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Los mejores escultores de todos los tiempos

Los mejores escultores de todos los tiempos

  • Lista creada por irenegm.
  • Publicada el 21.10.2013 a las 22:05h.
  • Clasificada en la categoría Cultura.
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La escultura es una de las artes que menos me gustan pero... reconozco que es un arte muy díficil. Me gustaban mucho los clásicos griegos: MIRÓN, FIDIAS, LISIPO, etc, etc y sobre todo, MIGUEL ÁNGEL y DONATELLO y de los modernos admiro a EDUARDO CHILLIDA. ¿Cuál es la vuestra?

Estos son los elementos de la lista. ¡Vota a tus favoritos!

MIGUEL ÁNGEL (MICHELANGELO BUONAROTTI)

1. MIGUEL ÁNGEL (MICHELANGELO BUONAROTTI)

Michelangelo Buonarroti (Caprese, 6 de marzo de 1475 – Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra... Ver mas
Michelangelo Buonarroti (Caprese, 6 de marzo de 1475 – Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.1 Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos.

Fue el primer artista occidental del que se publicaron dos biografías en vida: Le Vite de' più eccellenti pittori, scultori, ed architettori, de Giorgio Vasari, publicada en 1550 en su primera edición, en la cual fue el único artista vivo incluido,2 y Vita de Michelangelo Buonarroti, escrita en 1553 por Ascanio Condivi, pintor y discípulo de Miguel Ángel, que recoge los datos facilitados por el mismo Buonarroti.3 Fue muy admirado por sus contemporáneos, que le llamaban el Divino.4 Benedetto Varchi, el 12 de febrero de 1560, le envió una carta en nombre de todos los florentinos diciéndole:

...toda esta ciudad desea sumisamente poderos ver y honraros tanto de cerca como de lejos... Vuestra Excelencia nos haría un gran favor si quisiera honrar con su presencia su patria.5

Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo.6 La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición por parte del papa Julio II, y que se concretó en una obra excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos.

Ha recibido 4545 puntos

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GIAN LORENZO BERNINI

2. GIAN LORENZO BERNINI

Gian Lorenzo Bernini (Nápoles, 7 de diciembre de 1598 - Roma, 28 de noviembre de 1680) fue un escultor, arquitecto y pintor italiano, uno de los artistas más destacados del Barroco.

Ha recibido 3281 puntos

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FRANçOIS AUGUSTE RENÉ RODIN

3. FRANçOIS AUGUSTE RENÉ RODIN

François-Auguste-René Rodin (París, 12 de noviembre de 1840-Meudon, 17 de noviembre de 1917) fue un escultor francés contemporáneo de la corriente impresionista. Enmarcado en el academicismo más absoluto de la escuela escultórica neoclásica, no sólo fue el escultor encargado de poner fin a más... Ver mas
François-Auguste-René Rodin (París, 12 de noviembre de 1840-Meudon, 17 de noviembre de 1917) fue un escultor francés contemporáneo de la corriente impresionista. Enmarcado en el academicismo más absoluto de la escuela escultórica neoclásica, no sólo fue el escultor encargado de poner fin a más de dos siglos de búsqueda de la mimesis en las artes tridimensionales, sino que además dio un nuevo rumbo a la concepción del monumento y la escultura pública. Debido a esto, Rodin ha sido denominado en la historia del arte como «el primer moderno».1

Ha recibido 2402 puntos

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FIDIAS

4. FIDIAS

Fidias1 (Atenas, hacia 490 a. C. – Olimpia, h. 431 a. C.) fue el más famoso de los escultores de la Antigua Grecia, además de pintor y arquitecto. Fidias, que se encuadra en la etapa conocida como «primer clasicismo griego», diseñó las estatuas de la diosa Atenea en la Acrópolis de Atenas... Ver mas
Fidias1 (Atenas, hacia 490 a. C. – Olimpia, h. 431 a. C.) fue el más famoso de los escultores de la Antigua Grecia, además de pintor y arquitecto.

Fidias, que se encuadra en la etapa conocida como «primer clasicismo griego», diseñó las estatuas de la diosa Atenea en la Acrópolis de Atenas (Atenea Partenos, dentro del Partenón, y Atenea Promacos), y la colosal estatua sentada de Zeus en Olimpia.

Las obras atenienses fueron aparentemente encargo de Pericles en 447 a. C. Es posible que Pericles usase el dinero de la Liga de Delos para pagarle, si bien esto no es seguro.

Se conocen pocos detalles de la vida de Fidias. Se sabe que nació en Atenas poco después de la batalla de Maratón. Se tienen diversos relatos sobre su formación. Hegias de Atenas, Agéladas de Argos, y el pintor de Tasos Polignoto, han sido todos ellos considerados maestros suyos. A favor de Agéladas puede decirse que la influencia de las muchas escuelas dorias puede ciertamente encontrarse en parte de su obra. Aprendió la técnica del bronce en la escuela de Argos con Agéladas, a la vez que Mirón y Policleto. Al parecer, su actividad artística empieza en 464 a. C.. De su vida se sabe poco más aparte de sus obras. Pausanias, sin embargo, menciona a dos de sus estudiantes, que también fueron sus eromenoi. Uno es Agorácrito quien es también conocido por su escultura de Némesis en Ramnunte.n. 1 Otro amado, incluso más estrechamente relacionado con el escultor, es Pantarces, un joven eleo y ganador del combate de lucha juvenil en las 86as Olimpíadas en 436 a. C. Pausanias informa de una tradición según la cual el chico fue el modelo para una de las figuras esculpidas en el trono del Zeus Olímpico. Otra tradición, narrada por Clemente de Alejandría, presenta a Fidias tallando «Kalos Pantarkes» («Pantarkes es guapo») en el dedo corazón del dios.

Algunas de sus obras sobreviven presuntamente a través de copias romanas, y de fragmentos originales atribuidos a él, o son en base conjeturales. De la misma manera, su muerte es centro de controversia y no se saben las causas que la pudieron haber provocado. A pesar de la casi total ausencia de datos concretos sobre su vida, Fidias es considerado uno de los fundadores y uno de los mejores exponentes del Alto clasicismo en la escultura, y reconocido unánimemente como uno de los escultores más importantes de Occidente.2

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SALVADOR DALÍ

5. SALVADOR DALÍ

Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech,1 marqués de Dalí y de Púbol (Figueras, 11 de mayo de 1904 – ibídem, 23 de enero de 1989), fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. Dalí es conocido por sus... Ver mas
Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech,1 marqués de Dalí y de Púbol (Figueras, 11 de mayo de 1904 – ibídem, 23 de enero de 1989), fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.

Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante.2 3 Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la habilidad de forjar un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era muy ecléctico y que «vampirizó» innovaciones ajenas. Una de sus obras más célebres es La persistencia de la memoria, el famoso cuadro de los «relojes blandos», realizado en 1931.

Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Esta conducta irritaba a quienes apreciaban su arte y justificaba a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas como un reclamo publicitario ocasionalmente más llamativo que su producción artística.4 Dalí atribuía su «amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo, [su] pasión por el lujo y su amor por la moda oriental» a un autoproclamado «linaje arábigo»,5 que remontaba sus raíces a los tiempos de la dominación árabe de la península ibérica.

Ha recibido 2295 puntos

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FERNANDO BOTERO

6. FERNANDO BOTERO

Fernando Botero nació en Medellín, Antioquia, el 19 de Abril de 1932 es un pintor, escultor y dibujante colombiano. La obra de su autoría lleva impreso un original estilo figurativo neorrenacentista contemporáneo, denominado por algunos como "Boterismo", el cual le da una identidad... Ver mas
Fernando Botero nació en Medellín, Antioquia, el 19 de Abril de 1932 es un pintor, escultor y dibujante colombiano.

La obra de su autoría lleva impreso un original estilo figurativo neorrenacentista contemporáneo, denominado por algunos como "Boterismo", el cual le da una identidad inconfundible y conmovedora a las mismas, y se caracteriza por la interpretación que da el artista a diversas temáticas universales (el ser humano, la mujer, el hombre, sus sentimientos, pasiones, dolores, creencias, vicios, costumbres, su cotidianidad, sus relaciones interpersonales, mitos, leyendas, manifestaciones culturales, así como dramas , acontecimientos y personajes históricos, sociales y políticos, hitos del arte, hasta objetos, animales, paisajes y la naturaleza en general), con una volumetría exaltada, que impregna de un especial carácter tridimensional, así como de fuerza y sensualidad a la obra, junto a una concepción anatómica particular, una estética que cronológicamente podría encuadrarse entre los años treinta a cuarenta en occidente, en temáticas que pueden ser contemporáneas o pasadas, pero con vocación universal, con un uso vivaz y magistral del color al estilo de la escuela veneciana renacentista y finos detalles de crítica mordaz, ironía y sutileza.

Itinera entre sus afamados estudios de esculturas de Pietra Santa, Italia y los de pintura en París (Francia), Nueva York (Estados Unidos de América) y de Montecarlo (Principado de Mónaco); así mismo, dedica tiempo al dibujo algunos días del año en Zihuatanejo, México y Rionegro, en Colombia.

En 2012 se han programado una serie de homenajes internacionales, con motivo de la efemérides de su natalicio número ochenta. Las celebraciones, incluyen exposiciones antológicas de sus obras en museos del Distrito Federal de México, Sao Paulo en Brasil, Pietra Santa y Asís en Italia, Santiago de Chile, Bogotá y Medellín en Colombia, Bilbao en España, Bielefeld en Alemania, entre otras. Asimismo, la Presidencia de Colombia anunció un decreto en que cataloga las 479 obras de Botero que se encuentran en suelo Colombiano como de "interés cultural del ámbito nacional"1 , lo que implica medidas de protección, conservación y promoción por parte del Estado Colombiano.

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MIRÓN

7. MIRÓN

Mirón (en griego Μύρων; trabajó h. 480-440 a. C.) fue un gran escultor y broncista de mediados del siglo V a. C.1 y uno de los más conocidos autores del arte griego, cuyas aportaciones escultóricas supusieron la transición al periodo clásico. Nacido en Eléuteras,2 ciudad situada en la frontera... Ver mas
Mirón (en griego Μύρων; trabajó h. 480-440 a. C.) fue un gran escultor y broncista de mediados del siglo V a. C.1 y uno de los más conocidos autores del arte griego, cuyas aportaciones escultóricas supusieron la transición al periodo clásico. Nacido en Eléuteras,2 ciudad situada en la frontera de Beocia y el Ática. Según la Historia Natural de Plinio, Agéladas de Argos fue su maestro.3

El viajero Pausanias destacó esculturas de Mirón que permanecían in situ en el siglo II. Quionis, un vencedor olímpico del siglo VII de Esparta era conmemorado a través de un bronce idealizado obra de Mirón4

Trabajó fundamentalmente con el bronce:5 y aunque hizo algunas estatuas de dioses y héroes, su fama descansa principalmente en sus representaciones de atletas, en los que hizo una revolución, según los comentadores de la Antigüedad, al introducir una mayor audacia en la pose y un ritmo más perfecto, subordinando las partes al todo. La observación de Plinio de que las obras de Mirón eran numerosior que las de Policleto y «más diligentes»6 parece sugerir que eran consideradas de proporciones (numeri) más armoniosas y al mismo tiempo más convincentes en su realismo: diligentia denotaba «gran atención a los puntos delicados», una cualidad que, con moderación, era característica de las mejores obras de arte, según los críticos de la Antigüedad.7 Su gran mérito consistió en saber captar como nadie el movimiento. Sus obras más famosas se caracterizan por la representación fidedigna de las tensiones del cuerpo humano en movimiento, como se aprecia en su conocido Discóbolo, y el realismo en sus esculturas de hombres y animales.

Sus obras más famosas, según Plinio (Historia Natural, 34.57-59) fueron una vaquilla, un perro (canem, tal vez Cerbero), un Perseo, un sátiro — Marsias— admirando la flauta y Minerva (Atenea), un Hércules, que se llevó al santuario que le dedicó Pompeyo el Grande en el Circo Máximo, el Discóbolo (el lanzador de disco), y un Apolo para Éfeso, «que Antonio el triunviro cogió a los efesios, pero el Augusto deificado lo restauró después de haber sido advertido en un sueño».8 Los escritores del Alto Imperio Romano consecuentemente consideraron a Mirón entre los más grandes de los escultores griegos, un signo de que su reputación contemporánea había permanecido alta.
Minotauro, de una fuente en Atenas, parte del grupo perdido de Mirón de Teseo y el Minotauro (Museo Arqueológico Nacional de Atenas).

La vaquilla parece que obtuvo su fama principalmente por inspirar epigramas,9 lo que nada nos dice sobre la pose del animal. Un epigrama10 sobre Ladas, el corredor más veloz de la época, señala que fue conmemorado por una escultura de Mirón; del Ladas de Mirón no hay copia conocida. Una descripción de Luciano11 definitivamente identifica como obra de Mirón el Discóbolo o «Lanzador de disco», de la que existen varias copias, de las cuales la mejor es la del Palazzo Massimi alle Terme, Roma. Estrabón también registra grupos callejeros sobre Mirón, especialmente un amplio grupo en Samos; varias cabezas supervivientes se han identificado como copias de la Atenea Samia de Mirón por C.K. Jenkins en 1926.12

Una figura de mármol en el Museo de Letrán, que está actualmente restaurada como un sátiro danzante, es casi con certeza una copia de una obra de Mirón, un Marsias deseoso de tomar el aulos que Atenea había arrojado.13 El grupo entero está copiado en monedas de Atenas, en un vaso y en un relieve que representa a Marsias como oscilando entre la curiosidad y el miedo a desagradar a la diosa Atenea.
El Discóbolo de Mirón en el Jardín Botánico de Copenhage, Dinamarca.

Los críticos antiguos dicen de Mirón que, aunque tuvo un éxito admirable al dar vida y movimiento a sus figuras, no logró presentar las emociones de la mente. Esto concuerda con la evidencia existente, hasta cierto punto, aunque no perfectamente. Los cuerpos de sus hombres son de mucha mayor excelencia que sus cabezas. La cara de Marsias es casi una máscara; pero de la actitud conseguimos una impresión vívida de las pasiones que le dominan. La cara del Discóbolo está calmada y tranquila; pero todos los músculos de su cuerpo se concentran en el esfuerzo. Sin renunciar a algunas de las características esenciales de la escultura del periodo arcaico, su Discóbolo es una obra plenamente clásica. Y aunque supuso un avance decisivo en el estudio del movimiento, de la tensión muscular y de la integración de la figura en el espacio no captó el aspecto emocional y los detalles de un rostro expresivo. Por ello la cabeza conserva reminiscencias de la movilidad del estilo anterior, la sonrisa se parece todavía a la expresión arcaica.

Un número considerable de otras obras existentes se adscribieron a la escuela o la influencia de Mirón, por Adolf Furtwängler.14 Estas atribuciones no han superado la prueba del tiempo.

Un papiro de Oxirrinco da las fechas de vencedores de Olimpia de quienes Mirón hizo estatuas del atleta Timantes, victorioso en Olimpia en el año 456 a. C., y de Licino, victorioso en 448 y 444. Esto ayuda a fijar su data. Era contemporáneo, pero algo mayor, que Fidias y Policleto.15

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DONATELLO (DONATO DI NICCOLÓ DI BETTO BARDI)

8. DONATELLO (DONATO DI NICCOLÓ DI BETTO BARDI)

Donatello (Donato di Niccolò di Betto Bardi) (Florencia, Italia, 1386 – ibídem, 13 de diciembre de 1466) fue un famoso artista y escultor italiano de principios del Renacimiento. Junto con Leon Battista Alberti, Brunelleschi y Masaccio, fue uno de los padres del renacimiento. Donatello se... Ver mas
Donatello (Donato di Niccolò di Betto Bardi) (Florencia, Italia, 1386 – ibídem, 13 de diciembre de 1466) fue un famoso artista y escultor italiano de principios del Renacimiento. Junto con Leon Battista Alberti, Brunelleschi y Masaccio, fue uno de los padres del renacimiento. Donatello se destacó en una fuerza innovadora en el campo de la escultura monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad dentro de un mínimo plano, denominándose con el nombre de stiacciato, es decir «relieve aplanado o aplastado».

El David de mármol para la catedral de Santa María del Fiore en Florencia, fue su primera obra documentada entre 1444 y 1446. En los años sucesivos realizó numerosas obras en mármol, terracota, bronce y madera para diversos mecenas y ciudades. Regresó a Florencia en el año 1459 con el encargo de modelar unas placas en bronce para la Basílica de San Lorenzo y durante su elaboración falleció en diciembre de 1466.1

Entre sus obras más importantes se encuentran el David de bronce en el museo del Bargello, el Púlpito exterior de la catedral de Prato, la estatua ecuestre de Gattamelata en Padua, la María Magdalena penitente en el museo dell'Opera del Duomo en Florencia y Judith y Holofernes en el Palacio Vecchio.2

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ANDREA DEL VERROCCHIO

9. ANDREA DEL VERROCCHIO

Andrea del Verrocchio, nacido Andrea di Michele di Francesco de Cioni, conocido simplemente como Verrocchio (Florencia, h. 1435 - Venecia, 1488) fue un pintor, escultor y orfebre cuatrocentista italiano. Trabajó en la corte de Lorenzo de' Medici en Florencia. Entre sus alumnos estuvieron... Ver mas
Andrea del Verrocchio, nacido Andrea di Michele di Francesco de Cioni, conocido simplemente como Verrocchio (Florencia, h. 1435 - Venecia, 1488) fue un pintor, escultor y orfebre cuatrocentista italiano. Trabajó en la corte de Lorenzo de' Medici en Florencia. Entre sus alumnos estuvieron Leonardo da Vinci, Perugino, Ghirlandaio y Sandro Botticelli, pero también influyó en Miguel Ángel. Trabajó en el estilo serenamente clásico del primer renacimiento florentino.
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JUAN MARTÍNEZ MONTAÑÉS

10. JUAN MARTÍNEZ MONTAÑÉS

Juan Martínez Montañés (Alcalá la Real, Jaén, 1568 - Sevilla, 18 de junio de 1649) fue un escultor español que trabajó entre la escultura del Renacimiento y la del barroco. Se formó en Granada con Pablo de Rojas y completó su educación en Sevilla, donde se estableció para el resto de su vida... Ver mas
Juan Martínez Montañés (Alcalá la Real, Jaén, 1568 - Sevilla, 18 de junio de 1649) fue un escultor español que trabajó entre la escultura del Renacimiento y la del barroco. Se formó en Granada con Pablo de Rojas y completó su educación en Sevilla, donde se estableció para el resto de su vida, convirtiéndose en el máximo exponente de la escuela sevillana de imaginería. Prácticamente toda su obra fue de tema religioso, menos dos estatuas orantes y el retrato de Felipe IV. Recibió y realizó encargos para diversas ciudades del continente americano. En su tiempo fue conocido como el «Lisipo andaluz» y también como el «Dios de la madera» por la gran facilidad y maestría que tenía al trabajar con dicho material.1

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GREGORIO FERNÁNDEZ

11. GREGORIO FERNÁNDEZ

Gregorio Fernández (1576, Sarria, provincia de Lugo - 22 de enero de 1636, Valladolid), fue un escultor español del Barroco, máximo exponente de la escuela castellana de escultura. Heredero de la expresividad de Alonso Berruguete y Juan de Juni, supo reunir a estas influencias el clasicismo... Ver mas
Gregorio Fernández (1576, Sarria, provincia de Lugo - 22 de enero de 1636, Valladolid), fue un escultor español del Barroco, máximo exponente de la escuela castellana de escultura.

Heredero de la expresividad de Alonso Berruguete y Juan de Juni, supo reunir a estas influencias el clasicismo de Pompeyo Leoni y Juan de Arfe, de manera que su arte se liberó progresivamente del Manierismo imperante en su época hasta convertirse en uno de los paradigmas del Barroco español.

