Versión impresa

Listas

¿Qué pintor español os mola más?

¿Qué pintor español os mola más?

Publicada el 29.02.2016 a las 15:23h.

Etiquetas: arte, barroco, cultura, españa, goya, renacimiento, velazquez

Avatar de irenegm

Último acceso 28.06.2017

Acciones de la lista

Diego Velázquez (1599/1660)

1

Diego Velázquez (1599/1660)

Pintor español, máximo representante de la pintura barroca española. Nació en Sevilla el 6 de junio de 1599. Procedente de una familia burguesa sevillana, fue el mayor de seis hermanos. Entre 1611 y 1617 el joven Velázquez trabajó como aprendiz en el taller del que sería su futuro suegro... Ver mas
Pintor español, máximo representante de la pintura barroca española. Nació en Sevilla el 6 de junio de 1599. Procedente de una familia burguesa sevillana, fue el mayor de seis hermanos. Entre 1611 y 1617 el joven Velázquez trabajó como aprendiz en el taller del que sería su futuro suegro, Francisco Pacheco, pintor manierista y autor de un importante tratado titulado El arte de la pintura (1649). Durante sus años de aprendizaje, Velázquez aprendió el naturalismo tenebrista imperante en su época, derivado del realismo italiano y del flamenco. Las obras más tempranas de Velázquez, realizadas entre los años 1617 y 1623, pueden dividirse en tres categorías, el bodegón (objetos de uso cotidiano combinados con naturalezas muertas), retratos y escenas religiosas. Muchas de sus primeras obras tienen un marcado acento naturalista, como La comida (c. 1617, Museo del Ermitage, San Petersburgo), bodegón que puede considerarse como la primera obra independiente del maestro. En sus bodegones, como El Aguador de Sevilla (c. 1619-1620, Aspley House, Londres) los magistrales efectos de luz y sombra, así como la directa observación del natural, llevan a relacionarlo inevitablemente con Caravaggio. Para sus pinturas religiosas utilizó modelos extraídos de las calles de Sevilla, tal y como Pacheco afirma en su biografía sobre Velázquez. En La Adoración de los Magos (1619, Museo del Prado, Madrid) las figuras bíblicas son, por ejemplo, retratos de miembros de su familia incluido su propio autorretrato. Velázquez fue también un pintor conocido en los círculos intelectuales de Sevilla, uno de los cuales, la Academia de Artes, fue dirigida de manera informal por Pacheco. En dichos encuentros, tuvo la ocasión de conocer a personalidades de su tiempo como el gran poeta Luis de Góngora y Argote (cuyo retrato, ejecutado en el año 1622 se encuentra en el Museum of Fine Arts Boston). Esos contactos fueron importantes para las obras posteriores de Velázquez sobre temas mitológicos o clásicos. En el año 1621 Velázquez realizó su primer viaje a Madrid (tal y como Pacheco nos dice) para, presumiblemente, conocer en persona las colecciones reales y probablemente para buscar, sin éxito en esta ocasión, un puesto como pintor de corte.

Sin embargo, en el año 1623 regresó a la capital para pintar un retrato del rey Felipe IV (1623, Museo del Prado) y el monarca le nombró su pintor de cámara. Este lienzo fue el primero de una serie de retratos soberbios y directos, no sólo del rey, sino también de la familia real y otros miembros de la corte, ya que realmente, su principal ocupación en la corte era la de retratar, aunque también abordó temas mitológicos como El triunfo de Baco, popularmente llamado, Los borrachos (1628-1629, Museo del Prado). Esta escena de bacanal en un paisaje abierto, en la que el dios del vino bebe junto a los borrachos, atestigua el interés del artista por el realismo. En el año 1628 Petrus Paulus Rubens llegó a la corte de Madrid en misión diplomática y entre los pocos pintores con los que trabó amistad estaba Velázquez. Aunque el gran maestro flamenco no causó un decisivo impacto sobre la obra del pintor, sus conversaciones le impulsaron a visitar las colecciones de arte en Italia que tanto admiraba Rubens. En agosto de 1629 Velázquez abandonó Barcelona rumbo a Génova y pasó dos años viajando por Italia. De Génova se dirigió a Milán, Venecia, Florencia y Roma, regresó a España desde Nápoles en enero de 1631. En el transcurso de este viaje estudió de cerca el arte del renacimiento y de la pintura italiana de su tiempo. Algunas de las obras realizadas durante sus viajes dan muestra de la asimilación de estos estilos, un ejemplo representativo es su La túnica de José (1639, Monasterio de El Escorial, Madrid) y La fragua de Vulcano (1630, Museo del Prado), que combinan los efectos escultóricos miguelangelescos con el claroscuro de maestros italianos tales como Guercino y Giovanni Lanfranco. De vuelta a España, Velázquez reanudó sus encargos como retratista de corte con la obra Príncipe Baltasar Carlos con un enano (1631, Museum of Fine Arts, Boston) imagen conmovedora del príncipe, quien moriría antes de alcanzar la mayoría de edad. Desde la década de 1630 poco se conoce acerca de la vida personal del artista a pesar de que su ascenso en círculos cortesanos está bien documentado. En el año 1634 Velázquez llevó a cabo el programa decorativo del Salón de Reinos en el nuevo palacio del Buen Retiro. Constaba de 12 escenas de batallas, junto a retratos ecuestres en los que las tropas españolas habían resultado victoriosas. En esta obra no sólo intervino Velázquez, sino otros artistas de prestigio. Velázquez incluyó en este ciclo de batallas el cuadro titulado Las lanzas o La rendición de Breda (1634, Museo del Prado) que retrata al general español Spínola, después de sitiar las ciudades del norte en el año 1625, recibiendo las llaves de la ciudad de manos del gobernador. La delicadeza en la asombrosa manera de ejecución la convierte, como obra individual, en una de las composiciones históricas más célebres del arte barroco español.

Hacia 1640 pinta los retratos de caza de la familia real para la Torre de la Parada, un pabellón de caza cerca de Madrid. Perteneciente a la década de los últimos años de 1630 y principios de 1640 son los famosos retratos de enanos de corte que reflejan el respeto y la simpatía con que eran tratados en palacio. Velázquez pintó pocos cuadros religiosos, entre ellos destacan el Crucificado (c. 1632), La coronación de la Virgen (c. 1641) y San Antonio Abad y san Pablo primer ermitaño (c. 1634), todos ellos en el Museo del Prado. Durante los últimos años de su vida, Velázquez trabajó no sólo como pintor de corte sino también como responsable de la decoración de muchas de las nuevas salas de los palacios reales. En el año 1649 regresó de nuevo a Italia, en esta ocasión para adquirir obras de arte para la colección del rey. Durante su estancia en Roma (1649-1650) pintó el magnífico retrato de Juan de Pareja (Metropolitan Museum of Art, Nueva York) así como el inquietante y profundo retrato del Papa Inocencio X (Galería Doria-Pamphili, Roma), recientemente exhibido en Madrid. Al poco tiempo fue admitido como miembro en la Academia de San Lucas de Roma. Su elegante Venus del espejo (National Gallery, Londres) data probablemente de esta época. Las obras clave de las dos últimas décadas de la vida de Velázquez son Las hilanderas o La fábula de Aracné (1644-1648, Museo del Prado) composición sofisticada de compleja simbología mitológica, y una de las obras maestras de la pintura española Las Meninas o La familia de Felipe IV (1656, Museo del Prado), que constituye un imponente retrato de grupo de la familia real con el propio artista incluido en la escena. Velázquez continuó trabajando para el rey Felipe IV, como pintor, cortesano y fiel amigo hasta su muerte acaecida en Madrid el 6 de agosto de 1660. Su obra fue conocida y ejerció una importante influencia en el siglo XIX, cuando el Museo del Prado la expuso en sus salas. © M.E.
Ha recibido 61 puntos

Vótalo:

Joaquín Sorolla (1863/1923)

2

Joaquín Sorolla (1863/1923)

Pintor español vinculado al impresionismo, del que hace una interpretación personal basada en el protagonismo absoluto de la luz y de la plasmación del movimiento de las figuras. Nació en Valencia el 28 de febrero de 1863. Inició su aprendizaje artístico en 1877 con el escultor Cayetano Capuz... Ver mas
Pintor español vinculado al impresionismo, del que hace una interpretación personal basada en el protagonismo absoluto de la luz y de la plasmación del movimiento de las figuras. Nació en Valencia el 28 de febrero de 1863. Inició su aprendizaje artístico en 1877 con el escultor Cayetano Capuz para después formarse en la Academia de Bellas Artes de San Carlos. Desde su juventud se interesó también por la pintura al aire libre (en plein air), con la que trataba de captar la luminosidad mediterránea, tanto en la huerta valenciana como en la playa, al igual que hacían por entonces los impresionistas franceses. Completó su educación en París y Roma y, tras volver a España en 1890, se afincó en Madrid, donde empezó una trayectoria profesional jalonada de éxitos, premios e importantes encargos: primera Medalla Nacional de Bellas Artes en 1892 y 1895, y el Gran Prix de la Exposición de París de 1900, entre otros muchos reconocimientos. Por estos años pintó obras de crítica social, como Y aún dicen que el pescado es caro (1894, Museo del Prado), que le otorgaron un cierto prestigio en Madrid y París. Su popularidad se extendió por toda Europa, realizando exposiciones en París (1906), Berlín y Colonia (1907) y Londres (1908), para después exhibir sus cuadros en varias ciudades de Estados Unidos. El éxito en Nueva York le proporcionó un importante encargo: la decoración de la sala principal de la Hispanic Society of America, presidida por Archer Milton Huntington, formada por catorce grandes paneles dedicados a representar las gentes y costumbres de las diversas regiones de España. Elegido académico de Bellas Artes de San Fernando en 1914, cayó gravemente enfermo en 1920 y murió el 10 de agosto de 1923. Artista de ingente producción, cuya pintura reflejó fielmente las circunstancias históricas y las contradicciones de un fin de siglo en crisis. Sus contactos con el mundo europeo le permitieron superar pronto valores y temáticas tradicionales para vincularse a los nuevos procesos de creación. La pintura en plein air de los impresionistas influye en su estilo, que, sin el interés científico de los franceses, puede considerarse como un realismo a plena luz. Relevante retratista, Aureliano de Beruete (1902, Museo del Prado, Casón del Buen Retiro). Entre sus temas preferidos destaca, no obstante, su dedicación al paisaje levantino, de ambiente costero, siempre con presencia humana, que plasma con un protagonismo absoluto de la luz, que hace vibrar los colores y marca el movimiento de las figuras: Niños en la playa (1910, Museo del Prado), Paseo a orillas del mar (1909) y El baño del caballo (1909, Museo Sorolla, Madrid). © M.E.
Ha recibido 55 puntos

Vótalo:

Francisco de Goya y Lucientes (1746/1828)

3

Francisco de Goya y Lucientes (1746/1828)

Pintor y grabador español considerado uno de los grandes maestros de la pintura de su país. Marcado por la obra de Velázquez, habría de influir, a su vez, en Edouard Manet, Pablo Picasso y gran parte de la pintura contemporánea. Formado en un ambiente artístico rococó, evolucionó a un estilo... Ver mas
Pintor y grabador español considerado uno de los grandes maestros de la pintura de su país. Marcado por la obra de Velázquez, habría de influir, a su vez, en Edouard Manet, Pablo Picasso y gran parte de la pintura contemporánea. Formado en un ambiente artístico rococó, evolucionó a un estilo personal y creó obras que, como la famosa El 3 de mayo de 1808, los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío (1814, Museo del Prado, Madrid), siguen causando, hoy día, el mismo impacto que en el momento en que fueron realizadas. Goya nació en la pequeña localidad aragonesa de Fuendetodos (cerca de Zaragoza) el 30 de marzo de 1746. Su padre era pintor y dorador de retablos y su madre descendía de una familia de la pequeña nobleza de Aragón. Poco se sabe de su niñez. Asistió a las Escuelas Pías de Zaragoza y comenzó su formación artística a los 14 años, momento en el que entró como aprendiz en el taller de José Luzán, pintor local competente aunque poco conocido, donde Goya pasó cuatro años. En 1763 el joven artista viajó a Madrid, donde esperaba ganar un premio en la Academia de San Fernando (fundada en 1752). Aunque no consiguió el premio deseado, hizo amistad con otro artista aragonés, Francisco Bayeu, pintor de la corte que trabajaba en el estilo académico introducido en España por el pintor alemán Anton Raphael Mengs. Bayeu (con cuya hermana, Josefa, habría de casarse Goya más adelante) tuvo una enorme influencia en la formación temprana de Goya y a él se debe que participara en un encargo importante, los frescos de la iglesia de la Virgen del Pilar en Zaragoza (1771, 1780-1782), y que se instalara más tarde en la corte. En 1771 fue a Italia donde pasó aproximadamente un año. Su actividad durante esa época es relativamente desconocida, se sabe que pasó algunos meses en Roma y también que participó en un concurso de la Academia de Parma en el que logró una mención. A su vuelta a España, alrededor de 1773, se presentó a varios proyectos para la realización de frescos, entre ellos el de la Cartuja de Aula Dei, cerca de Zaragoza, en 1774, donde sus pinturas prefiguran las de sus mejores frescos realizados en la iglesia de San Antonio de la Florida en Madrid, en 1798, fecha en la que comenzó a hacer grabados partiendo de la obra de Velázquez que, junto con la de Rembrandt, sería fuente de inspiración durante toda su vida.


En 1789 Goya fue nombrado pintor de cámara por Carlos IV y en 1799 ascendió a primer pintor de cámara, decisión que le convirtió en el pintor oficial de Palacio. Goya disfrutó de una posición especial en la corte, hecho que determinó que el Museo del Prado de Madrid heredara una parte muy importante de sus obras, entre las que se incluyen los retratos oficiales y los cuadros de historia. Éstos últimos se basan en su experiencia personal de la guerra y trascienden la representación patriótica y heroica para crear una salvaje denuncia de la crueldad humana. Los cartones para tapices que realizó a finales de la década de 1780 y comienzos de la de 1790 fueron muy apreciados por la visión fresca y amable que ofrecen de la vida cotidiana española. Con ellos revolucionó la industria del tapiz que, hasta ese momento, se había limitado a reproducir fielmente las escenas del pintor flamenco del siglo XVII David Teniers. Algunos de los retratos más hermosos que realizó de sus amigos, de personajes de la corte y de la nobleza datan de la década de 1780. Obras como Carlos III de cazador (1786-1788), Los duques de Osuna y sus hijos (1788) ambos en el Museo del Prado de Madrid, o el cuadro la Marquesa de Pontejos (c. 1786, Galería Nacional, Washington) demuestran que en esa época pintaba con un estilo elegante, que en cierto modo recuerda al de su contemporáneo inglés Thomas Gainsborough. Dos de sus cuadros más famosos, obras maestras del Prado, son, La maja desnuda (1800-1803) y La maja vestida (1800-1803). En el invierno de 1792, en una visita al sur de España, Goya contrajo una grave enfermedad que le dejó totalmente sordo y marcó un punto de inflexión en su expresión artística. Entre 1797 y 1799 dibujó y grabó al aguafuerte la primera de sus grandes series de grabados, Los caprichos, en los que, con profunda ironía, satiriza los defectos sociales y las supersticiones de la época. Series posteriores, como los Desastres de la guerra (1810) y los Disparates (1820-1823), presentan comentarios aún más cáusticos sobre los males y locuras de la humanidad.


Los horrores de la guerra dejaron una profunda huella en Goya, que contempló personalmente las batallas entre soldados franceses y ciudadanos españoles durante los años de la ocupación napoleónica. En 1814 realizó El dos de mayo de 1808, la lucha contra los mamelucos y El tres de mayo de 1808, los fusilamientos en la montaña de Príncipe Pío (ambos en el Museo del Prado). Estas pinturas reflejan el horror y dramatismo de las brutales masacres de grupos de españoles desarmados que luchaban en las calles de Madrid contra los soldados franceses. Ambas están pintadas, como muchas de las últimas obras de Goya, con pinceladas de grueso empaste de tonalidades oscuras y con puntos de amarillo y rojo brillante. Sencillez y honestidad directas también se aprecian en los retratos que pintó en la cúspide de su carrera, como Carlos IV con su familia (1800, Museo del Prado), donde se muestra a la familia real sin la idealización habitual. Las célebres Pinturas negras (c. 1820, Museo del Prado) reciben su nombre por su espantoso contenido y no tanto por su colorido y son las obras más sobresalientes de sus últimos años. Originalmente estaban pintadas al fresco en los muros de la casa que Goya poseía en las afueras de Madrid y fueron trasladadas a lienzo en 1873. Destacan, entre ellas, Saturno devorando a un hijo (c. 1821-1823), Aquelarre (escena sabática) (1821-1823). Predominan los tonos negros, marrones y grises y demuestran que su carácter era cada vez más sombrío. Posiblemente se agravó por la opresiva situación política de España por lo que tras la primera etapa absolutista del rey Fernando VII y el Trienio constitucional (1821-1823), decidió exiliarse a Francia en 1824. En Burdeos trabajó la técnica, entonces nueva, de la litografía, con la que realizó una serie de escenas taurinas, que se consideran entre las mejores litografías que se han hecho. Aunque hizo una breve visita a Madrid en 1826, murió dos años más tarde en el exilio, en Burdeos, el 16 de abril de 1828. Goya no dejó herederos artísticos inmediatos, pero su influencia fue muy fuerte en los grabados y en la pintura de mediados del siglo XIX y en el arte del siglo XX. © M.E.
Ha recibido 42 puntos

Vótalo:

Mariano Fortuny (1838/1874)

4

Mariano Fortuny (1838/1874)

Pintor catalán de temas históricos y obras de género muy considerado en España durante su vida. Nacido en Reus inició su aprendizaje en el taller de Domingo Soberano, en su ciudad natal y estudió durante cuatro años en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona con Claudio Lorenzale. Gracias a una... Ver mas
Pintor catalán de temas históricos y obras de género muy considerado en España durante su vida. Nacido en Reus inició su aprendizaje en el taller de Domingo Soberano, en su ciudad natal y estudió durante cuatro años en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona con Claudio Lorenzale. Gracias a una beca concedida por la Diputación provincial acudió a Roma para ampliar sus estudios y ganó el gran premio de Roma en 1858, lo que le brindó la oportunidad de proseguir sus estudios. En 1860 la Diputación de Barcelona le encargó pintar las obras que conmemoraran los hechos más importantes de la campaña de España en Marruecos. Para ello viajó a este país, donde recogió numerosas escenas costumbristas, que marcaron posteriormente su estilo, caracterizado por el preciosismo y la luminosidad (buen ejemplo de esta etapa es Marroquíes, en el Museo del Prado de Madrid y La Odalisca, 1861, Museo de Arte Moderno de Barcelona). Las obras más famosas de este periodo son La batalla de Tetuán (Museo de Arte Moderno, Barcelona), pintura histórica de grandes dimensiones y llena de dinamismo y La batalla de Wad-Ras (Museo del Prado). Más tarde, Fortuny se trasladó a Roma, donde permaneció gran parte de su carrera artística, y comenzó a especializarse en obras de género realizadas en ricos colores al óleo o en aguafuertes de excelente ejecución. Una relación larga y fructífera con el marchante de París, Goupil, le procuró el acceso al gran mercado internacional al igual que una considerable fortuna. El estallido de la Guerra Franco-prusiana (1870) le hizo abandonar la capital italiana y se instaló en Granada, volvió a Roma, donde falleció poco después, en medio de una conmoción internacional. Fortuny ejerció una gran influencia sobre sus contemporáneos en Italia y España. Aunque rechaza la pintura de historia, sí busca un mundo retrospectivo pasado, en el que es frecuente el uso de pelucas y vestidos dieciochescos que el pintor francés Jean Louis Meissonier puso de moda en Francia. Sus obras rechazan las historias grandilocuentes y opta por temas sin trascendencia, tratados desde cierta perspectiva humorística, donde predomina un estilo preciosista propio del miniaturismo, marcado por la brillantez de la luz y del color. Obras representativas de este estilo son La vicaría y El coleccionista de estampas (ambas de la década de 1870, Museo de Arte Moderno de Barcelona). Otras obras destacadas son Fantasía sobre Fausto (1866), Idilio, Desnudo en la playa de Portici y Viejo desnudo al sol, todas ellas en el Museo del Prado. © M.E.
Ha recibido 40 puntos

Vótalo:

Salvador Dalí (1904/1989)

5

Salvador Dalí (1904/1989)

Pintor surrealista español nacido en Figueres, Girona, el 11 de mayo de 1904. En 1921 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), de donde fue expulsado en 1926. En esa época vivió en la Residencia de Estudiantes de Madrid, donde se relacionó con Federico García Lorca, Luis... Ver mas
Pintor surrealista español nacido en Figueres, Girona, el 11 de mayo de 1904. En 1921 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), de donde fue expulsado en 1926. En esa época vivió en la Residencia de Estudiantes de Madrid, donde se relacionó con Federico García Lorca, Luis Buñuel, Rafael Alberti, José Moreno Villa y otros artistas. En 1929, instalado en París, donde conoció a Pablo Picasso, se adhiere al surrealismo, aunque los miembros principales del movimiento expulsarían finalmente a Dalí por sus tendencias políticas derechistas. La producción de Dalí de este periodo se basa en su método paranoico-crítico, inspirado en buena parte en las teorías de Freud, representación de imágenes oníricas y objetos cotidianos en formas compositivas insospechadas y sorprendentes, como los relojes blandos de La persistencia de la memoria (1931, Museo de Arte Moderno, MOMA, Nueva York). Dalí se trasladó a Estados Unidos en 1940, donde permaneció hasta 1948. Sus últimas obras, a menudo de contenido religioso, se realizan en un estilo más clásico, entre ellas cabe citar la Crucifixión (1954, Metropolitan Museum, Nueva York) y La Última Cena (1955, Galería Nacional de Washington). La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y luminoso. Dalí realizó varias películas surrealistas en colaboración con Buñuel como El perro andaluz (1928) y La edad de oro (1930), libros ilustrados, diseños de joyería así como escenografías y vestuarios teatrales. También escribió libros autobiográficos como La vida secreta de Salvador Dalí (1942) y Diario de un genio (1965). Fue miembro de la Academia Francesa de Bellas Artes desde 1979. Murió el 23 de enero de 1989 en Figueres. © M.E.
Ha recibido 39 puntos

Vótalo:

Francisco de Solís (1620/1684)

6

Francisco de Solís (1620/1684)

Pintor español nacido en Madrid en 1620 y murió en 1684. Fue discípulo de su padre Juan de Solís, en el dibujo, y aprendió a pintar por pura afición. Tuvo Academia en su casa durante algunos años, y dejó muy buenos grabados. Sus cuadros más notables son: Pasajes de la vida de la Virgen; Santa... Ver mas
Pintor español nacido en Madrid en 1620 y murió en 1684. Fue discípulo de su padre Juan de Solís, en el dibujo, y aprendió a pintar por pura afición. Tuvo Academia en su casa durante algunos años, y dejó muy buenos grabados. Sus cuadros más notables son: Pasajes de la vida de la Virgen; Santa Teresa; Sacrificios de Abel, Caín y Abraham; Concepción; Visitación (en Madrid); Anunciación (en Boadilla); Anunciación; Presentación; Visitación; Asunción (en Alcalá de Henares) y Encarnación (en Valladolid). © M.C.N.
Ha recibido 37 puntos

Vótalo:

Joan Miró (1893/1983)

7

Joan Miró (1893/1983)

Pintor español cuyas obras recogen motivos extraídos del reino de la memoria y el subconsciente con gran fantasía e imaginación, y que se hallan entre las más originales del siglo XX. Miró nació el 20 de abril de 1893 en Barcelona y allí estudió en la Escuela de Bellas Artes y en la Academia... Ver mas
Pintor español cuyas obras recogen motivos extraídos del reino de la memoria y el subconsciente con gran fantasía e imaginación, y que se hallan entre las más originales del siglo XX. Miró nació el 20 de abril de 1893 en Barcelona y allí estudió en la Escuela de Bellas Artes y en la Academia Galí. Su obra anterior a 1920 muestra una amplia gama de influencias, entre las que se cuentan los brillantes colores de los fauvistas, las formas fragmentadas del cubismo y las bidimensionales de los frescos románicos catalanes. En 1920 se trasladó a París, encontrándose con Pablo Picasso, donde, bajo la influencia de los poetas y escritores surrealistas, fue madurando su estilo. Miró arranca de la memoria, de la fantasía y de lo irracional para crear obras que son transposiciones visuales de la poesía surrealista. Estas visiones oníricas, como El campesino catalán de la guitarra (Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid), El carnaval del arlequín (1925, Galería Albright-Knox, Buffalo) o Interior holandés (1928, Museo de Arte Moderno, Nueva York), a menudo comportan una visión humorística o fantástica, conteniendo imágenes distorsionadas de animales jugando, formas orgánicas retorcidas o extrañas construcciones geométricas. Las composiciones de estas obras se organizan sobre neutros fondos planos y están pintadas con una gama limitada de colores brillantes, especialmente azul, rojo, amarillo, verde y negro. En ellas se disponen sobre el lienzo, como de modo arbitrario, siluetas de amebas amorfas alternando con líneas bastante acentuadas, puntos, rizos o plumas. Posteriormente, Miró produjo obras más etéreas en las que las formas y figuras orgánicas se reducen a puntos, líneas y explosiones de colorido abstractos. Aunque identificado con la causa republicana, tras el inicio de la II Guerra Mundial volvió a España en 1940, donde llevó una vida retirada durante toda la dictadura franquista. Miró también experimentó con otros medios artísticos, como grabados y litografías, a los que se dedicó en la década de 1950. También realizó acuarelas, pasteles, collages, pintura sobre cobre, escultura, escenografías teatrales y cartones para tapices. Sin embargo, las creaciones que han tenido una mayor trascendencia, junto con su obra pictórica, son sus esculturas cerámicas, entre las que destacan los grandes murales cerámicos La pared de la Luna y La pared del Sol (1957-1959) para el edificio de la UNESCO en París y el mural del Palacio de Congresos y Exposiciones de Madrid. En la actualidad su producción puede contemplarse en la Fundación Joan Miró en Barcelona, inaugurada en 1975, así como en los principales museos de arte contemporáneo de todo el mundo. © M.E.
Ha recibido 37 puntos

Vótalo:

Maestro de Tahull (1090?/1150?)

8

Maestro de Tahull (1090?/1150?)

Pintor. Considerado el más grande de los pintores románicos de murales del siglo XII en Cataluña. Su obra principal se realizó en la iglesia de San Clemente de Taüll, en el Vall del Boí (Lleida). Se considera casi perfecta su manera de articular los espacios. Dibuja los rostros de las figuras... Ver mas
Pintor. Considerado el más grande de los pintores románicos de murales del siglo XII en Cataluña. Su obra principal se realizó en la iglesia de San Clemente de Taüll, en el Vall del Boí (Lleida). Se considera casi perfecta su manera de articular los espacios. Dibuja los rostros de las figuras con gran realismo y estilización. Es de destacar su Pantocrátor, realizado en la gama cromática de los colores carmín, azul y blanco. Se ha llegado a pensar que trajo las herramientas y los materiales necesarios para su trabajo desde Italia. © epdlp
Ha recibido 36 puntos

Vótalo:

Francisco Ribalta (1565/1628)

9

Francisco Ribalta (1565/1628)

Pintor español de la escuela valenciana, principal introductor del lenguaje del naturalismo tenebrista del barroco en la zona. Nacido en 1565 en Solsona (Lérida), se formó en las décadas de 1580 y 1590 en El Escorial, donde aprendió el lenguaje del manierismo reformado para después evolucionar... Ver mas
Pintor español de la escuela valenciana, principal introductor del lenguaje del naturalismo tenebrista del barroco en la zona. Nacido en 1565 en Solsona (Lérida), se formó en las décadas de 1580 y 1590 en El Escorial, donde aprendió el lenguaje del manierismo reformado para después evolucionar hacia el naturalismo tenebrista del barroco. Se instaló en Valencia en 1599, recibiendo en 1603 su primer encargo importante: el retablo mayor de la iglesia de San Jaime de Algemesí, en el que refleja aún la influencia escurialense, en especial del pintor Juan Fernández de Navarrete. Poco después inició sus trabajos para el colegio del Corpus Christi, seminario valenciano fundado por el entonces arzobispo Juan de Ribera. Para su altar mayor pintó la Santa Cena (1606), de iconografía contrarreformista y composición aún escurialense. Hacia 1620 se produjo un cambio decisivo en su estilo, que siguió desde entonces el nuevo lenguaje del barroco, creado en Roma por Caravaggio en los años iniciales del siglo. Modelos concretos, iluminación tenebrista e interés por la realidad inmediata caracterizan los trabajos de la última década de su vida: Abrazo de san Francisco al crucificado (Museo de Bellas Artes de Valencia), San Francisco confortado por un ángel músico (Museo del Prado, Madrid) y Cristo abrazando a San Bernardo (Museo del Prado). En algunas de sus composiciones, en especial en sus imágenes aisladas, como el San Bruno del Museo de Bellas Artes de Valencia, anuncia el arte monumental y austero de Zurbarán. © M.E.
Ha recibido 36 puntos

Vótalo:

Santiago Rusiñol (1861/1931)

10

Santiago Rusiñol (1861/1931)

Pintor y escritor español nacido en Barcelona. Realiza sus primeros estudios en el Centro de Acuarelistas de la ciudad catalana. Viaja a París en el año 1887 con amigos como Casas, Utrillo y otros, donde tiene la oportunidad de aprender junto a Pierre Puvis de Chavannes, familiarizándose con el... Ver mas
Pintor y escritor español nacido en Barcelona. Realiza sus primeros estudios en el Centro de Acuarelistas de la ciudad catalana. Viaja a París en el año 1887 con amigos como Casas, Utrillo y otros, donde tiene la oportunidad de aprender junto a Pierre Puvis de Chavannes, familiarizándose con el simbolismo y de practicar la pintura al aire libre. Representa junto con Mir y Beruete la tendencia española del paisajismo de fuerte influencia francesa. Aunque Rusiñol fue receptivo al impresionismo, jamás lo fue, como lo atestigua el estilo tan personal de sus paisajes. A su regreso, funda en Sitges el taller-Museo del Cau Ferrat donde experimenta sobre la luz y es asiduo contertulio del café Els Quatre Gats. Se especializa en paisajes de los Reales Sitios como Aranjuez o La Granja en España o Tívoli y Frascati en Italia, pues su estilo de vida, de bohemio acomodado, le permitió viajar mucho. Junto con Hermen Anglada Camarasa y Ramón Casas forman el trío de pintores modernistas catalanes. Aunque su temática es muy variada se especializará en el paisaje, bien rural bien urbano donde al principio la figura humana no destaca sino que se integra. Al final de su carrera sólo pintará paisajes bien naturales, fantásticos embellecidos por medio de árboles o de elementos arquitectónicos, como refleja en su cuadro Escaleras del generalife. Recibió en el año 1908 la medalla de la exposición nacional de Bellas Artes por su obra titulada El cenador, inspirada en los jardines de Aranjuez. Como autor literario estrenó la obra de teatro Lauca del senyor Esteve en el año 1917. Rusiñol ha quedado adscrito al paisajismo y ha sido inmortalizado como el pintor de los jardines de España. © M.E.
Ha recibido 36 puntos

Vótalo:

Pablo Picasso (1881/1973)

11

Pablo Picasso (1881/1973)

Pintor y escultor español, considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX. Artista polifacético fue único y genial en todas sus facetas, inventor de formas, innovador de técnicas y estilos, artista gráfico y escultor, siendo uno de los creadores más prolíficos de toda la historia... Ver mas
Pintor y escultor español, considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX. Artista polifacético fue único y genial en todas sus facetas, inventor de formas, innovador de técnicas y estilos, artista gráfico y escultor, siendo uno de los creadores más prolíficos de toda la historia, con más de 20.000 trabajos en su haber. Picasso nació en Málaga el 25 de octubre de 1881, hijo de María Picasso López y del profesor de arte José Ruiz Blasco. Hasta 1898 siempre utilizó los apellidos paterno y materno para firmar sus obras, pero alrededor de 1901 abandonó el primero para utilizar desde entonces sólo el apellido de la madre. El genio de Picasso se pone ya de manifiesto desde fechas muy tempranas, a la edad de 10 años hizo sus primeras pinturas y a los 15 aprobó con brillantez los exámenes de ingreso en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, con su gran lienzo Ciencia y caridad (1897, Museo Picasso, Barcelona), que representa, dentro aún de la corriente academicista, a un médico, una monja y un niño junto a la cama de una mujer enferma, ganó una medalla de oro. Entre 1900 y 1902 Picasso hizo tres viajes a París, estableciéndose finalmente allí en 1904. El ambiente bohemio de las calles parisinas le fascinó desde un primer momento, mostrando en sus cuadros de la gente en los salones de baile y en los cafés la asimilación del postimpresionismo de Paul Gauguin y del simbolismo de los pintores nabis. Los temas de la obra de Edgar Degas y Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec, así como el estilo de este último, ejercieron una gran influencia sobre Picasso. El cuadro Habitación azul (1901, Colección Phillips, Washington) refleja el trabajo de ambos pintores y, a la vez, muestra su evolución hacia el periodo azul, así llamado por el predominio de los tonos azules en las obras que realizó durante estos años. En ellas reflejará la miseria humana, con trabajadores extenuados, mendigos, alcohólicos y prostitutas, representados con cuerpos y formas ligeramente alargadas, recordando el estilo de El Greco. Poco después de establecerse en París en un desvencijado edificio conocido como el Bateau-Lavoir, Picasso conoce a su primera compañera, Fernande Olivier. Con esta feliz relación Picasso cambió su paleta hacia tonos rosas y rojos, los años 1904 y 1905 se conocen, así, como periodo rosa. Sus temas se centraron en el mundo del circo, que visitó con gran asiduidad, creando obras como Familia de acróbatas (1905, National Gallery, Washington). En la figura del arlequín, Picasso pintó su otro yo, su alter ego, práctica que repitió también en posteriores trabajos. De su primera época en París datan su amistad con el poeta Max Jacob, el escritor Guillaume Apollinaire, los marchantes Ambroise Vollard y Daniel Henry Kahnweiler y los ricos estadounidenses residentes en Francia Gertrude Stein y su hermano Leo, quienes se convirtieron en sus primeros mecenas. Todos ellos fueron retratados por el pintor.

En el verano de 1906, durante una estancia de Picasso en Gosol, su obra entrará en una nueva fase marcada por la influencia del arte griego, ibérico y africano. El célebre retrato de Gertrude Stein (1905-1906, Metropolitan Museum of Art, Nueva York) revela un tratamiento del rostro en forma de máscara. La obra clave de este periodo es Las señoritas de Avignon (1907, Museo de Arte Moderno, Nueva York), tan radical en su estilo —la superficie del cuadro semeja un cristal fracturado— que no fue entendido, incluso, por los críticos y pintores vanguardistas de aquel momento. Frente a la pintura tradicional, Picasso rompe en esta obra con la profundidad espacial y la forma de representación ideal del desnudo femenino, reestructurándolo por medio de líneas y planos cortantes y angulosos. Inspirados por el tratamiento volumétrico de las formas pictóricas de Paul Cézanne, Picasso y Georges Braque pintaron en 1908 una serie de paisajes dentro de un estilo que un crítico describió después como si hubieran sido hechos a base de pequeños cubos, imponiéndose así el término cubismo. Entre 1908 y 1911 trabajaron en estrecha colaboración dentro de esta línea de descomposición y análisis de las formas, desarrollando juntos la primera fase del cubismo, conocida como cubismo analítico. La paleta monocromática prevaleció en estas representaciones de motivos totalmente fragmentados, mostrados de modo simultáneo desde varios lados. Los temas favoritos de Picasso fueron los instrumentos musicales, las naturalezas muertas y sus amigos, entre los que destaca el retrato de uno de sus marchantes Daniel Henry Kahnweiler (1910, Art Institute, Chicago). En 1912 realiza su primer collage, Naturaleza muerta con silla de paja (Museo Picasso, París), combinando pasta de papel y un trozo de hule sobre un lienzo pintado sólo en algunas zonas, que representa un vaso, un periódico, una pipa, una ostra y un limón. Esta técnica señala la transición hacia el cubismo sintético. Esta segunda fase del cubismo es más decorativa, y el color juega un papel más destacado, aunque nunca de manera exclusiva. Dos obras de 1915 demuestran la simultaneidad de estilos que utilizó, Arlequín (Museo de Arte Moderno) es un cuadro cubista sintético, mientras que un dibujo de su marchante, Vollard (Metropolitan Museum of Art), está realizado dentro de lo que se conoce como estilo ingrista, así denominado porque emula las formas artísticas del pintor francés Jean August Dominique Ingres. De 1923 es su Arlequín con espejo (Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid). Obra de su llamado periodo clásico (1921-1925), anunciado, en parte, en los dibujos ingristas y consecuencia de su estancia en Italia en 1917. El busto de bronce de Fernande Olivier (también llamado Cabeza de mujer, 1909, Museo de Arte Moderno) muestra la consumada habilidad técnica de Picasso en el tratamiento de las formas tridimensionales. También realizó conjuntos —como Mandolina y clarinete (1914, Museo Picasso, París)— formados por fragmentos de madera, metal, papel y otros materiales, explorando con ello las hipótesis espaciales planteadas por la pintura cubista. Su Vaso de ajenjo (1914, Museo de Arte Moderno) es una escultura en bronce coloreada que representa un vaso de ajenjo sobre el que aparece colocada una cucharilla de plata y la reproducción exacta de un terrón de azúcar, tal vez se trate del ejemplo más interesante de escultura policromada cubista realizado por Picasso, anticipando con ella tanto sus posteriores creaciones de objetos encontrados del tipo Mandril y joven (1951, Museo de Arte Moderno), como los objetos Pop art de la década de 1960. Durante la I Guerra Mundial, Picasso viajó a Roma para realizar los decorados de los ballets rusos de Sergei Diáguilev. Conoció allí a la bailarina Olga Koklova, con la que se casó poco después. Dentro de un estilo realista, figurativo, en torno a 1917 Picasso la retrató en varias ocasiones, al igual que a su único hijo legítimo, Pablo (por ejemplo en Pablo vestido de Arlequín, 1924, Museo Picasso, París) y a sus numerosos amigos.

