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PINTORES ESPAÑOLES DEL SIGLO XX por LAPP

PINTORES ESPAÑOLES DEL SIGLO XX por LAPP

  • Lista creada por Roizan.
  • Publicada el 12.10.2010 a las 10:53h.
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La obra de la imagen es un acrilico sobre lienzo de Antonio Lorenzo Carrion (Madrid 1922-2009) titulado Bodegon del 7º sello de 1992. firmado Lorenzo. (Coleccion particular)---------------------------------------

--- ESTA LISTA ES SOLO PARA PINTORES FALLECIDOS--- Esta hecha en base al curriculum artistico y profesional. No en base a los mercantilismos y la politica del momento, donde hoy vales mucho y se te reconoce oficialmente y mañana nada. El artista siempre es artista, independientemente de los avatares de los mercados y la politica, que solo son intereses creados por aquellos que no pintan nada y saben menos. No es para votar sino para incrementar. Solo fallecidos. No es para hacer propaganda a los vivos.

SI BUSCAS ALGUN ARTISTA , MIRA LA LISTA HASTA EL FINAL, O BIEN SIGUE ESTA INDICACION: ARRIBA DONDE ESTA -ARCHIVO-EDITAR-VER-HISTORIAL-FAVORITOS O MARCADORES-HERRAMIENTAS-AYUDAS. PICAS EN -EDITAR O EDICCION-- SALE -BUSCAR- PICAS Y SALE UNA VENTANA DONDE PONES EL NOMBRE DEL ARTISTA PARA SU LOCALIZACION.

Estos son los elementos de la lista

JUAN GRIS (Madrid 1887-Boulogne-Billancourt,1927)

1. JUAN GRIS (Madrid 1887-Boulogne-Billancourt,1927)

http://es.wikipedia.org/wiki/Juan_Gris

José Victoriano González Pérez, conocido mundialmente por Juan Gris, nació en Madrid el 23 de Marzo de 1887. Su padre era un conocido empresario papelero, D. Gregorio González casado con Isabel Pérez, con quien tuvo catorce hijos. Juan Gris hacía el número trece. Estudió en buenos colegios hasta... Ver mas
José Victoriano González Pérez, conocido mundialmente por Juan Gris, nació en Madrid el 23 de Marzo de 1887. Su padre era un conocido empresario papelero, D. Gregorio González casado con Isabel Pérez, con quien tuvo catorce hijos. Juan Gris hacía el número trece. Estudió en buenos colegios hasta que su afición y facilidad por el dibujo hicieron que tomara clases en distintas escuelas de Arte. El estilo académico y rígido de estas hicieron que José renunciase a seguir los cauces de la pintura tradicional.

Después de la muerte de su padre Juan Gris viajo a París con la idea de realizar una brillante carrera artistica. Se instaló en el famoso "Bateau Lavoir" junto a otros artistas como Picasso. Después de unos años con problemas económicos y sentimentales -nació su hijo Jorge educado en España por su hermana- , en 1910 Juan Gris empezó a dedicarse en exclusiva a la pintura. Las influencias de Cézanne, Picasso y Braque hicierón nacer en él el estilo cubista que le haría famoso en el mundo entero.

La mujer del cesto
"La mujer del cesto"
(1927)
Comenzó con cuadros de tonos grises que cambio a mediados de la década -1915- por composiciones coloristas con collages que otorgaban a sus obras una originalidad dentro del cubismo. Ya había conocido a Jossette, su compañera de por vida. En esta época pintó sus cuadros más coloristas, "Violín y vaso", "El torero", "Guitarra sobre una silla", "Las tres cartas"...

Comenzó a ser conocido en los ambiemtes artísticos, pero problemas legales le impidierón viajar y salir de Francia para realizar exposiciones fuera del país galo. Los numerosos contratos y trabajos elevaron su situación artistica y económica y en 1922 desplazó su estudió del "Bateau Lavoir" a Boulogne-sur-Seine. El motivo fué su delicada salud, aquejado de fuertes ataque de asma, los médicos le aconsejaron un clima más cálido y soleado.

Realmente hasta 1924 Juan Gris no entró dentro del núcleo de los grandes artistas. Pero en ese año sus pinturas empezaron a cotizarse como grandes obras de arte y realizó sus creaciones más conocidas como "La Mujer del cesto", "El libro rojo", "El mantel Azul" o "Mujer en la ventana". Pero su felicidad duró poco ya que fallecía el 11 de Mayo de 1927 en una aguda crisis asmática. Sólo con cuarenta años desaparecía uno de grandes artistas del siglo XX. No nos queda más remedio que imaginarnos la cantidad de talento y obras que no pudo dejar en vida.

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JOAN MIRO (Barcelona 1893-P.Mallorca 1983)

2. JOAN MIRO (Barcelona 1893-P.Mallorca 1983)

http://es.wikipedia.org/wiki/Joan_Mir%C3%B3

Aunque nacido en Barcelona en 1893, la vida y la trayectoria artísticas de Joan Miró están vinculadas desde su infancia a las tierras de Tarragona -primero Cornudella, de donde era su padre, y después Mont-roig- y Mallorca, de donde procedian su madre.

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PABLO  PICASSO (Malaga 1881-Mougins 1973)

3. PABLO PICASSO (Malaga 1881-Mougins 1973)

http://www.biografiasyvidas.com/monografia/picasso/

Pablo Ruiz Picasso .Famoso desde la juventud, admirado y solicitado por los célebres y poderosos, fue esencialmente un español sencillo, saludable y generoso, dotado de una formidable capacidad de trabajo, enamorado de los barrios bohemios de París, del sol del Mediterráneo, de los toros, de la... Ver mas
Pablo Ruiz Picasso .Famoso desde la juventud, admirado y solicitado por los célebres y poderosos, fue esencialmente un español sencillo, saludable y generoso, dotado de una formidable capacidad de trabajo, enamorado de los barrios bohemios de París, del sol del Mediterráneo, de los toros, de la gente sencilla y de las mujeres hermosas, afición que cultivó sin desmayo.

Pablo Diego José Ruiz Picasso, conocido luego por su segundo apellido, nació el 25 de octubre de 1881, en el n.º 36 de la plaza de la Merced de Málaga, como primogénito del matrimonio formado por el pintor vasco José Ruiz Blasco y la andaluza María Picasso López. El padre era profesor de dibujo en la Escuela Provincial de Artes y Oficios, conocida como Escuela San Telmo. La primera infancia de Pablo transcurrió entre las dificultades económicas de la familia y una estrecha relación entre padre e hijo, que ambos cultivaban con devoción. El niño era un escolar menos que discreto, bastante perezoso y muy distraído, pero con precoz facilidad para el dibujo, que don José estimulaba.

En 1891 la familia se traslada a La Coruña, en cuyo Instituto da Guarda son requeridos los servicios del padre como profesor. Pablo inicia sus ensayos pictóricos, y tres años más tarde su progenitor y primer maestro le cede sus propios pinceles y caballetes, admirado ante el talento de su hijo. En 1895, Ruiz Blasco obtiene un puesto docente en la Escola d'Arts i Oficis de la Llotja de Barcelona. Pablo resuelve en un día los ejercicios de examen previstos para un mes, y es admitido en la escuela. En 1896, con sólo quince años, instala su primer taller en la calle de la Plata de la Ciudad Condal.

Dos años más tarde, obtiene una mención honorífica en la gran exposición de Madrid por su obra Ciencia y caridad, todavía de un realismo académico, en la que el padre ha servido de modelo para la figura de un médico. La distinción lo estimula a rendir oposición al curso adelantado en la Academia de San Fernando, mientras sus trabajos, influenciados por El Greco y Toulouse-Lautrec, obtienen nuevas medallas en Madrid y Málaga.

En 1898 realiza su primera muestra individual en Els Quatre Gats de Barcelona. Finalmente, en el otoño del año 1900 hace una visita a París para ver la Exposición Universal. Allí vende tres dibujos al marchante Petrus Mañach, quien le ofrece 150 francos mensuales por toda su obra de un año. Pablo es ya un artista profesional, y decide firmar sólo con el apellido materno. En 1901 coedita en Madrid la efímera revista Arte Joven, y en marzo viaja nuevamente a París, donde conoce a Max Jacob y comienza lo que luego se llamará su «período azul». Al año siguiente expone su primera muestra parisiense en la galería de Berthe Weill, y en 1904 decide trasladarse definitivamente a la capital francesa.

Picasso se instala en el célebre Bateau-Lavoir, en el número 13 de la calle Ravignan (hoy plaza Hodeau), alojamiento variadamente compartido por artistas sin blanca, entre otros el también español Juan Gris. Allí, Pablo traba amistad con Braque y Apollinaire, y se enamora de Fernanda Olivier. Durante tres años pinta y dibuja sin cesar, rendido a la influencia de Cézanne, mientras elabora con Braque las líneas maestras del cubismo analítico, cuya gran obra experimental, Las señoritas de Aviñón, es pintada por Picasso en 1907.

Pronto sobreviene el asombro y el escándalo ante un estilo deforme que rompe todos los cánones y va ganando nuevos adeptos, al tiempo que su audaz inventor expone en Munich (1909) y en Nueva York (1911). Pablo ha encontrado una nueva compañera en Marcelle Humbert, y siempre seguido por Braque, se lanza a inventar el cubismo sintético, que los acerca al borde de la abstracción (en su extensa y tan variada obra, Picasso jamás llegaría a abandonar la figuración). Poco después, se muda de Montmartre a Montparnasse, y se abren exposiciones suyas en Londres y Barcelona.

En 1914, con la guerra, llegan las tragedias: Braque y Apollinaire son movilizados, y Marcelle muere súbitamente ese otoño. Pablo abandona prácticamente el cubismo, y busca otros caminos artísticos. Los encuentra en 1917, cuando por medio de Jean Cocteau conoce a Diáguilev, que le encarga los decorados del ballet Parade de Eric Satie. El fin de la guerra le trae un nuevo amor, la bailarina Olga Clochlova, y también un nuevo dolor: la muerte de Apollinaire a consecuencia de una grave herida en la cabeza. Se casa con Olga en 1918, y hasta 1925 trabaja en diversos ballets que dan cauce a su evolución pictórica.

Un viejo retrato de su madre, pintado en 1918, le valdrá el millonario premio Carnegie de 1930, que le permite adquirir una suntuosa villa campestre en Boisgelup, y pasarse más de un año viajando por España. Por entonces vuelve a la escultura y mantiene un romance con Teresa Walter, del que nace su primera hija, Maya. La Clochlova inicia un escandaloso juicio para conseguir el divorcio, que el juez se niega a conceder. Despechado, Picasso se enamora de Dora Maar.

Al estallar la Guerra Civil, Picasso apoya con firmeza al bando republicano, y acepta simbólicamente la dirección del museo del Prado, mientras en 1937 pinta el Guernica en París. Dos años después se realiza una gran exposición antológica en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Deprimido por el triunfo de los nacionales y la posterior ocupación de Francia por los nazis, pasa la mayor parte de la Segunda Guerra Mundial trabajando en su refugio de Royan.

En 1944, se afilia al Partido Comunista Francés y da a conocer 77 nuevas obras en el Salón de Otoño. Después se entusiasma por la litografía y por la joven y hermosa pintora Françoise Guillot, con la que convive hasta 1946. Se inicia así su etapa de Vallauris, en la que trabaja en sus magníficas cerámicas. Con Françoise tendrá dos hijos: Claude, nacido en 1947, y Paloma en 1949.

En 1954, el infatigable anciano se fascina por una misteriosa adolescente de delicado perfil y largos cabellos rubios llamada Sylvette D., que acepta posar para él a cambio de uno de los retratos, a su elección. El trato se cumple y su resultado produce algunas de las obras más conocidas y reproducidas del pintor, como el famoso perfil de Sylvette en la butaca verde.

Si la fascinación por la etérea Sylvette había sido platónica, no tuvo el mismo cariz su atracción por Jacqueline Roqué, joven de extraodinaria belleza a la que tomó como compañera en 1957, un año antes de pintar el gigantesco mural para la UNESCO. Fértil milagro del arte y de la vida, Picasso seguirá creando, amando, trabajando y viviendo intensamente hasta morir en 1973. Dejó tras de sí la mayor y más rica obra artística personal de nuestro siglo, y una fabulosa herencia que provocó agrias disputas hasta recaer en un ser de pacífico nombre: Paloma, su hija.

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PANCHO COSSIO (Pinar del Rio-Cuba 1898-Alicante 1970)

4. PANCHO COSSIO (Pinar del Rio-Cuba 1898-Alicante 1970)

http://es.wikipedia.org/wiki/Francisco_Coss%C3%ADo

PANCHO COSSÍO, PINTOR FALANGISTA (2) Por José Mª García de Tuñón Aza [1] Cossío abandona la política y vuelve a la pintura A comienzos de la posguerra, Cossío decide tomar de nuevo los pinceles inaugurando su nueva y magnífica etapa con indiscutibles obras maestras como el retrato de su... Ver mas
PANCHO COSSÍO, PINTOR FALANGISTA (2)
Por José Mª García de Tuñón Aza [1]

Cossío abandona la política y vuelve a la pintura
A comienzos de la posguerra, Cossío decide tomar de nuevo los pinceles inaugurando su nueva y magnífica etapa con indiscutibles obras maestras como el retrato de su madre. Su biógrafo Gaya Nuño considera que la noble anciana protagoniza, seguramente, el mejor retrato español del siglo XX. Sobre los retratos que hizo a su madre conviene aclarar que en 1911 pintó el primero estando colgado hoy en el Museo de Bellas Artes de Santander lo mismo que el que pintó en 1923. Según la bibliografía manejada, en 1942 pinta otros dos, uno de ellos hoy en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y un segundo en posesión de un particular. El propio pintor llegaría a decir en una entrevista que le hacen en 1961, que siempre el mejor retrato es el de la madre: «...conocemos a ésta –dice Cossío– de siempre, la llevamos en la retina y en el corazón, la pintaríamos a ojos cerrados»[2]. Cuando le preguntan dónde había pintado este cuadro, señalando al retrato de su madre que tenía colgado en el estudio, el pintor contesta:

«–En Santander, hace cerca de veinte años. Muchas veces me lo quisieron comprar, y alguna llegaron a ofrecerme por él lo que yo quisiera. Y dije que sí que lo vendería, mas con la condición de que fuese a parar a un Museo. Mi madre no quería retratarse. “Sois todos unos solterones –decía–, y cuando yo falte y faltéis vosotros, el cuadro irá a parar a una trapería”. Pero como era muy lista, se dejó engañar y posó algo. El otro retrato que de ella hice, y que está en el Museo de Arte Moderno, lo pinté por entero de memoria»[3]. Está claro que el pintor en esta contestación omite los pintados en 1911 y 1923.

En aquella época, los centros oficiales de Santander le hacen encargos de retratos áulicos. Como Pancho Cossío parecía hallarse en el mejor momento artístico, surgió de sus pinceles una impresionante serie de creaciones de primer orden: los retratos de María Pereira, de Antonia Cuevas y de Carmen Martín y «culminó su labor retratista en la magistral efigie del ministro Alfonso Peña Boeuf, conservado hoy en el Museo de Santander»[4]. Uno de sus biógrafos opinaba así: «El retrato de Peña parece arrancado de la época goyesca de la familia de Carlos IV, y, sin embargo, nada más lejano a él»[5]. Por su parte, Gerardo Diego escribió: «El último cuadro de Pancho Cossío, el retrato de don Alfonso Peña, es eso, un cuadro, un retrato, un óleo que huele a pintura, a Museo de hoy y de siempre, desde cien pasos que se le emplace a columbrar. Calidad prodigiosa de su materia trabajada con el fervor atómico y el calor poético de un Lucrecio de la pintura. Y dignidad, estructura, humanismo, identificación, misterio psicológico en la efigie, que desde ahora dobla y remansa en la tela su vida mortal»[6]. De 1941 son dos naturalezas muertas tituladas El descubrimiento de América y el Bodegón del melón, que se conserva en el Museo Nacional de Buenos Aires. Ambas obras, nos brindan otro paso elocuente del pintor «en la evolución del lenguaje»[7].

En la primavera de 1944, Cossío se traslada a Madrid donde expondrá en la Galería Estilo. Era la primera exposición que hacía desde 1930 y solamente llegaría a vender dos cuadros de los once óleos que presentó. Sin embargo, quien sería su principal biógrafo, Juan Antonio Gaya Nuño, dice que fue a raíz de ver esta exposición cuando comenzó su seducción y su encanto por el pintor: «Porque este pintor no se parecía a ninguno de sus colegas contemporáneos. Por primera vez observé aquel nevadito de manchas interpuestas entre la imagen y la vista del espectador, y, bien que no supiera aún de la razón que aconsejaba al artista a salpicarlas, ya el encanto se había producido. Vi también la solemnidad de su técnica, la suntuosidad de sus superficies, la altísima índole a que elevaba a sus modelos. En fin, vi al pintor que era el gran Pancho Cossío»[8]. En La estafeta literaria, del día 30 de abril, apareció un artículo, firmado por Miguel Moya Huertas, que aunque el crítico no da perfectamente en la diana con la interpretación que hace de la pintura de Pancho Cossío, éste le quedó muy agradecido, ya que prácticamente fue el único trabajo que se publicó sobre la exposición. Juan Aparicio, por aquel entonces delegado nacional de Prensa y gran amigo suyo, fue quien se ocupó y preocupó de que la publicación La estafeta literaria le hiciera la crítica de la exposición a la vez que le encargaba para el mismo medio un artículo que el pintor escribió bajo el título «Mi genio pitagórico», publicado en el número del 15 de mayo y que terminaba así: «¿Qué es lo que se ha hecho en París? Poca cosa. Se ha hecho un impresionismo –sus esencias son españolas–; surrealismo –sus dos jefes son españoles–. Se ha hecho más, se ha hecho pintura fáustica de gran raigambre tradicional y sus creadores y maestros hemos sido españoles. Y aquí, ¿no se ha hecho nada? Aquí se han hecho cosas muy importantes: se ha perpetuado el farolillo, la manzanilla y el olor a churros de las verbenas»[9]. Este desplante final del pintor, parece estar dicho con la tristeza que le invadía cuando hablaba de nuestra España de pandereta. Este mismo año, el Ministerio de Educación Nacional le nombra Caballero de la Orden de Alfonso X el Sabio.

En 1945 participa en la Exposición de Floreros y Bodegones de Artistas Españoles Contemporáneos, que tiene lugar en el Museo Nacional de Arte Moderno de Madrid en los meses de marzo y abril y en la que participan, entre otros, José Aguiar, Pedro Bueno, José Gutiérrez Solana, Benjamín Palencia, Daniel Vázquez Díaz, Nonell, Zuloaga y Rafael Zabaleta; Cossío acude con dos cuadros: Bodegón del Melón y Las porcelanas. En este mismo año se celebra la primera exposición antológica de la Academia Breve de la Crítica de Arte que tiene lugar en la Galería Biosca de Madrid compuesta por una selección de las once mejores obras de arte expuesta en Madrid el año anterior. Pancho Cossío forma parte de esta selección junto con Nonell, Zuloaga, Manuel Benedito, Lloréns Artigas, Miquel Villa, Casanovas, Ángel Ferrant, Gómez Cano, Rafael Zabaleta y María Blanchard. Estos éxitos del pintor dan motivo para que los medios de comunicación se preocupen de su pintura. De nuevo es El Español quien a través de la pluma de José Luis Hidalgo le dedica casi una página del periódico ilustrada por un retrato de su madre y dos bodegones ilustran el reportaje; el articulista dice entre otras cosas: «La pintura de Francisco G. Cossío es una lección permanente de humildad, de ascetismo. Ha renunciado a todo: a la perspectiva, porque no quiere ningún asidero lineal para conseguir la profundidad... Miremos un cuadro de este artista, uno de los retratos de su madre...»[10]. Al parecer este texto constaba de dos partes y sólo apareció la primera en aquella publicación. Según María Isabel Nava Ocaña, que reproduce parte de la segunda, ésta es la que contiene una valoración de las vanguardias artísticas del siglo XX: «Cossío es seguramente, de todos los pintores que se formaron en el hervoroso París de 1920 a 1930, quien supo asimilar para su arte más ricas sustancias renovadoras y el único que después ha sabido conservarlas potenciándolas definitivamente con los valores esenciales y permanentes de la pintura de todos los tiempos...»[11]. Asimismo el diario santanderino Alerta, en esta ocasión a través de la pluma de Francisco Pompey, sale en defensa de Pancho dedicándole un amplio artículo titulado El pintor Francisco de Cossío donde dice que «no hace mucho tiempo que el público de Madrid pudo apreciar el talento y la sensibilidad de la pintura. Pero... como en la pintura de este artista no existen los “elementos” aduladores que se fabrican de “expreso” en el estudio-tienda del pintor, de ahí que no lograse un éxito franco, sino en sordina y un tanto forzado y pedante por parte de algunos incipientes críticos de arte. Justo es decir en honor del público, que ya posee una cierta preparación y costumbre de visitar exposiciones de pinturas, este público fue el que comprendió con más justa medida, espontánea y generosidad, la pintura de Cossío»[12].

De 1946 a 1948 los pasa el pintor entre Santander y Madrid. En estos dos años deja ver poco sus pinturas y, de manera excepcional, expone en el Ateneo de Santander un retrato que le había encargado el Ayuntamiento de la ciudad. Se trataba del que pintó al ministro ya citado Alfonso Peña Boeuf y que, sorprendentemente, a su biógrafo Gaya Nuño no le llenó del todo, muy al contrario de la crítica positiva que hicieron otros al retrato. Así opinaba Gaya Nuño de este retrato: «No es, por cierto, de lo mejor del artista»[13]. En el otoño de 1948, Cossío contribuye con seis cuadros al VI Salón de los Once. Por aquel entonces, Cossío definiría así su pintura: «La transparencia de mi manera creo que es veneciana; de mi admiración hacia los maestros flamencos, me viene la gravedad y densidad grasa de mis óleos; su gracia y su abstracción, la modernidad, en suma, de París indudablemente. Y todo ello sobre una temperamental sobriedad española»[14].

Sin embargo, durante aquellos años no parece que las exposiciones le acompañaran en su suerte porque en 1949 expone con muy poco éxito en las Galerías Layetanas de Barcelona de la que era director artístico quien sería después su biógrafo por excelencia Gaya Nuño. Éste, a pesar de que no tuvo ningún éxito la exposición –no llegó a vender ningún cuadro de los 38 que expuso–, escribiría: «Tanto el pintor como yo estábamos radiantes de alegría. Es posible que jamás hubiera visto en Barcelona exposición tan cuidada y selecta de un pintor vivo. El efecto era deslumbrador de una riqueza sin igual. Más que exposición, aquello semejaba la gran sala de honor que era debida a Cossío en cualquier gran Museo de Arte contemporáneo de no importa qué ciudad del mundo, tal era la nobleza del conjunto»[15]. En la ciudad Condal, donde vivía, se encuentra con su paisano y también falangista el escritor y poeta Luys Santa Marina, celebrando ambos este encuentro de viejos camaradas y amigos. Este mismo año expone en el Museo de Santander del 13 al 31 de agosto bajo la organización de la revista montañesa Proel: Pancho muestra a sus paisanos una magnífica colección de óleos y guaches. El propio pintor declaraba a la prensa local: «La insistencia del grupo Proel me hizo dar el paso definitivo»[16]. Pancho con esta exposición se despidió de Santander. Regresaría en los veranos, pero a medida que pasan los años, sus visitas son más esporádicas. Todavía antes de marcharse tiene lugar en el mes de septiembre en la localidad santanderina de Santillana del Mar la Primera Semana Internacional de Arte Contemporáneo patrocinada por el gobernador civil de la provincia Joaquín Reguera Sevilla. En esta exposición conjunta Cossío leyó un capítulo de su libro en preparación El hombre mágico. No finalizaría este mismo año sin que Pancho Cossío vuelva a exponer, en esta ocasión en la Galería San Jorge de Madrid. Y en la capital cántabra siguen sus pasos, no quieren olvidarse de él. De vez en cuando le dedican algún artículo en la prensa local. Es en esta ocasión Carlos Nieto Iglesias quien en un artículo titulado Cossío, por fuera nos recuerda que «Pancho no es ya el expositor, no es el artista que salió de su casa con sus cuadros para llevarlos a un local extraño y sin ambiente. Porque en la exposición, con Pancho y su pintura, está toda su casa y su ambiente preciso [...]. Y las campanas de Santa Lucía, en la plazuela, suenan ahora secas, como campanas de un pueblo de Castilla, desnudas de aquel eco solemne y soñador y universal que les prestaban los cantiles salinos de Cossío»[17]. Por su parte, la prensa madrileña juzga la última exposición en la capital de España, cuyos comentarios recoge la prensa de Santander[18]: González Ruano, desde las columnas del diario Arriba se refiere a la exposición como una de las ocho o diez más trascendentales que Madrid ha tenido desde hace medio siglo; García Venero decía en el diario Ya que había una marina, El bergantín redondo, que rebasa los límites de lo grandioso; en el diario Pueblo M. Ferrera, opina que Cossío es un caso difícil porque en sus cuadros hay una evidente invisibilidad; es una pintura que ha traspasado los límites de la óptica, en la que la materia pierde por completo su opacidad y su gravedad.

En el Museo de Arte Moderno de Madrid expone en los meses de enero y febrero de 1950 con gran afluencia de público y con unas ventas de cerca de medio millón de pesetas. «Estoy asustado, así, asustado. He batido todos los récords. No recuerdo un éxito semejante en Madrid...», le diría en una carta a Gaya Nuño[19]. El poeta falangista Luis Felipe Vivanco pronuncia una conferencia en una de las salas del Museo con el título Política y Arte –otras fuentes dicen que el título era Pancho Cossío, pintor egocéntrico–. Gaya Nuño dice desconocer el texto de Vivanco; sin embargo, algunas de las palabras que pronunció el poeta fueron: «Con su naturaleza titulada Jarra, Mandolina y frutas, que es de 1941, inaugura Cossío la etapa española de su pintura que va a durar hasta el día de hoy. Cabe hablar de esta etapa española porque, a lo largo de ella, es cuando adquiere Cossío, como pintor, plenitud de espíritu y de conciencia y su obra plenitud de realidad pictórica»[20]. La crítica le es favorable ya que considera que la primera impresión de esta exposición «es la de unos cuadros que palpitan como corazones, con estas nieblas de oro y estas aguas musicales»[21]. Para homenajear este día al pintor, los falangistas Rafael Sánchez-Mazas, Eugenio Montes, Víctor de la Serna le ofrecieron una cena a la que también asiste la escritora cántabra y falangista Concha Espina, madre del último citado. Lleno de gozo por el éxito alcanzado escribe a sus hermanas: «Soy el pintor de moda. El éxito ha sido sorprendente. Todos están asombrados. No recuerdo nada igual en Madrid. Espina [Concha] os contará lo que ha podido ver y oír»[22].

Y las palabras alabando su pintura no cesan. El escritor y director del Instituto Francés, M. Paul Guinard, dijo de la pintura de Pancho Cossío, en una conferencia que también tuvo lugar en el museo: «Recrear un mundo, o descubrir un nuevo mundo, no es recompensa para un alto artista. Cossío queda cómodamente en el suyo, lo ensancha y lo enriquece de día en día. Lo que de él vemos hoy, el imponente conjunto reunido en esta sala, lo que de él esperamos para mañana, cuando se anexione un nuevo registro, midiéndose con la pintura mural y la majestad de los temas cristianos, todo ello queda en la línea de los grandes creadores...»[23].

Antonio Saura fue un pintor nacido en Huesca, Medalla de Oro de Bellas Artes en 1982, que cuando tenía solamente 20 años de edad escribió un largo artículo sobre Pancho Cossío en la revista La Hora, en 1950, después de haber contemplado su obra, mostrando así el afecto de los entonces jóvenes pintores por el pintor cántabro. El interés del artículo nos lleva a reproducirlo en su totalidad:

Lo que más llama la atención al contemplar las obras de Cossío es la técnica particularísima con que están trabajados sus cuadros. Para nosotros, sin embargo, no es esto lo más importante. Ciertamente que nos acercamos a las pinturas buscando descifrar el proceso material en la creación de la obra de arte, que admiramos el descubrimiento o el secreto técnico que da particularidad a un trabajo, pero no somos fanáticos en busca exclusivamente de «calidad».

Muchas veces hemos oído hablar de «calidad» cuando se trataba del pintor español. Cossío, al que creemos, y con nosotros todos los artistas y críticos sinceros, uno de los mejores y más inteligentes pintores españoles. Cabe preguntarse aquí si no es lícito decidirse por una pintura en busca de la calidad –entendemos por «calidad» los valores plásticos conseguidos–, el valor intrínseco de una pintura en sí prescindiendo del asunto, tema, etc., y no a la materia lograda en un trabajo casual o en el amontonamiento deliberado de la pasta o el truco de un raspado, por ejemplo cuando está, conseguida pacientemente en una labor abnegada, como en el caso de Cossío, o espontáneamente, como sucede en otros artistas, consigue producir en nosotros emociones artísticas innegables.

Pero Cossío ha logrado aún más. Este pintor ha sabido unir una técnica lograda y perfecta dentro de sus dificultades a una expresión artística que empaña de cierto romanticismo a los objetos y con la cual la materia se convierte en sueño.

A pesar del empleo constante de la misma técnica pictórica en la que se deja entrever una preparación laboriosa del soporte, los temas son diferentes y variados, lo que hace mostrarnos más claramente a través de sus obras la personalidad del pintor. Los asuntos que mejor van a Cossío son aquellos en que forman parte del cuadro objetos de transparencias cristalinas o paisajes inseguros y vagos. Su misma técnica trabajada, segura y laboriosa que, repetimos, no empaña para nada su valor emocional y artístico, hace que sus cuadros sean inimitables, y que su personalidad destaque entre los mejores pintores de la actualidad, identificándose sus cuadros inmediatamente.

Las veladuras y transparencias hacen aparecer en sus obras las tonalidades de una porcelana, del cristal o de la superficie barnizada de las maderas.

Dentro de una gama de colores terrosos, pardos y grises, algunas de sus obras, especialmente los bodegones, y como el más logrado de todos ellos su Bodegón de porcelanas, en los que el cristal contrasta con la madera brillante y lisa.

Cossío no es un imitador, un copista de objetos y materias. ¡Nada más lejos de nosotros que esta afirmación! Porque, y precisamente lo admirable en este artista, es que el motivo material le sirve de inspiración únicamente, tratándolo, sí, pero creando de una forma idealizadora que hace parecer a sus pinturas como vistas a través de un velo de ensueño.

Si ha elegido el agua y el cristal como motivos preferentes es porque son dos materias que viene maravillosamente a su modo espiritual de expresión y a su trabajo técnico.

Sin embargo, algunos de sus cuadros, especialmente aquellos que pretenden representar los embates del mar sobre la costa y los navíos luchando con los temporales, no alcanzan -seguramente por su descomposición y vértigo- esa sensación de equilibrio en la ventana del cuadro a que nos referíamos antes al hablar de los bodegones.

El cristal, la madera y la porcelana son las tres materias inspiradas de este artista. Aquellas obras en las que combina estos tres elementos son, sin duda, las mejores.

La materia convertida en sueño. ¿No es ciertamente maravilloso lo que nos ofrece este pintor?[24].

Después vendrían otros éxitos. En este mismo tiempo, año 1950, comienza a pintar los murales para la iglesia de los Carmelitas de Madrid que le valieron la primera medalla de la Exposición Nacional de 1957, y cuyo tema central había sido la exaltación de los místicos carmelitanos la santa de Ávila, y san Juan de la Cruz. Acude a la exposición antológica en el Museo de Arte Moderno de Madrid y a la colectiva de Arte Español de El Cairo, además de concurrir a la VI Exposición Antológica de la Academia Breve de Crítica de Arte. En 1951 participa con un importante lote de cuadros en la Primera Bienal Hispanoamericana de Arte; en 1952 es seleccionado para representar a España en la Bienal de Venecia y acude a la exposición que se celebra en el Museo de Bellas Artes de Santander; en 1953 expone en el Museo de Bellas Artes de Bilbao y uno de sus biógrafos, Ángel de la Hoz, dice que ésta fue la mejor muestra del pintor[25]. Este mismo año acaba uno de los murales que le habían encargado los carmelitas de Madrid, Apoteosis mística de Santa Teresa: esta obra entusiasmó al embajador de EE.UU. en Italia, señor Luce, sobre todo a su mujer, que le prometió una reproducción en color en la revista americana Time, algo que satisfizo mucho al pintor que llegó a declarar: «Y una publicidad a todo color en la página central de esta revista mundial no “cae” todos los días. Me daría por muy satisfecho si cobrara por los cuadros lo que vale esta inserción»[26]. Este mismo año tiene lugar un Curso de Arte Abstracto en la Universidad Internacional de Santander y durante uno de los coloquios Cossío recibe un improvisado homenaje pues de él se dijo que «pinta con tanto oficio como Velázquez o Zurbarán»[27]. En 1954 realiza su primera salida al extranjero tras la guerra civil, pero no va a París, ni a Nueva York, ni a Londres, que eran los países a donde siempre quería ir cada vez que soñaba con un país extranjero para exponer sus cuadros sino a Lisboa en compañía del pintor, nacido en Madrid, Francisco Arias y ambos exponen en el Palacio Foz de la capital lusa. El corresponsal de la Agencia Efe escribe una crónica y recoge algunas frases que dice el periódico lisboeta Diario da Manha sobre los dos pintores españoles: «Tenemos que agradecer su presencia en Portugal. Exposiciones de tal naturaleza, tan ricas en belleza y originalidad, son necesarias entre nosotros»[28].

Pasaba Cossío, en aquellos años, por un periodo lleno de esplendor porque tenía aseguradas exposiciones y ventas. El pintor se estabiliza, incluso para superar sin excesivo quebranto los sinsabores de las injusticias que padeció en algunas ocasiones. Le conceden, incluso la Medalla de Primera Clase por su obra Dos mesas que llevó al pintor y crítico de arte, José López Jiménez, conocido con el seudónimo de Bernardino de Pantorba, a criticar de manera despiadada y cruel tal concesión que tuvo lugar con motivo de la Exposición Nacional de Bellas Artes, cuya Medalla de Honor fue para el pintor Daniel Vázquez. Escribía Pantorba: «Lo más lamentable vino a continuación. El Jurado sintió el placer de vengarse de aquellos “intrusos” que habían pretendido “dictarle” el fallo ¡sustancioso fallo! y votaron, probablemente por unanimidad, la primera de las medallas de primera clase que se concedieron a un llamado cuadro de un llamado Gutiérrez Cossío, que no consistía sino en unos caprichosos restregones de color sobre un lienzo indefenso. Llevaba este título, muy modesto por cierto: Dos mesas. Las “mesas”, claro es, no se veían por parte alguna, lo que hacía del cuadro, antes que un cuadro, un jeroglífico. Comentándolo muy de pasada, Mariano Tomás, uno de los críticos de arte más honestos y enterados que tenía la prensa española por aquellas fechas, dijo en el diario Madrid: “Aportación pobre, sin importancia, menos todavía que nada entre dos platos: nada entre dos mesas”. Dijo lo preciso y justo»[29].

En 1955 expone en la Sala Dintel de Santander y participa en las exposiciones homenaje a Eugenio d’Ors (Museo de Arte Moderno)[30]. Participa en Gijón, 1956, en la I Exposición Municipal y envía cuadros a la Galería del Arts Council de Londres donde tiene lugar la exposición de Pintura Española del Siglo XX[31]. Al año siguiente finaliza todo el trabajo de los murales que los religiosos carmelitas de Madrid le habían encargado para decorar aquellas tremendas superficies, hazaña propia de nuestros pintores del siglo XVII. El pintor de objetos pequeños fue capaz de tomar su propio talento hasta alcanzar tan bella obra y que el diario estadounidense, como ya hemos repetido, se hizo eco de ella diciendo a sus lectores que un pintor «hijo de un cultivador de tabaco que creció en un pueblecito del Norte de España, es su autor»[32]. En 1958 acude nuevamente a Venecia donde participa con 16 de sus obras en la XXIX Bienal Internacional[33].

En abril de1959, en el Ateneo madrileño, celebra la gran exposición del decenio en la que se pudo contemplar una pintura de soberana exquisitez, del refinamiento más noble que puede concebirse, la pintura más noblemente mental de nuestro siglo. El catálogo iba precedido por un prólogo del poeta José Hierro. Participa en el VII Concurso Nacional de Pintura, de Alicante y se le concede en este mismo año la Encomienda con Placa de la Orden de Alfonso X El Sabio. Con motivo de esta Exposición, el crítico de arte Santiago Arbos Ballester llegó a escribir: «Que nadie se escandalice. Si Cossío fuera francés, estaría ya representado en el Louvre; si hubiera permanecido en París, su nombre tendría a lo ancho del mundo un puesto inmediato a los de Picasso y Miró»[34]. En 1960, Cossío viaja a Ibiza, isla que comenzaba a ser lugar de encuentro de artistas de ahí que ese viaje fuera apetecido por el pintor santanderino. No se sabe muy bien lo que hizo por aquellas tierras, excepto que se dedicó al temple y a los collages. Con todo ello expone en la Galería San Jorge de Madrid, y en la Galería Amadís de la misma capital. Sigue Pancho con sus exposiciones por varias ciudades españolas, figurando en el año 1961 exponiendo en Las Palmas de Gran Canaria y en Tenerife[35]. Participa en el homenaje a Zabaleta organizado por la Sociedad de Amigos del Arte de Madrid. Expone en la Galería Altamira de Gijón, pero ya en 1962[36]. Es probablemente este año cuando obtiene la máxima recompensa como pintor al habérsele concedido la Medalla de Honor en la Exposición Nacional de Bellas Artes a la que acudirá con tres de sus más hermosos cuadros: Gran mesa, Frutas y Mesas y sillas. Pero de nuevo es Bernardino Pantorba quien vuelve despiadadamente a criticar al pintor montañés con estas palabras: «Jamás cayó tan bajo ese elevado premio, y nunca, por consiguiente, descendió tanto un Jurado de recompensas. Lo que no se había dado a tantos maestros del arte que concurrieron a las Exposiciones Nacionales durante más de un siglo, se le otorgaba a un embadurnador de lienzos aupado por la adjetivación estúpida de unos llamados “críticos de arte”. Verdaderamente lamentable»[37]. Sin embargo para el pintor tal galardón «es el premio a una vida y al mérito de una obra. De aquí se infiere que es el máximo reconocimiento oficial»[38].

Pero la crítica tan adversa no parece haga mella en el pintor porque reconoce que su obra «como todo lo humano, está, también, a merced del vaivén de la estimación de las gentes»[39]. Al año siguiente expone en la Sala Santa Catalina del Ateneo de Madrid, en el Círculo de la Amistad de Córdoba, en la Galería Liceo, también de Córdoba, y en la Asociación Artística Vizcaína de Bilbao. El 20 de junio de este mismo año 1963 fallece el pintor valenciano Manuel Benedito dejando vacante el sillón de la Academia de San Fernando. Pancho Cossío decide presentarse para ocupar su puesto, pero no tuvo suerte y se quedó sin el sillón cuando al siguiente año tuvieron lugar las votaciones y no fue elegido. Pero no serían para él todas insatisfacciones ya que en 1964 el Ayuntamiento de Monóva (Alicante) al inaugurar su XIII Exposición de Pintura acordó dar el nombre de una de sus calles de la ciudad a Cossío. Expone en el Club la Rábida de Sevilla, y en Terremolinos. Este mismo año acude a la exposición itinerante XXV años de Arte Español y realiza dos litografías con temas de bodegón. En 1965 se le dedica una sala especial en la ciudad de Nueva York en la Feria Internacional. Participa también en la exposición Diez Maestros Actuales en el Club Pueblo, de Madrid. En 1966 expone en la Galería Neblí, en la Sala de Arte de la Caja de Ahorros del Sureste de España, en Alicante y participa en la Exposición Nacional de Bellas Artes donde le dedican íntegramente una sala con veinte lienzos pertenecientes a los tres viejos géneros de la dilección de Pancho. En 1967 participa en el I Salón del Toro, de Soria, en Maestros de la pintura española, en El Bodegón de la Galería Theo y en la Bienal Mediterráneo de Alejandría. Y le siguen recordando en Madrid aunque ese año no haya expuesto ninguno de sus cuadros, lo recuerda el escritor Juan José Cobo Barquera: «Pancho Cossío, en cuya pintura de rica fluidez colorista y suavísima dicción viven recatados, pero presentes, el ámbito soñador de su Cabuérniga inevitable y sus declaradas nostalgias de la costa comillana en la que vehemente entrega infantil, vivió días felices, huésped de mi casa»[40]. Cossío viaja este año por última vez a Santander para asistir al entierro del escultor José Villalobos. En 1968 figura en la exposición Un año de la Galería Theo, de Madrid, y expone en la Caja de Ahorros Provincial de Alicante.

1969 es el último año de vida de Pancho Cossío. La Caja de Ahorros del Sudeste de España, de Alicante, le organiza una Exposición Homenaje. Su biógrafo Juan Antonio Gaya Nuño escribe el prólogo del catálogo que titula Carta a Pancho Cossío: «Después de crear tanta obra maestra, y aún continuándola, es legítimo que pienses, que revises, que recapitules mentalmente toda la gran curva de tu vida, tan curvilínea como tu pintura. Ahora bien, con otros ratos, con muchos, muchísimos ratos dedicados a continuar viviendo y creando. Porque te exijo llegar a una edad de las llamadas bíblicas, siempre con el mismo talante gruñón y cascarrabias que conocemos tan bien como tu arte»[41]. El 10 de noviembre expone por última vez en la Galería Fauna`s de Madrid y el prologuista del catálogo es el poeta José Hierro que parecía anunciar el fin próximo del pintor: «¿Por dónde andará ese Pancho Cossío, que no se deja ver? Ahora nos envía unas pocas obras. Para quienes sentimos la nostalgia de su pintura y de su presencia esto viene a ser como la tarjeta del amigo de quien esperábamos una larga y detallada carta»[42]. En esta exposición no hubo novedades colgadas. La mayor parte de las obras eran antiguas, pertenecientes a colecciones particulares. «¡Si hubiéramos sabido que era la última! –escribía Arturo del Villar después de la muerte del pintor, añadiendo también–. Quizá él lo presentía, quizá la sala lo presintió al mostrar este homenaje a Pancho Cossío. Porque eso era en realidad, un homenaje más que una exposición»[43] .


Fallecimiento del pintor

En la fría madrugada del 16 de enero de 1970 muere Cossío en Alicante, donde residía desde hacía unos cinco años, en la Clínica Vista Hermosa. Una bronquitis aguda terminó con su vida cuando los médicos habían diagnosticado una posible recuperación. Pancho había cambiado las agitadas aguas del Cantábrico, que tantas veces había contemplado en su tierra y que llevaba grabadas en su retina, por las tranquilas aguas del Mediterráneo. Sus hermanas Anita y María, trasladan el cuerpo a Santander y en esta ciudad sería enterrado muy cerca del mar. El sepelio constituyó una sentida manifestación. La caja cubierta con la bandera de Falange fue llevada a hombros de camaradas de la Vieja Guardia, desde el hogar familiar hasta la iglesia parroquial de Santa Lucía donde tuvo lugar el funeral. Terminado el oficio, los miembros de la Vieja Guardia, acompañados por el público que salía del templo, entonaron el Cara al Sol. Seguidamente se organizó la comitiva hasta la necrópolis de Ciriego donde sería enterrado en el Panteón de Hombres Ilustres.

A los pocos días de su fallecimiento, el poeta falangista Gerardo Diego le dedica un amplio artículo que por su interés reproducimos en su totalidad:

Me sobrepongo al dolor intensísimo que me causa la pérdida del amigo, del compañero de luchas e ilusiones de juventud, de trabajos y de afirmaciones de toda la vida —más de medio siglo juntos—, para intentar decir unas palabras sobre su arte, sobre su obra y su significación. Pero estas palabras han de ser por fuerza las de un aficionado, no las de un técnico, sino de un amante de la pintura que no se sabe cómo se cocina y se guisa. Justamente este término de cocina ha sido constantemente aplicado al arte de Cossío, ya con carácter admirativo, ya todo lo contrario. Cuando se penetraba en su estudio, desde aquel primitivo de la calle de Arcillero —buen nombre para calificar a su huésped— de nuestro Santander, hasta el madrileño del Palacio de la Prensa, sin contar el de Alicante, que no llegué a visitar por ciertas dificultades que no son del caso, lo primero que saltaba a la vista y al olfato era su aspecto de taller coquinario o boticario, con su profusión de tazas, tarros y otros recipientes destinados al laboratorio de las materias primas o «secundas» que luego habrían de aceitar los lienzos. Pancho partía de la materia pura, de la materia en bruto, para elaborar con ella, por de pronto, los útiles de su arte. Su paleta, después, apenas si lo era. Se la encontraba más bien retrocediendo desde el cuadro que avanzaba desde el mortero. En rigor, estaba difusa en el aire del estudio, desparramada sobre la mesa, más bien que trazando su arco iris en el tablero con el clásico orificio para el pulgar.

La historia de arte siguió una línea clarísima desde la academia de escuela y la imitación de la realidad en retratos todavía brillantes y con acumulaciones grumosas de pasta hasta la evanescencia increíble de su última década. Momento decisivo fue el de su declaración de independencia entre la polémica santanderina del ultraísmo, en la que combatimos juntos en 1919, hasta su primera escapada a París. Cossío se inventó una provisional manera de colorista y un repertorio de temas montañeses y marinos con los que los que hizo, sin más guía que algunas reproducciones sin color de revistas europeas, su fauvismo y su cubismo, y su cartelismo de autenticidad propia y casi infantil. Quedan de esos años doce o quince cuadros con colores folclóricos y ya sordos de adecuación a la exigencia del lienzo y a su armonía recíproca. Carros azules o rojos, cometas, circos y globos aerostáticos del capitán Echevarría, peces y aguas, de Puerto Chico con sus escamas y sus transparencias, arenas y pescadores. Y barcos, muchos barcos -veleros, pataches, balandros, canoas, motoras de chimeneas y cascos de fantástica y atrevida algarabía de tonos-, barcos de realidad y que ya empezaban también a penetrar en invisibles botellas o acababan de salir del escaparate el «El Paraíso de los Niños».

Luego, el viaje: los viajes a París y a sus años de lucha y meditación y goce frente a las telas de Juan Gris, de María Blanchard -tan Gutiérrez como él y como Solana-, de Braque, de Picasso. Y su amistad con sus camaradas españoles de todas las Españas, allí luchando todos por encontrase a sí mismos. El español de educacional estirpe levantina y que en Levante iba a terminar su órbita, aprende la lección de París y la luz de Europa, ya gozada en la Montaña. Y Cossío se encuentra, en efecto, a sí mismo. Todo lo demás va a ser consecuencia lógica de su hallazgo.

Y al hallarse a sí propio, se encuentra también en todos los sentidos de la palabra -descubrimiento, enfrentamiento, lucha-, con la realidad de la pintura. Realidad precisamente porque es la idealidad esencial. Cossío ya no va a pintar barcos, mesas, frutas, sillones, retratos -y sin embargo tan parecidos, tan profundos-, paisajes, fichas, dados o naipes, sino sus aparentes espectros a través de un velo interpuesto. Pancho ha topado con la pintura y desde ahora ya no pinta la vida sino la pintura misma. Esta es su grandeza. Pintar la pintura, pintar la materia de la pintura, pintar el hervor, el nacimiento de la primavera y del otoño de la pintura, quedarse en el velo de la pintura que no muestra sino espiritualiza la que trasparece al otro lado, lo que se aleja para siempre vencido por la única suprema realidad: la de la pintura.

Las cosas, los seres, le envían desesperados mensajes en normales cartas de correo bien timbradas, porque no quieren desaparecer. Pero es inútil. Él escamotea los pliegos y deja los sobres vacíos sobre la mesa. Y en ellos sólo se lee -con la doble ese en verticales casi rectas- su nombre: «Cossío». Una firma y una afirmación. Y todo lo demás es naufragio[44].

Y también Gerardo Diego le dedica este poema:

Este, que ya no veis, amigo ido
aquí está –expuesto, íntegro, valiente–
en cada copo, en cada nada ausente
transfigurada en velo acontecido.

Pintó, sí, como hay Dios, y a Él le pido
que le deje seguir pintando en mente,
polifemo al trasluz de inmensa frente,
arrebatado al ansia y al sentido.

Pintó la santidad del irse a pique,
y el naipe, y el sorbete, y la venera,
y la madre en su nieve de hermosura.

Nadie remede su frontal tabique
porque él pintó lo que hasta él no era:
la evidencia real de la Pintura [45].

«Y desde el día 16 de enero de 1970 –escribe Gaya Nuño–, algo muy importante empezó a fallar en el tan variado panorama de la pintura española novecentista. No el color, ni tampoco la composición, ni mucho menos el dibujo. Menos aún, ninguna especie de intenciones argumentísticas. No. Era algo diferente de todo ello, más complejo, a la vez de mayor y de menor valor. Era también, el deleite de lograr, mediante poquísimos medios, un equilibrio de dicción y una suntuosidad de superficie que ya, en este momento han quedado expresamente lejos, tanto de su creador como de los rumbos nuevos de la pintura. Sobre lo que este arte se proponga ser en lo sucesivo, preferible será permanecer en actitud de espera»[46].

Y los artículos que le dedican tras su muerte son muchos y con palabras de admiración hacia su pintura y de respeto a su persona.


Exposiciones a título póstumo

La primera exposición-homenaje tiene lugar en la ciudad de Santander en febrero de 1971. Cuelgan veintidós cuadros procedentes de colecciones particulares, Gobierno Civil, Museo Municipal y del Museo de Arte Contemporáneo que aporta el famoso cuadro titulado Retrato de mi madre. Este mismo año, casi a finales, la Dirección General de Bellas Artes expone 74 obras de Cossío en el Museo Español de Arte Contemporáneo, la mayor parte también de procedencia particular. Y ya terminando 1971, la Galería de Arte Huts de San Sebastián, expone, del pintor, cántabro, quince cuadros y cinco litografías.

En marzo de 1972 la Galería Atenas, de Zaragoza, expone catorce cuadros y cinco litografías en color. Hasta un año después no tiene lugar ninguna nueva exposición. Esta sería en la Galería Biosca, de Madrid, donde se pudieron contemplar 15 obras del maestro Cossío. A los pocos meses, en julio de este año 1973, es en Santander donde de nuevo se exponen veintitrés obras que como en casos anteriores proceden, en su mayor parte, de colecciones particulares. En lo dos años siguientes no tiene lugar ninguna exposición. Habría que esperar al año 1977 para contemplar diez obras en la Galería Jorge Juan de Madrid. Lo mismo ocurre en los tres años siguientes en cuyo transcurso la pintura de Cossío no encuentra espacio en ninguna Galería o Museo.

Es en agosto de 1981 cuando el Banco de Santander organiza una exposición-homenaje al pintor que tiene lugar en la Sala de Exposiciones que el Banco tiene en la capital de Cantabria. Son 30 obras las que allí se pueden contemplar que son la culminación de una temporada artística. La importancia de esta exposición radica en la posibilidad de poder contemplar antológicamente casi todas las etapas de Cossío. El crítico Marcelo Arroitia-Jaúregui la consideró como «oportuna para la valoración de un pintor que trabajó voluntariamente marginado y entregado a su fabulosa pintura»[47]. Este mismo crítico vuelve a ocuparse de Cossío cuando en 1983 (en 1982 no tiene lugar ninguna exposición), la Galería de Arte Gavar de Madrid expone veinticuatro de sus obras. «Igual que siempre –escribe Arroitia-Jaúregui–, una exposición de Pancho Cossío lo primero que consigue es deslumbrar. Pancho es un pintor deslumbrante y deslumbrador, en que el rigor de la escuela se hace libertad en el planteamiento, en el trazo y en el color»[48].

El año 1984 es el que más homenajes póstumos va a tener el pintor cántabro. El primero de ellos es en la ciudad de Murcia donde el Consejo Municipal de Cultura organiza, a últimos de abril, una exposición bajo el título Cinco pintores cántabros, y en la que, como es natural, no falta la pintura de Cossío. Otras exposiciones, que comparte con otros pintores, son las celebradas en el Centro Cultural de Conde-Duque, bajo el título Treinta artistas españoles. Y la organizada por el Museo Español de Arte Contemporáneo, bajo el título 29 maestros del arte español, que tiene lugar en el Museo de Bellas Artes de Asturias; la que tiene lugar en la Galería Sur bajo el título Artistas de la vanguardia histórica, con solamente dos obras de Cossío: Bodegón y Barco en la tempestad, y casi a finales del año tiene lugar la más importante ya que, entre otras cosas, está dedicada única y exclusivamente a Pancho Cossío. Es la organizada por la Fundación Santillana que en su sede de la Torre de don Borja, en Santillana del Mar, presentó 20 obras, entre guaches y óleos. El poeta José Hierro fue el encargado de hacer un extenso repaso de la biografía del pintor. Hierro sería premio Cervantes en 1998 y falleció en Madrid el 21 de diciembre de 2002: Estoy viviendo, o muriendo, / sueños mil veces soñados. / Llueve polen de ceniza, / sobre mis hombros ancianos...

En 1986 el Ayuntamiento de Santoña le dedica a finales de agosto y principio de septiembre un homenaje exponiendo 14 obras, entre ellas uno de los retratos de José Antonio Primo de Rivera, siendo esta la primera vez que un retrato del fundador de Falange se mostraba en una de estas exposiciones póstumas. Pero la que alcanza mayor nivel este año es la organizada por el Banco de Bilbao que tiene lugar en Madrid en el mes de octubre bajo el título de Pancho Cossío y las vanguardias. El periodista Lorenzo López Sancho, con motivo de este certamen, recordaba al pintor en aquellos tiempos en que ambos acudían a la misma tertulia: «Cossío sonreía más que hablaba. Era después de Gerardo Diego, el contertulio menos locuaz en aquella ágora de talentos, hampones y charlatanes que tácitamente estaba presidida por una frase de Enrique de Azcoaga: “De insultar, todo, pero de pegar, nada”. Cossío no solía hablar de política porque, en rigor, era uno de los confinados. Él, en el antiguo hedillismo; otros, en el no menos maldito azañismo. Sus sonrisas eran un laberinto de arrugas y un fulgor de dientes mal asentados.

»Ahora, treinta años después, dieciséis después de su muerte, envuelto en la luz albar de Alicante, que en Azorín era nítidamente blanca y en Cossío dorada de sutiles mieles licuefactas, aquel silencio sobre el que chispeaban motas como de luz, como de nieve recalentada y dorada antes de disolverse, se ha convertido en el doble mensaje de las exposiciones que en el Banco de Bilbao y en el Centro Cultural Conde Duque recogen toda su vida de pintor. Cincuenta y tres años de pintura»[49].

Nuevamente pasan unos años sin que la pintura de Cossío pueda contemplarse en ninguna exposición póstuma, salvo su aportación en 1987 en la exposición que tiene lugar en el Centro de Arte de Reina Sofía organizada por el Ministerio de Cultura, bajo el título Naturalezas españolas. 1940-1987 y que reunió a cerca de setenta pintores y escultores contemporáneos, que aportaron 160 obras, y que estaban considerados como primeras firmas de las artes plásticas. En ella se encontraban figuras como Solana, Benjamín Palencia, Barjola, Barceló, Cossío, etc. En el año 1989 es cuando de nuevo Santander vuelve a recordarle con una exposición-homenaje que tiene lugar en el Museo Municipal de Bellas Artes. También la Galería Juan Gris de Madrid organiza el mismo año una exposición en la que se muestran algunos aspectos menos conocidos del pintor.

Coincidiendo con el centenario de su nacimiento, la Fundación Cultural Mapfre organiza una exposición antológica reuniendo más de 86 obras de todas las etapas del pintor santanderino, algo que, hasta la fecha, no había sido posible. El montaje tiene un orden cronológico con los primeros retratos de sus padres y marineros, terminando con bodegones y marinas de su última época, aunque se agruparon en algunos espacios los retratos, sobre todo los realizados a José Antonio, Ledesma y Onésimo. El periódico El País, que considera al pintor como «un falangista heterodoxo», escribe sobre estos últimos retratos: «El retrato de José Antonio no se expone en el Museo de Bellas Artes de Santander y el de Ledesma Ramos también está en los almacenes del Museo Nacional Reina Sofía»[50]. El periódico no cita el retrato de Onésimo Redondo por lo que es muy probable que no estuviera expuesto y que en esos momentos esté abandonado, como después lo estarían el de José Antonio y Ledesma, en cualquier almacén para vergüenza de todos los que anteponen la política al arte, aunque la clase dirigente de ahora presuma de todo lo contrario.

Y llegamos a la última de las exposiciones celebradas hasta la fecha, y es la que tuvo lugar en Pamplona a principios de 1999 en el Centro Cultural Castillo de Maya. En ella se pudieron contemplar cincuenta cuadros que vinieron a representar también todas las etapas de su trayectoria pictórica. El comisario de la exposición, Fernando Francés, definió al pintor como un artista singular y artesano de la pintura. Y en verdad, así fue el pintor Francisco Gutiérrez Cossío, que pudo muy bien haber llegado a formular posiblemente un arte falangista.

Obra: Retrato de Jose Antonio , estuvo siempre en la Jefatura del Movimiento y al ser abolido este ,se deposito en el Museo de BB de Santander.

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JOSE G. SOLANA (Madrid 1886 -1945)

5. JOSE G. SOLANA (Madrid 1886 -1945)

http://es.wikipedia.org/wiki/Jos%C3%A9_Guti%C3%A9rrez_Solana

Intoducción a la Biografía del pintor José Gutiérrez Solana José Gutiérrez Solana nació en Madrid en 1886 y murió en esta misma ciudad en 1945. Se le considera el creador de un Expresionismo peculiar y trágico. A los catorce años ingresó en la Real Academia de San Fernando. Después... Ver mas
Intoducción a la Biografía del pintor José Gutiérrez Solana

José Gutiérrez Solana nació en Madrid en 1886 y murió en esta misma ciudad en 1945. Se le considera el creador de un Expresionismo peculiar y trágico.

A los catorce años ingresó en la Real Academia de San Fernando. Después permaneció varios años en el extranjero y en 1919 se instaló de nuevo en Madrid. Estudió al pueblo madrileño profundamente, como podemos comprobar en sus cuadros y en sus escritos, en los que retrata la España del momento.

No obstante, a pesar de la notable originalidad de sus obras, posee influencias de algunos pintores españoles tradicionales como Valdés Leal, Ribera, Goya, Zurbarán, EI Greco y el primer Velázquez, sin olvidar la producción de Brueghel el Viejo.

Su pintura es de gran solidez. La pastosidad es algo característico en sus trabajos. Independientemente de los colores que utilice, la materia siempre es tratada con gran sensualidad y ternura, siendo los colores dominantes el ocre y el negro.

En su técnica predomina el empleo de contornos muy marcados junto a potentes pinceladas que distribuyen el color, dando lugar a dramáticas escenas de imponente estructura compositiva.

Los temas que representa en sus pinturas se corresponden con sus ambientes vitales. Destacan especialmente tres bloques: los relacionados con los tipos, las calles y las fiestas populares madrileñas, los que inciden en la representación de los usos y costumbres de la España negra, y finalmente, los retratos, ya fueran de intelectuales como de amigos suyos.

En sus cuadros pintará la España del 98, arrabales atroces, tabernas, prostíbulos, comedores de pobres, bailes populares, corridas, coristas y cupletistas, puertos de pesca, crucifixiones, procesiones, carnavales, gigantes y cabezudos, tertulias de botica o de sacristía, carros de la carne, ejecuciones, etc.

En la década de los 20 alcanza su madurez pictórica, sus lienzos adquieren un gran tamaño lo que contribuye a incrementar la monumentalidad de los personajes en ellos representados. Aplica el color con mayor armonía y su paleta se aclara y perfecciona.

En Cantabria residió largas temporadas, de allí tomó formas nuevas y aportó un mayor colorido a sus composiciones, aunque siempre dentro de sus gamas apagadas y contrastadas, para dar un acabado de carácter trágico.

Ref: http://www.arteespana.com/josegutierrezsolana.htm


Obra: La tertulia del Café Pombo (1920).

Refleja una de las reuniones de intelectuales típicas en las tres primeras décadas del siglo XX. La acción se desarrolla en un café madrileños, el café Pombo.

Es un retrato múltiple de muchos de los intelectuales de la época,Ramon Gomez de la Serna, como Manuel Abril, Tomás Borrás, José Bergamín, José Cabrero, Mauricio Bacarisse, Pedro Emilio Coll, Salvador Bartolozzi, incluyéndose él mismo entre ellos. Destaca la sobriedad de los retratados y los colores oscuros que utiliza, tan característicos del artista.

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JOAN BROTAT VILANOVA (Barcelona 1920 -1990)

6. JOAN BROTAT VILANOVA (Barcelona 1920 -1990)

http://www.artespain.com/24-04-2010/informes/joan-brotat-...

Dijeron criticos de arte, escritores y periodistas de la obra de Brotat: " El arte popular halla en la pintura de Joan Brotat su mas autentico y exacto significado ". (Angel Marsá, 1950) " ¿Que quieren estos ojos? No es regla que el cuadro mire asi al espectador.De tanto estar mirando... Ver mas
Dijeron criticos de arte, escritores y periodistas de la obra de Brotat:

" El arte popular halla en la pintura de Joan Brotat su mas autentico y exacto significado ". (Angel Marsá, 1950)

" ¿Que quieren estos ojos? No es regla que el cuadro mire asi al espectador.De tanto estar mirando fijamente puedo caerme adormecido a los pies del objeto. Este pintor intenta un juego mágico ".( Alejandro Busuioceanu 1953).

" Quien mejor pertenece, entre nosotros, a la familia Rousseau, es el recentisimo Brotat ". (Eugenio D'Ors, 1953).

" En el pintor Brotat hay una contradicción entre los grandes temas y la manera de tratarlos ". (Jose Camon Aznar 1954).

" Los verdes y amarillos de Brotat se ven interiormentge encendidos, por una luz milagrosa que a los cuadros confiere una paciente elaboración de artífice medieval a la que indudablemente son sometidos ". (Jaime Ferrán, 1954).

" Brotat, afortunadamente para él, enlaza con muchas cosas.Con nuestra pintura románica y con los carteles de crímenes, con las paredes de los excusados escolares y con los exvotos.Afortunadamente para él ,he dicho. Porque es pintura verdaderamente viva y animada, con alma ".(Juan Antonio Martorell ,1954).

" Los cuadros de Brotat, asi reunidos,constituyen uno de esos pequeños cosmos de prodigio autónomo y completo,que solo una ardiente fuerza creadora puede lograr ". (Joan Fuster, 1956).

" La monumentalidad hieratica de sus figuras iniciales, da paso a un sistema mas narrativo ". (Juan Eduardo Cirlot ,1961).

" Una pintura evidente por si misma,clara y bella; pero que, a pesar de su claridad, posee elementos inquietantes que le dan una nueva dimensión. Podemos llamarla literaria, si el lector quiere, siempre que a la palabra no se le de el alcance peyorativo que muchos le atribuyen. Y un artista que sigue su rumbo convencido de su verdad. Y esto es hermoso en tiempos de mimetismo y modas ". (José Hierro, 1962)

" El mundo recortado y lineal de Juan Brotat se ha densificado y , hasta cierto punto, ratificado, y sus visiones tienden a la alucinación y a lo onírico. La realidad se ha evaporado de sus cuadros para dar paso a lo sobrenatural y oculto ". ( Juan Perucho, 1962).

" La figura de Joan Brotat es una caso insólito en nuestro panorama artistico. Su originalidad reside tanto en el hecho de que continue, a su modo, una tradición, de inspiración esencialmente popular, como una rica e insobornable personalidad, la cual ha mantenido al margen de ese torbellino que ha confundido y revuelto el arte, especialmente en la ultima década ". (José Corredor Matheos, 1965).

" La diversidad de sus realizaciones es consecuencia de la indispensable dosis de libertad y de subjetivismo propia del arte de nuestro tiempo, diversidad caracteristica de todos los maestros contemporáneos. De otra parte no se olvide, lo dificil que resulta el encasillamiento de una obra de acusados perfiles personale como es la de Brotat ". ( Cesáreo Rodriguez-Aguilera, 1974)

"se puede redescubrir al artista que desde su modestia tuvo el atrevimiento de crear un obra libre e intensa, y que puso su grano de arena en la aventura de la difícil recuperación de la modernidad artística durante la posguerra española". Y añade: "Creo que la potencia estética funcional, eficaz y emocionante de Brotat destila una poética singular, tierna y trascendente, ingenua y profunda, arcaica y moderna". (Jose Angel Martín, 2011).
Seguire...

ESTUDIOS, EXPOSICIONES INDIVIDUALES Y COLECTIVAS:

1920. Nace en Barcelona.-

1939. Pinta a la acuarela y copia laminas.-

1940. Asiste a las clases de dibujo en el Ateneo Obrero de Barcelona.-

1941. Primer oleo.-

1942. Dibujo y pintura en la Academia Martinez.- Pinta paisajes de los alrededores de Barcelona.-

1943. Se matricula en la Escuela de Artes y Oficios.- Los domingos pinta al aire libre.-

1944. Estudios en el Ateneo Obrero.- Expone un cuadro en el IV Salon de la Juventud, Sala Libreria Dalmau de Barcelona.-

1945. Estudios de composicion en el Ateneo Obrero.-

1946. Pintura y composicion en el Ateneo Obrero.-

1947. Dibujo al natural.-

1948. Asiste a las clases de dibujos del Fomento de las Artes Decorativas. Pintura al aire libre.-

1949. Dibujo en el Fomento de las Artes Decorativas.-

1950. Primera exposicion individual en la Galeria Jardín en Barcelona.-

1951. Exposiciones: individuales en Galeria Jardin de Barcelona.- Casino de Ripoll .- Arte Nuevo en Rubí.- VIII Concurso de Navidad en Barcelona.-

1952. Exposiciones: Arte Religioso Moderno Barcelona.- II Salon de Arte Actual en Sabadell.- Arte y Decoracion de Hoy en Palma de Mallorca.- Pintura Catalana Contemporanea en Santander.-

1953. Exposiciones:Galeria Jardin , individual en Barcelona.- Salon de Arte Libre, individual en Paris-Francia .- Galeria Biosca, individual.- Madrid .- X Salon de los Once Madrid.- Arte Actual Español en Santiago de Chile. -

1954. Exposiciones: Individual en Museo Municipal de Mataro.- Individual Galeria Biosca Madrid.- XI Salon de los Once en Madrid.- Galerias Layetanas en Barcelona.- Salon de Octubre en Barcelona.- Salon de Otoño en Palma de Mallorca.- Bienal Hispano-Americana en La Habana-Cuba.- XXVII Bienal de Venecia-Italia.-

1955. Exposiciones: individual Galerias Layetanas; VIII Salon de Octubre y III Bienal Hispano Americana en Barcelona.- Individual Galeria Biosca Madrid.- Antologica Hispano Americana en Ginebra-Suiza.-

1956. Exposiciones: Individual Galeria Sur Santander.- Individual Club Universitario Valencia.- IX Salon de Octubre Barcelona.- Pintura Española del Siglo XX en Londres-Gran Bretaña .- Y realiza ceramicas en Manises.-

1957. Exposiciones: Individual Galeria Quint Palma de Mallorca.- IV Salon de Jazz, X Salon de Octubre y I Salon de Mayo en Barcelona.- Pasa dos meses en Manises con la ceramica.-

1958. Exposiciones: Individual Galeria Jardin ,Barcelona.-II Salon de Mayo en Barcelona.- Individual Sala Braulio, Valencia.- Arte Actual del Mediterraneo, Valencia y Alicante.- Reside dos meses en Paris.-

1959. Exposiciones: III Salon de Mayo en Barcelona.- XX Años de Pintura española. Lisboa y Oporto-Portugal .- Estancia de tres meses en Paris-Francia.-

1960. Exposiciones: Nacional de BB.AA, Barcelona.- .IV Salon de Mayo , Barcelona.-

1961 Exposiciones: VII Bienal de Tokio-Japon.- Arte español, Utrech-Suiza. XXV Años de pintura catalana, Madrid.- V Salon de Mayo, Barcelona.- Pintura figurativa española en Buenos Aires, Rosario y Mar de Plata- Argentina.- IV Bienal de los Paises Mediterraneos en Alejandria-Egipto.- III Concurso Ciudad de Tarrasa.-

1962. Exposiciones: Individual Tilman-Carter Gallery USA .- Individual Sala Nebli Madrid.- Individual Sala Condal Bardelona.- Pintura catalana de la prehistoria a nuestros dias Madrid y Barcelona.- Junge Spaniche Maler en Viena-Austria.- XX Años de pintura española en Sevilla, Vigo y Barcelona.-

1963. Exposiciones: Individual Galeria de Ville,Los Angeles USA.- Individual Sala Amadis Madrid.- Individual Sala de Arte Moderno Barcelona.- VII Salon de Mayo Barcelona.- I Salon Nacional Pintura Invierno. Alicante.- El Arte y la Paz en Barcelona.- "Nueve pintores españoles" Sevilla y Malaga.- Artistas Contemporaneos Españoles Madrid.- V Concurso Internacional de Dibujo Ynglada Guillot Barcelona.- "12 pintores españoles", Vigo.- Arte de America y España, Madrid,Barcelona y Napoles-Italia.- "Servite Arts Festival" Riverside California USA.- "Arte Exposicion de productos españoles" Mexico.- IV Concurso de Pintura Ciudad de Tarrasa.- II Certamen Nacional de Artes Plasticas, Madrid.- "Joven figuracion en España" Barcelona y Zaragoza.- Estudia grabado en el Conservatorio Artes del Libro en Barcelona.

1964. Exposiciones: Individual Sala Amigos del Arte Tarrasa.- Individual Sala Santa Catalina Ateneo Madrid.- Individual Galeria de Arte Sur Santander.- III Ciclo de arte de hoy, MAN Barcelona.- I Salon de Pintura Contemporanea Castellon de la Plana.- XX Pintores Españoles, Lisboa-Portugal.- VIII Salon de Mayo Barcelona.- Concurso de Pintura San Pol de Mar Barcelona.- Arte Actual de España Palermo-Italia.- XXI Exposicion de Pintura de Segorbe.- XXV Años de Pintura Española Madrid.- VII Concurso Internacional de Dibujo Ynglada Guillot Barcelona.- Spaniche und Ibero-Amerikanische Malerei, Stuttgart-Alemania.- XV Salon de Grabado Madrid.- Continua estudios de grabado en el Conservatorio de Artes del Libro Barcelona.-

1965. Exposiciones: Individual Galeria Grises Bilbao.- Individual Salon de Estio Baracaldo.- Semana de España Rabat-Marruecos.- Constantes de la Pintura España en la Nueva Figuracion Barcelona.- III Salon Nacional de Pintura Alicante.- Antologica de XIV Salon del Grabado. Oviedo,Gijon y Aviles.- Colective Societe de l`Ecole Française Paris-Francia.- Concurso Medalla Gimeno en Tortosa.- III Bienal de Zaragoza.- Salon Estival Pollensa.- IX Salon de Mayo Barcelona.- VII Salon Internacional, Juvis- Paris -Francia.- Estudia Litografia en el Conservatorio Artes del Libro Barcelona.

1966. Exposiciones: Individual Galerias Españolas, Barcelona.- Individual Galeria Biosca, Madrid.- Concurso Ciudad de Barcelona.- "Gravats de 1966" San Feliu de Guixols.- Concurso Premio San Jorge, Barcelona.- "Frente al espejo" Sala Colegio Arquitectos,Barcelona.- VII Salon de Grabado,Madrid.- "Arte Actual de España",Pretoria-Sudafrica.- "Pintura Catalana d`Avui" Ceret-Francia.- Exposicion "Homenaje a Picasso", Barcelona.- X Salon de Mayo, Barcelona. Realiza ceramicas en Manises en el Taller de Faus.

1967. Exposiciones: Individual Galeria Estil, Valencia.- Individual Galeria de Arte Sur, Santander.- Bienal Internacional Estrada Saladrich, Barcelona.- XI Salon de Mayo, Barcelona.- Realiza ceramicas en Manises.

1968. Exposiciones: Individual Sala Ateneo,Castellon de la Plana.- Individual Galeria de Arte Sur, Santander.- Individual Galeria Galdeano, Zaragoza.- "7 gravadors catalans", Barcelona.- VII Certamen Internacional de Pintura, Pollensa.- XII Salon de Mayo, Barcelona.- IV Concurso de Pintura, Ciudad de Hospitalet.- Realiza ceramicas en Manises.-

1969. Exposiciones: "31 artistas catalanes",Salamanca.- Concurso de Pintura Tina del Port, Castelló de Ampurias.- I Muestra Internacional del Grabado, Barcelona.- XVII "Salo Tardor",Manresa.- Centenario de Pompeu Fabra, Barcelona.- Colectiva Circle Maillol, Barcelona.- XIII Salon de Mayo, Barcelona.- " En busca de un espectador" Barcelona.- II Bienal del Deporte, Madrid.- "Pintura figurativa española" ,Madrid y San Diego-USA.- V Concurso de Pintura Ciudad de Hospitalet.- I Trienal de Xiligrafia, Carpi Italia.-

1970. Exposiciones: Individual Galeria de Arte Sur, Santander.- Individual Galeria Ariel, Palma de Mallorca.- "Fira del Gravat" Galeria As, Barcelona.- XI Salon de Marzo, Valencia.- XIII Salon de Mayo, Barcelona.- I Certamen Internacional de Pintura Ciudad de Felanitx.- I Bienal de Bilbao.-

1971.- Exposiciones: IV Certamen Salon de Estio, Baracaldo.- "Panoramica de la plastica catalana" Galeria Adriá, Barcelona.- II Bienal de Bilbao.-

1972. Exposiciones: Individual Galeria Adrá, Barcelona.- Homenaje a Picasso, Villauris Francia.- "Simbolismo magico" Galeria Rene Metras, Barcelona.- Concurso temas florales, Barcelona.- Cien años de dibujo español Galeria Anne Barchelt, Madrid.-

1973. Exposiciones: Individual Sala Vallparadis, Tarrasa.- Individual Sala Ingres, Madrid.- "El color" Sala Caja Ahorros de Barcelona.- "Pintores naif" Sala Colegio Arquitectos, Barcelona.-




PREMIOS:

1952. Premio Filograff
1961. Gran Premio IV Bienal de los Paises Mediterraneos
1963. Primer Premio del I Salon Nacional de Pintura de Invierno. Alicante.
1963. Primer Premio de Pintura Ciudad de Tarrasa.
1964. Primer Premio I Salon de Pintura Contemporanea. Castellon de la Plana.
1964. Premio Nacional Francisco Ribalta.
1964. Premio Extraordinario Excmo.Ayuntamiento de Segorbe y Premio de Arte Sacro.
1969. Primer Premio XVII Salo Tardor, Manresa.
1969. Primer Premio V Concurso de Pintura Ciudad de Hospitalet.
1970. Premio "Padre Aulí" I Certamen Internacional Pintura Ciudad de Felanitx.
1970. Medalla "Juan de Juanes" XI Salon de Marzo.Valencia
1982. Medalla de Oro "Rafael Zabaleta". Premio Rafael Zabaleta.Quesada Jaen.

Numerosos segundos premios y accesit.


MUSEOS Y COLECCIONES:

Museo BB. Artes de Alejandria. Egipto.
Museo Español de Arte Contemporaneo. (Hoy MNCARS)
Museo BB. Artes de Bilbao
Museo BB. Artes de Sevilla
Museo BB. Artes de Vitoria
Museo Municipal de Mataro.
Museo Municipal de Valls
Museo Abelló de Mollet del Vallés
Museo del Dibujo Julio Gavin, Castllo de Larres.Huesca
Museo Redondo El Riojano. Santander
Museo Rafael Zabaleta. Quesada-Jaen
Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jordi.
Biblioteca de Cataluña.
Fundacion Cesareo Rodriguez Aguilera Universidad de Jaen.
Coleccion Caja de Ahorros de Cataluña,Tarragona y Manresa.
Coleccion J.L. Stenin Los Angeles USA
Coleccion W. Wiesenthal. Los Angeles USA
Coleccion Nancy Kein. Los Angeles USA
Coleccion Bonnefoy. Nueva York USA
Coleccion Santos Palacio de El Sedo.Pamanes Cantabria
Coleccion Caja Madrid.



BIBLIOGRAFIA:

Diccionario Enciclopedico Espasa Calpe.
Diccionario de Pintores y Escultores Españoles del Siglo XX ( Tomo 2 pag 525/526/527).
Diccionario de Pintores Españoles ,segunda mitad del siglo XX (pags 138/139/140)
Diccionario Genios de la Pintura Española.- ( Tomo 1 .pag. 31)
Diccionario Ràfols contemporáneo, v.1, 1985 (Joan Brotat Vilanova, n.1920-exh.p.1962).
Diccionario Critico del Arte Español Contemporaneo. AM Campoy 1973.(pags 66 y 67)
Enciclopedia del Arte Español del Siglo XX. Calvo Serraller. 1991.
Arteguía, [1991], p.52 (Juan Brotat, [doc.1991]).
Bénézit, 1976 (Juan Brotat, n.1923-op.p.1955).
Catálogo nacional contemporáneo, 1990, v.1, Joan Brotat p.299 [doc.1990].
Gaya Nuño, 1977, p.394 (Juan Brotat, n.1923).
Giralt-Miracle, 1978, pp. 312, 324 (n.1920-op.1949).
Madrid, Centro Reina Sofía, 1991 (n.1920).
Madrid, MEAC [cat.], v.1, 1982, p.96 (Juan Brotat, n.1920).
Miralles, 1983, pp.194, 231 caption plate (exh.1943-op.1956).
Libro 30 Pintores 1991 Promociones de Arte Santander-Madrid.(paginas 8 y 9)
Rodríguez-Aguilera, 1974, (Juan Brotat, o Joan Brotat -exh.1973).( paginas.7, 87)
-Joan Brotat- Monografia nº 79 .Rodriguez Aguilera.1974 D.G. de BB.AA 112 paginas.
-Juan Brotat- Monografia.Carlos Arean. I.E.E. nº 13. 1974. 40 paginas
-Joan Brotat- Monografia por Juan Basté, Olot 1990 . 141 paginas.-
-Joan Brotat -Monografia.Corredor Matheos, La Isla de los Ratones. Santander 1965
-Joan Brotat- Monografia.Corredor Matheos. Dibujos nº 37 . I.E.E. 1974 . 40 paginas
-Joan Brotat- Monografia por Museo Valls,Museo Abello,Museo Mollet del Valles, Universidad de Jaen,Diputacion Barcelona y Generalitat Cataluña 2010. 112 paginas





OBRA EXPUESTA: La tertulia. Oleo lienzo pegado a carton de 65 x 55 sin marco. Firmado. Coleccion particular

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DANIEL VAZQUEZ DIAZ (Nerva 1882 - Madrid 1969)

7. DANIEL VAZQUEZ DIAZ (Nerva 1882 - Madrid 1969)

http://es.wikipedia.org/wiki/Daniel_V%C3%A1zquez_D%C3%ADaz

Daniel Vázquez Díaz es uno de los grandes pintores españoles del siglo XX. Nació en Nerva, Huelva, en 1882. Estudió en Sevilla la carrera de Comercio y al mismo tiempo comenzó su formación artística de forma autodidacta. Se introdujo en los ambientes artísticos de la ciudad y se relacionó con... Ver mas
Daniel Vázquez Díaz es uno de los grandes pintores españoles del siglo XX.

Nació en Nerva, Huelva, en 1882. Estudió en Sevilla la carrera de Comercio y al mismo tiempo comenzó su formación artística de forma autodidacta. Se introdujo en los ambientes artísticos de la ciudad y se relacionó con Francisco Iturrino, con Ignacio Zuloaga y con Juan Ramón Jiménez entre otros.

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BENJAMIN PALENCIA (Barrax 1894-Madrid 1980)

8. BENJAMIN PALENCIA (Barrax 1894-Madrid 1980)

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=333

enjamín Palencia (Barrax, Albacete, 1894 - Madrid 1980) pintor español, fundador de la Escuela de Vallecas junto al escultor Alberto Sánchez. Hay que destacar la formación autodidacta de este artista, que aprendió de la contemplación y el estudio de los grandes maestros del Museo del Prado y... Ver mas
enjamín Palencia (Barrax, Albacete, 1894 - Madrid 1980) pintor español, fundador de la Escuela de Vallecas junto al escultor Alberto Sánchez.

Hay que destacar la formación autodidacta de este artista, que aprendió de la contemplación y el estudio de los grandes maestros del Museo del Prado y de la convivencia y participación de los intelectuales de la Generación del 27, llegando a erigirse uno de los grandes representantes de la Vanguardia Española en los años centrales del siglo XX.

Con 15 años se trasladó a Madrid. Allí conoció a otros artistas como Francisco Bores, Salvador Dalí, Rafael Alberti, Federico García Lorca, Pancho Cossío y Juan Ramón Jiménez. En 1926 viajó a París, donde conoció a Picasso y Miró; su estancia en París, le acerca al Cubismo y al Surrealismo. A su regreso, en 1928, realiza en Madrid su primera exposición, en el Museo de Arte Moderno. Posteriormente viaja a Italia, así como a Berlín y Nueva York. En los años previos a la Guerra Civil colaboró con el grupo teatral La Barraca.

Su preocupación por la espacialidad y la articulación de las formas en el plano se consolida al participar en el grupo constructivista que funda en Madrid Torres García en el año 1933. Esta evolución se ve truncada por la guerra civil.

Después de la guerra, reinició de nuevo la Escuela de Vallecas, en 1942, dándole más auge. En 1943 fue Primera Medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes. Durante esta segunda época de su carrera, realizó numerosas exposiciones tanto en España como en el extranjero.

En 1974 ingresó en la madrileña Academia de Bellas Artes de San Fernando y unos años después en la de San Jorge de Barcelona.

Falleció el 16 de enero de 1980, a los 85 años de edad.

En sus inicios contactó con el surrealismo, el cubismo y otras vanguardias, logrando evolucionar hacia un realismo austero. En poco tiempo su obra llegó a la madurez, y se dedicó a hacer paisajes. De este modo, se convirtió en uno de los artífices del resurgimiento del paisaje castellano, y en Villafranca de la Sierra (Ávila) monta su estudio desde donde pintará su cuadros más característicos.

Una de las zonas donde más pintó fue en Villar del Pedroso (Cáceres), debido a su amistad con el escritor Francisco de la Cruz y con la familia de éste. De esta época tiene numerosos paisajes y retratos. Destacan Villar del Pedroso, Retrato del escritor Francisco de la Cruz o Aguador con burro, además de bastantes bodegones y grabados

Poco a poco su pintura se volvió más intensa y potente, las formas adquirieron un mayor volumen y aumentó la preocupación por los aspectos lumínicos. Durante esta segunda gran etapa de su vida, Benjamín Palencia llevó a cabo numerosas exposiciones en España y en el extranjero.

(Información obtenida de Wikipedia)

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ANTONIO LORENZO CARRION (Madrid  1922- 2009)

9. ANTONIO LORENZO CARRION (Madrid 1922- 2009)

http://artesigloxxi.wordpress.com/category/grupo-de-cuenca/

Antonio Lorenzo Carrion (Madrid 1922-2009). Pintor y grabador, estudio en la Escuela Central de Bellas Artes en Madrid, profesor de printura y grabado. Representante del informalismo abstracto en Madrid de los años cincuenta. Fue coofundador del Museo Español de Arte Abstracto de Cuenca, con... Ver mas
Antonio Lorenzo Carrion (Madrid 1922-2009). Pintor y grabador, estudio en la Escuela Central de Bellas Artes en Madrid, profesor de printura y grabado.

Representante del informalismo abstracto en Madrid de los años cincuenta. Fue coofundador del Museo Español de Arte Abstracto de Cuenca, con Fernando Zobel, Gustavo Torner, Gerardo Rueda y Eusebio Sempere, fue nombrado Conservador Perpetuo del mismo. Formo parte del Grupo de Cuenca con estos ,a los que se sumaron, Antonio Saura, Jose Guerrero y Manuel Hernandez Mompo .

Ha expuesto entre individual y colectivamente en todo el mundo. En EE.UU. : En Nueva York , Miami , San Francisco ,Denver, Chicago, Filadelfia, Conecticut, Los Angeles. En el resto de America: En Mexico en La Habana ,Buenos Aires, Santiago de Chile, Rio de Janeiro, Sao Paulo, Lima, La Paz, Bogota, Panama, San Juan de Puerto Rico, Medellin y Toronto. En Africa: Tunez, Pretoria, Sudafrica. En Asia: Tokio ,Manila ,Taiwan, Hirosima, Hiogo, Okahido. En Oceania: En Melburne. En Europa: Copenague, Viena, Achaffemburg, Helsinki, Basilea, Hannover, Varsovia, Bruselas, Londres, Liverpool, Berlin, Bonn, Napoles, Roma, Florencia, Milan, Arezzo, Palermo, Berna, Toulouse, Lisboa, Munich, Ginebra, Bucarest, Belgrado, Sarajevo, Estocolmo y Oslo. Y en España : Madrid, Barcelona, Valencia, Zaragoza, Santander, Valladolid,San Sebastian, Cuenca, Bilbao, Salamanca, Tenerife, Sevilla, Toledo, Ciudad Real, Castellon y Granada ect…

Participo en numerosas Bienales;

Internacionales de Venecia del 64, 66 y 72,

Internacionales de Arte Grafico de Ljubljana (Yugoslavia) en el 65, 67, 69.

Internacionales de La Habana del 67 y 78

Iberoamericana de Mexico en el 80,

Internacional de Cracovia en el 66.

Internacional de Arte de Polonia en el 78

Pabellon Español de la Feria Mundial de Nueva York el 64.

Su obra se encuentra en numerosos museos, fundaciones y organismos pùblicos asi como en importantes colecciones de bancos y grandes empresas entre otros :

Museo Centro Nacional de Arte Reina Sofia,

Museo de Arte Moderno de Nueva York (Moma),

Museo Brooklyn de Nueva York,

Museo Britanico de Londres,

Museo de Arte Contemporaneo de Villafames en Castellon,

Museo de BB.AA. de Sevilla,

Museo BB.AA. de Bilbao,

Museo Municipal de Alicante,

Museo de BB.AA. de Skopje,

Museo de Arte Abstracto de Cuenca,

Museo Redondo. El Riojano . Santander

Museo de Arte Moderno y Contemporaneo de Santander y Cantabria (M.A.S)

Bliblioteca del Congreso de los EE.UU .