La colección más importante de su obra se encuentra en el Museo Nacional de Escultura, en Valladolid. Fernández trabajó para las cofradías vallisoletanas, y el museo cede, como un hecho museístico singular, importantes piezas de sus fondos a las cofradías durante la celebración de la Semana Santa.

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LISIPO

12. LISIPO

Lisipo (griego antiguo Λύσιππος) fue un escultor clásico griego, nacido en Sición, Peloponeso, h. 370 a. C. y fallecido hacia el 318 a. C. Lisipo, Escopas y Praxíteles están considerados los tres grandes escultores de la segunda fase del clasicismo (siglo IV a. C.),1 época de transición entre la... Ver mas
Lisipo (griego antiguo Λύσιππος) fue un escultor clásico griego, nacido en Sición, Peloponeso, h. 370 a. C. y fallecido hacia el 318 a. C. Lisipo, Escopas y Praxíteles están considerados los tres grandes escultores de la segunda fase del clasicismo (siglo IV a. C.),1 época de transición entre la era griega clásica y el helenismo. Existen una serie de problemas de método que se plantean al estudioso de su obra: el amplio taller de Lisipo, la demanda de réplicas de su obra aún en vida2 y más tarde entre los aficionados helenísticos y romanos, el número de discípulos directamente en su círculo3 y la supervivencia de sus obras sólo en copias.

Ha recibido 937 puntos

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JOAN MIRÓ

13. JOAN MIRÓ

Joan Miró i Ferrà (Barcelona, 20 de abril de 1893 — Palma de Mallorca, 25 de diciembre de 1983) pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En un... Ver mas
Joan Miró i Ferrà (Barcelona, 20 de abril de 1893 — Palma de Mallorca, 25 de diciembre de 1983) pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En un principio mostró fuertes influencias fauves, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf, como lo es su conocido cuadro La Masía del año 1920. A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más onírica, coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento.1 En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década de 1930, Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de "matarlos, asesinarlos o violarlos", para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas.2

Uno de sus grandes proyectos fue la creación en 1975, de la Fundación Joan Miró, ubicada en Barcelona, centro cultural y artístico para difundir las nuevas tendencia del arte contemporáneo, constituyéndose con un gran fondo de obras donadas por el autor; otros lugares con importantes fondos de sus obras son la Fundación Pilar i Joan Miró de Palma de Mallorca, el Museo Reina Sofía de Madrid, el Centro Pompidou de París (Musée National d'Art Moderne) y el MOMA de Nueva York.

Ha recibido 895 puntos

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PABLO GARGALLO

14. PABLO GARGALLO

Pablo Emilio Gargallo Catalán (Maella (Zaragoza), 5 de enero de 1881- Reus (Tarragona), 28 de diciembre de 1934). Escultor y pintor español. Considerado uno de los escultores más importantes e innovadores del siglo XX, a lo largo de su vida artística combinó paralelamente el clasicismo con la... Ver mas
Pablo Emilio Gargallo Catalán (Maella (Zaragoza), 5 de enero de 1881- Reus (Tarragona), 28 de diciembre de 1934). Escultor y pintor español. Considerado uno de los escultores más importantes e innovadores del siglo XX, a lo largo de su vida artística combinó paralelamente el clasicismo con la experimentación. En El profeta, de 1933, culmina toda su trayectoria, que incorpora la vanguardia cubista en una escultura que conjuga el volumen y el vacío, y posee una gran energía de carácter expresionista.

Ha recibido 895 puntos

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ANTONIO LÓPEZ GARCÍA

15. ANTONIO LÓPEZ GARCÍA

Antonio López García (Tomelloso, Ciudad Real, 6 de enero de 1936) es un pintor y escultor español.

Ha recibido 892 puntos

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JUAN DE MESA

16. JUAN DE MESA

Juan de Mesa y Velasco (Córdoba, 1583 - Sevilla, 1627), fue un escultor español del Barroco.

Ha recibido 761 puntos

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MARIANO BENLLIURE

17. MARIANO BENLLIURE

Mariano Benlliure y Gil (Valencia, 8 de septiembre de 1862 – Madrid, 9 de noviembre de 1947) fue un escultor español. Considerado como el último gran maestro del realismo decimonónico.

Ha recibido 717 puntos

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FILIPPO BRUNELLESCHI

18. FILIPPO BRUNELLESCHI

Filippo di Ser Brunellesco Lapi, Filippo Brunelleschi (1377 - 15 de abril de 1446) fue un arquitecto, escultor y orfebre renacentista italiano. Es conocido, sobre todo, por su trabajo en la cúpula de la Catedral de Florencia Il Duomo. Sus profundos conocimientos matemáticos y su entusiasmo... Ver mas
Filippo di Ser Brunellesco Lapi, Filippo Brunelleschi (1377 - 15 de abril de 1446) fue un arquitecto, escultor y orfebre renacentista italiano.

Es conocido, sobre todo, por su trabajo en la cúpula de la Catedral de Florencia Il Duomo. Sus profundos conocimientos matemáticos y su entusiasmo por esta ciencia le facilitaron el camino en la arquitectura, además de llevarle a la invención de la perspectiva cónica.1

Fue contemporáneo de Leon Battista Alberti, Ghiberti, Donatello y Masaccio.

Giorgio Vasari incluyó la biografía de Brunelleschi en su obra Vida de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos (Vite de' più eccellenti architetti, pittori, et scultori italiani, da Cimabue insino a' tempi nostri, 1542–1550).

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PRAXÍTELES

19. PRAXÍTELES

Praxíteles (griego antiguo: Πραξιτέλης) de Atenas, hijo de Cefisodoto el Viejo, fue el más renombrado escultor clásico ático del siglo IV a. C. Con la obra de Praxíteles la escultura griega evoluciona desde el clasicismo hacia una especie de anticipado manierismo, al acentuar el sensualismo. Sus... Ver mas
Praxíteles (griego antiguo: Πραξιτέλης) de Atenas, hijo de Cefisodoto el Viejo, fue el más renombrado escultor clásico ático del siglo IV a. C. Con la obra de Praxíteles la escultura griega evoluciona desde el clasicismo hacia una especie de anticipado manierismo, al acentuar el sensualismo. Sus obras están caracterizadas por la llamada karis (gracia) ática y la llamada «curva praxiteliana» consistente en un elegante contrapposto.

Fue el primero en esculpir la forma femenina desnuda en una estatua a tamaño natural. Aunque no queda ninguna escultura que sea atribuible sin dudas a Praxíteles, numerosas copias de sus obras han sobrevivido; autores contemporáneos, incluyendo a Plinio el Viejo, escribieron sobre sus obras; y han sobrevivido monedas grabadas con siluetas de varios de sus modelos estatuarios.

Una supuesta relación entre Praxíteles y su bella modelo, la cortesana tespia Friné, ha inspirado especulación e interpretación en obras de arte que van desde la pintura (Gérôme) a la opereta (Saint-Saëns) o las marionetas (Charles Maurice Donnay).

Algunos escritores han sostenido que hubo dos escultores con el nombre de Praxíteles. Uno sería contemporáneo de Fidias y el otro su más conocido nieto. Aunque la repetición del mismo nombre en generaciones sucesivas es habitual en Grecia, no hay evidencia cierta para ninguna de las posiciones.

Ha recibido 684 puntos

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EDUARDO CHILLIDA

20. EDUARDO CHILLIDA

Eduardo Chillida Juantegui (San Sebastián, 10 de enero de 1924 – San Sebastián, 19 de agosto de 2002) fue un escultor español. Nacido el 10 de enero de 1924. A los 18 años de edad, en 1942, comienza sus estudios para preparar el ingreso a la Escuela Técnica Superior de Arquitectura en la... Ver mas
Eduardo Chillida Juantegui (San Sebastián, 10 de enero de 1924 – San Sebastián, 19 de agosto de 2002) fue un escultor español.

Nacido el 10 de enero de 1924. A los 18 años de edad, en 1942, comienza sus estudios para preparar el ingreso a la Escuela Técnica Superior de Arquitectura en la Universidad Politécnica de Madrid. En pocos años decidió abandonar el ingreso a los estudios de Arquitectura.

El escultor jugó en la Real Sociedad durante la temporada 1942-43, en la que el club donostiarra militaba en Segunda División. Eduardo Chillida era el portero titular del equipo, al tiempo que su padre, Pedro Chillida, presidía el club (lo hizo de 1942 a 1945). Chillida llegó a jugar catorce partidos como titular –todos los de la temporada regular-, en los que encajó dieciséis goles. Una lesión en la rodilla (la tríada) le obligó a dejar el fútbol prematuramente esa misma temporada, cuando todavía contaba con 19 años de edad. 2

Fue más tarde cuando empezó a dibujar en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Durante este tiempo se familiariza con el dibujo al natural. Es en este momento en Madrid donde realiza sus primeras piezas escultóricas.

Se traslada posteriormente a París donde su obra comienza a tomar cuerpo. Efectúa sus primeras esculturas en yeso. En estos años comienza su rivalidad con el escultor Jorge Oteiza, ambos con una obra vinculada en la tradición constructivista, pese a trabajar cada uno con temáticas parcialmente diferentes. Jorge Oteiza acusó a Eduardo Chillida de plagiar sus obras. Las acusaciones de Oteiza se plasmaron en La ley de los cambios. Libro de los plagios (1991), obra en la que lo que más lamentaba era el hecho de que Chillida no aceptara la influencia de la escuela vasca. Los dos escultores hicieron las paces en 1997 en Chillida Leku.

En 1951 el regresa definitivamente a San Sebastián. Chillida realiza su primera pieza en hierro, Ilarik, material que utilizará a lo largo de toda su vida.
Chillida-Leku.

Defendió la obra pública como mecanismo para garantizar un acceso a su obra en lugar de la realización de obras de arte en serie. Algunas de sus obras más conocidas no sólo se encuentran en espacios públicos, sino que forman parte intrínseca de él; como el Peine del Viento en San Sebastián o el monumental es Elogio del Horizonte en Gijón.

Sus últimos años de vida sufrió la enfermedad de Alzheimer. El 19 de agosto de 2002 falleció en su casa del Monte Igueldo en San Sebastián.

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FRANCISCO SALZILLO

21. FRANCISCO SALZILLO

Francisco Salzillo y Alcaraz (n. Murcia; 12 de mayo de 1707 - f. ib.; 2 de marzo de 1783) fue un escultor barroco español, considerado como el más representativo imaginero del siglo XVIII español y uno de los más grandes del Barroco. Salzillo se dedicó en exclusiva a la temática religiosa y supo... Ver mas
Francisco Salzillo y Alcaraz (n. Murcia; 12 de mayo de 1707 - f. ib.; 2 de marzo de 1783) fue un escultor barroco español, considerado como el más representativo imaginero del siglo XVIII español y uno de los más grandes del Barroco. Salzillo se dedicó en exclusiva a la temática religiosa y supo plasmar en su estilo los cambios que se fueron produciendo durante el siglo XVIII, lo que se vio plasmado en una escultura de transición hacia el rococó y el neoclasicismo,1 así como en diversos cambios que se fueron produciendo en el taller que heredó de su padre, él también escultor e imaginero, Nicolás Salzillo.

Su vida transcurrió enteramente en la ciudad de Murcia que, hoy día, cuenta con un museo dedicado a su obra, el Museo Salzillo, que alberga algunas de sus obras más características, como el belén o los ocho pasos que procesionan el Viernes Santo en la llamada procesión de los Salzillos.

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BENVENUTO CELLINI

22. BENVENUTO CELLINI

Benvenuto Cellini (Florencia, 3 de noviembre de 1500 - 13 de febrero de 1571) fue un escultor, grabador y escritor florentino. Se convirtió en uno de los orfebres más importantes del Renacimiento italiano y realizó monedas labradas, joyas, floreros y adornos exquisitos. Su autobiografía es un... Ver mas
Benvenuto Cellini (Florencia, 3 de noviembre de 1500 - 13 de febrero de 1571) fue un escultor, grabador y escritor florentino. Se convirtió en uno de los orfebres más importantes del Renacimiento italiano y realizó monedas labradas, joyas, floreros y adornos exquisitos. Su autobiografía es un valioso testimonio de la época, aunque no carece de ingredientes fantasiosos.

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GIAMBOLOGNA (JUAN DE BOLONIA)

23. GIAMBOLOGNA (JUAN DE BOLONIA)

Jean Boulogne (Douai, 1529 - Florencia 1608), conocido en Italia como Giovanni Da Bologna o más abreviadamente Giambologna y en España como Juan de Bolonia, fue un escultor francés que trabajó en la Italia de finales del Renacimiento. Fue autor de varias de las esculturas más famosas, en... Ver mas
Jean Boulogne (Douai, 1529 - Florencia 1608), conocido en Italia como Giovanni Da Bologna o más abreviadamente Giambologna y en España como Juan de Bolonia, fue un escultor francés que trabajó en la Italia de finales del Renacimiento.

Fue autor de varias de las esculturas más famosas, en mármol y bronce, sobre temática mitológica. Ocupa asimismo un puesto clave en la historia de la escultura europea, como puente entre el Renacimiento de Miguel Ángel y el Barroco de Bernini.

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ANTONIO CANOVA

24. ANTONIO CANOVA

Antonio Canova (Possagno, 1 de noviembre de 1757 - Venecia, 13 de octubre de 1822) fue un escultor y pintor italiano del Neoclasicismo. Su estilo estuvo inspirado en gran medida en el arte de la Antigua Grecia y sus obras fueron comparadas por sus contemporáneos con la mejor producción de la... Ver mas
Antonio Canova (Possagno, 1 de noviembre de 1757 - Venecia, 13 de octubre de 1822) fue un escultor y pintor italiano del Neoclasicismo.

Su estilo estuvo inspirado en gran medida en el arte de la Antigua Grecia y sus obras fueron comparadas por sus contemporáneos con la mejor producción de la antigüedad, fue considerado el mejor escultor europeo desde Bernini.1 Su contribución en la consolidación del arte neoclásico sólo se compara a la del teórico Johann Joachim Winckelmann y a la del pintor Jacques-Louis David, aunque también fue sensible a la influencia del romanticismo. No tuvo discípulos directos, pero influyó en la escultura de toda Europa sobre su generación, manteniéndose como una referencia durante todo el siglo XIX, especialmente entre los escultores de la comunidad académica. Con el auge de la estética del arte moderno cayó en el olvido, pero su posición de prestigio se reanudó a partir de mediados del siglo XX. También mantuvo un interés continuo en la investigación arqueológica, era un coleccionista de antigüedades y se esforzó para evitar que el arte italiano, antiguo o moderno, se dispersara por otras colecciones del mundo. Considerado por sus contemporáneos tanto como un modelo de excelencia artística como de conducta personal, desenvolvió importantes actividades en beneficio y apoyo de los artistas jóvenes. Fue director de la Academia de San Lucas de Roma e inspector general de Antigüedades y Bellas Artes de los Estados Pontificios, recibió varios premios y fue ennoblecido por el papa Pío VII quien le otorgó el título de marqués de Ischia.2 3 4

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GIL DE SILOÉ

25. GIL DE SILOÉ

Gil de Siloé (los historiadores del arte también le nombran como Gil de Siloe o, simplemente, Gil Siloe), fue un escultor castellano en estilo gótico activo en los últimos años del siglo XV. Hijo suyo fue Diego de Siloé, escultor y arquitecto en estilo renacentista.

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NICOLA PISANO

26. NICOLA PISANO

Nicola Pisano fue un escultor italiano, considerado uno de los últimos representantes de la escultura medieval (Gótico) y a la vez uno de los pioneros del Renacimiento. Se formó en la corte de Federico II. Su obra del púlpito del baptisterio de Pisa, de 1260, puede considerarse como algo sin... Ver mas
Nicola Pisano fue un escultor italiano, considerado uno de los últimos representantes de la escultura medieval (Gótico) y a la vez uno de los pioneros del Renacimiento.

Se formó en la corte de Federico II. Su obra del púlpito del baptisterio de Pisa, de 1260, puede considerarse como algo sin precedentes en la escultura italiana, sintetizando influencias anteriores y consiguiendo a la vez una unidad compositiva y estilística notable. También realizó el púlpito de la catedral de Siena, de menor influencia clásica pero relieve más profundo y composición más hábil. Esta obra, de 1265-68, fue realizada con ayuda de su hijo Giovanni Pisano. Nicola Pisano adquirió su apellido en honor a la ciudad de Pisa, y luego también lo adquirió su hijo. El púlpito del Baptisterio de Pisa, obra por la cual Nicola Pisano adquirió su fama, tiene una forma hexagonal, y por ello aumenta la cantidad de relieves.

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ANTONIO CORRADINI

27. ANTONIO CORRADINI

Antonio Corradini (Padua, 6 de septiembre de 1668 - Nápoles, 29 de junio de 1752) fue un escultor italiano. Sus obras se encuentran en el Sacramento del altar en la Basílica de San Marcos, Venecia, la estatua de San Marcos el Evangelista, actualmente en el Museo Correr, en el Louvre de París... Ver mas
Antonio Corradini (Padua, 6 de septiembre de 1668 - Nápoles, 29 de junio de 1752) fue un escultor italiano.

Sus obras se encuentran en el Sacramento del altar en la Basílica de San Marcos, Venecia, la estatua de San Marcos el Evangelista, actualmente en el Museo Correr, en el Louvre de París la escultura de La mujer con velo, en Praga el sepulcro de San Juan en la Catedral, en Roma en el Palazzo Barberini la Vestal Tuccia, donde trabajó desde 1740 hasta 1744, cuando se trasladó a Nápoles para trabajar en la capilla de Sansevero, encargo realizado por Raimondo di Sangro, VII Príncipe de Sansevero, que compartía la fe masónica.

Para la iglesia napolitana de Santa María de la Piedad o «Pietatella», más conocida como Capilla Sansevero realizó:

1. Monumento a Giovanni Francesco de'Sangro 2. La decoración 3. Monumento a Paolo de'Sangro 4. La modestia con velo

Hasta hace unos años, se consideró sólo como atribución fiable el boceto del Cristo Velado en la misma iglesia. Ahora, la hipótesis se confirma plenamente en términos bastante claros por la fuente más confiable, el Príncipe de Sansevero, Raimondo di Sangro, que expone a través del contrato de 25 de noviembre 1752 por una ley del Notario Liborio Scala, custodiada en los Archivos Notariales de Nápoles, en la que, entre otras cosas, dice: «Una estatua ....... simplemente el dibujo hecho por el difunto Sr. Maestro Antonio Corradini...».

Otras obras de escultores que trabajaron en la capilla Sansevero fueron Francesco Celebrano, Giuseppe Sanmartino, Francesco Queirolo.

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ALBERTO GIACOMETTI

28. ALBERTO GIACOMETTI

Alberto Giacometti (Borgonovo, Suiza, 10 de octubre de 1901 - Coira, Suiza, 11 de enero de 1966) fue un escultor y pintor suizo.

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ANDY WARHOL

29. ANDY WARHOL

Andrew Warhola, Jr. (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador... Ver mas
Andrew Warhola, Jr. (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.

Uno de los aportes más populares de Warhol fue su declaración: "En el futuro todo el mundo será famoso durante 15 minutos". Esta frase de cierta manera vaticinó el actual poder de los medios de comunicación y el apogeo de la prensa amarilla y de los reality shows.

Fue personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas - y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, análisis, libros y documentales, además de ser recreado en obras de ficción como la película I Shot Andy Warhol (Mary Harron, 1996). Al margen de la fama y de la polémica, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX debido a su revolucionaria obra.

