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Mejor pintor abstracto (vanguardistas)

Mejor pintor abstracto (vanguardistas)

Publicada el 02.05.2016 a las 22:17h.

Etiquetas: abstracto  arte  miro  picasso  vanguardias 

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Último acceso 22.03.2017

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Requena Nozal

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Requena Nozal

José Requena Nozal (25 de octubre de 1947, Zaragoza, España) es un artista-pintor autodidacta que utiliza diferentes técnicas (encáustica, óleo, acrílico y pastel). Sus obras se encuentran repartidas tanto por España como en Europa y Estados Unidos. Ha realizado numerosas exposiciones para el... Ver mas
José Requena Nozal (25 de octubre de 1947, Zaragoza, España) es un artista-pintor autodidacta que utiliza diferentes técnicas (encáustica, óleo, acrílico y pastel). Sus obras se encuentran repartidas tanto por España como en Europa y Estados Unidos. Ha realizado numerosas exposiciones para el público y la crítica especializada.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Técnica
3 Exposiciones
3.1 Exposiciones individuales
3.2 Exposiciones colectivas
3.3 Certámenes
3.4 Ferias de arte
4 Menciones en libros y prensa
5 Galería
6 Enlaces externos
7 Referencias
Biografía[editar]
Nació en el barrio zaragozano de El Arrabal el 25 de octubre de 1947.
Su primera exposición individual la realiza en 1975 en el Museo Provincial de La Rioja,1 donde se dio a conocer con obras figurativas de temáticas marginal y técnica del óleo.
En 1982 participó en el «Concurso Nacional de Pintura para Artistas Jóvenes»2 que organiza el diario ABC, en su edición del «VII Premio Blanco y Negro de Pintura».3
En 1996 es galardonado por la Goya Art Gallery de Nueva York, con el primer premio del «II Salón de Verano Ciudad de Nueva York»4 5 . Al no poder asistir a la entrega de premios, recogió el galardón Luis Hernández del Pozo, comisario del Salón.
Desde el año 1997 es miembro de la Asociación Española de Pintores y Escultores, con el número de socio 2.753.6
En 2016 el Ayuntamiento de Dénia patrocina la exposición retrospectiva titulada "Hemeroskópeion 1980-2015" en el Centre d'Art l'Estació.7
Requena Nozal travaillant dans une de ses dernières œuvres
Requena Nozal trabajando en una de sus obras (2015)
Técnica[editar]
Parte de sus trabajos se cincunscriben a la encáustica donde busca «voluntariamente, composiciones ambiciosas y multitudes ordenadas».8 En su obra ha recogido una «variedad de ambientes (...) y un sentido humano comprometido, de un cierto lirismo, en que la realidad tiene cabida junto al interés por la expresión de un determinado sentimiento».9
Desde el año 2004 cambia radicalmente su estilo hacia el expresionismo abstracto o tachismo, donde utiliza en sus obras la encaústica, el acrílico y el pan de oro.10
Exposiciones[editar]

Niñas frente a la obra YellowStone (2016)
Exposiciones individuales[editar]
1975:
Museo de La Rioja, Logroño.11
Ayuntamiento de La Coruña.
1978:
Museo de La Rioja, Logroño.
Delegación de Turismo, San Sebastián.12
Mairie de Perpignan (Francia).13 14
Museo Paula Becker-Modershon, Bremen (Alemania).15
Museo San Telmo, San Sebastián.16
1979:
Sala Gótica, Instituto Estudios Ilerdenses, Lérida.
Diputación Provincial de Lugo.
1980:
Museo Provincial de Teruel.
Atelier Galerie “GAG”, Bremen (Alemania).17
Museo de La Rioja, Logroño.18
1981:
Hostal Reyes Católicos, Santiago de Compostela.
Caja de Ahorros Provincial de Alicante.19
1982:
Museo Arqueológico Provincial de Orense.
Museo Provincial de Logroño.20
Caja de Ahorro Provincial, Tarragona.
Aula "Adsuara", Castellón de la Plana.21
1983:
Delegación de Turismo, Santander.
Cajarioja, Logroño.22
Museo de La Rioja, Logroño.22
Caja de Ahorro Provincial, Burgos.
1984:
Galería Eureka II, Madrid.23
Caja de Ahorro Provincial, Córdoba.
1985:
Ayuntamiento de La Coruña.
Cajarioja, Logroño.24
Caja de Ahorros del Mediterráneo, Dénia (Alicante).
Caja de Ahorro Provincial, Huelva.
Caja de Ahorro Provincial, Vigo.
1986:
Sala Gótica, Instituto Estudios Ilerdenses, Lérida.
Hostal Reyes Católicos, Santiago de Compostela.
Caja de Ahorro Provincial, Ávila.
1987:
Galería Arabesque, La Coruña.
Caja de Ahorros del Mediterráneo, Alcoy (Alicante).
Cajarioja, Logroño.
1988:
Galería "Zeus", Zaragoza.25
1989:
Fundación "Kutxa" de Álava (Vitoria).
Galería "Gesfime", Zaragoza.
1990:
Galería Ansorena, Madrid.26 27 28
Cajarioja, Logroño.
1992:
Cajarioja, Logroño.
1994:
Galería "Gil de la Parra", Zaragoza.
1996:
Galería "Aguado", Logroño.29
1997:
Goya Art Gallery, Nueva York (EE.UU.).
2004:
Ayuntamiento de La Coruña.
Galería "Aguado", Logroño.30
2016:
Centre d'Art l'Estació, Dénia (Alicante).31
Exposiciones colectivas[editar]
1974:
Salón Franco-Español, Burdeos (Francia).
1978:
Información y Turismo, San Sebastián.
Ayuntamiento de Zaragoza.
1980:
Sala Gótica, Instituto Estudios Ilerdenses, Lérida.
1981:
Centro Mercantil, Zaragoza.
1982:
Palacio Provincial de Zaragoza.
Palais des Fates de Talence (Francia).
Casa Municipal de Cultura, Calahorra (La Rioja).32
1983:
Museo de La Rioja, Logroño.
Sala Gótica, Instituto Estudios Ilerdenses, Lérida.
1989:
Galería "Gesfime", Zaragoza.
1996:
Goya Art Gallery, Nueva York (EE.UU.).
1999:
Galería "Carlos Gil de la Parra", Zaragoza.
2001:
Caja Madrid de Coruña, Aranjuez.
2015::
Centro Cultural La Vaguada "Vanguardia", Madrid.33
Museo Antonio López Torres (Tomelloso) "Exposición Itinerante CERVARTES. Castilla La Mancha".34
Galería Javier Román, Málaga.
Certámenes[editar]
Salón Franco-Español, Burdeos (Francia). - Palais des Fates de Talence (Francia). - Ayuntamiento de Tárrega (Lérida). - Palacio Provincial de Zaragoza. - Ayuntamiento de Zaragoza. - Palacio de las Alhajas, VII Premios Blanco y Negro de Pintura, Madrid. - Goya Art Gallery, II Salón de Verano Ciudad de Nueva York, Nueva York (EE.UU.). - XIII Certamen Tema Jardines, Asociación Pintores y Escultores, Aranjuez.
Ferias de arte[editar]
1989: "BIAF" Feria Internacional Art Forum 89, Barcelona.
2002: "FAIM" Feria de Arte Independiente, Madrid.
2016: "We Art Fair", Madrid.35
Menciones en libros y prensa[editar]
Diccionario de Pintores y Escultores Españoles del Siglo XX. Tomo 12.36
Pintores de Aragón.37
Catálogo Nacional de Arte - Canart.38
Revista Crítica de Arte nº 52.39
Correo del Arte nº 68.40
La Rioja del Lunes nº 220.41
Revista Crítica de Arte nº 182.42
Diario La Rioja nº 36786.43
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Gustav Klimt

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Gustav Klimt

Gustav Klimt (Baumgarten, 14 de julio de 1862 – Alsergrund, 6 de febrero de 1918) fue un pintor simbolista austríaco, y uno de los más conspicuos representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa. Klimt pintó lienzos y murales con un estilo personal muy ornamentado, que también... Ver mas
Gustav Klimt (Baumgarten, 14 de julio de 1862 – Alsergrund, 6 de febrero de 1918) fue un pintor simbolista austríaco, y uno de los más conspicuos representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa. Klimt pintó lienzos y murales con un estilo personal muy ornamentado, que también manifestó a través de objetos de artesanía, como los que se encuentran reunidos en la Galería de la Secesión vienesa. Intelectualmente afín a cierto ideario romántico, Klimt encontró en el desnudo femenino una de sus más recurrentes fuentes de inspiración.2 Sus obras están dotadas de una intensa energía sensual, reflejada con especial claridad en sus numerosos apuntes y esbozos a lápiz,3 en cierto modo herederos de la tradición de dibujos eróticos de Rodin e Ingres. Klimt se convirtió en un personaje muy notable en la alta sociedad vienesa, y estuvo relacionado de un modo u otro con los más notables círculos intelectuales del momento, en una época en la que Viena estaba dejando de ser la capital mundial del arte.
Índice [ocultar]
1 Su vida y obra
1.1 Juventud y formación
1.2 La Secesión vienesa
1.3 La "etapa dorada" y el éxito de crítica
1.4 Vejez y fama póstuma
2 Estilo y temas recurrentes
3 Legado
4 Obras seleccionadas
5 La "Moneda de Oro" de pintura
6 Véase también
7 Referencias
8 Bibliografía
9 Enlaces externos
Su vida y obra[editar]
Juventud y formación[editar]
Klimt nació en una pequeña ciudad, Baumgarten, cerca de Viena, el segundo de siete hijos (tres chicos y cuatro mujeres).4 Ya desde la infancia, los tres hijos varones mostraron inclinaciones artísticas, que podían haber heredado tanto de su padre,5 Ernst Klimt (1832-1892) que era grabador de oro como de su madre, Anna Klimt (Finster, de soltera), cuya ambición frustrada era dedicarse al canto. Klimt vivió en una relativa pobreza la mayor parte de su infancia, en tanto que como familia de inmigrantes, el trabajo escaseaba tanto como las oportunidades de promoción social. Fue por tanto sólo gracias a su talento que en 1876, con catorce años, recibió una beca para estudiar en la Kunstgewerbeschule, la Escuela de Artes y Oficios de Viena, donde se formaría hasta 1883 como pintor y decorador de interiores.5 Sus maestros fueron Michael Rieser, Ludwing Minnigerode y Karl Hrachowina. Klimt admiraba y reverenciaba al entonces pintor de moda, Hans Makart, y se sometió gustoso a los dictados de una educación artística clasicista. Es por ello que su obra temprana puede considerarse académica.5 En 1877 su hermano Ernst -que con el tiempo se convertiría en grabador, como su padre- también fue admitido en la escuela. Los dos hermanos, con la compañía de su amigo común Franz Matsch, comenzaron a trabajar juntos: Hacia 1880 ya gestionaban modestos encargos como un colectivo que se hacía llamar la "Compañía de artistas", colaborando como asistentes de su profesor en la decoración del Kunsthistorisches Museum de Viena.5 Klimt comenzó su carrera individual como pintor de interiores en grandes edificios públicos de la Ringstraße, desarrollando ya algunos temas alegóricos que posteriormente se convertirían en un rasgo distintivo de su obra.
En 1888, Klimt recibió la Orden de Oro al Mérito de manos del Emperador Francisco José I de Austria por su trabajo en los murales del Burgtheater de Viena.5 Fue nombrado miembro honorario de las universidades de Múnich y Viena, y para cuando en 1892 su padre y su hermano Ernst murieron, Klimt estaba en condiciones de soportar la carga económica de sus parientes. La tragedia familiar pesó también en su expresión artística, y marcó el inicio de la definición de su estilo personal. A principios de la década de 1890, Klimt conoció también a Emilie Flöge, quien aparentemente soportó las constantes aventuras amorosas del artista y se convertiría en su compañera hasta el final de su vida. El componente sexual de esta relación ha sido objeto de cierta discusión, aunque está documentado que Klimt tuvo al menos catorce niños durante esta relación.6
La Secesión vienesa[editar]
Artículo principal: Secesión de Viena

Fragmento del Friso de Beethoven.
Klimt se convirtió en uno de los miembros fundadores -y presidente- de la Wiener Sezession, un grupo de artistas fundado en 1897, y del colectivo temporal Ver Sacrum (la 'Sagrada Primavera'). La Sezession había surgido como una alternativa independiente a los artistas promocionados por la Academia vienesa -de la que el mismo Klimt había formado parte en su juventud-. Entre sus objetivos se contaban la promoción de artistas jóvenes, la exhibición de obras producidas en el extranjero y la publicación de una revista sobre las principales obras realizadas por los miembros.7 A diferencia de la mayoría de los grupos de vanguardia, el grupo nunca redactó un manifiesto, y tampoco se definió por una determinada dirección estilística: entre sus miembros se contaban naturalistas, realistas y simbolistas. El grupo encontró cierto apoyo gubernamental -aunque sus obras eran generalmente detestadas- y pudo construir una sala de exposiciones permanente sobre un solar cedido por las autoridades. Los artistas de la Sezession tomaron a Palas Atenea, la diosa griega de la sabiduría y la justicia como su símbolo. Klimt, que realizó una aproximación bastante radical a la imagen de la diosa en 1898, estuvo adscrito a este colectivo hasta 1908.
En 1894, Klimt había recibido el encargo de crear tres pinturas para decorar el techo del Aula Magna de la Universidad de Viena. Inacabadas hasta el fin de siglo, estas tres obras -Filosofía, Medicina y Jurisprudencia- fueron muy criticadas por lo radical de su enfoque y su propia representación, que algunos consideraron "pornográfica".8 Klimt adaptaba la forma clásica de la alegoría y su simbolismo convencional, dándole forma con su propio lenguaje plástico, abiertamente sexual y de matices provocativos.8 El clamor fue general: protestaron políticos, pero también personalidades relacionadas con el mundo del arte y la moral pública. La universidad decidió finalmente no colocar las obras de Klimt, y éste no volvería a admitir encargos a partir de entonces. Por desgracia las tres obras fueron destruidas por las SS durante su retirada, en mayo de 1945. En 1899, Klimt se confirmó en su estilo: Provocadora y llena de turbadora energía, su Nuda Veritas -la "Verdad desnuda"- suponía un paso adelante en su estética personal, pero también constituía una declaración de principios, casi un desafío, dirigido principalmente a los críticos de su obra más conservadores: El crudo desnudo frontal de una mujer, sosteniendo un alegórico "espejo de la verdad", iba coronado con una conocida sentencia de Schiller:
Si no puedes agradar a todos con tus méritos y tu arte, agrada a pocos. Agradar a muchos es malo.9
Schiller
En 1902, Klimt concluyó su trabajo en el Friso de Beethoven a tiempo para la XIV exposición de los secesionistas vieneses, que se había organizado a modo de homenaje al compositor, y en la que se presentaba una monumental escultura policromada de Max Klinger. Destinado a ser expuesto temporalmente, el friso fue pintado directamente sobre la pared con una técnica ligera. Tras la exposición, sin embargo, el friso fue conservado, si bien no volvió a ser expuesto en público hasta 1986. Al año siguiente Klimt viajó por Italia, visitando Florencia, Venecia y Rávena, y descubriendo los mosaicos bizantinos de las iglesias de San Vital y San Apolinar. Comenzaba entonces lo que algunos críticos han interpretado como la etapa de madurez artística del pintor: liberado de encargos públicos, Klimt había comenzado en 1890 a viajar con la familia Flöge al lago Attersee, donde realizó numerosos paisajes. Estas obras se convirtieron en una excepción en el corpus de Klimt, dedicado desde siempre a la figura con enérgica devoción:
"No existe ningún autorretrato mío. No me interesa mi propia personalidad como objeto de un cuadro, sino más bien me interesan otras personas, en especial mujeres, otras apariencias…estoy convencido de que como persona no soy especialmente interesante".
Gustav Klimt
Klimt fue un pintor enérgico y arrebatado,10 y sus propios parientes comentaban sorprendidos sobre su dedicación:
“Cada noche venía a casa, tomaba la cena en silencio y se iba a la cama… Cuando había descansado, retomaba con tal ímpetu el trabajo que a menudo pensábamos que las llamas de su genialidad lo consumirían vivo…”
Estilísticamente, los paisajes realizados en aquella temporada se caracterizaban por el mismo refinado diseño ornamental y por un enfático uso de motivos compositivos. El espacio pictórico aparece "aplanado" de un modo tan rotundo que algunos críticos han señalado la posibilidad de que Klimt los pintase sirviéndose de algún tipo de catalejo.11
La "etapa dorada" y el éxito de crítica[editar]

El beso, 1907–1908. Cuadro más conocido del pintor. Óleo/lienzo. Österreichische Galerie Belvedere.
La "etapa dorada" de Klimt vino determinada por un progresivo acercamiento de la crítica y un gran éxito comercial. Muchas de sus pinturas de este período incorporan pan de oro a la pintura, aunque éste era un medio que Klimt ya había utilizado esporádicamente desde 1898 (Pallas Athene) y su primera versión de Judith, de 1901. Tras regresar de su viaje italiano, Klimt participó en la decoración del suntuoso palacio Stoclet, hogar de un opulento magnate belga. Este edificio se convertiría en la síntesis del Art Nouveau centroeuropeo. La aportación de Klimt -representada por El Cumplimiento y La Expectación- significaron el clímax de su energía creativa, y tal como él mismo afirmó, "posiblemente el último paso de mi desarrollo de la ornamentación".12 Las obras más notables realizadas en esta etapa fueron sin embargo el Retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907) y El beso (1907-1908). Paralelamente, Klimt realizó retratos de diversas damas de la alta sociedad vienesa, normalmente envueltas en pieles. Es posible que muchos de los modelos que Flöge luce en algunas fotografías tomadas por el autor fuesen diseñados por el mismo artista. Tal como se aprecia en muchas fotografías, Klimt solía vestir túnica y sandalias cuando estaba en su casa. Llevaba una vida bastante sencilla, completamente absorbido por su trabajo y su familia, y exceptuando algunos encuentros con otros artistas de la Sezession, Klimt solía evitar los encuentros de sociedad y los círculos intelectuales "de café". Pese a su imagen de libertino, Klimt también llevaba su activa vida sexual discretamente, y aunque se rodeaba de modelos femeninas de muy diversa categoría social, nunca se vio personalmente envuelto en ningún escándalo público. Atraídos por su gran fama, algunos clientes que acudían a su casa solían descubrir que Klimt podía permitirse ser muy selectivo antes de aceptar un encargo.
Una vez admitido un encargo, el artista iniciaba su particular método de trabajo, tras largas meditaciones y aún más prolongadas sesiones de posado de modelos. La naturaleza abiertamente erótica de sus obras solía verse "suavizada" por un enfoque alegórico, o simbólico, que la hacía de algún modo más admisible para la pacata opinión pública de la burguesía vienesa. Klimt nunca destacó por su carácter teórico. No escribió apenas nada sobre su visión artística o sus métodos.13 Del mismo modo, nunca llevó un diario, y su correspondencia se limita a algunas postales enviadas a Flöge.
Vejez y fama póstuma[editar]
En 1911, gracias a La vida y la muerte, Klimt es galardonado con el primer premio de la Exposición Universal de Roma. En 1915, murió su madre, Anna. Tres años más tarde, tras haber pasado un infarto, neumonía y la llamada gripe española, Klimt falleció.14 , 15 El artista, en su lecho de muerte, preguntó por Emilie Flöge, veinte años menor que él y con la que nunca quiso contraer matrimonio. En su taller dejó inacabadas gran cantidad de obras. Un número considerable de sus obras fue confiscado por la dictadura nazi. Al avance de las tropas enemigas, y al ver que sus obras se convertirían en botín de guerra, decidieron quemar el castillo donde éstas permanecían confiscadas.

Retrato de Adele Bloch-Bauer I, vendido en 2006 por un precio récord de 135 millones de dólares. Neue Galerie, Nueva York.
Las obras de Klimt han batido algunos récords en las subastas de arte. En noviembre de 2003, un paisaje de Attersee fue vendido por 29 millones de dólares,16 una cifra que pronto quedó eclipsada por los precios finales de otras de sus obras.17 18 En 2006, el primer retrato de Adele Bloch-Bauer fue vendido en la Neue Galerie de Nueva York por 135 millones de dólares, superando así el récord establecido por el Chico con pipa (1905) de Picasso (vendido el 5 de mayo de 2004 por 104 millones de dólares). El 7 de agosto de 2006, la casa de pujas Christie's anunció la subasta de un nuevo lote de obras de Klimt, obras que habían sido recuperadas por Maria Altman y sus herederos tras un largo pleito que les enfrentó al gobierno austríaco. Finalmente, el Retrato de Adele Bloch-Bauer II fue subastado en noviembre de 2006 -convirtiéndose en la tercera obra de arte más cara de la historia-,19 el Manzano, I (aprox. 1912) fue vendido por 33 millones, el Bosque de abedules (1903) por más de 40 millones de dólares,20 y las Casas en Unterach, en el lago Atter (1916) por otros 31 millones. En total, las cinco piezas representan un valor total de 327 millones de dólares.21
Estilo y temas recurrentes[editar]
La obra de Klimt se ha identificado con la suntuosa decoración basada en dorados y elementos ornamentales de vivos colores, aunque también con formas fálicas encubiertas que indican el carácter de los dibujos en que se inspiraban. En la primera versión de Judith, por ejemplo, aunque también en El beso y, sobre todo, en la Dánae de 1907 aparecen elementos abstractos de un carácter sexual inconfundible. Siendo la mujer uno de los temas más recurrentes de Klimt, resulta lógico que el artista representase muchas de las facetas del carácter femenino, aunque sentía especial predilección por un tipo de mujer agresiva y dominante que podría identificarse con el modelo icónico de la femme fatale.
Los historiadores del arte coinciden en señalar el carácter ecléctico de su estilo pictórico; y se han apuntado, entre otras, referencias al arte del antiguo Egipto, a la cultura Micénica, a la Grecia clásica y al arte bizantino. Hombre de formación clásica, Klimt no sentía sin embargo reparo en manifestar su entusiasmo por el arte de artistas medievales -como Durero- o exóticos -como los artistas de la escuela Rinpa japonesa. Sus obras de madurez se caracterizan por un rechazo de sus inicios naturalistas, siendo así que se ha señalado el progresivo desarrollo de motivos simbólicos o abstractos que enfatizaban la libertad de espíritu que impregnó todas las vanguardias artísticas de principios del siglo XX.
Del mismo modo, resulta significativo el valor de la línea en su obra. Sus dramáticas composiciones -utilizando a veces extraños puntos de vista, planos verticales y cortes atípicos- subrayan el carácter innovador de su plástica, y anticipan el valor expresivo de la línea que caracterizará el expresionismo posterior.
Legado[editar]

Retrato de Margaret Stonborough-Wittgenstein 180 x 90 cm (1905) Neue Pinakothek, Múnich.
La obra de Klimt tuvo una enorme influencia sobre todo el grupo de la Secesión Vienesa. En su papel de líder del grupo, Klimt no solo fue una poderosa influencia para artistas como Egon Schiele, sino que trató de apoyar la obra de estos jóvenes talentos con la institución del Kunsthalle, en 1917, con el que pretendía evitar el éxodo de artistas al extranjero. Su relación con la aristocracia y la intelectualidad vienesas le permitió un contacto estrecho con las personalidades más importantes del continente, como Oskar Kokoschka y Alma Mahler, entre otros. Su estética inconfundible, y cierto aroma decadentista con que se suele identificar su obra, lo han convertido en un referente ineludible de la moda y la estética contemporáneas. Las astronómicas cifras alcanzadas en subastas de sus obras prueban, en cierto modo, que el éxito comercial de Klimt no ha decaído, un siglo después de su muerte.22 También se han realizado películas sobre su vida -la más conocida de ellas, protagonizada por John Malkovich, fue estrenada el 28 de enero de 2006 durante el Festival Internacional de Cine de Rotterdam (Holanda).
Obras seleccionadas[editar]

Judith con la cabeza de Holofernes, 1901. Belvedere, Viena.

Avenida en Schloss Kammer Park, 1912. Belvedere, Viena.

Dánae, por Gustav Klimt, de 1907. Colección privada, Viena.

Las amigas, 1916-17.

Mäda Primavesi. 1912. Óleo s/lienzo. 150 × 110 cm. Metropolitan Museum of Art, Nueva York.

Mujer echada, (1916).
Pinturas de Klimt para el techo del Aula Magna de la Universidad de Viena
Friso del Palacio Stoclet en mosaico, Bruselas, Bélgica
Fábula (1883)
Teatro en Taormina (1886-1888)
Auditorio del viejo Burgtheater de Viena (1888)
Retrato del pianista y profesor de piano Joseph Pembauer (1890)
Muchacha de Tanagra, antigüedad griega (1890 - 1891)
Retrato femenino. Algunos especialistas de arte han identificado a la mujer retratada con la esposa del doctor Heymann. (1894)
La música I (1895)
Amor (1895)
Escultura (1896)
Tragedia (1897)
La música II (1898)
Palas Atenea (1898)
Agua en movimiento (1898)
Retrato de Sonja Knips (1898)
Sangre de pez (1898)
Schubert al piano (1899)
Después de la lluvia (Huerta con gallinas en Santa Agatha) (1899)
Ondinas (Peces plateados) (1899)
Las Sirenas (1899)
Filosofía (1899–1907)23
Nuda Veritas (1899)
Retrato de Serena Lederer (1899)
Medicina (Hygieia), decoración del techo del Aula Magna de la nueva Universidad de Viena (1900–1907)
Música (Litografía) (1901)
Judith I (1901)
Bosque de abedules (Birkenwald) (1901)
Peces dorados (dedicado a sus críticos) (1901–1902)
Retrato de Gertha Felsovanyi (1902)
Retrato de Emilie Flöge (1902)
Bosque de hayas (1902)
Bosque de hayas I (1902)
Friso de Beethoven (1902)24 25
Bosque de hayas (1903)
La esperanza I (1903)26
Peral (1903)
La vida es una lucha (El caballero dorado) (1903)
Jurisprudencia (1903–1907)27
Serpientes acuáticas I (1904–1907)
Serpientes acuáticas II (1904–1907)
Las tres edades de la mujer (1905)
Retrato de Margaret Stonborough-Wittgenstein (1905)
Jardín (1905–1906)
Jardín con girasoles (1905-1906)
Friso Stoclet (1905-1909)
Retrato de Fritsa Reidler (1906)
El girasol (1906-1907)
La esperanza II (1907-1908)
Dánae (La lluvia dorada)(1907)
Retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907)
Prado con amapolas (1907)
Palacio Kammer a orillas del lago Atter I (1908)
El beso (1907 - 1908)
Dama con sombrero y boa (1909)
Árbol de la vida (1909)
Judith II (Salomé) (1909)
El sombrero de plumas negro (1910)
Palacio Kammer a orillas del lago Atter III (1910)
El parque (1910)
Jardín con crucifijo (1911-1912)
Manzano I (1912)
Casa de guardabosques en Weibenbach, a orillas del lago Atter (1912)
Retrato de Mäda Primavesi (1912)
Retrato de Adele Bloch-Bauer II (1912)
La virgen (Die Jungfrau) (1913)
Iglesia de Cassone (1913)
Mujer medio desnuda recostada (1913)
Mujer medio desnuda sentada, con los ojos cerrados (1913)
Retrato de Eugenia Primavesi (1913-1914)
Lovers, drawn from the right (1914)
Baronesa Elisabeth Bachofen-Echt (1914)
Mujer medio desnuda tumbada (1914-1915)
Retrato de Friederike Maria Beer (1916)
Casas en Unterach a orillas del lago (1916)
Muerte y vida (1916)
Sendero de jardín con gallinas (1916)
Las amigas (1916-1917)
Mujer sentada con los muslos separados (1916-1917)
La bailarina (1916 - 1918)
Leda (Destruido) (1917)
Retrato femenino (inacabado) (1917-1918)
La novia (inacabado) (1917-1918)
Adán y Eva (inacabado) (1917-1918)
Retrato de Johanna Staude (inacabado) (1917-1918)
La "Moneda de Oro" de pintura[editar]
Por su imponente legado artístico y su relación familiar con el grabado en oro, Gustav Klimt ha sido tema frecuente de los artistas de medallas y monedas de colección. La más reciente es una moneda de oro timbrada en 100 €, acuñada el 5 de noviembre de 2003. En el envés, la moneda muestra a Klimt en su estudio, con dos obras inacabadas sobre sendos caballetes.
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Joan Miró

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Joan Miró

Joan Miró i Ferrà (Barcelona, 20 de abril de 1893-Palma de Mallorca, 25 de diciembre de 1983) fue un pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En... Ver mas
Joan Miró i Ferrà (Barcelona, 20 de abril de 1893-Palma de Mallorca, 25 de diciembre de 1983) fue un pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En un principio mostró fuertes influencias fauves, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf, como lo es su conocido cuadro La Masía del año 1920. A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más onírica, coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento.1 En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década de 1930, Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de "matarlos, asesinarlos o violarlos", para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas.2
Uno de sus grandes proyectos fue la creación en 1975, de la Fundación Joan Miró, ubicada en Barcelona, centro cultural y artístico para difundir las nuevas tendencias del arte contemporáneo, que se constituyó con un gran fondo de obras donadas por el autor. Otros lugares con importantes fondos de sus obras son: la Fundación Pilar i Joan Miró, en Palma de Mallorca; el Museo Reina Sofía, en Madrid; el Centro Pompidou, en París; y el MOMA, en Nueva York.
Índice [ocultar]
1 Biografía
1.1 Familia
1.2 Estudios
1.3 Premios y reconocimientos
2 Primeras exposiciones
2.1 La masía
3 Surrealismo
3.1 Carnaval de Arlequín
3.2 Interiores holandeses
3.2.1 Interior holandés I
3.2.2 Interior holandés II
3.2.3 Interior holandés III
4 Ruptura con el surrealismo y "asesinato" de la pintura
4.1 Bodegón del zapato viejo
4.2 Pabellón de 1937 en París
4.3 Constelaciones
5 Otros materiales
5.1 Cerámica
5.2 Escultura
5.3 Grabados
6 Obras destacadas
7 Referencias
8 Bibliografía consultada
9 Enlaces externos
Biografía[editar]
Familia[editar]

El Pasaje del Crédito en Barcelona, lugar de nacimiento de Joan Miró
Su padre fue Miquel Miró i Adzeries hijo de un herrero de Cornudela, se trasladó a Barcelona donde montó un taller de orfebrería y relojería en un pasaje cerca de la Plaza Real de Barcelona, allí conoció Miquel Miró a Dolors Ferrà i Oromí, hija de un ebanista mallorquín, se casaron y establecieron su residencia en el mismo pasaje de Crédito donde nacieron sus hijos Dolors y el futuro artista Joan Miró.3
Miró se casó con Pilar Juncosa en Palma de Mallorca el 12 de octubre de 1929, y se instalaron en París en un apartamento con suficiente espacio para vivienda y taller del artista; el 17 de julio de 1931, la pareja tuvo su única hija, Dolors.4 Al quedar libre del contrato con su marchante Pierre Loeb, Miró decidió volver con la familia a Barcelona, realizando estancias intermitentes en Mallorca y en Montroig. Se encontraba en esta última población cuando estalló la Guerra Civil Española de 1936. En noviembre tenía prevista una exposición en París, y una vez allí y en vista de las circunstancias adversas provocadas por la guerra, decidió quedarse cuando consiguió la llegada de su esposa Pilar y de su hija. En vísperas de la Segunda Guerra Mundial el ambiente en París era cada vez más tenso. Pasaron alguna temporada en una casa ofrecida por su amigo el arquitecto George Nelson en Varengeville-sur-Mer en la costa de Normandía; se encontró bien en la zona, pues le acercaba más a la naturaleza tal y como estaba acostumbrado en Mallorca o en Montroig, y terminó alquilando una casa. En la primavera de 1940, los amigos habían ido desapareciendo de Varengeville y junto con Pilar decidió volver a Cataluña y después de una pequeña temporada, la familia se trasladó a Mallorca, donde, según Miró, allí no era nada más que «el marido de la Pilar». En el año 1942 retornó a Barcelona.5
Estudios[editar]

Mujer botella situada en el Parque Cultural Viera y Clavijo de Santa Cruz de Tenerife. El 28 de enero de 2002 es declarada Bien de Interés Cultural con la categoría de Bien Mueble.6
Estudió comercio, según deseo de su padre para tener una preparación y conseguir ser “alguien en la vida”. Ante el deseo de Joan de matricularse en la escuela de la Lonja para dibujar y al tener la posibilidad de las clases nocturnas, su padre aceptó la petición, como un pasatiempo del muchacho.3 En la Lonja, se vio influenciado por dos maestros Modest Urgell y Josep Pascó. Los dibujos datados del año 1907 que se guardan en la Fundación Miró son una buena prueba de esta influencia clara con Modest Urgell; otros dibujos, de poco antes del fallecimiento de Miró, realizados con una simple pero firme línea horizontal y la inscripción: "en recuerdo de Modest Urgell" resumen el gran cariño que guardó siempre para su maestro. De las clases recibidas por Josep Pascó, profesor de artes decorativas, quedan también unos dibujos de aire modernista del año 1909 como diseño de unos broches representando un pavo real y una serpiente. De este profesor aprendió la simplicidad de expresión y las tendencias artísticas del momento.3
Con diecisiete años acabó sus estudios de comercio y entró a trabajar durante dos años como empleado en una droguería, hasta que una enfermedad le obligó a retirarse a una casa familiar en el pueblo de Montroig. Cuando regresó a Barcelona, ya tenía la firme resolución de ser pintor y aunque con reticencias, también contaba con el permiso paterno; ingresó en la Academia de arte dirigida por Francesc d'Assís Galí, donde conoció las últimas tendencias artísticas europeas y a la que acudió hasta su cierre en 1915. Mientras también asistía a clases de dibujo del natural, en el Círculo Artístico de Sant Lluc, donde hizo amistad con Josep Francesc Ràfols, Sebastià Gasch, Enric Cristòfor Ricart y Josep Llorens i Artigas, formando con todos ellos el grupo artístico Agrupación Courbet cuya fundación hizo pública el 28 de febrero de 1918 en La Publicitat.1
Premios y reconocimientos[editar]
1954 Gran Premio de Grabado de la Bienal de Venecia
1959 Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X el Sabio
1959 Gran Premio de la Fundación Guggenheim.
1962 Nombrado Chevalier de la Legión de Honor en Francia.
1966 Premio Carnegie de pintura.
1968 Nombrado doctor honoris causa por la Universidad de Harvard.
1978 recibió la Medalla de Oro de la Generalidad de Cataluña, siendo el primer catalán en recibir tal distinción.
1979 Nombrado doctor honoris causa por la Universidad de Barcelona.
1980 recibió, de manos del rey Juan Carlos I de España, la Medalla de Oro de las Bellas Artes.
1983 Nombrado doctor honoris causa por la Universidad de Murcia.
Primeras exposiciones[editar]

Gran maternidad, escultura en bronce situada en San Francisco.
La primera exposición individual de Joan Miró se realizó en las Galerías Dalmau de Barcelona entre el 16 de febrero y el 3 de marzo de 1918. Miró presentó sesenta y cuatro obras entre paisajes, naturalezas muertas y retratos. Estas primeras pinturas tienen una clara influencia de las tendencias francesas, sobre todo del postimpresionismo, del fovismo y del cubismo. En las pinturas Ciurana, el pueblo (1917) y Ciurana, la iglesia (1917) se aproxima a las tonalidades más típicas de Van Gogh y a los paisajes de Cézanne, reforzados con una pincelada oscura. Uno de los cuadros que llama más la atención es el titulado Nord-Sud, como la revista francesa que en su primer número (1917), Pierre Reverdy escribía sobre el cubismo. En este cuadro, Miró mezcla técnicas de Cézanne con el uso de rótulos dentro de la pintura, como en las obras cubistas de Juan Gris o Pablo Picasso. En los retratos (por ejemplo el Retrato de V. Nubiola), muestra la fusión del cubismo con el agresivo color fauve.7 En esta misma primavera expuso en el Círculo Artístico de Sant Lluc junto con los miembros de la Agrupació Coubert.8
Como era su costumbre y continuaría haciendo durante años, Miró pasó ese verano en Montroig, donde abandonó los colores empleados hasta entonces y las formas duras por las más minuciosas, según explicó en una carta dirigida a su amigo Ricart fechada el 16 de julio de 1918:
Nada de simplificaciones ni abstracciones. Por ahora lo que me interesa más es la caligrafía de un árbol o de un tejado, hoja por hoja, ramita por ramita, hierba por hierba, teja por teja. Esto no quiere decir que estos paisajes al final acaben siendo cubistas o rabiosamente sintéticos. En fin, ya veremos. Lo que si me propongo es trabajar mucho tiempo en las telas y dejarlas lo más acabadas posible, así es que al final de temporada y después de haber trabajado mucho si aparezco con pocas telas; no pasa nada. Durante el invierno siguiente continuarán los señores críticos diciendo que persisto en mi desorientación.
De esta manera se observa en los paisajes pintados durante este tiempo un arquetipo por medio de un vocabulario nuevo de iconografías y de signos meticulosamente seleccionados y organizados siendo el agente estructurador el dibujo. En Viñas y olivos de Montroig se ven las raíces dibujadas debajo de la tierra completamente individualizadas para conseguir la conexión física con la tierra.9
El primer viaje a París lo realizó en marzo de 1920 y después de pasar nuevamente el verano en Montroig, regresó para establecerse en París donde conoció al escultor Pablo Gargallo que tenía un taller en la calle Blomet, que solo usaba durante los meses de verano, y llegó a un acuerdo con él para utilizarlo solo en la temporada de invierno. Las gestiones hechas por el galerista Dalmau le proporcionaron una exposición individual en la Galerie La Licorne que se inauguró el 29 de abril de 1921; a pesar de no obtener ninguna venta, la crítica fue favorable. En la comunidad artística que se agrupaba en Montparnasse, conoció a André Masson, vecino de la calle Blomet y con quien coincidía en las reuniones de Max Jacob. Otro asiduo de este grupo era Pablo Picasso que le compró el Autorretrato de 1919 y más adelante la Bailarina española de 1921.10
La masía[editar]
Artículos principales: La masía y Mas Miro (Montroig).

Vista del Mas Miró desde donde se pintó la obra.
Durante los años 1921 y 1922 realizó La masía, siendo la obra culminante de esta época «detallista». Trabajó en ella durante nueve meses de dura elaboración; la relación mítica mantenida por Miró con la tierra, se resume en este cuadro, que representa la granja de su familia en Montroig; el grafismo de carácter ingenuo y realista de todos los objetos, los animales son los domésticos, los vegetales los que el hombre trabaja y los objetos todos de uso diario y necesarios para el hombre. Estudia todos sus detalles al mínimo, es lo que se llama la caligrafía mironiana, punto de partida para los siguientes años de su contacto con el surrealismo11
Terminada esta pintura en París, por necesidad económica, inició un recorrido entre marchantes para poder venderla. Rosenberg, que se ocupaba de las pinturas de Picasso, accedió a tenerla en depósito y al cabo del tiempo y ante la insistencia de Miró, le sugirió seriamente el dividir la tela en trozos pequeños para su más fácil venta. Miró, enojado, recogió la tela y se la llevó a su taller. Se hizo cargo de la pintura, entonces, Jacques Viot de la galería Pierre, que después de unos tratos, se la vendió al escritor Ernest Hemingway, por cinco mil francos.12 Actualmente se conserva en la National Gallery de Washington.
Surrealismo[editar]

Pájaro lunar en Madrid (1966).
Instalado en el taller de Pablo Gargallo en París, tuvo contacto con artistas provenientes del movimiento Dadá, que fundaron en 1924, con el poeta André Bretón al frente, el grupo del surrealismo.13
A Miró le sirvió principalmente para abandonar su época detallista y sintetizar los motivos ya apuntados en esa etapa. Es, en el potencial que le ofrecía el surrealismo, en lo inconsciente y lo onírico, donde encontró el perfecto material para sus futuras obras. Así se aprecia en Tierra labrada, con clara alusión a La masía, pero con elementos surrealistas como el ojo y una oreja junto al árbol de la pintura. En Cabeza de fumador, la influencia se ve en la síntesis empleada para la descripción del personaje.14
Realizó una exposición en la Galería Pierre del 12 al 27 de junio de 1925, con la presentación de 16 pinturas y 15 dibujos. Todos los representantes del grupo surrealista firmaron la invitación a la exposición. La inauguración se realizó a media noche, cosa nada frecuente en aquella época, mientras en el exterior, contratada por su amigo Picasso tocaban los compases de una sardana una orquesta de músicos; los visitantes, tenían que entrar a la sala, por turnos, completamente llena. Las ventas fueron tan buenas como la crítica.15
En 1926, Joan Miró colaboró con Max Ernst en diseños para los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev, en la obra Romeo y Julieta. El 4 de mayo de 1926, se representó por primera vez en Montecarlo y el 18 de mayo en el teatro Sarah Bernhardt de París. Se sabía que estaba en los ánimos de los surrealistas y comunistas, alterar el estreno del "burgués" Diaghilev y los "traidores" Ernst y Miró, y así fue, al empezar la función, entre silbatos, se lanzó una lluvia de folletos de color rojo con un texto de protesta, firmado por Louis Aragon y André Breton. Sin embargo, al cabo de poco tiempo, la revista La Révolution Surréaliste, que editaba Bretón, siguió con la reproducción de obras de los dos artistas.16
Carnaval de Arlequín[editar]

Escultura de Joan Miró en el Museo Hakone al aire libre, Tokio.
Una de las pinturas más interesantes de este periodo es Carnaval de Arlequín (1925), completamente surrealista y que consiguió un gran éxito en la exposición colectiva de la Peinture surréaliste de la Galería Pierre a finales de 1925, expuesta junto a obras de Giorgio de Chirico, Paul Klee, Man Ray, Pablo Picasso y Max Ernst.
Esta obra es la considerada como el inicio pleno de la etapa surrealista de Joan Miró. Realizada entre los años 1924 y 1925, la ejecutó en un tiempo en que el artista pasaba por momentos difíciles y con gran penuria, incluso alimentaria. Según explicó el mismo artista:
Intenté plasmar las alucinaciones que me producía el hambre que pasaba. No es que pintara lo que veía en sueños, como decían entonces Breton y los suyos, sino que el hambre me provocaba una manera de tránsito parecido al que experimentaban los orientales.17
Un autómata que toca la guitarra junto con un arlequín con grandes bigotes, son los personajes principales de la composición pictórica, donde se aprecian también todo un mundo de detalles dominados por la imaginación que se esparcen por toda la pintura, como un pájaro con alas azules saliendo de un huevo, un par de gatos jugando con un ovillo de lana, peces volando, un insecto que sale de un dado, una escalera con una gran oreja, y en la parte superior derecha se ve a través de una ventana una forma cónica con la que quiso representar la torre Eiffel. Compuso Miró un pequeño texto poético en 1938 sobre este cuadro: "En la madeja de hilo deshecha por los gatos vestidos de arlequines ahumados retorciéndose y apuñalando mis entrañas..." Actualmente se encuentra en la colección de Allbright-Knox Art Gallery en Buffalo, (Estados Unidos).18
Interiores holandeses[editar]
En 1927 realizó por primera vez una ilustración para el libro Gertrudis de J.V. Foix. Se trasladó a vivir a otro estudio más grande de la calle Tourlaque, donde encontró a viejos amigos Max Ernst, Paul Éluard y conoció a Pierre Bonnard, René Magritte y Jean Arp. Experimentó con ellos el juego del cadáver exquisito. En 1928 viajó a Bélgica y a los Países Bajos, visitando los más importantes museos de ambos países, entre los que destaca una visita al Rijksmuseum. Los pintores neerlandeses, como Vermeer y los maestros del siglo XVII, causaron un gran impacto en el artista, que compró postales coloreadas de estas pinturas reproducidas a partir de la colección del Rijksmuseum, y a su regreso a París se dedicó a la creación de una serie conocida como Interiores holandeses compuesta por un total de 3 pinturas. Realizó numerosos dibujos para la consecución de la primera pintura Interior holandés I, inspirada en El tocador de Laud de Hendrick Martensz Sorgh; en Interior holandés II, es de la obra Niños enseñando a bailar a un gato del pintor Jan Havicksz Steen. Interior holandés III, inspirada en otra obra del mismo autor, Mujer joven en el baño. En esta serie, Miró transformó, la pintura de sus sueños surrealistas, con el espacio vacío en los cuales imperaban los grafismos, a la recuperación de la composición en perspectiva y las formas analizadas.19
Interior holandés I[editar]
La pintura se inspira en la obra del siglo XVII El tocador de Laud de Hendrick Martensz Sorgh que representa a un intérprete de laud en un interior doméstico. La obra de Sorgh, de colores brillantes y planos, se alejaban del modelo naturalista y la perspectiva de la pintura de género holandesa del siglo XVII.
Interior Holandés I incluye los elementos presentes en la obra de Martensz Sorgh: el laud, el intérprete, el mantel, los marcos de la pared, los elementos de detrás de la ventana, un perro, un gato, la mujer joven, una cesta de fruta, etcétera. También se mantiene la posición básica de los objetos en la pintura.
Sin embargo, las formas son claramente mironianas, con una desporporción acentuada respecto de la obra original que reflejan la importancia relativa de los elementos en la composición, en lugar de las proporciones físicas. El laud y el intérprete ocupan la mayor parte del espacio, mientras que la joven se reduce a un detalle fundido en el agua: es parte del paisaje, como los objetos inanimados.
Centrando la atención en la figura del intérprete, se observa que Miró reduce sus rasgos faciales a un rostro distendido y rojo en el centro, con un bigote desplazado hacia la derecha, su cuerpo se va disolviendo hasta que el laud realmente lo sustituye, y todo lo que queda de la figura del joven es un pequeño pie que sobresale por la parte inferior del instrumento. Un personaje desproporcionado que expresa una especie de excitación física con una fuerza capaz de romper las cuerdas del instrumento. En este momento Miró pretende atacar la anatomía humana desde la prespectiva de los términos clásicos, desde la visión ideal de una forma harmónica, para abordar su proyecto personal de desarmarla. Miró usa un humorismo gráfico trágico, sacrílego y herético que con un genio quijotesco transforma con su pinzel la obra de Sorgh.
Los colores también son tonos inspirades en la tela original, aunque la intensidad del color es mironiana. Por tanto, el gradiente de color gris verdoso de la pared de la obra de Sorgh se convierte en un verde manzana en la obra de Miró, la luz de color marrón y los tonos ocres del laud se transforman en un color naranja oscuro. Aplica la pintura directamente con el tubo; no los mezcla en la paleta, y tampoco los mezcla en el lienzo. Los verdes, blancos, naranjas, rojos y amarillos son colores muy puros. La obra es un ejemplo de la facilidad de trazo de Miró. Los perfiles de todas las figuras son muy precisas, pintadas con un pincel muy fino, su mano es constante y fuerte en los trazos perimetrales de los personajes.
Interior holandés II[editar]
La pintura se inspira en la obra Niños enseñando a bailar a un gato de Jan Havicksz Steen. En esta obra, el artista vuelve a utilizar la técnica y la filosofía de la obra original. Miró conserva los elementos como la guitarra, el perro y el hombre que mira por la ventana. El verdadero tema de la pintura de Steen no era el gato, sinó el sonido, el movimiento y la hiladida que provica la clase de baile. Miró aprovecha de esta anomalía en su versión: a pesar que el gato sirve como eje de la composición centrífuga, pone en acento en la cacofonía y la animación de la lección a través del movimiento giratorio de la gran diversidad de detalles y el ritmo de los puntos y contrapuntos de la danza. La escena es animada, se ve el rostro sonriente de los niños, reforzando la sonrisa grotesca del personaje de la izquierda de la obra de Steen. La figura central de la chica destaca con un perfil que emula su pose llenando con el color azul de su falda toda la superficie de la versión mironiana. Los perros y gatos toman la mayor parte del espacio, mientras que los objetos inanimados se reducen a sus detalles. El personaje inquietante de Steen que observa la escena preocupado des de la ventana se transforma en la versión de Miró en un par de ojos rojos, continuando una larga cola que envuelve la escena y donde su final es un aguijón. Como ya pasaba con Interior holandés I, la fuerza de los colores es intensa y transforma la obra de Steen con diversas variaciones del marrón, que sirve para destacar la ropa de color azul que viste la niña. Las manchas de naranja de Steen (calcetines, gorras) se encuentran en color rojo oscuro en la obra de Miró. La pintura está expuesta en el Museo Guggenheim de Venecia.
Interior holandés III[editar]
Si las dos primeras obras de la serie fueron pintadas a partir de tarjetas postales de museos y son fácilmente identificables, no es el caso de la tercera pintura de la serie, que no puede ser claramente vinculada a una única pintura. Una de las propuestas de identificación se ha conseguido teniendo en cuenta los elementos de esta obra coincidentes con Joven en el baño, de Jan Steen. El movimiento de la cara inclinada y cubierta con una manta, los calcetines de color naranja, el movimiento del brazo que acaba en un pie descalzo, un perro blanco y negro en la pared derecha, los dos zapatos marrones hacia abajo, la importancia de la silla marrón con la ropa de color púrpura, y los elementos de la capa en la capa de color amarillo, blanco y pálido, descubren la influencia de la obra original, aunque es más difícil de detectar el paralelismo. Otra interpretación de esta pintura tan compleja es que está inspirada en varias obras de Steen, sobre todo El corral de aves (1660), más aspectos compositivos y elementos de Joven mujer en el baño (1659), Mujer enferma de amor (1660), Mujer enferma y un doctor (c. 1660) y Mujer en el tocador (c. 1661-1665).20 La pintura se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Muy similar a estos interiores holandeses fue la siguiente serie de Retratos imaginarios, también con el punto de partida de unos retratos ya realizados: Retrato de la señora Mills en 1750 de un cuadro con el mismo título de Georges Engleheart, Retrato de una dama en 1820 de John Constable, La fornarina de Rafael Sanzio y el cuarto el origen fue un anuncio en un periódico de un motor super diésel, que consiguió hacer una metamorfosis hasta conseguir una figura femenina a la que tituló La reina Luisa de Prusia. Miró se servía de la imagen no para hacer una interpretación de una obra ya realizada, sino como punto de partida para analizar la forma pura hasta conseguir su figura mironiana. El proceso se puede seguir de cada pintura, a través de los dibujos preparatorios que se guardan, unos en la Fundación Miró de Barcelona y otros en el Museo de Arte Moderno de Nueva York21
Ruptura con el surrealismo y "asesinato" de la pintura[editar]
Entre los años 1928 y 1930, las diferencias dentro del grupo de los surrealistas cada vez se hacen más evidentes, no sólo en la plástica, también ocurría en la parte política. Miró cada vez más individualista se fue distanciando más, a pesar de aceptar los principios de la estética surrealista, no se sintió obligado a ir frecuentemente a participar en todas las manifestaciones. El 11 de marzo de 1929, en una reunión al Bar du Château, Breton ya adherido al partido comunista, el tema de discusión fue el destino de Lev Trotsky; este tema quedó al margen y las discusiones llegaron a clarificar las posiciones. Entre los que se manifestaron en contra de una acción completamente común basado en un programa de Breton, se encontraban Miró, Michel Leiris, Georges Bataille y André Masson entre otros. Miró solo quería defenderse y luchar con la pintura. Entre Marx que abogaba por «transformar el mundo» por medio de la política o el «cambiar la vida» de Rimbaud por medio de la poesía, Miró escogió lo segundo.22 Fue entonces cuando Georges Hugnet explicó que Miró solo puede defenderse con las armas propias de él, la pintura:
Sí, Miró ha querido asesinar la pintura, la ha asesinado con medios plásticos, mediante una plástica que es una de las más expresivas de nuestro tiempo. La ha asesinado, quizá, porque no quería doblegarse a sus exigencias, a su estética, a un programa demasiado estrecho para dar vía libre a sus aspiraciones y a su sed.2
A partir de aquí Miró dibujó y se dedicó intensamente a otra alternativa, el collage, que no realizó como habían hecho los cubistas recortando el papel con cuidado y encajándolo en el soporte, sino que sus formas son sin precisión y después de enganchadas en el soporte deja los bordes al aire y los enlaza con un grafismo; su búsqueda no es inútil, le abre las puertas a las esculturas que realizará a partir de 1930.
En 1930 expuso en la galería Pierre esculturas-objetos y seguidamente la primera exposición individual en Nueva York con pinturas de los años 1926-1929. Realizó sus primeras litografías para el libro L’Arbre des voyageurs de Tristan Tzara. En el verano de 1930 empezó su serie llamada Construcciones, consecuencia de los collages, la composición la realizaba a partir de formas elementales, círculos y cuadrados recortados en madera y pegados sobre un soporte generalmente también de madera, con la aplicación de clavos reforzando las líneas del cuadro.23 Todas estas piezas fueron expuestas en París, donde las vio el bailarín y coreógrafo Leonide Massine, que enseguida se dio cuenta que era el artista que estaba buscando para realizar la decoración, vestuario y diversos objetos para el ballet Jeux d'enfants. Miró aceptó y viajó a Montecarlo a principios del año 1932. Los decorados fueron realizados a base de volúmenes y diversos objetos dotados de movimiento. La obra se estrenó el 14 de abril de 1932 con un gran éxito. Después se representó en París, Nueva York, Londres y en Barcelona en el Gran Teatro del Liceo el 18 de mayo de 1933.24
A partir de enero de 1932 pasó a residir en Barcelona, con traslados frecuentes a París, formó parte de la asociación de Amics de l'Art Nou (ADLAN) junto a Joan Prats, Joaquim Gomis y el arquitecto Josep Lluís Sert, cuyo objetivo era dar a conocer la vanguardia artística internacional y promocionar la catalana. Realizó numerosas exposiciones en Barcelona, París, Londres, Nueva York, Berlín.
Prosiguió con su trabajo de búsqueda y creó las 18 pinturas según un collage a partir de imágenes de anuncios aparecidos en diarios, como comentó posteriormente el artista:
Solía recortar diarios en formas no regulares y pegarlas sobre láminas de papel, día tras día acumulé estas formas, Una vez hechos, los collages me servían como punto de partida de las pinturas. No copiaba los collages. Sencillamente dejaba que me sugirieren formas.25
Creó unos nuevos personajes con una expresión de gran dramatismo con una perfecta simbiosis entre los signos y la figuras, cuyos fondos son generalmente oscuros, pintados sobre masonita (tablex) como Hombre y mujer frente a un montón de excrementos (1935), o Mujer y perro frente a la luna (1936), seguramente por el estado de ánimo del artista ante los acontecimientos de la Guerra Civil Española y la posterior de la Segunda Guerra Mundial.
Bodegón del zapato viejo[editar]
Artículo principal: Bodegón del zapato viejo
Su vuelta a París debido a una exposición que tenía prevista en el mes de noviembre de 1936, con el drama que representaba la guerra española, le hizo sentir la necesidad de volver a pintar la realidad, que el artista vuelca en una naturaleza muerta: Bodegón del zapato viejo, en donde consigue una relación entre el zapato y el resto de los elementos colocados encima la mesa, la botella, una manzana con un tenedor clavado, y el mendrugo de pan; los colores consiguen la máxima agresividad ya que son ácidos y violentos; la pintura en este cuadro no es plana como en obras anteriores sino que perfila y da dimensión a las formas de los objetos. Según el mismo Miró, toda esta representación, la hizo pensando en el cuadro Zapatos del Labriego de Van Gogh, artista muy admirado por él. Está considerada como una pieza clave de este momento pictórico de la realidad.26
Pabellón de 1937 en París[editar]
Después de haber realizado el cartel ¡Ayudad a España!, para un sello postal, destinado a ayudar al gobierno republicano español, se le encargó pintar una obra de grandes dimensiones para el pabellón de la República Española en la Exposición Internacional de París de 1937 que se iba a inaugurar en el mes de julio de ese mismo año. En este pabellón expusieron también los artistas Picasso con Guernica, Alexander Calder con la Fuente de mercurio, Julio González con la escultura Montserrat, Alberto Sánchez también con una obra escultórica El pueblo español tiene un camino que conduce a una estrella y Miró que realizó El Segador, representando al payés catalán con la hoz en un puño en actitud revolucionaria, simbolizando la colectividad de todo un pueblo en lucha; esta obra desapareció al fin de la exposición, cuando fue desmontado el pabellón. Sólo quedan unas fotografías en blanco y negro.27
Constelaciones[editar]
Artículo principal: Constelaciones (Miró)
Pintadas entre los años 1940 y 1941, en Varengeville-sur-Mer, pequeño pueblo de la costa de Normandía, se sintió atraído por el cielo y empezó una serie de 23 pequeñas obras con el título genérico de «Constelaciones» realizadas en formato de 38x46 cm, con un soporte de papel que el artista humedecía con gasolina y lo fregaba hasta conseguir una superficie con una textura rugosa. A partir de aquí ponía el color manteniendo una transparencia para crear el aspecto final deseado. Sobre este color del fondo, Miró dibujaba con colores puros para lograr el contraste.28
En las constelaciones, la iconografía quiere representar todo el orden del cosmos, las estrellas hacen referencia al mundo celestial, los personajes simbolizan la tierra y los pájaros son la unión de ambos. Estas pinturas integran perfectamente figuras con el fondo.29
Más adelante en 1958, se editó un libro con el título Constelaciones de muy pocos ejemplares, con la reproducción de veintidós aguadas de Miró y con veintidós prosas paralelas escritas por André Breton.30
A partir del año 1960, Miró entró en una nueva etapa, donde se refleja la soltura en la forma de trazar los grafismos con una gran simplicidad, propio de la espontaneidad infantil; los gruesos trazos son realizados con el color negro, en sus telas se ven goteos de pintura y salpicaduras, aludiendo en sus temas repetidamente a la tierra, el cielo, los pájaros y la mujer y con colores primarios.31
Otros materiales[editar]
Cerámica[editar]
En 1944 empezó a colaborar con su amigo de la adolescencia Josep Llorens i Artigas en la producción de cerámicas, investigando en la composición de las pastas, tierras, esmaltes y colores; la forma de las cerámicas populares representó para él, una fuente de inspiración; en estas primeras cerámicas poca diferencia hay con las pinturas y litografías de la misma época. En el año 1947 residió durante ocho meses en Nueva York donde realizó un mural en pintura de 3 x 10 metros destinado al restaurante del Cincinnati Terrace Hilton Hotel, a la vez que hizo unas ilustraciones para el libro L'antitête de Tristan Tzara. Más tarde ya en Barcelona y ayudado también por el hijo de Josep Llorens, Joan Gardy Llorens, pasó temporadas en la masía-taller que poseían los Artigas en Gallifa, donde se hicieron todo tipo de pruebas, tanto en las cocciones como en los esmaltes; finalmente el resultado es de 232 obras que fueron expuestas en junio de 1956 en la Galería Maeght de París y después en la Galería Pierre Matisse de Nueva York.

Mural cerámico en Wilhelm-Hack-Museum de Ludwigshafen (1971).
En este mismo año de 1956, se trasladó a vivir a Mallorca, donde dispuso de un gran taller, proyectado por su amigo Josep Lluís Sert. Fue entonces cuando recibió el encargo de realizar dos murales cerámicos para la sede de la Unesco ubicado en París, de 3 x 15 metros y 3 x 7,5 metros, que fueron inaugurados en 1958. Aunque había trabajado en grandes formatos nunca lo había hecho en cerámica; junto al ceramista Josep Llorens Artigas, consigue la posibilidad técnica de la cocción que se elaboró al máximo para obtener un fondo con texturas parecidas a las pinturas de esa época.32 Se decidió que la composición se hiciera alrededor de los temas del Sol y la Luna, que, según palabras de Miró:
... la idea de un gran disco rojo intenso se impone para el muro más grande. Su réplica en el muro pequeño sería un cuarto creciente azul, dictado por el espacio más reducido, más íntimo, para el cual estaba previsto. Estas dos formas que quería muy coloreadas hacían falta reforzarlas por un trabajo en relieve. Ciertos elementos de la construcción, tales como la forma de las ventanas, me han inspirado las composiciones en escatas y las formas de los personajes. He buscado una expresión brutal en el gran muro, una sugestión poética en el pequeño.33

Mural de Miró en el Palacio de Congresos de Madrid (1980).
Estos murales de la UNESCO, fueron el prototipo para todos los siguientes. En 1960 el de la Universidad de Harvard para sustituir el de pintura que había hecho en el año 1950; en 1964 realizó el de Handelshochschule de Sankt Gallen en Suiza y el de la Fundación Maeght para Saint-Paul-de-Vence; en 1966 el del Guggenheim Museum; en el año 1970 uno para el aeropuerto de Barcelona y tres para la exposición internacional de Osaka; al siguiente año el de Wilhelm-Hack-Museum de Ludwigshafen; por encargo de la Cinémathèque française de París realizó un mural también junto Artigas en el año 1972 y que fue adquirido en 1977 por la diputación Foral de Álava, encontrándose en la actualidad instalado en el interior del Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria-Gasteiz (ARTIUM);34 en 1977 es la Universidad de Wichita en Estados Unidos el que le encargó uno y finalmente se inauguró en 1980 el mural del nuevo Palacio de Congresos de Madrid.
Escultura[editar]

Mujer y Pájaro (1983) en Barcelona.
En 1946 trabajó en esculturas para fundición en bronce que en algunas ocasiones fueron cubiertas con pintura de colores vivos. En la escultura le interesó buscar volúmenes y espacios e incorporar objetos cotidianos o simplemente encontrados, piedras, raíces, cubiertos, tricornios, llaves de agua, que funde a la cera perdida. El sentido de los objetos identificables, lo pierden, al unirse mediante la fundición con otros objetos. Así formó en 1967 El reloj del viento que realizó con una caja de cartón y una cuchara, fundidas en bronce y ensambladas, constituyendo un objeto escultórico que solo mide la intensidad del viento.35 Construyó junto con Joseph Llorens i Artigas una gran escultura de cerámica La diosa del mar que la sumergieron en Juan-les-Pins. Efectuó en el año 1972, unas exposiciones de esculturas en el Walker Art Center de Minneapolis, al Clevelan Art Museum y al Art Institute de Chicago. A partir de 1965 realizó gran cantidad de esculturas para la Fundación Maeght en Saint-Paul-de-Vence, entre ellas están el Pájaro lunar, Pájaro solar, Lagarto, Diosa, Horquilla y Mujer con el cabello revuelto.36
En abril de 1981 se inauguró en Chicago una escultura monumental de 12 metros de altura, conocida como Miss Chicago; el 6 de noviembre otras dos esculturas fueron colocadas en la vía pública en Palma de Mallorca; en Houston se inauguró en 1982, la escultura Personaje y pájaro y en colaboración con Joan Gardy Artigas realizó su última escultura para Barcelona, Mujer y Pájaro, en hormigón y recubierta de cerámica. Fue inaugurada en 1983 sin la presencia de Miró debido a su delicado estado de salud. Situada en el parque de Joan Miró de Barcelona, al pie de un gran lago artificial, la escultura con 22 metros de altura, representa una forma femenina con sombrero y sobre éste la imagen de un pájaro. La silueta de mujer se soluciona con una forma de hoja alargada y ahuecada. Por todo su exterior se encuentra recubierta con cerámica de colores rojos, amarillos, verdes y azules (los más comunes del artista) tratados como trencadís.37
Grabados[editar]
Siempre le habían interesado los grabados para la realización de litografías, y en estos últimos años se adentró mucho más en ello; en su viaje a Nueva York en 1947, trabajó durante un tiempo en el Atelier 17 dirigido por Hayter, a través del cual aumentó todos sus conocimientos sobre la calcografía; durante estos meses en Nueva York, realizó las planchas para Le Desesperanto uno de los tres volúmenes de que consta la obra L’antitête de Tristan Tzara.
Un año más tarde colaboró nuevamente con este autor en un nuevo libro Parler seul, haciendo 72 litografías en color. A partir de aquí, trabajó en diversos libros de bibliófilo en colaboración con amigos poetas, como Breton en Anthologie de l’humour noir en 1950 y La clé des champs en 1953; con René Cher, Fête des arbres et du chasseur en 1948 y A la santé du serpent en 1954; con Michel Leiris en 1956, Bagatelles végétales; y con Paul Éluard, A toute épreuve con ochenta xilografías realizadas en madera de boj. La ejecución de este trabajo se llevó a cabo entre los años 1947 y 1958.38
Entre el 9 de junio y 27 de septiembre de 1969 realizó una exposición individual «Oeuvre gravé et lithographié» en la Galería Gérald Cramer de Ginebra y en este mismo año una gran retrospectiva de obra gráfica al Pasadena Art Museum de Pasadena (California).
Obras destacadas[editar]

Femme (1981), escultura de Joan Miró en la Casa de la Ciudad de Barcelona.
Pinturas
Nord-Sud, 1917 óleo, Galería Adrien Maeght en París.
La casa de la palmera, 1918, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid.
La masía, 1921 óleo, National Gallery of Art de Washington.
Retrato de bailarina española, 1921 óleo Museo Picasso de París.
Tierra labrada, 1923 óleo, Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York.
Carnaval de Arlequín, 1924 óleo, Albright-Knox Art Gallery de Búfalo
Serie de tres pinturas: Interior holandés, 1928 óleo, Museo Guggenheim de Venecia- Meadows Museum, Dallas y Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Composición, 1934 (Museo Soumaya).
Caracol, mujer, flor y estrella, 1934 (Museo del Prado)
Mujer y pájaros al amanecer
La Lección de Esquí, 1966 óleo, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas.
Bodegón del zapato viejo, 1937.
Corrida de toros
Una estrella acaricia el seno de una negra, 1938 óleo, Tate Gallery de Londres.
Serie de 24 gouaches: Constelaciones, 1940-1941.
Serie de 3 pinturas: Azul, 1961 óleo, Centro Georges Pompidou de París
El disco rojo persiguiendo a la alondra, 1953 Museo Botero en Bogotá.
Personaje delante del sol, 1968 acrílico, Fundación Miró en Barcelona.
La esperanza del condenado a muerte, 1974 Fundación Miró en Barcelona.
Mujer desnuda subiendo la escalera, 1937 Fundación Miró en Barcelona.
Metamorfosis, serie de Joan Miró.
Manos volando hacia las constelaciones, 1974 Fundación Miró en Barcelona
La esperanza del navegante, 1968 - 1973
Serie Barcelona, 1944 Fundació Joan Miró
Cabeza de campesino catalán
Murales cerámicos
Murales cerámicos del Sol y la Luna, 1958, Sede de la Unesco en París.
Mural cerámico para la Universidad de Harvard, 1950.
Mural cerámico de la Handekshochschule, 1964 de Sankt Gallen en Suiza.
Mural cerámico de la Fundación Maeght, 1964 en Saint-Paul-de-Vence.
Mural de cerámica de la terminal B, 1970 del Aeropuerto de Barcelona.
Murales cerámicos para el pabellón del Gas, 1970 para la exposición internacional de Osaka
Mural cerámico en Wilhelm-Hack-Museum, 1971 de Ludwigshafen.
Mural de cerámica de la Cinemateca, 1972 de París, actualmente en el Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria-Gasteiz (ARTIUM).
Mural cerámico del nuevo Palacio de Congresos de Madrid, 1980.
Esculturas
Personaje con paraguas, 1933 escultura de madera, paraguas y hojas secas en la Fundación Miró de Barcelona.
Pájaro lunar, 1946-1949 en bronce diversas copias
Pájaro solar, 1946-1949 en bronce diversas copias
Reloj de viento, 1967 escultura en bronce.
La caricia de un pájaro, 1967 bronce pintado en la Fundación Miró de Barcelona
Mujer botella, 1973 escultura en bronce para el Parque Cultural Viera y Clavijo de Santa Cruz de Tenerife.
Perro, 1974 bronce en la Fundación Miró de Barcelona.
Conjunto monumental para La Défense, 1978 en París.
Miss Chicago, 1981 Escultura pública de doce metros en Chicago.
Femme, 1981 escultura en bronce, expuesta en la Casa de la Ciudad de Barcelona.
Mujer y Pájaro, 1983 escultura de cemento recubierta de cerámica en el Parque Joan Miró de Barcelona
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Rafael Canogar

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Rafael Canogar

Rafael Canogar (Toledo, 1935). Es un pintor español, uno de los principales representantes del arte abstracto en España. Discípulo de Daniel Vázquez Díaz (1948-1953), en sus primeras obras encontró la manera de alcanzar las vanguardias y, muy pronto, estudiar profundamente la abstracción. Usó... Ver mas
Rafael Canogar (Toledo, 1935). Es un pintor español, uno de los principales representantes del arte abstracto en España.
Discípulo de Daniel Vázquez Díaz (1948-1953), en sus primeras obras encontró la manera de alcanzar las vanguardias y, muy pronto, estudiar profundamente la abstracción.
Usó inicialmente una técnica escultopictórica: con sus manos arañaba o exprimía la pasta que hacía vibrar sobre fondos de colores planos. Era una pintura en la que el gesto inicial sale directamente del corazón. En este punto Canogar encarnó lo mejor de la pintura matérica.
En 1957 funda con otros artistas (A. Saura, M. Millares, Luis Feito y Pablo Serrano), así como el crítico José Ayllón el madrileño grupo El Paso. Se ve influido por la Action painting. Defendieron, entre 1957 y 1960, una estética informal y la apertura de la España franquista a la escena internacional. El informalismo fue eminentemente la expresión de la libertad, de lo irrepetible y único, realizado con una caligrafía directa y espontánea. Obras eminentemente intuitivas y pasionales, realizadas con la urgencia que el tiempo, la edad y las teorías reclamaban. El informalismo fue para Canogar algo sustancial y místico, autoafirmación y autorrealización. Pero ese posicionamiento radical no podía, según Canogar, mantenerse indefinidamente sin «academizarse» e insuficiente para comunicar y expresar la tensión de la realidad, de la nueva conciencia social y política que despertaba en el mundo.
La tercera dimensión dio finalmente solución a la nueva obra, a su segundo período que, a partir de 1963 va, progresivamente, volviendo a la realidad de una figuración compleja cada vez más narrativa. La incorporación de nuevos materiales le permite su proyección en la realidad del espectador, con referencia explícita e ineludible intento de hacer participar a ese espectador de un drama colectivo. El crítico Vicente Aguilera Cerní escribió a propósito de estas obras de Canogar «Los temas no expresan opiniones, reflejan hechos, pero los hechos son dramas humanos, son imágenes cosificados donde lo humano, objeto y cantidad, adquieren jerarquía simbólica….»
1974 participo Rafael Canogar junto con Wolf Vostell, Edward Kienholz y otros artistas en Berlín en las actividades de ADA - Aktionen der Avantgarde.
En 1975 abandona este realismo y durante un periodo realiza obras eminentemente abstractas, un análisis de la pintura, del soporte, de la bidimensionalidad de la pintura. Pero Canogar necesita inventarse una nueva iconografía, recuperar la memoria y - en un homenaje a las vanguardias históricas- que realiza a través de la máscara, de la cabeza, del rostro, como representación del hombre que pierde su individualidad y se convierte en signo plástico, al mismo tiempo que percha donde colgar la pintura. Canogar hace de su trabajo, como parte estructural de su obra, la realidad del hombre que vive inmerso es sus propias contradicciones. En 1982 recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas. Hay obras suyas en varios museos de arte moderno: Cuenca, Madrid, Barcelona, Turín, Roma, Caracas y Pittsburg (Carnegie Institute), etc.
Entre los cargos que ha desempeñado destacan:
Miembro de la Junta Directiva del Círculo de Bellas Artes de Madrid entre 1983 y 1986.
Miembro del Consejo Asesor de la Dirección General de Bellas Artes del Ministerio de Cultura en los periodos 1981-1982 y 1983-1984.
Vocal en el Consejo de Administración del Patrimonio Nacional entre 1984-1987.
Forma parte de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en la que ingresó en 1998.
Libros[editar]
Rafael Canogar, Espejismo y realidad. Divergencias estéticas. Editorial Síntesis S.A., Madrid 2011, ISBN 978-84-975674-1-1.
Ha recibido 145 puntos

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Gustavo Torner

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Gustavo Torner

Gustavo Torner, artista español (Cuenca, 13 de julio de 1925). Junto con Gerardo Rueda y Fernando Zóbel forma la llamada "escuela conquense", la cual constituyó una de las primeras iniciativas de introducir en España las nuevas corrientes del arte moderno, en la década de 1960, siendo la... Ver mas
Gustavo Torner, artista español (Cuenca, 13 de julio de 1925). Junto con Gerardo Rueda y Fernando Zóbel forma la llamada "escuela conquense", la cual constituyó una de las primeras iniciativas de introducir en España las nuevas corrientes del arte moderno, en la década de 1960, siendo la fundación del Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca su principal iniciativa.
Biografía[editar]
De formación autodidacta, Gustavo Torner estudió ingeniería Técnica Forestal, y en 1946 comenzó a ejercer esta profesión en Teruel. Sus buenas condiciones como dibujante le sirvieron para recibir el encargo de unas láminas botánicas que aparecerían en la obra Flora Forestal de España. Estas ilustraciones, de calidad muy notable, sin duda influyeron en lo que luego sería su obra posterior. En 1950 viaja a Francia e Italia, lo que también constituyó una influencia notable. En 1951 se traslada a Cuenca, donde sigue ejerciendo la ingeniería. En este momento mantiene una relación de amistad con Antonio Saura, y comienza a pintar.
Sus primeras obras toman de la naturaleza los temas, y posteriormente encontraremos que el interés por el mundo natural es una constante en toda su obra. En 1956 realiza su primera obra abstracta, "Roca". A partir de aquí comienza una etapa artística dentro de la corriente informalista, en la que los conceptos quedan expresados por medio de los materiales que se emplean, y especialmente las texturas, sin que existan referencias figurativas. Aunque el óleo fue la única materia empleada en un principio, pronto añadió a estos pigmentos materiales como la arena, o fragmentos vegetales.
Estos planteamientos artísticos alcanzaron mucha mayor complejidad a mediados de los 60, en aras a la consecución de una mayor expresividad, de modo que la madera o el metal sustituyen al convencional lienzo, y aparecen ya todo tipo de objetos y materiales: nylon, piel sintética, cartón, plástico... Realiza instalaciones de gran sentido escenográfico, debiendo mencionarse por su significación la serie "Homenajes", dedicada a artistas del pasado, realizada sobre 1965. Encontramos así obras plagadas de imágenes contradictorias y equívocas, pertenecientes a un universo imaginario de realidades contrapuestas y falsas apariencias. En Madrid realiza una escultura para la que se denominará Plaza de los Cubos.
Al mismo tiempo, comienza a realizar obras escultóricas, como el Monumento Conmemorativo del I Congreso Mundial Forestal, de 1966, elaborado con acero y troncos de árboles, y emplazada en la serranía de Cuenca, donde encajaba con toda naturalidad. Esta actividad escultórica ocupó gran parte de la actividad de Torner entre 1971 y 1977. Se trata, por lo general, de obras de gran tamaño y formas geométricas simples, realizadas a partir de todo tipo de materiales, y explorando las posibilidades de diversas texturas. Esta simplicidad geométrica no conlleva simplicidad técnica, sino que por el contrario su elaboración y montaje es de gran complejidad, y a menudo implica el uso de electricidad, agua, etc. La obra es estos casos es un elemento que trata de llevar una idea al espectador, pero no por la simple observación pasiva de este, sino a través de una reflexión no exenta de dificultad.
Desde que en 1965 Torner deja su carrera de ingeniero y se dedica íntegramente a su carrera artística ha alternado la pintura y la escultura con otras muchas expresiones artísticas, tales como creación de obra gráfica, escenografía, y figurines de teatro y ópera, tapices, etc. También ha colaborado en el diseño de espacios tan significativos como algunas salas del Museo del Prado, las vidrieras de la catedral de Cuenca, el Museo Diocesano de Arte Religioso de Cuenca o el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca. En 1973 participa en la I Exposición Internacional de Escultura en la Calle de Santa Cruz de Tenerife.
Fue cartelista de la Semana Santa en Cuenca en el año 1999.
En el Museo del Prado se encargó de la rehabilitación de la segunda planta del ala norte del edificio Villanueva (siglo XVIII europeo, antes ocupada por el taller de restauración) y de la segunda planta del ala sur, antes ocupada por oficinas y en la que tras el desalojo se habilitaron once nuevas salas, diez que acogen obras de Goya (entre ellas los cartones para tapices) y de contemporáneos suyos, como Paret y Maella, y la sala de exposiciones temporales de dibujos, además de remodelar varias salas más de las plantas baja y primera. En el Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, también en Madrid, diseñó igualmente la rehabilitación de las nuevas salas de la planta superior.
En 2004 donó más de quinientas obras al Museo Reina Sofía de Madrid, y en diciembre de 2005 la iglesia de San Pablo, en Cuenca, frente a las Casas Colgadas, se convirtió en el Espacio Torner, con cuarenta esculturas y pinturas suyas.
Ha sido asesor de la Fundación Juan March, desde 1993 miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, y desde 2002 doctor Honoris Causa por la Universidad de Castilla-La Mancha.
En diciembre de 2005 se inauguró en Cuenca el Espacio Torner, centro de arte concebido y diseñado por Gustavo Torner, en el que se exponen permanentemente 40 de sus obras, dentro de la antigua Iglesia de San Pablo, edificio gótico del s. XVI. La conjunción de contenido y continente ha merecido una mención especial en los premios de patrimonio 'Europa Nostra'.
Colecciones públicas españolas con obra de Gustavo Torner[editar]
Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca
Colección de la I Exposición Internacional de Escultura en la Calle, Santa Cruz de Tenerife
Museo Municipal de Arte Contemporáneo de Madrid
Centro Cultural del Conde Duque, Madrid
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
Museu d'Art Espanyol Contemporani (Fundación Juan March), Palma de Mallorca
Museo Patio Herreriano de Arte Contemporáneo Español de Valladolid
Espacio Torner (antigua iglesia de San Pablo, Cuenca). Colección permanente de pinturas y esculturas de Gustavo Torner. Inaugurada en diciembre de 2005.
Fundación Antonio Pérez, Cuenca
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Wassily Kandinsky

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Wassily Kandinsky

Vasili Vasílievich Kandinski –en ruso, Васи́лий Васи́льевич Канди́нский, translit.: Vasíli Vasílievič Kandínskij– (Moscú, 4 de diciembrejul./ 16 de diciembre de 1866greg.-Neuilly-sur-Seine, 13 de diciembre de 1944) fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura, y teórico del arte... Ver mas
Vasili Vasílievich Kandinski –en ruso, Васи́лий Васи́льевич Канди́нский, translit.: Vasíli Vasílievič Kandínskij– (Moscú, 4 de diciembrejul./ 16 de diciembre de 1866greg.-Neuilly-sur-Seine, 13 de diciembre de 1944) fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura, y teórico del arte. Se considera que con él comienza la abstracción lírica y el expresionismo.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Arte abstracto
3 Juventud y la inspiración (1866-1896)
4 Metamorfosis
5 Periodo El Jinete Azul (1911-1914)
6 Regreso a Rusia (1914-1921)
7 La Bauhaus (1922-1933)
8 La gran síntesis (1934-1944)
9 La Concepción de Arte de Kandinski
9.1 Teoría artística y espiritual
9.2 Sobre lo espiritual en el arte
10 Punto y línea sobre el plano
11 Referencias
12 Enlaces externos
Biografía[editar]
Vasili Kandinski nació en Moscú el 16 de diciembre (en el antiguo calendario ruso: 4 de diciembre) de 1866, proveniente de una familia de clase media alta. Su padre Vasili Silvéstrovich Kandinski era un comerciante de té procedente de Kiajta, una población siberiana cercana a la frontera con Mongolia.1 La abuela de Vasili era una aristócrata mongola de la dinastía Gantimúrov. Lidia Ivánovna Tijéieva, la madre de Vasili, era de Moscú.2 Pasó su infancia y juventud entre Moscú y Odesa, donde se trasladó la familia en 1871.2 Tras el divorcio de sus padres vivió con su padre. Su tía Elizaveta Tijéieva también lo cuidó.2 Su abuela materna era alemana y le hablaba en alemán. En Odesa tomó clases de piano y de violoncello.2 En 1886 Kandinski comenzó sus estudios de Derecho y Ciencias económicas en la Universidad de Moscú. También estudió etnografía.2 En 1892 se casó con su prima Anna Chemyákina, con quien vivió hasta 1904. En 1893 fue nombrado profesor asociado en la Facultad de Derecho. En 1896 la Universidad de Tartu le ofreció una plaza de profesor que rechazó para dedicarse por completo al arte. Esta decisión estuvo influida por la exposición de los impresionistas en Moscú en 1895, al ver las obras de Monet y la representación de Lohengrin de Richard Wagner en el teatro Bolshói.2
Se trasladó a Múnich donde inicialmente no fue admitido en la Academia de Arte. Estudió un tiempo en la academia privada de Anton Ažbe hasta 1900, cuando fue admitido en la Academia. Su profesor fue Franz von Stuck y, como consideró que la paleta de Kandinski era demasiado brillante, lo hizo pintar en una gama de grises durante un año.2
En 1901 fundó el grupo Phalanx, cuyo propósito principal era introducir las vanguardias francesas en el provinciano ambiente muniqués, para lo que abrió una escuela en la que daba clases. Sus pinturas de los primeros años del siglo eran paisajes ejecutados con espátula, en un principio sombríos, para luego adquirir una intensidad casi "fauve". También pintó temas fantásticos basados en tradiciones rusas o en la Edad Media alemana. Este período estuvo marcado por la experimentación técnica, en particular en el uso del temple sobre un papel oscuro, para dar una impresión de superficie transparente, iluminada desde atrás. La consistencia tonal del claroscuro enfatiza el esquema, borrando la distinción entre las figuras y el fondo, resultando una composición casi abstracta.
En 1902 expuso por primera vez con la Secession de Berlín y realizó sus primeras xilografías. En 1903 y 1904 viaja por Italia, Países Bajos, África y visita Rusia. En 1904 expuso en el Salón de Otoño de París. En 1903 se divorció de Anna Chemyákina y se casó con la joven artista Gabriele Münter. Durante cinco años viajó con su esposa por Europa pintando y participando en exposiciones. Volvió a Baviera y se asentó en Murnau am Staffelsee en la falda de los Alpes.2 En 1909 fue elegido presidente de la Nueva Asociación de Artistas de Múnich (NKVM). La primera exposición del grupo tuvo lugar en la galería Thannhauser de Múnich ese mismo año. Hacia el final de la década, las pinturas de Kandinski denotan una gran tendencia a la plenitud, por la equivalencia en intensidad de las áreas de color y la superficie reluciente, que destruye toda ilusión de profundidad. Las series de cuadros de jinetes en combate comenzaron en 1909, y en ellas, la línea del horizonte se va erradicando gradualmente, al igual que otras referencias espaciales.
Arte abstracto[editar]

Moneda rusa de 100 rublos dedicada a Kandinski. Pertenece a la serie histórica de monedas.
El desarrollo de Kandinski hacia la abstracción encuentra su justificación teórica en Abstracción y empatía de Wilhelm Worringer, que se había publicado en 1908. Worringer argumenta que la jerarquía de valores al uso, basada en las leyes del Renacimiento, no es válida para considerar el arte de otras culturas; muchos artistas crean desde la realidad pero con un impulso abstracto, que hace que las últimas tendencias del arte se den en sociedades menos materialistas.
Kandinski, al igual que Piet Mondrian, estaba interesado también en la teosofía, entendida como la verdad fundamental que subyace detrás de doctrinas y rituales en todas las religiones del mundo; la creencia en una realidad esencial oculta tras las apariencias, proporciona una obvia racionalidad al arte abstracto.
En 1912 publicó De lo Espiritual en el Arte, donde critica a las instituciones académicas tradicionalistas y la idea de arte en general. Es el primer libro que describe la fundación teórica del movimiento abstracto y habla de una nueva época de gran espiritualidad y de la contribución de la pintura a ella. El arte nuevo debe basarse en un lenguaje de color y Kandinski da las pautas sobre las propiedades emocionales de cada tono y de cada color, a diferencia de teorías sobre el color más antiguas, él no se interesa por el espectro sino sólo en la respuesta del alma.2
En 1913 escribió sus memorias y una colección de poesías.2 En 1913 una obra suya se presentó en el Armory Show de Nueva York.
Al estallar la Primera Guerra Mundial abandonó Alemania y junto a su esposa Gabriele se mudaron a Suiza el 3 de agosto de 1914. En noviembre de 1914 Gabriele volvió a Múnich y Kandinski volvió a Moscú. En el otoño de 1916 conoció a Nina Andreevskaya, que era hija de un general ruso. Se casó con ella en febrero de 1917.2
A partir de la Revolución de octubre de 1917, Kandinski desarrolló un trabajo administrativo para el Comisariado del Pueblo, para la Educación; entre los proyectos de este organismo estaba la reforma del sistema educativo de las escuelas de arte. En 1920 fue uno de los fundadores en Moscú del INJUK (Instituto para la Cultura Artística), a lo largo de este año surgió el conflicto entre Kandinski, Malévich y otros pintores idealistas frente a los productivistas (o constructivistas), Vladímir Tatlin y Aleksandr Ródchenko, este último grupo encontró un fuerte apoyo en "el plan de propaganda monumental" ideado por las autoridades políticas de la Revolución. La situación de tensión propició la salida de Kandinski de Rusia.
En 1922 se trasladó a Weimar (Alemania), donde impartió clases teóricas para la Escuela de la Bauhaus. En 1926 se publicó su libro Punto y línea sobre el plano. Contribución al análisis de los elementos pictóricos. Una continuación orgánica de su trabajo anterior De lo espiritual en el arte.
Hacia 1931 los nacionalsocialistas iniciaron una campaña a gran escala contra la Bauhaus que llevó a su cierre en 1932. Kandinski y su esposa emigraron a Francia y fijaron su residencia en Neuilly-sur-Seine, suburbio de París. Entre 1926 y 1933 pintó 159 óleos y 300 acuarelas. Muchos de ellos se perdieron después de que los nazis declararon degeneradas sus pinturas.2 En 1939 se nacionalizó francés.3
Juventud y la inspiración (1866-1896)[editar]

Puerto de Odesa, óleo sobre lienzo, 1898, Galería Tretiakov
Kandinski recuerda la fascinación por el color como un niño. Su fascinación por el simbolismo del color y la psicología continuó a medida que crecía. En 1889, formó parte de un grupo de investigación etnográfica que viajó a Vólogda al norte de la región de Moscú. En Mirada retrospectiva, relata que las casas e iglesias fueron decoradas con colores tan brillantes que al entrar en ellos, sentía que se movía en una pintura. Esta experiencia, y su estudio de arte popular de la región (en particular, el uso de colores brillantes sobre un fondo oscuro), se reflejó en gran parte de sus primeros trabajos. Unos años más tarde, primero comparó pintura para componer música de la manera por la cual se convertiría en señalar, escribiendo, "El color es la tecla. El ojo es el martillo. El alma es el piano. El artista es la mano que, con una u otra tecla hace vibrar el espíritu del ser humano".
En 1896, a la edad de 30 años, Kandinski abandonó una prometedora carrera docente en el mundo de la ley y la economía para inscribirse en la escuela de arte de Múnich. No se le concedió inmediatamente la admisión, y comenzó a aprender el arte por sí mismo. Ese mismo año, antes de salir de Moscú, vio una exposición de pinturas de Monet. Se lo llevaron todo con el estilo impresionista de Haystacks, lo que, para él, tenía un fuerte sentido de color casi independiente de los objetos mismos.
Kandinski fue influenciado de manera similar durante este período por Richard Wagner que, según él, empujó los límites de la música y la melodía más allá de lirismo estándar.2 Fue también espiritualmente influenciados por Helena Blavatsky (1831-1891), la mejor exponente conocida de la teosofía. La Teoría teosófica postula que la creación es una progresión geométrica, a partir de un solo punto. El aspecto creativo de la forma que se expresa mediante una serie descendente de círculos, triángulos y cuadrados. Los libros de Kandinski De lo espiritual en el arte (1910) y Punto y línea sobre el plano (1926) se hicieron eco de esta doctrina teosófica.
Metamorfosis[editar]

Domingo. (Rusia antigua), óleo sobre lienzo,1904
La escuela de arte, por lo general se considera difícil, pero era fácil para Kandinski. Fue durante este tiempo que comenzó a surgir como un teórico del arte, y como un pintor. El número de sus pinturas existentes aumentó a principios del siglo xx, queda mucho de los paisajes y pueblos que pintó, con amplios sectores de formas de color y reconocible. En su mayor parte, sin embargo, las pinturas de Kandinski no cuentan con ninguna figura humana, una excepción es el domingo, Domingo. (Rusia antigua) (1904), en la que Kandinski recrea un muy colorido (y de fantasía) vista de los campesinos y los nobles frente a los muros de una ciudad. Pareja a caballo (1907) representa a un hombre a caballo, con una mujer con la ternura y el cuidado que cabalgan junto a un pueblo ruso con paredes luminosas a través de un río. El caballo está en silencio mientras las hojas de los árboles, la ciudad, y los reflejos en el río brillan con manchas de color y brillo. Este trabajo demuestra la influencia del puntillismo en la forma en que se derrumbó la profundidad de campo en una superficie plana y luminiscente. El fovismo es también evidente en estas primeras obras. Los colores se utilizan para expresar la experiencia de Kandinski de la materia, no para describir la naturaleza objetiva.
Quizás la más importante de sus pinturas de la primera década de 1900 fue El Jinete Azul (1903), la cual muestra una pequeña figura envuelta en un caballo veloz corriendo por un prado rocoso. El piloto manto es azul medio, lo que arroja una sombra más oscura de color azul. En el primer plano son sombras azules más amorfos, las contrapartidas de los árboles de la caída en el fondo. El jinete azul en la pintura es prominente (aunque no claramente definida), y el caballo tiene un andar anormal (que Kandinski debía saber). Algunos historiadores del arte creen que una segunda figura (tal vez un niño) se lleva a cabo por el piloto, aunque esto puede ser una sombra del jinete solitario. Esta disyunción intencional, lo que permite a los espectadores a participar en la creación de la obra de arte, se convirtió en una técnica cada vez más consciente utilizada por Kandinski en los años siguientes, y culminó en las obras abstractas del período 1911-1914. En El Jinete Azul, Kandinski muestra el jinete más como una serie de colores que en los detalles específicos. Esta pintura no es una excepción en este sentido en comparación con los pintores contemporáneos, pero muestra la dirección Kandinski tomaría sólo unos pocos años después.

Otoño en Baviera, óleo sobre lienzo, 1908, Centro Pompidou
Entre 1906 y 1908 Kandinski pasó mucho tiempo viajando por Europa (él era un asociado de la Blue Rose grupo simbolista de Moscú), hasta que se instaló en la pequeña ciudad bávara de Murnau.4 El cuadro llamado La Montaña Azul (1908-1909) fue pintado en este momento, lo que demuestra su tendencia hacia la abstracción. Una montaña de azul está flanqueada por dos árboles grandes, uno amarillo y uno rojo. Una procesión, con tres pilotos y varios otros, se cruza en la parte inferior. Las caras, ropa y sillas de montar de los jinetes son cada uno un solo color, y ni ellos ni las figuras caminando muestran cualquier detalle real. Los planos y los contornos también son indicativos de la influencia fauvista. El amplio uso del color en el Blue Mountain ilustra inclinación de Kandinski hacia un arte en el que el color se presenta independientemente de la forma, y que cada color se le da la misma atención. La composición es más plano, el cuadro se divide en cuatro secciones: el cielo, el árbol rojo, el amarillo y el árbol de la montaña azul con los tres pilotos.
Periodo El Jinete Azul (1911-1914)[editar]
Artículo principal: Der Blaue Reiter
En 1911, Vasili Kandinski y Franz Marc y otros artistas, fundaron en Múnich un movimiento expresionistas Der Blaue Reiter (El Jinete Azul en español) el cual transformó el expresionismo alemán.5 6
Regreso a Rusia (1914-1921)[editar]

Fuga, óleo sobre tela, 1914.
De 1918 a 1921, Kandinski trata la política cultural de Rusia y colaboró ​​en la educación artística y la reforma del museo. Pintó poco durante este período, pero dedicó su tiempo a la enseñanza artística, con un programa basado en el análisis de la forma y del color, también ayudó a organizar el Instituto de Cultura Artística en Moscú. En 1916 conoció a Nina Andreievskaya,7 con quien se casó al año siguiente.3 Su punto de vista espiritual, expresionista del arte fue finalmente rechazado por los miembros radicales del Instituto como demasiado individualista y burgués. En 1921, Kandinski fue invitado a ir a Alemania para asistir a la Bauhaus de Weimar por su fundador, el arquitecto Walter Gropius.
La Bauhaus (1922-1933)[editar]

"En blanco II", óleo sobre lienzo, 1923, Centro Pompidou
Kandinski no solo enseñó la clase de diseño básico para principiantes y el curso sobre teoría avanzada en el Bauhaus, sino que también llevó a cabo clases de pintura y un taller en el que aumentó su teoría del color con los nuevos elementos de la psicología de la forma. El desarrollo de sus trabajos sobre el estudio de las formas, en particular en los puntos y formas de línea, dio lugar a la publicación de su segundo libro teórico Punto y línea sobre el plano en 1926.Los elementos geométricos adquieren una importancia cada vez mayor tanto en su enseñanza y la pintura, especialmente el círculo, medio círculo, el ángulo, las líneas rectas y curvas. Este período fue sumamente productivo. Esta libertad se caracteriza en sus obras por el tratamiento de los aviones rico en colores y matices -como en el amarillo-rojo-azul (1925), donde Kandinski ilustra su distancia desde el constructivismo y el suprematismo, movimientos influyentes de la época.
Los dos metros de ancho amarillo - rojo - azul (1925) se componen de varias formas: un rectángulo vertical amarilla, una cruz inclinada rojo y un gran círculo azul oscuro, una multitud de líneas negras rectas (o sinuosa), arcos circulares, círculos monocromáticas y dameros de colores dispersos, contribuyendo a su complejidad delicado. Esta simple identificación visual de las formas y de las masas principales colores presentes en el lienzo es sólo una primera aproximación a la realidad interna de la obra, cuyo reconocimiento exige la observación más profunda, no sólo de formas y colores que intervienen en la obra, sino su relación, su absoluta y las posiciones relativas en el lienzo y su armonía.
Kandinski fue uno de Die Blaue Vier (Blue Four), formada en 1924 con Paul Klee, Feininger y Alekséi von Jawlensky, que dio conferencias y exhibió en los Estados Unidos en 1924. Debido a la hostilidad de la derecha, a la izquierda de la Bauhaus de Weimar y se establecieron en Dessau en 1925.4 Después de una campaña de difamación nazi de la Bauhaus Dessau izquierda en 1932 para Berlín, hasta su disolución en julio de 1933. Kandinski luego abandonó Alemania y se estableció en París.
La gran síntesis (1934-1944)[editar]

"Cielo azul", óleo sobre lienzo, 1940, Centro Pompidou.
Al vivir en un pequeño apartamento en París, Kandinski creó su trabajo en un estudio de la sala. Con formas biomórficas, flexibles, no geométricos, los contornos de las formas que aparecen en sus pinturas sugieren organismos microscópicos que no hacen sino expresar la vida interior del artista. Kandinski utiliza composiciones originales en color, que evoca el arte popular eslavo. También en ocasiones mezclada con arena de pintura para darle una textura granular, rústico a sus pinturas.
Este período corresponde a una síntesis de los trabajos previos de Kandinski en el que utilizó todos los elementos, enriqueciéndolos. En 1936 y 1939 pintó sus dos últimas composiciones principales, el tipo de telas elaboradas no se había producido durante muchos años. Composición IX tiene mucho contraste y diagonales poderosas cuya principal forma da la impresión de un embrión en el útero. Pequeños cuadrados de colores y bandas de colores destacan sobre el fondo negro del cuadro Composición X como fragmentos de estrellas (o filamentos ), mientras enigmáticos jeroglíficos con tonos pastel cubren una gran masa marrón que parece flotar en la esquina superior izquierda del lienzo. En la obra de Kandinski, algunas características son evidentes, mientras que ciertos toques son más discretos y velados, y sólo se revelan progresivamente tras profundizar en la relación con su trabajo. Tenía la intención de sus formas (que él sutilmente armonizados y colocado) para resonar con el alma del observador.

El museo Guggenheim de Nueva York posee muchos cuadros de Kandinski.
En este período muchas de sus obras fueron adquiridas por Solomon Guggenheim, que fue uno de sus apoyos más entusiastas.3
La Concepción de Arte de Kandinski[editar]

Sillas de playa
Teoría artística y espiritual[editar]
Al igual que en las teorías de los ensayos Der Blaue Reiter Almanac y las indicaciones del compositor Arnold Schoenberg, Kandinski expresó también la comunión entre el artista y el espectador como puestas a disposición tanto de los sentidos y la mente (sinestesia). Escuchando tonos y acordes mientras pintaba, Kandinski afirma que, por ejemplo, el amarillo es el color del centro en una trompeta de latón, negro es el color del cierre y el fin de las cosas, y que las combinaciones de colores producen frecuencias vibratorias, similares a los acordes tocados en un piano. Kandinski también desarrolló una teoría de las figuras geométricas y sus relaciones, afirmando, por ejemplo, que el círculo es la forma más pacífica y representa el alma humana. Estas teorías se explican en Punto y línea sobre el plano (ver más abajo).
Durante los estudios que Kandinski hizo en preparación para Composición IV, se sintió agotado y se fue a dar un paseo. Mientras estaba fuera, Gabriele Münter arregló su estudio y sin querer le dio vuelta el lienzo. Al regresar y ver la tela (sin reconocerla) Kandinski cayó de rodillas y lloró, diciendo que era la pintura más hermosa que había visto nunca. Había sido liberado del apego a un objeto. Como la primera vez que vio las Pilas de Heno de Monet, experiencia que cambiaría su vida.
En otro episodio con Münter durante los años expresionistas abstractos bávaros, Kandinski estaba trabajando en su Composición VI que le tomó casi seis meses de estudio y preparación. La obra pretendía evocar una inundación, el bautismo, la destrucción y renacimiento al mismo tiempo. Después de describir el trabajo sobre un panel de madera de tamaño mural, se quedó bloqueado y no pudo continuar. Münter le dijo que él estaba atrapado en su intelecto y no alcanzaba el verdadero sujeto de la fotografía. Le sugirió que se limitara a repetir la palabra uberflut ("diluvio" o "inundación") y se centrara en su sonido y no su significado. Repitiendo esta palabra como un mantra, Kandinski pintó y completó la obra monumental en un lapso de tres días.
El análisis sobre las formas y los colores de Kandinski resulta, no de simples y arbitrarias asociaciones con ideas, sino de la experiencia interior del pintor. Pasó años creando pinturas abstractas, sensorialmente ricas, trabajando con formas y colores sin descanso, observando sus pinturas y las de otros artistas, teniendo en cuenta sus efectos sobre su sentido del color. Esta experiencia subjetiva es algo que el filósofo francés Michel Henry llama "subjetividad absoluta" o la "absoluta vida fenomenológica ".
Sobre lo espiritual en el arte[editar]

Portada del libro Sobre lo espiritual en el arte de Wassily Kandisky
Publicado en 1911, el libro de Kandinski compara lo espiritual en la vida de la humanidad a una pirámide, el artista tiene la misión de guiar a otros a la cima con su obra. La punta de la pirámide son esos pocos artistas, grandes. Se trata de una pirámide espiritual, avanzando y ascendiendo lentamente, incluso si a veces parece inmóvil. Durante los períodos decadentes, el alma se hunde hasta el fondo de la pirámide, la humanidad sólo busca el éxito externo, haciendo caso omiso de las fuerzas espirituales.
Los colores en la paleta del pintor pueden evocar un doble efecto: un efecto puramente físico en el ojo que está encantado por la belleza de los colores, de forma similar a la impresión alegre cuando comemos un manjar. Este efecto puede ser mucho más profundo, sin embargo, que causa una vibración del alma o una "resonancia interior", un efecto espiritual en el que el color toca el alma misma.
"Necesidad interior" es, para Kandinski, el principio del arte y de la fundación de las formas y la armonía de los colores. Él lo define como el principio de contacto eficaz de la forma con el alma humana. Cada forma es la delimitación de una superficie por otro, sino que posee un contenido interno, el efecto que produce en quien lo mira con atención. Esta necesidad interior es el derecho del artista a la libertad ilimitada, pero esta libertad se convierte en licencia si no se funda en la necesidad. Arte nace de la necesidad interior del artista de una manera enigmática, mística a través del cual adquiere una vida autónoma, se convierte en un sujeto independiente, animada por un aliento espiritual.
Las propiedades obvias que podemos ver cuando miramos un color aislado y se le deja actuar solo, por un lado son la calidez o frialdad del tono de color, y por el otro la claridad u oscuridad de ese tono. El calor es una tendencia hacia el amarillo, y la frialdad de una tendencia hacia el azul, amarillo y azul, forma el primer gran contraste y dinámica. El amarillo tiene un movimiento excéntrico y el azul un movimiento concéntrico; una superficie amarilla parece moverse más cerca de nosotros, mientras que una superficie azul parece alejarse. El amarillo es un color típicamente terrestre, cuya violencia puede ser dolorosa y agresiva. El azul es un color celeste, que evoca una profunda calma. La combinación de los rendimientos de azul y amarillo da un resultado de inmovilidad y de calma, que es el verde.
La claridad es una tendencia hacia el blanco, y la oscuridad es una tendencia hacia el negro. Blanco y negro forman el gran contraste segundo, que es estático. El blanco es un silencio profundo, absoluto, lleno de posibilidades. El negro es la nada sin posibilidad, un silencio eterno sin esperanza, y se corresponde con la muerte. Cualquier otro color resuena con fuerza en sus vecinos. La mezcla de blanco con negro da gris, que no posee ninguna fuerza activa y cuya tonalidad es cercana a la de verde. El gris corresponde a la inmovilidad sin esperanza, pero tiende a la desesperación cuando se pone oscuro, recuperando un poco de esperanza cuando se ilumina.
El rojo es un color cálido, alegre y agitado, es contundente, un movimiento en sí mismo. Mezclado con negro se vuelve marrón, un color fuerte. Mezclado con amarillo, gana en calidez y se vuelve naranja, que imparte un movimiento de irradiación en sus alrededores. Cuando se mezcla con rojo y azul se aleja para convertirse en púrpura, que es un rojo fresco. Rojo y verde forman el gran contraste tercero, y naranja y púrpura el cuarto.
Punto y línea sobre el plano[editar]

Portada del libro Punto y línea sobre el plano
En sus escritos Kandinski analizó los elementos geométricos que componen cada pintura: el punto y la línea. Llamó al soporte físico y la superficie del material en el que el artista dibuja o pinta el plano básico, o PB. Él no los analiza objetivamente, sino desde el punto de vista de su efecto sobre el observador interior.
Un punto es un poco pequeña, de color formulada por el artista en el lienzo. No es ni un punto geométrico ni una abstracción matemática, sino que es la extensión, forma y color. Esta forma puede ser un cuadrado, un triángulo, un círculo, una estrella o algo más complejo. El punto es la forma más concisa, aunque, de acuerdo con su ubicación en el plano básico, tomará una tonalidad diferente. Puede ser aislado o resuenan con otros puntos o líneas.
Una línea es el producto de una fuerza que se ha aplicado en una dirección dada: la fuerza ejercida sobre el lápiz o pincel por el artista. Las formas producidas lineales pueden ser de varios tipos: una línea recta, que resulta de una fuerza única aplicado en una sola dirección; una línea angular, como resultado de la alternancia de dos fuerzas en diferentes direcciones, o una curva (o en forma de onda) línea, producido por el efecto de dos fuerzas que actúan simultáneamente. Un avión se pueden obtener por condensación (desde unos girar alrededor de la línea de uno de sus extremos).
El efecto subjetivo producido por una línea depende de su orientación: una línea horizontal corresponde con el suelo en el que el hombre se apoya y se mueve, sino que posee una tonalidad afectiva oscura y fría similar a la de color negro o azul. Una línea vertical corresponde con la altura, y no ofrece ningún apoyo, sino que posee una tonalidad luminosa cálida próximo al blanco y amarillo. Una diagonal posee una más o menos caliente o frío tonalidad, de acuerdo con su inclinación hacia la horizontal o la vertical.
Una fuerza que se despliega, sin obstáculos, como la que produce una línea recta se corresponde con lirismo, varias fuerzas que se enfrentan (o molestar) sí forman un drama. El ángulo formado por la línea angular también tiene una sonoridad interior que es cálido y cercano al amarillo para un ángulo agudo (un triángulo), el frío y similar a azul por un ángulo obtuso (un círculo), y similar al rojo por un ángulo recto (un cuadrado).
El plano de base es, en general, rectangular o cuadrada. por lo tanto, que se compone de líneas horizontales y verticales que delimitan y definen como una entidad autónoma que soporta la pintura, comunicando su tonalidad afectiva. Esta tonalidad se determina por la importancia relativa de las líneas horizontales y verticales: las horizontales que dan una tonalidad calma, frío al plano de base, mientras que las verticales impartir una tonalidad calma, cálido. El artista intuye el efecto interior del formato de lienzo y dimensiones, que él elige de acuerdo a la tonalidad que quiere dar a su obra. Kandinski considera el plano básico de un ser vivo, que el artista "fecunda" y se siente "respirar".
Cada parte del plano básico posee una coloración afectiva, lo que influye en la tonalidad de los elementos pictóricos que redactará en él, y contribuye a la riqueza de la composición resultante de la yuxtaposición en el lienzo. Lo anterior del plano básico se corresponde con soltura y ligereza que, mientras que la continuación evoca la condensación y la pesadez. El trabajo del pintor es escuchar y conocer estos efectos para producir pinturas que no son sólo el resultado de un proceso al azar, sino el fruto del trabajo auténtico y el resultado de un esfuerzo hacia la belleza interior.
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Manolo Valdés

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Manolo Valdés

Manuel Valdés Blasco conocido como Manolo Valdés (Valencia, 8 de marzo de 1942) es un pintor español residente en Nueva York (EE. UU.). Fue el introductor en España de una forma de expresión artística que combina el compromiso político y social con el humor y la ironía. Índice [ocultar] 1... Ver mas
Manuel Valdés Blasco conocido como Manolo Valdés (Valencia, 8 de marzo de 1942) es un pintor español residente en Nueva York (EE. UU.). Fue el introductor en España de una forma de expresión artística que combina el compromiso político y social con el humor y la ironía.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Su obra
3 Referencias
4 Enlaces externos
Biografía[editar]
Manolo Valdés nació en Valencia el 8 de marzo de 1942. Hijo de María Gracia Blasco Marqués, natural de la localidad castellonense de Altura, su infancia y adolescencia estuvo muy vinculada a dicha población. En 1957 se matriculó en la valenciana Escuela de Bellas Artes de San Carlos en la que estuvo dos años, abandonado los estudios para dedicarse a pintar.
En 1964 fundó el grupo artístico Equipo Crónica junto con Juan Antonio Toledo y Rafael Solbes en el cual se mantuvo hasta la muerte de Solbes en 1981, aún cuando a los dos años de la fundación del grupo, Toledo lo había abandonado.
A la muerte de Rafael Solbes sigue trabajando en solitario en Valencia durante unos años, hasta que en 1989 viaja a Nueva York donde monta su estudio y sigue experimentando con las nuevas formas de expresión. Pertenece a la Galería Marlborough1 y a la Galería Freites. Monta también estudio en Madrid para la realización de grandes esculturas, alternando la creación en ambas ciudades.
Su obra[editar]
Influido por Velázquez, Rembrandt, Rubens y Matisse, Manolo Valdés realiza una obra de gran formato en la que las luces y colores expresan un sentimiento de tactilidad por el tratamiento dado a los materiales. Su obra fuerza a quien la observa a indagar en la memoria y buscar imágenes significativas de la historia del arte.
Además de los trabajos expuestos como parte del Equipo Crónica, Valdés realizó, entre los años 1965 y 1981, más de 70 exposiciones, tanto individuales como colectivas. Como escultor, es autor de La Dama del Manzanares (2003), obra de 13 metros de altura situada en el Parque Lineal del Manzanares (Madrid). En el año 2005 llevó a cabo el conjunto escultórico Asturcones, para la ciudad de Oviedo.2 3
Valdés ha recibido varios premios, entre los que destacan: en 1965 los premios Lissone y Biella, en Milán (Italia), en 1979, la Medalla de plata de la II Bienal Internacional de Grabados en Tokio (Japón) y Premio del Museo de Arte de Bridgestone en Lis'79 en Lisboa (Portugal); en 1983 el Premio Nacional de Artes Plásticas; el Premio Alfons Roig, en Valencia; el Premio Nacional de Bellas Artes de España; en 1986 la Medalla de la Bienal del Festival Internacional de Artistas Plásticos, en Bagdad (Irak) y en 1993 la Condecoración de la Orden de Andrés Bello en la clase de Banda de Honor, en Venezuela.
En 2012 fue el encargado de diseñar el cartel4 de la temporada taurina en la Real Maestranza de Caballería de Sevilla.
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Joan Miró

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Joan Miró

Joan Miró i Ferrà (Barcelona, 20 de abril de 1893-Palma de Mallorca, 25 de diciembre de 1983) fue un pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En... Ver mas
Joan Miró i Ferrà (Barcelona, 20 de abril de 1893-Palma de Mallorca, 25 de diciembre de 1983) fue un pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En un principio mostró fuertes influencias fauves, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf, como lo es su conocido cuadro La Masía del año 1920. A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más onírica, coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento.1 En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década de 1930, Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de "matarlos, asesinarlos o violarlos", para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas.2
Uno de sus grandes proyectos fue la creación en 1975, de la Fundación Joan Miró, ubicada en Barcelona, centro cultural y artístico para difundir las nuevas tendencias del arte contemporáneo, que se constituyó con un gran fondo de obras donadas por el autor. Otros lugares con importantes fondos de sus obras son: la Fundación Pilar i Joan Miró, en Palma de Mallorca; el Museo Reina Sofía, en Madrid; el Centro Pompidou, en París; y el MOMA, en Nueva York.
Índice [ocultar]
1 Biografía
1.1 Familia
1.2 Estudios
1.3 Premios y reconocimientos
2 Primeras exposiciones
2.1 La masía
3 Surrealismo
3.1 Carnaval de Arlequín
3.2 Interiores holandeses
3.2.1 Interior holandés I
3.2.2 Interior holandés II
3.2.3 Interior holandés III
4 Ruptura con el surrealismo y "asesinato" de la pintura
4.1 Bodegón del zapato viejo
4.2 Pabellón de 1937 en París
4.3 Constelaciones
5 Otros materiales
5.1 Cerámica
5.2 Escultura
5.3 Grabados
6 Obras destacadas
7 Referencias
8 Bibliografía consultada
9 Enlaces externos
Biografía[editar]
Familia[editar]

El Pasaje del Crédito en Barcelona, lugar de nacimiento de Joan Miró
Su padre fue Miquel Miró i Adzeries hijo de un herrero de Cornudela, se trasladó a Barcelona donde montó un taller de orfebrería y relojería en un pasaje cerca de la Plaza Real de Barcelona, allí conoció Miquel Miró a Dolors Ferrà i Oromí, hija de un ebanista mallorquín, se casaron y establecieron su residencia en el mismo pasaje de Crédito donde nacieron sus hijos Dolors y el futuro artista Joan Miró.3
Miró se casó con Pilar Juncosa en Palma de Mallorca el 12 de octubre de 1929, y se instalaron en París en un apartamento con suficiente espacio para vivienda y taller del artista; el 17 de julio de 1931, la pareja tuvo su única hija, Dolors.4 Al quedar libre del contrato con su marchante Pierre Loeb, Miró decidió volver con la familia a Barcelona, realizando estancias intermitentes en Mallorca y en Montroig. Se encontraba en esta última población cuando estalló la Guerra Civil Española de 1936. En noviembre tenía prevista una exposición en París, y una vez allí y en vista de las circunstancias adversas provocadas por la guerra, decidió quedarse cuando consiguió la llegada de su esposa Pilar y de su hija. En vísperas de la Segunda Guerra Mundial el ambiente en París era cada vez más tenso. Pasaron alguna temporada en una casa ofrecida por su amigo el arquitecto George Nelson en Varengeville-sur-Mer en la costa de Normandía; se encontró bien en la zona, pues le acercaba más a la naturaleza tal y como estaba acostumbrado en Mallorca o en Montroig, y terminó alquilando una casa. En la primavera de 1940, los amigos habían ido desapareciendo de Varengeville y junto con Pilar decidió volver a Cataluña y después de una pequeña temporada, la familia se trasladó a Mallorca, donde, según Miró, allí no era nada más que «el marido de la Pilar». En el año 1942 retornó a Barcelona.5
Estudios[editar]

Mujer botella situada en el Parque Cultural Viera y Clavijo de Santa Cruz de Tenerife. El 28 de enero de 2002 es declarada Bien de Interés Cultural con la categoría de Bien Mueble.6
Estudió comercio, según deseo de su padre para tener una preparación y conseguir ser “alguien en la vida”. Ante el deseo de Joan de matricularse en la escuela de la Lonja para dibujar y al tener la posibilidad de las clases nocturnas, su padre aceptó la petición, como un pasatiempo del muchacho.3 En la Lonja, se vio influenciado por dos maestros Modest Urgell y Josep Pascó. Los dibujos datados del año 1907 que se guardan en la Fundación Miró son una buena prueba de esta influencia clara con Modest Urgell; otros dibujos, de poco antes del fallecimiento de Miró, realizados con una simple pero firme línea horizontal y la inscripción: "en recuerdo de Modest Urgell" resumen el gran cariño que guardó siempre para su maestro. De las clases recibidas por Josep Pascó, profesor de artes decorativas, quedan también unos dibujos de aire modernista del año 1909 como diseño de unos broches representando un pavo real y una serpiente. De este profesor aprendió la simplicidad de expresión y las tendencias artísticas del momento.3
Con diecisiete años acabó sus estudios de comercio y entró a trabajar durante dos años como empleado en una droguería, hasta que una enfermedad le obligó a retirarse a una casa familiar en el pueblo de Montroig. Cuando regresó a Barcelona, ya tenía la firme resolución de ser pintor y aunque con reticencias, también contaba con el permiso paterno; ingresó en la Academia de arte dirigida por Francesc d'Assís Galí, donde conoció las últimas tendencias artísticas europeas y a la que acudió hasta su cierre en 1915. Mientras también asistía a clases de dibujo del natural, en el Círculo Artístico de Sant Lluc, donde hizo amistad con Josep Francesc Ràfols, Sebastià Gasch, Enric Cristòfor Ricart y Josep Llorens i Artigas, formando con todos ellos el grupo artístico Agrupación Courbet cuya fundación hizo pública el 28 de febrero de 1918 en La Publicitat.1
Premios y reconocimientos[editar]
1954 Gran Premio de Grabado de la Bienal de Venecia
1959 Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X el Sabio
1959 Gran Premio de la Fundación Guggenheim.
1962 Nombrado Chevalier de la Legión de Honor en Francia.
1966 Premio Carnegie de pintura.
1968 Nombrado doctor honoris causa por la Universidad de Harvard.
1978 recibió la Medalla de Oro de la Generalidad de Cataluña, siendo el primer catalán en recibir tal distinción.
1979 Nombrado doctor honoris causa por la Universidad de Barcelona.
1980 recibió, de manos del rey Juan Carlos I de España, la Medalla de Oro de las Bellas Artes.
1983 Nombrado doctor honoris causa por la Universidad de Murcia.
Primeras exposiciones[editar]

Gran maternidad, escultura en bronce situada en San Francisco.
La primera exposición individual de Joan Miró se realizó en las Galerías Dalmau de Barcelona entre el 16 de febrero y el 3 de marzo de 1918. Miró presentó sesenta y cuatro obras entre paisajes, naturalezas muertas y retratos. Estas primeras pinturas tienen una clara influencia de las tendencias francesas, sobre todo del postimpresionismo, del fovismo y del cubismo. En las pinturas Ciurana, el pueblo (1917) y Ciurana, la iglesia (1917) se aproxima a las tonalidades más típicas de Van Gogh y a los paisajes de Cézanne, reforzados con una pincelada oscura. Uno de los cuadros que llama más la atención es el titulado Nord-Sud, como la revista francesa que en su primer número (1917), Pierre Reverdy escribía sobre el cubismo. En este cuadro, Miró mezcla técnicas de Cézanne con el uso de rótulos dentro de la pintura, como en las obras cubistas de Juan Gris o Pablo Picasso. En los retratos (por ejemplo el Retrato de V. Nubiola), muestra la fusión del cubismo con el agresivo color fauve.7 En esta misma primavera expuso en el Círculo Artístico de Sant Lluc junto con los miembros de la Agrupació Coubert.8
Como era su costumbre y continuaría haciendo durante años, Miró pasó ese verano en Montroig, donde abandonó los colores empleados hasta entonces y las formas duras por las más minuciosas, según explicó en una carta dirigida a su amigo Ricart fechada el 16 de julio de 1918:
Nada de simplificaciones ni abstracciones. Por ahora lo que me interesa más es la caligrafía de un árbol o de un tejado, hoja por hoja, ramita por ramita, hierba por hierba, teja por teja. Esto no quiere decir que estos paisajes al final acaben siendo cubistas o rabiosamente sintéticos. En fin, ya veremos. Lo que si me propongo es trabajar mucho tiempo en las telas y dejarlas lo más acabadas posible, así es que al final de temporada y después de haber trabajado mucho si aparezco con pocas telas; no pasa nada. Durante el invierno siguiente continuarán los señores críticos diciendo que persisto en mi desorientación.
De esta manera se observa en los paisajes pintados durante este tiempo un arquetipo por medio de un vocabulario nuevo de iconografías y de signos meticulosamente seleccionados y organizados siendo el agente estructurador el dibujo. En Viñas y olivos de Montroig se ven las raíces dibujadas debajo de la tierra completamente individualizadas para conseguir la conexión física con la tierra.9
El primer viaje a París lo realizó en marzo de 1920 y después de pasar nuevamente el verano en Montroig, regresó para establecerse en París donde conoció al escultor Pablo Gargallo que tenía un taller en la calle Blomet, que solo usaba durante los meses de verano, y llegó a un acuerdo con él para utilizarlo solo en la temporada de invierno. Las gestiones hechas por el galerista Dalmau le proporcionaron una exposición individual en la Galerie La Licorne que se inauguró el 29 de abril de 1921; a pesar de no obtener ninguna venta, la crítica fue favorable. En la comunidad artística que se agrupaba en Montparnasse, conoció a André Masson, vecino de la calle Blomet y con quien coincidía en las reuniones de Max Jacob. Otro asiduo de este grupo era Pablo Picasso que le compró el Autorretrato de 1919 y más adelante la Bailarina española de 1921.10
La masía[editar]
Artículos principales: La masía y Mas Miro (Montroig).

Vista del Mas Miró desde donde se pintó la obra.
Durante los años 1921 y 1922 realizó La masía, siendo la obra culminante de esta época «detallista». Trabajó en ella durante nueve meses de dura elaboración; la relación mítica mantenida por Miró con la tierra, se resume en este cuadro, que representa la granja de su familia en Montroig; el grafismo de carácter ingenuo y realista de todos los objetos, los animales son los domésticos, los vegetales los que el hombre trabaja y los objetos todos de uso diario y necesarios para el hombre. Estudia todos sus detalles al mínimo, es lo que se llama la caligrafía mironiana, punto de partida para los siguientes años de su contacto con el surrealismo11
Terminada esta pintura en París, por necesidad económica, inició un recorrido entre marchantes para poder venderla. Rosenberg, que se ocupaba de las pinturas de Picasso, accedió a tenerla en depósito y al cabo del tiempo y ante la insistencia de Miró, le sugirió seriamente el dividir la tela en trozos pequeños para su más fácil venta. Miró, enojado, recogió la tela y se la llevó a su taller. Se hizo cargo de la pintura, entonces, Jacques Viot de la galería Pierre, que después de unos tratos, se la vendió al escritor Ernest Hemingway, por cinco mil francos.12 Actualmente se conserva en la National Gallery de Washington.
Surrealismo[editar]

Pájaro lunar en Madrid (1966).
Instalado en el taller de Pablo Gargallo en París, tuvo contacto con artistas provenientes del movimiento Dadá, que fundaron en 1924, con el poeta André Bretón al frente, el grupo del surrealismo.13
A Miró le sirvió principalmente para abandonar su época detallista y sintetizar los motivos ya apuntados en esa etapa. Es, en el potencial que le ofrecía el surrealismo, en lo inconsciente y lo onírico, donde encontró el perfecto material para sus futuras obras. Así se aprecia en Tierra labrada, con clara alusión a La masía, pero con elementos surrealistas como el ojo y una oreja junto al árbol de la pintura. En Cabeza de fumador, la influencia se ve en la síntesis empleada para la descripción del personaje.14
Realizó una exposición en la Galería Pierre del 12 al 27 de junio de 1925, con la presentación de 16 pinturas y 15 dibujos. Todos los representantes del grupo surrealista firmaron la invitación a la exposición. La inauguración se realizó a media noche, cosa nada frecuente en aquella época, mientras en el exterior, contratada por su amigo Picasso tocaban los compases de una sardana una orquesta de músicos; los visitantes, tenían que entrar a la sala, por turnos, completamente llena. Las ventas fueron tan buenas como la crítica.15
En 1926, Joan Miró colaboró con Max Ernst en diseños para los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev, en la obra Romeo y Julieta. El 4 de mayo de 1926, se representó por primera vez en Montecarlo y el 18 de mayo en el teatro Sarah Bernhardt de París. Se sabía que estaba en los ánimos de los surrealistas y comunistas, alterar el estreno del "burgués" Diaghilev y los "traidores" Ernst y Miró, y así fue, al empezar la función, entre silbatos, se lanzó una lluvia de folletos de color rojo con un texto de protesta, firmado por Louis Aragon y André Breton. Sin embargo, al cabo de poco tiempo, la revista La Révolution Surréaliste, que editaba Bretón, siguió con la reproducción de obras de los dos artistas.16
Carnaval de Arlequín[editar]

Escultura de Joan Miró en el Museo Hakone al aire libre, Tokio.
Una de las pinturas más interesantes de este periodo es Carnaval de Arlequín (1925), completamente surrealista y que consiguió un gran éxito en la exposición colectiva de la Peinture surréaliste de la Galería Pierre a finales de 1925, expuesta junto a obras de Giorgio de Chirico, Paul Klee, Man Ray, Pablo Picasso y Max Ernst.
Esta obra es la considerada como el inicio pleno de la etapa surrealista de Joan Miró. Realizada entre los años 1924 y 1925, la ejecutó en un tiempo en que el artista pasaba por momentos difíciles y con gran penuria, incluso alimentaria. Según explicó el mismo artista:
Intenté plasmar las alucinaciones que me producía el hambre que pasaba. No es que pintara lo que veía en sueños, como decían entonces Breton y los suyos, sino que el hambre me provocaba una manera de tránsito parecido al que experimentaban los orientales.17
Un autómata que toca la guitarra junto con un arlequín con grandes bigotes, son los personajes principales de la composición pictórica, donde se aprecian también todo un mundo de detalles dominados por la imaginación que se esparcen por toda la pintura, como un pájaro con alas azules saliendo de un huevo, un par de gatos jugando con un ovillo de lana, peces volando, un insecto que sale de un dado, una escalera con una gran oreja, y en la parte superior derecha se ve a través de una ventana una forma cónica con la que quiso representar la torre Eiffel. Compuso Miró un pequeño texto poético en 1938 sobre este cuadro: "En la madeja de hilo deshecha por los gatos vestidos de arlequines ahumados retorciéndose y apuñalando mis entrañas..." Actualmente se encuentra en la colección de Allbright-Knox Art Gallery en Buffalo, (Estados Unidos).18
Interiores holandeses[editar]
En 1927 realizó por primera vez una ilustración para el libro Gertrudis de J.V. Foix. Se trasladó a vivir a otro estudio más grande de la calle Tourlaque, donde encontró a viejos amigos Max Ernst, Paul Éluard y conoció a Pierre Bonnard, René Magritte y Jean Arp. Experimentó con ellos el juego del cadáver exquisito. En 1928 viajó a Bélgica y a los Países Bajos, visitando los más importantes museos de ambos países, entre los que destaca una visita al Rijksmuseum. Los pintores neerlandeses, como Vermeer y los maestros del siglo XVII, causaron un gran impacto en el artista, que compró postales coloreadas de estas pinturas reproducidas a partir de la colección del Rijksmuseum, y a su regreso a París se dedicó a la creación de una serie conocida como Interiores holandeses compuesta por un total de 3 pinturas. Realizó numerosos dibujos para la consecución de la primera pintura Interior holandés I, inspirada en El tocador de Laud de Hendrick Martensz Sorgh; en Interior holandés II, es de la obra Niños enseñando a bailar a un gato del pintor Jan Havicksz Steen. Interior holandés III, inspirada en otra obra del mismo autor, Mujer joven en el baño. En esta serie, Miró transformó, la pintura de sus sueños surrealistas, con el espacio vacío en los cuales imperaban los grafismos, a la recuperación de la composición en perspectiva y las formas analizadas.19
Interior holandés I[editar]
La pintura se inspira en la obra del siglo XVII El tocador de Laud de Hendrick Martensz Sorgh que representa a un intérprete de laud en un interior doméstico. La obra de Sorgh, de colores brillantes y planos, se alejaban del modelo naturalista y la perspectiva de la pintura de género holandesa del siglo XVII.
Interior Holandés I incluye los elementos presentes en la obra de Martensz Sorgh: el laud, el intérprete, el mantel, los marcos de la pared, los elementos de detrás de la ventana, un perro, un gato, la mujer joven, una cesta de fruta, etcétera. También se mantiene la posición básica de los objetos en la pintura.
Sin embargo, las formas son claramente mironianas, con una desporporción acentuada respecto de la obra original que reflejan la importancia relativa de los elementos en la composición, en lugar de las proporciones físicas. El laud y el intérprete ocupan la mayor parte del espacio, mientras que la joven se reduce a un detalle fundido en el agua: es parte del paisaje, como los objetos inanimados.
Centrando la atención en la figura del intérprete, se observa que Miró reduce sus rasgos faciales a un rostro distendido y rojo en el centro, con un bigote desplazado hacia la derecha, su cuerpo se va disolviendo hasta que el laud realmente lo sustituye, y todo lo que queda de la figura del joven es un pequeño pie que sobresale por la parte inferior del instrumento. Un personaje desproporcionado que expresa una especie de excitación física con una fuerza capaz de romper las cuerdas del instrumento. En este momento Miró pretende atacar la anatomía humana desde la prespectiva de los términos clásicos, desde la visión ideal de una forma harmónica, para abordar su proyecto personal de desarmarla. Miró usa un humorismo gráfico trágico, sacrílego y herético que con un genio quijotesco transforma con su pinzel la obra de Sorgh.
Los colores también son tonos inspirades en la tela original, aunque la intensidad del color es mironiana. Por tanto, el gradiente de color gris verdoso de la pared de la obra de Sorgh se convierte en un verde manzana en la obra de Miró, la luz de color marrón y los tonos ocres del laud se transforman en un color naranja oscuro. Aplica la pintura directamente con el tubo; no los mezcla en la paleta, y tampoco los mezcla en el lienzo. Los verdes, blancos, naranjas, rojos y amarillos son colores muy puros. La obra es un ejemplo de la facilidad de trazo de Miró. Los perfiles de todas las figuras son muy precisas, pintadas con un pincel muy fino, su mano es constante y fuerte en los trazos perimetrales de los personajes.
Interior holandés II[editar]
La pintura se inspira en la obra Niños enseñando a bailar a un gato de Jan Havicksz Steen. En esta obra, el artista vuelve a utilizar la técnica y la filosofía de la obra original. Miró conserva los elementos como la guitarra, el perro y el hombre que mira por la ventana. El verdadero tema de la pintura de Steen no era el gato, sinó el sonido, el movimiento y la hiladida que provica la clase de baile. Miró aprovecha de esta anomalía en su versión: a pesar que el gato sirve como eje de la composición centrífuga, pone en acento en la cacofonía y la animación de la lección a través del movimiento giratorio de la gran diversidad de detalles y el ritmo de los puntos y contrapuntos de la danza. La escena es animada, se ve el rostro sonriente de los niños, reforzando la sonrisa grotesca del personaje de la izquierda de la obra de Steen. La figura central de la chica destaca con un perfil que emula su pose llenando con el color azul de su falda toda la superficie de la versión mironiana. Los perros y gatos toman la mayor parte del espacio, mientras que los objetos inanimados se reducen a sus detalles. El personaje inquietante de Steen que observa la escena preocupado des de la ventana se transforma en la versión de Miró en un par de ojos rojos, continuando una larga cola que envuelve la escena y donde su final es un aguijón. Como ya pasaba con Interior holandés I, la fuerza de los colores es intensa y transforma la obra de Steen con diversas variaciones del marrón, que sirve para destacar la ropa de color azul que viste la niña. Las manchas de naranja de Steen (calcetines, gorras) se encuentran en color rojo oscuro en la obra de Miró. La pintura está expuesta en el Museo Guggenheim de Venecia.
Interior holandés III[editar]
Si las dos primeras obras de la serie fueron pintadas a partir de tarjetas postales de museos y son fácilmente identificables, no es el caso de la tercera pintura de la serie, que no puede ser claramente vinculada a una única pintura. Una de las propuestas de identificación se ha conseguido teniendo en cuenta los elementos de esta obra coincidentes con Joven en el baño, de Jan Steen. El movimiento de la cara inclinada y cubierta con una manta, los calcetines de color naranja, el movimiento del brazo que acaba en un pie descalzo, un perro blanco y negro en la pared derecha, los dos zapatos marrones hacia abajo, la importancia de la silla marrón con la ropa de color púrpura, y los elementos de la capa en la capa de color amarillo, blanco y pálido, descubren la influencia de la obra original, aunque es más difícil de detectar el paralelismo. Otra interpretación de esta pintura tan compleja es que está inspirada en varias obras de Steen, sobre todo El corral de aves (1660), más aspectos compositivos y elementos de Joven mujer en el baño (1659), Mujer enferma de amor (1660), Mujer enferma y un doctor (c. 1660) y Mujer en el tocador (c. 1661-1665).20 La pintura se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Muy similar a estos interiores holandeses fue la siguiente serie de Retratos imaginarios, también con el punto de partida de unos retratos ya realizados: Retrato de la señora Mills en 1750 de un cuadro con el mismo título de Georges Engleheart, Retrato de una dama en 1820 de John Constable, La fornarina de Rafael Sanzio y el cuarto el origen fue un anuncio en un periódico de un motor super diésel, que consiguió hacer una metamorfosis hasta conseguir una figura femenina a la que tituló La reina Luisa de Prusia. Miró se servía de la imagen no para hacer una interpretación de una obra ya realizada, sino como punto de partida para analizar la forma pura hasta conseguir su figura mironiana. El proceso se puede seguir de cada pintura, a través de los dibujos preparatorios que se guardan, unos en la Fundación Miró de Barcelona y otros en el Museo de Arte Moderno de Nueva York21
Ruptura con el surrealismo y "asesinato" de la pintura[editar]
Entre los años 1928 y 1930, las diferencias dentro del grupo de los surrealistas cada vez se hacen más evidentes, no sólo en la plástica, también ocurría en la parte política. Miró cada vez más individualista se fue distanciando más, a pesar de aceptar los principios de la estética surrealista, no se sintió obligado a ir frecuentemente a participar en todas las manifestaciones. El 11 de marzo de 1929, en una reunión al Bar du Château, Breton ya adherido al partido comunista, el tema de discusión fue el destino de Lev Trotsky; este tema quedó al margen y las discusiones llegaron a clarificar las posiciones. Entre los que se manifestaron en contra de una acción completamente común basado en un programa de Breton, se encontraban Miró, Michel Leiris, Georges Bataille y André Masson entre otros. Miró solo quería defenderse y luchar con la pintura. Entre Marx que abogaba por «transformar el mundo» por medio de la política o el «cambiar la vida» de Rimbaud por medio de la poesía, Miró escogió lo segundo.22 Fue entonces cuando Georges Hugnet explicó que Miró solo puede defenderse con las armas propias de él, la pintura:
Sí, Miró ha querido asesinar la pintura, la ha asesinado con medios plásticos, mediante una plástica que es una de las más expresivas de nuestro tiempo. La ha asesinado, quizá, porque no quería doblegarse a sus exigencias, a su estética, a un programa demasiado estrecho para dar vía libre a sus aspiraciones y a su sed.2
A partir de aquí Miró dibujó y se dedicó intensamente a otra alternativa, el collage, que no realizó como habían hecho los cubistas recortando el papel con cuidado y encajándolo en el soporte, sino que sus formas son sin precisión y después de enganchadas en el soporte deja los bordes al aire y los enlaza con un grafismo; su búsqueda no es inútil, le abre las puertas a las esculturas que realizará a partir de 1930.
En 1930 expuso en la galería Pierre esculturas-objetos y seguidamente la primera exposición individual en Nueva York con pinturas de los años 1926-1929. Realizó sus primeras litografías para el libro L’Arbre des voyageurs de Tristan Tzara. En el verano de 1930 empezó su serie llamada Construcciones, consecuencia de los collages, la composición la realizaba a partir de formas elementales, círculos y cuadrados recortados en madera y pegados sobre un soporte generalmente también de madera, con la aplicación de clavos reforzando las líneas del cuadro.23 Todas estas piezas fueron expuestas en París, donde las vio el bailarín y coreógrafo Leonide Massine, que enseguida se dio cuenta que era el artista que estaba buscando para realizar la decoración, vestuario y diversos objetos para el ballet Jeux d'enfants. Miró aceptó y viajó a Montecarlo a principios del año 1932. Los decorados fueron realizados a base de volúmenes y diversos objetos dotados de movimiento. La obra se estrenó el 14 de abril de 1932 con un gran éxito. Después se representó en París, Nueva York, Londres y en Barcelona en el Gran Teatro del Liceo el 18 de mayo de 1933.24
A partir de enero de 1932 pasó a residir en Barcelona, con traslados frecuentes a París, formó parte de la asociación de Amics de l'Art Nou (ADLAN) junto a Joan Prats, Joaquim Gomis y el arquitecto Josep Lluís Sert, cuyo objetivo era dar a conocer la vanguardia artística internacional y promocionar la catalana. Realizó numerosas exposiciones en Barcelona, París, Londres, Nueva York, Berlín.
Prosiguió con su trabajo de búsqueda y creó las 18 pinturas según un collage a partir de imágenes de anuncios aparecidos en diarios, como comentó posteriormente el artista:
Solía recortar diarios en formas no regulares y pegarlas sobre láminas de papel, día tras día acumulé estas formas, Una vez hechos, los collages me servían como punto de partida de las pinturas. No copiaba los collages. Sencillamente dejaba que me sugirieren formas.25
Creó unos nuevos personajes con una expresión de gran dramatismo con una perfecta simbiosis entre los signos y la figuras, cuyos fondos son generalmente oscuros, pintados sobre masonita (tablex) como Hombre y mujer frente a un montón de excrementos (1935), o Mujer y perro frente a la luna (1936), seguramente por el estado de ánimo del artista ante los acontecimientos de la Guerra Civil Española y la posterior de la Segunda Guerra Mundial.
Bodegón del zapato viejo[editar]
Artículo principal: Bodegón del zapato viejo
Su vuelta a París debido a una exposición que tenía prevista en el mes de noviembre de 1936, con el drama que representaba la guerra española, le hizo sentir la necesidad de volver a pintar la realidad, que el artista vuelca en una naturaleza muerta: Bodegón del zapato viejo, en donde consigue una relación entre el zapato y el resto de los elementos colocados encima la mesa, la botella, una manzana con un tenedor clavado, y el mendrugo de pan; los colores consiguen la máxima agresividad ya que son ácidos y violentos; la pintura en este cuadro no es plana como en obras anteriores sino que perfila y da dimensión a las formas de los objetos. Según el mismo Miró, toda esta representación, la hizo pensando en el cuadro Zapatos del Labriego de Van Gogh, artista muy admirado por él. Está considerada como una pieza clave de este momento pictórico de la realidad.26
Pabellón de 1937 en París[editar]
Después de haber realizado el cartel ¡Ayudad a España!, para un sello postal, destinado a ayudar al gobierno republicano español, se le encargó pintar una obra de grandes dimensiones para el pabellón de la República Española en la Exposición Internacional de París de 1937 que se iba a inaugurar en el mes de julio de ese mismo año. En este pabellón expusieron también los artistas Picasso con Guernica, Alexander Calder con la Fuente de mercurio, Julio González con la escultura Montserrat, Alberto Sánchez también con una obra escultórica El pueblo español tiene un camino que conduce a una estrella y Miró que realizó El Segador, representando al payés catalán con la hoz en un puño en actitud revolucionaria, simbolizando la colectividad de todo un pueblo en lucha; esta obra desapareció al fin de la exposición, cuando fue desmontado el pabellón. Sólo quedan unas fotografías en blanco y negro.27
Constelaciones[editar]
Artículo principal: Constelaciones (Miró)
Pintadas entre los años 1940 y 1941, en Varengeville-sur-Mer, pequeño pueblo de la costa de Normandía, se sintió atraído por el cielo y empezó una serie de 23 pequeñas obras con el título genérico de «Constelaciones» realizadas en formato de 38x46 cm, con un soporte de papel que el artista humedecía con gasolina y lo fregaba hasta conseguir una superficie con una textura rugosa. A partir de aquí ponía el color manteniendo una transparencia para crear el aspecto final deseado. Sobre este color del fondo, Miró dibujaba con colores puros para lograr el contraste.28
En las constelaciones, la iconografía quiere representar todo el orden del cosmos, las estrellas hacen referencia al mundo celestial, los personajes simbolizan la tierra y los pájaros son la unión de ambos. Estas pinturas integran perfectamente figuras con el fondo.29
Más adelante en 1958, se editó un libro con el título Constelaciones de muy pocos ejemplares, con la reproducción de veintidós aguadas de Miró y con veintidós prosas paralelas escritas por André Breton.30
A partir del año 1960, Miró entró en una nueva etapa, donde se refleja la soltura en la forma de trazar los grafismos con una gran simplicidad, propio de la espontaneidad infantil; los gruesos trazos son realizados con el color negro, en sus telas se ven goteos de pintura y salpicaduras, aludiendo en sus temas repetidamente a la tierra, el cielo, los pájaros y la mujer y con colores primarios.31
Otros materiales[editar]
Cerámica[editar]
En 1944 empezó a colaborar con su amigo de la adolescencia Josep Llorens i Artigas en la producción de cerámicas, investigando en la composición de las pastas, tierras, esmaltes y colores; la forma de las cerámicas populares representó para él, una fuente de inspiración; en estas primeras cerámicas poca diferencia hay con las pinturas y litografías de la misma época. En el año 1947 residió durante ocho meses en Nueva York donde realizó un mural en pintura de 3 x 10 metros destinado al restaurante del Cincinnati Terrace Hilton Hotel, a la vez que hizo unas ilustraciones para el libro L'antitête de Tristan Tzara. Más tarde ya en Barcelona y ayudado también por el hijo de Josep Llorens, Joan Gardy Llorens, pasó temporadas en la masía-taller que poseían los Artigas en Gallifa, donde se hicieron todo tipo de pruebas, tanto en las cocciones como en los esmaltes; finalmente el resultado es de 232 obras que fueron expuestas en junio de 1956 en la Galería Maeght de París y después en la Galería Pierre Matisse de Nueva York.

Mural cerámico en Wilhelm-Hack-Museum de Ludwigshafen (1971).
En este mismo año de 1956, se trasladó a vivir a Mallorca, donde dispuso de un gran taller, proyectado por su amigo Josep Lluís Sert. Fue entonces cuando recibió el encargo de realizar dos murales cerámicos para la sede de la Unesco ubicado en París, de 3 x 15 metros y 3 x 7,5 metros, que fueron inaugurados en 1958. Aunque había trabajado en grandes formatos nunca lo había hecho en cerámica; junto al ceramista Josep Llorens Artigas, consigue la posibilidad técnica de la cocción que se elaboró al máximo para obtener un fondo con texturas parecidas a las pinturas de esa época.32 Se decidió que la composición se hiciera alrededor de los temas del Sol y la Luna, que, según palabras de Miró:
... la idea de un gran disco rojo intenso se impone para el muro más grande. Su réplica en el muro pequeño sería un cuarto creciente azul, dictado por el espacio más reducido, más íntimo, para el cual estaba previsto. Estas dos formas que quería muy coloreadas hacían falta reforzarlas por un trabajo en relieve. Ciertos elementos de la construcción, tales como la forma de las ventanas, me han inspirado las composiciones en escatas y las formas de los personajes. He buscado una expresión brutal en el gran muro, una sugestión poética en el pequeño.33

Mural de Miró en el Palacio de Congresos de Madrid (1980).
Estos murales de la UNESCO, fueron el prototipo para todos los siguientes. En 1960 el de la Universidad de Harvard para sustituir el de pintura que había hecho en el año 1950; en 1964 realizó el de Handelshochschule de Sankt Gallen en Suiza y el de la Fundación Maeght para Saint-Paul-de-Vence; en 1966 el del Guggenheim Museum; en el año 1970 uno para el aeropuerto de Barcelona y tres para la exposición internacional de Osaka; al siguiente año el de Wilhelm-Hack-Museum de Ludwigshafen; por encargo de la Cinémathèque française de París realizó un mural también junto Artigas en el año 1972 y que fue adquirido en 1977 por la diputación Foral de Álava, encontrándose en la actualidad instalado en el interior del Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria-Gasteiz (ARTIUM);34 en 1977 es la Universidad de Wichita en Estados Unidos el que le encargó uno y finalmente se inauguró en 1980 el mural del nuevo Palacio de Congresos de Madrid.
Escultura[editar]

Mujer y Pájaro (1983) en Barcelona.
En 1946 trabajó en esculturas para fundición en bronce que en algunas ocasiones fueron cubiertas con pintura de colores vivos. En la escultura le interesó buscar volúmenes y espacios e incorporar objetos cotidianos o simplemente encontrados, piedras, raíces, cubiertos, tricornios, llaves de agua, que funde a la cera perdida. El sentido de los objetos identificables, lo pierden, al unirse mediante la fundición con otros objetos. Así formó en 1967 El reloj del viento que realizó con una caja de cartón y una cuchara, fundidas en bronce y ensambladas, constituyendo un objeto escultórico que solo mide la intensidad del viento.35 Construyó junto con Joseph Llorens i Artigas una gran escultura de cerámica La diosa del mar que la sumergieron en Juan-les-Pins. Efectuó en el año 1972, unas exposiciones de esculturas en el Walker Art Center de Minneapolis, al Clevelan Art Museum y al Art Institute de Chicago. A partir de 1965 realizó gran cantidad de esculturas para la Fundación Maeght en Saint-Paul-de-Vence, entre ellas están el Pájaro lunar, Pájaro solar, Lagarto, Diosa, Horquilla y Mujer con el cabello revuelto.36
En abril de 1981 se inauguró en Chicago una escultura monumental de 12 metros de altura, conocida como Miss Chicago; el 6 de noviembre otras dos esculturas fueron colocadas en la vía pública en Palma de Mallorca; en Houston se inauguró en 1982, la escultura Personaje y pájaro y en colaboración con Joan Gardy Artigas realizó su última escultura para Barcelona, Mujer y Pájaro, en hormigón y recubierta de cerámica. Fue inaugurada en 1983 sin la presencia de Miró debido a su delicado estado de salud. Situada en el parque de Joan Miró de Barcelona, al pie de un gran lago artificial, la escultura con 22 metros de altura, representa una forma femenina con sombrero y sobre éste la imagen de un pájaro. La silueta de mujer se soluciona con una forma de hoja alargada y ahuecada. Por todo su exterior se encuentra recubierta con cerámica de colores rojos, amarillos, verdes y azules (los más comunes del artista) tratados como trencadís.37
Grabados[editar]
Siempre le habían interesado los grabados para la realización de litografías, y en estos últimos años se adentró mucho más en ello; en su viaje a Nueva York en 1947, trabajó durante un tiempo en el Atelier 17 dirigido por Hayter, a través del cual aumentó todos sus conocimientos sobre la calcografía; durante estos meses en Nueva York, realizó las planchas para Le Desesperanto uno de los tres volúmenes de que consta la obra L’antitête de Tristan Tzara.
Un año más tarde colaboró nuevamente con este autor en un nuevo libro Parler seul, haciendo 72 litografías en color. A partir de aquí, trabajó en diversos libros de bibliófilo en colaboración con amigos poetas, como Breton en Anthologie de l’humour noir en 1950 y La clé des champs en 1953; con René Cher, Fête des arbres et du chasseur en 1948 y A la santé du serpent en 1954; con Michel Leiris en 1956, Bagatelles végétales; y con Paul Éluard, A toute épreuve con ochenta xilografías realizadas en madera de boj. La ejecución de este trabajo se llevó a cabo entre los años 1947 y 1958.38
Entre el 9 de junio y 27 de septiembre de 1969 realizó una exposición individual «Oeuvre gravé et lithographié» en la Galería Gérald Cramer de Ginebra y en este mismo año una gran retrospectiva de obra gráfica al Pasadena Art Museum de Pasadena (California).
Obras destacadas[editar]

Femme (1981), escultura de Joan Miró en la Casa de la Ciudad de Barcelona.
Pinturas
Nord-Sud, 1917 óleo, Galería Adrien Maeght en París.
La casa de la palmera, 1918, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid.
La masía, 1921 óleo, National Gallery of Art de Washington.
Retrato de bailarina española, 1921 óleo Museo Picasso de París.
Tierra labrada, 1923 óleo, Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York.
Carnaval de Arlequín, 1924 óleo, Albright-Knox Art Gallery de Búfalo
Serie de tres pinturas: Interior holandés, 1928 óleo, Museo Guggenheim de Venecia- Meadows Museum, Dallas y Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Composición, 1934 (Museo Soumaya).
Caracol, mujer, flor y estrella, 1934 (Museo del Prado)
Mujer y pájaros al amanecer
La Lección de Esquí, 1966 óleo, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas.
Bodegón del zapato viejo, 1937.
Corrida de toros
Una estrella acaricia el seno de una negra, 1938 óleo, Tate Gallery de Londres.
Serie de 24 gouaches: Constelaciones, 1940-1941.
Serie de 3 pinturas: Azul, 1961 óleo, Centro Georges Pompidou de París
El disco rojo persiguiendo a la alondra, 1953 Museo Botero en Bogotá.
Personaje delante del sol, 1968 acrílico, Fundación Miró en Barcelona.
La esperanza del condenado a muerte, 1974 Fundación Miró en Barcelona.
Mujer desnuda subiendo la escalera, 1937 Fundación Miró en Barcelona.
Metamorfosis, serie de Joan Miró.
Manos volando hacia las constelaciones, 1974 Fundación Miró en Barcelona
La esperanza del navegante, 1968 - 1973
Serie Barcelona, 1944 Fundació Joan Miró
Cabeza de campesino catalán
Murales cerámicos
Murales cerámicos del Sol y la Luna, 1958, Sede de la Unesco en París.
Mural cerámico para la Universidad de Harvard, 1950.
Mural cerámico de la Handekshochschule, 1964 de Sankt Gallen en Suiza.
Mural cerámico de la Fundación Maeght, 1964 en Saint-Paul-de-Vence.
Mural de cerámica de la terminal B, 1970 del Aeropuerto de Barcelona.
Murales cerámicos para el pabellón del Gas, 1970 para la exposición internacional de Osaka
Mural cerámico en Wilhelm-Hack-Museum, 1971 de Ludwigshafen.
Mural de cerámica de la Cinemateca, 1972 de París, actualmente en el Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria-Gasteiz (ARTIUM).
Mural cerámico del nuevo Palacio de Congresos de Madrid, 1980.
Esculturas
Personaje con paraguas, 1933 escultura de madera, paraguas y hojas secas en la Fundación Miró de Barcelona.
Pájaro lunar, 1946-1949 en bronce diversas copias
Pájaro solar, 1946-1949 en bronce diversas copias
Reloj de viento, 1967 escultura en bronce.
La caricia de un pájaro, 1967 bronce pintado en la Fundación Miró de Barcelona
Mujer botella, 1973 escultura en bronce para el Parque Cultural Viera y Clavijo de Santa Cruz de Tenerife.
Perro, 1974 bronce en la Fundación Miró de Barcelona.
Conjunto monumental para La Défense, 1978 en París.
Miss Chicago, 1981 Escultura pública de doce metros en Chicago.
Femme, 1981 escultura en bronce, expuesta en la Casa de la Ciudad de Barcelona.
Mujer y Pájaro, 1983 escultura de cemento recubierta de cerámica en el Parque Joan Miró de Barcelona
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Salvador Dalí

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Salvador Dalí

Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech,1 marqués de Dalí de Púbol (Figueras, 11 de mayo de 1904-ibídem, 23 de enero de 1989), fue pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español del siglo XX. Se le considera uno de los máximos representantes del surrealismo. Salvador Dalí es... Ver mas
Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech,1 marqués de Dalí de Púbol (Figueras, 11 de mayo de 1904-ibídem, 23 de enero de 1989), fue pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español del siglo XX. Se le considera uno de los máximos representantes del surrealismo.
Salvador Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante.2 3 Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la capacidad de acrisolar un estilo genuinamente personal y palpable al primer contacto, que en realidad era muy ecléctico y que «succionó» de innovaciones ajenas. Una de sus pinturas más célebres es La persistencia de la memoria, realizada en 1931.
Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Esta conducta irritaba a quienes apreciaban su arte y justificaba a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas como un reclamo publicitario ocasionalmente más llamativo que su producción artística.4 Dalí atribuía su «amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo, su pasión por el lujo y su amor por la moda oriental» a un autoproclamado «linaje arábigo»,5 que remontaba sus raíces a los tiempos de la dominación árabe de la península ibérica.
...que no conozca el significado de mi arte, no significa que no lo tenga...

La única diferencia entre un loco y yo, es que yo no estoy loco.6
Salvador Dalí
Índice [ocultar]
1 Biografía
1.1 Infancia
1.2 Juventud en Madrid y París
1.3 De 1929 a la Segunda Guerra Mundial
1.4 Estancia en Nueva York
1.5 Últimos años en Cataluña
2 Simbolismo
3 Otras actividades artísticas
4 Ideología y personalidad
5 Obra
5.1 Pintura
5.2 Escultura
5.3 Literatura
6 Museografía
7 Dalí y el cine
7.1 Dalí en el cine
8 Anécdotas
9 Véase también
10 Referencias
11 Bibliografía
11.1 Catálogo razonado
11.2 Obras completas
11.3 Sobre Dalí
12 Enlaces externos
12.1 Imágenes
12.2 Sitios web
12.3 Artículos
12.4 Documentales
12.5 Entrevistas
Biografía[editar]
Infancia[editar]

La familia Dalí en 1910: desde la izquierda, su tía María Teresa, sus padres, su tía Catalina (segunda esposa de su padre), su hermana Ana María y su abuela Ana.
Salvador Dalí nació a las 8:45 horas del 11 de mayo de 1904,7 en el número 20 de la calle Monturiol, en Figueras, provincia de Gerona,8 en la comarca catalana del Ampurdán, cerca de la frontera con Francia.9 El hermano mayor de Dalí, también llamado Salvador (nacido el 12 de octubre de 1901 y bautizado como Salvador Galo Anselmo),1 había muerto de un «catarro gastroenterítico infeccioso» unos nueve meses antes (el 1 de agosto de 1903). Esto marcó mucho al artista posteriormente, quien llegó a tener una crisis de personalidad, al creer que él era la copia de su hermano muerto.10 Su padre, Salvador Dalí i Cusí, era abogado de clase media y notario, de carácter estricto suavizado por su mujer Felipa Domènech i Ferrés, quien alentaba los intereses artísticos del joven Salvador.11 12 Con cinco años, sus padres lo llevaron a la tumba de su hermano y le dijeron que él era su reencarnación, una idea que él llegó a creer.13 14 De su hermano, Dalí dijo:
...nos parecíamos como dos gotas de agua, pero dábamos reflejos diferentes... Mi hermano era probablemente una primera visión de mí mismo, pero según una concepción demasiado absoluta.15
Dalí también tuvo una hermana, Ana María, cuatro años más joven que él.16 En 1949 ella publicó un libro sobre su hermano, titulado Dalí visto por su hermana.17 En su infancia, Dalí trabó amistad con futuros jugadores del F.C. Barcelona, como Emilio Sagi Liñán o Josep Samitier. En época de vacaciones, en el floreciente Cadaqués, el trío pasaba mucho tiempo jugando al fútbol.[cita requerida]
En 1916 descubrió la pintura contemporánea durante una visita familiar a Cadaqués, donde conoció a la familia de Ramón Pichot, un artista local que viajaba regularmente a París, la capital del arte del momento.11 Siguiendo los consejos de Pichot, su padre lo envió a clases de pintura con el maestro Juan Núñez. Al año siguiente, su padre organizó una exposición de sus dibujos al carboncillo en la casa familiar. En 1919, con catorce años, Dalí participó en una exposición colectiva de artistas locales en el teatro municipal de Figueras y en otra en Barcelona, auspiciada por la Universidad, en la que recibió el premio Rector de la Universidad.
En 1919, cuando cursaba sexto de bachillerato en el instituto Ramón Muntaner, editaron entre varios amigos la revista mensual Studium. Había ilustraciones, textos poéticos y una serie de artículos sobre pintores como Goya, Velázquez o Leonardo da Vinci.18
En febrero de 1921 su madre murió a consecuencia de un cáncer de útero. Dalí tenía 16 años. Sobre la muerte de su madre diría más tarde que fue «el golpe más fuerte que he recibido en mi vida. La adoraba. No podía resignarme a la pérdida del ser con quien contaba para hacer invisibles las inevitables manchas de mi alma...».19 Tras su muerte, el padre de Dalí contrajo matrimonio con la hermana de su esposa fallecida. Dalí nunca aprobó este hecho.11


















Gal Dalí i Viñas














Salvador Dalí i Cusí

















Teresa Cusí i Marcó














Salvador Dalí i Domènech




















Anselm Domènech i Serra














Felipa Domènech i Ferrés

















María Anna Ferrés i Sadurní













Juventud en Madrid y París[editar]


Dalí tuvo dos posibles influencias para el bigote que lucía: a la izquierda, Josep Margarit, un militar catalán cuyo retrato colgaba en la sala de estar de la casa paterna del artista; a la derecha, Diego Velázquez, el maestro pintor andaluz admirado por el genio catalán.
En 1922 Dalí se alojó en la célebre Residencia de Estudiantes de Madrid para comenzar sus estudios en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.11 Dalí enseguida atrajo la atención por su carácter de excéntrico dandi. Lucía una larga melena con patillas, gabardina, medias y polainas al estilo de los artistas victorianos. Sin embargo, fueron sus pinturas, en las que Dalí tanteaba el cubismo, las que llamaron la atención de sus compañeros de residencia, entre los que se incluían futuras figuras del arte español, como Federico García Lorca, Pepín Bello o Luis Buñuel. En aquella época, sin embargo, es posible que Dalí no entendiese completamente los principios cubistas: sus únicas fuentes eran artículos publicados en la prensa y un catálogo que le había dado Pichot, puesto que en el Madrid de aquella época no había pintores cubistas.
En 1924 un todavía desconocido Salvador Dalí ilustró un libro por primera vez. Era una publicación del poema en catalán Les Bruixes de Llers, de uno de sus amigos de la residencia, el poeta Carles Fages de Climent. Dalí pronto se familiarizó con el dadaísmo, influencia que lo marcó el resto de su vida. En la residencia también trabó una apasionada relación con el joven Lorca, pero Dalí terminó rechazando los amorosos reclamos del poeta.20 21
Dalí fue expulsado de la Academia en 1926, poco antes de sus exámenes finales, por afirmar que no había nadie en ésta en condiciones de examinarlo.22 La maestría de sus recursos pictóricos se refleja en su impecablemente realista Cesta de pan, pintada en 1926.23 Ese mismo año, visitó París por primera vez, donde conoció a Pablo Picasso, a quien el joven Dalí admiraría profundamente. Picasso ya había recibido algunos comentarios elogiosos sobre Dalí de parte de Joan Miró. Con el paso del tiempo y el desarrollo de un estilo propio, Dalí se convirtió a su vez en una referencia y en un factor influyente en la pintura de éstos.
Algunas de las características de la pintura de Dalí de aquella época se convirtieron en distintivas para toda su obra posterior. Dalí absorbía las influencias de muchos estilos artísticos, desde el academicismo clásico a las vanguardias más rompedoras.24 Sus influencias clásicas pasaban por Rafael, Bronzino, Zurbarán, Vermeer y, por supuesto, Velázquez.25 Alternaba técnicas tradicionales con sistemas contemporáneos, a veces en una misma obra. Las exposiciones de su obra realizadas en Barcelona en aquella época atrajeron gran atención, en la que se mezclaban las alabanzas y los debates suscitados por una crítica dividida.
En aquella época, Dalí se dejó crecer un vistoso mostacho que imitaba al del célebre pintor Diego Velázquez, y que se convertiría en uno de sus distintivos personales el resto de su vida.
De 1929 a la Segunda Guerra Mundial[editar]

Las miradas alucinadas de Dalí (izquierda) y su camarada en el surrealismo, Man Ray, en París, el 16 de junio de 1934, según fotografía de Carl Van Vechten.
En 1929 Dalí colaboró con el director de cine Luis Buñuel, amigo de la residencia de estudiantes, en la redacción del polémico cortometraje Un chien andalou, en el que se mostraban escenas propias del imaginario surrealista. Dalí afirmó haber desempeñado un papel esencial en el rodaje del film, sin que este extremo se haya visto confirmado por la historiografía del arte contemporáneo.26 En agosto de ese mismo año conoció a su musa y futura esposa Gala.27 Nacida con el nombre de Elena Ivanovna Diakonova, era una inmigrante rusa, once años mayor que él, en aquel tiempo casada con el poeta francés Paul Éluard. Ese mismo año, Dalí continuó exponiendo regularmente, ya como profesional, y se unió oficialmente al grupo surrealista afincado en el barrio parisino de Montparnasse. Durante los dos años siguientes, su trabajo influyó enormemente en el rumbo del surrealismo, que lo aclamó como creador del método paranoico-crítico, el cual, según se decía, ayudaba a acceder al inconsciente, liberando energías artísticas creadoras.11 12
En el ámbito doméstico, la relación de Dalí con su padre estaba próxima a la ruptura. Salvador Dalí i Cusí se oponía al romance del joven artista con Gala, y condenaba su vinculación con los artistas del surrealismo por considerarlos —como buena parte de la opinión pública— elementos tendentes a la degeneración moral. La tensión fue en aumento hasta culminar en un enfrentamiento personal, a raíz de una noticia sobre Dalí publicada en la prensa, en la que se refería que un dibujo de un Sagrado Corazón de Jesucristo expuesto en París por el joven mostraba una inscripción en la que se leía: «En ocasiones, escupo en el retrato de mi madre para entretenerme». Ultrajado, su padre demandó una satisfacción pública. Dalí se negó, quizá por temor a ser expulsado del grupo surrealista, y fue echado violentamente de casa el 28 de diciembre de 1929. Su padre lo desheredó y le prohibió regresar jamás a Cadaqués. Posteriormente, Dalí describió cómo en el curso de este episodio le presentó a su padre un preservativo usado conteniendo su propio esperma, con las palabras: «Toma. ¡Ya no te debo nada!». El verano siguiente, Dalí y Gala alquilaron la pequeña cabaña de un pescador en una bahía cerca de Portlligat. Compró el terreno, y a lo largo de los años fue ampliándola hasta convertirla en su fastuosa villa junto al mar, hoy reconvertida en casa-museo. Gala y Dalí se casaron en 1934 en una ceremonia civil, y volverían a hacerlo por el rito católico en 1958.28
En 1931 Dalí pintó una de sus obras más célebres, La persistencia de la memoria (Los relojes blandos), obra en la que según algunas teorías ilustró su rechazo del tiempo como una entidad rígida o determinista.29 Esta idea se ve apoyada por otras imágenes de la obra, como el extenso paisaje, o algunos relojes de bolsillo devorados por insectos.30 Los insectos, por otra parte, formarían parte del imaginario daliniano como una entidad destructora natural y, tal como explicó en sus memorias, venía determinada por un recuerdo de infancia.
Dalí llegó a Estados Unidos gracias al marchante Julien Levy en 1934. La exposición de algunas obras de Dalí —incluida la célebre Persistencia...— levantó un enorme revuelo en Nueva York. Se organizó un baile en su honor, el Dalí Ball, al que compareció llevando una caja de cristal colgada sobre el pecho con un sostén dentro.31 Ese mismo año, Dalí y Gala ofrecieron un baile de máscaras en Nueva York, cortesía de la heredera Caresse Crosby. Fueron disfrazados del bebé Lindbergh y su secuestrador, en alusión a un dramático suceso reciente. El escándalo levantado en la prensa fue tan notable que Dalí pidió disculpas públicamente. Al regresar a París, debió explicarse ante los surrealistas que no entendieron por qué se había disculpado por un acto considerado surrealista.32
Aunque la mayor parte del surrealismo se había adscrito a ideas políticas de izquierda, Dalí mantenía una posición que se juzgaba ambigua en la cuestión de las relaciones entre arte y activismo político. Los líderes del movimiento, principalmente André Breton, lo acusaron de defender lo «nuevo» e «irracional» del fenómeno hitleriano, acusación que Dalí refutó afirmando que «no soy un hitleriano ni de hecho ni de intención».33 Dalí insistía en que el surrealismo podía existir en un contexto apolítico, y se negó a denunciar públicamente el régimen fascista alemán. Éste y otros factores le hicieron perder su prestigio entre sus camaradas artistas, y a finales de 1934 Dalí fue sometido a un «juicio surrealista» del cual resultó su expulsión del movimiento.27 A esto, Dalí respondió con su célebre réplica, «Yo soy el surrealismo».22
Sin embargo, en 1936, Dalí volvió a participar en una exposición surrealista, esta vez de índole internacional, celebrada en Londres. Su conferencia, titulada Fantômes paranoiques authentiques, fue impartida con un traje de buzo, casco incluido.34 Llegó a la conferencia con un taco de billar y un par de sabuesos rusos, y en su transcurso tuvo que retirarse el casco para poder tomar aire. Comentó al respecto que «simplemente quería mostrar que estaba sumergiéndome profundamente en la mente humana».35
En aquel entonces, el mecenas de Dalí era el muy adinerado Edward James, que había colaborado generosamente al ascenso del artista comprándole numerosas obras y prestándole dinero durante dos años. Se convirtieron en buenos amigos, tanto es así que James aparece en la pintura de Dalí Cisnes reflejando elefantes. Colaboraron igualmente en la creación de dos de los iconos más representativos del movimiento: el «teléfono-langosta» y el sofá de los labios de Mae West. En 1939 Breton acuñó el anagrama despectivo «Avida Dollars» para criticar su pasión por el dinero.36 Esta sarcástica referencia a su pujante negocio del arte también pretendía acusarle de cultivar la megalomanía mediante la fama y el dinero. Algunos de los surrealistas comenzaron incluso a hablar de Dalí en pretérito perfecto, como si ya hubiera fallecido. Algunos grupos surrealistas, y miembros adscritos posteriormente, como Ted Joans, mantuvieron contra Dalí una enconada polémica que llegó hasta el día de su muerte (y aún más adelante).
Estancia en Nueva York[editar]
En 1940, con la Segunda Guerra Mundial arrasando Europa, Dalí y Gala huyeron a los Estados Unidos, donde vivieron durante ocho años. Después de la mudanza, Dalí retomó su antiguo catolicismo. «Durante ese período», informan Robert y Nicholas Descharnes, «Dalí nunca dejó de escribir».37
En 1941 Dalí entregó un guion cinematográfico a Jean Gabin, titulado Moontide (en español, Marea lunar). En 1942 publicó su autobiografía, La vida secreta de Salvador Dalí. Escribía regularmente para los catálogos de sus exposiciones, como la organizada en la Knoedler Gallery de Nueva York en 1943. En ese artículo exponía que
el surrealismo habrá servido por lo menos para dar una prueba experimental de que la total esterilidad de los intentos por automatizar han llegado demasiado lejos y han llevado a un sistema totalitario...La pereza contemporánea, y la total falta de técnica, han alcanzado su paroxismo en la significación psicológica del uso actual de la institución universitaria.
También escribió una novela, publicada en 1944, sobre un salón de moda para automóviles. De ahí surgió una caricatura de Erdwin Cox, del The Miami Herald, que presentaba a Dalí luciendo un automóvil como vestido de fiesta.37

Exposición sobre Dalí en Londres. En primer término hay una escultura de un elefante de patas alargadas con una pirámide en el lomo, idéntico a uno de los que aparecen en el cuadro. Al fondo se encuentra el London Eye.
Aceptó la decoración de un escaparate de los almacenes Bonwit-Tellerle en la Quinta Avenida de Nueva York. Hizo una polémica composición dedicada al día y a la noche: en un lado un maniquí con peluca roja en una bañera de Astracán; en el otro, una figura acostada en una cama con baldaquino negro sobre cuya almohada ardían carbones. Pero se realizaron modificaciones sin permiso del autor, y Dalí en protesta acabó lanzando la bañera contra el vidrio del escaparate. Fue detenido y debió pagar los desperfectos. El juzgado le absolvió, pues argumentó que defendía su obra. Se entendió esta protesta como una defensa de los derechos de autor.38
En esos años, Dalí diseñó ilustraciones para ediciones traducidas al inglés de clásicos como El Quijote, la autobiografía de Benvenuto Cellini y los Ensayos de Michel de Montaigne. También aportó decorados para la película Spellbound de Alfred Hitchcock (conocida como Recuerda en España, Cuéntame tu vida en Argentina), y emprendió con Walt Disney la realización de una película de dibujos animados, Destino, que quedó inconclusa y que se montó en 2003, mucho después del fallecimiento de ambos.39
Fue una de las épocas más fructíferas de su vida, pero también discutida por ciertos críticos, que veían que Dalí difuminaba la frontera entre arte y bienes de consumo al arrinconar la pintura para volcarse más en el diseño y en artículos comerciales.
La imagen pública de Dalí fue sumando todo tipo de rumores sobre sus extravagancias y obsesiones. Un fraile italiano llamado Gabriele María Berardi anunció haber realizado un exorcismo a Dalí en una visita de éste a Francia en 1947.40 En el 2005, una escultura del Cristo en la cruz fue inaugurada en la ciudad de dicho fraile. Se ha comentado que Dalí entregó esta obra al fraile como prenda de gratitud,40 y dos expertos españoles sobre Dalí han considerado que hay motivos suficientes para pensar que la obra fuese realmente suya.40
Últimos años en Cataluña[editar]
Desde 1949 Dalí vivió en Cataluña. El hecho de que eligiese España para vivir en tiempos de la dictadura hizo que algunos de sus antiguos colegas, así como sectores progresistas, le hicieran blanco de nuevas críticas.41 Esto sugiere que el descrédito con que Dalí era considerado entre surrealistas y críticos de arte se debiese, al menos en parte, a motivaciones políticas, más que al valor intrínseco de sus obras de arte. En 1959 Breton organizó una exposición antológica titulada Homage to Surrealism (en español Homenaje al surrealismo), que reunía obras surgidas en las cuatro décadas del movimiento. La exposición recuperaba piezas de Dalí, de Joan Miró, de Enrique Tábara y Eugenio Granell. Al año siguiente, sin embargo, Breton se opuso enérgicamente a la inclusión de la Madonna Sixtina de Dalí en la Exposición Internacional Surrealista de Nueva York.42

Salvador Dali, The Rainbow (1972), Centro M. T. Abraham de Artes Visuales.
Al final de su carrera, Dalí no se limitó a la pintura, desarrollando nuevos procesos y medios experimentales: creó un boletín43 y se convirtió en uno de los pioneros de la holografía artística,44 algo nada extraño considerando su larga exploración artística de juegos visuales. Ya durante sus últimos años, artistas como Andy Warhol proclamaron al catalán como una de las influencias más notables del pop art.45 Dalí también mostró desde siempre un acusado interés por las ciencias naturales y las matemáticas. Así se observa en muchas de sus obras —sobre todo las creadas en la década de los 50— en las cuales llegó a componer retratos individuales a partir de cuernos de rinoceronte. Según el artista, el cuerno de rinoceronte significaba la geometría divina, puesto que crece en una progresión espiral logarítmica. También relacionó el concepto con los temas de la castidad y la santidad de la Virgen María.46 Otro de los intereses de Dalí era el ADN, y el hipercubo (un cubo de cuatro dimensiones) que llegó a plasmar desplegado en su Crucifixión (Corpus Hypercubus).

La bahía de Portlligat, el paisaje que cautivó al artista en Cadaqués, con su casa, hoy museo. Está formada por un conjunto de barracas de pescadores que fueron adquiridas por el pintor y su mujer, Gala. Abierta al público en 1997, en su interior se exhiben recuerdos del pintor, su taller, la biblioteca, sus habitaciones y el jardín.
La posguerra abrió para Dalí una nueva etapa artística, caracterizada por el virtuosismo técnico y el recurso a ilusiones ópticas, así como al imaginario de la ciencia o la religión. Su aproximación al catolicismo se fue haciendo más marcada, influida quizás por la conmoción causada por la bomba de Hiroshima y el amanecer de la era nuclear. El mismo Dalí denominó esta etapa de su arte como el período místico-nuclear. Su intención parecía ser la síntesis de la iconografía cristiana con imágenes en descomposición relacionadas con la física nuclear,47 como se desprende de obras como Crucifixión (Corpus Hypercubus). Bajo la clasificación de «misticismo nuclear» se incluyen también La gare de Perpignan (1965) y El torero alucinógeno (1968-1970). En 1960 Dalí empezó a trabajar en un teatro y museo personal, levantados en el edificio del antiguo Teatro Municipal, construcción del siglo XIX destruido al final de la Guerra Civil; fue el mayor de sus proyectos individuales, y a él dedicaría buena parte de sus energías hasta 1974. Incluso más adelante, a mediados de los 80, realizó algunas reformas menores en el edificio.

Salvador Dalí en 1972.
En su madurez, el artista también se implicó con otras actividades «extra-artísticas» que daban una medida de su enorme popularidad como personaje público. En 1968 Dalí grabó un anuncio televisivo para la marca de chocolate Lanvin,48 y en 1969 diseñó el logo de Chupa Chups. Ese mismo año trabajó como responsable creativo de la campaña publicitaria de Eurovisión, y creó una gran escultura metálica que se instaló en el escenario del Teatro Real de Madrid. En el programa Dirty Dali: A Private View (en español Dalí el sucio: Una visión íntima), emitido por el Channel 4 en 2007, el crítico Brian Sewell describía cómo a finales de los 60 fue requerido por el artista a posar sin pantalones en posición fetal bajo la axila de una figura de Jesucristo, mientras Dalí le fotografiaba y fingía hurgarse bajo el pantalón.49 50
En 1980 la salud de Dalí se deterioró seriamente. Con su mujer, Gala —que ya manifestaba síntomas de senilidad—, supuestamente consumió un cóctel de fármacos que dañó seriamente su sistema nervioso, con la consecuencia de incapacitarle prácticamente para la creación artística. Con 76 años, el estado de Dalí era lamentable, y su mano sufría constantes temblores que evidenciaban el progreso de la enfermedad de Parkinson.51 52
En 1982 el rey Juan Carlos I concedió a Dalí el título de marqués de Púbol, que el artista agradeció con un dibujo, titulado Cabeza de Europa, que a la postre resultó ser su último dibujo, y que le entregó tras la visita real a su lecho de muerte.

La iglesia de Sant Pere en Figueras, donde Dalí recibió el bautismo, la primera comunión, y donde se llevó a cabo su funeral.

Teatro-Museo Dalí en Figueras. Cuando el alcalde invitó al artista a regalar una pintura para el museo local, Dalí respondió estar dispuesto a donar un museo entero y sugirió como sede el teatro entonces abandonado. En este teatro había expuesto sus dos primeras obras en 1918.
Gala murió el 10 de junio de 1982. Tras su muerte, Dalí perdió su entusiasmo por vivir. Deliberadamente, se deshidrató seriamente —supuestamente como consecuencia de un intento de suicidio—, aunque justificó su acción como un método de entrar en un estado de animación suspendida, del mismo modo en que algunas bacterias pueden hacer. Se mudó de Figueras al castillo de Púbol, que había comprado para Gala, y donde ella había fallecido. En 1984 un incendio de causas desconocidas se declaró en su dormitorio.53 De nuevo se sospechó de un intento de suicidio, aunque quizás se debiese a negligencia del personal doméstico.22 De todos modos, Dalí fue rescatado y regresó a su domicilio en Figueras, donde un grupo de artistas, mecenas y colegas artistas se encargaron de su bienestar hasta sus últimos años.
Se ha denunciado que Dalí fue obligado por algunos de sus «cuidadores» a firmar lienzos en blanco que serían vendidos tras su muerte como originales.54 Estos rumores hicieron que el mercado del arte se mostrase escéptico con las obras atribuidas a Dalí durante su última época.
En noviembre de 1988 Dalí fue ingresado a raíz de un serio fallo cardíaco, y el 5 de diciembre de 1988 fue visitado por el rey Juan Carlos I, quien le confesó que siempre había sido un fiel admirador de su obra.55
El 23 de enero de 1989, oyendo su disco favorito —Tristán e Isolda, de Richard Wagner— murió a causa de una parada cardiorrespiratoria en Figueras, con 84 años, y cerrando el círculo fue enterrado en la cripta de Figueras, situada en su casa-museo (ver imagen). Su cripta se encuentra al otro lado de la iglesia de Sant Pere, donde había sido bautizado, había recibido su primera comunión y donde descansa desde entonces; a pocos metros de distancia de su casa natal.56 Para evitar tensiones entre el Gobierno central y autonómico, Dalí testó en 1982 a favor del Estado Español como heredero universal de su obra.57
La Fundación Gala-Salvador Dalí se encarga en la actualidad de la gestión de su legado.58 En los Estados Unidos, el responsable legal de su representación es la Artist Rights Society.59 En 2002 esta sociedad salió en las noticias por requerir de Google que retirasen un logotipo de la firma diseñado a semejanza de la obra de Dalí, y que había sido especialmente creado para conmemorar el aniversario de su nacimiento, alegando derechos de copyright. Google accedió a retirar el logotipo —cuyo uso, teóricamente, era de un sólo día— pero se negó a admitir la violación de sus derechos de autor.
Simbolismo[editar]
Dalí describió un extenso y personal universo simbólico a lo largo de su obra. Los «relojes blandos», que habían aparecido en 1931, fueron interpretados como una referencia a la teoría de la relatividad de Albert Einstein,30 y fueron supuestamente creados tras la observación de unos pedazos de camembert expuestos al sol un caluroso día de agosto,60 Además de que siempre marcan las seis , la hora del surrealismo. Otro de sus símbolos recurrentes es el elefante, que apareció por vez primera en el Sueño causado por el vuelo de una avispa sobre una granada un segundo antes de despertar (1944). Los elefantes dalinianos, inspirados por el obelisco de Roma de Gian Lorenzo Bernini, suelen aparecer con «patas largas, casi invisibles de deseo»,61 y portando obeliscos en sus lomos. Conjuntadas con esas delicadas extremidades, los obeliscos —en los que algunos han querido ver un símbolo fálico— crean un sentido de fantasmal irrealidad. «El elefante es una distorsión en el espacio», explicó Dalí en Dalí y el Surrealismo, de Dawn Ades, «con sus aguzadas patas contrastando la idea de ingravidez, definida sin la menor preocupación estética, estoy creando algo que me inspira una profunda emoción y con la que intento pintar honestamente».
Otro de sus símbolos recurrentes es el huevo. Enlaza con los conceptos de vida prenatal intrauterina, y a veces se refiere a un símbolo de la esperanza y el amor;62 y así es como se interpreta en su Metamorfosis de Narciso. También recurrió a imágenes de fauna a lo largo de toda su obra: hormigas como símbolo de muerte, corrupción, y un intenso deseo sexual; el caracol como cabeza humana (había visto un caracol sobre una bicicleta en el jardín de Sigmund Freud cuando fue a visitarle); y las langostas como un símbolo de decadencia y terror.62
Otras actividades artísticas[editar]

Atomicus Dalí, fotografía de 1948 de Philippe Halsman, donde explora la idea de la suspensión, representando tres gatos que vuelan, un cubo de agua lanzada y Salvador Dalí en el aire.

Patio central del Museo Dalí de Figueras.
La actividad artística de Dalí no se limitó a la pintura. Algunas de sus obras más populares son esculturas o ready-mades, y también destacó en sus contribuciones al teatro, la moda y la fotografía, entre otras disciplinas artísticas. Dos de los artefactos surrealistas dalinianos más notables fueron el Teléfono-langosta y el Sofá de los labios de Mae West (realizados entre 1936 y 1937). El artista y mecenas Edward James encargó estas piezas a Dalí. James había heredado a los cinco años de edad una gran parcela en West Dean (Sussex, Inglaterra), desde donde alentó la producción surrealista a lo largo de la década de los 30.63 «Las langostas y los teléfonos tienen claras connotaciones sexuales para Dalí», refiere la placa explicativa del Teléfono-langosta expuesto en la Tate Gallery, «y de ahí él extraía una analogía entre la comida y la sexualidad».64 Este teléfono era perfectamente operativo, y James adquirió cuatro de ellos para sustituir los que tenía en su retiro inglés. Uno de ellos se encuentra actualmente en la mencionada galería, el segundo está en el museo del teléfono de Fráncfort del Meno, el tercero es propiedad de la Fundación Edward James y el cuarto pertenece a la National Gallery de Australia.63
El sofá de Mae West, hecho de madera y satén, recibía su forma de los labios de la célebre actriz, a quien Dalí encontraba fascinante.27 Mae West ya había aparecido en una pintura de 1935 titulada Cara de Mae West. El sofá se encuentra actualmente en el museo Brighton and Hove, en Inglaterra.
Entre 1941 y 1970 Dalí se dedicó al diseño de joyería, hasta un número de 39 piezas en total. Las joyas creadas, de intrincado diseño, integraban partes móviles. La más conocida de ellas, Corazón Real, está hecha en oro y tiene 46 rubíes, 42 diamantes y 4 esmeraldas incrustadas, y está hecha de modo que el centro «lata» como un corazón auténtico. El mismo Dalí comentó en 1949 que «sin un público, sin la presencia de espectadores, estas joyas no podrían cumplir la función para la que fueron creadas. El observador es, en último término, el creador definitivo». Las Dalí-Joies (en español, Joyas de Dalí) se encuentran actualmente en el teatro-museo de Figueras, como parte integrante de su colección permanente.
Dalí también colaboró en la creación teatral. En 1927 diseñó la escenografía para la obra de Lorca Mariana Pineda.65 Para Las bacanales, un ballet de 1939 basado en el Tannhäuser de Richard Wagner (1845), Dalí se encargó del diseño de escenario y de la edición del libreto.66 En 1941 Dalí accedió al diseño de escenarios para Laberinto, y de nuevo en 1949 para El sombrero de tres picos.67
Una curiosidad de la obra de Dalí es su incursión en las Fallas de Valencia con el diseño de una falla. Se trata de la plantada por la comisión de El Foc en 1954, cuyo lema era La corrida de toros surrealista. Construida por el escultor Octavio Vicent con no pocos problemas técnicos, fue muy criticada por el mundo fallero por la ruptura estética y conceptual que supuso.
Aunque principalmente conocido por sus pinturas, Dalí también manifestó un temprano interés por el cine durante su juventud, y acudía regularmente al cine todos los domingos. Había conocido el cine mudo, en el que la apariencia del medio primaba sobre su contenido, y que concedía a sus estrellas una gran popularidad. Opinaba que había dos dimensiones en cuanto a las teorías del cine: «las cosas de por sí», es decir los hechos que son presentados en el mundo de la cámara, y la «imaginación fotográfica», o el modo en que la cámara muestra la imagen y el valor creativo que puede desprenderse del mismo.68 Dalí se mostró especialmente activo a ambos lados de la cámara. Creó espléndidas obras de arte como Destino (en colaboración con Walt Disney), una película iniciada en 1946 y completada en 2003 por Baker Bloodworth y Roy Oliver Disney. En este trabajo se incluyen imágenes oníricas, como extrañas figuras voladoras, y está inspirada por la canción Destino (del letrista mexicano Armando Domínguez). Sin embargo, cuando Disney contrató a Dalí, su empresa no estaba preparada para asumir el trabajo que el artista iba a desarrollar. Después de ocho meses de trabajo intenso, la compañía tuvo que abandonar el proyecto por dificultades presupuestarias, y sólo 57 años más tarde se remató su producción. Exhibida en diversos festivales de cine, la película combina el espíritu artístico daliniano con la clásica animación Disney.
Dalí trabajó como co-guionista de la película surrealista de Luis Buñuel Un chien andalou (Un perro andaluz), un corto de 17 minutos que incluye alguna de las imágenes antológicas del surrealismo (como el ojo cortado con una cuchilla de afeitar, aunque dicha imagen es más obra de Buñuel que de Dalí). Esta película es su aportación más notable al mundo del cine independiente. Un chien andalou fue el modo en que Dalí logró incluir sus imágenes oníricas en una dimensión real. La sucesión de escenas provoca en el espectador un torrente de sensaciones, según las expectativas despertadas por la película se ven continuamente frustradas por otras. La segunda película que produjo con Buñuel fue L'âge d'or (La edad de oro), rodada en el Estudio 28 de París en 1930. Esta película fue «prohibida durante años por grupos fascistas y antisemitas que desarrollaron una fuerte campaña de descrédito en la prensa en el cine parisino en el que se exhibía».69 Aunque la acusación de propagar conductas antisociales afectó indudablemente al éxito de su carrera artística, Dalí nunca se molestó en manifestar su propia opinión o sus creencias sobre su actividad artística. De cualquier modo, esas dos películas tuvieron un impacto extraordinario en el movimiento cinematográfico surrealista: «Si Un chien andalou permanece como el documento supremo de la aventura cinematográfica surrealista en los dominios del inconsciente, L'age d'or es quizás la manifestación más implacable de su intención revolucionaria».70
Dalí colaboró con reconocidos cineastas como Alfred Hitchcock. El más sonado entre sus proyectos cinematográficos es probablemente la secuencia onírica de Spellbound (1945), en la que se pretendía mostrar aspectos del inconsciente. Hitchcock, interesado en dotar a esta escena de calidad onírica, quería mostrar en su película como la represión de experiencias podía conducir a la neurosis. Familiarizado con la obra de Dalí, pensó que su espíritu creativo podía potenciar la atmósfera que buscaba para su película. Dalí, por otra parte, también trabajaría en un documental titulado Caos y creación, que contiene numerosas referencias artísticas que intentan explicar el concepto de arte preconizado por Dalí. La última película en la que Dalí colaboró fue Impresiones de Mongolia Superior (1975), en la que narraba la aventura de una expedición que busca un gigantesco hongo alucinógeno. La imaginería del filme gira en torno a microscópicas manchas de orina en la banda de un bolígrafo sobre el que Dalí miccionó durante varias semanas.71
El mundo de la moda y la fotografía tampoco quedó libre de su influencia artística. Dalí colaboró con Elsa Schiaparelli en la confección de un vestido blanco con una langosta impresa. Otros diseños de Dalí son un sombrero con forma de zapato y un cinturón rosado con labios en la hebilla. En 1950 diseñó un «vestido para el año 2045» en colaboración con Christian Dior.66 También creó sus propios diseños textiles y botellas de perfume. Su aportación al mundo de la fotografía se ve ampliamente reflejada en sus colaboraciones con Man Ray, Brassaï, Cecil Beaton y Philippe Halsman. Con Man Ray y Brassaï realizó fotografías de la naturaleza; con los demás se introdujo en un mundo de temas oscuros, como la serie Dalí Atómica (de 1948, véase imagen en esta misma página) que se inspiraba en su obra Leda atómica. Una de las fotografías muestra «un caballete de pintor, tres gatos, un cubo de agua, y el mismo Dali flotando por los aires».66
Las referencias a Dalí en el contexto de la ciencia se entienden en términos de la fascinación general provocada por el nuevo paradigma científico surgido a raíz de la mecánica cuántica del siglo XX. Inspirado por el «principio de incertidumbre» de Werner Heisenberg, Dalí escribió en 1958 un Manifiesto de la antimateria: «En el período surrealista, quería crear la iconografía del mundo interior y lo maravilloso de mi padre Freud. Hoy, el mundo exterior y el de la física ha trascendido a aquel de la sicología. Mi padre, hoy, es el doctor Heisenberg».72
En este sentido, La desintegración de la persistencia de la memoria, de 1954, representa un giro sobre la obra realizada en 1931, y simboliza el salto conceptual daliniano desde su perspectiva acientífica y psicológica al nuevo enfoque atomista de posguerra.72
Su visión de la arquitectura se refleja en la construcción de su casa en Portlligat, cerca de Cadaqués, así como en el pabellón surrealista —llamado Sueño de Venus— que fue expuesto en la Exposición Internacional de Lieja (1939), y que contenía numerosas y extrañas esculturas. En cuanto a su proyección literaria, Dalí escribió su autobiografía (La vida secreta de Salvador Dalí, 1942), un libro de diarios (Diario de un genio, 1952-1963), y varios ensayos (Oui: The paranoid-critical revolution, 1927-1933; El mito trágico de «El Angelus de Millet», 1978), entre otras obras. La edición literaria, y especialmente su interés por las artes gráficas, le llevaron a producir numerosos grabados y litografías. Aunque en su primer período su obra gráfica igualaba en calidad a su obra pictórica, con el transcurso de los años Dalí se dedicaría a vender los derechos de sus imágenes, pero sin molestarse personalmente en su impresión. Por otra parte, un buen número de falsificaciones fueron producidas en las décadas de los 80 y 90, confundiendo aún más el ya poco fiable mercado de obra gráfica daliniana.
Al igual que había hecho su muy admirado73 colega Marcel Duchamp, una de las obras más notables de Dalí resultó ser una persona. En 1965 Dalí conoció en un club francés a la modelo de moda Amanda Lear, conocida artísticamente como Peki d'Oslo.74 Lear se convirtió en su protegida y su musa,74 y describió su relación en la biografía Mi vida con Dalí (1986).75 Impresionado por su aspecto hombruno, Dalí dirigió el salto de Lear desde el mundo de la moda al de la música, aconsejándola respecto a sus apariciones públicas y desatando brumosas leyendas sobre sus orígenes, que atrajeron inmediatamente la atención de la escena de la música disco. Según Lear, ella y Dalí contrajeron un «matrimonio espiritual» en la desértica cumbre de una montaña.76 77 Algunos piensan que el nombre de Lear (Amanda) era una alusión a su papel como «L'amant Dalí» (en español la amante de Dalí). Lear ocupó el espacio que la anterior musa de Dalí, Isabelle Collin Dufresne (alias «Ultra Violet») había dejado desocupado tras acogerse en la Factory de Andy Warhol.78
Ideología y personalidad[editar]

Dalí en la década de 1960, luciendo el ostentoso mostacho que le caracterizaba.
Las ideas políticas de Salvador Dalí desempeñaron un papel muy relevante en sus inicios artísticos. Posteriormente se le acusó de apoyar ideológicamente el franquismo.41 79 André Breton, el «padre» del surrealismo, se distinguió por sus esfuerzos para separar el nombre de Dalí del grupo surrealista. Sin embargo, ese enfrentamiento obedecía a motivos más complejos. De cualquier modo, Dalí nunca fue antisemita como se desprende de su amistosa relación con el afamado arquitecto y diseñador Paul László, que era judío. Manifestó una profunda admiración hacia Freud —a quien conoció personalmente— y hacia Albert Einstein, a juzgar de sus escritos. Sobre la personalidad de Dalí, George Orwell dijo en un ensayo que
Uno debería ser capaz de conservar en la cabeza simultáneamente las ideas de que Dalí era al mismo tiempo un excelente dibujante y un irritante ser humano. La una no invalida, o efectivamente, no afecta a la otra.80
En su juventud el artista estuvo relacionado con el anarquismo y el comunismo. En sus escritos se suelen encontrar afirmaciones políticas —probablemente, más dirigidas a impresionar al público por su radicalidad que basadas en una inspiración profunda— que señalan cierta vinculación con el activismo político del dadaísmo. Con el avanzar de los años, sus adhesiones políticas cambiaron, especialmente según el surrealismo se identificó con el liderazgo de André Bretón, de orientación trotskista. En diversas ocasiones, Breton pidió explicaciones a Dalí por sus relaciones políticas. De cualquier modo, ya en 1970 Dalí se declaró81 como un «anarco-monárquico», dando pie a numerosas especulaciones sobre esta orientación política (indudablemente minoritaria).
Con el inicio de la Guerra Civil Española, Dalí rehuyó el enfrentamiento y rechazó manifestar su adhesión a ninguno de los bandos. Del mismo modo, tras la Segunda Guerra Mundial, Dalí fue criticado por George Orwell, quien le acusó de «escabullirse como una rata en cuanto Francia estuvo en peligro», después de haber vivido y prosperado allí durante años:
Cuando la guerra europea se acerca, él sólo se preocupa de una cosa: encontrar un lugar donde se coma bien y de donde pueda escapar rápidamente en caso de que se acercase el peligro.82
Tras su retorno a Cataluña tras la guerra, Dalí se aproximó al régimen franquista. Algunas de las declaraciones de Dalí sirvieron como respaldo a la dictadura; así felicitó a Franco por sus acciones dirigidas a «limpiar España de fuerzas destructivas».83 Dalí, que se había convertido al catolicismo y se fue volviendo una persona más religiosa con el paso de los años, podía referirse a los grupos comunistas, socialistas y anarquistas que durante la época de guerra civil habían ejecutado a más de 7000 monjas y sacerdotes.84 85 Dalí envió incluso algunos telegramas a Franco, elogiando la pena de muerte con que el dictador había condenado a algunos criminales de guerra.41 Dalí incluso conoció a Franco personalmente86 y pintó un retrato de la nieta de Franco. Es difícil determinar si sus gestos hacia el franquismo fueron sinceros o caprichosos, ya que los simultaneaba con manifestaciones decididamente surrealistas, como felicitar al líder comunista rumano Nicolae Ceauşescu por incluir un cetro entre sus atributos. El diario rumano Scînteia se hizo eco de esta noticia, sin percatarse de su índole burlona. De cualquier modo, uno de los temas en los que Dalí mostró una indudable desafección al régimen fue el polémico asesinato del poeta Federico García Lorca por milicias nacionales, que denunció incluso en los años en los que la obra del poeta estaba oficialmente prohibida.21
Si muero, no moriré del todo.
Salvador Dalí.87
Dalí, con su llamativa presencia y su omnipresente capa y barretina, ostentando un bastón y una expresión solemne enmarcada por su vistoso mostacho, se forjó una imagen de megalómano con declaraciones como «cada mañana, al levantarme, experimento un supremo placer: ser Salvador Dalí».88 Una curiosa costumbre de Dalí era quedarse con todos los bolígrafos con los que firmaba sus autógrafos. Entrevistado por Mike Wallace para el programa 60 Minutes, el artista no dejó de referirse a sí mismo en tercera persona, llegando a declarar que «Dalí es inmortal y no morirá». En otra de sus apariciones televisivas en el Tonight Show, el artista apareció cargando con un rinoceronte de cuero, y rehusó tomar asiento en ningún otro lugar.
Obra[editar]

Escultura del Rinoceronte vestido con puntillas de 1956. Puerto Banús, Marbella.

Representación de la firma de Dalí en la entrada del antiguo Museo Dalí en San Petersburgo (Florida), Estados Unidos.
Una característica principal de la obra de Dalí es la minuciosidad en el detalle de sus formas, las cuales se pueden considerar como simbólicas. Estas se muestran de una manera inconsciente la realidad misma del artista, siempre mostrando opuestos que se complementan, a esto se le llamó método paranoico critico. Los ejemplos más claros de esto son la vida y la muerte, lo real y lo imaginario, dando primacía a lo mental sobre lo físico, incluso se puede llegar a observar una relación entre lo estático y el movimiento. Lo que hace con los objetos que representa es una destrucción del mismo como un intento de probar que tal objeto existe en la realidad, 89 que aunque se centra en lo inconsciente, da una alternativa hiper real que confunde a la mente.
Su obra también está directamente relacionada con los principios del Psicoanálisis de Sigmund Freud. En primer lugar se hace evidente los mecanismos de defensa, siendo el más común la paranoia como una proyección de los miedos atribuidos a alguien externo al individuo. 90 También, la sexualidad juega un papel importante en la obra de Dalí y en el psicoanálisis, la cual, en la teoría del desarrollo psicosexual se cree que desde el vientre materno se desarrollan fijaciones y traumas que estarán ligados con el comportamiento, pero estos se suprimen en el inconsciente.91
Pintura[editar]
Categoría principal: Cuadros de Salvador Dalí
Dalí produjo alrededor de 1.500 pinturas a lo largo de su carrera,92 además de decenas de ilustraciones para libros, litografías, diseños escenográficos, vestuarios, y una ingente cantidad de dibujos, esculturas y proyectos paralelos en fotografía y cine. Colaboró en la película Dalí en Nueva York (1965), de Jack Bond.3
En la biografía Sexo, surrealismo, Dalí y yo, coescrita entre Carlos Lozano y Clifford Thurlow, se afirma que Dalí nunca dejó de ser un surrealista. Como afirmó en una ocasión, parafraseándose a sí mismo, «la única diferencia entre los surrealistas y yo, es que yo soy un surrealista».36
A continuación se detalla una lista de algunas de las obras y acciones más importante de Dalí durante su carrera.
Paisaje cerca de Figueras (1910)
Vilabertran (1913)
Fiesta en Figueras (1916)
Vista de Cadaqués con la sombra del monte Pani (1917)
Viejo crepuscular (1918)
Puerto de Cadaqués (Noche) y Autorretrato en el estudio (1919)
El padre del artista en la playa de Llaner y Vista de Portdogué (Port Aluger) (1920)
Jardín de Llaner (Cadaqués) y Autorretrato (1921)
Escena de cabaret y Sueños noctámbulos (1922)
Autorretrato con humanidad y Autorretrato cubista con La Publicitat (1923)
Bodegón con botella de ron y Retrato de Luis Buñuel (1924)
Gran arlequín y pequeña botella de ron y una serie de retratos realistas para su hermana Ana María, especialmente Muchacha en la ventana (1925)
Retrato de mi padre (1925)
El cesto de pan y Joven de Figueres (1926)
Composición con tres figuras (Academia neo-cubista) y La miel es más dulce que la sangre (su primera obra surrealista de importancia) (1927)
El juego lúgubre, El gran masturbador, Los primeros días de la primavera, La profanación de la Hostia'la', El enigma del deseo, El hombre invisible, Los placeres iluminados y Retrato de Paul Éluard (1929).
La edad de oro, película en colaboración con Luis Buñuel (1930)
La persistencia de la memoria (su obra más conocida, también llamada Los relojes blandos), La vejez de Guillermo Tell, y Guillermo Tell y Gradiva (1931)
El espectro del Sex Appeal, El nacimiento de los deseos líquidos, Pan antropomórfico, y Huevos fritos al plato sin el plato. Termina El hombre invisible (iniciado en 1929) (aunque no quedó muy satisfecho del resultado) (1932)
Busto retrospectivo de mujer (escultura de técnica mixta) y Retrato de Gala con dos chuletas de cordero en equilibrio sobre su hombro, Gala en la ventana (1933)
El fantasma de Vermeer de Delft que puede ser usado como mesa, Meditación sobre el arpa (iniciado en 1932) y Una impresión de velocidad (1934)
Retrato de Mae West que puede utilizarse como apartamento surrealista, Reminiscencia arqueológica del «Ángelus», de Millet y Caballero de la muerte (1935)
Canibalismo otoñal, Teléfono-langosta, Construcción blanda con judías hervidas (Premonición de la Guerra Civil), Pareja con las cabezas llenas de nubes y dos obras tituladas Eco morfológico (1936)
Metamorfosis de Narciso, Cisnes reflejando elefantes, La jirafa ardiente, El sueño, El enigma de Hitler, Sofá de los labios de Mae West y Canibalismo en Otoño (1937)
El momento sublime, Impresiones de África y Afgano invisible con aparición sobre la playa del rostro de García Lorca en forma de frutero con tres higos (1938)
Shirley Temple, el más joven y más sagrado monstruo del cine de su tiempo (1939)
El mercado de esclavos, con busto de Voltaire desapareciendo El rostro de la guerra (1940)
La miel es más dulce que la sangre (1941)
La poesía de América, Retrato del embajador Cárdenas, y Niño geopolítico observando el nacimiento del nuevo hombre (1943)
Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar y Galarina (1944)
Rostros Ocultos (novela) (1944-48)
Mi esposa desnuda, Cesto de pan – Antes la muerte que la vergüenza, Fuente de leche derramada inútilmente en tres zapatos; ese mismo año, Dalí colaboró con Alfred Hitchcock en la secuencia del film Spellbound, para recíproca insatisfacción (1945)
La tentación de San Antonio (1946)
Los elefantes (1948)
Decorados y figurines (vestidos) de la obra Don Juan Tenorio de Zorrilla en el Teatro María Guerrero de Madrid, estrenada el 1 de noviembre de 194993
Leda atómica (1949)
La Madonna de Port Lligat (1950)
Cristo de San Juan de la Cruz y Cabeza rafaelesca explotando (1951)
Galatea de las esferas (1952)
Dalí desnudo, en contemplación ante cinco cuerpos regulares metamorfoseados en corpúsculos en los que aparece repentinamente la Leda de Leonardo cromosomatizada por el rostro de Gala, Crucifixión, La desintegración de la persistencia de la memoria y Joven virgen autosodomizada por los cuernos de su propia castidad (1954)
La Última Cena, Eco solitario, carátula de un disco de Jackie Gleason (1955)
Naturaleza muerta en rápido movimiento, Rinoceronte vestido con puntillas (1956)
Santiago el Grande óleo sobre lienzo en exposición permanente en la Beaverbrook Art Gallery en Fredericton, NB, Canadá 1957.
Rosa meditativa (1958)
El descubrimiento de América por Cristóbal Colón (1959)
Dalí inicia las obras en el Teatro-Museo Dalí. Pinta el Retrato de Juan de Pareja, ayudante de Velázquez. Figura humana en la forma de una nube (1960)
El retrato de mi hermano muerto (1963)
La apoteosis del dólar. Dalí dona un dibujo de la crucifixión (témpera, lápiz y tinta) para la prisión de Rikers Island de Nueva York. El dibujo estuvo colgado en el comedor del penal entre 1965 y 1981.,94
Dalí en New York (1965)
La pesca del atún (1967)
Crea el logotipo de Chupa Chups (1969)
El torero alucinógeno, adquirido en 1969 por A. Reynolds Morse y Eleanor R. Morse antes de ser terminado (1970)
La Toile Daligram (1972)
Dalí pintando a Gala por detrás y Le Diners De Gala, un libro de cocina profusamente ilustrado (1973)
"Hombre sobre delfín" (1974)
Gala contemplando el Mediterráneo (1976)
La mano de Dalí retirando un toisón de oro en forma de nube para mostrar a Gala la aurora completamente desnuda, muy lejos, detrás del sol (pintura estereoscópica) (1977)
Dalí termina su última pintura, Cola de golondrina (1983)
Se estrena Destino, producción de dibujos animados creada a raíz de una colaboración en 1945 con Walt Disney (2003)
Escultura[editar]
Inspirada en su obra plástica, de la cual retoma varias imágenes, la producción escultórica de Salvador Dalí comprende series diversas. Una de las más famosas es la encargada por su amigo Isidro Clot, compuesta por 44 piezas (Colección Clot). 95 Esta es la última etapa de producción del surrealista español.
La técnica usada por Dalí para la elaboración de sus esculturas era el wax, un modelado en cera en miniatura, el cual era mandado a fundidores para la realización de un original múltiple. La razón de esto es que Salvador Dalí propiamente no era escultor, ni tenía un taller de escultura. Las etapas de este proceso pueden apreciarse en Memoria de los Sueños. Salvador Dalí, 1904-1984, editado por el Consorcio de Museos de la Comunidad Valenciana. 96
Al igual que su pintura, las esculturas de Dalí corresponden a un estilo surrealista, el cual se basa en el Primer Manifiesto Surrealista que escribió André Bretón en 1924, en donde expone una postura a favor de la irracionalidad. Con base en él, Dalí postula lo que denomina automatismo psíquico, un dictado y ejecución del inconsciente sin la intervención reguladora de la razón. Esto, a su vez, está directamente relacionado con las teorías psicoanalíticas de Sigmund Freud.
El surrealismo es un movimiento que surge en el periodo de la primera posguerra, como reacción de inconformidad ante actos bélicos, así como disgusto hacia la sociedad burguesa y materialista. En opinión de los surrealistas, la elevada importancia que se le daba a la ciencia y a la tecnología, fueron consecuencias de la guerra. Una de las aportaciones más importantes de Dalí, dentro del círculo surrealista, fue la creación del Método paranoico-crítico: búsqueda de opuestos que se complementan de manera espontánea e irracional. Freud definió el concepto de Inconsciente y Bretón tradujo la concepción en un método artístico-literario.
Entre las esculturas destacan:
Mujer jirafa (1973)
Ángel triunfante (1976)
Perseo, homenaje a Benvenuto Cellini (1976)
Alicia en el país de las maravillas (1977)
Homenaje a Tepsícore, la musa de la danza (1977)
Newton surrealista (1977)
Perfil del tiempo (1977)
Serie La danza del tiempo(1979)
Caballo montado por el tiempo (1980)
El elefante espacial (1980)
La mujer en llamas (1980)
Literatura[editar]
También animado por su amigo Federico García Lorca, Dalí tanteó la creación literaria en una «novela pura». En su única obra literaria Dalí describe en vistosos términos, las intrigas y amoríos de un grupo de aristócratas excéntricos y frívolos que, con su lujoso y sofisticado estilo de vida, representan la decadencia de los años 1930.
Museografía[editar]
La mayor colección de obras de Dalí está reunida en el Teatro-Museo Dalí de Figueras, seguida por la colección del Salvador Dalí Museum, de San Petersburgo (Florida), que recibió la colección privada de A. Reynolds Morse y su mujer. Agrupa unas 1500 piezas de Dalí. Otras colecciones significativas se reparten entre el Museo Reina Sofía de Madrid, la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (California), el Espace Dalí de Montmartre (París), o el Dalí Universe de Londres, que guardan una amplia colección de dibujos y esculturas.
La sala de exposición más singular de la obra daliniana fue la prisión de Rikers Island, en Nueva York: un boceto de una Crucifixión donada por el autor permaneció colgado durante 16 años en el comedor colectivo, antes de ser trasladado a las oficinas de la penitenciaría por su seguridad. El dibujo fue sustraído en 2003 y no ha vuelto a aparecer.94
Una muestra del singular poder de la obra de Dalí para congregar a la gente la encontramos en las sucesivas retrospectivas de su obra que se han realizado en diversos museos europeos. Así, el Centro Pompidou de Francia atrajo en 1979 a más de 840 000 personas; y en la temporada 2012-2013 congregó a más de 790 000 visitantes durante los cinco meses que duró otra exposición similar.97 Estas dos antológicas ostentan el récord de visitantes a una exposición en el citado Centro Pompidou, seguidas por las de Matisse —1993, 734 896 visitantes— y la de Kandinski —2009, 702 905 visitantes—.97
En otra exposición en España, la retrospectiva "Dalí. Todas las sugestiones poéticas y todas las posibilidades plásticas" atrajo a lo largo del verano de 2013 a más de 730 000 personas al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid.98
Dalí y el cine[editar]
Salvador Dalí mantuvo con el cine una intensa relación, de ello son muestra colaboraciones con Alfred Hitchcock, Walt Disney y Luis Buñuel. En su participación cinematográfica hay referentes de sus obras, tales como El asno podrido, Un chien andalou, El alma, La carretilla de carne y Babaouo. Colaboró con Buñuel en Un perro andaluz, donde se muestra plásticamente materializada la iconografía del El asno podrido con elementos como “la mierda, la sangre y la putrefacción”. Así, evoca imágenes surrealistas como la decepción, el desagrado y la repulsión. También realizó con Buñuel La edad de oro.
Poco después de sus colaboraciones con el director, publicó Babaouo donde reitera animales muertos o decapitados, de ojos vendados y un gran pan sobre la cabeza. Las macroestructuras y los elementos gigantescos son una constante de la plástica de Dalí, es decir, camas de quince metros con cipreses yacentes, cucharas gigantescas, grandísimas sábanas colgantes de las fachadas, etc. Estos elementos suelen ser recurrentes en numerosos guiones cinematográficos surrealistas.
Si la obra El alma se hubiera filmado habría sido un precedente al "film neo-místico" en la historia del cine español, con personajes como Santa Teresa y el gusano convertido en mariposa. También podemos ver su huella en una secuencia onírica que elaboró para Spellbound, dirigida por Alfred Hitchcock y que quedó fuera de la edición final por decisión de uno de los productores. Dalí es partícipe a su vez de la película de animación Destino de Walt Disney. Dispuso para este proyecto un centenar de dibujos, pinturas y guiones, aunque el film nunca fue estrenado. No obstante, se recreó en 2003 en la Tate Modern.
A pesar de que llevó a cabo pinturas, dibujos, guiones y algunos ensayos relacionados con la cinematografía, muchos de sus trabajos fueron una decepción para el autor, como expuso en su obra Dalí y el cine, en la que describió el séptimo arte como
Un sueño itinerante capaz de ofrecer nuevas posibilidades.
Salvador Dalí
Dalí en el cine[editar]
Jean-Christophe Averty & Robert Descharnes. Salvador Dalí, 1970.
Carlos Saura. Buñuel y la mesa del rey Salomón, 2001.
2009: Sin límites, de Paul Morrison, Robert Pattinson como Salvador Dalí.
2011: Midnight in Paris, de Woody Allen, Adrien Brody como Salvador Dalí.
99 100 101
Anécdotas[editar]
Dalí y Jean Cocteau habían ido a visitar el Museo del Prado. La visita de estos dos personajes concluyó en una rueda de prensa donde le preguntaron a Jean Cocteau: «Si se hubiera quemado el Museo del Prado, ¿qué hubiera salvado usted?». A lo cual Cocteau respondió: « ¡El fuego!». Entonces la pregunta fue repetida a Dalí. Después de fingir reflexionarlo un momento, el pintor catalán respondió eufóricamente: « ¡Pues Dalí salvaría el aire, y específicamente el aire contenido en Las Meninas, de Velázquez, que es el aire de mejor calidad que existe!». Ante esta respuesta, Cocteau hizo una reverencia en reconocimiento a la genialidad de Dalí.102
Óscar Tusquets cuenta esta anécdota sustituyendo a Cocteau por André Malraux.103
Dalí proclamaba que, para él, el valor del dinero era únicamente simbólico y místico. No sabía a cuanto ascendían sus cuentas bancarias y rara vez llevaba dinero en efectivo, todos sus gastos eran cargados a su cuenta.
En una ocasión, Dalí y Aristóteles Onassis tomaron un taxi en la ciudad de Nueva York. Al llegar a su destino debían pagar al taxista pero Onassis, al igual que Dalí, nunca cargaba dinero en efectivo consigo por lo cual tuvieron que regresar al hotel donde Dalí se hospedaba para que la administración del hotel les pagara el taxi.104
Según Óscar Tusquets,105 en el taxi, Salvador Dalí iba acompañado por Paul Getty o por algún miembro de la familia Rockefeller en lugar de Onassis.
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Marc Chagall

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Marc Chagall

Marc Chagall (en ídish מארק שאגאל, Moishe Segal; en ruso Марк Захарович Шагал, Mark Zajárovich Shagal; Vítebsk, Imperio Ruso, 7 de julio de 1887 - Saint-Paul de Vence, Francia, 28 de marzo de 1985) fue un pintor francés de origen bielorruso. Índice [ocultar] 1 Biografía 1.1 Obras de Chagall... Ver mas
Marc Chagall (en ídish מארק שאגאל, Moishe Segal; en ruso Марк Захарович Шагал, Mark Zajárovich Shagal; Vítebsk, Imperio Ruso, 7 de julio de 1887 - Saint-Paul de Vence, Francia, 28 de marzo de 1985) fue un pintor francés de origen bielorruso.
Índice [ocultar]
1 Biografía
1.1 Obras de Chagall en España
2 Arte de Chagall
3 Museos dedicados a su obra
4 Referencias
5 Enlaces externos
Biografía[editar]
Nació en Vítebsk (Bielorrusia) y era el mayor de nueve hermanos provenientes de una familia de judíos. Su nombre natal fue Moishe Segal (Мойше Сегал) o Movsha Jatskélevich Shagálov (Мовшa Хацкелевич Шагалов). El nombre de su madre era Felga-Ita. Fue uno de los más importantes artistas del vanguardismo y en su trabajo se encuentran resonancias de fantasías y sueños.
En 1907, Marc Chagall se muda a San Petersburgo, donde se vinculó a la escuela de la Sociedad de Patrocinadores del Arte y lugar en el que estudió bajo la tutoría de Nikolái Roerich. Entre 1909 y 1911 estudió en la escuela de Elizaveta Zvántseva bajo la tutoría de Léon Bakst. Tras de hacerse conocido como artista dejó San Petersburgo, Rusia, para unirse a un grupo de artistas que se encontraban en el Barrio de Montparnasse, en París, Francia. En 1914 regresó a Vítebsk para casarse con su prometida, Bella Rosenfeld a quien había conocido en 1909. Al comenzar la Primera Guerra Mundial, Chagall permaneció en su pueblo natal. En 1915 se casó con Bella y el siguiente año tuvieron una hija a la que llamaron Ida.

Profesores de la Escuela de Arte de Vítebsk. 1919. Sentados El Lisitski y Marc Chagall, 1º y 3º por la izda., respectivamente
Chagall se volvería un participante activo en la Revolución rusa de 1917, por lo que fue nombrado Comisario de Arte para la región de Vítebsk, donde fundó la Escuela de Arte de Vítebsk en 1919. Sin embargo, debido a la carga burocrática del puesto de director en la Escuela y a las desavenencias con Kazimir Malévich, profesor de la Escuela, se mudó a Moscú en 1920 y luego a París en 1923.
Con la ocupación alemana de Francia durante la Segunda Guerra Mundial y la deportación de los judíos a los campos de exterminio nazis, Marc Chagall tuvo que abandonar París. Con la ayuda del periodista estadounidense Varian Fry, se mudó a la Villa Air-Bel en Marsella antes de que Fry le ayudara a escapar de Francia, a través de España y Portugal. En 1941, los Chagall se instalaron en Estados Unidos.
Algunos de sus trabajos más importantes son La aldea y yo (1911), El violinista verde (1923-1924, Museo Guggenheim, Nueva York), El cumpleaños (1915), Soledad (1933, Museo de Tel Aviv). Los cuadros de Chagall se han llegado a vender por más de 6 millones de dólares, y también sus litografías han alcanzado un considerable valor.
Cabe destacar su estancia en la Costa Brava, concretamente en la localidad de Tosa de Mar, donde pasó un par de veranos, en 1933 y 1934. Actualmente se conserva en el Museo Municipal de Tosa de Mar, la célebre obra titulada El violinista celeste.
En 1964, por encargo de Charles de Gaulle Marc Chagall pintó el techo de la Ópera de París. En 1977, fue condecorado con la orden de Legión de Honor de Francia.
En 1981, recibió el Premio de la Fundación Wolf de las Artes de Jerusalén.
Murió a la edad de 97 años y está enterrado en el pueblo de Saint-Paul de Vence, cerca de Niza, junto a su esposa Valentina Bródskaya (Vava) y su cuñado.
Sus trabajos se pueden encontrar en la Ópera de París, en la Plaza del Primer Banco Nacional en el centro de Chicago, en la Metropolitan Opera House de Nueva York, en la catedral de Reims (Francia), en la catedral de Fraumünster en Zúrich (Suiza) y en la iglesia de San Esteban en Maguncia (Alemania). El museo que lleva su nombre en Vítebsk fue fundado en 1997 en el edificio donde habitó su familia. Dicho museo solo tiene copias de su trabajo, pues durante los tiempos soviéticos fue considerado persona non grata y no se reunieron ejemplares de sus obras.
En 1978, el pintor hispano-argentino Enrique Sobisch realiza con gran éxito, en Buenos Aires, una exposición de más de 100 obras en homenaje a Chagall, que este agradece personalmente.
La editorial barcelonesa Acantilado publicó en 2004 su libro de memorias,1 escrito originalmente en ruso y publicado en París en 1931 en traducción de su esposa, Bella Chagall.
Obras de Chagall en España[editar]
Tradicionalmente poco conocido por el coleccionismo español, Chagall cuenta ahora con una relevante presencia en España, principalmente por la apertura del Museo Thyssen-Bornemisza en Madrid (cuatro óleos, fechados entre 1913 y la década de los 30). Además de la citada pintura en Tosa de Mar, hay otras dos (ambas bodegones de flores) en Madrid (Palacio de Liria, Colección de la Casa de Alba) y Galicia (colección de Novacaixagalicia).
Arte de Chagall[editar]
Artículo principal: Anexo:Obras de Marc Chagall
Marc Chagall se inspiró en las costumbres de la vida en Bielorrusia e interpretó muchos temas bíblicos, reflejando así su herencia judía. En los años 1960 y 1970 se involucró en grandes proyectos destinados en espacios públicos o en importantes edificios civiles y religiosos.
La obra de Chagall está conectada con diferentes corrientes del arte moderno. Formó parte de las vanguardias parisinas que precedieron la Primera Guerra Mundial. Sin embargo, su obra se queda siempre en los límites de estos movimientos y tendencias emergentes, incluyendo el cubismo y el fovismo. Estuvo muy conectado con la Escuela de París y sus exponentes, como Amedeo Modigliani.
En sus obras abundan las referencias a su niñez, aún al precio de evitar las problemáticas experiencias que después vivió. Sus obras comunican la felicidad y el optimismo a aquellos que las observan mediante intensos y vívidos colores. Chagall gustaba de colocarse a sí mismo, a veces junto con su mujer, como observador del mundo, un mundo de colores visto a través de un vitral. Muchos consideran que La crucifixión blanca (y sus ricos e intrigantes detalles) es una denuncia del régimen de Stalin, del holocausto nazi y de toda la opresión contra los judíos. Chagall cultivó durante más de ochenta años un arte inspirado en el amor, los recuerdos, las tradiciones rusas y judías, los acontecimientos históricos o los hitos artísticos de los que fue testigo y, en muchas ocasiones, protagonista.
Museos dedicados a su obra[editar]
Museo Marc-Chagall (Niza), fundado en 1973 en Niza, esencialmente con obras de inspiración religiosa.
Museo Marc-Chagall (Vítebsk), fundado en 1997.
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Jackson Pollock

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Jackson Pollock

Paul Jackson Pollock (Cody, Wyoming, 28 de enero de 1912-Springs, Nueva York, 11 de agosto de 1956), más conocido como Jackson Pollock, fue un influyente pintor estadounidense y una importante figura en el movimiento del expresionismo abstracto. Era reconocido por su estilo único de salpicar... Ver mas
Paul Jackson Pollock (Cody, Wyoming, 28 de enero de 1912-Springs, Nueva York, 11 de agosto de 1956), más conocido como Jackson Pollock, fue un influyente pintor estadounidense y una importante figura en el movimiento del expresionismo abstracto. Era reconocido por su estilo único de salpicar pintura.
Durante su vida, Pollock tuvo fama y mucha notoriedad es uno de los artistas principales de su generación. Pollock era una persona aislada y con una personalidad volátil, tenía problemas de alcoholismo a los cuales se enfrentó día a día durante toda su vida. En 1945, se casó con la artista americana Lee Krasner, quien se convirtió en una influencia importante en su carrera y legado.1
Pollock murió a la edad de 44 años en un accidente automovilístico debido a que conducía en estado de ebriedad. En diciembre de 1956, meses después de su muerte, Pollock fue conmemorado con una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA). En 1967 se montó una exhibición más completa y larga de sus trabajos en el mismo lugar. En 1998 y 1999, su trabajo fue laureado con una retrospectiva a gran escala en el MoMA de Nueva York y en el Tate Modern de Londres.2 3
En el año 2000 un filme basado en la vida de Jackson Pollock, Pollock, dirigido y protagonizado por Ed Harris, ganó un premio de la Academia.
Índice [ocultar]
1 Primeros años
2 Periodo en Springs y su técnica
2.1 Matrimonio y familia
3 Nuevas técnicas
4 La década de 1950
5 De nombrar a enumerar
6 Muerte
7 Legado
8 Problemas de autenticidad
9 La cultura popular y los medios
10 Debate Crítico
11 Listado de Obras
12 El Mercado del Arte
13 La influencia de Pollock
14 Notas y referencias
14.1 Bibliografía
15 Enlaces externos
Primeros años[editar]
Pollock nació en Cody (Wyoming) en 1912,4 el más joven de cinco hijos. Sus padres, Stella May (née McClure) y LeRoy Pollock, nacieron y crecieron en Tingley (Iowa). Su padre nació con el apellido McCoy pero tomó el apellido de sus padres adoptivos. Los Pollock eran vecinos de la familia McCoy y adoptaron a LeRoy después de la muerte de sus padres. Stella y LeRoy eran presbiterianos y de ascendencia irlandesa y escocesa-irlandesa respectivamente.5 LeRoy Pollock era un granjero, posteriormente se convirtió en agrimensor para el gobierno, mudándose conforme el trabajo lo requería.4 Jackson creció en Arizona y Chico, California.
Mientras vivió en Echo Park, Los Ángeles, Pollock se inscribió en la Preparatoria de Artes Manuales de Los Ángeles,6 sin embargo fue expulsado de la misma; Pollock ya había sido expulsado de otra preparatoria en 1928. Durante los primeros años de su vida, Pollock exploró la cultura de los Pueblos nativos de los Estados Unidos mientras acompañaba a su padre en sus viajes.4 7
En 1930 (siguiendo los pasos de su hermano mayor Charles Pollock) se mudó a Nueva York donde estudió, junto con su hermano, bajo la tutela del pintor Thomas Hart Benton en el Art Students League of New York. Las pláticas de la América rural de Benton tuvieron poca influencia en Pollock, sin embargo su uso rítmico de la pintura y feroz independencia marcaron al artista.4 De 1938 a 1942, durante la Gran Depresión, Pollock trabajó para el Federal Art Project Works Progress Administration.8
Tratando de lidiar con su problema de alcoholismo, Pollock se sometió a psicoterapia junguiana con el Dr. Joseph L. Henderson de 1938 hasta 1941 y posteriormente con la Dra. Violet Staub de Laszlo en 1941-1942. Henderson lo enganchó a través de su arte, alentándolo a hacer dibujos. Los conceptos y arquetipos junguianos quedaban expresados en sus pinturas.9 10 Recientemente, los historiadores han creado hipótesis que indican que Pollock pudo haber padecido de un desorden bipolar.11
Periodo en Springs y su técnica[editar]
Pollock firmó un contrato con Peggy Guggenheim en julio de 1943. Él recibió una comisión para crear Mural (1943), que mide 8 pies de altura y 20 pies de longitud,12 para la entrada de la nueva casa de Guggenheim. Como sugerencia de su amigo y consejero Marcel Duchamp, Pollock pintó esta obra en un lienzo en lugar de la pared para que la obra fuera portátil. Después de ver el mural, el crítico de arte Clement Greenberg escribió: «Le eche un vistazo y pensé, "esto sí es arte extraordinario" y supe que Jackson era el pintor más grande que este país ha producido».13
Matrimonio y familia[editar]
En octubre de 1945, Pollock se casó con la pintora americana Lee Krasner y en noviembre se mudaron fuera de la ciudad a Springs (Nueva York) en el área de East Hampton (Nueva York) en la costa sur de Long Island. Con ayuda de un enganche, préstamo de Peggy Guggenheim, pudieron comprar una casa con un granero de madera en el número 830 de la calle Springs Fireplace. Pollock convirtió el granero en un estudio. En ese espacio perfeccionó su técnica de pintura de grandes "salpicaduras", con la cual se sentiría permanentemente identificado.
Nuevas técnicas[editar]
Pollock fue introducido al uso de pintura líquida en 1936 en un seminario experimental impartido por el muralista mexicano David Alfaro Siqueiros. El artista utilizó la técnica de verter pintura como una de varias en sus lienzos de principios de 1940 como Macho y Hembra y Composición Vertida I. Después de mudarse a Springs, comenzó a pintar con los lienzos recostados en el suelo del estudio y desarrolló su técnica de salpicar pintura.
Comenzó a utilizar pinturas con base en una novedosa resina sintética llamada barniz alkyd. Pollock describía estas pinturas como más que una simple herramienta de trabajo, "un resultado natural salido de una necesidad".14 Él utilizaba pinceles endurecidos, varas, y jeringas para aplicar la pintura. La técnica de Pollock de verter y salpicar pintura es reconocida como uno de los orígenes del action painting (pintura de acción). Con esta técnica, Pollock logró un medio inmediato para crear arte: la pintura fluía literalmente desde la herramienta de su elección hacia el lienzo. Al desafiar las convenciones de pintura en una superficie vertical, el añadió una nueva dimensión al ser capaz de ver y aplicar pintura a sus lienzos desde todas direcciones.
Una posible influencia en el trabajo de Pollock era el trabajo de la artista ucraniana-estadounidense Janet Sobel (1894-1968) (originalmente Jennie Lechovsky).15 Peggy Guggenheim incluyó el trabajo de Sobel en su Galería, "El Arte de este Siglo" en 1945. Junto con Jackson Pollock, el crítico Clement Greenberg vio la obra de Sobel en la galería en 1946.16 En su ensayo "American-Type Painting" ("Pinturas Tipo-Americanas"), Greenberg destacó que esas obras eran las primeras pinturas "all over" (cobertura total de la superficie) que él había visto y dijo que "Pollock admitió que esas pinturas habían causado una impresión en él".17
Mientras pintó de este modo, Pollock dejó la representación figurativa y retó la tradición occidental de utilizar caballete y pinceles. Él utilizaba la fuerza de todo su cuerpo para pintar, la cual quedaba expresada en sus lienzos. En 1956 la revista Time apodó a Pollock "Jack el salpicador", debido a su estilo al pintar.18
Mis pinturas no vienen de un caballete. Prefiero fijar el lienzo nuevo a una pared o en el suelo. Necesito la resistencia de una superficie dura. En el suelo me siento más tranquilo. Me siento más cerca, más parte de la pintura, ya que de esta manera puedo caminar alrededor de ella, trabajar desde cuatro lados y literalmente "estar" en la pintura.
Continúo alejándome de las herramientas tradicionales de los pintores como los caballetes, las paletas y pinceles, etc. Prefiero varitas, palas de jardinero, cuchillos y pintura diluida o impasto con arena, vidiros rotos o cualquier otro material añadido.
Cuando estoy "dentro" de mi pintura, no soy consciente de lo que estoy haciendo. Tan solo después de un periodo de "aclimatación" me doy cuenta de lo que ha pasado. No tengo miedo a hacer cambios, destruir la imagen, etc., porque la pintura tiene vida propia. Intento dejarla salir. Es sólo cuando pierdo contacto con la pintura cuando el resultado es un desastre. De lo contrario es armonía pura, un sencillo dar y recibir, y la pintura resulta bien.Pollock (1956)
Pollock observó las muestras de pintura en arena de los Navajo en 1940 y refiriéndose a este estilo de pintar en el suelo, Pollock declaró:
Me siento más cerca, más parte de la pintura, ya que de esta manera puedo caminar alrededor de ella, trabajar desde cuatro lados y estar literalmente en la pintura. Esto es propio de los métodos de pintura en arena de los indios del Oeste.19
Otras influencias de su técnica de salpicaduras incluyen a los muralistas mexicanos y del automatismo surrealista. Pollock se negaba a confiar en "los accidentes"; él usualmente tenía una idea de como quería que se viera cada obra en particular. Su técnica combinaba el movimiento de su cuerpo, que él podía controlar, con el flujo viscoso de la pintura, la fuerza de gravedad y el lienzo. Era una mezcla de factores controlables e incontrolables. Arrojar, salpicar, verter y gotear, él se movía energéticamente alrededor del lienzo como si fuera una danza y no se detenía hasta que veía lo que quería ver.

El estudio de Pollock en Springs, New York
In 1950, Hans Namuth, un joven fotógrafo, quería tomar fotos de Jackson pintando (moviéndose y quieto). Pollock prometió comenzar a realizar una pintura nueva especialmente para la sesión fotográfica, pero cuando Namuth había llegado, Pollock tuvo que disculparse, pues la pintura ya la había terminado.
Namuth, cuando entró al estudio de Pollock, dijo:
Un lienzo fresco cubría el suelo entero... Había un silencio absoluto... Pollock miraba su pintura. Después, inesperadamente, cogió una lata de pintura y un pincel y comenzó a moverse alrededor del lienzo. Era como si de repente se hubiera dado cuenta que la pintura no estaba terminada. Sus movimientos, lentos al principio, gradualmente se hicieron más rápidos mientras él arrojaba pintura negra, blanca y roja sobre el lienzo. Olvidó por completo que Lee y yo estábamos presentes; parecía no escuchar los disparos de la cámara... mi sesión fotográfica duró hasta que terminó de pintar, más o menos hora y media. En todo ese tiempo Pollock no se detuvo. ¿Cómo podía uno seguirle el paso a este nivel de actividad? Finalmente dijo, "ya está".
Las mejores pinturas de Pollock... revelan que sus líneas "por todos lados" no dan origen a áreas positivas o negativas: no nos hace sentir que una parte del lienzo demanda ser traducido como una figura, ni abstracta ni representativa, contra otra parte del lienzo traducida como suelo. No hay un adentro ni un afuera en la línea de Pollock ni en el espacio en el que se mueve... Pollock se las arregló para liberar a su línea de representar objetos en el mundo, y también de su tarea de describir o contener formas o figuras, ya sean abstractas o representativas, en la superficie del lienzo.
Karmel, 132
En el siglo XXI, los físicos Richard Taylor, Adam Micolich y David Jonas estudiaron las obras y técnicas de Pollock. Ellos determinaron que algunas obras muestran propiedades de fractales matemáticos.20 Ellos aseguran que sus trabajos aumentan en cualidades fractales conforme pollock iba avanzando en su carrera.21 Los autores especulan que Pollock pudo haber tenido una intuición de la naturaleza de los movimientos de la Teoría del caos y trató de expresar ese caos matemático, más de diez años antes de la propuesta de esta teoría. Su trabajo fue utilizado para tratar de evaluar la autenticidad de algunas obras que se decían eran Pollocks.
Otros expertos contemporáneos han sugerido que Pollock pudo haber intentado imitar teorías de esa época para darle una cierta profundidad a sus pinturas que nunca se había visto en el arte.22
La década de 1950[editar]
Las pinturas más famosas de Pollock fueron hechas durante el "periodo de goteo" entre 1947 y 1950. Escaló rápidamente a la fama después de un artículo de cuatro páginas de 1949 en la revista Life que hizo la pregunta "¿Acaso es él el pintor con vida más grande de los Estados Unidos?". En el pico de su fama, Pollock abandonó abruptamente su estilo de goteo.23
Después de 1951, el trabajo de Pollock era de colores más oscuros, como su colección pintada con negro sobre lienzos crudos. Posteriormente volvió a utilizar color y re-introdujo elementos figurativos.24 Durante este periodo, Pollock se cambió a una galería más comercial debido a que había mucha demanda de su trabajo por parte de coleccionistas. En respuesta a esta presión, aunado a frustraciones personales, su problema de alcoholismo se hizo más profundo.25
De nombrar a enumerar[editar]
En su esfuerzo por evadir la búsqueda de elementos figurativos por parte del espectador, Pollock abandonó los títulos y comenzó a enumerar sus obras. Lo que él dijo al respecto fue: "...miren pasivamente y traten de recibir lo que la pintura les ofrece y no traigan temas ni ideas preconcebidas de lo que deberían estar buscando". La esposa de Pollock, Lee Krasner, dijo que Jackson solía darle nombres convencionales a sus pinturas... pero ahora tan solo las numeraba. Los números son neutrales. Hacen que las personas vean a la pintura por lo que es –pintura pura."14
Muerte[editar]

La lápida de Jackson Pollock con la tumba de Lee Krasner frente al cementerio Green River
En 1955, Pollock realizó sus últimas dos pinturas, Aroma y Búsqueda.26 El artista no pintó nada en 1956, pero estaba realizando esculturas de alambre, gasa y escayola en la casa del escultor Tony Smith.24 Formadas con el método de molde de arena, tenían superficies con mucha textura, similares a lo que Pollock creaba en sus pinturas.27
El 11 de agosto de 1956, a las 22:15 horas, Pollock murió en un accidente automovilístico en su Oldsmobile convertible mientras conducía bajo la influencia del alcohol. Edith Metzger, una de los pasajeros, también murió en el accidente. El otro pasajero, Ruth Kligman, una artista y la amante de Pollock, sobrevivió al siniestro.28
Por el resto de su vida, la viuda Lee Krasner se encargó de los asuntos del artista y se aseguró que la reputación de Pollock se mantuviera fuerte a pesar de las tendencias cambiantes del mundo del arte. La pareja está enterrada en el Cementerio de Green River en Springs con una gran lápida marcando la tumba de Pollock y una más pequeña marcando la de ella.
Legado[editar]
La Pollock-Krasner House and Studio es propiedad de la Fundación Stony Brooks, un afiliado sin fines de lucro de la Universidad de Stony Brook.
Una organización aparte, la Pollock-Krasner Foundation, fue establecida en 1985. La fundación funge como el patrimonio oficial de Pollock y su viuda Lee Krasner, pero también, bajo los términos del testamento de Krasner, "asiste a artistas con méritos que trabajan de manera individual y necesitan apoyo económico".29 El representante de copyright de los Estados Unidos de la Fundación Pollock-Krasner es la Artists Rights Society (ARS).30
Lee Krasner donó los papeles del artista en 1983 a la Archives of American Art. Posteriormente fueron archivados con los papeles de Lee Krasner. La Archives of American Art también resguarda los papeles de Charles Pollock, que incluyen correspondencia, fotografías y otros archivos relacionados con su hermano Jackson Pollock.
Problemas de autenticidad[editar]
El comité de autenticación Pollock-Krasner fue creado por la Fundación Pollock-Krasner en 1990 para evaluar trabajos que fueron encontrados recientemente para un suplemento al catálogo de 1978.31 Sin embargo, en ocasiones anteriores, la fundación Pollock-Krasner se rehusó a involucrarse en casos de autenticación.32
En el 2003, 24 pinturas y dibujos parecidos a los de Pollock, fueron encontrados dentro de un casillero en Wainscott (Nueva York). Un debate inconcluso continua sobre si son o no Pollocks originales. Esto requeriría un análisis de consistencia geométrica de las salpicaduras de Pollock a nivel microscópico, para luego ser comparadas con el descubrimiento que demostraba que los patrones de las pinturas de Pollock se hacían más complejas con el tiempo.33 Los análisis de las pinturas realizados por investigadores de la Universidad de Harvard mostraron la presencia de un pigmento sintético patentado en 1980 entre otros materiales que no estaban disponibles en la época de Jackson Pollock.34 35 En el 2007, un museo itinerante fue montado con una exhibición de dichas pinturas y se acompañaba del libro Pollock Importa, escrito por Ellen G. Landau, una de cuatro escolares del panel de autenticación de la Fundación Pollock-Krasner desde 1990 y Claude Cernuschi, un escolar del Expresionismo abstracto. En el libro, Ellen Landau demuestra todas las conexiones que existen entre la familia que posee las pinturas y la vida de Jackson Pollock con el propósito de colocar a las pinturas en el contexto histórico apropiado. Landau también presenta los hallazgos forenses de la Universidad de Harvard y presenta posibles explicaciones para las inconsistencias que se hallaban en las 24 pinturas.36 37
En el 2006, el documental titulado ¿Quién demonios es Jackson Pollock? se basó en la figura de Teri Horton, un camionero que en 1992 compró una pintura abstracta por 5 dólares en una tienda de segunda mano en California. Esta obra podría ser un Pollock, sin embargo su autenticidad sigue debatiéndose.
Untitled 1950, la cual fue vendida por la galería neoyorquina Knoedler Gallery en el 2007 por 17 millones de dólares a Pierre Lagrange, un multimillonario londinense, fue sujeta a un examen de autenticidad ante la United States District Court for the Southern District of New York. Aunque estaba hecha con el estilo clásico de goteo y salpicadura y con la firma “J. Pollock,” la pintura de tamaño modesto (15 pulgadas por 281 1/2 pulgadas) contenía pigmentos de color amarillo que no estuvieron comercialmente disponibles hasta 1970.38 The suit was settled in a confidential agreement in 2012.39
La cultura popular y los medios[editar]
En 1960, el álbum de Ornette Coleman Free Jazz: A Collective Improvisation tenía como portada una pintura de Pollock.
Pollock influenció a la banda británica indie, The Stone Roses: las portadas sus discos están hechas a base de pedazos de sus obras.40
En el video "Innuendo" del álbum homónimo de la banda británica Queen, aparecen los 4 integrantes con estilos de pintura distintos, y es Brian May quien esta "dibujado" al estilo de Pollock.
A principios de la década de 1990, tres grupos de cineastas se encontraban desarrollando proyectos biográficos de Pollock, cada uno basado en una fuente diferente. El proyecto que parecía más avanzado era un trabajo en equipo entre Barwood Films de Barbra Streisand y TriBeCa Productions de Robert De Niro (los padres de De Niro eran amigos de Krasner y Pollock). El guión de Christopher Cleveland iba a estar basado en la biografía oral de Jeffrey Potter de 1985: To a Violent Grave, una colección de recuerdos de los amigos de Pollock. Streisand iba a actuar en el papel de Lee Krasner, y De Niro en el de Pollock.
El segundo iba a estar basado en Love Affair (1974), un libro de memorias escrito por Ruth Kligman, la amante de Pollock. Este iba a ser dirigido por Harold Becker, con Al Pacino en el papel de Pollock.41
En el 2000, se estrenó el filme biográfico Pollock, basado en la biografía Jackson Pollock: An American Saga, ganadora del Premio Pulitzer. Marcia Gay Harden ganó el Óscar a la mejor actriz de reparto por su representación de Lee Krasner. La película fue el proyecto de Ed Harris, quien protagonizó a Pollock además de dirigir el filme. Fue nominado al Óscar al mejor actor. La fundación Pollock-Krasner Foundation no autorizó ni colaboró con nada en la producción.41
En septiembre de 2009, el historiador de arte Henry Adams, declaró en la revista Smithsonian que Pollock había escrito su nombre en la famosa pintura Mural (1943),42 por lo tanto la pintura está asegurada en $140 millones de dólares. En el 2011, el representante republicano del estado de Iowa Scott Raecker introdujo una propuesta de ley para forzar la venta de la pintura resguardada en la Universidad de Iowa para fondear becas, pero su propuesta de ley creo tanta controversia que fue rápidamente desechada.12 43
Debate Crítico[editar]
El trabajo de Pollock ha sido sujeto a varios debates críticos. El crítico Robert Coates describió las obras de Pollock como “explosiones desorganizadas de energía aleatoria, y por lo tanto carecen de significado".44
En un famoso artículo publicado en 1952 en ARTnews, Harold Rosenberg utilizó el término "action painting" (pintura de acción), y escribió que «lo que debía estar en el lienzo no era una imagen, sino un evento. El gran momento llegó cuando se decidió a pintar 'sólo por pintar'. El gesto del lienzo era de la liberación del valor, la estética, lo moral». Mucha gente asume que él basó su paradigma de "pintura de acción" en Pollock.
Clement Greenberg apoyaba el trabajo de Pollock con bases formalistas. Encajaba con su visión de la historia del arte como una purificación progresiva de la forma y la eliminación del contexto histórico. Él consideraba que las obras de Pollock eran las mejores pinturas hasta la fecha y la culminación de la tradición Occidental mediante el Cubismo y Cézanne a Manet.
Reynold's News dijo en un encabezado de 1959, "Esto no es arte, es una broma de mal gusto".45
El Congress for Cultural Freedom, una organización dedicada a promover la cultura y valores estadounidenses apoyada por la CIA, patrocinó exhibiciones del trabajo de Pollock. Algunos escolares de izquierda, principalmente Eva Cockcroft, han argumentado que el gobierno de los Estados Unidos y la élite adinerada apoyaban a Pollock y al Expresionismo Abstracto para colocar al país al frente del arte globalizado y devaluar el Realismo social.45 46 Cockcroft escribió que Pollock se había convertido en un "arma de la Guerra Fría".47
Listado de Obras[editar]
(1942) Male and Female Philadelphia Museum of Art
(1942) Stenographic Figure Museum of Modern Art
(1943) Mural University of Iowa Museum of Art.
(1943) Moon-Woman Cuts the Circle
(1943) The She-Wolf Museum of Modern Art, New York
(1943) Blue (Moby Dick) Ohara Museum of Art
(1945) Troubled Queen Museum of Fine Arts, Boston
(1946) Eyes in the Heat Peggy Guggenheim Collection, Venice
(1946) The KeyThe Sounds In The Grass Museum of Modern Art.
(1947) Portrait of H.M. University of Iowa Museum of Art.
(1947) Full Fathom Five Museum of Modern Art
(1947) Cathedral
(1947) Enchanted Forest, Peggy Guggenheim Collection
(1947) Lucifer, San Francisco Museum of Modern Art
(1948) Painting
(1948) Number 5 (4 ft x 8 ft) Private collection
(1948) Number 8
(1948) Composition (White, Black, Blue and Red on White) New Orleans Museum of Art
(1948) Number 19 48
(1948) Summertime: Number 9A Tate Modern
(1949) Number 1 Museum of Contemporary Art, Los Ángeles
(1949) Number 3
(1949) Number 10 Museum of Fine Arts, Boston
(1950) Number 1, 1950 (Lavender Mist) National Gallery of Art
(1950) Mural on indian red ground, 1950 Tehran's Museum of Contemporary Art (TMOCA)
(1950) Number 29, 1950 National Gallery of Canada
(1950) One: Number 31, 1950 Museum of Modern Art
(1950) No. 32
(1951) Number 7 National Gallery of Art
(1951) Black& White
(1951) Marrón y plata I , Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
(1952) Convergence Albright-Knox Art Gallery
(1952) Blue Poles: No. 11, 1952 National Gallery of Australia
(1953) Portrait and a Dream Dallas Museum of Art
(1953) Easter and the Totem The Museum of Modern Art
(1953) Ocean Greyness, Museo Salomon R. Guggenheim, Nueva York
(1953) The Deep, Musée National d'Art Modern, París.
El Mercado del Arte[editar]
En 1973, Postes Azules (Blue Poles: Number 11 en inglés), fue comprada por el gobierno australiano (Gough Whitlam) para la Galería Nacional de Australia en 2 millones de dólares (1.3 millones al momento de pagar). En ese momento, fue el precio más alto que se haya pagado por una pieza de arte moderno. La pintura es ahora una de las exhibiciones más populares en la galería.49 La primera vez que la pintura fue mostrada en Estados Unidos desde su compra, fue en una retrospectiva del Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1998, dónde fue la pieza central de dicha exhibición.
En noviembre de 2006, la obra de Pollock, No. 5, 1948 se convirtió en la pintura más cara del mundo cuando esta se vendió de manera privada a un comprador anónimo en $140 millones de dólares. Otro récord fue establecido para el artista en el 2004, cuando No. 12 (1949), una pintura de "goteo" de tamaño mediano que había sido exhibida en el pabellón de Estados Unidos en el Bienal de Venecia, se vendió por 11.7 millones de dólares en Christie's, Nueva York.50 En el 2012, No. 28 (1951), una de las pinturas donde el artista combina el goteo con pinceladas en tonos de gris/plateado con salpicaduras de color rojo, amarillo, azul y blanco, fue vendida en Christie's en Nueva York por 20.5 millones de dólares (23 millones con los cargos adicionales) habiendo estimado su valor entre los 20 y 30 millones de dólares.51
En el 2013 la pintura No. 19 (1948) fue vendida por Christie's en 58 363 750 millones de dólares durante una subasta que alcanzó los 495 millones de dólares en ventas en una noche. Christie's reportó que fue su récord actual como la subasta más cara de arte contemporáneo.52
La influencia de Pollock[editar]
La técnica de Pollock de pintar sobre un lienzo crudo fue adoptada por pintores de campos de color como Helen Frankenthaler y Morris Louis. Frank Stella utilizó la composición "all-over" ("en todas partes") como su sello distintivo en todos sus trabajos de los años sesenta. El artista de los happenings, Allan Kaprow, los escultores Richard Serra, Eva Hesse y muchos más artistas contemporáneos han retenido el énfasis que tenía Pollock en el proceso de creación; les influyó su acercamiento al proceso, no tanto el aspecto físico de la obra.53
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Amedeo Modigliani

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Amedeo Modigliani

Amedeo Clemente Modigliani (Livorno; 12 de julio de 1884 - París; 24 de enero de 1920) fue un pintor y escultor italiano, perteneciente a la denominada Escuela de París. Índice [ocultar] 1 Biografía 1.1 Italia: Infancia y estudios 1.2 París: arte y desenfreno 2 Fama póstuma 3 Galería... Ver mas
Amedeo Clemente Modigliani (Livorno; 12 de julio de 1884 - París; 24 de enero de 1920) fue un pintor y escultor italiano, perteneciente a la denominada Escuela de París.

Índice [ocultar]
1 Biografía
1.1 Italia: Infancia y estudios
1.2 París: arte y desenfreno
2 Fama póstuma
3 Galería de imágenes
4 Véase también
5 Enlaces externos
6 Referencias
Biografía[editar]
Italia: Infancia y estudios[editar]

Retrato de Chaïm Soutine, 1916, Museo de Arte Moderno de Céret.
Nació en una familia judía sefardí en Livorno, Italia, una ciudad puerto que servía como refugio de aquellos perseguidos por su religión. Fue el cuarto hijo de Eugenia Garsin, una francesa nativa de Marsella, y de Flaminio Modigliani, nacido en Roma (sus hermanos mayores eran Giuseppe Emanuele, Margherita e Umberto). El padre de Amedeo se dedicaba al préstamo, pero era mal negociante. Prestaba atendiendo más a las necesidades que a las garantías de sus clientes y, muy pronto, debió recurrir él mismo a otros acreedores.

Padres de Amedeo Modigliani (Livorno 1884). Eugenie Garsin y Flaminio Modigliani
Así como Flaminio Modigliani era benevolente con sus clientes, sus acreedores fueron inflexibles. Eugenia estaba embarazada de Amedeo cuando los oficiales de la justicia se presentaron en su casa. Una vieja ley italiana sirvió para dar un respiro a la familia: todos los objetos que estuvieran sobre la cama de una mujer embarazada eran intocables. Flaminio y Eugenia acumularon en su cama de matrimonio todas las joyas y objetos de algún valor que aún poseían. Esa pequeña fortuna les sirvió para instalarse en una casa más modesta y tratar de comenzar una nueva vida.
Flaminio se alejó de Livorno para probar suerte en la minería. Eugenia abrió una escuela de lenguas para señoritas, a la vez que se dedicaba a escribir cuentos y artículos literarios para algunos periódicos. Mientras tanto, criaba a sus cuatro hijos, y así es como Modigliani pasa su infancia entre la pobreza y la enfermedad.
A los 14 años, Amedeo ("Dedo", como lo llamaban en su familia) comenzó a asistir a clases de pintura con Guglielmo Micheli, un discípulo de Fattori, uno de los pintores del movimiento florentino conocido como los macchiaioli, un nombre que eligieron a partir de los ataques de algunos críticos que decían que pintaban con manchas ("macchie"). Poco después de comenzar sus estudios de pintura, Amedeo sufre un ataque de fiebre tifoidea y dos años más tarde una tuberculosis. En 1898, su hermano de 26 años, Emmanuele, futuro diputado del Partido Socialista Italiano, es condenado a seis meses de prisión por ser militante del movimiento anarquista.
En 1902, Amedeo se inscribe en la Escuela libre del Desnudo, Scuola libera di Nudo, en Florencia y al año siguiente en el Instituto de las Artes de Venecia, ciudad en la que se mueve por los bajos fondos.
París: arte y desenfreno[editar]
En 1906 se traslada a París, que es por la época el centro de la vanguardia. En el Bateau-Lavoir, un falansterio para proletarios de Montmartre, conoce a Max Jacob, Van Dongen, Picasso, Guillaume Apollinaire, Diego Rivera, Chaïm Soutine, Vicente Huidobro y otros personajes célebres. Influido en principio por Toulouse-Lautrec, Amedeo encuentra inspiración en Paul Cézanne, el cubismo y la época azul de Picasso. También es evidente la influencia que ejercen sobre él Gustav Klimt y las estampas del japonés Utamaro. Su rapidez de ejecución le hace famoso. Nunca retocaba sus cuadros, pero los que posaron para él decían que era como si hubiesen desnudado su alma.

En 1909, se pasa un breve período en Livorno, enfermo y deteriorado en su salud por los excesos de su vida. Regresa a París y alquila un estudio en Montparnasse. Se considera a sí mismo más escultor que pintor, y siguió sobre esa vía cuando Paul Guillaume, un marchante joven y ambicioso le presenta a Constantin Brâncuşi.
Constantin Brâncuş, conoció personalmente a Modigliani en 1909 recién mudado a su estudio de Montparnasse. Y fue a partir de este encuentro que comenzó la fase escultórica de Modigliani que se prolongó hasta 1914. Según el historiador de arte Gerhard Kolberg, las esculturas de Modigliani conjugan pretensiones idealistas y plásticas, con una realización escultórica primitiva, incluso arcaica. De hecho las figuras de Modigliani presentan una fuerte estilización que se puede apreciar en sus cabezas con cuellos largos, narices agudas y ojos representados como contornos, que son clara referencia a aquellas esculturas de los primitivos muy apreciadas por los círculos de vanguardistas de París.1

Amedeo Modigliani en su estudio, 1915. Foto de Paul Guilliaume
Descubre el arte africano y camboyano en el Musée de l'Homme de París. Sus estatuas se reconocen por los ojos almendrados, las bocas pequeñas, las narices torcidas y los cuellos alargados. Se presentó una serie en el Salón de Otoño de 1912, pero tuvo que dejar de esculpir porque el polvo le causaba problemas de salud.

Retrato de Jeanne Hebuterne, 1919.
Retrató a los habituales de Montparnasse, como Soutine, Diego Rivera, Juan Gris, Max Jacob, Blaise Cendrars y Jean Cocteau.
Al iniciarse la Primera Guerra Mundial, intenta alistarse, pero su precaria salud se lo impide.
Conocido como "Modì" por sus amigos, Amedeo emana magnetismo hacia las mujeres. Tiene numerosos romances hasta que entra en su vida Beatrice Hastings, con la que mantendrá una relación de unos dos años. Ésta le sirve de modelo en varios retratos, como "Madame Pompadour". Cuando está bajo los efectos del alcohol, es triste y violento, como muestra el dibujo de Maria Vassilieff. Sobrio, es tímido y encantador, le gusta citar a Dante Alighieri y recitar poemas del libro del conde de Lautréamont Los cantos de Maldoror ("Les Chants de Maldoror") libro del que siempre tiene cerca un ejemplar.
En 1916, conoce al poeta y marchante de arte polaco Léopold Zborowski y a su mujer Anna. Modigliani lo retrata en varias ocasiones, cobrándole sólo diez francos por retrato.
El siguiente verano, la escultora ucraniana Chana Orloff le presenta a su amiga Jeanne Hébuterne, una estudiante de 18 años que había posado para Foujita. Cuando la familia burguesa de Jeanne se entera de esta relación con el que era considerado un depravado, le corta su asignación económica. Sus tormentosas relaciones se hicieron aún más famosas que sus borracheras.[cita requerida]

Desnudo recostado, 1919, Museum of Modern Art, Nueva York.
El 3 de diciembre de 1917 celebra su primera exposición, en la galería de Berthe Weill, pero horas después la autoridad la cierra por indecencia. Debido a sus problemas de salud, tiene que trasladarse a Niza con Hébuterne, que da a luz en 1919 a una hija a la que llamará Jeanne. Por sugerencia del marchante Guillaume, realiza una serie de desnudos (ahora sus obras más cotizadas), con la pretensión de venderlos a los millonarios que veranean en la Costa Azul, sin mayores éxitos.[cita requerida]
En mayo de 1919, vuelve a París, a la calle de la Grande Chaumière. Su salud se deteriora con rapidez ya que seguía con sus vicios. Tras un largo período en el que sus vecinos no sabían nada de él y después de una noche de excesos y de haber peleado con unos vándalos en la calle, le encuentran delirando en la cama a la vez que sostenía la mano de Jeanne embarazada casi de nueve meses. Lo único que puede hacer el médico es atestiguar que su estado es desesperado. Muere de meningitis tuberculosa el 24 de enero de 1920. Unos días antes había pedido el permiso al gobierno francés para contraer matrimonio con Jeanne.
Los más importantes artistas de Montmartre y Montparnasse siguen los funerales hasta el cementerio parisino de Père-Lachaise. Jeanne Hébuterne, llevada a casa de sus padres, se suicida tirándose desde la ventana de un quinto piso después del funeral de Modigliani, embarazada por segunda vez.
La hermana de Modigliani que vivía en Florencia, adopta a su hija huérfana. Ésta escribirá una importante biografía de su padre titulada: Modigliani: Hombre y mito.
Fama póstuma[editar]
La concepción de su pintura, basada en el diseño lineal, la pureza arcaica de su escultura, y su vida romántica y llena de tribulaciones económicas y enfermedad, dieron a Modigliani una personalidad excepcional en el marco de la pintura moderna, aislada de las corrientes de gusto contemporáneo (cubismo, futurismo, dadaísmo, surrealismo) que estaban en desarrollo en el mismo período. En la actualidad Modigliani es considerado uno de los mayores artistas del siglo XX y sus obras se exponen en los principales museos del mundo.
Sus esculturas raramente han cambiado de manos y las pocas pinturas que se encuentran en el mercado, han alcanzado valores excepcionales. En 2010 en la Casa Christies de París, una de sus esculturas, "Tete de Caryatide", fue vendida en la cifra récord de 43 millones de euros. En noviembre de 2015 el millonario chino Liu Yiqian adquiere su pintura "Nu Couché" (1917) en el remate de la casa Christies en 170,4 millones de dólares, la segunda mejor pagada en subasta en esa fecha, solo superada por "Las mujeres de Argel" de Picasso que se había vendido en 179,3 millones de dólares en mayo de 2015.
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Miguel Ocampo

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Miguel Ocampo

Miguel Ocampo Leloir1 (Buenos Aires, 29 de noviembre de 19221 -La Cumbre, Provincia de Córdoba; 24 de noviembre de 2015)2 fue un pintor, arquitecto y diplomático argentino. Biografía[editar] Egresó de la Facultad de Arquitectura en 1947, estudió pintura con Vicente Puig, en su estudio conoció... Ver mas
Miguel Ocampo Leloir1 (Buenos Aires, 29 de noviembre de 19221 -La Cumbre, Provincia de Córdoba; 24 de noviembre de 2015)2 fue un pintor, arquitecto y diplomático argentino.
Biografía[editar]
Egresó de la Facultad de Arquitectura en 1947, estudió pintura con Vicente Puig, en su estudio conoció a Sarah Grilo e Ignacio Pirovano. era primo segundo de las escritoras Victoria Ocampo y Silvina Ocampo.3 En 1948 viaja a Europa donde conoce a Georges Braque y André Lhote.4 En 1950 realizó su primera muestra individual en París.
Ingresó al cuerpo diplomático en 1956. Fue destinado a Roma (1956-59) y luego a París (1961-66) y Nueva York (1969-79). En París desempeñó entre 1960 y 1972 el papel de Consejero Cultural en la Embajada Argentina. Después de atravesar diversos periodos su obra se acerca al paisaje abstracto argentino como principal tema. Expone internacionalmente y su obra figura en colecciones privadas y públicas. Se casó con la escritora Elvira Orphée con quien tuvo sus tres hijas: Laura, Paula y Flaminia. Su segunda esposa fue Susana Withrington.
En 1982 recibió el Premio Konex, Diploma al Mérito como uno de los mejores pintores figurativos de la historia en Argentina. Al año siguiente era elegido miembro de la Academia Nacional de Bellas Artes. En 1978, se fue a vivir a La Cumbre (Córdoba), donde desde 2008 puso su sala, con exposición de toda sus obras.
Obras en los museos de Albright Knox Collection. Buffalo, N.Y., Museo de Arte Moderno de Nueva York. Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro. Museo de Arte Moderno de Bahía, Brasil. Museo de la Universidad de Austin, Texas, EE.UU. Colección del Estado de Francia. Museo de Bellas Artes de Montevideo. Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. Museo Castagnino de Rosario. Museo Genaro Pérez de Córdoba. Museo de Arte Contemporáneo de San Pablo, Brasil. Tucson Art Museum, Tucson, Arizona, EE.UU. Fundación Arango, Bogotá, Colombia. Organización de Estados Americanos, Washington En el 2012 realiza una retrospectiva en el lugar donde vive con motivo de sus 90 años.5 Falleció el 24 de noviembre de 2015 a los 92 años de edad.2
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Else Alfelt

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Else Alfelt

Else Alfelt (Copenhague, 16 de septiembre de 1910 - Copenhague, 9 de agosto de 1974) es una pintora danesa, una de las dos mujeres integrantes del movimiento CoBrA. Estuvo casada con Carl-Henning Pedersen, también un veterano de CoBrA. Alfelt comenzó su carrera como pintora temprano, pero nunca... Ver mas
Else Alfelt (Copenhague, 16 de septiembre de 1910 - Copenhague, 9 de agosto de 1974) es una pintora danesa, una de las dos mujeres integrantes del movimiento CoBrA. Estuvo casada con Carl-Henning Pedersen, también un veterano de CoBrA.
Alfelt comenzó su carrera como pintora temprano, pero nunca recibió ninguna educación artística formal. Envió obras de arte a la exposición anual de artistas daneses (Kunstnernes Efterårsudstilling) a partir de 1929, pero no fue aceptada allí hasta el año 1936 en que mostró dos retratos naturalistas. Poco después de esto, su estilo pictórico se cambió a la abstracción. A finales de los años cuarenta se unió al grupo CoBrA.
El arte de Alfelt a menudo usa las formas de espirales, montañas y esferas como una expresión de un «espacio interior». Aparte de las pinturas, produjo varios mosaicos. Cuando hizo retratos, su esposo a menudo ofreció posar para ellos. Fue premiada con el Tage Brandt Rejselegat en 1961.
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Miquel Barceló

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Miquel Barceló

Miquel Barceló Artigues (Felanitx, Mallorca, 8 de enero de 1957) es un pintor español, próximo a la corriente neo-expresionista. Índice [ocultar] 1 Biografía 2 Trayectoria 3 Premios y distinciones 4 Exposiciones 5 Obra 6 Bibliografía 7 Enlaces externos 8 Referencias Biografía[editar... Ver mas
Miquel Barceló Artigues (Felanitx, Mallorca, 8 de enero de 1957) es un pintor español, próximo a la corriente neo-expresionista.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Trayectoria
3 Premios y distinciones
4 Exposiciones
5 Obra
6 Bibliografía
7 Enlaces externos
8 Referencias
Biografía[editar]
Un viaje a París en 1970 le permite descubrir el Art brut, estilo que deja una fuerte influencia en las primeras obras que presenta en público. Formó parte del grupo Taller Llunàtic de Mallorca. Estudió en la Escuela de Artes Decorativas de Palma de Mallorca entre 1972 y 1973 y continuó en 1974 en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi de Barcelona, pero poco después abandona sus estudios. Actualmente reside entre París, Mallorca y Mali, en los Acantilados de Bandiagara.
Trayectoria[editar]

Gran elefante enhiesto (2009), en Barcelona
Empieza a ser más conocido cuando participa en la Bienal de Sao Paulo (1981) y a raíz de la Documenta VII de Kassel (1982), en que Rudi Fuchs le presenta; desde entonces su obra es incluida en las más prestigiosas muestras internacionales, configurándose como una de las mayores revelaciones del arte español de los años ochenta.
Premios y distinciones[editar]
En 1986 se le concede el Premio Nacional de Artes Plásticas y, en 1988, instala su taller en Malí, al mismo tiempo que expone su obra en los museos y salas más relevantes del mundo. Entre ellas, destaca la importante retrospectiva que en 1996 le dedica el Centro Pompidou de París.
En el 2003, ha recibido el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, uno de los premios más importantes de España.
En 2004 expuso en el museo del Louvre las acuarelas que creó para ilustrar La Divina Comedia, convirtiéndose en el primer artista contemporáneo vivo que expone en el museo. En Nueva York ha expuesto en la galería de Leo Castelli.
En 2008, expone 84 piezas de su obra africana en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, al mismo tiempo que el desvío de Fondos de Ayuda al Desarrollo (FAD) para la decoración de la Cúpula de la sala XX del Palacio de Naciones Unidas en Ginebra levanta un torbellino mediático.
El 29 de noviembre de 2012 es investido Doctor Honoris Causa por la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona.
Exposiciones[editar]
Entre sus recientes exposiciones se encuentra la celebrada en el Caixaforum de Madrid y Barcelona la muestra "Miquel Barceló. 1983-2009. La solitude organisative", retrospectiva de los 25 años del artista. Tras el cierre en 2012 de la galería Soledad Lorenzo, su obra pasó a ser representada en Madrid por la galería Elvira González, que acogió su primera exposición del artista en enero de 2013. Miquel Barceló llevaba sin exponer en Madrid desde hacía más de una década.1
Obra[editar]

Escultura en la Capilla del Santísimo de La Seu en Palma de Mallorca.
Sus enormes lienzos figurativos de finales de los años setenta con temas de animales de marcado expresionismo reciben la influencia de Joan Miró, el action painting ("pintura de acción"), Jackson Pollock, Antoni Tàpies, el arte conceptual y el art brut.
Posteriormente da paso a una pintura más entroncada con la tradición y así surgen las series de las bibliotecas, los museos y los cines de forzadas perspectivas y denso tratamiento pictórico.
Entre las características de su obra hay que destacar la inspiración en la naturaleza, consiguiendo relieve a través del uso de unos empastes densos y generalmente oscuros. El Mediterráneo y África han sido dos de sus más importantes referentes. El descubrimiento de África en un viaje a Mali ha hecho que sus gentes y la vida del desierto sea uno de los temas más desarrollados en su obra en los últimos años, siempre reflejando una gran preocupación por la naturaleza, el paso del tiempo y los orígenes.
En la última época ha evolucionado hacia referentes más intelectuales y abstractos. En marzo de 2007 la catedral de Mallorca ha inaugurado la capilla elaborada por él en arcilla. Consta de dos mundos: Los frutos del mar y los frutos de la tierra. En mayo de 2007 también comienza los trabajos de decoración de la Cúpula de la sala XX del Palacio de Naciones Unidas en Ginebra. Esta sala acogerá las reuniones del Consejo de los Derechos Humanos y pasará a llamarse Sala de los DDHH y de la Alianza de Civilizaciones.
La literatura ha sido siempre también una de sus inspiraciones. Ha sido ilustrador de libros y él mismo suele redactar los prólogos de sus catálogos. La imagen de la cabecera diario Público, editado desde septiembre de 2007, es obra del autor mallorquín.
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Kazimir Malévich

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Kazimir Malévich

Kazimir Severínovich Malévich, (en ruso, Казимир Северинович Малевич), (11 de febrero de 1878, Kiev - 15 de mayo de 1935, Leningrado) fue un pintor ruso,1 2 creador del suprematismo, uno de los movimientos de la vanguardia rusa del siglo XX. Índice [ocultar] 1 Biografía 2 Obras selectas 3... Ver mas
Kazimir Severínovich Malévich, (en ruso, Казимир Северинович Малевич), (11 de febrero de 1878, Kiev - 15 de mayo de 1935, Leningrado) fue un pintor ruso,1 2 creador del suprematismo, uno de los movimientos de la vanguardia rusa del siglo XX.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Obras selectas
3 Bibliografía
4 Referencias
5 Enlaces externos
Biografía[editar]
Su padre era un mal supervisor en refinerías de azúcar por lo que se ve obligado a viajar constantemente. En Parjómovka (raión de Krasnokutsk de Járkov), Kazimir completa los cinco años de Escuela de Agricultura; le gusta el campo y aprende por sí mismo a pintar los paisajes y los campesinos que le rodean. En Konotop (óblast de Sumy) se dedica exclusivamente a pintar y produce su primera obra. A mediados de los años noventa consigue ser admitido en la Academia de Kiev.
En 1886 la familia se traslada a Kursk, donde el padre consigue un trabajo en el ferrocarril. A través de reproducciones, Malévich conoce el trabajo de Iván Shishkin e Iliá Repin, dos pintores naturalistas pertenecientes a un grupo conocido como Peredvízhniki.
Empieza a pensar que su misión como artista es representar la naturaleza lo más objetivamente posible. Entre los empleados del ferrocarril, encuentra algunos aficionados y amantes del arte con los que forma una asociación y un estudio cooperativo. Allí oye hablar de las Escuelas de San Petersburgo y Moscú. Siente la necesidad de formarse académicamente y va a Moscú en 1904. Su trabajo, en esta época, siempre pintura del natural, se hace cada vez más impresionista. Fue un período relativamente largo y estable, en el que su atención se centra en los estudios de paisajes, con composiciones sólidas, a pesar de la fragmentación, En conjunto, estos trabajos producen una impresión estática y extraña, lo que sería más adelante el contenido típico de Malévich, la expresión de sus ideas esenciales.[cita requerida]
En Muchacha con flor de 1903 se advierte un acercamiento al estilo de Bonnard. En esta etapa impresionista, Malévich reinterpreta la descomposición y la saca hacia la superficie de la tela, concentrándose en el plano pictórico, lo cual le posibilita el desarrollo de otros sistemas; de hecho, todos los artistas rusos pasaron por una etapa impresionista cuando ya este movimiento había pasado en Francia, aportándole entonces elementos y hallazgos de las últimas tendencias.
A su llegada a Moscú, visita la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura. En la primavera de 1905 vuelve a Kursk y sigue pintando del natural: su trabajo adquiere una calidad neoimpresionista.
Vuelve a Moscú en otoño y toma parte en la Batalla de las Barricadas. Su primera exposición tiene lugar en 1907, cuando participa con dos dibujos en la XIV Muestra de la Asociación de Artistas de Moscú; entre los participantes se encuentran Natalia Goncharova, Wassily Kandinsky y Mijaíl Lariónov.
En 1907 tiene lugar la exposición Vellocino de Oro, en la que se incluye una importante aportación de arte francés (Pierre Bonnard, Georges Braque, Paul Cézanne, André Derain, Paul Gauguin, Albert Gleizes, Henri Matisse, etc) y del español Pablo Picasso, que Malévich ve por primera vez.
En 1908, se advierte en su obra un interés creciente por los iconos rusos y el arte popular (Relajación); Bañistas, este mismo año, aporta al estilo impresionista algunos elementos del estilo moderno, y en los autorretratos de finales de la década Malévich evidencia las influencias del Fauvismo y el Expresionismo; sin embargo, es el Neoprimitivismo el estilo moderno que más le influye, un estilo en el que retrata campesinos trabajando en los campos o en las iglesias, con formas densas y sólidas, en actitudes estáticas, casi congeladas, en donde descubre una nueva forma de construir el cuadro sólo a través del volumen.
En 1909 se casa con Sofía Rafalóvich. Un año más tarde participa en una serie de exposiciones organizadas por Mijaíl Lariónov y Natalia Goncharova, como Sota de Diamantes. En 1911 muestra en el Primer Salón de Moscú tres series de obras (amarillo, blanco y rojo) en las que intenta integrar sus experimentos con el color en un nuevo sistema. En abril participa en la tercera exposición del grupo de San Petersburgo Soyuz molodyozhi (Unión Joven), junto con Natalia Goncharova, Mijaíl Lariónov y Vladímir Tatlin. 1911 es también el año de su época cubista (Retrato de Kliun), de un cubismo ortodoxo cercano al del Braque y Picasso. En 1912 pinta Afilador, donde combina sus método personal con los del Futurismo.
A finales de 1912, participa en una exposición internacional donde muestra Mujer con cubos y niño. Participa también en la V exposición de la Unión Joven de San Petersburgo con obras como En el campo y Retrato de Kliun. En diciembre sale a la luz el manifiesto Bofetada al gusto público, de Vladímir Mayakovski y Velimir Jlébnikov, donde afirman el derecho del poeta a crear nuevas palabras utilizando arbitrariamente vocablos, formas y fragmentos; en ese mismo mes diseña los decorados de la ópera Victoria sobre el sol de Mijaíl Matiushin y Alekséi Kruchónyj; los figurines contenían muchos de los esquemas compositivos del futuro Suprematismo. También son de 1913 algunas de sus obras cubofuturistas.

Composición Suprematista
En 1914 Tommaso Marinetti, el creador del Manifiesto Futurista italiano, visita Moscú; en febrero, Malévich y Morgunov hacen una demostración futurista. En ese mismo año participa con varias obras en el Salón de los Independientes de París. El año siguiente participa en el exposición Tranvía V: Primera Exposición Futurista en Petrogrado con Mujer en el tranvía y Caballero en Moscú.
1915 es el año del nacimiento del Suprematismo, en un texto escrito por Malévich para presentar su propio trabajo en una segunda exposición llamada 0.10: Última Exposición Futurista;3 en esta exposición cuelga treinta y nueve obras abstractas y las presenta como el nuevo realismo pictórico, entre ellas el famoso Cuadrado Negro, que supone un giro capital en la evolución de Malévich y de toda la pintura moderna.
Publica un pequeño folleto que titula Desde el cubismo al suprematismo en arte, el nuevo realismo en pintura, hacia la absoluta creación, en donde explica el significado de su nuevo trabajo; al año siguiente edita un nuevo folleto titulado Desde el cubismo y el futurismo al suprematismo, el nuevo realismo pictórico.
Con el suprematismo, Malévich reduce los elementos pictóricos al mínimo extremo (el plano puro, el cuadrado, el círculo y la cruz) y desarrolla un nuevo lenguaje plástico que podría expresar un sistema completo de construcción del mundo (Malévich).
Se plantea con el Suprematismo, la tarea ingente de recodificar el mundo, "Malévich dominó las condiciones de la existencia humana, de modo que pudo operar con un lenguaje cósmico para afirmar el orden global y las leyes generales del universo". El sistema fue construido en toda su complejidad. Malévich escribió: "Las claves del Suprematismo me están llevando a descubrir cosas fuera del conocimiento. Mis nuevos cuadros no sólo pertenecen al mundo". "Cuadrado Negro no sólo retó a un público que había perdido interés por las innovaciones artísticas, sino que hablaba como una forma nueva de búsqueda de Dios, el símbolo de una nueva religión" (Sarabianov).
En 1916 continúa con sus actividades públicas para dar a conocer la nueva tendencia: con Iván Puní, otro suprematista, da una lectura popular-científica sobre el Cubismo, el Futurismo y el Suprematismo, así como una demostración de cómo el dibujo del natural es la base del Cubo-Futurismo.
En 1917 es elegido jefe del Departamento de Arte de los Soldados del Soviet delegados en Moscú. En los primeros días de la Revolución de Octubre es nombrado por el consejo supervisor de las colecciones del Kremlin. Sigue exponiendo su obra suprematista con la Sota de Diamantes y se opone a los tradicionalistas, quienes se enfrentan a los artistas de vanguardia que apoyan la revolución.
En 1918 es llevado a Petrogrado para dirigir uno de los Estudios de los Talleres Libres del Estado; diseña los decorados para la gran obra de Vladimir Maiakovski Misteria Bouff, dedicada a la revolución y representada en Petrogrado.
En 1919, Mijaíl Lariónov y Natalia Goncharova se salen de la asociación Sota de Diamantes, debido a la excesiva atención que se le presta al arte occidental en detrimento de las innovaciones rusas; organizan su propia exposición con varios simpatizantes, la titulan La Cola de Burro y participan, entre otros, Malévich, Tatlin y el recién llegado Marc Chagall. En esta muestra, Malévich presenta un gran grupo de obras neoprimitivistas, con la vida campesina y la naturaleza como tema central. Traba amistad con Mijaíl Matiushin, que está tratando de organizar una colaboración entre la Sota de Diamantes y la Unión Joven.
Ese mismo año (1919) participa en la Conferencia sobre los Museos, donde se decide establecer los Museos de Cultura Artística, museos sólo para el arte de vanguardia; participa en la X Exposición Anual en Moscú con dieciséis obras suprematistas, entre ellas, las serie de cuadros blanco sobre blanco que son contestadas por Aleksandr Ródchenko con la serie de negro sobre negro. En junio termina su largo ensayo teórico Sobre el nuevo sistema de Arte. En septiembre, por sugerencia de El Lissitzky, acude a trabajar a la Escuela de Arte de Vítebsk, donde trata de introducir un nuevo concepto de educación artística, en el que todas las formas del arte se basen en el Suprematismo y se integren en un sistema universal. En diciembre de 1919 tiene lugar la primera retrospectiva de su obra en la XVI Exposición Nacional de Moscú.
En 1920 pone en práctica en una obra sus ideas sobre la colectivización del Arte y la enseñanza en Vítebsk, que titula con el nombre de Unovis (Utverdíteli nóvogo iskusstva - Forjadores del arte nuevo); también es el año de finalización del Suprematismo. Algún tiempo antes, Malévich había trasladado el énfasis creativo a la investigación teórica.
En 1921 surgen diferencias en torno al método y trata de instaurarlo en Moscú, donde choca con las ideas del Constructivismo y, especialmente, con Vladímir Tatlin. El año siguiente completa su texto Suprematismo, el mundo como No-objetividad y participa en una exposición colectiva en Berlín con obras cubistas y suprematistas. La exposición viajará más tarde al Stedelijk Museum de Ámsterdam.
En 1923 comienza sus investigaciones sobre una arquitectura suprematista en diversos dibujos y apuntes, y es nombrado director del nuevo departamento de investigación del Museo de Cultura Artística. Ese año muere su segunda mujer pero continúa viviendo en su dacha de Nemchínovka, cerca de Moscú. En el verano de 1923 participa en la XIV Bienal de Venecia con un Cuadrado Negro, un Círculo Negro y una Cruz Negra.
En 1925 asume la dirección del departamento de investigación dejado por Tatlin, y realiza modelos en madera de su arquitectura suprematista a los que denomina arkhitektons. Se casa por tercera vez. En 1926 el departamento del Museo cierra, y él termina su texto Introducción a la teoría del elemento adicional en pintura, que no llegará a publicarse. En 1927 viaja a Polonia y a Berlín; en abril visita la Escuela de la Bauhaus de Dessau y conoce a Gropius y a Moholy-Nagy, quien se encarga de conseguir publicar en Alemania algunos de sus escritos, entre ellos «Die gegenstandslose Welt» (El mundo no-objetivo); a través de la asociación de los arquitectos progresistas de Berlín, realiza una exposición en el Grosse Berliner Kunstausstellung. Planea la idea de rodar una película suprematista con Hans Richter. A su vuelta de Alemania continúa trabajando en el Instituto Estatal para la Historia del Arte en Leningrado.
En 1929 los historiadores del Instituto, que no están de acuerdo con sus ideas, se las arreglan para echarlo, pero es solicitado para trabajar dos semanas y media por mes en el Instituto de Arte de Kiev. En ese mismo año se organiza una retrospectiva de su obra en la galería Tretiakov de Moscú que viaja después a Kiev y participa en algunas colectivas en Berlín y Viena. En 1930 es detenido e interrogado y algunos amigos queman algunos de sus manuscritos.
En 1932 se le concede un laboratorio para experimentar en el Museo Estatal Ruso. Su trabajo es ampliamente representado en la exposición Quince Años de Arte Ruso y su obra vuelve a finales de los años veinte a la figuración (Hombre y Caballo).
En 1935 participa con cinco retratos en la Primera Muestra de Artistas de Leningrado, que será su última exposición en la Unión Soviética hasta 1962. En 1936, sus obras dejadas como regalos durante su viaje a Alemania son seleccionadas por Alfred H. Barr, director del Museo de Arte Moderno de Nueva York, para ser incluidas en cubismo y arte abstracto. Muere el 15 de mayo de ese año y como homenaje a su contribución al arte, el ayuntamiento de Leningrado costea sus exequias.
El Museo Estatal Ruso adquiere entonces muchas de sus obras y concede una pensión a su familia.[cita requerida]
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Karel Appel

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Karel Appel

Christiaan Karel Appel, conocido como Karel Appel (Ámsterdam, 25 de abril de 1921 – Zúrich, 3 de mayo de 20061 ) fue un pintor neerlandés, miembro fundador del grupo CoBrA. Biografía[editar] Hijo de un peluquero, Appel estudió en la Rijksakademie van Beeldende Kunsten (Academia de Bellas Artes... Ver mas
Christiaan Karel Appel, conocido como Karel Appel (Ámsterdam, 25 de abril de 1921 – Zúrich, 3 de mayo de 20061 ) fue un pintor neerlandés, miembro fundador del grupo CoBrA.
Biografía[editar]
Hijo de un peluquero, Appel estudió en la Rijksakademie van Beeldende Kunsten (Academia de Bellas Artes) de Ámsterdam entre 1940 y 1943 a pesar de la resistencia de sus padres. Allí conoció a Guillaume Corneille y Constant. Su primera exposición data de 1946 y fue en Groninga, seguida de otra en Ámsterdam. Entre sus influencias están Pablo Picasso, Henri Matisse y Jean Dubuffet. Se une al Nederlandse Experimentele Groep (Grupo Experimental Neerlandés) junto a Guillaume Corneille y Constant con quienes funda posteriormente el movimiento CoBrA en 1948, junto con Asger Jorn, Jan Nieuwenhuys y Christian Dotremont.
En 1949 un mural suyo en la cafetería del Ayuntamiento de Ámsterdam causó una fuerte controversia y fue cubierto por diez años. En consecuencia Appel partió en 1950 a París, desarrollando su reputación internacional con viajes a México, los Estados Unidos, Brasil y Yugoslavia, dividiendo su residencia entre Nueva York y Florencia.

Escultura de Karel Appel en Róterdam

Appel está clasificado como pintor expresionista de la segunda mitad del siglo XX. Su obra, si bien se acerca a la abstracción, siempre contiene temas reconocibles (personas, animales, paisajes). Durante su periodo en CoBrA pintaba con vivos colores figuras simples con fuertes delineados.
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Piet Mondrian

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Piet Mondrian

Pieter Cornelis Mondriaan (Amersfoort, 7 de marzo de 1872 - Nueva York, 1 de febrero de 1944), conocido como Piet Mondrian, fue un pintor vanguardista neerlandés, miembro de De Stijl y fundador del neoplasticismo, junto con Theo van Doesburg. Evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta... Ver mas
Pieter Cornelis Mondriaan (Amersfoort, 7 de marzo de 1872 - Nueva York, 1 de febrero de 1944), conocido como Piet Mondrian, fue un pintor vanguardista neerlandés, miembro de De Stijl y fundador del neoplasticismo, junto con Theo van Doesburg. Evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción, de la cual es el principal representante inaugural junto a los rusos Wassily Kandinski y Kazimir Malévich.
Índice [ocultar]
1 Formación
2 Filosofía estética de Mondrian
3 Valoración
4 Referencias
5 Bibliografía
6 Enlaces externos
Formación[editar]
Nació en una familia calvinista. Desde 1892 hasta 1908 estudió en la Academia Estatal de Ámsterdam, en la que su maestro fue August Allebé.
Comenzó su carrera como maestro de educación primaria, pero mientras enseñaba también practicaba la pintura. La mayor parte de su trabajo de este período naturalista o impresionista está constituida por paisajes. Estas imágenes pastorales de su Holanda nativa representan molinos de viento, campos, y ríos, inicialmente de manera impresionista al estilo de "La escuela de La Haya", que hace al autor sucesor de Jongkind, y luego en una variedad de estilos y técnicas que documenta su búsqueda por un estilo personal. Las pinturas en las que predominan los colores malva, gris suave y verde oscuro son las más representativas de su momento inicial e ilustran la influencia de varios movimientos artísticos en Mondrian, incluso el puntillismo y los colores vívidos del fovismo, en los que se vuelca en 1908 por influencia de Jan Toorop.
En la exhibición en el Hague's Gemeentemuseum varias pinturas son de este período, incluyendo los trabajos postimpresionistas como "El Molino Rojo" y "Árboles a la Luz de la luna". Otra pintura, Avond ("Tarde") (1908), que presenta una escena de parvas (o niaras) en un campo durante el crepúsculo es un cuadro que ya deja intuir los desarrollos futuros de este pintor; en él usa una paleta que consiste casi exclusivamente en rojo, amarillo y azul. Aunque en ningún sentido es abstracto, "Avond" es el más temprano de los trabajos de Mondrian que da énfasis a los colores primarios.

Retrato de Mondrian pintando en el río Gein, por Simon Maris en 1906.
Las pinturas más tempranas que muestran un vislumbre de la abstracción son una serie de cuadros de 1905 a 1907, en los cuales pinta escenas oscuras de árboles indistintos y casas con reflejos en agua que los hace casi aparecer como manchas de tinta de un proyectivo test de Rorschach. Sin embargo, aunque el resultado final deja ver el énfasis en las formas sobre el contenido, estas pinturas todavía se arraigan firmemente en la naturaleza, y es sólo por el conocimiento de estos logros de Mondrian que se llegan a reconocer las raíces de su abstracción futura.
Mondrian y su trabajo posterior fueron influenciados profundamente por los "Moderne Kunstkring" 1911 en la exhibición de cubismo en Ámsterdam. Su búsqueda por la simplificación se muestra en dos versiones del cuadro Stilleven met gemberpot (Naturaleza muerta con una olla de jengibre). La versión cubista, de 1911, y la abstracta de 1912, en la que el tema es reducido a una forma redonda con triángulos y rectángulos.
Entre 1911 y 1914 estuvo en París, donde recibió la influencia cubista. Volvió a Ámsterdam. Allí conoció, en 1915, a Van Doesburg, con el que fundó el grupo De Stijl en 1917. En torno a esta revista De Stijl (El estilo), publicada entre 1917 y 1926, se constituyó un grupo de artistas que recibieron la directa influencia de la "revolución cubista", entre los cuales Mondrian es el pintor más importante.
En 1919 regresó a París. En 1921 redujo su paleta a los colores primarios, blanco y negro. En 1930 se unió al grupo "Cercle et carré" y en 1931 a Abstraction-Création. En 1930 la estilista Lola Prusac crea para la Casa HERMÈS en París una línea completa de bolsos y equipajes directamente inspirados en las obras de Mondrian con recortes rojos, amarillos y azules.1 En 1938 se marchó a Londres y en 1940 a Estados Unidos.
En la década de los años 1940, sus trabajos se volvieron más vívidos en ritmo, menos estructurados al yuxtaponer áreas de colores brillantes y cálidos.
La teoría de Mondrian ha sido relevante en el siglo XX trascendiendo la pintura e influyendo en las demás expresiones estéticas: diseño, decoración, arquitectura, y escultura.
Filosofía estética de Mondrian[editar]

Composición en rojo, amarillo, azul y negro, 1921.
El arte de Mondrian siempre estuvo íntimamente relacionado con sus estudios espirituales y filosóficos. A partir de 1908, se interesó por el movimiento teosófico fundado por Helena Petrovna Blavatsky a finales del siglo XIX. Blavatsky creía que era posible lograr un conocimiento de la naturaleza más profundo que el proporcionado únicamente por los medios empíricos, y mucho del trabajo de Mondrian del resto de su vida estuvo inspirado por la búsqueda de ese supuesto conocimiento esencial. Una frase suya lo explica: «solo cuando estemos en lo real absoluto el arte no será ya más necesario».
En efecto: al dedicarse a la abstracción geométrica, Mondrian, busca encontrar la estructura básica del universo, la supuesta “retícula cósmica” que él intenta representar con el no-color blanco (presencia de todos los colores) atravesado por una trama de líneas de no-color negro (ausencia de todos los colores) y, en tal trama, planos geométricos (frecuentemente rectangulares) de los ya mencionados colores primarios, considerados por Mondrian como los colores elementales del universo. De este modo, repudiando las características sensoriales de la textura y la superficie, eliminando las curvas, y en general todo lo formal. Expresó que el arte no debe ser figurativo, no debe implicarse en la reproducción de objetos aparentemente reales, sino que el arte debe ser una especie de indagación de lo absoluto subyacente tras toda la realidad fenoménica. Como anécdota de sus ligeras excentricidades cabe mencionar que prohibió el color verde en su casa.
Busca, en suma, un "arte puro", despojado de lo particular, y dice que «El propósito no es crear otras formas y colores particulares con todas sus limitaciones, sino trabajar tendiendo a abolirlos en interés de una unidad más grande.» Su radicalismo es tal que, cuando Van Doesburg buscó variaciones a sus estructuras formales a partir de 1924, inclinando los rectángulos, Mondrian abandonó De Stijl.
Valoración[editar]

Victory Boogie Woogie, 1942-1944, Gemeentemuseum, La Haya.
Mondrian fue un contribuyente importante en el movimiento y grupo de arte De Stijl, que fundó Theo Van Doesburg. A pesar de ser muy conocido, o más bien precisamente por ello, a menudo ha sido parodiado y trivializado. Las pinturas de Mondrian exhiben una complejidad que desmiente su simplicidad aparente. Es principalmente conocido por sus pinturas no figurativas, a las que llamó composiciones, que consisten en formas rectangulares en rojo, amarillo, azul y negro, separadas por gruesas líneas rectas negras; son el resultado de una evolución estilística que se cumplió en el curso de casi 30 años y aún continuó más allá, hasta el final de su vida.
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Mark Tobey

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Mark Tobey

Mark George Tobey (Centerville, 11 de diciembre de 1890 - Basilea, 24 de abril de 1976) fue un pintor expresionista abstracto estadounidense. Ampliamente reconocido en Estados Unidos y Europa, Tobey es el más destacado entre «los pintores místicos del Noroeste». Mayor en edad y experiencia... Ver mas
Mark George Tobey (Centerville, 11 de diciembre de 1890 - Basilea, 24 de abril de 1976) fue un pintor expresionista abstracto estadounidense. Ampliamente reconocido en Estados Unidos y Europa, Tobey es el más destacado entre «los pintores místicos del Noroeste». Mayor en edad y experiencia, Tobey tuvo una fuerte influencia sobre los otros. Amigo y mentor, Tobey compartió sus intereses en filosofía y religiones orientales. Junto con Guy Anderson, Kenneth Callahan, Morris Graves, y Willem De Kooning, Tobey fue fundador de la Escuela del Noroeste.1
Estudiando la caligrafía china y la pintura zen, desarrolla a partir de 1935 una pintura meditativa constituida de un hormigueo de señales.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Bibliografía
3 Notas
4 Referencias
5 Enlaces externos
Biografía[editar]
En 1893, su familia se instaló en Chicago. Después de haber frecuentado el Instituto de Arte de Chicago de 1906 a 1908, marchó en 1911 a Nueva York, donde trabajó como retratista y delineante de una casa de modas. Realizó su primera exposición en 1917 en la galería Knoedler. La Primera Guerra Mundial lo afectó profundamente, haciendo nacer en él el odio a la capacidad destructiva de la cultura occidental.
Tobey se convirtió en 1918 al bahaísmo. Después de haberse divorciado, se instaló en 1922 en Seattle. Conoció en 1923 a Teng Kuei, estudiante y pintor chino, que lo inició en la caligrafía. Desde 1922 hasta 1925, Tobey se dedicó a dar clases de arte. Luego efectuó un viaje por Francia (París, Châteaudun) y por España (Barcelona), Grecia, Constantinopla, Beirut, Haifa, donde se interesó por las escrituras árabe y persa.
En 1927, Tobey regresó a Seattle y participó en 1928 en la fundación de la «Free and Creative Art School». En 1929 Alfred Barr presentó sus obras en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. De 1930 a 1937 se instaló en Devonshire, enseñando en la Dartington Hall School. Viajó por Europa y también a México en 1931 y a Palestina en 1932. En 1934, para estudiar caligrafía y pintura, residió en China con Teng Kuei y luego pasó a Japón donde vivió en un monasterio zen de Kioto. En 1935, de vuelta en Inglaterra, pintó, en noviembre o diciembre, varias telas (Broadway, Welcome Hero, Broadway Norm con una «escritura blanca» (White writing) que sería la característica esencial de su obra y que, según los críticos, tuvo una influencia decisiva en la evolución de Jackson Pollock. Los «escritos blancos» (White Writings) de Tobey se caracterizan por ser «una red de finos signos caligráficos»,2 que poco a poco se van haciendo cada vez más abstractos e ininteligibles. Estas obras de gran sensibilidad son la mejor expresión de su estilo de vida introspectivo y meditativo. Su estilo contrasta con la expresividad propia de la action painting.
He buscado un mundo unificado en mi obra y utilizo un vórtice móvil para conseguirlo.
Mark Tobey.3
De 1938 data su primera composición musical. En 1939 Tobey regresó a Seattle, estudió piano y la teoría de la música, desarrolló en 1942 su experiencia caligráfica, expuso en Nueva York en 1944 y 1951, París, galería Jeanne Bucher, en 1955. Recibió en 1956 el Guggenheim International Award (Premio Internacional Guggenheim), presentó en 1958 una exposición retrospectiva en el Museo de Arte de Seattle y obtuvo el Gran Premio de pintura en la Bienal de Venecia.
En 1959 pintó un fresco para la biblioteca nacional de Washington, se estableció en Basilea en 1960, recibió en 1961 el Primer Premio del Instituto Carnegie de Pittsburgh y expuso en París en el Museo de las Artes Decorativas. Participó en la documenta II y III de Kassel (años 1959 y 1964). En 1962 el Museo de Arte Moderno de Nueva York organizó una nueva retrospectiva de su obra. En 1966 Tobey viajó a Haifa y a Madrid donde su visita al Museo del Prado lo marcó profundamente.
Siguió exponiendo en Nueva York, 1967, Dallas, 1968 y retrospectiva en el Instituto Smithsoniano de Washington, 1974. Mark Tobey, a quien se llamó «el viejo maestro de la joven pintura estadounidense», murió en Basilea el 24 de abril de 1976.
Se han celebrado exposiciones retrospectivas de Tobey:
1984 - Galería Nacional de Arte, Washington DC.
1990 - «Una exposición centenaria», Galería Beyeler, Basilea.
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Josef Albers

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Josef Albers

Josef Albers (19 de marzo de 1888 - 25 de marzo de 1976) fue un artista y profesor alemán cuyo trabajo, tanto en Europa como en los Estados Unidos, creó la base de algunos de los programas de educación artística más influyentes del siglo XX. Índice [ocultar] 1 Biografía 1.1 Estudios y... Ver mas
Josef Albers (19 de marzo de 1888 - 25 de marzo de 1976) fue un artista y profesor alemán cuyo trabajo, tanto en Europa como en los Estados Unidos, creó la base de algunos de los programas de educación artística más influyentes del siglo XX.
Índice [ocultar]
1 Biografía
1.1 Estudios y primeros trabajos en Alemania
1.2 Vida en Estados Unidos
2 Estilo y evolución de su obra
3 Instituciones
4 Fuentes
5 Referencias
6 Enlaces externos
Biografía[editar]
Estudios y primeros trabajos en Alemania[editar]
Albers nació en Bottrop, Westfalia. Desde 1901 hasta 1905 estudió en la universidad de magisterio de Büren y luego enseñó como profesor de escuela primaria. En 1908 vio por primera vez las obras de Paul Cézanne y Henri Matisse en Museo Folkwang en Essen. Inspirado por Piet Mondrian en 1913 pintó su primer cuadro abstracto.
Albers estudió arte en la Real Escuela de Arte en Berlín de 1913 a 1915, y en la Escuela de Arte en Essen de 1916 a 1919, después estudió en la Academia de las Artes de Prusia con Franz von Stuck y de 1919 a 1920 en el Academia de Bellas Artes en Múnich hasta que en 1920 entró en la Escuela de la Bauhaus en Weimar (a partir de 1925 en Dessau, de 1932 a 1933 en Berlín). Comenzó a enseñar en el Departamento de Diseño en 1923 y fue ascendido a profesor en 1925, el mismo año en que la Bauhaus se mudó a Dessau. Su trabajo en este momento incluía el diseño de muebles y de trabajo con el vidrio. En esa época se casó con Anni Albers que era entonces una estudiante de la Bauhaus.
Vida en Estados Unidos[editar]
Con la clausura de la Bauhaus bajo la presión nazi en 1933, Albers emigró a los Estados Unidos y se incorporó a la facultad de Black Mountain College (Carolina del Norte), encargándose del programa de arte hasta 1949, siendo varios los latinoamericanos que se formaronn en esta escuela, destacando la alumna cubano-mexicana Clara Porset.
Entre sus alumnos más importantes en esta institución, están John Cage, Robert Rauschenberg, Cy Twombly, Ray Johnson, Susan Weil, Donald Judd y Merce Cunningham. De 1934 a 1936 fue miembro del grupo de artistas de París: Abstracción-Creación.
En 1935, viajó, con su mujer, por primera vez a Cuba y México, y quedaron muy impresionados por la arquitectura y su influencia fue duradera. Asimismo, conocieron al arquitecto Luis Barragán y su obra.
De 1950 a 1958, Albers dirigió el Departamento de Diseño de la Universidad de Yale, en New Haven (Connecticut), donde, entre otras cosas, enseñó a Richard Anuszkiewicz, Eva Hesse y Richard Serra. En 1953 regresó como profesor invitado a la Escuela de Diseño de Ulm, Alemania. En 1962, como becario de la Universidad de Yale, recibió una subvención de la Graham Foundation para una exposición y conferencia sobre su trabajo.
Tras jubilarse en Yale en 1958, Albers continuó viviendo y trabajando en New Haven con su esposa, la artista textil Anni Albers, hasta el día de su fallecimiento.
Estilo y evolución de su obra[editar]
Consumado diseñador, fotógrafo, tipógrafo y poeta, Albers es principalmente recordado como pintor abstracto. Favoreció un acercamiento muy disciplinado a la composición y publicó varios libros y artículos sobre la teoría de la forma y el color, así como realizó diversas obras pictóricas en este sentido. Las más conocidas quizás sean sus rigurosas series Homenaje al cuadrado, que empezó en 1949, donde explora las interacciones cromáticas entre cuadrados de distintos colores organizados concéntricamente en el lienzo. Sus teorías sobre el arte y su enseñanza fueron de gran valor formativo para la siguiente generación de artistas.
El trabajo de Albers representa una transición entre el arte europeo tradicional y el arte norteamericano. Su trabajo incorpora las influencias europeas de los constructivistas y el movimiento Bauhaus, y su intensidad y la pequeñez de escala son típicamente europeos. Sin embargo, su influencia se redujo fuertemente en los artistas americanos de la década de 1950 y 1960.
Albers experimentó con una gran cantidad de efectos de colores, formas, líneas y áreas entre sí, con la subjetividad de la percepción visual: Sólo las apariencias no engañan. Con sus dibujos sobre la base de las ilusiones ópticas fue junto a Victor Vasarely fundador del Op-art. En este contexto, sus series más famosas son parte deHomenaje al cuadrado, En “Homenaje al cuadrado intentó explorar la interacción del color en un formato regular dado. Y demostró por si hiciera falta, que el color es un fenómeno completamente relativo; los colores se cambian constantemente según su yuxtaposición y relación con otros colores. "Un mismo tono puede parecer diferente cuando se coloca sobre diferentes fondos, y diferentes colores pueden parecer casi iguales cuando se asocian a distintos fondos. Es así que un mismo color permite innumerables lecturas". Por lo tanto, Albers es también uno de los representantes de Hard edge.
Albers también colaboró con el arquitecto y profesor de Yale Rey-lui Wu en la creación de diseños decorativos para algunos de los proyectos de Wu. Entre estas se encuentran las chimeneas geométricas distintivo de las casas de Rouse (1954) y DuPont (1959), la fachada de la Sociedad del Manuscrito, uno de los sociedades secretas de Yale (1962), y un diseño para la Iglesia Bautista Bethel (1973). Además, en este tiempo trabajó en su constelación de piezas estructurales. En 1963 publicó Interacción del Color que presentaba su teoría de que los colores se rigen por una lógica interna y engañosa. También durante este tiempo, creó la cubierta abstracta del álbum del director de orquesta Enoch Light de la compañía discográfica Command Lp Records.
Sus obras más conocidas son:
1920-1 Vidrieras de colores para la Casa Sommerfeld.
1924 "Parque" Galería Tate, Londres.
1942 episodio de Grafische Tektonik Museo de Josef Albers Quadrat, Bottrop.
Hacia 1950, la serie Homenaje al cuadrado Museo de Josef Albers Quadrat, Bottrop.
Instituciones[editar]
Josef Albers fue un participante en el documenta 1 en 1955 y 4. Documenta 1968 en Kassel. En 1970 se convirtió en ciudadano honorario de su ciudad natal de Bottrop, más tarde donó una gran parte de sus bienes y se estableció el Museo de Josef Albers Quadrat en esa ciudad.
En 1971 (casi cinco años antes de su muerte), fundó la Fundación Josef Albers y Anni Albers, una organización sin afán de lucro que esperaba que fuera "la revelación y la evocación de la visión a través del arte". Hoy en día, esta organización no sólo sirve como la oficina de bienes tanto de Josef Albers y su esposa, Anni Albers, sino que también realiza exposiciones y publicaciones centradas en las obras de Albers. El edificio oficial de la Fundación está ubicado en Bethany, Connecticut e "incluye una central de investigación y un centro de almacenamiento de archivos para dar cabida a las colecciones de arte de la Fundación, biblioteca y archivos, y oficinas, así como estudios de residencia para artistas visitantes."
El representante de derechos de autor de EE.UU. para la Fundación Josef y Anni Albers es la Artists Rights Society. El director ejecutivo de la fundación es Nicholas Fox Weber, autor de catorce libros.
Fuentes[editar]
Ver página de discusión.
Romero Sánchez, Elena (2014). Josef Albers : la Interacción de la Matière en el arte y en la arquitectura. Tesis (Master), E.T.S. Arquitectura (UPM). Archivo Digital UPM
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Pol Bury

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Pol Bury

Pol Bury, nacido el 26 de abril de 1922 en Haine-Saint-Pierre y fallecido el 27 de septiembre de 2005 en París, fue un pintor y escultor belga. Miembro de los grupos "Peintre Belge Jeune y CoBrA . Regente del Cinématoglyphe del Colegio de Patafísica. Se dedicó al dibujo, la pintura, la... Ver mas
Pol Bury, nacido el 26 de abril de 1922 en Haine-Saint-Pierre y fallecido el 27 de septiembre de 2005 en París, fue un pintor y escultor belga. Miembro de los grupos "Peintre Belge Jeune y CoBrA . Regente del Cinématoglyphe del Colegio de Patafísica.
Se dedicó al dibujo, la pintura, la escultura, y también la escritura, el diseño de joyería y la construcción de fuentes. Es considerado como uno de los artistas contemporáneos más importantes y reconocidos internacionalmente.
Índice [ocultar]
1 Datos biográficos
2 Esculturas
3 Notas y referencias
4 Bibliografía (selección)
5 Enlaces internos
6 Enlaces externos
Datos biográficos[editar]

Placa sobre la fachada del núnero 236 del boulevard Raspail de Montparnasse en París, donde trabajó y vivió Pol Bury
En 1938, cumplidos los 16 años, estudió arte (pintura, dibujo) en la Academia de Bellas Artes de Mons . En esa época, conoció Achille Chavée , un gurú del surrealismo en Valonia ; este encuentro marcaría profundamente. Así, Pol Bury se une al grupo surrealista de "Rupture", fundado por el poeta valón Achille Chavée en 1934. Inicialmente influenciado por Yves Tanguy , se unió, como muchos miembros del grupo, a la ideología comunista y pintó sus primeros cuadros surrealistas. A continuación, se reunió con René Magritte y participó en la Exposición Internacional del Surrealismo en 1945.
En 1947, su pintura tomó una nueva dirección, la de la abstracción . Allí conoció a Christian Dotremont y Pierre Alechinsky , fundadores del grupo CoBrA . Tomó parte en este movimiento desde 1948 hasta 1951, por un lado contribuyendo a la escritura y la ilustración de la revista Cobra y en segundo lugar, participando en exposiciones colectivas. En 1952, Pol Bury es uno de los fundadores del grupo Art Abstrait que se adapta mejor a las aspiraciones artísticas del momento. En esa época, admiró y estudió la obra de Piet Mondrian, y algunos de sus pinturas se acercan al estilo de Joan Miró .
En 1953 descubrió la obra de Alexander Calder , poco a poco abandonó la pintura e hizo sus primeros planos móviles . Durante el mismo año, creó con André Balthazar , la Academia de Montbliard , institución de la que surjirá posteriormente el Daily-Bul , una revista que se convertirá en editorial. Pol Bury desde entonces ha sido considerado como uno de los padres de la cinética , produjo obras en movimiento, siendo éste un "símbolo de la precisión y la calma de la meditación en acción".1 Sus materiales preferidos fueron la madera, el corcho, el acero y el cobre.
Su primera exposición individual se celebró en París en 1961, cuando se trasladó allí. Tres años más tarde se marchó a los Estados Unidos, enseñó seis meses en la Universidad de Berkeley y tres meses en el Colegio de Arte y Diseño de Minneapolis.
En 1964 Pol Bury representó a Bélgica en la Bienal de Venecia.
Durante la década de 1970, dos retrospectiva de su obra, viajaron respectivamente a través de los Estados Unidos y Europa.
En 1976 creó su primera fuente hidráulica. Inscritas todavía dentro del movimiento cinético , sus esculturas, hasta ese momento silenciosas, comienzan a emitir ruido. Desde entonces, Pol Bury ha seguido desarrollando nuevas fuentes, cada una más sorprendente que la anterior, utilizando sucesivamente los cilindros, esferas, triángulos y copas, todo en acero inoxidable. En estas fuentes, el agua es utilizada para desestabilizar el frágil equilibrio de volumen de acero. Aunque estas fuentes son una parte importante de su obra, no ha de olvidarse que Pol Bury fue también escritor, crítico de arte, editor, poeta, diseñador de joyas y productor de varios cortometrajes experimentales.
En particular, son sus relieves y esculturas cinéticas las que le han dado un lugar en la historia del arte del siglo XX. Es el maestro del movimiento lento; controla el tiempo en sus obras móviles sorprendiendo constantemente al espectador. Sus fuentes muestran orden y provocan desconcierto al mismo tiempo. Emiten inquietud y al tiempo gran serenidad. Tienen un carácter lúdico y pueden instalarse en espacios donde el agua puede correr: la ciudad o el campo, parques históricos o espacios contemporáneos ... Están formadas por tubos o burbujas de acero, cobre u otro material, las fuentes de Bury atestiguan el genio creativo del artista y su imaginación matemática y técnica.
Pol Bury murió el 27 de septiembre 2005 en París, mientras una gran exposición de sus fuentes estaba en marcha en el Castillo de Seneffe . Il avait lui-même choisi ce lieu, estimant que « quand une fontaine est dans la nature, elle atteint son point final, son apogée. Él mismo había elegido este lugar, diciendo que "cuando una fuente se encuentra en la naturaleza, llega a su punto final, su punto más alto. Respira y se oxigena.»2

Fuente en Bruselas
Esculturas[editar]
Entre las esculturas de Pol Bury se incluyen las siguientes:
Escultura de esferas en el Palais-Royal de Paris, 48°51′49″N 2°20′13″E
Escultura de esferas en equilibrio frente al Palacio de Justicia de Avignon, 43°56′40″N 4°48′55″E
Escultura de esferas en la plaza Auguste Romagné en Conflans-Sainte-Honorine 48°59′52″N 2°5′53″E
Escultura - fuente de esferas en Bruselas 50°51′24″N 4°21′19″E
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Fernando Zóbel

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Fernando Zóbel

Fernando Zóbel de Ayala y Montojo (Manila, 27 de agosto de 1924 – Roma, 2 de junio de 1984) fue un pintor abstracto español del siglo XX. Índice [ocultar] 1 Biografía 2 Condecoraciones 3 Bibliografía 4 Enlaces externos Biografía[editar] Nacido en el seno de una de las familias más... Ver mas
Fernando Zóbel de Ayala y Montojo (Manila, 27 de agosto de 1924 – Roma, 2 de junio de 1984) fue un pintor abstracto español del siglo XX.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Condecoraciones
3 Bibliografía
4 Enlaces externos
Biografía[editar]
Nacido en el seno de una de las familias más influyentes de Filipinas, Familia Zóbel de Ayala, se dedicó fundamentalmente a la pintura abstracta, se licenció en Filosofía y Letras, Magna Cum Laude por la Universidad de Harvard, con un estudio sobre García Lorca. En esta época se interesa cada vez más por la pintura, y de hecho comienza a pintar ya en 1942, cuando por una lesión de columna queda inmovilizado durante algún tiempo.
Su primera exposición tuvo lugar en Boston en 1951, y a continuación, expuso en Manila en 1952. Una de las principales influencias artísticas de ese periodo fue Mark Rothko, así como la fotografía y sus casi infinitas posibilidades. En el año 1955 vuelve a España, y conoce a los artistas en vanguardia de la época: Luis Feito, Antonio Lorenzo, Gerardo Rueda, Manuel Millares, Eusebio Sempere, Antonio Saura, Bonifacio Alfonso ... No obstante, sigue viviendo en Filipinas, donde la Universidad de Santo Tomas de Manila le concede un doctorado honoris causa. También imparte clases de arte en la Universidad Ateneo de Manila. A partir de los años sesenta del siglo XX comienza una evolución como pintor abstracto, desarrollando un estilo característico, en el que sin duda la caligrafía china representa uno de los influjos más evidentes. Los cuadros de Zóbel son de apariencia simple y espontánea, aunque están creados a partir después de un estudio minucioso y una planificación perfecta. En 1966 funda el Museo de Arte Abstracto Español, en las Casas Colgadas, el lugar más emblemático de Cuenca, colaborando en el diseño de este museo, los pintores Gerardo Rueda, Gustavo Torner, Manuel Millares, Antonio Lorenzo, Sempere, Antonio Saura, Martin Chirino, Bonifacio Alfonso, Luis Feito, etc. Lo que se denomina Grupo de Cuenca. En 1980, cuatro años antes de su muerte, dona todo el Museo de Arte Abstracto Español a la fundación Juan March, la cual sigue manteniéndolo y administrándolo hasta el día de hoy. Su muerte se produjo en Roma el 2 de junio de 1984, debido a un infarto. Sus restos mortales se encuentran en el cementerio de San Isidro, en Cuenca, sobre la Hoz del Júcar que tantas veces pintó. El 22 de octubre de 2010, el Presidente de Adif, Antonio González Marín, anunció que la nueva Estación de Alta Velocidad de Cuenca recibiría el nombre de "Cuenca Fernando Zóbel" en honor a la gran aportación del pintor a la ciudad. Esta petición había sido cursada previamente por el Excmo. Ayuntamiento de Cuenca y la Diputación Provincial. También toma su nombre el I.E.S. Fernando Zóbel, instituto estatal de Cuenca.
El prestigio como pintor de Fernando Zóbel es inmenso, y sus obras cuelgan en los museos más importantes del mundo. Participó en más de 150 exposiciones colectivas, y más de 40 individuales. En 1960 funda en Manila, el Museo, Galería de arte Ateneo, [Ateneo Art Gallery], donando todas sus obras y las de sus compañeros Filipinos.
Sus padres eran Don Enrique Zóbel de Ayala, mecenas de las artes y las letras, y empresario, y Doña Fermina Montojo, hija del Almirante Patricio Montojo. Sus hermanos eran Doña Mercedes Zóbel de Ayala y Roxas de McMicking, esposa del Coronel Joseph R. McMicking, aide-de-camp del General MacArthur en la batalla del Pacífico, en Filipinas y fundador de Sotogrande. Consuelo Zóbel y Montojo de Alger (la fundadora de la Fundación Consuelo para mitigar la vida de los Filipinos y Hawaianos) y Doña Gloria Zóbel y Montojo de Padilla, miembro de número de la Academia Filipina de la Lengua Española, que junto con su esposo Don Ricardo Padilla y Satrústegui, y sus hijos Don Alejandro Padilla Zóbel y su hermana Doña Georgia Padilla Zóbel de Macrohon han sido patronos del Premio Zóbel, Premio literario para conservar el idioma Castellano en Filipinas, y fundado por Don Enrique Zóbel de Ayala en 1920 para apoyar la lengua Española en las Islas Filipinas.
Condecoraciones[editar]
-Magna Cum Laude por la Universidad de Harvard.
-Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes de España.
-Hijo adoptivo de Cuenca.
-Doctor Honoris Causa por la Universidad de Santo Tomás (Filipinas)
-Medalla de oro de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo.
-Presidential Medal of Merit (Philippines).
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Fernando Botero

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Fernando Botero

Fernando Botero Angulo (Medellín, 19 de abril de 1932) es un pintor, escultor y dibujante de origen colombiano, domiciliado en Pietrasanta (Italia), París (Francia), Ciudad de Mónaco y Nueva York (Estados Unidos de América). 1 Las creaciones artísticas de su autoría llevan impresa una sui... Ver mas
Fernando Botero Angulo (Medellín, 19 de abril de 1932) es un pintor, escultor y dibujante de origen colombiano, domiciliado en Pietrasanta (Italia), París (Francia), Ciudad de Mónaco y Nueva York (Estados Unidos de América). 1
Las creaciones artísticas de su autoría llevan impresa una sui generis e irreverente interpretación del estilo figurativo, denominado por algunos como «boterismo», el cual impregna de una identidad inconfundible a las iconográficas obras, reconocibles no solo por la crítica especializada, sino también por el gran público, incluyendo niños y adultos por igual2 , constituyéndose en una de las principales manifestaciones del arte contemporáneo a nivel global; la original interpretación que da el artista a un variopinto espectro de temas se caracteriza desde lo plástico por una volumetría exaltada que impregna a las creaciones de un carácter tridimensional, así como de fuerza, exuberancia y sensualidad, junto a una concepción anatómica particular, una estética que cronológicamente podría encuadrarse en los años cuarenta en occidente aplicada a tramas que pueden ser actuales o pretéritas, locales pero con vocación universal (mitología griega y romana; el amor, costumbres, vida cotidiana, naturaleza, paisajes, muerte, violencia, mujer, sexo, religión y política en Latinoamérica y Europa occidental, así como bodegones, reinterpretación de obras clásicas, retratos y autorretratos, entre otras), representadas con un uso vivaz y magistral (desde el punto de vista técnico) del color, acompañadas de finos y sutiles detalles de crítica mordaz e ironía en cada obra. Es considerado el artista latinoamericano vivo más cotizado actualmente del mundo3 .4
Itinera entre sus afamados estudios de esculturas de Pietra Santa, Italia y los de pintura en París (Francia), Nueva York (Estados Unidos de América) y de Montecarlo (Principado de Mónaco); así mismo, dedica tiempo al dibujo algunos días del año en Zihuatanejo, México y Rionegro, en Colombia.
En 2012 se celebraron una serie de homenajes internacionales con motivo de la efemérides de su natalicio número ochenta. Las celebraciones incluyeron exposiciones de sus obras en museos de la Ciudad de México, Sao Paulo en Brasíl, Pietra Santa y Asís en Italia, Santiago de Chile, Bogotá y Medellín en Colombia, Bilbao en España, Bielefeld en Alemania, entre otras. Así mismo, la Presidencia de Colombia anunció un decreto en que cataloga las 479 obras de Botero que se encuentran en suelo Colombiano como de "interés cultural del ámbito nacional",5 lo que implica medidas de protección, conservación y promoción por parte del Estado Colombiano. En 2013 se conoció una colección colmada de sensualidad y erotismo denominada colección Boterosutra6 y en 2015, la más reciente creación artística, que en contraposición a la anterior se denominó como colección «santas»7 .
Desde noviembre de 2015 y hasta abril de 2016, se lleva a cabo una de las más importantes exposiciones antológicas realizadas sobre el artista, en la República Popular China, específicamente en las ciudades de Beijing en el National Museum of China y en Shangai en el China Art Museum.8 9 . Igualmente y de forma paralela, se llevará a cabo una exposición de obras del artista, incluyendo la serie Boterosutra, en el Musée Würth de Erstein, Francia, del 25 de septiembre de 2015 al 15 de mayo de 2016.10
Índice [ocultar]
1 Comienzos
1.1 Bogotá
1.2 Formación en Europa
1.3 Regreso a Colombia y viaje a México
1.4 Botero y las vanguardias de Nueva York
2 Fama
3 Estilo y técnicas
4 Donaciones de Botero
5 Vida personal
6 Exposiciones públicas y permanentes en el mundo
7 Referencias
8 Bibliografía
9 Enlaces externos
Comienzos[editar]

Jinete, Museo de Israel, Jerusalén, Israel.
Botero nació el 19 de abril de 1932 en Medellín, en el seno de la familia conformada por David Botero, Flora Angulo y su hermano cuatro años mayor, Juan David. En 1936 nace su hermano menor, Rodrigo, y fallece su padre.11
A partir de 1938 realiza estudios de primaria en el Ateneo Antioqueño y el bachillerato en la Bolivariana.11
En 1944 asiste a la escuela de torero en la plaza de La Macarena de Medellín, con el banderillero ‘Aranguito’, a petición de un tío, quien no se imaginaba que su verdadera vocación era la pintura. Tuvo un percance con los toros, lo que hizo que él los dejara. Es de notar que en ese período hizo su primera obra, una acuarela de un torero. Una vez que su familia comprendió su vocación, Botero realizó su primera exposición en su ciudad natal (Medellín) en 1948.
Realizó ilustraciones para un periódico local (El Colombiano), con lo que financiaba sus estudios, redactó un artículo sobre Picasso, lo que le acarreó la expulsión del Colegio Bolivariana, plantel en el que estudiaba, ya que sus dibujos fueron considerados como obscenos, y debió culminar sus estudios en el Liceo de la Universidad de Antioquia.
Bogotá[editar]
Una vez terminados sus estudios secundarios en 1950, se trasladó a Bogotá en 1951 donde tuvo contacto directo con algunos de los intelectuales colombianos más importantes de la época. Ese mismo año, Botero realizó sus dos primeras exposiciones individuales y en la galería Leo Matiz dio un muy buen avance a su carrera . Posteriormente se radicó en Tolú, en la Costa Caribe colombiana, donde se dedicó a pintar en la pensión de Isolina García, y pagó su estadía con un mural.11 A su regreso a Bogotá, con el óleo Frente al mar ganó el segundo puesto en el IX salón nacional de artistas.12 13

Mano, Paseo de la Castellana (Madrid).
Formación en Europa[editar]
En 1952 con el dinero recibido por el premio y con la venta de algunas de sus obras, Botero llega a Europa en el barco italiano "Uso dimare", que sale desde el puerto de Buenaventura en el Pacífico colombiano. Llega a España, primero a Barcelona y se establece luego en Madrid, donde se inscribe en la Academia de Arte de San Fernando.11 y para garantizar su sostenimiento, hace dibujos y pinturas a las afueras del Museo del Prado.
En 1953 pasa el verano en París con el cineasta Ricardo Irragarri, y luego se muda con él a Florencia, se inscribe en la Academia de San Marcos, donde recibió un fuerte influjo del arte del renacimiento italiano, estudiando especialmente la obra de Piero della Francesca, Paolo Uccello, Tiziano, entre otros.11 Su encuentro con el libro Los pintores italianos del Renacimiento de Bernard Berenson y con la obra de Paolo Ucello (especialmente con el díptico de la Batalla de San Romano en la Galería Uffizi) serán determinantes para su experimentación con el volumen en la pintura, especialmente por la noción de "valores táctiles" y tridimensionalidad que Berenson le adjudica a Ucello y Giotto en sus obras14 .
Regreso a Colombia y viaje a México[editar]

Caballo, Medellín.
Tras su regreso de Italia en 1955, el artista decidió hacer una exposición en Bogotá de las obras realizadas en Europa, de las cuales obtuvo muchas críticas pues en ese momento el país estaba influido por la vanguardia francesa, lo que le acarreó una fría recepción.

Fernando Botero y La Camara degli Sposi (Homenaje a Mantegna), obra con la que obtiene el primer premio en el X Salon de artistas colombianos.
Luego de esta difícil experiencia, Botero se casó con Gloria Zea, con quien en 1956 partió a Ciudad de México. Nuevas influencias se van haciendo visibles en su obra, especialmente la del pintor colombiano Alejandro Obregón con su lenguaje moderno y la del mexicano Rufino Tamayo con su desbordante color. Por otra parte, la obra del muralismo mexicano que tanto le había desvelado en su juventud ahora parece desilusionarle, por lo cual decide estudiar sus nuevas influencias y centrarse durante un tiempo en la experimentación del volumen a partir de bodegones. A partir de esta indagación Botero descubre un lenguaje propio que primero se evidencia en objetos de sus naturalezas muertas y que posteriormente empieza a crear en personajes humanos que interactúan con sus objetos15 . Un año después, expuso por primera vez en Nueva York: el éxito comenzaba a acompañarle. Fernando Botero logró intensificar sus batallas personales, sus combates lienzo a lienzo, del arte contra el tiempo y de la belleza contra la muerte.
Botero regresó a Bogotá y en el año de 1958 fue nombrado docente de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Colombia. Este presenta una obra de formato grande, al X Salón de Artistas Colombianos. Concebida con la consciencia de ser una obra maestra, Botero obtiene con La Camera degli sposi (Homenaje a Mantegna) el primer premio en el salón, consolidándose como el pintor más importante de este año en Colombia. Ese mismo año expuso en varias galerías de Estados Unidos. En una de estas exitosas exhibiciones del mismo año, La Camara degli sposi es vendida a un empresario en Chicago, y desde entonces la obra desaparece. Numerosos críticos e historiadores de arte latinoamericanos han señalado esta como una de las obras más importantes del arte colombiano por ser un punto de la consolidación del lenguaje pictórico de Botero, y por abrir las puertas a la nueva figuración que después experimentarían otros pintores jóvenes16 . La obra había causado una gran polémica al ser inicialmente descartada del salón, luego reintegrada y finalmente premiada. Despertaba una tremenda duda en el público y en los jurados que inicialmente concibieron la obra como una caricatura de La Cámara de los Esposos del pintor renacentista Andrea Mantegna. Marta Traba tuvo que mediar para explicar que los artistas hacían recreaciones artísticas en las cuales aludían o hacían homenajes a otras obras que les precedían, y que el lenguaje "feista" usado por Botero era una pintura de gran calidad y poder visual17 18 .
Con Gloria Zea, Fernando tuvo tres hijos: Fernando, Lina y Juan Carlos, nacido el mismo año en que el decide separarse de su primera esposa.

La apoteosis de San Juan, 1962. Imagen tomada de: Padilla, Christian (2012). Fernando Botero. La búsqueda del estilo: 1949 - 1963. Fundación Proyecto Bachué. ISBN 978-958-57671-0-2.
Botero y las vanguardias de Nueva York[editar]
En 1960, Botero regresó a Nueva York para instalarse. Una vez allí, alquiló un pequeño apartamento donde vivía modestamente, pues acababa de separarse de su esposa; además, sus obras no tenían mucho éxito, pues los gustos neoyorquinos de la época cambiaban rápidamente y ahora la abstracción se imponía.
La influencia del expresionismo abstracto ya se hacía evidente desde las obras de 1958, producto de los primeros viajes de Botero a Nueva York, donde había podido ver los formatos enormes de Jackson Pollock, Franz Kline y de Kooning. Este encuentro marcó la producción de Botero, que sin embargo conservó su lenguaje figurativo pero experimentó con la pincelada agresiva, la utilización de tonalidades fuertes y el uso de formatos grandes. Mientras su estudio por el volumen parecía pasar a un segundo plano por la preocupación por la pincelada y el color, Botero creó interesantes series como la de la Monalisa (una de las cuales fue adquirida por el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1962) y la de Los niños de Vallecas en homenaje a Diego Velázquez.19
Para 1962, su lenguaje expresionista llega a un punto de inflexión, porque esta a punto de tomar un rumbo que lo aleja definitivamente de su preocupación por el volumen. Botero reinicia su experimentación, esta vez interesándose mas por las obras de artistas pop que están exhibiendo en Nueva York, producto de lo cual su obra retoma las preocupaciones temáticas de sus personajes figurativos dejando de lado el aspecto formal de la pincelado, y usando colores planos en su pintura. En algunos casos llega incluso a incluir collages en sus pinturas del año 196320 .

Malabarista y contorsionista, en la serie El Circo
Después de haber encontrado su serenidad económica, Botero se casa de nuevo.
En 1963 cambió su residencia al East Side y alquiló un nuevo estudio en Nueva York. Es allí donde surgió su estilo plástico en muchas de sus obras de este período con colores tenues y delicados. Su pasión por Rubens se deja ver en sus obras.
A comienzos de 2008, Fernando Botero recibió el Doctorado Honoris Causa de la Universidad Autónoma de Nuevo León, en la ciudad de Monterrey (México). Igualmente, presentó por primera vez en esta ciudad su colección de pinturas sobre "Abu Ghraib" y su enorme escultura en bronce titulada "Caballo". pop fue también un gran artista
Fama[editar]

Gato (1990), Rambla del Raval, Barcelona.

Pájaro, destruido luego de una bomba. Parque San Antonio, Medellín.
En 1962 fue organizada en E.E.U.U. su primera exposición Una nueva muestra en el Milwaukee Art Center recibió críticas ampliamente positivas. Es así como Botero empezó un período de muestras y exposiciones entre Europa, los Estados Unidos y su patria, Colombia. En 1969 expuso en París; fue a partir de ese momento que Botero empezó un peregrinaje por todo el mundo en busca de inspiración; se movía continuamente de Bogotá a Nueva York y a Europa.
En 1970 nació en Nueva York su hijo Pedro Botero, comúnmente llamado Pedrito. Paralelamente, su fama mundial aumentaba cada vez más y lo convirtió en ese entonces en el escultor viviente más cotizado del planeta. En 1974, cuando su hijo apenas tenía cuatro años, Botero tuvo un accidente de tránsito en España, lo que le costó la vida a Pedrito.

Mujer que fuma, Yerevan, Armenia Jardín de Esculturas Cafesjian
La muerte de su hijo dejaría trazos en la obra de Botero que, a partir de ese momento, comenzó a tener cambios profundos, considerados por la crítica como huellas de la pérdida de su hijo. Además, su matrimonio con Cecilia Zambrano no superó la pérdida de Pedrito y Botero se separó por segunda vez.
Un año antes, él se había instalado en París y había comenzado a trabajar la escultura. En 1976 Botero hizo una donación de dieciséis de sus obras al Museo de Antioquia, que le consagró una sala permanente para sus obras, la sala Pedrito Botero.

La Maternidad, en Oviedo
Desde 1979, cuando la primera retrospectiva de Botero fuera presentada en el Hirshhorn Museum [1] de Washington, sus exposiciones a través del mundo no se detuvieron. En 1983 se trasladó a Pietrasanta en Toscana (Italia), un pequeño pueblo famoso por sus fundiciones, lo que para Botero significaba la continuidad de su obra escultórica. Al año siguiente, Botero hizo una nueva donación al Museo de Antioquia. Esta vez se trataba de una serie de esculturas que también encontraron lugar en una nueva sala permanente dedicada a Botero en el museo.
A partir de 1983, Botero comenzó una serie de exposiciones a través de todo el mundo que aún hoy no acaba. Es así como sus obras son expuestas y por supuesto conocidas en ciudades como: Dubái, Londres, Roma, San Francisco, Chicago, Basilea, Buenos Aires, Tokio, San Juan de Puerto Rico, Santo Domingo, Berlín, Múnich, Fráncfort, Milán, Nápoles, París, Montecarlo, Barcelona, el Aeropuerto del Prat - Barcelona -, Moscú, Ciudad de México, Monterrey, Caracas, su obra ha pasado por la mayoría de países europeos y americanos. Botero es uno de los pocos artistas (por no decir el único), que se ha dado el lujo de exponer sus obras en varias de las avenidas y plazas más famosas del mundo, como los Campos Elíseos en París, la Gran Avenida de Nueva York, la Rambla del Raval de Barcelona, la Plaza del Comercio de Lisboa, la Plaza de la Señoría en Florencia, frente al palacio de Bellas Artes en Ciudad de México y hasta en las Pirámides de Egipto.

También tiene escultura urbana en ciudades de España, como en Oviedo con su obra La Maternidad del año 1996 y en la ciudad de Madrid.21

Pájaro (copia), Parque San Antonio, Medellín.
Estilo y técnicas[editar]
Anexo:Obras de Fernando Botero

Mujer con espejo, Paseo de Recoletos, Madrid.
Su obra se inscribe en un original interpretación del estilo figurativo. Desde sus inicios Botero ha recurrido a escenas costumbristas, inicialmente con una pincelada suelta de colores oscuros (con ocasionales contrastes fuertes) cercana al expresionismo y desde finales de los sesenta, ha recurrido a una pincelada cerrada, con figuras y contornos más definidos. (Sus obras la mayoría de veces son de gente u objetos con un aspecto robusto o más grueso de lo normal)
A la orilla de esa carretera del arte contemporáneo, Botero ha instalado durante cinco décadas una escuela de arte con un graduado: él mismo.
En su obra reciente, Botero ha recurrido temáticamente a la situación política colombiana y mundial. Por ejemplo, la serie sobre "Abu Ghraib" está compuesta por 78 cuadros que tratan de representar los horrores de la tortura y de la guerra, relacionada con la invasión de los Estados Unidos a Irak y los sucesos de la Prisión de Abu Ghraib a partir de las declaraciones de las personas allí torturadas.22
En lo pictórico se destaca el manejo magistral del óleo, el pastel y la acuarela, así como el dibujo en carboncillo, lápiz, bistre y sanguina sobre lienzo y papel, y en lo escultórico, el esculpido del bronce en diversas pátinas y en mármol de Carrara principalmente.
Donaciones de Botero[editar]

Museo de Antioquia y Plaza Botero, en Medellín Colombia.
En 1976, primera donación de Botero al Museo de Antioquia, siete óleos, un pastel y dos acuarelas.
A principios de los años 1980, donó al Museo de Antioquia 6 óleos.
En 1984 donó al Museo de Antioquia 16 esculturas y 18 pinturas a la Biblioteca Nacional de Colombia en Bogotá.
En 1992 donó a la ciudad de Santiago de Chile la escultura de un caballo, la que fue ubicada frente al Museo de Arte Contemporáneo en el Parque Forestal.
En 1998 Botero donó al Banco de la República de Colombia, una importante colección, consistente en 203 obras, 123 obras de su autoría y 87 de artistas internacionales al Museo Botero en Bogotá.
En 2000 el Museo de Antioquia recibió por parte del maestro una donación de 114 pinturas (óleos, acuarelas y dibujos) del maestro, 23 esculturas que hoy componen la Plaza Botero y 21 obras de artistas internacionales de su colección personal.
En 2004, efectuó una nueva donación. En esta ocasión al Museo Nacional de Colombia, consistente en las obras de la serie sobre la violencia, denominada El dolor de Colombia, integrada por 23 óleos y 27 dibujos.
En el año 2007, donó 47 obras de la serie Abu Ghraib, a la Universidad de Berkeley, que se expone en su sede en California (Estados Unidos de América).
En el año 2012, dona la serie El Viacrucis al Museo de Antioquia.
Vida personal[editar]
En 1954, Botero se casó con Gloria Zea (fundadora del Museo de Arte Moderno de Bogotá y Ministra de Cultura de Colombia) y tuvieron tres hijos: Fernando (quien nació en 1956 mientras vivían en Ciudad de México y fue Ministro de Defensa durante el gobierno de Ernesto Samper, el cual fue acusado de enriquecimiento en el proceso 8000), Lina (1958) y Juan Carlos Botero Zea (1960). Los Botero Zea se divorciaron en 1960.23 11
En 1964, Botero se casó con Cecilia Zambrano, con quien tuvo un hijo, Pedro (1970), quien falleció trágicamente en 1974 en un accidente de tránsito en España mientras la familia estaba de vacaciones. Botero y Zambrano se separaron en 1975.23 11
En 1978, Botero se casó con la artista griega Sophia Vari. Viven en París y tienen una casa en Pietrasanta, Italia.11
Exposiciones públicas y permanentes en el mundo[editar]

Big bird. Singapur.
Alemania: Kunsthalle de Núremberg, Museo Wallraf-Richartz de Colonia, Staatsgalerie y Pinacoteca de Múnich, Escultura plazoleta en Bamberg (Baviera).
Argentina: Exhibición Busto, en el lugar público de Parque Thays. Buenos Aires; pintura los viudos en Museo MALBA.
Austria: Moderne Kunst de Viena.
Armenia: Cafesjian Museum, Ereván.
Chile: Museo Nacional de Bellas Artes, de Santiago de Chile;
Colombia: Museo de Antioquia y Plaza Botero (colección permanente más grande en el mundo de obras del artista, donadas por el mismo Botero), de Medellín; Museo Nacional de Colombia, en Bogotá; el Museo de Arte Moderno (MamBo) en Bogotá; Museo de Arte del Banco de la República (Museo Botero) de Bogotá; Parque San Pío en Bucaramanga; plaza de Santo Domingo (Cartagena de Indias).
Corea del sur: Museo Ho-am, de Seúl;
Emiratos Árabes Unidos: Esplanada frente al Burj Khalifa de Dubái.
Estados Unidos de América: Hirshhorn Museum y su jardín de esculturas, Instituto Smithsonian, de Washington; Arte Lowe, de la Universidad de Miami, de Coral Gables (Florida); Museo de la Universidad de Rochester (Míchigan); Art Metropolitan, de Nueva York; Arte de Milwaukee (Wisconsin); Arte Moderno, MOMA, de Nueva York; Solomon R. Guggenheim y en el Time Warner Center, de Nueva York; Art Hood, de Dartmouth College, de Hanover, Nuevo Hampshire, Universidad de Berkeley, Berkeley (California); Grand Wailea Resort Maui, Botero Gallery (Hawái), New Orleans Museum of Art, New Orleans.
France: Erstein; Museo Würth .
Israel: Museo de Israel, de Jerusalén;
Italia: Museo de Arte Moderno del Vaticano, de Roma; ingreso y plazoletas de Pietrasanta.
Kazajistán CAI, Almaty.
Japón: Museo de Arte Contemporáneo de Hiroshima, Museo Yamanashi Prefectural, Museo Moderno de Tokushima, Museo Moderno de Saitama, Museo de Arte Miyagi.
Panamá:Trump Ocean Club International Hotel & Tower, Ciudad de Panamá.
Principado de Liechtenstein/ Museum of Arts Liechtenstein en Vaduz.
Principado de Monaco: Adán y Eva, Jardines de Montecarlo.
Portugal: Casa das Mudas Arts Center, en Calheta (Isla Madeira); Parque Amalia Rodrigues, en Lisboa.
Puerto Rico: Museo de Arte de Ponce y Museo de Arte de Puerto Rico.

Mujer reclinada. Puerto Rico.
Reino Unido de Gran Bretaña: Broadgate Venus en Exchange square - Liverpool Street Statión; Londres, Soho.
Rusia: Museo Pushkin, de Moscú; el Hermitage y el Museo de San Petersburgo.
México: Explanada de los héroes en Monterrey y Museo Soumaya, México D.F.
Suiza: Museo Olímpico de Lausana.
España: Paseo de la Castellana, Plaza de Colon, aeropuerto de Barajas de Madrid, aeropuerto "El Prat" de Barcelona; así como también el Son Sant Joan de Palma de Mallorca, en el centro de la ciudad de Oviedo; Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), y plazoleta de la Domus, en La Coruña
Venezuela: Museo de Bellas Artes y de Arte Contemporáneo de Caracas.
Singapur: Boat Quay-Cavenagh Bridge
Suecia: Vastra Gotaland.
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Nadir Afonso

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Nadir Afonso

Nadir Afonso Rodríguez, GOSE, (Chaves,4 de diciembre de 1920 – Cascais, 11 de diciembre de 2013)1 fue un pintor abstraccionista geométrica. Entrenamiento formal en la arquitectura, que ejerció al principio de su carrera con Le Corbusier y Oscar Niemeyer, Nadir Afonso más tarde estudió pintura en... Ver mas
Nadir Afonso Rodríguez, GOSE, (Chaves,4 de diciembre de 1920 – Cascais, 11 de diciembre de 2013)1 fue un pintor abstraccionista geométrica. Entrenamiento formal en la arquitectura, que ejerció al principio de su carrera con Le Corbusier y Oscar Niemeyer, Nadir Afonso más tarde estudió pintura en París y se convirtió en uno de los pioneros en el arte cinético, trabajando junto a Víctor Vasarely, Fernand Léger, Auguste Herbin, André Bloc y .
Como teórico de su propia geometría basada en la estética, publicada en varios libros, Nadir Afonso defendió la idea de que el arte es puramente objetivo y gobernado por leyes que tratan el arte no como un acto de imaginación, sino de la manipulación de la observación, la percepción, y la forma.
Nadir Afonso logró el reconocimiento internacional al principio de su carrera, y actualmente lleva a cabo muchas de sus obras en museos. Sus trabajos más famosos son la "serie de ciudades", que representan lugares de todo el mundo. A partir de 2010 y de 90 años de edad, sigue siendo activa de pintura.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Reconocimiento internacional
3 Estética teoría personal
4 Obras de arte
5 Referencias
6 Enlaces externos
Biografía[editar]
Nadir Afonso Rodrigues nació en la localidad rural, a distancia de Chaves, Portugal, el 4 de diciembre de 1920. Sus padres eran Palmira Rodrigues Afonso y el poeta Artur Maria Afonso.2 Su muy inusual primer nombre fue sugerido por una gitana a su padre, en su camino hacia el Registro Civil, donde iba a ser registrado como Orlando.3
A la edad de cuatro años, hizo su primera "obra" en una pared en su casa: un círculo perfecto de color rojo, que anticipó su vida bajo los nombres del ritmo y la precisión geométrica. En su adolescencia se dedicó a la pintura, lo que le valió su primer premio nacional a los 17 años. Naturalmente, fue enviado a la ciudad más grande de Porto para inscribirse en la Escuela de Bellas Artes, para cursar un grado de pintura. Sin embargo, en el mostrador de registro, tomó el consejo del recepcionista, quien le dijo que su diploma de escuela secundaria le permitiría matricularse en Arquitectura, que entonces era una carrera más prometedora. Como más tarde admitió, cometió un error al escuchar a aquel hombre.3
En 1974, hace una exposición individual en la Galería de artistas seleccionados, en Nueva York. EE.UU. críticos lo aclaman como "uno de los primeros exponentes de la abstracción geométrica en Portugal [y] uno de los artistas europeos de una nueva generación".4
Que viven en reclusión, Nadir Afonso se definió en 2006 como "portugueses y un hijo del interior del país. He aprendido de la tradición de ser humilde, para alabar a los maestros, y de vivir estos años ochenta y seis con la sencillez que mi humilde condición ha siempre me ha garantizado. Para hacer un balance de mi existencia y de mi trabajo ahora es absurdo ".3 se ha pasado la pintura últimas tres décadas, exhibiendo, y escribir con comodidad regular y creciente. Él es casado dos veces, con cinco hijos, nacidos entre 1948 y 1989.
Nadir Afonso expone regularmente en Lisboa, Oporto, París, Nueva York, y en todo el mundo, y a partir de 2007 [update] está todavía activo en el trabajo. Está representado en museos de Lisboa y Oporto (Portugal), Río de Janeiro y São Paulo (Brasil), Budapest (Hungría), París (Centro Pompidou), Würzburg y Berlim (Alemania), entre otros.5 Se ha formado una fundación que lleva su nombre, a la que donó su colección de arte personal, y ha participado del Premio Pritzker, ganador el arquitecto Alvaro Siza para diseñar su sede en su ciudad natal de Chaves.
Reconocimiento internacional[editar]
El reconocimiento del talento Nadir Afonso llegó temprano en su carrera, tanto en su país de origen como en el internacional. De 24 años, un aceite de su, A Ribeira, ya había sido adquirido por el Museo de Arte Contemporáneo de Lisboa y el gobierno portugués le invitó dos veces para representar a Portugal en el Arte Bienal de São Paulo. A la edad de 50 años, se le conocía bien y con regularidad exhibida en Nueva York y París.
Sin embargo, su personalidad solitaria y el recuerdo de su primer intento en 1946 para mostrar sus pinturas en una galería de arte en París, que fue rechazado y le dejó humillado, desde entonces han hecho que él no oculta de la publicidad y la exposición no ha sido promovido por él mismo.6 Victor Vasarely, padre del op art, ya lo había notado en 1968:
"Este artista que conozco desde hace más de 20 años es sin duda el más importante pintor contemporáneo portugués y su obra es injustamente poco conocido en todo el mundo".7
Estética teoría personal[editar]
El arte es usualmente concebido como subjetiva, sino por Nadir Afonso es puramente objetiva y gobernado por las leyes. "El arte es una demostración de exactitud",8 "un juego de leyes en el espacio, pero no de los significados de los objetos".9 A partir de estos axiomas, su propia teoría personal de base en la geometría "estética racional dentro de un arte intuitivo"10 evolucionado, que publicó en forma de libro, junto con sus pensamientos filosóficos sobre el Universo y sus leyes. Estas obras son la clave para comprender al artista y su arte, y se resumen por sí mismo en pocas palabras:
"La búsqueda de lo absoluto, de un lenguaje artístico en el que las formas tienen una rigurosidad matemática, donde no hay nada que añadir ni quitar. El sentimiento de total exactitud".11
Debido a su racionalismo, Nadir Afonso enfrenta Kandinsky, el padre del arte abstracto, y lo criticó por someter a la geometría del espíritu humano en lugar de lo que es la esencia del arte.12 Este "geometría del arte" no es sin embargo la geometría " de geometrists ", ya que no se trata de símbolos, ni nada en particular;. más bien, es la ley espacial propia,13 con las cuatro cualidades de la perfección, la armonía, la evocación, y la originalidad.14
Su trabajo es metódico, ya que "una obra de arte no es un acto de" imaginación "(...) sino de la observación, la manipulación de la percepción de la forma,".15 "Empiezo con las formas, sigue siendo arbitrario. Puse diez formas en la marco, yo lo veo y de repente una especie de chispa enciende Entonces aparece el formulario de color es secundario, que se utiliza para acentuar la intensidad de la forma"16 Nadir Afonso no renegar de sus primeras obras expresionistas y surrealistas:"... una persona inicialmente no se ve la verdadera naturaleza de las cosas, empieza por la representación de lo real, porque está convencido de ahí radica la esencia de la obra de arte. Pensé que también. Pero, como he seguido trabajando, las leyes fundamentales del arte, que son las leyes de la geometría, poco a poco se reveló ante mis ojos. No se hizo ningún esfuerzo por mi parte, era el trabajo diario lo que me llevó a ese resultado, guiados por la intuición ".17 Las ilustraciones de este artículo se una representación cronológica de la evolución del estilo Nadir Afonso y el pensamiento hacia el alfabeto original geométrica con la que crea sus obras de arte, como se explica en sus libros y visto más prominente en su serie de ciudades.
Obras de arte[editar]
Nadir Afonso ha producido, principalmente pinturas y serigrafías. Sus materiales preferidos actuales son la pintura de acrílico sobre lienzo (mayor de obras), y gouache sobre papel (las obras más pequeñas, a menudo los estudios para las grandes obras). Su obra más conocida y más distintiva es la serie de ciudades, cada pintura por lo general representan a una ciudad de cualquier parte del mundo.
A partir de 2007 [update], los precios aproximados de sus obras Las ciudades son 1.500 € para una serigrafía 35x50 cm (edición típica de 200),18 € 18.000 para una aguada sobre papel 30x40 cm, y € 55.000 por un acrílico 90x140 cm sobre lona. En 2007, Nadir Afonso exhibió su primera gran tamaño (176x235 cm) lienzos, Sevilla y Surnaturels Pouvoirs, a un precio de 100.000 € cada uno.19 El resto de valores se mencionan en la lista de obras de arte Nadir Afonso.
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Roy Lichtenstein

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Roy Lichtenstein

Roy Fox Lichtenstein (Nueva York, 27 de octubre de 1923-ibídem, 29 de septiembre de 1997) fue un pintor estadounidense de arte pop, artista gráfico y escultor, conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic. Nosotros pensamos que la generación anterior intentaba... Ver mas
Roy Fox Lichtenstein (Nueva York, 27 de octubre de 1923-ibídem, 29 de septiembre de 1997) fue un pintor estadounidense de arte pop, artista gráfico y escultor, conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic.
Nosotros pensamos que la generación anterior intentaba alcanzar su subconsciente, mientras que los artistas pop intentamos distanciarnos de nuestra obra. Yo deseo que mi obra tenga un aire programado e impersonal, pero no creo ser impersonal mientras la realizo. Roy Lichtenstein
Obtuvo el doctorado en Bellas Artes por la Universidad Estatal de Ohio en 1949.
Sus primeras obras eran de estilo expresionista abstracto, pero después de 1958 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles de menta, libremente interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del Viejo Oeste de otro artista estadounidense, Frederic Remington.
A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva.

Brushstroke (Pincelada), escultura en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, España.
Sus historietas de cómics, como Good Morning, Darling (1964, Galería Leo Castelli, Nueva York), son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos.
Sus últimas obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy populares de la novela rosa, paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos, muestran la influencia de los artistas Henri Matisse y Pablo Picasso.
También sus esculturas recrean los efectos de los cómics. Ha realizado, también, obras en cerámica.
En 1993 el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York expuso una retrospectiva de su obra que viajó por muchos otros países.
Autor prolífico, durante sus últimos años alcanzó mayor presencia y estima en museos de todo el mundo. En España existen ejemplos suyos en el Museo Thyssen-Bornemisza (Mujer bañándose) y en el Reina Sofía; aquí una gran escultura suya preside el patio interior de la ampliación diseñada por Jean Nouvel.
Una de sus obras se expone en la Kunsthalle de Hamburgo, Alemania: Shipboard Girl (1965).
Roy Lichtenstein es un nombre cotizado en las subastas. El 15 de mayo de 2013 una de sus obras, Woman with flowered hat, fue adjudicada en la casa Christie's de Nueva York por 43 776 525 euros.
Índice [ocultar]
1 Vida privada
2 Características principales del autor
3 Bibliografía
4 Enlaces externos
Vida privada[editar]
En 1949 se casó con Isabel Wilson, quien anteriormente había estado casada con el artista Michael Sarisky. Después de que él comenzó a enseñar en la Universidad Estatal de Nueva York en Oswego en 1958, la pareja vendió la casa de la familia en Highland Park, Nueva Jersey, en 1963 y se divorció en 1965.
Lichtenstein se casó con su segunda esposa, Dorothy Herzka, en 1968. En 1966, alquilaron una casa en Southampton, Nueva York. Desde 1970 hasta su muerte, Lichtenstein dividió su tiempo entre Manhattan y Southampton. También tenía una casa en Captiva Island.
Lichtenstein murió de neumonía en 1997 en la Universidad de Nueva York Medical Center, donde había estado hospitalizado durante varias semanas. Le sobreviven tanto su segunda esposa, Dorothy Herzka, como sus hijos David y Mitchell, de su primer matrimonio.
Características principales del autor[editar]
En sus obras iniciales buscaba que las imágenes fueran lo más mecánicas posibles
Prefería utilizar figuras hechas a mano
Solía emplear figuras procedentes de anuncios comerciales y les daba un nuevo significado
En sus primeras obras emplea a las mujeres (irónicamente) como una prolongación de sus utensilios domésticos.
En algunas de sus obras pinta los cabellos femeninos de color azul para dar un toque de humor ante las limitaciones económicas de la impresión(en las impresiones de aquella época los colores eran limitados, sobre todo por su coste de ahí que el mismo color fuese empleado para varias cosas)
Le daba tanta importancia a las composiciones como a los temas.
En sus primeras obras predominaba el prototipo de bella joven, hacia las últimas, la mujer ya está algo más formada y las dota de algún texto.
La mayor parte de sus personajes femeninos son vulnerables.
Representaba escenas aisladas, ya que así consideraba más fácil que el espectador se identificase con ellas.
Toma a las mujeres de cómics, en los cuales se traten aspectos emocionales de la vida diaria
Las obras siempre suelen representarse en primer plano
Emplea colores industriales
Uso de puntos bendéi
Industrializa las figuras originales
Le interesaban los símbolos empleados por los ilustradores comerciales para plasmar el sonido. Uso de onomatopeyas
Se apropiaba de la obra de otros artistas y las modificaba adaptándolas a su gusto
Influencias: Art Deco, Cubismo (Picasso), Expresionismo abstracto
Uso de colores primarios
Pinturas murales de grandes formatos
Predominio de la línea
Empleo de técnicas como la serigrafía o el collage
Se ven influencias de casi todos los movimientos vanguardistas a lo largo de toda su obra.
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Pablo Picasso

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Pablo Picasso

Pablo Ruiz Picasso1 (Málaga, 25 de octubre de 1881-Mougins, 8 de abril de 1973) fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque, del cubismo. Es considerado desde el génesis del siglo XX como uno de los mayores pintores que participaron en muchos movimientos artísticos que... Ver mas
Pablo Ruiz Picasso1 (Málaga, 25 de octubre de 1881-Mougins, 8 de abril de 1973) fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque, del cubismo.
Es considerado desde el génesis del siglo XX como uno de los mayores pintores que participaron en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Laborioso y prolífico, pintó más de dos mil obras, presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.
En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido Comunista de España y del Partido Comunista Francés hasta su muerte2 el 8 de abril de 1973 en su casa llamada «Notre-Dame-de-Vie»3 4 en Mougins (Francia) a los 91 años. Está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues (Bouches-du-Rhone).
Índice [ocultar]
1 Biografía
1.1 Infancia
1.2 Primeras pinturas
1.3 Entre Barcelona y París. El período azul
1.3.1 El entierro de Casagemas
1.3.2 Entre Barcelona y París
1.3.3 La vida
1.4 París, Bateau Lavoir. El período rosa
1.4.1 La belle Fernande
1.4.2 La bohemia del Lapin Agile
1.4.3 La familia de saltimbanquis
1.4.4 Gertrude Stein
1.4.5 Primitivismo ibérico
1.5 Protocubismo
1.5.1 Un burdel de la calle Avinyó
1.5.2 Influencias africanas
1.5.3 Las señoritas de Aviñón
1.5.4 Hacia el cubismo
1.6 Cubismo
1.6.1 Cubismo cezannesco
1.6.1.1 Matisse bautiza el Cubismo. Período verde
1.6.1.2 El banquete de Rousseau
1.6.2 Cubismo analítico
1.6.2.1 Retorno a Horta de San Juan
1.6.2.2 Traslado al bulevar de Clichy
1.6.2.3 Los retratos cubistas
1.6.2.4 Reconocimiento del cubismo
1.6.3 Cubismo hermético
1.6.3.1 Entre Céret y Sorgues
1.6.3.2 Traslado al bulevar Raspail
1.6.4 Cubismo sintético
1.6.4.1 Cubismo poético
1.6.4.2 Cubismo surrealista
1.6.4.3 Cubismo puntillista y cubismo frío
1.6.4.4 Enfermedad y muerte de Eva
1.7 Los Ballets Rusos
1.7.1 Las señoritas de Aviñón en el Salón de Otoño
1.7.2 Parade
1.7.3 Estancia en Barcelona
1.7.4 Periodo duquesa
1.7.5 El sombrero de tres picos
1.7.6 Pulcinella
1.7.7 Cuadro flamenco
1.7.8 Antígona
1.7.9 Mercure
1.8 Surrealismo
1.8.1 Periodo surrealista
1.8.2 Cubismo curvilíneo
1.8.3 Bañistas biomórficas
1.8.4 Escultura en hierro
1.8.5 La mujer castradora
1.9 Boisgeloup
1.9.1 Entre Marie-Thérèse y Olga
1.9.2 El artista y la modelo
1.9.3 El Minotauro
1.10 Guernica y pacifismo
1.11 Compromiso con el Partido Comunista
1.12 Período de Vallauris
1.12.1 Vallauris y la cerámica
1.12.2 Nacimiento de Claude
1.12.3 La Galloise, Vallauris
1.12.4 Paloma
2 Véase también
3 Notas y referencias
3.1 Referencias
4 Bibliografía
5 Enlaces externos
5.1 Museos y exposiciones
5.2 Otros enlaces de interés
Biografía
Infancia
Véase también: Relación entre Picasso y Málaga

Vista del norte de la plaza de la Merced de Málaga. En el número 15 de este edificio nació Pablo Ruíz Picasso, justo donde hoy se encuentra ubicada la Fundación Picasso Museo Casa Natal.
Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso (según su certificado de nacimiento) o Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso (según su partida de bautismo),1 a fue el primer hijo de José Ruiz y Blasco y María Picasso López. Nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga, España, en el seno de una familia burguesa. Picasso tuvo dos hermanas, Dolores (1884-1958) y Concepción (1887-1895). Su bisabuelo materno, Tommaso Picasso (nacido en 1787), era originario de la localidad de Sori en Génova, Italia, y se trasladó a España alrededor del 1807.5
De su padre se sabe que quiso ser artista y fue profesor de dibujo en la Real Academia de Bellas Artes de San Telmo. De la madre se conoce poco; al parecer era de una personalidad más fuerte que la de su marido, y Picasso tuvo siempre hacia ella mayor respeto y ternura, lo que algunos creen ver en el retrato que le dibujó en 1923.6 Pablo empezó a pintar desde edad temprana; en 1889, a los ocho años, tras una corrida de toros y bajo la dirección de su padre pintó El picador amarillo,7 primera pintura al óleo8 9 de la que siempre se negó a separarse.

Casa Museo Picasso, en La Coruña.
En 1891, la familia se vio obligada a abandonar Málaga, debido a la poca estabilidad económica de la que disfrutaba. José Ruiz Blasco había comenzado a pedir reiteradamente el traslado a la ciudad de La Coruña, —donde se había creado una plaza de profesor en la Escuela de Bellas Artes tras su cese como conservador del Museo de Bellas Artes de Málaga en 1888.10 b El cambio no fue para nada agradable para su familia, como queda plasmado en la expresión que Picasso recordaba de su padre en esta etapa: «Ni Málaga, ni toros, ni amigos, ni nada de nada».11 12 «Solamente para mí fue una fiesta el traslado a Galicia.»13 En Galicia, Pablo trabajó en sus dibujos y mostró una fuerte confianza en sí y en sus dotes; tenía diez años. Sus primeros trabajos, de un realismo vigoroso y casi feroz, mostraban una temprana predilección por los personajes populares.6 En La Coruña hizo su primera exposición con 13 años y publicó caricaturas y dibujos en las revistas autoeditadas a mano "La Coruña", "Azul y Blanco" o "Torre de Hércules".14 15
El de 1895 fue un año de sucesos importantes en su infancia; en enero, falleció su hermana Concepción, y en septiembre su padre obtuvo una cátedra en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, donde el joven Pablo fue admitido como alumno y cursó estudios durante dos años, lo que le condujo a pintar, quizás por complacer a su padre, una serie de cuadros en los que el academicismo sentimental del estilo sorprendía tras la vitalidad de los retratos que había realizado en La Coruña.6
Estudiante brillante y precoz, Picasso superó en un solo día, a la edad de catorce años, el examen de ingreso en la Escuela de la Lonja, y se le permitió saltarse las dos primeras clases. De acuerdo con una de las muchas leyendas sobre el artista, su padre, tras reconocer el extraordinario talento de su hijo al contemplar sus primeros trabajos infantiles, le entregó sus pinceles y su paleta y prometió no volver a pintar en su vida.6
A diferencia de la música, no hay niños prodigios en la pintura. Lo que la gente percibe como genio prematuro es el genio de la infancia. No desaparece gradualmente a medida que envejece. Es posible que ese niño se convierta en un verdadero pintor un día, quizás incluso un gran pintor. Pero tendría que empezar desde el principio. Por lo tanto, por lo que a mí respecta, yo no era un genio. Mis primeros dibujos nunca se han mostrado en una exposición de dibujos infantiles. Me faltaba la torpeza de un niño, su ingenuidad. He hecho dibujos académicos a la edad de siete años, con una precisión de la que me asusto.
Picasso
En 1911 durante su estadía en la ciudad de París, Picasso formó parte de un círculo de amigos distinguidos en los barrios de Montmartre y Montparnasse, ellos eran André Breton, poeta; Guillaume Apollinaire, el escritor; Alfred Jarry; y Gertrude Stein. Apollinaire fue arrestado bajo sospecha de haber robado la Mona Lisa en el Louvre, y ser parte de una banda internacional. Apollinaire señaló a su amigo Picasso, que también fue llevado a un interrogatorio, pero ambos fueron exonerados más tarde.16
Primeras pinturas

Entrada al café Els Quatre Gats.
Durante el invierno de 1895 realizó su primer gran lienzo académico, La primera comunión (Museo Picasso, Barcelona),17 en Barcelona, ciudad en la que residió unos nueve años, salvo algunas vacaciones de verano y estancias más o menos largas en Madrid y París.18 En 1897 presentó el lienzo Ciencia y caridad (Museo Picasso, Barcelona) en la Exposición General de Bellas Artes de Madrid.19 Durante el verano pasó, una vez más, sus vacaciones en Málaga, donde pintó paisajes y corridas de toros.20
En septiembre, marchó a Madrid para iniciar estudios en la Academia de San Fernando,20 pero pronto abandonó la Academia: la atmósfera intelectual de la capital, impermeable al modernismo catalán que Picasso intentaba introducir (fundó una pequeña revista en 1901, Arte Joven, que tuvo una existencia bastante breve) no le convencía. No obstante, aprovechó sus frecuentes visitas al Museo del Prado para conocer mejor la obra del Greco, que era vindicada por artistas y estudiosos de finales del siglo XIX.21
Desde 1898 firmó sus obras como «Pablo Ruiz Picasso», luego como «Pablo R. Picasso», y sólo como «Picasso» desde 1901. El cambio no parece implicar un rechazo de la figura paterna; antes bien obedecía al deseo de Picasso de distinguirse como personaje, iniciado por sus amigos catalanes, que tomaron la costumbre de llamarlo por el apellido materno, mucho menos corriente que el Ruiz paterno.22

Ramón Casas: Pablo Picasso, 1900, Museo Nacional de Arte de Cataluña.
Volvió a Barcelona en junio de 1898, enfermo de escarlatina y se trasladó a Horta de Ebro (actual Horta de San Juan), el pueblo de su amigo Manuel Pallarés, situado al sur del Ebro cerca de la ciudad de Gandesa (Tierra Alta, Tarragona). En esta estancia, Picasso se reencontró con las raíces primordiales del país y con un cierto retorno a la naturaleza, más en consonancia con el ideario modernista, lo que constituyó uno de los primeros episodios «primitivistas» de su carrera.23
Abandonado el propósito de vivir en Madrid para dedicarse a copiar a los grandes maestros, en febrero de 1899 estaba de vuelta en Barcelona,24 donde comenzó a frecuentar la cervecería Els Quatre Gats, insignia de la bohemia modernista y lugar en el que realizó su primera exposición individual e hizo amistad con Jaime Sabartés y Carlos Casagemas. En este ambiente Picasso entró en contacto con el pensamiento anarquista, implantado en Barcelona. La miseria reinante en los barrios bajos de Barcelona, los soldados enfermos y heridos que volvían a España tras la desastrosa Guerra de Cuba, crearon un caldo de cultivo de violencia social que sin duda marcó, a un nivel individual y moral más que puramente político, la sensibilidad de Picasso, y que pueden ser apreciados en ciertos dibujos realizados entre 1897 y 1901: El prisionero, Un miting anarquista.25 26
En octubre de 1900 visitó París con Casagemas para asistir a la Exposición Universal, donde se exhibía una obra suya, Últimos momentos, actualmente desaparecida.27 En París se instaló en el estudio de Isidre Nonell, artista catalán que Picasso conocía del grupo Els Quatre Gats influenciado por el impresionismo y que reflejaba la situación social catalana de principios de siglo mediante retratos de personajes marginados y miserables. La obra de Nonell, junto a la de Toulouse-Lautrec, influyeron en gran medida en el estilo de Picasso de esta época, lo que puede apreciarse en obras como La espera (Margot), Bailarina enana y El final del número, ambas de 1901.28 26 También conoció al que sería su primer marchante, Pere Mañach (quien le ofreció 150 francos mensuales por toda su obra de un año) y entró en contacto con la galerista Berthe Weill. Regresó a Barcelona el 20 o 23 de diciembre (según distintas fuentes) con Casagemas, al que Picasso llevó consigo a celebrar el fin de año en Málaga.27
Entre Barcelona y París. El período azul
Artículo principal: Período azul de Picasso
El entierro de Casagemas

El entierro del conde de Orgaz (1586-1588, Santo Tomé, Toledo), obra más conocida del Greco. La división del espacio en dos zonas inspiró a Picasso en su cuadro El entierro de Casagemas.
Se conoce como período azul de Picasso al que discurre aproximadamente entre 1901 hasta 1904: este nombre proviene del color que domina la gama cromática de las pinturas, y tiene su origen en el suicidio de su amigo Carlos Casagemas el 17 de febrero de 1901, que lo dejó lleno de dolor y tristeza.29 Casagemas, después de haber tratado de asesinar a su amante Germaine, una bailarina del Moulin Rouge que frecuentaba el círculo de artistas españoles, se suicidó en París. Picasso, motivado y sensibilizado por la muerte de su amigo, pintó un cuadro que nombró El entierro de Casagemas,30 cuadro alegórico que empezaba a mostrar su paso al período azul. La división del espacio del cuadro en dos partes, tierra y cielo, cuerpo y espíritu, recuerda la del Entierro del Conde de Orgaz, del Greco.31

Van Gogh en un autorretrato dedicado a Gauguin.
Otras influencias en la obra de Picasso en este periodo fueron las de Van Gogh y Gauguin, el primero sobre todo a un nivel psicológico, como se refleja en la intensidad emotiva de los cuadros de esta época, aunque también se aprecia una simplificación de volúmenes y contornos definidos que hacen pensar en Gauguin, de quien también tomaría una concepción universal de la sentimentalidad.29 Picasso manifestaba la soledad de los personajes aislándolos en un entorno impreciso, con un uso casi exclusivo del azul durante un período superior a dos años, hecho que prácticamente carecía de precedentes en la historia del arte. Asimismo, el alargamiento de las figuras que se iba introduciendo en sus obras recordaba de nuevo el estilo del Greco.
Entre Barcelona y París
Picasso era un trabajador infatigable. A finales de abril de 1901 regresó a Barcelona, donde exponía Mujer en azul (Museo Reina Sofía, Madrid)32 en la Exposición General de Bellas Artes y luego en mayo volvió a París, donde se estableció en el número 130 del bulevar de Clichy, en el lugar en que Casagemas había tenido su estudio. Entre junio y julio del mismo año, Picasso e Iturrino realizaron una exposición en la galería de Vollard en París.33 Sin dinero ni trabajo, en junio conoció al poeta Max Jacob, con el que mantendría una cercana relación hasta la muerte de Jacob en 1944. El poeta recordaría más tarde que descubrió la obra de Picasso y, siendo crítico de arte, expresó su admiración por el talento del pintor. Poco después recibió una invitación de Mañach para presentarle a su joven representado (Picasso tenía por entonces unos dieciocho años); que estuvieron todo el día viendo la ingente obra de Picasso, quien por aquella época pintaba uno o dos cuadros por noche, y los vendía por ciento cincuenta francos en la Rue Laffite.34 Durante el otoño pintó Los dos saltimbanquis (arlequín y su compañera) (Museo Pushkin, Moscú),35 Arlequín apoyado (MoMA, Nueva York)36 y acabó El entierro de Casagemas. En invierno pintó una serie de retratos en azul; el Retrato de Jaime Sabartés (Museu Picasso, Barcelona),37 el Retrato de Mateu Fernández de Soto (Museo Picasso, Málaga)38 y el Autorretrato azul (Museo Picasso, París).39
A finales de enero de 1902 rompió su acuerdo con Mañach, y tras la liquidación correspondiente volvió a Barcelona. Empezó a trabajar en el estudio de Ángel Fernández de Soto, en el número 6 de la calle Nou de la Rambla, donde durante la primavera el color azul empezó a dominar su obra. Con Fernández de Soto visitó los burdeles de Barcelona, lo que quedó reflejado en una serie de dibujos eróticos entre los que se encuentra un Autorretrato con desnudo (colección privada, Alemania); un dibujo a la tinta y acuarela de Ángel Fernández de Soto con una mujer40 y La macarra (composición alegórica),41 propiedad del Museo Picasso de Barcelona.

Max Jacob en 1934. Fotografía de Carl van Vechten.
En París, Mañach arregló una exposición de pinturas y pasteles en la galería Berthe Weill, del 1 al 15 de abril, con obras de Picasso y Lemaire, y otra en junio en la misma galería con obras de Picasso y Matisse. En Barcelona Picasso recibió un aviso para incorporarse al servicio militar en octubre. Para eludirlo, debió pagar dos mil pesetas, cantidad que le fue proporcionada por su tío. Justo después volvió a París con Sébastien Junyer, y mostró sus pinturas azules por primera vez del 15 de noviembre al 15 de diciembre en una exposición colectiva organizada de nuevo por Mañach en la galería Berthe Weill.
De esa fecha data un Retrato de Germaine42 que Acquavella Galleries adquirió por 18,6 millones de dólares en una subasta de Christie's en 2006.43 En diciembre de 1902 se mudó un tiempo al apartamento de Max Jacob en el número 87 del bulevar Voltaire; la habitación sólo disponía de una cama, por lo que Picasso trabajaba de noche y dormía de día, mientras Jacob trabajaba. En este tiempo no podía comprar lienzo, y debía limitarse a dibujar.44
La vida
En enero de 1903 Picasso volvió a Barcelona. En primavera comenzó el cuadro La vida (Cleveland Museum of Fine Arts),45 uno de los mayores y más complejos lienzos de su época azul, considerado su trabajo más importante de estos años, obra de un simbolismo inusualmente oscuro en sus primeras obras y sujeto a múltiples interpretaciones académicas, sobre las cuales el artista nunca se pronunció. Picasso realizó cuatro bocetos preparatorios para el cuadro, variando la composición de las figuras al menos dos veces; cabe destacar que la figura masculina, que empezó siendo un autorretrato, acabó siendo una representación de su amigo Carlos Casagemas.46 La Vida resume la mayor parte de los temas y la atmósfera de la época azul: el pesimismo nihilista desarrollado en su época de formación en Barcelona, recrudecido bajo las dificultades materiales que sufre en la época. «Cree que el Arte es hijo de la Tristeza y del Dolor», decía su amigo Jaime Sabartés.47 La soledad de los niños, la miseria de pobres, mendigos y ciegos son a menudo descritos en los cuadros de ese momento: Las dos hermanas (Museo del Hermitage, San Petersburgo),48 Pobres a orillas del mar (Galería Nacional de Arte, Washington D.C.),49 El viejo guitarrista ciego (Instituto de Arte de Chicago),50 El asceta (Barnes Foundation, Filadelfia),51 y La Celestina (Carlota Valdivia) (Museo Picasso, París)52 se cuentan entre las primeras obras maestras de Picasso.
Hacia finales de 1903 Picasso empezó a pensar que sólo estableciéndose permanentemente en Francia su reputación superaría las fronteras de España. Se trasladó al estudio del escultor Pablo Gargallo (1881-1934), quien en aquel momento se encontraba en París, en el número 28 del Carrer del Comerç de Barcelona,53 donde finalizó La Celestina (Carlota Valdivia) y comenzó un nuevo Retrato de Jaime Sabartés (Kunsternes Museum, Oslo)54 que finalizó en la primavera de 1904.55
París, Bateau Lavoir. El período rosa
La belle Fernande

Pablo Picasso en 1904.
En abril de 1904 Picasso se instaló en París en el Bateau-Lavoir, situado en el barrio de Montmartre, en un taller que su amigo el escultor Paco Durrio estaba por dejar. Allí reanudó su contacto con varios artistas españoles que también vivían en el Bateau-Lavoir, especialmente con Ricardo Canals, quien le enseñó en septiembre del mismo año la técnica del aguafuerte, y con su mujer; también con Manuel Hugué y con su esposa Totote, y con Ramón Pichot y Germaine, la bailarina por la cual su amigo Casagemas se había suicidado. Durante el verano tuvo una relación con «Madeleine», que aparece en varios dibujos y pinturas, como La mujer del acróbata (Instituto de Arte de Chicago)56 e inspiró el tema de La familia de Arlequín (1905).57 En agosto de 1904 Picasso conoció a su primera compañera sentimental: Fernande Olivier (1881-1966), modelo de artistas y amiga de Benedetta, la mujer de Ricardo Canals, era conocida entre la colonia española del Bateau-Lavoir como «la belle Fernande». Con veintiún años los dos, Fernande fue el primer amor verdadero de Picasso, y se convirtió en su fuente de inspiración hasta 1910, aunque su relación no acabaría definitivamente hasta 1912.55
La bohemia del Lapin Agile
En octubre de 1904 Picasso conoció al poeta André Salmon, y también a Guillaume Apollinaire, poeta y escritor precursor del surrealismo, con los que estableció una relación muy cercana. Picasso se convirtió en un asiduo del cabaret Lapin Agile (el «Conejo ágil») y del Cirque Medrano. Desde que se instaló en Montmartre, la paleta y los temas de Picasso empezaron a cambiar; la pobreza y dureza de la vida de los artistas de circo y saltimbanquis aportaron un nuevo lirismo a sus cuadros en el paso de la época azul a la denominada época rosa. La época rosa se distingue por sus colores pastel y tonos cálidos, de líneas suaves y delicadas; con un especial énfasis sobre la línea y el dibujo, más que sobre el color, continuó trabajando las figuras con proporciones alargadas que recuerdan su admiración por el Greco, como en El actor (MoMA, Nueva York)58 o en la acuarela El loco (Museo Picasso, Barcelona),59 un recurso a fórmulas manieristas del que se ha señalado que Picasso hizo uso constante a lo largo de su carrera.60 Los temas que trataba eran la alegría y la inquietud existencial; como en la época azul, subyace un toque de melancolía, pero en ese momento dominada por el afecto, con muchas referencias al mundo del zoológico y del circo. Pintó máscaras, arlequines, domadores y payasos; también es la época de las maternidades rosas. Obras representativas de esta época son Acróbata con balón (Muchacha con balón) (Museo Pushkin, Moscú),61 La familia de saltimbanquis (Galería Nacional de Arte de Washington),62 Acróbata y joven arlequín (Barnes Foundation, Filadelfia)63 y Familia de acróbatas con mono (Göteborgs Kunstmuseum, Gotemburgo).64
La familia de saltimbanquis

Madame Cézanne en el invernadero (1891-92), de Paul Cézanne, un antecedente de la esquematización del rostro en la pintura de Picasso.
Del 25 de febrero al 6 de marzo de 1905 expuso en la Galería Sérurier sus primeras telas rosas. La crítica habló del anuncio de una transformación luminosa de su talento; tras el dramatismo de la época azul, Apollinaire describió las obras del período rosa en la Revue immoraliste: «Bajo los oropeles destellantes de sus saltimbanquis, se siente verdaderamente la piedad de las gentes del pueblo, versátiles, astutos, mañosos, pobres y mentirosos.». Según dijo Fernande Olivier, Picasso parecía amar aquello para lo que no estaba hecho, aquello que era diferente a él: los gitanos, las corridas de toros, los cabarés turbios, los payasos y el mundo del circo; amaba y se sumergía con delicia en todo aquello que tenía un color local violento.65
En la primavera del mismo año pintó una de sus principales obras de ese año, La familia de saltimbanquis,62 una clara evolución hacia la época rosa; un paisaje desnudo y desdibujado en el que se enmarcan aisladas las bien dibujadas y estilizadas figuras de los titiriteros, personajes marginales cuya vida solitaria impresionaba a Picasso.66 Una tarde, tras abandonar el Cirque Médrano con Max Jacob, decidió modelar su cabeza en barro, y conforme trabajaba la pieza en los siguientes días, añadió el sombrero y cascabeles de un bufón, al estilo de los personajes circenses. La pieza fue llamada El loco (cabeza de arlequín) (Museo Picasso, París),67 que el galerista Ambroise Vollard consiguió que fuera fundida en bronce.68
Gertrude Stein

Gertrude Stein, fotografía de Carl van Vechten, 1935
Durante el verano, hizo un viaje al norte de los Países Bajos, y permaneció en Schoorl por seis semanas invitado por el escritor neerlandés Tom Schilperoort. Durante su estancia pintó un desnudo, La bella holandesa (Queensland Art Gallery, South Brisbane),69 y Las tres holandesas (Museo Picasso, París),70 una versión personal del tema clásico de las tres gracias. Tras un breve paso por París, pasó unas vacaciones en agosto con Fernande, en Tiana, al noreste de Barcelona. A su vuelta en septiembre, Fernande se mudó al modesto estudio de Picasso en el Bateau-Lavoir; el principio de su relación fue muy feliz, y las pinturas y dibujos que realizaba Picasso de Fernande celebraban su belleza y cercanía personal. Picasso tomó por costumbre visitar las pequeñas galerías, y junto con Fernande acudía a los populares vernissages de los salones oficiales.68
Gertrude Stein y su hermano Leo se habían instalado en París, y dedicaban su fortuna a reunir una extraordinaria colección de arte. Leo Stein compró Familia de acróbatas con mono64 al marchante Clovis Sagot, por mediación del cual Leo y Gertrude fueron a visitar el estudio de Picasso y le compraron numerosas obras por 900 francos. Picasso se convirtió en un asiduo visitante del salón de Gertrude Stein en su apartamento de París; pintó un retrato de Leo y su hijo Michael e inició las primeras de las entre ochenta y noventa sesiones del famoso Retrato de Gertrude Stein (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York).71 Gertrude había comprado recientemente Mujer con sombrero de Matisse, y decidió que ambos artistas debían encontrarse.68
Primitivismo ibérico

La Dama de Elche (Museo Arqueológico Nacional de España, Madrid).
En 1906, después de tres meses trabajando en el Retrato de Gertrude Stein,71 lo abandonó temporalmente, y realizó los primeros bocetos de Las señoritas de Aviñón. Abandonó el tema de los arlequines por los jinetes y jóvenes en paisajes bucólicos, en la línea de Gauguin y Puvis de Chavannes, en una búsqueda de clasicismo tanto temático como formal, que condujo a Picasso al estudio del arte antiguo; en marzo descubrió el arte primitivo español en una exposición en el Louvre de esculturas ibéricas encontradas en Osuna y en el Cerro de los Santos, entre las que se encontraba la Dama de Elche. La galería de Ambroise Vollard adquirió la mayoría de las telas rosas también en marzo. En mayo se fue con Fernande Olivier a Barcelona, donde la presentó a amigos y parientes, y luego durante el verano a Gósol, en Lérida, donde entró de nuevo en contacto con el primitivismo esencial de la cultura popular, y pintó escenas de baños y desnudos vistos desde un exquisito dominio del rojo; esta paleta rojiza de Gósol refleja una preocupación por el modelado de los volúmenes, y un retorno a las raíces de un mediterráneo arcaico.72 Esto le inspiró una serie de cuadros con personajes que rescatan ciertas características de ese primitivismo, rompiendo con su estilo anterior. Aunque la simplificación de rasgos y volúmenes son rasgos precursores del cubismo, ésta fue una etapa con entidad propia, que no puede incluirse en ningún estilo reconocido. Podemos observar en estos cuadros sus propios rasgos faciales incluso entre las figuras femeninas, lo que puede apreciarse comparándolos con los autorretratos de esta serie.73 Esta estancia tuvo un impacto importante en la obra de Picasso, pues las pinturas de Gósol marcaron el comienzo de su revolución cubista el año siguiente; años más tarde Picasso retomó lo que hubiera sido el transcurrir lógico de este estilo, en su época neoclásica.
Protocubismo

Picasso en 1908.
En agosto de 1906, al volver de Gósol, retomó el Retrato de Gertrude Stein71 trabajando de memoria (Stein se encontraba en Italia) y redujo su rostro a una especie de máscara ibérica, impasible y expresiva a la vez.74 71 Picasso dijo del Retrato de Gertrude Stein: «Todo el mundo piensa que ella no es en absoluto como su retrato, pero no importa, al final conseguirá parecerse a él.»72 Bajo la influencia de la escultura ibérica y la pintura de Cézanne, que contemplaba expuesta en los salones, Picasso investigaba la forma y el volumen,75 lo que puede apreciarse en el Autorretrato con paleta (Museo de arte de Filadelfia),76 cuadro de un arcaísmo casi salvaje que también adelantaba las influencias acumuladas por Picasso desde 1905.77 73
El Salón de Otoño de 1906 exhibió una retrospectiva de Gauguin que impresionó profundamente a Picasso y tuvo gran influencia en su trabajo; el Salón también incluía diez obras de Cézanne, que falleció por esas mismas fechas. En invierno Picasso pintó Dos mujeres desnudas (MoMA, Nueva York),78 en las que llevó al extremo la estilización escultórica; la monumentalidad de las figuras y el uso autónomo de las luces y sombras remiten a Las grandes bañistas de Cézanne. Hacia final de año dejó de pintar, y se enfrascó en una serie de estudios y bocetos de desnudos para una composición de múltiples figuras bajo el tema del burdel, que culminaría en 1907 con la revolución que supusieron Las señoritas de Aviñón.72
Un burdel de la calle Avinyó
La primera reacción del entorno de Picasso ante los estudios previos de las señoritas fue en general poco favorable: sus amigos no acababan de entender este nuevo estilo. En un cuaderno de notas, Apollinaire lo describió como un «maravilloso lenguaje que ninguna literatura puede expresar, porque nuestras palabras ya han sido creadas.» Durante la primavera de 1907 Picasso conoció, a través de Apollinaire, a Georges Braque, quien tras visitar su estudio manifestó cierta agitación frente a la gran pintura.79
A mediados de mayo pintó Autorretrato (Národni Galerie, Praga):80 la línea se convierte en un elemento estructural dominante, marcando las facciones y delineando incluso el resto de áreas de la imagen, casi todas llenas de color, y muy pocas de ellas modeladas. Incluso dejó zonas del lienzo sin pintar.81 Hacia finales de mayo inició el lienzo definitivo de Las señoritas de Aviñón, y las figuras masculinas desaparecieron: una de ellas, un marinero, fue eliminada, y un estudiante situado a la izquierda fue reemplazado por una mujer desnuda sosteniendo una cortina.79
Influencias africanas

Escultura fang del siglo XIX, similar en estilo a las que Picasso conoció en París antes de finalizar Las señoritas de Aviñón.
Animado por André Derain, Picasso visitó en 1907 el Museo de Etnografía en el Palacio del Trocadero de París. Este fue su primer contacto con un amplio número de piezas africanas y oceánicas, que tanto Derain como Matisse coleccionaban desde hacía tiempo,c pero a las cuales Picasso no había prestado demasiada atención hasta ese momento. El descubrimiento del arte no-occidental dio un nuevo empuje a las Las señoritas de Aviñón, y también ejerció una considerable influencia sobre su trabajo escultórico.82 Picasso modificó entonces los rostros de algunas de las señoritas, los dos de aspecto más «cubista» de los cinco, que se asemejan a máscaras africanas, mientras los dos centrales son más afines al estilo de los frescos medievales y las primitivas esculturas ibéricas; también el rostro de la figura de la izquierda presenta un perfil que recuerda las pinturas egipcias. Sin embargo, «art négre, connais pas», era la respuesta de Picasso a una pregunta de la revista Action en 1920; este período protocubista,83 que se sitúa entre 1907 y 1909, es conocido también como el Período Africano, Período Negro o Período Oscuro de Picasso; su estilo se vio fuertemente influenciado por la escultura africana, pero el artista pretendió siempre lo contrario.84
Las señoritas de Aviñón
Artículo principal: Las señoritas de Aviñón
Las señoritas de Aviñón (MoMA, Nueva York)85 supuso un nuevo punto de partida para Picasso, que eliminó las referencias a la tradición rompiendo con el realismo, abandonando los cánones de profundidad espacial y perspectiva, así como el ideal hasta entonces existente del cuerpo femenino, al reducir la obra a un conjunto de planos angulares, sin fondo delimitado ni perspectiva espacial, en el que las formas están marcadas por líneas claro-oscuras. Los tonos ocre-rojizos son característicos de su más amable época rosa, pero la crudeza del cuadro los convierte en agresivos.
El cuadro pudo estar también influenciado por las figuras alargadas del Greco, en particular por su Visión del Apocalipsis, que Picasso posiblemente vio ese verano en París;79 su estructura y composición deriva de Las grandes bañistas de Cézanne; la pintura de Cézanne hace de los objetos una presencia real, con especial énfasis en los volúmenes y el peso de los mismos, sin la palpitación atmosférica propia del impresionismo. Según Fermigier, 1969, p. 69, su retrospectiva en el Salón de Otoño de 1907 determinó la evolución ulterior de Picasso. También Braque, inspirado por Cézanne, inicia una serie de paisajes que muestran su transición del fovismo a su época protocubista.79
Hacia el cubismo

Las grandes bañistas de Cézanne, 1906, Museo de Arte de Filadelfia: una posible influencia.
La relación con Fernande entró en crisis, y decidieron separarse a finales de verano de 1907,d aunque se reconciliaron a finales de noviembre. En su ausencia, Max Jacob y Apollinaire habían persuadido a Picasso de fumar opio; Picasso se movía entre las bendiciones de las visiones y el temor a entregarse a la apatía y el hastío hacia el trabajo. La paleta de Picasso se llenó de brillantes colores «africanos»: pintó Mujer desnuda (la bailarina de Aviñón)(colección privada, Lausana),86 un epílogo a Las señoritas de Aviñón en el que los elementos basados en el arte ibérico y africano alcanzan un nuevo grado de simplificación geométrica; en el mismo estilo, La danza de los velos (desnudo con drapeado) (Museo del Hermitage, San Petersburgo),87 iniciado en verano y que fue comprado por Gertrude Stein junto a los bocetos preparatorios del mismo;79 también Flores sobre una mesa (MoMA, Nueva York).88 En las subsiguientes obras, las carnaciones se vuelven ocres y marrones, y Picasso se enfrenta a la vez con muchos experimentos de ruptura en sus cuadros: el abandono de la perspectiva; la conquista del espacio, fragmentando los planos mediante tonos planos con contornos gruesos y definidos; la búsqueda del relieve, mediante exagerados contornos azules en un fondo marrón y sombreados espesos; entre ellas se cuentan La amistad (Museo del Hermitage, San Petersburgo)89 y Desnudo con toalla (colección privada, París).90 El estudio de Picasso se convirtió en un centro de discusiones y debate, y no sólo sobre su obra. Braque llevó sus propias obras allí, Matisse y Picasso intercambiaron cuadros: el bodegón Cántaro, bol y limón (Fundación Beyeler, Riehen, Basilea)91 de Picasso por el Retrato de Marguerite, la hija de Matisse.79 La relación de Picasso y Matisse iba de la competición a la burla, pasando por una intensa admiración mutua; Matisse dijo que nadie había mirado su obra como Picasso, y nadie había mirado la obra de Picasso como él.92
Cubismo
Véase también: Cubismo
Teniendo Las señoritas de Aviñón como punto de partida, Braque y Picasso acabaron formulando el cubismo en 1908. El cubismo fue un punto de inflexión radical en la historia del arte que inspiró al resto de vanguardias artísticas el abandono del ilusionismo pictórico, rechazando la descripción naturalista en beneficio de composiciones de formas abstraídas de la percepción convencional, jugando con la tridimensionalidad y la estructura de las superficies.93 Esta técnica, iniciada por Picasso y Braque, tuvo muchos seguidores, como Juan Gris, Francis Picabia, Brancusi, Delaunay y Albert Gleizes.
Cubismo cezannesco

Paul Cézanne: Mont Sainte-Victoire (1904), Museo de Arte de Filadelfia. Los paisajes de Cézanne inspiraron las primeras fases del cubismo.
En enero de 1908 Matisse abrió su escuela, la Academie Matisse. Por otro lado, Derain y Braque eran seguidores de Picasso, lo cual, añadido a su creciente amistad con Gertrude Stein, irritaba a Matisse. En el Salón de los Independientes de mayo de ese año, Derain y Braque presentaron cuadros inspirados en el nuevo estilo de Picasso que causaron un gran impacto entre la crítica. A Picasso le indignó que se hiciese la primera exhibición de arte cubista sin que se reconociera su papel como fuente de inspiración; especialmente Mujer (1908), un desnudo de Braque muy reciente, que no había comentado con nadie, ni siquiera con Picasso. Tras la clausura del Salón, Braque marchó a L'Estaque hasta septiembre. Los elementos africanos fueron cediendo terreno en la obra de Picasso en beneficio de efectos de relieve influencia de Cézanne, quizás relacionados con el reductivismo cezannista de los paisajes de Braque.94
Su amigo el pintor alemán Wieghels se suicidó en el Bateau-Lavoir, tras una velada en la que consumió un exceso de drogas variadas; esta tragedia convenció a Picasso y Fernande de abandonar el consumo de opio; Composición con cabeza de muerto (Museo del Hermitage, San Petersburgo),95 finalizado a finales de primavera, podría ser una conmemoración de la muerte de Wieghels.94
Durante el verano, Braque elaboró en L'Estaque una serie de paisajes cubistas en los que más que una inspiración, la ruptura de la perspectiva mecanizada de Cézanne es considerada una iniciación por el pintor. Picasso alquiló una granja en la Rue des Bois-par-Creil-Verneuil-Oise, a 60 kilómetros al norte de París; Fernande mencionó que con este retiro Picasso buscaba superar el estado de agitación nerviosa que la muerte de Wieghels le había provocado.94 Ambos artistas comenzaron a representar la sensación de relieve mediante la aplicación arbitraria de las luces y sombras en detrimento del sombreado naturalista; las formas se simplificaron al extremo, con una mayor y más profunda esculturalidad en los cuadros de Picasso, cuya paleta se restringió a una gama de marrones, grises y verdes.96 En los paisajes de Picasso se aprecian influencias de Henri Rousseau (1844-1910) y un primitivo Cezanne.
Matisse bautiza el Cubismo. Período verde

Henri Matisse en mayo de 1933.
Cuando en septiembre Braque presentó sus paisajes al Salón de Otoño el jurado, entre cuyos miembros estaba Matisse, rechazó las obras. Según Apollinaire, Matisse fue el primero en aplicar los términos «cubista» y «cubismo», al rechazar las obras de Braque presentadas al Salón. Esta historia es considerada desde 1912 el origen oficial del movimiento. Josep Palau i Fabre señala que en otoño de 1908 se inició lo que denomina período verde de Picasso: los bodegones que pintó en esa época muestran una estilización formal que se debe, posiblemente, a la aplicación de los postulados cezanescos, según los cuales las formas debían reducirse a conos, cilindros y esferas. Esta esquematización geométrica no lleva consigo una pérdida de corporeidad en los objetos representados, por lo que puede hablarse de un relieve plano.97 Durante todo el verano y el mes de octubre completó la versión final de las Tres mujeres (Museo del Hermitage, San Petersburgo),98 donde las influencias africanas de los primeros estudios del cuadro se diluyen en el nuevo estilo del período verde.
El banquete de Rousseau

Henri Rousseau: Portrait de femme (1895), Museo Picasso, París.
Tras la exposición de las obras de Braque en la galería de Daniel-Henry Kahnweiler, que fue mejor recibida por la crítica que sus obras presentadas al Salón de los Independientes, Picasso organizó en el Bateau-Lavoir un banquete en honor a Rousseau, para celebrar que acababa de comprar una obra del pintor, Retrato de una mujer, por cinco francos en la tienda de antigüedades de Père Soulier. Durante ese invierno el intercambio de ideas entre Braque y Picasso se incrementó hasta un nivel diario, al tiempo que su amistad se consolidaba.94 El bodegón de frutas, un motivo emblemático de Cézanne, era uno de los temas que ambos pintores compartían en este momento:99 Le compotier (Plato de fruta) (MoMA, Nueva York),100 Naturaleza muerta con pescados y botellas (Musée d'Art Moderne de Lille Métropole, Villeneuve d'Ascq).101 También trabajó durante el invierno en el Carnaval en el bistrot (Museo Picasso, París),102 que cristalizaría a principios de 1909 en Panes y frutero con frutas sobre una mesa (Museo de Arte de Basilea).103
Cubismo analítico
Retorno a Horta de San Juan
Picasso empezó a ser apreciado por los coleccionistas; amigo de los Stein, que acababan de comprarle las Tres mujeres, el suizo Hermann Rupf compró varias obras suyas, y Dutilleul (cliente también de Braque) inició su colección. En marzo de 1909 se publicó en el Mercure de France un artículo de Charles Morice en el que por primera vez apareció impreso el término Cubismo. En mayo, Picasso y Fernande fueron a Barcelona a visitar a la familia y viejos amigos; pintó un Retrato de Manuel Pallarés (The Detroit Institute of Arts)104 en el estudio de su amigo. Posteriormente se trasladaron a Horta de San Juan, once años después de su primera visita.105 Allí pintó y dibujó naturalezas muertas y numerosos retratos de Fernande, entre ellos Mujer desnuda en un sillón (colección privada, Francia)106 y Busto de mujer (Fernande) (Hiroshima Museum of Art).107 La serie de retratos de Fernande iniciada en París culminó en Mujer con peras (Fernande) (MoMA, Nueva York).108 También realizó seis grandes paisajes, entre ellos El embalse (Horta de Ebro) (MoMA, Nueva York);109 La fábrica de Horta (Museo del Hermitage, San Petersburgo)110 y Casas en la colina (Horta de Ebro) (Nueva Galería Nacional, Berlín).111 Fueron los inicios del cubismo analítico, deudor de los conceptos de relieve, «perspectiva inversa» y modelado de Cézanne.

Cabaña cercana a la vía férrea Tortosa-Valdezafán a Horta de San Juan. El paisaje catalán, sus colores y la estructura casi cubista de los pueblos y construcciones coincidían con las ideas de Picasso; yo pinto lo que pienso, no lo que veo, dijo Picasso.112
En las obras que pintó en Horta los árboles y formas naturales fueron obviadas, y la roca superficialmente amorfa fue analizada y rota en planos para luego reconstruirla mediante la superposición de los planos; en algunos casos la geometrización se extendió al cielo, y el conjunto ofrecía una composición rigurosa con una profundidad que no envidiaba a la perspectiva tradicional. El uso de la luz era completamente arbitrario, estrictamente para acentuar los contornos y afilar los relieves. No obstante, el cubismo analítico era todavía una revisión y no un rechazo de la tradición; el cuadro seguía siendo una ventana ilusoria a un mundo representado, reconstruido. El cubismo sintético constituyó una negación de la tradición europea; el collage rompió la inviolabilidad de la superficie del cuadro y la representación de la realidad dejó de ser el objetivo del cuadro para ser su punto de partida.112
Traslado al bulevar de Clichy
En septiembre se trasladó a París, al nº 11 del bulevar de Clichy. Volvió cargado de obras del nuevo estilo y, pese al rechazo de público y crítica en la exposición que Vollard organizó con ellas, el selecto grupo de coleccionistas encabezado por Gertrude Stein y Serguéi Shchukin seguía comprándola. Encerrado en su nuevo estudio, siguió desarrollando el cubismo, que en ese momento compartía además de con Braque, con un grupo de artistas de Montmartre fuertemente influenciados por el nuevo estilo entre los que estaban Derain, el español Juan Gris y Léger. El cubismo se extendía por Europa, con el constructivista y suprematista Malévich en Rusia y Mondrian en los Países Bajos, aunque ambos mostraban serias diferencias con el estilo de Picasso: según Penrose, su persecución de una geometría pura de las formas les alejaba del sujeto pictórico hacia la abstracción, algo que no formaba parte de los instintos de Picasso, para quien eliminar los símbolos y las alusiones poéticas de la pintura era una forma de castración; también inspiró a los futuristas liderados por Marinetti en Italia y los vorticistas en Inglaterra, que basaron su teoría estética en la forma y el movimiento y ritmo mecánicos, intentando introducir el tiempo en la representación pictórica. Pero Picasso no buscaba el desarrollo de teorías o escuelas; su necesidad era la ruptura con el pasado y darle a la obra de arte su propia vida interna.113
En el estudio de Manuel Hugué hizo esculturas como Cabeza de mujer (Fernande) (Museo Picasso de Barcelona114 inspirada en las telas que pintó en Horta.105 Fernande no se sentía a gusto con los cambios que se producían en su entorno y estilo de vida, añoraba la espontaneidad de sus primeros tiempos juntos.115
Los retratos cubistas
Ya en 1909 Picasso realizó una serie de retratos en los que el rigor en su disciplina de búsqueda de una nueva concepción del espacio le condujo a una reducción progresiva en el uso del color; en los paisajes de Horta y en Mujer que cose (Colección Claire B. Zeisler, Chicago),116 pintado durante el invierno de 1909 a 1910, la paleta se restringió a ocres, grises y verdes, hasta eliminar este color y entrar en una monocromía que en ocasiones se rompía con sutiles gradaciones de grises y ocres. En 1910, pintó entre otros los retratos de Ambroise Vollard (Museo Pushkin, Moscú),117 Wilhelm Uhde (Colección Pulitzer, St. Louis)118 y Daniel-Henry Kahnweiler (Instituto de Arte de Chicago),119 en los que, a pesar de su tendencia progresiva a pintar con el ojo del pensamiento más que directamente de la naturaleza, trabajó en numerosas sesiones con los modelos, a semejanza del de Gertrude Stein anteriormente; a pesar del progresivo proceso de segmentación analítica del espacio y la forma, Picasso captaba la fisonomía de los personajes.120
Picasso y Fernande pasaron el verano de 1910 en Cadaqués (Gerona, España), donde su amigo Ramón Pichot pasaba las vacaciones; alquilaron una casa a pie de mar, y se les unieron Derain y su esposa. Tras las vacaciones, Picasso volvió cargado de obras inacabadas en las que se hizo patente un avance hacia el nuevo lenguaje del cubismo;121 en el Retrato de Daniel-Henry Kahnweiler119 que pintó tras las vacaciones el personaje es tratado como una estructura tridimensional que se manifiesta en elementos trastocados en el espacio en una trama transparente, vista desde múltiples ángulos y aun así conformando una totalidad coherente,122 como también sucede en cuadros como Mujer desnuda en pie (Museo de Arte de Filadelfia).123
El invierno de 1910 a 1911 Picasso y Braque mantuvieron una colaboración tan estrecha que es difícil aventurar el origen de las ideas que ambos pusieron en marcha, y al no firmar los cuadros hubo momentos en que se les hizo difícil distinguir la propia obra de la del otro; a medida que avanzaban en su análisis del objeto, Picasso y Braque sentían perder la referencia con su realidad reconocible. La inclusión de elementos de la realidad en sus composiciones cubistas les condujo posteriormente al trampantojo o trompe l'œil, y de aquí a la invención del collage, con lo que rompían con la tradición de no emplear más de un medio para una obra y ponían en cuestión los principios de la pintura misma.124
Reconocimiento del cubismo

Retrato de Picasso por Juan Gris (1912) en estilo cubista.
Picasso viajó a Céret, un pueblo francés situado en la región histórica del Rosellón, en julio de 1911. Fernande Olivier y Braque se reúnen con él en agosto, y ambos pintores prosiguieron con su estrecha colaboración en la definición del cubismo. Realizaron varios cuadros en los que introducían la cabecera del periódico local en sus obras, con una tipografía gótica reconocible, como El abanico ('L'Indépendant') (colección privada, Ascona, Suiza).125 El 5 de septiembre Picasso regresó a París y en el Salón de Otoño de 1911 presentó una sala cubista, de la cual tanto él como Braque estuvieron ausentes. Este hecho chocó entre la prensa de Nueva York, Madrid y Ámsterdam, que cubrían el evento, puesto que era sabido que ellos eran los fundadores del estilo; se publicaron varios artículos y ensayos en torno a Picasso y Braque por toda Europa. La relación con Fernande se había deteriorado, y en otoño de ese año Picasso conoció a Eva Gouel (Marcelle Humbert), hasta el momento pareja sentimental del pintor polaco Louis Markus, a la que llamó ma jolie (mi bella) en varias de sus pinturas.126
A principios de 1912 Picasso realizó la primera escultura construida,127 Guitarra (MoMA, Nueva York), hecha de cartón, cordel y alambre.128 Picasso inició en gran medida un proceso que provocó la liberación de la escultura de conceptos clásicos como el volumen y la sustitución de los procesos de modelado o talla por todo tipo de técnicas constructivas que constituyeron una transformación revolucionaria en la escultura.129 En un paralelismo con la técnica del collage cubista, cuya primera muestra es Naturaleza muerta con silla trenzada (Museo Picasso, París),130 creado en la primavera de 1912,127 las formas se redujeron a planos que podían articularse libremente. Los conceptos de ensamblaje y construcción hicieron posible la introducción de nuevas técnicas y materiales; la descomposición del volumen aportó nuevas perspectivas, la valoración del vacío y de la luz como elementos escultóricos de importancia equivalente a la masa.129
Cubismo hermético
Entre Céret y Sorgues
Entre 1912 y 1915 Picasso y Braque desarrollaron la segunda fase del cubismo, en la que retornaron a su obra un equivalente a los conceptos tradicionales que habían roto o eliminado en la fase precedente; formas, objetos y palabras se volvieron reconocibles al tiempo que se reconstituyó la superficie; recuperaron el uso de un cromatismo más sólido y brillante, los planos se contornearon y demarcaron claramente, superponiéndose y apareciendo una implicación con superficies texturadas y estampados decorativos.131
Entre abril y mayo de 1912 se celebró una exposición cubista en la Galería Dalmau de Barcelona sin obras de Picasso ni de Braque. La relación con Fernande se acabó; Picasso escribió a Braque: «Fernande me ha dejado tirado por un futurista». El 18 de mayo llega a Céret con Eva, donde realiza algunos dibujos en los que aplica papeles pintados del siglo XIX y pedazos de diarios. Cuando en junio Picasso se entera de que Fernande planea ir a Céret el verano con Pitxot y su mujer, escribe a Kahnweiler para que le diga que no espere nada de él, que estaría feliz si no volviera a verla más, al tiempo que reafirma su amor por Eva, indicando que va a escribirlo en sus pinturas. Es probable que entre junio y septiembre trabajara en Desnudo femenino ('J'aime Eva') (Museo de Arte de Columbus, Ohio),127 donde aparece la declaración de amor escrita en el cuadro; se trata de una obra más ligera de cromatismo, con toques de colores ácidos, en la que la construcción de la figura femenina deriva de la técnica del collage que estaba aplicando en sus dibujos.132 Escapando de la visita de Fernande, el 25 de junio se instala en la Villa des Clochettes, en Sorgues-sur-L'ouvèze. Las pinturas de Céret impresionaron a Braque, Picasso le pidió su opinión sobre Violín ('Jolie Eva') (Nueva Galería Estatal de Stuttgart),133 en la que pintó superficies imitando añadidos de madera y de papeles escritos, o sobre El aficionado (Le torero) (Museo de Arte de Basilea).134 Braque se instaló en agosto en Sorgues, donde reiniciaron su trabajo y siguieron perfilando sus conceptos artísticos.127
Traslado al bulevar Raspail

Cartel del Armory Show (1913).
En septiembre de 1912 visita París un par de semanas para organizar su traslado a un nuevo estudio en el 242 del bulevar Raspail, pero vuelve a Sorgues, donde trabaja sobre El aficionado (Le torero) y El poeta (Museo de Arte de Basilea).;135 el endurecimiento y aplanamiento de las formas caracteriza el cubismo hermético, que marca el inicio de la transición al cubismo sintético. Hacia finales de septiembre vuelve a París con Eva para recoger sus pertenencias y mudarse al nuevo estudio, donde se instalan el primero de octubre. A mediados de noviembre comienza la primera serie de papiers collés,136 en respuesta al trabajo de Braque en este medio,127 aplicando las técnicas de ensamblaje e incorporación de materiales en Guitarra, partitura, vaso (Museo de Arte McNay, San Antonio, Texas):137 sobre un fondo de papel pintado, Picasso pegó fragmentos de papel entre los que hay un titular de Le Journal en el que preservó las palabras La bataille s'est engagé[e] (ha empezado la batalla).
A mediados de diciembre volvió a Céret, desde donde viajó a Barcelona con Eva durante las fiestas navideñas. Volvió a París el 21 de enero de 1913, donde empezó a trabajar en Violín colgado en la pared (Museo de Bellas Artes, Berna), en el que puso en práctica el uso de añadir arena en la pintura y en una doble imitación, simula el efecto de collage mediante planos que recuerdan los recortes de papel (que a su vez imitan una textura de madera) que solían usar Braque y Picasso en sus collages.138 al tiempo que realizó una segunda serie de papiers collés139 en los que utiliza diarios contemporáneos de París (en varios de ellos utilizó Le Figaro) o de Céret en la que se observa un incremento de la abstración y mayor colorido.140
A finales de febrero se celebró la primera retrospectiva de Picasso en Alemania, en la Moderne Galerie Heinrich Thannhauser en Múnich; también se incluyeron ocho obras suyas y tres de Braque en la International Exhibition of Modern Art (el Armory Show) en Nueva York, en el 69th Regiment Armory, que posteriormente viajaría a Chicago y Boston, uno de los eventos más influyentes en la historia del arte estadounidense en la que también estaba el famoso Desnudo descendiendo una escalera de Marcel Duchamp.140
Cubismo sintético
Cubismo poético
Picasso y Eva volvieron a Céret en marzo de 1913, aunque viajaría en varias ocasiones a Barcelona. Su padre murió a principios de mayo y Picasso acudió a su funeral. La salud de Eva tampoco era buena, y empeoró a finales de la primavera. En junio Picasso volvió a París, al tiempo que cayó enfermo con anginas o bronquitis (de las que se recuperaría a finales de julio), al igual que Eva, que al parecer nunca se recuperó del todo. En agosto vuelven a Céret, donde completó Hombre con guitarra (MoMA, Nueva York),141 en el que se muestra el cubismo sintético desarrollado: motivos fragmentados del cubismo analítico sintetizados en formas grandes y planas que son «signos» de objetos. Tras una corta estancia, volvieron el 19 de agosto a París, donde comenzaron la mudanza a un nuevo estudio en el número 5bis de la calle Schoelcher, en el bulevar Raspail, con vistas al cementerio de Montmartre. En ese momento se inició el periodo llamado cubismo poético.140
Alrededor de la época del Salón de Otoño, Picasso pintó dos grandes obras de particular importancia, el Jugador de cartas (MoMA, Nueva York),142 que contiene muchos elementos del collage trampantojo, y Mujer en camisa sentada en un sillón (colección privada, Nueva York), en la que se combinan el color del cubismo analítico y los patrones esquemáticos del sintético. Sigue desarrollando por otro lado sus ensamblajes; hacia finales de año el ruso Vladímir Tatlin, que conocía su trabajo por la colección Shchukin de Moscú, visitó París para ver a Picasso y su estudio, donde vio las construcciones de éste. A su retorno a Moscú, Tatlin hizo sus primeras construcciones.140
Cubismo surrealista
En 1914 Picasso realizó una tercera serie de papiers collés.143 El 14 de enero Kahnweiler publicó El sitio de Jerusalén de Max Jacob, ilustrado por Picasso. Fue el inicio del cubismo surrealista.144 También trabajó en sus construcciones, entre las que destaca El vaso de absenta (MoMA, Nueva York),145 de la que su marchante Kahnweiler ordenó seis copias en bronce,146 pintadas de distintos modos, algunas altamente coloreadas, otras con textura de arena.144
Cubismo puntillista y cubismo frío

Modigliani, Picasso y André Salmon frente al Café de la Rotonde, París, en 1916.
A finales de junio Picasso y Eva se instalaron en Aviñón, cerca de Derain, que estaba en Montfavet, y de Braque en Sorgues. El atentado de Sarajevo en el que fueron asesinados el archiduque Francisco Fernando de Austria y su esposa desencadenó el inicio de la Primera Guerra Mundial. Apollinaire solicitó la ciudadanía francesa para alistarse como voluntario; Braque y Derain fueron movilizados, Picasso se despidió de ellos en la estación de Avignon el 2 de agosto de 1914.144 En otoño, aún en Avignon, Naipes, vasos, botella de ron (Vive la France) (Colección Leigh B. Bloch, Chicago)147 abrió el periodo del cubismo puntillista. Trabajó en series de dibujos de hombres apoyados en una balaustrada, una mesa o una silla, en estilos que van del naturalismo al cubismo; el lienzo inacabado El artista y su modelo (Museo Picasso, París),148 que presumiblemente sería Eva, muestra una tendencia de retorno a la figuración representacional que resurgirá posteriormente.144
De retorno a París a mediados de noviembre, su en cierto modo ambivalente actitud hacia la guerra y su relación con sus patrones alemanes Kahnweiler y Thannhauser, unidos a que la mayor parte de los hombres jóvenes estaban en el frente, provocaron que Picasso fuera visto con desconfianza. En invierno pintó el óleo Naturaleza muerta: guitarra, periódico, vaso y as de trébol (Museo Picasso, París),149 que introdujo el periodo llamado cubismo frío,144 donde la composición se trabajaba en colores fríos, con una predominancia del azul.
Enfermedad y muerte de Eva
En enero de 1915 realizó el dibujo a lápiz Retrato de Max Jacob (Museo Picasso, París),150 en un estilo naturalista. La salud de Eva sigue declinando y sufre una operación; en mayo, mientras ella se encuentra en un sanatorio, Picasso tiene un romance con Gabrielle Depeyre, con la que realizó ese mismo año un viaje en secreto a Saint-Tropez. En agosto realiza otro dibujo, Retrato de Ambroise Vollard (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York),151 de técnica clásica y parecido casi fotográfico. Este tipo de dibujos seguían siendo contemporáneos con pinturas cubistas, como Arlequín (MoMA, Nueva York),152 una composición austera de grandes áreas geométricas monocromas sobre un fondo negro, parte de una serie larga sobre ese tema, que puede entenderse como una alegoría de la pérdida, particularmente la enfermedad fatal de Eva, que fue trasladada al hospital de Auteil en noviembre. Picasso pasó momentos muy duros, «mi vida es un infierno», le escribía a Gertude Stein. Eva falleció el 14 de diciembre de 1915.153
Durante la guerra su trabajo se centró en bodegones cubistas y retratos de estilo naturalista; el cubismo, puntillismo, manierismo y neoclasicismo coexistieron en su trabajo desde 1917. Al finalizar la guerra, aunque siguió trabajando simultáneamente en estos estilos tan dispares, Picasso tendió poco a poco hacia un estilo neoclásico, que se mostró plenamente desarrollado en 1920 y que sustentó su interés hasta 1924.154
Los Ballets Rusos
Las señoritas de Aviñón en el Salón de Otoño
En 1916 tuvo relaciones con dos mujeres: Gabrielle Lespinasse, una corista de Montparnasse con la que tuvo un romance sin consecuencias y Elvira Paladini, sensual y sibarita, cuya presencia estimuló una cierta premonición de Italia en la obra de Picasso. En marzo, Apollinaire regresó herido del frente y Picasso realizó varios dibujos retratándole en los siguientes tres meses, como Retrato de Apollinaire (colección privada),155 también en un estilo realista. En junio comenzó a mudarse al número 22 de la calle Victor-Hugo, en el barrio de Montrouge. Realizó varios retratos de Elvira Paladini y de Apollinaire, en un estilo realista, y varios dibujos de arlequines que recuerdan en su trazo a la época rosa. En julio se produjo la primera exhibición al público de Las señoritas de Aviñón en el Salón de Otoño, que organizó André Salmon. Al igual que sucedía con el cubismo, la crítica fue bastante dura con una obra que no alcanzaban a comprender.156
Parade

Retrato de Jean Cocteau (1916) por Amedeo Modigliani.
Tras un par de visitas previas, Jean Cocteau, a quien conoció en diciembre del año anterior, le invita el 1 de mayo a realizar el diseño del decorado para la compañía de los Ballets Rusos, dirigida por Sergéi Diágilev, con libreto del mismo Cocteau y música de Erik Satie; durante la visita realizaría un retrato realista del escritor. A finales de mayo Cocteau llevó a Diágilev a visitarle a su estudio, donde discutieron planes para el ballet, Parade. En agosto de 1916 aceptó finalmente trabajar en el ballet Parade. Picasso introdujo varios cambios en la obra, ideas que gustaban a Satie más que las de Cocteau. Finalmente en septiembre se pusieron de acuerdo,156 y en enero de 1917 confirmó con Diágilev el acuerdo para realizar los decorados y vestuario para el ballet por la suma de 5000 francos, con 1000 francos adicionales si tuviera que ir a Roma. Entre febrero y marzo trabajó sobre el Telón para el ballet Parade (Musée National d'Art Moderne, Centro Georges Pompidou, París).157
El 19 de febrero llegó con Cocteau a Roma para unirse a Diágilev y los Ballets Rusos. Permaneció ocho semanas en el Grand Hôtel de Russie, en la esquina de Via del Babuino y la Piazza del Popolo, donde hizo muchos dibujos de la Villa Médici desde su ventana. Produjo muchos bocetos para los vestidos y decoración del ballet en un estudio alquilado en el 53b de la Via Margutta. Cuando no estaba trabajando socializaba con Diágilev, el coreógrafo de la obra Léonide Massine, el diseñador escénico Léon Bakst, Cocteau e Igor Stravinsky, de los que hizo retratos rápidos y caricaturas. También se encontró con los artistas futuristas italianos y visitó los lugares famosos de la ciudad con ellos, la Capilla Sixtina, las Estancias de Rafael y los museos vaticanos de escultura. Su estancia en Roma renovó su interés en el estilo académico de Ingres, cuya influencia se reflejaría en su obra en los años siguientes. Durante este periodo conoció a la bailarina Olga Khokhlova, miembro de la compañía de Diágilev con la que acabaría casándose.154

Partitura de Parade, música de Erik Satie. Este ballet fue la primera de una serie de colaboraciones de Picasso para la realización de telones, decorados y vestuarios para el teatro o la danza.
En marzo de 1917, Diágilev llevó a Picasso, Stravinsky, Cocteau y Massine de viaje a Nápoles, desde donde visitaron las ruinas de Herculano y Pompeya. En esos días vio la luz en París el magacín de literatura vanguardista Nord-Sud, que durante su corta existencia destacó como un poderoso foro de discusión vanguardista sobre cubismo, e intentó reunir los centros parisinos de literatura tradicional y de vanguardia, Montmartre y Montparnasse. Entre sus colaboradores se encontraban buena parte de los escritores que darían forma al surrealismo: Apollinaire (que acuñó el término por esas fechas), André Breton, Louis Aragon y Tristan Tzara entre otros. En abril, Cocteau regresó a París y Picasso se unió a la compañía de los Ballets Rusos en su viaje por Italia para estar cerca de Olga, pasando por Florencia (donde visitó la Capilla de los Médici, con las tumbas realizadas por Miguel Ángel) y Venecia.154
Tras la gira por Italia, la compañía se dirigió a finales de abril a París, donde el 18 de mayo de 1917 tuvo lugar la primera presentación de Parade en el Théâtre du Châtelet. La conjunción de estilos vanguardistas en arte, música y coreografía de la obra, en un periodo marcado por la guerra en Europa, convirtió ésta en el escándalo que Diágilev esperaba, siendo tachada de «ofensivamente anti-francesa». Apollinaire señaló en su ensayo para el programa del ballet que la síntesis de los diseños de Picasso y la coreografía de Massine alcanzaba por primera vez un tipo de «surrealismo donde veo el punto de partida de una serie de manifestaciones de este Nuevo Espíritu». Las noticias en la prensa fueron, por otro lado, terribles.154 Entre mayo y junio realizó un realista Autorretrato (Museo Picasso, París)158 y Los ojos del artista (Museo Picasso, Málaga)159
Estancia en Barcelona
Enamorado de Olga, Picasso acompañó a los Ballets Rusos a Madrid, donde actuaron durante el mes de junio; por influencia de Olga y su contacto con la compañía, Picasso frecuentó la alta sociedad madrileña. El 23 de junio llegaron a Barcelona, donde los Ballets Rusos representaron Las Meninas en el Teatro del Liceo. A finales de mes la compañía partió para Sudamérica, mientras que Olga y Picasso, ya comprometidos, se quedaron cuatro meses en Barcelona, donde sus amigos artistas catalanes Miguel Utrillo, Ángel Fernández de Soto, Ramón Reventós, Pallarés, Ricardo Canals, los hermanos Vidal y Francisco Iturrino le dieron un banquete de bienvenida en las Galerías Layetanes en julio.154 Pintó el naturalista Arlequín de Barcelona (Museo Picasso, Barcelona)160 y Olga Kokhlova con mantilla (Museo Picasso, Málaga);161 Mujer con vestido español (La Salchichona) (Museo Picasso, Barcelona), con técnica divisionista;162 en un estilo cubista, Mujer sentada en un sillón (Personaje) (Mus
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Wifredo Lam

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Wifredo Lam

Wifredo Óscar de la Concepción Lam y Castilla (Sagua La Grande, 8 de diciembre de 1902 — París, 11 de septiembre de 1982) fue un pintor vanguardista cubano Biografía[editar] Wifredo Lam nació el 8 de diciembre de 1902 en Sagua la Grande, Cuba. Es el octavo hijo de Lam-Yam, nacido en Cantón... Ver mas
Wifredo Óscar de la Concepción Lam y Castilla (Sagua La Grande, 8 de diciembre de 1902 — París, 11 de septiembre de 1982) fue un pintor vanguardista cubano
Biografía[editar]
Wifredo Lam nació el 8 de diciembre de 1902 en Sagua la Grande, Cuba. Es el octavo hijo de Lam-Yam, nacido en Cantón hacia 1820, y emigrado hacia las Américas en 1860, y de Ana Serafina Castilla, nacida en 1862 en Cuba y descendiente mestiza de familias originarias de África y España.
A comienzos de los años treinta era evidente su influencia surrealista, así como la de Henri Matisse y también posiblemente la de Joaquín Torres-García. En 1936, al visitar una exposición de Pablo Picasso se sintió fuertemente atraído hacia él, tanto artística como políticamente. En 1938, se fue a vivir a París, donde el propio Picasso lo tomó bajo su tutela y alimentó su interés por el arte africano y máscaras primitivas. En ese mismo año, viajó a México donde permaneció con Frida Kahlo y Diego Rivera.
La variada herencia multicultural de Lam así como su relación con la Santería, se manifiesta extensamente en la obra del artista.
Durante la Segunda Guerra Mundial, Lam vivió la mayor parte del tiempo en el Caribe, junto con Claude Lévi-Strauss, André Masson y André Breton, cuyo poema Fata Morgana, Lam ilustró en 1940. En 1941, regresó a la Habana donde fue fuertemente influenciado por las teorías de Carl Jung. A finales de 1942, comenzó su importante obra "La Jungla" (1943). Lam desarrolló un estilo propio en el que combinaba el surrealismo y el cubismo con el espíritu y formas del Caribe.
Entre 1942 y 1950 realizó exposiciones regulares en la Pierre Matisse Gallery de Nueva York. Su segundo matrimonio, en 1944 con Helena Holzer, terminó en divorcio en 1950. En 1946, tras una estancia de cuatro meses en Haití, Lam regresó a Francia vía Nueva York. En 1948 conoció a Asger Jorn, con quien trabó una amistad de muchos años. Viajó intensamente hasta 1952, cuando permaneció tres años en París. En 1955 reanudó los viajes, y en 1960 se estableció en Albisola Mare, en la costa italiana. El invierno de ese año se casó con la pintora sueca Lou Laurin, con quien tuvo tres hijos. En 1964 recibió el Guggenheim International Award, y en 1966 y 1967 se realizaron numerosas retrospectivas de su obra en el Kunsthalle de Basilea, el Kestner-Gesellschaft de Hannover; el Stedelijk Museum de Ámsterdam , el Moderna Museet de Estocolmo y el Palais des Beaux-Arts de Bruselas. Recibió numerosos premios y reconocimientos. Su obras se encuentran en los principales museos del mundo. Se han subastado obras de Lam en todas las subastas de arte latinoamericano de prestigio mundial, alcanzando también los precios más altos (por ejemplo, $ 1,267,500 por "La mañana verde", óleo/papel, 1943; Sotheby´s. Latin American Art. Sale #NY7140, 27 de mayo de 1998: lote 12).
Lam murió en París el 11 de septiembre de 1982. Está enterrado en su ciudad natal.
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Emilio Pettoruti

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Emilio Pettoruti

Emilio Pettoruti (1 de octubre de 1892; La Plata - 16 de octubre de 1971; París) fue un pintor argentino nacido en la ciudad de La Plata provincia de Buenos Aires.1 1969 MENÚ0:00 Emilio Pettoruti, hablando sobre personalidades argentinas y la patria. ¿Problemas al reproducir este archivo... Ver mas
Emilio Pettoruti (1 de octubre de 1892; La Plata - 16 de octubre de 1971; París) fue un pintor argentino nacido en la ciudad de La Plata provincia de Buenos Aires.1

1969
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Emilio Pettoruti, hablando sobre personalidades argentinas y la patria.
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Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Viaje a Europa
3 Regreso a Argentina
4 Radicación en Europa
5 Referencias
6 Enlaces externos
Biografía[editar]
Desde pequeño es alentado por su abuelo en dibujo y la pintura. Estudió Bellas Artes en su ciudad natal,1 con maestros como Atilio Boveri y Emilio Coutaret, con quien aprendió la perspectiva. En el año 1911 participó en una exposición de caricaturas, gracias a una que representaba a Rodolfo Sarrat.
Emilio Pettoruti nació en la ciudad de La Plata, Argentina, el 1 de octubre de 1892 en el seno de una familia de doce hermanos, de los que fue el mayor. Fue un autodidacta ya que no siguió estudios regulares en ninguna disciplina. Sin embargo, decide estudiar perspectiva con Emilio Coutaret y obtiene una beca del gobierno de la provincia de Buenos Aires que le permite viajar a Europa.2
Viaje a Europa[editar]
En el año 1913 se embarca becado hacia Europa. Se instaló en Florencia y a pesar de su intención de copiar el arte clásico su destino fue completamente diferente. En la librería de Ferrante Gonelli, adhesor a los futuristas, adquiere un ejemplar de la revista “Lacerba”, perteneciente al Movimiento Futurista el cual pretende el progreso a través de la utilización de la máquina, tiempo después en una exposición del grupo tuvo acceso a su Manifiesto de 1909, desarrollado por Marinetti. Luego Pettoruti conoce a los exponentes futuristas gracias a Gonelli.1 Este es el primer movimiento que transforma tanto su vida como su obra, al punto tal de realizar una exposición en el año 1914, llamada Primera Exposición Invernal de Toscana, presentado cuatro obras, dos de las cuales se titulaban “Armonia-Movimiento Espacio (diseño abstracto)”, aquí presenta los conceptos de los futuristas representando el movimiento en forma abstracta. Esta etapa concluyó cuando Pettoruti conoce el Cubismo.
Por estos años también experimentó con el collage, técnica utilizada por los vanguardistas y los Cubistas para la realización de sus obras. El Futurismo ya no cumplía con las expectativas de Pettoruti, la pintura debía ser “construcción y color” y el Cubismo cumplía estos requisitos, permitiéndole pintar los objetos que el amaba, como sifones, instrumentos musicales, soles, botellas, fruteras, etc.
Entre 1916 y 1917 reside en Roma, allí su concepción cambia nuevamente, luego de la Primera Guerra Mundial se dio en Europa un retorno a lo clásico en contraposición a los movimientos de vanguardia, donde entabla amistad con los artistas del círculo vanguardista de las revistas Cronache d'Attualitá y Valori Pastici, entre ellos Giacomo Balla, Enrico Prampolini, Giorgio De Chirico, Carlo Carrá y otros, que concurrían a los encuentros de los cafés Aragno e Il Greco.1 Pettoruti adhirió a esta concepción. De esa época son sus obras Mujer en el café (1917) y El filósofo (1918).
En 1916 conoce a Xul Solar con el cual años más tarde serían los pioneros en la vanguardia argentina. Ese mismo año expone en la Galería Gonelli, por primera vez en forma individual. En los años subsiguientes expuso en Milán y Roma (1922) y luego Alemania (1923).
En 1924 viaja a París donde conoce al cubista, Juan Gris, luego retorna junto a Xul Solar a la Argentina.3 Ese mismo año, en el mes de octubre, expone en la Galería Witcomb, en forma individual, generando un escándalo, por un lado, sus detractores, acostumbrados a la pintura costumbrista, naturalista que se desarrollaba en el país en ese momento consideraron a las obras como “Una grave ofensa inferida a la dignidad del país”. Por otra parte, los progresistas consideraban a Pettoruti como lo nuevo. Durante 1944 pasa ocho meses recorriendo museos y universidades de los Estados Unidos invitado por el Comitee for Interamerican Artistic and Intellectual Relations. Expone en el San Francisco Museum of Art y otros museos de los Estados Unidos.
Importantes museos de los Estados Unidos lo invitaron a exponer individual y colectivamente; en 1943 el MoMA de Nueva York le compró su obra “Copa verde-gris”. En 1948 realizó otra retrospectiva en el Salón Peuser y en 1950 la Exposición retrospectiva del pintor Emilio Pettoruti, en el Museo Nacional de Bellas Artes de Chile.4
Regresa a la Argentina donde expone en 1950 en el Museo Nacional de Bellas Artes de Chile. Expone en Milán y en Florencia luego de casi treinta años de ausencia. Continúa exponiendo en años sucesivos; en 1953 en Roma, en 1954 en París, junto con Latour, Masson y Miró. 5 se instaló nuevamente en Europa realizando exposiciones a lo largo del continente, volviendo a la abstracción con temas como, las noches de verano, el crepúsculo marino, soles ovalados, en palabras de Roger Bissiere el artista aspira a “la certidumbre, el orden, la pureza, la espiritualidad”.
Regreso a Argentina[editar]
En el año 1930 se le ofreció el cargo de director del Museo de Bellas Artes de La Plata,6 el cual se propuso profesionalizar, aumentando su patrimonio pictórico, comprando obras de artistas como Xul Solar.
Realizó series de pinturas como sus soles, arlequines y copas, siendo de características menos abstractas, teñido de características del retorno al orden, siendo obras más claras y geométricas.
Radicación en Europa[editar]
En 1970 decide retornar a su patria pero fallece sin poder lograrlo el 16 de octubre de 1971, en la ciudad de París,1 víctima de una infección hepato-renal.
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Mark Rothko

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Mark Rothko

Marcus Rothkowitz (Daugavpils, Letonia, 25 de septiembre de 1903-Nueva York, Estados Unidos, 25 de febrero de 1970), conocido como Mark Rothko (en letón, Marks Rotko), fue un pintor y grabador nacido en Letonia, que vivió la mayor parte de su vida en los Estados Unidos. Ha sido asociado con el... Ver mas
Marcus Rothkowitz (Daugavpils, Letonia, 25 de septiembre de 1903-Nueva York, Estados Unidos, 25 de febrero de 1970), conocido como Mark Rothko (en letón, Marks Rotko), fue un pintor y grabador nacido en Letonia, que vivió la mayor parte de su vida en los Estados Unidos. Ha sido asociado con el movimiento contemporáneo del expresionismo abstracto, a pesar de que en varias ocasiones expresó su rechazo a la categoría «alienante» de pintor abstracto.1 En 1925 inició su carrera como pintor en Nueva York de modo autodidacta. Hacia 1940 realizó una pintura muy similar a la obra de Barnett Newman y Adolph Gottlieb, próxima al surrealismo y plagada de formas bimórficas. A partir de 1947 su estilo cambió y comenzó a pintar grandes cuadros con capas finas de color. Con el paso de los años, la mayoría de sus composiciones tomaron la forma de dos rectángulos confrontados y con bordes desdibujados por veladuras.
Son frecuentes los grandes formatos que envuelven al espectador, con la finalidad de hacerle partícipe de una experiencia mística, ya que Rothko daba un sentido religioso a su pintura. Al final de su vida sus cuadros son de tonalidades oscuras, con abundancia de marrones, violetas, granates y, sobre todo, negros. Corresponde a esta época la Capilla Rothko de la familia De Menil, en Houston, un espacio de oración donde catorce cuadros rodean un espacio octogonal dedicado a la meditación.
Índice [ocultar]
1 Biografía
1.1 Infancia
1.2 Emigración a los Estados Unidos
2 Carrera artística
2.1 Círculo de Rothko
2.2 Primera exposición
3 Fallecimiento
4 Referencias
5 Bibliografía
6 Enlaces externos
Biografía[editar]
Infancia[editar]
Mark Rothko nació en el seno de una familia judía de Daugavpils, en el Imperio ruso (ahora conocido como Letonia). Su padre Jacob, era un farmacéutico e intelectual, que educó a sus hijos con ideas seculares y políticas, en vez de normas religiosas; y su madre era Anna Goldin Rothkowitz.2 Rothko fue el cuarto hijo de este matrimonio.3 Sus hermanos eran Sonia, Moise (quien cambió su nombre más tarde a Maurice) y Albert. A los cinco años, fue inscrito en un Jéder, donde estudió el Talmud y fue el único de los hermanos en recibir este tipo de educación religiosa.4 Todos sus hermanos mayores fueron educados en escuelas públicas, bajo una doctrina laica.5
Durante el período de la Rusia zarista, Daugavpils estuvo libre de violencia, a pesar de que en el ambiente general los judíos eran culpados por los males que habían caído sobre Rusia.No obstante, se cree que su niñez estuvo plagada de miedo, debido a que pudo haber presenciado algún acto de violencia ocasional llevado a cabo por los cosacos hacia los judíos que intentaban hacer levantamientos revolucionarios. De este periodo existe una memoria que fue manifestada en varias ocasiones por Rothko, en la que expresa:
Los Cosacos se llevaron a los judíos del pueblo hacia los bosques y les hicieron cavar una fosa común [...] Imaginé esa tumba cuadrada tan claramente que no estaba seguro si realmente la masacre ocurrió durante mi existencia. Siempre estuve atormentado por la imagen de esa tumba y que de alguna manera profunda estaba encerrada en mi obra pictórica.6
Algunos críticos han interpretado el uso tardío de las formas rectangulares en la obra de Rothko como una representación de estas tumbas. Sin embargo sus recuerdos han sido cuestionados debido a que ninguna ejecución masiva se cometió durante ese periodo en Daugavpils o en los alrededores.7
Emigración a los Estados Unidos[editar]
Su padre, Jacob, decidió emigrar a los Estados Unidos en 1910, con la ayuda financiera de su tío Samuel —quien cambió su apellido a Weinstein—, y partió con el temor de que sus hijos fueran reclutados en el ejército zarista.4 8 En esta época numerosos judíos abandonaron Daugavpils debido al inicio de las purgas cosacas y Jacob con dos de sus hermanos lograron salir de Rusia, para establecerce en Portland, Oregón como fabricantes de ropa.
Sin embargo, Mark, con su madre Anna y su hermana Sonia permanecieron en Rusia, y viajaron en 1913 a Estados Unidos para reunirse con su padre y con sus hermanos Albert y Moise, que habían viajado en 1912. Finalmente llegaron a los Estados Unidos, el 17 de agosto, en un barco llamado SS Czar, después de una travesía de doce días que inició en la ciudad de Liepāja.4 El 27 de marzo de 1914, su padre, Jacob, falleció a causa de un cáncer de colon, dejando a su familia sin un soporte económico. La familia se vio obligada a trabajar en el negocio familiar de los Weinstein, mientras que Rothko se dedicó a vender periódicos en la calle.4
En 1913, fue inscrito en la escuela Failing School, en donde no había tutoría del idioma inglés para los hijos de los inmigrantes.9 Finalmente, en 1915, ingresó en la escuela Shattuck Elementary School y en el lapso de un año logró completar y acelerar su educación de tercer grado a quinto grado.10 En 1918 ingresó a la secundaria Lincoln High School, ubicada en Portland, y se graduó a los diecisiete años en junio de 1921.4 Durante su periodo de educación no recibió clases formales de arte, pero realizó bosquejos y dibujos. Además se convirtió en miembro del centro de la comunidad judía, donde probó ser un experto orador en discusiones sobre política. Al igual que su padre, Rothko era liberal y le apasionaban los temas sobre los derechos del trabajador y el derecho de las mujeres a la anticoncepción. Generalmente los judíos liberales apoyaban la Revolución Rusa, a pesar de que su convicción política podría ser descrita como decorativa en el sentido de que nunca estuvo comprometido con actividades políticas.11 Entre algunos de los pasatiempos de su juventud estaban su afición por tocar el piano y la mandolina, y asimismo dedicaba parte de su tiempo libre a escribir poemas.12
Alrededor de 1921 a 1923 ingresó a la Universidad de Yale con una beca, pero abandonó sus estudios antes de graduarse.3 13 La intención inicial de Rothko era estudiar las carreras de Derecho e Ingeniería, y por esta razón tomó clases de física, filosofía y economía. Empezó sus estudios universitarios en compañía de dos de sus amigos provenientes de Portland, Aaron Director y Max Naimark. Sin embargo, su beca y las becas de sus amigos fueron canceladas al final del primer año de estudios. Esta situación le obligó a realizar trabajos de media jornada, como ayudante de lavandería y mensajero, para poder pagar sus estudios.4
Durante sus estudios en Yale, se dice que sufrió ataques antisemitas de diversos miembros de la facultad.14 Esto impulsó a Rothko, junto con sus amigos, a crear una revista clandestina titulada The Yale Saturday Evening Pest en la que se hacía sátira del sentimiento elitista de algunos miembros de la comunidad.15 16 En el año de 1923, Rothko abandonó sus estudios en Yale, sin haber recibido clases de arte aunque regresaría 46 años más tarde para recibir un título honorario.4
Carrera artística[editar]
En 1923, tras abandonar sus estudios en Yale, decidió mudarse a Nueva York. En esta ciudad, tuvo su primer encuentro con el arte en el Art Students League de Nueva York, y describió su experiencia de la siguiente forma:
Entonces un día resultó que presencié una clase de arte, con el motivo de encontrarme con un amigo que estaba asistiendo al curso. Todos los estudiantes estaban realizando un bosquejo de una modelo desnuda, y en ese momento decidí que esa era la vida para mí.17
De esta manera se ha demostrado que su afición al arte fue tardía, cuando contaba con veinte años de edad. Esta nueva afición por el arte, lo impulsó a matricularse en el Art Students League de Nueva York, pero a los dos meses decidió regresar a Portland a visitar a su familia, y durante su viaje resolvió unirse a un grupo de teatro dirigido por la esposa de Clark Gable, llamada Josephine Dillon.18 Sin embargo, Rothko fracasó debido a que no tenía la apariencia necesaria para ser actor de cine.19
En 1925, Rothko regresó a Nueva York e inició su formación artística en el instituto New School of Design, donde uno de sus profesores fue el artista Arshile Gorky, quien era miembro del movimiento vanguardista.18 En otoño del mismo año recibió clases en el Art Students League de Nueva York, impartidas por el artista de bodegones Max Weber, de origen ruso. A través de Weber, empezó a visualizar al arte como una herramienta de expresión emocional y religiosa, consecuentemente sus pinturas de este periodo demuestran la influencia de su instructor.20 21
Círculo de Rothko[editar]
La mudanza a Nueva York le sumergió en una atmósfera fértil para experimentar con el arte proveniente de todas las culturas y todos los periodos. Los pintores modernos realizaban sus exhibiciones en las galerías de arte neoyorquinas, y los museos de dicha ciudad eran recursos impagables de desarrollo del conocimiento artístico, la experiencia y las habilidades. Entre sus influencias tempranas estaban las obras de los expresionistas alemanes, los trabajos del surrealista Paul Klee, y las pinturas de Georges Rouault. En 1928, Rothko tuvo su propia exhibición conjuntamente con un grupo de jóvenes artistas en la Galería Oportunidad (en inglés, Opportunity Gallery).22 23 Sus pinturas incluian interiores oscuros, expresionistas, temperamentales, así como escenas urbanas, y fueron ampliamente aceptados por los críticos y sus colegas. A pesar de su creciente fama, aún necesitaba complementar sus ingresos, así que en 1929 empezó a dar clases de pintura y escultura en arcilla en la academia Center Academy en Brooklyn, donde permaneció como profesor hasta 1952.24

In the Tower - Mark Rothko
En esta época conoció a Adolph Gottlieb, quien conjuntamente con Barnett Newman, Joseph Solman y John Graham formaban parte de un grupo de jóvenes artistas seguidores del pintor Milton Avery. Avery estilizó las pinturas relacionadas con escenarios naturales por medio de un vasto conocimiento de la forma y el color, convirtiéndose en una importante influencia en el arte de Rothko, como puede apreciarse en la obra titulada Bañistas, o escena de playa (en inglés, Bathers, or Beach Scene), de 1933.25
Rothko, su mentor Avery y sus colegas pasaban largas temporadas vacacionales en las localidades de Lake George y Gloucester, en Massachusetts.26 Generalmente, de día se dedicaban a pintar y de noche a discutir sobre arte. En una visita a Lake George en 1932, conoció a Edith Sachar, una diseñadora de joyas que se convertiría en su esposa el 12 de noviembre del mismo año. En un principio mantuvieron una estrecha relación basaba en el apoyo mutuo.27 28
El siguiente verano, Rothko presentó su primera exposición individual en el museo de arte de Portland, donde exhibió mayoritariamente dibujos y acuarelas, y también algunos trabajos de sus estudiantes preadolescentes del instituto Center Academy. Su familia nunca comprendió su decisión de ser artista, especialmente, en una época en la que la economía estaba en crisis debido a la Gran Depresión.29 30 Después de sufrir varios percances financieros, sus familiares, los Rothkoviches, estaban desconcertados por su aparente indiferencia por las necesidades económicas; sentían que estaba perjudicando a su madre, por no encontrar una carrera más lucrativa y realista.31
Primera exposición[editar]
Cuando regresó a Nueva York, sin el apoyo de su familia, realizó la primera exposición individual de sus trabajos artísticos en la Contemporary Arts Gallery, del 21 de noviembre al 9 de diciembre de 1933, donde presentó quince pinturas al óleo, en su mayoría retratos, con algunas acuarelas y dibujos.32 Sin embargo, fueron los óleos los que captaron la atención de los críticos de arte por la riqueza del color y su dominio artístico, sobrepasando la influencia ejercida por Avery. A finales de 1935, se unió a un grupo de artistas conformado por Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Adolph Gottlieb, Lou Harris, Ralph Rosenborg, Louis Schanker y Joseph Solmon. El conjunto de artistas recibió el nombre de Los diez o Los diez disidentes de Whitney (en inglés, The Ten o Whitney Ten Dissenters), y su misión, según el catálogo de 1937 de la galería Mercury Gallery, era protestar contra la presunta equivalencia entre la pintura estadounidense y la pintura literal.33 34
Fallecimiento[editar]
Un episodio depresivo, posiblemente relacionado con la ingesta de antidepresivos, y su gran adicción al alcohol llevaron a Rothko al suicidio. Ciertas fuentes[¿quién?] aseguran que el suicidio del pintor es un paralelismo con el final de su obra, siendo esta última de tonos más oscuros, y que podría servir de introducción al trágico final del autor.

Capilla Mark Rothko en Houston, Texas.
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Paul Klee

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Paul Klee

Paul Klee (Münchenbuchsee, Suiza, 18 de diciembre de 1879 - Muralto, Suiza, 29 de junio de 1940) fue un pintor alemán1 nacido en Suiza, desarrolló su vida en Alemania, cuyo estilo varía entre el surrealismo, el expresionismo y la abstracción. Índice [ocultar] 1 Biografía 1.1 Inicios 1.2 El... Ver mas
Paul Klee (Münchenbuchsee, Suiza, 18 de diciembre de 1879 - Muralto, Suiza, 29 de junio de 1940) fue un pintor alemán1 nacido en Suiza, desarrolló su vida en Alemania, cuyo estilo varía entre el surrealismo, el expresionismo y la abstracción.
Índice [ocultar]
1 Biografía
1.1 Inicios
1.2 El Blaue Reiter
1.3 Viajes
1.4 Bauhaus
1.5 Exilio
2 Análisis estilístico
2.1 Klee y el color
3 Algunas obras
4 Galería
5 Referencias
6 Bibliografía
6.1 Escritos sobre Paul Klee
6.2 Catálogo razonado Paul Klee
7 Enlaces externos
Biografía[editar]
Inicios[editar]
Klee nació en Münchenbuchsee, cerca de Berna, Suiza, en una familia de músicos, de padre alemán y madre suiza. De su padre obtuvo la ciudadanía alemana, que usaría toda su vida, dado que Suiza se negó a darle ciudadanía durante su exilio en ese país durante la persecución nazi. Estudió arte en Múnich con Heinrich Knirr y Franz von Stuck. A sus diecisiete años pintó en tinta Mi Habitación (1896).

Mi Habitación, 1896 Klee Foundation
Klee trabajaba en óleo, acuarela, tinta y otros materiales, generalmente combinándolos en un solo trabajo. Sus cuadros frecuentemente aluden a la poesía, la música y los sueños, y a veces incluyen palabras o notas musicales.
Al regresar de un viaje a Italia, se asentó en Múnich, donde conoció a Vasili Kandinski, Franz Marc y otras figuras de vanguardia, y se asoció al Blaue Reiter.
El Blaue Reiter[editar]
En 1911 Wassily Kandinski y Franz Marc fundaron en Múnich un grupo de artistas vinculado al expresionismo. Paul Klee no era oficialmente miembro de esta asociación, pero con todo se sentía muy unido al círculo de artistas que la integraban y participó en sus exposiciones. Entre los miembros del Blaue Reiter se contaban August Macke, Gabriele Münter y Marianne von Werefkin. Todos compartían un interés por el arte gótico y primitivo y por los movimientos modernos del fovismo y el cubismo. El nombre del grupo se deriva de una obra pictórica de Kandinsky de 1903 que a partir de 1912 sirvió de ilustración para los títulos de un anuario con ese mismo nombre. La primera de las dos exposiciones del Blaue Reiter se inauguró el 18 de diciembre de 1911 y permaneció en la Galería Moderna de Heinrich Thannhauser, en Múnich, hasta el 1 de enero de 1912. En ella se incluyeron 49 obras de Henri Rousseau, Albert Bloch, Heinrich Campendonk, Robert Delaunay, Kandinsky, Klee y Macke. Tras este período, la exposición inició su itinerancia por otras ciudades alemanas, entre ellas Colonia y Berlín.
Viajes[editar]

La Casa giratoria, obra de 1921, Museo Thyssen-Bornemisza.
En 1914, visitó Túnez y quedó impresionado con la calidad de la luz del lugar, por lo que escribió en su diario:
"El color me posee, no tengo necesidad de perseguirlo, sé que me posee para siempre... el color y yo somos una sola cosa. Yo soy pintor."
También visitó Italia en 1901 y Egipto en 1928, siendo ambos lugares una fuerte influencia para su arte. Klee era uno de los Die Blaue Vier (Los Cuatro Azules) junto a Kandinski, Feininger y Jawlensky. Esta agrupación, formada en 1923 expuso conjuntamente en los Estados Unidos en 1924.
Bauhaus[editar]

El gato y el pájaro, obra de 1928, Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Después de la Primera Guerra Mundial, donde participó como soldado por ser ciudadano alemán, Klee enseñó en la Bauhaus, y a partir de 1931, en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, antes de ser denunciado por los nazis por producir «arte degenerado».
Exilio[editar]
En 1933 dejó la enseñanza y regresó a Berna, donde realizó una gran exposición en la Kunsthalle (1935). En 1936 se le diagnosticó esclerodermia, una grave enfermedad degenerativa que le acompañaría el resto de su vida, aunque siguió trabajando a buen ritmo. En 1940 fue internado en una clínica de Muralto-Locarno, donde falleció el 29 de junio.
Análisis estilístico[editar]

Museo de Paul Klee en Berna.
Pamela Kort escribió: "Los dibujos de 1933 de Klee enfrentan al espectador con la inigualable oportunidad de observar el aspecto central de su estética, en cuanto a combinación de parodia e ingenio. Y es aquí donde radica su verdadero significado, especialmente para aquellas personas que no llegan a percibir las dimensiones políticas del arte de Klee.2
Klee y el color[editar]
A lo largo de su vida, Paul Klee usó el color de maneras variadas y únicas, y mantuvo con él una relación que progresó con el tiempo. Para un artista que amaba tanto la naturaleza parece algo extraño que en sus comienzos Klee despreciara el color, creyendo que no era sino una decoración.
Con el tiempo Klee cambió de idea y llegó a manipular el color con una enorme precisión y pasión, hasta tal punto que terminó enseñando teoría del color y de su mezcla en la Escuela de la Bauhaus. Esta progresión, por sí misma, es de gran importancia porque le permitió escribir sobre el color con una mirada única entre sus contemporáneos.
Algunas obras[editar]
Angelus Novus (1920)
Pequeño abeto (1922)
La máquina del gorjeo (1922)
Calle principal y calle secundaria (1929)
Ad Parnassum (1932)
Cabeza de un mártir (1933)
El hombre futuro (1933)
Ángel pobre (1939)
Teoría del arte moderno (1879-1940)
Me llamo Paul, Paul Klee (1941)
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Edvard Munch

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Edvard Munch

Edvard Munch /ˈɛdvɑ:ʈ mʉŋk/ (Løten, 12 de diciembre de 1863-Skøyen, 23 de enero de 1944) fue un pintor y grabador noruego de la corriente expresionista. Sus evocativas obras sobre la angustia influyeron profundamente en el expresionismo alemán de comienzos del siglo XX. Sus obras son como... Ver mas
Edvard Munch /ˈɛdvɑ:ʈ mʉŋk/ (Løten, 12 de diciembre de 1863-Skøyen, 23 de enero de 1944) fue un pintor y grabador noruego de la corriente expresionista. Sus evocativas obras sobre la angustia influyeron profundamente en el expresionismo alemán de comienzos del siglo XX. Sus obras son
como variaciones constantes sobre la gran sinfonía de la existencia humana en sus lados diurnos, pero aún más, como es congruente con la sensibilidad finisecular, en los nocturnos. El amor y el odio, el deseo y la angustia, las pasiones y las emociones, son elevados a arquetipos de la vida anímica del hombre moderno o, incluso, de la propia condición humana.1
El pintor decía de sí mismo que, del mismo modo que Leonardo da Vinci había estudiado la anatomía humana y diseccionado cuerpos, él intentaba diseccionar almas. Por ello, los temas más frecuentes en su obra fueron los relacionados con los sentimientos y las tragedias humanas, como la soledad (Melancolía), la angustia (El Grito, tal vez su mejor obra), la muerte (Muerte de un bohemio) y el erotismo (Amantes, El beso). Se le considera precursor del expresionismo, por la fuerte expresividad de los rostros y las actitudes de sus figuras, además del mejor pintor noruego de todos los tiempos.

El grito (1893), óleo, temple y pastel sobre cartón, 91 x 74 cm, Galería Nacional de Oslo.
El Grito, realizado en 1893, fue una de sus obras más importantes, la idea de esta obra va surgiendo despacio. En 1892 apunta:
Iba por la calle con dos amigos cuando el sol se puso. De repente, el cielo se tornó rojo sangre y percibí un estremecimiento de tristeza. Un dolor desgarrador en el pecho. Me detuve; me apoyé en la barandilla, preso de una fatiga mortal. Lenguas de fuego como sangre cubrían el fiordo negro y azulado y la ciudad. Mis amigos siguieron andando y yo me quedé allí, temblando de miedo. Y oí que un grito interminable atravesaba la naturaleza.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Obras principales
3 Munch en los museos
4 Notas
5 Bibliografía
6 Enlaces externos
Biografía[editar]
Edvard Munch nació el 12 de diciembre de 1863 en Løten, Noruega. Hijo del médico militar Dr. Christian Munch y su esposa Laura Cathrine,tuvo una infancia muy difícil, ya que su madre y su hermana murieron de tuberculosis cuando él era muy joven, y su padre era un hombre dominado por obsesiones de tipo religioso que falleció en 1889. De todo ello surgió una personalidad conflictiva y un tanto desequilibrada, que él mismo consideraba la base de su genio.
En el año 1879 comienza la carrera de ingeniería, pero unos años más tarde la deja para empezar su carrera artística que le abrió el camino al desarrollo del expresionismo, hasta que en el año 1881 vende dos cuadros y pinta su primer autorretrato. El pintor naturalista noruego Christian Krohg fue un maestro esencial para Munch que en gran variedad de ocasiones corregía sus trabajos y le ayudaba a mejorar. Participó por primera vez en la exposición de otoño de Cristianía (Oslo) donde estableció relaciones con el círculo de literatos y artistas de la capital.
En 1885 hizo el primero de sus numerosos viajes a París, donde conoció los movimientos pictóricos más avanzados y se sintió especialmente atraído por el arte de Gauguin. Visita allí los Salones y el Louvre, que le impresionó notablemente. Ese mismo año participó en la Feria Mundial de Amberes. Tras una primera influencia de la pintura impresionista y postimpresionista comienza a pintar tres de sus obras capitales: El día siguiente, Pubertad y La niña enferma, la cual causa un escándalo en la Exposición de Otoño de Oslo en el año 1886.
No tardó en crear un estilo sumamente personal, basado en acentuar la fuerza expresiva de la línea, reducir las formas a su expresión más esquemática y hacer un uso simbólico, no naturalista, del color, y de ahí su clasificación como pintor simbolista. En su primera exposición individual con 110 cuadros en Oslo hizo que una parte del público lo aclamara con entusiasmo.

Ansiedad, óleo sobre tela,1894, Museo Munch, Oslo
En el año 1890 la influencia del Neoimpresionismo en sus obras fue muy notoria. Ese mismo año recibe su segunda beca estatal. Un año más tarde comenzó a desarrollar los motivos del Friso de la vida, ciclo pictórico que incluye muchas de sus obras más conocidas que en su conjunto pretenden dar una visión unitaria de la vida, dibuja ampliamente las memorias personales de Munch, incluyendo la devastadora pérdida de su madre, Laura Munch, y de su hermana favorita, Sophie.
Estuvo en 1892 viviendo en Alemania varios años, sobre todo en Berlín, aunque hizo frecuentes viajes a Noruega y París, donde realizó numerosas exposiciones como la de Berlín, la cual tuvo que ser retirada por el escándalo que suscitó y que dio pie a la creación de la Secesión Berlinesa, asociación de artistas dirigida por el gobierno conservador de Berlín. En 1893 entabla relaciones con la tertulia del «Cochinillo negro», lugar frecuentado por los artistas de la época. Ese mismo año pinta El grito una de las obras más importantes de Munch:
Paseaba por un sendero con dos amigos - el sol se puso - de repente el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una valla muerto de cansancio - sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad - mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad, sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza...
Refleja la enfermedad, la muerte y la obsesión religiosa que llenaron su infancia y su juventud como la gran mayoría de sus obras. Entre 1894 y 1897 crea sus primeros aguafuertes mientras continúa realizando exposiciones en Estocolmo, Berlín y Oslo, una de sus exposiciones con más éxito. Con el estudio de Toulouse-Lautrec, Bonnard y Vuillard creó una serie de bocetos mediante una técnica que puede considerarse un invento común de ambos, como eran los bocetos de óleo sobre papel o bien sobre tableros unidos con cola en el que no se trabajaba el fondo.
De aquí no hay más que un pequeño paso hacia el estilo completamente nuevo que Munch desarrollaría en el “Friso de la Vida” en que destacaríamos cuadros como Pubertad, que refleja por primera vez una asociación entre miedo y sexualidad; Melancolía, serie sobre la plenitud y el fin del amor al igual que Celos. Munch termina con estos ciclos del Friso de la Vida en el año 1900 y empieza a exponerlos en 1902 y en 1905 en Praga, intentando plasmar un terreno más tradicional. Retratos, paisajes y pinturas de estudio le preocupan cada vez más.
En 1903 realiza su primera exposición en la Galería Cassirer en Berlín, un año más tarde cede los derechos de venta en Alemania a Cassirer de grabados y a la Galería Cometer de Hamburgo de óleos con varias exposiciones y toma parte en el Salon des Indépendants. Este periodo de tiempo fue cuando Munch empezó a alcanzar su éxito como artista. Realiza numerosas exposiciones como en Copenhague y en la Galería Cassirer, también La Academia de Bellas Artes de Weimar pone un estudio a su disposición. El año 1905 fue duro para Munch, ya que pasa el invierno curándose de neurastenia y alcoholismo.

Autorretrato con una botella de vino, 1906, óleo sobre lienzo, 110 x 120 cm, Oslo, Museo Munch.
En 1906 Max Reinhardt le encargó un diseño de los decorados para Los fantasmas y Hedda Gabler de Ibsen, así como un friso para un salón de su teatro en Berlín. Ya en el año 1908 expone en el Brücke de Dresde. En otoño del mismo año viaja a Copenhague, sufriendo allí un colapso nervioso. La mitad del año siguiente la pasa en un sanatorio.
En 1909 regresa a Noruega y Rasmus Meyer le compra un gran número de cuadros de su colección, realiza una gran exposición en Oslo. Estos años hace numerosos viajes por sus continuas crisis nerviosas a pesar de su éxito. Visitó Berlín, Francfort, Colonia, París, Londres, Estocolmo, Hamburgo, Lübeck y Copenhague. Recibió amplios honores con ocasión de su quincuagésimo aniversario ya en 1913.
Años más tarde, en 1918, publica un panfleto del Friso de la vida en el que incluye sus obras maestras. Los siguientes años Munch decide retirarse un poco, recibe numerosos honores con ocasiones de su septuagésimo aniversario, ya que una afección ocular en el año 1930 le hace casi imposible trabajar.
Tuvo una mala época como pintor, pues el gobierno nacionalsocialista confiscó 82 cuadros suyos de los museos alemanes. Sus pinturas fueron consideradas como “degeneradas”. La mayoría de sus cuadros plasmaban la muerte o temas que en aquella época resultaban muy polémicos.
En 1940 con la invasión del régimen Nazi a Noruega le retiraron muchos de sus cuadros de las galerías de arte porque pensaban que escandalizaban a sus visitantes. Munch no quería tener ningún tipo de relación con los invasores, ya que le consideraban un demente.
Durante la Segunda Guerra Mundial Munch se hace mundialmente conocido y expone por primera vez sus cuadros en los Estados Unidos en 1942 en Nueva York. Con motivo de su 80 cumpleaños es objeto de grandes homenajes. A pesar de su mal estado, en el que sufre continuamente resfriados, acude a todos ellos con gran honor.
Munch murió el 23 de enero de 1944 en su hacienda autosuficiente de Ekely, en Skøyen, a las afueras de Oslo. Lo hizo tal y como había vivido: completamente solo.
Tras su muerte Ekely dona a la ciudad de Oslo el conjunto de cuadros, grabados y dibujos propios que obraba en su poder. Para celebrar el centésimo aniversario de su nacimiento, se inaugura en 1960 el Munch-Museet.
Obras principales[editar]

Madonna, 1894-1895, óleo sobre lienzo, 91 x 70,5 cm, Oslo, Galería Nacional de Noruega.
Por la mañana. 1884. Óleo sobre lienzo. 96,5 x 103,5 cm. Colección Rasmus Meyer, Bergen.
La niña enferma. 1885- 86, óleo sobre lienzo, 119,4 X 118,7 cm., Galería Nacional de Oslo. Esta obra, que traduce experiencias de infancia del pintor, dio origen a otras tres telas fechadas en 1906, 1907, 1926, y a numerosos grabados y litografías. El pintor declara sobre esta obra:
Con La niña enferma abrió caminos nuevos para mi, fue una ruptura en mi obra. La mayor parte de mis trabajos posteriores deben su existencia a este cuadro.
Hans Jaeger. 1889. Óleo sobre lienzo 109,5x84 cm. Galería Nacional, Oslo.
La rue Lafayette. 1891. Óleo sobre lienzo, 92 x 73 cm., Oslo.
El grito. 1893. Témpera. 83,5 x 66 cm. Museo Munch, Oslo. Realizó cuatro versiones en pintura de esta obra entre 1893 y 1910. Simplificó mucho el paisaje, pero se sabe que es la colina y pueblo de Ekeberg, junto al fiordo de Kristiania. El filósofo alemán Arthur Schopenhauer había dicho que el arte tenía como límite expresivo la incapacidad de "hacer oír" el grito2 , que es precisamente el título que el artista noruego dio a su obra.
Paseaba por un sendero con dos amigos - el sol se puso - de repente el cielo se tiñó de rojo sangre y sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza.3
Pubertad. 1894-95. Óleo sobre lienzo 151,5x 110 cm. Galería Nacional, Oslo.
Madonna. 1894-95. Óleo sobre lienzo 91x70,5 cm. Galería Nacional, Oslo.
Celos. Óleo sobre lienzo, 66,7 x 100,3 cm., Rasmus Meyers Salinger, Bergen. Una litografía con el mismo título, de 1896, se conserva en el Archivo Municipal de Arte de Oslo.
Mujer en tres etapas.1895. Óleo sobre lienzo, 164,1 x 250 cm., Rasmus Meyers Samlinger, Bergen.
Fue en 1895. Hice una exposición en el otoño en la galería Blomquist (Oslo). Los cuadros provocaron un tremendo rechazo. La gente quería boicotear la galería, llamar a la policía. Un día me encontré allí a Ibsen… mostró un interés especial por “Mujer en tres etapas”. Tuve que explicarle el cuadro. Aquí esta la mujer soñadora, allí la mujer hambrienta de vida y finalmente la mujer como monja, pálida y erguida entre los árboles… Unos años después Ibsen escribió “Cuando los muertos despertemos”… Estas tres figuras femeninas aparecen con frecuencia en el drama de Ibsen, igual que en mi cuadro.
El beso. 1897, grabado. Archivo Municipal de Arte de Oslo.
Muchachas en el muelle. 1899, óleo sobre lienzo, 135,9 x 125,4 cm.
No pinto lo que veo sino lo que vi.
Amor y Psiche. 1907, óleo sobre lienzo, 119,4 x 99,1 cm., Museo Munch, Oslo.
A principios de siglo tenía la necesidad de romper con áreas y líneas. Sentía que esta forma de pintar se podía convertir en una costumbre… Después pinte una serie de cuadros con líneas anchas, a menudo de un metro de largo, que se extendían vertical, horizontal y diagonalmente.
Munch en los museos[editar]
Al morir, legó más de 1000 cuadros, 15 400 grabados, 4500 dibujos y acuarelas y seis esculturas a la ciudad de Oslo, que construyó el Museo Munch en el barrio de Tøyen en su honor. Las obras se costearon con la recaudación de las salas de cine de propiedad municipal, y se inauguró en 1963.
Tras el sonado robo de El grito y Madonna, de gran resonancia internacional, se reforzaron las medidas de seguridad en 2005, de tal modo que las obras más valiosas se exhiben detrás de grandes paneles de vidrio, en expositores que recuerdan a los escaparates comerciales. Los dos cuadros citados se recuperaron con desperfectos menores, y fueron presentados provisionalmente en una vitrina, sin sus marcos, para mostrar el alcance de tales daños.
Munch careció de presencia en museos de España hasta fecha reciente. Ahora se conocen dos obras suyas: un retrato de su hermana en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid y otro retrato (en préstamo) en el MNAC de Barcelona.
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Robert Jacobsen

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Robert Jacobsen

Robert Julius Tommy Jacobsen (1912-1993) era un escultor y pintor danés. Jacobsen vivió en Francia hasta 1969 y era catedrático de la Akademie der Bildenden Künste en Múnich en Alemania (1962-82). Era catedrático de la Kongelige Danske Kunstakademi en Copenhague (1976-1983). Se exhibían sus... Ver mas
Robert Julius Tommy Jacobsen (1912-1993) era un escultor y pintor danés.
Jacobsen vivió en Francia hasta 1969 y era catedrático de la Akademie der Bildenden Künste en Múnich en Alemania (1962-82). Era catedrático de la Kongelige Danske Kunstakademi en Copenhague (1976-1983). Se exhibían sus obras en la Galería Denise René en París.
Se está planeando la construcción de una escultura de Robert Jacobsen de 72,5 metros de altura en Copenhague en 2012.
Representaciones[editar]
Musee d'Art Wallon (Liege, Bélgica)
Museo de Arte Moderna (Sao Paulo, Brasil)
Von der Heydt Museum (Wuppertal, Alemania)
Didrichsenin taidemuseo (Helsinki, Finlandia)
Musee National d'Art Modern (París, Francia)
Musee des Beaux-Art (Rennes, Francia)
Fond National d'Art Contemporain (Francia)
Musee Rodin Paris (Francia)
Stedelijk Museum (Ámsterdam, Holanda)
Rijksmuseum Kröller-Müller (Otterloo, Holanda)
Nationalgalerie (Oslo, Noruega)
Moderna Museet (Estocolmo, Suecia)
Musee des Beaux-Art (La Chaux-de-Fonds, Suiza)
Magyar Nemzeti Muzeum (Budapest, Hungría)
Museum of Art, Carnegie Institute (Pittsburgh, Estados Unidos)
Hirshhorn Museum and Sculpture Garden (Washington, Estados Unidos)
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Max Ackermann

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Max Ackermann

Max Ackermann (Berlín, 5 de octubre de 1887 - Unterlengenhardt, 14 de noviembre de 1975) fue un pintor y artista gráfico alemán de obras abstractas y arte figurativo. Índice [ocultar] 1 Vida y obra 1.1 Estilo 2 Obras 3 Enlaces externos Vida y obra[editar] Ackermann comenzó con la talla... Ver mas
Max Ackermann (Berlín, 5 de octubre de 1887 - Unterlengenhardt, 14 de noviembre de 1975) fue un pintor y artista gráfico alemán de obras abstractas y arte figurativo.
Índice [ocultar]
1 Vida y obra
1.1 Estilo
2 Obras
3 Enlaces externos
Vida y obra[editar]
Ackermann comenzó con la talla de figuras en madera y modelando ornamentos en el estudio de su padre a una edad temprana, junto con su hermano mayor Otto Ackermann. De 1905 a 1907 estudió con Henry van de Velde en su estudio de Weimar y en el estudio de Gotthardt Kuehl en Dresden (1908-9). De 1909 a 1910, amplió sus estudios con Franz von Stuck en la Academia de Bellas Artes de Múnich. En 1912, con 25 años, asistió a la Academia Estatal de Bellas Artes de Stuttgart, donde trabajó como aprendiz de Adolf Hölzel, quien introdujo a Ackermann en la pintura no figurativa, resultando ser una influencia formativa en sus futuras obras, y empezó a pintar de manera abstracta.
Max Ackermann participó en la Primera Guerra Mundial, durante la cual resultó heridoy dado de alta después de un largo período en el hospital. Después de la guerra, desde 1918 hasta 1919 fue miembro de Der Blaue Reiter ('El jinete azul'). En 1921, el artista se reunió con el pionero de la danza abstracta Rudolf von Laban, con quien debatió vivamente sobre la notación de la danza y el contrapunto, inspirando a Ackermann sobre la pintura rítmica ciega. A lo largo de la década de 1920 trabajó como artista en Stuttgart, donde su primera exposición individual se celebró en 1924, con pinturas figurativas y abstractas, pasteles y dibujos en la Asociación de Arte Württembergische. En 1926, pasó un tiempo en París donde se hizo amigo de Piet Mondrian y Adolf Loos. Alrededor de este tiempo, Wassily Kandinsky, le confirmó y alentó en su búsqueda de la pintura absoluta. En 1928, compartió una muestra colectiva en la Galería "Kunsthaus Schaller" en Stuttgart con Kandinsky y George Grosz.
Estableció un Lehrwerkstätte für Neue Kunst (Taller de capacitación de Arte Moderno) en su estudio y organizó seminarios vacacionales para los jóvenes maestros de arte. En 1930, Ackermann presentó un seminario sobre "pintura absoluta" en la Universidad Popular de Stuttgart. Con base en los temas de los seminarios, en 1933 dio conferencias en una exposición de Hölzel en la galería Valentien de Stuttgart. Ackermann fue considerado degenerado por las nuevas autoridades nazis, y en 1933 le fue prohibido exhibir por decreto; en 1936, otra vez por decreto, le fue prohibida la enseñanza. También sufrió la confiscación oficial de los gráficos y cuadros expestos en la Galería Estatal Württembergische en Stuttgart. Después de ser retirado de la enseñanza, Ackermann continuó con su trabajo abstracto en Hornstaad en el Lago de Constanza, que se convirtió en una colonia de artistas unidos por Otto Dix, Erich Heckel y Helmuth Macke.
Muchas de sus primeras obras se perdieron cuando su estudio fue destruido en 1943 durante un ataque aéreo durante la Segunda Guerra Mundial. Después de la guerra, en 1946 una exposición individual en Stuttgart fue seguida por otras exposiciones individuales en ciudades de Alemania Occidental y una muestra colectiva en el Salon des Réalités Nouvelles en París y en 1949, en Zúrich, en la exposición Kunst in Deutschland 1930-49. Con Wolfgang Fortner, Ackermann celebró un seminario sobre la música y la pintura en 1952. Un año más tarde, participó en un evento con Hugo Häring y Kurt Leonhart sobre el tema de la pintura y la arquitectura. En 1956, como sucesor de Willi Baumeister, que había muerto, la Asociación de Aartistas Künstlerbund Baden-Württemberg introdujo a Ackermann en el Rat der Zehn («Consejo de los Diez»). El estado de Baden-Württemberg otorgó a Ackermann el título honorífico de Profesor en 1957, y en 1964 fue honrado por la Academia Alemana Occidental. Para celebrar su 80 cumpleaños en 1967, se celebraron exposiciones individuales en el Museo de Mittelrhein en Coblenza y en otras galerías de Kaiserslautern, Friedrichshafen y el Lago de Constanza. En 1967 la exposición retrospectiva de su obra a partir de 1908 tuvo lugar en Koblenz, Kaiserslautern, Constanza, Wolfsburg y Colonia, y en la Universidad de Chicago en 1969.
Se casó dos veces, con Gertrude Ostermayer de 1936 a 1957 y con Johanna Strathomeyer en 1974. Ackermann murió en Unterlengenhardt, Bad Liebenzell en la Selva Negra, el 14 de noviembre de 1975, con 88 años de edad.
Estilo[editar]
Durante un tiempo le atrajo el Verismo, la crítica y el socialismo, dirigiendo finalmente sus simpatías políticas hacia el comunismo.
A partir de la década de 1930, Max Ackermann desarrolló un creciente interés por la pintura abstracta y el constructivismo (la "absoluta pintura"), hasta que esta forma de arte, llamado arte degenerado, fue prohibido por los nazis en 1936.Sin embargo, se las arregló para vender algunas pinturas.
Es conocido como el pintor del azul.
Obras[editar]
1927: Alemania, 95 × 62,3 cm.
1930: La composición no figurativa, 155 × 111 cm.
1932: Hormigón, 100 × 109.
1947: Sin título, 29 x 19 cm.
1948: Fanal, 43,4x30,5 cm.
1951: La bola de fuego, 205 × 80 cm.
1953: Continente, 120 x 80 cm.
1954: Puente entre Continentes, 120 × 50 cm.
1955: A la alegría.
1957: Sin título (Bajamar), 50 × 65 cm.
1957: Tonos de colores II, 185x100 cm.
1960: Sin título, 65x40 cm.
1962: Composición, 185 × 130 cm.
1962: Sin título, 120'5x100 cm.
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Edna Andrade

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Edna Andrade

Edna Andrade fue una artista abstracta estadounidense, nacida el 25 de enero de 1917 en Portsmouth y fallecida el 17 de abril de 2008 en Filadelfia. Fue una de las pioneras del Op-art.2 ·3 Índice [ocultar] 1 Datos biográficos 2 Exposiciones 3 Notas y referencias 4 Enlaces externos Datos... Ver mas
Edna Andrade fue una artista abstracta estadounidense, nacida el 25 de enero de 1917 en Portsmouth y fallecida el 17 de abril de 2008 en Filadelfia. Fue una de las pioneras del Op-art.2 ·3
Índice [ocultar]
1 Datos biográficos
2 Exposiciones
3 Notas y referencias
4 Enlaces externos
Datos biográficos[editar]

Academia de Bellas Artes de Pensilvania, donde estudió Edna Andrade
Edna Andrade se graduó en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania y la Universidad de Pensilvania con un BFA.4 Fue profesora en la Universidad de las Artes (en inglés: University of the Arts)? de Filadelfia, y una beca lleva su nombre.
Sus obras se conservan en el Museo de Arte de Filadelfia.5
Exposiciones[editar]
1993 "Cool Waves and Hot Blocks: The Art of Edna Andrade," Pennsylvania Academy
2003 "Edna Andrade, Optical Paintings: 1963-1988", Institute of Contemporary Art, Philadelphia6
2007 "Edna Andrade Optical Paintings, 1960-1966", Galería Locks,7
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Robert Delaunay

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Robert Delaunay

Robert Delaunay (n. París, 12 de abril de 1885 - Montpellier, 25 de octubre de 1941) fue un pintor francés. Esposo de Sonia Terk Delaunay, fue uno de los pioneros del arte abstracto a principios del siglo XX. Índice [ocultar] 1 Biografía y obra 2 Galería 3 Referencias 4 Enlaces externos... Ver mas
Robert Delaunay (n. París, 12 de abril de 1885 - Montpellier, 25 de octubre de 1941) fue un pintor francés. Esposo de Sonia Terk Delaunay, fue uno de los pioneros del arte abstracto a principios del siglo XX.
Índice [ocultar]
1 Biografía y obra
2 Galería
3 Referencias
4 Enlaces externos
Biografía y obra[editar]
En 1912 abandonó el cubismo, con sus formas geométricas y colores monocromáticos, para embarcarse en un nuevo estilo, el orfismo, que se centró en las formas circulares y en los colores brillantes, y que ha sido también calificado de cubismo abstracto o rayonismo. Su serie Ventanas (1912) constituyó uno de los primeros ejemplos de un arte abstracto total y una importante referencia en el arte moderno.
Su amor por el ritmo y el movimiento le llevó a realizar varias series de cuadros basados en eventos deportivos, como Sprinters (1924-1926), que culminaron en impresionantes obras abstractas centradas en el ritmo, como sus últimas series "Ritmos" y "Ritmos eternos".
Con su esposa, residió un tiempo en España. El Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid cuenta con ejemplos de ambos artistas, y el Museo Reina Sofía ha adquirido un importante autorretrato suyo.
Realizó igualmente escritos teóricos muy influyentes entre sus contemporáneos, como el ensayo Sur la lumière, publicado en «Der Sturm» (1913), en traducción de Paul Klee.
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Sonia Delaunay

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Sonia Delaunay

Sarah Ilínichna Stern (Hradyzk, 1885 - París, 1979),1 más conocida como Sonia Delaunay, fue una pintora y diseñadora francesa, nacida en Ucrania. Junto con su marido Robert Delaunay fueron grandes representantes del arte abstracto y creadores del simultanismo. Índice [ocultar] 1 Infancia y... Ver mas
Sarah Ilínichna Stern (Hradyzk, 1885 - París, 1979),1 más conocida como Sonia Delaunay, fue una pintora y diseñadora francesa, nacida en Ucrania. Junto con su marido Robert Delaunay fueron grandes representantes del arte abstracto y creadores del simultanismo.
Índice [ocultar]
1 Infancia y formación
2 Época fauve y nuevas amistades
3 El matrimonio simultáneo
4 Estancia en la Península Ibérica: pintura y objetos
5 Regreso a París: espectáculos y decoración
6 Reconocimiento de su obra como artista
7 Bibliografía
8 Enlaces externos
9 Referencias
Infancia y formación[editar]
Nació el 14 de noviembre de 1885 a Gradizhsk, óblast de Poltava, Ucrania, en una familia muy modesta que ya tenía tres hijos, ante la imposibilidad de hacerse cargo de la niña, la familia la envió a casa de sus tíos maternos Anna y Heinrich Terk que no tenían hijos, en un principio la acogieron y finalmente la adoptaron legalmente. El tío era abogado de prestigio en San Petersburgo, y amante del arte, poseía una gran colección de pinturas de la Escuela de Barbizon, y Sarah Sophie (Sonia) creció rodeada de obras de arte y disfrutando del ambiente cultural de la ciudad. Pasaba las vacaciones en Finlandia, Suiza, Alemania e Italia donde también visitaba los museos.2 En 1903 la familia Terk la envió a Alemania para continuar sus estudios en la Universidad de Karlsruhe, y fue allí donde descubrir la pintura contemporánea, y donde estudió dibujo con Schmitd-Reuter. Dos años más tarde se trasladó a París y se matriculó en la Academie de la Palette, donde tuvo como compañeros de taller en Amédée Ozenfant, André Dunoyer de Segonzac y Jean Louis Boussingault. Durante esta época se inició en el mundo del grabado de la mano de Grossman.
Época fauve y nuevas amistades[editar]
A partir de 1907 vemos en sus pinturas la influencia del expresionismo alemán y de Vincent Van Gogh y Paul Gauguin, como por ejemplo Philomène, Jeune finlandaise o Desnudo amarillo. Esta etapa duró aproximadamente una año y pronto se decantó por el estilo fauve. En 1908 realizó una exposición de sus pinturas de estilo fauvista en la galería de Wilhelm Uhde,3 donde conoció Robert Delaunay.
Para evitar las presiones familiares que le exigían volver a Rusia, pacta un matrimonio de conveniencia con Wilhelm Uhde, y se casan en 1909 en Londres. Uhde introdujo Sonia en los círculos artísticos de Braque, Picasso, Derain y Vlaminck. Robert Delaunay también frecuentaba estos círculos artísticos, y pronto se dieron cuenta de que compartían las mismas preocupaciones artísticas. La relación entre los dos artistas se fue consolidando, y en 1910 Sonia se divorcia de Uhde y se casa con Robert Delaunay. Él la animó a decantar sus investigaciones y obras hacia las artes aplicadas, y en cierto modo Sonia abandona la pintura como medio de expresión y se adentra en estas otras técnicas artísticas. Este cambio de dirección en su producción hará que tanto Sonia como Robert Delaunay se pasaran a la abstracción pura siguiendo caminos distintos aunque relacionados entre sí, y entraran en la historia del arte en categorías diferentes y desiguales.4
El matrimonio simultáneo[editar]

Placa donde vivieron Sonia y Robert Delaunay
La pareja se instaló en la Rue des Grands Augustins, donde mantuvieron un taller hasta 1935. Y en torno al matrimonio Delaunay-Terk se formó un círculo de pintores, músicos y escritores, entre los que estaba Apollinaire.
Coincidiendo con el nacimiento de su hijo Charles, Sonia creó su primera obra abstracta, una colcha de patchwork para la cuna de su hijo. Hecho con retales de ropa que combinaban una serie de colores contrastados. Robert identificaba la colcha con el arte popular ruso, pero los amigos de la familia e integrantes del círculo artístico que los rodeaba no dudaron a la hora de reconocer los principios del cubismo que recogía la obra textil y destacar la combinación de colores únicos que había realizado Sonia.5 A partir de ese momento, y animada por la admiración que había despertado entre sus compañeros artistas comenzó a diseñar pequeños objetos de decoración con colores vivos, primero por casa, para cubrir sus necesidades, pero poco a poco fue diseñando objetos por sus amigos y miembros del círculo de artistas que frecuentaban su casa. Pintó sus primeros Contrastes simultáneos, y crea las sus primeras encuadernaciones a base de collage para los "libros que ama" (Rimbaud, Mallarmé o Apollinaire). Inició una estrecha amistad con Blaise Cendrars, para quien hizo la encuadernación del libro Las Pascua à New York y más tarde ilustró el poema La Prose du Transsibérien et de la Petite Jehanne de France. Durante este tiempo también realizó varias portadas para la revista Der Sturm, al tiempo que realiza sus primeros modelos simultáneos (chalecos y trajes que lucían ella y Robert). En 1912 vuelve a la pintura, aunque no fue un retorno a las exposiciones, su fama se había extendido rápidamente por Europa occidental pero se la consideraba más una diseñadora comercial que una artista.6 Y es que Sonia aplicó los principios de simultaneidad a una amplia gama de materiales y objetos, desde colgantes, pinturas, telas, tapas de libros hasta objetos del hogar.
En 1913 participó en el Primer Salón de Otoño de Berlín, donde expuso una veintena de pinturas y objetos. Un año más tarde participó en el Salón des Indépendants en París donde expone sus Prismas eléctricas. Diseñó varios carteles publicitarios para marcas como Dubonnet, Zèntih o Chocolat y continuó colaborando con Cendrars, el cual le dedicó el poema Sur la robe ella a un corps, inspirado por los vestidos simultáneos de Sonia.
Estancia en la Península Ibérica: pintura y objetos[editar]
El verano de 1914 la familia Delaunay estaba de vacaciones en Fuenterrabía, al estallar la guerra deciden quedarse en España, ya que Robert Delaunay había sido declarado inútil para el servicio militar, y se instalaron en Madrid. Durante este periodo Sonia comienza una serie de pinturas Chanteurs de Flamenco. Al año siguiente marchan en Lisboa y se alquilan una casa en Vila do Conde, que compartían con Eduardo Vianna y Sam Halpert. Durante esta estancia en Portugal se reencontraron con Amadeo de Souza-Cardoso al que habían conocido en París, y también entran en contacto con otros artistas portugueses como José Pacheco y José de Almada-Negreiros. Sonia que había comenzado a estudiar la relación de la luz y el movimiento en 1913, pero descubrió en España una nueva dimensión de la luz y esta sensación se intensifica en Portugal, una luz "desembarazada de grises que exalta el color que se ha convertido una entidad en sí mismo”.7 Inició un periodo de actividad muy intensa, recupera los temas figurativos e imágenes cotidianas, donde expresa esta influencia de la luz en los colores de sus composiciones. Expuso en Stocolm, en la Nya Konstgalleriet y realizó la portada del catálogo. También realizó varias portadas para la revista Vogue y creó objetos de cerámica. Comenzó a trabajar con grandes composiciones con cera sobre tela como Marché au Minho y Hommage au donateur, en un intento por acercarse al arte monumental. En este sentido diseñó la fachada de una capilla para un convento de jesuitas, pero el proyecto no se llevó a cabo.
En 1917 el matrimonio Delaunay abandonó Portugal y se instalaron en Barcelona para continuar desarrollando sus proyectos en una ciudad cosmopolita y dinámica. Durante su estancia en Barcelona se enteran de la revolución soviética, lo que supuso un trastorno para la economía de la familia, ya que Sonia dejó de percibir las rentas que recibía de Rusia y que hasta entonces había supuesto su pilar económico. Deciden marchar a Madrid donde recibieron el apoyo de Diaghilev. A través suyo colaborar con los Ballets Rusos, Sonia diseñó el vestuario para la reposición del ballet Cleopatra. Diaghilev además puso en contacto a Sonia con el marqués de Valdeiglesias, director de la revista La Época, y miembro de la aristocracia española. Este contacto le abrió un mundo nuevo de posibilidades, las mujeres de la aristocracia española le encomiendan vestidos y objetos de decoración para sus hogares. También llevó a cabo la decoración del Pequeño Casino de Madrid. Gracias a Diaghilev consigue apoyo económico y abre su primera boutique de moda (vestidos simultáneos, bordados coloreados) y complementos (bolsos, abanicos, paraguas...). Tuvo un éxito inmediato, y los principales miembros del mundo artístico madrileño se convirtieron en su clientela habitual. Esta actividad económica le permitió cubrir las necesidades de la familia y le dieron fama y prestigio. Tan es así, que abrió sucursales de su tienda en Bilbao, San Sebastian y Barcelona.8 Al mismo tiempo se estrenó en Londres el ballet Cleopatra, el diseño del vestuario que había realizado Sonia causó furor, y le encargar el diseño de los trajes de la ópera Aida, estrenada en el Liceo de Barcelona en 1920.
Regreso a París: espectáculos y decoración[editar]
En 1921 atraídos por las nuevas ideas y las nuevas corrientes artísticas que se producen en París, los Delaunay deciden volver a la ciudad. Robert marcha unos meses antes y Sonia se queda en Madrid para liquidar sus negocios. En París pronto vuelven a integrarse a los movimientos de vanguardia y reconstruyen su ciclo de amistades, entre los que se encuentran Albert Gleizes, André Lhote, André Breton, y artistas como Tristan Tzara, Philippe Soupault o Joseph Delteil escribían poemas inspirados en las creaciones de Sonia y lucían las ropas que ella los diseñaba y confeccionaba.9 Sonia decidió continuar financiando la familia con el uso comercial de su talento, y con la experiencia adquirida en Madrid, condiciona la librería Au sans pareil en Neully. Allí realizó las Ropas poemas en colaboración con sus amigos artistas, y retorna a la encuadernación de portadas de libros de Tristan Tzara y Iliazd.
En 1923 se encargó de realizar el vestuario de una obra de Tzara, Le coeur à gaz, el espectáculo terminó con la intervención de la policía, pero los trajes de Sonia fueron todo un éxito, y la crítica se hizo eco de sus composiciones. A raíz de este éxito de prensa una importante empresa textil de Lyon se puso en contacto con ella para diseñar motivos por sus tejidos. Y Sonia Delaunay se convirtió en la más conocida de un grupo de artistas del siglo XX, desde Raoul Dufy a Varvara Stepanova, y sus diseños entraron de lleno en el mundo de la moda comercial.10
Al año siguiente participó en un acto en favor de los refugiados rusos, donde presentó la "moda del futuro", maniquíes vestidos con sus diseños y acompañados por un poema de Joseph Delteil, este nuevo éxito la llevó a asociarse con el modisto Jacques Heim con quien abre el Atelier simultané, momento en que creó sus primeros abrigos bordados que causan un fuerte impacto en la moda del momento. Expuso sus obras en el Salon d'Automne y las presentó en movimiento, gracias a una máquina inventada por Robert. En 1925, el trabajo de diseño de Sonia constituía una ampliación del concepto de modernidad llevado a la cotidianidad, por lo que se su nombre se convirtió en un sinónimo de "estilo moderno".
En 1926 participa en la exposición "Trente años de arte independiente" en el Grand Palais. Junto con su marido, se aventuran en el mundo del cine, donde diseñaron los decorados y el vestuario de las películas Le P'tit Parigot de LeSomptier, y Vertige de Marcel de L'Herbier.
El éxito de los diseños de Sonia se traduce en la invitación que recibe de la Sorbona de París para dar una conferencia en 1927: El influence de la peinture sur del arte vestimentaire. Pero aun así con la recesión económica que sufre Francia se vio obligada a cerrar su Atelier simultané. Tomó parte de la primera exposición de la Unión de los Artistas Modernos en el Museo de las Artes Decorativas y en una exposición itinerante que viajó a los Estados Unidos. A partir de 1931 el matrimonio une fuerzas para dedicarse de lleno al arte abstracto, durante este período que duró hasta 1934 se dedican casi exclusivamente a la pintura, pero Sonia continuó alternando su interés con las artes decorativas, escribiendo artículos en revistas de moda. Trabaja también en muchos carteles publicitarios, donde comenzó a incorporar las lámparas de mica-tube, en esta línea creó el cartel luminoso para el papel de cigarrillos Zig-Zag, con el que ganó el primer premio del concurso organizado por la Compañía Parisina de Distribución Eléctrica.
En 1937 Robert Delaunay recibe el encargo de la decoración de dos pabellones de los arquitectos Mallet Stevens y Felx aublet, pero no duda en incorporar al equipo de trabajo a Sonia, que ya había demostrado sus aptitudes para la decoración monumental con el Hommage au donateur. El equipo integrado por un total de 50 obreros y pintores como Bissière, Gleizes., Lhote, Survage... obtuvo la medalla de oro por sus paneles del Pabellón de los Ferrocarriles, y esto facilitó el reconocimiento de la crítica y del público por el trabajo que había realizado el matrimonio Delaunay-Terk. Siguiendo en esta línea de arte monumental, en 1938 Sonia realizó una puerta de cemento coloreado por la entrada de la exposición Arte Mural. A petición de Othon Friesz, el matrimonio Delaunay realizaron la decoración del vestíbulo de las esculturas del Salon des Tulleries, con Rhytm de grandes dimensiones. Un año más tarde, Sonia y Robert junto con otros artistas defensores del arte abstracto (Van Doesburg, Fredo Side...) organizaron la exposición Réalités Nouvelles, su importancia radicó en que reunía por primera vez una exposición de artistas íntegramente abstractos. También participó en una retrospectiva de los Ballets Russes de Diaghilev en el Museo de Artes Decorativas de París. Robert murió en 1941, y unos años más tarde Sonia se traslada a Toulouse donde se reencontró con viejos amigos como Tzara o Uhde, allá decoró el Centre d'Accueil International de la Cruz Roja, esta fue su última obra de decoración de interiores.
A partir de 1945 se instaló de nuevo en París, dedica sus esfuerzos a que se reconozca el talento de Robert, y junto con Louis Carré organizaron la primera retrospectiva de Robert Delaunay en 1946. Conjuntamente con Fredo Side organizaron el primer Salon des Réalités Nouvelles, el único requisito era la no figuración, y en el que ella participó en varias ocasiones.
Reconocimiento de su obra como artista[editar]

Sonia Delaunay
A partir de 1950 se comienzan a publicar recopilaciones de sus obras, litografías, ilustraciones, gouaches... continúa trabajando en su obra, investigando sobre el color, y ampliando su producción hacia el campo de los mosaicos y los vitrales. También recupera sus investigaciones sobre alfombras y vuelve a diseñar vestuario y decorados para el teatro. La muerte de Robert liberó Sonia de la creencia de que sólo podía haber una única carrera artística por el matrimonio. Y a partir de aquí comienza el reconocimiento a su obra individual.11
En 1958, el Städtischs Kunsthaus de Bielefeld (Alemania) organizó la primera gran retrospectiva de la obra de Sonia Delaunay, con un total de 250 obras. Después de esta exposición la siguieron toda una serie de exposiciones individuales en todo el mundo hasta los años 80. En 1964 Sonia y su hijo Charles, hicieron una donación al estado francés de un total de 101 de Sonia y Robert Delaunay, pero hasta 1987 no se pudo ver su obra junta, cuando se inauguró una destacada exposición en el Museo de Arte Moderno de París. En 1971 decora un automóvil, un Matra 530, los beneficios de la venta se destinaron a la investigación médica. Su preocupación constante por la aplicación del color más allá de la pintura, queda demostrada en la aplicación de sus principios en una amplia variedad de técnicas artísticas. En 1975 fue nombrada por el estado francés Oficial de la Legión de Honor. En 1978 publicó el libro Nuevos Irons jusqu'au soleil, donde Sonia reflexiona sobre su trabajo y el de Robert, como el matrimonio compartía una misma visión estética, expresada en unas formas similares, pero que se materializó en técnicas diferentes.
En 1979 sufrió un accidente que redujo bastante su movilidad, sin embargo continuó pintando. Su última obra fueron unos gouaches para la gran retrospectiva organizada por el Museo Albright-Knox de Buffalo. Murió en su taller el 5 de diciembre de 1979.
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Jesper Knudsen

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Jesper Knudsen

Jesper Knudsen (*1964) es un pintor danés. Las pinturas de Knudsen han sido comparado con el Street Art porque aparecen hechas muy espontáneamente. Knudsen da vuelta a la tela varias veces mientras pintando. Animales extraños, caras, cuerpos y partes de cuerpos se pintan en colores fuertes en... Ver mas
Jesper Knudsen (*1964) es un pintor danés. Las pinturas de Knudsen han sido comparado con el Street Art porque aparecen hechas muy espontáneamente. Knudsen da vuelta a la tela varias veces mientras pintando. Animales extraños, caras, cuerpos y partes de cuerpos se pintan en colores fuertes en varias capas que cubren a la parte de uno a otro. En algunas de las primeras obras los motivos están acompañados por pequeños textos y palabras. El medio es óleo o acrílico en tela, pero obras gráficas también han sido parte de la producción artística de Knudsen hasta ahora.
Literatura[editar]
Galerie Moderne. ”Jesper Knudsen”, 2006 27 sider illustreret i farver. Foto: Ralf Sørensen. Parallelle tekster på dansk og engelsk.
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Giorgio de Chirico

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Giorgio de Chirico

Giorgio de Chirico (Volos, Grecia; 10 de julio de 1888 – Roma; 20 de noviembre de 1978) pintor italiano nacido en Grecia de padres italianos. De Chirico es reconocido entre otras cosas por haber fundado el movimiento artístico scuola metafisica. Índice [ocultar] 1 Biografía 2 Obra 3... Ver mas
Giorgio de Chirico (Volos, Grecia; 10 de julio de 1888 – Roma; 20 de noviembre de 1978) pintor italiano nacido en Grecia de padres italianos. De Chirico es reconocido entre otras cosas por haber fundado el movimiento artístico scuola metafisica.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Obra
3 Bibliografía
4 Enlaces externos
Biografía[editar]
Estudió arte en Atenas y Florencia, antes de mudarse a Alemania en 1906, donde ingresó a la Academia de Bellas Artes de Múnich. Allí entró en contacto con las obras de los filósofos Nietzsche y Arthur Schopenhauer, además de estudiar las obras de Arnold Böcklin y Max Klinger. Volvió a Italia en el verano de 1909 para pasar seis meses en Milán. A principios de 1910 se mudó a Florencia nuevamente, donde pintó "El enigma de una tarde de otoño", la primera de sus obras de la serie "Plaza metafísica", después de una experiencia personal en Piazza Santa Croce. En Florencia pintó también "El enigma del oráculo". Al año siguiente, De Chirico pasó algunos días en Turín, de camino a París, y quedó impresionado por lo que llamó "el aspecto metafísico de Turín" que se apreciaba en la arquitectura de sus arcadas y plazas. De Chirico vivió en París hasta su alistamiento en el ejército en mayo de 1915, durante la Primera Guerra Mundial.
Los cuadros que De Chirico realizó entre 1909 y 1914 son los que le han dado más reconocimiento. Este período se conoce como el período metafísico. Las obras destacan por las imágenes que evocan ambientes sombríos y abrumadores. A principios de este período, los modelos eran paisajes urbanos inspirados en las ciudades mediterráneas, aunque gradualmente, la atención del pintor se fue desplazando hacia estudios de cuartos atiborrados de objetos, a veces habitados por maniquíes.
Casi de inmediato, el escritor Guillaume Apollinaire alabó el trabajo de Chirico y le ayudó a presentarlo al grupo que más tarde se dedicaría al surrealismo. Yves Tanguy escribió en 1922, que quedó tan impresionado al ver una obra de De Chirico en un aparador de una galería, que decidió en ese momento convertirse en artista, aún sin haber tocado un pincel en su vida. Otros artistas que han reconocido la influencia que han recibido de Giorgio de Chirico son Max Ernst, Salvador Dalí y René Magritte. Se considera a De Chirico una de las mayores influencias sobre el movimiento surrealista.
De Chirico abandonó posteriormente el estilo metafísico y realizó varias obras con un mayor realismo, las cuales tuvieron un éxito modesto. De Chirico también publicó una novela en 1925, llamada "Hebdómero, el Metafísico".
El pintor falleció el 20 de noviembre de 1978, contando con 90 años.
Obra[editar]
La pintura metafísica de Giorgio de Chirico es considerada una de los mayores antecedentes del movimiento surrealista. En su estancia en Alemania tomó influencias de autores simbolistas y la filosofía de Nietzsche. Ya en París (1911) comienza a realizar obras de imágenes muy sorprendentes, basadas en la representación de espacios urbanos, en los que predominan los elementos arquitectónicos y la proyección de sombras y en las que la presencia humana suele estar ausente. Además de esta regla arquitectónica también hay representaciones de interiores, generalmente abiertos al exterior, donde suele situar maniquíes y en algunas ocasiones otras obras (la representación de otras obras dentro de la propia obra, que es una característica propia del surrealismo, está ya presente en el autor). Así logra crear en sus obras un espacio extraño, atemporal, donde parece que se pude encontrar la calma y el silencio. Las imágenes representadas en el espacio pictórico son sacadas de contexto y representadas con un tamaño antinatural y desproporcionado. Estas obras, que cuentan con numerosos errores técnicos, tienen como finalidad crear espacios sugerentes en los que el receptor contrubuya a crear el sentido definitivo de lo que se representa.
Tras su obra Piazza souvenir de Italia (1925), pese a seguir conservando parte de su estilo, su obra experimenta un cambio hacia un carácter más convencional, ya que en un contexto de posguerra (I Guerra Mundial) la llamada "vuelta al orden" lleva a los artistas a volver a adoptar un carácter realista. El detallismo de la obra es llevado cada vez más lejos de la metafísica, por lo que se encuentra con la crítica de numerosos artistas surrealistas que se sienten decepcionados por él.
El enigma de la hora (1912)
La gran torre II (1912)
La incertidumbre del poeta (1913)
Meditación otoñal (1913)
Cántico de amor (1914)
La conquista del filósofo (1914)
Misterio y Melancolía en una Calle (1914)
Melancolía otoñal (1915)
Las musas inquietantes (1916)
El gran metafísico (1916)
Interiores metafísicos (1916-1918)
Héctor y Andrómaca (1917)
Plaza metafísica italiana (1921)
Villas romanas (1922)
Piazza souvenir de Italia (1925)
La tragedia y la comedia (1926)
Dos figuras mitológicas (1927)
Villa Medici - Templo y estatua
I fuochi sacri (for the Calligrammes) 1929
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Eduardo Chillida

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Eduardo Chillida

Eduardo Chillida Juantegui (San Sebastián, 1924 - ibídem, 2002) fue un escultor español conocido por sus trabajos en hierro y en hormigón, destacado continuador de la tradición de Julio González y Pablo Picasso. Índice [ocultar] 1 Biografía 2 Obra 3 Exposiciones 4 Catálogo razonado 5... Ver mas
Eduardo Chillida Juantegui (San Sebastián, 1924 - ibídem, 2002) fue un escultor español conocido por sus trabajos en hierro y en hormigón, destacado continuador de la tradición de Julio González y Pablo Picasso.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Obra
3 Exposiciones
4 Catálogo razonado
5 Véase también
6 Referencias
7 Bibliografía
8 Enlaces externos
Biografía[editar]
Nació el 10 de enero de 1924 en San Sebastián, era el tercer hijo de Pedro Chillida y su mujer, la soprano Carmen Juantegui. Fue portero de fútbol en la Real Sociedad, pero a causa de una lesión tuvo que dejarlo. A los diecinueve años inició en la Universidad de Madrid los estudios de Arquitectura, estudios que abandonará para dedicarse exclusivamente a la escultura y al dibujo en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

Chillida en abril de 1969
Su actividad comienza en torno a 1948, cuando se traslada a París. Allí entabla amistad con Pablo Palazuelo.
En 1950 regresa a San Sebastián, se casa con Pilar Belzunce y se instalan en Villaines-sous-Bois, un pueblecito francés en la región de Isla de Francia, departamento de Valle del Oise. Cuando nace el primero de sus hijos regresa definitivamente a San Sebastián y comienza a trabajar en Hernani en una fragua, donde el hierro introduce un cambio fundamental en su trayectoria. Por sugerencia de su amigo Pablo Palazuelo, hace en 1954 su primera exposición individual en la Galería Clan de Madrid. En 1964 recibe el Premio de Escultura del Carnegie Institute de Pittsburg.
En 1981 recibe la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes en Madrid. En 1983 recibe el Premio Europäischer der Künste en Estrasburgo. Es nombrado Miembro Honorario de la Royal Academy of Arts de Londres. En 1984 recibe el Grand Prix des Arts et Letres de París. También le fueron otorgados el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1987 y el Premio Imperial Japonés en 1991.
En la última parte de su vida, el propio Chillida constituyó el museo Chillida-Leku, en el caserío de Zabalaga (Hernani). Es una construcción tradicional vasca remodelada por el escultor y rodeada de un gran espacio de jardines que alberga la obra del artista. Allí se dejó ver en público por última vez, en octubre de 2000, en un acto celebrado en el museo, en el que fue nombrado doctor honoris causa por la Universidad Complutense de Madrid. Le quedó pendiente el proyecto de la montaña de Tindaya, en Fuerteventura, pues no llegó a realizarse antes de que el escultor falleciera el 19 de agosto de 2002.
A lo largo de su vida, además de recoger infinidad de premios y condecoraciones, Chillida participó en centenares de exposiciones alrededor del mundo entero. Por ejemplo, la Bienal de Venecia (1958), el premio Carnegie (1965) o el Rembrandt (1975).
Obra[editar]

Elogio del agua (1987), Parque de la Creueta del Coll, Barcelona.
Sus primeras esculturas son obras figurativas, torsos humanos tallados en yeso como Forma, Pensadora, Maternidad, Torso o Concreción. En todas ellas, el punto de partida es la escultura griega arcaica, pero se aprecia ya su preocupación por la forma interior además de tener un marcado sentido monumental. Los juegos de volúmenes y los valores de la masa lo acercan al lenguaje de Henry Moore. Empezó a modelar obras figurativas, pero poco a poco tendió hacia formas más abstractas. En 1949 realizó Metamorfosis, obra que ya puede ser considerada abstracta.
Alrededor de 1951, con su empleo en la fragua, se inicia en el trabajo del hierro. Emprende entonces un ciclo de esculturas no imitativas, yendo en aumento su preocupación por la introducción de espacios abiertos. Huye de la imitación de la naturaleza y va en busca de la creación e invención. Cada una de sus obras plantea un problema espacial que trata de resolver con la ayuda del material, según las características o propiedades del mismo. Ilarriak (1951) es su primera escultura abstracta. Significa "piedras funerarias" y está inspirada en las estelas funerarias y en los aperos del pueblo vasco. Se aprecia la relación entre la masa maciza del monolito y el espacio que señala. Centrado en el empleo del hierro ejecutó a veces unas obras de macizo aspecto y otras más aéreas. Siempre intentando captar el espacio a base de ritmos geométricos que lo estructuraban arquitectónicamente. Algunos ejemplos son Peine del viento, Música de las esferas, Oyarak (Eco) y Espacios sonoros. En Peine del viento la naturaleza interviene como un elemento más, sin forzarla. Recurre al viento y al agua, intentando que todos formen parte de la escultura. Para las puertas de Aranzazu busca chatarras y desechos industriales que puedan servirle. No pretende hacer unas puertas donde se coloquen esculturas, sino que ellas mismas sean las esculturas.
Chillida berlin Bundeskanzleramt.jpg
En 1957 abre una nueva etapa de experimentación. Hasta entonces, en su lenguaje predominaban las líneas horizontales, verticales y curvas y ahora adoptará ritmos lineales más movidos e inquietos, de difícil comprensión. Ejemplos: Hierros de temblor o Ikaraundi (Gran temblor), donde el material férreo se extiende en el espacio sin tratar de capturarlo. También elabora Rumor de límites, Modulación del espacio, la serie de ensayos Yunque de sueños, o la serie Abesti Goroa (Hacia lo alto). Son variadas composiciones que asentadas en rudos bloques de granito o madera, parecen extender sus ritmos al espacio con gran ligereza, a pesar del material, que no lo oculta. En un primer momento, el hierro fue el material preferido para la búsqueda espacial, pero posteriormente introdujo otros materiales como la madera, el hormigón, el acero, la piedra o el alabastro. En la serie Alrededor del vacío, emplea el acero. El mismo material que en Gnomon, Iru Burni o Elogio de la arquitectura. Eduardo Chillida optará por unos materiales u otros de acuerdo a las posibilidades estructurales de los mismos. Elegirá el alabastro, cuya cualidad pone en relieve con la ayuda de la luz para hacer referencias a la Arquitectura. La serie Elogio a la luz, compuesta por trece ensayos de ortogonales volúmenes, cuyas paredes están atravesadas por breves y estrechos corredores que, rectos y curvos, juegan con la luz y la sombra.

El "Peine del Viento", en San Sebastián.
Desde la década de 1980, se especializa en la instalación de piezas de grandes dimensiones en espacios urbanos o en la naturaleza, que contraponen la masa y el espacio. La serie Lugar de encuentros son enormes piezas que aparecen suspendidas en el aire colgando de cables de acero.
Exposiciones[editar]
Chillida expuso su temprano trabajo en 1949 en el Salón de Mai en el Museo de Arte Moderno de París, y el año siguiente participó en " la Red eléctrica de L Eblouies ", un espectáculo de arte de la posguerra en el Galerie Maeght. Después de que su primera exposición en solitario en la Galería de Clan en Madrid en 1954, Chillida expuso su trabajo en más de 100 recitales. Él también participó en muchas exposiciones internacionales, incluyendo Bienal de Venecia (1958, 1988 y 1990); Aeropuerto Internacional de Pittsburgh, donde recibió el Premio de Carnegie de escultura en 1964 y, en 1978, compartió el premio Andrés W. Mellon con Willem de Kooning; y Documenta II, IV y VI. Su primera exposición retrospectiva comprensiva en los Estados Unidos fue montada por el Museo de Bellas Artes de Houston, en 1966. Las exposiciones retrospectivas gráficas y estructurales de Chillida han sido desde entonces montadas por la Galería Nacional de Arte en Washington, D.C. (1979), Museo Solomon R. Guggenheim en Nueva York (1980), Palacio de Miramar en San Sebastián (1992); y Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid (1999) y el Museo Guggenheim Bilbao, España (1999).
Catálogo razonado[editar]

Elogio del Horizonte.
El 30 de octubre de 2014 fue presentado el primer tomo del catálogo razonado de la escultura de Eduardo Chillida. Esta publicación forma parte de una colección de cinco volúmenes que se irán publicado con una periodicidad aproximada de un año, con el objetivo de recopilar la obra completa del escultor donostiarra.2 3
Eduardo Chillida. Catálogo razonado de escultura. Obra completa en cinco volúmenes. Donostia-San Sebastián: Editorial Nerea:
Volumen 1. 1948-1973. Edición de Ignacio Chillida y Alberto Cobo, 2014. ISBN 978-84-15042-85-3
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Naum Gabo

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Naum Gabo

Naum Gabo KBE (Bryansk, Imperio Ruso, 5 de agosto de 1890 - Waterbury, Connecticut, 23 de agosto de 1977) era un escultor prominente del Constructivismo, así como un pionero del Arte cinético. Nacido en el seno de una familia askenazi, con el nombre de Naum Neemia Pevsner, lo cambia para evitar... Ver mas
Naum Gabo KBE (Bryansk, Imperio Ruso, 5 de agosto de 1890 - Waterbury, Connecticut, 23 de agosto de 1977) era un escultor prominente del Constructivismo, así como un pionero del Arte cinético.
Nacido en el seno de una familia askenazi, con el nombre de Naum Neemia Pevsner, lo cambia para evitar la confusión con su hermano mayor, Antoine Pevsner. Su principal influencia ha sido en Gran Bretaña dónde vivió en los años 1930 y presentó el Constructivismo a una generación de artistas como Barbara Hepworth, Ben Nicholson, Victor Pasmore o Peter Lanyon que vinieron a dominar las artes visuales de postguerra.
Gabo recibió una educación científica. Se graduó en 1910-11 en el instituto de Kursk e ingresó en la facultad de medicina de la Universidad de Múnich. En 1911-12 asistió a las conferencias de Wölfflin sobre historia del arte en 1912 realizó un viaje por Italia para revisar las colecciones artísticas de Venecia, Milán y Florencia. En 1913-14 visitó a su hermano Pevsner en París y tuvo la oportunidad de estudiar los cuadros cubistas. En 1914 fue con su otro hermano Alekséi a Dinamarca y a Noruega, donde realizó sus primeras construcciones en 1915. Cabeza construida n.° 2 de 1916, resume sus planteamientos de esta época. Hecha de piezas de metal soldadas, la estructura interna de la forma se revelaba e incorporaba al espacio dentro de sí. En 1917 regresó a Rusia y se estableció en Moscú; trabajó en el estudio de su hermano Antoine en los Estudios Libres de Arte del Estado y participó en los debates artísticos de la época. En agosto de 1920 resumió sus ideas en el Manifiesto Realista (Realistícheski manifest), Gabo no pudo aceptar el imperativo utilitario de los constructivistas rusos y en 1922 abandonó Rusia y marchó a Berlín.
Constructivismo[editar]
Tras el estallido de la guerra se trasladó a Copenhague (Dinamarca) con su hermano más joven, Alekséi, que hace sus primeras construcciones bajo el nombre de Naum Gabo en 1915. Estas construcciones más tempranas eran originalmente en cartón o madera figurativas como el Head No.2 en la colección de Tate. Él regresó a Rusia en 1917, involucrándose en la política y arte por lo que pasan cinco años en Moscú con Pevsner. Gabo donó el Agitprop las exhibiciones aéreas abiertas y enseñó en 'Vjutemás' el arte más alto y el taller técnico, con Vladímir Tatlin, Vasili Kandinsky y Aleksandr Ródchenko. Durante este período los alivios y construcción se pusieron más geométricas y Gabo empezó a experimentar, sin embargo, con la escultura cinética que la mayoría del trabajo estaba perdida o destruida. Los planes de Gabo se habían puesto en aumento monumentales pero había una oportunidad pequeña de aplicarlos comentando 'era la altura de guerra civil, hambre y desorden en Rusia. Para encontrar cualquier parte de maquinaria… estaba al lado del imposible'.

Obra de Naum Gabo
Gabo escribió y emitió juntamente con Pevsner en agosto de 1920 el Manifiesto Realista proclamando los principios de puro Constructivismo - la primera vez que el término fue usado. En el manifiesto Gabo criticó el Cubismo y el Futurismo como no volverse las artes totalmente abstractas y declaró que la experiencia espiritual era la raíz de producción artística. Gabo y Pevsner promovieron el manifiesto organizando una exhibición en un kiosco de música en el Bulevar Tverskói en Moscú y anunciaron el manifiesto en las acumulaciones alrededor de la ciudad.
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Víctor Vasarely

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Víctor Vasarely

Vásárhelyi Győző, conocido como Victor Vasarely (Pécs, Hungría, 9 de abril de 1906 - Francia, 15 de marzo de 1997) fue un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del op art. Comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero dejó la carrera al cabo de dos años. Se interesó entonces por... Ver mas
Vásárhelyi Győző, conocido como Victor Vasarely (Pécs, Hungría, 9 de abril de 1906 - Francia, 15 de marzo de 1997) fue un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del op art. Comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero dejó la carrera al cabo de dos años. Se interesó entonces por el arte abstracto y por la escuela de Muheely (principios de la Bauhaus), fundada en Budapest (Hungría) por un alumno de la Bauhaus. Le atrajeron Mondrian y Malévich y se interesó por la astronomía.
Se trasladó a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la primera obra de Op art. Durante las dos décadas siguientes, Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables. Utilizó diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas).

A pesar de esta aparente monotonía, tiene una larga evolución y diversas etapas en su producción artística:
intentará darle a sus experiencias artísticas una base exacta, científica y teórica.
1929-1939: trabajos publicitarios con efectos ópticos
1939-1948: "período menstrual" investigaciones previas al Op Art.
1948: "Abstracción memética"
1948- 1958: "Período Blanco/negro: los considera los mejores colores para trascender a través de la fotografía, y porque son los mejores para conseguir el efecto post- retiniano. Hay 3 tipos de obras:
A) Fotografismos: fotografías y dibujos que amplía B) Profundas cinéticas: sobre plástico (plexiglás) en planchas pintadas y yuxtapuestas dejando una pequeña distancia. C) unidades plásticas blancas y negras: cuadrado, rombo, círculo y elipse.
1959-1964: "Folklore planetario"
1964: "homenaje al Hexágono"
Último período: "período de las series" C.T.A: nombre de las ondas que producen los planetas y estrellas, círculos y colores plata, oro y sombreados.
Su trabajo le dio fama internacional y recibió varios premios prestigiosos.
En 1976 crea un centro de investigación arquitectónica en Aix-en-Provence y dos museos "didácticos" Vasarely, en Gordes adonde fue llevado por Jean Deyrolle (1970) y en Hungría en Pécs (1976). Murió a los 91 años.
El museo Vasarely en Hungría contiene una importante colección de sus obras, así como de otros muchos artistas de origen húngaro que han trabajado en el extranjero. Es el padre del artista Yvaral, autor de obras de ese mismo estilo.
Índice [ocultar]
1 Vida y trabajo
2 La Fundación Vasarely
3 Galardones
4 Galería
5 Bibliografía
6 Enlaces externos
Vida y trabajo[editar]
Vasarely nació en Pécs y creció en Piešťany (entonces Pöstyén) y Budapest, donde en 1925 comenzó estudios de medicina en la Universidad de Budapest. En 1927 abandonó la medicina para aprender la pintura académica tradicional en la Podolini privado Volkmann Academia. En 1928/1929, se matriculó en Műhely Sándor Bortnyik's (literalmente, "taller", en la existencia hasta 1938), a continuación, ampliamente reconocido como el centro de estudios de la Bauhaus en Budapest.scaso de efectivos, la Műhely no podía ofrecer a todos los alumnos aquello que en la Bauhaus se ofrecía. En su lugar, centró sus enseñanzas en las artes gráficas aplicadas y el diseño tipográfico.
En 1929 pintó su Estudio Azul con una mujer muy guapa y Verde de Estudio.guiy En 1930 se casó con su compañera estudiante Claire Spinner (1908-1990). Juntos tuvieron dos hijos, André y Jean-Pierre. En Budapest, trabajó en una empresa de rodamientos de bolas en la contabilidad y el diseño de carteles publicitarios. Victor Vasarely se convirtió en un diseñador gráfico y artista de carteles durante la década de 1930, que combina los patrones e imágenes orgánicas entre sí. Obras de arte al aire libre Vasarely en la iglesia de Palos en Pécs.
Vasarely dejó Hungría y se estableció en París en 1930 trabajando como artista gráfico. Aquí desarrolla su primer mayor trabajo, cebra, que se considera la primera obra del op art. Desarrollo un modelo propio del arte abstracto geométrico utilizando diverso materiales pero usando un número mínimo de formas y colores.
Y como consultor creativo en las agencias de publicidad Havas, Draeger y Devambez (1930-1935). Sus interacciones con otros artistas durante este tiempo eran limitadas. Jugó con la idea de la apertura de una institución modelo del Műhely Sándor Bortnyik y desarrollado un material de enseñanza para ella. Después de haber vivido en su mayoría en hoteles baratos, se estableció en 1942/1944 en Saint-Céré en el departamento de Lot.
Después de la Segunda Guerra Mundial, abrió un taller en Arcueil, un suburbio a unos 10 kilómetros del centro de París (en el Val-de-Marne departamento de la región de Île-de-France). En 1961 finalmente se estableció en Annet-sur-Marne (en Seine-et-Marne département).
Algunas de sus obras son:
1929-1944: Los primeros gráficos: Vasarely experimentado con efectos de textura, la perspectiva, sombras y luces. Sus primeros resultados período gráfico en obras como cebras (1937), Junta de Ajedrez (1935), Chica y el poder (1934).
1944-1947: Les Fausses Rutas - Por el camino equivocado: Durante este período, Vasarely experimentado con cubista, la pintura futurista, expresionista, simbolista y surrealista, sin desarrollar un estilo único. Después, él dijo que estaba en el camino equivocado. Expuso sus obras en la galería de Denise René (1946) y la Galería René Breteau (1947). Escritura de la introducción del catálogo, Jacques Prévert Vasarely colocado entre los surrealistas. Prévert crea el término imaginoires (imágenes + noir, negro) para describir las pinturas. Autorretrato (1941) y el ciego (1946) están asociados con este período.
1947-1951: Desarrollo de la abstracción geométrica (arte óptico): Por último, Vasarely encontró su propio estilo. El desarrollo de la superposición llevan el nombre de su patrimonio geográfico. Denfert se refiere a las obras influenciadas por las paredes de azulejos blancos de la Denfert París - Estación de metro Rochereau. Elipsoide guijarros y conchas encontradas durante unas vacaciones en 1947 en la costa bretona en Belle Ile le inspiró a la Belles-Isles obras. Desde 1948, Vasarely, por lo general pasaba los meses de verano en Gordes, en Provenza-Alpes-Côte d'Azur. Allí, las casas cúbicas, lo llevó a la composición del grupo de obras etiquetadas Gordes / Cristal. Trabajó en el problema de los espacios vacíos y llenos en una superficie plana, así como la visión estereoscópica.
1951-1955: las imágenes cinéticas, negro, fotografías en blanco: Desde su Gordes obras que desarrolló sus imágenes cinemáticas, superpuesto paneles de cristal acrílico crear una dinámica, en movimiento impresiones en función del punto de vista. En el período blanco-negro, combinó los marcos en un solo panel mediante la transposición de fotografías en dos colores. Homenaje a Malévich, un mural de cerámica de 100 m² adorna la Ciudad Universitaria de Caracas, Venezuela, la cual es co-diseñado en 1954 con el arquitecto Carlos Raúl Villanueva, es una obra importante de este período. El arte cinético floreció y obras de Vasarely, Calder, Duchamp, Man Ray, Soto o Tinguely, fueron exhibidas en la galería Denise René, bajo el título Le Mouvement (El Movimiento). Vasarely publicó su Manifiesto amarillo. Basándose en la investigación de los constructivistas y los pioneros de la Bauhaus, postuló que la cinética visual (cinétique plastique) se basaba en la percepción del espectador que se considera el único creador, jugando con las ilusiones ópticas.
1955-1965: planétaire Folclore, permutaciones y el arte de serie: El 2 de marzo de 1959, Vasarely, patentó su método de plastiques une. Las permutaciones de las formas geométricas se cortan de un cuadrado de color y se han reorganizado. Trabajó con una paleta estrictamente definidos de colores y formas (tres rojas, tres verdes, tres azules, dos violetas, dos amarillos, negro, blanco, gris, tres círculos, dos plazas, dos rombos, dos rectángulos de largo, un triángulo, dos los círculos de disección, seis puntos suspensivos) que más tarde ampliada y numerados. Fuera de este alfabeto plástico, que comenzó el arte de serie, una permutación infinita de formas y colores, elaborados por sus asistentes. (El proceso creativo es producida por instrumentos normalizados y los agentes impersonales que cuestiona la singularidad de una obra de arte). En 1963, Vasarely presentó su paleta al público bajo el nombre de planetaire Folclore.
1965 -: Hommage à l'Hexagone, Vega: El homenaje a la serie de hexágono está compuesto de transformaciones sin fin de muescas y el alivio de añadir las variaciones de color, la creación de un móvil perpetuo de ilusión óptica. En 1965, Vasarely se incluyó en el Museum of Modern Art exhibition "El Ojo de Respuesta", creado bajo la dirección de William C. Seitz. Su serie Vega juega con las redes esférica hinchazón crear una ilusión óptica de volumen. En octubre de 1967, el diseñador Will Burtin Vasarely invitó a hacer una presentación a la Visión Burtin '67 de la conferencia, celebrada en la Universidad de Nueva York.
El 5 de junio de 1970, Vasarely, abrió su primer museo dedicado más de 500 obras en un palacio renacentista en Gordes (cerrado en 1996). Una de las principales fue el segundo Fundación Vasarely en Aix-en-Provence, un museo ubicado en una estructura separada, especialmente diseñado por Vasarely. Fue inaugurado en 1976 por el presidente francés Georges Pompidou. Lamentablemente el museo se encuentra en mal estado, algunas de las piezas expuestas han sido dañados por una fuga de agua desde el techo. Además, en 1976 su gran cinemática objeto Georges Pompidou fue instalado en el Centro Pompidou de París y el Museo Vasarely, ubicado en su lugar de nacimiento en Pécs, Hungría, se estableció con una donación importante de obras de Vasarely. En 1982 154 serigrafías especialmente creados fueron llevados al espacio por el astronauta Jean-Loup Chrétien, a bordo de la nave espacial francesa Soviética Salyut 7 y más tarde vendido para el beneficio de la UNESCO. En 1987, el segundo museo de Vasarely húngaro se estableció en el Palacio Zichy en Budapest, con más de 400 obras.
La Fundación Vasarely[editar]
Claire y Víctor Vasarely fundaron en 1971 la Fundación Vasarely, una institución sin ánimo de lucro, reconocida como de utilidad pública. Esta fundación ha recibido a lo largo de su vida numerosas donaciones.
Galardones[editar]
1964: Premio Guggenheim
1970: Caballero de la Orden de la Legión de honor
Art Critics Prize, Bruselas
Medalla de oro en la Trienal de Milán
Ha recibido 24 puntos

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Ellsworth Kelly

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Ellsworth Kelly

Ellsworth Kelly (Newburgh, Nueva York, 31 de mayo de 1923 - Manhattan, Nueva York, 27 de diciembre de 2015)1 fue un escultor y pintor abstracto estadounidense célebre por sus experimentaciones cromáticas. Muchas de sus pinturas de la década de 1950 consisten simplemente en una única mancha... Ver mas
Ellsworth Kelly (Newburgh, Nueva York, 31 de mayo de 1923 - Manhattan, Nueva York, 27 de diciembre de 2015)1 fue un escultor y pintor abstracto estadounidense célebre por sus experimentaciones cromáticas.
Muchas de sus pinturas de la década de 1950 consisten simplemente en una única mancha abstracta y muy definida de un color brillante sobre fondo neutro.
También realizó algunas obras que se hallan entre las primeras de formato irregular, en las que el lienzo se extiende sobre un marco tridimensional para crear la forma deseada.
Las obras más conocidas de su último periodo son sus paneles pintados, que consisten en la unión de varios lienzos que en alguna ocasión han llegado a 64; cada lienzo está pintado de un color intenso y diferente, que crea un todo vibrante de cuidado equilibrio.
Ha recibido 23 puntos

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László Moholy-Nagy

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László Moholy-Nagy

László Moholy Nagy (Bácsborsard, 20 de julio de 1895 - Chicago, 24 de noviembre de 1946) fue un fotógrafo y pintor húngaro. Ha pasado a la historia como uno de los más importantes profesores y teóricos del arte y de la fotografía desde su trabajo en la Escuela de la Bauhaus alemana. Durante su... Ver mas
László Moholy Nagy (Bácsborsard, 20 de julio de 1895 - Chicago, 24 de noviembre de 1946) fue un fotógrafo y pintor húngaro. Ha pasado a la historia como uno de los más importantes profesores y teóricos del arte y de la fotografía desde su trabajo en la Escuela de la Bauhaus alemana. Durante su labor en ella estuvo acompañado de su mujer, Lucia Moholy (nacida Schulz), a la que había conocido anteriormente en Berlín y que era una discreta pero excelente fotógrafa.
Índice [ocultar]
1 Vida y obra
1.1 Inicios
1.2 Incursión en la fotografía
1.3 Sus trabajos
1.4 Últimos años
2 Enlaces externos
Vida y obra[editar]
Inicios[editar]
László Moholy-Nagy nació el 20 de julio de 1895 en Hungría, concretamente en la ciudad de Bácsborsod, y falleció el 24 de noviembre de 1946 en la ciudad americana de Chicago. Aunque su verdadera pasión fue la pintura, hoy en día es recordado como uno de los mejores fotógrafos de los años 20, pionero en este campo. También fue profesor en la escuela Bauhaus.

Sello de correos conmemorativo de la Bauhaus con obra de Moholy-Nagy
La I Guerra Mundial estalló mientras Moholy-Nagy desarrollaba sus estudios de jurista, y tuvo que abandonarlos para alistarse en el ejército de su país. Durante los años que duró el conflicto bélico, empezó a dar sus primeros pasos artísticos, con algunos trabajos enfocados en dibujos a la tiza y a la tinta china. Una vez que terminó la I Guerra Mundial, abandonó sus estudios de Derecho y se dedicó por completo al arte.
Incursión en la fotografía[editar]
El amor le llegó en 1920 una vez instalado en Berlín. Allí conoció a la que se convertiría en su esposa, Lucía Schulz (más conocida como Lucia Moholy). La pareja experimentó al máximo la fotografía y realizaron interesantes fotogramas, los cuales datan de 1922 y alcanzaron la fama.
Un año más tarde, la escuela Bauhaus elige a Moholy-Nagy para que se haga cargo del taller de trabajos de Metal. Posteriormente, el director del curso, Johannes Itten, abandonó la escuela y Moholy-Nagy ocupó su cargo. En este periodo se volcó en el estudio de los efectos de equilibrio y presión de los materiales y se convirtió en el precursor de la fotografía Bauhaus.
Sus trabajos[editar]
Su publicación “Pintura, Fotografía, Film”, aparecida en 1925, constituye el octavo volumen de los “Libros de la Bauhaus” y es uno de los principales pilares de la fotografía. En este volumen, Moholy-Nagy establecía una relación entre la pintura y la fotografía. El artista clasificaba la pintura como un medio para dar forma al color, mientras que la fotografía servía de instrumento de investigación y la exposición del fenómeno luz.
Asimismo, en 1922 y 1930, Moholy-Nagy trabajó en un Modulador luz-espacio, que consiste en una serie de planos metálicos perforados que producen efectos de luces y sombras. Por medio de un motor, en este método se realiza una asociación de formas de diferentes materiales, que son iluminadas para que provoque un efecto de sombreado concreto. Moholy-Nagy hace chocar estas formas a través de un movimiento continuo. Este trabajo repercutió decisivamente en su vinculación con la escultura y con las investigaciones fotográficas del momento.
La búsqueda de sombras distintas y de tintineo de Moholy-Nagy supuso una gran innovación en el terreno del arte luminoso cinético, ya que Alexander Rodchenko había trabajado previamente con un modulador en el que sólo se buscaban sombras.
Últimos años[editar]
En el año 1937, Moholy-Nagy emigró a Chicago donde se puso al frente de una escuela de diseño a la que llamó "Nuevo Bauhaus". Pero la iniciativa no prosperó y Moholy-Nagy cerró las puertas de su escuela solo un año más tarde. Aun así, un par de años después, con su espíritu artístico todavía vivo, el artista húngaro fundó otra escuela, esta vez en colaboración con otros artistas.
Moholy-Nagy murió de leucemia en Chicago el 24 de noviembre de 1946.
Ha recibido 22 puntos

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Roger Chastel

44

Roger Chastel

Roger Chastel (París, 25 de marzo de 1897 - Saint-Germain-en-Laye, 12 de julio de 1981) es un pintor francés de la Escuela de París cuya obra está en el límite de la no figuración o arte abstracto. Estudió en el Lycée Janson de Sailly de París.
Ha recibido 21 puntos

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María Fernanda Cuartas

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María Fernanda Cuartas

María Fernanda Cuartas (Cali, 8 de septiembre de 1967) es una pintora colombiana. Se centra en la problemática social, la equidad de género y la dignidad de la mujer. Ha sido incluida en el libro de los 100 artistas contemporáneos más importantes del mundo en dos ocasiones por la Biblioteca de... Ver mas
María Fernanda Cuartas (Cali, 8 de septiembre de 1967) es una pintora colombiana. Se centra en la problemática social, la equidad de género y la dignidad de la mujer.
Ha sido incluida en el libro de los 100 artistas contemporáneos más importantes del mundo en dos ocasiones por la Biblioteca de Artistas de las Comunidades Europeas, en los periodos 2007-2010 y 2010-2013.1 Su obra también hace parte del libro de oro de la Biblioteca de Artistas del Museo de las Américas, 30 Selected Contemporary International Artist. En 2011 y 2012 fue incluida por la revista Art in América en la guía de artistas más importantes del mundo.2
Índice [ocultar]
1 Trayectoria
2 Obras
3 Premios
4 Condecoraciones
5 Referencias
Trayectoria[editar]
Ha realizado exposiciones en Estados Unidos; "Latin Art Museum", "Museum of The Américas" "LuminArt Gallery", "Fall Gallery Walk", "Milan Gallery", Europa, "Museo de Moya"-Viena, Austria, entre otros, y Sur América, Museo de Avellaneda en Buenos Aires, Argentina, Galería "Casa Cuadrada"-Bogotá, Colombia-, Banco de la República, Cali, Colombia. Ha participado en ferias de arte: "Art Dubai" en Dubái y "Art Santa Fe" en México.
Obras[editar]
Amorfos y Abstractos - 2000
Las Aldeanas - 2003
Las Cortesanas - 2004
La Dispareja - 2007
Un Día Gris - 2008
Un día en la vida de Raquel - 20103
La Madre Historia es Mujer - 2013
Otras Meninas 2013
Premios[editar]
Show Art d´ Estiu de Catalunya - Barcelona - España - 2010 y 2013
Eurolatin University - Miami - USA- 2010
Museum of the Americas- Doral- USA - 2013
Condecoraciones[editar]
Condecorada por la Gobernación del Valle del Cauca, Colombia con la Orden "Ciudades Confederadas" en el grado Cruz Oficial.
Condecorada por la Cámara de Representantes del Congreso de la República de Colombia con la "Orden a la Democracia Simón Bolívar" en el grado Cruz Oficial.
Ha recibido 21 puntos

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Willem de Kooning

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Willem de Kooning

Willem de Kooning (Róterdam, 24 de abril de 1904 - Long Island, 19 de marzo de 1997) fue un pintor neerlandés nacionalizado estadounidense, exponente en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial del expresionismo abstracto, y dentro del seno de esta tendencia, de la action painting o... Ver mas
Willem de Kooning (Róterdam, 24 de abril de 1904 - Long Island, 19 de marzo de 1997) fue un pintor neerlandés nacionalizado estadounidense, exponente en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial del expresionismo abstracto, y dentro del seno de esta tendencia, de la action painting o pintura gestual —pintores de este movimiento fueron Jackson Pollock, Mark Rothko y Clyfford Still—; más tarde, de Kooning experimentó con otros movimientos artísticos.
Índice [ocultar]
1 Biografía
1.1 Primeros años
1.2 Obras de madurez
1.3 Últimos años
2 Después de su muerte
3 Referencias
4 Véase también
5 Enlaces externos
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Los padres del pintor, Leendert de Kooning y Cornelia Nobel, se divorciaron cuando tenía unos cinco años de edad, y fue criado por su madre y un padrastro. En 1916 entró como aprendiz en una firma de artistas y decoradores comerciales, y, por la misma época, asistió a clases nocturnas en la Academia de Róterdam de Bellas Artes, donde estudió durante ocho años. En 1920 entró a trabajar con el director artístico de unos grandes almacenes. En 1926 emigró clandestinamente a los Estados Unidos, en el barco británico SS Shelly, hasta Newport, Virginia. De ahí fue hasta Boston, de Boston a Rhode Island y de allí, en barco, a Nueva Jersey.
Al final se estableció en Hoboken, Nueva Jersey, donde se ganó la vida como pintor de casas. En 1927 se trasladó a un estudio en Manhattan y se vio influido por el artista y crítico John D. Graham y el pintor Arshile Gorky. Gorky fue uno de sus amigos íntimos.
Desde 1928 de Kooning empezó a pintar naturalezas muertas y figurativas que reflejaban la influencia de la Escuela de París y mexicanas. A principios de los años treinta estaba explorando la abstracción, usando formas biomorfas y simples composiciones geométricas, una oposición de elementos formales dispares que prevalece en su trabajo a lo largo de su carrera. Estas primeras obras tienen gran afinidad con las de sus amigos Graham y Gorky y reflejan el impacto que en estos jóvenes artistas tuvieron los españoles Pablo Picasso y Joan Miró, ambos habían conseguido composiciones poderosamente expresivas a través de formas biomórficas.
En octubre de 1935 de Kooning empezó a trabajar para la Works Progress Administration, un nuevo proyecto de arte del gobierno federal. Fue contratado por este programa hasta julio de 1937, cuando se despidió al igual que su compañero Santiago Martínez Delgado, debido a su estatuto de extranjero. Este período de unos dos años le dio al artista, que se había mantenido a lo largo de la Gran Depresión gracias a trabajos comerciales, la primera oportunidad de dedicarse plenamente al trabajo creativo. Varios murales que diseñó nunca se realizaron.
En 1938, probablemente por influencia de Gorky, de Kooning se embarcó en una serie de figuras masculinas, incluyendo Two Men Standing, Man, y Seated Figure (Classic Male), al tiempo que simultáneamente hacía una serie más purista de abstracciones líricamente coloreadas, tales como Pink Landscape y Elegy.
En 1938 conoció a Elaine Marie Fried, luego famosa como Elaine de Kooning, con quien se casó en 1943 y que fue también una artista significativa.
Durante los años 1940 se fue identificando cada vez más con el expresionista abstracto, movimiento del que se convirtió en uno de sus líderes a mediados de los años 1950. Conforme evolucionaba su trabajo, los colores intensos y las líneas elegantes de las abstracciones comenzaron a volverse trabajos más figurativos, y la coincidencia de figuras y abstracciones continuaron hasta bien entrados los cuarenta.
Este período incluye las representaciones bastante geométricas de Woman yStanding Man, junto a numerosas abstracciones sin título cuyas formas biomórficas cada vez sugerían más la presencia de figuras, desarrollando un tipo de representación semifigurativa-semiabstracta.
Alrededor de 1945 las dos tendencias parecieron fusionarse perfectamente en Pink Angels. En 1946, demasiado pobre para comprar pigmentos de artista, se volvió al blanco y negro en mezclas caseras para pintar una serie de grandes abstracciones; de estas obras, Light in August (c. 1946) y Black Friday (1948) son esencialmente negras con elementos blancos, mientras que Zurich (1947) y Mailbox (1947/48) son blancas con negro. Realizó su primera exposición individual, que consistía en composiciones en blanco y negro, en la Charles Egan Gallery de Nueva York en 1948.
A partir de entonces se convirtió en una figura sobresaliente de la vanguardia artística. Su trabajo se orienta hacia las abstracciones complejas, agitadas, tales como Asheville (1948/49), Attic (1949), y Excavation (1950; Art Institute, Chicago), que reintrodujeron el color y parecían resumir con firme decisión los problemas de composición por libre asociación con la que había luchado durante años.
Dio clases en los cursos de verano del Black Mountain College de Carolina del Norte con John Cage, Buckminster Fuller y Josef Albers, y en la Escuela de Yale de Arte en 1950/51. Viajó a Roma y San Francisco.
Obras de madurez[editar]
De Kooning había pintado mujeres con regularidad a principios de los años cuarenta, y de nuevo entre 1947 y 1949. Los formas biomórficas de sus primeras abstracciones pueden interpretarse como símbolos femeninos. Pero no fue hasta 1950 que empezó a explorar el tema de las mujeres de forma exclusiva. Es la época de su mayor creatividad artística. En verano de ese año comienza la que sería su serie más célebre, cuyo tema eran las mujeres. Comenzó con Woman I (Mujer I) (Museo de Arte Moderno de Nueva York), que pasó por innumerables metamorfosis antes de que fuera terminado en 1952. En el mismo museo se encuentra Woman II (1952).
Concebía el arte como "acción unida a la energía y al movimiento corporal" (Christa von Lengerke), como algo en lo que se trabaja con una intensa concentración dirigida exclusivamente al acto creativo sin predeterminarse su resultado. Kooning empleaba pinceladas mordaces y violentas, con espesas capas de óleo. Esta action painting produce una pintura abstracta y vigorosa, de gran densidad y muy intensos desde el punto de vista cromático. Hacía una pintura "representativa y gestual a la vez, algo parecida, salvando las distancias, a la del español Antonio Saura", según Juan Antonio Ramírez.
Las distintas pinturas de mujeres se mostraron en la galería neoyorquina de Sidney Janis en 1953 y causaron sensación por su descarnada técnica y porque eran figurativas cuando la mayor parte de sus compañeros expresionistas estaban pintando abstracciones. Las composiciones son planas, impetuosas, reflejando una figura degradada de mujer. El pigmento, aplicado salvajemente, y el uso de colores que parecían vomitados sobre el cuadro se combinaban para revelar una mujer que reflejaba demasiado bien algunos de los más extendidos miedos sexuales del hombre moderno. Amplias sonrisas, dientes brillantes, pechos desmesurados más grandes que las cabezas, y bamboleantes, grandes ojos vacíos, muslos opulentos, parecen representar las más oscuras percepciones freudianas. Se trataría de "una representación simbólica de la mujer como madre nutricia, depredadora y abusiva, una mujer de boca inmensa y mirada implacable, imagen fantasmagórica de la mujer devoradora de hombres" (Carrassat-Marcadé).
También mostró algunas pinturas que parecían volver a las obras primitivas mesopotámicas y acádicas, con los ojos enormes, casi "que lo ven todo".
Durante más de diez años, de Kooning se dedicó a pintar a este tipo de mujer, una exagerada caricatura, "un travestido del concepto de feminidad idealizado por los medios y los clichés" (Lengerke). Las pinturas Woman de la II hasta la VI (1952-53) son todas variaciones sobre el mismo tema, así como Woman and Bicycle (1953; Whitney Museum of American Art, Nueva York) y Two Women in the Country (1954). La deliberada vulgaridad de estas pinturas recuerda a la serie Corps de Dame (1950), del pintor francés Jean Dubuffet, no menos cruda, en la que lo femenino, formado por una rica topografía de colores terrosos, se relacionan más directamente con símbolos universales.
En 1955, no obstante, de Kooning parece haber vuelto a este aspecto simbólico de la mujer, como sugiere el título de su Woman as Landscape, en que la figura vertical parece casi absorbida por el paisaje abstracto. Siguieron luego una serie de paisajes tales como Police Gazette, Gotham News, Backyard on Tenth Street, Parc Rosenberg, Suburb in Havana, Door to the River, y Rosy-Fingered Dawn at Louse Point, que muestra una evolución desde la complejidad colorista a una simplicitad pictórica.
Sobre 1963, el año que se instaló de forma permanente en un estudio de Springs, Long Island, de Kooning volvió a representar mujeres en pinturas como Pastorale y Clam Diggers. Reexploró el tema a mediados de los años sesenta en pinturas que fueron controvertidas como sus tempranas mujeres. En estas obras, que se han interpretado como ataques satíricos a la anatomía femenina, de Kooning pintó con extravagante lubricidad.
Últimos años[editar]
Vuelve cierto lirismo con sus últimas obras, tales como Whose Name Was Writ in Water y Untitled III; en ellas brillas las luces y los reflejos en el agua. A partir de 1970, inducido por Henry Moore, comienza a realizar grandes esculturas. Durante sus últimos años se inclinó cada vez más por la realización de esculturas de barro.
El 14 de septiembre de 1964 el presidente Lyndon Johnson le concedió la Medalla Presidencial de la Libertad, en 1984 la ciudad de Fráncfort del Meno le otorgó el Premio Max Beckmann y en 1986 fue galardonado con la medalla de las Artes del congreso estadounidense.
Se le diagnosticó Alzheimer en los años 1980 y un tribunal lo declaró incapaz de administrar su patrimonio, por lo que quedó bajo la tutela de su hija desde 1989. Como el estilo de su últimas obras era muy distinto, la cotización de las antiguas ascendió vertiginosamente; en las subastas de Sotheby's Pink Lady (1944) alcanzó 3,6 millones de dólares en 1987 y Interchanged (1955, también llamado Interchange) 20,6 millones en 1989 (este último lo adquirió el coleccionista japonés Shigeki Kameyama).1 Su esposa Elaine murió de cáncer de pulmón a los setenta años, en 1989.
Se ha debatido mucho sobre la relevancia y significado de sus últimas pinturas, que se hicieron claras, casi gráficas, aunque seguían aludiendo a las líneas biomorfas de sus primeras obras. Algunos dicen que su estado mental e intentos de recuperarse de una vida de alcoholismo lo habían incapacitado para consumar la maestría que apuntaban sus obras tempranas, mientras que otros ven en sus últimas obras el precedente de los pintores de los años 1990 de líneas claras, y con una relación directa con artistas contemporáneos tales como Brice Marden. Otros que conocieron a de Kooning personalmente señalan que sus últimas pinturas se las quitaron y las vendieron antes de que pudiera acabarlas.
Después de su muerte[editar]
Mark Stevens y Annalyn Swan escribieron la primera biografía del artista, de Kooning: An American Master, por la que la pareja recibió el Premio Pulitzer de biografía; el libro lo publicó Knopf a finales de 2004.
Willem de Kooning ha inspirado a la banda galesa Manic Street Preachers tres canciones: Interiors (Song for Willem de Kooning), His Last Painting (sobre su batalla con el Alzheimer), y la canción Door to the River (que recibe su título de una pintura).
En el largometraje de 2000 Pollock fue interpretado por Val Kilmer.
El precio de sus obras, mientras tanto, ha continuado en ascenso. El récord lo tiene, de momento, Interchanged (1955), por el que el gestor de fondos estaounidense Kenneth Griffin pagó en febrero de 2016 unos 300 millones de dólares. El magnate ha cedido al Instituto de Arte de Chicago para ser expuesto tanto este cuadro como Number 17A del también expresionista abstracto Jackson Pollock, adquirido en la misma ocasión en unos 200 millones.1
Ha recibido 21 puntos

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Chaim Soutine

47

Chaim Soutine

Chaim Soutine, nacido Jaím Solomónovich Sutín (Хаим Соломонович Сутин, en ruso) o Jaím Sutsin (Хаім Суцін, en bielorruso) (Smilóvichi, gubernia de Minsk, 1893 – París, 9 de agosto de 1943). Pintor ruso, perteneciente a la denominada Escuela de París. Biografía[editar] Nacido en una pequeña... Ver mas
Chaim Soutine, nacido Jaím Solomónovich Sutín (Хаим Соломонович Сутин, en ruso) o Jaím Sutsin (Хаім Суцін, en bielorruso) (Smilóvichi, gubernia de Minsk, 1893 – París, 9 de agosto de 1943). Pintor ruso, perteneciente a la denominada Escuela de París.
Biografía[editar]
Nacido en una pequeña aldea bielorrusa perteneciente en aquel momento al Imperio ruso, Soutine era el décimo hijo de una prole de once hermanos. Su padre, sastre de profesión, no vio con buenos ojos la afición del pequeño Chaïm por el arte; ya que, en el seno de la comunidad judía ortodoxa, donde vivía estaba prohibida la realización de imágenes por considerársela pecaminosa. En 1909 se trasladó a Minsk, donde recibió sus primeras enseñanzas artísticas. Al año siguiente preparó su ingreso en la Escuela de Bellas Artes de Vilna. En 1913, finalizados sus estudios, se trasladó a París, estableciéndose en Montparnasse, junto a dos compatriotas, también artistas. Fueron tiempos difíciles, en los que Soutine vivió en condiciones precarias. Sin embargo pudo continuar sus estudios en la Escuela de Bellas Artes, bajo los dictados del artista académico Cormon. Es en esa época donde conoció a Modigliani, con quien trabó amistad, sirviéndole incluso de modelo para al menos tres de los retratos del pintor italiano. En 1923 un coleccionista norteamericano adquirió un gran número de obras del pintor, con lo que su economía mejoró notablemente. En 1927 celebró su primera exposición en la galería de Henri Bing. De este modo se introdujo plenamente en el mercado del arte. En 1937 algunas de sus obras fueron incluidas en la Exposición de Artistas Independientes, honor pocas veces concedidos en Francia a un pintor extranjero. El inicio de la Segunda Guerra Mundial significó el principio de su decadencia, en especial cuando la ciudad fue invadida por las tropas nazis, ya que Soutine era oficialmente un judío, por lo que optó por alejarse de París, refugiándose en una pequeña localidad cercana a Tours. La angustia de una posible delación agravó los problemas de salud que tenía. Finalmente en 1943 sufrió un ataque de úlcera, que se le perforó, y obligó a una intervención quirúrgica de urgencia. Chaïm Soutine murió en la mesa de operaciones.

La joven inglesa, pintura de Chaim Soutine.
Obra[editar]

Bodegón, pintura de Chaim Soutine.
Su producción se vio muy influida por la de artistas como Van Gogh, Cézanne, Rembrandt, y El Greco, pudiendo ser definida como expresionista. Nunca fue capaz de pintar si no tenía el modelo delante. Pintaba de un modo frenético, como poseído por un ataque de fiebre, precipitando los colores sobre la tela. Recorría las carnicerías de París en busca de la gallina que tuviera la tonalidad y el aspecto adecuados a lo que él quería representar. En una ocasión adquirió y trasladó a su estudio un buey entero, muerto, dedicándose a pintarlo hasta que el hedor de la carne putrefacta alertó a los vecinos primero, y a las autoridades después. Era muy amigo de Modiglani, para el que posó en sus retratos, por lo menos tres veces. En 1997 un retrato suyo alcanzó los 13 millones de dólares.
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Lola Fernández

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Lola Fernández

Lola Fernández Caballero (Cartagena, Colombia, 15 de noviembre de 1926) es una pintora colombiana-costarricense. Se le considera en la actualidad una de las personalidades más destacadas de la pintura costarricense, cuyo prestigio ha rebasado las fronteras nacionales. Su pintura se caracteriza... Ver mas
Lola Fernández Caballero (Cartagena, Colombia, 15 de noviembre de 1926) es una pintora colombiana-costarricense. Se le considera en la actualidad una de las personalidades más destacadas de la pintura costarricense, cuyo prestigio ha rebasado las fronteras nacionales. Su pintura se caracteriza por un perfecto equilibrio y un estudiado balance de formas y colores que pasa de lo sutil a lo violento, pero contenida y mesurada, y de una gran limpieza. Ha realizado múltiples exposiciones individuales y colectivas en diversos países de América Latina, Estados Unidos, Europa y Costa Rica.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Obra
3 Véase también
4 Referencias
5 Bibliografía
Biografía[editar]
Nacida en la ciudad de Cartagena, de padres colombianos, radica en Costa Rica con su familia desde los 4 años de edad. Sus estudios primarios los realizó en la Escuela Vitalia Madrigal, los secundarios en el Colegio Nuestra Señora de Sion y el Colegio Superior de Señoritas, en la ciudad de San José. En 1941 inició sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Costa Rica, siendo sus maestros reconocidos pintores y artistas nacionales como Teodorico Quirós Alvarado, Francisco Amighetti, Manuel de la Cruz González, Margarita Bertheau, León Pacheco, Emma Gamboa, Carlos Salazar Herrera, Rigoberto Moya, Angelita Pacheco, Juan Manuel Sánchez Barrantes y Juan Portugués.
Sus cursos superiores los realizó en la Academia de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Bogotá, Colombia.
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Remedios Varo

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Remedios Varo

María de los Remedios Alicia Rodriga Varo y Uranga1 (Anglès, Gerona, España, 16 de diciembre de 1908 — Ciudad de México, 8 de octubre de 1963), conocida como Remedios Varo, fue una pintora surrealista española naturalizada mexicana. Índice [ocultar] 1 Datos biográficos 2 Su obra 2.1 Lista... Ver mas
María de los Remedios Alicia Rodriga Varo y Uranga1 (Anglès, Gerona, España, 16 de diciembre de 1908 — Ciudad de México, 8 de octubre de 1963), conocida como Remedios Varo, fue una pintora surrealista española naturalizada mexicana.
Índice [ocultar]
1 Datos biográficos
2 Su obra
2.1 Lista de trabajos representativos
3 Juicio de Intestado
4 Véase también
5 Referencias
6 Bibliografía
7 Enlaces externos
Datos biográficos[editar]
María de los Remedios Alicia Rodriga Varo y Uranga llevó su nombre más popular, Remedios, debido a que su nacimiento vino a "remediar" a su madre la reciente pérdida de una de sus hijas. Nacida en una pequeña provincia española, tuvo una vida enfermiza con problemas cardiacos. Mostró desde pequeña una natural inclinación por la pintura. Alentada por su padre, ingresó en 1924, a la edad de 15 años, a la Academia de San Fernando en Madrid.2
Al final de sus estudios, contrajo matrimonio con uno de sus compañeros de estudios, Gerardo Lizárraga, con quien partió a París, Francia, donde residió durante un año.3 A su retorno en 1932, se estableció en Barcelona, donde ejerció en compañía de su esposo el oficio de dibujante publicitario.
En 1935, se separó de su esposo;4 conoció luego al pintor Esteban Francés, quien la introdujo al círculo surrealista de André Breton. Ese verano en Barcelona realizó diversos cadáveres exquisitos a base de collages, en colaboración con Óscar Domínguez, Esteban Francés y Marcel Jean. Una vez familiarizada con el movimiento surrealista, se integró al grupo logicofobista, que pretendía representar los estados mentales internos del alma, utilizando formas sugerentes de tales estados.5 Durante su colaboración con este grupo, Remedios Varo pintó L’Agent Double, obra que anticiparía su estilo personal.
Durante la guerra civil española, quedó del lado republicano. También durante este período y en buena medida gracias a su activo soporte a los antifascistas, conoció al poeta Benjamin Péret, con quien estableció una relación amorosa, y partió por segunda vez a París, donde residiría hasta la invasión nazi.6
En 1941, la pintora y el poeta abandonaron la Francia ocupada y emigraron a México donde, gracias a la política del presidente Lázaro Cárdenas de acogida de refugiados políticos, pudieron naturalizarse y desarrollar una actividad laboral.7
En 1947, se separó de Benjamin Péret, quien retornó a París, ya liberada para entonces. Gracias a sus contactos anteriores y a sus actividades en México, Remedios partió ese año a Venezuela, como integrante de una expedición científica del Instituto Francés de América Latina. En Venezuela, además de su trabajo de ilustradora entomológica, pudo continuar enviando carteles publicitarios para Bayer, así como trabajar un corto lapso para el instituto de malariología venezolano.8
En el año de 1949 regresó a México, donde continuó con su labor de ilustradora publicitaria. En 1952 contrajo segundas nupcias con el político austríaco Walter Gruen, con quien permaneció hasta su fallecimiento.6 Fue Gruen quien convenció a Remedios de abandonar sus labores comerciales y consagrarse totalmente a la pintura.
En 1955, presentó al público sus trabajos en una primera exposición colectiva, en la galería Diana de la Ciudad de México, seguida al año siguiente de una exposición individual.9
Durante su estancia en México, conoció a artistas como Frida Kahlo y Diego Rivera, pero estableció nexos de amistad más fuertes con otros intelectuales en el exilio, en particular con Leonora Carrington, también pintora surrealista.10
Llegó a México para que este país fuera la sede de su primer exposición en 1955.11 Su impacto dentro del mundo del arte es innegable, así como su producción dentro el país que la acogió. La imagen de Remedios Varo se ha popularizado. Destacó durante la época del muralismo mexicano, no como muralista sino con pinturas suyas situadas en instituciones mexicanas. Por ejemplo, en el Instituto Nacional de Cardiología cuelga la pintura Retrato del Dr. Chávez, de 1957, nombrada como el médico mexicano Ignacio Chávez, quien fue cardiólogo de esta pintora.
La vida de Remedios se vio rodeada de misticismo, sus temas de interés iban desde la teoría psicoanalítica hasta la alquimia, tal como se expresa en múltiples cuadros suyos. Por ejemplo, en el tríptico que hace en 1961, que consta de las obras Hacia la torre, Bordando el manto terrestre y La huida, traduce su propia historia de vida a una representación surrealista.12
Un servicio al que tuvo acceso fue a la práctica del psicoanálisis, de hecho, el misticismo en sus pinturas estaba influido por el psicoanálisis de Sigmund Freud, Carl Jung y Alfred Adler. Resulta claramente visible en el cuadro de 1960 Mujer Saliendo del Psicoanalista, donde plasma una escena suya saliendo de su sesión, la imagen de la mujer que se deshace del padre, y encontramos el grabado Doctor VetiFJA en la puerta, de donde sale la mujer de verde, que hace mención a los psicoanalistas recién mencionados.11
Falleció el 8 de octubre de 1963 en la Ciudad de México de un infarto de miocardio. En su estudio se encontraba la última obra que pintó, Naturaleza muerta resucitando, y el boceto del que sería su siguiente cuadro, Música del bosque.13
Su obra[editar]
Remedios Varo es de las primeras mujeres artistas en introducir y popularizar su trabajo en México, gracias a sus relaciones personales con otras artistas que radicaban allí, como Leonora Carrington, con quien conservó una buena amistad, y otros miembros de la élite artística e intelectual de mediados del siglo XX.
La obra de la pintora es vasta y compleja. Puede mencionarse que la obra de Remedios Varo posee un estilo característico y fácilmente reconocible. En su obra aparecen con frecuencia figuras humanas estilizadas realizando tareas simbólicas, en las cuales se tienen a la vez elementos oníricos y arquetípicos. Su obra entera está teñida de una atmósfera de misticismo, pero plasmado en las figuras representativas del mundo secular moderno. Su pintura está puntualizada por un marcado interés por la iconografía científica. De allí que en tiempos recientes, las obras de la pintora sean retomadas cada vez con más frecuencia en la literatura de divulgación.
Sus cuadros, muchos de los cuales están conservados en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, han sido expuestos en numerosas ocasiones como exposiciones temporales. Junto con la obra de otras mujeres surrealistas se presentaron cuadros populares suyos en In Wonderland, llevada a cabo en el Museo de Arte Moderno a finales del 2012 y principios del posterior año.
Esta pintora se ganó una dedicatoria post mortem en la Megaofrenda por el Día de Muertos de la UNAM, en el 2013, dedicando las ofrendas a su trabajo artístico plástico.
Lista de trabajos representativos[editar]

Roulotte, 1956.

Detalle de La huida, 1961.
1935 El Tejido de los Sueños
1942 Gruta Mágica
1947 Paludismo (Libélula)
1947 El Hombre de la Guadaña (Muerte en el Mercado)
1947 La Batalla
1947 Insomnio I
1947 Amibiasis o los Vegetales
1955 Simpatía o La Rabia del gato
1955 Ciencia inútil o el Alquimista
1955 Ermitaño meditando
1955 La Revelación o el Relojero
1955 Trasmundo
1955 El Flautista
1955 El Paraíso de los Gatos
1956 A la felicidad de las damas
1956 Cazadora de astros
1957 Creación de las aves
1957 Modista
1957 Caminos tortuosos
1957 Reflejo Lunar
1957 El Gato Helecho
1958 Papilla estelar
1959 Exploración de las fuentes del río Orinoco
1959 Catedral Vegetal
1959 Encuentro
1960 Mimetismo
1960 Mujer saliendo del psicoanalista
1960 Visita al cirujano plástico
1960 Hacia la torre
1961 Vampiro
1961 Tejiendo el manto terrestre
1962 Vampiros Vegetarianos
1962 Fenómeno de ingravidez
1962 Tránsito espiral
1963 Naturaleza Muerta Resucitando
Juicio de Intestado[editar]
En el año 2000, Walter Gruen, su viudo, donó la colección de obras de Remedios Varo al Museo de Arte Moderno de México. La mayoría de estas obras fueron legalmente compradas a coleccionistas privados que a su vez las habían adquirido legalmente en galerías. Fueron declaradas monumento artístico mexicano el 26 de diciembre de 2001.
Por medio de un movimiento judicial, avalado por las jueces María Margarita Gallegos López y Rebeca Pujol Rosas, en ese año la española Beatriz María Varo Jiménez, sobrina de Remedios y también pintora, es declarada por el Juzgado Décimo Tercero de lo Familiar en el Distrito Federal de México como única y universal albacea de la sucesión de bienes de su tía Remedios Varo.
En marzo de 2005 el Instituto Nacional de Bellas Artes apeló el dictamen, el cual se suspendió temporalmente en lo que las instancias judiciales competentes revisan el caso.
Cabe señalar que, en vida, la pintora vendió o regaló la mayoría de sus obras, aduciendo que lo que más le importaba era el proceso creativo, no las obras en sí; las cuales, al dejar de pertenecerle, dejaron también, de acuerdo a la ley, de ser parte de su herencia.
Finalmente, el 11 de enero de 2008, la titular del juzgado décimo tercero de lo familiar, María Margarita Gallegos López, emitió una sentencia donde señaló que la Federación, entendida como la nación mexicana, es la única y legítima propietaria de las obras de Remedios Varo.14
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Ernst Ludwig Kirchner

50

Ernst Ludwig Kirchner

Ernst Ludwig Kirchner Piper (Aschaffenburg, Alemania, 6 de mayo de 1880 - Frauenkirch en Suiza, 15 de junio de 1938), pintor expresionista. Fue uno de los cuatro estudiantes de la Escuela técnica superior de Dresde que fundaron el grupo expresionista Die Brücke en 1905. El Kirchner Museum Davos... Ver mas
Ernst Ludwig Kirchner Piper (Aschaffenburg, Alemania, 6 de mayo de 1880 - Frauenkirch en Suiza, 15 de junio de 1938), pintor expresionista. Fue uno de los cuatro estudiantes de la Escuela técnica superior de Dresde que fundaron el grupo expresionista Die Brücke en 1905. El Kirchner Museum Davos posee la mayor colección mundial de su obra.1
Índice [ocultar]
1 Vida
2 Obras
2.1 Galería
3 Referencias
4 Bibliografía
5 Enlaces externos
Vida[editar]
En 1903 Kirchner estuvo en Múnich para estudiar pintura en la Escuela de Bellas Artes. En 1905 fundó con otros estudiantes el grupo Die Brücke (El puente) que pretendía crear un estilo plano con colores puros, inspirado en el arte primitivo y el fauvismo francés. Este grupo y Der Blaue Reiter formaron la segunda oleada expresionista.
Los rasgos más distintivos de este grupo son: el color antinatural, cálido, subjetivo y fulgurante; las formas más bien planas, con poco interés por los volúmenes y la perspectiva, que se violenta en escorzos imposibles; uso de contornos trazados con líneas gruesas, como incisiones en madera. Fueron estos artistas los que recuperaron la técnica de la xilografía, de origen medieval. Los temas son generalmente escabrosos, en sintonía con la forma expresiva de mostrarlos: prostitución, locales nocturnos de dudosa reputación, calles angostas con personajes trajeados...
Kirchner siguió viviendo en Dresde hasta 1911. Después se marchó a Berlín, donde supo reflejar la agitación y el movimiento de una gran ciudad moderna. Se interesó por el mundo de la prostitución callejera; un ejemplo destacado Prostituta en rojo se halla en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.
En 1914 con el estallido de la Primera Guerra Mundial, fue movilizado, pero sufre una grave crisis nerviosa. Al retornar de la guerra, en 1915, su situación mental no mejoró y su salud se resintió más tras sufrir un atropello. Tuvo que optar por la tranquilidad de Davos (Suiza), donde siguió pintando, en su mayor parte, paisajes más tranquilos, y menos estimados por la crítica actual.
En 1937, en plena ascensión del nazismo, su arte se calificó de arte degenerado y se destruyeron muchos de sus trabajos. Su precaria situación emocional empeoró a raíz de ello y se suicidó en Frauenkirch, cerca de Davos, en 1938.
Obras[editar]
Se interesó mucho por el grabado sobre madera. Kirchner cultiva formas angulosas que pueden estar inspiradas en la descomposición cubista o en el diseño normal de los grabados xilográficos.
Cartel para una exposición de Die Brücke (1910)
Danza negra (h. 1911)
La torre roja en Halle (1915)
La calle (1908-19, posiblemente de 1913).
Neben der Heerstrasse, serie de ilustraciones para el libro del mismo nombre de Jakob Bosshart. Se publicó en 1923.
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Marcel Duchamp

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Marcel Duchamp

Marcel Duchamp (AFI maʀsɛl dyˈʃɑ̃) (Blainville-Crevon, 28 de julio de 1887 - Neuilly-sur-Seine, 2 de octubre de 1968) fue un artista y ajedrecista francés. Especialmente conocido por su actividad artística, su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del movimiento pop en el siglo XX... Ver mas
Marcel Duchamp (AFI maʀsɛl dyˈʃɑ̃) (Blainville-Crevon, 28 de julio de 1887 - Neuilly-sur-Seine, 2 de octubre de 1968) fue un artista y ajedrecista francés.
Especialmente conocido por su actividad artística, su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del movimiento pop en el siglo XX. Al igual que el citado movimiento, abominó la sedimentación simbólica en las obras artísticas como consecuencia del paso del tiempo y exaltó el valor de lo coyuntural, lo fugaz y lo contemporáneo. Duchamp es uno de los principales valedores de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento.1
Índice [ocultar]
1 Biografía
1.1 Inicios artísticos en París
1.2 Etapa cubista
1.3 Viaje a Múnich y vuelta a París
1.4 Traslado a Nueva York
1.5 La Sociedad de Artistas Independientes y la Fuente de R. Mutt
1.6 La guerra
1.7 Buenos Aires y París
1.8 De vuelta en Nueva York
1.9 Veinte años (casi ininterrumpidos) en París
2 Obra
2.1 El ready-made
3 Véase también
4 Notas y referencias
4.1 Referencias
4.2 Bibliografía
5 Enlaces externos
Biografía[editar]
Nació el 28 de julio de 1887 en Blainville-Crevon, un pequeño pueblo francés donde su padre, Eugène Duchamp, ejercía como notario y alcalde. Fue el tercero de seis hermanos. Sus dos hermanos mayores, que adoptaron más tarde los nombres de Raymond Duchamp-Villon y Jacques Villon, decidieron dedicarse al arte, quizás debido a la influencia de su abuelo materno, que tras ganar una fortuna considerable como agente marítimo se había retirado para dedicarse a sus principales aficiones, el grabado y la pintura, llegando a exponer algunas obras en la Exposición Universal de París (1878).
Como habían hecho sus hermanos mayores, a los que estaba muy unido, Marcel asistió a clases de dibujo en el liceo. Su hermano Gaston (Jacques Villon) había alcanzado cierta fama como pintor de carteles en París, en una época en la que descollaban Henri de Toulouse-Lautrec y Alfons Mucha, y Marcel, que admiraba a su hermano, trató de imitar su estilo en sus primeros dibujos.2 . En el verano de 1902, con catorce años, pintó sus primeros óleos, de influencia impresionista, en los que se muestran paisajes de Blainville. También realizaría varios dibujos con diferentes medios (acuarela, aguada, monotipo, lápiz) con un único tema: su hermana Suzanne, dos años menor que él, que también se dedicaría a la pintura. En 1904 abandonó el hogar paterno para marcharse al barrio parisino de Montmartre, donde vivió con su hermano Gaston. Marcel, al igual que sus hermanos, disponía de una asignación mensual que su padre le daba como adelanto de la herencia.
Inicios artísticos en París[editar]

M. Duchamp como Rose Selavy.
En 1904, Montmartre llevaba más de cincuenta años albergando a la comunidad artística de París. Marcel se presentó al examen de la École des Beaux-Arts, que suspendió. Se matriculó en una escuela privada, la Académie Julian, que abandonó poco después por la vida en los cafés del barrio, donde, como era habitual en ese momento, llevaba un cuaderno en el que dibujaba escenas de la vida cotidiana. Tras su servicio militar en Eu, cerca de Ruan, volvió a París en 1906. Por aquel tiempo realizó dibujos humorísticos, una actividad que gozaba de prestigio en la época. En 1907 se seleccionaron cinco de sus dibujos en el primer Salon des Artistes Humoristes. En 1908 se eligieron, hoy en día desaparecidas, para el Salón d'Automne, una importante exposición anual. Marcel pintó durante los años siguientes con un estilo fauvista, del que Matisse era el abanderado. Aunque Duchamp, muchas veces contradictorio en sus afirmaciones, en ocasiones rechazó la influencia de Cézanne, en otras reconoció haber permanecido una larga temporada bajo su influjo, bajo el que probablemente pintaría Retrato del padre del artista, un retrato psicológico de su padre. Pintó más retratos por aquel tiempo, incluyendo uno de su amigo el doctor Dumochel en el que exageró algunos rasgos físicos. A este respecto, Duchamp comentó que fue un primer intento de dotar de humor a su obra.3 En 1910 pintó La partida de ajedrez, en la que aparecían sus dos hermanos jugando al ajedrez en un jardín con sus mujeres abstraídas en sus cavilaciones. Al exponer este cuadro junto a otros cuatro en el Salón d'Automne pasó a ser societaire, lo que suponía el derecho a exponer sin ser examinado previamente por un jurado.
Aunque sus primeras pinturas mostraban talento, produjo pocas obras en comparación a otros artistas. Fue ésta una época de titubeos y experimentación con varias tendencias.
Etapa cubista[editar]
Era un tiempo de revoluciones artísticas: el collage de Picasso y Braque, el futurismo, las obras de Alfred Jarry, la poesía de Apollinaire y el arte abstracto de Vasily Kandinsky, Robert Delaunay y Piet Mondrian abrían al arte moderno. A partir de 1911 Duchamp empezó a innovar más seriamente. Según Tomkins, el cuadro que marca el inicio de esta etapa es Sonata.4 En la pintura, inspirada en el cubismo de su hermano Jacques Villon, aparecen sus tres hermanas interpretando una pieza musical y su madre, ajena. Tras experimentar con "un fovismo que no se basaba únicamente en distorsión"4 en El matorral, pintó Yvonne y Magdaleine desmenuzadas y Retrato (Dulcinea), en los que juega con los temas del movimiento y la transición, temas mayores en la obra de Duchamp. En ésta época tuvo una relación con Jeanne Serre, según Gough-Cooper y Caumont la modelo de El matorral, con la que tuvo una hija, aunque Duchamp no lo sabría hasta mucho más adelante.5 En aquella época quedó cazado por el cubismo en sus visitas a la Galerie Kahnweiler, donde había lienzos de Picasso y Braque. Como tanto Picasso como Braque rechazaron justificar el cubismo con teorías o manifiestos, el grupo de nuevos cubistas en el que se encontraban los hermanos Duchamp—con los que no se relacionaban Picasso ni Braque—comprendieron su fundamento intelectual mediante las explicaciones de Jean Metzinger. Este grupo se reunía en la casa de Villon en Puteaux los domingos por la tarde, de ahí recibió el nombre de grupo de Puteaux. Entre otros temas, en las discusiones del grupo que se hablaba de dos asuntos de importancia para Duchamp: La cuarta dimensión y el arte interpretado por la mente en lugar de por la retina (arte retiniano). Fruto de estas nuevas ideas, en 1911 acometió la tarea de representar la actividad mental de una partida de ajedrez, esfuerzo que desembocó en Retrato de jugadores de ajedrez. Aunque en su técnica no destaca sobre otras obras cubistas, sí lo hace el intento de dar énfasis a la actividad mental en detrimento de la imagen «retiniana».

Aunque hay ciertas similitudes entre ambos Desnudos Duchamp aseguró no recordar haber visto este Desnudo bajando una escalera de Eadweard Muybridge.6

En cambio, sí reconoció la influencia de las fotografías de Étienne-Jules Marey, que trataban de capturar el movimiento mediante fotografías repetidas, como éstas.6
A partir de Retrato de jugadores de ajedrez, primera pintura innovadora, cada obra de Duchamp era distinta a las anteriores. Nunca se detuvo a explorar las posibilidades que abría una nueva obra, simplemente cambiaba a otra cosa. Por este tiempo dejó de frecuentar tanto a sus hermanos y pasó a estar en contacto sólo con un grupo de amigos, en especial con Picabia. Entonces empieza a interesarse por la plasmación pictórica de la idea movimiento. El primer intento de esta línea es Joven triste en un tren, que Duchamp consideró un esbozo. Además de por la nueva línea que abre, esta obra es notable por ser la primera vez en la que Duchamp juega con las palabras en sus obras, pues según él eligió triste por su aliteración con train.7 La siguiente obra de Duchamp continuó esta senda. Se trata de Desnudo bajando una escalera, del que pintó dos versiones.
Desnudo, que empezó en diciembre de 1911, sorprendió en primer lugar por su título, que pintó en el mismo lienzo.8 El desnudo era un tema artístico con unas reglas fijas ya establecidas, que desde luego no incluían figuras bajando por escaleras. Duchamp mostró la idea de movimiento mediante imágenes superpuestas sucesivas, similares a las de la fotografía estroboscópica. Tanto la sensación de movimiento como el desnudo no se encuentran en la retina del espectador, sino en su cerebro. Aúna elementos del cubismo y futurismo, movimiento que atacaba al cubismo del grupo de Puteaux. El cuadro debía exhibirse en la exposición cubista del Salon des Indépendants, pero Albert Gleizes le pidió a sus hermanos que le dijeran que retirara voluntariamente el cuadro, o que le cambiase el título, que les parecía caricaturesco, a lo que estos accedieron. A propósito de este incidente, Duchamp recordaría más tarde:
(...) no repliqué. Dije muy bien, muy bien, cogí un taxi para la exposición, recuperé mi cuadro y me lo llevé. Fue un auténtico giro en mi vida. Me di cuenta de que, después de aquello, nunca más volverían a interesarme demasiado los grupos
Tomkins (1996, p. 95)
Sin embargo, si Desnudo bajando una escalera animó a Duchamp a seguir su propio camino sin adscribirse a teorías o grupos, fue otro cuadro pintado ese mismo año el que marcaría el camino que acabaría años más tarde en la realización de El gran vidrio (La marièe mise à nu pair ses célibataires): Molinillo de café, una pequeña pintura para la cocina de su hermano. Según el propio Duchamp, pintó una descripción del mecanismo, estructurada en dos partes, ideas presentes también en el vidrio, aunque en aquella época no fue consciente lo que suponía.
Viaje a Múnich y vuelta a París[editar]

Picabia, amigo de Duchamp, en su estudio.
En aquellos años recibió, según Tomkins, la influencia de Jules Laforgue y Raymond Roussel. Del primero le atraían su humor cínico, el desapego de sus personajes y sus juegos verbales. Del segundo, su obra a base de juegos de palabras, transliteraciones y retruécanos. Como más tarde reveló el propio Roussel, le atrajo la «locura de lo inesperado» y el descubrimiento de una obra que parte únicamente de la imaginación del autor, pues para Roussel las obras no debían contener «nada salvo combinaciones de objetos totalmente imaginarios».9 Duchamp acudió junto a Francis Picabiaa a la representación de Impresiones de África, que le impresionó fuertemente. Una semana más tarde se encaminó solo a Múnich. Allí no realizó ningún intento de conocer a Kandinsky, y de hecho la cuestión de la abstracción pura le resultaba bastante indiferente, sino que se dedicó a trabajar. De esta época son los primeros bocetos del gran vídrio y aparece el tema de las vírgenes y su transición a novia, tema que trabajaría durante mucho tiempo. Empezó por los dibujos de la Virgen, después continuó con la pintura El tránsito de la virgen a la novia y culminó con Novia. Según algunos críticos, como Jerrold Seigel, los cuadros no versan sobre la iniciación sexual, sino sobre transición al estado justamente anterior, de inocencia expectante. En las dos últimas aparecen un artilugio que también figurará en el Gran vidrio y de hecho, según el propio Duchamp, Novia no era más que un ensayo para una obra de más importancia. En esta época estuvo enamorado de Gabrielle Buffet-Picabia, esposa de Picabia. Tras dos meses de trabajo visitó Viena, Praga, Leipzig, Dresde y Berlín y sus museos antes de volver a París. En el viaje de vuelta escribió dos páginas de retrúecanos, fantasías y juegos de palabras que describen un cuadro que no llegaría a pintar. Este texto está considerado un precedente de las notas que más adelante incluiría en su Caja verde y del lenguaje del Gran vidrio. Según declararía más tarde, en esta época había abandonado el cubismo y la representación pictórica del movimiento, y se había hartado de la pintura. Se embarcó en la creación de una obra diferente, de gran envergadura, para lo que buscó un empleo de bibliotecario que le ocupara pocas horas.

Cartel del Armory Show de 1913.
Sin embargo, la exposición de la Section d'Or, la exposición cubista más importante celebrada antes de la guerra,10 trastocó sus planes por completo. De Duchamp se expusieron seis obras, entre ellas Desnudo bajando una escalera. Nº 2. Las pinturas muniquesas no se exhibieron, pues las consideraba meros estudios. Su obra tuvo poca repercusión en general, pero recibió elogios de Guillaume Apollinaire, que seguramente le prestó atención a causa de su amistad mutua con Picabia, y, lo que resultó más importante, atrajo vivamente el interés de Arthur B. Davies, Walter Pach y Walt Kuhn, que tenían proyectado organizar la Exposición Internacional de Arte Moderno que pasaría a la historia con el nombre de the Armory Show. Después se fue a viajar por países

Caricatura The Rude Descending the Staircase (Rush Hour at the Subway) de J. F. Griswold que publicada el 20 de marzo de 1913 en la portada del Evening Sun
El Armory Show puso en contacto al arte estadounidense con la vanguardia europea. Entre las pinturas, esculturas y obras decorativas expuestas el Desnudo bajando una escalera, nº2 de Duchamp provocó una gran reacción. Hubo colas de treinta y cuarenta minutos para ver el cuadro y el American Art News ofreció diez dólares al que diera la mejor explicación del cuadro.11 Aunque el arte moderno recibió burlas en la prensa, atrajo a un grupo no muy numeroso de coleccionistas. A los tres hermanos Duchamp les fue muy bien: Raymond vendió tres de cuatro esculturas expuestas, Jacques Villon sus nueve pinturas y Marcel vendió sus cuatro lienzos por un total de 972 dólares.
Duchamp pasó dos años realizando estudios para el Gran vidrio. El cambio en su obra fue total. Aunque antes de su viaje a Múnich había mostrado su desprecio por el arte retiniano, su arte seguía circunscrito en la tradición del arte occidental, tanto en materiales, pues siempre pintaba en óleo sobre lienzo, como en conceptos. Tras el viaje se aprecia como abandona el principio de la sensibilidad creadora y lo sustituye por el dibujo mecánico, la escritura, la ironía y el empleo del azar. Según Tomkins, no es casualidad que este cambio coincida con la mudanza de Duchamp a Neuilly, donde viviría alejado del círculo artístico de Montmartre. Allí se dedicó a trabajar en los preliminares de su nueva obra. Realizó dibujos preparatorios y escribió notas. En algún momento se le ocurrió que realizaría la obra sobre vidrio. De esta forma podría evitar la oxidación de los colores y también podría dejar zonas sin pintar, lo que elimina la necesidad de llenar todo el soporte. Había decidido que en su obra mostraría un movimiento psicológico, un tránsito, como había hecho ya en El tránsito de la virgen a la novia. En este tiempo estudió la perspectiva renacentista en detalle. Realizó un estudio en perspectiva del panel inferior (la machine célibataire o la máquina soltera). Pintó también un molinillo de café en perspectiva (Molinillo de chocolate (Nº 1)). Este trabajo en óleo sobre lienzo es un estudio del elemento central del panel inferior. Está pintado en un estilo muy diferente a sus obras anteriores, pues lo pintó con toda la precisión de la que fue capaz. Al recurrir al dibujo técnico, Duchamp intentaba eliminar la sensibilidad personal del artista al mecanizar el trazo. Más tarde consideró que aquel trabajo fue el auténtico principio del Gran vídrio. En sus notas preparatorias juega con la ironía y altera las leyes de la física y la química. Así, se habla de la oscilación de la densidad, la inversión de la fricción y la sexualidad como motor de dos tiempos en un coqueteo con la patafísica. Duchamp dijo que buscó acercarse a la ciencia, pero no por amor a la misma, sino para «desacreditarla ligeramente, de una manera leve, sin importancia».12 También se aprecia el gran interés de Duchamp por la cuarta dimensión y la geometría no euclidiana. Del grupo de Puteaux Duchamp fue el único que trabajó concienzudamente para comprender estos temas. De hecho, Gertrude Stein dice de Duchamp tras conocerle que «parece un joven inglés y habla con vehemencia acerca de la cuarta dimensión».13
Tras eliminar el talento en la manufactura recurriendo al dibujo técnico, Duchamp atacó a la intención consciente recurriendo al azar. Se le ocurrió cortar tres hilos de un metro de longitud y dejarlos caer sobre tres lienzos. Calcó las líneas resultantes y reprodujo tres veces cada una sobre un lienzo. Al resultado lo tituló Red de zurcidos. Aunque otros artistas habían empleado el azar para escapar de sus condicionantes, Duchamp lo empleó de una forma nueva, pues consideraba que, dado que la suerte de cada uno es distinta, el resultado de su azar era una expresión de su subconsciente.14 En algún momento de 1913, cuando exploraba esta vía, creó lo que retrospectivamente consideró el primer ready-made: una rueda delantera de bicicleta dispuesta bocabajo sobre un taburete de cuatro patas (Rueda de bicicleta sobre un taburete). Duchamp dijo que había surgido como un divertimento, pues le resultaba agradable observar como desaparecían los radios al girar la rueda.15 Más adelante compró un portabotellas, artículo frecuente en los hogares franceses de la época, sin la intención de usarlo para llenarlo de botellas, sino como escultura ya hecha. En una nota de 1913, Duchamp anota la pregunta «¿Se pueden hacer obras que no sean de arte?».16
También estuvo buscando el material con el que haría la en vidrio. Tras unos meses en los que estuvo probando a corroer el vidrio con ácido fluorhídrico, abandonó la idea porque le resultaba demasiado engorroso y peligroso, pues la reacción química emitía gases tóxicos. Entonces se le ocurrió utilizar hilo de alambre que pegaría al vidrio con gotas de barniz. El material era fácil de encontrar, maleable y muy cómodo. Con alambre sobre vidrio creó Trineo. Aunque Francia entró en la Primera Guerra Mundial el 3 de agosto de 1914 y sus dos hermanos fueron llamados al ejército poco después, la opinión general en Francia es que la guerra duraría menos de medio año. En estas circunstancias, Duchamp continuó trabajando en sus estudios para el Gran vidrio. Lo siguiente que abordó fue otra obra en alambre sobre vidrio, los Nueve moldes machos, recipientes tridimensionales que representan a los solteros. Aunque en principio eran ocho, finalmente les agregó un noveno, el jefe de estación. Para Duchamp el número tres representaba a la multitud. El tres y múltiplos de tres aparecen con frecuencia en su obra. Para los Pistones de corrientes de aire de la parte superior del vidrio Duchamp recurrió otra vez a la suerte: dejó una gasa cuadrada ante una ventana y la fotografió tres veces mientras el viento la sacudía suavemente. Las siluetas resultantes formarían los Pistones.
Traslado a Nueva York[editar]
Walter Pach volvió a París en busca de obras para organizar más exposiciones en Nueva York sobre las vanguardias europeas. A raíz de esta visita, Duchamp y Pach se hicieron amigos. Muchos de los artistas afincados en la capital francesa habían sido llamados a filas. Duchamp fue eximido del ejército al detectarle un soplo reumático en el corazón. Aunque no exhibía su actitud escéptica con la guerra e impermeable al patriotismo, tuvo que aguantar los reproches de su cuñada y de los desconocidos que le increpaban por la calle por no estar en el frente. Así las cosas, escribió a Pach el 2 de abril de 1915 que estaba «totalmente decidido» a marcharse de Francia.,17 y en una carta posterior aclaraba «No me voy a Nueva York, me marcho de París, que es muy distinto». El 15 de junio zarpó en el Rochambeau en dirección a Nueva York.
Ya en Nueva York se alojó inicialmente en la casa del matrimonio Arensberg. Walter Arensberg, hijo de un magnate del acero, había quedado muy impresionado por el Armory Show. Para cuando Duchamp llegó a su apartamento, Arensberg atesoraba obras de Brancusi, Picasso, Braque, Matisse y los cubistas de Puteaux. Se ganó la vida y aprendió inglés dando clases de francés a amigos de Pach y Arensberg, entre los que se encontraba John Quinn, con quien trabó amistad. Tras dos meses en Nueva York, los medios de comunicación descubrieron que se encontraba allí y se convirtió en objetivo de los entrevistadores. Éste les correspondía con ideas y opiniones originales.b Sin embargo, ni habló de su obra ni se dedicó a pintar. En septiembre se marchó del apartamento de los Arensberg. Tres meses más tarde se volvió a mudar. El alquiler de su nuevo apartamento le obligó a buscar trabajo además de las clases, así que por medio de Pach consiguió un empleo en el Instituto Francés.
Poco después de irse a vivir a su nuevo apartamento compró dos hojas de vidrio que serían el soporte del Gran vidrio, en el que trabajaba dos horas al día, aunque no todos los días. En invierno compartió piso con Jean Crotti, que hizo una pieza de metal sobre vidrio que retrataba a Duchamp: Retrato de Marcel Duchamp, que adquirió Arensberg y que más tarde desapareció. Fue en aquella época cuando Duchamp compró una pala quitanieve, la colgó del techo mediante un cable, la tituló In Advance of the Broken Arm y la firmó. Era un objeto elegido a través de la «indiferencia visual y, al mismo tiempo, de la total ausencia de buen o mal gusto»18 Es el primer auténtico ready-made: una obra creada por la elección del artista, no por su habilidad. Poco después escribió a su hermana Suzanne para que convirtiese al portabotellas en un ready-made en la distancia. Para hacer esto, solo tenía que escribir una inscripción en él. Sin embargo, Suzanne ya había tirado el portabotellas y la rueda de bicicleta. De todas formas, la idea de ready-made había nacido. Duchamp diría mucho más adelante «No estoy seguro en absoluto de que el concepto de ready-made no sea la idea más importante que haya producido mi obra».19

Marcel Duchamp, Francis Picabia y Beatrice Wood en Coney Island, 1917.
En aquella época se convirtió en el centro de atracción del grupo de Arensberg por su ingenio. Bebía bastante, en palabras de Albert Gleizes, y según Gabrielle Picabia, «todas sus alumnas caían en sus brazos», pues «había adquirido bastante experiencia y sabía como comportarse en cualquier situación». En su círculo íntimo se encontraban Picabia, el fotógrafo Man Ray y Henri-Pierre Roché, con los que compartiría una larga amistad. Por otra parte, en esta época Duchamp jugaba todas las noches al ajedrez en casa de Arensberg, que había formado parte del equipo de Harvard.20
Además de en el círculo de Arensberg, Duchamp se movía también en el de Alfred Stieglitz, que editaba la revista 291, donde Duchamp colaboró escribiendo poesía abstracta en francés. También trató a Beatrice Wood. La chica, de 22 años, dijo en su encuentro que le parecía que el arte moderno podía hacerlo cualquiera, a lo que Duchamp contestó que por qué no lo intentaba. Cuando Wood le mostró su dibujo, Duchamp le dijo que intentaría que su amigo Allen Norton lo publicase en Rogue y le ofreció pintar en su estudio. Wood escribió de esta época «Salvo por el acto físico, éramos amantes».20 Más adelante Wood se enamoró de Roché, quien escribió una obra, Victor, que dejó inacabada y que según Tomkins está inspirada en este triángulo amoroso. Sin embargo, según su propio testimonio, no se acostó con él hasta 1917.21
La Sociedad de Artistas Independientes y la Fuente de R. Mutt[editar]
A partir de principios de 1917 los artistas del círculo de Arensberg fundaron la Sociedad de Artistas Independientes, a imitación del Salon des Indépendants con la intención de organizar exposiciones sin premio ni jurado. En dos semanas llegaron a los seiscientos miembros. Duchamp fue nombrado responsable del comité de selección y decidió que las obras se expondrían ordenadas alfabéticamente de acuerdo al apellido del autor. En total se expusieron 2125 obras de 1200 artistas, lo que convirtió la exposición en la mayor de la historia de los Estados Unidos. Duchamp no presentó ninguna obra con su nombre, pero sí lo hizo con el seudónimo de R. MUTT.
La obra en cuestión era un urinario que Duchamp había comprado con Arensberg y Stella. Lo tumbó y pintó el nombre R. MUTT en él. R. Mutt aludía por una parte al Mott y a la tira cómica Mutt and Jeff y por otra la R. hacía referencia a Richard, «monedero» en jerga francesa.22 Lo envió a la organización con los dos dólares de la inscripción y el título: Fuente. Según escribió Beatrice Wood, el objeto causó mucho revuelo entre algunos organizadores, que consideraban que era una broma o una indecencia. Se realizó una votación para determinar si habría que admitir el urinario en la exposición, que perdieron sus defensores. Duchamp y Arensberg dimitieron de la junta. El urinario se expuso en la galería 291 donde Stieglitz la fotografió. Se desconoce cuál fue el destino de la obra. También se desconoce por qué Duchamp la presentó a la exposición. Según Tomkins, se podría tratar de una provocación dirigida a la facción que se tomaba más en serio el asunto.
Por aquella época Duchamp, Roché y Wood publicaron The Blind Man donde reprodujo la fotografía que tomó Stieglitz junto al editorial The Richard Mutt Case en el que se hace énfasis en que el autor eligió la obra, lo que la convierte en arte.23 24 Cincuenta años más tarde, Duchamp diría «Les tiré el urinario en la cara y ahora lo admiran por su belleza estética».25
La guerra[editar]
Véase también: dadaísmo
En 1916 se originó el dadaísmo en Zúrich por un grupo de artistas que huían de la Primera Guerra Mundial. Según uno de sus fundadores, Tristan Tzara, el dadaísmo no era moderno en absoluto, y Duchamp lo asociaba a Jarry y Aristófanes. Declaraban que toda obra humana es arte y consideraban que la vida era más importante que el arte. Duchamp, que tampoco tenía ningún interés en ir a la guerra, compartía muchos puntos con los dadaístas suizos, pero aseguraba que lo que él y su círculo hacían en Nueva York «no era dadá». La diferencia estaba, según él, en que los dadaístas «libraban una batalla contra el público. Y cuando se está librando una batalla, resulta difícil reírse al mismo tiempo». El ambiente en Nueva York era más jovial.26 Sin embargo, a Duchamp y su grupo se los conoce como los dadaístas de Nueva York.
Por aquel tiempo empezó a dar clases de francés a Katherine Dreier, que estaría presente en los siguientes treinta años de su vida. Dreier, hija de inmigrantes alemanes adinerados, fue directora fundadora de la Sociedad de Artistas Independientes de 1916, y había votado en contra de la Fuente, pero tras la dimisión de Duchamp dijo que ella no le encontraba originalidad, pero que si le hubieran ayudado a verla los que sí la hacían, habría podido apreciarla.27 Más adelante le encargó un cuadro para su biblioteca. Duchamp tardó seis meses en hacer su primera pintura desde 1914. El resultado, que tituló Tu m'28 29 (que según Tomkins suele leerse como Tu m'emmerdes, o «tú me aburres»), es un cuadro retininano que al propio Duchamp no le gustaba. Fue el último lienzo que pintó en su vida.
Poco más tarde se iría sin embargo a Buenos Aires acompañado de Yvonne Chapel. Las razones, según una carta a Jean Crotti, parecen ser la tensión en el matrimonio Arensberg y las restricciones a causa de la guerra.30 No se sabe por qué eligió Argentina. Durante sus preparativos de viaje, Duchamp regaló sus obras a sus amigos, incluido un estudio del Gran vidrio que regaló a Roché y una miniatura de 7×5 cm de Desnudo bajando una escalera que regaló a las hermanas Stettheimer.
Buenos Aires y París[editar]
Duchamp se embarcó junto a Chastel a bordo del Crofton Hall rumbo a Buenos Aires, donde llegarían veintiséis días más tarde con la intención de quedarse algunos años.31 A las tres semanas de su llegada le llegó la noticia de la muerte de su hermano Raymond Duchamp-Villon, que se había alistado voluntario y contrajo una fiebre tifoide con complicaciones en un hospital militar.
Según escribió a Crotti, a Duchamp Buenos Aires le pareció muy machista, pues la sociedad porteña no aceptaba a las mujeres solas. Además, escribió a Ettie Stettheimer «Buenos Aires no existe. No es más que una gran población provinciana con gente muy rica sin pizca de gusto que todo lo compra en Europa». Pero al mismo tiempo le gustaba, pues continuaba «Estoy muy contento de haber descubierto esta vida tan distinta... en la que encuentro placer en el trabajo». Compró un vidrio y empezó a trabajar en efectos que quería trasladar al Gran Vidrio.32 También trató de organizar una exposición cubista para introducir a los porteños en el arte moderno, para lo que pidió ayuda a su amigo Henri-Martin Barzun de París, que le debía traer treinta cuadros cubistas, poemas de Mallarmé y revistas de vanguardia. Barzun no colaboró y la exposición no prosperó.
Pero pronto dejó el trabajo de lado por el ajedrez. Compró revistas de ajedrez y estudió partidas de José Raúl Capablanca. En 1919 se apuntó a un club de ajedrez y empezó a jugar por correspondencia con Arensberg. Para Duchamp el ajedrez era «una obra maestra del cartesianismo» y «tan imaginativo que, a primera vista, ni siquiera parece cartesiano» y le atraía enfrentar las dos actitudes, la ajedrecística y la artística.33 Yvonne Chastel acabó cansándose del ajedrez y volviendo a París.
Katherine Dreier le hizo una visita y se volvió a Nueva York con dos obras de Duchamp. La primera era Estereoscopía a mano (Stéréoscopie à la main), que jugaba con el efecto estereoscópico: se trataba de dos fotografías en las que había dibujado un poliedro que al verse con un estereoscopio parecía flotar sobre el paisaje. La segunda era À regarder (de l'autre côte du verre), d'un oeil, de près, pendant presque une heure o Para mirar (desde el otro lado del vidrio),34 con un ojo de cera durante casi una hora, título que Dreier cambiaría por Equilibrio alterado (Disturbed balance). Se trataba de un vidrio en el que había aplicado la técnica de raspado del plateado, que consiste en raspar una base de mercurio para obtener las formas que se buscan. En el vidrio hay elementos que acabarían en el Gran Vidrio, como las láminas de oculista o las tijeras y otros, como la pirámide o la lupa.
El único ready-made que ideó en Buenos Aires fue un regalo que envió por correo a su hermana Suzanne con motivo de su boda con Jean Crotti. Les envió las instrucciones para colgar un libro de geometría con un cordel de una ventana para que el viento pasase sus páginas y aprendiese «por fin tres o cuatro cosas de la vida». Lo llamó Le ready-made malheureux (Ready made desdichado).33
En 1919 se embarcó en el Highland Pride con rumbo a Southampton. Pasó un mes en Londres, tras lo que visitó la casa paterna de Ruan, y de allí fue a París. Encontró París poco cambiado, pese a la guerra. Los círculos artísticos jóvenes gravitaban alrededor de Apollinaire, que había sido licenciado del ejército con una grave herida en la cabeza que acabó por matarle antes del armisticio. Duchamp no expuso nada en el Salon d'Automme de 1919, pero se preocupó de que se expusieran diecinueve trabajos de Raymond, su hermano muerto. Fue en esta época cuando supo de la existencia de su hija, que estaba siendo criada por su madre, Jeanne Serre, y Henry Mayer, un financiero. No volvería a verla en más de cuarenta años.
Pero Duchamp tenía en mente regresar a Nueva York, cosa que hizo a finales de diciembre. Sin embargo, le dio tiempo de crear tres nuevos ready-mades: el Cheque Tzanck (Chèque Tzanck),35 L.H.O.O.Q.36 y Aire de Paris (Air de Paris).37 38
De vuelta en Nueva York[editar]
A su vuelta a Nueva York encontró que los Arensberg habían dejado de ser lo que eran, pues se encontraban en dificultades económicas. Junto a Dreier y Man Ray fundaron la Société Anonyme, Inc.. Duchamp insistía en que el arte moderno debía ser divertido, pues lo consideraba fundamental para reavivar el interés de Estados Unidos por las nuevas tendencias. La Société Anonyme organizó en los veinte años siguientes ochenta y cinco exposiciones e introdujo la obra de Archipenko, Kandinsky, Klee, Léger, Villon, Eilshemius, Mondrian y Schwitters a pesar de la falta de financiación.39
Duchamp hizo trasladar el Gran Vidrio a su nuevo apartamento, y el polvo se acumuló en él. Man Ray hizo una fotografía del resultado que titularion Cultivo de polvo (Élevage de puissière).40 Después fijó el polvo de los conos, limpió el resto, pidió que plateasen la zona inferior y se dedició a rasparla para obtener las tres láminas de oculista. También construyó su primera máquina óptica Rotative plaque verre (Optique de précision),41 que no consideraba arte. Esta exploración le llevó a interesarse por la cinematografía. Realizó una película de la baronesa von Freytag-Loringhoven afeitándose el pubis con efecto estereoscópico. La película se estropeó y sólo se salvaron dos tiras que encajaban. En esta muestra se apreciaba el efecto estereoscópico. Por lo demás, jugaba mucho al ajedrez en el Marshall Chess Club, donde logró ganar en dos ocasiones a Frank Marshall en las partidas simultáneas que el maestro jugaba contra doce contrincantes.
En 1920 vio la luz por primera vez el alter ego de Duchamp Rose Sélavy. La elección del nombre se debe a que Rose le pareció el nombre más bobalicón de la época, y Sélavy un calambur de c'est la vie.42 Duchamp compró una french window (ventana francesa), cubrió los vídrios de cuero negro y pegó el título: Fresh widow copyright Rose Sélavy 1920 (Viuda fresca, copyright Rose Sélavy 1920).43 Man Ray fotografió a Duchamp vestido con un abrigo de piel y un sombrero cloche, toma que acompañaría a un frasco de perfume con la etiqueta Belle Haleine-Eau de Violette (Precioso aliento-Agua de velo). Duchamp también empleó el nombre de su alter ego femenino en un ready-made muy «rectificado»: Why Not Sneeze Rose Sélavy.44 Más adelante le añadió una R adicional al nombre, que pasó a ser Rrose Sélavy.
En junio de 1920 visitó París. Allí encontró al grupo dadaísta, encabezado por Tzara, Picabia y Breton y que incluía también a Jacques Rigaut, Louis Aragon, Paul Éluard, Gala, Theodore Fraenkel y Philippe Soupault. Duchamp acudió a varios actos, pero escribió a Ettie Stettheimer que «de lejos todos estos movimientos aparecen realzados por un atractivo del que carecen a corta distancia».45 En esta visita realizó un cortometraje junto a Man Ray que jugaba con efectos ópticos y creó un ready-made: La trifulca de Austerlitz (La bagarre d'Austerlitz).46 La visita fue breve, pues a principios de 1921 se embarcó de vuelta a Nueva York. Cuando le preguntaron por qué prefería vivir en Nueva York, cuando muchos artistas estadounidenses se estaba marchando a París, Duchamp respondió que los neoyorquinos estaban más dispuestos a dejarlo en paz.47

Duchamp con el matrimonio Hartl.
Fue una época de desapego de amistades, relaciones amorosas y trabajo. Ni concluía el Gran Vidrio ni empezaba obras nuevas y se negaba a repetirse. Editó una antología de Henry McBride; compró junto a su conocido Leon Hartl un taller de tintes, negocio que fracasó al cabo de seis meses, y ćonsiguió participar en unas partidas simultáneas contra Capablanca.
A principios de 1923 volvió a París. En esta ocasión no dio ningún motivo. Tomkins supone que Duchamp asociaba en este momento Nueva York a su sequía creativa. Antes de marcharse realizó un último ready-made: Wanted/$2,000 Reward,48 un cartel de «se busca» que había encargado a un impresor y en el que puso fotografías suyas de frente y perfil. Para entonces había decidido dejar el Gran Vidrio inacabado.49
Veinte años (casi ininterrumpidos) en París[editar]
En lugar de dirigirse directamente a París, Duchamp desembarcó en Bruselas, donde pasó cuatro meses jugando al ajedrez y participó en el Torneo de Bruselas, su primero de entidad, y en el que terminó en tercer lugar.50
En París, Breton cimentó la leyenda francesa de Duchamp en su ensayo del número de octubre de Littérature. Breton, por lo demás, tuvo poca suerte atrayendo a Duchamp al movimiento surrealista. De hecho, aunque formó parte del jurado del Salon d'Automne, no se relacionó prácticamente con el bullicio artístico de París. Apenas recibió un encargo de Jacques Doucet de realizar una máquina óptica, en la que trabajó durante 1924 y que llamó Semiesfera giratoria (Rotative demi-sphère).51 Duchamp la realizó a cambio del coste de los materiales y del ingeniero que la confeccionó, y dejó claro que no quería que se expusiese. También destacó que no quería que se viese en la máquina otra cosa distinta a la óptica.52 Breton siguió publicando escritos —a menudo frases sueltas, como My niece is cold because my knees are cold (Mi sobrina tiene frío porque mis rodillas están frías)— de Duchamp/Rrose Sélavy en Litterature.
En 1924 participó en la película de veinte minutos de René Clair y Picabia Entr'acte, que se proyectó en una representación del ballet Relâche. Duchamp aparece en una escena jugando al ajedrez con Man Ray hasta que un chorro de agua interrumpe la partida.53 Más tarde participó en Cinésketch, en la que representó el papel de Adán, prácticamente desnudo a excepción de una hoja de parra y una barba postiza junto a Bronja Perlmutter, que representó el papel de Eva.54 A finales de 1925 invirtió parte de su herencia —sus padres murieron a principios de ese año— en una película, Anémic Cinéma, con calambures de Rrose Sélavy que giraban sobre unos discos.55
Su principal ocupación, sin embargo, seguía siendo el ajedrez. Dejaba París durante semanas para participar en torneos. Jugó en la Riviera junto al equipo de Niza, y volvió a participar en el Torneo de Bruselas al año siguiente de su retorno a Europa. Quedó cuarto. Le invitaron al equipo que representaría a Francia en las primeras Olimpiadas de ajedrez, inoficiales, de 1924, donde Francia quedó séptima. Poco más tarde fue nombrado campeó de la Alta Normandía al ganar un torneo en Ruan. En esta época realizó su Bono para la ruleta de Montecarlo (Obligations pour la roulette d Monte-Carlo), en el que aparecía una fotografía suya tomada por Man Ray con la cara cubierta de espuma y formando dos cuernos.56 Estos bonos, valorados en 500 francos, prometían una rentabilidad del veinte por ciento. El dinero se invertía en un sistema que había desarrollado Duchamp para ganar en la ruleta. Las ganancias fueron escasas, sin embargo, pero los bonos se revalorizarían con el tiempo.
En 1925 participó en el campeonato de Francia de ajedrez. Duchamp diseño el cartel del acontecimiento.57 Acabó sexto, pero estuvo cerca de ganar al campeón, Robert Crepeaux.58
En 1926 empezó su carrera como marchante de arte, oficio que desempeñaría durante dos décadas. En opinión de Tomkins, esto resulta «insólito», pues había despreciado largamente el oficio. Su objetivo era, decía, «ni salir ganando ni perdiendo, más un diez por ciento». No logró grandes beneficios.58 Su primera intervención de envergadura fue la subasta de ochenta obras de Picabia. Después se interesó por las esculturas de Brancusi de John Quinn, recientemente fallecido. Tras adquirir 29 piezas, viajó a Estados Unidos para tratar de venderlas. Allí asistió a la primera exposición en la que se exhibió el Gran Vidrio, organizada por Dreier. Algo después de la venta, regresó a París. Allí trabajó vendiendo obras de arte de artistas afines, como Brancusi, a unos cuantos clientes, entre los cuales estaban los Arensberg.
Duchamp se casó, para sorpresa de sus conocidos,c en 1927 con Lydie Sarrazin-Levassor, a la que había conocido por medio de Picabia. Duchamp escribió a propósito de su boda a Katherine Dreier «Me caso en junio. No sé cómo explicarlo, porque ha sido tan repentino que me resulta difícil de explicar. [Lydie] No es especialmente guapa ni atractiva, pero parece tener una mentalidad capaz de comprender cómo puedo sobrellevar el matrimonio». Tomkins opina que Duchamp contrajo matrimonio buscando la estabilidad económica que le ofrecía el padre de Lydie, fabricante de automóviles. Sin embargo, la pensión que le concedió a su hija fue de unos escasos 2.500 francos.59 Aunque las primeras semanas fueron, según Lydie, que escribe «estuvimos muy unidos, muy íntimamente» y Duchamp, que escribe en una carta a Walter Pach «ha sido una experiencia encantadora hasta el momento y espero que siga así. Mi vida no ha cambiado en nada; tengo que ganar dinero, pero no para dos», en verano afloraron los problemas. Lydie era ajena al arte moderno, y no cuadraba con los amigos de Duchamp, por ejemplo cuando Crotti le pidió que posara desnuda. Tampoco sobrellevaba bien la afición de Duchamp por el ajedrez, que le tenía estudiando situaciones de juego hasta la madrugada. En una ocasión pegó los trebejos al tablero. Poco después Duchamp le dijo que se iba a jugar con Man Ray y que no volvería. Se continuaron viendo hasta que Duchamp le pidió el divorcio en octubre, que les fue concedido el 25 de enero de 1928.60
Tras el divorcio, Duchamp continuó su relación con Mary Reynolds y siguió participando en torneos de ajedrez. En 1929 viajó con Dreier por España y Alemania. En el Torneo de Hyéres le concedieron el premio a la brillantez y en el Turnoi International de Paris de 1930 jugó con los mejores ajedrecistas del planeta. Terminó último, pero empató con Savielly Tartakower e hizo tablas con George Koltanowsky. Participó en varias competiciones con el equipo nacional francés, capitaneado por Alexander Alekhine, campeón mundial, perdiendo más partidas de las que ganó. Edward Lasker lo consideró «un jugador muy sólido».61 En 1933 participó en su último torneo de envergadura en Folkestone.
Como artista se puso a trabajar en la publicación de las notas que había realizado en relación al Gran Vidrio, dado que el vidrio, sin ellas, resultaba incomprensible a simple vista, pues era una acumulación de ideas no solo visuales, sino también verbales. Reunió estas notas, junto con reproducciones de diecisiete obras anteriores y fotografías de Man Ray en una Caja verde, que contenía noventa y cuatro artículos.62
Duchamp mantuvo una larga relación de amistad con numerosos artistas de la vanguardia europea y estadounidense. Entre ellos destaca Joan Miró, a quien conoció ya en 1917 en Barcelona y su relación se profundizó en los años 20 y 30. Un nuevo impulso llegó a través de Teeny, una de las personas por las que el catalán y su esposa Pilar tuvieron más estima. Teeny era el nombre coloquial de la segunda esposa de Duchamp, nacida Alexina Sattler (Cincinnati, 20 de enero de 1906-Villiers-sur-Grez, 20 de diciembre de 1995). Se había separado de Pierre Matisse, el conocido marchante de Miró en Nueva York, en 1948 y se había divorciado al año siguiente. Había conocido a Duchamp mucho antes, en 1923, y cuando se reencontraron en el otoño de 1951 comenzaron una relación que acabó en boda el 19 de enero de 1954. Ella aportó al matrimonio sus tres hijos, Paul, Jacqueline y Peter, los mismos para cuya habitación Miró había realizado un mural en 1939. Teeny aportó su propia colección mironiana, como demuestra una carta de Duchamp, en una carta de 5 de junio de 1956 a Roché se refiere a que Teeny está dispuesta a entregarle un Miró y un Rouault a cambio de un Duchamp que él desea recuperar. Una de las piezas era el dibujo Sin título (1946) (DDL 1074). 63 En 1955 Duchamp se nacionalizó estadounidense.
Murió en Neuilly-sur-Seine en 1968.
Obra[editar]
Después de 1915 pintó muy pocas obras, aunque continuó trabajando hasta 1923 en su obra maestra, La novia puesta al desnudo por sus solteros, incluso (1923, Museo de Arte de Filadelfia), una obra abstracta, conocida también como El gran vidrio (Le grand verre). Realizada en pintura y alambre sobre vidrio, fue recibida con entusiasmo por parte de los surrealistas.
La obra original se encuentra en el museo de Filadelfia y está agrietada, debido a un mal embalaje en el traslado al Museo de Brooklyn en 1926, única vez que se pudo contemplar en su estado original. Diez años después, el propio Duchamp restauró la pieza en casa de Katherine Dreier, en aquel momento su propietaria.
En el campo de la escultura fue pionero en dos de las principales rupturas del siglo XX: el arte cinético y el arte ready-made. Este último consistía simplemente en la combinación o disposición arbitraria de objetos de uso cotidiano, tales como un urinario (La fuente, 1917) o un portabotellas, que podían convertirse en arte por deseo del artista.
El ready-made introducía una fuerte crítica a la institucionalidad y el fetichismo de las obras de arte, provocando enormes tensiones incluso dentro del mismo círculo surrealista.
Su Rueda de bicicleta (el original de 1913 se ha perdido; tercera versión de 1951, Museo de Arte Moderno, Nueva York), uno de los primeros ejemplos de arte cinético, estaba montada sobre una banqueta de cocina.
Además de su obra plástica, es muy importante destacar su afición a los juegos de palabras que muchas veces se encontraban presentes en los títulos de sus obras, produciendo una multiplicidad de hilarantes lecturas.
Su periodo creativo fue corto y después dejó que fueran otros los que desarrollaran los temas que él había ideado; aunque no fue muy prolífico, su influencia fue crucial para el desarrollo del surrealismo, el dadá y el Pop Art, y aún hasta nuestros días, se mantiene como el artista crucial para la comprensión de la posmodernidad.
Es frecuente desprender de las obras de Duchamp lecturas con contenidos explícitamente sexuales, en general, los análisis de su obra se mueven entre el sicoanálisis y los cuestionamientos académicos e institucionales de las artes plásticas.
Los últimos años de su vida, Duchamp preparó en secreto la que sería su última obra y que sería armada sólo después de su muerte, ésta es un diorama que se observa a través de un agujero en una puerta del museo de Filadelfia, lo que ahí dentro se ve, es una parte del cuerpo de una mujer, ostentando una lámpara en un paisaje rural. El título añade aún más incertidumbre a las lecturas que se puedan hacer de la obra "Dados: 1. La cascada 2. El gas del alumbrado público".(Etant donnés: 1-la chute d'eau, 2- le gaz d'éclairage.)
Existe otra "lectura" de la obra de Duchamp, y, por inclusión, de todo el llamado "arte moderno": Toda su obra es una burla al espectador, carente por completo de significado de ningún tipo. Dalí se mofaba abiertamente de la "búsqueda de lecturas" de los críticos de arte moderno. Solía decir: "Esto que he hecho ni sé lo que es, pero está lleno de significado".
El ready-made[editar]
Artículo principal: Ready-made
El ready-made es un concepto difícil de definir incluso para el propio Duchamp, que declaró no haber encontrado una definición satisfactoria. Es una reacción contra el arte retiniano, esto es, el arte visual, por contraposición a un arte que se aprende desde la mente. Al crear obras de arte a partir de objetos simplemente eligiéndolos, Duchamp ataca de raíz el problema de determinar cuál es la naturaleza del arte y trata de demostrar que tal tarea es una quimera. En su elección, Duchamp trató de dejar al margen su gusto personal; los objetos escogidos le debían de resultar indiferentes visualmente, o retinianamente. Por esta razón limitó el número de ready-mades a crear. Sin embargo sabía que la elección es una manifestación del gusto propio. A este respecto declaró que fue un «jueguecillo entre mí y yo».64

La fuente. 1917
Retrospectivamente, se puede considerar el primer ready-made a Rueda de bicicleta sobre un taburete, aunque en su momento Duchamp no lo interpretó como tal, como tampoco hizo con Portabotellas. Estas dos obras, escogidas en París, se perdieron tras su traslado. El primer ready-made completamente auténtico es una pala quitanieves que colgó del techo mediante un hilo y tituló In Advance of the Broken Arm. Una semana más tarde compró un ventilador de chimenea y lo llamó Pulled at 4 Pins, que en inglés no tiene significado, pero cuya traducción al francés, tiré a quatre èpingles, se puede traducir como «de punta en blanco». A excepción de rueda de bicicleta y portabotellas, que como se ha indicado no son ready-mades propiamente dichos, estas obras suelen tener nombres que no guardan aparentemente ninguna relación con el objeto.

Posición de ajedrez conocida como trébucher (tropiezo), en la que Duchamp pudo inspirarse para crear su ready-made Trébuchet (perchero).
En primavera de 1916 eligió tres nuevos ready-mades. Peigne era un peine canino firmado con las iniciales M.D. Aunque el título es descriptivo, no lo es la inscripción que lo acompañaba: «3 ou 4 gouttes de hauteur n'ont rien a faire avec la sauvagerie» (3 o 4 gotas de altura no tienen nada que ver con el salvajismo). Como escribió el mismo día de su creación, con la inscripción pretendía transformar el acto en un acontecimiento para el futuro. Pliant... de voyage es una funda de máquina de escribir, lo que la convierte en la primera escultura blanda. À bruit secret (Un ruido secreto) es un ovillo de cordel entre dos láminas cuadradas de latón sujetas por cuatro tornillos. Duchamp le dijo a Arensberg que metiera dentro del ovillo un pequeño objeto, sin decirle cuál era, para que al agitarse éste generara sonido. En las chapas de latón hay una inscripción ininteligible con palabras en inglés y francés incompletas y solapadas. En 1917 convirtió un anuncio de pintura Sapolin en el que modificó algunas letras en Apolinère Enameled, creando un ready-made rectificado, pues está modificado.
Más tarde firmó un cuadro de una escena de batalla del Café des Artistes, convirtiéndolo así en un ready-made. También dijo que se podría firmar el rascacielos Woolworth Building para convertirlo en un ready-made o usar un Rembrandt como tabla de planchar.65
En 1917 escogió un tablón de madera con varias escuadras que había adquirido para colgar ropa pero que dejó en el suelo una temporada y con el que solía tropezar y lo clavó definitivamente en el suelo, llamándolo Trébuchet (Perchero), haciendo un juego de palabras con trébucher (tropiezo)66 Porte-chapeau era un perchero circular que sujetó del techo.
Su ready-made más famoso es probablemente La Fuente (1917), presentado en la exposición de la Society of Independent Artists. En el editorial de Blind Man se hacía énfasis en que no tenía importancia si el autor lo había fabricado él mismo o no, si no que era el acto de la elección lo que transforma un artículo de fontanería en una obra artística, y crea un pensamiento nuevo para el objeto.24
Escultura de viaje (Sculpture de voyage) es una obra realizada con gorros de baño cortados en tiras, pegados y clavados a su pared que realizó poco antes de partir hacia Buenos Aires.
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Jorge Edgardo Lezama

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Jorge Edgardo Lezama

Jorge Edgardo Lezama. (Buenos Aires 1921-2011). Fue un artista visual argentino. Participó de los movimientos abstractos argentinos de los años 50 en adelante. Índice [ocultar] 1 Trayectoria 1.1 Bibliografía 1.2 Referencias 1.3 Enlaces externos Trayectoria[editar] Estudió en las tres... Ver mas
Jorge Edgardo Lezama. (Buenos Aires 1921-2011). Fue un artista visual argentino. Participó de los movimientos abstractos argentinos de los años 50 en adelante.
Índice [ocultar]
1 Trayectoria
1.1 Bibliografía
1.2 Referencias
1.3 Enlaces externos
Trayectoria[editar]
Estudió en las tres escuelas de Bellas Artes de Buenos Aires especializándose en pintura y mural. Pasó por los talleres de Emilio Centurión, Adolfo de Ferrari, Alfredo Bigatti, Alfredo Guido, Lino Enea Spilimbergo, Pablo Curatella Manes. Realizó cursos de diseño industrial y gráfico a los que se dedicó buena parte de su trayectoria. Continuó su formación en Europa. Comenzó su carrera artística en 1938. Luego de muchas naturalezas muertas, desnudos y paisajes pasando por experiencias neo-cubistas, adhirió al incipiente movimiento abstracto. Sus primeras obras no figurativas datan del año 1946.
En los años 50 se volcó a la abstracción geométrica, participando de la “Asociación Arte Nuevo”1 fundada por iniciativa de Aldo Pellegrini, junto a Carmelo Arden Quin, Juan Mele, Luis Tomasello, Carlos Silva, a la que luego se sumarán: Keneth Kemble, Jorge Lopez Anaya, Jorge Luna Ercilla, Rogelio Polesello, César Paternosto y otros; Haciendo muestras en distintas galerías hasta los años 60. En 1953 realizó su primer muestra individual en la galería "Galatea". En 1954 participó en una muestra colectiva en la galería "Müller" junto a Alfredo Hlito, Raúl Lozza, Tomás Maldonado, Juan Mele, Lidy Prati, Clorindo Testa, Luis Tomasello y otros. En ese mismo año participó en la muestra llamada "20 pintores y escultores" con los que también hará varias muestras hasta 1963. "Sus pinturas del año 59 ligadas al Op-art se fundan en la acentuación de ciertos efectos perceptivos inestables, con grandes ritmos lineales o con estructuras periódicas con interrupciones y superposiciones de formas simples."2
En los 60 se unió a los abstractos de la nueva generación participando de varias muestras junto a Victor Magariños, María Martorell, Ari Brizzi, Rogelio Polesello con el grupo de "Arte Generativo". Realizó muestras por Europa y en el país. Participó del "Premio Braque" en el 63 y en el 67,3 en el Instituto Di Tella con la muestra “Más allá de la geometría” en el 67, entre otras. En Italia, el historiador y crítico Giulio Carlo Argan lo definió como: “Específicamente analítico y pedagógico. Se trata de estudios rigurosos sobre la estructura de la percepción y las relaciones de cantidad y cualidad del color. Por otra parte aplica en su pintura algunos medios de la producción industrial, especialmente los colorantes." Integró el grupo G13 (grupo de los 13) junto a Ari Brizzi, Manuel Espinosa, María Juana Heras Velasco, Eduardo Mac Entyre, María Martorell, Carlos Silva, Miguel Angel Vidal y otros. Participó de “Espacio y vibración” en el 69 junto a Ari Brizzi, Eduardo Mac Entyre, Victor Magariños, María Martorell, Rogelio Polesello, Carlos Silva y Miguel Angel Vidal.
En los 70 participó del CAYC (centro de arte y comunicación) y de la AIAP (asociación internacional de artistas plásticos) siendo el presidente de la comisión argentina adherida a la UNESCO, donde organizó muestras y encuentros de artistas argentinos por diversos países. Realizó construcciones de estructuras primarias con paneles de acrílico transparente con las cuales obtiene un premio en el Salón "Acrílico Paolini" en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires 1972.
En los 80 su pintura se tornó cada vez más libre de sus orígenes constructivistas. Abandonó todo cerebralismo y se inclinó hacia un subjetivismo.
Pasó por una etapa metafórica con una serie de desapariciones y agresiones entre el 76 y el 83 (período de dicatadura militar).
En los 90, Lezama escribió: “Hoy soy más modesto, no investigo, ni siquiera experimento, solo pinto líneas y colores que me produzcan placer y me diviertan”, Revindicando lo poético el acto de pintar y el lirismo abstracto.
Del 2000 al 2011 realizó un revisionismo de su propia obra pasando de la abstracción a la figuración constantemente en busca de nuevas imágenes. Paisajes, cuerpos, líneas, colores…
En 2012 una obra suya del 1959 participó de la muestra "Real/virtual" Arte cinético argentino en los años sesenta, como precursor. "Real/Virtual, muestra la importancia del arte cinético argentino contando tres instancias decisivas de su historia. La primera, también parte de la historia del museo, es el impacto que sobre el ambiente artístico local tuvo la exposición de Victor Vasarely de 1958 en el MNBA. Fue durante la prolífica y moderna gestión de Jorge Romero Brest cuando los artistas de Buenos Aires conocieron esa geometría diferente que practicaba el artista húngaro-francés y decidieron experimentar con su metodología serial. Artistas como Julio Le Parc, García Rossi, Rogelio Polesello, Luis Tomasello, Jorge Edgardo Lezama, Hugo de Marziani, Jorge Luna Ercilla y Juan Carlos Romero (artista plástico), con sus dibujos de vibrantes oposiciones de blancos y negros, forman un núcleo de obras que da cuenta de la extensa influencia de Vasarely.4
Obtuvo Premios, Menciones y actuó como jurado en distintos salones y concursos. Su obra se encuentra en diversos países de Latinoamérica y Europa. Expuso en Montevideo, San Pablo, Panamá, Lima, La Paz, Madrid, Barcelona, Ibiza, París, Milan, Roma, Stuttgart. Escribieron sobre su obra: Cayetano Córdova Iturburu, Aldo Pellegrini, Giulio Carlo Argan, Jorge Romero Brest, Jorge Lopez Anaya, Guillermo Withelow, Fermín Febré, Rosa Faccaro, María Laura San Martín, Carlos Areán, Horacio Safons5 y otros.
Como Docente ejerció en las más Importantes escuelas y universidades de arte del país: Co-fundador de la Escuela de Artes Visuales Martín Malharro de Mar del Plata. Universidad de Buenos Aires. Universidad Nacional de Mar del Plata. Universidad Católica de Mar del Plata. Universidad de Oberá, Misiones. Universidad de Luján. Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova. Fue Rector de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón,6 Inspector de Enseñanza Artística de la Provincia De Buenos Aires, Director de Enseñanza Artística de la Provincia de Buenos Aires, Asesor de DINADEA. Dictó cursos y conferencias en el Ministerio de Educación (Nacional y Provincial).
Bibliografía[editar]
Cayetano Córdova Iturburu “150 años de arte argentino” Dir. Gral. De Cultura, Bs. As. (1960)
Aldo Pellegrini “Panorama de la pintura argentina contemporánea” Ed. Paidos, Bs. As. (1967)
María Laura San Martín “Breve historia de la pintura argentina contemporánea” Ed. Claridad, Bs. As. (1993)
Real/Virtual “Arte cinético argentino en los años sesenta” Museo Nacional de Bellas Artes (Argentina)(2012)
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Diego Rivera

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Diego Rivera

Diego Rivera (Guanajuato, 8 de diciembre de 1886 — Ciudad de México, 24 de noviembre de 1957)1 fue un destacado muralista mexicano de ideología comunista, famoso por plasmar obras de alto contenido social en edificios públicos. Fue creador de diversos murales en distintos puntos del centro... Ver mas
Diego Rivera (Guanajuato, 8 de diciembre de 1886 — Ciudad de México, 24 de noviembre de 1957)1 fue un destacado muralista mexicano de ideología comunista, famoso por plasmar obras de alto contenido social en edificios públicos. Fue creador de diversos murales en distintos puntos del centro histórico de la Ciudad de México, así como en la Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo,2 y en otras ciudades mexicanas como Cuernavaca y Acapulco, así también algunas otras del extranjero como Buenos Aires, San Francisco, Detroit y Nueva York. Fue el esposo de Frida Kahlo.
Índice [ocultar]
1 Biografía
1.1 Primeros años y vida en México
1.2 Vida en el extranjero
1.3 Vuelta a México
2 Homenajes
3 Filmografía
4 Véase también
5 Referencias
6 Enlaces externos
Biografía[editar]

Retrato de Ramón Gómez de la Serna

Mural en Acapulco, realizado por Diego Rivera.
Primeros años y vida en México[editar]
Su padre fue Diego Rivera y su madre María del Pilar Barrientos,3 nació el 8 de diciembre de 1886 en la ciudad de Guanajuato, al año y medio de nacido murió su hermano gemelo Carlos María, mientras Diego, que padecía raquitismo y tenía una constitución muy débil se mantuvo con vida 3 1 4 Diego fue registrado bajo el nombre de Diego María Rivera y bautizado como Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez.3 A partir de 1896 comenzó a tomar clases nocturnas en la Academia de San Carlos de la capital mexicana en contra de los deseos de su padre de ingresar al Colegio Militar, donde conoció al célebre paisajista José María Velasco. En 1905 recibió una pensión del Secretario de Educación, Justo Sierra, y en 1907 recibió otra del entonces gobernador de Veracruz, Teodoro A. Dehesa Méndez, que le permite viajar a España a hacer estudios de obras como las de Goya, El Greco y Brueghel;5 e ingresar al taller de Eduardo Chicharro, uno de los retratistas más sobresalientes en Madrid.
En 1909 se trasladó a París, donde conoció a Angelina Petrovna Belova, mejor conocida como Angelina Beloff, pintora rusa con quien inició una relación amorosa que duró diez años. A diferencia de José Clemente Orozco, que fue un artista afiliado al Ejército Constitucionalista, específicamente con el general Álvaro Obregón y de David Alfaro Siqueiros, que era oficial de alto rango, Diego Rivera no tuvo una participación directa en el conflicto político y militar de la Revolución Mexicana como tanto se cree.[cita requerida]
A partir de entonces y hasta mediados de 1916, alternó su residencia entre México, Ecuador, Bolivia, Argentina, España y Francia, país en el cual tuvo los primeros contactos con los artistas de Montparnasse. Tuvo acercamientos con Alfonso Reyes Ochoa, Pablo Picasso y Ramón María del Valle-Inclán y, en general, con aquellos que participaron en las nuevas corrientes que en Europa existían como el cubismo, en el que también Diego se vio envuelto. Ese mismo año, en París, nació su primer hijo, llamado Diego, fruto de su unión con la pintora Angelina Beloff. Sin embargo, el niño murió al año siguiente. En 1917, influido por las pinturas de Paul Cézanne, se introdujo en el postimpresionismo, logrando captar la atención con sus acabados y vivos colores, a diferencia de otros muralistas mexicanos que aún no cobraban popularidad.

Mural de Rivera que muestra la vida de los aztecas en el mercado de Tlatelolco. Palacio Nacional de la Ciudad de México.
En 1919 nació una hija fruto de sus relaciones extramatrimoniales con Marievna Vorobieva-Stebelska, Marika Rivera y Vorobieva, a la que nunca reconocería, pero sí sostendría económicamente. Hacia el año de 1920, y gracias al entonces embajador de México en Francia, Alberto J. Pani, Rivera abandonó el país, y de paso a Angelina Beloff, y emprendió un viaje a Italia, donde comenzó el estudio del arte renacentista. Cuando Álvaro Obregón designó a José Vasconcelos como secretario de educación. En 1921 Diego Rivera regresó a México donde participó en el renacimiento de la pintura mural iniciado por otros artistas y patrocinado por el gobierno en las campañas emprendidas por Vasconcelos y en las cuales participó también con los muralistas mexicanos José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y Rufino Tamayo, así como con el artista francés Jean Charlot.
En enero de 1922 comenzó a pintar su primer mural, llamado La Creación,6 en el Anfiteatro Simón Bolívar de la escuela Preparatoria Nacional. Para la realización del mismo, lo asistieron Carlos Mérida, Jean Charlot, Amado de la Cueva y Xavier Guerrero. El tema central de este mural es la formación de la raza mexicana. La figura central es un hombre que nace del árbol de la vida. La pintura de Rivera comienza a convertirse en un factor considerable y de influencia para el Movimiento Muralista Mexicano y Latinoamericano. En diciembre de ese mismo año se casó con Guadalupe Marín, también conocida como la "Gata Marín", quien le fue presentada por Julio Torri mientras hacía el mural del Anfiteatro Bolívar en la Universidad Nacional.7 Era una mexicana de piel blanca, larga cabellera negra y ojos verdes.
Con ella tuvo dos hijas: Lupe, nacida en 1924 y Ruth, nacida en 1926. En septiembre de 1922 inició el fresco en la Secretaría de Educación Pública. Se convirtió también en el co-fundador de la Unión de Pintores, Escultores y Artistas Gráficos Revolucionarios. Para ese mismo año, se da uno de los acontecimientos que marcaría gran parte de la vida de Diego, su afiliación al Partido Comunista Mexicano, uno de los grandes factores influyentes dentro de su pintura. También se le otorgaron los permisos necesarios para comenzar con las pinturas y murales del Palacio de Cortés en Cuernavaca y en la Escuela Nacional de Agricultura, en Chapingo, así como en el Palacio Nacional de la Ciudad de México, donde de 1929 a 1935 creó un ciclo narrativo sobre la historia del país desde los tiempos de los aztecas hasta el siglo XX. Entre agosto de 1929 y mayo de 1930, Diego Rivera fue director de la Escuela Central de Artes Plásticas, salió de ahí por un movimiento estudiantil organizado en su contra.
Vida en el extranjero[editar]

Diego Rivera con Frida Kahlo, su tercera esposa.
Hacia 1927, Rivera fue invitado a los festejos de los primeros diez años de la Revolución de Octubre en la Unión Soviética, por lo que parte hacia Moscú. Tras su divorcio con Guadalupe Marín en 1928, contrajo terceras nupcias con la pintora Frida Kahlo en el año de 1929. Igualmente, este mismo año, fue expulsado del Partido Comunista Mexicano. Hacia 1930, fue invitado a los Estados Unidos para la realización de diversas obras, donde su temática comunista desataría importantes contradicciones, críticas y fricciones con los propietarios, el gobierno y la prensa estadounidense.
Las más destacadas pinturas de Rivera en aquel país se encuentran en el San Francisco Art Institute -Escuela de Arte de San Francisco- así como en el Instituto de Artes de Detroit.
En 1933, se da uno de los sucesos más controvertidos en su vida. Cuando el industrial John D. Rockefeller Jr. contrata a Rivera para pintar un mural en el vestíbulo de entrada o "lobby" del edificio RCA en la ciudad de Nueva York. Este era el edificio principal de un conjunto de construcciones que se habría de denominar como Rockefeller Center.
El edificio, situado en Fifth Avenue, una de las avenidas más famosas, se posicionaba como uno de los emblemas más importantes del capitalismo. Diego Rivera, diseñó para esta ocasión, el mural denominado El hombre en el cruce de caminos o El hombre controlador del universo. Pero cuando Rivera se encontraba a punto de completarlo, incluyó un retrato de Lenin. La reacción de la prensa y la controversia que suscitó el retrato de Lenin, fue inmediata y vocífera.
Rockefeller, vio el retrato como un insulto personal y mandó cubrir el mural y más tarde ordenó que fuera destruido.
Vuelta a México[editar]
Rivera poco después de ese incidente regresó a México en 1934, donde pintó el mismo mural El hombre en el cruce de caminos" en el tercer piso del Palacio de Bellas Artes de México.8

Monumento a Diego Rivera en la Plaza de San Jacinto en San Ángel.

Sepulcro de Diego Rivera en la Rotonda de las Personas Ilustres.
En 1936 solicita al presidente Lázaro Cárdenas del Río, el asilo político de León Trotsky en México, que se concreta el año siguiente, recibiéndolo en la Casa Azul de Frida Kahlo. Para 1940 ya se había distanciado del célebre disidente ruso y se había divorciado de Frida Kahlo, volviéndose a casar con ella a finales de ese año. En 1943 fue miembro fundador de El Colegio Nacional.9
Hacia 1946, pintó una de sus obras más importantes, Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central en el entonces recién construido Hotel del Prado de la Ciudad de México. También integra junto con José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, la comisión de Pintura Mural del Instituto Nacional de Bellas Artes.8
En 1950 ilustró Canto General de Pablo Neruda y ganó el Premio Nacional de Ciencias y Artes de México.10 En 1952 realizó el mural denominado "La Universidad, la familia mexicana, la paz y la juventud deportista" del Estadio Olímpico Universitario (UNAM), en la ciudad de México y en 1955 ante la muerte de Frida Kahlo en junio del año anterior, se casó con Emma Hurtado y viajó a la Unión Soviética para ser intervenido quirúrgicamente. Falleció el 24 de noviembre de 1957 en San Ángel, Ciudad de México en su casa estudio, actualmente conocida como Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo y sus restos fueron colocados en la Rotonda de las Personas Ilustres, contraviniendo su última voluntad.11 En el Mural que se encuentra en el cubo de las escaleras del Palacio Nacional, Diego Rivera pintó a sus esposas y amigos. Cristina Kahlo, hermana menor de Frida -y aparentemente amante de Diego- se encuentra pintada a un lado de Frida Kahlo. Igualmente hizo una pintura de su gran amiga María Cecilia Armida Baz (Machila) a quien le decía Machilxóchitl.
En 1953 el muralista Diego Rivera creó una de sus más grandes obras, se encuentra en el Teatro de los Insurgentes12 en la Ciudad de México, dicha obra tiene un gran significado histórico, cada una de las imágenes representan parte de la historia de México. El mural esta hecho de teselas de vidrio esmaltadas sobre placas de la marca Mosaicos Venecianos,13 la colocación estuvo a cargo del maestro Luigi Scodeller.
En un primer plano encontramos el teatro, representado por el antifaz y las manos en mitones, con el día y la noche como símbolo de la dualidad. Detrás de este símbolo se encuentra un escenario donde al centro se representa a Mario Moreno Cantinflas, un comediante popular mexicano, éste personaje se encuentra recibiendo dinero de las clases pudientes de la sociedad mexicana representadas por capitalistas, militares, el clérigo y una cortesana, y repartiéndolo a los pobres que se encuentran de su lado izquierdo representando a las clases desprotegidas. Detrás de dicho escenario se encuentra la antigua Basílica de Guadalupe.
De lado izquierdo del mural se encuentra en repetidas ocasiones las imágenes de Maximiliano y Carlota, y junto a ellos personajes de la historia mexicana como Benito Juárez, el cura Miguel Hidalgo, José María Morelos y Pavón, Hernán Cortes, y Juan Ruiz de Alarcón, dichos personajes se encuentran mezclados con personajes típicos de las pastorelas mexicanas como los son el Diablo y el Arcángel. Del lado izquierdo en la parte baja se encuentran las imágenes de músicos populares representantes de la cultura mexicana y una pareja bailando el jarabe tapatío. Del lado contrario, se encuentra una mezcla de escenas de la revolución mexicana y de la época prehispánica, representadas por músicos, sacerdotes y un jaguar. Sin duda es una de las obras más representativas de la historia de México, y del arte del muralista Diego Rivera.

Parte externa del mural "El agua origen de la vida" donde se aprecia al Dios Tlaloc.
Plasmado al interior del cárcamo, el mural “El agua, origen de la vida” de Diego Rivera, representa la importancia del vital líquido en la vida humana. Simboliza la evolución biológica del hombre y los usos del agua en la sociedad.
Realizado por Diego Rivera e inaugurado en 1951, fue concebido para permanecer sumergido en el agua. El artista consideró el vital líquido como parte integral de la estética de su obra, pues el espectador debía ver el mural a través del movimiento y reflejos que se producían en el agua en su paso por un enorme tanque. Este recipiente era el receptáculo o cárcamo del monumental sistema hidráulico que conduce el agua de la laguna de Lerma, en el valle de Toluca, a la ciudad de México En el centro del recipiente Rivera pintó las primeras células (como si se vieran en un microscopio) y el universo microorgánico. En palabras del artista: “un campo microscópico hace ver cómo la energía eléctrica anima los elementos minerales produciendo la primera célula viva. Ésta se divide, subdivide y multiplica hasta formar colonias de más en más complejas, que culminan su evolución, por ahora, en el vertebrado humano.”
Una vez planteado el origen microscópico de la vida, el relato plástico sigue en los muros sur y norte, donde el artista representó a algunas especies animales y vegetales. La meta de la evolución se alcanza con la formación del ser humano, representados por un hombre negroide y una mujer mongoloide encinta (que también recuerda la fisionomía olmeca), con el embrión hecho visible. Rivera enfatizó en los cuerpos desnudos de esta pareja primordial su potencia sexual y reproductiva, como un homenaje al proceso de perpetuación de la especie, también considera los usos sociales del agua y el trabajo involucrado en las obras hidráulicas. A los lados de la boca del túnel salen figuras de trabajadores: barreteros, perforadores, el ingeniero, y ofrecen en dimensión monumental, en sus cascos de protección usados como copas, agua al pueblo de la ciudad, seca y polvosa, representada en todas sus clases sociales. Cerca de los ángulos oriente, los ciudadanos, gozando del agua abundante, en un medio fértil y limpio, y sin remolinos de polvo y basura. Del lado de la familia proletaria, ésta cultiva su jardín (flores, legumbres y maíz); del lado de la grande y pequeña burguesía, ésta se entrega a la higiene y al placer saludable de la natación (aquí incluyó un retrato de su hija Ruth). Une a ambos grupos la representación de los ingenieros de las obras y el arquitecto del edificio en una junta con el ingeniero director de las obras en el centro de la composición, que da instrucciones señalando un lugar preciso sobre el perfil del acueducto en copia azul.
En el muro norte incluyó referencias históricas de México a través de un templo indígena, una iglesia colonial y un edificio moderno. Los muros oriente y poniente rinden un homenaje a ingenieros y obreros involucrados en el proyecto y recuerda a 39 trabajadores que fallecieron durante las obras.

El Ingeniero Eduardo Molina quien fuera director de aguas de la ciudad de México y constructor del acueducto.
Bajo el gran grupo horizontal de los ingenieros y el arquitecto están representadas, en esquema, celdas para producir cloro y amoniaco y los átomos de ellos y su combinación para hacer el desinfectante que purifica el agua, para su consumo como potable.
Homenajes[editar]
La calle adyacente al Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo lleva el nombre del artista.14 Desde el año 2010 el Banco de México como homenaje presenta en los billetes con la denominación de 500 pesos la imagen de Diego Rivera, al reverso también aparece la imagen de su esposa Frida Kahlo.15 16 El 8 de diciembre de 2011 el buscador Google le dedica un doodle con motivo del 125 aniversario de su nacimiento.17 18 19 20
Filmografía[editar]
Año Película Director Actor
1984 Frida, naturaleza viva Paul Leduc Juan José Gurrola
1999 Cradle Will Rock (Abajo el telón) Tim Robbins Rubén Blades
2002 Frida Julie Taymor Alfred Molina
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Ben Nicholson

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Ben Nicholson

Ben Nicholson (10 de abril de 1894 - 6 de febrero de 1982). Pintor y escultor inglés nacido en Denham, Buckinghamshire. Su padre, sir William Nicholson, fue un famoso retratista, cartelista y escenógrafo. Ben Nicholson estudió en la Escuela Gresham y más tarde estudió pintura en Inglaterra... Ver mas
Ben Nicholson (10 de abril de 1894 - 6 de febrero de 1982). Pintor y escultor inglés nacido en Denham, Buckinghamshire. Su padre, sir William Nicholson, fue un famoso retratista, cartelista y escenógrafo.
Ben Nicholson estudió en la Escuela Gresham y más tarde estudió pintura en Inglaterra, Francia e Italia. Realizó su primera exposición individual en Londres en el año 1922.
Su obra evolucionó desde el impresionismo y a través del cubismo hasta alcanzar una fase en la que, influido por el pintor neoplasticista Piet Mondrian, llevó a cabo una serie de bajorrelieves de formas geométricas elementales pintados de blanco o en tonos grises, como por ejemplo Relieve blanco (1935, Tate Gallery, Londres) y Relieve pintado (1939, Museo de Arte Moderno, Nueva York).
Trabajó también, dentro de su peculiar estilo, con cuadros de delicado colorido y total abstracción, como en noviembre de 1956 (1956, Art Institute, Chicago).
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Karl Schmidt-Rottluff

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Karl Schmidt-Rottluff

Karl Schmidt-Rottluff (1 de diciembre de 1884 - 10 de agosto de 1976) fue un pintor e ilustrador expresionista alemán, miembro del grupo Die Brücke. Índice [ocultar] 1 Biografía 2 Véase también 3 Referencias 4 Enlaces externos Biografía[editar] Karl Schmidt nació en Rottluff, hoy un... Ver mas
Karl Schmidt-Rottluff (1 de diciembre de 1884 - 10 de agosto de 1976) fue un pintor e ilustrador expresionista alemán, miembro del grupo Die Brücke.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Véase también
3 Referencias
4 Enlaces externos
Biografía[editar]
Karl Schmidt nació en Rottluff, hoy un distrito de Chemnitz, (Sajonia), y comenzó a llamarse a sí mismo Schmidt-Rottluff en 1905.
El 7 de junio de 1905, el grupo de artistas conocidos como Die Brücke («El Puente») fue creado por los estudiantes de arquitectura Schmidt-Rottluff, Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl y Erich Heckel en Dresde. En noviembre de 1905 se celebró la primera exposición de Die Brücke en Leipzig. El grupo se disolvió en 1913.
En 1937, 608 de sus cuadros fueron confiscados de los museos por los nazis y varios de ellos mostrados en exposiciones de «Arte degenerado» (Entartete Kunst). En 1947, Schmidt-Rottluff fue nombrado profesor en la Universidad de Arte de Berlín-Charlottenburg.
Fue un prolífico ilustrador, con 300 grabados en madera, 105 litografías, 70 aguafuertes, y 78 láminas comerciales descritas en el catálogo razonado de Rosa Schapire.1
Murió en Berlín en el año 1976.
El motivo principal de sus obras era el paisaje.
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Raquel Forner

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Raquel Forner

Raquel Forner (Buenos Aires, 1902 - Ib., 1988), fue una pintora, escultora y profesora de dibujo argentina. Perteneciente al Grupo Florida, ganó muchos premios entre ellos la medalla de oro en la Exposición Internacional de París en 1937. En el trayecto de su vida artística evoluciona de un... Ver mas
Raquel Forner (Buenos Aires, 1902 - Ib., 1988), fue una pintora, escultora y profesora de dibujo argentina. Perteneciente al Grupo Florida, ganó muchos premios entre ellos la medalla de oro en la Exposición Internacional de París en 1937. En el trayecto de su vida artística evoluciona de un naturalismo a un expresionismo muy personal.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Obras
3 Premios y distinciones
4 Véase también
5 Referencias
Biografía[editar]
Raquel Forner nace en Buenos Aires, Argentina, el 22 de abril de 1902. Como resultado de frecuentes viajes familiares a Europa Forner vivió gran parte de su infancia en Argentina y más tarde desarrolló un interés artístico durante la Guerra Civil española. Su vocación artística nace con un viaje que hizo en compañía de sus padres, a la edad de 12 años, a España. Al regresar ya terminando sus estudios primarios en España, cursa sus estudios en la Academia Nacional de Bellas Artes en Buenos Aires y para el año 1922 obtiene el título de profesor de dibujo en esta Academia. Después de recibir el tercer premio en el XIV Salón Nacional de Bellas Artes en Buenos Aires, con la obra "Mis vecinas" (1924), expone sus obras en importantes galerías de Argentina (1928). Desde 1929 hasta 1931 asiste a las clases de el parisino Othon Friesz en la academia Escandinava (París), quien sería un gran influyente en su vida artística. Ya en 1932 junto con los pintores Alfredo Guttero, Pedro Domínguez Neira y el escultor Alfredo Bigatti funda los cursos Libres de Arte Plástico y en 1934 gana el segundo premio en el XXIV Salón Nacional de Bellas Artes.
En 1936 contrae nupcias con el escultor Alfredo Bigatti con quien había fundado los cursos Libres de Arte Plástico. Un año más tarde gana la medalla de Oro en la Exposición Internacional de París. Impresionada por la Guerra Civil española empieza a realizar una serie de obras basadas en ella: "La victoria (1939)", "El drama" (1939-1946) y el "Éxodo" (1940) que en algunos momentos se acercan al surrealismo. Desde ese tiempo expresa en sus obras los males desencadenados en el mundo, además de dibujar seres mutantes y alienígenas.
Forner llegaría a exponer sus cuadros en importantes galerías y museos, entre ellos galerías y museos de Argentina, Alemania, París, Colombia, México, Estados Unidos, Canadá, Brasil, Suiza, Portugal, etc. También recibió numerosos premios, como además de la medalla de oro en la Exposición Internacional de París (1937), el Primer premio Nacional de Pintura en el XXXII salón Nacional de Bellas Artes (1942), premio "Augusto Palanza" otorgado por la Academia Nacional de Bellas Artes (1947), "Gran Premio de Honor" en el XLV Salón Nacional de Bellas Artes (1956). Luego de recibir diversos homenajes y su última Exposición personal en la Galería Giacomo Lo Bue, Córdoba, fallece en Buenos Aires el 10 de junio de 1988. Recibe ese mismo año una Exposición homenaje en el Museo de Arte Moderno en Buenos Aires. Aún luego de fallecer, sus obras son expuestas en reconocidos museos y galerías, además de ser galardonada por la Fundación Konex con el Konex de Platino en 1982 como la mejor pintora expresionista de la Argentina y con el Konex de Honor por su extensa trayectoria a lo largo de su vida.
Obras[editar]
"Mis vecinas", 1924.
"La victoria", 1939.
"El drama", 1939-1946.
"Éxodo", 1940.
"Autorretrato", 1941, óleo, 1,55 x 1,10 m. Museo Provincial de Bellas Artes, La Plata.
"Retablo de dolor", 1944, óleo, 1,52 x 0,87 m. Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires.
"Liberación",1945, óleo,1,54 x 0,97 m.,colección privada.
"El lago", 1953.
"Apocalipsis", 1954.
"Piscis", 1956.
"Espacios", 1957.
"Las lunas", 1958-1962.
"La torre (serie "Las Lunas")",1959, óleo,1,85 x 0,82 m. Museo de Arte Moderno de la Ciudad de Buenos Aires.
Premios y distinciones[editar]
Medalla de oro en la Exposición Internacional de París (1937).
Primer premio Nacional de Pintura en el XXXII salón Nacional de Bellas Artes (1942).
Premio "Augusto Palanza" otorgado por la Academia Nacional de Bellas Artes (1947).
"Gran Premio de Honor" en el XLV Salón Nacional de Bellas Artes (1956).
"Segundo Premio" en el XXIV Salón Nacional de Bellas Artes (1934).
"serie De Astronautas" 1978
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Óscar Domínguez

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Óscar Domínguez

Óscar Domínguez (San Cristóbal de La Laguna, 3 de enero de 1906 – París, 31 de diciembre de 1957) fue un pintor surrealista español perteneciente a la generación del 27. Índice [ocultar] 1 Biografía 1.1 Infancia 1.1.1 Nacimiento y circunstancias 1.1.2 Primeros años 1.1.3 Vecindad en... Ver mas
Óscar Domínguez (San Cristóbal de La Laguna, 3 de enero de 1906 – París, 31 de diciembre de 1957) fue un pintor surrealista español perteneciente a la generación del 27.
Índice [ocultar]
1 Biografía
1.1 Infancia
1.1.1 Nacimiento y circunstancias
1.1.2 Primeros años
1.1.3 Vecindad en Tacoronte
1.2 Juventud
1.2.1 Bachiller en La Laguna
1.2.2 Primera estancia en París
1.2.3 Servicio militar
1.2.3.1 Exposición del Círculo de Bellas Artes de 1928
1.2.4 Muerte de Antonio Domínguez
1.3 Trayectoria profesional
1.3.1 Exposiciones en Canarias
1.3.1.1 Exposición del Círculo de Bellas Artes de 1932
1.3.1.2 Exposiciones de Gaceta de Arte de 1933
1.3.1.2.1 Exposición individual del Círculo de Bellas Artes
1.3.1.2.2 Exposición del Círculo Mercantil de Las Palmas
1.3.1.3 Exposición surrealista de 1935
1.3.1.4 Exposición de Arte Contemporáneo de 1936
1.3.2 Grupo surrealista de París
1.3.2.1 Residencia en Montparnasse
1.3.2.1.1 Ediciones Guy Lévis Mano
1.3.2.1.2 El affair de Victor Brauner
1.3.2.2 La huida a Marsella
1.3.3 Ruptura con el Grupo Surrealista
1.3.3.1 París bajo la ocupación alemana
1.3.3.2 Posguerra
1.3.3.2.1 Aproximación a Picasso
1.3.3.2.2 Exposiciones individuales
1.4 Últimos días
1.4.1 Muerte
2 Obra
3 Museo
4 Filmografía
5 Bibliografía
6 Referencias
7 Enlaces externos
Biografía[editar]
Infancia[editar]
Nacimiento y circunstancias[editar]

Casa natal.
Óscar Manuel Domínguez Palazón nació el 3 de enero de 1906 en la casa marcada entonces con el número 64 de la calle Herradores de La Laguna, en Tenerife, Islas Canarias. Fue el único hijo varón del matrimonio formado por Antonio Andrés Domínguez, un terrateniente poseedor de extensas propiedades agrícolas de Tacoronte, y María Palazón Riquelme, lagunera de familia de procedencia murciana; ≪fruto, según se murmujeaba, del reencuentro de la joven pareja tras algunas desavenencias por líos de faldas. Andando los años, el propio Óscar se vanagloriaría de ser fruto del amor renacido, e incluso pondría en labios de la madre moribunda una hipotética conversación con su padre, con la que [...] quiso proteger para siempre a l'enfant de notre reconciliation, que ne sois jamais de chagrin.≫;1 de esta manera y de acuerdo con el pintor, su madre, en su lecho de muerte, le habría hecho jurar a su padre que el niño no lloraría jamás.2 3 Su bautizo se celebró en la Parroquia Matriz de Nuestra Señora de la Concepción de la misma ciudad el 26 de abril. Fueron padrinos su hermana Julia Domínguez Palazón, que contaba entonces con doce años de edad, y José Izquierdo Domínguez, primo hermano y estrecho amigo de Antonio Domínguez.
«Al hecho de ser hijo del amor le atribuyó Domínguez un valor premonitorio. Su madre -tal como le confesaría en París a su amigo Marcel Jean- había sufrido un intento de envenenamiento a manos de una mujer con quien su padre mantenía relaciones. Fruto de la reconciliación entre sus progenitores fue su nacimiento».4 En relación al episodio sobre la tentativa de intoxicación de María Palazón, el también pintor Marcel Jean habría recuperado textualmente información oral proporcionada por el mismo Óscar Domínguez:
«Avant ma naissance -ma mère- lui avait déjà donné deux filles. Il s'éprit de une femme habitant dans una propiété voisine de la sienne. Cette espagnole, très belle, devint sa maîtresse; elle lui rendait parfois visite dans sa demeure, ma mère acceptant en silence la prèsence de sa rivale. Un jour que tous trois prenaient le café, ma mère trouva au liquide un goùt singulier; elle s'abstint de la boire et s'arrangea pour remporter les tasses à l'office, où elle versa le contenu de la sienne dans una petite bouteille, puis elle le fit analyser par un pharmacien. Le breuvage contenait du poison.»5
Investigaciones subsecuentes desmentirían la versión de Óscar Domínguez con respecto a estos hechos, «ya que la que vertió el veneno en la copa de la madre de Óscar Domínguez no fue una propietaria de una finca vecina, sino una sirviente de la casa».6 En cuanto a la solicitud de juramento que Domínguez pone en boca de su madre, también recogido por Jean:
«Notre fils, lui dit-elle, l'enfant de notre reconciliation, je veux qu'il ne soit jamais de chagrin. Jure-moi que ce enfant ne pleurera jamais.»7
Todo parece indicar que esto último es falso, «ya que sus hermanas así lo afirman. Tal juramento es producto de la fantasía de Domínguez».8
Primeros años[editar]

Residencia en Tacoronte.
Cuando Óscar Domínguez cuenta con un año de edad, su madre, de veintinueve, queda nuevamente embarazada. María Palazón Riquelme daría a luz una niña en la misma casa donde naciera Óscar el 21 de diciembre de 1907. La recién nacida, de nombre María Demetria, fallece sin embargo a los dos días, de acuerdo con el acta parroquial de defunción ≪de vicio de conformidad≫; es decir, a causa de una malformación física o, más concretamente, por su deformación craneal. Tres semanas después fallecería asimismo María Palazón a causa de una septicemia puerperal.9 A sus tres años, Domínguez contrae a su vez la corea de Sydenham, conocida popularmente como «mal de San Vito», tras el susto ocasionado por el encuentro con un perro. Los síntomas fueron la pérdida del habla y una parálisis que lo tuvo postrado durante dos años. En este tiempo sólo podría realizar movimientos involuntarios. No llegaría a recuperarse totalmente hasta los cinco años de edad.
Al quedar huérfano de madre, atrae Domínguez los cuidados de sus dos hermanas mayores y de su abuela paterna Federica. Ya entonces, ≪se podía adivinar su vocación de pintor, pero lo que había causado mayor extrañeza durante su infancia era la arbitrariedad de su carácter, su rebeldía natural, su falta de prejuicios o hábitos morales. De una manera natural se desarrollaba su individualismo frente a toda norma y a toda conducta establecida≫.10 El trato con las sirvientas de la casa implicaría asimismo un factor de consideración en la configuración temprana de su personalidad. Inicialmente, se habría resaltado la posible influencia ≪de una fiel sirvienta de gran hermosura campesina e inclinación a tradiciones orales de brujería, llamada Concha la "Corre-Corre"≫;11 sin embargo, posteriormente se señalará como ≪falsa la importancia que le concede Eduardo Westerdahl a una de las criadas de la casa, llamada Concha "la corre-corre". Westerdahl ha difundido la leyenda de que era una hechicera que echaba las cartas y que introdujo a Óscar en el mundo de las artes mágicas y la superchería popular. Según la información [...] de sus dos hermanas esto es completamente falso≫.12
El padre de Óscar Domínguez, Antonio Andrés Domínguez de Mesa, a quien el pintor habría admirado con vehemencia, ha sido retratado por diferentes crónicas o testimonios como ≪refinado≫, ≪elegante≫, ≪culto≫, ≪solitario≫, ≪buen conversador≫, ≪de elegante atuendo≫, así como ≪algo mujeriego≫. Emprendía frecuentes viajes a Europa, donde se proveería de instrumentación; un telescopio, cámaras fotográficas, prismáticos, etc. Tendente al coleccionismo, complementan su residencia libros de tricomías, restos óseos de aborígenes, mariposas disecadas, cerámicas y paisajes de su autoría. Poseedor de una habilidad manual extraordinaria, de acuerdo con el pintor, ≪Il était agronome, ingénieur, peintre, mécanicien. C'est lui d'ailleurs qui m'a appris 'a peindre≫;13 los paisajes de amateur al óleo que realizara Antonio Andrés habrían supuesto las primeras lecciones pictóricas de Óscar Domínguez. Por otra parte, Domínguez de Mesa, de ideales liberales y vocación política, resultaría investido alcalde de Tacoronte durante la Segunda República. El liberalismo ≪condicionó en cierto modo la educación de Óscar, ya que su padre permitía dar rienda suelta a su personalidad infantil y no recurría a castigos y reprimendas≫.14
Hasta la edad de ocho años, Óscar Domínguez y su familia residen en la calle Herradores de La Laguna, pasando alguna temporada en Santa Cruz de Tenerife y veraneando en la casa paterna de Tacoronte, en el barrio de El Calvario. Con el fallecimiento de María Palazón, el padre de Óscar intensificará su presencia en Tacoronte para mejorar el control de la explotación de las tierras de su propiedad; es entre los años 1913 y 1914 cuando se estima que la familia Domínguez establece su residencia definitiva en la casa de El Calvario.15
En su niñez, impresiona vivamente al futuro artista la muerte de su prima Mariquita, compañera de juegos de su misma edad; ya en su adultez, rememoraría cómo en su sepelio la niña fue enterrada en una caja de tapa de cristal. Finalmente, ≪el anecdotario de sus travesuras infantiles es inacabable. En cierta ocasión se cuenta que en la playa de Guayonge salió a remar con un pequeño bote que se había construido [...] y se salvó gracias a unos pescadores que se tiraron para rescatarle. En otra ocasión le arrancó una muela de oro a su primo Juanito Domínguez porque no tenía dinero para ir al cine≫.16
Vecindad en Tacoronte[editar]

Finca en Guayonje.
Los juegos infantiles de Óscar Domínguez en las playas de arena negra como las de Guayonje, los escarpados barrancos de la región o el jardín de su casa de El Calvario, junto con otras particularidades características de Tacoronte, proveerían al futuro artista de una imaginería personal que habría de verse reflejada posteriormente como parte integrante de su obra.
En Tacoronte, el padre de Óscar Domínguez prestaría especial atención a su finca de Guayonje, provista de varias series de bancales al pie de un acantiliado de unos 700 m.s.m.; Antonio Domínguez habría diseñado para el terreno un sistema de riego propio, así como un modelo de teleférico a motor mediante el cual se valdría para el transporte de los productos, el ascenso de la cosecha de plataneras y el descenso de provisiones. Posteriormente, se haría construir asimismo una casa de veraneo en un pequeño altozano rodeado de cañaverales y cercano al mar, caracterizada por su pequeño torreón coronado de almenas, que le daría el aspecto de un castillete.
La casa de Óscar Domínguez en Tacoronte se halla en un enclave dominado entonces por una serie de alhóndigas. Años después de su muerte, el político, periodista y amigo personal del pintor, Elfidio Alonso Rodríguez, recordaría:
«En una de esas alhóndigas, la situada excatamente frente a la casa de Domínguez, asesinaron a una pobre borracha que la había tomado por hogar. Ameneció colgada de una ventana, cosida a puñaladas. El horrendo crimen se perpetró antes de nacer nosotros, pero se oía en nuestra infancia como un romance de ciegos.»17
La imagen de la prostituta empalada puede econtrarse en uno de sus óleos de 1934, Recuerdo de mi isla o Paisaje de Canarias.
En el huerto de la misma casa de El Calvario, crecía además un antiquísimo ejemplar de drago, el cual, antes de caer derribado por un temporal, habría de convertirse en uno de los iconos más sugestivos de su pintura.
Juventud[editar]
Bachiller en La Laguna[editar]
A los doce años de edad, Óscar Domínguez es enviado por su padre como interno a un pensionado de estudiantes anexo al Instituto de Segunda Enseñanza de La Laguna. Del año 1924, cuando aún no había conluido sus estudios en el Instituto, data un testimonio fotográfico que evidencia su temprana vocación pictórica; en una terraza de su casa de Guayonge posa ante un cuadro suyo que representa un desnudo femenino y cuyo estilo recuerda a la estética del art decó. Asimismo, de 1924 y 1925 se conservan algunas primeras ilustraciones de Domínguez a lápiz y acuarela, tales como Mujer con mantón y fondo urbano, Retrato de mujer, Cabeza de mujer y Mujer con pañuelo.
Sus estudios en el Instituto de La Laguna no fueron nada brillantes; el mismo día que expiraba el plazo de matrícula para el curso 1921-1922, Antonio A. Domínguez acude al centro para formalizar el ingreso de su hijo como repetidor en las asignaturas de primero de bachillerato; al mismo tiempo, inscrito a todos los efectos en el centro oficial de estudios de La Laguna, Óscar Domínguez figurará en las listas de alumnado del Establecimiento de Segunda Enseñanza de Santa Cruz de Tenerife. En el curso académico 1922-1923, Domínguez es matriculado de nuevo por su padre en seis asignaturas, de las que sólo aprobará la pendiente e Historia de España, beneficiándose además de un suficiente general en Gimnasia; no se presentaría al examen de las tres restantes asignaturas en las dos convocatorias de ese mismo año. Por último, es inscrito en el curso 1923-1924 del centro, sin que acuda a las pruebas finales. Es en este último periodo cuando el pintor renuncia definitivamente a sus estudios.
Primera estancia en París[editar]
Óscar Domínguez habría abandonado la isla de Tenerife a los diecinueve años y marchado a París donde, según su propio testimonio, «se encontraba desde enero de 1925»;18 su padre habría enviado al joven pintor a la capital francesa para que desempeñara las funciones de oficinista junto a su representante en el envío de futas, no ejerciendo para la empresa ninguna función de responsabilidad económica destacable. Por su parte, «Óscar Domínguez estaba interesado en hacerse pasar por representante de una juventud despreocupada y alegre, de una "jeunesse dorée".»19 Esta razón podría haber motivado parte de sus semblanzas de la época:
«En fait e passais le plus clair de mon temps à faire la fête. Il m'arrivait d'apparaître aux Halles, vers cinq heures du matin, sortant d'une boîte de nuit; dans le bureaux des comissionnaires»20
En esta primera estancia parisiense, Óscar estuvo acompañado por su hermana Antonia y por su cuñado, el también pintor Álvaro Fariña, quienes se hallaban instalados en un apartamento de la ciudad. El mismo año, Domínguez es llamado a filas para el ejercicio del servicio militar obligatorio. Sin embargo, no se incorpora en su momento a la milicia al solicitarse formalmente la reducción del servicio, para cuya concesión se requerirá el abono de una cuota total de cinco mil pesetas;21 de esta forma, Óscar Domínguez ingresaría posteriormente en la milicia bajo la denominación popular de «recluta de cuota».
Servicio militar[editar]
Próxima la fecha de su ingreso en el cuartel para el cumplimiento del periodo de formación castrense, es depositada en el consulado de España de la capital francesa una instancia dirigida al capitán general de Canarias en Santa Cruz de Tenerife, con firma de Óscar Domínguez Palazón en París el 24 de septiembre de 1927, por la que se solicita la prórroga de la fecha de incorporación del signatario al Ejército. Justifica esta petición la razón de encontrarse el artista por entonces en París «dedicado al comercio de frutas y que abandonarlo le acarrearía grandes perjuicios que ocasionarían casi totalmente la pérdida del negocio con el que gana el sustento de la vida»; esto es, que «no podría estar en las islas en el momento de ser citado, no queriendo caer en falta alguna cuando a su llamada no se encuentre en ésa, teniendo fielísima intención de cumplir sus deberes militares tan pronto le sea factible».22 El escrito de petición de prórroga es enviado por el consulado español al Ministerio de Estado de Madrid para su remisión por conducto reglamentario a la Capitanía General de Canarias, donde tendría entrada en las oficinas de Estado Mayor el 28 de octubre. Sin embargo, la instancia no se incluye en la Caja de Reclutas de Tenerife para su informe preceptivo hasta el 7 de enero de 1928. La prensa local sin embargo daría constancia de la presencia de Domínguez en su tierra natal a finales de marzo de 1927, al informar sobre el banquete de reconocimiento que el día veinte ofrecieran «los socios, amigos y admiradores» del joven pintor en los salones del Círculo Minerva de Tacoronte, cuyas paredes él mismo habría decorado. Entre los oradores intervinientes en el acto figurará el periodista tacorontero Antonio Dorta.23 La solicitud de prórroga de ingreso resultaría finalmente denegada.
En Tenerife permaneció Óscar Domínguez el tiempo que duró el periodo de instrucción en el acuartalemaiento de costa del Regimiento Mixto de Artillería, que concluyó en octubre del mismo 1928. De esa etapa de su vida se conserva al menos un testimonio gráfico de su ejercicio en el servicio militar. Durante su instrucción en el Ateneo, Domínguez tendría noticias del colectivo multidisciplinar de artistas Pajaritas de Papel y el desarrollo de sus actividad teatral en torno al Círculo de Bellas Artes de Tenerife por mediación del poeta y compañero en el servicio militar, Domingo López Torres.24 Inmediatamente después de haber completado el tiempo de servicio en filas, jurar bandera y obtener liciencia ilimitada como soldado de cuota, Domínguez eleva un nuevo escrito a la autoridad militar del archipiélago, el 8 de noviembre inmediato, en solicitud de autorización para «regresar a París, siéndole de absoluta necesidad el volver a la citada capital de Francia, por el tiempo de un año, para atender a sus intereses, que se encuentran en la actualidad en estado de abandono, a la vez que se compromete a presentarse en todo momento en que la Nación lo exija».25 En el informe correspondiente, firmado el día 13, el coronel del regimiento mixto de Artillería de Tenerife «estima que pudiera accederse a lo solicitado» de acuerdo a la anotación mecanografiada al margen del escrito de referencia. En razón del requerimiento de su persona para el otorgamiento de poder frente a notario mediante firma, Domínguez habría permanecido, al menos, hasta el 30 de enero de 1929 en Tenerife.
Exposición del Círculo de Bellas Artes de 1928[editar]
A finales de 1928 Óscar Domínguez expone sus primeros lienzos en el Círculo de Bellas Artes de Tenerife junto con la pintora francesa Lily Guett. El catálogo de la exposición recogería sus siguientes obras: La violinista de "Fetiche", Vendedores ambulantes, En casa de la modista, La partida de naipes, Formas, Arlequín y su mujer, Las muchachas que van por agua, Hombre pintando, Mujer con bufanda roja, La Exposición, así como tres trabajos sobre Naturaleza muerta. Las obras son por entonces duramente criticadas, en particular por el escritor Ernesto Pestana Ramos, uno de los redactores de la revista La Rosa de los Vientos:
«Si preguntáramos a Óscar Domínguez qué se propuso hacer manchando unas telas sin orden preconcebido, sin combinación plástica de masas y colores, seguramente no sabría responder a la pregunta. O si contestara con sinceridad, diría: "He querido hacer que no se me entienda haciendo un cubismo que yo no he entendido".≫26
Muerte de Antonio Domínguez[editar]
El 10 de septiembre e 1931 Óscar Domínguez pierde a su padre Antonio Domínguez de Mesa, quien fallece acosado por los acreedores y dejando a su familia en una situación económica comprometida; la familia perdería el derecho sobre la mayoría de los bienes de Antonio A. Domínguez ante las deudas contraídas por su propietario. En este momento, Óscar decide regresar a Tenerife para intervenir en la gestión administrativa de la herencia de su padre, con escasos logros. En enero de 1932 retorna a París. Hasta entonces Óscar Domínguez se habría mantenido gracias a una asignación mensual que recibía de Canarias. El joven pintor decide entonces ofertar sus servicios para la industria publicitaria. A raíz de los acontecimientos, Domínguez iniciaría en estas fechas sus trayectoria como profesional del diseño, ≪oficio que -según Jean- ejerció con imaginación, facilidad y desgana≫.27
En este tiempo el pintor asiste a exposiciones de pintura moderna y frecuenta academias en las que se dibuja del natural con modelos a fin de mejorar sus dotes profesionales. La mayor parte de su trabajo como publicista, de la cual apenas se conservan obras, datan de 1934; entre ellas se halla un anuncio para la marca de caramelos de mantequilla Krama encargado por la Office International de Publicité et d'Edition, así como un cartel turístico para el Patronato de Turismo del Cabildo Insular de Tenerife. Por otra parte, Óscar Domínguez recurriría durante estos años a la falsificación de obras consagradas de autores como Monet o Sisley para la obtención de una mayor ganancia económica.
Trayectoria profesional[editar]
Exposiciones en Canarias[editar]
Exposición del Círculo de Bellas Artes de 1932[editar]
En 1932 Óscar Domínguez presenta sus primeros lienzos surrealistas en la exposición anual del Círculo de Bellas Artes de Tenerife entre el 18 y el 31 de diciembre junto a la obra de Robert Gumbricht, Servando del Pilar, Álvaro Fariña, Pedro de Guezala, Francisco Borges y Francisco Bonnin. Domingo López Torres dedicará un elogioso artículo a la muestra del pintor en La Prensa el 21 de diciembre. Otro reportaje, firmado por ≪Leonardo≫, recogerá positivamente la propuesta pictórica de Óscar Domínguez en el reportaje Exposición del Círculo de Bellas Artes el 29 de diciembre en el periódico Hoy.
«De lo más avanzado y audaz de la exposición de este año son los cuadros de Óscar Domínguez.Surrealista, navegando por las alcantarillas de sí mismo, nos descubre verdaderos paisajes interiores, no de tanto valor desde el punto de vista pictórico (aunque Visión de París es de una perfecta realización) como desde el punto de vista científico, como documento psíquico de la época, como psicograma perfecto: la pintura al servicio de la ciencia.»28
Exposiciones de Gaceta de Arte de 1933[editar]
Exposición individual del Círculo de Bellas Artes[editar]

Barrio de Montmartre.
En 1933 Domínguez envía desde París al equipo de redacción de Gaceta de Arte el texto Revista internacional de exposiciones, el cual resulta publicado en marzo del mismo año por la propia gaceta en su número 13.29 Poco después Domínguez realiza un nuevo viaje a Tenerife acompañado por Roma, una consumada pianista polaca, hija de un médico y de una traductora de consignatarios de buques, de amplia cultura y un gran dominio de los idiomas. Aunque los padres de Roma tenían una posición económica elevada, su hija vivía separada de ellos sin recibir asignaciones económicas. Óscar y Roma convivirían durante este tiempo llevando una vida bohemia, con algunas penalidades en el barrio de Montmartre.30
La primera exposición indivicual de Óscar Domínguez es organizada por el grupo de Gaceta de Arte y celebrada en el Círculo de Bellas Artes de Tenerife entre el 4 y el 15 de mayo. Gaceta de Arte incluirá paralelamente un breve artículo sobre la muestra en su número 15 del mismo mes.31 Para esta ocasión se exhibirán los lienzos del surrealista tinerfeño Mujer invisible, Niveles del deseo, ≪La France≫, Edipo, El enigma de la inspiración, Estudio para autorretrato, ≪Extase≫, Efecto surrealista, Muerte de un buey, Tarde de amor nº 1, Tarde de amor nº 2, El deseo, Asunto decorativo, Mi país natal, así como un segundo Efecto surrealista. Eduardo Westerdahl publica en La Tarde un primer reportaje el 9 de mayo, Círculo de Bellas Artes: La exposición surrealista del pintor Óscar Domínguez, mientras Domingo López Torres le dedica dos artículos: Expresión de Gaceta de Arte: ¿Qué es el surrealismo?32 y Expresión de Gaceta de Arte: el surrealismo.33
«Las 15 obras que presenta muestran dentro de la tendencia surrealista la temática de lo sexual. O.D. hace grandes exploraciones en la subconsciencia, regresando en todas sus telas con una dominante en que aparecen los instintos reprimidos. Pintor de gran capacidad imaginativa, conduce su pintura con gran sinceridad y se expresa plásticamente con tintas de gran placidez.»34
De la redacción publicada por Eduardo Westerdahl a tenor de la muestra de 1933 se extrae el siguiente comentario:
«Óscar Domínguez, dentro de su escuela, ¿cómo procede? Vayamos más cerca aún. Afirmemos: Óscar Domínguez, en su vida privada, desde los pies a la cabeza, en todas las direcciones de sus pasos, es auténticamente surrealista. Él ama la tendencia como cosa propia, como trozo de él mismo. No es la impostura de un "snob". Es la más sincera consecuencia de una psicología extraña. Óscar se aparta de la perfecta construcción objetiva, de las formas reales de Salvador Dalí. Dalí ama las formas. Óscar está más dentro del sueño. Asi Dalí marca la pauta de acabar los cuadros; Óscar no los acaba. Cuando se encuentra con un cuerpo lo expande como si trabajara en gases. El gas es su perfecto vehículo del sueño.»35
Exposición del Círculo Mercantil de Las Palmas[editar]
Tres meses después de la exposición en el Círculo de Bellas Artes de Tenerife, Óscar Domínguez participará junto con Servando del Pilar y Robert Gumbricht en una exposición colectiva organizada nuevamente por Gaceta de Arte en el Círculo Mercantil de Las Palmas, en Gran Canaria. En esta ocasión serán cuatro los artículos publicados sobre la muestra: Visión: Óscar Domínguez36 , Pasen, señores, pasen!...37 , g.a. en Las Palmas: Óscar Domínguez,38 y La exposición de 'Gaceta de Arte' en el Círculo Mercantil.39
Agustín Espinosa, residente en estos años de la ciudad de Las Palmas de Gran Canaria, expresaría sus impresiones sobre la obra del pintor en los siguientes términos:
«Óscar Domínguez porta su humanidad tropical y fáunica. Un dios sexual le inspira y contiende. Sueños de tortura y pesadillas de amor se desperezan en sus lienzos. Lo sobrerreal sacude los railes de su tren en llamas. Un buque fantasma le arrastra por un borrascoso mar florecido de olas como lenguas de mujer, poblado de peces como femeninos sexos, surcado de corrientes como largos espasmos, agitado por vientos de un deseo insatisfecho y eterno.»40
Por su parte, José Mateo Díaz refiere en el periódico La Provincia:
«Frente a la pura limpieza, serenidad, de Servando del Pilar, Óscar Domínguez destaca la suciedad -sin reproche- de sus erotismos surrealistas. Colores opacos, mates, convulsos. Formas mezcladas, revueltas, donde la líbido calenturienta ve caballos con pechos femeninos, cuerpos o trozos de cuerpos de mujeres fundidos con formas de la más diversa catadura, elementos y alusiones sexuales en todas partes. Todo está en este pintor revuelto de la manera más arbitraria y personal. La imaginación construye sin trabas de ninguna especie, en desenfreno orgiástico y un poco demoniaco. Es el mundo agitado, espeso, revuelto de los sueños y la subconciencia, sobre el cual Freud y los psicoanalistas han tratado de hacer algo de luz. Todo está cargado de un cerrado dramatismo de locura.»41
Exposición surrealista de 1935[editar]
Gracias a la mediación de Óscar Domínguez, el equipo de redacción de Gaceta de Arte entraría en contacto con el círculo surrealista de París; como consecuencia de este encuentro, se celebra en 1935 la II Exposición Internacional de Surrealismo en el Ateneo de Santa Cruz de Tenerife; la primera muestra de estas características celebrada en España y la segunda dentro de su género con una pretendida proyección internacional. El evento, encabezado por Agustín Espinosa como presidente del Ateneo y secundado por el resto de componentes de la gaceta contaría con la presencia de los franceses André Breton, su mujer Jacqueline Lamba y el escritor Benjamin Péret; la asistencia del poeta surrealista Paul Éluard habría sido asimismo inicialmente prevista. La exhibición, abierta al público entre los días 11 y 21 de mayo, conllevaría la presentación de un conjunto de 76 obras conformado por óleos, acuarelas, aguafuertes o fotografías de artistas como Pablo Picasso, Joan Miró, Salvador Dalí, Max Ernst, Alberto Giacometti, Hans Arp, Man Ray, René Magritte, Marcel Duchamp, Yves Tanguy, Victor Brauner o el propio Óscar Domínguez, entre otros. Paralelamente, la proyección de la película de 1930 La edad de oro del director Luis Buñuel habría sido programada para la clausura de la muestra; sin embargo, diversas movilizaciones institucionales y mediáticas promovidas por colectivos católicos insulares conllevarían la prohibición desde la Gobernación civil de sus diversos pases cinematográficos.42
Exposición de Arte Contemporáneo de 1936[editar]
En 1936, tras el padecimiento de una fiebre paratifoidea, Domínguez regresa a Tenerife para su participación presencial en la Exposición de Arte Contemporáneo celebrada entre el 10 y el 20 de junio en el Círculo de Bellas Artes; una iniciativa organizada a instancias del grupo de Gaceta de Arte en colaboración con la asociación ADLAN. La exposición presentará al público sus lienzos Máquina de coser electro-sexual, Recuerdo de mi isla, Cueva de guanches, Tengo razón y Mariposas perdidas en la montaña, así como cuatro dibujos. El 20 de junio, durante el acto de clausura de la exposición, Domínguez pronuncia una conferencia en la que evoca «la significación del objeto surrealista, los trabajos de Giacometti y explica una de las leyendas de uno de los cuadros que más expectación había causado en los visitantes de la exposición. Al llegar a este punto se advierten protestas en la sala que son sofocadas por el mismo público, quien prorrumpió en un largo aplauso al obtener del propio Domínguez la explicación del cuadro. Seguidamente continúa la conferencia en un tono delirante»43 Eduardo Westerdahl publicaría una nota dedicada a Domínguez en el número 38 de Gaceta de Arte, así como un artículo en La Prensa, el 13 de junio.
Tras el alzamiento militar de julio, el pintor encuentra refugio en Puerto de la Cruz, en casa de su hermana Julia. El día 13 de agosto escribe a Marcel Jean:
«...pensaba estar en París el 22 de julio pero el mismo día de mi marcha estalla la revolución en España. Ahora, espero a ver qué ocurre y, a la primera ocasión, me iré a París. No puedo escribir nada, ahora no se puede escribir. Me limito, pues, a decirte que estoy en un buen lío. Espero poder verte pronto...»44
Con la adquisición de un pasaporte falso, Domínguez escaparía del país a través de un barco frutero para retornar definitivamente a Francia.
Grupo surrealista de París[editar]
En el número 28 de Gaceta de Arte de julio de 1934, Óscar Domínguez publica Carta de París. Conversación con Salvador Dalí;45 desde al menos esta fecha dataría el encuentro del pintor tinerfeño con el grupo surrealista parisiense. El encuentro entre Domínguez y André Breton habría tenido lugar entre septiembre y octubre de 1934 en el café de la Place Blanche, donde el grupo surrealista se reunía habitualmente; antes de ingresar en el grupo ≪tuvo que enseñarle a Breton "dibujos y el catálogo de las exposiciones de 1933"≫.46 Por entonces ≪Domínguez inaugura su técnica de la decalcomanía. Un trabajo que gaceta de arte publica por vez primera en la cubierta de la monograría que Westerdahl escribe sobre Willi Baumeister. Óscar hace sus primeras "decalcomanías sin objeto preconcebido" o "decalcomanías automáticas con interpretación premeditada" abriendo así un nuevo campo de experiencias para el surrealismo≫.47
El procedimiento para la realización de decalcomanías ha sido descrito de la siguiente manera:
«Con un grueso pincel debe extenderse gouache negro más o menos diluido y satinado que, inmediatamente, se recubrirá con otra hoja similar sobre la que a continuación se ejercerá una presión moderada. Después se levanta sin prisa la segunda hoja, y en ella aparece una representación plástica. Con este método, se pretende estimular la imaginación del espectador, en el sentido de que extraiga de las manchas distintas imágenes.»48
Hasta finales del decenio, la participación de Domínguez en las actividades del colectivo surrealista francés se torna habitual. En 1935 toma parte en la exposición International Kunststudstilling Kubisme-surrealisme, organizada por Vilhelm Bjerke-Petersen para su apertura al público entre los días 15 y 28 de enero en Copenhague; Domínguez contribuye en esta ocasión con la muestra de los lienzos Désir d'eté y Papillons perdus dans la montaigne. Entre julio y agosto, en compañía de Marcel Jean, Esteban Francés y Remedios Varo, renueva el procedimiento del cadáver exquisito durante una estancia en Barcelona, asociándole la técnica del fotomontaje. En 1935, se halla asimismo entre los firmantes del Ciclo sistemático de conferencias sobre las más recientes posiciones del surrealismo, así como de la octavilla colectiva Du temps que les surréalistes avaient raison, que escenificará la ruptura del movimiento surrealista de París con el Partido Comunista. En diciembre del mismo año forma parte de la exposición Dessins surréalistes en la Galería Aux quatre chemins del boulevard Raspail de París junto con Hans Bellmer, De Chirico, Hans Arp, Victor Brauner, Salvador Dalí, y Pablo Picasso, entre otros.
En este tiempo, Óscar Domínguez confecciona de manera alterna objetos surrealistas como Las peregrinaciones de Georges Hugnet, Exacte sensibilité, Spectre du silicum, conversión de la force y ≪Viaje al infinito≫ o ≪La llegada de la Belle Epoque≫, con los que participa junto a Marcel Jean, Arp, Giacometti, Tanguy, Breton, Picasso y Miró, en la Exposition surréaliste d'objects celebrada en mayo de 1936 en la Galería Charles Ratton de París.49 Paralelamente a su participación presencial en la Exposición de Arte Contemporáneo del Círculo de Bellas Artes de Tenerife, Domínguez se sumará a The International Surrealist Exhibition de las New Burlington Galleries de Londres, entre el 11 de junio y el 4 de julio. La décalcomanie sans objet préconçu de Domínguez es presentada por André Breton en el número 8 de la revista de orientación surrealista Minotaure, correspondiente a junio de 1936; «Breton muestra la decalcomanía como uno de los procedimientos que ha de ser incorporado a los "Secrets de l'art magique surréaliste". [...] Yves Tanguy, André Breton, Jacqueline Lamba, G. Hugnet y Marcel Jean, sus compañeros parisinos, aprenden el procedimiento a finales de 1935, y participan con sus decalcomanías en el número de Minotaure donde también aparece un relato de Benjamín Péret inspirado en estas imágenes.»50 Asimismo, en 1936, colabora con una ilustración en aguafuerte, a través de la casa Editions G.L.M., en el libro de Georges Hugnet La Hampe de l'imaginaire.
Residencia en Montparnasse[editar]
Desde 1937, Óscar Domínguez traslada su residencia al barrio de Montparnasse, donde mantendrá una estancia fija hasta el final de su vida. Inicialmente se instala en un atelier situado en el nº 83 del Boulevard de Montparnasse; allí realiza diversos muebles surrealistas, entre los que destacan una gran mesa en forma de piano y un sillón obtenido tras cubrir con satén rojo el interior de una carretilla. Esta última obra, titulada La brouette capitonnée, aparece retratada en el número 10 de Minotaure sirviendo como asiento para un maniquí ataviado por Lucien Lelong en una fotografía de Man Ray. Posteriormente, Domínguez se domiciliaría en un estudio ubicado en el nº 23 de la rue Campagne Première, perteneciente al escritor César González Ruano y cedido por este al pintor en 1942.
En 1937 aparecen además las primeras decalcomanías del deseo, cuya técnica «consiste en aprovechar los paisajes inconscientemente como escenografía para una nueva creación. El artista interpreta la decalcomanía y de este modo "cierra" la obra.».51 En este género destacará la serie de decalcomanías titulada Grisou, cuya publicación anunciara el editor Guy Lévis Mano para el mismo año; sin embargo, el libro no se llegaría a editar por falta de suscriptores. Grisou se presentará finalmente al público en 1990 gracias a la iniciativa de Jean-Luc Mercié, quien edita la serie respetando en lo posible el proyecto inicial de G.L.M. a partir de las 16 planchas originales reproducidas en fototipia. En los meses de marzo y abril, Domínguez participa en la exposición First British Artist Congress, organizada en Londres por la sección cultural del Partido Comunista inglés. En mayo intervendrá en la exposición inaugural de la Galerie Gradiva de París, dirigida por André Breton. El pintor tomará parte asimismo en las muestras Surrealism, impulsada por Shuzo Takiguchi para el mes de junio en Tokio, en la exposición surrealista organizada en la Gordon Fraser's Gallery por la oficina de la Sociedad artística de la Universidad de Cambridge entre octubre y noviembre, y en Surrealist Objects & Poems de la London Gallery, entre el 24 de noviembre y el 22 de diciembre.
En 1938 Óscar Domínguez participa en la Exposition internationale du surréalisme, organizada por Breton y Éluard en la Galerie des Beaux-Arts de París, del 7 de enero a finales de febrero. En esta ocasión presenta las obras Les Guanches, Le salon-plage, Madame, Le brouette capitonnée, Le Tireur, Larme y Jamais; estos dos últimos objetos se reproducen en el Dictionnaire abregé du surréalisme de la galería, adjunto a un catálogo de la exposición. El éxito de la muestra propiciará su ampliación entre los meses de marzo y junio con una versión reducida desarrollada por Hugnet y el pintor Kristians Tonny para la Galería Robert de Amsterdam; Domínguez colaborará entonces con la cesión de Jamais, Madame, Les Pyrénées y L'Imprévu. Durante la 64th Autumn Exhibition celebrada entre el 12 de octubre y el 23 de noviembre en la Walker Art Gallery de Liverpool se expondrá el cuadro del autor The Four Seasons. Por estas fechas, su objeto Ouverture figurará además entre las «tarjetas postales surrealistas con certificado de autenticidad» editadas por Georges Hugnet.
Ernesto Sabato - Antología.jpg
Ernesto Sabato.
1938 es también el año en el que el Doctor en Ciencias Físicas y Matemáticas por la Universidad de La Plata Ernesto Sabato inicia, con una beca postdoctoral, sus investigaciones sobre las radiaciones atómicas del actinio en el Laboratorio Curie de París. En los ambientes nocturnos parisinos, frecuentados tanto por Breton como por el propio Sabato, el futuro Premio Cervantes de 1984 habría entrado en contacto con Domínguez gracias a la mediación del periodista argentino Ernesto Bonasso. La relación de amistad entre Sabato y Domínguez resultaría «más que intensa: congeniaron desde el primer instante y enseguida comenzaron a trabajar juntos en el atelier del pintor. Allí pasaban largas horas delirando entre el olor a trementina y botellas de coñac o de vino que no cesaban de correr por sus manos. Domínguez cada vez que acababan una botella le instigaba al suicidio, sugerencia que le repetía, una y otra vez, y a lo que Sabato respondía siempre negativamente.».52 La colaboración creativa de Domínguez y Sabato se vería reflejada en contribuciones como la nota expositiva y conjunta relativa a la teoría de inspiración científica «superficies litocrónicas», incluida en el artículo de Breton de mayo de 1939 Des tendances les plus récentes de la peinture surréaliste.53 Sabato permanecería en París hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial, momento en el que retornaría a la Argentina. El escritor integrará posteriormente la figura de Óscar Domínguez en sus novelas Sobre héroes y tumbas, como personaje,54 y en Abaddón el exterminador.55
Ediciones Guy Lévis Mano[editar]
Óscar Domínguez realizó ilustraciones para tres ediciones de la casa denominada GLM, iniciales del poeta, tipógrafo y librero francés de origen turco Guy Lévis Mano. En 1935, el colectivo surrealista, cuyos editores predilectos habrían desaparecido o se hallaban en dificultades, iniciará una fructífera línea de colaboraciones con Lévis Mano, cuyas ediciones pasarían de una media anual de seis publicaciones a cuarenta.
La impresión del boletín de suscripción de junio de 1935 para el Cycle systématique de conférences sur les plus récentes positions du surréalisme, incluirá diversas ilustraciones de Domínguez, consideradas como la continuación de su trabajo para el número de diciembre de 1933 de Gaceta de Arte. En julio de 1935 aparece a través de esta editorial la colección Repères, concebida, al igual que los precedentes Cahiers des Douze, como una asociación individualizada entre la labor del artista plástico y el texto breve del poeta. El 12º cuaderno de Repères reunirá el texto de Georges Hugnet La hampe de l'imaginaire con el primer grabado documentado de Domínguez. A falta de suscriptores necesarios, quedará inédito Grisou de Domínguez y Jean, que reproducía en fototipia dieciséis decalcomanías automáticas de interpretación premeditada, acompañadas con un texto de Breton; el boletín de suscripción de GLM anunciaría su aparición para octubre de 1937. Breton reúne ilustraciones y textos, entre otros su sueño del 7 de febrero de 1934 sobre la pintura de Domínguez que titula Accomplissement onirique et genése d'un tableau animé, para el séptimo de los Cahiers GLM, impreso el 30 de marzo de 1938; el mismo número incluirá el diseño del pintor canario Le souvenir de l'avenir. El 10 de agosto de 1938 se publican las Oeuvres complètes de Lautréamont; un dibujo de Domínguez ilustra el tercero de Los cantos de Maldoror. En 1939 el proyecto de reedición de Los cantos de Maldoror quedará sin realizarse. La guerra mundial pondría fin a las relaciones de GLM con el grupo surrealista.
El affair de Victor Brauner[editar]
En el curso del año 1938 destacará significativamente el accidente que Domínguez provocaría durante el desarrollo de una disputa y que le valdría al pintor Victor Brauner la pérdida de la visión en un ojo, el 27 de agosto. De acuerdo con la interpretación de numerosos miembros del colectivo surrealista parisino, Victor Brauner habría presagiado su propia lesión con la producción de obras como Autorretrato con el ojo extirpado, de 1931. El incidente, que implicaría a los autores Remedios Varo y Esteban Francés, ha sido descrito de la siguiente manera:
«En efecto, dicho artista rumano fue cegado accidentalmente por Domínguez en una riña que tuvo lugar en el estudio de éste. El suceso se produjo durante una larga noche de copas de un caluroso 27 de agosto de 1938. Domínguez salió en defensa de Varo, a quien Francés acusaba de mantener relaciones amorosas con varios hombres a la vez. Cuando todo el mundo estaba a punto de marcharse, estalló la ira de Domínguez, que había bebido demasiado. Furioso con Francés por haberse atrevido a poner en duda la moralidad de su amiga, arremetió contra éste. Brauner se levantó entonces para sujetar a Francés, mientras Tanguy intentaba calmar a Domínguez; pero habiéndose desembarazado éste de quienes lo sujetaban, asió entonces un vaso que arrojó, ciego de ira, contra Francés, con tal mala suerte que una de las esquirlas vino a clavarse en el ojo de Brauner, vaciándolo al instante. Hasta aquí el relato de Jean.»
El accidente «contribuye a la fragmentación del grupo surrealista, iniciada en 1936 a raíz de la marcha de Éluard, de la excomunión de Parisot, de las rupturas con Arp, Dalí, Ernst, Hugnet, Man Ray...».56 El sentimiento de culpa que despierta este incidente en Óscar Domínguez habría resultado para él «mucho más insoportable que el sufrimiento que debió de padecer su amigo Brauner, víctima de la agresión. Todo parece indicar que en Domínguez la consecuencia del sacrificio fue tan devastadora en un plano psicológico como benéfica para Brauner desde el punto de vista profesional. La mutilación devino para él algo así como un rito de paso: sometido a tal prueba alcanzó un grado de consciencia más elevado. En cambio, el sufrimiento de Domínguez no tenía compensación posible. Durante meses evitó asistir a las reuniones de grupo. No deseaba encontrarse con Brauner, del que, sin embargo seguía recibiendo noticias por sus amigos comunes, Jacques Hérold y Tanguy.»57 En los anales del surrealismo, el affaire del ojo de Brauner habría sido asumido «como un caso, tal vez el más relevante, de la regla que proclama el valor absoluto que las premoniciones ostentan en la vida del hombre. Pierre Babille y Juan Larrea así lo interpretaron. El segundo vio en este suceso trágico algo que afectaba no sólo a Brauner, sino también a Domínguez, víctima y verdugo respectivamente, y en última instancia a todo el grupo surrealista, que accedería de este modo a un estado de videncia por medio de la pérdida del ojo de uno de sus miembros.».58
La huida a Marsella[editar]
En 1939 Óscar Domínguez participa en la exposición Le Rève dans l'art, organizada por Frédéric Delanglade, y en el 50º Salon des Indépendents, poco antes del estallido de la guerra. Su cuadro Lancelot 28º, 7º se verá reproducido en el número 12-13 de la revista Minotaure.
Al comienzo de la guerra Domínguez pasa algún tiempo en Perpignan en compañía de Jacques Hérold, Victor Brauner y Remedios Varo, trasladándose posteriormente a Marsella con sus compañeros por motivos de seguridad. En Marsella, se encontrará con Breton, Ernst, Péret, Marcel Duchamp, Hans Bellmer, Wilfredo Lam, André Masson y René Char; el colectivo desarrolla en torno a la vivienda provisional de Breton, la villa de Air-Bel de La Pomme, diversas actividades lúdicas en espera de un visado para salir de Francia. Refugiados bajo el auspicio del comité estadounidense para la ayuda a los intelectuales, el grupo genera diversas creaciones, entre las que destacan la serie de dibujos colectivos de Marsella, así como un juego de cartas cuya baraja elaborarían los propios artistas; «inspirado en el famoso tarot medieval de Marsella, reconstruido por Paul Marteau en el siglo XVIIII, aunque no era propiamente un tarot, sino un juego de naipes organizado de acuerdo con la escala de valores del surrealismo.»59
Entre enero y febrero de 1940 Domínguez participa en la Exposición internacional del surrealismo de la Galería de Arte Mexicano, organizada por los pintores Wolfgang Paalen y César Moro. Durante el mes de junio se imprimirá en la capital francesa la edición de lujo nº15 de la Anthologie de l'humour noir de Breton, cubierta con una decalcomanía intervenida del tinerfeño. En la primavera de 1941, André Breton, secundado en lo sucesivo por diversos miembros del colectivo surrealista francés, embarca junto a su familia hacia los Estados Unidos. Por su parte, Domínguez retornaría en la misma primavera de 1941 a la ciudad de París.60
Años más tarde, en una misiva dirigida al crítico de arte Eduardo Westerdahl, el autor revelaría:
«¿Mi actitud frente al Surrealismo? Ruptura completa con Breton y el grupo surrealista que prácticamente murió al principio de esta guerra de 1939.»61
Ruptura con el Grupo Surrealista[editar]
París bajo la ocupación alemana[editar]
Tras su regreso a la ciudad de París en el contexto de la ocupación de Francia por las fuerzas del Eje, el pintor se reunirá asiduamente con los artistas Hugnet, Lucien Coutaud, André Thirion o Apel·les Fenosa en el restaurante Le Select o en el Café de Flore. En torno al poeta Hugnet se organizan alternativamente una serie de tertulias celebradas por recomendación de Pablo Picasso en el restaurante Le Catalan, donde no se tienen en cuenta los vales de racionamiento; entre los asistente habituales a estas tertulias se encuentran Hugnet, Picasso, Paul Éluard, Charles Ratton, Robert Desnos, Michel Leiris o el propio Domínguez, entre otros. En este tiempo el pintor canario estrecharía sus lazos de amistad con Éluard y Picasso.
Image illustrative de l'article Café de Flore
Café de Flore.
Durante los primeros años de la ocupación, el pintor surrealista demuestra un notable interés por las actividades del colectivo La Main à plume, el único grupo filial al movimiento de Breton constituido entonces en Europa. Desde su primer año de vida, La Main à plume intentará reunir en su seno a los diversos artistas dispersados por la guerra: Picasso, Éluard, Brauner, Hérold, Maurice Henry, Jean Ferry y Léo Malet. Los autores logran imprimir una decena de publicaciones colectivas y una treintena de plaquettes individuales, así como una serie de octavillas dirigidas a los escritores comprometidos con la prensa colaboracionista o a aquellos otros que pretendían situarse al margen de la situación sociopolítica del momento. Domínguez participa en las experiencias de pinturas colectivas impulsadas por el poeta y periodista Jean-François Chabrun para las páginas de Géographie Nocturne. En diciembre de 1941 aparecen sus dibujos para Transfusion du verbe, además del frontispicio para un largo poema de Christian Dotremont, Noués comme une cravate. En octubre de 1942 aporta una viñeta para una antología de Laurence Iché titulada Au fil du vent, que servirá posteriormente como motivo de cubierta para la serie de Páginas Libres de La Main à plume. En enero de 1943 un aguafuerte de Domínguez integra los ejemplares de Aux absents qui n'ont pas toujours tort, de Noël Arnaud. En La Conquête du Monde par l'Image publicaría asimismo un destacado artículo relativo a las superficies litocrónicas titulado La pétrification du temps.
Del 1 al 14 de diciembre de 1943 presenta en la Galerie Louis Carré su primera exposición individual en París. En el mismo año figura entre los signatarios de la declaración colectiva La Parole est à Péret, publicada el 28 de mayo en Nueva York, al tiempo que ilustra los textos de Hugnet y Thirion, Le Feu au cul y Le Grand ordinaire. Del 30 de noviembre al 21 de diciembre participa en la exposición colectiva Un groupe d'artistes de l'école de Paris en la Galerie des Trois Quartiers. En este tiempo Óscar Domínguez se distancia de Roma, al tiempo que conoce a la estudiante de la Universidad de Limoges Maud Bonneaud, con la que se casaría años más tarde.
Posguerra[editar]
En el verano de 1944 «se inica una fase nueva con la liberación de París».62 Para Domínguez, la inmediata posguerra se presentará como «uno de los periodos más equilibrados de su vida. Su arte refleja claramente la estabilidad y el optimismo con el que empezó a vivir después de la guerra»;63 a este hecho habría de contribuir su matrimonio con Maud Bonneaud en 1945. Participa en el Salon d'Automne de octubre de 1944 donde se ofrece un gran homenaje a Picasso, viaja a Alemania con motivo de la primera gira de teatro francés como autor de los decorados y vestuario de la obra de Jean-Paul Sartre Les mouches, hallándose además presente en todas exposiciones de los «Españoles de París» que tienen lugar en Europa.
En 1945 la labor expositiva de Domínguez junto a su intervención en las revistas de moda resultarán prolíficas; colabora en el Salon de Mai, el Salon de Tuileries, el Salon des Surindépendants y en las exposiciones Quelques peintres et sculpteurs espagnols de l'Ecole de Paris. Al tiempo, presenta su primera y única exposición individual de Nueva York, en la Hugo Gallery. Destaca en este año su contribución en la elaboración de un gran fresco para la sala de espera del hospital psiquiátrico Saint-Anne de París junto a Marcel Jean, Jacques Hérold, Maurice Henry, Frédéric Delanglade, Louis Fernández, Francis Bott, Honorio García Condoy, Baltasar Lobo y Manuel Viola. En 1946 viaja a Checoslovaquia con motivo de la muestra celebrada a instancias de la Asociación de Artistas Plásticos Arte de la España Republicana, en la Sala Mánes de Praga, del 30 de enero al 23 de febrero; la obra de Domínguez «obtiene una respuesta más particular, lo que explica la invitación a exponer individualmente durante los tres años posteriores en Olomouc, Bratislava y Praga».64 En 1947 aparece su relato poético Les deux qui se croisent a través de la editorial Fontaine para la colección L'Age d'or, al tiempo que ilustra una reedición de Poésie et verité de Éluard con 32 aguafuertes.
Tras obtener la nacionalidad francesa en 1948, el pintor canario culmina la década bajo una intensa actividad. En julio de 1949 escribe nuevamente a Westerdahl:
«He tenido tantas cosas que hacer que casi no tenía tiempo para almorzar tranquilo. En fin esta racha de trabajo se termina por un buen resultado. He tenido muy buena crítica con los cuadros que mandé al Salón de Mayo. He hecho un gran cuadro para la exposición mural que tendrá lugar en el Palacio de los Papas de Avignon. Esta manifestación tendrá un gran interés pues reúne todos los mejores pintores de nuestra época. Mando tres cuadros para otra exposición que presenta el gobierno en Copenhague y Estocolmo con el título "Arte francés contemporáneo". He vendido al estado un cuadro para el museo de Arte moderno de París y finalmente he logrado inventar una técnica que me permite una pintura personal, marcando el momento más logrado de mi obra. He pintado unas 50 telas que pienso presentar en París el próximo año.»65
Aproximación a Picasso[editar]
Durante todo este periodo «hay, naturalmente, una importante evolución en Domínguez. La influencia de Picasso es ciertamente visible tanto en la manera como en los temas, y con ello pierde, no sin algunos fulgores tardíos, la soltura estremecedora e incluso desordenada que hacía apreciar su modo de proceder».66 Para Domínguez, «la admiración que consagra a Picasso va a transformar efectivamente su visión de un modo radical. Muchas de las cartas que envía a Eduardo Westerdahl lo demuestran»:67
«Mañana miércoles me marcho a la Costa d'Azur (Golf Juan) con Picasso, y estoy muy contento pues vamos a pasar solamente unos días, y dos días que tendrán para mí más importancia, en la compañía de don Pablo, que dos años en la vida normal. Lo poco que sé se lo debo en un 80% a Picasso. Es una persona que constantemente te abre los ojos y te muestra horizontes nuevos.»68
De igual forma, en la misiva citada del 27 de abril de 1949:
«¿Mi posición frente a Picasso? 100 por 100 con Picasso que es el genio de la edad atómica y un entrañable amigo.»69
Domínguez, en efecto, se había alejado del surrealismo ortodoxo correspondiente al círculo de Breton desde la guerra; durante una estancia en Londres escribirá a Westerdahl:
«Mi amistad con Picasso se afirma cada día más... Me he retirado del grupo surrealista, dado que el movimiento ha muerto por inercia...»
Prueba de ello es su exclusión de la muestra El surrealismo de 1947 organizada por Breton en la Galería Maeght de París.
Exposiciones individuales[editar]
A comienzos de la década de los 50 Óscar Domínguez presentaba claros síntomas de declive. «Había apurado la existencia hasta el límite. A los estragos producidos en su organismo por la vida bohemia que llevaba desde que llegó a París se sumaban ahora los signos de la acromegalia, que ya empezaban a manifestarse en la apariencia monstruosa que iban tomando su rostro y sus manos.»70 En 1950 realiza una exposición individual en la Galerie Apollo de Bruselas, con prólogo de Christian Dotremont, del 4 al 16 de marzo. En la capital belga conoce a la escultora Nadine Effront, «mujer inteligente, activa, dominante y con cierto talento artístico, con quien inicia una relación sentimental»,71 poniendo así fin a la que ya mantenía mediante su único enlace matrimonial con Maud Bonneaud. En el mismo año escribe:
«... Voy a divorciarme, pues Maud, a pesar de que será siempre mi mejor amiga, no ha podido aceptar que yo esté locamente enamorado de otra: es una mujer que conocí en Bruxelles en el último viaje. Se trata de una mujer de mi edad, admirable de inteligencia y erotismo, y que me ha vuelto loco. Es una de las mujeres más ricas de París, pero esto no me interesa mucho, es su cuerpo y su talento.»72

Marie-Laure de Noailles.
En este tiempo el pintor «empezó a frecuentar los salones de la rive droite. La vizcondesa de Noailles acababa de entrar en su vida, aunque Domínguez tardó todavía un año en abandonar definitivamente a Nadine Effront. Fue entonces cuando se introdujo en los círculos de la alta sociedad parisina».73 En 1951 expone individualmente en la Galerie de France de París, donde obtiene su primer gran éxito, en la Galerie Georges Moos de Zurich en el mes de mayo, nuevamente en la Galerie Apollo de Bruselas del 23 de noviembre al 7 de diciembre, y en la Galerie Le Touquet de Paris-Plague.
En 1952 participa en la Exposition de peinture surréaliste en Europe, organizada por el pintor Edgar Jené en el Saarland Museum de Saarbrücken. Inicia en estos momentos su romance con la vizcondesa de Noailles. La vizcondesa, de nombre Marie-Laure, «era cuatro años mayor que él (había nacido en París el 31 de octubre de 1902) y frisaba los cincuenta años cuando conoció a Domínguez. Aunque nunca fue una gran belleza, tenía lo que los franceses llaman charme. [...] El título de Noailles le correspondía a su marido. Ella era hija única del matrimonio de Maurice de Bischofsheim y Marie Thérèse Anne Germaine de Chevigné [...] Domínguez se había convertido en un personaje mundano al lado de la vizcondesa. Pasaba temporadas en el palacio situado en el número 11 de la place des États Unis de París, mansión construida por el abuelo paterno de Marie-Laure que albergaba una magníica galería de obras de arte.»74
En 1953 se celebra en la Galerie La Demeure de París una exposición individual de cartones de tapices del autor. Del 5 de julio al 31 de agosto el pintor canario participa en la exposición Art fantastique en la Kunsthalle de Ostende. En junio de 1954 expone individualmente en la Galerie Drouant-David de París, al tiempo que participa en el mes de julio en la muestra Surrealismo organizada por Sophie Babet en Lima. El apoyo de la vizcondesa «le había ayudado a conseguir un éxito rotundo en la exposición celebrada el 3 de junio de ese año en Drouant-David [...] Domínguez formaba parte ya del "gran mundo" de París, pues en los últimos cinco años de su vida se había convertido en el animador divertido e ingenioso de la alta sociedad parisina, abandonando casi completamente la vida bohemia de Montparnasse. La influencia de la vizcondesa había pesado para que se le abrieran las puertas del mundo artístico de la capital de Francia. Mientras tanto, Maud había partido nuevamente a Tenerife y esperaba tan sólo que Domínguez arreglara definitivamente los papeles del divorcio para poder casarse con Eduardo Westerdahl.75 » Durante su primera estancia en Tenerife, Maud Bonneaud habría tenido noticias del precario estado de salud de Domínguez a partir de su correspondencia con Westerdahl:
«Te escribo después de haber estado muy enfermo, crisis del espíritu que me llevó a la locura durante 48 horas. Hoy estoy completamente bien y trabajo mucho.»76
Del 19 al 30 de noviembre de 1955 Domínguez expone individualmente en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas, del 11 de mayo al 2 de junio en la Galerie Diderot de París, y en 1957, del 12 de noviembre al 2 de diciembre, en la Galerie Rive Gauche. Esta muestra final, la última en vida del autor, habría sido reconocida tanto por el artista como por la crítica como un destacado fracaso profesional. Un año antes, Óscar Domínguez testimoniaría su situación personal en una epístola dirigida a Eduardo Westerdahl y Maud Bonneaud, en Tenerife:
«Pueden estar seguros de que la cura esta vez ha sido radical. Después de pasar 5 semanas en el infierno, estoy completamente curado y completamente feliz [...] Siento mucho la pena que tendrá Marie-Laure, pero mi decisión es irrevocable. He terminado con la vida mundana y todos los esnobard et invéciles que me rodeaban.»77
Últimos días[editar]
Sabemos que Óscar Domínguez «fue internado en un sanatorio psiquiátrico en tres ocasiones, por causa de la bebida. La primera vez fue conducido por Maud y la vizcondesa. A los pocos días se escapó de la clínica privada en que le habían recluido [...] La tercera y última vez fue, indudablemente, la que supuso unas consecuencias más dolorosas para él, que fue conducido por el chófer de la vizcondesa al Sanatorio Siquiátrico de París de Sainte-Anne (donde en 1945 él había realizado un mural colectivo) Este sanatorio no era una clínica privada y sus métodos eran muchos más violentos. Pero, en aquella ocasión, Domínguez estaba en un estado agresivo y peligroso. La policía le perseguía porque había disparado su revólver en la calle.78 »
Muerte[editar]
Antes de cometer suicidio, Óscar Domínguez había pasado varios días en coma etílico. «En esta situación se encontraba cuando fue invitado al reveillon de Noche Vieja en casa de su amiga Ninette. Asistían también Man Ray, Patrick Waldberg, Félix Labisse y Max Ernst. Domínguez no asistió. Al día siguiente, Ninette, asustada, mandó a su chófer para que investigara lo sucedido [...] Al entrar lo encontraron tendido en el suelo del cuarto de baño, desnudo. Tenía cortes en las muñecas y los tobillos. El médico, Dr. Degême, afirmaba que no murió desangrado, sino por causa de un golpe recibido en la nuca al resbalar probablemente en su propia sangre.79 »
Fue llevado a L'Institut Médico-Legal y depositado en la iglesia de Notre-dame-des-Champs.
El miércoles día 3 de enero de 1958 fue enterrado en el cementerio de Montparnasse, en el panteón de los Noailles.
Obra[editar]

Busto en Tacoronte.
Óscar Domínguez es considerado hoy en día uno de los mayores exponentes mundiales de la vanguardia histórica española que se gestó en París durante las primeras décadas del siglo XX. Junto a su nombre suelen figurar el de artistas de la talla de Picasso, Miró o Dalí. Versátil y polifacético, es uno de los artistas más atractivos e innovadores del panorama de la pintura internacional del siglo XX. En general, las figuras y objetos que componen sus obras surrealistas contienen referencias mágicas, mecanicistas y sexuales, situándose muchas de ellas en el paisaje canario a pesar de residir la mayor parte de su vida en París. La aportación más importante que Óscar Domínguez hizo al surrealismo fue el uso, no el invento, de la decalcomanía o calcomanía, técnica en la que el automatismo psíquico tenía un protagonismo absoluto. Su precedente son las dentrites de la escritora romántica francesa George Sand. La utilizó por primera vez en 1934 y para la cubierta de la monografía de Westerdahl sobre Baumeister. También publicó un libro de ellas, Grisou, que no vio la luz hasta 1992, en París. Este procedimiento tuvo una magnífica aceptación entre los surrealistas que lo adoptaron rápidamente e influyó posteriormente en la pintura expresionista abstracta. La decalcomanía consiste en introducir gouache negro líquido (una especie de témpera) entre dos hojas de papel presionándolas de un modo no controlado. Otra de sus aportaciones al movimiento surrealista fue la teoría de la petrificación del tiempo a través de la cual empieza a introducir en sus composiciones formas cristalizadas y estructuras de redes angulosas. Hay petrificaciones de ese estilo en los cuadros de René Magritte.
A la muerte de su madre la familia se trasladó a vivir a Tacoronte con su abuela Federica, cerca de la histórica Casa de la Alhóndiga. A sus playas de arena negra hace referencia en sus cuadros. El primero data de 1926, Autorretrato con pipa, y está firmado con la expresión Óscar X que utilizó en su primera época. En 1927, su padre lo envió a París a casa de su hermana Antonia y su marido, el pintor Álvaro Fariña, para organizar la exportación del negocio platanero de su padre, aunque tuvo que regresar en 1928 para cumplir el servicio militar.
Al volver entró en contacto con el movimiento surrealista, y sobre todo con André Bretón. Este grupo marcó su trayectoria hasta que fue expulsado al acercarse a la pintura de Pablo Ruiz Picasso. Allí conoció además a Paul Éluard, Man Ray y Wilfredo Lam. En 1928 expuso en el Círculo de Bellas Artes de Tenerife en compañía de la pintora francesa Lily Guetta. En 1931 muere su padre. Su primera individual fue organizada por el grupo surrealista tinerfeño de Gaceta de Arte, en 1933, también en el Círculo de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife y en Las Palmas de Gran Canaria; por entonces sostenía una relación con una pianista polaca que le acompaña a las islas y aparece en algunos de sus cuadros como Retrato de Roma, El piano o Paisaje de Canarias. De esa época es también su famosa Máquina de coser electrosexual. La iconografía de sus cuadros alude frecuentemente a volcanes, grutas y la vegetación típica de las islas; también hay latas de conserva, imperdibles, revólveres, flechas, leones y toros que forman parte de sus objetos surreales. Al año si
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Eusebio Sempere

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Eusebio Sempere

Eusebio Sempere (Onil, Alicante; 3 de abril de 1923 - ibídem, 10 de abril de 1985) fue un escultor, pintor y artista gráfico español. Es el pintor más representativo del movimiento cinético en su país. La línea y su repetición y un gran dominio del color que logra hacer vibrar la luz van a dar... Ver mas
Eusebio Sempere (Onil, Alicante; 3 de abril de 1923 - ibídem, 10 de abril de 1985) fue un escultor, pintor y artista gráfico español. Es el pintor más representativo del movimiento cinético en su país. La línea y su repetición y un gran dominio del color que logra hacer vibrar la luz van a dar profundidad a sus composiciones pictóricas.
Índice [ocultar]
1 Transición
1.1 Infancia y adolescencia
1.2 Formación académica en Valencia
1.3 El padre Roig
1.4 Primera época en París (1948-1953)
1.5 Segunda época en París (1953-1960)
1.6 España y proyección internacional (1960-1985)
2 Museos y exposiciones
3 Premios
4 Referencias
5 Fuentes
6 Bibliografía
7 Enlaces externos
Transición[editar]
Infancia y adolescencia[editar]
Eusebio Sempere nació en Onil (un pequeño municipio situado en el norte de la provincia de Alicante) en 1923, hijo de una familia obrera y humilde. Su padre y un primo de este regentaban una pequeña fábrica de muñecas de cartón, labor artesanal con la que la familia se ganaba la vida. Hoy en día se considera a Onil como importante referente de la industria del juguete y de muñecas. Desde pequeño Eusebio estuvo relacionado con la plástica (según afirmaría después formaba parte de su definición del mundo y las cosas1 ) y obsesionado con la pintura en concreto. Sufría un defecto en la visión del ojo derecho, una especie de estrabismo o simple carencia de visión, que se entiende condicionó su educación y propuesta artísticas debido a que percibía difícilmente la profundidad espacial y los volúmenes. En 1935 se traslada a Alcoy para cursar estudios de Bachillerato. Cinco años más tarde, condicionada por el devenir de la Guerra Civil, su familia se traslada a Valencia. Allí termina ese mismo año el Bachillerato y se apunta a la escuela de Artes y Oficios con horario nocturno, donde aprende, a pesar de sus deficiencias de visión, los elementos básicos del dibujo. Si bien Eusebio asistía con entusiasmo a las clases, en la escuela era notoria la diferencia socio-económica entre él y el resto de alumnos.
Formación académica en Valencia[editar]
En 1941 se matricula en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, donde cursaría estudios hasta 1948, obteniendo el título de profesor de dibujo. Estudia dibujo, pintura y grabado. Tan solo interrumpe sus estudios durante un servicio militar en las Milicias Universitarias. Los años de Valencia fueron muy grises y tristes. El clasicismo presente en la escuela y una mayoría de profesores poco preparados y cerrados ante las nuevas formas artísticas contemporáneas hacían que la enseñanza de arte en la posguerra fuera deprimente y despótica. En la escuela de Valencia predominaba una suerte de sorollismo en la docencia de la pintura y se trataba la historia del arte hasta el impresionismo, dejando a un lado a Pablo Picasso, Paul Klee, Wassily Kandinsky, o al Surrealismo.
El padre Roig[editar]
El padre Roig era profesor de religión en la Escuela de Bellas Artes de Valencia, pero a decir verdad, sus clases eran lo más parecido a una materia de arte contemporáneo. Era buen conocedor del arte moderno y de las vanguardias, apasionado de la pintura abstracta y de la poesía. Influyó positivamente en Eusebio: durante los años de Valencia le prestaba libros de su biblioteca personal y estampas de pintores modernos; durante la etapa de Eusebio en París mantenían correspondencia y le guiaba en el descubrimiento del arte moderno. Alfonso Roig viajó Francia para ampliar sus estudios en arte, donde conoció a Nina Kandinsky. A través de ella conoció a muchos de los artistas influyentes de la época, y gracias a ella, ya estando en París, Eusebio también. Impartió clases y entabló amistad con Juan Genovés, Hernández Mompó o Manolo Valdés entre otros. Se entiende que sus inquietudes desbordaban el ambiente rígido de la escuela.
Primera época en París (1948-1953)[editar]
Véase también: Avant-Garde
En noviembre de 1948 Eusebio recibe una beca del Sindicato Español Universitario (SEU) de tres mil pesetas para ir a París. Llega a la entonces todavía capital artística y caldo de cultivo del Avant-garde con todavía un escaso conocimiento de arte moderno. El primer contacto fue bastante duro y exigente. Sempere se encontró en la encrucijada propia de un estudiante recién salido de una escuela de Bellas Artes clasicista que tiene que enfrentarse a los nuevas corrientes experimentales de la época, así como al significado inabarcable del arte contemporáneo. Si bien esto no le impide ponerse al tanto en unas pocas semanas.
Se alojó en la Casa de España de la ciudad universitaria en París, donde ya residían desde hacía varios meses los también artistas españoles Eduardo Chillida y Pablo Palazuelo. Con el primero tuvo una gran amistad; con Palazuelo, más esquivo y taciturno, no establece una estrecha relación. Durante esta primera época recibe notoria influencia (diversas obras posteriores así lo demuestran) de Paul Klee, Wassily Kandinsky, Henri Matisse, Piet Mondrian o Georges Braque. De hecho, este último le invitó varias veces a su taller. Braque era para la obra de Eusebio más una influencia sentimental que formal.
El verano de 1949 volvió a Valencia posiblemente por problemas económicos. La Galería Mateu le organizó una exposición del 11 al 22 de julio, en la que Sempere presentó diversos gouaches a medio camino de la abstracción realizados en París. Él mismo los definiría años más tarde como una actualización y descomposición de la obra de Matisse. La crítica fue dura. Eusebio terminó por destruir cada una de las obras.
De vuelta a París de nuevo tuvo que buscarse los medios para subsistir. Disponía de poco tiempo para pintar, y solamente lo hacía de noche. Este primer periodo es de búsqueda de estilo personal y de maduración de la sensibilidad. En 1950 conoce a Auguste Herbin, quien le invita a participar en el V Salón de Otoño, donde expusieron artistas como Josef Albers o Sonia Delaunay. Ese mismo año conoce a Loló Soldevilla, agregada cultural de la Embajada de Cuba en París. Ambos mantuvieron una relación muy estrecha, de amistad primero, con vistas a matrimonio después, y de cierta dependencia por parte de Eusebio más tarde. El proyecto frustrado de matrimonio entre ambos sumó a Eusebio en una crisis existencial y artística que le llevó a destruir la mayor parte de las obras realizadas en París hasta la fecha.
Antes de romper en 1953 por decisión personal con la figuración, Eusebio participa en varias exposiciones colectivas en España con una obra de talante más representacional y expresionista. Son bodegones, retratos, figuras humanas. Si bien por otro lado su ímpetu no desiste en la búsqueda de formas abstractas cada vez más geométricas.
Segunda época en París (1953-1960)[editar]
En 1953 Sempere toma la decisión de dejar de trabajar lo figurativo para volcarse en la pintura abstracta y en al geometría. En esta época las figuras de Klee, Kandinsky y Mondrian son cruciales para su imaginario y su concepción de la pintura, del arte y de la vida. Eusebio sigue por las noches indagando, utilizando gouaches, cartulinas y acuarelas. Tras varios años de búsqueda personal, ahora experimenta con el trabajo realizado, buscando cierto dinamismo o movimiento con figuras geométricas. Se percibe en su obra una mayor preocupación tridimensional. Se reconocen influencias de los artistas arriba citados, pero también, y con notoriedad, las obras de este periodo son muy semperianas y denotan una búsqueda de un “vocabulario de significantes propios”.
En 1955 expone su serie de Relieves Luminosos (unas cajas de luz con varios planos en el interior, paralelos y con formas geométricas recortadas) en el "XI Salon des Réalités Nouvelles". Durante el salón entrega en mano copias de su Manifiesto de la Luz, una especie de statement artístico. este no tuvo demasiado calado ni fue visto con buenos ojos por los colegas que allí exponían. Por otro lado poco a poco Sempere empieza a ser más reconocido en España, pues vuelve de vez en cuando y expone en diversas colectivas. En 1959 participa en la Bienal de São Paulo y en 1960 en la Bienal de Venecia, de manos de Luis González Robles, comisario de exposiciones y bienales del Ministerio de asuntos ext