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DISEÑADORES DE MODA INTERNACIONALES

DISEÑADORES DE MODA INTERNACIONALES

  • Lista creada por irenegm.
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1. Carolina Herrera

Carolina Herrera

María Carolina Josefina Pacanins Niño (Caracas, Venezuela, 8 de enero de 1939), conocida como Carolina Herrera, fue marquesa consorte de Torre Casa por su matrimonio con Reinaldo Herrera (hasta la revocación del título a este), y es una diseñadora de moda venezolana, nacionalizada estadounidense... Ver mas
María Carolina Josefina Pacanins Niño (Caracas, Venezuela, 8 de enero de 1939), conocida como Carolina Herrera, fue marquesa consorte de Torre Casa por su matrimonio con Reinaldo Herrera (hasta la revocación del título a este), y es una diseñadora de moda venezolana, nacionalizada estadounidense, reconocida internacionalmente, que fundó su propio imperio en 1981.1 2 3 4 5
Índice [ocultar]
1 Vida familiar
2 Trayectoria
3 Reconocimientos
4 Fragancias Carolina Herrera
5 Referencias
6 Enlaces externos
Vida familiar[editar]
María Carolina Josefina Pacanins Niño, hija del comandante Guillermo Pacanins Acevedo, gobernador de Caracas entre 1950 y 1958, y María Cristina Niño Passios, nació en el seno de una familia acomodada en Venezuela, acostumbrada a las fiestas y las galas. A los trece años su abuela le presentó a Balenciaga y estaba acostumbrada desde pequeña a vestir con la Alta Costura. En su primer baile vistió un vestido de Lanvin.
Se casó primero con Guillermo Behrens Tello, y tuvo con él a sus primeras dos hijas. En 1969 se casó con el aristócrata venezolano Reinaldo Herrera, editor de la revista Vanity Fair, con quien tuvo otras dos hijas, y de quien tomó su apellido. En 1971, a los 32 años, ya aparecía en la lista de las mujeres mejor vestidas del mundo.4
La pequeña de sus 4 hijas, Adriana, es su más estrecha colaboradora en sus diseños, y ha sido la imagen de varios de sus perfumes. "Mi hija Adriana representa a la perfección la mujer de mis líneas, joven, elegante, con un estilo propio y una personalidad increíble".
Para 2009 Herrera se convirtió en un ciudadana naturalizada de Estados Unidos.6
Trayectoria[editar]
A los 42 años, cuando sus hijas ya no eran tan pequeñas y estaba aburrida, decidió incursionar en el mundo de la moda.4 Se convirtió en una diseñadora de moda conocida a nivel internacional.7 Su primer desfile lo realizó en 1981.
Tanto fue su éxito que en 1982 ya vestía a la princesa Elisabeth de Yugoslavia, la Duquesa de Feria, la Condesa Consuelo Crespi, Ivana Trump, Kathleen Turner y Nancy Reagan.4 Durante doce años vistió a Jacqueline Kennedy Onassis.8 9
La marca «Carolina Herrera» llegó a convertirse en la filial estadounidense de la compañía española de moda y perfumería Puig.
En 1980, presentó su primera colección de moda; en 1986, sus primeras creaciones para novia; y en 1988, salía a la calle su primer perfume -ya va por el sexto- tanto para mujer como para hombre: una carrera meteórica con la que se ha ganado el respeto del mundo de la moda.
Establecida en Nueva York desde el año 1981, Carolina Herrera intentó identificarse con el lujo y la calidad entre las décadas de los años 1970, 1980 y 1990, hasta hoy, para convertirse en una de las mujeres mejor vestidas del mundo.10 Es una de las mayores partidarias del uso de pieles de animales.
Desde su primera colección, Carolina Herrera ha contado con la aprobación y admiración del público estadounidense. Sus diseños son vestidos por reconocidas celebridades como Nicole Kidman,11 Anna Wintour, Renée Zellweger, Amy Adams, Jessica Alba, Blake Lively, Angelina Jolie, Cynthia Nixon, Katie Holmes, Tina Fey, Dianna Agron, Robert Pattinson, Mateo Blanco, Kristen Stewart, Salma Hayek, Ismael Cala, Taylor Swift, Lucy Liu Eztephfanyianç y Lady Gaga. También hace maquillaje y fragancias.12
De estilo y una elegancia naturales, Carolina Herrera es una de las diseñadoras de mayor éxito en América. Como creadora, ha sabido interpretar perfectamente los gustos y las necesidades de una mujer amante del lujo y la elegancia, alejándola de los excesos.
Como empresaria, ha conseguido construir poco a poco una firma sólida como es CH Carolina Herrera que desde 2008 empieza a exportar a todo el mundo con 50 boutiques y líneas de distribución en 280 centros comerciales en 104 países.[cita requerida] Esta mujer, que impregna cada uno de sus modelos con su elegancia y su gran estilo, se declara sencilla, amante de su familia y una gran ama de casa.[¿dónde?]
Reconocimientos[editar]
Carolina Herrera ha recibido distintos reconocimientos por su trabajo a lo largo de su carrera.
En 2015, recibió el premio Portrait of Nation Prize (Premio Retrato de Una Nación), otorgado por la National Portrait Gallery de los Estados Unidos
En 2014 recibió el «Premio al artista del año 2014» (Couture Council Award for Artistry of Fashion) del «The Couture Council of The Museum at the Fashion Institute of Technology».13
En 2012 fue declarada «Superestrella honoraria» por Noche de Estrellas del grupo de moda internacional Fashion Group International's "Night of Stars".14
En 2012 recibió el Premio al Estilo del Diseñador del Año.15
En 2011 la firma Mercedes Benz le entregó el reconocimiento de «Presentadora de Mercedes Benz» por su «estilo único, calidad de los materiales y diseño innovador».16
En 2005 recibió la «Medalla de Oro de las Bellas Artes» de manos del rey Juan Carlos de Borbón17
En 1987 recibió el «Moda Award for Top Hispanic Designer».18
Premio Geoffrey Beene a la Trayectoria Profesional. CFDA. 2008
Premio Fernando Bujones del American Ballet Theatre. New York. 2008
Premio Cardenal James Kickey de Centro Católico Hispano. New York. 2008
Incluida entre los 100 latinos más influyentes del 2007 por la revista People.
Mejor frangancia selectiva (CH) del año 2007. Academia del Perfume. Madrid.
Embajadora de Buena Voluntad de las Naciones Unidas contra la mal nutrición.
Madre del Año 2006. American Cáncer Society. New York
Medalla de Oro de las Bellas Artes (2005). España
Fifi Award's Hall de la Fama 2005. The Frangance Foundation's
Mejor diseñadora de Ropa Femenina del Año 2004 en USA. CFDA
Diseñadora Internacional del Año 1999. Revista Telva de España
Medalla de Oro del Spanish Institute de New York. (1997)
Premio a Una Década de Creación Artística (1992). Asociación de Diseñadores Hispanos de Estados Unidos.
Fragancias Carolina Herrera[editar]

Carolina Herrera en 2008.
A través de la compañía española de moda y perfumería Puig, Carolina Herrera se dedica también al mundo de la perfumería, sacando perfumes anualmente de sus colecciones. Lleva creados 59 perfumes.19
En 1988 sacó al mercado su primer perfume, "Carolina Herrera" al cual le siguieron otros:
Perfumes
Carolina Herrera (1988).
Flore (1994).
Herrera For Men (1995).
Carolina (1996).
Carolina Herrera - Herrera Aqua For Men (1998).
212 (1999).
212 For Men (2000).
212 - Special Edition (2001).
Chic (2002).
Chic (2003).
212 or Sexy (2005).
212 On Ice (2006).
212 On Ice For Men (2006).
212 Sexy For Men (2006).
"CH" (2007).
CH Men 2009
New 212 VIP Fragance for Woman (2010)
New 212 POP (2011)
New 212 vip for Men (2011)
CH L'Eau (2012)
CH Sublime (2013)
Cosmética
Herrera - Body Milk.
Gel de Baño de 212.

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2. Óscar de la Renta

Óscar de la Renta

Óscar Arístides de la Renta Fiallo (Santo Domingo, República Dominicana, 22 de julio de 1932-Kent, Connecticut, Estados Unidos, 20 de octubre de 2014)1 fue un diseñador de modas dominicano estadounidense. Recibió importantes premios y con el paso de los años diversificó sus creaciones a muchas... Ver mas
Óscar Arístides de la Renta Fiallo (Santo Domingo, República Dominicana, 22 de julio de 1932-Kent, Connecticut, Estados Unidos, 20 de octubre de 2014)1 fue un diseñador de modas dominicano estadounidense. Recibió importantes premios y con el paso de los años diversificó sus creaciones a muchas áreas del diseño. Además, estuvo vinculado a su país natal a través de diferentes actividades benéficas. De la Renta fue discípulo de Cristóbal Balenciaga y Antonio del Castillo.2 3 Alcanzó la fama internacional en la década de 1960, como uno de los diseñadores de Jacqueline Kennedy, ex primera dama de los Estados Unidos.1
Índice [ocultar]
1 Biografía
1.1 Primeros años
1.2 Lanzamiento de su propia empresa
1.3 Ciudadanía
1.4 Vida privada
2 Apariciones en televisión
3 Reconocimientos
4 Referencias
5 Bibliografía
6 Enlaces externos
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Casa en Renta nació el 22 de julio de 1932 en Santo Domingo, capital de la República Dominicana, en una familia prominente. Su madre fue la dominicana Carmen María Antonia Fiallo y su padre el puertorriqueño Óscar Avelino Renta, dueño de una compañía de seguros.4 5 De la Renta es sobrino del poeta dominicano Fabio Fiallo.
Desde temprana edad manifestó su interés por la pintura, idea ampliamente favorecida por su madre pero que no convencía por completo a su padre. Para demostrar a su padre que su interés por las artes plásticas era genuino, ingresó a la Academia de Bellas Artes de Santo Domingo a los 15 años de edad, en horario vespertino, ya que por las mañanas asistía a su escuela secundaria. En la academia de arte fue el estudiante más joven, puesto que el resto de sus compañeros ya habían completado sus estudios de escuela superior.4 A los 18 años se trasladó a Madrid para estudiar pintura en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.6 Con el transcurso del tiempo su padre dejó de enviarle dinero para sus gastos en Madrid debido a su desinterés en dedicarse a la empresa familiar, lo que le colocó en apuros económicos.4 7 Para obtener ingresos adicionales, dibujaba ilustraciones de trajes de alta costura para periódicos y casas de moda.8 En esta época conoció en un evento a la baronesa Aïno de Bodisco, con la que entabló una amistad y quien asegura haber impulsado su carrera como diseñador de moda al promover sus vestidos entre sus amistades.9 Después de que Francesca Lodge, esposa de John Davis Lodge, ex embajador de Estados Unidos en España, viera alguno de sus bocetos y recibiera la recomendación de Bodisco,10 comisionó a De la Renta que diseñara un traje para la presentación en sociedad de su hija.11 Una fotografía del diseñador realizando los últimos ajustes al vestido de su primera cliente oficial apareció en un reportaje de la revista Life en otoño de 1956.8 11
Poco después consiguió realizar bocetos para las principales casas de moda españolas,4 lo que le permitió llegar a ser aprendiz de uno de los modistos más reconocidos, Cristóbal Balenciaga, a quien consideraba su mentor.12 13 Posteriormente abandonó España para trabajar junto a Antonio del Castillo, como asistente, en la casa de modas Lavin, en la ciudad de París.14
Lanzamiento de su propia empresa[editar]
En 1960 se trasladó a vivir en Estados Unidos y vistió a decenas de celebridades, su carrera se catapultó con fama internacional tras vestir a las primeras damas de la nación Jackie Kennedy, Nancy Reagan, Hillary Clinton y Laura Bush.
En 1980 se le solicitó que diseñara un nuevo uniforme para los Boy Scouts de América, un proyecto al que dedicó dos años y en el que trabajó de manera gratuita.15
En 2001, Óscar de la Renta debutó con su propia colección de accesorios, que incluye bolsos, cinturones y zapatos. Entre otros productos de la empresa, se encuentran cosméticos, gafas, fragancias, pieles, joyería, bufandas y ropa para dormir.
Para los hombres, sus productos licenciados o registrados incluyen calcetería, abrigos deportivos, trajes y pantalones. También lanzó una línea de ropa deportiva en América Latina para hombres y jóvenes. En 2002, Oscar de la Renta Homme estrenó una colección de muebles y una colección de fragancias de hogar.
Ciudadanía[editar]
En 1971 Óscar de la Renta adquirió la ciudadanía estadounidense y renunció a su ciudadanía dominicana, ya que los Estados Unidos no admitían en aquel tiempo la ciudadanía dual. Aunque le ofrecieron el cargo de embajador dominicano en los Estados Unidos, De la Renta rechazó separarse de su ciudadanía recién adquirida y rehusó el nombramiento. Pese a todo, De la Renta se confiesa dominicano en su corazón y en sus creaciones de moda, por lo que considera innecesario ostentar todo tipo de nombramiento público.
Vida privada[editar]
En 1967 se convirtió en el tercer esposo de Françoise de Langlade (1931-1983), una editora jefe de la revista Vogue y de quien enviudó en 1983, después que se le diagnosticara un cáncer de mama.16 En 1984, sin descendencia hasta ese momento, decide adoptar un niño en República Dominicana, a quien bautiza con el nombre de Moisés de la Renta.17 En 1989, el diseñador contrajo matrimonio con Anne France Engelhard (Annette) (1939- ), quien había estado casada con el editor de la revista American Heritage, Samuel Pryor Reed. Engelhard es la única hija del banquero alemán Fritz Mannheimer y su esposa Marie Annette Reiss.
Óscar de la Renta falleció el 20 de octubre de 2014, a la edad de 82 años, en su hogar, ubicado en la ciudad de Kent, Connecticut.8 En 2006 se le detectó un cáncer.1
Apariciones en televisión[editar]
Óscar de la Renta, como firma de moda, ha aparecido tanto en comentarios, como en vestidos numerosas veces en la televisión. Como por ejemplo, en un capítulo de la serie de HBO, Sexo en Nueva York. En él Carrie Bradshaw luce un vestido rosa que le ha regalado su novio Alexandr Petrovsky. También aparece en la caja de zapatos en la que Kitty Walker, de la serie cinco hermanos, guarda unas cartas que su marido no quiere que vea y por las que manda a buscarlas a su hermana desde la cama del hospital.
Reconocimientos[editar]
Ha vestido a grandes celebridades como Madonna, Anne Hathaway, Scarlett Johansson, Penélope Cruz, Sarah Jessica Parker, Cameron Diaz, Shakira, Michelle Obama entre muchísimas más.
En febrero de 2011 se le concedió, según Real Decreto 179/2011, de 11 de febrero, la Gran Cruz de la Orden de Mérito Civil, como Presidente del «Queen Sofía Spanish Institute» de Nueva York.

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3. Giorgio Armani

Giorgio Armani

Giorgio Armani (Piacenza, 11 de julio de 1934) es un diseñador de moda italiano principalmente conocido por su ropa de hombre. Formó su propia empresa en 1974 y 37 años más tarde la revista Forbes lo consideró el diseñador italiano de mayor éxito comercial, estimando su fortuna en 7.000 millones... Ver mas
Giorgio Armani (Piacenza, 11 de julio de 1934) es un diseñador de moda italiano principalmente conocido por su ropa de hombre. Formó su propia empresa en 1974 y 37 años más tarde la revista Forbes lo consideró el diseñador italiano de mayor éxito comercial, estimando su fortuna en 7.000 millones de dólares. Admirado y promocionado por diferentes actores de cine y varios músicos, Armani ha diversificado su producción con perfumería y otros complementos.
Biografía[editar]
Aunque su primera afición fue la fotografía, Giorgio Armani estudió tres años Medicina en la Universidad de Milán, pero luego fue a cumplir el servicio militar en 1957, comenzó a trabajar en los grandes almacenes La Rinascente como diseñador de escaparates. Entre los nueve años que separan 1961 y 1970 fue diseñador en Nino Cerruti y, tras abandonar esta firma, decidió abrir la suya propia. Tan solo cuatro años más tarde fundó junto a su socio Sergio Galeotti la sociedad Armani, dedicada a moda masculina inicialmente y un año más tarde también a la femenina, coincidiendo con la llegada de su hermana Rosanna a la empresa. Galeotti murió de sida once años después de la fundación.
Giorgio Armani es un sagaz hombre de negocios, hábil al modular la creatividad y la fantasía de acuerdo a las nuevas necesidades de la vida moderna. Sus prendas son cómodas, habitualmente de líneas rectas y más bien sobrias, si bien confeccionadas en materiales selectos. Sus colecciones de mujer inciden en una estética más bien andrógina, no resaltan las formas y más bien buscan una estilización realzando la verticalidad. No abusa del colorido, si bien incluye ocasionales aplicaciones de pedrería e hilos metálicos.
Armani es considerado un label o garantía de elegancia contenida, frente al atrevimiento más arriesgado de otros diseñadores. Su moda no experimenta quiebros o cambios rápidos, y muchos potentados la consideran un recurso infalible para vestir en las grandes ocasiones.
Ha vestido asiduamente a grandes estrellas de Hollywood, tanto dentro de las películas como en sus apariciones públicas. Sus diseños para la película American Gigolo, con un joven Richard Gere, ayudaron a su irrupción en el mercado estadounidense. También se encargó del estilismo de la película Phenomena, del director italiano especializado en terror Dario Argento. Es un diseñador recurrente entre las estrellas que acuden a las entregas de los Premios Óscar. En fecha reciente, la cantante Beyoncé se ha convertido en imagen publicitaria de su fragancia Diamonds.
Giorgio Armani es también un aficionado del club de fútbol Inter de Milán.1 Desde 2008 es dueño del equipo de baloncesto EA7 Emporio Armani Olimpia Milano.
Desde el año 2003, la marca Armani lleva vistiendo los miembros del cuarteto musical de ópera-pop Il Divo, diseñando sus trajes para sus giras y conciertos. Gracias a Armani, son conocidos por su imagen impecable y elegante.2

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4. Hannibal Laguna

Hannibal Laguna

Hannibal Laguna (Caracas, Venezuela, 8 de octubre de 1967) es un diseñador de moda español. Índice [ocultar] 1 Biografía 2 Trayectoria 2.1 Pasarelas 2.2 Vestuario en Cine y Teatro 3 Premios 4 Referencias Biografía[editar] Siendo su padre Anibal Angulo de Almería y su madre de Valencia... Ver mas
Hannibal Laguna (Caracas, Venezuela, 8 de octubre de 1967) es un diseñador de moda español.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Trayectoria
2.1 Pasarelas
2.2 Vestuario en Cine y Teatro
3 Premios
4 Referencias
Biografía[editar]
Siendo su padre Anibal Angulo de Almería y su madre de Valencia, nació en Caracas, Venezuela, en 1967. A los 15 años se traslada a España, iniciando sus estudios de modisto en Milán cuando cumple 18 años.
Trayectoria[editar]
Pasarelas[editar]
•Desde 1997 hasta 2009 sus colecciones desfilan en Pasarela Gaudí Novia España Barcelona'.2
•Desde 2009 hasta la actualidad presenta sus colecciones de costura novias en Cibeles novias 3
•Desde 1999 hasta 2007 Pret a Porter mujer y hombre en Barcelona fashion week.4
•Desde 2001 a 2009 Pasarela Valencia fashion week.5 6
•Desde 2007 hasta la actualidad presenta sus colecciones prêt-à- porter en la Mercedes Benz fashion week Madrid.7
•En 2008 Cierra la pasarela Dominicana de Moda, donde es invitado como diseñador.8
Vestuario en Cine y Teatro[editar]
La mujer más fea del mundo de Miguel Bardem.9
Di que si, el vestuario de la actriz- protagonista Paz Vega.10 11 12
El crimen perfecto de Alex de la Iglesia.
La Cenicienta de Antonio Canales.
Prometeo de Antonio Canales.
En Florencia, La divina comedia de Dante Alghieri a cargo de La Fura dels Baus, parte del vestuario.
Premios[editar]
Premio IMPORTANTES 2003 del Diario Información.13
Premio ESTRELLA INTERCOIFFURE.14
Elegido entre los 10 mejores diseñadores internacionales del 2009 por "RED CARPET FASHION ADWARDS"15
Premio T de TELVA 2010 al mejor diseñador español.16
“DEDAL DE ORO” mejor diseñador por su trayectoria.17

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5. Valentino

Valentino

Valentino Clemente Ludovico Garavani, más conocido como Valentino (Voghera, Lombardía, 11 de mayo de 1932), es un diseñador de modas italiano, cuya marca es una de las más prestigiosas del mundo. También comercializa perfumes en colaboración con la compañía española Puig.1 Biografía[editar... Ver mas
Valentino Clemente Ludovico Garavani, más conocido como Valentino (Voghera, Lombardía, 11 de mayo de 1932), es un diseñador de modas italiano, cuya marca es una de las más prestigiosas del mundo.
También comercializa perfumes en colaboración con la compañía española Puig.1
Biografía[editar]
Valentino empezó a interesarse por la moda mientras estaba en la escuela de Voghera en Lombardía, Italia, cuando era aprendiz de su tía Rosa y de la diseñadora local Ernestina Salvadeo. A los 17 años, Valentino se trasladó a París para proseguir su interés con la ayuda de su madre Teresa de Biaggi y su padre Mauro Garavani. Allí estudió en la École des Beaux-Arts y en la Chambre syndicale de la Couture Parisienne.

