20 grandes artistas italianos y sus obras maestras

20 grandes artistas italianos y sus obras maestras

Publicada el 07.03.2019 a las 11:49h.

De todas las épocas y de todos los estilos, más y menos famosos, de "una sola obra" o muy prolíficos... una veintena de genios italianos que cambiaron la historia del arte y sus creaciones más impresionantes. Vota por tus preferidos y escríbenos en comentarios qué selección hubierais hecho vosotros. Para mis pinchés (Juli, Fran y Daniela), que desprenden arte por los cuatro costados.

Etiquetas: arquitectura, arte, capillasixtina, caravaggio, david, davinci, escultura, florencia, italia, lucas, luko, miguelángel, pintura, renacimiento, roma

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Último acceso 14.09.2019

Michelangelo Buonarroti

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Michelangelo Buonarroti

Miguel Ángel Bounarroti fue un escultor, pintor y arquitecto italiano de los siglos XV y XVI. Nació en Caprese (provincia de Arezzo) en 1475. Comenzó su formación como pintor a los 12 años en el taller de la familia Ghirlandaio y un año más tarde se adentraría en el mundo de la escultura a... Ver mas
Miguel Ángel Bounarroti fue un escultor, pintor y arquitecto italiano de los siglos XV y XVI. Nació en Caprese (provincia de Arezzo) en 1475. Comenzó su formación como pintor a los 12 años en el taller de la familia Ghirlandaio y un año más tarde se adentraría en el mundo de la escultura a través de Bertoldo di Giovanni, el cuál le introduciría en el influyente círculo de los Médici. Desde entonces desarrolló una fructífera vida artística entre Florencia y Roma, de cuyo amplio legado destacan dos grandes obras: la bóveda de la Capilla Sixtina y El David. Es muy difícil elegir uno, pero nos hemos decantado por la escultura que acapara todos los focos de la Galería de la Academia, en Florencia:

Al bloque de mármol de Carrara que acabaría siendo el David, los canteros lo llamaban «El gigante». Medía más de 5 metros de alto y varios escultores habían intentado sacar algo de él sin éxito. Agostino di Duccio incluso dejó en el bloque un terrible agujero, quedando la pieza prácticamente inutilizada. Pero en 1501, Miguel Ángel decide ponerse a ello (recordemos que tenía 26 añitos). Se pasó mucho tiempo mirando el bloque, que estaba en el patio del Departamento de Obras de la catedral, comido por la maleza.

Cuatro años se pasó Miguel Ángel esculpiendo la obra. A las pocas semanas de comenzar, el escultor pidió que levantaran cuatro muros alrededor del bloque, para poder protegerlo de los curiosos. Y claro, la expectación era máxima. Poco se sabe de como fue naciendo la escultura. Miguel Ángel era un tipo que apreciaba el secretismo en el trabajo. No le gustaba nada que le observaran mientras trabajaba, quizás porque los curiosos y los críticos le ponían nervioso, o quizás porque quería mantener en secreto su método de tallar. El caso es que cuando al fin se mostró la pieza, se derribaron los muros como en un gran espectáculo, y la gente quedó estupefacta.

El David de Miguel Ángel es desde entonces el ideal de belleza masculina. Un hombre musculoso, en tensión y preparado para el combate. Su cuerpo está girado con un ligero contrapposto, su cabeza mira hacia su izquierda (hacia Roma), con los ojos fijos en su objetivo, con el ceño fruncido. Una obra maestra de la escultura y visita imprescindible en Florencia.
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Leonardo da Vinci

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Leonardo da Vinci

Considerado el paradigma del "homo universalis", del sabio renacentista versado en todos los ámbitos del conocimiento humano, Leonardo da Vinci (1452-1519) incursionó en campos tan variados como la aerodinámica, la hidráulica, la anatomía, la botánica, la pintura, la escultura y la arquitectura... Ver mas
Considerado el paradigma del "homo universalis", del sabio renacentista versado en todos los ámbitos del conocimiento humano, Leonardo da Vinci (1452-1519) incursionó en campos tan variados como la aerodinámica, la hidráulica, la anatomía, la botánica, la pintura, la escultura y la arquitectura, entre otros. Sus investigaciones científicas fueron, en gran medida, olvidadas y minusvaloradas por sus contemporáneos; su producción pictórica, en cambio, fue de inmediato reconocida como la de un maestro capaz de materializar el ideal de belleza en obras de turbadora sugestión y delicada poesía.

