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Mujeres Poetas

Mujeres Poetas

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Zenobia Camprubí Aymar (España 1887-1956)

1. Zenobia Camprubí Aymar (España 1887-1956)

Zenobia Camprubí Aymar, nacida en la localidad catalana de Malgrat de Mar el 31 de agosto de 1887, fue una escritora española. Contrajo matrimonio con Juan Ramón Jiménez en 1916, y desde ese momento y hasta su fallecimiento, 40 años más tarde, se convirtió en compañera inseparable y decisiva... Ver mas
Zenobia Camprubí Aymar, nacida en la localidad catalana de Malgrat de Mar el 31 de agosto de 1887, fue una escritora española. Contrajo matrimonio con Juan Ramón Jiménez en 1916, y desde ese momento y hasta su fallecimiento, 40 años más tarde, se convirtió en compañera inseparable y decisiva colaboradora del poeta en todos sus proyectos literarios.
Índice [ocultar]
1 Nacimiento y juventud
2 Juan Ramón Jiménez
3 Exilio
4 Noticia de su fallecimiento en Moguer
5 Su legado
6 Véase también
7 Referencias
8 Enlaces externos
Nacimiento y juventud[editar]
Única hija, tenía tres hermanos varones, uno mayor que ella (José) y otros dos menores (Raimundo y Augusto), nacidos todos en una familia culta y adinerada. Su madre, Isabel Aymar Lucca, de padre norteamericano y madre de ricos ascendientes corsos, afincados en Puerto Rico, y su padre, Raimundo Camprubí Escudero,1 ingeniero de caminos, canales y puertos, afincado en Barcelona y oriundo de Pamplona,2 se casaron en Puerto Rico, país al que Zenobia estuvo unida toda su vida. Después de la boda, la pareja se instaló en Barcelona.
A los nueve años viajó a Estados Unidos con su madre en proceso de separación. Allí residió hasta 1909, por lo cual, cuando años después regresó a España, la llamaban «la americanita». Allí comenzó sus estudios universitarios en Columbia; asistió a actividades culturales y clubes de mujeres. Entró en contacto con el feminismo estadounidense, viajó sola, leyó los clásicos españoles e ingleses y siguió un curso sobre literatura.
Desde su adolescencia, comenzó a escribir cuentos en castellano y en inglés, y a desarrollar sus dotes literarias. Se interesó por la obra del poeta y pensador indio Rabindranath Tagore, a quien tradujo años después al castellano a partir de las prosificaciones en inglés que realizó el propio Tagore.
Entre 1909 y 1910 estuvo en La Rábida. Allí improvisó una escuela para enseñar a los niños de la aldea, escribió artículos que envió a diversas revistas norteamericanas y, sobre todo, se aficionó a la poesía popular española.
Desde 1910 Zenobia vivió en Madrid. Allí se relacionó fundamentalmente con estadounidenses, ya que le angustiaba no poder moverse sola con libertad, hasta que conoció a Susan Huntington, que dirigía el Instituto Internacional de señoritas, donde se alojaban extranjeros que asistían a los cursos de verano que se organizaban.
Juan Ramón Jiménez[editar]

Juan Ramón Jiménez.
Artículo principal: Juan Ramón Jiménez
Asistió a numerosas conferencias, pero sólo podía hacerlo acompañada de un matrimonio estadounidense, los Byne. Este matrimonio organizaba fiestas y en ellas escuchó hablar de un arisco y extraño poeta huésped de la residencia, que se quejaba del ruido, pero que pegaba el oído a la pared cuando oía la risa de Zenobia, a la que por entonces aún no conocía. Zenobia conoció a Juan Ramón Jiménez en 1913, en una de esas conferencias celebradas en la Residencia donde él trabajaba.
En 1916 se casó con el poeta, que era seis años mayor que ella, en Nueva York, en la iglesia católica de Saint Stephen. A partir de este momento, la vida de Zenobia se centró en dos aspectos:
Llevar adelante actividades socialmente comprometidas, como la asociación "La Enfermera a Domicilio”, fundada por ella en Barcelona en 1919, una especie de servicio social clínico sin fines lucrativos.
Apoyar a su esposo, del que fue su traductora, secretaria, agente... Su ambición no residía en la literatura, sino en alcanzar un ideal, e hizo de Juan Ramón Jiménez la razón de su vida.
Se puso al frente de pequeños negocios que compensaran los problemas económicos del matrimonio, templó el ánimo de su marido, alentó su pluma y sorteó problemas tan importantes como abandonar España dignamente tras el estallido de la Guerra Civil.
Exilio[editar]
En agosto de 1936 el matrimonio inició un periplo en el que recorrieron Cuba, Estados Unidos, Buenos Aires y Puerto Rico, donde Zenobia trabajó como profesora en la Universidad de Puerto Rico.3 En 1951 se sometió a una operación de cáncer en Boston. En 1954 se instalan de nuevo en Puerto Rico, porque Juan Ramón no soportaba la vida en los Estados Unidos. Zenobia no sólo deja atrás una vida intelectualmente interesante, sino también la posibilidad de someterse a un buen tratamiento en caso de que reapareciera la enfermedad, cosa que ocurrió finalmente.
Zenobia falleció el 28 de octubre de 1956, en la Clínica Mimiya de Santurce, Puerto Rico, tres días después de que su esposo recibiera el Premio Nobel de Literatura.
Juan Ramón Jiménez le sobrevivió dos años, y en la actualidad los restos de ambos se encuentran en Moguer, en el Cementerio de Jesús.
Noticia de su fallecimiento en Moguer[editar]

Dedicatoria de Juan Ramón Jiménez a Zenobia.
Al recibirse en Moguer la noticia de la muerte de Zenobia, el mismo día 28 de octubre, que era domingo, la corporación municipal celebró una sesión extraordinaria en la que se acordó en primer lugar nombrar Hija Adoptiva de Moguer a Zenobia Camprubí, y se solicitó al Ministerio de la Gobernación la autorización correspondiente para dar el nombre de Zenobia Camprubí a la calle de las Flores.
El entonces alcalde de Moguer, Juan Gorostidi Alonso, cursó al poeta en la mañana del lunes 29 un telegrama con el texto «todo Moguer comparte tu dolor por el fallecimiento de Zenobia», y, ya por la tarde, la corporación volvió a reunirse acordándose, por un lado, la celebración de un solemne funeral que tendría lugar el 5 de noviembre y, por otro, suspender todos los festejos organizados en señal de júbilo por la concesión del Nobel a Juan Ramón.
Su legado[editar]
Zenobia Camprubí está considerada como una de las primeras grandes feministas de España, miembro destacado del Lyceum Club Femenino junto a Victoria Kent, desde el que reivindicó constantemente una mayor presencia de la mujer en todos los ámbitos de la sociedad. Entre sus muchas iniciativas de carácter humanitario, destacaron varias campañas a favor de los niños españoles víctimas de la Guerra Civil, realizadas desde su residencia en Nueva York.
De su actividad en el mundo de las letras, sobresalen las primeras traducciones al castellano de la obra de Rabindranath Tagore como, por ejemplo, el libro inicialmente escrito por W.W. Pearson "Shantiniketan", traducido al castellano con el nombre "Morada de paz" (1919). También es digna de mención su constante difusión de la cultura y la lengua españolas, especialmente en los ambientes literarios de Estados Unidos, desde su puesto de profesora en la Universidad de Maryland.4
Entre sus escritos, se cuentan:
Traducción al castellano de los escritos de Rabindranath Tagore, algunas junto a Juan Ramón.
Juan Ramón y yo (1954).
Diario I. Cuba (1937-1939).5
Diario II. Estados Unidos (1939-1950).6
Diario III. Puerto Rico (1951-1956).7
V

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Violeta Parra (Chile 1917-1967)

2. Violeta Parra (Chile 1917-1967)

Violeta Parra (San Carlos, Chillán, 1917 – Santiago, 1967) Cantautora y folclorista chilena, hermana del poeta Nicanor Parra. Hija de Nicanor Parra y Clara Sandoval, realizó sus primeros estudios en Lautaro y en Chillán, y en 1934 ingresó a la Escuela Normal, donde permaneció menos de un año... Ver mas
Violeta Parra
(San Carlos, Chillán, 1917 – Santiago, 1967) Cantautora y folclorista chilena, hermana del poeta Nicanor Parra.

Hija de Nicanor Parra y Clara Sandoval, realizó sus primeros estudios en Lautaro y en Chillán, y en 1934 ingresó a la Escuela Normal, donde permaneció menos de un año. En 1938 se casó con Luis Cereceda, el padre de sus hijos Ángel e Isabel, que adoptarían el apellido de su madre.

Desde pequeña sintió afición por la música y el folclore chilenos; su padre, profesor de escuela primaria, fue un conocido folclorista de la región. Tras instalarse en Santiago, comenzó a actuar con su hermana Hilda en el Dúo Hermanas Parra. En 1942 ganó el primer premio en un concurso de canto español organizado en el Teatro Baquedano, y a partir de entonces fue contratada con frecuencia hasta que partió a Valparaíso, donde encontró su verdadera vocación.

El constante viajar por todo el país le puso en contacto con la realidad social chilena, plagada de desigualdades económicas. Violeta Parra adoptó una postura política de militante de izquierdas que le llevó a buscar las raíces de la música popular. En 1952 recorrió los barrios más pobres de Santiago de Chile, las comunidades mineras y las explotaciones agrarias, recogiendo canciones anónimas que después repetirá, ya en 1954, en una serie de programas radiofónicos para Radio Chilena, emisora que la proyectó al primer plano del folclore nacional. En 1954 recibió el premio Caupolicán; ese mismo año contrajo matrimonio con Luis Arce, del que nacieron Carmen Luisa y Rosa Clara. En 1953 había conocido a Pablo Neruda.

A mitad de los años cincuenta realizó un viaje por los países de la Europa socialista y de regreso, a su paso por Francia, tuvo la oportunidad de plasmar temas del folklore chileno para el catálogo del sello Le Chant Du Monde. En 1956, ya de regreso a Chile, grabó el primer álbum de la colección El folclore de Chile, serie que impedirá que se pierdan multitud de temas, la mayoría de autoría anónima. Fue designada directora del museo de Arte Popular de la Universidad de Concepción y retomó sus actuaciones en Radio Chilena.

Pasó los primeros años de la década de 1960 en Europa, donde realizó actuaciones en diversos países. En 1964 tuvo la oportunidad de organizar una exposición individual de su obra plástica en el Museo del Louvre, la primera realizada por un artista latinoamericano. Nuevamente en Santiago, junto con su hermano Nicanor y sus hijos mayores, animaron la "Peña de los Parra", un nombre de resonancias legendarias en la música popular de América Latina.

Además de una artista excepcional, Violeta Parra fue una investigadora del folclore chileno; su obra recopilada es inmensa y comprende numerosos géneros, como tonadas, parabienes o villancicos. Su labor de difusora de la expresión del pueblo campesino la volcó en composiciones musicales como Casamientos de negros (1955), Yo canto la diferencia (1961), Una chilena en París (1965), Qué dirá el Santo Padre (1965), Rin del angelito (1966), Run run se fue pal Norte (1966), Volver a los diecisiete (1966) y Gracias a la vida (1966), muchas de las cuales han sido grabadas por destacados intérpretes.

Su creatividad la llevó también a cultivar la cerámica, la confección de tapices, la pintura y la poesía. Los dolores y las alegrías de su vida alientan los versos de A lo humano y a lo divino. Desgraciadamente, como consecuencia de una fuerte depresión, Violeta Parra acabó con su vida el 5 de febrero de 1967, momentos antes de salir a un escenario.

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Sor Juana Inés de la Cruz (México 1651-1695)

3. Sor Juana Inés de la Cruz (México 1651-1695)

Sor Juana Inés de la Cruz (Juana Inés de Asbaje y Ramírez; San Miguel de Nepantla, actual México, 1651 - Ciudad de México, id., 1695) Escritora mexicana, la mayor figura de las letras hispanoamericanas del siglo XVII. La influencia del barroco español, visible en su producción lírica y... Ver mas
Sor Juana Inés de la Cruz
(Juana Inés de Asbaje y Ramírez; San Miguel de Nepantla, actual México, 1651 - Ciudad de México, id., 1695) Escritora mexicana, la mayor figura de las letras hispanoamericanas del siglo XVII. La influencia del barroco español, visible en su producción lírica y dramática, no llegó a oscurecer la profunda originalidad de su obra. Su espíritu inquieto y su afán de saber la llevaron a enfrentarse con los convencionalismos de su tiempo, que no veía con buenos ojos que una mujer manifestara curiosidad intelectual e independencia de pensamiento.

Biografía

Niña prodigio, aprendió a leer y escribir a los tres años, y a los ocho escribió su primera loa. En 1659 se trasladó con su familia a la capital mexicana. Admirada por su talento y precocidad, a los catorce fue dama de honor de Leonor Carreto, esposa del virrey Antonio Sebastián de Toledo. Apadrinada por los marqueses de Mancera, brilló en la corte virreinal de Nueva España por su erudición, su viva inteligencia y su habilidad versificadora.


Sor Juana Inés de la Cruz

Pese a la fama de que gozaba, en 1667 ingresó en un convento de las carmelitas descalzas de México y permaneció en él cuatro meses, al cabo de los cuales lo abandonó por problemas de salud. Dos años más tarde entró en un convento de la Orden de San Jerónimo, esta vez definitivamente. Dada su escasa vocación religiosa, parece que Sor Juana Inés de la Cruz prefirió el convento al matrimonio para seguir gozando de sus aficiones intelectuales: «Vivir sola... no tener ocupación alguna obligatoria que embarazase la libertad de mi estudio, ni rumor de comunidad que impidiese el sosegado silencio de mis libros», escribió.

Su celda se convirtió en punto de reunión de poetas e intelectuales, como Carlos de Sigüenza y Góngora, pariente y admirador del poeta cordobés Luis de Góngora (cuya obra introdujo en el virreinato), y también del nuevo virrey, Tomás Antonio de la Cerda, marqués de la Laguna, y de su esposa, Luisa Manrique de Lara, condesa de Paredes, con quien le unió una profunda amistad. En su celda también llevó a cabo experimentos científicos, reunió una nutrida biblioteca, compuso obras musicales y escribió una extensa obra que abarcó diferentes géneros, desde la poesía y el teatro (en los que se aprecia, respectivamente, la influencia de Luis de Góngora y Calderón de la Barca), hasta opúsculos filosóficos y estudios musicales.

Perdida gran parte de esta obra, entre los escritos en prosa que se han conservado cabe señalar la Respuesta a Sor Filotea de la Cruz. El obispo de Puebla, Manuel Fernández de la Cruz, había publicado en 1690 una obra de Sor Juana Inés, la Carta athenagórica, en la que la religiosa hacía una dura crítica al «sermón del Mandato» del jesuita portugués António Vieira sobre las «finezas de Cristo». Pero el obispo había añadido a la obra una «Carta de Sor Filotea de la Cruz», es decir, un texto escrito por él mismo bajo ese pseudónimo en el que, aun reconociendo el talento de Sor Juana Inés, le recomendaba que se dedicara a la vida monástica, más acorde con su condición de monja y mujer, antes que a la reflexión teológica, ejercicio reservado a los hombres.

En la Respuesta a Sor Filotea de la Cruz (es decir, al obispo de Puebla), Sor Juana Inés de la Cruz da cuenta de su vida y reivindica el derecho de las mujeres al aprendizaje, pues el conocimiento «no sólo les es lícito, sino muy provechoso». La Respuesta es además una bella muestra de su prosa y contiene abundantes datos biográficos, a través de los cuales podemos concretar muchos rasgos psicológicos de la ilustre religiosa. Pero, a pesar de la contundencia de su réplica, la crítica del obispo de Puebla la afectó profundamente; tanto que, poco después, Sor Juana Inés de la Cruz vendió su biblioteca y todo cuanto poseía, destinó lo obtenido a beneficencia y se consagró por completo a la vida religiosa.


Firma autógrafa de Sor Juana

Murió mientras ayudaba a sus compañeras enfermas durante la epidemia de cólera que asoló México en el año 1695. La poesía del Barroco alcanzó con ella su momento culminante, y al mismo tiempo introdujo elementos analíticos y reflexivos que anticipaban a los poetas de la Ilustración del siglo XVIII. Sus obras completas se publicaron en España en tres volúmenes: Inundación castálida de la única poetisa, musa décima, Sor Juana Inés de la Cruz (1689), Segundo volumen de las obras de Sor Juana Inés de la Cruz (1692) y Fama y obras póstumas del Fénix de México (1700), con una biografía del jesuita P. Calleja.

La poesía de Sor Juana Inés de la Cruz

Aunque su obra parece inscribirse dentro del culteranismo de inspiración gongorina y del conceptismo, tendencias características del barroco, el ingenio y originalidad de Sor Juana Inés de la Cruz la han colocado por encima de cualquier escuela o corriente particular. Ya desde la infancia demostró gran sensibilidad artística y una infatigable sed de conocimientos que, con el tiempo, la llevaron a emprender una aventura intelectual y artística a través de disciplinas tales como la teología, la filosofía, la astronomía, la pintura, las humanidades y, por supuesto, la literatura, que la convertirían en una de las personalidades más complejas y singulares de las letras hispanoamericanas.


Juana Inés a los quince años de
edad, antes de tomar los hábitos

En la poesía de Sor Juana Inés de la Cruz hallamos numerosas y elocuentes composiciones profanas (redondillas, endechas, liras y sonetos), entre las que destacan las de tema amoroso, como los sonetos que comienzan con "Esta tarde, mi bien, cuando te hablaba" y "Detente, sombra de mi bien esquivo". En "Rosa divina que en gentil cultura" desarrolla el mismo motivo de dos célebres sonetos de Góngora y de Calderón, no quedando inferior a ninguno de ambos. También abunda en ella la temática mística, en la que una fervorosa espiritualidad se combina con la hondura de su pensamiento, tal como sucede en el caso de "A la asunción", delicada pieza lírica en honor a la Virgen María.

Sor Juana empleó las redondillas para disquisiciones de carácter psicológico o didáctico en las que analiza la naturaleza del amor y sus efectos sobre la belleza femenina, o bien defiende a las mujeres de las acusaciones de los hombres, como en las célebres "Hombres necios que acusáis". Los romances se aplican, con flexibilidad discursiva y finura de notaciones, a temas sentimentales, morales o religiosos (son hermosos por su emoción mística los que cantan el Amor divino y Cristo en el Sacramento). Entre las liras es célebre la que expresa el dolor de una mujer por la muerte de su marido ("A este peñasco duro"), de gran elevación religiosa.

Mención aparte merece Primero sueño, poema en silvas de casi mil versos escritos a la manera de las Soledades de Góngora en el que Sor Juana describe, de forma simbólica, el impulso del conocimiento humano, que rebasa las barreras físicas y temporales para convertirse en un ejercicio de puro y libre goce intelectual. El poema es importante además por figurar entre el reducido grupo de composiciones que escribió por propia iniciativa, sin encargo ni incitación ajena. El trabajo poético de la monja se completa con varios hermosos villancicos que en su época gozaron de mucha popularidad.

El teatro y la prosa

En el terreno de la dramaturgia escribió una comedia de capa y espada de estirpe calderoniana, Los empeños de una casa, que incluye una loa y dos sainetes, entre otras intercalaciones, con predominio absoluto del octosílabo; y el juguete mitológico-galante Amor es más laberinto, pieza más culterana cuyo segundo acto es al parecer obra del licenciado Juan de Guevara. Compuso asimismo tres autos sacramentales: San Hermenegildo, El cetro de San José y El divino Narciso; en este último, el mejor de los tres, se incluyen villancicos de calidad lírica excepcional. Aunque la influencia de Calderón resulta evidente en muchos de estos trabajos, la claridad y belleza del desarrollo posee un acento muy personal.

La prosa de la autora es menos abundante, pero de pareja brillantez. Esta parte de su obra se encuentra formada por textos devotos como la célebre Carta athenagórica (1690), y sobre todo por la Respuesta a Sor Filotea de la Cruz (1691), escrita para contestar a la exhortación que le había hecho (firmando con ese seudónimo) el obispo de Puebla para que frenara su desarrollo intelectual. Esta última constituye una fuente de primera mano que permite conocer no sólo detalles interesantes sobre su vida, sino que también revela aspectos de su perfil psicológico. En ese texto hay mucha información relacionada con su capacidad intelectual y con lo que el filósofo Ramón Xirau llamó su "excepcionalísima apetencia de saber", aspecto que la llevó a interesarse también por la ciencia, como lo prueba el hecho de que en su celda, junto con sus libros e instrumentos musicales, había también mapas y aparatos científicos.

De menor relevancia resultan otros escritos suyos acerca del Santo Rosario y la Purísima, la Protesta que, rubricada con su sangre, hizo de su fe y amor a Dios y algunos documentos. Pero también en la prosa encuentra ocasión la escritora para adentrarse por las sendas más oscuras e intrincadas, siempre con su brillantez característica, como vemos en su Neptuno Alegórico, redactado con motivo de la llegada del virrey conde de Paredes.

A causa de la reacción neoclásica del siglo XVIII, la lírica de Sor Juana cayó en el olvido, pero, ya mucho antes de la posterior revalorización de la literatura barroca, su obra fue estudiada y ocupó el centro de una atención siempre creciente. La renovada fortuna de sus versos podría adscribirse más al equívoco de la interpretación biográfica de su poesía que a una valoración puramente estética. Ciertamente es desconcertante la figura de esta poetisa que, a pesar de ser hermosa y admirada, sofoca bajo el hábito su alma apasionada y su rica sensibilidad sin haber cumplido los veinte años. Pero la crítica moderna ha deshecho la romántica leyenda de la monja impulsada al claustro por un desengaño amoroso, señalando además como indudable que su silencio final se debió a la presión de las autoridades ec

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Gabriela  Mistral (Chile 1889-1957)

4. Gabriela Mistral (Chile 1889-1957)

Gabriela Mistral (Seudónimo literario de Lucilia Godoy; Vicuña, Chile, 1889 - Nueva York, 1957) Poetisa y educadora chilena. Hija de un maestro de escuela, con dieciséis años Gabriela Mistral decidió dedicarse ella también a la enseñanza; trabajó como profesora de secundaria en su país y como... Ver mas
Gabriela Mistral
(Seudónimo literario de Lucilia Godoy; Vicuña, Chile, 1889 - Nueva York, 1957) Poetisa y educadora chilena. Hija de un maestro de escuela, con dieciséis años Gabriela Mistral decidió dedicarse ella también a la enseñanza; trabajó como profesora de secundaria en su país y como directora de escuela.

Gabriela Mistral se dio a conocer en los Juegos Florales de Chile en 1914 con el libro de poemas Los sonetos de la muerte, nacidos del dolor causado por el suicidio de su prometido, el empleado ferroviario Romelio Ureta, a quien había conocido en 1906. Estos sonetos fueron incorporados en 1922 a una colección más amplia de sus versos realizada por el Instituto Hispánico de Nueva York bajo el título de Desolación.


Gabriela Mistral

Ese mismo año dejó Chile para trasladarse a México, a petición del gobierno de este país, con el fin de que colaborara en la reforma de la educación iniciada por Vasconcelos. En México, Gabriela Mistral fundó la escuela que lleva su nombre y colaboró en la organización de varias bibliotecas públicas, además de componer poemas para niños (Rondas de niños, 1923) por encargo del ministro de Instrucción Pública mexicano, y textos didácticos como Lecturas para mujeres (1924).

Terminada su estancia en México, viajó a Europa y a Estados Unidos, y en 1926 fue nombrada secretaria del Instituto de Cooperación Intelectual de la Sociedad de Naciones. Paralelamente, fue redactora de una revista de Bogotá, El Tiempo (sus artículos fueron recogidos póstumamente en Recados contando a Chile, en 1957), representó a Chile en un congreso universitario en Madrid y pronunció en Estados Unidos una serie de conferencias sobre el desarrollo cultural estadounidense (1930). En 1945 Gabriela Mistral recibió el Premio Nobel de Literatura.

La poesía de Gabriela Mistral

De tendencia modernista en sus inicios, su poesía derivó hacia un estilo personal, con un lenguaje coloquial y simple, de gran musicalidad, y un simbolismo que conecta con una imaginería de tradición folclórica. En sus obras expresó temas como el sufrimiento o la maternidad frustrada, así como inquietudes religiosas y sociales que responden a su ideología cristiana y socialista.

La obra de Mistral, en efecto, pasó por distintas etapas relacionadas con la temática y el estilo literario. En un primer momento, con la publicación de Desolación, existe un fuerte predomino del sentimiento sobre el pensamiento a la vez que una cercanía muy estrecha con lo religioso. En este libro aborda el tema del amor desde su propia experiencia trágica: la muerte de su amante.

En otra de sus producciones, Ternura (1924), la poetisa realiza una fusión de cuerpo y alma a través de la maternidad. Existe una pérdida real en el adulto: la infancia, que es restituida, en parte, a través del lenguaje. Este libro, dedicado a su madre y hermana, está dividido en siete secciones: Canciones de Cuna, Rondas, La Desviadora, Jugarretas, Cuenta-Mundo, Casi Escolares y Cuento. Muchos de sus poemas -relacionados con niños- quedaron recogidos en sus poemarios Desolación y Lectura para Mujeres.

En 1938 apareció Tala, en la que está presente la cosmovisión dolorosa de Desolación. En 1954 apareció en Chile su siguiente colección de poemas, Lagar. Con anterioridad, habían aparecido dos antologías suyas, una en 1941 y otra en 1950, titulada Pequeña Antología. En esta obra estarían presentes todas las muertes, las tristezas, las pérdidas y el sentimiento de su propio fin. Éste fue el último texto que publicó en vida.

De aquí en adelante se publicarían muchos más textos recopilatorios de las poesías de la Mistral. Algunos de ellos son: Antología (1957), Recados: contando a Chile (1957), Los Motivos de San Francisco (1965), Poema de Chile (1967), Cartas de Amor de Gabriela Mistral (1978) y Gabriela Mistral en el Repertorio Americano (1978), entre otros muchos.

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Rosalía de Castro (España 1837-1885)

5. Rosalía de Castro (España 1837-1885)

ROSALÍA DE CASTRO (1837 – 1885) Nació en Santiago de Compostela. Fue bautizada con los nombres de María Rosalía Rita. hija de padres desconocidos. Muy poco se sabe de su educación. Se sabe que en la escuela mostró talento de versificadora. También le gustaba el dibujo, la música y la... Ver mas
ROSALÍA DE CASTRO
(1837 – 1885)

Nació en Santiago de Compostela. Fue bautizada con los nombres de María Rosalía Rita. hija de padres desconocidos. Muy poco se sabe de su educación. Se sabe que en la escuela mostró talento de versificadora. También le gustaba el dibujo, la música y la declamación.

Rosalía de Castro contrajo matrimonio con Manuel Martínez Murguía, erudito cronista de Galicia. Al año siguiente Rosalía da luz a su primera hija, Alejandra, a la que han de seguir seis hijos más. Su domicilio cambió varias veces, entre Madrid y Simancas. Rosalía nunca disfrutó de buena salud. Luchó siempre contra enfermedades, y a menudo con la penuria, vivió dedicada a su hogar, a sus hijos y a su marido, nunca aspiró a la fama. Su marido fue quien la convenció para que publicara sus obras. Murió de cáncer a los cuarenta y ocho años en su casa de Padrón, la cual hoy es un museo. Todos sus hijos murieron antes que ella, sin poder dejar herederos.

Compuso sus primeros versos a la edad de 12 años. A los 17 años ya era conocida en el "Liceo de San Agustín". por su primer libro; La Flor. y Follas Novas: es el título de su último libro que contiene su manera de ver la vida, en el muestra su esencia vital. Rosalía muestra una visión sombría de la existencia humana. En los Cantares, Rosalía asume la voz del pueblo gallego. Su obra maestra en castellano es En las Orillas del Sar, versos de tono íntimo, de extraña penetración, cargados de nocturna belleza. Merece ser considerada, al lado de Gustavo Adolfo Bécquer, como la precursora de la Modernidad e iniciadora de una nueva métrica castellana.

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Alfonsina Storni (Argentina 1892-1938)

6. Alfonsina Storni (Argentina 1892-1938)

Alfonsina Storni Martignoni (Sala Capriasca, Suiza, 29 de mayo de 18921 2 3 4 – Mar del Plata, Argentina, 25 de octubre de 1938) fue una poetisa y escritora argentina del modernismo.5 Sus padres, dueños de una cervecería en San Juan, regresaron a Suiza en 1891. Y en 1896 volvieron a Argentina... Ver mas
Alfonsina Storni Martignoni (Sala Capriasca, Suiza, 29 de mayo de 18921 2 3 4 – Mar del Plata, Argentina, 25 de octubre de 1938) fue una poetisa y escritora argentina del modernismo.5
Sus padres, dueños de una cervecería en San Juan, regresaron a Suiza en 1891. Y en 1896 volvieron a Argentina junto con Alfonsina, quien había nacido durante la estadía de la pareja en el país europeo. En San Juan concurrió al jardín de infantes y desarrolló la primera parte de su infancia. A principios del siglo XX la familia se mudó a Rosario, donde su madre fundó una escuela domiciliaria y su padre instaló un café cerca de la estación de ferrocarril Rosario Central. Alfonsina se desempeñó como mesera en el negocio familiar, pero dado que este trabajo no le gustaba se independizó y consiguió empleo como actriz. Más tarde recorrería varias provincias en una gira teatral.6
Storni ejerció como maestra en diferentes establecimientos educativos y escribió sus poesías y algunas obras de teatro durante este período. Su prosa es feminista, y según la crítica, posee una originalidad que cambió el sentido de las letras de Latinoamérica. Otros dividen su obra en dos partes: una de corte romántico, que trata el tema desde el punto de vista erótico y sensual y muestra resentimiento hacia la figura del varón, y una segunda etapa en la que deja de lado el erotismo y muestra el tema desde un punto de vista más abstracto y reflexivo. La crítica literaria, por su parte, clasifica en tardorrománticos a los textos editados entre los años 1916 y 1925 y a partir de Ocre encuentra rasgos de vanguardismo y recursos como el antisoneto. Sus composiciones reflejan, además, la enfermedad que padeció durante gran parte de su vida y muestran la espera del punto final de su vida, expresándolo mediante el dolor, el miedo y otros sentimientos.7
Fue diagnosticada con cáncer de mama, del cual fue operada. A pedido de un medio periodístico se realizó un estudio de quirología, cuyo diagnóstico no fue acertado. Esto la deprimió, provocándole un cambio radical en su carácter y llevándola a descartar los tratamientos médicos para combatirla.8
Se suicidó en Mar del Plata arrojándose de la escollera del Club Argentino de Mujeres. Hay versiones románticas que dicen que se internó lentamente en el mar. Su cuerpo fue velado inicialmente en esa ciudad balnearia y finalmente en Buenos Aires. Actualmente sus restos se encuentran enterrados en el Cementerio de la Chacarita.9
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1 Trayectoria
1.1 Infancia y juventud
1.2 Viaje a Rosario
1.3 La independización
1.4 Carrera docente
1.5 Poeta en Buenos Aires
1.6 Relación con Horacio Quiroga
1.7 Un nuevo camino para la poesía
1.8 Poesía en prosa
1.9 Los nervios
1.10 Años de equilibrio
1.11 Enfermedad
1.12 El final
2 Críticas
3 Reconocimientos
4 Véase también
5 Notas al pie
6 Referencias
7 Bibliografía
7.1 Usadas como referencia
7.2 Lecturas adicionales
7.3 Traducciones
8 Enlaces externos
Trayectoria[editar]
Infancia y juventud[editar]
Sus padres fueron Alfonso Storni y Paulina Martignoni, quienes juntos a sus abuelos Alfonsiño y Maria sus hermanas mayores de Alfonsina, María y Romero, llegaron a la provincia de San Juan desde Lugano, Suiza, en 1880. Fundaron una pequeña empresa familiar, y años después, las botellas de cerveza etiquetadas «Cerveza Los Alpes, de Storni y Cía», comenzaron a circular por toda la región.10
En 1891 la familia viajó a Suiza quedando en la provincia algunos hermanos y en 1892, el 22 de mayo, nació ella en Sala Capriasca siendo la tercera hija del matrimonio Storni-Martignoni. Su padre, un hombre «melancólico y raro»,11 fue quien eligió el nombre. Años más tarde, Alfonsina le diría a su amigo Fermín Estrella Gutiérrez: «me llamaron Alfonsina, que quiere decir dispuesta a todo». Hay otras versiones que indican que nació el 22 de mayo pero la registraron el 29 y otras que afirman que nació en un barco en altamar.6 Fue bautizada en la parroquia de Tesserete, lugar en el que actualmente se puede leer en el margen del acta de bautismo una inscripción realizada por el sacerdote Osvaldo Crivelli que dice Grande poetesa morta al mar della Plata.
Alfonsina aprendió a hablar en italiano, y en 1896 regresó a San Juan, de donde son sus primeros recuerdos.
Estoy en San Juan, tengo cuatro años; me veo colorada, redonda, chatilla y fea. Sentada en el umbral de mi casa, muevo los labios como leyendo un libro que tengo en la mano y espío con el rabo del ojo el efecto que causo en el transeúnte. Unos primos me avergüenzan gritándome que tengo el libro al revés y corro a llorar detrás de la puerta.12
Su madre la anotó en el jardín de infantes, donde se la recuerda como una chica curiosa y que hacía muchas preguntas, imaginaba mucho y mentía. Su madre tenía dificultades para enseñarle a decir la verdad. Inventaba incendios, robos, crímenes que nunca aparecían en los policiales de los periódicos, metía a su familia en líos y en una oportunidad invitó a sus docentes a pasar las vacaciones a una quinta imaginaria en las periferias de la ciudad.12 13
El recuerdo de su padre lo reflejó en el poema A mi padre, el cual se basa en la actitud melancólica del señor que en esa época promediaba los treinta años, y en otro recita:
Que por días enteros, vagabundo y huraño
no volvía a la casa, y como un ermitaño
se alimentaba de aves, dormía sobre el suelo
y sólo cuando el Zonda, grandes masas ardientes
de arena y de insectos levanta en los calientes
desiertos sanjuaninos, cantaba bajo el cielo.14
Si bien la imagen del padre tiene matices melancólicos, la de la madre refleja tristeza oculta que muestra, a su vez, la marca de la resignación femenina. De ella escribió:
Dicen que silenciosas las mujeres han sido
De mi casa materna....Ah, bien pudieran ser
A veces, en mi madre apuntaron antojos
de liberarse, pero se le subió a los ojos
una honda amargura, y en la sombra lloró.14
Se supone que esta descripción de la madre corresponde a la época que precedió la mudanza a Rosario y a los años posteriores que fueron difíciles. En 1900 nació Hildo Alberto, el último hermano, a quien tuvo que proteger.
Viaje a Rosario[editar]
En 1901 la familia se trasladó nuevamente, esta vez a la ciudad de Rosario, por motivos desconocidos. Llevaron consigo algunos ahorros con los que Paulina abrió una pequeña escuela domiciliaria, y pasó a ser la cabeza de una familia numerosa, pobre y sin nadie que la maneje. Los alumnos abonaban un peso con cincuenta por cada uno y llegaron a ser cincuenta; sin embargo, la ganancia de setenta y cinco pesos mensuales no permitían una vida cómoda.15
Instalaron el «Café Suizo», cerca de la estación de tren; no se sabe la fecha con certeza, pero sí que el proyecto fracasó. Alfonsina dejó de asistir a la escuela y comenzó a trabajar lavando platos y atendiendo las mesas a la edad de diez años. Las demás mujeres comenzaron a trabajar de costureras. El fracaso lo puede haber provocado la imposibilidad de manejar el negocio y el alcoholismo del padre, quien se sentaba en una mesa a beber hasta que su esposa, junto con uno de sus hijos, lo arrastraban hasta su cama. Una vez cerrado el emprendimiento se mudaron de casa, su hermana María se casó y Alfonso, su esposo, falleció por causas que no se conocen. Este hecho coincide con la edad en que Alfonsina comenzó a escribir poesías. Tenía un mal recuerdo de aquel momento y lo expresó de esta manera:
A los doce años escribo mi primer verso. Es de noche; mis familiares ausentes. Hablo en él de cementerios, de mi muerte. Lo doblo cuidadosamente y lo dejo debajo del velador, para que mi madre lo lea antes de acostarse. El resultado es esencialmente doloroso; a la mañana siguiente, tras una contestación mía levantisca, unos coscorrones frenéticos pretenden enseñarme que la vida es dulce. Desde entonces, los bolsillos de mis delantales, los corpiños de mis enaguas, están llenos de papeluchos borroneados que se me van muriendo como migas de pan.16
Las tareas domésticas no le dejaban tomarse un descanso, ya que tenía que ayudar con la costura a su madre hasta la madrugada y con las tareas escolares a su hermanito. Una fotografía tomada en 1905 los muestra sentados en un sillón de mimbre y al niño vestido con trajecito de marinero. Esta toma fue hecha por un fotógrafo del barrio un día que ella vistió a su hermano y salió con él, según relató Olimpia Perelli, su media hermana.17
La independización[editar]
El trabajo hogareño no la conformaba, ya que no le rendía económicamente y conllevaba largas horas de encierro. Para cambiar su situación, buscó trabajo en forma independiente: lo encontró en una fábrica de gorras y, posteriormente, se la vio entregando volantes en algún festejo del Día del Trabajo.
En 1907 Manuel Cordero, un director teatral que estaba de gira en las provincias junto con su compañía, arribó a Rosario. Lo hizo en Semana Santa, con el objetivo de representar las Escenas de la Pasión. Paulina tomó contacto con la compañía y se le asignó el papel de María Magdalena. Alfonsina, por su parte, asistió a los ensayos y, dado que dos días antes del estreno se enfermó la actriz que personificaba a San Juan Evangelista y que ella sabía de memoria todos los papeles y no le incomodaba interpretar a un hombre, la reemplazó. Al otro día la prensa elogió su actuación.18
Al poco tiempo visitó Rosario la compañía de José Tallavi para entrevistarse con Alfonsina, quien les demostró que podía recitar y memorizar largos versos, y se le ofreció trabajo. De esta manera, Alfonsina dejó la casa de Rosario junto al resto de su familia. En un año recorrió Santa Fe, Córdoba, Mendoza, Santiago del Estero y Tucumán representando Espectros de Ibsen, La loca de la casa de Pérez Galdós y Los muertos de Florencio Sánchez. No se conocen mayores detalles de este año de gira; únicamente se sabe que intercambió correspondencia con Julio Cejador, un filólogo español.19
Según declaró a la revista El Hogar, a su regreso escribió su primera obra de teatro, Un corazón valiente; sin embargo, no han quedado testimonios de este hecho. Además, se enteró de que su madre había contraído matrimonio con Juan Perelli, un tenedor de libros, y que se había mudado a la localidad de Bustinza, donde había establecido nuevamente su escuela domiciliaria.20 Para poder visitarla se trasladó en tren hasta Cañada de Gómez el 24 de agosto de 1908 donde la esperaba José Martínez para trasladarla hasta el pueblo en un break con capota, utilizado para trasladar la correspondencia hasta dicho lugar. Esa noche asistió a una fiesta en la casa del Juez de Paz, Bartolomé Escalante, e inició una amistad con algunas jovencitas del lugar, a quienes visitaba y acompañaba cuando andaban a caballo.
Se alojó en la casa alquilada por su madre frente a la plaza, donde jugaba al tenis con Prima Correa, hija de la dueña de la propiedad, utilizando unas grandes alpargatas negras como raquetas. En el galpón del fondo de la propiedad solía fumar a escondidas cigarrillos de chala con Rafaela Ramírez, una joven del pueblo. También asistía a paseos, fiestas vecinales y celebraciones religiosas.
Dictaba clases de recitado y de buenos modales en la escuela de su madre. Una alumna suya, Amalia Medina, la definió como una persona muy fina en su porte, en su bailar y en su mímica. Aunque se la caracterizaba como una persona delicada y cariñosa, hay testimonios de algunos días melancólicos donde se encerraba en sí misma y cantaba canciones tristes y dolientes.20
Carrera docente[editar]
En el año 1909 dejó el hogar materno para terminar sus estudios en Coronda. En esa localidad se dictaba la carrera de maestro rural, en la Escuela Normal Mixta de Maestros Rurales. En el registro de inscripciones aparece la leyenda «Alfonsina Storni, 17 años, suiza». Fue aceptada por su entusiasmo, porque no tenía certificado de estudios primarios y tampoco aprobó el examen de ingreso, pero la escuela recién abría y necesitaba alumnos, según declaró la señorita Gervasoni, directora del establecimiento, quien además dijo que Alfonsina mostraba interés en progresar. Además, la nombraron celadora a cambio de un sueldo de cuarenta pesos. La pensión donde se alojaba le costaba veinticinco pesos, lo que la obligaba a mantenerse con los quince pesos restantes. Este alojamiento era propiedad de Mercedes Gervasoni de Venturini, la hermana de la directora del colegio. Es posible que Alfonsina cobrara una beca estatal de treinta pesos, gestionada por el diputado Mardoquio Contreras, pero este hecho no está comprobado.7
Su profesora de Idioma Nacional, Emilia Pérez de la Barra, la estimuló a trabajar porque había detectado en ella condiciones de escritora. Por su parte, la secretaria de la institución, Carlota Garrido de la Peña, una escritora santafesina, propuso publicar un boletín del colegio que reflejara las actividades del mismo y del lugar. En el segundo número se describe que la alumna docente Storni cantó una romanza con voz dulce y sentimental y en los números cuatro a siete se publicó un trabajo expuesto en unas conferencias sobre temas pedagógicos que se celebraban todos los sábados por los alumnos del segundo año. Se trataba de un método para enseñar aritmética en los primeros grados.21
En 1910 comenzó a realizar viajes los fines de semana sin que nadie supiese a dónde iba y de dónde conseguía el dinero. Alguien se dio cuenta que viajaba a Rosario. En la ciudad de San Lorenzo, durante la celebración del aniversario de la Batalla de San Lorenzo, le pidieron que cantara. En un escenario adornado de banderas argentinas entonó la Cavatina de El Barbero de Sevilla de Rossini. Le pidieron un bis y en un momento de silencio alguien afirmó en voz alta que era la muchacha que cantaba en Rosario en un lugar de dudosa reputación, a lo que el público respondió con risas. Al regresar a la pensión escribió en una nota: «Después de lo ocurrido no tengo ánimos para seguir» y se perdió de vista. La nota fue hallada por la esposa del comisario, que fue a su habitación a la hora de la comida para ver por qué no llegaba. Salió la familia a buscarla y la encontraron en un barranco llorando. El comisario le palmeó la espalda y se tranquilizó. Por la noche recuperó el humor, pero esta escena pudo ser el presagio de lo que pasaría treinta años después.22
Su madre asistió a la entrega de diplomas de maestros. En el programa del acto figuraban tres poemas de Alfonsina; uno de ellos fue recitado por alumnos del jardín de infantes y titulado Un viaje a la luna. Ese año el tema planetario estaba de moda porque se había visto al cometa Halley, lo cual despertó temor en la población e incluso suicidios.23 24 Además, entonó El brindis de la Traviata de Verdi y antes de irse le dedicó a la directora María Margarita Gervasoni un poema llamado El maestro que incluyó la frase «a mi inteligente y noble directora».25 26
En abril de 1921 ingresó como docente en la Escuela para Niños Débiles del Parque Chacabuco, una institución creada por Hipólito Yrigoyen para contrarrestar los efectos de la pobreza, albergando a niños mal alimentados o raquíticos. Se los trataba con un programa de sol y ejercitación física. Alfonsina no se sentía a gusto en este empleo porque decía que las autoridades no eran comprensivas con ella.27 28
Poeta en Buenos Aires[editar]
En 1911 se trasladó a Buenos Aires, llevando consigo sus pocas pertenencias. Arribó a la estación del ferrocarril del Norte (actualmente Retiro) y se hospedó en una pensión hasta el año siguiente. El 21 de abril nació su hijo Alejandro, sin padre conocido; el parto se llevó a cabo en el hospital San Roque (hoy Hospital Ramos Mejía). Más tarde madre e hijo se debieron mudar a una casa compartida con un matrimonio.29
Descansó unos meses y en 1913 consiguió trabajo de cajera en una farmacia y posteriormente en la tienda A la ciudad de México. Realizó algunas colaboraciones en la revista Caras y Caretas, se supone mediante recomendación. La remuneración era de veinticinco pesos. Además, leía todos los avisos que ofrecían empleos hasta que encontró una solicitud de «corresponsal psicológico» que contara con redacción propia. La empresa solicitante se llamaba Freixas Hermanos, y se dedicaba a la importación de aceite. Se presentó a la entrevista laboral siendo la única mujer entre cien varones postulados debiendo insistir firmemente para que le permitieran ser evaluada. El examen consistió en la redacción de una carta comercial y dos avisos publicitarios, uno de yerba mate y otro de aceite de la firma. Al cabo de unos días le notificaron que era la elegida. Por ser mujer, su sueldo fue de doscientos pesos cuando al anterior empleado le pagaban cuatrocientos.30 En Caras y Caretas se relacionó con José Enrique Rodó, Amado Nervo, José Ingenieros y Manuel Baldomero Ugarte; fue con los dos últimos con quienes su amistad fue más profunda. Con este empleo, su situación económica mejoró, por lo que pudo realizar viajes frecuentes a Montevideo, donde conoció a la poetisa uruguaya Juana de Ibarbourou y al que sería su gran amigo, el escritor también uruguayo Horacio Quiroga.

Storni junto a uno de sus amigos, el escritor Fermín Estrella Gutiérrez, en Córdoba en 1922. Él le sobrevivió 51 años.
La inquietud del rosal, un libro de poesías donde expresaba sus deseos como mujer y describía su condición de madre soltera sin ningún tipo de complejo,31 se publicó en 1916, aunque nunca le pudo pagar la edición al impresor. Lo escribió en su trabajo mientras dictaba órdenes y correspondencias a la mecanógrafa. En un encuentro que tuvo con el poeta Félix Visillac le leyó los versos; al terminar, éste le propuso acompañarla a la imprenta de Miguel Calvello, quien aceptó imprimir el libro a cambio de quinientos pesos por quinientos ejemplares. Alfonsina aceptó pero nunca pagó la cuenta porque no logró reunir el dinero.32 Además, le ofreció a Leopoldo Lugones los originales por miedo a ser acusada de impúdica a causa de esta publicación, y también le dio una dirección postal, Belgrano 843. No hay referencia alguna de que Lugones respondiera. El poeta era celoso de sus potenciales rivales, y más aún tratándose de una mujer, por lo que jamás le dedicó ninguna de sus críticas.33
El libro no tuvo una buena aceptación. La revista Nosotros, de Roberto Giusti y Alfredo Bianchi le dedicó media página en marzo de 1916 diciendo: «libro de una poeta joven y que no ha logrado todavía la integridad de sus cualidades, pero que en el futuro ha de darnos más de una valiosa producción literaria». Llevó a Rosario cien ejemplares y le comentó a su madre que había vendido muy pocos ejemplares por ser una escritora inmoral.34
La publicación de este libro le permitió ingresar a los cenáculosnotas 1 de escritores, como la primera mujer en integrarlo. Además, la ayuda del poeta Juan Julián Lastra y las colaboraciones en Caras y Caretas le permitieron relacionarse con los editores de la revista Nosotros, una revista literaria que reunía a los escritores más conocidos. A las reuniones asistía llevando su libro como carta de presentación.35 Su primera reunión fue una comida en homenaje a Manuel Gálvez, quien festejaba el éxito de su obra El mal metafísico. En esta oportunidad, Alfonsina recitó algunos de sus versos y otros de Arturo Capdevilla, destacándose su voz metálica.36
A raíz de algunas críticas de sus jefes en su trabajo de corresponsal psicológico, quienes no veían bien que la escritora de un libro que limitaba con la inmoralidad trabajase allí, tuvo que renunciar. Le prometieron dejarla seguir si les aseguraba que no volvería a repetirse pero ella no aceptó, según una versión contada por Conrado Nalé Roxlo; hay otras versiones que indican que fue por problemas de salud.36
Amado Nervo, el poeta mexicano paladín del modernismo junto con Rubén Darío, publicó sus poemas también en Mundo Argentino, y esto da una idea de lo que significaría para ella, una escritora sin reconocimiento aún, el haber llegado hasta aquellas páginas. En 1919 Nervo llegó a la Argentina como embajador de su país, y frecuentó las mismas reuniones que Alfonsina. Ella le dedicó un ejemplar de La inquietud del rosal, y lo llamó en su dedicatoria «poeta divino». Vinculada entonces a lo mejor de la vanguardia novecentista, que empezaba a declinar, en el archivo de la Biblioteca Nacional uruguaya, hay cartas al uruguayo José Enrique Rodó, otro de los escritores principales de la época, modernista, autor de Ariel y de Los motivos de Proteo, ambos libros pilares de una interpretación de la cultura americana. El uruguayo escribía, como ella, en Caras y Caretas y era, junto con Julio Herrera y Reissig, el jefe indiscutido del por ese entonces nuevo pensamiento en el Uruguay. Ambos contribuyeron a esclarecer los lineamientos intelectuales americanos a principios de siglo, como lo hizo también Manuel Ugarte, cuya amistad le llegó a Alfonsina junto con la de José Ingenieros.37
Eran épocas de crisis, en las que la poesía no alcanzaba para vivir. Para complementar sus actividades, Storni escribía gratis para el periódico La Acción, de tendencia socialista y en la revista Proteo de tendencia latinoamericanista. Buscó un trabajo más rentable y consiguió ser directora en el colegio Marcos Paz, en la calle Remedios de Escalada y Argerich. La escuela, perteneciente a la Asociación Protectora de Hijos de Policías y Bomberos, funcionaba en una casa rodeada de un gran jardín, y además tenía una biblioteca con más de dos mil libros que le permitió completar sus lecturas.38 Poco después de conseguir dicho empleo se mudó a una casa en la calle Acevedo 2161, que se encontraba más cerca del establecimiento, junto a su hermana. Cuando asistía a los encuentros literarios dejaba a su hijo Alejandro con la hermana, su amiga Josefina Grosso y Josefina, la hija de esta última, que jugaba con él para entretenerlo.39
Su voluntad no la abandonó, y siguió escribiendo. Publicó El dulce daño, en 1918. El 18 de abril de ese año se le ofreció una comida en el restaurante Génova, de la calle Paraná y Corrientes, donde se reunía mensualmente el grupo de Nosotros, y en esa oportunidad se celebró la aparición de El dulce daño. Los oradores fueron Roberto Giusti y José Ingenieros, su gran amigo y protector, y a veces su médico. Alfonsina se estaba reponiendo de la gran tensión nerviosa que la había obligado a dejar momentáneamente su trabajo en la escuela, pero su cansancio no le impidió disfrutar de la lectura de su poema Nocturno, hecha por Giusti, en traducción al italiano de Folco Testena.39
En 1918 Alfonsina recibió una medalla de miembro del Comité Argentino Pro Hogar de los Huérfanos Belgas, donde también se homenajeó a Alicia Moreau de Justo y Enrique del Valle Iberlucea por haber aparecido como concurrente a un acto en defensa de Bélgica, con motivo de la ocupación alemana. Ese año siguió visitando Montevideo, donde hasta su muerte frecuentaría a sus amigos uruguayos. Juana de Ibarbourou diría lo siguiente, años después de la muerte de la poetisa argentina:40 41 42
«Su libro Languidez, de 1920, había merecido el Primer Premio Municipal de Poesía y el Segundo Premio Nacional de Literatura. También en 1920 vino por primera vez a Montevideo. Era joven y parecía alegre; por lo menos su conversación era chispeante, a veces muy aguda, a veces también sarcástica. Levantó una ola de admiración y simpatía. Un núcleo de lo más granado de la sociedad y de la gente intelectual la rodeó siguiéndola por todos lados. Alfonsina, en ese momento, pudo sentirse un poco reina».41 43
En una visita que realizó al local de las Lavanderas Unidas, un pseudosindicato del socialismo, cuyo local quedaba al final de la avenida Pueyrredón y era frecuentado por personas de raza negra, parda y mulatas, comenzó a dudar de la época en la que vivía; se sintió trasladada a la época colonial y a temer que sus poemas resultaran futuristas, cosa que no ocurrió, ya que logró relacionarse desde el primer momento.44
En 1920 viajó a Montevideo, con el fin de leer su poesía y la de Delfina Bunge, esposa del novelista Manuel Gálvez, cuyo libro Poemas fue traducido del francés por Alfonsina, y para dictar una conferencia sobre la poetisa Delmira Agustini. Viajó junto a las familias Gálvez y Capdevila. En este viaje conoció a Carlos Quijano, quien años más tarde dirigió el periódico Marcha en ese país. A su regreso se cree que Quijano fue quien la despidió en el puerto arrojando fósforos encendidos.44
Visitó el Cementerio del Buceo y escribió su poema Un cementerio que mira al mar centrado en un diálogo con los muertos. También había publicado los libros Irremediablemente y Languidez anteriormente. Este mismo año comenzó a escribir en su nueva casa de José Bonifacio 2011, donde se mudó con su hijo, su poema Ocre que tardó cinco años en publicar reiterando la temática de la mujer.45
Al mismo tiempo participó en el grupo Anaconda, una agrupación literaria cuyas reuniones se celebraban en Capital Federal, en el hogar del acuarelista Emilio Centurión. Esta variedad de actividades le produjo estrés a Alfonsina, quien lo manifestó mediante nervios, cansancio y depresión. Viajó varias a veces a Mar del Plata y a Los Cocos, Córdoba, para descansar.28 También se reunía en los altos del Teatro Empire, lo cual en ese entonces era un cine ubicado en la esquina de Corrientes y Maipú, donde entabló amistad con Nalé Roxlo.46
Relación con Horacio Quiroga[editar]
Horacio Quiroga le recomendó en una carta a José María Delgado viajar a Buenos Aires para conocer a Alfonsina y conversar sobre su poesía; además, comenzó a concurrir al cine con Alfonsina y los hijos de ambos y en una oportunidad en una reunión en una casa de la calle Tronador, donde se reunían los escritores de la época, jugaron a las prendas, consistiendo en que Alfonsina y Horacio debían besar al mismo tiempo las caras de un reloj de cadena que sostenía Horacio. Éste rápidamente retiró el reloj en el momento que Alfonsina se aproximaba a sus labios terminando en un beso, episodio que no le causó mucha gracia a su madre, quien se encontraba presente.47
Quiroga la mencionó frecuentemente en sus cartas entre los años 1919 y 1922 pero no se sabe a ciencia cierta la duración y el tenor de la relación. La mención del escritor la destaca en un grupo donde no había otras escritoras. En sus misivas a su amigo José María la menciona con respeto por su obra y la trata como su igual y en un aviso que el grupo Anaconda viajaba a Montevideo la lista la encabeza Alfonsina sin el apellido, una demostración de la confianza mutua.48 Por otra parte, en un aviso del 11 de mayo de 1922 de una visita para días posteriores, anunció que viajaría con sus hijos y con ella y proponía comer todos juntos. Además, Emir Rodríguez Monegal, biógrafo de Quiroga, testimonió el relato de Emilio Oribe, poeta uruguayo que dijo que Quiroga esperó a Alfonsina a la salida de unas conferencias que dio en la Universidad posiblemente sobre la poesía de Delmira Agustini. Quiroga no quiso asistir a este evento pero la esperó a Alfonsina a la salida; ella apareció cubierta de un sombrero de paja que sorprendió a los habitantes del barrio cercano al puerto.48
Alfonsina acompañaba a Quiroga al cine, a las tertulias literarias y a escuchar música: a los dos les gustaba Wagner. Frecuentemente viajaron a Montevideo y se tomaron fotografías, donde aparecen alegres. Los viajes se realizaron porque Quiroga fue adscrito del Consulado uruguayo y siempre lo hacía acompañado de intelectuales femeninas.48
Cuando Quiroga viajó a Misiones en 1925 ella no lo acompañó por recomendación de Benito Quinquela Martín, quien le dijo «¿Con ese loco? ¡No!». De esa forma el escritor viajó solo a San Ignacio, dejando su departamento al uruguayo Enrique Amorim. En esa vivienda Alfonsina se presentó en una oportunidad para solicitar noticias de Quiroga, que no escribía.49 Este viaje duró un año y a su regreso Quiroga restableció la amistad con Alfonsina tras una reunión en una casa que había alquilado en Vicente López, donde se leyeron sus creaciones y, más tarde, salieron al cine y a varios conciertos ofrecidos por la sociedad Wagneriana.
Esta relación finalizó en 1927, cuando el escritor conoció a María Elena Bravo y contrajo su segundo matrimonio. Nunca se supo si él y Alfonsina fueron amantes, ya que no abordaban el tema del amor como tales. Sí se sabe que ella apreciaba a Quiroga como un amigo que la comprendía, al que le dedicó un poema cuando él se suicidó, diez años más tarde, que presagia su propio final.48
Morir como tú, Horacio, en tus cabales,
Y así como en tus cuentos, no está mal;
Un rayo a tiempo y se acabó la feria...
Allá dirán.
Más pudre el miedo, Horacio, que la muerte
Que a las espaldas va.
Bebiste bien, que luego sonreías...
Allá dirán.
Un nuevo camino para la poesía[editar]
En el año 1923, la revista Nosotros, que lideraba la difusión de la nueva literatura argentina y con hábil manejo formaba la opinión de los lectores, publicó una encuesta, dirigida a los que constituían «la nueva generación literaria». La pregunta estuvo formulada sencillamente: «¿Cuáles son los tres o cuatro poetas nuestros, mayores de treinta años, que usted respeta más?».50
Alfonsina Storni tenía en ese entonces treinta y un años recién cumplidos, la edad límite exigida para constituirse en «maestro de la nueva generación». Su libro Languidez, de 1920, había merecido el Primer Premio Municipal de Poesía y el Segundo Premio Nacional de Literatura, lo que la colocaba muy por encima de sus pares. Muchas de las respuestas a la encuesta de Nosotros coincidieron en uno de los nombres: Alfonsina Storni.50
En 1925 publicó Ocre, que marcó un cambio decisivo en su poesía. Desde hacía dos años era profesora de lectura y declamación en la Escuela Normal de Lenguas Vivas. Su poesía, fundamentalmente de temática amorosa, también se ligó a la temática feminista e intentó desligarse de las hopalandas del Modernismo y volver más la mirada al mundo real. La soledad y la marginación hicieron mella en su salud, y a veces la neurosis le obligaba a dejar su puesto de maestra de escuela.51 52
En ese período, Gabriela Mistral la visitó en la casa de la calle Cuba. Fue un encuentro de importancia para la escritora chilena, ya que lo publicó ese año en El Mercurio. Cuando, previamente, arregló su cita por vía telefónica, le impresionó la voz de Alfonsina; además, le habían dicho que era fea y, por lo tanto, esperaba una cara que no congeniara con la voz. Preguntó por ella cuando la atendió la misma Alfonsina, dado que la imagen no coincidía con la advertencia. «Extraordinaria la cabeza —recuerda— pero no por rasgos ingratos, sino por un cabello enteramente plateado, que hace el marco de un rostro de veinticinco años». Insiste: «Cabello más hermoso no he visto, es extraño como lo fuera la luz de la luna a mediodía. Era dorado, y alguna dulzura rubia quedaba todavía en los gajos blancos. El ojo azul, la empinada nariz francesa, muy graciosa, y la piel rosada, le dan alguna cosa infantil que desmiente la conversación sagaz y de mujer madura». La chilena quedó impresionada por su sencillez, por su sobriedad, por su escasa manifestación de emotividad, por su profundidad sin transcendentalismos. Y sobre todo por su información, propia de una mujer de gran ciudad, «que ha pasado tocándolo todo e incorporándoselo».53
Fue nombrada titular en una cátedra del Conservatorio de Música y Declamación, también fue maestra de Castellano y Aritmética en una escuela de Bolívar y además fue designada por el doctor Noel directora del Teatro Infantil Municipal, una decisión que los medios de prensa calificaron como acertada.
En esta época elaboró sus teorías acerca de la relación entre hombres y mujeres con el objetivo de volcarlo en una obra teatral; el resultado se vio reflejado el 20 de marzo de 1927 cuando se estrenó su obra de teatro El amo del mundo, que despertaba las expectativas del público y de la crítica. El día del estreno asistió el presidente Alvear acompañado de su esposa, Regina Pacini. La obra no tuvo una buena crítica, y a los tres días tuvo que retirarse de cartel, lo que provocó la indignación de Alfonsina.54
En la revista Nosotros de abril de 1927 se publicaron los detalles de la puesta en escena y se comentó que un señor apellidado Bengoa se presentó en su departamento de Córdoba y Esmeralda y dijo que era empresario teatral y quería presentar la obra con la esposa de éste como intérprete. La actriz le comentó a Alfonsina el deseo de interpretar al personaje de otro modo. En el primer ensayo, Alfonsina observó que el carácter del personaje, Márgara, se había desviado a causa de la falta de acotaciones. Pensó que iba a poder corregir la situación, pero por las realidades comerciales del teatro no lo logró. Intentó hacer otros cambios en la obra pero el director artístico le dijo que había entendido la obra mejor que ella y que tenía la obligación de defenderla, lo que provocó el enojo de Alfonsina, que no concurrió más a los ensayos. El día del estreno descubrió que habían retirado un proverbio hindú de boca de uno de los personajes; más tarde consiguió que lo restituyeran, pero no logró evitar el fracaso de la obra. El diario Crítica tituló: «Alfonsina Storni dará al teatro nacional obras interesantes cuando la escena le revele nuevos e importantes secretos». La escritora se sintió muy dolida por su fracaso, y trató de explicarlo atribuyéndole la culpa al director y a los actores.55 El cronista recomendó en su crítica incorporar nuevos actores porque los originales podían dañar la escena debido a su profesionalismo mecánico y concluyó que a Alfonsina le faltaba conducir la acción de sus obras con la vivacidad que conduce sus diálogos para que sus obras fueran una pieza fuerte en el teatro argentino.55 Según esta crítica, la obra parecía «tres diálogos y un final», similar a una tertulia de causeursnotas 2 que en ocasiones hacían aportes graves e inteligentes. Alfonsina afirmó que el diario Crítica había dado la orden de criticar en forma negativa todo lo que hiciera su compañía sin dar a conocer la razón.56 Todas las críticas las asumió como el resultado de una conspiración y no fue capaz de hacer una autocrítica para advertir los posibles defectos del texto.
El diario La Nación realizó una crítica que le molestó; ella colaboraba con el diario, y dijo con ironía que era admiradora del crítico Octavio Ramírez pero que nunca lo saludó. Además, se burló del crítico al describirlo en un palco o en la platea, con la cabeza entre las manos, madurando críticas que al día siguiente serían el regocijo del mundo teatral. Adujo que realizó la crítica sin compasión porque Ramírez quería agradar al director artístico que estaba enojado con Alfonsina por los desentendimientos mutuos. Sin embargo, el director del diario Mitre le permitió hacer una réplica en donde realizó consideraciones generales. También reconoció que se realizó una crítica positiva del diario La Prensa a pedido de algún miembro de la empresa pero esta crítica no fue positiva del todo: afirmaba que la comedia no era espontánea y precisa por la inexperiencia de la visión del teatro.56 Además criticaba otros detalles del ambiente y del carácter de la protagonista. El común de todas las críticas y lo que Alfonsina no supo interpretar es que el texto tenía escaso sentido teatral. Lo positivo que señalaban estas crónicas eran los parciales aciertos literarios, la actuación del elenco y la del niño Héctor Costa, que le pronosticaban un futuro de actor. La crítica más dura y ofensiva la realizó Edmundo Guibourg, quien afirmó que Alfonsina denigraba al hombre, a lo que ella le replicó que había escrito trescientas poesías dedicadas al «animal razonador». Ramírez también concluyó que la obra era un «alegato con el propósito de defender a la mujer, tiene en su contra la artificiosidad de una situación que, lejos de ser mal permanente, rara vez se presenta y pierde todavía consistencia en su expresión escénica con la insistencia en argumentos de fácil y conocida sofística, destinados a infiltrarnos un convencional y lacrimoso sentido de la vida».
Este fracaso fue difícil para ella, ya que venía de diez años de elogios por cada libro de poemas y ahora estaba exponiendo sus verdades más íntimas. El argumento de la obra es una síntesis de su vida: la mujer que ha sido madre revela su secreto al hombre de quien se enamora y éste termina prefiriendo contraer matrimonio con otra de no muy buen pasado pero sin hijos, la mujer termina ayudando a su rival a conquistar el hombre que ama y confiesa la verdad de su origen al hijo, a quien dedica el resto de su vida.

Monumento a Alfonsina Storni frente a la playa La Perla en Mar del Plata.
Poesía en prosa[editar]
En 1926 escribió Poemas de amor y ocho años después publicó Mundo de siete pozos. En este lapso se orientó hacia otro género, los relatos en primera persona, a veces con rasgos autobiográficos donde las ideas no pertenecen ni al espacio ni a la poesía ni tampoco a la nota periodística informativa. El diario Crítica publicó en ocasiones estos relatos y uno titulado Psicología de a dos centavos donde una mujer, Juliana, le cuenta por carta a su amiga Amelia los pormenores de su reciente divorcio.
Este relato narra la historia de una mujer recién divorciada que se aloja en una casa de campo y se enamora de un muchacho veinteañero. La idea del texto es definir a la mujer decente; según la autora, para una mujer normal y decente, tres hombres es el número exacto: uno es el pecadillo prematrimonial, el otro es el esposo y el último el nuevo esposo por divorcio. El relato reveló además el placer que provoca la belleza de un hombre joven.57
Los nervios[editar]
Hay muchas referencias en correspondencias que hacen alusión a preocupaciones, malos ratos y apuros, a falta de voluntad y a estados variables de salud. Sentía la sensación de que otras personas estaban molestas con ella y se sentía insegura al no poder devolver los favores a quienes se lo hicieran, como se comprueba en una carta a Roberto Giusti —fechada posiblemente antes de 1921 porque daba como dirección su casa de Acevedo donde vivió hasta esa fecha— donde le da «Muchas, infinitas gracias por las generosas palabras que dijo usted, respecto de mí el sábado pasado. Creía que usted estuviera molesto conmigo, y aquello me ha aligerado muchísimo». En otra misiva de 1922, pese a su sentimiento de culpa, puede interpretarse que trataba de devolver sus favores, ya que le dijo a Giusti que le había hablado a Cancela —colaborador del suplemento literario— y éste le había pedido que le transmitiese a Giusti que aceptarían sus colaboraciones en el diario La Nación. Pasó a ser colaboradora permanente del matutino bajo el seudónimo Tao Lao.58
José Ingenieros le recomendó viajar anualmente a Córdoba; una anécdota cuenta que recurrió al jefe de policía para denunciar que los vigilantes la insultaban con malas palabras, otro de los muchos síntomas de paranoia que comenzaba a padecer. Además, sospechaba que estaba enferma de tuberculosis.
En uno de los viajes junto a su hijo Alejandro se hospedó en el hotel de los Molles y le enseñó lo que no aprendió por haber dejado la escuela. Su hijo recuerda que lo hacía con guardapolvo blanco para darle más seriedad al asunto.58
Años de equilibrio[editar]
La poetisa tuvo intensa participación en el gremialismo literario e intervino en la creación de la Sociedad Argentina de Escritores.
Se mudó al décimo piso de la calle Córdoba y Esmeralda, donde recibía a sus amistades en una pequeña sala adornada con flores, fotos y dibujos de su rostro hechos a lápiz, y siguió escribiendo poemas para La Nación.
En 1928 falleció Roberto J. Payró y se suicidó el poeta Francisco López Merino, del cual Storni era amiga; se habían conocido en el vestíbulo de un hotel en Mar del Plata durante una celebración literaria donde ante un comentario de Merino sobre el clima desagradable, Alfonsina replicó: «sí, sí, pero ideal para estar entre dos sábanas, con alguien como usted, por ejemplo».59
Ese año vivió en Rosario por un año, se intensificaron sus manías y se sentía perseguida pese al reconocimiento de sus pares. Se cree que se reprochaba el hecho de no darle un padre a su hijo. Se creía observada por los mozos de los cafés, los guardas de los tranvías y casi todo ciudadano normal que se cruzara con ella. Para intentar distraerla, su amiga Blanca de la Vega, compañera de las cátedras del Conservatorio de Música la impulsó a hacer ese año un viaje a Europa, que repitió en 1931, en compañía de su hijo. Allí conoció a otras escritoras, y la poeta Concha Méndez le dedicó algunos poemas.60
En Madrid visitó el Lyceum Club formado por las parejas de los intelectuales y la Residencia de Señoritas que dirigía María de Maetzu, donde vivían las estudiantes que cursaban sus carreras en esa ciudad y en los dos lugares dio conferencias y cursos destacándose una titulada Una mujer ultramoderna y su poesía, la cual fue comentada por Eduardo Marquina y Enrique Díez-Canedo en el diario El Sol.61
En una cena en la Cámara del Libro en su honor conoció al novelista Carlos Soldevilla y al poeta catalán José María de Segarra.62 Este último escribió en El Mirador una crónica en su homenaje que puso muy contenta a Alfonsina y, además, la comparó con Rubén Darío.
En ese viaje visitaron Toledo, Ávila, El Escorial, Andalucía, Sevilla, Córdoba y Granada y luego visitaron París y a su ciudad natal, Sala Capriasca, en Suiza.63
En el segundo viaje visitó con su hijo de 20 años las ruinas de Pompeya y la ciudad de Ginebra.64 A su regreso se instalaron en una pensión de la calle Rivadavia al 900, muy cerca del café Tortoni.
Alfonsina participó de la peña del Tortoni junto a Quinquela Martín, Juan de Dios Filiberto y Pascual de Rogatis, entre otros. La peña se llamaba Signos y desde allí se hicieron las primeras emisiones de la radio Stentor y otras actividades culturales. El escritor Federico García Lorca no dejó de ir ni una sola noche en su visita a Buenos Aires de 1934.65
En Buenos Aires la visitaron en su casa de la calle Rivadavia, Luisa Albornoz, una amiga de años y presidenta de la Asociación de Bachilleres del Liceo Nro. 1 y un grupo de muchachas, entre las que se encontraba Julieta Gómez Paz, que integraron la subcomisión de Cultura. Durante la visita le solicitaron que realizase una conferencia, petición que aceptó a cambio de la lectura de su obra Cimbelina en 1900 y pico que estaba en etapa de pruebas. El encuentro se realizó a las 17:30 horas del 17 de octubre de 1926 en el salón de actos del Museo Social Argentino que por entonces funcionaba en Maipú al 600. Asistieron profesores del establecimiento y se notaron las ausencias de sus autoridades.64

Edificio de departamentos creado por la constructora Bencich Hermanos en 1927. En uno de esos apartamentos vivió Storni.
En 1931, el Intendente Municipal José Guerrico nombró a Alfonsina jurado: era la primera vez que ese nombramiento recaía en una mujer. Alfonsina se alegró de que comenzaran a ser reconocidas las virtudes de la mujer y afirmó en un diario refiriéndose a su designación: «La civilización borra cada vez más las diferencias de sexo, porque levanta a hombre y mujer a seres pensantes y mezcla en aquel ápice lo que parecieran características propias de cada sexo y que no eran más que estados de insuficiencia mental. Como afirmación de esta limpia verdad, la Intendencia de Buenos Aires declara, en su ciudad, noble la condición femenina».65
En 1932, publicó sus Dos farsas pirotécnicas: Cimbelina en 1900 y pico y Polixena y la cocinerita. También colaboró en los diarios Crítica y La Nación y sus clases de teatro fueron su rutina diaria.66 En un artículo publicado en la revista El Hogar ese año, se quejó de la fotografías que le tomaron, ya que se notaban sus cuarenta años, y, según ella, los ojos parecían garabatos y la nariz un muñón deforme.67
Alfonsina viajó a menudo a una casita que su amiga María Sofía Kusrow («Fifi») construyó en un campo en Colonia, en el Real de San Carlos. Esa propiedad figura hoy en los folletos turísticos como la casa de Alfonsina. Viajaba de improviso porque le gustaba la limpieza de sus habitaciones y los postres de leche. Su amiga Fifi era divertida y alimentaba las vacas con los frutos que cosechaba de los árboles.68
También en esa época inició amistad con la poeta Haydée Ghío, con quien concurrió a la Peña del hotel Castelar, donde Alfonsina cantaba de mesa en mesa algunos tangos acompañada por el piano. Así la recuerda Conrado Nalé Roxlo interpretando Mano a Mano y Yira Yira. También en este lugar conoció a Federico García Lorca durante su permanencia en Buenos Aires entre octubre de 1933 y febrero de 1934. El poema Retrato de García Lorca, que fue publicado en Mundo de los siete pozos, le fue dedicado a él y tiene frases premonitorias de la muerte del poeta español.69
Apagadle
la voz de madera,
cavernosa,
arrebujada
en las catacumbas nasales.
Libradlo de ella,
y de sus brazos dulces,
y de su cuerpo terroso.
Forzadle sólo,
antes de lanzarlo
al espacio,
el arco de las cejas
hasta hacerlos puentes
del Atlántico,
del Pacífico...
Por donde los ojos,
navíos extraviados,
circulen
sin puertos
ni orillas...
En Montevideo acudió a las reuniones organizadas por María V. de Muller, fundadora de la asociación de Arte y Cultura que celebraba los encuentros en el paraninfo de la universidad, lugar al que asistían la mayoría de escritores latinoamericanos del momento. Alfonsina fue invitada y recitó Polixema y la cocinerita el 12 de julio de 1934. La señora de Muller le prestó una habitación en su casa para que se aloje, donde tenía los vidrios oscurecidos para que la luz no la moleste. En una carta que Alfonsina le escribió a María en abril de ese año le pidió perdón por no haberle copiado los versos solicitados antes.69
En 1934 también publicó, después de ocho años, un nuevo libro llamado Mundo de siete pozos, una recopilación de poemas que dedicó a su hijo Alejandro. Gabriela Mistral, al leer el libro, comentó que poetas como ella nacen cada cien años. La foto de la tapa estaba dedicada a María Muller y era una prueba de cómo le gustaba lo que la vida le ofrecía a los cuarenta años. Lucía el pelo corto, la cabeza inclinada con coquetería y el brazo extendido en forma graciosa.
Ese verano lo pasó en el Real de San Carlos con su amiga Fifí, realizó largos paseos por el río descalza, descargó sus nervios y en su habitación durmió largas noches y también siestas, situación que repitió al verano siguiente agregando días en Montevideo y otros en Pocitos, en un hotel. En ese verano dieron comienzo sus problemas de salud.70
El 23 de mayo de 1936, en el acto de inauguración del Obelisco de Buenos Aires, dio varias conferencias y en una de ellas señaló que la ciudad no tiene ni su poeta, ni su novelista, ni su dramaturgo pero sí su cantante de tango y señaló el barrio Sur como el baluarte de esa canción porteña. La conferencia se tituló Desovillando la raíz porteña y fue transmitida por radio.12
Unos días después en otra ponencia llamada Teresa de Jesús en sangre, en la primera fundación de Buenos Aires señaló las similitudes de su letra con la de Teresa de Jesús y explicó las propiedades de la creatividad femenina. Alfonsina aceptó en esta ponencia la idea común de ese entonces que hace de la mujer algo así como un ancla, al contrario que sus primeras afirmaciones poéticas en las que preguntaba a su madre las claves de su nacimiento.71
En 1937 escribió su último libro llamado Mascarilla y trébol publicado al año siguiente. Lo compuso durante las noches en Bariloche, y trató de desarrollar una nueva forma de pensar la poesía y, por consiguiente, una nueva forma de pensar el mundo. Tenía que superar la muerte de Horacio Quiroga y evitar el retorno de la suya; se cuidaba de todo, cuando comía pan dejaba el trozo que había usado para sostenerlo. Su amiga Fifí Kusrow comprobó que estaba haciendo un exorcismo. De estos cambios habló en el prólogo de su último libro.
Alfonsina reflexionó sobre el resto de su vida, a los cuarenta y cinco años de edad y habiendo sufrido una enfermedad que difícilmente tuviese cura. Sabía que la amenaza estaba pendiente y lo reflejó en sus versos. El libro lo finalizó en diciembre de 1937 y se lo dio al amigo de sus inicios, Roberto Giusti.72 Cuando éste lo recibió lo leyó detenidamente y observó una manera particular de plantearse las asociaciones poéticas que le hizo recordar al español Góngora; principalmente, le llamó la atención la insistencia en el paisaje, sobre todo en el río. En un reportaje del año 1938 admitió que el libro le pareció «carecer de alma».73
En enero de 1938 Alfonsina pasó sus vacaciones en Colonia y recibió el 26 de ese mes una invitación del Ministerio de Instrucción Pública Uruguayo que intentaba reunir en un mismo acto a las tres grandes poetas del momento: Juana de Ibarbourou, Gabriela Mistral y ella. Se realizó en el Instituto Vázquez Acevedo solicitando la misiva «que haga en público la confesión de su forma y manera de crear». Esa invitación llegó un día antes del encuentro, fue en auto en compañía de su hijo y durante el trayecto escribió su conferencia sobre una valija que apoyó en sus rodillas. Es así que encontró un título divertido para la misma: «Entre un par de maletas a medio abrir y las manecillas del reloj». El resultado del encuentro fue exitoso y el público la aplaudía todo el tiempo, interrumpiendo su charla. Entre los presentes se encontraba Idea Vilariño.
En el viaje de regreso le comentó a su hijo los temores por la fragilidad de su salud, y también le expresó sus miedos a otras personas. Antes de regresar a Buenos Aires se hospedó en Colonia en la casa de su amiga Fifí, y una tarde en que salieron a caminar y se cruzaron con una víbora, expresó: «Esto no es bueno para mí» y agregó, riéndose: «Si alguna vez supiera que tengo una enfermedad incurable, me mataría. Alejandro puede defenderse y mi madre no necesita de mí». Al regresar a Buenos Aires se enteró del suicidio de Leopoldo Lugones en un recreo de Tigre y también de la hija de Horacio Quiroga, Eglé, con solo veintiséis años. Fue al Tigre todos los domingos ese año.74
Enfermedad[editar]
Un día, cuando se estaba bañando en el mar, una ola fuerte y alta le pegó en el pecho a Alfonsina, quien sintió un dolor muy fuerte y perdió el conocimiento. Sus amigos la llevaron hasta la playa. Cuando recobró el conocimiento descubrió un bulto en el pecho que hasta el momento no se notaba pero en esa oportunidad se podía tocar con la mano. Al regresar a la capital le quiso restar importancia al hecho, pero la verdad se impuso y debió buscar el apoyo de sus amigos. Ellos trataban de restarle importancia pero le aconsejaron acudir a un médico. Blanca de la Vega, una de sus amistades, recordó que Alfonsina la había llevado hasta su dormitorio y se había descubierto el pecho para que tocase la dureza. El encargado de acompañarla a la consulta fue Benito Quinquela Martín a quien le había solicitado ayuda un mediodía en su estudio. Ella le comentó que su estado era grave y que su hijo era muy joven como para enfrentar la situación. El pintor trató de disimular su sorpresa y le recomendó consultar a un especialista. Ese especialista fue el doctor José Arce. Para mantenerse tranquila los días previos a la operación contó con el apoyo de sus amigos y también ayudó un reportaje para la revista Multicolor de Crítica del 18 de mayo de 1935, que sirvió de distracción.75
El 20 de mayo de 1935 Alfonsina fue operada del cáncer de mama en el Sanatorio Arenales. Se pensaba que era un tumor benigno, pero en realidad tenía ramificaciones. La mastectomía le dejó grandes cicatrices físicas y emocionales. Siempre había sufrido de depresión, paranoia y ataques de nervios, pero ahora los síntomas de enfermedad mental se recrudecieron. Se volvió recluida y evitaba a sus amistades. Su reposo lo realizó en «Los Granados», una casa de la familia Botana en Don Torcuato. Fue atendida especialmente por Salvadora y una ex-alumna, Felisa Ramos Mozzi quienes junto a una enfermera contratada por los Botana la cuidaban en turnos.8
La quinta estaba rodeada por un parque que era una pequeña reserva natural con pavos reales, pequeños osos y plantas exóticas de varias especies y además tenía una biblioteca muy completa, pero Alfonsina no pudo disfrutar de la estadía por sentirse vulnerable a la enfermedad; sólo quería estar rodeada de amigas. Es así que invitó a Fifí Kustow a permanecer unos días con ella, pero su amiga no aceptó la invitación porque, cuando fue a visitarla, Alfonsina le enseñó un revólver que tenía para defenderse en caso de robo y a Fifí no le gustó la idea de dormir con un arma al lado. Cuando Haydée Ghío la visitó, Alfonsina le dijo «Haydecita, mi cuerpo, mi cuerpo».
Después de veinte días de reposo y habiendo pasado una noche de tormenta que la asustó, resolvió irse a su casa de la calle Suipacha 1123 donde vivió hasta el año 1937 y posteriormente se mudó al edificio Bouchard House frente al Luna Park.76
Su carácter cambió, ya no visitó más a sus amistades y no podía admitir sus limitaciones físicas; deseaba vivir pero no aceptaba los tratamientos impuestos por los médicos. Sólo asistió a una sesión de rayos que la dejó exhausta y no pudo soportar el tratamiento. No permitía que su hijo la besara y se lavaba las manos con alcohol antes de acercarse a él o de cocinar.
Unos años antes, se había realizado un examen de quirología con Eugenio Soriani, un italiano estudiante de ingeniería electrotécnica en el Politécnico de Turín. El estudio fue parte de una nota para la revista El Hogar y se publicó el 29 de mayo de 1935, cinco días antes de la cirugía. El resultado de este examen fueron detalles de la vida privada de la escritora, de sus capacidades intelectuales y se le pronosticó un debilitamiento de la salud a los cuarenta y cuatro años y a los cincuenta y cinco años de edad previendo una vida de más de setenta años. Este pronóstico no fue certero. A dos días del fallecimiento de Alfonsina el quirólogo comentó en una nota para Noticias Gráficas que la escritora estaba intranquila e impresionada y solicitó que las revelaciones no fueran publicadas. Con el consentimiento de Soriani y del periodista, el trato fue cumplido.77
El final[editar]
La conferencia de Montevideo fue un presagio: las maletas estaban a medio cerrar y el reloj apuraba su marcha. Hacia mitad de año apareció Mascarilla y trébol y una Antología poética con sus poemas preferidos. La escritura de estos libros le demandó varios meses. Cuando inscribió su libro en el Concurso de Poesía le preguntó al director de la Comisión Nacional de Cultura, Juan José de Urquiza «¿Y si uno muere, a quien le pagan el premio?», pregunta que el señor se la tomó a broma, pero luego sus amigos extrajeron conclusiones de este dicho.78
Otro suceso fue una solicitud a su amiga Fifí para hospedarse en su casa Real de San Carlos, pero esta le dijo que esos días tenía visitas y Alfonsina resolvió viajar a Mar del Plata. Cuando su amiga le pidió que no fuera porque esa ciudad la alteraba bastante, respondió: «Tenés miedo de que muera en tu casa», y además le dio la dirección donde se hospedaría en la ciudad balnearia. El domingo 16 de octubre se encontró en Tigre con la poetisa Abella Caprile. Esta le comentó sobre su poema Romancillo Cantable publicado en La Nación y Alfonsina le dijo que podía ser el último y le confesó que la neurastenia le hacía pensar en suicidarse. Su amiga le prometió que rezaría unas oraciones por ella.79
El 18 de octubre viajó a Mar del Plata. Fue a la estación Constitución acompañada de su hijo Alejandro y de Lidia Oriolo de Pizzigatti, dueña del hotel donde se alojaba frecuentemente en la calle Tres de Febrero. Cuando el tren partió le dijo a su hijo que le escribiese, que lo iba a necesitar.
Alfonsina le escribió dos cartas de contenido ambiguo a su hijo, el 19 y 22 de octubre, en las que parecía que luchaba contra la decisión de terminar con su vida. El jueves 20 escribió todo el día en el hotel abrigada con un poncho catamarqueño, aunque era primavera. Al día siguiente un dolor en el brazo le impidió continuar con su tarea. Sin embargo, se esforzó y el sábado despachó una carta en el buzón. Contenía su poema Voy a dormir, el último que escribió. El domingo tuvo que concurrir el doctor Serebrinsky porque ya no soportaba el dolor. El lunes le solicitó a la mucama que escribiese por ella una carta para Alejandro y a las once y media se acostó a dormir.9
Desde allí, envió tres cartas: una a su hijo, Alejandro; otra a Gálvez, para que procurase que a su hijo no le faltase nada, y un poema de despedida al diario La Nación:
Dientes de flores, cofia de rocío,
manos de hierbas, tú, nodriza fina,
tenme puestas las sábanas terrosas
y el edredón de musgos escardados.

Voy a dormir, nodriza mía, acuéstame.
Ponme una lámpara a la cabecera,
una constelación, la que te guste,
todas son buenas; bájala un poquito.

Déjame sola: oyes romper los brotes,
te acuna un pie celeste desde arriba
y un pájaro te traza unos compases

para que olvides. Gracias... Ah, un encargo,
si él llama nuevamente por teléfono
le dices que no insista, que he salido...
Hacia la una de la madrugada del martes 25 Alfonsina abandonó su habitación y se dirigió a la playa La Perla. Esa noche su hijo Alejandro no pudo dormir; a la mañana siguiente, lo llamó la dueña del hotel para informarle que le habían reportado del hotel que su madre estaba cansada pero bien.
Esa mañana, la mucama Celinda había golpeado la puerta del dormitorio para darle el desayuno y no obtuvo respuesta y pensó que era mejor dejarla descansar y fue lo que le comunicó a la dueña. Pero cuando dos obreros descubrieron el cadáver en la playa, se difundió la noticia; su hijo se enteró por radio y el cuidador del hotel, José Porto, se lo confirmó vía telefónica. Hay dos versiones sobre el suicidio de Alfonsina: una de tintes románticos, que dice que se internó lentamente en el mar, y otra, la más apoyada por los investigadores y biógrafos, que afirma que se arrojó a las aguas desde una escollera.9
A la tarde, los diarios titulaban sus ediciones con la noticia: «Ha muerto trágicamente Alfonsina Storni, gran poeta de América». La sorpresa obligó a reconstruir el hecho. A las ocho de la mañana, los obreros de la Dirección de Puertos Atilio Pierini y Oscar Parisi observaron algo flotando a doscientos metros de la playa La Perla y que podría tratarse de una persona. Pierini se arrojó al agua mientras su compañero denunciaba el evento a la policía. Actuaron la Comisaría Primera y la Subprefectura; los cabos Antonio Santana y Dámaso Castro ayudaron al joven obrero a llevar el cuerpo sin vida a la orilla. Determinaron que era una mujer bien vestida y que había estado flotando poco tiempo. Una ambulancia la trasladó a la morgue, donde fue examinada por el doctor Bellati, quien reconoció a Alfonsina cuando destapó el cuerpo. Se especuló que Alfonsina se arrojó desde la escollera del Club Argentino de Mujeres a doscientos metros de la costa. Sobre la escollera se encontró uno de sus zapatos, el cual se había enganchado con los hierros en el momento en que su dueña se había arrojado al mar.80
Esa misma tarde, en el Colegio Nacional de Mar del Plata se organizó un homenaje al que asistieron autoridades, alumnos y periodistas y a las veinte y treinta el ataúd fue trasladado a la estación Norte del ferrocarril para llevarlo a Buenos Aires. La gente le arrojó flores durante el traslado. El tren con los restos de Alfonsina llegó a Plaza Constitución al día siguiente a las siete y treinta de la mañana.80 Esperaban los restos dos filas de alumnos del Instituto Lavardén y su hijo Alejandro con sus amigos Arturo Capdevila, Enrique Banchs, Fermín Estrella Gutiérrez y Manuel Ugarte, quienes condujeron el féretro hasta el Club Argentino de Mujeres en la calle Maipú al 900 donde se llevó a cabo el velorio. Ugarte colocó sobre las manos de Alfonsina unas rosas blancas.81
El cortejo fue acompañado, según el diario Crítica, por un desfile iniciado en la Plaza San Martín, siguiendo por Arenales y Libertad hasta la avenida Quintana sumándose gente en el recorrido. Demoró una hora en llegar al destino final: arribó a las dieciséis y treinta horas, donde aguardaban las autoridades nacionales y el doctor Sagarna, miembro de la Corte Suprema de Justicia, además de sus colegas escritores. A su entierro asistieron los escritores y artistas Enrique Larreta, Ricardo Rojas, Enrique Banchs, Arturo Capdevila, Manuel Gálvez, Baldomero Fernández Moreno, Oliverio Girondo, Eduardo Mallea, Alejandro Sirio, Augusto Riganelli, Carlos Obligado, Atilio Chiappori, Horacio Rega Molina, Pedro M. Obligado, Amado Villar, Leopoldo Marechal, Centurión, Pascual de Rogatis, Carlos López Buchardo y Camila Olivieri, entre otros.82
Los discursos de despedida fueron iniciados por el titular de la SADE, Manuel Ugarte y una vez finalizados los restos de Alfonsina fueron depositados en el Cementerio de la Recoleta en la bóveda familiar de Salvadora Onrubia, esposa de Natalio Botana, periodista y director del diario Crítica, quienes financiaron la ceremonia, pero en 1963 se trasladó el féretro al «Recinto de las Personalidades» del Cementerio de la Chacarita, donde actualmente reposan en el interior de una escultura realizada por Julio César Vergottini.83
Al otro día La Nación publicó su poema de despedida, Voy a dormir, que termina con un misterio poético que ninguna biografía podrá develar. Dice:
Si él llama nuevamente por teléfono
le dices que no insista, que he salido...
Casualmente, en un período de 20 meses, no solo murió Storni sino también sus amigos y escritores Horacio Quiroga y Leopoldo Lugones (ambos por suicidio).84
Críticas[editar]
Según Alberto Acereda, la obra de Alfonsina es una defensa a la libertad artística e individual. Su vida y obra es un mito iconográfico de un activismo resentido contra lo masculino. Afirma que ella es un mito más; sus letras muestran a una excelente poeta del amor, una mujer luchadora por la igualdad femenina que no se la puede ubicar en el feminismo radical. En su vida y obra se entremezclan emoción, sentimiento y reflexión; su poesía es erótica humanamente, busca el amor, tiene vivencias y poesía de su ego angustiado que termina con el suicidio.85
Acereda afirma que Storni fue feminista en el sentido literal de la palabra, ya que siempre buscó la igualdad entre el hombre y la mujer. Tuvo el coraje necesario para oponerse a la regla que exigía la virginidad femenina pero no la masculina. De aquí nacieron sus obras Tú me quieres blanca, heredero del Hombres necios de Sor Juana. Lo mismo ocurre en poemas como Hombre pequeñito, La que comprende, Siglo XX o Veinte siglos, textos basados en la búsqueda de la igualdad real para la mujer en el medio. Se pueden poner como ejemplo además La inquietud del rosal (1916), El dulce daño (1918), Irremediablemente (1919), Languidez (1920), y los posteriores Ocre (1925), Mundo de siete pozos (1934) y Mascarilla y trébol (1934) y otras creaciones en prosa y teatro como un intento de lograr la libertad femenina contrarrestando la tendencia machista de ese entonces.85
El autor afirma que hay críticas del feminismo radical que presentan la obra de Alfonsina dentro de un lenguaje complicado y enmarañado lleno de pura demagogia dando una falsa idea de sabiduría. Estas críticas radicales conforman un hilo complicado que termina por cansar. Lo real (según Acereda) es que en ella está el «yo» de mujer, el sentimiento encarnado en la mujer que aboga por la igualdad con el varón pero admite la necesidad de él como compañero.85
Por su parte, el crítico José Miguel Oviedo señaló que ni el contexto ni la forma de pensar de Alfonsina permiten dudar de su deseo de igualar al hombre con la mujer porque no hay ninguna ironía en esos

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Gloria Fuertes (España 1917-1998)

7. Gloria Fuertes (España 1917-1998)

GLORIA FUERTES {Madrid, 1917 - Madrid, 1998} Retrato de Gloria Fuertes © Fundación Gloria Fuertes Gloria Fuertes nació en Madrid en julio de 1917 en el seno de una familia humilde, su madre, costurera y sirviente; su padre, portero y conserje. La menor de nueve hermanos, seis de los... Ver mas
GLORIA FUERTES
{Madrid, 1917 - Madrid, 1998}
Retrato de Gloria Fuertes
© Fundación Gloria Fuertes
Gloria Fuertes nació en Madrid en julio de 1917 en el seno de una familia humilde, su madre, costurera y sirviente; su padre, portero y conserje.

La menor de nueve hermanos, seis de los cuales mueren prematuramente, su infancia transcurre en las bulliciosas calles cercanas a la antigua Plaza del Progreso, donde aprende el lenguaje coloquial que la caracterizará. Era una niña alegre y extravertida y desde pequeña quiso escribir, pero la falta de medios la lleva a trabajar enviando cartas o contando huevos en una fábrica.

Su madre la matricula en el Instituto de Educación Profesional de la Mujer, donde recibió la formación que entonces se consideraba necesaria para una futura ama de casa: cocina, cuidado de niños, corte y confección, etc. Con quince años muere su madre. La Guerra Civil cambia su vida, la pérdida de su novio y sus propias experiencias marcan su carácter pacifista.

En 1939 escribe su primer relato para niños y lo envía al semanario Maravillas , donde es publicado y donde entrará a trabajar como editora durante diez años. De 1940 a 1955 publica muchos cuentos en la revista Maravillas así como en la revista Pelayo. En 1942, conoce a Carlos Edmundo de Ory.

En 1950 se publica su primer poemario: Isla ignorada. Por esos años acude a la taberna de Antonio Sánchez, en la que escribe sin cesar poemas y cuentos. Funda una tertulia de mujeres poetas que dará origen al grupo Versos con Faldas , grupo tremendamente activo que organiza lecturas de poesía y colabora en revistas como Rumbos, Poesía Española o El pájaro de paja. En 1952 funda la revista Arquero, conjuntamente con Antonio Gala, Rafael Mir y Julio Mariscal. En 1954 publica Antología y poemas del suburbio y Aconsejo beber hilo.

En 1955 obtiene un puesto de bibliotecaria en el Instituto Internacional de Madrid. Consigue, en 1961, una beca Fulbright para dar clases de literatura española del s. XX en Pennsylvania durante 3 años. En 1958 recibe la Primera Mención del Concurso Internacional de Poesía Lírica Hispana con Todo asusta. En 1962 publica Que estás en la tierra, en la colección Collioure dirigida por José María Castellet.

En 1965 gana el Premio Guipúzcoa por Ni tiro ni veneno ni navaja . En 1968, publica su obra más lograda: Poeta de guardia y Cangura para todo, primer libro de cuentos para niños, mención en el Premio Internacional Hans Christian Andersen. Y al año siguiente recibe un Accésit del Premio Vizcaya por Cómo atar los bigotes al tigre.

Su libro de versos Don Pato y Don Pito es recomendado para lectura en las escuelas por el Ministerio de Educación y Ciencia. En 1972, es becada por la Fundación March y así puede trabajar con libertad. Publica montones de obras para niños y libros de poemas como Cuando amas aprendes Geografía (1973) y Sola en la sala (1973).

En los años setenta trabaja en Televisión Española en Un globo, dos globos, tres globos y en La cometa blanca a partir de 1982. En septiembre de 1998 se le diagnostica un cancer de pulmón que acabará con su vida en la madrugada del 27 de noviembre.
OBRAS

Es difícil ser feliz una tarde
Cuentos. Cuentos.
Guiones, cuentos y poesías emitidos por Televisión. Miscelánea.
Cuentos y poesías escenificados en distintos teatros. Miscelánea.
El brillante del turbante. Teatro.
Las cinco razas. Teatro.
Navidad. Teatro.
Premio del cielo, 1940. Teatro.
La niña del mar, 1940. Teatro.
La princesa que quería ser pobre, 1942. Teatro.
Isla ignorada. Madrid: Musa Nueva, 1950. Poesía.
Canciones para niños. Madrid: Escuela Española, 1952
Prometeo, 1952. Teatro.
Villancicos. Fuenlabrada: Magisterio Español S.A., Editorial, 1954
Antología y poemas del suburbio. Caracas: Lírica Hispana, 1954. Poesía.
Aconsejo beber hilo. Madrid: Arquero, 1954. Poesía.
Pirulí (versos para párvulos). Madrid: Escuela Española, 1955. Poesía.
El chinito Chin Cha The (Nariz Porra y Cuello de Nuez), 1955. Teatro.
Todo asusta. Caracas: Lírica Hispana, 1958. Poesía.
Que estás en la tierra. Barcelona: Seix Barral, 1962. Poesía.
Ni tiro ni veneno ni navaja, 1965. Poesía.
Ganadora del Premio Guipúzcoa 1965
Poeta de guardia. Madrid: Ciencia Nueva, 1968. Poesía.
Cangura para todo. Barcelona: Lumen S.A., 1968. Cuentos.
Ganadora del Premio Andersen 1968
Cómo atar los bigotes del tigre. Barcelona: Saturno, 1969. Poesía.
Accésit del Premio Vizcaya 1969
Antología poética (1950-1969). Barcelona: Plaza y Janés, 1970. Poesía.
Petra: un señor pregunta por tí, 1970. Teatro.
Don Pato y Don Pito. Madrid: Escuela Española, 1970. Poesía.
Aurora Brígida y Carlos. Barcelona: Lumen S.A., 1970. Periódico.
La pájara pinta. Madrid: Alcalá, 1972. Poesía.
Cuando amas aprendes Geografía. Málaga: Curso Superior de Filología, 1973. Poesía.
El hada acaramelada. Madrid: Igreca de Ediciones, 1973. Poesía.
El camello cojito. Madrid: Igreca de Ediciones, 1973. Teatro.
El camello-auto de los reyes magos. Madrid: Igreca de Ediciones, 1973. Poesía.
Sola en la sala. Zaragoza: Javalambre, 1973. Poesía.
La gata chundarata y otros cuentos, 1974. Cuentos.
Obras incompletas. Madrid: Cátedra, 1975. Poesía.
La oca loca. Madrid: Escuela Española, 1977. Poesía.
La momia tiene catarro. Madrid: Escuela Española, 1978. Cuentos.
El dragón tragón. Madrid: Escuela Española, 1979. Cuentos.
Las tres Reinas Magas: Melchora, Gaspara y Baltasara. Madrid: Escuela Española, 1979. Teatro.
Tres tigres con trigo. Madrid: Yubarta, 1979. Poesía.
Historia de Gloria (Amor, humor y desamor). Madrid: Cátedra, 1980. Poesía.
Monto y Lío se meten en un lío. Zaragoza: Montolio Editorial, 1980
La ardilla y su pandilla. Madrid: Escuela Española, 1981
Donosito el oso osado. Madrid: Escuela Española, 1981
Pío Pío Lope, el pollito miope. Madrid: Escuela Española, 1981. Poesía.
Monto y Lio se encuentran a su tío. Zaragoza: Montolio Editorial, 1981
Monto y Lío se meten en un río. Zaragoza: Montolio Editorial, 1981
El perro que no sabía ladrar. Madrid: Escuela Española, 1982. Poesía.
El domador mordió al león. Madrid: Escuela Española, 1982
Así soy yo. Madrid: Escuela Española, 1982
El abecedario de D. Hilario. Valladolid: Miñón, S.A., 1983
Plumilindo (el cisne que quería ser ser pato). Madrid: Escuela Española, 1983
Coleta, la poeta. Valladolid: Miñón, S.A., 1983
El libro loco, de todo un poco. Madrid: Escuela Española, 1984. Poesía.
Cocoloco Pocoloco. Madrid: Escuela Española, 1985
Coleta payasa ¿Qué pasa?. Valladolid: Miñón, S.A., 1985
El pirata Mofeta y la jirafa Coqueta. Madrid: Escuela Española, 1986. Poesía.
Pelines. Valladolid: Miñón, S.A., 1986
Doña Pito Piturra. Madrid: Susaeta Ediciones, S.A., 1987
Animales geniales. Madrid: Escuela Española, 1989
Yo contento, tú contenta: Qué bien me sale la cuenta. Madrid: Escuela Española, 1989
La noria de Gloria: Lecturas I. Fuenlabrada: Magisterio Español S.A., Editorial, 1990
La noria de Gloria: Lecturas II. Fuenlabrada: Magisterio Español S.A., Editorial, 1990
Paca, la vaca flaca. Madrid: Escuela Española, 1990
La poesía no es un cuento. Madrid: Bruño, 1990. Poesía.
Con alegría, antología 50 años de poesía. Madrid: Escuela Española, 1991. Poesía.
Chupilandia. Madrid: Susaeta Ediciones, S.A., 1992
La pata mete la pata. Madrid: Susaeta Ediciones, S.A., 1992
Cuentos de animales. Madrid: Susaeta Ediciones, S.A., 1992
Chupachús. Madrid: Susaeta Ediciones, S.A., 1995. Poesía.
Mujer de verso en pecho. Madrid: Cátedra, 1995. Poesía.
La selva en verso. Madrid: Susaeta Ediciones, S.A., 1995. Poesía.
Versos fritos. Madrid: Susaeta Ediciones, S.A., 1995. Poesía.
Un pulpo en un garaje. Madrid: Susaeta Ediciones, S.A., 1995
Un cuento, dos cuentos, tres cuentos...:os cuenta cuentos Gloria Fuertes. Madrid: Susaeta Ediciones, S.A., 1995. Audio.
La avestruz troglodita. Cuento. En: Érase una vez la paz. Barcelona: Planeta, 1996, p. 69. Cuentos.
El cuarto del bebé. Madrid: SM, 1997
Cuentos de risa : el perro Picatoste y otros cuentos. Madrid: Susaeta Ediciones, S.A., 1997. Poesía.
Pecábamos como ángeles:Gloripoemas de amor. Madrid: Torremozas, 1997. Poesía.
Profesiones de ayer y de hoy. Madrid: Susaeta Ediciones, S.A., 1997
Las preguntas y respuesta de Gloria. Madrid: Susaeta Ediciones, S.A., 1997
Aquí paz y además Gloria. Madrid: Susaeta Ediciones, S.A., 1997
Pienso mesa y digo silla. Madrid: Susaeta Ediciones, S.A., 1997
Diccionario estrafalario. Madrid: Susaeta Ediciones, S.A., 1997
Los buenos salvajes. Madrid: Susaeta Ediciones, S.A., 1998
Las adivinanzas de Gloria Fuertes. Madrid: Susaeta Ediciones, S.A., 1998
Animalitos amigos. Madrid: Susaeta Ediciones, S.A., 1998
¡Qué patas tiene el tiempo!. Madrid: Susaeta Ediciones, S.A., 1998
La naturaleza. Madrid: Susaeta Ediciones, S.A., 1998
Es difícil ser feliz una tarde. Madrid: Torremozas, 2005. Poesía.

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Alejandra Pizarnik (Argentina 1936-1972)

8. Alejandra Pizarnik (Argentina 1936-1972)

Biografía[editar] Nacida como Flora Pizarnik Bromiker, fue hija de Elías Pizarnik y de Rejzla (Rosa) Bromiker, ambos inmigrantes judíos de origen ruso y eslovaco, que se dedicaban al comercio de joyería. Creció en un barrio de Avellaneda. Tenía una hermana mayor de nombre Myriam. Su infancia... Ver mas
Biografía[editar]
Nacida como Flora Pizarnik Bromiker, fue hija de Elías Pizarnik y de Rejzla (Rosa) Bromiker, ambos inmigrantes judíos de origen ruso y eslovaco, que se dedicaban al comercio de joyería. Creció en un barrio de Avellaneda. Tenía una hermana mayor de nombre Myriam.
Su infancia fue muy complicada. Hablaba el español con marcado acento europeo y tartamudeaba. Tenía graves problemas de acné y una marcada tendencia a subir de peso. Estas eventualidades minaban seriamente su autoestima. La autopercepción de su cuerpo y su continua comparación con su hermana la complicaron de manera obsesiva. Es posible que por esta razón comenzara a ingerir anfetaminas —por las cuales desarrolló una fuerte adicción—, que le provocaban prolongados períodos con trastornos del sueño: euforia e insomnio. Alejandra padeció trastorno límite de la personalidad.
En 1954, tras el bachillerato, ingresó en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires. Permaneció como estudiante de la Facultad hasta 1957, tomando cursos de literatura, periodismo y filosofía, pero no terminó sus estudios. Paralelamente tomó clases de pintura con Juan Batlle Planas.
Lectora profunda de muchos y grandes autores durante su vida, intentó ahondar en los temas de sus lecturas y aprender de lo que otros habían escrito. Así se motivó tempranamente por la literatura y por el inconsciente, lo que a su vez hizo que se interesara por el psicoanálisis.
Firmemente apolítica e influenciada en su lirismo por Antonio Porchia, los simbolistas franceses, en especial Arthur Rimbaud y Stéphane Mallarmé, por el espíritu del romanticismo, y por los surrealistas, Pizarnik escribió libros poéticos de notoria sensibilidad e inquietud formal marcada por una insinuante imaginería. Sus temas giraban en torno a la soledad, la infancia, el dolor y, sobre todo, la muerte.
Su primer libro fue La tierra más ajena (1955), editado en Botella al mar. Más tarde publicó La última inocencia (1956), volumen dedicado a su psicoanalista León Ostrov, y Las aventuras perdidas (1958).
Entre 1960 y 1964, Pizarnik vivió en París donde trabajó para la revista Cuadernos y algunas editoriales francesas, publicó poemas y críticas en varios diarios, tradujo a Antonin Artaud, Henri Michaux, Aimé Césaire, e Yves Bonnefoy, y estudió historia de la religión y literatura francesa en la Sorbona. Allí entabló amistad con Julio Cortázar, Rosa Chacel y Octavio Paz, entre otros, siendo este último el prologuista de Árbol de Diana (1962), su cuarto poemario, en el que ya se refleja plenamente la madurez como autora que estaba alcanzando en Europa.
Regresó a Buenos Aires en 1964, publicando sus poemarios más importantes: Los trabajos y las noches (1965), Extracción de la piedra de la locura (1968) o El infierno musical (1971).
En 1969 recibió la beca Guggenheim, lo que le permitió viajar a Nueva York, y en 1971 una Fullbright.
Escribió en prosa La condesa sangrienta (1971).
El 25 de septiembre de 1972, a los 36 años, se quitó la vida ingiriendo 50 pastillas de un barbitúrico (Seconal) durante un fin de semana en el que había salido con permiso del hospital psiquiátrico de Buenos Aires, donde se hallaba internada a consecuencia de su cuadro depresivo y tras dos intentos de suicidio.
Faltó tiempo para la gran empresa literaria. Alejandra decía que tenía que escribir una novela y que habría de aprender una nueva gramática para llegar a ese fin que rondaba por su cabeza.
Hoy, tiene un monumento en la calle Güemes en Avellaneda.
Obras[editar]

Fotografía publicada en La Historia de la Literatura Argentina. Buenos Aires, Centro Editor de América Latina , 1981, Suplemento 123.
Dejó como legado una vasta obra, a pesar de su corta vida: un diario de casi mil páginas, un extenso corpus de poemas, muchos escritos y relatos cortos surrealistas, y alguna novela breve.
La tierra más ajena, 1955.
La última inocencia, 1956.
Las aventuras perdidas, 1958.
Árbol de Diana, 1962.
Los trabajos y las noches, 1965.
Extracción de la piedra de locura, 1968.
Nombres y figuras, 1969.
El infierno musical, 1971.
La condesa sangrienta, 1971.
Los pequeños cantos, 1971.
El deseo de la palabra, 1975.
Textos de sombra y últimos poemas, 1982.
Zona prohibida, 1982. (Poemas, muchos de ellos borradores de piezas publicadas en Árbol de Diana, y dibujos).
Prosa poética, 1987.
Poesía completa 1955-1972, 2000.
Prosa completa, 2002.
Diarios, 2003.

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Santa Teresa de Jesús (España 1515-1582)

9. Santa Teresa de Jesús (España 1515-1582)

Teresa de Cepeda y Ahumada, más conocida como Santa Teresa de Jesús o simplemente Teresa de Ávila (Ávila, 28 de marzo de 1515 – Alba de Tormes, 4 de octubre de 1582), fue una religiosa, fundadora de las carmelitas descalzas, rama de la Orden de Nuestra Señora del Monte Carmelo (o carmelitas... Ver mas
Teresa de Cepeda y Ahumada, más conocida como Santa Teresa de Jesús o simplemente Teresa de Ávila (Ávila, 28 de marzo de 1515 – Alba de Tormes, 4 de octubre de 1582), fue una religiosa, fundadora de las carmelitas descalzas, rama de la Orden de Nuestra Señora del Monte Carmelo (o carmelitas), mística y escritora española. Doctora de la Iglesia Católica. Junto con San Juan de la Cruz, se considera a santa Teresa de Jesús la cumbre de la mística experimental cristiana,2 3 y una de las grandes maestras de la vida espiritual en la historia de la Iglesia.
Familia[editar]
Se llamaba Teresa Sánchez de Cepeda Dávila y Ahumada, aunque generalmente usó el nombre de Teresa de Ahumada hasta que comenzó la reforma, cambiando entonces su nombre por Teresa de Jesús.
El padre de Teresa era Alonso Sánchez de Cepeda, hijodalgo a Fuero de España, y que se encontraba en la Suertes de los Fielazgos en la Cuadrilla de Blasco Jimeno o de San Juan, de la ciudad de Ávila. Algunas teorías apuntan a una hipotética descendencia una familia judía conversa avecindada por un tiempo en Toledo, aunque procedente de Tordesillas.
Alonso casó dos veces. La primera, con doña Catalina del Peso y Henao, tuvo dos hijos: doña María y el capitán Juan Vázquez de Cepeda. Con su segunda esposa, doña Beatriz Dávila y Ahumada, pariente de la anterior, que murió cuando Teresa contaba unos 13 años, tuvo otros diez: Hernando, Rodrigo, Teresa, Juan (de Ahumada), Lorenzo, Antonio, Pedro, Jerónimo, Agustín y Juana.
Según una tradición oral, su hermano Pedro Alonso Sánchez de Cepeda y Ahumada en 1562 llegó a lo que hoy día es Nicaragua, al puerto de El Realejo y de allí a El Viejo, en el actual departamento de Chinandega, con la imagen de la Virgen María en su advocación de la Inmaculada Concepción, para luego viajar a Perú. Los nativos se opusieron a que se llevara la imagen y ésta permanece hasta hoy en la Basílica Menor de El Viejo.
Sin embargo, es muy curioso que en 1586, cuando Fray Alonso Ponce, Comisario General de la Orden de San Francisco en las Provincias de Nueva España, visitó la Provincia de Nicaragua, el Fray Antonio de Ciudad Real, su Secretario, hizo una amplia crónica sobre El Viejo, pero no abordó absolutamente nada sobre la existencia de la imagen de la Virgen en el pueblo, mucho menos sobre su origen y de su llegada al mismo, lo cual nos obliga a suponer que en 1586 aún no estaba esta imagen en El Viejo.
Efectivamente, en el año de 1588, Fray Antonio de Ciudad Real, respecto a El Viejo, describió entre otros aspectos, que su Convento era una casita de paja de aposentos bajos, con paredes de caña embarradas de adobe que no estaban terminadas e inclusive se refirió acerca del origen del nombre del poblado a partir del viejo cacique Agateyte, que gobernó el lugar, sin llegar a referirse en particular, a alguna imagen de la Virgen en el pueblo.
También, resulta curioso que en 1613, cuando Fray Antonio Vázquez de Espinosa visitó la Provincia de Nicaragua y describe el pueblo de El Viejo como «uno de los mayores que hay en la Provincia de Nicaragua, con once linajes, barrios o parcialidades y cada uno con su ermita; además, hay un Convento de San Francisco, con guardián y tres o cuatro religiosos», habla de su cielo, de la naturaleza, su fauna, su flora, sus frutas y sus volcanes, pero tampoco refiere nada sobre la imagen de la Virgen en El Viejo, lo cual nos hace parecer que por este año aún no se había efectuado la llegada de la imagen de la Virgen a la localidad.
En todo sentido, actualmente se estima que dicha imagen de la Virgen fue llevada a El Viejo en una fecha posterior a 1613 y anterior a 1626, lo cual descarta que un hermano de Santa Teresa de Ávila llevase a la imagen de la Virgen a El Viejo, puesto que su último hermano ya había fallecido en 1589, por lo cual, quizás se tratase de algún sobrino o familiar cercano, que dijo ser, sin serlo, hermano de la Santa; o alguna otra persona que solamente afirmó ser, sin serlo, hermano de la Santa; o en última instancia, simplemente una leyenda tejida entre los religiosos de dichas épocas. No obstante, en cualquiera de los casos, la versión más correcta siempre debería estar sujeta a la comprobación histórica, para no dejarnos llevar por el encanto de las especulaciones, los mitos y las leyendas.
Infancia[editar]

Estatua de Santa Teresa al lado de la Puerta del Alcázar de la muralla de Ávila.
Según relata la propia Teresa en los escritos destinados a su confesor y reunidos en el libro Vida de Santa Teresa de Jesús, desde sus primeros años mostró Teresa una imaginación vehemente y apasionada. Su padre, aficionado a la lectura, tenía algunos romanceros; esta lectura y las prácticas piadosas comenzaron a despertar el corazón y la inteligencia de la pequeña Teresa con seis o siete años de edad.
En dicho tiempo pensó ya en sufrir el martirio, para lo cual, ella y uno de sus hermanos, Rodrigo, un año mayor, trataron de ir a las «tierras de infieles», es decir, tierras ocupadas por los musulmanes, pidiendo limosna, para que allí los descabezasen. Su tío los trajo de vuelta a casa. Convencidos de que su proyecto era irrealizable, los dos hermanos acordaron ser ermitaños. Teresa escribe:
En una huerta que había en casa, procurábamos como podíamos, hacer ermitas, poniendo unas piedrecitas, que luego se nos caían, y así no hallábamos remedio en nada para nuestro deseo... Hacía (yo) limosna como podía, y podía poco. Procuraba soledad para rezar mis devociones, que eran hartas, en especial el rosario... Gustaba (yo) mucho cuando jugaba con otras niñas, hacer monasterios como que éramos monjas.
Parece que perdió a su madre hacia 1527, o sea a los 12 años de edad. Ya en aquel tiempo su vocación religiosa había sido continuamente demostrada. Aficionada a la lectura de libros de caballerías,
Comencé a traer galas, y a desear contentar en parecer bien, un mucho cuidado de manos y cabello y olores, y todas las vanidades que en esto podía tener, que eran hartas, por ser muy curiosa... Tenía primos hermanos algunos... eran casi de mi edad, poco mayores que yo; andábamos siempre juntos, teníanme gran amor y en todas las cosas que les daba contento, los sustentaba plática y oía sucesos de sus aficiones y niñerías, no nada buenas... Tomé todo el daño de una parienta (se cree que una prima), que trataba mucho en casa... Con ella era mi conversación y pláticas, porque me ayudaba a todas las cosas de pasatiempo, que yo quería, y aun me ponía en ellas, y daba parte de sus conversaciones y vanidades. Hasta que traté con ella, que fue de edad de catorce años... no me parece había dejado a Dios por culpa mortal.
Mudanza física y espiritual[editar]
Afectada por una grave enfermedad, volvió a casa de su padre, y ya curada, la llevaron al lado de su hermana María de Cepeda, que con su marido, don Martín de Guzmán y Barrientos, vivía en Castellanos de la Cañada, alquería de la dehesa que lleva dicho nombre, hoy sita en el término municipal de Zapardiel de la Cañada (Ávila). Luchando consigo misma, llegó a decir a su padre que deseaba ser monja, pues creía ella, dado su carácter, que el haberlo dicho bastaría para no volverse atrás. Su padre contestó que no lo consentiría mientras él viviera. Sin embargo, Teresa dejó la casa paterna, y entró el 2 de noviembre de 1533 en el convento de la Encarnación, en Ávila, y allí profesó el día 3 de noviembre de 1534.
Tras entrar al convento su estado de salud empeoró. Padeció desmayos, una cardiopatía no definida y otras molestias. Así pasó el primer año. Para curarla, la llevó su padre (1535) a Castellanos de la Cañada, con su hermana. En dicha aldea permaneció Teresa hasta la primavera de 1536. En Castellanos de la Cañada habría logrado (1535) la conversión de un clérigo concubinario. Entonces pasó a Becedas (Ávila). De vuelta en Ávila, el (Domingo de Ramos de 1537), sufrió un paroxismo de cuatro días en casa de su padre, quedando paralítica por más de dos años. Antes y después del parasismo, sus padecimientos físicos fueron horribles.
Favores espirituales[editar]

Santa Teresa de Jesús. Pintura al óleo de Alonso del Arco, siglo XVII.
A mediados de 1539 Teresa recuperó la salud; la tradición lo atribuyó en su día a la intercesión de San José. Con la salud Teresa recuperó las aficiones mundanas, fáciles de satisfacer, puesto que la clausura sólo se impuso como obligatoria a todas las religiosas a partir de 1563. En esa época Teresa de Ávila vivió nuevamente en el convento de la Encarnación, donde recibía frecuentes visitas.
Afligida un tiempo después, abandonó la oración (1541). Según su testimonio se le apareció Jesucristo (1542) en el locutorio con semblante airado, reprendiéndole su trato familiar con seglares. No obstante, la monja permaneció en él durante muchos años, hasta que se movió a dejar el trato de seglares (1555) a la vista de una imagen de Jesús crucificado.
El padre de Teresa falleció en 1541. El sacerdote que lo había asistido en sus últimos momentos, el dominico Vicente Barón, se encargó de dirigir la conciencia de Teresa rememorando las últimas palabras del padre de ésta. Posteriormente, impresionada por estas palabras, Teresa enmendó su conducta y estuvo dispuesta a corregir sus faltas. Al cabo, Teresa se confortó con la lectura de las Confesiones, de San Agustín. Los jesuitas Juan de Prádanos y Baltasar Álvarez fundaron en Ávila un colegio de la Compañía (1555).
Teresa confesó con Prádanos; al año siguiente (1556) comenzó a sentir grandes favores espirituales y poco después se vio animada (1557) por San Francisco de Borja. Tuvo en 1558 su primer rapto y la visión del infierno; tomó por confesor (1559) a Baltasar Álvarez, que dirigió su conciencia durante unos seis años, y disfrutó, dice, de grandes favores celestiales, entre los que se contó la visión de Jesús resucitado. Hizo voto (1560) de aspirar siempre a lo más perfecto; San Pedro de Alcántara aprobó su espíritu y San Luis Beltrán la animó a llevar adelante su proyecto de reformar la Orden del Carmen, concebido hacia dicho año.
Teresa quería fundar en Ávila un monasterio para la estricta observancia de la regla de su orden, que comprendía la obligación de la pobreza, de la soledad y del silencio. Por mandato de su confesor, el dominico Pedro Ibáñez, escribió su vida (1561), trabajo que terminó hacia junio de 1562; añadió, por orden de fray García de Toledo, la fundación de San José; y por consejo de Soto volvió a escribir su vida en 1566.
Aquí es oportuno copiar al biógrafo francés Pierre Boudot:
En todas las páginas (del libro de su vida) se ven las huellas de una pasión viva, de una franqueza conmovedora, y de un iluminismo consagrado por la fe de fieles. Todas sus revelaciones atestiguan que creía firmemente en una unión espiritual entre ella y Jesucristo; veía a Dios, la Virgen, los santos y los ángeles en todo su esplendor, y de lo alto recibía inspiraciones que aprovechaba para la disciplina de su vida interior. En su juventud las aspiraciones que tuvo fueron raras y parecen confusas; sólo en plena edad madura se hicieron más distintas, más numerosas y también más extraordinarias. Pasaba de los cuarenta y tres años cuando por vez primera vivió un éxtasis. Sus visiones intelectuales se sucedieron sin interrupción durante dos años y medio (1559–1561). Sea por desconfianza, sea para probarla, sus superiores le prohibieron que se abandonase a estos fervores de devoción mística, que eran para ella una segunda vida, y la ordenaron que resistiera a estos arrobamientos, en que su salud se consumía. Obedeció ella, mas a pesar de sus esfuerzos, su oración era tan continua que ni aun el sueño podía interrumpir su curso. Al mismo tiempo, abrasada de un violento deseo de ver a Dios, se sentía morir. En este estado singular tuvo en varias ocasiones la visión que dio origen al establecimiento de una fiesta particular en la Orden del Carmelo.
El biógrafo francés alude al suceso (1559) que refiere la santa en estas líneas:
Vi a un ángel cabe mí hacia el lado izquierdo en forma corporal... No era grande, sino pequeño, hermoso mucho, el rostro tan encendido que parecía de los ángeles muy subidos, que parece todos se abrasan... Veíale en las manos un dardo de oro largo, y al fin del hierro me parecía tener un poco de fuego. Este me parecía meter por el corazón algunas veces y que me llegaba a las entrañas: al sacarle me parecía las llevaba consigo, y me dejaba toda abrasada en amor grande de Dios. Era tan grande el dolor que me hacía dar aquellos quejidos, y tan excesiva la suavidad que me pone este grandísimo dolor que no hay desear que se quite, ni se contenta el alma con menos que Dios. No es dolor corporal, sino espiritual, aunque no deja de participar el cuerpo algo, y aun harto. Es un requiebro tan suave que pasa entre el alma y Dios, que suplico yo a su bondad lo dé a gustar a quien pensare que miento... Los días que duraba esto andaba como embobada, no quisiera ver ni hablar, sino abrasarme con mi pena, que para mí era mayor gloria, que cuantas hayan tomado lo criado.
Vida de Santa Teresa, cap. XXIX
Para perpetuar la memoria de dicha misteriosa herida, el Papa Benedicto XIII, a petición de los Carmelitas de España e Italia, estableció (1726) la fiesta de la transverberación del corazón de Santa Teresa. El biógrafo francés agrega:
Hasta exhalar el último suspiro Teresa gozó la dicha de conversar con las personas divinas, que la consolaban o revelaban ciertos secretos del cielo; la de ser transportada al infierno o al purgatorio, y aun la de presentir lo venidero.
Inicio de las fundaciones a lo largo de España[editar]

El Convento de San José en Ávila.
A fines de 1561 recibió Teresa cierta cantidad de dinero que le remitió desde el Perú uno de sus hermanos, y con ella se ayudó para continuar la proyectada fundación del Convento de San José. Para la misma obra contó con el concurso de su hermana Juana, a cuyo hijo Gonzalo se dice que resucitó la Santa. Esta, a principios de 1562, marchó a Toledo a casa de doña Luisa de la Cerda, en donde estuvo hasta junio. En el mismo año conoció al padre Báñez, que fue luego su principal director, y a fray García de Toledo, ambos dominicos.
Descontenta con la «relajación» de las normas que en 1432 habían sido mitigadas por Eugenio IV, Teresa decidió reformar la orden para volver a la austeridad, la pobreza y la clausura que consideraba el auténtico espíritu carmelitano. Pidió consejo a Francisco de Borja y a Pedro de Alcántara que aprobaron su espíritu y su doctrina.
Después de dos años de luchas llegó a sus manos la bula de Pío IV para la erección del convento de San José, en Ávila, ciudad a la que había regresado Teresa. Se abrió el monasterio de San José (24 de agosto de 1562); tomaron el hábito cuatro novicias en la nueva Orden de las Carmelitas Descalzas de San José; hubo alborotos en Ávila; se obligó a la Santa a regresar al convento de la Encarnación, y, calmados los ánimos, vivió Teresa cuatro años en el convento de San José con gran austeridad. Las religiosas adictas a la reforma de Teresa, dormían sobre un jergón de paja; llevaban sandalias de cuero o madera; consagraban ocho meses del año a los rigores del ayuno y se abstenían por completo de comer carne. Teresa no quiso para ella ninguna distinción, antes bien siguió confundida con las demás religiosas no pocos años.
La reforma propugnada por Teresa junto a San Juan de la Cruz, que, como se verá, comprendió también a los hombres, se llamó de los Carmelitas Descalzos, y progresó rápidamente, no obstante los escasos recursos de que disponía la santa. El padre Rossi, general del Carmen, visitó (1567) el convento de San José, lo aprobó, y dio permiso a Teresa para fundar otros de mujeres y dos de hombres. La santa, en aquel año, marchó a Medina del Campo para posesionarse de otro convento; estuvo en Madrid, y en Alcalá de Henares arregló el convento de descalzas fundado por su amiga María de Jesús. Por entonces se empezó a tratar de la reforma para hombres. En 1562 llegó a Malagón y fundó otro monasterio de la reforma. El monasterio fue bendecido en su inauguración el día de Ramos (11 de abril) de 1568. Como anécdota y dato curioso cabe decir que en la celda del monasterio que ocupó Santa Teresa hay una imagen suya sentada escribiendo en una pequeña mesa y que sólo se expone una vez cada 100 años en esa iglesia. Actualmente, en el monasterio viven carmelitas de clausura.
De Malagón se trasladó Teresa a Toledo, a donde llegó enferma (1568), y tras una corta residencia en Escalona, regresó a la ciudad de Ávila. De ella salió para Valladolid; allí dejó establecido otro convento, y por Medina y Duruelo de Blascomillán (Ávila), volvió al de Ávila (1569). Pasó a Toledo y Madrid; de aquí otra vez a Toledo, ciudad en la que experimentó muchas dificultades para la fundación de un convento, la cual quedó hecha a 13 de mayo, y vencidos otros obstáculos, tomó posesión del Convento de la Concepción Francisca de Pastrana (9 de julio). De vuelta en Toledo, allí permaneció un año, durante el cual hizo algunas breves excursiones a Medina, Valladolid y Pastrana. En Duruelo de Blascomillan (Ávila) se había fundado el primer convento de hombres (1568). Se afirma que vio Teresa milagrosamente el martirio del Padre Acevedo y otros 40 Jesuitas asesinados (1570) por el pirata protestante Jacobo Soria. Tras una visita a Pastrana, de donde regresó a Toledo, entró en Ávila (agosto).
Poco después se fundaba en Alcalá el tercer convento de descalzos, y en Salamanca, ciudad en que estuvo la santa, el séptimo de descalzas, al que siguió otro de mujeres en Alba de Tormes (25 de enero de 1571). De Alba volvió Teresa a Salamanca, siendo hospedada en el palacio de los condes de Monterrey; pasó a Medina, y de vuelta en Ávila, aceptó el priorato del convento de la Encarnación, cuya reforma consiguió. El priorato duró tres años. Se fundaron varios conventos más de descalzos; algunos en Andalucía abrazaron la reforma, y comenzó la discordia entre calzados y descalzos, todo ello en 1572, año en que Teresa recibió muchos favores espirituales en el convento de la Encarnación: tales fueron su desposorio místico con Jesucristo y un éxtasis en el locutorio cuando conversaba con San Juan de la Cruz. Teresa, que en el transcurso de su vida escribió muchas cartas, estuvo en Salamanca en 1573. Allí, obedeciendo a su director, el jesuita Ripalda, redactó el libro de sus fundaciones.
Resultados de la reforma carmelitana y tribulaciones de Teresa[editar]

El éxtasis de Santa Teresa. Escultura de Gian Lorenzo Bernini.
Vivió después en Alba (1574), de la que, a pesar de hallarse enferma y muy atribulada, pasó por Medina del Campo y Ávila a Segovia. En esta ciudad fundó otro convento, al que pasaron las religiosas del monasterio de Pastrana que fue abandonado debido al intento de doña Ana de Mendoza de la Cerda, la princesa de Éboli, de convertirse en religiosa bajo el nombre de sor Ana de la Madre de Dios, siguiendo un estilo de vida desapegado a la norma de la orden.
En dicho año se denunció a la Inquisición por primera vez la autobiografía de Teresa, que, de regreso en Ávila, terminado (6 de octubre) su priorato en la Encarnación, volvió a su convento de San José. A fines de año marchó a Valladolid. En principios de enero de 1575 por Medina del Campo, llegó a Ávila, y deteniéndose en Fontiveros, fue a Beas de Segura (Jaén) invitada por Catalina Godínez para funda allí. El camino lo hizo por Toledo, Malagón y Torre de Juan Abad, donde tomó ceniza el día 16 de febrero, en el trayecto se perdió en Sierra Morena, llegando esa misma tarde para la fundación del décimo convento de Carmelitas Descalzas (Beas de Segura), el 24 de febrero de 1575. En abril conoció al P. Jerónimo Gracián que estaba en Sevilla como visitador de la Orden, salió camino de la Corte, y enterado que estaba la santa en Beas desvió su camino, fue un encuentro gratificante para ambos. En Beas recibió una denuncia que puso la princesa de Éboli a la Inquisición española por el Libro de su Vida. Después se trasladó Teresa a Sevilla el 18 de mayo, estando enferma, y pasó grandes incomodidades en el viaje. Sufrió también grandes contradicciones en Sevilla, aunque logró fundar en ella el undécimo convento de descalzas.
Estalló la discordia entre carmelitas calzados y descalzos en el capítulo general celebrado por aquellos días en Plasencia; en virtud de las bulas pontificias se acordó tratar con rigor a los descalzos, que se habían extralimitado en sus fundaciones, y como fuera el padre Gracián (21 de noviembre), por comisión del nuncio, a visitar a los carmelitas calzados de Sevilla, estos resistieron la visita con gran alboroto. El padre Salazar, provincial de Castilla, intimó a Teresa que no hiciera más fundaciones y que se retirase a un convento sin salir de él. Trató la santa de retirarse a Valladolid, pero se opuso Gracián. En Sevilla estaba Teresa al fundarse en Caravaca (1 de enero de 1576) el duodécimo convento de descalzas. Delatada a la Inquisición por una religiosa salida del convento, eligió para su residencia el convento de Toledo. Dejó Sevilla (4 de junio), llegó a Malagón (11 de junio), y de allí a Toledo, donde ya estaba a principios de julio. Antes de establecerse, marchó al convento de Ávila para arreglar varios asuntos; pero regresó rápidamente a Toledo en compañía de Ana de San Bartolomé, a la que había tomado por secretaria. Allí concluyó el libro de Las fundaciones, las cuales se suspendieron en los cuatro años que duraron las persecuciones y conflictos entre calzados y descalzos. Eligió en Toledo por confesor a Velázquez.
Propaladas muchas calumnias contra Teresa, se trató de enviarla a un convento americano. Hizo la santa un viaje de Toledo a Ávila (julio de 1577), para someter a la Orden del Carmen el convento de San José, antes sujeto al ordinario. Miguel de la Columna y Baltasar de Jesús, desertores de la reforma, extendieron las calumnias contra los descalzos, a los que con tal motivo persiguió el nuncio Felipe Sega. Acudió Teresa al rey, que tomó en sus manos el asunto. Las monjas de la Encarnación, en Ávila, la eligieron priora, a pesar de las censuras del padre Valdemoro (octubre de 1577). La santa escribió (julio a noviembre) el libro de Las moradas. Sostuvo luego (1578) una polémica con el padre Suárez, provincial de los Jesuitas, y el nuncio redobló sus persecuciones hasta el punto de pretender destruir la reforma, desterrando a los principales descalzos y confinando a Toledo a Teresa, por él calificada de «fémina inquieta y andariega». En Sevilla un confesor delató a la Inquisición las supuestas faltas de la priora de las descalzas y de Teresa misma, sobre lo cual se formó un ruidoso expediente que puso en claro la inocencia de ambas.
Aquel año de (1578) la santa lo pasó en Ávila, y fue el más triste para Teresa, pues en una de sus cartas decía que le hacían guerra todos los demonios. Por entonces se hizo otra denuncia del Libro de su Vida. Desde principios de 1579 comenzó a calmarse la tempestad contra Teresa y su reforma. La santa escribió en Ávila (6 de junio) los cuatro avisos que dijo haber recibido del mismo Dios para aumento y conservación de su orden, los cuales publicó Fray Luis de León al fin del libro de la Vida. De Ávila salió (25 de junio) para visitar sus conventos. Sucesivamente estuvo en Medina del Campo, Valladolid, otra vez en Medina, en Alba de Tormes y Salamanca. De regreso en Ávila (noviembre), salió para Malagón, a pesar de estar enferma, y llegó a dicho pueblo (día 19) pasando por Toledo. En Villanueva de la Jara asistió a la fundación (21 de febrero de 1580) del decimotercer convento de descalzas. Regresó a Toledo, a pesar del mal estado de su salud y de los dolores de un brazo que se había roto (1577) resultado de una caída. En Toledo tuvo una parálisis y fallas cardíacas, que la pusieron a las puertas de la muerte. De allí pasó a Segovia y volvió a la ciudad de Ávila. Por aquellos días Gregorio XIII expidió las bulas (22 de junio) para la formación de provincia aparte para los descalzos. Teresa visitó Medina y Valladolid, donde cayó gravemente enferma. En Palencia fundó otro convento, al que siguieron dos de descalzos, uno en Valladolid y otro en Salamanca, ambos fundados en 1581. El decimoquinto de descalzas quedó fundado por la santa en Soria (3 de junio de 1581). Luego Teresa pasó por el Burgo de Osma, Segovia y Villacastín a la ciudad de Ávila, en la que las monjas del convento de San José la eligieron priora, cargo que hubo de aceptar. Después estuvo (1582) en Medina del Campo, Valladolid, Palencia y Burgos, casi siempre enferma.
Últimas fundaciones y muerte[editar]

Vidriera del Convento de Santa Teresa.
Supo que en Granada se había fundado el decimosexto convento de carmelitas, y uno de descalzos en Lisboa. El decimoséptimo de descalzas lo fundó ella en Burgos, donde escribió sus últimas fundaciones, incluyendo la de dicha ciudad. Saliendo de Burgos pasó por Palencia, Valladolid, cuya priora la echó del convento, Medina del Campo, cuya priora también la despreció, y Peñaranda. Al llegar a Alba de Tormes (20 de septiembre) su estado empeoró. Recibido el viático y confesada, murió en brazos de Ana de San Bartolomé la noche del 4 de octubre de 1582 (día en que el calendario juliano fue sustituido por el calendario gregoriano en España, por lo que ese día pasó a ser, viernes, 15 de octubre). Su cuerpo fue enterrado en el convento de la Anunciación de esta localidad, con grandes precauciones para evitar un robo. Exhumado el 25 de noviembre de 1585, quedó allí un brazo y se llevó el resto del cuerpo a Ávila, donde se colocó en la sala capitular; pero el cadáver, por mandato del Papa, fue devuelto al pueblo de Alba, habiéndose hallado incorrupto (1586). Se elevó su sepulcro en 1598; se colocó su cuerpo en la capilla Nueva en 1616, y en 1670, todavía incorrupto, en una caja de plata.
Reconocimientos[editar]
Beatificada Teresa en 1614 por Paulo V, e incluida entre las santas por Gregorio XV el 12 de marzo de 1622, fue designada (1627) para patrona de España por Urbano VIII. En 1626 las Cortes de Castilla la nombraron copatrona de los Reinos de España, pero los partidarios de Santiago Apóstol lograron revocar el acuerdo. Fue nombrada Doctora honoris causa por la Universidad de Salamanca y posteriormente fue designada patrona de los escritores.
Con todo, la Iglesia institución no reconocía oficialmente el magisterio de la vida espiritual realizado por santa Teresa de Jesús, ni su doctorado en la Iglesia. Se hicieron varias tentativas al respecto, la última en 1923. La razón que se alegaba para el rechazo era siempre la misma: «obstat sexus».4
Finalmente en 1970, santa Teresa de Jesús se convirtió (junto con Santa Catalina de Siena) en la primera mujer elevada por la Iglesia Católica a la condición de Doctora de la Iglesia, bajo el pontificado de Pablo VI. La Iglesia Católica celebra su fiesta el 15 de octubre.
Obra literaria[editar]
Cultivó además Teresa la poesía lírico-religiosa. Llevada de su entusiasmo, se sujetó menos que cuantos cultivaron dicho género a la imitación de los libros sagrados, apareciendo, por tanto, más original. Sus versos son fáciles, de estilo ardiente y apasionado, como nacido del amor ideal en que se abrasaba Teresa, amor que era en ella fuente inagotable de mística poesía.
Las obras místicas de carácter didáctico más importantes de cuantas escribió la santa se titulan: Camino de perfección (1562–1564); Conceptos del amor de Dios y El castillo interior (o Las moradas). Además de estas tres, pertenecen a dicho género las tituladas: Vida de Santa Teresa de Jesús (1562–1565) escrita por ella misma y cuyos originales se encuentran en la biblioteca del Monasterio de San Lorenzo del El Escorial; Libro de las relaciones; Libro de las fundaciones (1573–1582); Libro de las constituciones (1563); Avisos de Santa Teresa; Modo de visitar los conventos de religiosas; Exclamaciones del alma a su Dios; Meditaciones sobre los cantares; Visita de descalzas; Avisos; Ordenanzas de una cofradía; Apuntaciones; Desafío espiritual y Vejamen.
También escribió poesías, escritos breves y escritos sueltos sin considerar una serie de obras que se le atribuyen. Teresa escribió también 409 Cartas, publicadas en distintos epistolarios. Los escritos de la santa se han traducido a varios idiomas. El nombre de Santa Teresa de Jesús figura en el Catálogo de autoridades de la lengua publicado por la Real Academia Española.
Características físicas[editar]
El retrato más fiel a su apariencia. Es una copia de un original pintado de ella en 1576 a la edad de 61 años. Fray Juan de la Miseria pintó el rostro de Santa Teresa sobre lienzo, que es el cuadro más parecido al aspecto original, por realizarlo con la protagonista delante de sus ojos, y con los pinceles en la mano. (Retrato principal del artículo).
Su confesor, Francisco de Ribera, trazó así el retrato de Teresa:
Era de muy buena estatura, y en su mocedad hermosa, y aun después de vieja parecía harto bien: el cuerpo abultado y muy blanco, el rostro redondo y lleno, de buen tamaño y proporción; la tez color blanca y encarnada, y cuando estaba en oración se le encendía y se ponía hermosísima, todo él limpio y apacible; el cabello, negro y crespo, y frente ancha, igual y hermosa; las cejas de un color rubio que tiraba algo a negro, grandes y algo gruesas, no muy en arco, sino algo llanas; los ojos negros y redondos y un poco carnosos; no grandes, pero muy bien puestos, vivos y graciosos, que en riéndose se reían todos y mostraban alegría, y por otra parte muy graves, cuando ella quería mostrar en el rostro gravedad; la nariz pequeña y no muy levantada de en medio, tenía la punta redonda y un poco inclinada para abajo; las ventanas de ella arqueadas y pequeñas; la boca ni grande ni pequeña; el labio de arriba delgado y derecho; y el de abajo grueso y un poco caído, de muy buena gracia y color; los dientes muy buenos; la barba bien hecha; las orejas ni chicas ni grandes; la garganta ancha y no alta, sino antes metida un poco; las manos pequeñas y muy lindas. En la cara tenía tres lunares pequeños al lado izquierdo, que le daban mucha gracia, uno más abajo de la mitad de la nariz, otro entre la nariz y la boca, y el tercero debajo de la boca. Toda junta parecía muy bien y de muy buen aire en el andar, y era tan amable y apacible, que a todas las personas que la miraban comúnmente aplacía mucho.
Enseñanzas[editar]
Teresa transmite con espontaneidad su experiencia personal. Primero más de 20 años de oración estéril (sequedad o acedía), coincidiendo con enfermedades por las que padece tremendos sufrimientos. Después, a partir de los 41 años, fuertes y vivas experiencias místicas, a las que sus confesores califican como imaginarias o incluso como obra del demonio, aunque Teresa confía en su origen divino por el efecto que dejan de paz, refuerzo de las virtudes (especialmente de la humildad) y anhelo de servir a Dios y a los otros. La Inquisición vigiló muy de cerca sus escritos temiendo textos que incitaran a seguir la reforma iniciada ya en Europa. Muchos de sus textos están autocensurados, temiendo esta vigilancia. Su manuscrito "Meditaciones Sobre El Cantar de los Cantares" fue quemado por ella misma por orden de su confesor, en una época en que estaba prohibida la difusión de las Sagradas Escrituras en romance. La experiencia vivida y transmitida por Teresa en todos sus escritos se basa en la oración como el modo por excelencia de relación y comunicación con Dios.
Grados de oración[editar]
Los capítulos 11 a 23 del libro de La Vida son un tratado de oración clásico y único, donde compara los niveles de oración con cuatro formas de regar un huerto. Las flores que este dará son las virtudes:
1. Riego acarreando el agua con cubos desde un pozo.
Corresponde con la oración mental, interior o meditativa, que es un discurso intelectual sin repetición de oraciones aprendidas. Se trata de recoger el pensamiento en el silencio, y evitar las continuas distracciones. La definición de Teresa de oración mental está recogida en el Catecismo de la Iglesia católica: «[…] que no es otra cosa oración mental, a mi parecer, sino tratar de amistad, estando muchas veces tratando a solas con quien sabemos nos ama» (Vida, 8, 5). Es la etapa que más esfuerzo personal requiere para tomar la decisión de iniciar este camino.
2. Riego trasegándola con una noria.
Oración de quietud: también llamada contemplativa. La memoria, la imaginación y razón experimentan un recogimiento grande, aunque persisten las distracciones ahonda la concentración y la serenidad. El esfuerzo sigue siendo personal, se comienza a gustar de los frutos de la oración, lo que nos anima a perseverar.
3. Riego con canales desde una acequia.
Oración de unión: el esfuerzo personal del orante es ya muy pequeño: memoria, imaginación y razón son absorbidas por un intenso sentimiento de amor y sosiego: «el gusto y suavidad y deleite es más sin comparación que lo pasado» (Vida 16,1).
4. Riego con la lluvia que viene del cielo.
Éxtasis o arrobamiento: se pierde el contacto con el mundo por los sentimientos. «Acá no hay sentir, sino gozar sin entender lo que se goza» (Vida 18, 1), se pierde incluso la sensación de estar en el cuerpo y cualquier posible control sobre lo que nos acontece. Corresponden con las descripciones de levitación.
En el libro Camino de Perfección (también llamado el Castillo Interior o Las Moradas) detalla las etapas de la oración en 7 pasos. Describiendo el alma como un castillo de cristal o diamante al que se entra por medio de la oración y en el que se van recorriendo diversas moradas.
Teresa insiste en perseverar en la oración con humildad frente a Dios sin exigir o buscar experiencias sobrenaturales: «[…] importa mucho entender que no a todos lleva Dios por un camino; y, por ventura, el que le pareciere va por muy más bajo está más alto […]» (Camino de Perfección 27,2).
O dicho de otra forma: «el verdadero humilde ha de ir contento por el camino que le llevare el Señor» (Camino de Perfección 15, 2).
Reliquias y traslados[editar]
Nueve meses después de su muerte abrieron el ataúd y comprobaron que el cuerpo estaba entero y los vestidos podridos. Antes de devolver el cuerpo al cofre de enterramiento le diseccionaron una mano que envolvieron en una toquilla y la llevaron a Ávila. De esa mano cortó el padre Gracián el dedo meñique y, según su propio relato, lo mantuvo con él hasta que fue hecho prisionero por los turcos. Lo rescató a cambio de unas sortijas y 20 reales de la época.

Reliquia del corazón de Santa Teresa. Carmelitas de Alba de Tormes.
Reunido el capítulo de los descalzos, acordó que el cuerpo de Teresa debía volver a Ávila y ser custodiado en el convento de san José. Se hizo el traslado un sábado de noviembre de 1585, casi en secreto. Las monjas del convento de Alba de Tormes pidieron quedarse con un brazo como reliquia. Cuando el duque de Alba se enteró del traslado, envió sus quejas a Roma e hizo negociaciones para recuperarlo. El cuerpo volvió de nuevo a Alba de Tormes.
Después de estos hechos no la volvieron a trasladar más, pero se sacaron varias reliquias:
El pie derecho y parte de la mandíbula superior están en Roma.
La mano izquierda, en Lisboa.
El ojo izquierdo y la mano derecha, en Ronda (España). Esta es la famosa mano que Francisco Franco conservó hasta su muerte, tras recuperarla las tropas franquistas de manos republicanas durante la Guerra Civil Española.
El brazo izquierdo y el corazón, en sendos relicarios en el museo de la iglesia de la Anunciación en Alba de Tormes. Y el cuerpo incorrupto de la santa en el altar mayor, en un arca de mármol jaspeado custodiado por dos angelitos, en dicha iglesia.
Un dedo, en la Iglesia de Nuestra Señora de Loreto en París.
Otro dedo en Sanlúcar de Barrameda.
Dedos y otros restos santos, esparcidos por España y toda la cristiandad.
Títulos[editar]
Capitana de los Reinos de España. Este título fue proclamado por las Cortes en 1626 pero los partidarios de Santiago apóstol consiguieron revocar el acuerdo.
Doctora Honoris Causa por la Universidad de Salamanca.
Patrona de los escritores en lengua española.
Alcaldesa de la Villa de Alba de Tormes (título honorífico) desde el año 1963.
Doctora de la Iglesia Católica, declarada en 1970.
Cine y televisión[editar]
La película Santa Teresa de Jesús, dirigida en 1961 por Juan de Orduña, versó sobre la vida de la Santa. En 1984 Josefina Molina rodó una nueva película de igual título, protagonizada por Concha Velasco, que en ese mismo año, en una versión más extensa, fue emitida en TVE como serie de ocho capítulos, muy premiada.
La santa también aparece en el episodio «Adiós Maggie, adiós» de la vigésima temporada de Los Simpson.

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Emily Dickinson (EEUU 1830-1886)

10. Emily Dickinson (EEUU 1830-1886)

Emily Dickinson (Amherst, 1830 - id., 1886) Poetisa estadounidense cuya obra, por su especial sensibilidad, misterio y profundidad, ha sido celebrada como una de las más grandes de habla inglesa de todos los tiempos. Su padre, miembro del Congreso y tesorero del Amherst College, fue un... Ver mas
Emily Dickinson
(Amherst, 1830 - id., 1886) Poetisa estadounidense cuya obra, por su especial sensibilidad, misterio y profundidad, ha sido celebrada como una de las más grandes de habla inglesa de todos los tiempos.

Su padre, miembro del Congreso y tesorero del Amherst College, fue un abogado culto y austero, según el estilo burgués de Nueva Inglaterra. Dickinson estudió en la Academia de Amherst y en el seminario Femenino de Mount Holyoke, en Massachussets, donde recibió una rígida educación calvinista que dejó huellas en su personalidad y a la que se enfrentaría con su carácter escéptico. A través de Benjamín F. Newton conoció muy temprano la obra de Emerson. También leyó a Thoreau, a Hawthorne y a Beecher Stowe.


Emily Dickinson

Muy pronto decidió aislarse del mundo, manteniendo contacto solamente con unas pocas amistades, como el escritor Samuel Boswell, con quien sostuvo una larga correspondencia. A los veintitrés años, Dickinson tenía conciencia de su propia vocación casi mística, y a los treinta su alejamiento del mundo era ya absoluto, casi monástico. Retirada en la casa paterna, se dedicaba a las ocupaciones domésticas y garabateaba en pedazos de papel (con frecuencia ocultados en los cajones) sus apuntes y versos que, después de su muerte, se revelaron como uno de los logros poéticos más notables de la América del siglo XIX. En su aislamiento sólo vistió de color blanco ("mi blanca elección", según sus propias palabras), rasgo que expresaba la ética y transparencia de su poesía.

Uno de sus biógrafos escribió acerca de su naturaleza poética: "Era una especialista de la luz". Su escritura puede ser descrita como producto de la soledad, del retiro de cualquier tipo de vida social, incluida la relativa a la publicación de sus poemas. De ella dijo Jorge Luis Borges: "No hay, que yo sepa, una vida más apasionada y solitaria que la de esa mujer. Prefirió soñar el amor y acaso imaginarlo y tenerlo". Algunos de sus poemas reflejan la decepción que sufrió por un amor (dirigía cartas a un hombre al que llamaba "Master", del que no se conoce su verdadero nombre), y la ulterior sublimación y trasvase de ese amor a Dios.

Sus primeros poemas fueron convencionales, según el estilo corriente de la poesía en esos momentos, pero ya a comienzos de 1860 escribió versos más experimentales, sobre todo en lo que respecta al lenguaje y a los elementos prosódicos. Su escritura se volvió melódica y a la vez precisa, despojada de palabras superfluas y exploradora de nuevos ritmos, unas veces lentos y otras veloces, según el momento y la intención y no como un patrón rígido, como era usual. Su poesía devino intelectual y meditativa, sin que esto supusiera una merma de su sensibilidad.

Actualmente algunos especialistas subrayan esa complejidad intelectual, pues por lo general la crítica había jerarquizado su lirismo como un valor supremo, o su feminidad como categoría poética que la separaba de los demás autores norteamericanos. En su poesía pesan la extrañeza y la oscuridad como cualidades esenciales, y la sutilidad dialéctica entre las imágenes, las sensaciones y los conceptos. Influyó en poetas posteriores (como E. Bishop, A. Rich, W. Stevens y otros) por esa capacidad de crear un lenguaje a la vez metafísico y emotivo.

Únicamente cinco de sus composiciones poéticas fueron publicadas, con carácter anónimo, durante la vida de la autora. Hasta pasados cuatro años de su muerte no se publicó su primer poemario; posteriormente, a lo largo de sucesivas ediciones, llegaron a rescatarse alrededor de 1.800 poemas. No fue hasta a partir de 1920 que Dickinson alcanzó su posición prominente en la historia de la literatura norteamericana. En este aspecto constituyó una fecha notable el año 1924, en el que su sobrina Martha Dickinson Bianchi publicó The Life and Letters of Emily Dickinson, texto al cual opuso Geneviève Taggard en 1930 The Life and Mind of Emily Dickinson.

La poesía de Emily Dickinson
La obra de Dickinson es copiosa y desigual; muchos textos son piezas fragmentarias, pero en los mejores poemas, todos breves, se revela una fuerza excepcional de expresión, una concisión que es la condensación del pensamiento o de la impresión en una "evocatividad" metafísica como sólo se encuentra en algunos de los mejores poetas de nuestro tiempo. A esto se une una forma nítida, segura, que logra los máximos efectos con medios muy simples, y un personalísimo ritmo desarrollado usualmente en poemas de ocho o doce versos, de ordinario dos cuartetos yámbicos o bien tres cuartetos con rima ABCB.

Sus composiciones se agrupan en diversos apartados: "La vida" ["Life"], "La naturaleza" ["Nature"], "El amor" ["Love"], "El tiempo y la eternidad" ["Time and Eternity"], lo que da una idea de las líneas de su inspiración. La naturaleza, con sus desconcertantes leyes, encuentra en Emily Dickinson una comentarista aguda y serena que, como en el poema "Muerte y vida" ["Death and Life"], sabe expresar, en el consabido esquema de los dos cuartetos, uno de los más tormentosos problemas que turban la mente y el corazón del hombre:

En apariencia sin sorpresa
para la flor feliz,
el hielo, jugando, la decapita
valiéndose de su momentáneo poder.
El rubio asesino prosigue,
el sol avanza sin conmoverse
a medir otro día,
para un Dios que lo aprueba.

En los poemas que tienen como tema el amor (todos ellos inspirados por la única e infeliz pasión de la poetisa) domina la nota personal, y la feminidad de Dickinson, casi siempre sofocada, halla aquí a veces un desahogo. Son, sin embargo, rarísimos los gritos de pasión; más a menudo Dickinson nota, con delicada sensibilidad, las pequeñas alegrías de un casto sentimiento correspondido o el sentimiento por lo que nunca podrá ser.

No es, sin embargo, en este grupo donde se hallan sus logros mejores. El tiempo y la eternidad, descubriendo más vastos y menos personales horizontes interiores, le dan mayor libertad y felicidad de expresión. Así, en "Ha habido una muerte en la casa de enfrente" [There's been a Death in the opposite house"], hallamos la sobria y casi prosaica descripción de lo que, mirando por la ventana, se puede adivinar de la casa de enfrente por su aspecto externo: "Los vecinos se mueven dentro y fuera, el coche del doctor se va. Una ventana se abre mecánicamente, de golpe, de un modo súbito; alguien saca un colchón. Los niños pasan apretando el paso, se preguntan si Eso se muere allá arriba. Así hacia yo, de niña. El sacerdote entra tranquilo como si la casa fuese suya... y después la modista, y el hombre de la triste profesión, para tomar las medidas de la caja". Dickinson logra comunicar al lector el sentido trágico y conmovedor de la muerte humana, con sus pequeñas ceremonias siempre iguales, con sus exterioridades tan míseras, frente al misterio. Misterio al que Dickinson no tiene miedo:

No he visto nunca una landa,
nunca he visto el mar,
y sin embargo, sé cómo está hecho el yermo,
y sé lo que debe ser la ola.
Nunca he hablado con Dios,
nunca he visto el Cielo,
y sin embargo, conozco el lugar
como si tuviese un mapa de él.

Los versos comprendidos en el apartado "Un solo sabueso" ["A single Hound"] se inspiran siempre en los mismos temas, pero tienen el semblante más vivo, menos cuidado. La variedad y la bizarría de los ritmos se enfrentan con una incierta y menos profunda actitud mental. Es difícil encuadrar a la Dickinson en una época o en una escuela. Toda su obra expresa un tormento sutil a través de una intensa castidad estilística, y la meditada exigüidad de los medios formales y literarios da lugar a logros reservados a artistas verdaderamente geniales que siguen conmoviendo la sensibilidad actual.

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Circe Maia  (Uruguay 1932)

11. Circe Maia (Uruguay 1932)

Biografía[editar] Maia nació en Montevideo, Uruguay, en 1932. Sus padres eran María Magdalena Rodríguez y el escribano Julio Maia, ambos procedentes del norte de Uruguay.1 Fue su padre quien le publicó su primer libro de poesía, cuando Circe tenía 12 años (Plumitas, 1944). A sus 19 años sufrió... Ver mas
Biografía[editar]
Maia nació en Montevideo, Uruguay, en 1932. Sus padres eran María Magdalena Rodríguez y el escribano Julio Maia, ambos procedentes del norte de Uruguay.1 Fue su padre quien le publicó su primer libro de poesía, cuando Circe tenía 12 años (Plumitas, 1944). A sus 19 años sufrió la repentina muerte de su madre, que dejó una profunda huella en su primer libro de poesía madura, publicado cuando tenía 25 años (En el tiempo, 1958).
Se casó con Ariel Ferreira, médico, en 1957, y en 1962 la pareja se mudó a Tacuarembó con sus dos primeras niñas.
Cursó estudios de filosofía en el Instituto de Profesores Artigas (IPA) y siguió estudiando filosofía en la Facultad de Humanidades y Ciencias de la Universidad de la República. Se dedicó al profesorado de filosofía en un liceo departamental y en el Instituto de Formación Docente de Tacuarembó.
Participó en la fundación del Centro de Estudiantes del Instituto de Profesores Artigas (CEIPA) y fue socia activa del Partido Socialista.2
Los años de la dictadura cívico-militar en Uruguay fueron duros para su familia. Un día de 1972, los militares irrumpieron a las 3 de la madrugada en su casa para arrestar a Circe y Ariel, pero a ella le permitieron quedarse porque su hija menor tenía apenas 4 días.3 Su marido estuvo dos años preso por formar parte del Movimiento de Liberación Nacional-Tupamaros. En 1973, Maia fue destituida de su cargo como profesora de educación secundaria por el gobierno militar pero de todos modos daba clases particulares de idiomas y continuó con sus estudios. En 1983 perdió a su hijo de 18 años en un accidente de tránsito. Esta tragedia añadida a las dificultades de escribir bajo la dictadura la llevó hacia un descanso en su trabajo poético. Con el regreso de la democracia en 1985, fue reintegrada a su cargo como profesora de educación secundaria. Sus publicaciones comenzaron de nuevo con Destrucciones (1987), un pequeño libro escrito en prosa, y Un viaje a Salto (1987), relato en prosa sobre el encarcelamiento de su marido.
La publicación de Superficies (1990) marcó su regreso a la poesía y fue seguida por otros libros de poesía y sus traducciones al inglés, griego y otros idiomas. Para el público lector la publicación más importante fue la recopilación de sus nueve libros de poesía Circe Maia: obra poética (2007 y 2010), un libro de más de 400 páginas.
Enseñó filosofía en secundaria hasta su jubilación en 2001, pero continúa enseñando literatura inglesa en un instituto privado, prepara grupos de teatro en Tacuarembó, además de escribir y traducir.2
Poesía[editar]
En su primer libro adulto, En el tiempo (1958), Maia ya señalaba que la expresión adecuada de la poesía es "el lenguaje directo, sobrio, abierto, que no requiere cambio de tono en la conversación, pero que sea como una conversación con mayor calidez, mayor intensidad... La misión de este lenguaje es descubrir y no cubrir; descubrir los valores, los sentidos presentes en la existencia y no introducirnos en un mundo poético exclusivo y cerrado".4 A lo largo de toda su obra ha permanecido fiel a este arte poética. Los objetos, las personas, las muertes cercanas, la pintura y el tiempo son algunos de los temas elegidos para "descubrirse" y descubrir la trama humana. La propia experiencia se convierte en la posibilidad de auscultar lo humano y de establecer el diálogo con un tú siempre presente.
Circe Maia a lo largo de cincuenta años de trabajo poético se ha apartado de la literatura hermética que se vuelve monólogo. Como ella misma dice, ve "en la experiencia diaria, viva, una de las fuentes más auténticas de poesía".4 Su poesía se expresa a partir de la sensibilidad, sobre todo auditiva y visual.
Algunos de sus poemas han sido musicalizados por Daniel Viglietti, Jorge Lazaroff, Numa Moraes y Andrés Stagnaro entre otros. Que su poesía estaba de acuerdo con el espíritu de la época se puede ver en el nombre del grupo del canto popular uruguayo Los que Iban Cantando, inspirado por un poema de En el tiempo (1958). Quizás el más significativo fue su poema Por detrás de mi voz que fue musicalizado por Daniel Viglietti en 1978 como Otra Voz Canta. Esta canción, que a veces se realiza en combinación con el poema Desaparecidos de Mario Benedetti, se convirtió en una denuncia de los regímenes militares latinoamericanos que cometieron desapariciones forzadas.5
Libros[editar]
1944, Plumitas.
1958, En el tiempo.
1958, Presencia diaria.
1970, El Puente.
1972, Maia, Bacelo, Benavides; poesía.
1978, Cambios, permanencias.
1981, Dos voces
1986, Destrucciones, (poesía en prosa).
1987, Un viaje a Salto, (prosa).
1990, Superficies.
1996, Círculo de luz, círculo de sombra, (traducidos al sueco).
1998, De lo visible.
1999, Medida por medida, (traducción de Shakespeare).
2001, Breve sol.
2001, Ayer un Eucalyptus, (obra traducida al inglés).
2004, Un viaje a Salto, (traducción al inglés).
2010, Obra poética, (el conjunto de su obra poética).
2011, La casa de polvo sumeria: sobre lecturas y traducciones.
2013, La pesadora de perlas.
2013, Poemas: Robin Fulton, (traducción de un poeta escocés).
2014, Dualidades.
Premios[editar]
2007, Premio Nacional de Poesía de Uruguay.
2009, Homenaje de la Academia Nacional de Letras.
2010, Premio Bartolomé Hidalgo.
2012, Medalla Delmira Agustini.
Discografía[editar]
Circe Maia por ella misma (Sonopoemas, SP 704)
1996, Imagen final y otros textos (Ayuí / Tacuabé A/E164k)
2008, Imagen final y otros textos (reedición. Ayuí / Tacuabé A/E164CD)
Por detrás de mi voz
—escucha, escucha—
otra voz canta.
Viene de atrás, de lejos
viene de sepultadas
bocas y canta.
Dicen que no están muertos
—escúchalos, escucha—
mientras se alza la voz
que los recuerda y canta.
Escucha, escucha:
otra voz canta.

Circe Maia. Por detrás de mi voz en 2010.6

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Blanca Andreu (España 1959)

12. Blanca Andreu (España 1959)

Poeta española, nacida en A Coruña, que con su primera obra, De una niña de provincias que se vino a vivir en un Chagall, ganó el prestigioso Premio Adonais, en 1980. La obra de Blanca Andréu empezó con una clara influencia del surrealismo, tanto en la técnica de escritura como en el hecho de... Ver mas
Poeta española, nacida en A Coruña, que con su primera obra, De una niña de provincias que se vino a vivir en un Chagall, ganó el prestigioso Premio Adonais, en 1980. La obra de Blanca Andréu empezó con una clara influencia del surrealismo, tanto en la técnica de escritura como en el hecho de anteponer la inspiración y la autonomía del arte a cualquier otra cosa y, sin referencias apenas a hechos concretos ni preocupaciones intensas de tipo social, generacional. En esto es fiel representante de los poetas de la década de 1980, que no se mueven en corrientes estéticas organizadas, sino que defienden su individualidad y preocupación lingüístico-formal. Lo cual no supone un enfrentamiento con las estéticas anteriores -como había sido el caso de los Novísimos en la década precedente-, sino, simplemente, ignorancia, búsqueda de la propia expresión. Después de De una niña de provincias... ha publicado otros poemarios en los que se ha ido alejando del surrealismo onírico de su primer libro, como Báculo de Babel (1983), Capitán Elphistone (1988), El sueño oscuro (1994), un libro que reúne sus tres obras anteriores, y La tierra transparente (2002). © eMe

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Juana de Ibarbourou (Uruguay 1892-1979)

13. Juana de Ibarbourou (Uruguay 1892-1979)

Juana de Ibarbourou (Melo, Uruguay, 1895 - Montevideo, 1979) Poetisa uruguaya, considerada una de las voces más personales de la lírica hispanoamericana de principios del siglo XX. Llamada originalmente Juana Fernández Morales, a los veinte años se casó con el capitán Lucas Ibarbourou, del cual... Ver mas
Juana de Ibarbourou
(Melo, Uruguay, 1895 - Montevideo, 1979) Poetisa uruguaya, considerada una de las voces más personales de la lírica hispanoamericana de principios del siglo XX. Llamada originalmente Juana Fernández Morales, a los veinte años se casó con el capitán Lucas Ibarbourou, del cual adoptó el apellido con el que firmaría su obra.


Juana de Ibarbourou

Tres años después se trasladó a Montevideo, donde vivió desde entonces. Sus primeros poemas aparecieron en periódicos, principalmente en La Razón, de la capital uruguaya. Comenzó su larga travesía lírica con los poemarios Lenguas de diamante (1919), El cántaro fresco (1920) y Raíz salvaje (1922), todos ellos muy marcados por el modernismo, que expresó con abundancia de imágenes sensoriales y cromáticas, alusiones bíblicas y míticas, aunque siempre con un acento singular.

Su temática tiende a la exaltación sentimental de la entrega amorosa, de la maternidad, de la belleza física y de la naturaleza. Imprimió a sus poemas un erotismo que constituye una de las vertientes capitales de su producción. En 1929 fue proclamada "Juana de América" en el Palacio Legislativo del Uruguay, ceremonia que presidió el poeta "oficial" uruguayo, J. Zorrilla de San Martín, y que contó con la participación del ensayista mexicano Alfonso Reyes.

Poco a poco su poesía se fue despojando del ropaje modernista para ganar en efusión y sinceridad. En La rosa de los vientos (1930) se adentró en el vanguardismo, rozando incluso las imágenes surrealistas. Con Estampas de la Biblia, Loores de Nuestra Señora e Invocación a san Isidro, todos de 1934, iniciará en cambio un camino hacia la poesía mística.

En la década de 1950 se publicaron sus libros Perdida (1950), Azor (1953) y Romance del destino (1955). En esta misma época, en Madrid, salieron a la luz sus Obras completas (1953), donde se incluyeron dos libros inéditos: Dualismo y Mensaje del escriba.

Ocupó la presidencia de la Sociedad Uruguaya de Escritores en 1950. Cinco años más tarde su obra fue premiada en el Instituto de Cultura Hispánica de Madrid, y en 1959 se le concedió el Gran Premio Nacional de Literatura, otorgado ese año por primera vez. Su obra en prosa estuvo enfocada fundamentalmente hacia el público infantil; en ella destacan Epistolario (1927) y Chico Carlo (1944).

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María Teresa León (España 1903-1988)

14. María Teresa León (España 1903-1988)

MARÍA TERESA LEÓN {Logroño, 1903 - Madrid, 1988} Retrato de María Teresa León María Teresa León Goyri nació en Logroño el 31 de octubre de 1903, su padre era Coronel del Ejército, su tía fue la primera mujer en España que obtuvo un doctorado en Filosofía y Letras e impartió clases en la... Ver mas
MARÍA TERESA LEÓN
{Logroño, 1903 - Madrid, 1988}
Retrato de María Teresa León
María Teresa León Goyri nació en Logroño el 31 de octubre de 1903, su padre era Coronel del Ejército, su tía fue la primera mujer en España que obtuvo un doctorado en Filosofía y Letras e impartió clases en la universidad española. María Teresa León estudió en la Institución Libre de Enseñanza y se licenció en Filosofía y Letras.

En 1920, con dieciséis años se casa con Gonzalo de Sebastián y tienen dos hijos. Escribe en el Diario de Burgos bajo el seudónimo de la heroína de D'annunzio, Isabel Inghirami. En 1929 al conocer a Rafael Alberti rompe su matrimonio y se escapan a Mallorca, en 1932 se casan por lo civil y tras serles otorgada una pensión para estudiar el movimiento teatral europeo comienzan a viajar por Berlín, la Unión Soviética, Dinamarca, Noruega, Bélgica y Holanda. Participa en la fundación de la revista Octubre, en la que publicará su obra Huelga en el puerto (1933).

En 1934 vuelven a la Unión Soviética para asistir al Primer Congreso de Escritores Soviéticos. Tras el estallido de la Revolución de Asturias se van a los Estados Unidos, para recaudar fondos para los obreros damnificados.

Estalla la guerra civil cuando están en Ibiza. Fue secretaria de la Alianza de Escritores Antifascistas, y fundó la revista El Mono Azul, participó en la Junta de Defensa y Protección del Tesoro Artístico Nacional que trasladó las obras de arte del Museo del Prado y de El Escorial.

Tras la derrota republicana se exilian a: Francia, Argentina, Italia. En París viven hasta finales de 1940, trabajando como traductores de la radio francesa Paris-Mondial y como locutores para las emisiones de América Latina. Viven durante 23 en Argentina donde da a luz a Aitana. Escribe en 1958 junto a Rafael Alberti Sonríe China.. En 1963 se trasladan a vivir a Roma. El 27 de abril de 1977 vuelven a España, pero María Teresa pierde la memoria y cada vez enferma más, no reconoce a sus amigos, y así fallece el 13 de diciembre de 1988.
OBRAS

Misericordia. Teatro.
Cuentos para soñar. Burgos: Hijos de Santiago Rodríguez, 1928. Cuentos.
La bella del mal de amor. Burgos: Hijos de Santiago Rodríguez, 1930. Cuentos.
Huelga en el puerto, 1933. Teatro.
Rosa-Fría, patinadora de la luna. Madrid: Espasa Calpé, 1934. Cuentos.
Cuentos de la España actual. Ciudad de México: Dialéctica, 1935. Cuentos.
La tragedia optimista, 1937. Teatro.
Una estrella roja. Madrid: Ayuda, 1937. Cuentos.
Crónica General de la Guerra Civil. Madrid: Alianza de Intelectuales Antifranquistas, 1939. Ensayo.
Contra viento y marea. Buenos Aires: AIAPE, 1941. Novela.
Morirás lejos. Buenos Aires: Americalee, 1942. Cuentos.
Los ojos más bellos del mundo, 1943. Guión de cine.
La historia tiene la palabra. Buenos Aires: Patronato Hispano-Argentino de Cultura, 1944. Ensayo.
La dama duende, 1945. Guión de cine.
El gran amor de Gustavo Adolfo Bécquer. Buenos Aires: Losada S.A., Editorial, 1946. Novela.
Las peregrinaciones de Teresa. Buenos Aires: Botella al mar, 1950. Cuentos.
Don Rodrigo Díaz de Vivar, el Cid campeador. Buenos Aires: Peuser, 1954. Novela.
Nuestro hogar de cada día. Buenos Aires: Compañía Fabril Editora, 1958
Sonríe China. Buenos Aires: Jacobo Munick, 1958. Miscelánea.
Juego limpio. Buenos Aires: Goyanarte, 1959. Novela.
Doña Jimena Díaz de Vivar, gran señora de todos lo. Buenos Aires: Losada S.A., Editorial, 1960. Novela.
Fábulas del tiempo amargo. Ciudad de México: Alejandro Finisterre, 1962. Cuentos.
Menesteos, marinero de abril. Ciudad de México: Era, 1965. Novela.
Memoria de la melancolía. Buenos Aires: Losada S.A., Editorial, 1970. Biografía.
Cervantes. El soldado que nos enseñó a hablar. Madrid: Altalena, 1978. Novela.
La libertad en el tejado, 1989. Teatro.

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Sylvia Plath (EEUU 1932-1963)

15. Sylvia Plath (EEUU 1932-1963)

Sylvia Plath (Boston, EE.UU., 27 de octubre de 1932 – Primrose Hill, Londres, Reino Unido 11 de febrero de 1963) fue una escritora estadounidense especialmente conocida como poeta, aunque también es autora de obras en prosa, como una novela semi-autobiográfica, La campana de cristal (bajo el... Ver mas
Sylvia Plath (Boston, EE.UU., 27 de octubre de 1932 – Primrose Hill, Londres, Reino Unido 11 de febrero de 1963) fue una escritora estadounidense especialmente conocida como poeta, aunque también es autora de obras en prosa, como una novela semi-autobiográfica, La campana de cristal (bajo el pseudónimo de Victoria Lucas), y relatos y ensayos.
Junto con Anne Sexton, Plath es reconocida como uno de los principales cultivadoras del género de la poesía confesional iniciado por Robert Lowell y W. D. Snodgrass.
Estuvo casada con el escritor Ted Hughes, quien tras su muerte se encargó de la edición de su poesía completa.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Obras
2.1 La campana de cristal
2.2 Poesía
2.3 Prosa
2.4 Obras para niños
2.5 Traducciones al español
3 Referencias
Biografía[editar]

Sepultura de Sylvia Plath.
Nacida en el barrio de Jamaica Plain de Boston, Plath mostró gran talento a una edad temprana, al publicar su primer poema con 8 años. Su padre, Otto, que era profesor de universidad y una autoridad en el campo del estudio de la entomología, murió en esa época, el 5 de octubre de 1940. Ella intentó seguir publicando poemas y cuentos en revistas estadounidenses y consiguió cierto éxito.
En su primer año en la universidad de Smith College, Plath realizó el primero de sus intentos de suicidio. Esto lo detalló más tarde en su novela semi-autobiográfica La campana de cristal (The Bell Jar). Fue tratada en una institución psiquiátrica (Hospital McLean) y pareció recuperarse aceptablemente, tras lo que se graduó con honores, en 1955.
Plath obtuvo una beca Fulbright (que permite estudiar o colaborar en universidades extranjeras), por lo que fue a la Universidad de Cambridge, donde continuó escribiendo poesía y ocasionalmente publicaba su trabajo en el periódico universitario Varsity. Fue en Cambridge donde conoció al poeta inglés Ted Hughes. Se casaron el 16 de junio de 1956. Plath y Hughes vivieron y trabajaron en Estados Unidos desde julio de 1957 hasta octubre de 1959, periodo durante el cual Plath daba clases en Smith College. Posteriormente se mudaron a Boston, donde Plath asistió a seminarios con Robert Lowell. Este curso tuvo una gran influencia en sus obras. También participaba en los seminarios Anne Sexton. Fue en este periodo cuando Plath y Hughes conocieron, por primera vez, a W. S. Merwin, quien admiraba su trabajo y llegó a ser un gran amigo. Al enterarse de que Plath estaba embarazada, volvieron al Reino Unido.

23 Fitzroy Road, Londres : La casa donde Sylvia Plath se suicidó.
Vivió junto con Hughes en Londres durante un tiempo, y después se asentaron en North Tawton, un pequeño pueblo en Devon. Publicó su primera recopilación de poesía, El coloso (The Colossus) en Inglaterra en 1960. En febrero de 1961 tuvo un aborto. Algunos de sus poemas hacen referencia a este hecho. Tuvieron problemas con su matrimonio y se separaron menos de dos años después del nacimiento de su primer hijo. Su separación se debió sobre todo a la aventura amorosa que Hughes tenía con la poetisa Assia Wevill, pero hay quienes especulan que Olwyn Hughes, hermana del poeta, interfirió de manera decisiva en su relación.
Plath retornó a Londres con sus hijos, Frieda y Nicholas. Alquiló un piso donde había vivido W. B. Yeats; esto le encantaba a Plath y lo consideró un buen presagio cuando comenzaba el proceso de su separación. El invierno de 1962/1963 fue muy duro. El 11 de febrero de 1963, enferma y con poco dinero, Plath se suicidó asfixiándose con gas. Está enterrada en el cementerio de Heptonstall, West Yorkshire.
Aunque durante mucho tiempo se consideró que sus repetidas depresiones e intentos de suicidio se debieron a la muerte de su padre cuando ella contaba con nueve años, pérdida que nunca logró superar, hoy se cree que padecía trastorno bipolar, trastorno psicológico que actualmente se trata con medicación.
Su hijo Nicholas Hughes Plath fue un hombre solitario; se refugió en la privacidad de Alaska como profesor en la Universidad de Alaska Fairbanks. Maníaco depresivo y solitario, nunca se casó ni tuvo hijos, y el 16 de marzo de 2009 se suicidó en Alaska.
Obras[editar]
Su viudo, Hughes, se convirtió en el editor del legado personal y literario de Plath. Supervisó y editó la publicación de sus manuscritos. También destruyó el último volumen del diario de Plath, que trataba del tiempo que pasaron juntos. En 1982, Plath fue la primera poeta en ganar un premio Pulitzer póstumo (por Poemas completos -The Collected Poems)
Muchos críticos, sobre todo del ámbito feminista, han acusado a Hughes de intentar controlar las publicaciones para su propio beneficio. Por su parte, Hughes lo ha negado enérgicamente, aunque llegó a un acuerdo con la madre de Plath, Aurelia, cuando ésta intentó evitar la publicación de las obras más controvertidas de su hija en Estados Unidos, lo cual para muchos fue muy egoísta por parte de Hughes. En su última recopilación, Cartas de cumpleaños (Birthday Letters), Hughes rompió su silencio acerca de Plath. En esta obra es extremadamente franco, aunque no pide disculpas. El diseño de la tapa del libro fue hecho por Frieda.
Los primeros poemas de Plath fueron recopilados en su primer libro, El coloso (The Colossus); aunque bien recibido por la crítica, ha sido a menudo descrito como convencional y carente del drama de sus obras posteriores. Ha habido mucho debate sobre cuánto se vio Sylvia Plath influenciada por el trabajo de Hughes. La propia poetisa admite, en sus diarios de vida, sus propios intentos por explorar la animalidad y salvajismo que distinguen la obra de Hughes. De hecho, el poema Panther fue escrito poco tiempo después de conocer a Hughes, y está dedicado a él. Muchísimos artículos, ensayos y libros han surgido acerca de este tema. De todos modos está claro, por sus diarios y cartas, que admiraba mucho el talento de Hughes y le mostró respeto incluso tras su divorcio.
A pesar de esto sus obras son genuinas y las similitudes entre ambos poetas son mínimas. Debemos recordar también que toda creación artística cuenta con influencias visibles, en ocasiones incluso explícitas, y la presencia de éstas no determina o niega la originalidad de una obra de arte.
En Tres mujeres, poema narrado para la BBC en 1962, Sylvia dota de una nueva visión a su poesía. A partir de ese momento concibe los poemas para ser leídos en voz alta. Además, se plantea como un poema feminista y antibelicista, que narra la maternidad desde el punto de vista de tres mujeres. Se trata de uno de sus últimos escritos junto con los recogidos en Ariel.
Los poemas en Ariel marcan el punto de inflexión de sus primeras obras hacia un área de poesía más confesional. Es probable que las enseñanzas de Lowell, quien enfatizaba lo confesional, hayan tenido mucha importancia en este cambio. El impacto de la publicación de Ariel fue muy dramático, con sus francas descripciones del descenso hacia la locura. Las obras de Plath también han sido asociadas con Sexton. Ambas sufrieron de enfermedades mentales y se suicidaron, por lo que las comparaciones son, quizás, inevitables.
A pesar de las numerosas críticas y biografías tras su muerte, el debate acerca de las obras de Plath a menudo deja ver la lucha entre aquellos que están de su parte y aquellos que están del lado de Hughes. Una prueba del nivel de crispación son las repetidas acciones contra la palabra Hughes cincelada sobre la lápida de la tumba de Plath.
Durante los años 70 predominaban las interpretaciones biográfico-psicoanalíticas de la obra de Plath, mientras que ya en los 80 y 90 se prefiere un estudio crítico feminista y de género. Esta diferencia se percibe sobre todo en la comparación entre las biografías de Plath que ha tenido lugar desde entonces, así como en la obra crítica que se ha dedicado a esta autora.
La publicación casi completa (excluyendo los ejemplares destruidos) de sus diarios de vida, tras la muerte de Hughes en 1998, ha servido para aclarar muchos puntos de especulación, y para dirigir el interés de los lectores hacia una comprensión más profunda del método y la sensibilidad en el genio creativo de Plath.
La campana de cristal[editar]
Su obra más representativa y novela semi-autobiográfica, reflejo de las características psicológicas de la autora. Narra la vida de la joven Esther Greenwood, alter ego de Sylvia Plath. A través del monólogo interior asistimos a la inestabilidad emocional siempre colindando con la depresión de la protagonista, la cual mantendrá una lucha continua en su intento por adaptarse. Visión no exenta de cinismo y calidad estilística, con ritmo propio de la poesía.
Poesía[editar]
El coloso (The Colossus) (1960)
Ariel (1965)
Cruzando el agua
Tres mujeres (1968)
Árboles de invierno (1971)
Poemas completos (The Collected Poems) (1981)
Prosa[editar]
La campana de cristal (The Bell Jar) (1963) con el pseudónimo de "Victoria Lucas".
Cartas a casa (Letters home) (1975), enviadas a y editadas por su madre.
Johnny Panic y la Biblia de sueños (Johnny Panic and the Bible of Dreams) (1977)
Los diarios de Sylvia Plath (The Journals of Sylvia Plath) (1982)
The Magic Mirror (1989), la tesis para Smith College.
The Unabridged Journals of Sylvia Plath (2000)
Obras para niños[editar]
The Red Book (1976)
The It-Doesn't-Matter-Suit (1996)
Collected Children's Stories (2001)
Mrs. Cherry's Kitchen (2001)
Traducciones al español[editar]
Ariel, Hiperión, Madrid, 1985 (ed. bilingüe). Traducción de Ramón Buenaventura.
Poesía completa, Bartleby Editores, Madrid, 2008 (ed. bilingüe). Edición de Ted Hughes y traducción y notas de Xoán Abeleira.
La campana de cristal, Editorial Tiempo Nuevo, Caracas, 1973. Trad. Miryam McGee.
La campana de cristal, Editorial Edhasa. Traducción de Elena Rius.
Abejas, Cuadro de tiza ediciones, Santiago - Chile, 2010 (ed. bilingüe). Traducción de Rodrigo Olavarria.
Tres mujeres, Editorial Nórdica Libros, 2013 (ed. bilingüe e ilustrada). Traducción de María Ramos. Ilustraciones de Anuska Allepuz.

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Blanca Varela (Perú 1926-2009)

16. Blanca Varela (Perú 1926-2009)

Blanca Varela (Lima, 1926 - 2009) Poetisa peruana considerada la más importante voz poética femenina de su país, en buena medida por la difusión internacional que alcanzó su obra. Hija de Alberto Varela y de la escritora costumbrista Esmeralda González Castro (también conocida por su... Ver mas
Blanca Varela
(Lima, 1926 - 2009) Poetisa peruana considerada la más importante voz poética femenina de su país, en buena medida por la difusión internacional que alcanzó su obra.

Hija de Alberto Varela y de la escritora costumbrista Esmeralda González Castro (también conocida por su seudónimo de Serafina Quinteras), a los dieciséis años ingresó a la Universidad Nacional Mayor de San Marcos para seguir estudios de letras. En la universidad entró en contacto con los escritores de la generación del 50, especialmente con los poetas Sebastián Salazar Bondy, Jorge Eduardo Eielson y Javier Sologuren, con quienes formaría el grupo de los llamados "poetas puristas", en contraposición a los "poetas sociales" de la época. Conoció también a poetas como César Moro, Emilio Adolfo Westphalen y Manuel Moreno Jimeno, quienes la iniciaron en la tradición surrealista y en otras vanguardias, presentes en una parte de su obra.


Blanca Varela

En 1947 finalizó sus estudios y dos años después se casó con el pintor peruano Fernando de Szyszlo, de quien posteriormente se separaría. En 1949 se trasladó a París, ciudad en la que residió algunos años; conoció allí de primera mano el movimiento existencialista francés y demás posturas estéticas de la posguerra. También vivió algunos años en México, dirigiendo la sucursal peruana del Fondo de Cultura Económica de ese país.

Desde 1960 residió casi permanentemente en su ciudad natal, con contactos muy esporádicos con el ambiente literario. Colaboró en la revista Oiga de Lima, en la que escribió críticas de cine con el seudónimo de Cosme, y fue miembro del comité de redacción de la revista Amaru (1967-71), dirigida por Adolfo Westphalen. En 1996 recibió la Medalla Internacional Gabriela Mistral, otorgada por el gobierno chileno a personalidades destacadas de la cultura.

Su obra poética está formada por unos pocos libros, publicados sin prisa y cuando la mayoría de sus compañeros de letras ya habían editado sus trabajos. A los treinta y tres años, y luego de algunas pocas colaboraciones en revistas, publicó a insistencia del escritor mexicano Octavio Paz su primer poemario con el título Ese puerto existe (1959), con prólogo del mismo Paz. En este libro encontramos poemas de influencia surrealista que la escritora suprimió en ediciones posteriores, como los de la primera sección, denominada "El fuego y sus jardines", posiblemente por considerar que no se ajustaban a su lenguaje poético posterior.

Posteriormente publicó los poemarios Luz de día (1963), Valses y otras falsas confesiones (1972), Ejercicios materiales (1993), El libro de barro (1993) y Concierto animal (1999). De las varias recopilaciones de su poesía, merecen mencionarse Canto villano (1996) y Como Dios en la nada (1999). En 2001 fue distinguida con el Premio Octavio Paz de Poesía y Ensayo, y en 2006 con el Premio Internacional de Poesía García Lorca. Recibió también los premios poesía Ciudad de Granada (2006) y Reina Sofía (2007).

La poesía de Blanca Varela, reflexiva y desencantada, ajena al confesionalismo lírico, asume el dolor y la frustración de toda realización humana (la vida íntima, la poesía misma) como ejes centrales de su discurso. La crítica ha enfatizado su extrema lucidez frente a una realidad que no la satisface, su constante búsqueda de la verdad sin concesiones, su ironía, su irreverencia, su expresividad "corta en palabras" y la tendencia mística presente en sus últimos poemas, entre otros rasgos de su poética.

En el interior de ese espectro temático, se advierten las influencias del surrealismo y también del pensamiento existencialista, sobre todo de Simone de Beauvoir y Jean-Paul Sartre. En la autora se conjugan la exploración de los laberintos del subconsciente, la cotidianidad signada por el tedio y la amargura, y la expresión dolorosa de la vida condenada a no alcanzar la plenitud. Acaso por eso su poesía es un intento de desmitificación del discurso, y todo en ella se opone a las imágenes de lo sublime y lo perfecto; así, el canto es "villano" o la vida una suma de ejercicios "materiales".

Octavio Paz la definió tempranamente en el prólogo a Ese puerto existe como "un poeta que no se complace en sus hallazgos ni se embriaga con su canto. Con el instinto del verdadero poeta, sabe callarse a tiempo. Su poesía no explica ni razona. Tampoco es una confidencia. Es un signo, un conjuro frente, contra y hacia el mundo, una piedra negra tatuada por el fuego y la sal, el amor, el tiempo y la soledad. Y también una exploración de la propia conciencia". En esa obra concisa y austera, a veces descarnada y siempre inconforme, se intuye en efecto una reflexión sobre la soledad, la incomunicación y la condición maternal, entre otros temas.

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Delmira Agustini (Uruguay 1886-1914)

17. Delmira Agustini (Uruguay 1886-1914)

Delmira Agustini (Montevideo, 1886 - 1914) Destacada poetisa uruguaya adscrita al modernismo, que inauguró con su obra lírica la trayectoria de la poesía femenina del siglo XX en el continente sudamericano. Formó parte de la llamada "generación de 1900" a la que también pertenecieron Julio... Ver mas
Delmira Agustini
(Montevideo, 1886 - 1914) Destacada poetisa uruguaya adscrita al modernismo, que inauguró con su obra lírica la trayectoria de la poesía femenina del siglo XX en el continente sudamericano. Formó parte de la llamada "generación de 1900" a la que también pertenecieron Julio Herrera y Reissig, Leopoldo Lugones y Rubén Darío, al que consideraba su maestro, y con el que mantuvo correspondencia tras conocerlo en 1912 en Montevideo.


Delmira Agustini

Su obra se vincula a la vasta corriente modernista rioplatense, dominada mayoritariamente por hombres, y contó con la admiración de las principales figuras de la época como el propio Ruben Darío, Miguel de Unamuno y Manuel Ugarte. La tónica general de su poesía es erótica, con imágenes de honda belleza y originalidad. El mundo de sus poemas es sombrío y atormentado, con versos de una musicalidad excepcional. Su lirismo llega a profundidades metafísicas que contrastan con su juventud.

Perteneció a una familia acomodada, descendiente de alemanes, franceses y porteños. Todos ellos sobreprotegían su vocación poética, con la que escandalizó a la burguesa sociedad rioplatense. En su infancia realizó estudios de francés, música y pintura. Su vida y su personalidad están llenas de enigmas y contradicciones. En su corta vida tuvo una terrible peripecia sentimental que provocó su muerte trágica: su matrimonio con Enrique Reyes, la separación posterior y el asesinato a manos de su ex marido. Tras su desaparición nació un mito que desafía a ensayistas y biógrafos y sigue vigente en infinidad de versiones.

Desde temprana edad envió colaboraciones en prosa a la revista Alborada, que se publicaba por entonces en la capital de su país. En 1907 editó su primer poemario, El libro blanco, al que siguieron Cantos de la mañana (1910) y Los cálices vacíos (1913). Después de su muerte, en 1924, salieron a la luz las Obras completas (tomo 1, El rosario de Eros; tomo 2, Los astros del abismo) y en 1969 su Correspondencia íntima.

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Anna Akhmatova (Rusia 1889-1966)

18. Anna Akhmatova (Rusia 1889-1966)

Anna Andréyevna Ajmátova (ruso: Анна Андреевна Ахматова), de soltera Górenko (Bolshói Fontán, cerca de Odesa,11 de juniojul./ 23 de junio de 1889greg. - Domodédovo, cerca de Moscú, 5 de marzo de 1966), fue una destacada poeta rusa. Junto con Ósip Mandelshtam fue una de las figuras más... Ver mas
Anna Andréyevna Ajmátova (ruso: Анна Андреевна Ахматова), de soltera Górenko (Bolshói Fontán, cerca de Odesa,11 de juniojul./ 23 de junio de 1889greg. - Domodédovo, cerca de Moscú, 5 de marzo de 1966), fue una destacada poeta rusa. Junto con Ósip Mandelshtam fue una de las figuras más representativas de la poesía acmeísta de la Edad de Plata de la literatura rusa.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Monumentos
3 Obra poética
4 Bibliografía
5 Enlaces externos
Biografía[editar]

Anna Ajmátova con su marido Nikolái Gumiliov y el hijo Lev entre 1913 y 1916.

Fotografía de Anna Ajmátova de 1950.
Anna Andréyevna Górenko nació el 11(23) de junio de 1889 en Odessa, hija de una noble familia de origen tártaro.
Su infancia no parece que fuese muy feliz; sus padres se separaron en 1905. Anna comenzó a escribir poesía a la edad de once años. Como su padre no quería ver ningún verso impreso bajo su "respetable" apellido, ella decidió adoptar el de su bisabuela tártara, Ajmátova, como pseudónimo.
Estudió derecho, latín, historia y literatura en Kiev y en San Petersburgo. Allí se casó con Nikolái Gumiliov en 1910, poeta famoso, promotor del acmeísmo, corriente poética que se sumaba al renacimiento intelectual de Rusia a principios del siglo XX. Los acmeístas rompían con el simbolismo, de carácter metafórico, y restablecían el valor semántico de las palabras. En esta línea Anna publica en 1912 su primer libro de poemas titulado La tarde. En ese mismo año nace su único hijo, Lev (Lev Gumiliov), que se convertiría en un famoso historiador Neo-Eurasianista. El matrimonio de Anna y Nikolái duraría desde 1910 hasta 1918.
En 1910-1912 viajó a Italia y Francia, visitando París dos veces. Conoció a Modigliani, quién influiría en su perspectiva.
Más tarde Ajmátova se casaría con el prominente asiriólogo Vladímir Shileiko (1918-1922) y poco después con el historiador de arte Nikolái Punin (1922-1938). Borís Pasternak estuvo enamorado de ella pero Anna rechazó su proposición.
Sus primeros escritos parecen intuir la gran soledad en la que se verá sumergida años más tarde, después de las trágicas consecuencias de la revolución rusa de 1917. Tras ésta, Anna se verá afectada ya que en 1921 su primer marido Nikolái Gumiliov, fue acusado de conspiración y fusilado. Más tarde, su hijo será también arrestado y deportado a Siberia. Y su último marido, Punin, moriría de agotamiento en un campo de concentración en 1938. Los poemas de Anna se prohibieron, fue acusada de traición y deportada. Por temor a que fusilaran a su hijo quemó todos sus papeles personales. En 1944 pudo regresar con su hijo a Leningrado, ciudad devastada tras el asedio nazi.
Allí comenzó a ganarse la vida traduciendo a Leopardi y publicando ensayos, incluyendo brillantes ensayos de Aleksandr Pushkin, en periódicos escolares. Todos sus amigos emigraron o fueron reprimidos.
En 1945 el joven intelectual británico Isaiah Berlin quiso visitarla antes de regresar a Londres. Ese encuentro se prolongó durante veinte horas donde Anna le leyó sus poemas y se sinceró con él, pero esto tuvo trágicas consecuencias ya que su hijo volvió a ser encarcelado durante diez años. Esta vez la escritora se negó a silenciar su voz y siguió adelante con su poemario más importante, Réquiem, ahí explica que en aquella Unión Soviética los únicos que estaban en paz eran los difuntos y que los vivos pasaban su vida yendo de un campo de concentración a otro. El libro fue publicado sin su consentimiento y conocimiento en 1963 en Múnich.
En 1962, Ajmátova estuvo nominada al Premio Nobel de Literatura, pero no lo consiguió.
En 1964, en honor a su 75 cumpleaños, se realizaron nuevos estudios y se publicaron nuevas recopilaciones de sus versos. Ese mismo año viaja a Taormina (Italia), donde recibe el Premio Internacional de Poesía y en 1965 es nombrada doctor honoris causa por la Universidad de Oxford. Viaja a Gran Bretaña con escala en París y se publica en Moscú El correr del tiempo (1909-1965), un balance incompleto (y censurado) de su obra.
Sus últimas piezas, compuestas en ritmo y sentido neoclásico, parecen ser la voz que reflejaba lo mucho que ella había vivido. Durante su estancia en Komarovo era visitada por Joseph Brodsky y otros jóvenes poetas, que perpetuaron las tradiciones de Ajmátova en la poesía de San Petersburgo al siglo XXI. También tradujo obras completas de Rabindranath Tagore en 8 volúmenes, al ruso.
El 5 de marzo de 1966 Anna muere de un infarto en un sanatorio de las afueras de Moscú y es enterrada en Komarovo. Su obra, traducida a un sinnúmero de lenguas, sólo aparecerá íntegra en Rusia en 1990.
El poeta Joseph Brodsky la definió así:
Su sola mirada te cortaba el aliento. Alta, de pelo oscuro, morena, esbelta y ágil, con los ojos verdosos de un tigre polar, durante medio siglo la ha dibujado, pintado, esculpido en yeso y mármol, fotografiado un sinnúmero de personas, empezando por Modigliani. Los versos dedicados a ella formarían más volúmenes que su obra entera.
Monumentos[editar]
Hay un museo dedicado a Ajmátova en San Petersburgo en la Casa de Fontanka (conocida como el Palacio de los Sheremétiev) en el malecón del río Fontanka, donde Ajmátova vivió desde mediados de la década de 1920 hasta 1952.
En Rusia hay 4 monumentos dedicados a Anna Ajmátova:
En Bézhetsk
En el jardín de la Facultad de Filología de la Universidad de San Petersburgo
En un parque público en San Petersburgo, frente a una escuela, en la calle Vosstániya.
En San Petersburgo en el malecón del Neva, frente a la prisión "Krestý", donde su hijo, marido y muchos amigos estuvieron prisioneros. Ajmátova hizo cola regularmente cerca de "Krestý" con paquetes de comida para ellos durante muchos años. Ella quería que se le dedicara un monumento allí, cerca de "Krestý", si algún día se erigía uno en su memoria.
Se bautizó con su nombre a un planeta menor 3067 Ajmátova, descubierto por la astrónoma soviética Lyudmila Geórgievna Karáchkina en 1982.
Obra poética[editar]
En la evolución poética de Ajmátova podemos distinguir tres épocas:
1. Ciclo poético que va desde 1912 a 1922: La tarde (Vécher) (1912), El rosario (Chyotki) (1914), La bandada blanca (Bélaya staya) (1917), El llantén (Podorózhnik) (1921) y Anno Domini MLMXXI (1922). Escribe un poema épico Junto Al Mar (U sámogo mórya) (1914).
2. Época de 1922 a 1940 marcada por el silencio creativo y la ruptura del silencio mediante la creación de Requiem (1935-1940). Una de sus obras más conocidas, en ella refleja el dolor y el amor de una madre. Durante las largas colas de espera para poder ver a su hijo en la cárcel oye las historias de las demás mujeres. Escribe pero no publica un poema épico Putyóm vseyá zemlí (Kitezhanka) (1940).
3. Ciclo poético de 1940 a 1965 que tiene dos partes diferenciadas: por un lado, encontramos una serie de poemas épicos y por otro, sus poemas de madurez que culminan en Poema sin héroe (Poema bez gueróya) (1940—1965, texto completo publicado en 1976). Se publica en Moscú libros de poemas El correr del tiempo (Beg vrémeni) (1909-1965), Sauce (Iva, o Trostnik) 1940. Escribe pero no publica el libro de poemas titulado Nones (Néchet) (1936-1946) y un poema épico Trianon ruso (Russki trianón) (1923-1941).

Ha recibido 52 puntos

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Emilia Pardo Bazán (España 1851-1921)

19. Emilia Pardo Bazán (España 1851-1921)

Emilia Pardo Bazán (La Coruña, 1851-Madrid, 1921) Escritora española. Hija de los condes de Pardo Bazán, título que heredó en 1890, se estableció en Madrid en 1869, un año después de contraer matrimonio. Asidua lectora de los clásicos españoles, se interesó también por las novedades literarias... Ver mas
Emilia Pardo Bazán
(La Coruña, 1851-Madrid, 1921) Escritora española. Hija de los condes de Pardo Bazán, título que heredó en 1890, se estableció en Madrid en 1869, un año después de contraer matrimonio. Asidua lectora de los clásicos españoles, se interesó también por las novedades literarias extranjeras. Se dio a conocer como escritora con un Estudio crítico de Feijoo (1876) y una colección de poemas, publicados por F. Giner de los Ríos.


Emilia Pardo Bazán

En 1879 publicó su primera novela, Pascual López, influida por la lectura de Alarcón y de Valera, y todavía al margen de la orientación que su narrativa tomaría en la década siguiente. Con Un viaje de novios (1881) y La tribuna (1882) inició su evolución hacia un matizado naturalismo.

En 1882 comenzó, en la revista La Época, la publicación de una serie de artículos sobre Zola y la novela experimental, reunidos posteriormente en el volumen La cuestión palpitante (1883), que la acreditaron como uno de los principales impulsores del naturalismo en España. Frente a los principios ideológicos y literarios de Zola, Pardo Bazán acentuaba la conexión de la escuela francesa con la tradición realista europea, lo que le permitía acercarse a un ideario más conservador, católico y bienpensante. De su obra ensayística cabe citar, además, La revolución y la novela en Rusia (1887), Polémicas y estudios literarios (1892) y La literatura francesa moderna (1910), en las que se mantiene atenta a las novedades de fines de siglo en Europa.

El método naturalista culmina en Los pazos de Ulloa (1886-1887), su obra maestra, patética pintura de la decadencia del mundo rural gallego y de la aristocracia, y su continuación La madre naturaleza (1887), fabulación naturalista que, al contrario que en Pereda, demuestra que los instintos conducen al pecado. Asimismo, Insolación (1889) y Morriña (1889) siguen insertos en la ideología y en la estética naturalista.

Con posterioridad, evolucionó hacia un mayor simbolismo y espiritualismo, patente en Una cristiana (1890), La prueba (1890), La piedra angular (1891), La quimera (1905) y Dulce sueño (1911). Esta misma evolución se observa en sus cuentos y relatos, recogidos en Cuentos de mi tierra (1888), Cuentos escogidos (1891), Cuentos de Marineda (1892), Cuentos sacroprofanos (1899), entre otros. También es autora de libros de viajes (Por Francia y por Alemania, 1889; Por la España pintoresca, 1895) y de biografías (San Francisco de Asís, 1882; Hernán Cortés, 1914).

Ha recibido 52 puntos

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Chantal Maillard (España 1951)

20. Chantal Maillard (España 1951)

CHANTAL MAILLARD {Bruselas, 1951} Retrato de Chantal Maillard Chantal Maillard nació en Bruselas, Bélgica, en 1951. De padres belgas, se traslada a Málaga en 1963 nacionalizándose española cinco años más tarde. Cursa estudios de filosofía y se especializa en religiones indias en la... Ver mas
CHANTAL MAILLARD
{Bruselas, 1951}
Retrato de Chantal Maillard
Chantal Maillard nació en Bruselas, Bélgica, en 1951. De padres belgas, se traslada a Málaga en 1963 nacionalizándose española cinco años más tarde.

Cursa estudios de filosofía y se especializa en religiones indias en la Universidad de Benarés, en La India, dedicando diez años de su vida a la enseñanza del yoga.

Publica su primer poemario en 1982, Azul en re menor; el segundo verá la luz ocho años más tarde obteniendo el Juan Sierra con el título La otra orilla.

Es Doctora en Filosofía pura y en 1990 comenzó a ejercer como profesora de Estética, Teoría de las Artes, y Filosofía Oriental, en la Universidad de Málaga.

Colaboró, desde 1998, con críticas de Filosofía, Estética y Pensamiento Oriental en ABC; también colabora con otros diarios, como El País.

Como ensayista destacan sus estudios sobre filosofía en general y sobre María Zambrano en concreto.

En 2004 obtiene el Premio Nacional de Poesía por su obra poética Matar a Platón.

OBRAS

Matar a PlatónFilosofía en los días críticosLa razón estética
Azul en re menor. Frigiliana: La Farola, 1982. Poesía.
La otra orilla. Coria del Río: Qüásyeditorial, 1990. Poesía.
Ganadora del Premio Juan Sierra 1990
El monte Lu en lluvia y niebla:María Zambrano y lo divino. Málaga: Diputación Provincial de Málaga, 1990. Ensayo.
Hainuwele. Córdoba: Ayuntamiento de Córdoba, 1990. Poesía.
Ganadora del Premio Ciudad de Córdoba 1990
La creación por la metáfora:Introducción razón-poética a la obra de María Zambrano. Barcelona: Anthropos, 1992. Ensayo.
Poemas a mi muerte. Madrid: La Palma, 1993. Poesía.
Ganadora del Premio Ciudad de Santa Cruz de la Palma 1993
El crimen perfecto:Aproximación a la estética india. Madrid: Tecnos, 1993. Ensayo.
La sabiduría como estética:China, confucianismo, taoísmo y budismo. Madrid: Akal, 1995. Ensayo.
La razón estética. Barcelona: Laertes, 1998. Ensayo.
Aguado González, Jesús. Semillas para un cuerpo. Soria: Diputación Provincial de Soria, 1998. Poesía.
Ganadora del Premio Leonor 1987
El árbol de la vida:La naturaleza en el arte y las tradiciones de la India. Maillard, Chantal (ed.) . Barcelona: Kairós, 2001. Artículos.
Conjuros. Madrid: Huerga y Fierro. Editores, S.L., 2001. Poesía.
Filosofía en los días críticos:Diarios (1996-1998). Valencia: Pre-Textos, 2001. Ensayo.nota
Lógica borrosa. Málaga: Miguel Gómez Ediciones, 2002. Poesía.
Matar a Platón. Barcelona: Tusquets, 2004. Poesía.nota
Ganadora del Premio Nacional de Poesía 2004

Ha recibido 46 puntos

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Olga Orozco (Argentina 1920-1999)

21. Olga Orozco (Argentina 1920-1999)

Olga Orozco (Santa Rosa de Toay, 1920 - Buenos Aires, 1999) Poeta y cuentista argentina que perteneció a la Generación del 40. Vivió en su ciudad natal, en la provincia de La Pampa, hasta los ocho años; luego se trasladó a Bahía Blanca y en 1936 se instaló en Buenos Aires. Se graduó como... Ver mas
Olga Orozco
(Santa Rosa de Toay, 1920 - Buenos Aires, 1999) Poeta y cuentista argentina que perteneció a la Generación del 40.

Vivió en su ciudad natal, en la provincia de La Pampa, hasta los ocho años; luego se trasladó a Bahía Blanca y en 1936 se instaló en Buenos Aires. Se graduó como maestra, profesión que nunca ejerció, y más tarde se licenció en la facultad de Filosofía y Letras.

Polifacética, colaboró en las revistas Canto, A partir de cero, Sur, Cabalgata y Anales de Buenos Aires. Trabajó como periodista y en cierto momento llegó a tener ocho seudónimos, cada uno para escribir en un estilo distinto; durante años redactó los horóscopos del diario Clarín. Incursionó asimismo en el radioteatro como actriz. En 1961 obtuvo la beca del Fondo Nacional de las Artes; ganó diversos premios de poesía y en 1998 fue galardonada con el Octavo Premio de Literatura Latinoamericana y del Caribe Juan Rulfo, una de las distinciones más importantes en lengua hispánica.

Toda su obra gira en torno del tema de la muerte y la soledad, que ha sabido expresar con una gran intensidad dramática. Lo más importante de su producción se encuentra en los poemarios. En general, el uso del versículo le permite desplegar una imaginación visionaria, suntuosa de figuras, al servicio de una serie de temas constantes: la evocación idealizada del paisaje nativo (la llanura pampeana), la infancia en tanto paraíso perdido, la adolescencia como edad de los descubrimientos, la memoria como tesoro poético donde el tiempo puede recuperarse y solventar las asechanzas de la muerte. La poesía francesa posterior al surrealismo y la poesía narrativa norteamericana le valen para organizar un lenguaje muy personal y un mundo cerrado, melancólico, sofocante y voluptuoso a la vez.

Publicó los libros de poemas Desde lejos (1946), Las muertes (1952), Los juegos peligrosos (1962), Museo salvaje (1974), Veintinueve poemas (1975), Cantos a Berenice (1977), Mutaciones de la realidad (1979), La noche a la deriva (1984), En el revés del cielo (1987) y Con esta boca, en este mundo (1984).

Escribió también dos libros de relatos autobiográficos, La oscuridad es otro sol (1962) y También la luz es un abismo (1995) y una obra de teatro: Y el humo de tu incendio está subiendo (1971).

Ha recibido 43 puntos

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Silvina Ocampo (Argentina 1903-1994)

22. Silvina Ocampo (Argentina 1903-1994)

Silvina Ocampo (Buenos Aires, 1906 - 1993) Escritora argentina. Era hermana de la escritora y fundadora de la revista Sur, Victoria Ocampo, y esposa del gran narrador argentino Adolfo Bioy Casares. Autora deslumbrante por la calidad literaria de sus cuentos, ha pasado a la historia de la... Ver mas
Silvina Ocampo
(Buenos Aires, 1906 - 1993) Escritora argentina. Era hermana de la escritora y fundadora de la revista Sur, Victoria Ocampo, y esposa del gran narrador argentino Adolfo Bioy Casares. Autora deslumbrante por la calidad literaria de sus cuentos, ha pasado a la historia de la literatura argentina del siglo XX por la crueldad desconcertante que supo imprimir en algunos protagonistas de estos relatos.

Nacida en el seno de una familia hondamente arraigada en los círculos culturales argentinos, su primera vocación artística la orientó hacia el cultivo de las artes plásticas; pero, tras recibir lecciones de pintura de Giorgio de Chirico, abandonó los pinceles y se adentró en el mundo de las letras.

Su irrupción en el panorama literario argentino vino de la mano de un libro de cuentos, Viaje olvidado (1937), que al cabo de los años acabaría siendo objeto del desprecio de la propia escritora. Tras este mediocre estreno en la narrativa, volvió a las librerías con su primer libro de versos, titulado Enumeración de la patria (1942), en el que se sumaba a la tendencia de recuperar los modelos clásicos de la antigua poesía castellana. Idéntico esfuerzo realizó en su siguiente poemario, Espacios métricos (1945), al que siguieron, dentro del campo de la lírica, otras publicaciones como las tituladas Poemas de amor desesperado (1949), Los nombres (1953) y Pequeña antología (1954).

Tras un largo período de silencio poético en el que el cultivo de la prosa ocupó sus quehaceres literarios, en 1962 volvió a dar a la imprenta otro poemario, Lo amargo por lo dulce, que enseguida quedó considerado como uno de sus mejores logros en el género de la lírica. Finalmente, en 1972 publicó su última entrega poética, titulada Amarillo celeste.

Pero las mayores cotas literarias las alcanzó Silvina Ocampo con sus incursiones en el género de la narrativa de ficción, al que contribuyó también con valiosas aproximaciones en forma de ensayos y antologías. Dentro de una de las tendencias congregadas en torno a la revista Sur, y constituida por autores de la talla de Jorge Luis Borges, Adolfo Bioy Casares, Manuel Peyrou y Enrique Anderson Imbert, Silvina Ocampo apostó por la elevación de la literatura fantástica y policíaca a la categoría de géneros de primer orden.

En compañía de su esposo y del mencionado Borges, preparó una Antología de la literatura fantástica (1940) que se convirtió en una de las piezas emblemáticas de la mencionada corriente. Además, aquel mismo año los tres autores presentaron una Antología poética argentina. Posteriormente, volvió a colaborar con Bioy Casares, pero ahora en una obra de creación, la novela policíaca titulada Los que aman odian (1946).

A partir de entonces se enfrascó en la escritura de numerosos relatos, que fueron viendo la luz en sucesivas recopilaciones: en 1948 apareció el volumen titulado Autobiografía de Irene, al que siguieron los relatos de La furia y otros cuentos (1959), Las invitadas (1961), El pecado mortal y otros cuentos (1966), Informe del cielo y del infierno (1969), Los días de la noche (1970), Y así sucesivamente (1987) y Cornelia frente al espejo (1988). Los cuentos de todos estas recopilaciones están poblados de seres fantásticos que aparecen enfocados desde la ironía y el humor negro de que hace gala su autora, o bien deformados por la extraña percepción de unos narradores incompetentes, incapaces de establecer cualquier pauta ética que les permita separar el bien del mal.

Por medio de este recurso en la composición estructural de sus relatos, Silvina Ocampo consigue dejar plasmada una corrosiva crítica de las convenciones sociales de su tiempo, ya que su exagerado distanciamiento de cualquier pauta social establecida y de la realidad circundante pone un contrapunto de desasosiego -y a veces, de explícita crueldad- que amenaza con destruir el lenguaje y las estructuras tradicionales. Además de las obras ya mencionadas, Silvina Ocampo colaboró con el dramaturgo Juan Rodolfo Wilcock en la redacción del drama titulado Los traidores (1956).

Ha recibido 42 puntos

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Marguerite Yourcenar  (Francia 1903-1987)

23. Marguerite Yourcenar (Francia 1903-1987)

Marguerite Yourcenar (Marguerite de Crayencour; Bruselas, 1903 - isla de Mount Desert, Maine, EE UU, 1987) Escritora francesa de origen belga. Huérfana de madre desde su nacimiento, fue llevada muy pronto a Francia por el padre (natural de Lille) que, tras impartirle una educación bastante... Ver mas
Marguerite Yourcenar
(Marguerite de Crayencour; Bruselas, 1903 - isla de Mount Desert, Maine, EE UU, 1987) Escritora francesa de origen belga.

Huérfana de madre desde su nacimiento, fue llevada muy pronto a Francia por el padre (natural de Lille) que, tras impartirle una educación bastante esmerada, la llevó siempre con él, en el curso de su cosmopolita existencia, comunicándole su amor por los viajes.

Cursó estudios universitarios, especializándose en cultura clásica, y empezó a publicar diez años antes del comienzo de la Segunda Guerra Mundial, aunque con escaso éxito. De esta primera época son las novelas Alexis o el tratado del inútil combate (1928), que comenzó a despertar el interés de la crítica: obra de corte gidiano, es una lúcida y desinhibida vivisección de un fracaso existencial; La Nouvelle Eurydice (1929), menos tensa e inspirada respecto Alexis: Denier du rêve (1934), historia de un atentado fracasado contra Mussolini, donde la violencia política ocupa el primer plano; y La mort conduit l'attelafe (1934), colección de tres cuentos.

Sus largas estancias en Grecia dieron origen a una serie de ensayos reunidos en Viaje a Grecia y llevaron a su maduración la idea originaría de Fuegos (1936), una obra esencialmente lírica compuesta de relatos míticos y legendarios. La misma dimensión mítica se deja traslucir en su colección de Cuentos orientales, publicada en 1938. El año siguiente aparece El tiro de gracia, basada en un hecho real, una historia de amor y de muerte en un país devastado durante las luchas antibolcheviques. Son importantes también varios ensayos, como Pindare (1932) y Les songes et les sorts (1938).


Marguerite Yourcenar

En 1939 la guerra la sorprendió en los Estados Unidos y allí fijó su residencia, en Maine, dedicándose en un principio a la enseñanza y adquiriendo la nacionalidad norteamericana en 1948. Llevó a cabo también en este período una serie de refinadas traducciones de textos de diversa naturaleza: obras de Virginia Wolf, Henry James y K. Kavafis y la antología de poesía griega antigua La couronne et la lyre.

Su fama como novelista la debe a dos grandes novelas históricas que han tenido gran resonancia: Memorias de Adriano (1951), reconstrucción histórica realizada con gran celo documental de la vida del más ilustrado de los emperadores romanos. Escrita a modo de carta dirigida como testamento espiritual a su sucesor designado, es una meditación del hombre sobre sí mismo, e ilustra el único remedio posible a la angustia de la muerte: la voluntad de vivir conscientemente, asumiendo el deber principal del hombre que es el perfeccionamiento interior. La otra fue Opus nigrum (1965), obra fruto de cuidadosas investigaciones, que gira en torno a la figura del médico alquimista y filósofo Zenón, intelectual enfrentado a los problemas del conocimiento.

Publicó también el ensayo A beneficio de inventario (siete estudios sobre A. d'Aubigné, Piranesi, S. Lagerlöf, Kavafis, Th. Mann, etc.) y diversas obras teatrales como Electre ou la chute des masques (1954), Le mystère d'Alceste (1963) y el volumen de 1971 que comprende Dar al César, Le petite Sirène y Le dialogue dans le marécase. En 1974 publicó su autobiografía en dos volúmenes: Recordatorios y Archivos del Norte, frescos histórico-narrativos sobre su propia familia. Fue la primera mujer en ser elegida miembro de la Academia Francesa en 1980.

En el curso de un viaje a África llevó a término la redacción de los tres relatos que componen Como el agua que fluye (1982), y el ensayo Mishima o la visión del vacío (1981), fruto de la larga frecuentación de la obra del gran escritor japonés. En 1982 vio la luz Con los ojos abiertos, libro de conversaciones con Matthieu Galey, que constituye una reveladora autobiografía.

Ha recibido 41 puntos

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Nancy Morejón (Cuba 1944)

24. Nancy Morejón (Cuba 1944)

Biografía[editar] Su padre era de ascendencia africana y su madre de raíces chinas y europeas. Habiendo destacado desde muy temprana edad en los estudios, escribía poemas a los trece años y en 1959, con apenas quince, llegó a titularse de profesora de inglés; obtuvo el bachillerato en letras en... Ver mas
Biografía[editar]
Su padre era de ascendencia africana y su madre de raíces chinas y europeas. Habiendo destacado desde muy temprana edad en los estudios, escribía poemas a los trece años y en 1959, con apenas quince, llegó a titularse de profesora de inglés; obtuvo el bachillerato en letras en 1961. A los dieciocho años publicó su primer libro de versos, Mutismos. Entre 1963 y 1964 fue profesora de francés en la Academia Gustavo Ameijeiras de La Habana y trabajó como traductora para el Ministerio del Interior. Obtuvo el premio «Rubén Martínez Villena» en 1964 y militó entre 1963 y 1965 en el Comité de Base de la Unión de Jóvenes Comunistas de la Escuela de Letras; se licenció en lengua y literatura francesas por la Universidad de la Habana (1966) y se doctoró con una tesis sobre el poeta martiniqueño Aimé Césaire. Entre 1986 y 1993 fue directora del Centro de Estudios del Caribe de Casa de las Américas, labor que reasumió en 2000. Desde 1991 es Miembro de la Academia de Ciencias de Cuba.1
Elaboró una Recopilación de textos sobre Nicolás Guillén (La Habana, Ediciones Casa de las Américas, 1974) y se ha dedicado principalmente a la traducción simultánea en eventos y congresos; también realizó traducciones para el Instituto del Libro, sobre todo de poesía afrocaribeña. Participó en el Encuentro del Centenario de Rubén Darío, celebrado en Varadero (1967) y en muchos otros actos literarios, relacionados con la poesía y la cultura. En 1980 recibió el Premio Nacional de Ensayo "Enrique José Varona" de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba por su libro Nación y Mestizaje en Nicolás Guillén, que en 1983 recibió también el Premio Mirta Aguirre; en 1986 recibió el "Premio de la crítica" cubano por Piedra Pulida y en 2001 el Premio nacional de Literatura. A Elogio y paisaje y La Quinta de los Molinos les fue otorgado también el Premio de la Crítica en l997 y 2000, respectivamente.2 La Universidad de Nueva York le confirió el Premio Yari-Yari de Poesía Contemporánea por el conjunto de su obra en el 2004. En agosto de 2006, durante la VLª edición del Festival Noches de Poesía, recibió el Premio Corona de Oro de Struga 2006 de Macedonia ya proclamado el 21 de marzo de 2006, en la sede de la UNESCO, en París, por el Día Mundial de la Poesía. En mayo de 2007, en el marco del XII Festival Internacional de Poesía de La Habana, recibió el Premio Rafael Alberti. posee las Insignias de Oficial de la Orden al Mérito de la República de Francia y la réplica del Machete de Máximo Gómez, entre otros. Es miembro de número de la Academia Cubana de la Lengua desde 1999.
Escribió colaboraciones para Unión, Cultura'64, El Caimán Barbudo, La Gaceta de Cuba, Casa de las Américas. Fue seleccionada para la antología Novísima poesía cubana (1962) de Reinaldo Felipe y Ana María Simo.
Su obra abarca una gran amplitud de temas. La mitología de la nación cubana y la relación integracionista de los negros con esta nación mediante el mestizaje de culturas españolas y africanas en una identidad nueva, cubana. La mayor parte de su obra apoya el nacionalismo, la revolución y el actual régimen cubano. Además, declara su feminismo respecto a la situación de las mujeres dentro de esta nueva sociedad y la integración racial haciendo a mujeres negras protagonistas centrales en sus poemas. Finalmente, su trabajo también trata la historia de la esclavitud y el maltrato en la relación de Cuba y los Estados Unidos, aunque su obra no está dominada por los temas políticos. Críticos sagaces han hecho notar jocosas observaciones sobre su propia gente, un particular y muy cubano empleo de la ironía y el humor, así como la calidad intrínseca de una poesía sumamente lírica, íntima, espiritual, e incluso erótica, hasta bucólica.
Nancy Morejón ha sido traducida al inglés, al francés, al alemán, al portugués, al italiano, al ruso, al polaco y al holandés y es especialmente conocida en los Estados Unidos, donde su obra es muy apreciada y ha sido traducida y reimpresa en numerosas ocasiones.
un fragmento lírico. Mi madre no tuvo jardín/ sino islas acantiladas/flotando, bajo el sol,/ en sus corales delicados./No hubo una rama limpia/ en su pupila sino muchos garrotes./ Qué tiempo aquel cuando corría, descalza,/sobre la cal de los orfelinatos/ y no sabía reír/ y no podía mirar el horizonte.
Obras[editar]
Poesía[editar]
Mutismos: ed. El Puente, La Habana, 1962
Amor, ciudad atribuida: ed. El Puente, La Habana, 1964
Richard trajo su flauta y otros argumentos: col. Cuadernos, ed. Unión, La Habana, 1967
Parajes de una época: col. Mínima, ed. Letras Cubanas, La Habana, 1979
Poemas (antología): Selec. y pról. de Efraín Huerta, Ilustración de cubierta Wifredo Lam, ed. Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), México D.F. 1980
Octubre imprescindible: col. Contemporáneos, ed. Unión, La Habana, 1982
Elogio de la danza: col. Cuadernos de Poesía, ed. Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), México D.F. 1982
Cuaderno de Granada: ed. Casa de las Américas, La Habana, 1984
Grenada Notebook: Traducción de Lisa Davis, ed. Círculo de Cultura Cubana, New York, 1984
Where the Island Sleeps Like a Wing (Antología bilingüe): Traducción, Selec. e Introducción de Kathleen Weaver, Pról. de Miguel Barnet,, ed. The Black Scholar Press, San Francisco, California, 1985
Poems (Antología): Selección de Sandra Levinson, ed. Center for Cuban Studies, New York, 1985
Piedra pulida: col. Giraldilla, ed. Letras Cubanas, La Habana, 1986. Premio de la Crítica 1986
Ours the Earth (Antología): Traducción, selec. y pról. de Joe Pereira,, ed. Instituto del Caribe de la Universidad de West Indies (UWI), Kingston, Jamaica, 1990
Baladas para un sueño: col. Ciclos, ed. Unión, La Habana, 1991
Poemas de amor y muerte: ed. Revista Caravelle (separata), Toulouse, 1993
Paisaje célebre: ed. Fondo Editorial Fundarte, Caracas, 1993.
Le Chaînon Poétique. Tradujo Sandra Monet-Descombey, ilustró la cubierta el pintor dominicano José Castillo. Prefacio de Delia Blanco y Pilar Paliès, ed. Médiathèque Champigny-sur-Marne, Paris, 1994
El río de Martín Pérez (Antología): Ilustraciones del pintor Rolando Estévez, col. Clásicos del San Juan, ed. Vigía, Matanzas, 1996
Elogio y paisaje: Ilustraciones de la autora, col. La Rueda Dentada, ed. Unión, La Habana, 1997. Premio de la Crítica 1997
Botella al mar (Antología): Selec. y pról. de Adolfo Ayuso, col. Poesía, ed. Oliphante, Zaragoza, 1996
Richard trajo su flauta y otros poemas: Selec. y pról. de Mario Benedetti, ed. Visor, Madrid, 1999
La quinta de los molinos: Ilustraciones de Reynaldo González, 135 pp, col. Cemí, 2000, ed. Letras Cubanas, La Habana. Premio de la Crítica 2000
Ruhmreiche Landschaft (Paisaje Célebre): Gedichte, Umschlagmotive und Zeichnungen: Nancy Morejón, 82 pp, Übersetzung und Nachwort: Ineke Phaf-Rheinberger, Coleba Verlag, Triesen, 2001
Black Woman and Other Poems (ed. bilingue): tradujo, anotó, e introdujo Jean Andrews, arte de cubierta del autor, 244 pp. ed. Mango Publ. Londres, 2001.
Cuerda veloz, Editorial Letras Cubanas, 2002
Mirar Adentro/Looking Within: Selected Poems, 1954-2000 (ed. bilingue, African American Life Series). Ed. Juanamaria Cordones-Cook. Wayne State University Press, 2002
Carbones silvestres, 2006
Antología poética (1962-2000), selección y prólogo de Gerardo Fulleda León, Caracas: Editorial Monteávila, 2006
With Eyes and Soul: Images of Cuba" antología con fotografías del poeta estadounidense Milton Rogovin(2004), que se publicó en Buffalo.
Ensayo[editar]
Recopilación de textos sobre Nicolás Guillén: Selección, prólogo y notas de N.M., 429 pp, Serie Valoración Múltiple, ed. Casa de las Américas, La Habana, 1972
Nación y mestizaje en Nicolás Guillén: 332 pp. col. Premio, ed. Unión, La Habana, 1982
Fundación de la imagen: 294 pp, col. Giraldilla, ed. Letras Cubanas, La Habana, 1988
With Eyes and Soul: Images of Cuba. Trans. Pamela Carmell and David Frye. White Pine Press, 2004
Traducciones[editar]
Paul Laraque: Las armas cotidianas, col. Premio, ed. Casa de las Américas, La Habana, 1979
Nicole Cage Florentiny: Arcoiris, la esperanza, col. Premio, ed. Casa de las Américas, La Habana, 1996
Ernest Pépin: Remolino de palabras libres, col. Premio, ed. Casa de las Américas, La Habana, 1991
Édouard Glissant: Fastos, Ediciones Vigía, Matanzas, 1998
Édouard Glissant: Fastos y otros poemas, col. Pasamanos, ed. Casa de las Américas, La Habana, 2001
Fuente[editar]

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Ida Vitale (Uruguay 1923)

25. Ida Vitale (Uruguay 1923)

BIOGRAFÍA Ida Vitale nació en Montevideo el 2 de noviembre de 1923. Estudió Humanidades y tuvo como maestro a José Bergamín. Juan Ramón Jiménez la incluyó en una presentación de jóvenes poetas en Buenos Aires. Ejerció como profesora de literatura hasta 1973. Fue colaboradora del semanario... Ver mas
BIOGRAFÍA

Ida Vitale nació en Montevideo el 2 de noviembre de 1923. Estudió Humanidades y tuvo como maestro a José Bergamín. Juan Ramón Jiménez la incluyó en una presentación de jóvenes poetas en Buenos Aires. Ejerció como profesora de literatura hasta 1973. Fue colaboradora del semanario Marcha; entre 1962 y 1964 dirigió la página literaria del diario Época. Fue codirectora de la revista Clinamen, integró la dirección de la revista Maldoror. Tuvo que exiliarse en 1974 a causa de la sangrienta dictadura en Uruguay, allí entró en contacto con Octavio Paz y fue parte del comité asesor de la revista Vuelta, además de participar en la fundación del semanario Uno más Uno. Considerada integrante de la Generación del 45 con otros escritores como Mario Benedetti, Juan Carlos Onetti, Carlos Maggi o Idea Vilariño. Desde 1989 vive en Austin, Texas junto con su marido, el también poeta Enrique Fierro. Recientemente ha sido nombrada Doctora Honoris Causa por la Universidad del Uruguay.




BIBLIOGRAFÍA

Poesía
La luz de esta memoria (1949)
Palabra dada (1953)
Cada uno en su noche (1960)
Oidor andante (1972)
Fieles (antología) (1977)
Jardín de sílice (1978)
Elegías en otoño (1982)
Fieles (1982)
Entresaca (1984)
Sueños de la constancia (1988)
Procura lo imposible (1988)
Serie del sinsonte (1992)
Paz por dos (1994)
Donde vuela el camaleón (1996)
Reducción del infinito (2002)
Plantas y animales (2003)

Crítica y Ensayo
Juana de Ibarbourou (1968)
José Santos González Vera o El humor serenísimo (1974)
Enrique Casaravilla Lemos, México (1984)



PREMIOS

IX Premio Internacional Octavio Paz de Poesía y Ensayo 2009

Ha recibido 40 puntos

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Gioconda Belli (Nicaragua 1948)

26. Gioconda Belli (Nicaragua 1948)

E-mail Imprimir GIOCONDA BELLI BIOGRAFÍA Gioconda Belli nació el 9 de diciembre de 1948 en Managua (Nicaragua). Vivió en el seno de una familia acomodada, su padre, Humberto Belli, era empresario y su madre, Gloria Pereira, fue fundadora del Teatro Experimental de... Ver mas
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GIOCONDA BELLI



BIOGRAFÍA

Gioconda Belli nació el 9 de diciembre de 1948 en Managua (Nicaragua). Vivió en el seno de una familia acomodada, su padre, Humberto Belli, era empresario y su madre, Gloria Pereira, fue fundadora del Teatro Experimental de Managua. Gioconda fue la segunda de cinco hermanos. Estudió en el Colegio de La Asunción en Managua y en el Real Colegio de Santa Isabel en Madrid, España, donde obtuvo el bachillerato en 1965. Tras obtener un diploma en Publicidad y Periodismo en Filadelfia, Estados Unidos, regresó a Managua y en 1967 contrajo matrimonio. Su primera hija, Maryam, nació en 1969. Sus poemas aparecieron por primera vez en 1970 en el semanario cultural del diario La Prensa de ese país. Su poesía, considerada revolucionaria en su manera de abordar el cuerpo y sensualidad femenina, causó gran revuelo. Su libro “Sobre la grama” le ganó en 1972, el premio de poesía más prestigioso del país en esos años, el “Mariano Fiallos Gil” de la Universidad Nacional Autónoma de Nicaragua.

Fue una firme opositora a la dictadura de Somoza, por lo que tuvo que exiliarse a México y Costa Rica y se integró a las filas del FSLN, organización en la que militó desde 1970 hasta 1994. Fue miembro de la Comisión Político-Diplomática del FSLN. Fue correo clandestino, transportó armas, viajó por Europa y América Latina obteniendo recursos y divulgando la lucha sandinista.En 1978, obtuvo el prestigioso Premio Casa de las Américas (Cuba) en el género poesía por su libro Línea de Fuego.Belli se casó por segunda vez y tuvo a sus hijos Melisa y Camilo.Tras el triunfo sandinista fue representante sandinista ante el Consejo Nacional de Partidos Políticos y vocero del FSLN en la campaña electoral de ese año.Dejó la vida política para dedicarse a escribir su primera novela, sin dejar nunca de lado la poesía. En 1988, Belli publicó su primera novela La Mujer Habitada, que fue un éxito clamoroso de amplia resonancia internacional.

En 1990, se publicó la segunda novela, Sofía de los Presagios. En 2001 apareció en El País bajo mi piel, un testimonio-memoria de sus años en el sandinismo.
Se casó por tercera vez en 1987 con Charles Castaldi con el que tiene una hija, Adriana, nacida en 1993. En febrero del 2008 publicó su última novela El infinito en la palma de la mano, galardonada con el Premio Biblioteca Breve 2008 de la editorial española Seix Barral, y recientemente con el Premio Sor Juana Inés de la Cruz.


BIBLIOGRAFÍA

Sobre la grama 1972
Línea de fuego 1978
Truenos y arco iris 1982
Amor insurrecto 1985
De la costilla de Eva 1987
La mujer habitada 1988
Sofía de los presagios 1990
El ojo de la mujer. Poesía reunida 1990
El taller de las mariposas 1992
Waslala 1996
Apogeo 1997
El país bajo mi piel 2001
Mi íntima multitud 2003
El pergamino de la seducción ¡Con comentarios! 2005
El infinito en la palma de la mano 2008

El país de las mujeres 2010



PREMIOS


Premio Mariano Fiallos Gil de Poesía, Nicaragua 1972

Premio Casa de las Americas, Cuba, Poesía 1978

Premio de la Fundación de Libreros, Bibliotecarios y Editores Alemanes de la Fundación Friederich Ebhert en 1989 a la Mejor Novela Polìtica del Año, por "La Mujer Habitada"

Premio Anna Seghers de la Academia de Artes de Alemania, en 1989.

Premio Luchs del Semanario Die Zeit a su libro “El Taller de las Mariposas” compartido con el ilustrador, Wolf Elbruch, 1992.

Medalla de reconociento del Teatro Nacional de Nicaragua por 25 años de labor cultural

* Premio Internacional de Poesía Generación del 27 - 2002

Premio Biblioteca Breve, Editorial Seix Barra, Madrid, febrero 2008

XXVIII Premio Internacional de Poesía Ciudad de Melilla, 2006

Premio Pluma de Plata, Bilbao, 2005

Premio Sor Juana Inés de la Cruz 2008

Premio Hispanoamericano de Novela La Otra Orilla, VI Edición 2010

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Salomé de Ureña Henríquez (República Dominicana 1850-1892)

27. Salomé de Ureña Henríquez (República Dominicana 1850-1892)

Salomé Ureña de Henríquez (Santo Domingo, 1850 - 1897) Poetisa dominicana. Creció en el seno de una familia culta, que propició su formación literaria. Sus padres eran Nicolás Ureña de Mendoza y Gregoria Díaz de León. Con 20 años, se casó con Francisco Henríquez y Carvajal, médico y político... Ver mas
Salomé Ureña de Henríquez
(Santo Domingo, 1850 - 1897) Poetisa dominicana. Creció en el seno de una familia culta, que propició su formación literaria. Sus padres eran Nicolás Ureña de Mendoza y Gregoria Díaz de León. Con 20 años, se casó con Francisco Henríquez y Carvajal, médico y político que llegaría a presidente de la nación. Con él tuvo cuatro hijos: Francisco, Pedro, Max y Camila.

Autora de una brillante obra lírica que, en unión a la de José Joaquín Pérez y Gastón Fernando Deligne, constituye la producción de la denominada "trilogía de los poetas mayores", dejó parte de su legado intelectual y artístico en la formación humanística que impartió a sus hijos, entre los cuales destacaron especialmente Max y Pedro.

En su condición de escritora, Salomé Ureña desplegó una intensa actividad poética que, enmarcada en los modelos formales y estilísticos de la centuria anterior (sencillez y claridad expresivas, moldes estróficos clásicos y equilibrio propio de la literatura neoclásica), se adentró al mismo tiempo en los tonos románticos de su tiempo y se ocupó, desde sus contenidos temáticos, de los anhelos e inquietudes del hombre antillano de la segunda mitad del siglo XIX. Entre sus principales preocupaciones temáticas figura, en primer lugar, la reflexión ética acerca de la patria, a la que la autora profesa un desmesurado amor que queda plasmado en su consagración al trabajo y a la sabiduría como elementos indispensables para el progreso de su pueblo.

Precisamente, este interés por el progreso constituye el segundo gran núcleo temático de la obra de Ureña de Henríquez, encauzado en dos vertientes bien definidas: por un lado, la confianza ciega del hombre decimonónico en los métodos positivistas, que no sólo habrían de traer los avances técnicos y las mejoras en la calidad de vida, sino también un progreso ético y social que se traduciría en el derribo de las fórmulas políticas dictatoriales y el advenimiento de nuevos regímenes democráticos; y, por otro lado, la fe de la autora no sólo en los cambios del momento presente, sino en el rutilante porvenir que, en el caso de imponerse definitivamente éstos, le espera a la patria (y, en general, a todas las naciones hermanas de habla hispana).

Junto a los temas del amor a la patria y la fe en el progreso moral y material de su nación, en la poesía de Salomé Ureña de Henríquez aparecen también constantes referencias a los pequeños aconteceres domésticos, transformados -merced a la exquisita sensibilidad de la autora- en elocuente material poético. Se configura así, en conjunto, una producción lírica de deslumbrante fuerza, claridad y vigor expresivo, que sorprende por su acento animoso y vitalista no sólo en aquellas composiciones centradas en la exaltación de la patria y la historia dominicana contemporánea, sino también en los poemas que, pese a su alcance más íntimo o doméstico, no dejan de llevar dentro ese anhelo de hallar una identidad nacional que contribuya a la definitiva consolidación del pueblo dominicano como una sola patria.

Este afán a la vez ético y artístico quedó patente también en las múltiples y fecundas actividades pedagógicas que realizó, a lo largo de su breve existencia, Salomé Ureña de Henríquez. Discípula del gran escritor y educador puertorriqueño Eugenio María de Hostos, desplegó una infatigable labor pedagógica que se manifestó no sólo en su acceso a las cátedras más prestigiosas de la nación dominicana, sino también en sus constantes esfuerzos encaminados a fundar el mayor número posible de centros destinados a la formación superior de las mujeres de la isla antillana. Así, en 1887, asistió a la inauguración del Instituto de Señoritas, cuya fundación había promovido y del que seis años más tarde salieron las seis primeras maestras de República Dominicana.

Sus composiciones poéticas, dispersas en hojas volanderas entre amigos y conocidos, o en páginas de periódicos y revistas de la época, vieron la luz finalmente en un valioso volumen recopilatorio publicado bajo el título de Poesías de Salomé Ureña de Henríquez (1880). Ya bien entrado el siglo XX, el interés que seguían suscitando los versos de la poetisa dominicana aconsejó una edición de su obra lírica en España, publicada bajo el epígrafe genérico de Poesías (1920), libro al que siguieron otras ediciones tan ricas y exhaustivas como Poesías completas (1950), realizada en conmemoración del primer centenario del nacimiento de la autora.

Ha recibido 37 puntos

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Marina Tsvetaeva (Rusia 1892-1941)

28. Marina Tsvetaeva (Rusia 1892-1941)

Poeta rusa nacida en Moscú, donde pasó sus primeros años de infancia junto a su longeva hermana Anastasia (1894-1993) y en su casa de verano de Tarusa. Estudia piano y a los 14 años ya se interesa por la poesía de los románticos alemanes y franceses. En 1909 viaja a París donde asiste a... Ver mas
Poeta rusa nacida en Moscú, donde pasó sus primeros años de infancia junto a su longeva hermana Anastasia (1894-1993) y en su casa de verano de Tarusa. Estudia piano y a los 14 años ya se interesa por la poesía de los románticos alemanes y franceses. En 1909 viaja a París donde asiste a lecciones sobre literatura francesa en la Sorbonne y un año después a Dresden. En 1910 publica su primer libro de poemas Album de la tarde y abandona la escuela antes de terminar los estudios. En 1912 contrae matrimonio con Serguiei Efron, hijo de una familia revolucionaria ruso-judía, con el cual tiene tres hijos y se publica su segundo libro La lampara maravillosa, dedicado a su marido. Más tarde publica De dos libros (1913), Poemas de juventud (1915), publicado póstumamente en 1976. En Historia de una dedicatoria (1916) y Poemas de Moscú (1916) describe su mutuo enamoramiento con el también poeta Osip Mandelstam. De 1917 a 1922 escribe seis piezas de teatro y tres libros de poemas Versti II, El campo de los cisnes y Oficio. A partir de 1918 vive separada 5 años de su esposo, los cuales describe en sus diarios Signos terrenales (1919).

En 1922 viaja a Berlín tras conocer que su marido estudia en Praga adónde ha huido tras la derrota del ejército blanco. Publica en esta ciudad Versti I que había escrito 5 años antes, La doncella del zar, Poemas a Blok, El fin de Casanova y el poema Despedida. Ese mismo año comienza su correspondencia con Boris Pasternak, de la que se conservan 19 cartas de ella y 84 de él. En 1923 se instala en Praga y escribe su ciclo de poemas dedicados a Pasternak, Cables y El poeta. De esa misma época son Poema de la montaña (1924), El poema del fin (1924), y sus dramas Borrasca, Fortuna, Una aventura y Fénix. En 1925 vuelve a viajar a París, dónde inicia una correspondencia con Rainer María Rilke y decide quedarse en esa ciudad. Reúne y publica todos sus poemas desde 1922 a 1925 bajo el título Después de Rusia.

En 1933 escribe un ensayo sobre Mayakovski y Pasternak, Epos y Lírica en la Rusia de hoy, y varias de sus prosas autobiográficas, Madre y música, Los cuentos de la madre, El diablo, dedicadas a su madre, Las Kirilovnas, a sus temporadas en Tarusa, Inauguración de museo, La corona de laurel y El museo Alejandro III, dedicadas a su padre. Escribe sobre Alexander Pushkin, Mi Pushkin (1937) y Pushkin y Pugachov (1937). En octubre de ese mismo año tiene noticia de la implicación de su marido en el asesinato de un ex-militar ruso y del hijo de Trotski. Sufre un registro domiciliario y un interrogatorio por la policía francesa. Un año después se traslada a vivir a un hotel donde escribe Poemas a los checos, con motivo de la ocupación por los nazis. En 1939 vuelve a la URSS. Su hermana Anastasia está en un campo de trabajo, su marido y su hija viven bajo vigilancia cerca de Moscú, dos meses más tarde serán detenidos. Marina vive de traducciones y del apoyo de algunos amigos como Anna Akhmatova y Boris Pasternak. En 1941 en plena invasión nazi y después de que su marido fuera fusilado y su hijo enviado a trabajar en un campo de minas, Marina Tsivietaieva es evacuada a Yelabuga, donde el 31 de agosto se suicida ahorcándose. Su poesía no concede al lector respiro alguno, su escritura no admite presuposiciones, ante un objeto artístico basado siempre en la realidad, pero que no deja en pie la más mínima creencia en la aceptabilidad de este mundo. Su ruptura, tanto por su visión como por su estilo, es algo único en la poesía rusa hasta hoy. © eMe

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Victoria Ocampo (Argentina 1890-1979)

29. Victoria Ocampo (Argentina 1890-1979)

Victoria Ocampo (1890/04/07 - 1979/01/27) Victoria Ocampo Escritora argentina Nació el 7 de abril de 1890 en el seno de una familia aristocrática de Buenos Aires. Hija de Ramona Aguirre y Manuel Ocampo, ingeniero especializado en la construcción de carreteras y puentes. Se... Ver mas
Victoria Ocampo
(1890/04/07 - 1979/01/27)

Victoria Ocampo

Escritora argentina



Nació el 7 de abril de 1890 en el seno de una familia aristocrática de Buenos Aires.

Hija de Ramona Aguirre y Manuel Ocampo, ingeniero especializado en la construcción de carreteras y puentes. Se radicaron en Francia cuando ella era una niña.

Tomó clases de música y fue educada por institutrices. Cursó estudios en la Soborna.

Se casó en noviembre de 1912 con Luis Bernardo de Estrada. Tras una larga luna de miel en Europa, iniciaron sus desavenencias. Regresaron a Buenos Aires y aunque vivían en la misma casa, sólo se encontraban en reuniones sociales para mantener las apariencias hasta que se separaron legalmente en 1922. Victoria Ocampo no tuvo hijos ni volvió a casarse.

Su primera publicación se tituló "Babel", un comentario del Canto XV del Purgatorio de Dante, aparecido en el diario La Nación en mayo de 1920. Posteriormente publicó "De Francesca a Beatrice" (1924), "La laguna de los nenúfares" (1926), "Domingos en Hyde Park" (1936), "Emily Brontë(Terra incognita)" (1938), "San Isidro" (1941), "338171 T.E." (Lawrence de Arabia) (1942), "El viajero y una de sus sombras:Keyserling en mis memorias" (1951), "Lawrence de Arabia y otros ensayos" (1951), "Virginia Woolf en su diario" (1954), "Habla el algarrobo" (1959), "Tagore en las barrancas de San Isidro" (1961), "Juan Sebastián Bach, el hombre" (1964), "Diálogo con Borges" (1969), "Diálogo con Mallea" (1969).

Sus obras más importantes fueron la serie de "Testimonios", diez volúmenes en total, publicados entre 1935 y 1977, y su Autobiografía, en seis volúmenes, que fueron editados tras su fallecimiento, entre 1979 y 1984. Como editora ofreció espacios en su revista "Sur" a escritores famosos y otros desconocidos. A causa de sus ideas políticas, contrarias al gobierno peronista, fue encarcelada. En 1967 es nombrada doctora honoris causa de la Universidad de Harvard. En 1976 fue designada miembro de la Academia Argentina de Letras, la primera mujer en ocupar ese lugar. Además fue presidenta del Directorio del Teatro Colón en 1933; Fundadora de la Unión Argentina de Mujeres y su presidenta de 1936 a 1938; Vicepresidenta Honoraria Internacional del Pen Club; y Miembro del Directorio del Fondo Nacional de las Artes de 1958 a 1973.

Victoria Ocampo falleció en Buenos Aires el 27 de enero de 1979.


Obras

Testimonios

Testimonios, 1ª serie.
Testimonios, 2ª serie.
Testimonios, 3ª serie.
Testimonios, 4ª serie.
Testimonios, 5ª serie.
Testimonios, 6ª serie.
Testimonios, 7ª serie.
Testimonios, 8ª serie.
Testimonios, 9ª serie.
Testimonios, 10ª serie.

Autobiografía

Autobiografía I: El archipiélago.
Autobiografía II: El imperio insular.
Autobiografía III: La rama de Salzburgo.
Autobiografía IV: Viraje.
Autobiografía V: Figuras simbólicas. Medida de Francia.
Autobiografía VI: Sur y Cía.

Traducciones

Albert Camus: Calígula.
Colette y Anita Loos: Gigi.
Dostoievsky-Camus: los poseídos.
William Faulkner-Albert Camus: Réquiem para una reclusa.
Graham Greene: el cuarto en que se vive.
Graham Greene: el que pierde gana.
Graham Greene: la casilla de las macetas.
Graham Greene: el amante complaciente.
Lanza del vasto: Vinoba.
T.E. Lawrence: El troquel.
Dylan Thomas: Bajo el bosque de leche.
Graham Greene: Tallando una estatua.
Jawaharlal Nehru: Antología.
Mahatma Gandhi: Mi vida es mi mensaje.
Graham Greene: La vuelta de A.J.Raffles.
Paul Claudel: Oda Jubilar.

Otras obras

De Francesca a Beatrice.
La laguna de los nenúfares.
Domingos en Hyde Park.
San Isidro.
Le Vert Paradis.
Lawrence d´Arabia.
El viajero y una de sus sombras.
Lawrence de Arabia y otros ensayos.
Virginia Woolf en su diario.
Habla el algarrobo (Luz y sonido).
Tagore en las barrancas de San Isidro.
Juan Sebastián Bach, El hombre.
La bella y sus enamorados.
Diálogo con Borges.
Diálogo con Mallea.


*buscabiografias.com

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María Elena Walsh (Argentina 1930-2011)

30. María Elena Walsh (Argentina 1930-2011)

María Elena Walsh (Ramos Mejía, Buenos Aires, 1 de febrero de 1930 – Buenos Aires, 10 de enero de 2011)3 fue una poetisa, escritora, música, cantautora, dramaturga y compositora argentina, que ha sido considerada como «mito viviente, prócer cultural (y) blasón de casi todas las infancias».4 Por... Ver mas
María Elena Walsh (Ramos Mejía, Buenos Aires, 1 de febrero de 1930 – Buenos Aires, 10 de enero de 2011)3 fue una poetisa, escritora, música, cantautora, dramaturga y compositora argentina, que ha sido considerada como «mito viviente, prócer cultural (y) blasón de casi todas las infancias».4 Por su parte, el escritor Leopoldo Brizuela ha puesto de relieve el valor de su creación diciendo que «lo escrito por María Elena configura la obra más importante de todos los tiempos en su género, comparable a la Alicia de Lewis Carroll o a Pinocho; una obra que revolucionó la manera en que se entendía la relación entre poesía e infancia».5
En el panorama de la canción para niños de Latinoamérica, ella se destaca junto a grandes maestros como el mexicano Francisco Gabilondo Soler y la cubana Teresita Fernández.
Especialmente famosa por sus obras infantiles, entre las que se destacan el personaje/canción Manuelita la tortuga y los libros Tutú Marambá, El reino del revés, Dailan Kifki y "El monoliso" es también autora de difundidas canciones populares para adultos, entre ellas Como la cigarra, Serenata para la tierra de uno y El valle y el volcán. Otras canciones de su autoría que integran el cancionero popular argentino son La vaca estudiosa, Canción de Titina, El Reino del Revés, La pájara Pinta, La canción de la vacuna (El brujito de Gulubú), La reina Batata, El twist del Mono Liso, Canción para tomar el té, En el país de Nomeacuerdo, La familia Polillal, Los ejecutivos, Zamba para Pepe, Canción de cuna para un gobernante, Oración a la justicia, Canción de caminantes, etc. Entre sus álbumes destacados se encuentran Canciones para mirar (1963) y Juguemos en el mundo (1968).
La conocida película de dibujos animados Manuelita (1999), dirigida por Manuel García Ferré para el público infantil, se inspira en su famoso personaje y reúne sus canciones.
Hacia 1948 forma parte del movimiento literario de La Plata, que se reúne en torno al sello editorial Ediciones del Bosque, creado por Raúl Amaral. Esta editorial publicará algunas de sus obras poéticas. Entre 1951 y 1963 formó el dúo Leda y María junto a Leda Valladares y entre 1985-1989 fue designada por el presidente Raúl Alfonsín para integrar el Consejo para la Consolidación de la Democracia. Entre los artistas que difundieron el cancionero de María Elena Walsh se destacan el Cuarteto Zupay, Luis Aguilé, Mercedes Sosa,6 Jairo, Rosa León y Joan Manuel Serrat.
Durante toda su carrera publicó más de 20 discos y escribió más de 50 libros.
A lo largo de su vida formó pareja con la folklorista Leda Valladares, la directora de cine María Herminia Avellaneda y la fotógrafa Sara Facio, con quien vivió desde inicios de la década de 1980 hasta su muerte.4
Índice [ocultar]
1 Biografía
1.1 Infancia
1.2 Una poetisa precoz
1.3 Leda y María
1.4 Los sueños del Rey Bombo, Tutú Marambá, Canciones para mirar y el mundo infantil
1.5 Juguemos en el mundo y las canciones para adultos
1.6 El País Jardín-de-Infantes y sus últimas canciones y reflexiones
1.7 Democracia, reconocimiento y libros
1.8 Fallecimiento
2 Obras literarias
2.1 Poesía y prosa para adultos
2.2 Canciones para adultos
2.3 Literatura infantil (completa)
3 Discografía[25]
3.1 Con Leda Valladares (Leda y María)
3.2 Solista
4 Filmografía
5 Véase también
6 Su vida llevada a escena
7 Referencias
8 Bibliografía
9 Enlaces externos
9.1 Documentos
9.2 Despedidas en la prensa argentina
9.3 Canciones animadas
Biografía[editar]
Infancia[editar]
Su padre, Enrique Walsh, era un ferroviario, que trabajaba como jefe de contaduría del departamento contable de la New Western Railway of Buenos Aires (Ferrocarril Oeste de Buenos Aires) y tocaba muy bien el piano. Éste a su vez era descendiente de irlandeses por línea paterna y de ingleses por línea materna. Los abuelos londinenses de María Elena, David y Agnes Hoare habían arribado a la Argentina en 1872. 7 De la cultura popular inglesa, María Elena tomaría las nursery rhymes, tradicionales canciones para niños, como Baa Baa black sheep o Humpty Dumpty, que su padre le cantaba de niña, así como el hábito de las construcciones verbales que caracterizan al nonsense británico, como una de las principales fuentes de inspiración en su obra.
Su madre, Lucía Elena Monsalvo, era argentina, hija de padre argentino y madre andaluza y tenía diez hermanos. Se había casado con su padre, en segundas nupcias de éste, y tuvieron juntos dos hijas, Susana y María Elena. Del primer matrimonio, su padre tuvo además cuatro hijos.
Fue criada en un gran caserón de Ramos Mejía, en el Gran Buenos Aires, con patios, gallinero, rosales, gatos, limoneros, naranjos y una higuera. En ese ambiente emanaba mayor libertad respecto de la tradicional educación de clase media de la época. La canción Fideos finos ("Voy a contarles qué había/entonces en Ramos Mejía")8 y su primera novela, Novios de antaño (1990), de raíz autobiográfica, están dedicadas a relatar y reconstruir los recuerdos de su infancia.
Una poetisa precoz[editar]
A los 12 años ingresó a la Escuela de Bellas Artes Manuel Belgrano, de Buenos Aires (Barracas), donde se radicó. Allí se haría amiga de Sara Facio, quien luego se convertirá en una destacada fotógrafa y compañera de María Elena en el último tramo de su vida, Carmen Córdova (hija del crítico Córdoba Iturburu) quien sería arquitecta, y Juan Carlos Distéfano, quien se volverá un escultor de fama mundial.9
Tímida y rebelde, leía mucho de adolescente. En 1945, a los 15 años, publicó su primer poema en la revista El Hogar (número dedicado a la primavera), titulado Elegía e ilustrado por su compañera de colegio Elba Fábregas.10 Ese mismo año escribió también en el diario La Nación.
En 1947, cuando contaba con 17 años, sufre la muerte de su padre y publica su primer libro, un poemario titulado Otoño imperdonable que recibió el segundo premio Municipal de Poesía, aunque el jurado se excusó diciéndole que no le habían otorgado el primero porque era demasiado joven.4 A pesar de su juventud, se trata de un libro notable, que llamó de inmediato la atención sobre ella del mundo literario hispanoamericano. Reúne poemas escritos entre los 14 y los 17 años, que sorprenden por la madurez expresiva y por un estilo natural,11 plenos de hallazgos y juegos líricos, como en «Término», donde se define a sí misma como «un sitio donde florecerá la muerte».12
El libro fue elogiado por la crítica13 y por algunos de los más importantes escritores hispanoamericanos, como Juan Ramón Jiménez, Jorge Luis Borges, Silvina Ocampo, Eduardo González Lanuza y Pablo Neruda.4 14
Luego de finalizar sus estudios secundarios en 1948, recibiéndose como profesora de Dibujo y Pintura, aceptó la invitación de Juan Ramón Jiménez (autor de Platero y yo) de visitarlo en su casa de Maryland (Estados Unidos), donde permanecería seis meses en 1949. Se trató de una experiencia compleja, porque Jiménez la trató impiadosamente, sin ninguna consideración por sus necesidades e inclinaciones personales. La propia María Elena describiría unos años después esa experiencia en estos términos:
Cada día tenía que inventarme coraje para enfrentarlo, repasar mi insignificancia, cubrirme de una desdicha que hoy me rebela. Me sentía averiguada y condenada. Suelo evocar con rencor a la gente que, mayor en mundo, tuvo mi verde destino entre sus manos y no hizo más que paralizarlo. Con generosa intención, con protectora conciencia, Juan Ramón me destruía, y no tenía derecho a equivocarse porque él era Juan Ramón, y yo, nadie. ¿En nombre de qué hay que perdonarlo? En nombre de lo que él es y significa, más allá del fracaso de una relación.
María Elena Walsh.15
De vuelta en Buenos Aires y ya sobre el filo de la mitad del siglo, María Elena frecuentaba los círculos literarios e intelectuales y escribía ensayos en diversas publicaciones.
En 1951 publicó su segundo poemario, Baladas con Ángel. El libro fue editado en un mismo volumen con Argumento del enamorado, del igualmente joven escritor Ángel Bonomini, quien por entonces era novio de María Elena.16 El volumen constituye un todo en el que dos enamorados intercambian sus emociones expresadas en versos.
En esta oportunidad Walsh recurre a la balada para construir su obra poética, una forma lírica construida a partir de la musicalidad de su estructura, probablemente reflejando la influencia de Jiménez.17 Las mismas muestran a la poetisa en un momento de optimismo y alegría inducido por el amor, pero a la vez dejan traslucir una insatisfacción de fondo que pronto estallaría. Estas emociones pueden encontrarse en Balada del tiempo perdido, donde la escritora exterioriza la angustia que la venía acosando, calmada ahora por la llegada del amor:
Como a sus vanas hojas
el tiempo me perdía.
Clavada a la madera de otro sueño
volaban sobre mí noches y días.

Poblándome de una
nostalgia distraída
la tierra, el mar, me entraban en los ojos
y por ociosas lágrimas salían.
María Elena Walsh ("Balada del tiempo perdido", frag., en Baladas con Ángel.)
María Elena Walsh parecía comenzar a definir su vida como una de las más prometedoras figuras del mundo intelectual porteño. Sin embargo, aunque nadie lo percibiera, se sentía asfixiada: por las represiones familiares y sociales relacionadas con una sexualidad que siempre mantuvo reservada a la intimidad, por los celos y pequeñas traiciones del mundillo cultural, y por un clima político polarizado entre peronismo y antiperonismo, tendencia esta última con la que se identificaba la joven.4 Algunos años después, al ver lo que hicieron los gobiernos antiperonistas, comenzaría sentir simpatías por el peronismo y su significado de progreso para los sectores populares. Pero en ese momento, su vida estaba a punto de pegar un notable viraje.
Leda y María[editar]

María Elena Walsh (izq) y Leda Valladares (der). Tapa del álbum Entre valles y quebradas vol 1 (1957), del dúo Leda y María.
Artículo principal: Leda y María
María Elena Walsh inició su asociación artística y afectiva con Leda Valladares en 1951, por carta. En ese entonces tenía 21 años, once menos que Valladares, una artista tucumana relacionada con el folclore cotidiano del Noroeste -hermana del mítico folclorista Chivo Valladares- y una de las primeras mujeres en egresar de la Universidad Nacional de Tucumán.18 Leda se encontraba radicada en Costa Rica, e invitó a María Elena a reunirse con ella en Panamá para partir juntas hacia Europa, invitación que ésta aceptó abandonando su familia y su entorno intelectual, para emprender un camino de experimentación.9
En 1952 se instalaron en París y comenzaron a cantar canciones folclóricas de tradición oral de la región andina de Argentina, como carnavalitos, bagualas y vidalas. Luego de cantar en cafés y boites, el dúo logró un contrato en el famoso cabaret Crazy Horse. En la capital de Francia se relacionaron con otros artistas como la chilena Violeta Parra o la estadounidense Blossom Dearie y grabaron sus primeros álbumes Chants d’Argentine/ Cantos de Argentina (1954) y Sous le ciel de l’Argentine/ Bajo los cielos de la Argentina (1955), con canciones de tradición oral del folclore andino argentino, como Dos palomitas y Huachi tori, pero también con temas de Atahualpa Yupanqui -por entonces radicado en París-, como La arribeña, de Jaime Dávalos como El humahuaqueño, de Rafael Rossi como "Viva Jujuy" y de Rolando Valladares, hermano de Leda.9
De regreso en la Argentina en 1956, Leda y María realizaron una extensa gira por el Noroeste argentino en donde reunieron varias canciones que grabarían luego en sus dos primeros álbumes realizados en su país, Entre valles y quebradas vol 1 y Entre valles y quebradas vol 2, ambos de 1957. Muchas de esas canciones se instalarían en el cancionero folclórico. Ambos discos fueron muy bien recibidos en los círculos de artistas e intelectuales, como el Cuchi Leguizamón, Manuel J. Castilla, Victoria Ocampo, Atahualpa Yupanqui, María Herminia Avellaneda. Ésta última llevó al dúo a presentarse en Canal 7 de televisión.9
Por entonces comenzaron a aparecer las diferencias entre ambas que llevaría a su separación: mientras Leda Valladares reivindicaba el valor del indigenismo y del folklore puro, en el sentido de la creación anónima, María Elena Walsh se inclinaba a la creación de nuevas expresiones, alimentándose de las raíces folklóricas, pero sin estar estrictamente restringidas a ellas, orientándose por los valores de la justicia social, el feminismo y el pacifismo.9
En 1958 lanzaron su quinto álbum Canciones del tiempo de Maricastaña, donde las canciones del folklore español están presentadas con un título lúdico e informal que anticipa las nuevas tendencias que se incubaban en el dúo. El disco incluye canciones como El Tururururú («que la culpa la tienes tú»), En qué nos parecemos, o el Romance del enamorado y la Muerte.
En simultáneo, María Elena publicó su tercer libro de poemas, Casi milagro.
Al año siguientes Leda y María publicaron el LP Leda y María cantan villancicos, incluyendo cuatro villancicos anónimos, uno del norte argentino, otro de Bolivia y dos españoles. La tapa del disco es una foto de un niño pequeño sonriendo mientras mira el dibujo de un Papá Noel, apareciendo por primera vez una temática infantil.
Los sueños del Rey Bombo, Tutú Marambá, Canciones para mirar y el mundo infantil[editar]
Cuando aún se encontraba en París, María Elena Walsh comenzó a crear poemas, canciones y personajes infantiles, que solo mostraría a Leda Valladares. En 1956 el dúo había ganado un concurso para cantar en el espectáculo de Edith Piaf en el Teatro Olympia de París, pero la famosa cantante finalmente las excluyó, aparentemente por razones de tipo emocional, y ambas decidieron entonces volver a Buenos Aires.
En 1958 María Herminia Avellaneda le ofreció a Walsh escribir guiones de televisión para programas infantiles. Entre ellos se destacó Buenos días Pinky, protagonizado por Pinky (Lidia Satragno) y Osvaldo Pacheco, quien interpretaba a un abuelo. El programa duró solo tres meses, pero alcanzó un éxito notable, que le valió dos premios Martín Fierro (mejor programa infantil y revelación masculina para Osvaldo Pacheco) y el premio Argentores para la propia María Elena como guionista, otorgado en 1965.
Esa experiencia la hizo madurar la posibilidad de crear un género similar a un «cabaret para chicos» o un «varieté infantil», que revolucionaría el mundo del espectáculo, el folklore y la música infantil.9
Los sueños del Rey Bombo se estrenó en el Teatro Auditorium, de Mar del Plata, el 2 de febrero de 1959 por El Teatro de los Niños de Roberto Aulés. La obra pasa, en marzo del mismo año, al Teatro Presidente Alvear de Buenos Aires; en 1962 se repuso en el Teatro Cómico. El texto original está perdido y el único documento sobreviviente son las 8 canciones, editadas por Ricordi para voz y piano. “La marcha del Rey Bombo” y “El gato Confite” formarán parte del libro Tutú Marambá, publicado en 1960.19 El Libro Tutú Marambá incluye también algunos otros textos del espectáculo Rey Bombo, como Tringuiti Tranguiti, El Vendedor de sueños, y La Bruja Eulalia.
En 1960 Leda y María mostraron un notable viraje en su estilo al grabar el EP Canciones de Tutú Marambá, en la que cantan canciones infantiles que Walsh había escrito para los guiones que estaba realizando para la televisión. Allí se incluyen las primeras cuatro canciones que harían famosa a María Elena Walsh en la música infantil: La vaca estudiosa, Canción del pescador, El Reino del Revés y Canción de Titina.
El siguiente espectáculo musical-dramático para niños fue Canciones para mirar, que el dúo puso en escena -con un presupuesto muy reducido- en la Sala Casacuberta del Teatro Municipal General San Martín de Buenos Aires, en 1962. Inesperadamente, el espectáculo tuvo un enorme éxito, impulsando la preparación de un nuevo show para 1963 y se convirtió de uno de los acontecimientos culturales más importantes de la historia cultural argentina.
La obra estaba compuesta a partir de doce canciones de Walsh, que cantaban Leda y María vestidas como juglares, mientras los actores Alberto Fernández de Rosa y Laura Saniez las representaban mímicamente: "La familia Polillal", "El Reino del Revés", "Milonga del hornero", "La vaca estudiosa", "La Pájara Pinta", "Canción del estornudo", "La mona Jacinta", "Canción del jardinero", "Canción de la vacuna", "Canción de Titina", "Canción para vestirse" y "Canción del pescador". En los intervalos entre canciones, dos personajes, Agapito y la Señora de Morón Danga, decían monólogos cómicos, una estructura dramática que Leda y María habían tomado del Crazy Horse, combinándola con el humor, los ritmos tradicionales, el desenfado y el público infantil.9
Doña Disparate y Bambuco fue la última presentación de Leda y María. El nuevo espectáculo contó con un presupuesto mucho mayor, siendo dirigido por María Herminia Avellaneda, y actuando como protagonistas Lydia Lamaison (Disparate) y Osvaldo Pacheco (Bambuco), así como Teresa Blasco y Pepe Soriano, interpretando varios papeles de personajes secundarios y estrambóticos. En esta obra aparecen el Mono Liso, y sobre todo la tortuga Manuelita, el personaje más paradigmático y conocido del universo infantil creado por María Elena Walsh. La obra tenía una similitud con el clima onírico de Alicia en el país de las maravillas.9 Posteriormente se hizo una versión televisiva protagonizada por Perla Santalla y Walter Vidarte. En 1990 se repuso la obra bajo la dirección de José María Paolantonio, y el elenco estaba formado por Georgina Barbarossa, Adrián Juliá, Gustavo Monje, Debora Kepel, Ivanna Padula y Jorge Luis Freire. Realizando tres temporadas. Desde 1990 hasta 1992.
El crítico Leopoldo Brizuela ha dicho que:
Según las entrevistas de entonces, Walsh concibió a Doña Disparate como la encarnación paródica del sentido común, mientras que Bambuco es la "personificación de la infancia". Pero, más profundamente, ambas representan las dos personalidades de Walsh: la rigurosa, romántica y un poco demasiado retórica de Otoño imperdonable, y la niña, popular, y un poco demasiado fresca de Tutú Marambá. Las dos salen a batirse a duelo, nunca se vencen la una a la otra y siempre renacen en la cada vez más luminosa hoguera del humor, en la valiente ordalía de crear.
Leopoldo Brizuela9
Para entonces Leda y María ya tenían decidido que querían seguir caminos distintos. Antes de separarse en 1963, grabaron un último EP, Navidad para los chicos, que reúne cuatro canciones navideñas de Walsh, en las que ambas cantan con Roberto Aulés.
Canciones para mirar fueron seguidas de la publicación de cinco libros para niños, El reino del revés (1964), Zoo loco (1964), Dailan Kifki (1966), Cuentopos de Gulubú (1966) y Aire libre (1967, que consolidaron el universo infantil que María Elena construyó en esa década y que marcaría fuertemente la formación cultural de las siguientes generaciones de argentinos.
En 1965 publica Hecho a mano, su cuarto poemario para adultos.20
Juguemos en el mundo y las canciones para adultos[editar]

María Elena Walsh por Pepe Fernández
En 1968 estrenó su espectáculo de canciones para adultos Juguemos en el mundo, que se constituyó en un acontecimiento cultural que influiría fuertemente en la nueva canción popular argentina, que venía conformándose desde diversos enfoques, como el Movimiento del Nuevo Cancionero impulsado por músicos como Mercedes Sosa y Armando Tejada Gómez, el folklore vocal que estaban desarrollando grupos como los Huanca Hua y el Cuarteto Zupay, el tango moderno que tenía su epicentro en Astor Piazzolla y la Balada para un loco que al año siguiente compusiera con Horacio Ferrer, o las canciones de Nacha Guevara y Alberto Favero comenzarían a mostrar también al año siguiente en Anastasia querida. Como había hecho con sus canciones infantiles, María Elena Walsh mostró en Juguemos en el mundo un estilo de composición marcado por la libertad creativa y temática. Sus melodías dieron vida a canciones muy modernas, que tomaban inspiración de las más diversas fuentes musicales, desde el folklore al tango y desde el jazz al rock. Sus letras aportaron innumerables temas a la canción de protesta latinoamericana, que floreció en esos años (Los ejecutivos, ¿Diablo estás?), pero también introdujeron temáticas prácticamente ausentes del cancionero argentino, como la emigración (Zamba de Pepe, dedicada al fotógrafo Pepe Fernández), el peronismo (El 45) o la pacatería social de las clases medias (Mirón y Miranda). El espectáculo incluyó Serenata para la tierra de uno, una sus creaciones más destacadas, que bordeando la canción de protesta sin serlo, está construida como una canción de amor a su país, como si se tratara de un amante:
Porque me duele si me quedo,
pero me muero si me voy
con todo y a pesar de todo
mi amor yo quiero vivir en vos.
El espectáculo fue acompañado por el lanzamiento de un álbum también titulado Juguemos en el mundo, que tuvo un extraordinario éxito y que fue seguido al año siguiente por Juguemos en el mundo II.

María Elena Walsh, en 1971
En 1971 María Herminia Avellaneda la dirigió en el filme Juguemos en el mundo donde reaparecen Doña Disparate y Bambuco por Perla Santalla y Jorge Mayol acompañados por Hugo Caprera, Eduardo Bergara Leumann, Virginia Lago, Jorge Luz, Aída Luz, Eva Franco y Norman Briski.
Ese mismo año, China Zorrilla y Carlos Perciavalle estrenaron en Buenos Aires, su versión de las Canciones para mirar que habían llevado a escena en 1966 en Nueva York y en Montevideo.
El País Jardín-de-Infantes y sus últimas canciones y reflexiones[editar]
Asfixiada por la censura impuesta por la dictadura militar, en julio de 1978, en plena Copa Mundial de Fútbol, decidió «no seguir componiendo ni cantar más en público».4 Paradójicamente, varias de sus canciones se volvieron símbolo de la lucha por la democracia, como Como la cigarra, Canción de cuna para un gobernante, Oración a la Justicia, Canción de caminantes, Balada de Cómodus Viscach, Postal de guerra o su versión de We shall overcome (Venceremos), la clásica marcha del movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos.
Al año siguiente, el 16 de agosto de 1979, María Elena publicó en el suplemento cultural del diario Clarín un artículo titulado «Desventuras en el País Jardín-de-Infantes», título que en 1993 retomaría para titular un libro.21
Hace tiempo que somos como niños y no podemos decir lo que pensamos o imaginamos. Cuando el censor desaparezca ¡porque alguna vez sucumbirá demolido por una autopista! estaremos decrépitos y sin saber ya qué decir. Habremos olvidado el cómo, el dónde y el cuándo y nos sentaremos en una plaza como la pareja de viejitos del dibujo de Quino que se preguntaban: "¿Nosotros qué éramos...?"
María Elena Walsh.21
Asimismo, cuando en 1991, durante la presidencia de Carlos Menem en la Argentina, se debatía en ese país la posibilidad de implementar la pena de muerte, María Elena Walsh escribió una reflexión sobre este tema, que finalizaba con la siguiente frase:
A lo largo de la historia, hombres doctos o brutales supieron con certeza qué delito merecía la pena capital. Siempre supieron que yo, no otro, era el culpable. Jamás dudaron de que el castigo era ejemplar. Cada vez que se alude a este escarmiento la Humanidad retrocede en cuatro patas.3
María Elena Walsh
Publicado por primera vez en el diario Clarín (Buenos Aires), 12 de septiembre de 1991.
Como articulista, tuvo gran repercusión su artículo La eñe también es gente en defensa del uso en internet de esta letra tan característica de la lengua española.
¡No nos dejemos arrebatar la eñe! Ya nos han birlado los signos de apertura de interrogación y admiración. Ya nos redujeron hasta el apócope [...] Sigamos siendo dueños de algo que nos pertenece, esa letra con caperuza, algo muy pequeño, pero menos ñoño de lo que parece [...] La supervivencia de esta letra nos atañe, sin distinción de sexos, credos ni programas de software. Luchemos para no añadir más leña a la hoguera donde se debate nuestro discriminado signo [...] La eñe también es gente.22
María Elena Walsh, diario La Nación (Buenos Aires), 1996.
Democracia, reconocimiento y libros[editar]
Walsh en un encuentro con la presidente argentina, Cristina Kirchner, en 2008
File-Cristina Kirchner y María Elena Walsh - 2008 (2).jpg
Cristina Kirchner y María Elena Walsh - 2008 (1).jpg
En 1985 fue nombrada Ciudadana Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires y en 1990, Doctor Honoris Causa de la Universidad Nacional de Córdoba y Personalidad Ilustre de la Provincia de Buenos Aires. En 1994 apareció la recopilación completa de sus canciones para niños y adultos y en 1997, Manuelita ¿dónde vas? En 2000 recibió, asimismo, el Gran Premio de Honor de la SADE. También obtuvo dos Premios Konex de Platino en 1981 en la disciplina Infantil y en 1994 en la categoría Literatura Infantil. En 2014 recibió el Konex de Honor, premio otorgado a la figura fallecida más importante de las Letras Argentinas.
Fallecimiento[editar]
Falleció el 10 de enero de 2011 a los 80 años, en el Sanatorio de la Trinidad después de una prolongada internación.23
Falleció de mi mano. La noche anterior me acerqué a acomodarle la cabeza. Ella me dijo: «Amorcito mío, aquí estamos». Me apretó la mano y lloró. Entonces yo le dije que tenía que descansar, que estábamos todas con ella. Éramos un grupito. Sara y tres chicas más. Ella nos llamaba el petit comité. Al otro día ya se despertó mal. Vino la médica y me dijo: «Se está yendo». Así que me quedé ahí, agarrándole la mano. Yo había combinado que Sara se fuera al estudio y que yo llamaría a una de las chicas del petit comité para que le avisara. Al final, cuando pasó todo, Sara vino y yo le dije: «No vas a entrar, ¿no?». Yo quería que se quedara con la imagen de María Elena despierta.
Mariana Facio, sobrina de Sara Facio (pareja de Walsh)24
Sus restos fueron velados en la sede central de SADAIC y la inhumación se realizó en el panteón de la entidad en el Cementerio de la Chacarita,3 en el cual el músico argentino Eduardo Falú le dedicó unas palabras de despedida.
El fallecimiento causó una gran conmoción en el medio artístico, en consecuencia, muchas celebridades ofrecieron sus condolencias por los principales medios de difusión de Argentina. Todos los noticieros de aire y de cable dieron la noticia, como así también las radios y los diarios. Incluso la página oficial del Club Ferro Carril Oeste, club preferido de María Elena Walsh, hizo un reconocimiento en uno sus árticulos online.
Obras literarias[editar]
Poesía y prosa para adultos[editar]
Otoño imperdonable (1947)
Apenas viaje (1948)
Baladas con Ángel (1951)
Casi milagro (1958)
Hecho a mano (1965)
Juguemos en el mundo (1970)
Novios de antaño (1990)
Desventuras en el País-Jardín-de-Infantes (1993)
Fantasmas en el parque (2008)
Canciones para adultos[editar]
Cancionero contra el mal de ojo (1976)
Literatura infantil (completa)[editar]
La mona Jacinta. Buenos Aires: Editorial abril de 1960
La familia Polillal. Buenos Aires: Editorial abril de 1960
Tutú Marambá. Buenos Aires: Edición de la Autora, 1960
Circo de Bichos. Buenos Aires: Editorial abril de 1961
Tres morrongos. Buenos Aires: Editorial abril de 1961
El reino del Revés. Buenos Aires: Fariña Editores, 1965
Zoo loco. Buenos Aires: Fariña Editores, 1965
Cuentopos de Gulubú. Buenos Aires: Fariña Editores, 1966
Dailan Kifki. Buenos Aires: Fariña Editores, 1966
Versos para cebollitas. Buenos Aires: Fariña Editores, 1966
Versos folklóricos para cebollitas. Buenos Aires: Fariña Editores, 1967
Aire libre. Libro de lectura para segundo grado. Buenos Aires: Editorial Estrada, 1967
Versos tradicionales para cebollitas. Buenos Aires: Sudamericana, 1967
El diablo inglés. Buenos Aires: Editorial Estrada, 1970
Angelito. Buenos Aires: Editorial Estrada, 1974
La sirena y el capitán. Buenos Aires: Editorial Estrada, 1974
El país de la geometría. Buenos Aires: Editorial Estrada, 1974
Chaucha y palito. Buenos Aires: Sudamericana, 1977
Veo Veo. Buenos Aires: Hispamérica, 1984
Bisa vuela. Buenos Aires: Hyspamérica, 1985
Los Glegos. Barcelona: Lumen, 1987
La nube traicionera (versión libre de "le Nuage rose" de George Sand). Buenos Aires: Sudamericana, 1990
Pocopán. Buenos Aires: Espasa-Calpe, 1996
Una jirafa filarmónica. Buenos Aires: Espasa-Calpe, 1996
Un gato de la luna. Buenos Aires: Espasa-Calpe, 1996
La plapla. Buenos Aires: Espasa-Calpe, 1996
El paquete de Osofete. Buenos Aires: Espasa-Calpe, 1996
Martín Pescador y el delfín domador. Buenos Aires: Espasa-Calpe, 1996
Historia de una princesa, su papá y... Buenos Aires: Espasa-Calpe, 1996
El gatopato y la princesa Monilda. Buenos Aires: Espasa-Calpe, 1996
La foca loca. Buenos Aires: Espasa-Calpe, 1996
El enanito y las siete Blancanieves. Buenos Aires: Espasa-Calpe, 1996
Don Fresquete. Buenos Aires: Espasa-Calpe, 1996
Manuelita ¿Dónde vas? Buenos Aires: Espasa-Calpe, 1997
Manuelita la tortuga. Buenos Aires: Espasa-Calpe, 1998
Osías el osito. Buenos Aires: Espasa-Calpe, 1998
El Mono Liso. Buenos Aires: Espasa-Calpe, 1998
El gato que pesca. Buenos Aires: Editorial Planeta 1999
El show del perro salchicha. Buenos Aires: Editorial Planeta 1999
La reina Batata. Buenos Aires: Editorial Planeta 1999
Doña Disparate Bs.As. (Tuta Marambá): Edición: Alfagüara. En el año 2000
El Romance Del Enamorado y La Muerte Bs.As. (Tuta Marambá): Editorial: Alfagüara. En el año 2000
Hotel Pioho's Palace. Buenos Aires: Alfaguara, 2002
Discografía25 [editar]
Con Leda Valladares (Leda y María)[editar]
Chants d’Argentine, [1954] (Le Chant du Monde LDY-M-4021)
Sous le ciel de l’Argentine, [1955] (London International FS 123619/WB 9113)
Entre valles y quebradas, vol. 1, [1957] (Disc Jockey Estrellas 10071)
Entre valles y quebradas, vol. 2, [1957] (Disc Jockey LD 15052)
Canciones del tiempo de Maricastaña, [1958] (Disc Jockey 77076)
Leda y María cantan villancicos (EP), [1959] (Disc Jockey TD 1007)
Canciones de Tutú Marambá (EP), [1960] (Disco Plin s/n)26
Canciones para mirar, [1962] (Disco Plin 102)
Doña Disparate y Bambuco (EP), [1962] (Disco Plin 103)
Navidad para los chicos (EP) (con Roberto Aulés), [1963] (Abril Fonorama Bolsillitos 502)
Solista[editar]
Canciones de Tutú Marambá (EP), [1960] (Disco Plin s/n)26
Canciones para mí, [1963] (CBS 1097)
Canciones para mirar, [1963] (CBS 1098)
El país de Nomeacuerdo, [1967] (CBS 1113)
El país de la Navidad, (EP), [1968] (CBS 1762)
Cuentopos, [1968] (CBS 1115)
Juguemos en el mundo, [1968] (CBS 8830)
Cuentopos para el recreo, [1969] (CBS 1125)
Juguemos en el mundo II, [1969] (CBS 18969)
Cuatro villancicos norteños, [1971]27 28
El sol no tiene bolsillos, [1971] (CBS 19107)
Como la cigarra, [1972] (CBS 19311)
El buen modo, [1976] (Microfón SE 573)
De puño y letra, [1976] (Microfón SE 761)
Filmografía[editar]
Actriz
Juguemos en el mundo (1971)
Guionista
Necesito una madre (1966)

Ha recibido 35 puntos

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Marosa di Giorgio (Uruguay 1932-2004)

31. Marosa di Giorgio (Uruguay 1932-2004)

Trayectoria[editar] Descendiente de inmigrantes italianos y vascos que fundaron quintas en zonas rurales del Uruguay, sus padres fueron Giorgio y Clementina Médici. Marosa di Giorgio comenzó a publicar en los años 50. En los dos tomos de Los papeles salvajes (1989 y 1991) recopiló sus poemas... Ver mas
Trayectoria[editar]
Descendiente de inmigrantes italianos y vascos que fundaron quintas en zonas rurales del Uruguay, sus padres fueron Giorgio y Clementina Médici. Marosa di Giorgio comenzó a publicar en los años 50. En los dos tomos de Los papeles salvajes (1989 y 1991) recopiló sus poemas publicados hasta entonces.
El extenso Diamelas a Clementina Médici (2000), estuvo inspirado en la muerte de su madre. Sus textos narrativos eróticos son: Misales (1993), Camino de las pedrerías (1997), y Reina Amelia (1999). Su obra, que recibió numerosos premios, ha sido traducida al inglés, francés, portugués e italiano.
En su obra, un canto a la naturaleza y a sus mutaciones, la mitología es una constante. Es una de las voces poéticas más singulares de Latinoamérica. En sus recitales poéticos -muchos de ellos reproducidos en casetes y otros formatos- demostraba una capacidad interpretativa sui géneris, en la que se entremezclaban emociones como el miedo, la sorpresa, el desasosiego y el deseo, siempre con una voz trémula y delicada.
Obras[editar]
Poemas (1954)
Humo (1955)
Druida (1959)
Historial de las violetas (1965)
Magnolia (1968)
La guerra de los huertos (1971)
Está en llamas el jardín natal (1975)
Clavel y tenebrario (1979)
La liebre de marzo (1981)
Mesa de esmeralda (1985)
Los papeles Salvajes (recopilación de sus poemas), Primer tomo (1989)
La falena (1989)
Membrillo de Lusana (1989)
Los papeles Salvajes (recopilación de sus poemas), Segundo tomo (1991)
Misales (1993), relatos eróticos
Camino de las pedrerías (1997), relatos eróticos
Reina Amelia (1999), B. Aires, Adriana Hidalgo, novela
Diamelas a Clementina Médici (2000), poema-río
Rosa mística (2003) poemas
El gran ratón dorado, el gran ratón de lilas, B. Aires, El cuenco de plata; relatos eróticos completos.

Ha recibido 33 puntos

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Cristina Peri Rossi (Uruguay 1941)

32. Cristina Peri Rossi (Uruguay 1941)

CRISTINA PERI ROSSI BIOGRAFÍA Cristina Peri Rossi nació en Montevideo, Uruguay, en 1941. Licenciada en Literatura Comparada, comenzó su carrera literaria en 1963 con la publicación de su libro de cuentos Viviendo. Se convirtió en una figura muy representativa en los años 60 debido a... Ver mas
CRISTINA PERI ROSSI



BIOGRAFÍA

Cristina Peri Rossi nació en Montevideo, Uruguay, en 1941. Licenciada en Literatura Comparada, comenzó su carrera literaria en 1963 con la publicación de su libro de cuentos Viviendo.
Se convirtió en una figura muy representativa en los años 60 debido a sus publicaciones literarias, marcadas por la rebeldía y la innovación, y actualmente está considerada como una de la escritoras más importantes en la lengua española tanto por su obra narrativa como por su poesía.

En 1972 se exilió a España, se nacionalizó en 1975, sin perder la nacionalidad uruguaya, y vive en Barcelona desde entonces.

En 1994 recibió la Beca John Simon Guggenheim para la literatura de ficción.
Ha ejercido como profesora de literatura, traductora y periodista. Ha colaborado con El País, Diario 16 y El Periódico de Catalunya.

Cristina Peri Rossi cultiva el cuento, la novela y la poesía. Ha publicado también ensayo y realizado traducciones a varias idiomas. Ha sido la introductora en España y traductora de la obra de escritoras contemporáneas como la brasileña Clarice Lispector.
Luis Antonio de Villena ha calificado a la escritora uruguaya como una autora plural que se decanta por una “poesía caudalosa, leve y energética, términos que en ella no son contradictorios. Caudalosa porque, como los ríos australes, es potente y abundante. Escribe mucho, y sus poemas son fluyentes y afluentes. A veces uno no pasa de ser una anotación en un dietario. Pero unido ese poema con el resto de los del libro uno se percata de su necesidad en la abundancia propia, caudal de ese río. Son leves porque parecen ligeros y fáciles, escritos igual que se habla. Pero no es malo repetir que esa aparente facilidad es engañosa. Los versos de Peri Rossi son fáciles porque son sabios, y han alcanzado un punto sustancial: la difícil facilidad. Y poseen energía no sólo porque son vitalistas (aunque a veces se desesperen), sino porque su materia básica es el amor y el sexo.”

La propia escritora sostiene que "la palabra poética recupera lo sagrado, su poder original, su valor primigenio. Ni los cuentos, aunque sean breves, tienen la conexión y la fuerza que conlleva la poesía, donde se concentra la máxima intensidad.”



BIBLIOGRAFÍA

Poesía:

Poesía reunida, 2005

Evohé, 1971

Descripción de un naufragio, 1975

Lingüística general, 1979

Diáspora , 2002

Estado de exilio, 2003



Relatos:

Viviendo,1963

Los museos abandonados,1984

Indicios pánicos,1980

La tarde del dinosaurio, 1980

La rebelión de los niños,1980

El museo de los esfuerzos inútiles, 1983

Una pasión prohibida,1986

Cosmoagonías, 1994

Desastres íntimos, 1997

Te adoro y otros relatos,1999

Por fin solos, 1994

Habitaciones privadas, 2012



Novela:

El libro de mis primos, 1989

La nave de los locos, 1984

Solitario de amor, 1995

La última noche de Dostoievski, 1993

El amor es una droga dura,1999



Ensayo:

Fantasías eróticas, 1993

Julio Cortázar. Un testimonio, 2000

Cuando fumar era un placer, 2002



PREMIOS

Premio Ciudad de Barcelona 1991
Premio Internacional de Poesía Rafael Alberti 2003

Ha recibido 32 puntos

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Alice Oswald (Gran Bretaña 1966)

33. Alice Oswald (Gran Bretaña 1966)

Carrera [ editar ] Oswald leer obras clásicas en el New College de Oxford . Luego se capacitó como jardinero y trabajó en los sitios tales como Chelsea Physic Garden , Wisley y Clovelly Court Gardens. [1] En la actualidad vive en el Dartington Estate en Devon con su marido, el dramaturgo Peter... Ver mas
Carrera [ editar ]
Oswald leer obras clásicas en el New College de Oxford . Luego se capacitó como jardinero y trabajó en los sitios tales como Chelsea Physic Garden , Wisley y Clovelly Court Gardens. [1] En la actualidad vive en el Dartington Estate en Devon con su marido, el dramaturgo Peter Oswald (también un clasicista entrenado), y sus tres hijos. Alice Oswald es la hermana del actor Will Keen y escritora Laura Beatty .
En 1994, fue galardonado con un Premio Eric Gregory . Su primera colección de poemas, La Cosa en el Stile Gap de Piedra (1996), ganó un Premio de Poesía Forward (mejor ópera Collection) en 1996, y fue finalista del Premio TS Eliot en 1997.
Su segunda colección, Dart (2002), combinado verso y la prosa, y cuenta la historia del río Dart en Devon desde una variedad de perspectivas. Jeanette Winterson lo calificó como un "... en movimiento, cambiando poema, tan rápido que fluye como el río y tan profundo ... una celebración de la diferencia ... ". [2] Dart ganó el Premio TS Eliot en 2002.
En 2004, Oswald fue nombrado como uno de los Poetry Book Society 's poetas de Nueva Generación . Sus bosques de recolección, etc., publicados en 2005, fue finalista del Premio de Poesía Forward (Mejor Colección).
En 2009 se publicó tanto A sonámbulo en el Severn y malas hierbas y flores silvestres, que ganó el primer premio Ted Hughes de nuevo trabajo en la poesía, y fue finalista del Premio TS Eliot .
En octubre de 2011, Oswald publicó su sexta colección, Memorial. Subtitulado "Una excavación de la Ilíada", [3] Memorial se basa en la Ilíada atribuidos a Homer , pero se aparta de la narrativa forma de la Ilíada para centrarse en, y así conmemorar, los caracteres individuales llamado cuyas muertes se mencionan en ese poema . [4] [5] [6] Más tarde, en octubre de 2011, Memorial fue finalista del Premio TS Eliot , [7] pero en diciembre de 2011, Oswald retiró el libro de la lista restringida, [8] [9] citando preocupaciones sobre la ética de los patrocinadores del premio. [10]
Bibliografía [ editar ]
1996: La hora de la Stile Gap de Piedra, Oxford University Press, ISBN 0-19-282513-5
2002: Dardo, Faber and Faber, ISBN 0-571-21410-X
2002: La tierra no tenga cualquier cosa para manifestar Más Justo: Una Celebración del Bicentenario de soneto de Wordsworth Compuesta sobre el puente de Westminster (coeditado con Peter Oswald y Robert Woof ), Globo de Shakespeare & The Wordsworth Trust, ISBN 1-870787-84-6
2005: El Thunder Mutters: 101 Poemas para el Planeta (editor), Faber and Faber, ISBN 0-571-21854-7
2005: Bosque etc. Faber and Faber, ISBN 0-571-21852-0
2009: Las malas hierbas y flores salvajes Faber and Faber, ISBN 978-0-571-23749-4
2009: Un sonámbulo en el Severn Faber and Faber, ISBN 978-0-571-24756-1
2011: Memorial Faber and Faber, ISBN 978-0-571-27416-1
Premios y reconocimientos [ editar ]
1996: Premio Eric Gregory
1996: Premio de Poesía Forward para (mejor ópera Collection), La Cosa en la Brecha de Piedra Stile
1997: nominado para el Premio TS Eliot , por la cosa en la Brecha de Piedra Stile
2002: Premio TS Eliot de Dart
2005: nominado para el Premio de Poesía Forward (Mejor Colección Poesía del Año), para Woods etc.
2005: nominado para el Premio TS Eliot para Woods etc.
2007: Premio de Poesía Forward (Mejor Poema Individual) para 'Dunt'
2009: Premio Ted Hughes de nuevo trabajo en la poesía de malas hierbas y flores silvestres
2011: nominado para el Premio TS Eliot , para el Memorial, que se retiró debido a las preocupaciones éticas de Oswald. [8] [9] [10]
2013: Premio Warwick para la escritura , ganador de Memorial [11]
2013: Corneliu Premio Popescu M. de Poesía Europea , ganador de Memorial [12]

Ha recibido 32 puntos

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Anne Carson (Canadá 1950)

34. Anne Carson (Canadá 1950)

Biografía[editar] Durante algunos años residió en Montreal, donde enseñó en la Universidad McGill. Reticente a que hablen sobre su vida, las biografías que aparecen en sus libros dicen únicamente que Anne Carson vive en Canadá. La fascinación por la literatura clásica que preside su obra... Ver mas
Biografía[editar]
Durante algunos años residió en Montreal, donde enseñó en la Universidad McGill. Reticente a que hablen sobre su vida, las biografías que aparecen en sus libros dicen únicamente que Anne Carson vive en Canadá.
La fascinación por la literatura clásica que preside su obra comenzó a desarrollarse en la escuela primaria. Allí, un profesor de latín le propuso adentrarse en la cultura y el lenguaje de de la Grecia Clásica y enseñó a la futura poetisa de forma particular.
La excelente carrera académica de Carson no ha seguido una línea recta. Matriculada en el St. Michael's College de la Universidad de Toronto, abandonó dos veces el curso, al final del primero y del segundo año. Desconcertada por las exigencias curriculares (especialmente por un curso obligatorio sobre John Milton), trabajó en el mundo de la edición por un corto periodo. Finalmente, terminó su formación académica en 1981 con el grado de doctora con la tesis Odi et Amo Ergo Sum, publicada en 1986 por la citada universidad.
Como profesora de cultura clásica, con una sólida formación en lenguas clásicas, literatura comparada, antropología, historia y publicidad, Carson combina ideas y temas de diferentes ámbitos en su escritura. Frecuentemente hay referencias y traducciones de la Grecia Clásica.
Obra[editar]
Eros the Bittersweet. Princeton University Press, 1986.
Glass, Irony, and God. New Directions Publishing Company, 2002.
Short Talks. Brick Books, 1992.
Plainwater. Knopf, 1995.
Autobiography of Red: A Novel in Verse. Knopf, 1998 (Autobiografía de rojo, ed. Calamus, México, 2009).
Economy of the Unlost: Reading Simonides of Ceos with Paul Celan. Princeton University Press, 1999.
Men in the Off Hours. Knopf, 2001 (Hombres en sus horas libres, trad. Jordi Doce, Pre-Textos, 2007).
The Beauty of the Husband. Knopf, 2002 (La belleza del marido: un ensayo narrativo en 29 tangos, Lumen, 2003)
If Not, Winter: Fragments of Sappho. Knopf, 2002.
Decreation: Poetry, Essays, Opera. Knopf, 2005.
Grief Lessons: Four Plays by Euripides (traducción de Eurípides). New York Review Books Classics, 2006.
Nox. New Directions, 2010
Premios y distinciones[editar]
Premio Lannan de Poesía 1996
Premio Pushcart 1997
Beca Guggenheim 1998
Beca MacArthur 2000
Premio de Poesía Griffin 2001 por Men in the Off Hours
Premio T.S. Eliot 2001 por The Beauty of the Husband

Ha recibido 32 puntos

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Wallada Al-Mustakfi (España 994 dC-1091)

35. Wallada Al-Mustakfi (España 994 dC-1091)

Wallada bint al-Mustakfi, en árabe ولادة بنت المستكفي (Córdoba, 994 - íd. 26 de marzo de 1091), poetisa andalusí, hija de Muhammad al-Mustakfi, uno de los efímeros califas de Córdoba y de la esclava cristiana Amin'am. Índice [ocultar] 1 Biografía 2 Biografías y curiosidades 3 Bibliografía... Ver mas
Wallada bint al-Mustakfi, en árabe ولادة بنت المستكفي (Córdoba, 994 - íd. 26 de marzo de 1091), poetisa andalusí, hija de Muhammad al-Mustakfi, uno de los efímeros califas de Córdoba y de la esclava cristiana Amin'am.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Biografías y curiosidades
3 Bibliografía
4 Enlaces externos
Biografía[editar]
Hija de Muhammad III al-Mustakfí, de sangre omeya y uno de los últimos califas cordobeses, que llegó al poder el 11 de enero de 1024 asesinando al anterior califa Abderramán V y fue a su vez asesinado a los dos años en Uclés. Su infancia coincidió con el esplendor de la carrera política de Almanzor. Su adolescencia transcurre en las guerras civiles que marcan la agonía del Califato, en medio de todo tipo de intrigas palaciegas desencadenadas tras la muerte del hijo de Almanzor, al-Muzzaar.
Como el califa no tuvo descendencia masculina, heredó los bienes de su padre y abrió un palacio donde se dedicó a educar a chicas de buena familia y al que acudían también los poetas y literatos de su tiempo. Era una belleza para los cánones de la época: rubia, de piel clara y con los ojos azules, además de inteligente, culta y orgullosa. Bordaba sus versos en sus vestidos y tuvo el atrevimiento de participar en las competiciones masculinas y de completar poemas inacabados mostrando libremente su rostro, conducta que la hizo ser llamada "perversa" y ser criticada muy duramente por los integristas, aunque también tuvo numerosos defensores de su honestidad, como el escritor Ibn Hazm, autor de El collar de la paloma, y el visir Ibn Abdus, su eterno enamorado que, al parecer, permaneció a su lado y la protegió hasta su muerte, cuando ya era octogenaria.
La gran pasión de su vida fue el poeta Abenzaidún o Ibn Zaydún, con el que mantuvo una relación secreta, dada la vinculación del poeta con los Banu Yahwar, linaje rival de los Omeyas al que ella pertenecía y que le hacía andarse con cuidado por Córdoba. Sobre esta relación giran ocho de los nueve poemas que de ella se conservan. La relación se rompió por la relación de Ibn Zaydún con una esclava negra de Wallada, lo que puede ser cierto, pero también responde a un tópico de la poesía de la época.
Entre estos poemas, que tuvieron la misión de ser cartas entre los amantes, dos expresan los celos, la añoranza y los deseos de encontrarse; otro, la decepción, el dolor y el reproche; cinco son duras sátiras contra su amante, al que reprocha entre otras cosas tener amantes masculinos, y el último alude a su libertad e independencia.
Entre sus alumnas destacó Muhya bint al-Tayyani, una joven de condición muy humilde (hija de un vendedor de higos) a la que acogió en su casa y que terminó denigrándola en crueles sátiras.
Wallada murió el 26 de marzo de 1091 el mismo día que los almorávides entraron en Córdoba.
Biografías y curiosidades[editar]
En el 2000 se publica su primera biografía Wallada, la última luna, de Matilde Cabello.
En el Festival de la Guitarra de Córdoba el 15 de julio de 2004 se estrena "Wallada (El sueño de un poeta cordobés)", Musical de Rock Sinfónico Andaluz.
En febrero de 2008, el grupo musical Saurom lanza una canción dedicada a la historia de Wallada, titulada "Wallada la Omeya", incluida en su álbum "Once Romances desde Al-Andalus". La banda también dedica un vídeo musical a esta canción.

Ha recibido 32 puntos

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Rosario Castellanos (México 1925-1974)

36. Rosario Castellanos (México 1925-1974)

Rosario Castellanos (Ciudad de México, 1925 - Tel Aviv, 1974) Narradora y poeta mexicana, considerada en este segundo género la más importante del siglo XX en su país. Durante su infancia vivió en Comitán (Chiapas), de donde procedía su familia. Cursó estudios de letras Universidad Nacional... Ver mas
Rosario Castellanos
(Ciudad de México, 1925 - Tel Aviv, 1974) Narradora y poeta mexicana, considerada en este segundo género la más importante del siglo XX en su país. Durante su infancia vivió en Comitán (Chiapas), de donde procedía su familia. Cursó estudios de letras Universidad Nacional Autónoma de México. En Madrid complementaría su formación con cursos de estética y estilística.


Rosario Castellanos

Trabajó en el Instituto Indigenista Nacional en Chiapas y en Ciudad de México, preocupándose de las condiciones de vida de los indígenas y de las mujeres en su país. En 1961 obtuvo un puesto de profesora en la Universidad Autónoma de México, donde enseñó filosofía y literatura; posteriormente desarrolló su labor docente en la Universidad Iberoamericana y en las universidades de Wisconsin, Colorado e Indiana, y fue secretaria del Pen Club de México. Dedicada a la docencia y a la promoción de la cultura en diversas instituciones oficiales, en 1971 fue nombrada embajadora en Israel, donde falleció al cabo de tres años, víctima al parecer de un desgraciado accidente doméstico.

Una absoluta sinceridad para poner de manifiesto su vida interior, la inadaptación del espíritu femenino en un mundo dominado por los hombres, la experiencia del psicoanálisis y una melancolía meditabunda constituyen algunos elementos definitorios de su obra. Su poesía, en la que destacan los volúmenes Trayectoria del polvo (1948) y Lívida luz (1960), revela las preocupaciones derivadas de la condición femenina.

En los trabajos tardíos de este género, habla de su experiencia vital, los tranquilizantes y la sumisión a que se vio obligada desde la infancia por el hecho de ser mujer. Hay en sus poemas un aliento de amor mal correspondido, el mismo que domina el epistolario Cartas a Ricardo, aparecido póstumamente. Su poesía completa fue reunida bajo el título de Poesía no eres tú (1972).

Su mundo narrativo toma muchos elementos de la novela costumbrista. Las novelas Balún Canán (1957) y Oficio de tinieblas (1962) recrean con precisión la atmósfera social, tan mágica como religiosa, de Chiapas. El argumento de la segunda, una premonitoria rebelión indígena en el estado de Chiapas inspirada en un hecho real del siglo XIX, surgió de una toma de consciencia de la situación mísera del campesinado de esa región mexicana, y de su abandono a los caciques locales por parte del gobierno federal.

Escribió también volúmenes de cuentos situados en el mismo registro: Ciudad Real (1960), Los convidados de agosto (1964) y Álbum de familia (1971). Estas piezas revelan, en una dimensión social, la conciencia del mestizaje, y en una dimensión personal, la sensación de desamparo que surge tras la pérdida del amor. Sus ensayos fueron reunidos en la antología Mujer que sabe latín (1974), título inspirado en el refrán sexista: "mujer que sabe latín, ni encuentra marido ni tiene buen fin", que puede considerarse representativa de su vida, su obra y su visión de la realidad.

Ha recibido 31 puntos

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Gertrudis Gómez de Avellaneda (Cuba 1814-1873)

37. Gertrudis Gómez de Avellaneda (Cuba 1814-1873)

GERTRUDIS GÓMEZ DE AVELLANEDA {Puerto Príncipe, 1814 - Sevilla, 1873} Retrato de Gertrudis Gómez de Avellaneda Gertrudis Gómez de Avellaneda nació en Puerto Príncipe, Cuba, el 23 de marzo de 1814, aunque en su autobiografía figura 1816. Hija del capitán de navío Manuel Gómez de Avellaneda y... Ver mas
GERTRUDIS GÓMEZ DE AVELLANEDA
{Puerto Príncipe, 1814 - Sevilla, 1873}
Retrato de Gertrudis Gómez de Avellaneda
Gertrudis Gómez de Avellaneda nació en Puerto Príncipe, Cuba, el 23 de marzo de 1814, aunque en su autobiografía figura 1816. Hija del capitán de navío Manuel Gómez de Avellaneda y de Felisa de Arteaga.

Ya en su juventud, por razones de salud, se trasladó a Santiago de Cuba, tras negarse a contraer matrimonio. En abril de 1836 sale con su familia hacia Burdeos y de allí a La Coruña. En 1839 marcha a Sevilla y luego a Cádiz, donde escribe por vez primera en La Aureola, que dirigía Manuel Canete, con el seudónimo de «La Peregrina». Aquel año conoce a Ignacio Cepeda, del que se enamora y al que dedicará muchas de sus cartas durante años.

Admira a Mme. de Stael, Chateaubriand, W. Scott, y a Quintana y Lista entre los españoles. Al año siguiente, ya en Madrid, lee sus poemas en el Liceo y en 1841 publica su primer libro.

En diciembre de 1845 casa con Pedro Sabater, jefe político de Madrid, que fallece el 1 de agosto de 1846 en Burdeos. Ella se retira una breve temporada a un convento de aquella ciudad. Pocos meses más tarde reside ya en Madrid y escribe a Cepeda.

Por segunda vez contrae matrimonio con Diego Verdugo. Herido éste tras el estreno de Baltasar en abril de 1858, marcha a Cuba con su mujer y luego a Norteamérica y Francia, pero muere en 1863.

Regresa Gertrudis a Sevilla y luego a Madrid, donde al fallecer su amigo Juan Nicasio Gallego se la propone para ingresar, sin éxito, en la Academia Española, igual que sucederá años después a Pardo Bazán. Regresará a Sevilla, donde permanece hasta su muerte el 1 de Febrero de 1873.
OBRAS

Poesías. Madrid: Estudio Tipográfico Calle del Sordo, 11, 1841. Poesía.
Dos Mujeres. Madrid: Biblioteca del Recreo, 1843
La Baronesa de Joux. La Habana: Prensa, Imp.de la, 1844. Novela.
Viaje a La Habana por la condesa de Merlin. Madrid: Sociedad Literaria Tipográfica, Imp. de la, 1844. Biografía.
Espatolino. Las hijas de José Ribera, conocido con. La Habana: La Prensa, 1844. Novela.
El Príncipe de Viana. Madrid: D. José Repullés, 1844. Teatro.
Alfonso Munio. Madrid: José María Repullés, Imprenta de, 1844. Teatro.
Egilona. Madrid: D. José Repullés, 1845. Teatro.
Guatimozin, último emperador de México. Madrid: Espinosa y C.ª, 1846. Novela.
Saúl. Madrid: D. José Repullés, 1849. Teatro.
Dolores. Ciudad de México: V. F. Torres, Tipografía, 1851. Novela.
Flavio Recaredo. Madrid: D. José Repullés, 1851. Teatro.
El héroe de Bailén. Madrid: F.R. del Castillo, 1852. Poesía.
El donativo del Diablo. Madrid: C. González, 1852. Teatro.
La hija de las flores o Todos están locos. Madrid: C. González, 1852. Teatro.
La verdad vence apariencias. Madrid: José María Repullés, Imprenta de, 1852. Teatro.
Errores del corazón. Madrid: José María Repullés, Imprenta de, 1852. Teatro.
La mano de Dios. Matanzas: Gobierno, Imp. del, 1853. Novela.
La aventurera. Madrid: C. González, 1853. Teatro.
La hija del rey René. Madrid: José Rodríguez, Imprenta de, 1855. Teatro.
Oráculos de Talía o Los Duendes de Palacio. Madrid: José Rodríguez, Imprenta de, 1855. Teatro.
Simpatía y antipatía. Madrid: José Rodríguez, Imprenta de, 1855. Teatro.
La velada del helecho o El donativo del diablo, 1857. Novela.
Baltasar. Madrid: José Rodríguez, Imprenta de, 1858. Teatro.
Los tres amores. Madrid: José Rodríguez, Imprenta de, 1858. Teatro.
El artista barquero o Los cuatro cinco de junio. La Habana: El Iris de Majín Pujola y Cª, Librería e Imprenta de, 1861. Novela.
Catilina. Sevilla: Antonio Izquierdo, 1867. Teatro.
Devocionario nuevo y completísimo en prosa y verso. Sevilla: Antonio Izquierdo, 1867. Poesía.
Obras literarias, dramáticas, poéticas. Madrid: M. Rivadeneyra, 1871. Miscelánea.
Obras dramáticas. Madrid: Leocadio López, Libr., 1877. Teatro.
La Ondina del Lago Azul. Buenos Aires: La Joven Minerva, Tipografía, 1893
Autobiografla y cartas...hasta ahora inéditas. Huelva: Miguel Mora y C.ª, 1907. Biografía.
Cartas inéditas y documentos relativos a su vida e, 1911. Cartas.
Memorias inéditas, 1914. Biografía.
Leoncia. Madrid: García Rico y C.ª, 1917. Teatro.
Amor y orgullo. Madrid: Revista de Biblioteca, Archivos, Museos, 1926
Diario de Amor. Madrid: Aguilar, 1928
Antología: Poesías y cartas amorosas. Madrid: Espasa Calpé, 1945. Miscelánea.
Carta a Navarro Villoslada, 1947. Cartas.
Cinco cartas a Ventura de la Vega, 1958. Cartas.
Epistolario inédito, 1841-1871. Valencia: Tip. Moderna, 1959. Cartas.
Cartas inéditas existentes en el Museo del Ejércit. Madrid: Fundación Universitaria Española, 1975. Cartas.
Leyendas, novelas y articulos escritos por Gertrud. Madrid: Leocadio López, Libr., 1987. Miscelánea.

Ha recibido 31 puntos

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Safo de Mitilene (Grecia 612aC-548aC)

38. Safo de Mitilene (Grecia 612aC-548aC)

Poeta lírica griega cuya fama hizo que Platón se refiriera a ella dos siglos después de su muerte como la décima musa. Nació en la isla de Lesbos, probablemente en Mitilene. Aunque no se sabe mucho acerca de su vida, perteneció al parecer a una familia noble y fue contemporánea del poeta lírico... Ver mas
Poeta lírica griega cuya fama hizo que Platón se refiriera a ella dos siglos después de su muerte como la décima musa. Nació en la isla de Lesbos, probablemente en Mitilene. Aunque no se sabe mucho acerca de su vida, perteneció al parecer a una familia noble y fue contemporánea del poeta lírico Alceo, de quien se supone fue su amante, y de Stesichorus. También se dice que se casó con un hombre rico de la isla de Andros y que tuvo una hija llamada Cleis. Otra leyenda, que no merece credibilidad alguna, sostiene que, tras ser rechazada por el joven marino Faón, se arrojó desde un acantilado en Léucade (una isla de la costa occidental de Grecia). No se sabe cuando murió, pero en sus poemas de última época se describe a sí misma como una anciana que goza de una vida tranquila, pobre, en armonía con la naturaleza. Los fragmentos que hoy conservamos de sus poemas indican que Safo enseñó su arte a un grupo de mujeres jóvenes, con las que mantuvo una estrecha relación y para las que compuso sus odas nupciales cuando la abandonaron para casarse. El poeta Anacreonte (mediados del siglo VI a.C., es decir, una generación posterior a Safo), afirmaba, en referencia a este grupo, que Safo sentía un amor sexual por las mujeres; de ahí proceden los términos lesbianismo y safismo, que aluden a la homosexualidad femenina. Safo escribió nueve libros de odas, epitalamios o canciones nupciales, elegías e himnos, pero apenas se conservan algunos fragmentos de todos ellos. Entre estos destaca la Oda a Afrodita, citada por el erudito Dionisio de Halicarnaso en el siglo I a.C. En el siglo XX se descubrió un papiro con nuevos fragmentos de sus poemas. La poesía de Safo se caracteriza por la exquisita belleza de su dicción, su perfección formal, su intensidad y su emoción. Inventó el verso hoy conocido como oda sáfica (tres endecasílabos y un adónico final de cinco sílabas). Muchos poetas griegos posteriores asimilaron la influencia de Safo, en particular Teócrito. © eMe

Ha recibido 30 puntos

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Carmen Boullosa (México 1954)

39. Carmen Boullosa (México 1954)

Novelista, poeta y dramaturga mexicana. Nació en la ciudad de México y estudió Letras Hispánicas en la Universidad Nacional Autónoma de México y en la Iberoamericana. En 1976 obtuvo la beca Salvador Novo de Bellas Artes, en 1980 la del Centro Mexicano de Escritores y en 1992 la de la Fundación... Ver mas
Novelista, poeta y dramaturga mexicana. Nació en la ciudad de México y estudió Letras Hispánicas en la Universidad Nacional Autónoma de México y en la Iberoamericana. En 1976 obtuvo la beca Salvador Novo de Bellas Artes, en 1980 la del Centro Mexicano de Escritores y en 1992 la de la Fundación Guggenheim. Fue redactora del Diccionario del Español en México de El Colegio de México y fundadora en 1983 del Taller Editorial Tres Sirenas. Ha publicado las novelas Mejor desaparece (1987), Antes (1989, por la que obtuvo el Premio Xavier Villaurrutia), Son vacas, somos puercos (1991), El médico de los piratas (1992), Llanto (1992), La milagrosa (1993), Duerme (1994), Cielos de la tierra (1997), Treinta años (1999), Prosa rota (2000), Leaving Tabasco (2001) y De un salto descabalga la reina (2002). Obras teatrales: Trece señoritas (1983), XE Bululú (1984, coautora), Cocinar hombres (1985), Los totoles (1985), Mi versión de los hechos (1987), Aura y las once mil vírgenes (1987) y Propusieron a María (1987). Poesía: El hilo olvida (1978), La memoria vacía (1978), Ingobernable (1979), La voz y método completo de recreo sin acompañamiento (1983), La salvaja (1989), Todos los amores: Antología de poesía amorosa (1997) y La bebida (2002). © eMe

Ha recibido 26 puntos

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Elizabeth Bishop (EEUU 1911-1979)

40. Elizabeth Bishop (EEUU 1911-1979)

Trayectoria[editar] Juventud[editar] Después de que su padre muriera cuando ella tenía sólo ocho meses de edad, la madre de la poeta sufrió una enfermedad mental y fue enviada a una residencia psiquiátrica en 1916. Aunque la madre de Bishop vivió hasta 1934 en un asilo, nunca más se... Ver mas
Trayectoria[editar]
Juventud[editar]
Después de que su padre muriera cuando ella tenía sólo ocho meses de edad, la madre de la poeta sufrió una enfermedad mental y fue enviada a una residencia psiquiátrica en 1916. Aunque la madre de Bishop vivió hasta 1934 en un asilo, nunca más se encontraron. Huérfana desde un punto de vista práctico, Bishop vivió con sus abuelos en Nova Scotia, un periodo que posteriormente idealizaría en sus poemarios.1
Años más tarde Bishop fue internada en Walnut Hill School en Natick, Massachusetts, en donde publicó sus primeros poemas en una revista de estudiantes gracias a su amigo Frani Blough.2 Se matriculó en Vassar College en el otoño de 1929, justo antes del colapso bursátil. En 1933 fundó Con Spirito, una revista literaria independiente junto con la escritora Mary McCarthy, Margaret Miller, y sus hermanas Eunice y Eleanor Clark.3
Escritora[editar]
La escritura de Bishop estuvo fuertemente influenciada por la poeta Marianne Moore.4 Fue presentada a Marianne por un bibliotecario de Vassar en 1934. Moore se interesó mucho por el trabajo de Bishop y la llegó a disuadir de estudiar medicina en Cornell Medical School, donde la poeta se había matriculado tras mudarse a Nueva York después de su graduación. Fue cuatro años antes de que Bishop se dirigiera a la ‘Querida señora Moore’ como ‘Querida Marianne,’ y sólo porque así se lo dijo Moore. La amistad entre las dos mujeres duró hasta la muerte de Moore en 1972. El libro de Bishop "At the Fishhouses" (1955) contiene varias alusiones al poema de Moore "A Grave."5
Bishop viajó ampliamente y vivió en muchas ciudades y países, muchos de los cuales están descritos en sus poemas. Vivió en Francia durante varios años a mitad de la década de los 30, gracias en parte al patronazgo de una amiga de la universidad, Louise Crane. En 1938 Bishop compró una casa con Crane en el 624 de White Street, en Key West, Florida. Mientras vivía allí Bishop se hizo amiga de Pauline Pfeiffer Hemingway, quien se había divorciado de Ernest Hemingway en 1940.
Fue presentada a Robert Lowell por Randall Jarrell en 1947. Escribió el poema "Visits to St. Elizabeth's" en 1950 como recuerdo de sus visitas a Ezra Pound. También conoció a James Merrill en 1947, y se hizo amiga de él en sus últimos años.
En 1946, Marianne Moore presentó personalmente a Bishop para el premio Houghton Mifflin Prize de poesía, que Bishop ganó. Su primer libro, North & South, fue publicado con mil ejemplares; Randall Jarrell escribió sobre él que "todos sus poemas han sido escritos desde lo más profundo, lo he visto".
Bishop, quien tuvo problemas financieros a lo largo de casi toda su carrera, cada vez se mantenía más gracias a la concesión de becas y premios. Tras recibir la importante cantidad de 2,500 dólares como beca para viajes de Bryn Mawr College en 1951, Bishop partió a circunnavegar Sudamérica en barco. Llegó a Santos, Brasil en Noviembre ese año. Bishop pensaba estar dos semanas pero permaneció durante quince años.
Mientras vivía en Brasil, recibió el premio Pulitzer en 1956 por su libro North & South — A Cold Spring, que agrupaba varios poemarios. Posteriormente recibiría el National Book Award y el National Book Critics Circle Award, así como dos becas de la Fundación Solomon R. Guggenheim y otra de la Ingram Merrill Foundation. En 1976, se convirtió en la primera mujer en recibir el Neustadt International Prize for Literature.
Con frecuencia Bishop escribía artículos para The New Yorker, y en 1964 escribió el obituario de Flannery O'Connor en The New York Review of Books.
Bishop fue conferenciante de universidades durante muchos años. Durante un corto periodo de tiempo fue profesora de University of Washington, antes de serlo en Harvard University durante siete años. También enseñó en New York University, antes de acabar en el Massachusetts Institute of Technology. Normalmente solía pasar los veranos en su casa de Maine, en una isla llamada North Haven.
Traductora[editar]
Durante su estancia en Brasil, Bishop comenzó a interesarse por las lenguas y literaturas de Latinoamérica. Con el tiempo traduciría a muchos poetas al inglés, entre los que destacan Octavio Paz, João Cabral de Melo Neto y Carlos Drummond de Andrade, de quien dijo:
No lo conocía de nada. Se suponía que él era muy tímido. Yo también soy muy tímida. Nos encontramos una vez - una noche en una acera- Habíamos salido del mismo restaurante, y besó mi mano educadamente cuando nos presentaron.6
Vida personal[editar]
Elizabeth Bishop se ha convertido en un icono como poeta lesbiana. Tuvo varias relaciones con distintas mujeres y dos relaciones estables. La primera fue con la arquitecta socialista brasileña Lota de Macedo Soares.7 8 9 Soares pertenecía a una familia importante desde el punto de vista económico y político; las dos vivieron juntas durante un periodo de quince años. Sin embargo, en los últimos años de su relación ésta se deterioró marcada por la depresión y el alcoholismo. Bishop tuvo una relación con otra mujer y finalmente dejó a Lota y volvió a los Estados Unidos. Soares, afectada por una profunda depresión, siguió a Bishop hasta los Estados Unidos y se suicidó en 1967.10
La otra gran relación de Elizabeth fue con Alice Methfessel, a quien Bishop conoció en 1971. Methfessel se convirtió en la pareja de Bishop y, tras su muerte, heredó los derechos literarios de la obra de su pareja.11
Muerte[editar]
Bishop murió de una hemorragia cerebral en su casa de Lewis Wharf, Boston. Fue enterrada en su ciudad natal, Worcester, Massachusetts.
Obra[editar]
Poesía[editar]
North & South (Houghton Mifflin, 1946)
A Cold Spring|Poems: North & South — A Cold Spring (Houghton Mifflin, 1955)
A Cold Spring (Houghton Mifflin, 1956)
Questions of Travel (Farrar, Straus, and Giroux, 1965)
The Complete Poems (Farrar, Straus, and Giroux, 1969)
Geography III, (Farrar, Straus, and Giroux, 1976)
The Complete Poems: 1927-1979 (Farrar, Straus, and Giroux, 1983)
Edgar Allan Poe & The Juke-Box: Uncollected Poems, Drafts, and Fragments, editado y con anotaciones de Alice Quinn, (Farrar, Straus, and Giroux, 2006)12
Otros trabajos[editar]
The Diary of "Helena Morley," by Alice Brant, traducido y con la introducción de Elizabeth Bishop, (Farrar, Straus, and Cudahy, 1957)
"Three Stories by Clarice Lispector," Kenyon Review 26 (Summer 1964): 500-511.
The Ballad of the Burglar of Babylon (Farrar, Straus, and Giroux, 1968)
An Anthology of Twentieth Century Brazilian Poetry editado por Elizabeth Bishop y Emanuel Brasil, (Wesleyan University Press (1972)
The Collected Prose (Farrar, Straus, and Giroux, 1984)
One Art: Letters, seleccionado and editado by Robert Giroux, (Farrar, Straus, and Giroux, 1994)
Exchanging Hats: Paintings, editado y con la introducción de William Benton, (Farrar, Straus, and Giroux, 1996)
Rare and Commonplace Flowers: The Story of Elizabeth Bishop and Lota de Macedo Soares, por Carmen L. Oliveira; traducido por Neil K. Besner, (Rutgers University Press, 2002)7
Obra traducida al castellano[editar]
Obra poética, Tarragona, Igitur, 2008.
Antología poética. Elizabeth Bishop, Madrid, Visor 2003. ISBN 84-264-1311-0
Una locura cotidiana. Elizabeth Bishop, Barcelona, Lumen 2001. ISBN 84-7575-336-1
Antología poética de Elizabeth Bishop, Valencia, Consorci d'Editors Valencians 1988. ISBN 84-7575-317-5
Premios y distinciones[editar]
1945: Houghton Mifflin Poetry Prize Fellowship
1947: Guggenheim Fellowship
1949: Appointed Consultant in Poetry at the Library of Congress
1950: American Academy of Arts and Letters Award
1951: Lucy Martin Donelly Fellowship (awarded by Bryn Mawr College)
1953: Shelley Memorial Award
1954: Elected to lifetime membership in the National Institute of Arts and Letters
1956: Pulitzer Prize for Poetry
1960: Chapelbrook Foundation Award
1964: Academy of American Poets Fellowship
1968: Ingram-Merrill Foundation Grant
1969: National Book Award
1969: The Order of the Rio Branco (awarded by the Brazilian government)
1974: Harriet Monroe Poetry Award
1976: Books Abroad/Neustadt International Prize
1976: Elected to the American Academy of Arts and Letters
1977: National Book Critics Circle Award
1978: Guggenheim Fellowship

Ha recibido 26 puntos

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Wislawa Szymborska (Polonia 1923-2012)

41. Wislawa Szymborska (Polonia 1923-2012)

Escritora y premio Nobel polaca, considerada una de las voces más originales de la poesía contemporánea de su país. Nació en un pueblo de la provincia de Pozman, pero se trasladó, junto con su familia, en 1931, a Cracovia, lugar al que siempre ha estado ligada. Su primer libro publicado fue... Ver mas
Escritora y premio Nobel polaca, considerada una de las voces más originales de la poesía contemporánea de su país. Nació en un pueblo de la provincia de Pozman, pero se trasladó, junto con su familia, en 1931, a Cracovia, lugar al que siempre ha estado ligada. Su primer libro publicado fue Busco la palabra (1945), pero no empezó a conseguir reconocimiento literario hasta la aparición, en 1952, de su poemario Por eso vivimos, que fue seguido de Preguntas planteadas a una misma (1954), ambos en la línea historicista propia del realismo socialista imperante en ese momento, fruto de su admiración por el poeta ruso Vladimir Maiakovski y del rechazo a los horrores de la ocupación nazi en Polonia. A partir de 1956, se desarrolla en Polonia, como en otros países del área soviética, un sentimiento nacionalista en el que participan activamente muchos intelectuales que buscan una vía para condenar y superar todo lo que fue el periodo stalinista. Szymborska opta por una reflexión personal e intimista que le devuelva un equilibrio espiritual. En esta línea escribe Llamada a Yeti (1957) que es un ajuste de cuentas con su propio dogmatismo anterior. La crítica vio en el Yeti a Iósiv Stalin. Le siguen Sal (1962), en la que se plantea la vida humana como parte de todo un proceso universal, escrita con un fino humor y sobriedad; y después, Cien consuelos (1967), Gran número (1976), Gente en el puente (1986) y Fin y principio (1993), en los que ya aparece perfilado su estilo intimista, irónico, paisajístico y existencialista. La obra de Wislawa Szymborska está considerada como una lírica impregnada de duda metódica con claras intenciones éticas, al estilo del poeta español Antonio Machado; da la casualidad que también como él, se sirve de versos cortos, estrofas clásicas y léxico común, y con estos elementos consigue unos poemas de gran hondura y fuerza. Por el conjunto de su obra, que no es muy numerosa, recibió en 1996, el Premio Nobel de Literatura. © eMe

Ha recibido 25 puntos

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Dulce María Loynaz (Cuba 1903-1997)

42. Dulce María Loynaz (Cuba 1903-1997)

Dulce María Loynaz (Dulce María Loynaz y Muñoz; La Habana, 1903 - 1997) Poeta y narradora cubana cuya primera obra se inscribe en el posmodernismo insular, dentro del cual fue la figura más representativa de la línea purista. La lírica de Loynaz sedujo por su sencillez y naturalidad y el ritmo... Ver mas
Dulce María Loynaz
(Dulce María Loynaz y Muñoz; La Habana, 1903 - 1997) Poeta y narradora cubana cuya primera obra se inscribe en el posmodernismo insular, dentro del cual fue la figura más representativa de la línea purista. La lírica de Loynaz sedujo por su sencillez y naturalidad y el ritmo y la musicalidad de sus versos, en los que predominó una temática en ocasiones fruto de la angustia y del enigma y motivada por el amor.

Fue la mayor de cuatro hermanos nacidos de la unión entre María de las Mercedes Muñoz Sañudo y el general Enrique Loynaz del Castillo. Última descendiente de una estirpe de fundadores, sus antepasados provenían del País Vasco, y entre ellos se contaban varios personajes ilustres que habían destacado sobre todo en el ámbito militar y religioso. En su familia no existían, sin embargo, antecedentes literarios, aparte de algunas composiciones de su padre, escritas como aficionado.

Su infancia transcurrió en una casa del popular barrio cubano de El Vedado, donde había nacido y donde vivió la mayor parte de su vida. Creció, junto con sus hermanos Enrique, Carlos Manuel y Flor, rodeada por un ambiente cultivado, en el que se fomentaba la expresión artística y que acogió con satisfacción la incipiente sensibilidad poética que despertaba en ella. Se educó en su hogar bajo la atenta mirada y los cuidados de su padre, y ni ella ni sus hermanos asistieron jamás a un colegio. Pese a ello, adquirió y asimiló en profundidad una vasta cultura, que alimentaría toda su trayectoria literaria y que se reflejaría en cada una de sus palabras.

En 1919 publicó sus dos primeros poemas, Vesperal e Invierno de almas, en el diario La Nación, que significaron la entrada de Loynaz en el mundo de las Letras. Posteriormente, estudió Derecho Civil en la Universidad de La Habana, y se doctoró en 1927. Fue doctor "Honoris Causa" por esta misma universidad. En 1928 empezó a escribir su novela lírica Jardín, que terminaría siete años después y que no se publicaría en España hasta 1951.

Esta obra es una especie de autobiografía poetizada en la que son elementos fundamentales la memoria, la imaginación y el sueño. Se nutre de sentimientos y recuerdos de los años pasados un su casa de El Vedado y, sobre todo, en el jardín que la rodeaba. La autora convierte lo que fue un lugar real, en el que transcurrieron muchos momentos de su vida, en un mundo imaginario, ensoñador y simbólico, en su paisaje íntimo, a través del cual percibe, entiende y expresa los movimientos y recovecos de su alma. En esta obra, como en el resto de su producción poética y novelística, la autora expresa su deseo de comunión con los demás, con la naturaleza y con los objetos, en una especie de unión mística con el mundo.

Es fundamental en su estilo la influencia de Juan Ramón Jiménez. En las composiciones de Loynaz encontramos una ternura, delicadeza y melancolía que recuerdan, sin duda alguna, la expresión intimista de Platero y yo, la popular obra del poeta. Él mismo reconoce estas semejanzas entre ambos en un artículo del año 1942, que publica en la revista semanal Buenos Aires. En 1929 viajó a Turquía, Siria, Libia, Palestina y Egipto. En este momento escribió su obra Cartas de amor al Rey Tut-Ank-Amen, inspirada por su visita a la tumba del famoso faraón. Un año después conoció a García Lorca, con el que mantuvo una entrañable amistad y que fue uno de los muchos amigos que hizo en España.

Ha recibido 25 puntos

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Elsie Alvarado de Ricord (Panamá 1928-2005)

43. Elsie Alvarado de Ricord (Panamá 1928-2005)

Escritora panameña. Nació en David, provincia de Chiriquí. Obtuvo el título de Licenciada en Filosofía y Letras y Profesora de Español en la Universidad de Panamá. Se doctoró en Filología Románica en la Universidad Central de Madrid (actual Universidad Complutense). Fue designada directora de la... Ver mas
Escritora panameña. Nació en David, provincia de Chiriquí. Obtuvo el título de Licenciada en Filosofía y Letras y Profesora de Español en la Universidad de Panamá. Se doctoró en Filología Románica en la Universidad Central de Madrid (actual Universidad Complutense). Fue designada directora de la Academia Panameña de la Lengua y miembro correspondiente de la Real Academia Española, de la Nacional de Letras de Uruguay y de la Norteamericana de la Lengua Española. Ha desempeñado la actividad docente como catedrática de Teoría Literaria y de Fonética Española. Entre sus obras poéticas figuran Holocausto de rosa (1953), Entre materia y sueño (1966), Pasajeros en tránsito (1973) y Es real y es de este mundo (1978). Ha escrito ensayos sobre los escritores Demetrio Herrera Sevillano, Ricardo J. Bermúdez, Dámaso Alonso y Ricardo Miró. Constituyen importantes contribuciones al conocimiento de la diversidad de la lengua española estudios como El español de Panamá. Estudio fonético y fonológico, de 1971, y Usos del español actual (notas sobre el lenguaje), de 1996. Ha recibido los siguientes premios: el del concurso literario Ricardo Miró en las secciones de tesis doctorales hispanoamericanas en España, en 1963; el Atenea de Letras y el Universidad en la sección de Arte y Cultura, ambos en 1996. © eMe

Ha recibido 24 puntos

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Marcela Paz (Chile 1902-1985)

44. Marcela Paz (Chile 1902-1985)

Marcela Paz (Esther Huneeus Salas; Santiago, 1902 - 1985) Escritora chilena. Especializada en literatura infantil y juvenil, fue la creadora del personaje Papelucho, un clásico de la literatura chilena. Nacida en el seno de una acomodada familia, tanto ella como sus hermanas no asistieron... Ver mas
Marcela Paz
(Esther Huneeus Salas; Santiago, 1902 - 1985) Escritora chilena. Especializada en literatura infantil y juvenil, fue la creadora del personaje Papelucho, un clásico de la literatura chilena.

Nacida en el seno de una acomodada familia, tanto ella como sus hermanas no asistieron nunca al colegio; fueron educadas en su residencia familiar por institutrices y profesores particulares. Fue la cuarta de los ocho hijos del ingeniero Francisco Huneeus Gana y de María Teresa Salas Subercaseaux, hermana de la escritora Violeta Quevedo, Rita Salas Subercaseaux. Casada con el ingeniero José Luis Claro Montes, Esther Huneeus fue madre de cuatro hijos varones y dos mujeres.

Su atracción por el dibujo la llevó a estudiar en la Escuela de Bellas Artes de Santiago. De vocación cristiana, a comienzos de la década de 1920 inició sus trabajos cristianos y humanitarios en la Fundación Sociedad de Ciegos Santa Lucía, de la que fue secretaria entre los años 1923 y 1950.

Su actividad de toda la vida fue la literatura. Su primer libro, Tiempo, papel y lápiz, vio la luz en 1933. Firmando ya con el seudónimo de Marcela Paz, al año siguiente publicó Soy colorina, obra que le valió el premio Club Hípico de Santiago. También colaboró en las revistas El Peneca y Zig-Zag.

En 1947 obtuvo el premio de la Editorial Rapa Nui con la creación de su personaje más popular, Papelucho, conocido ampliamente en Chile, especialmente por los niños, y en otros países gracias a las numerosas traducciones de su obra. En 1964, su interés por la literatura infantil y juvenil la llevó a impulsar la representación chilena de la Organización Internacional del Libro Infantil y Juvenil (IBBY). Esta organización le concedió en 1968 su premio de honor, otorgado por primera vez a un autor latinoamericano.

Ha recibido 24 puntos

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Luisa Castro (España 1966)

45. Luisa Castro (España 1966)

LUISA CASTRO {Foz, 1966} Retrato de Luisa Castro © Tucho Valdés Luisa Castro Legazpi nació en Foz, Lugo, en 1966 y está licenciada en Filología Hispánica. En 1984 publica su primer libro de poemas, Odisea definitiva: Libro póstumo. En 1986 obtiene el Premio Hiperión de Poesía con Los... Ver mas
LUISA CASTRO
{Foz, 1966}
Retrato de Luisa Castro
© Tucho Valdés
Luisa Castro Legazpi nació en Foz, Lugo, en 1966 y está licenciada en Filología Hispánica.

En 1984 publica su primer libro de poemas, Odisea definitiva: Libro póstumo. En 1986 obtiene el Premio Hiperión de Poesía con Los versos del eunuco, publicado ese mismo año. Su siguiente libro será Baleas e baleas en 1988, que es su primera obra en gallego. Ese mismo año publica la plaquette Los seres vivos. Gana en 1988 el VI Premio Rey Juan Carlos de Poesía por su obra Los hábitos del artillero.

Se adentra en la narrativa en 1990 publicando su primera novela El somier, finalista del VIII Premio Herralde de Novela y en 2001, con El secreto de la lejía resulta ganadora del Premio Azorín de Novela.

Reunió toda su poesía publicada en el volumen Señales con una sola bandera.

Ha vivido en Barcelona, Nueva York, Madrid y en Santiago de Compostela, donde reside actualmente y desarrolla su faceta como articulista de prensa.
OBRAS

Viajes con mi padre
Odisea definitiva: Libro póstumo. Madrid: Arnao, 1984. Poesía.
Los versos del eunuco. Madrid: Hiperión, 1986. Poesía.
Ganadora del I Premio Hiperión 1986
Baleas e baleas. Ferrol: Sociedad de Cultura Valle-Inclán, Ediciones de la, 1988. Poesía.
Los seres vivos, 1988. Poesía.
Los hábitos del artillero. Madrid: Visor Libros S.L., 1989. Poesía.
Ganadora del Premio Rey Juan Carlos 1990
El somier. Barcelona: Anagrama, 1990. Novela.
Finalista del VIII Premio Herralde 1990
Ballenas. Madrid: Hiperión, 1992. Poesía.
La fiebre amarilla. Barcelona: Anagrama, 1994. Novela.
Mi madre en la ventana. Cuento. En: Madres e hijas. Freixas, Laura (ed.) . Barcelona: Anagrama, 1996. Cuentos.
De mí haré una estatua ecuestre. Madrid: Hiperión, 1997. Poesía.
Carmen Martín Gaite. Ensayo. En: Retratos literarios: Escritores españoles del siglo XX evocados por sus contemporáneos. Freixas, Laura (ed.) . Madrid: Espasa Calpé, 1997, pp. 306-307. Ensayo.
El amor inútil. Cuento. En: Páginas amarillas. Madrid: Lengua de trapo, 1997, pp. 137-145. Cuentos.
Diario de los años apresurados. Madrid: Hiperión, 1998. Artículos.
No es un regalo. Cuento. En: Vidas de mujer. Monmany, Mercedes (ed.) . Madrid: Alianza, 1998, pp. 245-253. Cuentos.
El secreto de la lejía. Barcelona: Planeta, 2001. Novela.
Ganadora del XXVI Premio Azorín 2001
Viajes con mi padre. Barcelona: Planeta, 2003. Novela.
"Cuando más feliz soy". El Cultural, 26 jun 2003, p. 6. Cuento
Una patada en el culo y otros cuentos, 2004. Cuentos.
Ganadora del XVI Premio Torrente Ballester 2004
Correspondencia. Cuento. En: Cuentos de amigas. Freixas, Laura (ed.) . Barcelona: Anagrama, 2009. Cuentos.

Ha recibido 23 puntos

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María Calcaño (Venezuela 1906-1956)

46. María Calcaño (Venezuela 1906-1956)

Poeta venezolana nacida en Maracaibo. Se casó con sólo catorce años y hasta los veintisiete tuvo seis hijos. Escritora de reconocimiento tardío, fue la primera poetisa venezolana que asumió la modernidad a través de la libertad y el goce de la expresión. Solamente publicó tres libros, Alas... Ver mas
Poeta venezolana nacida en Maracaibo. Se casó con sólo catorce años y hasta los veintisiete tuvo seis hijos. Escritora de reconocimiento tardío, fue la primera poetisa venezolana que asumió la modernidad a través de la libertad y el goce de la expresión. Solamente publicó tres libros, Alas fatales (1935), Canciones que oyeron mis últimas muñecas (1956) y Entre la luna y los hombres (1961), éste último póstumo. En 1996 se publicaron sus Obras Completas. Maria Calcaño no siguió los moldes estéticos ni los temas sociales tan imperativos en la tercera década del siglo veinte, pues el marcado erotismo de sus poemas fue subversivo para la época. Murió en Maracaibo el 23 de diciembre de 1956. © epdlp

Ha recibido 22 puntos

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Idea Vilariño (Uruguay 1920-2009)

47. Idea Vilariño (Uruguay 1920-2009)

Biografía[editar] Nació en una familia de clase media y culta, en la que estaban presentes música y literatura. Su padre, Leandro Vilariño (1892-1944) fue un poeta cuyas obras no fueron editadas en su vida. Al igual que sus hermanos Numen, Poema, Azul y Alma, estudió música. Su madre conocía... Ver mas
Biografía[editar]
Nació en una familia de clase media y culta, en la que estaban presentes música y literatura. Su padre, Leandro Vilariño (1892-1944) fue un poeta cuyas obras no fueron editadas en su vida. Al igual que sus hermanos Numen, Poema, Azul y Alma, estudió música. Su madre conocía muy bien la literatura europea.
Como educadora en ejercicio, fue Profesora de Literatura de Enseñanza Secundaria desde 1952 hasta el golpe de estado en 1973. Luego de restaurado el sistema democrático, desde 1985 fue docente en el Departamento de Literaturas Uruguaya y Latinoamericana en la Facultad de Humanidades y Ciencias de la Educación de la Universidad de la República.
Escribió desde muy joven; y sus primeros poemas ya maduros fueron concebidos entre los 17 y los 21 años. Su primera obra poética, La suplicante, fue editada en 1945 sólo con su nombre. En años subsiguientes sería reconocida internacionalmente y premiada con distintos galardones. Sus poemas están marcados por una experiencia íntima, intensa y angustiosa, muy coherente siempre.

La Generación del 45 en ocasión de la visita de Juan Ramón Jiménez. De izquerda a derecha, parados: Maria Zulema Silva Vila, Manuel Arturo Claps, Carlos Maggi, María Inés Silva Vila, Juan Ramón Jiménez, Idea Vilariño, Emir Rodríguez Monegal, Ángel Rama. Sentados: José Pedro Díaz, Amanda Berenguer, Zenobia Camprubí, Ida Vitale, Elda Lago, Manuel Flores Mora.
Integró la generación de escritores de diversa índole que surgieron artísticamente desde 1945 a 1950 que fue llamada Generación del 45. En ella también pueden ubicarse a Juan Carlos Onetti, Mario Benedetti, Sarandy Cabrera, Carlos Martínez Moreno, Ángel Rama, Carlos Real de Azúa, Carlos Maggi, Alfredo Gravina, Mario Arregui, Amanda Berenguer, Humberto Megget, Emir Rodríguez Monegal, Gladys Castelvecchi y José Pedro Díaz entre otros.
Participó en numerosos emprendimientos literarios. Estuvo concretamente entre los fundadores de la revista Clinamen, y Número, de peso entre 1945-1955 (por lo que conoció a Juan Ramón Jiménez); y se encontró entre los colaboradores de otras publicaciones como Marcha, La Opinión, Brecha, Asir, y Texto crítico.

Idea Vilariño en su escritorio en 1983.
Sus traducciones también han sido objeto de reconocimiento, llegando algunas de ellas (como las que realizó de obras de Shakespeare) a ser representadas en teatros de Montevideo.2
En 1997 fue entrevistada por Rosario Peyrou y Pablo Rocca, de allí surgió el documental Idea, con dirección de Mario Jacob, que fuera estrenado en mayo de 1998.3
Su obra ha sido traducida a varios idiomas, como el italiano, alemán y portugués.4
Como compositora, se pueden mencionar cuatro canciones emblemáticas pertenecientes a la música popular uruguaya: "A una paloma" (musicalizada por Daniel Viglietti), "La canción y el poema" (musicalizada por Alfredo Zitarrosa), "Los orientales" y "Ya me voy pa' la guerrilla" (musicalizadas por Los Olimareños).
En 2004 recibió el Premio Konex MERCOSUR a las Letras, otorgado por la Fundación Konex (Argentina), como la más influyente escritora de la región.5
Falleció en Montevideo el 28 de abril de 2009 al no superar la cirugía a la que fue sujeta debido una oclusión intestinal y arterial.6
Obra[editar]
Poesía[editar]
La suplicante (1945)
Cielo Cielo (1947)
Paraíso perdido (Número. 1949)
Por aire sucio (Número. 1950)
Nocturnos (1955)
Poemas de amor (1957)
Pobre Mundo (1966)
Poesía (1970)
No (1980)
Canciones (1993)
Poesía 1945 - 1990 (1994)
Poesía completa (Montevideo. Cal y Canto. 2000)
Ensayos[editar]
Grupos simétricos en la poesía de Antonio Machado (1951)
La rima en Herrera y Reissig (1955)
Grupos simétricos en poesía (1958).
Las letras de tango (1965)
El tango cantado (1981)
Traducciones[editar]
Raymond Queneau: El rapto de Ícaro, Buenos Aires, Losada, 1973 Cal y Canto, Academia Nacional de Letras (ed.). Idea: La Vida Escrita. Cal y Canto. p. 160. ISBN 978-9974-54-053-8.
Jacques C. Alexis: Romancero de las estrellas, Montevideo, Arca, 19737
William Shakespeare: Hamlet, príncipe de Dinamarca, Montevideo, Ediciones de la Banda Oriental, 1974.8
Andrew Cecil Bradley: Macbeth, la atmósfera, las brujas, Montevideo, Editorial Técnica, 1976.8
William Shakespeare: Macbeth, Montevideo, Editorial Técnica, 1977.8
Guillermo Enrique Hudson: La tierra purpúrea, Caracas, Biblioteca Ayacucho, 1980 (traducida junto con Jaime Rest).9
Guillermo Enrique Hudson: Allá lejos y hace tiempo, Caracas, Biblioteca Ayacucho, 1980 (traducida junto con Jaime Rest).9
Christine Laurent: Transatlántico, (Adaptación de André Tachiné y Philippe Arnaud. Traducción del francés de Idea Vilariño). Montevideo, Trilce, 1996.8

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Sharon Olds (EEUU 1942)

48. Sharon Olds (EEUU 1942)

Vida[editar] Sharon Olds nació en 1942en San Francisco (California). Creció como una "calvinista maldita". Después de su graduación en la Universidad de Stanford se trasladó a realizar un Doctorado en la Universidad de Columbia. Olds ha sido galardonada en múltiples ocasiones con premios como... Ver mas
Vida[editar]
Sharon Olds nació en 1942en San Francisco (California). Creció como una "calvinista maldita". Después de su graduación en la Universidad de Stanford se trasladó a realizar un Doctorado en la Universidad de Columbia. Olds ha sido galardonada en múltiples ocasiones con premios como The San Francisco Poetry Center Award, the Lamont Poetry Prize, The National Books Critics Circle Award, y el T. S. Eliot Prize. En la actualidad imparte clases de creación literaria en la Universidad de Nueva York.
Poesía[editar]
Su libro, The Wellspring (1996), se relaciona con su obra previa por el uso de un lenguaje crudo e imágenes asombrosas en las que convive la sinceridad sobre la violencia política y doméstica, la sexualidad, las relaciones de pareja, y el cuerpo. Una reseña para The New York Times aclama la poesía de Olds desde esta perspectiva: "Like Whitman, Ms. Olds sings the body in celebration of a power stronger than political oppression."
Su primer volumen de poemas, Satán dice (1980), recibió el Galardón inaugural del Premio de Poesía de San Francisco. Los poemas analizan con gran intensidad temas personales con un tono inquebrantable representando lo que Alice Ostriker describe como una "erotics of family love and pain."(28). El segundo volumen de Sharon Olds, Los muertos y los vivos ganó el Lamont Poetry y el National Book Critics Circle Award. con posterioridad a Los muertos y los vivos, Olds ha publicado The Gold Cell, (1987) The Father, (1992), The Wellspring, (1996), Blood, Tin, Straw, (1999), and The Unswept Room, (2002). El padre, una serie de poemas elegíacos a la muerte de su padre motivada por cáncer, fue propuesta para el T. S. Eliot Prize y finalista del The National Book Critics’ Circle Award. En palabras de Michael Ondaatje, sus poemas son "pure fire in the hands". La obra de Olds ha sido antologada en más de cien colecciones e incluida en manuales de poesía y literatura. Su poesía ha sido traducida a siete idiomas en publicaciones internacionales. Fue poeta laureada del Estado de Nueva York entre 1998-2000. Sharon Olds es considerada una de las mejores poetas vivas de nuestra época. "I Go Back to May 1937", fue recitado en la película Into the Wild para iluminar la disfunción familiar del personaje principal. Ella también ha escrito un poema titulado Bread. Ganadora también de un Pulitzer por el volumen de poemas "Stag´s Leap" (Alfred A. Knopf, 2012.).

Carta a Laura Bush[editar]
En el año 2005, la Primera Dama Laura Bush invitó a Olds al Festival Nacional del Libro en Washington, D.C. Olds escribió a Laura Bush una carta abierta publicada el 10 de octubre de 2005, donde Olds le dice a Bush: "So many Americans who had felt pride in our country now feel anguish and shame, for the current regime of blood, wounds and fire. I thought of the clean linens at your table, the shining knives and the flames of the candles, and I could not stomach it." Muchísimos Norteamericanos que sintieron orgullo por nuestro país, ahora sienten angustia y vergüenza, por este régimen vigente de sangre, heridas y fuego. Pienso en el lino limpio de tu mesa, los cuchillos brillantes y las llamas de las velas, y no podría digerirlo.
Obra[editar]
En inglés[editar]
Satan Says (1980)
The One Girl at the Boys' Party (1983)
The Dead and the Living (1984)
The Victims(N/A)
The Gold Cell (1987)
The Father (1992)
The Wellspring (1996)
Blood, Tin, Straw (1999)
The Unswept Room (2002)
Strike Sparks: Selected Poems (2004)
Stag´s Leap (2012),The Pulitzer Prizes, 2013
En español[editar]
El padre. Bartleby editores, 2004.
Los muertos y los vivos Bartleby editores, 2006.

Ha recibido 22 puntos

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Lindita Arapi (Albania 1972)

49. Lindita Arapi (Albania 1972)

Escritora albanesa nacida en Lushnja. Cursó estudios en la universidad de Tirana y comenzó a ejercer de periodista hasta la obtención de una beca como escritora en la Fundación del Nobel Heinrich Böll. Ha sido partícipe del Programa Internacional de Escritura de la prestigiosa Universidad de... Ver mas
Escritora albanesa nacida en Lushnja. Cursó estudios en la universidad de Tirana y comenzó a ejercer de periodista hasta la obtención de una beca como escritora en la Fundación del Nobel Heinrich Böll. Ha sido partícipe del Programa Internacional de Escritura de la prestigiosa Universidad de Iowa. Se doctoró en la Universidad de Viena y está considerada junto a Rudian Zektji, Ervin Hatibi y Agron Tufa como la voz más representativa de la literatura albanesa contemporánea. © Javi Galván
Textos:

Ha recibido 22 puntos

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Zoé Valdés (Cuba 1959)

50. Zoé Valdés (Cuba 1959)

Zoe Valdés (La Habana, 1959) Escritora cubana. Realizó sus primeros estudios en el Instituto Superior José Varona de la capital, y perteneció a una de las primeras generaciones educadas bajo los auspicios de la Revolución Cubana. Se licenció en Filología por la Universidad de La Habana y... Ver mas
Zoe Valdés
(La Habana, 1959) Escritora cubana. Realizó sus primeros estudios en el Instituto Superior José Varona de la capital, y perteneció a una de las primeras generaciones educadas bajo los auspicios de la Revolución Cubana. Se licenció en Filología por la Universidad de La Habana y, posteriormente, amplió sus estudios en la prestigiosa Alliance Française de París. Desde 1983 hasta 1987 residió en la capital francesa, en calidad de técnica de la Oficina Cultural de Cuba en la UNESCO.


Zoe Valdés

A su regreso a la isla caribeña, se hizo cargo de la edición de la revista Cine Cubano y continuó con su labor como guionista, iniciada durante su estancia en París. En 1990 viajó a Estados Unidos con la finalidad de poner en marcha la grabación de su guión cinematográfico Vidas paralelas, que finalmente tuvo que ser filmado en Venezuela.

A principios de los años noventa se materializaron los problemas de la autora con las autoridades cubanas. Su continua oposición frontal a los excesos cometidos por el régimen castrista forzaron su exilio definitivo a París, en 1995. Ese mismo año publicó uno de sus libros más famosos, La nada cotidiana, donde relata con especial sorna las peripecias de una mujer cubana formada durante los primeros años del gobierno revolucionario.

A esta narración le siguió el título Te di la vida entera (1996), convertido en un best-seller y con el que quedó finalista del Premio Planeta. Otras obras destacadas de la autora son Sangre azul (1987), finalista en el certamen de novela erótica La Sonrisa Vertical, Café Nostalgia (1997) y el volumen de cuentos Traficantes de belleza (1998). En Milagro en Miami (2001) reivindicó el exilio cubano como relevante foco cultural; El pie de mi padre (2002), en cambio, es su novela más íntima y sentimental.

En 2003 ganó la VIII edición del Premio Fernando Lara con Lobas de mar, una novela de corsarios con evocaciones de la narrativa británica del siglo XIX. En 2004 publicó Los misterios de La Habana. Ese mismo año ganó el Premio de Novela Ciudad de Torrevieja con La eternidad del instante, que, en palabras de la autora, es "una novela del silencio y del valor enriquecedor de las palabras". Más recientemente ha publicado la novela La cazadora de astros (2007) y el ensayo novelado La ficción Fidel (2008).

Pese al éxito de su narrativa, la escritora cubana se había iniciado en la actividad literaria como poeta. La poesía de Zoe Valdés se caracteriza por el erotismo, la sensualidad y por el recurso a la idea del deseo y del paso del tiempo. En 1986 apareció su primer libro de poemas, Respuesta para vivir, con el que consiguió el Premio Roque Dalton y Jaime Quemain. Su segundo volumen en verso, Todo por una sombra, fue galardonado en España con el Premio Taifa, hecho que la llevó a ser conocida entre la crítica del país ibérico. Vagón para fumadores (1996) y Cuerdas para el lince (1999) completan la obra poética de la escritora cubana.

Se ha señalado que esa faceta lírica impregna toda su escritura, junto a obsesiones y pasiones y a una constante evocación de su ciudad natal. Valdés, que adquirió la nacionalidad española en 1997, reside habitualmente en Francia y colabora frecuentemente en publicaciones de todo el mundo, mostrando su pública adhesión a la oposición cubana.

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Nadia Anjuman (Afganistán 1980-2005)

51. Nadia Anjuman (Afganistán 1980-2005)

Poeta afgana nacida y fallecida en Herat. Era la sexta hija de una familia numerosa. Terminó la escuela secundaria a pesar de dos años de interrupción debido a que el régimen talibán, de acuerdo con las enseñanzas del Corán, prohibía que las mujeres aprendieran a leer y escribir. Las mujeres... Ver mas
Poeta afgana nacida y fallecida en Herat. Era la sexta hija de una familia numerosa. Terminó la escuela secundaria a pesar de dos años de interrupción debido a que el régimen talibán, de acuerdo con las enseñanzas del Corán, prohibía que las mujeres aprendieran a leer y escribir. Las mujeres tenían prohibido trabajar, estudiar y reírse en voz alta. Solo se les permitía coser y bordar. Anjuman y otras jóvenes pertenecían a los Círculos de Costura de Herat, y se reunían tres veces a la semana en una escuela de costura a estudiar literatura. Anjuman y sus compañeras estudiaban a escritores prohibidos como William Shakespeare, Honoré de Balzac, Fiódor Dostoevski, Charles Dickens, León Tolstoi, James Joyce y Nabokov. Si hubieran sido atrapadas, el régimen talibán las hubiera condenado a ser ahorcadas. Sus padres la obligaron a casarse con Farid Ahmad Majid, licenciado en Literatura, conferencista de Filología y empleado administrativo en la facultad de Literatura de la Universidad de Herat. En 2004 publicó un poemario llamado Las flores oscuras. El poemario se hizo muy popular en Afganistán, Pakistán e incluso en Irán. Un año más tarde fue asesinada a golpes por su esposo. © epdlp

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María Lejárraga (España 1874-1974)

52. María Lejárraga (España 1874-1974)

María de la O Lejárraga García (San Millán de la Cogolla, La Rioja, 1874 - Buenos Aires, 1974) fue una escritora y feminista española. Es también conocida como María Martínez Sierra, seudónimo que adoptó a partir de los apellidos de su marido, Gregorio Martínez Sierra. Biografía[editar... Ver mas
María de la O Lejárraga García (San Millán de la Cogolla, La Rioja, 1874 - Buenos Aires, 1974) fue una escritora y feminista española. Es también conocida como María Martínez Sierra, seudónimo que adoptó a partir de los apellidos de su marido, Gregorio Martínez Sierra.
Biografía[editar]

Calle María de la O Lejárraga, en el Parque Miguel Hernández, en Logroño (La Rioja, España).
María Lejárraga nació en una familia acomodada y recibió una educación que le permitió ejercer de maestra. Sin embargo sus inquietudes literarias chocaban con la sociedad en que creció, cerrada a la idea de que la mujer se dedicara a las artes y ciencias. En 1900 se casó con Gregorio Martínez Sierra, escritor más joven que ella, y sin revelarlo públicamente permitió que el esposo firmara cual propias las piezas de dramaturgia que ella escribiera.
Sin embargo se rumoreaba la verdadera autoría de las obras. Antes de morir Gregorio firmó un escrito en el que reconocía la coautoría de su mujer, pero él reclamaba estos derechos para sí. Incluso se ha reconocido que obras de otros autores, como fue el caso de El pavo real de Eduardo Marquina, fueron también escritas por María Lejárraga y que Marquina contribuyó exclusiva o primordialmente a su versificación.1 Feminista convencida y activa, afiliada al Partido Socialista, estuvo, no obstante, siempre sometida a su marido, en un auténtico estado de explotación, todo por amor. La vinculación de María Lejárraga con Granada fue siempre estrecha, especialmente desde que escribiera, en los primeros años del siglo, su libro "Granada, guía emocional", aunque Daniel Eisenberg ha sugerido que fue obra de su esposo.2 En 1933 fue elegida diputada al Congreso de la República por Granada y fue designada vicepresidenta de la Comisión de Instrucción Pública. La Guerra Civil la obligó a un penoso exilio. Murió en Argentina en 1974.
María Lejárraga en la literatura[editar]
En 2012 se han publicado dos novelas que cuentan con María de la O Lejárraga como protagonista: Palabras insensatas que tú comprenderás, de Salvador Compán;3 y Cándida, de Isabel Lizarraga,4 estudiosa de su figura y de su obra.

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Dulce Chacón (España 1954-2003)

53. Dulce Chacón (España 1954-2003)

DULCE CHACÓN {Zafra, 1954 - Brunete, 2003} Retrato de Dulce Chacón Dulce Chacón (Zafra, 1954) trabajó tanto la poesía como la narrativa como el teatro con igual éxito. Antologada en España y en el extranjero por su labor poética, obtuvo el Premio Azorín de Novela con la que fue su mejor... Ver mas
DULCE CHACÓN
{Zafra, 1954 - Brunete, 2003}
Retrato de Dulce Chacón
Dulce Chacón (Zafra, 1954) trabajó tanto la poesía como la narrativa como el teatro con igual éxito. Antologada en España y en el extranjero por su labor poética, obtuvo el Premio Azorín de Novela con la que fue su mejor novela, Cielos de barro. Con su última obra, La voz dormida, demostró su maestría en la narración y nos prometía una novelista excepcional.
Dulce Chacón Gutiérrez nació en 1954 en Zafra, Badajoz. Hermana gemela de la, también escritora, Inma Chacón, se traslada con su familia a Madrid a los doce años, instalando su residencia definitiva en esa ciudad.

Comienza a publicar tarde; en 1992 publica su primer poemario, Querrán ponerle nombre, y con el segundo, Contra el desprestigio de la altura, obtiene el Premio Ciudad de Irún en 1995. Al año siguiente publica su primera novela Algún amor que no mate. Con Cielos de barro obtuvo el prestigioso Premio Azorín de Novela en el 2000.

Su primera incursión en la dramaturgia se estrena en 1998 con el título Segunda mano, y Eduardo Vasco dirige la adaptación al teatro de su primera novela en 2002.

Su última novela publicada fue La voz dormida, premiada en la Feria del Libro de Madrid por el Gremio de Libreros de Madrid como Libro del Año 2003. Ese mismo año se convoca en el Ayuntamiento de Brunete, el I Premio Literario de Novela Corta Dulce Chacón; en noviembre ingresa en el hospital a causa de una enfermedad repentina falleciendo el 3 de diciembre a los 49 años de edad.

OBRAS

La voz dormidaHáblame, musa, de aquel varónBlanca vuela mañanaAlgún amor que no mate
Querrán ponerle nombre. Madrid: Betania, 1992. Poesía.
Contra el desprestigio de la altura. San Sebastián: Sociedad Guipuzcoana de Ediciones y Publicaciones, 1996. Poesía.
Ganadora del Premio Ciudad de Irún 1995
Algún amor que no mate. Barcelona: Plaza y Janés, 1996. Novela.nota
Blanca vuela mañana. Barcelona: Plaza y Janés, 1997. Novela.nota
Matadora. Barcelona: Planeta, 1998. Biografía.
Segunda mano, 1998. Teatro.
Háblame, musa, de aquel varón. Barcelona: Plaza y Janés, 1998. Novela.nota
Matar al ángel. Badajoz: Oeste, Ediciones del, 1999. Poesía.
Cielos de barro. Barcelona: Planeta, 2000. Novela.
Ganadora del XXIV Premio Azorín 2000
La voz dormida. Madrid: Alfaguara, 2003. Novela.nota
Ganadora del Premio Libro del Año 2003
Te querré hasta la muerte En: Sobre raíles. Madrid: Imagine ediciones, 2003, pp. 61-64. Cuentos.

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Ana Rossetti (España 1950)

54. Ana Rossetti (España 1950)

Escritora española nacida en San Fernando, antigua villa de la Isla Real de León (Cádiz). Además de su abundante producción poética, Ana Rossetti se ha dedicado a la actividad teatral como actriz y adaptadora de clásicos españoles, tal es el caso de Fuenteovejuna, de Lope de Vega, con montaje de... Ver mas
Escritora española nacida en San Fernando, antigua villa de la Isla Real de León (Cádiz). Además de su abundante producción poética, Ana Rossetti se ha dedicado a la actividad teatral como actriz y adaptadora de clásicos españoles, tal es el caso de Fuenteovejuna, de Lope de Vega, con montaje de Emilio Hernández, que se estrenó en 1998 y se mantuvo dos años en cartel. Su actividad poética comenzó en 1980 con Los devaneos de Erato. Le siguieron Indicios vehementes (1985), Devocionario (1986), Yesterday (1988), Apuntes de ciudades (1990), Virgo potens (1994), Punto umbrío (1995) y La nota del blues (1996). Ha escrito también libretos de ópera -El secreto enamorado, estrenada en Madrid en 1993, con música de Manuel Balboa-, novela y narrativa breve, y literatura infantil y juvenil, Una mano de santos (1997). Ha recibido los premios de poesía Gules y, en 1985, el Rey Juan Carlos I por Devocionario. © eMe

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Graciela Rincón Calcaño (Venezuela 1904-1987)

55. Graciela Rincón Calcaño (Venezuela 1904-1987)

Poetisa, narradora, articulista y autora dramática nacida en Maracaibo. En ésta ciudad vivió sus primeros años, trasladándose posteriormente a Caracas donde continuó sus estudios. Su vocación literaria se desarrolló tempranamente, pues escribió su primer verso a los ocho años de edad. Es autora... Ver mas
Poetisa, narradora, articulista y autora dramática nacida en Maracaibo. En ésta ciudad vivió sus primeros años, trasladándose posteriormente a Caracas donde continuó sus estudios. Su vocación literaria se desarrolló tempranamente, pues escribió su primer verso a los ocho años de edad. Es autora de una veintena de libros, entre ellos los poemarios, Joyeles del corazón (1932), Canto de Maracaibo (1939), Clamor (1942), Vesperal (1943), Elegía e invocación a Roosevelt (1945), El Amor de la Tierra (1949) y Trashumante; el libro en prosa Raudal (1941); los libros de cuentos Los parias (1945) y La Tragedia y Nosotros; los ensayos Venezuela dentro de la órbita soviética (1945) y Realidades Dominicanas (1945); la novela La Esclava y las obras de teatro Nieve y Tres Razas hacia el Futuro. Fue simpatizante de la Revolución de Octubre de 1945, y como diplomática fue enviada a Cuba y Haití como Agregada Cultural de la Embajada de Venezuela. En 1950 viajó a España, donde permaneció veintidós años. Sus últimos días de vida los pasó en una residencia de reposo donde murió en el año 1987. Graciela Rincón Calcaño, que a veces firmaba con el seudónimo de Eglé Mediavilla, se casó en dos oportunidades, una de ellas con sólo 17 años, y tuvo seis hijos. En los años cuarenta lideró sin desmayar la acción social hasta lograr del Congreso Nacional de Venezuela la obtención del voto femenino. Su sensibilidad humana fue expuesta en sus versos, donde plasmó sus vibrantes secuencias rítmicas interiores, que van desde la fantasía alegórica hasta el encuentro con la verdad. © epdlp

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Anne Sexton (EEUU 1928-1974)

56. Anne Sexton (EEUU 1928-1974)

Biografía y carrera literaria[editar] Anne Sexton (nacida bajo el nombre de Anne Gray Harvey) nació el 9 de noviembre de 1928 en el seno de una familia burguesa de Massachusetts. Hija de un exitoso fabricante de lanas, era la menor de tres hermanas. Siempre vivió en buenos barrios de Boston... Ver mas
Biografía y carrera literaria[editar]
Anne Sexton (nacida bajo el nombre de Anne Gray Harvey) nació el 9 de noviembre de 1928 en el seno de una familia burguesa de Massachusetts. Hija de un exitoso fabricante de lanas, era la menor de tres hermanas. Siempre vivió en buenos barrios de Boston. Decidió dejar los estudios para casarse. Su primer contacto con la depresión fue en el posparto de su primera hija.
Pasó la mayor parte de su vida en los alrededores de Boston. Vivió en San Francisco y Baltimore. En 1945, estudió en un colegio-pensión, la Rogers Hall School, en Lowell (Massachusetts). Se casó en 1948 con Alfred Muller Sexton II, conocido por el pseudónimo «Kayo». Vivieron juntos hasta su divorcio en 1973, y tuvieron dos hijas, Linda Gray Sexton (1953), que más tarde se haría novelista, y Joyce Sexton (1955).
En 1954 se le diagnosticó depresión postparto, sufrió su primer colapso nervioso, y fue admitida en el hospital Westwood Lodge. En 1955, después del nacimiento de su segunda hija, Sexton sufrió otra crisis y fue hospitalizada de nuevo; sus hijas fueron enviadas a vivir con sus abuelos paternos. Ese mismo año, en su cumpleaños intentó suicidarse.
Su médico, el doctor Martin Orne, la alentó a escribir poesía y en 1957 se unió a un taller de poesía animada por John Holmes. Poco después sus poemas conocieron cierto reconocimiento, sobre todo con sus publicaciones en varias revistas de prestigio estadounidenses como el New Yorker, Harper's Magazine o Saturday Review. Su mentor, W.D. Snodgrass, intentó desarrollar su creatividad. Su poema "Heart's Needle" la inspiró para escribir "The Double Image", poema sobre las relaciones entre madre e hija.
En el atelier de John Holmes, conoció a la poetisa Maxine Kumin, de quien no se separó hasta el final de su vida y con quien escribió 4 libros infantiles (publicados entre 1963 y 1975). En otro taller conoció a Sylvia Plath, animada por Robert Lowell. Y más tarde dirigirá sus propios talleres en el Boston College, el Oberlin College y la Colgate University.
Sexton ofrece al lector una visión íntima de la angustia emocional que caracterizó su vida. Anne convirtió la experiencia de ser mujer en el tema central en su poesía, es la figura moderna del poeta confesionalista, a pesar de que soportó críticas por tratar asuntos tales como la menstruación, el aborto y la drogadicción.
Sexton fue una mujer reconocida y premiada en su tiempo, becada para escribir sus libros, profesora titular en la Universidad de Boston, ganadora del Pulitzer de poesía en 1967 por su libro Live or Die (Vive o muere), y luego jurado del prestigioso premio. También le fue otorgada, en agosto de 1959, la beca Robert Frost para asistir a la conferencia de escritores de Bread Loaf, y en 1965 le fue otorgado un viaje subvencionado por el Congreso por la Libertad de la Cultura.1 Su poesía confesional la convirtió en una de las escritoras más famosas de su país.
Muerte[editar]
El 4 de octubre de 1974, Anne Sexton almorzó con Maxine Kumin para revisar las galeras del manuscrito de Sexton The Awful Rowing Toward God (El horrible remar hacia Dios), programado para publicarse en marzo de 1975. Al volver a casa se ​​puso el abrigo de piel de su madre, se quitó sus anillos, se sirvió un vaso con vodka, se encerró en el garaje, y encendió el motor de su automóvil, suicidándose por intoxicación por monóxido de carbono. Sus restos se hallan en el cementerio-crematorio de Forest Hills, a las afueras de Boston.
Homenaje[editar]
El cantante y compositor Peter Gabriel le escribió en homenaje una canción titulada "Mercy Street" (nombre que deriva de las obras de Sexton "45 Mercy Street" y "Mercy Street"), contenida en su álbum So (1986).
Bibliografía[editar]
Poesía, prosa, cartas y teatro[editar]
To Bedlam and Part Way Back (1960)
The Starry Night (1961)
All My Pretty Ones (1962)
Live or Die (1966) - Premio Pulitzer de poesía en 1967
Love Poems (1969)
Mercy Street, obra en dos actos (1969), representada por The American Place Theatre
Transformations (1971)
The Book of Folly (1972)
The Death Notebooks (1974)
The Awful Rowing Toward God (1975, póstumo)
45 Mercy Street (1976, póstumo)
Anne Sexton: A Self Portrait in Letters, editado por Linda Gray Sexton and Lois Ames (1977, póstumo)
Words for Dr. Y. (1978, póstumo)
The Complete Poems, con prefacio de Maxine Kumin (1981, póstumo)
No Evil Star (selección de ensayos, entrevistas y prosa), editado por Steven E. Colburn (1985, póstumo)
Libros para niños[editar]
Eggs of Things (ilustrado por Leonard Shortall) (1963)
More Eggs of Things (ilustrado por Leonard Shortall) (1964)
Joey and the Birthday Present (ilustrado por Evaline Ness) (1974)
The Wizard's Tears (ilustrado por Evaline Ness) (1978, póstumo)
Traducciones al español[editar]
El asesino y otros poemas [Antología]. Traducción de Jonio González y Jorge Ritter. Barcelona: Icaria Editorial, 1996. ISBN 978-84-7426-307-7
Vive o muere. Prólogo de Maxine Kumin. Introducción, traducción y notas de Julio Mas Alcaraz. Madrid: Ediciones Vitruvio - Colección Highway 66, 2008. ISBN 978-84-96830-69-1
Transformaciones [Selección y traducción de 11 textos, de los 16 del libro original]. Selección y traducción de Angelika Scherp. México D. F.: Ediciones Fósforo, 2009.
Poemas de amor. Edición bilingüe. Traducción e introducción de Ben Clark. Orense: Ediciones Linteo - Poesía nº 17, 2009. ISBN 978-84-96067-41-7
Quince poemas. Nota introductoria, selección y traducción de Elisa Ramírez Castañeda. México D. F.: Universidad Nacional Autónoma de México - Coordinación de Difusión Cultural - Dirección de Literatura - Material de Lectura - Serie Poesía Moderna nº 109, 2011.
Poesía completa. Edición bilingüe. Traducción, introducción y notas de José Luis Reina Palazón. Orense: Ediciones Linteo - Poesía nº 36, 2013. ISBN 978-84-96067-89-9

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Julia Prilutzky Farny (Argentina 1912-2002)

57. Julia Prilutzky Farny (Argentina 1912-2002)

Julia Prilutzky Farny nació en Ucrania y se radicó en Argentina a muy temprana edad, adoptándola como su propia patria, como ha sabido demostrarlo a lo largo de su extensa obra poética. Es una de las más caracterizadas representantes de la generación poética argentina del '40. Fundó la revista... Ver mas
Julia Prilutzky Farny nació en Ucrania y se radicó en Argentina a muy temprana edad, adoptándola como su propia patria, como ha sabido demostrarlo a lo largo de su extensa obra poética.
Es una de las más caracterizadas representantes de la generación poética argentina del '40.
Fundó la revista cultural "Vértice" y en 1941 recibió el Premio Municipal de Poesía por su libro "Intervalo".
En su obra predomina —casi en exclusividad—, el tema del amor, plasmado por los más profundos sentimientos y en imágenes de sutil belleza y originalidad, desde su poemario incial hasta el último de sus libros.
Su bibliografía en verso data de los siguientes títulos: "Viajes sin partida" (1939), "Intervalo" (1940), "Sonetos" (1942), "Comarcas" (1949), "Patria" (1949), "Canción para las madres de mi tierra" (1950), "El escudo" (1954), "Este sabor de lágrimas" (1954), "Obra poética" (1959), "Hombre oscuro" (1963), "Quinquela Martín" (1974) y "Antología del amor" (1975), que llegó a vender, sólo en Argentina, más de 100.000 ejemplares.
Su libro "El escudo" recoge poemas sobre Juan Domingo Perón y Eva Perón e incluye el poema "Oración", que fue leído el 26 de julio de 1954 en un acto público masivo que se realizó en la avenida 9 de Julio, en Buenos Aires.
Su marcado dominio del soneto se hace presente en la presente página, en la que se han incluído cuatro de ellos, seleccionados de algunos de sus mejores libros.

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Ana María Shua (Argentina 1951)

58. Ana María Shua (Argentina 1951)

Biografía[editar] Su descubrimiento de la literatura y de su pasión por leer la recuerda así: "A los seis años alguien me puso en las manos un libro con un caballo en la tapa. Esa misma noche yo fui ese caballo. Al día siguiente ninguna otra cosa me interesaba. Quería mi pienso, preferiblemente... Ver mas
Biografía[editar]
Su descubrimiento de la literatura y de su pasión por leer la recuerda así: "A los seis años alguien me puso en las manos un libro con un caballo en la tapa. Esa misma noche yo fui ese caballo. Al día siguiente ninguna otra cosa me interesaba. Quería mi pienso, preferiblemente con avena y un establo con heno limpio y seco. Nunca antes había escuchado las palabras pienso, avena, heno, pero sabía que como caballo necesitaba entenderlas. Durante una semana pude haber sido Black Beauty pero fui Azabache, en una traducción inteligente y libre. Fui caballo de tiro y caballo de alquiler, recibí latigazos, estuve a punto de morir, fui rescatado... y llegué a la última página. Entonces, con terrible dolor, volví a mi cuerpo y levanté la cabeza: el resto del mundo todavía estaba allí. 'Deja eso que te va a hacer mal', decía mi madre. 'No se lee en la mesa', decía mi padre. Entonces descubrí que podía volver a empezar. Y otra vez fui Azabache y otra vez y otra vez. Después descubrí que podía ser un pirata y muchos, y la ciudad de Maracaibo y ser hombre, manatí, horror o piedra. Lo que acababa de empezar en mi vida no era un hábito: era una adicción, una pasión, una locura."1
Ana María Shua comenzó a publicar a los 16 años, con su libro de poemas El sol y yo, por el que recibió un pequeño premio del Fondo Nacional de las Artes y la Faja de Honor de la SADE. Al año siguiente terminó la secundaria en el Colegio Nacional de Buenos Aires e ingresó en la Universidad de Buenos Aires, donde en 1973 obtuvo el título de Profesora en Letras.
En 1975 se casó con el arquitecto y fotógrafo Silvio Fabrykant y al año siguiente, el matrimonio partió a Francia. En París trabajó para la revista española Almanaque de la editorial Cambio 16. La pareja regresó a Argentina en 1977.
En 1980 ganó el premio de la editorial Losada con su primera novela Soy Paciente. Al año siguiente apareció su primer libro de cuentos Los días de pesca. En 1984 tuvo su primer éxito de venta con Los amores de Laurita, y en ese mismo año pudo publicar La sueñera (microrrelatos), que había empezado a escribir diez años antes.
Hoy se considera que sus microrrelatos son los mejores en lengua española. Ha publicado en ese género Casa de Geishas, Botánica del caos, Temporada de fantasmas, Cazadores de letras (que reúne los otros cuatro) y en 2011 Fenómenos de circo, que apareció simultáneamente en Madrid y en Buenos Aires. En España la llaman "la reina del microrrelato".
En 1994 obtuvo la beca Guggenheim para escribir su novela El libro de los recuerdos, que trata acerca de una familia judía en la Argentina.
Ha trabajado como periodista, publicista y guionista de cine, adaptando algunas de sus novelas, como Los amores de Laurita, que fue llevada al cine en 1986 por Antonio Ottone y Soy paciente, un proyecto del director Rodolfo Corral que se filmó pero nunca llegó a estrenarse. Es coautora del guion de la película ¿Dónde estás amor de mi vida que no te puedo encontrar? (1992), de Juan José Jusid.
Su novela La muerte como efecto secundario (1997) integró la lista de las cien mejores novelas publicadas en lengua española en los últimos veinticinco años, definida en el Congreso de la Lengua Española en Cartagena en 2007.
También en el 2007 se publicó su última novela El peso de la tentación, que trata acerca de un grupo de pacientes obesos internados en una suerte de extraña clínica de rehabilitación.
En 2009 se publicaron sus cuentos completos con el título de Que tengas una vida interesante
Su último libro para adultos, "Contra el tiempo", es una selección de sus cuentos publicada en Madrid con prólogo y entrevista de Samanta Schweblin.
Ana María Shua escribe también literatura infantil, publicada en todo el ámbito de la lengua española. Por sus obras dedicadas a los niños ha recibido varios galardones internacionales.
Algunos de sus libros han sido traducidos a una docena de idiomas. Sus cuentos y microrrelatos figuran en antologías publicadas en todo el mundo.
Premios y distinciones[editar]
Premio estímulo del Fondo Nacional de las Artes por El sol y yo, 1967.
Faja de Honor de la Sociedad Argentina de Escritores por El sol y yo, 1968.
Premio en el Concurso Internacional de Editorial Losada por Soy paciente, 1980.
Premio Lista de Honor o Destacado de ALIJA por La fábrica del terror
Premio Los mejores (Banco del Libro /IBBY/, Venezuela) por La fábrica del terror
Beca Guggenheim para escribir El libro de los recuerdos, 1994
Primer Premio Municipal (Ciudad de Buenos Aires) por "El tigre gente y otros cuentos",1994
Premio Club de los Trece por La muerte como efecto secundario, 1997
Primer Premio Municipal (Ciudad de Buenos Aires) por La muerte como efecto secundario, 1998
Premio Konex - Diploma al Mérito 2004: Cuento: Quinquenio 1999 - 2003
Premio Esteban Echeverría otorgado por Gente de Letras a la trayectoria como narradora, 2014
Premio Konex de Platino 2014 - Cuento: Quinquenio 2009-2013
Premio Nacional en Cuento y Relato (2010-2013) por "Fenómenos de circo"
Obras[editar]
Novelas[editar]
1980 - Soy paciente, Losada, Buenos Aires (reeditada en 1996 por Altaya, Buenos Aires, y Sudamericana, Buenos Aires)
1984 - Los amores de Laurita, Sudamericana, Buenos Aires (reeditada por Emecé Editores, Buenos Aires, 2006)
1994 - El libro de los recuerdos, Sudamericana, Buenos Aires
1997 - La muerte como efecto secundario, Sudamericana. Buenos Aires
2007 - El peso de la tentación, Emecé Editores, Buenos Aires
Colecciones de cuentos[editar]
1981 - Los días de pesca, Ediciones Corregidor, Buenos Aires
1988 - Viajando se conoce gente, Sudamericana, Buenos Aires
2002 - Como una buena madre, Sudamericana, Buenos Aires
2009 - Que tengas una vida interesante, (cuentos completos), Emecé, Buenos Aires

Microrrelatos[editar]
1984 - La sueñera, Minotauro, Buenos Aires (reeditado por Emecé en 2006)
1992 - Casa de geishas, Sudamericana, Buenos Aires
2000 - Botánica del caos, Sudamericana, Buenos Aires
2004 - Temporada de fantasmas, Páginas de Espuma, Madrid
2009 - Cazadores de letras, (reúne los cuatro anteriores), Páginas de Espuma, Madrid
2011 - Fenómenos de circo, Páginas de Espuma, Madrid y Emecé, Buenos Aires
Poesía[editar]
1967 - El sol y yo, edición de la autora, Buenos Aires
Ensayo[editar]
2005 - Libros prohibidos, Buenos Aires
Filmografía[editar]
Intérprete
En el nombre del padre (2002) ...Ella misma
Guionista
¿Dónde estás amor de mi vida que no te puedo encontrar? (1992)
Los amores de Laurita (1986)
Soy paciente (1986) (abandonada)
Autor
Los amores de Laurita (1986)

Ha recibido 19 puntos

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Clara Silva (Uruguay 1905-1976)

59. Clara Silva (Uruguay 1905-1976)

Biografía[editar] De joven ávida lectora, el primer libro de poemas de Clara Silva fue La cabellera oscura, publicado en 1945. Le siguieron Memoria de la nada (1948) y Los delirios (1954). Educada en una familia fervientemente católica, se les enseñó tanto a ella como a su hermana Concepción... Ver mas
Biografía[editar]
De joven ávida lectora, el primer libro de poemas de Clara Silva fue La cabellera oscura, publicado en 1945. Le siguieron Memoria de la nada (1948) y Los delirios (1954).
Educada en una familia fervientemente católica, se les enseñó tanto a ella como a su hermana Concepción que había que amar a todos sin distinciones. La disyuntiva entre el amor religioso y el terrenal está presente a lo largo de su obra:
"Qué busco, qué no busco, vacilante? / Apurando distancias vanamente / a un tiempo soy amor, amada, amante".
Pero no fue en las poesías de esos primeros volúmenes donde más destacó la autora, sino como novelista. En sus novelas, esas preocupaciones religiosas continúan latentes. Mujeres frustradas y solas, atrapadas en viejas casonas, abundan en su narrativa.
Su novela de 1964, Aviso a la población, fue, según Carina Blixen, el primer antecedente de una nueva línea de la narrativa uruguaya, la recreación de hechos reales recientes que sacudieron la estabilidad y la bonhomía de Montevideo y el Uruguay todo como «Suiza de América». La trama recrea el caso real de un joven delincuente (el «Mincho» Martincorena) capturado por la policía. La cruda y pesimista mirada de la autora la colocaba en el centro de la generación del 45 a la que hoy se la asocia, junto a otros escritores contemporáneos como Mario Benedetti y Juan Carlos Onetti. El mismo Benedetti y Ángel Rama elogiaron la obra.
Es una poética de la grisura, de lo lúgubre y sórdido, expresada con crudeza y atención naturalista, sin desdeñar lo feo, lo grotesco y lo escatológico. Se abordan así ambientes de marginación y paisajes desolados: basurales, desagüe de colectores en arroyos solitarios, baldíos que parecen páramos y esos rancheríos miserables que en la época comenzaban a ser conocidos con la irónica denominación de «cantegriles».2
Clara Silva estaba casada con el crítico y ensayista Alberto Zum Felde. Ambos fallecieron en 1976.
Obra[editar]
Poesía[editar]
La cabellera oscura (1945).
Memoria de la nada (1948).
Los delirios (1954).
Las bodas (1960).
Preludio indiano y otros poemas (1961).
Guitarra en sombra (1964).
Narrativa[editar]
La sobreviviente (1951).
El alma y los perros (1962).
Aviso a la población (Editorial Alfa, Montevideo, 1964, reeditado por Arca en 1967 y por la Biblioteca Artigas de Clásicos Uruguayos en 2009).
Habitación testigo (1967).
Prohibido pasar (1969).
Crítica[editar]
Genio y figura de Delmira Agustini (1968).

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Josefina de la Torre (España 1907-2002)

60. Josefina de la Torre (España 1907-2002)

Biografía[editar] Josefina de la Torre Millares fue la menor de seis hermanos, nacidos en el seno de una familia, la formada por Bernardo de la Torre y Comminges (hombre de negocios muy comprometido con el desarrollo de la ciudad de Las Palmas de Gran Canaria), y Francisca Millares Cubas (hija... Ver mas
Biografía[editar]
Josefina de la Torre Millares fue la menor de seis hermanos, nacidos en el seno de una familia, la formada por Bernardo de la Torre y Comminges (hombre de negocios muy comprometido con el desarrollo de la ciudad de Las Palmas de Gran Canaria), y Francisca Millares Cubas (hija del historiador, novelista y músico Agustín Millares Torres) dedicada por entero a las artes. Por ello no es de extrañar que su temperamento artístico estuviera marcado por distintos ámbitos, principalmente la música, la poesía y la interpretación dramática. Su introductor en el terreno musical fue su tío, el barítono Néstor de la Torre Comminges, intérprete de amplia trayectoria en Canarias.2 4
Comienza a una muy temprana edad a escribir poesía, a los ocho años, en 1915, año en el que compone unos versos dedicados al poeta modernista canario Alonso Quesada,4 aunque a los siete años ya había escrito un poema de homenaje a Benito Pérez Galdós, y a los 13 comenzó a publicar en revistas.2
La influencia de su hermano Claudio de la Torre, novelista y dramaturgo en auge en aquel momento, y Premio Nacional de Literatura en 1924, es muy importante para su iniciación en el campo de la literatura y también de la representación teatral. Por su mediación se inicia la joven Josefina en la literatura, y en la representación. Así en 1927, crea en su casa de Las Canteras (Las Palmas) el llamado Teatro Mínimo y que dirigía su hermano Claudio.4 3 Acompañó a su hermano Claudio a recoger en 1924 el Premio Nacional de Literatura y entró en contacto con diversos escritores de la capital de España. Allí se relaciona con Pedro Salinas (quien escribirá el prólogo de su primer poemario, Versos y estampas, que evocaba una infancia isleña en versos de arte menor y en poemas en prosa de influencia juanramoniana,5 escrito en 1927,1 y quien acuñó la definición de "muchacha-isla" para referirse a las resonancias marcadamente insulares de la poética de Josefina, las cuales con el tiempo se convertirían en el rasgo diferenciador de su poesía, dentro del conjunto de la Generación del 27),4 Federico García Lorca, Rafael Alberti y otros intelectuales de la madrileña Residencia de Estudiantes. De estos y otros escritores vinculados a la llamada Generación del 27 recibe una notable influencia. De hecho, los pilares de la poesía de Josefina están impregnados de los principios que conforman la Generación del 27: sencillez formal, lirismo interior y cercanía al lenguaje popular.4 6 Durante sus largas estancias en Madrid, aprovecha para perfeccionar sus estudios de canto en la escuela de Dahmen Chao, donde culmina su formación como soprano.4
Su siguiente libro fue Poemas en la isla publicado en 1930,4 y en el que continuaba con una poesía ligera, estilizada.5 Durante el largo periodo franquista Josefina de la Torre no publica más que un libro de versos, Marzo incompleto, publicado en 1968,1 4 pero en él la evocación del paraíso infantil y del paisaje atlántico se sustituye por una concienciación del paso del tiempo y del deterioro vital que comporta.5 En 1934, Ernestina de Champourcin y Josefina de la Torre Millares son las dos únicas mujeres cuyos versos son incluidos por Gerardo Diego en su Antología Poesía Española (Contemporáneos), de 1934.4 2 3
Es en este mismo año en el que comienza hacer sus pinillos como actriz de doblaje (de Marlene Dietrich) para la Paramount en Joinville, Francia; es entonces cuando coincide con su viejo amigo, Luis Buñuel, con quien trabaja en doblaje, bajo las órdenes de Claudio de la Torre, que se dedicaba a adaptar guiones y dirigir los doblajes, como en la película "Miss Fanes's Baby is Stolen" (Un secuestro sensacional), de Alexander Hall, que se estrenó en España en 1935.4
En 1935 regresa a Madrid, donde instala su residencia, en un momento de su carrera en el que se quiere dedicar de lleno a comenzar su carrera como soprano.7 Es ahora cuando desarrolla plenamente su vocación musical y teatral. A partir de entonces cosecha numerosos éxitos.4
En febrero de 1935 da un concierto, acompañada al piano por Cipriano Rivas Cherif, en el Teatro María Guerrero que se anuncia como "Concierto de 1900".4
Otros escenarios recogieron la huella de Josefina de la Torre Millares como cantante: el Lyceum Femenino, el Club Medina, el Instituto San Isidro de Madrid, el Monumental Cinema o la Residencia de Estudiantes de Madrid.4
Fue en este último escenario donde, en 1936, ofreció un memorable recital interpretando canciones de Fauré, Debussy, Esplá, Saint-Saëns...; poniendo de manifiesto la versatilidad de su voz y sólida formación, lo que queda demostrado al ingresar en la Orquesta Sinfónica de Madrid, donde llegó a ser solista; y en la compañía de zarzuelas del maestro Sorozábal.4 2
Durante la guerra civil volvió a su ciudad natal. Allí publicaría sus primeras novelas cinematográficas bajo el seudónimo Laura de Cominges (segundo apellido, éste, de su padre). En 1937 publica en la colección La Novela Ideal.2
Además de intérprete, Josefina de la Torre Millares compuso sus propias partituras. La más conocida lleva por título Puerto de mar.4
Entre 1940 y 1945, ya de vuelta en Madrid, realiza trabajos no sólo como actriz, sino como ayudante de dirección, guionista y columnista de la revista cinematográfica Primer Plano (en cuya portada aparece en dos ocasiones). También participó como actriz en radionovelas, en Radio Nacional, y llegó a adquirir notoriedad como actriz durante los años cuarenta, en los que participó en varias películas con directores como Edgar Neville.4
Su primer papel importante fue en la película "Primer amor", dirigida por Claudio de la Torre. A ésta le siguen: "La blanca paloma" (Claudio de la Torre); "Y tú, ¿quién eres?", (Julio de Fletchner); "Misterio en la marisma" (Claudio de la Torre); "El camino del amor" (José María Castellví);"Una herencia en París" (Miguel Pereyra) y "La vida en un hilo, su último trabajo" (Edgar Neville), junto a Conchita Montes y Rafael Durán. Años más tarde publicará Memorias de una estrella, novela en la que narra la historia de una actriz que abandona el cine en pleno éxito.4 3
Formó parte de la compañía de María Guerrero, donde acabaría siendo primera actriz desde 1940 debutando con la obra "La rabia", libreto que se basaba en la obra "La cena del Rey Baltasar", original de Pedro Calderón de la Barca, y dirigida por Luis Escobar.4 2
En 1944 entra a formar parte del grupo de actores y actrices del Teatro invisible de RNE, donde permanece hasta 1957, momento en el que pasa a trabajar en La Voz de Madrid.4
Dedicada de lleno al teatro, en 1946 funda su propia compañía de comedias (Compañía de Comedias Josefina de la Torre), junto a su marido, el también actor Ramón Corroto, y siendo director artístico su hermano Claudio de la Torre. La compañía lleva a escena una quincena de obras, entre otras: "El caso de la mujer asesinadita", de Miguel Mihura, o "Casa de muñecas", de Henrik Ibsen. En los años sesenta llegó a participar en la primera versión española del musical "Sonrisas y lágrimas". También trabajó, hasta 1958 para otras compañías de teatro como Dido Pequeño Teatro, T.O.A.R. y el Teatro Nacional María Guerrero y Ensayo del Teatro Español.4 2
Su última intervención como actriz fue en la conocida serie de Televisión Española Anillos de oro (1983).
Entre tanto, en 1954 publicó dos novelas: Memorias de una estrella y En el umbral.4 Y pasa nuevamente a centrar su actividad durante los años 60 en el teatro, trabajando para las compañías de Amparo Soler Leal, Nuria Espert, María Fernanda D'Ocon y Vicente Parra.4
En 1988 publica Medida del tiempo, recogido este último en la Antología sobre su obra que publica Lázaro Santana en la colección Biblioteca Básica Canaria en 1989. Durante los años ochenta, Josefina de la Torre Millares escribe el poemario Él, manuscrito e inédito.4
Murió en Madrid en 2002.4 2 6 8
Obra literaria[editar]
Su obra se centra en temas como la infancia, la muerte y la soledad, pero entre todos destaca uno en especial: el paisaje insular, concretamente el mar y la playa, dentro de la tradición poética canaria. Estos temas son abordados por la autora desde una aparente sencillez expresiva. Sus poemas (que se desenvuelven entre el verso libre, la medida rigurosa y la prosa poética), están modelados a partir de una sutil utilización de la metáfora, el símil y la adjetivación. También utiliza algunas figuras literarias propias del creacionismo.
Reconocimiento de su obra[editar]
En el año 2000 es nombrada Miembro de honor de la Academia Canaria de la Lengua.4
En el año 2001 la Associated University Press de New York, publica un ensayo titulado Absence and Presence, de Catherine G. Bellvev; en él se incluye a Josefina de la Torre Millares como una de las cinco poetas españolas más relevantes de los años veinte y treinta del siglo XX.4
Del 4 al 15 de mayo de 2001 se inaugura en la Residencia de Estudiantes de Madrid la exposición titulada: Los álbumes de Josefina de la Torre: La última voz del 27. El acto de inauguración contó con la presencia de la poeta a pesar de tener cumplidos los 93 años, siendo ésta su última aparición pública. La Exposición fue itinerante por diversos lugares de Canarias.4
En el año 2002, el Gobierno de Canarias le concede la Cruz de la Orden «Islas Canarias».
Obras y ediciones actuales de su poesía[editar]
Versos y estampas, Málaga, Litoral, 1927.5
Poemas de la isla, Barcelona, Altés, 1930.5
Marzo incompleto, revista Fantasía, 19 de agosto de 1947; 2.ª ed., Las Palmas de Gran Canaria (col. San Borondón), 1968.5
Poemas de la isla, Madrid, Biblioteca Básica Canaria, núm. 30, Viceconsejería de Cultura y Deportes, Gobierno de Canarias, 1989 [incluye los tres libros citados más el inédito Medida del tiempo].5
Poemas (2003), Santa Cruz de Tenerife, Idea.
Poemas (2004), Santa Cruz de Tenerife, Interseptem.
Homenajes en recuerdo de Josefina de la Torre[editar]
En 2007, el Ministerio de Fomento bautizó al Sasemar 103, uno de sus aviones de patrulla marítima con su nombre, operado por la Sociedad de Salvamento y Seguridad Marítima.
En Santa Lucía de Tirajana (Las Palmas de Gran Canaria), se encuentra el Instituto Josefina de la Torre.

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Else Lasker-Schüler (Alemania 1869-1945)

61. Else Lasker-Schüler (Alemania 1869-1945)

Escritora alemana nacida en Elberfeld, educada en el seno de una familia de la alta burguesía judía, contrajo matrimonio en 1894 con el médico Berthold Lasker, y se trasladó con él a Berlín. Su matrimonio duró tan sólo cinco años, pero la ciudad de Berlín encendió el talento artístico de la... Ver mas
Escritora alemana nacida en Elberfeld, educada en el seno de una familia de la alta burguesía judía, contrajo matrimonio en 1894 con el médico Berthold Lasker, y se trasladó con él a Berlín. Su matrimonio duró tan sólo cinco años, pero la ciudad de Berlín encendió el talento artístico de la escritora, que frecuentó allí algunos círculos bohemios, en torno a Julius Hart, E. Mühsam y P. Hille. En 1903 contrajo nuevamente matrimonio, esta vez con H. Walden, que más tarde sería redactor de la revista "Der Sturm" (La tormenta), a la par que trabó amistad con numerosos artistas, entre los que se contaban Oskar Kokoschka, Franz Marc y K. Kraus, quien apoyó siempre el trabajo de Lasker-Schüler tras su separación del segundo marido. En 1933 emigró a Suiza y realizó dos viajes a Palestina, en 1934 y 1937, respectivamente. Su prosa temprana, Las noches de Tino de Bagdad (1907), la novela epistolar Mi corazón (1912) sobre la bohemia berlinesa y su historia imperial. El malik (1919), una serie de cartas ficticias escritas a Franz Marc, caído en la guerra, recuerdan en mucho algunos tonos de la literatura oriental, de lo cual dan buena muestra también los dibujos y las ilustraciones que acompañan los textos, pues la escritora sentía una gran atracción por las fuentes orientales, cristianas y judías. La lírica de Else Lasker-Schüler, sin duda una de las más significativas poetisas en lengua alemana, preparó el terreno del expresionismo. Sus composiciones poéticas encierran una metafórica rica y desacostumbrada, que en forma evocadora o elegíaca recoge sentimientos como el amor, la tristeza o la penosa existencia del pueblo judío, una temática esta última que se repite en las Baladas hebreas (1913) que, sin lugar a dudas, contribuyeron de manera decisiva a fomentar su fama como escritora judía. El tema de la persecución de los judíos es también el tema central de Arturo Aronymus y sus padres (1932), que, junto con Los Wupper (1910) y Yoyyo (1980), editada póstumamente, conforma el total de su producción teatral. Sus últimas obras están profundamente marcadas por las tradiciones judías y la religiosidad, así como por la soledad del exilio. Su obra fue incluida por los nacionalsocialistas en el índice de libros prohibidos y fue desnaturalizada en 1938. En 1939 se trasladó definitivamente a Palestina, donde falleció en Jerusalén en 1945. © epdlp

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Louise Labé (Francia 1525-1566)

62. Louise Labé (Francia 1525-1566)

Louise Labé (Lyon, h. 1516-Parcieux-en-Dombes, Francia, 1565) Poetisa francesa. Hija de un rico cordelero, recibió una esmerada educación que comprendía el estudio del latín y el italiano, el canto, la equitación y la práctica de armas. Sus ansias de libertad, que jamás ocultó, le valieron una... Ver mas
Louise Labé
(Lyon, h. 1516-Parcieux-en-Dombes, Francia, 1565) Poetisa francesa. Hija de un rico cordelero, recibió una esmerada educación que comprendía el estudio del latín y el italiano, el canto, la equitación y la práctica de armas. Sus ansias de libertad, que jamás ocultó, le valieron una fama de cortesana disipada, y su matrimonio, también con un cordelero o fabricante de cuerdas, el sobrenombre de la Belle Cordelière. A la muerte de su marido inició una apasionada relación amorosa con el escritor Olivier de Magny, quien, junto a Maurice Scève, Pernette du Guillet y la propia Louise Labé, pertenecía a la escuela lionesa. Su obra lírica, de tono apasionado y gran vitalidad, constituye una síntesis de la literatura amorosa europea; comprende el diálogo en prosa Debate entre locura y amor, tres Elegías y veinticuatro Sonetos, y fue editada en 1555.

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Hilda Doolittle (EEUU 1886-1961)

63. Hilda Doolittle (EEUU 1886-1961)

Poetisa y novelista estadounidense, fue una de las principales representantes del imaginismo. Nació en Bethlehem, Pennsylvania, y vivió en Inglaterra a partir de 1913. Firmó sus trabajos con las iniciales H.D. y, como el resto de los escritores del grupo liderado por el poeta, también... Ver mas
Poetisa y novelista estadounidense, fue una de las principales representantes del imaginismo. Nació en Bethlehem, Pennsylvania, y vivió en Inglaterra a partir de 1913. Firmó sus trabajos con las iniciales H.D. y, como el resto de los escritores del grupo liderado por el poeta, también estadounidense, Ezra Pound -con quien mantuvo una breve relación sentimental- y por su marido, Richard Aldington, Doolittle escribió utilizando versos muy breves y precisos, con una estructura muy libre. Como el resto de sus compañeros, acabó abandonando el imaginismo para adoptar un estilo diferente; en su caso pasó por utilizar temas y aproximaciones míticos y psicológicos hasta que en Los muros no se hunden (1944) optó por despojarse de todos los elementos vanguardistas. Después de la I Guerra Mundial y del fracaso de su matrimonio se unió al novelista Bryher (Winifred Ellerman), uno de los principales impulsores del modernismo. La mujer del pirata, Asphodel y Ella son títulos de obras en prosa que incluyen referencias explícitamente lesbianas y que no se publicaron mientras vivió, sino que aparecieron en 1981 reunidas en el volumen Hermione. Entre sus demás libros de poesía se encuentran Jardín junto al mar (1916), Heliodora y otros poemas (1924), Ofréceme vivir (1960) y Elena en Egipto (1961), mientras que entre sus trabajos en prosa destacan las novelas Palimpsesto (1926) y Hedylus (1928), así como Fui a un tormento (1958) una biografía de Ezra Pound. © eMe

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María Mercé Marçal (España 1952-1998)

64. María Mercé Marçal (España 1952-1998)

Biografía[editar] Pasó la infancia en Ibars de Urgel (Lérida) de donde siempre se consideró originaria. Estudió bachillerato en el Instituto de Lérida. En 1969 se trasladó a Barcelona para ingresar en la Universidad. Se licenció en Filología Clásica, y posteriormente ejerció de catedrática de... Ver mas
Biografía[editar]
Pasó la infancia en Ibars de Urgel (Lérida) de donde siempre se consideró originaria. Estudió bachillerato en el Instituto de Lérida. En 1969 se trasladó a Barcelona para ingresar en la Universidad. Se licenció en Filología Clásica, y posteriormente ejerció de catedrática de Lengua y Literatura Catalanas en diversos institutos. En 1972 se casó con el poeta Ramón Pinyol Balasch, de quien se separó en 1976. En 1980 tiene su hija Heura, que decidió criar sola, y a quien dedicó algunos de sus poemas ("Elegir" entre ellos), y gracias a la cual el tema del embarazo y la maternidad entran en su obra.
Trata el tema del amor entre mujeres, inédito en la literatura catalana hasta su breve poemario Tierra de nunca, de 1982 (con el nombre de Alus se refiere a su compañera Nunca Cobos), que se editó inicialmente con poca difusión pero que incluyó en 1985 en su nuevo libro La hermana, la extranjera. Desde entonces publica diversos poemarios, el último de los cuales, Deshielo, recoge la obra escrita entre 1984 y 1988.
Participó en la Asamblea de Cataluña y militó en el PSAN desde finales del franquismo hasta que se separó en 1980, en una escisión que conducirá a la fundación de Nacionalistas de Izquierda. [2] Coordinó la sección de feminismo de la Universidad Catalana de Verano desde su creación en 1979 hasta 1985.
Desde 1994 impulsó el colectivo de escritoras del Centro Catalán del Pen Club. Fue profesora del Instituto Joan Boscà y dedicó algún poema a sus alumnos.("A mis alumnos").
En 1973 es cofundadora, juntamente con Ramon Pinyol Balasch y con otros jóvenes poetas, de la editorial Libros del Mazo. Además de tomar parte activamente en la vida literaria catalana, participa en la política y en movimientos cívicos como el feminista, que no abandona nunca.
Su primer libro de poemas Cau de llunes (Premio Carles Riba 1976) prologado por Joan Brossa con una sextina, incluye el poema «Divisa», que tiene el carácter de manifiesto que resume las directrices de su activismo:
Al azar agradezco tres dones: haber nacido mujer,
de clase baja y nación oprimida.
Y el turbio azur de ser tres veces rebelde.
Estos versos se convirtieron muy conocidos y casi bandera del movimiento feminista de izquierdas en Cataluña.
Tradujo autores como Colette, Marguerite Yourcenar, Anna Ajmátova, Marina Tsvetáieva, Charles Baudelaire o Leonor Fini.
Murió en Barcelona, ​​a causa de un cáncer, a los 45 años. Antes de morir recibió la Medalla de Honor de Barcelona.
Antologías póstumas[editar]
Tras su muerte se han publicado dos antologías de su poesía y un libro con prosas autobiográficas titulado Sota el signe del drac (2004), editado por Mercè Ibarz.1
Libros[editar]
Cau de llunes. Barcelona: Proa, 1977 (Premi Carles Riba 1976).
Bruixa de dol (1977-1979). San Baudilio de Llobregat: Llibres del Mall, 1979
Terra de mai. Valencia: El cingle, 1982
Sal oberta. San Baudilio de Llobregat: Llibres del Mall, 1982
La germana, l'estrangera (1981-1984). San Baudilio de Llobregat: Llibres del Mall, 1985
Contraclaror: Antologia poètica de Clementina Arderiu. Barcelona: La Sal, edicions de les dones, 1985
Desglaç (1984-1988). Barcelona: Edicions 62 - Empúries, 1988
Llengua abolida (1973-1988). Valencia: 1989
La passió segons Renée Vivien. (Premi Carlemany 1994)
Paisatge emergent. Trenta poetes catalanes del S.XX. Barcelona: La Magrana, 1999
Raó del cos. Barcelona: Edicions 62 - Empúries, 2000
Contraban de llum. Antologia poètica. Barcelona, Proa, 2001
El meu amor sense casa (CD), Barcelona, Proa, 2003

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Margaret Atwood (Canadá 1939)

65. Margaret Atwood (Canadá 1939)

Margaret Eleanor Atwood (Ottawa, 18 de noviembre de 1939) es una prolífica poetisa, novelista, crítica literaria y activista política canadiense. Es miembro del organismo de derechos humanos Amnistía Internacional y una de las personas que presiden BirdLife International, en defensa de las aves... Ver mas
Margaret Eleanor Atwood (Ottawa, 18 de noviembre de 1939) es una prolífica poetisa, novelista, crítica literaria y activista política canadiense. Es miembro del organismo de derechos humanos Amnistía Internacional y una de las personas que presiden BirdLife International, en defensa de las aves. En la actualidad divide su tiempo entre Toronto y Pelee Island, en Ontario.
«Acabo de terminar un nuevo libro. Se va a publicar en 2009 y se llama Payback, algo así como tomar una represalia y luego obtener algo a cambio; la mejor palabra para traducirla sería "revancha". Tiene que ver, no con el dinero, sino con el equilibrio y la justicia. También toma el tema de la venganza y de la deuda con la naturaleza. El Payback tiene un subtítulo que hace referencia a lo oscuro y siniestro de la riqueza».
Entrevista de Hernán Brienza, en Crítica de la Argentina)1
Biografía[editar]
Es la segunda de los tres hijos de Carl Edmund Atwood, zoólogo, y Margaret Dorothy William, nutricionista. Debido a la investigación que llevaba a cabo su padre sobre entomología forestal, Atwood pasó gran parte de su infancia entre el norte de Quebec, Ottawa y Toronto.
Pronto se convirtió en una ávida lectora de todo tipo de literatura, desde novelas de misterio, hasta cuentos de los hermanos Grimm, historias sobre Canadá y cómics. Fue al instituto en Leaside, Toronto.
Atwood empezó a escribir a los 16 años. En 1957 inició sus estudios universitarios en la Victoria University de Toronto. Tuvo como profesores a Jay Macpherson y Northrop Frye, que encaminaron su poesía inicial (Double Persephone) hacia el tema de los mitos y los arquetipos.
Se graduó en 1961 como licenciada en filología inglesa, con estudios también de francés y filosofía.
En 1968, se casó con Jim Polk, de quien se divorció en 1973. Luego, contrajo matrimonio con el novelista Graeme Gibson, con quien se mudó a Ontario, al norte de Toronto. En 1976 tuvieron a su hija Eleanor Jess Atwood Gibson. Volvió a Toronto en 1980.
Estudios avanzados[editar]
En otoño de 1961, después de ganar la Medalla E. J. Pratt por su libro de poemas Double Persephone, comenzó sus estudios de postgrado en el Radcliffe College de la Universidad de Harvard con una beca de investigación Woodrow Wilson. Obtuvo un máster en Radcliffe en 1962 y continuó estudiando dos años más en Harvard.
Ha impartido clases en la Universidad de British Columbia (1965), en la Universidad Sir George Williams de Montreal (1967-1968), en la Universidad de Alberta (1969-1979), en la Universidad de York de Toronto (1971-1972), y en la Universidad de Nueva York.
Premios y nombramientos[editar]
Vicepresidenta de la Unión de Escritores de Canadá desde 1980
Presidenta del International PEN, una asociación de escritores para fomentar el contacto y la cooperación entre autores de todo el mundo que se encarga de promover la libertad de expresión y de liberar a los escritores que son prisioneros políticos.
Socia mayoritaria del Massey College en la Universidad de Toronto
Dieciséis títulos honoris causa
Doctorado del Victoria College (1987)
Está incluida en el Paseo de la Fama de Canadá desde 2001.
Miembro de la Royal Society de Canadá
Miembro de la Order of Canada
Miembro honorario de la Academia Norteamericana de las Artes y las Ciencias
Presidenta Honoraria de Birdlife International, junto a su Alteza Imperial la Princesa Takamado, de Japón, electa en el congreso en Bs. As., 2009.2
Nominaciones[editar]
Nominada al Booker Prize (Reino Unido) por The Handmaid's Tale (1985)
Ritz-Paris-Hemingway Prize (París) por The Handmaid’s Tale
al Premio Nobel de Literatura
Premios[editar]
Medalla E. J. Pratt (1961) por su libro de poemas Double Persephone
Governor General's Award, por The Circle Game (1966)
Toronto Book Award, por Lady Oracle (1977)
Canadian Booksellers Award, por Lady Oracle (1977)
Toronto Book Award, por Dancing Girls (1977)
Canadian Booksellers Award, por Dancing Girls (1977)
Periodical Distributors of Canada Short Fiction Award, por Dancing Girls (1977)
Periodical Distributors of Canada por Bluebeard’s Egg (1983)
Foundation for the Advancement of Canadian Letters Book of the Year Award, por Bluebeard’s Egg (1983)
Governor General's Award, por The Handmaid’s Tale (1985)
Los Angeles Times Prize, por The Handmaid’s Tale
Arthur C. Clarke Award for Science Fiction, por The Handmaid’s Tale
Commonwealth Literary Prize, por The Handmaid’s Tale
Premio Príncipe de Asturias de las Letras (25 de junio del 2008)
Militancia[editar]
Lucha por los derechos humanos, la libertad de expresión y otras causas.
Donó el dinero del galardón Booker Price para colaborar con causas ambientales.
Ayudó a lanzar la carrera de la poetisa Carolyn Forche cuando los editores estadounidenses rechazaron su poesía sobre la guerra civil salvadoreña.
Trayectoria literaria[editar]
Atwood ha escrito novelas de diferentes géneros y libros de poemas.
También guiones para televisión, como The Servant Girl (1974) y Days of the Rebels: 1815-1840 (1977).
Se la describe como una escritora feminista, ya que el tema del género está presente en algunas de sus obras de forma destacada. Se ha centrado en la identidad canadiense, en las relaciones de este país con Estados Unidos de América y Europa, en los derechos humanos, en asuntos ambientales, en los páramos canadienses, en los mitos sociales sobre la feminidad, en la representación del cuerpo de la mujer en el arte, la explotación social y económica de ésta, así como las relaciones de mujeres entre sí y con los hombres.
En 1969 publicó The Edible Woman, donde se hizo eco de la marginación social de la mujer. En Procedures for Underground (1970) y The Journals of Susana Moodie (1970), sus siguientes libros de poesía, los personajes tienen dificultades para aceptar lo irracional. Esta última quizá sea su obra poética más conocida; en ella, escribe desde el punto de vista de Susana Moodie, una pionera de la colonización de la frontera canadiense del siglo diecinueve. Con la obra Power Politics (1971) usa las palabras como refugio para las mujeres débiles que se enfrentan a la fuerza masculina.
Como crítica literaria es muy conocida por su obra Survival: A Thematic Guide to Canadian Literature (1972), definida como el libro más asombroso escrito sobre literatura canadiense y que consiguió aumentar el interés en la literatura de este país.
Ese año, publicó Surfacing, una novela donde se formula en términos políticos el conflicto entre naturaleza y tecnología.
Con gran éxito y avalada por la crítica, escribió You Are Happy (1974), y su tercera novela, Lady Oracle (1976), una parodia de los cuentos de hadas y las novelas de amor.
En 1978, publicó Two-Headed Poems, que explora la duplicidad del lenguaje, y Up in the Tree, un libro infantil.
Su siguiente novela, Life Before Man (1979), es más tradicional que sus libros de ficción anteriores y se centra en una serie de triángulos amorosos.
Atwood siempre ha estado interesada en los derechos humanos, lo que se refleja en su libro de poesía True Stories (1981) y la novela Bodily Harm (1981).
Publicó Second Words (1982), muestra de una de las primeras obras feministas escritas en Canadá; ese mismo año dirigió la revisión del Oxford Book of Canadian Poetry, lo que la colocó al frente de los poetas canadienses de su generación.
Atwood sigue escribiendo, con gran éxito para la crítica y para sus lectores. Sus libros son estudiados en escuelas, institutos y universidades de todo el mundo.
Obra[editar]
Novelas[editar]
La mujer comestible, The Edible Woman (1969)
Resurgir, Surfacing (1972).
Lady Oracle (1976)
Life Before Man (1979) - finalista del Governor General's Award en 1979
Bodily Harm (1981)
El cuento de la criada ("The Handmaid's Tale") (1985) - ganador del Arthur C. Clarke Award y el Governor General's Award en 1985
Cat's Eye (1988) - finalista del Governor General's Award en 1988
The Robber Bride (1993) - finalista del Governor General's Award en 1994
Alias Grace (1996) - ganador del Giller Prize y finalista del Governor General's Award en 1996
The Blind Assassin (2000) - ganador del Booker Prize y finalista del Governor General's Award en 2000
Oryx y Crake (Oryx and Crake) (2003) - finalista del Governor General's Award en 2003
The Penelopiad (2005) - nominado al IMPAC Award en 2006
The Year Of The Flood (2009)
Maddadam (2013)
Colecciones de poesía[editar]
Double Persephone (1961)
The Circle Game (1964) - ganador del Governor General's Award en 1966
Expeditions (1965)
Speeches for Doctor Frankenstein (1966)
The Animals in That Country (1968)
The Journals of Susanna Moodie (1970)
Procedures for Underground (1970)
Power Politics (1971)
You Are Happy (1974)
Selected Poems (1976)
Two-Headed Poems (1978)
True Stories (1981)
Love songs of a Terminator (1983)
Interlunar (1984)
Morning in the Burned House (1996)
"The Moment" from Morning in Burned House
Eating Fire: Selected Poems, 1965-1995 (1998)
The Door (2007)
Colección de relatos cortos y cuentos[editar]
Dancing Girls (1977) - ganador del St. Lawrence Award for Fiction y el The Periodical Distributors of Canada for Short Fiction
Murder in the Dark (1983)
Bluebeard's Egg (1983)
Through the One-Way Mirror (1986)
Wilderness Tips (1991) - finalista del Governor General's Award en 1991
Good Bones (1992)
Good Bones and Simple Murders (1994)
The Tent (2006)
Moral Disorder (2006)
Entre sus obras en español se encuentran:
La mujer comestible (1969),
Resurgir (1972),
Chicas bailarinas (1977),
El cuento de la criada (1985),
Alias Grace (1996),
El asesino ciego (2000),
Oryx y Crake (2003),
Penélope y las doce criadas (2005),
La maldición de Eva (2006) y
Érase una vez (2007).

Ha recibido 17 puntos

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Nelly Sachs (Alemania 1891-1970)

66. Nelly Sachs (Alemania 1891-1970)

Nelly Sachs (Leonie Sachs; Berlín, 1891 - Estocolmo, 1970) Poetisa alemana. Nacida en el seno de una familia de industriales judíos, desde muy joven entró en contacto con la escritora sueca Selma Lagerlöf, a quien dedicó su primera obra, Leyendas y relatos (1921), y gracias a cuyos buenos... Ver mas
Nelly Sachs
(Leonie Sachs; Berlín, 1891 - Estocolmo, 1970) Poetisa alemana. Nacida en el seno de una familia de industriales judíos, desde muy joven entró en contacto con la escritora sueca Selma Lagerlöf, a quien dedicó su primera obra, Leyendas y relatos (1921), y gracias a cuyos buenos oficios logró huir con su madre a Estocolmo en mayo de 1940. En la capital sueca, donde residió hasta su muerte, se consagró a escribir su obra poética y dramática, profundamente influida por el Zohar, la tradición cabalística, el jasidismo, la Biblia y la mística de Jakob Böhme.


Nelly Sachs

En 1947 apareció, en Berlín oriental, su primer libro de poemas: En las moradas de la muerte, dedicado a sus "hermanos y hermanas" desaparecidos en los campos de exterminio nazis. Con un lenguaje de sobrio despojamiento, que recoge ecos de los libros proféticos y los Salmos del Antiguo Testamento, evoca en él los padecimientos del pueblo judío a través de un complejo entramado de símbolos que alcanza particular intensidad en la Plegarias por el novio muerto.

La temática de la persecución y la fuga vertebra sus poemarios Eclipse estelar (1949), Y nadie sabe más (1957) y Huida y metamorfosis (1959), que serían recogidos en el volumen Más allá del polvo (1961). De sus poemas escénicos, reunidos bajo el título Señales en la arena (Zeichen im Sand, 1962), conviene destacar Eli (1951), en que el destino de Israel, al igual que en las obras líricas, se convierte en símbolo de la existencia humana.

En 1966 compartió el premio Nobel de Literatura con el novelista hebreo Shemuel Joseph Agnon. También cabe mencionar su obra La pasión de Israel (Das Leiden Israels) y póstumamente aparecieron Poemas y prosas tempranas (1983).

Ha recibido 17 puntos

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Hanni Ossott (Venezuela 1946-2002)

67. Hanni Ossott (Venezuela 1946-2002)

Hanni Ossott (14 de febrero de 1946 - 31 de diciembre de 2002) fue una poeta venezolana. Nació en Caracas y se licenció por la Universidad Central de Venezuela, de dónde también fue profesora. Recibió los Premios Nacionales de Poesía Ramos Sucre y Lazo Martí. Tradujo a poetas como Rainer Maria... Ver mas
Hanni Ossott (14 de febrero de 1946 - 31 de diciembre de 2002) fue una poeta venezolana. Nació en Caracas y se licenció por la Universidad Central de Venezuela, de dónde también fue profesora. Recibió los Premios Nacionales de Poesía Ramos Sucre y Lazo Martí. Tradujo a poetas como Rainer Maria Rilke y Emily Dickinson, que tuvieron una decisiva influencia en su propia obra. Fue también crítica de arte y publicó varios libros de ensayos sobre poesía.
Obra selecta[editar]
Espacios para decir lo mismo (1974)
Hasta que llegue el día y huyan las sombras (1983)
El reino donde la noche se abre (1986)
Plegarias y penumbras (1986)
Cielo, tu arco grande (1989)
Casa de agua y de sombras (1992)
El circo roto (1993).

Ha recibido 16 puntos

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Ernestina de Champourcín (España 1905-1999)

68. Ernestina de Champourcín (España 1905-1999)

Nacida en Vitoria el 11 de julio de 1905, su infancia y juventud transcurrió en Madrid donde estudió bachillerato y conoció a quien sería su marido, Juan José Domenchina, poeta también (y secretario, durante la guerra, del presidente Manuel Azaña) y con el que Ernestina compartió toda su vida... Ver mas
Nacida en Vitoria el 11 de julio de 1905, su infancia y juventud transcurrió en Madrid donde estudió bachillerato y conoció a quien sería su marido, Juan José Domenchina, poeta también (y secretario, durante la guerra, del presidente Manuel Azaña) y con el que Ernestina compartió toda su vida. Domenchina murió en 1959. Discípula y amiga de Juan Ramón Jiménez, escribió sobre él un bello libro de recuerdos, La ardilla y la rosa (Juan Ramón en mi memoria). Unida por amistad y estilo a los poetas del 27 -generación de la que no fue la única mujer, como suele decirse: ahí están Concha Méndez, Rosa Chacel, Josefina de la Torre o Cristina de Arteaga- Ernestina publicó su primer libro de poemas, En silencio, en 1926. El título será significativo de buena parte de su poética, de voluntad intimista, amorosa y religiosa, pero conocedora de las técnicas nuevas. Ahora es de 1928. Y La voz en el tiempo de 1931. Poco después, Gerardo Diego la incluyó en su segunda Antología -la de 1934- en la que Ernestina define su gusto por el vivir escondido. En 1936, al borde de la guerra, publica Cántico inútil. En 1939 parte al exilio, a México, con su marido. Ernestina regresaría a España, sola, en 1972. En México -con poco eco español- siguió publicando: Presencia a oscuras (1952) o Cárcel de los sentidos (1960). Y luego -ya en su país- más poesía con esa peculiar tensión entre intimismo y religiosidad: Poemas del ser y del estar (1972), Huyeron todas las islas (1988), y tras algunas antologías, un último libro, al filo de sus 90 años, Del vacío y sus dones (1993), en busca de la luz, a través de la fugacidad. A Ernestina de Champourcin nunca pareció preocuparle -volcada a su interior- el relativo olvido o la falta de audiencia en sus últimos años. Murió en una residencia para personas mayores de Madrid, el 27 de marzo de 1999. © Luis Antonio de Villena

Ha recibido 16 puntos

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Christine de Pisan (Francia 1364-1430)

69. Christine de Pisan (Francia 1364-1430)

Poeta, prosista y humanista francesa, nacida en Venecia. Pasó su infancia en la corte del rey Carlos V de Francia, de quien posteriormente escribió su biografía. Al cabo de diez años de matrimonio con el secretario de la corte, Étienne du Castel, enviudó a la edad de 25 años. A partir de... Ver mas
Poeta, prosista y humanista francesa, nacida en Venecia. Pasó su infancia en la corte del rey Carlos V de Francia, de quien posteriormente escribió su biografía. Al cabo de diez años de matrimonio con el secretario de la corte, Étienne du Castel, enviudó a la edad de 25 años. A partir de entonces, consiguió mantener a su familia gracias a sus escritos. Sus primeros poemas, baladas de amores perdidos, transmitían la tristeza de su prematura viudedad, y se hicieron populares de inmediato. Las obras en prosa defendiendo a las mujeres frente a las calumnias de Jean de Meung en el Roman de la Rose incluyen Epístola al dios del amor (1399), que fue escrita para oponerse a las actitudes cortesanas con respecto al amor, y La ciudad de las damas (1405), una relación de las hazañas heroicas de las mujeres. Su autobiografía, La visión de Christine (1405), la escribió como réplica a sus detractores. Una de sus últimas obras es Canción en honor de Juana de Arco (1429). © eMe

Ha recibido 15 puntos

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Ángela Figuera Aymerich (España 1902-1984)

70. Ángela Figuera Aymerich (España 1902-1984)

Ángela Figuera Aymerich (Bilbao, 1902 - Madrid, 1984) Poetisa española. Se inició en la poesía dentro de una línea que puede considerarse heredera de Antonio Machado por su apego a lo cotidiano y paisajístico. La preocupación por el mundo femenino constituyó una de las marcas temáticas de su... Ver mas
Ángela Figuera Aymerich
(Bilbao, 1902 - Madrid, 1984) Poetisa española. Se inició en la poesía dentro de una línea que puede considerarse heredera de Antonio Machado por su apego a lo cotidiano y paisajístico. La preocupación por el mundo femenino constituyó una de las marcas temáticas de su obra: llevó a su quehacer poético el mundo de la esposa y madre de familia que era, aunque alejándose de tópicos e idealizaciones. Sus dos primeros libros se incluyen en esta etapa y son Mujer de barro (1948) y Soria pura (1949).

Posteriormente, la influencia de Gabriel Celaya llevó a Ángela Figuera a la poesía social, en la que se inscribirá el resto de su obra, desde Las cosas como son (1950), pasando por títulos como Vencida por el ángel (1951), El grito inútil (1952), Los días duros (1953) y Belleza cruel (1958). Este último mereció un prólogo elogioso de León Felipe. Su última obra en esa línea fue Toco la tierra. Letanías, publicada en 1962, cuando la poesía social empezaba a agotarse. Con posterioridad publicó dos poemarios para niños: Cuentos tontos para niños listos (1979) y Canciones para todo el año (1984). Dos años después de su muerte se publicaron sus Obras completas.

Ha recibido 15 puntos

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Carmen Conde (España 1907-1996)

71. Carmen Conde (España 1907-1996)

CARMEN CONDE {Cartagena, 1907 - Madrid, 1996} Retrato de Carmen Conde Carmen Conde Abellán nació en Cartagena en 1907 aunque su infancia transcurre entre esa ciudad y Melilla, donde vive de 1914 a 1920, y Madrid donde se establece definitivamente en 1939. Estudia magisterio en la Escuela... Ver mas
CARMEN CONDE
{Cartagena, 1907 - Madrid, 1996}
Retrato de Carmen Conde
Carmen Conde Abellán nació en Cartagena en 1907 aunque su infancia transcurre entre esa ciudad y Melilla, donde vive de 1914 a 1920, y Madrid donde se establece definitivamente en 1939.

Estudia magisterio en la Escuela Normal de Murcia y más tarde Filosofía y Letras en la Universidad de Valencia. Publica su primera obra, Brocal, en 1929.

En 1931 se casa con el poeta Antonio Oliver Belmás, el cual fallece en 1968, y fundan y dirigen la Universidad Popular de Cartagena . Fundan también, tras la guerra civil, el Archivo Semanario de Rubén Darío en la Universidad de Madrid. Trabaja como profesora de literatura española en el Instituto de Estudios Europeos y en la Cátedra Mediterráneo de la Universidad de Valencia en Alicante.

En 1953 gana el Premio Elisenda Montcada con Las oscuras raíces . Gana el Premio Doncel de Teatro con la obra A la estrella por la cometa . En 1967 gana el Premio Nacional de Poesía y en 1980 obtiene el Premio Ateneo de Sevilla con Soy la madre. Colabora con La Estafeta Literaria y RNE bajo el seudónimo de Florentina del Mar. Dos de sus obras, La rambla y Creció espesa la yerba, se adaptan para emitir en Televisión Española.

El 28 de enero de 1979 ingresa en la RAE ocupando el sillón K , siendo así la primera mujer desde su creación. A principios de los 80 comienzan los primeros síntomas de la enfermedad de Alzheimer. Fallece el 8 de enero de 1996 en Madrid.
OBRAS

Entre aceitunas y coplas. Teatro.
Brocal. Madrid: La lectura, 1929. Poesía.
Júbilos. Murcia: Sudeste, 1934. Poesía.
Oíd a la vida, 1936. Teatro.
El ser y su sombra, 1937. Teatro.
El arrebato, 1937. Teatro.
Tras de la perdida gente, 1937. Teatro.
La composición literaria infantil, 1937. Ensayo.
El llanto, 1938. Teatro.
Mio, 1941
Doña Centenito, gata salvaje: libro de su vida. Madrid: Alhambra, 1943. Cuento.
Don Juan de Austria: biografía para niños. Madrid: Hesperia, 1943. Biografía.
Los enredos de Chismecita. Madrid: Alhambra, 1943. Cuento.
Pasión del verbo, 1944. Poesía.
Soplo que va y no vuelve: relatos. Madrid: Alhambra, 1944. Cuentos.
Honda memoria de mi. Madrid: J. Romo, 1944. Poesía.
La amistad en la literatura española. Madrid: Alhambra, 1944. Ensayo.
Dios en la poesía española. Madrid: Alhambra, 1944. Ensayo.
La poesía ante la eternidad. Madrid: Alhambra, 1944. Ensayo.
Vidas contra su espejo. Madrid: Alhambra, 1945. Novela.
Aladino o la lámpara maravillosa. Madrid: Hesperia, 1945. Teatro.
Ansia de la gracia. Madrid: Rialp, 1945. Poesía.
Signo de amor. Granada: Vientos del sur, 1945. Poesía.
Don Álvaro de Luna: biografía para niños. Madrid: Hesperia, 1945. Biografía.
Prólogo (Óleo), 1947. Teatro.
Sea la luz. Madrid: Mensaje, 1947. Poesía.
Mi fin en el viento. Madrid: Rialp, 1947. Poesía.
Mujer sin Edén. Madrid: Juna, 1947. Poesía.
Cartas a Katherine Mansfield. Barcelona: Doncel, 1948. Novela.
El Escorial: Una meditación más, 1948
Mi libro de El Escorial: meditaciones. Valladolid: Universidad de Valladolid, 1949
Una monja que escribe y aconseja: Sor María Jesus, 1949. Biografía.
La humana realidad de unas criaturas increíbles: v. Madrid: Plenitud, 1949. Biografía.
Enunciación, 1950. Teatro.
En manos del silencio. Barcelona: José Janés, 1950. Novela.
Iluminada tierra, 1951. Poesía.
Canto a Amanda, 1951. Poesía.
Mientras los hombres mueren. Milán: Cisalpino, 1952. Poesía.
Belén: Auto de Navidad. Madrid: Enag, 1953. Teatro.
Retablo de navidad, 1953
Las oscuras raíces. Barcelona: Garbo, 1953. Novela.
Ganadora del Premio Elisenda Montcada 1953
Poesía femenina española viviente. Madrid: Arquero, 1954. Ensayo.
Cobre. Madrid: Estades Artes Gráficas, 1954. Novela.
Vivientes de los siglos, 1954. Poesía.
Ganadora del Premio Internacional de Poesía Simón Bolivar 1954
Empezando la vida: Memorias de mi infancia en Marr. Tetúan: Itimad, 1955. Biografía.
Reunión de familia, 1956. Teatro.
Historia del soldado, 1956
El amor y la muerte de Calixto y Melibea: Refundic, 1956. Teatro.
Réquiem por Cayetano, 1958. Poesía.
Los monólogos de la hija, 1959. Poesía.
El mundo de Cayetana, 1959
Nada más que Caín. Murcia: Universidad de Murcia, 1960. Teatro.
En un mundo de fugitivos. Buenos Aires: Losada S.A., Editorial, 1960. Poesía.
Derribado arcángel, 1960. Poesía.
En la tierra de nadie. Murcia: El laurel del Sudeste, 1960. Poesía.
Requiem por el Dr. Luis Calandre. Madrid: Ágora, 1961. Poesía.
A la estrella por la cometa. Barcelona: Doncel, 1961. Teatro.
Ganadora del Premio Doncel 1961
Los poemas del Mar Menor. Murcia: Universidad de Murcia, 1962. Poesía.
Su voz le doy a la noche, 1962. Poesía.
Jaguar puro inmarchito, 1963. Poesía.
Acompañando a Francisca Sánchez: resumen de una vi. Managua: Mesa Redonda Panamericana, 1964. Biografía.
¡Viejo venis y florido...!: cuentos del Romancero. Alicante: Caja de Ahorros del sureste de España, 1965. Cuentos.
Un pueblo que lucha y canta. Madrid: Editora Nacional, 1967
Obra poética (1929-1966). Madrid: Biblioteca Nueva, S.L Editorial, 1967. Poesía.
Ganadora del Premio Nacional de Poesía 1967
Teatro inútil (II). Murcia: Editora Regional de Murcia, 1968. Teatro.
Tren de vuelta, 1968. Guión de televisión.
Se espera una llamada, 1968. Guión de televisión.
La perfecta ama de casa, 1968. Guión de televisión.
Hablar a quien escucha, 1968. Guión de televisión.
Un pájaro canta, 1968. Guión de televisión.
Menéndez Pidal. Madrid: Epesa, 1969. Biografía.
Cuando está escrito, 1969. Guión de televisión.
El caballero de Olmedo, 1969. Guión de televisión.
En familia, 1970. Guión de televisión.
A este lado de la eternidad. Madrid: Biblioteca Nueva, S.L Editorial, 1970. Poesía.
Gabriela Mistral. Madrid: Epesa, 1970. Biografía.
Cuando se prefiere a un hijo, 1970. Guión de televisión.
La boda, 1970. Guión de televisión.
Siempre hay un niño, 1970. Guión de televisión.
Teatro inútil (I). Murcia: Editora Regional de Murcia, 1971. Teatro.
Teatro inútil (III). Murcia: Editora Regional de Murcia, 1971. Teatro.
Cancionero de la enamorada. Ávila: Institución del Gran Duque de Alba, 1971. Poesía.
La madre del hombre, 1974. Teatro.
El caballito y la luna. Madrid: CVS, 1974. Cuento.
Corrosión. Madrid: Biblioteca Nueva, S.L Editorial, 1975. Poesía.
Cita con la vida. Madrid: Biblioteca Nueva, S.L Editorial, 1976. Poesía.
Días por la tierra. Madrid: Editora Nacional, 1977. Poesía.
La rambla. Madrid: Emesa, 1977. Novela.
El tiempo es un río lentísimo de fuego. Barcelona: Ediciones 29, 1978. Poesía.
Por la escuela renovada. Murcia: Universidad de Murcia, 1978. Ensayo.
Cuentos del romancero. Barcelona: Ediciones 29, 1978. Cuentos.
Una niña oye una voz. Madrid: Escuela Española, 1979
Creció espesa la yerba. Barcelona: Planeta, 1979. Novela.
Al encuentro de Santa Teresa, 1979. Biografía.
Poesía ante el tiempo y la inmortalidad. Madrid: Real Academia Española (RAE), 1979. Discurso/Conferencia.
Zoquetín y Martina. Barcelona: Ediciones 29, 1979. Cuentos.
Un conejo soñador rompe con la tradición. Madrid: Escuela Española, 1979. Cuento.
El mundo empieza fuera del mundo. Madrid: Escuela Española, 1979. Cuento.
La noche oscura del cuerpo. Madrid: Biblioteca Nueva, S.L Editorial, 1980. Poesía.
Soy la madre. Barcelona: Planeta, 1980. Novela.
Ganadora del Premio Ateneo de Sevilla 1980
Escritoras místicas españolas. Madrid: Editora Nacional, 1981. Ensayo.
Doscientas recetas de cocina burgalesa. Burgos: Ayuntamiento de Burgos, 1981
Llega un gato, 1981. Cuento.
Teresa de Jesús y su divina pasión, 1982. Teatro.
Desde nunca. Barcelona: Libros Río Nuevo, 1982. Poesía.
Cuentos para niños de buena fe. Madrid: Escuela Española, 1982. Cuentos.
Derramen su sangre las sombras. Madrid: Torremozas, 1983. Poesía.
Brocal; y Poemas a María. Madrid: Biblioteca Nueva, S.L Editorial, 1984. Poesía.
Del obligado dolor. Madrid: Almorabí, 1984. Poesía.
Hermosos días en China. Madrid: Torremozas, 1985
La calle de los balcones azules. Barcelona: Plaza y Janés, 1985. Novela.
Cráter. Madrid: Biblioteca Nueva, S.L Editorial, 1985. Poesía.
Canciones de nana y desvelo. Madrid: Susaeta Ediciones, S.A., 1985. Cuentos.
Ganadora del Premio Nacional de Literatura Infantil y Juvenil 1987
Por el camino viendo sus orillas. Barcelona: Plaza y Janés, 1986. Biografía.
Memoria puesta en olvido:Antología personal. Madrid: Torremozas, 1987. Poesía.
Al aire: VII Poemas. Málaga: El Guadalhorce, 1987. Poesía.
Centenito. Madrid: Escuela Española, 1987. Cuento.
Palabra tuya..., una. Ansia de la gracia. Madrid: Torremozas, 1988
Despertar. Madrid: Bruño, 1988. Cuento.
Cantando el amanecer. Madrid: Escuela Española, 1988. Cuento.
Madre ballena y otros cuentos. Madrid: Everest, 1989. Cuento.
El pensamiento teoríco-práctico de los formadores. Barcelona: PPU, 1995. Ensayo.

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María Victoria Atencia (España 1931)

72. María Victoria Atencia (España 1931)

MARÍA VICTORIA ATENCIA {Málaga, 1931} Retrato de María Victoria Atencia María Victoria Atencia nació en Málaga, el 28 de noviembre de 1931. Estudia en el Colegio de la Asunción y luego en el Colegio de la Sagrada Familia. Prosigue sus estudios en el Conservatorio. Conoce a Rafael León, Doctor... Ver mas
MARÍA VICTORIA ATENCIA
{Málaga, 1931}
Retrato de María Victoria Atencia
María Victoria Atencia nació en Málaga, el 28 de noviembre de 1931. Estudia en el Colegio de la Asunción y luego en el Colegio de la Sagrada Familia. Prosigue sus estudios en el Conservatorio. Conoce a Rafael León, Doctor en Derecho.

Publica su primer libro de poesía en 1953 con el título de Tierra mojada , libro nunca reeditado. Se casa con Rafael León en 1957 y al año nace su primer hijo, Rafael, y dos años más tarde nace Victoria.

Tras la publicación en 1961 de Arte y aparte inicia un paréntesis largo en su obra. En 1963 nace su tercer hijo, Álvaro, y Eugenia nace dos años después de éste. En 1971 obtiene el título de piloto de aviación y reanuda su labor literaria, entre otras maneras, colaborando con la revista Caracola.

En 1983, otra de sus pasiones sale a la luz en una exposición de grabados en la Diputación Provincial de Málaga. Con la publicación de Ex libris en 1984, se le da el lugar que merece tanto a ella como a su poesía generando interés por su obra.

Es académica numeraria de la Real Academia de Bellas Artes de San Telmo, de Málaga, y académica correspondiente de las Reales Academias de Cádiz, Córdoba, Sevilla y San Fernando; en la actualidad sigue publicando desde Málaga, donde reside. Tiene puesta su propia página en Internet.
OBRAS

Cañada de los Ingleses
A orillas del Ems
Tierra mojada, 1953
Cuatro sonetos, 1955
Arte y parte, 1961
El ramo, 1971
Marta & María, 1976
Los sueños, 1976
El mundo de María Victoria, 1978
Venezia Serenissima, 1978
Paseo de la Farola, 1978
Himnario, 1978
Carta de amor en Belvedere, 1979
Compás binario, 1979
Debida proporción, 1981
Adviento, 1981
Porcia, 1983
Caprichos, 1983
Ex libris, 1984
Paulina o el libro de las aguas, 1984
Trances de Nuestra Señora, 1986
Música de cámara, 1986
De la llama en que arde, 1988
La pared contigua, 1989
La intrusa, 1992
El puente, 1992
Las contemplaciones. Barcelona: Tusquets, 1997
Ganadora del Premio de la Crítica 1998

Ha recibido 15 puntos

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Fina García Marruz (Cuba 1923)

73. Fina García Marruz (Cuba 1923)

García Marruz, Fina Lunes, 24 de Octubre de 2011 00:00 E-mail Imprimir PDF BIOGRAFÍA Josefina García-Marruz Badía, conocida artísticamente como Fina García Marruz nació en la Ciudad de La Habana el 28 de abril de 1923. Estudió la primaria en el Colegio Sánchez y Tiant y el bachillerato... Ver mas
García Marruz, Fina
Lunes, 24 de Octubre de 2011 00:00 E-mail Imprimir PDF


BIOGRAFÍA

Josefina García-Marruz Badía, conocida artísticamente como Fina García Marruz nació en la Ciudad de La Habana el 28 de abril de 1923. Estudió la primaria en el Colegio Sánchez y Tiant y el bachillerato en el Instituto de La Habana; se doctoró en Ciencias Sociales en la Universidad de La Habana en 1961.

Desde joven mostró su pasión por la literatura y la música. Fina estuvo entre la pléyade de jóvenes poetas que se relacionaron con el andaluz Juan Ramón Jiménez, durante la visita del poeta en 1936 a Cuba.

Fue miembro del consejo de redacción de la revista Clavileño, y del grupo de poetas de la revista Orígenes (1944-1956), que encabezó el poeta y narrador, José Lezama Lima, en el que participaba también su esposo, el poeta, narrador y ensayista Cintio Vitier, así como Eliseo Diego, Octavio Smith, Gastón Baquero, Ángel Gaztelu y Cleva Solís, entre otros. Con sus primeros cuadernos Fina se destaca y singulariza entre los originistas con sus Poemas, 1942 y la Transfiguración de Jesús en el Monte, 1947, por el acento profundamente espiritual de su estética.

Su obra poetíca fue apareciendo de manera paralela a su labor investigadora con obras como Las miradas perdidas, 1944-1950, 1951; Visitaciones, 1970; Créditos de Charlot, 1990; Los Rembrandt del Hermitage, 1992; Viejas melodías, 1993 y Habana del Centro, 1997, entre otros.

Desde 1962 trabajó como investigadora literaria en la Biblioteca Nacional "José Martí", y en la Sala Martí y el Anuario Martiano que fue dirigido por Cintio Vitier.

Ejerció de investigadora literaria en el Centro de Estudios Martianos, desde su creación en 1977 e integró el equipo que realizó la edición crítica de la obra poética de José Martí e inició también la edición crítica las Obras Completas de José Martí.

Ha recibido el reconocimiento nacional e internacional a través de la concesión de numerosos galardones de prestigio como el Premio Nacional de Literatura, el Premio Iberoamericano de Poesía Pablo Neruda o el Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana 2011.

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Matilde Alba Swann (Argentina 1912-2000)

74. Matilde Alba Swann (Argentina 1912-2000)

Matilde Alba Swann (1912-2000) Matilde Alba Swann es el seudónimo de Matilde Kirilovsky de Creimer. (24/2/12 -13/09/00), hija de Alaquin Kirilovsky y Emma Ioffe. Casada con Samuel Creimer,cinco hijos; Abogada (1933), recibida a los 21 años en la Facultad de CienciasJurídicas y Sociales de la... Ver mas
Matilde Alba Swann
(1912-2000)

Matilde Alba Swann es el seudónimo de Matilde Kirilovsky de Creimer. (24/2/12 -13/09/00), hija de Alaquin Kirilovsky y Emma Ioffe. Casada con Samuel Creimer,cinco hijos; Abogada (1933), recibida a los 21 años en la Facultad de CienciasJurídicas y Sociales de la Universidad Nacional de La Plata.

Ejerció la profesión durante más de 50 años con el respeto y cariño de sus
colegas. Se la recuerda logrando la absolución de la recordada uxoricida Remberta Nieves, o interponiendo resonantes acciones de amparo persiguiendo mejorar la situación de los indefensos. Extracción de sangre de menores tutelados; sufragio de los menores tutelados. Trato inhumano a los internados del Hospital Melchor Romero. Fue asesora en temas de minoridad del Ministerio de Acción Social y del ex-Gobernador de la Provincia de Buenos Aires Dr. Eduardo Duhalde.

En poesía publica ocho libros de poemas: Canción y grito (1955); Salmo al retorno (1956); Madera para mi mañana (1957); Tránsito del infinito adentro (1959); Coral y remolino (1960), Grillo y cuna (1971); Con un hijo bajo el brazo (1978); Crónica de mi misma 1980. Recibe innumerables premios, menciones y honores, entre los que se destacan su promoción para el premio Nobel de Literatura 1992; premio Santa Clara de Asís de 1991; Premio Provincia de Buenos Aires -poesía- 1991; recibe una de las primeras "Orden del Buen Vecino", premio Municipal de Literatura de La Plata; 3er. Premio de poesía Augusto Mario Delfino, fajas de honor de la Sociedad de Escritores de la Provincia; Ofrenda de las Instituciones representativas y fuerzas vivas de La Plata por su dedicación de eminente poeta y eterna defensora de la minoridad.- Recibió la estatuilla Stella Maris. Integró jurados de premios nacionales como el "Forti Glori", provinciales y municipales; Mención del Club Universitario de La Plata; Mención de la Asociación Femenina de Periodistas del Perú; Integró la comisión de honor del Primer Encuentro Latinoamericano de poetas; Fue designada Mujer Notable de la Comunidad, por el Rotary Internacional Filial La Plata; Premio Dedicación a la Minoridad otorgado por el Ateneo; Rotario; la Biblioteca Braille le tradujo su ultimo libro al idioma Braille; Accésit al premio Almafuerte; 2do. Premio de Poesía Ilustrado Municipalidad de La Plata - 1971; 3er. Premio de Poesía
Ilustrada Municipalidad de La Plata; 2do. Premio de Asociación Judicial Bonaerense.

Como periodista condujo audiciones de literatura en las radios Provincia de Buenos Aires y Universidad de La Plata; fue colaboradora permanente del Diario El Día de La Plata. Fue corresponsal de guerra del Diario El Día en la guerra de las Malvinas; fue colaboradora de la Página literaria del Diario La Capital de Mar del Plata. Falleció el 13 de setiembre de 2000 en La Plata

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Tagami Kikusha-ni (Japón 1753-1826)

75. Tagami Kikusha-ni (Japón 1753-1826)

Frases De Tagami Kikusha Tagami Kikusha » últimas frases Disfruto el aprendizaje de las cosas comunes. Aprendizaje A mi manera Ningún espíritu de fortuna solo nubes de flores. Flores Incluso arrastrándose en la arena la enredadera florece. Arena El ayer pasó y el mañana es... Ver mas
Frases De Tagami Kikusha
Tagami Kikusha » últimas frases

Disfruto el aprendizaje de las cosas comunes.

Aprendizaje

A mi manera Ningún espíritu de fortuna solo nubes de flores.

Flores

Incluso arrastrándose en la arena la enredadera florece.

Arena

El ayer pasó y el mañana es todavía incierto.

Incierto

En mi creencia, disfruto incluso el final de la estación.

Estación

Mi único credo. La montaña del tesoro, las flores de seis pétalos de la nieve.

Credo

Una brisa fragante sopla de china Sobre estos siete cordones.

China

Todo mi cuerpo en este otoño se siente crepúsculo en la lluvia.

Crepúsculo

Entre montañas profundas en mi sombrero el sonido de la hoja.

Hoja

Tomando el fresco sobre el puente la luna y yo quedamos solas.

Luna

Deseo partir peinada de luna bajo el cielo errante.

Deseo

Mientras floreces No te olvides de tu fragancia flor de la orquídea.

Fragancia

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Ocupación
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Tagami Kikusha
Biografía de Tagami Kikusha

Nace: 1753
Lugar: Chofu, Nagato, Yamaguchi, Japón
Muere: 1826
Lugar: Japón
Poeta y religiosa budista japonesa, cuyo nombre significa "choza de crisantemos".

Realizó un peregrinaje a través de todo Japón y en sus haiku refleja sus vivencias.

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Antonia Palacios (Venezuela 1904-2001)

76. Antonia Palacios (Venezuela 1904-2001)

Narradora y poeta venezolana, nacida en Caracas. Antonia Palacios ha destacado en la ficción venezolana por el cultivo de una prosa artística, dentro de la literatura escrita por mujeres, más ligada a los temas sociales. Su novela Ana Isabel, una niña decente (1949), es una rememoración de la... Ver mas
Narradora y poeta venezolana, nacida en Caracas. Antonia Palacios ha destacado en la ficción venezolana por el cultivo de una prosa artística, dentro de la literatura escrita por mujeres, más ligada a los temas sociales. Su novela Ana Isabel, una niña decente (1949), es una rememoración de la infancia feliz de la protagonista, la cual recupera en sus recuerdos ciertas zonas del centro de la ciudad de Caracas. En 1954 publicó Crónicas de las horas. Tras un prolongado silencio de varios años inició, con Los insulares (1964), un ciclo de cuentos en los que realizaba una incursión poética en el devenir de la conciencia. Su prosa es, en su elegancia, heredera directa del mensaje de Teresa de la Parra. También ha dejado su huella en el cultivo del poema en prosa con el libro Textos del desalojo (1973), que avanza en la línea iniciada por José Antonio Ramos Sucre. Es autora también del volumen de ensayos París y tres recuerdos (1944) y de las crónicas de Viaje al frailejón (1955). Obtuvo el Premio Nacional de Literatura con El largo día ya seguro (1975). © eMe

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Nina Gagen-Torn (Rusia 1900-1986)

77. Nina Gagen-Torn (Rusia 1900-1986)

Poeta, historiadora y etnógrafa rusa nacida en San Petersburgo. Se graduó en el Instituto de Geografía de Petrogrado, trabajando como profesora en el Museo de Etnografía y editando la revista Etnografía Soviética (1934). Durante la Gran Purga pasó los años de 1936-1942 en los campos de trabajo... Ver mas
Poeta, historiadora y etnógrafa rusa nacida en San Petersburgo. Se graduó en el Instituto de Geografía de Petrogrado, trabajando como profesora en el Museo de Etnografía y editando la revista Etnografía Soviética (1934). Durante la Gran Purga pasó los años de 1936-1942 en los campos de trabajo de Kolyma y de 1942 a 1943 en el exilio. En 1946 escribió la tesis Elementos del vestido del Volga en los pueblos como material para la etnogénesis. Fue reprimida por segunda vez de 1947 a 1952, sirviendo en Mordovia (Temlag). Más tarde se exilió definitivamente a la ciudad de Yenisey. Al final de la era estalinista fue amnistiada y totalmente rehabilitada en el año 1956. La mayor parte de su investigación fue en el ámbito de la etnografía de los pueblos de la Unión Soviética, y el folclore ruso y búlgaro. También publicó cuentos y poemas. Dos poemarios suyos fueron publicados póstumamente. © epdlp

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Naomi Shihab Nye (Palestina 1952)

78. Naomi Shihab Nye (Palestina 1952)

Poeta, narradora y compositora palestina-estadunidense nacida Sant Louis (Missouri). Hija del escritor Aziz Shihab, que emigró a Estados Unidos en 1948, expulsado de su tierra al crearse Israel, es autora de varios libros de poesía y ensayo, entre ellos su novela para jóvenes Habibi, en parte... Ver mas
Poeta, narradora y compositora palestina-estadunidense nacida Sant Louis (Missouri). Hija del escritor Aziz Shihab, que emigró a Estados Unidos en 1948, expulsado de su tierra al crearse Israel, es autora de varios libros de poesía y ensayo, entre ellos su novela para jóvenes Habibi, en parte autobiográfica. Esta relata la experiencia de una muchacha árabe-estadunidense que se instala en Jerusalén en los años setenta para cursar secundaria y preparatoria. De su poesía destacan, Combustible (1998), 19 Varieties of Gazelle: Poems of the Middle East, A Maze Me, Red Suitcase y Field Trip. Ha escrito además la polémica “Carta abierta a cualquier aspirante a terrorista”, en la que empieza por reconocer que detesta la palabra “terrorista” pero la emplea para atraer la atención de los lectores que busca, a quienes aconseja no matar, sino leer a Rumi, el poeta sufi. © epdlp

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Coral Bracho (México 1951)

79. Coral Bracho (México 1951)

Escritora mexicana. Nació en la ciudad de México. Profesora de Lengua y Literatura en la Universidad Nacional Autónoma de México, ha trabajado en la elaboración de un diccionario del español hablado en su país y ha formado parte del consejo de redacción de la revista La Mesa Llena. Su poesía... Ver mas
Escritora mexicana. Nació en la ciudad de México. Profesora de Lengua y Literatura en la Universidad Nacional Autónoma de México, ha trabajado en la elaboración de un diccionario del español hablado en su país y ha formado parte del consejo de redacción de la revista La Mesa Llena. Su poesía vincula el plano de la metáfora con la transfiguración erótica y para ello se sirve del tránsito y la mezcla de los reinos mineral, vegetal, animal y humano. El poeta Néstor Perlongher, en su antología Caribe transplatino, cita a Coral Bracho como uno de los ejemplos de poesía neobarroca latinoamericana. La escritora obtuvo en 1981 el premio de poesía de la Casa de la Cultura de Aguascalientes con el libro El ser que va a morir. Ha publicado también Peces de piel fugaz, Tierra de entraña ardiente y Jardín del mar. Han sido editadas dos recopilaciones de sus poemas: Bajo el destello líquido y Huellas de luz. Ha traducido, entre otras obras, Rizoma, de Gilles Deleuze y Félix Guattari, y Apuntes angloafricanos, de Doris Lessing. © eMe

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Sibilla Aleramo (Italia 1876-1960)

80. Sibilla Aleramo (Italia 1876-1960)

Seudónimo de Rina Faccio, escritora y poetisa italiana nacida en Alessandria. Sus padres se establecieron en Civitanova. Contrajo matrimonio a los quince años, con un empleado de su padre. Prisionera en una vida miserable con su marido y en una ciudad con un provincianismo mezquino, creyó... Ver mas
Seudónimo de Rina Faccio, escritora y poetisa italiana nacida en Alessandria. Sus padres se establecieron en Civitanova. Contrajo matrimonio a los quince años, con un empleado de su padre. Prisionera en una vida miserable con su marido y en una ciudad con un provincianismo mezquino, creyó encontrar en el cuidado de su primer hijo, Walter, nacido en 1895, un escape de la opresión de su existencia: abandonar esta ilusión la llevó a un intento de suicidio que superó comprometiéndose en tareas humanitarias a través de la escritura de artículos que fueron publicados en 1897 en la Gazzetta letteraria, L'Indipendente, la revista feminista Vita moderna, y en el periódico de inspiración socialista Vita internazionale. Su compromiso feminista no se limitó a la escritura, sino que se concretó en un intento de constituir secciones del movimiento de mujeres y su participación en las manifestaciones por el derecho al voto la lucha contra la prostitución. En 1901 abandona a su esposo, hombre autoritario y violento y a su hijo. Ella nos cuenta esta historia en Una mujer (Una donna, 1906), recogiendo su propia vida, desde la infancia a la difícil decisión de dejar a su marido y sobre todo a su hijo, reclamando la afirmación de una vida libre y consciente y en contra de la coerción y la humillación de la existencia impuesta a las mujeres desde una hipócrita ideología del sacrificio. Así comenzó, como le gustaba decir, su segunda vida. Feminista, fascista, pero pronto después de 1945, convencida comunista, no se ajustó a las funciones o las imágenes tradicionales de la mujer. Se unió al movimiento Futurista. En París se relacionó con los poetas Guillaume Apollinaire y Emile Verhaeren, Stefan Zweig, Gabriele D' Annunzio, Paul Claudel, Charles Péguy, Paul Valéry, Auguste Rodin, Anatole France... Tras sus estancias en Milán y París finalmente regresó a Roma donde se une a los círculos intelectuales y artísticos de los años anteriores a la guerra. Al final de la Segunda Guerra Mundial se unió al Partido Comunista Italiano y se dedica intensamente al campo político y social. Colabora, entre otros, en la Unità y la revista Noi donna. Murió en Roma en 1960, tras una larga enfermedad. El perfil de Sibilla Aleramo ha adornado las piezas de veinte centavos en circulación, obra del escultor Leonardo Bistolfi, a quien sirvió como modelo en 1908. Entre sus obras están, Il passaggio (1919), Momenti (1920), Andando e stando (1920), Amo, dunque sono (1927), Gioie d'occasione (1930), Il frustino (1932), Orsa minore (1938), Dal mio diario (1945), Selva d'amore (1947), Il mondo è adolescente (1949), Aiutatemi a dire (1951) y Luci della mia sera (1956). © C.L.

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Elizabeth Barrett Browning (Gran Bretaña 1806-1862)

81. Elizabeth Barrett Browning (Gran Bretaña 1806-1862)

Elizabeth Barrett Browning (6 de marzo de 1806 – 29 de junio de 1861) era un miembro de la familia Barrett y una de las poetisas más respetadas de la era victoriana. Biografía[editar] Elizabeth Barrett Browning (nacida Elizabeth Barrett Moulton-Barrett) nació cerca de Durham, Inglaterra en... Ver mas
Elizabeth Barrett Browning (6 de marzo de 1806 – 29 de junio de 1861) era un miembro de la familia Barrett y una de las poetisas más respetadas de la era victoriana.
Biografía[editar]
Elizabeth Barrett Browning (nacida Elizabeth Barrett Moulton-Barrett) nació cerca de Durham, Inglaterra en 1806. Era hija de un propietario de plantación Edward Moulton-Barrett, que adoptó el apellido "Barrett" al heredar las fincas de su abuelo en Jamaica. Fue bautizada en la iglesia de Kelloe, donde una placa la describe como una "gran poetisa, noble mujer, devota esposa". Su madre se llamaba Mary Graham-Clarke y provenía de una familia adinerada de Newcastle upon Tyne. Es una de las descendientes del rey Eduardo III de Inglaterra.
Su padre había hecho fortuna gracias a las plantaciones de azúcar en Jamaica y había adquirido una casa de campo, Hope End, cerca de Great Malvern. Demostró su talento desde la infancia; en 1820 su padre publicó privadamente cincuenta copias de un poema épico juvenil, sobre la Batalla de Maratón, teniendo Elizabeth catorce años de edad. Fue educada en casa, recibiendo lecciones del tutor de su hermano. Debe su profundo conocimiento del griego y mucho estímulo mental a su temprana amistad con el helenista ciego, Hugh Stuart Boyd, vecino suyo. Elizabeth, sin haber llegado a la madurez, ya había leído los autores latinos, Milton, Shakespeare y Dante. Su pasión por los clásicos y los metafísicos se compensaba con un fuerte espíritu religioso de fe cristiana.
En su adolescencia, Elizabeth contrajo una enfermedad pulmonar, probablemente tuberculosis, aunque la naturaleza exacta de sus dolencias ha sido objeto de muchas especulaciones, y fue tratada como una inválida por sus padres. En 1826 publicó anónimamente Ensayo sobre la mente y otros poemas, en inglés, An Essay on Mind and Other Poems.
Poco tiempo después, la abolición de la esclavitud, causa que ella apoyaba (según su trabajo The Runaway Slave at Pilgrim's Point, 1849), redujo considerablemente los recursos del Sr. Barrett. Por ello vendió su finca y se trasladó, con su familia, primero a Sidmouth y después a Londres. En el primero de estos lugares, la señorita Barrett escribió Prometeo encadenado (Prometheus Bound, 1835), su traducción de la obra de Esquilo. Después de su mudanza a Londres recayó en su enfermedad, agravándose sus afecciones pulmonares. Sin embargo, esto no interfirió con su actividad literaria, pues contribuyó a varias revistas con "The Romaunt of Margaret", "The Romaunt of the Page", "The Poet's Vow", y otras piezas. En 1838 aparece El serafín y otros poemas (The Seraphim and Other Poems), que incluye "Cowper's Grave".
Poco tiempo después, su hermano favorito, Edward, murió ahogado en Torquay, lo que supuso un serio golpe para su frágil salud, hasta llegar a debatirse entre la vida y la muerte. Con el tiempo, sin embargo, recuperó la fuerza, y mientras tanto su fama iba creciendo. La publicación, en torno a 1841, de El lamento de los niños, en inglés "The Cry of the Children", le proporcionó gran impulso, y por aquella misma época contribuyó con algunos artículos críticos en prosa a la obra de Richard Henry Horne New Spirit of the Age. En 1844 publicó dos volúmenes de Poemas (Poems), que constaba de El drama del exilio ("The Drama of Exile"), Visión de poetas ("Vision of Poets"), y El galanteo de Lady Geraldine ("Lady Geraldine's Courtship").

Elizabeth Barrett Browning.
En 1845 se encuentra por primera vez a su futuro esposo, Robert Browning. Su noviazgo y matrimonio, debido a la delicada salud de Elizabeth y a las objeciones de su padre, transcurrieron en circunstancias bastante peculiares y románticas. Después de un matrimonio secreto y una fuga del hogar paterno de la calle Wimpole, acompañó a su marido a la Península italiana, que se convirtió prácticamente en su casa hasta su muerte, y con cuyas aspiraciones políticas se identificaron plenamente ambos.
El matrimonio fue feliz, a pesar de que el señor Barrett nunca los perdonó. En su nueva vida, su salud mejoró. Los Browning se asentaron en Florencia, donde ella escribió Las ventanas de la casa Guidi (Casa Guidi Windows, 1851), considerada por muchos su trabajo más poderoso, inspirada por la lucha toscana por la libertad. Residieron en Piazza San Felice, en el apartamento que hoy es el museo de Casa Guidi, dedicado a su memoria. En Florencia se hizo muy amiga de las poetisas británicas Isabella Blagden y Theodosia Trollope Garrow. En 1848 nace su único hijo, Robert Wiedeman Barrett.
Su obra más conocida en España son The Sonnets from the Portuguese, normalmente traducidos como Sonetos del portugués, aunque también han aparecido publicados como Sonetos de portugués, Los sonetos del portugués, Sonetos portugueses, Los sonetos de la dama portuguesa o Sonetos de la portuguesa. De tema amoroso, relata su propia historia de amor, disfrazándola escasamente con el título. Los empezó a escribir en 1845, se los dio a leer a su esposo en 1848 y los publicó en 1850, dentro de una edición aumentada de los Poemas.
En 1860 publicó una edición completa de sus poemas con el título de Poemas antes del Congreso (Poems before Congress). Poco tiempo después su salud empeoró; fue perdiendo fuerza y murió el 29 de junio de 1861. Está enterrada en el cementerio protestante de Florencia.
Importancia literaria[editar]

Elizabeth.
Generalmente se considera a Browning la más grande poetisa inglesa. Sus obras están llenas de ternura y delicadeza, pero también de fuerza y hondura de pensamiento. Sus propios sufrimientos, combinados con su fuerza moral e intelectual, hicieron de ella una defensora de los oprimidos allí donde los encontrara. Su talento era sobre todo lírico, aunque no toda su obra adopta esa forma. Sus debilidades son la falta de concisión, cierto manierismo, y fallos en metro y rima. No puede equipararse a su esposo en cuanto a la fuerza de su intelecto o altas cualidades poéticas, pero sus obras, por su estilo y temas, tuvieron una acogida más temprana y amplia entre el público.
La señora Browning era una mujer de singular nobleza y encanto, y aunque no era bella, era extraordinariamente atractiva. La novelista Mary Russell Mitford la describe de joven como: “Una figura delgada, delicada, con una lluvia de rizos oscuros cayendo a cada lado de una cara muy expresiva; ojos grandes y tiernos, abundantemente rodeados por pestañas oscuras, y una sonrisa como un rayo de sol”. Anne Thackeray Ritchie la describió como: “Muy pequeña y tostada” con ojos grandes y exóticos y una boca muy generosa.

Su tumba en el Cementerio Inglés de Florencia.
Su obra más famosa son los Sonetos del portugués, una colección de sonetos amorosos escritos por Browning pero disfrazados como una traducción. El más famoso de ellos, con una de las frases iniciales más conocidas del idioma inglés, es el número XLIII: "How do I love thee? Let me count the ways… / ¿Cómo te amo? Déjame contarte las maneras en que te amo..."
Pero mientras sus petrarquianos Sonetos del portugués son exquisitos, también fue una poetisa profética, incluso épica, al escribir Las ventanas de la casa Guidi en apoyo del Risorgimento italiano, como Byron había apoyado la independencia de Grecia respecto a Turquía, y asimismo con Aurora Leigh, escrita en nueve libros, el número de la mujer, después de la muerte de Margaret Fuller al ahogarse en el barco "Elizabeth", en el que Aurora encarna a Margaret y Marian Erle, a la propia Elizabeth. Aurora Leigh transcurre en Florencia, Inglaterra y París, empleando en ella sus conocimientos adquiridosa desde la infancia, de la Biblia en hebreo, Homero, Esquilo, Sófocles, Apuleyo, Dante, Langland, Madame de Stael, y George Sand.
El gobierno de Italia y la Comuna de Florencia celebraron su poesía con placas conmemorativas en la Casa Guidi, donde los Browning vivieron durante sus quince años de matrimonio. Lord Leighton diseñó su tumba en el cementerio inglés, realizándose su escultura, no muy fidedigna, en mármol de Carrara, por parte de Francesco Giovannozzo. En 2006 la Comuna de Florencia colocó una corona de laurel sobre esta tumba para celebrar los doscientos años transcurridos desde su nacimiento.

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Ana María Moix  (España 1947-2014)

82. Ana María Moix (España 1947-2014)

ANA MARÍA MOIX {Barcelona, 1947 - 2014} Retrato de Ana María Moix © Paco Elvira Ana María Moix nació en Barcelona en 1947 y es allí donde estudia Filosofía y Letras. De familia burguesa de lo más conservadora, forma parte del grupo de escritores que se relaciona con el poeta Carlos Barral... Ver mas
ANA MARÍA MOIX
{Barcelona, 1947 - 2014}
Retrato de Ana María Moix
© Paco Elvira
Ana María Moix nació en Barcelona en 1947 y es allí donde estudia Filosofía y Letras. De familia burguesa de lo más conservadora, forma parte del grupo de escritores que se relaciona con el poeta Carlos Barral.

De 1976 a 1979, pertenece al equipo que publica Vindicación Feminista. Colabora en diversas publicaciones de Madrid y Barcelona. En 1970 gana el Premio Vizcaya de Poesía con No time for flowers, en 1985 el Premio Ciudad de Barcelona con Las virtudes peligrosas, y en 1995 obtiene este galardón de nuevo con Vals Negro. Su hermano era el escritor Terenci Moix.

Muere a causa de un cáncer en febrero de 2014.
OBRAS

Manifiesto personalA imagen y semejanza
Baladas del dulce Jim, 1969. Poesía.
Call me Stone, 1969. Poesía.
Julia. Barcelona: Seix Barral, 1970. Novela.
No time for flowers y otras historias. Barcelona: Lumen S.A., 1971. Cuentos.
Ese chico pelirrojo a quien veo cada día. Barcelona: Lumen S.A., 1971. Novela.
Walter, ¿por qué te fuiste?. Barcelona: Barral, 1973. Novela.
La maravillosa colina de las edades primitivas. Barcelona: Lumen S.A., 1973. Cuento.
24 x 24. Barcelona: Edicions 62 S.A., 1973. Artículos.
María Girona: Una pintura en llibertat, 1977. Ensayo.
Robots. Barcelona: Bruguera, 1982. Cuento.
Robots. Barcelona: Bruguera, 1982. Cuento.
Las virtudes peligrosas. Cuento. En: Doce relatos de mujeres. Navajo, Ymelda (ed.) . Madrid: Alianza, 1982, pp. 39-66. Cuentos.
A imagen y semejanza. Barcelona: Lumen S.A., 1983. Poesía.
Las virtudes peligrosas. Barcelona: Plaza y Janés, 1985. Cuentos.
Ganadora del Premio Ciudad de Barcelona 1985
Miguelón. Madrid: Anaya, 1986. Cuento.
La niebla y otros relatos. Madrid: Alfaguara, 1988. Cuentos.
Vals Negro. Barcelona: Lumen S.A., 1994. Novela.
Ganadora del Premio Ciudad de Barcelona 1995
El baix Llobregat, 29 municipis i un riu. Barcelona: Diputación Provincial de Barcelona, 1995. Guía.
Extraviadas ilustres, 1996. Biografía.
Ronda de noche. Cuento. En: Madres e hijas. Freixas, Laura (ed.) . Barcelona: Anagrama, 1996. Cuentos.
Morir caballo. Cuento. En: Érase una vez la paz. Barcelona: Planeta, 1996, pp. 135-143. Cuentos.
Un poco de pasión. Cuento. En: Barcelona, un día: Un libro de cuentos de la ciudad. Regàs, Rosa (comp.) . Madrid: Alfaguara, 1998, pp. 237-245. Cuentos.
Un día, de repente, sucede. Cuento. En: Cuentos de Fútbol 2. Valdano, Jorge (ed.) . Madrid: Alfaguara, 1998, pp. 229-236. Cuentos.
Un árbol en el jardín. Cuento. En: Cuentos eróticos de Navidad. Barcelona: Tusquets, 1999, pp. 145-151. Cuentos.
Manifiesto personal. Barcelona: Ediciones B, 2011. Ensayo.

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Ingeborg Bachmann (Austria 1926-1973)

83. Ingeborg Bachmann (Austria 1926-1973)

Poetisa, novelista y narradora de relatos breves austriaca nacida en Klagenfurt (Corintia). Hija de un director de escuela, estudió Filosofía, Psicología, Filología Alemana y Ciencias Políticas en Innsbruck, Graz y Viena. Se dedicó al periodismo antes de escribir su primer libro de poemas El... Ver mas
Poetisa, novelista y narradora de relatos breves austriaca nacida en Klagenfurt (Corintia). Hija de un director de escuela, estudió Filosofía, Psicología, Filología Alemana y Ciencias Políticas en Innsbruck, Graz y Viena. Se dedicó al periodismo antes de escribir su primer libro de poemas El tiempo postergado (1953). A partir de entonces se convierte en un personaje público, no sólo por sus versos, sino por esa inusual combinación de sensualidad e inteligencia que llama la atención en un mundillo literario por entonces únicamente masculino. Mujer inaccesible y misteriosa, de extrema fragilidad, su voz quebrada y casi rota está llena de referencias filosóficas, desde Wittgenstein a Heidegger, pasando por Walter Benjamin o Simone de Beauvoir. Tuvo intensas relaciones con los escritores Paul Celan y Max Frisch, y más tarde atravesó duras crisis personales y de salud, evitando cada vez más las apariciones en público. Después de publicar su primer libro en prosa, A los treinta años (1961), se mantuvo durante diez años sin publicar apenas nada. Su siguiente libro, la novela Malina (1971), pasó directamente a la lista de los best-sellers, siendo considerada por eso la primera autora mediática de la literatura en lengua alemana. Otras obras suyas son, Tres senderos hacia el lago, Últimos poemas e Invocación a la Osa Mayor. Considerada como una de las más importantes poetisas post-bélicas, en los últimos años de su vida, Italia fue su patria adoptiva. Falleció en Roma, como consecuencia de las graves quemaduras que un incendio en su casa le produjeron, supuestamente se quedó dormida con un cigarrillo encendido. Desde entonces uno de los grandes premios literarios en lengua alemana lleva su nombre. © epdlp

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Zinaida Gippius (Rusia 1869-1945)

84. Zinaida Gippius (Rusia 1869-1945)

Zinaída Híppius (cirílico ruso Зинаи́да Никола́евна Ги́ппиус; Beliov, 8 de noviembre de 1869 - París, 9 de septiembre de 1945) fue una escritora y poetisa rusa notable de la Edad de Plata de la literatura rusa. Índice [ocultar] 1 Biografía 2 Obra literaria 3 Bibliografía 4 Enlaces... Ver mas
Zinaída Híppius (cirílico ruso Зинаи́да Никола́евна Ги́ппиус; Beliov, 8 de noviembre de 1869 - París, 9 de septiembre de 1945) fue una escritora y poetisa rusa notable de la Edad de Plata de la literatura rusa.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Obra literaria
3 Bibliografía
4 Enlaces externos
Biografía[editar]
Hija de un alto funcionario de justicia, la mayor de cuatro hermanas, se casó en 1889 con el escritor Dmitri Merezhkovski. Compartía sus opiniones y fue llamada por Tolstói como « la Bruja ». Formó con su marido y el escritor Dmitri Filosófov una alianza con la que escribieron numerosos ensayos.
Como su marido, se congratuló con la caída del régimen imperial (la Revolución de Febrero), pero no comulgaron después con los bolcheviques. Se exilió más tarde con su marido, primero a Polonia y finalmente a Francia donde murieron.
Sus contemporáneos la llamaron «musa del cambio de siglo», «encarnacion de la idea de Vladímir Soloviov sobre la androginia utópica».
Con su marido fundó la escuela de la Nueva Conciencia Religiosa.
Obra literaria[editar]
Zinaída Hippius fue una poetisa simbolista mística. Es autora de poesías meditativas y metafísicas (dos Antologías de poesías, 1889-1910). Es una cuentista y novelista destacada. Escribió también "Diarios de Petersburgo".
Antología de poesías (1889 - 1903)
Antología de poesías (1903 - 1909)
Poesías. Diario de 1911 - 1921.
La gente nueva, cuentos, 1896
Espejos, cuentos, 1898
El libro tercero de cuentos, 1901
La espada bermeja, cuentos, 1907
Negro sobre blanco, cuentos, 1908
Hormigas de luna, cuentos, 1912
Niño del demonio, novela, 1911
Roman-zarévich, novela, 1913
Anillo verde, drama, 1916

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Fiama Hasse País Brandao (Portugal 1938-2007)

85. Fiama Hasse País Brandao (Portugal 1938-2007)

Poetisa portuguesa nacida en Lisboa. Además de poesía, escribió teatro, novela, ensayo y tradujo a Antonin Artaud, Bertold Brecht y Novalis. Su nombre estuvo unido al Grupo de Poesía 61 con el libro Morfismos (1961). Había publicado antes otros dos, que no figuran en Obra Breve (1991), y que... Ver mas
Poetisa portuguesa nacida en Lisboa. Además de poesía, escribió teatro, novela, ensayo y tradujo a Antonin Artaud, Bertold Brecht y Novalis. Su nombre estuvo unido al Grupo de Poesía 61 con el libro Morfismos (1961). Había publicado antes otros dos, que no figuran en Obra Breve (1991), y que reunía el resto de sus libros. Caracterizada por su hermetismo, desde entonces evolucionó hacia una expresión natural, como puede comprobarse en Cantos do Canto (1995) y Epístolas e Memorandos (1996). © Hartz

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Guadalupe "Pita" Amor (México 1918-2000)

86. Guadalupe "Pita" Amor (México 1918-2000)

Guadalupe Teresa Amor Schmidtlein, (Ciudad de México, 30 de mayo de 1918 - Ciudad de México, 8 de mayo del 2000) fue poeta y escritora, conocida como Pita Amor. Semblanza biográfica[editar] Sus padres fueron Emmanuel Amor Subervielle y Carolina Schmidtlein García Teruel, miembros de una... Ver mas
Guadalupe Teresa Amor Schmidtlein, (Ciudad de México, 30 de mayo de 1918 - Ciudad de México, 8 de mayo del 2000) fue poeta y escritora, conocida como Pita Amor.
Semblanza biográfica[editar]
Sus padres fueron Emmanuel Amor Subervielle y Carolina Schmidtlein García Teruel, miembros de una aristocracia que, ya para 1940, vivía más de recuerdos que de realidades[cita requerida]. El dinero, las haciendas, las cuadras de caballos: todo se había esfumado. Sólo quedaban una enorme casa en Abraham González 66, la cocinera, la nana y el mozo.
Fue la menor de siete hermanos, Pita fue la niña que lloraba y temía a la oscuridad[cita requerida], era la niña que paralizaba la cuadra entera con sus terribles berrinches[cita requerida]. En su juventud Guadalupe Amor fue actriz y modelo de fotógrafos y pintores destacados, entre ellos Diego Rivera, Juan Soriano y Raúl Anguiano. Fue a su vez amiga de Frida Kahlo, María Félix, Gabriela Mistral, Salvador Novo, Pablo Picasso, Juan Rulfo, Alfonso Reyes y Elena Garro entre muchos otros grandes intelectuales, en particular del México de los años 50. Tenía la costumbre de vestirse con mantones, capas y no usar ropa interior ni medias. Forjó en su poesía los temas metafísicos, caracterizándose por sus expresiones directas y desencadenadas, siempre en primera persona, en ellos se observa una clara influencia[cita requerida] de Sor Juana Inés de la Cruz, Francisco de Quevedo y Luis de Góngora.
Mujer controversial por su forma de ser y su modo de vida. Tenía una personalidad avasalladora[cita requerida], que no se dejaba dominar por nadie. Nunca pasaba inadvertida. Fue una mujer que vivió intensamente; aceptó por igual placeres y amarguras[cita requerida]. Su primer escándalo público[cita requerida] fue a los 18 años al convertirse en amante de José Madrazo, un rico ganadero de 60 años, dueño de la ganadería de toros La Punta­ con quien mantuvo una larga relación que abrió una época de provocación al mundo.
Hermosa, apasionada y polémica, fue apadrinada poéticamente por Alfonso Reyes, quien se refirió sobre ella "(...) y nada de comparaciones odiosas, aquí se trata de un caso mitológico". Pero también Pita fue de escándalo en escándalo[cita requerida], se le involucró en romances con toreros, pintores, artistas y escritores, aunque de igual manera fue precursora junto a Nahui Ollin de lo que después se llamaría liberación femenina[cita requerida].
Cuando tenía 41 años decide tener un hijo, que al sentirse incapaz de criar decide dar en custodia a su hermana mayor, Carito. Sin embargo ocurrió una tragedia que la marcaría para toda su vida. Manuelito, como se llamaba su hijo, muere ahogado en una pileta con agua, a la edad de un año y meses. Este evento le provocó una gran crisis; no deseaba ver a nadie, su vida personal se volvió silenciosa de un día para otro, se alejó y descuidó su aspecto físico.
Pasado el tiempo, aparece nuevamente en los setenta, como una mujer insolente y arrebatada pero diferente. Después de diez años, en 1974 ofrece un recital en el Ateneo Español. Recitó poesía mexicana, desde Sor Juana hasta Pita, pasando por Salvador Díaz Mirón, Manuel José Othón, Manuel González Montesinos, Alfonso Reyes, Enrique González Martínez, Renato Leduc, Xavier Villaurrutia, Ramón López Velarde, Roberto Cabral del Hoyo. El recital tuvo un éxito enorme, también volvió a dar entrevistas para la televisión.
Pita Amor no era solo una poetisa más, sino que supo ganarse el nombre de musa no sólo para intelectuales, también para políticos y gente del espectáculo. Con una personalidad atrayente e impositiva, con la locura de su amigo Salvador Dalí y los desplantes de María Félix, pero eso sí, con la ecuanimidad de Ricardo Garibay y las extravagancias de Juan José Arreola. La poetisa Pita Amor, la real y verdadera undécima musa.
Finalmente se quedó sola y murió en el año 2000, en un largo silencio que la mantuvo en cama por más de dos años, pero acompañada de los fantasmas que siempre quiso olvidar: la soledad, el abandono y la muerte.
Era tía de la también escritora Elena Poniatowska.
Obra[editar]
Yo soy mi casa (1946) dedicado a su gran amiga la también poetisa Gabriela Mistral
Puerta obstinada (1947)
Círculo de angustia (1948)
Polvo (1949)
Décimas a Dios (1953)
Sirviéndole a Dios, de hoguera (1958)
Todos los siglos del mundo (1959)
48 Veces Pita (1983)
Soy dueña del Universo (1984).

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Maya Angelou (EEUU 1928-2014)

87. Maya Angelou (EEUU 1928-2014)

Maya Angelou (Saint Louis, 4 de abril de 1928 - Winston-Salem, 28 de mayo de 2014)1 fue una poetisa, novelista, activista por los derechos civiles, actriz y cantante, guionista y directora de cine estadounidense. Fue, asimismo, profesora de literatura y estudios sobre Estados Unidos en la... Ver mas
Maya Angelou (Saint Louis, 4 de abril de 1928 - Winston-Salem, 28 de mayo de 2014)1 fue una poetisa, novelista, activista por los derechos civiles, actriz y cantante, guionista y directora de cine estadounidense. Fue, asimismo, profesora de literatura y estudios sobre Estados Unidos en la Universidad Wake Forest (en Carolina del Norte). Testigo excepcional de su tiempo, se dedicó con especial solvencia al género de la autobiografía, un género especialmente importante en la tradición literaria afroamericana.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Bibliografía
3 Referencias
4 Enlaces externos
Biografía[editar]
Angelou nació Marguerite Ann Johnson en Saint Louis, Misuri en 4 de abril de 1928 y pasó gran parte de su infancia en Stamps, Arkansas, un lugar en el que la segregación racial entre blancos y negros era tan radical que la mayoría de los niños de color no habían visto nunca a una persona blanca. A los tres años de edad, los padres de Marguerite, Bailey Johnson y Vivien Baxter, se divorciaron y la enviaron, junto con su hermano mayor Bailey Jr., a vivir con su abuela paterna, Momma Henderson. Ambos niños tuvieron la sensación de que sus padres se habían, de alguna manera, desembarazado de ellos, mandándolos incluso solos en el largo trayecto en tren desde California a Arkansas. A los 8 años Maya, que había vuelto a vivir brevemente con su madre en San Luis, Missouri, fue violada por el entonces novio de la misma y su agresor fue golpeado hasta la muerte. Estos sucesos constituyeron un acto traumático que provocó a Maya un mutismo patológico. Esta etapa de su vida es relatada en su novela autobiográfica: I know why the caged bird sings (Sé por qué el pájaro enjaulado canta), publicada en 1970. En ella, relata su infancia al lado de su abuela puritana, la relación complicada con su madre y su embarazo siendo una adolescente soltera de 16 años. En plena situación de mudez descubre la vocación por el idioma. Permanece muda durante cinco años hasta que una profesora consigue que vuelva a hablar, tras convencerla de que solo podría apreciar las letras si es capaz de hablar nuevamente.
Su primera novela, Gather together in my name, continúa su autobiografía. En ella describe las dificultades de una madre soltera, inestable en sus empleos y en sus relaciones amorosas. Vendería más de un millón de ejemplares por todo el mundo, e inspiraría una versión cinematográfica.
En 1940, Angelou se marcha a vivir con su madre a San Francisco. A finales de los años cincuenta ―como describe en The heart of a woman (El corazón de una mujer)― logra una carrera de éxito como cantante, bailarina, actriz, directora de revistas, activista de los derechos civiles, poeta y novelista. En casi todas sus obras denuncia el racismo, y exalta el valor, la perseverancia, la supervivencia y la propia estimación. Le fueron otorgados numerosos premios y títulos honoríficos. En 1993 leyó su poema On the Pulse of Morning (En el curso de la mañana) en la toma de posesión del presidente Bill Clinton.
En los años sesenta, Angelou mantiene un romance con el libertador sudafricano Vusumzi Make, con quien vivió en Egipto y publicó la revista semanal The Arab Observer. Martin Luther King la invita a participar en la Southern Christian Leadership Conference (Conferencia Sureña del Liderazgo Cristiano).
B. B. King, Quincy Jones y Ben Harper, entre otros, han musicalizado sus textos.
Fue postulada a los premios Grammy en la categoría de libros grabados, al premio Tony por su trabajo en Broadway Look away y a un Emmy por la miniserie Raíces. Era autora del guion y música del filme Georgia, Georgia.
En mayo de 2014, Maya Angelou tuvo que cancelar varias de sus apariciones públicas, debido a un malestar físico. La mañana del 28 de mayo de 2014 fue encontrada muerta por su cuidadora.

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Cecilia Meireles (Brasil 1901-1964)

88. Cecilia Meireles (Brasil 1901-1964)

Considerada como la gran poetisa de la lengua portuguesa. Junto a Bandeira ha de figurar ya que ellos, con Drummond de Andrade, formaron la vanguardia del modernismo en la poesía brasileña. Su poesía, además de una notable labor cultural, la ha hecho acreedora a la fama por su técnica y por su... Ver mas
Considerada como la gran poetisa de la lengua portuguesa. Junto a Bandeira ha de figurar ya que ellos, con Drummond de Andrade, formaron la vanguardia del modernismo en la poesía brasileña. Su poesía, además de una notable labor cultural, la ha hecho acreedora a la fama por su técnica y por su riqueza formal y humana. Con Viagem obtuvo el Premio de Poesía de la Academia Brasileña, en 1835. Afirmó, su manera poética con Mar absoluto (1944) y, principalmente, con Retrato Natural (1949), que consagró su genialidad. Su extensa Elegía (1933-1937), dedicada a la memoria de un ser querido con el tema de un nocturno funerario, tiene fuerzas de sana interpretación, de vital optimismo y de clara luminosidad. Es bella evocación de la alegría que nos rodea y con la que nos obsequian los sentidos. La tristeza se halla en que la abuela no podrá disfrutarla y en captar la idea de la muerte. Como su mejor obra poética se cita Elegía de Gandhi, traducida a numerosos idiomas. © epdlp

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Marilina Rébora (Argentina 1919-1999)

89. Marilina Rébora (Argentina 1919-1999)

Poeta y pintora argentina nacida en Buenos Aires. Con diez años estudió dibujo y expuso sus primeras obras con sólo veinte años. Compartió más tarde exposiciones con distinguidos artistas plásticos del momento como Emilio Pettoruti y Raúl Soldi. Conoció desde muy joven a grandes escritores... Ver mas
Poeta y pintora argentina nacida en Buenos Aires. Con diez años estudió dibujo y expuso sus primeras obras con sólo veinte años. Compartió más tarde exposiciones con distinguidos artistas plásticos del momento como Emilio Pettoruti y Raúl Soldi. Conoció desde muy joven a grandes escritores, gracias a las frecuentes visitas que hacían a su casa los amigos de su padre, Bonifacio Palacios (Almafuerte), Leopoldo Lugones, Rafael Alberto Arrieta, Rafael de Diego, Horacio Quiroga, Ricardo Rojas, Norah Borges -que le hiciera un retrato en 1927 titulado Marilina con una naranja en la mano- y Alfonsina Storni, que la sentaba en su regazo. Quizá fue ese contacto de privilegio el que la llevó a la poesía, llegando a publicar nueve libros, Los Días de los Días (1969), Libro de Estampas (1972), El Río Azul (1975), Tiempos de la Vida (1975), Las Confidencias (1978), Animalerías (1980), El Lagarto estaba harto (1986), No me llames poeta (2001) y Caleidoscopio Artístico (2003), estas dos últimas póstumas. Fue colaboradora del diario La Prensa de Buenos Aires, donde fueron publicados varios de sus poemas. Escritora solitaria que a lo largo de su vida huyó de la estridencia bulliciosa y la difundida notoriedad, cultivó devotamente su mundo interior y su opulenta imaginación. Su pensamiento y sensibilidad fueron capaces de provocar en sus sonetos una verdadera sucesión de emociones. Murió el 19 de septiembre de 1999 en la ciudad de Buenos Aires. © epdlp

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Ho Xuan Huong (Vietnam 1772-1822)

90. Ho Xuan Huong (Vietnam 1772-1822)

Hồ Xuân Hương (1772-1822) (胡春香, pinyin Hú Chūnxiāng) poeta vietnamita en chữ nôm nacida al final de la dinastía Lê. Considerada una de las figuras más importantes de la poesía de su país. Los hechos de su vida son difíciles de esclarecer. Al ser una concubina en una sociedad confucianista, su... Ver mas
Hồ Xuân Hương (1772-1822) (胡春香, pinyin Hú Chūnxiāng) poeta vietnamita en chữ nôm nacida al final de la dinastía Lê. Considerada una de las figuras más importantes de la poesía de su país.
Los hechos de su vida son difíciles de esclarecer. Al ser una concubina en una sociedad confucianista, su trabajo le enseñó a ser una mujer de mente independiente que se resistía a las normas sociales a través de sus comentarios políticos y el uso de humor y expresiones que hacían referencia al sexo. Sus poemas son a menudo irreverentes y están llenos de dobles sentidos, pero se consideran eruditos. Su deseo de escribir en nôm en vez de en chino tradicional contribuyó a su prominencia en el siglo XVIII.
Obra[editar]
Perfume primaveral (Versión, prólogo y notas de Jesús Munárriz. Ilustraciones de María Teresa Vivaldi). Madrid, Ediciones Hiperión, 1996. ISBN 978-84-7517-479-9

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Rosario Ferré (Puerto Rico 1938)

91. Rosario Ferré (Puerto Rico 1938)

Novelista, ensayista y poeta portorriqueña nacida en Ponce. Fue fundadora de la revista literaria Zona de carga y descarga, en la que aparecen sus primeros cuentos y poemas, así como sus primeros ensayos críticos. Escribió en los diarios portorriqueños el Nuevo Día y el San Juan Star. En todas... Ver mas
Novelista, ensayista y poeta portorriqueña nacida en Ponce. Fue fundadora de la revista literaria Zona de carga y descarga, en la que aparecen sus primeros cuentos y poemas, así como sus primeros ensayos críticos. Escribió en los diarios portorriqueños el Nuevo Día y el San Juan Star. En todas sus obras encontramos su denuncia sobre la situación que vive la mujer en la sociedad portorriqueña, la explotación sexual y económica, la colonización o el intento de colonización cultural. Ha publicado las novelas Maldito amor (1986), La batalla de las vírgenes (1993), La casa de la laguna (1996); Eccentric Neighborhoods (1999) y Extraños vecindarios (1999). Los relatos Papeles de Pandora (1976), El medio Pollito: siete cuentos infantiles (1976), Los cuentos de Juan Bobo (1981) y La mona que le pisaron la cola (1981). Y los libros de poemas Fábulas de la garza desangrada, colección de poemas eróticos (1982), Sonatinas (1989) y Las dos Venecias (1992). La constante en la escritura de Rosario Ferré es la búsqueda de la identidad: su identidad como mujer, su identidad como puertorriqueña, y en esa búsqueda, como aparece en La casa de la laguna, tiene necesidad de destruirse, provocar un incendio que arrase con todo aquello que vive en la superficie para poder reencontrarse y reconstruirse. © epdlp

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Sophia  de Mello Breyner  (Portugal 1919-2004)

92. Sophia de Mello Breyner (Portugal 1919-2004)

Sophia de Mello Breyner Andresen (Oporto, 6 de noviembre de 1919 — Lisboa, 2 de julio de 2004) fue una de las poetas portugueses más importantes del siglo XX. Distinguida con el Prémio Camões en 1999, fue la primera mujer portuguesa en recibir el más importante galardón de la literatura en... Ver mas
Sophia de Mello Breyner Andresen (Oporto, 6 de noviembre de 1919 — Lisboa, 2 de julio de 2004) fue una de las poetas portugueses más importantes del siglo XX. Distinguida con el Prémio Camões en 1999, fue la primera mujer portuguesa en recibir el más importante galardón de la literatura en lengua lusa. En el año 2003 obtuvo también el Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Obras
2.1 Caracteres generales
2.2 Poesía
2.3 Cuentos
2.4 Teatro
2.5 Ensayo
2.6 Narrativa infantil
2.7 Obra traducida al español
3 Referencias
4 Enlaces externos
Biografía[editar]
Su familia paterna era de origen danés. Su abuelo Jan Henrik Andriesen se estableció en Oporto en el s. XIX y el hijo de éste, João Henrique, adquirió en 1895 la Quinta de Campo Alegre, hoy Jardín Botánico de Oporto. La autora, criada en el seno de una familia tradicional de la oligarquía portuense, pasaría su infancia en esa finca, que ella misma recordará como um território fabuloso com uma grande e rica família servida por uma criadagem numerosa.1 Los recuerdos de los veraneos pasados en la playa de La Granja y de las Navidades celebradas de acuerdo con las tradiciones nórdicas se reflejarán más tarde en su obra poética.2
A los tres años descubrió la poesía, cuando una criada le enseñó a recitar el poema A Nau Catrineta, que aprendió de memoria, al igual que luego otros poemas.3 Antes de saber leer, su abuelo ya le había enseñado a recitar poemas de Camões y de Antero de Quental.4 Desde los doce años y durante toda su adolescencia y primera juventud escribió versos de manera compulsiva.5
De 1936 a 1939 estudió Filología Clásica en la Universidad de Lisboa, pero no llegó a terminar la carrera, aunque se familiarizó con la civilización griega, lo que daría lugar a los motivos helenísticos que aparecen frecuentemente en su obra.6 Durante sus años en la Facultad de Letras fue dirigente de movimientos católicos universitarios y colaboró con la revista Cadernos de Poesía, donde trabó amistad con autores influyentes y reconocidos, como Rui Cinatti y Jorge de Sena.5
En 1939 regresó a Oporto, donde viviría hasta casarse. En 1944 publicó su primer libro, Poesía, en una edición de trescientos ejemplares, pagada por su padre.7 En este libro, publicado el año en que su autora cumplía veinticinco años, pero en el que se recogen algunos poemas escritos cuando sólo tenía catorce, se advierte un intenso entusiasmo vital juvenil, que coexiste, sin embargo, con un lado nocturno y decepcionado; rasgos que aparecerán también en su obra posterior.8
En 1946, contrajo matrimonio con el periodista, político y abogado Francisco Sousa Tavares, establecéndose definitivamente en Lisboa. Tuvo cinco hijos: una misionera laica, una profesora universitaria de Letras, un abogado y periodista de renombre (Miguel Sousa Tavares), un pintor y ceramista y, por último, una terapeuta ocupacional que heredó el nombre de la madre. La atención a sus hijos la motivó a escribir cuentos infantiles.
A partir de su matrimonio, la obra de Sophia de Mello adquirió un cariz más comprometido y atento a las realidades sociales de su tiempo, desde una cosmovisión humanista cristiana; compromiso que se aprecia especialmente en poemarios como Livro Sexto (1962) y Dual (1967).5 La propia autora reconocería la influencia política de su marido en la dedicatoria del libro Contos Exemplares (1967), dirigida para o Francico que me ensinou a coragem e a alegria do combate desigual. De este modo Sophia de Mello acabó por convertirse en una figura representativa de la oposición a la dictadura salazarista, que fue evolucionando desde una posición política liberal y desde su temprano apoyo al movimiento monárquico. Se hizo célebre en este ámbito su "cantata de paz" Vemos, ouvimos, lemos. Não podemos ignorar!. En la palestra del compromiso cívico y la lucha por las libertades, Sophia de Mello fue cofundadora de la Comisión Nacional de Ayuda a los Presos Políticos y Presidenta de la Asamblea General de la Asociación Portuguesa de Escritores.
Tras la Revolución de los Claveles, fue elegida en 1975 Diputada a la Asamblea Constituyente por la circunscripción de Oporto en la lista del Partido Socialista, mientras su marido se inclinaba por el Partido Social Demócrata.
Sophia de Mello Breyner murió a los 84 años, el día 2 de julio de 2004 en el Hospital da Cruz Vermelha de Lisboa. Desde 2005, algunos de sus poemas más ligados al mar figuran colocados en las zonas de descanso del Oceanário de Lisboa, para que los visitantes puedan leerlos con el mar de fondo. Del mismo modo, junto a la Iglesia de San Vicente de Fora, desde la que se divisa una bella perspectiva de la ciudad, una lápida recoge su poema Lisboa.
Obras[editar]
Caracteres generales[editar]
Sophia de Mello Breyner Andresen escribió quince libros de poesía, publicados entre 1944 y 1997. Su obra poética se caracteriza por la sobriedad expresiva, compatible con la intensidad de los sentimientos; se trata de "una poesía contenida, de raigambre clásica y a la vez oriental, elíptica, que calla más que dice y sugiere más que afirma".9 La propia autora recordaba su descubrimiento de que "en un poema es preciso que cada palabra sea necesaria. Las palabras no pueden ser decorativas, no pueden servir sólo para ganar tiempo hasta el final del endecasílabo, las palabras tienen que estar ahí porque son absolutamente indispensables."10
El lenguaje de su poesía tiene un estilo característico, cuyo rasgos más destacados son el valor intrínseco de la palabra, la expresión rigurosa, la riqueza de símbolos y alegorías, las sinestesias y el ritmo evocador de una dimensión ritual.11 Entre sus temas recurrentes figuran el mar y la naturaleza, la noche, la infancia, los valores de la antigüedad clásica y de la mediterraneidad, la búsqueda de la justicia, la armonía y el equlibrio y la añoranza de un tiempo absoluto y eterno, arquetípico y primordial, una especie de Edad de Oro anterior al "tiempo dividido" en que vivimos, el tiempo de la soledad y la mentira.8
Sophia de Mello Breyner fue también autora de cuentos, obras de teatro, artículos y ensayos; destacando especialmente en el campo de la narrativa infantil. Lugar aparte merece su importante labor como traductora, en la que virtió al portugués obras de Eurípides (Medea), Dante (el Purgatorio de la Divina Comedia), Shakespeare (Hamlet y Mucho ruido y pocas nueces), Paul Claudel y Leif Kristianson. También tradujo al francés la obra de poetas portugueses.
Poesía[editar]
Poesia (1944)
O Dia do Mar (1947)
Coral (1950)
No Tempo Dividido (1954)
Mar Novo (1958)
O Cristo Cigano (1961)
Livro Sexto (1962)
Geografía (1967)
11 Poemas (1971)
Dual (1972)
O Nome das Coisas (1977)
Navegações(1977)
Ilhas (1989)
Musa (1994)
O Búzio de Cós e outros poemas (1997)
Aparte de diversas antologías, todos estos libros fueron reunidos en los tres volúmenes de su Obra Poética (Ed. Caminho, Lisboa, 1990-2003); pero posteriormente se decidió no reeditar esta publicación conjunta y volver a la edición autónoma de cada poemario.
Cuentos[editar]
Contos exemplares (1962)
Histórias da Terra e do Mar (1984)
Teatro[editar]
O Bojador (1961)
O Colar (2001)

Ensayo[editar]
O nu na antiguidade classica (1975)

Narrativa infantil[editar]
A menina do mar (1958)
A fada Oriana (1958)
A noite de Natal (1959)
O cavaleiro da Dinamarca (1964)
O rapaz de bronze (1965)
A Floresta (1968)
A Àrvore (1985)

Obra traducida al español[editar]
Antología griega (Ediciones Miguel Gómez, 1999)
Antología poética (Huerga y Fierro, 2000)
En la desnudez de la luz (Antología, Ed. Universidad de Salamanca, 2003)
Nocturno mediodía (Antología, traducción de Ángel Campos Pámpano, Galaxia Gutemberg-Círculo de Lectotres, 2005).

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Natália Correia (Portugal 1923-1993)

93. Natália Correia (Portugal 1923-1993)

Biografía[editar] Realizó sus estudios secundarios en Lisboa, colaboró en diversas publicaciones periodísticas y fue diputada del Partido Social Demócrata Portugués. Fue una de las activistas más importantes en la lucha contra el fascismo en su país y una gran defensora de la cultura, los... Ver mas
Biografía[editar]
Realizó sus estudios secundarios en Lisboa, colaboró en diversas publicaciones periodísticas y fue diputada del Partido Social Demócrata Portugués. Fue una de las activistas más importantes en la lucha contra el fascismo en su país y una gran defensora de la cultura, los derechos humanos y los derechos de la mujer. Se le considera una de las figuras más importantes de la literatura portuguesa del siglo XX.
Siempre se mostró marcada profundamente por la naturaleza de su isla natal, tanto en sus afinidades literarias —Antero de Quental, Vitorino Nemésio—, como en la elección de los temas, imágenes y símbolos. La influyeron mucho el surrealismo, la lírica galaicoportuguesa y el misticismo. Su obra abarca un amplio espectro que va desde el lirismo romántico hasta la sátira. Cultivó géneros muy diversos: la poesía, la ficción, el ensayo, el teatro, la antología, etc.
Obras[editar]
Poesía[editar]
Rio de Nuvens (1947)
Poemas (1955)
Dimensão Encontrada (1957)
Passaporte (1958)
Comunicação (1959)
Cântico do País Imerso (1961)
O Vinho e a Lira (1966)
Mátria (1968)
As Maçãs de Orestes (1970)
Mosca Iluminada (1972)
O Anjo do Ocidente à Entrada do Ferro (1973)
Poemas a Rebate (1975)
Epístola aos Iamitas (1976)
O Dilúvio e a Pomba (1979)
Sonetos Românticos (1990)
O Armistício (1985)
O Sol das Noites e o Luar nos Dias (1993)
Memória da Sombra (1994)
Ficción[editar]
Anoiteceu no Bairro (1946)
A Madona (1968)
A Ilha de Circe (1983)
Teatro[editar]
O Progresso de Édipo (1957)
O Homúnculo (1965)
O Encoberto (1969)
Erros meus, má fortuna, amor ardente (1981)
A Pécora (1983)
Ensayo[editar]
Obras varias: Poesía de arte e realismo poético (1958)
Uma estátua para Herodes (1974)
Obras várias: Descobri que era Europeia (1951)
Não Percas a Rosa (1978)
A questão académica de 1907 (1962)
Antologia da Poesía Erótica e Satírica (1966)
Cantares Galego-Portugueses (1970)
Trovas de D. Dinis (1970)
A Mulher (1973)
O Surrealismo na Poesía Portuguesa (1973)
Antologia da Poesía Portuguesa no Período Barroco (1982)
A Ilha de São Nunca (1982)
Somos todos hispanos (1988)

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Vittoria Colonna (Italia 1490-1547)

94. Vittoria Colonna (Italia 1490-1547)

La marquesa humanista, Vittoria Colonna (1490-1547) Retrato de Vittoria Colonna Sebastiano del Piombo Vittoria Colonna fue una auténtica mujer del Renacimiento. Aristócrata, culta, refinada, escribió poesía dedicada a su marido y prosa reflexiva sobre temas religiosos y espirituales... Ver mas
La marquesa humanista, Vittoria Colonna (1490-1547)

Retrato de Vittoria Colonna
Sebastiano del Piombo
Vittoria Colonna fue una auténtica mujer del Renacimiento. Aristócrata, culta, refinada, escribió poesía dedicada a su marido y prosa reflexiva sobre temas religiosos y espirituales. También cantaba magníficamente y sabía tocar el laúd. Fue admirada por grandes hombres de su tiempo como Baldassare de Castiglione o Leonardo da Vinci, quien llegó incluso a inmortalizarla con su genial pincel. También tuvo, sin embargo, detractores, aquellos que seguían empeñados en alejar a las mujeres del mundo del arte y la euridición.

Rimas a un amor perdido
Vittoria Colonna nació en Marino en abril de 1490 en el seno de una familia noble, los Colonna. Era la segunda hija de Fabrizio Colonna, gran Condestable del Reino de Nápoles, y Agnese di Montefeltro, hija del duque de Urbino.

Vittoria recibió una refinada educación humanística que haría de ella una joven educada que cantaba, tocaba el laúd y escribía bellos poemas. Incluso al final de sus días llegó a componer varias piezas musicales que no se han conservado.

Cuando Vittoria tenía 16 años no pudo mantenerse al margen de los intereses políticos de su familia. Su padre, en un intento de acercamiento político con el rey Fernando de Aragón, dispuso su matrimonio con Francesco Ferrante d’Avalos, noble napolitano de origen español. El enlace tuvo lugar en Ischia el 27 de diciembre de 1509.



Retrato de Vittoria Colonna
Miguel Angel Buonarroti
A pesar de la naturaleza pactada del matrimonio, Vittoria y Francesco se amaron apasionadamente como lo atestiguan las cartas de amor que se escribieron durante las largas ausencias de Francesco y las rimas que Vittoria le dedicó tras su fallecimiento. Francesco participó en las continuas guerras que en aquellos años enfrentaron a Francia y España teniendo en Italia uno de sus principales escenarios bélicos. Francesco cayó herido de muerte en la famosa batalla de Pavía en 1525.

Vittoria ahogó su dolor en la pluma escribiendo bellas rimas de amor a su esposo desaparecido.

Pensamientos espirituales controvertidos
Vittoria Colona escribió también una interesante producción literaria en rima y prosa centrada en temáticas religiosas y espirituales. Sus ideas cercanas al reformismo fueron investigadas por la Inquisición.

Su obra literaria fue publicada por primera vez en Parma por Antonio Viotti. En años sucesivos se imprimieron nuevas ediciones en distintas ciudades italianas.

La amiga del artista
La vida intelectual de Vittoria le facilitó conocer a distintos eruditos del momento pero con quien mantuvo una profunda amistad fue con el artista Miguel Angel Buonarroti al que conoció en 1537. De su relación quedó un amplio epistolario que se publicó tras su muerte, bellas poesías, un retrato y la posible aparición de Vittoria en el ingente fresco del Juicio Final de la Capilla Sixtina.

Vittoria Colonna, marquesa de Pescara, moría en Roma el 25 de febrero de 1547 después de sufrir una larga enfermedad.

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Mary Elizabeth Coleridge (Gran Bretaña 1861-1907)

95. Mary Elizabeth Coleridge (Gran Bretaña 1861-1907)

Mary Elizabeth Coleridge (23 septiembre 1861 a 25 agosto 1907) era un británico novelista y poeta que también escribió ensayos y reseñas. [1] Fue profesora en el Colegio de la Mujer Trabajadora de Londres durante doce años a partir de 1895 a 1907. Ella escribió poesía bajo el seudónimo Anodos... Ver mas
Mary Elizabeth Coleridge (23 septiembre 1861 a 25 agosto 1907) era un británico novelista y poeta que también escribió ensayos y reseñas. [1] Fue profesora en el Colegio de la Mujer Trabajadora de Londres durante doce años a partir de 1895 a 1907. Ella escribió poesía bajo el seudónimo Anodos, tomada de George MacDonald ; otros factores que influyen en ella eran Richard Watson Dixon y Christina Rossetti . Robert Bridges , el poeta laureado, describen sus poemas como 'wonderously hermosa ... pero en lugar místico y enigmático ". [2]
Coleridge publicó cinco novelas, la más conocida de los que están siendo El Rey con dos caras, que obtuvo su £ 900 en concepto de regalías en 1897. Viajó extensamente a través de su vida, aunque su casa se ​​encontraba en Londres, donde vivía con su familia. Su padre era Arthur Duke Coleridge quien, junto con la cantante Jenny Lind , fue el responsable de la formación de la London Bach Choir en 1875. Otros amigos de la familia incluido Robert Browning , Alfred, Lord Tennyson , John Millais y Fanny Kemble .
María Coleridge era la sobrina bisnieta de Samuel Taylor Coleridge y la sobrina nieta de Sara Coleridge , el autor de Phantasmion. Ella murió a causa de complicaciones derivadas de la apendicitis durante sus vacaciones en Harrogate en 1907, dejando un manuscrito inacabado de su próxima novela y cientos de poemas inéditos.
Su poema "El pájaro azul" fue puesto en música por Charles Villiers Stanford , y "Tu mano en la mía" fue creado por Frank Bridge . Un amigo de la familia, el compositor Hubert Parry , también estableció varios de sus poemas a la música.
Las obras publicadas [ editar ]
Siguientes de Fantasía. Oxford: Daniel, 1896 (poemas)
El Rey con dos caras. Londres: Edward Arnold, 1897
Los siete durmientes de Éfeso. Londres: Chatto y Windus, 1898
Non Sequitur. Londres: J. Nisbet, 1900 (ensayos)
El Amanecer Ardiente. Londres: Edward Arnold, 1901
La Sombra en la pared: un romance. Londres: Edward Arnold, 1904
La dama en el piso drawingroom. Londres: Edward Arnold, 1906kiren
Holman Hunt. Londres: TC & EC Jack; Nueva York: FA Stokes Co, [1908] (tres números de obras maestras en color emitió juntos: Millais / por AL Baldry . - Holman Hunt / por Coleridge ME - Rossetti / por L. Pissarro)
Poemas de María E. Coleridge. Londres: Elkin Mathews, 1908
Las canciones no enumeran [3]

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Marie-Claire Blais (Canadá 1939)

96. Marie-Claire Blais (Canadá 1939)

Vida [ editar ] Nacido en la ciudad de Quebec , fue educada en un colegio de monjas y en la Universidad Laval . Fue en Laval que conoció a Jeanne Lapointe y Padre Georges Lévesque, que la animó a escribir y, en 1959, la publicación de su primera novela, La Belle Bête (trans. Mad Sombras) en... Ver mas
Vida [ editar ]
Nacido en la ciudad de Quebec , fue educada en un colegio de monjas y en la Universidad Laval . Fue en Laval que conoció a Jeanne Lapointe y Padre Georges Lévesque, que la animó a escribir y, en 1959, la publicación de su primera novela, La Belle Bête (trans. Mad Sombras) en 1959, cuando se dio la vuelta 20. Desde entonces, ha escrito más de 20 novelas, varias obras de teatro , colecciones de poesía y ficción, como artículos de periódicos también. Sus obras han sido traducidas a numerosos idiomas, incluyendo Inglés y Chino . Con el apoyo de la eminente crítico norteamericano Edmund Wilson , Blais ganó dos becas Guggenheim .
En 1963, Blais trasladó al Estados Unidos , inicialmente viviendo en Cambridge , Massachusetts . Allí conoció a su pareja, el artista estadounidense María Meigs , y más tarde se trasladó a Wellfleet en Cape Cod . En 1975, después de dos años viviendo en Bretaña , se mudó de regreso a Quebec con su pareja. Por cerca de veinte años que divide su tiempo entre Montreal, los municipios del este de Quebec y Key West , Florida .
Escritos [ editar ]
Gran parte de la escritura Blais 'ha sido en forma de comentario social, con elementos entremezclados del bien y el mal en la configuración de la parte real y parte de la fantasía. Sus obras se inclinan hacia lo trágico, dentro de una sociedad hostil del vicio y la violencia. La fuerza de la capacidad de la escritura Blais 'es gratificante para el lector, a pesar de los aspectos más oscuros de sus temas.
Impacto [ editar ]
En 1972 se convirtió en un compañero de la orden de Canadá .
Sus obras La Belle Bête ( 1959 ), Une Saison dans la vie d'Emmanuel ( 1965 ) y Le Sourd dans la ville ( 1979 ), han sido adaptadas para el cine.
El director de cine canadiense Karim Hussain adaptada La Belle Bête en 2006. Ganó el Premio del Director en el Festival de Cine Underground de Boston para la película. [1]
Obras [ editar ]
La Belle Bête (Mad Sombras) - 1959
Tête Blanche (Tête Blanche) - 1960
Le Jour est noir - ("El día es oscuro" en el día es oscuro y Tres viajeros) 1962
Paga voiles ("Los países con velo" en veladas Países / Lives) - 1963
Une Saison dans la vie d'Emmanuel (Una temporada en la vida de Emmanuel) - 1965
L'insoumise (El fugitivo) - 1966
Existencias ("vive" en el velo Países / Lives) - 1967
Les Manuscrits de Pauline Archange (Los Manuscritos de Pauline Archange) - 1968
L'exécution (La ejecución) - 1968
Les Voyageurs sacrés ("Tres viajeros" en el día es oscuro y Tres viajeros) - 1969
Vivre! Vivre (Los Manuscritos de Pauline Archange) - 1969
Le Loup (El Lobo) - 1970
Un Joualonais, sa Joualonie (St. Lawrence blues) - 1973
Fièvre et autres textes Dramáticos - 1974
Une Enlace parisienne (A Literary Affair) - 1975
Les Apparences (Angel de Durero) - 1976
Océan suivi de murmures - 1977
Les Nuits de l'(Noches en el metro) subterráneos - 1978
Le Sourd dans la ville (sordos a la Ciudad) - 1979
Visiones d'Anna ou Le Vertige (Mundial de Anna) - 1982
Sommeil d'hiver (Wintersleep) - 1984
Pierre, la guerre du printemps (Pierre) - 1984
L'Île (La Isla) - 1989]
L'Ange de la soledad (El Ángel de la Soledad) - 1989
Parcours d'un écrivain: Notas américaines (Cuadernos Americanos: El viaje de un escritor) - 1993
Soifs (Estos festivas Noches) - 1995
(El exilio y los Sagrados viajeros) - 2000
Dans la foudre et la lumière (trueno y luz) - 2001
Augustino et le chœur de la destrucción (Agustino y el Coro de la Destrucción) - 2005
El Radio Teatro Recogida de Marie-Claire Blais - 2007
Mai au bal des Prédateurs - 2010
Premios [ editar ]
Premio de Francia-Canadá - 1965
Premio Médicis - 1966
Premio Athanase-David - 1982
Premio Ludger-Duvernay - 1988
Premio del Gobernador General Literario - 1996
Prix ​​d'Italie - 1999
WO Premio Literario Mitchell - 2000
Premio Príncipe Pierre de Mónaco - 2002
Matt Premio Cohen - 2006

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George Eliot (Gran Bretaña 1819-1880)

97. George Eliot (Gran Bretaña 1819-1880)

Seudónimo de Mary Ann o Marian Evans, novelista inglesa cuyos libros, de una profunda sensibilidad y retratos certeros de las vidas sencillas, le otorgaron un puesto relevante en la literatura del siglo XIX. Su fama fue internacional y su obra influyó en gran medida en el desarrollo del... Ver mas
Seudónimo de Mary Ann o Marian Evans, novelista inglesa cuyos libros, de una profunda sensibilidad y retratos certeros de las vidas sencillas, le otorgaron un puesto relevante en la literatura del siglo XIX. Su fama fue internacional y su obra influyó en gran medida en el desarrollo del naturalismo francés. George Eliot nació en Chilvers Coton (Warwickshire), hija de un agente inmobiliario. Estudió en la escuela local de Nuneaton y después en un internado de Coventry. A los 17 años, tras la muerte de su madre y el matrimonio de su hermana mayor, regresó a casa para cuidar a su padre. A partir de entonces fue autodidacta. Una estricta educación religiosa presidió su juventud, recibida ante la insistencia de su padre. En 1841 empezó a leer obras racionalistas que la impulsaron a rebelarse contra la religión dogmática y durante toda su vida fue racionalista. Su primer trabajo literario, que le ocupó de 1844 a 1846, fue la traducción de Vida de Jesús (1835-1836) del teólogo alemán David Strauss. En 1851 viajó durante dos años por Europa y a su regreso escribió reseñas de libros para la revista Westminster Review. Más tarde fue subdirectora de la revista, trabajo que la puso en contacto con las principales figuras literarias de la época, como Harriet Martineau, John Stuart Mill, James Froude, Herbert Spencer y George Lewes. Conocer a Lewes, filósofo, científico y crítico, fue uno de los acontecimientos más importantes de su vida. Se enamoraron y decidieron vivir juntos a pesar de que Lewes estaba casado y no podía divorciarse. Sin embargo, Eliot consideró su larga y feliz relación con Lewes como un matrimonio. Continuó escribiendo reseñas y artículos para revistas, así como traducciones del alemán. En 1856, alentada por Lewes, empezó a escribir novelas. A su primer relato, Amos Barton, publicado en Blackwood's Magazine en enero de 1857, siguieron otros dos en el mismo año, que aparecieron después reunidos en un libro con el título de Escenas de la vida clerical (1858). Lo firmó con el seudónimo de George Eliot y mantuvo en secreto su identidad durante muchos años. Entre sus obras más famosas se encuentran Adam Bede (1859), El molino junto al Floss (1860) y Silas Marner (1861). Son novelas que tratan de la región de Warwickshire y en gran parte están basadas en su propia vida. Sus viajes por Italia inspiraron su novela siguiente, Romola (1863), una novela histórica sobre el predicador y reformador Girolamo Savonarola y la Florencia del siglo XV. Comenzada en 1861, apareció por entregas en The Cornhill Magazine antes de publicarse en 1863. Después de terminar Romola, escribió dos destacadas novelas, Felix Holt, el Radical (1866), sobre la política inglesa, y Middlemarch (1872), que trata de la vida y responsabilidades morales de la clase media inglesa en una ciudad de provincias. Daniel Deronda (1876) es una novela en la que ataca el antisemitismo y simpatiza con el nacionalismo judío; Las impresiones de Theophrastus Such (1879) es un libro de ensayos. Su poesía, considerada muy inferior a su prosa, incluye La gitana española (1868), un drama en verso inspirado en su visita a España en 1867; Agatha (1869) y La leyenda de Jubal y otros poemas (1874). Eliot fue admirada por contemporáneos como Emily Dickinson y escritores posteriores como Virginia Woolf, y actualmente ha suscitado una crítica feminista favorable. Escribió sus obras más importantes animada y protegida por Lewes, que le impidió ver las críticas desfavorables a sus libros. Después de su muerte en 1878 ella se retiró y dejó de escribir. En mayo de 1880 se casó con John Cross, un banquero estadounidense que había sido amigo suyo y de Lewes durante mucho tiempo y sería su primer biógrafo, pero ella murió en Londres siete meses después. © M.E.

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Fadwa Touqan (Palestina 1914-2003)

98. Fadwa Touqan (Palestina 1914-2003)

Biografía[editar] Fadwa Tuqán pertenece a una distinguida familia de intelectuales y políticos, de la cual algunos de sus miembros han colaborado en el gobierno de Jordania. Recibió educación en un colegio cristiano el cual tuvo que abandonar a los 13 años de edad debido a una enfermedad. Uno... Ver mas
Biografía[editar]
Fadwa Tuqán pertenece a una distinguida familia de intelectuales y políticos, de la cual algunos de sus miembros han colaborado en el gobierno de Jordania. Recibió educación en un colegio cristiano el cual tuvo que abandonar a los 13 años de edad debido a una enfermedad.
Uno de sus hermanos, Ibrahim Touquan, conocido como el Poeta de Palestina, se hizo cargo de su educación, le facilitaba libros para leer y le enseñó inglés. Él fue también quien la introdujo en la poesía. Touqan asistió a la Universidad de Oxford en el reino unido, donde estudió inglés y literatura entre los años 1962 y 1964. El hermano mayor de Fadwa Touqan es Ahmad Toukan, ex-primer ministro de Jordania.
La llamaban la “Gran Dama” de las letras Palestinas, por su poesía escrita.2 3
Autobiografía[editar]
Su autobiografía “Un viaje montañoso”, fue publicada en 1985 y fue traducida al inglés en 1990.
Inicios[editar]
Fadwa Tuqan, comenzó a escribir poesía de forma tradicional, pero con el paso del tiempo, se convirtió en una de las pioneras en el uso del verso libre en la poesía árabe.
Libros[editar]
Publico varios libros de poemas como:
Sola con los días, 1952
La encontré, 1957
Danos amor, 1960
Ante la puerta cerrada, 1967
El comando y la tierra, 1968
La noche y los jinetes, 1969
Sola en la cumbre de este mundo, 1974
Mi hermano Ibrahim, 1946. Este libro es una apasionada biografía de su hermano Ibrahim.4
Poemas patrióticos[editar]
A partir de 1967 empezó a escribir poemas patrióticos como: "Palabras a mi Patria", "Cancioncillas para los comandos", "La libertad del pueblo", "El comando y la tierra".
El poema "El comando y la tierra", que cuenta con tres estrofas, es inspirado en un hecho real: la desaparición del comando Mazin Abu-Gazala en las colinas de Tubás, durante una batalla ocurrida a finales de septiembre de 1967. En este poema, Fadwa Tuqan incluye en la primera estrofa frases que se encontraron en la agenda de un combatiente muerto de dicho comando, fechadas el 15 de junio de 1967, mismo año que murió.
Premios[editar]
Premio Internacional de Poesía en Palermo, Italia. Premio Jerusalén para la Cultura y las Artes, otorgado por la OLP(1990). Premio Emiratos Árabes(1990)?. Premio de Honorífico de Poesía Palestina.
Muerte[editar]
Durante las últimas décadas Fadwa vivió en su ciudad natal, hasta su muerte el 12 de diciembre de 2003, después de sufrir un derrame cerebral, mientras su pueblo natal de Nablus estaba bajo asedio. El poema “Wahsha: Moustalhama min Qanoon al Jathibiya” (Anhelo: inspirado en la ley de la gravedad) fue uno de sus últimos poemas que escribió durante su largo periodo postrada en cama.

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Mariana Bernárdez (México 1964)

99. Mariana Bernárdez (México 1964)

Escritora mexicana nacida en México DF. Estudió la carrera de Ciencias de la Comunicación Social en la Universidad Anáhuac, realizando posteriormente la maestría en Letras Modernas en la Universidad Iberoamericana. Ha colaborado en diversos suplementos y revistas, Semanario de Novedades... Ver mas
Escritora mexicana nacida en México DF. Estudió la carrera de Ciencias de la Comunicación Social en la Universidad Anáhuac, realizando posteriormente la maestría en Letras Modernas en la Universidad Iberoamericana. Ha colaborado en diversos suplementos y revistas, Semanario de Novedades, Macrópolis, Siempre, Blanco Móvil, Literal, Hojas de sal, La Jornada Semanal, Periódico de Poesía, Pasto Verde, Casa del Tiempo, entre otros. Su obra se compone de libros de poemas, Tiempo detenido (1987), Rictus (1990), Nostalgia de vuelo (1991), Luz derramada (1993), El agua del exilio (1994), Liturgia de águilas (2000), Sombras del fuego (2000), Alba de danza (2000), Alguna vez el Ciervo (2010) y Escríbeme en los ojos (2013); y ensayos, María Zambrano: acercamiento a una poética de la aurora (2004), La espesura del silencio (2005), Bailando en el pretil (2007) y Después de los mares (2012). Mariana Bernárdez reconoce que su vocación ha sido la poesía y su pasión la filosofía. © epdlp

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Marceline Desbordes-Valmore (Francia 1786-1857)

100. Marceline Desbordes-Valmore (Francia 1786-1857)

Biografía[editar] Era hija de un pintor de escudos nobiliarios arruinado por la Revolución francesa y convertido en actor y cantante cabaretier en Douai. Durante la Revolución se mudó con su madre al archipiélago de Guadalupe, rerpresentando pequeños papeles en los teatros de las ciudades por... Ver mas
Biografía[editar]
Era hija de un pintor de escudos nobiliarios arruinado por la Revolución francesa y convertido en actor y cantante cabaretier en Douai. Durante la Revolución se mudó con su madre al archipiélago de Guadalupe, rerpresentando pequeños papeles en los teatros de las ciudades por donde pasaba para pagar el pasaje, entre Douai y Burdeos. Al sucumbir su madre por la fiebre amarilla (1801), la hija continuó con su carrera dramática y fue contratada por la Ópera Cómica gracias a las recomedaciones de Guétry. Cantó El barbero de Sevilla en el Odeón y en la Moneda de Bruselas. Se enamoró de Henri de Latouche (1785-1851), de quien tuvo un hijo y le animó a escribir, y por último se casó en 1817 con el actor Prosper Lanchantin-Valmore y vivió una existencia mezquina con muchas desdichas. Publicó la primera edición de sus Élégies et Romances en 1818. Además hizo varias apariciones como actriz y cantante en el Teatro Nacional de la Opéra-Comique y en el teatro La Monnaie de Bruselas.
Con la ayuda de Madame de Récamier, Mademoiselle Mars, Alphonse Lamartine, Víctor Hugo y Dumas, así como más tarde de Baudelaire y Sainte-Beuve, publicó otras colecciones de versos. Se anticipa a Paul Verlaine y Arthur Rimbaud y abre caminos poéticos a Renée Vivien, Anna de Noailles y Marie Noël.
Su poesía es conocida por ser oscura y depresiva y sin complacencias estéticas. Es la única mujer incluida en una de las secciones del famoso libro Los poetas malditos de Paul Verlaine. Una copia de sus poesías fue encontrada en la biblioteca personal de Friedrich Nietzsche.
Obras[editar]
1816 — Chansonnier des grâces
1819 — Élégies et romances
1825 — Elégies et Poésies nouvelles
1829 — Album du jeune âge
1830 — Poésies Inédites
1833 — Les Pleurs
1839 — Pauvres Fleurs
1843 — Bouquets et prières
1860 — Poésies posthumes (póstuma)

Detalle del decorado del Teatro de Douai que muestra a Marceline Desbordes.
Bibliografía[editar]
Sainte-Beuve: Portraits contemporains. t.II Paris. 1846 et Causeries du lundi. t.XIV. Paris 1862 et Nouveaux Lundis t. XII.
Lucien Descaves: La vie douloureuse de Marceline Desbordes-Valmore. Paris. 1898. réédité par les éditions d'art et de littérature. 1910
Stefan Zweig: Marceline Desbordes-Valmore. Paris. 1924
Jacques Boulenger: Marceline Desbordes-Valmore, sa vie et son secret.Paris. 1927
Manuel Garcia Sesma: Le Secret de Marceline Desbordes-Valmore. Paris. 1945
Madeleine Fargeaud: Autour de Balzac et de Marceline Desbordes-Valmore. Revue des Sciences humaines. avril--juin 1956
Œuvres poétiques de Marceline Desbordes-Valmore. Édition complète établie et commentée par M. Bertrand.2 volu. Presses Universitables de Grenoble. 1973.
Eliane Jasenas: Marceline Desbordes-Valmore devant la critique. éditions Minard. 1962.
Jeanine Moulin: Marceline Des-bordes-Valmore. éditions Seghers, coll. Poète d'aujourd'hui. 1955.
Georges-Emmanuel Clancier: Marceline Desbordes-Valmore ou le génie inconnu. Panorama de la poésie française. Seghers. 1983.
Robert Sabatier: Marceline Desbordes-Valmore dans: La poésie française du XIXe siècle. t.I. Albin-Michel. 1977.

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Ayn Rand (EEUU 1905-1982)

101. Ayn Rand (EEUU 1905-1982)

Ayn Rand, seudónimo de Alisa Zinóvievna Rosenbaum (San Petersburgo, Imperio ruso, 2 de febrero de 1905 – Nueva York, Estados Unidos, 6 de marzo de 1982), filósofa y escritora estadounidense de origen ruso, ampliamente conocida por haber escrito los bestsellers El manantial y La rebelión de Atlas... Ver mas
Ayn Rand, seudónimo de Alisa Zinóvievna Rosenbaum (San Petersburgo, Imperio ruso, 2 de febrero de 1905 – Nueva York, Estados Unidos, 6 de marzo de 1982), filósofa y escritora estadounidense de origen ruso, ampliamente conocida por haber escrito los bestsellers El manantial y La rebelión de Atlas, y por haber desarrollado un sistema filosófico al que denominó «objetivismo».
Rand defendía el egoísmo racional, el individualismo y el capitalismo laissez faire, argumentando que es el único sistema económico que le permite al ser humano vivir como ser humano, es decir, haciendo uso de su facultad de razonar. En consecuencia, rechazaba absolutamente el socialismo, el altruismo y la religión.
Entre sus principios sostenía que el hombre debe elegir sus valores y sus acciones mediante la razón, que cada individuo tiene derecho a existir por sí mismo, sin sacrificarse por los demás ni sacrificando a otros para sí, y que nadie tiene derecho a obtener valores provenientes de otros recurriendo a la fuerza física.1
Teniendo la convicción de que los gobiernos tienen una función legítima pero limitada, a Ayn Rand no se le puede confundir con una anarquista, pudiendo en cambio ser considerada liberal y minarquista, pese a que ella nunca aplicó este último término para referirse a sí misma.
Índice [ocultar]
1 Vida
2 Principales obras de ficción
2.1 Red Pawn
2.2 La noche del 16 de enero
2.3 Los que vivimos
2.4 Himno
2.5 El manantial
2.6 La rebelión de Atlas
3 Obra filosófica
4 Ideología político-económica
5 Ideas estéticas
6 Algunos personajes influidos por Ayn Rand
7 Obras
7.1 Novelas
7.2 Otras obras de ficción
7.3 Ensayos
8 Críticas
8.1 Filosóficas
8.2 Literarias
8.3 Acusaciones de sectarismo
8.4 Críticas personales
9 Bibliografía
10 Referencias
11 Véase también
12 Enlaces externos
12.1 En castellano
12.2 En inglés
Vida[editar]
Ayn Rand (Алиса Зиновьевна Розенбаум) (Alisa Zinóvievna Rosenbaum) nació el 2 de febrero de 1905 en San Petersburgo (Rusia), era la mayor de tres hermanas de una familia judía, cuyos padres no eran practicantes de esta religión. Desde muy joven sintió un fuerte interés por la literatura y por el arte cinematográfico, empezando a escribir novelas y guiones a los siete años. Leyó las novelas de Alejandro Dumas, Walter Scott, entre otros escritores románticos, y expresó un apasionado entusiasmo por el movimiento romántico. Descubrió a Víctor Hugo a los trece años: quedó prendada por sus novelas. Aprendió francés gracias a su madre y estudió Filosofía e Historia en la Universidad de San Petersburgo.
En 1924 comenzó a estudiar en el Instituto Estatal de Artes Cinematográficas, ya que su ambición personal era escribir guiones cinematográficos. Allí siguió escribiendo historias cortas, guiones y anotaciones esporádicas en su diario, en el que expresaba ideas intensamente antisoviéticas. Descubrió también en la Universidad a Nietzsche, de quien apreciaba mucho su exaltación de lo heroico y del individuo heroico, aunque años más tarde criticó fuertemente lo irracional de su filosofía.
Su mayor influencia la recibió de Aristóteles, al que consideraba el mayor filósofo del mundo y apreciaba en especial su Órganon (‘Lógica’).
Ayn Rand detestaba a Rusia, sobre todo desde la revolución de 1917, que había expropiado a su padre su negocio de farmacia y empeorado aún más sus condiciones de vida. Conociendo Nueva York por las películas estadounidenses, Ayn Rand tenía muy claro que quería emigrar a los Estados Unidos. Años más tarde escribió Los que vivimos, un relato de primera mano de esos años y de la atmósfera de la Rusia de entonces, sobre el cual dijo: «Es lo más cercano a una autobiografía que haya escrito nunca».
A finales de 1925, Ayn Rand consiguió un visado para abandonar el país y visitar a parientes suyos ya establecidos en Estados Unidos, a donde llegó en febrero de 1926, con 21 años.

Tumba de Ayn Rand y de su marido.
Ayn estuvo un tiempo en casa de sus parientes en Chicago. Más tarde se trasladó a Hollywood, donde aceptaba cualquier tipo de trabajo para pagar sus gastos básicos. Casualmente conoció allí a Cecil B. De Mille, quien se interesó por esta rusa recién llegada a Estados Unidos y fascinada por el mundo del cine. Cecil B. De Mille le mostró el funcionamiento básico de un estudio de cine y le ofreció trabajo como extra, que Ayn Rand aceptó, y apareció así de forma visible entre los extras en el metraje definitivo de Rey de reyes [1] (metraje visible en el documental en el DVD Ayn Rand, a sense of life). En el rodaje de la película conoció, además, al que sería su marido el resto de su vida: el también actor Frank O'Connor, con quien se casó en 1929.
En 1931 Ayn Rand adquirió la ciudadanía de los Estados Unidos de América.
En 1936 escribió: «Llámenlo destino o ironía, pero yo nací, de entre todos los países de la Tierra, en el menos conveniente para una fanática del individualismo: Rusia. Decidí ser escritora a la edad de nueve años, y todo lo que he hecho se ha circunscrito a tal propósito. Soy estadounidense por elección y convicción. Nací en Europa, pero emigré a los Estados Unidos de América porque éste era el país donde una podía sentirse totalmente libre para escribir.»
Ayn Rand estaba muy satisfecha de ser ciudadana estadounidense, y en 1973 dijo en una conferencia que dio en West Point: «Puedo decir, y no como un mero patrioterismo, sino con el conocimiento completo de las necesarias raíces metafísicas, epistemológicas, éticas, políticas y estéticas, que Estados Unidos de América es el más grande, noble y, en sus principios fundadores originales, el único país moral en la historia del mundo.»
Ayn Rand fue sometida a cirugía por cáncer de pulmón en 1974 luego de décadas de fumar mucho.2 En 1976, dejó de escribir en su periódico y, a pesar de sus objeciones iniciales, le permitió a Evva Pryor, una trabajadora social de la oficina de su abogado, que la inscribiese en la Seguridad Social y Medicare.3 4
Ayn Rand murió en 1982. Está enterrada junto a su marido en el cementerio de Valhalla (Estado de Nueva York).
Principales obras de ficción[editar]
Las novelas más importantes de Ayn Rand son los best-sellers El manantial (1943) y La rebelión de Atlas (1957).
Sus novelas crearon el arquetipo del héroe randiano, un individuo racional digno de vivir en la tierra, ya que puede lograr lo mejor de sí mismo, un hombre cuya habilidad e independencia lo hacen entrar en conflicto con los hombres-masa, pero que aun así persevera, alcanzando finalmente la realización de sus valores.
Red Pawn[editar]
En 1932 consigue vender su primer guion cinematográfico, Red pawn (Peón rojo), a los estudios Universal.
La noche del 16 de enero[editar]
En 1934 Ayn escribe la obra de teatro Night of January 16th (La noche del 16 de enero, conocida también como Penthouse Legend), que incorpora la novedad absoluta en el mundo del teatro de incorporar al público que desee participar en un «jurado» al final de la obra que debe decidir sobre la inocencia o culpabilidad de la protagonista. En la nota inicial dirigida al productor de la obra, Ayn Rand explica:
La obra está construida de tal manera que las pruebas de la culpabilidad o la inocencia de la acusada están cuidadosamente contrapesadas, y la decisión se basará en el carácter y valores del jurado. Es realmente a la audiencia a la que se juzga. En palabras del abogado defensor: «¿A quién se juzga en este caso? ¿A Karen Andre [coprotagonista de la obra]? ¡No!, son ustedes, damas y caballeros del jurado, quienes están siendo juzgados. Son sus almas las que serán puestas a la luz cuando hayan tomado su decisión.»
Ayn Rand
La obra se sigue representando con éxito como parte del repertorio «clásico» de obras de teatro para compañías de aficionados en Estados Unidos.
Los que vivimos[editar]
En 1936 publica We the living (Los que vivimos) que, según Ayn Rand, fue lo más parecido a una autobiografía que hubiese nunca escrito. En Los que vivimos se narra la vida dramática de una mujer de espíritu independiente bajo el régimen totalitario soviético.
La novela no fue bien recibida inicialmente en Estados Unidos, que estaba sumergido en la Gran Depresión y en lo que a veces allí se llama la «década roja», esto es, la década de máximo apogeo de las ideas socialistas y comunistas en aquel país.
Sin el permiso ni el conocimiento de Ayn Rand (quien se enteró de toda la historia después de la Segunda Guerra Mundial), la Italia de Mussolini rodó en 1942 dos películas basadas en la novela: Noi vivi y Addio, Kira, de los estudios Scalara Films. Las películas eran un intento de propaganda antisoviética por parte del régimen italiano, y fueron un gran éxito en Italia. Orgullosos de su éxito, prepararon copias que enviaron a los nazis alemanes, quienes se enfurecieron al ver la película y aconsejaron a los italianos su inmediata retirada de la circulación. Los jerarcas nazis, más coherentes en su ideología antiliberal que los italianos, percibieron inmediatamente que el mensaje del libro no era tan sólo antisoviético, sino además antitotalitario, y que el libro no criticaba sólo el totalitarismo soviético, sino cualquier forma de totalitarismo.5
Estas películas fueron también proyectadas sin permiso de Ayn Rand en la España de Francisco Franco. Ayn Rand pidió derechos atrasados a ambos países.6 Finalmente, Ayn Rand aún en vida autorizó una reedición de estas películas, las cuales fueron finalmente comercializadas para vídeo doméstico en 1986.7
Himno[editar]
Artículo principal: Himno
Himno (Anthem, titulada ¡Vivir! en las primeras ediciones en español) es una novela corta que presenta en términos altamente simbólicos la lucha de un individualista contra una sociedad del futuro en la cual el colectivismo ha triunfado. Se trata de una distopía en la que el concepto de individualidad ha desaparecido (por ejemplo, el pronombre «yo» ha sido eliminado del lenguaje) y en la que se aprecian numerosas similitudes con la novela Nosotros (1921), de Yevgeni Zamiatin, pero también notables diferencias en el tono (serio en Rand, satírico en Zamiatin) y en el discurrir de la historia. Los temas que constituyen el núcleo de Himno serán desarrollados en posteriores obras extensas de Rand, como El manantial y La rebelión de Atlas.
Himno no encontró editor en Estados Unidos y fue publicada primero en el Reino Unido en 1938. Por razones algo abstrusas, es la única obra de Rand que se encuentra en el dominio público en Estados Unidos (no así en otros países), lo que ha permitido incorporarla al Proyecto Gutenberg.
El manantial[editar]
Artículo principal: El manantial (novela)
En 1943 vino el primer éxito importante de Ayn Rand como novelista, con la publicación de El manantial (The fountainhead). El libro, que había tardado siete años en escribir, fue rechazado por doce editores, hasta que, en la editorial Bobbs-Merrill, un editor joven le espetó a su jefe: «Si este no es un libro adecuado para usted, entonces yo tampoco debo trabajar para usted.»8
En 1949 se realizó una versión fílmica de El manantial, dirigida por King Vidor y protagonizada por Gary Cooper (Howard Roark), Patricia Neal (Dominique Francon), Raymond Massey (Gail Wynand) y Kent Smith (Peter Keating).
El guion fue escrito por Ayn Rand y controlado minuciosamente por ella misma de una forma completamente desacostumbrada en Hollywood, donde los estudios se toman todo tipo de libertades con los guiones originales. En varias ocasiones durante el rodaje, Ayn amenazó con suspender todo el proyecto si el guion sufría la más leve modificación. Tanto Gary Cooper como Ayn Rand no quedaron satisfechos con la película. Gary Cooper, quizás ya demasiado mayor para un papel que en el libro corresponde a un hombre joven, pronunció el famoso discurso final sin entenderlo realmente, cosa que se nota en la entonación y el énfasis. Ayn Rand tuvo que luchar mucho para mantener la integridad del guion, y aun así tampoco quedó satisfecha con la película, llegando a afirmar que lo único bueno que tenía era que conseguiría nuevos lectores para la novela. No obstante, la película es muy apreciada hoy en día en círculos objetivistas y, dado lo irregular de su distribución, suele estar disponible en redes P2P.
El fundamento de El manantial es el individualismo y el colectivismo en el alma humana. La obra se concentra en las vidas de los cinco principales personajes. El héroe, Howard Roark, es la persona ideal para Rand: Un arquitecto intransigente que está completamente entregado firmemente, aun cuando de manera serena, a sus ideales, especialmente creyendo que ninguna persona debe jamás copiar el estilo de otra, sobre todo en el campo de la arquitectura. A lo largo de la novela, todos los demás protagonistas en algún momento u otro, por diferentes razones y con distintos grados de énfasis, le piden que renuncie a algunos de sus principios. Sin embargo, Howard se mantiene incólume y no compromete su integridad. Un aspecto interesante e impactante de la personalidad de Howard es que, en contraste con las formas acostumbradas de los héroes típicos, no se lanza a explicar sus puntos de vista y por qué el mundo no es lugar justo por medio de largos y apasionados sermones y monólogos; todo lo contrario, Howard lo hace de forma desdeñosa, lacónica y altiva.
La rebelión de Atlas[editar]
Artículo principal: La rebelión de Atlas
La rebelión de Atlas (Atlas Shrugged) es considerada por muchos la obra de ficción más completa y poderosa de Rand sobre la filosofía objetivista. En los años ochenta, la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos hizo una encuesta, preguntando cuál era el libro que mayor influencia había tenido en la vida de los encuestados. El primero en el ránking fue La Biblia, el segundo, La rebelión de Atlas.
La rebelión de Atlas es el principal motivo, por encima de cualesquiera otros, por el que más individuos confiesan haber llegado a ser libertarianos o, dicho de otro modo, anarcocapitalistas.9
El libro narra la decadencia de los Estados Unidos como consecuencia del excesivo intervencionismo del gobierno. A pesar de que el libro se escribió entre los años 1946 y 1957, algunas personas ven en la lectura del proceso de destrucción económico que el libro narra, una situación de deterioro económico similar al vivido por Cuba a partir de 1960. [cita requerida]
El libro divide la fibra social de Estados Unidos en dos clases: la de los «saqueadores» y la de los «no saqueadores».
Los «saqueadores» están representados por la clase política (místicos del músculo) y los cultos religiosos (místicos del espíritu) que piensan que toda actividad económica debe estar regulada y sometida a una fuerte imposición fiscal.
Los «no saqueadores» son hombres emprendedores, los capitanes de empresa y los intelectuales que piensan que la solución está justamente en todo lo contrario. Entre ellos, y más en concreto, de los patronos, surge un movimiento de protesta que se concreta en una huelga de empresarios acompañada de sabotajes y desapariciones de empresarios y emprendedores, que desaparecen misteriosamente. El líder de este movimiento es John Galt, a la vez un filósofo y científico.
Galt, desde su escondite en las montañas, da órdenes, sugiere iniciativas y mueve todos los hilos. Junto con él, se refugian los principales empresarios. Durante el tiempo que dura la huelga y la desaparición de los empresarios, el sistema estadounidense se va hundiendo bajo el peso del cada vez más opresivo intervencionismo estatal. La obra termina cuando los empresarios deciden abandonar su escondite de las Montañas Rocosas y regresan a Wall Street y a los centros de decisión; marchan encabezados por el dólar, símbolo que Galt ha elegido como estandarte de su particular rebelión.
Rand quería llamar a su novela La huelga. El título La rebelión de Atlas le fue sugerido por su esposo, pues así equipara el empresario al titán mítico que carga a sus espaldas los destinos del mundo. Cuando la obra apareció, llamó la atención por lo atrevido y osado del planteamiento para ese entonces. Hasta ese momento, ni siquiera en Estados Unidos alguien se había atrevido a realizar un planteamiento en el que los empresarios fuesen los buenos y el Estado el malvado.
Para Ayn Rand, el hecho de que una huelga pudiera hundir en el caos a los Estados Unidos es la confirmación de que el país no puede vivir sin su clase empresarial, que la política debe subordinarse a las necesidades de la economía empresarial y, finalmente, que es preciso volver al espíritu de los primeros colonos que se sublevaron contra Inglaterra en el siglo XVIII: lucharon contra el intervencionismo estatal y en defensa de sus derechos individuales. Lo que propone Rand es volver al origen de la tradición americana, solo que el héroe ya no es un granjero que se subleva contra los ingleses, sino el patrono que lucha contra el intervencionismo subyugante del Estado y cuyo esfuerzo es el que verdaramente crea riqueza.
Al poco tiempo de salir se vendieron cuatro millones de ejemplares de la obra. Luego de este libro, solo escribió ensayos, en los que desarrolló explícitamente las premisas filosóficas implícitas de La rebelión de Atlas. Uno de esos ensayos, La virtud del egoísmo es considerado uno de los manifiestos principales de la corriente filosófica de Rand.
Obra filosófica[editar]
Artículo principal: Objetivismo
Ayn Rand sostenía:
La vida como fundamento de los derechos.
La razón de cada individuo debe elegir qué valores quiere para su vida y los medios para alcanzarlos.
El individuo tiene derecho a existir para sí mismo, sin sacrificarse por los demás ni sacrificando a los demás para sí mismo.
Nadie tiene derecho a iniciar el uso de la fuerza física contra otro ser humano, sea cual sea el fin que quiera obtener.
La realidad existe de forma absolutamente objetiva. Los hechos son los hechos independientemente de los sentimientos, deseos y temores del hombre.
En La virtud del egoísmo Rand escribió sobre la vida:
«Hay solo un derecho fundamental (todos los otros son sus consecuencias o corolarios): el derecho del hombre a su propia vida. La vida es un proceso de autosustento y acción autogenerada; el derecho a la vida significa el derecho a ocuparse en el autosustento y la acción autogenerada, lo que significa que la libertad consiste en ejecutar todas las acciones requeridas por la naturaleza de un ser racional para el sustento, el fomento, la satisfacción y el disfrute de su propia vida.»
En Derechos del hombre dijo:
«El derecho a la vida es la fuente de todos los derechos, y el derecho a la propiedad es solo su realización. Sin derechos de propiedad, ningún otro derecho es posible. Ya que el hombre tiene que sostener su vida por su propio esfuerzo, el hombre que no tiene derecho al producto de su esfuerzo no tiene medios de sostener su vida. El hombre que produce mientras otros disponen de su producto es un esclavo.»
En La rebelión de Atlas escribió sobre el trabajo manual, los empresarios y los inventores:
«El hombre que no hace más que labor física consume el valor material equivalente a su propia contribución al proceso de producción y no deja más valor ni para sí mismo ni para otros. Pero el hombre que produce una idea en cualquier campo de empeño racional, el hombre que descubre nuevo conocimiento, es el permanente benefactor de la humanidad...»
«[E]l hombre que crea una nueva invención recibe un pequeño porcentaje de su valor en términos de pago material, no importa qué fortuna haga.»
Ideología político-económica[editar]
Ayn Rand no se consideraba a sí misma como «de derechas» (tampoco «de izquierdas»). En innumerables ocasiones Ayn Rand declaró «I am not a conservative» («No soy conservadora»), al mismo tiempo que declaraba vehementemente su oposición a Ronald Reagan. En el espectro político usualmente se la ubica en la derecha política por su apego a un tipo de individualismo «heroico» y capitalista.
Desde cierto punto de vista, se la puede considerar como una seguidora del ideal liberal libertario o simplemente «liberal». Ella estaba de acuerdo en buscar la maximización de los derechos del individuo desde un análisis liberal individualista; sin embargo, Rand también buscaba maximizar lo que consideraba beneficios de la propiedad privada y del sistema capitalista, lo cual se identifica con los conservadores, quienes a su vez son considerados de «derecha». No obstante, Ayn Rand denostó hasta su muerte a los liberales libertarios, a los que llamaba «hippies de derechas».
Algunos puntos de la ideología de Ayn Rand sugerirían su no adscripción ideológica a la derecha conservadora:
Defendía el ateísmo como única postura racional ante el concepto Dios, al que consideraba indemostrable racionalmente, es una suma de contradicciones metafísicas y, por lo tanto, un atentado contra el funcionamiento mental del hombre que lo acepte.
Defendía la total libertad a la hora de producir, distribuir (solo a adultos) y consumir cualquier tipo de drogas, a pesar de condenar radicalmente su consumo como un atentado contra lo más valioso que tiene cada individuo: su mente. Como afirmó repetidamente, la libertad, si nos tomamos el concepto en serio, supone también la libertad para equivocarse, y, si alguien quiere tomar drogas, la libertad para suicidarse.
Condenaba absolutamente el reclutamiento forzoso de soldados, al que equiparaba con la esclavitud. Llegó a afirmar que todas las proclamas sobre la importancia del derecho a la propiedad hechas por los derechistas en Estados Unidos eran palabras huecas, ya que apoyaban la conscripción forzosa en el ejército. "¿Qué sentido tiene el tener derecho a tener una cuenta corriente si uno no tiene derecho a su propia vida?", afirmó.
Defendía el derecho absoluto de las mujeres a abortar si así lo deseasen, ya que cada individuo tiene un derecho absoluto sobre su vida y su cuerpo.
Se defendía como antisocialista y anticomunista por considerarlas una forma de opresión.
Defendía un Estado limitado, algo diametralmente opuesto a la proclama fascista «todo dentro del Estado, nada fuera del Estado».
Defendía el derecho absoluto a distribuir, entre adultos, cualquier tipo de texto o medio audiovisual, incluida propaganda nazi, comunista o pornografía (que aborrecía, al considerarla como un atentado contra la sexualidad y el buen gusto, pero cuyo derecho a ser producida y distribuida defendía vehementemente). Sostenía que «las ideas no delinquen», y que sólo se debían castigar los actos delictivos. Afirmaba que cualquier intento de que el Estado limitase la expresión de ideas «erróneas», «equivocadas» o «peligrosas» sólo podía terminar en una censura total de las ideas «impopulares».
Basándose en el principio de que la esfera de la libertad del individuo sólo puede autorrealizarse a través de la propiedad privada, Ayn Rand reconoce en el sistema político capitalista la afirmación de la economía libre y el ideal del autointerés personal mediante la cooperación social en el mercado. Partiendo de esta base miseana, Rand procede a identificar mediante el principio de no agresión al trabajo personal. En esto la doctrina de Ayn Rand es coincidente con lo sostenido por lo que se considera la derecha liberal, por cuanto que las desigualdades no serían estructuralmente impuestas por la sociedad, sino producto de la utilidad desigual de los bienes productivos en el mercado libre, sean estos el capital o el trabajo asalariado. Desasociaba así cualquier relación necesaria entre poder económico (defensivo) y poder político (agresivo), presentándolos como opuestos naturales. También reinterpretó y legitimó la desigualdad de oportunidades por no ser dependiente de la cuantía del dinero, sino de su uso productivo en el mercado, idea que desarrolló junto a Alan Greenspan en Capitalism: the unknown ideal.
Su filosofía ha sido así apologética del orden social capitalista puro sin intervención gubernamental, y por ende el modelo, a la vez ético y utilitario, para muchos grandes empresarios en la búsqueda del éxito en los negocios que no dependan de la coerción política. La influencia del egoísmo individualista racional randiano se puede rastrear hasta la obra de Milton Friedman al respecto de la idea de internalización de las externalidades, limitando la responsabilidad corporativa al beneficio de los accionistas, así como en los trabajos de Robert Hessen y Stephen Hicks sobre la ética en los negocios.
Ideas estéticas[editar]
Las ideas de Rand sobre estética giran en torno al concepto de lo que ella llamaría «realismo romántico», que suele referirse al arte que trata los temas de la volición y de los valores humanos, reconociendo también la importancia de la técnica artística y del reconocimiento de la realidad. El realismo romántico plasma frecuentemente a seres humanos heroicos en situaciones de alegría y triunfo vital, con un fondo optimista y una estimación positiva de la Ciencia y de la Técnica. A menudo hay referencias más o menos sutiles a Ayn Rand en estas obras.
Aun habiendo sido utilizado anteriormente, el término fue popularizado por Ayn Rand. Ayn Rand definió al realismo romántico como la representación de las cosas y de los seres humanos «como podrían ser y deberían ser», tomando estos conceptos de Aristóteles.
«Podrían ser» implica realismo, en contraposición con la mera fantasía.
«Deberían ser» implica una visión moral y un estándar de belleza y virtud.
Esta combinación está basada en la idea de que los valores heroicos son racionales y realistas, ya que el realismo romántico considera como falsa la dicotomía entre realismo y romanticismo.
Algunos personajes influidos por Ayn Rand[editar]
Nathaniel Branden, psicoterapeuta y fundador del Instituto Nathaniel Branden, que fue la organización que expandió el objetivismo desde finales de los años 1950 hasta 1968, fecha en la que Ayn Rand lo expulsó del movimiento; aunque antes ella había visto en él la personificación de sus ideales descritos en La rebelión de Atlas.
Alan Greenspan, expresidente de la Reserva Federal estadounidense. Greenspan conoció a Ayn Rand en 1952, y ambos quedaron mutuamente impresionados por su inteligencia.10 Greenspan estuvo varios años en el núcleo del así llamado Colectivo Objetivista, y existe una famosa fotografía en la que aparece posando entre Ayn Rand, Leonard Peikoff y Nathaniel Branden. Greenspan asistió al entierro de Ayn Rand. En la actualidad Alan Greenspan se niega a comentar su relación pasada con el "objetivismo".
Mike Mentzer (1951-2001), culturista, único participante de la competición Mr. Universo que haya conseguido una puntuación de 100 sobre 100. Creador del sistema de musculación «Heavy Duty».
Johan Norberg, intelectual sueco partidario de la globalización.
George Reisman, influyente académico y tratadista económico estadounidense, miembro del círculo cercano a Ayn Rand.
Neil Peart, baterista y compositor lírico del grupo musical canadiense Rush. Varias de sus canciones reflejan ideas y conceptos expresados por Rand.
Leonard Peikoff, filósofo, autor, heredero de Ayn Rand y fundador del Instituto Ayn Rand. Como heredero de Rand, Peikoff es responsable de los derechos de autor de todas sus obras -con la excepción de la novela Anthem (título en español: ¡Vivir!), la cual ha pasado al dominio público. Peikoff tiene asimismo el control sobre las traducciones de las obras de Rand, al igual que de la edición y publicación de aquellos trabajos todavía inéditos. Peikoff escribe el prefacio de todas las ediciones actuales de las novelas de Rand.
Jimmy Wales, creador de la Wikipedia, ha manifestado en repetidas ocasiones su admiración por Ayn Rand. Mientras estudiaba en la universidad, fue dueño y moderador de una lista de correo denominada «Discusión moderada en filosofía objetivista». Actualmente no se manifiesta mayormente sobre el tema. Wales se define a sí mismo como objetivista en su página de usuario.
Frank R. Wallace, creador de la filosofía Neo-Tech, científico jefe de la E. I. DuPont de Nemours hasta 1968, fundador de I&O Publishing Co. (actualmente IMA), autor de El descubrimiento Neo-Tech, librepensandor libertario y abierto admirador del capitalismo laissez faire. En su obra hace referencias a la obra de Ayn Rand y la recomienda a sus lectores, además de hacer hincapié en la filosofía de Aristóteles, a quien considera fuente primaria del objetivismo.
Steve Ditko, dibujante de Spiderman. Creó el personaje Mr. A, cuyo nombre está basado en el principio de identidad (A=A) de Aristóteles. Mr. A incorpora también elementos de ética objetivista.
Nick Newcomen ha conducido 19 695 kilómetros por 30 estados de Estados Unidos para 'escribir' un texto que se puede ver en el programa Google Earth : "Lee a Ayn Rand". / Artículo de El País
Obras[editar]
Novelas[editar]
Los que vivimos (We the Living, 1936), publicada en español por la editorial argentina Grito Sagrado.
El manantial (The Fountainhead, 1943), publicada en español por la editorial Grito Sagrado.
La rebelión de Atlas (Atlas Shrugged, 1957), publicada en español por la editorial Grito Sagrado.
Otras obras de ficción[editar]
Noche del 16 de enero (Night of January 16th, 1934)
Himno, antes conocida como ¡Vivir! (Anthem, 1938), publicada en español por la editorial Grito Sagrado.
Ensayos[editar]
El nuevo intelectual (For the New Intellectual: the Philosophy of Ayn Rand, 1961), publicada en español por la editorial Grito Sagrado.
La virtud del egoísmo (The Virtue of Selfishness: a New Concept of Egoism, 1964), publicada en español por la editorial Grito Sagrado.
Capitalismo. El ideal desconocido (Capitalism: the Unknown Ideal, 1966), publicada en español por la editorial Grito Sagrado.
El manifiesto romántico (The Romantic Manifesto: a Philosophy of Literature, 1969), publicada en español por la editorial Grito Sagrado.
La nueva izquierda (The New Left: The Anti-Industrial Revolution, 1971)
Introducción a la epistemología objetivista (Introduction to Objectivist Epistemology, 1979), publicada en español por la editorial Grito Sagrado.
Filosofía: ¿quién la necesita? (Philosophy: Who Needs It, 1982), publicada en español por la editorial Grito Sagrado.
Críticas[editar]
Tanto el trabajo literario como el trabajo filosófico de Ayn Rand han sido objeto de innumerables críticas. También se ha criticado su metodología y su personalidad egocéntrica.
La lucha contra el altruismo por parte de Ayn Rand atrajo críticas de orden ético. El famoso escritor estadounidense izquierdista Gore Vidal escribió tratando el tema en 1961:
A partir del momento en que las personas deben vivir en comunidad, dependiendo los unos de los otros, el altruismo es necesario para la supervivencia.
Gore también explica el porqué de la popularidad de las ideas de Ayn Rand:
Rand siente una gran afinidad por las personas que se hallan a sí mismas perdidas en una sociedad organizada. Son personas renuentes a pagar impuestos, que no soportan al Estado y sus leyes y que sienten remordimientos frente al dolor ajeno pero buscan endurecer sus corazones. A estas personas ella les ofrece una solución muy atractiva: el altruismo es el origen de todos los males, el interés individual es el único bien, y si alguien es estúpido o incompetente, ese es su problema.
Los aspectos biográficos de Ayn Rand también han sido centro de controversias. En la obra The Passion of Ayn Rand's Critics, James Valliant apoya su tesis sobre unas supuestas manipulaciones que Nathaniel Branden y su esposa hicieron a los hechos que tratan sobre la vida de Rand. Según Valliant, los herederos de Ayn Rand exageraron su carrera y ocultaron anotaciones del diario de la filósofa.
Filosóficas[editar]
El filósofo Robert Nozick critica la obra de Rand en su libro Socratic puzzles (ISBN 0-674-81654-4). Nozick es liberal libertario, por lo que simpatiza con varias de las conclusiones de Ayn Rand, aunque está en desacuerdo con aspectos fundamentales de su obra. En Socratic puzzles critica el argumento fundacional de la ética de Rand: la proclamación de que la propia vida es, para cada hombre, el valor definitivo, ya que es el valor que hace posibles a todos los demás. Nozick afirma que Rand no explicó por qué alguien no podría preferir racionalmente morir y el no tener ningún valor. De acuerdo con este argumento, la defensa de Rand del egoísmo es una petitio principii (petición de principio), y la solución de Rand al problema del «ser-deber ser» de David Hume no es satisfactoria.
Literarias[editar]
Las novelas de Rand, al ser publicadas, se convirtieron desde el principio en best sellers, tanto dentro como fuera de los Estados Unidos, debido principalmente al boca a boca entre los lectores. Aunque recibieron algunas críticas especializadas positivas, fueron denostadas por la crítica literaria como «terribles» o «simplemente malas». Los expertos en literatura inglesa y la élite cultural progresista en general han ignorado sus novelas. Como excepción, el crítico literario Harold Bloom encontró la obra de Rand lo suficientemente significativa como para incluirla en su antología crítica American women fiction writers (‘escritoras estadounidenses de ficción’, 1998).11
Acusaciones de sectarismo[editar]
El movimiento objetivista fundado por Rand ―y que fue disuelto tras su separación de Nathaniel Branden en 1968― ha sido acusado de haber sido una secta destructiva, con Rand como la figura de culto.
En 1979, en una entrevista televisiva, Ayn Rand afirmó: «yo no soy una secta».12
Un seguidor ciego es precisamente lo que mi filosofía condena, y lo que yo rechazo. El objetivismo no es una secta mística.
Ayn Rand (carta del 10 de diciembre de 1961)13
Cuando sucedió el colapso del instituto NBI (Nathaniel Branden Institute), Ayn Rand declaró que ella ni siquiera había querido tener un moviemento organizado:
Por lo tanto quiero aclarar enfáticamente que el objetivismo no es un movimiento organizado y nadie lo debe considerar así.
Ayn Rand14
El término randroide (una mezcla de las palabras Rand y androide) se ha utilizado para evocar la imagen de los «robots imitadores de Galt producidos por la secta».15
Las sugerencias de que la conducta sectaria de los objetivistas comenzaron durante los días del Nathaniel Branden Institute. Con la creciente cobertura de los medios, comenzaron a aparecer artículos que hablaban de la secta de Ayn Rand, y que la comparaban con varios líderes religiosos.16
Terry Teachout describió al Nathaniel Branden Institute como «una casi secta que giraba en torno a la adoración de Ayn Rand y de sus héroes de ficción», una secta que «se desintegró» cuando Rand se separó de Nathaniel Branden.17
En 1968, el psicólogo Albert Ellis, a raíz de un debate público con Nathaniel Branden, publicó un libro argumentando que el objetivismo era una religión, cuyas prácticas incluían «la condenación y la demonización», «el puritanismo sexual», «el absolutismo» y la «divinización» hacia Ayn Rand y sus héroes de ficción.18
En sus memorias, dice Nathaniel Branden del Colectivo y del Nathaniel Branden Institute que «había un aspecto de secta en nuestro mundo [...] Éramos un grupo organizado en torno a un líder carismático, donde cada miembro juzgaba el carácter del otro principalmente en base a la lealtad hacia esa líder y sus ideas».19
En 1972, el autor libertario Murray Rothbard comenzó a hacer circular de manera privada su ensayo The sociology of the Ayn Rand cult (‘la sociología de la secta de Ayn Rand’), en la que escribió:
Si las contradicciones internas evidentes de las sectas leninistas las convierten en intrigantes objetos de estudio, más aún lo es la secta de Ayn Rand [...] [p]orque que la secta Rand no solo era explícitamente atea, antirreligiosa y aduladora de la Razón, sino que también promueve la dependencia servil a un gurú en nombre de la independencia; la adoración y la obediencia hacia un líder en nombre de la individualidad de cada persona; y la emoción ciega y la fe en el gurú en nombre de la Razón.20
Rothbard también escribió que
el espíritu guía del movimiento randiano no era la libertad individual sino el poder personal de Ayn Rand y sus principales discípulos.21
En 1993, Michael Shermer ―fundador de The Skeptics Society―, escribió sobre este tema el artículo «The unlikeliest cult in History» (‘La secta más improbable de la historia’).22 Shermer argumentó que el movimiento objetivista mostraba características de las sectas religiosas, como la veneración y la infalibilidad del líder; las intenciones ocultas, la explotación sexual y financiera, y la creencia de que el movimiento ofrecía la verdad absoluta y la moral absoluta. Shermer sostuvo que ciertos aspectos de la epistemología y la ética objetivista promueve conductas sectarias:
{{cita|En el momento en que un grupo se establece como árbitro moral definitivo de las acciones de otras personas ―sobre todo cuando sus miembros creen que han descubierto patrones absolutos del bien y del mal― es el principio del fin de la tolerancia, y por lo tanto de la razón y la racionalidad. Es esta característica más que cualquier otra la que convierte a una secta, a una religión, a una nación o a cualquier otro grupo en algo peligroso para la libertad individual. El absolutismo es el mayor defecto del objetivismo de Ayn Rand, la cual es la secta más improbable de la Historia.23
En 1999, Jeff Walker publicó The Ayn Rand cult (‘la secta de Ayn Rand’). En un pasaje, Walker comparó el objetivismo con las prácticas dianéticas de la cienciología, que muchos consideran como una secta destructiva. Según Walker, ambos son conjuntos de creencias totalitarias que defienden «una ética para las masas sobre la base de la supervivencia como un ente racional». Walker continúa: «La dianética utiliza un razonamiento un tanto similar al de Rand acerca de considerar el cerebro como una máquina. [...] Ambos hablan de una «mente superior» que puede reprogramar el resto de la mente». Walker señala además que ambas doctrinas pretenden basarse en la ciencia y en la lógica.24
El libro de Walker provocó las críticas de los seguidores de Rand. Chris Matthew Sciabarra criticó la objetividad y la academicidad de Walker.25 Mimi Reisel Gladstein escribió que la tesis de Walker es «cuestionable ya menudo depende de la insinuación más que de la lógica».26 R. W. Bradford afirmó que para los estudiosos el libro es «simplemente aburrido».27
Las afirmaciones de la calidad sectaria de esta doctrina siguieron en años más recientes. En 2004, Thomas Szasz escribió en apoyo de 1972 el ensayo de Rothbard,28 y en 2006, Albert Ellis publicó una edición actualizada de su libro de 1968, donde incluyó algunas referencias favorables a Walker.29 Del mismo modo, Walter Block ―aunque expresó su admiración por algunas ideas y afirmó la fuerte influencia de Rand sobre el libertarismo― describió al movimiento objetivista como «una diminuta secta implosiva».30
Críticas personales[editar]
Personas que convivieron con Ayn Rand han escrito libros sobre ella en los que mezclan el elogio con la crítica personal.
Estos libros son The passion of Ayn Rand (‘La pasión de Ayn Rand’), ISBN 0-385-24388-X, de Barbara Branden, y My years with Ayn Rand (‘Mis años con Ayn Rand’), ISBN 0-7879-4513-7, de Nathaniel Branden.
Ambos autores han sido asimismo criticados en el libro de James Valliant The passion of Ayn Rand’s critics (ISBN 1-930754-67-1).

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Denise Levertov (EEUU 1923-1992)

102. Denise Levertov (EEUU 1923-1992)

Poeta y escritora estadounidense de origen británico. Nació en Ilford (Inglaterra), y estudió en su propia casa, donde su madre leía en voz alta para toda la familia las obras de Willa Cather, Joseph Conrad, Charles Dickens, y Liev Tolstói. Su padre, un judío ruso convertido en sacerdote... Ver mas
Poeta y escritora estadounidense de origen británico. Nació en Ilford (Inglaterra), y estudió en su propia casa, donde su madre leía en voz alta para toda la familia las obras de Willa Cather, Joseph Conrad, Charles Dickens, y Liev Tolstói. Su padre, un judío ruso convertido en sacerdote anglicano, fomentó su interés por el misticismo de los hasidim. Empezó a escribir poesía de niña. A los 12 años envió algunos poemas a T. S. Eliot y este le escribió una carta ofreciéndole su consejo. Su primer libro de poemas, La imagen doble se publicó en 1946. Contrajo matrimonio con el escritor estadounidense Mitchell Goodman en 1947, se trasladó a Estados Unidos en 1948 y adoptó la nacionalidad estadounidense en 1956. La amistad de su marido con el poeta Robert Creeley propició su relación con la poesía experimental del Black Mountain College, muy influida por William Carlos Williams y su concepción de la poesía como algo intrínsecamente unido a la vida cotidiana. El título de su segundo libro de poemas, Aquí y ahora (1957), es sin duda reflejo de esta influencia. Levertov halló su propia voz buscando el equilibrio entre forma y contenido, entre experiencia y estructura, y en sus poemas posteriores se revela como un sólido valor poético. Figuran entre ellos A las islas por tierra (1958), Con ojos en la nuca (1959), La escalera de Jacob (1961) y Gustar y ver (1964). La intervención de Estados Unidos en la guerra de Vietnam hizo que Levertov concentrara toda su energía en la causa pacifista, como conferenciante y escritora. En esta misma época escribió su principal libro de poesía, La danza de la tristeza (1967), donde plasma sus sentimientos de rabia y dolor ante la guerra, y también ante la muerte de su hermana mayor. Durante las décadas de 1970 y 1980 produjo una vasta obra en la que continúa estudiando los problemas políticos, junto a cuestiones como el misticismo, la soledad y la búsqueda personal. Publica entonces La respiración del agua (1987), Una puerta en la colmena (1989), Tren de la tarde (1992) y Ensayos nuevos y escogidos (1992). © eMe

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Fernán Caballero (España 1796-1877)

103. Fernán Caballero (España 1796-1877)

Fernán Caballero (Seudónimo de Cecilia Böhl de Faber; Morge, España, 1796 - Sevilla, 1877) Escritora española que cultivó un pintoresquismo de carácter costumbrista y cuya obra se distingue por la defensa de las virtudes tradicionales, la monarquía y el catolicismo. Descendiente del hispanista... Ver mas
Fernán Caballero
(Seudónimo de Cecilia Böhl de Faber; Morge, España, 1796 - Sevilla, 1877) Escritora española que cultivó un pintoresquismo de carácter costumbrista y cuya obra se distingue por la defensa de las virtudes tradicionales, la monarquía y el catolicismo. Descendiente del hispanista Juan Nicolás Böhl de Faber, su vida se desarrolló siempre entre ambientes y círculos aristocráticos. Se casó tres veces, y durante su segundo matrimonio fijó su residencia en Dos Hermanas (Sevilla), de cuya tradición oral tomó cuentos y anécdotas populares. El éxito de La gaviota (1849) y de otros textos posteriores le abrió las puertas a las colaboraciones periodísticas y alivió hasta cierto punto las penurias que hubo de padecer tras el suicidio de su tercer marido.


Fernán Caballero

Cecilia Böhl de Faber pasó su infancia en la provincia de Cádiz, donde se había establecido su padre, casado con una española, y en 1805 se trasladó a Hamburgo. Tras enviudar de su primer marido, con quien había marchado a Puerto Rico en 1816, volvió a España y contrajo nuevas nupcias con el marqués de Arco-Hermoso. Fallecido su segundo esposo, contrajo matrimonio con Antonio Arrom, con quien viajó a Manila y después a Australia, al ser nombrado éste cónsul de España.

Tras la publicación de La gaviota (1849), inicialmente escrita en francés, aparecieron ese mismo año La familia de Alvareda, narración comenzada en 1822 y redactada originariamente en alemán, Una en otra, su tercer título y, finalmente, Elia. En Clemencia (1852) hallamos la crónica del fracaso sentimental de su primer matrimonio; su novela La farisea (1863) gozó de una amplia aceptación entre el público de la época.

Otros libros de la autora son Lágrimas (1853), Un servilón y un liberalito (1857), Un verano en Bornos (1858), Cosa cumplida... sólo en la otra vida (1861), El Alcázar de Sevilla (1862) y La corruptora (1868). Publicó también volúmenes de cuentos, entre los que se encuentran Cuadros de costumbres populares andaluzas (1852), Relaciones (1857) y Cuentos y poesía andaluces (1859).

Tras haber obtenido el favor de Isabel II y trabado amistad con los duques de Montpensier, vivió varios años en el Alcázar de Sevilla, que hubo de abandonar en 1868. La virtud más destacable de las novelas de Fernán Caballero es la movilidad de los personajes y cuadros de costumbres y la creación de una atmósfera narrativa que hace muy amena la lectura, gracias a sus tramas ligeras e intencionadamente ingenuas.

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Ndeye Coumba Mbengue Diakhaté

104. Ndeye Coumba Mbengue Diakhaté

Poeta senegalesa que escribió “Filles du soleil” (Hijas del sol), un homenaje a las mujeres en el que muestra su preocupación por la suerte de las mujeres del Senegal y de toda África. Murió en septiembre del 2001. Mi corazón es ardiente, como abrasador mi sol. Grande también mi corazón... Ver mas
Poeta senegalesa que escribió “Filles du soleil” (Hijas del sol), un homenaje a las mujeres en el que muestra su preocupación por la suerte de las mujeres del Senegal y de toda África. Murió en septiembre del 2001.

Mi corazón es ardiente, como abrasador mi sol.

Grande también mi corazón, como África mi gran corazón.

Habitada de un gran corazón, más no puedo amar…

Amar a la tierra, amar a sus hijos.

Ser mujer, más no poder crear;

Crear, no sólo procrear.

Y, mujer africana, luchar.

Todavía luchar, para erguirse antes.

Luchar para borrar la huella de la bota que aplasta.

Señor!…luchar

Contra las prohibiciones, prejuicios, su peso.

Y, sin embargo!…

Seguir siendo Mujer africana, pero ganar la otra.

Crear, no sólo procrear.

Asumir su destino en el destino del mundo

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Amanda Berenguer (Uruguay 1921-2010)

105. Amanda Berenguer (Uruguay 1921-2010)

Biografía[editar] Académica de Honor de la Academia Nacional de Letras del Uruguay (2006). Miembro de la generación del 45. Casada en 1944 con el escritor José Pedro Díaz. Quehaceres e Invenciones (1963) constituye un vuelco fundamental en su poesía que no hará más que aumentar en la continua... Ver mas
Biografía[editar]
Académica de Honor de la Academia Nacional de Letras del Uruguay (2006). Miembro de la generación del 45. Casada en 1944 con el escritor José Pedro Díaz.
Quehaceres e Invenciones (1963) constituye un vuelco fundamental en su poesía que no hará más que aumentar en la continua búsqueda de nuevas estructuras poéticas y exploraciones sonoras y fónicas para expresar su original visión del mundo y del arte.
En 1986 recibe el premio "Reencuentro de Poesía" organizado por la Universidad de la República por "Los signos sobre la mesa. Ante mis hermanos supliciados". La dama de Elche (1987) recibe el primer premio en la categoría Poesía del Ministerio de Educación y Cultura de Uruguay. Municipal de Montevideo. La segunda edición de La dama de Elche, en 1990, recibe el Premio Bartolomé Hidalgo, que entrega la Cámara Uruguaya del Libro de Uruguay.
Obra[editar]
Poesía[editar]
A través de los tiempos que llevan a la gran calma (Montevideo, 1940)
Canto hermético (Montevideo, Sagitario, 1941)
Elegía por la muerte de Paul Valéry (Montevideo, La Galatea, 1945)
El río (Montevideo, La Galatea, 1952)
La invitación (Montevideo, La Galatea, 1957)
Contracanto (Montevideo, La Galatea, 1961)
Quehaceres e invenciones (Montevideo, Arca, 1963)
Declaración conjunta (Montevideo, Arca, 1964)
Materia prima (Montevideo, Arca, 1966)
Dicciones (editado como fonograma. Montevideo, Ayui / Tacuabé, 1973)
Composición de lugar (Montevideo, Arca, 1976)
Poesía (1949-1979) (Montevideo, Calicanto, 1980)
Identidad de ciertas frutas (Montevideo, Arca, 1983)
La dama de Elche (Madrid, Edhasa. Banco Exterior de España, 1987)
Los Signos sobre la mesa (Montevideo, Universidad de la República, 1987)
La botella verde (Analysis situs) (Montevideo, Cal y Canto, 1995)
El pescador de caña (Caracas, Fondo Editorial Pequeña Venecia, 1995)
La estranguladora (incluye casete. Montevideo, Cal y Canto, 1998)
Poner la mesa del 3.er. Milenio (2002)
Constelación del navío (reúne la mayor parte de su poesía, publicada e inédita hasta el año 2002. 2002)
Las mil y una preguntas y propicios contextos (Montevideo, Linardi y Risso, 2005)
Casas donde viven criaturas del lenguaje y el diccionario )Montevideo, Editorial Artefacto, 2005)
Prosa[editar]
El monstruo incesante. Expedición de caza (Autobiografía. Montevideo, Arca, 1990)

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Karin Boye (Suecia 1900-1941)

106. Karin Boye (Suecia 1900-1941)

Karin Boye (*Gotemburgo, 26 de octubre de 1900 - †Alingsås, 23 de abril de 1941) fue una poetisa y novelista sueca. En 1932, tras la ruptura de su matrimonio, tuvo una relación con Gunnel Bergström, la esposa del poeta Gunnar Ekelöf. Se suicidó en 1941. Biografía[editar] Nació en Gotemburgo... Ver mas
Karin Boye (*Gotemburgo, 26 de octubre de 1900 - †Alingsås, 23 de abril de 1941) fue una poetisa y novelista sueca. En 1932, tras la ruptura de su matrimonio, tuvo una relación con Gunnel Bergström, la esposa del poeta Gunnar Ekelöf. Se suicidó en 1941.
Biografía[editar]
Nació en Gotemburgo, Suecia y se mudó con su familia a Estocolmo en 1909. Estudió en la Universidad de Upsala desde 1921 hasta 1926. Su primera colección de poemas fue "Nubes" (Moln, en sueco). Mientras estuvo en Upsala y hasta 1930, Boye fue miembro del grupo socialista Clarté. Entre 1929 y 1934 Boye estuvo casada con otro integrante del grupo Clarté, Leif Björck. En 1932, después de separarse de su esposo, tuvo una relación con Gunnel Bergström, quien dejó a su esposo Gunnar Ekelöf por Boye.
En 1931, Boye, junto con Erik Mesterton y Josef Riwkin, fundó la revista literaria Spektrum, desde la cual introdujeron a T.S. Eliot y los surrealistas a Suecia. Junto con el crítico Erik Mesterton tradujeron "La tierra baldía" de Eliot. Karin Boye tuvo un importante papel en la traducción de la obra de T.S. Eliot al sueco.
Posiblemente Karin Boye es más conocida por sus poemas, de los cuales los más conocidos son "Por supuesto que duele" (Ja visst gör det ont) y "En movimiento" (I rörelse) de su colección "Los hornos" (Härdarna) de 1927, y "Por el árbol" (För trädets skull) de 1935. Fue miembro de la institución literaria sueca "Samfundet De Nio" desde 1931 hasta su muerte.
Su novela "Crisis" (Kris) muestra su crisis religiosa y su lesbianismo. En sus novelas "El despertar de los méritos" (Merit vaknar) y "Muy poco" (För lite) explora el juego de roles masculino y femenino.
Fuera de Suecia, su obra más conocida probablemente sea la novela "Kallocain". Inspirada en el apogeo del nacional-socialismo en Alemania, es un retrato de una sociedad anti-utópica del mismo tenor que "1984" de Orwell y "Un mundo feliz" de Huxley (escrita diez años antes que "1984"). En la novela, un científico idealista llamado Leo Kall inventa la Kallocaina, una especie de suero de la verdad.
Boye se suicidó tomando somníferos después de abandonar su casa el 23 de abril de 1941. Según los informes policiales de los Archivos Regionales de Gotemburgo, fue encontrada yaciendo en una roca, en una montaña con vista hacia Alingsås, cerca de Bolltorpsvägen, por un granjero que estaba dando un paseo. En el lugar existe hoy un monumento conmemorativo.
Se le escribieron dos epitafios muy diferentes, el más conocido es el poema "Amazona muerta" (Död amazon) del poeta Hjalmar Gullberg, en el cual se la muestra como "Muy oscura y con grandes ojos". El otro fue escrito por su amigo cercano Ebbe Linde, se titula "Amiga muerta" (Död kamrad), en este no se la retrata como a una amazona, sino como a un humano normal, pequeño y gris en la muerte, liberado de batallas y dolores.
En el 2004, se le puso el nombre "Biblioteca Karin Boye" a una de las secciones de la biblioteca de la Universidad de Upsala en su honor. La asociación literaria Karin Boye sällskapet (la sociedad Karin Boye) fue fundada en 1983 y se dedica a mantener viva la obra de Karin Boye difundiéndola a nuevos lectores.

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Josefina Plá (Paraguay 1908-1999)

107. Josefina Plá (Paraguay 1908-1999)

Josefina Plá (María Josefina Plá; Fuerteventura, España, 1909 - Asunción, Paraguay, 1999) Escritora y artista paraguaya de origen español, considerada una de las principales representantes de la Generación del 40 y una de las precursoras del feminismo en el Paraguay. Su personalidad innovadora... Ver mas
Josefina Plá
(María Josefina Plá; Fuerteventura, España, 1909 - Asunción, Paraguay, 1999) Escritora y artista paraguaya de origen español, considerada una de las principales representantes de la Generación del 40 y una de las precursoras del feminismo en el Paraguay. Su personalidad innovadora trajo la modernidad al arte y la literatura paraguayos del siglo XX y guió varias generaciones de escritores y artistas.

Muy joven viajó a Paraguay para casarse con el artista y miembro de la aristocracia de Asunción Julián de la Herrería (1888-1937), a quien había conocido en 1924 en Alicante, España. No fue muy bien recibida: la llamaron "gitana advenediza", y durante décadas fue marginada de los círculos sociales de la ciudad, provincianos y conservadores, que desaprobaban la forma en que se desenvolvía. Pero eso no le impidió una rica producción artística e intelectual.


Josefina Plá

En los inicios de su carrera se dedicó al periodismo; durante la guerra de Paraguay con Bolivia llegó a dirigir una revista para las trincheras. Poco antes se había iniciado en la poesía. Los críticos consideran que, junto al poeta H. Campos Cervera, es la iniciadora de una nueva etapa en la historia de la literatura paraguaya. Sus primeros poemas, aunque escritos bajo la influencia del modernismo, ya denotan una nueva estética que rebasa este movimiento para inscribirse en la contemporaneidad. Su poesía logró convocar a los escritores de la Generación del 40, sobre todo a aquellos que conformaban el grupo llamado Vyá raity. Sus versos son de gran poder sensual y evocador.

En plena guerra civil regresó a España y apoyó al bando republicano. La muerte de su marido supuso su ruina económica y fue necesaria la venta de una colección de sellos paraguayos para que pudiera pagarse el pasaje con rumbo nuevamente a Paraguay. Allí retomó su labor de periodista, escritora y directora teatral, a la vez que investigaba nuevos ámbitos artísticos, como el grabado y la cerámica.

Josefina Plá fue una autora prolífica: más de sesenta libros publicados, entre ellos varias investigaciones únicas en su género; cerca de treinta obras de teatro (inició el radioteatro), como la exitosa comedia Aquí no ha pasado nada (Premio Ateneo Paraguayo 1942); veinte poemarios, entre ellos el ya citado El premio de los sueños (1934), La raíz y la aurora (1960) y Rostros en el agua (1963); centenares de cuentos breves entre los que destaca La mano en la tierra (1963), su relato más conocido internacionalmente; así como ensayos sobre el bilingüismo, el teatro, las artes plásticas y la artesanía, o sobre los negros y los británicos en el Paraguay.

Como artista plástica, creó grabados, murales y piezas de cerámica, en los que exploró motivos populares y técnicas indígenas. Fue una de las fundadoras del grupo de artistas Arte Nuevo y recibió varias distinciones, como la de doctora honoris causa de la Universidad Nacional. Antes de su muerte fue homenajeada en varias ocasiones por los círculos culturales y literarios del Paraguay y del exterior, en los cuales se le conocía como La dama de la cultura, por su gran labor en la formación de varias generaciones de artistas.

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Esther Seligson (México 1941-2010)

108. Esther Seligson (México 1941-2010)

Biografía[editar] Nacida en el seno de una familia judío-mexicana, Seligson, después de estudiar química en la Facultad de Química de la Universidad Nacional Autónoma de México, se vio inclinada hacia el estudio de la historia de su pueblo y de las letras. Por tal virtud, cambió su orientación... Ver mas
Biografía[editar]
Nacida en el seno de una familia judío-mexicana, Seligson, después de estudiar química en la Facultad de Química de la Universidad Nacional Autónoma de México, se vio inclinada hacia el estudio de la historia de su pueblo y de las letras. Por tal virtud, cambió su orientación profesional original y estudió las carreras de Letras Españolas y Francesas también en la UNAM y, más tarde, cultura judía en el Centre Universitaire d'Ètudes Juives en París y en el Mahon Pardes de Jerusalén.
Impartió clases de historia del teatro en el Centro Universitario de Teatro de la UNAM (desde su fundación). Dio cursos de arte escénico y de montaje teatral, otro saber que su amplia cultura le hizo dominar. Preocupada por la difusión de la historia judía, impartió también en diversas sedes y tiempos, cursos de pensamiento judío.
Seligson radicó en Lisboa y más tarde fincó su residencia en Jerusalén. La escritora Elena Poniatowska que la conoció en Israel la definió así:1
“Esther Seligson me atrajo por su capacidad de fakir. La vi en Jerusalén y me dio el gran espectáculo de su belleza quemada por el sol del desierto”
Falleció el día 8 de febrero de 2010 en la Ciudad de México.
Obra[editar]
A lo largo de su carrera, Esther Seligson colaboró en numerosos diarios de México y revistas y tradujo, entre otros, la obra del filósofo Emile Michel Cioran. Fue becaria del Centro Mexicano de Escritores y ganadora del Premio Xavier Villaurrutia en 1973 por su novela Otros son los sueños,2 así como el premio Magda Donato en 1989. A partir de 2005, se reunió su obra en tres volúmenes, A campo traviesa (2005), Toda la luz (2006) y Negro es su rostro. Simiente (2010), en una edición del Fondo de Cultura Económica. En 2011 ganó el Premio Bellas Artes de Narrativa Colima para Obra Publicada.
De su obra, Seymour Menton ha dicho:
"(en la obra de Seligson) se siente la influencia de Juan García Ponce lo mismo que de Marcel Proust, se distingue por su análisis psicológico de sentimientos y sensaciones inspirados en gran parte en el recuerdo de distintos tipos de relaciones amorosas."
3
Tras la ventana un árbol (1969)
Otros son los sueños (1973)
Tránsito del cuerpo (1977)
De sueños, presagios y otras voces (1978)
La morada del tiempo (1981)
Diálogos con el cuerpo (1981)
Las figuraciones como método de escritura (1981)
Sed de mar (1986)
Luz de dos (1989)
La fugacidad como método de escritura (1989)
El teatro, festín efímero (1990)
Indicios y quimeras, isomorfismos (1991)
A campo traviesa (2005)
Toda la luz (2006)
Negro es su rostro. Simiente (2010)
Todo aquí es polvo (post mortem) (2010)
Hoy me duele la vida como si fuera un tajo
de cuchillo en las muñecas.
Me abruman los hechos de violencia que cunden
el filo de mi propia recóndita agresión.
De sueños, presagios y otras voces

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Alda Merini (Italia 1931-2009)

109. Alda Merini (Italia 1931-2009)

Infancia y juventud[editar] Alda Giuseppina Angela Merini nació el 21 de marzo de 1931 en una casa de la via Papiniano n.º 57 de Milán,2 en el seno de una familia humilde (el padre era dependiente en una compañía de seguros, Assicurazioni Generali Venezia, y la madre era ama de casa). Fue la... Ver mas
Infancia y juventud[editar]
Alda Giuseppina Angela Merini nació el 21 de marzo de 1931 en una casa de la via Papiniano n.º 57 de Milán,2 en el seno de una familia humilde (el padre era dependiente en una compañía de seguros, Assicurazioni Generali Venezia, y la madre era ama de casa). Fue la menor de tres hermanos (una hermana y un hermano que aparecen en los poemas de Merini). Alda estudió en el Instituto Laura Solera Mantegazza y no consiguió matricularse en el Liceo Manzoni al no superar el examen de italiano. Durante este tiempo estudió piano, instrumento que apreciaba especialmente.
Publicó a edad muy temprana, con sólo quince años, gracias a la protección de Giacinto Spagnoletti, que fue quien descubrió su talento artístico. En 1947, Merini encuentra le prime ombre della sua mente («las primeras sombras de su mente»)3 y es internada durante un mes en el Hospital Psiquiátrico de San Raffaele Turro (Villa Turro) de Milán. Cuando sale, Giorgio Manganelli (a quien había conocido en casa de Spagnoletti junto a Luciano Erba y a Davide Turoldo) lleva a Merini a terapia con los psicoanalistas Fornari y Cesare Musatti.
Giacinto Spagnoletti incluyó a Merini entre los poetas de su Antologia della poesia italiana 1909-1949, publicada en 1950.4 En 1951, por la sugerencia de Eugenio Montale y de Maria Luisa Spaziani, el editor Scheiwiller publica dos poemas inéditos de Merini en el libro Poetesse del Novecento.
Entre 1950 y 1953, Merini frecuenta por trabajo y amistad al poeta Salvatore Quasimodo. En 1953 se casa con Ettore Carniti, propietario de algunas panaderías de Milán.
En 1953 aparece su primer volumen propio de poemas, La presenza di Orfeo. En 1955 publica Nozze Romane (Bodas romanas) y Paura di Dio (Miedo de Dios). Este mismo año nace su primera hija, Emanuela. Alda dedicará al médico que cuidó de su niña, Pietro De Paschale, la selección de versos Tu sei Pietro (Tú eres Pedro) que se publicó en 1961.
Problemas psicológicos[editar]
Tras Tu sei Pietro comienza un periodo de silencio y aislamiento, debido a su internamiento en el Hospital Psiquiátrico Paolo Pini, que dura hasta 1972 (con periodos en los que volvía a la casa familiar, durante los cuales nacieron otros tres hijos, entre otros su predilecta hija Barbara).5
Hasta 1979 se alternaron los periodos de salud y enfermedad. En 1979 Merini vuelve a escribir: nacen en este momento sus textos más intensos, en los que narra sus experiencias en el hospital psiquiátrico. El libro se titulará La Terra Santa y será publicado en 1984 por Vanna Scheiwiller.
En 1981 muere su marido y la poeta se queda sola. En este periodo entabla una relación telefónica con el poeta Michele Pierri que, en aquel momento difícil de su retorno a la literatura, había demostrado apreciar su poesía. Se casa con él en octubre de 1983 y se traslada a Tarento, donde vive durante tres años. En este periodo escribe los veinte poemas-retrato de La gazza ladra (La urraca ladrona, alusión a una famosa ópera homónima de Rossini); también escribió numerosos textos para Perri. También en Tarento terminó L'altra verità. Diario di una diversa (La otra verdad. Diario de una distinta). Siempre frágil, en Tarento también tuvo problemas psiquiátricos.
Regreso a Milán[editar]
En julio de 1986 regresó a Milán y recibió la asistencia de la doctora Marcella Rizzo, a la que dedicó más de una poesía. Reinicia antiguas amistades, entre ellas la de Vanni Scheiwiller, que publica L'altra verità. Diario di una diversa, su primer libro en prosa, al que seguirán Fogli bianchi en 1987 y Testamento (1988).
Merini inicia un periodo de gran fecundidad literaria y de estabilidad psicológica. En invierno de 1989 la poeta frecuenta el café-librería Chimera, situado en los Navigli (canales) de Milán, cerca de su casa, y ofrece sus escritos mecanografiados a sus amigos del café. En este periodo nacen libros como Delirio amoroso (1989) e Il tormento delle figure (El tormento de las figuras, 1990).
En los años siguientes, distintas publicaciones consolidan su regreso a la escena literaria. En 1991 se publica Le parole di Alda Merini (Las palabras de Alda Merini) y Vuoto d'amore (Vacío de amor), seguidos en 1992 por Ipotenusa d'amore, en 1993 La palude di Manganelli o il monarca del re (La ciénaga de Manganelli o el monarca del rey) y el librito Aforismi, con fotografías de Giuliano Grittini. Este año gana el Premio Librex-Guggenheim «Eugenio Montale» en la categoría de poesía, premio que la consagra entre los grandes literatos contemporáneos italianos, junto a figuras como Giorgio Caproni, Attilio Bertolucci, Mario Luzi, Andrea Zanzotto o Franco Fortini.
En 1994 publica Titano amori intorno (Amores en torno a Titán) con seis ilustraciones de Alberto Casiraghi, el volumen Sogno e Poesia (Sueño y Poesía) con veinte grabados de otros tantos artistas contemporáneos Reato di vita, autobiografía e poesía («Delito de vida, autobiografía y poesía»). En 1995 publica en la Editorial Bompiani La pazza della porta accanto (La loca de la puerta de al lado) y en Einaudi Ballate non pagate (Baladas no pagadas).
En 1996 gana el Premio Vareggio por La vita facile y en 1997 consigue el Premio Procida-Elsa Morante. Ese mismo año se promovió en Italia su candidatura al Premio Nobel, impulsada especialmente por el dramaturgo Dario Fo, pero no prosperó.6 Al año siguiente, sería Fo quien ganó el Nobel.
En 1997 se publica su antología poética La volpe e il sipario (La zorra y el telón), con ilustraciones de Gianni Casari, donde hace evidente que su técnica poética nace de lo oral. Sus poemas son muy breves, cercanos al aforismo, género que frecuentará durante estos años y que culminará con la publicación de libros como Il Catalogo Generale delle Edizioni Pulcinoelefante (El catálogo general de las ediciones pulgoelefante, Scheiwiller, 1997), Aforismi e magie (Aforismos y magias, Rizzoli, 1999) o Lettera ai figli (Carta a los hijos, editado por Michelangelo Camilliti con ilustraciones de Alberto Casiraghi).
Últimos años[editar]
En 2000 aparece Superba è la notte (Soberbia es la noche, Einaudi) con el conjunto de poemas escritos entre 1996 y 1999 que la autora envió al editor Einaudi y a Ambrogio Borsani. Al no ser posible ordenarlos cronológicamente (las obras no estaban fechadas), los editores decidieron publicarlos por afinidad temática y estilística.
La obra de Merini deriva a partir de estos años hacia una profunda religiosidad de carácter místico, alentada por su trato con Arnoldo Mosca Mondadori, quien editó los versos de la poeta en la editorial Frassinelli: a L'anima innamorata (2000) le siguen otros libros con este carácter, tres de los cuales tienen un prólogo de monseñor Gianfranco Ravasi: Corpo d'amore (2004), Poema della croce (2005) y Francesco, canto di una creatura (2007). Todos los textos de carácter religioso de Merini se publicaron en la editorial Frassinelli y estuvieron al cuidado de Arnoldo Mosca, estrecho colaborador de la poeta a partir de 2000.
En 2002 se publica Folle, folle, folle d'amore per te (Loca, loca, loca de amor por ti, Ed. Salani), con una cita de Roberto Vecchioni, autor de Canzone per Alda Merini (Canciones para Alda Merini). También aparece Magnificat, un incontro con Maria (Frassinelli, 2002, con ilustraciones de Ugo Nespolo) y La carne degli Angeli (Frassinelli, 2002, con veinte obras inéditas de Mimmo Paladino). Ese mismo año recibe la Orden al Mérito de la República Italiana con categoría de comendadora.7
En 2003 se edita Più bella della poesía è stata la mia vita (Más bella que la poesía ha sido mi vida), con textos y material audiovisual de la autora. En Einaudi aparece Clínica dell'abbandono, con introducción de Ambrogio Borsani y un texto de Vincenzo Mollica. El libro está dividido en dos partes: la primera, Poemi eroici (Poemas heroicos), con versos escritos a finales de los años noventa; la segunda, Clínica dell'abbandono (Clínica del abandono), con poemas de los últimos años. Este libro reproduce, con alguna variante, el texto de Più bella della poesía è stata la mia vita.
En febrero de 2004 Merini ingresa en el Hospital San Paolo de Milán por problemas de salud. Su precaria situación económica hace que los amigos de la poeta hagan una petición pública de ayuda y reciben apoyo de toda Italia. En internet, se pide desde numerosos blogs la intervención del alcalde milanés, Albertini. La escritora regresa finalmente a su casa de Porta Ticinese.
A finales de 2005 publicó Nel cerchio di un pensiero (teatro per voce sola) (En el círculo de un pensamiento, teatro para voz sola, Crocetti Editore), fruto de los dictados telefónicos de Alda Merini a Marco Campedelli. y Le briglie d'oro (Poesie per Marina 1984-2004) (Las bridas de oro, Scheiwiller).
En 2006 se acerca al género negro con La nera novella (Rizzoli).
En 2007 con “Alda e Io – Favole”, escrito a cuatro manos con el fabulista Sabatino Scia, vence el premio Elsa Morante Ragazzi.
Fue nombrada doctora honoris causa por la Universidad de Mesina en octubre de 2007.8
Murió en Milán el 1 de noviembre de 2009.9
Obras musicales basadas en poemas de Merini[editar]
En 2004 la cantante Milva editó un disco titulado Milva canta Merini con canciones compuestas por Giovanni Nuti sobre poemas de Alda Merini. La poeta asistió el día de su 73 cumpleaños al recital de Milva en el Teatro Strehler de Milán.
El 21 de julio de 2004 se interpretaron en el Teatro Romano seis cantatas de Federico Gozzellino basadas en poemas de Merini.
Cine[editar]
En 2009 se estrenó el documental Alda Merini, una donna sul palcoscenico, dirigido por Cosimo Damiano Damato. Se presentó en las Giornate degli Autori de la 66ª Mostra de Venecia. En la película participó Mariangela Melato.
Traducciones al español[editar]
Poesías de Alda Merini. Traducción: Mercedes Arriaga Flórez. Sevilla: Fundación Cajasol, 1999.
La tierra santa. Editorial Pre-Textos. 2002.
Baladas no pagadas. Traductora: Jeannette Lozano Clariond. Barcelona: La Poesía, señor hidalgo, 2005.
Clínica del abandono (título original: Clinica dell'abbandono). Traducción, prólogo y notas: Delfina Muschietti. Buenos Aires: Bajo la Luna, 2008.
Cuerpo de amor. Traducción: Jeannette Lozano Clariond. México - España: Vaso Roto Ediciones, 2009. http://www.vasoroto.com/?lg=mx&id=24&lid=21
Magnificat. Traducción: Jeannette Lozano Clariond. México - España: Vaso Roto Ediciones, 2009. http://www.vasoroto.com/?lg=mx&id=24&lid=24
La carne de los ángeles. Traducción: Jeannette Lozano Clariond. México - España: Vaso Roto Ediciones, 2009. http://www.vasoroto.com/?lg=mx&id=24&lid=36

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Vita Sackville-West (Gran Bretaña 1892-1962)

110. Vita Sackville-West (Gran Bretaña 1892-1962)

Novelista y poetisa inglesa, miembro de la antigua y aristocrática familia Sackville, dueños de Knole, una propiedad en Kent que data de la época Tudor. Escribió entre otras novelas Los eduardianos (1930), Toda pasión apagada (1931), que trata sobre el matrimonio, la viudedad y el envejecimiento... Ver mas
Novelista y poetisa inglesa, miembro de la antigua y aristocrática familia Sackville, dueños de Knole, una propiedad en Kent que data de la época Tudor. Escribió entre otras novelas Los eduardianos (1930), Toda pasión apagada (1931), que trata sobre el matrimonio, la viudedad y el envejecimiento, y Pepita (1937), una biografía novelada de su abuela. Entre su obra poética se encuentra El país (1926), que describe minuciosamente el año rural en Kent. Notable jardinera, diseñó los famosos jardines del castillo de Sissinghurst, donde vivió, y que actualmente pertenecen al National Trust, patrimonio nacional de Inglaterra. En 1913 se casó con el diplomático y literato sir Harold Nicholson. Su hijo, Nigel Nicholson, escribió Retrato de un matrimonio (1973), que describe la relación poco convencional que mantenían sus padres. Las relaciones de Sackville-West con la novelista Virginia Woolf tuvieron una prolongada influencia en la vida y la obra de ambas mujeres y han sido objeto de muchas reconsideraciones críticas. Hay elementos en la biografía de Sackville-West y la historia de su familia que se entremezclan en la ingeniosa novela de Woolf, Orlando (1928). © eMe

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Marianne Moore (EEUU 1887-1972)

111. Marianne Moore (EEUU 1887-1972)

Biografía[editar] Marianne Moore nació en Kirkwood, Misuri en la casa parroquial de la iglesia presbiteriana de la que su abuelo materno, John Riddle Warner, era pastor. Era hija de un inventor e ingeniero, John Milton Moore, y su esposa, Mary Warner. Creció en la casa de su abuelo, pues su... Ver mas
Biografía[editar]
Marianne Moore nació en Kirkwood, Misuri en la casa parroquial de la iglesia presbiteriana de la que su abuelo materno, John Riddle Warner, era pastor. Era hija de un inventor e ingeniero, John Milton Moore, y su esposa, Mary Warner. Creció en la casa de su abuelo, pues su padre había sido enviado a un hospital psiquiátrico antes de su nacimiento. En 1905, Moore comenzó a atender al "Bryn Mawr College", en Pensilvania y se graduó cuatro años después. Dio clases en la Carlisle Indian Industrial School en Carlisle, Pensilvania, hasta 1915, año en que comenzó a escribir poesía de forma profesional.
Carrera poética[editar]

Marianne Moore en 1935. Fotografía de George Platt Lynes.
Moore fue reconocida por autores tan diversos como Wallace Stevens, William Carlos Williams, H.D., T. S. Eliot, o Ezra Pound quizá a raíz de sus viajes europeos antes de la Primera guerra mundial. Desde 1925 hasta 1929, Moore trabajó como editora del diario literario y cultural The Dial. Esto hizo que Moore tomara un papel similar al de Pound, descubriendo a nuevos poetas como Elizabeth Bishop, Allen Ginsberg, John Ashbery o James Merrill. Aparte de esta labor editorial, Moore retocó y editó sus propios trabajos anteriores.
En 1933 le fue otorgado un premio, el Helen Haire Levinson Prize, por la revista Poetry. Su colección de poemas, Collected Poems, de 1951, es quizá su obra más valorada y la que le hizo ganar el premio Pulitzer, el National Book Award, y el premio Bollingen. En los círculos literarios neoyorquinos Moore se convirtió en una celebridad menor, sirviendo en ocasiones como anfitriona a aquellos más prominentes. Moore atendía a combates de boxeo, partidos de baseball u otros eventos públicos vestida de una forma un tanto extravagante que acabó convirtiéndose en su sello personal: un sombrero tricornio y una capa negra. Moore era una entusiasta de los deportes y los deportístas, y admiraba especialmente a Muhammad Ali, con quien colaboró en su álbum recitado I Am the Greatest! escribiendo algunas líneas. Moore continuó publicando poemas en otros diarios, como The Nation, The New Republic y Partisan Review, así como publicando varias obras y colecciones de poesía y crítica literaria. También mantuvo correspondencia con W.H. Auden y Ezra Pound mientras este último estuvo encarcelado.
Obra selecta[editar]
Poems, 1921. Publicado en Londres por H.D. sin el conocimiento de Moore.
Observations, 1924.
Selected Poems, 1935. Introducción de T. S. Eliot.
The Pangolin and Other Verse, 1936.
What Are Years, 1941.
Nevertheless, 1944.
A Face, 1949.
Collected Poems, 1951.
Fables of La Fontaine, 1954. Traducción.
Predilections: Literary Essays, 1955.
Idiosyncrasy and Technique, 1966.
Like a Bulwark, 1956.
O To Be a Dragon, 1959.
Idiosyncrasy and Technique, 1959.
The Marianne Moore Reader, 1961.
The Absentee: A Comedy in Four Acts, 1962. Dramatización de la novela de Maria Edgeworth.
Puss in Boots, The Sleeping Beauty and Cinderella, 1963. Adaptaciones de los cuentos de Perrault.
Dress and Kindred Subjects, 1965.
Poetry and Criticism, 1965.
Tell Me, Tell Me: Granite, Steel and Other Topics, 1966.
The Complete Poems, 1967.
The Accented Syllable, 1969.
Homage to Henry James, 1971. Ensayos de Moore, Edmund Wilson, etc.
The Complete Poems, 1981.
The Complete Prose, 1986.
The Selected Letters of Marianne Moore, editado por Bonnie Costello, Celested Goodridge y Cristann Miller. Knopf, 1997.

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Olga Xirinacs (España 1936)

112. Olga Xirinacs (España 1936)

Olga Xirinacs Díaz (Tarragona, Cataluña, 1936) es una escritora española en lengua catalana y castellana, así como profesora de piano. Posee una sólida formación artística, que da profundidad a su obra literaria. Ha escrito poesía, novela, cuentos y ensayo. Colabora en la prensa periódica: La... Ver mas
Olga Xirinacs Díaz (Tarragona, Cataluña, 1936) es una escritora española en lengua catalana y castellana, así como profesora de piano. Posee una sólida formación artística, que da profundidad a su obra literaria. Ha escrito poesía, novela, cuentos y ensayo.
Colabora en la prensa periódica: La Vanguardia, Avui, Foc Nou. Dio cursos de narrativa en Aula de Letras y en la Universidad Pompeu Fabra, de Barcelona.
Muchos de sus libros han merecido los premios más importantes de la literatura en lengua catalana, entre ellos: Sant Jordi, Sant Joan, Josep Pla, Ramon Llull, Carles Riba, dos Premios de la Crítica, entre otros.
Es la única mujer Maestra en Gai Saber por los Juegos Florales de Barcelona después de Mercè Rodoreda. En 1990, la Generalidad de Cataluña le concedió la Creu de Sant Jordi. Ha escrito más de trescientos cuentos, 250 para adultos y otros para niños publicados en la prensa. Hasta 1996 se editaron tres volúmenes.
Honores[editar]
Eponimia[editar]
Hay una escuela en Tarragona que lleva su nombre: "Escola Olga Xirinacs"
Obras en prosa[editar]
Música de cambra. (Música de cámara) Barcelona 1982.
Interior amb difunts. (Interior con difuntos) Premio Josep Pla 1982. Barcelona 1983.
La mostela africana i altres contes. (El visón africano y otros cuentos) Barcelona 1985.
Al meu cap una llosa. (Sobre mi cabeza una losa) Premio San Jordi 1984. Barcelona 1985.
Zona marítima. Premio de Novela Ramon Llull 1986. Barcelona 1986.
Relats de mort i altres matèries. (Relatos de muerte y otras materias) Barcelona 1988.
Mar de fons. (Mar de fondo) Barcelona: Editorial Planeta 1988.
Tempesta d'hivern. (Tormenta de invierno) Barcelona 1990.
Enterraments lleugers. (Entierros ligeros) Premio San Joan 1990. Barcelona 1991.
Cerimònia privada. (Ceremonia privada) Barcelona 1993.
Josep Sala. Tarragona 1993.
Sense malícia. (Sin malicia) Premio Ciudad de Palma de Novela 1993. Barcelona 1993
Sucant el melindro. (Chocolate con bizcochos) Barcelona 1996.
La Vía Augusta. Vint pobles fan el Tarragonès. De Llevant a Ponent. (La via Augusta. Veinte pueblos forman el Tarragones. De levante a poniente) Barcelona 1997.
Viatge d'aigua. Un passeig per la Costa Daurada. (Viaje de agua. Un paseo por la costa Dorada) Barcelona 1999.
La tarda a Venècia. (Atardecer en Venecia) Barcelona 1999.
L'home que mossegava les dones. (El hombre que mordía a las mujeres). Barcelona 2000.
Pavana per un tauró. (Pavana por un tiburón) Barcelona 2001.
No jugueu al cementiri. (No juguéis en el cementerio) Premio Serie Negra de Novela 2001. Barcelona 2002.
Els 7 pecats capitals. La peresa – erótica- (Los 7 pecados capitales: la pereza –erótica- ). Barcelona 2002.
Setmana de difunts (Semana de difuntos). Barcelona 2003
El viatge. Dietari 1986-1990 (El viaje. Dietario 1986-1990). Barcelona 2004
El Hijo del tejedor. Barcelona 2006.
Trens (Trenes). Barcelona 2006.
El balcon de los suicidas. Barcelona 2007.
Los viajes de Horacio Andersen. Tarragona 2008.
El maestro de nubes. Badalona 2008.
Poesía[editar]
Botons de tiges grises. (Siemprevivas) Barcelona 1977.
Clau de blau (Tarraconis vrit amor). (Clave en azul) Tarragona 1978.
Llençol de noces. (Sábana de bodas). Barcelona 1979.
Tramada. Colectiva con el grupo Espiadimonis. Tarragona 1980.
Preparo el te sota palmeres roges. (Preparo el té bajo palmeras rojas.) Premio Caravel·la 1980. Barcelona 1981.
Versifonies. Colectiva con el grupo Espiadimonis Tarragona 1987.
Llavis que dansen. (Labios que bailan) Barcelona 1987.
La pluja sobre els palaus. (La lluvia sobre los palacios) Barcelona 1990.
La muralla. Barcelona 1993.
Mansardes. Colectiva con el grupo Espiadimonis Tarragona 1997.
Grills de mandarina (Gajos de mandarina). Lérida 2004.
El sol a les vinyes/El sol en los viñedos. Il vangelo, Pasolini in memoriam. Edición bilingüe. Barcelona 2005
Eterna Edición bilingüe. Barcelona 2006
La Casona en el parque. Barcelona 2007
Literatura infantil y juvenil[editar]
Marina. Ilustraciones d'Asun Balzola. Barcelona 1986.
Patates fregides. (Patatas fritas) Ilustraciones de Carme Solé. Barcelona 1994.
Sóc un arbre. (Soy un árbol) Ilustraciones de Asun Balzola. Barcelona 1994.
El far del capità. (El faro del capitán) Ilustraciones de Carme Solé. Barcelona 1994.
Xocolata. (Chocolate) Barcelona 1994.
El meu pare és capità. (Mi padre es capitán) Ilustraciones de Gemma Sales. Barcelona 1995.
Final d'estiu. (Final de verano) Barcelona 1996.
Wendy torna a volar. (Wendy vuelve a volar) Barcelona 1996.
El vol de Dràcula. (El vuelo de Drácula) Ilustraciones de Francesc Infante. Barcelona 1996.
Mòmies. (Momias) Barcelona 1996.
Triangles mortals o la sala dels difunts. (Triángulos mortales o la sala de los difuntos) Ilustraciones de Mercè Canals. Barcelona 1998.
Marina / Cavall de mar.( Marina /Caballito de mar) Ilustraciones de Asun Balzola. Barcelona 1998.
La núvia adormida. (La novia dormida) Barcelona 1998.
La Vaca Xoriça. (La Vaca Choriza.) Ilustraciones de Laia Soler. Barcelona 1998.
Un cadàver per sopar. (Un cadáver para cenar) Premio Ciutat de Badalona de Narrativa Juvenil 2000. Barcelona 2000.
L'escrivent de làpides. (El escribiente de lápidas) Barcelona 2002.
Aprende el abecedario con adivinanzas. Barcelona 2007
Obra traducida[editar]
Lengua castellana
Zona marítima. Novela. Traducción de Sara Pujol. Barcelona 1987.
El faro del capitán. Madrid 1994.
Fin de verano. Traducción de la autora. Madrid 1996.
El vuelo de drácula. Madrid, 1996.
El árbol de mi patio. Ilustraciones de Asun Balzola. Traducción de la autora. Barcelona, 1996.
Marina y Caballito de mar. Traducción de la autora. Madrid, 1998.
La novia dormida. Traducción de la autora. Barcelona, 1998.
El escribiente de lápidas. Traducción de Pau Joan Hernàndez. Barcelona, 2002.
Mi padre es capitán. Barcelona, 2003.
El sol a les vinyes/El sol en los viñedos. Il vangelo, Pasolini in memoriam. Edición bilingüe. Barcelona 2005
Eterna. Edición bilingüe. Badalona 2006
Otras lenguas
Diversos cuentos traducidos al alemán, al euskera, al castellano y al ruso.
Lips that dance (poesía) traducida al inglés por Hillary J Gardner. Universidad de Washington.
Poemas al francés en revistas diversas de Francia y Canadá
Jardines sobre el mar Antología bilingüe de poemas, a cargo de Elena Zernova. Universidad de San Petersburgo. 2003
Participación en obras colectivas[editar]
Jo sóc aquell que em dic Gerard, Terres de l'Ebre, Editorial Petròpolis, 2010.
Premios[editar]

Predecesor:
Miquel Ferrà Escut de Catalunya (apuntat).svg
Premio Ramon Llull de novela
1986 Sucesor:
Valentí Puig

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Sofía Casanova (España 1861-1958)

113. Sofía Casanova (España 1861-1958)

Casanova de Lutoslawski, Sofía (1862-1958). Escritora y periodista española, nacida en Almeiras (La Coruña) en 1862, y fallecida en Poznan el 16 de enero de 1958. A pesar del injusto olvido en que ha caído su obra (debido, tal vez, a que vivió mucho tiempo fuera de España), fue una de las... Ver mas
Casanova de Lutoslawski, Sofía (1862-1958).

Escritora y periodista española, nacida en Almeiras (La Coruña) en 1862, y fallecida en Poznan el 16 de enero de 1958. A pesar del injusto olvido en que ha caído su obra (debido, tal vez, a que vivió mucho tiempo fuera de España), fue una de las escritoras españolas más importantes del siglo XX, como lo prueba el hecho de que llegara a estar nominada en la candidatura del Premio Nobel de Literatura.

Desde muy temprana edad se trasladó con su familia a Madrid, donde cursó sus primeros estudios y comenzó a desarrollar una acusada vocación literaria que orientó toda su formación artística e intelectual hacia la vertiente humanística del saber. Ya adolescente, supo introducirse en varios círculos culturales madrileños que enseguida la admitieron en su condición inicial de poetisa, faceta que fue muy alabada por autores tan consagrados -en su tiempo- como el propio Ramón de Campoamor. Estos elogios y contactos le fueron abriendo las puertas de los principales cenáculos literarios madrileños, y fue precisamente en uno de ellos (en la tertulia que organizaba y alentaba don Emilio Ferrari) donde conoció a un intelectual polaco, profesor universitario, que, en 1887, acabaría convirtiéndose en su esposo. Se trataba del filósofo Vicente Lutoslawski, perteneciente a una familia aristocrática de Polonia, quien se llevó a la joven Sofía Casanova a su país natal y, posteriormente, a varias capitales europeas.

Alejada físicamente del medio cultural y humano en el que estaba acostumbrada a desenvolverse, la joven escritora gallega sintió cómo se fortalecía su vocación literaria, cuyo alcance se fue progresivamente ampliando hasta abarcar casi todos los géneros habituales en su época. En efecto, se dio al cultivo de la prosa (novela larga y breve), del teatro, del periodismo y de la traducción al castellano de obras escritas originalmente en francés, inglés, italiano, portugués, polaco y ruso, lenguas que conoció y dominó a la perfección esta brillante escritora (a su pluma se debió, precisamente, la primera versión en castellano de Quo vadis?, del literato polaco Henryk Sienkiewicz). Además, sus constantes desplazamientos por toda Europa la convirtieron en testigo de excepción de los principales acontecimientos históricos de la primera mitad del siglo XX, como las dos guerras mundiales y la Revolución Rusa. De todo ello dejó cumplida memoria en volúmenes tan apreciados, en su día, como De la guerra. Crónicas de Polonia y Rusia (1916), De la evolución en 1917 (1917) y La revolución bolchevique. (Diario de un testigo) (1920).

Pero, a pesar de este distanciamiento físico -que se acentuó durante el período en que el matrimonio Lutoslawski hubo de fijar su residencia en Rusia-, Sofía Casanova no perdió nunca el contacto con el mundillo cultural y artístico que bullía en la capital de España, con el que permaneció constantemente unida a través de sus epístolas, sus obras literarias (publicadas casi siempre en suelo patrio) y, sobre todo, sus artículos periodísticos. Y es que, en efecto, ya antes de haber contraído matrimonio con Vicente Lutoslawski se había convertido Sofía Casanova en una periodista de acreditado prestigio, cuyas colaboraciones, difundidas en los principales medios de comunicación del país, le proporcionaron un extraordinario renombre. Tanto era así, que en 1933, cuando la escritora gallega ya había rebasado los setenta años de edad, fue distinguida con la Gran Cruz de Alfonso XII; y en 1952 fue nombrada Académica de Honor de la Real Academia Gallega. Pese a ello, se vio abocada a la pobreza durante los últimos años de su vida, hasta que, cercana ya a los cien años de edad, falleció en la ciudad polaca de Poznan el día 16 de enero de 1958.

Entre su producción poética cabe destacar los volúmenes titulados Poesías (1885), Fugaces (1898) y El cancionero de la dicha (1911). Además, fue autora de una obra teatral, La madeja, que se estrenó en el Teatro Español, de Madrid, en 1913. Sus aportaciones a la narrativa española contemporánea se plasmaron en las novelas extensas El doctor Wolski. Páginas de Polonia y Rusia (1894), Más que amor. Cartas (1908), Viajes y aventuras de una muñeca española en Rusia (1920) y, entre otros títulos, Las catacumbas de Rusia roja (1933). A ellos hay que sumar sus creaciones en uno de los géneros literarios en que más destacó Sofía Casanova, la novela breve, con piezas tan celebradas como Sobre el Volga helado (1903), Princesa del Amor Hermoso (1909), Triunfo de amor (1919), Princesa rusa (1922) y Kola, el bandido (1923).

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María Rosa Gálvez de Cabrera (España 1768-1806)

114. María Rosa Gálvez de Cabrera (España 1768-1806)

MARÍA ROSA GÁLVEZ DE CABRERA, nació en Málaga, el 14 de agosto de 1768, según algunas fuentes y según otras en Macharaviaya, un pueblo de la provincia. Fue hija adoptiva de Antonio de Gálvez, coronel del ejército, y de Mariana Ramírez de Velasco. Contrajo matrimonio en Málaga con su... Ver mas
MARÍA ROSA GÁLVEZ DE CABRERA, nació en Málaga, el 14 de agosto de 1768, según algunas fuentes y según otras en Macharaviaya, un pueblo de la provincia.

Fue hija adoptiva de Antonio de Gálvez, coronel del ejército, y de Mariana Ramírez de Velasco.

Contrajo matrimonio en Málaga con su primo el capitán José Cabrera Ramírez y el matrimonio se muda a Madrid quizá antes de 1790. Allí frecuenta los círculos intelectuales ilustrados y amistad con Manuel José Quintana y especialmente Manuel Godoy, lo que vuelve celoso a su marido, quien, al poco, es nombrado agregado de la legación de España en Estados Unidos. María Rosa permaneció en Madrid, donde continuó su presunta relación amorosa con el primer ministro de Carlos IV, quien auspició la edición de los tres volúmenes de sus Obras poéticas (1804), en la Imprenta Real sin los abonos correspondientes.

Con grandes penurias económicas, falleció prematuramente, el 2 de Octubre de 1806 Madrid a los 38 años, siendo enterrada en la iglesia de San Sebastián.

Algo había en ella de moderno e independiente que inquietaba vagamente a sus contemporáneos varones y no podían entender; fue atacada por consideraciones ajenas a su mérito literario intrínseco (su feminismo, su independencia, su conducta moral ajena entonces a los valores de la época, su relación con Godoy); la crítica actual ha puesto su obra en su justo, digno y merecido lugar.

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Pilar de Valderrama (España 1889-1971)

115. Pilar de Valderrama (España 1889-1971)

Biografía[editar] Pilar Valderrama, perteneciente a la alta burguesía madrileña, se casó a los 19 años con Rafael Martínez Romarate, ingeniero que después de la guerra dirigió la luminotecnia del teatro María Guerrero de Madrid, y con el que tuvo tres hijos. Desde muy joven dedicó gran parte... Ver mas
Biografía[editar]
Pilar Valderrama, perteneciente a la alta burguesía madrileña, se casó a los 19 años con Rafael Martínez Romarate, ingeniero que después de la guerra dirigió la luminotecnia del teatro María Guerrero de Madrid, y con el que tuvo tres hijos.
Desde muy joven dedicó gran parte de su actividad a alternar en ambientes culturales. Fue miembro del Lyceum Club, donde se reunía la flor y nata de la intelectualidad femenina del primer cuarto del siglo XX. Como buena burguesa formó tertulia con Concha Espina, María de Maeztu, Zenobia Camprubi, compañera de Juan Ramón Jiménez, y otras consortes de intelectuales o artistas como Mabel Rick, mujer de Pérez de Ayala, y gustó de reunir en su casa a otras figuras del momento, Cansinos Assens, Araujo Costa, Huberto Pérez de la Ossa, Ruiz Contreras o Victorio Macho, escultor con el que se había casado su hermana. También montó en su casa una compañía de teatro de aficionados, bautizada Fantasio.
Su obra nunca le dio fama, siendo más conocida a partir de 1981, cuando se hizo pública su identidad en relación con la Guiomar de Machado (si bien algunos ya lo habían intuido desde 19642 ). En su libro de memorias Si, soy Guiomar,,3 publicado póstumamente en 1981, la Valderrama incluyó las cartas del poeta que "había salvado al azar". En su selección de recuerdos y evocaciones, que tan corto homenaje hacen a la memoria de Machado, hay una que recoge la oferta del poeta para incluir versos de Pilar en el libreto de La Lola se va a los puertos, obra teatral escrita en colaboración con su hermano Manuel, (quien probablemente convenció al enamoradizo poeta de que no mezclase los espejismos con las lentejas).4
Relación con Antonio Machado[editar]
Iniciada en 1928, la extraña relación entre Pilar y el maduro poeta fue mantenida en secreto hasta 1950. En ese año, once tras la muerte de Machado, un libro de Concha Espina vino a descubrir la poética del idilio, protegiendo la identidad humana que había detrás de Guiomar.5 El documento, aportaba copias fotográficas de fragmentos de cartas del poeta, pero su identidad quedó en suspenso hasta 1981, con la publicación de las memorias deliberadamente póstumas de Pilar de Valderrama,3 acompañadas de las únicas 36 cartas que ella conservaba de las más de 240 que le escribió Machado,3 6 7 y algunos de los versos dedicados a Guiomar8
La versión de Pilar[editar]
Según relató Pilar Valderrama y declaró en diversas entrevistas, en marzo de 1928, teniendo ella 38 años, descubrió la infidelidad de su marido al suicidarse la joven amante de éste. El natural despecho y la confusión la llevaron a buscar descanso y soledad en Segovia. Lo que no concuerda es que llevase en su equipaje una carta de presentación de un amigo común y que, en su soledad, acuerde una cita con Machado (residente y profesor de Instituto en Segovia desde 1919), invitándole a cenar en su hotel, el mejor de la discreta capital provinciana. Según los primeros biógrafos de Machado, Miguel Pérez Ferrero y José Luis Cano, el poeta, a sus 52 años, quedó enamorado desde el primer instante, a pesar de que Pilar le advirtió de que, por su condición de casada, sólo podría ofrecerle una inocente amistad.
La relación, supuestamente casta a lo largo de los casi ocho años que duró, quedaba limitada a citas semanales en Segovia o en Madrid (primero en los jardines de la Moncloa y luego en un apartado café cerca de Cuatro Caminos al que llamaban “nuestro rincón” o el “rincón conventual”); complementándose con un correo secreto, a razón de una o dos cartas por semana. En todas sus cartas Machado se presenta como “tu poeta” y la invoca a ella como su “diosa”. Cuando no pueden verse, acuerdan mantener a hora fija una cita imaginaria llamando a ese momento de mutua comunión espiritual “el tercer mundo”, al que alude Machado repetidamente en sus cartas, y que da título a una obra teatral de Pilar (detalle que hasta que Pilar lo explica en sus memorias dio pie a que muchos, interpretándolas como citas reales, dudaran del carácter platónico que siempre tuvo su relación, y que de algún modo corroboran las quejas de forzada castidad que Machado hacía en sus cartas a Pilar).
En 1935, Pilar, puso como pretexto la inseguridad de las calles en Madrid para cancelar sus secretas citas semanales en el café de Cuatro Caminos, y a partir de entonces sólo se comunicaron por carta; relación epistolar que se cerró definitivamente en marzo de 1936, cuando el marido de Pilar —que o disponía de una información privilegiada o tuvo el sueño de José, es decir, profético— creyó prudente exiliarse con toda su familia a Estoril, desde donde la censura de fronteras entonces existente les impidió continuar su secreta correspondencia (siempre según Pilar Valderrama).
Machado continuó escribiendo versos a Guiomar. Entre ellos, sobresale el soneto incluido -y en cierto modo camuflado- en sus poesías de guerra;9 soneto escrito en Valencia y, en opinión de los más románticos, última de sus secretas cartas a Pilar, a quién Machado suponía aún refugiada en Estoril.
De mar a mar, entre los dos la guerra
más honda que la mar. En mi parterre,
miro a la mar que el horizonte cierra.
Tú asomada, Guiomar, a un finisterre,
miras hacia otra mar, la mar de España
que Camoens cantara, tenebrosa.
Acaso a ti mi ausencia te acompaña.
A mí me duele tu recuerdo, diosa.
La guerra dio al amor el tajo fuerte.
Y es la total angustia de la muerte,
con la sombra infecunda de la llama
y la soñada miel de amor tardío,
y la flor imposible de la rama
que ha sentido del hacha el corte frío.
Es interesante observar que Machado nunca reveló su relación, ni siquiera a su madre o hermanos. Asímismo, se ha dado demasiada importancia al detalle —quién sabe si del todo cierto y quizá insignificante, dada la costumbre de Machado de llevar los bolsillos llenos de todo tipo de anotaciones— de que en el abrigo del poeta se encontrasen, tras su muerte, un papel garabateado a lápiz con la frase de Shakespeare "ser o no ser", un último verso alejandrino: «Estos días azules y este sol de la infancia...», y una cuarteta de Otras canciones a Guiomar (a la manera de Abel Martín y Juan de Mairena), corregida así: "Y te daré mi canción: / Se canta lo que se pierde / con un papagayo verde / que la diga en tu balcón".
La cruda realidad[editar]
En realidad Pilar, tras el golpe militar del 18 de julio de 1936, regresó a España, a una casa que la madre de su marido tenía en Palencia y a la finca "El Carrascal", junto a Paredes de Nava, donde había corrido a "recuperar" (según sus propias palabras) las propiedades que como terrateniente le había devuelto la ocupación de la zona por las tropas franquistas.10 11
Pilar sin Machado[editar]
Según algunos biógrafos, fue la finca de "El Carrascal" la inspiradora del nombre Guiomar,12 por encontrarse en el antiguo señorío del poeta Jorge Manrique13 (por el que, al parecer, tanto Antonio como Pilar sentían veneración), poeta castellano que dedicó algunos versos a su amada esposa Guiomar de Castañeda. Según el relato de Pilar fue en dicha finca donde le llegó la noticia de la muerte del poeta, meses después de sucedida. También pasarían algunos años para que tuviese conocimiento de la última 'carta-soneto' de Machado.
No queda claro tampoco su dolor o sorpresa. Lo cierto es que ya en 1938 y dentro de la España controlada por el ejército rebelde, Pilar y su marido, como miembros del Teatro Nacional montado y dirigido por Luis Escobar anduvieron de gira representando numerosas obras de tradicional teatro clásico.
Afincada de nuevo en Madrid desde 1940, Pilar de Valderrama tuvo la femenina veleidad de intercambiar confidencias con su amiga Concha Espina, descubriéndole en 1950 su relación con Machado; la novelista, con astucia periodística la animó a hacerlo público "en honor al mejor conocimiento del poeta". Pilar, prudente como siempre, aceptó a condición de seguir ella en el anonimato.5 De ese modo se descubrían las varoniles flaquezas del gran poeta con el pretexto de "explicar al fin" aquellos versos que hasta entonces y para algunos "resultaban inexplicables". Pilar de Valderrama murió en 1979, pocos días después de cumplir 90 años. Sus memorias se publicaron dos años después y las cartas de Machado fueron donadas a la Biblioteca Nacional de Madrid.7 En 1930 fue nombrada miembro correspondiente de la Real Academia Hispanoamericana de Cádiz.
Obras[editar]
Poesía[editar]
Las piedras de Horeb (Sucesores de Hernando. Madrid, 1923). Su primer libro de poesía en edición limitada de quinientos ejemplares, con ilustraciones de su marido y portada de su cuñado, Victorio Macho.
Huerto cerrado (Caro Raggio, Madrid, 1928). Su libro preferido, que revela las lecturas de Berceo, Manrique, San Juan de la Cruz, Fray Luis y Gustavo Adolfo Bécquer.
Esencias (Caro Raggio, Madrid, 1930). Con poemas en verso y prosa. Escrito ya después de conocer a Machado, que lo reseñó en Los lunes de El Imparcial de Madrid 5 oct 1930.
Holocausto (Artegrafia, Madrid, 1943). Dedicado a su hijo muerto en juventud. Prologado por un soneto de Manuel Machado.
Obra poética (Siler, Madrid, 1958). Antología, que incluye además Espacio, escrito en 1949.
Pilar de Valderrama (Guiomar), De mar a mar (Ed.Torremozas, Madrid, 1984). Antología póstuma con algunas poesías inéditas, con prólogo de Carlos Murciano, que ya en el título explicita su relación con Antonio Machado.
Teatro[editar]
El tercer mundo (Teatro de mujeres. Tres autoras españolas, prólogo de Cristóbal de Castro, M. Aguilar editor, Madrid, 1934). Escrita antes de julio de 1930 según testimonia Antonio Machado en una de sus cartas de esa fecha.
La vida que no se vive No publicada, también previa a julio de 1930 según la misma carta de Antonio Machado.7 Fue leída en el Ateneo madrileño en 1970.
Sueño de las tres princesas, también inédita, estrenada en 1929 en su teatro doméstico "Fantasio".14
Autobiografía[editar]
Si, soy Guiomar. Memorias de mi vida. (Plaza & Janés, Barcelona. 1981). Con el epistolario de Machado.
Opiniones y juicios[editar]
Hasta 1950, las interpretaciones que la crítica literaria dio al significado de Guiomar carecieron de base al desconocerse lo que había detrás de ese nombre. A partir de aquel año, el libro de Concha Espina5 la identificó con una desconocida a quien Machado dirigía las enamoradas cartas que allí se hacían públicas por primera vez. Y aunque con esas claves la conexión parecía evidente, la información era tan fragmentaria que todavía autorizaba a algunos biógrafos y estudiosos de Machado a atribuir a Guiomar otros significados diferentes.
En 1981 el tema, entre morboso y erudito, dio un nuevo giro con la publicación de las memorias de Pilar de Valderrama, en cuyo título la autora publicitaba y reconocía su identidad con Guiomar, aportando además, como prueba, 36 cartas de Machado. A pesar de tales evidencias, todavía existen algunas teorías como la que, a través de la obra filosófica de Machado, plantea que Guiomar es un ente filosófico abstracto más cercano a su esposa Leonor fallecida en 1912;15 o la que, apoyándose en el descubrimiento de unos poemas a Guiomar supuestamente previos a la fecha en que Machado y Pilar se conocieron, concluye que Guiomar no es sino otro de los imaginarios apócrifos de Machado, como Abel Martín o Juan de Mairena;16 Investigaciones posteriores han invalidado esa temprana datación de dichos poemas.17
Por su parte, los biógrafos más autorizados de Antonio Machado, posteriores a 1981, fecha en que apareció Si, soy Guiomar. Memorias de mi vida, coinciden en denunciar el vampirismo literario y vital que puso en juego Pilar Valderrama.nota 1 18 19 Pero a pesar de la enfermiza expectación —el popular morbo— que despertaron las revelaciones de Concha Espina en 1950 envolviendo el "caso Guiomar", la gran venganza del destino nació de la mezcla de inteligencia y amor que parece emanar de todos los actos de Antonio Machado, en lo literario como en lo vital. Lo cierto es que el poeta convirtió la amiga interesada en musa, creando un personaje mixto, mitad objeto del deseo, mitad apócrifo femenino de sí mismo, por sí mismo y contra sí mismo. O como podría decir Juan de Mairena a sus alumnos: "...aquella mujer no era trigo limpio, pero el poeta supo hacer de ella un buen pan".20
Prescindiendo de eruditos, biógrafos, críticos e incluso apócrifos, el último juicio le corresponde a Machado:
Todo amor es fantasía:
él inventa el año, el día,
la hora y su melodía,
inventa el amante y, más,
la amada. No prueba nada
contra el amor que la amada
no haya existido jamás.21

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Ana María Martínez Sagi (España 1907-2000)

116. Ana María Martínez Sagi (España 1907-2000)

Feminista, sindicalista, poetisa, periodista y deportista española nacida en Barcelona. Nació en una familia culta y acaudalada, poseían fábricas textiles y eran los dueños de los jardines de Pedralbes, en la que la figura más famosa era su tío, el barítono Emilio Sagi Barba. De joven, destacó... Ver mas
Feminista, sindicalista, poetisa, periodista y deportista española nacida en Barcelona. Nació en una familia culta y acaudalada, poseían fábricas textiles y eran los dueños de los jardines de Pedralbes, en la que la figura más famosa era su tío, el barítono Emilio Sagi Barba. De joven, destacó como deportista en distintas especialidades, natación, baloncesto y, sobre todo, tenis y atletismo. Idéntica pasión sintió por la lectura de textos literarios, sobre todo de poesía femenina, como la de las hispanoamericanas Alfonsina Storni, Juana de Ibarbourou o Delmira Agustini. En 1929, publicó su primer libro de poemas, 30 composiciones agavilladas bajo el título Camino, obra que se tildó de mística y elegíaca y que tuvo una resonancia en su momento sólo comparable, en clara paradoja, a su posterior y absoluto olvido. Este libro recibió elogios sin cuento por parte de Luis Astrana Marín, Rafael Cansinos-Assens, Alberto Insúa e incluso por Antonio Machado. En 1932, apareció Inquietud, donde se percibe una clara transición hacia una nueva poesía. Por esos años, comenzó a trabajar en el periódico La Rambla, al tiempo que trabó amistad con algunos grupos teatrales, entre ellos el formado por Federico García Lorca y Margarita Xirgu cuando representaron Doña Rosita la Soltera o el lenguaje de las Flores en Barcelona, en 1935. En otro orden de cosas, en ese mismo año pasó a formar parte de la directiva del Fútbol Club Barcelona. En la Guerra Civil, hizo las veces de reportera para el Daily Mail y El tiempo, acompañando a la Columna Durruti en el frente de Aragón. Sin haber acabado la guerra, marchó al exilio en Toulouse y, más tarde, en París, donde fue testigo de la entrada del ejército alemán, contra el que luchó junto a la Resistencia, concretamente, ayudó a escapar a decenas de judíos. Acabada la contienda, vivió por un tiempo en París, donde trabajó como editora y pudo darse a una de sus grandes aficiones, la pintura, que le reportó beneficios suficientes para adquirir una finca en Montauroux. En 1950, se casó con un ingeniero que moriría ocho años después en un fatal accidente, la explosión de una mina que intentaba desactivar; con él, tuvo a su única hija, fallecida de meningitis en 1958. Desesperada, parte para Estados Unidos, donde trabaja como profesora de español y francés en la Universidad de Illinois. En 1969, regresa a España y publica la antología poética titulada Laberinto de presencias, que incluye cerca de doscientos poemas fechados entre 1932 y 1968. Instalada en Moià, pasó allí los treinta años que transcurrieron hasta su fallecimiento. © Ángel Gómez Moreno

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Andrée Chedid (Egipto 1920-2011)

117. Andrée Chedid (Egipto 1920-2011)

Poeta nacida en el Cairo, Egipto, en 1920. A los 23 años publicó en esa misma ciudad su primer volumen de poesía, On the Trails of My Fancy, el único libro que escribiría en inglés. Tres años más tarde viajó a Francia, eligió el francés como la lengua de su poesía y en 1962 se hizo ciudadana... Ver mas
Poeta nacida en el Cairo, Egipto, en 1920. A los 23 años publicó en esa misma ciudad su primer volumen de poesía, On the Trails of My Fancy, el único libro que escribiría en inglés. Tres años más tarde viajó a Francia, eligió el francés como la lengua de su poesía y en 1962 se hizo ciudadana francesa. En su obra, sin embargo, París se disuelve en el Cercano Oriente, el Sena en las aguas del Nilo, lo temporal en lo místico, lo otro en lo mismo, en lo fraternal, en lo arquetípico. Para Chedid, el poema definitivo no existe. La poesía, como la vida, cambia de manera constante e imprevisible. Para decir la vida y la poesía, sus versos invocan la palabra desconocido, la palabra misterio, la palabra enigma. Entre sus libros de poesía pueden mencionarse Visage Premier (1972), Cérémonial de la Violence (1976), Fraternité de la Parole (1976), Cavernes et Soleils (1979), Épreuves du Vivant (1983), 7 Plantes pour un Herbier (1983), 7 Textes pour un Chant (1986) y Poèmes pour un texte (1987). Chedid recibió numerosos premios de poesía y prosa: Le Prix Louise Labé (1966), L'Aigle d'Or (1975), Le Prix de l'Académie Mallarmé (1976), Le Grand Prix de la Société des Gens de Lettres (1990), Le Prix des Quatre Jurys (1994), la Bourse Goncourt de la Nouvelle (1979) y Le Prix Albert Camus (1996). Gran parte de su obra ha sido publicada por Flammarion (París) y ha sido traducida al inglés y al español. © Judy Cochran

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Julia Uceda (España 1925)

118. Julia Uceda (España 1925)

JULIA UCEDA {Sevilla, 1925} Retrato de Julia Uceda Julia Uceda (Sevilla, 1925) estudiosa y poeta, es una escritora poco conocida para el público aunque con una producción poética importante, avalada por el Premio Nacional de Poesía 2003. Fue, además, accésit del Premio Adonais y codirige la... Ver mas
JULIA UCEDA
{Sevilla, 1925}
Retrato de Julia Uceda
Julia Uceda (Sevilla, 1925) estudiosa y poeta, es una escritora poco conocida para el público aunque con una producción poética importante, avalada por el Premio Nacional de Poesía 2003. Fue, además, accésit del Premio Adonais y codirige la colección de Poesía Esquio.
Julia Uceda Valiente nació en Sevilla en 1925, en esa ciudad realizó sus estudios de Filosofía y Letras doctorándose con una tesis sobre el poeta Jose Luis Hidalgo. Como profesora universitaria ejerce en la Universidad de Cádiz y obtiene la cátedra de Literatura Española en la Universidad de Sevilla.

En 1965 se traslada a EEUU donde imparte clases de literatura en la Michigan State University. En 1973 regresa a España y fija su residencia en Narón. Pasó, también, dos años de su vida en Ardee, Irlanda.

Su labor como crítica se puede encontrar en revistas especializadas de España, Italia y Estados unidos y es miembro correspondiente de la Real Academia Sevillana de Buenas Letras. Está relacionada con el mundo de la poesía por ambos frentes, codirige la colección de poesía Esquío y coordina la revista crítica La Barca de Loto.

Luzmaría Jiménez Faro considera que los poemas de Julia Uceda son poemas de percepción activa que implican al lector no sólo en su contenido emotivo sino en el hallazgo de ideas, sensaciones y lenguaje, logrando su propia plenitud. Para Juana Castro la obra de Uceda posee una calidad y una vigencia que parece estar escrita ahora mismo por una autora joven.

Obtiene un accésit del Premio Adonais de poesía con el poemario Extraña juventud y en 2003 obtiene el Premio Nacional de Poesía por la publicación de una antología de sus obras completas En el viento, hacia el mar.

Su obra ha sido traducida a varios idiomas como el portugués, inglés, chino y hebreo.
OBRAS

En el viento, hacia el mar
Mariposa en cenizas. Arcos de la Frontera: Alcaraván (Tip. Arcobricense), 1959. Poesía.
Extraña juventud. Madrid: Rialp, 1962. Poesía.
Accésit del XV Premio Adonais 1961
Sin mucha esperanza. Madrid: Ágora, 1966. Poesía.
Poemas de Cherry Lane. Madrid: Ágora, 1968. Poesía.
Campanas en Sansueña. Madrid: Dulcinea (Gráf. Ugina), 1977. Poesía.
En elogio de la locura:(narraciones). Sevilla: Barro, Grupo Poético, 1980. Cuentos.
Viejas voces secretas de la noche. Ferrol: Sociedad de Cultura Valle-Inclán, Ediciones de la, 1982. Poesía.
Poesía. Ferrol: Sociedad de Cultura Valle-Inclán, Ediciones de la, 1991. Poesía.
Del camino de humo. Sevilla: Renacimiento S.A., 1994. Poesía.
Los muertos y evolución del tema de la muerte en la poesía de José Luis Hidalgo. Ferrol: Sociedad de Cultura Valle-Inclán, Ediciones de la, 1999. Ensayo.
En el viento, hacia el mar:(1959-2002). Sevilla: Fundación José Manuel Lara, 2002. Poesía.
Ganadora del Premio Nacional de Poesía 2003

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Claribel Alegría (El Salvador 1924)

119. Claribel Alegría (El Salvador 1924)

Escritora salvadoreña, aunque originariamente nacida en Nicaragua. Como otros poetas de su generación, Pablo Antonio Cuadra o Ernesto Cardenal, su preocupación literaria sigue dos líneas, por un lado, la realista y comprometida con la situación política del momento, buscando una poesía... Ver mas
Escritora salvadoreña, aunque originariamente nacida en Nicaragua. Como otros poetas de su generación, Pablo Antonio Cuadra o Ernesto Cardenal, su preocupación literaria sigue dos líneas, por un lado, la realista y comprometida con la situación política del momento, buscando una poesía democrática y de denuncia, y, por otro, una investigación formal en la que se puede hablar de un nuevo surrealismo con un lenguaje intencionadamente callejero, desgarrado, vehemente y hasta antiliterario. Obras suyas son: Anillo de silencio (1948), Vigilias (1953), Acuario (1955), Huésped de mi tiempo (1961), Vía única (1965), Aprendizaje (1970), Pasaré a cobrar y otros poemas (1973), Sobrevivo (1978, Premio Casa de las Américas de Poesía), Flores del volcán; Suma y sigue (1981) una antología de poemas suyos anteriores más otros nuevos y Una vida en poemas (2003), que recoge prácticamente toda su obra poética. En el campo de la narrativa, ha cultivado el cuento -Tres cuentos (1958)- y la novela -Álbum familiar (1984), Despierta, mi bien, despierta (1986), Luisa en el país de la realidad (1987), Cenizas de Izalco (1966), ésta en colaboración con su marido, Darwin J. Flakoll-. El ensayo lo ha utilizado para sus escritos políticos y testimoniales, como La encrucijada salvadoreña (1980), Nicaragua: la revolución sandinista (1980); No me agarran viva: la mujer salvadoreña en lucha (1983), Para romper el silencio: resistencia y lucha en las cárceles salvadoreñas (1984). © eMe

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Ana María Navales (España 1939-2009)

120. Ana María Navales (España 1939-2009)

ANA MARÍA NAVALES {Zaragoza, 1939 - 2009} Retrato de Ana María Navales Ana María Navales Viruete nació en 1939 en Zaragoza, en cuya Universidad se doctoró en Filosofía y Letras y fue profesora de Literatura Hispanoamericana. Recibe las Beca Juan March y del Ministerio de Cultura. Fundó la... Ver mas
ANA MARÍA NAVALES
{Zaragoza, 1939 - 2009}
Retrato de Ana María Navales
Ana María Navales Viruete nació en 1939 en Zaragoza, en cuya Universidad se doctoró en Filosofía y Letras y fue profesora de Literatura Hispanoamericana. Recibe las Beca Juan March y del Ministerio de Cultura. Fundó la revista de poesía Albaida. Es directora de la revista cultural Turia, y Jefe de la Sección de Creación Literaria del Instituto de Estudios Turolenses. El gobierno de Aragón le concedió en 2001 el primer Premio de las Letras Aragonesas.

En 1973 publica su primer libro de poemas Junto a la última piel y cinco años más tarde gana el Premio San Jorge con Del fuego secreto, al año siguiente obtiene un accésit al Premio Adonais con Mester de amor. Con Nueva, vieja estancia consigue el Premio José Luis Hidalgo en 1983 y dos años después el Antonio Camuñas con El laberinto del Quetzal.

Premiada en certámenes nacionales e internacionales, traducida a numerosos idiomas, ha sido incluida en diversas antologías poéticas y de narrativa española. Ha sido la escritora española invitada al congreso de la literatura femenina hispánica celebrado en Toronto (Canadá), en septiembre del 2000 y al de Guadalajara (México) en 2004.
OBRAS

Junto a la última piel, 1973
Junto a la última piel, 1973. Poesía.
Cuatro novelistas españoles:M. Delibes, I. Aldecoa, D. Sueiro, F. Umbral. Madrid: Fundamentos, 1974. Ensayo.
Restos de lacre y cera de vigilias. Zaragoza: Publicaciones Porvivir, 1975. Poesía.
Dos muchachos metidos en un sobre azul. Zaragoza: Litho Arte, 1976. Cuentos.
En las palabras. Barcelona: Vosgos, 1976. Poesía.
Del fuego secreto. Madrid: Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC), 1978. Poesía.
Ganadora del Premio San Jorge 1978
Mester de amor. Madrid: Rialp, 1979. Poesía.
Accésit del XXXIII Premio Adonais 1979
Los espías de Sísifo. Madrid: Hiperión, 1981. Poesía.
La tarde de las gaviotas. Zaragoza: Unión Aragonesa del Libro, S.L. (UNALI), 1981. Novela.
El regreso de Julieta Always. Barcelona: Bruguera, 1981. Novela.
Nueva, vieja estancia, 1983. Poesía.
Ganadora del Premio Jose Luis Hidalgo 1983
Mi tía Elisa. Madrid: Edelsa, 1983. Novela.
El laberinto del Quetzal. Madrid: Hiperión, 1985. Novela.
Ganadora del Premio Antonio Camuñas 1985
Paseo por la íntima ciudad y otros encuentros. Zaragoza: Librería General, 1987. Cuentos.
Kot o la muñeca japonesa, 1988
Los labios de la luna. Madrid: Torremozas, 1989. Poesía.
Los espejos de la palabra:Antología personal. Zaragoza: Prensas Universitarias de Zaragoza, 1991. Poesía.
Cuentos de Bloomsbury. Barcelona: Edhasa, 1991. Cuentos.
Zacarías, rey. Huelva: Diputación Provincial de Huelva, 1992. Cuentos.
Hallarás otro mar. Madrid: Libertarias S.L., Ediciones, 1993. Poesía.
Tres mujeres. Madrid: Huerga y Fierro. Editores, S.L., 1995. Cuentos.
Té sin azucar. Cuento. En: Cuentos de este siglo: 30 narradoras contemporáneas. Encinar, Ángeles (ed.) . Barcelona: Lumen S.A., 1995, pp. 141-146. Cuentos.
Mar de fondo:Poesía 1978-1998. Huelva: Diputación Provincial de Huelva, 1998. Poesía.
Escrito en el silencio. Palma de Mallorca: Calima, 1999. Poesía.
La lady y su abánico:Acercamiento a la literatura femenina del siglo XX, de Virginia Woolf a Mary McCarthy. Madrid: SIAL, 2000. Ensayo.
Ganadora del Premio Sial de Ensayo 2000
Cuentos de las dos orillas. Zaragoza: Las Tres Sorores, 2001. Cuentos.
La amante del mandarín. Madrid: SIAL, 2002. Novela.

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María Elvira Lacaci (España 1928-1997)

121. María Elvira Lacaci (España 1928-1997)

Poetisa española nacida en El Ferrol, A Coruña. Fue la primera mujer que obtuvo el Premio Adonais de Poesía en 1956, con Voz humana. Encuadrada en la generación poética del 27 junto con Vicente Alexandre, Dámaso Alonso y Gerardo Diego, recibió también el Premio de la Crítica en 1964. Fue... Ver mas
Poetisa española nacida en El Ferrol, A Coruña. Fue la primera mujer que obtuvo el Premio Adonais de Poesía en 1956, con Voz humana. Encuadrada en la generación poética del 27 junto con Vicente Alexandre, Dámaso Alonso y Gerardo Diego, recibió también el Premio de la Crítica en 1964. Fue representante de la poesía social de posguerra y autora de los siguientes libros: Humana voz (1957), Sonido de Dios (1962) y Al este de la ciudad (1963). Falleció el 9 de Marzo de 1997 en Madrid.

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Werewere-Liking Gnepo (Camerún 1950)

122. Werewere-Liking Gnepo (Camerún 1950)

Werewere-Liking Gnepo (Bonde, 1 de mayo de 1950) escritora camerunesa instalada en Costa de Marfil desde 1975. Sus familiares se relacionan con las tribus bassa y es la fundadora del grupo teatral de Abiyán Ki Yi M'Bock. Índice [ocultar] 1 Novelas testimniales 2 Poemarios 3 Teatro 4... Ver mas
Werewere-Liking Gnepo (Bonde, 1 de mayo de 1950) escritora camerunesa instalada en Costa de Marfil desde 1975.
Sus familiares se relacionan con las tribus bassa y es la fundadora del grupo teatral de Abiyán Ki Yi M'Bock.
Índice [ocultar]
1 Novelas testimniales
2 Poemarios
3 Teatro
4 Cuentos
5 Premios
6 Enlaces externos
Novelas testimniales[editar]
À la rencontre de…
Elle sera de jaspe et de corail ; Journal d'une Misovire
L'Amour-cent-vies
La mémoire amputée
Poemarios[editar]
On ne raisonne pas avec le venin
Teatro[editar]
La Puissance de Um
La Queue du diable
Une nouvelle terre
Les mains veulent dire
Un Touareg s'est marié à une Pygmée
La veuve dilemme
L'Enfant Mbéné
Le Parler-Chanter - Parlare Cantando
Cuentos[editar]
Liboy Li Nkundung
Contes d'initiations féminines
Premios[editar]
Premio Príncipe Claus, 2000
Premio Noma de literatura africana, 2005

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Kristin Dimitrova (Bulgaria 1963)

123. Kristin Dimitrova (Bulgaria 1963)

Escritora, poeta y traductora búlgara nacida en Sofía. Graduada en Inglés por la Universidad de esta ciudad, en cuyo Departamento de Lenguas Extranjeras trabaja. Entre su obra, traducida a más de 23 idiomas, cabe citar Un rostro bajo el hielo (1997), ganadora del premio Ivan Nikolov, Sabazius... Ver mas
Escritora, poeta y traductora búlgara nacida en Sofía. Graduada en Inglés por la Universidad de esta ciudad, en cuyo Departamento de Lenguas Extranjeras trabaja. Entre su obra, traducida a más de 23 idiomas, cabe citar Un rostro bajo el hielo (1997), ganadora del premio Ivan Nikolov, Sabazius (2007), galardonada con el premio Hristo Danov y El camino secreto de la tinta (2010). © Elizabeth Kostova

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Carmen Berenguer (Chile 1946)

124. Carmen Berenguer (Chile 1946)

Biografía[editar] Se descubrió poeta en su juventud, al escribir «aquello que no podía comunicar por otros medios».1 Antes de publicar su primer poemario, Berenguer estuvo en dos oportunidades residiendo en Estados Unidos con su marido, el científico Carlos Jerez, la primera, en 1969, cuando... Ver mas
Biografía[editar]
Se descubrió poeta en su juventud, al escribir «aquello que no podía comunicar por otros medios».1
Antes de publicar su primer poemario, Berenguer estuvo en dos oportunidades residiendo en Estados Unidos con su marido, el científico Carlos Jerez, la primera, en 1969, cuando lo acompaño a hacer un doctorado a Iowa City. La segunda vez viajó de nuevo por estudios de su esposo, pero también para "arrancar del horror de Chile", en 1979, a Nueva Jersey.1
Pertenece al grupo de poetas que irrumpió en la literatura en los años 1980, en plena dictadura de Augusto Pinochet. Miembro activo de la bohemia de esos tiempos, solía frecuentar el bar Jaque Mate.
Sobre aquellos tiempos recuerda: «Me la pasaba ahí. El Jaque Mate era un bacanal. Lo pasábamos el descueve. Llegaba todo el mundo: Los Prisioneros, el Beto Cuevas, el rock, los muralistas, llegaban todos… En el Jaque Mate se discutían las performances que hacíamos. En ese sentido, reemplazaba la academia, que se había trasladado del Mulato Gil al Jaque Mate».2 También era íntima de las Yeguas del Apocalipsis, el irreverente dúo formado por Francisco Casas y Pedro Lemebel.
Fue en esos años que Berenguer se convirtió en un personaje ineludible del paisaje poético chileno al publicar tres obras: Bobby Sands desfallece en el muro (1983) —libro homenaje al poeta irlandés que falleció en una huelga de hambre y en el que Berenguer reconstruye el camino del revolucionario hacia la muerte—; Huellas de siglo (1986) y A media asta (1988).
Paralelamente, fue editora de las revistas Hoja X Ojo (1984) y Al Margen (1986); además, organizó en 1987 junto con otras escritoras el Primer Congreso de Literatura Femenina. El último año de la década participa en el Festival Internacional de Poesía La reconstrucción del tiempo, organizado Estocolmo, Suecia, por el poeta Sergio Badilla Castillo y la escritora Sun Axelsson.
Ha sido editora de las revistas Hoja X Ojo, 1984; y Al Margen, 1986. En el año 1987 organizó junto a otras escritoras el Primer Congreso de Literatura Femenina.
En octubre de 1989 participa en Estocolmo, Suecia, en el Festival Internacional de Poesía: La reconstrucción del tiempo, organizado por el poeta Sergio Badilla Castillo y la escritora Sun Axelsson.
En los años 1990 sacó dos poemarios, Sayal de pieles y Naciste pintada, libro este último donde utiliza cartas de presidios y testimonios prostibularios.3
En el siglo XXI ha seguido publicando y le ha llegado el reconocimiento oficial con el Premio Iberoamericano de Poesía Pablo Neruda —la primera mujer que gana este galardón— y con su nominación al Nacional de Literatura.
Eugenia Brito ha señalado que «el aporte de Berenguer a la literatura chilena, en especial a la literatura femenina chilena, consiste en la ruptura del verso, por una parte con la escritura graffiti, que se hace eco, grito, testimonio de una tortura. La escritura parece entonces padecer el mismo rigor del hambre: es breve, no obstante exhaustiva y eficiente. Por otra parte Berenguer imita la oralidad, la forma más desembozada del habla común y corriente en la poesía».4
Su poesía ha sido recogida en varias antologías y traducida a diversos idiomas. Su obra creativa no está limitada a la lírica: ha incursionado en la crónica, practicado el arte audiovisual y realizado performances. En 2003 presentó en el Congreso Nacional el documental Delito y traición. Discurso de la mujer en la política y en el arte.
Berenguer sufrió de un cáncer que la tuvo alejada de la actividades públicas, a las que se reintegró una vez superada la enfermedad. En 2012 fue elegida presidenta de la Sociedad de Escritores de Chile (Poli Délano, que obtuvo la primera mayoría, declinó encabezar la Sech); Berenguer compartió el segundo lugar junto con Víctor Saez,5 quien la reemplazó en el cargo a partir de abril de 2013,6 quedando la poeta de vicepresidenta.
Premios y distinciones[editar]
Beca Guggenheim (1997)
Premio Iberoamericano de Poesía Pablo Neruda 2008
Obras[editar]
Bobby Sands desfallece en el muro, autoedición, EIC Producciones Gráficas, Santiago, 1983; descargable desde Memoria Chilena
Huellas de siglo, Sin Fronteras, Santiago, 1986 (reedición: Editorial Cuneta Santiago, 2010)
A media asta, Cuarto Propio, Santiago, 1988
Escribir en los bordes. Congreso Internacional de Literatura Femenina Latinoamericana, 1987, ensayo; coautora, Cuarto Propio, Santiago, 1990
Sayal de pieles, Francisco Zegers Editor, 1993
La mirada oculta, ensayo; coautora, Museo de Arte Contemporáneo, 1994
Naciste pintada, Cuarto Propio, Santiago, 1999 Fragmentos del poemario en Google Books
La gran hablada, Cuarto Propio, Santiago, 2002 Fragmentos del poemario en Google Books
El Rey Mocho, Ekaré, 2002
Mama Marx, LOM, Santiago, 2009 Fragmentos del poemario en Google Books
Chiiit, son las ventajas de la escritura, antología, con prólogo de Raquel Olea; LOM, Santiago, 2008 Fragmentos de la antología en Google Books
Maravillas pulgares, 15 poemas, Librosdementira, edición virtual, 2009 lectura en línea
Maravillas pulgares, poemas más prosa poética, Librosdementira, Santiago, 2012
Venid a verme ahora, poemas escogidos, Mago Editores, Santiago, 2012

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Friederike Mayröcker (Austria 1924)

125. Friederike Mayröcker (Austria 1924)

Vida [ editar ] De 1946 a 1969 Mayröcker era un profesor de Inglés en varias escuelas públicas en Viena. En 1969 se tomó un comunicado de trabajar como profesor y en 1977 se retiró temprano. Empezó a escribir a los 15 años de edad. En 1946 publicó sus primeros trabajos en la revista Plan... Ver mas
Vida [ editar ]
De 1946 a 1969 Mayröcker era un profesor de Inglés en varias escuelas públicas en Viena. En 1969 se tomó un comunicado de trabajar como profesor y en 1977 se retiró temprano.
Empezó a escribir a los 15 años de edad. En 1946 publicó sus primeros trabajos en la revista Plan.
Friederike Mayröcker es reconocido como uno de los más importantes poetas austriacos contemporáneos. También tuvo éxito con obras radiofónicas. Cuatro de ellos escribió junto a Ernst Jandl , con quien convivió desde 1954 hasta su muerte en 2000.
Mayröcker describe su proceso de trabajo de la siguiente manera: ".... Yo vivo en imágenes lo veo todo en las fotos, mi pasado completo, los recuerdos son imágenes que transforman las imágenes al lenguaje por la escalada en la foto que entran en ella hasta que se convierte en lenguaje" [ 1]
Obras [ editar ]
Gesammelte Prosa 1949-2001 (prosa recogidos) ed. Klaus Reichert, 5 volúmenes, Frankfurt / Main 2001
Magische Blätter IV (páginas mágicas IV), Frankfurt / Main 2001
Requiem für Ernst Jandl (réquiem por Ernst Jandl), Frankfurt / Main 2001
Mein Arbeitstirol -, Frankfurt / Main 2003 - Gedichte 1996-2001 (poemas mi Tirol del trabajo)
Muere kommunizierenden Gefäße (los vasos comunicantes) Frankfurt / Main 2003
Sinclair Sofokles der Baby-Saurier (Sinclair Sofokles el bebé dinosaurio) con ilustraciones a color de Angelika Kaufmann, St. Pölten 2004
Gesammelte Gedichte 1939-2003 (poemas recogidos) ed. por Marcel Beyer , Frankfurt / Main 2005
Und schüttelte ich einen Liebling (y me sacudí un cariño), Frankfurt / Main 2005
Juegos de radio [ editar ]
Muere Umarmung, Picasso nach (el abrazo, después de Picasso)
Repetitionen, nach Max Ernst (repeticiones, después de Max Ernst)
Das oder Schubertnotizen Unbestechliche Muster der Ekstase (Schubert-memos o el modelo incorrupto de éxtasis)
Arie auf tönernen Füßen (aria sobre pies de barro)
Das zu Sehende, zu das Hörende (el que se ve, el de ser oído) (galardonado con el ORF premio juego de radio)
Muere oder Kantate, Gottes Augenstern bist Du, (la cantata o, ojo de dioses-estrella que eres) música de Wolfgang von Schweinitz (2003)
con Ernst Jandl:
Der Gigant (el gigante)
Gemeinsame Kindheit (infancia juntos)
Cinco Hombre Humanidad / Fünf Mann Menschen
Spaltungen (particiones)
Libretto [ editar ]
Stretta, Música de Wolfram Wagner. Estreno mundial en Sirene Opera, Viena 2004
Premios [ editar ]
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1963: Premio Theodor Körner
1969: Hörspielpreis der Kriegsblinden para cinco personas (con Ernst Jandl )
1975: Premio Austríaco de Literatura
1976: Premio Ciudad de Viena de Literatura
1977: Premio Georg Trakl de Poesía
1981: Premio Anton Wildgans
1982: Premio Estatal de Grand austríaco de Literatura
1982: Premio Roswitha
1985: Literatura del suroeste Radio Baden-Baden
1985: Medalla de Oro de la capital Viena
1987: Decoración de Austria para la Ciencia y el Arte
1989: Hans-Erich-Nossack-Preis
1993: Premio Friedrich Hölderlin de Bad Homburg
1994: Premio Manuscritos
1995: Jurado para la concesión del Premio Erich Fried a Elke Erb
1996: Else Lasker Premio de Poesía-Schüler
1996: Gran Premio de Literatura de la Academia Bávara de Bellas Artes
1997: Premio de América
1997: Droste-Preis ( Meersburg )
1997: ORF Hörspielpreis
2000: Cristiano-Wagner-Preis
2001: Premio Karl Sczuka para la radio juegan El sobre de las aves
2001: Premio Georg Büchner
2001: Doctor Honoris Causa, Universidad de Bielefeld
2004: Anillo de Honor de la Viena
2006: Ján Premio Smrek (Bratislava, Eslovaquia)
2008: Radio Drama Critics Award de la ORF de jardines, picos, un milagro, un monólogo, un juego de radio
2009: Hermann-Lenz-Preis de poema Scardanelli
2010: Peter-Huchel-Preis por Esta chaqueta (a saber) el grifo
2010: Horst-Bienek-Preis für Lyrik de la Academia Bávara de Bellas Artes
2011: Premio Bremen Literatura porque estoy en la institución. Fusznoten una obra no escrita

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Al-Khansa

126. Al-Khansa

Al-Khansa Tumadir bint Amr ibn Al-Harth ibn Al-Sharid Al-Sulaymah (en árabe: تماضر بنت عمرو بن الحرث بن الشريد السُلمية) más conocida como Al-Khansa fue una poetisa árabe del siglo VII. Nació y se crio en la región de Nechd (la región central de la moderna Arabia Saudita). Fue contemporánea de... Ver mas
Al-Khansa
Tumadir bint Amr ibn Al-Harth ibn Al-Sharid Al-Sulaymah (en árabe: تماضر بنت عمرو بن الحرث بن الشريد السُلمية) más conocida como Al-Khansa fue una poetisa árabe del siglo VII. Nació y se crio en la región de Nechd (la región central de la moderna Arabia Saudita). Fue contemporánea de Mahoma y, finalmente, se convirtió al Islam.
En su tiempo, el papel de las poetisas era escribir elegías por los muertos y exponerlas ante su tribu en los concursos públicos orales. Al-Khansa se ganó la fama y el respeto en estas competiciones con sus elegías dedicadas a sus hermanos Sakhrs y Mu'awiyah, fallecidos en batalla. Es considerada la mejor poetisa de la literatura árabe.
Vida[editar]
Al-Khansa nació en una familia acomodada de la región de Nechd, región central de la actual Arabia Saudita.
En el año 612 su hermano Mu'awiyah fue asesinado por miembros de otra tribu. Al-Khansa insistió en que su hermano, Sakhrs, vengara la muerte de Mu'awiyah, cosa que este hizo y fue herido en el proceso y falleció a causa de sus heridas un año después. Al-Khansa lloró su muerte mediante sus poesías y se hizo muy famosa por sus composiciones.
Conoció al profeta Mahoma en el año 629 y se convirtió al Islam. Se dice que Mahoma quedó muy impresionado por sus composiciones poéticas.
Tuvo cuatro hijos:
Yazid.
Mu'awiyah.
Amr.
Amrah.
Viajó junto a sus hijos cuando estos se fueron a luchar a la Batalla de Qasidiyah, donde los cuatro perecieron.
Cuando recibió la noticia de la muerte de sus hijos, ella no lloró, sinó que dijo: "Alabado sea Allah quien me honró con su martirio. Y tengo la esperanza de que mi Señor me permita reunirme con ellos en la morada de su misericordia".
Críticas[editar]
El poeta contemporáneo al-Nabighah dijo de ella: "Al-Khansa es la mejor poetisa entre los genios y los humanos".
Otra anécdota dice que Al-Nabigha le dijo a Al-Khansa: "Si Abu Basir no hubiera recitado para mi, yo hubiera dicho que eres la más grande poeta de los árabes. Ve, porque eres la poeta más grande entre las que tienen pechos". Al-Khansa respondió: "Yo soy la poeta más grande entre los que tienen testículos, también".

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Ana Enriqueta Terán (Venezuela 1918)

127. Ana Enriqueta Terán (Venezuela 1918)

Poeta venezolana nacida en Valera (Trujillo). Ha escrito una de las obras más densas y estimulantes de la poesía venezolana actual. A través de su perfección formal, de la maestría con la cual usa la métrica y la versificación, lo cual ha sido una constante de su generación, se vislumbra su... Ver mas
Poeta venezolana nacida en Valera (Trujillo). Ha escrito una de las obras más densas y estimulantes de la poesía venezolana actual. A través de su perfección formal, de la maestría con la cual usa la métrica y la versificación, lo cual ha sido una constante de su generación, se vislumbra su búsqueda de pureza, la severidad en el modo en que ha ejecutado su obra, en la forma como crea a través del lenguaje, en la sólida construcción de sus artificios verbales, todos henchidos de hondo ritmo melódico. Éstos son los fundamentos de una obra en donde el cuerpo, la piel, se hace presente de forma bella, suntuosa, teniendo siempre esa melancolía pausada, pasión retenida, sensualidad serena y noble, ardimiento secreto, al cual se refirió Juan Liscano. El conjunto de su obra se haya en su Casa de hablas (1991). © eMe

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Salomeja Néris (Lituania 1904-1945)

128. Salomeja Néris (Lituania 1904-1945)

Biografía[editar] Nėris nació en Kiršai, en el actual distrito de Vilkaviškis. Se graduó en la Universidad de Lituania donde estudió Lituano, Alemán y Literatura. A continuación fue profesora en Lazdijai, Kaunas, y Panevėžys. Su primera colección de poemas, titulada Anksti rytą (Por la mañana... Ver mas
Biografía[editar]
Nėris nació en Kiršai, en el actual distrito de Vilkaviškis. Se graduó en la Universidad de Lituania donde estudió Lituano, Alemán y Literatura. A continuación fue profesora en Lazdijai, Kaunas, y Panevėžys. Su primera colección de poemas, titulada Anksti rytą (Por la mañana temprano), fue publicada en 1927.
En 1928, Nėris se graduó en la Universidad y fue nombrada profesora de alemán en el Instituto Sejny žiburys' en Lazdijai. Hasta 1931, Nėris contribuyó en publicaciones nacionalistas y católicas. Mientras estudiaba alemán en Viena, en 1929, Nėris conoció a Bronius Zubrickas (estudiante de medicina) y empezó a sentirse atraída por él. Zubrickas tenía una ideología socialista por lo que Nėris se unió a actividades socialistas.1
En 1931, Nėris se trasladó a Kaunas, donde dio lecciones y editó cuentos populares lituanos. En su segunda colección de poesía, Las huellas en la arena, hay una evidente crisis espiritual. En el mismo año, publicó en el periódico procomunista Trečias frontas (El Tercer Frente) versos de tema revolucionario. También se le publicó una promesa para trabajar a favor del comunismo. Sin embargo, no fue escrita por ella sino por el editor jefe de Trečias frontas, Kostas Korsakas, y el activista comunista Valys Drazdauskas (Nėris estaba más interesada en escribir poesía que en declaraciones políticas o teorías sobre arte) (ver2 ).
Salomėja Nėris fue galardonada con el Premio Nacional de Literatura en 1938.
Actividades durante la ocupación Soviética[editar]
Hay opiniones controvertidas sobre su relación con la Ocupación Soviética. Fue designada diputada de la Liaudies Seimas ("Dieta del Pueblo"), una asamblea legislativa títere respaldada por los soviéticos, que adoptó la decisión unánime de transformar la Lituania independiente en una República de la URSS, y fue miembro de la delegación de la Seimas que acudió al Sóviet Supremo de la Unión Soviética para pedir que Lituania fuera aceptada dentro de la Unión Soviética.
Se le pidió que escribiese un poema en honor a Stalin y fue subsiguientemente galardonada con el Premio Stalin (ya a título póstumo, en 1947). Después de eso escribió mas piezas sobre el tema, alentada por los funcionarios del Partido Comunista de la Unión Soviética. Pasó la Segunda Guerra Mundial en la República Socialista Federativa Soviética de Rusia.
Salomėja Nėris regresó a Kaunas pero cayó enferma y murió de cáncer de hígado en un hospital de Moscú en 1945.3 Sus últimos poemas muestran un profundo afecto por Lituania. Fue enterrada en Kaunas, en la plaza del Museo de la Cultura, y, posteriormente, en el Cementerio Petrašiūnai.
Seudónimo[editar]
Su seudónimo inicial era Neris, el nombre del segundo río más grande de lituania. En 1940, recibió una carta de sus estudiantes llamándola traidora a su patria y pidiéndola que no usara el nombre del Río Neris. Entonces añadió un diacritico sobre la "e" usando, a partir de entonces, la firma de Nėris, que hasta entonces no tenía un significado en particular.2
Libros[editar]
Anksti rytą. - Kaunas, 1927. - 77p.
Pėdos smėly. - Kaunas: Sakalas, 1931. - 61p.
Per lūžtantį ledą. - Kaunas: Sakalas, 1931. - 48p.
Mūsų pasakos / sp. paruošė S.Nėris. - Kaunas: Spindulys, 1934. - 160p.
Per lūžtantį ledą. - [Kaunas]: Sakalas, [1935]. - 48p.
Diemedžiu žydėsiu. - Kaunas: Sakalas, 1938. - 69p.
Eglė žalčių karalienė. - Kaunas: Valst. l-kla, 1940. - 107p.
Poema apie Staliną. - Kaunas: Spaudos fondas,1940. - 16p.
Rinktinė. - Kaunas: Valst. l-kla, 1941. - 192p.
Dainuok, širdie gyvenimą: eilėraščiai ir poemos. - Kaunas: Valst. l-kla, 1943. - 39p.
Lakštingala negali nečiulbėti. - Kaunas: Valst. grož. lit. l-kla, 1945. - 109p.
Eglė žalčių karalienė. - [Kaunas]: Valst. grož. lit. l-kla, 1946. - 96p.
Poezija: [2t.]. - Kaunas: Valst. grož. lit. l-kla, 1946.
Našlaitė. - Kaunas: Valst. grož. lit. l-kla, 1947. - 48p.
Žalčio pasaka. - Chicago, 1947. - 112p.
Rinktinė. - Vilnius: Valst. grož. lit. l-kla, 1950. - 276p.
Eilėraščiai. - Vilnius: Valst. grož. lit. l-kla, 1951. - 84p.
Poema apie Staliną. - Vilnius: Valst. grož. lit. l-kla, 1951. - 36p.
Pavasario daina. - Vilnius: Valst. grož. lit. l-kla, 1953. - 38p.
Poezija. - Vilnius: Valst. grož. lit. l-kla, 1954. - 500p.
Baltais takeliais bėga saulytė. - Vilnius: Valst. grož. lit. l-kla, 1956. - 164p.
Raštai : trys tomai. - [Vilnius]: Valst. grož. lit. l-kla, 1957.
Rinktinė. - Kaunas: Valstybinė pedagoginės literatūros leidykla, 1958. - 112p. - (Mokinio biblioteka).
Širdis mana - audrų daina. - Vilnius: Valst. grož. lit. l-kla, 1959. - 474p.
Eglė žalčių karalienė: poema pasaka. - Vilnius: Valst. grož. lit. l-kla, 1961. - 51p.
Pavasaris per kalnus eina: eilėraščiai. - Vilnius: Valstybinė grožinės literatūros leidykla, 1961. - 511p.
Biała ścieżka. - Warszawa: Państ. inst. wydawniczy, 1963. - 34p. - in Polish
Kur baltas miestas: rinktinė. - Vilnius: Vaga, 1964. - 143p.
Rinktinė. - Kaunas: Šviesa, 1965. - 90p. - (Mokinio biblioteka).
Laumės dovanos. - Vilnius: Vaga, 1966. - 25 p.
Poezija: 2t. - Vilnius: Vaga, 1966
Keturi: poem. - Vilnius: Vaga, 1967.
U rodnika. - Vilnius: Vaga, 1967. - en ruso
Lirika. - Moskva: Chudožestvennaja literatura, 1971. - 230p. - en ruso
Poezija. - Vilnius: Vaga, 1972. - 2 volúmenes
Negesk žiburėli. - Vilnius: Vaga, 1973. - 151p.
Egle - zalkšu karaliene: poēma, translation by Daina Avotiņa. - Rīga: Liesma, 1974. - 58p. - en letón
Širdis mana - audrų daina. - Vilnius: Vaga, 1974. - 477p.
Kaip žydėjimas vyšnios: poezijos rinktinė. - Vilnius: Vaga, 1978. - 469p.
Poezija: rinktinė. - Vilnius: Vaga, 1979. - 827p.
Veter novych dnej: stichotvorenija. - Moskva: Chudožestvennaja literatura, 1979. - 334p. - en ruso
Mama! Kur tu?: poem. - Vilnius: Vaga, 1980. - 38p.
Nemunėliai plauks. - Vilnius: Vaga, 1980. - 201p.
Negesk, žiburėli: eilėraščiai ir poemos. - Vilnius: Vaga, 1983. - 103p.
Nedziesti, gaismehlit. - Ryga: Liesma, 1984. - 129p. - en letón
Raštai: 3 volúmenes - Vilnius : Vaga , 1984.
Blue sister, river Vilija = sesuo Žydrioji - Vilija = Sestra Golubaja - Vilija. - Moskva: Raduga, 1987. - 261p. - en inglés y ruso
Solovej ne petj ne možet: stichi. - Vilnius: Vaga, 1988. - 160p. - (Litovskaja poezija). - en ruso
Egle, koroleva užei: poem, translation by M. Petrov. - Vilnius: Vyturys, 1989. - 62p. - en ruso
Wiersze wybrane, translation by M. Stempkowska. - Kaunas: Šviesa, 1989. - 221p. - en polaco
Prie didelio kelio: eilėraščiai. - Vilnius: Lietuvos rašytojų s-gos l-kla, 1994. - 96p.
Tik ateini ir nueini: rinktinė. - Vilnius: Alma littera, 1995. - 220p.
Eglė žalčių karalienė. - Vilnius: Lietus, 1998. - 126p.

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