Galeria Nacional de Arte de Sudafrica,

Lalit Academy de Nueva Delhi,

Academia Lewis de Venecia,

Biblioteca Nacional de España,

Fundacion Alter de Roma,

Fundacion Achebach de San Francisco,

Fundacion Juan March de España,

Presidencia de la Republica de Filipinas,

Coleccion Compañia Telefonica Nacional de España, Philippine Long Distance Telephone de Tokio,ect…

El Museo de Bellas Artes de Bilbao realizo una exposicion antologica a los 25 años de la obra grafica del pintor editando un libro con su biografia y catalogacion de la misma.

Figura en numerosos Diccionarios y Enciclopedias del Arte como:

Diccionario Critico del Arte Español Contemporaneo.
España:Medio Siglo de Arte de Vanguardia.
Diccionario de Pintores Españoles segunda mitad del Siglo XX.
Diccionario de Pintores y Escultores Españoles del Siglo XX.
Enciclopedia del Arte Español de Siglo XX (Artistas).
Diccionario de Genios de la Pintura Española donde solo figuran 296 pintores de todos los tiempos y Antonio Lorenzo esta.Ect…..
Libro 30 pintores. Promociones de Arte Santander-Madrid
Museo Redondo .El Riojano.Publican. Santander 2011


Tras la dilatada trayectoria reseñada en la que ha recibido numerosos galardones, fue elegido en 1996 el mejor pintor español en la feria de arte contemporáneo Arco.



Sus cotizaciones estan en Arnet,Arteprice,Aukon,Benezit,Antiquaria. Ver internet.

http://artesigloxxi.wordpress.com/2010/02/10/antonio-lorenzo/


Obra :Oleo lienzo 40 x 50 cm sin marco y 56 x 66 con el. Firmado Lorenzo abajo a la izquierda.-Titulado "Bodegon del septimo sello" ,fechado 1992 firmado Lorenzo al dorso. Coleccion particular.

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MARIA BLANCHARD (Santander 1881- Paris 1932)

10. MARIA BLANCHARD (Santander 1881- Paris 1932)

http://es.wikipedia.org/wiki/Mar%C3%ADa_Blanchard

La pintora María Gutiérrez Cueto Blanchard , más conocida como María Blanchard, nació 6 de marzo de 1881 en Santander. Su padre era director del periódico El Atlántico y su madre era de ascendencia polaca y francesa. María adoptó el apellido Blanchard de su abuelo materno. A causa de un... Ver mas
La pintora María Gutiérrez Cueto Blanchard , más conocida como María Blanchard, nació 6 de marzo de 1881 en Santander. Su padre era director del periódico El Atlántico y su madre era de ascendencia polaca y francesa. María adoptó el apellido Blanchard de su abuelo materno.

A causa de un accidente que tuvo su madre durante el embarazo, María nació con una deformidad física en la columna, era jorobada. Por este motivo, padeció continuas burlas desde la infancia que le afectarán psicológicamente el resto de su vida. La pintura será su gran evasión.

Creció en un ambiente familiar culto, es su padre quien hace despertar su interés por el arte. En 1903 se trasladó a Madrid para comenzar su formación con los pintores Emilio Sala, Fernando Álvarez de Sotomayor y Manuel Benedito.

Tras obtener la Tercera Medalla de la Exposición Nacional de Bellas Artes con Los primeros pasos, la Diputación de Santander le concede una beca en 1909, para completar sus estudios en París. Allí recibió clases del pintor español Anglada Camarasa y de Kees van Dongen, que orientan su trabajo hacia la libertad del color y la expresión, alejándose de su formación académica española. Un ejemplo, es el cuadro Ninfas encadenando a Sileno, donde se aprecia la influencia de Anglada Camarasa.

En 1914, a causa del estallido de la Primera Guerra Mundial, regresa a Madrid. Asiste a la tertulia de Ramón Gómez de la Serna en el café Pombo y participa en la polémica exposición de Pintores íntegros organizada por éste. Después, se dedicará a la enseñanza como profesora de dibujo en Salamanca, hasta que en 1916, cuando finaliza la guerra, vuelve definitivamente a París.

De nuevo en la capital francesa, se relaciona con artistas como Juan Gris, Lipchitz, Metzinger, Diego Rivera, Picabia y Picasso, entablando una gran amistad con Juan Gris, quien ejercerá una profunda influencia sobre ella. Formó parte del grupo cubista parisino, asimiló sus presupuestos y desarrolló una pintura cubista introduciendo elementos personales, como es el tratamiento del color.

Poco a poco abandonará este estilo y se inclinará por la figuración. Se trata de una figuración en la que hay cierta influencia constructiva del cubismo. Se caracteriza por los colores dramáticos, dibujos duros y violentos contrastes. Son imágenes intimistas, expresivas, de personajes desvalidos.

En 1927, cuando muere Juan Gris, María Blanchard se recluye en sí misma y pierde el contacto con los demás artistas. Su salud empieza a deteriorarse, padece tuberculosis, pero no deja de pintar. Finalmente, muere en 1932.

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MARUJA MALLO (Vivero 1902 - Madrid 1995)

11. MARUJA MALLO (Vivero 1902 - Madrid 1995)

http://es.wikipedia.org/wiki/Maruja_Mallo

Maruja Mallo es una artista de la generación de 1927 y es una de esas artistas de la llamada vanguardia interior española que cabe situar en algunos periodos de su producción en la órbita del surrealismo más canónico y sobre las que se realiza un rescate intermitente pero incompleto en... Ver mas
Maruja Mallo es una artista de la generación de 1927 y es una de esas artistas de la llamada vanguardia interior española que cabe situar en algunos periodos de su producción en la órbita del surrealismo más canónico y sobre las que se realiza un rescate intermitente pero incompleto en colectivas de los años 70 y en monográficas de forma más reciente.

Su formación comenzó en Avilés, por los azares profesionales de su padre que era funcionario del Cuerpo de Aduanas, en la Escuela de Artes y Oficios y en estudios particulares. En Asturias comenzó a exponer antes de trasladarse a Madrid para completar su formación al igual que su hermano el escultor Cristino Mallo en la Facultad de Bellas Artes de San Fernando asistiendo al tiempo a la Academia Libre de Julio Moisés.

Su primera individual auspiciada por José Ortega y Gasset tuvo lugar en 1928 en los Salones de Revista de Occidente. Por entonces realizaba una obra en la línea de la nueva objetividad o realismo mágico en célebre fórmula del importante texto de Franz Roh publicado en 1927, con la serie de Verbenas y las Estampas que de dividirían en populares, deportivas, de máquinas y maniquíes y cinemáticas.

De su intensa colaboración con Alberti hasta 1931 quedarían los decorados del drama "Santa Casilda" (1930),testimonios en los libros "Yo era un tonto y lo que he visto me ha hecho dos tontos" y en "Sermones y moradas". Por esos años –según Cyril Brian Morris- Alberti parecía poner en palabras lo que expresaba con el pincel Maruja Mallo, a ella dedicó El ángel falso de Sobre los ángeles. Son l os años de la serie Cloacas y campanarios cercana a los planteamientos de la Escuela de Vallecas de Alberto Sánchez, Benjamín Palencia, Miguel Prieto, Souto, Rodríguez Luna y Eduardo Vicente de la que formó parte.

También estaba próxima esta obra a la poesía de Oliverio Girondo.

Su primera exposición en París tuvo lugar en la Galería Pierre Loeb en 1932. Había viajado allí con una pensión de la Junta de ampliación de Estudios (de escenografía en concreto) para una año de estancia en el que suscita el interés de André Breton que adquiere su Espantapájaros (1929) y que le proporciona la amistad de Jean Cassou además del contacto con Picasso, Miró, Péret, Aragon, Arp, Magritte y el grupo Abstraction-Création del que formaba parte Joaquín Torres-García. Un año después entraría en contacto con el Grupo de Artistas de Arte Constructivo con el que Torres-García trasladó a España la experiencia parisina y del que formaban parte Manuel Ángeles Ortiz, Moreno Villa, Alberto, Palencia y Luis Castellanos empeñado en la traducción del tratado de La Divina Proporción de Luca Paccioli. Adopta la sección áurea como base de sus trabajo y comienzan los trazados armónicos preparatorios de sus lienzos. Formula nociones como la matemática viviente del esqueleto, afirma su interés por la creación de un lenguaje universal basado en los principios de la geometría que tiene su correspondencia con los principios constructivos de Torres-García .

Ref:http://www.ciudaddemujeres.com/mujeres/Pintura/MalloMaruja.htm

Obra. Coleccion particular.

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LUCIO MUÑOZ ( Madrid 1929- 1998)

12. LUCIO MUÑOZ ( Madrid 1929- 1998)

http://es.wikipedia.org/wiki/Lucio_Mu%C3%B1oz

(Madrid, 1929 - 1998) Pintor español. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (1949-1954), donde fue discípulo de Eduardo Chicharro. Allí conoció a los que más tarde serán conocidos como los "realistas madrileños": Antonio López, los hermanos López Hernández, y a la que se... Ver mas
(Madrid, 1929 - 1998) Pintor español. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (1949-1954), donde fue discípulo de Eduardo Chicharro. Allí conoció a los que más tarde serán conocidos como los "realistas madrileños": Antonio López, los hermanos López Hernández, y a la que se convertiría en su mujer, Amalia Avia. Becado por el gobierno francés, en 1956 viajó a París, donde tomó contacto con la tendencia francesa "Art Autre" y se interesó por la obra de artistas como Wols, Dubuffet, Fautrier o Tàpies.

Interesado desde sus comienzos por el realismo, hacia 1955 su obra se decantó hacia la abstracción. A partir de 1957 comenzó a utilizar la madera y papeles quemados en obras en relieve, lo que supuso su incorporación a la estética informalista. En 1960 fue seleccionado en importantes muestras internacionales, como "Before Picasso, after Miró" del Guggenheim Museum y "New Spanish Painting and Sculpture" del MOMA. En 1962 realizó una obra monumental para el ábside de la Basílica de Aránzazu. Su evolución posterior pasó por diferentes estadios. Tras algunos acercamientos a la estética del objeto y a los paisajes imaginarios, dedicó unos años a la obra gráfica, para retornar después al paisaje y a la naturaleza de una manera más lírica.

1930 Nace en Madrid.
1949-54 Cursa estudios en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid.
1955 Recibe una Beca del Gobierno francés y reside en París hasta finales de 1956.
1959 A partir de este año, participa en las más importantes exposiciones de pintura española en todo el mundo.
1960 Participa en la XXX Bienal de Venecia.
1961 Realiza sus primeras exposiciones individuales en el extranjero.
1962 Expone en la Galería Staempfli de Nueva York. Realiza el mural del Santuario de Aránzazu en Guipúzcoa.
1964 Se inaugura la Galería Juana Mordó, a cuyo grupo de pintores pertenece desde su fundación hasta 1991.
1983 Se le concede el Premio Nacional de Artes Plásticas.
1988 Realiza una exposición antológica en el Centro de Arte Reina Sofía de Madrid y en la Fundación Gulbenkian de Lisboa.
1989 Se edita la monografía Lucio Muñoz, por Lerner & Lerner, Madrid y por Rizzoli, Nueva York, en 1991.
Firma un contrato en exclusiva con la Galería Marlborough.
1993 Recibe la Medalla de Oro de las Bellas Artes.
1995 Realiza dos murales para el nuevo edificio de la Unión Europea en Bruselas.
1996 Recibe el Premio de la Asociación Española de Críticos de Arte.
1998 Realiza el mural "Ciudad inacabada", de 12x11,5 metros, para el hemiciclo del nuevo edificio de la Asamblea de Madrid en Vallecas.
Muere en Madrid, el 24 mayo de 1998.


EXPOSICIONES INDIVIDUALES (recientes)

2000 Lucio Muñoz, proceso de un mural. Asamblea de Madrid.
Galería Durero, Gijón.
Curso de Verano de la Universidad Complutense, Salas de Patrimonio, El Escorial, Madrid.
Lucio Muñoz íntimo. Museo de Arte Abstracto Español, Cuenca.
Galería Pedro Torres, Logroño.
2001 Galería La Aurora, Murcia.
Lucio Muñoz. Obra sobre papel. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.
Galería Teresa Cuadrado, Valladolid.
Galería Juan Manuel Lumbreras, Bilbao.
Galería Belarde 20, Madrid.
2002 Exposición Homenaje Lucio Muñoz. Humanista y Creador. Galería Varron, Salamanca.
Galería Birimbao, Sevilla.
Obras sobre papel. Galería Marlborough, Madrid.
Madera de Inmortalidad. Galería Marlborough, Madrid.
Lucio Muñoz. Galería Ármaga, León.
Lucio Muñoz. Sala las Claras, Obra Social Caja Murcia, Murcia.
2003 Lucio Muñoz. Sala las Claras, Obra Social Caja Murcia, Murcia.
Lucio Muñoz íntimo, Museo d´Art Contemporain.
2004 Lucio Muñoz. Madera de fondo, Teloglion Foundation of Art, Salónica, Grecia. Palacio Harrach, Viena; Academia de España, Roma.
Lucio Muñoz, Galería Ana Vilaseco, La Coruña.
Lucio Muñoz, obra gráfica. Museo Salvador Victoria, Rubielos de Mora, Teruel.
Obra sobre papel, galería Marlborough, Madrid.
2005 Lucio Muñoz: madera de fondo. Fundación Fran Daurel, Barcelona.
Lucio Muñoz, última década. Centro Cultural Isabel de Farnesio, Aranjuez.
Lucio Muñoz. El silencio de la madera. Teatro Campoamor, Obra Social Cajastur.
Lucio Muñoz, Obra Gráfica. Sala de Exposiciones del Distrito del Retiro, Madrid.
2006 Lucio Muñoz. El silencio de la madera. Palacio de los Serrano, Obra Social Caja de Ávila, Ávila; Hospedería Fonseca, Universidad de Salamanca, Salamanca.
Lucio Muñoz en Silos, Abadía de Santo Domingo de Silos, Burgos.
2007 Lucio Muñoz, Obra guardada, Galería Marlborough, Madrid.
Lucio Muñoz, Museo de Arte Contemporáneo, Conde Duque, Madrid.
2008 Lucio Muñoz. Obra Gráfica. Galería Marlborough Madrid, Madrid.
2009 Lucio Muñoz. Pintures i collages. Galeria Marlborough Barcelona, Barcelona.


EXPOSICIONES COLECTIVAS (recientes)

2000 ARCO ‘00, Madrid, Marlborough Gallery, Nueva York.
Propios y Extraños. Galería Marlborough, Madrid.
Vanguardias en la escultura española en madera. Sala de Alhajas, Fundación Caja Madrid, Madrid; Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente, Segovia.
2001 ARCO ‘01, Madrid, Marlborough Gallery, Nueva York.
Medio siglo de arte gráfico en el Museo de Jaén (1945-1995). Museo Provincial de Jaén, ’00-‘01.
Las claves de la España del siglo XX, Museo de las Ciencias Príncipe Felipe, Valencia.
Propios y Extraños, Galería Marlborough, Madrid.
Galería Vértice, Oviedo.
2002 ARCO ‘2002, Madrid, Marlborough Gallery, Nueva York.
AENA. Colección de Arte Contemporáneo. Salas Kubo, Caja de Guipúzcoa, San Sebastián.
El siglo de Picasso. El arte español del siglo XX, Galería Nacional, Atenas. Itinerante a: Museo Nacional Reina Sofía, Madrid.
Circa XX. Colección Pilar Citoler. Centro de Exposiciones y Congresos, Zaragoza.
Estampa, Madrid, Galería Nela Alberca.
2003 ARCO ’03. Madrid, Marlborough Gallery, Nueva York.
Art Espagnol Contemporain, Marlborough Monaco, Mónaco.
El arte español del siglo XX. Museo del Corso, Roma.
Colección Aena del Arte Contemporáneo, Sala de exposiciones del Mercado del Este (dependiente del Museo de Bellas Artes de Santander), Santander.
Homenaje a Jaime Burguillos, Centro Cultural El Monte, Sevilla.
2004 ARCO ‘04, Madrid, Marlborough Gallery, Nueva York.
Fragmentos. Arte del XX al XXI, Colección de Pilar Citoler, Centro Cultural de la Villa, Madrid.
Obras maestras de la colección BBVA. Exposición itinerante: México, Chile, Perú, Colombia, Venezuela y Puerto Rico.
ESPAÑA-AMÉRICA, Sala El Paso, Centro Municipal de las Artes, Alcorcón, Madrid.
Imagen de un centenario. Pintores españoles y chilenos ilustran Neruda, Museo de América, Madrid.
Abstracciones-figuraciones (1940 – 1975), Centro Cultural Cajastur Palacio Revillagigedo, Gijón.
2005 Circa XX: Una Colección Particular. Palacio de la Diputación Cádiz.
Papeles de los 60, Ayuntamiento de la Las Palmas.
Panorama 2005. Galería Juan Gris, Madrid.
2006 Obras maestras del siglo XX en la Colección del BBVA, Fundación BBVA, Palacio del Marqués de Salamanca, Madrid.
ARCO '06, Madrid, Marlborough Gallery, Nueva York.
Pintura, escultura y gráfica. Galería Marlborough, Madrid.
2007 ARCO '07, Madrid, Marlborough Gallery, Nueva York.
És quan dormo que hi veig clar, Galería Marlborough, Barcelona.
9 verdades creativas. Romeral de San Marcos, Segovia, Hay Festivas de Segovia, Torreón de Lozoya.
2008 Conversaciones, Aena Colección de Arte Contemporáneo en el MEIAC
ARCO ‘08. Marlborough Gallery Nueva York, Madrid, España
Lucio Muñoz. Obra Gráfica. Galería Marlborough, Madrid.
Summer Show. Galería Marlborough Madrid, Madrid.
2009 Colectiva de Invierno. Galería Marlborough Madrid, Madrid.
ARCO ‘09. Marlborough Gallery Nueva York, Madrid, España
Summer Show. Galería Marlborough Madrid, Madrid, España.
El espejo que huye. Palacio de Revillagigedo, Gijón, España.
2010 ARCO ‘10. Marlborough Gallery Nueva York, Madrid, España



MUSEOS Y COLECCIONES PUBLICAS

Aena, Colección de Arte Contemporáneo, Madrid.
Asamblea de Madrid.
Ayuntamiento de Madrid, Madrid.
Bergeau Museum, Dortmund.
Biblioteca Nacional, Madrid.
Bibliothèque Nationale, París.
British Museum, Londres.
Caja de Madrid, Madrid.
Caja de Ahorros de Asturias, Oviedo.
Caja de Ahorros de Pamplona, Pamplona.
Casa de Colón, Las Palmas de Gran Canaria.
Centro Atlántico de Arte Moderno, Las Palmas de Gran Canaria.
Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.
Círculo de Bellas Artes, Madrid.
Museo Patio Herreriano, Valladolid.
Colección Amigos Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.
Colección Argentaria, Madrid.
Colección Arte del Siglo XX, Alicante.
Colección Ayuntamiento de Madrid.
Colección Banco Central Hispano, Madrid.
Colección Banco Exterior, Madrid.
Colección Banco de España, Madrid.
Colección Banco de Santander, Madrid.
Colección Banco Urquijo, Madrid.
Colección Caja Provincial de Alava, Vitoria.
Colección Deutsche Bank, Madrid.
Colección de Arte Contemporáneo del Patrimonio Nacional, Palacio Real, Madrid.
Colección Dobe, Zurcí.
Comunidad de Madrid, Madrid.
Comunidad de Castilla La Mancha, Toledo.
Congreso de los Diputados, Madrid.
The Chase Manhattan Bank, Nueva York.
Diputación Foral de Guipúzcoa, San Sebastián.
Fundación Aena.
Fundación Juan March, Madrid.
Fundación Juan March, Palma de Mallorca.
Fundación "la Caixa", Barcelona.
Fundación Rodríguez-Acosta, Granada.
Galería Nacional, Sofía, Bulgaria.
Göteborgs Konstmuseum, Goteborg.
Haags Gemeentemuseum, La Haya.
Instituto Torcuato di Tella, Buenos Aires.
Kunstmuseum, Winterthur.
Massachusetts University, Massachusetts.
McMay Art Museum, San Antonio, Texas.
Ministerio de Asuntos Exteriores, Madrid (Obra Gráfica).
Museo de Arte Abstracto Español, Cuenca.
Museo de Art Contemporáneo, Elche.
Museo de Arte Contemporáneo, Sevilla.
Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa, La Coruña.
Museo de Arte Moderno de la Ciudad, Buenos Aires.
Museo de la Asociación Canaria de Arte Contemporáneo, Santa Cruz de Tenerife.
Museo de Bellas Artes, Bilbao.
Museo de Bellas Artes, Buenos Aires.
Museo de Bellas Artes, La Habana.
Museo de Bellas Artes de Alava, Vitoria.
Museo Extremeño de Arte Contemporáneo, Cáceres.
Museo Jovellanos, Gijón.
Museo Municipal de Madrid, Madrid.
Museo Popular de Arte Contemporáneo, Villafamés.
Museo de la Resistencia Salvador Allende, Santiago de Chile, Chile.
Museo de la Solidaridad, Santiago de Chile, Chile.
Museo Rufino Tamayo, Méjico D.F., Méjico.
Museo Vasco de Arte Contemporáneo (Artium), Vitoria.
Museo Vaticano, Roma.
Museum des 20 Jahrhunderts, Viena.
Museo Salvador Victoria, Rubielos de Mora, Teruel.
Nasjonalgalleriet, Oslo.
New Orleans Museum of Art, New Orleans, Louisiana, USA.
Palacio del Senado, Madrid.
Städt Museum, Leverkusen.
Stedelijt Museum, Amsterdam.
Tate Gallery, Londres.

Legado de Lucio Muñoz: Literatura, memoria y paisaje
10 feb 2011 - 12 mar 2011Varios Autores: Metamorfosis
27 ene 2010 - 25 mar 2010

Obra: Coleccion privada

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EDUARDO PISANO (Torrelavega 1912 - Paris 1986)

13. EDUARDO PISANO (Torrelavega 1912 - Paris 1986)

http://www.eduardo-pisano.fr/#!/accueil

Eduardo Lopez Pisano,. conocido como Eduardo Pisano ( Torrelavega, 1912 - Paris 1986). Considerado el artista más renovador de la generación entre finales del siglo XIX y las dos primeras décadas del XX de la Escuela Española de Paris, donde residio desde 1939 hasta su muerte en 1986 (47 a... Ver mas
Eduardo Lopez Pisano,. conocido como Eduardo Pisano ( Torrelavega, 1912 - Paris 1986).


Considerado el artista más renovador de la generación entre finales del siglo XIX y las dos primeras décadas del XX de la Escuela Española de Paris, donde residio desde 1939 hasta su muerte en 1986 (47 años).

Bohemio donde los haya. Vivio en el barrio de Montparnasse, le iba la buena vida y la buena bebida, amigo de sus amigos, los veranos volvia a Torrelavega y solia hacer una exposicion, Galeria Sur de Santander y en la Galeria Espi de Torrelavega.

De padres hortofloricultores, se inició en la Escuela de Artes y Oficios de Torrelavega, la que muchos años despues llevaria su nombre.

A comienzo de los años treinta, en Madrid, asistió a la Escuela de Artes Gráficas y frecuenta el Museo del Prado y el Casón del Buen Retiro. La Guerra Civil interrumpe su labor creadora, tras la cual se exilia en Francia.

Expone en el Museo de Burdeos (1946), y después marchará a la capital, al barrio de Montparnasse, centro de la vida bohemia, artística e intelectual, trabando amistad con Picasso, Dali, Oscar Domínguez, Antonio Quirós, Pedro Flores,..

Aunque vinculado a la Escuela de París, la pintura de Pisano, alejada de tradicionalismos, y clasicismos, tiende a la figuración expresionista: buscaba la plasticidad en sus lienzos, mediante la yuxtaposición de pinceladas muy gestuales, con especial dramatismo y un colorido muy libre de ocres y negros, sobre la que apoya la fuerza del rojo, y el temblor de los azules,

Los temas taurinos, religiosos, circenses o florales y las figuras femeninas, protagonizan la mayor parte de sus lienzos ,con una profusión y abigarramiento de pinceladas.

En su ciudad natal tiene dedicada una calle "Eduardo Lopez Pisano ,pintor" y la Escuela de Artes y Oficios de Torrelavega se llama "Eduardo Lopez Pisano".

Ilustro el libro "Torrelavega en su historia" 1986, con introduccion de Jose Hierro. Editado por el Ayuntamiento de la Ciudad en que nacio.-

En Julio de 1990 Con motivo del centenario de la plaza de toros de Santander, patrocinada por el Ayuntamiento de la Ciudad, se celebro una gran exposicion de tema taurino en el Museo de BB.AA. de Santander " Los toros vistos por 30 pintores" Participaron con una obra cada uno y Eduardo Pisano con la titulada " El brindis oleo de 46 x 27 cms. reproducida en el libro catalogo de la exposicion en las paginas 71 y 72. junto a obras de Pablo Picasso, Oscar Dominguez, Jose Solana, Pancho Cossio, Francisco Bores, Benjamin Palencia, Juan Barjola, Eduardo Urculo, Jose Caballero, Francisco San Jose, Grau Sala, Gines parra ,Manuel Angeles Ortiz , Rufino Ceballos, Juan Alcalde, Pedro Flores,.......................................

Seleccion de exposiciones individuales:

1933.- Biblioteca Popular . Torrelavega
1946.- Individual en Bordeaux
1948.- Lyceum Duimaine-Perez, Paris
1948.- Galerie de Arts y Lettres. Paris
1946 a 1958 Diversas exposiciones en Arcachon,Biarritz, Bayonne,Toulouse, Marseille.
1959.- Dintel Galeria de arte, Santander
1962.- Dintel Galeria de Arte. Santander
1964.- Galerie de atelier Vidal, Paris
1965.- Galerie de atelier Vidal, Paris
1966.- Beverly-Hills. Los Angeles
1969.- Galeria de Arte Sur. Santander
1971.- Gareria de Arte Sur. Santander
1972.- Galeria Prima. Paris
1972.- Exposicion en Japon
1973.- Sala Caja de Ahorros.- Torrelavega
1974.- Retrospectiva Pisano.Musee Bibliotheque,Saint Cloud
1976.- Pisano.Un pintor español en la Escuela de Paris. Sala Nonell.Barcelona
1977.- Exposiciones en Mexico DF
1977.- Galeria de Arte Sur. Santander
1978.- Galeria Espi. Torrelavega
1982.- Museo Municipal de BB.AA. de Santander
1984.- Galeria Espi .Torrelavega
1985.- Galeria Espi .Torrelavega
1986.- Pisano.Exposicion antologica.Sala Caja Cantabria. Torrelavega
1986.- Casa de Cultura. Cabezon de la Sal.
1986.- Galeria Espi. Torrelavega
1988.- Museo Municipal de BB.AA.. Santander
1988.- Museo San Eloy. Salamanca
1996.- Galeria Cervantes. Santander
1999.- Galeria Cervantes. Santander
2000.- Retrospectiva Pisano.Sala Mauro Muriedas. Torrelavega
2003.- Retrospectiva Pisano.Sala Mauro Muriedas. Torrelavega
2004.- Eduardo Pisano, Invite d'honneur du Van Gogh.Art Festival, Arles.
2011.- Eduardo Pisano 1912-1986, Chateau de Simiane, Valreas
2012.- Centenario Pisano. Claustro Parlamento de Cantabria. Santander
2012.- Centenario Pisano. Sala Municipal Mauro Muriedas. Torrelavega
2012.- Centenario Pisano. Centro Nacional de Fotografia"M.Rotella".Torrelavega
2013.- Centenario Pisano. Musee du Montparnasse. Homenaje a Pisano.Paris

http://ecodiario.eleconomista.es/exposiciones/noticias/4532446/01/13/Montparnasse-dedica-al-pintor-espanol-Eduardo-Pisano-una-muestra-inedita.html

http://www.lavanguardia.com/cultura/20130115/54361935468/montparnasse-eduardo-pisano.html


Seleccion exposiciones colectivas:


1946.- Artistes espagnoles en exil. Sala Goya. Bordeaux.
1947.- Artistes espagnoles en exil. Galerie de la Boetie. Paris
1954.- Feria de Muestras de Dijon
1955.- Hommage a Antonio machado. Maison de la Pensee francaise.Paris
1967.- Eduardo Pisano & Manolo Pelayo. Galerie Vidal. Paris
1968.- Primiere Biennale d'art contemporaine espagnol, Musee Galliera. Paris
1972.- Galeria Dintel. Santander
1972.- Pintores españoles. Galeria Sur. Santander
1973.- Pintores españoles. Galeria Sur. Santander
1973.- Exposition Colective. Sala Nonell. Barcelona
1975.- Artistas montañeses. VI exposicion arte actual. Santillana del Mar.
1975.- Expresionistas españoles. Galeria de Arte Sur. Santander
1975.- La Escuela de Paris. Galeria Van Gogh. Vigo.
1975.- Salon de Peinture. Vaucresson
1975.- Muriedas ,Otero y Pisano , Sala Banco Bilbao. Torrelavega
1976.- Muriedas y Pisano . Sala Banco Bilbao. Torrelavega
1982.- Mauro Muriedas,Jesus Otero,Eduardo Pisano. Sala Banco Bilbao.Torrelavega
1985.- 30 Pintores, Promociones de arte. Santander
1990.- Los toros vistos por 30 pintores. Museo de BB.AA. Santander
2002.- Les Peintres espagnols,Hommage a Eduardo Pisano.Musee du Mas Carbasse. Saint Esteve.
2013.--Habitar el arte-- Exposicion de 70 obras de la coleccion Jose Manuel Cano con seis obras de Pisano. Centro Nacional de Fotografia Manuel Rotella. Torrelavega.-



http://www.eldiariomontanes.es/v/20121213/cultura/exposicion/foto-invita-habitar-arte-20121213.html


Museos y colecciones:


Museo de BB.AA. de Santander,
Museo Redondo del Riojano en Santander
Museo Municipal de Beranga.Cantabria
Musee du BB.AA de Burdeaux
Musee Bibliotheque,Saint Cloud
Musee Mas Carbasse en Saint Esteve
Musee du la Ville de Paris
Musee du Montparnasse. Paris
Museo del Quijote .Guanajato. Mexico
Museo de BB.AA. San Eloy. Salamanca
Pinacoteca Gobierno de Cantabria,
Pinacoteca Ayuntamiento Torrelavega
Pinacoteca Ayuntamiento de Santoña
Coleccion Ayuntamiento de Miengo
Coleccion Caja de Ahorros de Santander y Cantabria ,
Coleccion Club Parayas, Maliaño.Cantabria
Coleccion Fundacion Santillana, Santillana del Mar (Grupo Prisa)
Coleccion Circulo de Recreo de Torrelavega


Bibliografia:


Gran Enciclopedia de Cantabria
Diccionario de Pintores y Escultores Españoles del Siglo XX. Tomo 11 pag 3345.
Diccionario de Pintores Segunda Mitad del Siglo XX, pag. 490,491 y 492.-
La pintura Montañesa. IEE. . 1973, pag. 136,137,138 y 139.
Guia del Museo de BB.AA. Santander, pag. 68, 76 y 103.
Serie 30 pintores , libro 3º pag. 46 y 47.
Libro catalogo. Los toros vistos por 30 pintores,pag. 71 y 72.
La Idea en el Arte. Centro Cultural Cajacantabria. Torrelavega. pag. 27,74,75
Libro Homenaje a Pisano en el Museo Mas Carbasse por diez pintores catalanes.-
Pisano. Por Anne Egger. Musee du Montparnasse.Arcadia Editions.Paris 2012
Pisano. Por Andre Licoys. Saint-Cloud.1973
25 años de Pintura en Cantabria 1970-1995 . Consejeria Cultura Gobierno Cantabria
Le Montparnasse espagnol. Texte J.M. Bonet . Ed. Musée du Montparnasse 2013. pag. Portada ,38,39 y 40.
Cantabria .Editorial Mediterranero 1992. Cap. Arte Contemporaneo, pag. 164.-



Se estan celebrado tres grandes exposiciones simultaneamente en Cantabria con motivo del centenario de su nacimiento. Una exposicion (2 mayo a 10 junio 2012) en el claustro de la Asamblea Regional de Cantabria con obras de gran formato, inaugurado por las autoridades Cantabras y dos exposiciones ( 27 abril a 10 junio 2012) en Torrelavega en la Sala Municipal Mauro Muriedas y en Centro Nacional de Fotografia "M. Rotella" inauguradas por la autoridades locales. Es de destacar que las 175 obras expuestas, se han traido de Francia procedentes de los fondos de dos importantes coleccionistas franceses, por lo que nunca se exhibieron en España.

Con motivo de este centenario el Musee du Montparnasse, a editado un libro en frances con las obras expuestas y una amplia biografia de Pisano ,cuya autora es Anne Egger., libro que se ha vendido en la Sala Mauro Muriedas de Torrelavega, al cual se le acompañaba un apendice de 18 hojas con su traduccion al español.
En la misma , dice al comienzo "NOTA BENE" que Pisano nunca firmo ningun cuadro en la parte de abajo, solo arriba en ambos lados. Tambien dice que nunca fecho un cuadro. Puedo afirmar rotundamente que no es cierto, en primer lugar , porque en la misma exposicion de este centenario en el Centro Nacional de Fotografia " M. Rotella", habia dos cuadros fechados y en la misma nota junto al cuadro le dan fecha. (Tengo fotos). Tambien puedo afirmar con la misma rotundidad , que firmo cuadros abajo y a ambos lados, generalmente antiguos y de tema taurino, de los que tengo fotos de mas de veinte sin duda de su autenticidad y de cuando era un desconocido. Este cuadro de la foto esta firmado abajo a la derecha, de los primeros años 40, la edad esta en el cuadro.- A Pisano cuando se le ha empezado a conocer sus obras son a partir de los años sesenta. Su obra anterior son muy pocos los que las conocen.
A final de las exposiciones simultaneas de Santander y Torrelavega con motivo de su centenario se celebro una conferencia sobre la obra de Pisao que dio el critico de arte y coleccionista Diego Bedia Casanueva y en presencia de la comisaria de las exposiciones y ex directora del Museo de BB AA de Santander Carmen Carrion y de la Concejala de Cultura de Torrelavega , al final a a pregunta mia sobre las firmas de Pisano dijo que efectivamente habia numerosos cuadros de Pisano de los años 30,40 y 50 con la firma abajo en ambos lados , si bien son mayoria arriba y a partir de los años sesenta y que no se podia afirmar que siempre habia firmado arriba y nunca fechados, como quedo demostrado..

Si algun estudioso de Pisano quiere fotos de obras firmadas abajo se las envio por email.-

http://listas.20minutos.es/lista/pintores-y-escultores-cantabros-por-lapp-256240/

http://lalocuevas.blogspot.com.es/2012/05/torrelavega_574.html



Obra :"Pase de pecho". Oleo lienzo, 55 x 46 cm. sin marco. Firmado abajo a la derecha ,al dorso titulado, epoca años 40 .- Coleccion particular de Santander, fue adquirido a su propietario, en Vesoul -Francia.-

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MAXIMINO PEÑA MUÑOZ ( Salduero 1863- Madrid 1940 )

14. MAXIMINO PEÑA MUÑOZ ( Salduero 1863- Madrid 1940 )

http://www.museodelprado.es/enciclopedia/enciclopedia-on-...

Maximino Peña y Muñoz (Salduero, Soria, 1863 - Madrid, 1940). Pintor español de género, figuras, retratos, interiores, naturalezas muertas, pastelista, diseñador e ilustrador. Vivió sus primeros años en su localidad natal, trasladándose en 1876 a Buenos Aires, Argentina, para trabajar con su... Ver mas
Maximino Peña y Muñoz (Salduero, Soria, 1863 - Madrid, 1940). Pintor español de género, figuras, retratos, interiores, naturalezas muertas, pastelista, diseñador e ilustrador.

Vivió sus primeros años en su localidad natal, trasladándose en 1876 a Buenos Aires, Argentina, para trabajar con su tío Felipe Muñoz Benito. En Argentina estudió en Buenos Aires y La Plata. Su familia regresó a España en 1879, donde Peña y Muñoz se incribió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Allí conoció a Casto Plasencia, con el que inició una amistad que duraría toda la vida, y quien lo introdujo en los ambientes artísticos madrileños y lo incentivó en su carrera artística. Fue Plasencia quien lo invitó a colaborar en la pintura de los frescos de la Iglesia de San Francisco el Grande de Madrid, y lo recibió en Muros de Nalon (Asturias) donde fue jefe de una comunidad de pintores, a imagen de la comunidad de Barbizon (Francia), especializados en la pintura de paisajes. Sus dibujos, pasteles y óleos revelaban a un pintor de primera magnitud que dominaba el dibujo y el color, el retrato y el paisaje, lo anecdótico y lo esencial, transmitiendo el sentimiento de la vida rural, la psicología profunda en el retrato, y los paisajes evocadores de la memoria y la naturaleza.

Peña Muñoz recibió de la Villa de Soria, una beca que le permitió estudiar dos años en Madrid y tres en Roma. Su temporada en Roma fue decisiva en su formación de pintor, especialmente en el dominio del retrato. Allí se hizo de amistades sólidas y duraderas con los pintores Joaquín Sorolla y Mariano Benlliure. También frecuentó los talleres de Moreno Carbonero y Muñoz Degraín. Desde allí envió el cuadro Carta del hijo ausente a la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1887, y obtuvo una medalla de tercera clase.

De regreso a España colaboró con numerosas revistas. A partir de entonces los encargos aumentaron y las recompensas en las Exposiciones Nacionales también, y logró medalla de primera clase con Cabeza de Labriego en 1912.

Tomó parte en las mas importantes iniciativas artísticas de su tiempo, perteneció al Círculo de Bellas Artes y al Ateneo de Madrid, participó en innumerables exposiciones nacionales e internacionales, en las que obtuvo un merecido reconocimiento, alcanzando su obra una gran difusión.

Perteneciente a la "generación realista " y fiel a sus principios, entre su obra encontramos pinturas de tipos populares, paisajes, fragmentos de la vida cotidiana, reproduciendo siempre cosas y hechos reales, pero aportando su particular interpretación. Sus retratos están apoyados tanto en su poder de observación como en su gran intuición psicológica. No sólo retrata sino que recrea la belleza, la gracia o el misterio del eterno tema femenino.

Su producción fue amplísima, destacando en la utilización del pastel, en los paisajes del natural, apuntes y temas costumbristas. Como ilustrador colaboró en el Imparcial y en La Ilustración Española y Americana.

Tomado de la Enciclopedia Online del Museo Nacional del Prado y Wikipedia.


Casa Museo Maximino Peña en Salduero

Museo temático de este artista nacido en Salduero. Maximino Peña Muñoz (29 de mayo de 1863-1940) vivió sus primero años en su localidad natal, Salduero, y marchó a Buenos Aires en 1876 a trabajar con familiares afincados allí.

En esta época dibujó y pintó manifestándose ya su gran aptitud para el arte. Con su regreso a España, Peña comenzó sus estudios de pintura, en la Escuela Superior de Pintura, Escultura y Grabado, para continuar después en relación al Círculo de Bellas Artes. Sus dibujos, pasteles y óleos revelaban a un pintor de primera magnitud que dominaba el dibujo y el color, el retrato y el paisaje, lo anecdótico y lo esencial, transmitiendo el sentimiento de la vida rural, la psicología profunda en el retrato, y los paisajes evocadores de la memoria y la naturaleza.

Tomó parte en las más importantes iniciativas artísticas de su tiempo, perteneció al Círculo de Bellas Artes y al Ateneo de Madrid, participó en innumerables exposiciones nacionales e internacionales, en las que obtuvo un merecido reconocimiento, alcanzando su obra una gran difusión.

Supo conquistar un nombre en el mercado del arte. Expuso en exposiciones de cuadros y en páginas de ilustraciones nacionales. Tuvo estudio en Madrid, no tuvo afán de notoriedad y su modestia le perjudicó en demasía en los tiempos de continua exhibición y demasiadas extravagancias.

Perteneciente a la "generación realista " y fiel a sus principios, entre su obra encontramos pinturas de tipos populares, paisajes, fragmentos de la vida cotidiana, reproduciendo siempre cosas y hechos reales, pero aportando su particular interpretación. Sus retratos están apoyados tanto en su poder de observación como en su gran intuición psicológica. No sólo retrata sino que recrea la belleza, la gracia o el misterio del eterno tema femenino.


El Museo del Prado posee dos obras de este autor:

"Carta del hijo ausente",oleo lienzo de 320 x 210 cms, en deposito en el Museo de BB.AA de Zaragoza.
"El bebedor", oleo lienzo de 76 x 57 , en deposito en el Museo de Pintura de Navarra.

Bibliografia:

Diccionario de Pintores y Escultores del Siglo XX

Maximino Peña, vida y obra. Ayuntamiento de Soria 1993 por Lourdes Cerrillo Rubio

Maximino Peña (1863-1940).Caja Soria 1987. Soria por Lourdes Cerrillo Rubio



Obra: El parque. Oleo carton , 36 x 27 cms firmado .Coleccion privada

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GREGORIO PRIETO MUÑOZ (Valdepeñas 1900 - 1992)

15. GREGORIO PRIETO MUÑOZ (Valdepeñas 1900 - 1992)

http://es.wikipedia.org/wiki/Gregorio_Prieto

(Gregorio Prieto Muñoz; Valdepeñas, Ciudad Real, 1897 - 1992) Pintor y dibujante español que fue conocido como el "Pintor de la Mancha". Abandonó los estudios de ingeniería para dedicarse a la pintura y al dibujo. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, tras lo cual le... Ver mas
(Gregorio Prieto Muñoz; Valdepeñas, Ciudad Real, 1897 - 1992) Pintor y dibujante español que fue conocido como el "Pintor de la Mancha". Abandonó los estudios de ingeniería para dedicarse a la pintura y al dibujo. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, tras lo cual le fue concedida una beca de El Paular. En estos años entabló amistad con Federico García Lorca y Rafael Alberti, y con otros miembros de la Generación del 27, como Luis Cernuda y Aleixandre. Con Cernuda pasó una larga temporada en Oxford. De nuevo becado, viajó por Francia, Inglaterra y Bélgica y expuso en París con gran éxito. Acudió a la Academia Española en Roma con otra beca; el contacto con la cultura griega y romana supuso un giro importante en su obra. En 1950 se instaló definitivamente en Madrid.

Su obra atravesó varias etapas. En el periodo anterior a la Guerra Civil se situó entre el realismo y la pintura metafísica. Tras un viaje por el Mediterráneo en la década de los años veinte realizó telas inspiradas en Pompeya y el clasicismo griego. Pintó las ruinas de Taormina en una cuadro titulado Luna de miel en Taormina, que representó a España en el pabellón internacional de la Exposición de París, en 1937. Durante su estancia en la Academia de Roma realizó una serie de fotomontajes vinculados al Postismo, movimiento poético-artístico promovido por el pintor Eduardo Chicharro en 1945, con el que coincidió en la capital italiana.

El Museo Gregorio Prieto en Valdepeñas.

El museo está montado con gusto exquisito. Ya en el patio se muestran obras de referencia del pintor como una de las deliciosas vistas del jardín de Aranjuez, la melancólica Luna Nueva, el homenaje a El Greco, y otro de sus temas recurrentes, Los Molinos. En la sala de la derecha podemos admirar una buena colección integrada mayoritariamente por dibujos y obra gráfica, en la que están presentes obras de Miró, Solana, Picasso y Chagall, entre otros. Pero también se presentan lienzos de notables pintores -menos famosos- como José Frau o Manuel Prior. En otras salas del interior, se muestra una selección de la obra de Gregorio Prieto, a través de sus etapas estilísticas, donde podemos ver desde los cuadros del puntillismo impresionista de ligeros tonos suaves y evanescentes (como los jardines de Aranjuez o los paisajes intimistas de El Paular) hasta la rotunda afirmación del contrastado color apoyado casi en abultado relieve de su última época, a la que corresponden sus visiones amorosas de exaltación ibérica. En tan largo recorrido llegarían influencias de corrientes extranjeras y Prieto fue pasando por el cubismo (en su estancia por Francia y Bélgica), fauvismo, expresionismo, surrealismo (etapa ésta que nos deja sus famosas composiciones de maniquíes articulados), arte pop (utilizado en los fotomontajes), simbolismo onírico (en las ilustraciones de poemas), colleges (en los que recurre a todo tipo de objetos y materiales), postismo (empleando la fotografía como medio plástico y poético). También la pasión por la lírica popular se evidencia en la obra de Prieto rescatando los molinos, los arcángeles o las escenas taurinas, en la búsqueda del equilibrio entre lo popular y lo culto, combinando lo tradicional y lo moderno. No faltan tampoco muestras de sus excelsos bodegones y los retratos de sus amigos (por ejemplo el de Rafael Alberti), su paréntesis arqueológico-poético en el que el artista da nueva vida a las damas oferentes y a todo el repertorio de esfinges zoomórficas de las tierras castellano-manchegas. Muy bien representada está su anterior etapa greco-latina, cargada de admiración y veneración por las líneas arquitectónicas clásicas y poblada de marineros e iconografía homoerótica y los momentos en los que el artista realiza grandes ilustraciones de carácter dibujístico.

Datos prácticos

Emplazamiento: Pintor Mendoza, 27. Tf./fax: 926.324 965.
Apertura: Martes de domingos de 10 a 14 horas y de 17 a 20 horas (18 a 21 en verano). Cierra lunes y domingos tarde.



Obra: Gregorio con su madre. Oleo lienzo . Coleccion privada.

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JOAQUIN VAQUERO PALACIOS ( Oviedo 1900- Madrid 1998.)

16. JOAQUIN VAQUERO PALACIOS ( Oviedo 1900- Madrid 1998.)

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Joaquín Vaquero Palacios, 1900-1998. Arquitecto, escultor y pintor español. Nació en Oviedo el 9 de junio de 1900. Estudió en Oviedo el bachillerato y Arquitectura en Madrid a partir de 1920, donde tuvo como maestros a Manuel Arboleya y Francisco Casariego. En 1927 recibió una beca de... Ver mas
Joaquín Vaquero Palacios, 1900-1998.

Arquitecto, escultor y pintor español.

Nació en Oviedo el 9 de junio de 1900. Estudió en Oviedo el bachillerato y Arquitectura en Madrid a partir de 1920, donde tuvo como maestros a Manuel Arboleya y Francisco Casariego. En 1927 recibió una beca de ampliación de estudios que le permite viajar a Estados Unidos y Méjico, completando su formación en París y Nueva York. En 1928 se casó con María Teresa Turcios Darío, hija de la única hermana del poeta Rubén Darío.

Inventor del sistema de construcciones desmontables de madera Vaqlan en 1933, en el primer lustro de los años 30, colaboró junto con Goico Aguirre, Jerónimo Junquera y con Federico García Lorca en el diseño y construcción de los escenarios de La Barraca para las representaciones en la Plaza del Fontán. Por las mismas fechas, y en calidad de arquitecto, participó en la restauración del Monasterio de Sobrado y realizó el proyecto del Mercado de Abastos de Santiago de Compostela.

En la década de los cincuenta ocupó primero el cargo de subdirector en la Escuela Española en Roma, de la que llegaría ser director. En esta misma década se ocupa de proyectar diverso espacios monumentales como son el monumento a Colón en la ría de Huelva, o la plaza del Descubrimiento en Madrid. Entre 1954 y 1967 realizó la fachada del Colegio América en Oviedo, el edificio de Hidrolectrica del cantábrico y las centrales de Salime y Proaza.

Antes pintor que arquitecto, su obra tiene una vertiente restauradora en ciudades como Santiago de Compostela, donde restauró la biblioteca de la Universidad, la Torre del Reloj de la Catedral y el palacio de Fonseca entre 1940 y 1950, y Segovia. A partir de 1980 sus obras pictóricas sufren un cambio de estilo, dejando de tener referencias naturalistas para abordar paisajes más urbanos. Se ocupó la decoración interna de diversos edificios institucionales y privados, como el salón de congresos del Hotel Reconquista.

Como escultor es especialmente destacable la efigie de Policarpo Herrero (1929) la escultura del general Arce y el monumento a Thiebaut (1946), aunque se dice que su obra escultórica más importante son los relieves de la Central Hidroeléctrica de Grandes de Salime, perteneciente a Hidroeléctrica del Cantábrico, en los cuáles se ve representada el funcionamiento de la central y su construcción.

Desde 1969 fue miembro de la Real Academia de Bellas Artes y de la italiana Academia Nacional de San Luca, que data del siglo XV y fue incluido entre miembros españoles Velázquez, Ribera, Picasso, Dalí y Miró. Miembro del RIDEA desde 1970, fue nombrado Hijo Predilecto de Asturias en 1980 y metalla de plata del Principado de Asturias en 1989.

El Ayuntamiento de Oviedo aprobó por unanimidad el 15 de marzo de 1988 conceder el nombre de Joaquín Vaquero Palacios a la calle ubicada en Pumarín, entre las de Fernando Vela y Comandante Bruzo. El 29 de mayo de 1992 se aprobó en el Pleno municipal colocar una placa en la casa natal del arquitecto, que fue descubierta por su hijo, el también pintor Joaquín Vaquero Turcios.

A primeros de agosto de 1992 obtuvo la medalla de oro a la creación en la I Feria Artística de Santander. El 27 de agosto de este mismo año fue galardonado con el Premio «Asturias» de 1992, concedido por la calidad artística y la dimensión estética de su obra.

Falleció en Oviedo el 28 de octubre de 1998

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JOSE VELA ZANETTI (Milagros, 1913 - Burgos, 1999)

17. JOSE VELA ZANETTI (Milagros, 1913 - Burgos, 1999)

http://es.wikipedia.org/wiki/Vela_Zanetti

José Vela Zanetti, uno de los pintores y muralistas más importantes del arte español del siglo XX es noticia en este inicio de 2001. Los campesinos en los que José Vela Zanetti representó la dignidad del hombre, sus murales –hizo uno para las Naciones Unidas en 1952— y su austera pintura... Ver mas
José Vela Zanetti, uno de los pintores y muralistas más importantes del arte español del siglo XX es noticia en este inicio de 2001.
Los campesinos en los que José Vela Zanetti representó la dignidad del hombre, sus murales –hizo uno para las Naciones Unidas en 1952— y su austera pintura religiosa aparecen ahora recogidos en la gran muestra antológica inaugurada en Madrid, abierta hasta el próximo 22 de abril.

En el Centro Cultural de la Villa, de Madrid, se presenta la mayor exposición que se ha hecho sobre su obra. En total se muestran 174 obras de este artista nacido en Milagros (Burgos, 1913), exiliado tras la guerra civil en la República Dominicana, Puerto Rico y México, y muerto hace ahora dos años en la ciudad de León, a la que estuvo siempre muy unido, y donde permanece en funcionamiento una fundación dedicada a él.

José Vela Zanetti: Antológica 1929-1998, ha sido impulsada por la Fundación que lleva el nombre del pintor y tiene el patrocinio de la Caja Rural de Burgos.

Cuadros de distintos formatos, murales y bocetos; libros ilustrados por él; textos sobre su obra, etc., procedentes de León, Burgos, Madrid y otros lugares de España, así como de Santo Domingo, México y Florencia, se pueden contemplar en la importante muestra

Las secciones de la exposición son: Adolescencia y juventud, Vela Zanetti, periodista de guerra, Exilio dominicano, El mural de la ONU, México y el último exilio, El regreso, Gallos, paisajes y hogazas, Pintura religiosa, Mundo Cidiano y medieval y Autorretratos

La obra de este pintor abarca de 1929 hasta 1998. Se trata de un personaje identificado con su tierra, con los humildes, y llega al universalismo a través de esos temas populares y religiosos

El comisario y secretario de la Fundación Vela Zanetti, Eduardo Aguirre, recordó en la presentación de la muestra que Vela estuvo comprometido con las libertades y los derechos humanos y pintó para la sede de la ONU en Nueva York, cuando España aún no pertenecía a la organización, un mural de condena del genocidio y el racismo, lo que supuso su consagración internacional.

Vela Zanetti, que en la República Dominicana había hecho ya 87 murales, no consintió en llamarse muralista hasta que no pintó en 1957 en México -país de grandes muralistas como Rivera, Siqueiros u Orozco- una obra de estas características: Los misioneros.

La Fundación Vela Zanetti, radicada en León, posee abundante obra del pintor y es sede de un centro de promoción del arte, donde se muestra obra de artistas de la zona y se organiza un curso anual de muralismo.

Esta fundación, que apoyan el Ayuntamiento de León y Caja España, está participando también en la organización de una exposición sobre el pintor, organizada este verano en Oporto, con motivo de la capitalidad Europea de la Cultura.

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IGNACIO ZULOAGA Y ZABALETA (Eibar 1870 - Madrid 1945)

18. IGNACIO ZULOAGA Y ZABALETA (Eibar 1870 - Madrid 1945)

http://es.wikipedia.org/wiki/Ignacio_Zuloaga

(Ignacio Zuloaga y Zabaleta, Éibar, 1870 - Madrid, 1945) Pintor español. Nació en el seno de una familia de artistas y recibió de su padre una primera formación básica, completada más tarde en Italia y en París, donde se relacionó con figuras de la talla de Gauguin, Degas y Puvis de Chavannes... Ver mas
(Ignacio Zuloaga y Zabaleta, Éibar, 1870 - Madrid, 1945) Pintor español. Nació en el seno de una familia de artistas y recibió de su padre una primera formación básica, completada más tarde en Italia y en París, donde se relacionó con figuras de la talla de Gauguin, Degas y Puvis de Chavannes.

Su vida se caracterizó por frecuentes cambios de domicilio, que le llevaron a residir en París, Segovia, Andalucía, Madrid y Zumaya. Fascinado por la imaginería popular (tauromaquia, bailarinas de flamenco), más tarde eligió como tema de sus pinturas diversas escenas de la vida cotidiana, a menudo festivas o religiosas, que plasmó con una paleta oscura, fuertes dosis de realismo y un gran sentido dramático.

Expuso en numerosas ciudades europeas, y también en Nueva York y Buenos Aires, lo que proporcionó a su obra una considerable resonancia internacional. Dejó también famosos retratos (Unamuno, Marañón, Falla) y hermosos cuadros de paisajes.

En su estilo pueden observarse las huellas del influjo de El Greco, Velázquez y Goya, como puede observarse en uno de sus cuadros más celebrados, El enano Gregorio. El tema de El enano Gregorio se inspira en los maestros del siglo XVII, en Velázquez principalmente. En esta época, los enanos y las personas que presentaban algún tipo de anormalidad física o psíquica servían de diversión en la corte real o en el séquito de los grandes señores.

Los maestros de aquel siglo retrataban a estos desgraciados personajes y no se limitaban a reflejar una imagen superficial, sino que también ponían de manifiesto su mundo espiritual. El enano Gregorio es un retrato de este tipo. La cara del enano es muy expresiva a pesar de su deformación. Denota inteligencia, tenacidad y algo de pillería campesina. Parece ser dueño de una gran fuerza interior que contrasta con su anormalidad física.

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FRANCISCO BORES (Madrid 1898 - Paris 1970)

19. FRANCISCO BORES (Madrid 1898 - Paris 1970)

http://es.wikipedia.org/wiki/Francisco_Bores

1898 Nace en Madrid el 6 de mayo. 1915 Tras terminar sus estudios en el Colegio de la Concepción, estudia Caminos y Derecho: dejará ambas carreras inacabadas para dedicarse a la pintura. 1916 Ingresa en la academia de Cecilio Pla, donde permanecerá tres años. Primeros estudios con... Ver mas
1898 Nace en Madrid el 6 de mayo.

1915 Tras terminar sus estudios en el Colegio de la Concepción, estudia Caminos y Derecho: dejará ambas carreras inacabadas para dedicarse a la pintura.

1916 Ingresa en la academia de Cecilio Pla, donde permanecerá tres años. Primeros estudios con modelos. Comparte enseñanza entre otros con Pancho Cossío, Manuel Ángeles Ortiz y Joaquín Peinado.
En el Museo del Prado realiza copias de Velázquez, Goya y Tiziano.

1921 Sus cuadros son rechazados en la Exposición Nacional.

1922 Participa en la Exposición Nacional de Bellas Artes o Salones Oficiales.

1923 Se relaciona con el movimiento ultraísta. Frecuenta los círculos literarios y participa en las principales tertulias. Desde ese momento y hasta 1928, colabora publicando grabados en madera y xilografías en diversas revistas, como Alfar, Horizonte, Tobogán, Cruz y Raya, Índice, Sí, España. Realiza numerosas viñetas de cubierta de la Revista de Occidente. Asiste a la Academia libre de Julio Moisés donde coincide con Dalí y Benjamín Palencia.

1925 Participa en La Primera Exposición de la Sociedad de Artistas Ibéricos, celebrada en Madrid, con dieciséis óleos y dos acuarelas. Ante la falta de interés hacia el joven arte - como el de Dalí, Moreno Villa, Palencia o Alberto - decide marcharse a París.
En París, se reúne con su amigo Cossío, instalándose en un estudio de la avenida du Maine, en el barrio de Montparnasse. Sufre un primer revés al ver sus obras rechazadas en el Salón de otoño.
Conoce a Picasso y a Juan Gris.
Realiza la cubierta del El Decamerón Negro de Leon Frobenius (Revista de Occidente).

1926 Verano en Juan-les-Pins donde coincide, entre otros, con Joaquín Peinado y Sabartés.

1927 Calle Julie, 1928 Traslada su estudio calle Julie. Primeros contactos con los marchantes Jacques Bernheim y Léonce Rosenberg y con las galerías Pierre y Percier. Firma su primer contrato con la Galería Percier donde celebra su primera exposición individual en junio.
Primer artículo elogioso del crítico y editor Tériade en el número 3 de la revista Cahiers d'art.
En Madrid aparece La Gaceta Literaria en la que se publican un artículo de Benjamín Jarnés sobre Bores y la traducción del de Tériade.
Ilustra con cuatro dibujos el libro de poemas de José María Hinojosa La rosa de los vientos (Málaga, séptimo suplemento de Litoral).
Aumenta el círculo de sus amistades: Jules Supervielle, Max Jacob, Jean Cocteau, Raymond Radiguet, Louis Aragon, André Breton, Paul Eluard, Christian Zervos, Man Ray... A través de Tériade, conoce a Suzanne Roger y André Beaudin.

1928 Se publica el libro de poemas de Jules Supervielle Saisir editado por la NRF, con un retrato del autor por Bores, grabado en madera por Georges Aubert.
Exposición colectiva en la Valentine Gallery de Nueva York: Viñes, Beaudin, Borès.
Expone en el Salón de las Tuillerías y en el primer Salón de los Verdaderos Independientes.

1929 Empieza a pintar de manera menos abstracta. En el verano, viaja a Grasse y Cros de Cagnes, acompañado por Raïa Perewozka, a la que había conocido en 1928 en París en el Café du Dôme. "...una estancia en el Midi, en los alrededores de Grasse, precipita las cosas: me sentí subyugado por la luz, por los frutos, por las mujeres de aquella región. Y me puse de nuevo a pintar paisajes y figuras".
Expone en el Salón de los Superindependientes..
Participa en la Exposición de pinturas y esculturas de españoles residentes en París celebrada en el Jardín Botánico de Madrid, y en varias colectivas, una en Zurich, Peintres de París y dos en la Galería Vavin-Raspail de París en mayo y octubre respectivamente.

1930 Se casa con Raïa. Son testigos Tériade y el pintor Abraham Rattner. Estancia en la Costa Azul con Tériade, cerca de Grasse, y luego en Cagnes-sur-Mer, con Picasso, Olga y su hijo Paulo.
Sigue pintando paisajes y naturalezas muertas del natural.
Participa en dos colectivas, una en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, y otra en el Casino de San Sebastián: Exposición de Arquitectura y Pintura modernas (Cossío, Picasso, Gris, Viñes, Pruna, Ponce de León, Moreno Villa, Uzelai, Maruja Mallo, Bores, Alfonso Olivares, M.Ángeles Ortiz, Maura Salas, J.Peinado, Olasagasti, Cabanas Eurausquin y Miró).

1931 Exposición individual en la Galería Georges Bernheim de París, con obras de

1927 a 1931 Sigue participando cada año en el Salón de los Surindépendants, donde acudirá anualmente hasta 1938 y luego de manera más esporádica.
Participa en tres colectivas: en la Galería Georges Petit de París, Obras recientes de: Beaudin, Borès, Cossío, Dalí, Giacometti, Laurens, Lurçat, Marcoussis, Masson, Max Ernst, Miró, Ozenfant, Torres-García, Zadkine, en San Sebastian, en una muestra de la Sociedad de Artistas Ibéricos, y en Nueva Orleans, en la exposición Peintres de Paris.
Nace en Lucerna su hija Carmen.
Firma un contrato con el marchante suizo Max Berger, director de la Galería Vavin-Raspail de París, relación que mantendrá hasta el cierre de la galería en 1934.
Número monográfico en la revista Les Arts plastiques, núm. 10, publicada por las ediciones de la Galerie Vavin-Raspail. Entre 1931 y 1932 cambia dos veces de estudio; primero en el número 147 de la calle Broca, y luego, en el número 76 de la calle des Plantes con su familia.
Conoce a los escultores Henri Laurens y Alberto Giacometti y al diplomático y escritor Paul Petit.

1932 Exposición individual en la Galería Vavin-Raspail. "Más precisión en la forma y más intensidad en el color... Nuevas investigaciones de pintura pura a través de un tema poco importante"
Pasa el verano en Vinaroz con su familia; pinta paisajes.

1933 Exposición individual en la Galería Vavin-Raspail, con obras cuyos "temas son más realistas".
Participa en la Sociedad de Artistas Ibéricos en Berlín y en una colectiva en la Galería Vavin-Raspail.
Vacaciones en Varangeville con su familia y Pierre Reverdy, coincidiendo allí con Georges Braque y su mujer.
Cambia de estudio y se instala con Raïa y su hija en la calle de la Glacière. Por razones económicas, Raïa y Carmen se marchan a Madrid, a casa de su madre.

1934 Exposición conjunta con André Beaudin y Salvador Dalí en la Zwemmer Gallery de Londres. Participa en la exposición Minotaure en el Palais des Beaux-Arts de Bruselas.
Ilustra con un aguafuerte el libro de poemas de Louis Bauguion Coeur au Zénith (París, cahiers libres).
Realiza la cubierta del número 5 de la revista Minotaure. Colabora con cuatro dibujos en el número 12 de la revista Cruz y Raya.

1935 Contrato con la Zwemmer Gallery de Londres para realizar una exposición individual en el mes de noviembre.
Ilustra el libro de poemas de Jean-Paul Collet La Vie même (París, G.L.M.) y colabora con dibujos en La Bête noire.
Participa en la exposición Peinture et Sculpture en el Colegio de España en la Ciudad Universitaria de París.
Primeros contactos con Daniel-Henry Khanweiler, director de la Galería Simon de París, en julio con la firma de un contrato renovable.
En septiembre, regresa a España con su familia. Permanece en Madrid hasta el estallido de la Guerra Civil.

1936 Participa en la exposición L´Art espagnol contemporain en el Jeu de Paume de París.
Exposición individual en The Arts Club of Chicago.

1937 Se traslada a vivir a la calle Villa Saint-Jacques, estudio que conservará hasta el final de su vida.
Nace en París su hijo Daniel, llamado así en deferencia a Daniel-Henry Khanweiler. Primera exposición individual en la Galería Simon.
Participa en el Pabellón de España en el Petit Palais y en dos colectivas en Estocolmo y Copenhague.

1938 Exposición individual en The Stanley Rose Gallery de Hollywood.

1939 Exposición individual en la Buchholz Gallery de Nueva York.
Estalla la Segunda Guerra Mundial. Se marcha con su familia a San Juan de Luz.

1940 Estancia en San Juan de Luz. Se ve casi a diario con Matisse.

1941 Regresa con su familia a París.
Participa en la muestra Vingt jeunes peintres de tradition française en la Galería Braun de París.
Sigue trabajando para la Galería Simon y se compromete con la Galería Alfred Poyet.

1942 Trabaja para la Galería Renou et Colle.

1943 Ante el empeoramiento de la situación en Francia, se marcha a Madrid con su familia. Regresa a París en septiembre, su familia permanecerá en España hasta 1945.
Presentación del libro Cinq peintres d´aujourd´hui (Borès, Beaudin, Gischia, Estève, Pignon) con un texto de Roger Lesbats, editado por André Léjard.
Deja la Galería Simon y sigue con la Galería Renou et Colle y la Galería Alfred Poyet.
Primeros contactos con el marchante Louis Carré que le compra algunas obras.

1944 Pinta uno de los pocos cuadros de grandes dimensiones de esa época, L´été.
Exposición individual en la Galería Renou et Colle.

1945 Participa en numerosas exposiciones colectivas, tanto en Francia como en otros lugares: Bruselas, Roma, Nueva York, Dublín, Otawa, Luxemburgo, La Haya.

1946 Dos exposiciones individuales en la Galería de France de París y las Galerias Apollo de Bruselas.
Participa en Praga en la exposición El Arte en la España Republicana - Artistas Españoles de la Escuela de París con la obra Espagne 1937 y en París en la exposición Art et Résistance.
Gracias al pintor danés Mogens Andersen, reanuda sus contactos con Dinamarca y Suecia.

1947 Los museos franceses adquieren la obra Nature morte au biscuit, una de las numerosas adquisiciones que seguirán hasta los años sesenta, consiguiendo de esta forma una representación muy significativa de la obra de Bores repartida entre museos y El Fondo Nacional.

1948 Exposición individual en el Kunstforeningen de Copenhague.

1949 Cuatro exposiciones individuales en la Galería Moos de Ginebra y Zurich, en la Galería Per de Oslo y en la Galería de France de París.
El Museo de Arte Moderno de Nueva York compra L'Essayage (Souvenir imaginaire), obra de 1934, la de mayores dimensiones realizada por Bores.

1950 Exposiciones individuales en la Galería Pierre de París, en la Birchs Kunsthandel de Copenhague, y en el Konstmuseum de Aalborg.

1951 Entra a formar parte del grupo de artistas de la Galería Louis Carré de París.
Exposición individual en la Galería Artek de Helsinki, y varias colectivas, entre otras L'Ecole de París 1900-1950 en la Royal Academy of Arts de Londres y Peintres Parisiens de la Deuxième génération en la Kunsthalle de Basilea.
Nace su primera nieta Anne.

1952 Participa en la exposición Malerei in París Heute en la Kunsthaus de Zurich.

1953 Interviene en varias exposiciones colectivas en Lausana, Turín, Gotemburgo, Japón, Australia, Israel y en la Galería Louis Carré.

1954 Primera exposición individual en la Galería Louis Carré, con obras de 1951 a

1954 Se edita un catálogo con un texto de presentación de Tériade y viñetas e ilustraciones de Bores.
Repite la muestra en la Svensk-Franska Konstgalleriet de Estocolmo.

1955 Participa en numerosas exposiciones colectivas.
Primera colaboración en el premio del Carnegie Institute de Pittsburgh con Le Pêcheur de 1953, obra elegida para el cartel del evento.
Expondrá regularmente en la Galería Charpentier de París de 1954 a 1959 en la exposición anual dedicada a la Escuela de París.
Nace su segunda nieta Hélène.

1956 Exposición individual en la Galerie Louis Carré con prólogo de Jacques Lassaigne en el catálogo.
Articulo monográfico de Jean Grenier en la revista L'Œil.

1957 Exposición individual en la Galerie Louis Carré, con prólogo de Jacques Lassaigne y entrevista de Jean-José Marchand.

1958 Participa en la Guggenheim International Award en
The Salomón R. Guggenheim Museum de Nueva York.

1959 Segunda colaboración en el premio del Carnegie Institute de Pittsburgh con Nu devant la mer de 1957.
Exposición individual de gouaches en la Galería du Pont Royal de París.

1960 Tres exposiciones individuales dos en Nueva York en Albert Loeb Gallery y Pierre Berés Inc. y otra en la Molton Gallery de Londres, principalmente obras sobre papel.

1961 Exposición individual en la Galería Marya de Copenhague. Publicación de una monografía sobre su obra, con un texto de Jean Grenier y litografías originales editadas por Verve.
Realiza una serie de litografías para ilustrar las obras completas de Albert Camus (París, Imprimerie nationale, André Sauret éditeur, 1962)

1962 Exposición individual en la Galería Louis Carré de París.

1963 Exposición antológica en la Crane Kalman Gallery de Londres

1964 Primera exposición de gouaches en la Galería Villand et Galanis de París.
Realiza vidrieras para la Capilla del Seminario de Montbrison en Francia e ilustra con una serie de cinco linograbados El Llanto por la muerte de Ignacio Sánchez Mejias de Federico García Lorca para una editorial alemana.

1966 Es nombrado Officier de L'Ordre des Arts et des Lettres.
Exposición individual en la Galería Villand et Galanis, con prólogo de R.V. Gindertael en el catálogo.
Ilustra para la editorial Propyläen de Berlín Le neveu de Rameau de Diderot.

1967 Dos exposiciones individuales en la Galería Pagani de Milán y en la Galería Villand et Galanis.
Sigue participando en el Salon de otoño y en una colectiva en la Crane Kalman Gallery.

1968 Pinta muy pocos óleos y experimenta con el rotulador, dejando una producción muy importante de dibujos de características muy particulares.

1969 Exposición individual de gouaches en la Galería Georges Bongers de París.
Participa en dos exposiciones colectivas en la Crane Kalman Gallery y en la Galería Theo de Madrid.

1970 Exposición individual de gouaches en Esch s/Alzette, Luxemburgo.

1971 Exposición antológica en la Crane Kalman Gallery.
Exposición de sus obras recientes en la Galería Theo de Madrid.

1972 Francisco Bores fallece en París el 10 de mayo.

Ref: http://franciscobores.com/biograf.htm

EXPOSICIONES:

Ateneo de Madrid, 1922
Galerie Percier, París, junio 1927
Galerie Georges Bernheim, París, mayo 1931
Galerie Vavin-Raspail, París, junio 1932
Galerie Vavin-Raspail, París, junio 1933
Zwemmer Gallery, Londres, noviembre-diciembre 1935
The Arts Club of Chicago, febrero-marzo 1936
Galerie Simon, París, abril-mayo 1937
The Stanley Rose Galleries, Hollywood, Borès-First american exhibition, enero 1938
Buchholz Gallery, Nueva York, Paintings, water-colors, octubre 1939
Galerie Renou et Colle, París œuvres récentes, diciembre 1944
Galerie de France, París, abril-mayo 1946
Galeries Apollo, Bruselas, noviembre-diciembre 1946
Kunstforeningen, Copenhague, marzo-abril 1948
Galerie Georges Moos, Ginebra, febrero-marzo 1949
Galleri Per, Oslo- Noruega, febrero-marzo 1949
Galerie Georges Moos, Zurich, marzo 1949
Galerie de France, París, mayo-junio 1949
Galerie Pierre, París, junio 1950
Birchs Kunsthandel, Copenhague, agosto 1950
Galerie Artek, Helsinki-Finlandia, febrero 1951
Aalborg Kuntforening, Dinamarca, septiembre-octubre 1954
Galerie Louis Carré, París, Peintures nouvelles, abril-mayo 1954
Svensk-Franska konstgalleriet, Estocolmo, octubre 1954
Galerie Louis Carré, París, mayo-junio 1956
Galerie Louis Carré, París, junio-julio 1957
Galerie du Pont-Royal, París, Gouaches, noviembre-diciembre 1959
Pierre Berès Inc., Nueva York, Recent watercolors, diciembre 1959-enero 1960
Albert Loeb gallery, Nueva York, febrero-marzo 1960
Molton Gallery, Londres, Gouaches and Drawings, julio-agosto 1960
Galerie Marya, Copenhague, Peintures, gouaches, dessins, noviembre 1961
Galerie Louis Carré, París, Vingt-et-une peintures 1958-1962, abril-mayo 1962
Crane Kalman Gallery, Londres, Paintings 1928-1962, abril-mayo 1963
Galerie Villand et Galanis, París, Gouaches récentes, marzo 1964.
Galerie Argos, Nantes, Borès - Huiles, Gouaches, noviembre-diciembre 1964
Galerie Schmücking, Braunschweig, Gouaches, diciembre 1964
Galerie Bettie Thommem, Basilea, diciembre 1965
Galerie Villand et Galanis, Paris, Peintures récentes, abril-junio 1966
Galleria Pagani, Milán, marzo 1967
Galerie Villand et Galanis, Paris, Pastels et dessins, mayo-junio 1967
Galerie Georges Bongers, París, Gouaches rècentes, marzo-abril 1969
Galerie d'Art Municipale, Esch s/Alzette, Gouaches 1970
Galerie de l'Armorial, Bruselas, Gouaches, mayo-Junio 1971
Crane Kalman Gallery, Londres, Paintings 1928-1970, junio-julio 1971
Galería Theo, Madrid, noviembre 1971
Galatheo, Valencia, Óleos, Acuarelas, Dibujos, noviembre 1973
Galerie Kriegel, Gouaches, Galerie Sapiro, Dessins, Peintures, París, abril-mayo 1974
Galerie de France et du Benelux, Bruselas, Peintures, Gouaches, Dessins, mayo-junio 1974
Galerie du Salin, Uzès, Borès-Dessins, octubre 1974
Sala Celini, Madrid, Gouaches, Acuarelas, abril-mayo 1975
Galerie Villand el Galanis, París, Peintures de 1927 a 1971, diciembre 1975 - enero 1976
Musée d'Histoire et d' Art, Luxemburgo, Francisco Borès Rétrospective, febrero-marzo 1976
Salas de exposiciones de la Dirección General del Patrimonio Artístico y Cultural, Madrid, Francisco Bores 1898-1972 Exposición Antológica, octubre-diciembre 1976
Galerie Numaga, Auvernier-Suiza, Dessins, Gouaches et Présentation de l'ouvrage Le Diderot de Borès, noviembre-diciembre 1976
Galería Bética, Madrid, Gouaches, enero 1977
Galería Juana Mordo, Madrid, Dibujos, enero 1977
Galería Theo, Barcelona, febrero 1977
Galería Theo, Valencia, Bores Antológica, marzo 1977
Caja de Ahorros Municipal, Vigo, mayo 1977
Caja Provincial de Ahorros, Cuenca, Óleos 1926-1936, agosto 1978
Exposición itinerante de dibujos (Donación Bores) -Museos de España- 1978
Galería Sen, Madrid, 1966 Bores desconocido 1968, septiembre-octubre 1978
Promociones de arte, Santander, octubre 1978
Galería Bética, Madrid, Óleos de 1926 a 1942, noviembre 1978
Galería Ignacio de Lassaletta, Barcelona, Antológica, noviembre-diciembre 1978
Galería Rua, Santander, Dibujos desconocidos realizados entre 1966 y 1968, enero-febrero 1979
Galería Grisalla, Valladolid, Dibujos, abril 1979
Galería Carmen Bores, Madrid, Setenta Gouaches, febrero-marzo 1980
Fiac 80, Grand-Palais, París, Galería Carmen Bores -Madrid
Galería Tolmo, Toledo, Gouaches, febrero 1981
Galería Bética, Madrid, Personajes, mayo-junio 1981
Galería Litoral, Alicante, Oleos, Gouaches, Dibujos, marzo 1982
Artcurial, París, Borès Rétrospective 1923-1972, abril-julio 1982
Galería Biosca, Madrid, Antológica, octubre 1982
Museo Municipal de Bellas Artes, Santander, Antológica 1926-1972, agosto 1985
Museo Pablo Gargallo, Zaragoza, Natures mortes, octubre-noviembre 1986
Arco 87, Madrid, Galería Leandro Navarro -Madrid
Galería Greca, Barcelona, Dibujos, Gouaches, abril-mayo 1988
Joan Oliver Maneu Galería d'Art, Palma de Mallorca, octubre 1988
MEAC, Madrid, Colección BORES en los fondos del MEAC, 1988
Arco 89, Madrid, Galerie Louis Carré & Cie -París
Exposición itinerante, España, octubre 1990-noviembre 1991, Bores en las colecciones del estado
Galería Theo, Valencia, Bores 1898-1972 Exposición homenaje, diciembre 1991-febrero 1992
Galería Jorge Mara, Madrid, Obras de los años 30 y 40, febrero-abril1992
Galería Jorge Mara, Madrid, Obras de los años cincuenta y sesenta, octubre 1993-enero 1994.
IberCaja, Zaragoza, abril-mayo 1994 - Galería de arte Hélène Rooryck, Pamplona, junio-julio 1994, El interiorismo en Bores.
Ansorena, Madrid, enero-marzo 1995
Galería Margarita Summers, Madrid, mayo-junio 1996- Galería PS, Burgos, junio-julio 1996, Bores-del natural-1943-1958
Guillermo de Osma Galería, Madrid, diciembre 1996-febrero 1997- Oriol Galeria d'art, Barcelona, febrero-marzo 1997, Bores nuevo. Los años veinte y treinta.
Galeríe Renou et Poyet, París, octubre 1997
Galerìa Elvira González, Madrid, Exposición Homenaje Centenario Francisco Bores abril-mayo 1998
Residencia de Estudiantes, Madrid, Francisco Bores. El Ultraísmo y el ambiente literario madrileño 1921-1925, septiembre-noviembre 1999
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Bores esencial. Exposición antológica 1926-1971, Bores-Dibujos. Colecciones del MNCARS, septiembre-noviembre 1999
Museo Ramón Gaya, Murcia, Del natural. Francisco Bores, enero-marzo 2000
Galería Leandro Navarro, Madrid Francisco Bores Antológica sobre papel, marzo-mayo 2001

Ref: http://franciscobores.com/expo.htm

MUSEOS:

Fonds national d'Art contemporain, París
Musée d'Art moderne de la Ville de Paris - MAM
Musée national d'Art moderne - Centre Georges Pompidou, París
Musée des Beaux-Arts de Bordeaux - Francia
Musée de Grenoble - Francia
Palais des Beaux-Arts de Lille - Francia
Musée municipal de Limoges - Francia
Musée des Beaux-Arts de Nantes - Francia
Musée Paul Valéry, Sète - Francia
Musée d'Art moderne de Troyes - Francia - Donación Pierre y Denise Lévy.
Musée d'Art moderne de Lille Métropole, Villeneuve d'Ascq - Francia - Donación Geneviève y Jean Masurel
Musée Zervos, Vezelay - Francia
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid - Donación Bores (21 óleos, 150 dibujos, 10 gouaches y 35 bocetos para vidrieras)
Museo Municipal de Arte contemporáneo, Madrid
Institut Valenciá d'Art Modern, Generalitat Valenciana - España
Museo de Bellas Artes, Bilbao -España
Galleria Civica d' Arte Moderna e Contemporanea Museo Cívico di Torino- Italia
National Gallery Aleyandros Soutzos Museum, Atenas -Grecia
Musée national d'Histoire et d'Art, Luxemburgo
Kunsthaus Zürich - Suiza
Goteborgs konstmuseum, Gotemburgo - Suecia
Moderna Museet, Estocolmo - Suecia
Národní Galerie, Praga - República Checa
Moravian Gallery, Brno - República Checa
Scottish National Gallery of Modern Art, Edimburgo - Escocia
The Museum of Modern Art, MoMA, Nueva York
Wadsworth Atheneum, Hartford, Connecticut - EE.UU
Baltimore Museum of Art, EE.UU
The Israel Museum, Jerusalén - Israel
Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos - Aires - Argentina
Fundación Arte y Tecnología, Telefónica, Madrid - España
Fundación Santander Central Hispano, Madrid - España
Colección de Arte Caja Madrid, Madrid - España
C.A.C. Museo Patio Herreriano, Valladolid - España
Artium de Álava, Vitoria-Gasteiz - España
Château - Musée de Dieppe - Francia
Musée Tavet-Dabacour, Pontoise Colección Association Les Amis de Jeanne et Otto Freundlich

Ref: http://franciscobores.com/museo.htm

Obra expuesta: Paisaje.Oleo sobre carton, 35,5 x 46 cm ,firmado y fechado Bores 43 . Colección privada

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JUAN JOSE COBO BARQUERA  (Comillas 1902- Santander 1984)

20. JUAN JOSE COBO BARQUERA (Comillas 1902- Santander 1984)

http://www.josedelamano.com/pages/juanjosecobobarquera_b....

Juan Jose Cobo Barquera nació en Comillas en 1902 y fue pensionado por la Diputación de Santander para cursar los estudios de Bellas Artes en Madrid, donde fue alumno en la Escuela de San Fernando y asistió también a las clases de Vázquez Díaz. Quizá su mayor error fue el no quedarse en Madrid y... Ver mas
Juan Jose Cobo Barquera nació en Comillas en 1902 y fue pensionado por la Diputación de Santander para cursar los estudios de Bellas Artes en Madrid, donde fue alumno en la Escuela de San Fernando y asistió también a las clases de Vázquez Díaz. Quizá su mayor error fue el no quedarse en Madrid y haber completado su formación. Prefirió regresar a su querido pueblo de Comillas y exponer con preferencia en Santander y Torrelavega.

Fue profesor de dibujo primero en el Instituto Marqués de Santillana de Torrelavega y luego en el Instituto Santa Clara y Colegio San Agustin (PP agustinos) de Santander.

Los que le trataron cuentan muchas anécdotas producto de su ingenio. Hombre de derechas y religioso no sabemos cómo y por qué fue detenido y trasladado al buque prisión «Alfonso Pérez». Tal vez ese ingenio que tenía le salvo de la matanza, dado su carácter sencillo y dialogante con los guardianes.La primera vez que lo conocí recibí una lección que no he olvidado, cuando quise por cortesía dejarle pasar delante de mí para coger el ascensor del Ateneo. Como sólo había espacio para una persona, me mandó entrar y me dijo: «pase usted primero, joven, porque hay que respetar la prioridad, ya que lo que tenemos es porque lo poseemos antes que otros y porque no nos lo pueden quitar».

Solamente las personas de edad de Comillas y algunos alumnos y compañeros suyos, de Torrelavega y Santander, recuerdan a Juan José Cobo Barquera. El tiempo no perdona y ello explica que no se le haya incluido en la galería de pintores y no aparezca reseñado, injustamente, en la Gran Enciclopedia de Cantabria. Quizá fue un pintor tradicional, paisajista y nada proclive a los vanguardismos, pero no se puede negar su valoración como dibujante, ilustrador, escritor y conferenciante provinciano. Solamente Leopoldo Rodríguez Alcalde, siempre generoso, le menciona en su libro «Crónica del veraneo regio» (1991) con estas palabras: «Juan José Cobo Barquera, ingeniosísimo y también devoto de su creación, ágil y nervioso de línea, sencillo de color, buen conocedor de la historia de la pintura, figura irremplazable durante muchos años en el cálido ambiente artístico de Santander». Fundador del Salon de los Independientes con los pintores Arronte, Jose Luis Florit, Servando del Pilar, Isaias Diaz, Pablo Celaya , Ponce de Leon, Diaz Caneja, y Lopez-Obrero, acudió a las Exposiciones de Artistas Independientes de 1929 y a la de 1930 en la que se sumaron a los anteriores Enrique Climent, Francisco Mateos, Navarro Ramón, Ontañón, Santiago Pelegrín, Puyol y Rodríguez Luna .

La siguiente actuación de Juan José Cobo Barquera fue en otra nueva asociación de pintores y escultores, nacida en marzo de 1932 con el nombre de Artistas en Acción, al lado de Arronte, Juan Borrás, Ferrer, Florit, Gil y Waldo Insúa entre otros y acudio a la Nacional de Bellas Artes cuando era profesor en el curso 1932-1933 en el Instituto Marqués de Santillana de Torrelavega.

Escritores y amigos suyos alabaron su ingenio y humor. César González Ruano dijo que era una de las personas con más inteligencia natural que había conocido. Con Pancho Cossío tuvo buena amistad. Quizá valga la pena recordar la opinión del crítico Manuel Abril ('Blanco y Negro', 1-3-1931) respecto a la exposición de Cobo en el salón del 'Heraldo', a la que llama primera exposición de un «estudiante», en la que alaba sus aptitudes de «hombre que estudia mucho, que ensaya, que aprende y que avanza». Al año siguiente expuso en el XII Salón de otoño de Madrid el paisaje «Madrid desde la Casa de Campo».

José Simón Cabarga ha señalado su participación en las tertulias y conferencias el Ateneo de nuestra ciudad y su asistencia a la Biblioteca de Menéndez Pelayo, donde saludaba a su amigo Ignacio Aguilera. Por encargo suyo escribió el volumen dedicado, con selección y estudio, a la pintora «María Blanchard» (1952), en la «Colección de escritores y artistas montañeses». Cabarga anota igualmente la conferencia que pronunció en abril de 1942 sobre el pintor Agustín Riancho y las diferentes exposiciones que hizo en el Ateneo: la de óleos en noviembre de 1928, la dedicada a la Feria de Muestras de Arte Regional en julio de 1932; la de junio de 1939 en que expuso cuatro lienzos para el retablo de la iglesia de Ruiseñada, la efectuada en agosto de 1952 , y la de febrero de 1965.

En 1936 escribió «5 romances de Laredo» que le prologó Manuel Llano y en 1979 ilustró «Cuando marchan las aves» (de «Monteazor», de su amigo Llano), editado por las Artes Gráficas Gonzalo Bedia para felicitar a sus clientes. Todavía hay que recordar el retrato que hizo, muy conseguido, de José Gutiérrez Solana y que aparece en el libro reeditado por Ediciones Estudio, «Cara y máscara de José Gutiérrez Solana». En el Ateneo se conserva un retrato a lápiz de Pereda efectuado en 1979.
Benito Madariaga--Cobo Barquera, un pintor olvidado. D.M 8/12/10

En los años 1958 a 1963,. dio clases de dibujo artistico en el antiguo Colegio San Agustin (PP. agustinos) en la calle de Alcazar de Toledo y eran un gran aficionado a los caramelos de malvavisco, que vendian en la confiteria Gomez de la calle San Jose.

Fue profesor de pintores, entre los que destaco Jose Luis Merino del Nero (Santander 1932 - Monshein-Alemania 1999).



Bibiografia:

Diccionario de Pintores y Escultores Españoles del Siglo XX.

