus.
Miembro de Tribunales de oposiciones para pensionados a Roma, cátedras de pintura y Dibujo.
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Eliseo Meifren

6

Eliseo Meifren

Eliseo Meifrén Roig1​ (en catalán, Eliseu Meifrén i Roig)2​ (Barcelona, 24 de diciembre de 1859-ibídem 5 de febrero de 1940) fue un pintor español adscrito al impresionismo.Biografía Apasionado por la pintura, abandona la carrera de medicina y se matricula en la Escuela de Bellas Artes de... Ver mas
Eliseo Meifrén Roig1​ (en catalán, Eliseu Meifrén i Roig)2​ (Barcelona, 24 de diciembre de 1859-ibídem 5 de febrero de 1940) fue un pintor español adscrito al impresionismo.Biografía
Apasionado por la pintura, abandona la carrera de medicina y se matricula en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. Fueron sus maestros los artistas Antonio Caba y Ramón Martí Alsina. Completó su formación en París, a donde marchó por primera vez el año 1879, en compañía de los pintores Ramón Casas y Santiago Rusiñol, y donde sobrevivió con la venta de pequeños cuadros y notas, de temática predominantemente urbana. Ese mismo año ganó el primer premio en la Exposición Regional de Bellas Artes de Valencia. También fue fundamental para su formación la estancia en Italia, donde se relaciona con pintores catalanes como Ramón Tusquets, Arcadi Mas Fondevila. De vuelta a España participa en 1881 en la Exposición Nacional de Madrid. En 1882 contrae matrimonio con Dolores Pajarín, realizando su viaje de novios a París, donde se establecerán y nacerá su primera hija, Rachel. Su primera gran exposición individual fue en 1889, en la Sala Parés de Barcelona, donde presenta sesenta oleos, casi todos en gran formato. Meifrén sorprende a todos, el artista, en contra de la costumbre local, decide subastar todas las pinturas no vendidas en la exposición. En esta ocasión, su amigo Santiago Rusiñol ejercerá como tasador. Con el resultado de la venta, viaja a Italia, donde pintará especialmente en Venecia y en Nápoles.

En 1892 regresa a París, y es al intensificar su contacto con los artistas impresionistas cuando inicia un cambio en su estilo pictórico. Su paleta se aclara, empieza a utilizar tonos azules claros, ocres claros y dorados, comienza a acentuar todas las tonalidades que presentan el mar y los ríos.


Eliseo Meifrén y su familia en Canarias. Hacia 1900. Autocaricatura.
En 1897 se traslada a Canarias, tras recibir una invitación de Eusebio Navarro, Presidente del Gabinete Literario de Las Palmas. Su casa acaba convertida en una academia donde acuden jóvenes artistas locales como Néstor Martín Fernández de la Torre, Juan Rodríguez Botas y Ghirlanda o Tomás Gómez Bosch.

Con el cambio de siglo, la notoriedad de Meifrén alcanza un punto máximo. Menciones y monográficos en la prensa del momento, sus obras se pueden encontrar en diversas exposiciones prácticamente simultáneas, tanto en Barcelona y Madrid, como en París, Buenos Aires o Montevideo. Sin embargo, tras el fracaso comercial de su gran exposición en el Círculo Artístico de Barcelona, el pintor decide marchar y establecerse en Buenos Aires. Allá llegará en marzo de 1903 y en mayo de ese mismo año ya participará en la Exposición Nacional de Bellas Artes, celebrada en la Sala Rafael del Bon Marché. Cuelga sus óleos en la bonaerense Sala Witcomb, en la que el español José Artal ejercía como marchante. En la misma Galería, Meifrén organizará una gran exposición de pintura catalana en 1904. Setenta y cuatro obras de veintitrés artistas diferentes, que Meifrén selecciona y entre las que incluye cinco pasteles de Picasso, que generarán apasionadas críticas.

Pero es en Mallorca donde llega a la madurez pictórica. Toda su paleta de colores se satura. Los azules se convierten en un elemento vivo y dinámico, se acentúan e intensifican el resto de colores primarios. En 1905, tras la muerte de Ricardo Anckermann, Meifrén es nombrado Director de Escola d'Arts i Oficis de Palma desde donde apadrina a un joven Joan Fuster Bonnin, pintor que se convertiría en unos de los máximos exponentes del arte mallorquín del siglo XX.


En 1906 vuelve a presentar sendas obras en la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid, y esta vez, finalmente, le es concedida la medalla de primera clase. A lo largo de esta década un viajero Meifrén vuelve en repetidas ocasiones a Argentina, pero también regresa a Francia e Italia y visita Bélgica para participar en la Exposición Universal de Bruselas de 1910, donde recibirá una medalla de plata. En 1911 es nombrado hijo adoptivo de Cadaqués, localidad ampurdanesa donde residió a temporadas y muchos veranos a lo largo de toda su vida, y de la que se considera el descubridor artístico. En la primavera de 1886 el artista, tras recorrer el litoral catalán, llega a la localidad ampurdanesa, instalándose en Port Lligat. La población de Cadaqués será su inspiración, su refugio, su descanso estival, donde compartirá tiempo con sus amigos y con sus colegas y rivales con los pinceles.

En 1915 viaja a Estados Unidos, aprovechando las Exposiciones Internacionales de San Francisco y San Diego, recibiendo en ambas la medalla de honor. A finales del mismo año, se establece en Nueva York, donde expone principalmente tanto paisajes de Mallorca y Cadaqués, como cuadros realizados en la misma ciudad de Nueva York o en Nueva Jersey. Tras diversas vicisitudes, regresa a Barcelona en 1917, donde continuará exponiendo. Su esposa, Dolores, fallece en 1924. En 1930 se casa con Julia Marina Lamana. Con el inicio de la guerra civil española, Eliseo Meifrén y parte de su familia huyen a la localidad de Manresa, donde permanecerán refugiados hasta el final de la contienda, en 1939. Ese mismo año, tras un periodo de reposo estival en Mallorca con toda su familia, regresa a Barcelona, donde prepara la que será su última exposición. El 16 de diciembre de 1939 se inaugura una gran exposición individual en la Sala Gaspar de Barcelona con gran éxito de público y de ventas. Sin embargo, un Meifrén ya enfermo no puede acudir al evento. Pocas semanas después, al artista sufre un empeoramiento en su estado, falleciendo a principios de febrero de 1940.

Entre las muchas distinciones que recibió a lo largo de su dilatada carrera, destaca la de Caballero de la Legión de Honor en Francia en 1926.

A pesar de la gran diversidad de lugares que visitó alrededor del mundo, concedió relativa poca importancia a las vistas urbanas o a las montañas, dejándolas en un segundo plano, siendo una constante la atracción que el artista sentía por la costa, las playas o los ríos. Sus pinceladas trazos distribuidos, a simple vista, de manera desordenada, conforman extraordinarios paisajes dotados de un profundo lirismo.