Colección de vestidos negros diseñados por Valentino.
Su primera oportunidad en la capital francesa fue con Jacques Fath y luego con Balenciaga. A continuación encontró trabajo con Jean Desses, donde tuvo la oportunidad de ayudarle a diseñar el icónico estilo de la condesa Jacqueline de Ribes. Después de ese trabajo, se unió a Guy Laroche por 2 años. Cuando terminó ese período, decidió volver a su país natal en 1959, donde montó su propia casa de modas en la Via Condotti, Roma, con el respaldo de su padre y un socio. Así inició su larga relación profesional con la ciudad de Roma.
A grandes rasgos, el estilo de Valentino puede resumirse como una continuación sin rupturas con la tradición de la alta costura del siglo XX. Es una alternativa al estilo andrógino y rectilíneo de Giorgio Armani y también a la exuberancia más atrevida de Karl Lagerfeld, John Galliano, Jean-Paul Gaultier y otros diseñadores más rompedores. Valentino insiste en la feminidad de la mujer, en resaltar su silueta y en emplear tejidos lujosos y colores vivos. Dentro de un alto nivel de acabado y calidades, Valentino es más bien conservador.
Hacia 1998, Valentino vendió su empresa pero siguió dirigiéndola. Sin embargo, pocos años después se rumoreó que planeaba retirarse. Finalmente lo hizo con un histórico desfile en París, el 23 de enero de 2008. Previamente, en el segundo semestre de 2007, con motivo de sus 45 años de carrera, el Ayuntamiento de Roma había ofrecido una muestra retrospectiva, a modo de homenaje, donde era posible revisar sus creaciones en un escenario excepcional, el Ara Pacis del emperador César Augusto.
En 2009 se estrenó la película Valentino: The Last Emperor, un documental rodado a lo largo de un año, que desvelaba la vida profesional y privada del diseñador. También hizo un cameo en la película El diablo se viste de Prada (2006).
A finales de 2011 lanzó, en colaboración con Puig, su nuevo perfume "Valentina" sustituyendo a sus dos anteriores perfumes "Valentino V" y "Rock and Rose". El spot publicitario fue protagonizado por la modelo danesa Freja Beha Erichsen y dirigido por Johan Renck.

Ha recibido 136 puntos

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6. Coco Chanel

Coco Chanel

Coco Chanel, seudónimo de Gabrielle Chanel (Saumur, Francia, 19 de agosto de 1883-París, 10 de enero de 1971),1 fue una diseñadora de alta costura francesa fundadora de la marca Chanel. Es la única diseñadora de moda que figura en la lista de las cien personas más influyentes del siglo XX de la... Ver mas
Coco Chanel, seudónimo de Gabrielle Chanel (Saumur, Francia, 19 de agosto de 1883-París, 10 de enero de 1971),1 fue una diseñadora de alta costura francesa fundadora de la marca Chanel. Es la única diseñadora de moda que figura en la lista de las cien personas más influyentes del siglo XX de la revista Time.2
Fue una de las modistas más prolíficas de la historia y una de las más innovadoras durante la Primera Guerra Mundial. Produjo una ruptura con la opulenta y poco práctica elegancia de la Belle Époque y creó una línea de ropa informal, sencilla y cómoda.3 Se consolidó también como diseñadora de bolsos, perfumes, sombreros y joyas. Su famoso traje sastre femenino de tweed ribeteado se convirtió en un icono de la elegancia femenina, y su perfume Chanel Nº5 es un producto mundialmente conocido.
Criada en un orfanato de monjas, fue conocida por su firme determinación, ambición y vitalidad que aplicaba a su vida profesional y social. Alcanzó éxito como empresaria y prominencia social en la década de 1910 gracias a los contactos que le ofrecía su trabajo. Altamente competitiva, su personalidad oportunista la llevó a tomar decisiones cuestionadas que generaron controversia y dañaron su reputación, especialmente su posición durante la ocupación alemana de Francia en la Segunda Guerra Mundial.4
La guerra y su vínculo con un oficial nazi afectaron seriamente a su compañía y su imagen, publicidad que la competencia se encargó de difundir.5 Sin embargo, logró reabrir su empresa en 1954,6 tras lo cual obtuvo un renovado éxito, especialmente en Estados Unidos y el Reino Unido en un primer tiempo, hasta su muerte en 1971.
Índice [ocultar]
1 Biografía
1.1 Primeros años
1.2 Aspirante a una carrera artística
1.3 Balsan y Capel
1.4 Diseñadora de sombreros y primeras tiendas
1.5 Consagración en el mundo de la moda
1.6 Relaciones con aristócratas británicos
1.7 Diseños para cine
1.8 Segunda Guerra Mundial
1.8.1 Batalla por el control de «Parfum Chanel»
1.8.2 Actividad como agente nazi
1.8.3 Operación Modellhout
1.8.4 Resguardo de la persecución
1.8.5 Controversia
1.9 Carrera y vida posterior a la guerra
1.10 Últimos años y fallecimiento
2 Legado
2.1 Personalidad
3 En la cultura popular
3.1 Adaptaciones en cine y TV
3.2 Representaciones literarias
3.3 Obras teatrales
4 Notas
5 Referencias
6 Bibliografía
7 Enlaces externos
Biografía[editar]
Primeros años[editar]

La abadía de Aubazine, en el departamento de Corrèze, donde Gabrielle Chanel vivió de los 12 a los 18 años.
Gabrielle Chanel nació en el Hospicio General de Saumur, el hospital público de la ciudad que gestionaban las Hermanas de la Providencia.7 8 Lejos de corresponderse con la imagen mísera de un hospicio caritativo para los pobres, se trataba de un conjunto moderno de edificios majestuosos inaugurados 14 años antes y situados en el centro de la ciudad,9 muy cerca del domicilio de los Chanel. La madre de Gabrielle, Eugénie Jeanne Devolle, era una campesina de Courpière,10 un pequeño pueblo del norte del departamento de Puy-de-Dôme en Auvernia. Su padre, Albert Chanel, nacido en Nîmes de una familia procedente de los montes de las Cevenas, era un vendedor ambulante que recorría los mercados del país.11 Al nacer Gabrielle sus padres ya tenían una primera hija de apenas un año, Julia Berthe (1882-1912), y la familia vivía en condiciones precarias. Gabrielle fue inscrita equivocadamente con el apellido Chasnel en el registro civil, pero como Jeanne Devolle estaba demasiado debilitada por el parto y el padre estaba ausente para firmar el acta de nacimiento, 10 el apellido de la bebé permaneció mal escrito. Años más tarde, Gabrielle Chanel añadiría otra alteración a su verdadero nombre asegurando que fue bautizada como Gabrielle «Bonheur» (Felicidad), un segundo nombre que las monjas del hospital habrían escogido para traerle suerte. El nombre «Bonheur» no aparece sin embargo en ningún documento de la época.12 En 1884, Albert aceptó 5000 francos de la familia de Jeanne a cambio de que se casara con la madre de sus hijos en Courpière.13 Aparte de Gabrielle y Julia, el matrimonio tuvo otros cuatro hijos: una hija, Antoinette (1887-1920), y tres varones, Alphonse (1885-1953), Lucien (1889-1941) y Augustin (nacido y muerto en 1891).14
En febrero de 1895, cuando Gabrielle contaba once años, su madre murió a causa de una bronquitis a la edad de 31 años, después de haber transcurrido años en condiciones de miseria y con episodios de asma.15 Su padre confió a sus dos hijos varones a las autoridades que los colocaron en una familia campesina de acogida, y a sus tres hijas al monasterio de Aubazine, Corrèze, cuya orden religiosa, la Congregación del Santo Corazón de María,16 había sido fundada para «asistir a los pobres y rechazados, incluyendo la gestión de hogares para niñas huérfanas y abandonadas».17 Gabrielle y sus hermanas permanecieron en el orfanato, donde recibieron una estricta disciplina y aprendieron a coser, bordar a mano y planchar.
«Durante mi infancia sólo ansié ser amada. Todos los días pensaba en cómo quitarme la vida, aunque, en el fondo, ya estaba muerta. Sólo el orgullo me salvó».

Coco Chanel18
Chanel nunca habló de Aubazine pero la belleza austera de esta abadía cisterciense del siglo XII determinó en buena medida lo que sería más tarde su estilo único, que reinterpretó varios de los detalles arquitectónicos del lugar.16 No aceptaría su pasado y con el correr de los años, inventaría otras historias que transmitieron su primeros biógrafos. Alegó orígenes burgueses con el fin de ocultar su condición humilde, y de hecho afirmó que cuando su madre falleció, su padre viajó a América en busca de fortuna y ella quedó al cuidado de unas tías insensibles. También declaró haber nacido en 1893 en lugar de 1883 y que su madre había muerto cuando sólo contaba dos años en lugar de doce.19
Después de adquirir conocimientos básicos de costura durante seis años en Aubazine, al cumplir 18 años Chanel fue enviada a un internado religioso en la ciudad de Moulins, donde residían sus abuelos paternos, Angelina y Henri-Adrien Chanel. La institución gozaba de buena reputación para formar profesionalmente a chicas sin recursos o de pago, y encontrarles un empleo digno una vez terminado su aprendizaje. Allí coincidió con su joven tía Adrienne, apenas dos años mayor que ella, que se convirtió en su amiga y cómplice.20 7 21
Aspirante a una carrera artística[editar]
Las dos jóvenes, tía y sobrina, encontraron empleo en una pañería y como ayudantes de un sastre de Moulins de Allier.
Los hombres que iban a la satrería flirteaban con las jóvenes y las invitaban al cabaret local, donde Gabrielle se sintió atraída por el mundo del espectáculo y empezó a cantar sobre los escenarios de un café-concert de Moulins llamado «La Rotonde».22 Fue una de las tantas chicas denominadas poseuses, aquellas que entretienen al público entre los cambios de vestuario de los artistas principales.22 El dinero recaudado era aquel que obtenían al pasar el plato entre el público como apreciación por su interpretación. Fue por aquella época cuando Gabrielle recibió el apodo de «Coco», posiblemente por dos canciones de su repertorio que llegaron a identificarla: «Ko ko ri ko» y «Qui qu'a vu Coco?», una tonadilla popular que narraba la historia de una muchacha que había perdido a su perro Coco.22 Otras fuentes indican que podría ser por cocotte, un término francés que hace referencia a la mujer mantenida.23 Como intérprete irradiaba un encanto juvenil que fascinaba a los militares habituales del cabaret.20
Para 1906, se hallaba en Vichy, una ciudad turística que contaba con una gran cantidad de salas de concierto, teatros y cafés donde esperaba encontrar el éxito como intérprete.24 Sus encantos juveniles y físicos impresionaron a aquellos que le realizaron pruebas pero su voz de canto no era perfecta y eso no le permitió hallar trabajo.25 Obligada a encontrar un empleo, decidió ingresar en el «Grande Grille», repartiendo vasos de agua mineral supuestamente curativa con el fin de promocionar la ciudad de Vichy.26 Cuando la temporada veraniega terminó, regresó a Moulins y, por consiguiente, a su antiguo trabajo en «La Rotonde», aunque desesperanzada de consagrarse como actriz.27
Balsan y Capel[editar]

Capel y Chanel caricaturizados por el artista Sem, 1913.
En Moulins, Chanel conoció al oficial de caballería y rico heredero textil francés, Étienne Balsan. Con 23 años se convirtió en su amante y suplantó como favorita a la cortesana Émilienne d'Alençon.28 Durante los siguientes tres años, vivieron juntos en su castillo Royallieu cerca de Compiègne, una zona destacada por su bosque de senderos ecuestres y la vida de caza y polo.29 Este estilo de vida permitió a Chanel llevar una vida de riqueza y ocio, y fomentar su carácter social en fiestas de alto prestigio. La biógrafa Justine Picardie sugirió que el sobrino de la diseñadora de moda, André Palasse, supuestamente hijo único de su hermana Julia-Berthe que decidió suicidarse, era en realidad el primogénito de Chanel y Balsan.30
En 1908, comenzó un romance con uno de los mejores amigos de Balsan, el capitán inglés Arthur Edward «Boy» Capel.31 Durante sus últimos años, Chanel recordó: «Dos caballeros estaban pujando por mi pequeño cuerpo caliente».32
Capel, un miembro rico de la clase alta inglesa, la instaló en un apartamento en París y financió sus primeras tiendas.33 El diseño de la botella de la fragancia Chanel Nº5 tiene dos orígenes probables atribuibles a las sensibilidades de diseño sofisticadas de Capel. Se cree que Chanel adoptó las líneas rectangulares biseladas de las botellas de tocador Charvet que Capel llevaba en su caja de cuero de viaje34 o el estilo de su decantador de whisky que admiraba tanto que deseaba reproducirlo en un «cristal delicado, caro y exquisito».35 La pareja pasó tiempo en diversos centros turísticos de moda tales como Deauville pero Capel nunca le fue fiel. Permanecieron juntos durante nueve años e incluso continuaron su relación luego del casamiento de Capel con la aristócrata inglesa lady Diana Wyndham en 1918.30
La prematura muerte de Capel en un accidente automovilístico a fines de 1919 fue uno de los acontecimientos más devastadores para Chanel.36 Abatida por el dolor, comenzó a utilizar prendas negras en señal de luto y al poco tiempo diseñó el denominado «pequeño vestido negro», que se presentó en 1926 y fue calificado por la revista Vogue como el «atuendo que todo el mundo usará».37 El vestido negro, disponible sólo en ese color, fue inmediatamente un éxito y ha sido el epítome de la elegancia sencilla desde entonces.36 Luego del deceso, se encargó personalmente de construir un monumento en el lugar del accidente, que solía visitar en los últimos años para depositar flores en su memoria.38 En 1945, Chanel, que residía en Suiza, confió a su amigo Paul Morand: «Su muerte fue un golpe terrible para mí. Al perder a Capel, lo perdí todo. Tengo que decir que lo que siguió no fue una vida de felicidad».39
Diseñadora de sombreros y primeras tiendas[editar]
Chanel recibió lecciones por parte de dos de los mejores asistentes de Lucienne Rabatte, una popular diseñadora de sombreros cloché que había trabajado para la Maison Lewis.40 41 nota 1 Comenzó a confeccionar sombreros mientras vivía con Balsan, inicialmente como un entretenimiento que luego derivó en un negocio comercial de notable aceptación entre sus clientes, muchos de los cuales eran allegados de su amante.

Coco Chanel con un sombrero de su colección, en mayo de 1912. Publicado en Les Modes.
Chanel solía llevar puestas sus propias creaciones a las carreras de caballos y llamar la atención de los presentes con su peculiar estilo de vestir. Sus conjuntos vanguardistas, muchas veces conformados por pantalones de montar y poleras, contrastaban con los vestidos elegantes de la época. Se convirtió en fabricante de sombreros en 1909 e inauguró una boutique financiada por Balsan en la planta baja de su departamento de soltero en el Boulevard Malesherbes.42 43 Al año siguiente estableció su casa de moda, Chanel Modes, en el número 21 de la rue Cambon en París.44 Su carrera como sombrerera floreció cuando la actriz de teatro Gabrielle Dorziat utilizó sus modelos en la obra de teatro Bel Ami de 1912, dirigida por F. Nozière, y posteriormente en Les Modes.44
En 1913, abrió una boutique financiada por Arthur Capel en Deauville,45 donde introdujo ropa casual de lujo orientada hacia el ocio y el deporte.46 Los modelos fueron diseñados con tejidos de bajo costo como el jersey y el tricot, usado sobre todo para la ropa interior de los hombres.44 Tenía una localización privilegiada en una calle de moda en el centro de la ciudad, donde vendía sombreros, chaquetas, suéteres y las denominadas marinières (blusa estilo marinero).45 Tuvo el apoyo de dos integrantes de su familia: su hermana Antoinette, y Adrienne Chanel, una tía casi de la misma edad que la diseñadora que el abuelo de Coco había tenido casi hacia el final de su vida.47 Adrienne y Antoinette fueron llamadas para modelar sus diseños y solían transitar la ciudad a diario y dar paseos en barco con el fin de promocionar las creaciones de su pariente.48 The New Yorker publicó: «Las damas de Deauville despertaron una mañana y descubrieron una diferencia impactante de elegancia entre su propia ropa y la moda Chanel»,37 mientras que Women's Wear predijo un gran éxito para sus suéteres de punto de lana.49
Decidida a recrear el éxito que había tenido en Deauville, Chanel inauguró un nuevo local en una villa frente a un casino de Biarritz en 1915. La ciudad, situada en la Costa Vasca y frecuentada por clientes españoles ricos,50 tuvo la condición de neutralidad durante la Primera Guerra Mundial, lo que le permitió convertirse en una zona de excelencia para adinerados y exiliados de sus países por hostilidades.51 Tan solo un año después de su inauguración el negocio había tenido tanto éxito que Chanel decidió reintegrarle (por voluntad propia) a Capel el dinero que le había prestado como inversión inicial.52 Poco después, conoció en Biarritz al gran duque Demetrio Románov de Rusia, con quien tuvo un interludio romántico y mantuvo una estrecha relación muchos años después.53
Consagración en el mundo de la moda[editar]

Algunos de los primeros diseños de Coco Chanel, publicados en 1917 por Les Elegances parisiennes.
En febrero de 1916, con ocasión de la presentación de su primera colección en otoño, sus prendas y chaquetas deportivas aparecieron por primera vez en la revista Vogue. Al poco tiempo, sus modelos comenzaron a venderse en las grandes tiendas departamentales de Estados Unidos.37 49 En 1918, estableció su casa de moda con más de 300 empleados en una propiedad situada en el número 31 de la rue Cambon44 en uno de los barrios más populares de París. Al año siguiente fue registrada oficialmente como couturière y en 1921 inauguró una boutique de moda que ofrecía ropa, sombreros, accesorios y más tarde, joyas y perfumes.54
Ese año Chanel modeló el logotipo «CC» de su empresa, que se ha mantenido hasta la actualidad. Existen tres teorías respecto a las influencias que marcaron el diseño. El emblema de la entrada al castillo Château de Crémat de su amiga Irène Bratz posiblemente haya sido la inspiración del logo. Otras versiones indican que los ventanales de la iglesia de Aubazine del orfanato donde pasó su infancia o el monograma del rey Enrique II de Francia y Catalina de Médicis pudieron haber tenido influencia al momento de la producción de la insignia de la marca Chanel.55
Su consolidación en el mundo de la moda significó el declive de la carrera de Paul Poiret, que se resistió a la practicidad, racionalización y simplificación estilística que modistos, como Chanel, propusieron en esos años. Los modelos sencillos y elegantes de la diseñadora con acabados de costura discretos hacían que los de Poiret parecieran desaliñados e incorrectamente elaborados en comparación. El hecho llevó a que Jean Cocteau satiriza los diseños obsoletos de Poiret a través de su caricatura animada «Poiret sale, Chanel entra». Finalmente su casa de moda quebró a fines de los años 20.56 57 58
En la primavera de 1920, aproximadamente en mayo, la diseñadora conoció al compositor Ígor Stravinsky gracias al empresario de los Ballets Rusos, Serguéi Diáguilev.59 Durante el verano se enteró de que la familia de Stravinsky estaba buscando un lugar para vivir y los hospedó momentáneamente en su vivienda, «Bel Respiro», en el suburbio parisino de Garches, hasta que se establecieran definitivamente en una residencia más adecuada.59 Los Stravinsky permanecieron ahí hasta mayo de 1921.60 Chanel, por su parte, protegió de pérdidas económicas la nueva producción de Stravinsky, La consagración de la primavera (1920), mediante un presente anónimo enviado a Diáguilev que consistía en 300.000 FRF.61 Diáguilev la convocó en 1924 para el diseño del vestuario de su espectáculo de ballet Le Train Bleu en el Teatro de los Campos Elíseos.62
En 1921, colaboró con el perfumista Ernest Beaux en la creación de su primer perfume, Chanel Nº 5, que rápidamente se convirtió en un éxito. Basado en el perfume de jazmín, la fragancia fue la primera en llevar el nombre de un diseñador y fue envasada en una botella de cristal creada por la propia Chanel.37 Rápidamente, la Société des Parfums Chanel pasó a vender otras fragancias, como el Chanel Nº 22, el 31 Rue Cambon, el Gardenia y 28 la Pausa.63 En 1922, durante las carreras de Longchamp, el fundador de las Galeries Lafayette Haussmann, Théophile Bader, le presentó al empresario Pierre Wertheimer. Bader estaba interesado en la presentación de la fragancia Chanel Nº5 en su tienda departamental.64 En 1924, la diseñadora creó la entidad corporativa Parfums Chanel luego de llevar a cabo un acuerdo con los hermanos Wertheimer, Pierre y Paul, directores de la eminente casa de perfumes y cosméticos Bourgeois desde 1917.65 Los Wertheimer acordaron proporcionar la financiación completa para la producción, comercialización y distribución del perfume. Ellos recibirían el 70 % de las ganancias y Bader una cuota del 20 %, mientras que Chanel el 10 % restante. Enfadada con el arreglo, retiró su participación de cualquier operación comercial y luchó durante más de veinte años para obtener el control total de la compañía.64 65 Posteriormente se refirió a Pierre como el «bandido que me estafó».66 Su fábrica textil de punto de lana, Tricots Chanel (luego renombrada a Tissus Chanel), se estableció en 1928 en Asnières bajo la dirección del poeta y dibujante ruso Iliazd.37
Chanel mantuvo una relación significativa con el poeta Pierre Reverdy y el ilustrador y diseñador Paul Iribe. Luego de finalizar su romanece con Reverdy en 1926, ambos continuaron con una amistad que perduró cuarenta años.67 La diseñadora fue un componente primordial en su producción poética al reforzar su confianza, apoyar su capacidad creativa y mitigar su inestabilidad financiera al comprar en secreto sus manuscritos por medio de su editor.68 Con Iribe estableció su primera colección pública de joyería, «Bijoux de Diamants», a pedido de la International Guild of Diamond Merchants en 1932. Mantuvieron un profundo vínculo hasta su repentina muerte en 193569 y compartieron las mismas políticas reaccionarias. De hecho, Chanel financió su periódico antirepublicano y ultranacionalista mensual, Le Témoin, que alimentó el miedo irracional de los extranjeros y promovió el antisemitismo.70 71 En 1936, un año después de la finalización de la publicación, la diseñadora se desvió hacia el extremo opuesto al financiar la revista radical izquierdista de Pierre Lestringuez, Futur.72
Una de sus amistades más largas y duraderas fue con Misia Sert, persona destacada de la élite parisina y esposa del pintor español José María Sert.73 Se sintió atraída por Chanel al conocer su «genio, ingenio letal, sarcasmo y destructividad maníaca, que intrigó y consternó a todos».74 Ambas mujeres, criadas en conventos, mantuvieron una amistad basada en intereses compartidos, confidencias y consumo de drogas.75 76 Para 1935, la diseñadora se había convertido en una consumidora adictiva de drogas al inyectarse tres dosis de morfina diarias hasta el final de su vida.77 De acuerdo con el periodista norteamericano Chandler Burr, el biofísico Luca Turin relató una historia apócrifa en la que aseguró que la diseñadora fue apodada «Coco» debido a que realizaba las mejores fiestas de cocaína de París.78
La escritora Colette, que pertenecía a los mismos círculos sociales que Chanel, ofreció una descripción caprichosa de la modista en el trabajo de su taller que figuró en Prisons et Paradis (1932): «Si cada rostro humano tiene una semejanza con un animal, entonces Mademoiselle Chanel es un pequeño toro negro. Ese mechón de cabello negro rizado, el atributo de los terneros, cae sobre su frente y llega hasta sus párpados y baila con cualquier movimiento de su cabeza».79
Relaciones con aristócratas británicos[editar]

