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LOS MEJORES DISCOS DE ROCK DE LOS 60

LOS MEJORES DISCOS DE ROCK DE LOS 60

  • Lista creada por mumbo.
  • Publicada el 21.10.2010 a las 14:53h.
  • Clasificada en la categoría Música.
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Último acceso 20.11.2016

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Los años 60 se podria decir que fueron los mas prolificos musicalmente hablando. Grupos historicos y legendarios como The Beatles, The Rolling Stones, Jimi Hendrix, The Doors, Janis Joplin, The Byrds, Cream, The Beach Boys, Velvet Underground y un largo etc..., cambiarian para siempre la historia de la musica.

Es la epoca de una generacion hastiada de guerras inutiles (la de Vietnam), la experimentacion con las drogas, y el amor libre.

Tambien fue la decada en la que se dieron cita los mejores festivales de la historia, el de Monterey 1967, el de la Isla de Wright tambien del 1967, y sobretodo el legendario Woodstock 1969.

En esta lista he intentado reunir todos esos discos, conocidos clasicos por todos y grandes joyas ocultas, toda la magia y esencia de estos añejos años 60 del siglo XX.

Mumbo.

Estos son los elementos de la lista. ¡Vota a tus favoritos!

THE BEE GEES - Odessa 1969

1. THE BEE GEES - Odessa 1969

http://www.youtube.com/watch?v=2tn7kfNnB8g&feature=related

Hay dos tipos de personajes en esta ecléctica fauna de compradores de discos verdaderamente insoportables. Unos, los necios cerrados, que no salen de un estilo musical ni a tiros, perdiéndose así uno de los mayores placeres de la melomanía cual es el disfrute de multitud de universos sonoros a... Ver mas
Hay dos tipos de personajes en esta ecléctica fauna de compradores de discos verdaderamente insoportables. Unos, los necios cerrados, que no salen de un estilo musical ni a tiros, perdiéndose así uno de los mayores placeres de la melomanía cual es el disfrute de multitud de universos sonoros a cada cual más diverso pero igualmente disfrutables.
Los otros, los que no ven más allá de sus propias narices y debido a sus cortas entendederas estereotipan a un grupo y no les conceden el beneficio de la duda con respecto a su calidad. Esta gente nunca gozará con este gran disco.

Los Bee Gees son sin duda, una de las bandas más maltratadas por los presuntos comentaristas musicales e ignorante público en general, que, paradójicamente encumbran a otros con mucho menor talento.
La culpa de ello: su tremendo éxito en la fiebre discotequera que los encaramó a la más alta popularidad en los años 70. Este éxito bajo las bolas de espejos solapan sus mejores trabajos (sin su famoso falsete) que se encuentran en la psicodélica época anterior.

"Odessa" es una de sus grandes obras, comparables a los mejores momentos de los Beatles y de un planteamiento de pop experimental muy similar al "Sgt. Peppers", el "Pet Sounds" de los Beach Boys u otra joya también oculta, "Odessey & Oracle" de los fabulosos Zombies.
Aunque en ciertos momentos (pocos) les supera la pretenciosidad, cualquiera con un poco de sensibilidad melódica tendría que arrodillarse ante temazos de tintura melancólica y enorme talento compositivo como "Black Diamond", "Lamplight", "Melody Fair", "Suddenly", "Sound of love", "I Laugh in Your Face" o la instrumental "Seven Seas Symphony", envueltos en violines (de David Katz), pianos, oboes, trompetas y selectas armonías vocales, incluso se atreven con sabores country al más puro estilo Gram Parsons en "Give Your Best" o "Marley Purt Drive". Esencial.

Ha recibido 9220 puntos

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PINK FLOYD - The Piper at the gates of dawn 1967

2. PINK FLOYD - The Piper at the gates of dawn 1967

http://www.youtube.com/watch?v=a5Tne92jfxo

Una de las piezas básicas de la psicodelia británica es este "The Piper At The Gates of Dawn", primer disco de Pink Floyd y obra magna de su principal hacedor, el iluminado lisérgico Syd Barrett, que a base de potenciar su intrincada imaginería galáctica y surrealista con buenas cargas de LSD... Ver mas
Una de las piezas básicas de la psicodelia británica es este "The Piper At The Gates of Dawn", primer disco de Pink Floyd y obra magna de su principal hacedor, el iluminado lisérgico Syd Barrett, que a base de potenciar su intrincada imaginería galáctica y surrealista con buenas cargas de LSD consigue roturar en campos sónicos nunca explorados con anterioridad a la publicación de este álbum, ubicando el rock en esferas espaciales con la creación del denominado space-rock.


Envolventes trabajos de guitarra, incisivas lineas de bajo, atmósféricos y etéreos teclados, hipnóticos e insólitos efectos de estudio y líricas de basamento estelar, onírico, infantil y ácido para compactar un Lp en el que la psicodelia alcanza su máximo apogeo sin menospreciar el poder de la melodía pop (con construcciones vocales similares al estilo Who de "Sell Out") en canciones como "Lucifer Sam", "Matilda Mother" o "The Gnome".
La excepcional "Astronomy Domine" y el largo instrumental space-rock "Interstellar Overdrive" define a la perfección el sonido particular de los Pink Floyd liderados por ese genio llamado Syd Barrett.

Ha recibido 5850 puntos

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JOE COCKER -  With A Little Help From My Friends 1969

3. JOE COCKER - With A Little Help From My Friends 1969

http://www.youtube.com/watch?v=uQYDvQ1HH-E

1969. Vamos de nuevo con esta fuerza de la naturaleza que es Joe Cocker. Ya hace meses (edito: hace ya casi 1 año y medio!!) apareció por aquí con su directo de 1970, el maravilloso "Mad Dogs & Englishmen". Pues bien, antes de ese lanzamiento publicó dos álbumes de estudio, de los cuales este es... Ver mas
1969. Vamos de nuevo con esta fuerza de la naturaleza que es Joe Cocker. Ya hace meses (edito: hace ya casi 1 año y medio!!) apareció por aquí con su directo de 1970, el maravilloso "Mad Dogs & Englishmen". Pues bien, antes de ese lanzamiento publicó dos álbumes de estudio, de los cuales este es el primero, de título prestado, como bien sabréis, de la versión de The Beatles que le dio fama. Pero vamos un poco más atrás, cuando Joe, que hasta entonces había pertenecido a The Avengers, encuentra al bajista y pianista Chris Stainton y al guitarra Henry McCullough con los que forma la columna vertebral de The Grease Band. Tras un par de singles con los que va ganando fama, "Marjorine" y "With a little help...", consigue al fin debutar en este disco de 1969, que sin embargo fue grabado durante el año precedente. Para hacerlo se rodeó, además de Chris y Henry, de reputados músicos entre los que podemos citar a Jimmy Page, Albert Lee, Steve Winwood, Madeleine Bell, Brenda Holloway, Tommy Eyre... Uno de los grandes debuts de la década, mezcla de versiones (Dylan, Beatles, Dello...) y temas propios (Cocker/Stanton). Imprescindible.

Aquí os dejo el enlace de su Espectacular actuación en Woodstook '69.... A disfrutar!!!

Ha recibido 5155 puntos

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THE MAMA'S AND THE PAPA'S - If you can believe your eyes and ears 1966

4. THE MAMA'S AND THE PAPA'S - If you can believe your eyes and ears 1966

http://www.youtube.com/watch?v=dN3GbF9Bx6E

Debut de una de las grandes bandas del sonido de la Costa Oeste estadounidense (aunque ellos se formaron en la otra costa), magníficos en su habilidad vocal, elegantes en la ejecución instrumental y brillantes en la creación gracias al talento compositivo de John Phillips. Pop vocal en... Ver mas
Debut de una de las grandes bandas del sonido de la Costa Oeste estadounidense (aunque ellos se formaron en la otra costa), magníficos en su habilidad vocal, elegantes en la ejecución instrumental y brillantes en la creación gracias al talento compositivo de John Phillips.

Pop vocal en tiempos de amor libre y flores en el pelo con ensoñadoras combinaciones de voces (a las que a veces se suman Hal Blaine, Joe Osborne y Larry Knetchell) y sublimes melodías ejemplificadas en sus impresionante clásicos "California Dreamin'", "Monday monday" y "Go where you wanna go", todas ellas escritas por John y producidas de forma magistral por Lou Adler.

Junto a ellas, delicias indispensables del grupo menos conocidas pero de igual valía como "Got a feeling", "Straight Shooter", "Hey girl" o "Somebody Groovie", ornamentadas por sus sugestivas armonías.

Entre las versiones destacan "I call your name", cantada en plan vodevilesco, muy distinta a la de los Beatles y dulces revisitaciones de temas como "Do you wanna dance" de Bobby Freeman o "Spanish Harlem" de Ben E. King, a los que llevan hacia su terreno de pop refulgente.

Ha recibido 5135 puntos

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CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL - Willy & The Poor Boys 1969

5. CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL - Willy & The Poor Boys 1969

http://www.youtube.com/watch?v=JBfjU3_XOaA

“Willy & The Poor Boys” es una rotunda obra maestra, una joya atemporal, un discazo de los que hacen época, uno de los mejores trabajos de los esenciales Creedence Clearwater Revival, banda capitaneada por el gran John Fogerty, el lúcido autor, tanto en textos como en música, de la mayoría del... Ver mas
“Willy & The Poor Boys” es una rotunda obra maestra, una joya atemporal, un discazo de los que hacen época, uno de los mejores trabajos de los esenciales Creedence Clearwater Revival, banda capitaneada por el gran John Fogerty, el lúcido autor, tanto en textos como en música, de la mayoría del material grabado por el grupo de El Cerrito.

El disco contiene estupendas canciones de rock clásico, con aromas sureños y emocional ejecución, confluyendo en su composición herencias country, blues y folk, en las que la guitarra solista y la desgarrada voz de John están secundadas con maestría por la rítmica de su hermano Tom, la batería del fenomenal Doug Clifford y el bajo de Stu Cook.

Todos estos elementos son el fundamento de las combativas piezas que componen este LP, magistrales canciones que acometen principalmente temáticas de índole sociopolítico como "Down On The Corner", rítmica pieza rock con lucimiento para Stu al bajo y armonías en el contagioso estribillo, el animoso rock’n’roll "Don't Look Now (It Ain't You Or Me)", o "Fortunate Son", potente rock con esa inolvidable guitarra, la aspereza vocal de John y la fortaleza rítmica que aportan en conjunto, utilizando también un miramiento mordaz a los poderes fácticos tras un encuentro extraterrestre en "It Came Out Of The Sky", un rock’n’roll de primer orden que podría firmar el mejor Chuck Berry.

Aires folk y country se encuentran en la magnífica “Cotton Fields” (original del legendario bluesman Leadbelly), mientras que el poso bluesy desde la perspectiva pantanosa del grupo californiano se hace notar en la afligida y magistral "Feeling Blue", con una atmósfera hechizante en el desarrollo de tempo insinuante, en la instrumental “Poorboy Shuffle”, con John tocando la armónica, en la tradicional “The Midnight Special”, o en el extraordinario instrumental "Side O' The Road".

Una de las mejores piezas del álbum es la apocalíptica "Effigy", un hechizante y sensacional tema de folk-rock psicodélico que arremete, al igual que la gloriosa "Fortunate Son", contra la guerra del Vietnam, conflicto bélico que en el momento de la grabación de este LP estaba en uno de sus momentos más álgidos.

Ha recibido 5127 puntos

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SIMON & GARFUNKEL - Parsley, Sage, Rosemary And Thyme 1966

6. SIMON & GARFUNKEL - Parsley, Sage, Rosemary And Thyme 1966

http://www.youtube.com/watch?v=rH_ft6pS2LU&feature=fvst

Hermoso disco, como así son las apacibles melodías y la bella combinación de voces de sus autores e intérpretes, líricos declarantes de una generación reivindicativa en un escenario de decisivos cambios, como fue la incorporación de la protesta y demanda juvenil en el ámbito sociocultural y... Ver mas
Hermoso disco, como así son las apacibles melodías y la bella combinación de voces de sus autores e intérpretes, líricos declarantes de una generación reivindicativa en un escenario de decisivos cambios, como fue la incorporación de la protesta y demanda juvenil en el ámbito sociocultural y político, fruto, entre otros muchos factores, de la madurez aportada al rock y el pop por los músicos procedentes del folk, avezados poetas de cariz social.

Este es un álbum con sonoridades acústicas folk-pop, acariciadas por clavicordios en alegóricas historias de matiz antibélico, exposiciones de angustia existencial en cálidas tonalidades, refugio interno en el hogar conocido, rítmicas piezas satíricas que se burlan del consumismo desaforado, deliciosos y delicados cánticos de apariencia optimista, simpáticos ejercicios dylanianos, entonaciones líricas con comentario social, rememoraciones para la gran poetisa Emily Dickinson o el tradicional "Noche de Paz" arrullando apuntes sobre la guerra del Vietnam y la protección de los derechos civiles.

El disco, producido por el gran Bruce Johnston, presenta unos fenomenales arreglos vocales de Art Garfunkel, siempre a la sombra compositiva del maestro Paul Simon, quien nos regala joyas, al margen de los grandes clásicos del álbum (entre ellos "Scarborough Fair" o "Homeward Bound"), como "The Dangling Conversation" o la maravillosa "Flowers never bend with the rainfall", todo un prodigio de sensibilidad y talento melódico.

Ha recibido 4931 puntos

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LEONARD COHEN - Songs of Leonard Cohen 1968

7. LEONARD COHEN - Songs of Leonard Cohen 1968

http://www.youtube.com/watch?v=OdCDCMX_zZo&feature=related

Songs of Leonard Cohen es el álbum de debut del cantautor canadiense Leonard Cohen, lanzado originalmente en 1967 y reeditado en 2007 con 2 temas extra. Está considerado como uno de los mejores trabajos de Cohen y de la historia del rock. Leonard Cohen era un cantante atípico para su época... Ver mas
Songs of Leonard Cohen es el álbum de debut del cantautor canadiense Leonard Cohen, lanzado originalmente en 1967 y reeditado en 2007 con 2 temas extra. Está considerado como uno de los mejores trabajos de Cohen y de la historia del rock.

Leonard Cohen era un cantante atípico para su época. Tenía 33 años cuando debutó, y venía del mundo de la literatura (había publicado ya 2 novelas y 4 libros de poemas cuando grabó este disco). Sin embargo, no tardó en integrarse en las nuevas generaciones de cantautores, junto a otros como Tim Buckley, Neil Young y Joni Mitchell.

La canción "Suzanne", una de las más emblemáticas del canadiense, había sido grabada anteriormente por Judy Collins.

Todas las canciones del disco están compuestas por Leonard Cohen.

Ha recibido 4790 puntos

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LEONARD COHEN - Songs From a Room 1969

8. LEONARD COHEN - Songs From a Room 1969

http://www.youtube.com/watch?v=rM3Me0GLhE0

Songs from a room es el segundo álbum del canadiense Leonard Cohen, lanzado en 1969, y reeditado en 2007 con 2 temas extra. Para su grabación, Cohen se desplazó a Nashville, capital mundial del country. Allí se puso en manos del productor Bob Johnston, que ya había trabajado con Simon... Ver mas
Songs from a room es el segundo álbum del canadiense Leonard Cohen, lanzado en 1969, y reeditado en 2007 con 2 temas extra.

Para su grabación, Cohen se desplazó a Nashville, capital mundial del country. Allí se puso en manos del productor Bob Johnston, que ya había trabajado con Simon & Garfunkel, Bob Dylan y Johnny Cash.

Songs from a Room supuso un éxito mayor que su álbum de debut, ya que alcanzó la posición 63 en la lista del Billboard y la número 2 en Gran Bretaña.

Todas las canciones son de Leonard Cohen, menos "The Partisan" (Anna Marly / Hy Zaret).

Ha recibido 4590 puntos

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THE DOORS - The Doors 1967

9. THE DOORS - The Doors 1967

http://www.youtube.com/watch?v=flOvM4Z355A

Con ingredientes de sobra para jugar un papel destacado en la recta final de los agitados años 60, la formación californiana The Doors grabó este esencial álbum debut de pop-rock con aromas psicodélicos, trazos poéticos y elementos sonores deudores del jazz y el blues. En su primer trabajo se... Ver mas
Con ingredientes de sobra para jugar un papel destacado en la recta final de los agitados años 60, la formación californiana The Doors grabó este esencial álbum debut de pop-rock con aromas psicodélicos, trazos poéticos y elementos sonores deudores del jazz y el blues.

En su primer trabajo se encuentran algunos clásicos ineludibles para entender la importancia de esta banda en la historia del rock, como el primer sencillo "Break on through (to the other side)", el número 1 "Light my fire" (con un descomunal teclado de Manzarek) y la apocalíptica "The End", circundadas por el sentir blues de la versión de Willie Dixon "Back door man", una estupenda recreación del "Alabama song (Whiskey bar)" del alemán Bertol Brecht y Kurt Weill y otras temas de cosecha propia de fuerte inspiración e inmaculada ejecución como "Soul Kitchen", "The crystal ship", "Twentieth Century Fox", "I looked at you", el halo de misterio que rodea a la psicodélica "End of the night" y el enérgico estribillo de "Take it as it comes", que ponen de manifiesto la destreza, compenetración, imaginación y gran técnica de unos músicos excepcionales.

Ha recibido 4462 puntos

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CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL - Green River 1969

10. CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL - Green River 1969

http://www.youtube.com/watch?v=JacHyPaEwDc

Tercer disco de la cuasi infalible Creedence Clearwater Revival. Ocho grandes temas propios a ritmo de magistral rock pantanoso de afinidad blues y country. Gradación nostálgica con "Green river", tema de inconfundible riff fogertyano; misteriosa en "Tombstone shadow", apocalíptica en "Bad Moon... Ver mas
Tercer disco de la cuasi infalible Creedence Clearwater Revival. Ocho grandes temas propios a ritmo de magistral rock pantanoso de afinidad blues y country.
Gradación nostálgica con "Green river", tema de inconfundible riff fogertyano; misteriosa en "Tombstone shadow", apocalíptica en "Bad Moon Rising" y amorosamente amenazadora en la espectacular "Sinister Purpose", canciones halladas en un Lp sin altibajos que presenta una de las grandes joyas del repertorio del grupo, "Lodi", una pieza de aroma country que diatriba sobre el hado y el destino de carácter fatalista.


La habilidad compositiva de John Fogerty, su acritud en la forma de cantar y su poco valorada ejecución guitarrera en uno de sus puntos más álgidos.
El disco finaliza con una versión del tema interpretado pretéritamente por Ray Charles "Night time is the right time".

Ha recibido 4397 puntos

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THE BEATLES - Abbey Road 1969

11. THE BEATLES - Abbey Road 1969

http://www.youtube.com/watch?v=YcQGtigeadM

Vio la luz con anterioridad a "Let it be", pero en realidad, el extraordinario "Abbey Road" fue la última grabación de la inmortal banda de Liverpool, concluyendo de manera magistral la trayectoria del mejor grupo de la historia. El enfoque musical para el album de los componentes era muy... Ver mas
Vio la luz con anterioridad a "Let it be", pero en realidad, el extraordinario "Abbey Road" fue la última grabación de la inmortal banda de Liverpool, concluyendo de manera magistral la trayectoria del mejor grupo de la historia.
El enfoque musical para el album de los componentes era muy distinto, John, continuando las pautas de los cortes grabados para "Let it be", deseaba un album cuyo basamento fuese la vuelta a las raíces más básicas del rock'n'roll y el blues, mientras que Paul ansiaba la grabación de un disco más complejo, que rememorara los logros del "Sgt. Peppers".

Por su parte, George, cansado de permanecer a la sombra de los dos grandes genios, y después de ya haber grabado los discos experimentales "Wonderwall Music" y "Electronic Sound", deseaba volar en solitario, no sin antes dejar su brillante impronta compositiva en este Lp.

Esa constancia en las pautas básicas del rock llevaron a Lennon a componer temas como "Come together", una canción dominada por una base de blues que John compuso para la campaña del político Timothy Leary, aspirante a Gobernador del estado de California.
El tema fue acusado de plagio por Maurice Levy, propietario de Big Seven Music, que inculpaba a Lennon del empleo de varias frases aparecidas en el tema de Chuck Berry "You can catch me", canción que finalmente y en beneficio económico de Berry y Levy, fue incluido en el posterior Lp "Rock'n'roll" del Beatle en solitario.

El cimiento bluesy vuelve a asomar en "I want you (She's so heavy)", tema dedicado a Yoko Ono que cuenta con una insistente letra y una hipnótica parte final de abrupta conclusión.
Otro corte destacado compuesto por John es "Because", una mágica y bella composición en la cual se aprecia la maestría del grupo en la utilización de las armonías vocales.

George sorprende con dos de sus mejores composiciones. La preciosa balada "Something", canción dedicada a su esposa Pattie Boyd que se ha convertido en uno de los mejores temas de amor de todos los tiempos.
Pattie se casaría con posterioridad con uno de sus mejores amigos, Eric Clapton. Curiosamente sería en el jardín de Clapton en lugar en el cual Harrison escribió "Here comes the sun", hermosa pieza acariciada por la delicada y soleada vocalidad de su autor.

Igualmente cabe destacar la utilización en algunos temas ("Maxwell's Silver Hammer", "I want you", "Here comes the sun" o "Because") del sintetizador Moog por parte de George, un elemento que por aquellos tiempos raramente se utilizaba en la música pop (uno de los primeros en utilizarlo fue Keith Emerson), lo que demuestra una vez más su indiscutible capacidad de innovar y adelantarse a su tiempo.

Ringo, por su parte, nos deleita con una simpática tonada de corte infantil, "Octopus's Garden", canción en la cual recordaba las historias de pulpos que le contó un capitán de barco en unas vacaciones pasadas en la Isla de Cerdeña.

Paul, el mayor artífice del grueso del album, también retoma las patrones de "Let it be" en "Oh! Darling", gran canción blues de desgarrada vocalidad. Su pasión por el vodevil, heredada de su padre, se plasma en "Maxwell's Silver Hammer", un tema en el que incluso utilizan el sonido de un yunque, golpeado por Ringo.

"You never give me your money" da inicio al glorioso medley final, obra básicamente de Macca, quien intentó realizar una especie de mini-ópera pop, en donde se encuentran eclécticos ritmos y sonoridades. La propia "You never give me your money" está fragmentada en cuatro partes: "You never give me you money", "That magic feeling", "One sweet dream" y el final con "1,2,3,4,5,6,7...all good children go to heaven".

Posteriormente vendrán las lennonianas "Sun King", onírica pieza con John chapurreando varios idiomas, entre ellos, el español; "Mean Mr. Mustard", canción en la cual Paul utiliza el fuzz bass y la rítmica "Polythene Pam", tema dedicado a una fan de Liverpool llamada Pat Hodgett, que tenía como singular afición comer pedacitos de polietileno.

Paul continúa el medley con "She came in through the bathroom window", canción escrita en homenaje a las "Apple Scruffs", admiradoras del grupo que los acosaban insistentemente en la puerta del estudio o pululando cerca de sus hogares.
La historia fabula sobre un hecho real acaecido cuando un grupo de fans entraron en casa de Paul por la ventana de su cuarto de baño.

"Golden Slumbers" es una preciosa balada que McCartney adaptó con su extraordinario sentido de la melodía, tras hallar en casa de su padre la canción tradicional del mismo título.
Esta pieza enlaza con "Carry that weight" y de nuevo un fragmento de "You never give me your money", preludio de "The End", canción que contiene el único solo de batería de Ringo en toda su trayectoria con los Beatles y que era la indicada para poner punto y final a su carrera sino fuera por la inclusión de "Her majesty", exigua coda acústica escrita por Paul que, en principio, iba a unir "Mean Mr. Mustard" y "Polythene Pam", y tras ser desechada por el propio McCartney fue incluida al final de la cinta por Geoff Emerick.

Cuando sonó de manera sorprendente tras "The End", los Beatles decidieron dejarla en el album, uno de los grandes logros en la historia de la música moderna.

Ha recibido 4293 puntos

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THE BEATLES - Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band 1967

12. THE BEATLES - Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band 1967

http://www.youtube.com/watch?v=eN9NfYC3HC0&feature=related

Marcado por su ambiciosa y compleja experimentación que aunaba elementos típicos de pop con características clásicas y vodevilescas sumergidas en mesmerizantes esencias psicodélicas, este disco ahondó en esa faceta experimental de una manera nunca vista (sólo Brian Wilson y su "Pet Sounds" había... Ver mas
Marcado por su ambiciosa y compleja experimentación que aunaba elementos típicos de pop con características clásicas y vodevilescas sumergidas en mesmerizantes esencias psicodélicas, este disco ahondó en esa faceta experimental de una manera nunca vista (sólo Brian Wilson y su "Pet Sounds" había cuidado tanto un producto musical) y abrió la senda sónica a todos los demás grupos para la expansión y renovación audaz de las constantes básicas de la música poprock.

Con una soberbia y vivaz introducción descriptiva sobre la banda de los corazones solitarios, el deleite melómano rebosa con alegres piezas de ejemplar construcción melódica como "With a little help of my friends", oda a la amistad cantada por Ringo y posteriormente versionada con éxito por Joe Cocker, "Fixing a hole", "Getting Better" o "She's leaving home" (un prodigio de sensibilidad y belleza introducida por el arpa de Sheila Bromberg) y caleidoscópicas naturalezas como "Lucy in the sky with diamonds", canción que aunque se dijo que estaba dedicada al LSD, el propio Lennon afirmaba que era la descripción de un dibujo realizado por su hijo Julian; visiones y aromas circenses en "Being for the benefit of Mr. Kite", amaneceres granjeros en "Good Morning Good Morning", irónicas reflexiones sobre el amor eterno adornadas por elegantes clarinetes en la cabaretera "When I'm sixty-four", o la imaginería que diatriba sobre la condición humana, la fugacidad vital, el éxito y el poder de "A day in the life", un corte maestro de extrema complicación que ejemplifica bien el poderío de elaboración y ejecución de un disco esencial en el que participaron más de setenta músicos, entre ellos, el gran George Martin, que aportó además de su sabiduría en la tarea productora (¡¡¡utilizando sólo 4 pistas!!!) algunos pasajes de teclados.

Como últimos datos, aportar que este es el primer disco en la historia de la música en publicar todas las letras impresas y que la extraordinaria portada (con gente como Karl Marx, Fred Astaire, Edgar Allan Poe, Marilyn Monroe, Oscar Wilde Marlene Dietrich o Bob Dylan) fue realizada por Peter Blake.

Ha recibido 3704 puntos

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THE BEATLES - Revolver 1966

13. THE BEATLES - Revolver 1966

http://www.youtube.com/watch?v=OaRNrDaoMqw

Uno de los trabajos definitivos en la historia de la música moderna. En su anterior disco "Rubber Soul" (1965) los Beatles ya habían demostrado una notable madurez como compositores pero es en "Revolver" cuando su capacidad como autores se elevó a una categoría excepcional. Los recursos... Ver mas
Uno de los trabajos definitivos en la historia de la música moderna.

En su anterior disco "Rubber Soul" (1965) los Beatles ya habían demostrado una notable madurez como compositores pero es en "Revolver" cuando su capacidad como autores se elevó a una categoría excepcional.


Los recursos de experimentación tanto en su sonoridad como en sus letras (con un trabajo más sesudo tras ser influenciados por la escritura dylaniana) los alejaban de sus colegas de la primera Invasión británica introduciéndoles en mundos más complejos que influenciarían ampliamente de nuevo a sus contemporáneos y futuros hacedores del género.

Píldoras psicodélicas, maravillosas baladas, retazos powerpoperos, música hindú, secciones de cuerda, pop con sabor a ragtime, poderosos pasajes de metal, arriesgados efectos sonoros y cuentos infantiles de gran imaginería colorista son algunas de las travesías sónicas de un album clave en el desarrollo musical moderno que presagiaba otras obras maestras que estaban por llegar.

Todo un hito de un grupo nunca acomodado en sus posturas musicales.
La portada (sin el nombre de la banda impreso) está diseñada por Klaus Voorman.

Ha recibido 3294 puntos

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THE BEATLES - The White Album 1968

14. THE BEATLES - The White Album 1968

http://www.youtube.com/watch?v=aMfkVGCU_BA

En un álbum doble de tanta riqueza, matices y diversidad estilística en el que han participado más de cuarenta músicos, entre ellos Billly Preston, Nicky Hopkins o el mismísimo Eric Clapton (toca la guitarra en "While my guitar gently weeps") es imposible destacar alguna canción (menos el... Ver mas
En un álbum doble de tanta riqueza, matices y diversidad estilística en el que han participado más de cuarenta músicos, entre ellos Billly Preston, Nicky Hopkins o el mismísimo Eric Clapton (toca la guitarra en "While my guitar gently weeps") es imposible destacar alguna canción (menos el vanguardismo latoso de "Revolution 9") ya que cada escucha puede revelar un aspecto o detalle pasado por alto de una pieza no valorada en su justa medida, que nos alcance su verdadera dimensión e impregne nuestras más agudas sensaciones entre sus elaboradas notas, ya que hasta la más nimiedad de los genios de Liverpool es un hecho gigantesco para la mayoría de los grupos.

"Revolution 1" (un tema de posturas revolucionarias pero de esencia pacifista presentado aquí en su versión acústica, inferior a la fuerza eléctrica y distorsionada del single), "Helter Skelter" (la canción más potente en la carrera de los Fab Four, obra de McCartney que enloqueció al futuro asesino Charles Mason), "Dear Prudence" (dedicada a Prudence, la hermana de Mia Farrow), "Back in the USSR" (una simpática mezcolanza entre Chuck Berry y Beach Boys), "Sexy Sadie" (una acérbica crítica al Mararishi Yogi), "Martha My Dear" (un tema que Paul dedicó a su perra), "Rocky Raccon" (un tema acústico de sabor country), "Glass Onion" (en el que Lennon repasa con tono jocoso algunos temas de los Fab Four), "Happiness is a warm gun" (absorbente pieza de sublimes variaciones), "Julia" (un emotivo, hermoso y obsesivo recuerdo de John a su querida madre) o "Why my guitar gently weeps" (la mejor canción escrita por George Harrison junto a "Something" de "Abbey Road") son algunos importantes elementos de un impresionante viaje al pasado, presente y futuro de la música del siglo XX, efectuada por unos Beatles faltos de cohesión, que ideaban y ejecutaban sus piezas casi en solitario, provocando desde su característica composición una asombrosa heterogeneidad nunca contemplada en un trabajo discográfico.

Pop, rock, music-hall, psicodelia, country, blues, reggae, folk, surf e incluso heavy metal se dan cita en un álbum esencial, de una influencia descomunal en todo tipo de vertientes musicales.

En la lírica mantiene tonalidades que alternan la melancolía, el júbilo, el desamparo, la acritud, el sarcasmo, la ironía o el cinismo.

Ha recibido 3142 puntos

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THE BEATLES - Rubber Soul 1965

15. THE BEATLES - Rubber Soul 1965

http://www.youtube.com/watch?v=BsrQgIQSQSw

El sexto LP de los Fab Four significó una notable progresión tanto lírica como musical en su carrera. La influencia en los textos de Dylan con "Bringing it back home" y el consumo de drogas, especialmente la marihuana, estaban consiguiendo que se abrieran a nuevos sonidos, exprimiendo cada vez... Ver mas
El sexto LP de los Fab Four significó una notable progresión tanto lírica como musical en su carrera.
La influencia en los textos de Dylan con "Bringing it back home" y el consumo de drogas, especialmente la marihuana, estaban consiguiendo que se abrieran a nuevos sonidos, exprimiendo cada vez más su inmenso talento y escribiendo sobre asuntos de mayor carga filosófica y letras más maduras, cínicas y agudas en cuanto a las relaciones de pareja.

Por otra parte, cada vez se iban interesando más por el trabajo en estudio, introduciendo en su perenne búsqueda de experimentación sonora nuevos instrumentos a su música.

Así, en en esta obra maestra que es "Rubber Soul", se puede escuchar un armonio en "The Word", una composición de Lennon que con sus constantes referencias al amor se adelantaba al movimiento hippie, o un órgano Hammond interpretado por Ringo en "I'm looking through you", tema escrito por Paul McCartney.
El sitar indio de George Harrison es un complemento perfecto para "Norwegian Wood", bellísima canción de John muy influenciada por Dylan y que inspiró al propio Dylan para escribir "4th time around".
El fuzz-bass suena en manos de Macca en "Think for yourself", pieza escrita por George al igual que "If I needed someone", un tema de clara influencia Byrds. Incluso introducen un solo de clavicémbalo tocado por George Martin en "In my life", la mejor aportación, junto a la delicada balada "Girl", de Lennon al álbum.



Son dignas de reseñar la estrecha colaboración a la hora de componer entre John y Paul, en formidables canciones como "Drive my car" y "Wait", su admirable conjunción vocal en glorias como "You won't see me", la citada "The word" y sobre todo "Nowhere man", la balada (con versos en francés incluidos) "Michelle" de McCartney, la estupenda y socarrona "Run for your life" y una curiosidad, "What goes on?", simpática pieza de aromas country & western firmada por Lennon, McCartney y Starr y cantada por este último, gran amante del citado género estadounidense.

Ha recibido 2975 puntos

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LED ZEPPELIN - Led Zeppelin 1969

16. LED ZEPPELIN - Led Zeppelin 1969

http://www.youtube.com/watch?v=bZNkLyQSZVg

Primer disco de Led Zeppelin, la magna banda liderada por Jimmy Page y Robert Plant que cimentó el sonido hard-rock y asentó junto a Black Sabbath las bases del futuro heavy metal setentero. En este Lp debut se dan confluencia sus constantes musicales, potentes y cuasi churriguerescos riffs... Ver mas
Primer disco de Led Zeppelin, la magna banda liderada por Jimmy Page y Robert Plant que cimentó el sonido hard-rock y asentó junto a Black Sabbath las bases del futuro heavy metal setentero. En este Lp debut se dan confluencia sus constantes musicales, potentes y cuasi churriguerescos riffs, poderosa sección rítmica e impetuosa vocalidad con tendencia al falsete, que en su conjunto confieren unas atmósferas extrañamente sugerentes y un compacto sonido derivado del encuentro entre el clásico rock'n'roll, el blues-rock (su principal fuente de inspiración al que enfatizan en todas sus claves), la psicodelia y el folk tipicamente británico, con influencias de gente como Jimi Hendrix, Jeff Beck, Rolling Stones, Fairport Convention, Cream, Howlin' Wolf o Willie Dixon.


"Led Zeppelin" contiene momentos clásicos de la banda como la admirable balada acústica de tintes folk "Babe I'm gonna leave you", una de las piezas más bellas ejecutadas por el grupo británico que habían rescatado del catálogo de la cantante de folk Anne Bredon.

El estilo acústico es revisionado de nuevo en "Black mountain side", mientras que el frenesí de la electricidad nos otorga sobresalientes muestras de su exacerbada energía en la fiera "Communication Breakdown" o la pegadiza "Good times Bad Times".

La excelente versión del tema de Dixon "You shook me" es una rendición al blues de Chicago, perceptible en otras notables canciones como "How many more times" o "I can't quit you", otro cover del gran bluesman.

El compendio del clima musical creado por Led Zeppelin se encuentra en dos de los temas más destacados del álbum, el hard rock con elementos psicodélicos de "Dazed and confused" y la infravalorada "Your time is gonna come", una elegante pieza pop-rock con un excelente trabajo en los teclados de John Paul Jones y un estribillo realmente contagioso.

Ha recibido 2554 puntos

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THE BEATLES - Magical Mystery Tour 1967

17. THE BEATLES - Magical Mystery Tour 1967

http://www.youtube.com/watch?v=JKHpTxGvCTQ

Un gran disco psicodélico de los Beatles, compuesto por dos Eps que sirvieron como acompañamiento musical para una fallida emisión televisiva proyectada por el inquieto Paul McCartney. Invitándonos a un acomodo en un viaje mágico y misterioso iniciado con una briosa apertura avasallada por... Ver mas
Un gran disco psicodélico de los Beatles, compuesto por dos Eps que sirvieron como acompañamiento musical para una fallida emisión televisiva proyectada por el inquieto Paul McCartney.

Invitándonos a un acomodo en un viaje mágico y misterioso iniciado con una briosa apertura avasallada por nervudas trompetas, "Magical Mistery Tour" es un notable complemento a "Sgt Peppers", con piezas que incluso superan el nivel de lo ofrecido en su más aclamado disco.

El sublime sentido del pop de Paul (que cuando se pone cañero es, con diferencia, el más rockero de los cuatro) refulge en la taciturna balada "The fool on the hill", historia sobre la alienación social con espléndida simbología y un sonido marcada por el clásico piano Macca y unas bellas flautas ornamentando la melodía.
McCartney también brilla con la jugosa e iterativa "You mother should know", de aliento nostálgico cabaretero, o "Hello goodbye", canción de minimalismo lírico, hermosa arquitectura melódica y contagioso sentido del ritmo.

Los mejores temas de este magistral trabajo son obra de John Lennon.
"I'm the walrus" es un hipnótico artificio surrealista de esceptismo vital, poderosa imaginería y exuberante instrumentación, "Strawbery fields forever", pieza con el inolvidable mellotron (interpretado por Paul McCartney) en la cual el hálito psicodélico de la época alcanza su cumbre más elevada, y el clásico cántico de amor y paz "All you need is love", con MacCartney berreando "yesterday" y "she love you" en su parte final junto a fragmentos swing de Glenn Miller.

El delirio alucinógeno de Harrison con "Blue Jay Way" y la canción más inspirada escrita por Paul para este álbum, "Penny Lane", un evocativo recuerdo de la vida en Liverpool con esa trompeta tan evocativa e imitada, son otras travesías sónicas de un grupo incomparable.

Ha recibido 2396 puntos

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THE BEATLES - A Hard Day's Night 1964

18. THE BEATLES - A Hard Day's Night 1964

http://www.youtube.com/watch?v=pMPMTG5bkoQ

Proyectada como banda sonora para la película del mismo título dirigida por Richard Lester, "A hard day's night" es un LP dominado por las composiciones de un genial John Lennon, quien vuelve a incidir en las relaciones de pareja con tono agridulce. Con predominio de sonidos acústicos, el... Ver mas
Proyectada como banda sonora para la película del mismo título dirigida por Richard Lester, "A hard day's night" es un LP dominado por las composiciones de un genial John Lennon, quien vuelve a incidir en las relaciones de pareja con tono agridulce.

Con predominio de sonidos acústicos, el disco contiene dinámicas piezas pop, como la homónima y revoltosa "A hard day's night", "I should have know better", distinguida por una inequívoca introducción Beatle en la que destaca la armónica de John, "Tell me why", estupendo tema significado por una facturación vocal que incluye falsetes a dúo de Paul y John, o la rítmica "Any time at all", jubilosa pieza de un inspirado Lennon.

El sabor country de "I'll cry instead" pone de manifiesto el gusto por la música de Merle Haggard y Buck Owens, en especial por parte de Ringo.

La balada "If I fell" y la primorosa "I'll be back", expresan con majestuosidad el sentido de la armonía y melodía de los Fab Four.

Lennon también regala a Harrison el tema "I'm happy just to dance with you", otra meritoria pieza pop.

Paul participa en tareas de escritura en menor medida que John, pero aún así nos lega tres magníficas canciones. Sólo hay que escuchar y disfrutar con la cálida ligereza romántica a ritmo de bongos y caja china de "And I love her", el rock'n'roll al estilo Little Richard de "Can't buy me love", y el sencillo e instantáneo arrojo pop de "Things we said today".

"A hard day's night" es un LP fantástico que singulariza a la perfección la capacidad creativa de los Beatles, quienes confeccionan aquí su primera obra maestra, de una frescura y lozanía inmarchitable al paso del tiempo.

Ha recibido 2371 puntos

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LED ZEPPELIN - Led Zeppelin II 1969

19. LED ZEPPELIN - Led Zeppelin II 1969

http://www.youtube.com/watch?v=otEglliI9us

Impresionante segundo álbum de Led Zeppelin. Si el primero exhibía su pericia en explotar con sapiencia el blues y rock de bandas y solistas como Jimi Hendrix, Cream, Willie Dixon o Jeff Beck, el segundo apuntala con firmeza su enorme contribución al mundo de la música moderna y define con... Ver mas
Impresionante segundo álbum de Led Zeppelin. Si el primero exhibía su pericia en explotar con sapiencia el blues y rock de bandas y solistas como Jimi Hendrix, Cream, Willie Dixon o Jeff Beck, el segundo apuntala con firmeza su enorme contribución al mundo de la música moderna y define con autoridad su magisterio en la construcción y ejecución de piezas hard-blues-rock de alto voltaje y alternancia acústico/eléctrica.


Sus detractores les acusan a menudo de latrocinio y hurto a grandes nombres del blues pero, partiendo del fundamento de esas referencias y de la irrefutable ascendencia de esos esenciales nombres, es también innegable la instauración de un nuevo orden auditivo desarrollado en el empaque otorgado a sus raices bluesy con un trabajo arrebatador en la edificación de riffs, musculatura rítmica y sobre todo, singular creación de atmósferas, como la conseguida con el clima sexual emanado de "Whole lotta love", gran clásico (número 4 en los EEUU) en donde utilizan el theremin y en donde recogen textos del "You need love" de Willie Dixon.

Su musculado sentido del ritmo se exhibe en "Heartbreaker" (con un glorioso riff guitarrero de Page) y en el enérgico hard-rock de "Living loving maid", mientras que la pasión por el blues asoma en "Lemon song" (una canción basada en el tema "Killing Floor" de Howlin' Wolf que despliega un soberbio trabajo de Jones al bajo) o "Bring it on home" (donde recogen claros influjos de Sonny Boy Williamson).
Las baladas blues-rock destacan con "What is and what should never be" y "Thank you", hermoso tema dedicado por Robert Plant a su esposa Maureen que comparte espacios acústicos con la tolkieniana "Ramblin on".

Uno de los momenos álgidos del LP es la espectacular "Moby dick", un tema derivado de una canción de Sleepy John Estes ("The girl I love, She got long curly hair") que contiene un memorable solo de Bonzo.

Ha recibido 2255 puntos

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STATUS QUO - Picturesque Matchstickable Messages from Status Quo  1968

20. STATUS QUO - Picturesque Matchstickable Messages from Status Quo 1968

http://www.youtube.com/watch?v=_kG-mU7wgW4

Quien conozca a los Status Quo practicantes de su exitoso boogie-rock se quedaran sorprendidos con este primer disco, debut psicodélico del grupo británico que presenta claras influencias de los grupos punteros de la época como Beatles, los Hollies de "Butterfly" y especialmente los Bee Gees de... Ver mas
Quien conozca a los Status Quo practicantes de su exitoso boogie-rock se quedaran sorprendidos con este primer disco, debut psicodélico del grupo británico que presenta claras influencias de los grupos punteros de la época como Beatles, los Hollies de "Butterfly" y especialmente los Bee Gees de "Horizontal" y "Odessa", a los que versionan con el famoso tema "Spicks and Specks".

Un atractivo sonido lisérgico con un fenomenal trabajo en la voz y guitarras de Rick Parfitt y Francis Rossi y en los teclados de Roy Lines, piezas clave del triunfo comercial de su primer sencillo "Pictures of matchstick men", excelente canción de hipnótico riff, que les llevó al Top 10 tanto en su país natal como en los Estados Unidos.

"Black veils of melancholy", con un riff inicial muy parecido al single inicial, no logró las ventas de su predecesor a causa de esa citada semejanza sonora. No obstante, es una canción de notable construcción melódica que llevaba también la firma de Rossi.

Otros cortes destacados de este compacto album, varios de ellos compuestos por el cantante Marty Wilde y el músico de jazz Ronnie Scott, son "When my mind is not live", "Paradise flats", "Ice in the sun", "Elizabeth dreams" o "Sunny Cellophane Skies", autenticas joyas de la época que son incluso superadas por la excepcional "Technicolour Dreams", una de las mejores canciones en la historia del pop psicodélico británico, escrita para la banda por el compositor Anthony King.