Diccionario de Pintores ,segunda mitad del Siglo XX.

Crónica del veraneo regio» (1991) . Leopoldo R. Alcalde.-

Santander y la Vanguardia . 1900-1960 . Universidad de Cantabria.

Cantabria. Editorial Mediterraneo.

La Pintura Montañesa. IEE. 1975 . Martinez Cerezo.

-5 Romances de Laredo-. Cobo Barquera. Prol. Manuel Llano.

-Cuando marchan las aves-. Manuel llano

-Cara y máscara de José Gutiérrez Solana-. Edicciones Estvdio.

-Merino del Nero. 1994 . Maria Ealo de Sa. Concejalia de Cultura Ayto Santander

WANDER Klinische Diätetik. Monsheim, Alemania 1987.


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Obra: Arrabal de Toledo. Oleo tabla . 1977 firmado. Coleccion particular

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EMILIO BOSCH ROGER  ( Barcelona 1894- 1980)

21. EMILIO BOSCH ROGER ( Barcelona 1894- 1980)

http://ca.wikipedia.org/wiki/Emili_Bosch_i_Roger

BOSCH ROGER, Emilio (Barcelona 1894 – 1980). Pintor autodidacta, frecuentó algunas academias barcelonesas, dedicándose en sus comienzos a trabajos de escenografía para pasar posteriormente a la pintura de caballete. Se le considera integrante de la generación pictórica de 1917, y fue miembro... Ver mas
BOSCH ROGER, Emilio (Barcelona 1894 – 1980). Pintor autodidacta, frecuentó algunas academias barcelonesas, dedicándose en sus comienzos a trabajos de escenografía para pasar posteriormente a la pintura de caballete.

Se le considera integrante de la generación pictórica de 1917, y fue miembro fundador de la “Agrupacion de Artistas Catalanes” junto con Jaime Mercadé, Jose de Togores y Manuel Humbert.

Su primera exposición fue en las Galerías Dalmau el 1926, celebrando después sendas muestras monográficas en la Sala Parés y en las Galerías Layetanas. Desde 1930, en que obtuvo el premio Cambó del concurso “Barcelona vista por sus artístas”. las exposiciones personales del pintor, se suceden con abundancia, al igual que su participación en muestras colectivas diversas, tanto en su ciudad, como en Madrid, Lisboa, Bruselas, California etc. Tambien participa en las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes los años 1942 y 1944.

A lo largo de su brillante trayectoria artística, fue distinguido con importantes y numerosos premios, en certámenes como La Bienal Hispanoamericana, el Salón de Primavera, los del Real Círculo Artístico de Barcelona.etc.. Influenciado inicialmente por el fauvismo, deriva más adelante hacia un tipo de pintura más constructiva. La mayor parte de sus obras son paisajes urbanos y suburbanos, aunque obró bastantes bodegones, y realizó alguna incursión en temas de figura. Se le conocen también una serie de panorámicas de la ciudad de Copenhague.

Hay que hacer constar que a principios de los años cincuenta, junto con Josep Amat es considerado como uno de los mejores intérpretes del paisaje de Barcelona. Con una pincelada ágil y vigorosa supo proporcionar a sus cuadros una fuerza rítmica, una fluidez dinámica, prácticamente independientes de sus a veces sórdidos pretextos temáticos.

Fue miembro fundador de la agrupación de Artistas Catalanes y socio del Salón de los pintores llamados evolucionistas.

Su obra se encuentra encuentra en numerosas instituciones publicas y colecciones privadas de Europa y America.

Varias de sus obras han sido subastadas en la Sala Christie' de Nueva York alcanzando precios entre 20.000 y 30.000 dolares.-

Museo de Arte Contemporaneo de Barcelona; Museo Municipal de Tossa de Mar ; Museo de Bellas Artes de Bilbao, Museo de Valls ,

Obra:

Arco de... Oleo lienzo pegado a carton, 40 x 30 cms, firmado Bosch Roger abajo a la derecha circa 1950 . Coleccion privada.

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SALVADOR DALI (Figueras, Gerona, 1904 - Púbol, 1989)

22. SALVADOR DALI (Figueras, Gerona, 1904 - Púbol, 1989)

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/dali.htm

(Figueres, Gerona, 1904 - Púbol, 1989) Pintor español. Salvador Dalí y Domenech ,nació en una madrugada de la primavera de 1904 en el seno de una familia burguesa, hijo de un notario bienpensante y de una sensible dama aficionada a los pájaros. Más tarde escribiría: "A los tres años quería ser... Ver mas
(Figueres, Gerona, 1904 - Púbol, 1989) Pintor español. Salvador Dalí y Domenech ,nació en una madrugada de la primavera de 1904 en el seno de una familia burguesa, hijo de un notario bienpensante y de una sensible dama aficionada a los pájaros. Más tarde escribiría: "A los tres años quería ser cocinero. A los cinco quería ser Napoleón. Mi ambición no ha hecho más que crecer y ahora es la de llegar a ser Salvador Dalí y nada más. Por otra parte, esto es muy difícil, ya que, a medida que me acerco a Salvador Dalí, él se aleja de mí".

Puesto que la persecución sería incesante y el objetivo no habría de alcanzarse nunca y, dado que en ningún recodo de su biografía estaba previsto que hallara el equilibrio y la paz, decidió ser excesivo en todo, intrepretar numerosos personajes y sublimar su angustia en una pluralidad de delirios humorísticos y sórdidos. Se definió a sí mismo como "perverso polimorfo, rezagado y anarquizante", "blando, débil y repulsivo", aunque para conquistar esta laboriosa imagen publicitaria antes hubo de salvar algunas pruebas iniciáticas, y si el juego favorito de su primera infancia era vestir el traje de rey, ya hacia sus diez años, cuando se pinta como El niño enfermo, explora las ventajas de aparentar una constitución frágil y nerviosa.

Su precocidad es sorprendente: a los doce años descubre el estilo de los impresionistas franceses y se hace impresionista, a los catorce ya ha trabado conocimiento con el arte de Picasso y se ha hecho cubista y a los quince se ha convertido en editor de la revista Studium, donde dibuja brillantes pastiches para la sección titulada "Los grandes maestros de la Pintura".

En 1919 abandona su Cataluña natal y se traslada a Madrid, ingresa en la Academia de Bellas Artes y se hace amigo del gran poeta granadino Federico García Lorca y del futuro cineasta surrealista Luis Buñuel, de quien sin embargo se distanciará irreversiblemente en 1930. En la capital adopta un extraordinario atuendo: lleva los cabellos largos, una corbata desproporcionadamente grande y una capa que arrastra hasta los pies. A veces luce una camisa azul cielo, adornada con gemelos de zafiro, se sujeta el pelo con una redecilla y lo lustra con barniz para óleo. Es difícil que su presencia pase desapercibida.

En los revueltos y conflictivos meses de 1923 sufre un desafortunado contratiempo. En la Academia de Bellas Artes a la que está adscrito se producen manifestaciones en contra de un profesor, y antes de que dé comienzo el discurso oficial y se desate la violenta polémica, Salvador abandona la sala. Las autoridades creen que con este gesto ha sido él quien ha dado la señal de ataque y rebelión y deciden expulsarlo durante un año. Después, de nuevo en Figueras, los guardias vienen a detenerlo y pasa una temporada en la cárcel.

A la salida de prisión recibirá dos alegrías. La primera, una prensa para grabado que su padre le regala, y la segunda, la visita de su excelente compañero de la Residencia de Estudiantes de Madrid Federico García Lorca, quien, en las calurosas noches del verano de Cadaqués, lee a toda la familia Dalí sus versos y dramas recién compuestos. Es allí, junto al Mediterráneo, donde García Lorca redacta la célebre "Oda a Salvador Dalí", publicada unos años después, en 1929, en la Revista de Occidente. Pronto será también Luis Buñuel quien llegue a Cadaqués para trabajar con su amigo Salvador en un guión cinematográfico absolutamente atípico y del que surgirá una película tan extraña como es El perro andaluz.

En 1927 Dalí viaja por primera vez a París, pero es al año siguiente cuando se instala en la capital francesa y se une al grupo surrealista que lidera el poeta André Breton. Este último terminará expulsándolo del movimiento algunos años después, en una memorable sesión de enjuiciamiento a la que Dalí compareció cubierto con una manta y con un termómetro en la boca, aparentando ficticiamente estar aquejado de fiebre y convirtiendo así el opresivo juicio en una ridícula farsa.

La triple acusación a la que tuvo entonces que enfrentarse Dalí fue: coquetear con los fascismos, hacer gala de un catolicismo delirante y sentir una pasión desmedida e irrefrenable por el dinero. A esto precisamente alude el célebre apodo anagramático con que fue motejado por Breton, Avida dolars, acusación que lejos de desagradar al pintor le proporcionaba un secreto e irónico placer. De hecho, después de conocer a la que sería su musa y compañera durante toda su vida, Gala, entonces todavía esposa de otro surrealista, el poeta Paul Eluard, Dalí declaró románticamente: "Amo a Gala más que a mi madre, más que a mi padre, más que a Picasso y más, incluso, que al dinero."

Salvador se enamoró de Gala en el verano de 1929 y con ella gozó por primera vez de las mieles del erotismo. Es la época en que pinta Adecuación del deseo, Placeres iluminados y El gran masturbador, pintura esta última que fue atacada y desgarrada por el fanático grupo puritano los Camelots du Roy. Mientras tiene lugar una exposición de sus obras en la Galería Goemans de París, la joven y apasionada pareja se refugia y aísla en la Costa Azul, pasando los días y las noches encerrados en una pequeña habitación de un hotel con los postigos cerrados.

Enterado el padre de Salvador de la vida disoluta de su hijo por un artículo de Eugenio d'Ors aparecido en La Gaceta Literaria, rompe relaciones con su vástago; pero ello no debió afectarlo demasiado, o quizás sí, puesto que es en esa época en que el artista realiza lo mejor de su obra, como el célebre cuadro Persistencia de la memoria (1931), donde blandos relojes cuelgan de la rama de un árbol, del borde de un pedestal y sobre una misteriosa forma tendida en la vasta extensión de la playa.

En 1934 viaja con su ya inseparable Gala a Estados Unidos, donde desembarca y se presenta ante los periodistas con un enorme pan cocido por el cocinero del trasatlántico que les ha transportado. En sus erráticas manifestaciones no duda en asociar el mito hitleriano con el teléfono y a Lenin con el béisbol. Son todas bromas absurdas que tratan de quitar hierro a una situación política amenazante. Dos años después se desata la atroz guerra civil en España y una de las primeras muestras de la probidad de los militares insurrectos es el infame asesinato de su amigo Federico García Lorca, crimen que conmocionó a la opinión pública internacional. Dalí escribió: "Lorca tenía personalidad para dar y vender, la suficiente para ser fusilado, antes que cualquier otro, por cualquier español."

En 1938 conoce por fin, gracias al escritor vienés Stefan Zweig, a Sigmund Freud, quien había sido el gran inspirador de la estética surrealista, de la que Dalí no se siente marginado pese a las bravatas de Breton, sino que por el contrario se considera el único y más genuino exponente. El padre del psiconálisis había dado pábulo a la nueva indagación del inconsciente con su libro La interpretación de los sueños (1900), pero nunca se había tomado demasiado en serio a sus jóvenes admiradores de París.

No obstante, el 20 de julio de 1938, tras el encuentro, Freud anotó en su diario: "Hasta entonces me sentía tentado de considerar a los surrealistas, que aparentemente me han elegido como santo patrón, como locos integrales (digamos al 95%, como el alcohol puro). Aquel joven español, con sus espléndidos ojos de fanático e innegable dominio técnico, me movió a reconsiderar mi opinión". Por su parte, el artista realizó asombrosos y alucinantes retratos del "santo patrón" de los surrealistas.

Instalado otra vez en Nueva York en 1939, Dalí acepta un encargo para decorar unos escaparates comerciales. El tema que elige es el del Día y la Noche, el primero evocado por un maniquí que se mete en una bañera peluda y la segunda, por medio de brasas y paños negros extendidos, pero la dirección modifica el decorado sin consultar al autor. Dalí, iracundo, vuelca la bañera de astracán llena de agua y la lanza contra los cristales del escaparate produciendo un gran estrépito y un notable destrozo.

Pese a que la opinión pública norteamericana le aplaude el vigor con que ha sabido defender la propiedad intelectual, es juzgado por los tribunales y condenado a pagar los desperfectos. Tampoco consigue concluir su siguiente proyecto para decorar un pabellón de la Feria Internacional de Nueva York, el cual debía llevar el significativo título de Sueño de Venus.

A España regresó en 1948, fijando su residencia de nuevo en Port-Lligat y hallando en el régimen del general Franco toda suerte de facilidades. El gobierno incluso declaró aquel rincón catalán que tanto fascinaba al pintor "Paraje pintoresco de interés nacional". Para muchos historiadores del arte lo mejor de su obra ya había sido realizado y, sin embargo, aún le quedaban cuarenta años de caprichosa producción y de irreductible endiosamiento y exhibicionismo, con apariciones públicas del estilo de la que protagonizó en diciembre de 1955, cuando se personó en la Universidad de la Sorbona de París para dar una conferencia en un Rolls Royce repleto de coliflores. En vida del artista incluso se fundó un Museo Dalí en Figueras; ese escenográfico, abigarrado y extraño monumento a su proverbial egolatría es uno de los museos más visitados de España.

Durante los años setenta, Dalí, que había declarado que la pintura era "una fotografía hecha a mano", fue el avalador del estilo hiperrealista internacional que, saliendo de su paleta, no resultó menos inquietante que su prolija indagación anterior sobre el ilimitado y equívoco universo onírico. Pero quien más y quien menos recuerda mejor que sus cuadros su repulsivo bigote engominado, y no falta quien afirme haberlo visto en el Liceo, el lujoso teatro de la ópera de Barcelona, elegantemente ataviado con frac y luciendo en el bolsillo de la pechera, a guisa de vistoso pañuelo, una fláccida tortilla a la francesa.

En su testamento, el controvertido artista legaba gran parte de su patrimonio al Estado español, provocando de ese modo, incluso después de su muerte, acaecida en 1989, tras una larga agonía, nuevas y enconadas polémicas. El novelista Italo Calvino escribió que "nada es más falsificable que el inconsciente"; acaso esta verdad paradójica y antifreudiana sea la gran lección del creador del método paranoico-crítico, de ese maestro del histrionismo y la propaganda, de ese pintor desaforado y perfeccionista, de ese eximio prestidigitador y extravagante ciudadano que fue Salvador Dalí. El chiflado prolífico del Ampurdán, la llanura catalana barrida por el vertiginoso viento del norte que recoge las suaves olas del mar Mediterráneo en una costa tortuosa y arriscada, descubrió el arte de la mixtificación y el simulacro, de la mentira, el disimulo y el disfraz antes incluso de aprender a manejar su lápiz con la exactitud disparatada y estéril de los sueños.

Su longeva existencia, tercamente consagrada a torturar la materia y los lienzos con los frutos más perversos de su feraz imaginación, se mantuvo igualmente fiel a un paisaje deslumbrante de su infancia: Port-Lligat, una bahía abrazada de rocas donde el espíritu se remansa, ora para elevarse hacia los misterios más sublimes, ora para corromperse como las aguas quietas. Místico y narciso, Salvador Dalí, quizás uno de los mayores pintores del siglo XX, convirtió la irresponsabilidad provocativa no en una ética, pero sí en una estética, una lúgubre estética donde lo bello ya no se concibe sin que contenga el inquietante fulgor de lo siniestro. Dalí exhibió de forma provocativa todas las circunstancias íntimas de su vida y su pensamiento.

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ANTONIO CASERO SANZ (Madrid 1897- 1973)

23. ANTONIO CASERO SANZ (Madrid 1897- 1973)

http://www.artnet.com/artist/696421/antonio-casero.html

CASERO SANZ, Antonio Madrid (1897 – 1973) Desde temprana edad, destacó por su facilidad para la pintura. Sus primeros maestros fueron Ricardo Marín y Carlos Verger, del que fue discípulo en la Escuela e Bellas Artes de Madrid. Estudió derecho e ingresó como funcionario en el Ayuntamiento de la... Ver mas
CASERO SANZ, Antonio Madrid (1897 – 1973) Desde temprana edad, destacó por su facilidad para la pintura. Sus primeros maestros fueron Ricardo Marín y Carlos Verger, del que fue discípulo en la Escuela e Bellas Artes de Madrid. Estudió derecho e ingresó como funcionario en el Ayuntamiento de la capital. En el Museo Municipal coincidió con Manuel Machado.

La obra de Antonio Casero está indisolublemente unida a la tauromaquia, de la que ha sido considerado como uno de sus referentes gráficos más valorados. Ejecutadas con diversas técnicas que abarcan desde el óleo hasta las más gestuales, como la plumilla o la acuarela, las estampas taurinas de Casero son tan seguras en su dibujo ágil y de trazo suelto como rigurosas en su conocimiento del ritual taurino. Por ello, desempeñó desde el período de postguerra una cada vez mayor actividad ilustradora, tanto de carteles para ferias taurinas, especialmente la de Madrid, como para revistas.

Su actividad de ilustrador de publicaciones se inició en el periódico Heraldo de Madrid, componiendo el grueso de su obra sus colaboraciones en ABC y en Blanco y Negro.

Durante más de cuarenta años, realizó los apuntes fugaces en el periódico ABC sobre temas taurinos. Sus dibujos del Madrid antiguo y sus costumbres, bastarían para hacerle conocido y apreciado. Paralelamente a esta actividad ilustradora, expuso en numerosas ocasiones sus lienzos de temática también taurina en los que el empleó la técnica del óleo, si bien carente del dinamismo de su faceta gráfica, supo reflejar con maestría el colorido de las corridas. Su acento más logrado está en los guaches, en los que la tauromaquia se despoja de sus tintes sombríos y se convierte en una fiesta de luz y color.

Fue miembro de la Asociación Española de Pintores y Escultores, y a lo largo de su trayectoria recibió diversas menciones honoríficas, como la del Salón de Otoño de Madrid.

El mayor coleccionista de sus obras es el propio Ayuntamiento de Madrid, quien reprodujo una mínima parte de ellas en el libro "La Tauromaquia" de Antonio Casero, editado en junio de 1982, con ocasión del homenaje que le tributaron con la colocación de una placa en la fachada del edificio donde vivió y murió, en la calle San Bernardo su ciudad natal. -

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Dibujante, pintor, grabador y cartelista muy ligado a la estética taurina. Discípulo de Ricardo Marín, cursa estudios de Derecho (que abandona) y de pintura en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando, donde siente especial predilección por el maestro grabador Carlos Verger. Funcionario del Ayuntamiento de Madrid, con destino en el Museo Municipal, inicia su colaboración gráfica con el "Heraldo de Madrid". Posteriormente, colaboraría con "ABC" y "Blanco y Negro" y con las principales revistas taurinas del país, y realizaría carteles de toros para prácticamente todas las plazas de España. MEDALLA DE PLATA DE MADRID

Bibliografia:

Diccionario de Pintores y Escultores Españoles del Siglo XX. Forum Artis.

Obra: Torero. Guache 16 x 12 cm. Firmado. Coleccion privada.

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BLAS BENLLIURE GIL (Valencia 1852 - Madrid 1936)

24. BLAS BENLLIURE GIL (Valencia 1852 - Madrid 1936)

http://espaciocusachs.blogspot.com/2011/04/los-benlliure-...

Pintor y decorador . Miembro de una familia de artistas. Fue el mayor de los cuatro hermanos Blas, Jose, Juan Antonio y Mariano . Aprendio con su maestro y padre de profesion marino, pintor y decorador Juan Antonio Benlliure Tomas, y acudia a la Escuela de Artes y Oficios de Valencia y... Ver mas
Pintor y decorador . Miembro de una familia de artistas. Fue el mayor de los cuatro hermanos Blas, Jose, Juan Antonio y Mariano . Aprendio con su maestro y padre de profesion marino, pintor y decorador Juan Antonio Benlliure Tomas, y acudia a la Escuela de Artes y Oficios de Valencia y posteriormente estuvo en la Academia Española de Roma y en Asis , siendo su hermano Jose el director de la misma . Ayudo mucho a su padre a sacar adelante a sus hermanos, perdiendo grandes oportunidades.

Colaboro con su hermano Jose en la culminacion de algunas obras de este pintando las flores, como ocurrio estando en Italia donde sirvio de modelo a su hermano Jose para el magnifico cuadro representando a "San Francisco de Asis en su lecho de muerte". Blas, pintor admirable de flores,pidio permiso a su hermano y lo obtuvo, para colocar unas flores sobre "su cuerpo muerto" en el emotivo lienzo, donde la serena paz envuelve el rostro y el cuerpo del santo de Asis. (Los Benlliure y su epoca pag 120)

En 1892 consiguio la Tercera Medalla en la Exposicion Nacional de Bellas Artes, con el cuadro Refrectorio de Asis. (Museo de Bellas Artes Pio V de Valencia)

Se especializo en bodegones y floreros, adquiriendo buena fama lo que le valio muchos encargos y fue a residir a Bilbao donde abrio un estudio de pintura y decoro numerosas casas palacio en Vizcaya y Cantabria donde exponia en verano en la Libreria Correa en la calle La Blanca en Santander ( donde fue adquirida la obra que se expone ) y posteriormente en el Madrid de la alta burguesia con la que estuvo bien relacionado, era una hombre elegante y de facil palabra .

En 1918 fue nombrado conservador y restaurador del Museo de Arte Moderno de Madrid.

Tiene el Museo del Prado la obra " Carceles de San Francisco " oleo sobre lienzo de 45 x 71 cms ,firmado y fechado en 1890 y los Museos de San Pio de Valencia , la Casa Museo de Benlliure en Valencia , el Museo Patronato de la Alhambra de Granada.... Fallecio en Madrid en junio de 1936.

Bibliografia:

Historia y Critica de las Exposiones Nacionales de Bellas Artes. de Bernardino de Pantorba.
Diccionario de Pintores Valencianos
Diccionario de Pintores y Escultores Españoles del Siglo XX . VV.AA.
Diccionario Rafols de Pintores de Cataluña, Baleares y Valencia.-
Los Benlliure, retrato de familia. Cat Expo.Consorcio de los Museos de Valencia.
Los Benlliure y su epoca. Por Vicente Vidal Corella.
La Saga de Los Benlliure : Retratos de una familia de artistas valencianos de Francisco Agramunt Lacruz
Guia de fondos del Museo del Prado.


http://kraustex.blogspot.com/2007/05/benlliure-una-familia-de-artistas.html


Obra: Forma parte de una pareja de floreros, el otro en fondo azul y marco azul . Oleo lienzo .61 x 45 cms. Coleccion particular de Santander

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JOSE BENLLIURE GIL (Cañamelar-Valencia 1855-1937)

25. JOSE BENLLIURE GIL (Cañamelar-Valencia 1855-1937)

http://kraustex.blogspot.com/2007/05/jos-benlliure-gil.html

José Benlliure Gil, nació en Cañamelar el 30 de septiembre de 1855. En 1867 entra en el estudio de Francisco Domingo Marques, en calidad de aprendiz, y al mismo tiempo se matricula en la escuela de bellas artes de Valencia, todo ello siendo un niño de apenas 12 años de edad. Con 14 años... Ver mas
José Benlliure Gil, nació en Cañamelar el 30 de septiembre de 1855.

En 1867 entra en el estudio de Francisco Domingo Marques, en calidad de aprendiz, y al mismo tiempo se matricula en la escuela de bellas artes de Valencia, todo ello siendo un niño de apenas 12 años de edad.


Con 14 años de edad, José Benlliure realiza los retratos de la familia del Rey Amadeo de Saboya (el retrato de su mujer e hijos) así como también los retratos del Duque de Aosta y del Conde de Turín.


En 1872, contando ya 17 años, José Benlliure Gil es premiado con 750 pesetas para sus estudios, y gracias a ello, José viaja a París.


En 1878, instalado en Madrid, José Benlliure pinta “el descanso en la Marcha” cuadro por el que obtiene una tercera medalla. Ese mismo año, consigue otra tercera medalla con el cuadro “Gólgota”, “el Gólgota, o escena del calvario” es comprado por el estado español por la nada despreciable cantidad de 3000 pesetas, dinero que permitiría al joven José Benlliure Gil viajar a Roma, en esta ciudad conocerá a otros artistas españoles como J Villegas, A Mas i Fondevila, L Álvarez Cátala y otros.

Un año mas tarde su hermano Mariano, (uno de los mas grandes escultores de la historia, y sin duda el mas grande del siglo XIX) se reúne con él en París.


En 1880, regresa a Valencia para casarse con María Ortiz, y el mismo día de la boda regresa a Roma, por supuesto acompañado por su mujer.

Desde Roma, José Benlliure Gil no cesa de trabajar, realizando innumerables acuarelas y óleos de temática costumbrista, cuadros que son vendidos sobretodo en Inglaterra.

En 1884 consigue la medalla de plata en la exposición internacional de Londres.

En 1887 obtiene primera medalla en la exposición nacional con el cuadro “la visión del coliseo”, con dicho cuadro se presenta en 1891 en la exposición internacional de Munich, donde se le concede la medalla de oro de primera clase, y el gobierno Alemán le otorga la “cruz de San Miguel” y es nombrado académico de Bellas Artes de Munich.

La carrera de Benlliure prosigue en ascenso, obteniendo galardones y medallas por su
trabajo, como las medallas de la Legión de Honor, la de Isabel la Católica y otras, así como nombramientos como Académico de la Escuela de San Luca de Roma, de la Academia Brera de Milán, miembro de la Hispanic Society de Nueva York, director del
Museo de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, y un largo etcétera…

Desde 1913, José Benlliure se trasladó a vivir a Valencia, don de falleció el 5 de abril de 1937, eso sí, no sin antes ser nombrado hijo predilecto de la ciudad.

Es una pena que la pintura de José Benlliure Gil, pesé a ser numerosa, es casi imposible de encontrar reunida en cantidad y calidad, ya que al ser un artista de gran éxito, su obra esta dispersa por todo el mundo.

Es de destacar también, que José Benlliure Gil perteneció a una familia de artistas , sus hermanos , Blas, Juan Antonio y Mariano, este escultor de gran fama internacional,

Kraustex.


Obra: El descanso en la marcha .Oleo lienzo, 1876 (118 x 168 cm) Museo de Bellas Artes de Valencia , Valencia

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FERNANDO CALDERON ( Santander 1928 - 2004)

26. FERNANDO CALDERON ( Santander 1928 - 2004)

http://www.anomalia.org/g033.htm

Fernando Calderón López de Arroyabe nace en Santander el 30 de diciembre de 1928 en el seno de una familia acomodada. Sus padres Fernando Calderón Gómez de Rueda y su madre Teresa López de Arroyabe – de los que él se confiesa ser el favorito- tienen común afición y sensibilidad hacia las artes... Ver mas
Fernando Calderón López de Arroyabe nace en Santander el 30 de diciembre de 1928 en el seno de una familia acomodada. Sus padres Fernando Calderón Gómez de Rueda y su madre Teresa López de Arroyabe – de los que él se confiesa ser el favorito- tienen común afición y sensibilidad hacia las artes. En su casa se vivía un ambiente cultural que el padre potencia. Coleccionista con obras de Solana, Quirós, Riancho, Cossío, promueve reuniones de artistas y literatos en su casa de Villa Asunción, ambiente que impregna a sus hijos que se inclinarán por la música, la escultura y el dibujo. Ambos ejercieron una fuerte influencia en la formación tanto humana como artística en la persona de Fernando.

Vivió sus primeros años en Villa Asunción, anclaje, raíz y puerto sereno a lo largo de toda su vida, en un mundo especial que sus padres se esforzaron por construir y preservar. Rodeado de toda su familia, ese mundo irreal le ayudó a superar los tiempos difíciles de la guerra civil. Quizá como consecuencia de estos años y su personalidad tendió siempre a la dispersión, al caos y la desorganización, fuertemente influenciada por una formación liberal no sujeta a la disciplina y los cánones. Es por ello por lo que fue un mal estudiante y por lo que encajó mal su estancia en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en Madrid.

Fue un talento precoz “Los dibujos me salen de las manos. Es algo que no puedo controlar...”, con 11 años gana un concurso de dibujo en Radio Santander, con 13 le hacen su primer encargo, la escultura de un fauno, a los 19 su primera exposición en la Sala Alerta de Santander. Su prodigiosa mano se vio influenciada en su formación artística por la contemplación de las pinturas de Altamira, por las ilustraciones de Arthur Rackham, Agustin Riancho, Flavio San Roman, Juan Jose Cobo Barquera, Pancho Cossío, Jose G. Solana, Walt Disney y Miguel Angel. De la evidente influencia de Solana en su pintura él mismo dice: “El arte de Solana me ha influenciado hasta la médula. Muchas de mis mejores composiciones, muchos de mis cuadros de ambiente marinero, del Puertochico que se nos fue, muestran a las claras su influjo”. Entre 1943 y 1949 realiza varios murales dentro y fuera de Cantabria. Es bueno porque es auténtico, dice Lucía Solana de él.


En los grandes espacios es donde su dibujo fluye con fuerza, la línea fuerte y segura y el control de las expresiones. Fuertemente influenciado por Miguel Angel cursa estudios en la Escuela de Bellas Artes de Madrid (1946-49), en la que confiesa que no aprendía. En 1949 marcha a Roma, allí asiste a clases de anatomía y desnudos, realizando no menos de cinco murales en el Consulado Español, Oficina de Turismo de Roma y en el Mercado Español de Artesanía de la misma ciudad. Todo lo que aprendió y respiró durante esa etapa italiana es lo que sostiene su creación hasta su muerte. “Italia es mi patria espiritual y mi alma está en Roma”, repetía cuantas veces quisiéramos escucharlo.

Su verdadero espacio como artista está en los murales, de los que ha dejado buena muestra en diversos países. El encargo de la capilla de Loeches (Mausoleo de la Casa de Alba) por el Duque de Alba, es el que aclara sus dudas sobre el estilo personal y aquí se demuestra su influencia de los frescos de la Capilla Sixtina, que desde muy pequeño tanta huella dejaron en él.

Su obra mural se extiende en el espacio y en el tiempo desde su Santander natal, 1943, Roma, Ronda (Málaga), Bilbao, Pedreña, Loeches (Madrid), Sevilla, Iglesia de Argoños, Priorato de Saint Osyth, Essex, Inglaterra, St. Andrews, New York, USA, Museo Nacional de Antropología, México, Palencia, N. Yersey, USA, El Tornaviaje, Manzanillo, México, Iglesias, Los Carmelitas, Santa Lucia ,Bien Aparecida, Ayuntamiento de Santander, Hotel Chiqui .... hasta cerrar el ciclo con los murales del Aeropuerto de Santander en 1977.

Sin embargo, Fernando Calderón se debía a la materialidad de la vida y su obra creativa se veía condicionada por los cientos de encargos, fundamentalmente retratos, que le obligaban a un tipo de pintura encorsetada, pero magistral, en la que él no se encontraba cómodo. Existe una extensísima lista de retratos realizados a lo largo de todos los años de actividad creadora, desde S.M. El Rey D. Juan Carlos I de 1999, diplomáticos, personalidades de la política, las artes, los medios de comunicación, periodistas, músicos ilustres, amigos, hasta los de sus progenitores y hermanos de los primeros años.

Cuando en 1998 Julio Arcas le propone la realización de una serie dedicada a las anomalías científicas, Fernando Calderón descubrió un campo lleno de viejas interrogantes que le proporcionaba una gran libertad en la manifestación artística, hecho puesto de manifiesto en una reunión celebrada en una lluviosa tarde de finales del 98 en el Hotel Real de Santander en la que estuvimos presentes, Fernando Calderón, Manuel Pedrajo, Julio Arcas, Joaquín Díaz y José Ruesga, en la que con chispeante ilusión en los ojos nos mostraba cada una de las obras que había creado en pocos meses y que se agolpaban en dos voluminosas carpetas, a las que iba acompañando de jocosos comentarios y bromas que su ingenio ponía en cada trazo o figura. Llegaron a ser cerca de un centenar las que constituyeron la muestra “Ícaro en Urantia” de 1999 en Caja Cantabria en Santander, y ya con la pesada carga de la enfermedad que le llevó a la muerte, aún siguió durante meses creando nuevas imágenes en un postrer esfuerzo por completar una amplia visión de lo que él entendía como la manifestación física del mito moderno. “Lo que nos obstinamos en llamar realidad no es más que una diminuta parcela del caos que hemos vallado y colonizado para no sucumbir al vértigo de un universo cuya magnitud y complejidad nos desborda “.

En lo personal era culto, educado, exquisito en el trato, gran conversador, entrañable y vital. Gran atracción y curiosidad por lo físico, la vida y los instintos. Su obra es reflejo de su fascinación por la anatomía del hombre, los animales que le rodean, las máquinas, y los objetos. Fuentes de sensaciones e ideas que fluyen hasta el final de la vida.

Francisco de Cossío en la Real Academia de Bellas Artes, diría:

“Podemos considerar a Fernando Calderón como un moderno enraizado en la gran tradición de la buena pintura, pero sin menoscabar su inquietud, que le lleva a una originalidad fuera de todos los “ismos” que, por el camino de la moda, pasarán, como todas las modas, para que sobreviva como toda personalidad fuerte y sincera, que es la única forma para que el Arte, siendo, en su momento, nuevo, termine siendo clásico”.

Fernando Calderón tuvo una vida plena y una obra amplia y rica en muchos de los matices que constituían su personalidad. Fue reconocido en otras partes del mundo como el Miguel Angel del siglo XX, pero no llegó a tener el reconocimiento tácito en su tierra, cuando fue una de las grandes figuras del arte cántabro del siglo pasado.

Falleció en Santander el 12 de abril de 2003 tras luchar duramente contra el cáncer. Su familia, con el mismo fino y exquisito estilo que caracterizó al artista, conectó rápidamente con la propuesta que le hacía Fundación Anomalía y donó 109 obras suyas, que son las que constituyen el germen del Proyecto Ícaro, que hoy dedicamos a su memoria y que esperamos ver hecho realidad en los próximos años.


Obra: Mural del Altar Mayor de la Iglesia de Argoños- Cantabria

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CARLOS SANSEGUNDO CASTAÑEDA(Santander 1928-Palma Mallorca 2010)

27. CARLOS SANSEGUNDO CASTAÑEDA(Santander 1928-Palma Mallorca 2010)

http://www.eldiariomontanes.es/v/20101229/cultura/obituar...

El artista Carlos Sansegundo, residente de Ibiza, es clave en el panorama artístico español del último tercio del siglo XX, aunque este hecho es desconocido para la mayoría. Pocos artistas españoles han sido y son tan auténticamente modernos como él y han vivido los furiosos años artísticos en... Ver mas
El artista Carlos Sansegundo, residente de Ibiza, es clave en el panorama artístico español del último tercio del siglo XX, aunque este hecho es desconocido para la mayoría. Pocos artistas españoles han sido y son tan auténticamente modernos como él y han vivido los furiosos años artísticos en los 50 y 60 también a un nivel internacional, con plena simultaneidad y actualidad. Llegó a conocer a Alberto Giacometti en París y a Henry Moore en Londres, y ha participado del movimiento Pop Art en los principios de los años 60 y ha empleado influencias de de Robert Rauschenberg y Andy Warhol de modo muy creativo. También ha expuesto varias veces con mucho éxito en Nueva York y colaboró activamente en los grupos internacional de arte “Ibiza 59” y con el “Grupo Hondo”. Su obra ha sido y sigue siendo realmente moderna y contemporánea, cosmopolita e internacional, inquieta e intuitiva, generosa y apasionada. Es un real y furioso testimonio de su tiempo, siempre fiel a sí mismo y auténtico como ninguno.

Escultor y pintor. Formado en Inglaterra, en 1945 llegó a Paris, presentando su obra en 1950 en "Forms el Magie", junto a su maestro Henry Moore, Max Ernst y Picasso, antes de trasladarse a Ibiza, donde entró en contacto con el "Grupo 59", en cuyas exposiciones participó. También expuso en la galería El Corsario, y más tarde en el Pabellón Español de la Feria de Nueva York (1964), ciudad en la que residió durante diez años. En 1974, regresó a Ibiza y mostró sus esculturas en la galería Ivan Spencel.

A partir de 1976, alterna su residencia entre Nueva York y Madrid, donde ese mismo año celebró una exposición en la sala Ruiz Castillo, haciéndolo también en Nueva York y Toronto (Canada). Partió de una figuración organicista, cuyas formas se fragmentan y se insertan en elementos constructivos, llegando en ciertas ocasiones a participar de los cánones del minimal.

Se deja seducir en sus piezas por la propia sugerencia del material que utiliza: madera, bronce, mármol, etc., realizando trabajos intiutivos, en los que el fragmento del cuerpo humano de referencia se agiganta no sólo en el formato escultórico, sino también en la visión o en el criterio artístico. Está representado en la colección de la Fundación Guggenheim.

Dentro de unos años seras valorado como mereces, dentro del Pop Art español , el numero 1 , con diferencia ,no te subiste a las corrientes politicas donde otros han conseguido nombre mas por esa circustancia que por su valor artistico. Siempre fuiste un bohemio existencialista y pintaste lo que quisiste , no basandote en el mercado mercantilista por eso el tiempo pone a cada uno en su sitio. Estaras junto a tus grandes amigos de tu etapa americana Pollock ,Rauchemberg, Linchistein, De Kooning , y al padrino de una de tus numerosas bodas Andy Warhol.-

http://www.diariodemallorca.es/sociedad-cultura/2010/12/28/muere-carlos-san-segundo-aventurero-pop-art/631717.html





http://es.wikipedia.org/wiki/Carlos_Sansegundo

http://www.ibicasa.com/es/art/09-35-carlos.php

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ANTONIO QUIROS (Santander 1918-Londres 1984)

28. ANTONIO QUIROS (Santander 1918-Londres 1984)

http://es.wikipedia.org/wiki/Antonio_Quir%C3%B3s

antonio ruiz arroyo "antonio quiros" Representante del expresionismo figurativo contemporáneo español, comienza su formación artística asistiendo a las clases del pintor academicista Fernando Garcia Camoyano. En una primera etapa, cabe destacar la influencia, a veces ausencia, de su tía la... Ver mas
antonio ruiz arroyo "antonio quiros"
Representante del expresionismo figurativo contemporáneo español, comienza su formación artística asistiendo a las clases del pintor academicista Fernando Garcia Camoyano. En una primera etapa, cabe destacar la influencia, a veces ausencia, de su tía la pintura cubista María Blanchard. Se trata de las primeras obras de los años treinta donde Antonio Quirós emula las fórmulas del cubismo: la descomposición de los cuerpos en formas geométricas.

Su verdadera relación con la vanguardia artística se inicia de la mano de grandes escritores como Gerardo Diego y Federico García Lorca aunque el estallido de la guerra civil viene a cerrar ese episodio. Tras luchar en el bando republicano se exilia como tantos otros a Francia. Su actividad artística no se iniciara de nuevo hasta el final de la Segunda Guerra Mundial. En París y tras asistir a las clases de la Academia Julian y de la Grande Chaumére consigue realizar las primeras exposiciones individuales y colectivas que, poco a poco, le abren camino hacia Cannes, Ámsterdam, Estocolmo y muchas otras ciudades. Su pintura ha cambiado notablemente y se centra, en esos momentos, en la vía de la abstracción europea donde cabe destacar el aumento .
Muy pronto regresa a su cuidad natal donde cambia de nuevo de registro pictórico ahora centrado en la renovación figurativa de la pintura española. En 1951 se instala en Madrid y, cinco años más tarde, consigue realizar su primera exposición individual en el Ateneo que le sirve de trampolín para comenzar a ser conocido. En 1953 participa en la Exposición Internacional de Arte Abstracto celebrada en el Museo de Bellas Artes de Santander y en 1960 en la de El Retrato Español Actual que organiza el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

Sus obras como en estos Personajes se pueblan de seres extraños que habitan atmósferas y ambientes tenebrosos. Personajes inertes, enigmáticos, misteriosos, esotéricos sumergidos en el mundo de la enajenación y resueltos con gruesas pinceladas de colores fríos que arañan el lienzo y se completan con una capa de esmaltado final aumentado esa sensación de delirio y desequilibrio típico del expresionismo figurativo. Antonio Quirós dio forma a un mundo personal compuesto por personajes deformados, máquinas y otros artilugios que deforman la realidad constantemente y la despojan de todo sentimiento.
Copiado de galeria@josedelamano.com

Obra. Oleo lienzo 99 x 80. Coleccion particular.-

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NESTOR DE LA TORRE (Las Palmas de Gran Canaria,  1887 -  1938)

29. NESTOR DE LA TORRE (Las Palmas de Gran Canaria, 1887 - 1938)

http://es.wikipedia.org/wiki/N%C3%A9stor_Mart%C3%ADn-Fern...

Néstor Martín- Fernández de la Torre (1887-1938) 1887. Nace el 7 de febrero en Las Palmas de Gran Canaria. 1897. En el Colegio de San Agustín recibe lecciones de dibujo de Nicolás Massieu. 1899. El pintor catalán Eliseu Meifrén i Roig lo acoge como discípulo. 1902. Ya en Madrid, entra a... Ver mas
Néstor Martín- Fernández de la Torre (1887-1938)
1887. Nace el 7 de febrero en Las Palmas de Gran Canaria.
1897. En el Colegio de San Agustín recibe lecciones de dibujo de Nicolás Massieu.
1899. El pintor catalán Eliseu Meifrén i Roig lo acoge como discípulo.
1902. Ya en Madrid, entra a formar parte del taller de Rafael Hidalgo de Caviedes. Realiza sus primeras copias en el Museo del Prado.
1904. Viaja a Londres con la intención de estudiar a los prerrafaelitas y simbolistas. Lee a los parnasianos: Leconte de Lisle, Catule Méndez, Prudhomme…
1905. Estancia del artista en París.
1907. Inaugura estudio en Barcelona. Ciudad en la que expone junto a Meifrén, Benedito, Beruete, Nonell, Canals, Casas, Rusiñol, Beltrán Masses, Gargallo, etc… Pinta su primer cuadro simbolista: La Dama Blanca.
1908. Primera muestra individual en el Círculo Ecuestre de Barcelona.
1910. Representa a España en la Exposition Universelle et Intenationale de Bruselas con la obra Epitalamio.
1911. Recibe el primer premio de aguafuertes en la Escuela Municipal de Londres. De esta época son los grabados El Garrotín y La Macarena.
1912. Es nombrado miembro de la Union Internationale des Beaux Arts et des Lettres de París. Realiza los decorados para la obra Los doce, de Catrine y Saban.
1914. Expone en Madrid y en la exhibición de arte español presentada por la Grafton Gallery, en Londres.
1915. Pastora Imperio estrena en el Teatro Lara de Madrid El Amor Brujo, de Falla, con escenografía y figurines del artista.
1918. Expone en la Sala Witcomb de Buenos Aires.
1923. Entabla amistad en la Residencia de Estudiantes con Federico García Lorca, Alberti, Dalí, Gustavo Durán, Benjamín Palencia, José Caballero…
1924. Triunfa en Madrid con la exposición individual realizada en el Palacio de la Biblioteca y Museos Nacionales, en la que presenta su Poema del Atlántico. Participa en la XIV Exposición Internacional de Arte de Venecia y en la XXIII edición Internacional del Carnegie Institut de Pittsburg (E.E.U.U.).
1927. Antonia Mercé, La Argentina, estrena en la Volksoper de Hamburgo el ballet-pantomima El fandango de candil, con escenografía y vestuario de Néstor.
1928. Reapertura del Teatro Pérez Galdós, remodelado y decorado por Néstor y su hermano Miguel. Traslada su estudio de Madrid a París. Inicia la serie Visiones de Gran Canaria y los bocetos para el Poema de la Tierra.
1929. Diseña la escenografía y los figurines para el ballet Triana de Albéniz, estrenado en la Ópera Cómica de París por la compañía de Antonia Mercé. Confecciona el vestuario a María Kousnetzoff para la Salomé de Strauss y El Aventurero, obra de Augier, para la célebre actriz Cécile Sorel.
1930. Expone en la Galería Charpentier de París y en la Witcomb de Buenos Aires. Le Prince edita las litografías del Poema del Atlántico.
1931. María Kousnetzoff le encarga la escenografía y vestuario para el Don Giovanni de Mozart. Diseña los trajes de representación para las sopranos Grace Moore y la mezzosoprano Conchita Supervía. Expone en el Salón Figaro (París).
1932. Comienza la decoración mural del gran salón de fiestas del Casino de Santa Cruz de Tenerife.
1934. Abandona París para establecerse definitivamente en Las Palmas de Gran Canaria e inicia la campaña que denominará Tipismo. Labor que intentará recuperar los valores etnográficos de Gran Canaria y su proyección turística.
1937. Esboza las trazas del Albergue de la Cruz de Tejeda y el Pueblo Canario. Escribe un manifiesto sobre el turismo bajo el título de “Habla Néstor”.
1938. El 6 de febrero fallece en Las Palmas de Gran Canaria. Meses después lo hará su madre, doña Josefa de La Torre.
1956. El 18 de julio se inaugura el Museo que lleva su nombre.

Obra: Lienzos de Néstor en el Teatro Pérez Galdós.

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CESAR MANRIQUE CABRERA ( Arrecife 1919- Teguise 1992)

30. CESAR MANRIQUE CABRERA ( Arrecife 1919- Teguise 1992)

http://www.cesarmanrique.com/

César Manrique Cabrera (*24 de abril de 1919 Arrecife; † 25 de septiembre de 1992 Teguise) fue un pintor, escultor, arquitecto y artista español originario de la isla de Lanzarote. Compaginó su obra con la defensa de los valores medioambientales de Canarias. Buscó la armonía entre el arte y la... Ver mas
César Manrique Cabrera (*24 de abril de 1919 Arrecife; † 25 de septiembre de 1992 Teguise) fue un pintor, escultor, arquitecto y artista español originario de la isla de Lanzarote. Compaginó su obra con la defensa de los valores medioambientales de Canarias. Buscó la armonía entre el arte y la naturaleza como espacio creativo. Obtuvo, entre otros, el Premio Mundial de Ecología y Turismo y el Premio Europa Nostra.

Tras finalizar sus estudios en la Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid (ciudad en la que vivió entre 1945 y 1964), expone con frecuencia su pintura tanto dentro como fuera de España. Participa en la XXVIII y XXX Bienal de Venecia (1955 y 1960) y en la III Bienal Hispanoamericana de La Habana (1955). En la primera mitad de los cincuenta, se adentra en el arte no figurativo e investiga las cualidades de la materia hasta convertirla en la protagonista esencial de sus composiciones a partir de 1959. Se vincula así —al igual que otros pintores españoles como Antoni Tàpies, Lucio Muñoz, Manuel Millares...— al movimiento informalista de esos años.

Viaja por diversas partes del mundo y, en 1964, se traslada a vivir a Nueva York. El conocimiento directo del expresionismo abstracto americano, del arte pop, la nueva escultura y el arte cinético, le proporcionó una cultura visual fundamental para su trayectoria creativa posterior. En Nueva York, expuso individualmente en tres ocasiones —en 1966, 1967 y 1969— en la galería Catherine Viviano.

En 1966, regresa de manera definitiva a Lanzarote. En la isla, que iniciaba entonces su desarrollo turístico, promueve un modelo de intervención en el territorio en claves de sostenibilidad que procuraba salvaguardar el patrimonio natural y cultural insular; modelo que fue determinante en la declaración de Lanzarote como Reserva de la Biosfera por la UNESCO en 1993.

Paralelamente al compromiso con el territorio insular, Manrique abrió su trabajo creativo hacia otras manifestaciones artísticas. Así, elaboró un nuevo ideario estético, al que denominó arte-naturaleza/naturaleza-arte, que pudo concretar en sus obras paisajísticas, un ejemplo singular de arte público en España: Jameos del Agua, su casa de Tahíche —hoy sede de la Fundación César Manrique—, Mirador del Río, Jardín de Cactus, etc.

Los trabajos suponen la incorporación de un nuevo plano paisajístico a Lanzarote, producido desde la estética artística, pero también desde una propuesta turística singular que tuvo una incidencia económica notable en la vida insular. Este funcionalismo económico y social del arte de Manrique es inédito en la cultura plástica española.

Además de sus intervenciones en Lanzarote, ideó diferentes propuestas en otras islas —Costa Martiánez, (Puerto de la Cruz, Tenerife); Mirador de El Palmarejo (La Gomera); Mirador de La Peña (El Hierro)—. Fuera del archipiélago canario, diseñó el Parque Marítimo del Mediterráneo (Ceuta), el Centro comercial Madrid-2 La Vaguada (Madrid), etc. Son intervenciones, obra pública fundamentalmente, —miradores, jardines, acondicionamientos de espacios degradados, reformas del litoral...—, en las que se mantiene un diálogo respetuoso con el medio natural, integra diversas artes desde una perspectiva funcional, y se ponen en relación valores arquitectónicos de la tradición local con concepciones modernas.

Cultivador de diversos lenguajes creativos —pintura, escultura, urbanismo, arte público...— subyace en el conjunto de su producción artística una manifiesta voluntad de integración con el entorno. Propósito sincrético y totalizador —arte total, en sus palabras— que hizo explícito en sus diseños de espacios públicos. Un esfuerzo de armonización, en definitiva, que no sólo hace referencia a su pasión por la belleza, sino también por la vida.






Obra: Fachada Fundacion Cesar Manrique . Lanzarote.

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CELSO LAGAR  (Ciudad Rodrigo 1891- Sevilla 1966)

31. CELSO LAGAR (Ciudad Rodrigo 1891- Sevilla 1966)

http://www.artespain.com/24-04-2008/pintura/biografia-de-...

Celso Lagar (Ciudad Rodrigo, 4.2.1891-Sevilla, 6.9.1966) ha pasado a la historia del arte del siglo XX como el pintor del circo, pero su vida y obra son mucho más que eso. Sobre todo y ante todo, Lagar, es un digno representante de la consideración social del artista en la contemporaneidad, es... Ver mas
Celso Lagar (Ciudad Rodrigo, 4.2.1891-Sevilla, 6.9.1966) ha pasado a la historia del arte del siglo XX como el pintor del circo, pero su vida y obra son mucho más que eso. Sobre todo y ante todo, Lagar, es un digno representante de la consideración social del artista en la contemporaneidad, es decir, alguien que tras un aprendizaje inicial en la vanguardias históricas de Paris, busca un camino de expresión propio con una serie de temas personales y fácilmente identificables entre sus contemporáneos. Pero, además, Celso Lagar también es un bohemio introvertido, una persona depresiva y absolutamente dependiente de su compañera, Hortense Begué, una escultura con la que compartirá su vida desde que la conoció en 1912 hasta la muerte de ésta en 1956. Nos encontramos, en el caso de Lagar, con un "pintor maldito" (sin gran éxito de público, atormentado, pobre...) que, precisamente por ello, tiene todos los mimbres para triunfar en una época como la actual marcada por el "revival". Así, la fortuna crítica de Lagar ha mejorado considerablemente en los últimos años cuando, coincidiendo con el centenario de su nacimiento, se le ha redescubierto para el público con una serie de exposiciones antológicas.

La trayectoria vital y profesional de Celso Lagar puede dividirse en cuatro etapas bien delimitadas por los acontecimientos históricos que le tocó vivir (las dos guerras mundiales). Las dos grandes guerras influrían poderosamente en la vida de Lagar pero no así en sus planteamientos artísticos marcados, desde su consolidación artística tras la Primera Guerra Mundial, por una temática propia (paisajes, bodegones y, sobre todo, las escenas circenses) y una serie de influencias constantes (Goya, Cezanne...).

La primera de estas etapas será la del aprendizaje que llegará hasta la forzada marcha de París cuando estalle la Primera Guerra Mundial. Quizá como consecuencia del oficio de ebanista de su padre, Gumersindo Lagar, inició su formación en el campo de la escultura. Desde su Ciudad Rodrigo natal marchó a Madrid para entrar a formar parte del taller de uno de los mejores escultores del momento, Miguel Blay. Será el propio Blay quien aconseje a Lagar marchar a Paris a continuar su aprendizaje, justo en el momento en el que la capital francesa era el centro del mundo artístico mundial. Como buen discípulo, Lagar marchará a París aunque antes, durante 1910 y 1911, visitará Barcelona donde entablará una serie de contactos que le serán posteriormente muy útiles.

En marzo de 1911 Lagar llega a París y allí realizará una serie de esculturas, la mayoría de ellas hoy perdidas. Durante esos años es cuando conocerá a Hortense Begué, su compañera el resto de su vida, el insigne escultor Joseph Bernard y a Amedio Modigliani con quien entabla una breve pero intensa amistad que le influenciará poderosamente durante este período. Será precisamente en ese momento cuando, paulatinamente, abandone la escultura en favor de la pintura como se constatará en su regreso a París tras la Primera Guerra Mundial.

El estallido de la Primera Guerra Mundial supondrá, en la vida y obra de Celso Lagar, el inicio de su segunda etapa. Marchará a Barcelona donde permanecerá durante la guerra y, aprovechando los contactos de su anterior estancia, realizará una serie de exposiciones en donde hay una preeminencia ya clara de su labor como pintor que le servirán para lograr un cierto reconocimiento en Cataluña y su carta de presentación, a la postre, a su regreso a París.

Desnudo femenino




Desnudo femenino c. 1918

Retrato



El estallido de la Primera Guerra Mundial supondrá, en la vida y obra de Celso Lagar, el inicio de su segunda etapa. Marchará a Barcelona donde permanecerá durante la guerra y, aprovechando los contactos de su anterior estancia, realizará una serie de exposiciones en donde hay una preeminencia ya clara de su labor como pintor que le servirán para lograr un cierto reconocimiento en Cataluña y su carta de presentación, a la postre, a su regreso a París.



Celso Lagar volverá a Francia en 1919 donde se asentará definitivamente. Nos encontramos, hasta el inicio de la Segunda Guerra Mundial, en el momento de esplendor del artista. Durante este período, Lagar expondrá sus obras en las mejores galerias parisinas, su producción es abundante y constante, su estilo se personalizará y su dedicación a la pintura será plena. Tanto en su residencia en París como en sus estancias, desde 1928, en Normandía desarrollára un producción artística con unos temas muy concretos: bodegones, reminiscencias españolas, paisajes y sus celebradas escenas circenses. Pasado ya el período de influencias vanguardistas de todo tipo (cubismo, fouvismo, etc.), Celso Lagar encontrará un camino propio marcado fundamentalmente por la inspiración goyesca y picasiana. Paulatinamente su paleta se hace más fría pero los temas siguen siendo los mismos y el reconocimiento de crítica y público aumentará.


El estallido de la Segunda Guerra Mundial será el inicio del fin de la época dorada de Lagar. Obligado a emigrar de París con la ocupación nazi, Lagar y Hortense se refugian en los Pirineos franceses en medio de unas condiciones de vida muy difíciles que pudieron afectar al equilibrio psicológico del artista. El regreso tras la liberación de París, aunque no fracasado, no tuvo tanta repercusión como el autor creía. Su tiempo había pasado. Lagar continuará su camino artístico con los mismos temas e idéntica técnica pero el coleccionista ya buscaba nuevos otros contenidos y modos. Aunque las exposiciones continúan, éstas ya no son en las mejores galerías y las ventas se resienten. Poco a poco, el éxito se difumina y las penurias económicas afectan a la pareja que se ve obligada a pedir dinero a sus amigos.


Será este el momento en el que se inicie la última etapa en la vida de Celso Lagar. Con el ingreso el 30 de enero de 1956 de Hortense en el hospital Broca, Lagar cae en una profunda depresión que le llevará, posteriormente, al psiquiatrico de Sainte Anne y a poner fin a su labor artística. Son años muy duros, de profunda depresión, de la que no saldrá hasta el final de sus días a pesar de la labor de recuperación de su obra que inicia el galerista Crane Kalman, verdadero redescubridor del arte de Celso Lagar en la segunda mitad del siglo XX. Ya sin pintar, se realizaron, por orden judicial, dos subastas de las obras que permanecían en su taller, para pagar su estancia en el maniciomio hasta que en octubre de 1964 regresa a España viviendo en Sevilla con una hermana hasta su muerte el 6 de septiembre de 1966.
Ref: Claudio Coello 6 28001 Madrid tel. (34) 91 435 0174 galeria@josedelamano.com

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GINES PARRA (Zurguena -Almeria 1896-Paris 1960)

32. GINES PARRA (Zurguena -Almeria 1896-Paris 1960)

http://es.wikipedia.org/wiki/Gin%C3%A9s_Parra

Ginés Parra, cuyo verdadero nombre era José Antonio Ramón Parra Menchón, fue un pintor español nacido en Zurgena (provincia de Almería, Andalucía) el 24 de enero de 1896 y fallecido en París el 19 de abril de 1960. Nacio en el seno de una humilde familia que en 1901 se vio obligada a... Ver mas
Ginés Parra, cuyo verdadero nombre era José Antonio Ramón Parra Menchón, fue un pintor español nacido en Zurgena (provincia de Almería, Andalucía) el 24 de enero de 1896 y fallecido en París el 19 de abril de 1960.

Nacio en el seno de una humilde familia que en 1901 se vio obligada a emigrar a Tremecén (Argelia) donde él trabajó como aprendiz en una mina, ya que su padre era minero.

Entre 1910 y 1916, él y uno de sus hermanos se fueron a la Argentina, país donde trabajó como albañil y en el que murió su hermano, de quien adoptó su nombre como homenaje. Luego se fue a los Estados Unidos, donde comenzó a pintar, donde inició sus estudios de arte en la Escuela de Bellas Artes neoyorquina.

En 1920 se fue a París, donde continuó su aprendizaje en la Escuela Nacional de Bellas Artes; durante el día trabajaba como mozo de almacén y por las noches de lavacoches.

Dos años más tarde comenzó a relacionarse con los pintores de la Escuela de París. Fue seleccionado para participar en el Salón de Otoño y el de los Independientes, lo cual supuso un reconocimiento a su obra. A su vez, su situación económica mejoró, por lo que comenzó a dedicarse de forma exclusiva a la pintura.

Poco después, uno de sus cuadros más exitosos en el Salón de los Independientes, Leda y el Cisne, fue comprado por una Galería de Boston. Cuando estalló la Guerra Civil se encontraba de visita en Madrid, y se implicó del lado republicano, por lo que en 1938 fue prisionero. Pero Pancho Cossío intercedió a su favor, y lo autorizaron a volver a la capital francesa.

En las décadas del 30 y del 40 se convirtió en uno de los pintores más célebres de la Escuela de París. En 1947, junto a otros pintores españoles de esta escuela, expuso en Bruselas y Estocolmo. También realizóexposicionesen Buenos Aires, Sao Paulo, Lima, México y La Habana.

Sin embargo, sus problemas económicos lo obligaron a vender gran parte de su colección particular -entre ellas obras de Degas, Picasso, Modigliani. En 1959 regresó a París, donde expuso en la galería Trouche con Picasso, ese mismo año se le descubrió un cáncer, y este artista lo ayudó tanto de forma anímica como económica.Murió el 19 de abril de 1960 en París. Ese mismo año el salón de los Independientes organizó una exposiciónretrospectivade su obra. Y en 1974 se le organizó la primera muestra en Madrid.

Entre los que más apreciaron supinturase encuentran los principales pintores de la Escuela de París, como los españoles Picasso, Bores, Peinado, Domínguez, Pelayo, Viñas, y el chileno Eduardo o el francés Le Moal.

En su producción se encuentran desde desnudos hasta paisajes con arquitecturas, bodegones, figuras y temas religiosos, y en su mayoría fueron realizadas con la técnica de óleo sobre lienzo y con formas sintéticas y equilibradas.
Ref: http://www.artespain.com/22-02-2008/pintura/vida-y-obra-de-gines-parra

Obra. Gines Parra

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ORLANDO PELAYO ENTRIALGO (Gijón, Asturias, 14/12/1920 –15/03/1990).

33. ORLANDO PELAYO ENTRIALGO (Gijón, Asturias, 14/12/1920 –15/03/1990).

http://www.openart.com/artistas/orlando-pelayo

Orlando Pelayo nació el 14 de diciembre de 1920 en Gijón, pero al poco tiempo sus padres se trasladaron a Extremadura y posteriormente a Albacete, donde transcurrió su niñez y adolescencia. En 1939 se exilió a Orán, Argelia, debido a la Guerra Civil, donde trabajó como profesor de español y... Ver mas
Orlando Pelayo nació el 14 de diciembre de 1920 en Gijón, pero al poco tiempo sus padres se trasladaron a Extremadura y posteriormente a Albacete, donde transcurrió su niñez y adolescencia. En 1939 se exilió a Orán, Argelia, debido a la Guerra Civil, donde trabajó como profesor de español y decorador de cerámicas.

En 1947 se fue a París y allí se integró a la vida artística de la ciudad con otros pintores españoles. En la capitalfrancesa“cultivó unapinturafigurativa de acentuado expresionismo”. Su siguiente etapa se llamó solar, y surgió en la década de 1950.

En 1967 regresó a España. Murió enOviedoel 15 de marzo de 1990. Realizó numerosasexposicionesindividuales: en Orán, Argel, París, Suecia, Tokio, Munich, Madrid, Gijón, Oviedo, Sevilla, Toulouse, Grenoble, Londres, Bilbao, Neuchâtel, entre otras.

Coplas a la Muerte de su Padre
Puntaseca y Buril , 32,5 x 24,5 cm mancha, 48,5 x 37,5 cm soporte

Además, desde 1961 hasta 1966 participó en los Salones de Mayo, en los Independientes, en el Salón de Arte Abstracto. También formó parte de otras tantas colectivas, en Helsinki, Orán, Londres, París, New York, Berlín, Amsterdam, México, Florencia, Bruselas, Praga, entre otras.

Premios recibidos:

Socio del Salón de Otoño de París (1952)
Premio Jeckel, de la Bienal de Menton (Francia, 1953)
Gran Premio Otón Friesz (1955)
el Premio Portica (1964)
Orden de las Artes y las Letras concedida por el Gobierno francés (1984)
Instituto de Estudios Albacetenses le otorgó la Medalla de Plata (1985)
Gobierno del Principado deAsturiaslo distinguió con la Medalla de Plata (1989)
Ayuntamiento de Gijón lo nombró Hijo Predilecto (1992).
Cuando se inauguró el Museo de Bellas Artes deAsturias(1980), Pelayo presentó una gran exposición de su obra, y a raíz de la misma, donó dos de las obras expuestas (de 66 pinturas y dos tapices) El detector de metales y Alegoría. En 1990 completó esta donación con 22 acuarelas.

Su obra, además, se encuentra en museos y colecciones:

Museo de Arte Moderno de la Villa de París, de Georges Pompidou, de Amiens, de Grenoble, de Saint-Étienne, de Toulouse, de Lille, de Brest, de Dunkerque, de Vénissieux.
Museos de Bellas Artes de Argel y de Orán, en el de Yakarta, en el de Ein Harod (Israel), en el de Neuchâtel (Suiza), en el de Luxemburgo, en el de Malmoe (Suecia), en el de Kyoto, en el de Cuauhtemoc (México)
Colecciones del Centro Reina Sofía (Madrid), Museo de Arte Moderno de Bilbao, Museo de Bellas Artes de Asturias, Museo de Albacete, Museo Jovellanos de Gijón.
Este pintor y grabador evolucionó desde la figuración inicial hacia la abstracción.

El Ayuntamiento de Gijon , le puso una calle a su nombre.-

Obra. Daniel Cardani.

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FERNANDO ALVAREZ DE SOTOMAYOR  (Ferrol, 1875 - Madrid, 1960)

34. FERNANDO ALVAREZ DE SOTOMAYOR (Ferrol, 1875 - Madrid, 1960)

http://es.wikipedia.org/wiki/Fernando_%C3%81lvarez_de_Sot...

Fernando Álvarez de Sotomayor (El Ferrol, 1875 - Madrid, 1960) Pintor español. De noble alcurnia gallega, su padre, marino de profesión, murió siendo Fernando un niño. La familia trasladó su residencia a Toledo, y en esta ciudad desarrolló su vocación al lado del profesor de dibujo José Guti... Ver mas
Fernando Álvarez de Sotomayor

(El Ferrol, 1875 - Madrid, 1960) Pintor español. De noble alcurnia gallega, su padre, marino de profesión, murió siendo Fernando un niño. La familia trasladó su residencia a Toledo, y en esta ciudad desarrolló su vocación al lado del profesor de dibujo José Gutiérrez y del paisajista José Vera. En 1893 inició en Madrid sus estudios universitarios; allí conoció al pintor Manuel Domínguez, quien le orientó definitivamente hacia la pintura.

Tras su aprendizaje en el taller de Manuel Domínguez, en 1899 ganó una pensión de la Escuela de San Fernando para la Academia de Bellas Artes de Roma. Desde la ciudad italiana viajó a París, Holanda y Bélgica. Ello le permitió conocer a los impresionistas franceses y la pintura flamenca y holandesa, que tuvieron una gran influencia en su obra. En 1905 regresó a Galicia, donde fue seducido por el ambiente sencillo de la vida aldeana y preparó su serie de temas galaicos. En esta etapa figuran cuadros como El segador, Saliendo de misa en el pazo de Mende y Comida de boda en Bergantiños.

En 1908 se instaló en Santiago de Chile, de cuya Escuela Superior de Bellas Artes fue director hasta su regreso a España en 1915. En España desarrolló una importante carrera artística que le convirtió en uno de los más importantes e influyentes personajes del medio artístico "oficial". Puede considerársele el pintor de la Corte de Alfonso XII, y llegó a dirigir el Museo del Prado en diversos periodos y la Academia de Bellas Artes de San Fernando a partir de 1953.

Temática y estilísticamente, su obra entronca con la de pintores como Rosales, Pradilla o Muñoz Degrain. Mediante el uso de colores puros y luminosos y una temática campesina o folklórica persigue una exaltación de la intrahistoria española. En su catálogo abundan los retratos de personajes de la vida política y económica del país. En 1922, cuando fue nombrado director del Museo del Prado, su evolución artística se abrió a una nueva etapa caracterizada por los retratos con paisajes velazqueños, como en el de Alfonso XIII y la Duquesa de Santoña. Algunos cuadros mitológicos, como Leda o Sátiro y ninfas, pertenecen también a este momento.

Con la caída de la monarquía, se estableció en Inglaterra y no regresó a España hasta finalizada la Guerra Civil. Las exposiciones de pintura española realizadas en Ginebra y Buenos Aires aumentaron el carácter tradicional de su pintura, como lo demuestran los retratos de la Duquesa de Alba y del Duque de Híjar. En los últimos doce años de su vida produjo obras de amplia factura como Ceres, San Agustín, San Vicente Ferrer o El infortunio.

Obra: Requete . oleo lienzo . Coleccion particular.

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ENRIQUE SEGURA IGLESIAS (Sevilla 1906 - Madrid 1994)

35. ENRIQUE SEGURA IGLESIAS (Sevilla 1906 - Madrid 1994)

http://www.elpais.com/articulo/agenda/SEGURA/_ENRIQUE_/PI...

Nace en Sevilla y a los diez años ingresa en la Escuela de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría. En dicho centro docente se acogió al magisterio de Gonzalo Bilbao. Enrique Segura obtiene una beca de la Diputación Provincial y el Ayuntamiento Hispalense y amplia sus estudios en París , Países... Ver mas
Nace en Sevilla y a los diez años ingresa en la Escuela de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría. En dicho centro docente se acogió al magisterio de Gonzalo Bilbao. Enrique Segura obtiene una beca de la Diputación Provincial y el Ayuntamiento Hispalense y amplia sus estudios en París , Países Bajos e Italia. Se especializa principalmente en el retrato, de tal forma que realizó más de un millar., representando a todas las clases sociales desde los Reyes de España y Jefes de Estado como Francisco Franco , Jose Lopez Portillo (Presidente de Mexico) etc... a compañeros, amigos y personas del pueblo llano.

Concurrió a las Exposiciones Nacionales obteniendo en 1945 Tercera Medalla por su cuadro “Muñecos” .Tres años después Segunda Medalla por su pintura “ Eva”, en 1.950 la Primera por su obra “Religiosos”.

En 1965 ingresa como Académico en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Era además miembro de la Real Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría y tres años después Académico de Honor. Obtiene la Medalla de Oro de la entidad parisina de Art-Sciences-Lettres, concedida 1970 y la Gran Cruz de Alfonso X el Sabio, cinco años después.

En 1971 un cuadro suyo es elegido para participar en la exposición de los mejores retratistas del mundo organizada por el Museo Marmottan Monet de París.

De estilo sobrio, con un fino sentido naturalista sin efectismos escenográficos, sus retratos destacan no sólo por su maestría en el dibujo, si no que además consigue captar todo el ser retratado, el cuerpo y el alma ; la fisonomía y la psicología. Son además de gran riqueza colorista.

Enrique Segura es un gran dibujante. Sus fondos se realizan siempre con ese color pardo. Color metafísico que sirve para encuadrar a sus personajes. Entronca con el realismo hispánico del siglo XVII.

Obra : Monje en extasis.

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HERNANDO VIÑES SOTO ( París, 20.5.1904 - Madrid, 24.2.1993

36. HERNANDO VIÑES SOTO ( París, 20.5.1904 - Madrid, 24.2.1993

http://catalogo.artium.org/dossieres/1/hernando-vines/bio...

Hernando Viñes Soto nació en París el 20 de mayo de 1904. Era hijo de José Viñes Roda, un ingeniero catalán, y María Soto, hija del antiguo presidente de Honduras, Marco Aurelio Soto, con una nativa guatemalteca. Tanto Hernando como su hermana Elvira se criaron desde pequeños en un ambiente muy... Ver mas
Hernando Viñes Soto nació en París el 20 de mayo de 1904. Era hijo de José Viñes Roda, un ingeniero catalán, y María Soto, hija del antiguo presidente de Honduras, Marco Aurelio Soto, con una nativa guatemalteca. Tanto Hernando como su hermana Elvira se criaron desde pequeños en un ambiente muy culto. Su hogar era lugar de reunión habitual de escritores, músicos y artistas de la talla de Ravel, Manuel de Falla o Joaquín Rodrigo. Su tío, el reconocido pianista Ricardo Viñes, jugó un papel fundamental en el desarrollo artístico del joven Hernando, ya que fue él quien lo introdujo en los círculos artísticos parisinos.





Cuando comenzó la primera guerra mundial, la familia Viñes-Soto se encontraba veraneando en Bagneres de Bigorre, cerca de Lourdes. Después de recorrer la geografía francesa y española, recalaron en Madrid, donde permanecieron hasta 1919. Viñes continuó sus estudios en el Liceo Francés de la capital española, y se convirtió en un asiduo del Museo del Prado y la Academia de San Fernando. Animado tal vez por la obra de los grandes maestros de las artes, en esta época comenzó a esbozar sus primeros dibujos.

Viñes ya había decidido dedicarse a la pintura, y cuando trasmitió esta intención a sus padres, su progenitor decidió presentarle a Pablo Picasso, con quien mantenía una relación de amistad. El artista alabó el trabajo del joven, animándole a continuar por ese camino, siempre que se matriculase en una escuela de arte en la que madurar su potencial. Haciendo caso de las recomendaciones del maestro, el joven Hernando se tomó muy en serio su formación, y a su vuelta a París participó de forma simultánea en los talleres de arte sacro que el artista nabis [1]Maurice Denis fundó con George Desvalières y en la Académie de la Grande Chaumière, donde recibió clases de dibujo. Fue en esta academia donde conoció a la que años después se convertiría en su esposa, Lulú Jourdain.


Programa de El retablo de Maese Pedro, 1923.Al finalizar sus estudios en los talleres de arte sacro, su inquietud por los avances que se estaban produciendo en el mundo de la pintura le llevó a ampliar su formación con dos teóricos del cubismo, primero con André Lhote y después con Gino Sévérini. En las pinturas que crea en esta época se percibe una clara influencia de este movimiento. Hernando Viñes sólo tiene veinte años, pero una prometedora carrera pictórica se abre a sus pies.

En 1923 una nueva oportunidad le llega gracias a su tío. Manuel de Falla le encomienda la tarea de realizar los decorados para el estreno en París de la obra El retablo de Maese Pedro, junto a Hermenegildo Lanz y Manuel Ángeles Ortiz. Este trabajo le permitió conocer al cineasta Luis Buñuel, encargado de la dirección escénica de la obra en Ámsterdam. El propio Buñuel afirmó en sus memorias que desde ese primer encuentro, Viñes fue para él "un amigo para toda la vida".

Un año más tarde conoce a los críticos artísticos Teriade y Christian Zervos, fundador y director de Cahiers d'Art, revista que publicó numerosos artículos proclamando la calidad de la obra de Viñes.


Hernando Viñes con Joaquín Peinado y Pedro Flores junto a su estudio, París, 1927.
Hernando Viñes es un miembro más de la comúnmente denominada Escuela de París, relacionándose con los jóvenes artistas españoles afincados en la capital francesa como Francisco Bores, Ismael de la Serna, Pancho Cossío o Joaquín Peinado, conquien compartía estudio en el número 83 del bulevar de Montparnasse. También frecuentaba a Francisco García Lorca, hermano del genial poeta. Este grupo se mezcló con los artistas españoles ya consagrados, como Pablo Picasso, Juan Gris, Pablo Gargallo o Julio González.




Nu à la toilette, 1935.Participa en numerosas exposiciones individuales y colectivas al lado de los artistas más importantes de la época, Bores, Picasso o André Beaudin compartieron de forma habitual espacio expositivo con Hernando Viñes. Estas relaciones marcaron en su obra, que durante estos años muestra una influencia del surrealismo poético que desarrollaban sus amigos más cercanos.

A pesar de residir habitualmente en París, realizó después del primer exilio obligatorio debido a la primera guerra mundial diversos viajes a la capital española, coincidiendo en estas estancias con artistas de la Generación del 27 como Rafael Alberti o Benjamín Palencia.

En 1931 se unió en matrimonio con Lulú Jourdain, hija del diseñador, artista y político comunista Francis Jourdain. Su mujer se convirtió en su musa, llenándose sus cuadros de tonos cálidos con los que representaba escenas íntimas y sensuales.


Matrimonio Viñes y Luis Buñuel en Toledo, 1936.
En muchos de sus lienzos incluía una ventana desde la que se podía ver un paisaje, una ventana abierta al mundo, que se convertirá en una constante en toda su obra.

Pocos meses antes del estallido de la guerra civil española, Hernando Viñes y su esposa realizaron un viaje de dos meses a Madrid, desde donde se desplazaban frecuentemente a Toledo. Se hospedaban en casa de Luis Buñuel, con quien el pintor conservaba la amistad que se inició a raíz de su trabajo conjunto en El retablo de Maese Pedro. El 13 de mayo, antes de su vuelta a la capital francesa, sus compañeros y amigos de la Generación del 27 les brindaron una cena homenaje en el hostal Cervantes.






Banquete homenaje a Hernando Viñes, Hostal Cervantes, Madrid, 13 de mayo de 1936.La posición de Viñes frente al alzamiento militar contra la República es clara. Se compromete con la causa republicana, uniéndose a los artistas que desde el exilio luchan contra el levantamiento. En plena guerra, el todavía entonces gobierno republicano le nombró secretario general del comisariado español para la Expo 37, la Exposición Internacional de las Artes y las Técnicas en la vida moderna (Exposition Internationale Arts et Techniques dans la Vie Moderne) para la que Picasso realizó la que sería su obra maestra, Guernica.


Matrimonio Viñes con su hija Nina, 1942.Durante este periodo apenas pintó, pero pronto volvió a retomar la actividad con fuerza, acercándose su obra a la de Pierre Bonnard en el tratamiento de la luz y el color.


Pocos meses antes del inicio de la segunda guerra mundial nació su única hija, Nina. El conflicto obligó a la familia a huir a San Juan de Luz, en el País Vasco francés. Cuando regresaron a París, parecía que la prometedora carrera iba a continuar su curso. La familia se instaló en el distrito 16, desde donde Hernando Viñes acudía diariamente a pintar a Montparnasse.


Hernando Viñes tocando la guitarra.



En 1946 participa en la exposición colectiva organizada por la Galería Nacional de Praga, El arte de la República española. Artistas ibéricos de la Escuela de París. A pesar de exponer sus obras en numerosas exposiciones colectivas, no inauguró ninguna muestra individual, y se vió obligado a dar clases de guitarra flamenca para poder subsistir.





Sin embargo, durante todos estos años siguió pintando, ya que para él la pintura era un modo de vida. Su suerte cambió en 1965, después de la exposición retrospectiva que le dedicó la Dirección General de Bellas Artes en el Museo de Arte Moderno de Madrid. A pesar de sus iniciales reticencias a participar en una actividad organizada por el régimen franquista, los amigos del artista que aún permanecían en España le convencieron para que aceptara la propuesta.


Saint-Jean de Luz, 1962. Dos años después de esta inauguración firmó un contrato con la Galería Theo, con la que anualmente exponía en Madrid, Barcelona y Valencia. Estas muestras le permitieron pasar algunas temporadas en Madrid, plasmando en sus lienzos imágenes de la capital y sus alrededores. El paisaje había tomado ya un papel predominante en la obra del artista, especialmente interesado en el medio marino, convirtiéndose el País Vasco o la Bretaña en lugares habituales a los que acudir en busca de inspiración.

Las exposiciones y homenajes se sucedieron a partir de entonces, no sólo en España, sino también en el extranjero. El Museo de Bellas Artes de Santander, el Musée Bonnat de Bayona, o la Casa de España en París organizaron a lo largo de la década de los 80, diversas exposiciones retrospectivas dedicadas al artista.

El 24 de febrero de 1993 Hernando Viñes fallece en su domicilio de París a los 88 años de edad. Meses más tarde, la Residencia de Estudiantes de Madrid inauguró, como ya estaba previsto, una exposición en homenaje a este genial pintor.

Ref:

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JOSE PALMEIRO ( Madrid 1901 - Berguerac-Francia 1984 )

37. JOSE PALMEIRO ( Madrid 1901 - Berguerac-Francia 1984 )

http://www.arcadja.com/auctions/es/palmeiro_jos%C3%A9/art...

José Palmeiro, nació el 19 de agosto de 1901 (algunas fuentes dicen 1903) en Madrid; y murió en Bergerac, Francia, el 15 de marzo de 1984. A los 18 años comenzó a trabajar en los talleres del diario “El Sol”, y comenzó a publicar sus primeros dibujos. Luego viajó a Barcelona para conocer el... Ver mas
José Palmeiro, nació el 19 de agosto de 1901 (algunas fuentes dicen 1903) en Madrid; y murió en Bergerac, Francia, el 15 de marzo de 1984. A los 18 años comenzó a trabajar en los talleres del diario “El Sol”, y comenzó a publicar sus primeros dibujos.

Luego viajó a Barcelona para conocer el mar, según contó alguna vez. Durante algún tiempo alternó el trabajo con la bohemia. Decidido a seguir su vocación pictórica viajó a París en 1925. Allí, al poco tiempo de haber llegado, conoció al pintor español Celso Lagar. A través de él se contactó con todo el grupo español de la Escuela de París, y desde un principio se hizo amigo no sólo de él, sino también de Gines Parra y Oscar Domínguez.


Su primera exposición la realizó en Francia en los años 30; y entre 1942 y 1946 trabajó en exclusivo para la galería del Eliseo de París. Aquí estuvo junto a otros artistas, como: Picasso, Bores, Clave y Oscar Domínguez.

Luego, estuvo siete años en el continente americano, y regresó a la capital francesa, encontrándose ya integrado a los circuitos internacionales del arte.

A partir de 1972, además de visitar España, expuso allí. Asimismo, por esta década pasó varios veranos en Vigo, y expuso en Caixavigo.

Su producción artística estuvo vinculada fuertemente a la tradición francesa del post impresionismo. De igual forma, su arte se debe incluir dentro del post cubismo, destacando en él “la vivacidad del color, que llega en ocasiones a la misma frontera del fauvismo”.

Su pintura abarca la figura, el bodegón, los temas florales y el paisaje.

Obra:Óleo sobre lienzo,Medidas: 50 x 61 cms .Firmado.- Coleccion particular

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ANGEL MEDINA GUTIERREZ (Ampuero 1924- Santander 2009)

38. ANGEL MEDINA GUTIERREZ (Ampuero 1924- Santander 2009)

http://www.ojosdepapel.com/Index.aspx?blog=950

PREMIO NACIONAL DE PINTURA 1970.- Ángel Medina, entre equidistante y muy sincero, ha venido a la galería Cervantes sin ese gorro azul que yo llamo 'plexiglás' para hacerle gracia y que es para la lluvia. Le recuerdo en los veranos con las sandalias, a pecho un poco abierto. Hace tiempo que... Ver mas
PREMIO NACIONAL DE PINTURA 1970.-

Ángel Medina, entre equidistante y muy sincero, ha venido a la galería Cervantes sin ese gorro azul que yo llamo 'plexiglás' para hacerle gracia y que es para la lluvia. Le recuerdo en los veranos con las sandalias, a pecho un poco abierto. Hace tiempo que no se afeita ni se pone para nada la corbata «porque no se encuentra así a gusto consigo mismo». Tiene en su muñeca un reloj Casio que ha comprado hace un año «porque tiene la esfera grande y así puede ver la hora». Medina, alto, fuerte, con un aire entre Hemingway y otros grandes, es un pintor de la tierra, de Cantabria, de España, y de París , en donde pasó temporadas de un año, de seis meses, de dos meses Tiene 84 años que no le pesan tanto como dice, según espero, aunque sí empiezan a pesarle pero solamente porque quiere 'mirar como pintor y no ver como los que lo ven todo'; y porque ahora ve 'terroso' según describe con doliente franqueza. Lo confiesa sin angustia pero sin adaptación porque es un artista y esa ha sido su entera vida profesional; confiesa sin resignación que tiene una 'mácula degenerativa', una maldita mácula. Asiste a esta entrevista Francisco Revilla, que hace dos años expuso obra del pintor y ahora está muy orgulloso de exhibir más obras. En el catálogo -que presenta el mismo galerista- no solamente afirma que su obra es 'personalísima e inconfundible' sino 'única'. Pero hace muchos años que supieron verlo, entre otros muchos, críticos solventes como Gaya Nuño, Mario Antolín o el marido de María Droc, el fino ex magistrado rumano Cirilo Popovich y otros de los más exigentes. Ángel deja la cachava y escucha los clics del fotógrafo pero pronto romperá el silencio.

-¿Qué querrías cambiar en la vida, Ángel?

-No mucho. A lo mejor querría repetir con variantes pero esto es muy complejo. Es muy complejo de seleccionar y ni tú ni yo somos de la Gestapo.

-¿Lo has hecho todo bien y no hay más que hacer?

-Creo haber sido leal conmigo mismo y sin misterios ni florituras.

-¿Piensas en el contenido de algún libro que te haya impactado siempre?

-Siento haber perdido uno que contaba las historietas de Miguel Ángel en el trato con pintores españoles.

Había que empezar la entrevista por cualquier parte, por el final. El ángulo de ataque tiene que intentar algo sorpresivo para que no se canse. De hecho, un poco más tarde, dirá: «Hemos hablado un poco precipitados y no nos ha dado tiempo para aburrirnos». Otros testigos fueron el poeta Mario Crespo y el galerista de Siboney, Juan Riancho, que ha venido a ver la obra y se ha enamorado inmediatamente de un cuadro en gris Le han tirado 'un carrete' como él dice y Medina le espeta al fotógrafo que esto no es lo mismo «que ir a los jardines y ponerse al yoyó», aludiendo a las viejas maquinitas. Bromea; por suerte, y a pesar de las máculas, esta tarde bromea. «Esto no puede ser como la pasarela de las modelos que van como bellos caballos al trotar». Por suerte, bromea pero no se envara y obedece instrucciones con naturalidad. Posa sin mucha pose y de pronto dice que nada debe ser «de pandereta», y que se le deje respirar «para que se vea el balón» o que una de las fotografías «es afectada». Es original en el lenguaje y casi siempre metafórico aunque no lo crean quienes no atienden más allá de la superficie de las cosas. Al ver más objetivos, afirma todavía que «eso es un laboratorio».

-¿Qué opinión te merece aquel gran pintor que fue Pancho Cossío?

-Cascarrabias era Pancho, cascarrabias pero sabía medir bien, conocía bien el oficio y tenía integridad y desequilibrios cojonudos.

-¿Qué desequilibrios?

-Jugaba a cascarrabias y la patuca se le desdoblaba o colocaba la mano así -afirma haciendo la trompetilla-, pero tenía su estabilidad lógica en las frases, en la pintura y según su estado de ánimo. Pero cuando uno se muere se acaba la frase.

-¿Tienes tu miedo a la muerte, Ángel Medina?

-Si es esta noche, mejor. Estoy hasta las cejas de los seres humanos. No puedo pintar, no puedo escribir porque yo también escribía mis 'mamonadas' Veo muy mal, como una zona terrosa. Ni veo siquiera si el color es rojo.

Lo siente, lo siente. Hace más de un año, junto al Cinema me contó que había estado en dos oftalmólogos y que había ido a Bilbao a la ONCE porque esperaba que le entendiesen mejor. No creo que se le deba consolar porque es rebelde y entonces ya me dijo «es que soy pintor». De nada serviría invocarle a Séneca o a Mattisse o Goya. Pero se torna autocrítico de pronto, observa de refilón cómo «cae» lo que dice todavía; incluso me insulta un poco cariñosamente y me llama «tragamillas confusionista preguntando» que es un modo de defenderse. (Sabe que el aprecio está en medio y reconoce -instintivo y ampuerense de la 'trucha' de Marrón -que es metáfora suya de cómo había que ayudar a vender cada cuadro- y sabe además de afecto hay vieja sana admiración).



Autoevaluación y política

-¿Cómo ha sido el largo viaje y las distintas etapas de la pintura en tu vida?

-Pintaba un molino con aspas y sin aspas. No tenía orden. Siempre he sido anarquista. Nunca anduve por el caminito Mi ritmo normal ha sido ese o ir a trompicones e irregularidades. Hay por ahí un cuadro de chaval que no es muy bueno.

Recuerda mal, vagamente aspectos concretos de la infancia pero sí cuando vino a las monjas de la Milagrosa. Su madre, María -que quería que le hiciera un Cristo y recelaba un punto de mujeres con los pechos descubiertos-, y su padre, Mariano, a quien recuerda con cariño; vuelve a bromear, como a su pesar, y me dice que era sastre. Añade que «debía de ser una especie de chaquetón de la gente». Habla de la cuesta de la Atalaya, de la casa de los Roldán, y de su abuelo, Alfredo, patriarca, pero recuerda más la casa de Tantín, 29, donde el garage Royano. Su madre era una piadosa mujer simpática y Ángel acompañaba a sus padres a la procesión de la Cofradía del Carmen.