Exposiciones
Exposición Nacional de Bellas Artes, Madrid (años 1881, 1884, 1887, 1890, 1892, 1894, 1895, 1897, 1899, 1901, 1904, 1906, 1908, 1912, 1920, 1922, 1924, 1926, 1930, 1932, 1934 y 1936)
Exposición de Barcelona (años 1918, 1919, 1921, 1922)
Exposición de Bellas Artes de Berlín (años 1891 y 1896)
Exposición Universal de París (años 1889 y 1900)
Exposición Mundial Colombina de Chicago (1893)
Exposición Universal de Bruselas (1910)
Exposición Internacional de Arte. Buenos Aires (1910)
Exposición Internacional de Ámsterdam (1912)
Panama Pacific International Exhibition. San Francisco (1915)
Panama California Exhibition. San Diego (1915)
Exposición Internacional de Venecia (años 1924, 1926, 1928, 1930 y 1936)
Obras
Vista sobre el Sena (Óleo sobre lienzo 50 x 96 cm). Museo del Prado.
Marina con una boya (Óleo sobre lienzo, 46 x 63 cm). Museo del Prado, depósito en el Museo Provincial de Lugo
Plaza de Clichy, París, 1887 (Óleo sobre lienzo, 68 x 109 cm) Museo del Prado.
Patio (Óleo sobre lienzo, 49 x 62 cm) Museo Carmen Thyssen. Málaga
Jardín de Mallorca (Óleo sobre lienzo, 75,5 x 100 cm) Museu d'Art Modern i Contemporani de Palma
Vista de Palma (Óleo sobre cartón, 31,5 x 45,5 cm) Museu d'Art Modern i Contemporani de Palma
Vista de París (Óleo sobre lienzo, 54 x 44 cm) Fundación Amyc. Casa Museo Fuente del Rey
Cadaqués (Óleo sobre lienzo, 60,5 x 80,5 cm) Fundación Amyc. Casa Museo Fuente del Rey
Bahía de Palma (Óleo sobre lienzo, 201 x 506 cm) Museo del Prado, depósito en la Presidencia de Gobierno de las Islas Baleares
El Marne, Francia (Óleo sobre lienzo 60,5 x 80,5 cm) Museo Nacional de Arte de Cataluña
Rincón Mediterráneo (óleo sobre tela 53,5 X 45,5)
Premios y reconocimientos
1879- Medalla de oro. Exposición Regional de Valencia
1887- Medalla de bronce. Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid
1889- Medalla de bronce. Exposición Universal de París
1890- Medalla de bronce. Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid
1896- Medalla de oro. Exposición de Bellas Artes e Industrias Artísticas de Barcelona
1899- Medalla de plata. Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid
1900- Medalla de bronce. Exposición Universal de París
1904- Medalla de plata. Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid
1906- Medalla de oro. Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid
1910- Medalla de plata. Exposición Universal de Bruselas.
1910- Medalla de oro. Exposición Internacional de Arte de Buenos Aires.
1915- Medalla de oro. Exposición Internacional Panama-Pacific de San Francisco
1915- Medalla de oro. Exposición Internacional de San Diego.
1926- Caballero de la Legión de Honor de Francia
1935- Ganador del Premio Nonell del Ayuntamiento de Barcelona
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Ignacio Zuloaga

7

Ignacio Zuloaga

Ignacio Zuloaga nació en Eibar, en el País Vasco, en 1870 y murió en Madrid en 1945. Su familia se dedicaba a la fabricación y decoración de armas de fuego. Inició su formación en el taller de damasquinado de su padre y asistió con regularidad al Museo del Prado para estudiar a los pintores... Ver mas
Ignacio Zuloaga nació en Eibar, en el País Vasco, en 1870 y murió en Madrid en 1945. Su familia se dedicaba a la fabricación y decoración de armas de fuego.

Inició su formación en el taller de damasquinado de su padre y asistió con regularidad al Museo del Prado para estudiar a los pintores clásicos. A los diecinueve años viaja a Roma y luego a París. En la capital francesa conoce a Gaugain y a Degas y vivirá en la Isla de Sant Louis con Santiago Rusiñol y Miguel Utrillo. Son años de formación e intenso trabajo, que harán que su lenguaje plástico madure.

Paisaje de Sepúlveda. Ignazio Zuloaga

En estos años, se especializa en la caracterización de tipos españoles, especialmente mujeres ataviadas con trajes de volantes, mantones, mantillas, abanicos y flores, como por ejemplo, Mujer de Alcalá de Guadaira. A este momento se le ha denominado como la época de la "España blanca."

Zuloaga alternará su estancia en París con largas temporadas en España, y en concreto en Segovia. En París se dedicará principalmente al retrato y desde Segovia iniciará su pintura de paisajes y de tipos castellanos, consolidando así su otro estilo, el de la "España negra."

En estas obras, se observa la influencia de la tradición realista de Courbet, a la que añadirá los recursos del impresionismo y del postimpresionismo.

Sus paisajes de las ciudades castellanas contienen una gran carga psicológica que implica la identificación con el territorio. Así, el duro paisaje castellano se convertirá en la imagen emblemática de España. Su visión de España le identifica con la Generación del 98, muestra la decadencia de las ciudades y el deseo de la vuelta a la tierra y al paisaje yermo, en busca de una autenticidad y una identidad nacional. La sobriedad, la nobleza, y el pesimismo imperante en la generación literaria parecen reflejarse en los lienzos de Zuloaga.

Pintó los tipos españoles y las visiones de una Castilla ruda, hosca y empobrecida. Se sirvió de varios elementos, como son, la miseria y las costumbres tradicionales de los pueblos.

Recurrió a los pueblos y a los campesinos porque en los pequeños pueblos era donde mejor se conservaban las tradiciones, ya que en las ciudades, el desarrollo industrial, acababa con ellas. Sus imágenes, por tanto, muestran una España campesina, con personajes solemnes, hieráticos y atemporales. Este estudio culminará en obras como El enano Gregorio el botero en Sepúlveda, Mujeres de Sepúlveda o Doña Rosita Gutiérrez.

Ignacio Zuloaga y los paisajes

Zuloaga no fue un paisajista cualquiera. Aunque sus comienzos estuvieron impregnados por el impresionismo, su técnica fuertemente empastada, la estructura de sus planos, el dramatismo y el estudio de la luz, es fruto de una interpretación personal, llena de gran fuerza expresiva y de segura energía.

Ignacio Zuloaga: Paisaje de Graus

Se interesó por el paisaje urbano, por las viejas casas agrietadas, las edificaciones populares y las nobles fachadas de piedra labrada desgastadas y erosionadas que sufren el paso de los años y de la historia. Pero en un primer momento, a este paisaje, le otorgó un lugar secundario en el fondo de sus cuadros.

En el cuadro Mis primas, la composición permite apreciar la desolada y desnuda comarca, sin un solo árbol, por la que caminan jinetes aislados o grupos de personas.

Lo mismo ocurre con El peregrino y con el paisaje de Gregorio el botero, donde Ávila con sus murallas es un simple telón sobre el que destaca la figura del enano monstruoso.

Otras obras son Casas viejas de Haro, Castilla la Vieja o Gregorio en Sepúlveda. En ésta última, aparece representada Sepúlveda detrás de la figura. Pero aquí el paisaje ya no es un mero telón de fondo, sino que tiene la misma importancia que las figuras del primer plano.

En Mujeres en Sepúlveda, serán las propias figuras las que conducen la mirada al pueblo medieval, con retorcidos caminos y aglomeradas casas sobre un áspero paisaje de barrancos y colinas.

Sepúlveda fue, sin duda, para Zuloaga, el pueblo que mejor expresa el carácter español, castellano, austero y adormecido en un rincón de la historia.

Poco a poco, va abandonando la figura humana para centrarse por completo en el paisaje.

Paisaje de Burgos lo concibe desde un punto de vista alto, muestra en primer término las derruidas murallas del viejo castillo y a lo lejos, las torres de la catedral gótica. Las nubes dotan a la obra de gran dramatismo.

En Cerros de Calatayud da a su pintura una sólida estructuración que recuerda a Cezanne y al dramático empleo de la materia pictórica de Van Gogh. Sorprende el vigor de la construcción del paisaje por planos, la sobriedad del dibujo y de la pincelada. En primer plano se encuentran los prados y los sembrados, después, las montañas, y sobre ellas, las nubes.
Paisaje de Nájera, Paisaje de Motrico, Paisaje de Tarazona, Catedral de Burgos o Paisaje de Pancorbo son algunos ejemplos más.