Aunque siempre declaró que no era surrealista, en muchos de sus cuadros se pueden apreciar cualidades y características propias de este movimiento artístico, como en Mujer durmiendo en un sillón (1927, Colección Privada, Bruselas) y Bañista sentada (1930, Museo de Arte Moderno). Varios cuadros cubistas de comienzos de la década de 1930, en los que predomina la armonía de líneas, el trazo curvilíneo y un cierto erotismo subyacente, reflejan el placer y la pasión de Picasso por su nuevo amor, Marie Thérèse Walter, con la que tuvo a su hija Maya en 1935. Marie Thérèse, retratada muy a menudo en actitudes de reposo, fue también la modelo del famoso cuadro Muchacha ante el espejo (1932, Museo de Arte Moderno). En 1935 Picasso llevó a cabo la serie de grabados Minotauromaquia, un bellísimo trabajo en el que mezcla los temas del minotauro y las corridas de toros, en esta obra, tanto la figura del toro como la del caballo destripado anuncian las imágenes del Guernica, el gran mural considerado por la mayoría como una de las obras artísticas individuales más importante del siglo XX. El 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil Española, la aviación alemana, por orden de Francisco Franco, bombardeó el pueblo vasco de Guernica. Pocas semanas después Picasso comenzó a pintar el enorme mural conocido como Guernica. En menos de dos meses terminó la obra, exhibiéndola en el Pabellón Español de la Exposición Internacional de París de 1937. El cuadro no retrata el acontecimiento en sí, más bien quiso expresar con él la violencia y crueldad del acontecimiento mediante la utilización de imágenes como el toro, el caballo moribundo, el guerrero caído, la madre con su hijo muerto o una mujer atrapada en un edificio en llamas. Pese a la complejidad de estos y otros símbolos, y a la imposibilidad de dar a la obra una interpretación definitiva, el Guernica logró un aplastante impacto como retrato-denuncia de los horrores de la guerra. El cuadro permaneció en el Museo de Arte Moderno de Nueva York desde 1939 hasta 1981, año en el que regresó a España, aquí se emplazó en el Casón del Buen Retiro, junto al Museo del Prado, en Madrid, hasta que en 1992 se trasladó de nuevo, esta vez de manera definitiva, a su actual emplazamiento en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, también en Madrid. El estallido y posterior desarrollo de la II Guerra Mundial contribuyeron a que la paleta de Picasso se oscureciera y a que la muerte fuera el tema más frecuente en la mayor parte de sus obras. Así lo vemos, por ejemplo, en Bodegón con calavera de buey (1942, Kunstsammlung Nordrhein-Wesfalen, Düsseldorf) y en El osario (1945, Museo de Arte Moderno). Conoce por entonces a la pintora Françoise Gilot, con la que tendrá dos hijos, Paloma y Claude, ambos aparecerán retratados en numerosas obras que recuperan los primeros estilos de Picasso. Su última compañera sentimental, a la que también retrató en bastantes ocasiones, fue Jacqueline Roque, a la que conoció en 1953 y con la que se casó en 1961. Desde entonces residió casi siempre en el sur de Francia. Muchos de los últimos cuadros de Picasso están basados en las obras de los grandes maestros del pasado como Diego Velázquez, Gustave Courbet, Eugène Delacroix y Édouard Manet. Además de en la pintura de cuadros, Picasso trabajó también en cientos de litografías que realizó en la imprenta de Fernande Mourlot. Se interesó también por la cerámica, y así, en 1947, en Vallauris, realizó cerca de 2.000 piezas. Durante este tiempo Picasso hizo también importantes esculturas, El hombre del carnero (1944, Museo de Arte de Filadelfia), un bronce a tamaño natural y La cabra (1950, Museo de Arte Moderno), también en bronce obra de enorme fuerza. En 1964 llevó a cabo la maqueta de Cabeza de mujer, una monumental escultura levantada en 1966 en acero soldado en el Civic Center de Chicago. Picasso murió el 3 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie, su residencia cercana a Mougins. © M.E.
Ha recibido 35 puntos

Vótalo:

José de Ribera (1591/1652)

12

José de Ribera (1591/1652)

Pintor barroco español. Nació en Xátiva (Valencia) en 1591 y casi no se conocen datos sobre su primera formación artística, aunque aparece documentado en Italia, concretamente en Parma en 1611. Tras pasar por Roma, donde ingresó en la Academia de San Lucas llegó a Nápoles (1616), ciudad en la... Ver mas
Pintor barroco español. Nació en Xátiva (Valencia) en 1591 y casi no se conocen datos sobre su primera formación artística, aunque aparece documentado en Italia, concretamente en Parma en 1611. Tras pasar por Roma, donde ingresó en la Academia de San Lucas llegó a Nápoles (1616), ciudad en la que va a desarrollar toda su carrera pictórica hasta su muerte en 1652 como el pintor favorito de los virreyes de España residentes en dicha ciudad, así como de diferentes congregaciones religiosas. En Nápoles fue conocido con el sobrenombre de el Españoleto, por su corta estatura. Ribera es el artista del Siglo de oro que participa de una manera más acentuada de los avances estilísticos del naturalismo tenebrista o claroscuro del pintor italiano Caravaggio, en la mayoría de sus dramáticas composiciones religiosas sus figuras destacan siempre gracias al recurso compositivo tenebrista, en el que un foco de luz dirigido en diagonal desde el exterior del cuadro crea las líneas maestras de la composición, dejando generalmente el fondo del cuadro sumido en una gran oscuridad y haciendo aparecer a los personajes muy contrastados con respecto a la luz. De esta forma, en obras como San Andrés (c. 1630-1632, Museo del Prado, Madrid), la representación del apóstol, verista, inmediata, analítica en la caracterización del rostro y el torso, destacando todo lo táctil, figurado a partir de modelos muy vulgares, presenta un claro contraste lumínico entre las zonas de luz y las de sombras. La mayor parte de sus temas pictóricos presentan una iconografía religiosa, el artista plasma de una forma muy explícita e intensamente emocional escenas de martirios como El martirio de San Felipe (1639), en el Museo del Prado, así como representaciones individuales de medias figuras o de cuerpo entero de los apóstoles (Apostolados). Sin embargo, realizó también obras de carácter profano, como figuras de filósofos (Arquímedes, 1630, Museo del Prado), temáticas mitológicas como el Sileno del Museo de Capodimonte de Nápoles de 1626 (es su primer cuadro firmado y fechado), representaciones alegóricas de los sentidos (Alegoría del tacto de 1632, Museo del Prado, conocido como El escultor ciego), y algunos retratos como Retrato de Magdalena Ventura con su marido (1631, Fundación Casa Ducal de Medinaceli, Palacio Lerma de Toledo). Por otro lado, dentro de su evolución estilística debemos destacar un segundo momento en el que Ribera, a partir de la década de 1630, abandona en parte ese tenebrismo caravaggesco tan férreo y se abre a un concepto pictórico más luminista, su paleta se aclara, aparecen en sus obras unos celajes de un vibrante azul junto a una mayor preocupación por el color, con tonalidades más variadas y una pincelada más fluida. Dicho cambio se debe a su propia reinterpretación de la pintura de Tiziano y Pablo Veronés, así como a la influencia que recibe de la pintura de Giovanni Lanfranco y a su conocimiento de la pintura flamenca, ya que tiene acceso a obras de Antonio Van Dyck y Petrus Paulus Rubens presentes en diferentes colecciones privadas napolitanas. Así, en El sueño de Jacob o en La Magdalena fechadas en 1639 y 1640 respectivamente (Museo del Prado), destacan sus típicos cielos azules de esta segunda etapa y la búsqueda de un concepto de perspectiva aérea llena de luminosidad transparente y formas evanescentes y vibrantes. Sin embargo, al final de la década de 1640, Ribera va a experimentar un nuevo cambio estilístico que le vuelve a acercar en cierta medida a las composiciones tenebristas de su primer momento pictórico sin abandonar los avances de su segunda etapa, las causas fueron sus desgraciadas circunstancias personales (una larga enfermedad que le impide casi seguir pintando y la supuesta o posible deshonra sufrida por su hija o sobrina), unidas a los graves problemas de tipo político que se vivían en Nápoles por aquellos años (la revuelta de Masaniello de 1647 contra los virreyes españoles reprimida de forma violenta). Son ejemplos de este momento La Inmaculada Concepción (1650) y San Jerónimo penitente (1652). © M.E.
Ha recibido 30 puntos

Vótalo:

Juan de Arellano (1614/1676)

13

Juan de Arellano (1614/1676)

Pintor español nacido en 1614 en Madrid. Fue uno de los más famosos pintores españoles del siglo XVII, y debió su gran prestigio artístico y su bienestar económico sobre todo a su singular destreza en la representación de cestillos, jarrones y guirnaldas de flores. A pesar de que ya Juan Van der... Ver mas
Pintor español nacido en 1614 en Madrid. Fue uno de los más famosos pintores españoles del siglo XVII, y debió su gran prestigio artístico y su bienestar económico sobre todo a su singular destreza en la representación de cestillos, jarrones y guirnaldas de flores. A pesar de que ya Juan Van der Hamen y Juan Fernández el Labrador habían pintado floreros en los años veinte y treinta del siglo XVII, es a Juan de Arellano a quien hay que considerar el primer especialista en la pintura de flores en España. Como muchos de los pintores del siglo XVII, Juan de Arellano actuó como tasador de colecciones de pintura en varias ocasiones y para una clientela variopinta. Entre sus pinturas, se encontraron setenta y siete retratos oficiales de Corte para instituciones oficiales, catorce lienzos de montería de perros, diecisiete pinturas de caza, quince representaciones de Sitios Reales, once óleos de ángeles y de reyes, los cuatro tiempos y un gran número pinturas sagradas, sobre todo santos y santas. Entre sus haberes en el momento de su muerte se hallaron también trece libros de estampas, que seguramente le habían servido de modelos también para sus floreros. © Félix Scheffler
Ha recibido 30 puntos

Vótalo:

Ramón Casas (1866/1932)

14

Ramón Casas (1866/1932)

Pintor y dibujante español nacido en Barcelona. Comienza a estudiar con Joan Vicens en la Lonja de las Artes y más tarde, en 1881, se convierte en el dibujante e ilustrador de la revista L´Avenç donde trabaja como corresponsal en París, mientras estudia en la Academia de Durand junto a Eugène... Ver mas
Pintor y dibujante español nacido en Barcelona. Comienza a estudiar con Joan Vicens en la Lonja de las Artes y más tarde, en 1881, se convierte en el dibujante e ilustrador de la revista L´Avenç donde trabaja como corresponsal en París, mientras estudia en la Academia de Durand junto a Eugène Carriére y Pierre Puvis de Chavannes. Allí participa en el Salón des Champs Elysées (1883) para trasladarse después a Barcelona. Como contertulio del café Els Quatre Gats tuvo la oportunidad de trabar amistad con el millonario americano William Deering, quien se convirtió en su mecenas y le encargó obras de arte. Impermeable a las vanguardias, su estilo se consolida en el postimpresionismo. Excelente retratista, define diferentes tipos de mujeres, como la gitana, la manola, entre otras, así como una serie de retratos al carbón de importantes intelectuales de la época, músicos como Albéniz o Granados, escritores como Unamuno o Azorín, pintores como Zuloaga o Sorolla. También expresa con sus pinceles el anonimato de interiores de cafés o de la vida en la calle, con toda la espontaneidad que emanan tanto el entorno como sus personajes. Su estilo acusa la influencia de Manet, Whistler o Degas por los colores suaves y los contornos difuminados que le harán evolucionar hasta un tipo de pintura más colorista y de marcado carácter realista donde Casas representa tipos como Cabeza de un bandolero u obras de comprometido contenido social como La carga (1902, número comarcal de la Garrotxa, Olot, España). Casas es asimismo uno de los máximos representantes del modernismo catalán que refleja en los carteles publicitarios (Codorniu, Anís del mono, entre otros) que realiza para prestigiosas firmas comerciales, llenos de sensibilidad artística. © M.E.
Ha recibido 30 puntos

Vótalo:

Antonio López García (1936)

15

Antonio López García (1936)

Pintor español nacido en Tomelloso, Ciudad Real. Se formó en un principio junto a su tío Antonio López Torres, también pintor. En él ejerció notable influencia la obra de Salvador Dalí de quien toma el gusto acusado por la realidad y el predominio del dibujo sobre la pintura. Entre 1950 y 1955... Ver mas
Pintor español nacido en Tomelloso, Ciudad Real. Se formó en un principio junto a su tío Antonio López Torres, también pintor. En él ejerció notable influencia la obra de Salvador Dalí de quien toma el gusto acusado por la realidad y el predominio del dibujo sobre la pintura. Entre 1950 y 1955 realizó estudios de pintura en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Finalizados los mismos, alternó su trabajo entre Tomelloso y Madrid. Contrajo matrimonio con la pintora María Moreno. Entre 1964 y 1969 Antonio López se dedicó a impartir lecciones de preparación sobre el color en la Real Academia de San Fernando. Su obra, inscrita dentro del hiperrealismo, ha sido adaptada al cine por el director cinematográfico Víctor Erice en el film titulado El sol del membrillo (1992). La temporalidad y el deterioro de lo material son notas que definen su estilo hiperrealista. En enero de 1993 es nombrado miembro de número de la madrileña Real Academia de San Fernando. Antonio López es un artista que busca, dentro de la realidad que le rodea, los aspectos más cotidianos tratados con un enorme detallismo fotográfico como lo ejemplifica su obra titulada Cuarto de baño. Su obra abarca desde las vistas madrileñas, Madrid desde Torres Blancas (1982), retratos de sus propios familiares, Los novios, objetos de uso cotidiano, Taza de water y ventana, o simplemente elementos de la naturaleza, Membrillos y granados. Los objetos y los sucesos de la vida ordinaria son los que destacan como los protagonistas de sus cuadros. Está considerado como el padre de la escuela hiperrealista madrileña y su estilo ha influido en artistas como Toral o Villaseñor. © M.E.
Galardones:
Ha recibido 30 puntos

Vótalo:

Francisco Ricci (1614/1685)

16

Francisco Ricci (1614/1685)

Pintor español nacido en Madrid en 1614, hijo del pintor Antonio Ricci, que se forma con Vicente Carducho. Su primera obra documentada es de 1639, año en el que interviene en la serie de Reyes del Salón Dorado del Alcázar de Madrid. A partir de este momento, se requiere su presencia en el... Ver mas
Pintor español nacido en Madrid en 1614, hijo del pintor Antonio Ricci, que se forma con Vicente Carducho. Su primera obra documentada es de 1639, año en el que interviene en la serie de Reyes del Salón Dorado del Alcázar de Madrid. A partir de este momento, se requiere su presencia en el palacio para realizar decoraciones, escenarios teatrales y arquitecturas efímeras. Entre 1650 y 1660, pinta obras en las que se refleja la influencia de Rubens, y que fueron afianzando cada vez más su prestigio, como Virgen en gloria con San Felipe y San Francisco, de 1650, El expolio de Cristo, de 1651, la Bendición de la catedral del obispo Jiménez de Radapara la catedral de Toledo, el Retablo Mayor de la catedral de Plasencia de 1654, y el retablo de la iglesia de Fuente de Saz de 1655. En 1656 fue nombrado pintor del rey, y obtiene encargos de importancia como El Calvario de 1662, La Anunciación de 1663, Santa Leocadia de 1670, realizados para la decoración de la capilla del Ayuntamiento. En 1669 se le encarga la decoración del camarín de la Virgen del Sagrario en la catedral de Toledo. Durante su última época colaboró frecuentemente con Juan Carreño de Miranda. Juntos realizan el Auto de fe en la Plaza Mayor de Madrid, en 1683. La obra de estos dos pintores supone el paso definitivo hacia el pleno Barroco; ambos aprovechan la lección de las obras de Rubens que encuentran en las colecciones reales de Madrid y, sobre todo, las realizadas en la Torre de la Parada. Así, lo que hacen es traspasar el movimiento y el barroquismo de los temas mitológicos a las composiciones religiosas, que se llenan de dinamismo y de color. © Esther Alegre Carvajal
Ha recibido 29 puntos

Vótalo:

Federico de Madrazo (1815/1894)

17

Federico de Madrazo (1815/1894)

Hijo de José Madrazo y de madre alemana fue un pintor romántico académico de corte francés, que cultivó tanto el género del retrato como de la pintura histórica. Atraviesa tres fases en su carrera. Al principio, su etapa es purista, de gran detallismo. Más tarde suaviza los contornos y su... Ver mas
Hijo de José Madrazo y de madre alemana fue un pintor romántico académico de corte francés, que cultivó tanto el género del retrato como de la pintura histórica. Atraviesa tres fases en su carrera. Al principio, su etapa es purista, de gran detallismo. Más tarde suaviza los contornos y su pintura se vuelve más espontánea. Finalmente retorna a la tradición. Su formación en el dibujo hace que predomine en él casi siempre la línea sobre el color. Pinta retratos para la aristocracia, gozando por ello de una situación social elevada lo que le introduce en ambientes privilegiados. Su pintura está definida por medio de una pincelada prieta y muy brillante. Amigo de Ingres, trabajó en su taller durante su estancia en París. En Roma estuvo en contacto con Overbeck y el grupo de los nazarenos, quienes reforzaron su destreza innata para el dibujo. Fue pintor de cámara de la reina Isabel II y director de la Academia de San Fernando y del Museo del Prado. © M.E.
Ha recibido 29 puntos

Vótalo:

Juan Ribalta (1597/1628)

18

Juan Ribalta (1597/1628)

Pintor español, nacido en 1597 en Madrid y muerto en Valencia en 1628. Hijo de Francisco Ribalta, además de su discípulo, colaboró en el taller de este, convirtiéndose en uno de los pintores más notables de la escuela valenciana. Sus aptitudes para la pintura fueron extraordinarias, como lo... Ver mas
Pintor español, nacido en 1597 en Madrid y muerto en Valencia en 1628. Hijo de Francisco Ribalta, además de su discípulo, colaboró en el taller de este, convirtiéndose en uno de los pintores más notables de la escuela valenciana. Sus aptitudes para la pintura fueron extraordinarias, como lo prueba su obra La Crucifixión del Señor. Su estilo deriva del paterno, de tal forma que se confunden fácilmente las obras del padre y las del hijo. Está influido también por Pedro Orrente, aunque muestra una densidad plástica y un manejo de la luz que son de filiación caravaggiesca, situándole entre los primeros de su generación que siguieron en España esa tendencia. © M.C.N.
Ha recibido 28 puntos

Vótalo:

Bartolomé Esteban Murillo (1618/1682)

19

Bartolomé Esteban Murillo (1618/1682)

Pintor español nacido en Sevilla, cultivador de una temática preferentemente religiosa. En las colecciones privadas de Sevilla tuvo la oportunidad de conocer la obra de los maestros barrocos italianos y flamencos, junto a la de sus precursores españoles, pinturas que le influirían poderosamente... Ver mas
Pintor español nacido en Sevilla, cultivador de una temática preferentemente religiosa. En las colecciones privadas de Sevilla tuvo la oportunidad de conocer la obra de los maestros barrocos italianos y flamencos, junto a la de sus precursores españoles, pinturas que le influirían poderosamente. A partir de sus primeras obras, representaciones de la Virgen o la Sagrada Familia, de espíritu algo distante, evoluciona hacia un tratamiento de los temas en un tono más humano y sencillo, dentro de interiores cotidianos, en los que introduce pormenores y escenas de la vida diaria. Sus personajes se caracterizan por esa dulzura y sentimentalidad propios de su estilo, huyendo de los arrebatos trágicos que tanto atrajeron a otros artistas del barroco. Entre 1645-1646 realizó 11 escenas de vidas de santos que le dieron la fama. En 1660 Murillo fundó y fue presidente de la Academia de Dibujo de Sevilla. Como pintor de escenas de género, destacó en la interpretación de personajes infantiles marginados de manera bastante emotiva, como por ejemplo en el Niño pordiosero (1645, Museo del Louvre, París). La Virgen y el Niño con Santa Rosalía de Palermo (1670, Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid) es una obra en la que se pone de manifiesto la armonía de la composición y la precisión del dibujo de las pinturas de Murillo. De 1671 a 1674 realizó las pinturas de la Iglesia de la Caridad de Sevilla, hoy dispersas por varios museos de San Petersburgo, Madrid (el Museo del Prado conserva numerosas obras suyas) y Londres. Murillo es el que mejor define el tema de la Inmaculada Concepción, del que nos ofrece numerosas versiones, destacando la gracia juvenil, el rostro amoroso de la Virgen y el vuelo de los ángeles que la rodean. Sus representaciones de santos, auténticos retratos de tipos españoles de la época, corresponden al realismo imperante en el arte religioso del siglo XVII. En el siglo XIX las obras de Murillo alcanzaron gran popularidad influyendo en algunos artistas de este periodo. © M.E.
Ha recibido 27 puntos

Vótalo:

Sebastián Martínez Domedel (1615/1667)

20

Sebastián Martínez Domedel (1615/1667)

Pintor español nacido en Jaén. Se cree conoció a Alonso Cano y fue discípulo de Velázquez, con el que mantuvo una buena relación, por lo que a la muerte de Velázquez, fue nombrado pintor de cámara del rey Felipe IV. Sus obras fueron de estilo manierista-barroco. Trabajó especialmente para Madrid... Ver mas
Pintor español nacido en Jaén. Se cree conoció a Alonso Cano y fue discípulo de Velázquez, con el que mantuvo una buena relación, por lo que a la muerte de Velázquez, fue nombrado pintor de cámara del rey Felipe IV. Sus obras fueron de estilo manierista-barroco. Trabajó especialmente para Madrid, Córdoba y Jaén, dónde en esta última ciudad en su Museo Catedralicio se encuentran unos lienzos del Cristo Crucificado y la Virgen de la O (1662). El Museo de Jaén ha adquirido recientemente (2007), la pintura San Juan Bautista, para incorporarla a sus fondos museíticos. © Wikanda
Ha recibido 27 puntos

Vótalo:

Juan de Juni (1507/1577)

21

Juan de Juni (1507/1577)

Escultor español de origen francés, figura capital del renacimiento en España. Parece ser que nació en el año 1507 en la ciudad de Joigny, entre Borgoña y Campaña. Se instaló en España en la década de 1530, tras una etapa de formación en su país y más tarde en Italia. De esta última escuela tomó... Ver mas
Escultor español de origen francés, figura capital del renacimiento en España. Parece ser que nació en el año 1507 en la ciudad de Joigny, entre Borgoña y Campaña. Se instaló en España en la década de 1530, tras una etapa de formación en su país y más tarde en Italia. De esta última escuela tomó la armonía clásica que preside sus composiciones y su preocupación por la simetría, mientras que la escultura borgoñona, en especial la de Claus Sluter, le influyó en la concepción vehemente y expresiva de sus modelos. Escultor y ensamblador de retablos, que compuso con originalidad y gran movimiento en los órdenes, dominó también la técnica del barro cocido. Tuvo gran fama y formó una importante escuela en Valladolid, prolongándose su influencia hasta el siglo XVIII. Entre sus discípulos cabe destacar a Juan de Anchieta. Hacia 1533 empezó a trabajar en León, donde se conservan de su mano parte de la sillería y algunos relieves del convento de San Marcos. Tras realizar en Salamanca las imágenes de la Piedad (catedral vieja) y de Santa Ana y san Juan Bautista (catedral nueva) para el sepulcro de don Gutierre de Castro, se afincó definitivamente en Valladolid. Allí realizó el Santo Entierro, para la capilla sepulcral del obispo de Mondoñedo (1539-1544, Museo Nacional de Escultura de Valladolid), grupo intensamente expresivo impregnado de un hondo patetismo. Su obra más significativa es probablemente el retablo mayor de la iglesia de la Antigua de Valladolid (1545-1562), de concepción ya manierista, en el que el artista expone toda la energía y la fantasía creadora de su estilo. Semejante a éste es el retablo de la catedral de Burgo de Osma (1550-1554), en el que Juni comparte el trabajo con Juan Picardo. La última etapa de su producción se caracteriza por el predominio de unas formas más dulces y ondulantes, aunque su obra nunca perdió su carácter dramático (Piedad, catedral de Segovia, 1571; San Francisco, convento de Santa Isabel de Valladolid). © M.E.
Ha recibido 26 puntos

Vótalo:

Francisco de Zurbarán (1598/1663)

22

Francisco de Zurbarán (1598/1663)

Pintor español conocido por sus cuadros religiosos y escenas de la vida monástica en la época del barroco y la contrarreforma. Su estilo, adscrito a la corriente tenebrista por el uso que hace de los contrastes de luz y sombras, se caracteriza básicamente por la sencillez compositiva, el... Ver mas
Pintor español conocido por sus cuadros religiosos y escenas de la vida monástica en la época del barroco y la contrarreforma. Su estilo, adscrito a la corriente tenebrista por el uso que hace de los contrastes de luz y sombras, se caracteriza básicamente por la sencillez compositiva, el realismo, el rigor en la concepción, exquisitez y ternura en los detalles, formas amplias y plenitud en los volúmenes, monumentalidad en las figuras y apasionamiento en los rostros, tremendamente realistas. Hijo de un comerciante vasco afincado y casado en Extremadura, Zurbarán nació en Fuente de Cantos (al sur de la provincia de Badajoz) el 7 de noviembre de 1598. Entró como aprendiz en el taller sevillano de Pedro Díaz Villanueva, pintor de imágenes piadosas, hasta que en 1617 (ya casado) se traslada a Llerena, donde reside durante más de diez años realizando trabajos para diversos conventos de Extremadura y Sevilla. En 1629 atiende la invitación del municipio sevillano y se instala en la ciudad durante los siguientes 30 años. Entre 1634 y 1635 abandona Sevilla por primera vez para desplazarse a Madrid con el encargo de pintar la serie mitológica de Los trabajos de Hércules (Museo del Prado, Madrid) y dos cuadros de batallas para el Palacio del Buen Retiro. La década de 1640 es la más fructífera de su obra, realizando varias pinturas para el monarca Felipe IV, por lo que firma alguna vez pintor del Rey . En la siguiente, en cambio, inicia su declive, pues no recibe tantos encargos como en épocas anteriores (tal vez por la competencia que empieza a hacerle Murillo), aunque continúa pintando excelentes obras. En 1658 viaja por segunda vez a Madrid, donde reside definitivamente, aunque con dificultades económicas, hasta su muerte, el 27 de agosto de 1664, sumido en una gran pobreza. Las obras de Caravaggio, José Ribera y Diego Velázquez ejercen una clara influencia en Zurbarán. Al final de su carrera artística también le influyó el estilo más tierno y vaporoso de Bartolomé Esteban Murillo. Su primera obra conocida, pintada cuando tenía 18 años de edad, es la Inmaculada Concepción (1616, Colección Valdés, Bilbao). Obra de juventud es también un Cristo crucificado (1626-1630, Museo de Bellas Artes de Sevilla), tema que repetirá en numerosas ocasiones a lo largo de su carrera.

Aunque Zurbarán pinta historias e imágenes religiosas aisladas, sus obras principales son retablos y series de lienzos para conventos. Para el Colegio Franciscano de Sevilla hará el ciclo de Historias de san Buenaventura (1629, repartido en diversos museos) y para los mercedarios de Sevilla Las dos Visiones de san Pedro (1629, ambas en el Museo del Prado). Obra de primera magnitud es La Apoteosis de santo Tomás de Aquino (1631, Museo de Bellas Artes de Sevilla), pintada originariamente para el Colegio Mayor de Santo Tomás en Sevilla. Entre 1630 y 1635 lleva a cabo las pinturas para Nuestra Señora de las Cuevas, en Triana, de las que destaca San Hugo en el refectorio de los cartujos. En los años finales de la década de 1630, realiza el ciclo de pinturas del Monasterio de Guadalupe (1638-1645), únicas piezas que se conservan en el lugar de origen, en el que retrata en diversos lienzos la vida de san Jerónimo y las principales figuras de su orden monástica, como Fray Gonzalo de Illescas, y la serie para la Cartuja de Jerez (1633-1639), cuyas historias evangélicas del retablo se encuentran en el Museo de Grenoble, pero en las que los más valiosos son los cuadros de santos cartujos en oración, como el Beato Juan de Hougton del Museo de Cádiz. Junto a estos encargos realiza obras más mundanas, por la riqueza de sus vestiduras, en las que representa a santos. Santa Casilda (en el Museo del Prado) y Santa Margarita (National Gallery de Londres) son las obras más destacadas en esta línea. Otros temas de la obra de Zurbarán, aparte los meramente religiosos, son los retratos (Conde de Torrelaguna, en el Museo de Berlín), históricos (Socorro de Cádiz, Museo del Prado) y sobre todo los bodegones. Aunque son pocos los que conocemos, en ellos muestra claramente su estilo, sencillez en la composición —objetos puestos en fila—, tenebrismo conseguido con fondos muy oscuros, gran sentido del volumen en las formas y una gran naturalidad. Destacan los bodegones del Museo de Cleveland y del Museo del Prado (Bodegón). © M.E.
Ha recibido 26 puntos

Vótalo:

Alonso Cano (1601/1667)

23

Alonso Cano (1601/1667)

Pintor, escultor y arquitecto español, fue una de las figuras más destacadas del barroco. Nació en Granada en 1601, hijo de un tracista y ensamblador de retablos. En 1614 se trasladó a Sevilla y dos años más tarde entró como aprendiz en el taller de Francisco Pacheco, donde conoció a Velázquez... Ver mas
Pintor, escultor y arquitecto español, fue una de las figuras más destacadas del barroco. Nació en Granada en 1601, hijo de un tracista y ensamblador de retablos. En 1614 se trasladó a Sevilla y dos años más tarde entró como aprendiz en el taller de Francisco Pacheco, donde conoció a Velázquez. En 1638 se trasladó a la capital como pintor y ayuda de cámara del conde-duque de Olivares. Tras su paso por la corte madrileña, donde entró en contacto con las colecciones reales y la pintura veneciana del siglo XVI, el tenebrismo de sus primera obras deja paso a un estilo idealizado, clásico, de una calidad similar a la de los mejores pintores españoles, que huye del realismo en favor de las formas delicadas, bellas y graciosas, al igual que hizo también con sus obras escultóricas y arquitectónicas. Tras la muerte de su segunda esposa en extrañas circunstancias, huyó a Valencia para escapar de la acusación de asesinato que pesaba sobre él y se refugió en la cartuja de Porta-Coeli. En 1945 volvió a Madrid y en 1652 se trasladó a Granada, donde fue nombrado racionero de la catedral y falleció quince años más tarde. De esa última etapa es su obra maestra como pintor, una serie de siete lienzos sobre la Vida de la Virgen (1654) para el altar mayor de la iglesia. En lo que respecta a su labor como escultor, por la que es más conocido, Alonso Cano se formó en el taller de Martínez Montañés, realizando numerosas esculturas de tema religioso en madera policromada. De su maestro adoptó la contención expresiva y el clasicismo formal, añadiendo su gusto personal por lo delicado y menudo. Entre sus primeros trabajos del periodo sevillano se encuentran el retablo de Nuestra Señora de la Oliva (Lebrija, 1629-1931) y el San Juan Bautista de la iglesia de San Juan de la Palma de Sevilla (1634), así como varias Inmaculadas y figuras del Niño Jesús. Durante su etapa en Madrid abandonó temporalmente la escultura hasta su vuelta a Granada. Entre sus últimas obras destacan las cuatro esculturas monumentales de San José, San Antonio de Padua, San Diego de Alcalá y San Pedro de Alcántara para el convento del Santo Ángel, destruidas durante la guerra de la Independencia. Como arquitecto diseñó la fachada de la catedral de Granada (1667), en la que destaca el sorprendente efecto de profundidad, logrado al rehundir sus tres grandes arcadas, y su gran riqueza decorativa. © M.E.
Ha recibido 26 puntos

Vótalo:

Domenico Theotokopoulos "El Greco" (1541/1614)

24

Domenico Theotokopoulos "El Greco" (1541/1614)

Pintor manierista español considerado el primer gran genio de la pintura española. El Greco (que quiere decir el griego) nació en 1541 en Candía, Creta, que por aquel entonces pertenecía a la república de Venecia. Su nombre era el de Domenikos Theotokopoulos. Poco se sabe de los detalles de su... Ver mas
Pintor manierista español considerado el primer gran genio de la pintura española. El Greco (que quiere decir el griego) nació en 1541 en Candía, Creta, que por aquel entonces pertenecía a la república de Venecia. Su nombre era el de Domenikos Theotokopoulos. Poco se sabe de los detalles de su infancia y aprendizaje pero posiblemente estudió pintura en el pueblo en que nació. A pesar de que sus primeras obras no han llegado hasta nosotros, probablemente pintó en un estilo bizantino tardío, como era habitual en Creta en aquella época. En obras posteriores aún pueden observarse reminiscencias de ese estilo. El Greco era un hombre de gran erudición, aficionado a la literatura clásica y a la de su época desde joven. Alrededor del año 1566, El Greco se trasladó a Venecia, donde permaneció hasta 1570. Recibió una gran influencia de Tiziano y Tintoretto, dos de los grandes maestros del renacimiento. Obras de este periodo veneciano, como La curación del ciego (c.1566-c.1567, Gemäldegalerie, Dresde) demuestran que había asimilado el colorido de Tiziano, además de la composición de las figuras y la utilización de espacios amplios y de gran profundidad, características de Tintoretto. Durante los años de estancia en Roma, de 1570 a 1576, continuó inspirándose en los italianos. La influencia de la calidad escultural de la obra de Michelangelo Buonarroti es evidente en su Piedad (c.1570-c.1572, Museo de Filadelfia). Anunciación de época italiana (c.1567-c.1577, Museo del Prado, Madrid) pudo ser pintado en Roma, aunque revela la huella de Venecia, tanto en el colorido como en el modo de estudiar el espacio. El estudio de la arquitectura romana reforzó el equilibrio de sus composiciones, que con frecuencia incluyen vistas de edificios renacentistas. En Roma conoció a varios españoles relacionados con la catedral de Toledo y quizá fueron ellos los que le persuadieron para que viajara a España. En 1576 dejó Italia y, tras una breve estancia en Malta, llegó a Toledo en la primavera de 1577. Pronto recibió el primer encargo de la iglesia de Santo Domingo el Antiguo y se puso a trabajar en La Trinidad (c.1577-1579, Museo del Prado, Madrid). La composición se basa en un grabado de Alberto Durero.
La labor de El Greco como retratista fue muy significativa. Uno de los máximos exponentes de esa labor es el famoso cuadro El caballero de la mano en el pecho (c.1577-1584, Museo del Prado). El Greco deseaba fervientemente realizar los frescos para el nuevo monasterio que se construía en El Escorial, pueblo cercano a Madrid, y cuyas obras acabaron en 1582. Para conseguirlo envió diversas pinturas al rey Felipe II, pero no logró que le encargaran esa obra. Uno de los cuadros que envió, Alegoría de la Liga Santa (c.1578-c.1579, versiones en El Escorial y la Galería Nacional de Londres), pone de manifiesto su habilidad para combinar la compleja iconografía política con motivos medievales. Sólo realizó para el monasterio el cuadro San Mauricio y la legión tebana, que hoy se exhibe en esta fundación religiosa. Trabajó también para la catedral de Toledo, El expolio (c.1577-c.1579), obra hecha para la sacristía, presenta una espléndida imagen de Cristo con una túnica de un rojo intenso, rodeado por los que le han prendido. En 1586 pintó una de sus obras maestras, El entierro del conde de Orgaz, para la iglesia de Santo Tomé de Toledo. Esta obra, que aún se conserva en su lugar de origen, muestra el momento en que san Esteban y san Agustín introducen en su tumba (actualmente justo debajo del cuadro) a ese noble toledano del siglo XIV. En la parte superior el alma del conde asciende al paraíso poblado de ángeles, santos y personajes de la política de la época. En El entierro se evidencian el alargamiento de figuras y el horror vacui (pavor a los espacios vacíos), rasgos típicos de El Greco, que habrán de acentuarse en años posteriores. Tales características pueden asociarse con el manierismo que se sigue manteniendo en la pintura del Greco aún después de desaparecer en el arte europeo. Su visión intensamente personal se asentaba en su profunda espiritualidad, de hecho, sus lienzos evidencian una atmósfera mística similar a la que evocan las obras literarias de los místicos españoles contemporáneos, como santa Teresa de Ávila y san Juan de la Cruz.
El Greco gozó de una excelente posición. Tenía en Toledo una gran casa en la que recibía a miembros de la nobleza y de la elite intelectual, como los poetas Luis de Góngora y Fray Hortensio Félix de Paravicino, cuyos retratos, que pintó entre 1609 y 1610, se hallan actualmente en el Museo de Bellas Artes de Boston. Pintó también algunos cuadros de la ciudad de Toledo, como Vista de Toledo (c.1600-c.1610, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), aunque el paisaje fuera un género poco tratado tradicionalmente por los artistas españoles. En las obras que realizó desde la década de 1590 hasta su muerte puede apreciarse una intensidad casi febril. El bautismo de Cristo (que firmó en griego, como era su costumbre, en c.1596-c.1600) y La adoración de los pastores (1612-1614), ambos en el Museo del Prado, parecen vibrar en medio de una luz misteriosa generada por las propias figuras sagradas. Los personajes de La adoración, aparecen envueltos por una vaporosa niebla, que puede observarse en otras obras de su última época, y que otorga mayor intensidad al misticismo de la escena. Esta obra la pintó para la capilla donde descansan sus restos. Los temas de la mitología clásica, como el Laoconte (c.1610-c.1614, Galería Nacional, Washington), y los del Viejo Testamento, como el de la obra inacabada que muestra la escena apocalíptica de El quinto sello del Apocalipsis (c.1608-c.1614, Museo Metropolitano), atestiguan la erudición humanista de El Greco y cuán brillante e innovador era el enfoque que daba a los temas tradicionales. Murió en Toledo el 7 de abril de 1614 y fue enterrado en la iglesia de santo Domingo el Antiguo. © M.E.
Ha recibido 25 puntos

Vótalo:

Miquel Barceló (1957)

25

Miquel Barceló (1957)

Nacido en Felanitx (Mallorca), es una de las figuras más destacadas de las artes plásticas en su país. Estudió en la Escuela de Artes Decorativas de Palma de Mallorca y en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona (1974). Más tarde se incorporó al grupo mallorquín de arte conceptual Taller Lunatic... Ver mas
Nacido en Felanitx (Mallorca), es una de las figuras más destacadas de las artes plásticas en su país. Estudió en la Escuela de Artes Decorativas de Palma de Mallorca y en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona (1974). Más tarde se incorporó al grupo mallorquín de arte conceptual Taller Lunatic. El reconocimiento internacional le llegó tras su participación en la Bienal de São Paulo de 1981 y en la Documenta de Kassel de 1982. Una de sus principales características es el tratamiento de la materia pictórica, que empasta hasta la saciedad en sus cuadros para lograr efectos de relieve. Sus viajes y estancias por Europa, Estados Unidos y África Occidental (Mali) han marcado su trayectoria artística a lo largo de los últimos años. Su obra refleja, ya desde un primer momento, un notable interés por los motivos procedentes de la naturaleza, tanto terrestre como marítima, tratados desde una paleta densa, espesa, y generalmente oscura, que ha ejercido una gran influencia entre sus colegas más jóvenes. © epdlp
Ha recibido 23 puntos

Vótalo:

Daniel Vázquez Díaz (1882/1969)

26

Daniel Vázquez Díaz (1882/1969)

Pintor español, uno de los más destacados de la primera mitad del siglo XX en su país, gracias a su participación en el postcubismo madrileño. Su principal aportación fue el desarrollo de una gama cromática de reminiscencias andaluzas de dibujo fuerte y duro, en el que los volúmenes predominan a... Ver mas
Pintor español, uno de los más destacados de la primera mitad del siglo XX en su país, gracias a su participación en el postcubismo madrileño. Su principal aportación fue el desarrollo de una gama cromática de reminiscencias andaluzas de dibujo fuerte y duro, en el que los volúmenes predominan a través de las fugas oblicuas de la perspectiva. Nació en Nerva (Huelva) y más tarde se trasladó a Sevilla y de allí a París, donde trabó amistad con artistas como Antione Bourdelle, Pablo Picasso, Juan Gris, Max Jacob y Amedeo Modigliani. En 1918 regresó a España, donde el éxito no le acompañó hasta 1929, cuando el Estado le encargó el ciclo mural colombino del Monasterio de la Rábida, cerca de Huelva. El resultado fue una composición estática, de dibujo amplio y anguloso, donde las referencias cubistas se entremezclan con las evocaciones de la pintura de Francisco de Zurbarán. De amplia y dilatada obra, Vázquez Díaz realizó también paisajes de clara ascendencia cubista, desnudos, naturalezas muertas, temas taurinos y retratos de escritores pintados en Madrid, ciudad donde murió. Buena parte de sus obras pueden contemplarse en el Museo de Bellas Artes de Bilbao. © M.E.
Ha recibido 21 puntos

Vótalo:

Joan Planella (1850/1910)

27

Joan Planella (1850/1910)

Pintor catalán nacido en Barcelona. Formado en la escuela Llotja de ésta ciudad, amplió estudios en Roma en 1875. Como muchos de sus contemporáneos practicó la pintura histórica, con obras como su óleo de grandes dimensiones, Los comuneros de Castilla en Valladolid (Museu Nacional d'Art de... Ver mas
Pintor catalán nacido en Barcelona. Formado en la escuela Llotja de ésta ciudad, amplió estudios en Roma en 1875. Como muchos de sus contemporáneos practicó la pintura histórica, con obras como su óleo de grandes dimensiones, Los comuneros de Castilla en Valladolid (Museu Nacional d'Art de Catalunya), pero se caracterizó sobre todo por ser uno de los máximos exponentes del hiper-realismo. Su pintura La tejedora (Colección Trinxet, 1882), es una de las pinturas catalanas más famosas del siglo XIX, convirtiéndose en un verdadero icono de la industrialización textil de la Cataluña decimonónica. Fue miembro destacado del Real Círculo Artístico de Barcelona, que presidió. Participó con éxito en exposiciones colectivas oficiales en Barcelona, Madrid, Berlín y Chicago. © epdlp
Ha recibido 20 puntos

Vótalo:

Joan Brull (1863/1912)

28

Joan Brull (1863/1912)

Pintor español nacido en Barcelona, en cuya Escuela de Bellas Artes entró como alumno aventajado. Influido por el realismo de su maestro Simón Gómez y Polo, pintó La tonsura del rey Wamba en 1883. Marchó después a París y siguió su formación con Raphael Cöllin durante cinco años. Su obra fue... Ver mas
Pintor español nacido en Barcelona, en cuya Escuela de Bellas Artes entró como alumno aventajado. Influido por el realismo de su maestro Simón Gómez y Polo, pintó La tonsura del rey Wamba en 1883. Marchó después a París y siguió su formación con Raphael Cöllin durante cinco años. Su obra fue progresando del primer realismo a un idealismo fin de siècle por influencias del nuevo maestro, aunque siguió interesado en la pintura de historia, las escenas costumbristas y los retratos, sobre todo alcanzando cotas de gran maestría en los infantiles. Se sucedieron numerosas exposiciones colectivas en Madrid y Barcelona, y en el extranjero, en París y Londres. En las exposiciones nacionales de Madrid, consiguió medallas condecorativas en 1892, 1895, 1897 y 1899, y en las celebradas en Barcelona alcanzó distinciones en 1894, 1896, 1898, 1907 y 1911. Fue Medalla de Tercera Categoría en la Exposición Universal de París de 1900 y Comendador de la Orden de Alfonso XII en 1904. Participó como circunstancial crítico de arte en la revista Joventut. © José de la Mano
Ha recibido 20 puntos

Vótalo:

Josep Renau (1907/1982)

29

Josep Renau (1907/1982)

Pintor y fotógrafo español cuyo nombre no puede desligarse de la palabra fotomontaje. Utilizó este medio para expresarse a lo largo de toda su vida, para lo que tuvo tres grandes vías de influencia: el collage dadaísta, el cartelismo mexicano y el cine soviético. Estudió Bellas Artes en Valencia... Ver mas
Pintor y fotógrafo español cuyo nombre no puede desligarse de la palabra fotomontaje. Utilizó este medio para expresarse a lo largo de toda su vida, para lo que tuvo tres grandes vías de influencia: el collage dadaísta, el cartelismo mexicano y el cine soviético. Estudió Bellas Artes en Valencia, su ciudad natal, y en 1929 realizó su primer fotomontaje en blanco y negro, El hombre ártico. Desde entonces, desarrolló la técnica del collage como herramienta de crítica social, enriqueciéndola mediante el color. Nombrado director general de Bellas Artes al principio de la Guerra Civil española, tuvo que exiliarse en México al finalizar el conflicto, en donde realizó su obra más importante, Fata Morgana USA, The American Way of Life (1952-1966). En 1958 se instaló en Berlín y allí desarrolló otra serie titulada Sobre Alemania. Volvió a España en 1976, donde comenzó el proyecto de un estudio llamado Art Ull que nunca llegó a terminar. Falleció en Berlín pocos años después. © M.E.
Ha recibido 20 puntos

Vótalo:

Lluís Dalmau (1387/1460)

30

Lluís Dalmau (1387/1460)