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JUAN DE JUNI

30. JUAN DE JUNI

Juan de Juni1 (Joigny, Francia, 1506 – Valladolid, 10 de abril de 1577) fue un escultor franco-español. Junto con Alonso Berruguete, Juni formó la gran escuela de la escultura castellana, con una gran y extensa obra realizada mayormente en los más de treinta años que permaneció en Valladolid... Ver mas
Juan de Juni1 (Joigny, Francia, 1506 – Valladolid, 10 de abril de 1577) fue un escultor franco-español.

Junto con Alonso Berruguete, Juni formó la gran escuela de la escultura castellana, con una gran y extensa obra realizada mayormente en los más de treinta años que permaneció en Valladolid. Eso le ha valido su presencia destacada en el Museo Nacional de Escultura, especialmente, y en el Museo Diocesano y Catedralicio de Valladolid, entre otros lugares de la ciudad.

Presentó un gran dominio en los materiales escultóricos como el barro cocido, la piedra y la madera y un perfecto conocimiento de la anatomía humana.2

Su oficio fue el de escultor, también denominado como "maestro de hacer imágenes" o como entallador que por misión tenía el hacer los elementos decorativos de fachadas, portadas o retablos, así también se dedicó a la construcción y al montaje de la arquitectura de los retablos a quienes se les llamaba ensamblador y como prueba de su oficio de arquitectura se sabe que realizó en el año 1565, en Valladolid, el Arco para recibir a la reina Isabel de Valois, conservándose aún el diseño de dicha obra.3

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PEDRO DE MENA

31. PEDRO DE MENA

Pedro de Mena y Medrano (Granada, agosto de 1628 - Málaga, 13 de octubre de 1688), fue un escultor del barroco español. Pedro de Mena se dedicó principalmente a la realización de imaginería religiosa, oficio al que también se había dedicado su padre, Alonso de Mena, y de quien heredó un... Ver mas
Pedro de Mena y Medrano (Granada, agosto de 1628 - Málaga, 13 de octubre de 1688), fue un escultor del barroco español.

Pedro de Mena se dedicó principalmente a la realización de imaginería religiosa, oficio al que también se había dedicado su padre, Alonso de Mena, y de quien heredó un taller en Granada. Además, tuvo otro taller instalado durante treinta años en Málaga, a donde se había dirigido para participar en una de sus obras más reconocidas, la sillería del coro de la Catedral de Málaga. En esta ciudad ejecutó gran cantidad de encargos, especialmente para órdenes religiosas. 1

En sus obras destacan: los rostros y rasgos alargados de sus figuras, las ropas trabajadas con unos perfiles extremadamente finos y la policromía empleada (colores en fuerte contraste) y el realismo en las encarnaduras, que se muestra claramente y, sobre todo, en su Magadalenta Penitente, «Dolorosas» y «Ecce Homo». Debido al gran impacto que produjo la imagen de San Francisco de Asís realizada para la Catedral Primada de Toledo y gracias a la intervención del cardenal Moscoso y Sandoval, antiguo conocido de su padre, fue nombrado maestro mayor de la misma.2

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HENRY MOORE

32. HENRY MOORE

Henry Spencer Moore (Castleford, 30 de julio de 1898 – Much Hadham, 31 de agosto de 1986) fue un escultor inglés conocido por sus esculturas abstractas de bronce y mármol que pueden ser contempladas en numerosos lugares del mundo como obras de arte público. Aunque durante sus inicios Moore... Ver mas
Henry Spencer Moore (Castleford, 30 de julio de 1898 – Much Hadham, 31 de agosto de 1986) fue un escultor inglés conocido por sus esculturas abstractas de bronce y mármol que pueden ser contempladas en numerosos lugares del mundo como obras de arte público.

Aunque durante sus inicios Moore siguió el estilo romántico de la época victoriana,1 posteriormente desarrolló un estilo propio, influido por varios artistas renacentistas y góticos tales como Miguel Ángel, Giotto y Giovanni Pisano, así como por la cultura tolteca-maya.1 Las primeras obras de Moore fueron realizadas usando la técnica de tallado directo,2 pero, a finales de los años 1940, Moore comenzó a producir esculturas moldeando la figura en arcilla o yeso antes de terminar el trabajo en bronce usando la técnica de moldeo a la cera perdida o la de moldeo en arena.3

Sus obras generalmente representan abstracciones de la figura humana,4 como una madre con su hijo o figuras reclinadas.2 La mayoría de sus esculturas representan el cuerpo femenino5 a excepción de las realizadas durante los años 1950, cuando esculpió grupos familiares. Sus esculturas generalmente tienen espacios vacíos y formas onduladas, inspiradas, según algunos críticos, por los paisajes de Yorkshire, su lugar de origen.

Moore fue una de las figuras artísticas más conocidas de su época, siendo considerado "la voz oficial de la escultura británica y la cara aceptable de la Modernidad".6 La habilidad que adquirió en su madurez para cumplir encargos de obras de gran tamaño, tales como el West Wind en el edificio del Metro de Londres, lo hizo excepcionalmente rico. Sin embargo, vivió modestamente y la mayor parte de su dinero fue usado para crear y mantener la Henry Moore Foundation, una fundación dedicada a promover la educación y fomento de las artes.7

Moore murió el 31 de agosto de 1986 en su hogar en Hertfordshire a los 88 años y fue enterrado en la Catedral de San Pablo de Londres. Sus obras y su estilo influyeron a numerosos artistas británicos e internacionales tales como sir Anthony Caro,8 Phillip King,9 Eduardo Paolozzi y Kenneth Armitage.6 Asimismo, Moore también dejó su marca en varias organizaciones artísticas del Reino Unido, siendo miembro de las juntas directivas de la National Gallery de Londres y de la Tate.10

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JACOPO DELLA QUERCIA

33. JACOPO DELLA QUERCIA

Jacopo della Quercia o Jacopo Di Pietro d'Agnolo della Quercia (Quercia Grossa, cerca de Siena, hacia 1374 o 1367 - Siena, 20 de octubre de 1438) fue un escultor italiano del Primer Renacimiento (o Quattrocento). Trabajó sobre todo en Siena, Bolonia y Lucca. Su escultura busca una síntesis... Ver mas
Jacopo della Quercia o Jacopo Di Pietro d'Agnolo della Quercia (Quercia Grossa, cerca de Siena, hacia 1374 o 1367 - Siena, 20 de octubre de 1438) fue un escultor italiano del Primer Renacimiento (o Quattrocento). Trabajó sobre todo en Siena, Bolonia y Lucca.

Su escultura busca una síntesis entre la escultura gótica de Giovanni Pisano y la borgoñona, especialmente la de Claus Sluter por una parte, y con el clasicismo por la otra, asimilada gracias a los hallazgos del Renacimiento florentino: se dedicó especialmente a las figuras, monumentales y de gran vitalidad. Su obra no tuvo continuadores inmediatos y sólo fue captada más adelante por Miguel Ángel.
Biografía

Nacido en los alrededores de Siena, su padre, Piero di Angelo, era orfebre y tallaba madera. Hacia 1386 se traslada con su familia a Lucca en donde entra al taller del escultor Antonio Pardini.

En 1401 participa en el concurso para la puerta norte del Baptisterio de Florencia, aunque no se conoce la obra que presentó.

En sepriembre de 1403 va a Ferrara para elaborar en el Duomo la figura de mármol de la Madonna della melagrana, que acaba en 1409.

Entre 1406 y 1407 realiza el monumento fúnebre de Ilaria del Carretto, obra que le había encargado el señor de Lucca, Paolo Guinigi, esposo de ésta en 1405 en la catedral de Lucca. La iconografía porcede de Borgoña, con la representación de la fallecida ricamente vestida yaciendo sobre una tarima, con un perro a los pies, símbolo de la fidelidad conyugal. Tiene la forma de un sarcófago de tipo romano, con una serie de querubines que sostienen guirnaldas talladas.

En 1409 se le encarga la Fonte Gaia en la piazza del Campo de Siena, en la que trabajará de 1414 a 1419, un recinto rectangular rodeado por tres partes de un elevado parapeto, dos de los cuales albergan los bajorrelieves de la Creación de Adán y la Expulsión del paraíso y en las pilastras delanteras las dos estatuas con Rea Silvia y Acca Larenzia. En la parte más larga hay relieves con la virgen con el niño en el centro, en su trono y rodeada de Virtudes y Ángeles. Para esta obra introducirá la técnica de tutto tondo, concebida para que la obra pueda ser vista desde cualquier ángulo. En estos relieves las figuras emergen de espacios apenas definidos desde un perfil oval con efectos circulares de movimiento. La obra hoy ha sido reemplazada por una copia hecha en 1858 por Tito Sarrocchi y lo que queda del original se conserva en el Museo de la Opera del Duomo de Siena.

De 1421 es el relieve sobre madera de la Anunciación ejecutado para la Colegiata de San Gimignano.
Obras

Tumba de Ilaria del Carretto, en la catedral de Lucca
Fontana Gaia (Siena, Plaza del Campo, 1409-1419)
Portal central de la basílica de San Petronio de Bolonia (1425-1434)

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ALONSO BERRUGUETE

34. ALONSO BERRUGUETE

Alonso González Berruguete (Paredes de Nava, Palencia, España c.1490 — Toledo, España, 1561), escultor castellano, hijo del pintor Pedro Berruguete, es uno de los referentes fundamentales de la imaginería española del Renacimiento. También realizó obras pictóricas.

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RICARDO BELLVER

35. RICARDO BELLVER

Ricardo Bellver y Ramón (Madrid, 23 de febrero de 1845 — Calle Cardenal Cisneros 23, 20 de diciembre de 1924) fue un escultor español.

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JORGE DE OTEIZA

36. JORGE DE OTEIZA

Jorge de Oteiza Enbil (Orio, Guipúzcoa, 21 de octubre de 1908 - San Sebastián, Guipúzcoa, 9 de abril de 2003) fue un escultor español. Se le considera uno de los máximos exponentes de la Escuela Vasca de Escultura.

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DIEGO DE SILOÉ

37. DIEGO DE SILOÉ

Diego de Siloé —también citado por los historiadores como Diego de Siloe— (Burgos, c. 1495 - 1563), arquitecto y escultor español, uno de los primeros artistas del Renacimiento en este país. Con toda probabilidad fue hijo del escultor gótico Gil de Siloé, y pasó la primera parte de su carrera... Ver mas
Diego de Siloé —también citado por los historiadores como Diego de Siloe— (Burgos, c. 1495 - 1563), arquitecto y escultor español, uno de los primeros artistas del Renacimiento en este país.

Con toda probabilidad fue hijo del escultor gótico Gil de Siloé, y pasó la primera parte de su carrera artística (1519-1528) en su lugar de nacimiento, Burgos, donde trabajó principalmente como escultor.

La obra artística de Siloé combinó el estilo renacentista italiano (que había estudiado en una visita a Nápoles hacia 1517), con las influencias del estilo gótico español y del arte árabe. La Escalera Dorada de la catedral de Burgos es su obra más importante de este periodo (1519). Su proporcionada, rotunda y airosa estructura con esculturas de querubines, escudos de armas y ornamentación vegetal, ocupa en su totalidad uno de los muros de la catedral. Con esta obra, Siloé salvó el desnivel de la puerta de la Coronería de la catedral, situada en el brazo norte del crucero de la misma, e incorporó además elementos arquitectónicos de raigambre clasicista, al modo del arquitecto italiano Donato Bramante, diseñando una escalera monumental que se bifurca en dos tramos paralelos al muro del fondo.

Desde 1528 hasta el final de su vida trabajó en Granada, sobre todo como arquitecto. Su llegada a la ciudad supone el asentamiento de las propuestas de carácter clasicista en Andalucía. Se le encargó terminar dos conjuntos arquitectónicos proyectados anteriormente con una finalidad funeraria: la iglesia del Monasterio de San Jerónimo (lugar de enterramiento de los Fernández de Córdoba, incluyendo la tumba del Gran Capitán) y la catedral de Granada, donde realizó uno de los edificios más destacados del estilo renacentista español. De este templo destaca la organización de su cabecera, como un enorme espacio central cubierto con una gran cúpula, al modo de los edificios funerarios de la época romana. En el sistema de alzados, se pueden observar referencias al arte de Filippo Brunelleschi con unos grandes pilares sobre cuyos frentes se apoyan medias columnas corintias, duplicando además la altura de las naves con un segundo cuerpo de soportes sobre el entablamento del primero. Sobresale también la portada del Perdón (hacia 1534) concebida a modo de un gran arco de triunfo. Su rica decoración y las líneas y curvas, enérgicas y fluidas, de su interior fueron una temprana expresión del estilo plateresco en el arte español.

Otros de sus proyectos más destacados son la Iglesia de la Encarnación de Íllora (espléndida muestra de la arquitectura de transición del gótico al renacimiento construida entre 1542 y 1573, en la que también participó uno de sus discípulos, Juan de Maeda) y la Sacra Capilla del Salvador de Úbeda, concebida como lugar de enterramiento de la familia Cobos. Tiene una nave central de tres tramos, capillas laterales entre contrafuertes y una cabecera circular cubierta con una gran cúpula. Por último, habría que señalar la proyección de su arquitectura en España (catedrales de Almería, Málaga y Guadix) y en la América española, en las catedrales de Guadalajara (Jalisco), Lima y Cuzco (Perú).

Pero la obra de este artista sin par no sólo se subscribe al sur peninsular y al entorno burgalés, pues, de su imaginario surgió uno de los conjuntos funerarios más fascinantes con los que cuenta la Comunidad Autónoma Vasca, el Mausoleo del que fuera Presidente de la Chancillería de Granada, el Obispo Rodrigo Mercado de Zuazola. Esculpido en mármol blanco, lleno de grutescos y de escenas alegóricas y que se puede admirar en la Capilla de la Piedad de la Iglesia de San Miguel Arcángel (Oñate).

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LORENZO GHIBERTI

38. LORENZO GHIBERTI

Lorenzo Ghiberti (Florencia, 1378 - id., 1 de diciembre de 1455) fue un escultor, orfebre, arquitecto y escritor de arte italiano del Quattrocento. Comenzó su actividad artística como orfebre. Sin embargo, no ganó fama hasta 1401, cuando participó en el concurso para decorar las segundas... Ver mas
Lorenzo Ghiberti (Florencia, 1378 - id., 1 de diciembre de 1455) fue un escultor, orfebre, arquitecto y escritor de arte italiano del Quattrocento.

Comenzó su actividad artística como orfebre. Sin embargo, no ganó fama hasta 1401, cuando participó en el concurso para decorar las segundas puertas del baptisterio de la catedral de Florencia, resultando ganador, al renunciar al premio ex aequo (con igual mérito) Brunelleschi, el otro finalista.

Su triunfo en el concurso resultó decisivo para su vida, puesto que la magnitud de la tarea requirió la creación de un taller de gran tamaño, que se convertiría en el principal de la ciudad durante medio siglo. En él se formaron figuras destacadas del Renacimiento, como Donatello, Michelozzo, Uccello, Masolino y Filarete.1

El trabajo en estas puertas duró más de veinte años (de 1403 a 1424), y se incluyeron veinte episodios de la vida de Cristo y ocho tallas de santos, de un estilo minucioso, cercano al gótico.
Puerta del Paraíso. Baptisterio de la Catedral de Florencia.

Su obra tuvo tanto éxito que posteriormente el gremio de comerciantes de Florencia le encomendó el encargo de ejecutar para el mismo baptisterio una tercera doble puerta, que acabó en 1452. Está decorada con diez bajorrelieves de bronce dorado que representan escenas del Antiguo Testamento, en un estilo totalmente diferente al anterior, en el que se aplican consecuentemente las reglas de la perspectiva renacentista.2 Miguel Ángel bautizó esta puerta como (puerta del Paraíso) 3 , nombre con que se la sigue conociendo actualmente.

Resultó también finalista junto a Brunelleschi en el concurso para la construcción de la cúpula de la catedral (Santa María de las Flores), pero esta vez el trabajo le fue encargado a Brunelleschi

Ghiberti esculpió también algunas estatuas de bronce para la iglesia florentina de Orsanmichele. En sus últimos años escribió los tres tomos de «I Commentarii» ( Los Comentarios), en el que se incluían con valiosas referencias a pintores y escultores italianos, así como una autobiografía, que es la primera que se conserva de un artista.4

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AMEDEO MODIGLIANI

39. AMEDEO MODIGLIANI

Amedeo Clemente Modigliani (Livorno; 12 de julio de 1884 - París; 24 de enero de 1920) fue un pintor y escultor italiano, perteneciente a la denominada Escuela de París. Arquetipo del artista bohemio, en su vida hubo estupefacientes, alcohol, mujeres, pobreza y enfermedad, y sólo alcanzó la... Ver mas
Amedeo Clemente Modigliani (Livorno; 12 de julio de 1884 - París; 24 de enero de 1920) fue un pintor y escultor italiano, perteneciente a la denominada Escuela de París.

Arquetipo del artista bohemio, en su vida hubo estupefacientes, alcohol, mujeres, pobreza y enfermedad, y sólo alcanzó la fama después de muerto.

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ANTONIO CASTILLO LASTRUCCI

40. ANTONIO CASTILLO LASTRUCCI

Antonio Castillo Lastrucci (Sevilla, 27 de febrero de 1882 - 29 de noviembre de 1967) fue un escultor español, especializado en imaginería religiosa, que trabajó principalmente en Andalucía, aunque se encuentran obras suyas en diferentes puntos de la geografía española.

Ha recibido 270 puntos

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DAMIÁ FORMENT

41. DAMIÁ FORMENT

Damián Forment (Valencia (?) c. 1480 - Santo Domingo de la Calzada (La Rioja), 1540) fue un escultor español, considerado el más productivo de la Corona de Aragón1 y uno de los primeros introductores del Renacimiento en España. Hijo de Pablo Forment, escultor originario de Alcorisa (Teruel... Ver mas
Damián Forment (Valencia (?) c. 1480 - Santo Domingo de la Calzada (La Rioja), 1540) fue un escultor español, considerado el más productivo de la Corona de Aragón1 y uno de los primeros introductores del Renacimiento en España.

Hijo de Pablo Forment, escultor originario de Alcorisa (Teruel), y hermano menor de Onofre Forment, con quienes trabajó entre 1500 y 1503 en el retablo eucarístico del antiguo convento de la Puridad, actualmente conservado en el Museo de Bellas Artes de Valencia,2 se ha pensado por el estilo italianizante-renacentista de sus obras que pudo ampliar su formación en Italia. Parece, por otro lado, que Jaime Vicente, escultor valenciano, también lo tuvo como discípulo.3

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PABLO SERRANO

42. PABLO SERRANO

Pablo Serrano Aguilar (Crivillén, Teruel, 10 de febrero de 1908 – Madrid, 26 de noviembre de 1985) fue un escultor español. Es considerado uno de los artistas españoles más importantes del siglo XX.

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FRANCISCO BUIZA

43. FRANCISCO BUIZA

Francisco Buiza Fernández (Carmona 1922- Sevilla 1983) fue un escultor e imaginero español que se dedicó fundamentalmente a la talla de imagenes religiosas, aunque también realizó esculturas sobre otros temas.1 Biografía y obra Nació en Carmona, mostró desde pequeño interés por el arte del... Ver mas
Francisco Buiza Fernández (Carmona 1922- Sevilla 1983) fue un escultor e imaginero español que se dedicó fundamentalmente a la talla de imagenes religiosas, aunque también realizó esculturas sobre otros temas.1
Biografía y obra

Nació en Carmona, mostró desde pequeño interés por el arte del modelado y la realización de figuras de barro para belenes, muy joven se trasladó a Sevilla donde fue discípulo del escultor Sebastián Santos y a partir de 1950 se estableció en un taller propio.