Castilla, Aragón y Navarra, han sido las grandes fuentes de inspiración del paisaje de Zuloaga. El paisaje natal del País Vasco le inspiró pocas veces, aunque en alguna ocasión también lo pintó, como en Fuente de Eibar. En el fondo de su Corrida de toros en mi pueblo, se inspiró en su pueblo para pintar el paisaje vasco que aparece en un rincón del cuadro.

Zuloaga y el retrato

A Zuloaga no le interesa representar arquetipos idealizados, huye de concebir el retrato como un inventario minucioso, sino que busca la nota que lo diferencie y que mejor exprese el carácter del personaje.

Le preocupa el carácter y el vigor expresivo, por eso sacrifica detalles, rasgos y delicadezas y, en cambio, subraya el gesto, la acción y la mirada, como vemos en el retrato de la Condesa de Noailles.

Entre sus numerosos retratos destacan el de Unamuno, Valle-Inclán o Pérez de Ayala entre otros.
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Luis Jiménez y Aranda

8

Luis Jiménez y Aranda

Luis Jiménez y Aranda (Sevilla, 1845-Pontoise, Francia, 1928) fue un pintor español, hermano de José y Manuel Jiménez Aranda, también pintores. Biografía Se inició en su formación con el primero de los hermanos (José) para después continuarla en la Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de... Ver mas
Luis Jiménez y Aranda (Sevilla, 1845-Pontoise, Francia, 1928) fue un pintor español, hermano de José y Manuel Jiménez Aranda, también pintores.

Biografía
Se inició en su formación con el primero de los hermanos (José) para después continuarla en la Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría de Sevilla bajo la dirección de Eduardo Cano de la Peña. En 1867 se marchó a Roma para ampliar conocimientos y en 1876 se instaló en Pontoise, cerca de París, llegando a nacionalizarse francés. Participó en las exposiciones del Salón de París y fue premiado en las Exposiciones Universales de París, en 1889, y Chicago, en 1893.1​ Tomó parte en Exposiciones Nacionales de Bellas Artes españolas y obtuvo mención honorífica en 1864 por su cuadro Cristóbal Colón al venir a proponer a los Reyes Católicos el descubrimiento del Nuevo Mundo, y primera medalla en 1892 con la obra La visita del médico. Se especializó en la pintura histórica, aunque también cultivó la costumbrista, ambas con un estilo verista y de gran acento dibujístico que revela la gran influencia de su hermano José.

Obras
En el estudio del pintor, óleo sobre tabla, 46 x 37 cm, firmado, 1882.
La sala del hospital en la visita del médico en jefe, óleo sobre lienzo, 290 x 445 cm, firmado, 1889.
Dama en la Exposición Universal de París, 1889.

En el estudio del pintor (1882).
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Modesto Urgell

9

Modesto Urgell

Modest Urgell i Inglada, en castellano Modesto Urgell e Inglada,1​ también conocido por el seudónimo Katúfol2​ (Barcelona, 1839-ídem, 1919) fue un pintor y comediógrafo español. Biografía Nacido en 1839 en Barcelona, estudió en la Escuela de la Lonja, donde fue discípulo de Ramón Martí... Ver mas
Modest Urgell i Inglada, en castellano Modesto Urgell e Inglada,1​ también conocido por el seudónimo Katúfol2​ (Barcelona, 1839-ídem, 1919) fue un pintor y comediógrafo español.

Biografía
Nacido en 1839 en Barcelona, estudió en la Escuela de la Lonja, donde fue discípulo de Ramón Martí Alsina. Pasó una temporada en París, donde trató a Gustave Courbet, y se adscribió al realismo. En los años 1860 sus obras fueron rechazadas por muy avanzadas en las exposiciones organizadas en la Lonja, y también expuso sin éxito en Madrid. En 1870 fue a Olot, donde se relacionó con Joaquín Vayreda, creador de una escuela paisajista en esta ciudad de La Garrocha que influyó en Urgell, dedicándose desde entonces principalmente al paisaje.

Expuso habitualmente en la Sala Parés desde su fundación en 1877, y obtuvo éxitos en las exposiciones nacionales de Madrid de 1876, 1892 y 1895, donde obtuvo la primera medalla con El Pedregal, pueblo civilizado; también ganó las máximas condecoraciones en las exposiciones de Barcelona de 1894, 1896 y 1898, y participó en exposiciones de Filadelfia y Múnich. Fundador de la Sociedad Artística y Literaria de Cataluña, desde 1894 fue profesor de paisaje de la Lonja.

Su obra se centra principalmente en paisajes y marinas solitarios, con un ambiente triste y misterioso, a menudo con localizaciones en cementerios y ermitas, en un estilo a veces comparado con el de Arnold Böcklin. Obtuvo bastante éxito en su tiempo, con obra en el MNAC, en los museos provinciales de Gerona, Palma de Mallorca y Lugo, en la Kunsthalle de Hamburgo, etc. Reunió reproducciones de buena parte de su obra en el álbum Cataluña (1905).

Como escritor, publicó diversas obras de teatro: Lluny dels ulls (1898), Un terròs de sucre (1898), Añoranza! (1899), Por (1901), Valor (1907); también escribió su autobiografía: El murciélago. Memorias de una patum (1913).

En 1902 fue nombrado académico de Bellas Artes de Barcelona. Falleció en su ciudad natal en 1919.

Su hijo Ricardo Urgell también fue pintor.
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Aureliano de  Beruete

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Aureliano de Beruete

Aureliano de Beruete (Madrid, 27 de septiembre de 1845 - ibid. 5 de enero de 1912),1​2​ fue un intelectual, pintor paisajista y político español. Doctor en Derecho por la Universidad de Madrid en 1867, llegó a ser diputado en las legislaturas de 1871 y 1872. Como artista, se formó en la Academia... Ver mas
Aureliano de Beruete (Madrid, 27 de septiembre de 1845 - ibid. 5 de enero de 1912),1​2​ fue un intelectual, pintor paisajista y político español. Doctor en Derecho por la Universidad de Madrid en 1867, llegó a ser diputado en las legislaturas de 1871 y 1872. Como artista, se formó en la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid donde fue alumno de Carlos de Haes; su holgada situación económica le permitiría dedicarse de lleno a la pintura. Entre sus primeros paisajes está la recreación de Orbajosa, villa imaginaria creada por Galdós como escenario de su novela Doña Perfecta; cuadro que regaló al escritor y que se conserva en la Casa-Museo Pérez Galdós de Las Palmas de Gran Canaria.3​

Amigo de pintores bien reputados de la época como su paisano Martín Rico, el aristócrata catalán Ramón Casas o el valenciano Joaquín Sorolla, que pintó dos de sus mejores retratos y que, a la muerte de Beruete, organizó en su palacete madrileño la primera exposición antológica del artista.a​

En los últimos años de su vida escribió algunos breves tratados sobre pintura y pintores, entre ellos una de las primeras monografías sobre Velázquez, cuya primera edición se hizo en París en 1898.1​

El Ayuntamiento de Madrid, en pleno de 25 de marzo de 1994, reconoció su labor y trabajo dedicando una calle en su honor en el distrito de San Blas Canillejas, merecido reconocimiento a su carrera y especial mención en su obra a Madrid y su entorno.