Incluyen también una rítmica adaptación del famoso tema de Tommy Roe, "Sheila", y de "Green Tambourine", el éxito de los Lemon Pipers.

Ha recibido 2155 puntos

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THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE - Electric Ladyland 1968

21. THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE - Electric Ladyland 1968

http://www.youtube.com/watch?v=WoAXW30mMAg

Impresionante bacanal de sonidos blues y rock de narcótica base psicodélica. En este doble álbum la experimentación de Hendrix alcanzó su punto más pronunciado y ambicioso en su instrumentación, la cual contó con la ayuda de gente tan prestigiosa como el teclista Al Kooper, el batería Buddy... Ver mas
Impresionante bacanal de sonidos blues y rock de narcótica base psicodélica. En este doble álbum la experimentación de Hendrix alcanzó su punto más pronunciado y ambicioso en su instrumentación, la cual contó con la ayuda de gente tan prestigiosa como el teclista Al Kooper, el batería Buddy Miles, el órgano de Steve Winwood, el bajo de Jack Casady, el saxo de Fred Smith (sensacional en "Rainy Day, Dream Away") o la flauta de Chris Wood.

A pesar de que el cimiento principal del mundo psicodélico de Jimi Hendrix es el blues y el rock, es tan rica su expresión musical que en muchos temas hallamos pequeños sinuosidades de soul ("Have you ever been (to electric ladyland)" o "Crosstown traffic"), jazz ("Rainy day, dream away") e inclusive pop ("Little miss strange").

Esta opulencia en texturas sónicas resplandece en temas de inmejorable construcción y orgía guitarrera como las citadas "Have you ever been (to electric ladyland)", "Crosstown traffic", "Rainy Day, Dream Away", "Little miss strange" (escrita por Noel Redding) o "Long hot summer night", "Gypsy eyes", "Burning of the midnight lamp", "Still raining, still dreaming" o "Voodoo Child (Slight Return)".

Las extensas y soberbias jams "Voodoo Chile" y "1983" son todo un momumento al proceder guitarrero de Hendrix y su interacción con los demás elementos auditivos, en especial en "Voodoo Chile" en donde sus seis cuerdas son escoltadas por un excepcional trabajo de teclado de Winwood y de bajo de Casady. La mesmerizante y hermosa "1983... (A merman I should turn to be)" por su parte, despliega una de sus más inspiradas letras.

Complementando el disco, dos estupendas versiones, con "Come on (Let the good times roll)" rinde pleitesía al blues de Nueva Orleans al adaptar a Earl King, y gracias al socorrido Bob Dylan, Hendrix y su superior versión de "All along the watchtower" demuestra la grandeza de su justamente aclamada guitarra.

Ha recibido 1992 puntos

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BOB DYLAN - Highway 61 Revisited 1965

22. BOB DYLAN - Highway 61 Revisited 1965

http://www.youtube.com/watch?v=pD-i-yv-Mz8&feature=fvsr

Obra clave de Bob Dylan, una sucesión de magistrales canciones que reúnen textos prolijos en imaginería surrealista de tonos acerbos, alucinatorios y cetrinos. La lírica se asienta en sonoridades que conjugan el folk-rock, el rockn'n'roll y el R&B, aportando a Dylan su apoyo instrumental... Ver mas
Obra clave de Bob Dylan, una sucesión de magistrales canciones que reúnen textos prolijos en imaginería surrealista de tonos acerbos, alucinatorios y cetrinos.

La lírica se asienta en sonoridades que conjugan el folk-rock, el rockn'n'roll y el R&B, aportando a Dylan su apoyo instrumental importantes músicos como el guitarrista Michael Bloomfield o los teclistas Al Kooper y Paul Griffin. La producción corre a cargo de Bob Johnston a excepción de "Like a Rolling Stones", conocido tema que contó con la producción de Tom Wilson.


Al citado "Like a Rolling Stone", retrato femenino de degradación personal que define un supuesto perfil de Edie Sedgwick, se suman otros títulos de parecido planteamiento sónico como la soberbia "Ballad of a Thin Man", pieza de reflejos oníricos con pronunciada base de piano, "Queen Jane Approximately", otra historia de declive con personaje de mujer, y "Just like Tom Thumb's Blues", en donde se recoge tanto su herencia simbolista como sus deferencias a Poe, además de temas más cercanos al blues como "Tombstone blues", el medio tiempo "It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry", "From a Buick 6" y la homónima del disco, canción con referencias bíblicas en el principio de una odisea coral y existencial con ambiente de carretera.

El disco es uno de los principales muestrarios del talento literario de Dylan y de su sapiencia en recoger las tradiciones sonoras de su país, las cuales se vieron engrandecidas en recoger matices al electrificar sus propuestas folkies.

La extensa "Desolation Row", en la que regresa a la pureza folk de sus inicios reiterando sus complejas imaginerías, es la encargada de despedir este sobresaliente álbum, inmediata antesala de otra de sus obras maestras, "Blonde on Blonde".

Ha recibido 1808 puntos

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THE WHO - Tommy 1969

23. THE WHO - Tommy 1969

http://www.youtube.com/watch?v=rGa70tVYVKo

Erróneamente citada como la primera ópera-rock (ese honor es para los Pretty Things y "S. F. Sorrow"), Tommy es un colosal doble álbum producido por Kit Lambert en el que Pete Townshend maquina una fábula sobre el personaje que da título al disco, un muchacho nacido sordomudo y ciego, experto en... Ver mas
Erróneamente citada como la primera ópera-rock (ese honor es para los Pretty Things y "S. F. Sorrow"), Tommy es un colosal doble álbum producido por Kit Lambert en el que Pete Townshend maquina una fábula sobre el personaje que da título al disco, un muchacho nacido sordomudo y ciego, experto en jugar a las máquinas pinball, que terminará convirtiéndose en un redentor de masas.

La querencia por las obras conceptuales de Townshend ya se había percibido en trabajos anteriores como el excelente "Sell out" y la mini ópera-rock encontrada en "A quick one" y titulada "A quick one, while he's away".

Lo impresionante de este disco, épico, intenso, apasionado y opulento en estructuras, desarrollos, texturas y tonos, es que no cuenta con bajones notables en su recorrido ya que el progreso narrativo de la historia no se ve amenazado por digresiones autocomplacientes, las viñetas enlazadas resultan significativas y siempre aportan datos o imágenes que configuran la personalidad y el contexto del individuo protagonista.
A su vez tampoco ninguna composición pierde la calidad acostumbrada en los Who de la época, sean las canciones escritas por Townshend, mayoritariamente el autor del disco, ni del magnánimo bajista John Entwistle, responsable también de los grandiosos arreglos de viento que suenan a lo largo de todo el doble álbum, valorándose positivamente también la pequeña aportación en la escritura de Keith Moon en una simpática pieza.

A lo largo de la odisea personal de Tommy, iniciada con una magnífica overtura instrumental vamos disfrutando con el talento melódico, instrumental y vocal de los cuatro componentes de esta excelsa banda británica, sin duda alguna uno de los cinco o seis nombres fundamentales de la historia del rock.
Ya no hay grupos como éste.

Los puntos álgidos de esta obra maestra de sonoridad acústica pero ardorosa en consonancia con el natural ímpetu y fortaleza de los acordes y riffs guitarreros del gran Pete Townshend, y la inmensa potencia y personalidad de la sección rítmica de la banda, con un siempre exuberante Keith Moon en la batería y un vigoroso trabajo en las cuatro cuerdas de John Entwistle, quien también sabe aportar líneas melódicas de primer nivel y nutrir las fenomenales armonías vocales con el resto de sus compañeros, entre ellos el vigoroso Roger Daltrey, son "Amazing journey", "Christmas", "Cousin Kevin", "Underture", "The acid queen", "Go to the mirror" o las tres mejores canciones del álbum: "Pinball wizard", "I'm free" y “We’re not gonna take it”, la joya que cierra de manera inmejorable la trayectoria mesiánica de Tommy y este trabajo inmortal e imprescindible que hay que disfrutar de cabo a rabo.
¡Qué final! Buff. Ese "see me, feel me, touch me, heal me" interpretado por un Daltrey lastimero siempre será algo imperecedero. Magnífico.

Ha recibido 1803 puntos

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THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE - Are you experienced? 1967

24. THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE - Are you experienced? 1967

http://www.youtube.com/watch?v=1p0j9diDLu8&feature=fvst

El guitarrista de rock más innovador de todos los tiempos en uno de los más importantes Lps de la historia. La verdad es que sus habilidosos dedos y su imaginación en la escritura podía deslizarnos emocional y sensitivamente por meandros sonoros de incalculable influencia postrera y hacernos... Ver mas
El guitarrista de rock más innovador de todos los tiempos en uno de los más importantes Lps de la historia. La verdad es que sus habilidosos dedos y su imaginación en la escritura podía deslizarnos emocional y sensitivamente por meandros sonoros de incalculable influencia postrera y hacernos gozar de enormes composiciones empapadas de psicodelia, blues y rock.

Acompañados por los infravalorados y valiosos Noel Redding (bajo) y Mitch Mitchell (sensacional batería) Jimi se mueve desde el rock psicodélico de "Manic Depression" hasta el blues ácido de "Red House" pasando por temazos de contagioso ritmo como "Can you see me", ramalazos de aguda penetración guitarrera en "I don't live today", melodiosas tonadas sobre protectoras y lisérgicas cascadas en "May this be love", sugestividad psico jazz-rock en "Third stone from the sun", maravillas rocks de alma soul como "Remember" o clásicos vibrantes de la talla de "Foxy Lady" o "Fire", retazos de historias con ubicaciones de alta lubricidad.

En la reedición en formato CD se añadieron a la edición original británica los sencillos que contienen algunas de sus ejecuciones más populares, entre ellas "Hey Joe", la única canción no escrita por Jimi Hendrix en la cual mixtura su absorbente trabajo de guitarra con unos candorosos apoyos vocales de Mitchell y Redding convirtiendo al tema de Billy Roberts en una obra maestra.

Otra gran composición añadida es "Purple Haze", todo un standard sobre las drogas que epitomiza el genio de Hendrix.

Ha recibido 1767 puntos

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THE DOORS - Waiting For The Sun 1968

25. THE DOORS - Waiting For The Sun 1968

http://www.youtube.com/watch?v=lQrAULjiysk

Otro gran y subestimado disco (al igual que "The Soft Parade") de esta sorprendente, atmosférica e imaginativa formación californiana que aunque destacada generalmente por las letras de Jim Morrison (y su estupenda vocalidad, emocional, agresiva y elegante al mismo tiempo) es la música (creada... Ver mas
Otro gran y subestimado disco (al igual que "The Soft Parade") de esta sorprendente, atmosférica e imaginativa formación californiana que aunque destacada generalmente por las letras de Jim Morrison (y su estupenda vocalidad, emocional, agresiva y elegante al mismo tiempo) es la música (creada mayoritariamente por el teclista Ray Manzarek y el guitarra Robbie Krieger) y esas penetrantes estructuras melódicas lo que hacen grande a la banda.

El órgano de Manzarek, a veces psicodélico, otras barroco, algunas jazzístico y la guitarra lisérgica y bluesy de Krieger junto al poderío vocal de Morrison son las notas esenciales de un grupo irrepetible e inubicable.

En este disco (el tercero de su carrera) hallamos un fascinante recorrido por extraordinarias baladas, preciosas tonadas pop de fragancias psicodélicas y canciones rock de impecable construcción.

El magnífico pop psicodélico de "Hello I love you" (un tema que casi conlleva un pleito judicial con Ray Davies, al afirmar éste que era un plagio de "All day and all of the night"), la elegante "Love street", con una combinación hipnótica entre órgano y piano o la perturbadora "Not to touch the earth" son el inicio de un disco impresionante, con temas llenos de clase generalmente poco valorados.

La hipnótica melodía arrullada por una impresionante guitarra maullante en "Summer's almost gone" junto a "Wintertime love", una deliciosa mezcla entre vals y pop, la antibélica "Unknown soldier", en donde los Doors demuestran otra vez su poco valorado talento melódico, "Spanish Caravan", curioso acercamiento de los Doors desde la acidez californiana al sonido flamenco, "Yes, The River Knows", balada excelente llena de estilo, o la agresividad inherente al rock "Five to One" son bocados melómanos de primera magnitud que ni siquiera el aburrido cántico indio "My wild love" puede lograr menoscabar.

Ha recibido 1621 puntos

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KING CRIMSON - In the court of Crimson King 1969

26. KING CRIMSON - In the court of Crimson King 1969

http://www.youtube.com/watch?v=hpyT6dIawOc

Definido por Pete Townshend como "una misteriosa obra maestra", "In the court of King Crimson " es una de las grandes joyas y piezas clave del rock progresivo. De abatida tonalidad y hermosa imaginería lírica, su emulsión básica entre rock y jazz, claves psicodélicas y eclécticos ritmos... Ver mas
Definido por Pete Townshend como "una misteriosa obra maestra", "In the court of King Crimson " es una de las grandes joyas y piezas clave del rock progresivo.

De abatida tonalidad y hermosa imaginería lírica, su emulsión básica entre rock y jazz, claves psicodélicas y eclécticos ritmos, deparan algunos de los mejores tramos que ha conocido el estilo, en una demostración de cómo emplear sin jactanciosa pomposidad el mellotron, la guitarra, la batería, el bajo o los instrumentos de viento.

"21st Century Schizoid Man" es uno de los temas más importantes en la carrera de King Crimson, quizá el que mejor defina su capacidad para conjugar el hard-rock con el jazz, en un tránsito distorsionado y lleno de pujanza ácida, de espíritu acérbico y enfoque pesimista sobre la naturaleza humana, marcada por la violencia y la avaricia.

El contrapunto a la pieza que abre el Lp es "I Talk to the Wind", una bellísima balada imbuida por Pete Senfield de sensible melancolía, que Greg Lake transmite vocalmente de manera muy efectiva, ornamentado por una lastimera y maravillosa flauta.

"Epitaph" es un corte de sublime melodía que presenta un gran trabajo poético de Senfield y una afligida atmósfera, enaltecida por su proyección épica.

"Moonchild" comienza como una preciosa balada marcada por una subyugante imaginería bucólica para transformarse en un extenso muestrario jazz de infusión psicodélica y clave minimalista, que desesperará a algunos por su posible indulgencia experimental e hipnotizará a otros por su calmosa capacidad letárgica.

El LP, que dejó boquiabierto a muchos de sus coetáneos, se cierra con el título homónimo, un inolvidable corte, brillante tanto en su labor instrumental como vocal, con especial significación del mellotron de Ian McDonald, que nos retrotrae a un fascinante escenario medieval.

Ha recibido 1494 puntos

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CREAM - Disraeli Gears 1967

27. CREAM - Disraeli Gears 1967

http://www.youtube.com/watch?v=u8hLc_nqx8g

Eric Clapton era un reconocido bluesman por ese entonces, pero es aqui, en su segundo Lp, donde se deja impregnar por los matices psicodélicos junto con sus dos compañeros de grupo: el execelente bajista y cantante Jack Bruce y el fenomenal e incandescente Ginger Baker tocando la batería. A este... Ver mas
Eric Clapton era un reconocido bluesman por ese entonces, pero es aqui, en su segundo Lp, donde se deja impregnar por los matices psicodélicos junto con sus dos compañeros de grupo: el execelente bajista y cantante Jack Bruce y el fenomenal e incandescente Ginger Baker tocando la batería. A este equipo debemos unir a Peter Brown, responsable de alguna de las letras del disco.

El álbum empieza potente y pegadizo con la ya clásica pieza del grupo "Strange Brew" para continuar con el pegadizo y conocido riff de guitarra que conforma "Sunshine Of Your Love", donde Clapton deja surgir su personalidad más bluesera. Personalmente me gusta escuchar el binomio "Sunshine Of Your Love" y "Had To Cry Today" (con Blind Faith) para recordarme a mi mismo que Clapton en los '60 fué grande, muy grande. Lo que vendría posteriormente es otro tema.

Pero sigamos con Disraeli Gears. "Worl Of Pain" es un tema tranquilo y meloso con algún que otro toque psicodélico. "Dance The Night Away" es uno de los clímax del disco. De gran factura vocal, la lírica de Peter Brown (segunda contribución la suya, la primera fué en "Sunshine Of Your Love") se desliza por un hipnótico clima musical. "Blue Condition" es una composición de Baker que sirve para introducirnos otro de los puntos fuertes del Lp: "Tales Of Brave Ulysses". Con música de Clapton y letra de Martin Sharp los oídos se deleitan con este corte, uno de los mejores temas del disco y de Cream. Ginger Baker conoció a Martin Sharp en una fiesta y éste le enseñó alguno de sus escritos. Baker le propuso la idea de trabajar con Cream y aqui está el resultado. Encontramos después la lisérgica "SWLABR", cuyas siglas significan "She Was Like A Bearded Rainbow". El tema más psicodélico del disco y puede que de la banda. De hecho creo que aún ni se ponen de acuerdo en cómo se pronuncia el nombre de la canción. Existe un documental sobre el disco en el que se muestra a cada uno de los tres integrantes del supergrupo pronunciando el título de la canción. Resultado: todos lo dicen diferente. Y llegamos a la que puede que sea la canción más sentimental: "We're Going Wrong", de Jack Bruce. En esta pieza quedan sobradamente demostradas las dotes vocales del mismo. Cuando veo alguno de los vídeos que circulan por la red con la interpretación de esta canción se me pone la piel de gallina. Bruce está literalmente poseído. Una de las joyas del disco que a menudo pasa algo desapercibida.

El final del disco es predominantemente bluesero: "Outside Woman Blues", "Take It Back" y la experimental "Mother's Lament" nos dejan un sabor de boca inmejorable. Estamos frente a uno de los discos clave de los '60 y de la história de la música, ya que Cream fusionó con éxito todo el pupurri de estilos que predominaban en esos años. A partir de entonces es famosa la frase escrita en diferentes partes que decía "Clapton es Dios".

Trabajo de enorme impacto desde la portada hasta la nota final, este Disraeli Gears merece ser catalogado como obra maestra e imprescindible para entender todo lo que ocurrió después.

Ha recibido 1420 puntos

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VELVET UNDERGROUND - The Velvet Underground & Nico 1966

28. VELVET UNDERGROUND - The Velvet Underground & Nico 1966

http://www.youtube.com/watch?v=6xcwt9mSbYE

Mítico disco de la no menos legendaria banda neoyorquina, producto vanguardista (epitomizado por los experimentos de John Cale) de esencia rock, que fue realizado en la factoría del artista pop Andy Warhol, productor asimismo del album (menos en la canción "Sunday Morning", que fue producida por... Ver mas
Mítico disco de la no menos legendaria banda neoyorquina, producto vanguardista (epitomizado por los experimentos de John Cale) de esencia rock, que fue realizado en la factoría del artista pop Andy Warhol, productor asimismo del album (menos en la canción "Sunday Morning", que fue producida por Tom Wilson) y diseñador de la famosa portada bananera.

Sin demasiado virtuosismo en la ejecución instrumental y vocal (con un Lou Reed de factura claramente dylaniana) y navegando en piélagos de sonidos cacofónicos, la Velvet Underground proyecta con brillantez sus aventuradas y experimentales posturas sónicas, que tanto influenciarían a multitud de futuras corrientes musicales iniciadas en este sorprendente álbum debut, el cual se inicia con una deliciosa gema pop titulada "Sunday Morning".

El mundo sexual y narcótico de la Gran Manzana, con desnudas referencias al paroxismo adictivo y el sadomasoquismo son puntos concurrentes en este trabajo que entremezcla belleza, estremecimiento, desconcierto, sarcasmo, hedonismo y nihilismo.

Es un Lp imprescindible, que contiene grandes canciones como la conmovedora "Heroin", el mesmérico cántico "All tomorrow's parties", la pegadiza "There she goes again", la hipnótica "Venus in Furs", la arañante "The Black Angel's Death Song"(con una delirante viola de Cale) o las hermosas "Femme Fatale" y "I'll be your mirror", interpretadas por la rubia Nico, cantante de origen alemán impuesta por Warhol al grupo.

El único punto negro de este prominente trabajo es "European son", un espantoso caos valorado incomprensiblemente por amantes del ruido anárquico en un inane ejercicio de onanismo avant-gardé.

Ha recibido 1388 puntos

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THE ROLLING STONES - Let it bleed 1969

29. THE ROLLING STONES - Let it bleed 1969

http://www.youtube.com/watch?v=XIX0ZDqDljA&feature=related

El último trabajo de los Stones en los años 60, con un título que parodiaba el "Let it be" de los Beatles, fue este soberbio tratado de rock cromatizado en alguno de sus mejores pasajes por pinceladas de country y blues, tanto en su aspecto acústico como eléctrico. Es un grandioso LP que... Ver mas
El último trabajo de los Stones en los años 60, con un título que parodiaba el "Let it be" de los Beatles, fue este soberbio tratado de rock cromatizado en alguno de sus mejores pasajes por pinceladas de country y blues, tanto en su aspecto acústico como eléctrico.

Es un grandioso LP que supuso la última colaboración de Brian Jones con el grupo y el debut del guitarrista Mick Taylor, quien sólo participa en dos cortes del álbum pero deja la impronta de su habilidad en las seis cuerdas.


Entre los colaboradores de lujo que ensanchan instrumentalmente el album se encuentra el "sexto Stone" Ian Stewart, el omnipresente Nicky Hopkins, Ry Cooder, Leon Russell, Al Kooper o Jack Nitszche, entre otros. Personajes realmente esenciales dentro de la historia del rock en una u otra vertiente.

La tarea de producción corre, al igual que ocurriera en "Beggars Banquet", a cargo de Jimmy Miller, quien dota de una mayor crudeza y desabrimiento el sonido del quinteto londinense acercándolo a pautas más rockeras que en su pretérita etapa con Andrew L. Oldham.

En un álbum tan redondo como éste resulta muy difícil destacar alguna canción por encima de otra, pero momentos indelebles como el clásico "Gimme Shelter", pieza que cuenta con un extraordinario apoyo vocal de Mary Clayton, la adaptación del tema de Robert Johnson "Love in vain", el rock punzante y enérgico de "Live with me", el R&B de "Midnight Rambler" o la memorable balada "You can't always get what you want", con unos hechizantes coros arreglados por Nitszche, demuestran sobradamente la magnificencia de "Let it Bleed".

La curiosa portada está diseñada por Robert Brownjohn.

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THE WHO - Sings my generation 1965

30. THE WHO - Sings my generation 1965

http://www.youtube.com/watch?v=594WLzzb3JI

Máximos exponentes junto a The Small Faces del famoso movimiento mod británico de mediados de los años 60, The Who ya antes de la salida al mercado de este magistral primer álbum, habían iniciado su esplendorosa trayectoria con un sencillo de impacto, "I can't explain", que significó un... Ver mas
Máximos exponentes junto a The Small Faces del famoso movimiento mod británico de mediados de los años 60, The Who ya antes de la salida al mercado de este magistral primer álbum, habían iniciado su esplendorosa trayectoria con un sencillo de impacto, "I can't explain", que significó un fenomenal adelanto de lo que estaba por llegar.

Y es que sólo un par de contundentes singles y este abrasivo e impetuoso Lp bastaron para considerar a Pete Townshend como uno de los grandes compositores de su tiempo, a Keith Moon y John Entwistle como la sección rítmica más vigorosa y excitante de la historia del rock y a Roger Daltrey como un cantante de múltiples recursos, moldeado en ascendencias soul y R&B.

Distorsiones guitarreras en bullliciosas y crudas piezas de espíritu negro como "Out in the street", poderosos temas frat-rock con contagiosos estribillos como "The good's gone", ritmicas canciones pop con sugerentes trabajos vocales como "La la la lies" o "Much too much", el R&B maquillado de mod/pop de "It's not true" o "A legal mater" (cantada por Pete), proto-psicodelia adornada por cuernos franceses en "Instant Party (Circles)", catárticos himnos juveniles de angulosa ejecución garajera como "My generation", instrumentales frenéticos de naturaleza psicopática como "The Ox" y pulidas joyas melódicas de inyección mod e influencia Beatles como "The Kids are alright" exponen con inquietud y nervio el gran talento de esta esencial banda británica.

La rendición a los ritmos negros la hallamos en los dos covers de James Brown, "I don't mind" y "Please Please Please", con Daltrey simulando aceptablemente el proceder de Mr. Dynamite.

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THE BEACH BOYS - Pet Sounds 1966

31. THE BEACH BOYS - Pet Sounds 1966

http://www.youtube.com/watch?v=NDfH_J4MAUQ

Obra maestra de la música moderna. Uno de los discos de pop rock más influyentes de todos los tiempos. Los Beatles quedaron anonadados después de su escucha y muchos rastros de su sonido se pueden escuchar en su laureado "Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band". Utilizando más de cincuenta... Ver mas
Obra maestra de la música moderna. Uno de los discos de pop rock más influyentes de todos los tiempos.

Los Beatles quedaron anonadados después de su escucha y muchos rastros de su sonido se pueden escuchar en su laureado "Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band".

Utilizando más de cincuenta músicos (en estos penosos tiempos modernos casi todo lo hace una máquina), su principal hacedor, el genial Brian Wilson, crea una obra perfecta en su producción y en su ejecución con los habituales y mágicos ejercicios vocales del grupo junto a un extraordinario sentido melódico y un innovador uso de la orquestación e instrumentación, por no hablar de su emocional apartado lírico ( en su mayoría de Tony Asher bajo inspiración de Brian).
A McCartney aún le cae una lagrimilla cuando escucha "God Only Knows" (tema con una divina intervención de Carl).

Obligatorio para los amantes del pop con mayúsculas que mejora con cada escucha debido a su tremenda complejidad en arreglos y producción, fruto de la creatividad sublime de un joven de veintipocos años.

Ha recibido 1276 puntos

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BOB DYLAN - Blonde on Blonde 1966

32. BOB DYLAN - Blonde on Blonde 1966

http://www.youtube.com/watch?v=nfO19pi4rZs

El primer álbum doble de la historia del rock es esta rotunda obra maestra del gran Bob Dylan, quien, en su período de mayor creatividad musical y lírica, cuenta con el respaldo del embrión del grupo The Band, anteriormente conocidos como The Hawks al acompañar a Ronnie Hawkins (Robbie Robertson... Ver mas
El primer álbum doble de la historia del rock es esta rotunda obra maestra del gran Bob Dylan, quien, en su período de mayor creatividad musical y lírica, cuenta con el respaldo del embrión del grupo The Band, anteriormente conocidos como The Hawks al acompañar a Ronnie Hawkins (Robbie Robertson, Rick Danko y Garth Hudson) y de otros destacados músicos como Al Kooper, Charlie McCoy o Wayne Moss, quienes ayudan a facturar este enorme disco donde a la habitual riqueza poética y aguda narrativa del genio de Minnessota hay que añadir una variada musicalidad, palpable ya en el clásico tema que abre el Lp, "Rainy day women #12&35", donde se atreve incluso a incorporar una sección de metal.

El blues es la base de otros extraordinarios temas como "Pledging my time", "Leopard-skin pill-box hat", "Temporary like Achilles" y "Obviusly 5 believers".

Por su parte, la maravillosa "I want you" es un ejemplo claro de que Dylan también sabía escribir pop y, aunque no era su fuerte, canciones bien tratadas en su aspecto melódico.

A lo largo de su imaginería, sus descripciones surreales y una heterogénea gradación tonal, aquí con preferencia por el cinismo y el sarcasmo, da rienda suelta a su esencial folk-rock, estilo en el que Dylan había penetrado tras electrificar sus propuestas influido por los Beatles y los Byrds, siendo fundamento básico de la mayor parte del LP, con piezas magistrales como "One of us must know (sooner or later"), "Just like a woman" (versionada con éxito por los británicos Manfred Mann), "Most likely you go your way and I'll go mine", "Abolutely Sweet Marie", "4th time around" (inspirada en "Norwegian wood" de los Beatles) y la extensas e intensas "Visions of Johanna", "Stuck inside of mobile with the Memphis blues again" y "Sad eyed lady of the lawlands", canciones que manifiestan la categoría y talento de uno de los más influyentes compositores de la segunda mitad del siglo XX, Mr. Robert Zimmerman.

Ha recibido 1248 puntos

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THE ROLLING STONES - Beggars Banquet 1968

33. THE ROLLING STONES - Beggars Banquet 1968

http://www.youtube.com/watch?v=Je8MXiwmNIk

Tras un breve periodo de confusión en el que editaron el álbum "Their satanic majesties request" como respuesta fallida (a pesar de tratarse de un buen trabajo) al "Sgt. Pepper's" de los Beatles, el siguiendo disco grande de los Rolling Stones significó un categórico, esencial y brillante... Ver mas
Tras un breve periodo de confusión en el que editaron el álbum "Their satanic majesties request" como respuesta fallida (a pesar de tratarse de un buen trabajo) al "Sgt. Pepper's" de los Beatles, el siguiendo disco grande de los Rolling Stones significó un categórico, esencial y brillante regreso a sus orígenes musicales con este banquete de mendigos en el cual despliegan un menú que se aleja de experimentaciones psicodélicas y recuperan el sabor más afín a la banda en su registro de una sobresaliente colección de temas de consistencia rockera, sonidos acústicos y alma de blues, contenidas en un disco con retrete de mala muerte (aunque por lo menos tiene rollo de papel higiénico) en donde se manifiesta en una pintada que el sueño de Dylan es tirar de la cisterna.


Una de sus mejores y más populares canciones, la satánica "Sympathy for the devil", que amalgama diferentes y atractivos ángulos sónicos (incluida la samba), es el espectacular punto de arranque a una prodigiosa sucesión de impetuosas, acérbicas, turbulentas e insurrectas piezas maestras.

En "No expectations" muestran un talante desesperanzador con el malogrado Brian Jones ejecutando una hechizante slide guitar, al igual que hace en la fantástica y subestimada "Jig-Saw Puzzle".

Aportan su punto de vista sobre la efervescencia de la época y la consecuente violencia libertaria en la punzante "Street fighting man", su particular sentido del humor aflora en "Dear doctor", uno de sus primeros coqueteos con el country-rock.
En "Stray cat blues" hablan de la relación con una quinceañera de ávidos deseos sexuales.

"Parachute woman" evidencia su natural y constante apego al blues con un retorno a la materia carnal y el broche de oro a tan magistral demostración de talento musical lo pone el rock con espíritu gospel "Salt of the earth", pieza de anhelante comentario social que junto a "Sympathy for the devil" resulta el tema más logrado de "Beggars Banquet", una obra magna producida por el indispensable Jimmy Miller, que debuta aquí con los Stones y que proseguiría sus andanzas con el quinteto grabando sus Lps más contundentes.

Ha recibido 1161 puntos

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THE WHO - Sell Out 1967

34. THE WHO - Sell Out 1967

http://www.youtube.com/watch?v=7As8L-0bwsM

Uno de los primeros discos conceptuales de la historia del pop-rock, desplegado con brillantez por parte de Pete Townshend y compañía: la gran voz de Roger Daltrey, el simpar sentido rítmico del bajo de John Entwistle y la innovadora, nerviosa e imprevisible sonoridad de la batería de Keith Moon... Ver mas
Uno de los primeros discos conceptuales de la historia del pop-rock, desplegado con brillantez por parte de Pete Townshend y compañía: la gran voz de Roger Daltrey, el simpar sentido rítmico del bajo de John Entwistle y la innovadora, nerviosa e imprevisible sonoridad de la batería de Keith Moon.

Un trabajo exuberante de pop psicodélico, que cuenta con numerosos elementos humorísticos en su naturaleza lírica, en los que hay acomodo irónico para la masturbación, los tatuajes o los problemas con el acné y el olor corporal.

"Mary Anne with the shaky hand", "Tatoo", "I can see for miles" o la psicodélica compuesta por John Keene (de Thunderclap Newman) "Armenia city in the sky" son algunas joyas (en la reedición en CD incluyen otras maravillas como "Someone's coming") de la primera gran obra de los Who, uno de los mejores grupos británicos de todos los tiempos.

Ha recibido 1127 puntos

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THE DOORS - The Soft Parade 1969

35. THE DOORS - The Soft Parade 1969

http://www.youtube.com/watch?v=4UEVyIyibD8

Vilipendiado bobamente por mucha gente inmovilista debido a su ambiciosa expansión sónica al incorporar (hermosos) elementos orquestales, "The Soft Parade" de los Doors es otra OBRA MAESTRA de una de las bandas de los 60 con más recursos y mayor capacidad para crear intrincadas estructuras... Ver mas
Vilipendiado bobamente por mucha gente inmovilista debido a su ambiciosa expansión sónica al incorporar (hermosos) elementos orquestales, "The Soft Parade" de los Doors es otra OBRA MAESTRA de una de las bandas de los 60 con más recursos y mayor capacidad para crear intrincadas estructuras musicales.

Momentos pop barroco, rock, psicodelia y jazz, que funcionan a las mil maravillas gracias a una brillante producción de Paul Rothchild introduciendo cuerdas y metal a unos temas ya de por sí espléndidos.

Canciones como "Tell all the people", "Touch me", "Shaman's Blues", "Wild Child" y sobre todo, la primorosa "Wishful Sinful" (compuesta por un inspirado Krieger), además de la obra magna de Morrison "The Soft Parade", hacen de este infravalorado trabajo un disco magistral despreciado por gente ofuscada y equivocada que piensa que un grupo tiene que estar atado a sus propias concurrencias y rutinas sonoras.
Los demás, a disfrutar...

Ha recibido 1121 puntos

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THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE - Axis: Bold as Love 1967

36. THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE - Axis: Bold as Love 1967

http://www.youtube.com/watch?v=YDb2ZC99WQA

Tras romper moldes con su apabullante "Are you experienced?", estableciendo una seductora e impresionante conexión entre el blues, el rock y la psicodelia, el malogrado guitarrista de Seattle volvía a la carga con esta segunda entrega en estudio facturando una nueva obra maestra en la que a las... Ver mas
Tras romper moldes con su apabullante "Are you experienced?", estableciendo una seductora e impresionante conexión entre el blues, el rock y la psicodelia, el malogrado guitarrista de Seattle volvía a la carga con esta segunda entrega en estudio facturando una nueva obra maestra en la que a las referidas constantes musicales añade con acierto unas estupendas dosis pop en canciones como la funky "Wait until tomorrow", con unos atractivos coros (en los que interviene gente como Graham Nash o Roy Wood), "You got me floatin'" o "She's so fine", una maravilla escrita y cantada por el bajista Noel Redding, la cual está fuertemente influenciada por los Who.


El jazz sirve de aposento para la elegante "Up from the skies", mientras que el blues es la base de la psicodélica "If 6 was 9", excelente tema que se convierte en uno de los momentos imprescindibles del álbum junto a otras piezas memorables como la rockera "Spanish castle magic" y su extraordinario riff de guitarra, "Ain't no telling", con una devastadora sección rítmica, la fabulosa balada "Little wing", que conocería posteriormente una gran versión de Eric Clapton, la sensacional "Castles made of sand", que cuenta con un brillante texto acompañado de una magnífica melodía, la atmósferica "One rainy wish", o "Bold as love", una despedida de disco rebosante de intensa emotividad.
Toda una portentosa exhibición del guitarrista más genial e innovador que ha dado el rock.

Ha recibido 1076 puntos

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THE ROLLING STONES - Aftermath 1966

37. THE ROLLING STONES - Aftermath 1966

http://www.youtube.com/watch?v=nYYTLJ8YHi4

Uno de los mejores y más compactos trabajos de los Rolling Stones. "Aftermath" es además el primer álbum escrito enteramente por el tándem Jagger/Richards (aunque ciertamente lo que hacían era ofrecer la base de los temas y el grupo en conjunto modelaba definitivamente la pieza), lo que denota... Ver mas
Uno de los mejores y más compactos trabajos de los Rolling Stones. "Aftermath" es además el primer álbum escrito enteramente por el tándem Jagger/Richards (aunque ciertamente lo que hacían era ofrecer la base de los temas y el grupo en conjunto modelaba definitivamente la pieza), lo que denota el gran progreso del dúo en este campo, respaldados por la tremenda efectividad en la sección rítmica del bajista Bill Wyman y del gran batería Charlie Watts y sobre todo por un pletórico Brian Jones que con su innato talento instrumental enriquece y engrandece aún más las composiciones de Mick y Keith.

Jones se luce a lo largo de todo el álbum, ya sea interpretando un dulcimer en la preciosa balada "Lady Jane", unas marimbas en "Under my thumb" y en la formidable "Out of time", un sitar en "Mother's little helper" (espléndido tema que trata de cómo una apenada madre encuentra consuelo en las anfetaminas), una slide guitar en "Doncha bother me" y un fuzz bass en "Flight 505" (con una elegante introducción de piano) y en "Think".

Otros importantes instantes de enorme inspiración son "It's not easy", "I am waiting", "High and dry" (con ascendencias country) o "Take it or leave it" (pieza que pone de manifiesto su vena más pop), cortes maestros para un disco sin fisuras y absolutamente redondo en el que participó el ubicuo Jack Nitzsche.

Ha recibido 1044 puntos

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IRON BUTTERFLY - In-A-Gadda-Da-Vida 1968

38. IRON BUTTERFLY - In-A-Gadda-Da-Vida 1968

http://www.youtube.com/watch?v=Fvs8tdddn2o

"In-A-Gadda-Da-Vida" (1968), disco que contene el famoso y extenso tema homónimo, con excitantes tramos instrumentales, un insistente y poderoso riff, un conocido solo de batería y un teclado de inspiración clásica. El tema del grupo californiano es todo un clásico, considerado un precursor del... Ver mas
"In-A-Gadda-Da-Vida" (1968), disco que contene el famoso y extenso tema homónimo, con excitantes tramos instrumentales, un insistente y poderoso riff, un conocido solo de batería y un teclado de inspiración clásica. El tema del grupo californiano es todo un clásico, considerado un precursor del sonido heavy (es de 1968) y versioneado miles de veces, hasta por los Simpson.

Cuenta la leyenda que el grupo iba tan drogado cuando la grabaron que no sabían como acabarla (dura 17 minutos en el LP) y que el cantante y compositor Doug Ingle no podía ni pronunciar bien el título original (In the garden of Eden). Al final le cambiaron el título a lo que pronunciaba el colega.

El album, con influencias de los Doors, obtendría estupendos resultados comerciales, alcanzado el número 4 en listas y convirtiéndose en uno de los Lps puntales en la era del flower-power.

Es increíble que en los 60 le dejaran hacer un programa a Hugh Hefner (fundador y capo absoluto de Playboy) y encima le dejaran llevar a su programa a grupos como Deep Purple o Iron Butterfly.

Y aquí nos teníamos que conformar con Massiel y Manolo Escobar, que también tienen su puntito pero son otro rollo.

Ha recibido 1019 puntos

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BOB DYLAN - Bringing it all back home 1965

39. BOB DYLAN - Bringing it all back home 1965

http://www.youtube.com/watch?v=Be0H_AI1zys

Título clave en la discografía de Bob Dylan, pues en este trabajo electrifica por primera vez su sonido y ensancha (a pesar de las brutales críticas de los puristas del género) su sonido folk a otras latitudes como el rock'n'roll y el blues, asimismo expandió el significado de sus letras... Ver mas
Título clave en la discografía de Bob Dylan, pues en este trabajo electrifica por primera vez su sonido y ensancha (a pesar de las brutales críticas de los puristas del género) su sonido folk a otras latitudes como el rock'n'roll y el blues, asimismo expandió el significado de sus letras, influenciado a todos los grupos y solistas de su generación (y siguientes).

Este disco fue el inicio de una tríada de discos imprescindibles: "Bringing it all back home", "Highway 61 Revisited" y su gran obra maestra "Blonde on Blonde".

Una primera carga de predominio eléctrico se encuentra en sus temas iniciales con materia que comprende desde críptica imaginería surrealista a retazos humorísticos, irónicos y amorosos expuesta en piezas clásicas de rasa estructura y melodías repetitivas como "Subterranean Homesick Blues", "She Belongs to me", "Maggie's farm", "Love minus zero" (la canción más bella del álbum) o "Bob Dylan's 115th dream".

La cara b es totalmente acústica y en ella se despliegan cuatro grandes canciones (probablemente de las mejores de un disco acusado de eléctrico), entre las que destacan la sensacional "It's alright, Ma (I'm only bleeding)", repleta de comentarios sociales y políticos, "Mr. Tambourine Man", posteriormente un éxito para los Byrds, y la sensacional "It's all over now, baby blue", otro de sus temas más populares y versionados.

Entre los músicos de sesión que utilizó Dylan se encontraba tocando el bajo John Sebastian, futuro líder de Lovin' Spoonful.

Ha recibido 989 puntos

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JEFFERSON AIRPLANE - Surrealistic Pillow 1967

40. JEFFERSON AIRPLANE - Surrealistic Pillow 1967

http://www.youtube.com/watch?v=XR8LFNUr3vw

Bajo consejo musical y espiritual de Jerry García (Grateful Dead), la ácida banda edifica uno de sus mejores trabajos y uno de los mejores LPs del denominado sonido San Francisco. Pop-rock psicodélico y folk-rock de influencias Byrds o Buffalo Springfield cogidos de la mano para un segundo... Ver mas
Bajo consejo musical y espiritual de Jerry García (Grateful Dead), la ácida banda edifica uno de sus mejores trabajos y uno de los mejores LPs del denominado sonido San Francisco.

Pop-rock psicodélico y folk-rock de influencias Byrds o Buffalo Springfield cogidos de la mano para un segundo excelente álbum marcado por la sobresaliente escritura y las voces de Grace Slick, Marty Balin y Paul Kantner.

El album contiene extraordinarios temas como el melódico "My best friend", escrito por Skip Spence (primerizo componente de los Jefferson Airplane y posterior miembro de Moby Grape), las bellísimas baladas "Today" y "Comin' back to me", la rockera "3/5 of a mile in 10 seconds" y la lisérgica "Plastic Fantastic Lover", obras de un inspirado Balin.

Los dos grandes e inmortales clásicos de la banda compuestos por la recién llegada Slick, "Somebody to love" y "White Rabbit" complementan lo más destacado de este psicodélico cóctel de amor, hippismo y LSD, servido por un atrayente sentido de la armonía e impecable ejecución a cargo de grandes instrumentistas como los guitarristas Jorma Kaukonen y Kantner o el bajista Jack Cassady. "How do you feel", un tema a lo Mamas & The Papas, "DCBA.- 25" o la instrumental folk estilo Simon & Garfunkel "Embryonic Journey" son canciones muy disfrutables pero inferiores a las primeras citadas.

Ha recibido 955 puntos

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SANTANA - Santana 1969

41. SANTANA - Santana 1969

http://www.youtube.com/watch?v=dLDalZ4-53g

Santana es el álbum de debut en formato LP del grupo de rock de San Francisco (California), Santana. Se editó en 1969. El disco contiene una explosiva mezcla de rock y música latina, desarrollada en forma de jam session, repleta de improvisaciones, individuales y colectivas, aunque, por... Ver mas
Santana es el álbum de debut en formato LP del grupo de rock de San Francisco (California), Santana. Se editó en 1969.

El disco contiene una explosiva mezcla de rock y música latina, desarrollada en forma de jam session, repleta de improvisaciones, individuales y colectivas, aunque, por indicación del entonces manager de la banda, Bill Graham, se desarrollaron algunos de los temas de forma más convencional. La crítica recibió el disco con grandes alabanzas (la revista Rolling Stone, llegó a decir que Santana hacía por la música latina lo que Chuck Berry había hecho por el blues).

La música de Santana impactó en el Festival de Woodstock, celebrado en agosto de 1969, un mes antes del lanzamiento del disco. El single "Evil Ways", extraído del álbum, llegó al Top 10 de Billboard.