-¿Eres actualmente hombre de fe?

-Estoy en dudas. Alguna vez rezo pero no sé a quién Qué tragedia! Qué tragedia es esto, me digo, y a lo mejor entonces sacas el Padrenuestro

Nada rehuye. No tiene que concentrarse mucho. Antes de volver al arte quiero saber algo de su sentimiento político y le recuerdo que tocaba la corneta de falangista en los desfiles con 'Machuca' a quien nunca conocí, o que hablaba a gusto con Felipe González

-Sí, con Felipe siempre hablé de vacas y de Ampuero. De la corneta estoy orgulloso y aprendí como lo de rezar en la escuela o en la catequesis. Nací antes de la República. Un día un crítico santanderino que está por Madrid me iba a hacer un libro y se acabó dinero en el ministerio y me dijo que no debía contar lo de la corneta. Qué tontería.

-Has tenido, Ángel, varios estudios, en Madrid; uno céntrico cerca de la iglesia Francisco El Grande por el Madrid de los Austrias. Pero seguramete el toque nostálgico quedará para el primero en Santander

-Para ése escribimos una carta al alcalde que debía de ser Mesones Le dijimos que carecíamos de local a ver si nos podía ceder espacio. Iban por allí Carlitos San Miguel (a su hermano le llamábamos 'Cubillo'), Javier Casanueva, Cachano, Pepe Yurrita que intentaba ligar alguna francesa, uno que montaba las mejores tapas de libros, Daniel Gil Pina a quien mi tía Sara llama 'Dentellada' no sé por qué. El local se llamaba 'La Clé', la llave. Yo ya estaba en Bellas Artes en Madrid -escuela central- e iba y venía en los veranos y en Navidades. Pero otro que iba bastante por allí era Manolo Arce y daba conferencias y pedía en un bar próximo vino con una paja con una caña de aquellas.

Ángel Medina -'Geldín' para muchos amigos- está en alguna fotografía con más, con Manolo Gómez Raba, Ángel de la Hoz, Alfredo Piris, y 'Ramonunca', el poeta primo de Calderón.

-Pero no hemos sido muy explícitos con tu niñez, la pubertad, las fases de tu formación

-Tenías cuatro años y ¿cómo te va a acordar de todo? Mi tía Saga se marchó con una hermana, los familiares se fueron distribuyendo. Mi ascendencia es burgalesa, mi padre, que había estado con frailes en Bujedo, estuvo de profesor en Ampuero con los 'Patapollo'. Emilio, mi abuelo paterno era burgalés y procedía de Isar, otro hermano llegó a los 100 años y era secretario de juzgado.

Un día, hace años, me fijé en su casa madrileña de Caleruega en los detalles. Había muñecas enjauladitas y encerradas en unas cajitas. Los 'farias' estaban en el frigorífico delicadamente envueltos en papel del baño. En el baño, relimpios, tenía tendidos calzoncillos y calcetines. Todo estaba limpio. Su hijo, a quien siempre ha llamado Carlitos, figuraba en una columna central, de arriba abajo, con cientos de fotografías. Hoy Carlos tiene 52 años y hace un cuarto de siglo que no tiene contacto con él, a su pesar. (No hinco ninguna viscosa pregunta en este capítulo pero ambos nos proponemos algo distinto con esta limpia, total conversación).

-¿Por qué te casaste con la suiza Elizabeth Fister, Medina?

- Ella estaba en Madrid estudiando español. No fue tan rápido como se ha dicho porque llevábamos un año. Se quedó embarazada. Se lo comuniqué a mi padre y él me dijo: 'Si crees que es tuyo, te casas'. Y lo hice.



Amigos y el comienzo escultórico

No añado una pregunta más. Amigos del arte y la bohemia le han acompañado a su modo. No es anecdótico decir -y eso no me cuenta él pero me consta- que en cierta ocasión, por ejemplo, se veía muy contenta a Geraldine Chaplin con Ángel en 'Casa Pepe', una taberna detrás del famoso Café Gijón. Había dicho Medina: «Vamos con ésta que luce mucho».

Ha tenido amigos faranduleros pero también gente de grandísima valía que le siguen considerando aunque ahora no lo cultive. Por ejemplo el cineasta Camus, Joaquín Losada que le quiere como Julia, su mujer, Antonio el hermano de Carlitos Saura que quería ser fotógrafo Ramón Calderón le presentaba con humor a una señorita francesa y decía: «Mademoiselle, este es Geldín Medina, 'Cucharón' ». Las anécdotas son interminables.

-Pero dicen que en cierta ocasión tuviste un más llamativo problema por propasarte con una importante segunda señora de un notabilísimo editor poderoso

-Hay muchos mitos. Creo que andaba con Adolfo Estrada y él vino el retrete y se enfadó pero yo le dije que no podía ser, que con él no se metía nadie

Basta de interrogaciones vitales y existenciales y volvamos a la obra, que es su vida. No una vida paralela sino central, esencial. Le pregunto por el dibujo y le digo que tengo entendido que iba para escultor, no para pintor.

-He sido un dibujante regular pero he tenido la suerte de estar en Basilea y ver muy buenos dibujos. También hice ilustraciones, medio ilustración y dibujo en revistas, incluso exposiciones de gouaches, alguna incluso en París, un famoso 'marino' de Barbizón que se recuerda. Uno lo compró la directora de cine Miró y siempre han estado ahí mi amigo Pepe Yurrita y Nani. Yo no tengo adoptado el papel de Touluse o Velázquez pero algo del humanismo de Goya , también Rembrandt, Cezanne Pero la influencia de todos fue el cubismo. Picasso pintaba un niño con una patata frita o una niña con un chupa-chups y todo el mundo quedaba afectado. No sé bien quiénes serán mis maestros pero siempre he pensado en los Desastres, los Caprichos, la obra goyesca de las pinturas negras

-¿Y la escultura?

-Pues, sí. Estuve antes que nada en el 40 con Daniel Alegre como profesor de modelado, detrás del Instituto en Francisco de Quevedo. Era muy formal y hasta cierto punto serio, tenía dos hijos, la pequeña Conchita, un chalet en la Ciudad Jardín, hay por ahí tres bustos, 'El pastor', unas cabezas, un Cristo en la Cruz en los jesuitas, lo de Fuentes Pila. Pero la Montaña no puede contar totalmente con el palentino Victorio Macho y yo creo que la Concha Espina es una buena obra. Al principio, la formación mía era confusa relativamente y siempre a mi aire pues todo estaba mezclado. Pero un día me pregunté que si Miguel Ángel pudo pintar la Capilla Sixtina por qué no habría yo de pintar algo. También Víctor Orizaola lo hacía y César Montaña o mi compañero de estudios Martín Chirino. Con Eduardo Chillida trabajé algo porque andábamos en el Círculo de Bellas Artes y he sido amigo del asturiano Venancio Blanco, de Oscar Estruga, Avalos, Cristino Mallo y otros.

Paco Revilla ayuda un poco con los nombres. Ángel se va cansando un poco, la verdad, pero se detiene a explicarme qué es 'sacar puntos' a partir del modelo en escayola de la maqueta, las agujas, la madera y la piedra . Pero he sabido que siempre le ha gustado muchísimo el jazz. Trató al guitarrista Regino Sáiz de la Maza y me relata algo más trágico en escuetas palabras:

-Fui buen amigo del violinista Ángel Gorostiaga que se suicidó. Tiraba un pañuelo en la calle y un día le dije que no hiciéramos nada raro que podía venir la policía.

Se queda en silencio, lo respeto y pasamos a hablar de poesía, de su amigo el poeta Claudio Rodríguez, de la muerte de Esteban de la Foz a quien alguna vez encontraba por París. Le hago hablar de la etapa estudiantil cuando ya le daban matrículas en la escuela en Madrid.

-Sí, el asturiano Daniel Cabriola me dio matrícula.

Y luego ha ido a la galería 'Libros' a Zaragoza, ha vendido a Rodríguez Rangún obra, en París siempre primero cuando iba «con los pobres a los didicatos de estudiantes», después con la familia Fister, con Beatriz y su novio arquitecto. Con reconocimientos en Nueva York -a donde estuvo a punto de ir- y éxito en las Bienales, entre ellas la de Alejandría

-¿Tiziano o Rafael?, le pregunto de improviso, finalmente.

-Tiziano.

Ángel Medina, 'Geldín', grandotote, inocente e instintivo, sabio que no puede oler los colores, en este punto entiende que ya hemos podido 'decir barbaridades'. Pero me agrada darle un abrazo de amigo, me asegura que no hemos hecho ningún numerito ni hará falta retoque y me invita a un café antes de irse a casa, lento y seguro, silencioso y equidistante a su casa. Yo me quedo pensando en las muñequitas enjauladas, en las mujeres en el agua con risa irónica, en el humor y la ternura, el vino y las rosas, la bohemia y grandeza de un hombre que no ha dicho a nada que no se puede tratar porque solamente la muerte nos deja sin frases. Pero invoco la esperanza y no necesito comprender que es grande entre los grandes: un clásico 'desbragado' como él dice. Un hombre que no quiso ir por el camino derechito de la vulgaridad como artista independiente. (Gracias, 'Geldín' Medina; muchas gracias).

Al año de su muerto , magnifico articulo de Jesus Pindado.

http://meridianocontinuo.com/2010/11/17/a-un-ano-de-la-muerte-del-pintor-ampuerense-angel-medina/



Obra: "Lagrima", oleo lienzo de 99 x 146 cms. Firmado ,año 1967 . Coleccion particular.-
Esta obr se presento en la exposicion individual que se celebro en 1967 en la Direccion General de Bellas Artes en Madrid, consta fotografiada y titulada en el catalogo de esa fecha con el nº 7 y fue expuesta por ultima vez en 2011 en la galeria El Ducado de Santander.-

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ENRIQUE GRAN VILLAGRAZ (Santander 1928 - Madrid 1999)

39. ENRIQUE GRAN VILLAGRAZ (Santander 1928 - Madrid 1999)

http://www.enriquegran.es/

RESUMEN BIOGRÁFICO Desde pequeño ya derrochaba el talento que le convertiría en uno de los mejores artistas plásticos de su generación, protagonizando con su personal visión de lo abstracto, una de las más brillantes y personales trayectorias de la pintura española, avalada por los... Ver mas
RESUMEN BIOGRÁFICO

Desde pequeño ya derrochaba el talento que le convertiría en uno de los mejores artistas
plásticos de su generación, protagonizando con su personal visión de lo abstracto, una de las más brillantes y personales trayectorias de la pintura española, avalada por los
principales críticos de arte, como Calvo Serraller.
Gran pertenecía a la generación ilustre de pintores como Antonio López, Lucio Muñoz,
María Moreno, Isabel Quintanilla,…,estudiantes todos de la Academia de San Fernando de Madrid a comienzos de los años 50.
Sobre él han escrito entre otros: el académico Francisco Nieva, Juan José Millás, José
Hierro,…
Su despegue internacional comienza en 1961, tras formar parte del Pabellón Español
en la XXX Bienal Internacional de Arte de Venecia.
Sus obras se encuentran en museos y colecciones de todo el mundo como el Museo
Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Storm King Art Center de Nueva
York, el Museo de la UNESCO de Nairobi,…
En 1992 protagoniza junto a Antonio López la película de Víctor Erice “El sol del membrillo”, premiada en el Festival de Cannes y considerada la mejor película de la
década de los 90 según una muestra realizada por la Cinemateca de Toronto entre las principales filmotecas y museos de cine de todo el mundo.

Gran era miembro de una gran generacion de destacados artistas cantabros como Senen Ubiña ,Angel Medina, Eduardo Sanz, Manolo Raba, Fernando y Ramon Calderon, Merino del Nero, Agustin Celis, Fernando y Martin Saez, Carlos Sansegundo, Esteban de la Foz y si bien era mayor que ellos podemos incluir a Julio de Pablo como generacion pictorica.

Se le rindio un homenaje colocando un monumento y una escultura de su figura en la avenida de Reina Victoria , asi como una calle santanderina se llama pintor Enrique Gran.

Al X aniversario de su muerte, se creo una Fundacion con su nombre:

La Fundación Enrique Gran es una entidad sin ánimo de lucro cuyo fín es la conservación, estudio, pública exposición y difusión de la memoria y de la obra del pintor Enrique Gran.
Esta fundación comienza su actividad ,coincidiendo con el X Aniversario del fallecimiento de este maestro de la abstracción, con un ambicioso proyecto referencia en la agenda cultural del 2009. El "Año Gran" aborda una serie de encuentros coordinados y comisariados
por Begoña Merino Gran, sobrina del pintor y Presidenta de la Fundación Enrique Gran.
Tras su fallecimiento en 1999, Begoña Merino aborda el proyecto que Gran dejó inconcluso por su repentino y trágico fallecimiento:
la presentación de su obra inédita y más íntima. Con una selección de dibujos y escritos recogidos en "El Hacedor de sueños", (publicación considerada como "el cuaderno de bitácora" de Gran) y varias muestras ,se acerca por primera vez al espectador a todo el
"universo creador" de uno de las más destacadas y personales trayectorias de la pintura española del siglo XX.
Esta extraordinaria experiencia, unida a la necesidad de mantener vivo su legado son el origen y el espíritu de la Fundación Enrique Gran.

Es uno de los grandes artistas cantabros y españoles del Siglo XX

Obra: Sin titulo Oleo lienzo firmado . Coleccion particular.

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JUAN ANTONIO MORALES ( Villavaquerin 1909 - Madrid 1984)

40. JUAN ANTONIO MORALES ( Villavaquerin 1909 - Madrid 1984)

http://es.wikipedia.org/wiki/Juan_Antonio_Morales_(pintor)

Tras residir con su familia durante una corta estancia en Cuba, realiza en Valladolid sus estudios de Bachillerato. En 1927 vuelve a la isla con la intención de estudiar Medicina aunque, muy pronto, abandonará para dedicarse a la pintura. De nuevo en España, presenta en 1931 su primera exposici... Ver mas
Tras residir con su familia durante una corta estancia en Cuba, realiza en Valladolid sus estudios de Bachillerato. En 1927 vuelve a la isla con la intención de estudiar Medicina aunque, muy pronto, abandonará para dedicarse a la pintura. De nuevo en España, presenta en 1931 su primera exposición en el Círculo Mercantil vallisoletano y se traslada a Madrid con la intención de ingresar en el Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Se integra en el ambiente artístico de la capital, se hace discípulo de Daniel Vázquez Díaz y conoce a José Caballero con quien compartirá estudio desde 1934, momento en el ambos realizan el cartel de Yerma del poeta Federico García Lorca.

En Juan Antonio Morales hallamos un caso repetido en el arte español de la primera mitad de siglo. De nuevo, un joven pintor que se forma en la figuración tradicional y que hace incursiones en el surrealismo, sobre todo por influencia del pintor José Caballero, dando a sus obras una confusión de términos entre lo real y lo soñado. En los años treinta da un giro a su arte y lo orienta en la dirección de los nuevos realismos europeos. Además, en el caso de Juan Antonio Morales, el conocimiento de los lenguajes figurativos es muy profundo y, por ello, muy preciso. No cabe duda de las influencias de artistas italianos como Morandi, De Chirico o Massimo Campigli que dan a sus obras un aire arcaizante en sus escenas y figuras, y en la primacía de sensaciones táctiles más propias de la pintura mural.

Marinero ciego,1932

Juan Antonio Morales realizó numerosos carteles de las ferias y fiestas de su ciudad natal. Durante la guerra civil española combatió en el frente, colaboró con la Alianza de Intelectuales Antifascistas, en revistas como Mono Azul o El Buque Rojo y se cree que realizó el famoso cartel Los nacionales.

Tras la guerra es detenido aunque curiosamente, más tarde, se convertiría en retratista de la alta sociedad, pintando por ejemplo en varias ocasiones a Francisco Franco.

En los años cuarenta, se aprecia en la obra de Juan Antonio Morales una tendencia a la figuración clasicista que le enlaza con otras experiencias personales de artistas como Luis Castellanos o Benjamín Palencia. En esas obras aparece un mismo concepto del objeto sobrecargado de realidad y sencillez en la línea más clásica de los bodegones de Zurbarán o Meléndez.

Juan Antonio Morales ingresó enla Academia de Bellas Artes de San Fernando en 1964 y una década después lo haría en la Academia de Bellas Artes de España en Roma.

Ref:Claudio Coello 6 28001 Madrid tel. (34) 91 435 0174 galeria@josedelamano.com

http://www.wikio.es/cultura/artes_plasticas/artistas_espanoles/juan_antonio_morales

Obra:Autorretato con mandolina.1943. Óleo sobre lienzo. 59 x 85 cm. Colección familia Morales

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AGUSTIN UBEDA  (Herencia, Ciudad Real, 1925 - Madrid, 2007)

41. AGUSTIN UBEDA (Herencia, Ciudad Real, 1925 - Madrid, 2007)

http://herencia.net/2007/11/28/agustin-ubeda-artista-here...

Reside en Madrid desde 1942. Ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en 1943, donde fue discípulo de Vázquez Díaz, Eugenio Hermoso y Joaquín Valverde. Es Profesor Emérito de la Universidad Complutense de Madrid y Miembro de la Real Academia de Doctores. EXPOSICIONES... Ver mas
Reside en Madrid desde 1942. Ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en 1943, donde fue discípulo de Vázquez Díaz, Eugenio Hermoso y Joaquín Valverde.
Es Profesor Emérito de la Universidad Complutense de Madrid y Miembro de la Real Academia de Doctores.

EXPOSICIONES INDIVIDUALES

Presenta su primera individuales en 1949 en el Casino de Alcázar de San Juan, haciéndolo tres años más tarde en Madrid, en la sala Xagra. En 1956 consigue un contrato con David Drouante, y su estancia en París se prolonga hasta 1973, con exposiciones en la sala Drouant (1957, 1959, 1960, 1963, 1966), galería Artisana (Ginebra, 1957, 1961), Juárez Gallery (Beverly Hills, California, EE.UU., 1962, 1968), Bryant Gallery (Jackson Mississippi, EE.UU., 1967, 1970; Nueva Orleáns, 1969, 1970), etc. Regresa a Madrid y expone en las galerías Biosca (1966, 1986, 1987, 1991), Kreisler (1968, 1971), Frontera (1972), Rojo y Negro (1974), Kreisler Dos (1974, 1980, 1984), Columela (1976), Orfila (1980), Espalter (1993), etc. , así como en la Facultad de Bellas Artes (1985), en el Centro Cultural de la Villa (1998) y en la galería Alfama (2003). También ha expuesto en Valencia, Bilbao, Santander, Alicante, Córdoba, Salamanca, Valladolid, León, Gijón, Almagro, Ciudad Real, Murcia, Guadalajara, Jaén, Barcelona, Valdepeñas, Granada, etc.


PREMIOS Y DISTINCIONES

1953.- Beca del Instituto Francés de Madrid y viaja a París.
1957.- Premio de la Joven Pintura (París).
1960.- Molino de Oro de la Exposición de Valdepeñas.
1963.- Medalla de Bronce de la V Bienal de Alejandría.
1967.- Pámpana de Oro de la Exposición Nacional de Valdepeñas.
1969.- Premio del XVIII Salón Nacional de Grabado.
1976.- Premio Greco de la Bienal de Toledo.
1980.- Gran Premio Duque de Alba del Circulo de Bellas Artes de Madrid.
1981.- Gran Premio de la VIII Bienal de Extremadura.
1987.- Premio BMW.
1988.- Premio Adaja, de Ávila.

MUSEOS

Museo de la Ville de Genéve (Suiza, de la Ville de París, Bellas Artes de Jaén, Arte Contemporáneo de Badajoz, Arte Moderno de Valdepeñas, del Grabado de Marbella, Municipal de Toledo, Arqueológico Grabado de Jaén, Nacional de Arte Contemporáneo, Camón Aznar, de Zaragoza, Provincial de Ciudad Real, Nuevo México (Santa Fe, EE.UU.), Fine Art Museum de San Diego (EE.UU.), Phoenix Art Museum, Arizona, Lowe Art Museum, Miami, Florida, Evansille Museum, Indiana, etc.

Ref : http://www.tallerdelprado.com/autor.asp?IDAUTOR=42

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EDUARDO URCULO  ( Santurce, 1938 - Madrid, 2003 )

42. EDUARDO URCULO ( Santurce, 1938 - Madrid, 2003 )

http://esculturaurbana.com/paginas/urc.htm

Consagrado artista español, Eduardo Urculo es uno de los principales exponentes de la pintura pop en España. Trabajo en diversos registros desde el expresionismo hasta el neocubismo e hizo de la maleta y el sombrero sus dos grandes iconos. Inicio su formacion en Asturias y pronto viajo a... Ver mas
Consagrado artista español, Eduardo Urculo es uno de los principales exponentes de la pintura pop en España. Trabajo en diversos registros desde el expresionismo hasta el neocubismo e hizo de la maleta y el sombrero sus dos grandes iconos.

Inicio su formacion en Asturias y pronto viajo a Madrid para continuar sus estudios, Vivio en Paris y viajo por distintas ciudades europeas.

Durante la decada de los setenta desarrolla sus trabajos con aerografo. Inicio sus obras enmarcadas en pop art y comenzo la epoca erotica con sus cotizados femeninos rebosantes de barroquismo y colorido.

En los ochenta su obra se desplazo hacia la narrativa desarrollando un trabajo a partir de motivos como los sombreros, el artista de espaldas o los viajes que constantemente quedan plasmados, tanto en pintura como escultura, con la figura de la maleta.

Su obra se encuentra en numerosos MUSEOS y COLECCIONES, destacando: - Ayuntamiento de Oviedo - Banco Herrero de Oviedo - Caja de Ahorros de Asturias - Coleccion de Arte Contemporaneo de AENA, Madrid - Fundacion Archivo de Indianos, Colombres, Asturias - Fundacion Juan March, Madrid - Galieria Nazionale D'Arte Moderno, Roma - Museo de Arte Contemporaneo A.C.A., Tenerife - Museo de Arte Contemporaneo de Villafames, Castellon - Museo de Escultura, Alcala de Henares, Madrid - Museo del Grabado Español Contemporaneo, Marbella - Museo Internacional de la Resistencia Salvador Allende, Chile - Museo Nacional de Bangladesh, Dhaka - Ayuntamiento de Zamora - Biblioteca Nacional, Madrid - Coleccion de Arte Fundesco, Madrid - Coleccion de Arte Grafico del Ministerio de Trabajo, Madrid - Col-lecio Testimoni, La Caixa, Barcelona - Fundacion Camilo Jose Cela, Marques de Iria Flavia - Fundacion Selgas Fagalde, Madrid - Junta General del Principado de Asturias, Oviedo - Museo de Arte Contemporaneo de Bogota, Colombia - Museo de Bellas Artes de Asturias, Oviedo - Museo del Dibujo "Castillo de Larres", Huesca - Museo Internacional de Arte Contemporaneo de Lanzarote - Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid - Museo Taurino, Madrid - Museo Municipal, Madrid
Ref: http://www.picassomio.es/eduardo-urculo.html

Obra: Desnudo femenino 1976. Coleccion particular.-

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FRANCISCO LOZANO  SANCHIS (Antella-Valencia  1912 -  Valencia 2000)

43. FRANCISCO LOZANO SANCHIS (Antella-Valencia 1912 - Valencia 2000)

http://www.franciscolozano.es/

Importante ver la pagina de Francisco Lozano Sanchis Obra en Museos. Museo Nacional de Arte Contemporáneo. Centro de Arte Reina Sofía, Madrid. Museo Real Academia Bellas Artes San Fernando, Madrid. Museo Provincial Bellas Artes, Valencia. Museo Instituto Valenciano Arte Moderno... Ver mas
Importante ver la pagina de Francisco Lozano Sanchis
Obra en Museos.

Museo Nacional de Arte Contemporáneo. Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

Museo Real Academia Bellas Artes San Fernando, Madrid.

Museo Provincial Bellas Artes, Valencia.

Museo Instituto Valenciano Arte Moderno, Valencia.

Museo Provincial, Alicante

Museo Provincial, Bilbao.

Museo Provincial, Vitoria.

Museo Queveda, Santander.

Museo Camon Aznar, Zaragoza.

Museo Municipal, Valencia.

Museo Municipal, Salamanca.

Museo Municipal, Játiva.

Museo Diputación Foral, Álava.

Museo Arte Contemporáneo, Villafamés.

Museo Estrada- Saladich, Barcelona.

Museo Bellas Artes, Montevideo.

Museo Fundación Mendoza, Caracas.

Obra en colecciones:

Colección Arte Palacio de la Zarzuela, Madrid.

Colección Arte Ministerio Educación y Ciencia, Madrid.

Colección Arte Consejo Superior Investigaciones Científicas. Madrid.

Colección Arte Diputación Provincial, Alicante.

Colección Arte Palacio Ajuria Enea, País Vasco.

Colección Arte Asociación de la Prensa, Madrid.

Colección Arte Ayuntamiento, Valencia.

Colección Arte Ayuntamiento, Javea.

Colección Arte Aeropuertos Nacionales, Madrid.

Colección Arte Aeropuertos Nacionales, Alicante.

Colección Arte Banco de España.

Colección Arte Banco Exterior de España.

Colección Arte Banco Español de Crédito.

Colección Arte Banco Bilbao.

Colección Arte Banco Urquijo.

Colección Arte Banco Hispanoamericano.

Colección Arte Banco Promobanc.

Colección Arte Banco Exportación.

Colección Arte Caja de Ahorros de Valencia.

Colección Arte Caja de Ahorros La Inmaculada de Zaragoza

Colección Arte Caja de Ahorros de Torrente.

Colección Arte Embajada Estados Unidos de Madrid.

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FRANCISCO MATEOS GONZALEZ ( Sevilla 1894 - Madrid 1976)

44. FRANCISCO MATEOS GONZALEZ ( Sevilla 1894 - Madrid 1976)

Sevilla, 1894-Madrid, 1976) Pintor español. Considerado como uno de los iniciadores del expresionismo español, se vio influido por Goya, Ensor y Solana. Se repiten en su obra las figuras grotescas, llenas de sugerencias burlescas y líricas. Utilizó colores vivos, a veces estridentes, que... Ver mas
Sevilla, 1894-Madrid, 1976) Pintor español. Considerado como uno de los iniciadores del expresionismo español, se vio influido por Goya, Ensor y Solana. Se repiten en su obra las figuras grotescas, llenas de sugerencias burlescas y líricas. Utilizó colores vivos, a veces estridentes, que contribuyen a amortiguar los efectos dramáticos y a acentuar los aspectos decorativos de sus pinturas

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MANUEL MILLARES  SALL( Las Palmas de Gran Canaria  1926 - Madrid   1972 )

45. MANUEL MILLARES SALL( Las Palmas de Gran Canaria 1926 - Madrid 1972 )

http://es.wikipedia.org/wiki/Manuel_Millares_Sall

Manuel Millanes Sall fue un pintor y grabador español, que nació el 17 de enero de 1926 enLas Palmasde Gran Canaria, y falleció el 14 de agosto de 1972 en Madrid. De formación autodidacta, en 1936 comenzó a hacer dibujos expresionistas de los paisajes de Lanzarote. Después de 1943, se contact... Ver mas
Manuel Millanes Sall fue un pintor y grabador español, que nació el 17 de enero de 1926 enLas Palmasde Gran Canaria, y falleció el 14 de agosto de 1972 en Madrid. De formación autodidacta, en 1936 comenzó a hacer dibujos expresionistas de los paisajes de Lanzarote.

Después de 1943, se contactó con diversos miembros de la Escuela Luján Pérez (en especial con Plácido Fleitas), y se inició en el aprendizaje de la pintura. En sus comienzos pintó paisajes, cuadros de figuras y autorretratos. A partir de 1949 comenzó a dedicarse a la pintura abstracta.


En 1950 formó parte del grupo Ladac (integrado por Plácido Fleitas, Juan Ismael, José Julio, Alberto Manrique, entre otros) y dirigió “Los Arqueros”, colección de monografías de arte. Con sus hermanos José María y Agustín publicó “Planas de Poesía”. En 1955 se instaló a Madrid, y a los dos años fue uno de los fundadores del Grupo El Paso.

En 1945 realizó su primera exposición en Las Palmas, y desde entonces exhibió su obra en las principales galerías y museos de Barcelona, Madrid, Nueva York, París, Roma, Estocolmo, Buenos Aires, Tokio, etc.

A su obra se la puede dividir en dos etapas: la primera abarca desde el comienzo de su trabajo hasta 1955, y la segunda se inicia ese año y concluye con su muerte. Esta división se debe a que en 1955 se dio un gran cambio en su arte, cuando comenzó a utilizar la arpillera.

En 1956 y en 1958 participó en la Bienal de Venecia. En 1957 expuso sus arpilleras enMadrid(Ateneo, Sala del Prado); además, estuvo presente con una muestra individual en la IV Bienal de Sao Paulo.

En 1971 escribió un libro, “Memoria de una excavación urbana” que se publicó póstumamente en 1973; y con la que se puede entender mejor su obra.

Después de su muerte, fue aumentando el interés por su obra, hasta el punto de ser hoy uno de los artistas españoles de más renombre a nivel mundial. En 1974, la Galería Pierre Matisse deNueva Yorkorganizó una exposición en su homenaje, y en 1975, el Museo Español de Arte Contemporáneo (Madrid) realizó una extensa retrospectiva de su pintura.



Cuadro 122, 1962

Realizó obras con sacos agujereados, tela de arpillera y cuerdas en las que pegaba objetos sacados de la basura; luego, estos materiales, eran cubiertos con capas de pintura, de colores negro, blanco y rojo. En sus primeras arpilleras introdujo arena y madera. Sus telas eran perforadas, salpicadas de nudos, en definitiva, maltratadas. A finales de los años sesenta su estilo se volvió más tranquilo, los colores se aclararon y se suavizaron los grafismos.

Fue uno de los más notables artistas del informalismo, cuya obra se exhibe en numerosos museos de todo el mundo, como: el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), la Tate Gallery de Londres o el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca.

Entre su producción destaca la serie “Homúnculos”.

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MANUEL VIOLA  (Zaragoza 1919- El Escorial 1987)

46. MANUEL VIOLA (Zaragoza 1919- El Escorial 1987)

http://es.wikipedia.org/wiki/Manuel_Viola

José Viola Gamón conocido como Manuel Viola (nombre que adoptó tras finalizar la Guerra Civil Española), Manuel Viola (Zaragoza, 1916- Madrid, 1987) es uno de los grandes pintores aragoneses del siglo XX. Alcanzó una inicial notoriedad en París, en la inmediata posguerra, donde frecuentó a Hans... Ver mas
José Viola Gamón conocido como Manuel Viola (nombre que adoptó tras finalizar la Guerra Civil Española),
Manuel Viola (Zaragoza, 1916- Madrid, 1987) es uno de los grandes pintores aragoneses del siglo XX. Alcanzó una inicial notoriedad en París, en la inmediata posguerra, donde frecuentó a Hans Hartung, a Francis Picabia, André Breton, Benjamin Péret o Pablo Picasso, y conquistó una proyección internacional incuestionable en la década de los 60. Su fama, acompañada de éxitos, era tan nítida que mantuvo hasta cinco estudios abiertos en Ríos Rosa y El Escorial, donde murió en 1987, en Ginebra, en París y en Bruselas, ciudad en la cual residió ocho meses y desde donde hizo la escenografía para el espectáculo flamenco de Zambra.

Pero, además, fue poeta -dijo una vez: “Soy un poeta fracasado. Esto de convertirme en pintor ha sido un accidente”-, escenógrafo, teórico, un conversador infatigable, un buen bebedor, actor de televisión y, sobre todo, un personaje con sus tics teatrales, envuelto en un río desbordado de anécdotas y peripecias. En una de ellas, recogida por Jaime Esaín en la revista “Artes Plásticas”, en un especial dedicado a Aragón en 1979, se cuenta “el famoso trueque con Luis Miguel Dominguín de un cuadro por un Cadillac, que luego regaló, como vivienda, a una familia calé”. De ahí que también fuese conocido como “el pintor gitano”, de leonada melena al viento y voz rota. Escribió un cronista madrileño: “Su voz es un caos, un estropicio de fonética”.

Las fotos que conservaba Carlos Bartolomé (durante algún tiempo, galerista de su obra en cerámica) y que le cedió en un archivo de cartón a Pepe Cerdá, reflejan claramente su personalidad: apasionado ante el cuadro, vehemente, vital. Un puro torbellino de vida y de creación. En ese archivo “Kanguros” hay catálogos, tarjetas de inauguración de exposiciones, reproducción de revistas, recortes de prensas, artículos de fondo y varias entrevistas, entre ellas una muy jugosa de Fernando Huici en 1979, centrada en su relación con Francis Picabia (de quien se conmemoraba el centenario de su nacimiento) en los años de París.
Además de recordar que le gustaban sus paellas, señala el aragonés: “Una vez que llovía copiosamente estábamos observando unas estatuas rococó. Entonces me dijo: ‘Imagina que esas estatuas fueran de jabón. ¡Qué bella obra tendríamos ahora!’. Otra vez me dijo que la mejor colección de pintores estaría formada por aquellos que, durante la noche, pintaran magníficos cuadros en la suela de sus zapatos y, al día siguiente, se pasearan con ellos puestos en el Louvre”.

Nació Viola en una casa que estaba a orillas del Ebro, puerta con puerta casi con la Posada Salinas y muy cerca del amarre de la legendaria barca del Tío Toni. Se levantaba por la mañana y lo primero que veía era el Pilar, con su mole y sus torres desmayadas en la corriente del río. Se bautizó, como Manuel Alvar, en San Pablo, y pronto partió a la ciudad de su padre, Lérida. Allí, mientras estudiaba Bachillerato, convivía con sus tías y regresaba a Zaragoza en el verano.

Se inició en las artes como poeta. En la revista “Art” -que fundó con Gracia Llimona, Leandro Cristófol y Crous Vidal- desarrolló su aprendizaje de escritor: igual redactaba poemas, que aparecían al lado de otros de Lorca, Alberti, Paul Eluard o Cocteau, que escribía de música y de artes plásticas con notable erudición, e incluso firmaba -como José Viola a secas- unas “Notas” que eran como un decálogo de sus sueños o sus percepciones de la poesía. Por ejemplo, decía: “La poesía pura es el procedimiento de dar luz a los espíritus”. O, más genéricamente, observaba: “Mostrar los tejidos internos del alma, es el objetivo final del arte”. Ya se sentía surrealista (“El surrealismo es a la vez nueva noción de la poesía y un método nuevo de conocimiento”, anotó), y con ese impulso llegaría a Barcelona para cursar Filosofía y Letras y adscribirse al grupo barcelonés ADLAN.

En ésas andaba cuando estalló la Guerra Civil española. Manuel Viola se inclinó desde el principio por el bando republicano, se afilió como voluntario en el POUM y combatió en el frente de Aragón, en Mallorca y en la batalla del Ebro. Luego, derrotado el ejército constitucional (rojo), se marchó a Francia e ingresó en la Legión Extranjera. Estuvo en un campo de concentración y vivió todo tipo de aventuras y peligros.

En 1941, cuando ya había conocido a algunas de las figuras básicas de la cultura contemporánea en París, se trasladó a Normandía y allí inició su carrera de pintor. Había hecho algunos dibujos anteriormente, pero en medio del combate compaginó el arte y la literatura, y acabaría convirtiéndose en “Manuel” a secas, colaborador asiduo de “La main à plume”, que dirigía Eluard. Participa, más como testigo que como combatiente, en el desembarco de Normandía en 1944 y luego se las tuvo que ingeniar para sobrevivir en París. Ensancha el núcleo de sus amistades: Wols, Pierre Soulages, Schneider, y se suma claramente a la corriente del arte abstracto.

Realiza múltiples exposiciones. Dice Esaín: “Son los tiempos en que Dora Maar, la compañera de Picasso, le da 2.000 pesetas en francos para que sobreviva. Dormía entonces Viola en una pensión con un negro zulú”. Inspira la novela de César González-Ruano, “Manuel de Montparnasse”, y se enamora de Lorenza Iche, con la que se casaría y tendría una hija. Más tarde, estableció otra relación con María Asunción Arroyo. Participa en la colectiva “Españoles de la Escuela de París” y cosecha grandes elogios. Hacia 1949 regresa a España, en concreto a Zaragoza. Pronto fijaría su residencia en Torremolinos y más tarde en El Escorial. En 1957 realiza un cuadro expresionista e informalista casi legendario como “La saeta”, que ha hecho correr ríos de tinta. Y en 1958, se adscribe al grupo “El Paso”, en el que están otros dos aragoneses como Antonio Saura, uno de sus principales teóricos, y Pablo Serrano, que participó en la fundación pero luego siguió su camino en solitario junto a su delicada musa y esposa alicantina, Juana Francés.
A partir de entonces, este artista -que dijo una y mil veces: “En pintura nadie es hijo de padre desconocido” y que reivindicó la genialidad de Goya como motivo constante de referencia y de inspiración-, empezó a desarrollar su gran obra expresionista, de acusado sentido del color y de una rotunda “condensación de tensiones”, como señaló Carlos Areán. Una pintura apasionada y gestual, casi violenta, de una poderosa energía de ciclón en llamas, de una exaltación permanente de la vida y sus afueras.

En 1972, tras haber expuesto en medio mundo, desde Oslo a Nueva York, desde Venecia a Sao Paulo, fue objeto de una muestra antológica en el palacio de la Lonja de Zaragoza, que presentó con auténtico fervor José Camón Aznar. Aldo Pellegrini decía en el prólogo: “Es indudable que, para Viola, lo poético es guía y factor provocador de su obra. (…) Entre esas luces y sombras, colisiones y estallidos, Viola nos ofrece el gran espacio ideal para recorrer la libertad”. En 1989, el palacio de Sástago, con Cristina Giménez como comisaria, acogió una antología póstuma del artista. En 1980, con Pablo Serrano, había recibido la medalla de Oro de Zaragoza.

Una frase de Robert Motherwell compendia una parte de su pensamiento de pintor de acción que había escandalizado a la burguesía española: “Sin conciencia ética, un pintor es sólo un decorador”. Y también se retrató así: “El arte es una bella mentira. Aunque todo el mundo puede inventar su mentira. Y yo, como todo buen artista, puedo inventar la mía. ¿Mis influencias? La atmósfera de este país, la influencia básica de los cuadros negros de Goya y el aire de París”.

*Este artículo apareció el domingo 24 de octubre en las páginas de HERALDO. Doy desde aquí las gracias a Pepe Cerdá y a Carlos Bartolomé. Sin su generosidad, estas notas no hubieran aparecido.
ReF:http://antoncastro.blogia.com/2004/102403-manuel-viola-el-ciclon-del-arte.php

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JOSE MORENO CARBONERO ((Málaga 1858 - Madrid, 1942)

47. JOSE MORENO CARBONERO ((Málaga 1858 - Madrid, 1942)

http://es.wikipedia.org/wiki/Jos%C3%A9_Moreno_Carbonero

Es, después de Picasso, el artista malagueño que ha obtenido mayor reconocimiento, habiendo sido académico de la de San Fernando, premiado con las cruces de Alfonso XII, Carlos III e Isabel la Católica, además de haber conseguido innumerables medallas y premios de todo tipo. Fue un niño... Ver mas
Es, después de Picasso, el artista malagueño que ha obtenido mayor reconocimiento, habiendo sido académico de la de San Fernando, premiado con las cruces de Alfonso XII, Carlos III e Isabel la Católica, además de haber conseguido innumerables medallas y premios de todo tipo.
Fue un niño prodigio, ingresando con diez años en la Escuela de Bellas Artes de Málaga, donde fue discípulo de Ferrándiz. Con sólo doce años consiguió medalla de oro en una exposición de Málaga, a la que siguieron muchas otras en las nacionales.
Representó el arquetipo de artista académico, llegando a ser catedrático de Bellas Artes y Académico, además de conseguir vender sus cuadros de historia a precios astronómicos y ser el retratista favorito de la realeza y la aristocracia.

Entre sus cuadros más famosos están: El Príncipe de Viana, La conversión del Duque de Gandía y La entrada de Roger de Flor en Constantinopla.

El Museo de Málaga conserva más de treinta obras suyas.

Tambien son numerosas las que tiene el Museo del prado.

http://www.youtube.com/watch?v=2gU9MGxF0f4

http://malagapintada.blogspot.com/2...rbonero_09.html

http://www.tu.tv/videos/jose-moreno-carbonero



Obra. La conversion del Duque de Gandia. oleo lienzo coleccion Museo del Prado.

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EUSEBIO SEMPERE  ( Onil, Alicante  1923  - 1985.)

48. EUSEBIO SEMPERE ( Onil, Alicante 1923 - 1985.)

http://es.wikipedia.org/wiki/Eusebio_Sempere

Este pintor, escultor y artista gráfico nació en Onil, Alicante (España) el 3 de abril de 1923. Inició sus estudios en la Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia; que más tarde continuó en París. En esta ciudad empezó a relacionarse con los artistas más vanguardistas, como Chillida... Ver mas
Este pintor, escultor y artista gráfico nació en Onil, Alicante (España) el 3 de abril de 1923. Inició sus estudios en la Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia; que más tarde continuó en París.

En esta ciudad empezó a relacionarse con los artistas más vanguardistas, como Chillida, Jean Arp, Kandinsky, Mondrian, Klee, Matisse y Picasso, que influyeron de forma decisiva en su obra.

A partir de ese momento empezó a trabajar en construcciones geométricas y abstractas. Aunque produjo sobre fondos negros, también trabajó con la luz, por ejemplo, en 1955 experimentó en el Salón des Realités Nouvelles sobre el uso de la luz aplicada a las artes plásticas.

En 1960 regresó a España y se instaló en Madrid, donde se relacionó con un grupo de informalistas, el “Grupo de Cuenca” y con el grupo de realistas madrileños; también formó parte del “Grupo Parpalló” en Valencia.

En 1969 viajó a los Estados Unidos becado y comenzó a trabajar con el ordenador para aplicarlo a la creación artística. Esta técnica la continuó a su regreso en el Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid, y de esta manera se convirtió en el primero en hacer este tipo de arte en España.

Murió en abril de 1985 tras una larga enfermedad.

La obra de Sempere se caracteriza por “la abstracción, la repetición geométrica y la linealidad”, y su evolución hacia el Op Art y el constructivismo, utilizando elementos del arte cinético.

El artista realizó experimentos, además de con la luz, con el color, el ambiente y el movimiento; logrando con estos elementos en sus cuadros efectos ópticos para crear volúmenes en sus figuras geométricas repetidas.

Su obra abarca diversos soportes: dibujos, guaches, óleos, pinturas, serigrafías, esculturas de hierro y acero cromado.

Sempere fue nombrado hijo predilecto de la ciudad de Alicante y Doctor Honoris Causa de esta universidad. En el año 1983, obtuvo el premio Príncipe de Asturias de las Artes.

Otros premios y becas que obtuvo:

- Beca de Ampliación de Estudio del SEU (1948)

- Beca Ford del Instituto Internacional de Nueva York (1964)

- Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes, Ministerio de Cultura, Madrid (1980)

- Premio Alfons Roig, Diputación de Valencia (1983)

Su obra artística se encuentra, por donación del artista, en la ciudad de Alicante. El Museo de Arte Contemporáneo de Alicante contiene una colección de sus obras: 101 piezas, que abarcan todos los soportes trabajados por él. Además, dos de sus trabajos, que él mismo cedió, se pueden ver en el Museo de Escultura al Aire Libre de Madrid, para el cual creó las barandillas.

Obras en Museos y Colecciones:

- Institut Valencià d’Art Modern IVAM, Valencia

- Museo de Bellas Artes de Valencia

- Museo de Arte Moderno de Barcelona

- Museo de Arte Contemporáneo de Madrid

- Museo de BB.AA. de Bilbao

- Museo Español de Arte Abstracto , Cuenca

- Museo de Arte Moderno de Sevilla

- Museo de Río de Janeiro, Brasil

- Fogg Museum, Harvard University, Estados Unidos

- Museo de Arte Moderno MOMA, Nueva York

- Brooklin Museum, Nueva York, Estados Unidos

- Museum of Modern Art, Atlanta, Estados Unidos

- Baltimore Museum, Estados Unidos

- Museo de Hamburgo, Alemania

- British Museum, Londres

- Museo de Bellas Artes de Caracas, Venezuela

- Museo de Tel-Aviv, Israel

- Museo de Winterthur, Suiza

- The Nacional Museum of Western, Japón

- Fundación Juan March, Madrid

Fue coofundador del Museo Español de Arte Abstracto de Cuenca , junto a Fernando Zobel, Gustavo Torner, Gerardo Rueda y Antonio Lorenzo.- Posteriormente se unieron otros artistas.

Obra: "Composición" C. 1974.Tecnica: Serigrafía/papel . Medidas: 66 x 50 cms.Firmado: Sempere ( A Lápiz) .- Coleccion privada

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MANUEL HERNANDEZ MOMPO (Valencia 1927- 1992)

49. MANUEL HERNANDEZ MOMPO (Valencia 1927- 1992)

http://es.wikipedia.org/wiki/Manuel_Hern%C3%A1ndez_Momp%C...

Desde muy temprano y quizá marcado por el trabajo de su padre, profesor de pintura en la escuela del ayuntamiento valenciano, Manuel Hernández Mompó alternó los estudios básicos y de bachillerato con las clases de la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Valencia, donde ingresó en... Ver mas
Desde muy temprano y quizá marcado por el trabajo de su padre, profesor de pintura en la escuela del ayuntamiento valenciano, Manuel Hernández Mompó alternó los estudios básicos y de bachillerato con las clases de la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Valencia, donde ingresó en 1943; allí fue compañero de artistas españoles que, como él, alcanzarían reconocimiento nacional e internacional años después, entre ellos Sempere, Genovés y Vento. En 1948 logró una beca para pintar en Granada, en la Residencia de Pintores. Tres años después, una nueva pensión de tres mil pesetas le permitió viajar a París y entrar en contacto con los círculos de pintores informalistas, que marcarían su producción posterior; hasta entonces, Hernández Mompó había centrado su atención en los paisajes y los retratos. Los viajes fueron una constante de su vida, y entre 1954 y 1955 pasó una larga temporada en Roma, donde conoció a su esposa, la holandesa To-Postma, con quien tendría dos hijas y un varón; allí estuvo pensionado por el Departamento de Cultura del Ministerio de Educación Nacional para desarrollar sus estudios en la Academia de Bellas Artes de España; en 1954 fue premiado por la Navegación Italiana en la Exposición Internacional de Viareggio. Frecuentó después los cenáculos informalistas durante su estancia en Amsterdam, y se estableció en 1957 en Aravaca (Madrid). En 1958 disfrutó de una beca de la Fundación Juan March de Madrid, fue Gran Premio Nacional de Pintura y Primera Medalla de Pintura en la Exposición Nacional de Bellas Artes. Entre 1963 y 1973 alternó estancias en Ibiza y Madrid; en 1973 viajó a Estados Unidos, residiendo durante casi un año en California. A su vuelta a España se estableció en Palma de Mallorca, en 1974, y cuatro años después en Alaró (Palma de Mallorca). En 1975 conoció a Rafael Alberti en Roma, con quien colaboró para la carpeta Alberti por España. Hernández Mompó expuso en Madrid, Valencia, Granada, Gijón, Roma, Rotterdam y participó en exposiciones colectivas nacionales y extranjeras. Entre los premios más importantes que recibió durante su larga y prolífica carrera destacan, sobre todo, el Premio Unesco recibido en la XXXIV Bienal de Venecia de 1968. Su inicial producción figurativa se vio profundamente marcada por la experiencia del expresionismo abstracto y el informalismo, aunque sus obras nunca perdieron la realidad como referente, en obras de imaginería figurativa y poética mezclada en armonía con elementos abstractos y ricos efectos de superposición que recuerdan, en parte, la mejor producción de Paul Klee.
Manuel Hernández Mompó murió en Madrid en 1992.
Ref: http://www.josedelamano.com/pages/manuelhernandezmompo_b.html


Obra: Coleccion particular
Ver mas: http://www.google.es/images?hl=es&q=manuel+hernandez+mompo&um=1&ie=UTF-8&source=univ&sa=X&ei=nQxkTcfbHoOs8gOEkZHxCA&ved=0CEMQsAQ&biw=1024&bih=568

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GREGORIO DE OLMO PASCUAL (Madrid 1921-Valencia 1977)

50. GREGORIO DE OLMO PASCUAL (Madrid 1921-Valencia 1977)

http://es.wikipedia.org/wiki/Gregorio_del_Olmo

1921. Nace en Madrid el 13 de febrero. PINTOR DE LA ESCUELA DE VALLECAS 1933. Asiste a las Escuelas de Artes y Oficios de Madrid. 1936. Comenzada la guerra estudia en la Escuela de Bellas Artes instalada en el Museo de Arte Moderno con Daniel Vázquez Díaz, siendo compañeros suyos; Alvaro Delgado... Ver mas
1921. Nace en Madrid el 13 de febrero. PINTOR DE LA ESCUELA DE VALLECAS 1933. Asiste a las Escuelas de Artes y Oficios de Madrid. 1936. Comenzada la guerra estudia en la Escuela de Bellas Artes instalada en el Museo de Arte Moderno con Daniel Vázquez Díaz, siendo compañeros suyos; Alvaro Delgado, Carlos Pascual de Lara, San José, García Ochoa y Martínez Novillo. Acude a la tertulia del escultor Aventin y poco después comienzan, ya terminada la guerra, las actividades del grupo llamado«Escuela de Vallecas» que encabeza con los tres primeros pintores antes dichos, Benjamín Palencia. 1946. Se presenta con el grupo «La Escuela de Madrid» en su segunda exposición de la Galería Buchholz. 1948. Repite en la misma galería con «exposición 16 artistas de hoy». 1952. Exposición personal en Galería Estilo. «Pintura Religiosa» en la Sala Abril. «Arte religioso actual» en Barcelona. Exposición Antológica de acuarelas de pintores españoles, instituto de Cultura Hispánica, y en el Museo Municipal de Santander. Premiado en el concurso de Acuarelas y Motivos Navideños del Ateneo de Madrid. Concurre a la «Quinzaine Espagnole» de Biarritz, y en la de «Arte Sacro» de Londres. 1953. Exposición personal en la Galería Turner de Madrid y en la Sala Caralt de Barcelona. Participa en «Arte Español Actual» Ateneo de Madrid. Exposición homenaje a Vázquez Díaz en la sala de la Dirección general de bellas Artes. IX Exposición Antológica del Salón de los Once. Obtiene en la Bienal Hispanoamericana de La Habana el premio Jesús Pernas. En París participa en la «Exposición Art Libre» y en la Bienal de Sao Paulo. Arte Español Actual en Santiago de Chile. Exposición de Retratos Femeninos de Artistas Españoles Contemporáneos en la Dirección General de Bellas Artes. 1955. Exposición Ateneo de Valencia de Venezuela. Exposiciones en Santiago de Chile, Montevideo, Lima, Buenos Aires, Manila y Caracas. 1957. Exposición organizada por el Ateneo, con el título «Escuela de Madrid», en Valencia, Tarragona, Reus, Córdoba y otras ciudades españolas. 1962. Exposición «Escuela de Madrid» en la Galería Quixote de Madrid. 1965. Exposición personal en la sala de exposiciones de la Dirección General de Bellas Artes. 1968. 1ª Bienal de Arte de Bilbao, obteniendo el premio de adquisición. 1969. 1º Premio en el Certamen de la UNICEF, y también premio Repesa. 1971. Exposición personal en la Escuela de Nobles y Bellas Artes de San Eloy de Salamanca y en la Galería Theo de Madrid en la exposición «El pequeño formato» y «Maestros del paisaje» en la Galería Galanis de Valencia. 1972. Exposición personal en la Galería THEO de Madrid.

Obra: Gatito durmiendo. oleo lienzo , 55 x 74. firmado.- Coleccion privada

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GODOFREDO ORTEGA MUÑOZ (Valencia de Alcantara 1905-1982)

51. GODOFREDO ORTEGA MUÑOZ (Valencia de Alcantara 1905-1982)

http://es.wikipedia.org/wiki/Godofredo_Ortega_Mu%C3%B1oz

El conocimiento de la vida y de la obra del pintor extremeño Godofredo Ortega Muñoz (San Vicente de Alcántara, Badajoz, 1899 – Madrid, 1982) provocan tanto en el aficionado como en el estudioso una doble y creciente admiración, derivada ante todo de la singularidad que distingue a ambas: a la... Ver mas
El conocimiento de la vida y de la obra del pintor extremeño Godofredo Ortega Muñoz (San Vicente de Alcántara, Badajoz, 1899 – Madrid, 1982) provocan tanto en el aficionado como en el estudioso una doble y creciente admiración, derivada ante todo de la singularidad que distingue a ambas: a la vida, por el raro e infrecuente cosmopolitismo en la España de los años veinte y treinta del siglo pasado que fue impregnando el espíritu de Ortega Muñoz como consecuencia de sus numerosos viajes por Europa y el Mediterráneo y de la prolongada ausencia de su patria, y a la obra por la originalidad indiscutible de su estilo, a pesar de que puedan señalarse en determinados casos influencias concretas, principalmente italianas.

Entre fines de 1920, en que llega a París por primera vez, y junio de 1939, en que regresa definitivamente a España, Ortega Muñoz, según se desprende de la documentación disponible, pormenorizadamente analizada por María Jesús Ávila Corchero y Antonio Franco Domínguez, recorrió Francia, Bélgica, Holanda, Suiza, Alemania, Italia, Austria, Hungría, Egipto, Grecia, Turquía, Palestina, Portugal, Dinamarca, Noruega, Suecia y Finlandia, en sucesivas e intermitentes estancias, volviendo sólo por periodos cortos a España, como en 1926, cuando participó junto al escultor Alberto Sánchez, el pintor Benjamín Palencia y el poeta aragonés Gil Bel en una de las experiencias fundacionales de la posteriormente llamada «Escuela de Vallecas», o en marzo de 1927, cuando realiza su primera exposición individual en el Círculo Mercantil de Zaragoza, o a mediados de 1935, en que vuelve a su país con intención de quedarse y hace su segunda individual en el Círculo de Bellas Artes de Madrid en abril de 1936, pero del que terminará por salir de nuevo antes de que estalle la Guerra Civil.

Tiene completa razón Antonio Franco cuando denomina esos años como de «iniciación», en el sentido de viaje iniciático en el que va gradual y firmemente moldeándose la concepción artística de Ortega Muñoz, un proceso que también podría calificarse como de progresiva interiorización y espiritualización del objeto representado. Sin embargo, desde el punto de vista del lenguaje plástico empleado, podrían distinguirse al menos tres periodos claramente diferenciados en la producción entera de Ortega Muñoz. El primero correspondería a esos años de formación interior y de conocimiento de la realidad artística europea, esto es, hasta 1939, un periodo en el que se consolida su dominio de la figura humana a través del retrato, que fue precisamente uno de los géneros que mayores éxitos le depararon durante sus espaciosas estancias en el extranjero, pero en el que también ocupan un lugar muy importante los paisajes, bien sean naturales, rurales o urbanos. El segundo gran periodo abarcaría desde 1939 hasta 1959, es decir, desde su regreso definitivo a España y el momento de su primera exposición de la posguerra en octubre de 1940 en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, hasta su consagración nacional y reconocimiento internacional, coincidente casi de manera paralela a su desplazamiento de la escena artística por las nuevas generaciones de artistas, el ímpetu arrollador del informalismo desde mediados de los cincuenta en España y la apuesta de la política cultural exterior del régimen franquista por lenguajes cada vez menos figurativos. Durante esta segunda fase, quizás la más arquetípica de toda su producción, Ortega Muñoz pinta paisajes urbanos, bodegones, figuras humanas y paisajes, inclinándose paulatinamente por estos últimos, que constituyen su casi única atención a partir de 1955. Aunque desde 1959 hay quien ha querido ver otros dos periodos hasta su muerte, divididos en 1970, en realidad su exclusivo tema pictórico, el paisaje, así como la depuración y esencialidad de su lenguaje, en el que se elimina todo lo accesorio y las composiciones están dominadas por una estructuración básica y un cromatismo muy austero, autorizan a hablar de una sola y prolongada etapa artística que coincide además con el creciente olvido de su contribución estética, hasta acabar siendo casi un completo desconocido para las generaciones que irrumpen en el panorama español a partir de mediados los setenta.

De entre las influencias que pueden percibirse en su pintura, señaladas algunas por él mismo en sus escasas declaraciones, las fundamentales a mi juicio son las de Cézanne, Juan Gris, Carlo Carrà, Mario Sironi, Mario Tozzi, Giorgio Morandi, Giotto, Cimabue, Zurbarán y algunos miembros del grupo de Worpswede, especialmente Paula Modersohn-Becker, cuyo alejamiento voluntario de las corrientes artísticas internacionales, su búsqueda de lo universal en lo individual, su anticonvencionalismo y su rara apreciación de una estética como la de los retratos de momias egipcias de principios de nuestra era que formaban parte de los accesorios de las tumbas, se pueden apreciar en su inclasificable Autorretrato con rama de camelia, de 1906-1907. No obstante, conviene subrayar dos aspectos: en primer término, que Ortega Muñoz conoce perfectamente la evolución de toda la historia de la pintura occidental, además de amplísimas incursiones en la escultura y en la arquitectura, un saber que posee de primera mano, de manera directa, a través de la contemplación de las obras en los museos europeos. Ortega Muñoz es, asimismo, un hombre culto, que lee con asiduidad y está plenamente informado de las grandes corrientes espirituales e intelectuales de su época, pero, al ser una persona relativamente reservada, a la que le gusta más escuchar que hablar, nada presuntuoso ni vanidoso, no va por ahí dejando constancia explícita de su saber, lo que tampoco significa que lo oculte, sino que sencillamente se muestra como quien es, de manera auténtica y cabal. En segundo lugar, la asimilación tan personal que se produce en Ortega Muñoz de esas ascendencias, esto es, cómo, lejos de imitaciones coyunturales, van educando su mirada, haciendo madurar su concepción general acerca de la construcción de la forma, decantando su paleta, que ya de por sí tiende de modo natural hacia la sobriedad y los colores ocres y terrosos, eliminando cualquier estridencia, orientándolo en definitiva hacia la interioridad y el silencio, hacia la dignidad de lo humilde y de lo sencillo, hacia una economía de medios que en realidad está íntimamente emparentada con su preocupación estética y espiritual en captar lo esencial de cada cosa, de cada objeto y de cada criatura, hasta el punto, como observó agudamente Gerardo Diego, de humanizar las cosas, convirtiendo en vivas y animadas las cosas inanimadas que pintaba en sus cuadros, sobre todo muebles, cacharros de cocina y juguetes. Este modo personal e intransferible de asimilación, esto es, la mirada atenta y analítica hacia la pintura de las distintas épocas y escuelas, la observación crítica y selectiva, junto a un sólido conocimiento del oficio, es otro importante punto de contacto de Ortega Muñoz con los grandes maestros, sean antiguos o modernos, porque, remitiéndonos a dos de los más grandes artistas contemporáneos, Cézanne y Picasso, ¿no se debe en gran medida lo que hicieron a que supieron ver las obras de ciertos creadores del pasado que colgaban en los museos, o a que supieron ver con otros ojos la naturaleza o las manifestaciones hasta entonces consideradas como no artísticas de los pueblos primitivos actuales, elaborando de ese modo una obra que está en deuda con toda la historia del arte anterior, pero sin imitar nunca, olvidando incluso lo aprendido y observado, esto es, siendo ellos mismos y no otros? Aquellas influencias enumeradas antes están, como si dijéramos, diluidas en la obra de Ortega Muñoz, contaminan sutilmente sus composiciones, pero resultaría muy difícil señalar paralelismos concretos, tangibles, y en el supuesto de que sea posible hacerlo siempre brilla el vocabulario y la sintaxis del extremeño con luz propia, sin que pueda jamás acusársele de apropiaciones oportunistas o de imitaciones fáciles, tentación que ni siquiera se le pasa por la cabeza porque a él lo que le interesa es construir, como a Cézanne, una obra, una obra propia, auténtica y verdadera, y para ello aquellas influencias constituyen los depósitos formales y espirituales que la tradición deja en su conciencia, como le ocurre a todo hombre histórico que vive inmerso en los acontecimientos culturales de su tiempo, pues, como he dicho antes, y en contra de lo que pudiera parecer por su natural reserva e incluso digna modestia de carácter, a Ortega Muñoz no se le escapa el pulso espiritual y estético de su época.

Los cuadros que pinta durante ese primer periodo que transcurre casi enteramente fuera de España, sobre todo los realizados entre 1924 y 1934-35, son principalmente paisajes naturales y urbanos, montañas, valles y veredas en el primer caso, y perspectivas de calles, plazas, puentes y puertos en el segundo. En este conjunto de lienzos, sin embargo, las influencias que se detectan, aunque siempre de manera difusa e inconcreta, corresponden a los impresionistas, especialmente Monet, Pissarro y Sisley, muy vagamente a Van Gogh y también a los fauves, aunque en el caso de estos últimos se impone una notable reserva, ya que no sólo Ortega Muñoz usa el color de manera muy atemperada, sino que nunca es el protagonista de su pintura, prefiriendo convivir en igualdad de condiciones con la forma. Es en algunos de estos cuadros que pinta en Chioggia entre 1928-29 donde advertimos las primeras influencias nítidas de la pintura italiana del periodo de entreguerras, por ejemplo en las dos casas con ventanas rectangulares de la zona de la izquierda de Calle de Chioggia, cuya austeridad conceptual contrasta con otros elementos del mismo cuadro. Sin embargo, es un periodo de definición lingüística, de búsqueda y de aprendizaje, aunque hacia el final de esa etapa aparecen ya obras, como Estación, de 1934, muy logradas desde el punto de vista compositivo y, sobre todo, anunciadoras de dos constantes que van a darse con posterioridad en los paisajes de Ortega Muñoz: la ausencia de figuras humanas y los tonos terrosos.

Los óleos que pinta en 1939, inmediatamente después de su regreso a España, Calle de pueblo, Calle Ventosa, Pozo de los Corrucos, están sin duda entre los más característicos de su producción, pero llama la atención el interés por resaltar el color, sobre todo azules, ocres y rosas, en contraste con el silencio y la soledad que se desprenden de esas humildes casas, calles y plazuelas de pueblo, aunque si nos fijamos bien las ventanas y las puertas otorgan una especie de rostro humano a esas sencillas viviendas, que parece como si tuvieran vida propia, como si palpitasen y vibrasen por efecto de las notas cromáticas. Aquí no hay contacto teórico ni conceptual con la metafísica de Giorgio De Chirico, pues, como ha señalado justamente Argan, la obra del italiano no tiene relaciones con la realidad, es intemporal, metahistórica, resultando a la postre sus calles y plazas inquietantes, perturbadoras y contradictorias, precisamente por colocar «formas sin sustancia vital en un espacio vacío e inhabitable y en un tiempo que no es eterno sino inmóvil». La pintura metafísica de De Chirico es «pura especulación», esto es, pura imaginación plástica sin función histórica alguna. Las solitarias calles y plazoletas de aquellos lienzos de Ortega Muñoz, en cambio, sí que están vinculadas a la realidad temporal, mejor dicho, al tiempo vivido por sus ocultos habitantes, pues, a pesar de su enorme plasticidad, de esos contornos de las casas fileteados de trazos negros, planea en ellas la presencia humana, en cualquier momento podría surgir de una bocacalle una vieja campesina de carne y hueso, siendo inconcebible situar ni siquiera con la imaginación una estatua o un maniquí, ni siquiera esa niña con un aro que como un espectro o un fantasma atraviesa corriendo una de las composiciones más célebres del gran pintor metafísico. Es verdad que frente a éste último la irrupción de Carlo Carrà en la Metafísica supone una mayor concreción y construcción plástica de la forma, pero si comparamos dos obras que alguna vez han sido relacionadas, Pino junto al mar, pintada por Carrà en 1921, y Calle y casas, realizada por Ortega Muñoz hacia 1939, observaremos en la primera el empleo de colores planos, la delimitación de zonas espaciales y la unificación de los objetos por la luz, además del hecho de que la concreción plástica de ese tronco de pino supone un acercamiento decidido a los primitivos italianos y a Masaccio, mientras que en el cuadro de Ortega Muñoz, sin negar la relación, se advierte también una lejana filiación con la primera oleada del expresionismo nórdico, incluso con algunas composiciones urbanas del Kandinsky de 1908, aunque, es conveniente subrayarlo, ni Ortega Muñoz es un pintor metafísico ni es un pintor expresionista.

Campesino extremeño, de 1939, y La cancilla, de 1940, son obras espiritualmente semejantes, aunque en una la presencia dominante sea la de una figura humana y en la otra una simple cancela de madera que cierra una propiedad rural. Resulta curioso que algunos críticos hablen de claras influencias italianas, de la Metafísica de Carrà o del Sironi de Novecento, en esos años de la producción de Ortega Muñoz y, sin embargo, estos dos cuadros muy difícilmente podrían relacionarse con aquellas tendencias artísticas europeas. Si se me permite expresarlo de esta manera, yo no veo diferencia plástica ni espiritual alguna entre Calle Ventosa y Campesino extremeño: repárese en los azules, en la aplicación de la pincelada en el tronco seco del árbol y en la camisa del campesino y en la que cubre las desnudas paredes de las casas; pero repárese sobre todo en la dignísima presencia de ese campesino maduro, enjuto, grave, consumido por el trabajo diario, sin una pizca de rencor contra la vida o el destino, sin resignación tampoco, sino con sencilla dignidad, con autenticidad absolutamente antirretórica, dirigiéndose o volviendo de su trabajo, una vuelta que le conducirá hasta aquellas casas ligadas a la tierra y a los seres que habitan en ellas, porque el que las calles estén solitarias no significa que ese pueblo esté deshabitado, que sea un fragmento intemporal, espectral, de un casco urbano en el que la Historia se ha congelado, como en los cuadros de De Chirico, sino que es un trozo cálido de un pueblo pobre extremeño de la España de la inmediata posguerra, en el que no hay motivos para la alegría pero tampoco para la desesperación: de lo que se trata es de sobrevivir con dignidad.

Es entonces cuando Ortega Muñoz descubre la esencia escondida de los objetos cotidianos y de las cosas sencillas, de las mesas de madera y las sillas de anea, de los cacharros de cocina y de los juguetes pobres de los niños pobres de Extremadura. Bodegón del pan y el queso y La jaula, ambos de 1940, y Juguetes y Bodegón con aceitera y almirez, de 1941, son significativos ejemplos de esta poética donde los objetos son trasuntos simbólicos de los seres humanos que los usan. La atmósfera espiritual podría relacionarse con Morandi, aunque la construcción plástica de la forma con Zurbarán y Cézanne. Pero si Morandi recibe sobre todo la lección cézanniana de identificación entre pintura y conciencia, haciendo que en las botellas y recipientes vacíos que pinta se deposite el fluir mismo de su existencia, una existencia individual que, sin embargo, se hace universal porque los intereses de su conciencia se comunican con los del mundo, Ortega Muñoz redime a los objetos de su anonimato, los rescata de una hipotética existencia inerte, los humaniza, los equipara espiritualmente con esos mismos seres que van a servirse de ellos. Yo no creo que deba hablarse aquí de una mística del objeto, o de una pintura religiosa, en la que la cosa adquiere una dimensión sagrada, pero sí de una pintura que persigue la esencia, esto es, que en una sillita de juguete, en una pequeña jaula de madera vacía o en un cuenco de barro el pintor descubre la nobleza del material trabajado por el hombre, la grandeza de la naturaleza que se manifiesta en lo más humilde, la autenticidad de lo sencillo y de lo que carece de artificio. La singularidad de Ortega Muñoz podemos constatarla una vez más si comparamos dos cuadros en cierto modo semejantes por la coincidencia de algunos elementos, aunque diferentes en aspectos fundamentales. Se trata del célebre cuadro de Van Gogh de diciembre de 1888 titulado La silla de Gauguin y del Bodegón de la silla, pintado por el extremeño en 1947. El cuadro de Van Gogh es un retrato ausente: como no ha podido o no se ha atrevido a retratar directamente a su amigo, ha representado la silla en que habitualmente se sienta y sobre la cual están los libros que lee Gauguin, al lado de una vela encendida. La silla está en un primerísimo plano y ocupa casi toda la superficie de la tela: es el sustituto de la figura ausente de Gauguin; además, la obra posee seguramente un marcado simbolismo: Gauguin es un hombre curioso e inquieto intelectualmente, ávido de saber, así como solitario y de trato difícil. En el óleo de Ortega Muñoz la silla está en un rincón, junto a una puerta y a un marco vacío que hay en el suelo, es decir, está ligeramente desplazada hacia la derecha, ocultando el vano y equilibrando con su respaldo de madera la pared desnuda de la izquierda. Sobre la silla hay un par de manzanas, circunstancia que por sí sola sirve para comunicar al espectador la presencia humana que hay en esa humilde casa, como si en cualquier momento pudiese aparecer un niño y sentarse en ella disponiéndose a comerse las manzanas, o bien se inclinase una mujer a cogerlas y colocarlas en otro lugar. Es la poética de lo sencillo y humilde, la humanización del objeto, la plena autonomía del bodegón, rescatado por Ortega Muñoz de su presunta condición de género secundario. De ahí que no nos sorprenda que sobre una silla prácticamente idéntica esté sentada una niña en el cuadro del mismo año titulado Niña con cantarito, un lienzo que no necesariamente hay que verlo como un retrato, sino como un hermoso trozo de pintura en el que un ser pleno de inocencia y de vida, a pesar de la tristeza que se refleja en su rostro, posa para el pintor. No se trata de una tristeza común, como la producida por la pérdida de un familiar querido, sino la tristeza que asoma plena de dignidad por las duras condiciones del vivir cotidiano, por la pobreza económica que sin duda debe haber en esa casa. El cuadro está maravillosamente compuesto, aunque lo mejor de todo es la luz que ilumina el rostro, los sonrosados mofletes de la chiquilla, la correlación entre las luminosas pinceladas de amarillo de la cara y el purísimo amarillo de las mangas de los brazos, con esas manos abocetadas asiendo el cántaro que hay sobre su regazo, un ejercicio extraordinario de simetría no geométrica, sino muy natural, por no hablar de la concordancia entre los tonos marrones y oscuros del pelo, la silla y el cántaro en contraste con la blanca luminosidad resplandeciente del vestido, un blanco cuyo último fleco es ese lazo que adorna la cabeza de la niña. Otra obra maestra gemela espiritual y estética de la anterior es Niño con membrillo de 1950, un trozo de pintura incomparable, ante el que se derrumban esas artificiales construcciones que tanto gustan a historiadores y críticos acerca de la evolución histórica y el progreso de la pintura, porque ¿quién se atrevería a decir que este lienzo extraordinario está desfasado respecto de la pintura de su tiempo? Por supuesto que por entonces reinaba en el occidente de Europa y en Estados Unidos el informalismo, el abstracto-expresionismo, para decirlo a la manera de los americanos, pero ese hermosísimo lienzo de Ortega Muñoz nos enfrenta también con la verdad de la pintura, una verdad que está en Tàpies y en Pollock, pero que no por eso debemos desecharla de esta corriente figurativa que predomina en algunos de los mejores pintores españoles de la posguerra, aunque este grado de verdad pictórica sólo se me ocurre compararlo éticamente con Van Gogh, con independencia de sus distintos lenguajes artísticos. Hay aquí un caudaloso río subterráneo que atraviesa el cuadro poniendo de manifiesto el enorme conocimiento que Ortega Muñoz había adquirido de la historia de la pintura en sus viajes por Europa, pero más que señalar influencias concretas, hay un estilo personalísimo, una ética pictórica, un dominio absoluto de los recursos, una demostración de algo también que algunas veces se le ha sustraído: su sabio empleo del color. ¿O es que no hay una inmensa sabiduría cromática en esas asombrosas concordancias de verde entre el rostro del niño, sus manos y el membrillo? Pero quizás lo más extraordinario de todo, y esto sí que es algo que muy pocos consiguen, es que este cuadro refleja con increíble exactitud un periodo de la historia contemporánea de España, el de la tristeza y las penurias de la posguerra, capacidad que, en otro ámbito de la creación artística, sólo quizás le fue concedido en un grado tan alto a la novela. La postura tímida de ese niño, su mirada perdida, es un fiel retrato de la España de ese tiempo, y en esto también hay una conexión de Ortega Muñoz con la escuela de pintura española, desde El Greco y Zurbarán hasta Picasso y Juan Gris, una escuela que naturalmente ofrece unos rasgos distintivos de adustez y sobriedad muy marcados respecto a otras escuelas europeas.

Quisiera terminar haciendo una breve referencia a dos cuadros de 1951, La visita y El espejo, y otro de 1952, La escalera. Más que a Sironi o a Tozzi, aquí sí que están patentes la admiración y la lección aprendida en los primitivos italianos, especialmente en Giotto: la sobria claridad compositiva y la austeridad cromática, la solidez constructiva de la forma y el carácter abstracto de las masas, el simbolismo trascendente de las figuras. En La visita, por ejemplo, el esquema compositivo es el de un triángulo invertido inscrito en un rectángulo; hay, asimismo, una complementariedad en las dos figuras femeninas situadas a derecha e izquierda, una con un velo y la otra con la cabeza descubierta, mientras que la niña de espaldas del primer término acentúa la simetría y hace de elemento equidistante entre las dos figuras de frente. El semblante de la mujer cubierta con un trozo de tela blanca a modo de velo es muy similar al que se refleja en El espejo, un cuadro pleno de intimidad y de espiritualidad, pero también muy plástico, con un equilibrio perfecto de las masas y un colorido que no estorba en absoluto el volumen y firmeza de la figura. Como ha señalado Pierre Grison a propósito de qué refleja el espejo, aquí puede decirse que el espejo refleja la verdad, la sinceridad, el contenido del corazón y de la conciencia. En La escalera, en cambio, asombra la delicadeza con la que Ortega Muñoz irrumpe en el trajín cotidiano de esa mujer, la leve insinuación del giro del cuerpo al llegar al rellano de la escalera, la increíble correspondencia entre la dirección de las pinceladas del vestido y la casi imperceptible inclinación de los labios. El canto de cisne de esta etapa figurativa es el extraordinario Muchacha de la margarita, de 1955, pues a partir de ese año irá depurando cada vez más esa gran obra maestra del paisaje que es El camino o La carretera, de 1954, con la consigue precisamente su reconocimiento internacional.

Ref: http://www.telefonica.net/web2/enriquecastanos/ortegamunoz.htm


Obra: Arboles en flor. oleo tabla. 33 x 41 . firmada . coleccion privada.-

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PABLO PALAZUELO DE LA PEÑA ( Madrid 1916 -2007)

52. PABLO PALAZUELO DE LA PEÑA ( Madrid 1916 -2007)

http://es.wikipedia.org/wiki/Pablo_Palazuelo

Pintor, escultor y grabador español e impulsor de la ABSTRACCIÓN GEOMETRICA en España. Pablo Palazuelo estudia Arquitectura en Madrid y en el Royal Institute of British Arquitects de Oxford. Regresa a España en 1936 y desde 1940 se dedica a la pintura. Sus primeras obras neocubistas... Ver mas
Pintor, escultor y grabador español e impulsor de la ABSTRACCIÓN GEOMETRICA en España.

Pablo Palazuelo estudia Arquitectura en Madrid y en el Royal Institute of British Arquitects de Oxford.

Regresa a España en 1936 y desde 1940 se dedica a la pintura. Sus primeras obras neocubistas, influidas por Paul Klee, le conducen hacia la abstraccion, a la que llega en 1947-48. Con una beca del gobierno frances se va a Paris en 1948 y se instala en el Colegio de España, donde conoce a Chillida, con quien participa en el Salon de Mayo de ese mismo año. Aunque sus primeros dibujos son de un constructivismo puro, este da paso al arte abstracto regido por las leyes de la naturaleza con un fuerte componente geometrico y matematico.

Su pintura, de una apariencia sencilla, oculta una gran complejidad teorica que procede en gran medida de sus lecturas de Mircea Eliade, Gaston Bachelard y las filosofias orientales.

A su regreso a España en 1969, e instalado en Monroy (Caceres), realiza la serie "Monroy", en la que investiga sobre la relacion entre los signos graficos y la musica y llega a hacer cuadros "musicales".

Desde 1979 realiza de forma continuada tanto escultura como pintura. Ha sido galardonado con el Premio Kandinsky en 1952, el Premio Carnegie en 1958 y la Medalla de Oro de Bellas Artes en 1982.

Exposiciones Individuales (Seleccion) - 1958 Galeria Maeght, Paris - 1964 Galeria Juana Mordo, Madrid - 1978 Galeria Maeght, Paris y Zurich - 1979 Galeria Art in Progress, Munich - 1981 Galeria Theo, Madrid - 1986 Galeria Maeght-Lelong, Paris - 1991 Galeria Soledad Lorenzo, Madrid - 1993 Museo de Bellas Artes de Bilbao - 1995 Museo Nacional de Arte Reina Sofia de Madrid - 1996 IVAM, Valencia; ?Indret? MACBA, Barcelona - 2003 Galeria Joan Prats, Barcelona - 2006 MACBA, Barcelona

Museos y colecciones publicas (Seleccion) - Artium, Museo de Arte Contemporaneo, Vitoria- Gasteiz - Carnegie Museum of Art, Pittsburg - Centro Andaluz de Arte Contemporaneo - Coleccion Arte Contemporaneo Fundacion ?La Caixa? - Coleccion Banco de España, Madrid - Fundacion Juan March, Madrid - Kunsthalle Lund, Suecia - Kunsthaus, Zurich - Museo de Arte Abstracto, Cuenca - Museo de Arte Moderno, Rio de Janeiro - Museo de Arte Moderno de la Villa de Paris - Museo Fundacion Maeght, Saint-Paul-de-Vence - Museo Guggenheim, Bilbao - Museo Nacional de Arte Reina Sofia, Madrid - Museu d?Art Contemporani, MACBA, Barcelona - Patrimonio Nacional, Madrid - Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York - The Museum of St. Louis, Missouri

Ref: Galerias de PicassoMio y PicassoMio.com .


Obra. El numero y las aguas. Coleccion privada.

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JOAQUIN PEINADO (Ronda-Malaga1898- Paris 1975)

53. JOAQUIN PEINADO (Ronda-Malaga1898- Paris 1975)

http://es.wikipedia.org/wiki/Joaqu%C3%ADn_Peinado

Joaquín Ruiz-Peinado Vallejo nace en Ronda el 19 de Julio de 1898. Muy pronto destacarían sus aptitudes para el dibujo, lo que hizo que se matriculara en 1918 en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando, siendo becado durante tres cursos en el Monasterio de Santa María de El Paular... Ver mas
Joaquín Ruiz-Peinado Vallejo nace en Ronda el 19 de Julio de 1898. Muy pronto destacarían sus aptitudes para el dibujo, lo que hizo que se matriculara en 1918 en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando, siendo becado durante tres cursos en el Monasterio de Santa María de El Paular (1921-1923). En 1923, una vez superados sus estudios, marcha a París, donde se establecería de manera continuada. Desde su llegada se integra en el mundo artístico, conformando junto a otros españoles como Manuel Ángeles Ortiz, Hernando Viñes, Francisco Bores, Pancho Cossío y Picasso -con el que mantuvo una especial amistad- la llamada Escuela Española de París.

Sigue manteniendo contacto con sus amigos de España, como Federico García Lorca, al que conoció en Málaga en 1918, y sobre todo, con Francisco García Lorca con el que se encontraba muy unido. Asimismo, continuaría formando parte de la vida artística española, participando en la mítica Primera Exposición de la Sociedad de Artistas Ibéricos en 1925, e ilustrando las revistas Litoral, Gallo y La Gaceta Literaria, así como La flor de Californía de José María Hinojosa. La Diputación de Málaga le reconocería en 1929 con el premio de pintura junto a José Moreno Villa en la Exposición Arte Regional Moderno en la Casa de los Tiros de Granada. Mantendría relación con las artes escénicas, participando en Un Perro Andaluz (1929) y La Edad de Oro (1930) -de su amigo Buñuel- o como escenógrafo y figurante en Carmen de Feyder (1925). Igualmente, y en 1926, participaría en la representación de El retablo de Maese Pedro de Falla en Ámsterdam junto a Buñuel, Cossío, Viñes y Ángeles Ortiz.


Su trayectoria artística lo llevaría a ocupar un puesto destacado dentro de la Escuela de París; sus méritos artísticos serían reconocidos ostentando los cargos de director de la Sección de Pintura de la Unión de Intelectuales Españoles, la vicepresidencia de la misma y el nombramiento por la UNESCO como delegado de la Sección de Pintores Españoles de la Escuela de París.

En 1946 sería uno de los organizadores de la exposición Arte de la España Republicana. Artistas españoles de la Escuela de París, celebrada en Praga. Desde esta fecha serán frecuentes sus exposiciones internacionales, ya sean individuales o colectivas, siendo agrupado dentro del mejor arte francés de la época. Del mismo modo y en paralelo a esta fecha (desde 1945) un estilo personal acompañará su vida, alternado con experimentos abstracto-geométricos donde se denota en la importancia del modelo, lo estricto del dibujo, la racionalización de lo representado y el uso del color con calidades de acuarela. En 1969 regresa a España gracias a la exposición en la Dirección General de Bellas Artes que consagra su figura en nuestro país.

Peinado es considerado pieza fundamental para la revisión del arte español contemporáneo y la llamada Escuela de París, así como por su acercamiento a lenguajes plásticos como el Neocubismo, la Figuración Lírica o la abstracción geométrica.

Muere en París el 13 de Febrero de 1975.

Ref: http://www.museojoaquinpeinado.com/biografia.php

0bra. Guache papel. Coleccion privada

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NICANOR PIÑOLE RODRIGUEZ (Gijon 1879- 1978)

54. NICANOR PIÑOLE RODRIGUEZ (Gijon 1879- 1978)

http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?t=7581

Pintor español nacido en en Gijón el 6 de enero de 1878. Pocos meses después de su nacimiento falleció su padre, el capitán de Marina Mercante Nicanor Piñole Ovies, que se hundió con el vapor Asturias frente a la costa de Tarragona, tras haber puesto a salvo a toda la tripulación. Su madre Br... Ver mas
Pintor español nacido en en Gijón el 6 de enero de 1878. Pocos meses después de su nacimiento falleció su padre, el capitán de Marina Mercante Nicanor Piñole Ovies, que se hundió con el vapor Asturias frente a la costa de Tarragona, tras haber puesto a salvo a toda la tripulación. Su madre Brígida Rodríguez Prendes se traslada con el pequeño huérfano a la vivienda de su hermana Manuela, casada con Manuel Prendes quien ejercerá de padre de Nicanor.

A los cuatro años comienza a asistir al colegio de monjas de Santo Angel en Gijón y a los nueve años comenzará a recibir sus primeras clases de dibujo. Un año después ingresa en el Instituto Jovellanos , pero su bajo rendimiento escolar hizo replantearse a su familia la línea de estudios que debía seguir.

Con catorce años su tío lo traslada (con aprobación materna) a Madrid (1892), donde ingresa en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando, permaneciendo seis años en dicha escuela, convirtiéndose pronto en alumno aventajado y recibiendo, por votación de sus compañero el Primer Premio de Paisaje de la Escuela. Es en Madrid donde pinta sus primeros cuadros y su primer autorretrato (1894), iniciando una serie que continuará el resto de su vida. Se trata del pintor que cuenta con un número mayor de autorretratos, número que supera el centenar.

Con diecinueve años concurre a la Exposición Nacional con el cuadro Un borracho, logrando por el mismo una Mención Honorífica (1897). Esta misma distinción logra, en el mismo certamen, el joven Picasso que tenía en ese momento 16 años. Toda su vida presentó Nicanor Piñole sus obras a la Exposición Nacional, no consiguiendo jamás el Primer Premio. El máximo galardón que consiguió en dicho certamen nacional, fue la Segunda Medalla, con el Retrato de Manuel Prendes en 1917.

En 1900, finalizado su aprendizaje en San Fernando, comienza a trabajar con Ferrant, un importante pintor del momento. Pero pronto Piñole se traslada a Roma, a fin de adquirir nuevos conocimientos, permaneciendo en Italia hasta la edad de 24 años, regresando a la casa materna, donde permanecería hasta el final de su vida.

A su regreso, se encontró con las críticas de Adeflor, crítico de El Comercio que ya había apadrinado al joven pintor Ventura Álvarez Sala y a éste dirigía sus buenas críticas mientras que Piñole era el objeto de sus ataques.

El carácter de Piñole era reservado y prefirió siempre trabajar cerca de su madre en lugar de buscar el reconocimiento y fama por parte del gremio artístico, rehuyendo siempre los servilismos derivados de los actos sociales enfocados a encumbrar a determinados artistas.

Durante los acontecimientos bélicos (revolución de 1934 y guerra civil) Piñole permanece en su casa de Gijón mientras el resto de su familia se refugia en la finca de Carreño. Sus continuas salidas por Gijón durante este periodo hizo que más de una vez fuese detenido sin mayores consecuencias. El paso de la guerra por Gijón quedó impreso en muchos de los lienzos de Piñole como en El refugio o La retirada de Simancas.

En 1951, pinta el último retrato de su madre, que a juicio de los críticos es el mejor de todos. Un año después muere doña Brígida con noventa y siete años. El mismo año de 1952 el Ayuntamiento de Gijón rinde homenaje a Piñole colocando un busto suyo en el parque Isabel la Católico junto al busto de su amigo el pintor Evaristo Valle. Recibe este año también el nombramiento de miembro del Instituto de Estudios Asturianos.

A la edad de 94 años se casa con Enriqueta Ceñal, la persona que desde treinta años antes había entrado en su casa como asistenta y acompañante. Este hecho ha sido interpretado como la solución que el pintor encontró ante los posibles problemas de herencia aunque también se ha querido ver que se trató de una compensación al cuidado que Enriqueta le dedicó a él y a su madre. Con ella viajará de nuevo por las principales ciudades españolas, recibiendo galardones y homenajes honoríficos. Es condecorado con la Medalla de Oro al Mérito en Bellas Artes y recibe el título de Hijo Predilecto de Gijón.