Biografía
Nacido Aureliano de Beruete y Moret (pero conocido como Aureliano de Beruete para diferenciarlo así de su hijo) en una familia de la élite socio-económico-política. Cursó Derecho entre 1864 y 1867, mientras se iniciaba en la pintura de caballete con el pintor riojano Carlos Múgica, y visita el Museo del Prado como copista. Inició su carrera política con la década de 1870 como diputado electo en Cortes. El golpe de Estado de Pavía en 1873 lo apartó de la política, para dedicarse desde entonces y hasta su muerte a pintar paisajes, coleccionar obras y escribir ensayos de arte. En 1874, conoce a Carlos de Haes como alumno en su cátedra de paisaje en la Academia de Bellas Artes de Madrid, iniciando además una amistad reforzada por los numerosos viajes plenairistas que comparten por la Sierra del Guadarrama y muy diversas zonas de la geografía peninsular, en especial la Cornisa Cantábrica. En todo ello influye el ideario krausistas del círculo de intelectuales y profesores universitarios encabezados por Nicolás Salmerón y Francisco Giner de los Ríos que, a partir del Colegio Internacional y luego la Institución Libre de Enseñanza, llevaron al mundo de las artes lo que luego se ha conocido como el espíritu noventayochista a partir de la estética castellana y su historia.4​b​


Árboles de Alsasua (apunte de 1876).
En 1877 se casó con su prima María Teresa Moret y Remisa y se involucró de lleno en el proyecto institucionista de Giner. Al año siguiente viajó a París, donde Aureliano conoce, a través de Rogelio de Egusquiza, un amigo común, a otro de sus referentes esenciales, el pintor Martín Rico, que le introduce en el grupo preimpresionista de Barbizón. A su regreso concurre por vez primera en las Exposiciones nacionales de Bellas Artes, obteniendo aquel año medalla de tercera clase. En los años inmediatamente siguiente realiza largas campañas «en plein-air» por Galicia y el País Vasco. En 1882 participa en la Exposición Internacional de Bellas Artes de Viena, y al año siguiente inicia su serie de ilustraciones para los Episodios nacionales de Galdós.5​ En 1889 está en París formando parte del jurado de la Exposición Universal y al año siguiente realiza varios viajes por Gran Bretaña y los Países Bajos.

Los críticos estiman que a partir de 1891 la pintura de Beruete entra en su segunda etapa artística, influido por la temática y las técnicas velazqueñas,5​ y abandonando de forma definitiva el academicismo en la composición del paisaje de su maestro Haes. Viajero infatigable, dentro y fuera de España, su afición a la música le llevó además a su cita anual con el Festival de Bayreuth. Paradójicamente, a medida que su arte crece y se personaliza su pintura, disminuye la estimación por ella en las exposiciones a las que concurre, demérito que no le impide pronunciar el discurso inaugural de la nueva Sala dedicada a Velázquez en el Museo del Prado en 1899.

Carmen Pena, especialista en paisaje y paisajismo,6​ señala un último giro a partir de 1903 en la pintura de Beruete,7​ postura que le llevará definitivamente a la estética impresionista, circunstancia que se ha relacionado con su amistad con Darío de Regoyos. En esa primera década del siglo XX, Aureliano continuó viajando y pintando en escenarios de los Alpes suizos, los Pirineos Orientales y el cinturón castellano limítrofe con Madrid (Toledo, Segovia, Guadalajara, Cuenca, Ávila). Expone en Buenos Aires (1904), participa en la Exposición Internacional de Barcelona de 1907,7​ y al año siguiente es nombrado miembro de la Hispanic Society de Nueva York.

Visitante habitual de los balnearios de Vichy en los últimos años de su vida,8​ Aureliano de Beruete murió de manera repentina en su casa de Madrid, el 5 de enero de 1912.9​

Estilo

El Guadarrama desde el Plantío de los infantes (1910).10​ Museo del Prado.
Tras un primer deslumbramiento como alumno y compañero de excursión de Carlos de Haes, tomando apuntes del natural que luego se trabajaban en el taller, Beruete viajó a París, donde Martín Rico le inició en el círculo de pintores «plenairistas» de la llamada escuela de Barbizon, perfeccionando y modificando a la vez sus técnicas y su afición por la pintura al aire libre. La pincelada precisa y académicamente más pesada evolucionó hacia unas formas más fluidas, más cercanas al estilo impresionista.11​ Los encuadres recoletos dieron paso a las composiciones abiertas y luminosas. Entre las más frecuentes y originales perspectivas pueden destacarse las pintadas en los alrededores de la ciudad de Madrid, la de Toledo, o en la sierra del Guadarrama.12​

Se ha relacionado su visión del paisaje con la poética de la generación del 98,13​ el regeneracionismo y más esencialmente con la filosofía de la Institución Libre de Enseñanza,4​ de la que fue firme protector y profesor.14​

Selección de obras

Retrato por Ramon Casas, en 1905. MNAC

Vista de Toledo (1907). Museo Nacional de Arte de Cataluña.
Vista de la vega baja desde el Cambrón: el río y sus riberas con la fábrica de armas al fondo, 1985
Tren en la noche, 1891
Paisaje de Torrelodones, 1891
Vista del Guadarrama desde El Plantío 1901
Lavaderos del Manzanares 1904
El Tajo (Toledo), óleo sobre lienzo, 57 x 85 cm, firmado, 1905
Afueras de Madrid (barrio de Bellas Vistas), óleo sobre lienzo, 57 x 81 cm, firmado, 1906
Orillas del Manzanares (1907 Madrid), óleo sobre lienzo, 35 x 43 cm, firmado, 1907
El Manzanares, óleo sobre lienzo, 58 x 81 cm, firmado, 1908
Madrid desde el Manzanares, óleo sobre lienzo, 57 x 81 cm, firmado, 1908
Pradera de San Isidro (La casa del sordo), óleo sobre lienzo,62 x 103 cm, firmado, 1909
Paisaje de otoño (Madrid), óleo sobre lienzo, 66 x 95 cm, firmado, 1910
Venta del Macho (Toledo), óleo sobre lienzo, 39 x 50 cm, firmado, 1911
La tapia del Pardo, óleo sobre lienzo, 47 x 53 cm, firmado, 1911
Espinos en flor (Plantío de Infantes, Madrid), óleo sobre lienzo, 66 x 100 cm, firmado, 1911
Paisaje con río (Quimperle, Bretaña) 1911
El Guadarrama, óleo sobre lienzo, 56 x 102 cm, firmado, 1911
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Darío de  Regoyos

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Darío de Regoyos

Darío de Regoyos y Valdés (Ribadesella, 1 de noviembre de 1857-Barcelona, 29 de octubre de 1913) fue un pintor español de un personal estilo impresionista tardío,1​ con obra puntillista y simbolista, además de un importante capítulo dedicado a la visión de la «España negra». Biografía Se... Ver mas
Darío de Regoyos y Valdés (Ribadesella, 1 de noviembre de 1857-Barcelona, 29 de octubre de 1913) fue un pintor español de un personal estilo impresionista tardío,1​ con obra puntillista y simbolista, además de un importante capítulo dedicado a la visión de la «España negra».
Biografía
Se inició en el dibujo con su padre, Darío Regoyos Morenillo, ingeniero y arquitecto, natural de Valladolid, aficionado a la pintura. En su juventud, la familia se trasladó de su Ribadesella natal a Madrid donde su padre fue aceptado en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.2​ Tras la muerte paterna, Darío se matriculó en la asignatura de Introducción al paisaje que impartía Carlos de Haes, introductor en España de las técnicas pleinairistas.

En el año 1879, viajó a Bruselas acompañando a Isaac Albéniz y Enrique Fernández Arbós, que iban a ser galardonados por el Conservatorio Real de Bruselas con “Distinción” y “Excelencia”, respectivamente.3​ En la capital belga tomó contacto con la ‘modernidad artística’ y se convierte en discípulo de Joseph Quinaux.2​ y se une en 1882 al grupo de L’Essor (El Vuelo), creado en 1876 por un heterogéneo grupo de artistas, seguidores de diferentes estéticas, y cuyo objetivo común era una negación del neoclasicismo y el academicismo. Sin embargo, Regoyos, por su preferencia inicial por los artistas del Realismo frente a los vanguardistas, se distanció de L’Essor dos años después (1884), habiendo expuesto solo junto a ellos durante los años 1883 y 1884. A este período le corresponde el retrato realizado por Theo van Rysselberghe, también miembro de L’Essor, donde aparece Regoyos tocando una guitarra.