Fue un gran admirador de la escultura barroca del siglo XVII, especialmente de la obra de Martínez Montañés y Juan de Mesa, entre sus alumnos se encuentran diversos artístas reconocidos actualmente en el campo de la imaginería religiosa, como Luis Álvarez Duarte y Juan Manuel Miñarro. Su obra se encuentra repartida por toda España, principalmente en Andalucía.2

Sus trabajos para Sevilla son: Nuestro Padre Jesús Atado a la Columna (Las Cigarreras), Santísimo Cristo de la Sangre (Hdad. de San Benito), Santísima Virgen del Carmen ( Hdad Carmen de San Leandro )y Sagrada Resurrección de Ntro. Señor Jesucristo, así como el ángel que lo acompaña en el paso (Hdad. de la Resurrección). En la provincia realizó también unas manos para la Virgen de los Dolores en su Soledad (Hermandad de la Soledad de Albaida del Aljarafe) y un Cristo Resucitado (Hermandad del Cristo Resucitado (Herrera)), realizado a la vez y de similar factura al de la capital, Santísima Virgen de la Humildad y Paciencia(Carmona)

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Sus trabajos para Málaga: El Cristo de la Agonía(Cofradía de las Penas), el Cristo de la Exaltación (Reales Cofradías Fusionadas), el Cristo de la Humildad (Cofradía de la Humildad), Nuestra Señora de la Caridad (Cofradía del Amor), El Nazareno de Viñeros y Nuestra Señora del Traspaso y Soledad (Viñeros), María Santísima de la Trinidad Coronada (Cofradía del Cautivo), María Santísima de la O (Gitanos)

Sus trabajos para Cádiz: el Santísimo Cristo de las Aguas (Hdad. de las Aguas), el Santísimo Cristo del Descendimiento (Hdad. del Descendimiento), Nuestra Señora de la Luz (Hdad. de las Aguas), Nuestra Señora de la Salud (Hdad. de la Sanidad), Nuestra Señora de los Dolores (Hdad. del Descendimiento), María Stma. del Rosario en sus Misterios Dolorosos (Cofradía del Perdón), la Virgen de la Trinidad (Hdad. de Medinaceli) y el Cristo de la Mirandilla del Colegio del mismo nombre , todos de Cádiz, son otros trabajos realizados por tan insigne imaginero.

En Córdoba capital: Ntro. Padre Jesús en su Coronación de Espinas y Ntra. Madre y Santa María de la Merced.

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ALEXANDER CALDER

44. ALEXANDER CALDER

Alexander Calder (22 de julio de 1898, Lawnton, Pensilvania - 11 de noviembre de 1977, Nueva York) fue un escultor estadounidense. Hijo y nieto de escultores. Su madre era, además, pintora. Estudió ingeniería mecánica y en 1923 asistió a la Liga de Estudiantes de Arte de Los Ángeles, donde... Ver mas
Alexander Calder (22 de julio de 1898, Lawnton, Pensilvania - 11 de noviembre de 1977, Nueva York) fue un escultor estadounidense.

Hijo y nieto de escultores. Su madre era, además, pintora. Estudió ingeniería mecánica y en 1923 asistió a la Liga de Estudiantes de Arte de Los Ángeles, donde recibió la influencia de los artistas de la escuela.

En 1925 contribuyó con unas ilustraciones en la National Police Gazette. En 1926 se trasladó a París y comenzó a crear figurillas de animales de madera y alambre, germen del posterior desarrollo de sus famosas miniaturas circenses. En los años 1930, se hizo célebre en París y en los Estados Unidos por sus esculturas de alambre, al igual que por sus retratos, sus bosquejos de línea continua y sus abstractas construcciones motorizadas.

En 1967 creo un móvil en la fábrica Biémont de Tours (Francia), incluido el "HOMBRE", todo de acero inoxidable de 24 metros de altura, encargado por la International Nickel de Canadá (Inco) para la Exposición Universal de Montreal. Todas las fabricaciones se hacen a partir de un modelo producido por Calder, en el departamento de Diseño Industrial (encabezado por el Sr. Porcheron, Alain Roy, François López y Michel Juigner) se realizó el diseño a escala y luego el montaje es asignado a trabajadores caldereros calificados para la fabricación, Calder supervisa todas las operaciones y se modifican si es necesario el trabajo. Todos los stabiles están hechos de acero al carbono y pintados de negro en su mayoría, excepto el hombre que va a ser de acero inoxidable (crudo), el móvil está hecho de aluminio y duraluminio.

Es más conocido como el inventor del móvil o chupin (juguete móvil colgante), un precursor de la escultura cinética. También elaboró obras esculturales inmóviles, conocidas como stabiles. Aunque los primeros chupines y stabiles de Calder fueron relativamente pequeños, poco a poco fue orientándose hacia la monumentalidad en sus trabajos posteriores. Su talento ha sido reconocido en importantes exposiciones de arte contemporáneo en las que obtuvo grandes éxitos económicos y de crítica.
Aula Magna de la Universidad Central de Venezuela

Entre sus obras más importantes destacan las llamadas "Nubes de Calder", que son 22 paneles de madera contrachapada que reflejan el sonido y actúan de soporte acústico. Se encuentran suspendidos en el cielo raso y en las paredes laterales del Aula Magna de la Universidad Central de Venezuela. Estas esculturas flotantes creadas por el ingenio de Calder, por requerimiento del arquitecto Carlos Raúl Villanueva, convierten al recinto teatral en una de las cinco salas con mejor acústica del mundo.[cita requerida]

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NICOLÁS CORDIER

45. NICOLÁS CORDIER

Nicolás Cordier (1567-1612), [2] fue un francés artista que trabaja en Roma y también conocido como "il Franciosino" (el pequeño francés), [1] Nicolás Cordier o Niccolò da Lorena. [3]
Obras

Imagen de Santa Inés
Estatua de David
Büste Kaiser Aulo Vitelio
La Zingarella

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LUCCA DELLA ROBBIA

46. LUCCA DELLA ROBBIA

Luca Della Robbia, escultor y ceramista italiano. Nació en Florencia en 1400 y murió en 1482. Según Giorgio Vasari, Luca nació en el año 1388 en la casa de sus antepasados que se encontraba debajo de la iglesia de San Bernabé en Florencia. Fue educado, conforme a las costumbres de la época... Ver mas
Luca Della Robbia, escultor y ceramista italiano. Nació en Florencia en 1400 y murió en 1482.

Según Giorgio Vasari, Luca nació en el año 1388 en la casa de sus antepasados que se encontraba debajo de la iglesia de San Bernabé en Florencia. Fue educado, conforme a las costumbres de la época, hasta que aprendió no solo a leer, sino también a escribir y contar, como se solía hacer en casi todas las casa florentinas, por sus propios medios. Su padre le colocó, enseguida, para que aprendiera el oficio, en casa del orfebre Leonardo, hijo de Giovanni, considerado, por entonces en Florencia, como el mejor maestro en este arte.

Nacido en el seno de una familia de tintoreros (robbia significa "granza" en toscano, y esta palabra designa a una planta utilizada para teñir), empezó como escultor de mármol y estudió la escultura antigua. Luca Della Robbia realizó la Tribuna de los Cantores, en la Catedral de Florencia (1431), bajorrelieve muy importante que tenía que emplazarse encima de la puerta de la sacristía. La terminó hacia 1438-1439.

En 1446, Luca y su hermano Marco, compraron una gran casa para instalar un taller y un horno. En 1448 murió Marco dejando a cargo de Luca a sus seis sobrinos, entre los cuales destaca Andrea della Robbia que fue el más conocido. Andrea se hizo cargo de la Botega (taller) a la muerte de su tío, y sus cinco hermanos trabajaron con él. El más célebre es el tercer hijo: Giovanni. Después, el taller dejaría de funcionar.

No tan avanzado en las tendencias del Renacimiento formuladas por Brunelleschi, Masaccio, Donatello, etc., Luca Della Robbia es un escultor cuya sobriedad clara de los planos y los ritmos, la serenidad clásica de los rostros, las formas simples y la sensibilidad de la luz estarán siempre presentes en su obra. Buscó la fórmula para de conservar sus obras de barro cocido, que el sobrino del artista y los hijos de éste continuaron con esta misma técnica. Siempre según Vasari:

Considerando que el barro se trabaja fácilmente y sin grandes fatigas, busca el medio de conservar las obras una vez que las mismas están acabadas, sueña que encuentra ese medio para defenderlas de las injurias del tiempo, después de haber experimentado con cantidad de cosas, descubre, por fin, que recubriéndolas con una mezcla de estaño, de antimonio y otros minerales y mixturas cocidas en un horno especial, se obtiene un efecto eficaz para conservar la obra de barro casi eternamente.

Una de las últimas esculturas del repertorio de Giovanni Della Robbia titulada Visitar a los enfermos (una de las siete obras de caridad, según el catecismo católico) datada en 1525-1529, se puede contemplar en el Hospital del Ceppo de Pistote.

La producción familiar fue muy prolífica y se exportó a toda Europa. Comprende frisos y retablos, emblemas de corporaciones o armas aristocráticas, retratos de la Virgen María o de santos, para la devoción privada. Las obras de los Della Robbia se caracterizan por su gracia, el brillante colorido del esmalte —especialmente el blanco y el azul—, la finura del modelo y la frescura del diseño. Su estilo se reconoce fácilmente.

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JOSÉ ANTONIO NAVARRO ARTEAGA

47. JOSÉ ANTONIO NAVARRO ARTEAGA

José Antonio Navarro Arteaga (Barrio de Triana, Sevilla, 1966) es un escultor español especializado en imagineria religiosa. A los 15 años ingresó como aprendiz en el taller del escultor Juan Ventura, discípulo a su vez de Francisco Buiza, a partir de 1986 comenzó a trabajar de forma... Ver mas
José Antonio Navarro Arteaga (Barrio de Triana, Sevilla, 1966) es un escultor español especializado en imagineria religiosa. A los 15 años ingresó como aprendiz en el taller del escultor Juan Ventura, discípulo a su vez de Francisco Buiza, a partir de 1986 comenzó a trabajar de forma independiente en su propio taller. Ha realizado numerosas tallas en madera destinadas a Hermandades de Semana Santa de diferentes ciudades de Andalucía y el resto de España.1

Ha recibido 250 puntos

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UMBERTO BOCCIONI

48. UMBERTO BOCCIONI

Umberto Boccioni (Regio de Calabria, 19 de octubre de 1882 - Sorte, Veronaa, 16 de agosto de 1916) fue un pintor y escultor italiano, teórico y principal exponente del movimiento futurista. La ciudad se levanta, 1910, lienzo, 200 × 301 cm, Museo de Arte Moderno, Nueva York. La calle ante la... Ver mas
Umberto Boccioni (Regio de Calabria, 19 de octubre de 1882 - Sorte, Veronaa, 16 de agosto de 1916) fue un pintor y escultor italiano, teórico y principal exponente del movimiento futurista.
La ciudad se levanta, 1910, lienzo, 200 × 301 cm, Museo de Arte Moderno, Nueva York.
La calle ante la casa, 1911, óleo sobre lienzo, 100 x 106,5 cm, Hanóver, Sprengel Museum Hannover.
Formas únicas de continuidad en el espacio (1913), obra que aparece en la cara nacional de Italia de las monedas de veinte céntimos de euro.
Carrera

Tras su llegada a Milán y su encuentro con los divisionistas y con Filippo Tommaso Marinetti, escribió, junto con Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla y Gino Severini, el Manifiesto de los pintores futuristas (1910), al cual siguió el Manifiesto técnico del movimiento futurista (1910). Según dichos manifiestos, el artista moderno debía liberarse de los modelos y las tradiciones figurativas del pasado, para centrarse únicamente en el mundo contemporáneo, dinámico y en continua evolución. Como temas artísticos proponían la ciudad, los automóviles y la caótica realidad cotidiana.

En sus obras, Boccioni supo expresar magistralmente el movimiento de las formas y la concreción de las materias.

Aunque influenciado por el cubismo, al que reprochaba su estatismo excesivo, Boccioni evitó siempre en sus cuadros la línea recta y utilizó los colores complementarios para crear un efecto de vibración. En cuadros como Dinamismo de un ciclista (Dinamismo di un ciclista,1913), o Dinamismo de un jugador de fútbol (Dinamismo di un giocatore di calcio,1911), las representaciones de un mismo tema en estadios temporales sucesivos sugieren eficazmente la idea del movimiento en el espacio.

Un intento similar domina también su escultura, en la cual despreció a menudo los materiales nobles, como el mármol o el bronce, prefiriendo la madera, el hierro o el cristal. Lo que le interesaba era mostrar la interacción de un objeto en movimiento con el espacio circundante.

Entre sus obras pictóricas más relevantes destacan Tumulto en la galería (Rissa in Galleria, 1910), Estados de la mente n. 1. Las despedidas (Stati d'animo n. 1. Gli addii, 1911) – en la cual los estados de ánimo se expresan mediante relámpagos de luz, espirales y líneas onduladas dispuestas diagonalmente, y Forze di una strada (1911), donde la ciudad, casi un organismo vivo, tiene mayor importancia que las presencias humanas.

En 1916 muere como consecuencia de una caída de caballo en los alrededores de Verona

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JULIO GONZÁLEZ

49. JULIO GONZÁLEZ

Julio González Pellicer (en catalán Juli González i Pellicer) (Barcelona, 1876 - París, 1942) fue un escultor español. De orígenes castellanos por línea paterna, fue hijo de Concordio González y de Pilar Pellicer. Su abuelo se trasladó a Barcelona para trabajar en un taller familiar de forja... Ver mas
Julio González Pellicer (en catalán Juli González i Pellicer) (Barcelona, 1876 - París, 1942) fue un escultor español.

De orígenes castellanos por línea paterna, fue hijo de Concordio González y de Pilar Pellicer. Su abuelo se trasladó a Barcelona para trabajar en un taller familiar de forja y orfebrería con la firma «González e hijos».

Fue uno de los artistas modernos más importantes de la primera mitad del siglo XX. Nacido en Barcelona, una gran parte de su vida transcurrió en París, como contemporáneo y amigo de Pablo Picasso. Sus innovadoras esculturas con inclinaciones cubistas en su mayor parte son referencias a la figura humana, aunque frecuentemente son abstractas. Es uno de los grandes escultores europeos del siglo XX. Dedicó su trabajo, sobre todo, a la escultura en hierro, a menudo de grandes proporciones.

Su obra se encuentra en diferentes museos, como el Museu Nacional d'Art de Catalunya de Barcelona, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Centro Georges Pompidou de París o el IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno de Valencia), que ha dedicado un espacio específico, el Centro Julio González, al escultor catalán a partir de la donación de sus obras efectuada por sus herederas Carmen Martínez y Viviane Grimminger1

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LUIS ÁLVAREZ DUARTE

50. LUIS ÁLVAREZ DUARTE

Luis Álvarez Duarte es un escultor, imaginero y restaurador español nacido en Sevilla el 22 de mayo de 1949. Desde pequeño se sintió atraído por el arte del modelado. Aunque su formación fue fundamentalmente autodidacta, recibió enseñanzas de otros artistas como Francisco Buiza, Rafael Barbero... Ver mas
Luis Álvarez Duarte es un escultor, imaginero y restaurador español nacido en Sevilla el 22 de mayo de 1949. Desde pequeño se sintió atraído por el arte del modelado. Aunque su formación fue fundamentalmente autodidacta, recibió enseñanzas de otros artistas como Francisco Buiza, Rafael Barbero, Antonio Eslava y Sebastián Santos. También asistió a clases en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Sevilla.1

Una de sus primeras tallas, fue el Cristo de la Sed de la Hermandad de La Sed (Sevilla), obra de la que el mismo artista ha manifestado sentirse muy satisfecho, tanto por la imagen en si misma, como por su significado, al tratarse del primer crucificado que realizó, aunque su primera talla importante, fue la Virgen de Guadalupe que realizó cuando contaba tan sólo 15 años.

Su consagración definitiva se produjo en abril de 1973, cuando entregó la nueva talla de la Virgen del Patrocinio a la Hermandad de El Cachorro (Sevilla), en sustitución de una imagen anterior que resultó totalmente destruida en un incendio el 26 de febrero de 1973.

En un constante esfuerzo de superación, realizó entre 1980 y 1984 diversos viajes a Italia, que incluyeron una estancia en la Escuela de Restauración de Florencia. En este periodo entró en contacto directo con diferentes obras del Renacimiento y el Barroco italianos, estudiando a Miguel Ángel y mostrando especial interés en la obra de Bernini.

Entre otras distinciones, el 17 de enero del 2006, fue nombrado miembro de la Real Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría de Sevilla.

Su obra, compuesta principalmente por tallas en madera de carácter religioso, se encuentra repartida por toda Andalucía y otras ciudades de España y América. Ha realizado asimismo numerosas restauraciones de imágenes, como la del Señor del Gran Poder (Sevilla) en el año 2010.2

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LEÓN BATTISTA ALBERTI

51. LEÓN BATTISTA ALBERTI

Leon Battista Alberti (Génova, Italia, 18 de febrero de 1404 - Roma, 20 de abril de 1472) fue sacerdote, Secretario Personal (abreviador apostólico) de tres Papas (Eugenio IV, Nicolás V, Pío II) (desde 1431 a 1464), humanista, arquitecto, proyectó edificios, aunque nunca dirigió sus obras... Ver mas
Leon Battista Alberti (Génova, Italia, 18 de febrero de 1404 - Roma, 20 de abril de 1472) fue sacerdote, Secretario Personal (abreviador apostólico) de tres Papas (Eugenio IV, Nicolás V, Pío II) (desde 1431 a 1464), humanista, arquitecto, proyectó edificios, aunque nunca dirigió sus obras, matemático y poeta italiano. Además de estas actividades principales, también fue criptógrafo, lingüista, filósofo, músico y arqueólogo. Es una de las figuras del humanismo y personalidad artísticas teórica más polifacéticas del Renacimiento.

Alberti fue el primer teórico artístico del Renacimiento, una figura emblemática, por su dedicación a las más variadas disciplinas. Se mostró constantemente interesado por la búsqueda de reglas, tanto teóricas como prácticas, capaces de orientar el trabajo de los artistas; en sus obras menciona algunos cánones. Por ejemplo, en De statua expone las proporciones del cuerpo humano, en De pictura proporciona la primera definición de la perspectiva científica y por último en De re ædificatoria (obra que termina en 1450) describe toda la casuística relativa a la arquitectura moderna, subrayando la importancia del proyecto, los diversos tipos de edificios siguiendo las funciones que deben desempeñar.

El aspecto más innovador de sus propuestas consiste en mezclar lo antiguo y lo moderno propugnando de ese modo la praxis antigua y la moderna, que había iniciado Filippo Brunelleschi. Además, según Alberti: "...el artista en este contexto social no debe ser un simple artesano, sino un intelectual preparado en todas las disciplinas y en todos los terrenos". Una idea heredera del enciclopedismo medieval de los doctos, pero adaptada a la vanguardia humanista.

La clase social con la que Alberti se relacionará es la alta burguesía culta florentina. Trabajó al servicio de los mecenas más importantes de su época: el papado, los Este en Ferrara, los Gonzaga en Mantua, los Malatesta en Rímini.

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BERTEL THORVALDSEN

52. BERTEL THORVALDSEN

(Albert) Bertel Thorvaldsen (19 de noviembre de 1770 - 24 de marzo de 1844) fue un escultor danés/islandés

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CONSTANTIN BRANCUSI

53. CONSTANTIN BRANCUSI

Constantin Brâncuși (Constantin Brancusi en la grafía francesa), (Hobița, distrito de Gorj, Rumania, 19 de febrero de 1876 – París, 16 de marzo de 1957) fue un importante escultor rumano, considerado pionero del modernismo. Sus obras se encuentran en museos de Francia, Estados Unidos, Rumania y... Ver mas
Constantin Brâncuși (Constantin Brancusi en la grafía francesa), (Hobița, distrito de Gorj, Rumania, 19 de febrero de 1876 – París, 16 de marzo de 1957) fue un importante escultor rumano, considerado pionero del modernismo. Sus obras se encuentran en museos de Francia, Estados Unidos, Rumania y Australia.