Entre 1495 y 1498 pintó sobre una pared del refectorio de Santa Maria delle Grazie La última cena, su más vasta empresa pictórica y una de las más célebres obras de toda la historia del arte. A fin de trabajar con mayor comodidad escogió, en lugar de la tradicional técnica del fresco (que obliga a pintar con rapidez sobre el enlucido aún húmedo y no consiente arrepentimientos), la del temple con una preparación en dos capas, pero el experimento no tuvo éxito y la superficie pictórica sufrió un gravísimo deterioro que ninguna restauración posterior ha logrado enmendar. El tema de la composición es el momento en que Jesucristo anuncia que uno de los apóstoles lo ha traicionado, lo cual provoca en cada uno de ellos sentimientos de ansia, rabia o consternación; se introduce así una fuerte carga emotiva en un espacio perfectamente ordenado y simétrico en el que la figura de Cristo, único personaje sereno, ocupa el punto de fuga.
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Gian Lorenzo Bernini

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Gian Lorenzo Bernini

(Nápoles, 1598-Roma, 1680). Pintor, escultor y arquitecto. La larga vida de Bernini fue una casi continua sucesión de éxitos, en el transcurso de la cual el napolitano llegó a imponer una auténtica dictadura artística en la Roma de buena parte del si­glo XVII, la ciudad que se había convertido... Ver mas
(Nápoles, 1598-Roma, 1680). Pintor, escultor y arquitecto. La larga vida de Bernini fue una casi continua sucesión de éxitos, en el transcurso de la cual el napolitano llegó a imponer una auténtica dictadura artística en la Roma de buena parte del si­glo XVII, la ciudad que se había convertido en el centro indiscutible de la vanguardia artística contemporánea. Creador polifacético, Bernini destacó, ante todo, por sus obras escultóricas y arquitectónicas, aunque no dejó de practicar la pintura -sobre todo el retrato-, si bien en menor medida que las anteriores. Favorito de casi todos los papas, también creó para ellos y para la nobleza ­romana grandiosos montajes escenográficos, y llegó a componer él mismo el texto y la música de algunos de ellos. Su estilo retórico y grandilocuente se convirtió en la definición de una de las poéticas más fecundas e influyentes del barroco.

Con El rapto de Proserpina trata el tema de la violencia siguiendo los modelos de la escultura helenística. El poderoso cuerpo del dios, el de un varón maduro, se encamina hacia delante y el juvenil y femenino cuerpo de Prosérpina no pisa el suelo pero tiende hacia atrás sus brazos, pidiendo ayuda con uno y rechazando la cabeza del dios con el otro. En cuanto a la composición es una línea vertical a la que se contraponen tres brazos en horizontal, los dos del dios y uno de la joven. Las manos de Plutón se hunden en el cuerpo terso de la joven y la carne cede bajo la presión. La ceja del dios se deforma bajo el empuje de la mano de la diosa. A los pies de la estuatua el can cerbero, el monstruoso animal que guarda las puertas del reino de Plutón.