Coco Chanel junto a Arthur Grosvenor, duque de Westminster, años 1920.
En 1923, Vera Bate Lombardi,80 supuestamente hija ilegítima del marqués de Cambridge,80 le proporcionó a Chanel la entrada a los más altos niveles de la sociedad británica. Le presentó ese mismo año en Monte Carlo al duque de Westminster, Hugh Richard Arthur Grosvenor, conocido en la intimidad como «Bendor».81 Durante el romance de diez años que mantuvo con el aristócrata, Chanel recibió joyas extravagantes y una casa en el prestigioso distrito londinense de Mayfair.82 Otros rumores indican que el príncipe de Gales Eduardo de Windsor (posterior rey de Gran Bretaña Eduardo VIII) mantuvo un breve amorío con la diseñadora a pesar de la implicancia con su primo, el duque.83 Años después, Diana Vreeland, editora de Vogue, insistiría en que «la apasionada, centrada y ferozmente independiente Chanel» y «el príncipe tuvieron un gran momento romántico juntos».84 A través de Grosvenor la diseñadora conoció a uno de sus colaboradores más cercanos, Winston Churchill, que la definió como una «mujer de personalidad fuerte, muy capaz y agradable» y con quien forjó una amistad de por vida.37 En 1927, Grosvenor le otorgó a la modista una parcela de tierra que había comprado en Roquebrune-Cap-Martin, lugar en el que construyó su villa «La Pausa»,85 para la cual contrató al arquitecto Robert Streitz. Las ideas de Streitz para la elaboración de la escalera y el patio estaban inspiradas en elementos de diseño de Aubazine, el orfanato en el que pasó su juventud.86 87 Cuando se le preguntó por qué no se había casado con el duque, la diseñadora respondió: «Ha habido muchas duquesas de Westminster. Chanel hay una sola».88
Diseños para cine[editar]

El Gran Duque Demetrio Románov en los años 1920.
En 1931, durante su estadía en Monte Carlo, conoció a Samuel Goldwyn a través de Demetrio Románov, primo del zar de Rusia Nicolás II.89 Goldwyn ofreció a Chanel una propuesta laboral de un millón USD que incluía diseñar el vestuario para las estrellas de MGM dos veces al año en Hollywood.89 Luego de aceptar la oferta, viajó acompañada de Misia Sert a Estados Unidos, donde confeccionó la ropa de Gloria Swanson en Tonight or Never (1931, Esta noche o nunca) y de Ina Claire en The Greeks Had A Word for Them (1932, Tres rubias).90 Por otra parte, Greta Garbo y Marlene Dietrich se convirtieron en clientas privadas.49 Su experiencia en la producción de vestuario para películas norteamericanas le generó una aversión por la industria del cine y la cultura de Hollywood, a las que calificó de «infantiles».91 La diseñadora declaró: «Hollywood es la capital del mal gusto... y es vulgar».92 The New Yorker especuló con que había abandonado su trabajo debido a que «sus vestidos no eran lo suficientemente sensacionales. Ella hizo que una dama se vea como una dama. Hollywood quiere una dama que se vea como dos damas».93 Sin embargo, continuó realizando diseños para el cine pero esta vez para películas francesas, entre ellas La regla del juego (1939) de Jean Renoir,90 en la que figuró como La Maison Chanel. La diseñadora, consciente de las aspiraciones del joven italiano Luchino Visconti para trabajar en cine, le presentó a Renoir, quien quedó ampliamente impresionado y lo contrató para su siguiente proyecto cinematográfico.94
Su empresa llegó a contar con 4000 empleados y 28 000 unidades de venta anuales para 1935.37 A medida que avanzaba la década, su lugar de privilegio en el mundo de la alta costura se vio amenazado.95 Sus diseños para la industria del cine hollywodense habían fracasado y no habían engrandecido su reputación como esperaba. Por el contrario, comenzó a existir una alta rivalidad con la prestigiosa diseñadora Elsa Schiaparelli, cuyos innovadores diseños estaban repletos de detalles festivos y surrealistas, lo que la llevó a cosechar elogios de la crítica y generar entusiasmo en el mundo de la moda.96 Luego de sentir que estaba perdiendo prestigio, Chanel colaboró en la obra teatral Oedipe Rex de Jean Cocteau, con quien había trabajado en Orphée (1926)37 y Antigone (1927, basada en la tragedia homónima de Sófocles). Los trajes diseñados para Oedipe Rex fueron ridiculizados y criticados severamente por la prensa: «Envueltos en vendajes, los actores parecían momias ambulantes o víctimas de algún terrible accidente».95
Segunda Guerra Mundial[editar]
En 1939, al comienzo de la Segunda Guerra Mundial, cerró todas sus tiendas pero mantuvo abierta su boutique en el número 31 de la rue Cambon con perfumes y accesorios disponibles solamente.37 Alegó que no era momento para la moda51 y 3000 empleadas perdieron sus puestos de trabajo.97 Al cerrar la casa central de moda, confesó públicamente su posición política y comenzaron a circular detalles de su vida personal. Su aversión por los judíos y homosexuales,98 según informes inculcada en sus años de convento y agudizada por sus relaciones con las élites sociales, había consolidado sus creencias. De hecho, compartió con la mayor parte de su entorno que los judíos eran una amenaza bolchevique para Europa.97 Durante la ocupación alemana, Chanel residía en el Hotel Ritz,98 que se destacó por ser el lugar preferido de residencia de los oficiales militares alemanes de alta jerarquía.99 Su relación amorosa con Hans Gunther von Dincklage, un oficial alemán que había sido operario de la inteligencia militar desde 1920,100 posibilitó su estadía en el Hotel Ritz.101
Batalla por el control de «Parfum Chanel»[editar]

Chanel Nº5, el producto más emblemático de Parfums Chanel.
La Segunda Guerra Mundial, específicamente la toma nazi de todas las propiedades de judíos y empresas comerciales, le proporcionó la posibilidad de ser la única destinataria de todas las ganancias generadas por su compañía de perfumes y su producto más vendido, Chanel Nº5. Los directores de la empresa en ese momento, los Wertheimer, eran judíos, por lo que Chanel utilizó su condición de «aria» para solicitar a las autoridades alemanas ser la única propietaria de la empresa.102 4 El 5 de mayo de 1941, le escribió al administrador del gobierno encargado de resolver la enajenación de los bienes financieros judíos. Sus motivos para la posesión de la empresa fueron que Parfums Chanel «continúa siendo propiedad de judíos» y había sido legalmente «abandonada» por los dueños.103 104 La diseñadora escribió: «Yo tengo un derecho indiscutible de prioridad... las ganancias que he recibido de mis creaciones desde la fundación de este negocio... son desproporcionales... [y] ustedes pueden ayudar a solucionar en parte los perjuicios que he sufrido en el curso de estos 17 años».105
Durante el período posterior a la Segunda Guerra Mundial, el mundo de los negocios seguía con interés y cierta aprensión la lucha legal en curso por el control de Parfums Chanel. La modista no se había percatado de que los Wertheimer, anticipando las medidas nazis contra los judíos, en mayo de 1940 habían otorgado de forma legal el control de la compañía a Félix Amiot, un industrial cristiano y hombre de negocios francés.106 4 Al finalizar la guerra, Amiot otorgó el control de nuevo a los Wertheimer.103 104 Las partes involucradas en el procedimiento legal eran conscientes de que la afiliación nazi de la diseñadora en tiempos de guerra dañaría seriamente su reputación y el estatus de la marca Chanel si se hiciera pública.107
La revista Forbes resumió el dilema que enfrentaban los Wertheimer: [Es una preocupación de Pierre W.] el cómo una «lucha legal podría destapar las actividades de Chanel durante la guerra y arruinar su imagen y su negocio».107 Finalmente, los trámites procesales concluyeron con la toma de una decisión de común acuerdo que incluyó la renegociación del contrato original de 1924.108 El 17 de mayo de 1947, la diseñadora recibió ganancias de las ventas del Chanel Nº5 en tiempos de guerra, en una suma equivalente a 400 000 dólares.109 A partir de ese momento su beneficio económico fue enorme y sus ingresos rondaron los 25 millones USD anuales, lo que la convirtió en una de las mujeres más ricas del mundo. Además, Pierre Wertheimer acordó una disposición inusual propuesta por la propia Chanel en la que aceptó pagar todos los gastos que la diseñadora realizara —desde los triviales a los más costosos— durante el resto de su vida.110 111
Actividad como agente nazi[editar]

El general nazi Walter Schellenberg.
Documentos de archivo desclasificados descubiertos por Hal Vaughan revelaron que la Prefectura de Policía francesa tenía un escrito sobre Chanel en el que fue descrita como: «Costurera y perfumista. Seudónimo: Westminster. Agente de referencia: F 7124. Señalado como sospechoso en el archivo».112 113 Para Vaughan, «era una facilitadora. Conocía a todo el mundo [...] Y ayudó a los nazis... Todo lo que ella hizo era una paradoja. Era tan contradictoria. Por un lado, hizo comentarios antisemitas. Sin embargo, uno de sus mejores clientes era judío, como los Rothschilds, y de hecho su socio en el negocio era judío, y lo continuó siendo después de la guerra».4 El activista antinazi Serge Klarsfeld declaró que «no significa que porque tenga un número de espía, esté necesariamente implicada de forma personal. Algunos informantes tenían número sin ser conscientes de ello».114 Vaughan estableció que Chanel se involucró con la causa alemana ya desde 1941 y trabajó para el general Walter Schellenberg, jefe de inteligencia de las SS,115 quien coordinó sus relaciones comerciales con las autoridades de la ocupación.4
Al final de la guerra, Schellenberg fue juzgado por el Tribunal Militar de Núremberg y condenado a seis años de prisión por crímenes de guerra. Fue puesto en libertad en 1951 debido a una enfermedad hepática incurable y se refugió en Italia. La diseñadora pagó los gastos cotidianos y de atención médica de Schellenberg, apoyado económicamente por su esposa y familia, y financió su funeral en 1952.116
Operación Modellhout[editar]
En 1943, Chanel viajó a Berlín con Dincklage para reunirse con el Reichsführer-SS Heinrich Himmler y formular una estrategia.115 A fines de 1943 o principios de 1944, ella y su superior SS Schellenberg idearon un plan con el fin de presionar a Gran Bretaña para que pusiera fin a las hostilidades con Alemania.117 Gracias a ello consiguió la liberación de su sobrino, André Palasse, detenido en un campo de prisioneros de guerra en Alemania.4 Cuando fue interrogado por la inteligencia británica al finalizar la guerra, Schellenberg sostuvo que Chanel era «una persona que conocía a Winston Churchill lo suficiente como para llevar a cabo negociaciones políticas con él».118 Para esta misión, denominada Operación Modellhout, reclutaron a Vera Bate Lombardi en un nuevo intento por establecer contacto con Londres y negociar un tratado de paz antes del ingreso de las tropas rusas a Berlín.119 El conde Joseph von Ledebur-Wicheln, un agente nazi que desertó al Servicio Secreto Británico en 1944, recordó una reunión que tuvo con Dincklage a principios de 1943.120 Dincklage propuso un incentivo que la tentara y le informó a von Ledebur que la participación de Chanel en la operación estaría asegurada si se incluyera a Lombardi en la misma: «La Abwehr tenía primero que traer de Francia a una joven italiana [Lombardi]. Coco Chanel se adhirió a causa de sus vicios lésbicos...»121
Sin darse cuenta de las maquinaciones de Schellenberg y su amiga, Lombardi les siguió su juego inconsciente como víctima y creyó que el próximo viaje a España sería un viaje de negocios para explorar las posibilidades de establecer una sede de su casa de alta costura en Madrid. El papel de Lombardi era actuar como intermediaria y entregar una carta escrita por Chanel al primer ministro Churchill enviada por medio de la embajada británica en Madrid.122 Finalmente la operación fue un fracaso y archivos de inteligencia británicos revelaron que todo se descubrió cuando Lombardi a su llegada procedió a denunciar a Chanel y al resto como espías nazis.123
Resguardo de la persecución[editar]
En septiembre de 1944, Chanel fue llamada para ser interrogada por el Comité de Purga de la Francia Libre, el épuration. El comité, sin ninguna evidencia documentada de su actividad como colaboradora, se vio obligado a liberarla luego de tres horas.124 37 De acuerdo con su sobrina nieta, Gabrielle Palasse Labrunie, cuando la diseñadora volvió a su casa dijo: «Churchill me habría liberado».125 Existe una entrevista inédita que data de septiembre de 1944 en la que Malcolm Muggeridge, luego un agente de inteligencia de la MI6 Británica, la entrevistó después de su comparecencia ante los investigadores de la Francia Libre. Muggeridge la cuestionó deliberadamente por sus políticas y actividades en tiempos de guerra, a lo que la diseñadora dijo: «Es curioso como han evolucionado mis sentimientos. Al principio, sus conductas me indignaron. Ahora, prácticamente siento pena por esos rufianes. Uno debe abstenerse de desprecio por los ejemplares más bajos de la humanidad... »126
La medida en la que Churchill intervino se convirtió en un tema de especulación chismosa. Algunos afirman que Churchill instruyó a Duff Cooper, embajador británico en el gobierno provisional francés, para proteger a la diseñadora.127 Finalmente, presionada para declarar en Francia ante los investigadores en 1949, Chanel dejó su residencia de Suiza para hacer frente al testimonio dado en contra de ella en el juicio por crímenes de guerra del barón Louis de Vaufreland, un traidor francés y agente de inteligencia alemán de alto rango.124 Negó todas las acusaciones y posteriormente, su amigo y biógrafo Marcel Haedrich ofreció una estimación elocuente de su colaboración con el régimen nazi: «Si uno tomara en serio las pocas revelaciones que Mademoiselle Chanel se permitió hacer a sí misma acerca de esos años negros de la ocupación, los dientes de uno sufrirían dentera».128
Controversia[editar]
La divulgación de Vaughan del contenido de los documentos desclasificados de la inteligencia militar y la posterior polémica generada poco después de la publicación de su libro en agosto de 2011, llevó a la Casa Chanel a emitir un comunicado, parte del cual apareció en múltiples medios de comunicación. La corporación «negó la afirmación» (del espionaje)129 si bien admitió que «los funcionarios de la compañía habían leído sólo extractos del libro». «Lo cierto es que ella tuvo una relación con un aristócrata alemán durante la guerra. Está claro que no era el mejor momento para tener una historia de amor con un alemán aunque el barón von Dincklage era inglés por parte materna y ella lo conocía antes de la guerra», dijo el grupo Chanel en un comunicado.129 La casa de moda también negó que la diseñadora fuera antisemita al publicar que de ese modo «no hubiera tenido amigos judíos o vínculos con la familia de financieros Rothschild de haber sido así».129
En una entrevista concedida a la agencia Associated Press, el autor Vaughan explicó el recorrido de su investigación: «Estaba buscando otra cosa cuando me encuentro con este documento que expresaba "Chanel es una agente nazi"... Entonces realmente empecé a escarbar todos los archivos, en los Estados Unidos, en Londres, en Berlín y en Roma y no encontré uno, sino 20, 30, 40 materiales de archivo absolutamente sólidos sobre Chanel y su amante, el barón Hans Gunther von Dincklage, que era un espía profesional de la Abwehr».130 Vaughan también se refirió a la incomodidad que produjeron las revelaciones proporcionadas por su libro: «Una gran cantidad de personas no desea que la emblemática figura de Gabrielle Coco Chanel, una de las grandes ídolos de Francia, sea destruida. Esto es definitivamente algo que mucha gente hubiera preferido dejar a un costado, olvidar...»130
Carrera y vida posterior a la guerra[editar]
En 1945, se trasladó a Lausana, Suiza, aunque regresó eventualmente a París en 1954. En 1953 vendió su villa «La Pausa» a Emery Reves y una réplica parcial de la vivienda fue construida en el Museo de Arte de Dallas, que contiene piezas del mobiliario original y alberga la colección de arte de Reves.87 A diferencia del período anterior a la guerra, en el que el mundo de la moda estaba dominado sólo por las mujeres, este comenzó a abrirse a nuevos géneros y el «New Look» de Christian Dior significó un éxito mundial131 al que le siguió el de Cristóbal Balenciaga, Robert Piguet y Jacques Fath.
Chanel estaba convencida de que las modistas femeninas se revelarían contra la estética «ilógica» ofrecida por los diseñadores masculinos y además, criticó las «fajas en la cintura, los sujetadores con relleno, las faldas pesadas y las chaquetas rígidas».132 Con más de setenta años y después de una ausencia de quince, sintió que era el momento para reincorporarse al mundo de la moda.6 El restablecimiento de su casa de alta costura en 1954 fue financiado por su viejo enemigo Pierre Wertheimer.133 Su nueva colección no fue bien recibida por los parisinos que sintieron que su reputación había sido dañada por su relación con los nazis durante la guerra. Sus nuevos trajes tweed y vestidos simples, que hicieron eco de los estilos aerodinámicos de los años previos a la guerra, fueron calificados por muchos críticos europeos como «pasados de moda».37 Sin embargo, sus modelos tuvieron una alta aceptación en Reino Unido y Estados Unidos, donde forjó nuevos clientes.5 La revista Vogue la definió como «la gran revolucionaria» y una «rebelde solitaria de la moda». Las actrices Elizabeth Taylor, Grace Kelly y Rita Hayworth fueron las primeras personalidades en utilizar sus nuevos modelos luego de su reingreso a la moda.37
En la década de 1950, Chanel comenzó a trabajar con el orfebre Robert Goossens, que produjo algunas de las joyas más importantes de la carrera de la diseñadora, incluyendo piezas con perlas de imitación o piedras de cristal en su base, anillos y pendientes. El trabajo de Goossens también incluye prendedores trenzados de plata y oro con esmeraldas, colgantes y cruces bizantinas de cristal. Continuó trabajando con la Casa Chanel incluso después de la muerte de su fundadora y muchas de sus obras fueron reversionadas en formato fantasía para los desfiles de moda y presentaciones.134 Por otra parte, el fabricante de perfumes Henri Robert colaboró con Coco Chanel entre 1955 y 1974, período en el que diseñó fragancias reconocidas como Pour Monsieur, la primera fragancia para hombres de Chanel; Chanel Nº 19, nombrado así en honor al cumpleaños de Coco el 19 de agosto; y Cristalle Eau de Toilette.135 63
En 1957, recibió el Neiman Marcus Fashion Award por parte de Stanley Marcus en reconocimiento a la «diseñadora más influyente del siglo» y en 1959 fue designada miembro del Museo de Arte Moderno de Nueva York.37 136 Su estilo fue nuevamente elegido para vestir a estrellas de cine como Romy Schneider y Jeanne Moreau en la película Les Amants (1958) de Louis Malle,90 y a Delphine Seyrig en El año pasado en Marienbad (1961) de Alain Resnais,137 como así también a María Callas, Audrey Hepburn y la primera dama estadounidense Jackie Kennedy, que vestía uno de sus modelos el día del asesinato de su marido John F. Kennedy en 1963.138

Coco Chanel hacia 1970.
Ante la popularización de la minifalda, creada por Mary Quant en 1964, Chanel la juzgó severamente mediante una declaración en la que afirmó que las rodillas eran la parte menos hermosa del cuerpo femenino por lo que había que mantenerlas cubiertas. Quant señaló que las rodillas eran un símbolo de juventud y por eso había que exhibirlas sin vergüenza alguna.139
Últimos años y fallecimiento[editar]
Según Edmonde Charles-Roux, se había convertido en una persona tirana y muy solitaria en sus últimos años.140 Ocasionalmente era frecuentada por Jacques Chazot, su confidente Lilou Marquand141 y la brasileña Aimée de Heeren, que se radicaba en París cuatro meses al año en el Hotel Meurice. Las viejas rivales solían compartir recuerdos felices de sus momentos con el duque de Westminster y caminar juntas por el centro de París.142
Al comienzo de 1971 se hallaba enferma y debilitada, afectada por la artrosis y su adicción a la morfina,143 pero continuaba en el trabajo de su rutina habitual para la preparación del catálogo de primavera. En la tarde del sábado 9 de enero dio un largo paseo y al regresar a su casa, se sintió mal y se fue a su habitación temprano.144 Chanel murió al día siguiente a la edad de 87 años como consecuencia de un ataque cardíaco en el Hotel Ritz, donde había residido por más de treinta años.145 Sus últimas palabras (según la leyenda) fueron: «Bueno, así es como uno se muere».146 Una muerte solitaria después de una vida solitaria marcó el final de la vida del mito. Su funeral se llevó a cabo en la Iglesia de la Madeleine y sus modelos ocuparon la primera fila en la ceremonia. Su ataúd fue cubierto con flores blancas (camelias, gardenias, orquídeas, azaleas) y algunas rosas rojas. Sus restos fueron inhumados en el Bois-de-Vaux Cementery, en Lausana, Suiza.147
Legado[editar]