Murió en su ciudad natal el 18 de enero de 1978 a escasos doce días de haberse celebrado el centenario de su nacimiento.

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Obra: Autoretrato.-

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CECILIO PLA Y GALLARDO (Valencia 1860- Madrid 1934)

55. CECILIO PLA Y GALLARDO (Valencia 1860- Madrid 1934)

http://www.artespain.com/25-07-2009/pintura/biografia-de-...

Pintor español. Se forma en la Academia de San Carlos de Valencia y en la Academia de San Fernando de Madrid, siendo además discípulo de Emilio Sala. En 1880 se establece en Roma, viajando por el resto de Italia, Francia y Portugal. Desde Italia comienza a enviar obras, la mayoría de ellas... Ver mas
Pintor español. Se forma en la Academia de San Carlos de Valencia y en la Academia de San Fernando de Madrid, siendo además discípulo de Emilio Sala. En 1880 se establece en Roma, viajando por el resto de Italia, Francia y Portugal. Desde Italia comienza a enviar obras, la mayoría de ellas escenas de género costumbristas en las que se observa la influencia de Fortuny, con las que participa en las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes y con las que consigue numerosos galardones. Ejemplo de ello es su Dante y El sepulcro de Santa Leocadia, ambas premiadas con medallas de tercera clase, obteniendo una Medalla de Honor en la Exposición Universal de París de 1900. Su obra se caracteriza por la gracia y la elegancia decorativa, así como por un magnífico dibujo cercano a la sensibilidad modernista. También posee óleos realizados en un estilo impresionista de gran audacia. Autor de obras decorativas para palacios y edificios públicos de Madrid como el Casino o el desaparecido Palacio de Medinaceli de la Plaza de Colón, es desde 1910 profesor en la Escuela de San Fernando de importantes pintores como Juan Gris y José María López Mezquita. En 1924 es nombrado académico de San Fernando, ejerciendo su magisterio notable influencia en los círculos artísticos conservadores. Su obra se encuentra representada en la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos, Valencia.

Obra. Mujeres con sombrilla

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JOAN PONC (Barcelona 1927-S.Paul de Vence-Francia 1984)

56. JOAN PONC (Barcelona 1927-S.Paul de Vence-Francia 1984)

http://es.wikipedia.org/wiki/Joan_Pon%C3%A7

Joan ponç ha sido uno de los más grandes artistas de Cataluña y sin embargo su obra ha permanecido sumergida en el desconocimiento del público general en comparación con otros muchos pintores de su generación. Fue uno de los fundadores del movimiento Dau al Set (junto a los pintores Modest... Ver mas
Joan ponç ha sido uno de los más grandes artistas de Cataluña y sin embargo su obra ha permanecido sumergida en el desconocimiento del público general en comparación con otros muchos pintores de su generación. Fue uno de los fundadores del movimiento Dau al Set (junto a los pintores Modest Cuixart y Antoni Tapies, el poeta Joan Brossa, etc), un grupo artístico de la posguerra que a través de una pequeña revista de mismo nombre intentó remover un poco la quietud reinante en la vida cultural de su momento. Dau al Set se reclamaba hederero del surrealismo, pero dado el régimen de opresión y censura que les tocó vivir dejaron a un lado cualquier tipo de rebelión social o política y se restringieron a las imágenes. En ese sentido, la obra que surgió de este grupo fue magnífica. Preocupados por cultivar una estética magicista y con referencias vagamente esotéricas sin duda fue Joan Ponç el que más lejos llegó en la exploración de esta actitud, la cual mantuvo (a diferencia de la mayoría de sus compañeros de Dau al Set) a lo largo de toda su vida.

La obra de Joan Ponç está sembrada de una atmósfera de extrañeza absoluta, con pocas referencias al mundo “objetivo”, conformando sin embargo una descripción obsesiva e infinitamente detallada del mundo interior de su autor, con obras agresivas, demoníacas, atormentadas y que en general resultan muy cercanas a la producción del llamado Arte Bruto (realizadas por enfermos mentales y autodidactas marginales). Su obra que apenas se expuso y vendió en vida del pintor (murió en 1984 con 57 años) y al parecer queda un fondo bastante amplio que ni siquiera ha sido reproducido en ningún libro.

Hemos querido hacer un pequeño homenaje a este artista que consideramos imprescindible y cuyas imágenes son producto de una ejemplar mente de ácido.

Ref: http://www.mentesdeacido.net/articulos/ponc/ponc.html

Obra: Visió de la terra de Iatra" de Joan Ponç de 1948

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JULI RAMIS Y PALAU ( Sóller, Mallorca, 1910 - Palma de Mallorca 1990)

57. JULI RAMIS Y PALAU ( Sóller, Mallorca, 1910 - Palma de Mallorca 1990)

http://ca.wikipedia.org/wiki/Juli_Ramis_i_Palau

Juli Ramis (Soller 1909-1990) es el pintor mallorquin de mayor fama internacional y uno de los innovadores de la pintura mediterranea por haber sido un avanzado en todos los ismos. desde que abandono su mallorca natal para intengrarse en las corrientes esteticas que tuvieron en los creadores... Ver mas
Juli Ramis (Soller 1909-1990) es el pintor mallorquin de mayor fama internacional y uno de los innovadores de la pintura mediterranea por haber sido un avanzado en todos los ismos. desde que abandono su mallorca natal para intengrarse en las corrientes esteticas que tuvieron en los creadores españoles- Picasso, Miró, Gris, Dali, Tàpies o el propio Ramis-sus puntas de lanza. tras haber recibido en Paris Londres y Tanger, entre otras ciudades, Juli Ramis regresa a Mallorca para repartir su vida y su trabajo entre Palma y Biniarax, en el valle de Soller. en la actualidad Ramis esta presente en los museos de arte moderno de Paris, Madrir, Lyon, Londres y Tanger entre otros, donde figura obra suya de muy diversos estilos y epocas. el Govern Balear le consiguio la medalla de oro de la comunidad Balear en 1990. en 1991 se han celebrado exposiciones antologicas de su obra en Palma, Madrid y Barcelona.

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MANUEL RIVERA ( Granada 1927- Madrid 1995)

58. MANUEL RIVERA ( Granada 1927- Madrid 1995)

http://es.wikipedia.org/wiki/Manuel_Rivera_(pintor)

Manuel Rivera (Granada 1927-Madrid 1995) es uno de los artistas que más claramente se atrevió a modernizar en los años 50 el arte español anclado en el academicismo. En su asfixiante Granada natal, en la España oscura de la posguerra y la dictadura, en un ambiente en el que la abstracción era... Ver mas
Manuel Rivera (Granada 1927-Madrid 1995) es uno de los artistas que más claramente se atrevió a modernizar en los años 50 el arte español anclado en el academicismo. En su asfixiante Granada natal, en la España oscura de la posguerra y la dictadura, en un ambiente en el que la abstracción era despreciada, en ese entorno, Manuel Rivera se arriesgó, en absoluta soledad, por el camino de la renovación.

El Catálogo Razonado, en edición bilingüe español-inglés, tendrá 'gran importancia en la difusión y recuperación internacional de la obra y de la figura de Manuel Rivera (Granada 1927-Madrid 1995), un gigantesco artista, libre, sin concesiones, cuyos cuadros tienen una fuerza y una modernidad excepcionales', dijo Ladislao Azcona, presidente de la Fundación Azcona, que ha patrocinado la edición, con la colaboración de la Diputación de Granada.

Pilar Citoler, presidenta del Patronato del Museo Reina Sofía, definió a Manuel Rivera como uno de los grandes creadores y felicitó a su viuda, Mary de Rivera y a sus hijas, Marisa y Elena, por haber trabajado, desde la muerte temprana del artista, en la permanencia y difusión de la obra del pintor, reunida ahora en este Catálogo, que es 'una joya -afirmó- dentro de los libros de arte de este siglo y una belleza de edición'.

'Fue un artista íntegro, de valiente vocación moderna', destacó el director del Catálogo Razonado, el historiador del arte, Alfonso de la Torre, que ha titulado su Introducción 'Rivera: valor y soledad' y añadió: 'parecía tener desde sus orígenes la noción clara de la misión que, como artista, le tenía predestinado el futuro'.

La presentación del Catálogo, la víspera del día en el que el pintor hubiera cumplido 82 años, fue un acto emotivo, al que asistieron, además de su viuda, sus hijas y sus nietas mayores, Eva y Patricia, artistas como Rafael Canogar, Luis Feito o Gustavo Torner, amigos, coleccionistas y galeristas.

Mary de Rivera, su viuda, expresó el agradecimiento de la familia, el entusiasmo por el Catálogo ('le vamos a hacer una habitación especial') y su emoción por ver a todos los amigos.

El volumen de más de 700 páginas y 1.200 fotografías, describe las casi mil pinturas y también los murales que dejó el artista, desde sus primeros óleos figurativos de 1947 hasta la última obra abstracta,fechada en 1994, meses antes de su muerte.

Marisa Rivera, que ha colaborado estrechamente con Alfonso de la Torre en la recuperación de material, destaca en un texto la importancia que tiene para un artista el Catálogo Razonado, que al reunir y organizar toda su obra, permite una aproximación directa a su creación y abre una nueva vía de conocimiento.

La utilización de la 'tela de araña', como el artista las llamó, son un intento, explicó a Efe su hija Marisa, de 'atrapar la luz y el espacio, de ir más allá del espacio, más allá de las cosas, al otro lado del espejo, un intento de trascender la realidad'.

El resultado es la tensión de la emoción y la búsqueda al otro lado de las telas de araña de los significados o los ignotos mundos infinitos, dice en su introducción Alfonso de la Torre. Telas metálicas que descubrió, colgadas en el escaparate de una ferretería, y al mirar a través de ellas vislumbró, como una intuición poética, el otro lado.

Asegura Alfonso de la Torre que la elección de la abstracción por el artista fue una decisión meditada, radical, valiente, 'en el sentido de ser tomada al modo de un salto en el vacío', una decisión solitaria que el artista evocaba con un cierto paralelismo con la soledad que siente al despertar Gregorio Samsa convertido en insecto en La Metamorfosis, novela de Kafka que le impresionó terriblemente.

Lalo Azcona anunció que la Fundación que preside, que anteriormente ha editado los Catálogos Razonados de Manuel Millares y Martín Chirino, ha decidido continuar esta labor de edición para crear un Atlas del Arte Contemporáneo, con los 40 o 50 grandes artistas del siglo XX. Actualmente trabaja en los Catálogos de los escultores Julio González y Pablo Serrano.

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JOSE MARIA RODRIGUEZ ACOSTA (Granada 1878- 1941)

59. JOSE MARIA RODRIGUEZ ACOSTA (Granada 1878- 1941)

JOSE MARÍA RODRÍGUEZ-ACOSTA Pintor (1886-1941) Había nacido José M» Rodríguez-Acosta González de la Cámara en 1886, en el seno de una familia de banqueros, cuyo origen se remonta a la primera mitad del siglo XIX. Sin embargo, no era ése el camino que aquel joven iba a seguir. Excepción, sin... Ver mas
JOSE MARÍA RODRÍGUEZ-ACOSTA
Pintor (1886-1941)

Había nacido José M» Rodríguez-Acosta González de la Cámara en 1886, en el seno de una familia de banqueros, cuyo origen se remonta a la primera mitad del siglo XIX. Sin embargo, no era ése el camino que aquel joven iba a seguir. Excepción, sin duda, en un determinado ambiente, como el magnífico pintor que llegaría a ser.

Con su actividad contribuyó a dar el tono a la vida cultural granadina de su época. Discípulo de Larrocha, por su gran cultura artística y por su limpio estilo se le puede considerar como uno de los grandes de todos los tiempos. Se ha dicho que no cesó de avanzar hasta su muerte y, en efecto, es así. Con Larrocha, primero, en Granada. Con el gran maestro Emilio Sala en Madrid.

José María Rodríguez-Acosta matiza su pintura, de una paleta restrictiva, que en las naturalezas muertas cobra su máxima expresividad. Desde una primera mención en 1904, las Medallas de Oro llegarían en 1908 y 1912. También en el extranjero -París y Munich- se reconocerá y recompensará su arte.

Comendador de la Orden de Alfonso XII, José M. Rodríguez-Acosta moría en 1941, dejando tras él su obra, conservada en parte en numerosos museos, y el carmen que le sirvió de estudio, convertido hoy en la Fundación que lleva su nombre y con el que modificó radicalmente la arquitectura tradicionalista de Granada.

Granadinos del siglo XX | Redacción ideal.es

Obras: http://www.youtube.com/watch?v=AMEHMMaO-U8

Obra: Mujer desnuda.- Ref:123nonstop.com

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RAMON ROGENT PERES  (Barcelona 1920-1958)

60. RAMON ROGENT PERES (Barcelona 1920-1958)

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/r/rogent_ramon.htm

Ramon Rogent i Perés. Barcelona, 1920 - Plan-d'Orgon (Francia), 1958. Fue pintor y dibujante catalán. Realizó estudios de arquitectura y acudió a clases en la escuela Llotja de Barcelona. A partir del año 1941, desarrolla su obra en diversos campos, como la ilustración, trabajos de... Ver mas
Ramon Rogent i Perés. Barcelona, 1920 - Plan-d'Orgon (Francia), 1958. Fue pintor y dibujante catalán.

Realizó estudios de arquitectura y acudió a clases en la escuela Llotja de Barcelona.

A partir del año 1941, desarrolla su obra en diversos campos, como la ilustración, trabajos de escenografía, murales y pintura de caballete. Estuvo influenciado por Matisse sobre todo en su colorido y en el dibujo por Picasso.

Expuso en numerosas ocasiones tanto en galerías nacionales como extranjeras, teniendo obra suya en diferentes museos.

En 1956 se le encargó la decoración de la Sala del Trabajo de la Casa de la Ciudad de Barcelona, dejándola inacabada, por su muerte prematura en accidente de automóvil en 1958, el resto de la decoración fue realizada siguiendo su proyecto por su alumno Juan Bosco Martín.

Tomo 3 (1989). Diccionario "Rafols" de Artistas Contemporáneos de Cataluña y Baleares. Barcelona, Ed. Catalanes SA.

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JULIO ROMERO DE TORRES (Cordoba 1874 - 1930)

61. JULIO ROMERO DE TORRES (Cordoba 1874 - 1930)

http://www.museojulioromero.org/

Hijo del también pintor Rafael Romero Barros, director del Museo de Bellas Artes de Córdoba, comenzó su aprendizaje a las órdenes de su padre en la Escuela de Bellas Artes de Córdoba a la temprana edad de 10 años. Gracias a su afán por aprender, vivió intensamente la vida cultural cordobesa de... Ver mas
Hijo del también pintor Rafael Romero Barros, director del Museo de Bellas Artes de Córdoba, comenzó su aprendizaje a las órdenes de su padre en la Escuela de Bellas Artes de Córdoba a la temprana edad de 10 años. Gracias a su afán por aprender, vivió intensamente la vida cultural cordobesa de finales del siglo XIX y conoció ya desde muy joven todos los movimientos artísticos dominantes de esa época.

En 1890 pinta los que sería su primera obra conocida La huerta de los Morales

Julio Romero de Torres participó con intensidad en todos los acontecimientos artísticos de Córdoba y España. Ya en el año 1895 participó en la Nacional en Madrid, donde recibió una mención honorífica. También participó en las ediciones de 1899 y 1904, donde fue premiado con la tercera medalla. En esta época inició su experiencia docente en la Escuela de Bellas Artes de Córdoba.

En 1906, el Jurado de la Nacional rechazó su cuadro Vividoras del Amor, lo que provocó que el Salón de Rechazados fuera más visitado que las salas de la Exposición Nacional. Ese mismo año marchó a Madrid, para documentarse y satisfacer su inquietud renovadora. Después realizó viajes por toda Italia, Francia, Inglaterra y los Países Bajos.

En 1907 concurrió con los pintores más renombrados de la época a la exposición de los llamados independientes en el Círculo de Bellas Artes. Poco después obtuvo por fin su primera medalla en la Nacional del año 1908 con su cuadro Musa gitana. También recibió el primer premio en la Exposición de Barcelona de 1911 con el Retablo de amor, y dos años después en la Internacional de Múnich del año 1913. En la Exposición Nacional de 1912, cuando Romero de Torres aspiraba a la medalla de honor, su obra no fue reconocida, lo que provocó que sus admiradores le entregaran una medalla de oro cincelada por el escultor Julio Antonio. Cuando sus cuadros tampoco fueron premiados en la Exposición de 1915 con la medalla de honor decidió retirarse definitivamente de las Exposiciones Nacionales. En 1916 se convirtió en catedrático de Ropaje en la Escuela de Bellas Artes de Madrid, instalándose definitivamente en la capital. A partir de aquí, su obra comenzó a representar el pabellón español en diversos certámenes internacionales, convocados en París, Londres, etc. Sin embargo, el gran momento de éxito se produjo en Buenos Aires, el año 1922. En agosto de ese mismo año Julio Romero de Torres había viajado a la República Argentina acompañado de su hermano Enrique, y en los últimos días de este mismo mes se inauguró la exposición, que fue presentada en el catálogo por un espléndido texto de Ramón Valle-Inclán. La muestra constituyó un éxito sin precedentes. Fue miembro de la Real Academia de Córdoba y de la de Bellas Artes de San Fernando. También exhibió su obra en la Exposición Iberoamericana de Sevilla en 1929, y en múltiples exposiciones individuales en nuestro país y en el extranjero.

A principios de 1930, Julio Romero de Torres, agotado por el exceso de trabajo y afectado de una dolencia hepática, volvió a su Córdoba natal para tratar de recuperarse. Pintando en su estudio de la Plaza del Potro, realizó entre los meses de enero y febrero la que sería su obra final y más célebremente conocida, La chiquita piconera.


Museo Julio Romero de Torres.El 10 de mayo de 1930 moría Julio Romero de Torres en su casa de la Plaza del Potro en Córdoba, hecho que conmocionó a toda la ciudad. Las manifestaciones de duelo general que produjo su muerte, en las que participaron en masa desde las clases trabajadoras más humildes hasta la aristocracia cordobesa, dejaron patente la inmensa popularidad de que gozaba el pintor cordobés.

Obras más importantesEl grueso de su obra se encuentra en Córdoba en el Museo Julio Romero de Torres, donde se puede admirar el amplio repertorio de cuadros que fueron donados por su familia, por coleccionistas privados o comprados por el Ayuntamiento. Entre las obras más destacadas de este maestro figuran Amor místico y amor profano, El Poema de Córdoba, Marta y María, La saeta, Cante hondo, La consagración de la copla, Carmen, y por supuesto, La chiquita piconera o El retablo del amor.

Como escribe en su ensayo Fco. Zueras Torrens, las características principales de su obra están repletas de contenido y profuso estudio de cada elemento presente en el cuadro. Así, éstas se pueden resumir en: - Simbolismo - Precisión de forma y dibujo- Luz suave en ropajes y carnes - Extraña luz de escenarios - Poética artificiosidad de escenarios - Dominio de la morbidez - Capacidad enorme para representar la figura humana - Paisajes que refuerzan el simbolismo - Paisajes donde la realidad se convierte en alegoría - Paisajes listos para ser degustados por el alma "sin detenerse en la superficie coriácea de las cosas - Paisajes desmaterializados para su última vivencia con el espectador.

[editar] Referencias↑ "Julio Romero de Torres y su mundo", Monte de Piedad y Caja de Ahorros de Córdoba,1987. ISBN 84-7580-432-2
[editar] Enlaces externos Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Julio Romero de Torres. Commons
http://museojulioromero.cordoba.es/
http://www.artencordoba.co.uk/MUSEUMS/Museums-Cordoba-Julio-Romero-Torres.html
Cortometraje que muestra la vida del pintor cordobés julio Romero de Torres
Julio Romero de Torres en la pintura mural cordobesa. Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Julio_Romero_de_Torres"






Obra : Fuensanta, Oleo por el que se pago en subasta 1,2 millones de euros.

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GERARDO RUEDA SALABERRY  ( Madrid, 1926 –  1996)

62. GERARDO RUEDA SALABERRY ( Madrid, 1926 – 1996)

http://www.gerardorueda.org/index.php?in=1&bi=1

Biografía En Madrid cursa sus primeros estudios, gran parte de los cuales los realiza en el Liceo Francés. Rueda recibe, en los años cuarenta, clases de pintura con Ángel Mínguez pintor de historia. En esa década el artista realiza diversos cuadros del Jardín de Villa San Juan, en San Rafael... Ver mas
Biografía
En Madrid cursa sus primeros estudios, gran parte de los cuales los realiza en el Liceo Francés. Rueda recibe, en los años cuarenta, clases de pintura con Ángel Mínguez pintor de historia. En esa década el artista realiza diversos cuadros del Jardín de Villa San Juan, en San Rafael (Segovia). Durante el año 1943 copia en un pequeño cuaderno de dibujo numerosos cuadros cubistas, que ejercen en él una profunda impresión.

Realiza algunos collages con el tema del bodegón, también de inspiración cubista, y prosigue con la pintura de paisajes. También toma apuntes de la figura humana. Las visiones paisajísticas centran el interés en edificios, agrupaciones urbanas y volúmenes de casas. En 1949 realiza estudios de Derecho en tanto prosigue con la labor pictórica. Primera exposición colectiva del artista, “Fin de temporada” en la Galería de la Revista de Occidente de Madrid.

Sus primeros collages datan de 1953 y son realizados con materiales diversos (cuero, papel, textil, etc.). En ellos aúna la presencia del collage y el dibujo a lápiz.

[editar] Exposiciones
Ese 1953 presenta su primera exposición individual en la Sala Abril de Madrid, donde expondrá frecuentemente en la década de los cincuenta. En 1954, 1957 y 1958 muestra sus collages y dibujos abstractos en la misma galería-librería. A partir de esta fecha, y hasta los años sesenta, la producción del artista se realiza, en muchos casos, sobre cuadros de una horizontalidad definida. Son cuadros al óleo, abstractos, con recuerdos del paisaje, definidos por Fernando Zóbel como “falsas perspectivas”. En las obras de los años 1957-1959 se aprecia la gran admiración del artista por Nicolas de Staël. Expone individualmente en la galerie La Roue de París. La exposición en París tiene un amplio eco. El hispanista Jean Cassou, entonces director del Musée d’Art Moderne, adquiere un cuadro de Rueda, en los inicios de la década de los sesenta, para el Musée d’Art Moderne de la Ville de París.

Exposición individual de Rueda en 1958 en la Sala del Prado del Ateneo de Madrid. La crítica destaca la sustitución de los materiales plásticos tradicionales y la utilización nueva de la pasta pictórica, camino de su inminente supresión a la búsqueda de nuevos materiales. Expone en Barcelona, en la Galería Jardín y en la Sala Abril de Madrid.

En 1959 realiza sus primeras pinturas grises. De la estructuración marcada que en algunos momentos imponen los volúmenes presentes en su pintura la evolución lleva al artista a un momento espacialista: cuadros como “Alpes” o “Astro” inician en los sesenta este conjunto de las llamadas pinturas grises.

La Escuela de Bellas Artes de San Eloy, de Salamanca, expone en 1959 pinturas y dibujos de Rueda. De modo individual expone también en la “Casa de América” de Granada. Este mismo año su obra es exhibida en las más importantes muestras colectivas celebradas este año: “Junge Spaniche Maler” (Kunsthalle de Basel, Musée d’Arts Décoratifs de París, Musée d’Art et d’Histoire de Fribourg y Spanische Kulturinstitut de Munich). Expone igualmente en el Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (“Espaço e cor na pintura espanhola de hoje”). Esta última exposición recorrerá, desde esta fecha, gran parte de las capitales americanas.

En España participa en el Premio de la Crítica de este año que se desarrolla en la Sala Santa Catalina del Ateneo de Madrid y en la exposición organizada por José María Moreno Galván “Negro y blanco” en la Galería Darro de Madrid.

En 1960 participa en el Pabellón de España en la XXX Bienal de Venecia. En su crítica a esta Bienal, Gillo Dorfles le destaca como uno de los jóvenes pintores con un futuro artístico más prometedor. Juan Eduardo Cirlot escribe, ese año en la Revista Artes, un extenso artículo sobre la pintura de Rueda. En esta fecha comienza a realizar collages con papeles de seda, generalmente teñidos con tinta china, y muy relacionados con el momento pictórico que Rueda desarrolla en la época: tendencia a la monocromía y alteración del espacio mediante sutiles juegos de composición y relieve.

Expone individualmente en 1960 en la Galería Teka de Bilbao. De modo colectivo participa en las principales muestras celebradas en el mundo sobre pintura española entre otras en la desarrollada en el Guggenheim Museum de Nueva York: “Before Picasso, After Miró”. La Galería Biosca de Madrid recibe, individualmente, 1961, la obra de Rueda.

Con ocasión de la Bienal de Venecia de 1962 Gerardo Rueda escribe el texto: “Venecia 1962: Al margen de la Bienal”, en el que muestra su preocupación por la atención prestada a los aspectos dramáticos y gesticulantes frente al desprecio de los contenidos artísticos. El Círculo de la Amistad de Córdoba organiza el mismo año una exposición individual dedicada al artista. Participa en la exposición de pintura española celebrada en la Tate Gallery e itinerante por diversas ciudades inglesas (Southampton, Hull y Liverpool).

En 1963 realiza uno de los seis escaparates que “El Corte Inglés”, en sus almacenes de la calle de Preciados de Madrid, ofrece a varios artistas (junto a Gerardo Rueda se hallaban César Manrique, Manuel Millares, Manuel Rivera, Eusebio Sempere y Pablo Serrano).

Junto a Fernando Zóbel y Gustavo Torner colabora a partir de esta fecha en la instalación de la colección del primero en el Museo de Arte Abstracto Español, ubicado en las Casas Colgadas de Cuenca, inaugurado en 1966. Participa en diversas exposiciones sobre joven pintura española, entre otras, “Arte de América y España” y “Bienal de Tokio: The Seventh International Art Exhibition of Japan”.

Una amplia exposición de los collages de Rueda es exhibida en 1964 en “The Luz Gallery” de Manila. La obra de Rueda recorre durante ese año Italia: Verona (Galería Ferrari), Bolonia (Galería de Arte 2000), Florencia (Galería Quadrante) y Nápoles (Galería II Centro).

Exposición en 1965 en la recién inaugurada Galería Juana Mordó galería vinculada a los artistas del grupo de Cuenca. Expone junto a Sempere en la librería y galería Concret-Llibres, en Valencia. Período de lienzos, generalmente monocromos, habitualmente blancos, en los que se sitúan, a modo de móviles ventanas, bastidores de lienzos pintados. Realiza collages con pequeñas cajas: de cerillas, tabaco o pegamento utilizadas a modo de caprichoso módulo compositivo.

Recibe en 1966 el Premio Hermanos Serra del X Salón de Mayo de Barcelona. Exposición en la recién creada Galería La Pasarela de Sevilla. En 1967 realiza seis estudios de portada para la “Revista de Occidente”.

Exposición individual, 1968, en la Galería Juana Mordó de Madrid, Juan Antonio Aguirre destaca la influencia de la obra de Rueda en las nuevas generaciones, a la par que le señala como perteneciente a la vertiente lírica de los sesenta. El relieve toma capital presencia en cuadros monocromos: la exposición en Juana Mordó, prácticamente blanca en su totalidad, es buen ejemplo. Exposiciones individuales en 1969 en Bilbao (Galería Grises) y Madrid (Galería Edurne). Esta última supone una revisión antológica, la primera, de la obra de Rueda, con el título “Trayectoria”. Expone individualmente en 1971 en la Galería Juana Mordó de Madrid. Además expone en Valencia (Galería Val i 30) y Sevilla (Galería Juana de Aizpuru).

En 1972 realiza de un importante conjunto de pinturas murales para una compañía eléctrica. La Galería Egam de Madrid presenta una amplia muestra retrospectiva de collages del artista. Realiza en 1973 un relieve mural de granito en el Museo de Escultura al Aire Libre de la Castellana que lleva por título “Volumen, relieve, arquitectura”. En 1980 expone individualmente en la madrileña galería Theo (lugar en donde volverá a exponer en 1985). Colabora en 1984 con el programa de Televisión Española “Mirar un cuadro”, escogiendo la obra de Durero “Adán y Eva” del Museo del Prado. Comienzo de la serie “La elegancia social de la madera” importante conjunto de bodegones o relieves de madera teñidos mediante veladuras con ecos de los trabajos de Morandi.

En 1985 realiza la exposición “Colección particular: Treinta años de pintura” desarrollada en Granada, Córdoba y Sevilla. Recibe en 1986 el encargo de realizar una pintura mural para la sede de la Embajada de España en Riad. Este año expone, de modo individual, en la Galería Estampa de Madrid, un conjunto de obras bajo el título “Bodegones”. La Sala Luzán edita una importante monografía con selección de textos críticos sobre la obra de Rueda. El Ayuntamiento de Madrid dedica en 1987 una exposición retrospectiva a los collages de Rueda, desde los años sesenta hasta la fecha. Su obra se exhibe individualmente, además, en la Galería Joan Oliver Maneu, de Palma de Mallorca; Galería Peironcely, de Madrid y en la Galería Fúcares en Almagro.

Recibe el encargo en 1988 de la ejecución del proyecto de realización, de las vidrieras de la nave central de la Catedral de Cuenca, agrupadas bajo el título De la Tierra al Paraíso. A esta tarea se dedicará, con intensidad, durante el siguiente lustro. La Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha dedica ese mismo año una amplia exposición al artista en las salas Alonso de Ojeda y Galería Granero. Exposición indiviudal en la Galería Arteunido de Barcelona. La Caja de Madrid organiza en 1989 la más amplia exposición antológica dedicada al artista, comisariada por Alfonso de la Torre. La Galería Estampa de Madrid, casi a la par, presenta una exposición dedicada a los collages con sobres de Rueda. Conferencia del artista en el Museo del Prado dentro del ciclo “Doce artistas de vanguardia en el Museo del Prado” con el título “Mis flechazos en el Prado”.

Una importante exposición retrospectiva, incluyendo obras desde 1946, recorre en 1991, partiendo de la capital, diversas localidades de Alicante. El Banco Zaragozano organiza una importante exhibición de la obra reciente del artista. En 1992, tras obtener el primer premio en un concurso restringido recibe el encargo de realizar las dos puertas de acceso al Pabellón de España en la Exposición Universal de Sevilla, su proyecto lleva el título “Desde Sevilla en la mirada de Paul Klee. Su obra es expuesta este año de modo individual en Madrid (Galerías Afinsa-Almirante y Juan Gris), Sevilla (Galería Félix Gómez), Alcoi (Centro Municipal de Cultura) y Châteauroux (Abadía de Les Cordeliers). Por encargo del Museo de Bellas Artes de Bilbao, Alfonso de la Torre realiza en 1993 el catálogo completo de obra gráfica, que recoge la producción gráfica del artista, más de un centenar de estampas, realizadas desde 1964. Su obra se muestra además individualmente en Córdoba, Valencia, Castellón y Madrid.

Juan Manuel Bonet escribe en 1993 la más amplia monografía sobre Gerardo Rueda que edita La Polígrafa. Un año después se inicia la exposición “Rueda, una visión-Trayectos” que se inaugura en Barcelona y posteriormente se desplazará, de modo itinerante, y hasta 1997, por los principales museos nacionales de América del Sur.

La Galerie Thessa Herold de París presenta en 1994 la exposición “Rueda-Domela”.

En 1995 es nombrado Académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Con ocasión de tal nombramiento comienza los preparativos del discurso de ingreso que no llegará a leer. Éste se publicará posteriormente, de modo fragmentado y póstumo (1999).

Numerosas exposiciones individuales de carácter retrospectivo en ciudades españolas: Zaragoza (Ibercaja y Museo Camón Aznar) y Logroño (Sala Amós Salvador). Una selección retrospectiva de sus esculturas, realizada por Alfonso de la Torre, se muestra en el Museo Juan Barjola de Gijón.

Serge Fauchereau realiza el comisariado de la exposición retrospectiva de Rueda en el Instituto Valenciano de Arte Moderno, IVAM, en cuya, sala Julio González se inaugura el 28 de marzo de 1996. Gerardo Rueda fallece durante el desarrollo de esta exposición. En 1997 se realiza la exposición antológica de su obra sobre papel en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Esta exposición se mostrará posteriormente en el Museo de Bellas Artes de La Coruña y en 1998 en Montpellier, Bochum, Caracas y Guadalajara (México).

Este mismo año la Universidad de UCLA realiza una selección de sus collages: “Gerardo Rueda Spanish Master of Collage”. “Cercle d’Art” edita en París el libro escrito por Serge Fauchereau “Du collage et de Rueda”. Exposición retrospectiva de Gerardo Rueda en el Bochum Museum y en el Meadows Museum de Dallas. La Fundación Ludwig de Cuba organiza en 1999 una exposición en el Convento de San Francisco de La Habana que contiene una selección retrospectiva de los collages de Rueda: “Collages 1956/1996”. Ciclo de conferencias en La Habana sobre la obra de Gerardo Rueda. En diciembre el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía presenta el libro “Gerardo Rueda, Escritos y Conversaciones” que contiene la recopilación de los principales textos de Gerardo Rueda.

En 2000 se presenta en diversas ciudades italianas la exposición “Gerardo Rueda. Retrospettiva 1946-1996”. Tomàs Llorens y Alfonso de la Torre realizan en 2001 la exposición “Gerardo Rueda. Retrospectiva (1941-1996)” en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. En 2006 se publica la biografía "Gerardo Rueda: sensible y moderno" (Ediciones del Umbral, Madrid) escrita por Alfonso de la Torre.

[editar] Museos donde se encuentra su obra
Esta es una lista de los principales museos y colecciones donde se puede ver la obra de Gerardo Rueda:

IVAM, Valencia. (Presenta más de cien obras de Gerardo Rueda).
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, (MNCARS), Madrid.
Museo de Arte Abstracto Español, Cuenca.
Colección de Arte Contemporáneo, Madrid.
Fundación Juan March, Madrid.
Museo Municipal de Madrid.
Museo de Arte Moderno, Barcelona.
The British Museum, Londres.
Musée d'Art Moderne, París.
Sede de la Unesco, París.
Fine Arts Museum of San Francisco, EE.UU.
Frederick R. Weisman Museum of Art, Los Ángeles, EE.UU.
Museo Tamayo Arte Contemporáneo, INBA, México.
Museo de Arte Contemporáneo, Caracas, Venezuela.
Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina.
Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile, Chile.
Museo Nacional de Bellas Artes, Río de Janiero, Brasil.
Es Baluard, Palma de Mallorca.

Fue coofundador del Museo Español de Arte Abstracto de Cuenca , junto a Fernando Zobel, Gustavo Torner, Gerardo Rueda y Antonio Lorenzo.- Posteriormente se unieron otros artistas.

[editar] Referencias
M. SÁNCHEZ CAMARGO, La pintura de Gerardo Rueda, Colección Cuadernos de Arte del Ateneo de Madrid, n.° 37, Madrid, 1958;
V. AGUILERA CERNI, Rueda, Galleria d’Arte Il Centro, Nápoles, 1964;
T. LLORENS, Rueda y Sempere, Concret Llibres, Cuaderno n.° 3, Valencia, 1965;
E. ASINS, Gerardo Rueda. Trayectoria, Galería Edurne, Madrid, 1969;
H. KRUSCHWITZ, Gerardo Rueda, Galería Theo, Madrid, 1980;
A. DE LA TORRE, Gerardo Rueda. Treinta años de pintura: 1955-1985, Galería Granero, Cuenca, 1985;
L. DE PABLO, Gerardo Rueda, Galería Theo, Madrid, 1985;
A. DE LA TORRE, Bodegones, Galería Estampa, Madrid, 1986;
F. CALVO SERRALLER, El don del arte, Los diseños del arte-Biblioteca Maneu, Palma de Mallorca, 1987;
A. DE LA TORRE, Rueda: la metáfora del espacio, Galería Arteunido, Barcelona, 1988;
AAVV: Gerardo Rueda. Exposición retrospectiva. 1944-1989, Caja de Madrid, Madrid, 1989 (Textos de Antonio Bonet, Francisco Calvo Serraller, José Manuel Costa, José Ramón Danvila, Julián Gállego, Daniel Giralt Miracle, Enrique R. Panyagua y Gustavo Torner);
A. DE LA TORRE, Sobre (el) collage, Galería Estampa, Madrid, 1989;
J. A. AGUIRRE, Gerardo Rueda, Galería Afinsa, Madrid, 1992;
J. R. DANVILA, Gerardo Rueda, Galería Félix Gómez, Sevilla, 1992;
A. E. PÉREZ-SÁNCHEZ, Rueda, Bodegones, Galería Juan Gris, Madrid, 1992;
A. DE LA TORRE, Rueda. Catálogo completo de obra gráfica (1964-1993), Museo de Bellas Artes de Bilbao, Bilbao, 1993;
J. M. BONET y A. DE LA TORRE, Rueda, La Polígrafa, Barcelona, 1994;
M. VICENT, Recuerdo de Samarkanda, Galería Estiarte, Madrid, 1994;
A. DE LA TORRE, La materia y el objeto. A propósito del collage. Conversación con Gerardo Rueda, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 1997;
A. DE LA TORRE, Gerardo Rueda, Spanish master of collage, University of UCLA, Los Angeles, 1997;
S. FAUCHEREAU, Du collage et de Rueda, Editions Cercle d’Art, París-Ediciones Tabapress, Madrid, 1997-1998;
A. DE LA TORRE, Diez Poemas de papel, Fundación Ludwig de Cuba, La Habana, 1999;
A. DE LA TORRE, Diario de un pintor, Centro Municipal de las Artes, Alcorcón, 2001;
M. R. BARNATÁN, Pequeño homenaje a Gerardo Rueda, Galería Estiarte, Madrid, 2002;
A. DE LA TORRE, Rueda: pasión y estilo, Galería Amador de los Ríos, Madrid, 2002;
A. DE LA TORRE, Rueda y Barcelona, Galería 3 Punts, Barcelona, 2004;
A. DE LA TORRE, Gerardo Rueda-Sensible y moderno. Una biografía artística, Ediciones del Umbral, Madrid, 2006;
A. DE LA TORRE, Rueda: Honor al Papel, Galería Estiarte, Madrid, 2007
OBRAS DE (ESCRITOS)~: Vid. recopilación en: A. DE LA TORRE, Escritos y conversaciones, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 1999,
A. DE LA TORRE, Gerardo Rueda: sensible y moderno. Una biografía artística, Ediciones del Umbral, Madrid, 2006.
[editar] Enlaces externos
El poder de la palabra: Gerardo Rueda
Hispanart: Gerardo Rueda
Gerardo Rueda: maestro del arte contemporáneo
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Gerardo_Rueda"

Obra: Ref:absolutvalladolid.com

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ELIAS SALABERRIA ( Lezo 1883- Madrid 1952)

63. ELIAS SALABERRIA ( Lezo 1883- Madrid 1952)

http://es.wikipedia.org/wiki/El%C3%ADas_Salaverria

Pintor, nacido en Lezo (Gipuzkoa), el 16 de abril de 1883, y muerto en Madrid, el 16 de julio de 1952. En el año 1897 Elías Salaverría era monaguillo en el santuario del Santo Cristo de Lezo, la querida imagen de los guipuzcoanos. Al frente del santuario se encontraba un sacerdote excelente... Ver mas
Pintor, nacido en Lezo (Gipuzkoa), el 16 de abril de 1883, y muerto en Madrid, el 16 de julio de 1952. En el año 1897 Elías Salaverría era monaguillo en el santuario del Santo Cristo de Lezo, la querida imagen de los guipuzcoanos. Al frente del santuario se encontraba un sacerdote excelente, Eusebio Pildain, quien descubre en el joven Elías una gran afición a pintar e iluminar cuanto cae en sus manos. Estampas, tipos del pueblo, paisajes y rincones de aquella apacible ladera del Jaizkibel, todo es copiado por el pequeño Salaverría. Don Eusebio es gran amigo del marqués de Cubas, el ilustre arquitecto autor del cementerio de La Almudena y de otras importantes obras famosas. El marqués pasa sus temporadas veraniegas en San Sebastián y acude frecuentemente a postrarse a los pies del Santo Cristo de Lezo. Un día, el buen cura le habla: -Señor marqués, uno de mis monaguillos parece que tiene facilidades para la pintura. Creo que ayudándole podría sacarse provecho de él. ¿Quiere usted que se lo presente? La prueba fue decisiva. Primero, el marqués vio unos dibujos. Pero queriendo convencerse por sí mismo, señaló una litografía de la Virgen Dolorosa que había en la sacristía del Santuario y dijo al monaguillo artista: "Dibújame esa Dolorosa". Salaverría, con seguridad en sí mismo, pero con esa timidez que en él era innata le acompañó a lo largo de su vida, dibujaba sin atreverse a dirigir los ojos a sus examinadores. La Dolorosa y el Santo Cristo de Lezo ayudaron al mutil habilidoso y allí mismo quedó acordado que el marqués apoyaría a Elías Salaverría para que estudiase dibujo y pintura. Cuando comenzó en San Sebastián el curso en la Escuela de Artes y Oficios, Salaverría fue uno de los alumnos de dibujo. Entonces, las comunicaciones de la capital con los pueblos de alrededor no eran tan frecuentes como hoy. No funcionaba el tranvía de Rentería, ni el de Irún, ni mucho menos existía el rápido servicio de trenes de la línea del Norte. Queremos decir que Elías Salaverría, con poco más de quince años, hacía diariamente el viaje de ida y vuelta Lezo-San Sebastián, con un recorrido total de dieciocho kilómetros, a pie. A veces, como un gran alivio, se encontraba en su camino con la diligencia que hacía el servicio al fuerte de San Marcos. Entonces el estudiante se acomodaba a hurtadillas en el estribo trasero, y de polizón, se ahorraba el cansancio de algunos kilómetros. Dos años más tarde, Salaverría llegó a Madrid. A la muerte del marqués de Cubas, la marquesa no abandonó al joven pintor, y le siguió ayudando. Se instaló en una estrecha buhardilla, en el número 22 de la céntrica calle de la Montera. Acudía a la clase del maestro Ferrán. Poco tiempo después estudió con Luis Menéndez Pidal. La primera obra importante que vende Salaverría lleva por título Timidez. Es un símbolo. La obra Timidez la adquirió un rico norteamericano, y con las pesetas que esta venta le proporcionó se decidió a cruzar la frontera y contempló desde el otro lado del Bidasoa el Jaizkibel, a cuya sombra nació. En París estudió con los maestros franceses, recibiendo gran impresión al contemplar las obras del pintor Millet. De vuelta a España, bajo la influencia de Millet, pintó dos famosos cuadros hoy: Los layadores y La procesión del Corpus en Lezo. Siendo discípulo de Menéndez Pidal se anunció una exposición-concurso en el Círculo de Bellas Artes, con varios premios en metálico. Elías Salaverría, el tímido, no se atrevió a firmar con su nombre y se le ocurrió hacerlo con el seudónimo de Aniceto Vasconcellos. Su obra alcanzó premio. Pero Salaverría se vio obligado a trabajar lo indecible para demostrar al Jurado que Aniceto Vasconcellos y él eran la misma persona. La procesión del Corpus en Lezo obtuvo en 1912, en Madrid, la Primera Medalla. Al año siguiente, en la Exposición Internacional de Munich, alcanzó la Medalla de Oro. Salaverría tomó parte en las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes celebradas en 1904, 1906, 1908, 1915, 1916, 1919, 1930 y 1932. Concurrió asimismo a la Exposición Universal de Buenos Aires (1910); de Munich (1913); Panamá (1916); Madrid (1925, en el Salón de Bibliotecas y Museos); Buenos Aires, en 1948, en la Galería Witcomb, obteniendo un gran éxito de crítica y público. Después de sus triunfos en Buenos Aires siguió su peregrinación por otros países hispanoamericanos. Después de su fallecimiento fueron expuestas tres obras tituladas Hermano Gárate, María Joaquina y El divino impaciente, en la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid (1952). Becas y premios que consiguió: Pensión de la Diputación de Guipúzcoa (1904 y 1912); Mención Honorífica en la Exposición Nacional de Bellas Artes (1904), por el lienzo titulado ¿Quién?; Tercera Medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes (1906), con el cuadro Tú, primero; Tercera Medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes (1908), con el cuadro Layadores; Primera Medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes (1912), con el cuadro La procesión del Corpus de Lezo; Medalla de Oro en la Exposición Internacional de Panamá (1916), con su cuadro Gu. En 1934 fue nombrado profesor de la Escuela Superior de Pintura, Escultura y Grabado, y en 1944 ingresó en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, de Madrid, leyendo su discurso de ingreso titulado "La pintura de historia". A Elías Salaverría no le gustó mucho salir al extranjero. Realizó con buen gusto algunas obras murales. Sus obras más representativas: Aizkolari, San Ignacio de Loyola (cuadro muy discutido por la forma de concebir al guerrero y al santo de Loyola, pintado por encargo de la Diputación de Guipúzcoa); ¿Quién?, Un geógrafo, Timidez, Examen de doctrina, Atardecer, Tú, primero, Retrato de José María Salaverría, Layadores, La procesión del Corpus en Lezo, Orfebre, Nosotros, Mineros, La vuelta de Elcano (cuadro pintado por encargo de la Diputación de Guipúzcoa para conmemorar el IV Centenario de la vuelta al mundo por Juan Sebastián de Elcano); La proclamación de la Virgen de Aránzazu como patrona de Guipúzcoa, Don Ramiro, Hermano Gárate, María Joaquina, Don Juan Tenorio, La procesión, Don José Luis Oriol, El cura de Santa Cruz y El divino impaciente. Pero verdaderamente donde más desarrolló su habilidad de retratista, -no en vano era el mejor en ese estilo, ha sido en toda esa serie de encargos que llenan casi todos los despachos y los salones señoriales de los grandes personajes del país y de la nobleza española: duque de Alba, Marañón, P. Otaño, Elorza, Laffite, Arozamena, Patricio Echeverría, Sotomayor, Goñi, marqués de Comillas, la reina María Cristina y la figura de Franco que presidió el salón del Conservatorio de Música de Madrid. Víctima de un desgraciado accidente, Elías Salaverría falleció mientras se encontraba restaurando la capilla de la Concepción de San Francisco el Grande, de Madrid. Un sábado del mes de julio de 1952 acudió, como de costumbre, a la iglesia a las doce y media, y subió a un andamio colocado a la altura de la cúpula, reanudando su labor. Según las manifestaciones de los frailes ya no se volvió a ver con vida al pintor. El lunes, extrañados de su ausencia, optaron por subir a la cúpula y allí encontraron el cadáver del pintor, que presentaba una pequeña herida en la cabeza, causa que hizo suponer que mientras se hallaba dedicado a su tarea sufrió un desvanecimiento, cayendo desde el lugar donde trabajaba a la tarima interior y encontrando la muerte, y según dictamen del médico forense, una vez practicada la autopsia, la muerte fue producida por una congestión cerebral. Los gloriosos restos del artista están en el cementerio del Este, de Madrid. En el verano de 1990 el Museo de San Telmo de San Sebastián acogió una amplia exposición de su obras acompañada de un libro-homenaje editado por la CAM.

Luis MADARIAGA

Obra: Retrato de Serafín Ajuria y Josefa Aranguren en Ajuria Enea, obra de Elías Salaberría.-
Ref:

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FRANCISCO SAN JOSE (Madrid 1919- 1981)

64. FRANCISCO SAN JOSE (Madrid 1919- 1981)

http://www.vallecastodocultura.org/cabecera/HISTORIA/Escu...

1919 Francisco San José nace en Madrid, el 25 de abril, hijo de Rafael San José de la Torre, madrileño, y Marta González Rodríguez de Navatalgordo (Avila). 1925 Hace sus primeras visitas al museo del Prado, con su tío y padrino, el escritor y cronista de la Villa de Madrid Diego San Jos... Ver mas
1919
Francisco San José nace en Madrid, el 25 de abril, hijo de Rafael San José de la Torre, madrileño, y Marta González Rodríguez de Navatalgordo (Avila).

1925
Hace sus primeras visitas al museo del Prado, con su
tío y padrino, el escritor y cronista de la Villa de Madrid Diego San José. Visitas que dejaron su primera huella, sobre todo los caballos de Velázquez y Rubens.

1931
Se le hace ingresar en la escuela superior de comercio. Se le educaba para industrial, su abuelo tenia un establecimiento de coches caballos.Asi nace su afición por dibujar caballos.

1932
Asistencia a las clases nocturnas de la Escuela de Artes y Oficios, durante tres años, siendo profesor Juan Francés. Conoce en la Escuela de Comercio a Núñez Castelló, descubriendo con él la filosofía, novela, poesía y las doctrinas de las religiones.

1936
Se hace asiduo del Casón del Buen Retiro (Museo de
Reproducciones Artísticas), dibujando allí estatuas
conoce a Luis García Ochoa.Ingresa en la Escuela de Bellas Artes siendo alumno de Vázquez Díaz, allí conoce a Álvaro Delgado, Carlos Pascual de Lara, Cirilo Martínez Novillo y Gregorio del Olmo.

1938
Es movilizado por el ejército republicano.

1939
Termina los estudios de comercio.
Finalizada la guerra civil, decide todo el grupo de la
Escuela de Bellas Artes volver a los dibujos de estatuas en el Casón del Buen Retiro.
Conoce a Benjamín Palencia en el Museo del Prado, tras este encuentro forman la Escuela de Vallecas: Benjamín Palencia, Álvaro Delgado, Carlos Pascual de Lara y Francisco San José, comienzan sus salidas a Vallecas, Gregorio del Olmo y Enrique Núñez Castelló asisten a las reuniones iniciales en Madrid. A los tres años de Convivió las relaciones con el maestro son
insostenibles y todos abandonan el proyecto, quedando solo Benjamín Palencia y su discípulo San José que dejan Vallecas y se recorren la meseta Castellana pintando.

1943
Zabaleta le presenta a Pilar Aranda en el estudio de Menchu Gal.

1950
Enfermo de tuberculosis y próximo a la muerte su familia lo hospitaliza. Estando convaleciente le protege una señora y su hija interesadas en su obra, que lo llevan a Peguerinos allí se repone y pinta. Es ayudado por Juan Antonio Morales que le vende
la obra que va pintando, Juliana Macarrón, Mechu Gal su hermana Maruja y otros amigos.

1953
Mención honorífica en la exposición “Paisajes de Madrid”, celebrada en Manila.

1956
Se casa con la pintora Pilar Aranda el 5 de mayo.
En agosto, se marchan a Venezuela.

1959
Fundación de la Escuela del Bosque.

1961
Realiza con Pilar Aranda, una imagen de la Asunción de Maria para la iglesia del mismo nombre en Caracas.

1962
Viaja a España.

1969
Exposición colectiva de la Escuela del bosque en su décimo aniversario.

1970
Viaja a España a preparar una exposición.
Vuelve a tener relaciones con Benjamín Palencia,
distanciadas desde la muerte del tío o benefactor de
Benjamín y la enfermedad de San José, aunque se habían encontrado en Caracas y se carteaban.

1972
Hace su ultima exposición en Caracas y regresa a
España definitivamente.

1972 – 1981
Este ultimo tramo de su vida lo pasa junto a Pilar Aranda pintando entre su estudio de Madrid y el de la Olmeda de las Fuentes, donde revive de nuevo el paisaje de Castilla.

1981
Fallece Francisco San José en Madrid el 10 de septiembre.

Exposiciones individuales:

1943 Sala Clan, Madrid. 1948 Sala Clan, Madrid. 1949 Sala Clan, Madrid. 1950 Galería Palma, Madrid. 1951 Galería Velazqueña, Buenos Aires. Galería Studio, Bilbao. Instituto Nacional de Boston, Madrid. Sala Clan, Madrid. Galería Tangará, Madrid. 1952 Sala Clan, Madrid. Galería Estilo, Madrid. 1954 Asociación de Artistas Vizcaínos, Bilbao. Sala Clan, Madrid. 1955 Sala Libros, Zaragoza. Salón de Arte, Vitoria. Salones Macarrón, Madrid. 1962 Galería Prisma, Madrid. 1966 Galería Marcos Castillo, Caracas. 1968 Galería La Pinacoteca, Caracas. 1969 Sala Libros, Zaragoza. 1970 Galería Theo, Madrid. 1972 Galería S'Art, Huesca. Galería Porto Bello, Caracas. 1973 Galería Sur, Santander. Camarote Granados, Barcelona. Galería Chys, Murcia. 1974 Galería Galatheo, Valencia. Galería Colmuela, Madrid. 1975 Galería Biosca, Madrid. 1977 Galería Marcos Castillo, Caracas. Sala Libros, Zaragoza. 1978 Museo del Alto Aragón, Huesca. Galería Berdusán, Zaragoza. 1979 Galería Taba, Murcia. 1980 Sala Boheme, Salamanca. Sala Goya, Zaragoza. Galería Heller, Madrid. Galería Sur, Santander. 1981 Sala Rembrandt, Alicante. 1982 Galería Sur, Santander. 1983 Galería Tórculo, Madrid. 1984 Galería La Kábala, Madrid. 1986 Galería Alfama, Madrid. 1989 Asamblea de Madrid. 1995 Antológica CC Conde Duque, Madrid. 1998 Galería Angeles Penche, Madrid.
Ref: http://franciscosanjose.es/

Obra: Rebaño de Tiburcio . Olmeda de las Fuentes. Oleo lienzo 1976. Coleccion privada

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ISMAEL DE LA SERNA (Guadix 1898 - Paris 1968)

65. ISMAEL DE LA SERNA (Guadix 1898 - Paris 1968)

ISMAEL GONZALEZ DE LA SERNA fue amigo de la infancia de Federico García Lorca y Manuel Ángeles Ortiz, en Granada, Ismael Gómez de la Serna es miembro destacado de la llamada Escuela de París, ciudad en la que se instala en 1921. Desde su llegada a París, y hasta 1927, atraviesa fuertes... Ver mas
ISMAEL GONZALEZ DE LA SERNA fue amigo de la infancia de Federico García Lorca y Manuel Ángeles Ortiz, en Granada, Ismael Gómez de la Serna es miembro destacado de la llamada Escuela de París, ciudad en la que se instala en 1921.

Desde su llegada a París, y hasta 1927, atraviesa fuertes dificultades económicas.

Allí comienza a relacionarse con la vanguardia y los pintores españoles: Juan Gris, Hernando Viñes, Joaquín Peinado, Francisco Bores, su amigo Manuel Ángeles Ortiz y Francisco Cossío, entre otros.

En París conoce, en 1927, a Picasso, quien influye poderosamente en toda su obra posterior.

Obtiene el apoyo de influyentes críticos como Tériade, Zervos y Cassou, que escriben textos sobre su pintura y aseguran el éxito de sus exposiciones en los años veinte.

Su obra influida por el cubismo imperante en la capital francesa, irá desprendiéndose de él poco a poco y alternando diversas fases marcadas por el surrealismo, el expresionismo y la abstracción.

En sus obras se advierte una pérdida de interés por el tema y una mayor preocupación por la técnica. Mezcla estilos partiendo de cierto tenebrismo barroco en el color.

Sus bodegones, paisajes y figuras suelen estar plasmar una visión esperpéntica y expresionista de la España trágica.

En 1937 participa en el Pabellón Español de la Exposición Internacional de París.


La trayectoria del pintor, claramente significativa en el seno de los “pintores residentes en París”, inicia un periodo triunfal en 1927__llega a ser considerado como la gran promesa de la joven pintura española post- Picasso__, para verse truncada años después y comenzar a sufrir el abandono por parte de la crítica especializada.

Además del cubismo, se adentró en otras tendencias como el neoclasicismo, dentro siempre de una característica “atmósfera” que lo diferenciaba frente al resto de sus contemporáneos.

ISMAEL DE LA SERNA O EL RAPTOR DE SUSANA

Christian Zervos era su protector. Marchante de los más importantes pintores vanguardistas, entre ellos de Picasso, era además director de la prestigiosa revista Cahiers d’Art. Zervos era admirado, querido, perseguido, idolatrado, temido por la sociedad artística parisina de los años veinte. Entre sus más preciadas posesiones, estaba la de Susana, una chica bellísima, menuda, estilizada, sensual, riente... Nadie que hubiera deseado prosperar, se habría atrevido a hacerle la menor insinuación. ¡La querida del Mecenas! Ni siquiera Picasso...

Pero esto no iba con Ismael de la Serna. Estaba en su destino que lo trocaría todo por una mujer. Un testigo cualificado nos relata: “Un día fui a ver a Ismael a su estudio. Me pasó a una primera habitación y me dijo que esperara un momento. De pronto, un ligero revuelo cruzó el pasillo. ¡Una mujer redonda y rosada en camisa! La conocí y cuando volvió Ismael le dije aterrado: ‘¿Pero qué haces? ¿Es que quieres que nos hundamos los españoles protegidos y contratados con Zervos?’”

Pero de nada sirvieron los avisos. Como un fugitivo, De la Serna huirá de París con la joven cautivadora, en un peregrinar nómada cuya meta de partida es el matrimonio que ambos contraen en Cannes a finales de septiembre de 1929. No puedo evitar que se me venga a las mientes la figura de Nijinsky, el amante del gran Diaghilev, que le fue infiel huyendo con una de sus bailarinas, la cual se convirtió también en su esposa.

El deambular del pintor y de Susana los trajo a Granada, donde permanecieron en 1933. De este tiempo data la hermosa fotografía de Lanz, la cual da portada a la exposición que celebra estos días la Diputación de Granada: De la Serna pinta al óleo un pequeño lienzo. A su lado, la ya inseparable Susana mira sonriente la cámara. En su regazo descansa un caniche, raza a la que tan adicto fue Ismael (hay otra foto muy conocida en la que, con una indumentaria deportiva digna del Gran Gatsby, sostiene por sus correas a dos caniches). Si nos fijamos en el pintor, vemos que aún permanece envuelto en su aura de gloria. Está sereno, musculoso, dueño de sí mismo, sabedor de su importancia. Aún no se han difuminado los éxistos parisienses, cuando se decía de él que era un nuevo Picasso... Pero la realidad es que el pintor vive engañado, nutriendo sin saberlo su ego de las rentas, que serán cada vez menores. Probablemente no atisba aún que, en solidaridad con Zervos o bien temiendo sus iras, ya nadie habla de él en París, y que, con la fuerza descomunal de la inercia, su nombre se ha ido olvidando sin dejar rastro. Al principio estaba en la mente de todos, aunque callaran. Ahora, ya no existe... Hace ya cuatro años que Zervos no escribe una sola palabra de él, que los Cahiers d’Art no lo citan, que nadie compra una tela suya. Ismael se ha acabado. Sólo quedará su nombre fugaz por algunas galerías fuera de Francia. Más tarde correrá el rumor de que, durante la Segunda Guerra Mundial, tuvo que dedicarse a realizar falsificaciones para poder subsistir.

Por mi parte, dada mi natural simpatía hacia todos aquellos que han sido perseguidos, siempre creí que la poca importancia que en la actualidad se le daba al pintor era debida al primitivo veto de Zervos. Pero tras contemplar la exposición reseñada, he comenzado a dudar. Si de verdad esta muestra reúne “el cuerpo central de su obra”, como afirma el catálogo, entonces ésta no deja de ser sino un pálido reflejo de su época. No hay originalidad en estos lienzos, ni ruptura, ni profundización, ni hallazgos. He aquí que el don del artista de absorber cuanto produce su tiempo, como le ocurrió a Picabia, se convierte en el peor de los handicaps, en una excusa para no encontrarse a sí mismo. Casi todos los cuadros expuestos son edulcoradas influencias de estilos conocidos anteriores. Es ahora, al comprobar esta facilidad de De la Serna para la imitación, cuando comienzo a sospechar que el rumor de sus prácticas falsificadoras pudiera ser cierto.

Ni siquiera tras la guerra, después de muchos años de aislamiento y de inevitable reflexión, De la Serna supo emerger con aquello único, propio e irrepetible suyo. Por el contrario, lo que vemos es amargura, tristeza en él... La soledad, como en el caso de Nijinsky, que enloqueció proscrito por Diaghilev y desclasado del único mundo que había conocido, lo ha llevado muy lejos del arte. Ahora, la ideología, la literatura, la narración, han sustituido a la llama sagrada. El pintor oscila, como un reo embotado de golpes, de un estilo a otro, sin encontrar jamás un camino de salida.

La amarga verdad de la medianía de De la Serna me reconcilia en cierto modo con el arte, pues demuestra que no hay vetos que valgan y que, cuando una creación tiene la fuerza, la originalidad y la osadía necesarias, antes o después emerge, para desgracia de sus censores. De modo que el silencio sobre De la Serna fue un silencio merecido. Digamos que tuvo la suerte de ser alabado al comienzo porque ‑eso sí‑ prometía. Pero conforme pasa el tiempo, y para un observador imparcial que no se deje llevar por la pasión de la tierra, De la Serna pierde. Supo estar en el lugar oportuno en el momento oportuno. Luego “raptó” a una mujer. El problema es el siguiente: Sin el aislamiento posterior y la consiguiente amargura, ¿habría De la Serna evolucionado hacia una plenitud que hoy echamos en falta? Nunca lo podremos saber. De lo que no cabe duda es de que, en los años centrales de su carrera y hasta que huyó de Paris, era aún un principiante.

Gregorio Morales


Obra: 1931. Collage sobre cartón. 54,5 x 73 cm

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JOSE MARIA SERT BADIA (Barcelona 1874- Roma 1945)

66. JOSE MARIA SERT BADIA (Barcelona 1874- Roma 1945)

http://es.wikipedia.org/wiki/Josep_Maria_Sert

Introducción a la Biografía de José María Sert José María Sert pertenece a la generación posmodernista catalana. Es un artista muy singular, ya que sus concepciones pictóricas difieren tanto de las de los modernistas como de las de de los miembros de su generación. Nació en Barcelona en... Ver mas
Introducción a la Biografía de José María Sert

José María Sert pertenece a la generación posmodernista catalana. Es un artista muy singular, ya que sus concepciones pictóricas difieren tanto de las de los modernistas como de las de de los miembros de su generación.

Nació en Barcelona en 1874 en una familia de la alta burguesía, su padre era un importante fabricante de tapices.

Estudió en la Escuela de Artes y Oficios de la Lonja y formó parte del círculo artístico de Sant Lluc. En 1899 se traslada a París, donde reside casi sin interrupciones el resto de su vida.

La principal tarea artística que desarrolló Sert fue la decoración mural. La trató de forma solemne, grandilocuente, con un estilo que revela la influencia de Tiépolo y Goya y acusa, a veces, un excesivo barroquismo.

Su obra bebe de las fuentes del barroco. En Venecia había admirado a Tintoretto y en Bélgica a Rubens, que fueron sus modelos.

Al principio sus murales eran polícromos y su composición respondía a criterios decorativos. Pero pronto se volvieron monócromos, sepias y dorados o plateados claros y fueron derivando en un pesado colosalismo en el que los volúmenes, al desaparecer la densa ornamentación de sus obras antiguas, se muestran con una progresiva desnudez.

Su primer gran encargo data de 1900, es la decoración mural de la Catedral de Vic, obra en la que trabajará a lo largo de toda su vida. Elaboró un primer proyecto que no se llevó a cabo y que presentó con éxito en París en 1907. Entre 1920 y 1927 desarrolló un segundo proyecto que fue destruido en 1936 con la guerra civil y finalmente tras la guerra, lo rehace completamente.

La primera obra de envergadura de Sert es la decoración del Salón de Pasos Perdidos de Justicia de Barcelona, en 1903. Realizó esta obra mediante grandes lienzos pintados al óleo y adheridos al muro. En estas pinturas monumentales, Sert aparece fuertemente determinado por influjos italianos, ya que las figuras derivan de Miguel Ángel y el colorido cálido veneciano.

Destaca una alegoría de la Justicia, se trata de una figura sedente con túnica. Es una mujer de tez oscura y cabellos negros.

En 1910 ejecuta la decoración del palacio del marqués de Alella de Barcelona, que representa una serie de escenas sobre la danza del amor, enmarcadas por columnas clásicas. La composición se inscribe ya dentro de la gran tradición barroca.

Al año siguiente decora unos salones de la Kent House de Londres y el salón de la música de la princesa de Polignac de París, obras que ya integran la monocromía, los fondos dorados, las transparencias y contrastes lumínicos característicos de su obra.

Salón del baile y Sala de música de la residencia de Sir Saxton Noble en Kent House (Londres). Se trata de dos salas contiguas, unidas y separadas por un arquitrabe sostenido por ocho pares de columnas jónicas.

También le encargó entonces la decoración del comedor de su casa de campo en Wretham Hall, que realizará al terminar la Guerra. El tema es la alegría humana por la paz.

Se observa el gusto de Sert por el carnaval, tanto en los trajes exóticos, en el mago, en los caballos mecánicos del tiovivo y en los farolillos venecianos que evocan el carnaval, como porque en estas pinturas asistimos a la apoteosis de lo falso, las porcelanas parecen seres vivos y los seres vivos porcelanas. Todo es artificioso.

El lienzo más simbólico es el llamado Sacudiendo el ciruelo. Esta pintura recuerda al Goya de los cartones para tapices por lo grotesco, el dinamismo y el decorativismo abigarrado. Es la única escena natural de este salón artificioso.

Su estilo barroco y fastuoso hicieron que adquiriera una temprana fama, y cada vez recibe un mayor número de encargos de decoraciones murales para residencias de aristócratas y millonarios en Europa y América.

Por ejemplo, realiza Ciudades españolas en 1920 para el palacio del marqués de Salamanca en Madrid, Las cuatro estaciones para un pabellón de caza de los barones Rotchschild en Chantilly.

En 1920 se casa con María Godebska, mujer clave en el mundo cultural de su tiempo y que se la conoce con el nombre de Misia Sert. Fue amiga de Stravinsky, Picasso, Toulouse-Lautrec y retratada por Rendir, Degas, Bonnard, etc. Gracias a ella, Sert se introdujo en ambientes de alto nivel cultural.

En enero de 1930 fue nombrado académico de honor de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. En esta época efectúa sus encargos más ambiciosos, los plafones del Waldorf Astoria de Nueva York, El Palacio de Liria de Madrid, el Museo de San Telmo de San Sebastián, el Rockefeller Center de Nueva York y la Sala del Consejo de la Sociedad de Naciones de Ginebra.

Para el Waldorf Astoria de Nueva York crea un conjunto de piezas que forman la decoración del comedor del hotel, con el tema común del episodio del Quijote de Miguel de Cervantes de "Las bodas de Camacho". Su temática literaria pero a la vez popular también recuerda al Goya de los cartones para tapices y al aire popular español, con carácter de fiesta.

Durante la guerra civil sus pinturas de la Seo de Vic fueron quemadas, y tras la guerra, se dedicó casi por completo a esta obra, pero no rehizo la destruida, sino que la concibió de nuevo.

Finalmente murió poco después en Barcelona en noviembre de 1945.

Obra:Pinturas del Rockefeller Center de Nueva York. Obra de Josep María Sert

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JOAQUIN SUNYER i MIRO ( Sitges 1874-1956)

67. JOAQUIN SUNYER i MIRO ( Sitges 1874-1956)

http://es.wikipedia.org/wiki/Joaquim_Sunyer

Sitges, 1875-1956) Pintor español. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona junto con Nonell, Torres García y Canals y Mir, con el que desde 1890 solía ir por los alrededores de la ciudad a pintar en la línea iluminista de su tío, el también pintor Joaquín de Miró. En 1896 hizo su... Ver mas
Sitges, 1875-1956) Pintor español. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona junto con Nonell, Torres García y Canals y Mir, con el que desde 1890 solía ir por los alrededores de la ciudad a pintar en la línea iluminista de su tío, el también pintor Joaquín de Miró. En 1896 hizo su primer viaje a París y comenzó a alternar estancias entre nuestro país y Francia. En París residió en Montparnasse y en Montmartre, pasó dificultades económicas y conoció en 1903 a Picasso, Manolo Hugué y Maillol. En 1909 conocería a Renoir.

Por esa época pinta en pastel y óleo escenas de la vida popular y obrera del barrio de Belleville y calles parisinas llenas de cromatismo. También realiza en estos años una serie de paisajes de Garraf donde se combinan reminiscencias de Bonnard y Degas, junto a la pureza de los perfiles y concreción de los volúmenes, que serán notas constantes en su futura obra.

Después de un viaje a Munich, en 1912, pasó una temporada en Cerét, localidad donde se consolidó el cubismo analítico de Picasso y Braque, que le llevó hacia un plasticismo más acentuado. Las obras de este período se inscriben dentro de una paleta más sobria, en composiciones de espacio limitado, masas estructuradas y cierto sentido escultórico. Durante sus estancias en España pintó una serie de obras que se han relacionado con el Noucentisme catalán.

En 1919 contrajo matrimonio con Elvira Carbonell y se instaló en Sitges. Al comienzo de la Guerra Civil española se exilió a Francia, y regresó a España en 1941. En 1954 obtuvo el Gran Premio a la Obra de un Artista en la Bienal de la Habana. Desde entonces expuso frecuentemente hasta su muerte.





Obra: BLANCHISSEUSE ET BATEAU-LAVOIR AU BORD DU CANAL SAINT-MARTIN.

Ref: http://pensaipinta.blogspot.com/2010/09/joaquim-sunyer-de-miro-modernismo.html

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REMEDIOS VARO ( Angles-Gerona 1908- Mexico  1963)

68. REMEDIOS VARO ( Angles-Gerona 1908- Mexico 1963)

http://es.wikipedia.org/wiki/Remedios_Varo

Biografía de “Remedios Varo” 1908 - 1923 Nació el 16 de diciembre de 1908 en Anglés, provincia de Gerona, España. Fue consagrada, después de la muerte de su hermana, a la Virgen de los Remedios. Dos hermanos: Rodrigo, el mayor, y Luis con quien Remedios mantendría una estrecha... Ver mas
Biografía de “Remedios Varo”

1908 - 1923

Nació el 16 de diciembre de 1908 en Anglés, provincia de Gerona, España.

Fue consagrada, después de la muerte de su hermana, a la Virgen de los Remedios.

Dos hermanos: Rodrigo, el mayor, y Luis con quien Remedios mantendría una estrecha relación.

Guardó el sentimiento -culposo e injustificado- de usurpar el lugar de una hermana desaparecida.

Su padre era ingeniero hidráulico.

Debido a su profesión, llevó a su familia por todo España llegando hasta Marruecos.

En estos viajes aprendió el manejo de los instrumentos de su padre, en el que dio muestras de su dominio en la perspectiva y el dibujo.

1924 -1934

Su padre le motiva para que ingrese en la prestigiosa Academia de San Fernando de Madrid.

Tiene profunda admiración por El Bosco, El Greco y Goya.

Termina sus estudios en 1930 y se casa con Gerardo Lizarrageside, condiscípulo de la Academia.

Residen en París por un año y al regreso, en 1932, se establecen en Barcelona, donde trabajan realizando dibujos publicitarios.

Remedios se interesa más y más por la pintura vanguardista, interés que comparte con un nuevo amigo, el pintor Esteban Francés.

1935-1940

En 1935 Remedios Varo se separa de Gerardo Lizarraga.

Se relaciona con otros artistas vanguardistas, con quienes integra el grupo Lógicofobista, es decir "opuestos a la lógica".

La exposición de este grupo, en 1936 en Barcelona, tuvo cierta resonancia y los acercó al surrealismo cuyo eje estaba en París.

El juego artístico.

1936 el óleo sobre cobre, L'Agent Double, anticipa el estilo que desarrollarla quince años más tarde en México.

La guerra civil de España

De profundo espíritu pacifista, opta por el lado republicano.

El poeta Benjamin Péret se presenta en su casa, en Barcelona, para ayudar a los antifascistas.

Se enamora de ella y regresa con ella a París en 1937.

Péret la introduce en un círculo íntimo de los surrealistas, con André Breton como líder.

La pareja se queda en París hasta la invasión nazi.

Un americano, Varian Fry, les ayuda escapar a México.

1941-1946

Llegan a México.

La política del presidente Lázaro Cárdenas hizo posible que los refugiados recibieran inmediatamente asilo y permiso para laborar.

Remedios hizo toda clase de trabajos artesanales para ganarse la vida.

En su casa se forma un círculo de amigos.

Esteban Francés

Gerardo Lizarraga

Leonora Carrington

Gordon Onslow-Ford

César Moro

Eva Sulzer

Octavio Paz

Kati y José Horna

Gunther Gerzso y otros

1947-1951

En 1947 se separa de Benjamin Péret.

Va a Venezuela.

Una expedición agrícola y entomológica

organizada por el IFAL

Envía trabajos publicitarios para la empresa farmacéutica Bayer de México.

Firma estas pintura con su apellido materno Uranga, adivinando que algún día su apellido paterno Varo sería famoso.

También trabaja en el Instituto de Malariología Venezolano

Estudia en el microscopio y hace dibujos detalladisimos de los mosquitos transmisores de la malaria.

Unos amigos le envían el dinero para el viaje a México.

En 1949 regresa y prosigue realizando trabajos comerciales.

1952-1963

Se casa con Walter Gruen.

Gruen le convence que dejara los trabajos comerciales y se dedica a la pintura "en serio".

1955, su primer exposición colectiva

En la Galería Diana

Cuatro cuadros

Roulotte

Simpatía

El alquimista

Música solar

Al año siguiente presenta su primera exposición individual.

Logra reunir diez y seis cuadros para su segunda exposición individual en la Galería Juan Martín en el año 1962.

Muere de un paro cardiaco el 8 de octubre de 1963.

1964, es objeto de un homenaje póstumo en el Palacio de Bellas Artes.

Posteriormente, dos exposiciones individuales, una en 1971 y otra en 1983, se llevan a cabo en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México.




Las obras de Remedios Varó y la época surrealista

Estructura de las obras de Remedios Varó:

Estilo narrativo

Consciencia feminista

Compagina el mundo de la artista entre la ciencia y el arte en una tentativa a revelar orden interno del mundo de fantasía

Temas de Varó

Sus propias experiencias

Exploración de lo racional en un mundo de fantasía

La naturaleza, la alquimia, lo sobrenatural, y la mujer como un fuente de sensibilidad y poderes regenerativos.

Dos Mundos de reconciliación en las obras de Varó

Lo cientifico + lo mítico = Transcendencia y reencarnación

Técnica de Varó

Capas de rasgos pequeños

Paleta sombría y superficie mate

Manera de pintar cuidadosa y intencionada

OPINIÓN DE SUS OBRAS

ANDRADE, Lourdes. Remedios Varo : las metamorfosis. 1a ed. México : Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, 1996. [63 p.] Círculo de Arte. ISBN 968-29-8921-3.

Perteneciente a la colección Círculo de arte cuyo objetivo es presentar muestra de la obra de diversos pintores, en este libro la autora aborda principalmente la vida de Remedios Varo entablando una marcada relación con 31 de sus cuadros que referencía a lo largo de su texto, mismos que también son reproducidos al final de la obra. Interesante y breve acercamiento a la vida y obra de esta gran pintora, contiene un escrito de hechicería de su autoría sobre cómo provocar sueños eróticos.

El arte de Remedios Varo : el mito y la ciencia. México : EDITEC, 1997. Tipo multimedia [CD-ROM]. ISBN 978-7624-01-9.

Presenta más de 150 obras de Remedios Varo con sus respectivas fichas técnicas, videos y animaciones, así como un texto explicativo de su vida y obra a través de hipertexto e hiperimágenes, y un programa de recuperación de información de manera alfabética, cronológica o temática. Viaje interactivo por el mundo pictórico de Remedios Varo que contiene un texto de Peter Engel titulado "Remedios Varo : ciencia en el arte".

AUB, Max. Notas para lamentar la muerte de Remedios Varo. Revista de la Universidad de México, Diciembre 1963, vol. 18, no. 4, p. 22-25.

Excelente intento de descripción e interpretación de la obra de Remedios Varo, este artículo nos lleva a reflexionar y a descubrir secretos y obscuros significados de los personajes que recurentemente aparecen en sus cuadros, así como de ese mundo misterioso al que dió vida provocando que efectivamente, lamentemos que Remedios no se encuentre más entre nosotros pintando nuevas historias.

CELORIO, Gonzalo. Remedios Varo y Remedios la bella : un ejemplo indiscreto de arte comparado. México: Gonzalo Celorio, 1974. 118 p. Tesis de licenciatura de Letras Hispánicas, UNAM.

¿Cómo comparar y encontrar similitudes en las obras de dos artistas que manejan distintos lenguajes? Pues en aquí el autor lleva a cabo un acercamiento muy interesante a las obras de Remedios Varo y de García Marquez, con su libro "Cien años de soledad", para finalmente lograr la confrontación entre el surrealismo y el realismo mágico, todo esto por medios del análisis de los movimientos, antecedentes, escritos de Remedios y la comparación de diversos cuadros con fragmentos de la afamada novela, trabajo en que una de sus bases es el considerar a los cuadros de la pintora eminentementes literarios.

KAPLAN, Janet A. Viajes inesperados : el arte y la vida de Remedios Varo. 1a ed. [Madrid] : Fundación Banco Exterior, c1988. 272 p.

En esta obra fundamental y obligatoria para el estudio de esta artista, Janet Kaplan nos brinda una detallada investigación de la vida y obra de Remedios Varo a través de un modelo de rigor y riqueza en la documentación y en la descripción de sus cuadros; conjunción de crítica, crónica historiográfica y análisis productos de todo un rastreo en el mundo de Remedios y en todas sus etapas y ámbitos, tanto familiares, académicos, intelectuales y sociales con reveladores resultados.

Remedios Varo. Resumen : pintores y pintura mexicana. Remedios Varo y Guillermo López Beltrán, Mayo 1996, año 2, no. 17, p. 4-14.

En esta revista cuyo objetivo es la promoción del arte mexicano, el artículo dedicado a Remedios Varo abarca su vida, obra, y peculiarmente el mercado en que se desenvuelven sus cuadros al dar a conocer sus precios y/o cotizaciones en que se encuentran. Se ilustra este número con varios de sus cuadros.

Remedios Varo : catálogo razonado = catalogue raisonné. Ricardo Ovalle,... [et.al.] México : Era, 1994. 342 p.


Único catálogo biblingüe en que se ha reunido la totalidad de la obra de Remedios Varo, abarcando además de la excelente reproducción de todos sus cuadros, sus bocetos y fichas técnicas completas de cada cuadro, su biografía, gustos, explicaciones e interpretaciones de sus obras acompañadas de fotografía de esta gran artista. Una serie de artículos de diversos escritores como Teresa de Conde, Kaplan, Ricardo Ovalle, entre otros, fortalecen este catálogo, así como la completa bibliografía y hemerografía sobre Remedios con que finaliza la obra.

RODRÍGUEZ PRAMPOLINI, Ida. El surrealismo y el arte fantástico de México. 1a ed. México : Universidad Nacional Autónoma de México, Instituto de Investigaciones Estéticas, 1969. Capítulo VI, Los artistas surrealistas extranjeros en México : Remedios Varo, p. 75-87.

En este capítulo dedicado a los surrealistas extranjeros en México, Remedios Varo aparece como un ejemplo perfecto de este movimiento encabezado por Bretón. Algunos datos biográficos pero sobre todo el contexto intelectual en que se desarrolló la pintora, así como algunas de sus notas con relación a sus cuadros en que se ejemplifica cómo cada cuadro es la escenificación de un cuento, son lo más destacable que expone el autor, al igual que datos sobre exposicicones, su importancia y ciertas características de su obra.

Saber ver : arte y recreación para toda la familia. Remedios Varo. Fundación Cultural Televisa, Centro Cultural/Arte Contemporáneo. México : Fundación Cultural Televisa, Octubre-noviembre 1997, no. 10. ISSN 1405-3810.

Al estar dirigida hacia toda la familia, la vida y características de la obra de Remedios Varo se encuentran en textos muy accesibles para todos y especialmente atractivos para los niños, significando este número una manera fácil de introducirlos al mundo maravilloso de Varo, especialmente gracias a la calidad de reproducción de sus cuadros, al lenguaje sencillo, y por las actividades y concursos con relación al tema a los que se invita a participar.

VARO, Remedios. Remedios Varo : cartas, sueños y otros textos. México, D.F. : Era, 1967. 133 p. Biblioteca Era.

Si bien la importancia y reconocimiento de Remedios Varo se basa en su trabajo como pintora, también resulta de gran interés conocer a través de este libro sus escritos que nos permiten acercarnos aún más a su obra, a su sentir, a sus razones y a ese mundo creado lleno de historias.

Ref:http://html.rincondelvago.com/remedios-varo.html

Obra: tailleur-pour-dames-remedios-varo-1957

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JOSE VENTO RUIZ (Valencia.1925 - Madrid 2005)

69. JOSE VENTO RUIZ (Valencia.1925 - Madrid 2005)

http://www.josedelamano.com/pages/josevento_b.html

Nuestro amigo y compañero el pintor José Vento Ruiz falleció el pasado 16 de Marzode 2005. Seremos muchos los que lo echaremos en falta. Su calidad humana, su rica y culta conversación, su franqueza, su libertad... Algunos lo consideraban un ácrata, él era un libertario, aunque se reía de si... Ver mas
Nuestro amigo y compañero el pintor José Vento Ruiz falleció el pasado 16 de Marzode 2005.

Seremos muchos los que lo echaremos en falta. Su calidad humana, su rica y culta conversación, su franqueza, su libertad...
Algunos lo consideraban un ácrata, él era un libertario, aunque se reía de si mismo y decía que era un anarquista de salón...

José Vento nació en Valencia en 1925, durante el año1933 sufrió una pleurinitis tifoidea que lo mantuvo postrado en cama durante un año. Aprendió a dibujar en la soledad del alejamiento de la escuela infantil y descubrió la pintura, su camino.

Durante la guerra civilde 1936 sus estudios de enseñanza secundaria se interrumpen y llega a ver a un hermano suyo marchar al frente con las milicias anarquistas. La familia Vento setraslada al interior de Valencia es durante la guerra y gracias a su vecino farmaceutico que José Vento comienza las lecturas que lo iniciarán en lo que ya sería siempre: un hombre libre.
Al iniciar sus estudios de Bellas Artes en Valencia conoce a Rafael Pérez Contel, pintor y escultor comunista que durante la guerra realizó y coordinó muchos talleres de cartelismo y propaganda gráfica republicana. El silenciado Contel de los oscuros años de la postguerra erá una gran influencia para José pese a sus diferencias ideológicas y un gran amigo hasta el final.

José Vento realizó entre 1949 y 2005 numerosas exposiciones individuales y colectivas en algunas de las más importantes galerías del mundo. Recibió premios, becas, fue muralista, grabador,... Pero sobre todofue pintor.


Ejerció durante muchos años la enseñanza de artes plásticas para niños y así fue como lo conocí. Fue laprimera persona que me habló como a un adulto cuando apenas contaba 6 o 7 años. Muchos años después,durante la década de los ochenta, dirigió un taller de pintura en su estudio del barrio de la Concepción de Madrid donde algunos pocos afortunados tuvimos la suerte de aterrizar.

José Vento nos enseñó el oficio de pintor y algunas cosas que ya no se aprenden en las escuelas de Bellas Artes. Fue un paciente catalizadorde ideas, reflexiones y actitudes vitales para todos nosotros, un maestro.

Su inequívoco sentido libertario de la vida y la pintura, su humanismo, su amistad, nos marcarían para siempre.

José Vento continuó pintando hasta el final. Vivió como quiso porque así lo quería. Disfrutó su madurez plástica sin el barullo de los alumnos a su alrededor.De la casa al taller, del taller a casa. Pintando, siempre pintando.

Era un corredor de fondo como el decía.

Tambien decía que el tiempo pinta, refiriéndose a algún cuadro o a una piedra del camino.
Maestro: Supongo que ya habrás comprendido el significado de las ítacas.

El tiempo pinta Adiós a nuestro amigo el pintor libertario José Vento Ruiz.









José Vento Ruiz 1925-2005
De Wikipedia.


José Vento Ruiz (n. 3 de julio 1925, Valencia-16 de marzo 2005), es un pintor español.
Nace en la casa familiar de la Bajada de San Francisco vecina a la Plaza del Ayuntamiento, la más bulliciosa arteria de la Ciudad de antaño.

Hijo de Joaquín Vento Pallardó, enólogo formado en Burdeos, heredero, junto a su hermano Vicente, de la empresa de vinos y alcoholes “Bodegas Vento” fundada por Vicente Vento Aguilar. Hombre creativo y de empuje, inaugurará como empresario el “Café Champán”, el primer café-pastelería que permitirá la entrada de las mujeres en un ámbito antes restringido a los varones. También introducirá los métodos franceses para el cuidado de los mostos y montará el obrador “Fan-fán” que fabricaba y vendía caramelos y dulces con ayuda de modernos métodos de publicidad. Pero la vocación personal de Don Joaquín se encontraba en las letras, ya escribiendo poesía, cuentos (El amor engaña. Valencia 1914) o pequeñas obras de teatro junto a su amigo Manuel Ferrandis Agulló que publicaban con ilustraciones de Arturo Ballester Marco. Algunas incluso llegaron ser representadas (El sant de la casa. Teatro Apolo. Feb. 1911).
Su madre, María José Ruiz Giner, hija de un artesano del calzado a medida laureado en la Exposición Internacional de Bruselas y nieta del jardinero del Parterre de Valencia, era una mujer cariñosa y callada que dedicará su vida a la atención y cuidado de su familia.

En 1936 ingresa en el instituto de Enseñanza Media para cursar los estudios de Bachillerato pero esta vez la guerra civil los interrumpe dramáticamente. Su hermano mayor (estudiante de medicina) marcha al frente mientras la familia se traslada a Buñol en 1937 huyendo de los bombardeos. Las bodegas fueron expropiadas y convertidas en economatos populares, también desaparecen los cafés del puerto bajo los proyectiles, así que para subsistir se emplea junto a los restantes hermanos en tareas agrícolas y ganaderas, mientras el padre se contrata, por mediación de Francisco lachisa, en las bodegas del pueblo. Pero para Josein, todo cambiará cuando, en la casa vecina donde, pared con pared, descubre la extraordinaria biblioteca del Licdo. Carrascosa, farmacéutico del pueblo, quien la pondrá a su entera disposición. Allí leerá al atardecer, después de su jornada de pastoreo, tanto a clásicos como a modernos y con la avidez de un cuerpo cansado por el trabajo pero una mente despierta para las ensoñaciones, hasta que puedan regresar a Valencia. Al poco tiempo de terminar la guerra, la represión se cerniría sobre Buñol y el farmacéutico será detenido y, como a muchos otros tras la contienda, fusilado.
En 1939 regresan a Valencia. El padre trata de que le restituyan aquellos negocios que fueron expropiados, pero pierde la titularidad de los destruidos por los bombardeos. Por suerte conservan el “Fan-fan”, pero mientras se recuperan el obrador y la pastelería, los hijos tienen que contratarse en diversos oficios. Trabaja durante el día y por las tardes dibuja y pinta antes de terminar la noche estudiando. De vez en cuando presenta los dibujos a la consideración del pintor Ricardo Navarro, amigo de la familia, quien le corrige y anima...