En 2003, estaba situado en el puesto nº 150 de la lista de la revista Rolling Stone. En 2004 se re-editó el disco con añadidos procedentes de Woodstock y tomas de las sesiones de grabación inicialmente no incorporadas.

De este álbum se han hecho 29 versiones en todo el mundo.

Aquí os dejo la formidable interpretación de Soul Sacriface del festival de Woodstock '69.

Ha recibido 948 puntos

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THE ROLLING STONES - Between the buttons 1967

42. THE ROLLING STONES - Between the buttons 1967

http://www.youtube.com/watch?v=_ZRN-MbXEt0

Álbum salvajemente denostado en su tiempo por no adaptarse a los cánones musicales previos destilados por el quinteto londinense, "Between the buttons" es, sin embargo, una maravilla de disco que conjuga con sapiencia y diversidad el sentir pop de la época dorada del género. Ecos de Kinks, Dylan... Ver mas
Álbum salvajemente denostado en su tiempo por no adaptarse a los cánones musicales previos destilados por el quinteto londinense, "Between the buttons" es, sin embargo, una maravilla de disco que conjuga con sapiencia y diversidad el sentir pop de la época dorada del género. Ecos de Kinks, Dylan o Beatles en unas canciones empapadas de esa perspectiva irónica en las relaciones masculinas/femeninas que habitualmente despliega la banda stoniana.


Hermosas piezas de orfebrería melódica, muy bien arregladas y trabajadas (con el gran Brian Jones incorporando multitud de instrumentos) que merecerían ser alabadas en su justa estima.

Los Rolling Stones demuestran con este trabajo que cuando construyen pop puede competir con cualquier gurú del estilo; además de este disco, no hay más que descubrir las caras 'B' de los sencillos de los primeros años de su carrera para darse cuenta de su talento en este terreno.

En una carrera llena de obras maestras, queremos destacar este magistral disco tan singular y maltratado por los "iluminados" de su tiempo.
Como anécdota citar que la extraordinaria balada "Ruby Tuesday" fue escrita por Brian Jones y Keith Richards (dedicada a una groupie), aunque terminó siendo acreditada por decisiones publicitarias al dúo Jagger/Richards, aumentando la frustración del genial músico.

Ha recibido 865 puntos

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JANIS JOPLIN & KOZMIC BLUES BAND - I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama! 1969

43. JANIS JOPLIN & KOZMIC BLUES BAND - I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama! 1969

http://www.youtube.com/watch?v=792tJkcNzY8

I Got Dem Ol Kozmic Blues Again Mama! es el primer álbum como solista de Janis Joplin, lanzado en 1969. El LP fue lanzado el 11 de septiembre de 1969 y alcanzó la certificación de disco de oro en los dos meses de su lanzamiento. La reedición en CD del álbum incluye como bonus extra el outtake de... Ver mas
I Got Dem Ol Kozmic Blues Again Mama! es el primer álbum como solista de Janis Joplin, lanzado en 1969. El LP fue lanzado el 11 de septiembre de 1969 y alcanzó la certificación de disco de oro en los dos meses de su lanzamiento. La reedición en CD del álbum incluye como bonus extra el outtake de "Dear Landlord" y las versiones de "Summertime" y "Piece of My Heart" grabadas en vivo en Wookstock.

Ha recibido 857 puntos

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CREAM - Wheels of Fire 1968

44. CREAM - Wheels of Fire 1968

http://www.youtube.com/watch?v=YdwVVI4B3oY

Cream: el “super grupo” considerado como el padre de todo junto con gente de la talla de Hendrix, estos tres tipos no eran precisamente unos desconocidos cuando se reunieron bajo esta marca: “Cream”, porque eran considerados la crema y nata de la escena musical cada uno con sus respectivos... Ver mas
Cream: el “super grupo” considerado como el padre de todo junto con gente de la talla de Hendrix, estos tres tipos no eran precisamente unos desconocidos cuando se reunieron bajo esta marca: “Cream”, porque eran considerados la crema y nata de la escena musical cada uno con sus respectivos instrumentos. En la época tras los Yardbirds y los Bluesbrakers de John Mayall en que Inglaterra amanecía con pintadas por doquier que rezaban “Clapton es Dios” tanto Baker como Bruce eran ya también muy valorados.

No sabemos como Clapton consiguió hacer de jamón y queso en este sandwich entre Baker y Bruce durante el tiempo que permanecieron juntos como banda, aliviando las hercúleas tensiones de ambos. El caso es que mereció y mucho la pena que aguantaran ese efímero lapso juntos porque parirían unos trabajos con los que algunos hemos disfrutado mucho. Les podemos poner todas las etiquetas que queráis y discutir si fueron más progresivos que psicodélicos o si esto es un rock blues, un pop cañero o incluso un hard rock, pero está claro que todos ellos rebosan música de la buena.

Entre julio de 1967 y abril de 1968 los miembros de Cream entran a grabar su tercer álbum "Wheels Of Fire", publicado en forma de disco doble en julio de 1968 por Atlantic en Estados Unidos y por Polydor en Gran Bretaña. "Wheels of Fire", que llegó al número 1 de ventas en Estados Unidos y al 3 en Gran Bretaña, contenía un disco con grabaciones de estudio y otro con temas en directo registrados en las salas Fillmore West y Winterland de San Francisco, aunque en los créditos sólo se mencionaba la primera.

Martin Sharp repitió en la creación de la portada, que recibió el premio al mejor diseño en el certamen Director Arts de Nueva York. El nuevo álbum llegó incluso a editarse con los discos de estudio y en directo por separado (titulados "In the Studio" y "Live at the Fillmore"), aunque con la misma portada, una en color dorado y otra plateado. El repertorio de estudio se abría con la magnífica "White Room", otro éxito de Jack Bruce que se convirtió en un icono del rock épico británico.

La fórmula ya empleada anteriormente de recrear versiones de clásicos del blues con el reclamo de la brillante guitarra de Clapton se repite de nuevo en piezas como "Sitting on Top of the World" y "Born Under a Bad Sign" junto a las nuevas canciones de Bruce y Baker, que se decantaron por un estilo más jazzístico e incluso de music-hall para este disco. Aunque gran parte de los temas de estudio rondan el aburrimiento, podemos destacar, además de "White Room", las canciones compuestas por Bruce junto al letrista Peter Brown.



Sirvan de ejemplo de ello la crítica "Politician", en la que Clapton mezcló tres solos de guitarra y que además contiene un buen riff siguiendo el patrón clásico de la estructura habitual en un blues, y el acústico "As You Said", del que a buen seguro tomó buena nota Jimmy Page para alguna de sus canciones. En las grabaciones de "Wheels of Fire" participó también el productor Felix Pappalardi (futuro componente de Mountain) tocando diversos instrumentos como la viola, el órgano o las campanas.

Pero la auténtica conmoción del álbum "Wheels of Fire" llega con la acelerada y saturada versión del tema "Crossroads" de Robert Johnson que abre el disco en directo. En ella Eric Clapton alcanzó su culmen como guitarrista con un solo de guitarra absolutamente demoledor que sería referencia de todos los guitarristas de rock posteriores. Tras "Crossroads" se incluyeron una larga versión con guitarra saturada del clásico blues "Spoonful", un habitual de los conciertos de Cream, y dos temas para el lucimiento instrumental de Bruce con la harmónica ("Traintime") y Baker con la batería ("Toad").

A pesar del éxito impresionante de "Wheels of Fire", que alcanzó ventas millonarias como el anterior "Disraeli Gears", el grupo había entrado ya en un claro proceso de desintegración y su último álbum sería prácticamente un compromiso con la discográfica y los seguidores de Cream, realizado con absoluta desgana por sus miembros, especialmente Clapton, que se había hartado de los larguísimos solos con los que se veía obligado a satisfacer al público. En otoño de 1968 la separación de Cream ya estaba acordada por sus miembros, que se despidieron del público con una gira por Estados Unidos y dos últimos conciertos en el Royal Albert Hall de Londres a finales de noviembre.

Ha recibido 816 puntos

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THE ZOMBIES - Odessey & Oracle 1968

45. THE ZOMBIES - Odessey & Oracle 1968

http://www.youtube.com/watch?v=834JSleHzqw

Una de las grandes joyas ocultas (en su día) de la historia de la música moderna y uno de los Lps más exquisitamente bellos jamás compuesto. Los líderes compositores Rod Argent y Chris White ofrecen un muestrario psicodélico-pop y pop barroco extraordinario, con temas que pondrán en más de una... Ver mas
Una de las grandes joyas ocultas (en su día) de la historia de la música moderna y uno de los Lps más exquisitamente bellos jamás compuesto.
Los líderes compositores Rod Argent y Chris White ofrecen un muestrario psicodélico-pop y pop barroco extraordinario, con temas que pondrán en más de una ocasión el vello de punta a los amantes de las canciones bien construidas, ejecutadas, y arregladas, repletas de juegos de voces, imaginación compositiva, tacto sensible y maestría en las armonías.

Además de su famoso "Time of the season", la música de los Zombies traspasada al oyente por la susurrante e incomparable vocalización de Colin Blunstone, la influyente base de teclados de Argent, la viveza de su sección rítmica y la destreza en las seis cuerdas de Paul Atkinson, desarrolla temas de impresionante textura melódica como "A rose for Emily", "Care of cell 44", "Beechwood Park" o "Hang up on a dream", que hacen de este disco uno de los imprescindibles en tu discoteca particular. ¿A qué esperas para buscarlo en tu tienda de discos y gozar con esta esencial e histórica formación?

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THE KINKS - Something Else 1967

46. THE KINKS - Something Else 1967

http://www.youtube.com/watch?v=5J3gX47rHGg

En 1967, mientras la mayoría de los artistas musicales estaban inmersos en la explosión psicodélica, los Kinks y más concretamente el inefable Ray Davies seguía escribiendo según le marcaban las pautas de su enorme inspiración, sin reparar en modas de ninguna clase. De esta forma, ese mismo año... Ver mas
En 1967, mientras la mayoría de los artistas musicales estaban inmersos en la explosión psicodélica, los Kinks y más concretamente el inefable Ray Davies seguía escribiendo según le marcaban las pautas de su enorme inspiración, sin reparar en modas de ninguna clase.
De esta forma, ese mismo año, el grupo se encerraba en el estudio de grabación con el productor Shel Talmy para registrar las excelentes trece canciones que integran "Something Else by The Kinks", entre ellas, una de las más brillantes y celebradas de toda su carrera, "Waterloo Sunset".
Además de este viaje por el atardecer de Waterloo, los Kinks nos regalan otras inmortales gemas impregnadas tanto de la usual ironía de su autor en punzantes comentarios sociales como de un romanticismo con tonos melancólicos.

Dentro del primer bloque se englobarían "David Watts", "Harry Rag", el barroquismo de "Two sisters" (que cuenta con sarcasmo la curiosa historia de dos hermanas que corren distinta suerte) o "Situation vacant", una pieza sobre un matrimonio fracasado tras la interferencia de una ambiciosa suegra en la que se incluyen primorosos sonidos de pianos y órgano Hammond.

En el segundo incluiríamos los ritmos de bossanova de la fenomenal "No Return", la sentimental y divertida "Afternoon tea" o la añoranza de un amor veraniego en "End of the season". Destacable es asimismo la celebración del astro rey en el tema de influjo lisérgico "Lazy Old Sun".

Dave Davies, aunque en muy menor medida, comienza a desarrollar su faceta compositiva colaborando con su hermano en "Death of a clown" y escribiendo en solitario dos temas de fácil aprovechamiento, como "Funny face" y la impresionante "Love me till the sun shines", que configuran un sensacional trabajo apoyado por la importantísima labor rítmica del bajita Pete Quaife y el infravalorado y fundamental trabajo en la batería de Mick Avory.

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THE MOODY BLUES - Days of future passed 1967

47. THE MOODY BLUES - Days of future passed 1967

http://www.youtube.com/watch?v=7rkgm1yGgbM

Cuando Denny Laine, uno de los principales sustentos de los primeros Moody Blues, dejó al grupo de Birmingham tras su álbum debut, el conjunto, con la incorporación del cantante Justin Hayward giró 180º, coincidiendo con un contexto sonoro repleto de innovaciones y experimentación, de un primer... Ver mas
Cuando Denny Laine, uno de los principales sustentos de los primeros Moody Blues, dejó al grupo de Birmingham tras su álbum debut, el conjunto, con la incorporación del cantante Justin Hayward giró 180º, coincidiendo con un contexto sonoro repleto de innovaciones y experimentación, de un primer R&B con influencia de James Brown hacia la música psicoprogresiva, con la psicodelia y el carácter conceptual dominando la escritura de una banda que grabó sus mejores discos en el período que va desde 1967 a 1971.

El primero fue este “Days of Future Passed” (1967), un LP sensacional que fue producido por Tony Clarke, pieza importante en el nuevo sonido de los Moody Blues, ya que produjo todos los trabajos más satisfactorios de un grupo que, influenciado por el “Sgt. Pepper’s” de los Beatles, añadió profusos arreglos orquestales, obra de Pete Knight y la London Festival Orchestra, y si el resultado final no es superior a la obra de los Fab Four, por lo menos está a su altura.

El álbum, una de las primeras obras conceptuales en la historia que mezclaba el rock y la música clásica, recorre en un progreso casi cinematográfico iniciado con dispositivos e interludios de naturaleza clásica que se alternan con inmejorables piezas de pop psicodélico, un día entero, partiendo como es lógico desde el amanecer hasta la culminación del crepúsculo nocturno entonando su canción más conocida, la excelente “Nights in White Satin”.

El disco es sofisticado y opulento en instrumentación, con hermosas texturas y melodías, con múltiples y sorprendentes variaciones en tempos, voces ejemplares en solitario o en armonías que subrayan la emocionalidad de la narrativa, arreglos de gran sensibilidad, gradaciones múltiples que van con tacto poético de la melancolía a la alegría, hipnóticos desarrollos de tipo lisérgico…

Junto a “Nights in White Satin”, y en un disco que hay que escuchar de un tirón (aunque la apertura clásica y ciertos interludios pueda resultar de escasa querencia para los poco amantes de los sonidos orquestados) destacan joyas como “Another Morning”, pop psicodélico escrito por Ray Thomas con un irresistible ritmo festivo adornado por ensoñadoras voces y terminado con una coda orquestada en la que podría aparecer Fred Astaire bailando con Ginger Rogers, al igual que en los inicios de “Peak Hour”, tema de John Lodge que evoluciona tras el interludio hacia la lisergia con armonías vocales y ecos garajeros destacados por una imponente sección rítmica a lo Who.

Otra maravilla del disco es “Forever Afternoon”, el otro tema escrito, además de “Nights in White Satin”, por Hayward, con sonidos de mellotron, gran interpretación vocal y un desarrollo melódico con el que es casi imposible toparse hoy en día, al igual que el apreciado en la preciosa balada acústica de John Lodge “Time to Get Away”, con una ejemplar combinación entre guitarra acústica, piano y sensible expresión vocal en falsete y armonías.


Mike Pinder nos regala un corte puramente psicodélico-oriental en “The Sunset”, con una percusión mesmerizante y una atmósfera propicia a la danza del vientre o al encantamiento de serpientes, y el bajista Ray Thomas preludia “Nights in White Satin” con una de mis piezas favoritas del disco, “Twilight Time”, corte psicodélico con letárgica combinación de voces, un tempo avivado, una lírica que construye un seductor escenario crepuscular de buena imaginería, y, por supuesto, como todo el disco, una melodía fantástica.

A algunos amollereros este LP les puede sonar pretencioso, y quizá lo sea. Pero ojalá todas las pretenciosidades artísticas fuesen como este magistral disco.

Ha recibido 736 puntos

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THE KINKS - Face to Face 1966

48. THE KINKS - Face to Face 1966

http://www.youtube.com/watch?v=dGcrhqmOM88

Fenomenal grabación del mordaz cronista británico Ray Davies, que significa la capacidad de este autor como uno de los más grandes letristas de la historia del pop, curiosamente manejándose con textos sencillos para configurar ricas viñetas en situaciones y personajes. Entre sus virtudes se... Ver mas
Fenomenal grabación del mordaz cronista británico Ray Davies, que significa la capacidad de este autor como uno de los más grandes letristas de la historia del pop, curiosamente manejándose con textos sencillos para configurar ricas viñetas en situaciones y personajes.

Entre sus virtudes se encuentra también la capacidad de ubicar sus perspicaces textos en exquisitas líneas melódicas, por ejemplo la interpretada por la cruda factura vocal de su hermano Dave en "Party Line", desarrollar una acompasada pieza con trazas R&B de nuevo con Dave en la voz solista en "You're looking fine", ofrecer lustrosos regalos barrocos con clavicordio en "Rosy, won't you please come home", un tema dedicado a su hermana, u ofrecer un sincero tributo con "Session Man" al recurrido pianista Nicky Hopkins, presente también los créditos del álbum.

Atmosféricos temas como "Rainy day in June" y "Fancy", canción con aires orientales ,y otra serie de títulos totalmente imprescindibles con la causticidad propia de los Kinks, como "Dandy" (versionada con posterioridad por los Herman's Hermits), "House in the country", "Most exclusive residence for sale", "Little miss queen of darkness", el número 1 en listas británicas "Sunny Afternoon", o la nostálgica "I'll remember", hacen de "Face to Face" un trabajo clave en la trayectoria y evolución del grupo de los hermanos Davies.

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STEPPENWOLF - Steppenwolf 1968

49. STEPPENWOLF - Steppenwolf 1968

http://www.youtube.com/watch?v=fpZDiOSf_wY

Born to Be Wild, The Pusher, Hoochie Coochie Man, este disco es de lo mejor que Steppenwolf produciría. Sonido muy rock & blues con buenas guitarras eléctricas. Predecesor de lo que sería el Heavy Metal (y probablemente su frase Heavy Metal Thunder en Born to be Wild sea la causa), Steppenwolf... Ver mas
Born to Be Wild, The Pusher, Hoochie Coochie Man, este disco es de lo mejor que Steppenwolf produciría.
Sonido muy rock & blues con buenas guitarras eléctricas. Predecesor de lo que sería el Heavy Metal (y probablemente su frase Heavy Metal Thunder en Born to be Wild sea la causa), Steppenwolf es un clásico de la historia rockera.

Extremadamente conocido por ser el soundtrack de "Easy rider" o "Busco mi destino". Un clásico del cine underground dirigido por Dennis Hopper, con Peter Fonda y el desconocido Jack Nicholson.

Ha recibido 701 puntos

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PROCOL HARUM - Procol Harum 1967

50. PROCOL HARUM - Procol Harum 1967

http://www.youtube.com/watch?v=Mb3iPP-tHdA

Disco debut de la banda inglesa de rock progresivo y experimental Procol Harum, lanzado después de su altamente exitoso single titulado A Whiter Shade Of Pale. Procol Harum se remonta a The Paramouns, trío formado por el cantante y pianista Gary Brooker, el guitarrista Robin Trower y el... Ver mas
Disco debut de la banda inglesa de rock progresivo y experimental Procol Harum, lanzado después de su altamente exitoso single titulado A Whiter Shade Of Pale.

Procol Harum se remonta a The Paramouns, trío formado por el cantante y pianista Gary Brooker, el guitarrista Robin Trower y el bajista y organista Chris Copping. Después de haber tenido poco éxito, The Paramouns se disolvió en 1966, y Brooker se juntó con Keith Reid (letrista), Matthew Fisher (organista), Ray Royer (guitarrista) y David Knights (bajista). Tomaron el nombre del gato de un amigo del manager, Procol Harum.

En 1967 y con un baterista invitado, grabaron su primer y más famosa canción, A Whiter Shade Of Pale, la cual es una readaptación de una clásica obra de Bach magistralmente acompañada por la melancólica voz de Brooker y letra de Reid. Con esa canción irrumpieron tempranamente en la escena psicodélica de los 60. John Lennon admitió ser un gran fan de la canción, y afirmó que solía ponerla en su auto para consumir LSD con su melodía.

Recién después del éxito obtenido, Robin Trower (ex-Paramounts) oportunamente reemplazó a Ray Royer, sumando al grupo una guitarra más característica, que no había estado presente en Whiter Shade.

Más tarde, ese mismo año, grabaron su primer álbum homónimo, el cual incluye el single anterior sólo en la versión de United States. La presencia de Whiter Shade, sin embargo, no opaca al resto del disco: Conquistador y She Wandered Through The Garden Fence son dos canciones que también obtuvieron éxito. En mi opinión el mejor tema del álbum es Repent Walburgis, el cual también es una readaptación de Bach en la que se destaca el uso del órgano Hammond, y que suena un tanto parecida a A Whiter Shade Of Pale.

Ha recibido 685 puntos

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JANIS JOPLIN & BIG BROTHER AND THE HOLDING COMPANY - Cheap Thrills 1968

51. JANIS JOPLIN & BIG BROTHER AND THE HOLDING COMPANY - Cheap Thrills 1968

http://www.youtube.com/watch?v=ApfKglyNjyA&feature=fvst

La Big Brother había obtenido una considerable atención por parte de público después de la exitosa actuación que habían realizado en el Monterey Pop Festival, hecho que llevó el lanzamiento de su álbum debut. A pesar de su repentino éxito, el álbum tuvo un modesto éxito alcanzando como máximo el... Ver mas
La Big Brother había obtenido una considerable atención por parte de público después de la exitosa actuación que habían realizado en el Monterey Pop Festival, hecho que llevó el lanzamiento de su álbum debut. A pesar de su repentino éxito, el álbum tuvo un modesto éxito alcanzando como máximo el n.º 60 en las listas, aunque el sencillo "Down On Me" casi lograba entrar en el Top 40. Columbia Records, ofreció a la banda un nuevo contrato, pero tuvieron que pasar algunos meses para el traspaso, ya que todavía estaban firmados con Mainstream Records. En agosto de 1968, ya con Columbia, se lanzó Cheap Thrills. El álbum contó con tres covers ("Summertime", "Piece of My Heart","Ball and Chain").

La portada fue creada por el dibujante underground Robert Crumb, después de que la banda tuviera la idea original. Inicialmente, el álbum iba a ser llamado Sex, Dope and Cheap Thrills, pero el título no fue bien recibido por Columbia Records, motivo por el cual tuvo que ser recortado a Cheap Thrills.

En 2003, el álbum fue posicionado n.º 338 en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista musical Rolling Stone.

Ha recibido 665 puntos

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LOVE - Forever Changes 1967

52. LOVE - Forever Changes 1967

http://www.youtube.com/watch?v=7yVBMUXr4xo

Una de las grandes obras maestras de la historia del pop-rock en la que el líder del grupo californiano Love, Arthur Lee, va desgranando su peculiar y surrealista visión del mundo y del amor, con magistrales temas imbuidos de atractivas y trémulas texturas folk-rock y psicodélicas, siempre... Ver mas
Una de las grandes obras maestras de la historia del pop-rock en la que el líder del grupo californiano Love, Arthur Lee, va desgranando su peculiar y surrealista visión del mundo y del amor, con magistrales temas imbuidos de atractivas y trémulas texturas folk-rock y psicodélicas, siempre desplegadas en hechizantes melodías pop de hálito acústico, ensalzadas por la palpitante voz del inestable genio.

El fallecido cantante y guitarrista Bryan MacLean acompaña al talentoso Lee con dos extraordinarias y bellas composiciones ("Alone again or" quizá sea la canción más popular del disco) que no desmerecen para nada el conjunto de un trabajo clave en el desarrollo del pop.

Maravillosamente arreglado y orquestado, se trata de un disco sin desperdicio, al igual que el anterior Lp del grupo, "Da Capo" y el posterior "Four Sail".

Ha recibido 661 puntos

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THE ROLLING STONES - Their satanic majestic request 1967

53. THE ROLLING STONES - Their satanic majestic request 1967

http://www.youtube.com/watch?v=-JcvWs-65uQ

Producido por ellos mismos tras la marcha de Andrew L. Oldham, "Their satanic majesties request" fue el particular intento de sus satánicas majestades de emular el mítico "Sgt. Pepper's" de los Beatles. Lo negativo del experimento es que no se acercaron al nivel de la obra maestra de los de... Ver mas
Producido por ellos mismos tras la marcha de Andrew L. Oldham, "Their satanic majesties request" fue el particular intento de sus satánicas majestades de emular el mítico "Sgt. Pepper's" de los Beatles. Lo negativo del experimento es que no se acercaron al nivel de la obra maestra de los de Liverpool, apreciandose en cambio la confusión que por aquella época estaba atravesando el grupo, concretamente en obras menores como la infumable "Sing this all together (see what happens)", "Gomper" (con unos evidentes aromas orientales) o "The lantern".


No se encuentran cómodos entre tanto ensayo sonoro, pero aún así, son capaces de construir un buen número de brillantes piezas pop empapadas en ácido lisérgico como "Citadel", "In another land" (única e imaginativa composición de Bill Wyman para los Stones), "2000 men", "On with the show" o las deslumbrantes "She's a rainbow" y "2000 light years from home". Disfrutable, pero se podía esperar más del álbum psicodélico de los Stones.

Ha recibido 640 puntos

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THE KINKS - The Village Green Preservation Society 1968

54. THE KINKS - The Village Green Preservation Society 1968

http://www.youtube.com/watch?v=adn3DCWUyMA&feature=fvst

Primera y soberbia producción de Ray Davies en un conjunto idílico de naturaleza conceptual y tonalidad melancólica, tan brillante en su labor melódica como en su aspecto lírico. Al margen de las modas y corrientes sonoras que le rodeaban a ambos lados del Atlántico, Ray Davies proseguía su... Ver mas
Primera y soberbia producción de Ray Davies en un conjunto idílico de naturaleza conceptual y tonalidad melancólica, tan brillante en su labor melódica como en su aspecto lírico.

Al margen de las modas y corrientes sonoras que le rodeaban a ambos lados del Atlántico, Ray Davies proseguía su itinerario sardónico sobre sus congéneres y contexto social con esta maravilla bucólica denominada "The Village Green Preservation Society", un evocativo y pastoril LP de pop y rock con trazos cabareteros e incluso blues ("Last Of The Stream Powered Trains").

Es una crónica nostálgica sobre las costumbres y tradiciones británicas, una memoria de los paisajes, personajes y valores de un pequeño pueblo verdoso que componen el mejor y más subestimado disco de los Kinks.

Ha recibido 621 puntos

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THE KINKS - Arthur 1969

55. THE KINKS - Arthur 1969

http://www.youtube.com/watch?v=z2GHlcwlT1Y

Una de las varias y variadas obras maestras de la banda de los hermanos Davies. En esta ocasión, la perspicaz visión irónica de Ray sobre su tierra británica se centrará desde esta gran obra conceptual proyectada para una nunca realizada serie televisiva en las características y posturas vitales... Ver mas
Una de las varias y variadas obras maestras de la banda de los hermanos Davies. En esta ocasión, la perspicaz visión irónica de Ray sobre su tierra británica se centrará desde esta gran obra conceptual proyectada para una nunca realizada serie televisiva en las características y posturas vitales del ciudadano medio británico ejemplificado en un personaje llamado Arthur.

Brillante texto de un letrista sin igual, extraordinaria ejecución musical (la guitarra de Dave, la base rítmica de Avory/Dalton -Quaife se había marchado de la banda- y los arreglos son de antología) con un amplio catálogo de rasgos estilísticos marcados por la extraordinaria percepción melódica de Ray Davies.

Sea desde el pop, el rock o el music-hall, sea desde el sonido de una plácida guitarra acústica, o desde la más vigorizante electricidad "Arthur" combina con maestría y heterogeneidad elementos críticos con tonos melancólicos, humor ácido con sombría tristeza en sus remembranzas victorianas, cánticos antibélicos, paseos en automóvil, artificiosos paraísos privados, crítica social o nostalgias infantiles.

Un trabajo imperial desde la primera canción hasta la última.

Ha recibido 605 puntos

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THE HOLLIES - Butterfly 1967

56. THE HOLLIES - Butterfly 1967

http://www.youtube.com/watch?v=SB1G9A3zxRw

Probablemente el mejor trabajo de uno de los grandes grupos en la historia del pop. La música de los Hollies no busca la trascendencia filosófica o la autocomplacencia artística, pero tampoco cae en la inane superficialidad comercial (siempre hablando de la etapa de Graham Nash en la... Ver mas
Probablemente el mejor trabajo de uno de los grandes grupos en la historia del pop.

La música de los Hollies no busca la trascendencia filosófica o la autocomplacencia artística, pero tampoco cae en la inane superficialidad comercial (siempre hablando de la etapa de Graham Nash en la formación) ni en la nefasta producción de mucha basura comercial-actual a la que llaman injuriosamente pop.

Su objetivo es escribir perfectas melodías, manejar los ritmos como pocos, y comulgar con sugerentes sus electrizantes vocales.

Junto a "Evolution" y "For certain because" este el disco imprescindible para entender la importancia de los Hollies en la música popular.

Psicodelia de suntuosa producción (con sitares, flautas, metales, mellotron...) y letras que atrapan a la perfección la época lisérgica en doce temas extraordinarios sin desperdicio, lo que hace muy difícil la elección de canciones favoritas (por citar algunas, "Dear Eloise", "Pegasus", "Would you believe", "Postcard", "Step Inside" o la propia "Butterfly").


Para amantes de la buena música. Imprescindible, de obligada escucha.

Ha recibido 591 puntos

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FRANK ZAPPA - Hot Rats 1969

57. FRANK ZAPPA - Hot Rats 1969

http://www.youtube.com/watch?v=pKlAIhuXRLE

El primer disco solista de Zappa, grabado con tecnología experimental y haciendo carne toda la personalidad de un músico enajenado, frenético y alucinante. Un disco de 1969, lleno de colores e imágenes que constituye “una película para tus oídos”. Alrededor de 1950 arriba a Monterrey... Ver mas
El primer disco solista de Zappa, grabado con tecnología experimental y haciendo carne toda la personalidad de un músico enajenado, frenético y alucinante. Un disco de 1969, lleno de colores e imágenes que constituye “una película para tus oídos”.

Alrededor de 1950 arriba a Monterrey, California, a 150 kilómetros de San Francisco, una familia de origen siciliano. El motivo: su hijo Frank padecía de agudos episodios asmáticos que debía tratarse con frecuencia en clínicas especializadas. Cinco años más tarde, y por la misma razón, se mudarían a Lancaster, pequeña ciudad en el valle Antelope, en el desierto Mojave. Así, a causa de su enfermedad, Frank Zappa viviría una infancia nómade y desarraigada, un antecedente de la posterior alienación que plasmaría en su música interplanetaria.

Su padre era un químico siciliano que trabajaba en un centro de investigación de armas químicas para el ejército estadounidense. Su casa estaba repleta de mascarillas e implementos anti bacteriológicos. El joven Frank desarrolló entonces, además de su enajenación, una paranoia muy particular respecto de la industria militar secreta.

Las radios aledañas de Los Ángeles, los jingles televisivos, y algunos instrumentos desperdigados por su casa, sumado todo a una personalidad extravagante, producto de extraña historia, harían germinar su inclasificable genio musical y artístico en general.

Líder y precursor de la exquisita banda The Mothers of Invention, en la que participaron músicos de la talla de Jean Luc Ponty y Warren Cuccurullo, Zappa se paseó cómodamente por una interminable gama de estilos que van desde el jazz, el rock y hasta la música sinfónica. (Basta con decir que Pierre Boulez dirigió más de una de sus obras.)

Hot Rats es el primer disco solista de Zappa, después de la disolución de los Mothers, como se les conocería coloquialmente.

La placa experimenta con técnicas de grabación hasta entonces desconocidas. Mientras The Beatles -nada menos- grababan con tecnología de 8 pistas su álbum Abbey Road, Zappa lo hacía con 16 tracks. Bronces, guitarras y sintetizadores se complementan para dar a luz a una experiencia sonora alucinógena y frenética, que cuenta con 6 temas de los cuales 5 son instrumentales. Captain Beefheart, un excéntrico músico norteamericano tiene una aparición magistral en el segundo corte del disco Willie the Pimp.

Una producción de un colorido apabullante, repleto de timbres, imágenes y motivos que se repiten inesperadamente durante el transcurso del disco es toda una obra maestra de uno de los musicos más geniales de la história.

Ha recibido 573 puntos

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CREAM - Fresh Cream 1966

58. CREAM - Fresh Cream 1966

http://www.youtube.com/watch?v=SN3oTror-yc

Recomendable LP para los buenos amantes del blues y el pop psicodélico. Producido por Robert Stigwood, “Fresh Cream” es un álbum debut en el cual la banda británica alterna la lisergia con sus deudas con los grandes maestros negros con interpretaciones virtuosas pero espontáneas, sin artificios... Ver mas
Recomendable LP para los buenos amantes del blues y el pop psicodélico. Producido por Robert Stigwood, “Fresh Cream” es un álbum debut en el cual la banda británica alterna la lisergia con sus deudas con los grandes maestros negros con interpretaciones virtuosas pero espontáneas, sin artificios fatuos en una borrachera instrumental que festeja los sonidos blues.

La genialidad en la guitarra de Eric Clapton, el bajo y la armónica de Jack Bruce y la batería de Ginger Baker alientan y homenajean de manera extraordinaria clásicos del blues como Willie Dixon (“Spoonful”), Robert Johnson (“Four Until Late”), Muddy Waters (con una excitante e inolvidable interpretación del “Rollin’ and Tumblin’”) o Skip James ( “I’m So Glad”, con arreglos básicamente pop que posteriormente serían acrecentados en la versión de Deep Purple).

Junto a estos temas y en sus propias composiciones, escritas en su mayoría por Jack Bruce, tienden más hacia cortes de magnífico pop lisérgico que subrayan el momento juvenil de ansia libertaria y encuentro amoroso, la búsqueda de felicidad o la placidez al margen del tumulto urbano.

El tema más recordado del álbum en este aspecto es “I Feel Free”, maravilla pop y segundo single del grupo (el primero fue “Wrapping paper”, una canción no incluida en su día en el disco aunque sí en futuras reediciones).

Otros cortes grandiosos de similar tendencia sonora son “N.S.U.”, “Dreaming” (ambos con la autoría de Bruce) o “Sweet ine”, este último escrito por Baker y con un gran solo de Clapton.
Jack Bruce también demuestra que sabe componer buenas piezas blues, valga de ejemplo la absorbente “Sleepy Time Time”.

En este recorrido, inicio de la influyente carrera de un histórico grupo, también hayamos revisiones del tema tradicional “Cat’s Squirrel” (con una fenomenal armónica de Bruce) o “Toad”, un instrumental compuesto por Ginger Baker en el cual el excelente batería demuestra su habilidad con las baquetas.

Ha recibido 563 puntos

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BLIND FAITH - Blind Faith 1969

59. BLIND FAITH - Blind Faith 1969

http://www.youtube.com/watch?v=dkTgjyZWkQU

Blind Faith fue uno de los primeros supergrupos en la historia del rock. Se creó en el año 1969 y estaba formado por Steve Winwood, Eric Clapton, Rick Grech y Ginger Baker, algunos de los músicos británicos más prominentes del período. Winwood (nacido el 12 de mayo de 1948 en Birmingham... Ver mas
Blind Faith fue uno de los primeros supergrupos en la historia del rock. Se creó en el año 1969 y estaba formado por Steve Winwood, Eric Clapton, Rick Grech y Ginger Baker, algunos de los músicos británicos más prominentes del período.

Winwood (nacido el 12 de mayo de 1948 en Birmingham) había liderado Traffic y la Spencer Davis Group, Clapton (nacido el 30 de mayo de 1945 en Surrey) era uno de los guitarristas más respetados del mundo gracias a sus trabajos con los Yardbirds y Cream, grupo también en el que militaba el batería Ginger Baker (nacido el 19 de agosto de 1939 en Londres). Por su parte Rick Grech (nacido el 1 de noviembre de 1945 en la localidad francesa de Burdeos) había tocado en Family.

Tras la inesperada ruptura de Cream, uno de los grupos clave del momento, Blind Faith parecía que iba prorrogar su existencia a nivel sonoro, hecho que fue recibido con agrado por los amantes de la anterior banda de Clapton y por los buenos aficionados al rock en general.

El debut del grupo en vivo se produjo en un conocido escenario, el Hyde Park de Londres, en donde recibieron una respuesta entusiasta, como así fueron todos sus memorables y abarrotados conciertos.

Su único disco fue “Blind Faith” (1969), un excelente LP con portada censurada en la que aparecía desnuda la hija de Ginger Baker jugando con una avioncito que muchos consideraron un símbolo fálico.
El álbum, producido por Jimmy Miller, colaborador de los Rolling Stones o Traffic, arreglado por Robert Stigwood y Chris Blackwell, y repleto de piezas blues-rock y hard-rock con retazos psicoprogresivos, ponía de manifiesto la profesionalidad en la composición y ejecución del cuarteto, llegando con facilidad al número 1 en las listas más importantes del planeta.


“Blind Faith” contenía una versión de Buddy Holly, “Well… All right”, y canciones, la mayoría escritas por Steve Winwood, como “Hard To Cry”, la acústico “Can’t Find My Way Home”, o “Sea of Hoy”.
Clapton compuso “Presence Of The Lord”, uno de los mejores momentos del disco, y Baker la pieza más extensa del LP, “Do What You Like”, tema que duraba más de quince minutos.

Tristemente y al igual que había pasado con Cream, el choque de egos motivó la ruptura del proyecto y sus ilustres miembros separaron sus caminos musicales, retornando Winwood al seno de Traffic.

Ha recibido 554 puntos

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FRANK ZAPPA & THE MOTHERS OF INVENTION - Freak Out 1966

60. FRANK ZAPPA & THE MOTHERS OF INVENTION - Freak Out 1966

http://www.youtube.com/watch?v=THGjCgi6sbA

Todo un gurú de la experimentación, la vanguardia sónica y del humor ácido, la parodia y la sátira, Frank Zappa y sus Mothers of Invention presentaban este primer disco en plena efervescencia hippie y psicodélica, un trabajo conceptual editado en su tiempo como doble Lp y estructurado en una... Ver mas
Todo un gurú de la experimentación, la vanguardia sónica y del humor ácido, la parodia y la sátira, Frank Zappa y sus Mothers of Invention presentaban este primer disco en plena efervescencia hippie y psicodélica, un trabajo conceptual editado en su tiempo como doble Lp y estructurado en una dualidad sonora muy distinguible.

El primer disco está compuesto por canciones cortas, muy cercanas al pop procedente de las Islas Británicas, melódicamente muy conseguidas como "Anyway the wind blows", "Motherly love" (amor a los Mothers of Invention, por supuesto), "You didn't try to call me", "I'm not satisfied" (todo un canto al suicidio), "How can I be such a fool" o "Wowie Zowie" (esta pieza con un teclado a lo Del Shannon).
La psicodelia brilla en temas ya clásicos como "Who are the brain police?" o "Hungry freaks, daddy" (de influencia stoniana). Tampoco desdeña retazos doo-wop y jazzísticos, que serían marca de la casa en su ecléctica y prolífica trayectoria artística.

El segundo vinilo (mucho menos accesible comercialmente, algo que a Zappa le traía al fresco) presenta una feroz tríada de largas piezas de cimiento vanguardista y determinada diatriba social, marcadas por un atractivo y caótico poder sónico que se inicia con la soberbia y garajera, con ecos dylanianos, "Trouble every day" y que es continuado por cortes tan pasmosamente perturbados y audaces como "Help, I'm a rock" (con la participación de Kim Fowley) o "The return of the son of Monster Magnet".
Gran producción de Tom Wilson (colaborador de Dylan, Simon & Garfunkel o Soft Machine) para las fenomenales composiciones zappianas, que influyeron en Paul McCartney (junto a "Pet Sounds") para idear el "Sgt. Peppers".

Ha recibido 551 puntos

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CROSBY, STILLS & NASH - Crosby, Stills & Nash 1969

61. CROSBY, STILLS & NASH - Crosby, Stills & Nash 1969

http://www.youtube.com/watch?v=4i-Vj820xRQ

El aroma hippie propio de la época de Woodstock destilado por este clásico álbum marcado por sus textos de amor, paz, libertad y crítica sociopolítica en temas ensalzados por las estupendas armonías de la tríada vocal exhibida por sus ilustres componentes: Stephen Stills (ex Buffalo Springfield... Ver mas
El aroma hippie propio de la época de Woodstock destilado por este clásico álbum marcado por sus textos de amor, paz, libertad y crítica sociopolítica en temas ensalzados por las estupendas armonías de la tríada vocal exhibida por sus ilustres componentes: Stephen Stills (ex Buffalo Springfield), David Crosby (ex Byrds) y Graham Nash (ex Hollies).

El álbum incluye canciones tranquilas de instrumentación acústica con escasa intensidad rítmica que nos narra elegías a Judy Collins, rememora el asesinato de Robert Kennedy, manifiesta protestas contra la guerra del Vietnam o retrata viñetas amorosas dibujadas en bellas melodías, entre las que destacan "Suite: Judy Blue Eyes", "Guinnevere", "Wooden Ships", "Helplessly Hoping" y "Long Time Gone".

Un muy buen disco debut de texturas folk, tranquilo y reflexivo, de gran calibre emocional que sería superado por "Deja Vu", en donde el terceto se convertía en cuarteto con la presencia de Neil Young.

Ha recibido 539 puntos

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THE BYRDS - Mr. Tambourine Man 1965

62. THE BYRDS - Mr. Tambourine Man 1965

http://www.youtube.com/watch?v=mj0H1d9_lgw&feature=fvst

Primer álbum de una de las mejores bandas de la historia. Fusionando con visión propia elementos del beat británico, fundamentalmente los Beatles, y su pasión por el folk de Bob Dylan (especialmente Robert (Jim) McGuinn) lograron establecerse como una de los grupos más influyentes de todos los... Ver mas
Primer álbum de una de las mejores bandas de la historia. Fusionando con visión propia elementos del beat británico, fundamentalmente los Beatles, y su pasión por el folk de Bob Dylan (especialmente Robert (Jim) McGuinn) lograron establecerse como una de los grupos más influyentes de todos los tiempos y el nombre esencial de la música americana por su contribución a multitud de formas sonoras (pop, folk, country, psicodelia, rock, folk-rock, country-rock, country-pop, bluegrass, power-pop...).

En este disco debut, los Byrds ofrecían muchas versiones, pero impregnadas con su característico estilo que las hacía propias: el omnipresente repique guitarrero con el particular sonido de la Rickenbacker de 12 cuerdas propiedad de McGuinn y el estupendo sentido de la armonía vocal del grupo herencia Beatles.

El cover de "Mr. Tambourine Man" (número 1) dejaría con la boca abierta al propio Zimmerman y éste terminaría adoptando la electricidad ante el descontento de sus seguidores más folk.
Otros temas de Dylan que los Byrds incluyen en el disco como "Spanish Harlen Incident", "All I really want to do" o "Chimes of Freedom" volvían a dar una vuelta de tuerca a las magníficas composiciones del genio de Minnesota.

Más versiones incluidas en este esencial álbum fueron "The Bells of Rhymney" de Pete Seeger, con un espléndido trabajo de guitarra de McGuinn que influenció a George Harrison para componer "If I needed someone" y "Don't doubt yourself, babe", un tema de la compositora Jackie DeShannon, que había afirmado tras escuchar el single de adelanto "Mr. Tambourine Man", que los Byrds tenía mucho talento (no se equivocaba) y serían verdaderamente grandes.
Los californianos le dedicarían en agradecimiento por sus halagos la grabación de este título en su primer trabajo en formato Lp. Por último, ofrecían una melodiosa versión del clásico "We'll meet again".

Las composiciones propias de los Byrds por ese momento estaban dominados por el espléndido talento de Gene Clark, su miembro más dotado para la escritura que otorgaba un punto entre nostálgico y sentimental a unos maravillosos temas de enorme capacidad melódica.

La flemática "I'll feel a whole lot better", la plañidera "You won't have to cry" (compuesta a medias con McGuinn), la melancólica "Here without you", la romántica "I knew I'd want you" y la ritmica "It's no use" (también con McGuinn) con un solo de guitarra de pinceladas psicodélicas son auténticas delicias de un gran autor que dejó a los Byrds por su miedo a volar.

Ha recibido 532 puntos

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NEIL YONG - Everybody knows this is nowhere 1969

63. NEIL YONG - Everybody knows this is nowhere 1969

http://www.youtube.com/watch?v=BoA5cqDSasM

Obra maestra absoluta del gran Neil Young. En este segundo LP en solitario colaboró por primera vez con los ex Rockets, rebautizados como Crazy Horse, una banda que consiguió aportar a la música de Neil energía y una inusitada crudeza, característica en sus discos más rockeros. Lo increíble... Ver mas
Obra maestra absoluta del gran Neil Young. En este segundo LP en solitario colaboró por primera vez con los ex Rockets, rebautizados como Crazy Horse, una banda que consiguió aportar a la música de Neil energía y una inusitada crudeza, característica en sus discos más rockeros.

Lo increíble de este trabajo es la elevada comunión entre fuerza y sensibilidad que alcanza el maestro en temas de tembloroso rock con ocasionales retazos country.

Las canciones suelen ser de larga duración con tendencia a la improvisación, pero se hacen cortas gracias a la soberbia conjunción y diálogo entre los diferentes instrumentos, que agrietados van tejiendo unos brillantes ejercicios de absorbente atmósfera.

Desde una tonalidad agridulce y melancólica, Neil va exponiendo sus emociones amorosas en piezas clásicas como "Cinnamon Girl", un estupendo rock de incisivo riff, "Everybody Knows this is Nowhere", triste y bella melodía de sabor country, "Round & Round", gran tema de especial sensibilidad cantado junto a Robin Lane (futura miembro líder de los Chartbusters), "Down by the River", hipnótica conjunción instrumental de Neil y los Crazy Horse contando una excelente historia rebosante de amor y muerte, "The Losing End", country-rock de primer orden sobre un vívido cántico desesperado por el amor perdido, "Running Dry", lívida atmósfera para esta obra maestra acentuada por un plañidero violín tocado por Bobby Notkoff, y la sensacional "Cowgirl in the sand", una de las canciones que mejor singulariza el poderío sónico de Neil con los Crazy Horse.

Ha recibido 525 puntos

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THE VELVET UNDERGROUND - The Velvet Underground 1969

64. THE VELVET UNDERGROUND - The Velvet Underground 1969

http://www.youtube.com/watch?v=k8REIw0amb8&feature=fvst

Los neoyorquinos Velvet Underground, liderados por el gran Lou Reed, publicaban este tercer álbum de homónimo título caracterizado por un áspero sonido de desnuda ejecución y por la ausencia de las pronunciadas tendencias vanguardistas que caracterizaban los discos en los que colaboró su antiguo... Ver mas
Los neoyorquinos Velvet Underground, liderados por el gran Lou Reed, publicaban este tercer álbum de homónimo título caracterizado por un áspero sonido de desnuda ejecución y por la ausencia de las pronunciadas tendencias vanguardistas que caracterizaban los discos en los que colaboró su antiguo componente John Cale, reemplazado aquí por Doug Yule, y acometen unas canciones de mucho mayor calado melódico y armónico.

Es el propio Yule el encargado de poner su voz a la encantadora balada inicial "Candy says", continuada por un rock'n'roll de crudas y chirriantes guitarras de ritmo bastante bailable titulado "What goes on", un sencillo con un corte sonoro muy similar al popular "Beginning to see the light".

Temazos intimistas de emotiva penetración son "Pale blue eyes" y "Jesus" (cara b de "What goes on"), que se alternan con delicias impregnadas de alegría y desenfado como "That's the story of my life" y "After hours" (en la que Reed cede el puesto de vocalista a la batería Moe Tucker), variadas piezas que exhiben la versatilidad de Lou como escritor y compositor.

"I'm set free' destaca también como una de las más irresistibles perlas de este magistral e infravalorado trabajo en el que incluso la experimentación de la poco musical y extensa "The murder mistery" (donde se escuchan las voces de los cuatro componentes) es sumamente estimable.

Ha recibido 515 puntos

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ERIC BURDON & THE ANIMALS - The Twain Shall Meet 1968

65. ERIC BURDON & THE ANIMALS - The Twain Shall Meet 1968

http://www.youtube.com/watch?v=iLo8GJJLUhE

Un Eric Burdon fascinado por la contracultura estadounidense, la psicodelia y el movimiento hippie- flower-power, las proclamas antibelicistas con el Vietnam de fondo, las alocuciones sociales y las ansias de experimentación sónica, se aleja de sus primeros sonidos R&B para crear un brillante LP... Ver mas
Un Eric Burdon fascinado por la contracultura estadounidense, la psicodelia y el movimiento hippie- flower-power, las proclamas antibelicistas con el Vietnam de fondo, las alocuciones sociales y las ansias de experimentación sónica, se aleja de sus primeros sonidos R&B para crear un brillante LP de acid rock con reminiscencias de Byrds, Jefferson Airplane, Doors o Moby Grape.

Cambia su residencia, abandonando el brumoso Londres por el soleado clima californiano de San Francisco, y acompañado por unos nuevos Animals, que incluían al guitarrista Vic Briggs, al violinista y guitarra John Weider, al bajista Danny McCulloch y al batería Barry Jenkins, graba en el "Verano del amor" el LP "Winds of Change" (1967), título significativo de su motivación en este viraje musical.

"Twain Shall Meet" fue su segundo disco grande en esta nueva etapa. Un estupendo álbum centrado en sus preocupaciones coyunturales, tanto sonoras como temáticas, y en la esencia lisérgica con alguna rendición al blues ("Closer to the Truth") de unas vibrantes propuestas de atmósfera comunal.

Uno de los mejores cortes del disco es "Monterey", tema significado por un musculoso bajo de McCulloch y la comunión de sonidos occidentales y orientales en el que Burdon rememora el festival homónimo con citas a los Byrds (declamando "I think that maybe I'm dreaming" de la gloriosa "Renaissance Fair"), Jefferson Airplane, The Who, Jimi Hendrix, Ravi Shankar o Grateful Dead.

Otros momentos destacados del álbum son "Just the Thought", pieza de sugestiva imaginería lírica y pulcro tratamiento instrumental y vocal, con ecos de la visionaria experimentación pop de Brian Wilson; "No self pity", una letárgica canción que deriva en una especie de cántico mantra; "Sky Pilot", la pieza de mayor éxito del disco sobre antibelicismo, es una canción acid rock con pegadizo estribillo; y "Oranges and Red Beams" (titulado "Beans" en el disco por error), tema de pop psicodélico con un hipnótico Burdon a la voz y trompetas a lo "Penny Lane".

El instrumental "We Love You Lil'" comienza remedando el clásico del cabaret "Lili Marlene" de Lale Andersen (también cantado por Marlene Dietrich), para posteriormente desarrollar un hipnótico recorrido psicodélico con flamígeras guitarras en un trasfondo de tintura apocalíptica enlazado con unas lacrimosas gaitas escocesas, prólogo del cierre del disco, un atmosférico corte con sitar y de nuevo evocación mantra que pone punto y final a un gran LP producido por Tom Wilson, y que supone una pieza ejemplar para los amantes del acid rock y el pop psicodélico californiano.

Ha recibido 496 puntos

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TEN YEARS AFTER - Ssssh 1969

66. TEN YEARS AFTER - Ssssh 1969

http://www.youtube.com/watch?v=JHWpftygboc

Ssssh tercer álbum de la banda de blues rock británica Ten Years After grabado y lanzado el año 1969. Ssssh marca el inicio de la popularidad del grupo, tras su brillante actuación en el Festival de Woodstock, celebrada poco antes. Fue su primer álbum con éxito en los Estados Unidos... Ver mas
Ssssh tercer álbum de la banda de blues rock británica Ten Years After grabado y lanzado el año 1969.

Ssssh marca el inicio de la popularidad del grupo, tras su brillante actuación en el Festival de Woodstock, celebrada poco antes. Fue su primer álbum con éxito en los Estados Unidos, alcanzando un máximo de número 20 en septiembre de ese año del Billboard. El álbum tiene una version del clásico de Sonny Boy Williamson Good Morning Little Schoolgirl al que modifican la letra.

Ha recibido 486 puntos

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THE HOLLIES - Evolution 1967

67. THE HOLLIES - Evolution 1967

http://www.youtube.com/watch?v=p9MKLyyFtx4

Este disco es un ejemplo de las muchas reliquias musicales que injustamente han sido relegadas al olvido a lo largo de los años, quizás debido a la ingente cantidad de buen material que en 1967 (año de su edición) copaba las listas de éxito de todo el mundo y a la ignorancia musical-histórica... Ver mas
Este disco es un ejemplo de las muchas reliquias musicales que injustamente han sido relegadas al olvido a lo largo de los años, quizás debido a la ingente cantidad de buen material que en 1967 (año de su edición) copaba las listas de éxito de todo el mundo y a la ignorancia musical-histórica que domina el panorama sonoro por lo general.

Si reparamos en su calidad artística nos daremos cuenta de que "Evolution" merece un puesto de honor entre los mejores álbums pop de todos los tiempos.

Y es que si hablamos de pop exquisito, elegante y rico en matices nos referiremos sin duda a The Hollies, banda británica que ya antes de grabar este trabajo nos habían deleitado con singles de la categoría de "We're through", "I'm alive", "Look through any window" o "Bus Stop", y con discos de alto nivel dentro de su estilo como "For certain because" en donde aparte de sus extraordinarias voces (especialmente las de Allan Clarke y Graham Nash) se podía apreciar el creciente talento compositivo que los de Manchester ya atesoraban para crear maravillosas melodías en base a una conjunción instrumental admirable.

El subestimado "Evolution" no fue una excepción en ese sentido y volvió a demostrar que por aquellos tiempos la capacidad creativa del triunvirato formado por Clarke-Hicks-Nash iba en aumento hasta culminar ese mismo año con el magistral "Butterfly".

Así lo atestiguan lujosas piezas de refinada orfebrería pop magníficamente arregladas, como "Stop Right There", "Lullaby to Tim" (nana psicodélica con distorsión de voz), "Have you ever loved somebody" (perfecto tema pop con infeccioso estribillo), "You need love", "Rain on the window" (memorable recuerdo de traqueteo sexual en un día lluvioso), la deliciosa "Ye olde toffee shoppe", "The games we play" o la gloriosa "Leave me", que junto a la efectiva producción de Ron Richards y brillantes arreglos orquestales de Mike Vickers convierten a este trabajo en esencial para cualquier amante del pop con pedigrí, del que hace mucho tiempo que no se hace ni se hará.

Ha recibido 478 puntos

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TRAFFIC - Mr. Fantasy 1967

68. TRAFFIC - Mr. Fantasy 1967

http://www.youtube.com/watch?v=kwtgpKZeTxI

Los británicos Traffic se convirtieron tras Spencer Davis Group en el segundo vehículo para el lucimiento del joven instrumentista Steve Winwood, quien, influenciado por la psicodelia y la expansión sonora llevada a cabo por los Beatles, y acompañado de competentes músicos como Dave Mason, Chris... Ver mas
Los británicos Traffic se convirtieron tras Spencer Davis Group en el segundo vehículo para el lucimiento del joven instrumentista Steve Winwood, quien, influenciado por la psicodelia y la expansión sonora llevada a cabo por los Beatles, y acompañado de competentes músicos como Dave Mason, Chris Wood y Jim Capaldi, publicó a finales de 1967 este importante primer álbum que combinaba con destreza la experimentación psicodélica con piezas de carácter blues-rock, retazos progresivos de improvisación jazzística y ejercicios de composición melódica cercanos al barroquismo.

La lisergia del grupo se halla principalmente en la escritura de Mason, autor de destacados cortes como "House for everyone" y "Hope I never find me there", el blues-rock se plasma en temas como "Dear Mr. Fantasy" o "Heaven is in your mind", que los acercan a coetáneos suyos como el trío Cream, las piezas jazz se ejemplifican en "Giving to you", y los notables cortes melódicos acompañados de una barroca instrumentación, entre las que se escuchan flautas, órganos, mellotron, saxo o harpsicordios, nos regalan fantásticas canciones como "Dealer", "Coloured Rain", y sobre todo la hermosa y emocionante balada "No face, no name, no number".

El disco fue producido por el futuro colaborador de los Rolling Stones, Jimmy Miller.

Ha recibido 478 puntos

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BUFFALO SPRINGFIELD - Buffalo Springfield 1967

69. BUFFALO SPRINGFIELD - Buffalo Springfield 1967

http://www.youtube.com/watch?v=i1sf8EpgkSQ&feature=fvst

Impresionante debut de una de las principales bandas estadounidenses de los años 60, cuyo legado podría haber sido mayor si no concurrieran las fricciones entre sus componentes y las ganas de volar en solitario de una de las principales figuras de la historia del rock, Neil Young. Conjugando... Ver mas
Impresionante debut de una de las principales bandas estadounidenses de los años 60, cuyo legado podría haber sido mayor si no concurrieran las fricciones entre sus componentes y las ganas de volar en solitario de una de las principales figuras de la historia del rock, Neil Young.

Conjugando desde penetrantes e hirientes guitarras y logradas armonías vocales el pop herencia de los Beatles junto al más enraizado sentimiento rock, blues, folk y country estilo The Byrds, el Lp "Buffalo Springfield" es una pieza fundamental dentro del panorama musical americano en su periodo lisérgico, pues sus estructuras y honduras sonoras (especialmente sus pautas country-rock) influenciarían a multitud de bandas pretéritas, presentes y futuras.

Además de "For what it's worth" (tema incluido en la versión estéreo del album, sustituyendo a "Baby, don't scold me"), el gran éxito escrito por Stephen Stills que se convirtió en todo un himno protesta generacional, el mismo autor presenta excelentes temas embebidos de country ("Go and say goodbye" y "Pay the price"), blues ("Hot dusty roads" y "Leave"), folk-rock ("Everybody's wrong") o pop ("Sit down I think I love you").
El genial Neil Young despliega varios de sus mejores primerizas composiciones, como las excelsas gemas de esencia pop, interpretadas por la excelente voz de Richie Furay, "Nowadays clancy can't even sing", "Flying on the ground is wrong" o "Do I have to come right out and say it" y dos mesmerizantes piezas que cuentan con su inconfudible registro nasal, "Burned" y "Out of my mind".

Ha recibido 471 puntos

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13th FLOOR ELEVATORS - Psychedelic Sounds of... 1966

70. 13th FLOOR ELEVATORS - Psychedelic Sounds of... 1966

http://www.youtube.com/watch?v=nNVffJ1NppA

Empapados de elevadas cuantías de ácido y dispuestos a exhibir sin adulteración las consecuencias del mismo en los surcos de un vinilo de cubierta que denota su raíz lisérgica, los 13th Floor Elevators, liderados por Roky Erickson, Stacy Sutherland y Tommy Hall, construyeron un narcótico paraje... Ver mas
Empapados de elevadas cuantías de ácido y dispuestos a exhibir sin adulteración las consecuencias del mismo en los surcos de un vinilo de cubierta que denota su raíz lisérgica, los 13th Floor Elevators, liderados por Roky Erickson, Stacy Sutherland y Tommy Hall, construyeron un narcótico paraje sonoro dominado por una atractiva mezcla entre garaje y psicodelia.

La increpante y a veces gemebunda voz de Erickson, y el extraño sonido omnipresente conseguido por Hall con el jug, convierten a este sugerente recorrido musical en un característico y máximo ejemplo pionero de acid-rock con dosis pop y folk-rock.

Sensacionales canciones como "You're gonna miss me", "Roller Coaster", la gran balada "Splash 1", "Fire Engine", "Don't fall down" o "Reverberation", no pueden dejarte indiferente y a buen seguro crecerán a cada nueva escucha.

Ha recibido 402 puntos

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THE JEFF BECK GROUP - Truth 1968

71. THE JEFF BECK GROUP - Truth 1968

http://www.youtube.com/watch?v=Vuj5toLeyY8&feature=fvw

Jeff Beck tendría su gran oportunidad al remplazar a Eric Clapton en los Yardbirds en 1965 (el cual tomaba distancia por disidencias musicales), en la cual rápidamente impactó por sus impresionantes pirotecnias en la guitarra, con el uso de efectos no comunes para la época, como la distorsión y... Ver mas
Jeff Beck tendría su gran oportunidad al remplazar a Eric Clapton en los Yardbirds en 1965 (el cual tomaba distancia por disidencias musicales), en la cual rápidamente impactó por sus impresionantes pirotecnias en la guitarra, con el uso de efectos no comunes para la época, como la distorsión y el feedback.
Luego este se alejaría del grupo presentando un sencillo pop "Hi-Ho Silver Lining" y posteriormente "Tallyman", para después formar The Jeff Beck Group junto al vocalista Rod Stewart, el bajista Ron Wood, el baterista Aynsley Dunbar, que rápidamente fue sustituido por Mickey Waller y el teclista Nicky Hopkins.


La banda presentaría en 1968 su disco debut el Lp "Truth", álbum que sumaba un estilo mucho más heavy al blues-rock inglés que seria bien recibido (aunque no tanto como sus posteriores incursiones en la mezcla de rock, el jazz y el Blues que quedan demostradas en lp tales como "Blow By Blow" o Wired").

Este soberbio disco de una duración aproximada de mas de media hora, contiene un brillante trabajo de Jeff Beck en las seis cuerdas la que es complementada por una excelente estructura rítmica a la que se le añade un mas que estupendo trabajo del aun desconocido Rod Stewart.

Lo que lo constituye en un Lp muy uniforme de principio a fin, en el que podemos destacar temas como "Shapes On Things", "You Shook Me" o "Rock My Plimsoul", en las cuales se intercalan el virtuosismo de los riff de Beck con la voz de Stewart, "Morning Dew", un apreciable tema que sin perder la estructura blues-rock se asemeja bastante al formato de una balada, "Blues Deluxe", el tema de mayor duración del disco en que sobresale la labor de Nicky Hopkins o "Beck's Bolero", en el cual queda reflejado por que Jeff Beck es uno de los mejores y más innovadores guitarristas del largo andar del rock n roll.

Ha recibido 363 puntos

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THE BYRDS - Younger than yesterday 1967

72. THE BYRDS - Younger than yesterday 1967

http://www.youtube.com/watch?v=Ir-l7O_wxLI

Tras el abandono por miedo a coger aviones de su principal compositor, Gene Clark, los cuatro Byrds restantes no se vinieron abajo y terminaron presentando uno de sus mejores trabajos en el mítico año de 1967. Lo más destacable aquí (además de su gran calidad global) es el aporte y destape... Ver mas
Tras el abandono por miedo a coger aviones de su principal compositor, Gene Clark, los cuatro Byrds restantes no se vinieron abajo y terminaron presentando uno de sus mejores trabajos en el mítico año de 1967.

Lo más destacable aquí (además de su gran calidad global) es el aporte y destape compositivo de Chris Hillman, autor de joyas como "So you want to be a rock 'n' roll star" (junto a McGuinn y con sonido real de gente gritando en un concierto de los Byrds realizado en Inglaterra a mediados de década) o caramelos de alta categoría melódica como "Have you seen her face", "Thoughs And Words" o "The Girl With No Name", esta última canción estaba dedicada a Girl Freiberg.


Por lo demás, el grandioso e imitado sonido de la guitarra de doce cuerdas de McGuinn junto a las habilidades para crear canciones de sonoridad inconfundible de Crosby como "Renaissance Fair" o "Why" ( ambas con McGuinn) o "Everybody's been burned" hacen de este trabajo uno de los momentos cumbres de la mezcolanza entre el pop psicodélico y el folk-rock con pequeñas dosis de country ("Time Between" o "The girl with no name") en el que el único bajón se encuentra en la fallida "Mind Gardens".
Produce Gary Usher, colaborador asimismo de los Beach Boys.

Ha recibido 361 puntos

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APHRODITE'S CHILD - End of the World 1968

73. APHRODITE'S CHILD - End of the World 1968

http://www.youtube.com/watch?v=Lr-mBRIYMUU

El grupo más importante surgido en Grecia en los años 60 fue este trío de pop psicodélico y rock progresivo, significado por incluir entre sus filas a dos de los principales personajes de la música helénica: el cantante y guitarrista Demis Roussos (nacido el 15 de junio de 1946 en Alejandría) y... Ver mas
El grupo más importante surgido en Grecia en los años 60 fue este trío de pop psicodélico y rock progresivo, significado por incluir entre sus filas a dos de los principales personajes de la música helénica: el cantante y guitarrista Demis Roussos (nacido el 15 de junio de 1946 en Alejandría) y el compositor y teclista Vangelis Papathanassiou (nacido el 29 de marzo de 1943 en Volos), futuro ganador del Oscar de Hollywood por la banda sonora de "Carros de Fuego".
El alma mater del grupo era Vangelis, un instrumentista muy dotado que había pertenecido con anterioridad al grupo de pop The Forminx.
En 1967 dejó el proyecto de The Forminx y formó Aphrodite's Child junto a Roussos, vocalista procedente del grupo We Five, el batería Lucas Sideras (nacido el 5 de diciembre de 1944 en Atenas) y el guitarrista Anargyros Koulouris.
Koulouris tuvo que dejar la banda cuando fueron invitados por el sello Philips para grabar su primer sencillo en París, ya que no podía abandonar Grecia a causa de estar cumpliendo el servicio militar.
Ese single debut sería un éxito en toda Europa, tomando como referencia el famoso Canon de Johann Pachelbel, grabaron "Rain and tears", una preciosa composición con una excepcional ejecución vocal de Demis Roussos que llegó al número 1 en muchos países del continente, a excepción del Reino Unido.

En 1968 publicaron su primer Lp titulado "End of the world" (1968), un estupendo disco pop psicodélico que además de incluir el sencillo "Rain and tears", contenía temas destacados como "Don't try to catch a river" o el plañidero y soberbio single homónimo

Ha recibido 355 puntos

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BLUE CHEER - Vincebus Eruptum 1968

74. BLUE CHEER - Vincebus Eruptum 1968

http://www.youtube.com/watch?v=4vFIvVjuoRM

Donde el ruido comenzó. Demoledor álbum debut de los californianos Blue Cheer, un power trio de San Francisco, que alejado de las posturas hippies de sus colegas de ubicación, estaban altamente influenciados por las prestidigitaciones guitarreras de Jimi Hendrix, al que incluso superaban en la... Ver mas
Donde el ruido comenzó. Demoledor álbum debut de los californianos Blue Cheer, un power trio de San Francisco, que alejado de las posturas hippies de sus colegas de ubicación, estaban altamente influenciados por las prestidigitaciones guitarreras de Jimi Hendrix, al que incluso superaban en la capacidad de perforación y fiereza sónica, convirtiéndose en básicos precursores del futuro heavy metal.

Estos pasajes hard-rockeros plenos de ácido y blues muestran el poderío instrumental del terceto, en especial la guitarra hiriente, distorsionada y sinuosa de Leigth Stephens y el estruendoso y bestial ataque de Paul Wahley sobre su resonante batería a lo largo de estas seis piezas llenas de crudeza, desabrimiento y acrimonia, entre las que destacan la membruda versión del "Summertime Blues" (en donde incluyen el riff del "Foxy Lady" de Hendrix), tema clásico del pionero del rock Eddie Cochran.

Las demás (con especial mención para el gran riff de "Out of focus", tema escrito y cantado por el bajista Dickie Peterson) son abrumadoras y gozosas revisitaciones del rock y el blues más clásico pero con una atrayente sonoridad caótica, retorcida y retumbante.

Ha recibido 348 puntos

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TEN YEARS AFTER - Undead 1968

75. TEN YEARS AFTER - Undead 1968

http://www.youtube.com/watch?v=_kkJ-PhwpKE

En mayo de 1968 Ten Years After registraron su actuación en el club de jazz de Londres Klook´s Kleek, de la que se extrajeron cinco canciones que fueron publicadas por Deram en agosto de ese año en Estados Unidos con el título de Undead, aprovechando el éxito de su gira del mes de junio por... Ver mas
En mayo de 1968 Ten Years After registraron su actuación en el club de jazz de Londres Klook´s Kleek, de la que se extrajeron cinco canciones que fueron publicadas por Deram en agosto de ese año en Estados Unidos con el título de Undead, aprovechando el éxito de su gira del mes de junio por California, donde se codearon con los grandes del rock americano y actuaron a menudo en el mítico Fillmore West. Ante las protestas de sus fans británicos, el álbum fue también editado en Gran Bretaña a finales de ese año. El acierto fue pleno, pues estamos ante una verdadera exhibición instrumental de Ten Years After, con un Alvin Lee desplegando toda su vertiginosa (y a veces descontrolada) pirotecnia guitarrística, especialmente en el tema At The Woodchopper’s Ball, que convierte el clásico de Woody Herman en una jam arrebatadora. No en vano, el grupo se decantaba en directo más por el jazz que por el blues y de hecho Lee se había formado como guitarrista escuchando a los grandes virtuosos americanos de este género, aunque después también bebiera de Big Bill Broonzy, Chuck Berry o Buddy Holly. Pero todos los miembros del grupo tendrán su momento de lucimiento personal en las largas versiones de un repertorio selecto. El tema con mayor repercusión del disco fue no obstante I´m Going Home, una revisión a ritmo de boogie acelerado del Going Home de los Rolling Stones que se convirtió en uno de los números estrella de la banda en sus giras de conciertos. Por suerte, en la reedición en CD de 2002 se recuperó de los archivos casi todo el repertorio de la actuación en el Klook´s Kleek, con lo que podemos escuchar además un nuevo homenaje a los Cream en Standing at the Crossroads o el excelente instrumental Extension on One Chord.

Ha recibido 348 puntos

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JOHNNY WINTER - Johnny Winter 1969

76. JOHNNY WINTER - Johnny Winter 1969

http://www.youtube.com/watch?v=8Tyg5SJDpiQ&p=39CBCED6E542...

Johnny Winter es un guitarrista estadounidense de blues y de rock. Winter se convirtió en una estrella del blues eléctrico a finales de los años sesenta y para el festival de Woodstock ya era una leyenda. Durante la última etapa de Muddy Waters produjo sus 3 últimos discos. Su descubrimiento... Ver mas
Johnny Winter es un guitarrista estadounidense de blues y de rock. Winter se convirtió en una estrella del blues eléctrico a finales de los años sesenta y para el festival de Woodstock ya era una leyenda. Durante la última etapa de Muddy Waters produjo sus 3 últimos discos.

Su descubrimiento a nivel nacional llegó a través de un artículo en la revista Rolling Stone, en 1968, lo que le valió un contrato con un propietario de un club neoyorkino y una grabación con Columbia. Su disco de debut oficial, Johnny Winter publicado en 1969, año en el que tambien tocaría en distintas presentaciones y festivales incluyendo el de Woodstock, es la más salvaje y metalera ración de blues que un hombre blanco había producido hasta la fecha. Aún hoy, zambullirse por las canciones de este álbum es como meter los dedos en un enchufe.

Muy Recomendable...

Ha recibido 348 puntos

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THE YARDBIRDS - Roger The Engineer 1966

77. THE YARDBIRDS - Roger The Engineer 1966

http://www.youtube.com/watch?v=OS9c6ks58PI

Disco clave de los británicos Yardbirds que establecía un equilibrio entre su tradicional gusto por el blues y una búsqueda experimental sónica con querencia hacia la psicodelia, en especial por la presencia del espléndido guitarrista Jeff Beck, sustituto del fugado Eric Clapton. Producido... Ver mas
Disco clave de los británicos Yardbirds que establecía un equilibrio entre su tradicional gusto por el blues y una búsqueda experimental sónica con querencia hacia la psicodelia, en especial por la presencia del espléndido guitarrista Jeff Beck, sustituto del fugado Eric Clapton.

Producido por el bajista Paul Samwell-Smith, "Roger The Engineer" (título concedido al disco con el paso de los años por el dibujo realizado por Chris Deja del ingeniero de sonido Roger Cameron) comienza su recorrido con "Lost Woman", un tema blues con una impresionante línea de bajo.

Más temas R&B incluidos en el LP son "The Nazz Are Blue" o "Rack My Mind", muy buenas piezas pero que pecan de casi plagiar sus modelos (escúchese la obra de Slim Harpo o Elmore James).

Lo mismo se puede decir de "Jeff's Boogie", tema muy influenciado por Chuck Berry, y de "What Do You Want", canción cuyo estribillo es idéntico al "Who Do You Love" de Bo Diddley.

La parte más experimental, pop y psicodélica, incluye temas tan interesantes como "Over, Under, Sideways, Down", rebotante corte en el cual Beck introduce un riff de corte oriental; "I Can't Make Your Way", tema pop con trazos folk y comentario social; la garajera "He's Always There", dominada por el sonido de la fuzz guitar; la sencillez pop que vuelve a aparecer en la exigua "Farewell", una bonita canción con destacable aportación vocal de la banda, hecho usual en los surcos de este trabajo y apreciable en la iterativa y notable "Ever Since The World Began", un tema en el cual critican la avaricia monetaria.

La gran joya del disco es "Turn Into Earth", una hipnótica pieza que mezcla el pop con los cantos gregorianos, logrando conformar un aborbente sonido.

El gran petardo del disco es "Hot House Of Omagarashid", un aburrido cántico mantra.

En los CDs con bonus tracks aparecen varias composiciones en las que coincidieron Jeff Beck y Jimmy Page, de las dos ("Psycho Daisies" es un tema correcto de base blues con Page al bajo) destaca "Happening Ten Years Ago", una pieza en la que se aprecian elementos rock, blues y psicodélicos que presagiaban los logros venideros de la Jimi Hendrix Experience.

Ha recibido 343 puntos

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THE BAND - Music from big pink 1968

78. THE BAND - Music from big pink 1968

http://www.youtube.com/watch?v=84SU9b8O44U

Es 1968 un año crucial en el desarrollo de la música rock, quizá más determinante que 1967; de buenas a primeras esto parecería un despropósito. No lo es. En 1967, año de una prolificidad admirable, se constata el cenit de un proceso experimental iniciado a fines de 1965 con bandas como Yarbirds... Ver mas
Es 1968 un año crucial en el desarrollo de la música rock, quizá más determinante que 1967; de buenas a primeras esto parecería un despropósito. No lo es. En 1967, año de una prolificidad admirable, se constata el cenit de un proceso experimental iniciado a fines de 1965 con bandas como Yarbirds, Great Society, Who, Byrds, los mismísimos Beatles y otros tantos.

Así bien, 1968 es un período convulso, tumultuoso que requirió nuevas directrices para paradigmas musicales que corrían riesgo de estancamiento: las cintas invertidas, los sítares y los clavecines, apóstoles instrumentales de la sustancia aérea de gran parte de la vanguardia psicodélica debían dar paso a un sentido más terreno, verista y límpido: llegó la hora de las músicas tradicionales, de las raíces recuperadas, de lo vernáculo.
En esta nueva orientación de los derroteros que debía andar el rock, nadie estuvo a tan gran altura como The Band en su disco debut, "Music From Big Pink", publicado en abril de 1968.
A diferencia de otras agrupaciones cultoras desde el '68 del llamado country rock, la apropiación de estos canadienses -a excepción de su baterista Levol Helm- no se circunscribió a un estilo determinado sino que absorbió toda la anchura de las músicas estadounidenses tradicionales desde una sensibilidad nueva, fresca y versátil.

Por tanto, "Music From Big Pink" es, como muchos han dicho, unas línea divisoria de aguas. Todo lo que fue y será el rock estadounidense en su línea más comprometida está en los surcos de este debut lúcido y transgresor: gospel, hillbilly, country, diexeland, rock& roll, soul, rhythm & blues y dosificadas gotas de psicodelia y pop, adornan un álbum bellísimo y profundo.
Destacar canciones es inoficioso pero vale la pena escuchar hasta el hastío temas como "In The Station", "Chest Fever", "We Can Talk", "Lonesome Suzie", "The Weight" y la grandísima versión para "I Shall Be Released" de su compañero de ruta, Bob Dylan.

Ha recibido 342 puntos

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THE PRETTY THINGS - S. F. Sorrow 1968

79. THE PRETTY THINGS - S. F. Sorrow 1968

http://www.youtube.com/watch?v=cirh93W-XxI

Los Pretty Things, fantástico grupo iniciados en sonidos R&B, se reconvirtieron en un conjunto lisérgico de pop psicodélico a finales del decenio para la elaboración de "S. F. Sorrow", la primera ópera-rock de la historia que tuvo una gran influencia en el líder de los Who, Pete Townshend, a la... Ver mas
Los Pretty Things, fantástico grupo iniciados en sonidos R&B, se reconvirtieron en un conjunto lisérgico de pop psicodélico a finales del decenio para la elaboración de "S. F. Sorrow", la primera ópera-rock de la historia que tuvo una gran influencia en el líder de los Who, Pete Townshend, a la hora de idear su exitoso "Tommy".

Concebido por las mismas fechas que otros insignes obras como "Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band" de The Beatles y "The Piper at the gates of dawn" de Pink Floyd, y grabado en los mismos estudios de Abbey Road, "S. F. Sorrow" nunca gozó de la popularidad y reconocimiento de sus contemporáneos, seguramente debido a que nunca tuvo el apoyo y la promoción de éstos, ya que musicalmente es comparable a cualquiera de los mejores trabajos de su tiempo, una obra maestra rotunda de la era psicodélica que narrando la triste historia del solitario S. F. Sorrow, nos deleita con momentos inolvidables como "S. F. Sorrow is born", "Bracelets of fingers", "Private sorrow", "Death", "Baron Saturday", "I see you", "Trust" o "Loneliest person".

Esta auténtica joya, con exquisita producción de Norman Smith, merece ser redescubierta por su absorbente atmósfera y la capacidad de conexión de diversas influencias ácidas para la edificación de un trabajo sorprendente,original y excitante, sin duda, de lo mejor que jamás se haya grabado en los años 60 en las Islas Británicas.

Ha recibido 341 puntos

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THE BYRDS - Fifth Dimension 1966

80. THE BYRDS - Fifth Dimension 1966

http://www.youtube.com/watch?v=HbQYSRdojYw

El álbum de mayor carga lisérgica de los Byrds. Gene Clark acababa de abandonar la formación alegando miedo a coger aviones, pero antes de su marcha dejó registrada "Eight miles high", una de las mejores canciones del grupo y uno de los singles más relevantes de los años 60 y de la historia de... Ver mas
El álbum de mayor carga lisérgica de los Byrds.
Gene Clark acababa de abandonar la formación alegando miedo a coger aviones, pero antes de su marcha dejó registrada "Eight miles high", una de las mejores canciones del grupo y uno de los singles más relevantes de los años 60 y de la historia de la música por ser un claro precursor del movimiento psicodélico.

Buena parte de culpa de esa anticipada sonoridad psicodélica la tenía Roger McGuinn y la innovadora e influyente utilización de su Rickenbacker de 12 cuerdas, palpable en joyas como la citada "Eight miles high", "I see you" (escrita a medias por McGuinn y Crosby) y "What's happening?!?!", la primera composicion en solitario de David Crosby para los Byrds.

El propio McGuinn, responsable en este disco tras la marcha de Gene Clark del peso compositivo, firma otras destacables piezas como la homónima del álbum donde Van Dyke Parks (asimismo colaborador de los Beach Boys) aporta sus teclados, la más comercial y asequible space-country "Mr. Spaceman" y "2-4-2 Fox Trot (The Lear Jet Song)", un curioso tema final en el que introducen juguetones efectos sonoros.

Para completar el trabajo adaptan con maestría dos canciones de folk tradicional enaltecidas por arreglos de cuerda en las que sacan a relucir su dominio en las armonías vocales, "Wild Mountain Thyme" y la excepcional historia de fidelidad amorosa narrada en "John Riley".

"Fifth Dimension" también contiene la escalofriante "I come and stand at every door", un poema de Nazim Hikmet musicado tiempo atrás por Pete Seeger y que cuenta la triste historia de un niño víctima de la bomba de Hiroshima.


El instrumental "Captain Soul" y la versión de "Hey Joe", popular tema escrito por Billy Roberts, son los puntos débiles de una de las grabaciones más arriesgadas e importantes de los Byrds, que desarrollan psicodelia de alto nivel y atisbos de space-rock en un disco realmente valioso, como casi todo lo realizado por este esencial conjunto californiano.

Ha recibido 338 puntos

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THE TURTLES - Happy Together 1967

81. THE TURTLES - Happy Together 1967

http://www.youtube.com/watch?v=QhMzZ_KCp_E

Un gran disco de los Turtles, confeccionado a base de una imponente capacidad rítmica, maravillosos arreglos y portentosas aptitudes vocales por parte de Howard Kaylan y Mark Volman. Las canciones son espléndidas, influenciadas tanto por el pop de la Invasión Británica, especialmente Beatles... Ver mas
Un gran disco de los Turtles, confeccionado a base de una imponente capacidad rítmica, maravillosos arreglos y portentosas aptitudes vocales por parte de Howard Kaylan y Mark Volman.

Las canciones son espléndidas, influenciadas tanto por el pop de la Invasión Británica, especialmente Beatles y Zombies, como por el folk-rock de los Byrds.

En su recorrido encontramos composiciones propias, como "Think I'll run away", pieza atemperada por una tenue batería de John Barbata que incluye unos hermosos violines introductorios, "The Walking Song" o "Person without a care", tema escrito en solitario por el espléndido guitarrista Al Nichol, y canciones compuestas para ellos por la pareja formada por Gary Bonner y Alan Gordon (ambos ex integrantes de la banda The Magicians), que serían los temas que los llevarían al éxito: "Me about you", "She'd rather be with me" o el clásico que da título al disco, "Happy Together".

Otras gemas del Lp son "Makin' My Mind up", significado por su característica y atractiva combinación de voces, "Too young to be one", un sensacional tema que incluye una trompeta imbuida de lirismo, la sarcástica "Guide for the married man", escrita por John Williams para la película del mismo título, o la emotiva balada "Like the seasons", una de las canciones más destacadas de este recomendable trabajo, compuesta por el futuro cantautor Warren Zevon.

La producción es compartida por Kaylan y Volman con Bones Howe (productor también de los Association), Joseph Wissert y Bob Irwin.

Ha recibido 328 puntos

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COUNTRY JOE & THE FISH - Electric music for the mind and body 1967

82. COUNTRY JOE & THE FISH - Electric music for the mind and body 1967

http://www.youtube.com/watch?v=CgkKOAWw9Ys

Primer y valioso disco de la banda Country Joe & The Fish. Sinuosas piezas psicodélicas con ascendencias blues que desarrollan de manera reflexiva y punzante, materias temáticas de índole político-social ("Superbird" es una acerba sátira contra el presidente Lyndon B. Johnson) sin olvidar algún... Ver mas
Primer y valioso disco de la banda Country Joe & The Fish. Sinuosas piezas psicodélicas con ascendencias blues que desarrollan de manera reflexiva y punzante, materias temáticas de índole político-social ("Superbird" es una acerba sátira contra el presidente Lyndon B. Johnson) sin olvidar algún momento para el romanticismo (la maravillosa tonada country-pop "Sad and lonely times") o el sexo ("Happiness is a porpoise mouth").

Todo ello desplegado con logradas melodías, alucinógenos pasajes de guitarra y órgano, y una doliente y narcotizada vocalidad.

La instrumentación evoca un ambiente oriental y recrea una seductora atmósfera lisérgica, en especial el instrumental "Section 43", la excelente y sedante "Bass Strings" (sobre el LSD) o "Grace", tema dedicado a Grace Slick.


Esta travesía ácida nos obsequia con once piezas de apariencia calmosa que in crescendo con las escuchas irá penetrando en el melómano aficionado al sonido de grupos como Buffalo Springfield (la voz de Joe McDonald es muy similar a la de Neil Young), Byrds, Jefferson Airplane o The Doors.

Ha recibido 323 puntos

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BUFFALO SPRINGFIELD - Buffalo Springfield Again 1967

83. BUFFALO SPRINGFIELD - Buffalo Springfield Again 1967

http://www.youtube.com/watch?v=JVH-5v-BhHM

Después de debutar con un LP homónimo Buffalo Sprinfield editó “Again”, otra maravillosa colección de canciones que denota la creciente falta de cohesión de la banda (demasiado ego junto) con la grabación dispersa de estos once fenomenales temas a través de los cuales podemos escuchar... Ver mas
Después de debutar con un LP homónimo Buffalo Sprinfield editó “Again”, otra maravillosa colección de canciones que denota la creciente falta de cohesión de la banda (demasiado ego junto) con la grabación dispersa de estos once fenomenales temas a través de los cuales podemos escuchar sonoridades psicodélicas, pop, rock, country, blues y folk.

“Mr. Soul”, magnífica canción de Neil Young sobre la industria del rock (y la fama de la estrella de rock) dedicada a las mujeres del Whisky A Go go y a todas las mujeres de Hollywood. Tiene un riff stoniano (similar a “Satisfaction”) de envoltura psicodélica con la gimiente y acerba guitarra líder de Neil acompañada por las rítmicas de Stephen Stills y Richie Furay.

En “A child’s claim to fame”, pieza con el dobro de James Burton, se muestran las querencias de Furay al country-rock y su talento vocal para conducir su agradable melodía. “Everydays”, elegante tema escrito por Stills muestra las ácidas seis cuerdas de Young ornamentando una pieza significada por sus trazos jazzísticos, en especial el piano interpretado por el propio Stephen, quien hace armonías vocales con Richie. Jim Fielder hace un gran trabajo en el bajo.

“Expecting to fly” es una maravilla majestuosamente producida y arreglada por Neil y Jack Nitzsche, quien también se encarga de tocar el piano eléctrico. El sentido etéreo de la atmósfera y el acomodo psicodélico y ensoñador en sus formas hacen de este tema uno de los mejores momentos del álbum, con gloriosas armonías entre la voz laxa de Neil y Richie al falsete.
El gigante Neil adelantándose al dream pop varias décadas en esta pieza.

“Bluebird” retoma al Stills más rockero siempre con gotas ácidas propias de esta sensacional época. El tema sería versionado por diversos grupos, entre ellos Shadows of Knight. Buen solo guitarrero y sensacional tratamiento vocal al “Do you thinkkkk she knowwwwwwws you?, Do you thinkkk at all?”. Pura lisergia con una coda con banjo interpretado por Charlie Chin.

“Hung upside down”, también de Stephen Stills, es una delicia con el clásico “pa pa pa pa pa” sesentero que bien podría ser interpretada por los Doors. Stills toca la guitarra fuzz y a los teclados, mientras que Neil nos deja alguno de sus ejemplares solos. Gran canción.

En “Sad memory” Furay vuelve a tomar el mando compositivo con una preciosa balada melancólica acústica.

“Good time boy”, escrita por Furay e interpretada y producida por el batería Dewey Martin es un impetuoso soul a lo Wilson Pickett o a lo James Brown. La sección de viento que toca es la del American Soul Train.

“Rock & roll woman”, inspirada a Stills por David Crosby y con una óptima labor en el teclado de Stephen, presagia futuros trabajos de Crosby, Stills & Nash, aunque aquí las voces, fantásticas, corren a cargo de Stills, Young & Furay.

El disco se cierra con una especie de suite conceptual titulada “Broken Arrow”, otra pieza psicodélica llena de imaginería y lujosos arreglos obra de un genio como Neil Young (con ayuda de Jack Nitzsche), quien aquí intenta emular a lo Beatles más complejos y ambiciosos.

Ha recibido 322 puntos

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FRANK ZAPPA & THE MOTHERS OF INVENTION - We're only in it for the money 1968

84. FRANK ZAPPA & THE MOTHERS OF INVENTION - We're only in it for the money 1968

http://www.youtube.com/watch?v=qpYlEvWldEw

El genio inquieto y sardónico de Frank Zappa diatribando con ironía contra el movimiento hippie y la ebullición y efervescencia de su contexto cultural, ejemplicada en el flower-power (primordialmente contra el falso hippiesmo). Su sátira establecida desde un fascinante y divertido trabajo... Ver mas
El genio inquieto y sardónico de Frank Zappa diatribando con ironía contra el movimiento hippie y la ebullición y efervescencia de su contexto cultural, ejemplicada en el flower-power (primordialmente contra el falso hippiesmo).

Su sátira establecida desde un fascinante y divertido trabajo pop-rock experimental con retazos doo wop, pasajes de avant-gardé, pop de buena construcción melódica, elementos jazzisticos e incluso ritmos de vals.

También en su temática desarrolla momentos para el optimismo libertario y el énfasis en su autodefinición como personalidad independiente, nihilista y contestaria.

Algunas sonoridades utilizados en piezas de vana categoría y presuntoso vanguardismo como "Nasal retentive calliope music" o la inaguantable "The chrome plated megaphone of destiny", no pueden oscurecer el resultado conjunto de un magistral disco, original, ecléctico, hilarante y sorprendente, de vocalidad retorcida y bufona que contiene joyas (todas ellas de exigua duración) del repertorio zappiano como "Who needs the peace corps", "Concentration Moon", "What's the uglies part of your body?", "Absolutely Free", "Idiot bastard son", "Flower punk", "Mother people", "Let's make the water turn black", "Lonely little girl" o "Take your clothers off when you're dance".

Ha recibido 319 puntos

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THE BYRDS - The Notorious Byrd Brothers 1968

85. THE BYRDS - The Notorious Byrd Brothers 1968

http://www.youtube.com/watch?v=ygSxMVCSzx0

Excepcional disco, una auténtica obra maestra que se engrandece aún más por los problemas acaecidos en su elaboración con marchas, idas y venidas y demás avatares. David Crosby dejó la banda (mucho antes ya lo había hecho Gene Clark) y su buen amigo Michael Clarke le siguió (en este trabajo... Ver mas
Excepcional disco, una auténtica obra maestra que se engrandece aún más por los problemas acaecidos en su elaboración con marchas, idas y venidas y demás avatares.

David Crosby dejó la banda (mucho antes ya lo había hecho Gene Clark) y su buen amigo Michael Clarke le siguió (en este trabajo el que toca casi todos los pasajes de batería es Jim Gordon).

Todos estos inconvenientes no afectaron al resultado final de la obra, el LP más bello que nunca han grabado los Byrds, uno de los conjuntos más influyentes de la historia del rock, además de creadores del folk-rock, country-rock, jangle-pop y country-pop, el repique de la guitarra Rickenbacker de 12 cuerdas de Roger McGuinn, que además de ampliar el significado del folk expandió la flamígera llama de la psicodelia, se puede encontrar en cualquier estilo musical pasado y presente, desde el power-pop de Teenage Fanclub hasta los primeros sonidos alternativos de R.E.M. pasando por el rock de factura comercial de U2.

Ya en su época, muchos grupos fueron influidos por la banda californiana, incluídos los propios Beatles, no en vano, John Lennon aparece en "Revolver" con el modelo de gafas que McGuinn había patentado.

En "Notorious Byrd Brothers" los Byrds intentaron siempre desde su propia personalidad establecer una respuesta a la cuidadosa producción del "Sgt Pepper's" de los Beatles, utilizando de nuevo a Gary Usher, colaborador también de "Younger than yesterday" en las tareas productivas.

El resultado es excelente. Su celestial combinación de voces junto a unas magistrales composiciones llenas de barroquismo con secciones de viento, arreglos de violines, teclados siderales y guitarras enraizadas en una hechizante amalgama de pop, country, rock, folk y psicodelia.


La soberbia capacidad instrumental de sus protagonistas contó con la impagable aportación de las guitarras de Clarence White y Red Rhodes, el Moog de Paul Beaver y los apoyos vocales de Curt Boettcher, un mago de la producción vocal de los años 60 que ayudó a llevar al éxito a los Association y formó parte de dos poco conocidos pero magistrales proyectos de pop psicodélico: Sagittarius y The Millennium.

Ha recibido 317 puntos

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TEN YEARS AFTER - Ten Years After 1967

86. TEN YEARS AFTER - Ten Years After 1967

http://www.youtube.com/watch?v=lswhcutrRlA

El origen de Ten Years After se encuentra en una banda de blues del área de la ciudad de Nottingham llamada The Jaybirds, que había sido creada en 1962 por el guitarrista Alvin Lee (1944) y el bajista Leo Lyons (1943) y que en su primer año llegó a tocar en el All Star Club de Hamburgo, una... Ver mas
El origen de Ten Years After se encuentra en una banda de blues del área de la ciudad de Nottingham llamada The Jaybirds, que había sido creada en 1962 por el guitarrista Alvin Lee (1944) y el bajista Leo Lyons (1943) y que en su primer año llegó a tocar en el All Star Club de Hamburgo, una semana después de que lo hicieran los míticos The Beatles. En 1965, entró como nuevo batería de The Jaybirds Rick Lee (1945), que continuará posteriormente con Lee y Lyons en la etapa Ten Years After. En aquella época, las posibilidades de triunfar en el mundo de la música para un grupo de provincias pasaba inevitablemente por su presentación en la ciudad de Londres, y con este objetivo The Jaybirds se trasladaron en 1966 a la gran metrópoli en busca de una mayor proyección artística y, sobre todo, de una oportunidad discográfica. Una vez allí, la formación se amplió con el teclista Chick Churchill (1946), que había trabajado para ellos como road manager, mientras se contrataba como manager a Chris Wright, el cual propuso cambiar el nombre de la banda a Blues Trip, y después a Blues Yard. Con esta última denominación tocaron por primera vez en el club The Marquee, aunque poco después decidieron llamarse definitivamente Ten Years After. Y en poco tiempo, y gracias a su notable actuación en vivo, consiguieron consolidarse como banda residente del famoso club londinense, además de ser invitados a participar en el Festival de Blues y Jazz de Windsor de 1967.

La repercusión de los conciertos de Ten Years After no tardó en proporcionarles un contrato discográfico con Deram, subsidiaria de Decca, y en octubre de 1967 salía a la venta su álbum de debut, el homónimo Ten Years After, con la producción de Mike Vernon y Gus Dudgeon. Este disco no mostraba no obstante todo el potencial y cualidades musicales del grupo, pues se registró un repertorio algo frío de versiones de blues clásico y moderno y las primeras composiciones de Alvin Lee, que apuntaba tan sólo sus buenas maneras como guitarrista y su gusto por los toques jazzísticos. Entre las versiones se encuentran el clásico de Al Kooper con The Blues Project I Can´t Keep From Crying, Sometimes y la revisión del Spoonful popularizado poco antes por Cream, con Lee emulando al idolatrado Eric Clapton. En cualquier caso, el álbum consiguió buenas críticas y una notable repercusión, que llegó incluso a las emisoras de los Estados Unidos. Así, tras una gira por Escandinavia a principios de 1968, el grupo inglés fue invitado a actuar en California por el famoso promotor norteamericano Bill Graham. Poco antes de cruzar el charco, habían comenzado a grabar las canciones de su segundo álbum, pero la expectación creada por su próxima gira por Estados Unidos y la decepción por el resultado de su primer álbum motivó que la banda inglesa se decidiera a mostrar al público la vitalidad y riqueza de su propuesta musical con una grabación en directo que les quitara la etiqueta de ser “un grupo más de blues”, en la estela de los Bluesbreakers de John Mayall o los propios Cream.

Ha recibido 315 puntos

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NEIL YOUNG - Neil Young 1969

87. NEIL YOUNG - Neil Young 1969

http://www.youtube.com/watch?v=maOEzI4SnGI

Primer disco en solitario de Neil Young y primera obra maestra de este gran mito musical. Es un infravalorado LP, muy melódico y de afligida atmósfera que no tiene desperdicio prorrogando las pautas de sus mejores composiciones con Buffalo Springfield. De reflexiva lírica y lastimera voz... Ver mas
Primer disco en solitario de Neil Young y primera obra maestra de este gran mito musical.

Es un infravalorado LP, muy melódico y de afligida atmósfera que no tiene desperdicio prorrogando las pautas de sus mejores composiciones con Buffalo Springfield.

De reflexiva lírica y lastimera voz nasal, se abre con un relajante y bello instrumental country continuado por gemas folk-rock y pop con hermosos pasajes acústicos de una formidable intensidad sentimental.

Una de las cumbres del álbum es "The Loner", soberbia pieza rock con sensacionales arreglos de Jack Nitzsche que principia a vislumbrar los temas centrales de este disco: la añoranza, la desolación, la paranoia y la pérdida amorosa.

Estos asuntos se significan maravillosamente en "If I Could Have Her Tonight" o "I've Been Waiting For You", dos emotivas y bellas piezas interpretadas de manera espléndida por un delicado y frágil Neil Young inmerso en un arrebatador proceso melancólico, subrayado de manera lírica por una instrumentación quejosa y doliente en consonancia con el escenario emocional en el que se encuentra situado el maestro.

La etérea "The Old Laughing Lady" es una cautivadora joya de tempo letárgico, manejo épico del ambiente y ululantes coros femeninos (entre ellos Gloria Jones, futura novia de Marc Bolan, el líder de T. Rex).

"Here We Are In The Years" evoca con arreglos de violines y piano de afinidad Beatle la sencillez y el escapismo hallado en la existencia natural, "What Did You Do To My Life" contiene un infeccioso estribillo y un hipnótico trabajo de guitarra.
La elegancia en la ejecución de "I've Loved Her So Long" se encuentra sublimada por su sentimental estribillo.

Para terminar el álbum, Neil nos ofrece un extenso ejercicio acústico y dylaniano de críptica imaginería, que se aleja bastante de la modulación instrumental encontrada en este gran disco.

Junto a los temas propios, Jack Nitzsche, quien también colabora con Neil y Ry Cooder en los arreglos y en los teclados de algunos temas, escribe el exiguo pero maravilloso instrumental "String Quartet From Whiskey Boot Hill", toda una hermosa orgía de cuerdas.

Ha recibido 314 puntos

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MC5 - Kick Out the Jams 1969

88. MC5 - Kick Out the Jams 1969

http://www.youtube.com/watch?v=uwFeN0Zl1bQ

El mítico “Kick out the jams” (1969) de MC5, disco que recogía sus actuaciones en vivo a finales de octubre de 1968 en el Grande Ballroom. Imprescindible su escucha, a todo volumen, para aprender lo que es la rabia, fiereza y catársis, música salvaje y excitante que deja en bragas a cualquier... Ver mas
El mítico “Kick out the jams” (1969) de MC5, disco que recogía sus actuaciones en vivo a finales de octubre de 1968 en el Grande Ballroom.

Imprescindible su escucha, a todo volumen, para aprender lo que es la rabia, fiereza y catársis, música salvaje y excitante que deja en bragas a cualquier mindundi o mindundis actuales o pretéritos que se piensan que el rock ha comenzado hace dos días cuando lleva bastantes años en la UVI y financiado por multinacionales.
Torbellinos sónicos, guitarras estruendosas, baterías retumbantes, voces catárticas…un auténtico festín de devastador rock en temas como “Ramblin’ Rose”, “Kick out the jams” (número 82 en el Billboard) o “I want you right now”, tema en el cual se aprecian sus ascendencias de Troggs y Hendrix.
El LP (número 30 en los Estados Unidos) estaba producido por Bruce Botnik, conocido técnico colaborador de gente como los Doors, Love o los Beach Boys.

Ha recibido 311 puntos

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THE SMALL FACES - Ogdens Nut Gone Flake 1968

89. THE SMALL FACES - Ogdens Nut Gone Flake 1968

http://www.youtube.com/watch?v=3zkAgrMfoc4

Este Ogden's Nut Gone Flake (producido por Marriott y Lane y número 1 en el Reino Unido) fue el segundo LP que publicaron bajo el sello de Andrew L. Oldham y supone su cénit como músicos. El disco abre con la instrumental Ogdens' Nut Gone Flake, para después dar paso al himno Afterglow Of Your... Ver mas
Este Ogden's Nut Gone Flake (producido por Marriott y Lane y número 1 en el Reino Unido) fue el segundo LP que publicaron bajo el sello de Andrew L. Oldham y supone su cénit como músicos. El disco abre con la instrumental Ogdens' Nut Gone Flake, para después dar paso al himno Afterglow Of Your Love en el que Marriott se luce gracias a su portentosa voz. Long Agos And Worlds Apart es un ejemplo del rock lisérgico que habían aprendido a hacer, uniéndose a la moda de la época, mientras que la jam final de Rene supone un retorno a la música negra que homenajeaban en sus inicios. Cerrando la cara A nos encontramos con la potente Song Of A Baker Man y con Lazy Sunday, una joya pop con aires de music hall que los emparenta con los Kinks.

En la cara B cambia totalmente el panorama, pues se trata de una mini ópera rock en la que el humorista sudafricano Stanley Unwin nos narra las aventuras psicodélicas de Happiness Stan, un niño en busca de la mitad oculta de la luna. En cuanto a lo estrictamente musical, se trata de una cara en la que, salvo por la rockerísima Rollin' Over, nos encontramos con canciones de mayor complejidad tanto estructural como instrumental. Así, temas como Happiness Stan y The Hungry Intruder harán las delicias de los amantes de los sonidos barrocos.

Por último, añadir que el título del álbum y su carátula, son una parodia del nombre y la caja de una marca de tabaco que se producía en Liverpool desde 1899 llamada Ogdens' Nut-Brown Flake y que originalmente el vinilo fue lanzado con una funda circular, mientras que ahora, las ediciones en CD, salen en una caja cuadrada con una portada con fondo color azul.

Ha recibido 306 puntos

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JOHNNY WINTER - Second Winter 1969

90. JOHNNY WINTER - Second Winter 1969

http://www.youtube.com/watch?v=9ROoElqKmKk&feature=fvw

Second winter, de 1969 fue el 2do disco oficial que lanzó el guitarrista estadounidense Johnny Winter, tal vez uno de los precursos del blues blanco en dicho país. Un disco que, como el primero, recorre composiciones propias y covers de sus artistas más admirados (Chuck Berry, Bob Dylan, etc... Ver mas
Second winter, de 1969 fue el 2do disco oficial que lanzó el guitarrista estadounidense Johnny Winter, tal vez uno de los precursos del blues blanco en dicho país. Un disco que, como el primero, recorre composiciones propias y covers de sus artistas más admirados (Chuck Berry, Bob Dylan, etc...) este disco marca una personalidad, una guitarra que suena con nombre. Una guitarra que ya escucho el grito del beat, uan guitarra que ya escucho a los negros cantar, una guitarra que escucho el rugido de Jimi Hendrix, una guitarra que a pesar de estar alimentándose de todo eso canta con una voz propia, un estilo que los hermanos Winter marcarán en esos finales de los años sesenta y comienzos de la década de los setenta, en la cual el guitarrista rescataría la escencia del blues puro de su ciudad natal, Texas.

Ha recibido 277 puntos

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THE HOLLIES - For certain because 1966

91. THE HOLLIES - For certain because 1966

http://www.youtube.com/watch?v=U_deK_A_TrQ

Primer Lp de una indispensable tríada de discos completada con los posteriores "Evolution" y "Butterfly", absolutamente necesaria para entender la inmensa contribución de los Hollies a la música pop. Es también el primer Lp compuesto íntegramente por ellos mismos, quienes desde una innata... Ver mas
Primer Lp de una indispensable tríada de discos completada con los posteriores "Evolution" y "Butterfly", absolutamente necesaria para entender la inmensa contribución de los Hollies a la música pop. Es también el primer Lp compuesto íntegramente por ellos mismos, quienes desde una innata habilitad para la melodía, construyen unas atractivas canciones perfectamente estructuradas y alimentadas por una espectacular combinación de voces, rasgo característico y básico del grupo de Manchester.

Ejemplo de ello son "What's wrong with the way I live", "It's you" y el single "Stop! Stop! Stop!", donde Tony Hicks hace sonar su banjo.

Los toques orientales y de bossanova están presentes en "Tell me to my face", interpretada por la voz solista de Graham Nash, al igual que la mágica y melancólica balada "Clown".

El bajista Bernie Calvert se hace cargo del piano en "Pay your back with interest", una impetuosa batería de Bobby Elliott (un infravalorado instrumentista primordial en el sonido de los Hollies) es parte esencial de la magistral "What went wrong", orquestada por Mike Vickers, de la misma manera que "High classed", elegante y sarcástico tema dominado por Allan Clarke y "Crusader", pieza en la cual incorporan bellos arreglos de viento.

Ha recibido 274 puntos

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DONOVAN - Sunshine Superman 1966

92. DONOVAN - Sunshine Superman 1966

http://www.youtube.com/watch?v=hTuPbJLqFKI

Las admirables melodías y arreglos, además de una encantadora voz, son algunos de los apreciables rasgos musicales de Donovan, un subestimado (en realidad es un grandísimo autor) cantante y compositor folk y pop psicodélico que con este soberbio "Sunshine Superman" logró su cima como cantautor... Ver mas
Las admirables melodías y arreglos, además de una encantadora voz, son algunos de los apreciables rasgos musicales de Donovan, un subestimado (en realidad es un grandísimo autor) cantante y compositor folk y pop psicodélico que con este soberbio "Sunshine Superman" logró su cima como cantautor.

El álbum oferta cánticos hippies de amor y paz con sonoridad llena de ornamentos, recuerdos a músicas pretéritas con sonidos inventivos en los que participó gente como Jimmy Page a la guitarra eléctrica, A. Friend al violín o Sheila Phillips al sitar.

Las magníficas canciones, producidas por Mickie Most, incluyen su gran éxito en single "Sunshine Superman" y glorias como "Season of the witch", "Guinevere" "The fat angel" (dedicada a Mama Cass de Mamas & The Papas) o "Bert's blues" (el Bert del título es el músico de folk escocés Bert Jansch), aunque es una pérdida de tiempo decir títulos, ya que todo el álbum es pura delicia.

Ha recibido 271 puntos

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THE SMALL FACES - Small Faces 1966

93. THE SMALL FACES - Small Faces 1966

http://www.youtube.com/watch?v=3QcYL5lI9yw

Grupo ilustrativo del movimiento mod británico, con gran propensión por el R&B y el soul, los Small Faces ejecutaban vibrantes sonidos con influencia de sus maestros negros. Uno de ellos, Sam Cooke y su tema "Shake", les sirve para comenzar de manera frenética este primer LP de su carrera... Ver mas
Grupo ilustrativo del movimiento mod británico, con gran propensión por el R&B y el soul, los Small Faces ejecutaban vibrantes sonidos con influencia de sus maestros negros. Uno de ellos, Sam Cooke y su tema "Shake", les sirve para comenzar de manera frenética este primer LP de su carrera.

Basando sus sonidos en la excitante y rugosa capacidad vocal de su guitarrista y principal cantante Steve Marriott en sinergia instrumental con el bajista Ronnie Lane, el teclista Ian McLagan (con pasajes de órgano de Jimmy Winston) y el fenomenal batería Kenny Jones, capaz de competir con su colega Keith Moon y que ofrece brillos de su talento en temas como "Come On Children".

Kenny Lynch, compositor de la Decca, les escribe estupendas canciones como "You'd Better Believe Me" y sobre todo, dos de sus obras mayores, "Sorry, She's Mine" y "Sha La-la-la-lee", tema de pegadizo estribillo co-escrito con Mort Shuman que se convirtió en el primer gran éxito de la banda.

La composición del productor Ian Samwell que se convirtió en su primer single fue "Watcha Gonna Do About It?", espectacular arranque de la discografía del grupo.

El siempre musculoso bajo de Lane se anaboliza de forma admirable en la composición propia "It's Too Late", que junto a la poderosa batería de Jones crean una base rítmica verdaderamente enérgica a lo largo de todo el álbum.

Los Small Faces incluían en su debut en disco grande siete temas propios. Junto a los citados "Come On Children" e "It's Too Late" los más destacados son "One Night Stand", "Don't Stop What You're Doing" y "You Need Loving", vitaminadas piezas mod-pop de vigorosa instrumentación con acertados trabajos vocales.

Ha recibido 271 puntos

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EASY RYDER - Original Soundtrack 1969

94. EASY RYDER - Original Soundtrack 1969

http://www.youtube.com/watch?v=z2Kod4fwIRo

Es curioso porque este debe de ser de los pocos casos que una banda sonora, bueno sobre todo una canción “Born To Be Wild” sea más famosa que la propia película donde aparece. Porque está claro que todo el mundo a escuchado esta mitiquísima canción de los Steppenwolf ,pero estoy seguro que no... Ver mas
Es curioso porque este debe de ser de los pocos casos que una banda sonora, bueno sobre todo una canción “Born To Be Wild” sea más famosa que la propia película donde aparece. Porque está claro que todo el mundo a escuchado esta mitiquísima canción de los Steppenwolf ,pero estoy seguro que no tanta gente ha visto Easy Rider.

Easy Rider (Buscando mi destino) se estrenó en 1969, inmediatamente esta road movie se convirtió en un éxito como nuevo estilo de cine en lo que creo que esta banda sonora aportó muchísimo. Las dos primeras canciones de la Bso son del grupo Canadiense Steppenwolf 1ª The Pusher, una canción de rock con las influencias básicas del blues de la época. La 2ª Born To Be Wild, que decir de este pedazo de himno y leyenda de canción.... ¡Es escucharla y te dan ganas de comprarte una moto! La 3ª Weight, una famosa canción de otro grupo canadiense The Band, buen rock de los 60´s ,que en esta canción destaca sobretodo el gran piano acompañante. La 4ª Wasn't Born To Follow de otro mítica formación sesentera como The Byrds y su mezcla de folk-rock con un poco de rock psicodélico.

Seguidamente a estas 4 grandes canciones entra el Country en escena con la 5ª If You Want To Be A Bird , de los The Holy Modal Rounders y la 6ª Don't Bogart Me (A.K.A.Don't Bogart That Joint) de Fraternity Of Man.

La 7ª If 6 Was 9 es un puro viaje de ácidos por parte del gran Jimi Hendrix. No es ni de lejos una de sus mejores canciones pero reconozco que le va bien a esa búsqueda del destino liberal que nos relata la película. En la 8ª Kyrie Eleison / Mardi Gras (When The Saints) no abandonamos el rock psicodélico con los The Electric Prunes y sus coros místicos. Y para terminar este viaje por Norteamérica dos canciones de Roger Mc Guinn, 9ª It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding) con su pegadiza armónica y la 10ª Ballad Of Easy Rider.

Ha recibido 270 puntos

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TEN YEARS AFTER - Stonedhenge 1968

95. TEN YEARS AFTER - Stonedhenge 1968

http://www.youtube.com/watch?v=RfOG0yN9GHY

Tras el verano de 1968, Ten Years After concluyeron el repertorio de su tercer disco, Stonedhenge, y se embarcaron en una nueva gira por Estados Unidos que comenzó en el Fillmore East de Nueva York. La oferta musical de Stonedhenge, que no salió hasta febrero de 1969, es totalmente distinta al... Ver mas
Tras el verano de 1968, Ten Years After concluyeron el repertorio de su tercer disco, Stonedhenge, y se embarcaron en una nueva gira por Estados Unidos que comenzó en el Fillmore East de Nueva York. La oferta musical de Stonedhenge, que no salió hasta febrero de 1969, es totalmente distinta al fiero Undead, con una colección variada y mucho más tranquila de temas en el que el grupo toca todos los palos, desde las influencias psicodélicas de Going to Try hasta el jazz de Woman Trouble, pasando por el blues-rock de Hear Me Calling, que fue su mayor éxito y destila de nuevo las influencias innovadoras de Cream. Pero la experimentación musical del grupo queda patente sobre todo en No Title, un tema intimista roto puntualmente con descargas de guitarra distorsionada y solos de órgano y batería que les acercaban al rock progresivo. Salvo dos breves interludios de piano y bajo a cargo de Churchill y Lyons, todos los temas están compuestos por Alvin Lee, que en esta ocasión se muestra más contenido y fino con su guitarra, incluso en el acelerado boogie Speed Kills que cierra el álbum. Pero al mismo tiempo, el año de 1969 fue el de la definitiva consagración internacional de Ten Years After como uno de los grupos con más potente directo del circuito musical. Su escalada a la cima del rock se cimentó sobre todo en sus actuaciones veraniegas por Estados Unidos, incluyendo tanto su presencia en el Festival de Jazz de Newport en el mes de julio como en el mítico Festival de Woodstock celebrado en agosto, en el que se erigieron en una de las bandas triunfadoras del evento, algo que no no consiguieron otras formaciones con mucho más nombre. Su actuación en Woodstock permaneció durante años como una de las más recordadas, sobre todo por la aparición de su versión de I´m Going Home en el documental del evento al año siguiente.

Ha recibido 259 puntos

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BLOOD, SWEET & TEARS - Child is father to the man 1968

96. BLOOD, SWEET & TEARS - Child is father to the man 1968

http://www.youtube.com/watch?v=dQCEJf4EAUI

Idóneo ejemplo de lo que tiene que ser una atractiva sonoridad en la fusión entre el pop-rock y el jazz, con algunos apuntes psicodélicos, clásicos, folk, blues y soul. Este disco debut de la banda neoyorquina Blood, Sweat & Tears, liderada por Al Kooper, es el mejor trabajo que jamás haya... Ver mas
Idóneo ejemplo de lo que tiene que ser una atractiva sonoridad en la fusión entre el pop-rock y el jazz, con algunos apuntes psicodélicos, clásicos, folk, blues y soul. Este disco debut de la banda neoyorquina Blood, Sweat & Tears, liderada por Al Kooper, es el mejor trabajo que jamás haya realizado este grupo, ayudado en su calidad sonora por la experta producción de John Simon, quien ese mismo año colaboró en la elaboración de grandes discos como "Bookends" de Simon & Garfunkel, "Music from Big Pink" de The Band, "The Electric Flag: An American Music band" de The Electric Flag, "Songs of Leonard Cohen" de Leonard Cohen o "Cheap Thrills" de Big Brother & The Holding Company.


Este sofisticado trabajo de elegantes y selectas melodías viene determinado por el buen gusto en los arreglos de viento y la capacidad de licuación de elementos ajenos al rock, especialmente el jazz y el blues.

Perfecta comunión de excelentes músicos que expanden con conocimiento de causa las pautas tradicionales del universo del pop-rock, haciendo partícipe con su alborozada propagación sónica al melómano ecléctico, que a buen seguro disfrutará con grandes canciones como "My days are numbered", la bluesy "I love you more than you'll ever know", las sensacionales revisitaciones de los temas de Tim Buckley "Morning Glory", Harry Nilsson "Without her" (quien curiosamente posteriormente versionaría con éxito "Without you" de Badfinger) y Randy Newman "Just one smile". La psico-folk "Meagan's Gipsy eyes", la efervescente y simpática "House in the country", la soberbia "Modern, Aventures of Plato, Diogenes y Freud", con un trabajo en las cuerdas realmente memorable y la maravillosa mixtura entre jazz y pop de "So much love", tema escrito por Carole King y Gerry Goffin que interpretaron también The Hour Glass (el grupo de Gregg y Duane Allman antes de los Allman Brothers) y Dusty Springfield y que Blood Sweat & Tears embellecen con un buen tratamiento en los arreglos de viento y el teclado de Al Kooper son otros pasajes realmente valiosos de este fenomenal album.

Tras la marcha de Kooper (sustituido por David Clayton-Thomas) grabarían el tambien recomendable "Blood, Sweat & Tears"(1969), pero posteriormente no volverían a conseguir tan altas cotas de inspiración.

Ha recibido 258 puntos

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SPENCER DAVIS GROUP - The Second Album 1965

97. SPENCER DAVIS GROUP - The Second Album 1965

http://www.youtube.com/watch?v=HAdottB7UU8

Uno de los grupos más sólidos de la escena británica de los 60. La inconfundible voz de Steve Winwood da personalidad a un grupo elegante que supo captar la esencia del R&B negro y trasladarla al mercado británico. Con este segundo disco, mezcla de Rhythm & Blues, Jazz, Folk y Blues, alcanzaron... Ver mas
Uno de los grupos más sólidos de la escena británica de los 60.
La inconfundible voz de Steve Winwood da personalidad a un grupo elegante que supo captar la esencia del R&B negro y trasladarla al mercado británico. Con este segundo disco, mezcla de Rhythm & Blues, Jazz, Folk y Blues, alcanzaron reconocimiento gracias al single “Keep On Running”. También descubrimos una personal interpretación de “Georgia On My Mind”. El álbum está producido por Chris Blackwell y es una muestra de la pasión puesta al servicio de la música.

Ha recibido 257 puntos

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THE JEFF BECK GROUP - Beck-Ola 1969

98. THE JEFF BECK GROUP - Beck-Ola 1969

http://www.youtube.com/watch?v=FN18OcFNbXQ

Casi igualando la calidad del primer LP este "Beck-Ola" continúa el sonido iniciado con "Truth". Más hard blues, sucio y pesado. E impresionante formación: Jeff Beck, Rod Stewart, Ron Wood, Tony Newman (que sustituye a Mick Waller) y ya definitivamente incorporado a la banda Nicky Hopkins. No... Ver mas
Casi igualando la calidad del primer LP este "Beck-Ola" continúa el sonido iniciado con "Truth". Más hard blues, sucio y pesado. E impresionante formación: Jeff Beck, Rod Stewart, Ron Wood, Tony Newman (que sustituye a Mick Waller) y ya definitivamente incorporado a la banda Nicky Hopkins. No les duraría mucho pues el grupo se rompe poco después. Ya sabéis dónde acabó cada cual. Una pena, que The Faces me perdonen... :)

La contraportada del disco es toda una declaración de intenciones:
"Today, with all the hard competition in the music business, it's almost impossible to come up with anything totally original. So we haven't.
However, at the time this album was made, the accent was on heavy music. So sit back and listen and try and decide if you can find a small place in your heads for it".

Ha recibido 253 puntos

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STEPPENWOLF - The Second 1968

99. STEPPENWOLF - The Second 1968

http://www.youtube.com/watch?v=EEEzbFxEbB8

Steppenwolf (banda que toma el nombre el libro de Hermann Hesse,"El lobo estepario) lanza en 1968 su segundo trabajo titulado The Second. Esta segunda trabajo de la banda es una explosiva mezcla de Acid rock, electric blues y elementos psicodélicos. Esta mezcla seria una clara señal de la fuerza... Ver mas
Steppenwolf (banda que toma el nombre el libro de Hermann Hesse,"El lobo estepario) lanza en 1968 su segundo trabajo titulado The Second. Esta segunda trabajo de la banda es una explosiva mezcla de Acid rock, electric blues y elementos psicodélicos. Esta mezcla seria una clara señal de la fuerza que tomaria la banda con el pasar de los años. The Second es un trabajo que incluía otro hit en single, el tema psicodélico “Magic Carpet Ride” (escrito por Kay y el antiguo bajista Rushton Moreve) que presentaba una lisérgica combinación de instrumentos con distinción para los teclados de McJohc.

Ha recibido 241 puntos

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THEM - Them 1965

100. THEM - Them 1965

http://www.youtube.com/watch?v=hV0yATP4RZs

Sin duda, y aunque parezca tópico expresarlo, una de las mejores voces blancas que jamás haya existido es la de Van Morrison, quien debutaba en disco grande con este trabajo de los Them publicado en el año 1965. El disco oferta un sonido R&B muy similar al estilo de los primeros Stones... Ver mas
Sin duda, y aunque parezca tópico expresarlo, una de las mejores voces blancas que jamás haya existido es la de Van Morrison, quien debutaba en disco grande con este trabajo de los Them publicado en el año 1965.

El disco oferta un sonido R&B muy similar al estilo de los primeros Stones, deudor también de ídolos del blues y R&B como Jimmy Reed, Howlin' Wolf, Muddy Waters, John Lee Hooker o Bo Diddley.

El resultado es una elegante, vívida y sinuosa bacanal de órganos, guitarras, armónicas, pianos y saxos con ritmos de tintura negra, enaltecidos por la desgarrada garganta del irlandés, quien escribe temas tan populares como la memorable "Gloria", producida por el mismísimo Dick Rowe, el jerifalte de la Decca.

Otras canciones de cosecha propia, con co-producción de Bert Berns y Tommy Scott y arreglos de Arthur Greenslade, resultan magistrales, derrochando un feeling y una clase descomunal.
No hay más que escuchar "Mystic Eyes", un vibrante corte garajero con ecos de Bo Diddley en el cual Morrison oferta un recital de cómo interpretar la armónica y Billy Harrison se luce espectacularmente con la guitarra, por no hablar del inquieto órgano de Pete Bardens.

Otras piezas excelentes son "If You and I Could Be as Two", balada con base de piano y resonancias de Ray Charles, "You Just Can't Win", espléndido tema con una atmósfera sónica similar a la de "House of the Rising Sun" de los Animals, o la composición de su productor Bert Berns "Go On Home Baby", movido R&B con un Morrison metido en problemas amorosos con una virginal jovencita.

Las versiones, además, casi superan a las originales. "Just a Little Bit", un clásico del blues obra de Rosco Gordon, "Don't Look Back", de John Lee Hooker, "Bright Lights, Big City", de Jimmy Reed, o la inmortal "Route 66" de Bobby Troup, interpretada con el piano como instrumento primordial, son sensacionales ejemplos de cómo hay que abordar un tema ajeno y hacerlo propio.

Ha recibido 240 puntos

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THE SOFT MACHINE - The Soft Machine Vol. I & II 1968 - 69

101. THE SOFT MACHINE - The Soft Machine Vol. I & II 1968 - 69

http://www.youtube.com/watch?v=TF-K_U_8r5o

Los Soft Machine fueron uno de los conjuntos más destacados dentro del sonido Canterbury del Reino Unido, en donde confluirían bandas bastante ambiciosas como Gong, Caravan o este conjunto compuesto en sus inicios, finales de los años 60, por el batería y vocalista Robert Wyatt, el bajista y... Ver mas
Los Soft Machine fueron uno de los conjuntos más destacados dentro del sonido Canterbury del Reino Unido, en donde confluirían bandas bastante ambiciosas como Gong, Caravan o este conjunto compuesto en sus inicios, finales de los años 60, por el batería y vocalista Robert Wyatt, el bajista y cantante Kevin Ayers, los guitarristas Daevid Allen y Larry Nolan, y el teclista Mike Ratledge. Varios de sus componentes habían estado en el seminal combo The Wilde Flowers.

El grupo, con músicos mamados en raíces jazz, de psicodelia/art-rock, se bautizó con el nombre de una novela de William Burroughs, el afamado autor de la Generación Beat.
Sería Kim Fowley quien les sacaría del anonimato y profesionalizaría sus experimentos sónicos. Su primer single, editado en 1967 en el sello Polydor fue “Love makes sweet music”. En 1968 ya no estaban dándole al instrumento ni Larry Nolan ni Daevid Allen, quien después de impedírsele la entrada en Inglaterra tras pasar por Francia (era australiano y le había caducado el visado) pronto crearía Gong. Quien pasó brevemente por esta etapa fue el guitarrista Andy Summers, quien muchos años después alcanzaría la fama mundial formando parte de Police.

Pero bueno, la carrera de Summers en Soft Machine fue más que corta, efímera. Ayers, Wyatt y Ratledge serían los protagonistas de su LP debut, “The Soft Machine Volume One” (1968), un album psicoprogresivo y jazz-rock producido por Chas Chandler y Tom Wilson y editado en Probe Records, compañía en la cual grabarían también, con co-producción entre la banda y Mike Jeffrey, su “The Soft Machine Volume Two” (1969), dos de los discos grandes más importantes de su carrera y que en reediciones posteriores aparecían ambos en un solo CD.
En este último álbum ya no tocaba Kevin Ayers, quien decidió dejar el grupo porque estaba harto de tanta gira (una de ellas de teloneros del mismísimo Jimi Hendrix) y porque deseaba lanzar su carrera como solista.
Su reemplazo en el bajo fue Hugh Hopper, otro ex miembro de los Wilde Flowers.

Ha recibido 227 puntos

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VAINILLA FUDGE - Vainilla Fudge 1967

102. VAINILLA FUDGE - Vainilla Fudge 1967

http://www.youtube.com/watch?v=ifpmXmsecrU

Importante banda psicodélica neoyorquina surgida a finales de los años 60. Su capacidad para variar completamente clásicas piezas de gente como The Beatles o The Supremes influyó a grupos progresivos y de hard-rock contextuales y posteriores (como Deep Purple o Uriah Heep), por su aventurada... Ver mas
Importante banda psicodélica neoyorquina surgida a finales de los años 60. Su capacidad para variar completamente clásicas piezas de gente como The Beatles o The Supremes influyó a grupos progresivos y de hard-rock contextuales y posteriores (como Deep Purple o Uriah Heep), por su aventurada infusión lisérgica y progresiva en dichos temas, su rotunda sonoridad, lentitud en los tempos y complejidad en los arreglos.

Los primeros pasos de la banda se retrotraen a un grupo denominado Rick Martin & The Showman. Varios de sus componentes decidieron crear a mediados de los años 60 una banda llamada The Electric Pigeons.

Este nuevo conjunto estaba formado por el cantante y teclista Mark Stein (nacido el 11 de marzo de 1947), el guitarrista Vince Martell (nacido el 11 de noviembre de 1945), el bajista Tim Bogert (nacido el 27 de agosto de 1944) y el batería Joel Brennan.
Poco después de su formación recortaron su nombre a The Pigeons y comenzaron a actuar con éxito por diversos locales de la Costa Este estadounidense.



Phil Basille, el propietario de uno de ellos, el Action House de Long Island, apreció la valía instrumental de la banda y decidió representarlos, logrando que el productor Shadow Morton (colaborador esencial para las Shangri-Las) se interesase por sus pupilos y les consiguiera un contrato con Atlantic tras escuchar éstos la versión de “You Keep Me Hangin’ On” de las Supremes.

Poco antes del encuentro con Morton, el batería Joel Brennan, incapaz de adecuarse a la complicada instrumentación que requerían los temas, fue sustituido en las baquetas por Carmine Appice (nacido el 15 de diciembre de 1946), ex miembro de Thursday Children.

El primer trabajo de Vanilla Fudge, rebautizados por la compañía con el nombre de un helado, fue el citado single “You Keep Me Hangin’ On”, una original revisión en tono épico llevada al campo del acid-rock del famoso tema escrito por el legendario terceto Holland/Dozier/Holland para las Supremes, destacado por la interpretación en los teclados de Mark Stein.
En su primera impresión no cosechó demasiada fortuna en listas americanas (sí en las británicas), pero un año después llegó hasta el número 6 en el Billboard.

“Vanilla Fudge” (1967), disco producido por Morton, fue el LP debut de la banda y una de las primeras piezas claves del rock progresivo y un excelente álbum psicodélico.

Compuesto enteramente por versiones, el grupo reinventaba temas de los Beatles (“Ticket To Ride” y “Eleanor Rigby”), The Zombies (“She’s Not There”) o de los Impressions (“People Get Ready”), otorgándoles una mayor sosiego rítmico, dimensión melodramática y fortaleza instrumental y vocal.
El LP consiguió magníficas ventas, propulsado por apariciones televisivas y actuaciones al lado de formaciones como Blue Cheer, Yardbirds o The Steve Miller Band, alcanzó el número 6 en los Estados Unidos.

Ha recibido 217 puntos

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SPENCER DAVIS GROUP - Gimme Some Lovin' (Single) 1966

103. SPENCER DAVIS GROUP - Gimme Some Lovin' (Single) 1966

http://www.youtube.com/watch?v=mGBWBFQtx3Q&feature=related

Esta canción se publicó allá por el 66, por el primer grupo del cantante Steve Winwood, que por aquel entonces tenía sólo 18 años. Tuvo un gran éxito en su momento, y volvió a tenerlo en los 80 al ser incluida en la banda sonora de la película "Granujas a todo ritmo", interpretada por Dan... Ver mas
Esta canción se publicó allá por el 66, por el primer grupo del cantante Steve Winwood, que por aquel entonces tenía sólo 18 años. Tuvo un gran éxito en su momento, y volvió a tenerlo en los 80 al ser incluida en la banda sonora de la película "Granujas a todo ritmo", interpretada por Dan Aykroyd y John Belushi. Magnífico el órgano Hammond.

Ha recibido 217 puntos

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LOVE - Da capo 1966

104. LOVE - Da capo 1966

http://www.youtube.com/watch?v=UUsw33MS2Xw

Cuando LOVE publicó su segundo disco el salto cualitativo con respecto a su homónimo debut resultó realmente enorme. "Da Capo" se desmarca de su predecesor en eclecticismo, personalidad, y pura calidad. Según el guitarrista Johnny Echols en cierto modo la banda recuperaba algunas de sus propias... Ver mas
Cuando LOVE publicó su segundo disco el salto cualitativo con respecto a su homónimo debut resultó realmente enorme. "Da Capo" se desmarca de su predecesor en eclecticismo, personalidad, y pura calidad. Según el guitarrista Johnny Echols en cierto modo la banda recuperaba algunas de sus propias señas de identidad, perdidas con su llegada y posterior asimilación a la escena de Los Ángeles. Retornaban al principio y de ahí el título del álbum. Ampliando el personal con la presencia de un saxofonista y flautista (Tjay Cantrelli) y un nuevo batería (Michael Stuart, que desplazó a "Snoopy" Pfisterer a los teclados) las opciones se multiplicaron y una cierta influencia del jazz, la música latina y una onda más decididamente psicodélica se notan en las canciones.

"Seven & Seven Is" el último single de la formación original, incluido en el disco, supone la despedida al rabioso sonido de la primera etapa. Una despedida gloriosa, pues no sólo es su primer Top 40, sino además la cumbre de estos primeros LOVE: un portentoso y arrollador corte de proto-punk, directo y potente, en el que la banda suena a velocidad de auténtico vértigo, progresivamente agresiva y que justifica plenamente ese efecto final de la explosión. Una vez consagrados completamente en este género rock su siguiente movimiento resultaría aún más interesante.

Pero conviene adevertir que "Da Capo" es uno de los discos más extraños de la época por un insólito contraste interior. Su imperfecta asimetría nos recuerda la época en la que los L.P's eran de vinilo y tenía una Cara A y una Cara B. La diferencia entre las dos caras de "Da Capo" es abismal. En la primera tenemos una de las colecciones de canciones más excepcionales de la época psocodélica, seis cortes cuyo eclecticismo y calidad se comparan a cualquier cumbre de los sesenta. La Cara B está ocupada enteramente por uno de los mayores errores estratégicos posibles: "Revelation", una abigarrada y rígida jam de veinte minutos de Rythmn & Blues con delirios jazz, muy similar al "Goin' Home" de los ROLLING STONES (a los que Echols acusa de plagio al igual que de la frase "She Comes In Colours" para "She's A Rainbow"). Resulta un fracaso absoluto, aburrida hasta el bostezo.

Sin embargo la Cara A es tan buena que hace de "Da Capo" el otro disco absolutamente imprescindible de LOVE junto a "Forever Changes". Las letras de Lee han madurado a pasos agigantados y la banda también. La diferencia con el debut se hace patente en el tempo esquivo y jazzístico del primer corte, "Stephanie Knows Who". "Orange Skies" es una más de esas sutiles y hermosas delicadezas de folk psicodélico de Bryan Maclean, una de sus mayores cumbres. "Que Vida!" posee unos deliciosos aromas latinos y una aire completamente sixties. Y el concepto de rock acústico y psicodélico de "Foreverchanges" queda anticipado por dos temas. La deliciosa y magistral "She Comes In Colours", uno de los mejores temas psicodélicos de la época. Y sobre todo por "The Castle": abruptos cambios de ritmo, partes muy heterogéneas dentro de la misma canción y una letra repleta de extrañas salidas de tono: "A o B, es tan difícil escoger/ si yo tuviese una mente la utilizaría".

Pese a su extraña simetría, al error que supone "Revelation", finalmente "Da Capo" (ahora disponible en esta lujosa, económica y excelente reedición) permanece como uno de los mejores discos de una época gloriosa para el pop, la otra gran obra de los autores de "Foreverchanges". Descúbrela

Ha recibido 215 puntos

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THE BUTTERFIELD BLUES BAND - East West 1966

105. THE BUTTERFIELD BLUES BAND - East West 1966

http://www.youtube.com/watch?v=RflG4g39amw

El segundo trabajo de la banda compuesta por Buttefield, Bloomfield y compañia, "East West", publicado allá por el 66, es un disco referente, con una enorme influencia en la escena musical, una influencia que perdura hasta nuestros días. La Butterfield Blues Band hace añicos (en el buen sentido... Ver mas
El segundo trabajo de la banda compuesta por Buttefield, Bloomfield y compañia, "East West", publicado allá por el 66, es un disco referente, con una enorme influencia en la escena musical, una influencia que perdura hasta nuestros días. La Butterfield Blues Band hace añicos (en el buen sentido) la estructura del blues y derrumba las barreras que separan al R&B del jazz y del acid-rock, logrando una fusión explosiva inspirada en el raga indio resultado de la experiencia ácida que se estaba comenzando a vivir por aquellos días.
Todo brilla con crudeza, sin maquillajes...desde la voz y armónica de Paul Butterfield a las poderosas guitarras de Mike Bloomfield y Elvin Bishop, pasando por la excelente sección rítmica formada por el bajista Jerome Arnold, el batería Bill Davenport y Mark Naftalin al órgano y al piano. Un disco imprescindible nada más y nada menos.

Ha recibido 211 puntos

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MOBY GRAPE - Moby Grape 1967

106. MOBY GRAPE - Moby Grape 1967

http://www.youtube.com/watch?v=JyWrgBKk_6M

Uno de los discos debut más importantes en toda la historia del rock. Filtrando con talento a gente como Byrds, Buffalo Springfield o Beatles, los Moby Grape demostraron que poseían suficiente bagaje musical como para convertirse en una de las bandas más importantes de los EEUU. La inestabilidad... Ver mas
Uno de los discos debut más importantes en toda la historia del rock. Filtrando con talento a gente como Byrds, Buffalo Springfield o Beatles, los Moby Grape demostraron que poseían suficiente bagaje musical como para convertirse en una de las bandas más importantes de los EEUU. La inestabilidad emocional de sus componentes impidió lo previsible.

Grandes canciones de exigua duración como "8:05", "Omaha", "Sitting by the window", "Lazy me", "Someday" o "Come in the morning", destilan sabores pop, rock, soul, psicodelia, country-rock o blues en ejecuciones desgarradas y eclécticas, con fragmentos pausados, bellas melodías y hermosas armonías, todo ello parte integrante de esta maravilla de álbum, obra de una banda de San Francisco compuesta por cinco estupendos compositores, cantantes e instrumentistas.

Ha recibido 205 puntos

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SPENCER DAVIS GROUP - Their First LP 1965

107. SPENCER DAVIS GROUP - Their First LP 1965

http://www.youtube.com/watch?v=qM4WLwa-rIw

Sin duda, uno de los combos más respetados de la British Invasión. Si los Rolling Stones representaban el lado más sucio y rudo del R&B, The Spencer Davis Group todo lo contrario. Con un estilo pulcro y elegante, similar al de grupos como Manfred Mann o los Bluesbreakers de John Mayall, los... Ver mas
Sin duda, uno de los combos más respetados de la British Invasión. Si los Rolling Stones representaban el lado más sucio y rudo del R&B, The Spencer Davis Group todo lo contrario. Con un estilo pulcro y elegante, similar al de grupos como Manfred Mann o los Bluesbreakers de John Mayall, los Spencer Davis Group consiguieron captar fielmente toda la esencia de la música negra y trasladarla al escenario de la British Invasion.

El grupo se formó en 1963, en Birmingham. El guitarrista Spencer Davis, bastante madurito por aquella época ya, se erigió inicialmente como el motor de la banda, conocida en sus inicios como The Rhythm'n'Blues Quartet. Junto a él estaban Steve Winwood (guitarra y órgano), Muff Winwood (bajo), y Peter York (batería).

Desde el principio el cuarteto se volcó en los sonidos negros más sofisticados, como el Modern Jazz. Poco a poco, siguiendo la corriente predominante por aquel entonces, se fueron adentrando en el R&B y el Soul.

Chris Blackwell, propietario del sello independiente Island (entre otras cosas, dedicado a importar a Gran Bretaña música jamaicana), olfateó el potencial de los Spencer Davis y no dudaría en ofrecerles un contrato. Los de Birmingham acababan de recibir una propuesta de la Decca, pero la insistencia de Blackwell hizo que la rechazaran para fichar por Fontana, un sello de la Philips. Island sería la encargada de promocionar el material de la banda.

Los primeros singles ("Dimples", "Can't Stand It", "Every Little Bit Hurts" y "Strong Love") eran excelentes versiones de clásicos del Soul y el R&B que mostraban el inmenso potencial del pequeño Steve, capaz de conseguir una de las voces más negras de la escena británica.

Después de un EP llegaría la confirmación del grupo con un single que arrasaría en las listas: "Keep On Running". La canción, compuesta por la estrella jamaicana Jackie Edwards, era una cara B en un principio, pero la voz de Winwood hizo que el tema escalara hasta las más altas posiciones de las listas.

En 1965 la banda publicaba su primer LP, titulado simplemente Their First LP. El repertorio del álbum, toda una demostración de buen R&B, se basaba básicamente en el material ya publicado y algunas versiones nuevas.

Ha recibido 202 puntos

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IRON BUTTERFLY - Ball 1969

108. IRON BUTTERFLY - Ball 1969

http://www.youtube.com/watch?v=_pJJL24Oj7A

El subestimado pero valioso "Ball" fue el LP que continuó el álbum más emblemático de los Iron Butterfly, el que contenía su himno "In-a-Gadda-Da-Vida", titulado igual que el conocido single homónimo. En "Ball", Doug Ingle y su banda intentaron dispersar sus sonidos acid-rock y con su... Ver mas
El subestimado pero valioso "Ball" fue el LP que continuó el álbum más emblemático de los Iron Butterfly, el que contenía su himno "In-a-Gadda-Da-Vida", titulado igual que el conocido single homónimo.

En "Ball", Doug Ingle y su banda intentaron dispersar sus sonidos acid-rock y con su vocalidad deudora de sonidos negras en temas menos extensos que no perdían texturas lisérgicas deudoras principalmente de los Doors, y que mejoraban su construcción melódica, presentaban una notable colección de temas rock y pop psicodélicos y progresivos, que muestran en su texto una preocupación existencial, expresión de libertad personal y trazos de sentimentalismo amoroso, todo ello en ambientes de tonalidad sombría.

El disco, de variados tempos, revela una excelencia instrumental y un buen trabajo en coros que ayudan a favorecer una atmósfera que mezcla lo oscuro con la serenidad con especial significación para los teclados de Ingle y el vigoroso trabajo de Lee Dorman en el bajo, aunque todos los componentes aporten, más allá de la funcionalidad de sus instrumentos, una estimable contribución a la riqueza musical de unas composiciones de elevado nivel y muy disfrutables en cada nueva escucha.

Ha recibido 200 puntos

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THE MONKEES - Headquarters 1967

109. THE MONKEES - Headquarters 1967

http://www.youtube.com/watch?v=i8UeZ_DDGJA

Para muchos la mejor obra del cuarteto norteamericano The Monkees, un disco en el que por primera vez interpretan ellos mismos los instrumentos, hecho que revaloriza su contenido y que demanda mayor respeto y credibilidad hacia un grupo a menudo injustamente maltratado por el proceso de su... Ver mas
Para muchos la mejor obra del cuarteto norteamericano The Monkees, un disco en el que por primera vez interpretan ellos mismos los instrumentos, hecho que revaloriza su contenido y que demanda mayor respeto y credibilidad hacia un grupo a menudo injustamente maltratado por el proceso de su creación.

Los cuatro Monkees se reparten la tarea vocal en su tercer trabajo, repleto de hermosas canciones que contienen todos los ingredientes necesarios del mejor pop, es decir, exquisitez melódica, voces dulces y melodiosas (en especial la de Davy Jones), brillantes armonías vocales y una luminosa producción a cargo de Chip Douglas (colaborador asimismo de los Turtles y ejecutor del bajo en algunas piezas) que permite comprobar su poderío instrumental.

"I'll Spend My Life With You", "Forget That Girl", "Shades Of Gray", "Mr. Webster" o "I Can't Get Her Off My Mind" son cautivadoras piezas melódicas, y temas de cosecha propia como "You Told Me", "You Just May Be The One" y "Sunny Girlfriend", de Michael Nesmith, "For Pete's Sake", compuesta por el rubio Peter Tolk y cantada por Mickey Dolenz, o "Randy Scouse Git", escrita por el propio Dolenz, son prueba de su habilidad compositiva. Magistral álbum.

Ha recibido 199 puntos

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THE SONICS - Here are the Sonics 1965

110. THE SONICS - Here are the Sonics 1965

http://www.youtube.com/watch?v=bMtk5Lor_0E

Debut de la gran banda de garaje proto-punk The Sonics, una de las formaciones más crudas, directas y agresivas de la historia de la música rock. El disco incluye doce temas con ocho versiones de clásicos de la música de finales de los 50 y principios de los 60... ¡pero qué versiones... Ver mas
Debut de la gran banda de garaje proto-punk The Sonics, una de las formaciones más crudas, directas y agresivas de la historia de la música rock.

El disco incluye doce temas con ocho versiones de clásicos de la música de finales de los 50 y principios de los 60... ¡pero qué versiones! Repletas de fuerza, potencia y visceralidad, no sólo derivada de su atronadora ejecución instrumental con los hermanos Parypa al frente y el saxo de Rob Lind, sino también de la esencial y berreante voz de Gerry Rosley, compositor asimismo de los excelentes temas propios del conjunto.

Las enérgicas adaptaciones de grandes canciones como "Do You Love Me" de Berry Gordy, "Roll Over Beethoven" de Chuck Berry, "Walking the Dog" de Rufus Thomas, "Good Golly Miss Molly" de Little Richard, o la sensacional "Have Love Will Travel", escrita por Richard Berry (el creador de "Louie, Louie") son complementados por las verdaderas joyas del LP, las canciones escritas por el citado Rosley, todo un panorama de chicas poco recomendables, coches deslumbrantes, amantes enloquecidos, y loas a la estricnina en temas de excitante ritmo como "The Witch", "Boss Hoss","Psycho" y "Strychnine".

Ha recibido 199 puntos

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THE LEFT BANKE - Walk away Renee / Pretty Ballerina 1967

111. THE LEFT BANKE - Walk away Renee / Pretty Ballerina 1967

http://www.youtube.com/watch?v=iS4ILnKIaY0

Influenciado por la música de los Beatles, Michael Brown desplegó su enorme talento compositivo en este bello álbum debut de Left Banke, retablo musical de grandiosidad barroca con especial aportación de los teclados de su principal hacedor (con mención especial para su clavicordio) y de la... Ver mas
Influenciado por la música de los Beatles, Michael Brown desplegó su enorme talento compositivo en este bello álbum debut de Left Banke, retablo musical de grandiosidad barroca con especial aportación de los teclados de su principal hacedor (con mención especial para su clavicordio) y de la preciosa voz del cantante Steve Martin.

El pop fastuosamente ornamentado alcanza su máxima expresión en obras como "Barterers and their wives", "She may call you up tonight", "Shadows breaking over my head", "I've got something on my mind", la rítmica "I haven't got the nerve", o sus espléndidos singles y canciones más conocidas de la banda, "Walk away Renee" y "Pretty Ballerina", dos auténticas piezas de galería 60's.

El encuentro Beatle de "Let go of you girl", los temas más rockeros, "Evening gown" y "Lazy day", y el country-pop de "What do you know?" (la pieza más disonante del álbum) completan un disco absolutamente indispensable para conocer la poco valorada grandeza de esta magistral banda.

Ha recibido 191 puntos

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FAMILY - Music in a doll's house 1968

112. FAMILY - Music in a doll's house 1968

http://www.youtube.com/watch?v=te1lPqynRTk&p=273681747411...

Excelente álbum debut psicodélico de Family con elementos progresivos. Destaca por la intensa voz de Roger Chapman, el soberbio trabajo en la guitarra de John "Charlie" Whitney y la riqueza en texturas que otorgan los arreglos instrumentales y vocales efectuados por Mike Batt y la producción de... Ver mas
Excelente álbum debut psicodélico de Family con elementos progresivos. Destaca por la intensa voz de Roger Chapman, el soberbio trabajo en la guitarra de John "Charlie" Whitney y la riqueza en texturas que otorgan los arreglos instrumentales y vocales efectuados por Mike Batt y la producción de Dave Mason, miembro del grupo Traffic que les compone también la estupenda canción "Never like this".

El disco ofrece sólidos, diversos y originales temas lisérgicos, de hipnótica densidad y aura hippiesca, que atraparán a los melómanos proclives a la sonoridad ácida con una óptica de carácter conceptual.

"The chase", la bella balada "Mellowing grey", la citada "Never like this", "Me my friend", "Winter" o "Peace of mind" son grandes piezas de imaginativa resonancia, comparables a los mejores momentos ofertados por bandas británicas de la época, como Idle Race, Small Faces, Pink Floyd, The Move o los propios Traffic.

Ha recibido 184 puntos

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QUICKSILVER MESSENGER SERVICE - Shady Grove 1969

113. QUICKSILVER MESSENGER SERVICE - Shady Grove 1969

http://www.youtube.com/watch?v=UT2VQeKZyHU

Banda de acid-rock estadounidense que tampoco desdeñó el folk, el blues y el jazz. Se formó a mediados de los años 60 en San Francisco. Aposentaba sus virtudes musicales en la interacción virtuosa de sus instrumentistas, en especial de los guitarristas John Cipollina y Gary Duncan... Ver mas
Banda de acid-rock estadounidense que tampoco desdeñó el folk, el blues y el jazz. Se formó a mediados de los años 60 en San Francisco.

Aposentaba sus virtudes musicales en la interacción virtuosa de sus instrumentistas, en especial de los guitarristas John Cipollina y Gary Duncan.



"Shady Grove" (1969) fue el tercer disco grande de la banda californiana, que había sufrido la sensible baja de Duncan, que había decidido dejar el grupo tras roces con Cipollina.
A pesar de la marcha del guitarrista, "Shady Grove", se benefició de la entrada del teclista Nicky Hopkins, un conocido músico de sesión británico que se incorporó al grupo. El infravalorado disco, en el cual todavía se escuchaban algunas notas de Gary Duncan, se encuentra a la altura de sus pretéritos trabajos.

Ha recibido 176 puntos

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THE BLUES MAGOOS - Psychedelic Lollipop 1966

114. THE BLUES MAGOOS - Psychedelic Lollipop 1966

http://www.youtube.com/watch?v=eKEtyFEAmXM

Formados en 1964 y oriundos del Bronx neoyorquino, los Blues Magoos eran una banda de garaje-rock con tintes psicodélicos, una atractiva combinación que confería a su música un atractivo empaque estilístico, de adaptación coyuntural a los cambios que se estaban produciendo en la música popular... Ver mas
Formados en 1964 y oriundos del Bronx neoyorquino, los Blues Magoos eran una banda de garaje-rock con tintes psicodélicos, una atractiva combinación que confería a su música un atractivo empaque estilístico, de adaptación coyuntural a los cambios que se estaban produciendo en la música popular de aquellos días.

Bajo estas premisas grabaron su primer álbum, "Psychedelic Lollipop", un muy estimable e interesante disco que comienza con su canción más celebrada, "(We ain't got) nothing yet", formidable single en el que resalta (como es rasgo característico de su sonido) un gran trabajo del teclista y cantante Ralph Scala.

Otras composiciones rebosantes de calidad y oficio son las baladas "Love seems doomed" (con referencia al LSD en sus iniciales) y "Queen of my nights", esta última acompañada de una elegante ejecución en la narración de su lúbrica materia.

La bluesy "Sometimes I think about", "One by one", tema pop en el cual dan más rienda a las armonías vocales y "Gotta get away", canción espléndida que junto a "She's coming home" son los dos cortes más brillantes de un Lp en el que también se atreven a versionar con tino a James Brown con "I'll go crazy" y a los Nashville Teens con "Tobacco Road", un tema del compositor norteamericano John D. Laudermilk, que los Blues Magoos recrean en una ambiciosa adaptación provista de un llamativo ropaje lisérgico.

Valioso trabajo que junto a "Electric coming book" representan lo más florido de la discografía de uno de los grupos más representativos de la psicodelia neoyorquina.

Ha recibido 172 puntos

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COUNT FIVE - Psychotic Reaction 1966

115. COUNT FIVE - Psychotic Reaction 1966

http://www.youtube.com/watch?v=-9a4W2FZnpc

Sensacional y vibrante disco de garaje americano repleto de energía, crudeza y arrojo de basamento rock'n'roll y r&b y condición proto-punk, con influencias de Bo Diddley, Chuck Berry, los primeros Rolling Stones, Who y Yardbirds. Junto a su gran clásico "Psychotic Reaction", lo ofrecido por... Ver mas
Sensacional y vibrante disco de garaje americano repleto de energía, crudeza y arrojo de basamento rock'n'roll y r&b y condición proto-punk, con influencias de Bo Diddley, Chuck Berry, los primeros Rolling Stones, Who y Yardbirds.
Junto a su gran clásico "Psychotic Reaction", lo ofrecido por Count Five es un palpitante recorrido por los principales sonidos de mediados y finales de los 60, aunque siempre inclinándose hacia los géneros antes mencionados.

Pop y retazos de psicodelia se aglutinan con el rock y el R&B para la instauración de grandes temas originales que exhiben una buena aptitud para la escritura de piezas de gran clase no carentes de enganche comercial.

Además, tanto la ejecución vocal de Kenn Ellner como la instrumental liderada por su principal compositor, guitarrista, cantante y alma mater de la banda, Sean Byrne, no puede ser más adecuadas y disfrutadas en excitantes canciones tan buenas o superiores a "Psychotic Reaction" como "Peace of mind", "Pretty big mouth", "The morning after", "Teeny Bopper, teeny bopper". "Merry-go-round", "Double decker bus" o "Can't get your loving".

Incluso revisionan a Curtis Mayfield con "You must believe me", anteriormente versionada por los Hollies.

Ha recibido 172 puntos

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APHRODITE'S CHILD - It's Five O'Clock 1969

116. APHRODITE'S CHILD - It's Five O'Clock 1969

http://www.youtube.com/watch?v=bWKQyQ3aCpk

El grupo más importante surgido en Grecia en los años 60 fue este trío de pop psicodélico y rock progresivo, significado por incluir entre sus filas a dos de los principales personajes de la música helénica: el cantante y guitarrista Demis Roussos (nacido el 15 de junio de 1946 en Alejandría) y... Ver mas
El grupo más importante surgido en Grecia en los años 60 fue este trío de pop psicodélico y rock progresivo, significado por incluir entre sus filas a dos de los principales personajes de la música helénica: el cantante y guitarrista Demis Roussos (nacido el 15 de junio de 1946 en Alejandría) y el compositor y teclista Vangelis Papathanassiou (nacido el 29 de marzo de 1943 en Volos), futuro ganador del Oscar de Hollywood por la banda sonora de "Carros de Fuego".

"It's five o'clock" (1969) fue su segundo album, un trabajo muy recomendable junto con su primer álbum "End of the World", dominado de nuevo por el talento compositivo de Vangelis, que creó maravillas como "Such a funny night" o la gloriosa "It's five o'clock" (de nuevo con un Roussos inconmensurable en el apartado vocal). También incluían el single "Let me love, let me live", escrito y cantado por el batería Sideras.

Ha recibido 170 puntos

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BLUE CHEER - Outsideinside 1968

117. BLUE CHEER - Outsideinside 1968

http://www.youtube.com/watch?v=e50uIZCjQqI

Este trío de hard-rock anclado en la ciudad californiana de San Francisco formado a finales de los 60 estaba compuesto por el cantante y bajista Dickie Peterson, el guitarrista Leigh Stephens y el batería Paul Whaley y su importancia en la historia de la musica es significativa por asentar las... Ver mas
Este trío de hard-rock anclado en la ciudad californiana de San Francisco formado a finales de los 60 estaba compuesto por el cantante y bajista Dickie Peterson, el guitarrista Leigh Stephens y el batería Paul Whaley y su importancia en la historia de la musica es significativa por asentar las bases del futuro heavy metal.
Influenciados por la Jimi Hendrix Experience, los Blue Cheer (nombre tomado de una variedad del LSD).

Tras su primer Lp, la Obra Maestra Vincebus Eruptum, y varios cambios en la formacion inicial, incorporando al teclista Burns Kellog, sacarian este estupendo Outsideinside, segundo Lp de la banda.

Ha recibido 170 puntos

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THE ELECTRIC PRUNES - The Electric Prunes 1967

118. THE ELECTRIC PRUNES - The Electric Prunes 1967

http://www.youtube.com/watch?v=ItDSim_1KEg

Lp debut de los Electric Prunes, un grupo de garaje y psicodelia americano muy aprovechable que en este primer álbum incluía una colección de temas de heterogénea disposición sónica, con clásicas piezas de psycho-garage con encrespada instrumentación como el famoso single “I had too much to... Ver mas
Lp debut de los Electric Prunes, un grupo de garaje y psicodelia americano muy aprovechable que en este primer álbum incluía una colección de temas de heterogénea disposición sónica, con clásicas piezas de psycho-garage con encrespada instrumentación como el famoso single “I had too much to dream”, significado por el zumbido guitarrero del guitarrista líder Ken Williams.


Otros cortes garajeros son “Are you lovin’ me more (But I enjoying it less)”, “Bangles”, el stoniano “Try me on for size”, el excelente “Train for tomorrow”, que culmina en un cambio de tempo con una rendición jazzy y aromas blues, la pujante “Luvin’”, o “Get me to the world on time”, un tema con ritmo de Bo Diddley incluido.

Son canciones con distorsión, trémolos, la vocalidad impulsiva de James Lowe y un acusado sentido de la atmósfera ácida.

También desarrollan piezas un tanto excéntricas en base a un estridente trabajo de guitarra emulando una balalaika o un bozouki en “Sold to the highest bidder”, temas barrocos de escasa inspiración como “The King is in the counting house”, cortes vodevil en “The Toonerville Trolley” y baladas puramente pop como “Onie” (cantada por la dulce voz del guitarra rítmico Weasel Spagnola) o “A quarter to nine”, bien construidas en cuanto su sencilla edificación melódica.

Ha recibido 168 puntos

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SPENCER DAVIS GROUP - I'm a Man (Single) 1966

119. SPENCER DAVIS GROUP - I'm a Man (Single) 1966

http://www.youtube.com/watch?v=POCUgBSVENQ

A finales del 66 los de Birmingham eran reconocidos por los lectores del prestigioso New Musical Express como la mejor banda del año. Mientras, Steve comenzaba a alejarse del grupo para formar el embrión de lo que poco después sería Traffic. Por otro lado, hacía aparición la figura de Jimmy... Ver mas
A finales del 66 los de Birmingham eran reconocidos por los lectores del prestigioso New Musical Express como la mejor banda del año. Mientras, Steve comenzaba a alejarse del grupo para formar el embrión de lo que poco después sería Traffic. Por otro lado, hacía aparición la figura de Jimmy Miller, el por entonces futuro productor de los Rolling Stones. Miller sería clave para la grabación del último éxito de los Spencer Davis, el soberbio "I'm A Man". El single cosecharía un gran éxito tanto en Gran Bretaña como en Estados Unidos, pero Steve Winwood ya había tomado la decisión de abandonar a Spencer Davis y compañía. Así, en verano de 1967 aparecía ya el primer trabajo de Steve con los Traffic, "Paper Sun", mientras Muff Winwood pasaba a trabajar en las oficinas de la Island.

Ha recibido 166 puntos

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QUESTION MARK & THE MYSTERIANS - 96 Tears 1966

120. QUESTION MARK & THE MYSTERIANS - 96 Tears 1966

http://www.youtube.com/watch?v=rgfnCTp3p7U

Todo un clásico del garaje 60's. El sencillo "96 Tears", con su cara b "Midnight Hour" (nada que ver con el popular tema de Wilson Pickett y Steve Cropper), epitomiza el sonido de los Question Mark & The Mysterians, un compás efervescente desarrollado con el singular ritmo del Farfisa, órgano... Ver mas
Todo un clásico del garaje 60's. El sencillo "96 Tears", con su cara b "Midnight Hour" (nada que ver con el popular tema de Wilson Pickett y Steve Cropper), epitomiza el sonido de los Question Mark & The Mysterians, un compás efervescente desarrollado con el singular ritmo del Farfisa, órgano interpretado por Frank Rodriguez Jr., el encargado de instituir la característica sonora más significativa del proceder musical concebido por el alma del grupo, el compositor y vocalista Rudy Martínez, extravagante líder de este combo de origen latino que triunfó con su primer single en el año 1966, alcanzando el número 1 en listas de singles.

Su sonido garajero se basaba en la recuperación de las vibraciones más rítmicas del R&B británico (Stones, Yardbirds, Animals...) con energía y sonidos directos adornados por los teclados de Frank Rodriguez Jr, quien utilizaba el Farfisa y el Vox.

Junto a "96 Tears", el otro tema más popular del álbum es la estupenda "I Need Somebody" (su segundo sencillo con "8 Teen" como cara b), una pieza de gran ímpetu que les llevó al puesto número 22.

Otras canciones destacadas del álbum, que poseen una resonancia muy homogénea y bastante iterativa, son "You're Telling Me Lies", "Ten O'clock", "Upside", la citada "8 Teen", "Don't Tease" o "Why Me", la pieza de mayor rendición melódica de todo el LP.

Ha recibido 163 puntos

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THE SEEDS - The Seeds 1966

121. THE SEEDS - The Seeds 1966

http://www.youtube.com/watch?v=IReb27tFqMg

Nombre clave en el garaje estadounidense, los Seeds, con Sky Saxon a la cabeza presentan su álbum debut que epitomiza a la perfección su áspero y simple sonido, tres acordes practicamente invariables a lo largo del disco, fiera y trémula vocalidad, ritmo monocorde y latigazos sónicos de órgano... Ver mas
Nombre clave en el garaje estadounidense, los Seeds, con Sky Saxon a la cabeza presentan su álbum debut que epitomiza a la perfección su áspero y simple sonido, tres acordes practicamente invariables a lo largo del disco, fiera y trémula vocalidad, ritmo monocorde y latigazos sónicos de órgano.

Junto a "Can't seem to make you mine" y "Pushin' too hard", sus grandes clásicos y dos de las mejores temas del disco, hallamos otras diez piezas cortadas casi todas por un mismo patrón, hecho muy atractivo para unos y aburrido para otros, dependiendo de la conexión emocional del oyente con la música proto-punk.

Lo cierto es que la misma resulta excitante cuando aciertan (que es casi siempre) a fusionar su roñosa y agresiva sonoridad con una lograda melodía o una hipnótica estructura, como así ocurre en sus mejores temas, todas ellos con tratamiento de ligoteo y crisis amorosa, "No escape", "Girl, I want you", "Try to understand", "You can't be trusted" o "Excuse, excuse", placenteras flagelaciones de bullicioso garaje.

Ha recibido 151 puntos

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THE MOVE - The Move 1968

122. THE MOVE - The Move 1968

http://www.youtube.com/watch?v=xibalrnLO48

La imaginación y fortaleza compositiva de Roy Wood en su primera obra con The Move, un poderoso combo de apariencia mod, influencia de Beatles, Who y Beach Boys y membrudo sonido de apostura psicodélica. The Move debutaba con este estupendo trabajo, el cual contiene algunos de los grandes... Ver mas
La imaginación y fortaleza compositiva de Roy Wood en su primera obra con The Move, un poderoso combo de apariencia mod, influencia de Beatles, Who y Beach Boys y membrudo sonido de apostura psicodélica.

The Move debutaba con este estupendo trabajo, el cual contiene algunos de los grandes clásicos de la banda de Birmingham como la asombrosa "Flowers in the rain" (número 2 británico), que junto a su fibroso ritmo presenta varias de sus características sonoras, una cuidada producción (aquí de Denny Cordell) y unos portentosos arreglos de viento y cuerda obra del gran Wood y de Tony Visconti. La musculada "Fire brigade" es una incendiaria pieza con el propio Roy ejerciendo tareas de cantante (generalmente y al principio de su carrera el vocalista líder era Carl Wayne), que también conoció el triunfo comercial alcanzando el puesto número 3 en las listas del Reino Unido.

Otras magníficas composiciones, que aunaban arrojo, melodía y juegos vocales de elevado disfrute son "Kilroy was here", "The Lemon Tree" y "Walk upon the water" (dos magníficos temas de idéntico sonido a los Who de la época "Sell out"), el ácido miramiento social en la altamente melódica "Useless Information", con su habitual esmero en las partes vocales estilo Beach Boys (la banda preferida de Roy Wood), la aseada y bonita balada "The girl outside", con una telaraña de violines como acompañamiento a un Wayne cuasi crooner, el barroquismo pop de la afligida "Mist on a monday morning" o el nerviosismo cadencioso y orquestal de la sardónica "Cherry Blossom Clinic" son algunos muestrarios del talento conjunto de Move como grupo y de Roy como excepcional compositor.

Las versiones incluidas, el rock'n'roll "Weekend" de Eddie Cochran, "Hey, Grandma" de los Moby Grape y el recuerdo al tema de James Hanley "Zing! Went the strings of my heart", cantando en los años 30 por Judy Garland y convertido en doo wop por los Coasters son simpáticos añadidos a un gran álbum.

Ha recibido 150 puntos

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NIRVANA - The Story of Simon Simopath 1967

123. NIRVANA - The Story of Simon Simopath 1967

http://www.youtube.com/watch?v=K90Lpf6S8-8&feature=fvst

No, no son esos Nirvana. Son los originales, con los que Kurt y compañía tuvieron una disputa legal por el uso del nombre. The Story of Simon Simopath es considerado uno de los primeros discos conceptuales de la historia, y cuenta la historia de un niño que quiere tener alas, en la esperanza de... Ver mas
No, no son esos Nirvana. Son los originales, con los que Kurt y compañía tuvieron una disputa legal por el uso del nombre.
The Story of Simon Simopath es considerado uno de los primeros discos conceptuales de la historia, y cuenta la historia de un niño que quiere tener alas, en la esperanza de escapar de una realidad que le parece vacía. Todo esto amenizado con un rock sinfónico y progresivo digno de los 60 en que fue grabado. Un clásico que lamentablemente está totalmente infravalorado.

Ha recibido 146 puntos

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LOVE - Four Sail 1969

124. LOVE - Four Sail 1969

http://www.youtube.com/watch?v=fLCcMrP-TNs&feature=fvw

Denostado por algunos (que seguro ni siquiera lo han escuchado), "Four sail" es un recorrido magistral por las composiciones de Arthur Lee tras la explosión creativa anterior en su obra cumbre "Forever Changes". De este disco sólo queda el propio Lee, alma mater y esencia de la formación que... Ver mas
Denostado por algunos (que seguro ni siquiera lo han escuchado), "Four sail" es un recorrido magistral por las composiciones de Arthur Lee tras la explosión creativa anterior en su obra cumbre "Forever Changes".

De este disco sólo queda el propio Lee, alma mater y esencia de la formación que reclutó a excelentes instrumentistas como Frank Fayad al bajo, George Suranovich a la batería y especialmente el guitarrista líder Jay Donnellan, quien además de aportar su talento a las seis cuerdas, incluso se atreve a acompañar al genio Arthur en la escritura de la memorable "Singing Cowboy".

Las constantes básicas de Love, melodías pop barrocas con trazos folk y psicodélicos (incluso en breves pasajes encontramos retazos jazzísticos) y la melosa vocalidad de su líder, se vuelven a encontrar en esta joya de categoría cercana al aclamado "Forever Changes"

El disco se compone de una decena de maravillas comenzadas por "August", la pieza de mayor profundidad guitarrera (bastante influenciada por su amigo Jimi Hendrix) que a su calado instrumental une una melodía hechizante.

El resto del disco, con predominio acústico, no cae en ningún momento de su primer y sobresaliente nivel, ofreciéndonos excelentes melodías y bellas armonías del propio Lee y en ocasiones de Fayad y Suranovich, como las escuchadas en "I'm with you", "Singing Cowboy", "Dream", "Robert Montgomery" y "Always see your face", verdaderas obras maestras de perfección pop.

Ha recibido 143 puntos

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THE UNITED STATES OF AMERICA - The United States of America 1968

125. THE UNITED STATES OF AMERICA - The United States of America 1968

http://www.youtube.com/watch?v=dtWS2IXsLf0

The United States of America fue una de las agrupaciones más peculiares de finales de los 60s. Liderados por Joseph Byrd, intérprete de numerosos instrumentos electrónicos, eran capaces de pasar de piezas en extremo experimentales, con numerosos sintetizadores, órganos, maquinitas de diversos... Ver mas
The United States of America fue una de las agrupaciones más peculiares de finales de los 60s. Liderados por Joseph Byrd, intérprete de numerosos instrumentos electrónicos, eran capaces de pasar de piezas en extremo experimentales, con numerosos sintetizadores, órganos, maquinitas de diversos tipos y baterías eléctricas, a torbellinos psicodélicos furiosos, tan cercanos a los primeros Grateful Dead como a My Bloody Valentine. A Byrd, mente principal del quinteto, se le suma la preciosa, enigmática voz de Dorothy Moskowitz, que canta como una cruza entre una Sandy Denny doblemente agotada y una especie de Laura Nyro cínica, rabiosa. Las letras pesadillezcas, críticas, acompañan a la música en esta suerte de descenso a infiernos electrónico-lisérgicos. Aires festivos sutiles, bajos que por momentos marchan como la columna vertebral de John Cleese parodiando a un militar, el violín eléctrico burlón de Gordon Marron, las composiciones afiladísimas, construidas más allá de géneros y límites, arman un álbum que parece creado para trascender y pisotear cualquier tipo de preconcepto de lo que supuestamente debería ser el rock, la psicodelia o la música electrónica.

No es casual que los United States of America logren su objetivo, no dividiendo, sino amalgamando; sumando elementos tan diversos como el agua y el aceite para lograr una obra que hierve, quema y deja pensando en cuántos territorios sonoros le quedan por explorar a la música popular. Tampoco es casual que la agrupación se llame United States of America; nombre que les permite reírse abiertamente de ese eterno intento de preservar los valores tradicionales norteamericanos al realizar una música que obligaría a taparse los oídos a casi cualquier republicano que en un principio se pueda sentir atraído/orgulloso por la idea de que cinco jóvenes titulen así a su nueva agrupación de "música moderna". Lo que sí puede resultar, más allá de toda alabanza, es que el disco suene por momentos poco conciso, algo débil como un todo. Imagino que es difícil de evitar, al tratarse de una obra que mezcla, entre otras cosas, folk, hard rock psicodélico, krautrock, pop de cámara, coros escalofriantes, curiosidad/complejidad "progresiva", densidad proto-punk y collages abstractos algo zappeanos (aunque este disco fue grabado el mismo año que Absolutely Free -es decir, Frank no se les adelantó por mucho).

Para disfrutar a esta única obra de los United States of America, entonces, hay que estar de un humor especial; buscando construcciones intrincadas y ácidas, más que pretendiendo relajarse con composiciones agradables y amenas. Pero lo más gracioso es que la cerebralidad y frialdad de ciertos (muchos) pasajes del disco se rompen en mil pedazos al irrumpir temas como I Won't Leave My Wooden Wife for You, Sugar o Stranded in Time que, en comparación con otros momentos del álbum, son -al menos desde lo puramente musical- odas a la alegría y calidez. The United States of America es un trabajo, en definitiva, que se sostiene en la tensión entre disonancia industrial, cierto romanticismo agridulce y una bienvenida dosis de absurdo irreverente. Después de semejante montaña rusa sonora, eso sí, lo que más queda retumbando en la cabeza es que es una pena que estos muchachos no hayan seguido tocando juntos.

Ha recibido 141 puntos

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THE NAZZ - Nazz 1968

126. THE NAZZ - Nazz 1968

http://www.youtube.com/watch?v=LrwCjBZKciw

Primer trabajo del grupo sesentero de Todd Rundgren en el que confluyen ascendencias de bandas como Cream, Jimi Hendrix Experience, Yardbirds, Beatles o The Who. Remedando la portada de "With The Beatles", "The Nazz" bifurca sus propuestas en rock de gran intensidad y baladas pop de elegante... Ver mas
Primer trabajo del grupo sesentero de Todd Rundgren en el que confluyen ascendencias de bandas como Cream, Jimi Hendrix Experience, Yardbirds, Beatles o The Who. Remedando la portada de "With The Beatles", "The Nazz" bifurca sus propuestas en rock de gran intensidad y baladas pop de elegante ejecución, consiguiendo un sonido cercano al power-pop que nacería a comienzos de los años 70.


Los dos temas más conocidos ( y dos de las mejores piezas del álbum) "Open your eyes", enérgicamente influido por bandas británicas como The Who o The Move y "Hello, It's me", una preciosa balada que se convertiría en todo un éxito para Rundgren, están acompañados por nerviosos temas estilo Cream como "Back on your mind" y en menor medida en "Lemming Song" y la soberbia "She's going down", inmaculado pop de bella factura vocal como "See what you can be", "Crowded" o "If that's the way you feel" y de nuevo querencias Who en la magnífica "When I get my plane", que ponen bien de manifiesto el talento de Rundgren como compositor en los inicios de su extensa carrera.

Ha recibido 134 puntos

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13th FLOOR ELEVATORS - Easter Everywhere 1967

127. 13th FLOOR ELEVATORS - Easter Everywhere 1967

http://www.youtube.com/watch?v=nwSA0Tckwbk

Tras pasar por la carcel, y algunos cambios en la formacion, los 13th Floor Elevators sacaron su segundo lp "Easter Everywhere" de 1967, un infravalorado trabajo que recuperaba las buenas constantes de la formación psicodélica, en especial en temas como "Slip inside this house", "She lives (in a... Ver mas
Tras pasar por la carcel, y algunos cambios en la formacion, los 13th Floor Elevators sacaron su segundo lp "Easter Everywhere" de 1967, un infravalorado trabajo que recuperaba las buenas constantes de la formación psicodélica, en especial en temas como "Slip inside this house", "She lives (in a time of her own)" o "I've got levitation".

Ha recibido 134 puntos

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THE EASYBEATS - Vigil 1968

128. THE EASYBEATS - Vigil 1968

http://www.youtube.com/watch?v=pHFIv-Ec8Qo

Los Easybeats fueron toda una institución del beat agarajeado proveniente de las antípodas. Denominados los "Beatles australianos", de la mano de sus dos talentosos compositores, Harry Vanda y George Young (hermano de Angus y Malcolm Young y futuro productor de AC/DC), nos han legado una... Ver mas
Los Easybeats fueron toda una institución del beat agarajeado proveniente de las antípodas. Denominados los "Beatles australianos", de la mano de sus dos talentosos compositores, Harry Vanda y George Young (hermano de Angus y Malcolm Young y futuro productor de AC/DC), nos han legado una respetable e infravalorada colección de canciones con el clásico "Friday on My Mind" en primer plano.

Este "Vigil" quizá sea su mejor disco grande, placentero y jubiloso banquete melómano al que asisten invitados de primera fila como el socorrido pianista Nicky Hopkins y Steve Marriott, el guitarrista y cantante de los Small Faces.

El LP principia con "Good times", un demoledor rock'n'roll de enloquecido estribillo en el que se escucha berrear extasiadamente al gran Marriott y que encantó al mismísimo Paul McCartney (se cuenta la anécdota que Macca estaba conduciendo en su coche con la radio puesta y que al oír el tema, tuvo que parar el coche y llamar a la BBC para que lo volvieran a repetir).

Este gran punto de partida es continuado por una impresionante serie de soberanas lecciones de pop de altísimo nivel, con canciones trabajadas y cuidadas hasta el último detalle, entre ellas "What in the world" y su juguetón estribillo, "Hello, how are you", "Falling off the edge of the world", el barroquismo de "The music goes round my head", el bubblegum de "Sha la la", el sabor psicodélico de "Come in you'll get pneumonia", los ritmos soul de "See saw" y "I can't stand it", el ambiente festivo de "We all live happily together", arriesgado tema con multitud de efectos sonoros, y las fantásticas versiones de clásicos como "Can't take my eyes off you", de igual o superior calado que la original de los Four Seasons, y "Hit the road, Jack", interpretada con unos elegantes toques jazz.


A destacar que en "Vigil" se incluye una de las mejores canciones de la pareja Vanda/Young, "Land of make believe", un prodigio melódico barroco-psicodélico lleno de sensibilidad que justifica por sí solo la adquisición de este disco.

Ha recibido 133 puntos

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NICO - Chelsea Girl 1967

129. NICO - Chelsea Girl 1967

http://www.youtube.com/watch?v=sCtzWeafbpw

Después de que Andy Warhol la integrase en la grabación del mítico y primer LP de la Velvet Underground, la rubia modelo alemana Nico voló en solitario y grabó su debut, “Chelsea Girl” (1967) con la ayuda de sus antiguos colegas velvetianos (quienes le compusieron gran parte del disco), Jackson... Ver mas
Después de que Andy Warhol la integrase en la grabación del mítico y primer LP de la Velvet Underground, la rubia modelo alemana Nico voló en solitario y grabó su debut, “Chelsea Girl” (1967) con la ayuda de sus antiguos colegas velvetianos (quienes le compusieron gran parte del disco), Jackson Browne, quien (parece ser que) además de compartir cama con Nico en la época de la grabación también dejó su impronta en varios temas, y el productor Tom Wilson, ocupado previamente con Bob Dylan o Simon & Garfunkel.

Básicamente son canciones folk abarrocadas con textos poético-reflexivos, evocaciones memorativas y tono tristón-introspectivo, adornadas bellamente con violines y cuerdas, como la apertura de este fosco álbum, la balada “The fairest of the seasons”, una hermosa melodía compuesta por Jackson Browne y Gregory Copeland y arreglada de manera exquisita de manera orquestal. Sin duda de lo mejor del LP.
Browne compone en solitario “These days”, tema folk orquestal con unas pautas (tanto en tono como en concepción de sonido) muy similares al previo.

John Cale y Lou Reed son los autores de “Little Sister”, con sonidos bucólicos de flauta, un texto con imaginería natural y un órgano machachón-lisérgico (quizá a alguien la gélida y depresiva vocal de Nico le reviente un tanto, quizá…), y Cale se ocupa de la atmósferica “Winter Song”, con unos urgentes arreglos de cuerda, una nervuda flauta y un perturbador fondo de guitarra acústica para una pieza folk con ecos medievales-teutónicos.

“It Was a Pleasure Then”, quizá con toques autobiográficos, aparece Nico acompañado en la escritura a John Cale y Lou Reed en una pieza folk de esencia velvetiana con las clásicas ínfulas avant-gardé, sonidos feedback, guitarras desaliñadas y retumbantes, atmósferas oscuras, viola chirriante y vocalidad invocadora.

El título homónimo (pero en plural), compuesto por Reed y Sterling Morrison (guitarista de la Velvet), nos devuelve el sonido de flauta y la beldad de las cuerdas junto a una encantadora melodía y un largo paseo por las chicas de Chelsea.


Bob Dylan le escribió la estimable (pero menor dentro de la escritura dylaniana) “I’ll keep it with mine” antes de retornar a Jackson Browne en “Somethere There’s a Feather”, otra preciosa melodía ornamentada por las cuerdas.

“Wrap You Troubles in Dreams” es otro corte de Lou Reed en el cual se manifiesta la posibilidad de deserción de las contrariedades personales, paradójicamente narrada la huida existencial por medio de una melodía triste y penetrante, de nuevo enfatizada por instrumentos de cuerda y viento.

El álbum termina con “Eulogy to Lenny Bruce”, maravillosa tonada del nunca bien ponderado Tim Hardin y un punto final que concomita en la tristeza y melancolía que rezuma este trabajo.

Ha recibido 132 puntos

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OS  MUTANTES - Os Mutantes 1968

130. OS MUTANTES - Os Mutantes 1968

http://www.youtube.com/watch?v=BYibDbcb4yI

Os Mutantes (que en portugués significa "Los Mutantes") es una banda brasileña formada en 1966 por Rita Lee (en voz), Sérgio Dias (guitarra y voces) y Arnaldo Baptista (en el bajo, teclado y voces). Aunque durante sus años de actividad fueron poco conocidos fuera de su país, Os Mutantes... Ver mas
Os Mutantes (que en portugués significa "Los Mutantes") es una banda brasileña formada en 1966 por Rita Lee (en voz), Sérgio Dias (guitarra y voces) y Arnaldo Baptista (en el bajo, teclado y voces).

Aunque durante sus años de actividad fueron poco conocidos fuera de su país, Os Mutantes fueron uno de los grupos más dinámicos, talentosos y radicales de la época psicodélica. Un trío de músicos experimentales, la banda innovó en el uso del acople, distorsión y trucos del estudio de todos los tipos.

La banda nació en 1966 en la ciudad de São Paulo, formada por los hermanos Arnaldo Baptista y Sérgio Dias, con la voz de Rita Lee. Sus primeros dos discos del año 1968 (Os Mutantes y Tropicalia: ou Panis et Circensis) son una muestra muy significativa del movimiento renovador Tropicalismo o Tropicalia, que estaba naciendo en Brasil. Su sonido combina la psicodelia con el rock y otros estilos de música popular y culta. Colaboraron con artistas como Gilberto Gil, Caetano Veloso, Tom Zé, Nara Leão y Gal Costa.

Ha recibido 126 puntos

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THE YOUNGBLOODS - The Youngbloods 1967

131. THE YOUNGBLOODS - The Youngbloods 1967

http://www.youtube.com/watch?v=o4fWN6VvgKQ

No inventan nada, no revolucionan nada, pero crean o adaptan sensacionales canciones que mezclan diversas tradiciones sonoras de su país (con especial incidencia en el sonido de la Costa Oeste) para ofertar un sugestivo pop y folk-rock californiano (aunque sean de Nueva York) de refinada factura... Ver mas
No inventan nada, no revolucionan nada, pero crean o adaptan sensacionales canciones que mezclan diversas tradiciones sonoras de su país (con especial incidencia en el sonido de la Costa Oeste) para ofertar un sugestivo pop y folk-rock californiano (aunque sean de Nueva York) de refinada factura como "All over the world", "One note man", "Foolin' around (The Waltz)" o la sublime balada "Tears are falling", junto a vibrantes piezas de poso R&B como la excelente "Statesboro blues" o "C. C. Rider".


La elegante ejecución del ya clásico "Get together" los llevó con justicia a ocupar puestos de privilegio en las listas de singles en los Estados Unidos.

Instrumentalmente destacan por una bella sonoridad guitarrera de Jerry Corbitt y Jesse Colin Younf, por la idónea utilización de los teclados de Lowell "Banana" Levinger y por la desenvoltura en los ritmos.

Vocalmente, emplean las armonías de forma sucinta pero apropiada y la emotividad expresada y su capacidad de adaptación a diversos estilos de Young exhiben su gran capacidad como cantante.

Una delicia de disco producido por Felix Pappalardi, que contó al bajo con la participación del líder de los Lovin' Spoonful, John Sebastian.

Ha recibido 119 puntos

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THE OPEN MIND - The Open Mind 1969

132. THE OPEN MIND - The Open Mind 1969

http://www.youtube.com/watch?v=4RQM4r9mo6o

Grabaron uno de los mejores discos de rock psicodélico de la historia e iniciaron su andadura como conjunto mod a comienzos de los años 60 con el nombre de The Drag Set, The Open Mind fue un grupo inglés sin demasiada fortuna en su momento y una banda de culto entre los coleccionistas de discos... Ver mas
Grabaron uno de los mejores discos de rock psicodélico de la historia e iniciaron su andadura como conjunto mod a comienzos de los años 60 con el nombre de The Drag Set, The Open Mind fue un grupo inglés sin demasiada fortuna en su momento y una banda de culto entre los coleccionistas de discos por un vigor instrumental de infusión lisérgica realmente excitante.
La banda estaba compuesta por el cantante y guitarrista Mike “Bryan” Brancaccio, el guitarra Terry Martin, el bajista Tim du Feu y el batería Phil Fox.


Tras firmar por Phillips debutaron en 1969 en single con “Horses and Chariots/Before my time”, vinilo proseguido por “Magic Potion/Cast a spell”.
El tema “Magic Potion” es una de las mejores canciones psicodélicas jamás escrita (no demasiado aireada en las radios a causa de su presunto mensaje de drogas), incluida en su Lp “The Open Mind” (1969), una gema producido por Fritz Fryer, antiguo miembro del grupo británico de beat británico Four Pennies, quien produciría posteriormente a bandas como Steamhammer, Prelude o Motörhead.
El grupo, ante la ausencia de éxito, terminó separándose a comienzos de los años 70.

Ha recibido 116 puntos

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THE SAVAGE RESURRECTION - The Savage Resurrection 1968

133. THE SAVAGE RESURRECTION - The Savage Resurrection 1968

http://www.youtube.com/watch?v=iLNIX4PlEgQ&p=2293D21CC634...

The savage Resurrection se formo a mediados de los 60's en la costa oeste americana y llego a consolidarse con este unico disco como una de las mejores bandas psicodelicas del momento. En la desconocida Richmond al otro lado de la bahia de San Francisco, una zona de clase trabajadora Randy... Ver mas
The savage Resurrection se formo a mediados de los 60's en la costa oeste americana y llego a consolidarse con este unico disco como una de las mejores bandas psicodelicas del momento.
En la desconocida Richmond al otro lado de la bahia de San Francisco, una zona de clase trabajadora Randy Hammon y John Palmer sabian ya lo que se hacian. Randy tenia 16 años y ya andaba recorriendo la carretera en una gira nacional. Fue su primo Paul Whaley, bateria de Blue Cheer y Oxford Circle quien le animo a montar la banda. Durante las giras solia llevar un enorme cuchillo Bowie de caza que en mas de una ocasion les saco de apuros.
John Palmer y el se complementaban a la perfeccion con sus guitarras y pareciera que se retaran a las cuerdas cuando entraban en accion. Sonidos Fuzz y ambientes que te daran una buena sacudida.
10 temas para quitarse el sombrero mas tres bonus tracks sacados de grabaciones de ensayo, que a mi parecer, dada su calidad de audio, estan de mas en esta edicion.
El disco fue producido por Abe "VOCO" Kesh que habia trabajado ya con formaciones como Blue Cheer, The Charlatans, Harvey Mandel y algunos mas.
Tuvieron que pasar treinta años antes de que este magnifico y codiciado disco viera la luz en formato digital. Poligram habia comprado los derechos a Mercury y fue con ellos con los que Hammon tuvo que negociar su recuperacion. Hasta el momento se pagaban precios desorbitados por una copia original.

Ha recibido 115 puntos

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GANDALF - Gandalf 1968

134. GANDALF - Gandalf 1968

http://www.youtube.com/watch?v=4FQOqAoANL0

Banda estadounidense de pop psicodélico y rasgos barrocos, con ascendencia de los Zombies británicos y los Left Banke de Michael Brown. El grupo, creado en Nueva York a mediados de los 60 con el primer nombre de The Rahgoos, estaba compuesto por el cantante y guitarrista Pete Sando, el... Ver mas
Banda estadounidense de pop psicodélico y rasgos barrocos, con ascendencia de los Zombies británicos y los Left Banke de Michael Brown.

El grupo, creado en Nueva York a mediados de los 60 con el primer nombre de The Rahgoos, estaba compuesto por el cantante y guitarrista Pete Sando, el bajista y vocalista Bob Muller, el batería Davy Bauer y el teclista Frank Hubach.

Su único trabajo es el magnífico LP homónimo, producido por Charles Koppelman y Don Rubin. "Gandalf" (1968) fue publicado en el sello Capitol y su exquisita sonoridad, marcada por disposiciones barrocas, lisérgicas y progresivas, no conseguiría encontrar resonancia comercial.

El single publicado fue "Golden Earrings", un standard (cantado por Peggy Lee o Frank Sinatra) compuesto por Ray Evans, Jay Livingston y Victor Young, que sería adaptado a la época psicodélica de manera excelente por Gandalf.

En el álbum también se encontraban versiones de varios temas de Tim Hardin (al que Koppelman y Rubin le habían producido un disco), canciones escritas para ellos por Alan Gordon y Gary Bonner y algunas composiciones propias, como la excelente "Can you travel in the dark alone", escrita por Pete Sando.

Ante la ausencia de repercusión popular, Gandalf se disolverían en el año 1968.
Su único disco fue reeditado posteriormente por See for Miles y Sundazed.

Ha recibido 114 puntos

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THE AMBOY DUKES - Journey to the center of the mind 1968

135. THE AMBOY DUKES - Journey to the center of the mind 1968

http://www.youtube.com/watch?v=cAL1RrX5Lp4

Este grupo de los años 60 de Detroit contaba en sus filas con Ted Nugent, un ferviente opositor al uso de drogas dentro del rock que sin embargo facturó con los Amboy Dukes varios LPs que destilan carga lisérgica por los cuatro costados. Sea tal carga en base al desarrollo de robustas piezas... Ver mas
Este grupo de los años 60 de Detroit contaba en sus filas con Ted Nugent, un ferviente opositor al uso de drogas dentro del rock que sin embargo facturó con los Amboy Dukes varios LPs que destilan carga lisérgica por los cuatro costados.
Sea tal carga en base al desarrollo de robustas piezas blues-acid-rock y hard-rock estilo Cream o Jimi Hendrix, o brillantes grajeas psicodélicas con voces espléndidas, bellas melodías, y composiciones imaginativas con una interacción instrumental intensa que tanto descansa en el óptimo trabajo de guitarra de Nugent y Steve Farmer como en una sección rítmica con personalidad, estupendos Greg Arama al bajo y Dave Palmer a la batería, o en el sonido de órgano de Andy Solomon empapado en envolvente psicodelia.

“Journey to the center of the mind”, álbum producido por Bob Shad (un avezado productor de jazz), es el disco más popular de la banda, siendo el tema homónimo, compuesto por Farmer y Nugent, ya un clásico del acid-rock con ese penetrante y cabalgante tempo rítmico, fantástico el bajo de Arama en esta pieza, sonidos fuzz y armonías vocales a lo Who del “Sell Out” con John Drake a la voz principal.

Este subestimado pero magnífico viaje al centro de la mente había comenzado con anterioridad con “Mississippi murderer”, un pausado tema blues-rock interpretado con voz agresiva que nos introduce en el ambiente criminal de la narración.
Sensacional trabajo de Solomon en los teclados con un magnífico solo y de Ted Nugent en la guitarra. La verdad es que escuchando cualquier pieza se aprecia la amplia magnitud instrumental de todos sus componentes.

“Surrender to your kings” nos involucra en una ambiente psicoprogresivo que parece mezclar a Jimi Hendrix con Steppenwolf y los Nice de Keith Emerson. Destaca el palpitante bajo de Greg Arama dominando una atmósfera fosca y tensa, que se reitera en “Flight of the byrd”, en donde vuelve a brillar una ácida combinación instrumental con absorbentes y potentes sonidos hard-rock templados en medios tiempos con teclados afilados.
Fenomenal solo guitarrero de Nugent en donde demuestra su presteza en el manejo de los dedos.

En la pieza instrumental “Scottish Tea”, se intenta simular melodía de gaita con la guitarra fusionando el folk escocés con el acid-rock estadounidense.
Nos transmite a campiñas con hombres bailando con el kilt en días de reunión festiva, mientras que “Dr. Slingshot” es una sobresaliente pieza muy al estilo psico-blues-rock de Cream o Hendrix con un potente riff de guitarra distorsionada y una efectiva superposición vocal.


La segunda parte del álbum, sensacional tramo para los amantes de la psicodelia 60’s, está dominada por la escritura de Farmer, quien enlaza sus temas en un imaginativo derroche de tempos con ostentosos arreglos lisérgicos, membruda instrumentación y fenomenales melodías en piezas de base pop psicoprogresivo con voces lisérgico-evocativas (muchas veces en elevadas armonías) y contraste en ocasiones entre la laxitud oral en las estrofas con los punteos guitarreros de Nugent de cimiento blues-rock, todo arropado en ácido.

Esto se aprecia, siempre con el trabajo melódico incomparable del período, desde “Ivory Castles” hasta la “Conclusion”, pasando por “Why Is a Carrot More Orange Than an Orange?” (vaya preguntita sesuda para una melodía espléndida), “Missionary Mary”, pieza de gran intensidad con voces a lo Who de nuevo, “Death is life”, a lo Pink Floyd de Syd Barrett, “Saint Philips Friend”, balada con sonidos de melancólico piano, o la excitante “I’ll prove I’m right”, una pieza con dinamismo fuera de lo común aportado por un Greg Arama sensacional, voces ejemplares con armonías al final de los versos, y pirotécnicos punteos guitarreros en las estrofas que exponen la maestría de Ted Nugent en las cuerdas antes de convertirse en azote de los vegetarianos y los yonquis.

Ha recibido 100 puntos

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THE SEEDS - A Web Of Sound 1966

136. THE SEEDS - A Web Of Sound 1966

http://www.youtube.com/watch?v=lwqP0osaKtQ

Tras su debut "The Seeds" en 1966, uno de los discos clave del sonido garage-rock, los Seeds y Sky Saxon volvieron a la carga con "A Web Of Sound", otro disco importante que desarrolla unas estructuras con más variantes aunque siempre manteniendo sus constantes garajeras con textos expuestos por... Ver mas
Tras su debut "The Seeds" en 1966, uno de los discos clave del sonido garage-rock, los Seeds y Sky Saxon volvieron a la carga con "A Web Of Sound", otro disco importante que desarrolla unas estructuras con más variantes aunque siempre manteniendo sus constantes garajeras con textos expuestos por la agria vocalidad de Saxon.

El álbum depara extraños y fascinantes sonidos ofrecidos especialmente por los teclados de Daryl Hooper y la guitarra de Jan Savage.
Suena hipnótico órgano y una enfervorecida fuzz guitar en "Mr. Farmer", el blues y el pop se fusionan en la imprescindible "Pictures and designs", una galopante batería y una lisérgica guitarra forman parte de la proto-punk "Tripmaker" (co- escrita entre Saxon y el productor Marcus Tybalt).

"A faded picture" es un blues de gran calidad, la stoniana "Rollin' Machine" y la rítmica y bailable "Just let go", con una línea de bajo excepcional del propio Sky Saxon, dan paso al cierre del álbum, la extensísima "Up in her room", una pieza de probable influencia en grupos como Stooges o Velvet Underground.

Ha recibido 99 puntos

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THE MONKS - Black Monk Time 1966

137. THE MONKS - Black Monk Time 1966

http://www.youtube.com/watch?v=mZK_olqwHwk&feature=player...

La mayoría de bandas del género ni siquiera llegaron a tener relevancia fuera de su propio estado pero el caso de The Monks es excepcional. Eran cinco soldados norteamericanos de orígenes diseminados por toda la geografía estadounidense (Washington, Nevada, Texas, Illinois y Minnesota) que... Ver mas
La mayoría de bandas del género ni siquiera llegaron a tener relevancia fuera de su propio estado pero el caso de The Monks es excepcional. Eran cinco soldados norteamericanos de orígenes diseminados por toda la geografía estadounidense (Washington, Nevada, Texas, Illinois y Minnesota) que coincidieron durante los mejores momentos de la guerra fría y en el mejor escenario posible: Berlin. Comenzaron actuando en bares de soldados en una banda llamada The Five Torquays. Tocaban rock clásico, versiones de Chuck Berry, algo de surf rock, los sonidos convencionales de la época pasados por la influencia de las emisoras de rythm & blues, rock’n roll clásico, country, jazz que habían escuchado como adolescentes. Al licenciarse del ejército se echan a la carretera como The Monks para recorrer Alemania vestidos con túnicas negras, alzacuellos y la coronilla rapada imitando una tonsura. Frecuentan por los mismos bares del distrito rojo donde se criaron los Beatles, pero crearon un sonido de otra especie. The Monks no se parecen a nada que sonase en toda la década, ni a nada que fuera a sonar jamás, gritan como demonios desquiciados bajo el hechizo de Hasil Adkins, Howlin’ Wolf o el horror-blues de Screamin’ Jay Hawkins, engullidos en un caos de teclados delirantes, fuzzboxes que ardían como cerillas, guitarras distorsionadas anticipando los experimentos avant garde de The Velvet Underground (escuchen I hate you, Love came tumblin’ down), todo hechizado por el tum tum catárquico de Roger, un vudú sónico del que nadie puede escapar en sus cabales. Los adolescentes alemanes eran una generación distinta a la americana, libres de los traumas que pesaban sobre sus padres por la humillación de la derrota y la vergüenza de los crímenes nazis estaban ansiosos por empaparse de la visión de libertad procedente de los Estados Unidos, pero al mismo tiempo asqueados por el hedor de la guerra del Vietnam. Nunca imaginaron que fuera a caerles encima algo como The Monks.

Ha recibido 97 puntos

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THE LEFT BANKE - Left Banke Too 1968

138. THE LEFT BANKE - Left Banke Too 1968

http://www.youtube.com/watch?v=KCqyV9GiM-4

Segundo trabajo de los esenciales Left Banke, grupo puntero del pop barroco (no hay más que comprobar la manera en la que salen vestidos en este disco para reafirmar este calificativo) que sufre aquí la sensible baja de su líder Michael Brown, alma mater de la banda que había abandonado a sus... Ver mas
Segundo trabajo de los esenciales Left Banke, grupo puntero del pop barroco (no hay más que comprobar la manera en la que salen vestidos en este disco para reafirmar este calificativo) que sufre aquí la sensible baja de su líder Michael Brown, alma mater de la banda que había abandonado a sus compañeros tras la publicación de su excepcional album debut, no sin antes participar en la creación de dos canciones incluidas en este LP, otra gema para los degustadores de piezas melódicas de suntuosa apariencia.

El puesto de principales compositores en Left Banke después de la marcha de Brown recayó en el bajista Tom Finn y en Tom Feher, personaje de apreciable talento para la escritura que previamente ya había colaborado con Brown en temas como "Barterers and their wives" o "Evening Gown", y que se había incorporado como miembro oficial en calidad de guitarrista para la grabación de este vinilo.

"Left Banke Too" es, al igual que su primera entrega, otro LP repleto de grandes canciones pop, embellecidas con maravillosos arreglos, competentemente producido por Artie Schroeck y excepcionalmente (como siempre) cantado por ese subestimado vocalista llamado Steve Martin.

El barroquismo siempre inherente a sus melodiosos temas, mixturado con algún elemento psicodélico, destacan en excelentes piezas como "Goodbye Holly", "There's gonna be a storm", "Sing little bird sing", "Nice to see you", "Bryant Hotel", "Dark is the bark" o "My friend today", canciones que retoman las resonancias sónicas de los Beatles o los Kinks de la segunda mitad de los años 60.

Sin embargo, la mejor composición del álbum y una de las mejores de la carrera del grupo (junto a "Pretty Ballerina", "Walk away Renee" y "I've got something on my mind") es esa joya llamada "Desiree", una de las canciones escritas por el genial Brown, que denota su grandioso sentido de la melodíaa y su gusto por el atavío delicadamente ornamentado, nunca excesivo. Sensacional banda.

Ha recibido 95 puntos

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GUN - Gun 1968

139. GUN - Gun 1968

http://www.youtube.com/watch?v=bvMETCQAf1w

Cuando Gun entra en el Top Ten con "Race With The Devil" en 1968, parecia que el nuevo trio britanico iban a ser una fuerza importante en la musica rock. Tenian mucho que ofrecer. La banda estaba capitaneada por los talentosos hermanos Gurvitz. Paul toca el bajo y realiza los arreglos y Adrian... Ver mas
Cuando Gun entra en el Top Ten con "Race With The Devil" en 1968, parecia que el nuevo trio britanico iban a ser una fuerza importante en la musica rock. Tenian mucho que ofrecer. La banda estaba capitaneada por los talentosos hermanos Gurvitz. Paul toca el bajo y realiza los arreglos y Adrian toca la Lead Guitar aventajadamente. Durante su primer encuentro con el estrellato adoptan el nombre de Curtis, pero más tarde volvieron a su apellido Gurvitz. Gun se completa con la inclusión del bateria Louis Farrell.
Cuando "Race With the Devil", se puso en el número 8 durante cuatro semanas en el chart, parecia que Gun había llegado justo a tiempo. El grupo había sido golpeado por una sucesión de infortunios, y el trío obtuvo su recompensa con su temprano éxito en el chart . Usaron una sección bien compenetrada de metal para aumentar el sonido, pero el énfasis estaba en la forma de tocar las guitarras y la bateria.
" Eramos un grupo de rock ", dijo Louis Farrell . " No, no lo que significa el rock and roll - hagame un favor. ni lo que significa un grupo de rock duro. Tratamos de hacer Rock, a nuestra manera ".
El Grupo tenía sus orígenes en un cuarteto llamado "The Knack". El miembro estrella para la gira de la banda en aquel tiempo era John Hammel que más tarde trabajó para Paul McCartney durante 20 años.
" Comenzaron como cuarteto con un organista llamado Tim . La banda viaja a Alemania y toca en el Star Club de Hamburgo. Entonces el organista se marchó alrededor de 1968 y deciden llamarse en adelante "GUN".
Paul y Adrián eran de Gants Hill en Essex y estuvieron implicados en el negocio de la música desde una temprana edad. Mientras Adrián fue considerado como " difícil " entre los miembros de la banda, porque tenía una actitud bastante rebelde. Paul adopta el papel de de pacificador y mediador. Su padre Sam, era road manager de "The Shadows", mientras Paul Gurvitz tocaba la guitarra con la banda de apoyo británica de Gene Vincent. Adrián, que tenia 17 años cuando GUN comienza, habia ya tocado con Screaming Lord Sutch cuando sólo tenia 15 años.
GUN fue manejada por Pete King, Jimmy Parsons y Ronnie Scott, famosos dueños de un club de jazz de Londres.
" Lo que pasó fue que Adrián escribió "Race With the Devil", y lo grabo en los estudios CBS con Mikel Smith de productor y fue un gran éxito. Entonces continuaron el tour como teloneros de Scott Walker apoyado por la Orquesta de Ronnie Scott . "Race With the Devil", solo fue aventajado por Love Sculpture Band de Dave Edmunds. Ellos eran el número seis con "Sabre Dance " y GUN el número ocho. Pero GUN hizo bastante dinero porque bastantes bandas versionearon "Race With the Devil", incluyendo Black Oak Arkansas quien tuvo más de un millón de ventas con la canción. GUN iba a aparecer por el Festival de Woodstock, pero al final GUN nunca llegaria a América.La banda era grande en Alemania a y a los admiradores les gustaba aquel sonido poderoso.



Desde entonces han pasado 29 años pero todavía embala una perforadora. Empieza con "Race with the Devil" ruidoso, y amotinado, pero "The Sad Saga Of The Boy and the Bee", rápidamente establece el deseo de la banda de experimentar y probar ideas insólitas. Sobre "Yellow Cab Man" mezclan efectos de bocina de coche con la guitarra de fuzz de Adrián, y la resistente voz de Adrian detras.
Los violines fueron añadidos a "Rat Race ", una lenta composición de un pacifico Adrian y la armonía vocal es cortesía de Barry St. John y Sue del famoso duo Sue & Sunny. "Rupert's Travel ", una pista puramente instrumental, en el estilo de "Cassical Gas ", pero la banda estaba más orgullosa de su monstruo de extenso minutaje con arreglos externos "Take Off".Esta Nueva versión en CD de Repertoire del álbum de vinilo original ha sido aumentada con la inclusión de bonus tracks. La versión single de "Race With the Devil",la cara B "Sunshine", otro single llamado "Drives You Mad" y la versión single de "Rupert's Travel".
El álbum original fue distinguido por la cubierta que representa las pinturas coloridas de monstruos rampantes. Esta era la primera cubierta de LP diseñada por Roger Dean de 24 años. Su asociación con Ronnie Scott uno de los directores que cuidaban de GUN, lo llevo a diseñar la cubierta. Esto fué el principio de una carrera ilustre que culminaría con su trabajo para el megagrupo YES y muchos otros grupos. Recuerda Roger " me habían pedido diseñar el "Up Stairs Room", en el club de Ronnie Scott . Un trabajo me condujo al otro. La cubierta de GUN estaba basada en un cuadro que hice por mi tesis de colegio de arquitectura doméstica. Hice una pintura que mostró algo primitivo, en contraste con la seguridad doméstica y entonces hice una especie de escena demoníaca ".

Ha recibido 95 puntos

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GENE CLARK - Gene Clark with the Gosdin Brothers 1967

140. GENE CLARK - Gene Clark with the Gosdin Brothers 1967

http://www.youtube.com/watch?v=XGctiFIxVFE&feature=fvsr

Una joya infravalorada, incluso por muchos seguidores de la música de los Byrds. Gene Clark, líder compositivo del grupo californiano en sus inicios, abandonó la formación por su fobia a coger aviones y se centró en una carrera en solitario que deparó magistrales discos iniciados con este... Ver mas
Una joya infravalorada, incluso por muchos seguidores de la música de los Byrds.

Gene Clark, líder compositivo del grupo californiano en sus inicios, abandonó la formación por su fobia a coger aviones y se centró en una carrera en solitario que deparó magistrales discos iniciados con este título esencial.

Con producción de Gary Usher, Gene está apoyado instrumentalmente por varios de sus ex compañeros byrdsianos, como Chris Hillman, excepcional bajista, y el batería Michael Clarke, además de otros talentosos nombres como los guitarristas Clarence White, futuro miembro de los Byrds, y su buen amigo Doug Dillard, que lo acompañaría en el proyecto Dillard & Clark.

El autor de "I'll feel a whole lot better" o "She has a way" compone un sugestivo álbum de esencia pop a pesar de su propensión al folk o al country en algunos temas, mostrando la sublime sensibilidad siempre inherente a su escritura y el extraordinario sentido melódico de clara querencia Beatle (apreciable especialmente en este trabajo).

Los contagiosos ritmos y el cuidado en los juegos vocales de Clark y los Gosdin Brothers, placenteros prodigios de hechizante ejecución, hacen de este breve disco (sólo dos temas llegan a los tres minutos y encima se hacen cortos) una orgía de hedonismo sónica gracias a gemas como “Echoes”, “Tried so hard”, “Elevator operator” o “The same one”.
Si eres amante de los Byrds y los Beatles te resultará difícil encontrar un disco más deleitable que esta maravilla (incluso de los propios grupos citados), obra maestra de un genial y muy subestimado compositor y cantante.
Sólo hay que escuchar la belleza condensada en "The Same One" para darse cuenta de la clase y categoría que atesoraba este gran hombre.

Ha recibido 94 puntos

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KIM FOWLEY - Outrageous 1968

141. KIM FOWLEY - Outrageous 1968

http://www.youtube.com/watch?v=TBvr_9I143U

En plena época de ebullición en el consumo de sustancias psicotrópicas, en especial el LSD, este singular artista llamado Kim Fowley, colaborador de gente tan diversa como The Seeds, Soft Machine, Frank Zappa, Tomorrow o Captain Beefheart, grabó este histórico disco (con la original “Bubblegum... Ver mas
En plena época de ebullición en el consumo de sustancias psicotrópicas, en especial el LSD, este singular artista llamado Kim Fowley, colaborador de gente tan diversa como The Seeds, Soft Machine, Frank Zappa, Tomorrow o Captain Beefheart, grabó este histórico disco (con la original “Bubblegum” que versionaron Sonic Youth), un muy disfrutable trabajo independiente psycho-garage y proto-punk que crece en cada escucha gracias a su vibrante, salvaje y divertida amalgama de elementos de rock lisérgico, garajeros, experimentales, blues-rock, sonidos fuzz, wah wah…todo con gran sentido del humor, atmósferas paranoicas y textos extravagantes asentados en ocasiones en el flujo de conciencia.

“Animal Man”, la apertura del álbum, es un fibroso tema garage-psicodélico en el cual Kim afirma que es feo, un “animal man” y que va a asesinarte.
Entre algún que otro eructo perdido y voz de fémina excitada sexualmente el trabajo guitarrero a lo Jimi Hendrix es enorme, demoledor.

La ardiente “Wildfire” templa el ritmo con intrincados tempos y guitarra bluesy en una elegante sinergia entre guitarra, batería y piano con la psicopática voz de Fowley desgañitándose: wild figh figh figh ifhghhhhhhhhhhhhhhhhhhh….How do you knowwww?.
La pieza crece hipnóticamente con friki-voces al fondo, diálogos en narrativa, clímax que incrementa el ritmo, punteos cuasi robóticos y crepitantes/distorsionadas guitarras garajeras.

El instrumental “Hide and Seek” es fantástico. Posee gran clase, un imponente trabajo de la sección rítmica, guitarra con sonidos wah wah y un órgano que le aporta el feeling irrecuperable de esta gran, gran, gran y creativa época para la música rock en la cual todavía el pop y rock estaba dominado por los propios músicos y no por las multinacionales de refrescos y similares. Sensacional pieza.


Después de “Chinese Water Torture”, corto tema coñón en donde Fowley parece sufrir una cesión onanista al entrar la policía en su lugar de maniobra, suena la fiera “Nightrider”, con sonido guitarrero obsesivo en un riff garajero muy pegadizo con ecos de sus amigos The Seeds y un berreante Kim al que parece que están degollando.
Sensacional atmósfera nocturna, ominosa, cuasi shock-rock, adelantándose muchos años al término.

“Bubble Gum” es el tema más popular de este original LP, principalmente por ser versionado por Sonic Youth, quienes no aportan nada a la versión original de Kim Fowley, bastante mejor que la de sus discípulos por otorgar la tonalidad adecuada, difícilmente equiparable a la que aporta este genial autor.
Gran tema psycho-garage con un buen trabajo melódico y una intensidad fuera de lo común.



“Inner Space Discovery” es una pieza psicodélica-shock-rock en donde la alucinación alcanza momentos extremos, con Fowley penetrando en su interior con un riff guitarrero calcado al “Who’ll be the one” de los Easybeats.
Puro ácido con diversos efectos sónicos, guitarras gimientes cuando no repicantes en plan campana, voz psicopática y ritmo obsesivo. Toda una experiencia lisérgica.

“Barefoot Country Boy” parece un tema de Chuck Berry. Todo un homenaje al clásico rock’n’roll con eructos, piano dinámico y riffs que calcan al maestro.

“Up” presenta un bailable tempo soul-funk psicodélico que se divide en la homónima “Up”, en “Caught in the middle” y en “Down”.
Lleno de experimentación lisérgica, penetrante, intenso y absorbente con cada nueva escucha, en especial para aquel que busque nuevas sensaciones más allá de la aburrida convencionalidad.

El disco termina con la pieza vocal-experimental de poco más de un minuto “California Hayride”, en donde recalca que “We’re rough, we’re tough, we’re had enough” mientras al fondo un semi-estreñido parece estar evacuando sus duras interioridades.

El CD trae dos bonus-tracks con dos anuncios radiofónicos de la época, en donde se promociona este original “Outrageous” de Imperial Records con el fondo de “Animal Man” y “Bubble Gum”. Kim Fowley, “The Ultimate Underground Animal”. Toda una experiencia la (s) escucha (s) de este admirable LP.

Ha recibido 94 puntos

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KALEIDOSCOPE - Side Trips 1967

142. KALEIDOSCOPE - Side Trips 1967

http://www.youtube.com/watch?v=TzVXx1ff26Y

Jimmy Page afirmó que Kaleidoscope (los americanos, no los ingleses) era su banda favorita y no es difícil apreciar la causa de su aseveración tras escuchar este fenomenal LP debut. A lo largo de los diez temas que componen el álbum podemos apreciar que su música incidía en la psicodelia del... Ver mas
Jimmy Page afirmó que Kaleidoscope (los americanos, no los ingleses) era su banda favorita y no es difícil apreciar la causa de su aseveración tras escuchar este fenomenal LP debut.

A lo largo de los diez temas que componen el álbum podemos apreciar que su música incidía en la psicodelia del momento, enalteciendo la lisergia, el pop, el garage-rock o el folk-rock de la época con múltiples elementos de músicas de distinta procedencia, recayendo la singularidad de su sonido en el empleo de instrumentos de naturaleza étnica, como se advierte en “Egyptian Gardens”, una pieza en la cual parecen mezclar los sonidos orientales con el garage/psych de los Seeds.


Esta sapiencia instrumental se debe a que todos sus miembros eran expertos multi-instrumentistas, por lo que tanto escuchamos los clásicos instrumentos del rock, como de repente nos sorprenden con el empleo del banjo, un fiddle o una viola.

Si David Lindley es su componente más conocido, un avezado intérprete de instrumentos folk norteamericanos y una pieza clave en el grupo que posteriormente serviría como instrumentista de conocidos nombres como Jackson Browne, James Taylor o Graham Nash, el músico más sorprendente del grupo es Solomon Feldthouse, quien a lo largo del álbum nos deleita con su habilidad en múltiples instrumentos, tanto en el dobro o la vina como el saz o el dulcimer.

Feldthouse, el compositor y cantante de “Egyptian Gardens”, puede cambiar totalmente de registro y escribir canciones como el single “Please”, un tema folk-rock con estupendas armonías vocales a lo Byrds, grupo que también les influye la estupenda “Pulsating Dream”, corte de esperanza ante un presente un tanto confuso compuesto por el bajista Chris Darrow, quien también nos ofrece una estimable pieza pop psicodélica titulada “If the night” y la sensacional “Keep your mind open”, una joya psicodélica en donde se expone una crítica contra la Guerra del Vietnam con sonidos de batalla incluidos.

David Lindley escribe “Why Try”, un interesante tema, segundo sencillo del LP, que muestra el atractivo de amalgamar sonidos de diferente procedencia (de nuevo el rock con la música oriental).

Como versiones recuperan un viejo tema de Charlie Poole, la simpática “Hesitation Blues”, y cambiando de tono, la tradicional “Oh Dead”, con mortuorio ritmo y ambiente gótico empleado para expresar de nuevo su protesta contra el conflicto en Vietnam.
Dentro de las adaptaciones también reviven el swing de Cab Calloway en el clásico “Minnie The Moocher”.

Ha recibido 94 puntos

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AFTERGLOW - Afterglow 1968

143. AFTERGLOW - Afterglow 1968

http://www.youtube.com/watch?v=KnqAhsjR9bM&feature=related

Este es el único (y subestimado) LP publicado por la banda psicodélica Afterglow, un grupo estadounidense producido por Leo Kulka e influenciado por los Byrds, Association, Strawberry Alarm Clock, Beatles y Jefferson Airplane, que sustentaba su atractivo sonido en el hechizante órgano Farfisa de... Ver mas
Este es el único (y subestimado) LP publicado por la banda psicodélica Afterglow, un grupo estadounidense producido por Leo Kulka e influenciado por los Byrds, Association, Strawberry Alarm Clock, Beatles y Jefferson Airplane, que sustentaba su atractivo sonido en el hechizante órgano Farfisa de Roger Swanson, la dúctil voz de Gene Resler y la capacidad compositiva del guitarrista Tony Tecumseh, autor de casi todos los temas, menos el hiperlisérgico "Susie's gone" y la hermosa pieza folk-rock "Mend this heart of mine", esta última obra de Resler.

El disco es una joya de la época con logradas composiciones y hermosos arreglos vocales, que tanto recurren a la psicodélica más farragosa como al pop más melódico o al folk-rock byrdsiano.

Las mejores canciones son "Dream away", "Riding home again", "It's a wonder", "Afterglow" o la citada "Mend this heart of mine", verdaderas maravillas interpretadas con delicadeza y estilo que gracias al sello Sundazed pueden ser recuperadas por los melómanos acérrimos a sonidos 60's.

Ha recibido 91 puntos

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THE CHOCOLATE WATCH BAND - No Way Out 1967

144. THE CHOCOLATE WATCH BAND - No Way Out 1967

http://www.youtube.com/watch?v=P4lpsNQp8UY

Un fenomenal album de garaje realizado por una de las mejores bandas del estilo. La gran influencia de los primeros Rolling Stones se aprecia claramente en casi todos los cortes del LP con un vertiginoso y excitante recorrido por el R&B, el pop, el rock y sobre todo la psicodelia. Cortes... Ver mas
Un fenomenal album de garaje realizado por una de las mejores bandas del estilo.
La gran influencia de los primeros Rolling Stones se aprecia claramente en casi todos los cortes del LP con un vertiginoso y excitante recorrido por el R&B, el pop, el rock y sobre todo la psicodelia.

Cortes realmente excepcionales como "Let's Talk About Girls", "Are you gonna be there", "Gossamer Wings" o el hipnótico instrumental "Dark side of the mushroom" se acompañan de exultantes adaptaciones de gente tan diversa como Wilson Pickett, Chuck Berry o Buffalo Springfield, y con sugestivos viajes lisérgicos impulsados en la escucha de piezas como "No way out" o "Expo 2000", pasajes de un disco imprescindible dentro del sonido garaje psicodélico.

Ha recibido 90 puntos

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THE GRAHAM GOULDMAN - Thing 1968

145. THE GRAHAM GOULDMAN - Thing 1968

http://www.youtube.com/watch?v=BPh-kW7VYOA

Natural de Manchester, Graham Gouldman fue uno de los más talentosos compositores de su época, responsable de composiciones de éxito para grupos como los Yardbirds, los Herman's Hermits, los Hollies o Wayne Fontana & The Mindbenders. El futuro componente de 10 C.C. publicó su primer trabajo en... Ver mas
Natural de Manchester, Graham Gouldman fue uno de los más talentosos compositores de su época, responsable de composiciones de éxito para grupos como los Yardbirds, los Herman's Hermits, los Hollies o Wayne Fontana & The Mindbenders.
El futuro componente de 10 C.C. publicó su primer trabajo en solitario en el excelente año musical del 1968. Era un LP que en principio tenía que ser producido por Peter Noone, líder del grupo Herman's Hermits, pero al final y a pesar de lo que mencionan los créditos terminó siendo producido por el propio Gouldman ayudado por el posterior miembro de Led Zeppelin, John Paul Jones, arreglista también de las exquisitas orquestaciones que adornan la primorosa escritura del mancuniano.

El disco es todo un regalo para los oídos para el oyente con un mínimo de sensibilidad y bagaje del mejor pop de la historia, el de los años 60.

La dulce voz de Graham y las texturas principalmente acústicas embellecidas por violines, oboes o clarinetes van fluyendo a través de este trabajo en el que se incluyen sus famosas canciones "Bus Stop" (The Hollies), "No Milk Today" (Herman's Hermits), "For your love" (Yardbirds) y "Pamela, Pamela" (Wayne Fontana), además de siete temas nuevos como "Pawnbroker", que podría ser perfectamente interpretado por Graham Nash en el disco de los Holllies "For certain because" o "Upstairs Downstairs", que parece que está realizada para ser cantada por Allan Clarke, también del fenomenal grupo de Manchester.



Esta última, junto a "My father" (un tema idóneo para los Herman's Hermits) y la extraordinaria "The Impossible Years" (composición que podría estar perfectamente en el catálogo de los Zombies) son las canciones más inspiradas del álbum al margen de sus previas y ya clásicas melodías.

Ha recibido 85 puntos

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BUBBLE PUPPY - A gathering of promises 1969

146. BUBBLE PUPPY - A gathering of promises 1969

http://www.youtube.com/watch?v=Qja2ptq_p7I

Un fenomenal disco este único larga duración del grupo americano Bubble Puppy, con una mezcolanza fantástica de sonidos cercanos a Cream, Buffalo Springfield, Love, Byrds o Jimi Hendrix. Las composiciones son excelentes, combinando pasajes pop con rock, folk-rock y psicodelia y esmerando las... Ver mas
Un fenomenal disco este único larga duración del grupo americano Bubble Puppy, con una mezcolanza fantástica de sonidos cercanos a Cream, Buffalo Springfield, Love, Byrds o Jimi Hendrix.
Las composiciones son excelentes, combinando pasajes pop con rock, folk-rock y psicodelia y esmerando las melodías, a las que otorgan una gran preponderancia vocal gracias al empleo de cuidadas armonías.

La producción de Ray Rush, quien había trabajado con 13th Floor Elevators, compacta de manera magistral la sapiencia en la escritura de la banda, principalmente del cantante y guitarra Rod Prince y del bajista Roy Cox, estupendos músicos complementados por el batería David Fore y el guitarra Todd Potter, pieza clave en el sonido del album.

Este disco desconocido pero magistral contiene fuerza y energía en "Hot smoke and sasafrass" (su canción más conocida), "Beginning" o "Lonely" y sublime belleza melódica en "I've got to reach you", "It's safe to say", "Elizabeth" (con un envolvente riff de efluvios orientales), o "A gathering of promises" (escrita por Cox y Taylor, el primer batería del grupo), sin olvidarnos de joyas como "Todd's tune" (compuesta por Potter), "Hurry sundown", "Beginning" o la loveiana "Road to St. Stephens".

Ha recibido 79 puntos

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THE MILLENIUM - Begin 1968

147. THE MILLENIUM - Begin 1968

http://www.youtube.com/watch?v=SWmKrUQdpVg

Otra gran obra del infravalorado talento de Curt Boettcher. Tras su excelente trabajo "Present Tense", firmado bajo el nombre de Sagittarius, vuelve a contar con la ayuda de Gary Usher para proporcionarnos un nuevo recorrido por la exquisitez melódica y filigrana psicodélica de finales de la... Ver mas
Otra gran obra del infravalorado talento de Curt Boettcher.
Tras su excelente trabajo "Present Tense", firmado bajo el nombre de Sagittarius, vuelve a contar con la ayuda de Gary Usher para proporcionarnos un nuevo recorrido por la exquisitez melódica y filigrana psicodélica de finales de la década sesentera.

Mas psicodélico y experimental que en el citado "Present Tense", Boettcher cede mayor protagonismo a sus compañeros de grupo quienes demuestran (especialmente Lee Mallory) también una notable habilidad para la creación de embelesadoras y sofisticadas atmósferas de corte lisérgico que recuerdan a los Hollies de "Butterfly", a los Mamas & The Papas y a los mismísimos Association, no en vano estos últimos estaban producidos por Boettcher.

La andrógina y mágica vocalidad de Curt, engrandecida por los aportes vocales de los demás miembros y la barroca producción, brilla en preciosistas piezas de esencia romántica como "The island", "Sing to me", "It's you", "Some sunny day" o "To Claudia on Thursday", bellos temas que forman parte de este dulce paraiso sónico a redescubrir, repleto de calma, elegancia y exquisitez.

Ha recibido 77 puntos

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PAPER GARDEN - Paper Garden 1968

148. PAPER GARDEN - Paper Garden 1968

http://www.youtube.com/watch?v=diLCNhZYNb0

Interesante grupo estadounidense, cuya psicodelia 60’s contenía apuntes barrocos con múltiple instrumentación, arreglos hechizantes, algún trazo jazzístico y mágicas armonías vocales, derivado su sonido de su entusiasmo por la etapa post-Rubber Soul de los Beatles. La banda, creada en Nueva... Ver mas
Interesante grupo estadounidense, cuya psicodelia 60’s contenía apuntes barrocos con múltiple instrumentación, arreglos hechizantes, algún trazo jazzístico y mágicas armonías vocales, derivado su sonido de su entusiasmo por la etapa post-Rubber Soul de los Beatles.

La banda, creada en Nueva York en la segunda mitad de los años 60, estaba formada por el cantante y guitarra líder Paul LoGrande, el cantante, bajista y guitarra de doce cuerdas Joe Arduino, el cantante, guitarra rítmico e intérprete de sitar Sandy Napoli, el batería Jimmy Tirella y el teclista John Reich.

Después de actuar con profusión por diferentes universidades de la Costa Este el grupo consiguió un contrato discográfico con Musicor, sello en el que publicaron su único LP, “Paper Garden” (1968), un disco de coleccionista producido por Geoff Turner que fue reeditado en el año 2002.

El álbum, una pequeña gema de exquisito pop psicodélico oferta también pasajes jazz, pop barroco e incluso algún corte garajero, con estupendos temas como “Raven”, “Raining” “A Day” o “Way Up High”.
La carencia de ventas provocó su rápida desaparición.

Ha recibido 77 puntos

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LORD SITAR - Lord Sitar 1968

149. LORD SITAR - Lord Sitar 1968

http://www.youtube.com/watch?v=mvXkT-1eQkw&p=6801E8807265...

Bajo este nombre bien clarificador la EMI publicó en el año 1968 un disco homónimo, easy listening, psicodélico y anónimo, rumoreándose, sin confirmarse, que había sido el mismísimo miembro de los Beatles, George Harrison, sin duda el músico que más impulsó, influenciado por Ravi Shankar, los... Ver mas
Bajo este nombre bien clarificador la EMI publicó en el año 1968 un disco homónimo, easy listening, psicodélico y anónimo, rumoreándose, sin confirmarse, que había sido el mismísimo miembro de los Beatles, George Harrison, sin duda el músico que más impulsó, influenciado por Ravi Shankar, los sonidos hindúes en la música rock, el intérprete de todos los temas del álbum, compuesto en su mayoría por versiones de conocidos temas de los Beatles, los Who, los Monkees e incluso el “Black is black”, popularizado en todo el mundo por los Bravos.

A pesar de que se pensó en Harrison, o en otros nombres como Harihar Rao o Chim Kotari, todo parece indicar que fue Big Jim Sullivan el encargado de tocar casi todos los instrumentos. Jim Sullivan era un experto músico de sesión, además de solista y productor, que trabajó con los Kinks o los Herman’s Hermits.

El disco, producido y arreglado de manera espléndida por el musicólogo John Hawkins, es toda una rareza y un capricho lounge de la época. Pero un capricho muy pero que muy agradable, con un recorrido en el cual conocidas melodías y ritmos, ahora en versión instrumental, aparecen adornadas con el sonido característico del sitar con una esencia psicodélica, lounge y pop orquestal, confiriendo a los temas un vivo semblante rítmico en todas las piezas.

Entre ellas maravillosas revisitaciones sitar-pop, grabadas en plena época psicodélica de finales del decenio de los 60, se encuentran temas de los Beatles (“I am the walrus”, “Blue jay way” o “Eleanor Rigby”), los Bee Gees (“Like nobody else”), los Who (con una soberbia adaptación del “I can see for miles”), los Seekers (con el tema escrito para ellos por Kim Fowley, “Emerald city”), los Monkees (con el “Daydream believer” orientalizado), Edwin Hawkins (“Tomorrow’s people) o los Bravos (con una estupenda versión del conocido “Black is black”)

También recuperan John Hawkins y Jim Sullivan, en esta audición exótica y fascinante, el tema principal del musical “If I were a rich man”, el cual, al igual que los otros, no desentonarían nada en la banda sonora de la comedia de Blake Edwards, “El guateque”, con Peter Sellers dale que te pego al famoso instrumento indio.

Ha recibido 75 puntos

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BLOSSOM TOES - We are ever so clean 1967

150. BLOSSOM TOES - We are ever so clean 1967

http://www.youtube.com/watch?v=XQqnmqwFmqY

Lp debut del grupo de psicodelia británica Blossom Toes, en el cual plasman su intrincado sentido de la experimentación con vestidura orquestal, sin arrinconar un estimable sentido melódico y una lírica imbuida de una aguda visión de situaciones propias de su contexto y singulares estructuras... Ver mas
Lp debut del grupo de psicodelia británica Blossom Toes, en el cual plasman su intrincado sentido de la experimentación con vestidura orquestal, sin arrinconar un estimable sentido melódico y una lírica imbuida de una aguda visión de situaciones propias de su contexto y singulares estructuras dentro de los cánones clásicos de la canción pop, emparentando su música con ofertas de bandas como The Move, The Kinks, los Beatles del "Magical Mystery Tour" o los primeros Pink Floyd.

Producido por Giorgio Gomelsky (colaborador de Yardbirds), el album a veces tiende a su apostura más pop en piezas como "I'll be late for tea", "Telegram Tuesday", "Love is", "When the alarm clock rings" o "Mrs. Murphy's Budgerigar", con incisivas orquestaciones arrullando las precisas melodías y conseguidas armonías creadas por la principal pareja de compositores Brain Godding y Jim Cregan.

En otras se establece una cierta similitud con los trabajos de Syd Barrett para Pink Floyd. Así, en cortes como "Look at me I'm you" o "The remarkable saga of the frozen dog" se enfatiza el aspecto más psicodélico y experimental del conjunto, siempre con insinuantes y aprovechables resultados, lo que coloca a los Blossom Toes como una de las bandas más interesantes y menos conocidas del panorama lisérgico británico de finales de la década de los 60.

Ha recibido 73 puntos

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LITTLE FREE ROCK - Little Free Rock 1969

151. LITTLE FREE ROCK - Little Free Rock 1969

http://www.youtube.com/watch?v=tyDsiCgMPNI

Aquí tenemos otra joya de finales de los 60, una auténtica maravilla que no puede pasar por alto para los buenos aficionados del rock, en especial para los que degusten con placer los sonidos del grupo Cream, la Jimi Hendrix Experience o los primeros Deep Purple. El disco lo tiene todo... Ver mas
Aquí tenemos otra joya de finales de los 60, una auténtica maravilla que no puede pasar por alto para los buenos aficionados del rock, en especial para los que degusten con placer los sonidos del grupo Cream, la Jimi Hendrix Experience o los primeros Deep Purple.
El disco lo tiene todo: composiciones y melodías de primer nivel, gloriosas partes instrumentales con imaginativos riffs de guitarra y potente sección rítmica con personalidad, voces que se adecúan al tono del tema y a las atmósferas psicodélicas de base blues-rock y hard-rock, tempos calmados interpretados con sensibilidad pop que se complementan con fibrosas piezas rock de orgiástica voz y ritmos, e incluso una extensa versión del “Making Time” de los Creation que quita el hipo, con solo de batería incluido.
Estamos ante uno de los mejores discos de Cream si el mismo, en vez de ser editado por los Little Free Rock, fuese grabado por Jack Bruce, Eric Clapton y Ginger Baker.

“Tingle”, psicodelia de cimiento blues-rock, es un buen ejemplo de su similitud con lo ofertado por el power-trío Cream, aunque tampoco quedaría mal en un disco de los Buffalo Springfield, con esas armonías vocales similares a las de Stephen Stills y Richie Furie, y un gran trabajo en la guitarra del también cantante Pete Illingworth, quien se desgañita con la voz en algún pasaje.

“Roman Summer”, rememoración de noches estivales en Roma iniciada y culminada con un gong, es un sensacional e intenso tema con una espectacular sección rítmica, que manifiesta que tanto el bajista Frank Newbold como el batería Paul Varley no tienen que envidiar a otros de mayor renombre.Ya se sabe que la promoción y la mala fortuna puntual es clave en la proyección artística.
Illingworth se luce a la guitarra con un meritorio solo y la pieza es arreglada con suntuosas cuerdas.

El tercer tema es una versión de "Makin' Time", el clásico de los Creation. Dura más de diez minutos, el mítico riff guitarrero, sencillo pero efectivo, no puede faltar, y el final se convierte en una desenfrenada jam con un excepcional solo de batería de Varley en una soberana interacción de grandes instrumentistas.

En “Lost Lonely” se atempera el ritmo, marcado por una atmósfera intrigante y misteriosa con un serpenteado riff principal que simula el del “Politician” de Cream, mientras que la balada “Age of Chilvary” es un sobresaliente ejercicio melódico a lo Paul McCartney con una fenomenal imaginería de tipo medieval-romántico-psicodélica y una parte final en plan himno.

La rítmica “Castles in the sky”, con una majestuosa línea de guitarra, wah-wah y baterías philspectorianas, es una maravilla lisérgica con una lírica llena de fuerza sensorial y un desarrollo instrumental magnífico, a la par que un hechizante y evocativo trabajo vocal.

La pegadiza “Blud”, estupenda pieza de implacable ritmo con sensacional bajo de Newbold que aquieta de manera magistral su tempo en un puente impregnado de psicodelia, no quedaría mal en el “Fresh Cream” o en algún álbum de Deep Purple.
También posee grandes solos de guitarra de Pete Illingworth y el “Blud, Blud”, cantado en armonías entre Pete y Frank, permanece con facilidad.

Este LP homónimo se cierra con “Dream”, otro valioso tema a lo Cream en donde se dan la mano el hard rock, el blues y el arropo psicodélico propio de esta grandiosa época para la música.

Ha recibido 72 puntos

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THE PEANUT BUTTER CONSPIRACY - The Peanut Butter Conspiracy is Spreading 1967

152. THE PEANUT BUTTER CONSPIRACY - The Peanut Butter Conspiracy is Spreading 1967

http://www.youtube.com/watch?v=k7IWgMBBTBg

Banda de sunshine pop formada en Los Angeles en 1966 que, tras una serie de cambios en la formación, quedó conmpuesta en 1968, fecha de publicación de este album, por la cantante Barbara "Sandi" Robinson, los guitarristas John Merrill y Bill Woolf, el bajista Alan Brackett y el batería Jim... Ver mas
Banda de sunshine pop formada en Los Angeles en 1966 que, tras una serie de cambios en la formación, quedó conmpuesta en 1968, fecha de publicación de este album, por la cantante Barbara "Sandi" Robinson, los guitarristas John Merrill y Bill Woolf, el bajista Alan Brackett y el batería Jim Voight.

Previamente a este The Great Conspiracy habían grabado un single para la compañía Vault y un LP en Columbia llamado The Peanut Butter Conspiracy Is Spreading, que estaba producido por Gary Usher (miembro de Sagittarius, antiguo colaborador de los Beach Boys y productor de los Byrds) y que pasaría bastante desapercibido.

Generalmente considerado como su mejor álbum, en The Great Conspiracy la banda nos deleita con una serie características tales como un excelente sentido de la melodía y de las armonías vocales, unos emocionantes duetos entre hombre y mujer (lo que los emparenta los Mammas & The Pappas), lírica surrealista y un estimable nivel como instrumentistas que lo convierten en un más que notable disco. Así, canciones como el single Turn On A Friend (To The Good Life), Lonely Leaf, Too Many Do o la soberbia Ecstasy son muestra clara del talento que atesoraban.

Ha recibido 71 puntos

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ARCADIUM - Breathe Awhile 1969

153. ARCADIUM - Breathe Awhile 1969

http://www.youtube.com/watch?v=96ronMG6Zmo

Unica producción de este conjunto inglés, el CD fue editado en 1992, pero la música data de 1969 y es típicamente de los sesenta. Mucho órgano y guitarra con un ritmo lento y algo somnoliento dan un sabor psicodélico, reforzado por ecos y vibraciones en las voces. Un disco sencillamente cautivante.

Ha recibido 71 puntos

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FAPARDOKLY - Fapardokly 1967

154. FAPARDOKLY - Fapardokly 1967

http://www.youtube.com/watch?v=04hoJwRyqhg

Dentro de los años 60 existe una corriente a mitad de camino entre el folk-rock y la psicodelia en la que se encuentran curiosos personajes como Merrell Fankhauser. Tras unos inicios en el área de California con distintos grupos, creó en 1967 el grupo Fapardokly ( nombre que corresponde a las... Ver mas
Dentro de los años 60 existe una corriente a mitad de camino entre el folk-rock y la psicodelia en la que se encuentran curiosos personajes como Merrell Fankhauser.
Tras unos inicios en el área de California con distintos grupos, creó en 1967 el grupo Fapardokly ( nombre que corresponde a las iniciales de los apellidos de los componentes) que grabó unas sesiones que se reunieron en lo que sería su único album.

Sin embargo no tuvieron continuidad y terminaron como uno más de los cientos de grupos y solistas que, a pesar de poseer talento y buen material, realizaron una o dos grabaciones dentro de la industria y quedaron perdidos al no obtener un mínimo éxito que garantizara su supervivencia.
Este disco, compuesto en su totalidad por Fankhauser, respira un aire optimista e inocente absolutamente contagioso y contiene temas deliciosos como "Lila", "Tomorrow’s Girl", "Suzie Cryin’ ", "No Retreat", "Sorry for yourself" o el maravilloso "Super Market" con ecos de The Byrds, en esa introducción a lo "So you want to be a rock ‘n’ roll star".

En otros momentos como en "Too many Heartbreaks" parece el mismisimo Buddy Holly, mientras en "Gone to Pol" se escucha la experimentación tipìca de la Costa Oeste.
Variado y más inmediato y actual que otros de la época mucho más famosos, con los años se ha convertido con toda justicia en uno de los más buscados de la era.

Francisco J. de Paz Blanco

Ha recibido 70 puntos

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EAST OF EDEN - Mercator Projected 1969

155. EAST OF EDEN - Mercator Projected 1969

http://www.youtube.com/watch?v=LbqsRD8CrIE

Grupo británico de rock progresivo con inclinación al jazz, la psicodelia y la música oriental. Nunca lograron la popularidad deseable para su estabilidad y permanencia, pero consiguieron un seguimiento de culto a nivel underground gracias a su infravalorado talento instrumental y compositivo... Ver mas
Grupo británico de rock progresivo con inclinación al jazz, la psicodelia y la música oriental. Nunca lograron la popularidad deseable para su estabilidad y permanencia, pero consiguieron un seguimiento de culto a nivel underground gracias a su infravalorado talento instrumental y compositivo.

Formados en el año 1968 en la ciudad de Bristol, East of Eden estaban compuestos por el guitarra y vocalista Geoff Nicholson, el trompetista, flautista y violinista Dave Arbus, el saxo Ron Caines, el bajista Steve York y el batería Dave Dufort.

Tras publicar en el sello Atlantic el sencillo "King Of Siam", firmaron con la Decca en 1969 y publicaron en Deram el LP "Mercator Projected" (1969), un excelente disco producido por Noel Walker que no encontró eco popular a pesar de ser uno de los mejores ejemplos del rock progresivo realizado en el Reino Unido de la época.
El single "Northern Hemisphere" pasó, al igual que el disco, totalmente desapercibido para el gran público.

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IDLE RACE - Birthday party 1968

156. IDLE RACE - Birthday party 1968

http://www.youtube.com/watch?v=xP_PwWKs7tw

Toda una espectacular, psicodélica y divertida fiesta de cumpleaños que nos ofrece Jeff Lynne y su grupo Idle Race en este consumado álbum debut, desarrollando pegadizas y bellas melodías que mixturan influencias procedentes de grupos como Kinks, Move o sus amados Beatles. Ferias con... Ver mas
Toda una espectacular, psicodélica y divertida fiesta de cumpleaños que nos ofrece Jeff Lynne y su grupo Idle Race en este consumado álbum debut, desarrollando pegadizas y bellas melodías que mixturan influencias procedentes de grupos como Kinks, Move o sus amados Beatles.


Ferias con carruseles y fantasmas, tristes aniversarios solitarios, evocaciones de un futuro más venturoso, pasajes surreales y ambientes de music hall en plácidos y bellos temas de cuidada producción como "The Birthday", una delicia a lo Roy Wood; "I like my toys" o "Sitting in my tree", dos estupendos temas de clara condición Kinks; "Wait till the morning sunshine", con una facturación vocal e instrumental parecida a Tyrannosurus Rex; "Follow me follow", una de las mejores canciones del álbum dotada con un primoroso y contagioso estribillo; "The lady who said she could fly", sensacional pieza que adelanta con destreza su trabajo futuro con la ELO o "End on the road", el tema más Beatle de un excelente álbum con permanente adeudamiento del sonido de los Fab Four.

Ha recibido 68 puntos

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BILLY NICHOLLS - Would you believe 1968

157. BILLY NICHOLLS - Would you believe 1968

http://www.youtube.com/watch?v=UneE7kAHx98

Una de esas joyas ocultas y de culto que en su tiempo por diferentes impedimentos no pudieron conseguir el extraordinario mérito que su calidad detenta. "Would you believe" de Billy Nicholls es una obra maestra del pop psicodélico británico, publicada en Immediate, el sello de Andrew L. Oldham... Ver mas
Una de esas joyas ocultas y de culto que en su tiempo por diferentes impedimentos no pudieron conseguir el extraordinario mérito que su calidad detenta.
"Would you believe" de Billy Nicholls es una obra maestra del pop psicodélico británico, publicada en Immediate, el sello de Andrew L. Oldham, que debido a una grave crisis económica no pudo proseguir su andadura y terminó editando simplemente unas cuantas copias que fueron enviadas para promoción a diversas emisoras radiofónicas.

Tristemente este soberbio trabajo pasó desapercibido y en consecuencia su hermosa colección de canciones de bellas melodías y armonías, ejemplarmente trabajadas en la producción, con un Oldham dando rienda suelta a su imaginación, altamente influida por gente como Phil Spector, Lou Adler y Brian Wilson.

El barroquismo que envuelve estos preciosos temas y la hipnótica factura vocal de Nicholls son los puntos más destacados de un Lp sin residuos, en el cual colaboraron gente tan importante como John Paul Jones (magistral en los arreglos), Nicky Hopkins y la totalidad del grupo The Small Faces, con un Steve Marriott apreciable esencialmente en dos de los mejores cortes del álbum, "Would you belive", en donde contrasta su impulsiva vocalidad con la delicadeza de Nicholls y "Girl from New York", vibrante tema en el cual Marriott ejecuta una arrebatadora guitarra.
Otras gemas del disco son las mesmerizantes y rítmicas "Life is short", "London social degree" (clara referencia al LSD) y "Daytime girl", o las deliciosas "Come again", "Feeling easy" y "Portobello Road", piezas maestras indispensables para los coleccionistas de la época.

Ha recibido 68 puntos

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THE STONE PONEYS - The stone poneys 1967

158. THE STONE PONEYS - The stone poneys 1967

http://www.youtube.com/watch?v=B03EvWZJCkU

Una buena oportunidad para escuchar y conocer la música que Linda Ronstadt ofertaba con su grupo de los años 60, el trío Stone Poneys. Elegantes y calmos sonidos acústicos proporcionados por bellas, bucólicas y amorosas canciones de esmerada construcción melódica que mixturaban el folk y el... Ver mas
Una buena oportunidad para escuchar y conocer la música que Linda Ronstadt ofertaba con su grupo de los años 60, el trío Stone Poneys.

Elegantes y calmos sonidos acústicos proporcionados por bellas, bucólicas y amorosas canciones de esmerada construcción melódica que mixturaban el folk y el pop.


En este magnífico álbum debut producido por Nick Venet presentan once temas de excelente factura vocal, hechizantes melodías y elegante ejecución instrumental, con una atmósfera sutil, etérea, nostálgica y serena que nos transfiere a los momentos más idílicos del mejor folk estadounidense.

La voz principal de Linda, junto a las armonías de Bob Kimmell y Ken Edwards, adornan estas hermosas composiciones (en su mayoría escritas por el guitarra ritmico Kimmell y el guitarra solista Edwards), entre las que destacan "Sweet summer blue and gold", "If I were you", "Back home", "Meredith (on my mind)", "Train and the river" y "2:10 Train", estupendo tema compuesto por Tom Campbell.

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DUNCAN BROWNE - Give Me Take You 1968

159. DUNCAN BROWNE - Give Me Take You 1968

http://www.youtube.com/watch?v=K3jzn2ceV_M

Bucólico LP de evocación medieval el presentado en su debut por el cantautor británico Duncan Browne, influenciado por los trabajos más folkies de Donovan y las pautas más acústicas de Paul McCartney. "Give me take you" es un álbum sobresaliente en el trabajo melódico y lírico con tonos... Ver mas
Bucólico LP de evocación medieval el presentado en su debut por el cantautor británico Duncan Browne, influenciado por los trabajos más folkies de Donovan y las pautas más acústicas de Paul McCartney.

"Give me take you" es un álbum sobresaliente en el trabajo melódico y lírico con tonos melancólicos.

Se publicó en su día en el sello Immediate (propiedad del ex productor de los Rolling Stones Andrew L. Oldham) pero su contenido pasó bastante inadvertido para el gran público.
Las canciones (con letras de David Bretton), producidas por Oldhman y arregladas por Browne, embebidas de elementos barrocos y aromas psicodélicos, son piezas de refinado desarrollo, aunque no demasiado originales en sus estructuras y con una acentuación en un tempo sosegado, sí que descubren el buen tacto en la composición pop de Browne.

Los temás más destacados son "Give me take you", "Walking you" y el single "On the bombsite", maravillosas canciones de bellas melodías y atractiva disposición vocal.

Ha recibido 66 puntos

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WHITE NOISE - An Electric Storm 1969

160. WHITE NOISE - An Electric Storm 1969

http://www.youtube.com/watch?v=__-lpvXfI6E

Posiblemente uno de los discos que con el paso del tiempo ha ganado un mayor peso histórico. Publicado en sus días sin ningún esfuerzo publicitario, empezó un boca a boca que nos lleva hasta el presente. Un disco de psicodelia pop unido a la experimentación de la época manipulando sonidos y... Ver mas
Posiblemente uno de los discos que con el paso del tiempo ha ganado un mayor peso histórico. Publicado en sus días sin ningún esfuerzo publicitario, empezó un boca a boca que nos lleva hasta el presente. Un disco de psicodelia pop unido a la experimentación de la época manipulando sonidos y cintas. David Vorhaus se unió con Delia Derbyshire y Brian Hodgson de la BBC Radiophonic Workshop, un batería y unas cuantas voces para experimentar en este disco de debut que fue un testimonio único a la altura del debut de Silver Apples o el de The Velvet Underground y que compartía jipísmo y experimentación con United States of America.

Todas las canciones contenidas a este disco forman ramificaciones con infinidad de bandas posteriores y en cualquier época. El disco del año pasado para la revista wire fue el mini lp de Focus Group y Broadcast. La esencia de ese disco surge de un disco como este mágico "An Electric Storm". Un disco absolutamente mágico, con canciones destiladas como collages sonoros, usando una cantidad infinita de ruidos y sampleos , los tórridos jadeos de "My Game of Loving", la sencillamente mágica "Love Without Sound", el espíritu pop de Free Design,la psicodelia de toques Mothers of Invention de "Here Comes the Fleas" es una chaladura sónica delirante,"Your Hidden Dreams" tan inmortal o Nico fltando en el espacio.

Pero flotando se debieron quedar la Beta Band ,etre otros muchos, al escuchar "Visitations" una obra de arte sonora de once minutos y el sensacional broche de oro al invento como la experimental "The Black Mass: An Electric Storm in Hell", una visión del free jazz a la que luego intentó hacercarse toda una generación plunderphonica desde John Oswald,Negativland o Christian Marclay o una concepción del ruido ligada a la vanguardia.

Absoluta obra maestra

Ha recibido 66 puntos

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THE GOLDEN DAWN - Power Plant 1967

161. THE GOLDEN DAWN - Power Plant 1967

http://www.youtube.com/watch?v=TgEk4A-t1k8

Banda procedente de Austin, Texas, formada en 1968 y liderada por el cantante George Kinney, quien tomó el nombre de una orden esotérica secreta. En ella además se encontraban los guitarristas Jimmy Bird y Tom Ramsey, el bajista Bill Hallmark y el batería Bobby Rector. Ese mismo año consiguen... Ver mas
Banda procedente de Austin, Texas, formada en 1968 y liderada por el cantante George Kinney, quien tomó el nombre de una orden esotérica secreta. En ella además se encontraban los guitarristas Jimmy Bird y Tom Ramsey, el bajista Bill Hallmark y el batería Bobby Rector.

Ese mismo año consiguen fichar por International Artists con la ayuda de Roky Erickson (amigo de la infancia de Kinney, con quien además coincidió en un grupo llamado The Fugitives) y graban este LP de garage psicodélico que es considerado por Roky como el mejor álbum producido por la discográfica.

Al compartir influencias con los 13th Floor Elevators es normal que el sonido de los Golden Dawn, pese a no mostrar melodías tan retorcidas ni la presencia del mítico jug, se parezca notablemente al de la banda de Roky Erickson. Así lo demuestran los hipnóticos riffs y la voz en falsete predominantes en este Power Plant, que crean un atmósfera oscura y ácida que te eleva y te invita a "un viaje" en el que nos recrearemos en el paisaje sonoro creado por la banda tejana.

El fenomenal fuzz de Evolution (tema que abre el disco), el triste medio tiempo This Way Please, los repiques de guitarras que se entrelazan como en Starvation (la mejor del álbum junto con la más posterior Seeing Is Believing) y en A Nice Surprise, o los aires R&B de I'll Be Around hacen de este debut una obra que quizás no podamos tomar como puntal del garage, como es el The Psychedelic Sound Of The 13th Floor Elevators, pero que es una atractiva muesta de lo que se cocía en la escena tejana de la época.

Ha recibido 66 puntos

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MARGO GURYAN - Take a Picture 1968

162. MARGO GURYAN - Take a Picture 1968

http://www.youtube.com/watch?v=wAkY-1n_2qs

Educada en el jazz, la artista de culto Margo Guryan determinó adoptar el pop como cauce expresivo para su gran talento compositivo, por desgracia para el melómano escasamente explotado, , tras quedar hechizada por el "Pet Sounds" de los Beach Boys (concretamente por la canción "God only knows... Ver mas
Educada en el jazz, la artista de culto Margo Guryan determinó adoptar el pop como cauce expresivo para su gran talento compositivo, por desgracia para el melómano escasamente explotado, , tras quedar hechizada por el "Pet Sounds" de los Beach Boys (concretamente por la canción "God only knows").

Sus composiciones de evocativa descripción, están dotadas de una extraña, plácida y etérea belleza, transmitida vocalmente de manera susurrante, casi sideral.

Sus melodías están recubiertas por arreglos orquestales (hechos por la misma Margo), tan distinguidos como reflexivos.
Son habilidosos ornamentos sobre sonoridades pop-psico-jazz, como la lisérgica "Love", la primorosa "Someone I know" (pieza con resonancias de Bach) o "What Can I Give you", canción con ecos de music-hall, que aderezan con hermosura estos once valiosos temas, todo un placer hiperromántico para paladares exquisitos que sepan apreciar el valor de la delicadeza y la elegancia musical.

Ha recibido 65 puntos

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THE YELLOW BALLOON - The Yellow Balloon 1968

163. THE YELLOW BALLOON - The Yellow Balloon 1968

http://www.youtube.com/watch?v=DAser4oET4Q

Grupo de sunshine pop creado por el productor y compositor Gary Zekley, otro mago (no tan conocido para la masa como Gary Usher, Brian Wilson o Curt Boettcher) de la arquitectura pop californiana, es decir, perfección en la escritura melódica y grandiosidad en los arreglos orquestales y vocales... Ver mas
Grupo de sunshine pop creado por el productor y compositor Gary Zekley, otro mago (no tan conocido para la masa como Gary Usher, Brian Wilson o Curt Boettcher) de la arquitectura pop californiana, es decir, perfección en la escritura melódica y grandiosidad en los arreglos orquestales y vocales.

Para crear Yellow Balloon llamó a su amigo Don Brady, un actor que también tocaba un buen número de instrumentos y que aquí se ocupó de la batería dejando el puesto de vocalista principal para Alex Valdez.

El trabajo esmerado de Zekley tuvo como recompensa un hit tan redondo como el single "Yellow Balloon", en donde se aprecia su maravillosa producción y su talento para la construcción de canciones llenas de irradiaciones beachboyeras.

Aparte de "Yellow Balloon", este disco debút (y único) de la banda no logró mayor repercusión, pasando sin pena ni gloria por las tiendas de discos.
Una pena ya que deliciosas canciones de pop preciosista como "How can I be down", "Baby it's you", "Panama red", "I've got a feeling for love" y sobre todo, las sensacionales "Follow the sunshine" y "Satined glass window" son bocados armoniosos que no dejarán hambriento al explorador de sonidos atemporales.

Otras buenas piezas como "Can't get enough of your love" y "Junk Maker Shoppe" incluso tienen ecos de la Motown, como si las Supremes (en la primera) y los Temptations (en la segunda) hubiesen volado desde Detroit hasta California para grabar estas maravillas pop que, por el bien de tu salud musical, no puedes dejar de escuchar.

Ha recibido 65 puntos

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THE MOON - Without Earth 1968

164. THE MOON - Without Earth 1968

http://www.youtube.com/watch?v=KAJCXqIJLIU

The Moon es el grupo de David Marks, quien estuvo en los Beach Boys sustituyendo durante un tiempo a Al Jardine. Su primer album es "Without Earth" (1968), es un muy buen disco, qué temazo el de apertura "Mothers and Fathers", qué arreglos vocales, que sección rítmica, y "Pleasure", con esos... Ver mas
The Moon es el grupo de David Marks, quien estuvo en los Beach Boys sustituyendo durante un tiempo a Al Jardine.

Su primer album es "Without Earth" (1968), es un muy buen disco, qué temazo el de apertura "Mothers and Fathers", qué arreglos vocales, que sección rítmica, y "Pleasure", con esos arreglos de cuerdas, y "I Should Be Dreaming", con esos efectos psicoespaciales...

Una delicia barroca que gustará a los que escuchen con placer a los Hollies, Boettcher, Honeybus, los Bee Gees psicodélicos de los 60 o los propios Left Banke.

Ha recibido 65 puntos

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JK & CO - Suddenly One Summer 1968

165. JK & CO - Suddenly One Summer 1968

http://www.youtube.com/watch?v=KA237HBcemA

Disco oculto y de culto donde los haya. Jay Kaye , con solo 15 años alumbra este disco siendo el cantante, compositor, teclista, guitarrista y líder de este grupo estadounidense, donde encontramos psicodelia dream pop con trazos barrocos y prog-rock a lo Procol Harum. "Suddenly One Summer", un... Ver mas
Disco oculto y de culto donde los haya. Jay Kaye , con solo 15 años alumbra este disco siendo el cantante, compositor, teclista, guitarrista y líder de este grupo estadounidense, donde encontramos psicodelia dream pop con trazos barrocos y prog-rock a lo Procol Harum. "Suddenly One Summer", un muy buen disco, es su único LP y fue editado en 1968. Lisérgico y experimental, con buenas atmósferas espaciales.

Una Joya...

Ha recibido 64 puntos

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ILL WIND - Flashes 1968

166. ILL WIND - Flashes 1968

http://www.youtube.com/watch?v=CW8SinQUMG8

Compuestos por la cantante Conny Devanney, el guitarra líder Ken Frankel, el guitarra rítmico y vocalista Richard Griggs, el bajista y vocalista Carey Mann y el batería Dave Kinsman, este combo de Boston es uno de los muchos conjuntos de finales de los 60 que grabó sonidos psicodélicos ahora... Ver mas
Compuestos por la cantante Conny Devanney, el guitarra líder Ken Frankel, el guitarra rítmico y vocalista Richard Griggs, el bajista y vocalista Carey Mann y el batería Dave Kinsman, este combo de Boston es uno de los muchos conjuntos de finales de los 60 que grabó sonidos psicodélicos ahora ávidos para el coleccionista del período.

Conny es la estrella de la formación pero ella no fue la primera cantante de este proyecto. En principio el cuarteto hombruno, conocido en principio como The Prophets, se hacía acompañar en 1966 por Judy Bradbury, quien duró poco antes de la llegada de Conny Devanney en 1967.

Con ella y la producción de nada más y nada menos que Tom Wilson grabaron para ABC Records el disco “Flashes” (1968), una pequeña gema psicodélica con apuntes folk-rock y una buena labor instrumental, en especial de guitarras, jams lisérgicas, óptimo trabajo en tempos, la voz fenomenal femenina de Conny y un contraste estupendo de armonías masculinas.
Entre sus temas destacan “People of the night”, “Dark world” o “High flying bird”, aunque todo el disco resulta bastante satisfactorio, en especial para los amantes de los sonidos de Jefferson Airplane.

En el verano de 1968 Michael Walsh había sustituido a Carey Mann antes de separarse poco tiempo después para retornar en 1970, sin Frankel pero con el regreso de Mann, produciéndose más tarde otros cambios de personal hasta su ruptura definitiva en 1973.

Ha recibido 64 puntos

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SNOW - Snow 1968

167. SNOW - Snow 1968

http://www.youtube.com/watch?v=CDQp5O2LZ9w

A pesar de llamarse Snow, los sonidos de este quinteto psicodélico de Ohio eran de sunshine pop, transmitiendo con sus prominentes armonías, delicadas melodías, óptimo sentido del ritmo y lujosos arreglos orquestales y vocales, poca nieve al oyente. Su único disco grande, editado en Epic... Ver mas
A pesar de llamarse Snow, los sonidos de este quinteto psicodélico de Ohio eran de sunshine pop, transmitiendo con sus prominentes armonías, delicadas melodías, óptimo sentido del ritmo y lujosos arreglos orquestales y vocales, poca nieve al oyente.

Su único disco grande, editado en Epic Records y producido por Sandy Linzer junto a Mike Petrillo, es “Snow” (1968), una maravilla de pop lisérgico con combinación de voces masculinas y femeninas y temas sensacionales.

Entre ellos “Old Uncle Timothy’s Flying Balloon”, escrita por Wm. Ryan, “You Let Me Know”, canción de Tom Morris, “The Golden Oldie Show”, obra también de Morris, la folk-pop “Where Has My Old Friend Billy Jones Gone”, single compuesto por Jim Sikela, quien también nos regala “Sweet Dreams”, espectacular en las voces y con uso del cello, la preciosa balada “Bob’s Song”, escrita por Sandy Linzer y Sikela y suntuosamente arreglada por Charles Calello, o “Caterpillar”, pieza psicodélica compuesta por Ryan a lo Beatles del “Sgt. Peppers”, concretamente al estilo del Lennon más ácido.

Sin duda una placentera gema a recuperar que gustará a los amantes de los sonidos californianos de los 60 a pesar de que el grupo era de Cleveland.

Ha recibido 62 puntos

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THE DAVID - Another Day, Another Lifetime 1967

168. THE DAVID - Another Day, Another Lifetime 1967

http://www.youtube.com/watch?v=xYO-iJ_IOPs

The David, llamados así por la famosa y esplendorosa escultura homónima de Miguel Ángel, fueron una banda de Los Angeles (Estados Unidos) aparecida en la ciudad californiana a mediados de los años 60. Estaba liderada por el cantante, teclista y compositor Warren Hansen, e interpretaban música... Ver mas
The David, llamados así por la famosa y esplendorosa escultura homónima de Miguel Ángel, fueron una banda de Los Angeles (Estados Unidos) aparecida en la ciudad californiana a mediados de los años 60.
Estaba liderada por el cantante, teclista y compositor Warren Hansen, e interpretaban música psicodélica y barroca con altas dosis de orquestación, de un gusto parecido a Left Banke.
También incluían en su repertorio piezas de mayor semblante garajero, con la guitarra fuzz encontrándose con teclados y arreglos de cuerda y viento.



Los demás componentes eran el guitarrista Mark Bird, el bajista Chuck Spieth y el batería Tim Harrison. Su único y magistral LP, “Another day, Another Lifetime” (1967), es pieza de culto y afán de coleccionista en su vinilo original.

El grupo dio inicio a su trayectoria con el nombre de The Reasons. Ya rebautizados como The David, el grupo de California fichó por la sección musical de la 20Th Century Fox y grabó en 1966 el single “40 Miles/Bus Token”. Un año después, en el mismo sello, publicaron su segundo single, “People saying-People seeing/40 Miles”.

Arreglados por Gene Page, dejaron la 20Th Century Fox para grabar en VMC el LP “Another day, Another Lifetime”, con temas como el single “I’m not alone”, “Sweet December”, la garajera “I’m not alone”, “I would like to know”, “Tell me more”, “Mirrors of wood” o “Of our other days”, con melodías y armonías vocales excelentes, y arreglos exquisitos, incorporando también el sonido del Plasmatar, un instrumento creado por el alma mater del grupo, Hansen, del que nunca más se supo tras dejarnos esta gema para los amantes de la música en general y del período en particular.

Ha recibido 62 puntos

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MIGHTY BABY - Mighty Baby 1969

169. MIGHTY BABY - Mighty Baby 1969

http://www.youtube.com/watch?v=c5yfAhMcZ18

Tras la separación de la magnífica banda mod The Action, sus componentes crearon Mighty Baby, un proyecto psicodélico y progresivo compuesto por el cantante Reggie King, el guitarrista Alan “Bam” King, el guitarrista Martin Stone, el bajista Mike Evans, el batería Roger Powell y el teclista Ian... Ver mas
Tras la separación de la magnífica banda mod The Action, sus componentes crearon Mighty Baby, un proyecto psicodélico y progresivo compuesto por el cantante Reggie King, el guitarrista Alan “Bam” King, el guitarrista Martin Stone, el bajista Mike Evans, el batería Roger Powell y el teclista Ian Whiteman.
Representados en principio por Giorgio Gomelski el grupo perdería poco tiempo después de su creación a Reggie, ocupando el puesto de vocalistas Alan y Whiteman. En ese momento el grupo pasó a denominarse Azoth.

Cuando las cosas no parecían marchar con Gomelski, la banda se puso en manos de un nuevo mánager, John Curd, quien volvió a bautizar al conjunto como Mighty Baby antes de debutar en el sello Head con “Mighty baby” (1969), un magistral ejemplo de psicodelia que no obtuvo demasiada repercusión comercial.

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THE MISUNDERSTOOD - Before The Dream Faded 1966

170. THE MISUNDERSTOOD - Before The Dream Faded 1966

http://www.youtube.com/watch?v=WWjr8UiSZns

Una de las mejores bandas malditas de los sesenta. Formados en 1963 en Riverside, California, con el nombre de Blue Notes, en sus principios estaban fuertemente influenciados por la música surf. Sin embargo, con la llegada del cantante Rick Brown, el bajista Steve Whiting y el guitarrista Glenn... Ver mas
Una de las mejores bandas malditas de los sesenta. Formados en 1963 en Riverside, California, con el nombre de Blue Notes, en sus principios estaban fuertemente influenciados por la música surf. Sin embargo, con la llegada del cantante Rick Brown, el bajista Steve Whiting y el guitarrista Glenn Ross Campbell, la banda cambió su estilo comenzando a imitar a los grupos de R&B británico, pasando así a versionear clásicos del blues. Greg Treadway (guitarra rítmica y teclados) y Rick Moe (batería) completaban una formación que poco tiempo después adquiriría su nombre definitivo.

En 1965, y tras haber publicado algún single de poco éxito, viajan a Londres acompañados por su manager John Peel en busca de una suerte que les había sido esquiva hasta entonces. Ahí sustituyeron a Treadway (que fue llamado a filas) por el británico Tony Hill, conformando la que sería su mejor formación. Al año siguiente, consiguen firmar un contrato con Fontana Records, sello bajo el cual grabarían varios innovadores singles en los que el R&B salvaje se daba de la mano con la experimentación psicodélica y que influyeron fuertemente en varios conjuntos británicos de la época como The Move.

Sin embargo, la mala suerte parecía perseguir al grupo, así, en 1967 Brown tuvo que volver a USA para evitar que fuera llevado a la guerra del Vietnam, mientras los demás componentes americanos de la banda fueron deportados por no tener permiso de trabajo. Ya con los papeles en regla, Campbell vuelve a Londres donde lidera una nueva formación de The Misunderstood que no conseguiría igualar el éxito de la anterior, para, muchos años después, reunirse con Brown ya en USA y grabar nuevos temas.

Este Before The Dream Faded es uno de los muchos recopilatorios existentes de esta formidable banda de culto. En él se reúnen los seis singles que grabaron durante su primera estancia en Londres junto con siete temas que registraron anteriormente en los USA.

El álbum abre con Childern Of The Sun, fiero homenaje al Shape Of Things de los Yardbirds, seguida de My Mind (otra burrada) y de Who Do You Love?, mítico tema de Bo Diddley que también sería versioneado por los Quicksilver Messenger Service en su famoso directo, Happy Trails. Find A Hidden Door es un irresistible temazo beat ante el que es imposible estarse quieto y I Can Take You From The Sun es, a mi juicio, uno de los mejores temas de los 60, con un final en el que presumen de sus influencias orientales y que deberían descubrir por ustedes mismos porque ninguna descripción le haría justicia.

Ha recibido 62 puntos

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MONTAGE - Montage 1969

171. MONTAGE - Montage 1969

http://www.youtube.com/watch?v=M-XPOo_snes

Tras dejar a Left Banke y confeccionar uno de los mejores discos de los años 60, Michael Brown fundó Montage, un proyecto de pop barroco en el cual continuó desarrollando su infinito talento para la creación de bellas melodías atemporales, enriquecidas instrumentalmente con hermosos arreglos de... Ver mas
Tras dejar a Left Banke y confeccionar uno de los mejores discos de los años 60, Michael Brown fundó Montage, un proyecto de pop barroco en el cual continuó desarrollando su infinito talento para la creación de bellas melodías atemporales, enriquecidas instrumentalmente con hermosos arreglos de cuerda y viento, que no avasallaban la esencia melódica sino que la engrandecían para provocar la orgía sonora del oyente amante del pop de calidad.

Tras la escucha de esta nueva obra maestra no queda dudar de la genialidad de este personaje, quien lamentablemente no cuenta con el reconocimiento popular que merece.
La elaboración de joyas de esta categoría han pasado generalmente desapercibidas hasta que sellos como Sundazed las han sacado de nuevo a la luz.

Producido, arreglado y casi compuesto enteramente por el maestro Brown (quien toca todos los teclados), el álbum despliega delicia tras delicia, bocados de exquisitas, melancólicas y preciosistas piezas pop con excelsas armonías, con un acercamiento tonal y musical a los Zombies del "Odessey & Oracle".

Una primera versión de "Desiree", tema incluído en el segundo disco de Left Banke, es la canción más popular de un Lp que contiene excepcionales cortes como "I shall call her Mary" (canción dedicada a Mary Weiss, la cantante de las Shangri-Las), "Grand Pianist", "My Love", "Tinsel And Ivy" o "She's alone", un desgarrador retrato de una viuda en soledad con el permanente recuerdo de su esposo fallecido.

Resulta increíble que este magistral Lp pasara totalmente inadvertido en su época. No cometamos ese error ahora...

Ha recibido 61 puntos

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THE MAZE - Armageddon 1968

172. THE MAZE - Armageddon 1968

http://www.youtube.com/watch?v=SbKqAuOogT4

Un grupo obscuro que origino un álbum extremadamente raro en 1968, armageddon eran de Francisco (registrado en los registradores del estado de oro de Kulka del leo, y publicado en el MTA), que se valora altamente en algunos círculos del colector. Realmente, no alinean como hallazgo muy... Ver mas
Un grupo obscuro que origino un álbum extremadamente raro en 1968, armageddon eran de Francisco (registrado en los registradores del estado de oro de Kulka del leo, y publicado en el MTA), que se valora altamente en algunos círculos del colector. Realmente, no alinean como hallazgo muy impresionante, en hecho personificando algunos de menor excesos que aguantaron en el período. Registraron originalmente bajo el nombre de Stonehenge, hicieron la redición en 1995 en CD por la etiqueta Sundazed. Su material todo original acentuó el órgano pesado, desea los solos borrosos dibujados hacia fuera de la guitarra, vocales rasposas , y las melodías de la de mayor importancia, algo paresido a ¨Mariposa de Hierro, aunque no como rimbombante. Una tema alterno como "sombras susurrantes," escrito por Wayne Gardner que compuso todos sino dos de las 10 canciones en armageddon, o ¨armageddon¨ el tema del principio un tema muy psicodelico y gritos desgarrantes.

Ha recibido 61 puntos

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