Pintor español de origen valenciano, introductor del estilo flamenco en Cataluña. Aunque se conocen pocos datos sobre su vida, a juzgar por su perfecta asimilación de la estética flamenca, hay que suponer que se formó en Flandes, donde se sabe que viajó en 1432 por encargo del rey Alfonso V de... Ver mas
Pintor español de origen valenciano, introductor del estilo flamenco en Cataluña. Aunque se conocen pocos datos sobre su vida, a juzgar por su perfecta asimilación de la estética flamenca, hay que suponer que se formó en Flandes, donde se sabe que viajó en 1432 por encargo del rey Alfonso V de Aragón, en cuya corte trabajó como pintor. En 1443 el Concejo de Barcelona le encargó un retablo para su capilla, dedicado a la Virgen de los Consellers, obra de gran calidad y la más famosa del artista. En ella puede apreciarse una intensa influencia de Van Eyck, tanto en la técnica como en los modelos y la iconografía. © M.E.
Ha recibido 19 puntos

Vótalo:

Damiá Forment (1480/1540)

31

Damiá Forment (1480/1540)

Escultor español, iniciador del renacimiento en Aragón. De origen valenciano, pasó su juventud en Valencia, donde desarrolló la etapa inicial de su actividad como escultor vinculado al taller familiar de su padre, en el que recibió una formación goticista. Aunque no está documentado, es probable... Ver mas
Escultor español, iniciador del renacimiento en Aragón. De origen valenciano, pasó su juventud en Valencia, donde desarrolló la etapa inicial de su actividad como escultor vinculado al taller familiar de su padre, en el que recibió una formación goticista. Aunque no está documentado, es probable que viajara a Italia antes de 1509 para ponerse en contacto con las novedades renacentistas. En esa fecha inició sus trabajos en Aragón con el encargo del gran retablo mayor de la iglesia del Pilar de Zaragoza, en alabastro. A partir de ese momento organizó un importante taller con el que atendió las numerosas obras que llevó a cabo en tierras aragonesas, como el retablo mayor de la iglesia de San Pablo de Zaragoza (1511-1518), el de la catedral de Huesca (1520), el del monasterio de Poblet (Tarragona, 1527-1529) y el de Santo Domingo de la Calzada (Logroño, 1539-1540). Con él se formaron numerosos discípulos, entre los que destacan Gil Morlanés el Joven, Gabriel Joly y Juan de Salas. © M.E.
Ha recibido 19 puntos

Vótalo:

Pedro de Orrente (1580/1645)

32

Pedro de Orrente (1580/1645)

Pintor español del primer barroco, especializado en la pintura de escenas bíblicas en frondosos paisajes, con gran número de personajes y animales, inspiradas en el estilo de los Bassano. Nacido en Murcia, debió de formarse en su ciudad natal y en Toledo, donde ya trabajaba como maestro pintor... Ver mas
Pintor español del primer barroco, especializado en la pintura de escenas bíblicas en frondosos paisajes, con gran número de personajes y animales, inspiradas en el estilo de los Bassano. Nacido en Murcia, debió de formarse en su ciudad natal y en Toledo, donde ya trabajaba como maestro pintor en 1600. Completó su educación artística con un viaje a Italia, donde trabajó en Venecia en el taller de Leandro Bassano, cuyo estilo le influyó notablemente. A su regreso a España, residió en diversas ciudades, como Murcia, Toledo, Valencia, Sevilla y Cuenca. Está documentada su estancia en Toledo desde 1626 hasta 1631, donde realizó una importante obra y entabló amistad con Jorge Manuel Theotokópoulos, el hijo de El Greco. Durante los últimos años de su vida residió en Valencia, ciudad en la que falleció en 1645. Su producción está integrada fundamentalmente por temas religiosos, que utiliza con el estilo realista y descriptivo propio del barroco inicial, inspirado en el lenguaje de Caravaggio, del que fue uno de los principales difusores en España, en especial en tierras levantinas. Entre sus cuadros más conocidos se encuentran el Martirio de san Sebastián de la catedral valenciana (1616) y el Milagro de santa Leocadia de la catedral de Toledo (1617). Sin embargo, en su labor pictórica destacan especialmente sus lienzos de temas bíblicos interpretados como un género pastoril al modo de los Bassano, que le valieron el apelativo del “Bassano español”. De su última etapa son el Martirio de Santiago el Menor, del Museo San Pío V de Valencia, y El sacrificio de Isaac, del Museo de Bellas Artes de Bilbao, ambos magnífico ejemplos de su estilo maduro, monumental y dramático, en el que muestra una perfecta asimilación del arte de Caravaggio. © M.E.
Ha recibido 19 puntos

Vótalo:

Josep Llímona (1864/1934)

33

Josep Llímona (1864/1934)

Escultor modernista catalán nacido en Barcelona. En 1880 viajó a Roma, dónde recibió las influencias de la escultura renacentista florentina. Su estilo se caracteriza por un idealismo naturalista y se divide en cinco épocas. Una primera de aprendizaje hasta el año 1895; la segunda plenamente... Ver mas
Escultor modernista catalán nacido en Barcelona. En 1880 viajó a Roma, dónde recibió las influencias de la escultura renacentista florentina. Su estilo se caracteriza por un idealismo naturalista y se divide en cinco épocas. Una primera de aprendizaje hasta el año 1895; la segunda plenamente modernista, con influencias de Rodin y Meunier, llena de figuras femeninas, panteones y mujeres vestidas (1895-1909); la tercera de transición con imaginería religiosa (1909-1913); la madurez de la cuarta (1913-1925), con figuras de héroes y mujeres desnudas y la quinta y última en la que prima la serenidad de los desnudos femeninos clásicos (1925-1934). Fundó junto a su hermano el pintor Joan Llimona, el Centre Artistic de Sant Lluc, una asociación artística de carácter religioso de gran influencia dentro del mundo artístico de la ciudad de Barcelona. En 1914 y en colaboración con Antoni Gaudí, creó su impresionante Cristo resucitado para el Rosario monumental de Montserrat. Realizó exposiciones por toda Europa (Madrid, Bruselas, París) y América (Buenos Aires y Rosario en Argentina). Josep Llimona también fue un notable diseñador de medallas. Sus famosos y elegantes desnudos femeninos, ligeramente eróticos y melancólicos, serán uno de los elementos más destacados de su obra. © epdlp
Ha recibido 19 puntos

Vótalo:

Juan Gris (1887/1927)

34

Juan Gris (1887/1927)

Pintor español que desarrolló su actividad principalmente en París, considerado como uno de los maestros del cubismo. Su verdadero nombre era José Victoriano González Pérez. Nació en Madrid el 23 de marzo de 1887, y estudió en la Escuela de Artes y Oficios de su ciudad natal. Trabajó para... Ver mas
Pintor español que desarrolló su actividad principalmente en París, considerado como uno de los maestros del cubismo. Su verdadero nombre era José Victoriano González Pérez. Nació en Madrid el 23 de marzo de 1887, y estudió en la Escuela de Artes y Oficios de su ciudad natal. Trabajó para diversas publicaciones como Blanco y Negro y Madrid Cómico. En 1906 se trasladó a París (Francia), donde conoció a Pablo Picasso y a Georges Braque. Los primeros años se ganó la vida dibujando para las revistas L Assiette du Beurre y Charavari. Sus primeras obras cubistas datan de 1912, año en el que expuso en el Salón de los Independientes de Barcelona su Homenaje a Picasso y firmó un contrato en exclusiva con el marchante Daniel-Henry Kahnweiler, que expiró en 1914. Al año siguiente pasó el verano con Picasso en Céret, Francia, periodo en el que empezó a desarrollar la técnica del papier collé (formas recortadas en papel y pegadas al lienzo). Durante la I Guerra Mundial (1914-1918) trabajó en París, donde realizó su primera exposición individual en 1919. Entre 1922 y 1924 hizo escenografías para dos ballets de Sergei Diáguilev, Les tentations de la Bergère (Las tentaciones de la pastora) y La colombe (La paloma), al tiempo que continuaba pintando. Después de 1925 utilizó sobre todo el gouache y la acuarela y realizó algunas ilustraciones para libros. Durante la década de 1920 empeoró seriamente su salud y murió, con apenas cuarenta años, en Boulogne-Sur-Seine el 11 de mayo de 1927. Un ejemplo típico de su técnica de papier collé es Vasos y periódico (1914, Museo de Arte del Smith college, Northampton, Massachusetts, Estados Unidos). Parte de sus pinturas cubistas son naturalezas muertas, entre las que se incluyen Guitarra y botella (1917, Museo de Arte de Filadelfia, Estados Unidos), El tablero de ajedrez (1917, Museo de Arte Moderno, Nueva York, Estados Unidos) y Botella y frutero (1919, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, España). También trató otros temas, como muestra en El fumador (1913, Museo Thyssen-Bornemisza). Sus teorías pictóricas se encuentran recogidas en numerosos artículos y conferencias. © M.E.
Ha recibido 19 puntos

Vótalo:

Modest Cuixart (1925/2007)

35

Modest Cuixart (1925/2007)

Pintor español, pionero del arte abstracto en su país y uno de los fundadores del grupo Dau al Set. Nació en Barcelona y en 1948 participó en el Primer Salón de Octubre celebrado en la capital catalana, con un tipo de pintura de pasta espesa y colorista agujereada por múltiples incisiones y... Ver mas
Pintor español, pionero del arte abstracto en su país y uno de los fundadores del grupo Dau al Set. Nació en Barcelona y en 1948 participó en el Primer Salón de Octubre celebrado en la capital catalana, con un tipo de pintura de pasta espesa y colorista agujereada por múltiples incisiones y grafismos. Durante sus años como pintor próximo al informalismo utilizó las técnicas y materiales propios de esta corriente artística, como tejidos, limaduras, huellas, plásticos. En esta línea puede inscribirse su obra Linneus escriba (1948). Pintor de la materia, buscó en el círculo, la espiral y las formas concéntricas los elementos esenciales de su poética, siendo también uno de los primeros en utilizar las nuevas pinturas plásticas de secado rápido para crear efectos de relieve en tonos ocres. Ya en la década de 1960, añadió al lenguaje informalista ciertos elementos figurativos, así como otros de carácter surrealista y otros próximos a la Action Painting estadounidense. Entre sus obras más representativas de estos años destacan: Suite Bienal de São Paulo (1959) y Nens sense nom (1961). © M.E.
Ha recibido 19 puntos

Vótalo:

Francisco de Herrera "El Viejo" (1590/1656)

36

Francisco de Herrera "El Viejo" (1590/1656)

Pintor y grabador español, figura esencial en la transición del manierismo al barroco, considerado como el fundador del estilo naturalista de la escuela sevillana del siglo XVII. Nació en Sevilla a finales del siglo XVI y se formó bajo la influencia de Francisco Pacheco. En su primera etapa... Ver mas
Pintor y grabador español, figura esencial en la transición del manierismo al barroco, considerado como el fundador del estilo naturalista de la escuela sevillana del siglo XVII. Nació en Sevilla a finales del siglo XVI y se formó bajo la influencia de Francisco Pacheco. En su primera etapa realizó una serie de grabados, pero su actividad como pintor no se desarrollaría hasta más tarde con Pentecostés (1617, Museo del Greco, Toledo), la más antigua de sus obras fechadas, de estilo claramente manierista. En sus cuadros posteriores se aprecian también influencias de la pintura veneciana así como de Diego Velázquez y Francisco de Zurbarán. Reaccionó contra el estilo detallado y formalista en el que se había formado y en sus obras de madurez cultivó una expresión más realista y rigurosa. Sus obras, principalmente las de tema religioso, como Apoteosis de san Hermenegildo (c. 1623, Museo de Sevilla), San Buenaventura recibe el hábito de san Francisco (c. 1627, Museo del Prado, Madrid), para la iglesia de San Buenaventura de Sevilla, y su gran obra maestra San Basilio dictando su doctrina (1639, Museo del Louvre, París, Francia), se caracterizan por la pincelada amplia y áspera, la riqueza en el tratamiento del color y el realismo de los modelos. Otras obras suyas son el grabado Felipe IV y el conde-duque de Olivares adorando a la Santísima Trinidad (1626), el Juicio Final (1628, iglesia de San Bernardo, Sevilla), el Milagro de los panes y los peces (1647, palacio arzobispal de Madrid), San José con el Niño (1648, Museo Lázaro Galdiano) y El músico ciego (1650, Kunsthistorische Museum, Viena). También hizo pintura de género, innovación que, junto con su técnica, ejerció una notable influencia en numerosos pintores españoles posteriores. Hacia 1650 se trasladó a Madrid, donde pasó los últimos años de su vida apartado de toda actividad artística. Algunos historiadores afirman que Velázquez fue su discípulo durante un breve periodo de tiempo, pero esta idea no cuenta con el apoyo de estudios más recientes. © M.E.
Ha recibido 18 puntos

Vótalo:

Damiá Campeny (1771/1855)

37

Damiá Campeny (1771/1855)

Escultor español nacido en Mataró (Barcelona). El más importante escultor neoclásico de la España de su tiempo. Realizó sus estudios en la Escola de la Llotja de Barcelona, de la cuál sería más tade profesor y director de la sección de escultura. Trabajó en sus primeros años en los talleres de... Ver mas
Escultor español nacido en Mataró (Barcelona). El más importante escultor neoclásico de la España de su tiempo. Realizó sus estudios en la Escola de la Llotja de Barcelona, de la cuál sería más tade profesor y director de la sección de escultura. Trabajó en sus primeros años en los talleres de Salvador Gurri y de Nicolau Travé, abriendo su propio taller en 1795. Dos años después viajó a Roma, dónde conoció al escultor Antonio Canova. En ésta ciudad vivió durante 18 años, trabajando en el taller del Vaticano y realizando obras notables como Hércules Farnesio y Neptuno. A su vuelta a Barcelona, ejerció de profesor en la Escola Llotja, siendo uno de los primeros académicos de la Reial Acadèmia Catalana de Belles Arts de Sant Jordi (1850). Fernando VII lo distinguió como escultor de cámara del Rey. Sus obras más importantes son, Diana en el baño (Acadèmia de San Fernando. Madrid, 1803), Lucrecia (Museu Nacional d'Art de Catalunya. Barcelona, 1804), Cleopatra (Museu Nacional d'Art de Catalunya. Barcelona, 1810), Flora (Real Acadèmia de Belles Arts de Sant Jordi. Barcelona, 1810) y la escultura del almirante Galcerán Marquet (Barcelona, 1851). © epdlp
Ha recibido 18 puntos

Vótalo:

Jenaro Pérez Villaamil (1807/1854)

38

Jenaro Pérez Villaamil (1807/1854)

Artista español de la época romántica, especialista en la pintura de paisaje. Aunque ingresó joven en el ejército, pronto abandonó la carrera de las armas para dedicarse a la pintura. A través del pintor escocés David Roberts recibió la influencia de los grandes acuarelistas británicos y orientó... Ver mas
Artista español de la época romántica, especialista en la pintura de paisaje. Aunque ingresó joven en el ejército, pronto abandonó la carrera de las armas para dedicarse a la pintura. A través del pintor escocés David Roberts recibió la influencia de los grandes acuarelistas británicos y orientó sus intereses hacia la estética romántica. Con él viajó por España buscando paisajes pintorescos y restos medievales, que interpretó con el carácter nostálgico e idílico propios del gusto romántico. En 1835 ingresó en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en la que fue profesor de paisaje y director en 1845. Pintor de cámara de Isabel II, dejó una abundante obra, dispersa en varios museos, que le convierte en el más significativo paisajista del romanticismo español. © M.E.
Ha recibido 18 puntos

Vótalo:

Miquel Blay (1866/1936)

39

Miquel Blay (1866/1936)

Escultor español, nacido en Olot, en Gerona, en 1866 y muerto en Madrid en 1936, en cuyo estilo se entremezclan las corrientes socializantes que marcó la época que le tocó vivir, junto a aquellas puramente esteticistas y decorativistas del modernismo y del art déco. Inició su formación en la... Ver mas
Escultor español, nacido en Olot, en Gerona, en 1866 y muerto en Madrid en 1936, en cuyo estilo se entremezclan las corrientes socializantes que marcó la época que le tocó vivir, junto a aquellas puramente esteticistas y decorativistas del modernismo y del art déco. Inició su formación en la Escuela Municipal de Dibujo de su ciudad natal, donde fue discípulo de José de Berga y de Vayreda. Mientras tanto había ingresado en un taller de imaginaría con la intención de perfeccionar su estilo, y, finalmente, pensionado por la diputación de Gerona, acude a París, donde estudia en la Academia Julien, en la de Bellas Artes y en el taller del escultor Henri Chapu. Después viaja a Roma y Barcelona, y vuelve a París, ciudad en la que se queda por espacio de doce años, y donde respira los ambientes de renovación que traían las nuevas corrientes simbolistas y modernistas, como se refleja en una de las obras de esta época, Flor Silvestre, busto de una niña que muestra la idealización propia de dichos movimientos. A su vuelta se estableció en Madrid en 1906, y se dedicó a enseñar modelado en la Escuela de San Fernando hasta 1925, momento en que fue nombrado director de la Academia de Bellas Artes de España en Roma. Obtuvo repetidos premios en Exposiciones Nacionales, así como la medalla de honor en la Exposición Universal de 1900 y en la Nacional de Bellas Artes de Madrid en 1908.
Fue creador de una amplísima obra de gran sobriedad formal y elegancia, de la que destacan numerosos monumentos públicos, funerarios y conmemorativos, algunos de los cuales se encuentran en el Parque del Retiro de Madrid. Además, supo trabajar el mármol con gran maestría, y como se refleja en las esculturas La niña desnuda (1892), que se encuentra en el madrileño Museo del Prado, Eclosión (1908) y, sobre todo, Los primeros fríos (1892), en la que aparece el contraste entre dos figuras, un viejo y una niña, el primero tratado con gran realismo, mientras que la segunda es totalmente modernista. © LU
Ha recibido 18 puntos

Vótalo:

María Blanchard (1881/1932)

40

María Blanchard (1881/1932)

Pintora española. La infancia, la soledad, la tristeza y las enfermedades son temas constantes en su obra y a la vez reflejo de su propia existencia. María Gutiérrez Cueto y Blanchard nació en Santander. En 1903 se trasladó a Madrid, donde comenzó su formación con los pintores Emilio Sala... Ver mas
Pintora española. La infancia, la soledad, la tristeza y las enfermedades son temas constantes en su obra y a la vez reflejo de su propia existencia. María Gutiérrez Cueto y Blanchard nació en Santander. En 1903 se trasladó a Madrid, donde comenzó su formación con los pintores Emilio Sala, Fernando Álvarez de Sotomayor y Manuel Benedito. En 1909 obtuvo una beca de la Diputación de Santander para estudiar en París. En la capital francesa recibió clases del pintor español Anglada Camarasa y de Kees van Dongen, liberándose de su formación académica española. En 1914 regresó a Madrid y comenzó a asistir a la tertulia de Ramón Gómez de la Serna en el café Pombo, participando en la polémica muestra Pintores íntegros organizada por éste. Tras dedicarse temporalmente a la docencia en Salamanca, en 1916 regresó definitivamente a París. Desde ese año hasta 1920 desarrolló una etapa cubista en la que nunca llegaron a desaparecer las referencias figurativas. Formó parte del grupo cubista parisino y entabló amistad con algunos de sus miembros, como Juan Gris (quien ejerció una profunda influencia en ella), Lipchitz y André Lhote. A lo largo de la década de 1920 expuso en diversas muestras organizadas en París y Bélgica. Murió en 1932 en la capital francesa. Entre las obras de su primera etapa destaca La comulgante (1914), presentada con gran éxito en el Salón de los Independientes de 1921. Del periodo cubista sobresalen Mujer con abanico (1916) y Composición cubista (1916-1919). Entre 1920 y 1932 retornó a un tipo de pintura figurativa, aunque cubista desde el punto de vista compositivo, en la que el tratamiento lumínico genera texturas algodonosas. Algunas de las obras de esta etapa son: Madre e hijo (1921-1922), Niña orante (1923-26) y Maternidad (1925). En España se han celebrado dos antológicas dedicadas a la pintora, una en la galería Biosca de Madrid (1962) y otra en el antiguo Museo Español de Arte Contemporáneo de la capital española (1982). © M.E.
Ha recibido 18 puntos

Vótalo:

Antoni Tápies (1923/2012)

41

Antoni Tápies (1923/2012)

Pintor y escultor español, nacido en Barcelona, uno de los líderes del informalismo español, cuya influencia será decisiva a nivel internacional. Tàpies inicia su trayectoria artística en el año 1945, tras abandonar sus estudios de derecho y después de una convalecencia por una enfermedad... Ver mas
Pintor y escultor español, nacido en Barcelona, uno de los líderes del informalismo español, cuya influencia será decisiva a nivel internacional. Tàpies inicia su trayectoria artística en el año 1945, tras abandonar sus estudios de derecho y después de una convalecencia por una enfermedad pulmonar que le posibilita el reposo físico y psíquico necesario para el estudio y la reflexión intelectual. Es entonces cuando se acerca a la obras de filósofos como Friedrich Nietszche, Miguel de Unamuno y Arthur Schopenhauer, poetas como Edgar Allan Poe, músicos como Richard Wagner o Robert Schumann, y artistas como Vincent van Gogh o la época surrealista de Pablo Picasso. Poco después descubriría a Jean Paul Sartre, cuyo existencialismo marcaría su trayectoria vital y artística. Sobre la base del surrealismo funda en 1948, junto a un grupo de jóvenes artistas e intelectuales catalanes, el grupo Dau al Set, que plantea una opción artística y cultural vanguardista de ruptura con las corrientes convencionales que se desarrollaban por entonces en España. En 1950 se le concede una beca de estudios en París, donde toma contacto con las ideas revolucionarias de izquierda y con la pintura abstracta. Ese mismo año realiza su primera exposición individual. En 1951, Tàpies se desliga del grupo Dau al Set e inicia una evolución individual, optando por una línea informalista, abstracta, basada en las investigaciones sobre la materia pictórica como medio expresivo artístico, impone como valor total la materia frente a la forma. De ahí que su obra sea exponente de primer orden de la corriente matérica informalista. A lo largo de su trayectoria utiliza diversos procedimientos. En el collage mezcla elementos heterogéneos con la pasta pictórica aplicada directamente del tubo en forma de empastes gruesos y granulosos, sobre los que realiza huellas, incisiones, surcos y grietas, con los dedos y otros medios. Otras veces usa el grattage, que consiste en el rascado o rayado de superficies como cartón. El objetivo final es una pintura de relieves, orográfica, recreándose en la presentación de texturas rugosas, porosas o granulosas (matéricas en definitiva) que contrastan con superficies lisas, como se observa en su obra Blanco craquelado (1956).

A partir de 1953 hace uso de la técnica denominada mixtura, consistente en la mezcla de pintura al óleo con polvo de mármol, cuya finalidad es, de nuevo, resaltar el carácter matérico de la obra, como en Negro con mancha roja (1954). Otras veces emplea el encolado de superficies. En sus obras se repiten una serie de signos e imágenes que pertenecen al universo simbólico e interior del artista, con claras alusiones al universo, la vida, la muerte o la sexualidad. Entre ellos aparecen en sus composiciones figuras geométricas, más o menos difuminadas o distorsionadas, como el óvalo (Óvalo blanco, 1957), el círculo, el cuadrado (Puerta gris, hacia 1958), más tarde el triángulo (Forma triangular sobre gris, 1961), signos como la cruz, constante a lo largo de su carrera, que puede ser griega, latina, en aspa (Gran equis, 1962), en forma de T, ésta última asociada a la inicial de su apellido, números, letras, entre otros. En este sentido cabe citar Materia negra sobre saco (1960) y Cuerdas entrecruzadas sobre madera (1960). A partir de 1962 comienza una etapa en la que se produce la integración en la obra de objetos cotidianos como cuerdas, platos (Montón de platos, 1970), paja, junto a signos antropomórficos (pie, mano, dedos), como se observa en Blanco con pisadas, que denota un interés por plasmar la huella y presencia humana en sus obras, también aparecen temas y símbolos de carácter sexual (órganos sexuales masculinos y femeninos, paja, mantas, cama…) como en Paja sobre tela. Su gama cromática ha oscilado entre el monocromatismo y colorido neutro con predominio de grises, negros, blancos y ocres y la inclusión de un colorido más vivo, con rojos, naranjas, rosas, amarillos y azules. A partir de la década de 1970 su obra presenta heterogeneidad estilística y, si bien sigue cultivando el informalismo, a veces presenta una realidad objetual integrada por la presentación de elementos cotidianos, por ejemplo en Materia gris en forma de sombrero. Tàpies ha sido considerado precursor del arte povera. Desde la década de 1950 su obra ha gozado de reconocimiento internacional, reflejado en el hecho de la organización de exposiciones sobre su obra por parte de grandes museos y galerías de arte del mundo entero. En 1958 recibió el Premio Carnegie y en 1967 el de la Bienal del Grabado de Ljubljana. Son también numerosos los estudios teóricos realizados por especialistas sobre su obra. Además, ha realizado cerámicas, tapices y esculturas, entre las que cabe destacar su mosaico de la plaza de Sant Boi de Llobregat (Barcelona), sus esculturas públicas Homenaje a Picasso y Núbol i cadira (Nube y silla), ambas inauguradas en Barcelona en 1990, y su polémico Calcetín (1992), de 18 m de largo. En 1990 se inauguró en Barcelona la Fundación Tàpies, creada por iniciativa del propio artista para fomentar y difundir el conocimiento del arte contemporáneo, así como para exponer y conservar su propia obra. © M.E.
Ha recibido 18 puntos

Vótalo:

Pere Borrell (1835/1910)

42

Pere Borrell (1835/1910)

Pintor, dibujante, acuarelista y grabador español nacido en Puigcerdà. Es conocido por su famoso cuadro Escapando de la crítica, magnífico exponente de trampantojo. Fue también pintor de retratos y escenas religiosas, donde hay cierta influencia de los nazarenos. En dos ocasiones le ofrecieron... Ver mas
Pintor, dibujante, acuarelista y grabador español nacido en Puigcerdà. Es conocido por su famoso cuadro Escapando de la crítica, magnífico exponente de trampantojo. Fue también pintor de retratos y escenas religiosas, donde hay cierta influencia de los nazarenos. En dos ocasiones le ofrecieron la cátedra en "la Llotja" y en los dos casos la rechazó, creando una academia independiente. Influyó gracias a esta academia en Romà Ribera, Ricard Canals, Adrià Gual y Xavier Nogués, entre otros. Murió en Barcelona en 1910. © Wikipedia
Ha recibido 17 puntos

Vótalo:

Joaquim Sunyer (1874/1956)

43

Joaquim Sunyer (1874/1956)

Pintor catalán. Se formó con su tío, el tambien pintor Joaquim Miró. Se trasladó a Barcelona y estudió en la Llotja con Mir, Nonell y Torres García. En 1896 participó en la Exposición de Bellas Artes y, seguidamente, se fue a París. Vivió durante bastante tiempo en la capital francesa. Practicó... Ver mas
Pintor catalán. Se formó con su tío, el tambien pintor Joaquim Miró. Se trasladó a Barcelona y estudió en la Llotja con Mir, Nonell y Torres García. En 1896 participó en la Exposición de Bellas Artes y, seguidamente, se fue a París. Vivió durante bastante tiempo en la capital francesa. Practicó el expresionismo, influido por el desarrollo fulgurante de esta tendencia y entabló amistad con Picasso, Manolo Hugué, Modigliani y Marquet. Trabajó con verdadera dedicación pintando temas urbanos y de interiores y evolucionando más tarde hacia un postimpresionismo. En 1911 volvió a Catalunya y se instaló definitivamente en Sitges. A partir de este momento se produjo un extraordinario cambio en su pintura, convirtiéndose en el máximo exponente del Novecentismo catalán. Abandonó el postimpresionismo y los colores oscuros para evolucionar hacia un estilo basado en una composición simplificada de estructuras nítidas y colores sobrios y transparentes, creando un mediterranismo que formó escuela en el arte catalán. Las figuras femeninas, serenas, pulcras y densas son el prototipo de la mujer catalana del Novecentismo, glosadas literariamente por el escritor Eugeni dOrs y realizadas con poesía y refinamiento. En 1911, presentó el cuadro Pastoral que formó parte de la colección Cambó y, después de haber participado en innumerables exposiciones, se le destinó una sala especial en la Exposición de Barcelona de 1923, homenaje entusiasta que constituyó la consagración del pintor. Todos los museos de Catalunya, como algunos de España y del extranjero, exhiben sus obras. © epdlp
Ha recibido 17 puntos

Vótalo:

Pedro Machuca (149071550)

44

Pedro Machuca (149071550)

Pintor y arquitecto español. Su única, pero universal, obra de arquitectura es el palacio de Carlos V, un imponente edificio renacentista encargado por el emperador como residencia en la Alhambra de Granada. Nació en Toledo y se formó en Italia, donde fue discípulo de Miguel Ángel y pudo conocer... Ver mas
Pintor y arquitecto español. Su única, pero universal, obra de arquitectura es el palacio de Carlos V, un imponente edificio renacentista encargado por el emperador como residencia en la Alhambra de Granada. Nació en Toledo y se formó en Italia, donde fue discípulo de Miguel Ángel y pudo conocer a Jacobo Florentino. De regreso a España (1520), trabajó como pintor en la capilla Real de Granada, así como en Jaén, Toledo y Uclés. En 1528 comenzó las obras del palacio del emperador Carlos V. En sus trazas se aprecia el contacto con la cultura del arquitecto romano Vitrubio a través de los artistas italianos Rafael, Baldassare Peruzzi y, sobre todo, Giulio Romano. Se trata de un edificio de planta cuadrada que introduce como elemento innovador un patio circular. Todo él está girado respecto a la trama principal de los patios y edificios Nazaríes de la Alhambra. El patio tiene un diámetro aproximado de 30 m, con una composición de alzados adintelados a base de dos órdenes superpuestos. El cuerpo bajo está cubierto por una bóveda de cañón. El aspecto global es de bastante ligereza, en contraste con la poderosa pesantez de las fachadas, más próximas al espíritu romano. Los principales materiales utilizados son la piedra caliza arenisca rojiza en todo el palacio y el mármol grisáceo en las portadas. © M.E.
Ha recibido 16 puntos

Vótalo:

Antoni Caba (1838/1907)

45

Antoni Caba (1838/1907)

Pintor español nacido en Barcelona. Estudió con Madrazo en Madrid y con Paul Delaroche en París. Aunque destacó como retratista, también realizó pinturas murales (Teatro del Liceo, Barcelona). Murió en Barcelona en 1907. © B.Y.V.
Ha recibido 16 puntos

Vótalo:

José de Madrazo (1781/1859)

46

José de Madrazo (1781/1859)

Pintor español, padre del también pintor Federico Madrazo. Estudió en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, más tarde en Roma y en París donde fue alumno de David d Angers. Inicia, junto con Aparicio la corriente de la pintura de historia con temas de exaltación patriótica. La teatralidad... Ver mas
Pintor español, padre del también pintor Federico Madrazo. Estudió en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, más tarde en Roma y en París donde fue alumno de David d Angers. Inicia, junto con Aparicio la corriente de la pintura de historia con temas de exaltación patriótica. La teatralidad, la escenografía propia del género que cultivó, así como la frialdad con la que define a sus personajes, le sitúan entre uno de los mejores representantes de la pintura histórica. También cultivó el retrato, y en su manera de abordarlo, prescinde de la aparatosidad y de la suntuosidad característica de la época. Fue pintor de cámara del rey Carlos IV. © M.E.
Ha recibido 16 puntos

Vótalo:

Lluís Borrassá (1360/1425)

47

Lluís Borrassá (1360/1425)

Pintor gótico español que desarrolló su trabajo en Cataluña, donde fue uno de los primeros representantes del estilo internacional, ejerciendo una intensa influencia posterior en la zona. Su pintura se caracteriza por un especial interés por la expresión y el movimiento, y por el uso de un rico... Ver mas
Pintor gótico español que desarrolló su trabajo en Cataluña, donde fue uno de los primeros representantes del estilo internacional, ejerciendo una intensa influencia posterior en la zona. Su pintura se caracteriza por un especial interés por la expresión y el movimiento, y por el uso de un rico y brillante colorido. Debió de formarse en la corte de Juan I y en los últimos años del siglo XIV ya disfrutaba de un sólido prestigio, a juzgar por los numerosos encargos que por entonces recibió. Entre sus obras destacan el retablo de Guardiola (1404), el de Sant Pere de Tarrasa (1411) y el de Santa Clara de Vic (1415), presidido este último por la Virgen de la Esperanza. © M.E.
Ha recibido 15 puntos

Vótalo:

Eduardo Rosales (1836/1873)

48

Eduardo Rosales (1836/1873)

Pintor español nacido en Madrid, especializado en el género de la pintura histórica. Estudió en la Academia de Bellas Artes de San Fernando a pesar de que toda su vida estuvo marcada por la lucha contra la pobreza y la enfermedad que le llevaron a una pronta muerte. Su estancia en El Escorial le... Ver mas
Pintor español nacido en Madrid, especializado en el género de la pintura histórica. Estudió en la Academia de Bellas Artes de San Fernando a pesar de que toda su vida estuvo marcada por la lucha contra la pobreza y la enfermedad que le llevaron a una pronta muerte. Su estancia en El Escorial le lleva a visitar prolongadamente su biblioteca, por lo que descubre a Tibaldi y al arte italiano lo que le empuja a viajar hasta Italia. Una vez en Roma es ayudado por los artistas Palmaroli y Álvarez. Entra en contacto con el grupo de los nazarenos y se perfecciona su sentido del dibujo y comienza a pintar en tonos fríos y gamas pálidas. Abandona pronto la pintura religiosa para centrarse en la histórica, tomando como punto de referencia la pintura del siglo de oro español. Obras como Testamento de Isabel la Católica (1864), en el Museo del Prado, resumen el carácter grandilocuente de la escena tratado con toda minucia. Sus obras empiezan a alcanzar éxito a partir de la exposición Nacional de Madrid, en 1864. Su línea histórica, de la que no se apartará nunca, le lleva a pintar obras como La presentación de don Juan de Austria o Doña Blanca de Navarra, donde la ambientación tan naturalista desplaza toda retórica. En su fase final, donde se dedica a la acuarela, evolucionará hacia un tipo de obras como la del Desnudo de mujer o en el retrato del Violinista Pinelli donde se aproxima al impresionismo por el tipo de pincelada suelta y deshecha, y que anuncia en Rosales un pintor de la modernidad. © M.E.
Ha recibido 15 puntos

Vótalo:

Ignacio Zuloaga (1870/1945)

49

Ignacio Zuloaga (1870/1945)

Pintor español nacido en Eibar. Copista en el Museo del Prado viaja a Roma en el año 1884 y un año más tarde a París donde acude al estudio de la Palette, aprendiendo al lado de Chavannes. Allí tiene la oportunidad de entablar contacto con Degas, Gauguin y Toulousse-Lautrec aprendiendo la... Ver mas
Pintor español nacido en Eibar. Copista en el Museo del Prado viaja a Roma en el año 1884 y un año más tarde a París donde acude al estudio de la Palette, aprendiendo al lado de Chavannes. Allí tiene la oportunidad de entablar contacto con Degas, Gauguin y Toulousse-Lautrec aprendiendo la técnica del Impresionismo. Desarrolla muy pronto interés por temas taurinos y andaluces, captando escenas de costumbres que retratan a la España del 98. Entre sus influencias hemos de citar a Goya, quien le influye en su composición y su pincelada de trazo grueso. Su amor por la meseta le lleva a trasladarse en el año 1898 a Segovia, donde capta la importancia de los personajes de Castilla con los que se identifica. Su relación con la generación del 98 evoca temas de una España en crisis. La crudeza de sus pinceles le llevó a ser rechazado en varias ocasiones por la crítica nacional. En obras como El Cristo de la sangre retrata con acritud la idiosincracia del pueblo español. Rehusó el impresionismo buscando un lenguaje propio en el que predominase la pastosidad y las curvas decorativas procedentes del modernismo. Su inclinación por los temas dedicados a las mujeres le induce a retratar distintos personajes. Junto con Gutiérrez Solana encarna la vertiente costumbrista de la pintura de principios del siglo XX, aunque a diferencia de éste, su paleta es más brillante y su visión de los tipos y de las costumbres del campo castellano es menos pesimista, aunque se encuadra dentro de un realismo expresionista. © M.E.
Ha recibido 15 puntos

Vótalo:

Antonio de Pereda (1611/1678)

50

Antonio de Pereda (1611/1678)

Pintor español que trabajó sobre todo en Madrid. Realizó obras religiosas y bodegones, entre los que destacan los cuadros de vanitas, naturalezas muertas de carácter simbólico alusivo a lo efímero de los placeres y glorias terrenales. Nacido en Valladolid en 1611, se trasladó muy joven a Madrid... Ver mas
Pintor español que trabajó sobre todo en Madrid. Realizó obras religiosas y bodegones, entre los que destacan los cuadros de vanitas, naturalezas muertas de carácter simbólico alusivo a lo efímero de los placeres y glorias terrenales. Nacido en Valladolid en 1611, se trasladó muy joven a Madrid, donde se formó con el pintor Pedro de las Cuevas. Protegido por el marqués de la Torre, consiguió encargos importantes en la corte, donde participó con algunos de los más relevantes pintores de su tiempo, como Velázquez y Zurbarán, en la decoración del salón de Reinos del palacio del Buen Retiro (El socorro de Génova por el segundo marqués de Santa Cruz, 1634, Museo del Prado). En su producción, dedicada fundamentalmente a los temas religiosos, tienen especial importancia las naturalezas muertas moralizantes o vanitas, en las que se alude de forma alegórica a lo pasajero de la vida (Alegoría de la vanidad, 1634, Viena, Kunsthistorisches Museum); también se le atribuye El sueño del caballero (1655, Academia de San Fernando, Madrid). © M.E.
Ha recibido 14 puntos

Vótalo:

Darío de Regoyos (1857/1913)

51

Darío de Regoyos (1857/1913)

Pintor español nacido en Ribadesella, Asturias. Fue alumno del paisajista Carlos de Haes, de quien hereda la tradición paisajista romántica. El viaje que realiza en el año 1879 a Bruselas resulta decisivo para su carrera profesional porque allí conoce a intelectuales como Albéniz, Arbós, quien... Ver mas
Pintor español nacido en Ribadesella, Asturias. Fue alumno del paisajista Carlos de Haes, de quien hereda la tradición paisajista romántica. El viaje que realiza en el año 1879 a Bruselas resulta decisivo para su carrera profesional porque allí conoce a intelectuales como Albéniz, Arbós, quien le presenta a Picard que se convertirá en su futuro mecenas. También entra en contacto con las vanguardias belgas, mientras son el centro de las tertulias en los cafés de Bruselas. En el año 1833 pasa a pertenecer al grupo L Essor y participa en la creación del grupo Los XX revolucionarios donde conoce a importantes precursores de las nuevas vanguardias como Ensor, Rodin, entre otros. En el año 1890 expone en el Salón de los Independientes, donde exhiben sus obras los artistas más destacados de la época. Su estilo se puede definir como paisajista, con fuertes conexiones con el puntillismo, cultivando de forma esporádica el retrato. A pesar de que Regoyos arranca del expresionismo y evoluciona hacia el impresionismo, termina siendo un artista que ejecuta su pintura dentro de las pautas marcadas por el postimpresionismo, dado que su pincelada final es suelta y fluida. Cultivó tanto el paisaje del campo castellano como del vasco, donde predominan los contrastes de luz y sombra y donde el cromatismo, especialmente al final, es más encendido. Aunque su vida estuvo muy vinculada al exterior, sin embargo en el año 1883 viajó con un grupo de artistas belgas a España donde mostró la riqueza de nuestro arte. En el año 1899 publica junto al poeta Emile Verhaeren La España negra. © M.E.
Ha recibido 14 puntos

Vótalo:

Julio Romero de Torres (1874/1930)

52

Julio Romero de Torres (1874/1930)

Pintor español nacido en Córdoba. Hijo del fundador de Museo Provincial de Córdoba y director de la Escuela de Bellas Artes, fue famoso por sus cuadros de mujeres. Sus influencias pictóricas, derivadas del realismo de Courbet y de Mariano Fortuny, del retratismo fotográfico de Federico de... Ver mas
Pintor español nacido en Córdoba. Hijo del fundador de Museo Provincial de Córdoba y director de la Escuela de Bellas Artes, fue famoso por sus cuadros de mujeres. Sus influencias pictóricas, derivadas del realismo de Courbet y de Mariano Fortuny, del retratismo fotográfico de Federico de Madrazo, del paisajismo de Martí Alsina y del Impresionismo de Aureliano de Beruete y Darió de Regoyos, le llevarían a una técnica valiente y concisa. Avanzando posteriormente por las rutas de la plástica pictórica cuando los aires del Simbolismo francés y del Prerrafaelismo inglés fructificaban en Cataluña dónde brotaba el modernismo. De los 220 cuadros que pintó, son admirables los de mujeres bíblicas, Salomé, Judit, Marta, María, Ruth, Noemí, etc; “mujeres morenas”, La Saeta, Malagueñas, Carceleras, Cante Jondo; y sus magníficos desnudos, El Pecado, La Gracia, La nieta de la Trini, Esclava, etc. Pintó y vivió intensamente la vida cultural cordobesa de finales del siglo XIX. A principios del XX, y ya en la ciudad de Madrid, frecuentó habitualmente el Café Nuevo Levante y el Ateneo de ésta ciudad, entrando en contacto con intelectuales de la época, los hermanos Alvarez Quintero, Ortega y Gasset, Pérez de Ayala, Pío Baroja, Ignacio Zuloaga, José Gutiérrez Solana, Rafael de Penagos y sobre todos ellos Ramón María del Valle-Inclán. En 1930 y afectado de una dolencia hepática que le llevaría a la muerte, realiza en Córdoba la que será su obra final, La chiquita piconera, considerado por la crítica como su mejor cuadro. Al año siguiente se inauguró el Museo Julio Romero de Torres en su ciudad natal. © epdlp
Ha recibido 14 puntos