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SALVADOR VICTORIA  MARZ ( Mora de Rubielos,1928 - Madrid, 1994)

70. SALVADOR VICTORIA MARZ ( Mora de Rubielos,1928 - Madrid, 1994)

http://www.salvadorvictoria.com/

En Rubielos de Mora puede admirarse, junto a la magnífica obra de Salvador Victoria, un verdadero museo de arte contemporáneo de la segunda mitad del siglo XX. El Museo Salvador Victoria se ha instalado en el antiguo Hospital de Gracia, en el barrio del Campanar de Rubielos; aunque la fundaci... Ver mas
En Rubielos de Mora puede admirarse, junto a la magnífica obra de Salvador Victoria, un verdadero museo de arte contemporáneo de la segunda mitad del siglo XX.

El Museo Salvador Victoria se ha instalado en el antiguo Hospital de Gracia, en el barrio del Campanar de Rubielos; aunque la fundación del hospital data del siglo XIV, el edificio actual fue construido a mitad del siglo XVIII; ha sido restaurado y rehabilitado convenientemente para la función de museo. La planta baja se ha acomodado para albergar el fondo bibliográfico y una sala de exposiciones temporales. Las salas primera y segunda acogen la obra de Salvador Victoria y la de los amigos del pintor.

Salvador Victoria, nacido en Rubielos de Mora en 1929 y ligado a la población durante toda su vida, había expresado en 1992 el propósito de legar una parte importante de su obra a su villa natal para la creación de un museo monográfico.

Tras su muerte en 1994, su viuda Marie Claire Decay respetó la idea de Salvador, e incluso la amplió a la creación de un museo de arte contemporáneo, centrado en la segunda mitad del siglo XX. Así, a la donación inicial de cuadros de Salvador Victoria se añadían los cuadros que él y Marie Claire poseían, fruto de intercambios con sus amigos. Así se concretaron los fondos del museo.

SERIGRAFIA :Salvador Victoria “S/T” .Procedencia / época: 1972. Medidas: 75 x 50 cm.

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ISMAEL BALANYA MOIX ( Montblanc 1921- 2000)

71. ISMAEL BALANYA MOIX ( Montblanc 1921- 2000)

http://www.google.es/search?hl=es&q=balanya+moix&btnG=Bus...

Ismael Balanyà e Moix (Montblanc, 1921 a 2000), foi um pintor, grafista e profesor ao Escuela Massana de Barcelona. A suda pintura caracteriza a pelo trabalho como cores suaves, Figuras hieráticas e paisagens. É autor de boa parte das pinturas murales que há nos edifícios Públicos e Privados de... Ver mas
Ismael Balanyà e Moix (Montblanc, 1921 a 2000), foi um pintor, grafista e profesor ao Escuela Massana de Barcelona. A suda pintura caracteriza a pelo trabalho como cores suaves, Figuras hieráticas e paisagens. É autor de boa parte das pinturas murales que há nos edifícios Públicos e Privados de Montblanc y da Conca de Barberà.

Foi nomeado filho predilecta de Montblanc o 6 de janeiro don ano 2000.

Obtido de «http://ks312095.kimsufi.como../../../../artigos/a/d/a/Adam.html»

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JOSE LUIS MERINO DEL NERO (Santander  1934 - Monsheim 1999)

72. JOSE LUIS MERINO DEL NERO (Santander 1934 - Monsheim 1999)

http://listas.20minutos.es/lista/pintores-espanoles-del-s...

Jose Luis Merino del Nero , nace en Santander fue antiguo alumno del Colegio de los PP Escolapios de Villacarriedo, que sin duda marco gratamente su vida. Fue alumno del pintor Juan Jose Cobo Barquera (Comillas 1902-Santander 1984). Dibujar es su hobby ,durante el servicio militar y en esta... Ver mas
Jose Luis Merino del Nero , nace en Santander fue antiguo alumno del Colegio de los PP Escolapios de Villacarriedo, que sin duda marco gratamente su vida. Fue alumno del pintor Juan Jose Cobo Barquera (Comillas 1902-Santander 1984).
Dibujar es su hobby ,durante el servicio militar y en esta epoca comienza hacer algunos murales.
Su segundo paso sera el estudio de la figura: se inicia en el retrato, es la epoca catalana de Lloret de Mar , su siguiente paso fue Paris en 1959, aqui sufre dificultades por su arte e inspiracion. Ese año expone en la Galeria Sur de Santander y en 1960 en la Galeria de Jovenes Artistas de Paris. En los años finales de los sesenta, emplea el colage, es la moda, realiza , bocetos, dibujos, acuarelas pinta sobre papel. Epoca informal.
Tecnicas de linea y color, grabados y oleo, tecnica mixta. Esculturas de madera, talla metal, conoce asi las artes en su amplia variedad. Es el motivo por lo que busca la perfeccion.
Desde 1964 reside en Alemania, es trabajador incansable, en 1969 expone en la galeria Willinger en Wurzburg, se inicia en la perspectiva.
En 1970 Expone en Heilderburg. Se inicia en la luz y el color
En 1970 Stadt. Gemaldegalerie. Museum de Worms
En 1970 Stadt. Gemaldegalerie. Wurzburg
En 1971 Expone en la I Bienal de Leon y ese año en Frankfurt Main. y Colonia.
En 1972 En la Sala Siglo XV de Segovia,
En 1972 En el Museo Contemporaneo de Ibiza.
En 1973 En la Galeria Artist Centre de Zurich.
En 1973 En el Museo de Arte Contemporaneo de Bogota , aun utiliza la tecnica mixta,dibujo y oleo. Tambienb en Hamburgo
La epoca sudamericana es de gran impacto para el artista.
En 1975 vuelve a Bogota donde expone en el Museo de BB.AA. y en la galeria 70.
En España , Premio Ejercito, Madrid y Barcelona 1975.
Exposicion de Arte del Rhin 1975 y Museo Villa Calcutta en Colombia 1975.-
Entre 1977-78 en Monsheim (Alemania), construccion del Galeria- Museo Merino del Nero.
En 1980, expone en la Galeria Plantim de Paris.
En 1981-82 Museo-Galeria Merino en Monsheim.
En 1981 En la Galerie RB. Mannheim
En 1982 En Galeria Sur de Santander, Ese mismo año en Galerie Arcadia de Paris.
En 1983 Galeria Hild, de Hanau
En 1984 Galeria Sur de Santander.- Stadt Muesum de Worms.
En 1985 Galerie im Vosrstadtturm Y en la Galerie Keusgen de Kandern
En 1986 Galerie bei der Komodie. Ausburg.- Galeria Sur de Santander y Centre Culturel de aerospitales de Toulouse.
En 1987 Galerie Maria Theresia Muller-Sarmiento . Hamburg.
En 1989 Galeria Sur Santander.
En 1990 Ayuntamiento Monsheim, Hausam Maibes, Heppenteim.
En 1991 Galerie Bei der Komodie Angobaurg Ko.Galerie Dusseldorf.

Numerosisimas exposiciones colectivas en Europa y America.

ooooooooooo

Su obra se encuentra en numerosos museos y colecciones publicas y privadas, como
Museo de Arte Contemporaneo de Bogota; Museo Municipal de Bellas Artes de Santander, Museo de Arte Moderno de Tel Aviv ; Museo Municipal de Worms ; Ministerio de Cultura Aleman; Museo Merino en Worms; Museo de Arte Contemporaneo de Ibiza; Ministerio de Defensa español..................Ayuntamientos de Monsheim, Santander, Frankfurt ....

Merino del Nero es un pintor muy apreciado en Europa, particularmente en la Republica Federal de Alemania; numerosas exposicioners enriquecen su obra, que ha ido superandose hasta llegar a ese cenit del reconocimiento publico, tan ansiado por todo artista. (Pedro Arce ,Concejal de Educacion,Cultura y Juventud del Ayuntamineto de Santander)

Bibliografia:
Diccionario de Pintores, segunda mitad del Siglo XX. pag. 415 - Epoca
Diccionario de Pintores y Escultores Españoles del Siglo XX. pag. 2649 Forum Artis.
Merino del Nero ; monografia , por Maria Ealo de Sà
Enciclopedia de Cantabria.-
La Pintura Montañesa. IEE . Madrid. Martinez Cerezo
La pintura Española Actual . Raul Chavarri
Y numerosos articulos y libros alemanes.


Obra: oleo lienzo 47 x 38 ,firmado 1984, Coleccion particular

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ALVARO ALCALA GALIANO (Bilbao 1873 - Paracuellos del Jarama , 1936).

73. ALVARO ALCALA GALIANO (Bilbao 1873 - Paracuellos del Jarama , 1936).

http://es.wikipedia.org/wiki/%C3%81lvaro_Alcal%C3%A1_Galiano

Álvaro Alcalá Galiano fue un pintor aristócrata. A su nombre se unieron, a lo largo de su vida, títulos tales como el de Conde del Real Aprecio, Mayordomo de semana del Rey Alfonso XIII y Maestrante de la Real de Zaragoza. Por línea materna, sus raíces estaban en Italia y emparentaba con los... Ver mas
Álvaro Alcalá Galiano fue un pintor aristócrata. A su nombre se unieron, a lo largo de su vida, títulos tales como el de Conde del Real Aprecio, Mayordomo de semana del Rey Alfonso XIII y Maestrante de la Real de Zaragoza. Por línea materna, sus raíces estaban en Italia y emparentaba con los Doria; mientras que, por parte de padre, le unían lazos con antepasados aristocráticos de Huesca.
Obtuvo premios y reconocimientos como fruto de su labor pictórica. Una trayectoria que comenzó desde muy joven. Fue en la localidad francesa de Ciboure (la familia de su abuela materna era de Francia), lugar en el que gustaba de pintar exteriores, donde recibió la primera oferta de interés. El por entonces director de la Escuela de Bellas Artes de París, M. Gervex propuso al joven trasladarse a París para formarse junto al maestro M. Bonat. Sin embargo, su madre tomó la decisión de mandarle a Madrid.
La fama de Sorolla animó al bilbaíno a trabajar bajo su dirección. Durante esta etapa profundizó en las técnicas pictóricas. Y más tarde se marchó a Holanda, donde pintó una soberbia colección de marinas que, expuestas en París, obtuvieron un enorme éxito.
A su etapa holandesa le siguió una estancia en la Bretaña francesa donde también pintó marinas y paisajes de la región. El resultado fue fantástico. Uno de los cuadros de esta colección, el titulado 'La bendición del mar en Bretaña', obtuvo uno de los premios en el salón de los artistas franceses de París. Con tan buena reputación, la Diputación de Vizcaya le encargó pintar el techo del salón del trono, obra que terminó en 1903.
A partir de ese momento sus obras se presentaron en las mejores exposiciones, tanto nacionales como extranjeras. Es de destacar su participación en las de París en 1904, 1905 y 1911. Durante aquel tiempo los premios y reconocimientos a su labor se multiplicaron. Su enorme éxito le favoreció como el designado de honor para pintar los techos del Palacio de Justicia y del Ministerio de Marina de Madrid. Fue el impulsor, en 1915, de la creación del Ateneo de Bilbao del cual él mismo fue su primer presidente.
Poco a poco se introdujo en el universo de la intelectualidad de su época. Sus convicciones monárquicas se reforzaron con el advenimiento de la II República. Fue entonces cuando su implicación política se hizo patente y se encuadró, junto a otros intelectuales conservadores, en la organización Acción Española de tendencia antimarxista. Detenido por sus ideas, ingresó en la prisión madrileña de San Antón.
Su final le llegó el 27 de noviembre cuando se ordenó evacuar a todos los internos de la cárcel de San Antón. Su destino, el mismo que el de sus predecesores: Paracuellos. El delito de aquel artista nacido en Bilbao el 21 de mayo de 1873, fue el de pertenecer a la organización política de derechas Acción Española. Ese fue el 'pecado' que truncó la carrera de uno de los pintores vascos con más proyección tanto nacional como internacional de su tiempo.
Ref: http://alegraycolor.blogspot.com/2008/05/lvaro-alcal-galiano.html

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Gran pintor asesinado en Paracuellos del Jarama .Era Conde del Real Aprecio. Participo en les Expisiciones Nacionales de Bellas Artes obteniendo grandes exitos
Fue discipulo de Lecuona, Jimenez Aranda y Sorolla.
Tercera Medalla en 1897 y 1899.
Segunda Medalla en 1901.
Primera Medalla en 1920, por el lienzo La senda (en el Museo del Prado).
Asimismo, fue galardonado con Tercera Medalla en el Salón de París de 1910, con Segunda en la Universal de Buenos Aires de ese mismo año y con Gran Premio de Honor en la Exposición Internacional de Panamá de 1916.

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CARLOS SAENZ DE TEJADA Y LEZAMA (Tánger, 1897 - Madrid, 1958)

74. CARLOS SAENZ DE TEJADA Y LEZAMA (Tánger, 1897 - Madrid, 1958)

http://es.wikipedia.org/wiki/Carlos_S%C3%A1enz_de_Tejada

Pintor y dibujante alavés; muralista e ilustrador, nació en Tánger el 22 de junio de 1887 y murió en Madrid el 23 de febrero de 1958. Realizó sus estudios en Orán, donde su padre era cónsul de España, en Francia y en Madrid. En la capital española trabajó en el taller de López Mezquita, dirigido... Ver mas
Pintor y dibujante alavés; muralista e ilustrador, nació en Tánger el 22 de junio de 1887 y murió en Madrid el 23 de febrero de 1958. Realizó sus estudios en Orán, donde su padre era cónsul de España, en Francia y en Madrid. En la capital española trabajó en el taller de López Mezquita, dirigido más tarde por Álvarez de Sotomayor. En 1916 ingresa en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, donde tiene como maestro, amén de a Mezquita y Sotomayor, a Sorolla. A partir de 1921 colabora con el diario «La Libertad»; desde 1924 hace ilustraciones para las revistas «Nuevo Mundo», «Aire Libre» y «La Esfera», entre otras. Toma parte en la «Exposición de Artistas Ibéricos» de 1925 y ese año se instala en París, donde residirá por espacio de 10 años. Allí colabora con publicaciones como «L'Ilustration», «Vogue» o «Fémina», realizando ilustraciones sobre temas españoles. Trabaja en varias editoriales como «La Pléyade», «Chiffrin» o «Draegger» y colabora con publicaciones de Londres, Berlín y Nueva York. Aparecen por esta época dibujos suyos en «ABC» y «Blanco y Negro» e ilustra obras de Daudet, Dickens, Dumas y Verne. En 1935 regresa a la Península y se instala en Laguardia (Álava), localidad con la que tenía vínculos familiares y de la que será nombrado hijo adoptivo en 1938, por lo que a menudo se le ha asignado esta localidad como lugar de nacimiento. Estallada la Guerra Civil en 1936 se integra como voluntario en el bando nacional, convirtiéndose en «ilustrador oficioso» de la contienda. Colabora en la revista falangista «Vértice» de San Sebastián (1937-1943) e ilustra la Historia de la Cruzada de J. Arrarás, para Ediciones Españolas. En 1944 la Escuela de Bellas Artes crea para él el departamento de Dibujo de Ilustración, y es nombrado Profesor de Pintura Mural en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid. Durante 1947 realiza las ilustraciones de libros como Don Juan Tenorio de Zorrilla, El Bosque Animado de Fernández Flórez y Zogo-Ibi de Larreta. Este mismo año recibe la Medalla de Oro en la Exposición Nacional de Artes Decorativas. En 1948 obtiene la cátedra de Ilustración en la Escuela de San Fernando. Al año siguiente consigue el premio de Dibujo en el «Concurso de Dibujos y Grabados de Escenas y Libros Militares». En 1950 ilustra Los Intereses Creados de Benavente, recibe la Medalla de Plata de Bellas Artes y es nombrado presidente de la Asociación de Dibujantes. En 1951 trabaja en bocetos y figurines para el Teatro Español y organiza, con la Asociación de Dibujantes, el «I Salón de Ilustradores». A lo largo de 1952 realiza varios trabajos en Vitoria-Gasteiz. En 1955 recibe la Primera Medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes y es nombrado vocal del Consejo de Cultura de la Diputación Foral de Álava. Camón Aznar afirma: «La sencillez casi esquemática de su dibujo con leves sombreados y trazos sueltos da a cada uno de los objetos y seres representados categoría de símbolo...Por eso sus crecientes perspectivas se originan con alusiones, con temas insinuados, que sugieren un ambiente o predisposición. Todos los paños se pliegan a este ilustrador con solemnidad de cortinajes o con duro viento de banderas. Y en actitudes de los paisajes hay tensiones de un esfuerzo o escorzo heroicos». Respecto a la temática, evolucionó de un barroquismo costumbrista con añoranzas «imperiales» y épicas hacia un regionalismo vasco más sosegado. Señala Camón: «Hombres y mujeres de estado llano, que alternan con gitanos y truhanes; arrieros, clérigos, moriscos de amplias chilabas que sestean entre azoteas y palmerales morunos, vistos desde los alcores. Artesanos, recios marineros que buscan la aventura en el mar: conquistadores del s. XVIII, 'forrados como relojes'; monjas, beatas, guerrilleros de ayer y hoy; éstos tan cercanos que exhiben el atuendo de camuflaje. Tipos que pululan entre pollinos, cabras, trotones, blancas palomas que flotan en el aire como limpios pensamientos... sobre ruinas de castillos, de palacios o de iglesias que evocan nuestras glorias. Canes flacos y tristes o aristocráticos galgos corredores, jamelgos...». Según García Díez «el estilo de Carlos Sáenz de Tejada ha permanecido vinculado a la estética del s. XIX, sin embargo, sus obras no son decimonónicas; puede que no se puedan ubicar en vanguardias, pero de ninguna manera resultan trasnochadas. Del s. XIX tomó el respeto al natural, del modernismo su valor ornamental, del barroco los volúmenes y la distribución escenográfica, su pintoresquismo no es novecentista sino puramente sicológico. Resumiendo su principal cualidad sería la visión del pasado con la exaltación lírica, clara y fantaseada del presente». El Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz le dedicó en 1977 una calle entre Abendaño y Bustinzuri. Ref. García Díez, J. A.: La pintura en Álava, Vitoria, 1990.


No cabe duda alguna que la Guerra Civil del 36, como todas las guerras, contó con intelectuales y artistas de talla en ambos bandos, el nacional y el autodenominado rojo. Lo que ya no es tan comprensible es que el bando vencedor haya reconocido las virtudes art ísticas del lado vencido (Picasso, Antonio Machado, Juan Ramón Jiménez…), y no haya sucedido lo mismo a la inversa, pues la actual izquierda española quiere negar la belleza artística de la obra poética de Manuel Machado, la prosa ágil del Manuel de Foxá, aceptando sólo a regañadientes la excelencia artística de un Salvador Dalí que decidió quedarse en la España surgida tras el Glorioso Alzamiento.

Una de estas figuras olvidadas es el gran pintor, cartelista, dibujante, escenógrafo, grabador, interiorista, ilustrador, retratista, muralista, figurinista de moda, diseñador y publicista que fuera Carlos Sáenz de Tejada. Este año 2008 se cumple el 50 aniversario de su muerte (Tánger 1897- Madrid 1958), sin que sepamos esté programada ninguna conmemoración especial de importancia.

Efectivamente, Sáenz de Tejada no sólo fue uno de los principales publicistas que colaboró con el bando nacional, sino que fue un artista de reconocido prestigio. Así, sus colaboraciones en la prensa son continuas y expresivas de su prestigio: colaboró en las páginas de La Libertad, ilustró novelas y libros tanto de tirada normal como el Poema de la bestia y el ángel (1936) de José María Pemán, como libros para bibliófilos como La española inglesa de Cervantes, Don Juan Tenorio de Zorrilla o Platero y yo de Juan Ramón Jiménez. Fue escenógrafo de calidad con los decorados para Bolero de Ravel, o los decorados teatrales para el ballet de Antonio Mercé, La Argentinita. Igualmente colaboró en revistas tan conocidas como La Esfera, Revista de Occidente, Aire Libre, Elegancis, Por esos mundos, Castilla Gráfica, Alfor, Martín Fierro, Femina, Vogue, ABC, Blanco y Negro, Vértice, Harper`s Bazaan…, es decir como ilustrador y figurinista su prestigio le permite publicar en revistas americanas, argentinas, francesas y naturalmente españolas.

Y como no, colabora en la elaboración de los 36 tomos de la Historia de la Cruzada (1940- 1944), magna obra que todavía hoy no ha perdido vigencia en muchos de sus contenidos, y en la que Sáez de Tejada se permitió el lujo de crear gran parte de la iconografía del bando victorioso. Esta faceta de ilustrador es la que hoy, en el cincuenta aniversario de su muerte, nos permite traer a D. Carlos a estas páginas.

Su estancia vacacional en la casa familiar de Laguardia, durante el verano de 1936, permitió que los nacionales pudieran contar con sus excelentes pinceles durante la guerra. Es precisamente desde su residencia veraniega desde donde envía sus primeros dibujos bélicos a L`Illustration, permitiendo a la prensa extranjera tener conocimiento de primera mano del conflicto español.

No militando Sáenz de Tejada en el carlismo, sin embargo no dejo de manifestar sus simpatías carlistas, y desde luego lego al carlismo algunas de las iconografías más repetidas, así sus tres generaciones, sus abanderados del tercio de Lácar, o sus Requetés forman parte indisoluble de la historia del carlismo, por lo que los carlistas de Madrid, no podíamos dejar pasar la efeméride sin dedicar nuestro humilde tributo al eximio Carlos Sáenz de Tejada.

Carlos María Pérez- Roldán

http://centrodeestudiosgeneralzumalacarregui.wordpress.com/2008/03/22/carlos-saenz-de-tejada-y-el-carlismo-a-los-50-anos-de-su-muerte/

Obra: Tres generaciones , requetes navarros. 1936

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JOSE GUERRERO (Granada, 1914 - Barcelona, 1991)

75. JOSE GUERRERO (Granada, 1914 - Barcelona, 1991)

http://www.google.es/search?hl=es&source=hp&q=jose+guerre...

José Guerrero nació en 1914 en Granada, en el seno de unafamiliahumilde. Sus inicios fueron como aprendiz de ebanista en la Escuela de Artes y Oficios de su ciudad natal. Luego se trasladó aMadridpara estudiar en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando, donde tuvo como profesor a... Ver mas
José Guerrero nació en 1914 en Granada, en el seno de unafamiliahumilde. Sus inicios fueron como aprendiz de ebanista en la Escuela de Artes y Oficios de su ciudad natal. Luego se trasladó aMadridpara estudiar en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando, donde tuvo como profesor a Daniel Vázquez Díaz.

En 1942 fue becado por la Casa de Velásquez, y tres años después, terminados los estudios de Bellas Artes, por el gobierno francés, momento en que se fue a París.


Allí conoció la vanguardia europea y, sobre todo, la obra de los pintores españoles pertenecientes a la Escuela de París. Además, estudió lapinturaal fresco en la École des Beaux Arts.

En 1948 se trasladó de nuevo a París, donde estuvo en el Colegio de España, junto a Palazuelo, Chillida, Abel Martín y Sempere. El 25 de abril de 1949 se casó con Roxana Pollock, una periodista estadounidense a la que conoció en Roma; y en el otoño, se trasladó a Londres.

En 1950 se instaló en New York, junto a su esposa. Allí entró en contacto con la galería Betty Parssons. En 1951 se trasladaron a West Fourth St., y en 1953 José Guerrero adquirió la nacionalidad estadounidense.

En la ciudad neoyorquina conoció a varios de los pintores más destacados del momento, con algunos de los cuales se hizo amigo, como Steinberg, Rothko, Lindner, Motherwell, Kline.

En 1954 expuso, junto a la obra de Joan Miró, en el Art Club of Chicago, y ahí obtuvo reconocimiento internacional. En 1959 fue nombrado por el gobierno francés Caballero de la Orden de las Artes y las Letras. En 1964 la galería Juana Mordó presentó su primera exposición individual, y lo hizo con José Guerrero.

En 1965 éste regresó a España con su familia; y prolongó su estancia por tres años, instalándose en Madrid. A partir de entonces su obra comenzó a ser reconocida. Participó en la creación del Museo de Cuenca.

Al año siguiente realizó una de sus composiciones más conocidas “La Brecha de Viznar”, inspirada en la obra de Federico García Lorca. Al poco tiempo volvió a New York, aunque continuó viajando a España.

En 1976 se celebró, en su ciudad natal, su primera exposición antológica, la cual constó de 54 lienzos, incluyendo algunos de los pintados a principios de los años cuarenta; la selección estuvo a cargo de Miguel Ángel Revilla y Miguel Rodríguez-Acosta.

La exposición que se inauguró el 15 de diciembre de 1980 en la Sala conocida como “de las Alhajas” deMadridsupuso la consagración de Guerrero como uno de los principales referentes de la pinturaespañolacontemporánea.

En 1984 recibió la Medalla de Oro a la Bellas Artes y en 1989 fue condecorado por la Fundación Rodríguez Acosta. Fue reconocido como uno de los pintores españoles más importantes de la Escuela de New York. El 23 de diciembre de 1991 falleció en Barcelona.

En 1995, una comisión de expertos conocedores de su obra (Juan Manuel Bonet, María de Corral, José Rueda, Eduardo Quesada y Yolanda Romero), en colaboración con los herederos, hizo la selección del Fondo Guerrero, que consta de 40 óleos sobre lienzo de gran formato relativos a las diversas etapas creativas del autor.

Además, el fondo cuenta con diversos trabajos sobre papel y el archivo personal del artista (integrado por su correspondencia, escritos personales y material diverso tanto publicado como inédito).
Ref: http://www.artespain.com/16-10-2009/pintura/jose-guerrero-biografia-del-artista-espanol

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MANUEL VIUSA I CAMPS (Barcelona, 1917 - París, 1998)

76. MANUEL VIUSA I CAMPS (Barcelona, 1917 - París, 1998)

http://ca.wikipedia.org/wiki/Manuel_Vius%C3%A0_i_Camps

Manuel Viusá y Camps (14 diciembre 1917 - 11 febrero 1998) Pintor, grabador, ilustrador y politico independentista catalan .Se caso con la escultora Gertrudis Galí (Tarrasa 1912 - Paris 1998).- Ambos enterrados en Andorra. Estudio Bellas Artes en la Llotja , se exilo y vivio en Francia (Canet... Ver mas
Manuel Viusá y Camps (14 diciembre 1917 - 11 febrero 1998) Pintor, grabador, ilustrador y politico independentista catalan .Se caso con la escultora Gertrudis Galí (Tarrasa 1912 - Paris 1998).- Ambos enterrados en Andorra.

Estudio Bellas Artes en la Llotja , se exilo y vivio en Francia (Canet y Paris), donde
expuso por todo el pais.

Encuadrado dentro de la figuracion de la modernidad catalana junto a Joan Barbarà, Manuel Capdevila,Otto Cavalcanti, Claude Collet, Modest Cuixart, Josep Grau Garriga, Josep Hurtuna, Josep Pla y Narbona, Amèlia Riera, Josep M. Asunción Raventós, Josep M. Subirachs, Francesc Todó, Pere Créixams i Manuel Viusà .-

Fue profesor de Bellas Artes y Grabado en la Universidad estatal Simon Bolivar de Caracas, fue a exponer a USA y ante el exito se quedo varios meses haciendo exposiciones, en Miami, Nueva York y Washington entre otras ciudades.-

Su obra esta en varios Museos, fundaciones y colecciones de Europa y America.

Pintor catalogado en Artnet, Artprie,Rubi line.-

Hay un Premio de grabado que lleva su nombre en Andorra.

Le fue concedida la Cruz de San Jorge por la Generalidad de Cataluña.

Bibliografia:

Manuel Visa y Gertrudis Gali. Una pareja de artistas catalanesque se que se quedaron en el exilio. Por Nuria Rius . Pages Editores SL 2009. 138 paginas.

Diccionario de Pintores y Escultores Españoles del Siglo XX. Forum Artis.

Obra: "les artichauts" oleo lienzo , firmado Viusa y firmado, titulado al dorso.epoca americana. Coleccion particular

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MARIANO CORRAL- LIBANO (Algorta-Guecho, 1926 - Bilbao 2009)

77. MARIANO CORRAL- LIBANO (Algorta-Guecho, 1926 - Bilbao 2009)

http://www.euskomedia.org/aunamendi/26617

Estudia en la Asociacion artistica Vizcaina de Bilbao. Recibe clases particulares de don Antonio Merino (Medalla de Oro del Ayuntamiento de Bilbao). Prosigue su preparacion artistica en el Circulo de BB.AA. de Madrid. Pasa tremporadas en Toledo y Cuenca. En 1971 Amplia conocimientos en La... Ver mas
Estudia en la Asociacion artistica Vizcaina de Bilbao. Recibe clases particulares de don Antonio Merino (Medalla de Oro del Ayuntamiento de Bilbao). Prosigue su preparacion artistica en el Circulo de BB.AA. de Madrid. Pasa tremporadas en Toledo y Cuenca.

En 1971 Amplia conocimientos en La Grande Chumiere de Paris, por espacio de seis meses. Alternando su preparacion en la Ecole Dessin Apliques de la Ville de Paris en Montparnasse.

En 1977 viaja por Inglaterra - Escocia y asiste a la The Royal Silver Jubiles Conference The Arts de la International Biographical Centre, Cambridge.

En 1981 Viaja a OItalia , estudianbdo a Giotto y Fray Angelico , dando conferencias y publicando sus impresiones en revistas especializadas.

De 1984 a 1991, Profesor de Dibujo y Pintura en los Talleres Municipales de Artes Plasticas de I.C.E. de la Universidad del Pais Vasco. Y en CC.PP de Deusto y Santurce. Ilustra en ese tiempo numerosos libros.-

Era miembro de las siguientes sociedades:

-Asociacion Artistica Vizcaina, llegando a ser Presidente pasando previamente por Vocal, Tesorero, y Secretario.-

-Asociation Federative "L' Art Libre " de Francia.

-Centre de Liaison des Artistes Peintres de Francia.

-Agrupacion Nacional de BB.AA. de España.

-Centro Studi e Scambi Internacionali de Roma, siendo Comisario.

-Academie Internacionale de Lutece de Paris.

-Asociation des Artistes et Intellectuels Espagnols en Francia.

-Academia Italia delle Arti e del Lavoro de Salsomaggiore. Italia

-Miembro Honorario del The Flkorida Museumn .Miami USA

Ha realizado mas de cien exposiciones a parte de numerosas capitales españolas, en Paris (varias veces) Londres, Palm Beach, Miami, y Nueva York.

Su obra esta en numerosos Museos y Colecciones entre otros:

-Museo Español de Arte Contemporaneo (Hoy Reina Sofia),

-Museo de Arte Contemporaneo de Barcelona,

-Museo Bellas Artes de Granada,

-Museo Regional de Bellas Artes de la Rioja,

-Museum The Florida Hispanic aand Latin American Art de Miami.USA.-

Exposicion en la Galeria Rafael Garcia de Madrid (abril de 1993), comentario con precios de venta ( de 85.000 a 1.000.000 de psesetas). ABC Cultural.

http://hemeroteca.abc.es/nav/Navigate.exe/hemeroteca/madrid/cultural/1993/04/02/035.html


Obra: "Composicion" 1996 oleo lienzo . 33 x 40 cm. sin marco. Firmado. Fechado al dorso . Coleccion particular.

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EMILIO ROS BENET ( Valencia 1918-1977)

78. EMILIO ROS BENET ( Valencia 1918-1977)

http://amparocondegamazo.wordpress.com/2009/10/16/emilio-...

En su promoción fue uno de los mejores, cursando su carrera en la Escuela Superior de Bellas Artes, de San Carlos, en Valencia, recibió premios y fue pensionado por la Diputación Provincial durante años. Emilio Ros Benet tuvo que opositar a profesor de dibujo para dedicarse a la enseñanza... Ver mas
En su promoción fue uno de los mejores, cursando su carrera en la Escuela Superior de Bellas Artes, de San Carlos, en Valencia, recibió premios y fue pensionado por la Diputación Provincial durante años. Emilio Ros Benet tuvo que opositar a profesor de dibujo para dedicarse a la enseñanza.

Tiene una obra bastante extensa, dentro de lo que cabe, pinto paisaje rural y urbano, con una sesibilidad muy personal, cultivo de forma academicista, al gusto de la epoca , los retratos, donde fue muy reconocido su estilo realista ; plasmando en el lienzo a gente muy importante, uno de ellos , don Adolfo Rincón de Arellano y Garcia, que fue Alcalde de la ciudad de Valencia en los años sesenta, con el que le unia una gran amistad . Retrató al pintor Ignacio Pinazo, al director fundador del Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias Manuel González Martí , al poeta valenciano José María Ballarri, y muchos otros.

Pero el punto más problemático de su vida fue, que estaba enfermo del corazón, de ese órgano tan vital, que limitaba sus posibilidades de dedicarle su tiempo, con más intensidad, a la pintura.

Su familia tiene varios cuadros de él, pues en todas las exposiciones que puso fue siempre a llevarse el mejor cuadro.

Obra:Oleo lienzo 65 x 54,5 centimetros (sin marco) firmado E. Ros , abajo a la derecha retrato de D. Rafael Bau , de Valencia , obra de 1950/55 .- Coleccion particular.-

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DANIEL ARGIMON GRANELL ( Barcelona 1929 - 1996 )

79. DANIEL ARGIMON GRANELL ( Barcelona 1929 - 1996 )

http://www.argimon.org/dankiweb/bigrafia2003.htm

Las necesidades expresivas le impulsaron a adoptar (1957) el lenguaje informal en su aspecto espacial y la valoración de la materia. A partir de 1961, que hizo la primera exposición individual en Lausana, aplicó el collage, que se convirtió en casi una constante en su obra, a base de papeles... Ver mas
Las necesidades expresivas le impulsaron a adoptar (1957) el lenguaje informal en su aspecto espacial y la valoración de la materia. A partir de 1961, que hizo la primera exposición individual en Lausana, aplicó el collage, que se convirtió en casi una constante en su obra, a base de papeles recortados o cromets. Entre este tipo de collage y el color, poco a poco desarrolló un diálogo que condujo el informalismo inicial a un informalismo expresionista, plenamente centrado en una visión psicocrítica del mundo concreto. Siempre dentro de estos planteamientos, su obra se acercó sucesivamente al Arte Pop, al arte pobre y nuevamente al expresionismo abstracto. Fue profesor en la Escuela de Artes y Oficios.

Pintor y grabador. Becado por el gobierno francés (1965-1966) y por el Institute of International Education, Nueva York (1968). Amplió su formación de grabador en la École des Beaux Arts de París y en The Pratt Center de Nueva York. Llevó a cabo una importante labor pedagógica en la Escuela de Artes y Oficios de Barcelona. Ha sido un entusiasta animador cultural y un luchador por los intereses de la profesión artística, fundando varias asociaciones para la defensa del artista. Dirigió algunas películas.

Principales premios y reconocimientos. Primer Premio Círculo Maillol, Barcelona (1965). Primer Premio "Peinture Internacionale Paris-Esone", París (1965). Premio Mini-Grabado, Cadaqués (1983). Premio Lassalle de Arte, Barcelona (1985). Primer Accésit I Bienal FC Barcelona (1985).

Exposiciones individuales: Entre 1960 y 1996, realiza102 exposiciones individuales en Suiza, España, Estados Unidos, Bélgica, Francia, México, Alemania, Italia, Beirut, Jordania, Holanda, en museos, galerías y centros culturales.

Entre 1958 y 1997 realiza 227 exposiciones colectivas en: España, Suiza, Holanda, Finlandia, Alemania, Italia, Hong Kong, Japón, Sudáfrica, India, Chile, Ecuador, Uruguay, Argentina, Andorra, Polonia , México, Canadá, Englaterra, Suecia, en bienales, museos, galerías y centros culturales.

Su obra está representada en: Museo Español de Arte Abstracto, Cuenca; Museo de Pintura Abello de Mollet; Museo del Empordá, Figueres; Museo de Arte Moderno, Ibiza ; Eureka College, Illinois ( USA ) ; Glendale Community College, Glendale ( USA ) ; Staalliche Kunstsamenlugen, Kassel ( Alemania ) ; Museo Municipal BB.AA., Mataró; Museo de Arte Contemporáneo, Sevilla ; Museo Alto Aragón, Huesca; Museo Vilanova, Vilanova i la Geltrú; Biblioteca Nacional, Madrid; Museo BB.AA. de Elche; Museo Municipal de Cadaqués; Orfeón Catalán, México DF ( Mexico ) ; Asociación Canaria Amigos del Arte Contemporáneo, Santa Cruz de Tenerife; Museo Popular Arte Contemporáneo , Villafamés-Castellon ; Museo de Arte Moderno, México DF ( Mexico ); Ulmer Museums, Ulm,( Alemania ) Museo de Arte Moderno, Barcelona; Museo Español de Arte Contemporáneo hoy Reina Sofia, Madrid; Museo Nacional de la Estampa, México DF ( Mexico ); Fundación María Zambrano, Vélez, Málaga; Musée Rigaud, Perpinyá ,( Francia ); Museo de la Solidaridad Salvador Allende, Santiago ( Chile ); Miami Museum of Modern Art ,de Florida ( USA ); Museo de la Ciudad de Juvisy ( Francia ).-

DANIEL ARGIMON (Barcelona, 1929 - 1996)

Para ampliar esta información y tener una biografía completa clicka aquí.
Ref: http://translate.google.es/translate?hl=es&sl=ca&u=http://www.argimon.org/&ei=gx9xTZfvFsWRswa6p5WEDg&sa=X&oi=translate&ct=result&resnum=1&ved=0CBsQ7gEwAA&prev=/search%3Fq%3Ddaniel%2Bargimon%2Bgranell%26hl%3Des%26sa%3DG%26prmd%3Divnso

Exposicions individuals
1961

Galeria Kasper, Lausana ( Suïssa)
1962 Galena Lorca, Madrid - Grifé & Escoda, Barcelona
Galena Vedrá, Eivissa
1963 Galeria Belarte, Barcelona
Galería Ivan Spence, Eivissa
Galeria Tartessos, Torremolinos
1964 Miami Museum of Modem Art, Miami ( EUA)
Ateneo de Madrid, Madrid
Galeria Belarte, Barcelona
Galeria Fort, Tarragona
Galeria Ivan Spence, Eivissa
Ateneo de Oviedo, Oviedo
1965 Galeria Scram, Fort Lauderdale ( EUA)
Galería Sur, Santander
Galeria Ivan Spence, Eivissa.
1967 Intown Gallery, Cleveland (EUA)
Galeria Ivan Spence, Eivissa
1968 Seligman Gallery, Seattie ( EUA)
Cooc Gallery, Maastricht ( Holanda)
Círculo de la Amistad, Córdoba
Galeria Fort, Tarragona
1969 Miami Museum of Modem Art, Miami (EUA)
Instituí Francés de Barcelona, Barcelona
Galeria Trilce, Barcelona
"De Oca a Oca" Galeria Rene Metras, BCN
1970 Galeria Ivan Spence, Eivissa
Barroc Design Studio, Sitges
1971 Galeria Aquitania, Barcelona.
1972 Galeria Pecanins, Mèxic DF ( Mèxic)
Galeria Arlettes Chabaud, París (França)
Galeria Sen, Madrid
Galeria Grises, Bilbao
Galeria Adriá, Roses
1973 Galeria Adriá, Barcelona
Galeria Ivan Spence, Eivissa
Galeria Pie, Vilanova i la Geltrú
1974 Galeria Atrium Artis, Ginebra ( Suïssa)
1975 Galeria Seny, Barcelona
Galeria Joan Mas, Barcelona
Galeria Abraxas, Barcelona
Galeria Set i Mig, Alacant
Galeria Luzán ( Caixa d'Estalvis), Saragossa
1976 Galeria Editart, Ginebra ( Suïssa)
Galeria Valles, Figueres
1977 Institut Francés de Barcelona, Barcelona
Casa de Cultura, Cuenca
Casal de Cultura, Esplugues de Llob.
1978 Galeria Joan de Serrallonga, Barcelona
Galeria Céspedes, Córdoba
Galeria 3 i 5, Girona
Galeria Babel, Vinarós
1979 Galeria Joan Mas, Madrid
Cánem Galeria, Castelló de la Plana.
1980 Galeria Pecanins, Mèxic DF ( Mèxic)
Galeria 491, Barcelona
Galeria Pascual Fort, Cadaqués
1981 Galeria Byblos, Palma de Mallorca
1982 Galeria Editart, Ginebra ( Suïssa)
Pub Castor, Les Cases d'Alcanar
1983 Galeria Gisèle Linder, Basilea ( Suïssa)
Institut Francés de Barcelona, Barcelona
Galeria Trec, Barcelona
Fontana d'0r, Girona
1984 Galeria Pecanins, Mèxic DF ( Mèxic)
Museo de Arte Moderno, Mèxic DF ( Mèxic)
Orfeó Català, Mèxic DF ( Mèxic)
Galeria Pascual Fort, Cadaqués
Alliance Française, Sabadell
1986 Galeria Cuenca, Ulm ( Alemanya)
1987 Galeria Nomen, Barcelona
Galeria Àmbit, Barcelona
Galeria Joan Oliver " Maneu", Palma de Mallorca.
1988 Galeria Cuenca, Ulm ( Alemanya)
Franz Spiegel Buch Gmbh,, Ulm (Alemanya)
Galeria Baumgarten , Freiburg ( Alemanya)
Museu Montsiá, Amposta
Caixa Tarragona, Amposta
1989 Galeria Timao, La Haya ( Holanda)
Galeria Ambiente, Ulm ( Alemanya)
Galeria Michel Broomhead, París (França)
Museu Monjo, Vilassar de Mar
1990 Galeria Àmbit, Barcelona
Galeria AB, Granollers
Galeria Sergio Sánchez, Manresa
Museu Art Contemporani Can Marc, Begur
Galeria Kaixu, VilaFrança del Penedés
1991 Museo Nacional de la Estampa, Mèxic DF ( Mèxic)
Galeria Pecanins, Mèxic DF ( Mèxic)
Spa Art Gallery, Spa ( Bélgica)
Casa de Goya, Bordeaux ( França)
Galeria Rayuela, Madrid
Institut Francés de Barcelona, Barcelona
Sala Luzán, Saragossa
Galeria Canals, Sant Cugat del Vallès
1992 Galeria Michel Broomhead, París ( França)
Galeria Duna, Barcelona
Can Xerracan, Montornès del Vallès.
1993 Imelda Art Gallery, Knokke ( Bélgica)
Galeria- Ilibreria Maeght, Barcelona.
1994 Instituto Cervantes, Amman ( Jordània)
Banco Bilbao Vizcaya, Barcelona
Casino de Cadaqués, Cadaqués
1995 Instituto Cervantes, Damasc ( Siria)
Dar Anadwa, Beirut (Líbano)
Instituto Cervantes, El Cairo ( Egipto)
Instituto Cervantes, Alejandría ( Egipto)
Galeria Lina Davidov, Paris (França)
Biblioteca Communale Palazzo Sormani, Milá (Italia)
Galeria Maria Salvat, Barcelona
1996 Galeria d'Etangd'Art, Bages ( França)
Galeria Rayuela, Madrid
Galeria Can Marc , Girona
1997 Les Cordeliers, Chateauroux ( França)
Centre d'Art Santa Mónica, Barcelona
1998 Tromso Kunstforening, Tromso ( Noruega)
Christianssands Kunstforenning, Christianssands (Noruega)
Stifelsen 3,14 , Bergen ( Noruega)
Urdía, Villeurbanne, Lyon ( França)
Museu d'Art Modem, Tarragona
Galeria Rosa Ventosa, Barcelona
Esardi, Escola d'Art i Disseny, Amposta.
2000 Sala Municipal d'Art Masallera, Sant Boi de Llobregat, Barcelona
2001 Galeria Edurne, Madrid
2002 Galeria Lina Davidov, Paris (França)
2003 Galeria Espai G d'Art, Terrassa
Sala d'exposicions de la Caixa de Terrassa, Terrassa
Sala d'exposicions de la Fundació

Bibliografia:
Diccionario de Pintores y Escultores Españoles del Siglo XX. Forum Artis . Madrid.
Diccionario Rafols de Pintura Catalana y Balear
Diccionario de Pintores Españoles Segunda mitad del siglo XX Martinez Cerezo.
Dos siglos de pintura catalana. I.E.E. Jose Mª Garrut.-.
Daniel Argimon Edt.Ambito Servicios Editoriales por Lourdes Cirlot 1988
Argimon Edt Auber Olot 1993 por Frances Miralles
Argimon. Edt Ministrerio de Cultura Madrid por Jose Valles Rovira 1976
Daniel Argimon Edt Dossiers Ars por Arnau Puig Barcelona 1997



Obra :Personaje 1974 . Oleo lienzo, 116 x 89 cm.firmado y fechado al dorso. .- Coleccion particular

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JULIO DE PABLO   (Revilla Camargo 1917-Torrelavega 2009)

80. JULIO DE PABLO (Revilla Camargo 1917-Torrelavega 2009)

http://www.juliodepablo.com/artista.html

Pablo Pérez, Julio de (Revilla de Camargo, Cantabria, 1917 - 2009). Julio de Pablo a los dos años fue a residir con sus padres Nicasio y Bernarda a la capital de La Montaña. inicia su formación pictórica en Santander al mismo tiempo que trabaja como pintor industrial mientras estudia pintura y... Ver mas
Pablo Pérez, Julio de (Revilla de Camargo, Cantabria, 1917 - 2009). Julio de Pablo a los dos años fue a residir con sus padres Nicasio y Bernarda a la capital de La Montaña. inicia su formación pictórica en Santander al mismo tiempo que trabaja como pintor industrial mientras estudia pintura y modelado en la Escuela de Artes y Oficios, aunque su formación fue prácticamente autodidacta.

En 1942 se casa con Francisca Castanedo Calderón y emigra a Alemania, donde trabajó como rotulista, disfrutando de un permiso el 2 de mayo de 1943 , reincorporandose al trabajo regresando definitivamente a Santander el 24 de enero de 1944.

En 1946 entra en contacto con el paisajista Agustín Riancho, de quien siempre admiró la técnica suelta y libre y los originales efectos cromáticos. Al año siguiente celebra su primera exposición, compuesta de veintisiete paisajes, en el Ateneo de Santander. Durante los años cincuenta su arte se renovará, a través de las influencias del grupo El Paso, el Equipo 57 y la Escuela de Madrid. A la vez se interesa por el postimpresionismo francés, en concreto por Van Gogh y Cézanne, y su pincelada se vuelve más suelta.

En 1958 el Museo de Bellas Artes de Santander adquiere un cuadro suyo y ese mismo año, tras exitosas exposiciones en galerías de Santander, muestra su obra por primera vez en Barcelona, Madrid, Zaragoza, Valladolid y Bilbao. Viaja además a París e Italia, y es seleccionado para el II Certamen Nacional de Artes Plásticas de Madrid (1963) y el Salón de Mayo de Barcelona (1964). En estos momentos, el paisaje de De Pablo se aleja de la realidad, con formas que sugieren recuerdos del natural. En 1965 expone su obra en Londres, y de vuelta a España se suceden sus muestras en Madrid, Santander y otras poblaciones. En este periodo el pintor encuentra su propio camino acercándose a la abstracción, sin abandonar del todo la figuración.

En la década de los ochenta desaparece el horizonte de sus composiciones, y expone individualmente en Francia. Sin embargo, al acercarse el final del siglo la exaltación de los colores se hace imparable, y De Pablo adopta una simbología muy familiar al espectador, basada en la publicidad.

En el puebo natal del artista se colocará un monolito en piedra de Escobedo, que recordará la figura de Julio de Pablo. La pieza de un metro y medio de altura simboliza al artista trabajando en una obra inspirada en el poeta José Hierro. Nuestrro Cántabrico Bahia de Santander 1-8-2014


OBRA EN MUSEOS Y COLECCIONES

Museo de Bellas Artes de Santander
Museo de Alto Aragón de Huesca
Museo Marítimo de Santander
Museo Redondo ,El Riojano, Santander
Museo Pictórico de Barril, Murcia
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
Museo Castillo de San José, Lanzarote
Museo Palacio de Guinea Ecuatorial
Museo de Cognac, Francia
Museo Casa de Colón, Las Palmas de Gran Canaria
Museo Camón Aznar, Zaragoza
Museo Casa J.M. Cossio ,La Casona de Tudanca, Cantabria
Pinacoteca Ayuntamiento de Santoña, Cantabria
Pinacoteca Ayuntamiento de Camargo, Cantabria
Coleccion Palacio de Elsedo, Pámanes, Cantabria
Coleccion El Molino, Puente Arce, Cantabria
Coleccion Ateneo de Santander
Coleccion Real Club de Regatas de Santander
Coleccion Fundación fray Bernardino, Sahagún, León
Coleccion Diputación Regional de Cantabria
ColeccionTorre de Don Borja, Fundación Santillana, Cantabria
Coleccion Parlamento de Cantabria, Santander
Coleccion Fundacion Santillana. Torre de D. Borja, Santillana del Mar.
Coleccion Fundacion Botin ,. Santander


BIBLIOGRAFÍA GENERAL (selección)

GERARDO DIEGO : 28 pintores vistos por un poeta. IEE.Madrid 1975
AREAN,C.: Treinta años de Arte Español. Guadarrama. Madrid, 1972
BLAS, J. J. De. Diccionario de pintores españoles contemporáneos. Estiarte. Madrid, 1972
CAFFARENA, A. Gloria Torner y Julio de Pablo, dos pintores montañeses. Imp. Dardo. Málaga, 1973
CALVO SERRALLER, F. :Enciclopedia de Arte Español del siglo XX. Editorial Mondadori. Madrid, 1991 (Tomo I Artistas)
CAMPOY, A. M. :Diccionario Crítico del Arte Español Contemporáneo. Ibérico Europea de Ediciones Madrid, 1973
CARRETERO REBÉS, S.: Guía del Museo de Bellas Artes de Santander. Santander, 1993
CASTRO ARINÉS, J. DE.: Del Arte Español. Ibérico Europea de Ediciones. Madrid, 1973
CHAVARRI, R.: La pintura Española Actual. Ibérico Europea de Ediciones. Madrid, 1973
GAYA NUÑO, J. A.: La pintura española del siglo XX. Ibérico Europea de Ediciones, 1972
MARTINEZ CEREZO, A.: La pintura montañesa. Ibérico Europea de Ediciones. Madrid, 1975
Artistas españoles contemporáneos. Dirección General de Bellas Artes. Madrid, 1973
Diccionario de los Pintores Españoles. II Mitad del siglo XX. Época. Madrid, 1997
RODRIGUEZ ALCALDE, L.: Jugando a la vida. Institución Cultural de Cantabria. Santander, 1982
Pintores de Cantabria 1853 - 1955. Asamblea Regional de Cantabria. Santander, 1987
VV. AA.: La idea en el arte. Fondos para una colección de arte contemporáneo. Caja Cantabria. Santander, 1993
VILLAR, A. DEL.: España Escribir Hoy. Ministerio de Cultura. Madrid, 1981
7 Pintores con Santander. Artes Gráficas Gonzalo Bedia. Santander, 1981
Libro Catalogo Museo Redodo. El Riojano. Santander Ed. Publican 2011
PUENTE FERNANDEZ Jose Manuel . Atrapados en el III Reich 2014



BIBLIOGRAFÍA. MONOGRAFÍAS (selección)

GERARDO DIEGO:

ALVAREZ CAREAGA, M. SALCINES, L. A.: Julio de Pablo. Cuadernos de arte nº17, Museo de BB.AA. Santander, 2003
CAFFARENA, A.:Julio de Pablo en la voz de los poetas. Publicaciones de la librería Anticuaria “El Guadalhorce”. Málaga, 1977
MARTINEZ CEREZO, A.: Julio de Pablo. Dirección General de Bellas Artes. Ministerio de Educación y Ciencia. Pamplona, 1973
El universo de Julio de Pablo. (Dibujos). 1977
Elucidario de Julio de Pablo. Galería El Cantil. Santander, 1999
VV. AA.: Feliz Año 2002. Fundación Gerardo Diego. Madrid, 2001



BIBLIOGRAFÍA CATÁLOGOS (selección)

ARCE, M.: La época luminosa en los paisajes de Julio de Pablo. Sala Sur. Santander, Marzo 1958
Julio de Pablo. Galería Prisma. Madrid, Febrero de 1963
La pintura de Julio de Pablo. Escuela de Nobles y Bellas Artes de San Eloy. Salamanca, Febrero de 1964
La figuración esencial de Julio de Pablo. Caja de Ahorros de Salamanca en Valladolid, Febrero de 1964
BLAS, J. I. DE: Pintores españoles contemporáneos. Estiarte. Madrid, 1972
CAMPO MARTINEZ, M.: Estrellas de hierro. Homenaje a José Hierro. Santander, 2001
CAMPOY, A. M.: Julio de Pablo. Galería Edaf. Madrid, 1973
ESAIN, J.: La realidad presentida de Julio de Pablo. Sala Gastón. Zaragoza, 1979
FOIX, M.: Julio de Pablo: La serenidad del paisaje interior e interiorizado. Galería Catalonia. Barcelona, 2000
HERRERO, P.: Julio de Pablo. Sala María Blanchard. Santander, 1982
“Los caprichos de Julio de Pablo”. Gabinete Literario. Las Palmas de Gran Canaria, 1984
HIERRO, J., GULLÓN, R.: Julio de Pablo. Galería Uranga. Bilbao, 1977
IÑIGO, M. A., RODRIGUEZ ALCALDE, L: Cerámicas Julio de Pablo. Sala Zurbarán. Santander, 1988
MADARIAGA, B.: “Julio de Pablo”. Pintores Montañeses. Casa de Colón. Las Palmas de Gran Canaria, 1980
RODRIGUEZ ALCALDE, L.: Julio de Pablo. Casa de Cultura. Burgos, 1980
Julio de Pablo. "Cuatro puntos de vista”. Pintura. Sala María Blanchard. Santander, 1989
Julio de Pablo. Obras 1947 - 1996. Fundación Marcelino Botín. Santander, 1996
VILLAR, A. DEL.: “Julio de Pablo, constructor de grises”. Óleos de Julio de Pablo. Sala Murillo. Oviedo, 1977.


Obra:

"Abriendo manantiales" 1997 Tecnica Mixta (acrilico,arena, collage) sobre lienzo, 50 x 73 , sin marco, firmado Julio de Pablo.- Al dorso, titulado,fechado, firmado y direccion de estudio. Coleccion particular

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ANTONIO PEYRO MEZQUITA (Onda-Castellon 1881 - Valencia 1954 )

81. ANTONIO PEYRO MEZQUITA (Onda-Castellon 1881 - Valencia 1954 )

http://www.gva.es/portal/page/portal/inicio/area_de_prens...

Pintor, dibujante, escultor y ceramista… La trayectoria artística de Jesús Antonio Peyró Mezquita (1881- 1954) estuvo marcada por una fuerte curiosidad intelectual que le llevó a cultivar lo mejor de las distintas artes plásticas. Creador autodidacta y de reconocido prestigio supo acercarse a... Ver mas
Pintor, dibujante, escultor y ceramista… La trayectoria artística de Jesús Antonio Peyró Mezquita (1881- 1954) estuvo marcada por una fuerte curiosidad intelectual que le llevó a cultivar lo mejor de las distintas artes plásticas. Creador autodidacta y de reconocido prestigio supo acercarse a los gustos de la sociedad burguesa de principios de siglo marcada por un especial regionalismo con ciertos tintes barrocos. Una obra cerámica salpicada de inconfundibles tipos femeninos que todavía hoy despiertan el interés de muchos coleccionistas y enamorados de aquella España colorista e idealizada.

Trabajo de niño en la herreria de su padre. En Castellon estudio modelado con Jose Viciano Marti, teniendo de compañero al escultor Francisco Paredes. La Diputacion Provincial de Castellon le pensiono, cuando contaba catorce años de edad, para estudiar en la Academia de Bellas Artes de Valencia, donde tuvo de profesores a Cesar Lopez y Gonzalo Salvà. Trasladado a Madrid, asistio a la Academia de San Fernando, siendo discipulo de Emilio Sala Frances y Antonio Muñoz Degrain. Su curiosidad intelectual y artistica le llevo a interesarse por la pintura, ceramica, diseño,escultura y orfebreria. Fue un exquisito pintor, de paleta vigorosa y tecnica concienzuda, que abordo todos los temas, desde el paisaje y los bodegones, hasta las escenas costumbristas de su region. Su amplia tematica, su dinamismo y su fantasia lo situaron entre los mas destacados pintores castellonenses de su generacion. Entre sus obras mas caracteristicas figura la titulada " Valencianos a caballo en dia de gala",. Su trayectoria supuso un intenso proceso de purificacion conceptual; se esforzo por descubrir, en terminos plasticos, la esencia de su inspiracion, fue premiado con Mencion de Honor en la Exposicion Nacional de Bellas Artes de 1906. Como orfebre,. llevo a cabo distintos diseños y obras de delicada belleza.

Fue un excepcional ceramista, de exquisito modelado, destacando en su vasta producion, las mas distintas figuras femeninas, como las tituladas "Valenciana" ,"Juegos florales", y " Danza valenciana" . Caracteristicas fundamentales de su manera de hacer, fueron la magistral terminacion de las piezas, la armonia, de unas formas severamente simplificadas y el cuidado cromatismo que las enriquecia sin desvirtuar su espiritu esencial. Concurrio a diversas Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, siendo distinguido como ceramista, con la Segunda Medalla en la de 1922 y la Primera Medalla en la de 1927. Alcanzo renombre y reconocimiento internacional cuando gano la Medalla de Oro de la Exposicion Internacional de Filadelfia en EE.UU.

Fue condecorado en 1927 por el Gobierno del Rey Alfonso XIII, con la Medalla al Trabajo, realizando a partir de entonces numerosas exposiciones en España. Su obra que gozo de una gran aceptacion en su epoca, ha ido revalorizandose con el paso del tiempo. En 1950 fue nombrado catedratico de la Escuela de Ceramica de Madrid, ciudad en la que residio gran parte de su vida, y donde celebro su primera muestra individual en el Circulo de Bellas Artes, en 1923.

Bibliografia:
Diccionario de Pintores y Escultores Españoles del Siglo XX. Forum Artis. MAP
Historia y critica de las Exposiciones Nacionales de BB.AA..de Bernardino de Pantorba.- Arte Español (1949-50), Jose Prados Lopez.-

Obra

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JUAN ANTONIO MUT TORROJA (Sitges 1921 - Barcelona 1990)

82. JUAN ANTONIO MUT TORROJA (Sitges 1921 - Barcelona 1990)

http://www.picassomio.es/antoni-mut-torroja.html

Antoni Mut Torroja , nace en Barcelona en 1921, cursa en la Escuela de Bellas artes y expone por primera vez en 1940 en el Fayans Català y en 1947 se traslada a París donde, a la vez que acude a Bellas Artes, trabaja para la Galerie Hervè en Montmartre. En esta época realiza exposiciones en... Ver mas
Antoni Mut Torroja , nace en Barcelona en 1921, cursa en la Escuela de Bellas artes y expone por primera vez en 1940 en el Fayans Català y en 1947 se traslada a París donde, a la vez que acude a Bellas Artes, trabaja para la Galerie Hervè en Montmartre. En esta época realiza exposiciones en Reims, Lyon, Toulouse, París, Spa, Amberes y Bruselas, así como murales en París y Niza. Con notable exito.

Usaba muchas veces firmas anónimas dependiendo del estilo pictorico o motivos que utilizase en sus obras (A. Mut, Antoni Mut, Mut Torroja, T. Bassols) con algunos de esos temas, por ejemplo, la colección de payasos y vagabundos a través de la cual quiso denunciar las miserias y flaquezas de aquella época. Alcanzando cierto renombre también con los paisajes y marinas.
En 1952 regresa a Barcelona y expone en Grifé y Escoda. su obra se encuentra en muchas e importantes colecciones de arte. Murió en 1990.

Investigación y analisis de su obra, realizado para una exposición de su arte abstracto en 1989.

Hacer un análisis de la obra de Antoni Mut es un trabajo complicado no solo por la investigación que cualquier estudio sobre una obra implica, sino porque este pintor es un absoluto anárquico en todo lo que se refiere a datos y a su propia pintura. No ha necesitado nunca guardar catálogos, ni de hacer un curriculum detallado, ni tampoco ha tenido cuidado de quedarse obra que pudiera facilitar la visión completa de su evolución artística.

Antoni Mut es un hombre de muchas palabras, de una gran expresividad lingüística, de gestos valientes y narraciones anecdóticas. Su vida a caballo entre París y Barcelona, está llena de pequeños detalles y vivencias que significan su obra y nos explican su desarrollo.

Este resumen no intenta ser una imposición del pintor para el publico, ni un método de publicidad efectivo de cara al mercado, sino que es simplemente un deseo consciente de mostración, ‘’un ultimo canto del cisne’’. Antoni Mut esta seguro de su obra, ha desfrutado de su realización y esta satisfecho de sus resultados. Las personas que conocemos a este pintor sabemos que su obra es el resultado de una lucha constante para no caer en el desencanto y en las garras de la cotidianidad

Aproximación al Hombre

Antoni Mut i Torroja nació en Barcelona el año 1921 dentro de una familia adinerada. Su padre fue el director regional de el banco Hispanoamericano y este tenia que ser su oficio, el oficio deseado por su familia, ‘’banquera’’. Pero esto era precisamente la ultima cosa que el quería hacer: ‘’ yo era el elemento que espesaba las relaciones familiares’’. Aprovecho la guerra civil para huir de esa profesión. En esta primera época se dedicó a pintar carteles e ilustraciones en cartón y guash. Este trabajo le dio toda una experiencia técnica que más adelante le serviría como base de su subsistencia. Unos años más tarde de terminar la II Guerra Mundial se fue a París (1947).

La decisión de ir a París fue radical y fue motivada por un impulso de huir de el ambiente familiar, y pude ser tambien de un deseo mas secreto: ‘’ a París no tendría más narices que pintar seriamente’’.

Estancia en París.

Llegó a París con tres mil pesetas en el bolsillo y se fue a un gran hotel: el taxista lo llevó directamente a un lugar que se correspondiera con el vestuario que llevaba puesto en ese momento. En seguida se dio cuenta que no podría pagar su estancia. Consiguió pinturas y cartón a cambio de su reloj y pudo vender sus primeras escenas parisinas a un comerciante francés con el cual no pudo entenderlo mas que por signos. A partir de entonces esa tienda seria una de sus fuentes de ingresos. Estuvo viviendo en ese hotel de lujo más de nueve meses y además alquiló otra habitación de estudio: ‘’tuve que pintar todo París’’. Así comenzó para este pintor su vida en esta ciudad. Después comenzaría a hacer exposiciones y llegaría a ser titular de una galería de Montmartre. A los franceses les gustaba esta especial visión mediterránea de su ciudad: era pintura comercial vista por ojos latinos. Antoni Mut al mismo tiempo estaba iniciando tambien otro tipo de pintura más libre e intima, que le satisfacía interiormente y que sería la raíz de su in formalismo.

A este pintor le atraía mucho el circo, le gustaba dibujarlo y consiguió un pase para el Medrano, uno de los circos estables en París. Allí ponía su caballito en medio del público y pintaba lo que veía. Le propuso hacerle un retrato a un payaso mundialmente conocido, al día siguiente este hombre si tiro al metro de ‘’Plesance’’. En su siguiente exposición mostró el cuadro y la Señora Simpson y Eduardo VII lo adquirieron. Este sería el detonante para que muchos desearan sus obras figurativas.

Su época figurativa acabó por causa de un deseo interno de proseguir y evolucionar en la pintura que más le interesaba: La abstracta. (Este es un escrito hecho en un catalogo, creo que de la ultima exposición de arte abstracto que realizó ya que el catalogo esta fechado en 1989 y el murió en 1990, pero no es del todo cierto, su pintura figurativa tuvo una alta aceptación en España por lo que la siguió creando con firmas anónimas, de todas formas, no tenemos muy claro cuando dejo de hacer figurativo, pero tenemos por seguro que en España siguió).

Sus relaciones con artistas españoles exiliados en París fueron ambiguas. Estos artistas estaban inmersos en un ambiente de protesta donde la pintura y la política seguían un mismo camino. Fue invitado en fiestas que se hacían en el Consulado Republicano, pero Antoni se sentía incomodo en medio de esta protesta. No es que sus ideas políticas divirtiesen de los otros, pero sus motivos de huida habían sido diferentes y no encontraba honesto sumergirse en un ambiente político que no había encontrado. Muy pronto fue rechazado por los exiliados.

Después de una desagradable etapa de persecución por cuestiones políticas, París empieza a parecerle pequeño y frío. Ya no era la ciudad llena de vida que el había encontrado. En 1957 volvió a Barcelona.

La pintura de Antoni Mut

La investigación pictórica iniciada en París era la clara aproximación al informalismo. Sentía una profunda admiración por Klein y por la libre expresión del color y del gesto. El Abstracto era un reposo del pintor, era un inter-reino donde solo contaba su deseo y sus experiencias internas. Quería desligarse de todo lo que no fuera el gesto. Tenia la sensación que estaba destrozando la pintura, pero los resultados le parecían positivos. El abstracto le permitía ser absolutamente libre y honesto con sus estados de ánimo. Comenzó a hacer collages, pegaba hojas de periódico, hacia gratatges. No era una pintura amable, ya que huye de la variedad de los colores para trabajar el monocromo, la oscuridad y la luz con sombras.

El trabajo que nos presenta ahora (foto principal) es nuevamente una obra entendida desde la libertad expresiva pero con las aportaciones de la experiencia. Ahora deja reposar las obras para que ellas mismas le hablen: ellas le indiquen los fallos y los éxitos. El pintor se plantea ahora una pintura de observación y de la mirada.

Su época figurativa ha aportado a esta obra toda una base técnica que le ha estado indispensable. La figuración ha dado mucho a la abstracción. El mismo pintor nos dice que muchas veces, mientras el hacia figurativo, su mente hacía abstracción. Y estas épocas donde sus dos técnicas cohabitaban le han otorgado tiempo de reflexión. Nunca ha querido repetirse ni llegar a un amaneramiento de su propio estilo.

Antoni Mut ha sabido equilibrar creación artística y oficio, los dos conceptos han estado muy importantes a la hora de realizar sus obras. Tambien ha conseguido armonizar la dinámica gestual y las texturas complejas y muy elaboradas. La introducción de nuevos materiales es una necesidad orgánica y artesana para constituir su lenguaje expresivo. El collage forma parte tambien de este conjunto sintáctico.

Las formas gestuales inicialmente ligeras adquieren una presencia perenne y consistente en la materia: hay una voluntad de solidez.

El pintor añade un componente tridimensional a sus cuadros, podríamos decir que su trabajo fluctúa entre la pintura y la escultura. El concepto de Volumen surge como una necesidad. El ejercicio de el tacto se hacia imprescindible. Se produce, pues, un acercamiento visceral a otras técnicas y materiales. Su cromatismo tiende al monocromo, pero con un deseo de matizaciones. Estas formas abstractas, no formales, están llenas de su mundo subjetivo, de su manera de ser en la vida, responden a su estado anímico no superficial sino profundo. Más allá de las formas visuales hay formas reales internas.

Las cosas han cambiado profundamente para el pintor. El reconocimiento de su faena acabada durante tantos años le hace trabajar más intensamente, y su pintura evoluciona sin perder nunca sus características esenciales: las zonas de grosor y los espacios vacíos que equilibran las aglomeraciones de materias. En su abstracción hay un innato sentido espacial y una acción siempre controlada.

La pintura de Antoni Mut nos proporciona de un lado las inquietudes de una fuerte personalidad y del otro un interrogante de la realidad exterior, para que seamos nosotros mismos los que interpretemos.

Carles Poy y Clara Renau.

Declaración del Artista
''Me aparece ya claro, que no toda la realidad se agota dentro de la realidad espacio-tiempo del universo sensible. Para poder plasmarla, con toda su extensión, hace falta, encontrar un esquema plástico más allá de esta. No se trata, de simples abstracciones conceptuales, si no de: Una morosidad manifestativa de cara a lo insólito. Dicción pormenorizada de lo nunca visto. Precisión expresiva de sugerencias adivinadas. Formulación implosiva de pretéritas y nuevas génesis.'' Antoni Mut Torroja, describiendo su arte abstracto.

Ref:
Diccionario de Pintores y Escultores Españoles del Siglo XX . Pag. 2888

Diccionario Rafols de pintura catalana



Obra: “Payaso”. Óleo sobre tabla. Firmado Mut Torroja en el ángulo inferior derecho. Medidas: 100 x 60 cm; 104 x 64 cm (marco). Circa epoca parisina - Coleccion privada

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FRANCISCO ARIAS  (Madrid,1911-1977)

83. FRANCISCO ARIAS (Madrid,1911-1977)

http://www.tubiografia.com.ar/Biografias-A/7230/Arias,-Fr...

Nacido en Madrid en 1911. Descendiente de una familia de prestigio en la artesanía de la encuadernación. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. En 1936, gana el Primer Premio Nacional de Pintura, y en 1964, la Primera Medalla ganada en la Exposición Nacional. En su primera... Ver mas
Nacido en Madrid en 1911. Descendiente de una familia de prestigio en la artesanía de la encuadernación. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. En 1936, gana el Primer Premio Nacional de Pintura, y en 1964, la Primera Medalla ganada en la Exposición Nacional. En su primera producción abundan las figuras, sobre todo muchachas de inspiración goyesca, y bodegones. A este período pertenece el cuadro "Botellas y vasos". Forma parte de la "Escuela de Madrid", comienza a descubrir los paisajes manchegos y las marinas.
Sus bodegones de excelente calidad, y los paisajes en los que retrata los campos de Castilla como una sucesión de lomas y colinas horizontales, dejan paso a una pintura más gris en la que los paisajes se llenan de accidente geográficos.
"Castilla" (1957), y "Plaza de toros de Chinchón", son claros ejemplos de su primera etapa. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en Venezuela, Londres, París, Pittsburg; a las XXV y XXVII Bienales de Venecia; a la IV bienal de Alejandria y a la II bienal de Sao Paulo. En 1952, recibió el Premio Nacional de Pintura.
Ref: http://buscabiografias.com/cgi-bin/verbio.cgi?id=3179

La pintura de Francisco Arias, diríamos que es "una perseverante rebusca de los íntimos secretos de! color a través de formas cada vez más tenues y huidizas". Francisco Arias es un pintor vivo y actual: un pintor de nuestro tiempo. En la eterna dualídad "forma-color"~ Francisco Arias se inclina resueltamente por el segundo término. En esto se emparenta, en verdad, con los impresionistas. Pero también con los venecianos con el G r e c o, o con Goya. Porque no es un pintor intelectual que pinte con arreglo a prejuicios ni esquemas mentales, sino un pintor sensual y placentero. Su pincel no tiene tiempo de recrear y recrearse- en las formas; tiene prisa por trasladar al lienzo los mil matices de una vibrante realidad que busca en su paleta irisaciones, relumbres, espumas que, rehuyendo toda concreción se modela sutilmente a través de esbozos y alusiones, Por eso, Francisco Arias ama los escuetos paisajes castellanos, donde la Naturaleza se reduce a lo mínimo indispensable, permitiéndole desplegar su evidente maestría colorista en raros matices de gamas monocromas. Y eso le empuja a pintar fósiles y paisajes submarinos en los que nácares y algas diluyen sus perfiles. Y a interpretar esos paisajes urbanos de Madrid y Toledo en que las ciudades lejanas están a punto de convertirse en cromáticas vedijas de niebla. En sus últimas obras abandona resueltamente toda veleidad figurativa y se lanza, con la sola ayuda de su sensibilidad y buen gusto, a una original creación donde los colores existen por sí mismos y se conjugan sagazmente. Se trata, digámoslo de una vez, de un pintor enamorado de la pintura. Debemos fijarnos, pues, con atención en las últimas obras de Arias, tan sugestivas, con sus colores autónomos exentos de apoyaturas formales. Arias adopta con ella, una arriesgada postura, en la que es difícil Mantenerse sin fatigarse y sin fatigar. Pero, en todo caso, constituye la interesantísima experiencia de un Pintor exigente, que no descansa en la estéril satisfacción de sí mismo, sino que trata de hacer cada vez más ancho y profundo el cauce, por donde discurre su inspiración. Y es, también, una interesante experiencia para quienes pretendemos ser, en, lo posible, perspicaces contempladores de su limpia, tersa, honrada pintura.

REF: http://pintura.aut.org/SearchAutor?Autnum=15.996



Obra: Oleo lienzo 81 x 100 ,m, Firmado.- Coleccion particular

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JOSE VERGES GRAU ( San Quirce de Besora 1925- Vic 1989)

84. JOSE VERGES GRAU ( San Quirce de Besora 1925- Vic 1989)

http://www.elcultural.es/version_papel/LETRAS/5747/Corres...

Escultor ,pintor e ilustrador. Autodidacta. Participo en importantes colectivas, como Salon de Tinell (Barcelona 1976); Societe Nacionale de Beaux Arts (Paris 1981); Bienal Internacional de Arte Moderno (Lyon 1984); Salon de Primavera de Vic, etc.. Individualmente expuso en Barcelona, Madrid... Ver mas
Escultor ,pintor e ilustrador. Autodidacta. Participo en importantes colectivas, como Salon de Tinell (Barcelona 1976); Societe Nacionale de Beaux Arts (Paris 1981); Bienal Internacional de Arte Moderno (Lyon 1984); Salon de Primavera de Vic, etc.. Individualmente expuso en Barcelona, Madrid, Lerida, Valladolid, Logroño,, Vic , Almeria y en optras ciudades españolas, alemanas, belgas y francesas.

En su pintura utiliza un lenguaje abstracto, expresivo y textural, en el que rigurosas extructuras, a las que incorpora, en ocasiones , pequeños objetos, sirven a su afan investigador. En su excultura utiliza materiales industriales, elementos de la naturaleza y colores, para recrear objetos que solapan referentes oniricos, artefactos ludicos y simbolos sexuales en la busqueda de nuevas formulaciones plasticas.

Tambien publico libros de poemas.

Fue miembro de la Societe Academique Art-Sciences-Letres de Paris.

Primer Premio de Arte Abstracto en la Bienal Internacional de Arte de yon (1984); Medalla Vermeil de la Sociedad AASL, de Paris (1985) entre otros.

Tras su muerte, la Generalitat de Cataluña, organizo varias exposiciones de homenaje.

Esta representado : En el Museo de Arte Historico y Contemporaneo de California, USA; Coleccion-Patrimonio Artístico de La Vanguardia, Barcelona; Museo de BB.AA. de Valladolid; Coleccion-Patrimonio artístico de Greenpeace.; Coleccion de Arte Museo Futbol Club Barcelona.-


Bibliografia:
La gran enciclopedia Vasca, V.V.A.A.
"Vergesgrau" entre la realidad y el recuerdo. Fernando Gutierrez
"Las ceres de Vergesgrau". Ed MC Ballester.Barcelona
Diccionario de Pintores y Escultores Españoles del Siglo XX.






Obra: "El pensador 2030" 1989. Hierro,piedra y vidrio. 146 x 82 x 50. cm.

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GERARDO DE ALVEAR Y AGUIRRE (Castillo 7 Villas 1887-Madrid 1964)

85. GERARDO DE ALVEAR Y AGUIRRE (Castillo 7 Villas 1887-Madrid 1964)

http://es.wikipedia.org/wiki/Gerardo_Alvear_y_Aguirre

Pintor. (Castillo Siete Villas,1877–Madrid, 1964). Aunque inició la carrera de Leyes, pronto se dedicó a la pintura. Se formó en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, bajo la dirección de Joaquín Sorolla, Cecilio Plá y Emilio Sala, cuya huella que permaneció indeleble en su obra. De 1910... Ver mas
Pintor. (Castillo Siete Villas,1877–Madrid, 1964). Aunque inició la carrera de Leyes, pronto se dedicó a la pintura. Se formó en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, bajo la dirección de Joaquín Sorolla, Cecilio Plá y Emilio Sala, cuya huella que permaneció indeleble en su obra. De 1910 a 1915 residió en Francia e Italia, al obtener una bolsa de estudios de la Academia y Diputación de Santander para ampliar el conocimiento de los clásicos.
Tras esta etapa de formación, regresó a Santander y ocupó un puesto destacado en el panorama artístico de la ciudad. Dedica su primera producción a temas de etnografía popular influenciados por las tendencias regionalistas y costumbristas del primer cuarto de siglo. Estas obras, entre las cuales destaca Los pasiegos, se caracterizan por un trazo muy marcado, un color verista, con tendencia al empleo del negro, y un empaste grueso. Al mismo tiempo, realizó murales concebidos con sentido decorativista, de trazo y composición firmes, en los que se reflejó el influjo clásico, siendo el precursor del llamado Muralismo montañés. Destacan los que ornaban el Teatro Pereda, la Casa de Maternidad en Santander , el Palacio Pardo (casa de Botin c/Perez Galdos) , Palacio del Marques de Valdecilla y El purgatorio de la iglesia de San Mateo de Cáceres.
En los años 20, se inició en el campo del impresionismo, del que ya no se apartó. Se aprecia claramente la evolución del pintor: antes negro y reseco, ahora límpido y claro. Sus lienzos de atmósfera clara, con extensos planos escalonados de gradaciones luminosas y su pintura más fluida, de efectos delicados en la línea, preferentemente gris y lila, caracterizan esta época, en la que el paisaje se alza como protagonista. De esta época es su vista de Santander desde el Alta.
En 1935 se trasladó a Argentina, país que había visitado ya en 1927 invitado por el presidente. Allí conquistó gran reputación como retratista y pintó numerosos paisajes urbanos, entre los cuales destaca Buenos Aires lluvioso. Allí trabaja en la Escuela Municipal de Raggio y la Academia Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires.
De regreso a España en los años cincuenta, se instaló en Madrid, realizando sucesivas estancias en Alicante y Santander. En esta época realiza una pintura agradable, en la que no le interesa la descripción del paisaje, sino el entusiasmo de la impresión. Es de destacar la serie de murales Motivo Astillero, Motivo Puerto Chico, Motivo Transportes, realizados para la sede de la Cámara de Comercio en Santander.
Entre las exposiciones dedicadas a este artista son de destacar las monográficas del Museo de Arte Moderno de Bilbao de 1930, la del Museo de Pinturas de Santander de 1953 y la que tuvo lugar en la sala de la Dirección General de Bellas Artes en marzo de 1962.
En 1934 Consiguio la Tercera Medalla en la Exposicion Nacional de Bellas Artes, por su cuadro "Interior".

Tiene Obra.
En el Museo del Prado, " Interior con niña dibujando " y " Playa de la Magdalena " depositados en el MNCARS.

En el Museo de Arte Moderno y Contemporaneo de Santander hay " Viejas jugando a las cartas", " Bañistas ", " Buenos Aires lluvioso", " A la espera de la pesca ".

En la Coleccion del Gobierno de Cantabria estan " Los pasiegos ", " los retratos de " Ataulfo Argenta", " Marques de Valdecilla "

En el Museo de Bellas Artes de Boca (Argentina) tiene el cuadro "Pidiendo el milagro" de cuya obra hizo una loa Valle Inclan.

En el Museo Municipal de Buenos Aires , esta la obra " Efectos de luz ".

En el Museo Nacional de Buenos Aires, tiene " Niña leyendo" y " Paisaje ".

En el Museo de Santa Fe, Cordoba (Argentina)

De èl hablaronb entre otros Ramon del Valle Inclan, Gerardo Diego y Ramon Gomez de la Serna.

Bibliografia:

Enciclopedia de Cantabria.-

Diccionario de pintores y escultores españoles del siglo XX.-

Historia y Critica de las EE.NN. de BB.AA.-

Diccionario Critico del Arte Español Contemporaneo.-

ooooooooooooooooo

Obra: Estilo impresionista .Paisaje. Oleo sobre lienzo de 26,5 x 33 cms.Fdo G. de Alvear . Coleccion privada

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LINO CASIMIRO IBORRA  (Santoña, 1858 – Madrid, 1935)

86. LINO CASIMIRO IBORRA (Santoña, 1858 – Madrid, 1935)

http://www.museodelprado.es/enciclopedia/enciclopedia-on-...

Lino Casimiro Iborra Gorostegui . Pintor. Protegido por el Duque de Santoña y Marqués de Manzanedo estuvo pensionado para estudiar en la Escuela Especial de Pintura, Escultura y Grabado de Madrid. Trabajó como profesor en la Escuela de Artes e Industrias. Concurrió a las Exposiciones Nacionales... Ver mas
Lino Casimiro Iborra Gorostegui . Pintor. Protegido por el Duque de Santoña y Marqués de Manzanedo estuvo pensionado para estudiar en la Escuela Especial de Pintura, Escultura y Grabado de Madrid. Trabajó como profesor en la Escuela de Artes e Industrias. Concurrió a las Exposiciones Nacionales organizadas entre 1884 y 1920, obteniendo Mencion Honorífica en 1892 y 1895, la Tercera Medalla en 1899 y 1906, consideración de Tercera Medalla en 1901 y Segunda medalla en 1908. También presentó sus trabajos en el Círculo de Bellas Artes de la capital, institución de la cual era miembro y que le organizó una exposición individual en 1925. Falleció en Madrid en 1935. Fue discípulo suyo el pintor santoñés Juan Castañón y Velasco. (Fuente: Gran Enciclopedia de Cantabria)

Otra fuente:

Nace en Santoña el 23 de Septiembre de 1856, de padre alicantino y madre Eibarresa. Célebre pintor, que contó con la protección del Marqués de Manzanedo. Estudió en la Escuela Especial de Pintura, siendo premiado en las exposiciones Generales de 1895 y 1899 y en la Internacional de 1892.
A instancias de sus admiradores ofreció una gran Exposición en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, en la que nuevamente fue destacada la calidad de su arte y la fidelidad a la normas de la pintura española. Fue profesor en propiedad, por concurso, de la Escuela de Artes y oficios de Madrid. El 18 de Julio de 1926, el Ayuntamiento de Santoña le ofrece un homenaje nombrándole Hijo Predilecto.
El entonces Alcalde, Agustín de la Fragua, descubre una lápida con el nombre del artista, inaugurando la calle de insigne pintor, ubicada entre los viales de Juan de la Cosa y Alfonso XII. Entre sus numerosas obras se encuentran "La salida del Redil", "la Virgen de Puerto", "El Rebaño", "Sancho Panza", "La Colindresa", "La Pastora", etc. Lino Casimiro Iborra, falleció en Santander en el año 1935
El Museo de BB.AA. de Santander posee 8 cuadros por donacion de la viuda del pintor doña Rosa Cabrera en memoria de su esposo. El Ayuntamiento de Santoña , tenia en el Salon de Reuniones cinco cuadros del pintor santoñes; al Ateneo de Santander dos cuadros, se sabe que tienen obra el Museo de BB.AA. de Jaen y el Museo del Prado en su seccion del Siglo XIX (Cason del Buen Retiro) estan "Ahora sera ella" oleo lienzo de 138 x 200 cms, firmado y la "Salida del redil" oleo sobre lienzo de 167 x 298 cms firmado, y se encuentra en el Salon del Ayuntamiento de Badajoz en deposito .-

Bibliografia:

Enciclopedia de Cantabria.

Enciclopedia del Museo Nacional del Prado.

Guia del Museo de BB.AA. de Santander.

Diccionario de Pintores y Escultores Españoles del Siglo XX.

Cien Años de Pintura en España y Portugal.

Lino Casimiro Iborra , por Manuela Alonso Laza. Ediciones Tantion.

Obra:

Paisaje. Oleo lienzo.48 x 64 cm. firmado L.C. Iborra .-Coleccion particular

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GENARO LAHUERTA LOPEZ ( Valencia 1905- 1985)

87. GENARO LAHUERTA LOPEZ ( Valencia 1905- 1985)

http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?t=7622

Genaro Lahuerta López (Valencia, 8 de febrero de 1905- Valencia, 10 de febrero de 1985) Pintor español, destacado retratista que formó parte del grupo pictórico Los Ibéricos. Estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Valencia y en 1919 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos... Ver mas
Genaro Lahuerta López (Valencia, 8 de febrero de 1905- Valencia, 10 de febrero de 1985) Pintor español, destacado retratista que formó parte del grupo pictórico Los Ibéricos.

Estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Valencia y en 1919 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos.

Después empezó a trabajar como ilustrador para algunas revistas de la época, como "Blanco y Negro" y a impartir clases de pintura.

En 1928 realizó su primera exposición individual en la sala Blava de Valencia y al año siguiente en la Sala Parés de Barcelona.

En 1932 le concedieron la Tercera Medalla por un retrato del escritor Max Aub, en la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid.

En 1935, obtuvo una beca que le permitió viajar por diversos países europeos buscando temas para sus cuadros.

En 1943 obtuvo la Segunda Medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid.

En 1948 Primera Medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid.

En 1953 se le concedió una beca de la Dirección General de Plazas Africanas para pintar el Sahara español, cuyos paisajes motivan cambios en lo que a su uso del color
se refiere.

Además de numerosas distinciones Genaro Lahuerta, fue Catedratico de Bellas Artes de San Carlos de Valencia desde 1949. Gran Premio Jose Antonio en la Exposicion Nacional de Alicante de 1952. Medalla de Oro de la Exposicion Nacional de Murcia en 1966. Medalla de Oro de la Academia Santa Isabel de Hungria de Sevilla. Medalla de Oro de Malaga en 1972. Fue Académico de la Real Academia de San Carlos de Valencia, San Jorge de Barcelona, Santa Isabel de Hungría de Sevilla y de San Fernando de Madrid.