Retrato de Darío de Regoyos con la guitarra, Théo van Rysselberghe (1885).
Entre los que habían decidido, por las causas nombradas, acabar con su participación en L’Essor, promovido por el abogado y pintor Octave Maus y el mecenas y escritor Edmond Picard, nace en el año 1883 el grupo denominado Les XX. Este grupo, el cual presenta veinte miembros (once miembros fundadores y nueve invitados) que a su vez, se hacían llamar veintistas, estaba conformado por otros artistas como James Ensor, Theo van Rysselberghe o Fernand Khnopff. Esta organización tenía como objetivo promover una exposición anual, en las que cada artista presentaría seis obras, que al no existir jurado, niega o suprime la competición entre ellos. Todo esto sería, finalmente, acogido por un catálogo, así como un simultáneo ciclo de conferencias y conciertos. Entre los invitados a estas exposiciones figuran nombres inscritos en lo más alto del desarrollo impresionista, como Paul Gauguin, Camille Pissarro o Toulouse-Lautrec. Ese mismo año, Darío de Regoyos decide volver a pasar los meses del estío en Guipúzcoa, que con los años acabaría por convertirse en su residencia permanente. Como se señala en España Negra, en su casa del camino de Ategorrieta, cerca de San Sebastián, fue anfitrión de Pío Baroja, con quien congenió. De estos viajes, se destaca su creciente relación con artistas vascos de formación francesa, como Ignacio Zuloaga, Paco Durrio y Pablo Uranga. Junto con ellos, se afanará el pintor en promover exposiciones de carácter colectivo como las llevadas a Bélgica por la Asociación de Artistas Vascos.4​

En 1888, Darío de Regoyos le escribe una importante carta al que había sido su amigo casi desde los comienzos de su estancia en Bruselas, el poeta Émile Verhaeren, a causa del fallecimiento de su padre. Le invitaba, en la misiva, a realizar juntos un viaje por España, del que nacería el libro La España Negra.5​ Este comenzará en Guipúzcoa y se visitó, por este orden, Guetaria, Zarauz, Renteria, Pamplona, Madrid, Ávila y finalmente Burgos. No obstante, en primer lugar sólo se publicaron las observaciones de Émile Verhaeren, en la revista L’Art Moderne, bajo el nombre Impresions d’artiste. No es hasta su publicación en la revista Luz fundada por el propio pintor, cuando recibirá el nombre de La España Negra,6​ con la ampliación de esta con ilustraciones xilográficas y una serie de textos realizados por él mismo. Son, sobre todo, las aportaciones de Darío de Regoyos las que posicionan este libro como una obra crítica con la España del momento, y el que además, decide finalmente añadirle el calificativo de negra.3​ Las obras sobre esta España pueblerina, tradicional y en su mayoría, controlada por la religión, se caracterizan por una búsqueda latente por la expresión, y unas ideas que le acercan a la que será la generación del 98.7​ No obstante, esta cercanía no se basa, exclusivamente, en la idea trágica sobre España que plantean estos autores, sino la forma de vivir y ver el paisaje, donde predominan las ciudades crepusculares, la sensación de ruina, y de ser intercambiables entre ellas.

Los problemas de salud de su mujer, con la que había contraído matrimonio en el año 1875, y los suyos propios, van a empezar a complicar la vida del pintor, que hasta el momento se mantenía en una situación acomodada. Padre de seis hijos, multiplicaría por esta causa, y para poder financiar los cuidados que requería su familia, su participación en certámenes de pintura sin gran éxito. Es en este momento, cuando su anterior amistad con Camille Pissarro, le une al marchante Paul Durand-Ruel, que comercializará progresivamente su obra.6​ Gracias, además a Pisarro, retoma su afán de convertirse en un gran paisajista, probando esta vez las técnicas puntillistas, que le convierte en el único español que llevará a cabo esta técnica. No obstante, al ser una técnica pictórica que emplea mucho tiempo para su realización, acaba por ser abandonada por el artista.

Vuelve, así, a sus rápidas pinceladas y a pintar en su mayoría al aire libre a partir de 1900, durante un nuevo viaje por España en busca de diferentes paisajes. Esta serie de pinturas aumenta ligeramente su popularidad. A este período pertenece el popular cuadro de La Concha, realizado aproximadamente en 1906, donde consigue en un impresionismo tardío un equilibrio perfecto entre las tonalidades verdes, ocres, malvas y azules y en su composición.8​ En 1909 se traslada a Guecho y recibe los cuidados del médico Juan Antonio Gádiz, dado su cada vez peor estado de salud. Por estos mismos motivos, se traslada a Barcelona, donde es diagnosticado de cáncer de lengua, y donde pasa sus tres últimos años de vida habiendo ya perdido la capacidad de hablar. El 29 de octubre de 1913 muere en Barcelona a causa de esta enfermedad. Continuó pintando hasta el final de sus días. En Bélgica, recibió en homenaje de una exposición a cargo de la asociación La Libre Esthétique, promovida por su director Octave Maus.

Obra

Viernes Santo en Orduña, Darío de Regoyos (1903).
Considerado maestro de la luz y el color, en su pintura, se advierte un creciente simbolismo, en donde prácticamente todos los elementos responden a una idea mayor, en forma de metáfora. Como pintor, es indudable que poseía una gran curiosidad, con la cual fue capaz de dejar de lado el naturalismo y adentrarse en el impresionismo, e incluso superarlo, con el puntillismo y pre-simbolismo. Llega por tanto, a ser más atrevido que pintores contemporáneos como Sorolla o Ignacio Zuloaga. Su dibujo resulta un tanto primario, casi naif, en contraste con un colorido vivo de gusto internacional, que entonces era mayoritariamente denostado en España. Existe una amplia muestra de su arte en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, el MNAC de Barcelona y el Museo Carmen Thyssen de Málaga.9​

Si se intentase dividir su pintura por etapas, habría que centrarse en el concepto, más que en el método, para encontrar diferencias. Como dos grandes categorías la pintura de Regoyos puede entenderse como en ocasiones íntima y en otras, crítica y expresiva. Habría que destacar también que fuera de estas, se encuentran varios retratos y un autorretrato en su obra. En la primera, la pintura estará supeditada a la consecución de un instante, de un recuerdo o de una impresión de la naturaleza. De esto, es ejemplo obras como Recogiendo fresas, Pino de Bejar, o El gallinero. La paleta aquí, es clara, de colores suaves o a veces, artificiales. En la segunda se mantiene siempre crítico, con una visión desgarrada de la realidad y donde alcanza el expresionismo. Es en su etapa madura como pintor cuando se adentra en el plenairismo. Ejemplo de esto son Paisaje de Hernani fechado hacia 1900, donde se muestra una vista panorámica de esta localidad al atardecer, con las luces doradas que bañan las pequeñas casas y el puente viejo, enmarcados por el monte Adarra. El paso del tren, hacia 1902, muestra el paso de éste cerca de San Sebastián, en Ategorrieta. Esta etapa pictórica podría resumirse fácilmente en las palabras del propio pintor en la revista francesa Mercure de France en 1905.10​
Si volviera a comenzar mi vida, volvería a utilizar una paleta clara, sin tierras, sin negros, y sólo haría paisaje, entregándome por completo a las impresiones que recibiera de la naturaleza.
Darío de Regoyos, Encuesta sobre las tendencias actuales en las artes plásticas