Los sombreros negros, las perlas y su boquilla se convirtieron en distintivos de su estilo personal.
En 1915, la revista de moda Harper's Bazaar comentó sobre sus diseños: «La mujer que no tiene al menos un Chanel está irremediablemente fuera de moda... En esta temporada el nombre de Chanel está en los labios de todas las compradoras».148 Su firme determinación y carácter, así como también su buena condición económica, la llevó a imponerse a la moda opulenta y rígida de principios del siglo XX y bajo su influencia, quedaron fuera de moda los aigrettes, el cabello largo, las faldas hobble, los corsés149 e instauró otro estilo más simple e innovador para las mujeres durante la Primera Guerra Mundial.3 Creadora del traje sastre femenino, la diseñadora francesa desarrolló una elegancia sencilla a lo largo de su carrera e introdujo las prendas en blanco y negro, los cinturones de cadena, las camisas de cuello y puños blancos, y las joyas de fantasía.3 En los años de 1920, fue considerada la personificación de la «nueva mujer» independiente, sociable, recreativa e individualista. Dirigió su atención al público joven y rápidamente se convirtió en un ícono del estilo flapper.150
Diseñadores como Paul Poiret y Mariano Fortuny introdujeron referencias étnicas en sus creaciones de alta costura, durante la década de 1900 y 1910.151 Chanel continuó con esta tendencia con diseños eslavos durante los años de 1920. Las puntillas y bordados de sus vestidos en estas épocas fueron elaborados exclusivamente por Kitmir, una casa de bordados fundada por la aristócrata rusa exiliada, la gran duquesa María Pávlovna, hermana de Demetrio Románov.152 153 La fusión de costura oriental con motivos folclóricos estilizados llevada a cabo por Kitmir se puso de relieve en sus primeras colecciones.153 Un vestido suyo de noche en 1922 era acompañado con un foulard sobre el cuello o la cabeza.153 Además del foulard, sus colecciones presentaron los escotes cuadrados y los abrigos largos con cinturón en alusión a los mujik rusos (campesinos).154 Todos los modelos eran bordados con cristales brillantes e incrustaciones de azabache.155
Para la producción del traje Chanel, introdujo la utilización del tejido de punto, un material de punto de lana, algodón o elementos sintéticos producido por la empresa Rodier,156 que originalmente producía esta tela para la confección exclusiva de ropa interior.44 Su traje de jersey de lana, conformado por una chaqueta de cardigan, una falda plisada y combinado con zapatos de tacón bajo, se convirtió en el preferido de la moda femenina costosa.157
La camelia que introdujo como elemento decorativo en sus trajes estaba íntimamente relacionada con la obra literaria de Alexandre Dumas, La dama de las camelias, cuya historia había impresionado a la diseñadora desde su juventud. La flor en sí se había convertido en un símbolo de identificación para la cortesana que anunciaba su disponibilidad.158 Su primera aparición en un diseño suyo fue en un traje negro con adornos blancos en 1933.37
«No pierdas el tiempo golpeando la pared, con la esperanza de transformarla en una puerta»
—Coco Chanel159
El término de «pequeño vestido negro» es catalogado a menudo como una contribución de Chanel al léxico de la moda y como una prenda de ropa que se ha utilizado hasta la actualidad.160 161 162 Su primera confección fue hecha en seda fina, crepé y con mangas largas.163 En 1926, Vogue destacó su diseño y sus editores predijeron que se convertiría en «una suerte de uniforme para todas las mujeres con gusto»164 al incorporar una estética estandarizada que la revista comparó con el automóvil Ford negro de forma obicua. Esta mirada recibió críticas generalizadas por parte de periodistas masculinos que comentaron en forma de queja: «No más busto, no más estómago, no más cadera... La moda femenina de este momento del siglo XX será bautizada "cortar todo"».165
En 1933, el diseñador Paul Iribe colaboró con Chanel en la creación de piezas de joyería extravagantes comisionadas por la Guild of Diamond Merchants. La colección realizada exclusivamente en diamante y platino fue exhibida públicamente y atrajo una gran audiencia, de aproximadamente 3000 concurrentes en el período de un mes.37 Obsesionada con las joyas costosas,37 la diseñadora convirtió la poco envidiada bijouterie de fantasía en codiciados accesorios y se asoció con el duque Fulco di Verdura para lanzar una línea de joyería. El brazalete blanco esmaltado con una cruz de Malta y piedras era su favorito y se transformó en una pieza representativa icónica del dúo Verdura-Chanel.37
El modelo original del bolso Chanel fue hecho de jersey o cuero con un diseño exterior acolchado cosido a mano influenciado por las chaquetas que utilizaban los jinetes. La cadena que llevaba estaba inspirada en sus años de orfanato, donde los cuidadores de la abadía utilizaban cadenas en la cintura para guardar las llaves. El uniforme rojo del convento se ve reflejado en el interior del bolso.

Logo de Chanel.
Durante su prolongado tiempo de ocio en su juventud, solía tomar sol largos ratos y de esa manera convirtió no sólo a los bronceados en aceptables sino también en un símbolo que denotaba una vida de privilegio y esparcimiento.166 Históricamente la exposición al sol había estado relacionada con los trabajadores desafortunados condenados a una jornada de trabajo incesante a la intemperie mientras que la piel sumamente blanca era una muestra segura de la aristocracia.166 A mediados de la década de 1920, por influencia de Chanel, las mujeres eran vistas en la playa sin sombrero para protegerse de los rayos del sol.167 Además, fue una de las promotoras del uso del cabello corto como un signo de liberación femenina y un nuevo estilo de vida.168 La frase «Una mujer que se corta el pelo está por cambiar su vida» es atribuida a Chanel.169
Personalidad[editar]
Coco Chanel fue una mujer ambiciosa, hiperactiva, inteligente, con intuición empresarial, considerada una persona con mal genio, exigente y perfeccionista en su oficio. Muchos la consideraron una visionaria y una líder nata, en cambio, otros creían que tenía tendencia a ser calculadora y oportunista, razones que la llevaron a sociabilizar con contactos de la alta sociedad con el fin de lograr ventajas para su negocio; por otra parte, se le criticó por no tomar ninguna postura firme en épocas de inestabilidad política, y que supo moverse dentro de los cambios institucionales para que su negocio no desapareciera. Vaughan la definió como una «oportunista consumada... no creía en nada excepto en la moda170 . Ella creía en las ropas bonitas, en su negocio, y no le importaban ni Hitler ni las políticas del nazismo».4 Por otra parte, Justine Picardie manifestó que «era tan contradictoria. Por un lado, hizo comentarios antisemitas. Sin embargo, uno de sus mejores clientes era judío, como los Rothschilds, y de hecho su socio en el negocio era judío, y lo continuó siendo después de la guerra».4 . Actualmente, se ha constatado que esta actitud era frecuente en la clase empresarial de la época, e incluso en empresarios estadounidenses quienes se enriquecieron durante la Segunda Guerra Mundial; sin embargo, se conocen los múltiples enemigos de Chanel y la antipatia que despertaba entre los empresarios (hombres) de la época (aunque al mismo tiempo, vigilaban y copiaban sus movimientos), así como de los sectores conservadores, ya que abogaba por una moda que pudiera ser consumida por las mujeres con su propio dinero, y liberó el cuerpo femenino del tradicional corsé, además de convertirse en una referencia histórica a nivel mundial para las nuevas generaciones. Hasta su aparición, era impensable que una mujer fuera el referente mundial en el diseño de moda femenina ya que era una actividad, paradójicamente, considerada masculina, tendencia que a día de hoy puede continuar apreciándose en el mundo de la moda.
Poco se conoce de sus relaciones en el ámbito privado ya que mantenía relaciones discretas. A día de hoy, se sabe que la mayoría de informaciones al respecto son falsas, algunas incluso la vincularon con hombres estando ambos en espacio/tiempo distintos.
En la cultura popular[editar]
Adaptaciones en cine y TV[editar]
La primera película sobre la diseñadora fue Chanel solitaria (1981), dirigida por George Kaczender y protagonizada por Marie-France Pisier, Timothy Dalton y Rutger Hauer.171
La película para televisión norteamericana Coco Chanel salió al aire el 13 de septiembre de 2008 por Lifetime Television, protagonizada por Shirley MacLaine en el rol de Chanel a los 70 años. Dirigida por Christian Duguay, la película también estuvo protagonizada por Barbora Bobulova como la joven Chanel, Olivier Sitruk como Boy Capel, y Malcolm McDowell.172 El filme retrató sustancialmente sus primeros años en el convento, sus romances con Balsan y Capel, sus primeros años de carrera profesional y su polémico regreso a la moda en 1954. Sin embargo, pasó por alto su colaboración en las operaciones militares nazis durante la Segunda Guerra Mundial.
Audrey Tautou, vocera de Chanel SA desde 2008,173 interpretó a la joven Coco en una película titulada Coco avant Chanel (Coco antes de Chanel), que fue lanzada el 22 de abril de 2009.174
La película Coco Chanel & Igor Stravinsky, dirigida por Jan Kounen y protagonizada por Anna Mouglalis y Mads Mikkelsen, se refiere al supuesto romance entre Chanel y el compositor Ígor Stravinsky. La película está basada en la novela de 2002, Coco & Ígor de Chris Greenhalgh, y fue elegida para cerrar el Festival de Cine de Cannes de 2009.175
En 2013, el director Karl Lagerfeld convocó a Geraldine Chaplin para interpretar a la diseñadora en un cortometraje de treinta minutos titulado El retorno, basado en el regreso de Chanel al mundo de la moda en los años de 1950. El breve filme, en el que intervinieron también Rupert Everett, Anna Mouglalis, Amanda Harlech y Kati Nescher, fue presentado en el Dallas Fair Park con motivo del desfile de la colección «Métiers d'Art».176
Representaciones literarias[editar]
Coco & Ígor es una novela escrita por Chris Greenhalgh, que narra el romance entre Chanel e Ígor Stravinsky y los logros creativos que surgieron de su aventura romántica. La novela fue publicada por primera vez en 2003.177
En 2007, se publicó un libro para niños titulado Diferente como Coco, que relata la humilde infancia de Chanel y la crónica de cómo logró cambios bruscos en la industria de la moda.178
El Evangelio según Coco Chanel: lecciones de vida de la mujer más elegante del mundo es una novela escrita por Karen Karbo y publicada en 2009, que narra los comienzos humildes y logros legendarios de Chanel.179
Obras teatrales[editar]
El musical de Broadway Coco, con música de André Previn, guion y letras de Alan Jay Lerner, se estrenó el 18 de diciembre de 1969 y finalizó su temporada el 3 de octubre de 1970. Interpretada por Katharine Hepburn durante los primeros ocho meses y por Danielle Darrieux durante el resto de la temporada, recreó el momento en el que Chanel restablece su casa de alta costura entre 1953-1954. Al momento de su presentación, fue el espectáculo más costoso en la historia de Broadway con un presupuesto de 900 000 USD.180

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7. Christian Dior

Christian Dior

Tú también puedes mejorar la Wikipedia en español. Cerrar Christian Dior Para otros usos de este término, véase Dior. Christian Dior Stamps of Romania, 2005-002.jpg Biografía Nacimiento 21 de enero de 1905 Bandera de Francia Granville, Tercera República Francesa Fallecimiento 24 de... Ver mas
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Christian Dior
Para otros usos de este término, véase Dior.
Christian Dior
Stamps of Romania, 2005-002.jpg
Biografía
Nacimiento 21 de enero de 1905
Bandera de Francia Granville, Tercera República Francesa
Fallecimiento 24 de octubre de 1957 (52 años)
Bandera de Italia Montecatini Terme, Italia
Nacionalidad Bandera de Francia Francés
Residencia Bandera de Francia París
Trabajos
Christian Dior
1946 - 1957
Christian Dior Couture
1946 - 1957
Legado
Creaciones
destacadas New Look
[editar datos en Wikidata]
Christian Dior (Granville, Francia, 21 de enero de 1905 - Montecatini Terme, Italia, 24 de octubre de 1957) fue un influyente diseñador de moda, fundador de la firma de moda que lleva su nombre, Dior, una de las marcas de artículos de lujo más representativas del último siglo.
Biografía[editar]
Christian Dior era hijo de una familia de la burguesía de provincias francesa. Fue educado por el servicio diplomático en la École des Sciences Politiques de París. Luego, comenzó a trabajar en la industria de la moda, su verdadera vocación.
Primeramente, Dior hizo bocetos para Robert Piguet, el gran diseñador parisino de la época. En 1946, respaldado por el magnate textil Marcel Boussac, (llamado el "rey del algodón"), estableció una casa de costura en París. En veinte años expandió su negocio a 15 países y empleaba a más de 2.000 personas. Asimismo, diversificó el negocio hacia otros productos de lujo, como perfumes o joyas, con un éxito de ventas rotundo. Alguna de las composiciones más míticas de la historia de la perfumería llevan el sello Dior.
Es especialmente conocido el llamado "New Look" de 1947 (sobrenombre dado por una periodista americana), un estilo de costura para mujer que propone hombros torneados, cintura fina y falda amplia en forma de corola a veinte centímetros del suelo. Representa la elegancia clásica y la vuelta a una imagen femenina, y supuso la recuperación del lujo y el exceso tras la depresión de la Segunda Guerra Mundial.
Llegó a afirmar en una entrevista de 1953, después de que le preguntasen ¿Cúal es la reina que más le ha gustado vestir?, que La única reina que vestí fue Eva Perón. De hecho, llegó a tener tal afinidad con el glamour de la ex-primera dama argentina, que poseía un maniquí con las medidas de Eva en su taller.1
Después de su muerte, la casa Dior ha continuado su actividad con otros diseñadores de gran renombre: Yves Saint Laurent, Marc Bohan, Gianfranco Ferré, John Galliano, actualmente se encuentra como director creativo de la line femenina de la marca, el Belga, Raf Simons,que con su particular estilo ha evolucionado, revolucionado y modernizado el estilo de la casa, sin olvidar su legado de codigos esteticos que Mounsier Dior dejo plasmado.
La casa Dior ha vestido a celebridades como Diana de Gales (a la que la firma homenajeó en el año 1995 con un famoso bolso de mano llamado "Lady Dior"). Otras de sus clientas han sido la primera dama de Francia Carla Bruni y la hermana del Rey de España Elena de España, entre otras muchas.

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8. Guccio Gucci

Guccio Gucci

Guccio Gucci (Florencia, Italia, 26 de marzo de 1881 – Milán, 2 de enero de 1953) fue un prestigioso diseñador de moda Italiano fundador de la firma de moda Gucci. Índice [ocultar] 1 Biografía 2 Empresa 3 Estilo Gucci 4 Enlaces externos Biografía[editar] En 1906 funda Gucci, la cual... Ver mas
Guccio Gucci (Florencia, Italia, 26 de marzo de 1881 – Milán, 2 de enero de 1953) fue un prestigioso diseñador de moda Italiano fundador de la firma de moda Gucci.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Empresa
3 Estilo Gucci
4 Enlaces externos
Biografía[editar]
En 1906 funda Gucci, la cual comienza siendo una talabartería en Florencia. Por razones desconocidas, Guccio se mudó a París y luego a Londres, donde trabajó como Maitre en el Hotel Savoy. En 1920 regresa a su natal Italia.
Abre la primera tienda con un pequeño capital. Después de la Segunda Guerra Mundial, la firma fue nombrada Guccio Gucci srl, conservando el mismo nombre hasta la muerte de Guccio en 1953. En 1982 se le cambió el nombre a la firma por Guccio Gucci spA.
El éxito inicial de Guccio se debió a la calidad del artesanado de sus pieles. Durante los primeros años, su clientela original consistía de jinetes a quienes les vendía accesorios de cuero. A medida que su clientela se volvió más sofisticada, lo mismo le ocurre a sus líneas de productos. Se introduce también en la venta de equipajes de lujo, convirtiéndose en el equivalente a la firma Louis Vuitton en Francia.
Sus cuatro hijos (Aldo, Ugo, Vasco y Rodolfo) se encargan de expandir la firma y abrir nuevas tiendas en Florencia, Roma y Milán. Las peculiares doble G de Gucci fueron introducidas al mercado por primera vez después de la Segunda Guerra Mundial. Fallece en 1953, año en que sus hijos Aldo y Rodolfo abrieron la primera tienda Gucci en el extranjero, en la ciudad de New York.
Empresa[editar]
Los 50's demostraron ser muy buenos para la firma Gucci, con el reconocimiento de esta marca como un símbolo de estatus social. Pero, con el éxito de las tiendas surgieron numerosos confrontamientos entre los miembros de la familia. Estos hechos fueron documentados por tabloides y periódicos alrededor del mundo. En 1989, Gibran Gucci se convirtió en Presidente del Grupo Gucci.
La negativa publicidad y las litigaciones en la corte trajeron consecuencias negativas a la casa Gucci. En 1993, Maurizio Gucci se retiró y vendió sus acciones a Investcorp, una multinacional de origen árabe. Dawn Mello fue el Director Creativo en el período 1990-1991 y Tom Ford se encargó de su posición en 1994. Bajo el timón de Tom Ford, la Casa Gucci vuelve a ser prestigiada internacionalmente como un icono de estilo.
Estilo Gucci[editar]
Los clásicos de Gucci fueron creados durante los 50s: El bolso de mano con asas de bambú; los mocasines con el característico pedacito de freno de caballo, los pañuelos de seda; las hebillas de los cinturones; las corbatas. Se abrieron nuevas tiendas en Londres, Palm Beach, Paris, Beverly Hills y Tokyo.

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9. Elie Saab

Elie Saab

Elie Saab (en árabe: إيلي صعب), nacido el 4 de julio de 1964 y llamado a veces simplemente «ES», es un diseñador de modas libanés. En 1982, A sus 18 años, en pleno apogeo de la guerra civil de Beirut, Saab lanzó su propia marca de modas con sede en Beirut, presentó su primera colección de ropa... Ver mas
Elie Saab (en árabe: إيلي صعب), nacido el 4 de julio de 1964 y llamado a veces simplemente «ES», es un diseñador de modas libanés.
En 1982, A sus 18 años, en pleno apogeo de la guerra civil de Beirut, Saab lanzó su propia marca de modas con sede en Beirut, presentó su primera colección de ropa, abrió su primera tienda e inauguró un pequeño taller donde confeccionaba vestidos de novia. Su taller principal está en Líbano, un país al que permanece profundamente unido. También cuenta con talleres en Milán y París.
Para Saab el diseño y la moda son su gran pasión, desde niño soñaba con fabricar bonitos vestidos; Saab es autodidacto, empezó a coser desde niño y sabía que algún día viviría de ello. En 1981 se mudó a París a estudiar diseño de modas, pero decidió regresar a su país a abrir su taller en 1982. En 1997, Saab fue el primer diseñador no italiano en convertirse en miembro de la Cámara Nacional de la Moda Italiana y, en ese mismo año, presentó su primera colección fuera de Líbano en Roma. En 1998 presentó una línea lista para usarse en Milán y un desfile de modas en Mónaco, al cual asistió la princesa Estefanía de Mónaco. Obtuvo notoriedad a sus 40 años, después de convertirse en el primer diseñador libanés en vestir a una ganadora del Oscar, Halle Berry, en la entrega de premios de 2002.
En mayo de 2003, la Cámara Sindical de la Alta Costura lo invitó a convertirse en uno de sus miembros y presentó su primera colección de alta costura en París en julio de 2003. Su primera colección lista para usarse en París fue la colección Primavera-Verano 2006. La capital francesa es ahora su plataforma permanente para sus diseños listos para usarse.
Sus creaciones pueden encontrarse en todo el mundo y en sus boutiques de Beirut y París. Es conocida la predilección de sus diseños por mujeres de poder adquisitivo en América del Sur.
Éstas son algunas personalidades que han sido vestidas por él:
Eva Green
Emma Watson
Christina Aguilera
Nawal Al-Zoghby
Beyoncé Knowles
Catherine Zeta-Jones
Bérénice Bejo
Charlize Theron
Diane Kruger
Debra Messing
Eva Longoria
Fairuz
Halle Berry
Jessica Simpson
Kelly Rowland
Kelly Preston
Marcia Cross
Michelle Williams
Nicolette Sheridan
Patricia Heaton
Reina Rania de Jordania
Salma Hayek
Sarah Brightman (Harem World Tour)
Teri Hatcher
Jennifer Morrison
Gran Duquesa María Teresa de Luxemburgo
Reina Ana María de Dinamarca

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10. Ralph Lauren

Ralph Lauren

Ralph Lauren (n. Ralph Lifschitz el 14 de octubre de 1939, Nueva York) es un diseñador de moda y empresario ejecutivo estadounidense, más conocido por su marca de ropa Polo Ralph Lauren muy famosa por su estilo de cuello inglés y un número 3 puesto a la derecha de la playera. Biografía[editar... Ver mas
Ralph Lauren (n. Ralph Lifschitz el 14 de octubre de 1939, Nueva York) es un diseñador de moda y empresario ejecutivo estadounidense, más conocido por su marca de ropa Polo Ralph Lauren muy famosa por su estilo de cuello inglés y un número 3 puesto a la derecha de la playera.
Biografía[editar]
Nació en el seno de una familia judía. Estudió economía en el City College (Manhattan), pero poco después de graduarse se retiró de sus estudios. Trabajó un tiempo cómo vendedor de guantes y para un fabricante de corbatas, donde se inspiró para diseñar su propia línea. A los 28 años (1967) abrió su primera tienda de corbatas y un año más tarde introdujo una línea completa para hombres. Habría que esperar hasta 1971 para que fueran introducidas las prendas femeninas.
Diseña para todo tipo de edades y también tiene una línea de hogar. Hoy en día está considerada una de las firmas más prestigiosas y exclusivas del mundo y con más presencia internacional. La línea de hombre se divide en diferentes marcas o etiquetas: Black Label, Polo Ralph Lauren, RLX y Purple Label, siendo esta última la más lujosa, exclusiva y menos accesible de todas. De la misma forma, la línea de mujer se divide en Black Label, Blue Label, Lauren, Pink Pony, RLX y la Colección de Alta Costura presentada cada temporada. Por último, también posee una línea de fragancias, gafas y demás accesorios.