Sin embargo, todas las esculturas de este genio merecen una visita. Por decir algún otro nombre: Apolo y Dafne (que al igual que El rapto de Proserpina puede verse en la Galería Borghese de Roma) y El éxtasis de Santa Teresa (en la Iglesia de Santa María de la Victoria).
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Giuseppe Sanmartino

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Giuseppe Sanmartino

Giuseppe Sanmartino (Nápoles, 1720 –1793), está considerado como uno de las más grandes personalidades artísticas de la escultura italiana del setecientos italiano, por la escultura del Cristo velado, realizada en mármol el año 1753, cuando contaba con 33 años, para la Capilla Sansevero. Una... Ver mas
Giuseppe Sanmartino (Nápoles, 1720 –1793), está considerado como uno de las más grandes personalidades artísticas de la escultura italiana del setecientos italiano, por la escultura del Cristo velado, realizada en mármol el año 1753, cuando contaba con 33 años, para la Capilla Sansevero.

Una escultura hecha de una sola pieza de mármol que nos muestra a un Jesús yacente es la causa de nuestro asombro, el cadáver reposa sobre un catafalco y dos cojines sostienen la cabeza de Cristo, cuyo cuerpo aparece enteramente cubierto por un fino sudario, desde la cabeza a los pies, junto a los cuales encontramos esculpidos la corona de espinas, los clavos y unas tenazas. El velo confiere a la estatua un extraordinario dramatismo: la cabeza caída hacia el lado derecho, el cuerpo exánime, las piernas ligeramente arqueadas y ese rostro sin vida que el velo transparente deja ver, pese a su consistencia marmórea. La muerte humana, en definitiva, extraordinariamente representada de la mano de una artista.
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Caravaggio

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Caravaggio

Michelangelo Merisi da Caravaggio, pintor revolucionario, artista provocador, persona inquieta de caracter pendenciero, genio incomprendido, loco violento, hombre atormentado, que crearía él solo un estilo, el barroco, e influiría (y todavía influye) en todo el arte posterior, de Velázquez al... Ver mas
Michelangelo Merisi da Caravaggio, pintor revolucionario, artista provocador, persona inquieta de caracter pendenciero, genio incomprendido, loco violento, hombre atormentado, que crearía él solo un estilo, el barroco, e influiría (y todavía influye) en todo el arte posterior, de Velázquez al Scorsese de Malas Calles. Su vida transcurrió entre la pintura y las peleas, y en las dos artes era extremadamente bueno. Pese a ese carácter belicoso, tenemos que quererle. Y es que el pintor nos ha regalado cuadros tan impactantes como Judith y Holofernes, ubicado en la actualidad en el Palacio Barberini de Roma.

Caravaggio recurre, como es habitual en su pintura, a un casi forzado realismo, que desnuda el alma de los personajes de la acción ante el espectador. Es imposible no estremecerse ante la firme decisión de la bella Judit, inconmovible ante el terror de Holofernes, el opresor de su pueblo. Con serenidad de estatua, tira de la cabeza del rey para ayudarse en la ejecución, con cuidado de mantenerse apartada de la sangre que mana a chorros como una fuente. La criada, entre espantada e hipnotizada por la acción, espera con un paño recibir el trofeo que habrán de llevar a los ancianos de la ciudad para demostrar la muerte del tirano. La violencia de la acción repercute en las expresiones de los personajes, que ofrecen diferentes versiones de lo que está pasando. El dramatismo se extiende en oleadas de color, desde el rojo agresivo de la sangre que se corresponde con el rojo del cortinaje, hasta el brillo de la espada y el tremendo fogonazo de luz que ilumina el pecho de la heroína del Antiguo Testamento.
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Sandro Botticelli

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Sandro Botticelli

El artista florentino Sandro Botticelli es mundialmente conocido por las obras que realizó durante el Renacimiento italiano; una de sus pinturas más populares es La Primavera, una celebración alegórica de la estación de las flores representada por una composición de personajes de la mitología... Ver mas
El artista florentino Sandro Botticelli es mundialmente conocido por las obras que realizó durante el Renacimiento italiano; una de sus pinturas más populares es La Primavera, una celebración alegórica de la estación de las flores representada por una composición de personajes de la mitología.