Vótalo:

Nicanor Piñole (1878/1978)

53

Nicanor Piñole (1878/1978)

Pintor español nacido en Gijón. Realizó sus primeros estudios de pintura en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, en donde se reconoce su calidad de paisajista. En 1900 fijó su residencia en Roma, colocando sus cuadros en la muestra de Arte Moderno. En esta época conoce también en Francia... Ver mas
Pintor español nacido en Gijón. Realizó sus primeros estudios de pintura en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, en donde se reconoce su calidad de paisajista. En 1900 fijó su residencia en Roma, colocando sus cuadros en la muestra de Arte Moderno. En esta época conoce también en Francia al que habría de ser su gran amigo Pablo Picasso, dándose la circunstancia de que el primer premio que obtuvo Piñole lo compartió con él. Sin embargo, no tenía demasiado interés en continuar en París, y en 1902 regresó a Gijón. En Roma había pintado su cuadro Familia pobre, que presentaría en Madrid en 1904. Diez años más tarde presenta en la exposición nacional La barraca, con el que obtiene un gran éxito de crítica y una segunda medalla. Pinta en 1923, a petición del Congreso de Diputados, el retrato de Melquíadez Alvarez, y en 1928 su cuadro Estibadores merece ser incluido en las exposiciones Un Siglo de Arte Español Posterior a Goya, celebradas en Bélgica y Holanda. Participa en 1930 en la Bienal de Venecia, y en 1933 hace una exposición individual en el Ateneo, a cuya inauguración asisten Unamuno y Victorio Macho. Al año siguiente el Museo Nacional de Arte Contemporáneo adquiere su obra Marineros en el puerto de Gijón. La guerra civil, que inspiró sus cuadros El refugio y La retirada, le sorprende en Gijón. El año 1955 es clave en su biografía, puesto que en ese año es objeto de un gran homenaje en Madrid. Posteriormente, en 1963, es nombrado hijo predilecto de Gijón, y diez años más tarde la Diputación de Oviedo le otorga el título de hijo predilecto de Asturias. En 1974 se le concedió la medalla de oro de Bellas Artes. Nicanor Piñole pintó hasta muy avanzada edad. © José Manuel Vaquero
Ha recibido 13 puntos

Vótalo:

Fernando Álvarez de Sotomayor (1875/1960)

54

Fernando Álvarez de Sotomayor (1875/1960)

Pintor español, nacido en El Ferrol, La Coruña. De noble alcurnia gallega, su padre, marino de profesión, murió siendo Fernando un niño. La familia trasladó su residencia a Toledo, y fue en esta ciudad donde adquirió la vocación al lado del profesor de dibujo José Gutiérrez y del paisajista José... Ver mas
Pintor español, nacido en El Ferrol, La Coruña. De noble alcurnia gallega, su padre, marino de profesión, murió siendo Fernando un niño. La familia trasladó su residencia a Toledo, y fue en esta ciudad donde adquirió la vocación al lado del profesor de dibujo José Gutiérrez y del paisajista José Vera. En 1893 inició en Madrid sus estudios universitarios y allí conoció al pintor Manuel Domínguez, quien le orientó definitivamente hacia la pintura. Tras su aprendizaje en el taller de Manuel Domínguez, en 1899 ganó una pensión de la Escuela de San Fernando para la Academia de Bellas Artes de Roma. Desde la ciudad italiana viajó a París, Holanda y Bélgica. Este viaje le permitió conocer a los impresionistas franceses y la pintura flamenca y holandesa, que tuvieron una gran influencia en su obra. En 1905 regresó a Galicia, donde fue seducido por el ambiente sencillo de la vida aldeana y preparó su serie de temas galaicos. En 1908 se instaló en Santiago de Chile, de cuya Escuela Superior de Bellas Artes fue director hasta su regreso a España en 1915. En éste país desarrolló una importante carrera artística y administrativa que le convirtió en uno de los más importantes e influyentes personajes del medio artístico "oficial". Así, no sólo puede ser considerado el pintor de la Corte de Alfonso XII, sino que llegó a dirigir el Museo del Prado entre 1922 y 1931, 1939 y 1960, y la Academia de Bellas Artes de San Fernando a partir de 1953. Es un artista que temática y estilísticamente entronca con pintores como Rosales, Pradilla o Muñoz Degrain, y que mediante el uso de colores puros y luminosos y una temática campesina o folklórica persigue una exaltación de la intrahistoria española. En su catálogo abundan los retratos de personajes de la vida política y económica del país. © Beatriz Alegre
Ha recibido 13 puntos

Vótalo:

Manuel Viola (1916/1987)

55

Manuel Viola (1916/1987)

Pintor español, nacido en Zaragoza en 1916, y fallecido en El Escorial, Madrid, en 1987. Sin haber cumplido los 15 años fue colaborador de la revista Art, una de las mejores publicaciones vanguardistas de Catalunya durante la década de los treinta. En esta época sus obras se inscriben dentro del... Ver mas
Pintor español, nacido en Zaragoza en 1916, y fallecido en El Escorial, Madrid, en 1987. Sin haber cumplido los 15 años fue colaborador de la revista Art, una de las mejores publicaciones vanguardistas de Catalunya durante la década de los treinta. En esta época sus obras se inscriben dentro del Surrealismo, así como sus poemas publicados en esta revista. Durante la Guerra Civil combate en la filas del POUM y después se exilia en Francia, donde participa con la Resistencia francesa y milita en el grupo clandestino surrealista "La Main à Plume", liderado por el poeta Noel Arnaud. A partir de 1944 se dedica más intensamente a la pintura, en el contexto de la plástica francesa, que evolucionaba desde el Surrealismo hacia la abstracción expresionista, especialmente influido por el tachista Henri Goetz. En 1949 regresa a España, y en 1953 los jóvenes de "El Paso" le invitan a unirse al grupo, que se había formado el año anterior. De esta época data la consolidación de su estilo, que responde a la combinación de una técnica gestual con una obsesión por los contrastes de luces y sombras, materializados en potentes arrastramientos de blanco o colores cálidos sobre fondos muy oscuros; esta estética se ha relacionado con la tradición española. Los últimos años de su vida los pasó retirado en El Escorial. © M.C.N.
Ha recibido 13 puntos

Vótalo:

Bartolomé Bermejo (1440/1500)

56

Bartolomé Bermejo (1440/1500)

Pintor gótico español que desarrolló su actividad para la Corona de Aragón, dentro del estilo hispano-flamenco. Formado en el conocimiento de la pintura flamenca, llegó a dominar con gran maestría la técnica del óleo. Viajó probablemente a Flandes, donde conoció el arte de Van Eyck y de Petrus... Ver mas
Pintor gótico español que desarrolló su actividad para la Corona de Aragón, dentro del estilo hispano-flamenco. Formado en el conocimiento de la pintura flamenca, llegó a dominar con gran maestría la técnica del óleo. Viajó probablemente a Flandes, donde conoció el arte de Van Eyck y de Petrus Christus. Su estilo, de gran calidad, se caracteriza por su intenso realismo y por un especial interés por la monumentalidad formal. Inició su actividad conocida en Valencia, donde en 1468 cobró la realización de una tabla dedicada a san Miguel, encargada por el señor de Tous para la iglesia parroquial de dicha localidad y conservada ahora en la National Gallery de Londres. Posteriormente, trabajó en Aragón, primero en Daroca y después en Zaragoza. Entre 1474 y 1477 llevó a cabo el retablo de la iglesia parroquial de Daroca, al que pertenece el Santo Domingo de Silos entronizado como abad del Museo del Prado de Madrid, sin duda su obra más conocida. A partir de 1486 parece que residió en Barcelona, donde pintó uno de sus últimos trabajos: la Piedad con san Jerónimo y el canónigo Desplá, encargo de este religioso para su capilla de la catedral de la capital catalana, lugar donde se conserva en la actualidad. Esta tabla, concebida con gran dramatismo, es fiel reflejo de la evolución de su estilo, desde el lenguaje sereno y armonioso de sus primeras obras hasta el patetismo del arte de su madurez, influido claramente por Van der Weyden. © M.E.
Ha recibido 12 puntos

Vótalo:

Vicente Carducho (1576/1638)

57

Vicente Carducho (1576/1638)

Pintor y teórico español de origen italiano, fue una de las más destacadas figuras de la escuela madrileña durante las primeras décadas del siglo XVII. Nació en Florencia y llegó a España en 1585, siendo aún un niño, acompañando a su hermano, el también pintor Bartolomé Carducho, cuando éste... Ver mas
Pintor y teórico español de origen italiano, fue una de las más destacadas figuras de la escuela madrileña durante las primeras décadas del siglo XVII. Nació en Florencia y llegó a España en 1585, siendo aún un niño, acompañando a su hermano, el también pintor Bartolomé Carducho, cuando éste dejó su Florencia natal para participar junto a Federico Zuccaro en la decoración del monasterio de San Lorenzo de El Escorial. Inició su trayectoria artística colaborando en estos trabajos con su hermano, y tras la muerte de éste ocupó su puesto de pintor del rey en 1609. Recibió una formación académica de raíz italiana, lo que influyó en las cualidades de su estilo, sobrio, monumental e interesado por la claridad compositiva, al que incorporó recursos de carácter naturalista siguiendo el lenguaje imperante en los comienzos del barroco. Fue un artista fecundo y dedicó su producción casi exclusivamente al tema religioso, según era habitual en la España de la época. Entre sus obras destacan los retablos del monasterio de la Encarnación (1614) y la decoración con lienzos y al fresco de la capilla del Sagrario de la catedral toledana, junto a Eugenio Caxés (1614), con quien también colaboró en la realización del retablo del monasterio de Guadalupe (1618). Su trabajo más importante fue la serie sobre la historia de San Bruno y la orden cartuja que pintó para El Paular, compuesta por 56 grandes lienzos, hoy conservada parcialmente en el Museo del Prado. El éxito le acompañó en su carrera artística, siendo el pintor más solicitado de la corte hasta los comienzos de la década de 1630, años en los que fue relegado por las nuevas propuestas estéticas del joven Velázquez. No obstante, como prueba de su prestigio en los ambientes cortesanos, participó en el más importante proyecto real de esa época, la decoración del Salón de Reinos del palacio del Buen Retiro, para donde pintó tres batallas (1634-1635, Museo del Prado). Hombre de letras y defensor de la pintura como un arte liberal, fue el autor del libro Diálogos de la pintura (1633), extraordinario documento sobre aspectos teóricos y prácticos de la creación pictórica de su tiempo. Falleció en 1638 en Madrid. © M.E.
Ha recibido 12 puntos

Vótalo:

Juan Bautista Maíno (1581/1649)

58

Juan Bautista Maíno (1581/1649)

Pintor español, nacido en Pastrana en 1581 y muerto en Madrid en 1649. Fue hijo del milanés Juan Bautista Mayno y de la pastranera Ana de Castro. Su padre, también pintor, llegó a la villa alcarreña atraído por la prosperidad de la misma y por los encargos del duque, Ruy Gómez de Silva, que... Ver mas
Pintor español, nacido en Pastrana en 1581 y muerto en Madrid en 1649. Fue hijo del milanés Juan Bautista Mayno y de la pastranera Ana de Castro. Su padre, también pintor, llegó a la villa alcarreña atraído por la prosperidad de la misma y por los encargos del duque, Ruy Gómez de Silva, que necesitaba artistas para sus recién instaladas fábricas de seda y de tapices. Realizó su formación en Italia, país al que fue enviado muy joven; allí conoció la obra de Caravaggio y Gentileschi, influencias presentes en su obra, sobre todo en el gusto naturalista y en la elaboración de algunos escorzos. Pero sobre todo, se relacionó con el círculo de los pintores clasicistas; conoció personalmente a Aníbal Carracciy Guido Reni, que dejaron importantes influencias en su obra. Su estilo conjuga todas estas lecciones con una interpretación personal del color, siempre claro y de armonías singulares, y en las formas de las figuras, con tendencias a los volúmenes escultóricos. Muestra igualmente un gusto por el estudio de las calidades de las cosas propio de la pintura flamenca. De vuelta a España, se tienen noticias suyas en 1611, cuando practicaba la pintura en la catedral de Toledo. En 1613 toma el hábito de la Orden de los Dominicos e ingresa en el convento de San Pedro Mártir de Toledo; un año antes había permanecido en esta comunidad al pintar el gran retablo mayor de la iglesia y un importante número de pinturas al fresco. En su obra, escasa en numero, destaca el Retablo del convento de Pastrana, obra de dos lienzos, realizado poco después de su vuelta de Italia, en el que muestra una tendencia al clasicismo y sus peculiares tonos claros; posterior es el Retablo de los Dominicos de Toledo de 1612 (Museo del Prado, de Vilanova i Geltrú y de Toledo) y los lienzos de La Adoración de los Pastores (Museo de Leningrado), La Adoración de los Reyes (Museo del Prado) y La resurrección y El Pentecostés (Museo del Prado). Para el salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, pintó en 1635 la Recuperación de Bahía del Brasil, de tonos claros y luminosos. Igualmente fue muy apreciado como retratista. Realizó sobre todo obras de pequeño formato como el Retrato de Caballero conservado en el museo del Prado, o el San Francisco del Museo de Grenoble. © Esther Alegre Carvajal
Ha recibido 12 puntos

Vótalo:

Juan van der Hamen (1596/1631)

59

Juan van der Hamen (1596/1631)

Pintor español del siglo de oro nacido en Madrid. Proveniente de una familia aristocrática de origen flamenco asentada en España, fue miembro de la Guardia de Archeros, cuerpo selecto de hombres de noble linaje que se encargaban de proteger al rey. Fue reconocido por sus bodegones, aunque... Ver mas
Pintor español del siglo de oro nacido en Madrid. Proveniente de una familia aristocrática de origen flamenco asentada en España, fue miembro de la Guardia de Archeros, cuerpo selecto de hombres de noble linaje que se encargaban de proteger al rey. Fue reconocido por sus bodegones, aunque también pintó notables cuadros religiosos de técnica tenebrista y abundantes retratos naturalistas, a reyes y nobles, y notablemente a poetas de la época, entre ellos Lope de Vega y Góngora. Su obra delata la influencia de Sánchez Cotán. Trabajó para las fundaciones reales, como el monasterio de las Descalzas, en Madrid, para el cual pintó unos altares fingidos. Se cree que su fama fue oscurecida por el esplendor del pintor sevillano Velázquez del cual fue contemporáneo. © epdlp
Ha recibido 12 puntos

Vótalo:

Francisco Camilo (1615/1673)

60

Francisco Camilo (1615/1673)

Pintor español de origen florentino. Nació en Madrid hacia 1615 y murió en esta misma ciudad en 1673. Fue discípulo de Juan de las Cuevas, quien a la sazón era su padrastro, y llegó a ser tan buen pintor que fue eligido para pintar el altar mayor de los jesuitas de Madrid, para el que hizo un... Ver mas
Pintor español de origen florentino. Nació en Madrid hacia 1615 y murió en esta misma ciudad en 1673. Fue discípulo de Juan de las Cuevas, quien a la sazón era su padrastro, y llegó a ser tan buen pintor que fue eligido para pintar el altar mayor de los jesuitas de Madrid, para el que hizo un San Francisco de Borja; más tarde, recayó en él el encargo de pintar los retratos de reyes de la sala de comedias del Buen Retiro; además, colaboró con otros artistas en la decoración del Real Alcázar. Las demás obras notables que hizo son varios cuadros de la vida de Santa Leocadia, en Toledo; La virgen de Belén, en Madrid; Santa María Egipciaca tomando la comunión, en Alcalá; Descendimiento, en Segovia; San Carlos Borromeo, en Salamanca, entre otras muchas. Su obra revela el influjo de Francisco Rizi y Herrera el Mozo. © M.C.N.
Ha recibido 12 puntos

Vótalo:

Mariano Benlliure (1862/1947)

61

Mariano Benlliure (1862/1947)

Escultor español, considerado como el último gran maestro del realismo decimonónico. Nació en Valencia. Perteneciente a una familia de artistas, se formó en Valencia, Madrid, París y Roma. Artista precoz y extraordinariamente prolífico, alcanzó muy pronto la fama y el éxito, que le acompañaron... Ver mas
Escultor español, considerado como el último gran maestro del realismo decimonónico. Nació en Valencia. Perteneciente a una familia de artistas, se formó en Valencia, Madrid, París y Roma. Artista precoz y extraordinariamente prolífico, alcanzó muy pronto la fama y el éxito, que le acompañaron toda su larga vida, como escultor preferido de la sociedad de su tiempo. Educado en el clasicismo y el realismo, fundió ambas tendencias en un estilo poco evolutivo, pero muy efectista, con cierta influencia de la plástica modernista. Con una técnica minuciosa y detallista, en la que destaca el empleo de ciertos recursos pictóricos como los juegos de luces, realizó una numerosísima producción, dedicada a variados temas, como el género popular, la imaginería religiosa, el retrato, los asuntos taurinos y los conjuntos conmemorativos. Entre estos últimos cabe señalar los monumentos funerarios de Sagasta y Canalejas, en el panteón de Atocha, en Madrid, el del tenor Gayarre, en el cementerio del Roncal, y el del torero Joselito, en el cementerio sevillano. Entre las imágenes históricas sobresalen la de Alfonso XII (1922), en el parque de El Retiro de Madrid, y la del general Martínez Campos (1907), también en la capital española, en cuyas calles pueden admirarse muchos otros ejemplos de su arte, como las figuras de Bárbara de Braganza (1882), Goya (1902) o Emilio Castelar (1908). © M.E.
Ha recibido 12 puntos

Vótalo:

Simó Gómez (1845/1880)

62

Simó Gómez (1845/1880)

Pintor realista catalán nacido en Barcelona y muerto prematuramente a los treinta y cinco años. Se formó en la Escola de Belles Arts de la Llotja de Barcelona junto a Josep Serra Porson y Ramón Martí Alsina, así como en el taller de litografía de Eusebi Planas. Vecino del Poble Sec, un barrio de... Ver mas
Pintor realista catalán nacido en Barcelona y muerto prematuramente a los treinta y cinco años. Se formó en la Escola de Belles Arts de la Llotja de Barcelona junto a Josep Serra Porson y Ramón Martí Alsina, así como en el taller de litografía de Eusebi Planas. Vecino del Poble Sec, un barrio de Barcelona, conocido en aquella época como el *Montmartre barcelonés". Su estudio estaba en la calle Tapioles esquina Magallanes, una casa por la que pasaron la flor y nata de las personalidades de la época. Su historia familiar es fascinante, pero su pintura, realista, se olvidó con el estallido del modernismo y de las vanguardias posteriores. © epdlp
Ha recibido 12 puntos

Vótalo:

Jaume Huguet (1414/1492)

63

Jaume Huguet (1414/1492)

Pintor español del gótico final, figura principal del estilo hispano-flamenco en Cataluña. Quizá formado en Zaragoza, desarrolló su actividad artística fundamentalmente en Barcelona, donde recibió la influencia de Luis Dalmau. En sus composiciones muestra escaso interés por problemas espaciales... Ver mas
Pintor español del gótico final, figura principal del estilo hispano-flamenco en Cataluña. Quizá formado en Zaragoza, desarrolló su actividad artística fundamentalmente en Barcelona, donde recibió la influencia de Luis Dalmau. En sus composiciones muestra escaso interés por problemas espaciales y sus figuras, diseñadas con preciso dibujo, son elegantes y estilizadas, y suelen tener una expresión poética, de cierta melancolía. La principal cualidad de su pintura es la unión de la energía plástica del gótico final con el recuerdo del delicado y exquisito amaneramiento del estilo internacional, que presta suavidad a sus plegados y elasticidad a los personajes. Entre sus obras destacan el retablo de San Abdón y San Senén (c. 1460, iglesia de Santa María de Tarrasa, Barcelona) y la Consagración de San Agustín (Museo de Arte de Barcelona, 1486). © M.E.
Ha recibido 11 puntos

Vótalo:

Maestro Mateo (1150?/1200)

64

Maestro Mateo (1150?/1200)

Escultor y arquitecto, desarrolla su actividad en la segunda mitad del siglo XII. La primera noticia que se tiene sobre este artista es un documento fechado en 1168, en el que el rey Fernando II le encarga trabajar en la catedral de Santiago de Compostela, por lo que recibe una importante suma... Ver mas
Escultor y arquitecto, desarrolla su actividad en la segunda mitad del siglo XII. La primera noticia que se tiene sobre este artista es un documento fechado en 1168, en el que el rey Fernando II le encarga trabajar en la catedral de Santiago de Compostela, por lo que recibe una importante suma de dinero. Sobre su formación poco se conoce, aunque parece probable que la adquiriera a lo largo del Camino de Santiago, especialmente en las vías francesas. En la Catedral de Santiago de Compostela realiza la gran obra del Pórtico de la Gloria, donde en una inscripción del año 1188 se indica que dirigió la construcción desde los cimientos. Posteriormente, en 1189 y en 1192, se vuelve a tener información suya en contratos de carácter privado. Su trabajo en el Pórtico de la Gloria marca una fuerte impronta en toda la escultura románica gallega, popularizando su estilo que se repetirá hasta finales de la Edad Media. Incluso su propia figura adquiere un carácter legendario cuando se difunde la creencia de que su propia imagen es la que fue esculpida a los pies del parteluz, convirtiéndose en objeto de devoción y siendo conocida como o santo dos Croques. © Esther Alegre Carvajal
Ha recibido 11 puntos

Vótalo:

Ramón Tusquets (1837/1904)

65

Ramón Tusquets (1837/1904)

Pintor español nacido en Barcelona en 1837. En 1864 fue a Roma, donde residió hasta su muerte. Sus obras más conocidas son las de tema histórico. Asimismo realizó cuadros costumbristas de ambiente italiano. Su devoción por Fortuny es patente en su pintura de caballete (Entierro de Mariano... Ver mas
Pintor español nacido en Barcelona en 1837. En 1864 fue a Roma, donde residió hasta su muerte. Sus obras más conocidas son las de tema histórico. Asimismo realizó cuadros costumbristas de ambiente italiano. Su devoción por Fortuny es patente en su pintura de caballete (Entierro de Mariano Fortuny en Roma). Murió en Roma en 1904. © B.Y.V.
Ha recibido 11 puntos

Vótalo:

Enrique Simonet (1866/1927)

66

Enrique Simonet (1866/1927)

Pintor español nacido en Valencia y murió en Madrid. Inició sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Málaga, en la que recibió clases de Bernardo Ferrándiz. Su temprano traslado a Málaga ha sido causa de que se lo tenga por malagueño. Al concluir, marcha a Roma merced a la ayuda de su padre... Ver mas
Pintor español nacido en Valencia y murió en Madrid. Inició sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Málaga, en la que recibió clases de Bernardo Ferrándiz. Su temprano traslado a Málaga ha sido causa de que se lo tenga por malagueño. Al concluir, marcha a Roma merced a la ayuda de su padre. Para ello, hubo de vencer el deseo de su familia de dedicarlo al sacerdocio. Ya en la capital italiana, el cuadro Huída del centauro Neso con la ninfa Deyanira le procura una pensión de la Diputación Provincial de Málaga que le permite prolongar su estancia. Contagiado del clasicismo imperante en la Academia de Roma, pinta allí La Decapitación de San Pedro, cuadro de grandes dimensiones que pasó años después a la catedral malagueña y en el que el joven pintor llevó a cabo ciertas audacias compositivas que, pese a no resultar mal, le fueron criticadas. Las críticas que recibió, asimismo, por varios anacronismos lo decidieron a viajar a Tierra Santa, de donde sacará la inspiración para Flevit super Illam..., cuadro al que nos referiremos enseguida. A su regreso a España, ocupa el puesto de profesor de dibujo en el Instituto de Palencia. Posteriormente lo fue de pintura en la Escuela de Artes Decorativas de Barcelona y de pintura decorativa, ya como catedrático, en la Escuela de San Fernando de Madrid. Su habilidad para el dibujo lo llevó a colaborar en la prensa madrileña, especialmente en La Ilustración Española y Americana, de la que fue corresponsal en Madrid. Asimismo, se encargó de las ilustraciones de la lujosa edición de 1901 de las Leyendas de Zorrilla. Su obra se caracteriza, tras el tropiezo inicial, por el rigor arqueológico que se muestra especialmente en Flevit super illam, cuadro por el que obtendría la primera edalla en la Exposición Nacional de 1892. El cuadro, que alcanzó notable éxito de público, presenta a Cristo llorando ante Jerusalén y prediciendo las calamidades que habían de caer sobre ella. Destacan de la pintura (hoy en el Museo de Málaga) los contrastes de color dentro del casi contraluz de las figuras, los vestidos blancos de dos de los seguidores de Cristo, así como la blancura del sol del amanecer en el fondo, sobre la ciudad. También participo, sin obtener galardón, en la de 1887, así como en numerosos certámenes internacionales como la Exposición Universal de Chicago de 1893, en la que obtuvo medalla única, la Universal de Barcelona de 1896 (primera medalla) o, entre otras, la Universal de Atenas de 1903 (primera medalla). Llevó a cabo pinturas de carácter religioso (San José y el Niño), mitológico (El Juicio de Paris) y de género (Un quite, En familia), así como retratos y paisajes. Fue padre de los pintores Bernardo, Enrique, Rafael y Ramón Simonet Castro, de cuya formación se encargó él mismo. © G.F.S.E.
Ha recibido 11 puntos

Vótalo:

Josep de Togores (1893/1970)

67

Josep de Togores (1893/1970)

Pintor, ilustrador y muralista español nacido en Cerdanyola de Vallés, Barcelona. Fue discípulo de Apeles Mestre. Entre los años 1919 y 1930 residió en París, ciudad en la que entró en contacto con Pierre Reverdy y Pablo Picasso, y en la que firmó un contrato con la Galería Simon. Su obra, que... Ver mas
Pintor, ilustrador y muralista español nacido en Cerdanyola de Vallés, Barcelona. Fue discípulo de Apeles Mestre. Entre los años 1919 y 1930 residió en París, ciudad en la que entró en contacto con Pierre Reverdy y Pablo Picasso, y en la que firmó un contrato con la Galería Simon. Su obra, que se inscribe en un principio dentro de una figuración influida por Cézanne, evolucionó al final de los años veinte hacia un surrealismo cercano a André Masson. Al regresar a España, volvió a inscribirse en un realismo figurativo. Una buena parte de su obra se encuentra representada en el Museo Nacional del Centro de Arte Reina Sofía, en Madrid. Su obra, expuesta en varias capitales del arte como París, Berlín, Nueva York, Múnich, Londres, Dusseldorf o Barcelona, está también en algunos de los grandes museos internacionales. © M.C.N.
Ha recibido 11 puntos

Vótalo:

José María Ucelay (1903/1979)

68

José María Ucelay (1903/1979)

Pintor español nacido en Bermeo. Estudió Derecho y Filosofía en la Universidad de Deusto y en la Escuela de Química de Oviedo, que abandonó para dedicarse a la pintura. Pronto se puso en contacto con la Asociación de Artistas Vascos con los que expuso en 1921. En 1923 se estableció en París... Ver mas
Pintor español nacido en Bermeo. Estudió Derecho y Filosofía en la Universidad de Deusto y en la Escuela de Química de Oviedo, que abandonó para dedicarse a la pintura. Pronto se puso en contacto con la Asociación de Artistas Vascos con los que expuso en 1921. En 1923 se estableció en París, donde hizo amistad con artistas españoles de la Escuela de París como Manuel Ángeles Ortiz y Pancho Cossío, con escritores como Mariano Brull, Alejo Carpentier y Ernest Hemingway y críticos como Maurice Raynal. En sus estancias en España participó en la Exposición de Artistas Ibéricos de Madrid y realizó decorados para obras teatrales y un gran mural para el batzoqui de Bermeo. En 1936 fue nombrado Director de Bellas Artes del Gobierno Vasco y fue comisario del Pabellón Vasco de la Exposición de París de 1937. De 1938 a 1949 vivió exiliado en Gran Bretaña, donde presentó varias exposiciones y realizó pinturas murales. A su vuelta se refugió en su caserío de Chirapozu donde continuó su labor creadora (especialmente retratos) y expositiva. En los años sesenta formó parte del grupo Emen de Vizcaya, intento de unificación de los artistas de la Escuela Vasca. Su pintura, de un personal realismo, se centra en la representación de paisajes y personajes de su tierra, realizados con gran perfección técnica y un estilo característico de formas estilizadas. © B.Y.V.
Ha recibido 11 puntos

Vótalo:

Maruja Mallo (1902/1995)

69

Maruja Mallo (1902/1995)

Pintora española nacida en Vivero, Lugo. La cuarta de catorce hermanos, estudió en la Escuela de Bellas Artes de san Fernando de Madrid. En 1928 y gracias al escritor José Ortega y Gasset realiza su primera exposición en los Salones de la Revista de Occidente, de Madrid, la única que hizo dicha... Ver mas
Pintora española nacida en Vivero, Lugo. La cuarta de catorce hermanos, estudió en la Escuela de Bellas Artes de san Fernando de Madrid. En 1928 y gracias al escritor José Ortega y Gasset realiza su primera exposición en los Salones de la Revista de Occidente, de Madrid, la única que hizo dicha revista. En 1932 viaja a París donde conoce a Magritte, Max Ernst, Miró y De Chirico, y participa en tertulias con André Breton y Paul Eluard. Dos años más tarde ejerce de profesora en la Escuela de Cerámica y en la Residencia de Estudiantes de Madrid. Allí se relaciona con artistas, escritores y cineastas como Salvador Dalí, Federico García Lorca y Luis Buñuel. En febrero de 1937 abandonó España y viajó a Argentina, país en el que vivió durante más de veinticinco años. Allí pintó retratos bidimensionales y naturalezas vivas en las que muestra el mundo submarino, con caracolas y flores extrañas. En 1964 regresó a España, recibiendo tres años después la Medalla de Oro de las Bellas Artes. Creativamente la obra Maruja Mallo fue evolucionando desde un tipo de representación irónica y barroca de temas populares, a tonos cada vez más oscuros y sombríos, en el que las figuras se nos asoman rotundas y monumentales. Vivió una estrecha relación con el poeta Rafael Alberti, antes de que este último conociera a su futura mujer, María Teresa León. También tuvo relación con el poeta Miguel Hernández, en el que influyó en el poema "El rayo que no cesa". Murió en Madrid el 6 de febrero de 1995. © epdlp
Ha recibido 11 puntos

Vótalo:

Rafael Canogar (1935)

70

Rafael Canogar (1935)

Pintor y escultor español nacido en Toledo. Discípulo de Vázquez Díaz, se inicia imitando el estilo del cubismo de Picasso y de Braque y del surrealismo de Joan Miró, hasta evolucionar hacia la abstracción informalista. En el año 1957 se convierte en uno de los miembros del grupo El Paso junto a... Ver mas
Pintor y escultor español nacido en Toledo. Discípulo de Vázquez Díaz, se inicia imitando el estilo del cubismo de Picasso y de Braque y del surrealismo de Joan Miró, hasta evolucionar hacia la abstracción informalista. En el año 1957 se convierte en uno de los miembros del grupo El Paso junto a Manuel Millares, Antonio Saura, Luis Feito, Manuel Rivera, Pablo Serrano, Juana Francés y Antonio Suárez y en el año 1960 participó en la exposición de New Spanish Painting and Sculpture del Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York junto a exponentes de las jóvenes vanguardias. Empezó combinando el óleo con diferentes tipos de temple hasta incorporar más tarde la fotografía. A comienzos de la década de 1960, abandona la corriente informalista para acercarse a la realidad y describirla, consciente de la fuerte influencia que ejerce en los medios de comunicación. Su paleta reduce el cromatismo a juegos de blancos y negros y retorna poco a poco a la abstracción que descubrió en París. En su técnica, Canogar evoluciona desde el uso casi exclusivo del óleo sobre tela al uso de otros materiales como poliéster, acrílico, madera y fibra de vidrio, que le sirve para componer sus collages y obras de arte en las que estas técnicas mixtas combinan objetos de diversa naturaleza, creando como resultado obras que son mitad escultura y mitad pintura. Sus figuras están despojadas de señas de identidad por lo que es el anonimato de la masa el auténtico protagonista de su obra. En 1972 fue Premio de la Bienal de Sao Paulo y en 1983 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas. © M.E.
Ha recibido 11 puntos

Vótalo:

Juan Genovés (1930)

71

Juan Genovés (1930)

Pintor y artista gráfico español, uno de los más destacados de la corriente figurativa en su país. Nació en Valencia y estudió en la Escuela de Bellas Artes de esta ciudad. Sus primeros pasos se situaron en el seno del informalismo y la pintura matérica, hasta que, en la década de los sesenta... Ver mas
Pintor y artista gráfico español, uno de los más destacados de la corriente figurativa en su país. Nació en Valencia y estudió en la Escuela de Bellas Artes de esta ciudad. Sus primeros pasos se situaron en el seno del informalismo y la pintura matérica, hasta que, en la década de los sesenta, retornó al campo de la figuración. En 1950 se adscribió al grupo Los Siete, en 1956 al grupo Parpalló, y en 1959 fue miembro fundador del grupo Hondo. Entre sus principales influencias destacan el expresionismo, el Pop Art y el cine. Del Pop Art recogió la utilización de ropa y objetos reales pegados directamente sobre el lienzo; su relación con el mundo del cine se aprecia en la utilización de procedimientos narrativos, como los travellings, los primeros planos o la sucesión de imágenes representando varios momentos de una misma acción. Su pintura contenía, en la década de los sesenta, un fuerte contenido crítico, reivindicativo y de denuncia, protagonizado por un colorido neutro y difuminado. En la década siguiente atenuó estos contenidos en favor de unos contrastes cromáticos más vivos y unos temas de carácter más anecdótico. © M.E.
Ha recibido 11 puntos

Vótalo:

Pablo Serrano (1908/1985)

72

Pablo Serrano (1908/1985)

Escultor español nacido en Crivillén, Teruel. Estudió en Zaragoza y Barcelona. En sus primeros años ejecuta esculturas académicas, evolucionando posteriormente hacia el expresionismo. Estudió las pinturas de Joaquín Torres García, en su largo tiempo de residencia en Uruguay. En 1954, regresó a... Ver mas
Escultor español nacido en Crivillén, Teruel. Estudió en Zaragoza y Barcelona. En sus primeros años ejecuta esculturas académicas, evolucionando posteriormente hacia el expresionismo. Estudió las pinturas de Joaquín Torres García, en su largo tiempo de residencia en Uruguay. En 1954, regresó a España y obtuvo el Gran Premio de Escultura en la II Bienal Hispanoamericana de Barcelona. Fue miembro del grupo Paul Cezanne en 1949 y del Equipo 57 junto con Juan Cuenca, Angel Duarte, José Duarte y Agustín Ibarrola. Su obra ha sido expuesta en numerosos museos de Europa, Estados Unidos, Canadá y Latinoamérica. © epdlp
Galardones:

Príncipe de Asturias (1982)
Ha recibido 11 puntos

Vótalo:

Alonso Berruguete (1488/1561)

73

Alonso Berruguete (1488/1561)

Pintor y escultor español considerado por sus contemporáneos como uno de los artistas más brillantes del renacimiento español. Nació en Paredes de Nava, provincia de Palencia, y se formó junto a su padre, el también pintor Pedro Berruguete, y más tarde en Florencia, donde entró en contacto con... Ver mas
Pintor y escultor español considerado por sus contemporáneos como uno de los artistas más brillantes del renacimiento español. Nació en Paredes de Nava, provincia de Palencia, y se formó junto a su padre, el también pintor Pedro Berruguete, y más tarde en Florencia, donde entró en contacto con el manierismo italiano de la mano de Miguel Ángel. En las obras de esa época ya se aprecia un gusto por el dramatismo y la exaltación de los sentimientos que, sin romper con el ideal de belleza renacentista, ya anticipa el barroco. De regreso a España en 1520 disfrutó de una fama superior a la de todos los artistas de su generación. En 1523 Carlos I le nombró pintor y escultor de la corte. Su estilo se caracteriza por el movimiento dramático de los personajes, descuidando a veces la factura técnica. Dentro de su producción abundan los retablos y las sillerías de coro, como la realizada para la catedral de Toledo (1539-1548), donde labra sobre el nogal, sin policromía alguna, una maravillosa galería de figuras de profetas y santos en actitudes variadísimas y animados de intensa vida interior. También para este templo realiza los relieves policromados de la silla arzobispal y la Transfiguración del remate. Otras obras maestras son los retablos de Mejorada de Olmedo (1526), el de San Benito de Valladolid (1526-1532, actualmente en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid), en el que se representan en relieve escenas de los benedictinos y de la vida de Cristo, y el de la Adoración de los Magos (1537), también en Valladolid. Dentro de su producción escultórica destaca la que fue su última obra, el sepulcro del cardenal Tavera, en el hospital de Afuera, Toledo, donde llama la atención el realismo con que trata el rostro del difunto. También es obra suya la Transfiguración de la iglesia del Salvador en Úbeda (Jaén), destruida durante la Guerra Civil española, inspirada en la de Toledo. © M.E.
Ha recibido 10 puntos

Vótalo:

Francisco Pradilla (1848/1921)

74

Francisco Pradilla (1848/1921)

Pintor español nacido en Villanueva de Gállego (Zaragoza). Cursó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes y más tarde en la Escuela Superior de San Fernando de Madrid, de la que sería pensionado en la primera promoción de 1874, en la recién creada Academia Española de Roma. En ésta ciudad... Ver mas
Pintor español nacido en Villanueva de Gállego (Zaragoza). Cursó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes y más tarde en la Escuela Superior de San Fernando de Madrid, de la que sería pensionado en la primera promoción de 1874, en la recién creada Academia Española de Roma. En ésta ciudad aprendió con Alfredo Serri, realizando su primer cuadro de importancia, El rapto de las sabinas, al que siguió en 1878 Doña Juana la loca, por el que obtuvo la primera medalla de Honor que se concedía en las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes y una medalla de honor en la Exposición de París de 1878. Otras obras importantes suyas son, los cuadros de Alfonso I el Batallador y de Alfonso X el Sabio, La rendición de Granada (1882), que ganó el primer premio en una exposición de Munich al año siguiente; El suspiro del moro, La lección de Venus al amor y Vendimia en las lagunas Pontina. Fue director de la Academia Española de Bellas Artes en Roma y del Museo de El Prado. © epdlp
Ha recibido 10 puntos

Vótalo:

Ricardo de Madrazo (1852/1917)

75

Ricardo de Madrazo (1852/1917)

Pintor español nacido en Madrid, el último representante de la familia Madrazo. Cultivó la pintura de género y, a diferencia de su hermano Raimundo Madrazo, estuvo bajo el círculo de influencia de su cuñado, el pintor Mariano Fortuny, aunque también se aprecia la herencia de su padre en los... Ver mas
Pintor español nacido en Madrid, el último representante de la familia Madrazo. Cultivó la pintura de género y, a diferencia de su hermano Raimundo Madrazo, estuvo bajo el círculo de influencia de su cuñado, el pintor Mariano Fortuny, aunque también se aprecia la herencia de su padre en los retratos. Entre estos últimos destaca el titulado Don Antonio Cánovas del Castillo, que se conserva en el Congreso de los Diputados de Madrid. © M.E.
Ha recibido 10 puntos

Vótalo:

Antonio Múñoz Degrain (1840/1924)

76

Antonio Múñoz Degrain (1840/1924)

Pintor español de estilo ecléctico, mezcla de romanticismo con modernismo, nacido en Valencia. Estudió en la Academia de Bellas Artes de San Carlos de ésta ciudad, dándose a conocer en la Exposición Nacional. Más tarde se traslada a Málaga, dónde en 1870 recibe el trabajo de decorar el techo del... Ver mas
Pintor español de estilo ecléctico, mezcla de romanticismo con modernismo, nacido en Valencia. Estudió en la Academia de Bellas Artes de San Carlos de ésta ciudad, dándose a conocer en la Exposición Nacional. Más tarde se traslada a Málaga, dónde en 1870 recibe el trabajo de decorar el techo del Teatro Cervantes. Destacó principalmente como paisajista, aunque en sus comienzos realizó una pintura realista, con abundantes cuadros de temas históricos. Entre sus obras más importantes destacan, Vista del Valle de la Murta (1864), Paisaje del Pardo al disiparse la niebla (1867), Otelo y Desdémona (1881) y Los amantes de Teruel (1884), quizá su cuadro más importante. En 1898 fue nombrado Director de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. © epdlp
Ha recibido 10 puntos

Vótalo:

Leonardo Alenza (1807/1845)

77

Leonardo Alenza (1807/1845)

Pintor romántico español nacido en Madrid. Vivió su infancia entre la guerra y la reacción fernandina. Estudió en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, con José de Madrazo y con el paso de los años ingresó en la misma Academia como individuo de mérito (1842). Su técnica es suelta y... Ver mas
Pintor romántico español nacido en Madrid. Vivió su infancia entre la guerra y la reacción fernandina. Estudió en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, con José de Madrazo y con el paso de los años ingresó en la misma Academia como individuo de mérito (1842). Su técnica es suelta y natural, fundiendo armoniosamente las influencias de Velázquez y de Goya. Fue uno de los escasos seguidores de éste último, sobre todo en su veta más trágica y dura, realizando pintura histórica y retratos, aunque fue famoso por sus obras costumbristas y satíricas. Obras de esta tendencia popular son La azotaina o El Borracho; Sátira del suicidio romántico (1839), que es su cuadro más célebre, en el que se burla de la "costumbre" romántica del suicidio. Fue amigo de Mesoneros Romanos, con cuya obra literaria presenta afinidades. Colaboró como dibujante en el Semanario pintoresco español, El reflejo, Los españoles pintados por sí mismos, El café de Levante, etc. Es autor de una serie de grabados conocida por Caprichos. Artista atormentado y perseguido por numerosos infortunios, llegó a tener una muerte trágica. © epdlp
Ha recibido 10 puntos