Ha recibido 216 puntos

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MIQUEL BLAY

54. MIQUEL BLAY

.Miquel Blay Fábregas (Olot, Gerona, Cataluña, 1866 — Madrid, 1936) fue un escultor español. Hizo su aprendizaje en la Escuela de Dibujo y Pintura de Olot, dirigida por Josep Berga i Boix y Joaquín Vayreda. Más tarde en Italia y Francia recibe una sólida formación artística, y en París acude... Ver mas
.Miquel Blay Fábregas (Olot, Gerona, Cataluña, 1866 — Madrid, 1936) fue un escultor español.

Hizo su aprendizaje en la Escuela de Dibujo y Pintura de Olot, dirigida por Josep Berga i Boix y Joaquín Vayreda. Más tarde en Italia y Francia recibe una sólida formación artística, y en París acude al taller del escultor Henri Chapu.

Recibe en 1892 la primera medalla de la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid por la escultura Los primeros fríos obra que con su lenguaje modernista influyó en toda una generación de escultores catalanes. Esta obra fue premiada también con una medalla de oro en Barcelona en 1894. En esa ciudad se encuentra la versión en bronce1 y en el Jardín Botánico Carlos Thays, en Buenos Aires, la versión en mármol, adquirida en 1906 por Eduardo Schiaffino.

En 1900 es Primera medalla en la Exposición Universal de París, le conceden el título de Caballero de la Legión de Honor en 1901, permanece en la capital francesa hasta 1906, fecha en que se instala en Madrid, siendo ya un artista reconocido.

Fue un gran maestro de escultores, tuvo en su taller entre otros, a Julio Antonio (1889-1919), gran escultor tarraconense.

Introduce en su escultura con un naturalismo extremo, todos los elementos del modernismo. Colaboró con el arquitecto Lluís Domènech i Montaner con una escultura La canción popular, colocada en un ángulo de la fachada del Palacio de la Música Catalana en Barcelona, obra ya totalmente modernista.

En 1909 se le nombró académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid y profesor de modelado en la Escuela de San Fernando, cargo que ocupó hasta el año 1925 en que recibe el nombramiento de director de la Academia Española de Bellas Artes en Roma.2

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JOSEP MARÍA SUBIRACHS

55. JOSEP MARÍA SUBIRACHS

Josep Maria Subirachs i Sitjar (Barcelona, 11 de marzo de 1927) es un escultor, pintor, grabador, escenógrafo y crítico de arte español. Es uno de los escultores españoles contemporáneos con más prestigio internacional, como puede verse en sus múltiples galardones y reconocimientos recibidos... Ver mas
Josep Maria Subirachs i Sitjar (Barcelona, 11 de marzo de 1927) es un escultor, pintor, grabador, escenógrafo y crítico de arte español. Es uno de los escultores españoles contemporáneos con más prestigio internacional, como puede verse en sus múltiples galardones y reconocimientos recibidos, así como en la presencia de su obra en numerosos museos y lugares públicos de ciudades de todo el mundo, principalmente Barcelona. También ha participado en una gran cantidad de exposiciones tanto colectivas como individuales, en museos y galerías públicas y privadas.1

Artista polifacético, Subirachs ha destacado especialmente en la escultura, pero también en otras técnicas como la pintura, el dibujo, el grabado, el cartel, el tapiz, la ilustración de libros, el diseño de joyas y la acuñación de medallas. También ha realizado numerosas escenografías para prestigiosos montajes de obras de teatro y ballet. Igualmente, ha ejercido de profesor de arte y, en el terreno teórico, ha sido escritor y colaborador en revistas y periódicos, crítico de arte y conferenciante en universidades y academias de todo el mundo. En su larga trayectoria ha pasado por diversas fases —mediterránea, expresionista, abstracta, nueva figuración—, períodos casi siempre caracterizados por las formas geométricas, las líneas rectas y angulosas, y las texturas rugosas.2

En su obra, Subirachs ha sintetizado la maestría técnica y la pureza de materiales y texturas con el afán por comunicar y expresar un lenguaje simbólico y trascendental, a través de la creación de un universo propio de referentes iconográficos que hacen de su producción un corpus personal y particular ampliamente reconocido en todo el mundo. Para el escultor barcelonés el arte es una forma de reivindicar la vida y la creación frente a la muerte y la destrucción, afirmando que:

El hecho decisivo que nos muestra la razón profunda del porqué existe el arte es la conciencia que los humanos tenemos de la muerte. El arte, por el carácter intemporal de la obra y por su valor metafísico, es el que verdaderamente se opone a la muerte. El ser humano, ante la trágica información de que la vida tiene un límite, se rebela e inventa el arte para defenderse de la desesperación, en un supremo esfuerzo por luchar con honor en una batalla perdida de antemano.3

Ha recibido 205 puntos

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BALTASAR LOBO

56. BALTASAR LOBO

Baltasar Lobo (Cerecinos de Campos, Zamora, 22 de febrero de 1910 – París, 4 de septiembre de 1993) fue un dibujante y escultor español1 muy conocido por sus composiciones que representan madres e hijos. Nacido en Cerecinos de Campos, Zamora, España, se trasladó a París, Francia en 1939 donde... Ver mas
Baltasar Lobo (Cerecinos de Campos, Zamora, 22 de febrero de 1910 – París, 4 de septiembre de 1993) fue un dibujante y escultor español1 muy conocido por sus composiciones que representan madres e hijos.

Nacido en Cerecinos de Campos, Zamora, España, se trasladó a París, Francia en 1939 donde su escultura tuvo influencias de Constantin Brancusi y Jean Arp. La obra de Baltasar Lobo fue expuesta en la Galerie Vendôme en la Rue de la Paix junto con la de notables artistas como Henri Matisse, Fernand Léger, Maurice Utrillo y Pablo Picasso.

Ha recibido 204 puntos

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GIACOMO BALLA

57. GIACOMO BALLA

Giacomo Balla (Turín, 18 de julio de 1871 - Roma, 1º de marzo de 1958), pintor y escultor italiano, uno de los fundadores del movimiento futurista. Estudió en la escuela nocturna de dibujo de Turín. Más tarde se traslada a Roma, trabajando con éxito como retratista. Inicialmente su pintura... Ver mas
Giacomo Balla (Turín, 18 de julio de 1871 - Roma, 1º de marzo de 1958), pintor y escultor italiano, uno de los fundadores del movimiento futurista. Estudió en la escuela nocturna de dibujo de Turín. Más tarde se traslada a Roma, trabajando con éxito como retratista. Inicialmente su pintura impresionista muestra luego interés por el análisis cromático. Adopta la disolución de lo visible en puntos de color. Es también partidario de ideas anarquistas como algunos puntillistas como Pisarro. Utiliza la técnica puntillista para pintar temas del futurismo: la dinámica y la velocidad.

En 1900 se traslada a París, donde descubre y es muy influenciado por los puntillistas parisinos, desde 1909 lo estuvo en particular por la obra del poeta Filippo Marinetti, con él publicó el manifiesto futurista.

Al contrario de otros de su mismo género, Balla fue un pintor lírico, ajeno a la violencia. Sus obras más reconocidas tratan la dinamicidad de la luz y el movimiento simultáneo, como "Dinamismo de perro con correa" (1912).

En octubre de 1918 publicó su "Manifiesto del color" ("Manifesto del colore"), un análisis del color en la pintura de vanguardia.

En la década de 1930 se distanció del futurismo, del cual fue uno de sus exponentes más destacados.
Obras

Luna Park, Parigi (Luna Park, París) (1900)
La famiglia Carelli (La familia Carelli) (1901-1902)
Fallimento (Bancarrota) (1902)
La fidanzata al Pincio (La novia en el Pincio) (1902)
La madre (1902, aproximado)
Ritratto di signora all'aperto (Retrato de señora al aire libre) (1903)
Polittico dei viventi: il contadino (Político de los vivos: el campesino) (1903-1905)
Polittico dei viventi: la pazza (Político de los vivos: la loca) (1903-1905)
La giornata dell'operaio (lavorano, mangiano, ritornano) (La jornada del obrero - trabajan, comen, vuelven) (1904)
Lampada ad arco (1909 o 1911)
Villa Borghese - Parco dei daini (1910)
La mano del violinista (1912)
Dinamismo di un cane al guinzaglio [1] (Dinamismo de un perro con su correa) (1912)
Ragazza che corre sul balcone (Muchacha que corre en el balcón) (1912)
Compenetrazione iridescente n. 7(1912)
Compenetrazione iridescente n. 13(1912)
Velocità d'automobile (Velocidad de automóvil) (1912)
Linee andamentali + Successioni dinamiche (Líneas andantes + Sucesiones dinámicas) (1913)
Movimenti rapidi: Sentieri in movimento + sequenze dinamiche (Movimientos rápidos: Senderos en movimiento + Secuencias dinámicas) (1913)
Velocità astratta (Velocidad abstracta) (1913)
Velocità d'automobile (Velocidad de automóvil) (1913)
Velocità d'automobile + luce + rumore (Velocidad de automóvil + luz + ruido) (1913)
Compenetrazione iridescente n. 4 (1913, aproximado)
Compenetrazione iridescente radiale (1913-1914)
Velocità astratta + rumore (Velocidad abstracta+ ruido) (1913-1914)
Forma rumore motociclista (1913-1914)
Mercurio passa davanti il Sole (1914)
Bozzetto di scena per macchina tipografica (1914)
Insidie di guerra (1915)
Sventolamento (1915)
Forme grido viva l'Italia (1915)
Bandiere all'altare della patria (1915)
Mimica sinottica: costume per la Donna Cielo (1915)
Linea di velocità + forma + rumore (1915)
Velo di vedova + paesaggio (Corazzata + Vedova + Vento) (1916)
Bozzetto di scena per il balletto "Feu d'artifice" di Igor Stravinsky (1917)
Spazzolridente (1918)
Composizione futurista (1918)
Linee forza di paesaggio + giardino (1918)
Espansione di primavera (1918)
Verso la notte (1918), oleo sobre tela
Linee spaziali + luce (1919, aproximado)
Numeri innamorati (1920)
Autostato d'animo (1920)
Scienza contro oscurantismo (1920)
Pessimismo e ottimismo (1923)
Bozzetto di scena per balletto futurista (1925, aproximado)
Marcia su Roma (verso di Velocità astratta) (1931-1933)
Espansione profumo (recto), Primo Carnera (verso) (1933)

Ha recibido 202 puntos

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EDMÉ BOUCHARDON

58. EDMÉ BOUCHARDON

Edmé Bouchardon (29 de mayo de 1698 - 27 de julio de 1762) fue un escultor y dibujante francés, considerado el mejor escultor de su generación.

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JOSEP LLIMONÁ

59. JOSEP LLIMONÁ

Josep Llimona i Bruguera (Barcelona 8 de abril de 1864 - 27 de febrero de 1934), escultor catalán. Estudió en la escuela Llotja de Barcelona, y en el taller de los hermanos Agapit y Venanci Vallmitjana. Estando pensionado en Roma, por una beca del ayuntamiento de Barcelona, realizó los... Ver mas
Josep Llimona i Bruguera (Barcelona 8 de abril de 1864 - 27 de febrero de 1934), escultor catalán.

Estudió en la escuela Llotja de Barcelona, y en el taller de los hermanos Agapit y Venanci Vallmitjana.

Estando pensionado en Roma, por una beca del ayuntamiento de Barcelona, realizó los esbozos para la escultura ecuestre de Ramón Berenguer III el Grande en el año 1881.

Sus primera obras fueron académicas, pero a partir de una estancia en París, influido por Auguste Rodin, su estilo derivó hacia el modernismo. Hizo un trabajo extensísimo, realizando exposiciones en Cataluña, Madrid, París, Bruselas y Buenos Aires. Esculpió obra funeraria para panteones de diversos cementerios, destacando El Ángel exterminador en el cementerio de Comillas. Tuvo numerosos encargos para monumentos.

Fundó con su hermano el pintor Joan Llimona, el Centro Artístico de Sant Lluc en el año 1892.

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OLEKSANDR ARJÍPENKO (ALEXANDER ARCHIPENKO)

60. OLEKSANDR ARJÍPENKO (ALEXANDER ARCHIPENKO)

Oleksandr Porfírovich Arjípenko,( en ruso Олекса́ндр Порфи́рович Архи́пенко; Kiev, Ucrania, 30 de mayo de 1887 - † Nueva York, 25 de febrero de 1964) fue un artista, escultor y artista gráfico ucraniano de vanguardia. Su nombre puede verse escrito, también, como Olexandr, Alexander, o Aleksandr... Ver mas
Oleksandr Porfírovich Arjípenko,( en ruso Олекса́ндр Порфи́рович Архи́пенко; Kiev, Ucrania, 30 de mayo de 1887 - † Nueva York, 25 de febrero de 1964) fue un artista, escultor y artista gráfico ucraniano de vanguardia. Su nombre puede verse escrito, también, como Olexandr, Alexander, o Aleksandr, mientras que su apellido puede aparecer transcrito como Archipenko.

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JUAN DE ÁVALOS Y TABORDA

61. JUAN DE ÁVALOS Y TABORDA

Juan de Ávalos y Taborda (Mérida, 21 de octubre de 1911 - Madrid, 6 de julio de 2006), escultor español. Su escultura, de un monumentalismo rotundo, es una de las más representativas del arte español contemporáneo, siguiendo la corriente figurativa. Aunque a menudo vinculado al franquismo por... Ver mas
Juan de Ávalos y Taborda (Mérida, 21 de octubre de 1911 - Madrid, 6 de julio de 2006), escultor español.

Su escultura, de un monumentalismo rotundo, es una de las más representativas del arte español contemporáneo, siguiendo la corriente figurativa. Aunque a menudo vinculado al franquismo por haber realizado las esculturas del Valle de los Caídos (Madrid), nunca existió una vinculación ideológica con Francisco Franco. Juan de Ávalos, un republicano con el carnet número 7 del PSOE de Mérida, sólo estuvo en el Palacio del Pardo una vez y cobró por aquel encargo 300.000 pesetas. Alcanzó notoriedad por sus obras en el Valle de los Caídos, en especial por las gigantescas figuras de los Evangelistas,1 por las que fue condecorado con la Legión de Honor así como la máxima distinción artístico-académica de la antigua Rusia soviética. Es autor de esculturas vanguardistas bajo el seudónimo de Arturo Sánchez. Estaba finalizando dos estatuas del gobernador y virrey de Florida, para el gobierno de los EE.UU, con destino a Washington y Miami, las cuales están siendo terminadas por familiares y colaboradores.

Retrató a artistas como Manolete o Rocío Jurado y tiene sus obras desperdigadas por los 5 continentes (y en las calles de tres de éstos).

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ESCOPAS

62. ESCOPAS

Escopas o Scopas (en griego, Σκόπας, Skópas) (h. 380–330 a. C.) es un célebre escultor y arquitecto clásico griego del siglo IV a. C. Praxíteles, Lisipo y Escopas son los tres grandes escultores representativos de la segunda fase del clasicismo.1
Índice

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CÉSAR MANRIQUE

63. CÉSAR MANRIQUE

César Manrique Cabrera (Arrecife, 24 de abril de 1919 - Teguise, 25 de septiembre de 1992) fue un pintor, escultor, arquitecto y artista español originario de la isla de Lanzarote. Compaginó su obra con la defensa de los valores medioambientales de Canarias. Buscó la armonía entre el arte y la... Ver mas
César Manrique Cabrera (Arrecife, 24 de abril de 1919 - Teguise, 25 de septiembre de 1992) fue un pintor, escultor, arquitecto y artista español originario de la isla de Lanzarote. Compaginó su obra con la defensa de los valores medioambientales de Canarias. Buscó la armonía entre el arte y la naturaleza como espacio creativo. Obtuvo, entre otros, el Premio Mundial de Ecología y Turismo y el Premio Europa Nostra.

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EUSEBI ARNAU

64. EUSEBI ARNAU

Eusebi Arnau i Mascort (Barcelona, 1864–1933) fue un escultor español.

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DAMIÁ CAMPENY

65. DAMIÁ CAMPENY

Damià Campeny i Estrany (n. Mataró; 1771 - f. Barcelona; 1855) fue un escultor español. Estudió en la escuela Llotja de Barcelona, donde más tarde fue profesor y director de la sección de escultura. Estuvo en el taller del escultor Salvador Gurri y posteriormente en el del escultor Nicolau... Ver mas
Damià Campeny i Estrany (n. Mataró; 1771 - f. Barcelona; 1855) fue un escultor español.

Estudió en la escuela Llotja de Barcelona, donde más tarde fue profesor y director de la sección de escultura. Estuvo en el taller del escultor Salvador Gurri y posteriormente en el del escultor Nicolau Travé.

Abrió su propio taller, donde realizó encargos para parroquias barcelonesas, como San Vicente y San Jaime y para la Cartuja de Montealegre el San Bruno.

En el año 1797 ganó una beca de la Junta de Comercio y marchó a Roma, donde conoció al escultor Antonio Canova y permaneció viviendo durante 18 años. Allí trabajó en el taller de restauración de obras de arte del Vaticano, realizando obras como Hércules, Farnesio y Neptuno, para la Junta de Comercio envía también toda una serie de esculturas.

Vuelve a Barcelona donde compagina su labor de profesor en la Escuela Llotja, junto con la realización de sus obras creativas.

El rey Fernando VII de España le otorgó el título de escultor de cámara del rey y fue nombrado académico de San Fernando, ofreciéndosele una plaza de profesor, que no aceptó.
Obras destacadas
Lucrecia (1803), MNAC, Barcelona.

Diana y las ninfas sorprendidas en el baño por Acteón 1798-1799. Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jorge. Barcelona
Diana en el baño 1803. Academia de San Fernando. Madrid
Escultura Lucrecia muerta 1804. Lonja de Barcelona, Barcelona
Cleopatra 1804-1810. Museo Nacional de Arte de Cataluña. Barcelona
Centro de Mesa 1805. Parma (Italia)
Sacrificio de Calirroe 1805-1808. Depositado por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en la Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jorge. Barcelona
Eros de Centocelle (copia) 1805-1808. Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jorge. Barcelona
Talía 1805-1808. Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jorge. Barcelona
Vestal o Niobe c.1810. Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jorge. Barcelona
Flora 1825. Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jorge. Barcelona
La Clemencia o la Paz 1827. Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jorge. Barcelona
La Fe Conyugal 1810. Barcelona
Fuente de Neptuno 1832. Igualada
El centauro Nessos y Deyanira 1836. Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jorge. Barcelona
Almogávar matando a un caballero francés 1836. Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jorge. Barcelona
Aquiles arrancándose la saeta 1837. Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jorge. Barcelona
Monumento a Galceran Marquet 1855. Barcelona

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HIRAM POWERS

66. HIRAM POWERS

Hiram Powers (29 de junio de 1805 - 27 de junio de 1873) fue un escultor neoclásico estadounidense. Biografía Powers era hijo de un granjero, y había nacido en Woodstock, Vermont, en 1805. En 1818 su padre se mudó a Ohio, a unos diez kilómetros de Cincinnati, donde su hijo concurrió a la... Ver mas
Hiram Powers (29 de junio de 1805 - 27 de junio de 1873) fue un escultor neoclásico estadounidense.
Biografía

Powers era hijo de un granjero, y había nacido en Woodstock, Vermont, en 1805. En 1818 su padre se mudó a Ohio, a unos diez kilómetros de Cincinnati, donde su hijo concurrió a la escuela durante el lapso de un año, viviendo mientras tanto con su hermano que era abogado en Cincinnati. Al dejar la escuela lo emplearoon como supervisor de un salón de lectura en conexión con el hotel más famoso del pueblo, pero se vio obligado a dejar dicho empleo ya que no le alcanzaba para ganarse un sustento razonable, por lo que consiguió empleo en una tienda. A los 17 años, Powers comenzó a trabajar como ayudante de Luman Watson, el fabricante de relojes de madera de Cincinnati. Powers tenía habilidad para esculpir figuras. Watson era dueño de una fábrica de relojes y de órganos, y Powers pronto se especializó en la construcción de estos instrumentos, y a causa de su habilidad pronto fue ascendido hasta el cargo de mecánico en jefe de la fábrica.