Ha recibido 94 puntos

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11. Gianni Versace

Gianni Versace

Gianni Versace (Regio de Calabria, Italia, 2 de diciembre de 1946 - Miami, Estados Unidos, 15 de julio de 1997) fue un diseñador italiano de ropa para ambos sexos. Absorbió influencias de Andy Warhol, el arte griego y romano, así como del arte abstracto moderno. Gianni fue el fundador de la... Ver mas
Gianni Versace (Regio de Calabria, Italia, 2 de diciembre de 1946 - Miami, Estados Unidos, 15 de julio de 1997) fue un diseñador italiano de ropa para ambos sexos. Absorbió influencias de Andy Warhol, el arte griego y romano, así como del arte abstracto moderno.
Gianni fue el fundador de la famosa compañía de moda Versace. La primera tienda fue inaugurada en la Via della Spiga de Milán en 1978, y su popularidad fue inmediata. Hoy en día es una de las casas de moda más importantes a nivel internacional.
Índice [ocultar]
1 Biografía
1.1 Primeros años
1.2 Estilo exuberante
1.3 Vida personal
1.4 Muerte
2 Filmografía
2.1 Como diseñador de trajes
2.2 Actor
3 Premios
4 Referencias
5 Véase también
6 Enlaces externos
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Gianni Versace nació en Reggio de Calabria, Italia, donde creció con su hermano mayor Santo, su hermana menor Donatella, su padre, y su madre Francesca. Tenía una hermana mayor, Tina, que murió a los 12 años debido a una infección del tétanos que no fue tratada de manera adecuada.[cita requerida] De su ciudad natal dijo:1
Reggio es el reino donde comenzó la historia de mi vida: la sastrería de mi madre, la boutique d'Alta Moda. El lugar donde, de niño, empecé a apreciar la Ilíada, la Odisea, la Eneida, donde comencé a respirar el arte de la antigua Grecia.

Gianni Versace, febrero 1992
Gianni comenzó su aprendizaje a temprana edad, ayudando a su madre a encontrar piedras preciosas e hilos de oro para bordar vestidos. Estudió arquitectura antes de mudarse a Milán a los 25 años para trabajar en el diseño de moda.
A mediados de los años 70, sus montajes llamaron la atención de las marcas Genny y Callaghan. Lo contrataron para diseñar sus colecciones y unos pocos años más tarde, animado por su éxito, presentó su primera firma de colección para mujer en el museo de arte, Palazzo della Permanente, de Milán. Su primera colección para hombre llegó en septiembre de ese mismo año. Después de presentar su colección de hombre, se unió con Jorge Saud, quien más tarde se volvería compañero de Giorgio Armani.
Estilo exuberante[editar]
La firma Versace alcanzó la celebridad mundial en la década de 1980, en parte gracias a una sagaz asociación con estrellas del mundo del espectáculo, tal como hace Giorgio Armani. Los famosos de Hollywood y los cantantes de música pop empezaron a elegir esta marca para vestirse en las grandes ceremonias e incluso en sus conciertos y filmes. Entre sus clientes se contaban Liz Taylor y Elton John. Pero al contrario que Armani, sinónimo de sobriedad y estilización, Gianni Versace impuso una estética exuberante y muy atrevida en colorido y materiales, casi chillona y kitsch, con tonos flúor y dorados, barroca hasta vampirizar estéticas de siglos pasados (Pompeya, manierismo).
En 1994 la (hasta entonces modesta) actriz Liz Hurley saltó a la fama planetaria al lucir un vestido Versace de vertiginoso escote, apenas prendido por unos imperdibles. Pocos años después, la polémica película Showgirls incluyó un diálogo donde su protagonista Elizabeth Berkley aludía a su vestido Versace y le replicaban sobre cómo pronunciar correctamente dicho apellido italiano.
Versace hacía ostentación del lujo en sintonía con la época de Ronald Reagan y del consumismo ilimitado, en la que los referentes sociales parecían ser los yuppies y las estrellas del rock que amasaban grandes royalties. La Medusa y la greca de origen clásico, se volvieron distintivos inconfundibles de Versace, y se asociaban a la opulencia, mostrándose en primer plano en bolsos, calzado, bañadores, bisutería...frente a la discreción de otras casas de moda. Estos artículos más asequibles llegaban a un público de clase media y ayudaron al apogeo de la casa italiana.
Pero fallecido Gianni Versace los gustos empezaron a cambiar. Bajo la tutela de su hermana Donatella, la compañía seguiría adelante adaptándose a las nuevas modas, y ya en fechas recientes, al hilo de cierta nostalgia por los años 80, ha recuperado y difundido el estilo más desbordado de Gianni mediante una colección de alcance masivo lanzada a través de H&M.
Vida personal[editar]

La casa de Versace en Miami Beach.
Conoció a Antonio D'Amico, un modelo, en 1982. La pareja se embarcó en una relación que duró once años, hasta la repentina muerte de Versace. Durante ese tiempo Antonio fue diseñador para la línea deportiva Versace.
Versace dejó a su pareja D'Amico una pensión mensual vitalicia de 50 millones de liras (aprox. $26,000 dólares), y el derecho a ocupar cualquiera de las residencias Versace homes en Italia y en los Estados Unidos. D'Amico ahora tiene su propia compañía de diseño de moda.
Muerte[editar]
En la mañana del 15 de julio en el verano de 1997, regresando de su acostumbrada caminata por el paseo de Ocean Drive en Miami, Versace fue tiroteado enfrente de su mansión con vistas al mar en Miami Beach. Fue asesinado por el asesino en serie Andrew Phillip Cunnanan, quien se suicidó poco después del homicidio y su cuerpo fue encontrado en un yate.2 La policía dictaminó que Cunnanan se suicidó con la misma pistola que usó para matar a Versace y además se supo que el asesino había estado dos días antes del crimen en su casa.3
Versace fue sepultado en la localidad de Como, en Italia. En septiembre de 1997 se anunció que Santo Versace y Jorge Saud eran los nuevos propietarios de los bienes de Versace. La hermana de Gianni, Donatella Versace, era la nueva líder del departamento de diseño. Elton John dedicó su álbum de 1997, The Big Picture a Versace.
En su testamento, Versace dejó el 50% de su imperio de la moda a Allegra Beck, su sobrina, hija de Donatella. Al cumplir la mayoría de edad en 2004, Allegra heredó alrededor de 500 millones de dólares (50% de la compañía) del imperio de moda Versace. Tiene la última palabra en la venta y otros detalles en la línea de ropa Versace. Allegra tenía apenas once años cuando su tío fue asesinado.
En julio de 2007, un ballet especialmente escrito fue presentado en el Teatro de La Scala, en Milán, en el marco del décimo aniversario de la muerte del diseñador. Thanks Gianni, With Love fue realizada por el coreógrafo francés Maurice Béjart, para quien Versace diseñó varios vestidos.
Filmografía[editar]
Como diseñador de trajes[editar]
Ballet for life (1997);
Juez Dredd (Judge Dredd) (1995);
Shakespeare Shorts (serie de TV, 1996);
Showgirls (1995);
Kika (1993);
Vacanze di Natale (conocida como Las vacaciones de Navidad, 1991);
Cin cin (conocida como Un fino romance, 1991);
As Long as It's Love (conocida como In una notte di chiaro di luna, 1989);
Miami Vice (serie de TV, 1989);
Actor[editar]
Catwalk (conocida como Pasarela, 1996);
Spiceworld (Las escenas fueron borradas porque su muerte se produjo antes del estreno de la película, 1997);
Premios[editar]
Oscar americano de la moda otorgado el 1 de febrero de 1993.
Orden al Mérito de la República Italiana otorgada por el presidente de Italia, Francesco Cossiga el 24 de enero de 1986.

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12. Armand Basi

Armand Basi

Armand Basi (Barcelona, 1924 - id., 9 de enero de 2009) fue un empresario y diseñador español, cofundador de la firma de moda que lleva su nombre. Trayectoria empresarial[editar] En 1948, junto a su hermano Josep, fundó una pequeña empresa de confección de punto. El éxito del negocio les... Ver mas
Armand Basi (Barcelona, 1924 - id., 9 de enero de 2009) fue un empresario y diseñador español, cofundador de la firma de moda que lleva su nombre.
Trayectoria empresarial[editar]
En 1948, junto a su hermano Josep, fundó una pequeña empresa de confección de punto. El éxito del negocio les permitió crear una gran empresa textil, a finales de la década de 1950, aliándose pocos años después con la firma francesa Lacoste para fabricar y distribuir en exclusiva sus productos en España.
En la década de 1980, Armand Basi creó su propia firma comercial y de moda, que fue abarcando, no sólo el ámbito del diseño y producción de prendas de vestir, sino también complementos, perfumería, relojes, joyas, zapatos y bolsos, presente con más de 400 tiendas propias en España, Europa, América del Norte y Asia, y donde Lluís Juste de Nin fue su diseñador más notable y desde 2000 el director creativo. En Madrid, tenía tienda en la calle Claudio Coello.

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13. Tom Ford

Tom Ford

Thomas Carlyle Ford (27 de agosto de 1961 en Austin, Texas) es un diseñador de modas y director de cine estadounidense. Índice [ocultar] 1 Biografía 2 Filmografía 3 Vida privada 4 Enlaces externos Biografía[editar] Primeros años (1961-86) Tom Ford nació el 27 de agosto de 1961, en... Ver mas
Thomas Carlyle Ford (27 de agosto de 1961 en Austin, Texas) es un diseñador de modas y director de cine estadounidense.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Filmografía
3 Vida privada
4 Enlaces externos
Biografía[editar]
Primeros años (1961-86)

Tom Ford nació el 27 de agosto de 1961, en Austin, Texas, para corredores de bienes raíces Shirley Burton (née Shirley Ann Thrasher) y Thomas David Ford. Pasó sus primeros años en los suburbios de Houston, Texas, y en San Marcos, en las afueras de Austin; su familia se trasladó a Santa Fe, Nuevo México, cuando tenía 11. En Santa Fe, ingresó en la Escuela Secundaria de San Miguel y más tarde se trasladó a la Escuela Preparatoria Santa Fe, donde se graduó en 1979. Ford dejó Santa Fe a los 16 años, cuando se inscribió en el Bard College en el Rock de Simon, pero rápidamente se retiró. [cita requerida] Luego se mudó a la ciudad de Nueva York para estudiar Historia del Arte en la Universidad de Nueva York.
Ford abandonó la Universidad de Nueva York después de un año, prefiriendo concentrarse en actuar en comerciales de televisión; al mismo tiempo, estaba en 12 campañas publicitarias nacionales simultáneamente. Ford y luego comenzó a estudiar arquitectura interior en el famoso arte y el diseño de la universidad de La Nueva Escuela, Parsons The New School for Design. Durante su estancia en Nueva York, Ford se convirtió en un fijo en la legendaria discoteca Studio 54, donde se dio cuenta de que era gay. Glamour discoteca de la era del club sería una gran influencia en sus diseños posteriores. Antes de su último año en la Escuela Nueva, Ford pasó un año y medio en París, donde trabajó como pasante en la prensa de Chloé office.Though su trabajo que implica principalmente el envío de ropa en sesiones de fotos, que provocó su amor por la moda. Pasó sus últimos años en The New School estudiar moda, pero sin embargo, se graduó con una licenciatura en arquitectura.
Carrera temprana (1986-94)
Cuando entrevistas de trabajo después de la graduación, Ford dijo que había asistido a la división de Parsons The New School, pero oculta que se graduó en arquitectura, y que su trabajo en Chloe era una posición de relaciones públicas de bajo nivel. A pesar de su falta de experiencia, Ford llama diseñador estadounidense Cathy Hardwick todos los días durante un mes con la esperanza de conseguir un trabajo en su precio medio compañía de ropa deportiva. Eventualmente, ella accedió a verlo. Hardwick tarde recordó el incidente: "Tenía toda la intención de darle ninguna esperanza le pregunté quiénes eran sus diseñadores europeos favoritos Dijo,.. 'Armani y Chanel. Meses más tarde le pregunté por qué dijo eso, y él dijo: 'Porque tú llevabas algo Armani'. No es de extrañar que consiguió el trabajo? " Ford trabajó como asistente de diseño para Hardwick durante dos años.
En 1988, Ford se trasladó a Perry Ellis, donde sabía que tanto Robert McDonald, presidente de la compañía, y Marc Jacobs, su diseñador, social. Se quedó en la empresa durante dos años, pero se cansó de trabajar en la moda estadounidense. En una entrevista posterior con el New York Times, comentó: "Si alguna vez iba a ser un buen diseñador, tuve que dejar los Estados Unidos. Mi propia cultura me inhibía. Demasiado estilo en Estados Unidos es de mal gusto. Ha menospreciado ser demasiado elegante. Los europeos, sin embargo, aprecian el estilo ". Ford pronto tendría la oportunidad de entrar en el mundo de la moda europea; Gucci, una compañía de productos de lujo vacilante, estaba tratando de reforzar la presencia de sus mujeres prêt-à-porter como parte de una revisión de la marca. En ese momento, "nadie se le ocurriría que llevaba Gucci", dijo Dawn Mello, entonces director creativo de la compañía. Mello contrató Ford, entonces un casi desconocido como diseñador de las mujeres principales de la marca prêt-à-porter en 1990. "Yo estaba hablando con un montón de gente, y la mayoría no quería el trabajo", dijo Mello. "Para un diseñador americano trasladarse a Italia para unirse a una compañía que estaba lejos de ser una marca hubiera sido muy arriesgado". Ford y su socio de toda la vida, periodista de moda Richard Buckley, se trasladó a Milán que septiembre.
El papel de Ford en Gucci se expandió rápidamente; él estaba diseñando ropa masculina dentro de los seis meses, y los zapatos pronto después de eso. Cuando Richard Lambertson dejó como director de diseño en 1992, Ford se hizo cargo de su puesto, en dirección de la marca prêt-à-porter, perfumes, imagen, publicidad y diseño de la tienda. En 1993, cuando estaba a cargo del diseño de once líneas de productos, Ford trabajó dieciocho horas al día. Durante estos años, hubo tensiones creativas entre Ford y Maurizio Gucci, presidente de la compañía y propietario del 50%. Según Mello, "Maurizio siempre quiso que todo sea redondo y marrón, y Tom quiso dejar cuadrado y negro." Aunque Maurizio Gucci quería despedir Ford, Domenico De Sole insistió en que se quedara. No obstante, el trabajo de Ford durante la década de 1990 era sobre todo detrás de las escenas; sus contribuciones a Gucci fueron eclipsados ​​por los de Mello, que fue la cara pública de la compañía.
Gucci y director creativo de YSL (1994-2004)

Vestido de noche de Tom Ford para Yves Saint Laurent Rive Gauche. Seleccionado como Vestido del Año 2004. En 1994, Ford fue ascendido a director creativo. En su primer año al frente, introdujo los hipsters de terciopelo estilo Halston, camisas de satén ajustados y botas de charol metálico auto-acabado. En 1995, él trajo estilista francesa Carine Roitfeld y el fotógrafo Mario Testino para crear una serie de nuevas campañas publicitarias de la compañía. Entre 1995 y 1996, las ventas de Gucci se incrementaron en un 90%. En la fuerza de colecciones de Ford, Gucci se hizo pública en octubre de 1995 con una oferta pública inicial de $ 22 por acción, seguido de una oferta adicional global en marzo de 1996 en $ 48 por acción, y una tercera oferta en 1999 a $ 75 por acción. A principios de 1999, el conglomerado de productos de lujo LVMH, encabezado por Bernard Arnault, aumentó sus participaciones en Gucci, con miras a toma de posesión. Domenico de Sole reaccionó mediante la emisión de nuevas acciones, en un esfuerzo para diluir el valor de las tenencias de Arnault. Ford y De Sole también acercado holding francés Pinault-Printemps-Redoute (PPR) sobre la posibilidad de formar una alianza estratégica. François Pinault, fundador de la compañía, aceptó la idea y compró 37 millones de acciones de la sociedad, o de una participación del 40%. La parte del Arnault se diluyó a 20%. En un momento, Ford fue el mayor accionista individual de Gucci acciones y opciones.
En 1999, la casa, que había sido casi en bancarrota cuando Ford se unió, fue valorada en aproximadamente $ 4,3 mil millones. Cuando Ford dejó en 2004, el Grupo Gucci fue valorada en $ 10 mil millones.
Cuando Gucci adquirió la casa de Yves Saint Laurent (YSL) en 1999, Ford fue nombrado director creativo de esa etiqueta, así, desplazando a Alber Elbaz que había sido la elección de Saint Laurent para el director creativo de la línea de prêt-à-porter de la compañía. Saint Laurent no ocultó su descontento con este desarrollo, abierta y regularmente criticar colecciones de Ford. "El pobre hombre hace lo que puede", es citado una vez diciendo de su successor.During su tiempo como director creativo de YSL, Ford, sin embargo, ganó numerosos Consejo de Diseñadores de Moda de las concesiones de América. Al igual que su trabajo en Gucci, Ford fue capaz de tirar de la casa de moda clásica de nuevo en la corriente principal. Sus campañas publicitarias para el opio fragancias YSL (con Sophie Dahl pelirroja completamente desnuda vistiendo sólo un collar y stiletto talones en una actitud sexualmente sugestivo) y YSL M7 (con campeón de artes marciales Samuel de Cubber en completa desnudez frontal completa) tienen sido famosa y provocativa.
En abril de 2004, Ford se separó del grupo Gucci después de que él y CEO Domenico de Sole, que se acredita como socio de Ford en el éxito de Gucci, no pudo llegar a un acuerdo con los jefes de PPR sobre el control artístico del Grupo. Él se ha referido ya a esta experiencia como "devastadora" porque tenía "puso todo en que durante quince años."
2004-presente

Tom Ford boutique en Los Cristales (Las Vegas) Después de salir de Gucci, Ford lanzó una línea de ropa masculina, belleza, gafas y accesorios en 2006. Dominico De Sole se convirtió en presidente de la etiqueta de Tom Ford. En marzo de 2011, Ford apareció en la portada de la publicación bianual otro hombre, la contraparte fraterna a otra revista, dando su opinión sobre lo que hace el caballero de hoy en día. En 2015, fue nombrado uno de los 50 hombres mejor vestidos de GQ. También recibió el Premio de la moda CFDA para Menswear diseñador del año.
Carrera como director de cine

En marzo de 2005, Ford anunció el lanzamiento de su compañía de producción de cine, Fundido a Negro. En 2009 hizo su debut como director con A Single Man, [3], basada en la novela del mismo título de Christopher Isherwood. Las estrellas del drama Colin Firth como un profesor universitario gay con sede en Los Ángeles, junto a Julianne Moore, Nicholas Hoult y Matthew Goode. El guión fue adaptado por el canadiense David Scearce y Ford; Ford fue también uno de los productores.
A Single Man estrenó el 11 de septiembre de 2009 en el 66º Festival de cine de Venecia Internacional, donde fue nominado para el máximo galardón del León de Oro. Colin Firth fue galardonado con la Copa Volpi al Mejor Actor por su actuación. Ganó un premio BAFTA al Mejor Actor en un papel principal, y fue nominado a un Oscar, un Globo de Oro, al Premio Independent Spirit y el Screen Actors Guild Award.
Otras nominaciones de la película incluyen otras dos categorías Globos de Oro: Julianne Moore a la Mejor Actriz de Reparto, y Abel Korzeniowski a la Mejor Banda Sonora Original. En los premios Independent Spirit, la película fue nominada a la Mejor Ópera Prima y Mejor Primer Guión. Ford y David Scearce, que había adaptado primero el libro en una novela, también recibió una nominación al Mejor Guión Adaptado en la Broadcast Film Critics Association Awards.
En 2015, Ford se convirtió en el encargado de dirigir los animales nocturnos, una adaptación del libro de Austin Wright Tony y Susan, con George Clooney y Grant Heslov como productores. Jake Gyllenhaal y Amy Adams desempeñarán los papeles principales como Tony y Susan. Con Armie Hammer, Kim Basinger y Aaron Taylor-Johnson también unirse a la película.
vida personal

Ford está casada con Richard Buckley, periodista y ex editor en jefe de la revista Vogue Hommes Internacional; que han estado en una relación desde que se conocieron en pareja 1986.The tener un hijo, Alexander John Buckley Ford, nacido en septiembre de 2012. La familia vive en Italia, donde Ford se mudó de Nueva York en 1990. Ford y Buckley han poseído fox terrier liso , que han aparecido en la pista y en su película Un hombre soltero.
Caracteristicas
Pasó gran parte de su infancia en Santa Fe, Nuevo México, y se mudó a Nueva York para estudiar Historia del arte en la Universidad de Nueva York. Allí descubrió su verdadera vocación: la moda.
Por esta razón el joven Tom decidió mudarse a París, donde estudió a fondo el mundo de la pasarela, y luego a Milán, donde entró a trabajar en la firma Gucci, lo cual haría realidad sus sueños como diseñador.
Se le ha bautizado como «El salvador de Gucci», pues fue el responsable de sacarla de la quiebra total en la que se encontraba y la convirtió en una empresa que hoy vale 4300 millones de dólares.[cita requerida]
Ford llegó a Gucci como diseñador de ropa de mujer y fue ascendido poco tiempo después hasta director de diseño de la empresa, con lo que tenía bajo su responsabilidad la concepción de todos los productos de la marca, como ropa, perfumes, zapatos y accesorios, además de la imagen de la compañía, sus campañas publicitarias y el diseño de sus tiendas.
Gucci volvió definitivamente al éxito cuando Ford creó una extraordinaria colección otoño-invierno acompañada con una campaña publicitaria moderna que inmediatamente obtuvo la aceptación del público a nivel mundial.[cita requerida]
En abril del 2005, exactamente un año después de su dramática salida del Grupo Gucci, Ford anunció la creación de la marca TOM FORD. Ford fue acompañado en esta aventura por el presidente y jefe ejecutivo del Grupo Gucci: Domenico de Sole, quien le asistió como líder ejecutivo de la empresa.
Conocido por su interés en la arquitectura moderna, Ford ha encargado casas al arquitecto español Alberto Campo Baeza y al japonés Tadao Ando.
Premios y nominaciones

Ford ha sido reconocido por el diseño importante y consejos culturales de todo el mundo, incluyendo el Hewitt Design Museum y TIME Cooper.
1995: Premio Internacional - Consejo de Diseñadores de Moda de América 1997: la revista People 50 personas más bellas 1999: Estilo Icono de premio - Elle Style Premios Reino Unido 2000: Mejor Diseñador Internacional - VH1 / Vogue Premios 2000: Editores Fashion Club Japón Ganador de 2000: GQ británica Hombre Internacional del Año 2000: Premio Superstar - Fashion Group International 2001: Moda Diseñador del Año - Consejo de Diseñadores de Moda de América 2001: Mejor diseñador de moda - la revista TIEMPO 2001: Diseñador del Año - GQ EE.UU. 2001: Consejo de Administración Tributo Especial - Consejo de Diseñadores de Moda de América 2002: Accesorio Diseñador del Año para Yves Saint-Laurent - Consejo de Diseñadores de Moda de América 2003: Diseño de Moda Achievement Award - Premios Nacionales de Diseño Cooper-Hewitt Diseño del Museo 2004: Rodeo Drive Walk Premio Estilo de 2004: Internacional Mejor Vestida Lista Salón de la Fama 2005: André Leon Talley Lifetime Achievement Award - Savannah College of Art & Design 2006: Lanzamiento de accesorios Marca - Accessories Council Excellence (ACE) Premios 2007: GLAAD Media Awards - Premio Víctor Russo 2007: Persona del Año de DNR 2008: Menswear Designer of the Year - Consejo de Diseñadores de Moda de América 2009: Festival de Venecia - León de Oro Un hombre soltero (Nominado) 2009: Festival de Venecia - Queer Lion por A Single Man 2009: Critics Choice Awards - Mejor Guión Adaptado por A Single Man (Nominado) 2009: Independent Spirit Awards - Mejor Primer Guión para A Single Man (Nominado) 2009: Independent Spirit Awards - Mejor Ópera Prima por A Single Man (Nominado) 2009: Honrado como uno de los hombres de GQ USA del Año 2009: GQ Alemania Hombre del Año 2010: GLAAD Media Awards - Sobresaliente Cine Gran estreno de Un hombre soltero 2010: Menswear Designer of the Year - Consejo de Diseñadores de Moda de América (Nominado) 2013: Nombrada una de las mejor vestidas de los 50 mayores de 50 años por el Guardian. 2014: Premio de la moda CDFA 2014 - Geoffrey Beene Lifetime Achievement Award 2015: CFDA Fashion Awards 2015 - Menswear Diseñador del Año.
Filmografía[editar]
Su primera película, A Single Man, es una adaptación de la novela Un hombre soltero de Christopher Isherwood. Se estrenó en 2009 y su protagonista, Colin Firth, ganó la Copa Volpi al mejor actor en el Festival de Venecia de 2009 por su interpretación de George. En la película también participan los actores Julianne Moore, Matthew Goode, Nicholas Hoult, Ginnifer Goodwin y el modelo español Jon Kortajarena.
Vida privada[editar]
Abiertamente homosexual, Ford se considera a sí mismo casado con su compañero de casi dos décadas, Richard Buckley (n. 1948) un periodista de moda y estilo que renunció el 4 de febrero del 2005 a su puesto de editor en jefe de la revista Vogue Hommes International. Ford ha mencionado en una entrevista que le gustaría tener hijos, pero que Buckley se opone a esa idea.

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14. Dolce & Gabbana

Dolce & Gabbana

Dolce & Gabbana [ˈdoltʃe e ɡabˈbaːna] es una firma de moda italiana. Fue fundada por Domenico Dolce y Stefano Gabbana. Aunque inicialmente comenzaron diseñando ropa, actualmente la empresa ha diversificado su oferta diseñando desde complementos (gafas, relojes, anillos…) y perfumes a móviles (V3... Ver mas
Dolce & Gabbana [ˈdoltʃe e ɡabˈbaːna] es una firma de moda italiana. Fue fundada por Domenico Dolce y Stefano Gabbana. Aunque inicialmente comenzaron diseñando ropa, actualmente la empresa ha diversificado su oferta diseñando desde complementos (gafas, relojes, anillos…) y perfumes a móviles (V3 de Dolce & Gabbana1 ) o incluso restaurantes.2 Dolce & Gabbana es muy popular por sus diseños entre los artistas de Hollywood; han diseñado ropa para Madonna, Gisele Bündchen, Monica Bellucci, Ayumi Hamasaki, Isabella Rossellini, Lady Gaga, Britney Spears, Kylie Minogue entre otros. La sede de la compañía está situada en Milán. La vida privada de estos dos diseñadores, una pareja gay declarada, pasó a ser pública en 2005, cuando anunciaron su ruptura sentimental oficialmente.
Índice [ocultar]
1 La casa de moda
1.1 Los primeros años
1.2 Nuevas líneas y nuevos mercados
1.3 Convirtiéndose en una marca global
2 Líneas de ropa y accesorios
2.1 Dolce&Gabbana
3 Asociaciones
3.1 Deportes
3.2 Productos
4 Campañas publicitarias
5 Inspiración y estilo
6 Libros por Dolce & Gabbana
7 Espacios y exhibiciones
8 Tiendas de Dolce & Gabbana en el mundo
9 Controversia
10 Parodia a Dolce & Gabbana
11 Referencias
12 Bibliografía
13 Enlaces externos
La casa de moda[editar]
Los primeros años[editar]
Domenico Dolce nació el 13 de agosto de 1958 en Polizzi Generosa, Sicilia. Stefano Gabbana nació el 14 de noviembre de 1962 en Milán. Dolce comenzó a diseñar y a hacer su propia ropa a los seis años de edad.3 Los dos se conocieron por teléfono cuando Dolce llamó a la casa de moda en la que trabajaba Gabbana, solicitando empleo. Luego de ser contratado por la firma, Gabbana lo tomó bajo su protección y le enseñó cómo funcionaba el proceso de diseño en una casa de moda y cómo esbozar nuevos diseños. Poco después de la contratación de Dolce, Gabbana fue conscripto a 18 meses de servicio militar obligatorio, pero a su regreso, en 1982, establecieron una firma consultora de diseño.4 Actualmente Dolce&Gabanna son una de las mejores firmas de alta costura
Mientras trabajaban juntos, siempre facturaban por separado hasta que un contador les recomendó facturar juntos para hacer las cosas más fáciles y más rentables. Fue entonces que comenzaron a facturar a sus clientes como Dolce y Gabbana, que se convirtió en el nombre de su negocio en desarrollo.3 La primera colección del dúo de diseñadores fue exhibida en octubre de 19854 junto a otras cinco nuevas marcas italianas como parte de la Milan Fashion Week. Ninguno de los dos tenía dinero para contratar modelos, por lo que pidieron ayuda a sus amigos; y tampoco tenían dinero para poner accesorios en sus modelos, por lo que las modelos simplemente usaron sus efectos personales para complementar la vestimenta. También usaron una sábana de cama –que Dolce había llevado de su casa– como cortina para el escenario.5
Los dos diseñadores llamaron a su primera colección Real Women, debido en parte al uso de mujeres amateurs en la pasarela.4 Las ventas de su primera colección fueron lo suficientemente decepcionantes para que Gabbana cancelara la orden de telas para la creación de su segunda colección. Sin embargo, la familia de Dolce les ofreció ayuda para pagar sus costos cuando ambos fueron de visita a Sicilia en Navidad y, como la compañía de telas no había recibido la nota de cancelación a tiempo, la tela estaba lista en Milán para cuando retornaron.3 Elaboraron su siguiente colección en 1986 y abrieron su propia casa de moda ese mismo año.4 Michael Gross escribió sobre su tercera colección en una entrevista en 1992: «eran un secreto conocido solamente por un puñado de editores de moda italianos. Sus pocas modelos se cambiaban detrás de una pantalla desvencijada. Ellos llamaron a su colección de camisetas de algodón y retazos de seda elástica Transformation». Su ropa en esta colección incluía instrucciones sobre siete maneras para usar cada una de las prendas en un conjunto, ya que la persona podía usar Velcro y broches para modificar la forma de la ropa.6
Su cuarta colección fue la primera en lograr un impacto significativo en el mercado de moda italiano. En esta colección, Dolce se inspiró en sus raíces sicilianas. La campaña publicitaria de la colección fue fotografiada por Fernando Scianna en Sicilia, con fotos en blanco y negro inspiradas en el cine italiano de la década de 1940. Continuaron usando el cine italiano como inspiración en su quinta colección, basándose en el trabajo del cineasta Luchino Visconti y su película The Leopard.4
Una de las piezas de su cuarta colección fue llamada «El Vestido Siciliano» por la prensa de moda, y fue identificada por el autor Hal Rubenstein como uno de los 100 atuendos más importantes alguna vez diseñados. Se considera la pieza más representativa de esa época para la marca. Rubenstein describió la pieza en 2012, escribiendo: «El Vestido Siciliano es la esencia de Dolce & Gabbana, el punto de referencia sartorial de la marca. El vestido toma el ejemplo de una enagua —pero es una enagua que ha adornado a Anna Magnani, y es una silueta que ha honrado a Anita Ekberg, Sophia Loren, [y así sucesivamente]. Los tirantes se ajustan bien al cuerpo como lo harían los tirantes de un brasier; el escote corre en línea recta pero se desvía al menos dos veces, una vez de cada lado para acariciar cada pecho y en el medio para encontrarse con un pliegue alzado que ofrece una suave elevación. La enagua no se desliza simplemente hacia abajo, sino que se acerca a la cintura para sostener la figura firme pero no demasiado ajustada y luego se ensancha para enfatizar las caderas, para caer estrechándose ligeramente a la altura de las rodillas y así garantizar que las caderas se balanceen cuando la persona camina».7
Nuevas líneas y nuevos mercados[editar]
En 1987 Dolce y Gabbana lanzaron una línea separada de prendas de punto, y en 1989 comenzaron a diseñar una línea de lencería y una línea de ropa de playa. Luego, en 1990, lanzaron su primera colección para hombres.8 Ese año también mudaron su casa de diseño a sus primeras oficinas oficiales y comenzaron a diseñar trajes y otras piezas más costosas además de sus prendas originales.6 Su colección primavera/verano de 1990 para mujeres remitía a la pintura mitológica de Rafael, y el dúo comenzó a construir una reputación en el rubro de las prendas con incrustaciones de cristal. La colección otoño/invierno de 1991 para mujeres también estaba adornada con dijes, incluyendo medallas de filigrana y corsés ornamentados. La colección otoño/invierno de 1992 para mujeres fue luego inspirada por la pantalla cinematográfica de la década de 1950, aunque la colección aún incluía trajes adornados con cristales.9
En 1991 su colección para hombres recibió el premio Woolmark Award por la colección para hombres más innovadora del año.10 Lo que se considera su primera incursión al reconocimiento internacional ocurrió cuando Madonna usó un corsé hecho de piedras preciosas y una chaqueta que lo acompañaba de Dolce & Gabbana para la premier de Truth or Dare: In Bed with Madonna en el Festival de Cannes de 1990. El dúo luego se asoció con Madonna en 1993 para diseñar más de 1.500 trajes para su gira internacional Girlie Show por su álbum de 1992 Erotica.8 En una entrevista sobre el vestuario, Madonna dijo que «Su ropa es sexy con sentido del humor –como yo–».6 En 1994 la chaqueta cruzada característica de la casa fue llamada La Turlington por la modelo Christy Turlington. Ese mismo año la compañía lanzó su segunda línea principal, D&G, una línea que apuntaba a los jóvenes. En 1996 el desfile de D&G se mostró sólo en Internet, no en la pasarela, respondiendo a un movimiento experimental hacia los nuevos medios. Ese año Dolce & Gabbana también diseñó los trajes para la película Romeo y Julieta.11
En cuanto a la industria del cine, tanto Dolce como Gabbana figuraron en la película de 1995 L'uomo delle stelle del director Giuseppe Tornatore, en papeles menores como extras. Realizaron papeles especiales más significativos en la adaptación de la película de Rob Marshall, Nine.12 Como estilistas, también trabajaron en el video musical Girl Panic! de Duran Duran.13
Con respecto a la expansión de su mercado en la década de 1990, en 1989 Dolce & Gabbana firmó un acuerdo con el grupo Kashiyama para abrir su primera boutique en Japón. Lanzaron su primera fragancia para mujeres en 1992, llamada "Dolce & Gabbana Parfum", que recibió el premio de 1993 de la Perfume Academy por la mejor fragancia femenina del año. Su primera fragancia para hombres, "Dolce & Gabbana pour Homme", recibió el premio de la misma academia a la mejor fragancia masculina del año en 1995.10 Ese año las colecciones de Dolce & Gabbana causaron controversia en la prensa inglesa e italiana al seleccionar al «gánster norteamericano» como inspiración para su trabajo.14 Dolce & Gabbana trasladó esta inspiración otoño/invierno de 1995 a la vestimenta para damas que, según la crítica, aportó una veta erótica a las prendas. Dolce y Gabbana habían utilizado este motivo con anterioridad. En 1992 el fotógrafo Steven Meisel realizó una campaña publicitaria para la casa en la que las modelos posaban con un «estilo gánster» elegante. Esto incluía sacos de grandes solapas característicos de la década de 1930 y sombreros de cuero negro.15
El autor Nirupama Pundir expresó que «Dolce & Gabbana, con su estilo súper femenino y fantástico, se apartó de la moda de mentalidad seria y sobria que dominó la mayor parte de los noventa».16
Convirtiéndose en una marca global[editar]
Dolce & Gabbana continuó trabajando con Madonna, diseñando los trajes para su gira internacional de 2001 Drowned World Tour por su álbum Music del año 2000.11 También diseñaron trajes para las giras internacionales de Missy Elliot, Beyonce, y Mary J. Blige.11 17 En 1999 el dúo apareció en The Oprah Winfrey Show en apoyo a la cantante Whitney Houston, que usó el show para estrenar los trajes que Dolce & Gabbana había diseñado para su gira My Love Is Your Love, considerados por los críticos de moda y de música como inusualmente «arriesgados».18 Dolce y Gabbana continuaron diseñando trajes para artistas musicales a lo largo de la década del 2000, incluyendo trajes para la gira Showgirl Homecoming de Kylie Minogue.11 Madonna también participó en las campañas publicitarias de Dolce & Gabbana de 2010.7
En los años 2000, Dolce & Gabbana se inspiró mucho en el fútbol. En 2003 la línea para hombres tomó su principal inspiración de las mayores estrellas mundiales de fútbol.8 Otras formas de arte también se inspiraron en Dolce & Gabbana. En 2003 el artista de música dance Frankie Knuckles dijo que la casa de moda era un «gran barómetro» de las tendencias tanto en el mundo de la moda como de la música.19 En cuanto a su impacto en el mundo del diseño, en 2002 los corsés, que eran una parte clave de los primeros diseños de Dolce & Gabbana, estaban siendo redescubiertos por muchos de los principales diseñadores de Europa como una tendencia venidera.20 En los últimos años Dolce & Gabbana ha permitido a los compradores una vista privada de sus nuevas colecciones, para venderlas antes de que se hagan públicas, y para evitar la copia de sus diseños por parte de otras compañías de la moda rápida.21
En 2012 D&G se fusionó con Dolce & Gabbana para fortalecer la línea principal. La última colección independiente de D&G se lanzó en la colección primavera/verano de 2012 exhibida en septiembre de 2011.22 The New Yorker publicó en 2005 que «Dolce y Gabbana se están convirtiendo, en la década del 2000, en lo que Prada fue en la década de 1990 y Armani fue en la década de 1980 —“gli stilisti” cuya sensibilidad define la década—»3 En cuanto a los reconocimientos personales, tanto en 1996 como en 1997 Dolce y Gabbana fueron nombrados por FHM como los diseñadores del año. En 2003 GQ nombró a Dolce y Gabbana entre sus «Hombres del Año». Al año siguiente, los lectores de la revista Elle votaron a Dolce y Gabbana como los mejores diseñadores internacionales en los Elle Style Awards de 2004.23 Dolce y Gabbana celebraron el veinte aniversario de su marca el 19 de junio de 2012 en la Piazza della Scala y en el Palazzo Marino en Milán. Al día siguiente se realizó una exhibición pública que incluyó un salón en el que varias docenas de televisores se encontraban apilados desordenadamente, unos sobre otros, y cada uno mostraba una de las colecciones anteriores de la casa de moda, repasando sus veinte años de historia.24
La compañía y más concretamente los diseñadores han atraído el interés de los medios de comunicación por su apoyo al movimiento gay y ser ellos mismos una pareja gay reconocida. En 2005 los dos diseñadores rompieron sentimentalmente, aunque siguieron diseñando juntos, pues según Stefano trabajan muy bien juntos y se entienden muy bien.25
Líneas de ropa y accesorios[editar]