Almendros en flor, Darío de Regoyos(1905) Museo Carmen Thyssen Málaga.
El artista consigue plasmar el movimiento del mismo sin necesidad de pintar la locomotora, simplemente sirviéndose del humo que ésta dejó a su paso. Los colores son apagados, acorde al clima sombrío vasco. En Los almendros en flor Regoyos organiza el cuadro en frisos horizontales, empleando el [puntillismo] para plasmar la naturaleza del campo. Aunque el protagonismo es del paisaje, Regoyos introduce siempre en estas obras figuras humanas que se integran perfectamente el paisaje, destacando especialmente en Los almendros en flor la sombrilla roja de la mujer que pasea por el campo. Todos estos ejemplos se encuentran expuestos actualmente en las salas del Museo Carmen Thyssen Málaga.11​

Artistas españoles posteriores le tendrán como referencia, tanto por su rebeldía como por su obra, como Picasso, y escritores del 98, como Pío Baroja, por su actitud, y su color en España, el negro.10​

Tiene calles en su honor en Oviedo, Ribadesella, Bilbao, Irún, Rentería, Azuqueca de Henares y Cabezón de Pisuerga (Valladolid).
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Ignacio Pinazo

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Ignacio Pinazo

Ignacio Pinazo Camarlench (Valencia, 11 de enero de 1849 - Godella, 18 de octubre de 1916) fue un pintor español de estilo impresionista.1​ Biografía Pinazo, nacido en un hogar humilde, trabajó en diversos oficios en apoyo de la economía familiar. Solo había cursado el octavo año en la... Ver mas
Ignacio Pinazo Camarlench (Valencia, 11 de enero de 1849 - Godella, 18 de octubre de 1916) fue un pintor español de estilo impresionista.1​


Biografía
Pinazo, nacido en un hogar humilde, trabajó en diversos oficios en apoyo de la economía familiar. Solo había cursado el octavo año en la escuela cuando su madre murió de cólera en una de las pandemias que asolaron España en el siglo xix. Entre los diversos empleos que tuvo están el de platero, decorador de azulejos y pintor de abanicos. Al morir su padre pasó a vivir con su abuelo y empezó a estudiar en 1864 en la Academia de Bellas Artes de San Carlos, mientras se ganaba la vida como sombrerero.


Autorretrato en 1904
En 1871, por primera vez, presentó obras en la Exposición Nacional de Bellas Artes. Estuvo dos veces en Roma, la primera gracias a la venta de un cuadro (1873), la segunda becado (de 1876 a 1881) pintando obras de historia, aunque alejadas de los convencionalismos del género, pero aún de carácter academicista. A partir de 1874 comenzó una línea pictórica más íntima e impresionista. Cuando regresó a su ciudad natal, sustituyó los temas históricos por temas familiares, desnudos y escenas de la vida cotidiana, en la línea del trabajo de otros pintores como Joaquín Sorolla y Francisco Domingo Marqués.

Debido a una nueva epidemia de cólera en Valencia, Pinazo marchó en 1884 temporalmente a Bétera, concretamente a «Villa María», la casa de campo del banquero y mecenas José Jaumandreu. Desde 1884 hasta 1886 enseñó en la Escuela de Valencia.

En las exposiciones nacionales de arte Pinazo logró, en 1881 y 1885, una medalla de plata, y en 1897 y 1899, medalla de oro. En 1896 ingresó como académico en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. Convertido así en uno de los retratistas más valorados, tras recibir la primera de medalla de la exposición nacional de 1897, también realizó, en años sucesivos, retratos oficiales como los del ministro Juan Francisco Camacho, el presidente del Congreso de los Diputados, Francisco Romero Robledo, y de Alfonso XIII. En 1900 intervino en la decoración de la escalinata del palacete de Don José Ayora, en compañía de Antonio Fillol, Peris Brell, Ricardo Verde y Luis Beüt.

En 1903 fue nombrado académico de San Fernando, y en 1912 la ciudad de Valencia le dedicó una calle.

Tuvo dos hijos con Teresa Martínez Montfort, luego también pintores, Ignacio y José.

Obra
Ignacio Pinazo trabajó con colores oscuros, como el negro, el marrón y los colores terrosos, mezclados con la brillante paleta impresionista. En sus obras, a menudo se reconocen pinceladas rápidas. Para Pérez-Rojas, el virtuosismo de Pinazo con técnicas afines al impresionismo parece deberse a su procedencia de un medio proletario y a que en su juventud había trabajado en varios oficios, que, posiblemente, le familiarizaron con un manejo más directo de los materiales y de las formas. Algunos autores acercan parte de su obra y estilo al de Goya.[cita requerida]

A partir de su primera estancia en Italia, desarrolla en cascada visiones y anotaciones más impresionistas. Va desarrollando un informalismo emocional, autónomo y expresivo que, progresivamente, va dominando el conjunto de su obra. De ser una artista que bebe de la cultura del naturalismo, evoluciona hacia visiones y tensiones más psicológicas y emotivas con el cambio de siglo.[cita requerida]

Obras de Pinazo en el Museo del Prado (Madrid):


Los últimos momentos del rey Don Jaime el Conquistador en el acto de entregar su espada a su hijo Don Pedro.
Óleo sobre tela, 304 X 418 cm, Museo del Prado, 1881.
Desnudo de mujer, óleo sobre lienzo, 27 x 39 cm, 1902
Torero, óleo sobre tabla, 20 x 14 cm, 1881
Ignacio, hijo del artista, óleo sobre lienzo, 47 x 40 cm, 1885
Niña con una muñeca, óleo sobre lienzo, 69,5 x 51 cm, hacia 1890
Desnudo femenino, óleo sobre tabla, 31 x 20 cm, 1894
El infante don Pedro, arrodillado (Estudio para Últimos momentos del rey don Jaime), óleo sobre lienzo, 82 x 52 cm, 1879
La fiesta, óleo sobre lienzo, 80 x 100 cm, 1890
Ignacio, hijo del artista, semidesnudo, óleo sobre lienzo, 65 x 63 cm, 1890
Su obra también puede contemplarse en el Museo Nacional de Arte de Cataluña - MNAC (Barcelona), Museo de Bellas Artes de Valencia, Basílica de la Asunción en Cieza (Murcia) y Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias "González Martí", donde se conservan 29 obras (11 pinturas y 18 dibujos), entre las que destacan el conjunto para el café "El león de oro" (1889), en Valencia.2​ La mayor colección de obras de Pinazo se encuentra en el Instituto Valenciano de Arte Moderno - IVAM (Valencia), con más de cien cuadros y de seiscientos dibujos que, en parte, proceden de su familia.
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Anselmo Guinea Ugalde

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Anselmo Guinea Ugalde

Anselmo Guinea y Ugalde (Bilbao 1 de abril de 1854-ibidem, 10 de junio de 1906) fue un pintor, acuarelista y muralista español, con destacados trabajos en edificios públicos bilbaínos como la biblioteca de Bidebarrieta, el Palacio Foral, el palacio Chávarri y como pintor de vidrieras en el... Ver mas
Anselmo Guinea y Ugalde (Bilbao 1 de abril de 1854-ibidem, 10 de junio de 1906) fue un pintor, acuarelista y muralista español, con destacados trabajos en edificios públicos bilbaínos como la biblioteca de Bidebarrieta, el Palacio Foral, el palacio Chávarri y como pintor de vidrieras en el palacio de Ibaigane.


Biografía
Nacido en la bilbaína calle de Ripa, comenzó su instrucción en Madrid, asistiendo al taller de Federico de Madrazo. Al regresar en 1876 a su ciudad natal, optó a la cátedra de dibujo de la Escuela de Artes y Oficios, siendo titular de la misma hasta su fallecimiento.

En 1890 viajó en compañía de Manuel Losada a París, asistiendo a clases en la academia Gerveix, donde toma contacto con las corrientes impresionistas que se afianzan en la capital francesa. En Roma completó su formación y, desde allí, presentó obras con asiduidad a las diferentes Exposiciones Nacionales de Bellas Artes.