Vótalo:

José Salís y Camino (1863/1926)

78

José Salís y Camino (1863/1926)

Pintor guipuzcoano de adopción, de padre francés y madre irunesa, nacido en Santoña (Cantabria). A los siete años de edad quedó huérfano y su familia se trasladó a Irún (casa Beraun). En 1880 ingresó como alumno en la Escuela de San Fernando de Madrid, embarcándose para Bruselas cinco años más... Ver mas
Pintor guipuzcoano de adopción, de padre francés y madre irunesa, nacido en Santoña (Cantabria). A los siete años de edad quedó huérfano y su familia se trasladó a Irún (casa Beraun). En 1880 ingresó como alumno en la Escuela de San Fernando de Madrid, embarcándose para Bruselas cinco años más tarde (1885), a fin de ampliar conocimientos artísticos en el taller del maestro Van Amme, y dos años después ingresó en la Academia Gigi, de Roma, visitando posteriormente en 1889, las Academias de París. Viajó mucho, Túnez, Argelia, Gran Bretaña, pintando gran cantidad de paisajes. En su faceta de grabador, realizó planchas para aguafuertes entre los años 1908 y 1914 en su propio taller de Irún. Sus temas, por supuesto, siempre son paisajes. Salís advino al mundo de la pintura en el momento crucial en que ésta daba el paso decisivo al impresionismo. Y Salís, de formación académica como todos, intuye, se percata y se adhiere al movimiento luminista por excelencia, volcándose de lleno a la caza del paisaje, no en un sentido documental, sino del momento paisajístico. Algunos de sus mínimos paisajes tienen la encendida luz de Nolde. Su pincelada es casi siempre espontánea, suelta, nerviosa y hay en su dicción una sensibilidad de extraordinario colorista. Salís evolucionó de la pintura de Haes (que fue un gran maestro, pero que manchaba sus cuadros con una especie de betún), al colorismo de Sorolla y Mir. Los apuntes al óleo de Salís, de mar y campo, son de una verdadera maestría. Aparte las marinas, hizo figuración, como los retratos de su hija que son de lo mejor de su obra. © Ainhoa Arozamena Ayala
Ha recibido 10 puntos

Vótalo:

Pablo Gargallo (1881/1934)

79

Pablo Gargallo (1881/1934)

Escultor español nacido en Maella, Zaragoza. Su obra se puede definir como la combinación armónica del espacio y del volumen, entre los que establece un juego de formas cóncavas y convexas, así como de alternancia de líneas onduladas y afiladas. Estudia como aprendiz en el taller del escultor... Ver mas
Escultor español nacido en Maella, Zaragoza. Su obra se puede definir como la combinación armónica del espacio y del volumen, entre los que establece un juego de formas cóncavas y convexas, así como de alternancia de líneas onduladas y afiladas. Estudia como aprendiz en el taller del escultor Eusebi Arnau en Barcelona. En esta primera etapa realista recibirá lecciones del escultor Agapito Vallmitjana en la barcelonesa Escuela de Bellas Artes de La Lonja y frecuentará el café Els Quatre Gats con Casas y Picasso. En 1903 marcha a París becado por la Escuela de Bellas Artes y entabla amistad con Juan Gris, quien le influye con su estética cubista. París es la oportunidad para conocer a fondo la obra escultórica de Rodin y Max Jacob. Al regreso de la capital francesa, (entre 1915 y 1918) abandona la obra de bulto redondo para trabajar sobre todo en obras de pequeño formato debido a la dolencia pulmonar que le aqueja. Su relación con el modernismo se establece a través de los encargos del arquitecto Domènech i Montaner para el hospital de la Santa Creu y de Sant Pau de Barcelona. De Julio González aprende la técnica de la soldadura autógena (utilizada en la metalurgia pesada para ensamblar piezas industriales) que va perfeccionando a partir del año 1927. A causa de su fuerte sentido de la solidaridad en apoyo a unos compañeros, le despiden de su plaza de profesor de escultura y repujado de la Escuela Técnica de Oficios de Cataluña. En el trayecto de un viaje a Reus fallece en accidente. En el año 1985 se inaugura en Zaragoza, por iniciativa de su hija y del propio ayuntamiento, el Museo Pablo Gargallo. © M.E.
Ha recibido 10 puntos

Vótalo:

José Gutiérrez Solana (1886/1945)

80

José Gutiérrez Solana (1886/1945)

Pintor y escritor español nacido en Madrid, vinculado al expresionismo. Después de estudiar en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, alterna estancias entre Santander y Madrid, para formar su propio estilo, ajeno al academicismo y al mundo de las vanguardias. Se mueve en los círculos... Ver mas
Pintor y escritor español nacido en Madrid, vinculado al expresionismo. Después de estudiar en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, alterna estancias entre Santander y Madrid, para formar su propio estilo, ajeno al academicismo y al mundo de las vanguardias. Se mueve en los círculos intelectuales frecuentados por Valle-Inclán y Zuloaga, y participaba en las tertulias de cafés madrileños, que inmortalizará en algunos de sus cuadros. Como Regoyos y Zuloaga, su pintura refleja una visión pesimista de España, que comparte con la Generación del 98 y que tan atractiva, en aquellos momentos, resultaba en el extranjero. En lo artístico, además de la influencia que en él ejercen los pintores del barroco, tanto por sus temas como por las composiciones (de acusado claroscuro), es particularmente notable la influencia de las pinturas negras de Goya o del romántico Eugenio Lucas. Su pintura resalta la miseria de una España sórdida y grotesca, cuyos personajes pertenecen al mundo de la pobreza, la prostitución o la superstición, definidos mediante una pincelada densa que modela sus figuras con trazos gruesos. Su paleta tenebrista resalta el oscurantismo de una España divida temáticamente en tres apartados, las fiestas populares (El entierro de la sardina), los usos y costumbres de España (La visita del obispo) y, finalmente, los retratos (1920, La tertulia del Café Pombo). Su pintura, de particular carga social, está vinculada al expresionismo, como también lo están sus obras literarias como Madrid, Escenas y costumbres, del año 1913. © M.E.
Ha recibido 10 puntos

Vótalo:

Benjamín Palencia (1894/1980)

81

Benjamín Palencia (1894/1980)

Pintor español nacido en Barrax, Albacete. La pintura figurativa de Salvador Dalí le influye en un estilo basado en una interpretación sobria y onírica del campo castellano. Trasladado a Madrid en 1909, estudia a fondo la obra de pintores del siglo de oro español. En la capital también contacta... Ver mas
Pintor español nacido en Barrax, Albacete. La pintura figurativa de Salvador Dalí le influye en un estilo basado en una interpretación sobria y onírica del campo castellano. Trasladado a Madrid en 1909, estudia a fondo la obra de pintores del siglo de oro español. En la capital también contacta con intelectuales de su época tales como Ortega y Gasset, Machado o Borges. En el año 1925 participa en la Exposición de Artistas Ibéricos y al año siguiente se traslada a París donde conoce a Picasso y Gargallo. Su estancia parisina le introduce en la técnica del collage, que aplicó más tarde a sus lienzos incorporando nuevos elementos matéricos como arena y cenizas. La esquematización de sus paisajes, temática predilecta de su obra, absorbe rasgos cubistas y se orientan al final de la misma hacia una abstracción. Estos paisajes y tauromaquias combinan formas vegetales, animales y minerales con connotaciones surrealistas, muy próximo a las esculturas de Alberto Sánchez. Junto a éste último, fruto de los amistosos paseos en el Cerro Almodóvar, funda la primera Escuela de Vallecas, en el año 1925 y de nuevo la segunda Escuela de Vallecas en el año 1942 con el propósito de actualizar el panorama del arte español. Su primera exposición individual se celebra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en el año 1928. Después de la Guerra Civil española entra en la etapa llamada de fauvismo ibérico, porque el color que emplea para sus obras es más encendido. Su vinculación al teatro le hizo participar en la decoración de escenografías de obras teatrales de García Lorca y de Calderón. © M.E.
Ha recibido 10 puntos

Vótalo:

Luis Gordillo (1934)

82

Luis Gordillo (1934)

Pintor español nacido en Sevilla. Contemporáneo de los informalistas españoles de la década de 1950, Luis Gordillo, sin embargo, está considerado como el pionero de una de las tendencias más significativas de la España de los años setenta, la figuración madrileña. Comenzó a estudiar la carrera... Ver mas
Pintor español nacido en Sevilla. Contemporáneo de los informalistas españoles de la década de 1950, Luis Gordillo, sin embargo, está considerado como el pionero de una de las tendencias más significativas de la España de los años setenta, la figuración madrileña. Comenzó a estudiar la carrera de Derecho en su ciudad natal, pero al poco tiempo la abandonó para dedicarse a la pintura, y se matriculó en la Escuela de Bellas Artes. En 1958 viajó a París, donde se interesó por la obra de Jean Fautrier (1898-1964) y Jean Dubuffet (1901-1985). Durante esta época siguió los planteamientos estéticos de las vanguardias de Art Autre o Dau al Set, como se aprecia en su primera exposición en Sevilla, en 1959, en la Sala de Información y Turismo. Tras otra estancia en París, su pintura se encaminó hacia la figuración, interesándose por Francis Bacon y el Pop Art estadounidense. En los primeros años de la década de 1960, sus series de Cabezas y de Automovilistas configurarán la primera incursión no mimética de un artista español en el pop internacional. Su experiencia con el psicoanálisis abre nuevas vías y sentidos a su obra. Abandona temporalmente la pintura, dedicándose a la realización de dibujos automáticos, que se exponen en Madrid en 1971. Esta muestra fue fundamental para toda una generación de artistas más jóvenes, comienza con ellos, la nueva figuración madrileña. Durante la década de 1970, los dibujos automáticos trazados a línea, son pasados a lienzo y rellenados de color. En las décadas de 1980 y 1990, Gordillo ha desarrollado una pintura fría tanto por su gama cromática como por su desapego personal de los temas, que le sitúan a medio camino entre la figuración anterior y las nuevas fórmulas de la abstracción postmoderna. En 1981 le fue concedido el Premio Nacional de Artes Plásticas. © M.E.
Galardones:

Nacional de Artes Plásticas (1981)
Velázquez (2007)


Windows Media Player | Libreto (Historia y Personajes) | Aumentar | Fotos Interiores
copyright © 1998-2015, epdlp All rights reserved
Ha recibido 10 puntos

Vótalo:

Josep Guinovart (1927/2007)

83

Josep Guinovart (1927/2007)

Pintor, dibujante y grabador español. Nació en Barcelona y comenzó trabajando como pintor de paredes. En 1944 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de la Lonja de Barcelona. A partir de 1951 se dedicó plenamente a la pintura y realizó ilustraciones para la revista del grupo Dau al Set. En 1952... Ver mas
Pintor, dibujante y grabador español. Nació en Barcelona y comenzó trabajando como pintor de paredes. En 1944 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de la Lonja de Barcelona. A partir de 1951 se dedicó plenamente a la pintura y realizó ilustraciones para la revista del grupo Dau al Set. En 1952 se trasladó a París con una beca y, de regreso, fundó en 1955 el grupo Tahüll, junto con Cuixart, Jordi Muxart, Tàpies y Tharrats. Hacia 1957 inició una tendencia informalista y abstracta, con una fuerte presencia matérica tanto por la incorporación de elementos y objetos diversos (maderas quemadas, cajas, objetos de desecho) como por la aplicación de técnicas como el collage y el assemblage. A partir de la década de 1960 se alejó de la poética informalista y comenzó a realizar obras surcadas de signos y de gestos, que contienen una fuerte carga expresiva en el trazo y el colorido. A partir de la década de 1970 empleó sistemáticamente materiales como arena, tierra, barro, paja o fibrocemento, en obras como Tierra y rastrojo (1976) y Piedras y barro (1977), e inició una serie de obras en las que recoge preocupaciones sociales y políticas: Homenaje a Picasso (1967) y Homenaje al Che (1968). En la siguiente década comenzó a experimentar con la proyección tridimensional de sus obras, que se concretó en la creación de ambientes o entornos espaciales como el titulado Contorn-extorn (1978). Guinovart posee una producción artística muy variada: pinturas murales, decorados y escenografías teatrales, como la realizada para Bodas de sangre de Federico García Lorca, ilustraciones de libros, diseño de carteles, tapices y esculturas. Desde 1976, comenzó su actividad como grabador. En 1990 se expuso una retrospectiva de su obra en el Centre Cultural Tecla Sala de L´Hospitalet de Llobregat (Barcelona), por la que recibió el Premi Nacional d´Arts Plàstiques concedido por el Departamento de Cultura de la Generalitat de Catalunya ese mismo año. En julio de 1994 se inauguró el Espai Guinovart en Agramunt (Lleida), un museo dedicado al artista. La obra de Guinovart siempre se ha mantenido a medio camino entre la pintura y la escultura por la incorporación de todo tipo de elementos tridimensionales. Otra constante a lo largo de los años es la presencia de temas políticos, como en el Retablo de Jerusalem (2001), y de imágenes que evocan los lugares que ha visitado o en los que ha residido. © M.E.
Galardones:

Nacional de Artes Plásticas (1982)
Ha recibido 10 puntos

Vótalo:

Jorge Oteiza (1908/2003)

84

Jorge Oteiza (1908/2003)

Escultor español nacido en Orio, Guipúzcoa. De joven se trasladó con su familia a Madrid, donde estudió Medicina y asistió a la Escuela de Artes y Oficios. En 1935 viajó a Hispanoamérica, donde se dedicó a la docencia en la Escuela Nacional de Cerámica de Bogotá e hizo sus primeras exposiciones... Ver mas
Escultor español nacido en Orio, Guipúzcoa. De joven se trasladó con su familia a Madrid, donde estudió Medicina y asistió a la Escuela de Artes y Oficios. En 1935 viajó a Hispanoamérica, donde se dedicó a la docencia en la Escuela Nacional de Cerámica de Bogotá e hizo sus primeras exposiciones en Santiago de Chile y Buenos Aires. En 1948 regreso a España. Su obra escultórica se divide en tres partes, la de búsqueda de las herramientas conceptuales que definieran un propósito experimental (1930-50), la del desarrollo del mismo (1950-57) y la de las conclusiones (1957-59). Fue al final de esa década cuando abandonó el expresionismo y la figuración para iniciarse por el sendero de la abstracción y la investigación geométrica-racional de los constructivistas rusos de principios de siglo, lo que le llevó al vacío en la escultura, un recorrido metafísico que influiría de forma decisiva en todas las artes contemporáneas. Oteiza decidió abandonar la escultura en 1959, convencido de que ya no iba a aportar nada nuevo. Entre sus obras más conocidas destacan, La ola (MACBA), la Pietá (desde 1999 en San Sebastián), y el Odiseo (jardines de la ciudadela de Pamplona), que simboliza un ungudari y al propio Ulises. En 1970 consiguió el primer premio del concurso de ideas para la urbanización de la plaza de Colón (Madrid) y en 1985 le fue concedida la Medalla de Oro de Bellas Artes de España. El artista donó su obra al pueblo de Navarra y está expuesta en el museo de la Fundación Jorge Oteiza creada en 1996 en Alzuza (Valle de Egües). © epdlp
Galardones:
Ha recibido 10 puntos

Vótalo:

Guillermo Pérez Villalta (1945)

85

Guillermo Pérez Villalta (1945)

Pintor español, integrante de la nueva figuración madrileña y uno de los pintores más representativos del posmodernismo en su país. Nació en Tarifa (Cádiz) y comenzó a estudiar Arquitectura, una disciplina que ha seguido influenciando su obra pictórica. En 1968 se trasladó a Madrid, donde en la... Ver mas
Pintor español, integrante de la nueva figuración madrileña y uno de los pintores más representativos del posmodernismo en su país. Nació en Tarifa (Cádiz) y comenzó a estudiar Arquitectura, una disciplina que ha seguido influenciando su obra pictórica. En 1968 se trasladó a Madrid, donde en la década de 1980 se le consideró integrante de la llamada “movida madrileña”. Sus cuadros, de fuerte colorido y luminosidad representan personajes que se mueven dentro de complejas escenografías teatrales, que aúnan los interiores con los exteriores. En su etapa más reciente se ha inclinado hacia la temática mitológica, con fuerte contenido simbólico valorado por los tonos ocres y la aparición de desnudos masculinos. Frente a los típicos valores propugnados por la modernidad abstraccionista (autenticidad de los materiales y pureza formal), la pintura de Villalta es de naturaleza totalmente narrativa, como se aprecia en sus obras Grupo de personas en un atrio (1976), La pintura como vellocino de oro (1981-1982), Historia Natural (1987) o Santuario (1996). © M.E.
Ha recibido 10 puntos

Vótalo:

Bartolomé Ordóñez (1480/1520)

86

Bartolomé Ordóñez (1480/1520)

Escultor español del renacimiento, de trayectoria artística breve, comenzada hacia 1516, pero muy influyente. Burgalés de origen, se formó en Italia en el conocimiento de la obra de Donatello y de Miguel Ángel joven, de quien toma la fuerza elegante y solemne de sus figuras. Trabajó en Nápoles y... Ver mas
Escultor español del renacimiento, de trayectoria artística breve, comenzada hacia 1516, pero muy influyente. Burgalés de origen, se formó en Italia en el conocimiento de la obra de Donatello y de Miguel Ángel joven, de quien toma la fuerza elegante y solemne de sus figuras. Trabajó en Nápoles y en Barcelona, donde realizó una serie de relieves para el coro y el trascoro de la catedral. Establecido en Carrara (Italia), murió allí mientras trabajaba en los sepulcros de Juana la Loca y Felipe el Hermoso para la Capilla Real de Granada, siguiendo el tipo definido por el escultor florentino Domenico Fancelli para el de los Reyes Católicos. Ambos mausoleos presentan una gran riqueza decorativa, con medallones, guirnaldas y hornacinas con santos, al igual que el sepulcro del cardenal Cisneros, también obra suya, que se encuentra en la capilla de la universidad de Alcalá de Henares, España. © M.E.
Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

Esteban March (1610/1668)

87

Esteban March (1610/1668)

Pintor español nacido en Valencia, llamado con el sobrenombre de "March de las Batallas". Pue discípulo de Pedro Orrente. Pintó temas religiosos (El paso del mar Rojo), escenas de género y, sobre todo, batallas. © B.Y.V.
Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

Antonio Gisbert (1835/1902)

88

Antonio Gisbert (1835/1902)

Pintor español nacido en Alcoy (Alicante). Desde muy joven se dedicó a la pintura de telones, bambalinas y bastidores, trasladándose más tarde a Madrid, donde trabajó en el taller de un pintor escenógrafo. Con su primer cuadro importante, La resurrección de Lázaro (1855), ganó un pensionado en... Ver mas
Pintor español nacido en Alcoy (Alicante). Desde muy joven se dedicó a la pintura de telones, bambalinas y bastidores, trasladándose más tarde a Madrid, donde trabajó en el taller de un pintor escenógrafo. Con su primer cuadro importante, La resurrección de Lázaro (1855), ganó un pensionado en Roma y tres años más tarde en la Exposición de 1858, ganó su primera medalla con el cuadro titulado Los últimos momentos del Príncipe don Carlos. Fue enviado por el gobierno español de la época, a las Exposiciones Universales de Londres (1862) y París (1867), siendo nombrado un año después director del Museo Nacional de Pintura y Escultura, cargo que desempeñó durante cinco años. Fue uno de los pintores españoles más galardonados de su época. © epdlp
Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

Carlos de Haes (1829/1898)

89

Carlos de Haes (1829/1898)

Pintor español de origen belga. Su actividad artística estuvo dedicada fundamentalmente a la pintura de paisaje realista. Nacido en Bruselas, su familia se trasladó a Málaga (Andalucía) por cuestiones de negocios. Allí recibió su primera formación pictórica con Luis de la Cruz. Hacia 1850 volvió... Ver mas
Pintor español de origen belga. Su actividad artística estuvo dedicada fundamentalmente a la pintura de paisaje realista. Nacido en Bruselas, su familia se trasladó a Málaga (Andalucía) por cuestiones de negocios. Allí recibió su primera formación pictórica con Luis de la Cruz. Hacia 1850 volvió a Bélgica, donde estudió durante cinco años con el paisajista Joseph Quinaux. Regresó a España en 1857, tras conocer probablemente la pintura francesa de la época, atenta a la observación directa de la naturaleza. Pronto empezó a pintar al aire libre, con una técnica precisa y delicada, vinculada a la estética tradicional de la escuela flamenca. Su arte, atento a la realidad y ajeno a la elaboración del estudio, supuso una extraordinaria novedad tras el subjetivismo que había imperado en el paisaje romántico. En 1856 obtuvo un tercer premio en la Exposición Nacional y un año después fue nombrado profesor de paisaje de la Academia de Bellas Artes de Madrid. Instalado en la capital, pronto alcanzó renombre entre el público y reconocimiento en los ambientes profesionales. Realizó numerosos viajes por España y por el extranjero pintando al aire libre. Su importancia reside en su extensa producción pictórica —más de cuatro mil cuadros y apuntes de tema paisajístico— y en su labor docente. Desde su cátedra formó a muchos pintores de la segunda mitad del siglo que se dedicaron al paisaje, destacando entre sus discípulos Aureliano de Beruete, Darío de Regoyos, Agustín Riancho y Jaime Morera. Sus paisajes, sin añadidos anecdóticos, son generalmente sencillas vistas campestres y de montaña, en los que muestra un especial interés por los efectos lumínicos, abriendo el camino al impresionismo, por el que se adentrarían muchos de sus discípulos. Gran parte de su obra se conserva en el Museo de Málaga, en el de Lérida (legado J. Morena, 80 piezas) y en el Museo del Prado (Casón del Buen Retiro). © M.E.
Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

Eugenio Lucas Padilla (1824/1870)

90

Eugenio Lucas Padilla (1824/1870)

Pintor español nacido en Alcalá de Henares. Fue padre del también pintor Eugenio Lucas Villaamil, razón por la que en los manuales se les suele distinguir con los castizos sobrenombres de "el Viejo" y "el Mozo". Parece que no llegó a recibir formación académica reglada, sus maestros fueron... Ver mas
Pintor español nacido en Alcalá de Henares. Fue padre del también pintor Eugenio Lucas Villaamil, razón por la que en los manuales se les suele distinguir con los castizos sobrenombres de "el Viejo" y "el Mozo". Parece que no llegó a recibir formación académica reglada, sus maestros fueron, directamente, los cuadros del Museo del Prado, a través de los cuales se asimila a la tradición de la pintura española, especialmente a la obra de Velázquez y, de forma muy especial, a la de Goya. En 1850 colaboró con Henri Philastre en la pintura del techo del Teatro Real de Madrid, frescos que se perdieron en las sucesivas reformas del edificio. Quedan de ellas dos bocetos, hoy en la embajada española en Washington. Mantuvo cierta relación con Palacio, tal y como lo prueban los cuadros dedicados al rey consorte y al príncipe Adalberto de Baviera, así como su designación para la pintura del techo del Real. Con todo, en 1856, formó parte de la Milicia Nacional. De sus casi quinientas obras, sólo noventa y cinco están firmadas, lo que ha dado numerosos problemas de atribución, sobre todo en cuadros que se habían ahijado por tradición al pincel de Goya. Cierto que la huella de Goya es palpable en la obra de Eugenio Lucas, pero no parece que haya sido la intención de éste plagiarle. Pintor de la llamada veta brava, pinta de memoria y sin apenas bocetos a partir de su propia fantasía. Su pintura se caracteriza por un profundo desinterés hacia la realidad, que reconstruye o toma de otras obras. Frente a esta variedad, llama la atención la escasez de sus retratos, que tampoco se encuentran entre lo mejor de su producción, salvo su excelente Autorretrato. La obra de Lucas se caracteriza por el predominio del color sobre el dibujo y por la poderosa imaginación con la que plasma escenas y paisajes. Considerado como el más romántico y castizo de los pintores españoles del siglo XIX, se le ha censurado la influencia de Goya hasta el extremo de presentarlo como un genio malogrado por su excesiva dependencia del estilo goyesco. © G.F.S.E.
Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

José Elbo (1804/1844)

91

José Elbo (1804/1844)

Pintor e ilustrador romántico español, nacido en Úbeda, Jaén. De familia muy pobre, está considerado como uno de los seguidores de Francisco de Goya, al que admiró e imitó en algunas de sus obras. También recibió una notable influencia del célebre pintor alicantino José Aparicio, que fue maestro... Ver mas
Pintor e ilustrador romántico español, nacido en Úbeda, Jaén. De familia muy pobre, está considerado como uno de los seguidores de Francisco de Goya, al que admiró e imitó en algunas de sus obras. También recibió una notable influencia del célebre pintor alicantino José Aparicio, que fue maestro suyo en Madrid. Fue protegido por varios nobles, entre ellos el Duque de Osuna, y se granjeó la protección de la Academia de Bellas Artes. La susodicha emulación goyesca no se adivina sólo en el estilo de José Elbo, sino también en la temática taurina de sus obras más prestigiosas y recordadas, entre las que es obligado destacar Vaqueros con ganado, Torada en “La Muñoza”, Vaquero a caballo y La plaza de toros de Madrid en un día de corrida. © M.C.N.
Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

Francisco Salzillo (1707/1783)

92

Francisco Salzillo (1707/1783)

Escultor español, el más famoso y relevante del rococó en España. Nació en Murcia, donde desarrolló su carrera artística. Formado con su padre, escultor de origen napolitano, sus obras juveniles muestran una intensa influencia italiana, escuela de la que depende la elegancia y la habilidad... Ver mas
Escultor español, el más famoso y relevante del rococó en España. Nació en Murcia, donde desarrolló su carrera artística. Formado con su padre, escultor de origen napolitano, sus obras juveniles muestran una intensa influencia italiana, escuela de la que depende la elegancia y la habilidad compositiva que mostró a lo largo de toda su producción. Poseedor de una sensibilidad ya dieciochesca y heredero del arte dinámico y escenográfico del barroco final, basó su estilo maduro en un virtuosista tratamiento pictórico de las superficies y en una concepción fácil y delicada de las figuras, de canon pequeño y expresión dulce y lírica. Alcanzó la plenitud de su arte en los pasos procesionales para la Semana Santa murciana, en los que muestra su capacidad para captar el movimiento y para aunar el sentido trágico de las escenas con el carácter preciosista y la suave delicadeza del espíritu rococó: Oración en el Huerto, 1754; Santa Cena, 1763; Prendimiento, 1765 y Flagelación, 1778, todos en el actual Museo Salzillo de Murcia. Aportación especial a la plástica de su tiempo fue la realización de figuras para belenes, modeladas en barro, madera y cartón piedra, en las que utilizó un realismo amable, adecuado para la interpretación costumbrista que exigía el tema. © M.E.
Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

Gustavo de Maeztu (1887/1947)

93

Gustavo de Maeztu (1887/1947)

Pintor y escritor español, hermano del escritor Ramiro de Maeztu, nacido en Vitoria, Álava. Su infancia transcurrió en Bilbao, donde estudió pintura con Antonio Lecuona. Entre 1904 y 1908 residió en París, donde se educó en la academia parisina La Grande Chaumière, aunque abandonó por un tiempo... Ver mas
Pintor y escritor español, hermano del escritor Ramiro de Maeztu, nacido en Vitoria, Álava. Su infancia transcurrió en Bilbao, donde estudió pintura con Antonio Lecuona. Entre 1904 y 1908 residió en París, donde se educó en la academia parisina La Grande Chaumière, aunque abandonó por un tiempo la pintura para dedicarse a escribir. En la capital francesa se inició en la técnica de la litografía. De regreso a Bilbao, formó parte del grupo fundador de la revista El Coitao, en la que firmó sus artículos bajo el seudónimo de "Don Tejón Vélez Duero". En 1911 publicó su primer libro, El imperio del gato azul. Pasó algunas temporadas en Londres, París y Madrid. Asistió a las tertulias de los cafés Lyon D'Or de la Gran Vía bilbaína, donde solía participar su hermano Ramiro de Maeztu. En 1916 realizó un viaje por España tomando apuntes de tipos populares. En 1936 se instaló en Estella, en donde residió hasta su muerte. La pintura fue, en este periodo, su única actividad. Perteneciente a la primera generación de renovadores de la pintura vasca, realizó una síntesis ecléctica de las tendencias francesas de principios de siglo, en la que sobresalen la espontaneidad de la ejecución, la exaltación colorista y el vigor dibujístico del contorno, acompañados de una insistencia en los temas costumbristas de paisajes vascos y castellanos, entre los que destacan las series de tipos populares de Vozmediano y Calatañazor. También cultivó el retrato, como el tan conocido del maharajá de Patiala. © M.C.N.
Web Recomendada:
Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

Josep Mestres i Cabanes (1898/1990)

94

Josep Mestres i Cabanes (1898/1990)

Pintor y escenógrafo catalán nacido en Manresa. Estudió en la Escola d'Arts i Oficis de Manresa, trabajando durante 15 años (1941-1956) como escenógrafo del Gran Teatre del Liceo. Pintó las catedrales de León, Toledo, Burgos, Santiago de Compostela y Barcelona, además de la Seu de Manresa y la... Ver mas
Pintor y escenógrafo catalán nacido en Manresa. Estudió en la Escola d'Arts i Oficis de Manresa, trabajando durante 15 años (1941-1956) como escenógrafo del Gran Teatre del Liceo. Pintó las catedrales de León, Toledo, Burgos, Santiago de Compostela y Barcelona, además de la Seu de Manresa y la de San Marcos de Venecia, San Isidoro de León y San Nicolás de Bari. Gran parte de sus trabajos se encuentran en México, Nueva York, Buenos Aires y Canadá. Su obra consta de lienzos, acuarelas, pinturas murales, diseños gráficos, retablos y ornamentaciones, elaborando numerosos decorados para óperas famosas. Fue catedrático de perspectiva de la Escola Superior Sant Jordi de Barcelona. © epdlp
Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

Eloy Giménez Laguardia (1927)

95

Eloy Giménez Laguardia (1927)

Pintor español nacido en Zaragoza. Estudia dibujo lineal durante cuatro años en la Escuela de Artes y Oficios de Zaragoza y Maestría Industrial. Ejerce como delineante con su cuñado el pintor y arquitecto Santiago Lagunas. Miembro fundador del Grupo Pórtic, en 1951 marcha a Madrid y fija su... Ver mas
Pintor español nacido en Zaragoza. Estudia dibujo lineal durante cuatro años en la Escuela de Artes y Oficios de Zaragoza y Maestría Industrial. Ejerce como delineante con su cuñado el pintor y arquitecto Santiago Lagunas. Miembro fundador del Grupo Pórtic, en 1951 marcha a Madrid y fija su residencia en San Sebastián. Deja la pintura para retomarla en 1975. Durante 1946 y 1947 se interesa por un expresionismo figurativo con supresión de elementos formales y una fase cubista, que deriva hacia una abstracción desarrollada entre 1948 y 1951. Abstracciones con referencias simbólicas, como la cruz y el círculo, conducentes a una obra de ágil o pausado constructivismo con la pasta colocada en el interior geométrico mediante gestuales pinceladas. Carga emotiva con la mancha dominando sobre lo geométrico. En algunas obras, como Rejas, de 1950, el título se alía a una tajante geometría y a un duro color para mostrar una crítica del ámbito social y político. Aunque pueda realizar alguna obra esporádica, puede asegurarse que entre 1952 y 1975 deja de pintar. Cuando retoma la pintura mantiene el énfasis geométrico con un color más dulcificado. Con posteridad, y recordando que expone individualmente por primera vez en 1992, se remarca el movimiento de lo geométrico, potenciado por la ágil pincelada que habita en su interior. Asimismo, el grosor matérico es menor y el espacio abierto permite un juego más libre del cuerpo geométrico. © GEA
Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

Néstor Basterretxea Arzadun (1924/2014)

96

Néstor Basterretxea Arzadun (1924/2014)

Escultor y pintor español nacido en Bermeo, Vizcaya. Su padre era uno de los que velaban por las garantías constitucionales de la República, por lo que en 1936 se exilió junto con su familia a Francia. Con el estallido de la II Guerra Mundial, tras un largo viaje, la familia Basterrechea llegó a... Ver mas
Escultor y pintor español nacido en Bermeo, Vizcaya. Su padre era uno de los que velaban por las garantías constitucionales de la República, por lo que en 1936 se exilió junto con su familia a Francia. Con el estallido de la II Guerra Mundial, tras un largo viaje, la familia Basterrechea llegó a Buenos Aires, donde se integró con los refugiados españoles. Uno de ellos, el gallego Castelao, le encargó la confección de la portada del primer número de la revista Galeusca. En 1952, con 28 años, regresó a España en viaje de bodas y ganó el concurso para la realización de las pinturas murales de la cripta de la basílica de Arántzazu, en Oñate. Eran más de 500 metros cuadrados de obra repartidos en 18 murales. Allí entró en contacto con el escultor Jorge Oteiza. Tras un año de trabajo, cuando ya había elaborado once murales, los franciscanos de la basílica borraron en una noche su obra, por considerarla inadecuada. Esto supuso un duro golpe para él que no superó hasta 1985, año en que redecoró aquellos muros. A finales de la década de los cincuenta formó parte de los grupos de vanguardia más importantes del campo creativo español: el Equipo 57 y el grupo Gaur, con Oteiza, Chillida, Mendiburu, Ruiz Balerdi, Amable Arias o Sistiaga, entre otros. A partir de 1963, y durante diez años, desarrolló su trabajo en el campo del diseño industrial, sobre todo en la decoración de hoteles y diseño de muebles. También practicó la fotografía experimental con la que hizo una exposición en Bilbao en 1969. En los años setenta se produjo en él una concienciación del problema vasco y empezó a expresar la idea vasca con el uso de viejas vigas de madera de roble para sus esculturas. En 1982, una escultura suya, que representaba un árbol de siete ramas, resultó ganadora en el concurso de ideas, convocado por el Parlamento vasco, para presidir el hemiciclo. En septiembre de 1987 realizó su primera exposición individual en Madrid, en el Museo Español de Arte Contemporáneo. La antología, que constaba de 140 piezas, entre esculturas, pinturas, dibujos y collages, recogía distintas épocas de su actividad. El 21 de diciembre de 1988 se inauguró su obra Paloma por la Paz, de siete metros de alta por nueve de ancha, que se instaló en el paseo de Zurriola de San Sebastián, cerca del estadio de Anoeta. Otra obra suya, Monumento al pastor vasco, se encuentra instalada en la localidad de Reno, en el estado norteamericano de Atlanta desde agosto de 1989. Para realizar este monumento, primera escultura sobre Euskadi en Estados Unidos, fue seleccionado entre treinta artistas internacionales. En 1993 realizó una escultura de hormigón de 60 metros para el muro de contención de la presa de Arriarán de Beasain, en Guipúzcoa. Además de la escultura y la pintura, también realizó cine. Así nacieron los cortometrajes Operación H (1963), Pelotari (1964) y Alquézar, retablo de pasión (1965), estos dos últimos dirigidos junto con Fernando Larruquert, al igual que el largometraje Ama Lur - Tierra Madre (1966), una hermosa visión del paisaje y los hombres vascos. También es autor de varios documentales y de una serie sobre las culturas prehispánicas. © M.C.N.
Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

Óscar Domínguez (1906/1957)

97

Óscar Domínguez (1906/1957)

Pintor español, nacido en San Cristóbal de la Laguna (Tenerife) y fallecido en París, ciudad en la que vivió la mayor parte de su vida. Es uno de los máximos representantes españoles del surrealismo junto con Salvador Dalí y Joan Miró. Su obra, abierta a múltiples influencias, tiene conexiones... Ver mas
Pintor español, nacido en San Cristóbal de la Laguna (Tenerife) y fallecido en París, ciudad en la que vivió la mayor parte de su vida. Es uno de los máximos representantes españoles del surrealismo junto con Salvador Dalí y Joan Miró. Su obra, abierta a múltiples influencias, tiene conexiones directas, que van más allá de la mera imitación, con la de Pablo Picasso, Salvador Dalí y Victor Brauner. A partir de 1929, se estableció definitivamente en París, ciudad a la que había acudido anteriormente en varias y breves estancias por negocios familiares. En 1933, realizó su primera exposición surrealista en el Círculo de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife. Al año siguiente, estableció contacto con André Breton, incorporándose al grupo de los surrealistas hasta su alejamiento en 1948, cuando Breton dejó de incluirle en las muestras del grupo; permaneció, sin embargo, siempre fiel a su amistad con el poeta Paul Éluard. Creación suya fueron las Decalcomanías o Calcomanías, que André Breton y Paul Éluard definieron en su Dictionnaire abrégé du surréalisme (Diccionario abreviado del surrealismo) como sigue: "Decalcomanía (sin objeto preconcebido o decalcomanía del deseo) — Extended, mediante un pincel grueso, gouache negro más o menos diluido en distintos puntos de una hoja de papel satinado blanco, que recubriréis inmediatamente con otra igual, sobre la que ejerceréis una ligera presión. Levantadla deprisa (procedimiento descubierto por Óscar Domínguez en 1936)". Ese año el artista inició el proceso de realización de otras, menos azarosas, en las que se servía de plantillas y que limitaban más la interpretación libre del espectador a las que llamó "decalcomanías automáticas de interpretación premeditada". En su producción tuvieron también gran importancia los objetos de funcionamiento simbólico, de los que tantos realizara Dalí, y que combinaban funcionamiento mecánico y representación de los deseos eróticos reprimidos. Ilustrador de numerosas publicaciones de la época, publicó, en 1947, su libro de versos Les deux qui se croisent (Los dos que se miran). © M.E.
Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

Rafael Zabaleta (1907/1960)

98

Rafael Zabaleta (1907/1960)

Pintor español. En el realismo expresionista de su obra se unen la visión formal del cubismo, la violencia cromática del fauvismo y la deformación del expresionismo. Nació en Quesada, Jaén, y en 1924 inició sus estudios artísticos en la Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid. En 1934... Ver mas
Pintor español. En el realismo expresionista de su obra se unen la visión formal del cubismo, la violencia cromática del fauvismo y la deformación del expresionismo. Nació en Quesada, Jaén, y en 1924 inició sus estudios artísticos en la Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid. En 1934 viajó a París y conoció las obras de los principales pintores de vanguardia. Realizó su primera exposición en la galería Biosca de Madrid en 1942, por la que recibió una crítica favorable de Eugenio D’Ors, que llegó a calificarlo como el pintor más importante de su época. Un extraño surrealismo ‘provinciano’ puebla sus primeras obras, que va depurando a medida que crece el interés por representar su pueblo natal, Quesada, con fuerte cromatismo y aire geometrizante que le acercan al fauvismo y también al aire ingenuo del arte naïf. Sus obras de madurez poseen un lirismo rústico y profundo que permite hablar de una pintura humanista, dotada de un optimismo multicolor, con mujeres de formas rotundas y carnales y un color jubiloso que refleja el gozo con el que están pintadas. © M.E.
Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

Juan de Juanes (1523/1579)

99

Juan de Juanes (1523/1579)

Pintor español, creador junto a su padre, el también pintor Vicente Masip, de un lenguaje artístico de raíz rafaelesca, que inspiró la actividad de la escuela levantina en toda la segunda mitad del siglo XVI. También conocido como Juan Masip, parece ser que nació en Valencia y se formó en el... Ver mas
Pintor español, creador junto a su padre, el también pintor Vicente Masip, de un lenguaje artístico de raíz rafaelesca, que inspiró la actividad de la escuela levantina en toda la segunda mitad del siglo XVI. También conocido como Juan Masip, parece ser que nació en Valencia y se formó en el taller de su padre, con quien colaboró desde muy joven. Partiendo de su estilo evolucionó después a un concepto más avanzado, de formas suaves y técnica más blanda, que enriqueció con el conocimiento de la estética manierista, en un muy probable viaje a Italia entre 1555 y 1563. Asimismo, en su pintura puede apreciarse una clara inclinación hacia el idealismo formal, la monumentalidad de los personajes y el equilibrio compositivo, cualidades todas del renacimiento clásico imperante en Italia en las primeras décadas del siglo XVI. Al igual que su padre, creó una serie de prototipos que se repitieron en la escuela levantina hasta la siguiente centuria (Ecce Homo, El Salvador, Museo del Prado, Madrid; Inmaculada, iglesia de la Campaña de Valencia). Autor de numerosas obras de devoción, realizó también importantes retablos, entre los que destaca el dedicado a la vida y martirio de san Esteban, pintado para la iglesia del santo en Valencia, y que hoy se conserva en el Museo del Prado (San Esteban en la sinagoga, San Esteban condenado al martirio, Martirio de san Esteban, Santa Cena, c. 1570, Museo del Prado). Otro aspecto de su arte es el de retratista, faceta que llevó a cabo con objetividad y realismo, como puede apreciarse en su autorretrato, incluido en la tabla del Entierro de san Esteban del Museo del Prado y en el del predicador Mosén Bautista Agnés, al que representa dentro de la composición Bodas místicas del venerable Agnesio (Museo de Valencia), uno de los más hermosos cuadros del renacimiento español. © M.E.
Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

Eugenio Cajés (1574/1634)

100

Eugenio Cajés (1574/1634)