En 1826 comenzó a visitar a Frederick Eckstein en su estudio, y rápidamente fue desarrollando una gran afinidad y pasión por el arte de la escultura. A causa de su habilidad pronto fue designado ayudante principal y artista del Western Museum, que era cuidado por un naturalista de Luisiana de ascendencia francesa llamado Joseph Dorfeuille, donde tuvo mucho éxito su ingeniosa representación de las regiones infernales que ilustraban escenas del poema de Dante. Luego de estudiar el arte de modelar y vaciado de piezas, hacia finales de 1834 se muda a Washington DC, donde sus talentos atraen rápidamente la atención. En 1837 se radica en Florencia, donde permanece hasta su muerte, aunque realiza algún viaje a Inglaterra en este período. Desarrolla un negocio exitoso de retratos y realización de bustos, pero también se dedica a crear figuras ideales de tamaño real, muchas de la scuales también las realiza como bustos independientes. En 1839 su estatua de Eva despertó la admiración de Bertel Thorvaldsen, y en 1843 realizó su obra La esclava griega con la que se ganó y cimentó su prestigio como escultor de renombre. Esta escultura fue exhibida en el centro de la Exhibición del Palacio de Cristal y Elizabeth Barrett Browning escribió un soneto inspirada en ella. La escultura La esclava griega se convirtió en un símbolo de la causa abolicionista y varias copias de ella aparecieron en las casas de muchos que apoyaban a la Unión. Entre las estatuas más famosas se encuentran El pescador niño, Il Penseroso, "Eva desconsolada", California, America (realizada para el Palacio de Cristal en Sydenham), y El último de la tribu (también llamada La última de su tribu). Powers murió el 27 de junio de 1873, y se encuentra enterrado en el Cementerio Inglés de Florencia.

En el año 2007 el Taft Museum of Art en Cincinnati, Ohio abrió la primera gran exhibición dedicada al escultor estadounidense más aclamado del siglo XIX, "Hiram Powers: Genio del mármol". Ese es exactamente el sitio en el cual en 1842 Powers realizó su primera gran exhibición exclusiva en Cincinnati, cuando Nicholas Longworth abrió las puertas de su residencia privada para permitirle al público ver la más reciente obra de Powers.[1]

Las siguientes colecciones poseen obras de Hiram Powers:

Addison Gallery of American Art (Andover, Massachusetts),
Amon Carter Museum (Texas),
Arizona State University Art Museum,
Art Gallery of the University of Rochester (New York),
Birmingham Museum of Art (Alabama),
Brooklyn Museum of Art (New York City),
Carnegie Museum of Art (Pittsburgh, Pennsylvania),
Cincinnati Art Museum,
Corcoran Gallery of Art (Washington D.C.),
Cornell Fine Arts Museum at Rollins College (Florida),
Detroit Institute of Arts,
Fine Arts Museums of San Francisco,
Glencairn Museum (Pennsylvania),
Harvard University Art Museums,
Metropolitan Museum of Art,
Museum of Fine Arts, Boston,
National Gallery of Art (Washington D.C.),
Smithsonian American Art Museum (Washington D.C.),
White House Collection, (Washington)

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BERNARDO ROSSELLINO

67. BERNARDO ROSSELLINO

Bernardo Rossellino (Settignano -Toscana-, 1409 – Florencia, 1464) fue un escultor y arquitecto del Renacimiento italiano. Su nombre real era Bernardo di Matteo Gamberelli. Era hermano mayor del pintor y escultor Antonio Rossellino. Los cinco hermanos Gamberelli o Rossellino tenían formación de... Ver mas
Bernardo Rossellino (Settignano -Toscana-, 1409 – Florencia, 1464) fue un escultor y arquitecto del Renacimiento italiano. Su nombre real era Bernardo di Matteo Gamberelli. Era hermano mayor del pintor y escultor Antonio Rossellino. Los cinco hermanos Gamberelli o Rossellino tenían formación de cantería, aunque sólo Antonio y Bernardo fueron incluidos por Vasari en sus Vite.

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ANDREA SANSOVINO

68. ANDREA SANSOVINO

Andrea Sansovino (1460 - 1529) fue un escultor italiano, discípulo de Antonio Pollaiuolo. De sus primeros trabajos queda constancia en la Iglesia del Santo Spirito en Florencia. Ejecuta asimismo la pila bautismal del Baptisterio de Volterra, y deja también huella en el Baptisterio de... Ver mas
Andrea Sansovino (1460 - 1529) fue un escultor italiano, discípulo de Antonio Pollaiuolo.

De sus primeros trabajos queda constancia en la Iglesia del Santo Spirito en Florencia. Ejecuta asimismo la pila bautismal del Baptisterio de Volterra, y deja también huella en el Baptisterio de Florencia, donde esculpe un grupo de figuras, y en Roma, donde se encarga de los sepulcros de los Sforza y del de Basso della Rovere en la iglesia de Santa María del Popolo.

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ARÍSTIDE MAILLOL

69. ARÍSTIDE MAILLOL

Aristide Maillol (Banyuls-sur-Mer, 8 de diciembre de 1861 – Banyuls-sur-Mer, 27 de septiembre de 1944) fue un pintor, grabador y escultor francés, nacido en Banyuls-sur-Mer en el Rosellón de los Pirineos-Orientales.

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ANTOINE PEVSNER

70. ANTOINE PEVSNER

Antoine Pevsner (18 de enero de 1888 - 12 de abril de 1962) fue un escultor nacido en Klimavichy, Rusia, hijo de un ingeniero. Junto con su hermano Naum Gabo, recibe una primera formación científica que le aporta el espíritu de investigación con el que toda su obra se desarrolla. En 1911... Ver mas
Antoine Pevsner (18 de enero de 1888 - 12 de abril de 1962) fue un escultor nacido en Klimavichy, Rusia, hijo de un ingeniero.

Junto con su hermano Naum Gabo, recibe una primera formación científica que le aporta el espíritu de investigación con el que toda su obra se desarrolla.

En 1911 abandona la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo y viaja a París, donde admira los trabajos de Delaunay, Gleizes, Metzinger y Léger.

En una segunda visita a París en 1913, conoce a Modigliani y a Alexander Archipenko, que estimulan su interés hacia el cubismo; en ese mismo año ve la exposición de Umberto Boccioni sobre construcciones arquitectónicas, que le interesa profundamente.

Pasa los años de la guerra con su hermano en Oslo; allí "durante dos años digieren juntos todas sus experiencias y desarrollan el arte que más tarde llamarían Constructivismo...Se puede suponer que Pevsner aportó su conocimiento sobre técnicas artísticas, Naum su aproximación científica a los materiales y a la forma. Durante su formación como médico, Naum había aprendido a hacer construcciones tridimensionales para ilustrar fórmulas matemáticas, de modo que lo que surgió fue una fusión de una visión artística y un método científico" (Read).

Vuelve a Rusia en 1917 y enseña, con Kandinsky y Malevich, en la Academia de Bellas Artes de Moscú.

En 1920, Pevsner y Gabo publican el Manifiesto Realista, en donde afirman que el arte tiene un valor absolutamente independiente y una función que desempeñar en la sociedad, ya sea capitalista, socialista o comunista, dejando clara su postura frente al constructivismo y al suprematismo; enuncian en este manifiesto su idea del constructivismo y tratan de traducir sus conceptos de una realidad absoluta y esencial, en la realización de sus percepciones del mundo, en las formas de espacio y tiempo. Dan forma al espacio por medio de la profundidad más que por el volumen y rechazan la masa como base de la escultura. "Las construcciones plásticas de Pevsner y de Gabo, no son exactamente esculturas, porque implican la intención de anular el concepto de escultura como disciplina tradicionalmente definida por unos procedimientos, finalidades y materiales. Aún más, se niega la escultura como forma cerrada que interrumpe la continuidad del espacio y lo define en relación a sí misma, como vacío opuesto a la plenitud". (Argan).

Sus obras están presentes en la exposición Erste russische Kunst Ausstellung, en la galería Van Diemen de Berlín, en 1922. Al año siguiente visita Berlín donde conoce a Duchamp y a Catherine Dreier. A partir de su encuentro con Duchamp, abandona la pintura y se vuelca en la escultura constructivista.
Escultura de Antoine Pevsner en La Haya, Países Bajos.

En 1923 se instala definitivamente en París, obteniendo la ciudadanía francesa en 1930.

En 1926 sus obras están incluidas en una exposición en la Little Review Gallery de Nueva York. Junto con Gabo, diseña la escenografía para el ballet La Chatte, producido por Sergei Diaghilev. En París, los dos hermanos están a la cabeza del grupo constructivista Abstracción-Creación, un grupo de artistas que representan diversas corrientes del arte abstracto. En los años treinta, las obras de Pevsner se muestran en Ámsterdam, Basilea, Londres, Nueva York y Chicago.

En el mismo año, la galería René Drouin de París organiza su primera exposición individual. En 1948 el Museo de Arte Moderno de Nueva York presenta la exposición Gabo-Pevsner y en 1952 el artista participa en la Chef-d'ouvres du XX Siècle, promovida por el Museo Nacional de Arte Moderno de París.

En 1957 el mismo museo le dedica una exposición individual.

En 1958 está presente en la Bienal de Venecia, en el pabellón francés.

Muere en París el 12 de abril de 1962.

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JACQUES LIPCHITZ

71. JACQUES LIPCHITZ

Chaïm Jacob Lipchitz, más conocido como Jacques Lipchitz (Druskininkai, 22 de agosto de 1891 - Capri, 16 de mayo de 1973) fue un escultor cubista de origen lituano.

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JOSÉ ÁLVAREZ CUBERO

72. JOSÉ ÁLVAREZ CUBERO

José Álvarez Cubero (Priego de Córdoba, 23 de abril de 1768 - Madrid, 26 de noviembre de 1827) fue un escultor español de estilo Neoclásico, que realizó una gran parte de su carrera en París y Roma. Biografía Ganímedes (1804, R.A.B.A.S.F., Madrid). José Álvarez Cubero nació en Priego de... Ver mas
José Álvarez Cubero (Priego de Córdoba, 23 de abril de 1768 - Madrid, 26 de noviembre de 1827) fue un escultor español de estilo Neoclásico, que realizó una gran parte de su carrera en París y Roma.
Biografía
Ganímedes (1804, R.A.B.A.S.F., Madrid).

José Álvarez Cubero nació en Priego de Córdoba, donde su padre, Domingo Álvarez, era un tallador de piedra. Realizó sus primeros estudios en Priego. Entre 1791 y 1794 asistió a las academias de Córdoba, Granada y Madrid, donde fue admitido en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

El 21 de julio de 1799 recibió una beca de la Casa real para proseguir su formación en París, donde el 28 de septiembre fue registrado como alumno en la École des Beaux-Arts y más tarde, aunque se desconoce la fecha precisa, integrado en el equipo del taller del artista Jacques-Louis David. Gracias a su relación con el embajador de España en la capital gala, quien era un gran admirador de José Nicolás de Azara, Álvarez Cubero estableció relaciones con el escultor neoclásico francés Augustin Pajou, en cuya mansión de la calle Fromenteau, cerca del Museo del Louvre, estableció su residencia.

Álvarez Cubero se integró en la vida parisina y participó en diferentes concursos; así, en 1804 ganó una medalla de oro en el certamen de la Academia parisina, siendo coronado por Napoleón en persona. Ese mismo año esculpió una de sus obras maestras, Ganímedes (Academia de San Fernando de Madrid) y contrajo matrimonio con Isabel Bouquel y Wanreggem, con quien tuvo tres hijos: José Álvarez Bouquel (París, 1805 - Burgos, 1830, escultor), Aníbal (Roma, 1806 - Madrid, 1870, arquitecto) y Carlota (Roma, 1824 - Madrid, 1843).

A partir de 1805, José Álvarez Cubero se instaló en Roma, donde entabló amistad con el escultor Antonio Canova. Durante los 20 años siguientes en los que permaneció en la Ciudad eterna, Álvarez Cubero fue asistente de Canova y también escultor de la corte en el exilio del rey Carlos IV de España. Realizó dos retratos de cuerpo entero al modo de la Madame Récamier de David: uno de Isabel de Braganza (Museo del Prado) y otro de La duquesa de Ariza (Palacio de Liria de Madrid), este último encargado por Carlos Miguel Fitz-James, duque de Alba.

En 1825, emprendió su viaje de regreso a España por barco, trayecto que resultó accidentado tras el naufragio del buque cerca de Perpiñán.

En sus últimos dos años en España, José Álvarez Cubero prosiguió con su arte, realizando diversas esculturas. Una de sus obras más conocidas es el monumental grupo marmóreo La defensa de Zaragoza, que se exhibe en el vestíbulo del Museo del Prado.

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FELIPE BIGARNY

73. FELIPE BIGARNY

Felipe Bigarny, nombrado también como Felipe Vigarny, Felipe Biguerny o Felipe de Borgoña, apodado el Borgoñón (Langres, Borgoña c. 1475 - Toledo, 10 de noviembre de 1543), fue un maestro escultor y tallista; está considerado como uno de los más insignes del Renacimiento español. Presentó además... Ver mas
Felipe Bigarny, nombrado también como Felipe Vigarny, Felipe Biguerny o Felipe de Borgoña, apodado el Borgoñón (Langres, Borgoña c. 1475 - Toledo, 10 de noviembre de 1543), fue un maestro escultor y tallista; está considerado como uno de los más insignes del Renacimiento español. Presentó además algunos proyectos como arquitecto.

En sus obras coexisten rasgos flamencos, borgoñones y renacentistas italianos. Consiguió un gran prestigio y se convirtió en el maestro de escultura y talla de la Catedral de Burgos. También intervino en importantes obras por toda la Corona de Castilla, con lo que llegó a manejar varios talleres simultáneamente, lo que le proporcionó una buena posición socioeconómica.

Ha recibido 151 puntos

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ALESSANDRO ALGARDI

74. ALESSANDRO ALGARDI

Alessandro Algardi (Bolonia, 31 de julio de 1595 - Roma, 10 de junio de 1654) fue un escultor italiano del alto barroco, activo casi exclusivamente en Roma, donde durante las últimas décadas de su vida, fue el principal rival de Gian Lorenzo Bernini.

Ha recibido 150 puntos

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ALBERTO SÁNCHEZ PÉREZ

75. ALBERTO SÁNCHEZ PÉREZ

Alberto Sánchez Pérez (Toledo, 8 de abril de 1895 - Moscú, 12 de octubre de 1962), pintor y escultor español. Padre espiritual de la primera Escuela de Vallecas.1 A partir de 1938 desarrolló su obra fuera de España.

Ha recibido 140 puntos

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WILLEM DE KOONING

76. WILLEM DE KOONING

Willem de Kooning (Róterdam; 24 de abril de 1904 - Long Island; 19 de marzo de 1997); pintor neerlandés nacionalizado estadounidense. En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, de Kooning pintó dentro del movimiento del expresionismo abstracto, y dentro del seno de esta tendencia... Ver mas
Willem de Kooning (Róterdam; 24 de abril de 1904 - Long Island; 19 de marzo de 1997); pintor neerlandés nacionalizado estadounidense.

En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, de Kooning pintó dentro del movimiento del expresionismo abstracto, y dentro del seno de esta tendencia, sigue la action painting o pintura gestual. Otros pintores de este movimiento fueron Jackson Pollock, Mark Rothko y Clyfford Still. Más tarde, de Kooning experimentó con otros movimientos artísticos.

Ha recibido 129 puntos

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PIERRE PUGET

77. PIERRE PUGET

Pierre Puget, (Marsella, 1620 - id., 1694), escultor y arquitecto francés. Se desplazó desde su ciudad natal hasta Roma, donde tuvo a Pietro da Cortona como maestro entre 1640 y 1643. La potencia de sus modelados, de una plasticidad cargada de sentimiento, convierte a las obras de Puget en... Ver mas
Pierre Puget, (Marsella, 1620 - id., 1694), escultor y arquitecto francés.

Se desplazó desde su ciudad natal hasta Roma, donde tuvo a Pietro da Cortona como maestro entre 1640 y 1643. La potencia de sus modelados, de una plasticidad cargada de sentimiento, convierte a las obras de Puget en unas de las más originales de la escultura barroca francesa. Desarrolló la mayor parte de su actividad en la corte de París.

Sus obras constituirán todo un referente para escultores franceses posteriores, como el también marsellés Antoine Duparc.

Ha recibido 128 puntos

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ANTONIO ROSSELLINO

78. ANTONIO ROSSELLINO

Antonio di Matteo di Domenico Gamberelli (Settignano, 1427 o 1428 - Florencia, 1479), conocido como Antonio Rossellino (o sea, Antonio el Pelirrojo), fue un escultor del Renacimiento, hermano de Bernardo Rossellino.

Ha recibido 127 puntos

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VENANCI VALLMITJANA I BARBANY

79. VENANCI VALLMITJANA I BARBANY

Venanci Vallmitjana y Barbany (Barcelona, Cataluña, 1826 – Ibidem, 1919) fue un escultor español. Estudió en la escuela de la Lonja de Barcelona, donde recibió clases del escultor Damiá Campeny. En el año 1856 fue nombrado profesor de dicha escuela. Se ha resaltado su importante labor como... Ver mas
Venanci Vallmitjana y Barbany (Barcelona, Cataluña, 1826 – Ibidem, 1919) fue un escultor español.

Estudió en la escuela de la Lonja de Barcelona, donde recibió clases del escultor Damiá Campeny.

En el año 1856 fue nombrado profesor de dicha escuela. Se ha resaltado su importante labor como docente, teniendo discípulos que muchos de ellos lograron grandes éxitos como escultores, entre ellos cabe destacar a Josep Llimona, Pablo Gargallo y Eusebi Arnau. Su vida y trabajo está muy ligada a la de su hermano Agapit Vallmitjana, también escultor, con el que tuvo taller en común, hasta que en 1883 abrió un nuevo taller con su hijo, también escultor, Agapit Vallmitjana y Abarca.

Ha recibido 126 puntos

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CLAUS SLUTER

80. CLAUS SLUTER

Claus Sluter fue un escultor gótico de origen holandés.1

Su fecha de nacimiento se desconoce, pero se calcula en torno a 1350 en Haarlem (Países Bajos). Murió en 1405 o 1406 en Dijon, Francia. Se le considera el principal representante de la escultura borgoñona en la segunda mitad del siglo XIV.

Ha recibido 126 puntos

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NAUM GABO

81. NAUM GABO

Naum Gabo KBE (5 de agosto de 1890 - 23 de agosto de 1977) era un escultor prominente del Constructivismo, así como un pionero del Arte cinético. Nacido con el nombre de Naum Neemia Pevsner, lo cambia para evitar la confusión con su hermano mayor, Antoine Pevsner. Su principal influencia ha... Ver mas
Naum Gabo KBE (5 de agosto de 1890 - 23 de agosto de 1977) era un escultor prominente del Constructivismo, así como un pionero del Arte cinético.