Es una pintura cargada de simbolismo y preciosistas detalles realizada alrededor de 1480 y que encargó Lorenzo di Pierfrancesco de Medici para regalárselo a su novia; como en El Nacimiento de Venus, en La Primavera se puede ver todo el interés de Botticelli por la iconografía católica romana y la mitología griega y romana.

En el centro del conjunto aparece Venus con el típico atuendo de Florencia del siglo XV; está situada debajo de su hijo, Cupido, símbolo del amor, que apunta con su arco hacia las Tres Gracias que, en la mitología, representan el placer, la castidad y la belleza, aunque se cree que estas identidades, que históricamente se les han otorgado, en el cuadro de Botticelli no están claras. En el lado derecho aparecen tres personajes; Céfiro, Cloris y Flora. El eje temático de toda la composición está en estos tres personajes; Flora fue una vez la ninfa Cloris, la pureza que exhalaba flores al respirar y, esta dualidad se representa en las dos mujeres; cuando Cefiro, el Dios del Viento, se enamoró apasionadamente de ella, la siguió y la convirtió en su esposa por la fuerza. Céfiro, arrepentido por su comportamiento, la transforma en Flora y le entrega como regalo un hermoso jardín en el que reinará eternamente la Primavera.
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Filippo Brunelleschi

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Filippo Brunelleschi

Este orfebre, célebre por su mal carácter y sin formación académica como arquitecto, logró construir una de las joyas más bellas del Renacimiento italiano: la cúpula de Santa María del Fiore (Florencia). Cuando se pide consejo a Brunelleschi para llevarla a cabo, el Duomo estaba acabado pero... Ver mas
Este orfebre, célebre por su mal carácter y sin formación académica como arquitecto, logró construir una de las joyas más bellas del Renacimiento italiano: la cúpula de Santa María del Fiore (Florencia).

Cuando se pide consejo a Brunelleschi para llevarla a cabo, el Duomo estaba acabado pero faltaba cubrir el inmenso agujero de su crucero. Ya en 1416 se levantó un balconcillo en uno de los lados del tambor y, finalmente, en 1418, se convoca el concurso de proyectos para realizarla. Nadie parecía ser capaz de realizar la empresa, por lo que el concurso y la construcción de la cúpula se retrasaron tanto que el agujero sin cubrir fue motivo de burla para muchos, de ahí la enorme fama que adquirió Brunelleschi cuando fue capaz de construir la cúpula, un hecho que supuso entonces una especie de salvación del orgullo florentino. Para Brunelleschi la cúpula no es un elemento más de la catedral, sino su elemento conclusivo, que hace que en ella todo cobre sentido. El florentino no solo aportó soluciones técnicas como arquitecto y maestro cantero, sino que está claro que pensó en algo más que en la mera construcción técnica del edificio: también tomó decisiones en cuanto a su concepción.
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Francesco Queirolo

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Francesco Queirolo

A partir de 1752, este escultor genovés trabajó casi exclusivamente en la decoración de la capilla Sansevero de Nápoles, para la que realiza su obra maestra: El Desengaño (en italiano: Il Disinganno). Esta escultura muestra un pescador que se libera de una red con ayuda de un ángel y representa... Ver mas
A partir de 1752, este escultor genovés trabajó casi exclusivamente en la decoración de la capilla Sansevero de Nápoles, para la que realiza su obra maestra: El Desengaño (en italiano: Il Disinganno). Esta escultura muestra un pescador que se libera de una red con ayuda de un ángel y representa el abandono del pecado gracias al intelecto. La obra, esculpida en un solo bloque de mármol, era tan ambiciosa que se consideró imposible de realizar, y por ello, de entre todos los maestros del país, solo Queirolo se atrevió a ejecutarla.
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Raffaello Sanzio

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Raffaello Sanzio

Las composiciones de Rafael han sido siempre admiradas y estudiadas, y se han convertido en una «joya» del arte académico. Rafael fue patrocinado por el Papa Julio II y su sucesor León X, quien lo nombró como arquitecto papal en 1514. Uno de los frescos más conocidos de la historia del arte y... Ver mas
Las composiciones de Rafael han sido siempre admiradas y estudiadas, y se han convertido en una «joya» del arte académico. Rafael fue patrocinado por el Papa Julio II y su sucesor León X, quien lo nombró como arquitecto papal en 1514.