Selección de obras
Autorretrato (cp) 1875.
Aurresku-acuarela- (Museo de Bellas Artes de Álava)
Juan Zuria jurando defender la independencia de Bizkaia (Casa de Juntas de Guernica) 1882.
La Tarantela (Museo de Bellas Artes de Bilbao) 1884.
Pescadora (cp) 1888.
La sirga (cp) 1892.
Arratianos (cp) c. 1896.
Cristiano (Palacio Foral. Bilbao) 1897.
Responso (MNAC) 1898.
Alegoría de Bizkaia (vidriera en el Palacio Foral de Bilbao) 1900.
Gente. Un puente en Roma (Museo de Bellas Artes de Bilbao) 1904.
Recuerdos de Capri
El matrimonio de un faraón
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José Salís Camino

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José Salís Camino

José Salís Camino (Santoña, 1 de diciembre de 1863 - Irún, 30 de diciembre de 1927) fue un pintor paisajista y grabador español, uno de los primeros miembros de la denominada Escuela del Bidasoa.1​ Biografía Nacido en Santoña, hijo de padre francés y madre vasca, al quedar de niño huérfano... Ver mas
José Salís Camino (Santoña, 1 de diciembre de 1863 - Irún, 30 de diciembre de 1927) fue un pintor paisajista y grabador español, uno de los primeros miembros de la denominada Escuela del Bidasoa.1​

Biografía
Nacido en Santoña, hijo de padre francés y madre vasca, al quedar de niño huérfano marchó a vivir con su familia en Irún. Pudo formarse en Madrid, en la Escuela de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, con Carlos de Haes. En 1885 viajó a Bruselas donde se estableció un tiempo y completó su formación con Antoine Van Hammée. Pasó por Roma y París, estuvo en el Reino Unido y visitó el Norte de África antes de regresar a España. Próximo al luminismo de Joaquín Sorolla y la obra de Joaquim Mir, estuvo en sus primeras etapas bajo la influencia de Carlos de Haes y, después del corotianismo.2​ Predomina en su pintura el paisaje y, dentro de él, las marinas. En su obra deja ver la influencia con que le marcó el impresionismo durante su estancia en Bélgica y Francia. Establecido en Irún, allí abrió su taller de pintura y grabado, y participó en todas las exposiciones nacionales de España que tuvieron lugar entre 1895 y el año anterior a su fallecimiento. También acudió a exposiciones colectivas o individuales en París. Ha sido considerado «una de las principales referencias para los artistas de su tiempo y las nuevas generaciones hasta su muerte».3​
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Martin Rico

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Martin Rico

Martín Rico y Ortega (El Escorial, 12 de noviembre de 1833-Venecia, 13 de abril de 1908) fue un pintor español, especializado en la pintura de paisaje influenciado por la Escuela de Barbizon. Biografía Creció en una familia de artistas y estudió en la Escuela de Bellas Artes de San... Ver mas
Martín Rico y Ortega (El Escorial, 12 de noviembre de 1833-Venecia, 13 de abril de 1908) fue un pintor español, especializado en la pintura de paisaje influenciado por la Escuela de Barbizon.


Biografía
Creció en una familia de artistas y estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, siendo su maestro Jenaro Pérez Villaamil. También fue discípulo de su hermano Bernardo (1825-1894), calcógrafo, con quien colaboró como dibujante y grabador, llegando a director artístico de La Ilustración Española y Americana.

En 1854 comenzaron sus viajes por Europa: París, Suiza, Inglaterra e Italia. En 1907 se publicó su libro de memorias: Recuerdos de mi vida,1​ dedicado a su amigo madrileño, el paisajista Aureliano de Beruete. Falleció el 13 de abril de 1908 en la ciudad italiana de Venecia.

Del 30 de octubre de 2012 al 10 de febrero de 2013 se celebró una exposición monográfica en el Museo del Prado: El paisajista Martín Rico (1833-1908).2​

Etapas pictóricas

La Torre de las Damas en la Alhambra de Granada, 1871. Museo del Prado.
A lo largo de su obra se aprecia una evolución desde el realismo a un cierto impresionismo. Las influencias de Turner y Ruysdael le llevaron a pintar paisajes cada vez más humanizados. Su relación con Mariano Fortuny profundizó ese cambio hacia pinturas más luminosas e impresionistas. Una de sus obras más conocidas es Lavanderas de La Varenne.

Inicios (1854-1861)
Tras su etapa de formación en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, el pintor se traslada a Asturias para pintar la basílica de Covadonga (1856), y posteriormente a otros lugares de España, como Sierra Nevada (1857) y la sierra de Guadarrama (1858).

Camino al realismo (1862-1870)

Patio del palacio de los Dux de Venecia, 1883, Colección Santander.
En 1862 va pensionado a París con Raimundo de Madrazo y viaja a Suiza donde conoce a Alexandre Calame, que tendrá grandes influencias sobre él y su pintura como Campesinos de 1862 (Museo Carmen Thyssen Málaga). Tras Suiza se traslada a Inglaterra para estudiar la pintura de Turner y David Roberts. Tras el viaje a Inglaterra recala en Francia donde estudia los paisajes fluviales de la Escuela de Barbizón y Daubigny que le influiría en sus pinturas realizadas en torno a los ríos Sena, Marne y Oise. Como su obra de justo el fin de este periodo Un día de verano en el Sena de 1870-1875 (Museo Carmen Thyssen Málaga).

Vistas españolas (1870 - 1893)
Durante la Guerra franco-prusiana (1870-1871) vuelve a España y en 1871 vive en Granada con el pintor Mariano Fortuny al que ya había conocido en Francia en 1866. La admiración que tiene el pintor se ve reflejada en las numerosas pinturas y acuarelas que realiza de los monumentos de la ciudad. Entre 1872 y 1875 el pintor se centra en retratar la ciudad de Sevilla. En 1875 inició sus campañas en Toledo que durarán hasta 1893 si bien durante las mismas se traslada a otros puntos como Madrid o El Escorial para realizar lienzos sobre las mismas.

Vistas francesas e italianas (1872-1908)
En 1872 se traslada a París realizando numerosos viajes a partir del año siguiente a Italia (Nápoles, Roma, Verona, etc.) de esta época destacan obras como Río San Lorenzo con el campanario San Giorgio dei Greci, Venecia de 1900 (Museo Carmen Thyssen Málaga) ambientada en uno de los barrios más populares de la ciudad de Venecia.3​ Durante su estancia en Francia se traslada a diversos puntos de la geografía francesa como la Costa Azul o Chartres. En 1878 recibe la Legión de Honor por su contribución a la Exposición Universal de París de 1878.

Vistas venecianas (1873-1908)
Solapada con su estancia en Francia en 1873 dentro de sus viajes a Italia el artista conoce Venecia. La ciudad del Véneto ejerce una profunda admiración en el pintor que la ve como un gran taller al aire libre. Su estilo luminoso, colorido, reflejos y pincelada precisa y preciosista le hace ganarse a la crítica y consigue gran éxito, sobre todo en Estados Unidos, donde va a parar la mayor parte de sus últimas obras. Muerto en Venecia, fue enterrado en el Cimitero di San Michele.