La Academia de las Artes, Ciencias y Letras de París le otorgó su Medalla de Oro y el Ministerio de Educación y Ciencia le concedió la Medalla al Mérito de las Bellas Artes.
En 1987 la Diputación Provincial de Valencia le dedicó una gran exposición retrospectiva.

El Ayuntamiento de Valencia puso una calle a su nombre.

Otra referencia: de Diccionario de Pintores y Escultores Españoles del Siglo XX.

Genaro Lahuerta Lopez nace en Valencia el 8 de febrero de 1905 y fallece en la misma Ciudad en 1985. Pintor. Estudio Bellas Artes en la Escuela de San Carlos de Valencia de 1919 a 1924. En 1928 participo en la Primera Manifestacion Valenciana de Arte Joven, en la sala Imperium de Valencia. En 1929 realizo en la sala Pares de Barcelona su primera exposicion conjunta con Pedro de Valencia, presentando una parte de su "Suite Española", llevando a cabo, en ese mismo año una nueva exposicion en la sala Blava de Valencia. En 1930 expone en Madrid y se une a la iniciativa de Artistas Ibericos que celebran una exposicion conjunta en el Palacio del Retiro. En estos años la obra de Genaro Lahuerta posee ya una concepcion moderna. Realiza una reconstruccion compositiva en la que se aleja de las claves de la percepcion para recrear un color antiatmosferico, constituyendo parte de la llamada "primera renovacion de la pintura valenciana" al plantear unos postulados de recreacion personal que se alejan del sorollismo y de la tradicional pintura costumbista. Hombre culto y viajero, aporto a su pintura una permanente reflexion intelectual desde la propia extructura de la forma hasta su significado. De 1930 es la obra "La tripulacion de la Estrella" uno de los mejores cuadros de toda su creacion. Invitado a participar en la Exposicion Internacional del Instituto Carnegie de Pittsburgh, colaboro activamente en las exposiciones de la Sociedad de Artistas Ibericos, que alterna con muestras que realiza junto a Pedro de Valencia. En 1934 participa en la XIX Bienal de Venecia y se le concede la Beca Conde de Cartagena. Al año siguiente la libreria Gallimard de Paris, edita una pequeña monografia suya y de Pedro de Valencia, con textos de Jean Cassou, Venturi, Fierens y Guiette. Desde 1936 a 1938 expone reiteradamente en Pittsburgh, manteniendo,asi, una relacion intelectual con el arte mas avanzado de su tiempo; conoce la pintura de Klee, Macke y Marc, asi como la del grupo Der Blaue Reiter, y entra en dialogo con los mas relevantes artistas españoles del momento. En 1939 su pintura adquiere una configuracion de corte mas tradicional, la composicion es mas simetrica y pinta numerosas figuras, junto a una coleccion de retratos singulares, como el de Azorin, de 1948 (con el que obtiene la Primera Medalla en la Exposicion Nacional de BB.AA.), o el de Pio Baroja de 1955. Desde 1953 a 1956 pinta una amplia serie de obras africanas a traves de becas oficiales que le permiten residir intermitentemente en el Sahara Español. Desde entonces se dedico preferentemente a la recreacion del paisaje de las comarcas valencianas del interior, tratado con gran libertad interpretativa y matizada vivacidad cromatica; tonos calidos de carmines,azules,ocres,amarillos, despojados de anecdota y plenos de sentido plastico que siguio pintando hasta el final de sus dias, haciendo realidad su deseo de que "en mi pintura sea el color y la materia quienes hablen". Catedratico de Bellas Artes de San Carlos de Valencia desde 1949. Gran Premio Jose Antonio, en la Exposicion Nacional de Alicante de 1952. Medalla de Honor de la V Exposicion Nacional de Murcia en 1966. Medalla de Oro de la Academia Santa Isabel de Hungria de Sevilla en 1971. Medalla de Oro de Malaga en 1972. y miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando desde 1974, ingreso en 1976 titulandose su discurso "Obsevaciones sobre el color y la luz " . Dos años despues de su muerte, se organizo en Valencia una gran exposicion antologica de su obra. Figura en el Centro de Arte Reina Sofia en Madrid, Museos de BB.AA. de Valencia, Bilbao, Sevilla, San Sebastian y en los Museos Nacionales de Buenos Aires, Montevideo y Sao Paulo..- Ref: M.M.I .-Diccionario de Pintores y Escultores Españoles del Siglo XX

Obra:

Paisaje. Oleo sobre tabla. 21 x 15,5 firmada. Coleccion privada.

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LUIS REY POLO ( Barcelona 1924 - Madrid 2000)

88. LUIS REY POLO ( Barcelona 1924 - Madrid 2000)

http://es.wikipedia.org/wiki/Luis_Rey_Polo

Luis Rey Polo fue un pintor, escultor y arquitecto. Nació en Barcelona el 29 de agosto de 1924 y falleció en Madrid el 14 de mayo de 2000 a causa de un cáncer de pulmón. Autor de grandes esculturas de piedra, hierro y hormigón, vidrieras y murales en Barcelona, Madrid, Hospitalet y Menorca... Ver mas
Luis Rey Polo fue un pintor, escultor y arquitecto. Nació en Barcelona el 29 de agosto de 1924 y falleció en Madrid el 14 de mayo de 2000 a causa de un cáncer de pulmón. Autor de grandes esculturas de piedra, hierro y hormigón, vidrieras y murales en Barcelona, Madrid, Hospitalet y Menorca. Considerado por la crítica como uno de los tres informalistas catalanes más importantes.

Fue alumno del Instituto Escolar Pi y Margall durante la República. Estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Barcelona, primero en la sede de Sans y luego en La Llotja y en la Escuela de Bellas Artes de San Jorge. Fue Vicepresidente del Salón de Mayo de Barcelona.

En 1951 obtuvo la Medalla de Bronce de la Exposición Municipal de Hospitalet del Llobregat y una beca de estudios del Circulo Maillol de Barcelona, dirigido por Jose Mª de Sucre, para viajar a París. En 1953 fue galardonado con el Premio de Dibujo Ciudad de Hospitalet y el 2º Premio de Pintura Ciudad de Hospitalet. En 1963 fue galardonado con el Premio Joan Miró en Barcelona. En 1979 gano el Premio Icaro en Logroño.

Han escrito sobre este artista y su obra críticos del calibre de José Corredor Matheos, Ángel Crespo, Jesús Lizano, Carlos Antonio Areán, Cesáreo Rodríguez Aguilera, Arnau Puig o Jose Maria Cadena. Antonio Leyva escribió en 1996 una biografía del artista, titulada "REY POLO", publicada por Fur Printings Ediciones, Paracuellos del Jarama (Madrid).

Formó parte de los grupos "5ª Forma" en 1965-67 ( Aulèstia, Messa, Kaydeda, Rey Polo y Rodríguez Cruells son los integrantes del grupo, junto al fundador, Albert Coma Estadella) .. y de "Tres puntos de vista" en 1976 (Albert Casals,Joaquin Pujol y Rey Polo, posteriormente se sumo el violoncentista Miquel Pujol denominandose el grupo "Tres més un punts de vista". Llevó a cabo actividades de investigación plástica y sonora durante los años 70 y 80.

Para Luis Rey Polo, el cuadro es una fusión de materia y espíritu sosegada por la geometría y sus rigores. Pintor arrebatado y recóndito, complejo, matérico, sus obras trascienden la pura complacencia.

Expuso su obra en numerosas exposiciones individuales en toda España (Madrid, Barcelona, l'Hospitalet, Logroño, Zaragoza, Gerona, Menorca, Burgos, Salamanca, Valladolid, Palma de Mallorca, Malaga etc.), Francia (París, Nimes, Pau), Holanda (La Haya y Amsterdam) , Italia (Milán, Perugia), U.S.A. (Nueva York) y en exposiciones colectivas tanto en Europa como en el continente americano.

Pueden admirarse sus cuadros en los siguientes museos:


Museo de Arte Contemporaneo de Barcelona

Museo de Arte Contemporáneo de Vilanova y la Geltrú

Museo de Arte de Valls

Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Nicaragua

Museo Municipal de Hospitalet

Museo Riojano de Arte Contemporaneo, Logroño

Museo de Bellas Artes de Murcia

Museo de Bellas Artes de Granada

Museo de Arte Contemporáneo de Lisboa

Museo del Fútbol Club Barcelona

Fondo de Arte del Diario "AVUI" de Barcelona

Casa de la Cultura de Cuenca

Caja de Ahorros de Burgos

Centro Catalán de Madrid

Colegio de Aparejadores y Arquitectos Técnicos de Logroño

Fundación Calouste Gilbenkian de Lisboa

Colección Aceredo Perdiçâo de Lisboa, Fundación Vila-Casas de Barcelona

Murales y esculturas

1959: Capilla de la iglesia de San Isidro (Hospitalet del Llobregat)

1968: Escultura de la Plaza del Maestro Juan Manén en Cala Morell, Ciudadela (Menorca)

1970: Escultura en hormigón, actualmente en el Parque de Esculturas del Fútbol Club Barcelona

1991: Escultura en piedra, Ciudadela (Menorca)

Bibliografía

Rey Polo Autor: Leyva, Antonio. Editorial: Fur Printing. Ediciones Paracuellos del Jarama (Madrid), 1996 ISBN 84-921746-2-5

Título del catálogo: 5ª Forma. Editado por el Colegio de Aparejadores y Arquitectos Tècnicos de Lerida , octubre de 2007 ISBN 978-84-690-8054-2

Diccionario Rafols de Artistas de Cataluña y Baleares Compendio del Siglo XX Editorial: Art Network S.L. Barcelona, 1998

Diccionario de Pintores y Escultores Españoles del Siglo XX. Forun Artis.

30 pintores . Promociones de Arte Santander. 1984 . pag 82.-

Revist Art (60 pgns) nº 44 - II -Año VI . año 2000. paginas 29,30,31 y 32.-

-Textura ,color y materia en la pintura-. Libro catalogo exposicion colectiva Sala "Juan de Villanueva" de 134 paginas en 1984 editado por Ayuntamiento Aranjuez y Consejeria Cultura de Comunidad de Madrid , paginas 101,102,103,104, junto con Manuel Millares,Antoni Tapies, Antoni Clave,Daniel Argimon,Josep Guinovart,Rafael Canogar, Amadeo Gabino, Jaume Plensa, Vaquero Turcios...

Obra:

Sincronia . Oleo y materia sobre lienzo de 54 x 65 cms firmado Rey Polo 76 abajo a la derecha, (en el dorso ,titulado,firmado y fechado). Coleccion particular.

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TERESA PEÑA ECHEVESTE ( Madrid 1935 - Entrambasaguas de Mena 2002)

89. TERESA PEÑA ECHEVESTE ( Madrid 1935 - Entrambasaguas de Mena 2002)

http://www.youtube.com/watch?v=NHgk7EGhz0Q

Dentro de escasos días, justo al compás de la Primavera, tendrán los burgaleses la oportunidad de contemplar la eclosión de la obra pictórica de Teresa Peña, hasta ahora desconocida entre nosotros y, a pesar de ello, pintora de altísima calidad estética y religiosa, cuya biografía registra... Ver mas
Dentro de escasos días, justo al compás de la Primavera, tendrán los burgaleses la oportunidad de contemplar la eclosión de la obra pictórica de Teresa Peña, hasta ahora desconocida entre nosotros y, a pesar de ello, pintora de altísima calidad estética y religiosa, cuya biografía registra algunas notas de burgalesidad. Buena parte de su vasta obra podrá visitarse en las salas del claustro bajo de la Catedral, en una exposición que llevará el título de «Encuentro en la luz. Muerte y Resurrección» y que permanecerá abierta desde el 15 de marzo al 15 de mayo.

La contradicción entre su notable calidad y su nula notoriedad, en Burgos concretamente, puede deducirse de dos juicios de sendos conocedores de su obra. Al punto de su muerte - en julio de 2002 - M.A. Marrodán escribió: «Teresa Peña es hoy, y así ha sido durante lustros, nuestra más importante desconocida». Por su parte L. Casado Soto, en 2004, la calificaba así: «La artista de temática religiosa, muy probablemente de mayor calidad y emoción entre los pintores españoles de su tiempo».

Con motivo de su ya inmediata exposición podremos contar con no pocos textos sobre ella pero también con escritos suyos, tanto en prosa como en verso, puesto que Teresa fue también una excelente escritora. Otra novedad para Burgos será su Via Crucis ya que nunca hasta ahora había sido expuesto. Se trata de una magnífica obra que, a mi juicio, la consagra como singular interprete de lo cristiano en el arte de nuestro tiempo.

Ref:http://www.diariodeburgos.es/noticia.cfm/Opini%C3%B3n/20080301/aqui/teresa/pe%C3%B1a/673F29BA-F20F-8C66-A2ABAA45158EF868

María TERESA PEÑA ECHEVESTE nació en Madrid el 31 de Julio de 1935, hija de Teodoro y de Felicidad. La familia paterna procedía de la provincia de Cuenca y la materna de las localidades guipuzcoanas de Azpeitia y Zumaya. Su abuela por esta rama vasca, Ignacia Uranga, era prima hermana del pintor Pablo Uranga Díaz de Arcaya.

Su madre, Felicidad Echeveste, cuando era soltera fue a trabajar a Madrid, donde conoció al que se convertiría después en su marido, el médico Teodoro Peña, con el que se casó en 1931. El nuevo matrimonio se instaló en dicha ciudad, en la que el doctor tenía una clínica y en la que nacerán sus dos hijos, Juan Ramón y María Teresa, hasta el comienzo de la Guerra Civil en 1936.

Al comenzar el conflicto bélico, la familia Peña Echeveste se trasladó a la casa de los abuelos paternos en Montalvo (Cuenca) y durante el mismo el padre de Teresa ejerció la medicina en esta provincia. Finalizada la Guerra Civil, Teodoro Peña no pudo desempeñar su profesión en Cuenca y optó por trasladarse a San Sebastián, donde vivían las hermanas de su mujer, Luisa y Ermendina Echeveste.

En 1940, gracias a su titulación, puedo solicitar una plaza de médico titular o de asistencia pública domiciliaria, término que se utilizaba entonces, con la intención de que dicha vacante estuviera lo más cercana posible a la capital donostiarra, aunque, por un error en la solicitud, se le concedió la de Oña en vez de la de Oñate. Teodoro Peña residió en esta localidad burgalesa hasta que murió en 1958, ocupándose de la salud del pueblo y de la de los integrantes de la Compañía de Jesús, que tenía allí un Colegio Máximo o Universidad Jesuítica.

En Oña no había posibilidad de realizar más estudios que los primarios y ésta será la razón por la que Teresa y su hermano, Juan Ramón, se trasladaron a San Sebastián a casa de sus tías para cursar el Bachillerato, mientras que las vacaciones las pasaban con sus padres en Oña.

Desde los cuatro años Teresa tenía muy clara su vocación de pintora, pero su padre le impuso que al menos, hiciera el Bachillerato, que cursó en la Institución Teresiana del Paseo de Francia de San Sebastián. Con trece años, alternando con el Bachiller, comenzó su aprendizaje artístico con José Camps y, en sus horas libres, acudía a la Escuela donostiarra de Artes y Oficios para completar su formación.

Al finalizar el Bachillerato en 1953, Teresa abandonó San Sebastián y se trasladó a Madrid con el fin de preparar el ingreso en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando. Para acceder a dicho centro era necesario aprobar un difícil exámen que consistía en la realización de un dibujo sobre estatua clásica. Para superar esta prueba acudió a las clases que impartía Eduardo Peña en su afamada academia de la calle Arenal de Madrid, que actualmente mantiene en funcionamiento su sucesor .

En 1954 ingresó en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando en la que obtuvo en Preparatorio los Premios del Estado en Pintura, Escultura y Dibujo, consiguiendo en 1956, 1957 y 1958 los Primeros Premios de Pintura. Al finalizar sus estudios en 1959 logró el Premio Nacional Fin de Carrera, así como la "Medalla de Honor" que la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando concede cada ocho años al mejor expediente. Además, mientras estudiaba en San Fernando, acudía también a dibujar al Círculo de Bellas Artes de Madrid.

Al terminar la carrera trabajó en un estudio de la calle Hortaleza y además, para completar su formación, asistió en San Fernando a cursos de Pintura Mural, Técnica del Fresco y Restauración.

En 1965 realizó su primera exposición individual en la Galería "Quixote" de Madrid y ganó por oposición el Premio Roma que se convocaba cada cinco años Es la primera mujer que obtiene este galardón. En Roma permaneció cuatro años y en las vacaciones estivales realizó diversos estudios de grabado y modelado en otras ciudades italianas y en otros paises europeos, en 1966 en Bélgica y Holanda y en 1967 en Francia y Alemania.

En Madrid en 1967 representa a España con otros ganadores del Premio Roma en la exposición de pintura figurativa que recorre Estados Unidos y otros países. Regresa a España en 1968 y un año más tarde obtiene el Segundo Premio en el Concurso Nacional de Pintura y es invitada a participar en la exposición internacional de la UNESCO.

A partir de 1969 su familia se traslada a vivir a Bilbao, por lo que Teresa alquila un estudio en esta ciudad, que alterna con el que tiene en Madrid. En 1971 expone por primera vez en la capital bilbaína en la Galería Illescas y fue en esta exposición donde el entonces director del Museo de Bellas Artes de Bilbao, Crisanto Lasterra, adquiere para dicho museo el cuadro "Salmo 88-87". Posteriormente viaja a la vez que pinta y expone en distintas ciudades españolas, como Barcelona y Madrid o en la localidad italiana de Carpi.

En 1977 expone nuevamente en Bilbao en la Galería "Decar". Se suceden las muestras importantes tanto individuales como colectivas, Roma, Zaragoza, San Sebastián, Palma de Mallorca, Vitoria, Madrid, etc. siendo también muy importante su obra muralista que tiene una gran expresividad y riqueza plástica.

Su pintura es de un dibujo preciso, de bellos y difíciles escorzos. Rostros anónimos formados por pequeños planos que sugieren volúmenes. Es constante su preocupación por los seres humildes, por los que sufren y que tienden su mano en busca de ayuda así dice Teresa: "mi obra es un canto al misterio del dolor humano...con la potencia de los recursos plásticos intento un mensaje de amor, paz y esperanza". Su interés por lo religioso ha dado como fruto sus mejores obras, obras de gran formato, llenas de simbolismo en las que destacan los azules como un himno de esperanza entre fuertes y evidentes espacios negros y blancos. En sus paisajes apreciamos su dominio del color, los almendros en flor, los campos de amapolas, la magia de los ocres y sienas del Otoño del Valle de Mena.

La obra de María Teresa Peña se encuentra representada en Museos, Instituciones y Colecciones Particulares:

Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, Museo de Bellas Artes de Bilbao, en San Sebastián en el Museo de San Telmo y en el Museo Diocesano, Museo Rodríguez Acosta de Granada, Museo Contemporáneo de Toledo, Museo del Grabado en Italia, etc. etc.

En las colecciones de los Ministerios de Asuntos Exteriores e Información y Turismo, Palacio del Deporte en Bilbao, Escuela Central de Bellas Artes de Madrid, Edificio del diario Pueblo en Madrid, Colegiata de Villagarcía de Campo en Valladolid, Catedral del Buen Pastor de San Sebastián, Liceo Español en Roma, Iglesia del Cristo en Santander etc.etc....

En la actualidad vive y pinta en su casa-estudio de Entrambasaguas de Mena, (en el Valle de Mena, Burgos) donde tiene exposición permanente de su obra. Sus intereses personales van encaminados principalmente a la investigación y a la superación lo que logra con un constante trabajo, aunque vive alejada de toda propaganda y publicidad, lo que hace que sea menos conocida de lo que merece.

Mª Jesús López de Sosoaga Betolaza
San Sebastián, Junio, 2001

PREMIOS más IMPORTANTES
En la carrera de Bellas Artes.-

En Preparatorio los Premios del Estado para Pintura, Escultura y Dibujo.

En los años 1956, 1957 y 1958 los Primeros Premios de Pintura.

En 1961 obtiene el Premio Nacional Fin de Carrera y la Medalla de Honor que la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando concede cada ocho años al mejor expediente.

Otros Premios Importantes.-

1959

Premio Extraordinario "Alvarez de Sotomayor".
1963-1965


Mención de Honor "Rodriguez Acosta"

Primer Premio de Pintura Extemporánea (en Zarauz)

Madrid: Jóvenes Promesas

Accésit "Premio Alcántara"

Medalla de la Real Academia de Sevilla


GRAN PREMIO de Roma
1969

Segundo Premio en los concursos Nacionales de Pintura
1971

Premio de la Fundación Rodríguez Acosta, Granada
1974

Mención de Honor en la Trienal del Grabado de Carpi (Italia)
1975

Medalla de la Exposición en Bilbao "El Deporte en las Bellas Artes"

PREMIOS más IMPORTANTES
En la carrera de Bellas Artes.-

En Preparatorio los Premios del Estado para Pintura, Escultura y Dibujo.

En los años 1956, 1957 y 1958 los Primeros Premios de Pintura.

En 1961 obtiene el Premio Nacional Fin de Carrera y la Medalla de Honor que la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando concede cada ocho años al mejor expediente.

Otros Premios Importantes.-

1959

Premio Extraordinario "Alvarez de Sotomayor".
1963-1965


Mención de Honor "Rodriguez Acosta"

Primer Premio de Pintura Extemporánea (en Zarauz)

Madrid: Jóvenes Promesas

Accésit "Premio Alcántara"

Medalla de la Real Academia de Sevilla


GRAN PREMIO de Roma
1969

Segundo Premio en los concursos Nacionales de Pintura
1971

Premio de la Fundación Rodríguez Acosta, Granada
1974

Mención de Honor en la Trienal del Grabado de Carpi (Italia)
1975

Medalla de la Exposición en Bilbao "El Deporte en las Bellas Artes"

Obra:
Emigrantes , oleo liezo 120 x 120 firmado

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FERNANDO ZOBEL (Manila 1924 - Roma 1984)

90. FERNANDO ZOBEL (Manila 1924 - Roma 1984)

http://www.fernandozobel.com/

Fernando Zóbel de Ayala y Montojo (Manila, 27 de agosto de 1924 – Roma, 2 de junio de 1984) es uno de los pintores españoles más importantes del siglo XX. Nacido en el seno de una de las influyentes y ricas familias de Filipinas, los Ayala-Zobel, se dedicó fundamentalmente a la pintura abstracta... Ver mas
Fernando Zóbel de Ayala y Montojo (Manila, 27 de agosto de 1924 – Roma, 2 de junio de 1984) es uno de los pintores españoles más importantes del siglo XX. Nacido en el seno de una de las influyentes y ricas familias de Filipinas, los Ayala-Zobel, se dedicó fundamentalmente a la pintura abstracta. Durante la guerra civil española se refugia en su país natal, donde permanecerá hasta el final de la segunda guerra mundial (1945). Finalizada ésta, se licencia en Filosofía y Letras por la Universidad de Harvard, con un estudio sobre García Lorca. En esta época se interesa cada vez más por la pintura, y de hecho comienza a pintar ya en 1942, cuando por una lesión de columna queda inmovilizado durante algún tiempo.

Su primera exposición tuvo lugar en Boston en 1951, y a continuación expuso en Manila en 1952. Una de las principales influencias artísticas de ese periodo fue Mark Rothko, así como la fotografía y sus casi infinitas posibilidades.

En el año 1955 viaja a España (de donde se había marchado al comienzo de la guerra civil), y conoce a los artistas en vanguardia de la época: Luis Feito, Antonio Lorenzo, Gerardo Rueda... No obstante, sigue viviendo en Filipinas, donde la Universidad de Manila le concede un doctorado honoris causa.

A partir de los años sesenta del siglo XX comienza una evolución como pintor, desarrollando un estilo característico, en el que sin duda la caligrafía japonesa representa uno de los influjos más evidentes. Los cuadros de Zóbel son de apariencia simple y espontánea, aunque están creados después de un estudio minucioso y una planificación perfecta.

En 1963 conoce Cuenca de la mano de su gran amigo Gustavo Torner, y junto con él y con Gerardo Rueda fundan el Museo de Arte Abstracto Español en las Casas Colgadas, posiblemente el lugar más emblemático de la ciudad. En él encontramos, además de las obras de los tres fundadores las de Millares, Chirino, Antonio Lorenzo, Sempere, Saura, etc.

El prestigio como pintor de Fernando Zóbel es inmenso, y sus obras cuelgan en los museos más importantes del mundo. Participó en más de 150 exposiciones colectivas, y más de 40 individuales.

Su muerte se produjo en Roma el 2 de junio de 1984, de modo inesperado. Sus restos mortales se encuentran en el cementerio de San Isidro de Cuenca, sobre la Hoz del Júcar.

El 22 de Octubre de 2010, el Presidente de Adif, Antonio González Marín, anunció que la nueva Estación de Alta Velocidad de Cuenca recibiría el nombre de "Cuenca Fernando Zóbel" en honor a la gran aportación del pintor a la ciudad. Esta petición había sido cursada previamente por el Excmo. Ayuntamiento de Cuenca y la Diputación Provincial. También toma su nombre uno de los institutos conquenses, estando también presente en la educación.
Medalla de Oro en las Bellas Artes.

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ELISEO MEIFREN ROIG ( Barcelona 1859- 1940 )

91. ELISEO MEIFREN ROIG ( Barcelona 1859- 1940 )

http://www.museodelprado.es/enciclopedia/enciclopedia-on-...

Al estudiar la vida y la obra de Eliseo Meifrén y Roig y pretender sintetizar la misma en unas breves notas, nos damos cuenta de la evidencia: de la complejidad de la misma, de su carácter, de la evolución de su pintura, de sus viajes y estancias, de sus amistades y su familia. Alumno... Ver mas
Al estudiar la vida y la obra de Eliseo Meifrén y Roig y pretender sintetizar la misma en unas breves notas, nos damos cuenta de la evidencia: de la complejidad de la misma, de su carácter, de la evolución de su pintura, de sus viajes y estancias, de sus amistades y su familia.

Alumno aventajado, al poco tiempo empieza a sentirse incómodo y encorsetado. Debe salir, respirar... ¿y donde mejor que París? En 1879, con 22 años, se traslada a la capital de la luz coincidiendo con la cuarta exposición impresionista. Entre otras muchas paradojas de la vida, ese mismo año gana el Primer premio de la Exposición de Bellas Artes que se celebra en Valencia, con Paisaje de Chretielle, una pintura de lo más academicista.

Desde esta anécdota, contemplamos como Meifrén parece luchar consigo mismo a lo largo de toda su vida para poder equilibrar su necesidad de triunfo y reconocimiento social junto a su ansia de libertad e incluso, a veces, de soledad. Aunque participa en muchos certámenes, siente un profundo desdén por la mecánica que rige los mismos y, también, por la labor de los críticos, tan necesaria por otra parte para poder vender sus cuadros.

Y es que Meifrén evoluciona a su ritmo, y aunque asume de inmediato el espíritu y filosofía del impresionismo: la libertad y la renuncia a cualquier escuela, su pintura necesitará todavía unos cuantos años más para considerarse cercana a esta corriente dejando atrás la influencia de la Escuela de Barbizón, representada por los maestros franceses Jules Dupré o Charles François Daubigny y adaptada en Catalunya por la Escuela de Olot (Vayreda o Berga i Boix). En su primera etapa de formación, su obra está definida por una paleta de gamas grisáceas, apagada. Sin embargo, en la década de 1890 supera el luminismo cercano a Roig Soler ampliando su paleta con blancos, azules y dorados.

Cuando comparamos su obra con la de los otros grandes artistas catalanes, vemos similitudes con la de Santiago Rusiñol, al que le unió una gran amistad y junto al cual "descubrió" Sitges en 1891, durante un viaje a Vilanova i la Geltrú. Los dos pintan multitud de jardines a lo largo de su carrera, si bien en Meifrén predomina un dinamismo que en el primero no se halla. Y cuando, más tarde, Eliseo llega a Mallorca, donde ya residía Joaquím Mir, apreciaremos en sus paisajes una explosión en su paleta de colores que, sin embargo, es más moderada y no llega a esa descomposición de las formas propia del segundo.

Y es a partir de ese momento y hasta el final de su carrera, cuando logra en sus obras efectos tan opuestos y de gama tan compleja como los de sus pinturas a “pleno sol” o las fosforescentes entonaciones nocturnas a la luz de la luna. Esta evolución implica una simplificación en la pincelada, el desarrollo de soluciones cromáticas para llegar a transmitir la esencia de sus paisajes.

Meifrén continuó viajando incansablemente, en parte para buscar nuevos temas y lugares, como también por el afán de conseguir nuevos mercados y nuevos éxitos. A veces con su familia y otras veces solo. Eliseo quiso ser siempre dueño de su destino. La sinceridad, su mayor virtud fue, quizás, también su peor enemiga. A través de su obra, de sus relaciones personales, de toda su vida, descubrimos, al fin, que si algo unifica esa complejidad citada al inicio es la franqueza. Como pretendieron todos los impresionistas, buscó y halló una pintura verdadera que fielmente reflejara el instante.

Nos queda del artista un legado extensísimo de obras, que para algunos estudiosos se situaría aproximadamente en tres mil óleos e infinidad de dibujos y notas. También podremos recorrer más adelante su biografía y situarlo en diferentes países de Europa y América. Así veremos que no es del todo difícil seguir los pasos del artista, su dilatada carrera y su participación en más de 350 exposiciones (individuales y colectivas) en diferentes países a lo largo de su vida.

Refe.: http://eliseomeifren.blogspot.com.es/


Otra biografia:


Pintor español; nació en Barcelona el 24 de diciembre de 1858 y murió en la misma ciudad el 5 de febrero de 1940. inició sus estudios de pintura en la Escuela de Bellas Artes de la Lonja de Barcelona bajo la dirección de Antonio Caba. Al concluir sus estudios en éste centro en 1870, marcha a París, donde toma contacto con Santiago Rusiñol y Ramón Casas y participa con ellos en las inquietudes del Modernismo (de hecho, participará en las Fiestas Modernistas que el primero organizará en Sitges), Posteriomente, pasa a Italia, donde residirá hasta 1881. A su regreso, se instala en Sitges. Destacó como paisajista y pintor de escenas de género (así Gente de mar) y, asimismo, por su fecundidad, que le permitió participar en 165 exposiciones (en las que obtuvo hasta veinte premios, tales como la Medalla de Oro en la Exposición de Valencia de 1879, tercera medalla en la Universal de París de 1889, Diploma de Honor en la exposición de la Societé des Amis des Arts celebrada en Versalles en 1891, diplomas honoríficos en las exposiciones celebradas en Barcelona en 1894, primera medalla en la exposición de Barcelona de 1896, medalla de Bronce en la Universal de París y de 1899, Medalla de Plata en la Uiversal de Bruselas de 1910, año en el que también consigue el Gran Premio en la Universal de Buenos Aires, Medalla de Honor en la de San Francisco de 1915 y Gran Premio en la internacional de San Diego al año siguiente, entre otros; las Exposiciones Nacionales no le brindaron, en cambio, más que una medalla de tercera clase en 1890, una de segunda clase en 1899 y una primera en 1906) y celebrar más de cincuenta individuales, veinte de ellas en Barcelona, siete en Madrid y cinco en Buenos Aires.

Los temas de su pintura abarcan todo el Norte español, aunque con preferencia por los temas relacionados con Cataluña. Destaca por su manejo de la luz y del color, así como por el detallismo de sus cuadros. Con todo, sus acercamientos prácticos al Modernismo fueron tímidos. Probablemente fuera el miedo a perder la clientela lo que lo mantuvo aferrado a una estética más tradicional. de esta manera, será para 1930 cuando se atreva a llevar a cabo cuadros marcadamente impresionistas, así El Marne. no se le debe, sin embargo, reprochar tal apego a una técnica tradicional en la que, por otro lado, dio excelentes resultados. El respeto que su obra le merecía lo prueba el hecho de que, cuando pintaba a conciencia obras en serie para vender, firmaba con seudónimo. Asimismo, la timidez general de sus avances técnicos no obsta a la belleza de cuadros como Epílogo (Museo Provincial, Pontevedra), por el que obtuvo tercera medalla en la Exposición de 1890 y en el que el paisaje es simple pretexto para la meditación sobre la fuerza destructora del mar. En el cuadro, una barca destrozada sobre la arena de una playa y bajo un cielo de tormenta cuidadosamente sugerido muestra los efectos del temporal sobre la obra del hombre. Son dignos de destacar los reflejos de la luz sobre la arena y las tonalidades verdosas del mar.
Son algunas de sus obras Un rincón del natural , Playa de Trouville, Mar movido, Epílogo, Port lligat (Cadaques) o Fuego en alta mar.

Autor en parte: http://mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=meifren-y-roig-eliseo

El Museo del Prado posee nueve obras del pintor:

Marina , oleo sobre lienzo ,60 x 80 cm. Firmado
Paisaje ,oleo sobre lienzo, 54 x 46 cm. Firmado (En deposito Museo Provincial , Lugo)
Marina con una boya, oleo/lienzo 46 x 63. Fdo.(En deposito Museo Provincial, Lugo)
La bahia de P.Mallorca, oleo/lienzo (En deposito Embajada España en Bruselas)
El Unico Naranjo, oleo/lienzo 83 x 88.cm. Fdo (Deposito Museo Provincial Malaga)
Lago de Como, oleo/lienzo 250 x 300 cm . Fdo (Dep. Audiencia Territorial de Barcelona)
Epilogo, oleo/lienzo, 106 x 275. Fdo 1888 ( Dep . Museo Pontevedra)
Oraciones, oleo/lienzo, 131 x 151. cm.Fdo (Dep . Museo BB.AA. Sevilla)
Plaza de Paris, oleo lienzo 108 x 62 cm. Fdo 1887.


Otros enlaces sobre el pintor:

http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?t=7143

http://frayco.blogspot.com.es/2012/02/eliseo-meifren-roig.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Eliseo_Meifr%C3%A9n_y_Roig

http://pensaipinta.blogspot.com.es/2010/08/eliseo-meifren-i-roig-modernismo.html


Obra : Platja en Mallorca. Oleo sobre cartulina, 11 x 17 cm fdo 1930. Coleccion particular.-

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EMILIO GRAU SALA ( Barcelona 1911 - Paris 1975 )

92. EMILIO GRAU SALA ( Barcelona 1911 - Paris 1975 )

http://es.wikipedia.org/wiki/Emilio_Grau_Sala

Emilio Grau Sala pintor y grabador nació en Barcelona el 22 de junio de 1911 y falleció en la misma ciudad en el año 1975. Pronto inicio su formación con su padre, el dibujante Juan Grau Miró, para trasladarse posteriormente a la Escuela de Bellas Artes de Barcelona e iniciarse en su... Ver mas
Emilio Grau Sala pintor y grabador nació en Barcelona el 22 de junio de 1911 y falleció en la misma ciudad en el año 1975. Pronto inicio su formación con su padre, el dibujante Juan Grau Miró, para trasladarse posteriormente a la Escuela de Bellas Artes de Barcelona e iniciarse en su adolescencia en el arte de la litografía. Celebró su primera exposición individual en el año 1930 en la Sala Badrinas de Barcelona y al año siguiente, en unión con un grupo de artistas, formó el efímero grupo Independientes. Ya en 1933 viajó a París donde realizó decorados para grupos de ballet y realizó varias exposiciones en la Sala Syra de la Ciudad Condal. La guerra civil le lleva otra vez a París donde expone algunas de sus obras en la galería Zak, acude también a Londres y Bruselas. Vuelto a París realiza su primera exposición individual en la galería Castelucho de Montparnasse. En este momento compone varias pinturas murales en la ciudad del Sena y de igual manera ilustra obras bibliográficas como Fêtes galantes de Charles Baudelaire o el Romancero gitano de Federico García Lorca, además de algunos retratos para pintores y escenografías que le llevan desde París a Bruselas, Basilea y de vuelta a Barcelona.

Por lo que respecta a sus exposiciones individuales celebró doce en París, tres en La Rochelle, Toulouse y Honfleur, también trece en Barcelona, tres en Madrid, cuatro en Nueva York, dos en Los Angeles, una en Londres, Bruselas y Buenos Aires. Entre las exposiciones colectivas destacan las llevadas a efecto junto a la llamada “Escuela Española de París”. En el año 1958 obtuvo el Premio de la Societé des Amateurs d´Art en París y en 1964 el Premio Francis Smith. En el año 1963 pintó las ciento veintiocho acuarelas como ilustración de la edición del cincuentenario de la obra de Marcel Proust En busca del Tiempo perdido, donde queda patente su calidad como ilustrador.

Toda la producción artística de Grau Sala, con sus deliciosas figuras femeninas, sus centros de flores y sus armónicos interiores, o sus alegres escenas callejeras, circenses o hípicas, responde al concepto de ilustración, aunque sobre él se acumulen calidades técnicas, juegos lumínicos y talento sobrado de pintor, y es precisamente ese aroma ilustrativo lo que, justamente con el acertado juego del color, compone su original y valiosa personalidad artística.

Sebastián Gash escribió sobre su obra:…Resulta imposible no dejarse seducir por el arte sutil de Grau Sala, en donde la intuición de la luz, de la mancha, del grafismo, se muestra de un modo tan espontáneo, tan penetrante, tan naturalmente sabio y en donde la imaginación poética se renueva alternativamente preciosa, viva, gozosamente, tiernamente expresiva y siempre lozanamente juvenil.

Refr: http://www.arsliber.com/artistas-y-autores/emilio-grau-sala/

Obra : coleccion privada.

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EMILIO ALIAGA ROMAGOSA ( Castellon 1876 - Valencia 1944 )

93. EMILIO ALIAGA ROMAGOSA ( Castellon 1876 - Valencia 1944 )

http://maestrosdelretrato.blogspot.com.es/2011/10/emilio-...

EMILIO ALIAGA ROMAGOSA (Castellon 1876 - Valencia 1944), Pintor . Estudia en la Academia de Bellas Artes San Carlos de Valencia siendo discipulo del pintor castellonense Bernardo Mundina Milallaves (1827-1903) y en la de San Fernando de Madrid, donde aparece como discipulo de Joaquin Sorolla y... Ver mas
EMILIO ALIAGA ROMAGOSA (Castellon 1876 - Valencia 1944), Pintor . Estudia en la Academia de Bellas Artes San Carlos de Valencia siendo discipulo del pintor castellonense Bernardo Mundina Milallaves (1827-1903) y en la de San Fernando de Madrid, donde aparece como discipulo de Joaquin Sorolla y Bastida.

En 1904 saca la plaza por oposicion de Catedratico de Dibujo de Instituto de Segunda Enseñanza, lo cual le produjo un largo peregrinaje oir diversas ciudades españolas ejerciendo como profesor en , Castellon, Valencia, Gerona, Palma, Soria y Almería, hasta que definitivamente quedo en Castellon su ciudad natal.

A causa de su cambio constante de residencia, cultivo una pintura costumbrista , muy similar a la realizada por Cecilio Pla, Mongrell, Bilbao y Luis Alvarez. En sus obras auno la austeridad castellana con la luminosidad mediterranea, los que las dotaba de una singular personalidad.

En 1909 consiguio la Medalla de Oro de la Exposicion Regional Valenciana y en 1910 , la Medalla de Plata en la Exposicion Regional de Valencia convocada por el Circulo de Bellas Artes de la Ciudad del Turia. Le fue concedido el Diploma conmemorativo en la muestra del Primer Centenario de la Independencia de México.

En 1916 fue nombrado Academico Correspondiente de la Real de Bellas Artes de San Fernando. Fue ademas Director del Museo Provincial de Castellon.

Residio largas temporadas en Castellon, donde tenia un estudio despues de su jubilacion como catedratico de Dibujo del Instituto de Soria.

Tipo clasico de bohemio con toda la prestancia brillante de la vida, realizo sus cuidadas versiones del cuadro de costumbres con temas de paisajes , rincones urbanos y practico el retrato de encargo.

Durante su estancia en Soria, pinto mucho y vivio muy bien traduciendo sus paisajes y tipos magnificamente. Cordial y silenciosamente entusiasta, seguia pintando en Castellon y Valencia , donde le sorprendio la muerte en 1944.

Hay obras suyas en numerosas instituciones y colecciones publicas como en el Museo Provincial de Castellon , Museo de Bellas Artes de Valencia , Pinacoteca de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y Pinacoteca de la Diputacion Provincial de Soria, entre otras.


Bibliografia:

Maestros Españoles del Retrato.

Diccionario de Pintores y Escultores Españoles del Siglo XX

Diccionario de Artistas Valencianos

Cien años de pintura en España y Portugal, (1830-1930)

Obra expuesta: Rincon de la Plaza Mayor de Madrid, oleo sobre grueso carton de 55 x 45,5 cms firmado. Magnifica obra de este autor. Coleccion privada.

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TOMAS FABREGAT GARCIA (Cati-Castellon ? - ?)

94. TOMAS FABREGAT GARCIA (Cati-Castellon ? - ?)

Pintor Tomas Fabregat Garcia. Cati, Castellon ) Pintor y grabador , formado en la Escuela de Bellas Artes de Valencia. Durante la guerra civil, frecuento la Alianza de Intelectuales Antifascistas), y en 1937 participo en el pabellon Español de la Exposicion de Paris con distintos... Ver mas
Pintor Tomas Fabregat Garcia. Cati, Castellon ) Pintor y grabador , formado en la Escuela de Bellas Artes de Valencia.

Durante la guerra civil, frecuento la Alianza de Intelectuales Antifascistas), y en 1937 participo en el pabellon Español de la Exposicion de Paris con distintos aguafuertres, como los titulados "Han pasado fascistas", " Hombre y dragon " y " Figuras". junto a artistas de la categoria de Picasso,Miro,Vazquez Diaz, G-Solana, Regoyos, Zubiaurre, Calder.....Su estilo se movia dentro de un radical expresionismo con fuertes connotaciones goyescas.

Tenia sobre su memoria el recuerdo vivo de su experiencia en la cárcel, con todo lo que ello suponía de frustración, humillación y desencanto, acometió el futuro con bastante fe y esperanza, entre otras cosas porque tenía por delante muchos proyectos artísticos que hacer y, sobre todo, una familia que sacar adelante.

Su pasado como frentepopulista y masón no le impidió, en un entorno tan , hostil y cerrado como el de la dictadura franquista, desarrollar su actividad creadora en el ámbito de la pintura de caballete, el dibujo y el grabado, para lo cual contó siempre con el apoyo de sus amigos y de un grupo de seguidores que nunca le defraudaron.

Como creador plástico fue un hábil pintor que despunto por sus retratos, bodegones y paisajes castellonenses a los que imprimió un sello netamente impresionista que resaltaba por su pincelada precisa y su paleta de exultante cromatismo. Pero donde adquirió prestigio fue en sus grabados, de excelente factura y técnica precisa, hoy muy valorados.

En la Escuela de Bellas Artes de San Carlos entro en contacto con el grupo artistas progresistas y de izquierdas que capitaneaba el cartelista Joseph Renau. Concurrió a las exposiciones del Circulo de Bellas Artes de Valencia y a las de la Sala Blava d´Accio d´Art. Mantuvo una estrecha amistad con el músico castellonense Eduardo Ranch, quien sentía una gran admiración por su obra pictórica.

Cuando estallo el Alzamiento Nacional apoyo la causa frentepopulista y frecuento el Taller de Artes Plásticas de la Alianza de intelectuales para la Defensa de la Cultura. Terminada la contienda fue detenido por las autoridades nacionales por su militancia politica y su pertenencia a una logia masónica. Tras una breve estancia en la cárcel Modelo de Valencia, fue enviado al penal de San Miguel de los Reyes donde se incorporo a su Taller de Artes Plásticas.


Bibliografia:

Diccionario de Pintores y Escultores Españoles del siglo XX .- Pagina 1173

Diccionario de Artistas Valencianos del siglo XX,- Pagina 604

La vanguardia artistica valencina de los años 30; arte y compromiso politico en la II Republica.- Pagina 255


Obra expuesta: Oleo sobre tabla;41,5 x 50 cm con marco;37 x 28 cm sin marco.Firmado abajo a la derecha T. Fabregat- Coleccion privada

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SENEN UBIÑA PEÑA ( Santander 1923 - Nueva York 2012)

95. SENEN UBIÑA PEÑA ( Santander 1923 - Nueva York 2012)

http://senenubina.com/

Senen Ubiña nació en Santander, España en 1923. y fallecio a los 89 años por una caida paseando por Nueva York. Su padre, un coronel del ejército español, murió en combate en la Guerra Civil española cuando los muchachos eran muy jóvenes. Senén, su madre y su hermano gemelo se trasladaron a... Ver mas
Senen Ubiña nació en Santander, España en 1923. y fallecio a los 89 años por una caida paseando por Nueva York. Su padre, un coronel del ejército español, murió en combate en la Guerra Civil española cuando los muchachos eran muy jóvenes. Senén, su madre y su hermano gemelo se trasladaron a Barcelona, donde creció en la primera decada de Franco, pasando a Paris de donde era la familia de la madre.

Senen lanzado al mundo de las artes en Europa a finales de 1940 y 1950. Comenzó como un artista comercial haciendo dibujo figurativo.

A primeros de los años 50 fijo su residencia en Nueva York , realizando su primera exposición en esta ciudad en 1955. Con el tiempo, su obra evolucionó hacia la más abstracta e informalista de las formas de una calidad indudable llegando a un constructivismo de planos grandes donde deja correr el color con gran soltura, limpidez y frescura, ganando un gran prestigio y reconocimiento internacional al ganar la Medalla de Oro de la Bienal Internacional de Alejandria (Egipto) en 1984 y ser incluido en eventos artisticos de la Solomon G. Gugenheim de Nueva York, que lo coloca en muchas prestigiosas colecciones de arte, entre ellas:

Centro Nacional de Arte Reina Sofia, Madrid
Solomon R. Guggenheim Museum, New York
Spanish Institute, New York
Museum of Art, Raleigh, North Caroline
Museum of Art – State University of New York, Syracuse, NY
Modern Art Museum of Ft. Worth, Texas
State University of New York at Potsdam
Foundation of Henry R. Luce, New York
Collection of Memorial Sloan-Kettering Cancer Center, New York
American Foundation for the Arts, Florida
Memorial Art Gallery of the University of Rochester, Rochester, New York
Museum of Arts, Science and Industry, Bridgeport, Connecticut CT
Modern of Art Museum , Alejandrie Egypto

Realizo numerosas exposiciones por el mundo, alcanzando sus mayores éxitos y su proyeccion americana en Nueva York en la década de 1960-70 integrado en la Bertha Schaefer Gallery. En España expuso muy poco, Ubiña se estrenó en Madrid en la galería de Juana Mordó, exponiendo también en la galería Biosca (1987) y en la galería Inguanzo. Participo en dos ocasiones en la Bienal Internacional de Venecia.

Seleccion de exposiciones individuales:

Detering Galleries, Houston 1956
Gres Gallery, Washington, DC 1957
Gallery 4, Detroit 1958
Monede Gallery, New York 1960, 1961
Gallery Moos, Toronto 1961
Galeria Biosca, Madrid 1962
Bertha Schaefer Gallery, New York 1964, 1966, 1969
Pittsburgh Plan for Art, Pittsburgh 1965
Museum of Modern Art, Madrid 1972
Galeria Ynguanzo, Madrid 1973, 1977, 1980, 1984
Museum of Arts, Science and Industry, Bridgeport, CT 1978
Galeria Trece, Barcelona 1983
Galeria Biosca, Madrid 1987
Kouros Gallery, New York 1995
Spanish Institute, New York 1997

Seleccion de exposiciones colectivas:

Biennale de Venecia 1962 and 1968
Arte de America y Espana, Madrid, Barcelona and Geneva 1963
Contemporary Arts Museum, Houston, Texas 1966
Hollywood Art Center, Florida, 1967
University of Pittsburgh, 1967
Panorama de la Pintura, Espanola Contempoanea –
National Museum, Warsaw 1973
Museum of Katowice, Poland 1973
Homenaje a Picasso, Madrid 1974
Premio Michetti, Italia 1976
Arco, Madrid 1984
Biennale de Alexandria, Egypt 1986

Alguna bibliografia en España:

Diccionario de pintores y escultores españoles del Siglo XX. por E.V.V. Forum Artis. Tomo XIV paginas 4274/75.-
Diccionario de pintores españoles,segunda mitad del Siglo XX. Epoca Ediciones por Antonio Martinez Cerezo, paginas 577/78.-
"La pintura española actual 1957-1989". Iberico Europea de Ediciones 1973, por Raul Chavarri.-
"Senen Ubiña" por M. Tapié Catalogo exposicion Galeria Ynguanzo.Madrid 1973.-
"Arte geometrico en España 1957-1989" VV.AA. Centro Cultural de la Villa. Madrid 1989.-
Catalogo exposicion Galeria Biosca. Madrid 1987.-


Obra en exposicion: Oleo lienzo 100 x 80. Coleccion privada de Santander.

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JOSE MARIA SABATER SANTAMARIA (  Barcelona 1920- 1956 )

96. JOSE MARIA SABATER SANTAMARIA ( Barcelona 1920- 1956 )

Pintor . Se formo con su padre el maestro pintor valenciano Daniel Sabater Salabert. Muy pronto realizo comenzo a realizar retratos a lapiz y figuras al oleo, pasando a especializarse seguidamente en temas florales. Dotado de una fantasia e imaginacion desbordante, una depurada tecnica , y... Ver mas
Pintor . Se formo con su padre el maestro pintor valenciano Daniel Sabater Salabert. Muy pronto realizo comenzo a realizar retratos a lapiz y figuras al oleo, pasando a especializarse seguidamente en temas florales.

Dotado de una fantasia e imaginacion desbordante, una depurada tecnica , y un singular cromatismo, realizo viajes a Europa y America ampliando conocimientos y ,expuso en Francia, Belgica, Holanda, Suecia, Alemania, Inglaterra y algunos paises americanos como Mexico y Brasil.

Fallecio a los 36 años de edad , en plena realizacion de su obra, cuando llevaba una fulgurante carrera y tras su temprana muerte , se le tributaron homenajes en diversas salas de Barcelona y Valencia, como la Cezanne de Barcelona y en 1980 la Sala Quatre Contons , de Burriana le dedico una muestra retrospectiva.-



Bibliografia:


Diccionario de Pintores y Escultores Españoles del siglo XX Tomo 13 pag 3817

Diccionario Rafols de Pintores Catalanes y Baleares.

Diccionario de Pintores Valencianos..

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JOSE LUIS FLORIT RODERO ( Madrid 1909 - Paris 2000)

97. JOSE LUIS FLORIT RODERO ( Madrid 1909 - Paris 2000)

http://www.monografias.com/trabajos94/pintor-jose-luis-fl...

José Luis Florit Rodero (Madrid, 1909-París, 2000). Dibujante y pintor. Formado en Olot y en Figueras,fue orientado en sus primeros años por Juan Núñez, estudiando más tarde en la Escuela de San Fernando de Madrid, donde con posterioridad realizó un curso de grabado con Esteve Botey... Ver mas
José Luis Florit Rodero (Madrid, 1909-París, 2000). Dibujante y pintor. Formado en Olot y en Figueras,fue orientado en sus primeros años por Juan Núñez, estudiando más tarde en la Escuela de San Fernando de Madrid, donde con posterioridad realizó un curso de grabado con Esteve Botey.

Cofundador del Salon de los Independientes con los pintores Arronte, Juan Jose Cobo Barquera , Servando del Pilar, Isaias Diaz, Pablo Celaya , Ponce de Leon, Diaz Caneja, y Lopez-Obrero, acudió a las Exposiciones de Artistas Independientes de 1929 y a la de 1930 en la que se sumaron a los anteriores Enrique Climent, Francisco Mateos, Navarro Ramón, Ontañón, Santiago Pelegrín, Puyol y Rodríguez Luna . En 1930 expuso en Madrid, juntamente con Remedios Varo.

La siguiente actuación de Jose Luis Florit fue en otra nueva asociación de pintores y escultores, nacida en marzo de 1932 con el nombre de "Artistas en Acción" , al lado de Arronte, Juan José Cobo Barquera , Juan Borrás, Ferrer, Gil y Waldo Insúa entre otros .

En 1933 obtuvo una Tercera Medalla en la Exposición Nacional y en 1935 expuso individualmente en el Museo de Arte Moderno y de Madrid, y participó en la Bienal de Venecia.

En 1936 obtiene una Segunda Medalla en la Nacional y la plaza de profesor de Dibujo, motivo por el que se traslada a Barcelona. Terminada la Guerra Civil, fue nombrado director artístico del "Diario de Barcelona".

Hacia 1952 inicia una etapa de pintura mural que se prolongará hasta 1960, en que comienza una brusca evolución tanto en el concepto como en la ejecución de su obra pictórica. Ha realizado más de veinte exposiciones individuales y numerosas muestras colectivas.

En 1967,José Luis Florit obtuvo la Medalla de bronce de la Bienal de Zaragoza, por el cuadro titulado Paisaje y en 1969 el Premio de la Fundación Estrada Saladich. Está representado en numerosos museos españoles y extranjeros.

Ilustro numerosos libros ,entre ellos: "Llego un caballero" de Frances Parkinson en 1950; "Los novios" de Alejandro Manzoni con portada y 24 ilustraciones en 1955 ; "Oliverio Twist" de Charles Dickens, en 1960 todos ellos en Mejico.


París y Amsterdam han sido dos ciudades amadas intensamente por J. L. Florit. Las conoce profundamente, de manera especial París, ciudad en la que desde hace largos años tiene estudio y en la que reside durante meses anualmente.

JOSE LUIS FLORIT (Gal Art 217 Abril 2002)

Consejo de Arte (Barcelona)

Falleció José Luis Florit en París, hace un par de años.Murió frente al caballete, con el pincel en la mano. Una larga vida, nació en 1909, entregado a la pintura, creando y recreando sus temas favoritos, escenas de carreras de caballos, figuras femeninas, vistas urbanas… Y ello sin olvidar sus recreaciones de una Barcelona impregnada de romanticismo. Creó un estilo,marcó una forma de hacer que le permitió alcanzar el éxito y el reconocimiento internacional. Ahora se le rinde el primero de los homenajes que bien merecido tiene; una cuidada selección de sus obras se expone en la Sala Consejo de Arte. J. Llop S.


Obra : Dia de carrera . Oleo lienzo . 1960 . Coleccion Privada.,

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ANTONIO GUIJARRO (Villarrubia de los Ojos 1923-Madrid 2011)

98. ANTONIO GUIJARRO (Villarrubia de los Ojos 1923-Madrid 2011)

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El 25 de mayo 2011 fallecía en Madrid el pintor Antonio Guijarro. Con estas líneas queremosrendir homenaje a su persona y a su obra. No diremos nada que no se encuentre en las publicaciones que hay sobre él, en los archivos o en la prensa, pero tal vez los que lean estas líneas aprendan algo y... Ver mas
El 25 de mayo 2011 fallecía en Madrid el pintor Antonio Guijarro. Con estas líneas queremosrendir homenaje a su persona y a su obra. No diremos nada que no se encuentre en las publicaciones que hay sobre él, en los archivos o en la prensa, pero tal vez los que lean estas líneas aprendan algo y se interesen por este importante pintor nacido en Villarrubia.
Antonio Guijarro Gutiérrez, nació en Villarrubia de los Ojos un 17 de febrero de 1923.
“La hermana Nicolasa «la tohonera», la comadre oficiosa que le asistió en su nacimiento, dijo con aire sentencioso nada más terminar de anudarle el cordón: «Me paece a mí que este muchacho tendrá suerte en la vida. Trae la cruz de San Benito en la mano derecha y el dedo de la Virgen en el calcañar. Y además ha salido con el pie derecho. Lo cual, que si mis cuentas no marran, cuando sea grande, pa mí que van a hablar de él en los papeles»”1 (José F. Arroyo, Guijarro, Madrid, 1974, p.7) . Y así fue. En Ciudad Real inició estudios de Arte en la Escuela de Artes y Oficios con el profesor Manuel Mendía. En 1942 ingresa en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia y empieza a trabajar en los talleres de las Fallas para poder costearse los estudios. En 1944 se traslada a Madrid y continúa sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, teniendo como profesor de pintura a don Joaquín Valverde y obteniendo en 1948 el título de Profesor de Dibujo, aunque continuará aprendiendo modelado con Enrique Pérez Comendador.
Su primera exposición individual “importante” la realizó en 1951 en la Galería Biosca
de Madrid. Vendió bastantes cuadros y recibió buenas críticas. Según sus palabras “aquello me decidió a ser pintor toda la vida y renuncié a buscarme un empleo que me permitiera subsistir…”2.(José F. Arroyo, op. cit., pp. 22-23) Pero en el diario Lanza del jueves 14 de abril de 1949 podemos encontrar una entrevista a nuestro pintor a raíz de su exposición en el Instituto de Ciudad Real. En esta entrevista habla de la existencia de una escuela manchega de pintura y de su participación en la exposición postista en la librería Buchholz en Madrid, en 1948. Como podemos ver, Antonio Guijarro, apenas terminados sus estudios ya exponía su obra.
También en 1951 fue seleccionado por Eugenio d’Ors para participar en el “Salón de
los Once”. Al año siguiente participó nuevamente en el Salón de los Once y en la Exposición Nacional de Bellas Artes obteniendo la Tercera Medalla. También participó en la XXV Bienal de Venecia y en la I Bienal Hispanoamericana que se celebró en Madrid.
A partir de esa primera exposición (en Madrid) comienza una brillante carrera artística
plagada de exposiciones, premios y viajes. Participa en la Bienal de Venecia (1952 y 1954).
Obtiene el Premio Nacional de Pintura en 1954. Gana el Molino de Oro en la XVI Exposición Manchega de Artes Plásticas de Valdepeñas de 1955 por su cuadro “Cristo muerto”. Expone en Lisboa (1956 y 1959). También viaja mucho. A Nueva York (1953) con la beca “Conde de Cartagena” que concede la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. A Guinea becado por el Instituto de Estudios Africanos (1954). A Italia (1955) para ampliar estudios y visitar museos, además de obtener la Medalla de Oro “Dell’Acienda Autonoma Riviera della Versilia” en el Concurso de Pintura de Viareggio. En 1956 obtiene la medalla de oro de los pintores de África en la VII Exposición en la Círculo de Bellas Artes.
En 1960 expone en la Sala de la Dirección General de Bellas Artes, figurando en el
catálogo de esta exposición un texto del poeta Ángel Crespo. En 1961 vuelve a exponer en Lisboa y en 1962 gana la Pámpana de oro en el II Premio Valdepeñas de carácter nacional dentro de la XXIII Exposición Manchega de Artes Plásticas. El cuadro ganador se tituló “Desnudo” y el premio fue de 50.000 pesetas. En 1963 obtiene la Medalla de Bronce en la V Bienal de Alejandría, Egipto.
En 1964 viaja a Noruega, exponiendo en Oslo. Realiza numerosos trabajos por encargo
que le permiten vivir allí una larga temporada sin abandonar sus investigaciones. A partir de aquí su obra evoluciona hacia un concepto menos figurativo, más expresionista, donde el tema se convierte en pretexto y la gama de color adquiere resonancias nuevas tratando, de ser el principal personaje, descomponiendo las formas.
En 1965 gana por oposición la Cátedra de Pintura de la Facultad de Bellas Artes de la
Universidad Complutense de Madrid. En el diario ABC se da la noticia de la obtención de la cátedra, “tras reñidas oposiciones y por mayoría de votos”, el 21 de septiembre de 1966.
En 1968 y 1969 expone en Estados Unidos: Nueva Orleans, Luisiana y Jackson. Tambié en Noruega. En 1968 vuelve a participar en la Exposición de Valdepeñas obteniendo la
Pámpana de Plata por su obra “Gran bodegón con letras”. En 1972 expone en la Galería Mancha de Ciudad Real. En 1973 es comisionado por la “Pacific Area Travel Association”, en San Francisco y viaja por Extremo Oriente y trabaja en Japón, China, Corea y Hawái.
Entre 1976 y 1978 participa en las ilustraciones de tres libros: La fábula del Genil,
poema de Pedro de Espinosa, que ilustra con once litografías en color, directamente realizadas sobre piedra. Arte de las putas, poema de Nicolás Fernández de Moratín, con diez grabados, punta seca, aguafuerte y aguatinta. También ilustra el cuento de Gabriel Miró, Las águilas, con ocho grabados al aguafuerte, al aguatinta y a la punta seca. Actualmente estas obras son cotizados objetos de colección entre bibliófilos.
En 1981 gana la Primera Medalla en la XLII Exposición de Artes Plásticas de Valdepeñas
por la obra “Pánico a la neumonía”. Y la vuelve a ganar en 1986.
En 1988 deja la Cátedra de Pintura por jubilación. Incluso se dio noticia de ello en el
diario ABC (3/12/1988). En 1989 expone en Nueva York y Lisboa.
En los últimos años, ya sin necesidad de participar en Certámenes y Premios, expone
en Ciudad Real (Galería Arjana, Espacio Caja Madrid, Museo de Alcázar de San Juan), en Madrid (Galería Alfama, Biosca, Espalter, Carlos Bermúdez), en Bilbao (Galería Tavira), en Oviedo (Galería Lancia).
De sus últimas exposiciones aun se pueden encontrar referencias en internet. La
página web de la Galería Carlos Bermúdez mantiene una exposición de Guijarro del 2007. Prueba de su reconocido prestigio es el hecho de que prácticamente todas sus
exposiciones y premios han sido recogidos por la prensa, tanto provincial como nacional.
El 25 de noviembre de 1954, el diario Lanza recoge la noticia del Premio Nacional de
Pintura para Antonio Guijarro, ilustrándolo con una imagen del cuadro ganador con una
representación de la Virgen con el Niño rodeados de Ángeles.
Muchas de las noticias que encontramos en la prensa son artículos monográficos sobre
sus exposiciones y su obra. En el suplemento Blanco y Negro del ABC del 21 de agosto de 1976, aparece un artículo monográfico sobre él con una entrevista. En ella, confiesa Antonio que no aprendió a leer hasta los nueve años. Aporta muchos datos personales y profesionales y cuenta con fotografías del artista en su estudio. En una se ve al fondo el cuadro que apareció en la portada del libro de las Ferias y Fiestas de Villarrubia de los Ojos de 1973. Ese cuadro se titula “Campesina cerca de Kove”.
El 5 de octubre de 1983 en ABC aparece una imagen del retrato del Rey Juan Carlos y el
Príncipe Felipe, que se expondrá en el Club Siglo XXI. En el ABC del domingo 24 de junio de 1984 hay un artículo titulado “El rey visto por los pintores” y aparece destacado el retrato pintado por Guijarro. Para pintar este cuadro le dieron total libertad, incluso para el tamaño y aunque pidió audiencia al Rey para poder estudiarlo detenidamente, tuvo que pintarlo sin poder entrevistarse con el Rey.
En algunas entrevistas se le pregunta por el hecho de que parece estar enfadado con
su tierra. Ante esto responde: “yo amo a mi tierra; me gusta mucho el suelo y el cielo, pero no el entresuelo. Y no me gusta porque me ha llevado al desencanto, al desamor y a la huida”. En la inauguración de una exposición en la Galería Arjana de Ciudad Real, el historiador Manuel Espadas Burgos, además de descubrir muchas de las calidades que como pintor y como persona tenía Guijarro, descubría alguna espina, ya que “nuestra tierra es olvidadiza con los suyos que, sin embargo le dan brillo por otras latitudes”. Nosotros conocemos algunos detalles que nos pueden descubrir que pudo tener motivos.
En las actas del Pleno del Ayuntamiento de Villarrubia de los Ojos, en la sesión del 3 de
septiembre de 1947 encontramos la solicitud que hacía Antonio Guijarro Gutiérrez, vecino de Carabanchel Bajo, en la que suplicaba le fuera concedida una beca para continuar sus estudios de Pintura y Dibujo en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Presentaba certificado de 16 asignaturas aprobadas, pero la corporación acordó por unanimidad desestimar la petición, porque la situación económica del municipio no permitía esos gastos. A modo de curiosidad, podemos añadir que en el siguiente punto del acta, se habla de que el ayuntamiento tenía establecidas dos becas para seminaristas pobres hijos de la localidad y se
atiende la petición de un vecino de la localidad que está estudiando en el Seminario.
En el Pleno celebrado el día 29 de octubre de 1981 se estudió la propuesta del Concejal
Delegado de Cultura, Ramón Crespo López, sobre la creación de un museo de pintura. El concejal presentaba un informe en el que hablaba de las conversaciones mantenidas con Antonio Guijarro y en las que este había manifestado su deseo de donar al Ayuntamiento y al pueblo una importante colección de cuadros suyos con la condición de que el Ayuntamiento promoviese la creación de un museo con garantías suficientes de dignidad en su acondicionamiento y mantenimiento. Ante esta propuesta la corporación aprobó por unanimidad el inicio de conversaciones oficiales con el pintor para ver las condiciones que proponía para la donación de las obras y estudiar la posibilidad de que se cumplan por parte del Ayuntamiento.
Se dio traslado de este acuerdo al propio artista en enero de 1982 y se recibió
contestación por parte del mismo con fecha de 19 de enero de 1982, agradeciendo el interés mostrado y ofreciendo su colaboración, para lo cual queda en ponerse en contacto personal con el alcalde, Ricardo San Pastor Ortiz. Y aquí se acaba la documentación al respecto.
Por otra parte, aunque actualmente hay una calle con su nombre en Villarrubia, en el
polígono industrial “Santa Ana”, anteriormente ya tuvo otra calle con su nombre. En los
padrones de habitantes de 1960 y 1965 encontramos la calle Antonio Guijarro, actual calle Ciudad Real. Lamentablemente no hemos encontrado documentación relativa al momento en el que se decide poner su nombre a la calle y el momento en el que se le quita.
En 1996 el Ayuntamiento de su ciudad natal instauró un certamen nacional de pintura
con su nombre, que ha llegado este año 2011 a su XV edición, ya que en el año 2009 no se organizó debido a problemas económicos que han hecho que en las dos últimas ediciones la cuantía de los premios haya disminuido. A pesar de que en los tiempos que corren es de agradecer el hecho de que se mantenga el certamen, Antonio Guijarro pensaba que el premio que se otorgaba era insuficiente, lo que influía e influye en la proyección nacional de los participantes.
Otro de los motivos por los que seguramente se sintió molesto fue por los robos
sufridos en “La Blanquilla”. Antonio Guijarro compro el caserío “La Blanquilla” (actual
restaurante y alojamiento rural), lo restauró y lo convirtió en su estudio. Allí precisamente fue donde se refugio para pintar el cuadro del Rey y el Príncipe.
Para finalizar nos consta que en los últimos tiempos estaba dispuesto a hacer alguna
donación de obras al ayuntamiento, pero su repentina muerte y algo de pasividad hicieron que esto tampoco pudiera realizarse.
Con estas líneas tan solo hemos pretendido traer a la memoria de todos la figura de
este importante pintor, reconocido internacionalmente, que obtuvo los mejores premios y que tal vez en su pueblo natal, Villarrubia de los Ojos, al que siguió acudiendo hasta poco antes de su muerte, no sea el lugar en el que mejor se le conoce.
SU IDEARIO
- No se triunfa sin mérito y no se permanece olvidado con él.
- No me interesó nunca el hermetismo de fórmulas de las academias. Traté de apartarme del servilismo de las escuelas, donde atrofian su ingenio los artistas imitando lo clásico y me aparté para trabajar a mi modo.
Yo creo que no hay género, sino calidades; hay pintores buenos o malos, simplemente. Al artista hay que pedirle clase y personalidad.
- No hago pintura objetiva, sino subjetiva, y, sobre todo, que sea expresiva y que tenga color. Color, sí; el color es el principal personaje de mi obra.- ¿Cuál es el estilo en que podría clasificarse mi obra, el expresionista, el surrealista, el…? ¡Qué
importa! Para mí el arte es magia. Trabajo construyendo no sólo formas, sino sensaciones.Entiendo siempre que el color es el principal personaje.
Fdo: Víctor Manuel Luna Muñoz

PREMIOS

1952.- Tercera Medalla en la Nacional de Bellas Artes de Madrid.
1953.- Beca Conde de Cartagena. Medalla de Oro en la XV Exposición Nacional de Valdepeñas.
1954.- Premio Nacional de Pintura. Medalla de Honor de Pintores de África. Segunda Medalla en la Nacional de Bellas Artes.
1955.- Medalla de Oro Riviera della Versilia en la Internacional de Viareggio (Italia).
1957.- Primera Medalla en la Nacional de Bellas Artes de Barcelona.
1958.- Beca de la Fundación Juan March.
1963.- II Bienal de Pintura de Zaragoza.
1968.- Medalla de Bronce en la V Bienal de Alejandría.
1970.- Pámpana de Oro en la Nacional de Valdepeñas.
1973.- Primer Premio de Grabado de la Direccion General de BB. AA.,
1982.- Primer Premio de la Exposicion Nacional de Valdepeñas.

MUSEOS

Centro de Arte Reina Sofía, de Madrid
Real Academia de Bellas Artes de San Fernando
Museo de Pintores de África de Madrid
Museo de Arte Moderno de Bilbao
Museo Nacional Contemporáneo del Grabado de Madrid
Museo de Arte Moderno de Valdepeñas
Museo de Arte Moderno de Ciudad Real
Museo de Arte Moderno de El Cairo, Egipto
Museo de Arte Moderno de Lisboa, Portugal
Museo de Arte Moderno de Venecia, Italia
Museo Camón Aznar de Zaragoza,
Museo Quiñónez de León (Vigo),
Museo de Dibujo del Castillo de Larrés (Huesca),
Museo Lladro, Nueva York USA
Museo del Paisaje , Priego Cordoba
Tonsberg, Kunsforening, de Noruega,
International Graphic Society de Nueva York, USA
Irosuke Batanuki, Cove, Japón
Collector Gallery de Miami USA
Club Siglo XXI ,Madrid
Fundación Juan March,
Fundacion Estrada Saladich, Barcelona
Teatro Real de la Opera, Madrid
Banca Popular de Padua, Italia
Ministerio de Obras Publicas, Madrid

Obra: Palomas .Óleo sobre lienzo Firmado. Medidas: 46 x 61 cm. Coleccion privada.

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EDUARDO SANZ FRAILE ( Santander 1928 - Madrid 2013 )

99. EDUARDO SANZ FRAILE ( Santander 1928 - Madrid 2013 )

http://www.mercartonline.com/Eduardo-Sanz-Fraile

Eduardo Sanz realiza sus primeros estudios de pintura con José Cataluña, ingresando en 1953 en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid. Al año siguiente debuta en una exposición colectiva celebrada en la sala Sur de Santander, y dos años más tarde realizará su primera muestra... Ver mas
Eduardo Sanz realiza sus primeros estudios de pintura con José Cataluña, ingresando en 1953 en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid.

Al año siguiente debuta en una exposición colectiva celebrada en la sala Sur de Santander, y dos años más tarde realizará su primera muestra individual en la galería Delta de la misma ciudad.

Entre 1958 y 1962 su obra pasa por una fase abstracta, informalista, lenguaje que sin embargo abandonaría rápidamente. A continuación experimentará con la figuración expresionista, y pasará por una breve etapa postcubista. En ese momento se dedica al estudio de las técnicas del grabado, y desde entonces comenzará a trabajar con espejos, creando lo que él denomina “Participaciones”: cuadros de vidrio espejo rotos, a los que incorpora elementos diversos. Estos darían paso seguidamente a las series “Ventanas” y “Vías o carreteras”. Eduardo Sanz mostrará estas obras en la Sala del Prado del Ateneo de Madrid, así como en la XXXIII Bienal de Venecia.

Entre 1962 y 1969 sus obras se caracterizan por la superposición de planos y el sentido tridimensional, desarrollando a la vez series de múltiples.

En 1970 realiza las “Capillas-relicarios”, y al año siguiente participa en la II Exposición Arte Actual de Santillana del Mar. Cristales y espejos.

Entre 1972 y 1974 trabaja los temas de alfombras, vitolas y esculturas (“formas cristalográficas”), exponiendo los resultados en la muestra antológica que le dedicó en 1973 el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid.

Su siguiente etapa se inicia en 1975, caracterizándose su producción de este momento por las “Cartas de amar”, realizadas con signos y señales marítimas. Mostró estas obras en la galería Kreisler 2 de Madrid en 1976. De 1978 a 1980 se produce un paréntesis en su producción, durante el cual el artista se dedica a fabricar barcos a escala y a la pintura de pequeño formato con temas diversos.

En 1979, sin embargo, se había iniciado un nuevo cambio en su obra, cuando se embarca en la aventura de pintar y catalogar todos los faros de la costa española. Desde entonces hasta hoy, su fusión con el mar y los temas marinos ha sido total, surgiendo de ella sus celebradas series “Faros” y “Hora solar”. Considerado el mejor por muchos marinista del siglo XX.

Obras suyas pueden encontrarse en Museos y Colecciones Publicas (Seleccion) -

Museo Abierto Ciudad de Fuengirola, Malaga -
Museo Albertina, Viena - Austria -
Museo Español de Arte Abstracto, Cuenca -
Museo de Arte Contemporaneo A.C.A, Santa Cruz de Tenerife -
Museo de Arte Contemporaneo de Asuncion, Paraguay -
Museo de Arte Contemporaneo de Elche, Alicante -
Museo de Arte Contemporaneo de Lanzarote -
Museo de Arte Contemporaneo de Managua, Nicaragua -
Museo de Arte Contemporaneo de Ostende, Belgica -
Museo de Arte Contemporaneo de Sevilla -
Museo de Arte Contemporaneo de Toledo -
Museo de Arte Contemporaneo de Villafames, Castellon -
Museo de Arte Moderno, Barcelona -
Museo Maritimo de Cantabria, Santander -
Museo Municipal de Bellas Artes. Santander -
Museo Municipal "Casa de la Asegurada", Alicante -
Museo Nacional de Arte Reina Sofia, Madrid -
Museo Palacio de Elsedo, Pamanes, Santander -
Museo San Eloy, Salamanca -
Museo de la Stampa, Milan, Italia -
Centro de Escultura de Candas, Museo Anton, Asturias -
A.C.A. Santa Cruz de Tenerife, Canarias -
Asamblea Regional de Cantabria, Santander -
Banco Atlantico, Madrid -
Banco Bilbao, Bilbao -
Banco Bancaya, Madrid -
Banco Herrero, Madrid -
Banco de España, Madrid -
Caja de Ahorros de Salamanca -
Caja de Ahorros de Burgos -
Caja de Ahorros de la Inmaculada, Zaragoza -
Biblioteca Nacional (Obra grafica), Madrid -
Coleccion CGIL, Roma - Italia -
Coleccion Artes del Siglo XX, Alicante -
Coleccion H. Santos Diez, Palacio de Elsedo, Cantabria -
Coleccion Norte, Diputacion Regional de Cantabria -
Coleccio Testimoni, La Caixa, Barcelona -
Comunidad Autonoma de Madrid
Chase Manhattan Bank, Nueva York - USA -
Fundacion Santillana, Santillana del Mar (Cantabria) -
Fundacion Selgas, Cudillero (Asturias) -
Fundacion CAMPSA
Grupo Banco Hispano Americano -
Ministerio de Obras Publicas. Madrid -
Gobierno de Cantabria. Santander
Pinacoteca Ayuntamiento de Santoña. (Cantabria)


Obra: Cristal, espejo, metal y pintura 1970. medidas 25 x 25 x 10 cm. firmado en cristal. Colección privada.

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ALBERT RAFOLS CASAMADA (  Barcelona 1923 - 2009 )

100. ALBERT RAFOLS CASAMADA ( Barcelona 1923 - 2009 )

http://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=rafols-c...

Pintor y artista grafico español, casado con la pintora Maria Girona i Benet. Su obra se caracteriza por una elegancia compositiva de estructuras ortogonales a la que se une una emotiva y luminosa sensibilidad cromatica. Despues de mostrar una interesante relacion, en los sesenta y setenta... Ver mas
Pintor y artista grafico español, casado con la pintora Maria Girona i Benet.

Su obra se caracteriza por una elegancia compositiva de estructuras ortogonales a la que se une una emotiva y luminosa sensibilidad cromatica. Despues de mostrar una interesante relacion, en los sesenta y setenta, con movimientos como el neodada y el nuevo realismo, su obra se ha centrado en valores pura e intensamente pictoricos: campos de color en expresiva armonia sobre los que resaltan lineas a carboncillo, que los relacionan en un armonico trazo gestual. Al mismo tiempo, su interes por la pedagogia del arte, le llevo a fundar, en 1967, la Escola Eina.

Estudio arquitectura y pintura en Barcelona, y recibio un fuerte impulso creativo en Paris, donde, en los años cincuenta, conocio la pintura figurativa poscubista. El conocimiento de la obra de Picasso, Matisse, Braque, Miro etcetera, influyo profundamente en el joven pintor, al igual que su acercamiento teorico al expresionismo abstracto americano. Cuando en 1955 regreso finalmente a Barcelona, emprendio su propio camino artistico, que, bien es sabido, le ha conducido a la creacion de una vasta obra que le ha aportado el reconocimiento internacional.



Reconocido como uno de los pintores más importantes de España, aportó una de las obras más coherentes, más líricas y más personales dentro de la abstracción colorista, que bebe sus fuentes de Matisse, de Miró y de Rothko.

Ràfols-Casamada era miembro del Patronato de la Fundación Pilar y Joan Miró de Barcelona (1980) y Oficial de la Orden de las Artes y las Letras de Francia (1991).Cruz de Sant Jordi (1983) y Medalla de Oro del Ayuntamiento de Barcelona (2008) .

Tenía varios premios entre ellos:

Premio de Grabado Rosa Vera (1951)

Premio Nacional de Artes Plásticas (1980)

Premio Caceres de Pintura (1981)

Premio de las Artes de la CEOE. Madrid .

La obra de Albert Rafols Casamada se encuentra en los MUSEOS y COLECCIONES publicas mas importantes de los cinco continentes, esta es una pequeña lista de algunos de ellos:

- Fundacion Joan Miro

- Caixa de Pensions, Barcelona

- Centro de Arte Reina Sofia

- Circulo de Bellas Artes, Madrid

- Fundacion Juan March, Madrid

- Ministerio Asuntos Exteriores, Madrid

- Palacio del Senado, Madrid

- Biblioteca Nacional, Madrid

- Guggenheim Museum, Nueva York

- Museum of Modern Art, Nueva York

- Universidad de New Mexico

- Universidad de Harvard

- Menil Collection, Houston

- Museum of Modern Art, Los Ãngeles

- Chase Manhattan Bank

- Carnegie Institute, Pittsburg

- Museo Picasso, Francia

- Fundacion Vincent Van Gogh, Arles

- Bibliotheque Nationale, Paris

- Centre Georges Pompidou, Paris

- Fonds National d'Art Contemporain, Paris

- British Museum, Londres

- Tate Gallery, Londres.


Obra: Técnica mixta sobre papel-cartulina. Firmado y fechado 07. Coleccion privada.

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FRANCISCO ITURRINO GONZALEZ (Santander 1864-Cagnes sur Mer1924)

101. FRANCISCO ITURRINO GONZALEZ (Santander 1864-Cagnes sur Mer1924)

http://www.artespain.com/02-09-2009/pintura/biografia-de-...

TURRINO GONZALEZ , Francisco Santander 1864 Cagnes sur Mer, Francia 1924 Se traslada a los ocho años con su familia el año 1872 a Bilbao donde cursa estudios en el colegio de los Agustinos que alterna con la práctica del dibujo. En 1883 viaja a Bélgica con una beca de la empresa Echevarría y... Ver mas
TURRINO GONZALEZ , Francisco Santander 1864 Cagnes sur Mer, Francia 1924 Se traslada a los ocho años con su familia el año 1872 a Bilbao donde cursa estudios en el colegio de los Agustinos que alterna con la práctica del dibujo.
En 1883 viaja a Bélgica con una beca de la empresa Echevarría y allí conoce a Regoyos.
Años más tarde se instala en Lieja y conoce a los vanguardistas belgas. Contrae matrimonio en1894 con la flamenca Marie Delwit y un año más tarde se traslada a París y asiste al taller de Gustave Moreau y allí conoce a Matisse.
Descubre en París a Delacroix y se orienta hacia Cézanne con deliberado abandono de los negros que sustituye, paulatinamente, por los verdes y amarillos adquiriendo en éste momento la pintura de Iturrino mayor pastosidad y riqueza en la aplicación de los colores. Acometía grandes lienzos de mujeres del campo andaluz, caballistas, garrochistas pintados con extraordinario vigor y originalidad (Según comentario de su amigo Vázquez Díaz , es la primera vez que veo una pintura tan ingenua y a la vez tan fuerte y luminosa).
Sobre el año 1900 conoce a Picasso y en Junio de 1901 exponen juntos en la parisina Galería Vollard presentados por Gustave Coquiot: Iturrino lleva treinta y seis obras y el malagueño sesenta y cuatro y una carpeta de dibujos.
En 1902 participa en la Libre Esthetique y en el Salón Nacional des Beaux Arts y el 15 de abril expone en la Galería Berthe Weil, junto a Picasso, Zuloaga, Losada y Nonell. El diez de junio presenta su obra en la Galería Vollart y acaba pasando una temporada en Sevilla, instalado en una vivienda frente a la catedral ; después en la finca de Mihura y, mientras, con estudio junto al de Zuloaga, en la calle Socorro. Iturrino impone en su obra la fuerza de la ingenuidad que lo aparta del falso pintorequismo frente al casticismo de Zuloaga; en Iturrino se halla la complacencia del color y el hallazgo de armonías cromáticas y todo ello subrayado con genial espontaneidad siempre dentro de su factura ruda y atropellada, mejorando el dibujo y dulcificando el color. El 28 de junio regresa a París, viviendo intensamente la bohemia parisina de Montmartre. Transcurre el año 1904 y traba amistad con el crítico de arte Francisco Alcántara. Sus desnudos colectivos adquieren dinamismo, cual masas de movimiento, que resuelve subrayando la fuerza del modelo plástico, sencillo, pero ejemplar en la distribución de las figuras que presentan un efecto escultórico logrado a base de insistir en la densidad cromática como forma de resaltar la figura. Se traslada a España, y descansa en Motrico y pasa a Villavieja, Ledesma, Córdoba y Sevilla acompañado del insigne Matisse, del cual es curioso observar dos bodegones de ésta época fechados en 1911 ( ambos en el Ermitage de Leningrado), presentan evidentes analogías con otra naturaleza muerta de Iturrino, hoy en la colección particular en España.
Acaba el año 1914 en Bilbao y en 1915 exhibe su obra con notable éxito en el Salón de la Asociación de Artistas Vascos celebrada en Bilbao. Seguidamente expone en las Galerías Layetanas de Barcelona y repite por tercera vez en 1918. El 11 de abril de 1924, inaugura una exposición de aguafuertes en la Galería Giroux de Bruselas, la cual será el preludio del fin, puesto que fallece el 21 de junio del mismo año.
Cabe destacar, el dominio que tuvo Iturrino para el dibujo y la técnica del aguafuerte que capítulo aparte merecen especial atención. Su primer grabado conocido puede cifrarse en torno al fin de siglo y comienza con un ensayo del mundo del can-can, pasando seguidamente a los temas goyescos, toros, toreros, bailes y ferias. Por lo que respecta a la localización de éstos grabados, aparte de los seis custodiados en el Museo de Bellas Artes de Córdoba, pueden hallarse otras muestras, en la Biblioteca Nacional, Museo de Bellas Artes de Bilbao, Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, Colección del Banco Bilbao Vizcaya y colecciones particulares. - See more at: http://www.euroartsubastas.es/item.php?menu=28&page=4&item=1029#sthash.gGcpLWcF.dpuf

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MANUEL LOPEZ-VILLASEÑOR (  Ciudad Real 1924 - Torrelodones 1996)

102. MANUEL LOPEZ-VILLASEÑOR ( Ciudad Real 1924 - Torrelodones 1996)

http://es.wikipedia.org/wiki/Manuel_L%C3%B3pez-Villase%C3...

Su infancia no fue fácil debido a una parálisis que le postró en la cama sin poder disfrutar de los juegos infantiles de la época. En su soledad, poco a poco, el dibujo fue convirtiéndose en su vida, lo que le llevó a conseguir en el año 1935 a los 11 años el primer premio extraordinario de la... Ver mas
Su infancia no fue fácil debido a una parálisis que le postró en la cama sin poder disfrutar de los juegos infantiles de la época. En su soledad, poco a poco, el dibujo fue convirtiéndose en su vida, lo que le llevó a conseguir en el año 1935 a los 11 años el primer premio extraordinario de la Asociación de la Prensa, en la Exposición de "Arte Infantil Manchego".

Acabada la Guerra Civil realiza los estudios de Bachiller; fue alumno de los profesores Manuel Mendía y Jerónimo Luna en Dibujo Artístico y de Jerónimo López-Salazar Martínez en Modelado y Vaciado en la Escuela de Artes de Ciudad Real, y, pensionado por la Diputación de esta provincia, se traslada a Madrid en 1942, iniciando sus estudios en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. En esta época comenzó a recibir numerosos premios, como el primero de la Esposición de Valdepeñas en 1945 y los de Molina Higuera y el Carmen del Río de la Real Academia de Bellas Artes.

Seis años más tarde expone, por vez primera, en Ciudad Real y en la Sala "Macarrón", de Madrid; toma parte en los Concursos Nacionales de Pintura. En 1949 gana por oposición, la Pensión de Roma (hecho que le marcará profundamente), se traslada a Italia y toma su primer contacto con la pintura de los fresquistas del trecento italiano, esopecialmente Masaccio, en lo que atañe a los volúmenes limpios, y Piero de la Francesca en la proyección de la luz; también descubre las pinturas murales de Pompeya. En 1950 concurre a la Bienal de Venecia, a la "Mostra delle Accademie", en Roma, y a la Selectiva de artistas españoles en la Sala "Feria", de Roma y Nápoles. En 1951 es premiado en la I Bienal Hispano-Americana de Arte, y figura en la selección de ésta en Barcelona. Viaja por Inglaterra, Francia, Bélgica y Holanda. Por su cuadro "El Cuerpo del Mártir" obtiene Primera Medalla de Oro en la Exposición Nacional de Bellas Artes en 1952, y, en el mismo año, el primer premio de la Exposición Internacional de Agrigento (Italia). Expone en Messina (Italia) con un grupo internacional de artistas seleccionados por el E. N. I. T., y al año siguiente regresa a España, estableciendo su residencia en Madrid, desde donde viaja a otros puntos para pintar. En general, en las décadas de los cincuenta y los sesenta recibe el influjo de Vázquez Díaz, viaja mucho y se interesa por las Vanguardias.
Conejo Desollado.