Uno de los frescos más conocidos de la historia del arte y quizás la obra más ambiciosa de Rafael es La escuela de Atenas, donde intentó (y consiguió) representar nada menos que los orígenes del pensamiento occidental, que como todos sabemos nació en la Antigua Grecia.

El artista retrató al "dream team" de filósofos clásicos y lo hace poniéndoles rostros de artistas contemporáneos. Así por ejemplo, en el centro tenemos a Platón (pintado como Leonardo) y Aristóteles, las dos principales ramas de la filosofía.
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Dante Alighieri

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Dante Alighieri

La Divina Comedia es sin duda el poema más famoso de este escritor italiano. Obra fundamental de la transición del pensamiento medieval al renacentista, esta composición cumbre de la literatura universal fue publicada en el año 1307 y está compuesta por más de 14.000 versos distribuidos en 100... Ver mas
La Divina Comedia es sin duda el poema más famoso de este escritor italiano. Obra fundamental de la transición del pensamiento medieval al renacentista, esta composición cumbre de la literatura universal fue publicada en el año 1307 y está compuesta por más de 14.000 versos distribuidos en 100 cantos. Su argumento relata el viaje de Dante por el Infierno, el Purgatorio y el Paraíso, guiado por el poeta romano Virgilio. El objetivo de este periplo es corregir los pecados que ha cometido en el mundo terrenal y así adquirir la gloria divina. El núcleo central de la historia se entrelaza así con temas como la fe en Dios, la ética o la moral.
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Tiziano Vecellio

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Tiziano Vecellio

El pintor renacentista Tiziano Vecellio, conocido simplemente como Tiziano, tuvo una carrera artística muy prolífica, por ello es complicarse decantarse por una sola obra. Aunque siendo objetivos, su trabajo más exitoso es la Venus de Urbinome producida durante su estancia en la corte de Urbino... Ver mas
El pintor renacentista Tiziano Vecellio, conocido simplemente como Tiziano, tuvo una carrera artística muy prolífica, por ello es complicarse decantarse por una sola obra. Aunque siendo objetivos, su trabajo más exitoso es la Venus de Urbinome producida durante su estancia en la corte de Urbino, como encargo del hijo del duque de la ciudad, Guidobaldo della Rovere.

La obra representa a una figura femenina muy sensual que aparece desnuda en un lujoso lecho. La escena está ambientada en el interior de una lujosa edificación palaciega de Venecia. Al fondo dos sirvientas rebuscan en un arcón ropero de tipo nupcial.
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Donato di Niccolò di Betto Bardi (Donatello)

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Donato di Niccolò di Betto Bardi (Donatello)

Donatello es, gracias a su David, el escultor más representativo de la escultura del quattrocento italiano. El David es una escultura que representa una figura humana a tamaño natural (¿sería la estatura media en el 1440 de 1,60 m…?) y es innovadora por un par de cosas: En primer lugar, es la... Ver mas
Donatello es, gracias a su David, el escultor más representativo de la escultura del quattrocento italiano. El David es una escultura que representa una figura humana a tamaño natural (¿sería la estatura media en el 1440 de 1,60 m…?) y es innovadora por un par de cosas:

En primer lugar, es la primera vez que se representa a un hombre como Dios lo trajo al mundo desde la antigüedad clásica. Y en segundo lugar, a partir de aquí, la escultura deja de necesitar un marco arquitectónico para apoyarse. El artista interpreta aquí el tema bíblico de David y Goliat. Goliat era un gigante filisteo que tenía aterrorizados a todos y fue el joven David quien lo derrotó en singular combate con solamente una honda. Después cogió la espada del propio gigante y le cortó la cabeza, que reposa bajo sus pies.
Ha recibido 771 puntos