Pintor español, nacido en Madrid en 1574, ciudad donde desarrolla la mayor parte de su actividad y donde muere en 1634. Fue hijo del pintor italiano Patricio Cajés, que había llegado a El Escorial, donde trabaja, junto a Bartolomé Carducho; junto a su padre recibe el primer aprendizaje como... Ver mas
Pintor español, nacido en Madrid en 1574, ciudad donde desarrolla la mayor parte de su actividad y donde muere en 1634. Fue hijo del pintor italiano Patricio Cajés, que había llegado a El Escorial, donde trabaja, junto a Bartolomé Carducho; junto a su padre recibe el primer aprendizaje como pintor. En 1606 pasa al servicio del palacio y en 1618 es nombrado pintor de cámara. Colabora en sus primeras realizaciones con Vicente Carducho, con quien realiza la decoración de la Capilla del Sagrario en la catedral de Toledo. En 1618 se le encarga la realización de las pinturas del Retablo del Monasterio de Guadalupe y en 1619 el Retablo de la iglesia de Algete, en estas obras en las que muestra un interesante estudio lumínico que le acerca a las propuestas del naturalismo y lo que será el tenebrismo. Otras obras destacadas de su producción son: La caída de los ángeles, de 1605; El abrazo de San Joaquín y Santa Ana del mismo año; y Santa Leocadia pintada en 1616; en éstas muestra todavía un resabio manierista, propio de los pintores de El Escorial, pero con un acercamiento a las propuestas naturalistas de Caravaggio. En 1634, participa en la decoración del Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, donde realiza los lienzos de la Recuperación de Puerto Rico y la Recuperación de la isla de San Cristóbal, de marcado carácter heroico. © Esther Alegre Carvajal
Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

Juan de Pareja (1610/1670)

101

Juan de Pareja (1610/1670)

Pintor sevillano, nacido de padres esclavos en 1610. Sirvió a Velázquez también como esclavo, ocupándose en limpiar pinceles, moler colores y preparar cuadros, y se dedicó en secreto a la pintura, copiando e imitando las obras de su amo. Acompañó a éste a Italia, y siguió haciendo progresos. De... Ver mas
Pintor sevillano, nacido de padres esclavos en 1610. Sirvió a Velázquez también como esclavo, ocupándose en limpiar pinceles, moler colores y preparar cuadros, y se dedicó en secreto a la pintura, copiando e imitando las obras de su amo. Acompañó a éste a Italia, y siguió haciendo progresos. De vuelta a Madrid descubrió su habilidad delante del rey Felipe IV, al visitar éste un día el estudio de Velázquez, obteniendo de este modo la libertad. Fue discípulo del que fuera su amo y llegó a imitarle con tal perfección, que sus obras se han confundido muchas veces con las de Velázquez y las de su yerno Juan Bautista del Mazo. Las más notables son: La vocación de San Mateo (en el palacio de Aranjuez); Bautismo de Cristo (en Toledo); San Juan Evangelista; San Oroncio; La Virgen de Guadalupe (en Madrid). © M.C.N.
Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

Eliseo Meifrén Roig (1859/1940)

102

Eliseo Meifrén Roig (1859/1940)

Pintor español nacido en Barcelona. Inició sus estudios de pintura en la Escuela de Bellas Artes de la Lonja de Barcelona y más tarde a París, donde toma contacto con Santiago Rusignol y Ramón Casas y participa con ellos en las inquietudes del Modernismo, de hecho, participará en las Fiestas... Ver mas
Pintor español nacido en Barcelona. Inició sus estudios de pintura en la Escuela de Bellas Artes de la Lonja de Barcelona y más tarde a París, donde toma contacto con Santiago Rusignol y Ramón Casas y participa con ellos en las inquietudes del Modernismo, de hecho, participará en las Fiestas Modernistas que el primero organizará en Sitges. Posteriormente viajó a Italia, donde residió hasta 1881. A su regreso, se instaló en Sitges, destacando como paisajista y pintor de escenas de género. Los temas de su pintura abarcan todo el Norte español, aunque con preferencia por los temas relacionados con Cataluña. Destaca por su manejo de la luz y del color, así como por el detallismo de sus cuadros. Con todo, sus acercamientos prácticos al Modernismo fueron tímidos. Probablemente fuera el miedo a perder la clientela lo que lo mantuvo aferrado a una estética más tradicional. De esta manera, será hacia 1930 cuando se atreva a llevar a cabo cuadros marcadamente impresionistas. No se le debe, sin embargo, reprochar tal apego a una técnica tradicional en la que, por otro lado, dio excelentes resultados. El respeto que su obra le merecía lo prueba el hecho de que, cuando pintaba a conciencia obras en serie para vender, firmaba con seudónimo. © G.F.S.E.
Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

Aureliano de Beruete (1845/1912)

103

Aureliano de Beruete (1845/1912)

Pintor, crítico, coleccionista y político español nacido en Madrid, especializado en el género paisajista. Procedente de una familia acomodada, estudió en el Colegio Internacional (conectado ideológicamente con la futura Institución Libre de Enseñanza de la que será fundador en el año 1877... Ver mas
Pintor, crítico, coleccionista y político español nacido en Madrid, especializado en el género paisajista. Procedente de una familia acomodada, estudió en el Colegio Internacional (conectado ideológicamente con la futura Institución Libre de Enseñanza de la que será fundador en el año 1877). Después de doctorarse en Derecho fue diputado de talante liberal (1871-1872). Asistió a las clases de pintura del paisajista Carlos Haes en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, iniciándose en la pintura naturalista al aire libre, favorecido por su infatigable espíritu viajero. Perteneciente a la corriente realista y al pensamiento positivista, Beruete viajó a París, donde conoció a Martín Rico, quien le introdujo en la Escuela de Barbizon donde aprendió el uso directo de la luz, que le ayudará a crear su propios paisajes, ajenos por completo al estilo folclorista de la moda de la época. Técnicamente, es un artista de pincelada suelta y fluida, finalmente impresionista, de composiciones abiertas y luminosas. Más apegado a la corriente tradicionalista del paisaje que a las incipientes vanguardias, su temática, más renovadora que su técnica, refleja paisajes cercanos al entorno urbano o panorámicas del campo castellano. Miembro de la Hispanic Society de Nueva York (1908) destacamos también su papel de crítico, como lo constata su excelente monografía de Velázquez (París, 1898) traducida a múltiples idiomas. Además, ilustró con dibujos a pluma los Episodios Nacionales de Benito Pérez Galdós en sintonía con la corriente del estilo de la generación del 98 de la época. Su hijo, Aureliano Beruete y Moret, llegó a ser director del Museo del Prado. © M.E.
Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

Valeriano Domínguez Bécquer (1833/1870)

104

Valeriano Domínguez Bécquer (1833/1870)

Pintor español nacido en Sevilla, hermano del poeta Gustavo Adolfo Bécquer. Tras la muerte de su padre, en 1841, tanto él como su hermano, quedaron a cargo de dos de sus tíos, Juan de Vargas y Joaquín Domínguez Bécquer, también pintor, del que Valeriano aprendió sus primeros pasos en la pintura... Ver mas
Pintor español nacido en Sevilla, hermano del poeta Gustavo Adolfo Bécquer. Tras la muerte de su padre, en 1841, tanto él como su hermano, quedaron a cargo de dos de sus tíos, Juan de Vargas y Joaquín Domínguez Bécquer, también pintor, del que Valeriano aprendió sus primeros pasos en la pintura. Con 21 años marchó a Madrid, dónde se relacionó con los reducidos círculos artísticos madrileños, gracias al también pintor José Casado del Alisal. Más tarde y junto a su hermano, emprendió una serie de largos viajes que les mantendrían alejados de Madrid durante tres años, y que les llevarían por tierras de Aragón, Castilla, Navarra y País Vasco. Mientras tanto, amplió la colaboración periodística y se ganó un nombre entre los retratistas madrileños. De la primera destaca su papel en el periódico La Ilustración de Madrid, dirigida por Eduardo Gasset y cuyo director literario era su hermano Gustavo Adolfo. El primer número apareció el día 12 de enero de 1870, y sólo unos meses más tarde se anunciaba en las mismas páginas la repentina muerte del pintor. Unos días más tarde, el 27 de diciembre de 1870, murió también su hermano Gustavo Adolfo. En su obra se ve cierta admiración por la pintura española de Murillo, Velázquez y Alenza, y es particularmente rica en lo referente a la representación de tipos, trajes y costumbres de los pueblos españoles. © epdlp
Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

Juan Antonio Ribera (1779/1860)

105

Juan Antonio Ribera (1779/1860)

Pintor español nacido en Madrid. Inició sus estudios artísticos como alumno de José Piquer y luego de Francisco Bayeu. En el concurso de la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid de 1802 obtuvo un segundo premio de primera clase por una copia de Caída en el camino del Calvario, «el... Ver mas
Pintor español nacido en Madrid. Inició sus estudios artísticos como alumno de José Piquer y luego de Francisco Bayeu. En el concurso de la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid de 1802 obtuvo un segundo premio de primera clase por una copia de Caída en el camino del Calvario, «el pasmo de Sicilia», de Rafael, lo que le valió una pensión del rey para estudiar en París. Allí fue discípulo destacado de Jacques-Louis David, quien elogió públicamente su obra Cincinato, abandona el arado para dictar leyes a Roma (1806). Nombrado pintor de cámara por Carlos IV, le acompañó en 1812 a Roma, donde fue elegido miembro de mérito de la Academia de San Lucas. En 1816 Fernando VII le confirmó como pintor de cámara. Ya de vuelta en Madrid, en 1820 fue nombrado individuo de mérito de la Academia de San Fernando. En 1835, Ribera se vio cesado por la Real Casa como pintor de cámara. Fue director del Museo del Prado de 1857 a 1860. Entre las tareas que desempeñó durante el breve periodo de su mandato destaca la actividad restauradora, justamente aquella que había motivado el cese de su antecesor, en desacuerdo con el decreto citado, que regía el funcionamiento de los talleres del Museo. La actividad que desarrolló durante su etapa como director fue considerable; en tres años se restauraron un total de cincuenta y seis obras. También se preocupó por el problema de las humedades en el edificio; propuso que se enarenara el terreno entre la fachada y el paseo del Prado y se restableciera el desnivel hacia éste para mejor evacuación de las aguas de la lluvia. Por otra parte, Ribera atendió a la seguridad del Museo, que contó desde 1859 con una guardia de un cabo y cuatro soldados. © Javier Barón
Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

Isidre Nonell (1873/1911)

106

Isidre Nonell (1873/1911)

Fundamentalmente autodidacta, fue un artista inquieto e incomprendido en su tiempo y se convirtió en el símbolo de toda una generación de pintores jóvenes que pretendían más realismo y sinceridad. Su obra, siempre difícil de calificar, ha tenido una influencia decisiva en la pintura catalana... Ver mas
Fundamentalmente autodidacta, fue un artista inquieto e incomprendido en su tiempo y se convirtió en el símbolo de toda una generación de pintores jóvenes que pretendían más realismo y sinceridad. Su obra, siempre difícil de calificar, ha tenido una influencia decisiva en la pintura catalana moderna, caracterizada por un realismo sensual y un contenido dramático. En 1892 se presentó en la Sala Parés de Barcelona, en 1894 participó en la Exposición de Bellas Artes de dicha ciudad y, de 1895 a 1910, concursó en las Nacionales de Madrid. En 1896 se trasladó a Caldes de Boí junto a su amigo Canals, donde pintó la reconocida serie de cuadros de los Cretinos de Boí. En 1897 viajó a París, donde participó en diversas exposiciones, entre ellas la que realizó junto a su colega Canals en 1898. En 1903, la Sala Parés presentó una exposición dedicada a las gitanas de Nonell. Era una decisión arriesgada porque nunca se había visto en Barcelona una muestra tan realista de estos personajes. El público, pero sobre todo la crítica y los pintores académicos, fueron implacables y hostiles con la obra presentada y Nonell, desencantado, se trasladó a París y se estableció en el 49 de la rue Gabrielle. Las gitanas del pintor no fueron reconocidas hasta 1910, poco antes de la muerte del artista, año en que empezaron a ser valoradas y adquiridas por numerosos marchantes y coleccionistas. Dejando de lado sus primeros cuadros de la Colla Sant Martí con visiones de suburbios marginados que derivarían más tarde hacia el expresionismo inquietante y despiadado de los Cretinos de Boí, lo más representativo de su obra fueron las gitanas. El autor las plasmaba primordialmente con contornos cerrados, con trazos negros y colores oscuros, acarminados y verdes opacos aunque más tarde clarificó su paleta con tonalidades más suaves de rosados y verdáceos. Con su personalísimo estilo, que se caracterizaba por un trenzado de pinceladas muy expresivo y sintetizado con gruesos de materia abundante, acentuaba el dramatismo de las figuras femeninas marginadas por la sociedad. © epdlp
Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

Josep María Sert (1874/1945)

107

Josep María Sert (1874/1945)

Pintor español, nacido en Barcelona en 1874, y muerto en su ciudad natal en 1945. Era hijo de un acaudalado artista que había hecho su fortuna pintando tapices; por ello, su afición a los pinceles era claramente familiar. Estudió en la Lonja y en la academia de Pedro Borrell, en Barcelona, y en... Ver mas
Pintor español, nacido en Barcelona en 1874, y muerto en su ciudad natal en 1945. Era hijo de un acaudalado artista que había hecho su fortuna pintando tapices; por ello, su afición a los pinceles era claramente familiar. Estudió en la Lonja y en la academia de Pedro Borrell, en Barcelona, y en 1899 viajó a París para completar su formación pictórica: estudió composición, dibujo y colorido. En 1900 decoró el pabellón del Art Nouveau en la Exposición Universal de Bing, y más tarde, emprendió la magna obra de decorar la catedral de Vic, trabajó que no concluyó hasta 1929. Especializado en la pintura mural, realizó numerosas decoraciones en mansiones europeas y norteamericanas: el palacio de los marqueses de Salamanca (Madrid), la residencia de Francisco Cambó (Barcelona), el comedor del hotel Waldorf Astoria (Nueva York), la escalinata de honor y el salón de las Crónicas del ayuntamiento de Barcelona, el salón de sesiones del Consejo de la Sociedad de Naciones en Ginebra, las dependencias del Rockefeller Center (Nueva York) y la mansión de Juan March (Mallorca). De gran imaginación, al estilo de Rubens, mezcló la Biblia y la zoología fantástica, el majismo goyesco y los títeres. © Beatriz Alegre Carvajal
Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

Albert Ráfols-Casamada (1923/2009)

108

Albert Ráfols-Casamada (1923/2009)

Pintor español, uno de los pioneros de la corriente abstracta catalana de posguerra. Nació en Barcelona, y tras abandonar los estudios de arquitectura en 1950, inició una serie de largas estancias en París, hasta que en 1954 comenzó a crear sus primeras obras abstractas. Poco a poco reemplazó el... Ver mas
Pintor español, uno de los pioneros de la corriente abstracta catalana de posguerra. Nació en Barcelona, y tras abandonar los estudios de arquitectura en 1950, inició una serie de largas estancias en París, hasta que en 1954 comenzó a crear sus primeras obras abstractas. Poco a poco reemplazó el figurativismo cubista de su primera etapa por la abstracción pura, a la que llegó a finales de la década de los cincuenta con obras como Canteras (1958). En estas obras se aprecia la estructuración de los lienzos y las formas ortogonales, con las que construye el espacio del cuadro aplicando un color suave y luminoso. Las influencias de Piet Mondrian y Mark Rothko constituyen la base de estas pinturas. Ya en la década de los sesenta se produjo en la obra de Ráfols Casamada una reducción cromática que, apurando los extremos, llegó a la máxima simplificación con la utilización exclusivamente del color blanco. Desde entonces, retomó las alusiones figurativas, utilizando recursos del Pop Art y del collage en obras como La emoción y la razón (1965). A mediados de la década de los setenta, y con la influencia del realismo europeo a sus espaldas, afirmó su lenguaje plástico mediante la división del lienzo en planos horizontales y verticales, para potenciar el contraste entre los colores. Este protagonismo absoluto del cromatismo luminoso, transparente y delicado se consolidó en la década de 1980 con obras como Invernadero (1982) y Vas Blau (1987). © M.E.
Galardones:
Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

Joan Panisello Chavarria (1944)

109

Joan Panisello Chavarria (1944)

Ceramista nacido en Jesús (barrio de Tortosa; Tarragona). Maestro de Enseñanza Primaria (1965), graduado en Artes Aplicadas (1975) y profesor en la ESO, de área Visual y Plástica (1998). Joan Panisello Chavarria está considerado uno de los más importantes maestros del arte cerámico en España. Ha... Ver mas
Ceramista nacido en Jesús (barrio de Tortosa; Tarragona). Maestro de Enseñanza Primaria (1965), graduado en Artes Aplicadas (1975) y profesor en la ESO, de área Visual y Plástica (1998). Joan Panisello Chavarria está considerado uno de los más importantes maestros del arte cerámico en España. Ha realizado más de 200 exposiciones (entre individuales y colectivas), habiendo sido comentado en más de 500 publicaciones (tanto nacionales como internacionales); cuenta con una treintena de premios, y dispone de taller y tres salas de exposición permanente. La obra de Panisello se encuentra en el Museo del Vaticano; el Museo de Arte Moderno de Managua (Nicaragua); la Fundación Condorhuasi (Argentina); en el Museo de Arte Moderno de la Diputación de Tarragona; en el Fondo de Arte “Agrupació Mutua” (Barcelona); en el Centro Cultural de la Villa de Madrid; en la Colección Caixa Penedès; en el Museo “Torre Vella” (Salou; Tarragona); en el Museo Tiflológico, de la Fundación ONCE (Madrid); en el Centre del Comerç (Tortosa); en el Torreó Bernad (Benicàssim. Castellón), y en otros muchos museos y pinacotecas españolas y extranjeras. Además, no cesa a asistir a congresos, simposiums, conferencias de Europa y América relacionadas con el arte cerámico, invitado para participar como experto en el tema.

Joan Panisello basa su singular arte en una técnica plenamente innovadora, en la cual la arcilla alcanza cotas de incalculable dimensión especial, plenas de libertad y de una belleza mitológica. Partiendo de las concepciones clásicas de las figuras ha llegado hasta las más vanguardistas. Un recorrido que se inició hace tres décadas, con las formas simples (concéntricas y simétricas), prosiguió con las formas asimétricas; alcanzando el plano (cartelas, plafones y murales); descubrió la magia del rakú oriental; investigó luego el binomio árbol-hombre, para alcanzar, finalmente, el Cosmos, con las piezas astrales que parecen que cuentan con el poder de volar hacia el infinito. Panisello, por lo tanto, es un creador de innovadores diseños y técnicas relacionados con el arte cerámico de dimensión escultórica; su equilibrio estético y espacial sorprende por la belleza y volumen y los sorprendentes diseños de sus piezas. © Jesús Avila Granados
Web Recomendada:
Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

Eduardo Laborda Gil (1952)

110

Eduardo Laborda Gil (1952)

Pintor español nacido en Zaragoza. Estudió en la Escuela de Artes de Zaragoza y en 1983 realiza su primer cortometraje, Otraosteología, al que le seguirán otros diez, entre ellos un documental sobre los escultores José Bueno y Félix Burriel. En 1987, junto al escritor y editor Fernando Jiménez... Ver mas
Pintor español nacido en Zaragoza. Estudió en la Escuela de Artes de Zaragoza y en 1983 realiza su primer cortometraje, Otraosteología, al que le seguirán otros diez, entre ellos un documental sobre los escultores José Bueno y Félix Burriel. En 1987, junto al escritor y editor Fernando Jiménez Ocaña, publica la revista La Avispa, órgano difuso del rastro zaragozano y desde mayo de 1993 funda y dirige la revista aragonesa de artes plásticas Pasarela. Desde 1972 se interesa por un paisaje neocubista que deriva hacia un paisaje abstraído de colores cálidos y veladuras. Al mismo tiempo, maniquíes y figuras humanas se incorporan al paisaje urbano o a interiores. Entre finales de 1974 y hasta 1980 realiza una obra, que titula “paisajes rocosos”, como evolución del paisaje urbano, pero hecho como bloques de piedra, el cual deriva hacia una abstracción con elementos figurativos, surgiendo organismos -máquina y fósiles que ocupan un primer plano con fondos sobre los que destacan el tema principal. Los colores se tornan más fríos. Hasta 1985 predominan los cuerpos y torsos metálicos de seres deteriorados por el tiempo, mientras que a partir de 1986 dichos temas son sustituidos por frisos y relieves renacentistas y esculturas clásicas, así como las máquinas y fósiles, en una especie de síntesis con todo lo anterior. Dichos temas se colocan en interiores o en paisajes con gran espacio. Una variante, dentro de la misma combinación, se basa en el paisaje urbano con fábricas del pasado o en ese cruce, frontera entre el final de toda ciudad y el campo a punto de desaparecer. Aquí se potencia la soledad y la sensación de pérdida, de tiempo pasado, lo cual se multiplica cuando el paisaje urbano se muestra como tal, sin otros elementos. Mantiene los colores fríos en sintonía con los temas. © GEA
Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

Juan Pantoja de la Cruz (1553/1608)

111

Juan Pantoja de la Cruz (1553/1608)

Pintor español de la corte de Felipe III, especialista en retratos. Nació en Valladolid y fue discípulo del retratista de Felipe II Alonso Sánchez Coello, continuando su estilo dentro de esta temática. En su obra predomina el retrato de cuerpo entero, de concepción algo rígida y tratamiento... Ver mas
Pintor español de la corte de Felipe III, especialista en retratos. Nació en Valladolid y fue discípulo del retratista de Felipe II Alonso Sánchez Coello, continuando su estilo dentro de esta temática. En su obra predomina el retrato de cuerpo entero, de concepción algo rígida y tratamiento distante del modelo. Artista cortesano, representó fundamentalmente a la familia real y a miembros de la aristocracia, mostrando un especial interés por describir con técnica precisa y minuciosa la lujosa vestimenta de los personajes, (retratos del rey Felipe III y de la reina Margarita de Austria, 1606, Museo del Prado, Madrid). También pintó asuntos religiosos en los que utilizó un estilo más avanzado, con una inclinación hacia la iluminación tenebrista cercana al nuevo gusto barroco, como en Adoración de los pastores (1605, Museo del Prado) y Resurrección (1605,
Ha recibido 7 puntos

Vótalo:

Luis Tristán (1585/1624)

112

Luis Tristán (1585/1624)

Pintor de la escuela toledana, uno de los más tempranos representantes del naturalismo tenebrista en la pintura barroca española. Nacido en un pueblo toledano, se formó con El Greco entre 1603 y 1606. Debió de viajar a Italia en los años siguientes, pero en 1613 se encontraba de nuevo en Toledo... Ver mas
Pintor de la escuela toledana, uno de los más tempranos representantes del naturalismo tenebrista en la pintura barroca española. Nacido en un pueblo toledano, se formó con El Greco entre 1603 y 1606. Debió de viajar a Italia en los años siguientes, pero en 1613 se encontraba de nuevo en Toledo, donde residió el resto de su vida. Aunque en algunas de sus obras, como en La Trinidad de la catedral de Sevilla (1624), se aprecia la influencia del cretense en sus formas alargadas y en el empleo de una gama cromática fría, su pintura forma parte del lenguaje del naturalismo tenebrista, creado por Caravaggio en torno a 1600, que pudo conocer durante su estancia italiana y también en Toledo a través de la obra de Juan Bautista Maino y de Orazio Borgianni, artista romano que visitó España en los primeros años del siglo XVII. A este estilo se debe su interés por conseguir la individualidad de los personajes, inspirados en modelos cotidianos, y el uso de una iluminación de intensos contrastes, así como su paleta, en la que predominan los tonos terrosos y rojizos similares a los empleados por otros pintores de su generación, como Pedro Orrente y Ribalta. También es propia del primer barroco su técnica lisa y compacta, interesada en la plasmación de calidades y en la descripción realista de detalles. Pintor dedicado fundamentalmente a los temas religiosos, destacan en su producción los retablos de la parroquia de Yepes (1616) y del convento de Santa Clara en Toledo (1623), así como la obra San Luis de Francia repartiendo limosnas (1620), del Museo del Louvre. Aunque no se conocen muchos ejemplos de su actividad como retratista, destaca en este apartado el retrato del Cardenal Sandoval y Rojas, que pintó en 1619 para la serie de prelados que orna la sala capitular de la catedral toledana. © M.E.
Ha recibido 7 puntos

Vótalo:

Ignasi Pinazo i Camarlench (1840/1916)

113

Ignasi Pinazo i Camarlench (1840/1916)

Pintor español, nacido en Valencia. De familia muy humilde, se vio obligado a trabajar desde edad muy temprana como aprendiz de sombrerero, utilizando los beneficios de la libertad de enseñanza y haciendo un gran sacrificio para compatibilizarlo con su trabajo. Se matriculó en 1870 en la clase... Ver mas
Pintor español, nacido en Valencia. De familia muy humilde, se vio obligado a trabajar desde edad muy temprana como aprendiz de sombrerero, utilizando los beneficios de la libertad de enseñanza y haciendo un gran sacrificio para compatibilizarlo con su trabajo. Se matriculó en 1870 en la clase nocturna de colorido, con gran asombro de los profesores que no le conocían como discípulo de ninguna otra clase de dibujo. Marchó a Roma, sin medios pero deseando realizar su sueño de estudiar directamente de los maestros del Renacimiento. Permaneció allí durante dos años como discípulo de Casado. Otras obras del artista son: Los hijos del Cid, un Fauno, que fue premiado por el Rey Alfonso XII. La Abdicación de Don Jaime I de Aragón en el lecho de muerte le valió la primera medalla en la Exposición Nacional de 1881. Fue elegido en 1895 académico de San Carlos. © M.C.N.
Ha recibido 7 puntos

Vótalo:

Ramón Martí Alsina (1826/1894)

114

Ramón Martí Alsina (1826/1894)

Pintor español, activo en Barcelona, donde inició el género del paisaje realista. Se formó como pintor en la escuela de la Lonja de Barcelona entre 1840 y 1845, de donde él mismo fue profesor de dibujo posteriormente. Viajó a París en varias ocasiones con el fin de conocer las novedades... Ver mas
Pintor español, activo en Barcelona, donde inició el género del paisaje realista. Se formó como pintor en la escuela de la Lonja de Barcelona entre 1840 y 1845, de donde él mismo fue profesor de dibujo posteriormente. Viajó a París en varias ocasiones con el fin de conocer las novedades estéticas del arte francés, y allí se interesó por la pintura de paisaje de la Escuela de Barbizon y por el estilo de Courbet, cuya influencia se advierte en algunas de sus obras posteriores. Artista completo, no sólo pintó paisajes, urbanos o campestres, y marinas, sino también algún cuadro de historia, desnudos y retratos. Su producción es en ocasiones muy irregular debido a su vida bohemia y a los constantes problemas económicos que le llevaron a abrir hasta siete talleres, en los que en cierto modo industrializó su arte. © M.E.
Ha recibido 7 puntos

Vótalo:

Eusebi Arnau (1864/1933)

115

Eusebi Arnau (1864/1933)

Escultor español, nacido en Barcelona. Comenzó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, después completó su formación en Roma, Florencia y París. En 1891, cuando contaba 27 años de edad, expuso en el Palacio de Bellas Artes de Barcelona su famoso bajorrelieve Traslación de los... Ver mas
Escultor español, nacido en Barcelona. Comenzó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, después completó su formación en Roma, Florencia y París. En 1891, cuando contaba 27 años de edad, expuso en el Palacio de Bellas Artes de Barcelona su famoso bajorrelieve Traslación de los restos de Santa Eulalia, obra a la que siguieron sus decoraciones en numerosos edificios de su ciudad natal. Destacó también por sus dotes como medallista. © M.C.N.
Ha recibido 7 puntos

Vótalo:

Miquel Utrillo (1862/1934)

116

Miquel Utrillo (1862/1934)

Pintor, ingeniero y promotor artístico catalán nacido en Barcelona. Gran amigo de Santiago Rusiñol y de Ramon Casas, forma junto a ellos el núcleo más representativo del modernismo plástico en Catalunya. Fue el promotor de la revista de arte y cultura Pel i Ploma y el inspirador de la revista... Ver mas
Pintor, ingeniero y promotor artístico catalán nacido en Barcelona. Gran amigo de Santiago Rusiñol y de Ramon Casas, forma junto a ellos el núcleo más representativo del modernismo plástico en Catalunya. Fue el promotor de la revista de arte y cultura Pel i Ploma y el inspirador de la revista Forma, una de las primeras publicaciones que se ocuparán del joven pintor Pablo Picasso. Más tarde ejerció la dirección artística de la Enciclopedia Espasa. También colaboró en las revistas Luz y Els Quatre Gats. Relacionado con el mundo cultural de la ciudad de Sitges, dirigió las instalaciones del Palau de Maricel, siendo uno de los asesores artísticos de la Exposición Universal de Barcelona de 1929. La paternidad del Poble Espanyol la comparte junto a Xavier Nogués, Ramon Raventós y Francesc Folguera. En París mantuvo una relación con la pintora Suzanne Valadon cuyo hijo natural, el futuro pintor Maurice Utrillo (1889-1955), reconoció. © epdlp
Ha recibido 7 puntos

Vótalo:

Ricard Canals (1876/1931)

117

Ricard Canals (1876/1931)

Pintor español nacido en Barcelona. Tras estudiar en la Lonja de Barcelona, marchó con Isidre Nonell a París, donde se sintió atraído por los maestros impresionistas. Su obra conjuga la estética impresionista con una temática folclórica hispana, como ejemplo sus obras, Un palco en los toros y... Ver mas
Pintor español nacido en Barcelona. Tras estudiar en la Lonja de Barcelona, marchó con Isidre Nonell a París, donde se sintió atraído por los maestros impresionistas. Su obra conjuga la estética impresionista con una temática folclórica hispana, como ejemplo sus obras, Un palco en los toros y Las cigarreras. Murió en Barcelona en 1931. © B.Y.V.
Ha recibido 7 puntos

Vótalo:

Darío Villalba (1939)

118

Darío Villalba (1939)

Pintor español nacido en San Sebastián. Tras establecerse en Madrid en 1946, hizo su primera exposición en 1957. Paralelamente, estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, en el taller de André Lothe en París (1958) y en el Departamento de Artes Plásticas de la Universidad... Ver mas
Pintor español nacido en San Sebastián. Tras establecerse en Madrid en 1946, hizo su primera exposición en 1957. Paralelamente, estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, en el taller de André Lothe en París (1958) y en el Departamento de Artes Plásticas de la Universidad de Harvard (1963). Después de unos primeros años expresionistas, herederos del informalismo de la década de 1950, a partir de 1966 empezó a realizar sus características figuras de gran tamaño, pintadas con colores fuertes y encapsuladas en metacrilato, que encuentran reconocimiento internacional en las Bienales de Venecia (1970) y São Paulo (1973). Durante esta década fue sustituyendo la pintura por la fotografía en blanco y negro, y el metacrilato por jaulas de plástico que contribuyen a agudizar el carácter trágico del tema, la angustia, la denuncia y la desesperación. Tras un retorno a la pintura durante la segunda mitad de la década de 1970, con obras abstractas y autoanalíticas, como su serie de cuadros negros, la década de 1980 supuso en la obra de Villalba un momento de síntesis y plenitud artística, incorporando fotografía y pintura, collage, figuración y abstracción, lirismo y elegancia formal. Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas en España, Europa y Estados Unidos. Tiene obra en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, en el Museo de Bellas Artes de Sevilla, en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York y en el Museo de Arte Abstracto de Cuenca, entre otros. En 2002 fue elegido miembro de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid). © M.E.
Galardones:
Ha recibido 7 puntos

Vótalo:

Juan Fernández Navarrete (1526/1579)

119

Juan Fernández Navarrete (1526/1579)

Llamado 'el Mudo', pintor español que trabajó para el rey Felipe II en la decoración del monasterio de El Escorial. Artista sordomudo, nacido en el seno de una familia acomodada, se formó en el riojano monasterio de la Estella (Logroño), en la región donde nació. Tras completar su educación en... Ver mas
Llamado 'el Mudo', pintor español que trabajó para el rey Felipe II en la decoración del monasterio de El Escorial. Artista sordomudo, nacido en el seno de una familia acomodada, se formó en el riojano monasterio de la Estella (Logroño), en la región donde nació. Tras completar su educación en Italia, hacia 1565 entró a formar parte del servicio de Felipe II, pintando por entonces el Bautismo de Cristo, hoy en el Museo del Prado. Su trabajo posterior estuvo dedicado a los encargos reales destinados a la decoración del monasterio de El Escorial, como los cuadros de parejas de santos que realiza para los altares de la basílica (1576-1579) y otras obras para distintos lugares del citado monasterio, entre los que destacan el Martirio de Santiago (1571, monasterio de El Escorial) y Abraham y los tres ángeles (1576, Museo de Dublín). En su obra puede apreciarse la evolución de su estilo desde un gusto romanista, de preciso dibujo y técnica abigarrada, hasta el uso de una factura suelta y un color suntuoso de origen veneciano, junto a un creciente interés por la realidad y por los contrastes luminosos, que preludiaban ya el arte barroco. © M.E.
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Jusepe Leonardo (1601/1656)

120

Jusepe Leonardo (1601/1656)

Pintor español nacido en Calatayud, Zaragoza. Fue discípulo de Pedro de las Cuevas, viviendo en su casa entre 1616 y 1621, lo que demuestra lo temprano de su llegada a la corte. Además, el tratadista Jusepe Martínez nos informa de su aprendizaje junto al pintor Eugenio Cajés. En 1635 y junto a... Ver mas
Pintor español nacido en Calatayud, Zaragoza. Fue discípulo de Pedro de las Cuevas, viviendo en su casa entre 1616 y 1621, lo que demuestra lo temprano de su llegada a la corte. Además, el tratadista Jusepe Martínez nos informa de su aprendizaje junto al pintor Eugenio Cajés. En 1635 y junto a otros importantes artistas, como Velázquez, Zurbarán, Vicente Carducho y Pereda, participó en la decoración del palacio del Buen Retiro. A Leonardo se le encargaron dos de los cuadros de batallas destinados al llamado Salón de Reinos de dicho palacio, lo que demuestra la estimación de que gozaba en los medios cortesanos. Además colaboró en la serie de los reyes godos con la realización de El rey godo Alarico. A pesar de esta temprana vinculación con la corte, no conseguiría ser pintor del rey, denegándosele su petición a la plaza en 1638. Siguió trabajando en Madrid hasta 1648, en que se le manifestó una enfermedad mental, que le llevaría al internamiento en el Hospital de Zaragoza, donde permanecería hasta su muerte. En sus obras desarrolló un estilo muy personal, de exquisito colorista, dotado de sensibilidad y distinción verdaderamente singulares. Es un pintor de escasa producción conocida, siendo sus lienzos más característicos los que se encuentran en el Museo del Prado. © D.G.L.
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Ulpiano Checa (1860/1916)

121

Ulpiano Checa (1860/1916)

Pintor español nacido en Colmenar de Oreja (Madrid). Uno de los más grandes artistas postrománticos del siglo XIX. Desarrolló la mayor parte de su carrera en París, aunque se formó en Madrid y viajó asiduamente a Roma, Argelia y Argentina, donde fue conocido y apreciado. En el siglo XXI ha sido... Ver mas
Pintor español nacido en Colmenar de Oreja (Madrid). Uno de los más grandes artistas postrománticos del siglo XIX. Desarrolló la mayor parte de su carrera en París, aunque se formó en Madrid y viajó asiduamente a Roma, Argelia y Argentina, donde fue conocido y apreciado. En el siglo XXI ha sido considerado por el tratado Spanish Master Drawing (1500-1900), publicado por el Museo Boijmans, de Rotterdam, como uno de los cinco maestros españoles del dibujo, junto a Goya, Murillo, Velázquez y Alonso Cano. Checa fue una máquina de producir y de vender arte, de tal manera que participó en todos los salones de París, trabajando con las más prestigiosas galerías. Pero a la vez, modeló, grabó, fotografió, hizo vestuarios y escenografías para producciones teatrales (como el Quo Vadis de Sienkiewicz), ilustró libros (el Tabaré de Zorrilla, el Generalife de Astruc), realizó carteles publicitarios (Andalucía en tiempos de los moros, de la exposición Universal de 1900, por encargo del gobierno francés) y protegió su obra con el copyright, después de haber vendido los derechos para su reproducción en tarjetas postales que circularon por todo el mundo. Cuadros como “La naumaquia” (simulacro de batalla naval ¡en el foro romano!), “Barranco de Waterloo” (la caballería francesa cayendo en un foso) o cualquiera de las “Salidas para la fantasía” (jinetes árabes a galope tendido sobre tierra naranja y cielo añil), son una mezcla de estampita de la abuela y superproducción de cine histórico con todo lo que tienen de reconfortante nostalgia y de metáforas de libertad. En su pueblo natal se encuentra el principal museo dedicado a su obra. © Almudena Baeza
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Raimundo Madrazo y Garreta (1841/1920)

122

Raimundo Madrazo y Garreta (1841/1920)

Pintor español nacido en Roma. Fue discípulo de su padre. Después de estudiar en la Escuela de San Fernando de Madrid se trasladó a París, donde residiría el resto de su vida. Fue un retratista consumado al igual que su progenitor, y entre sus obras se encuentra el lienzo titulado La reina María... Ver mas
Pintor español nacido en Roma. Fue discípulo de su padre. Después de estudiar en la Escuela de San Fernando de Madrid se trasladó a París, donde residiría el resto de su vida. Fue un retratista consumado al igual que su progenitor, y entre sus obras se encuentra el lienzo titulado La reina María Cristina, que se conserva en la Hispanic Society de Nueva York, institución de la que fue miembro. Su estilo desenfadado y colorista alcanzó su máxima expresión en el retrato femenino. En este sentido destacan de forma especial las obras que realizó inspiradas en la modelo Aline Masson. © M.E.
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Francesc Soler i Rovirosa (1836/1900)

123

Francesc Soler i Rovirosa (1836/1900)

Pintor y escenógrafo catalán nacido en Barcelona. Nacido en la calle de Escudellers esquina con Avinyó, de joven trabajó con su padre, que era armador y tenía una tienda de efectos navales junto al puerto. Estudió dibujo en la Escuela Llotja de su ciudad natal, viajando por varios países... Ver mas
Pintor y escenógrafo catalán nacido en Barcelona. Nacido en la calle de Escudellers esquina con Avinyó, de joven trabajó con su padre, que era armador y tenía una tienda de efectos navales junto al puerto. Estudió dibujo en la Escuela Llotja de su ciudad natal, viajando por varios países europeos, Francia, Bélgica y Reino Unido y fijando su residencia en París durante siete años. En 1870 dibujó con gran éxito, seis decorados para la ópera Don Carlos de Giuseppe Verdi, que se representó en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona y más tarde colaboró junto al coreógrafo Ricard Moragas, en la elaboración de varias obras en óperas y bailes, para teatros de España, Puerto Rico y Cuba. Con preferencia se dedicó al decorado de obras wagnerianas. Renovó la escenografía española hasta entonces italianizante, volcándola hacia el realismo, introduciendo la innovación de apagar las luces de la sala durante las actuaciones. Amigo de Santiago Rusinyol y Ramón Casas, que le hizo un espléndido retrato, fue uno de esos artistas de la ebullición modernista que se dedicaron a captar la realidad tal como la sentían, es decir, a la manera romántica. Está considerado el fundador de la gran escuela catalana de escenografía realista, que llega hasta Josep Mestres Cabanes. En el año 1930 se le rindió un homenaje con la inauguración de un monumento en Barcelona realizado por el escultor Frederic Marès. © epdlp
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Benet Mercadé (1821/1897)

124

Benet Mercadé (1821/1897)

Pintor español nacido en La Bisbal (Girona) el 6 de mayo de 1821 y murió en Barcelona el 10 de diciembre de 1897. Hijo de una familia humilde, tuvo que trabajar desd esu infancia en oficios como el de zapatero, amén de ayudar a su padre en su oficio de pintor "de brocha gorda". En 1839, se... Ver mas
Pintor español nacido en La Bisbal (Girona) el 6 de mayo de 1821 y murió en Barcelona el 10 de diciembre de 1897. Hijo de una familia humilde, tuvo que trabajar desd esu infancia en oficios como el de zapatero, amén de ayudar a su padre en su oficio de pintor "de brocha gorda". En 1839, se traslada a Barcelona en unión de su hermano José. Allí aprenderá a manejar el daguerrotipo, técnica con la que se ganará la vida mientras lleva a cabo sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de San Jorge. En 1853, se traslada a Madrid e ingresa en la Escuela Superior de San Fernando, donde acude a las clases de Carlos Luis de Ribera. En 1858, se traslada a París y de allí, en 1863, a Roma, donde convive con los pensionados españoles (Rosales, Palmaroli, Vera, Puebla o Casado del Alisal. De Roma volverá a Barcelona. Allí goza de la protección de don Pablo Gil y lleva a cabo diversos encargos para decoraciones murales hasta que, en 1882, obtiene la plaza de profesor de Bellas Artes en la misma Escuela de San Jorge en la que estudiara. Destacó en los géneros histórico y religioso, así como en el retrato y el paisaje. De los primeros, destacan Colón en las puertas del convento de Santa María de La Rábida, Carlos V en Yuste, El donoso y grande escrutinio que el cura y el barbero hicieron en la librería del ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha, Velázquez premiado por Felipe IV, Las hermanas de la caridad , segunda medalla en la Exposición Nacional de 1860 o Traslación de San Francisco de Asís, medalla de primera clase en la Exposición Nacional de 1866. Para esta obra, de la que se conservan abundantes bocetos, tuvo Mercadé muy en cuenta la obra de Giotto, que lo había impresionado mucho durante su estancia en Italia. De su labor como retratista hya que destacar tres excelentes ejemplos: su Autorretrato, Su sobrina junto al piano y La señora Anita, en el que la sobriedad del colorido contribuye a mostrar la profunda personalidad del rostro de la modelo llevada a cabo por el pintor. © G.F.S.E.
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Luis Paret y Alcázar (1746/1799)

125

Luis Paret y Alcázar (1746/1799)