En 1954 obtiene premio del Ministerio de Información y Turismo, en Sevilla, el "Molino de Oro" en la Exposición Regional de Valdepeñas, por el mural "Homenaje a Iberia" y expone en Zaragoza y Bilbao, pinta el mural de la Basílica de Atocha, en Madrid, e inicia las pinturas murales de la Diputación de Zaragoza, en que representa la historia de Aragón. En el año siguiente termina estos murales, obtiene el I Premio "Ibarra"; expone en los Salones de la Dirección General de Bellas Artes en Madrid, decora el trasatlántico "Cabo de San Roque" y es premiado en el Salón de Otoño, de Sevilla, por el cuadro "Multiplicación de los panes y los peces".

En 1956 recibe el premio Valdés Leal y es nombrado académico correspondiente de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y en 1958, obtiene el premio "Fundación Rodríguez Acosta" y en Zaragoza la primera medalla de Arte Sacro con la obra "La duda de Santo Tomás". Entre los dos últimos años citados expone en la IV Bienal Internacional de Tokio; en el Pabellón Español de la Bienal de Venecia, y en la Exposición circulante "Ibarra"; realiza otra exposición de los murales para el trasatlántico "Cabo de Hornos", en la Sociedad de Amigos del Arte de Madrid, y participa en la Exposición de Artistas Manchegos, celebrada en el Museo de Arte Moderno; en la Exposición Antológica de Pintura Española del Fomento de las Artes, y en la "Biennale Internazionale del Bianco e Nero", de Lugano (Suiza).

En 1959 fue nombrado catedrático de Pintura Mural y Procedmientos Pictóricos en la Facultad de Bellas Artes de Madrid, cargo en el que estuvo hasta su jubilación. En 1965 recibe el Gran Premio de la V Bienal del Mediterráneo en Alejandría (Egipto) y en 1985 el Premio Pablo Iglesias, entre otros. En 1971 fue nombrado hijo predilecto de Ciudad Real y desde 1982 fue miembro del Instituto de Estudios Manchegos, dependiente del CSIC.

A partir del año 90 desarrolla gran actividad con las Antológicas en Castilla-La Mancha, Madrid, Sevilla y Barcelona, habiéndose escrito varios libros y monografías sobre su vida y obras.
El Corredor.

Los tres herederos del pintor ciudadrealeño Manuel López-Villaseñor, donaron al Ayuntamiento de Ciudad Real un total de 162 obras, trabajos que se incorporaron al museo que lleva el nombre del artista en la capital de la provincia. Estas obras, estaban cedidas en depósito y fueron entregadas por la familia cuando se acabaron las obras de la segunda parte de la pinacoteca, a principios de 2001. Con esta aportación se logra que Ciudad Real albergue la mayor parte de la obra de López Villaseñor, con cerca de 400 de las más de 700 que realizó a lo largo de su vida. Asimismo, han pasado a ser propiedad municipal diversos enseres y objetos del pintor, como algunos trípodes y caballetes, para lo que se adaptará una nueva sala en el museo en la que también se podrá contemplar la obra póstuma inacabada del autor ciudadrealeño.1
Obra

La obra de caballete de López-Villaseñor osciló entre el surrealismo y el postcubismo de pocos planos, y se compone casi enteramente de interiores y retratos. A medida que fueron pasando los años fue abandonando esta estética para centrarse en una pintura próxima al realismo mágico, con figuras cotidianas extraídas de un entorno familiar, cercano y entrañable: ancianos de manos entrelazadas, pero no elude tampoco lo tétrico y sombrío (por ejemplo, en "¿Y qué?", donde muestra un cuerpo muerto sobre una mesa en una sala de autopsias; se sirve de una impecable técnica y gusta de los colores secos y terrosos, grises y ásperos. Le caracteriza la crueldad y cierto tono tétrico en el tratamiento de los motivos; su estética conjuga un Surrealismo de cuidada composición con una pincelada realista y el Expresionismo en los temas. Se han hecho justamente famosos sus cuadros sobre el metro y los hospitales, donde la luz juega un gran papel simbólico, así como sus implacables retratos, donde sobrenada a veces la ternura por encima de una crueldad cercana al tremendismo y la denuncia social.

Internet:

http://www.turismocastillalamancha.com/arte-cultura/museos/ciudad-real/museo-lopez-villasenor/

http://elpais.com/diario/1992/11/02/cultura/720658811_850215.html

http://pintura.aut.org/BU04?Autnum=14.511

Bibliografia:
Diccionario de Pintores y Escultores Españoles del Siglo XX. Forun Artis
Cien años de Escuela de Artes Ciudad Real, 1911-2011


Obra: Del Museo Lopez Villaseñor

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LUIS HUIDOBRO LAPALANA ( Madrid 1870 - 1936 )

103. LUIS HUIDOBRO LAPALANA ( Madrid 1870 - 1936 )

http://www.museodelprado.es/enciclopedia/enciclopedia-on-...

Luis Huidobro Laplana , fue pintor y escultor. De formacion autodidacta, se especializo en escenas costumbristas de su ciudad natal y de la vida cotidiana con sus figuras de chulas y paisajes rurales y urbanos, aunque cultivo tambien el retrato con notable acierto. Concurrio a las... Ver mas
Luis Huidobro Laplana , fue pintor y escultor. De formacion autodidacta, se especializo en escenas costumbristas de su ciudad natal y de la vida cotidiana con sus figuras de chulas y paisajes rurales y urbanos, aunque cultivo tambien el retrato con notable acierto.

Concurrio a las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes de 1987 a 1932. Obtuvo Mencion de Honor en 1904 y 1906; Tercera Medalla en 1910 con el cuadro titulado "Muchacha madrileña"; Segunda Medalla en 1912 con el cuadro titulado "Mi madrina" y Condecoracion en 1920.

Acudio a la Exposicion Hispano-Francesa de Zaragoza , siendo galardonado.

En 1913 participo en la Exposicion Nacional de Bella Artes en la seccion Artes Decorativas logrando una Tercera Medalla.

Expuso Individualmente en Madrid, en el Salon del Ateneo, en el Patio del Ministerio de estado y en el Circulo de Bellas Artes,en 1933 siendo esta su ultima exposicion.

Fue asesinado por milicianos del Frente Popular en Julio de 1936 a los 66 años de edad..

http://www.alertadigital.com/2012/01/20/intelectuales-asesinados-en-la-zona-roja/

Sus obras se encuentra en varios Museos como el Municipal de Madrid y tambien posee una obra el Museo del Prado titulada "Mi madrina" oleo lienzo de 196 x 116 cm , actualmente depositado en el Museo de Bellas Artes de Huelva.

Bibliografia.

Huidobro , por S.Lago. La Esfera, marzo de 1925.

Historia y critica de las Esposiciones Nacionales de Bellas Artes, por Bernardino. de Pantorba .

Diccionario de Pintores y Escultores Españoles del Siglo XX Tomo 7 pagina 2051.


Obra expuesta: Calle de pueblo. Oleo sobre carton, 37,5 x 27,5 cm. Certificada por su hija Custodia Huidobro en 1972.

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MANUEL SALCES GUTIERREZ ( Suano 1861 -  Madrid 1932 )

104. MANUEL SALCES GUTIERREZ ( Suano 1861 - Madrid 1932 )

http://www.museodelprado.es/enciclopedia/enciclopedia-on-...

Suano es un pueblo de la Hermandad de Campoo de Suso situado a 929 metros sobre el nivel del mar. A los pies de: Monte Mezuz, donde existen restos de edificaciones que pudieron ser templo o lugar sagrado dedicado a algún dios desconocido, que dieron nombre al pueblo -Sub Famun- debajo del templo... Ver mas
Suano es un pueblo de la Hermandad de Campoo de Suso situado a 929 metros sobre el nivel del mar. A los pies de: Monte Mezuz, donde existen restos de edificaciones que pudieron ser templo o lugar sagrado dedicado a algún dios desconocido, que dieron nombre al pueblo -Sub Famun- debajo del templo o lugar sagrado, según nos dice D. José Calderón en su libro "Lenguaje popular de la Merindad de Campoo". En la ladera del Monte Rozadío se encuentra la Cueva de los Hornucos, más conocida como la Cueva de Suano, cerca y a la derecha de la antigua vía romana que lleva al Portillo de Somahoz y que une Cantabria con Castilla, cuya calzada tiene tramos perfectamente visibles y bastante bien conservados en la actualidad.
Por este pueblo que le componen tres barrios -Rana, Coo y Huyo- (hoy Barrio del Pintor) pasa el río Izarilla.
Aquí nació el pintor Manuel Salces Gutiérrez el día 25 de abril de 1861, hijo de Francisco Salces, de Izara y de Manuela Gutiérrez, de Villacantid. Sus abuelos paternos eran de Izara y los maternos de Matamorosa e Izara. Como podemos comprobar, de ascendencia netamente campurriana.
En la iglesia de los Santos justo y Pastor a los dos días de su nacimiento recibió las aguas bautismales, sobre la magnífica pila románica que posee esta iglesia, se le dio por nombre Manuel y por abogado a San Marcos.
Tuvo dos hermanos, Norberto José y Emilia. Sus padres eran labradores.
El niño Manuel asiste a la pobre escuela de su pueblo, atendida por los maestros temporeros que se ajustaban cada año y que normalmente cobraban en especie.
Las clases las recibían en invierno y parte de la primavera, pues cuando llegaban las faenas del campo todos los brazos, incluidos los de los niños, eran necesarios para ayudar en las faenas y en la casa.
Manuel, al igual que sus padres, fue labrador, pero aprendió los oficios de carpintero y cantero. Carpinteros en los pueblos de Campoo eran casi todos los labradores, pues las economías eran bajas y cada cual debía de hacer las labores necesarias de su casa.
A nuestro joven se le daban bien estos oficios, pues tenía gran maña y destreza para ello; el pueblo de Suano siempre ha tenido fama de ser cuna de buenos canteros, y no es de extrañar que pronto aprendiese este oficio, que además servía para aumentar los ingresos de la familia.
Muy pronto manejó con maestría el cincel y la gubia, y en el colgadizo de su casa hacía trabajos en madera, se arreglaban los aperos de labranza, muebles para el hogar, carros para las labores de la hierba e incluso sus propias albardas que adorna con grecas y filigranas hechas a navaja con sumo gusto, fue además muy solidario con sus vecinos.
Al llegar a los veinte años, en 1881, fue -como se decía antes- "a servir al rey" y se incorpora al servicio militar en Burgos, siendo destinado al arma de Artillería, que luego serviría en el mismo Burgos, en Alcalá de Henares y en Sevilla.
En el año 1884, se licencia del Ejército, vuelve a Suano y sigue con sus trabajos de labranza, de cantería y de carpintería.
Conoce en esta época en Reinosa a una guapa joven, Celedonia González Díez, hija también de labradores y de la que se enamora profundamente y el 13 de Febrero de 1886 contrae matrimonio en la Iglesia Parroquial de San Sebastián.
Traslada su residencia a esta Villa y mora en la Calle de Topete n° 3 (hoy San Mateo), al lado de la casa que fue de D. Ángel
de los Ríos e igualmente vecino de D. Luis Bonafoux, célebre escritor y periodista, que fue gran admirador de su obra pictórica.
Sigue dedicándose a la agricultura y en los periodos que lo permitían las labores del campo incrementa sus ingresos con trabajos de su oficio de cantero.
El 31 de agosto de 1889, nace su primera hija, Julia Ramona.
Por aquella época a D. Demetrio Duque y Merino, profesor del Colegio de San Sebastián, le enseñan un dibujo copiado de un libro por Salces, quedando gratamente impresionado de la intuición artística del labrador y le recomienda encauzar sus aptitudes con las enseñanzas pertinentes.
Cuando las nieblas bajan El año 1891 el Ayuntamiento de Reinosa patrocina unas clases nocturnas de dibujo lineal, a las cuales asiste nuestro hombre, cuando ya cuenta con treinta años de edad, debiendo superar con sacrificio su asistencia a las mismas después de las duras tareas de su trabajo.
Con su tenacidad e intuición muy pronto van saliendo de sus manos los dibujos precisos y exactos que causaron la admiración de sus profesores, que le recomiendan trasladarse a Santander.
Hace el viaje a la capital para presentarse al arquitecto D. Alfredo de la Escalera, Director de la Escuela de Artes y Oficios, pero Salces, hombre tímido e introvertido, se vuelve de la misma puerta de la casa del Sr. Escalera. Pero nuevamente baja a Santander y se entrevista con D. Alfredo, quien después de ver sus trabajos le recomienda la asistencia a las clases de dibujo, pero al conocer su circunstancia personal y saber que está casado, le proporciona un trabajo como cantero en la construcción del Cuartel de María Cristina en el Paseo del Alta y cuyas obras dirigía.
Salces no lo duda y se traslada en 1892 con su mujer y su hija a Santander, estableciendo su domicilio en la Cuesta de Lope de Vega.
Simultanea sus trabajos de cantero con la asistencia a las clases de dibujo; no pierde el tiempo, progresa constantemente y dan resultado sus esfuerzos, mejora y perfecciona su técnica.
El día 16 de julio de 1893 nace en Reinosa su segunda hija, María del Carmen, que luego también sería pintora y profesora de dibujo.
Una vez terminadas las obras del Cuartel de María Cristina en 1894, regresa a Reinosa, y su mecenas D. Alfredo de la Escalera le regala su primera caja de pinturas y varios pinceles.
Salces está decidido a ser pintor, abandona sus actividades anteriores y se dedica a la pintura con la comprensión y el apoyo de su esposa.
EL 24 de abril de 1895 nace su único hijo, Federico Marcos, que fue un buen pintor y diseñador de vidrieras artísticas.
La naturaleza y los paisajes de la tierra campurriana son su principal fuente de inspiración.
En un principio produce cuadros apaisados de pequeño tamaño que tienen gran aceptación, trabaja con constancia y maneja el pincel con seguridad y soltura, como antes manejó el cincel y la gubia.
En 1896 ya mantiene relaciones comerciales con D. Carlos Mateu, que tiene una Galería de Arte para la venta de cuadros artísticos en Santander y en Madrid, le vende algunos cuadros y este señor le recomienda que escoja tablas mejores, pues así lo piden los compradores de sus cuadros. Le anuncia en su carta que le envía cincuenta pesetas por la venta de un cuadro.
En marzo de 1897, D. Alfredo de la Escalera escribe a su amigo D. Elías Martín, de la Escuela de Pintura, Escultura y Grabado recomendándole a Salces. Este señor contesta a D. Alfredo y le dice que ha visto los paisajes de Salces y que "tiene estudios hechos con una frescura y un carácter de verdad que no deja duda de que allí hay un pintor, pero cree que le falta una buena dirección".
Amigos y admiradores de su obra le animan a presentarse a la Exposición Nacional de Bellas Artes y accediendo a esta petición se presenta a la convocatoria y el 25 de Mayo de 1897 se inaugura la Exposición en el Palacio de la Artes de industrias de Madrid, a la cual presenta un paisaje próximo a Izara, y obtiene una mención honorífica.
D. Fidel Díez de los Ríos, pintor y amigo de Salces, le entrega una carta para su primo D. Juan José Díez Vicario que reside en Madrid, al objeto de ver si consigue que en algún periódico de la Capital, se hable del cuadro que presenta a la Exposición, pues esto siempre es conveniente.
Presenta ala de Bellas Artes que se celebra el 8 de mayo de 1899 el cuadro "Paisaje de Fontibre" y vuelve a obtener "Mención honorífica".
A la Nacional de 1901 presentó 7 obras: "Un paso del bosque", "En mi aldea", "Orillas del Ebro", "Estudio de nieve en Reinosa", "Paisaje de Reinosa" y dos estudios más. Obteniendo por el conjunto de la obra presentada consideración para Tercera Medalla. La infanta Isabel, gran admiradora de su obra, adquirió alguno de los presentados.
No agradaron a Salces los logros obtenidos en la Exposiciones, pero hay que tener en cuenta que en el Siglo XIX en las Exposiciones Nacionales de Pintura, se consideraba al paisaje de menos importancia que la pintura de figura, y por esta sin razón no se concedían primeras medallas al paisaje, trato totalmente injusto corregido años más tarde en que ya fue considerado como cualquier otro género.
Esto mismo le ocurrió a Casimiro Sainz. Y al hilo de Casimiro hemos de asegurar que Salces no recibió ninguna enseñanza del de Matamorosa, como algunos han insinuado, pues cuando Salces empezó a pintar ya Casimiro estaba recluido en el Sanatorio del Doctor Ezquerdo en Carabanchel; únicamente compartieron los mismos paisajes, aunque quizá contemplase y estudiase alguno de sus cuadros.
Casimiro y Salces siguen trayectorias distintas, mientras Casimiro estudia en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, Salces es autodidacta, sin más formación que su intuición y su constancia en el trabajo, proyectando a sus obras sencillez, sosiego, emoción y encanto.
El 3 de agosto de 1905 se inaugura la Gran Exposición de Artes e Industrias de Santander, en la cual participan alguno de los consagrados como Riancho, López de Hoyos, Duomarco, Cueto, etc. En ella presenta Salces 22 cuadros, obteniendo la Medalla de Oro de la Exposición con el cuadro "Los Pinares". Le dedica la prensa toda clase de elogios a su pintura y transcribimos algo de los que dice "El Cantábrico": "Salces reclama indiscutiblemente el primer lugar de la Exposición. Sus paisajes, no todos del mismo mérito, son lo más digno de ser admirado. Este pintor es un admirable colorista que siente la naturaleza, que sabe extraer la poesía de la montaña, sus nieblas y sus luces, sus rincones sombríos y sus cimas brumadas, la melancolía de los pinares, solemnes y silenciosos como templos a la luz del sol poniente. Es un temperamento vigoroso y franco y no le falta en sus cuadros la finura del pincel que sabe acariciar los detalles...".
Panorámica de Izara De los años 1907 a 1911, pasa Salces los inviernos en Valladolid con su familia, según comenta D. Santiago Corral (el mejor conocedor de la obra del pintor) a quien proporcionó esta información su hija Carmen. No hay duda de que las luces y los cielos castellanos influyeron en Salces haciendo su pintura más luminosa. Pero pasa los veranos en Reinosa y Suano.
Ya en 1912 y consciente de que Madrid es, aparte de la capital de la nación, donde se encuentran los movimientos artísticos, decide trasladarse y fijar su residencia en Madrid, pero sigue volviendo a la tierra campurriana todos los veranos, pues sabe que aquí encuentra los paisajes húmedos y frescos que tanto influyen en su pintura.
En el salón Iturrioz de Madrid se celebraban las exposiciones más prestigiosas de pintura, tanto por los pintores que concurren a las mismas, como por la categoría del local, y allí expone en 1914 Salces una buena colección de obras.
Alcanza un notable éxito de ventas, crítica y público. Adquiriendo la Infanta Isabel algunos de sus cuadros, pues como hemos dicho antes, es una gran admiradora de la obra del pintor, según informa en la crónica aparecida en "El liberal" de Madrid. A partir de estas fechas Salces se decide por los cuadros de mayor tamaño, normalmente apaisados donde destacan los del Valle de Campoo con la suavidad de las praderas, la frescura de sus ríos, los cielos y las nieblas que descienden arrastrándose por la sierra.
Por esta época hace exposiciones en Valladolid y Barcelona y la celebrada en esta ciudad constituye un sensacional éxito pues obtiene doce mil pesetas de las ventas efectuadas, cantidad muy respetable en aquellos años.
A pesar de no haber quedado muy convencido del método usado en las Exposiciones Nacionales para otorgar los premios vuelve a concurrir en 1915 a la exposición que se celebra en el Palacio del Retiro, presentando obra en la misma, pero no obtiene ninguna mención ni premio.
En el año 1916 fallece en Madrid su esposa Celedonia, la mujer que había sido el gran apoyo del pintor de una manera admirable; este hecho sume a Salces en una profunda tristeza, y no acude como todos los años a su veraneo campurriano.
A partir de ese momento sus hijos le sirven de gran consuelo y le atienden con todo cariño y solicitud tratando de hacerle más llevadera su gran pena.
El Ateneo de Santander organizó con el patrocinio del Ayuntamiento de la capital la Gran Exposición Regional del Arte Montañés en los salones del Alcázar, desde el 25 de agosto al 15 de septiembre de 1918, y en la cual participan gran cantidad de artistas montañeses. A esta exposición presentó Salces 30 cuadros, entre los que destacaba su afamada "Turbonada"; inauguró la misma Su Majestad el Rey Alfonso XIII, al que llamaron la atención los paisajes de Salces, y por ello le felicitó personalmente estrechándole la mano. En esta muestra presentó su hijo Federico un magnífico retrato de su padre, que tan conocido es y que reproducimos en este artículo. Nuevo éxito de ventas, crítica y público.
Acude nuevamente en 1922 a la Exposición Nacional de Bellas Artes, que se inaugura en el palacio del Retiro el día 19 de mayo, donde presenta dos cuadros.
Al llegar a este punto, hemos de aclarar que algunos de sus biógrafos al referirse a su participación en las Exposiciones Nacionales afirman que sólo concurrió a las de 1897, 1899 y 1901; pero hemos podido comprobar que también asistió a las de 1915 y 1922, como se ha referido anteriormente, aseveración ésta comprobada en el magnífico tratado de D. José López Jiménez (Bernardino de Pantorba) en su "Historia y Crítica de las Exposiciones Nacionales", en la página 477.
Otro tanto ocurre con las Exposición Internacional de Bellas Artes, organizada por el Círculo de Bellas Artes de Madrid y el Ateneo de Santander, patrocinada por el Ayuntamiento de la capital montañesa bajo la asesoría de D. Marcelino Santamaría, por parte del Círculo y de D. Manuel Fernández Carpio, por el Ateneo Santanderino. A esta exposición no presentó obra Salces, comprobado en el catálogo de la mencionada muestra.
Seguramente se ha confundido esta exposición con la Regional de Arte Montañés celebrada por las mismas fechas, el año anterior (1918), en la que sí participó, como se ha dicho antes. No hemos podido averiguar los motivos por los cuales no concurrió Salces a la mejor Exposición de la historia de las celebradas en Santander (1919), cuando se encontraba en la plenitud de su arte y donde participó la élite de los pintores españoles.
Retrato de Manuel Salces, pintado por su hijo Federico Los veranos de 1927 y 1928 los pasa prácticamente en Pesquera, donde pinta cuadros de este pueblo y una buena colección de las Peñas de la Hoces de Bárcena y del río Besaya.
Hemos tenido en la mano y por la atención de su sobrino-nieto, D. José Luis Salces, a quien agradezco su información, las cartas que escribe a sus hijos y a su sobrino José, de las cuales se deduce que se encuentra en Pesquera reponiéndose de sus dolencias de reuma, pues dice que se le hinchan los pies y le duelen las manos; y en las mismas pide a sus hijas que cuando vayan a visitarle le lleven azul ultramar y lapiceros.
En la fría tarde del primer día de diciembre de 1932, y rodeado de sus hijos falleció, cuando contaba con 71 años de edad.
Su época más esplendorosa como pintor hemos de situarla entre 1912 y 1932.
La pintura de Salces hemos de clasificarla de tendente al impresionismo, dominando el paisaje en toda su extensión, siendo los árboles, las nubes y las nieblas lo que refleja en sus obras con excepcional maestría.
Como cuadro más importante y considerado como su obra maestra destacamos "Turbonada", que se encuentra en el Museo del Prado (Casón del Buen Retiro); este cuadro le describe así Jorge Larco: "Bajo la luz gris dorada que envuelve todo el amplio panorama, la naturaleza tiembla y vibra con arpegios musicales. Las vegetaciones compiten en movilidad y lirismo con los blancos nubarrones desflecados."
Salces tiene un mérito sobre la mayor parte de los pintores, y es que todo se lo debe a sí mismo. Pintó más para su íntima satisfacción que para los premios y aplausos. Pero no podemos terminar este trabajo sin reseñar aunque sea brevemente las Exposiciones que después de su muerto y hasta el momento actual se han celebrado en homenaje al pintor o en que han participado alguno de sus cuadros; así como los juicios y opiniones sobre su obra de periodistas, académicos, críticos de arte y profesionales especializados en pintura.-

Ref: Manuel Salces.Notas biograficas por Teodoro Pastor Martínez .

JUICIOS SOBRE LA OBRA DEL PINTOR SALCES

"Salces es un gran pintor, un paisajista, que siente en su espíritu de artista la honda poesía del campo y principalmente de nuestros campos montañeses, y dentro de ellos los de Campoo, el valle de los altos picachos, con mantos de nieblas, sin formas grises, que a veces se vuelven negras o son blanquecinas, semitransparentes y como infladas por un rayo misterioso de luz dorada; el valle de Suso, el de los claros hontanares que se despeñan en blancas cascadas y forman riachuelos que riegan los robles, Salces recuerda a Casimiro Sainz, como ya he dicho en una revista hablando del primero, y agregaba sinceramente que creía que si no hubiera vivido Sainz acaso Salces no sería pintor, Salces recuerda a Sainz. Casimiro Sainz fue un genio y Salces es un gran pintor. He ahí la diferencia a mi entender, que creo honrado consignar con agradecimiento seguramente de Salces, que tanto admira la labor de Sainz".
D. Santiago Arenal Martínez
Abogado y periodista


"La pintura de Manuel Salces, de gran realismo al principio como la de Casimiro Sainz, pasó después a ser netamente impresionista. Salces fue un pintor de extraordinaria sensibilidad, como se puede observar en sus cuadros, que pintó todos los temas dentro del paisaje, aunque el suyo preferido era el de trasladar al lienzo los amplios valles de Campoo, con grandes horizontes, cielo de tormentas y las nieblas descendiendo lentamente sobre los valle dormidos.
La época mas interesante de Salces es la que arranca en 1912 y finaliza en 1932 con su muerte".
D. Santiago Corral Pérez
Ingeniero de Caminos, abogado y autor de artículos sobre los paisajistas montañeses. Coleccionista de arte


"Salces da el salto prodigioso de artesano a artista sin ayudas ajenas de maestros y protectores que acusa el esfuerzo de su personalidad solitaria, sin más apoyo que el del entusiasmo y la intuición. Su gran maestro fue la Naturaleza.
Cuando Salces llega a Madrid se vio libre de todos los efectos del mimetismo y de los vaivenes de la moda ...
... la interpretación de Naturaleza es como él la pinta y no como aparece en su ser real. De ahí la frase célebre de que la naturaleza imita al arte. El paisajismo de Salces es la eternidad de un instante que no volverá a repetirse nunca. De una niebla que se disipó, de una nieve que se fundió, de un rayo de sol que penetró durante unos segundos por las hojas de un árbol, ó iluminó la cumbre de una montaña, de una nubes que se disolvieron en lluvia o en tempestad, o puramente en viaje; de unas aguas que se fueron a morir al mar... Y ve este conjunto de emociones y visiones que constituyen un paisaje, la continuidad apasionada de un hombre que intenta convertir lo efímero y cambiante de una obra para siempre."
D. Francisco de Cossío y Martínez Fortúm
Periodista y académico de la R. A. de BellasArtes de San Fernando

Dia de niebla en el valle de Campoo
"... Manuel Salces incorporó a la nueva pintura del mundo la de los paisajes de Campoo. En cuanto a la actitud de Salces ante la pintura de su tiempo, esa pintura que con el romanticismo y el primoroso oficio se calificó de académica, puso de manifiesto cómo a Salces le bastó su poderosa intuición para pintar una obra de maestría igual a la que en el periodo de evolución artística del último siglo pintaron los impresionistas franceses Cort, Manet y Delacroix, evolución que fomentó en España escuelas regionales tan importantes como la catalana con Maifrén,Galwey, Mir y Raurich, la vasca bilbaína con Regoyos, la valenciana con Sorollá y la andaluza con Gonzalo Bilbao.
La intuición y el impresionismo de Salces, se justifica como obra de las corrientes de cultura que desde lejanos tiempos se vienen repitiendo a lo largo de los caminos jacobeos de la noticia peninsular, aduciendo el testimonio de cómo fue interpretado con el carácter más autóctono por el artista de estas regiones cuanto de románico y de gótico prevaleció un día en el mundo europeo.
La obra de Salces por su maestría, se puede igualar con la de los maestros Jiménez Aranda, Francico Domingo, Pinazo, Lizcano y tantos otros de los que dentro de la concepción más española reflejaron en su lienzos cuanto de nuevo tenía pintura del mundo de aquella hora.
El impresionismo de Salces es un aspecto genuinamente español a partir del impresionismo más egregio de toda la pintura del mundo y que tiene una singular variedad en todas las escuelas pictóricas regionales."
D. Cecilio Barberán
Escritor y crítico de arte


"De formación autodidacta. Su carácter modesto y retraído no le permitió encumbrarse a la fama ni conocer sus laureles, a excepción de algún comentario favorable de la crítica de Santander y Madrid y escasos premios y menciones. Ha alcanzado más valoración de muerto que en vida.
Salces pintó del natural el paisaje de Campoo, con un estilo realista tendente al impresionismo, suelto, brillante y pleno de colorido. Su pintura no es tan descriptiva y detallada como la de Casimiro Sainz, de quien se puede percibir alguna influencia indirecta y lejana. Es más algodonosa, buscando los efectos de la incidencia de la luz y el color sobre los volúmenes, cuya composición en la estructura de la obra no está pensada y trabajada como en aquél, quizá más académico. Son muy conocidos y apreciados sus paisajes de niebla, grisáceos y plomizos, en los que se ve el caer de aquélla sobre los montes de Campoo".
D. Fernando Zamanillo Peral
Ldo. en Filosofía Letras.
Ex-director del Museo Municipal de Bellas Artes de Santander


"Manuel Salces presenta un general compacto catálogo de obra, si bien, en los últimos años de su trayectoria se advierte una clara adaptación a gustos más modernos y atrevidos, una mayor libertad gestual técnica, una generosa aplicación de pigmentos y el uso de colores que tienen claras referencias impresionistas. Pintor intuitivo y de facultades innatas, es conocido en su tierra por sus pequeños y habituales paisajes campurrianos, que repite con sentido productivo. Junto a excelentes logros como es "Turbonada" del Museo del Prado y otros posee una buena cantidad de obras modestas, que en modo alguno ensombrece su interés regional. Queda no obstante empañado por la gran cantidad de obras extrañas que se le suelen atribuir, cuando son trabajos no auténticos.
En todo caso, se erige en pintor de sensibilidad narrativa y descriptiva del paisaje cántabro".
D. Salvador Carretero Rebes
Director del Museo Municipal de Bellas Artes de Santander


Obra: Paisaje. Oleo sobre lienzo pegado a carton. 24 x 29 sin marco . Firmado M. Salces. Colección privada

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JOSE COLL BARDOLET ( Campdevanol 1912 - Valldemosa 2007 )

105. JOSE COLL BARDOLET ( Campdevanol 1912 - Valldemosa 2007 )

http://es.wikipedia.org/wiki/Josep_Coll_i_Bardolet

Pintor ,dibujante e ilustrador. Importante paisajista de Mallorca. Estudió en la Escuela Municipal de Dibujo y expuso por primera vez en Vic en 1931. En 1934 ingreso en la Escuela de Paisaje de Olot, siendo discipulo de Creixams y Joan Colom. En 1936 Marcho a Francia donde amplio... Ver mas
Pintor ,dibujante e ilustrador. Importante paisajista de Mallorca. Estudió en la Escuela Municipal de Dibujo y expuso por primera vez en Vic en 1931.

En 1934 ingreso en la Escuela de Paisaje de Olot, siendo discipulo de Creixams y Joan Colom.

En 1936 Marcho a Francia donde amplio estudios, exponiendo en Tours en 1937.

En 1938 y 39 reside en Bélgica durante ese tiempo obtiene el titulo de profesor de pintura y dibujo en la Academia de Bellas Artes de Bruselas.

En 1940 regresa a España estudiando grabado en Madrid en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.

En 1942 Se intala en Mallorca fijando si residencia en Valldemosa, realizando desde entonces numerosas exposiciones tanto en Baleares como en Barcelona, Reus, Palma Mallorca, Gerona, Bruselas, Oslo, Ginebra, Zurich, Boston, etc.

Asi mismo concurrió a varias Exposiciones Nacionales de Bellas Artes y certámenes internacionales.

Cultivó la acuarela el college y principalmente el óleo. Su temática ,dentro de neoimpresionismo costumbrista fue el paisaje, las labores agricolas, las danzas mallorquinas, asi como las naturalezas muertas y la ilustración.

Es Academico de la de Bellas Artes de Mallorca.

Nombrado por el Gobierno frances Caballero de las Artes y las Letras de Francia (1972). Coll Bardolet fue coofundador de la Obra Cultural Balear y

En 1987 fue nombrado Hijo Adoptivo de Valldemosa en agradecimiento a la labor que realizo en pro de la cultura, el arte ... por Mallorca y Valldemosa.

En 1988. Se inagura la Pinacoteca Coll Bardolet en su pueblo natal.

En 1990. En Sant Ferriol, se le rinde un homenaje por su aportacion a la cultura mallorquina.

En 1990. La Generalidad de Cataluña le concedio la Cruz de San Jorge. Por su aportación al arte y la cultura.

En 1991. El Gobierno Balear le concede la Medalla de Oro en reconocimiento a sus méritos en los campos de la pintura y la música.

2007 Cuando murió hizo donación de la mayor parte de su obra al Santuario de Lluc, en Mallorca y otra parte la legó a la Fundación Cultural Coll Bardolet de Valldemosa.

El Ayuntamiento de Valdemossa puso su nombre a una calle denominada -Carrer del pintor Josep Coll Bardolet- y constituyo una "Fundación Cultural Coll Bardole t" , C / Blanquerna 4. Valldemosa .Esta fundación tiene como objetivos preservar, exhibir y difundir la obra pictórica de Josep Coll Bardolet, hijo adptivo e ilustre de Valldemossa


Rodriguez Aguilera dijo de él "Trajo a Mallorca la apertura de su cultura europea".-




Bibliografia:

Diccionario de Pintores y Escultores Españoles del Siglo XX. pag 796
Arteguía, [1991], p.44 (José Coll Bardolet, [doc.1991]).
Boston, Doll y Richards [exh.], 1962 (J. Coll Bardolet-, doc.1947-1951).
Catálogo nacional Contemporáneo, 1990, v.1, p.303 (Josep Coll i Bardolet, [doc.1990]).
Diccionario Ràfols Contemporáneo, v.1, 1985 (n.1912-op.p.1940).
Giralt-Miracle, 1978, p.324 (J.Coll-Bardolet, n.1912).
Biblioteca del Congreso (también como Josep Coll Bardolet, o José (o J.) Coll Bardolet).
Centro Reina Sofía, 1991 [hay fechas dadas].Madrid.
Quién es quién en España, 1992 (José Coll Bardolet, n.1912-[doc.1992]).


Obra expuesta: Paisaje. Oleo tablex . 32 por 39 cm. Firmado. Colección privada.

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AGUSTIN RIANCHO GOMEZ-MORA (Entrambasmestas 1841–Alceda  1929)

106. AGUSTIN RIANCHO GOMEZ-MORA (Entrambasmestas 1841–Alceda 1929)

http://books.google.es/books?id=Rgcmz4gAO6EC&pg=PA261&lpg...

Agustín Riancho y Gómez de la Mora nace en Entrambasmestas el 16 de noviembre de 1841. Según escribe Antonio Martínez Cerezo en la "Gran Enciclopedia de Cantabria", ya «desde niño dibuja con carbones, a falta de lápices, y muele minerales y vegetales para conseguirse pigmentos con los que pintar... Ver mas
Agustín Riancho y Gómez de la Mora nace en Entrambasmestas el 16 de noviembre de 1841. Según escribe Antonio Martínez Cerezo en la "Gran Enciclopedia de Cantabria", ya «desde niño dibuja con carbones, a falta de lápices, y muele minerales y vegetales para conseguirse pigmentos con los que pintar». A los catorce años dibuja "A nidos" (hoy "Pastores"), mostrando ya una gran madurez.

Monumento en Entrambasmestas José María Martínez, fundador del "Boletín de Comercio", se convierte pronto en su promotor. Primero, le ayuda a trasladarse a Santander y, ya aquí, pone en marcha una suscripción popular con la que reunir fondos para que Riancho pueda ir a Madrid, a la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Tiene diecisiete años cuando ingresa en ésta, permaneciendo en ella entre 1858 y 1860. Aquí, sus progresos son rápidos, recibiendo influencia de su profesor Carlos de Haes (de quien el año pasado vimos en Cantabria una importante exposición), con quien congenia muy bien. Es Carlos de Haes quien recomienda a sus promotores santanderinos, que pretendían enviarlo a París, que continúe estudios en Amberes, con Lamorinière.

Desde 1862 hasta 1883 permanece en Bélgica, donde participa en 1873 en el Salón de Amberes y en 1874 en la Exposición Internacional de Bellas Artes de Namur. A su vuelta, precipitada por un indeseado proyecto matrimonial (el marchante que distribuía sus cuadros en Bélgica e Inglaterra quería casarle con su hija), tras un breve paso por Santander, se instala durante cinco años en Valladolid, para establecerse en 1888 en su pueblo de Entrambasmestas. Aquí pinta lo "suyo". Como dice Martínez Cerezo, «poco a poco, el pintor que ha conocido en Bélgica y Francia el impresionismo, va a ir reinventándolo a su modo desde el principio, como si no existiera y hubiera él de sacarlo a la luz. Alejado de la vida de relación, sin más escapadas a la capital que las imprescindibles, Riancho pinta en la paz del monte, donde se convierte en verdadero "apostol del árbol". Paisaje montañoso Pasa horas y horas, mañanas y tardes, días y días, tratando de captar las variaciones de un mismo paisaje, según estación y hora. El pintor, olvidado de maestros, está encontrándose a sí mismo». El dinero no le preocupa y malvende sus cuadros en Santander o los rifa en las ferias.

Desde 1923 comienza a pintar con más libertad. «Más que la representación del paisaje, lo que ahora le importa a Riancho es expresar en imágenes la impresión que el paisaje provoca en su ser de pintor naturalista». El pintor entra así en su etapa más propia y original.

Participa en exposiciones colectivas, como la Exposición de Artistas Montañeses de 1888, las del Ateneo santanderino de 1914, 1915 y 1916 y en la de 1918, inaugurada por Alfonso XIII, además de en la Exposición Nacional que el Círculo de Bellas Artes organizó en Santander en 1919. En 1922 y 1923 expone individualmente en el Ateneo.

Riancho, este gran pintor montañés, muere con 88 años en Ontaneda, en casa de su sobrina, sin haber recibido más homenaje que el que le dedicaron en Santillana del Mar en 1928, con una exposición individual y un banquete presidido por el Conde de Güell, con asistencia, entre otros, de la archiduquesa Margarita de Austria. El gran reconocimiento a sus méritos se produce tiempo después, destacando en este sentido la exposición antológica que se celebró en el Museo Español de Arte Contemporáneo, en febrero de 1973.

Martínez Cerezo distingue tres grandes etapas en su obra pictórica:

la prebelga (hasta 1861)
la belga (de 1862 a 1883)
la postbelga (desde 1883 hasta su muerte en 1929).

"Árbol y casona" 1900 Destaca cómo «el dibujo, a lápiz o carbón, es riguroso, pormenorizado y amanerado al principio, bituminoso, achinado y líquido al final», mientras su trazo pictórico «es corto, primoroso y detallista en los cuadros de primera época, y enérgico, vivaz y directo a medida que se acerca al final».

Paisaje de Cabuérniga Otros autores señalan otra etapa, coincidente con su estancia en Valladolid, más luminosa. Pero todos coinciden en que es la obra realizada en Entrambasmestas la que destaca sobre manera, primero con esa fase de paisajes reales y, luego, con la otra plena de libertad. Lafuente Ferrari apunta «la desenfadada técnica con que expresa sus masas de árboles añosos con amplia pincelada pastosa, y vuelca su impresión de color en los verdes, en los luces y en los cielos, con una espontaneidad salvaje y asombrosa», mientras Gaya Nuño dice que los paisajes de esta época «sorprenden por la infinita libertad de pincelada, actuando por ráfagas luminosas que rebasan el impresionismo, sobre el que Agustín Riancho había saltado sin quemarse, hacia más radicales conceptos«.

Ref: http://www.laredcantabra.com/fines/riancho.html


De origen campesino, comenzó a formarse como dibujante en Santander (Cantabria). A los diecisiete años, gracias a una suscripción popular, acude a estudiar a la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), siendo alumno del paisajista Carlos de Haes.

Por indicación de éste, continúa estudios en Amberes ( Bélgica), con Jean-Pierre-François Lamorinière (1862 - 1867). Después reside en Bruselas (1867-1883), época en la que entra en contacto con la Escuela de Barbizon, de la que recibe una gran influencia. Participa en el Salón de Amberes (1873) y en la Exposición Internacional de Bellas Artes de Namur (1874).

Volvió a España. Pasó cinco años en Valladolid, pintando en Tierra de Campos. En 1901 se instaló definitivamente en Entrambasmestas, donde se dedicó a pintar el paisaje montañés. En un primer momento, lo pinta de una manera realista. A partir de 1923 su estilo evoluciona hacia formas más personales, reflejando no tanto el paisaje como la impresión que éste provoca en el pintor.

Aunque vive aislado en su pueblo natal, participa en varias exposiciones, tanto colectivas como individuales, estas últimas, en 1922 y 1923. Recibió un homenaje en Santillana del Mar en 1928.

Fallece en 1929, en la casa de su sobrina en Alceda. Este pintor da su nombre al Colegio Público de Alceda, en Corvera de Toranzo.
Obra

Es uno de los más destacados pintores españoles de un paisaje tratado de forma realista. Su paleta es “densa”, con una amplia pincelada pastosa. En su obra cuenta mucho todavía “esos tonos oscuros en las sombras que distinguen a casi todos los pintores antes del impresionismo” (Ramírez Domínguez).

La mejor parte de su obra la realiza a su vuelta a España, desde 1883 hasta su muerte en 1929. Se nota la influencia de Corot y Courbet. Realiza obras de equilibrado naturalismo, como La Cagigona (1905), que se considera el mejor trabajo de su época post-belga más paisajista, o Árbol florido.

A partir de 1923, en sus últimos años de vida, abandona progresivamente el realismo, usando técnicas impresionistas, llegando incluso en algunos paisajes a acercarse al expresionismo.

El Museo de Bellas Artes de Santander conserva una amplia colección de obras suyas, pertenecientes a las distintas etapas de su producción.

Otras obras que pueden citarse son: Bañándose en el río, de su época en Amberes, y otros óleos pintados a su vuelta de Bélgica: Paisaje nevado, La primavera, Río en otoño, Torrentera y árboles.

Ref: http://es.wikipedia.org/wiki/Agust%C3%ADn_Riancho

Obra: La Cagigona. Oleo sobre lienzo. Museo de Arte Moderno y Contemporaneo de Santander y Cantabria. MAS

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JUAN ESCODA COROMINAS (Mora de Ebro 1920 - Barcelona 2012)

107. JUAN ESCODA COROMINAS (Mora de Ebro 1920 - Barcelona 2012)

http://books.google.es/books/about/Juan_Escoda_Corominas_...

Juan Escoda nacio en Mora de Ebro en la provincia de Tarragona; Se inició en la pintura con Pedro Borrell y Ricardo Tárrega. Fue director de la galería Grifé & Escoda de Barcelona, Expuso su obra en el Ateneo de Madrid, haciéndolo posteriormente en Nueva York y, más tarde, en Berlín, M... Ver mas
Juan Escoda nacio en Mora de Ebro en la provincia de Tarragona; Se inició en la pintura con Pedro Borrell y Ricardo Tárrega.

Fue director de la galería Grifé & Escoda de Barcelona,

Expuso su obra en el Ateneo de Madrid, haciéndolo posteriormente en Nueva York y, más tarde, en Berlín, Múnich, Constanza, Londres y París, entre otras ciudades europeas.

Fue reiteradamente galardonado, entre otros premios Escoda ha sido distinguido con:

Premio Ciudad de Béziers (Francia).

Medalla del Bicentenario de los Estados Unidos de América.

Medalla de Oro de la Academia de Italia.


Cultivó el paisaje, el retrato y especialmente los temas marinos de barcos.

Bibliografia:

Juan Escoda Corominas. Pintor de la España Intrahistorica. Rafael Manzano y Carlos Areán. 1993

Diccionario de Pintores y Escultores Españoles del Siglo XX.

Diccionario Rafols. de Pintores Catalanes.



Obra expuesta:

Barcos en puerto. Oleo sobre lienzo. 50x70 cm y 72x92 cms. con marco.Firmado abajo a la derecha Escoda. Circa 1988. Colección privada

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RAMON CALDERON ( Santander 1932 -  2004 )

108. RAMON CALDERON ( Santander 1932 - 2004 )

https://www.google.es/#q=ramon+calderon+lopez++pintor

Ramón Calderón López de Arroyabe; Pintor, escultor, ilustrador, decorador fotografo, escritor y musico, artista completo. (Santander, 1932–2004). Pasó su infancia en un ambiente artístico. Comenzó a realizar sus primeros trabajos en el estudio de trabajo de su hermano mayor Fernando. Junto... Ver mas
Ramón Calderón López de Arroyabe; Pintor, escultor, ilustrador, decorador fotografo, escritor y musico, artista completo. (Santander, 1932–2004). Pasó su infancia en un ambiente artístico. Comenzó a realizar sus primeros trabajos en el estudio de trabajo de su hermano mayor Fernando.

Junto al pintor Ángel Medina y en el entorno de la revista Proel tomó contacto con artistas y promotores del arte cántabro como los pintores Pancho Cossío, Manuel Raba, el galerista Manuel Arce, y el poeta José Hierro, , etc.

En 1951 residió en Italia, dedicándose a dibujar ilustraciones y restaurar antigüedades.

Después de retornar a España, estudió música y organizó uno de los primeros grupos de jazz tradicional del país junto a su otro hermano, el compositor Juan Carlos. Por aquellas fechas decoró con motivos no figurativos la Residencia de la Universidad Internacional del Palacio Real de la Magdalena, de Santander.

En 1953 viajó a París y Londres, ciudades en las que conoció una nueva estética y colorido, trabajando como ilustrador de, entre otras, la revista London Mistery Magazine.

Nuevamente en España, creó el emblema del Festival Internacional de Santander.

Renovador de la vida cultural santanderina, fundó en 1960 el 'Drink Club', que fue el local de moda durante varios años y punto de encuentro con los grupos musicales foráneos, sobre todo del jazz europeo.

Sus trabajos fueron expuestos en numerosas exhibiciones individuales; la primera de ellas tuvo lugar en la sala Vázquez de Palencia en 1958 y la última en la galería Silió de Santander en 2004. En su periplo expositivo cabe reseñar más de cuarenta comparecencias individuales de pintura y escultura, entre ellas: las galerías Sur (1962 a 1964, 1966 a 1970), Rúa (1974, 1975) y Simancas (1977) de Santander; la galería Pecanins de México D.F. (1967); la galería Desbriere de París (1969); la Diputación Provincial de Málaga (1973); las galerías Fortuny (1970) y Skira (1973, 1977) de Madrid; el Museo Municipal de Bellas Artes de Santander (1979, 1984, 1991); el Centro Cultural Doctor Madrazo (1995, 1996, 1999); y Caja Cantabria (2002).

Entre las colectivas es de destacar la muestra de los Salones de Invierno de Artistas Montañeses (1971-1975). Homenaje a Calder, Galeria Skira.Madrid; Treinta esculturas para una autopista. Madrid. Tres visiones .Centro Cultural Puerta de Toledo.Madrid.-

Sus trabajos de diseño gráfico figuraron en publicaciones como 'La Codorniz', 'Cambio 16', 'The London Mistery Magazine', además de textos como 'Timoteo, el incomprendido', de Camilo José Cela (Santander, 1959).

Organizó talleres con jóvenes creadores en el Centro Cultural Doctor Madrazo y series de exposiciones en la sala Bar 'Rock Co' de Santander. Es autor de diversos textos, entre ellos Virin Story, Virin bis, ¿Ni modo! Relatos de México. (Fuente: Gran Enciclopedia de Cantabria).------------------------------

MUERE UN LIBRE:

Los adjetivos sienten compasión de la herida que dejan, al marcharse, los libres. Porque por ella sangra una pérdida que es de los hombres y sus nombres, sobremanera de los santanderinos y de sus calles, que no volverán a gozarlos. Cuál será ahora su entusiasmo. La sombra fósil empieza a acongojarlas, las barre con desdicha en esta primavera ácida e incipiente. Comienza por nosotros, y hoy se lleva a un artista.

Las generaciones de los hombres acaban de perder a Ramón Calderón López de Arróyabe. Mítico o heroico o ambas cosas, su gira por el mundo nos dejó más belleza.Es el segundo de estos calderones portentosos que desaparece en menos de un año. Su hermano Fernando, pintor, dibujante, increíble creador e inventor, se fue hace apenas un parpadeo. Juntos puede que de nuevo ardan y recorran las orillas de México o los tejados de Roma o las Bibliotecas del arte.

Nacido en Santander en 1932, en una atmósfera de cosmopolitismo y libertad, la nota biográfica de Ramón Calderón da cuenta de algo de su mucho: escultura, talento, ilustración, talento, música, talento, fotografía y entusiasmo para escribir, viajar, conocer y comprender. Deja una obra cuajada de aventuras diseminadas por el mundo, más de 40 exposiciones individuales de escultura y pintura en las capitales donde bullía la vanguardia, 33 colectivas e innumerables iniciativas, que abarcan desde el Festival Internacional de Santander, al mundo del jazz, pasando por publicaciones históricas como La Codorniz, Cambio 16, 'The London Mistery Magazine, la ilustración de Timoteo, el incomprendido, de Camilo José Cela (Santander, 1959), colaboraciones en la prensa cántabra, la organización del primer homenaje que se hizo en España a Pablo Picasso (1980) y la primera parte de su obra literaria (¡Ni modo! Relatos de México) publicada en marzo de este mismo año en Santander.

Cruzar la puerta del laboratorio maravilloso de Ramón Calderón es entrar en la estancia de un mago, pero el mago se ha ido. La ciudad de Santander pierde una época, una magia, una delicadeza y una libertad, aunque haya sido tan generoso como para dejarnos a uno de sus hijos, Pedro, volando sobre nuestras cabezas con su arte.

Estrictamente fue dos cosas: heterogéneo y fascinante. Londres, París y Roma le vivieron. También Méjico, que marcaría aún más su pasión por la vida, fronteriza entre la magia y el genio. Ha sido medio siglo de ininterrumpido y fértil sentido de hacer arte, algo tan natural como "coger unas alas y volar", en palabras del propio maestro.

Desde otro planeta cayeron en Santander tres hermanos: crearon, sin parar de viajar hacia adentro y por todo. Inquietos hasta la extenuación de las musas, que en tanto les amaban. Seres únicos de los que nos queda un único: el hermano músico, Juan Carlos Calderón, testigo solitario de su idilio renacentista con el universo.

Si alguien pudiera respondernos qué frecuentaría hoy Leonardo Da Vinci, qué hallaría, sin duda, señalará las andanzas prodigiosas de los calderones en el arte. Y en la vida, hasta en su propia imagen, radiante, que hace que nos sintamos mejor sólo por el hecho de haberlos mirado o conocido.

La cresta de la ola que lleva las cenizas de Ramón y unas rosas ojalá nos curta con el misterioso salitre de su búsqueda. Mas su abstracta e inaprensible concepción de nuestro mundo nos dice que hay que escribir su marcha, por encima del dolor, desde el deslumbramiento. Muere un libre. O los libres no mueren jamás.-

Ref: http://elpais.com/diario/2004/04/04/agenda/1081029603_850215.html

Obra en Museos y colecciones:

Ramón Calderón es el autor de la gran escultura en hierro que preside la entrada exterior del Hospital Universitario Marqués de Valdecilla.
Obra en Plaza Jardines Pablo Picasso en Malaga.
Peninsula de La Magdalena.Santander
Museo Internacional de Arte Contemporaneo de Tanger
Museo Iconografico del Quijote.Guanajuato.México
Museo Nacional de Arte Comtemporaneo de Zambia
Museo de Arte Contemporaneo de Villafames.Castellón
Museo de Arte Contemporaneo de Santander y Cantabria MAS
Museo Redondo El Riojano.Santander
Museo Palacio de Elsedo.Pámanes Cantabria
Colección Banco de Santander
Colección Caja Cantabria
Colección Hohenlohe. Marbella
Colección La Corralada. Madrid
Colección Eulalio Ferrer. Mexico
Colección Santos. Madrid
Colección Caja Cantabria. Madrid
Colección Gobierno de Cantabria. Santander

Fue tambien un gran cartelista y creador de anagramas y logotipos


Bibliografia:

Gran Enciclopedia de Cantabria). Ed. Cantabria
Diccionario de Pintores y Escultores Españoles del Siglo XX. Forum Artis
Diccionario de Pintores Segunda Mitad del Siglo XX. Ed. Epoca
Diccionario Crítico del Arte Contemporáneo Español. Edt. IEE
La Pintura Montañesa. Edt. IEE
Cantabria. Ed. Mediterráneo.
Ramón Calderón , el ciclista ingles. Caja Cantabria
Desde el borde de la memoria. Aurelio García Cantalapiedra. Ed. Estudio
etc....

Obra: Vibraciones sobre blanco y vibraciones mexicanas. Oleo sobre tablex. 39 x 54 cm fdo abajo a la derecha. Al dorso firmado,titulado , fechado 1979 fue de la colección particular del autor.- Colección privada.


Obra:

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FERNANDO GOMEZ CATON  (Badalona  1917 - ? )

109. FERNANDO GOMEZ CATON (Badalona 1917 - ? )

http://www.religionenlibertad.com/articulo.asp?idarticulo...

Fernando Gómez Catón nació en Badalona en el año 1917. Pintor y escritor. Fue alumno de la Escuela Superior de Bellas Artes de Barcelona, pasando después a la de San Fernando de Madrid. En la capital de España, fue discípulo de Zuloaga, quien le dio acceso a su taller. Se instaló en... Ver mas
Fernando Gómez Catón nació en Badalona en el año 1917. Pintor y escritor. Fue alumno de la Escuela Superior de Bellas Artes de Barcelona, pasando después a la de San Fernando de Madrid. En la capital de España, fue discípulo de Zuloaga, quien le dio acceso a su taller.

Se instaló en Barcelona en 1954. Doctor en Filosofía y Letras y periodista en ejercicio, viajó mucho, desarrollando, paralelamente, su vocación artística de manera muy versátil. Su producción pictórica incluye paisajes, composiciones de figura, escenas urbanas y una nutrida colección de retratos de personajes ilustres. Sus cuadros se resuelven con aplomo y dominio del oficio, manejando el dibujo con rotundidad y el color con sentimiento y agudeza.

Su producción pictórica incluye paisajes, composiciones de figura, escenas urbanas y una nutrida colección de retratos de personajes ilustres. Se conservan obras suyas en numerosos museos y pinacotecas de nuestro país y del extranjero. En los paisajes concede un protagonismo especial a los celajes. Junto a las ya mencionadas, una de las temáticas predilectas del artista son las composiciones de ambientes árabes, que Gómez Catón captó del natural durante sus viajes a Marruecos, Israel, Líbano y Siria.

Gómez Catón, que fue seminarista hasta 1936 con el Obispo Irurita y del que recuerda muchos detalles, da por título al mas famoso de sus cuadros : “Montcada del Obispo”. El cuadro es propiedad de los Padres Carmelitas de la Parroquia de Santa Joaquina de Vedruna de Barcelona. En la sede de Hispania Martyr se conserva una copia. Según se sabe, el pintor vivió sus últimos años cerca de esa Parroquia y se confesaba con uno de los carmelitas. Cedió todo su archivo, sus libros, sus investigaciones y sus cuadros a los PP. Carmelitas.-

El Museo de Arte Contemporaneo de Barcelona posee la pintura - Platges de Riffien. Cabo Negro (Marroc) ca. 1983.-

Obra expuesta: "Montcada del obispo" oleo lienzo.- Propiedad de los Padres Carmelitas de la Parroquia de Santa Joaquina de Vedruna de Barcelona.

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JOAQUIN SOROLLA Y BASTIDA ( Valencia 1863-Cercedilla-Madrid 1923)

110. JOAQUIN SOROLLA Y BASTIDA ( Valencia 1863-Cercedilla-Madrid 1923)

https://www.museodelprado.es/enciclopedia/enciclopedia-on...

Nació el 27 de febrero de 1863 en Valencia. Cuando cuenta 2 años de edad, fallecen sus padres. Su hermana Eugenia y él, fueron acogidos por su tía Isabel y su marido, que intentó enseñarle el oficio de la cerrajería. Estudió a Velázquez y otros pintores en el Museo del Prado en Madrid... Ver mas
Nació el 27 de febrero de 1863 en Valencia.

Cuando cuenta 2 años de edad, fallecen sus padres. Su hermana Eugenia y él, fueron acogidos por su tía Isabel y su marido, que intentó enseñarle el oficio de la cerrajería.

Estudió a Velázquez y otros pintores en el Museo del Prado en Madrid. Partió a París en 1885, donde conoce la pintura impresionista, y después a Roma donde completó su educación. En 1888 se casa con Clotilde García en Valencia, con la que vivirá un año más en Italia, radicándose en Asís. En 1889 regresan a España instalándose en Madrid y, en apenas cinco años, se labra una trayectoria profesional jalonada de éxitos, premios e importantes encargos: Primera Medalla Nacional de Bellas Artes en 1892 y 1895, y el Gran Prix de la Exposición de Parísde 1900, entre otros muchos reconocimientos.

De este periodo destacan obras de crítica social como Y aún dicen que el pescado es caro (1894, Museo del Prado). Entre sus temas preferidos destacan su dedicación al paisaje levantino, de ambiente costero, siempre con presencia humana, que plasma con un protagonismo absoluto de la luz que hace vibrar los colores y marca el movimiento de las figuras como en Niños en la playa (1910, Museo del Prado), Paseo a orillas del mar (1909) y El baño del caballo (1909, Museo Sorolla, Madrid).

Su popularidad se extendió por toda Europa, realizando exposiciones en París (1906), Berlín y Colonia (1907) y Londres (1908), para después exhibir sus cuadros en varias ciudades de Estados Unidos. En Nueva York realizó la decoración de la sala principal de la Hispanic Society of America, presidida por Archer Milton Huntington, formada por catorce grandes paneles dedicados a representar las gentes y costumbres de las diversas regiones de España.

En 1914 fue elegido académico de Bellas Artes de San Fernando.

En 1920, Joaquín Sorolla sufrió una grave enfermedad que finalmente le llevó a la muerte en Cercedilla, Madrid, el 10 de agosto de 1923.

Obras mas conocidas:

Marina (1881)
Estudio de Cristo (1883)
Morocotetas con naranjas (1885-1886)
Los guitarristas, costumbres valencianas (1899)
La fuente, Buñol (1890-1895)
El pillo de playa (1891)
Trata de blancas (1894)
Aún dicen que el pescado es caro (1894)
Madre (1895)
Cosiendo la vela (1896)
Una investigación (1897)
La comida en la barca (1898)
Cordeleros de Jávea (1898)
Triste herencia (1899)
Noria, Jávea (1900)
Retrato de Beruete (1902)
Mar y rocas de San Esteban, Asturias (1903)
A la sombra de la barca, Valencia (1903-1904)
Autorretrato (1904)
Mis hijos (1904)
El niño de la barquita (1904)
El Pescador (1904)
Nadadores, Jávea (1905)
En el jardín de la calle Miguel Ángel (1906)
Instantánea, Biarritz (1906)
María Guerrero (1906)
Tormenta sobre Peñalara, Segovia (1906)
María convaleciente (1907)
Saltando a la comba, La Granja (1907)
Fuente del Alcázar de Sevilla (1908)
Pescadora con su hijo, Valencia (1908)
Reflejos de una fuente (1908)
Paseo a orillas del mar (1909)
Chicos en la playa (1910)
Clotilde con traje de noche (1910)
Bajo el toldo, plaza de Zarauz (1910)
Jardines de Carlos V, Alcázar de Sevilla (1910)
"Perro de familia o perro familiar" (1911)
Después del baño (1911)
Fifth Avenue, Nueva York (1911)
La Siesta (1912)
Tipos del Roncal (1912)
Castilla: la fiesta del pan (1913)
Sevilla: Los nazarenos (1914)
Aragón: La jota (1914)
Navarra: El concejo del Roncal (1914)
Guipúzcua: Los bolos (1914)
Andalucía: El encierro (1914)
Sevilla: el baile (1915)
Sevilla: Los toreros (1915)
Galicia: La romería (1915)
Cataluña: El pescado (1915)
Valencia: Las grupas (1916)
Extremadura: El mercado (1917)
Elche: El palmeral (1918-1919)
Ayamonte. La pesca del atún (1919)
Pescadoras valencianas (1915)
Niña entrando en el baño (1915)
Jardín de la Casa Sorolla (c. 1916)
La bata rosa (1916)
El patio de Comares, la Alhambra de Granada (1917)
Capilla de la finca de Láchar (1917)
Rompeolas, San Sebastián (1917-1918)
Joaquín Sorolla y García sentado (1917)
Retrato de Raquel Meller (1918)
Alberca del Alcázar de Sevilla (1918)
Jardín de la casa Sorolla (1918-1919)
Helena en la cala de San Vicente, Mallorca (1919)
Jardín de la casa Sorolla (1920)
Retrato de la señora de Pérez de Ayala (1920)

Obra expuesta: Paseo por la playa. Museo Sorolla de Madrid.

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ISMAEL BLAT MONZO ( Benimàmet-Valencia 1901- 1976 )

111. ISMAEL BLAT MONZO ( Benimàmet-Valencia 1901- 1976 )

https://www.museodelprado.es/enciclopedia/enciclopedia-on...

Ismael Blat, un gran pintor costumbrista El artista valenciano Ismael Blat (1901-1976) pintó en numerosas ocasiones en Ibiza desde los años veinte del pasado siglo, mantuvo una gran amistad con el dibujante ibicenco ´Portmany´, así como con los mecenas Sainz de la Cuesta y el Marqués de Lozoya... Ver mas
Ismael Blat, un gran pintor costumbrista
El artista valenciano Ismael Blat (1901-1976) pintó en numerosas ocasiones en Ibiza desde los años veinte del pasado siglo, mantuvo una gran amistad con el dibujante ibicenco ´Portmany´, así como con los mecenas Sainz de la Cuesta y el Marqués de Lozoya.

LA MIRANDA | IBIZA Las primeras noticias que hemos podido recoger sobre la relación de Ismael Blat con Ibiza se remontan a los años veinte del siglo pasado, cuando Juan Contreras y López de Ayala, Marqués de Lozoya, fue nombrado catedrático de Historia del Arte e Historia de España en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. Según evocaba él mismo décadas más tarde, los contactos que por dicho cargo comenzó a establecer con el mundo artístico de esa ciudad le llevaron a entablar una sólida y perdurable amistad con dos jóvenes y excelentes pintores que, al margen de sus diferencias estilísticas, coincidían al describirle, con verdadera fascinación, los encantos de una isla prácticamente ´inédita´ o virginal. Uno de esos artistas era Ismael Blat, quien por entonces ya pasaría breves temporadas en Sant Antoni dedicado a captar, de forma admirable, tipos y ambientes. Por su parte, Rigoberto Soler –el segundo de ellos–, había optado por Santa Eulària para establecerse casi definitivamente. Refiriéndose a sus diferencias profesionales, el Marqués afirmaba sobre Ismael Blat que era un gran dibujante, como Vicente López, y que todo su afán era llevar al lienzo la calidad exacta de las cosas a la manera de los grandes pintores de la escuela valenciana del siglo XVII. Mientras que Rigoberto Soler, discípulo de Mongrell y denominado ´el nieto de Sorolla´, se caracterizaba por la luminosidad impresionante de su paleta. Precisamente, uno de los escasos reproches que algún crítico de arte hizo a la pintura de Ismael Blat cuando éste comenzaba a acaparar la atención de la prensa fue el de que, dejándose llevar más por el amor a su tierra valenciana que por la inclinación natural de su temperamento, buscara inspirarse para algunos de sus lienzos en la portentosa luz de los lugares mediterráneos (Blanco y Negro 2-2-1930).


Esta circunstancia, sin embargo, no se atisba en los que hemos podido identificar sobre la payesía isleña y en los que, contrariamente, queda patente su tendencia a la sobriedad o serenidad cromática, lo cual, unido a su preferencia en el retrato por los rostros ya ajados o viejos, les confiere la autenticidad del trabajo coherente con el sentir del autor. La temática tradicional ibicenca De este modo, frente a quienes pudieron –o incluso a estas alturas pueden– limitarse a buscar el mero motivo ´típico´ o ´regional´, Blat, con su obsesión analítica y pincelada viril, se propondría destacar las mellas físicas que había ido dejando en sus caras y cuerpos tanto el paso de los años como la propia dureza de su experiencia vital, sirviéndose para ello de los maravillos efectos de la luz, según los postulados de Ribera o Ribalta. Un singular ejemplo al respecto lo constituye la deteriorada y conmovedora imagen de un anciano ibicenco (´Payés´. Fig. 3) que, pese a su mortecina mirada y huesudas manos, se erige como digno representante del vestir payés, luciendo en la cabeza el característico barret encarnado y cubriendo su pecho con un negro jupatí, prendas de las que a su vez se sirvió el pintor para demostrar su destreza y elegancia a la hora de reflejar la calidad y el color de los géneros, mesurando para ello –si lo consideraba preciso– la vivacidad de su tinte, como en un íntimo horror a toda estridencia. De hecho, a Ismael Blat se le considera un colorista al estilo de la vieja Escuela Española, más interesado «por apurar hasta el extremo los matices de las tonalidades humildes», que de contrastar colores brillantes.

Así puede comprobarse en otro de sus cuadros de asunto rural ibicenco (´Payesa´, en portada), en el que la atmósfera creada parece venir a subrayar la discreta y modesta gama cromática –principalmente en tonalidades cálidas y terrosas– de la indumentaria tradicional allí representada. Una obra de la que tuvimos conocimiento –como tantas otras e importantes fuentes de estudio–, gracias a F. X. Torres Peters, y de la que precisamente partió nuestro interés por profundizar en la producción artística de este pintor en la isla. Más allá del cierto desencanto que pueda producir no reconocer alguno de los rasgos propios de nuestras payesas en la fisonomía de la mujer que, en primer plano y como personaje único, protagoniza la escena (según nos indican, en muchas ocasiones ejercía de modelo Martina, la mujer que lo acompañaba a todas partes y cuidaba de él), nos encontramos ante un lienzo cuya calidad justifica la consideración del autor como una figura cumbre de la pintura española. Y al mismo tiempo, en lo referente al tema, puede decirse que trasciende nuevamente el aspecto folclórico o regional para poner ahora el acento en la tristeza de la mirada y en la mano cadáverica que, sosteniendo una hoz sobre el hombro, viene a evocar o a simbolizar la muerte. Un claro ejemplo del ejercicio de reflexión que muchas veces exige la contemplación de su arte.

En el plano estrictamente etnográfico tiene la capacidad de sorprender y abrir interrogantes en la disyuntiva entre libertad artística o plasmación de elementos tradicionales ya olvidados. Y es que, junto a la reproducción de prendas de fuerte implantación social en la isla, conjuga algún otro elemento algo alejado tipológicamente de los admitidos como típicos de nuestra payesía. Es el caso del sombrero de fieltro ornamentado con un pequeño penacho de flores que aquí se enmarca además en una imagen emblemática del trabajo agrícola –en lugar de corresponderse con un momento festivo o de gala–, pero cuya delicada armonización con el resto del conjunto indumentario permite que podamos seguir reconociendo a la figura como representante de la campesina ibicenca, sin herir la sensibilidad local. La indumentaria payesa. En este punto, no podemos pasar por alto las peculiaridades que por su parte presenta el mismo tocado o cambuix, no sólo cercando el rostro como el conocido en la actualidad, sino cubriendo también el cuello y la parte posterior de la cabeza, a modo de corto rebosillo, en función de la mayor amplitud de la tela rectangular que lo configura. Unas características que básicamente permiten identificarlo con un tipo de toca documentado a nivel general ya en los siglos XIII-XV, en cuya última centuria sabemos que podía denominarse reboç y, posiblemente, equipararse con el cambuj o cambuz morisco (voz procedente del árabe hispánico y magrebí Kanbús), ofreciendo de este modo y en última instancia, una probable prueba gráfica de los rebosillos constatados en la propia Ibiza desde finales del XVII hasta principios del XIX, a través de varias fuentes de información.

El que en Mallorca se llevara el cambuix como cobricap inferior bajo dos rebosillos –de manera análoga a como asoma el borde de otra toca o banda de tela por debajo del cambuix o rebosillo representado aquí por Blat–, viene asimismo a recordar la creencia de que por el nombre de cambuix se conocieron en Mallorca, y de forma inversa, aquellos otros. La asociación de un sombrero de paja con dicho cambuix que se aprecia en un tercer cuadro de género, o la de un jupatí de gala con un tosco abrigall –relación en todo caso comparable a la de esta y otras prendas de gala con las espardenyes– son otros ejemplos de la pintura costumbrista de este pintor valenciano que rompen la repetitiva y, por tanto, estandarizada imagen de la indumentaria del campesinado isleño. Sin duda un soplo de aire fresco en esta parcela de la cultura popular que, al margen de otras consideraciones, alerta sobre el riesgo de negar sistemáticamente todo cuanto no coincide con la cada día más menguada ´realidad parcial´ conocida. Amistad con Marí Ribas ´Portmany´ A la hora de aproximarnos a las figuras típicas plasmadas por Ismael Blat en Ibiza no podemos tampoco olvidar la labor de colaboración o asesoramiento que al respecto le prestó –tal como nos certifica el profesor A. García Ninet– alguien de raíces tan profundamente ibicencas y conocedor del folclore local como Antoni Marí Ribas Portmany.

Tan sólo cinco años más joven que Blat y con una madurez prematura por las precarias condiciones en que creció, desde muy joven sumó a sus distintas tareas el trapicheo o comercio de antigüedades, entre las que se contaban las distintas manifestaciones materiales de su propio mundo payés, por las que se iría interesando progresivamente hasta llegar a conformar «una colección inaudita que debió servir de base para un museo etnográfico», siguiendo las palabras de Fernando Guillermo de Castro. Las relaciones que el mismo Portmany estableció con Narcís Puget Viñas –otro apasionado del costumbrismo ibicenco–, ya al intentar abrirse paso en el elitista círculo artístico de la ciudad, serían también coincidentes con las entabladas por Blat, a quien descubrimos en 1931 en Madrid acudiendo a una exposición de Puget y comunicando su intención de viajar a la isla en el verano próximo (La Voz de Ibiza, 29-1-1931). Si bien la convergencia de caminos de Portmany y Blat no la hemos constatado hasta después de la Guerra Civil, cuando el primero trabajaba de encargado en la finca de Getsemaní (Santa Eulària), propiedad del banquero Sainz de la Cuesta, y el segundo se hospedaría o frecuentaría el trato de esa familia, realizando además –según se ha dicho– los retratos de varios de sus miembros. Prueba inequívoca de esos contactos entre Blat y Portmany, así como de la amistad que en los años cuarenta ya existía entre ambos, es la correspondencia que mantuvieron y a través de la cual se desvela la ayuda que intercambiaron con el objetivo de lograr sus respectivas aspiraciones.

De esta manera vemos como en 1948, mientras el valenciano ejercía de intermediario para que el Marqués de Lozoya no descuidara la tramitación de un puesto «de restaurador del Museo [Arqueológico] o de otra cosa» para Portmany, éste se encargaría de dar en Ibiza los pasos necesarios para que aquel otro adquiriese una vivienda, próxima al lugar donde el mismo Blat decía –sin aportar más datos– haber desarrollado su labor pictórica. Gracias a esta correspondencia -afortunadamente recopilada y custodiada por García Ninet–, tenemos incluso conocimiento de la petición que Blat hacía a Portmany de que no trascendiera al Marqués de Lozoya su referido «propósito de comprar una casa» en la isla, sin tampoco explicar las razones que pudieran justificar tal solicitud. Silenciadas estancias en la isla En todo caso, lo realmente a destacar aquí es el interés que con ello demostraba el pintor de reforzar su relación con Ibiza, mediante un mayor arraigo o estabilidad en la misma. Interés o deseo aún más remarcable si consideramos el espíritu viajero que le caracterizaba, y que de esta forma explica sus frecuentes «eclipses» –como llegó a calificar la prensa las repentinas desapariciones de su refugio natal en Benimámet– para reaparecer algo después en uno u otro lugar.

Ya fuera captando los sobrios atuendos de las mujeres ansotanas, las callejuelas y tipos populares de La Alberca (localidad salmantina que justamente debe a Blat su declaración como Conjunto Histórico) o las «losas encharcadas» y las «nubes de aguacero torrencial» en tierras gallegas (al parecer íntimamente asociadas con sus ´Caprichos de aquelarre´). Todo esto cuando no se desplazaba hasta los Países Bajos, Italia o Francia, con la finalidad de seguir estudiando la pintura inmortal, «en búsqueda de otras interpretaciones para su irrenunciable ideal estético». Curiosamente, pese a esa fuerte atracción de Ismael Blat hacia Ibiza parece que ésta no le correspondió en su medida, o apostó, como en una relación oculta, por la discreción, a juzgar por el práctico silencio que sobre él se atestigua en la prensa local. Y así, contrastando con las innumerables reseñas de que eran objeto sus exposiciones en la Península, o el cuantioso número de personalidades que se dirigían a su estudio madrileño para posar, resulta necesario proseguir la investigación a la hora de obtener más datos sobre su paso por nuestra isla. Hasta entonces, su renuncia ascética a todo tipo de reconocimientos, y su escasa vida social, parece sugerirnos que encontró en Ibiza un paraíso para vivir casi en anonimato y gozar de una maravillosa libertad.

Ref: http://www.diariodeibiza.es/pitiuses-balears/2012/11/09/ismael-blat-gran-pintor-costumbrista/587932.html

Obra: Retrato de Franco. Carboncillo y lapiz. sobre papel, 50 x 40 fdo.Circa 1941

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JESUS BASIANO MARTINEZ  (Murchante-Navarra 1889-Pamplona 1966)

112. JESUS BASIANO MARTINEZ (Murchante-Navarra 1889-Pamplona 1966)

http://www.euskomedia.org/aunamendi/11840

Pintor navarro. Nacido en Murchante el 9 de diciembre de 1889, falleció en Pamplona el 23 de marzo de 1966. Pasó los primeros años de su niñez en Bilbao, donde asistió a la Escuela de Artes y Oficios. Conoció el arte de la pintura por las enseñanzas que recibió de los maestros Muñoz Degrain... Ver mas
Pintor navarro. Nacido en Murchante el 9 de diciembre de 1889, falleció en Pamplona el 23 de marzo de 1966.
Pasó los primeros años de su niñez en Bilbao, donde asistió a la Escuela de Artes y Oficios. Conoció el arte de la pintura por las enseñanzas que recibió de los maestros Muñoz Degrain, Chicharro, Cecilio Plá y Darío de Regoyos. Fue pensionado por la Diputación Foral de Navarra en 1912 para realizar estudios en Madrid. Debido al aprovechamiento y valores artísticos que demostró, la Diputación le amplió a tres años más este pensionado y le elevaron la cuantía de la beca. Al mismo tiempo que estudiaba con Pla ingresó en la Escuela de San Fernando, obteniendo todos los años de su carrera varios primeros premios. Subvencionado también por la Diputación por los premios obtenidos en Madrid, fue a Roma en 1916, donde estudió año y medio las obras de los grandes museos. A los veinte años de edad fijó su residencia en Durango, Bizkaia, empezando a producir obras artísticas. Allí ve pintar a Regoyos.

Concurrió a las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes en los años 1917, 1922, 1924, 1929, 1930, 1932 y 1957, tomando también parte en la I Exposición Internacional de Pintura y Escultura, que se celebró en Bilbao en 1919, y en la I Bienal Hispanoamericana de Arte (1951) y en la II Exposición Hispanoamericana de Arte (1954). Tomó parte en innumerables exposiciones colectivas y exclusivamente personales, entre ellas en 1920 y 1922 en Bilbao, en la Exposición de Artistas Vascos; en Biarritz en 1923; Madrid y Bilbao en 1925; y a partir de esta fecha en Pamplona y Zaragoza en 1927; en San Sebastián en 1928 en la Gran Semana Vasca y en diferentes años en Vitoria, Pamplona, Bilbao, etc. Obtuvo el Diploma de Honor en la Exposición Internacional de Barcelona. En algunas ocasiones firmó sus obras con el nombre de Jesús Martínez.

El "gran Basiano", como se le llama en la actualidad, plasmó la Navarra entera: desde la montaña a la ribera, la baja y la alta, la media y la agreste, con paleta excepcional. No fue hombre de palabras ni de letras, parecía un casero, con txapela y sin corbata, y nunca se enteró de su fama. Su pueblo natal, Murchante, le nombró Hijo Ilustre y Predilecto el 24 de junio de 1951. Después de su muerte se ha sabido que existen infinidad de paisajes suyos en media Europa y en colecciones particulares de Vasconia, a pesar de que sólo hizo quince exposiciones en toda su larga vida artística. Oleos suyos están colgados en el Museo de San Telmo, de San Sebastián, Museo de Navarra, Museo de Vitoria, en la Diputación Foral de Navarra, Ayuntamiento de Pamplona, Caja de Ahorros Municipal de Pamplona y en Diario de Navarra. Se sabe que una familia donostiarra posee una ingente y valiosa colección de sus paisajes que Basiano regalaba en sus épocas de hambre a cambio de techo y comida.

Basiano está considerado hoy como el mejor paisajista del País Vasco, después que Dario de Regoyos iniciara esa temática, pero con una concepción diferente de la pintura al filo de una capacidad inductiva excepcional, con la experiencia visual directa de la naturaleza, que fue su escuela al aire libre. Jesús llevó a su pintura en su primera época los efectos de disolución luminosa producidos por el sol sobre las piedras de las casas y la vegetación, con resultados de un dinámico claroscuro del color, a manchas discontinuas; pero unificados por una malla fina en armonía de tonos dominantes, sin cálculo aparente al estilo de los impresionistas. Huyó siempre de la regularidad de medidas precisas, porque decía que la naturaleza siente horror por la regularidad. En una segunda época utilizó los colores puros, sin mezcla en la paleta, descubriendo que la naturaleza es rica, diversa, irregular, sin principios fundamentales concretos, pintando algunos paisajes que recuerdan algo a la antigua "maniera" italiana con diminutos toques de color vagamente divididos, mientras que profundiza de obra a obra un método de composición más estricto, aunque el color seguía fermentando en raras transparencias. En sus últimos años, su paleta se compone de una decena de colores, entre los que están los amarillos, los carmines, el rojo veneciano, el bermellón francés, la laca granza, el verde esmeralda, el azul cobalto, el marfil oscuro y los sienes, obteniendo una serie de paisajes de singular entonación. Pintó el País Vasco en todos sus momentos y cambios de paisaje con una fidelidad absoluta y personal, que le ha situado entre los mejores paisajistas de su época.

Obras de este artista más destacadas: Molino y Presa de Ziganda-Pamplona, Friso de la Catedral (en el Museo Provincial de Vitoria), Luz en la mañana, Caballero del pitillo, Un paisaje, Podadores, Cantera de la Barga de Olazagutia, Puente de Cantalojas, Valdelobos, Torla de Huesca, Catedral, El estraperlo, La meseta de Pamplona, Castillo de Loarre, Mallos de Riglos, Burgo de San Cernin, Pamplona, Loarre, Ezkaurre, etc.
[Vieja escena de lavadero, de Jesús Basiano. Colección René Petil, Ref. Revista Pregón nº 109 , 1971]

Un mes antes de morir, Basiano dijo a José María Muruzabal, director de las Salas de Arte de la Caja de Ahorros de Pamplona, que tenía infinidad de premios, diplomas y medallas, pero que ignoraba dónde los tenía, pues nunca se preocupó de recopilarlos. Tan solo unos pocos se han podido recoger: Primer Diploma de Honor de Barcelona; Medalla primer premio de paisaje de San Fernando (1913); Diploma de San Fernando (1913) y este mismo año obtuvo cuatro Diplomas en la misma escuela de "Primera Clase" y Premio. En 1914 obtuvo el primer premio de Dibujo y primero de Paisaje de San Fernando, con dos premios en metálico y otros dos Diplomas "Primera Clase". En 1924 se le nombró "Socio de Mérito en el Salón de Otoño" de Madrid. Obtuvo la primera medalla de la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid y el primer premio del Ayuntamiento de Pamplona, en 1943.

En 1990 la revista navarra Panorama publica un monográfico sobre el pintor obra de Pedro Salaberri, Javier Eder y Carmen Areopagita, utilizando como texto básico el libro publicado por José Mari Muruzábal.

Obra: Murallas de la Catedral.

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ALFONSO PONCE DE LEON CABELLO ( Malaga 1906 - Madrid 1936)

113. ALFONSO PONCE DE LEON CABELLO ( Malaga 1906 - Madrid 1936)

http://es.wikipedia.org/wiki/Alfonso_Ponce_de_Le%C3%B3n

Alfonso Ponce de León (Málaga, 1906 - Madrid, 1936) fue un pintor conocido y respetado en los círculos españoles de su época, pese a su corta vida. No obstante, tanto el trabajo como ilustrador para libros y revistas como su producción en pintura, poco más veinte óleos, permanece en el olvido... Ver mas
Alfonso Ponce de León (Málaga, 1906 - Madrid, 1936) fue un pintor conocido y respetado en los círculos españoles de su época, pese a su corta vida. No obstante, tanto el trabajo como ilustrador para libros y revistas como su producción en pintura, poco más veinte óleos, permanece en el olvido durante décadas tras su muerte. El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía posee la obra más conocida del pintor, Accidente (1936), en la que Ponce de León se autorretrata como víctima de un trágico final. Este cuadro resulta premonitorio, dado que muere* pocos meses después de pintarlo. El Museo cuenta con otras dos obras del artista, Arquitectura urbana (Portería), de 1929 y Jóvenes y un pescador (1936).

Ponce de León comienza su trayectoria artística en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, donde coincide con Salvador Dalí, Maruja Mallo y Margarita Manso, que más tarde se convierte en su esposa. Entre su círculo de amigos se encuentran Federico García Lorca, Luis Buñuel o los pintores Enrique Climent y Santiago Ontañón. En 1929 participa en el primer Salón de Artistas Independientes, del que era uno de los impulsores. Un año más tarde, viaja a París, donde conoce a Pablo Picasso y se relaciona con otros pintores de la llamada Escuela de París, como Francisco Bores o Manuel Ángeles Ortiz. Por esta época, su obra comienza a conocerse también fuera de España y se suceden las exposiciones.

En 1935 celebra en el Centro de Exposición e Información de la Construcción de Madrid su primera muestra individual -la única documentada en su carrera-, en la que presenta unas doce obras, desde 1927 hasta ese momento. En 1936 participa por última vez en la Exposición Nacional de Bellas Artes celebrada en los Palacios del Retiro, con la obra Accidente, que en aquel momento se titula Autorretrato. Debido a su actividad falangista, es detenido y asesinado* pocos meses más tarde.

La exposición está formada por la producción que se conserva del artista, reunida por el comisario Rafael Inglada. Entre las obras expuestas destacan, además de las mencionadas, el panel El descanso (El sueño), realizado entre 1930 y 1931 para el Teatro-Cine Fígaro de Madrid y El ensueño de la hija del guarda (1930).

Su producción se relaciona con el Realismo Mágico, por influencia del libro de Franz Roh de 1927, publicado por la Revista de Occidente bajo el título Post-expresionismo. Realismo mágico. Dicho espíritu se manifiesta en otro de los cuadros, De Andalucía (1930), recuperado poco antes de esta exposición.

En el catálogo que acompaña a la muestra se intenta compensar la falta de información y los datos imprecisos sobre el artista y su obra. Se incluyen piezas inéditas o apenas divulgadas, así como fotografías de Ponce de León y su esposa, también pintora. Junto a las fuentes bibliográficas, se adjunta la relación de todas sus obras, incluso las que se encuentran en paradero desconocido. Tanto el catálogo como la exposición se unen en la labor de arrojar luz sobre esta relevante figura del Arte Español Contemporáneo.
Organización:
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Comisariado:
Rafael Inglada
Itinerancia:

Fundación Museo-Casa Natal Picasso, Málaga (20 agosto - 23 septiembre, 2001); Museo de Bellas Artes, Oviedo (27 septiembre - 28 octubre, 2001)
Artistas
Alfonso Ponce de León

Relacionados

Obras de la Colección incluidas en la exposición
Publicaciones del Museo Reina Sofía

Ref: http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/alfonso-ponce-leon-1906-1936

Obra: Accidente. Óleo sobre lienzo. 160 x 190.circa 1936 propiedad del Museo Reina Sofia. Madrid.

Critica de esta obra por Paloma Esteban Leal : Esta pintura de Alfonso Ponce de León es en realidad un premonitorio autorretrato en el que el autor parece presentir su muerte, inminente y trágica, que se produciría durante el mismo año en que está realizado el cuadro, 1936.
La escena, aunque más cercana al realismo mágico que estrictamente surrealista, posee sin embargo ciertas connotaciones de visión onírica, sensación a la que contribuyen diversos factores: la muy extraña posición del cuerpo, cuyos miembros se pierden entre los faros y la carrocería del coche; la luz que alumbra al accidentado –que en ningún caso procede de los faros del automóvil–; y, sobre todo, la inusual manera en que el personaje, probablemente ya sin vida, se señala la frente con su ensangrentado dedo índice. El potente foco de luz, que define contornos y proyecta misteriosas sombras, es también uno de los elementos más desconcertantes, proporcionando al lienzo una apariencia casi fantasmal. La exuberante vegetación que irrumpe en la zona derecha, recordando a los tapices vegetales del «aduanero» Rousseau, es asimismo otro factor que genera inquietud en el espectador.

*
Fue asesinado por milicianos del Frente Popular de la cheka de Fomento el 29 septiembre de 1936 , al dia siguiente 30 fue asesinado en la carretera Vallecas su padre Juan Ponce de León y Encina y posteriormente el 7 de noviembre de 1936 su hermano Gabriel.-

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