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Francesco Borromini

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Francesco Borromini

El reconocido arquitecto de origen italiano Francesco Borromini fue el más atrevido y original que existió durante el periodo Barroco romano. Sus trabajos lograron influir en toda Europa y América del Sur. Borromini fue el representante del lado más imaginativo e idiosincrásico que tuvo la... Ver mas
El reconocido arquitecto de origen italiano Francesco Borromini fue el más atrevido y original que existió durante el periodo Barroco romano. Sus trabajos lograron influir en toda Europa y América del Sur. Borromini fue el representante del lado más imaginativo e idiosincrásico que tuvo la arquitectura barroca; logró mantenerse mucho más cerca de los objetivos e ideales de la antigua Roma, tanto en escultura como en arquitectura, y sus obras arquitectónicas son consideradas como una serie de trabajos sobrios y clásicos.

San Carlo alle Quattro Fontane, conocida también con el nombre de San Carlino, es una iglesia que se construyó en el periodo comprendido entre los años 1638 y 1641 en la ciudad de Roma. Este fue un encargo realizado por la Orden de los Trinitarios Descalzos en Quattro Fontane en el año 1637. El diseño de la misma lo elaboró quien ya sabemos: el mismísimo Borronini. Buscó los medios económicos para llevar a cabo el encargo. Con materiales pobres (debido a su bajo presupuesto) como ladrillo enlucido y pintado en blanco, levantó una obra que cambió la historia de la arquitectura barroca. Otros proyectos importantes de este arquitecto fueron el Palacio Barberini, que alberga una gran colección de pinturas de Caravaggio, y el Oratorio de San Felipe Neri.
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Donato d'Angelo Bramante

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Donato d'Angelo Bramante

La obra del arquitecto italiano Donato Bramante, conocido principalmente por ser el primer diseñador del plan de la basílica de San Pedro del Vaticano, se sitúa a caballo entre el Quattrocento y el Cinquecento. Sin embargo, la plenitud de la misma se producirá una vez que abandone por completo... Ver mas
La obra del arquitecto italiano Donato Bramante, conocido principalmente por ser el primer diseñador del plan de la basílica de San Pedro del Vaticano, se sitúa a caballo entre el Quattrocento y el Cinquecento. Sin embargo, la plenitud de la misma se producirá una vez que abandone por completo la tendencia decorativa quattrocentista y se detenga en la plasticidad de la masa, la ordenación del espacio y el contraste de volúmenes.

El pequeño templo de San Pietro in Montorio en Roma, levantado por deseo de los Reyes Católicos hacia 1502 para conmemorar el lugar donde San Pedro habría sufrido martirio, es su más famosa obra. Este templete es el considerado punto de partida del estilo romano renacentista y perfecto ejemplo de la asimilación y superación de la herencia clásica de la Antigüedad. Supone, además, una muestra perfecta de la arquitectura bramantesca por su sentido de la elegancia y monumentalidad (aunque es un templo de pequeñas dimensiones), su estructura clásica y ordenada, el empleo de una planta centralizada y el austero exterior desprovisto de artificio alguno.
Ha recibido 649 puntos