Algunas obras

La Riva degli Schiavoni en Venecia (1873).
Orillas del Azañón (1858), Museo del Prado.
Sierra del Guadarrama (1869). Newark Museum.
Un día de verano en el Sena (1870-1875), Museo Carmen Thyssen Málaga
Desembocadura del Bidasoa (h. 1865) Museo del Prado.
Torre de las Damas (1871-72), Museo del Prado.
La riva degli Schiavoni en Venecia (1873), Museo del Prado.
Venecia. La entrada al Gran Canal (1877) Filadelfia, Pennsylvania Academy of the Fine Arts.
Patio del palacio de los Dux de Venecia, 1883, Fundación Banco Santander.
Alcalá de Guadaira (h. 1890), Museo del Prado.
Vista de Venecia (h. 1900), Museo del Prado.
Un canal en Venecia (1906), Brooklyn Museum of Art.
Autorretrato (1908) París, colección Michel Rico.
Río San Lorenzo con el campanario San Giorgio dei Greci, Venecia (1900), Museo Carmen Thyssen Málaga
Campesinos (1862), Museo Carmen Thyssen Málaga
Vistas al Santuario de Covadonga (1856), Museo de Bellas Artes de Asturias.
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Francisco Gimeno

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Francisco Gimeno

. Francisco Gimeno Arasa, también conocido por su nombre en catalán Francesc Gimeno i Arasa (Tortosa, 4 de febrero de 1858 - Barcelona, 22 de noviembre de 1927), fue un pintor español. Fue autor fecundo, con gran facilidad en el dibujo y colorido vivo y brillante, practicando diversos... Ver mas
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Francisco Gimeno Arasa, también conocido por su nombre en catalán Francesc Gimeno i Arasa (Tortosa, 4 de febrero de 1858 - Barcelona, 22 de noviembre de 1927), fue un pintor español.

Fue autor fecundo, con gran facilidad en el dibujo y colorido vivo y brillante, practicando diversos géneros, entre ellos el retrato, el cuadro de costumbres y escenas de género. Excelente paisajista y marinista.

Hay obras suyas, entre otros muchos lugares, en el Museo Nacional de Arte de Cataluña (Barcelona), Museo Nacional del Prado de Madrid, Museo de Montserrat y en la Biblioteca Museo Víctor Balaguer.

Su obra no fue considerada en su momento, comenzando a reivindicarse en 1915, tras la exposición organizada de Ignacio Mallol en la galería Dalmau, que impresionó notablemente a crítica y público. Entre sus obras, destacan El niño del perro, Madre e hijo, y Rincón de la Costa Brava.
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Adolfo Guiard

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Adolfo Guiard

Adolfo Guiard Larrauri (Bilbao 10 de abril de 1860-8 de marzo de 1916) fue un pintor español. Considerado uno de los artistas emblemáticos del Bilbao del siglo XIX, e introductor del impresionismo en el País Vasco. Biografía Nacido en el seno de una familia de quince hijos, era hijo de un... Ver mas
Adolfo Guiard Larrauri (Bilbao 10 de abril de 1860-8 de marzo de 1916) fue un pintor español. Considerado uno de los artistas emblemáticos del Bilbao del siglo XIX, e introductor del impresionismo en el País Vasco.
Biografía
Nacido en el seno de una familia de quince hijos, era hijo de un fotógrafo francés afincado en Bilbao, Alphonse Guiard, y de Juliana Larrauri. Guiard comenzó sus estudios artísticos en su ciudad natal con el pintor Antonio Lecuona en su estudio bilbaíno de la calle de La Cruz. Posteriormente se trasladó a Barcelona y luego a París, donde se estableció en 1878, siendo así que «es la primera vez que un pintor vasco y del estado español cambia París por Roma en su formación artística en el extranjero».1​ Los pintores en Cataluña ya tenían más vínculos con la pintura que se realizaba en París que en Roma, esto y su dominio del francés le impulsaron a elegir la capital francesa, donde frecuentó la academia Colarossi. En esos años, la publicación La vie moderne, dirigida por Edmond Renoir, hermano del famoso pintor, publicó varios dibujos de Guiard. Juan de la Encina menciona que en París el pintor conoció y frecuentó a Zola, Daudet y Degas. En la ciudad comenzaba a palpitar la pintura impresionista lo que a Guiard le llevó a dar un importante paso, el pintar al aire libre.

Entre 1886 y 1887 se estableció en Bilbao, donde abrió estudio en la calle Correo, nº 23, donde «...intentará reivindicar su pintura en un ambiente no muy propicio a novedades artísticas y con una infraestructura comercial para el arte bastante anclada en el pasado»,2​ siendo así que Bilbao será la primera ciudad española en la que se verá pintura impresionista pintada en España.


El cho (1887)

El aldeano de Bakio (1888)
Los cuadros de la Bilbaína
Su obra no tardó en ser reconocida ya que en 1887 la Sociedad Bilbaína encargó tres lienzos de grandes dimensiones a Guiard, por mediación de su presidente en aquel tiempo, Ayarragaray, que se había propuesto modernizar el club en todos los aspectos, comenzando por la propia decoración del mismo. En los tres grandes lienzos, llamados La ría de Axpe, En la terraza y Cazadores en la Estación del Norte, el artista representa aspectos de la vida bilbaína, con barcos cargueros en la ría, personas sentadas en un café cercano a la playa y el ambiente en la estación de ferrocarril formado por personas, trenes y humos. Reflejan una nueva burguesía surgida en Bilbao, y que la Sociedad Bilbaína representaba. Son escenas que reflejan las nuevas aficiones de la oligarquía: deportes, excursiones, tertulias, caza...

Pintura al aire libre
Con su ansia por pintar al aire libre, cerca de la naturaleza, fija su residencia en Baquio, pequeña localidad muy cercana a Bilbao pero que con su vida campestre resulta ser totalmente opuesta a la bilbaína. Pero aún pintando al aire libre, el paisaje seguirá siendo secundario en su obra ya que dará especial importancia a las figuras humanas que viven y trabajan en el campo. Su gama de verde, tan intenso en el paisaje que le rodea, lo va tornando cada vez más rotundamente en azules y grises, lo que acabará por dar carácter definitivo a su obra.

Críticos contemporáneos
Unamuno publicó en la revista Hermes, en 1918 acerca de Guiard: «Lo que domina en el arte pictórico de Guiard es el contorno; sus figuras son siluetas. Diríase de sus cuadros, de reducidas dimensiones casi todos ellos, que más que de pintura son de dibujo iluminado. Era de los que primero dibujan la figura, y a toda conciencia, y luego le dan color. Un color ligero y transparente. Las figuras humanas de Guiard son naturales. Quiero decir que pertenecen a la naturaleza, como le pertenece un árbol. Son figuras humanas vegetativas y de un fresco verdor primaveral, lo menos reconcentradas posible. Son hombres que se dejan vivir, decorativos y sencillos como los chinos de los abanicos».

El conocido crítico Juan de la Encina publicó en la misma revista: «Los gérmenes que en su juventud trajo de París, aquí desarrollaron sin apenas nuevas aportaciones parisienses. Su arte, en efecto, evolucionó constantemente, pero siempre en una misma dirección y con prudente parsimonia. Guiard representó también en esto a su pueblo, y al traernos el arte y las tendencias artísticas que en un tiempo privaron en París, nos trajo con ellas las apetencias de nuevas formas de arte. Abrió con ello en nuestro pequeño medio artístico perspectivas hacia todos los rumbos. Todos los artistas que vinieron tras él -sin que ninguno, fuera de Anselmo Guinea, le deba nada directamente a su arte- siguieron las rutas modernas que Guiard de pronto estableció en Bilbao. Como nuestros navegantes nos ponen desde tiempos inmemoriales en comunicación física con todas las tierras del mundo, así él nos puso en relación continua con el foco moderno más intenso y variado- de producción artística. Desde entonces, el llamado arte vasco está sellado de la influencia del moderno arte francés».

Selección de obras
De promesa (La promesa) (Museo de Bellas Artes de Bilbao)
Aldeanita del clavel rojo (Museo de Bellas Artes de Bilbao)
El cho (Museo de Bellas Artes de Bilbao)
La siega (Museo de Bellas Artes de Bilbao)
El aldeano de Bakio (Museo de Bellas Artes de Bilbao)
Lavanderas en el río
La ría de Axpe (Sociedad Bilbaína)
En la terraza (Sociedad Bilbaína)
Cazadores en la Estación del Norte (Sociedad Bilbaína)
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