Pintor español del rococó, especializado en la representación exquisita y refinada de paisajes, vistas urbanas e interiores palaciegos. Artista precoz, fue admitido como alumno de la Real Academia de San Fernando con diez años. En 1763 marchó a Roma, pensionado por el infante don Luís, hermano... Ver mas
Pintor español del rococó, especializado en la representación exquisita y refinada de paisajes, vistas urbanas e interiores palaciegos. Artista precoz, fue admitido como alumno de la Real Academia de San Fernando con diez años. En 1763 marchó a Roma, pensionado por el infante don Luís, hermano del rey Carlos III, para ampliar su formación, que completó más tarde en la corte madrileña con el pintor francés Charles de la Traverse. Su estilo se caracteriza por una gran elegancia y gracia compositiva y por un marcado interés para lograr una pintura agradable a la vista, protagonizada por un vibrante colorido. Por diversos problemas, el monarca le desterró en 1775 a Puerto Rico. Allí siguió pintando y ejerció gran influencia entre los artistas de la isla, en especial sobre José Campeche. El 22 de mayo de 1778 el Consejo de Castilla le conmutó la pena por un alejamiento de la corte de cuarenta leguas (223 Km.), lo que le permitió vivir en Bilbao. El 4 de julio de 1786 Carlos III le encargó la pintura de los puertos cántabros, tarea que finalizó en 1792, aunque desde 1787 residía ya en Madrid. Los últimos años de su vida los pasó en la capital, donde obtuvo reconocimientos académicos pero no logró ingresar en el servicio del rey. De esta etapa son sus obras: Jura de Fernando VII como Príncipe de Asturias (1791) y El paseo frente al Jardín Botánico (después de 1792), ambas en el Museo del Prado, Madrid. Pintor de gran calidad, plasmó en muchas de sus pinturas el refinamiento de la vida y de las costumbres en los ambientes cortesanos (Las parejas reales, 1770; Carlos III comiendo ante su corte, c. 1772, ambos en el Museo del Prado), siguiendo el gusto rococó por representar un mundo amable y exquisito. También dedicó una parte de su producción a realizar retratos y cuadros de flores, en los que utiliza idéntico estilo sensual y delicado. © M.E.
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Hermen Anglada Camarasa (1871/1959)

126

Hermen Anglada Camarasa (1871/1959)

Nacido en Barcelona. Estudió en la escuela de la Lonja, completando su formación en el taller de Julien y la Academia Colarassi en París. Alli en 1898, expone por primera vez obteniendo un gran éxito. En 1900 expone en Barcelona. Participa en las Bienales de Venecia de 1903, 1905 y 1907... Ver mas
Nacido en Barcelona. Estudió en la escuela de la Lonja, completando su formación en el taller de Julien y la Academia Colarassi en París. Alli en 1898, expone por primera vez obteniendo un gran éxito. En 1900 expone en Barcelona. Participa en las Bienales de Venecia de 1903, 1905 y 1907, recibiendo este último año la Medalla de Oro. En 1910 la consiguió en Buenos Aires. Su obra es mostrada en Berlin, Düsseldorf, Dresde, Munich y Colonia. Expone en Barcelona en 1915, en Madrid en 1916, en Pittsbugh en 1924 y en Londres en 1930. Sus creaciones primeras en París, suelen ser escenas nocturnas, interiores de cabarets y music-halls. Sus ambientes predilectos son, el Moulin Rouge y el Casino de París. Después tuvo un período artístico en el que se entregó a un exagerado folklorismo, de una gran fuerza decorativista. Entre sus obras destacan: Novia valenciana, Campesinos de Gandía, Muchachas de Burriana, Los enamorados de Jaca. Se retiró a Mallorca, donde se dedicó al paisaje, aunque no perdió el contacto con las obras de las jóvenes creaciones. Anglada junto con Sorolla y Zuloaga contituyen el grupo de los grandes pintores del primer arte novocentista español. Fue nombrado académico de honor de la Real Academia de San Fernando en 1954. Obtuvo el premio de arte de la Fundación March en 1957. Falleció en Pollensa (Mallorca) en 1959. © epdlp
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Manolo Hugué (1872/1945)

127

Manolo Hugué (1872/1945)

Pintor y escultor español, destacado representante del noucentisme catalán de principios del siglo XX. Su obra puede resumirse como una síntesis de clasicismo y primitivismo dentro de la modernidad. Nacido en Barcelona, su vida bohemia y marginal y sus visitas a Els Quatre Gats en Barcelona le... Ver mas
Pintor y escultor español, destacado representante del noucentisme catalán de principios del siglo XX. Su obra puede resumirse como una síntesis de clasicismo y primitivismo dentro de la modernidad. Nacido en Barcelona, su vida bohemia y marginal y sus visitas a Els Quatre Gats en Barcelona le valieron la amistad de Santiago Rusiñol, Joaquín Mir, Isidro Nonell y Pablo Picasso, entre otros artistas. En 1900 se traslada a París, donde residirá por espacio de diez años. Allí conoció a Jean Moréas y Guillaume Apollinaire, además de trabajar en el diseño de joyas y pequeñas piezas de escultura, entre las que destacan La Llobera (1911, Barcelona, Museo de Arte Moderno) y Joven sentada (1913, París, Centre Georges Pompidou). Impulsado por un marchante, se trasladó en 1910 a Ceret, donde reunió a un heterogéneo grupo de artistas entre los que se encontraban Juan Gris, Joaquín Sunyer y el propio Picasso. En 1917 abandonó Ceret para residir en Caldas de Montbuy, donde falleció en 1945. En su última etapa compaginó la pintura con cuadros como: Paisaje de Ceret (1926) o Vendimiadora (1927), con la escultura, donde destaca la obra Bacante (1934, Barcelona, Museo de Arte Moderno), una figura femenina tumbada con diversos puntos de vista según sus diferentes partes corporales sin que se quiebre la unidad de la figura. En su obra es esencial la relación con la naturaleza, considerando a la figura humana como un elemento integrado en ella. Se trata de una característica propia del clasicismo noucentista, pero que en manos de Martínez Hugué van más allá de sus limitados orígenes. © M.E.
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Joaquim Mir (1873/1940)

128

Joaquim Mir (1873/1940)

Influido por el paisajismo de la escuela olotense, cursó estudios oficiales en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona Llotja pero su carácter independiente e impulsivo lo llevó a convertirse en autodidacta. Formó parte de La Colla del Safrà o de Sant Martí (de Provençals), un grupo de jóvenes... Ver mas
Influido por el paisajismo de la escuela olotense, cursó estudios oficiales en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona Llotja pero su carácter independiente e impulsivo lo llevó a convertirse en autodidacta. Formó parte de La Colla del Safrà o de Sant Martí (de Provençals), un grupo de jóvenes artistas que se constituyó hacia el año 1893 y que estaba integrado por Isidre Nonell, Ricard Canals, Ramon Pichot, Juli Vallmitjana y Adrià Gual, la característica principal de los cuales era la coloración de tonos rojizos de sus pinturas. A principios de siglo, fue a Mallorca en compañia de Santiago Rusiñol, donde descubrió la luz mediterránea y el insólito y salvaje paisaje del Torrent de Pareis y decidió instalarse en la pequeña aldea Sa Calobra. Pocos años más tarde, se trasladó al Camp de Tarragona (Reus) por motivos de salud, donde pintó paisajes de L Aleixar y de Maspujols. En 1913, esta vez por razones familiares, se estableció en Mollet del Vallès y, seis años más tarde, cambió su residencia a Caldes de Montbuí hasta que, en 1921, se casó y se instaló definitivamente en Vilanova i la Geltrú. Mir fue siempre un pintor esencialmente autóctono y, a diferencia de la mayoría de sus contemporáneos, no viajó a París para completar su formación. Su arte evolucionó a lo largo de los años, desde el naturalismo luminoso y testimonial de La Colla del Safrà hasta un estilo personal, basado en una visión libre e intuitiva del paisaje con la utilización de manchas y masas de color que rozaban la abstracción. Este estilo situó a Joaquim Mir al frente del postmodernismo pictórico catalán. Su obra es una total exaltación del paisaje, vehemente y apasionada, y siempre se manifestó, en las evoluciones que siguió en las distintas épocas de la trayectoria del artista, con una gran creatividad y original ejecución, con colorido sorprendente y magistral desenvoltura y espontaneidad. Sus pinturas, presentes en un gran número de museos nacionales y extranjeros, dan muestra de la gloria de este pintor catalán, uno de los más relevantes del siglo XX. © epdlp
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Xavier Gosé (1876/1915)

129

Xavier Gosé (1876/1915)

Ilustrador y dibujante español, considerado como uno de los precursores del modernismo. Nació en Alcalá de Henares, estableciéndose con su familia, de origen leridano, en Barcelona, y desde 1900 vivió en París, donde triunfó publicando regularmente sus ilustraciones en las más prestigiosas... Ver mas
Ilustrador y dibujante español, considerado como uno de los precursores del modernismo. Nació en Alcalá de Henares, estableciéndose con su familia, de origen leridano, en Barcelona, y desde 1900 vivió en París, donde triunfó publicando regularmente sus ilustraciones en las más prestigiosas revistas europeas, como la revista alemana Jugend o la parisiense L'Assiette au Beurre. En Barcelona colaboró con las revistas Quatre Gats y Pel i Ploma. Centró sus dibujos en dos temas fundamentales: el cambio de siglo y el mundo del París de la belle époque. Los dibujos de grandes damas y caballeros de etiqueta, escenas de los elegantes cafés, carreras de caballos y cabarets de moda dejan paso al encuentro del artista con las mujeres sorprendidas en la intimidad o con los caballeros que, de madrugada, pierden sus exquisitos modales en las equívocas escenas de cabaret o music hall. Testigo excepcional de la sociedad del cambio de siglo, que todavía se debate entre la tradición y la seducción de lo moderno, mostró una visión convincente y perspicaz de las distintas caras del París elegante de principios de siglo. Gosé marcó el estereotipo que seguirían los ilustradores de los años veinte. Incorporó la perspectiva japonesa y las siluetas en negro con sus figuras estilizadas. © AGM
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Julio González (1876/1942)

130

Julio González (1876/1942)

Escultor español, pionero de la escultura realizada en metal. Nació en Barcelona en una familia de metalúrgicos y aprendió a trabajar el metal en el taller de su padre. Quería ser pintor y estudió arte en Barcelona. En 1900 se trasladó a París, donde formó parte de un grupo de pintores y... Ver mas
Escultor español, pionero de la escultura realizada en metal. Nació en Barcelona en una familia de metalúrgicos y aprendió a trabajar el metal en el taller de su padre. Quería ser pintor y estudió arte en Barcelona. En 1900 se trasladó a París, donde formó parte de un grupo de pintores y artistas entre los que se encontraba Pablo Picasso. Después de la muerte de su hermano en 1908, González abandonó la pintura y regresó al trabajo en metal. En 1918 empezó a trabajar en un taller de metalurgia en Boulogne-sur-Seine para aprender la soldadura con oxiacetileno, proceso que más tarde utilizaría en sus esculturas. A mediados de la década de 1920 González empezó a utilizar el hierro soldado. Trabajó con Picasso durante algunos años en una serie de piezas; entre ambos se estableció un intenso intercambio por el cual González enseñaba al pintor malagueño sus conocimientos sobre técnicas metalúrgicas y éste le transmitía sus ideas artísticas. Durante esa época la obra de González, que se volvió abstracta, más abierta y geométrica, obtuvo un amplio reconocimiento artístico. Realizó su pieza más famosa, La Montserrat (1936-1937, Museo Stedelijk, Amsterdam), para el pabellón español de la Exposición Universal de París. La obra, hecha con planchas de metal, representa a una mujer que lleva a un niño en brazos y fue creada como protesta contra la opresión fascista en España. Al comenzar la II Guerra Mundial en 1939, se le prohibió utilizar gas para soldar, destinado a fines bélicos, razón por la cual se dedicó a dibujar y a realizar estudios en acuarela para futuras esculturas. La escultura de González introdujo en el mundo del arte unos materiales y técnicas que hasta entonces habían estado confinados a piezas utilitarias o decorativas. Su influencia fue decisiva en la obra de escultores posteriores entre los que se encuentran David Smith, Reg Butler y Anthony Caro. Toda la escultura contemporánea construida en acero tiene sus raíces en la obra de González. © M.E.
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Valentín de Zubiaurre (1879/1963)

131

Valentín de Zubiaurre (1879/1963)

Pintor español, hijo del compositor Valentín Zubiaurre (1837-1914), nacido en Madrid en 1879. Fue sordomudo de nacimiento, así como su hermano Ramón, con el que colaboró en muchos de sus cuadros. Entre 1909 y 1916, su época de mayor esplendor y trabajo, obtuvo varios premios internacionales, en... Ver mas
Pintor español, hijo del compositor Valentín Zubiaurre (1837-1914), nacido en Madrid en 1879. Fue sordomudo de nacimiento, así como su hermano Ramón, con el que colaboró en muchos de sus cuadros. Entre 1909 y 1916, su época de mayor esplendor y trabajo, obtuvo varios premios internacionales, en Munich, Buenos Aires, Barcelona, San Francisco, San Diego y Panamá, lo que le reportó numerosos encargos internacionales. Los temas plasmados en sus obras se encuentran predominantemente dentro de la tradición vasca. Entre sus obras destacan Versolaris y Autoridades del pueblo. © Beatriz Alegre Carvajal
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Rafael Estrany (1884/1958)

132

Rafael Estrany (1884/1958)

Pintor catalán nacido en Mataró. Artista polifacético, inquieto y vital, se formó en Barcelona y París. Autor de una gran y variada producción artística, integrada por óleos, acuarelas, dibujos y grabados, su obra es el reflejo de su fuerte personalidad y de una constante búsqueda artística. Es... Ver mas
Pintor catalán nacido en Mataró. Artista polifacético, inquieto y vital, se formó en Barcelona y París. Autor de una gran y variada producción artística, integrada por óleos, acuarelas, dibujos y grabados, su obra es el reflejo de su fuerte personalidad y de una constante búsqueda artística. Es extraño que no encajara en las clasificaciones tipificadas del arte catalán o internacional de su tiempo, aunque ocupa un lugar destacado en su historia, sobre todo por sus aguafuertes, una técnica en la que rozó la excelencia. Durante la Guerra Civil Española, realizó una destacada labor de salvamento del patrimonio artístico de Mataró y del Maresme y, terminado el conflicto, impulsó la creación del Museo Municipal de Mataró, institución inaugurada en 1942 y de la que fue el primer director. © A.M.
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Ramón de Zubiaurre (1882/1969)

133

Ramón de Zubiaurre (1882/1969)

Pintor español nacido en Garay, Vizcaya. Hijo del compositor Valentín Zubiaurre (1837-1914). Fue sordomudo de nacimiento, así como su hermano Valentín, con el que colaboró en muchos de sus cuadros. Su formación se desarrolla en la Escuela Central de Artes y Oficios, hasta que en 1896 entra... Ver mas
Pintor español nacido en Garay, Vizcaya. Hijo del compositor Valentín Zubiaurre (1837-1914). Fue sordomudo de nacimiento, así como su hermano Valentín, con el que colaboró en muchos de sus cuadros. Su formación se desarrolla en la Escuela Central de Artes y Oficios, hasta que en 1896 entra oficialmente en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Sus estancias en el extranjero hacen que abra su mente a las nuevas tendencias pictóricas europeas, como el impresionismo. Desarrolló el género del retrato y en 1911 hace uno de Miguel de Unamuno. Entre 1912 y 1913 vive una temporada en Volendam, Holanda, estancia productiva por la influencia de motivos iconográficos holandeses y sobretodo por su apertura al color. Por otro parte destaca por su representación entre etnográfica y costumbrista del mundo rural y tradicional vasco, en un intento que con cierto tinte melancólico, potenciado por el color, trata de representar los tipos y paisajes de un pueblo que conoce y ama desde su infancia. En la década que va de 1926 hasta la Guerra Civil española, continuó con numerosas exposiciones nacionales e internacionales. Después de la guerra civl española vivió diez años en Chile, donde continuó pintando retratos principalmente. Vuelve a España en 1951, y retoma los temas populares de fiestas y danzas. Hasta el final de sus días continúa pintando y elaborando con el lienzo y la materia pictórica composiciones que se interpretan en la actualidad como imágenes teñidas de un espíritu que entre humorista y melancólico, nos habla de una sociedad tradicional que definitivamente se ha perdido. Murió en 1969, presintiendo el último suspiro, recogió una caja con tierra de Vizcaya y una bellota de un árbol de Guernica, para ser enterrado junto a ella, y que creciera un árbol sobre él, atento al ciclo natural de la vida y la muerte. © José de la Mano
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Francesc Vayreda (1888/1929)

134

Francesc Vayreda (1888/1929)

Pintor español nacido en Olot, Girona. Hijo del también pintor Joaquim Vayreda (1843-1894), con quien se inició en el campo de la expresión plástica. Asistió luego a las clases de la Escuela de Bellas Artes de Olot, dirigida por Josep Berga Boada. Más tarde se trasladó a Barcelona, donde fue... Ver mas
Pintor español nacido en Olot, Girona. Hijo del también pintor Joaquim Vayreda (1843-1894), con quien se inició en el campo de la expresión plástica. Asistió luego a las clases de la Escuela de Bellas Artes de Olot, dirigida por Josep Berga Boada. Más tarde se trasladó a Barcelona, donde fue alumno de la academia Galí. En 1911 fue a París a completar su formación copiando los renacentistas italianos y los impresionistas. De regreso a Barcelona, puso de manifiesto la influencia de Cézanne. Aplicó el color directamente en la tela buscando dar las formas. Su primera etapa se caracterizó por la crudeza de líneas, rigidez de gesto y un color duro. Los paisajes y las figuras constituyen su temática preferente. Luego su pincelada se volvió más fina, más segura, ligera y poco insistente, reflejando las cualidades de las cosas. Expuso con frecuencia en la Sala Parés de Barcelona. Colaboró en el salón de Las Artes y los Artistas, movimiento que inició el Noucentisme. © E.C.
Web Recomendada:
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Enric-Cristófol Ricart (1893/1960)

135

Enric-Cristófol Ricart (1893/1960)

Pintor español nacido en Vilanova y la Geltrú, Barcelona. Estudió en la Escola d’Art de Francesc d’Assís Galí de Barcelona, teniendo como compañeros a, entre otros, Joan Mirambell, Ramón Raventós y Joan Miró. Tres años más tarde realiza un viaje a Florencia donde se verá influenciado por la... Ver mas
Pintor español nacido en Vilanova y la Geltrú, Barcelona. Estudió en la Escola d’Art de Francesc d’Assís Galí de Barcelona, teniendo como compañeros a, entre otros, Joan Mirambell, Ramón Raventós y Joan Miró. Tres años más tarde realiza un viaje a Florencia donde se verá influenciado por la corriente futurista de la época. A partir de 1915 se inicia en el mundo del grabado y la xilografía, y un año más tarde comienza a pintar. Su primera exposición fue en la galería Dalmau de Barcelona en 1917. Es en este momento cuando funda la Agrupació Courbet con sus compañeros Joan Miró y Josep Llorens Artigas. En los años siguientes marchó a Paris donde, a partir de entonces, hará largas estancias invernales visitando museos y estudiando en la academia Grand Chaumière donde predominaban artistas de vanguardia. En 1925 en Vilanova, colabora, junto con Mir, Cabañas y Torrents, en la decoración del Café del Fomento. Pinta paisajes, naturalezas muertas y retratos. Cinco años más tarde ilustrará libros como, La vida es sueño, Anclas y estrellas y Antonio y Cleopatra. En 1939 es llamado por Eugeni d'Ors para formar parte de la comisión que reorganizará la Escola de Llotja. Siguió con su trabajo y exposiciones hasta el año de su muerte acaecida en 1960. © B.D.D.
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Francisco Bores (1898/1972)

136

Francisco Bores (1898/1972)

Pintor español considerado uno de los representantes más importantes de la denominada Escuela de París. Durante su estancia en la capital francesa asimiló la influencia de diversas vanguardias, como el cubismo de Picasso o Gris, el postimpresionismo de Cézanne y el fauvismo de Derain y Matisse... Ver mas
Pintor español considerado uno de los representantes más importantes de la denominada Escuela de París. Durante su estancia en la capital francesa asimiló la influencia de diversas vanguardias, como el cubismo de Picasso o Gris, el postimpresionismo de Cézanne y el fauvismo de Derain y Matisse. Nació en Madrid y, tras abandonar las carreras de Ingeniería de Caminos, Canales y Puertos, y Derecho, desde 1916 se dedicó exclusivamente a la pintura. Hacia 1923 entró en contacto con el movimiento ultraísta en Madrid, asistió a las tertulias de los cafés Pombo y Gijón, al tiempo que colaboraba con xilografías en diversas revistas como Alfar, Horizonte y Revista de Occidente. En 1925 participó en la Exposición de Artistas Ibéricos. Ese mismo año se trasladó a París, donde fijó su residencia. En la capital francesa formó parte del grupo de artistas españoles allí afincados, entre los que estaban Hernando Viñes y Pancho Cossío, que daría lugar al grupo denominado Escuela de París. Su producción artística en Francia evolucionó desde una primera etapa, de 1925 a 1928, bajo la influencia del cubismo (Naturaleza muerta sobre la pared, 1927), del surrealismo (La danza de las corbatas, 1927) y de la abstracción (Composición, 1927). De 1929 a 1933 retomó la figuración, pero reducida a lo esencial, despojada de todo contenido anecdótico o descriptivo (etapa de la pintura-fruta). A partir de 1934 evolucionó hacia una vuelta a los interiores y a las síntesis espaciales, periodo en el que cultiva una pintura muy lírica centrada en escenas de interior y bodegones, con influencia del fauvismo en el uso del color en obras como Mujer en su habitación (1937). © M.E.
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Josep Amat Pagés (1901/1991)

137

Josep Amat Pagés (1901/1991)

Pintor español, nacido en Barcelona. Cursó sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios de Barcelona donde coincidió con Ramón Calsina, Miquel Farré y Lluís Muntané entre otros. En 1924 conoció a Joaquim Mir, quien orientó sus primeros pasos y le puso en contacto con Ramón Casas y Santiago... Ver mas
Pintor español, nacido en Barcelona. Cursó sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios de Barcelona donde coincidió con Ramón Calsina, Miquel Farré y Lluís Muntané entre otros. En 1924 conoció a Joaquim Mir, quien orientó sus primeros pasos y le puso en contacto con Ramón Casas y Santiago Rusinyol. Entre 1930 y 1933 permaneció en París donde llegó acompañado de Grau-Sala, con quien compartió estudios durante diez años. En Francia, inició una gran amistad con Dufy. Fue profesor de paisaje de la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi desde 1940 hasta su jubilación en 1971. Su obra se compone fundamentalmente de paisajes y vistas urbanas que están definidas por una pincelada de gran soltura y un acusado interés por los efectos atmosféricos que denotan las influencias de Mir y Dufy. Realizó numerosas exposiciones individuales y colectivas y sus cuadros se encuentran en los principales museos de arte contemporáneo españoles, Museo de Arte Moderno de Barcelona, el Centro de Arte Reina Sofía de Madrid o el Museo de Bellas Artes de Bilbao. © Beatriz Alegre Carvajal
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Ángel Planells (1901/1989)

138

Ángel Planells (1901/1989)

Pintor español. Nació en Cadaqués, Gerona, en 1901, y murió en Barcelona, en 1989. En 1918 se traslada a Barcelona para aprender grabado y litografía, al tiempo que asiste a clases de dibujo en una academia. A los dos años regresa a Cadaqués y a comienzos de la década de los veinte comienza a... Ver mas
Pintor español. Nació en Cadaqués, Gerona, en 1901, y murió en Barcelona, en 1989. En 1918 se traslada a Barcelona para aprender grabado y litografía, al tiempo que asiste a clases de dibujo en una academia. A los dos años regresa a Cadaqués y a comienzos de la década de los veinte comienza a hacer dibujos de carácter fantástico e imaginario, de brujas y seres diabólicos, por los que se interesa Dalí. A partir de entonces inicia con él una amistad que a Planells le supondrá el acceso a una información nunca imaginada, puesto que desde París y Madrid Dalí le enviará revistas de vanguardia, los libros de Lautréamont y de Freud y escritos del grupo surrealista, como el primer libro de collages de Max Ernst. Sus primeras obras al óleo están influidas por Feliú Elías; más tarde se acerca al cubismo, a Cadaqués y en 1929, coincidiendo con la llegada de los surrealistas invitados por Dalí, su pintura se aproxima al surrealismo. Inmediatamente conecta con Magritte, que promueve la publicación de sus pinturas en revistas europeas. En 1932 realiza objetos surrealistas. La Guerra Civil supuso un corte en su proyección artística, y hacia 1947 vio truncado un proyecto en común con Dalí de publicar un libro de poemas y dibujos, que supuso el final de su amistad. Desde 1934 hasta 1968, en que su obra aparece en una colectiva de la Galería René Metras de Barcelona, la obra de Planells, está totalmente ausente de los circuitos expositivos. Parte de su vocabulario expresivo es daliniano, como son los huevos fritos, los insectos, las moscas y mujeres de espaldas, y en general todo está sometido a una constante metamorfosis. En su pintura, que tiene un fuerte contenido sexual, se respeta el aspecto exterior de las cosas, y en la mayor parte de los seres que pinta, sus miembros y cabezas son reemplazados por artilugios. © M.C.N.


Windows Media Player | Libreto (Historia y Personajes) | Aumentar | Fotos Interiores
copyright © 1998-2015, epdlp All rights reserved
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Rafael Solbes (1940/1981)

139

Rafael Solbes (1940/1981)

Pintor español nacido en Valencia. Junto a Manolo Valdés y Juan Antonio Toledo fundó en 1964 el Equipo Crónica, proyecto de elaboración artística común que, tras el abandono de Toledo un año después, se mantuvo activo hasta la muerte del propio Solbes en 1981. Durante sus primeros años de... Ver mas
Pintor español nacido en Valencia. Junto a Manolo Valdés y Juan Antonio Toledo fundó en 1964 el Equipo Crónica, proyecto de elaboración artística común que, tras el abandono de Toledo un año después, se mantuvo activo hasta la muerte del propio Solbes en 1981. Durante sus primeros años de producción pictórica practicó una tendencia expresionista con cierta carga política en la línea de Gutiérrez Solana. El Equipo Crónica surgió como reacción a la pintura informalista, el romanticismo y el subjetivismo del artista y en su estilo está presente la influencia del pop art a través de las tintas planas, los dibujos despersonalizados y la iconografía creada por los medios de comunicación que utilizan como vehículo de expresión crítica. Los primeros años de producción se articularon en torno a diferentes series temáticas donde primó la narratividad y el concepto pictórico al servicio de la sociedad. Con el tiempo, algunas de las series contuvieron referencias al papel del artista en su proceso creador y admitieron una reflexión intelectualizada sobre el análisis del hecho artístico y el entorno en el que se producía. A principios de los setenta, la obra del Equipo Crónica incorporó algunos referentes autobiográficos que rompían con el rigor del objetivismo anterior. La fama del grupo traspasó las fronteras de nuestro país y se organizaron numerosas exposiciones individuales y colectivas en los principales museos del circuito internacional. Tras una larga enfermedad, Solbes falleció en el momento en el que la Biblioteca Nacional de Madrid preparaba la exposición Crónica en Madrid y los dos pintores trabajaban en una serie de variaciones sobre La Balsa de la Medusa de Géricault. © Isabel Sánchez Calvo
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Jordi Teixidor (1941)

140

Jordi Teixidor (1941)

Pintor español, uno de los principales representantes de la abstracción en su país. Nació en Valencia. Formado en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos, en 1966 realizó su primera exposición individual en la Sala Mateu de Valencia. Ese mismo año fue nombrado conservador del recién... Ver mas
Pintor español, uno de los principales representantes de la abstracción en su país. Nació en Valencia. Formado en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos, en 1966 realizó su primera exposición individual en la Sala Mateu de Valencia. Ese mismo año fue nombrado conservador del recién inaugurado Museo de Arte Abstracto de Cuenca, donde conoció a Fernando Zóbel y a Gustavo Torner. Su pintura fue evolucionando de manera independiente al movimiento informalista, experimentando en diferentes ámbitos de la abstracción. Sus primeros trabajos reflejan un marcado acento minimalista que darán paso, a principios de la década de 1970, a obras en madera de formas recortadas, cercanas a los planteamientos de Frank Stella. En 1973 viajó por primera vez a Nueva York, donde conoció directamente la pintura estadounidense de la década de 1950. Su interés por Mark Rothko, Barnett Newman y Ad Reinhardt deja huella en su trabajo en las bandas laterales que incorpora a sus lienzos, o en las series monocromas donde la pintura se extiende en campos de color, sin elementos estructurales. En 1976 participó en la Bienal de Venecia. Tres años más tarde, gracias a una beca de la Fundación Juan March, se trasladó a vivir a Nueva York, en donde permaneció hasta 1982, fecha de regreso a Madrid. Sus pinturas abstractas fueron depurándose hasta llegar a las series negras de los últimos años. En 1997 el IVAM celebró una exposición retrospectiva de su obra. Ha expuesto también en Estados Unidos y México. © M.E.
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Manolo  Valdés Blasco (1942)

141

Manolo Valdés Blasco (1942)

Pintor español nacido en Valencia, miembro del Equipo Crónica desde la formación del grupo en 1964 hasta la muerte de su compañero Rafael Solbes en 1981. Antes de formar Crónica, Valdés había practicado un tipo de pintura claramente informalista, que abandonó en ese momento en favor de una... Ver mas
Pintor español nacido en Valencia, miembro del Equipo Crónica desde la formación del grupo en 1964 hasta la muerte de su compañero Rafael Solbes en 1981. Antes de formar Crónica, Valdés había practicado un tipo de pintura claramente informalista, que abandonó en ese momento en favor de una pintura figurativa ligada a los problemas de la sociedad contemporánea, con influencia de la estética Pop y una iconografía sacada sobre todo de los medios de comunicación de masas. Tras la desaparición del grupo, Valdés mantuvo los mismos criterios pictóricos e iconográficos que había usado antes, potenciando al máximo la fuerza del elemento plástico. Interpretaciones y revisiones de obras del arte español del siglo XVII han jalonado su producción desde entonces. En la década de 1990 su pintura recuperó la materia que ya utilizara en su juventud, en línea con las obras de Antoni Tàpies, Manuel Millares o Antonio Saura. En 1983 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas “por su reflexión pictórica y escultórica que enlaza críticamente los modelos históricos con los postulados de la vanguardia”. © M.E.
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Antoni Muntadas (1942)

142

Antoni Muntadas (1942)

Artista conceptual español. Introductor y difusor del videoarte en España, sus montajes e instalaciones son una reflexión sobre el impacto sociológico de los medios de comunicación de masas y su interacción con el nuevo paisaje urbano. Nació en Barcelona y tras cursar estudios de Ingeniería... Ver mas
Artista conceptual español. Introductor y difusor del videoarte en España, sus montajes e instalaciones son una reflexión sobre el impacto sociológico de los medios de comunicación de masas y su interacción con el nuevo paisaje urbano. Nació en Barcelona y tras cursar estudios de Ingeniería Industrial se presentó en 1964 como cofundador del Grupo Machines con una muestra-instalación en la galería Lleonart de Barcelona. Desde entonces y hasta 1971 expuso en Madrid y en Barcelona una obra pictórica de vinculación pop y neorrealista. Interesado por el arte conceptual, en 1971 abandonó la pintura en favor de nuevos soportes (multimedia y audiovisuales), participando a lo largo de esa década en varias exposiciones colectivas. En 1977 marchó a Estados Unidos como investigador y posteriormente como docente en el Instituto de Tecnología de Massachusetts, así como en otros organismos estadounidenses y europeos. Cuenta en su haber con una larga lista de exposiciones colectivas (desde 1963) e individuales (desde 1971), y obra representada en museos y colecciones como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, la Galería Nacional de Ottawa y el Museo Solomon R. Gugenheim de Nueva York. © M.E.
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Eduardo Arroyo (1937)

143

Eduardo Arroyo (1937)

Pintor y escritor español, nacido en Madrid. Está considerado como uno de los principales representantes de la figuración crítica, de contenido fundamentalmente político y social. En sus obras destaca, sobre todo, su habilidad para mezclar imágenes preexistentes de diversa procedencia, con una... Ver mas
Pintor y escritor español, nacido en Madrid. Está considerado como uno de los principales representantes de la figuración crítica, de contenido fundamentalmente político y social. En sus obras destaca, sobre todo, su habilidad para mezclar imágenes preexistentes de diversa procedencia, con una fuerte impronta de ilustrador. Tras finalizar, en el año 1957, sus estudios de Periodismo se trasladó a París donde entró en contacto con los exiliados españoles sobrevivientes de la Guerra Civil, lo que acrecentó su crítica política al régimen de Franco, que quedaría reflejada desde sus primeras obras. Desde los primeros años de la década de 1960 incluye en su obra ácidos comentarios sobre las figuras indiscutibles de la vanguardia; por ejemplo, Marcel Duchamp, al que, junto a Gilles Aillaud y Recalcati, enterraron, en una célebre exposición de 1964 o Joan Miró, al que dedicó su serie Miró rehecho, en 1966-1967. En 1968, participa en el Salón de la Joven Pintura con la obra La corrida de la mariposa. Al año siguiente, realizó su primera muestra individual, en la que expresaba más nítidamente su oposición al franquismo, mediante una figuración crítica derivada del Pop Art en la que introducía elementos iconográficos que combinaban la desmitificación del arte con la denuncia política. Así, las series de retratos de dictadores, como Hitler o Mussolini, o la titulada 25 años de paz, realizada en 1965. Artista polifacético, en su faceta como escritor destacan Panamá Al Brown (1982) y Sardinas en aceite (1990). Ha diseñado también escenografías teatrales, como las que realizó en Italia para el cineasta Kalus Grüber o, ya en España, en 1982 su interpretación de la pieza de Calderón de la Barca La vida es sueño, que fue dirigida por José Luis Gómez. Dada su actitud respecto a la política española fue expulsado del país en el año 1974, devolviéndosele el pasaporte dos años después, ya tras la muerte del dictador. Todas estas circunstancias hacen que su obra no sea conocida en España hasta la década de 1980. En 1982 el centro Georges Pompidou, de París, le dedicó una gran exposición retrospectiva y ese mismo año el gobierno español le concedió el Premio Nacional de Artes Plásticas. © M.E.
Galardones:
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Antoni Pitxot (1934/2015)

144

Antoni Pitxot (1934/2015)

Pintor catalán nacido en Figueres, Girona. Pitxot conocía desde la infancia a Salvador Dalí y colaboró con él en el diseño y puesta en marcha del espacio museístico que acoge buena parte de la obra del artista y del que fue su director. Como pintor se caracterizó por unas creaciones inspiradas... Ver mas
Pintor catalán nacido en Figueres, Girona. Pitxot conocía desde la infancia a Salvador Dalí y colaboró con él en el diseño y puesta en marcha del espacio museístico que acoge buena parte de la obra del artista y del que fue su director. Como pintor se caracterizó por unas creaciones inspiradas en la naturaleza y que partían de conjuntos de piedras que recogía en la costa de Cadaqués. Es autor, junto con el genio surrealista, de los cuatro "monstruos grotescos" que decoran el patio interior del espacio museístico de Figueres. Desde su inauguración el 28 de septiembre de 1974, Pitxot ejerció como director de centro daliniano y su vínculo con Salvador Dalí creció en el tramo final de la vida de éste último. Las piezas de Antoni Pitxot forman parte de diferentes colecciones particulares, así como del Teatro-Museo o de diferentes centros de Italia. Recibió en el año 2004 la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes y, antes de su muerte, donó al espacio museístico que dirigía la escultura Mnemosine, un conjunto de piedras recogidas en la costa de Cadaqués que le servía de inspiración en sus pinturas. © EFE
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Xavier Corberó (1935)

145

Xavier Corberó (1935)

Escultor y pintor español nacido en Barcelona. Inició sus estudios en la Escuela Massana de Artes Suntuarias de Barcelona en 1952, y los amplió en la Central School of Arts and Grafts de Londres, a partir de 1955. En 1964 impartió conferencias en el Arts Council de Miami y en el Art Institute de... Ver mas
Escultor y pintor español nacido en Barcelona. Inició sus estudios en la Escuela Massana de Artes Suntuarias de Barcelona en 1952, y los amplió en la Central School of Arts and Grafts de Londres, a partir de 1955. En 1964 impartió conferencias en el Arts Council de Miami y en el Art Institute de Chicago. En 1972 creó los talleres del Centro de Actividades e Investigaciones Artísticas de Cataluña. Ha alternado la pintura y la escultura, y su obra, concebida en un formato medio, nace a raíz de una cuidadosa investigación, tanto de los materiales empleados como de la búsqueda de las formas, llegando a crear objetos de gran personalidad y estilo. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en, entre otros lugares, Barcelona, Bilbao, Madrid, Valencia, Miami, Chicago, Edimburgo, Zurich, Nueva York, Tokyo, Berlín, Rotterdam, Pittsburg, Lieja, París y Ginebra, y ha obtenido el reconocimiento de varios premios internacionales. Su obra está repartida por diversos museos, entre ellos el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, el Museo de Arte Abstracto de Cuenca, el Goldsmith’s Hall de Londres, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo de Arte Moderno de Tokio y el Staedlick Museum de Amsterdam. © SCG
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Joan Hernández Pijuán (1931/2005)

146

Joan Hernández Pijuán (1931/2005)

Pintor español nacido en Barcelona. Durante la década de 1950 formó parte del Grupo Sílex, con Rovira Brull, Eduardo Alcoy y Carles Planell, época en la que realizó obras próximas a lo que podría definirse como expresionismo poscubista. Después de un viaje a París se adentró en el informalismo... Ver mas
Pintor español nacido en Barcelona. Durante la década de 1950 formó parte del Grupo Sílex, con Rovira Brull, Eduardo Alcoy y Carles Planell, época en la que realizó obras próximas a lo que podría definirse como expresionismo poscubista. Después de un viaje a París se adentró en el informalismo, que fue reemplazando paulatinamente por la abstracción geométrica que dominó su obra desde los primeros años de la década de 1960. Este periodo de investigación espacial y geometría se intensificó en la década siguiente, en la que hizo cuadros milimetrados. Profesor desde 1976 en la Escuela Superior de Bellas Artes de Barcelona, donde se formó, en 1981 se le concedió el Premio Nacional de Artes Plásticas. Durante la década de 1980 su pintura se movió entre la pincelada yuxtapuesta impresionista y el esquematismo. Esta tendencia se manifestó en las series sobre elementos de la naturaleza, como cipreses, casas o nubes, en las que el paisaje se reduce a campos monocromos al óleo que presentan cada vez mayor relieve. © M.E.
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Joan Ripollés (1932)

147

Joan Ripollés (1932)

Pintor y escultor español nacido en Castellón. A consecuencia del parto y de un hermano gemelo falleció su madre. Con 12 años trabajó como aprendiz en una empresa de pintura industrial, estudiando al mismo tiempo en la escuela de Artes y Oficios Francisco Ribalta de su ciudad natal. De 1954 a... Ver mas
Pintor y escultor español nacido en Castellón. A consecuencia del parto y de un hermano gemelo falleció su madre. Con 12 años trabajó como aprendiz en una empresa de pintura industrial, estudiando al mismo tiempo en la escuela de Artes y Oficios Francisco Ribalta de su ciudad natal. De 1954 a 1963 fija su residencia en París, viajando por toda Europa, Bélgica, Alemania, Suecia, Italia, Grecia y Suiza. A su vuelta vive en Sevilla, Córdoba, Chipiona (Cádiz) y Cercedilla (Madrid). De carácter combativo, lucha clandestinamente por la vuelta de las libertades democráticas a España, y al mismo tiempo participa en varias exposiciones colectivas en Europa, Estados Unidos y Japón. En 1973 regresa definitivamente a Castellón, concretamente en el término de Burriol. Juan Ripollés es, actualmente, el artista castellonense más internacional, con piezas en colecciones públicas y privadas de todo el mundo. Su imaginario es muy amplio y su imaginación evoca animales de otros lares, colores imposibles, nacidos de la tierra misma, y objetos imposibles de adivinar. © epdlp
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Antonio Saura (1930/1998)

148

Antonio Saura (1930/1998)

Pintor, ensayista y pensador estético español, uno de los principales representantes del expresionismo abstracto en su país. Nació en Huesca. Debido a una prolongada enfermedad que padeció durante su juventud, en 1947 comenzó a pintar de forma autodidacta. Entre 1948 y 1950 realizó las series... Ver mas
Pintor, ensayista y pensador estético español, uno de los principales representantes del expresionismo abstracto en su país. Nació en Huesca. Debido a una prolongada enfermedad que padeció durante su juventud, en 1947 comenzó a pintar de forma autodidacta. Entre 1948 y 1950 realizó las series tituladas Constelaciones y Rayogramas. En esa época residió entre Cuenca y Madrid, y colaboró con grupos de vanguardia como Tendencias 2 y Arte Fantástico. En 1952 se trasladó a París, donde residió hasta 1955. En la capital francesa entró en contacto con las vanguardias de la época y su obra evolucionó desde un inicial surrealismo hacia una pintura de trazos enérgicos y paleta reducida de carácter informalista. En 1957 fundó en Madrid el grupo El Paso junto con otros artistas españoles entre los que estaban Canogar, Feito y Millares. Dicho grupo utilizaba un nuevo lenguaje cercano a la estética del informalismo. Esta primera etapa se caracteriza por una gama reducida de colores (el blanco y el negro), que se resume en obras como Crucifixión (1963, Museo Boymans, Rotterdam). En este periodo realizó toda la serie conocida como Serie castellana. En 1960 entró a formar parte del grupo Estampa Popular y a partir de la década de 1980 decidió añadir el color rojo a su paleta, que le sirve para representar figuras (muchas veces simbólicas), como los retratos que realiza con trazos muy distorsionados, casi irreconocibles, de Cristo o de personajes femeninos. De esta manera rechaza la visión tradicional y abre un nuevo camino a la expresión abstracta. A lo largo de su carrera compaginó la labor como pintor con la de ilustrador y teórico. Dentro de este último campo publicó textos de ensayo, como Espacio y gesto (1959), y numerosos artículos. Ya en su última etapa, Saura rechazó el formato pequeño para crear composiciones de grandes dimensiones en las que introduce también el color (señalaremos sus series de Transformaciones o Superposiciones). En el año 1960 fue galardonado con el Premio Guggenheim y en 1982 con la Medalla de Oro de Bellas Artes del Ministerio de Cultura español. © M.E.
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Montserrat Gudiol (1933/2015)