Nacido con el nombre de Naum Neemia Pevsner, lo cambia para evitar la confusión con su hermano mayor, Antoine Pevsner. Su principal influencia ha sido en Gran Bretaña dónde vivió en los años 1930 y presentó el Constructivismo a una generación de artistas como Barbara Hepworth, Ben Nicholson, Victor Pasmore o Peter Lanyon que vinieron a dominar las artes visuales de postguerra.
Constructivismo

Tras el estallido de la guerra se trasladó a Copenhague (Dinamarca) con su hermano más joven, Alexei, que hace sus primeras construcciones bajo el nombre de Naum Gabo en 1915. Estas construcciones más tempranas eran originalmente en cartón o madera figurativas como el Head No.2 en la colección de Tate. Él regresó a Rusia en 1917, involucrándose en la política y arte por lo que pasan cinco años en Moscú con Pevsner. Gabo donó el Agit-prop las exhibiciones aéreas abiertas y enseñó a 'VKhUTEMAS' el arte más alto y el taller técnico, con Tatlin, Kandinsky y Rodchenko. Durante este período los alivios y construcción se pusieron más geométricas y Gabo empezó a experimentar sin embargo con la Escultura cinética que la mayoría del trabajo estaba perdida o destruida. Los planes de Gabo se habían puesto en aumento monumentales pero había una oportunidad pequeña de aplicarlos comentando 'era la altura de guerra civil, hambre y desorden en Rusia. Para encontrar cualquier parte de maquinaria… estaba al lado del imposible'.
Obra de Naum Gabo

Gabo escribió y emitió juntamente con Pevsner en agosto de 1920 un 'Manifesto Realista' proclamando los principios de puro Constructivismo - la primera vez que el término fue usado. En el manifiesto Gabo criticó el Cubismo y el Futurismo como no volverse las artes totalmente abstractas y declaró que la experiencia espiritual era la raíz de producción artística. Gabo y Pevsner promovieron el manifiesto organizando una exhibición en un kiosco de música en el Bulevar de Tverskoy en Moscú y anunciaron el manifiesto en las acumulaciones alrededor de la ciudad.

Ha recibido 125 puntos

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FRANçOIS JOSEPH BOSIO

82. FRANçOIS JOSEPH BOSIO

François Joseph Bosio (Mónaco, 1768 - París, 1845) fue un escultor monegasco, artista oficial bajo el Primer Imperio Francés y la Restauración.

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AGAPIT VALLMITJANA I BARBANY

83. AGAPIT VALLMITJANA I BARBANY

Agapit Vallmitjana y Barbany (Barcelona, Cataluña, 1833 — Ibidem, 1905) fue un escultor español. Realizó estudios en la escuela de la Lonja de Barcelona, con el profesor Damià Campeny. Con su hermano Venanci Vallmitjana, abre taller en Barcelona y colaboran juntos en la realización de obras... Ver mas
Agapit Vallmitjana y Barbany (Barcelona, Cataluña, 1833 — Ibidem, 1905) fue un escultor español.

Realizó estudios en la escuela de la Lonja de Barcelona, con el profesor Damià Campeny. Con su hermano Venanci Vallmitjana, abre taller en Barcelona y colaboran juntos en la realización de obras escultóricas. Acude a la Exposición Universal de Viena en 1873 con la obra Cristo Muerto y en la Exposición Nacional de Madrid de 1878 gana un premio con la escultura Adán. Consigue la cátedra de escultura de la Escuela de la Lonja en el año 1880.

Su obra recorrió los campos religiosos, funerarios y retratos costumbristas. Realizó una colección de animales junto con su hermano Venanci: Cabeza de caballo, Tigre, León, Elefante, León devorando un conejo, Pareja de camellos (1880).

Fue tío de Agapit Vallmitjana y Abarca.

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BARBARA HEPWORTH

84. BARBARA HEPWORTH

Dama Jocelyn Barbara Hepworth DBE (10 de enero de 1903 - 20 de mayo de 1975) fue una escultora británica y artista del siglo XX. Es considerada una escultora de renombre, como su contemporáneo y amigo, Henry Moore.

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ERCOLE FERRATA

85. ERCOLE FERRATA

Ercole Ferrata (Pellio Intelvi, 1610 - Roma, 10 de julio 1686) fue un escultor italiano, uno de los máximos exponentes del barroco romano. Biografía Alumno de Alessandro Algardi, junto con su condiscípulo Domenico Guidi colaboró con el maestro en la realización de la Visión de San Nicolás... Ver mas
Ercole Ferrata (Pellio Intelvi, 1610 - Roma, 10 de julio 1686) fue un escultor italiano, uno de los máximos exponentes del barroco romano.
Biografía

Alumno de Alessandro Algardi, junto con su condiscípulo Domenico Guidi colaboró con el maestro en la realización de la Visión de San Nicolás, para la iglesia de San Nicolás de Tolentino en los jardines de Salustio en Roma.

Ferrata se distanció progresivamente del clasicismo de Algardi y François Duquesnoy para acercarse al estilo más expresivo de Gian Lorenzo Bernini. Alrededor de 1660 ejecutó para la iglesia de Santa Inés de la Agonía, una Santa Inés en la hoguera y un Martirio de Santa Emerenziana; bajo la dirección de Bernini realizó el Ángel con la cruz para el Puente Sant'Angelo y colaboró en la ejecución del elefante adosado al obelisco situado ante la iglesia de Santa Maria sopra Minerva. En la iglesia de San Giovanni dei Fiorentini creó para el sepulcro del cardenal Lelio Falconieri la representación de La Fe. También trabajó en Nápoles con Cosimo Fanzago y Giuliano Finelli; realizó la estatua de Santa Catalina de la Capilla Chigi en la catedral de Siena, y con Francesco Aprile, la estatua de Santa Anastasia en la iglesia homónima de Roma, inspirada en la Beata Ludovica Alberoni de Bernini.

En 1673 el Gran Duque de Toscana Cosme III le puso a cargo de la Academia de Villa Madama en Roma (con el escultor Ciro Ferri). Fue también restaurador de obras de estatuaria clásica, entre ellas el torso encontrado durante las obras de edificación de la iglesia de Santa María en Vallicella, y según algunas fuentes el brazo de la Venus de Médici.

Alumnos y colaboradores fueron Camillo Rusconi, Melchiorre Cafà y Giovanni Battista Foggini.

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JEAN ANTOINE HOUDON

86. JEAN ANTOINE HOUDON

Jean-Antoine Houdon (Versalles, 1741 - París, 1828), fue un escultor francés, figura cumbre del neoclasicismo de su país. Destacó en sus retratos por la búsqueda del carácter individual, lo que le acercó al prerromanticismo. Discípulo de Pigalle y Lemoyne, en 1764 se trasladó a Roma para... Ver mas
Jean-Antoine Houdon (Versalles, 1741 - París, 1828), fue un escultor francés, figura cumbre del neoclasicismo de su país. Destacó en sus retratos por la búsqueda del carácter individual, lo que le acercó al prerromanticismo. Discípulo de Pigalle y Lemoyne, en 1764 se trasladó a Roma para completar su formación. Allí esculpió a Bruno. Se dedicó fundamentalmente al retrato, iniciando la serie con uno de Diderot, en barro cocido, al que siguieron los de Mirabeau, D'Alembert, Molière, Voltaire, Rousseau y Franklin. Este último le sugirió la idea de viajar a Estados Unidos para retratar a Washington. Houdon llegó al continente americano en 1785 y, además de varios bustos del presidente, realizó la estatua que actualmente se exhibe en el Capitolio. Durante la Revolución francesa, plasmó los rostros de Necker, Lafayette y Napoleón. Cabe destacar también su elegante Diana cazadora (1776), de estilo clasicista.

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DESIDERIO DA SETTIGNANO

87. DESIDERIO DA SETTIGNANO

Desiderio de Bartolommeo di Francesco llamado Desiderio da Settignano o Ferro (Settignano; c.1430 - Florencia; 1464), escultor italiano renacentista de la escuela florentina del Quattrocento.

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FRANçOIS RUDE

88. FRANçOIS RUDE

François Rude, nacido en Dijon el 4 de enero de 1784 y muerto el 3 de noviembre de 1855 en París, fue un escultor francés del romanticismo.

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MANOLO HUGUÉ

89. MANOLO HUGUÉ

Manuel Martínez Hugué (Barcelona, 1872 - Caldas de Montbui, 1945) fue un pintor y escultor español, destacado representante del novecentismo catalán de principios del siglo XX. Su obra puede resumirse como una síntesis de clasicismo y primitivismo dentro de la modernidad. Es ampliamente citado... Ver mas
Manuel Martínez Hugué (Barcelona, 1872 - Caldas de Montbui, 1945) fue un pintor y escultor español, destacado representante del novecentismo catalán de principios del siglo XX. Su obra puede resumirse como una síntesis de clasicismo y primitivismo dentro de la modernidad. Es ampliamente citado con el nombre coloquial Manolo Hugué, e incluso en algunas reseñas se cita su apellido como Huguet.
Vida y obra

Nacido en Barcelona, su vida bohemia y marginal y sus visitas al café Els Quatre Gats en Barcelona le valieron la amistad de Santiago Rusiñol, Joaquín Mir, Isidro Nonell y Pablo Picasso, entre otros artistas. En 1900 se traslada a París, donde residirá por espacio de diez años. Allí conoció a Jean Moréas y Guillaume Apollinaire, además de trabajar en el diseño de joyas y pequeñas piezas de escultura, entre las que destacan La Llobera (1911, Barcelona, Museo de Arte Moderno) y Joven sentada (1913, París, Centre Georges Pompidou).

Impulsado por un marchante, Hugué se trasladó en 1910 a Céret, donde reunió a un heterogéneo grupo de artistas entre los que se encontraban Juan Gris, Joaquín Sunyer y el propio Picasso. En 1917 abandonó Ceret para residir en Caldas de Montbui, donde falleció en 1945.

En su última etapa compaginó la pintura con cuadros como: Paisaje de Ceret (1926) o Vendimiadora (1927), con la escultura, donde destaca la obra Bacante (1934, Barcelona, Museo de Arte Moderno), una figura femenina tumbada con diversos puntos de vista según sus diferentes partes corporales sin que se quiebre la unidad de la figura.

En su obra es esencial la relación con la naturaleza, considerando a la figura humana como un elemento integrado en ella. Se trata de una característica propia del clasicismo noucentista, pero que en manos de Martínez Hugué van más allá de sus limitados orígenes.

El fondo personal de Manolo Hugué se conserva en la Biblioteca de Cataluña.

En 1957, el Musée d'Art Moderne de Céret dedicó una antológica a Hugué, para cuyo cartel anunciador creó Picasso un retrato de su colega; curiosamente, escribió al pie el apellido Huguet.

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TILMAN RIEMENSCHNEIDER

90. TILMAN RIEMENSCHNEIDER

Tilman Riemenschneider (c. 1460 - 7 de julio, 1531) fue un escultor germánico activo en la ciudad de Würzburg desde 1483. Fue en su época, uno de los escultores más prolíficos y versátiles del periodo de transición entre el Gótico tardío y el comienzo del Renacimiento, auténtico maestro en la... Ver mas
Tilman Riemenschneider (c. 1460 - 7 de julio, 1531) fue un escultor germánico activo en la ciudad de Würzburg desde 1483. Fue en su época, uno de los escultores más prolíficos y versátiles del periodo de transición entre el Gótico tardío y el comienzo del Renacimiento, auténtico maestro en la escultura de materiales tales como la piedra y la madera.

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DAN FLAVIN

91. DAN FLAVIN

Dan Flavin [1] (Queens, Nueva York; 1 de Abril de 1933 – Riverhead, Nueva York; 29 de Noviembre de 1996) fue un artista conceptual de mediados del siglo XX que se desarrolló bajo la corriente minimalista. Fue un pionero en la utilización de luces fluorescentes como instrumentos artísticos.

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CALAMIS

92. CALAMIS

Calamis (Κάλαμις) fue un escultor griego clásico del siglo V a. C.. Posiblemente era beocio, pero nada seguro se sabe de su vida, hasta el punto que hay quien identifica dos "Calamis" distintos en ese siglo: uno al comienzo, asociable al estilo severo, y otro, que podría ser su nieto, en la... Ver mas
Calamis (Κάλαμις) fue un escultor griego clásico del siglo V a. C.. Posiblemente era beocio, pero nada seguro se sabe de su vida, hasta el punto que hay quien identifica dos "Calamis" distintos en ese siglo: uno al comienzo, asociable al estilo severo, y otro, que podría ser su nieto, en la segunda mitad;2 que sería el "Calamis" citado por Pausanias como maestro de Praxias (uno de los escultores, junto con Andróstenes -ambos atenienses-, de los desaparecidos frontones del templo de Apolo en Delfos, al comienzo del siglo IV a. C.)3

Se dice que Calamis trabajó tanto el mármol como el bronce, el oro y el marfil, y que destacó en el género animalístico por sus representaciones de caballos, especialmente por su escultura en bronce del caballo llamado Pherenikos, que le encargó Hierón de Siracusa para Olimpia y por su escultura en mármol del auriga Nicómaco, para Istmia.4 Según Pausanias5 fue autor de una estatua de Zeus-Amón según Píndaro y otra de Hermes Crioforo (Κριοφόρος -"que lleva un carnero"-)6 para Tanagra,7 que aparece en monedas de esa ciudad de época romana. También se le atribuye la autoría de una estatua crisoelefantina de Asclepio imberbe, de una Niké ("Victoria") y de un Dioniso. Su obra más ambiciosa fue una estatua de Apolo de 30 codos (9 metros) de alto para Apolonia Póntica (actual Isla de San Iván, Sozopol, costa búlgara del Mar Negro), que fue llevada a Roma por Lucio Licinio Lúculo.8 Su Afrodita Sosandra (Σωσάνδρα -"salvadora de hombres"-)9 de bronce de la Acrópolis de Atenas fue elogiada por Luciano de Samosata, y posiblemente fue usada como modelo para el retrato de Aspasia de Mileto que a su vez originó un modelo de retrato romano. Se le atribuye una estatua de Apolo Ónfalos o Alexikakos (Ἀλεξίκακος -"el que previene del mal"-),10 inicialmente en el Cerámico de Atenas, y muy copiada en época romana. El descubrimiento del Dios del cabo Artemisio, de autor desconocido, hizo que se considerara a Calamis su autorn, pero no deja de ser un mera conjetura.11

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BENEDETTO ANTELAMI

93. BENEDETTO ANTELAMI

Benedetto Antelami o Antelami de Parma fue un arquitecto y escultor Italiano especialmente activo en la zona de Parma durante la edificación del Baptisterio y otros entre los años 1178 y 1200. Es de los pocos escultores del período que conocemos por nombre. Se sabe muy poco acerca de su vida... Ver mas
Benedetto Antelami o Antelami de Parma fue un arquitecto y escultor Italiano especialmente activo en la zona de Parma durante la edificación del Baptisterio y otros entre los años 1178 y 1200. Es de los pocos escultores del período que conocemos por nombre.

Se sabe muy poco acerca de su vida. Quizás es originario de Lombardía, en particular de Val d'Intelvi (según se puede desprender de su apellido), donde hay documentos sobre algunos Magister Antelami (Maestro Antélami). Conocía muy bien, además de la arquitectura griega la romana y la pintura antigua y el desarrollo artístico del área de Provenza. De hecho, se cree que trabajó como aprendiz en la iglesia de San Trófimo en Arlés. Algunos historiadores suponen también que estuvo en Ile-de-France donde habría aprendido las novedades del arte gótico.
La Deposición de la Catedral de Parma.

Se le da el crédito de haber creado la decoración escultural de la Catedral de Fidenza y de la Catedral de San Giorgio. Se cree que su último trabajo pudo haber sido la ornamentación y construcción (parcial) de la iglesia de Sant'Andrea en Vercelli, cuya arquitectura es una triunfal combinación de elementos toscanos románicos con características góticas, estas últimas como lo son sus arbotantes, rosetones y bóvedas de crucería, obra que finalmente le valió un renombre perdurable.

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BARTOLOMÉ ORDÓÑEZ

94. BARTOLOMÉ ORDÓÑEZ

Bartolomé Ordóñez fue un escultor renacentista, que trabajó en colaboración con Juan Petit Monet, para el Hospital de la Santa Cruz, obra inexistente. El embellecimiento del coro se proyecta con vistas al Capítulo del Toisón que había de presidir Carlos I en marzo de 1519 en la catedral. En la... Ver mas
Bartolomé Ordóñez fue un escultor renacentista, que trabajó en colaboración con Juan Petit Monet, para el Hospital de la Santa Cruz, obra inexistente. El embellecimiento del coro se proyecta con vistas al Capítulo del Toisón que había de presidir Carlos I en marzo de 1519 en la catedral. En la primera obra conocida de Ordóñez colaboran los ayudantes italianos de su taller, Monet, y, ante la magnitud y urgencia de la obra, expertos tallistas en madera entre los que probablemente esté Siloé, pero la excelencia de su dirección la proclama su sorprendente unidad de estilo.1 En la cabecera del coro se representan escenas del Antiguo Testamento -Embriaguez de Noé y Sacrificio de Isaac- y Nuevo Testamento -Cristo camino del Calvario y la Deposición de Jesús, digna de destacarse,nota 1 así como las apariciones después de la Resurrección, entre las que resulta notable por su originalidad iconográfica la presentación a su madre de los profetas sacados del infierno por Cristo resucitado-, además de evangelistas y virtudes, todo ello de extraordinaria calidad en su talla.

Sus trabajos en la catedral de Barcelona fueron realizados en dos etapas. Después de la descrita, una segunda estancia en Nápoles documentada desde el 11 de diciembre de 1517 en la que, junto con Diego Siloé trabaja en la capilla Caracciolo di Vico, en San Giovanni a Carbonara. Es la carta de Pietro Summonte (1524) la que certifica sin error posible la labor de ambos españoles en la capilla frente a tradicionales equivocadas atribuciones, y, aunque el italiano sólo se refiere al retablo, el revestimiento marmóreo y la arquitectura de la capilla circular, cuyo eco hallamos en la catedral de Guadix, debieron de correr de cuenta de Ordóñez. Las coincidencias con la organización arquitectónica del trascoro de la catedral de Barcelona aportan luz al hecho. En el retablo le pertenece un excelente relieve representando la Adoración de los Magos, con una delicada composición piramidal, que recuerda a Leonardo da Vinci, muy equilibrada, y una perfectísima técnica, casi pictórica. No debía ser ésta la única obra en la etapa napolitana del artista: se le atribuyen los monumentos funerarios de Galeazzo Pandone, en San Domenico Maggiore, y el de Andrea Bonifacio Cicaro, en San Severino y Sosio.
Parte derecha del Trascoro de la Catedral de Barcelona.

A su regreso a Barcelona a comienzos de 1519 contrajo matrimonio con Catalina Calaf. En esta estancia -no muy prolongada, pues dura sólo hasta el otoño de dicho año, en que parte para Carrara- trabaja en la obra marmórea del trascoro de la catedral barcelonesa, incluso por su marcha, hasta que en 1562 es completada por Pedro Villar. Se organiza éste como una columnata dórica, coronada por una balaustrada, y alzada sobre un alto basamento sin ornamentación, en cuyos intercolumnios se dispone la obra escultórica. Ricamente adornada, esta arquitectura revela las concomitancias con la capilla Caracciolo. De Ordóñez son los relieves en que se representa la profesión de fe de Santa Eulalia ante los jueces, donde la influencia miguelangelesca es muy notable, y el momento del martirio de la santa, en que las llamas, lejos de consumir su cuerpo desnudo, un casto desnudo, se vuelven contra los verdugos. De su autoría son las imágenes exentas de san Severo y santa Eulalia, mientras que las de san Olegario y san Ramón de Peñafort fueron realizadas en el siglo XVII.2

Otras obras posibles en España son el relieve en alabastro Sacra conversación del Museo Diocesano de Barcelona, acabado de mala manera, y la Resurrección de la capilla del trasaltar de Valencia. El 1 de mayo de 1519, en contrato se le trasladaron los encargos hechos anteriormente a Francelli: los sepulcros de Felipe I y de Juana la Loca, del cardenal Cisneros -para Granada y Alcalá de Henares, repectivamente- y, como se desprende del testamento de Ordóñez, los de algunos Fonseca. Es entonces cuando marcha a Carrara, con ánimo de volver a Barcelona, pero muerta su esposa abre taller allí, entregándose durante un año a una febril actividad que cortó la muerte.

Dejó casi completo el sepulcro de Juana y Felipe el Hermoso de la Capilla Real de Granada, muy superior a los de Fancelli, en quien sin duda se inspira modificando su tipo al retornar al túmulo de paredes verticales sobre el que en una urna se encuentran los yacentes de rostros idealizados, con los San Juanes, San Miguel y San Andrés en las esquinas. En cada paño del cuerpo principal tondos con relieves de la Natividad de Cristo, Adoración de los Reyes, Oración del Huerto y Descendimiento, de los más notables de Ordóñez, amén de otras figuras y un sinfín de temas ornamentales.

Inferior a éste es el sepulcro del cardenal Cisneros, que deja inacabado; a lo sumo completa la estatua del yacente, «austero y realista con aire de retrato». En todo sigue este sepulcro realizado para la Capilla de la Universidad Complutense, aunque más reducido, al que se acaba de describir; los tondos se ocupan por los doctores de la Iglesia española, y los santos patrones de los monarcas son sustituidos por los padres de la latina, yendo a situarse en hornacinas los del cardenal con las artes liberales.

Más escaso interés artístico es el de los sepulcros de Fonseca en Coca, donde por un cambio de las piezas de los dos sepulcros principales resultó confuso discernir a Fancelli de Ordóñez hasta el definitivo esclarecimiento de las atribuciones por Gómez Moreno, quedando de Ordóñez el de Alonso de Fonseca y su madre, y los del arzobispo de Sevilla Alonso de Fonseca y el obispo de Burgos Juan Rodríguez de Fonseca, este último perfectamente documentado como de Ordóñez o su taller. La Virgen con el Niño y San Juan del monasterio de San Jerónimo de Zamora, hoy en el Museo Catedralicio, es, según Gómez Moreno, la que se cita en el inventario de su taller para los Fonseca.

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FRANçOIS DUQUESNOY

95. FRANçOIS DUQUESNOY

François Duquesnoy (Bruselas, 12 de enero de 1597 - Livorno, 18 de julio de 1643) fue un destacado escultor barroco en Roma. Sus representaciones más idealizadas a menudo contrastan con el carácter emocional de la obra de Bernini, mientras que su estilo muestra una mayor afinidad con las... Ver mas
François Duquesnoy (Bruselas, 12 de enero de 1597 - Livorno, 18 de julio de 1643) fue un destacado escultor barroco en Roma. Sus representaciones más idealizadas a menudo contrastan con el carácter emocional de la obra de Bernini, mientras que su estilo muestra una mayor afinidad con las esculturas de Alessandro Algardi.

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ALEJO DE VAHÍA

96. ALEJO DE VAHÍA

Alejo de Vahía (? - † hacia 1515),1 fue un escultor gótico de probable origen nórdico, ya que su formación artística parece proceder de la zona del Bajo Rin.2 Se estableció en España, donde desarrolló su actividad escultórica en un periodo de tiempo impreciso, comprendido entre 1475 y 1515.1 Se... Ver mas
Alejo de Vahía (? - † hacia 1515),1 fue un escultor gótico de probable origen nórdico, ya que su formación artística parece proceder de la zona del Bajo Rin.2 Se estableció en España, donde desarrolló su actividad escultórica en un periodo de tiempo impreciso, comprendido entre 1475 y 1515.1 Se desconoce la fecha de su nacimiento aunque se sabe que falleció en 1515 o previamente,3 deducción que hace Oliva Herrer a partir del censo de Becerril de Campos, en que aparece su mujer como viuda.

No firmaba sus obras y su personalidad se ha reconstruido gracias a su estilo personal muy definido, y a un solo dato documental.4 Es, sin duda, el escultor con mayor obra conocida entre todos los que trabajan en Castilla a finales del siglo XV, pero a causa de su constancia en repetir esquemas y modelos -que, por otra parte, hace muy fácil el reconocimiento de sus obras- es difícil trazar su evolución estilística.

En un primer momento se aposentó en Valencia, pero a finales del siglo XV fijó su residencia en la localidad palentina de Becerril de Campos, consiguiendo una más que aceptable posición económica. En esta población organizó un próspero taller que abasteció a un amplio pero modesto mercado, principalmente a la zona de Valladolid y Palencia. Mediante atribuciones basadas en el estudio de su estilo, también se sabe que tuvo relación con la ciudad de Oviedo, donde entre 1491 y 1497 intervino en la sillería de coro de su catedral junto a muchos maestros extranjeros.5

Parte de su obra está realizada en piedra, como los sepulcros de los Núñez de la Serna en la iglesia de Santiago de Valladolid o las ménsulas que realiza en el Colegio Mayor de Santa Cruz, también en Valladolid. Sin embargo, su obra está compuesta mayoritariamente por imaginería devocional realizada en madera policromada, entre la que destacan la María Magdalena del retablo mayor de la Catedral de Palencia, el púlpito de la colegiata de Ampudia, los Doctores de la Iglesia del Museo Diocesano de Valladolid y una extensa serie de Vírgenes con el Niño.

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RICHARD SERRA

97. RICHARD SERRA

Richard Serra (San Francisco, Estados Unidos; 2 de noviembre de 1939) es un escultor minimalista estadounidense conocido por trabajar con grandes piezas de acero corten. Considerado uno de los mejores escultores vivos, Serra obtuvo el Premio Príncipe de Asturias 2010.

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ALEKSANDR RÓDCHENKO

98. ALEKSANDR RÓDCHENKO

Aleksandr Mijáilovich Ródchenko (en ruso: Алекса́ндр Миха́йлович Ро́дченкo, San Petersburgo 5 de diciembre de 1891 — Moscú, 3 de diciembre de 1956) fue un escultor, pintor, diseñador gráfico y fotógrafo ruso catalogado como de los artistas más polifacéticos de la Rusia de los años veinte y... Ver mas
Aleksandr Mijáilovich Ródchenko (en ruso: Алекса́ндр Миха́йлович Ро́дченкo, San Petersburgo 5 de diciembre de 1891 — Moscú, 3 de diciembre de 1956) fue un escultor, pintor, diseñador gráfico y fotógrafo ruso catalogado como de los artistas más polifacéticos de la Rusia de los años veinte y treinta. Fundador, entre otros, del constructivismo ruso y estuvo casado con la también artista Varvara Stepánova.

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DONALD JUDD

99. DONALD JUDD

Donald Judd (Excelsior Springs, Missouri, 1928 - Manhattan, Nueva York,1994), artista estadounidense. Escultura en Münster Su obra se basa en el espacio y la realidad. Judd comenzó a trabajar como pintor, pero su trabajo evolucionó a objetos independientes en tres dimensiones, sobre suelo o... Ver mas
Donald Judd (Excelsior Springs, Missouri, 1928 - Manhattan, Nueva York,1994), artista estadounidense.
Escultura en Münster

Su obra se basa en el espacio y la realidad. Judd comenzó a trabajar como pintor, pero su trabajo evolucionó a objetos independientes en tres dimensiones, sobre suelo o pared que usan formas sencillas, a menudo repetidas, que a su vez exploran el espacio y el uso del espacio en que se encuentran.
Escultura de Donald Judd.La Haya.Países Bajos

A partir de 1963, Judd comenzó a usar colores más llamativos y diferentes materiales por sí mismos. Entre otros materiales que utilizó durante su carrera abundan el metal, el contrachapado, y el plexiglás. En algunas otras obras, utilizó cemento y bloques de adobe.

Es frecuente el encontrar a Judd incluido en el grupo minimalista de artistas, pero él mismo se opuso a aceptar el término como identificativo de su obra.

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EUSEBIO SEMPERE

100. EUSEBIO SEMPERE

Eusebio Sempere (Onil, Alicante, 3 de abril de 1923 - Ibídem, 10 de abril de 1985). Fue un escultor, pintor y artista gráfico. Es el pintor más representativo del movimiento cinético en España. La línea y su repetición y un gran dominio del color que logra hacer vibrar la luz van a dar... Ver mas
Eusebio Sempere (Onil, Alicante, 3 de abril de 1923 - Ibídem, 10 de abril de 1985). Fue un escultor, pintor y artista gráfico. Es el pintor más representativo del movimiento cinético en España. La línea y su repetición y un gran dominio del color que logra hacer vibrar la luz van a dar profundidad a sus composiciones pictóricas.

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ETSURO SOTOO

101. ETSURO SOTOO

Etsuro Sotoo (外尾悦郎?) (Fukuoka, 1953) es un escultor japonés, conocido principalmente por su colaboración en el barcelonés Templo Expiatorio de la Sagrada Familia.

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SOL LEWITT

102. SOL LEWITT

Sol LeWitt ( 9 de septiembre de 1928, Hartford, Connecticut,-8 de abril de 2007, Nueva York). Artista ligado a varios movimientos incluyendo arte conceptual y minimalista. La pintura, el dibujo, la fotografía y las estructuras (término que él prefería al de escultura) son sus medios artísticos... Ver mas
Sol LeWitt ( 9 de septiembre de 1928, Hartford, Connecticut,-8 de abril de 2007, Nueva York). Artista ligado a varios movimientos incluyendo arte conceptual y minimalista. La pintura, el dibujo, la fotografía y las estructuras (término que él prefería al de escultura) son sus medios artísticos predominantes. Fue objeto de centenares de exposiciones individuales en museos y galerías por todo el mundo desde 1965.

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PABLO PALAZUELO

103. PABLO PALAZUELO

Pablo Palazuelo de la Peña (Madrid, 6 de octubre de 1915 - Galapagar, Madrid; 3 de octubre de 2007); pintor, grabador y escultor español. Palazuelo fue una de las figuras clave del arte español de la segunda mitad del siglo XX.
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MINO DA FIESOLE

104. MINO DA FIESOLE

Mino di Giovanni Mini da Poppi, más conocido como Mino da Fiesole (Poppi, Arezzo, 1429-Florencia, 1484) fue un escultor italiano. Se formó en Florencia con Antonio Rossellino y Desiderio da Settignano. En 1453 esculpió el busto de Pedro de Cosme de Médici (hoy en el Museo del Bargello... Ver mas
Mino di Giovanni Mini da Poppi, más conocido como Mino da Fiesole (Poppi, Arezzo, 1429-Florencia, 1484) fue un escultor italiano.

Se formó en Florencia con Antonio Rossellino y Desiderio da Settignano. En 1453 esculpió el busto de Pedro de Cosme de Médici (hoy en el Museo del Bargello). Abandonó Florencia y trabajó en distintas ciudades, como Roma y Nápoles: en la primera, esculpió en 1454 el busto de Nicolò Strozzi (actualmente en el Staatliche Museen Preussischer Kulturbesitz de Berlín); en Nápoles realizó en 1455 el retrato de Astorre II Manfredi, señor de Faenza y padre de Barbara Manfredi (esta obra se conserva en la National Gallery of Art de Washington).

Regresó a Florencia, donde esculpió los retratos de Juan de Cosme de Médici y de Rinaldo della Luna. En la catedral de Fiesole realizó el monumento funerario el obispo Leonardo Salutati y en la Badia Fiorentina hizo el sepulcro de Bernardo Giugni. En la catedral de Volterra realizó en 1471 el tabernáculo y en la de Prato ejecutó los relieves del púlpito diseñado por Antonio Rossellino.

En Roma esculpió los sepulcros de Pablo II (trasladado en 1650 desde su emplazamiento original en San Pedro del Vaticano a la basílica de Santa Balbina en el Aventino) y el del cardenal Riario (en la basílica de los Santos Apóstoles).
Mino da Fiesole: Sepulcro del conde Ugo di Toscana (1469-1481), Badia Fiorentina, Florencia.

De nuevo volvió a Florencia en 1464. Entre 1469 y 1481 realizó el monumento fúnebre del conde Ugo di Toscana en la Badia Fiorentina. Del 1475 y el altar de San Jerónimo en la iglesia de Santa Maria Maggiore de Florencia.

Entre 1471 y 1484, en colaboración con Andrea Bregno y Giovanni Dalmata, realizó la cancela de mármol y la cantoría de la Capilla Sixtina. En la catedral de Colle di Val d'Elsa realizó el tabernáculo donde se conserva, según la tradición, uno de los clavos de la crucifixión de Cristo.

Mino da Fiesole murió en Florencia y está sepultado en la iglesia de San Ambrosio de la capital toscana.

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ISTVÁN FERENCZY

105. ISTVÁN FERENCZY

stván Ferenczy (24 febrero 1792 hasta 4 julio 1856) fue un siglo XIX húngaro escultor . La educación artística Ferenczy nació en Rimaszombat (hoy Rimavská Sobota en Eslovaquia). Después de ser aprendiz de su padre, un cerrajero , asistió a un curso de grabado en cobre en la Academia de Viena... Ver mas
stván Ferenczy (24 febrero 1792 hasta 4 julio 1856) fue un siglo XIX húngaro escultor .
La educación artística

Ferenczy nació en Rimaszombat (hoy Rimavská Sobota en Eslovaquia). Después de ser aprendiz de su padre, un cerrajero , asistió a un curso de grabado en cobre en la Academia de Viena, donde fue galardonado por su medalla de "Solon".

Después de estudiar con Fischer y Kleiber en la Academia en 1817, donde aprendió escultura , en 1818 se dirigió a Roma y pasó seis años con una beca allí donde trabajó en el taller de Thorvaldsen , un danés artista.

En 1819 envió a sus primeros trabajos ("reposando Venus", "Retrato de Csokonai", "Pastora o el Principio de Bellas Artes") a Hungría y le hicieron varias becas y, como resultado, se convirtió en Canova alumno 's para dos años.
Carrera

Inspirado por su educación artística progresista, Ferenczy regresó a Hungría en 1824. Cuando en la década de 1830 había modelado los retratos ("Ürmélyi", "Rudnay", "Kazinczy", etc), tumbas ("Kulcsár", "Szánthó", "Fornay"), y retablos ("La Santísima" en Val, "El martirio de San Esteban" en Esztergom,) y algunos monumentos más pequeños ("Károly Kisfalady" en Muzeumkert, Budapest).

Fue Ferenczy que descubrió mármol en Ruszicka . Viajes y excavaciones costó la mayor parte de su fortuna. Completó la "Estatua de Kölcsey", su obra más importante en 1846, pero se retiró de la mayor obra escultórica de 1847 en adelante. Sólo la estatua de "Eurídice", una de sus mejores obras, y las pequeñas de arcilla estatuillas ocupados en su tiempo en la década de 1850.

Ferenczy hizo varios intentos ejercida por establecer una escuela de escultura en Hungría y fue su misión de establecer y promover el arte nacional en Hungría pero que resultó ser infructuoso en la creación de una escuela escultórica, pero muchas de sus obras permanecen en la Hungría Galería Nacional como símbolo del arte húngaro durante la primera mitad del siglo XIX.

Ferenczy murió en 1856 en Rimaszombat .

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DAVID SMITH

106. DAVID SMITH

David Smith, escultor estadounidense, (1906 - 1965). Famoso por sus construcciones abstractas en metal. Biografía Nació el 9 de março de 1906 en Decatur, Illinois. Estudió en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York. En 1933 hizo su primero escultura en hierro al fijarse en unas... Ver mas
David Smith, escultor estadounidense, (1906 - 1965). Famoso por sus construcciones abstractas en metal.
Biografía

Nació el 9 de março de 1906 en Decatur, Illinois. Estudió en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York.

En 1933 hizo su primero escultura en hierro al fijarse en unas fotografías de Pablo Picasso y Julio González.

En la Segunda Guerra Mundial trabajó en una fábrica de locomotoras donde comenzó el interés por la maquinaria y las construcciones.

Fue un crítico radical de la violencia y de las avaricias humanas como demuestran muchas de sus obras.

Destacan sus trabajos denominados Cubi que consisten en grandes bloques de metal sobre altos pedestales.

Murió el 24 de mayo de 1965 a la edad de 59 años,en un accidente de tráficoBennington, Vermont.

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EL LISSITZKY

107. EL LISSITZKY

El Lisitski (Эль Лисицкий), pseudónimo de Acerca de este sonido Lázar Márkovich Lisitski (?·i) (Лазарь Маркович Лисицкий, 23 de noviembre de 1890 - 30 de diciembre de 1941), fue un artista ruso, diseñador, fotógrafo, maestro, tipógrafo, y arquitecto. Fue una de las figuras más importantes de la... Ver mas
El Lisitski (Эль Лисицкий), pseudónimo de Acerca de este sonido Lázar Márkovich Lisitski (?·i) (Лазарь Маркович Лисицкий, 23 de noviembre de 1890 - 30 de diciembre de 1941), fue un artista ruso, diseñador, fotógrafo, maestro, tipógrafo, y arquitecto. Fue una de las figuras más importantes de la vanguardia rusa, contribuyendo al desarrollo del suprematismo junto a su amigo y mentor, Kazimir Malévich, y diseñó numerosas exposiciones y obras de propaganda para la Unión Soviética. Se le considera uno de los principales representantes del arte abstracto y pionero en su país del constructivismo. Su obra influyó grandemente en los movimientos de la Bauhaus, el constructivismo, y De Stijl, y experimentó con técnicas de producción y recursos estilísticos que posteriormente dominaron el diseño gráfico del siglo XX. En español, su apellido también se ha transliterado como Lissitski, mientras que en inglés y otros idiomas se suele transliterar como Lissitzky.

Toda la carrera de Lisitski se guio por la creencia de que el artista podía ser un agente del cambio social, lo que más tarde resumió en su dicho, "das zielbewußte Schaffen" (La creación orientada a un objetivo).1 Era judío, y comenzó su carrera con ilustraciones de libros infantiles en yidis, en un esfuerzo por promover la cultura judía en Rusia, un país que estaba pasando por un enorme cambio en aquella época, y que acababa de revocar sus leyes antisemitas. A los quince años de edad comenzó a impartir enseñanza, una tarea a la que se dedicó durante la mayor parte de su vida. A lo largo de los años, enseñó desde diversos cargos, escuelas, y medios artísticos, difundiendo e intercambiando ideas a un ritmo rápido. Llevó consigo su ética cuando trabajó con Malévich liderando el grupo artístico suprematista UNOVIS, donde desarrolló una serie suprematista variante propia, los Prouns, y más aún todavía en 1921, cuando asumió un cargo como embajador cultural de Rusia en la Alemania de Weimar, trabajando con una serie de figuras destacadas, a las que influyó, tanto de la Bauhaus como del movimiento De Stijl. Durante el resto de su vida, realizó innovaciones significativas y cambios en los campos de la tipografía, diseño de exposiciones, fotomontaje, y diseño de libros, produciendo obras respetadas por los críticos y obteniendo el aplauso internacional por sus diseños de exposiciones. Así siguió hasta su muerte, produciendo su última obra en 1941, un cartel de propaganda soviética que instaba al pueblo a construir más tanques para la lucha contra la Alemania nazi.

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VEIT STOSS

108. VEIT STOSS

Veit Stoss (en alemán: Veit Stoß, en polaco: Wit Stwosz) (Horb am Neckar, ca. 1445-1450 - Núremberg, 20 de septiembre de 1533) fue un escultor alemán del gótico tardío, uno de los más importantes de su época en Europa.

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