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Lorenzo Ghiberti

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Lorenzo Ghiberti

Nacido en Florencia en 1378 en el seno de una familia burguesa, Lorenzo Ghiberti se formó como orfebre y apenas a los 23 años ya era considerado uno de los artistas más importantes de esta ciudad. En 1401, los mercaderes convocaron a los artistas a un concurso para realizar la puerta norte del... Ver mas
Nacido en Florencia en 1378 en el seno de una familia burguesa, Lorenzo Ghiberti se formó como orfebre y apenas a los 23 años ya era considerado uno de los artistas más importantes de esta ciudad. En 1401, los mercaderes convocaron a los artistas a un concurso para realizar la puerta norte del Baptisterio de la catedral de la ciudad. A todos se les dio el mismo tema para participar en el concurso: el Sacrificio de Isaac a manos de su padre Abraham, justo en el momento en que el ángel enviado por Yahvé lo detiene y así evita el holocausto. La escena debía quedar encuadrada en una orla igual a las que había empleado Pisano en la puerta sur. De los siete artistas participantes, al final quedaron sólo dos: Lorenzo Ghiberti y Fillippo Brunelleschi. Ambos presentaron unos relieves impecables, pero el jurado se decantó por el diseño de Ghiberti, al cual consideraron, no sin razón, como el mejor de los dos.

Las famosas Puertas del Paraíso son entonces unas dobles puertas esculpidas en bronce dorado, decoradas con 10 imágenes bajorrelieve, que representan escenas del Antiguo Testamento. Es increíble el relieve que se aprecia en cada imagen. La obra original de Ghiberti ya no está en el Baptisterio, sino en el museo de la catedral, bastante deteriorada pero aún increíblemente hermosa.
Ha recibido 640 puntos

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Giovanni Boccaccio

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Giovanni Boccaccio

Giovanni Boccaccio es uno de los padres de la literatura en italiano. Su obra más importante es El Decameron, iniciado en 1348 y acabado en 1353. Se trata de una colección de cien relatos, unidos por un hilo conductor: un grupo de diez amigos, tres hombres y siete mujeres, se refugian en una... Ver mas
Giovanni Boccaccio es uno de los padres de la literatura en italiano. Su obra más importante es El Decameron, iniciado en 1348 y acabado en 1353. Se trata de una colección de cien relatos, unidos por un hilo conductor: un grupo de diez amigos, tres hombres y siete mujeres, se refugian en una villa de las afueras de Florencia para escapar de un brote de peste que azota a la ciudad. Allí se entretienen durante un periodo de catorce días contándose cuentos de temas variados entre ellos.
Ha recibido 579 puntos

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Leon Battista Alberti

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Leon Battista Alberti

Leon Battista Alberti (1404 – 1472) nació en el seno de una familia adinerada de mercaderes en Florencia, rápidamente proscrita a causa del convulso panorama político. Por fortuna, en 1428 fue suprimida la orden que les impedía volver a Florencia y así Alberti pudo trasladarse a Roma para... Ver mas
Leon Battista Alberti (1404 – 1472) nació en el seno de una familia adinerada de mercaderes en Florencia, rápidamente proscrita a causa del convulso panorama político. Por fortuna, en 1428 fue suprimida la orden que les impedía volver a Florencia y así Alberti pudo trasladarse a Roma para comenzar a formarse como arquitecto, entre 1432 y 1436. En una época brillante para el Humanismo, Alberti procuraría abarcar todos los ámbitos posibles de conocimiento que estuvieran dispuestos a su alcance, sin renunciar por ello a la acción: para él, la arquitectura desempeñaba tanto una función práctico-defensiva, que consistía en resguardar a sus ciudadanos, como ofrecía también un placer estético, un deleite visual.

Alberti participaría en construcciones de peso durante el siglo XV. Sin embargo, el proyecto que mejor se identificaría con la proporción y la matemática sería Santa Maria Novella. Esta iglesia ya tenía proyectada su base desde la época gótica, concretamente en el año 1246, para sustituir otra cuyas dimensiones resultaban demasiado pequeñas, pero su fachada continuaba vacía en el siglo XV. Giovanni Rucellai, que se había convertido en un fiel mecenas de Alberti, le otorgó suficiente presupuesto como para culminar por fin el edificio, retomando la obra en el 1456. Respetó lo que se había conservado hasta entonces y se centró exclusivamente en el alzado de la fachada. La geometría es predominante en un sentido decorativo: el frontón triangular y las circunferencias provocan un contraste con la robustez de los cuadrados y rectángulos que componen casi toda la fachada, definidos mediante una alternancia de colores blanco y verde entre sus piezas. Sin embargo, no es la decoración en sí misma la verdadera culpable de la atracción que ejerce la obra: es la armonía de sus proporciones, la disposición ordenada y simétrica de sus componentes, la que genera esa sensación agradable al observarla.
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Giotto di Bondone

18

Giotto di Bondone

Giotto di Bondone, según narra Vasari en sus “vite” fue encontrado por Cimabue al verlo pintar en una roca las ovejas del rebaño de su padre. Al ver el talento natural del joven, Cimabue lo acoge como aprendiz, lo que más tarde ayudara a Giotto a superar al maestro y trascender a toda una... Ver mas
Giotto di Bondone, según narra Vasari en sus “vite” fue encontrado por Cimabue al verlo pintar en una roca las ovejas del rebaño de su padre. Al ver el talento natural del joven, Cimabue lo acoge como aprendiz, lo que más tarde ayudara a Giotto a superar al maestro y trascender a toda una cultura con su técnica pictórica. Tan famoso se hizo Giotto que le encomendaron numerosos trabajos en los centros del arte de entonces: Asís, Siena, Bolonia, Roma, Nápoles etc. La influencia de Giotto se dejara ver a lo largo de todo el Trecento.

El exterior de la Capilla de los Scrovegni de Padua, de ladrillo visto, poco hace imaginar el tesoro que esconde dentro. En 1303, un joven Giotto recibió el encargo de recubrir su interior con escenas bíblicas. El resultado fueron medio centenar de frescos ejecutados con una sorprendente madurez iconográfica y hoy considerados el conjunto más monumental del artista, además de obra cumbre del siglo XIV.
Ha recibido 557 puntos

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Francesco Petrarca

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Francesco Petrarca

Sin duda, una de las obras que más influjo han ejercido en la literatura europea es la de Francesco Petrarca (1304-1374), destacado representante de la corriente renovadora del saber que se halla en el origen del Renacimiento. Filólogo, filósofo y latinista, Petrarca es más conocido en la... Ver mas
Sin duda, una de las obras que más influjo han ejercido en la literatura europea es la de Francesco Petrarca (1304-1374), destacado representante de la corriente renovadora del saber que se halla en el origen del Renacimiento. Filólogo, filósofo y latinista, Petrarca es más conocido en la actualidad por la recopilación de sus composiciones en lengua vulgar, conocida generalmente con el nombre de Cancionero, en las cuales volcó la expresión de un amor ya de nuevo signo, puramente humano
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Marcello Provenzale

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Marcello Provenzale

No tan conocido como el resto de artistas de la lista, este pintor de Cento que vivió entre los años 1575 y 1639 destacó de sus contemporáneos en su habilidad para fabricar mosaicos. Algunos de los más famosos pueden encontrarse en la Galería Borghese. Si tuviéramos que quedarnos con uno... Ver mas
No tan conocido como el resto de artistas de la lista, este pintor de Cento que vivió entre los años 1575 y 1639 destacó de sus contemporáneos en su habilidad para fabricar mosaicos. Algunos de los más famosos pueden encontrarse en la Galería Borghese.

Si tuviéramos que quedarnos con uno, elegiríamos al colorido Orfeo, un personaje de la mitología griega, más concretamente un talentoso músico y poeta capaz de encandilar a todo lo que se mueve. A menudo se le representa con una lira, ya que es el instrumento que tocó a las puertas del Inframundo con el propósito de rescatar de allí a su mujer Eurídice, quien había sido envenenada por una serpiente. En esta representación, Provenzale refleja esa habilidad para persuadir a todas las criaturas mediante la música: todos los animales se congregan a su alrededor para escucharle. Al fondo vemos la mencionada "entrada" al infierno.
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