149

Montserrat Gudiol (1933/2015)

Pintora catalana nacida en Barcelona, hija del historiador de arte Josep Gudiol. Formada junto a su padre, uno de los más eminentes maestros catalanes en el estudio del Arte y creciendo en el seno de una familia donde el arte y la música constituían un elemento vital, necesario y cotidiano... Ver mas
Pintora catalana nacida en Barcelona, hija del historiador de arte Josep Gudiol. Formada junto a su padre, uno de los más eminentes maestros catalanes en el estudio del Arte y creciendo en el seno de una familia donde el arte y la música constituían un elemento vital, necesario y cotidiano, Montserrat Gudiol luchó desde sus inicios por encontrar un lenguaje pictórico personal y sincerísimo que, voluntariamente, rehúye cualquier estilo o cualquier moda pasajera. Porque supo que, en materia de arte, como en todo, no hay término medio. Lo que cuenta es únicamente la belleza. Y desde este punto de vista, no es nada aventurado proclamar que su arte es intemporal y bello, porque es verdadero y sincero. Porque solo quiere expresar lo que siente el artista y porque lo expresa con aquella maestría que obtuvo con una lucha intensa, con gran esfuerzo, con una incansable tenacidad. Sus óleos y dibujos impecables nos revelan además la fuerte personalidad de una mujer, su capacidad de trabajo y de lucha, pero también la extrema problemática del ser humano. Porque, en el fondo de sus creaciones, aparecen siempre unos silencios profundos, misteriosos y a la vez inquietantes, un emotivo afecto y también una cierta ansiedad, una indecible paz y una humanísima angustia. © Alexis Eudald Solá
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Amalia Avia (1930/2011)

150

Amalia Avia (1930/2011)

Pintora española, nacida en Santa Cruz de la Zarza, Toledo. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid y en la Academia Peña. En 1954 viajó a París y entró en contacto con un grupo de pintores formado por María Moreno, Antonio López, Isabel Quintanilla y los hermanos... Ver mas
Pintora española, nacida en Santa Cruz de la Zarza, Toledo. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid y en la Academia Peña. En 1954 viajó a París y entró en contacto con un grupo de pintores formado por María Moreno, Antonio López, Isabel Quintanilla y los hermanos Francisco y Julio López Hernández, con quienes creó el núcleo de realistas madrileños. Desde el comienzo de su carrera artística su obra estuvo inmersa en un estilo realista dentro de una temática urbana y de temas cotidianos. Desolación y tristeza es la atmósfera que envuelve su obra, tanto por su temática como por la utilización de colores sobrios y sordos. © Isabel Sánchez Calvo
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Carmen Laffon (1934)

151

Carmen Laffon (1934)

Pintora española, nacida en Sevilla. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Sevilla y en la Academia de San Fernando de Madrid. En 1959 obtuvo una beca del Ministerio de Educación para estudiar en Italia y, posteriormente, formó parte del grupo reunido alrededor de la galería La Pasarela, de... Ver mas
Pintora española, nacida en Sevilla. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Sevilla y en la Academia de San Fernando de Madrid. En 1959 obtuvo una beca del Ministerio de Educación para estudiar en Italia y, posteriormente, formó parte del grupo reunido alrededor de la galería La Pasarela, de Sevilla. Perteneciente a la escuela realista sevillana e interesada por los efectos cromáticos y por el impresionismo, sus temas son cotidianos y de un gran intimismo. Dedicada principalmente al paisaje, tampoco ha despreciado géneros clásicos, como el bodegón, según se pone de relieve en sus Mimosas, cuadro conservado en colección particular, ha ejercido una profunda influencia en la pintura andaluza. En 1982 recibió el premio Nacional de Artes Plásticas, y en 1992 se realizó una exposición retrospectiva de su obra en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. En el año 2000 ingresó en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, con el discurso Visión de un paisaje. Se convirtió con ello en la segunda mujer que entra en la Academia después de la elección de Teresa Berganza. © M.C.N.
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Josep María Subirachs (1927/2014)

152

Josep María Subirachs (1927/2014)

Escultor español, nacido en Barcelona. Su formación comenzó en talleres de imaginería, fundición y mecánica; entre 1942 y 1947 estudió primero con el escultor Enric Monjó y luego entró a trabajar en el taller de Enric Casanovas, uno de los integrantes del grupo de renovadores del mediterraneísmo... Ver mas
Escultor español, nacido en Barcelona. Su formación comenzó en talleres de imaginería, fundición y mecánica; entre 1942 y 1947 estudió primero con el escultor Enric Monjó y luego entró a trabajar en el taller de Enric Casanovas, uno de los integrantes del grupo de renovadores del mediterraneísmo tardío, a quien consideró su auténtico maestro. En 1951 se consolidó como uno de los escultores de la renovación catalana, gracias a una serie de trabajos fuertemente influidos por Giacometti y Ángel Ferrant, que culminaron en las esculturas que adornan la fachada y la puerta del Santuario de la Virgen del Camino (León). Ese mismo año fue becado por el Instituto Francés para viajar a París, después pasó a Bélgica y Alemania. Fue en estos años cuando abandonó el camino de la figuración para adentrarse en el arte abstracto, y comenzó a trabajar con otros materiales como terracota, hierro y hormigón. A partir de 1957, se acentuó la concepción geométrica de las formas que siempre había sido una constante en su producción, especialmente en sus series de "cuñas", "penetraciones" y "tensiones". La personal mezcla de materiales hace que muchas de sus obras sean una especie de collages escultóricos, en los que se combinan citas clásicas, huellas humanas o figuras geométricas, en lo que es una muy particular concepción del cuerpo humano. Realizó numerosos monumentos de carácter público, muchos de los cuales se encuentran en la Ciudad Condal; además, su espíritu catalanista se dejó ver en obras como los relieves realizados para la Capilla del Santísimo en Monserrat, el de Francesc Macià en Vilanova i la Geltrú y las polémicas esculturas que hizo para la fachada de la Pasión de la Sagrada Familia de Gaudí. Su extensa producción muestra su buen hacer en el campo del arte. A lo largo de su vida artística atravesó etapas más abstractas, aunque su interés se mantuvo, por lo general, en la ya citada geometría de las formas y el estudio del cuerpo femenino. © Lourdes Mata Anchisi


Windows Media Player | Libreto (Historia y Personajes) | Aumentar | Fotos Interiores
copyright © 1998-2015, epdlp All rights reserved
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Andreu Alfaro (1929/2012)

153

Andreu Alfaro (1929/2012)

Prolífico escultor español de las geometrías de acero y aluminio o las columnas de mármol, nacido en Valencia. Con una obra que supera los dos millares de esculturas, buena parte de ellas repartidas por espacios públicos del mundo, Alfaro fue uno de los escultores españoles contemporáneos más... Ver mas
Prolífico escultor español de las geometrías de acero y aluminio o las columnas de mármol, nacido en Valencia. Con una obra que supera los dos millares de esculturas, buena parte de ellas repartidas por espacios públicos del mundo, Alfaro fue uno de los escultores españoles contemporáneos más sobresalientes sin abandonar Valencia, y por donde logró pasar inadvertido pese a su importancia de haber sido uno de los primeros en recuperar la modernidad tras el socavón que produjo la Guerra Civil en la producción artística española. Provenía de una estirpe de carniceros liberales y se formateó en el Matadero General de Valencia, donde los matarifes ensayaban tratados de cirugía y blasfemaban sin que se cayese la colilla de la boca. Siempre solía presumir de que esa había sido su universidad. Su facilidad para dibujar lo aproximó, primero, al ámbito de la publicidad, en el que desarrolló su pericia en el diseño y, luego, le metió de lleno en el mundo del arte. Alfaro aprovechó esas brechas e hizo el complicado tránsito del mundo productivo al creativo sin desconectarse de la raíz ni perder la perspectiva que le había conferido el duro aprendizaje de la vida; es decir, aplicando la racionalidad a la creatividad. Su obra, entre otros reconocimientos, fue distinguida con el Premio Nacional de Artes Plásticas, que recibió en 1981. En 2007, el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM), del que fue impulsor y autor del logotipo, mostró una antología de sus 50 años de esculturas. Fue su última gran exposición. Entonces, Alfaro, a quien Raimon definió como torsimany de metalls (traductor de metales) en la canción Andreu, amic, ya había dado por concluida su producción. Tras de sí ha trazado una trayectoria inquieta y diversificada, aunque sin haber perdido nunca la perspectiva de su propia raíz, es decir, asimilando la creación artística de la metodología de los procesos y materiales industriales y manteniendo la convicción de que la escultura tenía que servir para simbolizar actitudes o argumentos colectivos. © Miquel Alberola
Galardones:
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Fermín Aguayo (1926/1977)

154

Fermín Aguayo (1926/1977)

Pintor español nacido en Sotillo de la Ribera (Burgos). De muy joven vivió en Zaragoza, donde fundó con 21 años el Grupo Pórtico y dos años más tarde la Escuela de Zaragoza, con Eloy Laguardia y Santiago Lagunas. En 1952 se traslada a París, donde residirá hasta su muerte. En ésta ciudad tiene... Ver mas
Pintor español nacido en Sotillo de la Ribera (Burgos). De muy joven vivió en Zaragoza, donde fundó con 21 años el Grupo Pórtico y dos años más tarde la Escuela de Zaragoza, con Eloy Laguardia y Santiago Lagunas. En 1952 se traslada a París, donde residirá hasta su muerte. En ésta ciudad tiene una etapa de abstracción postcubista, para abordar en 1960 de nuevo la figuración, desde un planteamiento abreviado, de colores suaves y luminosos, donde dominan los azules en cegadores contrastes con el amarillo. Expuso en las galerías más importantes del mundo, la Galería Jeanne Bucher, París (entre 1958 y 1982), la Galería Ruth White (1958) y la Hastings Gallery (1973), ambas en Nueva York, y en el Museo Fabre de Montpellier (1976), entre otras. © epdlp
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Gustavo Torner (1925)

155

Gustavo Torner (1925)

Gustavo Torner, artista español (Cuenca, 13 de julio de 1925). Junto con Gerardo Rueda y Fernando Zóbel forma la llamada "escuela conquense", la cual constituyó una de las primeras iniciativas de introducir en España las nuevas corrientes del arte moderno, en la década de 1960, siendo la... Ver mas
Gustavo Torner, artista español (Cuenca, 13 de julio de 1925). Junto con Gerardo Rueda y Fernando Zóbel forma la llamada "escuela conquense", la cual constituyó una de las primeras iniciativas de introducir en España las nuevas corrientes del arte moderno, en la década de 1960, siendo la fundación del Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca su principal iniciativa.
Biografía[editar]
De formación autodidacta, Gustavo Torner estudió ingeniería Técnica Forestal, y en 1946 comenzó a ejercer esta profesión en Teruel. Sus buenas condiciones como dibujante le sirvieron para recibir el encargo de unas láminas botánicas que aparecerían en la obra Flora Forestal de España. Estas ilustraciones, de calidad muy notable, sin duda influyeron en lo que luego sería su obra posterior. En 1950 viaja a Francia e Italia, lo que también constituyó una influencia notable. En 1951 se traslada a Cuenca, donde sigue ejerciendo la ingeniería. En este momento mantiene una relación de amistad con Antonio Saura, y comienza a pintar.
Sus primeras obras toman de la naturaleza los temas, y posteriormente encontraremos que el interés por el mundo natural es una constante en toda su obra. En 1956 realiza su primera obra abstracta, "Roca". A partir de aquí comienza una etapa artística dentro de la corriente informalista, en la que los conceptos quedan expresados por medio de los materiales que se emplean, y especialmente las texturas, sin que existan referencias figurativas. Aunque el óleo fue la única materia empleada en un principio, pronto añadió a estos pigmentos materiales como la arena, o fragmentos vegetales.
Estos planteamientos artísticos alcanzaron mucha mayor complejidad a mediados de los 60, en aras a la consecución de una mayor expresividad, de modo que la madera o el metal sustituyen al convencional lienzo, y aparecen ya todo tipo de objetos y materiales: nylon, piel sintética, cartón, plástico... Realiza instalaciones de gran sentido escenográfico, debiendo mencionarse por su significación la serie "Homenajes", dedicada a artistas del pasado, realizada sobre 1965. Encontramos así obras plagadas de imágenes contradictorias y equívocas, pertenecientes a un universo imaginario de realidades contrapuestas y falsas apariencias. En Madrid realiza una escultura para la que se denominará Plaza de los Cubos.
Al mismo tiempo, comienza a realizar obras escultóricas, como el Monumento Conmemorativo del I Congreso Mundial Forestal, de 1966, elaborado con acero y troncos de árboles, y emplazada en la serranía de Cuenca, donde encajaba con toda naturalidad. Esta actividad escultórica ocupó gran parte de la actividad de Torner entre 1971 y 1977. Se trata, por lo general, de obras de gran tamaño y formas geométricas simples, realizadas a partir de todo tipo de materiales, y explorando las posibilidades de diversas texturas. Esta simplicidad geométrica no conlleva simplicidad técnica, sino que por el contrario su elaboración y montaje es de gran complejidad, y a menudo implica el uso de electricidad, agua, etc. La obra es estos casos es un elemento que trata de llevar una idea al espectador, pero no por la simple observación pasiva de este, sino a través de una reflexión no exenta de dificultad.
Desde que en 1965 Torner deja su carrera de ingeniero y se dedica íntegramente a su carrera artística ha alternado la pintura y la escultura con otras muchas expresiones artísticas, tales como creación de obra gráfica, escenografía, y figurines de teatro y ópera, tapices, etc. También ha colaborado en el diseño de espacios tan significativos como algunas salas del Museo del Prado, las vidrieras de la catedral de Cuenca, el Museo Diocesano de Arte Religioso de Cuenca o el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca. En 1973 participa en la I Exposición Internacional de Escultura en la Calle de Santa Cruz de Tenerife.
Fue cartelista de la Semana Santa en Cuenca en el año 1999.
En el Museo del Prado se encargó de la rehabilitación de la segunda planta del ala norte del edificio Villanueva (siglo XVIII europeo, antes ocupada por el taller de restauración) y de la segunda planta del ala sur, antes ocupada por oficinas y en la que tras el desalojo se habilitaron once nuevas salas, diez que acogen obras de Goya (entre ellas los cartones para tapices) y de contemporáneos suyos, como Paret y Maella, y la sala de exposiciones temporales de dibujos, además de remodelar varias salas más de las plantas baja y primera. En el Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, también en Madrid, diseñó igualmente la rehabilitación de las nuevas salas de la planta superior.
En 2004 donó más de quinientas obras al Museo Reina Sofía de Madrid, y en diciembre de 2005 la iglesia de San Pablo, en Cuenca, frente a las Casas Colgadas, se convirtió en el Espacio Torner, con cuarenta esculturas y pinturas suyas.
Ha sido asesor de la Fundación Juan March, desde 1993 miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, y desde 2002 doctor Honoris Causa por la Universidad de Castilla-La Mancha.
En diciembre de 2005 se inauguró en Cuenca el Espacio Torner, centro de arte concebido y diseñado por Gustavo Torner, en el que se exponen permanentemente 40 de sus obras, dentro de la antigua Iglesia de San Pablo, edificio gótico del s. XVI. La conjunción de contenido y continente ha merecido una mención especial en los premios de patrimonio 'Europa Nostra'.
Colecciones públicas españolas con obra de Gustavo Torner[editar]
Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca
Colección de la I Exposición Internacional de Escultura en la Calle, Santa Cruz de Tenerife
Museo Municipal de Arte Contemporáneo de Madrid
Centro Cultural del Conde Duque, Madrid
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
Museu d'Art Espanyol Contemporani (Fundación Juan March), Palma de Mallorca
Museo Patio Herreriano de Arte Contemporáneo Español de Valladolid
Espacio Torner (antigua iglesia de San Pablo, Cuenca). Colección permanente de pinturas y esculturas de Gustavo Torner. Inaugurada en diciembre de 2005.
Fundación Antonio Pérez, Cuenca
Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

Pedro García de Benabarre (1425/1496)

156

Pedro García de Benabarre (1425/1496)

Pintor español activo en Aragón y en Cataluña durante la segunda mitad del s. XV. En 1455 dirigió el taller barcelonés de Martorell, en el que realizó los retablos de San Quirico y santa Julita y de Santa Clara y santa Catalina. Su obra más importante es el retablo de Bellcaire. © B.Y.V.
Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Diego de Siloé (1495/1563)

157

Diego de Siloé (1495/1563)

Arquitecto y escultor español, uno de los primeros artistas del renacimiento en su país. Con toda probabilidad fue hijo del escultor gótico español Gil de Siloé y pasó la primera parte de su carrera artística (1519-1528) en su lugar de nacimiento, Burgos, donde trabajó principalmente como... Ver mas
Arquitecto y escultor español, uno de los primeros artistas del renacimiento en su país. Con toda probabilidad fue hijo del escultor gótico español Gil de Siloé y pasó la primera parte de su carrera artística (1519-1528) en su lugar de nacimiento, Burgos, donde trabajó principalmente como escultor. La obra artística de Siloé combinó el estilo renacentista italiano (que había estudiado en una visita a Nápoles hacia 1517), con las influencias del estilo gótico español y del arte árabe. La escalera Dorada de la catedral de Burgos es su obra más importante de este periodo (1519). Su proporcionada, rotunda y airosa estructura con esculturas de querubines, escudos de armas y ornamentación vegetal, ocupa en su totalidad uno de los muros de la catedral. Con esta obra, Siloé salvó el desnivel de la puerta de la Coronería de la catedral, situada en el brazo norte del crucero de la misma, e incorporó además elementos arquitectónicos de raigambre clasicista, al modo del arquitecto italiano Donato Bramante, diseñando una escalera monumental que se bifurca en dos tramos paralelos al muro del fondo. Desde 1528 hasta el final de su vida trabajó en Granada, sobre todo como arquitecto. Su llegada a la ciudad supone el asentamiento de las propuestas de carácter clasicista en Andalucía. Se le encargó culminar dos conjuntos arquitectónicos proyectados anteriormente con una finalidad funeraria: la iglesia del convento de San Jerónimo (lugar de enterramiento de los Fernández de Córdoba, sobre todo del Gran Capitán) y la catedral de Granada, donde va a realizar uno de los edificios más destacados del estilo renacentista español. De este templo destaca la organización de su cabecera, como un enorme espacio central cubierto con una gran cúpula, al modo de los edificios funerarios de la época romana. En el sistema de alzados, se pueden observar referencias al arte de Filippo Brunelleschi con unos grandes pilares sobre los que se apoyan en sus frentes medias columnas corintias, duplicando además la altura de las naves con un segundo cuerpo de soportes sobre el entablamento del primero. Sobresale también la portada del Perdón (hacia 1534) estructurada a modo de un gran arco de triunfo. Su rica decoración y las enérgicas y fluidas líneas y curvas de su interior fueron una temprana expresión del estilo plateresco en el arte español. Otro de sus proyectos más destacados es el de la iglesia del Salvador de Úbeda, concebida como lugar de enterramiento de la familia Cobos. Tiene una nave central de tres tramos, capillas laterales entre contrafuertes y una cabecera circular cubierta con una gran cúpula. Por último, habría que señalar la proyección de su arquitectura en España (catedrales de Málaga y Guadix) y en Latinoamérica, en las catedrales de Guadalajara (México), Lima y Cuzco (Perú). © M.E.
Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Joaquín Pallarés (1853/1935)

158

Joaquín Pallarés (1853/1935)

Pintor español nacido en Zaragoza. Se formó inicialmente en las Escuelas de Bellas Artes de Zaragoza y Madrid, a continuación en París y más tarde en Roma. A su regreso fue nombrado, en 1886, profesor de Dibujo del Antiguo de la Escuela de Bellas Artes de Zaragoza y conservador del Museo de... Ver mas
Pintor español nacido en Zaragoza. Se formó inicialmente en las Escuelas de Bellas Artes de Zaragoza y Madrid, a continuación en París y más tarde en Roma. A su regreso fue nombrado, en 1886, profesor de Dibujo del Antiguo de la Escuela de Bellas Artes de Zaragoza y conservador del Museo de Antigüedades, cargos a los que renunció en 1897 para trasladarse a París, al parecer contratado por el marchante Goupil, para quien debió realizar una abundante producción pictórica que le proporcionará saneados ingresos. Hacia 1906 vuelve a España instalándose en un principio en Barcelona y posteriormente, ya en su vejez, residirá en Zaragoza. La pintura de Pallarés abarca casi todos los géneros; desde el retrato y composiciones murales de carácter religioso o decorativo, como en el gran lienzo adherido a la bóveda del crucero de la iglesia de Santa Engracia, o en uno de los plafones del Teatro Principal de Zaragoza, hasta el paisaje y, mayormente, escenas de género de ambientación dieciochesca, en cuadros de pequeño formato, siguiendo la moda del tableautin, en pleno éxito en Europa durante el último cuarto del siglo XIX. Precisamente con estos temas y técnica quedan definidos el arte y estilo de Pallarés que prodigará hasta los últimos años de su vida con éxito económico y evidente demostración de virtuosismo. Las claves que explican su permanente dedicación a este tipo de pintura se encuentran en su inicial aprendizaje en Madrid al lado de Vicente Palmaroli, conocedor y cultivador del estilo de Fortuny, en la posterior vinculación al marchante Goupil, principal promotor de las obras de Fortuny, y en el mismo ambiente artístico que oportunamente vivió Pallarés durante sus estancias en París y Roma. Puede afirmarse que ha sido entre los pintores aragoneses el más cualificado representante del “fortunyismo” como estilo pictórico, cuya calidad principal reside en el luminoso colorido que aplica con diminutas y delicadas pinceladas. © GEA
Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Pancho Cossío (1894/1970)

159

Pancho Cossío (1894/1970)

Pintor español de origen cubano que desarrolló una plástica cercana al expresionismo. Francisco Gutiérrez Cossío nació en San Diego de Baños (Cuba) y al poco tiempo se trasladó con su familia a Cantabria (España). En 1914 viajó a Madrid, donde asistió a las clases de Cecilio Pla, y en 1921... Ver mas
Pintor español de origen cubano que desarrolló una plástica cercana al expresionismo. Francisco Gutiérrez Cossío nació en San Diego de Baños (Cuba) y al poco tiempo se trasladó con su familia a Cantabria (España). En 1914 viajó a Madrid, donde asistió a las clases de Cecilio Pla, y en 1921 celebró su primera exposición individual relevante en el Ateneo de Santander, con obras de inspiración ultraísta, como Camouflage. Dos años más tarde partió hacia París, ciudad en la que residiría hasta comienzos de la década de 1930. En la capital francesa su obra adquirió un estilo que el propio artista calificaría de “neorromántico”, influido por el cubismo de Picasso y por Braque. De esta época son los bodegones Cartas sobre un velador (1929) y Bodegón del cenicero (1930). En 1931 regresó a Santander (España). Durante los años anteriores al inicio de la Guerra Civil española abandonó toda actividad artística y se dedicó a la política como miembro primero de las JONS y luego de Falange Española. Al final de la contienda comenzó una nueva etapa artística en Madrid, la más prolífica de su carrera, durante la cual pintó bodegones y marinas casi abstractas, de gran lirismo y delicadeza. Murió en 1970 en la ciudad de Alicante. © M.E.
Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Esteban Vicente (1903/2001)

160

Esteban Vicente (1903/2001)

Pintor y escultor español, pionero del expresionismo abstracto, formó parte de la Escuela de Nueva York junto a pintores como Mark Rothko, Willem de Kooning, Jackson Pollock y Franz Kline. Nació en Turégano (Segovia). A los años 18 ingresó en la madrileña Escuela de Bellas Artes de San Fernando... Ver mas
Pintor y escultor español, pionero del expresionismo abstracto, formó parte de la Escuela de Nueva York junto a pintores como Mark Rothko, Willem de Kooning, Jackson Pollock y Franz Kline. Nació en Turégano (Segovia). A los años 18 ingresó en la madrileña Escuela de Bellas Artes de San Fernando. En Madrid conoció a autores de la Generación del 27, como Juan Ramón Jiménez, Federico García Lorca o Rafael Alberti, y al cineasta Luis Buñuel. En 1936, al estallar la Guerra Civil española, emigró a Estados Unidos. A partir de ese momento comenzó su inclinación por la abstracción y sus obras se expusieron en galerías de Nueva York, Houston, Chicago y San Francisco. En abril de 1998, el pintor, que tenía la doble nacionalidad y estaba casado con una estadounidense, inauguró el Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente, formado por 142 obras que el artista había legado a la Diputación Provincial de Segovia. Su obra forma parte de las colecciones del Guggenheim y el MOMA de Nueva York, la Tate Modern de Londres y el Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, entre otras pinacotecas. Doctor honoris causa por la Universidad de Long Island, fue nombrado miembro de la Academia Americana de las Artes y las Letras en 1993. Entre otros galardones, recibió la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes española en 1991. © M.E.
Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Alfredo Alcaín (1936)

161

Alfredo Alcaín (1936)

Pintor español representante del Pop Art español, cuya obra ha reflejado a la perfección la situación social de la España de su época. Vinculado en un primer momento al mundo del cine y del teatro, su pintura oscila entre el pop y el realismo crítico, buscando no tanto el reflejo de la sociedad... Ver mas
Pintor español representante del Pop Art español, cuya obra ha reflejado a la perfección la situación social de la España de su época. Vinculado en un primer momento al mundo del cine y del teatro, su pintura oscila entre el pop y el realismo crítico, buscando no tanto el reflejo de la sociedad de consumo (característico del Pop Art) como el reflejo de la realidad urbana madrileña. Entre 1979 y 1981, se produjo una renovación de sus planteamientos pictóricos, que se aprecia en la serie Cézanne petit point, donde reinterpretó las naturalezas muertas de Paul Cézanne como si se tratase de dechados para petit point, logrando con ello articular las diferentes posibilidades del pop con el procedimiento tradicional del bordado. En 2003 le fue concedido el Premio Nacional de Artes Plásticas. © M.E.
Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Lucio  Múñoz (1929/1998)

162

Lucio Múñoz (1929/1998)

Pintor español nacido en Madrid. Expulsado del colegio, trabajó en el comercio paterno durante una temporada. Más tarde estudió en la Escuela de Bellas Artes de Madrid, donde fue discípulo de Eduardo Chicharro. Después de su formación académica, entró en contacto con los realistas madrileños... Ver mas
Pintor español nacido en Madrid. Expulsado del colegio, trabajó en el comercio paterno durante una temporada. Más tarde estudió en la Escuela de Bellas Artes de Madrid, donde fue discípulo de Eduardo Chicharro. Después de su formación académica, entró en contacto con los realistas madrileños Antonio López, los hermanos López Hernández y la que sería su esposa Amalia Avia, también pintora. Becado en el año 1956 por el gobierno francés, tuvo la oportunidad de conocer el Art Autre, la obra de Tàpies y de Dubuffet. Su obra, inscrita dentro del informalismo, en un momento de expansión de la década de 1950, se decanta hacia la abstracción a su regreso a España. Es en Madrid, donde expone en la galería Fernando Fe fundada por César Manrique como referente de las vanguardias. Preocupado por la cuestiones matéricas, Lucio Muñoz comienza a utilizar materiales de la más variada naturaleza, como papeles quemados, madera, entre otros. El soporte va a ser esencial pues sobre él Lucio perfora, rasga, realiza incisiones, aproximándose de esta forma al informalismo. Sus obras, coloristas en su mayoría aunque con un predominio del negro, representan un exponente del informalismo más puro. Después de cultivar el grabado durante un par de años, en su fase final su pintura se vuelve menos agresiva debido al tipo de materiales que utiliza. Su obra se encuentra representada en museos como el Guggeheim o el Museo de Arte Moderno, ambos en Nueva York. También es suya la decoración del ábside de la Basílica de Aránzazu (1962). © M.E.
Galardones:

Nacional de Artes Plásticas (1983)
Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Iago Pericot (1929)

163

Iago Pericot (1929)

Pintor, grabador y escenógrafo catalán nacido en El Masnou, Barcelona. Maestro por la Escuela Normal de Barcelona y licenciado en Psicología por la Universidad de Barcelona, en 1968 fue becado para estudiar grabado en la Slade School of Fine Arts de Londres, donde inició una técnica... Ver mas
Pintor, grabador y escenógrafo catalán nacido en El Masnou, Barcelona. Maestro por la Escuela Normal de Barcelona y licenciado en Psicología por la Universidad de Barcelona, en 1968 fue becado para estudiar grabado en la Slade School of Fine Arts de Londres, donde inició una técnica bidimensional en el grabado, celebrada y premiada en Inglaterra y en la Feria del Grabado de Ljubljana. Ha expuesto en las bienales internacionales de Tokio, Sao Paulo y Venecia. Ha trabajado también en el campo de la escenografía, donde ha tratado de replantear visualmente y espacialmente la escena de acuerdo con una concepción plástica del teatro. A raíz de su nombramiento como profesor de espacio escénico en el Institut del Teatre de Barcelona en 1971, departamento del que fue director de 1983 a 1992, intensificó esta actividad, habiendo sido fundador junto a Sergi Mateu, del Teatre Metropolità de Barcelona en 1975. En 1990 fue nombrado profesor de proyectos de fin de carrera en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona. Entre los montajes que ha realizado sobresalen Rebel delirium (1977), Sinfónico King Crimson (1980), Bent (1982), La bella y la bestia (1984), MozartNu (1986), El banquete (1990), Uno es el Cubo (1995), Una furtiva ópera (1997), El juego del engaño (2002) y Il mondo della luna (2004). En 1990 recibió el Premio Nacional de Artes Escénicas. © G.E.C.


Windows Media Player | Libreto (Historia y Personajes) | Aumentar | Fotos Interiores
Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Manuel Millares (1926/1972)

164

Manuel Millares (1926/1972)

Pintor español nacido en Las Palmas de Gran Canaria. Su estancia en Lanzarote, durante la Guerra Civil española (1936-1939) le hace tomar contacto con la naturaleza, que le influirá en su obra. Al principio, es el surrealismo quien ejerce en él gran influencia, de esta época (1949) datan sus... Ver mas
Pintor español nacido en Las Palmas de Gran Canaria. Su estancia en Lanzarote, durante la Guerra Civil española (1936-1939) le hace tomar contacto con la naturaleza, que le influirá en su obra. Al principio, es el surrealismo quien ejerce en él gran influencia, de esta época (1949) datan sus primeros Pictogramas. Más tarde traba amistad con la escuela de Altamira y es uno de los colaboradores de LADAC (Los Arqueros del Arte Contemporáneos). Después de ahondar en la idiosincrasia canaria como temática de sus obras, pasa a investigar las superficies, la materia y las texturas. A partir de ahí elaborará sus arpilleras, donde combina arena y madera. En el año 1955 realiza sus Perforaciones. Participa en la creación del grupo El Paso, que influiría de forma decisiva en la difusión del informalismo español o abstracción expresiva. El viaje que realiza al Sahara en el año 1969, cuyo ambiente le influye en su concepción de la pintura, da como resultado un predominio del blanco de la arena especialmente. A esta fase le sigue otra titulada Antropofaunas y Neardentalios, serie compuesta por seres metamorfoseados y convertidos en fantásticos. Millares crea superficies pictóricas, de volúmenes casi escultóricos, que provocan en el espectador una intensa reacción emocional. Su obra, dentro del más puro informalismo, se exhibe en numerosos museos de todo el mundo como el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), la Tate Gallery de Londres o el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca. © M.E.
Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Eduardo Chillida (1924/2002)

165

Eduardo Chillida (1924/2002)

Escultor y grabador español nacido en San Sebastián. Junto a Jorge Oteiza, es el escultor vasco más destacado del siglo XX, continuador de la tradición de Julio González y Pablo Picasso. Tras abandonar sus estudios de arquitectura, recibió clases de dibujo y empezó a esculpir en hierro. En 1948... Ver mas
Escultor y grabador español nacido en San Sebastián. Junto a Jorge Oteiza, es el escultor vasco más destacado del siglo XX, continuador de la tradición de Julio González y Pablo Picasso. Tras abandonar sus estudios de arquitectura, recibió clases de dibujo y empezó a esculpir en hierro. En 1948, se trasladó a París donde trabó amistad con Pablo Palazuelo y comenzó a modelar obras figurativas, en terracota, temática que abandonó pronto para, a partir de 1950, concentrarse en la abstracción. Su primera exposición individual fue en Madrid, en 1954, en la galería Clan y fue la primera muestra de escultura abstracta que se realizó en España. Tras ésta, es invitado por el arquitecto Ramón Vázquez Molezún a participar en el pabellón español de la Trienal de Milán de ese año, en la que obtuvo el Diploma de Honor. En sus comienzos utilizó preferentemente el hierro y la madera, e introdujo posteriormente otros materiales como el hormigón, el acero, la piedra e incluso el alabastro, que le interesaba por su cualidades lumínicas. A partir de los años 1970 Chillida observa la naturaleza y busca en ella la inspiración para sus formas. Desde la década de 1980, se ha especializado en la instalación de piezas de grandes dimensiones, que se integran en espacios urbanos o en inmensos espacios naturales abiertos, y que contraponen armónicamente la masa y el vacío, caracterizándose por una sencilla geometría en la que las superficies rugosas o pulimentadas alternan dinamismo con estaticidad. En su destacada faceta de grabador —procedente de su interés continuado por la obra sobre papel, a la que ha conferido en ocasiones volumetrías propias de la escultura—, destacan las estampas realizadas para el poemario de Jorge Guillén, Más allá. O las que realizó para una obra del filósofo Martin Heidegger, en 1959, año en el que participó en la II Documenta de Kassel. Posee el Premio de las Artes de Francia, el Premio Príncipe de Asturias, concedido en 1987, y es académico de la Academia de Bellas Artes de San Fernando. © M.E.
Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

César Manrique (1919/1992)

166

César Manrique (1919/1992)

Pintor y escultor español nacido en Lanzarote. Después de su paso por la Escuela de Bellas Artes de Madrid, fundó la galería Fernando Fe en la capital de España, abierta a las vanguardias. Su labor compaginó el arte con la protección del medio ambiente. La naturaleza es entendida como un espacio... Ver mas
Pintor y escultor español nacido en Lanzarote. Después de su paso por la Escuela de Bellas Artes de Madrid, fundó la galería Fernando Fe en la capital de España, abierta a las vanguardias. Su labor compaginó el arte con la protección del medio ambiente. La naturaleza es entendida como un espacio creativo, en donde el artista busca la sintonía de los elementos naturales con el entorno artístico que la rodea, tal y como se aprecia en su obra Los jameos del agua en Lanzarote. Su casa en Tahiche (hoy sede de la Fundación César Manrique) es un claro ejemplo que resume la integración del arte en la naturaleza, donde el entorno natural participa con las artes plásticas, interaccionadas en perfecta armonía, por medio de la propia arquitectura local, la escultura de carácter lúdico o la pintura mural. Su arte evolucionó desde el realismo de los paisajes tropicales hasta la abstracción que evocan los volcánicos. Manrique obtuvo en el 1978 el Premio Mundial de Turismo por su labor ecológica y en el 1986 fue galardonado con el Premio Europa Nostra. © M.E.
Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Joan-Josep Tharrats (1918/2001)

167

Joan-Josep Tharrats (1918/2001)

Pintor y grabador español. Nació en Girona y cursó sus primeros estudios artísticos en Barcelona, ciudad donde le sorprendió la Guerra Civil. Miembro fundador en 1948 del grupo Dau al Set, en compañía de Joan Ponç, Antoni Tàpies, Modest Cuixart, Joan Brossa y Arnau Puig, se encargó de editar y... Ver mas
Pintor y grabador español. Nació en Girona y cursó sus primeros estudios artísticos en Barcelona, ciudad donde le sorprendió la Guerra Civil. Miembro fundador en 1948 del grupo Dau al Set, en compañía de Joan Ponç, Antoni Tàpies, Modest Cuixart, Joan Brossa y Arnau Puig, se encargó de editar y dirigir la revista del mismo nombre hasta 1956. Antes de vincularse a este grupo, la pintura de Tharrats atravesó por los estilos postimpresionista y abstracto, con claras influencias de Toulouse-Lautrec y Van Gogh en el primer caso y de Kandinsky, Klee y Mondrian en el segundo. Tras integrarse en Dau al Set se adentró en el mundo del surrealismo y la abstracción mágica, hasta que lo abandonó en favor del informalismo de grandes manchas, fuerte cromatismo y abundante materia que caracteriza sus clásicas Maculaturas a partir de 1954. Por esos años, y tras la desmembración de Dau al Set, Tharrats participó también en la constitución del grupo Tahüll (1955) junto a Jordi Muxart, Modest Cuixart, Antoni Tàpies y Josep Guinovart, jóvenes pintores catalanes que se movían entre la abstracción y lo neofigurativo. Interesado también por el diseño gráfico, la ilustración, las artes aplicadas y el mundo de la edición, Tharrats participó en innumerables exposiciones tanto individuales (desde 1950) como colectivas (desde 1948) en las principales ciudades del mundo, y su obra se expone en pinacotecas como el Solomon R. Guggenheim, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid o la Tate Gallery de Londres, entre otros. Falleció el 5 de julio de 2001 en Barcelona. © M.E.
Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Antoni Clavé (1913/2005)

168

Antoni Clavé (1913/2005)

Una de las más relevantes figuras del arte contemporáneo, nace en Barcelona en 1913, inicia su formación pictórica en 1926 asistiendo a cursos de Bellas Artes y a los talleres de Ángel Ferrán y José Mongrell. Hasta el inicio de la Guerra Civil diversifica su actividad artística trabajando en... Ver mas
Una de las más relevantes figuras del arte contemporáneo, nace en Barcelona en 1913, inicia su formación pictórica en 1926 asistiendo a cursos de Bellas Artes y a los talleres de Ángel Ferrán y José Mongrell. Hasta el inicio de la Guerra Civil diversifica su actividad artística trabajando en pinturas murales, decoración ornamental, diseño publicitario y otras actividades creativas. En 1939 se ve obligado a establecer su residencia en Francia de forma definitiva Su pintura se inició engalanada por un ceremonial barroco de un rutilante y violento cromatismo. A partir de los años cincuenta sus esquemas se van simplificando a la vez que se endurecen, reduciendo el cromatismo en busca de un ascetismo desprovisto de lo superfluo. En los últimos años su trabajo es totalmente abstracto, siguiendo una linea de depuración de esquemas formales. Murió el 31 de agosto del 2005 en Saint-Tropez (Francia). © epdlp
Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Esteve Francés (1913/1976)

169

Esteve Francés (1913/1976)

Pintor y escenógrafo catalán, una de las figuras más interesantes del movimiento surrealista en España. Sus cuadros revelan universos extraños y opresivos habitados por seres irreales de dudosa procedencia. Nació en Port Bou (Girona) e inició sus estudios artísticos en la escuela de La Lonja de... Ver mas
Pintor y escenógrafo catalán, una de las figuras más interesantes del movimiento surrealista en España. Sus cuadros revelan universos extraños y opresivos habitados por seres irreales de dudosa procedencia. Nació en Port Bou (Girona) e inició sus estudios artísticos en la escuela de La Lonja de Barcelona. Con el estallido de la Guerra Civil española, huyó a París, donde entró en contacto con el círculo surrealista de André Breton, Óscar Domínguez, Yves Tanguy y Marcel Duchamp. Allí experimentó con nuevas técnicas como el grattage, que consiste en raspar o rayar los pigmentos ya secos sobre un lienzo o tabla de madera. En 1940, poco después del inicio de la II Guerra Mundial, se refugió en México y cinco años después se estableció en Nueva York. Fue entonces cuando comenzó a trabajar como escenógrafo y figurinista, convirtiéndose en asiduo colaborador del coreógrafo ruso George Balanchine, una de las figuras más emblemáticas de la danza contemporánea. En los últimos años de su vida, regresó a España para preparar una exposición retrospectiva de su obra. Desgraciadamente falleció antes de inaugurar la muestra. © M.E.
Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Nicolás de Lekuona (1913/1937)

170

Nicolás de Lekuona (1913/1937)

Artista español polifacético que destacó de forma especial en el campo de la fotografía. Su muerte prematura a los 24 años truncó una carrera artística excepcionalmente brillante. Nació en Villafranca de Ordicia, Guipúzcoa, y estudió en la Escuela de Artes y Oficios de San Sebastián. Entre 1932... Ver mas
Artista español polifacético que destacó de forma especial en el campo de la fotografía. Su muerte prematura a los 24 años truncó una carrera artística excepcionalmente brillante. Nació en Villafranca de Ordicia, Guipúzcoa, y estudió en la Escuela de Artes y Oficios de San Sebastián. Entre 1932 y 1935 residió en Madrid, donde ingresó en la Escuela de Aparejadores de la capital española. Miembro de la Asociación de Artistas Ibéricos (SAE), desde muy joven entró en contacto con las vanguardias de la época gracias a la Exposición de Arquitectura y Pintura Modernas de San Sebastián celebrada en 1930. Participó en numerosas muestras en el País Vasco, en alguna de ellas junto a Jorge de Oteiza. En la obra de Nicolás de Lekuona se aprecia la influencia del surrealismo, del movimiento dadaísta y de la Nueva objetividad. Dibujante, pintor y diseñador, es en el campo de la fotografía donde desarrolló al máximo sus capacidades creativas. Se sirvió de encuadres basculados y de picados para componer fotomontajes y collages fotográficos en los que la presencia de la muerte es una constante. Con el estallido de la Guerra Civil española, fue reclutado y murió en un bombardeo en 1937. © M.E.
Ha recibido 5 puntos

Vótalo: