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Epoca Dorada Del Cine Clasico (1900-1960)

Epoca Dorada Del Cine Clasico (1900-1960)

  • Lista creada por Liester Castillo.
  • Publicada el 23.11.2009 a las 06:48h.
  • Clasificada en la categoría Cine.
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Último acceso 23.02.2013

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La expresión cine clásico puede operar en dos sentidos. En primer lugar se puede vincular el adjetivo “clásico” a aquellas obras cinematográficas calificadas como obras de arte según valores estéticos, técnicos, temáticos o éticos.

En segundo lugar, en un sentido técnico, la expresión cine clásico hace referencia al cine que es resultado de utilizar las estrategias cinematográficas establecidas en la tradición norteamericana durante el periodo comprendido entre 1900 y 1960.

En este segundo sentido, el cine clásico sería aquel que respeta las convenciones visuales, sonoras, genéricas e ideológicas que emanaron durante dicho periodo. Es un cine tradicional, constituido por un sistema de convenciones que constituyen la tradición cinematográfica. Emplea siempre los mismos recursos tradicionales, sin introducir elementos rupturistas, a diferencia del cine moderno (el cual se vuelve más individual).


Historia del término cine clásico
El término cine clásico comienza a acuñarse en los estudios sobre teoría cinematográfica realizados en la década de los 60 para referirse al cine industrial hollywoodense desde el año 1915 hasta mediados de la década de 1950.

Este cine se identifica con el sistema de producción de estudios basado en la adopción de los géneros cinematográficos y la creación del Star System. También ya en estos momentos se comienzan a concretar dos series paralelas de films: La serie A (películas de alto presupuesto) y la serie B (películas de bajo presupuesto en las que tanto directores como actores se estrenaban para llegar a la serie mayor).

Estilo
El cine clásico pretende ante todo construir una narración que simule ser lo real, dejando oculta la naturaleza del relato. Utiliza el montaje en continuidad para enfatizar la contuidad y hacer comprensible la película. Normalmente tiene caracteres fuertes constantes durante toda la película y un argumento con un final feliz. El film clásico se caracteriza por la búsqueda de una transparencia que esconde la enunciación y por la economía de signos.

La estructura narrativa está organizada secuencialmente, de tal manera que la historia y el discurso coinciden puntualmente. El cine clásico tiene un inicio narrativo con intriga de predestinación, imágenes con una composición estable, sonido didáctico, edición causal, puesta en escena que acompaña a los personajes, organización narrativa de carácter secuencial, su intertextualidad es implícita y el final es epifánio.

En esta lista veran los mejores de ese tiempo, sus biografias, filmografia y premios.
QUE LO DISFRUTEN! MI VOTO ES PARA-MARLON BRANDON.

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Marlon Brandon

1. Marlon Brandon

Marlon Brando (Omaha, 3 de abril de 1924 - Los Ángeles, 1 de julio de 2004) fue un actor y director de cine estadounidense. Ganador de dos premios Óscar al mejor actor, por On the Waterfront (La ley del silencio) en 1954 y El Padrino en 1972, está considerado como el máximo exponente del... Ver mas
Marlon Brando (Omaha, 3 de abril de 1924 - Los Ángeles, 1 de julio de 2004) fue un actor y director de cine estadounidense.

Ganador de dos premios Óscar al mejor actor, por On the Waterfront (La ley del silencio) en 1954 y El Padrino en 1972, está considerado como el máximo exponente del Method Acting y el más relevante discípulo del Actors Studio, donde estudió el método Strasberg.

Nació y creció en Omaha, en el estado de Nebraska, con el nombre de Marlon Brando, al igual que su padre. Su madre era una mujer muy cordial que actuaba en el teatro local, y que despertó el interés del niño por la interpretación. Brando tuvo desde pequeño el don de observar a la gente e imitar sus gestos, lo cual hacía llevándolos al extremo. Fue un adolescente rebelde, y fue expulsado de varios colegios. Su padre lo reprimía por ello, pero le animó a buscar su propio camino. Brando se marchó a Nueva York, donde estudió interpretación primero en la New School y después en el famoso Actor's Studio.

Terminada su formación, comenzó a trabajar en varios teatros de temporada, hasta que en 1944 consiguió un papel en Broadway. En 1946, y antes de hacerse un nombre en el círculo teatral, llamó la atención en una pequeña obra llamada Truckline Cafe. La actuación de Brando fue realista al punto de que la crítica Pauline Kael llegó a creer que el actor estaba sufriendo un ataque en el escenario. Pocos años después, se convirtió en una estrella del teatro cuando interpretó la obra de Tennessee Williams Un tranvía llamado deseo, dirigida por Elia Kazan. Brando sabía que Williams estaba realizando entrevistas para elegir los actores para su obra y lo fue a ver, con el resultado de que obtuvo el papel protagonista.
Su primera aparición en el cine la tuvo en 1950 en la película The Men, una historia sobre veteranos de guerra convertidos en minusválidos. Fiel a su método de analizar los personajes que interpretaba para actuar en consonancia con ellos, Brando pasó un mes en un hospital militar para preparar su papel.

El actor interpretó a un soldado herido en batalla, paralizado de la cintura hacia abajo. En este primer filme, logró impresionar con una interpretación sensible e introspectiva. En los primeros años en el cine, Brando manifestó una falta de interés total por las convenciones de la industria cinematográfica, actuando según su propio criterio. Con ello influyó a otros actores como James Dean, Paul Newman, y más tarde también Robert De Niro.
Brando tuvo un éxito mucho mayor cuando actuó en la película de 1951 Un tranvía llamado deseo , basada en la obra teatral que ya había interpretado. En el filme compartió roles con Vivien Leigh, Karl Malden y Kim Hunter. Fue nominado al Óscar como mejor actor principal por esta película, y los tres años siguientes recibió otras tantas nominaciones por su actuación en Viva Zapata, Julio César y On the Waterfront (La ley del silencio). Por esta última película Brando ganó el Óscar.

Con base en estos éxitos, la carrera de Brando siguió en ascenso. En los años siguientes intervino en varias películas de géneros diversos, incluida la comedia, como en La casa de té de la luna de agosto, en la que da vida a un japonés que hace de intérprete para las fuerzas de ocupación americanas. Sin embargo, al final de los años cincuenta sus interpretaciones comenzaron a decaer. Brando parecía haber perdido su fuerza expresiva y las pautas que él mismo había establecido para su trabajo y que le habían dado tan buen resultado.

En los años sesenta la carrera de Brando decayó aún más. Sus actuaciones carecieron de toda inspiración, como en Rebelión a bordo y otras películas en las que intervino. A pesar de que conservaba su prestigio de las primeras películas, su popularidad había alcanzado un punto mínimo. Tampoco los productores y los directores confiaban en él, debido a sus interpretaciones mediocres y a su condición de actor difícil. Sin embargo había excepciones, como Arthur Penn, quien le reconocía como un gran actor.

Las cosas cambiaron para Brando cuando se le presentó la oportunidad de interpretar al jefe de una familia mafiosa en El Padrino, basado en una novela de Mario Puzo. Fue Brando quien insistió en que se hiciera una prueba filmada del personaje interpretado por él, y se ocupó personalmente del maquillaje. El director Francis Ford Coppola quedó impresionado por Brando caracterizado como Vito Corleone y tuvo que luchar por convencer a los productores para que aceptasen a Brando para este papel.

Por esa interpretación Brando consiguió su segundo Óscar. En esta ocasión Brando rechazó el Óscar, la segunda vez en la historia de Hollywood que un actor hacía esto (la primera vez la había rechazado el actor George C. Scott). En lugar de recoger el premio, Brando envió a la ceremonia a una actriz estadounidense de origen indio, que se manifestó en contra del tratamiento que recibía su pueblo en las películas de Hollywood.

Desde entonces la trayectoria de Brando fue muy irregular. Rodó alguna buena película, como El último tango en París, y participó brevemente en otras simplemente por dinero, como Superman, sus honorarios fueron cuatro millones de dólares por un papel de diez minutos, recibió $250.000 por cada día de trabajo. Ganó fama de actor conflictivo y exigente; por ejemplo, en Apocalypse Now, película en la cual interpreta al renegado Coronel Kurtz, se negó inicialmente a viajar a Filipinas, a pesar de haber cobrado un adelanto. Cuando el director Francis Ford Coppola logró convencerle, se presentó con la cabeza rasurada y exageradamente gordo, lo que forzó a grabar sus escenas en medio de sombras.

Su caracterización como Tomás de Torquemada en Cristóbal Colón: el descubrimiento fue interesante pero poco fiel históricamente. A pesar de todo, siguió siendo considerado como un gran actor, y aún realizó papeles que muestran una sombra de su anterior gloria. Destaca Don Juan de Marco, donde interpretó a un psiquiatra que aleccionaba en cuestiones de amor a Johnny Depp, con quien forjó amistad en la vida real. En dicha película, tuvo por partenaire a Faye Dunaway.

En 2001 apareció en el corto (videoclip) para la canción You rock my world de Michael Jackson, como jefe mafioso al estilo de El Padrino.

Entre 2003 y 2004 (poco antes de su muerte y siendo su último trabajo en vida) presto su voz para interpretar nuevamente a Vito Corleone, en los diálogos adicionales incorporados en el videojuego del Padrino, publicado (debido a varios retrasos) en 2006, significando un rotundo éxito en ventas

En 2006, gracias a la tecnología, como Jor-El, el padre de Superman, en la película Superman Returns. Este mismo año, Richard Donner, director de Superman: The Movie, lleva a cabo un proyecto en que publica las escenas inéditas de Marlon Brando, en su papel de Jor-El, en la película "Superman 2: The Richard Donner Cut".

Vida personal

Su vida personal fue tormentosa desde la infancia y ha sido relatada con variable fidelidad en múltiples libros. Se cuenta que su madre era emocionalmente inestable y que el joven Marlon presenció cómo recibía a múltiples hombres que ocasionalmente la maltrataban. Extraordinariamente guapo desde niño, Marlon no asumió bien el efecto que su atractivo causaba en la gente, y algunos testimonios apuntan a que optó desde edad temprana por castigarse físicamente y descuidarse como respuesta a su belleza.

Brando fue expulsado de la Academia Militar de Shattuck a los 17 años por mal comportamiento. Luego de esto, decidió seguir a su hermana Dorothy a Nueva York, para estudiar teatro con Stella Adler, discípula del director ruso Konstantin Stanislavski. El temperamento tormentoso de Brando salió a la luz pública cuando se exhibió la terrible relación que sostenía con su dominante e irritante padre, quien nunca le reconoció sus logros actorales, y que fue muy tensa hasta el final de su vida.

Brando estuvo casado en tres ocasiones y fue padre de nueve niños. Su primer matrimonio con Anna Kashfi fue públicamente tormentoso y duró dos años y el segundo con Movita ocho. Su tercera esposa fue Tarita, la mujer tahitiana que interpretó a su compañera en El motín del Bounty. A raíz de esa película Brando se enamoró también de Tahití y adquirió una pequeña isla en el archipiélago, donde vivía cuando sus obligaciones profesionales se lo permitían. Con Tarita también tuvo problemas a pesar de los esfuerzos de Tarita por conservar su matrimonio. Tarita, una vez separada, reveló las intimidades matrimoniales de su fracasado matrimonio, Brando aunque aparentó no dar importancia a lo dicho, nunca se reconcilió. Participó en muchas actividades en defensa de la situación de los negros afroamericanos y también de la defensa del indio aborigen norteamericano, logrando codearse con Richard Nixon y los Kennedy en algún momento.

En el año 1990 vive una de sus más grandes tragedias personales. El novio de una de sus hijas es asesinado en la residencia familiar de Mulholland Drive. La situación se convirtió en un circo mediático cuando a Christian (su hijo primogénito nacido de su primer matrimonio), el mayor de los hijos de Brando, se le acusa de ser el autor material del homicidio. El episodio marca profundamente a su entorno familiar: Christian fue obligado a cumplir seis años de prisión y Cheyenne se suicida cinco años más tarde.

Falleció el 1 de julio de 2004 en Los Ángeles, a los 80 años producto de una fibrosis pulmonar, sin embargo Brando será siempre considerado una leyenda del séptimo arte.

[editar] Filmografía

Marlon Brando en Un tranvía llamado deseo.Superman 2: The Richard Donner's cut (2006)
The Score (2001)
You Rock My World (vídeo musical).
Free Money (1998)
The Brave (1997)
La isla del doctor Moreau (1996)
Don Juan DeMarco (1995)
De eso no se habla (1993)
Cristóbal Colón: el descubrimiento (1992)
The Freshman (El novato)(1990)
A Dry White Season (Una árida estación blanca)(1989)
The Formula (1980)
Apocalypse Now (1979)
Raoni (1978)
Superman (1978)
Missouri (The Missouri Breaks) (1976)
The Nightcomers (1972)
El último tango en París (Last tango in Paris) (1972)
El Padrino (The Godfather) (1972)
Queimada (1969)
The Night of the Following Day (La noche del dia siguiente)(1968)
Candy (1968)
Reflejos en un ojo dorado (Reflections in a Golden Eye) (1967)
La condesa de Hong Kong (Countess from Hong Kong) (1967)
Sierra prohibida (The Appaloosa) (1966)
La jauría humana (The Chase) (1966)
Morituri (1965)
Dos seductores (Bedtime Story) (1964)
Su excelencia el embajador (The Ugly American) (1963)
Rebelión a bordo (Mutiny on the Bounty) (1962)
El rostro impenetrable, única película en la que además de protagonista, fue director (One-Eyed Jacks) (1961).
Piel de serpiente (The Fugitive Kind) (1959)
El baile de los malditos (The Young Lions) (1958)
Sayonara (1957)
La casa de té de la luna de agosto (The Teahouse of the August Moon) (1956)
Ellos y ellas (Guys and Dolls) (1955)
Desirée (1954)
La ley del silencio (On the Waterfront) (1954)
Salvaje (The wild one) (1954)
Julio César (1953)
¡Viva Zapata! (1952)
Un tranvía llamado deseo (An Streetcar Named Desire) (1951)
Hombres (The men) (1950)
Premios Oscar
Año Categoría Película Resultado
1989 Mejor Actor de Reparto Una árida estación blanca Nominado
1973 Mejor Actor El último tango en París Nominado
1972 Mejor Actor El Padrino Ganador
1957 Mejor Actor Sayonara Nominado
1954 Mejor Actor La ley del silencio Ganador
1953 Mejor Actor Julio César Nominado
1952 Mejor Actor ¡Viva Zapata! Nominado
1951 Mejor Actor Un tranvía llamado deseo Nominado

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Marilyn Monroe

2. Marilyn Monroe

Marilyn Monroe (['mæ.ɹɪ.lɪn mɔn.'ɹəʊ]) (Los Ángeles, California, Estados Unidos, 1 de junio de 1926 – Los Ángeles, California, Estados Unidos, 5 de agosto de 1962), nacida como Norma Jeane Mortenson y bautizada como Norma Jeane Baker, fue una modelo y actriz de... Ver mas
Marilyn Monroe (['mæ.ɹɪ.lɪn mɔn.'ɹəʊ]) (Los Ángeles, California, Estados Unidos, 1 de junio de 1926 – Los Ángeles, California, Estados Unidos, 5 de agosto de 1962), nacida como Norma Jeane Mortenson y bautizada como Norma Jeane Baker, fue una modelo y actriz de cine estadounidense. Con el paso del tiempo, llegó a ser una de las actrices más famosas de Hollywood y uno de los principales símbolos sexuales de todos los tiempos.[1]

Comenzó su carrera como modelo fotográfica y a partir de 1946 comenzó a interpretar pequeños papeles en películas de bajo presupuesto. Los primeros roles destacados los interpretó en las películas The Asphalt Jungle (1950) y All About Eve (1950). Su reconocimiento mundial comenzó a desarrollarse después de que protagonizara el musical Los caballeros las prefieren rubias (1953) y apareciera en el número inaugural de la revista Playboy.[2]

Interpretó los roles principales en las comedias Cómo casarse con un millonario (1953), The Seven Year Itch (1955) y Bus Stop (1956), y gracias al éxito taquillero de estas películas, desde entonces comenzó a ser considerada como una de las actrices más rentables de la industria cinematográfica. Su mayor éxito comercial fue Some Like it Hot (1959), filme por el que ganó el Globo de Oro a la mejor actriz de comedia.[3] [3]

Fue considerada una de las mujeres más atractivas de la historia del séptimo arte. Estuvo casada con el jugador de béisbol Joe DiMaggio, en 1954, y luego con el dramaturgo Arthur Miller, entre 1956 y 1962. Monroe falleció el 5 de agosto de 1961 a causa de una sobredosis de barbitúricos, en circunstancias nunca esclarecidas. La primera hipótesis que abarajó la justicia estadounidense fue la de suicidio, pero ésta nunca pudo ser corroborada.


Biografía
1924–1941:Primeros años y familia
Gladys Pearl Baker, su madre, se casó en 1924 con un noruego llamado Edward Mortenson, pero la pareja se separó al poco tiempo. Posteriormente ella descubrió que estaba embarazada. La futura actriz nació en el hospital de Los Ángeles, el 1 de junio de 1926.Aunque en el registro civil apareció como Norma Jeane Mortenson, en realidad se la llamó Norme Jeane Baker porque su padre era "desconocido", y utilizó el apellido de su ex marido.]Se sabe que Gladys tuvo varias parejas mientras trabajó como cortadora de negativos en la productora de cine RKO Pictures.

Gladys no podía cuidar de su hija debido a los problemas económicos y emocionales que sufría, por lo que dejó a la pequeña Norma Jeane con sus padres adoptivos, el matrimonio conformado por Albert e Ida Bolender, que vivían en Hawthorne, California.

Una vez que Gladys consiguió una casa propia, se llevó consigo a Norma Jeane. Después de unos meses, la madre sufrió una crisis nerviosa. La custodia de la niña le fue entregada a Grace McKee, la mejor amiga de Gladys. Fue ella quien despertó en la niña interés por el cine, y quien la incentivó para que se convirtiera en el futuro en una gran estrella. Luego, Grace se casó con Ervin Silliman Goddard en 1935 y se trasladó a la costa oeste, y la pequeña fue dada en custodia a varias familias. Dos años después de su boda, ella se llevó nuevamente consigo a la pequeña. Cuando Goddard abusó sexualmente de Marilyn, Gladys le entregó la custodia de la joven a su tío, Olive Brunings. Cuando tenía 12 años de edad sufrió un nuevo abuso sexual, esta vez por parte de uno de los hijos de Olive, y se mudó con una de las tías de Grace, Ana Lower. Cuando Ana se enfermó, Norma Jeane volvió a vivir con su madre.

1942–1950:Primer matrimonio,modelaje e inicios en el cine

Monroe en la revista Yank.En 1942, Norma Jeane se casó con James Dougherty, un policía que en ese entonces tenía 21 años, mientras ella sólo 16. De este modo, abondonó sus estudios para poder desempeñar el rol de esposa y ama de casa. Después, su cónyuge se incorporó a la Marina y fue enviado como instructor a la Isla Santa Catalina, frente a Los Ángeles, para luego embarcarse a Australia.

En 1945, el fotógrafo Henrik Manukyan retrató a la futura actriz mientras trabajaba junto a su suegra en una fábrica, con el fin de mostrar el trabajo de las mujeres durante la Segunda Guerra Mundial. Las fotografías fueron luego publicadas en la revista Yank. Así, comenzó su carrera como modelo, representada en un principio por Emmeline Snively, quien le aconsejó teñirse el cabello a un rubio platinado. Logró cotizarse como modelo pin up y llegó a aparecer en la portada de más de treinta revistas.

En 1946, la modelo le pidió a su esposo el divorcio, ya que ella quería dedicarse por completo a su carrera artística. En julio de ese año, la Twenty Century Fox, después de una audición, la contrató por 125 dólares a la semana para que trabajara como extra de cine. Poco después, su representante le cambió su nombre por el de «Marilyn Monroe»: se eligió «Marilyn» en honor a la actriz Marilyn Miller y «Monroe» por ser el apellido de soltera de su madre. Apareció como una telefonista en la película musical The Shocking Miss Pilgrim (1947) y como una seductora camarera en Dangerous Years (1947), pero su contrato no fue renovado debido a que sus participaciones no causaron demasiado impacto.


Monroe interpretando el rol de Ángela en la película The Asphalt Jungle (1950).En 1948, Monroe firmó un contrato semestral con Columbia, donde conoció a la profesora de dicción Natasha Lytess, quien la acompañó durante varios años.Actuó como Peggy en el musical Ladies of the Chorus, pero la película resultó ser un fracaso comercial, por lo que Columbia no renovó su contrato.

Después obtuvo un pequeño papel en la comedia Amor en conserva (1949). Su interpretación llamó la atención del cazatalentos Johnny Hyde, quien se ofreció a representarla. Bajo la representación de Hyde, la actriz consiguió el papel de Ángela en la película The Asphalt Jungle en 1950. El mismo año desempeñó el rol de Claudia Caswell, una aspirante a actriz, en el drama All About Eve, el cual tuvo un gran éxito de crítica y público.Gracias a estas aclamadas actuaciones, la Twenty Century Fox le ofreció a Monroe un contrato por siete años.

1951–1952:Primeros roles destacados

Marilyn junto al actor Keith Andes en la película Clash by Night (1952).En febrero de 1951, Monroe se inscribió en clases nocturnas de arte y literatura de la Universidad de California. En ese año apareció en varias películas de bajo presupuesto, como Home Town Story, As Young as You Feel y Love Nest, en las que hizo de secretaria.

En 1952 comenzó a mejorar las perspectivas de su carrera, cuando desempeñó su primer papel protagonista en el drama Clash by Night. Allí compartió escena con Barbara Stanwyck, Paul Douglas y Robert Ryan. En marzo del mismo año, Monro apareció por primera vez en la portada de la revista Life. En el interior de la misma, habló de su infancia y de sus aspiraciones profesionales. En ese mismo mes conoció al jugador de béisbol Joe DiMaggio, con quien inició una relación amorosa que ganó titulares en diarios y revistas de todas partes del mundo debido a la popularidad de ambos.

A finales de 1952 se estrenaron tres películas que tenían a Monroe como protagonista:la comedia We're Not Married, junto a Ginger Rogers y Zsa Zsa Gabor; el thriller Don't Bother to Knock, donde recibió críticas positivas y compartió escena con Richard Widmark; y por último la comedia fantástica Me siento rejuvenecer, dirigida por Howard Hawks, junto a Cary Grant y Ginger Rogers.

1953-1954:Reconocimiento mundial

Monroe interpretando a Rose en Niágara (1953).En 1953, después de varios proyectos de bajo presupuesto, Monroe volvió a tener un papel protagónico; esta vez trabajó como Rose en el drama romántico Niágara, por pedido del entonces presidente de la Twenty Century Fox, Darryl F. Zanuck. La película recibió críticas neutras pues fue la primera película en la que criticaron su actuación. Apareció en varios eventos públicos, como la entrega de los premios Photoplay y el concurso Miss America, donde lució llamativos vestidos que hicieron que varios periodistas y columnistas de diarios y revistas la criticaran. Joan Crawford escribió:"Marilyn es una señorita impura y vulgar".

En diciembre de 1953 apareció en la portada del número inaugural de Playboy, siendo por lo tanto la primera chica del mes de la revista, con la famosa fotografía Sueños dorados, donde mostraba sus medidas de 37-23-36 pulgadas (en centímetros, 94-58-92).


Marilyn en una mítica escena de Los caballeros las prefieren rubias (1953), que la cantante Madonna recrearía en su video musical de Material Girl.La actriz protagonizó junto a Jane Russell la película Los caballeros las prefieren rubias (1953).[26] Allí interpretó a Lorelei Lee, una muchacha graciosa que sólo buscaba conseguir un marido rico para que pueda mantenerla. La actuación de Monroe recibió buenas críticas y su interpretación del número musical "Diamonds Are a Girl's Best Friends" se convirtió en un clásico de los musicales. [27] En ese mismo año, trabajó con Lauren Bacall y Betty Grable en Cómo casarse con un millonario. En esta comedia interpretó a Pola, una modelo que alquila junto a sus amigas un lujoso departamento con el objetivo de atraer acaudalados desprevenidos para poder casarse con ellos. La película obtuvo críticas positivas y buena recaudación, y nuevamente la actuación de Monroe recibió buena reseñas.

En 1954, Monroe apareció en la película de Otto Preminger, River of No Return, junto a los actores Robert Mitchum, Rory Calhoun, Tommy Rettig y Murvyn Vye. Se trató de un western en el que ella interpretó el papel de una cantante de saloon que conoce a un rudo vaquero, con el que vive distintas aventuras. La película obtuvo críticas negativas y no le fue muy bien financieramente.

1954–55:Segundo matrimonio y The Seven Year Itch

Monroe junto a su segundo esposo, el beisbolista Joe DiMaggio, en Tokio.Cuando la popularidad de Monroe estaba en su punto más alto, la Twenty Century Fox le ofreció a filmar una película titulada The Girl in Pink Tights junto a Frank Sinatra, pero ella se negó a hacerlo y por ello fue suspendida.El 14 de enero de 1954, la actriz se casó con Joe DiMaggio en la ciudad de San Francisco. Después se trasladaron a Japón, donde el novio había sido invitado para participar de la apertura de la temporada de béisbol. Monroe se trasladó sola de Japón a Corea, donde actuó durante tres días consecutivos para los marinos estadounidenses interpretando algunas de sus canciones más populares.

En marzo de 1954, regresó a Hollywood y acordó con la Twenty Century Fox aparecer en Luces de Candilejas, una comedia musical donde compartió escena con especialistas en el género, como Ethel Merman, Donald O´Connor y Mitzy Gaynor.[33] La película recibió críticas negativas y no tuvo una buena recaudación.[34]

Monroe aceptó el papel de "La Chica" en la comedia The Seven Year Itch (1955), adaptación cinematográfica de la obra teatral del mismo nombre. En septiembre de 1954, la actriz filmó en la ciudad de Nueva York la famosa escena en la que su vestido blanco se alzó por los aires procedentes del metro, mientras ella lo sujetaba sonriente. Un gran número de personas siguió con atención el rodaje de estas tomas, al igual que DiMaggio, quien según reportes de la época se enfureció.Después de una pelea de la cual fue testigo el periodista Walter Winchell, el matrimonio se trasladó a California. Dos semanas después Monroe en compañía de su abogado anunció su divorcio.

The Seven Year Itch fue un gran éxito comercial, ya que recaudó más de ocho milllones de dólares.[39] Monroe recibió críticas positivas por su actuación y fue nominada al premio BAFTA como mejor actriz.Después, el estudio le ofreció un contrato más ventajoso desde el punto de vista comercial y artísitico, en el que se incluyó una cláusula que señalaba que recibiría un porcentaje de la recaudación y otra que le concedía la posibilidad de realizar una producción independiente cada año.

1955-1957:Tercer matrimonio, Bus Stop y El príncipe y la corista
Después que se divorció de DiMaggio, Monroe se mudó a Nueva York y dejó de actuar durante un periodo breve de tiempo, pues quería formar su propia productora de cine y perfeccionar sus dotes actorales. Se matriculó en el Actors Studio, en las clases otorgados por Lee Strasberg. Cuando Strasberg consideró que ella estaba lo suficientemente preparada para actuar frente a sus colegas, interpretó con Maureen Stapleton Anna Christie, de Eugene O'Neill. Si bien vaciló durante los ensayos, durante la puesta en escena no necesitó tener el guión en sus manos para decir sus líneas. La caracterización resultó tan intensa que se ganó el aplauso de los demás estudiantes. También en 1955, la actriz comenzó una relación amorosa con el escritor inglés Arthur Miller.

En 1956, Monroe regresó a la actuación interpretando el papel de Cherie en la película Bus Stop. Gracias a un nuevo contrato que firmó con la Twenty Century Fox en ese año, la actriz pudo elegir director; optó por Joshua Logan, quien había sido formado con el mismo método de interpretación que ella. Nuevamente la actuación de Monroe recibió buenas críticas. Lohan, en su autobiografía,escribió: "Marilyn es una de las actrices más talentosas de todos los tiempos, ella es realmente brillante. Creo debió haber sido nominada como mejor actriz a los premios Oscar". Ese año fue nominada al Globo de Oro como mejor actriz de comedia o musical.


Monroe con su coprotagonista y director, Sir Laurence Olivier, en The Prince and the Showgirl (1957).El 29 de junio de 1956, la actriz y Miller se casaron en una doble ceremonia, civil y religiosa. La prensa accedió a la casa donde se celebró el evento, pero en una de la persecuciones en busca de fotografías murió accidentalmente una periodista que cubría el acontecimiento.Después, el matrimonio partió hacia la ciudad de Londres, donde Monroe rodó la primera película de la Marilyn Monroe Productions, El príncipe y la corista (1957). Allí fue dirigida por Laurence Olivier, con quién además compartió el protagonismo. El rodaje resultó ser muy angustioso para la actriz, porque perdió un embarazo a causa de un aborto espontáneo. En este período, debido a sus trastornos emocionales y anímicos, se volvió adicta al alcohol y a los barbitúricos.La actuación de Monroe recibió muy buena recepción por parte de los críticos,incluso ganó el premio David di Donatello a la mejor actriz extranjera en Italia y estuvo nominada al premio BAFTA como mejor actriz.

1959–60:Some Like it Hot y Let's Make Love
En 1959, Monroe participó en la película Some Like it Hot, con un elenco que incluía a Jack Lemmon y Tony Curtis, dirigida por Billy Wilder. Durante el rodaje, Monroe siempre llegaba tarde, constantemente pedía repetir las tomas y con mucha dificultad lograba memorizar sus líneas; esto hizo que se enemistara con sus compañeros, especialmente con Curtis. La filmación resultó ser también angustiosa para la actriz porque allí quedó embarazada pero nuevamente sufrió un aborto espontáneo.


Monroe interpretando a Sugar en la comedia Some Like It Hot (1959).La película tuvo un gran éxito de crítica y público; fue la más taquillera de ese año y consiguió cinco nominaciones a los premios Oscar. Monroe interpretó a Sugar, una chica romántica, desafortunada en el amor y vulnerable; una rubia superficial, no demasiado inteligente, víctima de la maldad de los otros. Por su actuación ganó el Globo de Oro a la mejor actriz de comedia o musical. Más tarde, Wilder comentó que esta película fue uno de los logros más importantes de toda su carrera.

Después de Some Like It Hot, la actriz firmó un nuevo contrato con la Twenty Century Fox. Actuó en el musical Let's Make Love, bajo la dirección de George Cukor. El rodaje de la película se retrazó por las condiciones físicas de Monroe y porque, a petición de ella, el guión fue reescrito por Arthur Miller. Los cambios que realizó el dramaturgo hicieron que Gregory Peck se rehuse a encarnar el papel principal del filme; Cary Grant, Charlton Heston, Yul Brynner y Rock Hudson también rechazaron el rol, por lo que el estudio se lo ofertó al actor y cantante francés Yves Montand. Monroe y Miller se hicieron amigos de Montand y su esposa, la actriz Simone Signoret. Cuado Signoret regresó a Francia para filmar una película, Monroe y Montand tuvieron breve romance, estando ambos casados. Si bien ella le pidió a él que abandone a Signoret, cuando el rodaje terminó, él volvió a su país con su esposa. La película tuvo críticas negativas y no le fue nada bien financieramente.

Durante este período, la salud y el estado emocional de Monroe se fue deteriorando notablemente. Con fecuencia llamaba por teléfono al Dr.Ralph Greenson, su psiquiatra, en las noches para combatir su insomnio. También visitó a otros médicos cuando él creía que era necesario recetarle nuevos fármacos.

[editar] 1960–62:Últimos años
En el año 1960, Monroe formó parte del elenco de la película The Misfits , de John Huston, cuyo guión fue escrito especialmente por Arthur Miller para ella. La actriz interpretó a Roslyn, un personaje que su esposo calcó de situaciones, diálogos y momentos de su vida. El elenco incluía, entre otros, a Clark Gable, Montgomery Clift y Thelma Ritter. La filmación comenzo en julio de ese año y se llevó a cabo en el desierto de Nevada. El estado anímico de Monroe no era bueno; faltaba con frecuencia al rodaje, tenía dificultad para poder concentrarse y para poder dormir consumía fuertes dosis de fármacos y alcohol.

En el mes de agosto, la actriz fue hospitalizada de urgencia en Los Ángeles durante diez días. Los períodicos indicaban que la actriz estaba cerca de la muerte, pero no revelaron las causas de su enfermedad. Después de esto, Monroe regresó a Nevada y terminó de filmar la película.[61] En noviembre, la actriz y su esposo regresaron separados a la ciudad de Nueva York y ella se refugió en casa de Lee Strasberg.

The Misfits fue mal recibida por los críticos, aunque la actuación de Monroe, al igual que la Gable, recibió comentarios positivos. En una entrevista, Huston dijo: "Marilyn excavó dentro de sus propias experiencias personales para sacar a la superficie algo único y extraordinario. No tenía técnica de actuación. Era todo verdad, era sólo ella".


Monroe en la película dramática The Misfits (1962).Durante los siguientes meses, la adicción de Monroe a los fármacos y al alcohol la pusieron al borde de la muerte.[63] El 20 de enero de 1961, se divorció de Miller. En el mes de febrero ingresó a la clínica psiquiátrica Payne Whitney, experiencia que luego ella misma describió como "una pesadilla". Después logró comunicarse con Joe DiMaggio, quien hizo que la trasladaran de esa clínica a un hospital normal. Su delicado estado de salud le impidió trabajar por el resto del año.

En 1962, Monroe regresó a la actuación protagonizando, junto a Dean Martin, la película Something's Got to Give. Al momento de comenzar el rodaje, la actriz estaba muy delicada de salud, con frecuentes sinusitis, bronquitis y síntomas cada vez más marcados de inseguridad. La Twenty Century Fox confiaba en este proyecto para sanear su economía, ya que la empresa amenazaba quebrar, debido a los desmesurados gastos que le generó la película Cleopatra (1963). El 9 de mayo del mismo año tuvo lugar, en Nueva York, la gala por el cumpleaños del entonces presidente estadounidense John F. Kennedy, en la que Monroe le cantó el "Happy Birthday Mr. President". Para acudir a esta gala, la actriz se ausentó durante siete días del rodaje, a pesar de que el estudio le exigió que se quedara para cumplir con su trabajo.

Luego, Monroe retornó al rodaje de Something's Got to Give y filmó las escenas en las que se mostró desnuda en una piscina. Estas imágenes luego aparecieron en la portada de la revista Life. Refiriéndose a la tapa de este semanal, ella comentó: "Quiero expulsar a Elizabeth Taylor de las portadas de las revistas". Por sus retrasos y repentinas ausencias al rodaje fue despedida. La Twenty Century Fox intentó completar la película utilizando a otra actriz, pero Dean Martin se opuso, por lo que a la cinematográfica no le quedó más remedio que readmitirla.

Después de que la readmitieran, Monroe retomó las negociaciones con la productora para discutir su futuro profesional.[67] El estudio tenía pensado para ella retratar a Jean Harlow en una película biográfica, después filmada por Caroll Baker. También quería que actuara en las comedias: Irma la Douce, What a Way to Go!, ambas luego protagonizadas por Shirley MacLaine, y Kiss Me, Stupid, más tarde estelarizada por Kim Novak.El acuerdo al que llegaron estableció que recibiría un millón de dólares por película y que tenía la libertad de eleguir director y coprotagonistas.

1962:Muerte
Artículo principal: Muerte de Marilyn Monroe
El 5 de agosto de 1962, el jefe del departamento policial de Los Ángeles, Jack Clemmons, recibió una llamada del Dr.Greenson, el psiquiatra de Monroe, a las 4:55 hrs. y fue él quien le dijo que la actriz murió en su casa. El oficial Clemmons fue el primero en llegar al lugar. La primera hipótesis que se barajó fue la de una sobredosis de barbitúricos.

El informe policial calificó el suceso como un "probable suicidio", pero por falta de pruebas los investigadores dejaron abierta la posibilidad de que también haya sido asesinada. También otras teorías sugerían que John y Robert Kennedy tuvieron algo que ver con muerte de Monroe, incluso se dice que fue un crimen mafioso.


Tumba de Monroe en EL Cementerio Westwood Village Memorial Park.El 8 de agosto, Joe DiMaggio, su segundo esposo, realizó el funeral en privado. Lee Strasberg pronunció las siguientes palabras de despedida: «No puedo le decir adiós a Marilyn, nunca le gustaba decir adiós. Pero, adoptando su particular manera de cambiar las cosas para así poder enfrentarse a la realidad, diré 'hasta la vista'. Porque todos visitaremos algún día el país hacia donde ella ha partido». Sus restos se encuentran en el Cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Ángeles, California.

Filmografía

Premios
Globos de Oro
Año Categoría Película Resultado
1957 Mejor Actriz - Comedia o musical Bus Stop Nominada
1960 Mejor actriz - Comedia o musical Some Like it Hot Ganadora

Premios BAFTA
Año Categoría Película Resultado
1956 Mejor actriz extranjera The Seven Year Itch Nominada
1958 Mejor actriz extranjera El príncipe y la corista Nominada

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Charles Chaplin

3. Charles Chaplin

Sir Charles Spencer Chaplin Jr. KBE (Londres, 16 de abril de 1889 – Corsier-sur-Vevey, Suiza, 25 de diciembre de 1977) fue un actor, director, escritor, productor y compositor británico ganador del Óscar de Hollywood. Con casi 90 películas de cine mudo y sonoro, ha llegado a convertirse en la... Ver mas
Sir Charles Spencer Chaplin Jr. KBE (Londres, 16 de abril de 1889 – Corsier-sur-Vevey, Suiza, 25 de diciembre de 1977) fue un actor, director, escritor, productor y compositor británico ganador del Óscar de Hollywood.

Con casi 90 películas de cine mudo y sonoro, ha llegado a convertirse en la figura más representativa del cine mudo, el cual le ha dado su fama mundial y la consideración de uno de los grandes genios de la historia del cine. Su cine abunda de imágenes clásicas tan conocidas como su propio personaje. Sus hijos, Geraldine Chaplin y Sydney Chaplin (1926-2009), se dedicaron también a la actuación.

El personaje en torno al cual construyó gran parte de su carrera cinematográfica, y que le dio fama universal, fue el de vagabundo (The Tramp, en inglés; Charlot, en italiano, francés y en España; Carlitos en Argentina y Brasil): un hombre con las maneras refinadas y la dignidad de un caballero, vestido con una estrecha chaqueta, pantalones y zapatos más grandes de su talla, un sombrero bombín, un bastón y un característico bigote. Su inconfundible caminar oscilante, una acentuada emotividad sentimental, y un desencanto melancólico frente a la impiedad y a la injusticia de la sociedad moderna, le hicieron emblema de la alienación humana — en particular de las clases sociales emergentes.


Biografía
Charles Spencer Chaplin nació en East Street, en el barrio de Walworth (Londres) el 16 de abril de 1889, según información dicha por él mismo ya que no consta documentación oficial de su nacimiento, por lo tanto este es el primer misterio en la vida de Chaplin. Sus padres fueron artistas de music-hall.

Comúnmente se suponía que era judío, lo que parece no ser cierto, lo cual mencionaria en una entrevista en 1940 durante el estreno de El gran Dictador donde dice: -No soy judío, aunque estaría feliz de serlo-. Se sentía fuertemente identificado con los judíos, a los que defendía, pero no hay ninguna fuente documentada para afirmar con certeza si su padre era de origen judío. Por el otro lado, se sabe que su madre, Hannah Smith, de nombre artístico Lily Harley, fue una mujer de la etnia gitana Romanichel[1] , y probablemente también su padre lo fue. Cuenta el hijo de Chaplin en su biografía que su padre se sentía extremadamente orgulloso de su sangre romaní.

La familia de Charlie vivía sumida en la terrible pobreza urbana del Londres de finales del siglo XIX. Su madre (actriz de teatro) vio truncada su carrera debido a que padecía esquizofrenia, y su padre era un cantante alcohólico dedicado al jazz y el blues. Charlie creció en el barrio de Kensington, rodeado de muchos actores de music-hall.

Charlie quedó al cuidado de su madre cuando el matrimonio se separó, poco después de su nacimiento. Su padre murió cuando Charlie tenía 12 años, y éste (junto con su hermano Sidney) pasó largos períodos de tiempo en orfanatos. Charlie era zurdo, al igual que su hija Geraldine Chaplin y sus nietos Tania Chaplin, Suso Chaplin y Dolores Chaplin.

Los comienzos
Charles y su hermano Sidney, dos años mayor, habían heredado el talento artístico de la familia y comenzaron a trabajar en ello desde niños. Cuenta el propio Charlie que su primera aparición pública fue a la edad de 5 años, sustituyendo a su madre en un teatro londinense. Ahí empezó a trabajar como actor infantil en el teatro, y recibió buenas críticas. Mientras, su hermano se había convertido en una de las estrellas del grupo cómico de Fred Karno, y convenció a éste para que contratara a su hermano para hacer un sketch, y posteriormente, lo envió de gira por Estados Unidos, a comienzo de la década de los años 1910. Fue en estos años cuando Chaplin en un evento observa a un hombre con un aparato capaz de capturar imagenes en movimiento. Chaplin, curioso, se pasea repetidas veces frente al misterioso aparato. De esta forma surge el primer vinculo entre Chaplin y el cine.[cita requerida]

Primeros años en el cine

Kid Auto Races in Venice (1914)
segundo cortometraje de Chaplin
y debut en el papel de vagabundoLa compañía de teatro de Fred Karno se dirige hacia una gira por Europa y América y fue en este último lugar donde es observado por el productor cinematográfico Mack Sennett quien trabajaba para la compañía cinematografica Keystone con la cual ya habia rodado cortometrajes comicos como the keystone policeman. Sennet le ofreció un contrato, y Charlie se fue con él a Hollywood. Al llegar a la «meca del cine» ya tenía una buena reputación como comediante y rápidamente se encontró protagonizando películas que tuvieron un éxito inmediato. En su primera película, Charlot periodista, todavía no tenía la imagen que le caracterizaría siempre, pero ya en la segunda Carreteras sofocantes, en 1914, llevaba su indumentaria de vagabundo.

Parece ser que el famoso traje se lo compuso mediante aportaciones de cómicos amigos: la chaqueta de Charles Avery, los pantalones de Fatty Arbuckle, las botas de Ford Sterling, y el bigote de Mark Twain.

En todas sus posteriores películas interpretó a un vagabundo que buscaba mejorar su vida sin conseguirlo nunca. La población que buscaba el «sueño americano» se identificaba con estas historias, y las aventuras del vagabundo tuvieron éxito continuo durante más de diez años, aunque el personaje fue evolucionando.

En la compañía Keystone, Charlie rodó más de 30 películas, y a partir de la vigésima empezó también a dirigirlas.

En febrero de 1915 cambió de compañía, esta vez se unió a la Essanay, donde dirigió y protagonizó algunos de sus mejores cortometrajes, y empezó a usar una serie de actores fijos para sus películas, como Edna Purviance o Eric Campbell. En sus últimas películas para esta productora empezó a hacer un cine con una gran crítica social.

Por aquel entonces, Chaplin ya cobraba 10.000 dólares a la semana, más extras. Empezó a rodar películas cada vez más complejas y con unos gags mucho más elaborados que en sus películas anteriores, como Charlot en la playa (1915), The Cure, 1917), o Charlot a la una de la madrugada (One A.M., 1916), y tocó temas muy críticos con la realidad norteamericana, como El inmigrante (The Inmigrant, 1917) o Charlot, músico ambulante / El vagabundo (The Vagabond, 1916).


Chaplin con Jackie Coogan en El chico.El chico
En otoño de 1917 Charlie volvió a cambiar de productora, esta vez firmó para la First National, con la que colaboraría en los siguientes años y que le consiguió el estudio en el que rodaría la mayor parte de sus películas. Allí hizo Vida de perro (A Dog's Life, 1918) y Armas al hombro (Shoulder Arms, 1918).

Fue entonces cuando rodó El chico (The Kid, 1921), con el niño Jackie Coogan,con quien comenzo a entrenar para el cine en 1918 bajo la autorizacion de los padres del niño quienes admiraban profundamente el cómico. Esta obra maestra del cine acabó por convertir a Charlot en uno de los iconos, no ya del cine, sino de la historia. Este largometraje es una de las piezas más fascinantes en la historia del cine y sin duda es de las mejores que haya realizado Chaplin. Tal es así que en el año 1971 él mismo compuso la música para la misma, que había sido rodada muda. La película tiene como eje central la importancia del amor humano, de los afectos y como siempre una alta crítica social. Cuenta la historia de un hombre que encuentra, adopta y decide criar a un bebé que fue abandonado por su madre. La relación entre ellos dos (Charlot y el niño) es fantástica y muy enternecedora, a tal punto que lleva al espectador al llanto. Esta cinta fue tan importante para él porque buscó mostrar en el niño lo que había sido su propia infancia. La filmación duró más de un año y en la misma Chaplin afrontó varios sucesos importantes que habían marcado su vida.

El chico es el primer film en el que Chaplin no oculta su intención de expresar lo trágico. Hasta entonces parecía resistirse, querer recrear la vida bajo el signo del humor, pasando alternativamente de la broma a la fantasía. Esta vez nos presenta un drama banal que bajo ese aspecto alcanza el nivel de obra maestra. Para expresarlo renuncia a la utilización de rostros y de decorados que ha quedado como uno de sus secretos.

Siendo ya millonario, Chaplin regresó a Europa sólo para buscar y llevarse a América a su madre, que se encontraba recluida en un psiquiátrico. Pese a esto, ella nunca sería consciente del triunfo de su hijo debido a su estado mental.

La United Artists
Cuando acabó su contrato, fundó junto con Mary Pickford, Douglas Fairbanks y David W. Griffith la United Artists, el 5 de febrero de 1919, y pudo rodar su primer largometraje, Una mujer de París (A Woman of Paris, 1923). Fue un fracaso comercial, ya que intentó que fuera una película dramática y no acabó de gustar al gran público; sin embargo, sus dos siguientes películas, La quimera del oro (The Gold Rush, 1925) y El circo (The Circus, 1928), se convertirían en dos de las películas más taquilleras del período mudo. Son consideradas como dos de las mejores de toda su filmografía, y de hecho la segunda es la única de Chaplin en haber conseguido un Óscar, premio que no se le volvió a otorgar (de manera honorífica) hasta 1972, como un acto de disculpas por tantos años de persecución y castigo por parte de la prensa norteamericana (sobre todo la de William Randolph Hearst) y en especial del FBI, predecesor en las persecuciones contra los artistas a la Guerra Fría (ver abajo Chaplin y el Mccarthismo). La United Artists produjo otras muchas películas, y en el año 1952 fue comprada por Arthur Krim. Sigue funcionando como productora en la actualidad. Particularmente con la pelicula The Circus, Chaplin tuvo diversos problemas en el rodaje, debido a su reciente divorcio con la joven Lita Grey, quien lo denunció de cometer barbaros actos sexuales. El rodaje de esta pelicula comenzo en 1926 y finaliza en 1928. En este trayecto de tiempo, Chaplin escapa repetidas veces de su estudio cinematografico por los continuos problemas legales que le imponia su esposa, amenazando al comico con robarle la pelicula que estaba rodando. Tambien, en este tiempo, el estudio de Chaplin sufre un gran incendio el cual quedo inmortalizado en una fotografia donde se observa a Chaplin desauciado por la situación y detrás toda una construcción quemada. Más allá de esto, la película se estrena en 1928 ya entrando en el período sonoro, sin embargo, el film tuvo muchísimo éxito y Chaplin recibe un Premio de la academia en la primera edición del mismo que abarcaba el período 1927 - 1928.

El cambio al sonoro

Chaplin, ca. 1920Chaplin fue reticente a abandonar el cine mudo, por lo que sus películas perdieron un poco el atractivo frente a las nuevas producciones sonoras que empezaron a producirse a partir de 1929. No quería que su personaje, Charlot, que había creado con tanto trabajo, hablara, porque sabía que eso sería su fin. De hecho, aunque en El gran dictador (The Great Dictator) y en Candilejas (Limelight) Chaplin sí habla, el personaje del vagabundo Charlot nunca lo hizo en una película, ni siquiera en Tiempos Modernos donde el resto del elenco sí lo hace. Es así que Chaplin rodó Luces de la ciudad (City Lights) como película muda, pero con música grabada dentro del film, compuesta por él mismo. La banda sonora incluía una versión instrumental de La violetera del español maestro Padilla. Chaplin había conocido esta canción en la voz de Raquel Meller, que entonces triunfaba en los Estados Unidos y a quien deseó incluir como protagonista femenina, sin conseguirlo.

[editar] Tiempos modernos
Artículo principal: Tiempos modernos
Tiempos modernos (Modern Times, 1936), es la última película en la que aparece Charlot como personaje. Aunque es una película sonora, en realidad su personaje no habla demasiado, y sigue manteniendo la mímica de las películas mudas. Los sectores más reaccionarios y puritanos de Estados Unidos se enfurecieron con esta película, que es considerada una de las obras maestras de la historia del cine.

El gran dictador
Artículo principal: El Gran Dictador
Las críticas contra Chaplin aumentaron cuando realizó esta película, El gran dictador (The Great Dictator, 1940), protagonizada junto a Paulette Goddard, su tercera mujer.

La película era una crítica contra el nazismo alemán y, por extensión, contra todos los fascismos y dictaduras. Comenzó a rodarla la misma semana en que comenzó la Segunda Guerra Mundial. Anteriormente, Chaplin había ya declarado sobre Hitler que éste «le había robado el bigote» y la verdad es que su parecido físico con el dictador hace que la película sea aún más hilarante.

En ésta, Chaplin juega a representar dos personajes, el del dictador y el del barbero judío, a quien confunden con aquél. Adenoid Hynkel, como nombra a su personaje, en una clara parodia de Adolf Hitler, y la magnífica interpretación de Jack Oakie como Benzino Napoloni, evidente parodia de Benito Mussolini, son sencillamente geniales. Parece ser que Hitler vio El gran dictador, si bien no se conoce ningún comentario suyo al respecto.

La película fue estrenada en los primeros meses de la Segunda Guerra Mundial y, en su última escena el personaje del barbero lanza un discurso, calificado por muchos como ingenuo, en el que Chaplin evidencia sus deseos de paz para Europa y de construir un mundo mejor:

«Lo lamento, pero yo no quiero ser un emperador, ése no es mi negocio, no quiero gobernar o conquistar a alguien. Me gustaría ayudar a todos si fuera posible: a los judíos y a los gentiles, a los negros y a los blancos. Todos deberíamos querer ayudarnos, así son los seres humanos. Queremos vivir con la felicidad del otro, no con su angustia. No queremos odiarnos y despreciarnos. En este mundo hay sitio para todos, y la tierra es rica y puede proveer a todos. El camino de la vida podría ser libre y hermoso...»

Discurso final del barbero hebreo/Chaplin en El gran dictador (1940).
Posteriormente, Chaplin comentó que si hubiera conocido cuál era la realidad de los campos de concentración nazis, no habría rodado la película.

En Estados Unidos, que durante los dos primeros años de guerra permaneció neutral, fue causa de muchos problemas para su autor y fue utilizada como excusa para perseguirlo por supuestas actividades "antiamericanas".

La película fue censurada en España, y no llegó a los cines hasta 1976, 36 años después de su estreno, y después de la muerte del dictador Francisco Franco.


Chaplin y el Mccarthismo
Artículo principal: Mccarthismo
Tras el final de la Segunda Guerra Mundial, se desató en EEUU lo que se conocería como «caza de brujas». Este fenómeno consistía en una política estatal que perseguía a los «comunistas» estadounidenses en un intento supuestamente de proteger la seguridad nacional. Aunque en ningún momento se ilegalizó el Partido Comunista de los Estados Unidos, lo que hubiera supuesto un atentado en contra de los derechos civiles de los ciudadanos, sí se investigó y en muchos casos se arruinó la vida de quien fuese o pareciese ser comunista).

Chaplin ya había tenido muchos problemas con el Comité de Actividades Antiestadounidenses, y en general con los tribunales norteamericanos. Por un lado, debido a sus ideas progresistas, exhibidas públicamente en todos sus cortometrajes y en muchas de sus películas, como Tiempos modernos o El gran dictador, hizo que se buscara cualquier excusa para meterlo en la cárcel. Lo acusaron de incumplir la Ley Mann, según la cual era delito trasladarse a otro estado, cuando llevó a Joan Barry, novia por aquel entonces a la que superaba en 30 años su edad, desde Los Ángeles hasta Nueva York. Debido a la psicosis provocada por el miedo a los comunistas, fue acusado de ser comunista basándose en una serie de «pruebas»: en un mitin había dicho que debía abrirse un nuevo frente contra los nazis en la Segunda Guerra Mundial; participó en un acto de solidaridad con Rusia en San Francisco, e intervino en un acto sobre arte ruso en Nueva York.

Su película Monsieur Verdoux (1947) fue otra excusa para justificar esta persecución, ya que en ella establecía un paralelismo entre los crímenes del protagonista, y los de las grandes potencias en período de entreguerras.

El exilio
En el año 1947, el Comité de Actividades Antiamericanas empezó a presionar a la fiscalía para que deportara a Chaplin, «cuya vida en Hollywood contribuye a destruir la fibra moral de América». Fue llamado a testificar en el Comité en varias ocasiones, pero no se presentó nunca. Al mismo tiempo, lo estaban acosando los Veteranos de Guerra Católicos, una asociación reaccionaria, que le acusaba de haber escrito una carta a Pablo Picasso, peligroso comunista para ellos, y un senador llegó a decir que «el comportamiento de Chaplin se aproximaba peligrosamente a la traición».

El 17 de septiembre de 1952, el fiscal general de Estados Unidos dio instrucciones a inmigración para retener a Chaplin, su esposa y varios de sus hijos, cuando viajaban en el Queen Elizabeth para asistir al estreno de Candilejas en Europa, hasta que las leyes norteamericanas decidiesen si debía ser expulsado. Lo acusaron formalmente de «pertenecer al Partido Comunista, así como de graves delitos contra la moralidad y de formular declaraciones que demuestran una actitud hostil y de menosprecio hacia el país gracias a cuya hospitalidad se ha enriquecido».

Últimos años
En abril de 1953, el actor se estableció en Suiza. En 1957 rodó una película en la que parodiaba a EE.UU. y la paranoia que le llevó al exilio, Un rey en Nueva York. En 1966 rodó su última película, La condesa de Hong Kong, protagonizada por Marlon Brando y Sophia Loren. La película fue un fracaso comercial y los críticos no la respaldaron, pero tanto Brando como Loren dijeron que no podían decirle que no a un genio tan grande como Chaplin.

Dos décadas después de su salida, ya anciano, le fue concedido el permiso de regresar a Estados Unidos para recibir un Óscar Honorífico (1971) «por el incalculable efecto que ha producido en el arte del siglo XX, el cine», y que muchos interpretaron como un intento de reparación de todos los daños que le habían causado (si bien Chaplin ya había obtenido un Óscar Especial por su película El circo).

La entrega del premio se preparó especialmente; de hecho fue la única vez en que el premio a la Mejor Película no se entregó al final, momento que se reservó para Charlie Chaplin. Todos los ganadores de la noche fueron invitados a subir al escenario para que el mismo presidente de la Academia Daniel Taradash presentase el galardón luego de veinte minutos en que exhibieron los mejores momentos de su filmografía. Finalmente Chaplin apareció y el público aplaudió durante de hablar diciendo estas palabras:

«Las palabras parecen tan insignificantes, tan inútiles. Sólo puedo decir que... gracias por el honor de ser invitado aquí, y... oh son gente maravillosa y dulce, gracias».
En reconocimiento de sus destacados méritos fue nombrado Sir (caballero) por la reina Isabel II de Inglaterra y se convirtió en Sir Charles Chaplin (1975). A comienzos de los años 70, Chaplin comenzó a escribir la música y partituras originales para sus películas mudas, para estrenarlas como versiones definitivas. En total compuso la música de todas sus películas cortas de la etapa con First National (1918-1923), y también de sus largometrajes El chico y El circo. Su último trabajo completado fue la musicalización de su película de 1923 Una mujer de París, en 1976.

Charlie Chaplin era cómico dentro y fuera del cine. Gustaba a la gente y le gustaba la gente. Se recuerdan escenas públicas como aquella en un restaurante en que, al pedir su plato preferido de pescado, pescado a la plancha entero y muy grande, se ponía a dramatizar mientras todo el restaurante miraba desternillándose de risa cómo se lo comía lamentando su pérdida. U otras como probar el vino que le daba el camarero en su primera copa, escupirla con enorme asco ante el asombro de todos, incluido el camarero, y cuando se hacía el silencio mirar al camarero y decirle: «¡Excelente!». Son anécdotas de cómo la vida con él era una caja de sorpresas. (Comentado por su hija Geraldine en entrevistas).

En los últimos años de su vida se mantuvo alejado del mundo en su mansión de Corsier-sur-Vevey (Suiza), donde falleció el 25 de diciembre de 1977, mientras dormía, a la edad de 88 años. Alguna vez su hija Geraldine comentó curiosamente que a Charlie Chaplin nunca le gustó la Navidad ni disfrutar de ella, y que murió ese mismo día para recordarles todos los años la fecha de su muerte[cita requerida].

El 1 de marzo de 1978 su cuerpo fue exhumado y robado por un pequeño grupo de mecánicos polacos en un intento de extorsionar a la familia.[2] El plan no funcionó y los ladrones fueron capturados, recuperándose el cuerpo once semanas después cerca del Lago Léman. Este fue enterrado de nuevo en el mismo sitio, pero bajo dos metros de cemento para evitar otros posibles robos.

Curiosidades
Charles Chaplin fue la persona más conocida del mundo desde 1917 hasta mediados de los años treinta. Este dicho está avalado por dos hechos: la rápida difusión del cinematógrafo en las décadas de los años veinte y treinta y también en el viaje que realizó por países de todo el mundo, donde era recibido por grandes multitudes.
En español, ha quedado la palabra «charlotada» para reflejar una acción grotesca o ridícula y una corrida de toros de tono cómico. Su nombre proviene del torero cómico Carmelo Tusquellas, apodado Charlot porque su traje y estilo evocaban el de Chaplin.
En Chile, se dice "achaplinarse" cuando no se cumple algún compromiso. "Se achaplinó".
Se dice que el humor que muestra Chaplin en sus películas es «universal». Para comprobar esto, a finales de los años 90 se realizó un experimento, consistente en proyectar varios de los cortos de Chaplin a distinto público, de distintas culturas, que nunca antes habían visto a Chaplin y, en muchos casos, ni siquiera habían tenido la oportunidad de ver televisión y cine. El experimento dio resultados concluyentes: aunque había culturas donde no entendían lo que veían (no eran capaces de entender las construcciones, vehículos, ropa, protocolos sociales, etc, de la Norteamérica de principios del siglo XX), sí que se divertían y reían con las persecuciones, caídas, tartazos, trucos, timos, etc. protagonizados por Chaplin.
Como curiosidad cabe destacar que una vez participó en un concurso de imitadores de Charles Chaplin pero no alcanzó ni las finales, aunque leyendas urbanas dicen que quedó tercero o segundo.
El prestigioso director italiano Pier Paolo Pasolini era fan de Chaplin y de sus películas. En su película Los cuentos de Canterbury, el personaje de Ninetto Davoli es una especie de recreación del personaje de Chaplin. Una de las hijas de Chaplin, Josephine Chaplin también trabajó en la película, felicitando a Davoli por su excelente homenaje a su padre.
Se cuenta que en una reunión social Einstein coincidió con el actor Charles Chaplin. En el transcurso de la conversación, Einstein le dice a Chaplin:- Lo que he admirado siempre de usted es que su arte es universal; todo el mundo le comprende y le admira. A lo que Chaplin respondió: - Lo suyo es mucho más digno de respeto; todo el mundo le admira y prácticamente nadie lo comprende
Se comenta que Chaplin, manifestó su admiración por el trabajo de Cantinflas. Chaplin incluso intentó rodar una película con el cómico mexicano pero no se concretó.
A pesar de no ser ampliamente reconocido como un compositor musical de clase mundial, sus canciones han sido interpretadas por populares cantantes como Michael Jackson o el mexicano José José.




Premios
Óscar. 1928 Óscar Honorífico «Por su versatilidad al producir, escribir, dirigir y actuar en su película El circo»
Óscar. 1971 Óscar Honorífico «Por el incalculable efecto que ha producido en el arte del siglo XX: el cine»
Óscar. 1972 Óscar a la mejor música original por Candilejas (junto a Ray Rass y Larry Russel)
Premios BAFTA. 1977 Premio Especial
Festival de Venecia. 1972 León de Oro por toda su carrera
Premios de la Crítica de Cine de Nueva York. 1940 Mejor Actor por El gran dictador
Premios Kinema Junpo. 1925 Mejor Película Artística por Una mujer de París
Premios Kinema Junpo. 1927 Mejor Película Extranjera por La quimera del oro
Premios Kinema Junpo. 1953 Mejor Película Extranjera por Monsieur Verdoux
Premios Kinema Junpo. 1961 Mejor Película Extranjera por El gran dictador
Premios Jussi. 1974 Mejor Cineasta Extranjero por Tiempos modernos y El gran dictador
Premios Bodil. 1949 Mejor Película Americana por Monsieur Verdoux
Premios Bodil. 1959 Premio Honorario
Premios del Círculo de Escritores de España. 1956 Mejor Película Extranjera por Candilejas
Nominaciones
Óscar. 1928 Mejor actor por El circo
Óscar. 1928 Mejor director de comedia por El circo
Óscar. 1940 Mejor película (como productor) por El gran dictador
Óscar. 1940 Mejor actor por El gran dictador
Óscar. 1940 Mejor guión original por El gran dictador
Óscar. 1940 Mejor música original por El gran dictador
Óscar. 1947 Mejor guión original por Monsieur Verdoux
BAFTA. 1953 Mejor film de cualquier origen por Candilejas (EEUU)

Filmografia
1914 [editar]
Caught in a Cabaret (Charlot camarero)
His Prehistoric Past (Charlot prehistórico)
Tillie's Punctured Romance (Aventuras de Tillie: El romance de Charlot)Making a Living (Charlot periodista) (2/2)
Kid Auto Races at Venice (Carreras sofocantes) (7/2)
Mabel's Strange Predicament (Aventuras extraordinarias de Mabel) (9/2)
Between Showers (Todo por un paraguas) (28/2)
A Film Johnnie (Charlot y el fuego) (2/3)
Tango Tangles (Charlot en el baile) (9/3)
His Favourite Pastime (Charlot extremadamente elegante) (16/3)
Cruel, Cruel Love (Un amor cruel) (26/3)
The Star Boarder (Charlot huésped ideal) (4/4)
Mabel at the Wheel (Mabel y el auto infernal) (18/4)
Twenty Minutes of Love (Charlot de conquista) (20/4)
Caught in a Cabaret (Charlot camarero) (27/4)
Caught in the Rain (Charlot y la sonámbula) (4/5)
A Busy Day (Charlot sufragista) (7/5)
The Fatal Mallet (El mazo de Charlot) (1/6)
Her Friend the Bandit (Charlot ladrón elegante) (4/6) — Único film perdido de Chaplin
The Knockout (Charlot árbitro) (11/6)
Mabel's Busy Day (Mabel vendedora ambulante) (13/6)
Mabel's Married Life (Charlot en la vida conyugal) (20/6)
Laughing Gas (Charlot falso dentista) (9/7)
The Property Man (Charlot regisseur) (1/8)
The Face on the Bar Room Floor (Charlot pintor) (10/8)
Recreation (La pícara primavera) (13/8)
The Masquerader (Charlot artista de cine) (27/8)
His New Profession (Nueva colocación de Charlot) (31/8)
The Rounders (Charlot y Fatty en el café) (7/9)
The New Janitor (Charlot conserje) (14/9)
Those Love Pangs (Jes, rival de Charlot) (10/10)
Dough and Dynamite (Charlot panadero) (26/10)
Gentlemen of Nerve (Mabel y Charlot en las carreras) (29/10)
His Musical Career (Charlot domina el piano) (7/11)
His Trysting Place (Charlot se engaña) (9/11)
Tillie's Punctured Romance (Aventuras de Tillie: El romance de Charlot) (14/11)
Getting Acquainted (Charlot tiene una mujer celosa) (5/12)
His Prehistoric Past (Charlot prehistórico) (7/12)

The Champion (Charlot campeón, Charlot boxeador o Charlot campeón de boxeo)
Burlesque on Carmen (Parodia de Carmen) 1915 [editar]His New Job (Charlot cambia de oficio o Charlot debuta) (1/2)
A Night Out (Charlot trasnochador, Charlot va de juerga o Charlot se va de juerga) (15/2)
The Champion (Charlot campeón, Charlot boxeador o Charlot campeón de boxeo) (11/3)
In the Park (En el parque o Charlot en el parque) (18/3) — Corto
A Jitney Elopement (La fuga de Charlot) (1/4)
The Tramp (Charlot vagabundo) (11/4)
By the Sea (Charlot en la playa) (29/4) — Corto
His Regeneration (Su regeneración) (7/5) — Corto
Work (Charlot, empapelador, Carlitos empapelador o Charlot trabaja) (21/6)
A Woman (12/7) (Charlot, perfecta dama o Charlot, señorita bien) — Corto
The Bank (Charlot en el banco, Charlot, banquero o Charlot y los atracadores o Charlot, ordenanza de banco) (9/8)
Shanghaied (Charlot marinero, El marino o El marinero)(4/10) — Corto
A Night in the Show (Charlot en el teatro, Charlot al Music Hall o Charlot en las variedades) (20/11) — Corto
Burlesque on Carmen (Parodia de Carmen) (18/12)
1916 [editar]The Floorwalker (Charlot en la tienda o Carlitos inspector de tiendas) (15/5)
Police (Carlitos, ladrón, Charlot, maleante o Charlot, ladrón) (27/5)
The Fireman (Carlitos bombero) (12/6)
The Vagabond (Charlot, músico ambulante / El vagabundo) (10/7)
One A.M. (Charlot a la una de la madrugada o Charlot noctámbulo) (7/8) — Corto
The Count (El Conde) (4/9)
The Pawnshop (Charlot prestamista) (2/10) — Corto
Behind the Screen (13/11)
The Rink (Charlot, patinador, Charlot, héroe del patín, Como sobre ruedas y Sobre ruedas) (4/12) — Corto
Charles Chaplin in Zepped (Pelicula perdida de Chaplin en la que muestra imágenes del dirigible zeppelín sobrevolando Inglaterra durante la Primera Guerra Mundial y a Chaplin expresar su deseo por volver a Inglaterra desde EEUU para dar su apoyo a los soldados)[1] .



1917 [editar]Easy Street (22/1)
The Cure (Carlitos en las termas) (16/4)
The Immigrant (17/6)
The Adventurer (22/10)





The Cat (11/7)
Pero la quité, porque creo fehacientemente que es mentira la existencia de dicho film)

1918 [editar]A Dog's Life (Vida de perro) (14/4)
The Bond (29/9) — Corto
Shoulder Arms (¡Armas al hombro!)(20/10)
Triple Trouble (Aventuras de Charlot) — Montada por Essanay Studios con películas de Chaplin inacabadas tiempo después de haberse ido de la compañía
1919 [editar]Sunnyside (Carlitos al sol) (15/6)
A Day's Pleasure (Un día de juerga) o (Un día de placer) (15/12)
The Professor (El profesor) (no estrenado) — Film incompleto

The Kid (El Chico) 1921 [editar]The Kid (El chico) (6/2)
The Idle Class (Vacaciones) (25/9)
1922 [editar]Pay Day (Día de paga) (2/4)
Nice and Friendly (Agradable y armónico) (no estrenado) — Comedia doméstica realizada como regalo de boda
The Sacrifice (El sacrificio) (no estrenado) — Comedia doméstica de la colección Mountbatten
1923 [editar]The Pilgrim (El Peregrino) (26/2)
A Woman of Paris (26/9) — Primer film que Chaplin dirigió sin actuar
1925 [editar]The Gold Rush (La quimera del oro) (26/6)
1928 [editar]The Circus (El circo) (6/1)
1931 [editar]City Lights (Luces de la ciudad) (6/2)
1936 [editar]Modern Times (Tiempos modernos) (5/2)
1940 [editar]The Great Dictator (El gran dictador) (15/10)
1942 [editar]The Gold Rush (La quimera del oro) (19/5) — versión sonora reestrenada con otra música y narración de Chaplin
1947 [editar]Monsieur Verdoux (11/4)
1952 [editar]Limelight (Candilejas) (16/10)
1957 [editar]A King in New York (Un rey en Nueva York) (12/9)
1967 [editar]A Countess from Hong Kong (La condesa de Hong Kong) (5/1)
Varios [editar]The Nut (6/3/1921) — Cameo
Souls For Sale (27/3/1923) — Cameo
A Woman of the Sea (1926) — Película producida por Chaplin
Show People (11/11/1928) — Cameo

Ha recibido 845 puntos

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Elizabeth Taylor

4. Elizabeth Taylor

Elizabeth Rosemond "Liz" Taylor, también conocida por sus sucesivos apellidos de casada Hilton, Wilding, Todd, Fisher, Burton, Warner y Fortensky (n. Londres, 27 de febrero de 1932) es una famosa actriz inglesa ganadora de dos Premios Óscar, un Globo de oro, un BAFTA y cuatro Premios Golden... Ver mas
Elizabeth Rosemond "Liz" Taylor, también conocida por sus sucesivos apellidos de casada Hilton, Wilding, Todd, Fisher, Burton, Warner y Fortensky (n. Londres, 27 de febrero de 1932) es una famosa actriz inglesa ganadora de dos Premios Óscar, un Globo de oro, un BAFTA y cuatro Premios Golden Laurel. Gracias a una condecoración de la reina Isabel II de Inglaterra (Dama Comandante del Imperio Británico) recibe el tratamiento de Dame (Dama), equivalente del masculino Sir, al igual que otras estrellas veteranas como Judi Dench y Shirley Bassey.

Reconocida por su espectacular y deslumbrante belleza y actuación en películas como Cleopatra o ¿Quién teme a Virginia Woolf?, desde los años 50 rapidamente se transformó en uno de los Mitos del Séptimo Arte. Es también sumamente popular por su tormentosa vida privada, su pasión por las joyas, y por poseer los ojos de color violeta, algo único en Hollywood y extremadamente raro en el mundo. Es una de las últimas supervivientes de las estrellas del cine clásico.

El American Film Institute la nombró como una de las mejores estrellas femeninas de todos los tiempos (entre las cinco primeras).


Biografía y carrera
Elizabeth Taylor, cuyo nombre completo es Elizabeth Rosemond Taylor, es hija de emigrantes estadounidenses en el Reino Unido, con los que regresó a América poco antes de la Segunda Guerra Mundial. Su padre era mercante de arte y su madre una actriz retirada.

Primeros éxitos
Su madre siempre quiso que fuera una estrella, daba igual de lo que fuese, así que desde muy pequeña la llevó a grabar anuncios, cameos en películas, etc. De ahí que Taylor siempre haya dicho que ella no quiso realizar una carrera como actriz, sino que ésta le fue impuesta.

Tras participar en varias comedias de escasa calidad, se hizo famosa a la edad de 12 años con la película National Velvet (1944), sobre un caballo de carreras. Era una estrella ya en la adolescencia; con 14 años rodó El coraje de Lassie, y poco después una versión de Mujercitas. Su siguiente gran éxito sería El padre de la novia (1950), junto a Spencer Tracy y con dirección de Vincente Minnelli.

Etapa de esplendor

Elizabeth Taylor protagonizando Cleopatra.Durante las décadas de 1950 y 1960 se convirtió en una de las mayores estrellas del firmamento de Hollywood gracias a su presencia en títulos tan significativos como Gigante (1956), junto a James Dean y Rock Hudson, de quien se hizo muy amiga; La gata sobre el tejado de zinc (1958), al lado de Paul Newman (película que le proporcionó una nominación al Óscar, Globo de Oro y BAFTA entre otras muchas, aunque su primera nominación al Óscar le llegaría un año antes por su interpretación en El árbol de la vida) y Suddenly, Last Summer (De repente el último verano, 1959) junto a Katharine Hepburn y Montgomery Clift (que le proporcionaría su primer Globo de oro y otra nominación al Óscar). Taylor y Clift mantuvieron una estrecha amistad hasta la muerte del actor en 1966.

Con Una Mujer Marcada (1960), Elizabeth Taylor se llevaría su primer Óscar a la mejor actriz, y su status de estrella quedó reforzado con la película más cara en la historia hasta entonces: Cleopatra (1963).


En una escena de La gata sobre el tejado de zinc.Por esta película, Elizabeth Taylor fue la primera actriz que cobraba la (para entonces astronómica) suma de un millón de dólares. Sin embargo, varias peripecias la llevaron a superar este récord: los múltiples retrasos y contratiempos del rodaje, y un porcentaje de la taquilla contemplado en su contrato, motivaron que ella terminase cobrando su sueldo multiplicado por siete. Fue en el rodaje de esta película donde conoció a Richard Burton; iniciaron un romance estando ambos casados, lo que provocó un enorme escándalo.

Últimos años en el cine
A partir de mediados de la década de 1960 su participación en el cine va perdiendo pujanza, aunque aún tiene ocasión de intervenir en varias películas de relieve, como Reflejos en un ojo dorado y ¿Quién teme a Virginia Woolf?, de la que se dice es su mejor interpretación, al lado de su marido Richard Burton. Por este trabajo recibió su segundo Óscar a la mejor actriz.

A partir de la década de los 70 la carrera de Liz Taylor en el cine decae claramente. Participa en El pájaro azul (1976), superproducción que se salda en fiasco comercial, y después se centra en la televisión participando en varias series. La película El espejo roto (1980), basada en un relato de Agatha Christie, fue una superproducción típica de aquellos años, de amplio reparto y correcta factura, que consiguió relanzar fugazmente a la actriz en el cine. También participaron en ella otras estrellas veteranas como Angela Lansbury, Tony Curtis, Kim Novak y uno de los grandes amigos de Liz, Rock Hudson. A pesar de no ser películas comerciales ni especialmente reconocidas por la crítica, siempre reportaban ganancias medias altas gracias a su participación.

En la década de los 80 Liz Taylor limita su actividad a la televisión; en 1986 participó en Norte y Sur (serie protagonizada por Patrick Swayze). En 1994 volvió al cine con un cameo en Los Picapiedra, y en 2001 grabó un telefilme (These Old Broads) junto a Shirley Mc Laine, Joan Collins y Debbie Reynolds. El reencuentro de Elizabeth Taylor y Debbie Reynolds en esta grabación entrañó un interés especial, pues ambas se habían enemistado en 1959, envueltas en un escándalo matrimonial cuando la Taylor sedujo al marido a Debbie, Eddie Fisher.

Mucho más que «una actriz»
Liz Taylor debe una parte no menor de su celebridad a su agitada vida, pero su carrera actoral es de gran valor por sí misma. Ha recibido dos premios Óscar: por Una mujer marcada (1960) y por ¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966), además de tres nominaciones más, todas ellas en la categoría de mejor actriz principal. Su primera nominación fue por la película El árbol de la vida en 1957 y estuvo nominada los siguientes tres años, hasta que en 1960 se lo concedieron. Tiene por tanto el récord de cuatro nominaciones en años consecutivos, como el actor Marlon Brando.

Es una estrella calificada por los medios anglosajones como «bigger than life»: una estrella mayor que la vida misma. Es una de las cuatro o cinco leyendas femeninas más recordadas del Hollywood clásico, al fusionar una fotogenia insuperable, una larga lista de películas relevantes con notables actuaciones y un turbulento historial sentimental. En Liz Taylor, las facetas artística y sentimental son difíciles de separar y eso ayuda a explicar su prolongada fama.

Supo explotar con maestría su turbador e innegable atractivo sexual y dio que hablar a través de sus romances polémicos. A raíz de su romance con Richard Burton (estando ambos casados con otras parejas), un periódico del Vaticano la acusó de «vagar erótico», frase que inundó los titulares de todo el mundo. Burton salió en su defensa, afirmando de ella que había tenido solamente cinco parejas, todas conocidas, mientras que otras divas de Hollywood se acostaban con cualquiera en la primera noche (si bien manteniéndolo en secreto). Otras fuentes allegadas a la actriz coinciden al describirla como bastante convencional en el amor: dicen que, si se casó ocho veces, fue porque no era proclive a aventuras fugaces y quería formalizar cada nueva relación con una boda.

Es, probablemente la actriz que ha sido declarada «la más hermosa del mundo» en más ocasiones que ninguna otra, incluso superando al llamado «animal más bello del mundo», Ava Gardner. Su rostro se convirtió en símbolo de perfección durante décadas, desde los años 40 hasta bien entrada la década de los 70.

Tan famosa por su carrera cinematográfica como por su vida sentimental, Liz Taylor ha sido objeto de la prensa rosa por sus constantes divorcios y matrimonios y por sus problemas de salud: consumo excesivo de alcohol, una lesión de columna que ha requerido diversas operaciones y un tumor cerebral. Desde hace años acude a actos públicos en silla de ruedas.

Célebre también por sus labores humanitarias en la lucha contra el SIDA desde la muerte de su amigo Rock Hudson, colabora desde hace años con una sociedad dedicada a la lucha y la investigación de esta grave síndrome.

Fue por este motivo galardonada con el Premio Príncipe de Asturias de la Concordia en 1992. Además ese mismo año participó en el concierto en tributo a Freddie Mercury, hablando acerca de la prevención necesaria para combatir el SIDA.

También se ha visto muy involucrada,sobre todo en los últimos años,en labores de ayuda contra el hambre en Asia y África,donando grandes cantidades de dinero e incluso numerosas posesiones.

Matrimonios
Elizabeth Taylor debe parte de su notoriedad mundana a sus ocho matrimonios, en lo que rivaliza con Zsa Zsa Gabor. Aunque tal sucesión de bodas dio pie a chistes y comentarios sobre la voracidad sexual de la Taylor, allegados de la actriz afirman que en realidad es muy convencional y que «se casó tantas veces, porque tiene una rara costumbre: se casa con todos con los que se acuesta»

A los 18 años contrajo matrimonio con Conrad Nicholas Hilton, con quién estaría casada sólo un año.

Su segundo matrimonio fue a los 20 años, con el actor británico Michael Wilding, con quien tuvo dos hijos. A los 24 años ya estaba separada nuevamente.

Su tercer matrimonio fue con el productor de cine Mike Todd, quien un año después moriría en un accidente aéreo (1958). Con Mike tuvo a su tercera hija.

Después de un periodo de tan sólo 6 meses de viudez, conoció, en 1959, al mejor amigo de Mike Todd, el cantante Eddie Fisher, casado por entonces con su mejor amiga Debbie Reynolds. Contraerían matrimonio en medio de uno de los escándalos más sonados de la época [cita requerida].

En 1962, en la filmación de Cleopatra, conoció al actor Richard Burton, quien sería su gran amor, con quien se casaría y se divorciaría en dos ocasiones y con el que adoptaría a su cuarta hija. Sus constantes discusiones, su carácter borrascoso y sus polémicas relaciones fueron la causa de grandes escándalos, los más grandes de los que se tenga conocimiento. Ríos de tinta corrieron desde el inicio de la publicitada película, hasta su divorcio en 1974, su reconciliación en 1975 y su nuevo divorcio en 1976. Burton la agasajó con fastuosas joyas, como el diamante amarillo Krupp y la Perla Peregrina, que antaño perteneció a Felipe II y fue reproducida por Velázquez. Cuando esta joya salió a la venta y la compró Richard Burton, desde España se intentó entorpecer la operación, afirmando que era falsa. Pero es sin duda más famoso el diamante Taylor-Burton de 69 quilates, comprado en 1969 por 1.2 millones de dólares [cita requerida].

Su séptimo matrimonio fue con el senador John W. Warner, con quien tuvo un matrimonio infeliz que la llevó al alcoholismo [cita requerida]. Elizabeth estuvo a punto de casarse con un abogado mexicano, Víctor Luna, quien desapareció días antes de asistir al registro civil [cita requerida].

Finalmente, se casaría con Larry Fortensky, un obrero de la construcción, de quien finalmente se divorció en 1996.

[editar] Su relación con Michael Jackson
Era además muy amiga del fallecido «Rey del pop» Michael Jackson. Fue precisamente ella la primera persona que lo llamó así en una entrega de premios, y de ahí surgió el apelativo tan popular. Además, Michael Jackson le escribió una canción exclusiva para su cumpleaños, llamada Elizabeth I love you, y una fotografía con ambos juntos fue incluida en la carpeta del álbum de éxitos de Jackson History.

En años recientes, lo apoyó en sus tribunales ante las declaraciones de abuso infantil que pesaban en su contra. Elizabeth Taylor se mostró incondicional, negando todas las acusaciones. Incluso Michael Jackson le dedicó la canción Liberian Girl, del albúm Bad.

[editar] Filmografía
There's One Born Every Minute (1942)
La cadena invisible (1943)
Jane Eyre (1944)
Las rocas blancas de Dover (1944)
Fuego de juventud (1944)
Courage of Lassie (1946)
Life with Father (1947)
Cynthia (1947)
Así son ellas (1948)
Julia se porta mal (1948)
Mujercitas (1949)
Traición (1949)
The Big Hangover (1950)
El padre de la novia (1950)
El padre es abuelo (1951)
Un lugar en el sol (1951)
Quo Vadis (1951) (cameo)
Love is Better than Ever (1952)
Ivanhoe (1952)
The Girl who had Everything (1953)
Rapsodia (1954)
La senda de los elefantes (1954)
Beau Brummell (1954)
La última vez que vi París (1954)

Elizabeth Taylor
en GiganteGigante (1956)
El árbol de la vida (1957)
La gata sobre el tejado de zinc (1958)
De repente el último verano (1959)GLOBO DE ORO A LA MEJOR ACTRIZ DRAMÁTICA
The Scent of Mystery (1960)
Una mujer marcada (1960)
Cleopatra (1963)
Hotel internacional (1963)
Castillos en la arena (1965)
¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966)
La mujer indomable (1967)
Doctor Fausto (1967)
Reflejos en un ojo dorado (1967)
Los comediantes (1967)
La mujer maldita (1968)
Ceremonia secreta (1969)
Ana de los mil días (1969) (cameo)
El único juego en la ciudad (1970)
Salvaje y peligrosa (1972)
Bajo el bosque lácteo (1972)
Pacto con el diablo (1972) OSO DE ORO A LA MEJOR ACTRIZ EN EL FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE BERLIN
Una hora en la noche (1973)
Miércoles de ceniza (1973)
Se divorcia él, se divorcia ella (1973) (TV)
La masoquista (1974)
El pájaro azul (1976)
Victoria en Entebbe (1976) (TV)
Dulce Viena (1977)
Return Engagement (1978) (TV)
Winter Kills (1979) (TV)
El espejo roto (1980)
Entre amigas (1983) (TV)
Malicia en el país de las maravillas (1985) (TV)
There Must Be a Pony (1986) (TV)
Norte y Sur (1986) (TV)
Póker Alice (1987) (TV)
El joven Toscanini (1988)
Dulce pájaro de juventud (1989) (TV)
Los Picapiedra (1994)
These Old Broads (2001) (TV)
Premios Óscar
Año Categoría Película Resultado
1994 Premio Humanitario Jean Hersholt Ganadora
1966 Óscar a la mejor actriz ¿Quién teme a Virginia Woolf? Ganadora
1960 Oscar a la mejor actriz Una mujer marcada Ganadora
1959 Oscar a la mejor actriz De repente, el último verano Candidata
1958 Oscar a la mejor actriz La gata sobre el tejado de zinc Candidata
1957 Oscar a la mejor actriz El árbol de la vida Candidata

Globos de Oro
Año Categoría Película Resultado
1985 Premio Cecil B. DeMille Ganadora
1974 Henrietta Award Actriz favorita del mundo Ganadora
1974 Mejor actriz - Drama Miércoles de ceniza Candidata
1969 Henrietta Award Actriz favorita del mundo Ganadora
1967 Mejor actriz - Drama ¿Quién teme a Virginia Woolf? Candidata
1966 Henrietta Award Actriz favorita del mundo Ganadora
1961 Mejor actriz - Drama Una mujer marcada Candidata
1960 Mejor actriz - Drama De repente, el último verano Ganadora
1957 Premio especial Por sus sólidas interpretaciones Ganadora

Premios Golden Laurel
Año Categoría Película Resultado
1971 Estrella femenina - 6º Lugar
1968 Estrella femenina - 7º Lugar
1967 Estrella femenina - 2º Lugar
1967 Mejor actriz ¿Quién teme a Virginia Woolf? Ganadora
1966 Estrella femenina - Ganadora
1966 Mejor actriz Castillos en la arena 3º Lugar
1965 Estrella femenina - Ganadora
1964 Estrella femenina - 2º Lugar
1963 Estrella femenina - 2º Lugar
1962 Estrella femenina - 2º Lugar
1961 Estrella femenina - 2º Lugar
1961 Mejor actriz Una mujer marcada Nominada
1960 Estrella femenina - 2º Lugar
1960 Mejor actriz De repente, el último verano Ganadora
1959 Estrella femenina - 2º Lugar
1959 Mejor actriz La gata sobre el tejado de zinc Ganadora
1958 Estrella femenina - 4º Lugar
1958 Mejor actriz El árbol de la vida Ganadora

BAFTA
Año Categoría Película Resultado
2005 Britannia Award Ganadora
1999 Academy Fellowship Ganadora
1968 Mejor actriz británica La mujer indomable Nominada
1967 Mejor actriz británica ¿Quién teme a Virginia Woolf? Ganadora
1959 Mejor actriz La gata sobre el tejado de zinc Nominada

Ha recibido 831 puntos

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Ingrid Bergman

5. Ingrid Bergman

Ingrid Bergman (29 de agosto de 1915 - 29 de agosto de 1982) fue una actriz sueca ganadora de los premios Óscar y Globo de Oro. Considerada como uno de los Mitos del Séptimo Arte y según la lista realizada por el American Film Institute, es la cuarta estrella más importante en la historia del... Ver mas
Ingrid Bergman (29 de agosto de 1915 - 29 de agosto de 1982) fue una actriz sueca ganadora de los premios Óscar y Globo de Oro. Considerada como uno de los Mitos del Séptimo Arte y según la lista realizada por el American Film Institute, es la cuarta estrella más importante en la historia del cine. Falleció mientras celebraba su 67º cumpleaños.


Biografía
Quedó huérfana de madre cuando tenía dos años y su padre murió 10 años después, por lo que fue criada por unos familiares. Decidió hacerse actriz para combatir su extrema timidez y dio sus primeros pasos en el teatro. A los dieciocho años fue elegida entre cientos de aspirantes para estudiar en la Real Escuela de Teatro dramático (donde también estudió Greta Garbo).

En 1937 se casa con el dentista Petter Lindström, relación de la que nace su hija Pia Lindström. En 1939, y después de protagonizar una docena de películas en Suecia, se traslada a los Estados Unidos para protagonizar la película de David O. Selznick "Intermezzo".

En 1942 se convierte en una de las estrellas de la época al protagonizar junto a Humphrey Bogart la película de Michael Curtiz "Casablanca". 1943 supone el año en el que recibe su primera candidatura a los Óscar, en este caso por su papel en la película "Por quién doblan las campanas", aunque no consigue finalmente el premio. Al año siguiente se puede resarcir de esa desilusión, pues gana el Óscar a la mejor actriz, esta vez por su papel en "Luz que agoniza". En 1945 recibe su tercera candidatura consecutiva a los Óscar, esta vez por la película "Las campanas de Santa María". La actriz recibiría su cuarta candidatura a los Óscar en la categoría de mejor actriz en 1948, por su papel en "Juana de Arco".

En 1949 se traslada a Italia para rodar a las órdenes de Roberto Rossellini la película "Stromboli". Durante el rodaje comienza una relación con el director italiano. Fruto de esta relación, Bergman queda embarazada de su hijo Roberto, (nacido el 7 de febrero de 1950), lo que provoca un gran escándalo en los Estados Unidos. El escándalo fue tal que incluso provocó que la actriz fuera declarada persona non grata en territorio americano, lo que hizo que se exiliara en Italia, dejando a su marido y a su hija en los Estados Unidos. Después de separarse de Lindström y tras el nacimiento de su hijo, la actriz y el director se casan el 24 de mayo de 1950. Con el director italiano tiene además otras dos hijas, las gemelas Isabella e Isotta. Finalmente, se separara de Rossellini en 1957. De su época en Italia destaca su trabajo en seis películas dirigidas por su entonces marido, entre ellas "Giovanna d'Arco al rogo" (1954).

En 1956 vuelve a ganar el Óscar a la mejor actriz por su interpretación en la película "Anastasia", siendo su amigo Cary Grant quien recoge el premio en su nombre. En 1958 vuelve por primera vez a Hollywood después del escándalo de su matrimonio para presentar el Óscar a la mejor película en la 31ª Edición de la ceremonia de entrega de los Premios de la Academia. La sala la recibe con una cerrada ovación. Ese mismo año se casa con el productor sueco Lars Schmidt, del que se separará en 1975.

A partir de entonces comienza a alternar películas en Estados Unidos y en Europa, así como apariciones ocasionales en dramas televisivos y en obras de teatro.

En 1974, Bergman recibe su tercer Oscar, esta vez en la categoría de mejor actriz de reparto, por su participación en la película "Asesinato en el Orient Express".

Su última candidatura a los Óscar la recibió en 1978 por su papel en "Sonata de otoño", del director sueco Ingmar Bergman.

A lo largo de su vida, tres directores marcaron su carrera cinematográfica: Gustaf Molander, quien la dirigió en siete películas y con el que fue proclamada mejor promesa del cine sueco en 1935; Rosellini, quien la dirigió en seis películas y fue su marido; y Alfred Hitchcock, que la dirigió en tres ocasiones siendo ya una consolidada actriz.

Recibió el galardón italiano Ruban d'Argento a la mejor actriz extranjera en dos ocasiones, por las películas "Stromboli", de 1951, y "Europa 51", de 1953.

También ganó el Premio Emmy (Óscar televisivo) por sus trabajos en "Turn of the screw" (1959) y "Una mujer llamada Golda" (1982). Por esta miniserie (su último papel) obtuvo además el Globo de Oro a la mejor actriz - Miniserie o telefilme|Globo de Oro a la mejor actriz en miniserie o telefilme.

Murió de cáncer en Londres el día de su 67º cumpleaños.

Filmografía

Escena de Casablanca junto a Humphrey Bogart, la interpretación más recordada de Ingrid Bergman.[1]Sonata de otoño (1978)
A Matter of Time (1976)
Asesinato en el Orient Express (1974)
The Hideaways (1973)
Walk in the Spring Rain (1970)
Flor de cactus (1969)
Stimulantia (1967)
El Rolls-Royce amarillo (1964)
Visit, The (1964)
Aimez-vous Brahms? (1961)
El Albergue de la Sexta Felicidad (1958)
Indiscreet (1958)
Anastasia (1956)
Elena et les hommes (1956)
Juana de Arco (1954)
La paura (1954)
Viaggio in Italia (1953)
The Greatest Love (1954)
Stromboli (1950)
Under Capricorn (1949)
Juana de Arco (1948)
Arch of Triumph (1948)
Encadenados (1946)
Saratoga Trunk (1946)
Las campanas de Santa María (1945)
Recuerda (1945)
Luz que agoniza (1944)
Por quién doblan las campanas (1943)
Casablanca (1942)
Dr. Jekyll y Mr. Hyde (1941)
Adam Had Four Sons (1941)
Rage in Heaven (1941)
Juninatten (1940)
Intermezzo: A Love Story (1939)
En enda natt (1939)
En kvinnas ansikte (1938)
Die vier Gesellen (1938)
Dollar (1938)
Intemezzo (1936)
På solsidan (1936)
Valborgsmässoafton (1935)
Swedenhielms (1935)
Bränningar (1935)
Munkbrogreven (1935)
Premios Óscar
Año Categoría Película Resultado
1978 Óscar a la mejor actriz Sonata de otoño Candidata
1974 Óscar a la mejor actriz de reparto Asesinato en el Orient Express Ganadora
1956 Óscar a la mejor actriz Anastasia Ganadora
1948 Óscar a la mejor actriz Juana de Arco Candidata
1945 Óscar a la mejor actriz Las campanas de Santa María Candidata
1944 Óscar a la mejor actriz Luz que agoniza Ganadora
1943 Oscar a la mejor actriz Por quién doblan las campanas Candidata

Ha recibido 809 puntos

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Katherine Herpburn

6. Katherine Herpburn

Katharine Houghton Hepburn (Hartford, Connecticut, 12 de mayo de 1907 - Old Saybrook, Connecticut, 29 de junio de 2003) fue una actriz estadounidense, la única en ganar 4 premios Óscar y una de las más nominadas con 12 candidaturas. Tan solo es superada por Meryl Streep con 16 nominaciones, pero... Ver mas
Katharine Houghton Hepburn (Hartford, Connecticut, 12 de mayo de 1907 - Old Saybrook, Connecticut, 29 de junio de 2003) fue una actriz estadounidense, la única en ganar 4 premios Óscar y una de las más nominadas con 12 candidaturas. Tan solo es superada por Meryl Streep con 16 nominaciones, pero mientras que Streep tiene algunas candidaturas como Mejor Actriz Secundaria, Hepburn las consiguió todas como Mejor Actriz Principal.
Katharine Houghton Hepburn (Hartford, Connecticut, 12 de mayo de 1907 - Old Saybrook, Connecticut, 29 de junio de 2003) fue una actriz estadounidense, la única en ganar 4 premios Óscar y una de las más nominadas con 12 candidaturas. Tan solo es superada por Meryl Streep con 16 nominaciones, pero mientras que Streep tiene algunas candidaturas como Mejor Actriz Secundaria, Hepburn las consiguió todas como Mejor Actriz Principal.

Biografía

Nació en Hartford, estado de Connecticut en 1907. Pertenecía a una familia descendiente de colonos del Mayflower y hasta tenía sangre real en sus venas. Su padre era ginecólogo y fue el que la educó. Su madre, Katharine Houghton, era una decidida sufragista muy activa en su comunidad y que luchó por el reconocimiento de las prostitutas. Hepburn se crió en un ambiente libre y tolerante, lo cual marcaría su carácter. Practicó desde muy pequeña muchos deportes y según cuenta en su autobiografía, un verano se cortó el pelo y se hizo llamar Jimmy, y según se define ella misma, fue un «marimacho».

Siendo muy joven, Hepburn recibe un duro golpe: su hermano Tom de 14 años, a quien ella estaba muy unida, se suicida ahorcándose en Nueva York durante una visita a un familiar: esto la convierte en una joven retraída y poco comunicativa. Deja los estudios en la escuela y da clases con su madre en su casa.

Inició sus estudios de Filosofia en el Bryn Mawr College, lugar donde comienza sus actuaciones teatrales. Cuando los termina en 1928 decide dedicarse de lleno a la interpretación. Tiene pequeños papeles en obras como La Zarina donde hace una sustitución y viaja a Nueva York donde toma clases de dicción con la antigua cantante Frances Robinson Duff. En 1932 tiene un enorme éxito con la obra teatral The warrior's husband, una fábula griega. Ese mismo año es requerida por el cine y protagoniza para la RKO la película Doble Sacrificio, junto a John Barrymore y dirigida por quien sería uno de sus más íntimos amigos, George Cukor.

Protagoniza Hacia las alturas en la que interpreta a una piloto, muy inspirada en la figura de Amelia Earhart. En 1933 gana su primer Óscar por interpretar a una actriz provinciana que va a buscar gloria en la gran ciudad, en Gloria de un día. En 1934 gana el premio a la mejor actriz en el Festival de Cine de Venecia por su interpretación en Las cuatro hermanitas, donde interpretó a Jo March, en la versión de George Cukor del clásico Mujercitas.

Veneno para la taquilla

Katahrine Hepburn en La cantina de Hollywood (1943).Sus siguientes películas, Sangre gitana (en la que interpreta a una gitana irlandesa) y el gran clásico de la screwball comedy La fiera de mi niña, son un rotundo fracaso y las productoras la bautizan como «veneno para la taquilla» como a Fred Astaire, Joan Crawford, Dolores del Río y Marlene Dietrich.

Protagoniza junto a las Chicas de la RKO la peícula Damas del teatro, que es nominada a varios Óscar pero no asienta totalmente a Hepburn. En 1933 y tras el éxito de Gloria de un día, se embarca en la obra teatral The Lake, de la que sale muy mal parada.

Vuelve a Connecticut con su familia y regresa triunfante al teatro en Broadway con la comedia Historias de Filadelfia, que en 1940 es adaptada para el cine y protagonizada por ella, James Stewart y Cary Grant, y que la devuelve a la palestra cinematográfica. El guión de Historias de Filadelfia fue un regalo del magnate Howard Hughes, su pareja entonces.

En 1942, protagoniza junto a Spencer Tracy, con quien mantuvo una relación sentimental hasta la muerte del actor, la comedia La mujer del año en la que hace gala de su plurilingüismo hablando francés, ruso y español. Hepburn y Tracy harían 9 películas en común. Durante los años 40 protagoniza varias películas junto a Tracy: Sin amor dirigida por George Stevens o Mar de Hierba de Frank Capra, con Angela Lansbury. En 1949, protagoniza junto a Tracy La costilla de Adán que narra las situaciones en las que un matrimonio de abogados se pone cuando se enfrentan en un tribunal. En 1951 rueda junto a John Huston y Humphrey Bogart La reina de África, otro gran clásico. En 1952 realiza en Venecia y dirigida por David Lean Locuras de Verano, en la que encarna a una solterona secretaria de vacaciones que descubre el amor. Durante todos los años 50, Hepburn realizó numerosas obras de teatro, entre ellas Como gustéis y El mercader de Venecia de William Shakespeare y La Millonaria de George Bernard Shaw.

La tranquilidad de una estrella
En 1959, Hepburn realiza el papel más iconoclasta de su carrera, el de Violet Venable en De repente, el último verano de Tennessee Williams, junto a Elizabeth Taylor y Montgomery Clift, y por el cual es aclamada por la critica.

A partir de ahí, se especializa en adaptaciones cinematográficas de obras teatrales, como Larga jornada hacia la noche de Eugene O'Neill, en la que interpreta con maestría a una morfinómana metida en una familia rota y por la que gana el premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes. Tras cinco años de parón, en los que cuida a un cada vez más enfermo Tracy, reaparece junto a él en su último film juntos Adivina quién viene esta noche, tras la que Tracy muere. Hepburn gana, por este film, su segundo Óscar; muchos dicen que no le concedieron a Hepburn ese Óscar por su interpretación -magnífica por otra parte- sino como agradecimiento por haber cuidado tantos años de Tracy. En 1968 interpreta a Leonor de Aquitania en El león en invierno y gana su tercer Óscar, compartido con Barbra Streisand por Funny Girl.

En el año 1969 Hepburn realiza uno de sus papeles más recordados en el teatro. Protagoniza Coco, musical de gran éxito inspirado en la vida de la diseñadora de moda Coco Chanel. Hepburn grabó un álbum con las canciones del musical que vendió numerosas copias. Cansada de este duro trabajo diario dejó la función. Su rol fue asumido con solvencia por la actriz y cantante francesa Danielle Darrieux.

Ya en los años 70, Hepburn realiza papeles importantes en más adaptaciones a la pantalla de clásicos teatrales, como el de la Condesa Aurelia en La loca de Chaillot de Jean Giraudoux y el de Hecuba en Las troyanas de Eurípides junto a Irene Papas y Vanessa Redgrave. Encarna a Eula Goodnitgh en El rifle y la biblia, un film del Oeste junto a John Wayne y cuyo argumento se parece demasiado al de la exitosa La reina de África. Interviene en Un balance delicado con Paul Scofield y dirigida por Anthony Harvey y en la obra de teatro filmada El zoo de cristal.

Realiza además algunos trabajos para televisión, y dirigida por George Cukor protagoniza Amor entre ruinas con Laurence Olivier y por la que gana un premio Emmy, además de El trigo esta verde. En 1981, Hepburn interviene en la romántica En el estanque dorado junto a Henry Fonda y por el cual gana su cuarto Óscar.

Sus últimos papeles en el cine son el de La última solución de Grace Quigley en el que interpreta a una anciana que contrata a un sicario, Nick Nolte, para matar a sus amigos que ya sufren los achaques de la edad y el de la anciana tía Ginny en la película de Warren Beatty, Un asunto de amor. A partir de ahí Hepburn realiza pequeñas películas para televisión que la mantienen en activo pero una vez su estado de salud se agrava se retira a Connecticut.

Casada con Ludlow Ogden Smith, se divorció de él en la década de los 30 y mantiene relaciones con John Ford, que la dirigió en María Estuardo, con su agente Leland Hayward y con el magnate Howard Hughes mantiene una relación amistad-amante.

En 1942 conoce a Spencer Tracy, del que no se separaría hasta su muerte en 1967. Hepburn y Tracy mantuvieron esta duradera relación sin casarse, pues Tracy, que era católico, no quiso separarse nunca de su esposa.

Aunque muchos dijeron que Hepburn padecía la enfermedad de Parkinson, ella siempre lo negó diciendo que era una herencia de su abuelo, al que también le temblaban las articulaciones y la cabeza. Hepburn padeció también de pequeños cánceres en su piel y en sus últimos meses, un tumor en el cuello se le agravó.

Hepburn murió en su casa de Old Saybrook, en el estado de Connecticut el 29 de junio de 2003.

Katharine Hepburn publicó su autobiografía en el año 1991 con el título en español Yo misma, historias de mi vida. Hepburn ya había publicado con gran éxito un cuaderno de viaje del rodaje de La Reina de África con el largo título Cómo viajé a África con Huston, Bogart y Bacall y casi pierdo la razón. La vida de Katharine Hepburn ha dado numerosas biografías como Recordando a Kate del estadounidense A. Scott Berg, ganador del premio Pulitzer, en la que cuenta la amistad que le unió con la actriz durante 20 años.

Carrera teatral
Katharine Hepburn tuvo una sólida carrera teatral. Comenzó a dar sus pasos en el mundo de la actuación en Broadway en obras como Night Hostess y These days.

Tiene un gran éxito con The Warrior's husband, una obra inspirada en Lisístrata. Una vez triunfa en Hollywood, se decide a protagonizar The lake, obra con la que no está contenta y que finiquita con 15.000 dólares.

Tras unos fracasos en el cine vuelve al teatro y protagoniza Jane Eyre e Historias de Filadelfia, que la catapulta de nuevo a la fama en su carrera como estrella de cine gracias a su adaptación cinematográfica.

Tras varios años en la primera plana de la palestra cinematográfica y con algunos problemas con Spencer Tracy, Hepburn vuelve al teatro en la década de los 50. Protagoniza Como gustéis, Mucho ruido y pocas nueces, El mercader de Venecia y Antonio y Cleopatra, y realiza una gira que la lleva a Australia, Stratford y Estados Unidos. Triunfa con crítica y público con La millonaria.

Vuelve al cine y tras ganar dos Óscar, se mete en el papel de la diseñadora francesa Coco Chanel en el musical Coco por el que es nominada al Premio Tony. Hepburn no está muy convencida de la obra pero hace multitud de representaciones llenando siempre los teatros de Broadway. En 1981 protagoniza The West Side Waltz por la que es nominada al Tony.

Filmografía
Doble sacrificio (1932) como Sydney Farfield
Hacia las alturas (1933) como Lady Cynthia Carrington
Gloria de un día (1933) como Eva Lovelace
Mujercitas (1933) como Jo March
Mística y rebelde (1934) como Trigger Hicks
Sangre gitana (1934) como Bárbara
Corazones rotos (1935) como Constance Dane Roberti
Sueños de juventud (1935) como Alice Adams
La gran aventura de Silvia (1936) como Sylvia Scarlett
María Estuardo (1936) como Maria Estuardo, reina de Escocia
La rebelde (1936) como Pamela Thistlewiste
Olivia (1937) como Phoebe Throssel
Damas del teatro (1937) como Terry Randall
La fiera de mi niña (1938) como Susan Vance
Vivir para gozar (1938) como Linda Seton
Historias de Filadelfia (1940) como Tracy Samantha Lord
La mujer del año (1942) como Tess Harding
La llama sagrada (1942) como Miss Christine Forrest
Tres días de amor y de fe (1943) (cameo)
Estirpe de dragón (1944) como Jade Tan
Sin amor (1945) como Jamie Rowan
Corrientes ocultas (1946) como Ann Hamilton
Mar de hierba (1947) como Lutie Cameron Brewton
Pasión inmortal (1947) como Clara Wieck Schumann
El estado de la unión (1948) como Mary Matthews
La costilla de Adán (1949) como Amanda Bonner
La Reina de África (1951) como Miss Rose Sayer
La impetuosa (1952) como Patricia Pemberton
Locuras de verano (1955) como Jane Hudson
El farsante (1956) como Lizzie Curry
Faldas de acero (1956) como Vinka Kovalenko
Su otra esposa (1957) como Bunny Watson
De repente, el último verano (1959) como Miss Violet Venable
Larga jornada hacia la noche (1962) como Mary Tyrone
Adivina quién viene esta noche (1967) como Christina Drayton
El león en invierno (1968) como Leonor de Aquitania, reina de Francia
La Loca De Chaillot (1969)
Las troyanas (1971) como Hecuba
A Delicate Balance (1974) como Agnes
El rifle y la Biblia (1975) como Eula Goodnight
Olly Olly Oxen Free (1978) como Miss Pudd
En el estanque dorado (1981) como Ethel Trayer
La última solución de Grace Quigley (1985) como Grace Quigley
Laura Lansing durmió aquí (1986) como Laura Lansing
Un asunto de amor (1994) como Tia Ginny
Adivina quién viene esta noche

Obras teatrales
1928
The Czarina: Lady-In-Waiting
The Cradle Snatchers: Flapper
The Big Pond: Barbara
These Days: Veronica Sims
Holiday Understudy
1929
Death Takes A Holiday: Grazia
1930
A Month In The Country: Katia
The Admirable Crichton: Lady Agatha Lasenby
The Romantic Young: Lady Amalia
Romeo & Juliet: Kinswoman to the Capulets
Art & Mrs Bottle: Judy Bottle
1931
The Animal Kingdom: Daisy Sage
1932
The Warrior's Husband: Antiope
The Bride The Sun Shines On: Psyche Marbury
1933
The Lake: Stella Surrege
1936
Jane Eyre: Jane Eyre
1939
The Philadelphia Story: Tracy Samantha Lord
1942
Without Love: Jamie Coe Rowan
1950
As You Like It: Rosalind
1952
The Millionairess: Epifanía
1957
The Merchant Of Venice: Portia
Much Ado About Nothing: Beatrice
1960
Twelfth Night: Viola
Antony & Cleopatra: Cleopatra
1969
Coco: Coco Chanel
1976
A Matter Of Gravity: Mrs Basil
1981
West Side Waltz Margaret: Mary Elderdice

Premios Óscar
Año Categoría Película Resultado
1981 Mejor actriz On Golden Pond Ganadora
1968 Mejor actriz El león en invierno Ganadora[1]
1967 Mejor actriz Guess Who's Coming to Dinner Ganadora
1962 Mejor actriz Larga jornada hacia la noche Candidata
1959 Mejor actriz Suddenly, Last Summer Candidata
1956 Mejor actriz El farsante Candidata
1955 Mejor actriz Locuras de verano Candidata
1951 Mejor actriz La reina de África Candidata
1942 Mejor actriz La mujer del año Candidata
1940 Mejor actriz Historias de Filadelfia Candidata
1935 Mejor actriz Alice Adams Candidata
1933 Mejor actriz Gloria de un día Ganadora

↑ Hepburn compartió su Óscar con Barbra Streisand.
Globos de Oro
Año Categoría Película Resultado
1952 Mejor actriz - Comedia o musical La impetuosa Candidata
1956 Mejor actriz - Drama El farsante Candidata
1959 Mejor actriz - Drama Suddenly, Last Summer Candidata
1962 Mejor actriz - Drama Larga jornada hacia la noche Candidata
1967 Mejor actriz - Drama Guess Who's Coming to Dinner Candidata
1968 Mejor actriz - Drama El león en invierno Candidata
1981 Mejor actriz - Drama On Golden Pond Candidata
1992 Mejor actriz - Miniserie o telefilme The man upstairs Candidata

Premios BAFTA
Año Categoría Película Resultado
1953 Mejor actriz La impetuosa Candidata
1956 Mejor actriz Locuras de verano Candidata
1958 Mejor actriz El farsante Candidata
1967 Mejor actriz Guess Who's Coming to Dinner Ganadora
1968 Mejor actriz El león en invierno Ganadora
1981 Mejor actriz On Golden Pond Ganadora

Festival Internacional de Cine de Venecia
Año Categoría Película Resultado
1934 Premio a la mejor actriz Las cuatro hermanitas Ganadora

Festival Internacional de Cine de Cannes
Año Categoría Película Resultado
1962 Premio a la mejor actriz Larga jornada hacia la noche Ganadora

Festival de Montreal
Año Categoría Resultado
1984 Premio de Honor a toda una vida dedicada al cine Ganadora

Premios Tony
Año Categoría Película Resultado
1969 Premio a la mejor actriz en musical Coco Candidata
1981 Premio a la mejor actriz dramática The West Wide Waltz Candidata

Premios Emmy
Año Categoría Película Resultado
1973 Premio a la mejor actriz El zoo de cristal Candidata
1975 Premio a la mejor actriz Love among the Ruins Ganadora
1979 Premio a la mejor actriz The corn is green Candidata
1986 Premio a la mejor actriz Miss Delafield quiere casarse Candidata

Premio de los Círculos de críticos de Chicago, Nueva York y Kansas
Año Categoría Película Resultado
1940 Premio a la mejor actriz (Chicago) Historias de Filadelfia Ganadora
1973 Premio a la mejor actriz (Kansas City) Las troyanas Ganadora
1981 Premio a la mejor actriz(Nueva York) On Golden Pond Ganadora

Premios Golden Laurel
Año Categoría Película Resultado
1960 Premio a la mejor actriz De repente, el último verano Candidata
1968 Premio a la mejor actriz El león en invierno Ganadora

Premios del Sindicato de Actores
Año Categoría Película Resultado
1994 Premio a la mejor actriz La última Navidad Candidata

Ha recibido 760 puntos

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Gregory Peck

7. Gregory Peck

Eldred Gregory Peck (n. 5 de abril de 1916 - m. 12 de junio de 2003), conocido como Gregory Peck, fue un actor del cine clásico estadounidense ganador del premio Óscar. Primeros años Eldred Gregory Peck nació en San Diego (California) en medio de la comunidad de La Jolla, hijo de Gregory... Ver mas
Eldred Gregory Peck (n. 5 de abril de 1916 - m. 12 de junio de 2003), conocido como Gregory Peck, fue un actor del cine clásico estadounidense ganador del premio Óscar.


Primeros años
Eldred Gregory Peck nació en San Diego (California) en medio de la comunidad de La Jolla, hijo de Gregory Pearl Peck, un farmacéutico de ascendencia anglo-irlandesa y Bernice Mae Ayres, de ascendencia escocesa, pero también tenía raices armenias. El padre de Peck era católico y su madre se convirtió al catolicismo después de casarse. A pesar de ese estricta vida centrada en el catolicismo, sus padres se divorciaron cuando él era aún muy niño y su infancia transcurrió en compañía de su abuela, una gran aficionada al cine. De padre farmacéutico, se propuso estudiar Medicina, pero abandonó la idea en la Universidad de Berkeley, cuando descubrió su vocación por la interpretación en el grupo de teatro de la facultad. Fue a actuar y a estudiar interpretación a Nueva York, en la famosa Neighborhood Playhouse. En 1941 debutó en el teatro, en Broadway, con obras como The morning star o The Willow and I.

Carrera cinematográfica
En 1944 abandonó los escenarios para centrar su carrera en el cine. Su debut cinematográfico se produjo con Days of Glory (1944), película dirigida por el director francés Jacques Tourneur.

El éxito le llegó con su segunda película, Las llaves del reino (1944), de John M. Stahl, por la cual fue nominado al Óscar por primera vez.

En 1945, Alfred Hitchcock le confió el papel protagonista de Recuerda, coprotagonizada por Ingrid Bergman, y dos años más tarde conmovió a los espectadores en la apasionada y trágica escena final de Duelo al sol de King Vidor, (1947), con Jennifer Jones.

Actor de recursos relativamente limitados en cuanto a su versatilidad, pero sobrio y eficaz, dueño de una sólida prestancia escénica e innegable atractivo masculino, cuya característica principal era la destacable expresión de su torva mirada con que remarcaba sus personajes. Intervino en westerns, comedias, películas bélicas, románticas y costumbristas, etc.

Algunos de los títulos de los filmes que interpretó son: La barrera invisible (1947); Cielo amarillo (1948); El mundo en sus manos (1952); Vacaciones en Roma (1953); Horizontes de grandeza (1958); La hora final (1959); El cabo del terror (1962); Matar un ruiseñor (1962), por la que ganó un Óscar; Arabesco (1966); El oro de Mackenna (1969); Yo vigilo el camino (1970), La profecía (1976), Los niños del Brasil (1978) y The Scarlet and the Black (1983).

Una de sus más logradas interpretaciones y quizás la más recordada fue la del intrincado capitán Ahab en Moby Dick, dirigida por John Huston en 1956.

Mantuvo un prolongado status como estrella de Hollywood de los años cuarenta, cincuenta y sesenta, iniciando su declive artístico en los setenta. Sin embargo, es uno de los pocos mitos clásicos de Hollywood que se había mantenido en activo hasta finales del siglo XX.


Vida personal
Mantuvo una entrañable amistad con la actriz Audrey Hepburn y cultivó una imagen de hombre recto e integro en su vida pública, realizó obras altruistas humanitarias junto a la Hepburn. En 1942 contrajo matrimonio con Greta Rice, de la que terminó divorciándose en 1955 para contraer segundas nupcias con la periodista francesa Veronique Passani.

Actividad social

Gregory Peck en 2000.En sus últimos años estuvo muy vinculado a la vida cultural de Los Angeles, al frente de uno de los programas de la biblioteca de esta ciudad para promocionar la lectura. Peck estuvo al frente de numerosas obras de caridad y movimientos políticos. Presidió la Sociedad Americana del Cáncer, el Instituto Americano del Cine y la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood.

Filmografía
Días de gloria (Days of Glory) (1944), de Jacques Tourneur.
Las llaves del reino (The Keys of the Kingdom) (1944), de John M. Stahl.
El valle del destino (The Valley of Decision) (1945), de Tay Garnett.
Recuerda (Spellbound) (1945), de Alfred Hitchcock.
El despertar (The Yearling) (1946), de Clarence Brown.
Duelo al sol (Duel in the Sun) (1946), de King Vidor.
Pasión en la selva (The Macomber Affair) (1947), de Zoltan Korda.
La barrera invisible (Gentleman's Agreement) (1947), de Elia Kazan.
El proceso Paradine (The Paradine Case) (1947), de Alfred Hitchcock.
Cielo amarillo (Yellow Sky) (1948), de William A. Wellman.
El gran pecador (The Great Sinner) (1949), de Robert Siodmak.
Almas en la hoguera (Twelve O'Clock High) (1949), de Henry King.
El pistolero (The Gunfighter) (1950), de Henry King.
El hidalgo de los mares (Captain Horatio Hornblower R.N.) (1951), de Raoul Walsh.
Sólo el valiente (Only the Valiant) (1951), de Gordon Douglas.
David y Betsabé (David and Bathsheba) (1951), de Henry King.
Las nieves del Kilimanjaro (The Snows of Kilimanjaro) (1952), de Henry King.
El mundo en sus manos (The World in His Arms) (1952), de Raoul Walsh.
El millonario (The Million Pound Note) (1953), de Ronald Neame.
Vacaciones en Roma (Roman Holiday) (1953), de William Wyler.
Decisión a medianoche (Night People) (1954), de Nunnally Johnson.
Llanura roja (The Purple Plain) (1954), de Robert Parrish.
El hombre del traje gris (The Man in the Gray Flannel Suit) (1956), de Nunnally Johnson.
Moby Dick (Moby Dick) (1956), de John Huston.
Mi desconfiada esposa (Designing Woman) (1957), de Vincente Minnelli.
El vengador sin piedad (The Bravados) (1958), de Henry King.
Horizontes de grandeza (The Big Country) (1958), de William Wyler.
La cima de los héroes (Pork Chop Hill) (1959), de Lewis Milestone.
Días sin vida (Beloved Infidel) (1959), de Henry King.
La hora final (On the Beach) (1959), de Stanley Kramer.
Los cañones de Navarone (The Guns of Navarone) (1961), de J. Lee Thompson.
El cabo del miedo (Cape Fear) (1962), de J. Lee Thompson.
La conquista del Oeste (How the West Was Won) (1962), de George Marshall, Henry Hathaway, John Ford y Richard Thorpe.
Matar un ruiseñor (To Kill a Mockingbird) (1962), de Robert Mulligan.
Capitán Newman (Captain Newman, M.D.) (1963), de David Miller.
Y llego el día de la venganza (Behold a Pale Horse) (1964), de Fred Zinnemann.
Espejismo (Mirage) (1965), de Edward Dmytryk.
Arabesco (Arabesque) (1966), de Stanley Donen.
La noche de los gigantes (The Stalking Moon) (1968), de Robert Mulligan.
El oro de Mackenna (Mackenna's Gold) (1969), de J. Lee Thompson.
La sombra del zar amarillo (The Chairman) (1969), de J. Lee Thompson.
Atrapados en el espacio (Marooned) (1969), de John Sturges.
Yo vigilo el camino (I Walk the Line) (1970), de John Frankenheimer.
Círculo de fuego (Shoot Out) (1971), de Henry Hathaway.
Billy dos sombreros (Billy Two Hats) (1974), de Ted Kotcheff.
La profecía (The Omen) (1976), de Richard Donner.
Mac Arthur, el general rebelde (MacArthur) (1977), de Joseph Sargent.
Los niños del Brasil (The Boys from Brazil) (1978),de Franklin J. Schaffner.
Lobos marinos (The Sea Wolves) (1980), de Andrew V. McLaglen.
Azules y grises ( The Blue and the Gray) (TV) (1982), de Andrew V. McLaglen
Escarlata y negro (The Scarlet and the Black) (TV) (1983), de Jerry London.
La voz del silencio (Amazing Grace and Chuck) (1987), de Mike Newell.
Gringo viejo (Old Gringo) (1989), de Luis Puenzo.
Con el dinero de los demás (Other People's Money) (1991), de Norman Jewison.
El cabo del miedo (Cape Fear) (1991), de Martin Scorsese.
El retrato (The Portrait) (TV) (1993), de Arthur Penn.
Moby Dick (Moby Dick) (TV) (1998), de Franc Roddam.
Premios
Premios Oscar
Año Categoría Película Resultado
1967 Premio Humanitario Jean Hersholt Ganador
1962 Mejor Actor Matar un ruiseñor Ganador
1949 Mejor Actor Henry King Candidato
1947 Mejor Actor La barrera invisible Candidato
1946 Mejor Actor El despertar Candidato
1944 Mejor Actor Las llaves del reino Candidato

BAFTA
Año Categoría Película Resultado
1962 Mejor Actor - Extranjero Matar un ruiseñor Candidato
1953 Mejor Actor - Extranjero Vacaciones en Roma Candidato




Festival Internacional de Cine de San Sebastián
Año Categoría Resultado
1986 Premio Donostia Ganador

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Rita Hayworth

8. Rita Hayworth

Rita Hayworth (Nueva York, 17 de octubre de 1918 — id., 14 de mayo de 1987) fue una de las actrices más emblemáticas de la época dorada del cine estadounidense. Además de ser símbolo sexual indiscutible de la década de 1940, es considerada como una de las grandes estrellas del Séptimo Arte... Ver mas
Rita Hayworth (Nueva York, 17 de octubre de 1918 — id., 14 de mayo de 1987) fue una de las actrices más emblemáticas de la época dorada del cine estadounidense. Además de ser símbolo sexual indiscutible de la década de 1940, es considerada como una de las grandes estrellas del Séptimo Arte.

Biografía
Hija del bailarín Eduardo Cansino, natural de Castilleja de la Cuesta (Sevilla, España), y de Volga Haworth, de origen irlandés. Rita empezó su carrera como bailarina junto a su padre, y con su nombre real, a la temprana edad de 13 años.

Llegó a Hollywood en 1933, y desde 1935 actuó como actriz en papeles secundarios, realizando muchas películas de serie B en las que sobre todo destacó por sus dotes para la danza, o por su elegante aspecto. De esta etapa destaca la película Charlie Chan en Egipto (1937), de Louis King, película perteneciente a la saga dedicada al célebre detective oriental, en la que trabajó junto a Warner Oland, que encarnaba a Chan.

Fue su marido, por aquel entonces Edward Judson, quien la lanzó al estrellato, convirtiéndola en su mejor inversión personal. Judson le consiguió un contrato con Columbia Pictures, productora que necesitaba de estrellas importantes y a quien la actriz acabaría colocando entre las primeras compañías cinematográficas, reportándole a la empresa millonarios ingresos sólo con su presencia. Rita Hayworth es la Columbia, dijo Frank Sinatra. Para entonces, Harry Cohn, magnate de la productora, se enamoró de ella. La presión y las disputas por este motivo entre la actriz y el productor, darían mucho qué hablar entre los profesionales de la industria, y él estuvo toda la vida obsesionado con ella, que no respondió nunca a sus requerimientos amorosos.


Hayworth en octubre 1941.Su primer papel importante fue como actriz secundaria en la película: Sólo los ángeles tienen alas (1939), de Howard Hawks, lo que hizo que la crítica cinematográfica se empezara a fijar en ella. Ella poseía una personalidad tímida y bondadosa, que contrastaba con su fuerza y enorme impacto en la pantalla; en este film, compartió cartel con Cary Grant, Jean Arthur y Thomas Mitchell. Luego rodó una comedia junto a Brian Aherne: Una dama en cuestión (1940), de Charles Vidor.

Rita ingresó triunfante en la Twenty Century Fox (compañía que años atrás la había rechazado), reclamada por el director Rouben Mamoulian, para interpretar a Doña Sol en la superproducción basada en la novela de Vicente Blasco Ibáñez, Sangre y arena (1941), junto a Tyrone Power y Linda Darnell. Esta película significó su lanzamiento como sex symbol indiscutible durante toda una década. Su carrera la convirtió en una de las grandes estrellas de su época y en la actriz mejor pagada del cine.

Luego intervino en dos comedias musicales de amplio eco popular, junto a Fred Astaire: Desde aquel beso (1941), de Sidney Lamfield, y Bailando nace el amor (1942), de William A. Seiter. Estos éxitos y su talento la llevaron a protagonizar un musical ya clásico, Las modelos (1944), de Charles Vidor, junto a Gene Kelly y Phil Silvers, filme innovador en su día, al trasladar los números de baile de salón a ambientaciones callejeras. En esa época rodó The Strawberry Blonde (1941), de Raoul Walsh, junto a James Cagney y Olivia de Havilland; Mi chica favorita (1942), de Irving Cummings una cinta de corte biográfico junto a Victor Mature y Carole Landis; y Esta noche y todas las noches (1945), de Victor Saville, un musical que fluctúa entre la comedia y el drama de tono menor, junto a Lee Bowman y Janet Bla

Gilda

No obstante, su fama como mito erótico se consolidó con Gilda (1946), de Charles Vidor, una de las grandes películas del cine negro, en la que tan sólo con un brevísimo, pero sugerente strip-tease, y la recepción de una bofetada consiguió récords de taquilla en todo el mundo. Dicha bofetada se convertiría en la más famosa de la historia del cine estadounidense, y fue propinada por su pareja en el film, Glenn Ford, en respuesta a la que Hayworth le había dado momentos antes.

La película fue un escándalo, y en países como España fue considerada "gravemente peligrosa" por la Iglesia Católica, debido a su strip-tease insinuante, en la famosa escena donde se quita un guante. Esta película la hizo inmensamente famosa, hasta el punto de que se colocó su imagen en la bomba atómica de pruebas arrojada por Estados Unidos sobre las Islas Bikini. Dado el carácter pacifista de la actriz, este hecho la indignó profundamente. También ocasionó una histérica expedición a la Cordillera de los Andes, a fin de enterrar allí una copia de la película, para que se conservase en caso de un desastre nuclear.

Este momento de fama internacional también coincide con una de sus crisis en lo personal: su matrimonio con Ali Khan entró en crisis, y ella declaró a la prensa una frase que se haría célebre: «Todos los hombres que conozco se acuestan con Gilda, pero se levantan conmigo».

La suerte profesional parece ir en racha, y en 1948 rueda, junto a su nuevo marido, el director Orson Welles, un filme que fue en su día maldito, pero que resultó de enorme trascendencia: La dama de Shangai.

La película no tuvo mucho éxito comercial porque Welles le cortó el pelo, la tiñó de rubio platino, le dio un papel de arpía y la mató al final de la película, cosa que no gustó mucho a su público. Sin embargo, forma parte de la mitología del cine por su narrativa, estilística y ritmo, y Rita Hayworth declaró años después que «sabía que estábamos haciendo un clásico mientras la rodábamos».

Gilda, el papel más importante de su carrera, fue también el que marcó el inicio de su declive como estrella de Hollywood, ya que nunca consiguió el mismo éxito como símbolo sexual en ninguna de sus películas posteriores. Sin embargo, fue y es la película que la convirtió en una actriz inolvidable: Nunca hubo una mujer como Gilda, se dijo.


Hayworth como Rosalind Bruce en Tonight and Every Night (1945).Otros títulos destacados de su filmografía son Los amores de Carmen (1948) y La dama de Trinidad (1952), que no lograron reeditar el éxito de Gilda, pese a repetir pareja protagonista con Glenn Ford (para el escritor y cinéfilo Terenci Moix, Rita fue la mejor 'Carmen' del cine); Salomé (1953), de William Dieterle, recreando la historia bíblica, junto a Stewart Granger y Charles Laughton; La bella del Pacífico (1953), de Curtis Bernhardt, nueva versión de un clásico de William Somerset Maugham ya adaptado para el cine en la década de 1920; Pal Joey (1957), que fue su último musical, rotundo triunfo de la actriz en su madurez física e interpretativa, que incluye un número que ha pasado a la historia del género; Fuego escondido (1957), de Robert Parrish, junto a Robert Mitchum y Jack Lemmon; y Mesas separadas(1958), de Delbert Mann, junto a Burt Lancaster, Deborah Kerr, Wendy Hiller y David Niven.

Rita nunca fue nominada a los premios Oscar. Pero asistió a la 36ª ceremonia de los Oscars, para entregar el premio a la mejor dirección.

Durante la década de 1950 y principios de la de 1970 trabajó en producciones modestas, de serie B, y en algunas coproducciones europeas, mostrando su declive físico e intelectual, ya que comenzaba a mostrar síntomas de la Enfermedad de Alzheimer, que le impedía memorizar bien los guiones.

En este interín se retiró a la Argentina unos años, mas especificamente a la ciudad de Puerto Madryn, la cual le habia sido recomendada por el aire marítimo y el clima Patagónico. Este se consideraba en aquellas epocas beneficioso para detener el avance de la enfermedad memorial que la acosaba.

De esta última etapa destacan tres títulos: El fabuloso mundo del circo (1964) de Henry Hathaway, junto a John Wayne y Claudia Cardinale; El aventurero (1967), de Terence Young, junto a Anthony Quinn; y La ira de Dios (1972), de Ralph Nelson), que fue su última interpretación en la gran pantalla.

Vida privada

Rita Hayworth en 1977Se llegó a casar 5 veces: las dos ya mencionadas, con Edward Judson y Orson Welles, tuvieron una hija Rebecca. Con el principe Ali khan con el que tuvo a su segunda hija Yasmín Khan; con el actor Dick Haymes, y con James Hill, director de Nacida libre.

Para empezar a trabajar en el cine tuvieron que someterla a una transformación que consistió básicamente en estrictas dietas alimenticias para adelgazar, y someterla a electrólisis para acentuarle el pico del pelo de la frente.

Antes de cumplir los 50 años empezó a tener problemas de memoria. Padecía la Enfermedad de Alzheimer, enfermedad no diagnosticada en la época y que se confundió con alcoholismo.

Murió en el año 1987, a los 68 años, víctima de dicha enfermedad, que padecía desde la década de 1960, pero que no le fue diagnosticada hasta 1980. Está sepultada en el Cementerio de Holy Cross en Culver City, California.

Rita Hayworth es considerada uno de las estrellas indiscutibles del cine, una mujer de mucha belleza e instinto para la interpretación, con una personalidad y una profundidad que trascendió su trabajo en el cine y que, como afirmó el director George Cukor, consiguió que sus fans se interesasen por la persona más que por sus personajes.

Tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood Boulevard en 1645 Vine Street.

Filmografía

Hayworth en Sangre y Arena.Cruz del diablo (1934)
La nave de Satan (1935)
Charlie Chan en Egipto (1935)
Contrabando humano (1936)
Juego mortal (1937)
Siempre hay una mujer (1938)
Sólo los ángeles tienen alas (1939)
Una dama en cuestión (1940)
La pelirroja (1941)
Sangre y arena (1941)
Desde aquel beso (1941)
Mi chica favorita (1942)
Bailando nace el amor (1942)
Las modelos (1944)
s las noches (1945)
Gilda (1946)
La diosa de la danza (1946), de Alexander Hall
La dama de Shangai (1947)
Los amores de Carmen (1948)
La dama de Trinidad (1952)
Salomé (1953)
La bella del Pacífico (1953)
Fuego escondido (1957)
Pal Joey (1957)
Mesas separadas (1958)
Llegaron a Cordura (1959)
Sangre en primera página (1959)
El último chantaje (1962)
El maravilloso mundo del circo (1964)
Las flores del diablo (1966)
El aventurero (1967)
La ira de Dios (1972)

Ha recibido 676 puntos

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Vivien Leigh

9. Vivien Leigh

Vivien Leigh (n. 5 de noviembre de 1913 - m. 7 de julio de 1967), nombre artístico de Vivian Mary Hartley, fue una actriz británica ganadora del premio Óscar en dos ocasiones. Es principalmente recordada como Scarlett O’Hara en la superproducción romántica Lo que el viento se llevó y es... Ver mas
Vivien Leigh (n. 5 de noviembre de 1913 - m. 7 de julio de 1967), nombre artístico de Vivian Mary Hartley, fue una actriz británica ganadora del premio Óscar en dos ocasiones. Es principalmente recordada como Scarlett O’Hara en la superproducción romántica Lo que el viento se llevó y es considerada una de las más grandes y bellas actrices de la época de oro del cine estadounidense.


Vida y carrera
Nació en la India, de padres ingleses que pertenecían a una familia acomodada residente en Inglaterra.

Primeros años
Desde una edad temprana demostró su inclinación por la interpretación, actuando en los diversos montajes teatrales que se organizaban en los distintos colegios a los que asistió. Más adelante estudió en la Royal Academy of Dramatic Art con el fin de perfeccionar sus aptitudes interpretativas. Debutó en el teatro en 1934 con la obra The Green Sash, y al año siguiente en el cine con Things are looking up, participó como modelo y tuvo que aprender a ocultar un gran defecto: sus grandes manos.

Tras una función en el teatro Lyric conoció a Laurence Olivier, famoso por sus adaptaciones de las obras de Shakespeare, del que se enamoró y con el que también formó pareja artística. Se casaron en 1940 después del divorcio de sus respectivas parejas y tuvieron una sencilla ceremonia en San Ysidro Ranch, Santa Barbara (California) a la que acudieron sus testigos Katharine Hepburn y Garson Kanin.

Vivien siguió actuando en diversas películas británicas como Un yanki en Oxford (1938) y Callejón sin salida (1938).

«Lo que el viento se llevó»
La fama mundial le llegó cuando David O. Selznick se fijó en ella para que protagonizara la versión cinematográfica de la novela de Margaret Mitchell Lo que el viento se llevó (1939).

Inicialmente Leigh no fue barajada para el papel de Scarlett O´Hara pues no era una actriz conocida en los Estados Unidos. Hizo una audición en Hollywood y fue elegida de entre un grupo de grandes estrellas como Lucille Ball (quien ya tenía el papel casi seguro), Carole Lombard (la esposa de Clark Gable), Paulette Goddard, Jean Arthur, Joan Bennett, Bette Davis (quien rechazó el papel por haber hecho un año antes Jezabel) y Katharine Hepburn. Parece que Vivien obtuvo el papel gracias a George Cukor, quien iba a dirigir la película hasta que fue sustituido por Victor Fleming. Se cuenta que Cukor fue apartado del proyecto por orden de Clark Gable, quien se sentía incómodo porque Cukor conocía ciertos detalles comprometedores de su pasado.

Durante años corrió un falso rumor de que en el set Vivien no estaba cómoda ya que Clark Gable y ella no se llevaban bien fuera del set y siempre discutían por el mal aliento que Clark se propiciaba para desagradar a Vivien.

Olivia de Havilland, la única actriz que aún vive de los actores principales, la recuerda como «una mujer muy dulce y profesional» refiriéndose a que Vivien que era inglesa tuvo que aprender el acento sureño.

Su actuación inolvidable como Scarlett O’Hara la catapultó a la fama mundial haciendo de ella una de las actrices más reconocidas de todos los tiempos tras Bette Davis y Katharine Hepburn. Esa interpretación le valió un premio Óscar de la Academia.

Un tranvía llamado deseo y últimos años
A pesar del éxito que le proporcionó este título, Vivian seguiría prefiriendo el teatro al cine, y en las posteriores décadas sólo participó en contadas películas, entre las que destaca Un tranvía llamado deseo (1951), por la que obtuvo su segundo Óscar.

Actuó en Broadway en Tovarich que le valió su primer premio Tony. Pero su precario estado de salud le impedía desarrollar su carrera con normalidad, y las tormentosas relaciones con su marido, Laurence Olivier, tampoco ayudaron a Vivien. Terminaron divorciándose en 1960 y ella se instaló a vivir junto al también actor John Merivale.

Es considerada una de las mujeres más bellas de la pantalla grande por sus finas facciones y sus imponentes ojos que deslumbraron a más de un hombre.

Después de un tiempo Vivien fue al doctor quien le diagnosticó un regreso de una tuberculosis de la que años antes se había curado, se le prohibió actuar y exponerse a los cambios climáticos.

En su reposo, Vivien comenzó a preparar su vuelta a los escenarios, regreso que jamás pudo cumplir.

[editar] Muerte
Después de una larga agonía prolongada a causa de una avanzada tuberculosis, Leigh moriría la noche del 7 de julio de 1967. Después de arreglar sus flores y atender a sus amigos, cansada se retiró a su cuarto. Tenía tan sólo 53 años. Fue hallada muerta en la habitación de su apartamento londinense en el 54 Eaton Square por su entonces pareja sentimental John Merivale , quien rápidamente llamó a Laurence Olivier. Este —según los artículos de la época— fue el más afectado por la muerte de Leigh.

Laurence Olivier se encontraba ingresado en el hospital, pero al ser avisado de la noticia pidió el alta voluntaria y acudió inmediatamente al lado de Vivien. Él mismo relata en sus memorias, que permaneció junto a ella a solas «pidiéndose perdón por todo el daño que se habían hecho». Siempre la recordaría como el gran amor de su vida.

Le sobreviven su hija, nietos y bisnietos, que permanecen en el anonimato.

Datos curiosos
Desde que se casó con sir Laurence Olivier hasta su muerte nunca se quitó el título de Lady Olivier.

Ha recibido 658 puntos

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James Stewart

10. James Stewart

James Maitland Stewart (20 de mayo de 1908 – 2 de julio de 1997), popularmente conocido como Jimmy Stewart especialmente en Estados Unidos, fue un actor de cine, teatro y televisión estadounidense ganador del Premio Óscar, famoso por su particular personalidad en la pantalla. Durante el... Ver mas
James Maitland Stewart (20 de mayo de 1908 – 2 de julio de 1997), popularmente conocido como Jimmy Stewart especialmente en Estados Unidos, fue un actor de cine, teatro y televisión estadounidense ganador del Premio Óscar, famoso por su particular personalidad en la pantalla. Durante el transcurso de su carrera actuó en varias películas consideradas clásicos y fue nominado cinco veces al Premio Óscar, ganando una vez en competencia y recibiendo uno por su trayectoria. También tuvo una notable carrera militar alcanzando el grado de Brigadier General en la Fuerza aérea de los Estados Unidos.

Nació en Indiana, Pennsylvania cerca de Pittsburgh, inicialmente persiguió una carrera como arquitecto antes de ser atraído por el teatro en la Universidad de Princeton. Sus primeros éxitos vinieron como actor en el teatro de Broadway, antes de realizar su debut en Hollywood en 1935. La carrera de Stewart llegó a tener gran reconocimiento después de sus bien recibidas películas del director Frank Capra, incluyendo su rol que lo nominó al Premio de la Academia en Mr. Smith Goes to Washington. A través de sus siete décadas en Hollywood, Stewart cultivó una carrera versátil y reconocida en el cine con clásicos tales como The Philadelphia Story, Harvey, It's a Wonderful Life, Rear Window, Rope, y Vertigo. Es el actor más representativo de la lista de AFI's 100 Years... 100 Movies (10th Anniversary Edition). Desde 2007, 10 de sus películas han sido incluídas en el United States National Film Registry.

Stewart dejó su marca en una amplia gama de géneros de cine, incluyendo comedias screwball, westerns, biográficos, suspense thrillers y películas familiares. Trabajó para numerosos directores reconocidos posteriormente en sus carreras, como Alfred Hitchcock, John Ford, Billy Wilder, Frank Capra y Anthony Mann. Ganó muchos de los honores más grandes de la industria y logró el Premio a la Trayectoria de todas las grandes organizaciones del cine. Falleció en 1997, dejando detrás de sí un legado de interpretaciones clásicas, y es considerado uno de los mejores actores de la Época Dorada de Hollywood. Fue nombrado en el tercer lugar Anexo:AFI's 100 años... 100 estrellas en una lista de los 50 actores y actrices más célebres del cine estadounidensede, formulada por la American Film Institute.


Biografía
Infancia y juventud
James Maitland Stewart nació el 20 de mayo de 1908 en Indiana, Pennsylvania, hijo de Elizabeth Ruth (apellido de soltera: Jackson) y Alexander Maitland Stewart, dueño de una ferretería. Ambos eran presbiterianos y de origen escocés. Sus ascendientes Jackson participaron en la Revolución estadounidense, la guerra de 1872 y la Guerra civil. El mayor de tres hijos (tuvo dos hermanas menores, Virginia y Mary), esperaban que continuase el negocio de su padre, que había estado en la familia durante tres generaciones.

Su madre era una pianista excelente pero su padre desalentaba a su hijo cuando éste quería tomar lecciones. Cuando su padre aceptó un acordeón regalado por un amigo, Stewart rápidamente aprendió a tocar el instrumento, lo que seguiría haciendo durante su carrera después de las actuaciones. Al crecer la familia la música continuó teniendo una parte importante en ella.

Fue un joven tímido, Stewart pasó gran parte de su tiempo después del colegio trabajando en el sótano de la casa en modelos de aviones, dibujos mecánicos y química — teniendo en mente el sueño de ser piloto. Pero abandonó sus sueños de convertirse en piloto cuando su padre insistió que en lugar de ir a la Academia Naval ingresara en la Universidad de Princeton. Stewart se matriculó en 1928 como miembro de la Clase de 1932. Antes se había graduado de la preparatoria Mercersburg Academy.

En Mercersburg, Stewart participó activamente en diversas actividades. Jugó en el Equipo de football y en el de atletismo. Fue director de arte del anuario KARUX y miembro del club de coro, de música glee, y de la Sociedad Literaria John Marshall. Durante sus primeras vacaciones de verano, Stewart regresó a Indiana, Pennsylvania, para trabajar como cargador de ladrillos para una compañía de construcción local en la construcción de carreteras y caminos donde pintaba las líneas en el camino. En los siguientes dos veranos tomó un trabajo como asistente de un mago profesional.[6] También realizó su primera aparición en teatro en Mercersburg, como Buquet en la obra The Wolves.

En Princeton, Stewart sobresalió estudiando arquitectura, impresionando de tal manera a su profesor con su tesis sobre el diseño de un aeropuerto, que se le otorgó una beca para estudios de post-grado,[8] pero gradualmente se sintió atraído por los clubes de drama y música de la escuela, incluyendo el famoso Princeton Triangle Club.[9] Fue miembro del Princeton Charter Club así como cheerleader. Durante sus tiempos libres se entretenía yendo al cine en la época en que el cine sonoro estaba recién reemplazando al cine mudo.

Sus talentos en la actuación lo llevaron a ser invitado a los University Players, un club de actuación de músicos y "thespians" de la Ivy League, con Joshua Logan como director y Margaret Sullavan como la actriz principal. Stewart inmediatamente se sintió atraído por ella, pero Sullavan pronto dejaría al grupo para su debut en Broadway en A Modern Virgin.Después de graduarse interpretó pequeños papeles en el verano de 1932 en las producciones en Cape Cod de Players, cuando se unió a la tropa que incluía a Henry Fonda y Sullavan (quienes súbitamente decidieron contraer matrimonio). Stewart se mudó a la Ciudad de Nueva York en el otoño para convertirse en actor, con la esquiva aprobación de su padre, donde compartió un departamento con Henry Fonda, puesto que se había divorciado rápidamente de Sullavan, y con Joshua Logan. En noviembre, Stewart fue contratado para su primera gran producción teatral como un chófer en la comedia Goodbye Again en Broadway, teniendo sólo dos líneas. The New Yorker destacó, "El Sr. James Stewart como chófer... aparece sólo durante tres minutos y se va del escenario rodeado de espontáneos aplausos."

Si bien la obra tuvo un éxito moderado la época era complicada. Muchos teatros en Broadway habían sido convertidos en pequeños cines y la depresión estaba llegando a su peor momento. "Desde 1932 hasta 1934", Stewart recordó posteriormente, "Sólo trabajé tres meses. Todas las obras en las que estaba cerraron." Para 1934, obtuvo roles teatrales con más substancia, incluyendo el exitoso Page Miss Glory y su primer rol dramático teatral en Yellow Jack de Sidney Howard, que lo convenció de proseguir en su carrera como actor. Sin embargo, Stewart y Fonda, todavía compañeros de cuarto, luchaban por salir adelante.

En el otoño de 1934, el éxito de Fonda en The Farmer Takes a Wife lo llevó a Hollywood. Finalmente, Stewart atrajo el interés del busca talentos de MGM Bill Grady quien vio a Stewart en la noche de estreno de Divided by Three, una première glamorosa que incluía entre el público a luminarias como Irving Berlin y Moss Hart y su amigo Fonda quien había regresado a Nueva York para ver el espectáculo. Con el apoyo de Fonda, Stewart accedió a hacer una prueba para la pantalla y firmó un contrato con MGM en abril de 1935, como actor contratado por un período de hasta siete años con un sueldo de $350 semanales.

Al llegar por tren a Los Angeles, Fonda le dio la bienvenida a Stewart en la estación y lo llevó a su departamento suministrado por el estudio, al lado de Greta Garbo. Su primer trabajo en el estudio fue como participante en las pruebas para la pantalla realizadas para los aspirantes a estrella recién llegados. Al comienzo tuvo problemas para ser contratado en las películas de Hollywood debido a su aspecto tímido y humilde en escena. Su primera película fue la mal recibida The Murder Man con Spencer Tracy, pero Rose Marie, una adaptación de la popular operetta, tuvo más éxito. Tras éxitos diversos en películas recibió su primer papel de peso en la versión de 1936 de After the Thin Man.

Éxito antes de la guerra
Servicio militar
Participó en la Segunda Guerra Mundial, lo que le llevó a simbolizar al estadounidense patriota, honorable y severo. Durante el conflicto, en lugar de dedicarse a tareas propagandísticas. eligió convertirse en piloto de bombardero. Sus dotes de mando le llevaron a ser uno de los pocos norteamericanos que pasaron de soldado a coronel en menos de cuatro años. Tras la guerra continuó su servicio en la reserva, llegando a ostentar el rango de general de brigada.

Éxito después de la guerra
Colaboraciones con Hitchcock y Mann
Trabajó con los directores más importantes, y su versatilidad como intérprete le permitió abordar muy diversos géneros. Intervino en más de ochenta filmes, siendo recompensado con cinco nominaciones a los Premios Óscar, de las que consiguió dos estatuillas (una como mejor actor, y otra como homenaje por toda su carrera). También fue galardonado con la Copa Volpi del Festival de Cine de Venecia, el Oso de Plata, del Festival de Cine de Berlín, y dos Globos de Oro, entre otros.

Carrera en las décadas de 1960 y 1970
Últimos años y fallecimiento
Stewart falleció a los 89 años de edad el 2 de julio de 1997, en su hogar en Beverly Hills, debido a un paro cardiorrespiratorio y un tromboembolismo pulmonar después de haber padecido por muchos años de problemas respiratorios. También había sufrido de la enfermedad de Alzheimer. Stewart está sepultado en Forest Lawn Memorial Park Cemetery en Glendale, California.

"Estados Unidos perdió un tesoro nacional hoy día," dijo el Presidente Bill Clinton el día en que Stewart falleció. "Jimmy Stewart fue un gran actor, un caballero y un patriota."

Vida privada
En 1949 contrajo matrimonio por primera y única vez con Gloria Hatrick McLean, con la que tuvo cuatro hijos.

Política
En política Stewart apoyaba al Partido Republicano.

Uno de sus mejores amigos era Henry Fonda, a pesar del hecho de que ambos tenían visiones políticas completamente diferentes. Una discusión política en la primavera de 1947 terminó en una pelea a manos entre los dos amigos, pero aparentemente mantuvieron la amistad gracias al acuerdo de no volver a hablar sobre política.[16] Hay una pequeña referencia sobre sus diferencias en política en sus personajes en la película The Cheyenne Social Club.

Filmografía
Artículo principal: Filmografía de James Stewart
Apareció en 92 películas desde los inicios de su carrera en 1935 hasta sus últimos proyectos en el teatro en 1991, televisión y cortos. En el transcurso de su ilustrada carrera, apareció en muchas películas exitosas y aclamadas por la crítica, incluyendo clásicos tales como Mr. Smith Goes to Washington, The Spirit of St. Louis y Vertigo. Sus roles en Mr. Smith Goes to Washington, The Philadelphia Story, It's a Wonderful Life, Harvey, y Anatomy of a Murder le valieron nominaciones al Premio de la Academia (ganó el premio a mejor actor por Philadelphia Story). La carrera de Stewart desafió los límites de género y tipo, y dejó su marca en las comedias screwball, los thrillers de suspense, los westerns, las biografías y las películas familiares.

Actuaciones en Broadway
Carry Nation (octubre de 1932–noviembre de 1932)
Goodbye Again (diciembre de 1932–julio de 1933)
Spring in Autumn (octubre de 1933–noviembre de 1933)
All Good Americans (diciembre de 1933–enero de 1934)
Yellow Jack (mayo de 1934)
Divided By Three (octubre de 1934)
Page Miss Glory (noviembre de 1934–marzo de 1935)
A Journey By Night (abril de 1935)
Harvey (julio–agosto de 1947; Julio–agosto de 1948 - reemplazando por vacaciones a Frank Fay)
Harvey (revival, febrero de 1970–mayo de 1970)
Film industry awards
Año Nominación Película ¿Resultado?
Premios Óscar
1940 Mejor actor Mr. Smith Goes to Washington No
1941 Mejor actor The Philadelphia Story Sí
1946 Mejor actor It's a Wonderful Life No
1951 Mejor actor Harvey No
1960 Mejor actor Anatomy of a Murder No
1985 Premio honorario Trayectoria Sí
Premios BAFTA
1955 Mejor actor extranjero The Glenn Miller Story No
1960 Mejor actor extranjero Anatomy of a Murder No
Premios Globos de Oro
1951 Mejor actor - Drama Harvey No
1963 Mejor actor - Musical o comedia Mr. Hobbs Takes a Vacation No
1965 Premio Cecil B. DeMille Trayectoria Sí
1974 Mejor actor de televisión - Drama Hawkins Sí
NYFCCs
1939 Mejor actor Mr. Smith Goes to Washington Sí
1959 Mejor actor Anatomy of a Murder Sí
Festival Internacional de Cine de Venecia
1959 Volpi Cup Mejor actor Anatomy of a Murder Sí
Festival Internacional de Cine de Berlín
1963 Silver Bear Best Actor Mr. Hobbs Takes a Vacation Sí
1982 Honorary Golden Bear Trayectoria Sí
Premios del Sindicato de Actores
1968 Trayectoria Trayectoria Sí
American Film Institute
1980 Trayectoria Trayectoria Sí
National Board of Review
1990 Trayectoria Trayectoria Sí

Ha recibido 629 puntos

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Gary Cooper

11. Gary Cooper

Frank James Cooper (n. 7 de mayo de 1901 - m. 13 de mayo de 1961), conocido como Gary Cooper, fue un actor estadounidense de ascendencia inglesa ganador del premio Óscar en dos ocasiones. [editar] Biografía Hijo de un emigrante inglés que llegó a ser juez de la Corte Suprema del Estado de... Ver mas
Frank James Cooper (n. 7 de mayo de 1901 - m. 13 de mayo de 1961), conocido como Gary Cooper, fue un actor estadounidense de ascendencia inglesa ganador del premio Óscar en dos ocasiones.


[editar] Biografía
Hijo de un emigrante inglés que llegó a ser juez de la Corte Suprema del Estado de Montana, trabajaba con sus padres en el rancho de su propiedad mientras acudía a la escuela. Más tarde, entra en el Wesleyan College, de Bozeman, para estudiar técnico agrícola, y en la Universidad de Grinnell (estado de Iowa), donde estudia arte. Sufre un accidente automovilístico que le afecta a la cadera. En aquella época aspiraba a ser caricaturista político y asistir a la Escuela de Arte de Chicago.

Abandona sus estudios y se traslada a Hollywood, donde, en 1925, debuta con La hora maldita ("The Thundering Herd"), rueda algunos cortos, y posteriormente actúa como actor secundario en varios westerns. Trabaja para la Paramount, adoptando el nombre de Gary Cooper.

En 1926 es contratado por la Metro-Goldwyn-Mayer y consigue su primer papel importante en Flor del desierto ("The Winning of Barbara Worth") dirigido por Henry King, lo que le convierte en uno de los actores más populares de Hollywood. Al año siguiente participa en el clásico "Alas", de William A. Wellman, donde seduce a Clara Bow dentro y fuera de la pantalla. El romance que mantiene con Clara Bow supone el empujón definitivo a su carrera artística. En 1929, protagoniza El virginiano (The Virginian), dirigida por Victor Fleming, pasando a ser una de las primeras estrellas del cine sonoro, con éxitos taquilleros y de crítica constantes: "Marruecos", "Las calles de la ciudad", "Entre la espada y la pared", "La mujer preferida", "Noche nupcial" o "El secreto de vivir".

En 1936, se coloca entre los actores más taquilleros, tras el éxito de Tres lanceros bengalíes ("The Lives of a Bengal Lancer"). En 1944 funda su propia productora, Internacional Pictures Inc., con la que produce y protagoniza Casanova Brown ("Casanova Brown") y El caballero del oeste ("Along came Jones").

Su gran popularidad se basaba en su estilo sobrio y natural a la hora de actuar. Era alto y desgarbado, encarnando mejor que nadie al "americano ideal", hombre íntegro y caballeroso.

Mantuvo una buena amistad con Picasso y con Ernest Hemingway, con quién coincidió en el rodaje de Adiós a las armas.

Fue miembro de la asociación anticomunista de actores Motion Picture Alliance for the Preservation of American Ideals. Pero a pesar de tener ideas conservadoras evitó delatar a sus compañeros de profesión durante la famosa Caza de brujas.

Aunque tuvo muchos romances, sólo se casó una vez, con la actriz Verónica Balfe. En especial, mantuvo una fuerte relación sentimental con la actriz Patricia Neal, desde que rodaron juntos El manantial ("The Fountainhead"), en 1949, idilio que finalizó tras protagonizar la pareja la película El rey del tabaco ("Bright Leaf", 1950), dado que la mujer del actor se negó a concederle el divorcio.

En su impresionante carrera rodó a las órdenes de los mejores directores de cada época: Clarence Brown, Frank Lloyd, Josef von Sternberg, Henry King, William A. Wellman, Frank Borzage, Lewis Milestone, Victor Fleming, Rouben Mamoulian, Ernst Lubitsch, Norman Z. McLeod, Stephen Roberts, Richard Boleslawski, Henry Hathaway, King Vidor, Frank Capra, Cecil B. De Mille, William Wyler, Howard Hawks, Sam Wood, Raoul Walsh, Michael Curtiz, Fred Zinnemann, Robert Aldrich, Billy Wilder, Anthony Mann, Delmer Daves o Robert Rossen.


Vivamos Hoy !También trabajó junto a algunas de las actrices estadounidenses más fascinantes del momento: Vilma Bánky, Clara Bow, Nancy Carroll, Gloria Swanson, Lupe Vélez (con la que tuvo un sonado romance), Marlene Dietrich, Sylvia Sidney, Fay Wray, Carole Lombard, Helen Hayes, Claudette Colbert, Joan Crawford, Jean Harlow, Jean Parker, Ida Lupino, Barbara Stanwyck, Jean Arthur, Joan Bennett, Merle Oberon, Susan Hayward, Teresa Wright, Ingrid Bergman, Lilli Palmer, Paulette Goddard, Patricia Neal, Ruth Roman,Sara Montiel, Grace Kelly, Audrey Hepburn, Dorothy McGuire, María Schell o Rita Hayworth.

Murió el 13 de mayo de 1961, días después de cumplir los 60 años, víctima de un cáncer.

Premios

Ingrid Bergman y Gary Cooper en Por quién doblan las campanas (1943)Obtuvo tres Óscar de la Academia de Artes y Ciencias cinematográficas de Hollywood.

En 1941 por su actuación en Sargento York ("Sergeant York"), de Howard Hawks.
En 1952 por la película Solo ante el peligro ("High noon"), de Fred Zinnemann.
El tercero en 1960, de carácter honorífico, por sus muchas y memorables interpretaciones y por su aportación a la industria del cine.
Fue nominado en otras tres ocasiones:

En 1936, por El secreto de vivir ("Mr. Deeds Goes to Town"), de Frank Capra.
En 1942, por El orgullo de los Yankis (The pride of the yankees), de Sam Wood.
En 1943, por Por quién doblan las campanas (For whom the bell tolls), también de Sam Wood, basado en el libro homónimo de Ernest Hemingway.
Entre el resto de su filmografía cabe destacar sus interpretaciones en Adiós a las armas (1932), Por quién doblan las campanas (1943), Los inconquistables (1947), Tambores lejanos (1951) y Veracruz (1954), en la que actuó junto a Sara Montiel.

Filmografía
[editar] 1925-1929
El águila negra (The Eagle) (1925)
The Lucky Horseshoe (1925)
La horda maldita (The Thundering Herd) (1925)
Tricks (1925)
El ocaso de una raza (The Vanishing American) (1925)
Promesa en prenda (Wild Horse Mesa) (1925)
La colina encantada (The Enchanted Hill) (1926)
Three Pals (1926)
Watch Your Wife (1926)
Flor del desierto (The Winning of Barbara Worth) (1926)
Camino de Arizona (Arizona Bound) (1927)
Hijos del divorcio (Children of Divorce) (1927)
Ello (It) (1927)
El último bandido (The Last Outlaw) (1927)
Nevada (Nevada) (1927)
Alas (Wings) (1927)
Beau Sabreur(1928)
Esclava por amor (Doomsday) (1928)
El primer beso (The First Kiss) (1928)
Solos en una isla (Half A Bride) (1928)
La legión de los condenados (The Legion of the Condemned) (1928)
El gran combate (Lilac Time) (1928)
El ángel pecador (The Shopworn Angel) (1928)
Perfidia (Betrayal) (1929)
Seven Days' Leave (1929)
El virginiano (The Virginian) (1929)
El canto del lobo (Wolf Song) (1929)
[editar] 1930-1939
A Man From Wyoming (1930)
Marruecos (Morocco) (1930)
Only The Brave (1930)
Galas de la Paramount (Paramount on Parade) (1930)
Sangre y oro (The Spoilers) (1930)
Todo un hombre (The Texan) (1930)
Las calles de la ciudad (City streets) (1931)
Caravanas bélicas (Fighting Caravans) (1931)
Una mujer a bordo (His Woman) (1931)
Acepto a esta mujer (I Take This Woman) (1931)
Entre la espada y la pared (Devil and the Deep) (1932)
Adiós a las armas (A Farewell to Arms) (1932)
Si yo tuviera un millón (If I Had a Million) (1932)
Make Me a Star (1932)
Alicia en el país de las maravillas (Alice in Wonderland) (1933)
Una mujer para dos (Desing for living) (1933)
La mujer preferida (One Sunday Afternoon) (1933)
Vivamos hoy (Today We Live) (1933)
Ahora y siempre (Now and Forever) (1934)
La espía Nº 13 (Operator 13) (1934)
Tres lanceros de Bengala / Tres lanceros bengalíes (The Lives of a Bengal Lancer) (1935)
Sueño de amor eterno (Peter Ibbetson) (1935)
Noche nupcial (The Wedding Night) (1935)
Deseo (Desire) (1936)
El general murió al amanecer (The General Died at Dawn) (1936)
Hollywood Boulevard (Hollywood Boulevard) (1936)
El secreto de vivir (Mr. Deeds Goes to Town) (1936)
El LLanero/ Bufallo Bill (The Plainsman) (1936)
Almas en el mar (Souls at sea) (1937)
Las aventuras de Marco Polo (The Adventures of Marco Polo) (1938)
La octava mujer de Barba Azul (Bluebeard's Eighth Wife) (1938)
El vaquero y la dama (The cowboy and the lady) (1938)
Beau Geste (Beau Geste) (1939)
La jungla en armas (The Real Glory) (1939)
[editar] 1940-1949
Policía montada del Canadá (Northwest Mounted Police) (1940)
El forastero (The westerner) (1940)
Bola de fuego (Ball of Fire) (1941)
Juan Nadie (Meet John Doe) (1941)
Sargento York (Sergeant York) (1941)
El orgullo de los yankees (The pride of the yankees) (1942)
¿Por quién doblan las campanas? (For whom the bell tolls) (1943)
Casanova Brown (Casanova Brown) (1944)
Por el valle de las sombras (The story of Dr. Wassell) (1944)
El caballero del oeste (Along came Jones) (1945)
La exótica (Saratoga Trunk) (1945)
Clandestino y caballero (Cloak and dagger) (1946)
Black Gold (Black Gold) (1947)
Los inconquistables (Unconquered) (1947)
Variety Girl (Variety Girl) (1947)
El buen Sam (Good Sam) (1948)
El manantial (The Fountainhead) (1949)
It's a Great Feeling (It's a Great Feeling) (1949)
Puente de mando (Task Force) (1949)
[editar] 1950-1961
El rey del tabaco (Bright Leaf) (1950)
Dallas, ciudad fronteriza (Dallas) (1950)
Tambores lejanos (Distant Drums) (1951)
It's a Big Country (It's a Big Country) (1951)
Starlift (Starlift) (1951)
You're in the Navy Now (You're in the Navy Now) (1951)
A la hora señalada / Solo ante el peligro (High Noon) (1952)
El honor del capitán Lex (Springfield Rifle) (1952)
Soplo salvaje (Blowing Wild) (1953)
Retorno al paraíso (Return to paradise) (1953)
El jardín del diablo (Garden of Evil) (1954)
Veracruz (Vera Cruz) (1954)
El proceso de Billy Mitchell (The Court-Martial of Billy Mitchell) (1955)
La gran tentación / La gran prueba (Friendly Persuasion) (1956)
Amor en la tarde / Ariane (Love in the afternoon) (1957)
El hombre del Oeste (Man of the West) (1958)
10 calle Frederick (Ten North Frederick) (1958)
Alias Jesse James (Alias Jesse James) (1959)
El árbol del ahorcado (The Hanging Tree) (1959)
Llegaron a Cordura (They Came to Cordura) (1959)
Misterio en el barco perdido (The wreck of the Mary Deare) (1959)
Sombras de sospecha (The naked edge) (1961)

Ha recibido 613 puntos

Vótalo:

Sophia Loren

12. Sophia Loren

Sofia Villani Scicolone (n. en Roma, 20 de septiembre de 1934), más conocida como Sophia Loren, es una actriz italiana ganadora de los premios Óscar y Globo de Oro. Esta considerada como otro de los Mitos del Séptimo Arte. Niñez e inicios [editar]Hija de la maestra de piano Romilda... Ver mas
Sofia Villani Scicolone (n. en Roma, 20 de septiembre de 1934), más conocida como Sophia Loren, es una actriz italiana ganadora de los premios Óscar y Globo de Oro. Esta considerada como otro de los Mitos del Séptimo Arte.


Niñez e inicios [editar]Hija de la maestra de piano Romilda Villani y el ingeniero Riccardo Scicolone, creció en Pozzuoli (cerca de Nápoles) durante la Segunda Guerra Mundial.

Loren comenzó su carrera en actuación a comienzos de la década de 1950, con pequeños papeles en películas italianas. En esos tiempos, actuó como extra junto con su madre en la película Quo Vadis, que fue filmada en Roma.

Trabajó también como modelo en fotonovelas semanales (fotoromanzi), acreditada como Sofia Villani o Sofia Lazzaro. Fue modelo en varios concursos de belleza, donde ganó varios premios y conoció a su futuro marido, Carlo Ponti, productor de películas, con quien se casó el 17 de septiembre de 1957. Juntos tendrían dos hijos, Carlo Ponti Jr. y Edoardo Ponti. El matrimonio fue anulado temporalmente para evitar una demanda legal contra Ponti tras acusarle de bigamia, y se casaron nuevamente en 1966.

Estrellato: de Italia al mundo [editar]
Loren en el trailer de Five Miles to Midnight (1962)Su carrera comenzó a despegar cuando conoció, en 1954, a Vittorio De Sica y Marcello Mastroianni. Al igual que Claudia Cardinale, Gina Lollobrigida y Lucía Bosé, fue incluida en el grupo de bellezas italianas que aunaban picardía y emociones en las películas más amables del neorrealismo italiano. En cierta manera, la Loren era el reverso de Anna Magnani, que era menos bella y más desgarrada.

Para la segunda mitad de la década de 1950, Sophia Loren era ya popular en Hollywood, al protagonizar películas junto con Frank Sinatra y Cary Grant. Loren firmó un contrato por cinco películas con los estudios Paramount. Entre sus trabajos de esta época están Deseo bajo los olmos (Desire under the elms, con Anthony Perkins), Orgullo y pasión, Houseboat (con Cary Grant) y Heller in Pink Tights, bajo la dirección de George Cukor, en 1960.

Sophia Loren se ganó el respeto de la audiencia por su participación en dramas y comedias, especialmente en proyectos italianos, donde era más libre para expresarse. En 1960, su actuación en La ciociara (Dos mujeres), película dirigida por Vittorio de Sica según un relato de Alberto Moravia, dio un giro a su carrera. Encarnaba a una madre que era violada. Ganó los principales premios de interpretación del mundo: los de mejor actriz en los festivales de Cannes, Berlín y Venecia, así como el premio Óscar. Fue la primer persona que lo ganaba con una actuación en un idioma diferente al inglés.

No obstante su típica apariencia de una actriz hermosa, pero cabeza hueca, Loren era reconocida por su inteligencia y agudeza. Uno de sus dichos más frecuentemente recurridos, se refiere a su dieta: «Todo lo que ven, se lo debo a los spaghetti».

A partir de la década de 1960, frecuenta los papeles de personajes históricos y películas rodadas en co-producción, como El Cid de Anthony Mann (donde encarnó a Doña Jimena), La caída del imperio romano, La condesa de Hong Kong (con Marlon Brando, dirigida por Charles Chaplin), El hombre de La Mancha (con Peter O'Toole) y El puente de Cassandra.

En 1980, Sophia Loren tuvo el raro privilegio de actuar como ella misma y como su madre, en el filme biográfico para televisión. La película estaba basada en su libro autobiográfico titulado Sophia: su propia historia. Su nombre apareció en las portadas de todo el mundo en 1982 por razones extraartísticas, pues recibió una sentencia de cárcel de 18 días, por evasión fiscal.

Ya en su sesentena, Loren fue más selectiva en sus papeles, y además probó en otros tipos de negocios, publicando libros de cocina y publicitando gafas, joyería y perfumes. Fue la primer actriz en lanzar una fragancia propia. Actuó en la película Prêt-à-Porter, de Robert Altman, en la cual repitió cómicamente (junto con Marcello Mastroianni) una famosa escena de destape que habían rodado cuarenta años antes en Ayer, hoy, mañana. También participó en la comedia Grumpier Old Men (Dos viejos más gruñones), junto con Walter Matthau y Jack Lemmon.

En 1991, Loren recibió un Óscar honorario por su contribución al mundo del cine, y fue declarada uno de los «tesoros mundiales del cine».

En 2008, regresa a las grandes producciones de Hollywood participando en el rodaje de la película Nine, adaptación de un musical de Broadway dirigida por Rob Marshall.

En Chile, esta actriz es recordada por parte de los trabajadores ferroviarios, pues éstos dan su nombre de manera informal a una serie de locomotoras Italianas (E - 32) debido -según se dice- a las formas curvas de las máquinas. Estas locomotoras prestan servicios en EFE desde 1962.

Filmografía
Le sei mogli di Barbablù (Las seis mujeres de Barbazul, 1950)
Variety Lights (1950)
Anna (1951)
Quo Vadis (1951)
Aida (1953)
Tempi nostri (1953)
Due notte con Cleopatra (1953)
Africa sotto i mar (1953)
L'oro di Napoli (1954)
Il segno di Venere (1954)
Pecato che sia una canaglia (1955)
La donna del fiume (1955)
La bella mugnaia (1955)
Boy on a Dolphin (1957)
Legend of the Lost (1957)
The pride and the passion (Orgullo y pasión, 1957)
Pane, amore e...(1957)
Attila, flagello di Dio (1958)
Desire Under the Elms (1958)
Houseboat (1958)
The Key (1958)
La fortuna di essere donna (1958)
Cintia (1958)
The Key (1958)
The Black Orchid (1959)
That Kind of Woman (1959)
A Breath of Scandal (1960)
Heller in Pink Tights (1960)
It started in Naples (1960)
Capri (1960)
The Millionairess (1960)
El Cid, de Anthony Mann (1961)
Dos mujeres (1961)
Boccaccio '70 (1962)
Madame Sans Gene (1962)
I sequestrati di Altona (1963)
Le couteau dans la plaie (1963)
The fall of the Roman Empire (1964)
Matrimonio all'italiana con Marcello Mastroianni, dirigida por Vittorio de Sica(1964)
Ieri, Oggi e Domani (1964)
Lady L (1965)
Operation Crossbow (1965)
Arabesque (1966)
Countess from Hong Kong (1967)
C'era una volta con Omar Sharif (1966)
Questi fantasmi (1968)
I girasoli (1969)
La mortadella (1971)
Bianco, rosso e... (1971)
La moglie del prete (1971)
El hombre de La Mancha (1972)
Il viaggio (1973)
Brief Encounter (1974)
Verdict (1974)
La pupa del Gangster (1974)
The Cassandra Crossing (1976)
Una giornata particolare con Marcello Mastroianni, dirigida por Ettore Scola (1977)
Angela (1978)
Brass Target(1978)
Fatto di sangue fra due uomini per causa di una vedova (1979)
Firepower (1979)
Sophia Loren: Her Own Story (1980)
Qualcosa di biondo (1984)
Courage (1986)
The fortunate pilgrim (1988)
Sabato, domenica e lunedi (1990)
Pret-a-porter (1994)
Grumpier old men (1995)
Nine (2009)
Tributo pop Hace unos días la cantante pop brinica Sophie Ellis Bextor anunció en su página oficial que en 2009 lanzará su cuarta producción discográfica de la que no ha revelado el nombre, pero dijo sentirse emocionada de que el nuevo sencillo saldrá pronto a la radio mundial y lo curioso del caso es que el sencillo según Ellis Bextor se llamará Sophia Loren y de hecho la canción ya se puede escuchar en un comercial de cosméticos del que Sophie es la imagen.

Premios Óscar
1991 Óscar Honorífico Ganadora
1964 Mejor Actriz Matrimonio a la italiana Candidata
1961 Mejor Actriz Dos mujeres Ganadora

Globo de Oro [editar]Año Categoría Película Resultado
1995 Premio Cecil B. DeMille Ganadora
1995 Mejor Actriz de Reparto Pret-a-Porter Candidata
1965 Mejor Actriz - Comedia o musical Matrimonio a la italiana Candidata
1960 Mejor Actriz - Comedia o musical It Started in Naples Candidata

Ha recibido 611 puntos

Vótalo:

Bette Davis

13. Bette Davis

Bette Davis (Lowell, Massachusetts; 5 de abril de 1908 – Neuilly, Francia; 6 de octubre de 1989), pseudónimo de Ruth Elizabeth Davis, fue una actriz de teatro, cine y televisión estadounidense; uno de los principales «Mitos del Séptimo Arte». Conocida a veces con el apelativo de «la Reina de... Ver mas
Bette Davis (Lowell, Massachusetts; 5 de abril de 1908 – Neuilly, Francia; 6 de octubre de 1989), pseudónimo de Ruth Elizabeth Davis, fue una actriz de teatro, cine y televisión estadounidense; uno de los principales «Mitos del Séptimo Arte». Conocida a veces con el apelativo de «la Reina de Hollywood» acaparó 10 candidaturas al Óscar a la mejor actriz, premio que ganó en dos ocasiones. Sus interpretaciones están caracterizadas por sus ojos embrujantes, su desenvolvimiento intenso y profundo y su presencia hechizante, que «llenaba la pantalla» a pesar de su diminuta estatura.
La familia de Bette (conocida en su infancia como «Betty») tenía antepasados ingleses, franceses y galeses. En 1915 sus padres, Harlow Morrell Davis y Ruth («Ruthie») Augusta Favor, se separaron y, en 1921, Ruth se mudó a Nueva York con sus dos hijas. De niña, Bette aspiraba a ser bailarina hasta que decidió que los actores tenían una vida más atractiva. Cambió la pronunciación de su nombre a «Bette» por la novela de Honoré de Balzac titulada La prima Bette. Tras graduarse en la Cushing Academy (Massachusetts), Davis se enroló en la escuela de arte dramático de John Murray Anderson donde compartió clases con Lucille Ball, aunque antes había intentado entrar en la Escuela de Eva Le Gallienne, quien la rechazó por tener una actitud fría y poco sincera.

Hizo una audición para la compañía de teatro de George Cukor, quien la contrató para un pequeño papel de una semana en la obra Broadway (1923). Más tarde fue elegida para interpretar el personaje de Hedwig en The Wild Duck (El pato salvaje). Tras actuar en Philadephia, Washington D.C. y Boston, debutó en Broadway en 1929 con Broken Dishes (Platos rotos). Un cazatalentos de Universal Studios la vio en el escenario en Broadway y la invitó a una prueba de cámara en Hollywood. El 13 de diciembre de 1930, Bette Davis llegó a Hollywood acompañada por su madre. Años después dijo que le había sorprendido que nadie del estudio hubiese ido a recogerla a la estación. En realidad, un empleado del estudio sí esperó por ella, pero se fue porque «no había visto a nadie que pareciera una actriz». Su aspecto no encajaba en el prototipo de actriz que entonces era predominante.

Bette no pasó la prueba de pantalla pero participó en muchas otras pruebas dando la réplica a otros actores. Le hicieron una segunda prueba que tampoco pasó, por lo que estuvieron a punto de despedirla, pero decidieron darle un papel en The Bad Sister (1931) donde interpreta a la hermana modelo de una hermana rebelde, y luego rodó Seed (Semilla, 1931). Universal Studios renovó su contrato tres meses más, y Bette trabajó en El puente de Waterloo (1931), antes de ser cedida a Columbia Pictures para The Menace y a Capital Films para Hell's House (ambas en 1932). En aquella época las estrellas de cine firmaban contratos de exclusividad con una sola compañía, y solo podían trabajar para otras si eran «cedidas».

Tras nueve meses y seis películas sin éxito, Universal Studios decidió no renovarle el contrato y por esa época muy pocas personas intuían en qué mito se convertiría «esta muchacha pequeña y delgada».

George Arliss la eligió para el papel femenino principal en The Man Who Played God (1932), donde obtuvo buenas críticas, y fue contratada por Warner Brothers. Poco después, ese mismo año, se casó con «Ham» Nelson.

Más de veinte películas después, fue aclamada por la crítica por el papel de Mildred Rogers en Cautivos del deseo (1934). El film fue un éxito y la caracterización del personaje de Bette fue muy alabado, por lo que supuso que a partir de entonces le darían papeles más importantes, aunque Universal no la cedió a Columbia Pictures para que participase en Sucedió una noche como ella deseaba. Davis no fue inicialmente nominada para los Óscar por su papel en Cautivos del deseo, por lo que Norma Shearer, nominada, comenzó una campaña para que Bette estuviera entre las candidatas y lo consiguió, aunque el premio fue para Claudette Colbert por Sucedió una noche.

En 1935 trabajó en Peligrosa; recibió buenas críticas y el Óscar a la mejor actriz principal, aunque se comentó que había sido un reconocimiento tardío de Cautivos del deseo. En su siguiente película, El bosque petrificado, compartió protagonismo con Leslie Howard y Humphrey Bogart y fue él quien, en su primer papel importante, recibió las mejores críticas. Bette Davis apareció en muchas películas durante los dos años siguientes pero la mayoría no fueron bien recibidas. Convencida de que su carrera estaba siendo perjudicada por películas mediocres, Davis aceptó participar en dos películas en Inglaterra. Sabía que estaba incumpliendo su contrato de exclusividad con Warner Brothers, así que escapó a Canadá para evitar problemas legales. La prensa se hizo eco del cruce de declaraciones entre el representante de Warner Brothers y Bette Davis. La prensa británica apenás apoyó a Bette y la describía como desagradecida y demasiado bien pagada, aunque la opinión de Bette era que si seguía apareciendo en películas de tan poca calidad, acabaría sin nada por lo que luchar. El caso fue a juicio y Davis perdió y tuvo que volver a Hollywood, adeudada y sin ingresos.

Bette trabajó encarnando a una prostituta en La mujer marcada (1937), un drama de cine negro inspirado en el caso de Lucky Luciano. La película y la interpretación de Bette recibieron muy buenas críticas y su categoría de actriz principal salió reforzada.

Durante el rodaje de su siguiente film, Jezabel, Bette comenzó una relación con el director, William Wyler. Años después lo describió como el amor de su vida, y dijo que hacer la película con él había sido la época más feliz de su vida. La película fue un gran éxito, y su interpretación le hizo ganar su segundo Óscar, por lo que se especuló que sería elegida para un papel parecido al de Jezabel, el de Scarlett O'hara en Lo que el viento se llevó. Ella expresó su deseo de interpretar a Scarlett pero Selznick no estaba de acuerdo, aunque Warner había ofrecido sus servicios como parte de un trato que incluía a Errol Flynn y Olivia de Havilland.

En los años siguientes Davis fue citada entre las diez estrellas que más dinero habían generado. Sin embargo, su marido «Ham» Nelson no había conseguido hacer funcionar su carrera y en 1938 Nelson se divorció de ella por haber sido sorprendida en una relación sexual con el magnate americano Howard Hughes. De hecho, eran amantes vox populi.


Bette Davis en Las vidas privadas de Isabel y Essex (1939)Durante el rodaje de su siguiente película, Amarga victoria (1939), estaba deprimida e incluso consideró abandonar el proyecto, hasta que el productor Hal Wallis la convenció para canalizar su desesperación en su actuación. El film se convirtió en uno de los más importantes del año, y el papel de Judith Traherne le dio a Bette una nominación a los Óscar. Años después, Bette dijo que esta película era su favorita.

En esta época, Davis era la estrella de Warner Brothers más provechosa, descrita como «El cuarto hermano Warner», y recibía los papeles principales más importantes. Su imagen era considerada con más afecto, aunque siguió interpretando papeles duros y a menudo la filmaban con primeros planos que enfatizaban sus ojos. El cielo y tú (1940) fue la película más exitosa en cuanto a recaudación en la carrera de Bette. La Carta fue considerada una de las mejores películas del año y Davis fue más admirada que nunca por la encarnación de una asesina adúltera. En esta época tenía una relación con su compañero de reparto George Brent, quien le propuso matrimonio. Ella rechazó su propuesta y se casó con Arthur Farnsworth en diciembre de 1940.

En enero de 1941, Davis se convirtió en la primera mujer que llegó a la presidencia de la Academy of Motion Picture Arts and Sciences, pero sus propuestas no eran bien acogidas por el resto de los miembros, así que dimitió y fue sucedida por Jean Hersholt, quien puso en práctica los cambios que ella había sugerido.

Ese mismo año, William Wyler la dirigió en la obra de Lillian Hellman La loba, pero sus enfoques sobre el personaje principal y sobre todo la forma de interpretarlo eran diferentes y chocaron, y aunque Bette Davis volvió a recibir una nominación al Óscar, nunca más trabajó con Wyler.
1942-1943: La Cantina de Hollywood

Bette Davis en Dark Victory (1939)Con la ayuda de Cary Grant y Jule Styne, Bette Davis y John Garfield transformaron un viejo club en The Hollywood Canteen (La cantina de Hollywood), que abrió sus puertas el 3 de octubre de 1942. Las estrellas más importantes de Hollywood ofrecían su tiempo y su talento a militares, antes de ser enviados a la guerra. Bette apareció como ella misma en la película Hollywood Canteen (1944), que usó la cantina como escenario para una historia de ficción. La cantina permaneció en activo hasta el final de la II Guerra Mundial. Años después comentó que era una de las cosas de las que más orgullosa estaba en su vida y recibió un premio del Departamento de Defensa de Estados Unidos.

Davis había mostrado poco interés por la película La extraña pasajera (1942) hasta que Hal Wallis le aconsejó que la audiencia femenina necesitaba sueños románticos que pudieran distraerlas de la realidad de sus vidas. Se convirtió en una de sus «películas de mujeres» más conocidas.

Durante los primeros años de la década de los 40 muchas de las elecciones laborales de Bette estaban influenciadas por la guerra, como Alarma en el Rhin (1943).

[editar] 1943-1948: problemas profesionales y personales
En agosto de 1943, su marido, Arthur Farnsworth, se desvaneció mientras pasaba por una calle de Hollywood y murió dos días después. Una autopsia reveló que su caída había sido causada por una fractura de cráneo que se había producido unas dos semanas antes. Davis testificó que no sabía cuál podía ser la causa de tal herida y se llegó a la conclusión de que había sido una muerte accidental.

Estuvo a punto de dejar su siguiente papel en El Señor Skeffington (1944) pero Jack Warner de Warner Brothers la convenció para que continuara. Aunque tenía reputación de poseer un carácter fuerte y combativo durante los rodajes de algunas de sus películas anteriores, su forma de ser durante el rodaje fue errática y sin carácter; incluso rehusó filmar ciertas escenas e improvisaba los diálogos causando confusión en los otros actores. Muchos críticos castigaron su actitud durante el rodaje pero a pesar de ellos recibió otra nominación para los Óscar.

En 1945 se casó con un artista, William Grant Sherry, que hasta que la conoció en persona nunca antes había oído hablar de ella, pero durante su matrimonio la diferencia de éxito entre uno y otro los llevó a discusiones y momentos de tensión.

Sus siguientes tres películas apenas tuvieron éxito: The Corn is green (1945), Una vida robada (1946) y Decepción (1946).

En 1947 Bette tuvo una hija, Bárbara, y más tarde escribió en sus memorias que llegó a ser absorbida por la maternidad de manera que consideró abandonar su carrera. Su relación con Sherry empezó a deteriorarse y continuó haciendo películas, pero su popularidad empezó a decaer. Al terminar Más allá del bosque (1949), la productora Warner terminó el contrato con Bette, a petición de ella. La película tuvo muy malas críticas.

[editar] 1949-1960: Una nueva carrera

Como Margo Channing en Eva al desnudo (1950).En 1949, Davis y Sherry se encontraban distanciados y los columnistas hollywoodenses sentenciaban que la carrera de Davis estaba llegando a su final. Entonces el productor Darryl F. Zanuck le ofreció el papel de la actriz de teatro de mediana edad, Margo Channing, en All About Eve (Eva al desnudo). Su papel se había escrito inicialmente para Claudette Colbert, quien tuvo que renunciar por problemas en la espalda.

Durante la producción, Bette estableció lo que llegaría a ser una larga amistad con su compañera de reparto, Anne Baxter, y surgió una relación romántica con el actor protagonista, Gary Merrill, que los llevó al matrimonio. Marilyn Monroe tuvo en este filme uno de sus primeros papeles importantes. La interpretación de Bette obtuvo excelentes críticas; algunos escribieron que había sido la mejor actuación de toda su carrera, y le supuso una nueva nominación al Óscar, el Premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes y el premio del Círculo de críticos de cine de San Francisco y del Círculo de críticos de cine de Nueva York.

El 3 de julio de 1950 el proceso de divorcio de William Sherry había acabado, y Bette Davis pudo casarse con Gary Merrill (el 28 de julio). Con el consentimiento de Sherry, Merrill adoptó a Bárbara, la hija de Davis y Sherry, y en 1950 adoptaron juntos una niña llamada Margot. Se fueron a Inglaterra, donde la pareja protagonizó una película de misterio, Another Man's Poison, y su falta de éxito provocó malas críticas, que no mejoraron con la nueva nominación de Davis al Óscar por La estrella (1952). En 1952 adoptaron a un niño, Michael, y Bette volvió al teatro en Broadway. Cayó gravemente enferma y fue operada de osteomielitis en la mandíbula. Además, a Margot le fueron diagnosticadas secuelas cerebrales de su difícil nacimiento. La relación entre Bette y Merrill se fue deteriorando hasta que se divorciaron en 1960. Al año siguiente, la madre de Bette falleció.

[editar] 1961-1965: Nuevos éxitos

Bette Davis y Joan Crawford en ¿Qué fue de Baby Jane? (1962).En 1961, Bette Davis protagonizó Un gángster para un milagro con Glenn Ford y Ann-Margret. Aceptó su siguiente papel en ¿Qué fue de Baby Jane? (1962) después de leer el guión y creyendo que gustaría al público de la entonces reciente Psicosis (1960). La película se convirtió en uno de los mayores éxitos del año. Bette Davis y Joan Crawford interpretaban a dos hermanas ancianas, antiguas actrices, que compartían piso en una mansión de Hollywood. El director Robert Aldrich dijo que ambas eran conscientes de lo importante que era esa película para sus respectivas carreras y que aunque se detestaban mutuamente, se soportaban perfectamente. Al terminar la película, hicieron comentarios en público cada una en contra de la otra, y cuando Davis fue nominada al Óscar como mejor actriz, Crawford hizo una campaña en su contra. Bárbara, la hija de Bette, hacía un pequeño papel en la película, y cuando acudieron al Festival de Cannes para promocionar la película, Bárbara conoció a Jeremy Hyman, un ejecutivo de Seven Arts Productions, con quien se casó con el permiso de Bette poco tiempo después, a la edad de 16 años.

Canción de cuna para un cadáver (1964) fue la siguiente película de Robert Aldrich, en la que quería reunir de nuevo a Bette Davis y Joan Crawford, pero esta última se hallaba enferma y fue reemplazada por Olivia de Havilland. La película tuvo un éxito considerable y renovó la atención a sus veteranos intérpretes, entre los que también estaban Joseph Cotten, Mary Astor y Agnes Moorehead.

[editar] El símbolo

Bette Davis con Elizabeth Taylor en 1981.En 1977, Bette Davis se convirtió en la primera mujer que ganó el premio a una carrera concedido por el American Film Institute y en 1979 ganó el Emmy a la mejor actriz. Escribió dos biografías: The Lonely Life en la década de los 60 y Mother Goddam en 1975. Todavía en 1978 tuvo ocasión de brillar con un trabajo elogiado, la superproducción de misterio Muerte en el Nilo, basada en el relato de Agatha Christie. En 1981 aparecería en el film de culto de terror de Disney The Watcher in the Woods de John Hough.

En aquellos años, el mundo de la música pop la homenajeó con una canción de gran éxito, Bette Davis' Eyes, interpretada por Kim Carnes (ver videoclip de la canción).

A lo largo de su extensa carrera, no solamente fue reconocido su talento con el Óscar o el Emmy, sino que ganó la Copa Volpi del festival de Venecia por Kid Galahad (1937), de Michael Curtiz y el premio a mejor actriz de Cannes por Eva al desnudo, en 1950. Cuando la industria cinematográfica parecía haberla olvidado, el Festival de San Sebastián le entregó el Premio Donostia en el año 1989. Bette Davis, emocionada, aceptó el galardón, y se mostró llena de felicidad y vitalidad durante su estancia en San Sebastián, sacando fuerzas de su frágil cuerpo. Al despedirse del Festival dijo: «Ustedes me han devuelto la vida». Fue condecorada con la medalla de la Legión de Honor francesa.

Murió el 6 de octubre de 1989 en Francia a la edad de 81 años después de librar una dura batalla contra un cáncer de pecho, acababa de recibir el Premio Donostia a su carrera en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, ciudad que abandonó en una ambulancia horas antes de morir en su residencia de París. Está enterrada en el cementerio de Los Ángeles, California.

Filmografía
Bad sister (1931)
Semilla (Seed) (1931)
El puente de Waterloo (1931)
Way back home (1932)
La estatua vengadora (1932)
Casa correcional (1932)
La oculta providencia (1932)
So Big (1932)
The rich are always with us (1932)
The dark horse (1932)
Esclavos de la tierra (1932)
Tres vidas de mujer (1932)
Veinte mil años en Sing-Sing (1933)
Los gángsters del aire (1933)
Se necesita un rival (1933)
Ex-Lady (1933)
Los desaparecidos (1933)
El altar de la moda (1934)
The big shakedown (1934)
Jimmy the gent (1934)
Fog over Frisco (1934)
Cautivo del deseo (1934) - Nominada al Óscar
Peligrosa (1935) - Óscar a la mejor actriz
Barreras infranqueables (1935)
El bosque petrificado (1936)
Kid Galahad (1937) - Copa Volpi a la mejor interpretación en Venecia
La mujer marcada (1937)
Las Hermanas (1938)
Jezabel (1938) - Óscar a la mejor actriz
Amarga victoria (1939) - Nominada al Óscar
Juarez (1939)
La Solterona (1939)
La vida privada de Elisabeth y Essex (1939)
El cielo y tú (1940)
La Carta (1940) - Nominada al Óscar
La Loba (1941) - Nominada al Óscar
La extraña pasajera (1942) - Nominada al Óscar
El hombre que vino a cenar (1942)
Como ella sola (1942)
Alarma en el Rhin (1943)
Vieja amistad (1943)
El Señor Skeffington (1944) - Nominada al Óscar
The Corn is green (1945)
Una vida robada (1946)
Decepción (1946)
Más allá del bosque (1949)
Eva al desnudo (1950) - Nominada al Óscar, premio de interpretación en Cannes
Another man's poison (1951)
La estrella (1952) - Nominada al Óscar
El favorito de la Reina (1955)
Banquete de Bodas (1956)
Un gángster para un milagro (1961)
¿Qué fue de Baby Jane? (1962) - Nominada al Óscar
¿Adónde fue el amor? (1964)
Canción de cuna para un cadáver (1964)
A merced del odio (1965)
Lo scopone scientifico (1972)
Pesadilla diabólica (1976)
Muerte en el Nilo (1978)
Los pequeños extraterrestres (1978)
The Watcher in the Woods (1980)
Cuando muere el verano (1986)
Las Ballenas de agosto (1987)
La bruja de mi madre (1989)

Ronald Reagan con Bette Davis en 1987.[editar] Premios y nominaciones más importantes
1999 - American Film Institute - Segunda Mejor actriz de todos los tiempos
1989 - Festival de San Sebastián - Premio Donostia (honorífico)
1987 - Francia - Legión de honor
1986 - Premio César - Honorífico
1983 - American Theater Arts - Honorífico
1978 - American Film Institute - Honorífico
1974 - Globo de oro - Honorífico
1964 - BAFTA - Mejor actriz extranjera por ¿Qué fue de Baby Jane?
1963 - Nominación - Óscar - Mejor actriz por ¿Qué fue de Baby Jane?
1963 - Nominación - Globos de oro - Mejor actriz por ¿Qué fue de Baby Jane?
1962 - Nominación - Globos de oro - Mejor actriz por Un gángster para un milagro
1952 - Nominación - Óscar - Mejor actriz por La Estrella
1951 - Festival de Cannes - Mejor actriz por Eva al desnudo
1951 - Nominación - Globos de oro - Mejor actriz por Eva al desnudo
1951 - Nominación - Óscar - Mejor actriz por Eva al desnudo
1945 - Nominación - Óscar - Mejor actriz por El Señor Skeffington
1943 - Nominación - Óscar - Mejor actriz por La extraña pasajera
1942 - Nominación - Óscar - Mejor actriz por La loba
1941 - Nominación - Óscar - Mejor actriz por La Carta
1940 - Nominación - Óscar - Mejor actriz por Amarga victoria
1939 - Óscar - Mejor actriz por Jezabel
1936 - Óscar - Mejor actriz por Peligrosa
1935 - Nominación (no oficial) - Óscar - Mejor actriz por Cautivos del deseo

Ha recibido 602 puntos

Vótalo:

Greta Garbo

14. Greta Garbo

Greta Garbo (Estocolmo, Suecia, 18 de septiembre de 1905 - Nueva York, EE.UU. 15 de abril de 1990) fue una actriz de cine sueca. Nacida en Södermalm, barrio humilde de Estocolmo (Suecia), con el nombre de Greta Lovisa Gustafsson, se convirtió en uno de los principales mitos del Séptimo Arte. Su... Ver mas
Greta Garbo (Estocolmo, Suecia, 18 de septiembre de 1905 - Nueva York, EE.UU. 15 de abril de 1990) fue una actriz de cine sueca. Nacida en Södermalm, barrio humilde de Estocolmo (Suecia), con el nombre de Greta Lovisa Gustafsson, se convirtió en uno de los principales mitos del Séptimo Arte. Su precoz retirada con apenas 36 años contribuyó a engrandecer su leyenda.


[editar] Un carácter peculiar
Fue conocida con los apodos de «La divina» y «La mujer que no ríe» debido al rictus serio de su rostro, sólo interrumpido en una escena de su memorable filme Ninotchka donde suelta sorpresivamente una carcajada. Esta excepción hizo correr ríos de tinta en los periódicos con el titular «La Garbo ríe».

Su vida siempre estuvo rodeada de misterio y de múltiples preguntas que jamás respondió. Se retiró a edad muy temprana y vivió el resto de su vida casi recluida. Precisamente su enigmático comportamiento y su pertinaz soltería dieron pie a múltiples rumores en los medios acerca de su bisexualidad (entre esos rumores, el de ser amante de la actriz mexicana Dolores del Río y la escritora Mercedes de Acosta).

También fue sospechosa su distante relación con Marlene Dietrich; ambas fingieron que no se conocían hasta que las presentó Orson Welles en 1945, pero se ha desvelado que habían trabajado juntas en una película muda, siendo muy jóvenes ambas, y que tuvieron una breve relación. Según estos rumores, Greta se sintió maltratada y burlada por Marlene, y al hacerse famosas optaron por evitarse y negar todo contacto.

Tantos rumores que sus amigos nunca confirmaron o desmintieron, a la larga sólo acrecentaron la leyenda de Greta Garbo, convirtiéndola en uno de los más grandes mitos del séptimo arte.

Aún hoy su rostro es considerado quizás el más perfecto que haya pasado por la gran pantalla.

Carrera
Greta Garbo inició su carrera como actriz en Suecia, en la época del cine mudo, donde participó en varias producciones como extra y en otras dos junto al director Mauritz Stiller, quien también sería contratado por Hollywood.

Su primer trabajo en Estados Unidos fue The Temptress (1926), y pronto fue emparejada con el galán John Gilbert, con quien rodó tres películas casi consecutivas de gran éxito. Iniciaron un idilio y decidieron casarse, pero Garbo no se presentó a la boda y Gilbert terminó ese día peleándose con el productor Louis B. Mayer, que se había reído de ella. A pesar de este desencuentro, Garbo y Gilbert siguieron trabajando juntos y cuando él ya vivía su declive como estrella, ella le recuperó para un papel en La reina Cristina de Suecia.

El ascenso de Greta Garbo como estrella fue en los últimos años del cine mudo, pero la llegada del sonoro no la perjudicó como a Mary Pickford, Gloria Swanson y otras divas del momento. Aunque las novedosas películas con sonido delataban su fuerte acento sueco, Garbo retuvo y reforzó su estrellato, y ya con su primera película sonora (Anna Christie) fue nominada al premio Oscar.

Películas como Mata Hari, La reina Cristina de Suecia y Anna Karenina afianzaron la leyenda de «la Garbo». Se cuenta que al rodar Ninotchka, y por miedo al fracaso, quiso dejar la profesión, si bien ya anteriormente había ido reduciendo sus trabajos.

Fue nominada como mejor actriz por la Academia Americana de Cine en 1930, 1932, 1937 y 1939, pero nunca recibió un Óscar, olvido que años más tarde la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas decidió enmendar con un Óscar honorífico en 1954 que rechazó, porque según sus propias palabras «no quería verle la cara a nadie».

Greta Garbo fue asociada a la frase «Quiero estar sola», si bien ella precisó: «Quise decir que me dejen sola, lo que es diferente». Su estilo de vida fue calificado de ermitaño y un tanto huraño, pues a diferencia de otras estrellas la Garbo se mantuvo alejada de los grandes eventos de Hollywood, prefiriendo la soledad y el anonimato.

Temprana retirada
En la cúspide de su popularidad, Garbo dejó el mundo del cine a la temprana edad de 36 años y vivió el resto de su vida en un departamento en Nueva York cerca de Central Park, totalmente retirada y evitando cualquier contacto con los medios informativos. No acudía a fiestas ni a ningún acto público; incluso cuando le ofrecieron un Oscar Honorífico, lo rechazó. Su última entrevista fue tan breve como sorprendente: el periodista empezó diciendo «Yo me pregunto...» y ella le interrumpió y se marchó diciendo «¿Por qué preguntarse?».

Los periodistas la acosaron hasta el último momento e hicieron guardia ante su casa persiguiéndola para fotografiarla en su vejez, motivo por el cual se le veía siempre utilizando gafas oscuras y sombreros para ocultar su rostro. Tales precauciones no bastaron; fue fotografiada en varias ocasiones, incluso en el año de su muerte, y en 1976 la revista People publicó imágenes suyas nadando desnuda, captadas con teleobjetivo.

A pesar de su temprana retirada, contó con una importante fortuna gracias a sabias inversiones inmobiliarias en la lujosa zona de Rodeo Drive (Beverly Hills, Los Angeles). Pero vivió con sencillez, comiendo frugalmente, y aunque trató con famosos como Aristoteles Onassis y el fotógrafo Cecil Beaton, vestía ropajes muy discretos y llevaba el pelo sin teñir, encanecido, para pasar desapercibida. Murió en Nueva York a los 84 años de edad víctima de un síndrome renal y de neumonía, y su fortuna (estimada en 20 millones de dólares) fue heredada por una sobrina suya, residente en Nueva Jersey.


Lápida de Greta Garbo[editar] Filmografía
Mr. and Mrs. Stockholm Go Shopping (1920)
The Gay Cavalier (1920) – Intervino como extra no acreditada.
Our Daily Bread (1921)
The Scarlet Angel (1921) – Como extra no acreditada.
Peter the Tramp (1922)
The Story of Gösta Berling (1924). Director: Mauritz Stiller.
The Joyless Street (1925)
The Torrent (1926)
The Temptress (1926). Su primer trabajo en EE.UU.
Flesh and the Devil (1926), con John Gilbert.
Love (1927), con John Gilbert. Adaptación de la novela Anna Karenina.
The Divine Woman (1928). Sólo subsisten nueve minutos de película.
The Mysterious Lady (1928)
A Woman of Affairs (1928), con John Gilbert.
Wild Orchids (1929)
The Single Standard (1929)
The Kiss (1929)
Anna Christie (1930). Primera película Sonora de Garbo, y su primera nominación al Oscar.
Romance (1930). Segunda nominación al Oscar a la mejor actriz.
Anna Christie (1931). Versión alemana de la película del año anterior.
Inspirtation (1931)
Susan Lenox (1931)
Mata Hari (1931)
Grand Hotel (1932)
As You Desire Me (1932)
La reina Cristina de Suecia (1933). Director: Rouben Mamoulian.
The Painted Veil (1934)
Anna Karenina (1935). Premio del Círculo de Críticos de Nueva York a la mejor actriz.
Camille (1936). Tercera nominación al Oscar a la mejor actriz.
Conquest (1937)
Ninotchka (1939). Director: Ernst Lubitsch. Cuarta nominación al Oscar a la mejor actriz.
Two-Faced Woman o La mujer de las dos caras (1941). Director: George Cukor.

Ha recibido 594 puntos

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Grace Kelly

15. Grace Kelly

Para la canción de Mika, véase Grace Kelly (canción). Grace Kelly Grace Kelly en Mogambo Nombre real Grace Patricia Kelly Nacimiento 12 de noviembre de 1929 Estados Unidos, Pensilvania, Filadelfia Defunción 14 de septiembre de 1982 (52 años) Mónaco, Monte Carlo Pareja Raniero... Ver mas
Para la canción de Mika, véase Grace Kelly (canción).
Grace Kelly

Grace Kelly en Mogambo
Nombre real Grace Patricia Kelly
Nacimiento 12 de noviembre de 1929
Estados Unidos, Pensilvania, Filadelfia
Defunción 14 de septiembre de 1982 (52 años)
Mónaco, Monte Carlo
Pareja Raniero III
Hijo/s Alberto, Carolina, Estefanía
Ficha en IMDb
[mostrar]Premios ganados
Premios Óscar

Mejor actriz
1954 La angustia de vivir
Globos de Oro

Mejor actriz - Drama
1954 La angustia de vivir
Mejor actriz de reparto
1953 Mogambo


Grace Kelly, Londres, Inglaterra, (1981).Grace Patricia Kelly (* Filadelfia, 12 de noviembre de 1929 - † Monte Carlo, 14 de septiembre de 1982) fue una actriz estadounidense quien al contraer matrimonio con el Príncipe Rainiero III de Mónaco, se convirtió en Su Alteza Serenísima la Princesa Grace de Mónaco.




Biografía
Nació en Filadelfia, en el estado de Pensilvania, 12 de noviembre de 1929, como Grace Patricia Kelly, en el seno de una familia de origen irlandés y católica. Su padre era un hombre de negocios de fortuna y además un buen deportista que había ganado una medalla de oro olímpica en remo.

A pesar de que su familia se opuso a que fuese actriz, Grace quiso realizar el sueño que había tenido desde niña. Se fue a Nueva York donde trabajó como modelo y estudió interpretación en la Academia Nacional de Arte Dramático.

En 1949 consiguió su primer papel en Broadway, la zona de teatros más prestigiosa de Nueva York. Seguidamente hizo algunas apariciones en televisión, hasta que decidió trasladarse a Los Ángeles para probar fortuna en el cine.

Ya en 1951, a los 22 años, Kelly hizo su primera película, "Catorce horas", actuando en un papel secundario. Su elegancia y delicada belleza llamaron poderosamente la atención en Hollywood, de forma que al año siguiente se le ofreció el papel principal en el western "Solo ante el peligro", junto a Gary Cooper.

Su siguiente film fue "Mogambo", junto a Clark Gable y Ava Gardner, por el cual fue candidata al Óscar como mejor actriz de reparto.

En su corta carrera cinematográfica, Kelly fue una de las actrices favoritas de Hitchcock, con quien trabajó en tres películas, "Crimen perfecto" con Ray Milland, "La ventana indiscreta" con James Stewart, y "Atrapa a un ladrón" con Cary Grant.


Grace Kelly en el trailer de la película Atrapa a un ladrón, (1955).Esta última se rodó en Mónaco, donde Kelly conoció a su futuro marido, el Príncipe Rainiero. También trabajó al lado de Sir Alec Guinness en el " El Cisne", un anticipo de la vida futura que le esperaba (1955).

En 1954 a los 25 años, ganó un Óscar a la mejor actriz principal por "La angustia de vivir", co-protagonizada por Bing Crosby y William Holden.

Su última película fue "Alta sociedad", nuevamente con Bing Crosby. Después se trasladó a Mónaco para casarse con Rainiero, quien le había manifestado, muy a pesar de Kelly, que si se convertía en princesa de Mónaco debía dejar el cine.

En los años de soltería en que fue actriz, se dice que Kelly vivió varios romances, principalmente con los actores con los que había trabajado, como Clark Gable, William Holden, Bing Crosby y Cary Grant.

Matrimonio e hijos
Su boda con Rainiero, el 14 de mayo de 1956, fue como en un cuento de hadas. A partir de entonces su vida y su trabajo estuvieron dedicados por entero a su familia y al Principado.

Su figura y estilo dieron un nuevo impulso al Principado de Mónaco, el cual creció económicamente gracias al turismo y al impulso de inversionistas, atraídos por las concesiones económicas impulsadas por Rainiero.

Tuvo tres hijos con él:
Alberto
Carolina
Estefanía
Muerte

La tumba de la princesa Grace de Mónaco, en la Catedral de San Nicolás (Mónaco).El 13 de septiembre de 1982 la princesa Grace sufrió un accidente cuando conducía su auto por una carretera cercana a Mónaco. Llevaba a su hija Estefanía como acompañante, quien salió ilesa y de quién se rumoreó que era la que conducía el coche en el momento del accidente. Al día siguiente, la Princesa murió sin recobrar el conocimiento en el Centro Hospitalario Princesa Grace, tenía 52 años. El Príncipe Rainiero nunca pudo superar la pérdida de su esposa.

Es la misma carretera que aparece en la película Atrapa a un ladrón, donde la priy Cary Grant hacen un picnic.

Curiosidades
El cantante de origen libanés Mika le dedicó una canción con su propio nombre: "Grace Kelly". En el año 2009 se estrena el cortometraje del director Armand Rovira ¿Qué será de baby Grace? donde se resucita cinematográficamente a Grace Kelly con las imágenes de archivo de la princesa en su estancia en Mallorca. El espléndido cortometraje en blanco y negro está protagonizado por Alex Angulo

Filmografía
¿Qué será de baby Grace? (2009)
Alta sociedad (1956)
El cisne (1955)
Atrapa a un ladrón (1954)
Los puentes de Toko-Ri (1954)
La angustia de vivir (1954)
La ventana indiscreta (1954)
Fuego verde (1954)
Crimen perfecto (1954)
Mogambo (1953)
Solo ante el peligro (1952)
Catorce horas (1951)

Ha recibido 563 puntos

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Humphrey Bogart

16. Humphrey Bogart

Humphrey DeForest Bogart (New York, 25 de diciembre de 1899-Holmby Hills. 14 de enero de 1957) fue actor de cine y teatro estadounidense.Bogart fue el mayor de los tres hijos del matrimonio formado por Belmont De Forest, médico cirujano, y Maude Humphrey, artista gráfica. Estudió en la Escuela... Ver mas
Humphrey DeForest Bogart (New York, 25 de diciembre de 1899-Holmby Hills. 14 de enero de 1957) fue actor de cine y teatro estadounidense.Bogart fue el mayor de los tres hijos del matrimonio formado por Belmont De Forest, médico cirujano, y Maude Humphrey, artista gráfica. Estudió en la Escuela Trinity, y más tarde en la Academia Philips de Massachusetts, donde conoció a su amigo William Brady, hijo del productor de teatro William A. Brady, quien le estimuló a cultivar sus cualidades para la interpretación teatral. En un principio Bogart tenía pensado estudiar medicina en la Universidad de Yale, sin embargo, estos planes se vieron truncados al ser expulsado por su comportamiento rebelde.

A continuación se alistó en la Marina para combatir en la Primera Guerra Mundial, y fue destinado como marinero al buque S.S. Leviathan. En 1918 el barco fue atacado por submarinos y un torpedo lo alcanzó sin lograr hundirlo. Un fragmento astillado de madera saltó y le rasgó la boca, afectando para siempre su forma de hablar.

De regreso a su vida civil fue contratado como administrador en la compañía cinematográfica y de teatro World Film Corporation, de William A. Brady, el padre de su amigo.

Su manera de hablar y su aspecto físico, que no se correspondía con el del clásico galán de la época, dificultaron sus inicios en su carrera como actor. Desde 1922, cuando hizo su primera aparición en el escenario en la obra The Ruined Lady de la compañía World Film Corporation, hasta 1935, sólo hizo pequeñas intervenciones en escenarios y en algunas películas.

Entre los papeles secundarios que Bogart realizó hay que destacar su aparición en Tres vidas de mujer (1932), película que tuvo una gran repercusión en su carrera ya que contribuyó a sacarle del anonimato. El actor Leslie Howard, cabeza de reparto en El bosque petrificado, exigió a la Warner Brothers la participación de Bogart en el papel de Duke Mantee. Así, en 1936, el enorme éxito que tuvo El bosque petrificado supuso el comienzo de una carrera sólida para el actor. Su consagración llegó en 1941 con El último refugio, dirigida por Raoul Walsh. Su trabajo fue reconocido por la Academia de Cine americana cuando en 1951 Bogart obtuvo el Óscar al mejor actor por su interpretación en La Reina de África, coprotagonizada por Katharine Hepburn.

Bogart estuvo casado cuatro veces. Su primera esposa fue la veterana actriz Helen Menken, con quien se casó en 1926, y de la que se divorció tan sólo un año y medio después. En 1928 se casó de nuevo con otra actriz, Mary Phillips, divorciándose en 1938. Apenas cinco días más tarde volvió a casarse, esta vez con Mayo Methot, también actriz, con la que estuvo casado durante siete años. Sin embargo, todavía contraería matrimonio una cuarta vez, el 21 de mayo de 1945, con su compañera de reparto en Tener y no tener, Lauren Bacall. Con ella protagonizaría varias destacadas películas de su filmografía, como El sueño eterno, La senda tenebrosa o Cayo Largo y con la que tuvo dos hijos: Stephen en 1949 y Leslie en 1952. Hasta la muerte de Bogart la pareja permaneció muy unida, y constituyó uno de los matrimonios más carismáticos del mundo del cine.

Bogart murió en 1957 en Hollywood (California), víctima de un cáncer de esófago.

Filmografía

Humphrey Bogart en la famosa escena del aeropuerto de Casablanca.Más dura será la caída (1956)
Horas desesperadas (1955)
La mano izquierda de Dios (1955)
No somos ángeles (1954)
La condesa descalza (1954)
Sabrina (1954)
El motín del Caine (1954)
La burla del diablo (1954)
Campo de batalla (1953)
El cuarto poder (1952)
La reina de África (1951)
Siroco (1951)
Sin conciencia (1951)
En un lugar solitario (1950)
Una llama en el espacio (1950)
Secuestro (1949)
Llamad a cualquier puerta (1949)
Cayo Largo (1948)
El tesoro de Sierra Madre (1948)
Always Together (1948)
La senda tenebrosa (1947)
Las dos señoras Carroll (1947)
Callejón sin salida (1947)
El sueño eterno (1946)
Two Guys From Milwaukee (1946)
Hollywood Victory Caravan (1945)
Retorno al abismo (1945)
Tener y no tener (1944)
Report From The Front (1944)
Pasaje para Marsella (1944)
Sahara (1943)
Adorables estrellas (1943)
Casablanca (1942)
A través del Pacífico (1942)
The Big Shot (1942)
Como ella sola (1942)
A través de la noche (1942)
El halcón maltés (1941)
The Wagons Roll at Night (1941)
El último refugio (1941)
Pasión ciega (1940)
Brother Orchid (1940)
It All Came True (1940)
Oro, amor y sangre (1940)
Invisible Stripes (1939)
The Return of Doctor X (1939)
Los violentos años veinte (1939)
You Can't Get Away With Murder (1939)
Amarga victoria (1939)
El chico de Oklahoma (1939)
El rey del hampa (1939)
Ángeles con caras sucias (1938)
Racket Busters (1938)
El sorprendente doctor Clitterhouse (1938)
Men Are Such Fools (1938)
Crime School (1938)
Swing Your Lady (1938)
Siempre Eva (1937)
Calle sin salida (1937)
San Quintín (1937)
Kid Calahad (1937)
La mujer marcada (1937)
La legión negra (1937)
Isle of Fury (1936)
China Clipper (1936)
Two Against The World (1936)
Balas o votos (1936)
El bosque petrificado (1936)
Llamémoslo un asesinato (1934)
Tres vidas de mujer (1932)
Big City Blues (1932)
Juventud moderna (1932)
El temerario (1931)
¡Vaya mujeres! (1931)
Bad Sister (1931)
Cuerpo y alma (1931)
Río arriba (1930)
El conquistador (1930)
Broadway's Like That (1930)

Premios Oscar
Año Categoría Película Resultado
1943 Mejor Actor El motín del Caine Candidato
1951 Mejor Actor The African Queen Ganador
1943 Mejor Actor Casablanca Candidato

Ha recibido 557 puntos

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Henry Fonda

17. Henry Fonda

Henry Jaynes Fonda (* 16 de mayo de 1905, Grand Island, Nebraska – † 12 de agosto de 1982, Los Ángeles, California) fue un actor de cine y teatro estadounidense, ganador de los premios Óscar, Globo de Oro, BAFTA y Tony. Biografía El cineasta John Ford, cuando en una entrevista se le... Ver mas
Henry Jaynes Fonda (* 16 de mayo de 1905, Grand Island, Nebraska – † 12 de agosto de 1982, Los Ángeles, California) fue un actor de cine y teatro estadounidense, ganador de los premios Óscar, Globo de Oro, BAFTA y Tony.


Biografía
El cineasta John Ford, cuando en una entrevista se le preguntó qué era el cine para él, contestó: "¿Usted ha visto caminar a Henry Fonda? Pues eso es el cine".

Esta frase valdría para resumir la carrera de Fonda, uno de esos mitos del cine que se fueron forjando a base de talento puro y trabajo. Henry Jaynes Fonda nació el 16 de mayo de 1905 en Grand Island (Nebraska), en el seno de una familia de origen italiano. Tras terminar su educación secundaria trabajó como "chico para todo" en una oficina y, en ese periodo, empezó a coquetear con la interpretación. En una entrevista publicada en el número 175 de la revista Film Ideal de 1965, el actor aseguró:

"No puedo explicar cómo llegué a ser actor, mi ambición nunca fue ser actor de cine. Ni siquiera quería ser actor, jamás pensé en serlo, pero donde se me ocurrió la idea fue en el teatro. Me vi empujado al escenario en un pequeño teatro de Nebraska (...). Yo no quería hacer nada de aquello, pero una amiga de mi familia, Dorothy Brando (que luego tendría un hijo llamado Marlon), dirigía activamente el pequeño teatro y, literalmente, me lanzó al escenario."
Cuando "Hank" –como le conocían sus amigos– comprendió que la interpretación podía ser una profesión, decidió trasladarse a Nueva York. Tras participar en numerosas obras de Broadway su gran oportunidad le llegó en 1934, al protagonizar la obra The Farmer Takes a Wife. El éxito fue tal que la Fox decidió adaptarla a la pantalla (Contrastes de Victor Fleming, 1935) y hacer a Fonda un contrato de larga duración.

"De pronto me encontré con que me ofrecían tanto dinero por hacer una película que, aunque no tenía ningún interés en ello, pensé que sería estúpido no aceptar. Así me encontré convertido en actor de cine."
El flechazo entre la cámara y el rostro de Fonda –de ciudadano honrado al que lo único que parece importarle es no perder la dignidad– fue inmediato. Este aspecto de su mirada lo definió mejor que nadie Peter Bogdanovich: "Cuando Henry Fonda dice algo, lo crees... Ésta es una cualidad de las verdaderas estrellas y nadie la tiene más que Fonda."

De 1935 a 1981, Fonda desarrolló una de las carreras más prolíficas (113 películas protagonizadas) y exitosas de la historia del cine. Los directores de lo rifaban para que trabajase a sus órdenes y él lo hacía con la mayor naturalidad, como si actuar fuese un sexto sentido. Se le empezó a conocer con el apodo de "One-Take Fonda" (Una Toma Fonda), puesto que conseguía al instante bordar su papel, sin necesitar repetir decenas de veces las tomas. En sus primeros años demostró su valía en títulos como El camino del pino solitario de Henry Hathaway (1936), Sólo se vive una vez de Fritz Lang (1937), Jezabel de William Wyler (1938), Tierra de audaces de Henry King (1939), El joven Lincoln (1939) y Corazones indomables (1939), éstas últimas dirigidas por John Ford.

La década de los cuarenta fue la consagración absoluta, gracias entre otras a Las uvas de la ira (1940), de nuevo a las órdenes de John Ford, y por la que recibió su primera nominación al Óscar. La vida de ambos en esa época fue en paralelo, colaborando además en Pasión de los fuertes (1946), El fugitivo (1947) y Fort Apache (1948). La segunda nominación al Óscar la consiguió por Doce hombres sin piedad de Sidney Lumet (1957).

También trabajó junto a otros muchos cineastas de renombre, como King Vidor en Guerra y paz (1956), Alfred Hitchcock en Falso culpable (1957), Edward Dmytryk en El hombre de las pistolas de oro (1959), Otto Preminger en Tempestad sobre Washington (1962), Sergio Leone en Hasta que llegó su hora (1968), y Joseph L. Mankiewicz en El día de los tramposos (1970).

En 1980 se le concedió el Óscar honorífico por toda su carrera y, un año después, recibió la estatuilla al mejor actor por En el estanque dorado de Mark Rydell (1981), en la que actuó junto a Katharine Hepburn y su hija Jane Fonda. Al poco tiempo, el 12 de agosto de 1982, moría en Los Ángeles.

"Fui condenadamente afortunado por convertirme en actor. Actuar para mí es ponerme una máscara. La peor tortura que puede sucederme es no tener una máscara tras la que ocultarme."
[editar] Filmografía
(1935) Contrastes ("The Farmer Takes a Wife")
(1935) Way Down East
(1935) Canción de amor ("I Dream Too Much")
(1936) El camino del pino solitario ("The Trail of the Lonesome Pine")
(1936) Spendthrift
(1936) The Moon's Our Home
(1937) Wings of the Morning
(1937) Sólo se vive una vez ("You Only Live Once")
(1937) That Certain Woman
(1937) Slim
(1938) Volvió el amor ("I Met My Love Again")
(1938) Jezabel ("Jezebel")
(1938) Bloqueo ("Blockade")
(1938) Lobos del norte ("Spawn of the North")
(1938) The Mad Miss Manton
(1939) Tierra de audaces ("Jesse James")
(1939) Let Us Live!
(1939) El gran milagro ("The Story of Alexander Graham Bell")
(1939) El joven Lincoln ("Young Mr. Lincoln")
(1939) Corazones indomables ("Drums Along the Mohawk")
(1940) Las uvas de la ira ("The Grapes of Wrath")
(1940) La reina de la canción ("Lillian Russell")
(1940) La venganza de Frank James ("The Return of Frank James")
(1940) Chad Hanna
(1941) Las tres noches de Eva ("The Lady Eve")
(1941) Wild Geese Calling
(1941) Me perteneces ("You Belong to Me")
(1942) Rings on Her Fingers
(1942) The Male Animal
(1942) The Magnificent Dope
(1942) Seis destinos ("Tales of Manhattan")
(1942) Su última danza ("The Big Street")
(1943) El sargento inmortal ("Immortal Sergeant")
(1943) Incidente en Ox-Bow ("The Ox-Bow Incident")
(1946) Pasión de los fuertes ("My Darling Clementine")
(1947) Noche eterna ("The Long Night")
(1947) El fugitivo ("The Fugitive")
(1947) Entre el amor y el pecado ("Daisy Kenyon")
(1948) Una encuesta llamada Milagro ("On Our Merry Way")
(1948) Fort Apache
(1955) Escala en Hawaii ("Mister Roberts")
(1956) Guerra y paz ("War and Peace")
(1956) El hombre equivocado ("The Wrong Man")
(1957) Doce hombres en pugna ("12 Angry Men")
(1957) Cazador de forajidos ("The Tin Star")
(1958) Stage Struck
(1959) El hombre de las pistolas de oro ("Warlock")
(1959) The Man Who Understood Women
(1962) Tempestad sobre Washington ("Advise and Consent")
(1962) El día más largo ("The Longest Day")
(1962) La conquista del Oeste ("How the West Was Won")
(1963) Fiebre en la sangre ("Spencer's Mountain")
(1964) The Best Man
(1964) Punto límite ("Fail-Safe")
(1964) La pícara soltera ("Sex and the Single Girl")
(1965) Los desbravadores ("The Rounders")
(1965) Primera victoria ("In Harm's Way")
(1965) Guerra secreta ("The Dirty Game")
(1965) La Batalla de las Ardenas ("Battle of the Bulge")
(1966) El destino también juega ("A Big Hand for the Little Lady")
(1967) Una bala para el Diablo ("Welcome to Hard Times")
(1968) Los malvados de Firecreek ("Firecreek")
(1968) Brigada homicida ("Madigan")
(1968) Tuyos, míos, nuestros ("Yours, Mine and Ours")
(1968) El estrangulador de Boston ("The Boston Strangler")
(1968) Hasta que llegó su hora ("Once Upon a Time in the West")
(1970) Comando en el mar de China ("Too Late the Hero")
(1970) El club social de Cheyenne ("The Cheyenne Social Club")
(1970) El día de los tramposos ("There Was a Crooked Man")
(1971) Casta invencible ("Sometimes a Great Notion")
(1973) El serpiente ("Le Serpent")
(1973) Miércoles de ceniza ("Ash Wednesday")
(1973) Mi nombre es... Ninguno ("Il mio nome è Nessuno")
(1974) Mussolini: Último acto ("Mussolini: Ultimo atto")
(1976) La batalla de Midway ("Midway")
(1977) Tentáculos ("Tentacoli")
(1977) Montaña rusa ("Rollercoaster")
(1977) The Last of the Cowboys
(1978) Los jóvenes leones ("Il Grande attacco")
(1978) Fedora
(1978) El enjambre ("The Swarm")
(1979) Emergencia ("City on Fire")
(1979) Wanda Nevada
(1979) Meteoro ("Meteor")
(1981) En el estanque dorado o La laguna dorada ("On Golden Pond")



Premios Óscar
Año Categoría Película Resultado
1981 Mejor actor On Golden Pond Ganador
1980 Óscar Honorífico Ganador
1957 Mejor película 12 Angry Men Nominado
1940 Mejor actor The Grapes of Wrath Nominado

Globos de Oro
Año Categoría Película Resultado
1981 Mejor actor - Drama On Golden Pond Ganador
1981 Premio Cecil B. DeMille Ganador

Premios BAFTA
Año Categoría Película Resultado
1957 Mejor actor 12 Angry Men Ganador

Ha recibido 532 puntos

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Spencer Tracy

18. Spencer Tracy

Spencer Bonaventure Tracy (n. 5 de abril de 1900 - m. 10 de junio de 1967) fue un actor estadounidense ganador de los premios Oscar y Globos de Oro. Biografía Nació el 5 de abril de 1900 en Milwaukee, Wisconsin, segundo hijo de un vendedor de camiones y una ama de casa de orígenes... Ver mas
Spencer Bonaventure Tracy (n. 5 de abril de 1900 - m. 10 de junio de 1967) fue un actor estadounidense ganador de los premios Oscar y Globos de Oro.


Biografía
Nació el 5 de abril de 1900 en Milwaukee, Wisconsin, segundo hijo de un vendedor de camiones y una ama de casa de orígenes irlandeses. Su nombre completo es Spencer Bonaventure Tracy. En la Marquette Academy conoce al actor Pat O'Brien y juntos abandonan los estudios para alistarse en La Marina, Tracy tiene 17 años. Sueña con entrar en combate, pero cuando la Primera Guerra Mundial acaba, Tracy sigue en una base de la marina estadounidense en Virginia. Decide retomar sus estudios y en el Ripon College participa por primera vez en una representación teatral, la experiencia le fascina. Decide ser actor y en compañía de O'brien viaja a Nueva York para estudiar arte dramático. Los dos debutan en la obra R.U.R, en 1923, interpretando a un robot mudo; en este mismo año contrae matrimonio con Luise Treadwell.

El tiempo pasa y Tracy se abre camino en Broadway, es descubierto por John Ford mientras interpreta "The last mile", su mayor éxito en el teatro. Debuta con él en "Up the river" en 1930, y en sus tres primeros años en Hollywood protagoniza 16 películas. En 1935 firma con la Metro-Goldwyn-Mayer un contrato en exclusiva, y allí hará la mayor parte de su carrera.

Gana dos Premios de la Academia consecutivos al mejor actor en 1937 y 1938 por "Capitanes intrépidos" y "Forja de hombres", pero es seleccionado en 7 ocasiones más para el premio.

Tracy realizó a lo largo de su carrera impresionantes interpretaciones como las de "El poder y la gloria", "Furia", "El extraño caso del doctor Jeckyll", "La costilla de Adán", "La mujer del año", "El último Hurra".

Tracy tuvo siempre una compleja personalidad, duro, seco, apasionado, alcohólico, parco en palabras, prefirió la infidelidad al divorcio debido a su educación católica. Tuvo dos romances públicos, uno fugaz con la actriz Loretta Young y 25 años de convivencia con la actriz Katharine Hepburn, con quien realizó 9 películas y de quien sólo le separó la muerte.

Falleció el 10 de junio de 1967, a la edad de 67 años, por un ataque al corazón; trece días después de acabar el rodaje el último film con Hepburn "Adivina quién viene esta noche", durante el cual sufrió una grave infección pulmonar. Tracy se levantó a beber en la madrugada, cayó y murió en brazos de Katharine Hepburn.

Filmografía
Adivina quién viene esta noche (1967)
El mundo está loco, loco, loco (1963)
La conquista del Oeste (1962)
El juicio de Nuremberg (1961)
El diablo a las cuatro (1961)
La herencia del viento (1960)
El viejo y el mar (1958)
El último hurra (1958)
Su otra esposa (1957)
La montaña siniestra (1956)
Conspiración de silencio (1955)
Lanza rota (1954)
La actriz (1953)
Plymouth Adventure (1952)
La impetuosa (1952)
The People Against O'Hara (1951)
El padre es abuelo (1951)
El padre de la novia (1950)
Edward, mi hijo (1949)
Malaca (1949)
Eduardo, hijo mío (1949)
La costilla de Adán (1949)
El estado de la unión (1948)
Mar de hierba (1947)
Dos edades del amor (1947)
Sin amor (1945)
Treinta segundos sobre Tokio (1944)
La séptima cruz (1944)
Dos en el cielo (1943)
La mujer del año (1942)
La vida es así (1942)
La llama sagrada (1942)
La ciudad de los muchachos (1941)
El extraño caso del doctor Jekyll (1941)
Paso al Noroeste (1940)
Esta mujer es mía (1940)
Edison, el hombre (1940)
Fruto dorado (1940)
El explorador perdido (1939)
Piloto de pruebas (1938)
Maniquí (1938)
Forja de hombres (1938)
They Gave Him a Gun (1937)
Capitanes intrépidos (1937)
The Big City (1937)
San Francisco (1936)
Una mujer difamada (1936)
Furia (1936)
Jaque al rey (1935)
Flor de arrabal (1935)
La voz que acusa (1935)
It's a Small World (1935)
La nave de satán (1935)
El fanfarrón (1934)
Noches en Nueva York (1934)
María Galante (1934)
Una avería en la línea (1934)
Hollywood conquistado (1934)
La locura de Shanghai (1933)
El poder y la gloria (1933)
Fueros humanos (1933)
La ley del talión (1933)
De cara al cielo (1933)
20.000 años en Sing Sing (1933)
Sangre joven (1932)
Chica bien (1932)
Diablos celestiales (1932)
Quería un millonario (1932)
La mujer pintada (1932)
Mi chica y yo (1932)
Conducta desordenada o policías frescos (1932)
Six Cylinder Love (1931)
Quick Millions (1931)
Goldie (1931)
Río arriba (1930)
Taxi Talks (1930)
The Strong Arm (1930)
The Hard Guy (1930)

Premios Óscar
Año Categoría Película Resultado
1967 Óscar al mejor actor Adivina quién viene esta noche Candidato
1961 Óscar al mejor actor Vencedores o vencidos Candidato
1960 Óscar al mejor actor La herencia del viento Candidato
1958 Óscar al mejor actor El viejo y el mar Candidato
1955 Óscar al mejor actor Conspiración del silencio Candidato
1950 Óscar al mejor actor El padre de la novia Candidato
1938 Óscar al mejor actor Forja de hombres Ganador
1937 Óscar al mejor actor Capitanes intrépidos Ganador
1936 Óscar al mejor actor San Francisco Candidato

Ha recibido 505 puntos

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Burt Lancaster

19. Burt Lancaster

Burt Lancaster (n. 2 de noviembre de 1913 - m. 20 de octubre de 1994) fue un actor estadounidense, perteneciente al cine clásico de ese país. De fuerte atracción y energía, su figura fue sinónimo del hombre galán y rudo. Su prestigio interpretativo se acrecentó a partir de su colaboración en el... Ver mas
Burt Lancaster (n. 2 de noviembre de 1913 - m. 20 de octubre de 1994) fue un actor estadounidense, perteneciente al cine clásico de ese país. De fuerte atracción y energía, su figura fue sinónimo del hombre galán y rudo. Su prestigio interpretativo se acrecentó a partir de su colaboración en el cine europeo, especialmente de sus colaboraciones con Luchino Visconti. En castellano, existe una popular frase hecha en la que se cita a este actor: "La cagaste Burt Lancaster".


[editar] Biografía
Nació en Nueva York con el nombre de Burton Stephen Lancaster, como uno de cinco hijos de un trabajador de correos. Creció en el Harlem oriental o Harlem Español y pasaba muchas horas en la calle, donde desarrolló su interés y su habilidad por el ejercicio físico y la gimnasia. Más tarde trabajó en el circo, hasta que un accidente le obligó a abandonar esta profesión.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Lancaster actuó en espectáculos del ejército. Aunque al principio la interpretación no le atrajo, cuando volvió del servicio militar intentó ser actor y recibió una oferta para un papel en una obra teatral en Broadway.

No tuvo éxito, pero un agente de Hollywood se fijó en él y le consiguió, en 1946, su primer papel cinematográfico en la película Forajidos junto a Ava Gardner. En esta ocasión sí tuvo un éxito considerable, de forma que intervino al año siguiente en otras dos películas.

A partir de allí, actuó en numerosas producciones, desde dramáticas y de intriga, hasta bélicas y de aventuras. En varias de sus películas de aventuras, que alcanzaron un gran éxito de taquilla, como El halcón y la flecha o El temible burlón, le acompañó en el reparto su antiguo amigo y compañero del circo Nick Cravat, también un gran acróbata, y que solía representar personajes mudos, posiblemente debido a que su marcado acento de Brooklyn no entonaba demasiado con las épocas en las que se desarrollaban los argumentos de sus películas.

A mitad de la década de 1950 desafió su propia capacidad de interpretación, aceptando papeles exigentes y variados.

En la mayoría de ellos, el actor, autodidacta, tuvo un gran reconocimiento del público y de los profesionales del cine. De esta forma se convirtió en uno de los grandes actores clásicos de su tiempo, siendo también una estrella del cine, participando en películas que pasaron a ser clásicos del cine como Duelo de titanes (1957) del director John Sturges, El fuego y la palabra (1960) del director Richard Brooks, El gatopardo (1963) del director Luchino Visconti, entre otras.

Recibió en 1960 el Óscar al mejor actor principal, por su papel en El fuego y la palabra, por el que también fue galardonado con un Globo de Oro y el premio de los Críticos de Cine de Nueva York. Fue nominado al Óscar al mejor actor por otras tres películas; De aquí a la eternidad en 1953 del director Fred Zinnemann, El hombre de Alcatraz en 1962 del director John Frankenheimer y Atlantic City en 1980 del director Louis Malle.

En una época más avanzada de su carrera, Lancaster abandonó las películas de acción y se concentró en interpretar papeles de personajes distinguidos, lo cual aumentó aún más su prestigio.

Trabajó en varias producciones europeas con directores como Luchino Visconti o Bernardo Bertolucci. Interesado en papeles exigentes, estuvo dispuesto en más de una ocasión a trabajar por una compensación económica muy por debajo de la habitual si el guión y el director le parecían interesantes. Incluso ayudó a financiar con su propio dinero películas que consideraba de un especial valor artístico. También produjo algunas películas del incipiente cine independiente, ayudando a directores como Sydney Pollack o John Frankenheimer a consolidarse en el mundo del cine. Asimismo, apareció en varias películas producidas para la televisión.

Fue también un defensor de minorías y apoyó financieramente la creación de grupos liberales, lo que hizo crecer el rumor de su posible militancia comunista cuando se opuso al macartismo. Más adelante en su vida fue un opositor a la Guerra de Vietnam. Siendo un defensor de los derechos de los homosexuales, se incorporó a la lucha contra el Sida en 1985, cuando su amigo Rock Hudson adquirió el mal.

Fue una persona muy celosa de su intimidad. Estuvo casado en tres ocasiones y tuvo cinco hijos de esos matrimonios. Se casó con su tercera esposa ya en el ocaso de su vida, en 1991. A medida que se hizo mayor, su corazón comenzó a fallar, lo que le impidió seguir desarrollando su actividad profesional con normalidad. Tuvo que someterse a una operación a corazón abierto, y un ataque cerebral le obligó a usar una silla de ruedas, quedando parcialmente paralítico. Falleció en 1994, en su casa de Los Ángeles, como consecuencia de un infarto cardíaco. Sus restos se encuentran en el Cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Ángeles, California.
Filmografía
Campo de sueños (1989)
The Jeweller's Shop (1989)
El cohete de Gibraltar (1988)
Project (1987)
Otra ciudad, otra ley (1986)
Pequeño tesoro (1985)
Clave: Omega (1983)
Un tipo genial (1983)
La piel (1981)
La leyenda de Bill Doolin (1981)
Atlantic City (1980)
Amanecer zulú (1979)
La patrulla (1978)
La isla del doctor Moreau (1977)
Alerta misiles (1977)
El puente de Casandra (1976)
Novecento, 1900 (película) (1976)
Buffalo Bill (1976)
Confidencias (1974)
El hombre de la medianoche (1974)
Acción ejecutiva (1973)
Scorpio (1973)
La venganza de Ulzana (1972)
Que viene Valdez (1971)
En nombre de la ley (1971)
Aeropuerto (1970)
Los temerarios del aire (1969)
La fortaleza (1969)
El nadador (1968)
Camino de la venganza (1968)
Los profesionales (1966)
La batalla de las colinas de whisky (1965)
El tren (1964)
Siete días de mayo (1964)
El último de la lista (1963)
El gatopardo (1963)
Ángeles sin paraíso (1963)
El hombre de Alcatraz (1962)
Vencedores o vencidos (1961)
Los jóvenes salvajes (1961)
El fuego y la palabra (1960)
Los que no perdonan (1960)
El discípulo del diablo (1959)
Mesas separadas (1958)
Torpedo (1958)
Chantaje en Broadway (1957)
Duelo de titanes (1957)
El farsante (1956)
Trapecio (1956)
La rosa tatuada (1955)
El hombre de Kentucky (1955)
Veracruz (1954)
Apache (1954)
Su majestad de los mares del sur (1954)
Three Sailors and a Girl (1953)
De aquí a la eternidad (1953)
Huracán de emociones (1953)
Vuelve, pequeña Sheba (1952)
El temible burlón (1952)
Diez valientes (1951)
Jim Thorpe, el declive de un campeón (1951)
El valle de la venganza (1951)
El caso 880 (1950)
El halcón y la flecha (1950)
Soga de arena (1949)
El abrazo de la muerte (1949)
Sangre en las manos (1948)
Voces de muerte (1948)
Todos eran mis hijos (1948)
Al volver a la vida (1948)
La hija del pecado (1947)
Fuerza bruta (1947)
Forajidos (1946)

Ha recibido 497 puntos

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Alain Delon

20. Alain Delon

Alain Delon (n. 8 de noviembre de 1935) es un actor francés, ícono del cine europeo. Productor desde 1964, año en que debutó como tal con el film L'Insoumis dirigido por Alain Cavalier, habiendo realizado, hasta la fecha, 26 producciones. Biografía Alain Delon nació en Sceaux, Altos del... Ver mas
Alain Delon (n. 8 de noviembre de 1935) es un actor francés, ícono del cine europeo. Productor desde 1964, año en que debutó como tal con el film L'Insoumis dirigido por Alain Cavalier, habiendo realizado, hasta la fecha, 26 producciones.


Biografía
Alain Delon nació en Sceaux, Altos del Sena, el 8 de noviembre de 1935. Pasa por una infancia difícil, y con 17 años se enrola en el Ejército como paracaidista y participa en la Guerra de Indochina, llegando a combatir en Diên Biên Phu.

Tras regresar de la guerra, trabaja como descargador en el Mercado Central de París. Durante el Festival de Cannes de 1956, es descubierto por los hermanos y directores de CineYves Allégret y Marc Allégret, debutando con Yves en el film "Quand la femme s’en mele", durante 1957.

Su total consagración ocurre en 1960 con la película de René Clément A pleno sol (Plein soleil), convirtiéndose luego en uno de los actores preferidos por el director italiano Luchino Visconti, bajo su dirección protagoniza Rocco y sus hermanos y comparte protagónico con Burt Lancaster y Claudia Cardinale en El gatopardo, aunque también trabajará con otros directores como Michelangelo Antonioni.

Tras estas apariciones internacionales se centrará bastante en el cine francés, alcanzando una enorme popularidad en su país, gracias a películas como "Le samurai" (El silencio de un hombre) de (Jean-Pierre Melville), Historias extraordinarias (Louis Malle) y "La piscina" (Jacques Deray). Reconvertido en productor, obtiene un enorme éxito con Borsalino de Jacques Deray, en la que aparecerá junto a la otra gran estrella del cine francés, Jean-Paul Belmondo. Por esta época, los trabajos en los que se embarcará serán de menor interés.

En los años 80, Delon ampliará su abanico y dirigirá sus primeras películas, Por la piel de un policía y Diamantes para un ladrón.




Vida personal
Respecto a su vida personal, su gran aspecto físico e ícono del atractivo masculino en su juventud le llevó a mantener numerosos romances. Mantuvo una importante relación con la actriz vienesa Romy Schneider, con quien conservó una profunda amistad hasta el fallecimiento de ella, en 1982 víctima de un paro cardíaco, tras haber perdido a su hijo en un desgraciado accidente doméstico unos meses antes. Existieron rumores de que habría sido suicidio, pero nunca pudo comprobarse.

Mantuvo un romance y se casó en 1964 con la marroquí Nathalie Delon (Natalie Canovas) con quien tuvo un hijo llamado Anthony Delon, la pareja se divorció en 1969. Posteriormente convivió por años (1969-1984) con la actriz francesa Mireille Darc de la cual se separó más tarde.

Tuvo varias relaciones intensas, aunque cortas. Vivió un romance con la cantante alemana Nico quien reclama que su hijo Christian Aaron Boulogne tiene a Delon como padre.

En 1987 conoce a la innota actriz holandesa Rosalie Van Bremen durante la filmación deVideoclip "Comme Au Cinema", con la cual tuvo dos hijos: Anouchka y Alain-Fabien. La pareja se separó en 2001. Hoy por hoy, según sus propias declaraciones, sus hijos son sus únicos amores y su hija Anouchka es su compañera dilecta en la mayoría de los eventos sociales a los que asiste.

Premios
Premios César 1985: César al mejor actor por Notre histoire de Bertrand Blier.
Filmografía (parcial)
Director
1980: Por la piel de un policía ("Pour la peau d'un flic")
1983: Cerca a un ladrón ("Le Battant")
Actor
1957: "Quand la femme s'en mêle", de Yves Allégret
1958
Una rubia peligrosa ("Sois belle et tais-toi"), de Marc Allégret
Débiles mujeres ("Faibles femmes"), de Michel Boisrond
Amoríos ("Christine"), de Pierre Gaspard-Huit
1959: A pleno sol ("Plein soleil"), de René Clément
1960: Rocco y sus hermanos ("Rocco y sus hermanos"), de Luchino Visconti
1961
Amores célebres ("Les amours célèbres"), de Michel Boisrond
¡Qué alegría vivir! ("Quelle joie de vivre!"), de René Clément
1962
El eclipse ("L'eclisse"), de Michelangelo Antonioni
El diablo y los diez mandamientos ("Le diable et les dix commandements"), episodio de Julien Duvivier
Gran jugada en la Costa Azul ("Mélodie en sous-sol"), de Henri Verneuil
1963
El gatopardo ("Il gattopardo"), de Luchino Visconti
El tulipán negro ("La tulipe noire"), de Christian-Jaque
La muerte juega a carambolas ("Carambolages"), de Marcel Bluwal
1964
La muerte no deserta ("L'insoumis"), de Alain Cavalier
El Rolls-Royce amarillo ("The Yellow Rolls-Royce"), de Anthony Asquith
Los felinos ("Les félins"), de René Clément
1965: El último homicidio ("Once a Thief"), de Ralph Nelson
1966
Texas ("Texas Across the River"), de Michael Gordon
Mundo perdido ("Lost Command"), de Mark Robson
Tres aventureros ("Les aventuriers"), de Robert Enrico
¿Arde París? ("Paris brûle-t-il?"), de René Clément
1967
Diabólicamente tuyo ("Diaboliquement vôtre"), de Julien Duvivier
El silencio de un hombre ("Le samouraï"), de Jean-Pierre Melville
Adiós, amigo ("Adieu l'ami"), de Jean Herman
1968
La chica de la motocicleta ("The Girl on a Motorcycle"), de Jack Cardiff
Historias extraordinarias ("Histoires extraordinaires"), episodioWilliam Wilson de Louis Malle
La piscina ("La piscine"), de Jacques Deray
1969
Jeff, de Jean Herman
El clan de los sicilianos ("Le clan des siciliens"), episodio de Henri Verneuil
Borsalino, de Jacques Deray
1970
El círculo rojo ("Le cercle rouge"), de Jean-Pierre Melville
La dulce hembra ("Doucement les basses"), de Jacques Deray
1971
Sol rojo ("Soleil rouge"), de Terence Young
La viuda Couderc ("La veuve Couderc"), de Pierre Granier-Deferre
1972
El asesinato de Trotsky ("The Assassination of Trotsky"), de Joseph Losey
Crónica negra ("Un flic"), de Jean-Pierre Melville
La primera noche de la quietud ("La prima notte di quiete"), de Valerio Zurlini
1973
Tratamiento de choque ("Traitement de choc"), de Alain Jessua
Las granjas ardientes ("Les granges brûlées"), de Jean Chapot
Dos hombres en la ciudad ("Deux hommes dans la ville"), de José Giovanni
1974
Creezy, mujer objeto ("La race des seigneurs"), de Pierre Granier-Deferre
Los senos de hielo ("Les seins de glace"), de George Lautner
Borsalino y Cía ("Borsalino & Co."), de Jacques Deray
1975
Historia de un policía ("Flic Story"), de Jacques Deray
El gitano ("Le gitan"), de José Giovanni
El Zorro ("Zorro"), de Duccio Tessari
1976
El otro señor Klein ("Monsieur Klein"), de Joseph Losey
La última esperanza ("Comme un boomerang"), de José Giovanni
1977
Los granujas ("Le Gang"), de Jacques Deray
Armaguedón, la voz del fin del mundo ("Armaguedon"), de Alain Jessua
Un hombre tras el poder ("L'homme pressé"), de Edouard Molinaro
Muerte de un corrupto ("Mort d'un pourri"), de Georges Lautner
1978: Un intruso en el juego ("Attention, les enfants regardent"), de Serge Leroz
1979
Aeropuerto 80 ("Concorde Airport 80"), de David Lowell Rich
Retirada ("Le toubib"), de Pierre Granier-Deferre
1980
Tres hombres a matar ("Trois hommes à abattre"), de Jacques Deray
Por la piel de un policía ("Pour la peau d'un flic"), de Alain Delon
Teheran 43 ("Tegeran 43"), de Alexandre Alov
1982: El choque ("Le choc"), de Robin Davis
1983: Cerca a un ladrón ("Le battant"), de Alain Delon
1984: Un amor de Swann ("Un amour de Swann"), de Volker Schlöndorff
1985: Palabra de ley ("Parole de flic"), de José Pinheiro
1988: No despertar al policía que duerme ("Ne réveillez pas un flic qui dort"), de José Pinheiro
1992: El regreso de Casanova ("Le retour de Casanova"), de Édouard Niermans
1998: Uno de dos ("Une chance sur deux"), de Patrice Leconte
2000: Los actores ("Les acteurs"), de Bertrand Blier
2008: Astérix en los Juegos Olímpicos (película), de René Goscinny y Albert Uderzo.

Ha recibido 473 puntos

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Laurence Oliver

21. Laurence Oliver

Laurence Kerr Olivier, nombrado Baron Olivier, conocido artísticamente como Laurence Olivier, OM (Dorking, Surrey, 22 de mayo de 1907 – Steyning, Sussex; 11 de julio de 1989), actor y director británico. Biografía Hijo de un pastor protestante, a los 10 años llama la atención al... Ver mas
Laurence Kerr Olivier, nombrado Baron Olivier, conocido artísticamente como Laurence Olivier, OM (Dorking, Surrey, 22 de mayo de 1907 – Steyning, Sussex; 11 de julio de 1989), actor y director británico.


Biografía
Hijo de un pastor protestante, a los 10 años llama la atención al interpretar a Bruto en la representación teatral de Julio César de William Shakespeare. Siete años más tarde interrumpe sus estudios en Oxford, para estudiar Arte Dramático en Londres. A finales de los años 20, debuta como actor de teatro y no tarda en convertirse en un gran especialista en Shakespeare. Durante la década de los treinta llega a ser una de las principales figuras de la compañía del famoso Old Vic Theatre, mientras desarrolla una carrera como actor de cine en varias películas británicas. Llega a Hollywood y se convierte en un actor de películas románticas debido a su Heathcliff de Cumbres Borrascosas dirigido por William Wyler y a su Max de Winter en Rebeca de Alfred Hitchcock.

La II Guerra Mundial interrumpe esta ascendente trayectoria y le lleva a intervenir en diferentes películas de propaganda bélica, el documental Los conquistadores del aire de los hermanos Korda, la obra de ficción Lady Hamilton o Los invasores de Michael Powell. En 1946 dirige Enrique IV, personal visión de la tragedia de Shakespeare y por la que consigue varios Óscar. Su éxito le ayuda a dirigir y protagonizar Hamlet un nuevo éxito que le hace ganar el León de Oro en el Festival de Venecia, el Óscar a la mejor película y al mejor actor. En los años 50 dirige el Old Vic Theatre y dedica su tiempo al teatro, aunque vuelve a Hollywood para protagonizar Carrie de William Wyler y para terminar su trilogía shakesperiana con Ricardo III, que no logra el éxito de las anteriores.

En los sesenta dirige la England's National Theatre Company y cierra su carrera como director con El príncipe y la corista, una comedia con él como protagonista y Marilyn Monroe como partenaire; y Tres hermanas, una adaptación del clásico de Antón Chéjov. Además interviene como actor en películas entre las que destacan Espartaco, donde da vida al cónsul Craso y es dirigido por Stanley Kubrick; El animador, de Tony Richardson; Las sandalias del pescador, con Anthony Quinn o El rapto de Bunny Lake, de Otto Preminger. Tras conseguir todo tipo de honores y ser un mito del teatro británico, en los años setenta y ochenta se limita a hacer papeles secundarios en películas de renombre como La huella, en la que tiene un enorme duelo interpretativo con Michael Caine, Marathon Man de John Schlesinger o Los niños del Brasil de Franklin J. Schaffner, inquietante película sobre el doctor nazi Joseph Mengele (interpretado por Gregory Peck), en el que interpreta a un cazanazis retirado (inspirado en la figura de Simon Wiesenthal).

En los años setenta protagoniza una serie de películas para televisón entre las que sobresale Amor entre ruinas con Katharine Hepburn y por la que gana un premio Emmy.

Casado en segundas nupcias con Vivien Leigh, se divorcia para casarse con la actríz británica Joan Plowright.

Obras teatrales en el Reino Unido
The Adding Machine - 1928
Macbeth - 1928
Back to Methuselah - 1928
Harold - 1928
The Taming of the Shrew - 1928
Bird in Hand - 1928
Paul Among The Jews - 1928
The Dark Path - 1928
Journey's End - 1928
Beau Geste - 1929
Prize Giving at Woodside House School (sketch) - 1929
The Circle of Chalk - 1929
Paris Bound - 1929
The Stranger Within - 1929
The Last Enemy - 1929
100 Not Out (sketch) 1930
After All - 1930
Vidas Privadas -1930
Some Other Private Lives (sketch) 1930
The Rats of Norway - 1931
Biography - 1934
Queen of Scots - 1934
Theatre Royal - 1934
Journey's End - 1934
A Kiss for Cinderella - 1934
November Afternoon (sketch) - 1934
The Winning Post - 1934
Ringmaster - 1935
November Afternoon (sketch) - 1935
Notices (sketch) - 1935
The Down and Outs Matinee - 1935
Golden Arrow - 1935
Romeo and Juliet - 1935
Bees on the Boatdeck - 1936
Hamlet - 1937
Twelfth Night - 1937
Henry V - 1937
Macbeth - 1937
Othello -1938
The King of Nowhere - 1938
Coriolanus - 1938
Here's To Our Enterprise - 1938
Henry V - 1942
Elsie Fogerty Jubilee Matine - 1942
Peer Gynt - 1944
Arms and the Man - 1944
Richard III - 1944
Uncle Vanya - 1945
Henry IV, Part 1 - 1945
Henry IV, Part 2 - 1945
Oedipus & The Critic - 1945
King Lear - 1946
The School for Scandal - 1949
Richard III - 1949
Antigone - 1949
Venus Observed - 1950
Caesar and Cleopatra - 1951
Antony and Cleopatra - 1951
The Sid Field Tribute - 1951
The Sleeping Prince - 1953
The Entertainer - 1957
Titus Andronicus - 1957
Rhinoceros - 1960
Semi-Detached - 1962
Tío Vanya - 1963
The Recruiting Officer - 1963
Othello - 1964
The Master Builder - 1964
Love for Love - 1965
The Dance of Death - 1967
A Flea in her Ear - 1967
Home and Beauty - 1969
The Merchant of Venice - 1970
Larga jornada hacia la noche - 1971
Saturday, Sunday, Monday - 1973
The Party - 1973
Tributo a una dama - 1974
Obras teatrales en Broadway
Murder on the Second Floor - 1929
Private Lives - 1931
The Green Bay Tree - 1933
No Time for Comedy - 1939
Romeo and Juliet - 1940
King Henry IV, Part I - 1946
King Henry IV, Part II - 1946
Uncle Vanya - 1946
Oedipus Rex - 1946
The Critic - 1946
Antony and Cleopatra - 1952 (productor)
The Entertainer - 1958
Becket - 1960-1
Romeo and Juliet - 1940 (compositor, director, y diseñador)
Daphne Laureola - 1950 (productor)
Antony and Cleopatra - 1952
Rosencrantz & Guildenstern Are Dead - 1967-8 (productor, director)
Venus Observed - 1952 (productor y director)
Romeo and Juliet - 1940 (compositor, productor, y diseñador)
Venus Observed - 1952 (productor y director)
The Tumbler - 1960 (director)
Rosencrantz & Guildenstern Are Dead - 1967-8 (productor, director)
Filumena - 1980 (director)
Filmografía como director
Enrique V (1946)
Hamlet (1948)
Ricardo III (1956)
El príncipe y la corista (1957)
Tres Hermanas (1970)
Filmografía selecta como actor
Como gustéis (1936)
Cumbres borrascosas (1939)
Rebeca (1940)
Orgullo y prejuicio (1940)
Lady Hamilton (1941)
Enrique V (1946)
Hamlet (1948)
Carrie (1952)
Ricardo III (1956)
El príncipe y la corista (1957)
Espartaco (1960)
El animador (1960)
El rapto de Bunny Lake (1965)
Otelo (1966)
Kartum (1966)
Las sandalias del pescador (1968)
Nicolás y Alejandra (1971)
La Huella (1972)
Marathon Man (1976)
Jesús de Nazaret (1976)
Un Puente Lejano (1977)
Los Niños del Brasil (1978)
Drácula (1979)
Furia de titanes (1981)
Motín a bordo (1986)
Films para televisión
John Gabriel Borkman - 1958
The Moon and Sixpence - 1959
The Power and the Glory - 1961
Male of the Species - 1969
David Copperfield - 1969
Long Day's Journey Into Night - 1973
The Merchant of Venice - 1973
The World At War - 1974
Amor entre ruinas - 1975
The Collection - 1976
Cat on a Hot Tin Roof - 1976
Come Back, Little Sheba - 1977
Daphne Laureola - 1978
Brideshead Revisited - 1981
A Voyage Round My Father - 1982
Mr. Halpern and Mr. Johnson - 1983
Wagner - 1983
A Talent for Murder - 1984
King Lear - 1984
The Last Days of Pompeii - 1984
The Ebony Tower - 1984
Peter the Great - 1986
Lost Empires - 1986
Premios
Premios Oscar
Año Categoría Película Resultado
1978 Mejor Actor Los niños del Brasil Nominado
1976 Mejor Actor de Reparto Marathon Man Nominado
1972 Mejor Actor La Huella Nominado
1960 Mejor Actor El animador Nominado
1955 Mejor Actor Ricardo III Nominado
1948 Mejor Actor Hamlet Ganador
1948 Mejor Director Hamlet Nominado
1948 Mejor Película Hamlet Ganador
1946 Oscar Honorífico Por su gran trabajo en Enrique V Ganador
1946 Mejor Actor Enrique V Nominado
1940 Mejor Actor Rebeca Nominado
1939 Mejor Actor Cumbres Borrascosas Nominado

Premios Golden Raspberry
Año Categoría Película Resultado
1982 Golden Raspberry al peor actor Inchon Ganador

Ha recibido 449 puntos

Vótalo:

Shirley Temple

22. Shirley Temple

Shirley Jane Temple (n. 23 de abril de 1928) es una ex-diplomática estadounidense y antigua actriz infantil. Protagonizó más de 40 películas de cine durante los años 1930. Biografía Carrera Nadie sabe cuando Shirley Temple comenzó a hacer películas ya que los Estudios FOX hicieron un... Ver mas
Shirley Jane Temple (n. 23 de abril de 1928) es una ex-diplomática estadounidense y antigua actriz infantil. Protagonizó más de 40 películas de cine durante los años 1930.


Biografía
Carrera
Nadie sabe cuando Shirley Temple comenzó a hacer películas ya que los Estudios FOX hicieron un certificado de nacimiento falso. Entre finales de 1931 y 1933 apareció en dos series de cortos para Educational Pictures. Sus primera serie, Baby Burlesks, satirizaron las películas y política recientes. La series fueron consideradas polémicas por algunos telespectadores por su representación de niños pequeños en situaciones adultas. Su segunda serie en Educational, Frolics of Youth, fue un poco más aceptable e hizo el papel de una irritante hermana menor en una familia suburbana contemporánea.

Mientras trabajaba para Educational Pictures, Temple también interpretó muchos papeles de figurante en diferentes películas. Finalmente firmó con Fox Film Corporation (que más tarde se fusionó con 20th Century Pictures para convertirse en 20th Century Fox) a finales de 1933 después de aparecer en Stand Up and Cheer! con James Dunn. Más tarde, hizo pareja en el cine con Dunn en varias películas.

Temple estaría con Fox hasta 1940, convirtiéndose en la actriz más lucrativa para el estudio. Su contrato fue corregido varias veces entre 1933 y 1935, y fue prestada a Paramount para un par de películas exitosas en 1934. Durante cuatro años sólidos, figuró como la estrella más taquillera de Estados Unidos. Para mantenerla en su infancia, el certificado de nacimiento de Shirley había sido alterado. Sólo en su duodécimo cumpleños se dio cuenta de que tenía de hecho trece.[1]

Su popularidad ganó tanto su adulación pública como la aprobación de sus colegas. Incluso con cinco años, el sello de sus actuaciones era su profesionalismo: siempre tenía sus frases memorizadas y sus pasos de baile preparados cuando el rodaje comenzaba. Fue la primera receptora del Premio Oscar especial al Intérprete Juvenil en 1935. Setenta años más tarde, Temple es aún la interprete más joven de toda la historia del cine en recibir este honor. Es también la actriz más joven en añadir las huellas de pies y manos en el exterior del Grauman's Chinese Theatre.

Temple también hizo películas con Carole Lombard, Gary Cooper, Adolphe Menjou y muchos otros. Arthur Treacher apareció como un bondadoso mayordomo en varias películas de Temple.


Eleanor Roosevelt (izquierda) y Shirley Temple (derecha) en 1938.La capacidad de Temple como bailarina (especialmente como bailarina de claqué) es bien conocida y célebre. Incluso en sus primeras películas bailó y era capaz de hacer coreografías complejas de claqué con cinco años. Fue emparejada con el famoso bailarín Bill "Bojangles" Robinson en The Little Colonel, The Littlest Rebel, Rebecca of Sunnybrook Farm y Just Around the Corner. Robinson también preparó y desarrolló su coreografía para muchas de sus otras películas. Como Robinson era afroamericano, sus escenas cogiendo las manos de Temple tuvieron que ser suprimidas en muchas ciudades del Sur.

Aparte de las películas, hubo muchos productos promocionales de Shirley Temple durante los años 1930. Numerosas muñecas de Temple, vestidas con trajes de las películas, fueron muy vendidas. Hoy en día, las muñecas originales de Shirley Temple se cotizan en cientos de dólares en el mercado de segunda mano. Otros artículos exitosos de Temple incluían una línea de vestidos de chica y lazos de pelo. Varias canciones de las películas de Temple, incluyendo "On the Good Ship Lollipop" (de Bright Eyes de 1934), "Animal Crackers in My Soup" (de Curly Top de 1935) y "Goodnight My Love" (de Stowaway 1936) fueron populares éxitos de radio. Frecuentemente prestó su imagen y talento para promover varias causas sociales, incluyendo la Cruz Roja.

El papel de Dorothy en El Mago de Oz fue originalmente pensado para Judy Garland. Sin embargo, los ejecutivos de MGM estaban preocupados con el interés taquillero de Garland. Temple fue considerada para el papel, no obstante, no pudo aparecer en la película cuando un acuerdo entre Fox y MGM fracasó. También se rumoreó ser la inspiración para Bonnie Blue Butler en Lo que el viento se llevó y fue una de las primeras competidoras para el papel en la película, pero era demasiado mayor cuando comenzó a producirse la película.

En 1940, Temple dejó la Fox. Combinó las clases en Westlake School for Girls con películas para varios estudios, incluyendo MGM y Paramount. Sus películas más exitosas de ese momento fueron Since You Went Away con Claudette Colbert, The Bachelor and the Bobby-Soxer con Cary Grant y Fort Apache. Se retiró del cine en 1949.

En los años 1950 y 1960, hizo un breve retorno al negocio del espectáculo con dos series de televisión. Shirley Temple's Storybook se estrenó en la NBC el 12 de enero de 1958 y su última emisión fue el 1 de diciembre de 1959. Shirley Temple Theatre -- también conocido como The Shirley Temple Show -- se estrenó en la NBC el 11 de septiembre de 1960 y su última emisión fue el 10 de septiembre de 1961. Ambos programas mostraban adaptaciones de cuentos de hadas y otros cuentos orientados a la familia. Shirley Temple fue la presentadora y esporádica narradora/actriz en ambas series.

Familia y carrera como Shirley Temple Black

Shirley Temple como embajadora en Checoslovaquia en octubre de 1990Con 17 años, Temple se casó con el soldado convertido en actor John Agar (1921–2002) el 19 de septiembre de 1945. Tuvieron una hija, Linda Susan Agar (más tarde conocida como Susan Black) nacida el 20 de enero de 1948. Temple presentó una demanda de divorcio a finales de 1949 siendo el divorcio efectivo el 5 de diciembre de 1950. A principios de 1950, mientras estaba de vacaciones en Hawaii, Shirley conoció y se enamoró del hombre de negocios californiano Charles Alden Black (1919–2005) y se casaron el 16 de diciembre de 1950. Juntos tuvieron dos hijos: Charles Alden Black Jr. nacido el 29 de abril de 1952 y Lori Black nacido el 9 de abril de 1954. Permanecieron casados hasta la muerte de él de un síndrome mielodisplásico con 86 años el 4 de agosto de 2005.

Black posteriormente se involucró en la política del Partido Republicano, entrando sin éxito en la carrera congresional de 1967 en una plataforma pro-guerra. Continuó consiguiendo varios puestos diplomáticos, sirviendo como delegada de Estados Unidos en muchas conferencias y cumbres internacionales. Fue nombrada delegada de las Naciones Unidas por el Presidente Richard M. Nixon en 1969. Fue nombrada embajadora estadounidense en Ghana (1974–76). En 1976, se convirtió en la primera mujer Jefa de Protocolo de los Estados Unidos que puso a su cargo todas las ceremonias, visitas y regalos del Departamento de Estado a líderes extranjeros y la coordinación de temas de protocolo con todas las embajadas y consulados de Estados Unidos. Fue embajadora en Checoslovaquia (1989–92) y fue testigo de la Revolución de Terciopelo, sobre la que comentó, "Ese fue el mejor trabajo que tuve en toda mi vida." En 1987 fue nombrada la primera funcionaria honoraria del servicio extranjero en la historia de Estados Unidos por el entonces Secretario de Estado, George Schultz.

Black apareció en la portada de la revista People en 1999 con el título "Picture Perfect" y más tarde ese mismo año como parte de su informe especial, "Sobreviviendo al cáncer de mama". Apareció en los Oscar 1997 y también en ese mismo año recibió un Premio Kennedy.

Black sirvió en la junta directiva de algunas grandes empresas incluyendo The Walt Disney Company (1974–75), Del Monte, Bancal Tri-State y Fireman's Fund Insurance. Sus nombramientos en las juntas de organizaciones sin ánimo de lucro incluyeron el Institute for International Studies en la Universidad de Stanford, el Council on Foreign Relations, el Council of American Ambassadors, el World Affairs Council, la Comisión de Estados Unidos para la Unesco, el National Committee on US-China Relations, la Asociación de las Naciones Unidas y el US Citizen's Space TaskForce.

Recibió doctorados honorarios de la Santa Clara University y la Lehigh University, una Beca de College of Notre Dame y un Chubb Fellowship de la Universidad de Yale. Black ahora vive en Woodside, California.

Actividad reciente
En 2001, sirvió como asesora para la producción de la red de televisión ABC Child Star: The Shirley Temple Story, basada en la primera parte de su autobiografía.

En 2004, se unió con Legend Films para restaurar, colorizar y publicar su primeras películas en blanco y negro, así como episodios de sus series de televisión de 1960, The Shirley Temple Storybook Collection.

El Sindicato de Actores (SAG) anunció el 12 de septiembre de 2005, que ella iba a recibir el honor más pretigioso del Guild, el Lifetime Achievement Award. La Presidenta del SAG Melissa Gilbert dijo:

"No puedo pensar en nadie que merezcan más el premio del SAG Life Achievement de este año que Shirley Temple Black. Sus contribuciones a la industria del entretenimiento no tienen precedente; sus contribuciones al mundo no son menos inspiradoras. Ella ha vivido la vida más extraordinaria, como la brillante intérprete que el mundo llegó a conocer cuando sólo era una niña, a la dedicada servidora pública que ha servido a su país tanto en casa como fuera durante 30 años. En todo lo que ha hecho y cumplido, Shirley Temple Black ha demostrado una gracia, talento y determinación poco común, sin mencionar la compasión y coraje. De niña, estaba encantada de bailar y cantar sus películas y más recientemente como presidenta del gremio he tenido el orgullo de trabajar junto a ella, como amiga y colega, en servicio a nuestra unión. Ha sido una indeleble influencia en mi vida. Fue mi ídolo cuando era una niña y sigue siendo mi ídolo hoy en día."

Shirley Jane Temple Black tiene actualmente 80 años. Mide 1,57 m. Su marido murió el 4 de agosto de 2005 de enfermedad de la médula ósea.

Premio juvenil de la Academia

Premios Oscar
Año Categoría Película Resultado
1934 Premio Juvenil de la Academia Ganadora

Ha recibido 402 puntos

Vótalo:

Gloria Swanson

23. Gloria Swanson

Gloria Swanson (Chicago, 27 de marzo de 1899 - Nueva York, 4 de abril de 1983), actriz de cine estadounidense. Brilló como una de las principales estrellas del cine mudo en los años 20 y 30, y tras una larga retirada recuperó su fama en 1950, a edad madura, con El crepúsculo de los dioses... Ver mas
Gloria Swanson (Chicago, 27 de marzo de 1899 - Nueva York, 4 de abril de 1983), actriz de cine estadounidense. Brilló como una de las principales estrellas del cine mudo en los años 20 y 30, y tras una larga retirada recuperó su fama en 1950, a edad madura, con El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard) de Billy Wilder.


Vida y carrera

En 1918.
En la película Why Change Your Wife?, 1920.Su nombre completo era Gloria Josephine Mae Svensson y era hija de un soldado de ascendencia sueca. Su infancia transcurrió en Puerto Rico, Chicago y Florida. Desde muy joven se sintió atraída por el mundo de la interpretación.

Inicios con Charles Chaplin
Swanson debutó en 1915 con The Fable of Elvira and Farina and the Meal Ticket, de Roy Baker, y ese mismo año trabajó con Charles Chaplin en Charlot cambia de oficio (1915).

En Hollywood comenzó a tener éxito cuando el productor Mack Sennett le hizo formar pareja con Bobby Vernon. Aunque Swanson compaginó estas comedias con dramas, pronto se cansó de los títulos de Sennett. Su oportunidad de desligarse de él llegó cuando los estudios Keystone se declararon en bancarrota.

Carácter difícil
Pasó a la compañía Triangle y su primer título allí fue You Can’t Believe Everything (1918), de Jack Conway. Sus diferencias creativas con los ejecutivos causaron numerosos problemas al estudio, y después de ocho títulos sin trascendencia la actriz acabó su contrato justo cuando el estudio entraba también en bancarrota.

Esplendor con Cecil B. De Mille
Fue el director Cecil B. De Mille quien convirtió a Swanson en una auténtica estrella. Su primer título juntos, A los hombres (1919), renovó ya el aspecto de la actriz. La fama que alcanzó hizo que las revistas estuviesen continuamente pendientes de sus movimientos, y su forma de vestir causó sensación. Swanson se compró una mansión y se convirtió en la reina de los estudios Paramount.

A mediados de la década de los veinte, Swanson era una de las actrices mejor pagadas de Hollywood. Era la época de títulos como La octava esposa de Barba Azul (1923), una comedia romántica dirigida por Sam Wood, y Más fuerte que su amor con Rodolfo Valentino, también dirigida por Wood, adaptación de la novela de Elinor Glyn Beyond the Rocks. De esta película se recuperó una copia en abril de 2004, después de décadas de darse por perdida para siempre.

Otros títulos de entonces son Zaza (1923), de Allan Dwan, basada en la obra romántica de Pierre Bretón, y Sadie Thomson (1928), un drama dirigido por Raoul Walsh que le valió a Swanson una nominación al premio Oscar a la mejor actriz. Otro de los títulos emblemáticos de la década fue, sin duda, Queen Kelly (1929), el drama de Erich von Stroheim que se convirtió en la primera película sonora de éxito de la actriz.

Vida agitada
En 1919 se divorció de su primer marido y se casó con el productor Hernbert Somborn, matrimonio que duraría hasta 1922. A lo largo de su vida, Gloria Swanson se casó en seis ocasiones y tuvo tres hijos, uno de ellos adoptado.

En 1924 obtuvo los derechos de una obra de teatro titulada Madame Sans Gene y el permiso para rodar en Francia. Durante el rodaje de la película conoció a su tercer marido, el marqués Henri de la Falaise de la Coudraye.


Swanson, atendiendo a un periodista en California, 1937.Mientras continuaba su carrera con Paramount, Swanson decidió crear su propia productora para conseguir el control absoluto de sus películas: Gloria Swanson Productions, que fundó junto a Joseph Kennedy (que era su amante) en 1927. El amor de Sonia (1927) y La frágil voluntad (1928) las hizo en el seno de esa productora, proporcionándole, respectivamente, problemas financieros y de censura.

Crisis: llega el cine sonoro
Cuando se implantó el cine sonoro, Swanson tenía treinta años. Había estudiado canto y consiguió adecuar su voz a los incipientes sistemas de grabación. Su primer sonoro, La intrusa (1929), de Edmund Goulding, fue un éxito de público, lo que le permitió firmar un interesante contrato con Metro Goldwyn Mayer. Pero, a pesar de los esfuerzos de la actriz, su época de esplendor parecía haber terminado. Tras el fracaso de Música en el aire (1934), de Joe May, se retiró temporalmente, aunque siguió trabajando en radio.

Romance con un Kennedy
Swanson estuvo relacionada sentimentalmente con el productor Joseph P. Kennedy, padre del que fuera presidente de los Estados Unidos John F. Kennedy, romance que le ayudó a convertirse en uno de los personajes más poderosos de la industria cinematográfica del momento.

Reaparición: Sunset Boulevard

En una escena en Sunset Boulevard, 1950.La llegada del cine sonoro produjo tal crisis en la carrera de Gloria Swanson que ella decidió retirarse de la interpretación. A pesar de ello, en su madurez participaría en cinco películas más, la primera de ellas Sunset Boulevard (El crepúsculo de los dioses) de Billy Wilder (1950). Se cuenta que aceptó el papel por consejo del director George Cukor, en contra de la opinión de otras estrellas del cine mudo, como Mary Pickford y Mae Murray, que criticaron el argumento de la película por considerar que daba una imagen negativa de su trabajo.

Swanson llevaba varios años retirada del cine, pero asumía su declive y seguía activa en un programa de televisión, The Gloria Swanson Hour, por lo cual reaccionó positivamente cuando le ofrecieron el papel. Su interpretación de Norma Desmond en esta película le valió una nominación al premio Oscar a la mejor actriz, y se cuenta que otra diva del momento, Barbara Stanwyck, se inclinó a besarle el bajo del vestido, impresionada. La revista Time publicó: «En Sunset Boulevard, lo peor de Hollywood es mostrado por lo mejor de Hollywood».

Nuevamente de actualidad gracias a este éxito, acudió a la I edición del Festival de San Sebastián y le ofrecieron más papeles, si bien en producciones con más presupuesto que talento como La amante de Nerón, Killer Bees (Las abejas asesinas) y la película de catástrofe Aeropuerto 75.

Interpretando a Norma Desmond, Swanson decía en esta película: «Sin mí no existiria la Paramount», lo que probablemente fue real durante sus años de esplendor.

La actriz murió en Nueva York víctima de un ataque al corazón a los 86 años de edad.

Filmografía
At The End of a Perfect Day (bit) (1915)
The Ambition of the Baron (bit) (1915)
His New Job (uncredited) (1915)
The Fable of Elvira and Farina and the Meal Ticket (1915)
Sweedie Goes To College (1915)
The Romance of an American Duchess (1915)
The Broken Pledge (1915)
A Dash of Courage (1916)
Hearts and Sparks (1916)
A Social Club (1916)
The Danger Girl (1916)
Love on Skates (1916)
Haystacks and Steeples (1916)
The Nick of Time Baby (1916)
Teddy at the Throttle (1916)
Baseball Madness (1916)
Dangers of a Bride (1917)
The Sultan's Wife (1917)
A Pullman Bride (1917)
You Can't Believe Everything (1918)
Society For Sale (1918)
Her Decision (1918)
Every Woman's Husband (1918)
Shifting Sands (1918)
Station Content (1918)
The Secret Code (1918)
Wife or Country (1918)
Don't Change Your Husband (1919)
For Better, For Worse (1919)
Male and Female (1919)
Why Change Your Wife? (1920)
Something To Think About (1920)
The Great Moment (1921)
The Affairs of Anatol (1921)
Under The Lash (1921)
Don't Tell Everything (1921)
Her Husband's Trademark (1922)
Beyond The Rocks (1922)
Her Gilded Cage (1922)
The Impossible Mrs. Bellew (1922)
My American Wife (1922)
Hollywood (cameo) (1923)
Prodigal Daughters (1923)
Bluebeard's Eighth Wife (1923)
Zaza (1923)
The Humming Bird (1924)
A Society Scandal (1924)
Manhandled (1924)
Her Love Story (1924)
Wages of Virtue (1924)
Madame Sans-Gene (1925)
The Coast of Folly (1925)
Stage Struck (1925)
Umtamed Lady (1926)
Fine Manners (1926)
The Love of Sunya (1927)
Sadie Thompson (1928)
Queen Kelly (1929)
The Trespasser (1929)
What a Widow! (1930)
Indiscreet (1931)
Tonight or Never (1931)
Perfect Understanding (1933)
Music In The Air (1934)
Father Takes a Wife (1941)
Sunset Boulevard (película) (1950)
Three For Bedroom C (1952)
Nero's Mistress (1956)
Killer Bees (1974)
Aeropuerto 75 (1974)
[editar] Nominaciones a los Oscar
La frágil voluntad (Sadie Thompson) (1929)
La intrusa (The Trespasser) (1930)
El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard) (1951)

Ha recibido 373 puntos

Vótalo:

Lucille Ball

24. Lucille Ball

Lucille Désirée Ball Morton (6 de agosto de 1911 - 26 de abril de 1989), fue una actriz cómica estadounidense. Gracias a la serie de televisión I Love Lucy se convirtió en una de las estrellas más populares de los Estados Unidos. En 1925 decidió ingresar en una escuela de arte dramático. Ahí... Ver mas
Lucille Désirée Ball Morton (6 de agosto de 1911 - 26 de abril de 1989), fue una actriz cómica estadounidense. Gracias a la serie de televisión I Love Lucy se convirtió en una de las estrellas más populares de los Estados Unidos.

En 1925 decidió ingresar en una escuela de arte dramático. Ahí coincidió con otra futura estrella, la actriz Bette Davis. Ball dejó la escuela pocos días después de ingresar ya que su profesor consideró que era demasiado tímida y que no tenía futuro en la interpretación.

En 1930 se fue a vivir a la ciudad de Nueva York donde se convirtió en modelo. En 1933 se trasladó a Hollywood y apareció en diversos filmes como bailarina o actriz secundaria en pequeños papeles: Damas del teatro (1937, Gregory La Cava) junto a Katharine Hepburn y Ginger Rogers o El hotel de los líos (1938, William A. Seiter), con los Hermanos Marx. En 1940 firmó un contrato con la Metro-Goldwyn-Mayer pero no llegó a intervenir en demasiadas películas de relieve salvo Dance, girl, dance (1940) de Dorothy Arzner junto a Maureen O´Hara, y Ziegfeld Follies (1945) de Vincente Minnelli junto a Judy Garland, Fred Astaire y Gene Kelly, llegando a ser conocida como «la reina de las películas de serie B». En 1940 se casó con el músico cubano Desi Arnaz.


Lucille Ball en "Best Foot Forward (1943)El éxito le llegó en 1948 con un programa de radio llamado My favorite husband (Mi esposo favorito) que terminó convirtiéndose en un programa de televisión con el nombre de I love Lucy en el que trabajaba junto a su marido Desi Arnaz. La serie fue un éxito y estuvo en pantalla desde 1951 hasta 1957. En 1953 la actriz fue investigada por el Comité de actividades Americanas ya que en 1936 votó por el Partido Comunista.

Gracias a esta popularidad, volvió al cine con desigual fortuna. Entre lo mejor están las comedias Los apuros de Sally (1950, Lloyd Bacon, Un remolque larguísimo (1954, Vincente Minnelli) o Los milagros de la vida (1960, Melvin Frank).


Lucille Ball en 1989 en su última aparición públicaDespués de I love Lucy, Ball apareció en el musical de Broadway Wildcat así como en algunas películas como Tuyos, míos, nuestros (Yours, mine and ours) en 1968 junto a Henry Fonda y Van Johnson, o Mame, su última película en 1974. Además, intervino en dos series más de televisión The Lucy show y Here's Lucy.

Lucille Ball murió el 26 de abril de 1989 tras una rotura de aorta luego de haber sido intervenida quirúrgicamente en el corazón. Tenía 77 años.

Como "última actuacion" (como fantasma) se podría contar el episodio de Los Simpsons "Pequeña gran mamá", en el que habla con Lisa. El episodio se emitió originalmente en el año 1999

Ha recibido 314 puntos

Vótalo:

Desi Arnaz

25. Desi Arnaz

Desi Arnaz, nacido Desiderio Alberto Arnaz y de Acha, III (n.Santiago de Cuba, 2 de marzo de 1917 — m.Hollywood, Estados Unidos, 2 de diciembre de 1986), actor y músico cubano. Procedente de una familia cubana acomodada que abandona la isla en 1933 para establecerse en Miami, Arnaz intenta... Ver mas
Desi Arnaz, nacido Desiderio Alberto Arnaz y de Acha, III (n.Santiago de Cuba, 2 de marzo de 1917 — m.Hollywood, Estados Unidos, 2 de diciembre de 1986), actor y músico cubano.

Procedente de una familia cubana acomodada que abandona la isla en 1933 para establecerse en Miami, Arnaz intenta varias profesiones para ayudar a su familia hasta que es aceptado como guitarrista para el Septeto Siboney.

Después de trabajar brevemente con Xavier Cugat en Nueva York, Arnaz regresa a Miami para dirigir su propio combo e introducir la conga a las audiencias norteamericanas. Fue tan grande el éxito tanto local como nacional, que Arnaz vuelve a Nueva York para crear su propia banda. Se le ofreció un papel en el musical de Broadway Too Many Girls de 1939 y más tarde lo lleva a la versión cinematográfica en Hollywood. Fue en esta ocasión que conoce a su futura esposa Lucille Ball, con quien se casa el 30 de noviembre de 1940.

Arnaz participa en otras tres películas antes de enrolarse en el ejército durante la SGM. Durante los dos años de servicio era responsable de entretener a las tropas. Antes de ser retirado como activo, logra formar una nueva orquesta, grabando varios éxitos a fines de los años 1940s y trabajar como director de orquestra en el show radial de Bob Hope de 1946 a 1947.

En 1949 Arnaz dirige sus esfuerzos en desarrollar los episodios de la famosa serie televisiva I Love Lucy, que se rodó por seis años en los estudios de la CBS y se convirtió en el programa de televisión más exitoso de la historia. El matrimonio con Lucille Ball llega a su fin en 1960.

Se retira del negocio de espectáculos y se muda momentaneamente a Baja California con su segunda esposa Edith. Muere el 2 de diciembre de 1986 en Hollywood, a la edad de 69 años.

Filmografía [editar]Too Many Girls (1940)
Father Takes a Wife (1941)
Four Jacks and a Jill (1942)
The Navy Comes Through (1942)
Bataan (1943)
Screen Snapshots: Hollywood in Uniform (1943) (cortometraje)
Cuban Pete (película) (1946)
Desi Arnaz and His Orchestra (1946) (cortometraje)
Jitterumba (1947) (cortometraje)
Holiday in Havana (1949)
I Love Lucy (1953) (filme jamás estrenado que consistía en un resumen de la serie).
The Long, Long Trailer (1954)
Forever Darling (1956)
Salsa (1976) (documental)
The Escape Artist (1982)

Ha recibido 310 puntos

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Jean Arthur

26. Jean Arthur

Jean Arthur (Plattsburg, Nueva York 17 de octubre de 1900 - Los Ángeles, California 19 de junio de 1991) fue una actriz estadounidense. Nacida con el nombre de Gladys Georgianna Greene, se convirtió en una de las actrices de comedia preferidas por el público. Arthur debutó en el cine mudo con... Ver mas
Jean Arthur (Plattsburg, Nueva York 17 de octubre de 1900 - Los Ángeles, California 19 de junio de 1991) fue una actriz estadounidense. Nacida con el nombre de Gladys Georgianna Greene, se convirtió en una de las actrices de comedia preferidas por el público.

Arthur debutó en el cine mudo con la película Cameo Kirby (1923) y protagonizó algunas películas mudas más. Con la llegada del sonoro, su peculiar voz nasal la convirtió en una estrella. En 1935 protagonizó junto a Edward G. Robinson la película Pasaporte a la fama (The Whole Town's Talking) con la que empezó a hacerse popular.

En 1936 tuvo como compañero a Gary Cooper en el film El secreto de vivir (Mr. Deeds Goes to Town). En 1939 protagonizó Caballero sin espada (Mr. Smith Goes to Washington) que sirvió para consolidar su carrera.

En 1943 consiguió una nominación al premio Oscar a la mejor actriz por la película El amor llama dos veces (The more the merrier). Fue una de las actrices que pasó el casting para el papel de Scarlett O'Hara en la película Lo que el viento se llevó.

Su carrera empezó a decaer a finales de los años 40 y se retiró de la escena. Su último papel fue en una película considerada ya clásico dentro del género del western Raíces profundas (Shane) (1953).

Tras retirarse se dedicó a la enseñanza de la interpretación en el Vassar College. Retornó brevemente a la interpretación en la década de los años 60 al interpretar una comedia televisiva. Murió a los 90 años en su mansión de California.

[editar] Filmografía básica
El secreto de vivir (1936)
Buffalo Bill (1936)
Vive como quieras (1938)
Cena de medianoche (1938)
Caballero sin espada (1939)
Sólo los ángeles tienen alas (1939)
El amor llama dos veces (1943) - Nominada al Oscar
Raíces profundas (1953)

Ha recibido 309 puntos

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Zsa Zsa Gabor

27. Zsa Zsa Gabor

Zsa Zsa Gabor (nacida Sári Gábor, Budapest, Hungría, 6 de febrero de 1917) es una actriz húngaro-estadounidense. Zsa Gabor es la segunda hija de tres hermanas, de las que otra (Eva Gabor) ha sido también medianamente famosa como actriz. Sus padres fueron Vilmos Gábor (militar) y Janka... Ver mas
Zsa Zsa Gabor (nacida Sári Gábor, Budapest, Hungría, 6 de febrero de 1917) es una actriz húngaro-estadounidense.

Zsa Gabor es la segunda hija de tres hermanas, de las que otra (Eva Gabor) ha sido también medianamente famosa como actriz.

Sus padres fueron Vilmos Gábor (militar) y Janka Tilleman (manager).

Mujeres de gran belleza las tres hermanas, fueron criadas en un ambiente refinado de la alta sociedad americana. La prensa amarilla en más de una ocasión las ha considerado «trepadoras sociales y oportunistas».

Considerada celebridad de la jet set hollywodense además de actriz, Zsa Zsa ha estado casada en nueve ocasiones, superando el récord de bodas de Elizabeth Taylor (casada en ocho ocasiones). Es famosa su predilección por las joyas y su agudo ingenio.Nació el 6 de febrero de 1918 en Budapest (Hungría). Su debut en la gran pantalla fue en Lovely to Look at (1952). Encarnó a la modelo del pintor Toulouse-Lautrec Jane Avril en la oscarizada película biográfica Moulin Rouge (1952). En casi todos sus trabajos aparece generalmente como mujer fatal. El drama Lili (1953), junto a Leslie Caron y Mel Ferrer; la comedia Three Ring Circus (1954), con Jerry Lewis y Dean Martin, y la aventura de ciencia-ficción The Queen of Outer Space (1958) son sus apariciones más destacadas. También trabajó en el cine europeo en películas como la francesa protagonizada por Fernandel El enemigo público nº 1 (1953). En 1989 aparece en todo los medios de comunicación por golpear a un agente de tráfico por multar a la estrella, que conduce un Rolls-Royce con los papeles del coche y su carné caducados. La actriz alega que ha sido en defensa propia pero la condenan a tres días de cárcel.



Filmografía:


1996 A Very Brady Sequel
1993 Est & Ouest: Les Paradis Perdus
1993 The Beverly Hillbillies
1992 Est Ouest Les Paradis Perdus
1991 The Naked Gun 2 1/2: The Smell of Fear
1987 A Nightmare on Elm Street 3: Dream Warriors
1986 The Movie Maker
1986 Charlie Barnett's Terms of Enrollment
1983 Frankenstein's Great Aunt Tillie
1978 Every Girl Should Have One
1976 Won Ton Ton, the Dog Who Saved Hollywood
1972 Up the Front
1971 Mooch Goes to Hollywood
1967 Jack of Diamonds
1966 Picture Mommy Dead
1966 Drop Dead, Darling
1962 Boys' Night Out
1962 The Road to Hong Kong
1960 Pepe
1959 Serenade Einer Grossen Liebe
1959 For the First Time
1958 The Man Who Wouldn't Talk
1958 Queen of Outer Space
1958 Touch of Evil
1958 Love in a Hot Climate
1958 Country Music Holiday
1957 The Girl in the Kremlin
1956 Death of a Scoundrel
1954 Three Ring Circus
1954 L'Ennemi Public
1953 Lili
1953 The Story of Three Loves
1953 Sang et Lumiere
1952 Moulin Rouge
1952 We're Not Married
1952 Lovely to Look At

Ha recibido 309 puntos

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