Un automóvil Aston Martin frente a una tienda en Ginza (Tokio).
Dolce & Gabbana tenía dos líneas principales (D&G y Dolce & Gabbana) hasta 2012, cuando las líneas se fusionaron bajo el nombre Dolce & Gabbana.
Dolce&Gabbana[editar]
Dolce&Gabbana (escrito sin espacios, a diferencia del nombre de la compañía) se especializa en artículos de lujo influenciados en mayor medida por los diseñadores, y es más formal y «atemporal», respondiendo a tendencias de largo plazo así como a cambios estacionales.26 También vende gafas de sol y lentes correctivos, pulseras, relojes y maquillaje.27 D & G. D&G es una línea casual que sigue una inspiración urbana y busca establecer tendencias, más que seguirlas. Es la línea de difusión más juvenil y extravagante de la marca. A diferencia de Dolce&Gabbana, D&G vende relojes y ropa. La primera colección D&G para hombres fue lanzada en enero de 1994, y la primera colección D&G para damas fue lanzada en abril.28 Otras líneas Dolce & Gabbana creó una colección para novias, pero solamente entre 1992 y 1998. La Dolce & Gabbana Home Collection –iniciada en 1994– también fue discontinuada en 1999, con la excepción de piezas únicas que se siguieron creando para los locales D&G. La primera colección de ropa de playa para damas fue desarrollada en 1989, seguida por la primera colección de ropa de playa para hombres en 1992. D&G lanzó una línea de gafas en 1998 y una línea de relojes en el año 2000. Ese mismo año D&G lanzó una colección de ropa interior tanto para hombres como para mujeres, independiente de la colección de lencería de Dolce & Gabbana. En 2001 se lanzó la línea D&G Junior para niños. En 2006 el dúo lanzó la línea Anamalier de accesorios con estampado de leopardo para mujeres, y en 2007 lanzaron una línea de estuches de viaje de cocodrilo para hombres. Otros bolsos producidos por la casa incluyen el bolso de mano Miss Sicily,29 y el bolso Dolce ofrecido en paja y cuero.30 En 2009 lanzaron su primera línea de cosméticos de color,28 con Scarlett Johansson como el rostro de la campaña publicitaria.31 Dolce & Gabbana lanzó su primera línea de joyería fina a fines de 2011, con una línea de 80 piezas que incluía rosarios enjoyados, pulseras de dijes y collares.32 Dolce & Gabbana ha recibido varios premios por sus fragancias, como se describió en las secciones anteriores. Sus fragancias actuales incluyen: "The One", "Sport", "Light Blue", "Classic", "Sicily", "The One Rose", y las fragancias originales "Pour Homme" y "Parfum".33
Asociaciones[editar]
Deportes[editar]
Dolce & Gabbana ha diseñado el uniforme para el campo de juego del AC Milan desde 2004.34 Además, los jugadores del AC Milan también se visten con prendas diseñadas por Dolce & Gabbana para el equipo cuando se encuentra en funciones oficiales fuera del campo de juego.35 El dueto también diseñó los trajes que utiliza la selección de fútbol de Italia fuera del campo de juego.36 En 2010 Dolce & Gabbana firmó un acuerdo de tres años con el Chelsea Football Club para diseñar y elaborar los uniformes y las vestimentas del club para dentro y fuera del campo. El trato incluyó la creación de prendas para los miembros femeninos del staff, además de las prendas para los hombres del staff y para los propios jugadores. El vestuario diseñado para usar fuera del campo incluía un traje azul oscuro con el símbolo del león en el bolsillo del pecho. Los diseñadores también rediseñaron la sala directiva y el área de recepción de la oficina principal.37 Dolce & Gabbana es también patrocinador del equipo de boxeo italiano Milano Thunder.38
Productos[editar]
En 2006 Dolce & Gabbana se asoció con Motorola para producir el teléfono celular Motorola V3i Dolce & Gabbana.39 Luego, en 2009, Dolce & Gabbana se asoció con Sony Ericsson para producir una versión de su línea de teléfonos celulares «Jalou» con detalles en oro de 24 quilates y con el logo de la casa de moda estampado en la pieza co-diseñada.40 Dolce & Gabbana también se asoció con Citroën para co-diseñar una versión de su coche C3 Pluriel.41 En 2010 Dolce & Gabbana se asoció con Martini para producir una «edición de oro» de su vermut.42 En 2010 la casa de moda se asoció con la cantante Madonna para lanzar una línea co-diseñada de gafas de sol llamada MDG.43
Campañas publicitarias[editar]
El comercial creado para la primera fragancia femenina de Dolce & Gabbana se emitió durante varios años en Italia, y fue creado por el cineasta Giuseppe Tornatore, musicalizado por Ennio Morricone, y protagonizado por la actriz Monica Bellucci. El comercial surrealista de 30 segundos comienza con un hombre deslizando un pulpo sobre las piedras de una piscina formada por la marea. Se levanta y mira a su alrededor y ve a diferentes mujeres en sus vidas cotidianas. Ve a una mujer (Bellucci) cambiándose y poniéndose un traje de baño de estilo 1950, detrás de una sábana blanca sostenida por otras dos mujeres. Luego de cambiarse, deja caer su sujetador sobre una tuna y camina hacia el océano. Más tarde aparece acostada sobre una cama, y el hombre que la ve está parado afuera de su ventana, llevándose el sujetador a la nariz. El comercial termina con la imagen de las botellas de perfume de Dolce & Gabbana sobre un fondo negro.44 En 2003 el perfume "Sicily" de Dolce & Gabbana fue publicitado por otro comercial surrealista sobre un funeral siciliano, que también fue dirigido por Giuseppe Tornatore.45
Otro popular comercial de la marca es el de Light Blue, con la participación del modelo David Gandy y el fotógrafo Mario Testino. Con locación en Capri, Italia, el anuncio ha sido producido en tres ocasiones con la participación de ambos y el mismo escenario. La primera en el 2007 con la modelo Marija Vuyovic, que tuvo más de 11 millones de visitas online y un espectacular cartel de 15 metros de alto con su fotografía desplegado en Times Square. La segunda en 2010, acompañado por Anna Jagodzinska. Y en el 2013 con la modelo italiana Bianca Balti.
Gisele Bundchen protagonizó el comercial de 2006 para la fragancia "The One", que mostraba a Bundchen frente a un espejo de tocador siendo maquillada, intercalado con flashes de una turba de camarógrafos; luego ella se pone un vestido dorado, zapatos, y se coloca en el rostro un par de gafas de sol de D&G.46 Algunos fotógrafos y cineastas que han trabajado con Dolce & Gabbana en sus campañas publicitarias incluyen a Giampaolo Barbieri,47 Michel Comte,48 Fabrizio Ferri,49 Steven Klein,50 51 Steven Meisel,52 Mert + Marcus,53 Jean Baptiste Mondino,31 Ferdinando Scianna,54 Giampaolo Sgura,55 Mario Sorrenti,56 Solve Sundsbo,57 Mario Testino,58 Giuseppe Tornatore, y Mariano Vivanco.59 Dolce & Gabbana ha ganado dos premios LeadAwards por sus campañas, los principales premios a la publicidad en Alemania. En 2004 ganó por su campaña otoño/invierno 2003/0460 y en 2006 ganó por su campaña otoño/invierno 2005/06.61
Inspiración y estilo[editar]
Originalmente inspirados por la ecléctica tienda de segunda mano Bohemia, los estampados de animales de colores fuertes de Dolce & Gabbana han sido descritos como «haute hippy dom» inspirándose particularmente en la prestigiosa historia del cine italiano. «Cuando diseñamos es como una película (Domenico)», dice Domenico Dolce. «Pensamos en una historia y diseñamos las prendas para que vayan con la historia (Domenico)». Afirman estar más preocupados por crear las mejores prendas y las más atractivas, que en tendencias deslumbrantes, habiendo admitido en una ocasión que no les importaría si su única contribución a la historia de la moda fuera un sujetador negro (Dolce y Gabbana 2007).
La marca D&G incluye ropa interior-como- ropa de calle (como, por ejemplo, corsés y breteles), trajes rayados al estilo jefe gánster, y sacos con estampados extravagantes. Al mismo tiempo, sus colecciones femeninas siempre están respaldadas por poderosas campañas publicitarias, como los comerciales en blanco y negro protagonizados por la modelo Marpessa, fotografiada por Ferdinando Scianna en 1987 (Dolce & Gabbana). «Ellos encuentran la manera de salirse de cualquier vestido negro, cualquier blusa cerrada (Domenico)», dice Rossellini. «La primera pieza de ellos que usé fue una camisa blanca, muy casta, pero cortada de tal manera que mis pechos parecían estar estallando hacia fuera (Domenico)».
En una ocasión llamados «Gilbert y George de la moda italiana»,62 en 1996 Dolce y Gabbana le dieron un giro musical a sus intereses del mundo de la moda, grabando su propio single, en el que entonaban las palabras «D&G is love» (en español, «D&G es amor») sobre un ritmo tecno (Dolce & Gabbana 2011). Más nuevos en el juego del diseño que otras casas de moda de mucho peso en Italia como Versace y Armani, Dolce y Gabbana reconocen que la suerte jugó una parte importante en su éxito espectacular. En 1997 su compañía reportaba un ingreso de 400 millones, provocando que los dos diseñadores anunciaran que planeaban retirarse a los 40 años de edad –una promesa que no cumplieron (Domenico)–.
Libros por Dolce & Gabbana[editar]
Además de diseñar ropa, Dolce y Gabbana han sido coautores de aproximadamente dos docenas de libros que presentan narrativas fotográficas, así como colecciones de su autoría. Las ganancias de muchos de estos libros son destinadas a la caridad, incluyendo la Children’s Action Network y la fundación Butterfly Onlus “école sans frontières” Foundation.28 La siguiente es una bibliografía de sus obras literarias:
10 Anni Dolce & Gabbana (Una colección de las imágenes publicitarias y editoriales más importantes de la primera década de la casa de moda)63
Wildness64
Animal65
Hollywood (Presenta más de 100 fotografías de las estrellas de cine posteriores a la época de 1985)66
Calcio (Fotografías de 44 jugadores de fútbol, 3 equipos y 2 entrenadores)67
A.C. Milan68
Music (Presenta a más de 150 músicos reconocidos internacionalmente)69
20 Years Dolce & Gabbana (Una historia fotográfica cronológica de cada una de las colecciones de la casa de moda, usando más de 1.000 fotografías)28
Milan70
2006 Italia (Un libro celebrando el título de la Copa del Mundo 2006 obtenido por Italia)71
Fashion Album (Contiene más de 400 imágenes homenajeando a los grandes fotógrafos de moda de las colecciones de Dolce & Gabbana)72
Secret Ceremony73
Family (Un libro que se enfoca en la familia como el centro de la vida de un hombre)28
The Good Shepherd (Un libro que ilustra el día de un pastor ordinario, vistiendo ropa de Dolce & Gabbana)74
Milano Beach Soccer28
Diamonds & Pearls75
20 Years of Dolce & Gabbana for Men76
Icons 1990-201077
Fashion Shows 1990 – 201078
Nazionale Italiana: South Africa 2010 (Una serie de imágenes protagonizadas por la selección de fútbol italiana durante sus entrenamientos previos a la Copa Mundial de la FIFA 2010)79
Uomini80 81
Milan Fashion Soccer Players Portraits82
David Gandy (Sigue la vida del modelo David Gandy durante un año entero)83
Campioni84
Espacios y exhibiciones[editar]
Dolce & Gabbana inauguró el atelier La sede di via San Damiano en septiembre de 1995. En 2002 abrió Lo showroom di via Goldoni, siete pisos que combinan una boutique con un espacio corporativo, mudándose de su previa sala de exposición principal en la Piazza Umanitaria. En julio de 2006 Dolce & Gabbana inauguró en Milán un espacio de exhibición de 5.000 metros cuadrados, Lo showroom di via Broggi. La casa de moda también compró el teatro Il Metropol en Milán, un cine histórico construido en la década de 1940. Fue remodelado y reinaugurado en septiembre de 2005.28 En 2006 Dolce & Gabbana abrió IL GOLD, un establecimiento con zonas de café, bar, bistró y restaurante. Esto fue luego de abrir en 2003 un establecimiento de bebidas copatrocinado, que la dupla fundó en su sala de exposición para hombres en Milán, llamado Martini Bar.11 Otro Martini Bar fue inaugurado más tarde en su salón de exhibiciones en Shanghai en 2006.28 En 2009 Dolce & Gabbana tenía 93 boutiques y 11 sucursales de fábrica, y se vendía en más de 80 países.85 En su totalidad cuenta con 251 tiendas mono-marca.86
Además de desarrollar desfiles y campañas publicitarias para sus colecciones, Dolce & Gabbana usa sus espacios para realizar exposiciones fotográficas y otras exhibiciones de arte. Poco tiempo después de la inauguración de Il Metropol presentaron dos exhibiciones del artista Ron Arad en el vestíbulo: Blo-Glo, entre abril de 2006 y abril de 2007,87 y Bodyguards a finales de abril de 2007.88 Organizaron exposiciones de fotografía presentando el trabajo de Enzo Sellerio en 200789 y Herbert List en 2008.90 En 2011 Dolce & Gabbana ofreció una jornada de puertas abiertas y una exhibición arquitectónica junto a Studio Piuarch mostrando sus diferentes diseños y proyectos arquitectónicos desde 1996.91 Studio Piuarch construyó las oficinas principales de Dolce & Gabbana en 2006, que fue donde se realizó la exhibición y la jornada de puertas abiertas.92
Dolce & Gabbana también usa sus espacios para el lanzamiento de libros y para exhibiciones fotográficas de sus propias prendas, como por ejemplo el lanzamiento de su libro David Gandy en 2011.93 También utiliza otros espacios, como el Palazzo della Ragione en Milán, donde en mayo de 2009 organizó una exhibición fotográfica de más de 100 imágenes seleccionadas de la revista Vogue americana a lo largo de sus 90 años de historia. La exhibición fue llamada Extreme Beauty in Vogue.94 95
La compañía también tiene fábricas de producción en Legnano96 e Incisa in Val D’Arno.97
Tiendas de Dolce & Gabbana en el mundo[editar]
Dolce & Gabbana tiene una amplia red de boutiques distribuidas por todo el mundo, específicamente en Europa, Asia, Norteamérica y Sudamérica.
En Europa tienen tiendas en Alemania, Austria, Bélgica, España, Francia, Grecia, Irlanda, Italia, Reino Unido, Países Bajos, Rusia, Suiza y Ucrania.
En Asia tienen tiendas en Arabia Saudí, Corea del Sur, Emiratos Árabes Unidos, China, India, Japón, Kuwait, Líbano, Singapur, Tailandia y Taiwán.
En América tiene tiendas en Estados Unidos, Canadá, México, Colombia, Brasil, Panamá, Argentina, Chile y República Dominicana.
Los tres países con mayor número de tiendas son Estados Unidos (tiendas en 27 ciudades), Italia (tiendas en 19 ciudades) y Japón (tiendas en 7 ciudades), países con tiendas en numerosas ciudades e incluso con varias tiendas en algunas ciudades.
Controversia[editar]
Dolce & Gabbana fueron criticados públicamente por el vigilante de la publicidad británica la ASA (Advertising Standards Authority; en Español Autoridad en materia publicitaria) el miércoles 10 de enero de 2007 por su campaña publicitaria en la que aparecían modelos blandiendo puñales.98
Dolce & Gabbana retiraron en España un anuncio que mostraba a un hombre sujetando a una mujer contra el suelo mientras otros cuatro contemplaban la escena. El ministerio de trabajo y asuntos sociales calificó la campaña como ilegal y una humillación a las mujeres, alegando que la posición del cuerpo de la mujer no tenía nada que ver con los productos que Dolce & Gabbana venden.99 Dolce & Gabbana, en un comunicado, explicaron que retiraron toda la publicidad de España para defender el espíritu creativo que ha caracterizado a la publicidad de Dolce & Gabbana desde siempre, declararon también que sólo querían recrear un juego de seducción y que su intención no era ofender a nadie.100
Parodia a Dolce & Gabbana[editar]
La parodia de Dolce & Gabbana se hace referente a unas de las tiendas ficticias de la saga Grand Theft Auto llamada Didier Sachs por su excelente alta gama de ropa y costosa además hace referencia a la Dolce & Gabanna. La parodia se extiende desde Grand Theft Auto San Andreas, Grand Theft Auto Liberty City Stories hasta Grand Theft Auto IV101

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15. Yves Saint-Laurent

Yves Saint-Laurent

Yves Henri Donat Mathieu Saint Laurent (Orán, Argelia, 1 de agosto de 1936-París, 1 de junio de 2008) fue un diseñador de moda y empresario francés, fundador de la marca homónima de ropa de alta costura. Índice [ocultar] 1 Biografía 1.1 Primeros años 1.2 Inicios con Christian Dior 1.3... Ver mas
Yves Henri Donat Mathieu Saint Laurent (Orán, Argelia, 1 de agosto de 1936-París, 1 de junio de 2008) fue un diseñador de moda y empresario francés, fundador de la marca homónima de ropa de alta costura.
Índice [ocultar]
1 Biografía
1.1 Primeros años
1.2 Inicios con Christian Dior
1.3 Fundación de la casa YSL
1.4 Colaboraciones en cine y teatro
1.5 Altibajos
1.6 Saint Laurent y el arte
1.7 Retirada en 2002
1.8 Fallecimiento y subasta de bienes
2 Influencia posterior
3 Documentales biográficos
4 Referencias
5 Enlaces externos
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Nació en Orán, por entonces colonia francesa de Argelia, en el seno de una de las más ricas familias de la ciudad. Su padre, descendiente de un barón francés, era presidente de una compañía de seguros y propietario de varias salas de cine. Su abuela materna era española. En Argelia, la Segunda Guerra Mundial y la ocupación nazi de Francia parecían sucesos lejanos, y no incidieron demasiado en la vida de Yves Saint Laurent y su familia. Siendo niño le gustaba interpretar personajes de Molière y leía con avidez la revista Vogue. Le atraía el mundo de los diseños para teatro. Por su carácter peculiar sufrió acoso escolar, que él intentaba superar prometiéndose: «Algún día seré famoso».
En 1950, Saint Laurent envió tres diseños a París, a un concurso convocado por el Secretariado Internacional de la Lana. Quedó en tercera posición, y acudió a recibir el premio acompañado de su madre. Sus diseños sorprendieron a Michel de Brunhoff, redactor jefe de Vogue, que le recomendó que estudiase en la Chambre Syndicale de la Couture. Saint Laurent le hizo caso y tras graduarse en Orán se mudó a París.
En 1951 volvió a participar en el concurso del Secretariado Internacional, y esta vez resultó ganador, derrotando a un joven Karl Lagerfeld. Remitió más diseños a De Brunhoff, quien vio en ellos similitudes con un diseñador consagrado: Christian Dior. El responsable de Vogue envió estos diseños a Dior, que vio al instante el talento de Saint Laurent y decidió sumarlo a su taller.
Inicios con Christian Dior[editar]
Con 18 años, Saint Laurent entró a trabajar en la firma Dior, si bien sus tareas iniciales fueron más bien prosaicas: decorar el estudio y diseñar algunos accesorios. Sorprendentemente, Christian Dior le eligió como su sucesor en el cargo de Diseñador Jefe de la casa. Saint Laurent y su madre se extrañaron por la decisión de Dior, quien parecía demasiado joven para jubilarse. Moriría de un infarto ese mismo año.

Vestido de franela gris, «línea trapecio», diseñado por Yves Saint Laurent para la casa Dior, en 1958. (Se exhibe en el Museo de Young en San Francisco, California).
En 1957, con 21 años, Saint Laurent se convirtió en el modisto más joven de la alta costura francesa. Su colección de primavera de 1958 alcanzó resonante éxito, al prolongar el estilo New Look acuñado por Dior. Este éxito contribuyó a rescatar la firma de una quiebra que parecía segura. En 1959, fue elegido por Farah Diba para que diseñase el vestido de su boda con el Sha de Irán. Pero las creaciones posteriores de Saint Laurent cosecharon duras críticas, y su carrera en Dior se interrumpió en el año 1960, cuando fue llamado para cumplir con el servicio militar francés, coincidiendo con la guerra de independencia de Argelia. Saint Laurent había eludido la milicia hasta entonces gracias a influencias del propietario de Dior, Marcel Boussac, y se ha conjeturado que cuando Boussac quiso prescindir de él, movió los hilos necesarios para que le llamasen a filas.1
Saint Laurent duró apenas 20 días en el ejército. Debido a las humillaciones infligidas por unos compañeros, sufrió un ataque de estrés y fue ingresado en un hospital militar. Allí supo que la casa Dior no le reservaba el empleo y que más bien había prescindido de él; esta noticia empeoró su estado emocional y fue ingresado en el psiquiátrico de Val-de-Grâce, un centro tristemente conocido por sus terapias agresivas. Saint Laurent sufrió electroshocks y le administraron sedantes y otras drogas, una etapa sombría que ayuda a explicar sus posteriores problemas emocionales y adicciones.
A finales de 1960 Saint Laurent abandonó el psiquiátrico, y al volver a París vio que su sustituto en la casa Dior era Marc Bohan, diseñador que se acercaba más al estilo «ladylike» (femenino a la antigua usanza) que se buscaba. Saint Laurent demandó a la empresa por daños morales con la ayuda de su amigo Pierre Bergé, y con el dinero recibido, sumado al apoyo financiero del empresario J. Mack Robinson de Atlanta, creó su propia casa de costura.
Fundación de la casa YSL[editar]

Diseños de esmoquin femenino (le smoking) que se exhiben en el Museo de Young en San Francisco.
La primera colección de ese mismo año, Ligne Trapéze, —«línea trapecio» en francés—, se convirtió en un éxito instantáneo. La imagen y el logotipo de la empresa (un monograma con las iniciales YSL superpuestas) se encargaron al diseñador gráfico francés Cassandre en 1961, y siguen en uso hoy en día.
La colaboración de Pierre Bergé fue sustancial para que Saint Laurent llegase a erigir una empresa sólida. Aunque interrumpieron su relación sentimental en 1976, siguieron conviviendo en la misma casa y colaborando, y Bergé fue el apoyo imprescindible que permitió a Saint Laurent seguir creando y superar sus crisis emocionales.
Sus colecciones en los años 60 destacaron por la incorporación del esmoquin al vestuario femenino y por la implantación del prêt-à-porter como una línea comercial completa; de hecho fue el primer creador de alta costura que presentó una línea de esta nueva categoría de moda. En 1966 inauguró su primer local que comercializaba prêt-à-porter. También fue el primer diseñador que incorporó mujeres de raza negra como modelos en sus desfiles.

Escaparate de la firma Yves Saint Laurent en Rodeo Drive, Beverly Hills.
Colaboraciones en cine y teatro[editar]
Diseñó decorados y vestuario para filmes y obras teatrales como Cyrano de Bergerac y La Pantera Rosa, colaborando con Roland Petit, Claude Régy, Jean-Louis Barrault, Luis Buñuel, François Truffaut, Alain Resnais (Stavisky, 1974), Jean Marais, Zizi Jeanmaire, Arletty...
Vistió a divas del cine como Jeanne Moreau, Claudia Cardinale (La panthère rose, 1963) e Isabelle Adjani, y convirtió a Catherine Deneuve en icono de estilo y musa personal.2
Altibajos[editar]
Sus diseños nunca dejaban indiferentes a los críticos. El desfile de otoño de 1966, inspirado en Mondrian, causó sensación, pero otras propuestas no se libraron de críticas negativas. En 1971 Saint Laurent lanzó una colección inspirada en los colaboracionistas franceses durante la ocupación nazi de Francia en los años 40 que fue masacrada porque se entendió que enaltecía los tiempos de la ocupación nazi («que él no conoció») y el «feo utilitarismo de la posguerra».
Las exigencias de producción en alta costura y prêt-à-porter (dos colecciones al año de cada categoría) le acarrearon un estrés creciente, que combatía con alcohol y drogas. En 1987 sufrió un traspié en críticas a raíz de un fallido desfile en Nueva York; exhibió chaquetas con aplicaciones de joyas de 100.000 dólares pocos días después de que un crack financiero sacudiese la ciudad. Desde entonces, fue delegando el diseño del prêt-à-porter en ayudantes, y esta gama de su producción apenas retuvo pujanza entre sus fans.
La marca Saint Laurent suscitó otro escándalo en la última etapa, cuando para promocionar un perfume masculino se recurrió a una fotografía de desnudo frontal, donde un modelo posaba con los genitales visibles; fue la primera (y única) imagen de este tipo que se recuerda dentro de la publicidad de alcance global.
Saint Laurent fue también conocido por su faceta mundana; acudía a discotecas como Studio 54, y era consumidor habitual de cocaína. Cuando dejó las drogas, sumó otra adicción más inocua: bebía al día varios litros de Coca-Cola. Su vida íntima daba que hablar, aunque su compañero Pierre Bergé siempre le apoyó y contribuyó a que la empresa no naufragase ni en los peores momentos del diseñador.
Saint Laurent y el arte[editar]

La colección de otoño de 1965 se inspiraba en la obra de Piet Mondrian
Saint Laurent y Bergé reunieron una importante colección de arte en su mansión de la calle Babylon de París,3 gracias en gran medida al éxito económico del perfume Opium (1977), el más vendido del mundo.[cita requerida] Adquirieron obras como un importante retrato de Goya que perteneció a los Rockefeller (El niño don Luis María de Cistué) y una escultura de madera de Constantin Brancusi (actualmente quedan sólo tres en manos privadas). Sumaron pinturas de otros muchos artistas como Frans Hals, Cornelis de Vos, Ingres, Géricault, Picasso, Fernand Léger, Giorgio de Chirico, Édouard Vuillard, Edvard Munch, Matisse y Mondrian, así como dibujos y acuarelas de Manet, Paul Klee, Paul Gauguin, Degas, Toulouse-Lautrec, Alberto Giacometti y Cézanne. En fechas posteriores la pareja declaró que «con los precios actuales, ya no podemos seguir comprando».
Su afición por el arte le llevó a ‘homenajear’ a maestros como Piet Mondrian, Picasso y Braque, con vestidos que reproducen sus motivos.4 Una exposición en La Coruña (febrero de 2008) ilustró esta influencia en su trabajo, mostrando sus diseños junto con obras de arte que los inspiraron.5 6
Retirada en 2002[editar]
Yves Saint Laurent anunció su retirada del diseño de moda y las pasarelas en enero del año 2002.7 Se mostró decepcionado por la moda predominante, que a su juicio arrinconaba la ambición artística a favor del simple lucro «como si fuese hacer cortinas para ventanas».
Fallecimiento y subasta de bienes[editar]
Yves Saint-Laurent falleció en París el 1 de junio de 2008, a la edad de 71 años, tras una larga enfermedad de depresión.1 Pocos días antes, formalizó su prolongada relación con Pierre Bergé mediante una unión civil, seguramente para solucionar cuestiones de herencia. Habían mantenido su relación amistosa hasta el final, si bien viviendo separados desde 1992.
Al funeral de Saint Laurent acudieron el entonces presidente de Francia Nicolas Sarkozy y su esposa Carla Bruni, que había trabajado como modelo durante muchos años con la firma; así como por importantes personalidades vinculadas a la moda como Valentino, John Galliano, Jean Paul Gaultier, Claudia Schiffer, Naomi Campbell , Catherine Deneuve y Farah Diba.
Tras la muerte del diseñador, su colección de arte se dispersaba; su compañero Bergé comentó que tal conjunto se había formado como un proyecto de los dos que, al fallecer Saint Laurent, había perdido sentido. Se celebró una subasta de tres días, entre el 23 y el 25 de febrero en el Grand Palais de París a cargo de la firma Christie's. De los 733 lotes se vendieron 730 por un total de 373 millones de euros.8 El citado retrato de Goya se excluyó de la venta para ser donado al Museo del Louvre, y Bergé se quedó con algunas obras de Andy Warhol (retratos de Saint Laurent y de su perro favorito). Curiosamente, uno de los pocos lotes que no encontraron comprador fue el cuadro de Picasso Instrumentos de música sobre una mesa, la pintura con valoración más alta.9
En mayo de 2009, se ha rumoreado que la antigua vivienda de Saint Laurent y Bergé en la calle Babylon podría ser adquirida por el presidente Nicolas Sarkozy y Carla Bruni como su nueva residencia.10
En 2010, se hallaron diversos dibujos hechos por Saint Laurent que databan de los años 1970 y 1980, entre estos cuadros se encuentra un retrato desnudo del líder de Queen, Freddie Mercury, posiblemente hecho en Múnich, Alemania en 1984.11
Influencia posterior[editar]
Saint Laurent ha pasado a la historia como el primer diseñador de moda que ha expuesto en un museo, el Metropolitan Museum de Nueva York.12 Creó, con Pierre Bergé, una fundación para la custodia y difusión de su legado creativo.
Documentales biográficos[editar]
David Teboul: "Yves Saint Laurent: His Life and Times" (2002)
"Yves Saint Laurent: 5 Avenue Marceau 75116 Paris" (2002)
Pierre Thoretton: "L'Amour Fou" (2009)
Jalil Lespert: "Yves Saint Laurent" (2014).

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16. Michael Kors

Michael Kors

Considerado como uno de los diseñadores más importantes de Estados Unidos por su vestimenta denominada de ‘sport-lujo’, Michael Kors, (Karl Anderson Jr., nacido el 9 de Agosto de 1959 en la ciudad de Nueva York, ha conseguido desarrollar su firma desde 1981, año en el que creó su marca homónima... Ver mas
Considerado como uno de los diseñadores más importantes de Estados Unidos por su vestimenta denominada de ‘sport-lujo’, Michael Kors, (Karl Anderson Jr., nacido el 9 de Agosto de 1959 en la ciudad de Nueva York, ha conseguido desarrollar su firma desde 1981, año en el que creó su marca homónima, la cual consigio vender rápidamente en los prestigiosos almacenes Bergdorf Goodman de la Gran Manzana (New York). En 1997, lo fichó la casa francesa Celine, un contrato que le permitía seguir trabajando con los diseños de su propia firma.
Vida personal[editar]
Kors fue bautizado como Karl Anderson Jr., nació en Long Islando, Nueva York, hijo de Joan Hamburg, modelo, y de su primer esposo Karl Anderson, estudiante de universidad. Su madre de casó por segunda vez con Bill Kors, cuando el tenía cinco años, y su apellido fue cambiado a Kors. Su madre le dijo que también podría cambiar su nombre, y este se auto nombró Michael David Kors. Creció en Merrik, Nueva York y se graduó de la escuela preparatoria John F. Kennedy High School en Baltimore, Nueva York. La madre de Kors es judía y su padre de descendencia sueca. Kors se casó con su pareja, Lance LePere el 16 de Agosto del 2011.
Vida profesional[editar]
Kors siempre ha sido apasionado por la moda desde temprana edad. Su madre pensaba que tenía que ver que el estuvo expuesto desde temprana edad a la industria de la moda por el trabajo de su madre. Kors, a los cinco años, diseñó el vestido de novia de su madre para su segundo matrimonio. Cuando era adolescente, Kors comenzó a diseñar y vender su ropa en la casa de sus padres, la cual llamó the Iron Butterfly. en 1977 ingresó al Fashion Institute of Techonology en Nueva York. Con tan solo nueve meses de cursar en esta, Kors abandonó la universidad y comenzó a trabajar en una boutique frente a Bergdorf Goodman en la calle 57, donde le ofrecieron un pequeño espacio donde podría vender sus propias creaciones. Poco después de eso, Dawn Mello, la directora de modas en Bergdorf, descubrió a Kors. Ella le preguntó si le gustaría mostrar su línea de ropa a los compradores de Bergforf Goodman y desde ese momento surgió su colección. en 1981, Kors lanzó su línea de moda Michael Kors en Bloomingdale´s, Bergdorf Goodman, Lord & Taylor, Neiman Marcus y Saks Fith Avenue. En 1993 cayó en bancarrota lo que lo hizo descontinuar su línea de ropa por ese momento. Relanzó su marca en 1997 con precios más bajos.

Sin embargo, a causa de impulsar sus propias confecciones, Kors anunció en marzo de 2003 que abandonaba Celine. Su última colección, llamada Macadam Sorbonne, fue todo un éxito.

Michael Kors ha sabido combinar como diseñador la "práctica americana con el glamour europeo". Es decir, como él mismo ha confesado, su objetivo es aunar el ‘confort’ de EE UU con el lujo de Europa.
Su trabajo ha sido recompensado en varias ocasiones. Por ejemplo, en 1983, recibe el premio DuPont’s first American Original Award y, en 1997, es galardonado con el CFDA-el ‘Oscar’ de la moda- como ‘Diseñador del Año’. En 2001, volvía a recoger este galardón, aunque en esta ocasión como ‘Diseñador de Complementos del Año’.
Entre sus clientas figuran conocidas personalidades y rostros del mundo del espectáculo como Aerin Lauder, Sigourney Weaver, Julianne Moore o Gwyneth Paltrow, Daniela Kuntz.

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17. Donatella Versace

Donatella Versace

Donatella Versace (Regio de Calabria, Italia, 2 de mayo de 1955) es una diseñadora de moda y empresaria italiana, hermana menor de Gianni Versace. Es la actual vicepresidenta del grupo Versace, así como jefa de diseño. Índice [ocultar] 1 Biografía 1.1 Primeros años 1.2 Familia 1.2.1... Ver mas
Donatella Versace (Regio de Calabria, Italia, 2 de mayo de 1955) es una diseñadora de moda y empresaria italiana, hermana menor de Gianni Versace. Es la actual vicepresidenta del grupo Versace, así como jefa de diseño.
Índice [ocultar]
1 Biografía
1.1 Primeros años
1.2 Familia
1.2.1 Asesinato de Gianni Versace
2 Carrera
2.1 El crecimiento de Donatella y Versace
2.2 Promoción y éxito
3 Premio
4 Véase también
5 Referencias
6 Enlaces externos
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Donatella Versace es la más joven de cuatro hermanos. Su padre era un financiero personal de la aristocracia italiana. Una hermana mayor, Tina, murió a la edad de doce años por una infección de tétanos tratada de forma inadecuada.
En los años 70 Donatella siguió los pasos de su hermano mayor, Gianni, comenzando a diseñar artículos de punto en Florencia, Italia mientras estudiaba idiomas. Después de su graduación compartió un piso con su hermano en Milán. Donatella había planeado trabajar para su hermano en labores de Relaciones Públicas, pero para él era más valioso tenerla como a una "musa y crítica", según Donatella durante una entrevista con la revista Vogue.1 A través de su cercanía a las empresas de su hermano, Donatella se metió en el mundo de la moda. Una década más tarde, en los años 80, Gianni lanzó un perfume dedicado a ella, Blonde, y le dio su propio sello, Versus, que sigue siendo una conocida línea interior de Versace.
Familia[editar]
Donatella y su ex marido, el modelo estadounidense Paul Beck, tienen dos hijos: Allegra (nacida el 30 de junio de 1986) y Daniel (nacido en 1991). Ella es también la tía de los dos niños de su hermano mayor Santo: Francesca y Antonio Versace.
El hermano fallecido de Donatella, Gianni Versace, tenía varias casas en todo el mundo que ya se han vendido; especialmente la de Manhattan, Nueva York, valorada en más de 21.000.000 de dólares, así como la mansión en South Beach, Miami, que en un tiempo fue valorada en más de 125 millones de dólares. Donatella no vive de forma permanente en un sitio, sino que se desplaza de un lugar a otro.
Asesinato de Gianni Versace[editar]
El 15 de julio de 1997, a las puertas de la mansión Versace (también conocida como Casa Casuarina), en Miami, Florida, Gianni Versace fue asesinado por Andrew Cunanan. Se llevó a cabo una búsqueda del presunto asesino múltiple, pero Cunanan evitó ser capturado suicidándose días después de la muerte de Gianni. A raíz del asesinato altamente publicitado, la mayor parte de la familia Versace (incluyendo Donatella) se trasladó temporalmente a un resort privado aislado en el Caribe, cancelando la colección Primavera-Verano 1999 de Versace, así como las operaciones indirectas de la empresa.
El funeral oficial de Gianni Versace tuvo lugar en la catedral de Milán. Más de 2.000 personas asistieron al evento, que también fue transmitido a millones de espectadores en todo el mundo. Entre los numerosos diseñadores de moda famosos y otras celebridades que asistieron se encontraban Giorgio Armani, Karl Lagerfeld, Diana, Princesa de Gales, Naomi Campbell, Madonna, Courtney Love, Luciano Pavarotti, Carla Fendi, Amar Khoueis Juez y Carolyn Bessette-Kennedy, mientras que Elton John y Sting realizaron actuaciones en homenaje al fallecido.
Carrera[editar]
El crecimiento de Donatella y Versace[editar]
Antes del asesinato de su hermano Gianni, en julio de 1997, Donatella y Santo Versace realizaban trabajos secundarios en su casa de moda. Sin embargo, después de la muerte de Gianni, Donatella y Santo se hicieron cargo de los negocios de su hermano. Santo también es diseñador de moda y propietario de Finanziaria Versace, una rama de Versace establecida.
Donatella fue la primera en utilizar celebridades para difundir su ropa en el mundo de la pasarela y otros medios de comunicación públicos (tales como anuncios) en lugar de utilizar modelos desconocidos. Donatella pronto demostró ser una de las grandes relaciones públicas dentro de la marca Versace, difundiéndola por toda Europa y la mayor parte de los Estados Unidos. Donatella optó por colocar a algunos de sus buenos amigos, Lil' Kim, Jennifer Lopez, Madonna, Courtney Love, Christina Aguilera, Jonathan Rhys Meyers y Demi Moore, en el sector publicitario de Versace, por lo que ellos y otras celebridades (tales como Beyoncé y January Jones) promocionaron la imagen de Versace. Su popularidad creció cuando diseñó el famoso vestido verde de Versace, también conocido como el "Jungle-Dress", el cual fue utilizado por Jennifer Lopez en los Premios Grammy en 2000.
Actualmente Donatella se encarga de diseñar y Santo es el cerebro financiero. Durante unos años de transición se dijo que el nombre de la firma Versace estaba en la cuerda floja, por la evolución de la moda hacia un gusto más sobrio que se alejaba del estilo distintivo de esta marca. Pero la supervivencia de la compañía se mantuvo y en los últimos tiempos la exuberancia típica de Versace ha recobrado estimación. Así, Donatella llegó a colaborar con H&M en el lanzamiento de una colección asequible, que reeditaba la estética Versace de los años 80 y 90.
Promoción y éxito[editar]
Un año y tres días después de la muerte de Gianni en julio de 1998, Donatella Versace organizó su primer desfile de Versace Atelier en el Hotel Ritz de París. Ella construyó su pista sobre la piscina del hotel, al igual que su hermano había hecho cada temporada, aunque esta vez con vidrio puro. Ella ahora supervisa la producción de cada año (una docena de colecciones). Sus clientes regulares incluyen a Sir Elton John, Liz Hurley, Rakeem joven, Catherine Zeta-Jones y Kate Moss. Incluso el príncipe Carlos de Inglaterra asiste a las fiestas de Donatella en Europa. En 2005, seleccionó a Madonna para ser la portavoz británica de la firma en un acuerdo que se reportó en 5 millones de dólares. En 2007, basó su colección de primavera en la figura del secretario privado del Papa Benedicto XVI, monseñor Georg Gänswein.2
Por otra parte, la compañía ha creado el gran y lujoso Palazzo Versace Resort en la Costa Dorada de Australia. Otro creciente símbolo del estilo de Versace es el Burj al-Arab, en Dubái, Emiratos Árabes Unidos (EAU), ya que cuenta con una amplia colección de muebles y ropa de cama en las habitaciones de la marca Versace.
Los planes para el Palazzo Versace Dubái fueron anunciados en mayo de 2005. Gianni Versace SpA , Sunland Group Ltd. y Emirates International Holdings anunciaron que el Palazzo Versace resort se construiría en las bahías árabes del Dubái Creek. El segundo Palazzo Versace contaría con una serie de suites y casas de lujo, incluyendo un exclusivo spa. Los planes oficiales para comenzar la construcción fueron en 2006, y él se completó en el año 2008. El interior del hotel está equipado con varias colecciones de Versace. Como directora creativa, Donatella llevó a cabo los planes finales y estrategias de diseño para el hotel y resort. Fue el segundo hotel Palazzo Versace jamás construido, y el segundo hotel en Dubái en disponer de una amplia gama de colecciones de Versace. En octubre de 2002 , Gianni Versace y la ropa diseñada más famosa de Donatella se mostraron en una exposición especial del histórico Museo de Victoria y Alberto de Londres, para ser honrado el éxito conseguido por Versace de una manera extraordinaria en todo el mundo. Además, Donatella colabora en la fundación de Elton John contra el SIDA.
Versace también se ha dado a conocer recientemente al utilizar la estrella del pop Lady Gaga como su musa. En octubre de 2012, Donatella recibió la visita de Gaga en el apartamento de su difunto hermano en Milán.
Donatella es un personaje habitual de la prensa rosa, y se caracteriza por su peculiar imagen, muy bronceada y con cabellera rubio platino, siendo personificada en clave humorística por actores como Maya Rudolph en Saturday Night Live. Asimismo, Donatella ha hecho cameos en varias películas relacionadas con la moda y la industria, tales como Zoolander. Además, ha aparecido en muchas otras películas, incluyendo la taquillera película de 2006 El diablo viste de Prada, donde la mención de "Donatella" se utiliza de forma esporádica. En la serie Ugly Betty de ABC, un personaje de ficción, Fabia (interpretada por la actriz Gina Gershon) es una parodia de Donatella.
Es para el año 2013 cuando la actriz Gina Gershon da vida a la diseñadora en la película para televisión de la cadena lifetime la película es titulada House of Versace (Casa de Versace) y está basada en el libro 'House of Versace: The Untold Story of Genius, Murder and Survival' (Casa Versace: la historia no contada de genio, asesinato y supervivencia) escrito por la periodista del Wall Street Journal Deborah Ball, el cual se centraba en las dificultades a las que se enfrentó la diseñadora tras el asesinato de su hermano Gianni en 1997.
Premio[editar]
En 2010, las obras de caridad de Donatella le valieron una nominación a los premios Do Something With Style de VH1. Fue nominada por proporcionar materiales de arte para los niños y la creación de una bolsa de asas, cuya recaudación se destinó a las fundaciones Starlight y ONE. La entrega de premios se dedica a honrar a las personas que hacen el bien y está promocionada por Do Something, una organización que tiene como objetivo capacitar, celebrar e inspirar a los jóvenes.3

Ha recibido 77 puntos

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18. Calvin Klein

Calvin Klein

Calvin Richard Klein (n. 19 de noviembre de 1942) es un diseñador de moda estadounidense; cofundador junto con Barry K. Schwartz de la compañía Calvin Klein Ltd. en 1968.1 Índice [ocultar] 1 Biografía 2 Calvin Klein Incorporated 3 Vida privada 4 Véase también 5 Referencias 6 Enlaces... Ver mas
Calvin Richard Klein (n. 19 de noviembre de 1942) es un diseñador de moda estadounidense; cofundador junto con Barry K. Schwartz de la compañía Calvin Klein Ltd. en 1968.1
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Calvin Klein Incorporated
3 Vida privada
4 Véase también
5 Referencias
6 Enlaces externos
Biografía[editar]
Calvin Klein nació el 19 de noviembre de 1942 en el Bronx, Nueva York. Fue criado en una comunidad inmigrante de judíos húngaros y se graduó en el New York"s Fashion Institute of Technology, en 1962.
En 1968 trabajó y adquirió experiencia en Nueva York, al vender abrigos en la Séptima Avenida y revolucionó la moda de los 90 con sus creaciones minimalistas y exentas de adornos superfluos, lo cual representa al hombre y mujer modernos.
Calvin Klein Incorporated[editar]
Artículo principal: Calvin Klein
Creó en 1968 su propia firma llamada Calvin Klein Limited. En 1993 fue ganador del Council of Fashion Designers of America Award por sus colecciones masculinas y femeninas. Su primera campaña fue con Brooke Shields, quien lucía sus vaqueros con la frase "nada se interpone entre yo y mis Calvin Jeans".
El éxito de Klein dentro de la industria de la moda fue el lanzamiento de su primera línea de pantalones de mezclilla en los 70.
La compañía Calvin Klein es conocida por sus llamativos anuncios y ha sido acusada por varias organizaciones conservadoras por usar modelos aparentemente menores de edad en poses semiprovocativas.
Además de la ropa, Klein otorgó su nombre a una línea de perfumes, que incluyen las fragancias unisex "CK One" y "CK Be", las cuales son ahora propiedad de Unilever. Al igual que su moda, los perfumes de Calvin expresan los elementos básicos del espíritu.
De la sofisticación de su colección de fragancias "Obsession", "Eternity", "Escape" y "Contradiction", al moderno "CK One" y "CK Be", de Klein, personalizan al hombre y a la mujer modernos.
Vida privada[editar]
Klein ha tenido dos matrimonios, su primera esposa fue Jayne Centre, compañera de estudios, con ella vivió 10 años de matrimonio desde 1964 hasta 1974; su segunda esposa fue la socialite Kelly Rector, se casaron en 1986 terminando su relación en el 2006. Tiene una hija del matrimonio con Jayne Centre llamada Marci Klein, quien ha sido productora de los programas de la NBC, Saturday Night Live y 30 Rock.2
En el año 2010, Klein asistió a varios eventos sociales en Nueva York y Los Hamptons en compañía de su novio, Nick Gruber,3 un joven de entonces veinte años que previamente había trabajado como modelo erótico gay en sitios web pornográficos. La relación duró hasta enero de 2012,4 pero se reunieron tres meses después, cuando Gruber fue arrestado por portar cocaína. En esa ocasión, Klein lo apoyó con un tratamiento de rehabilitación.3

Ha recibido 73 puntos

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19. Hubert de Givenchy

Hubert de Givenchy

Hubert James Marcel Taffin de Givenchy, más conocido pòr Hubert Taffin de Givenchy o Hubert de Givenchy, (Beauvais, Oise, 21 de febrero de 1927), es un destacado diseñador de moda francés. Índice [ocultar] 1 Primeros años de vida 2 Vida artística y laboral 3 Referencias 4 Enlace externo... Ver mas
Hubert James Marcel Taffin de Givenchy, más conocido pòr Hubert Taffin de Givenchy o Hubert de Givenchy, (Beauvais, Oise, 21 de febrero de 1927), es un destacado diseñador de moda francés.
Índice [ocultar]
1 Primeros años de vida
2 Vida artística y laboral
3 Referencias
4 Enlace externo
Primeros años de vida[editar]
Siendo el hijo menor de Lucien Taffin de Givenchy (1888-1930), marqués de Givenchy, y su esposa, la ex Béatrice ("Sissi") Badin (1888-1976).
La familia Taffin de Givenchy, que tiene sus raíces en Venecia, Italia (el apellido original era Taffini), fue ennoblecido en 1713, en la cual el jefe de la familia se convirtió en marqués de Givenchy.
Después de la muerte de su padre, de gripe en 1930, el futuro diseñador de moda y su hermano mayor, Jean-Claude de Givenchy (1925-2009), que heredó el marquesado de la familia y, finalmente, se convirtió en el presidente de Parfums Givenchy, fueron criados por su madre y su abuela materna, Marguerite Dieterle Badin (1853-1940), viuda de Julio Badin (1843-1919), un artista que era el dueño y director de la histórica Fábrica de Gobelinos y la fábrica de tapices de Beauvais. Profesiones artísticas corrió en la familia extendida Badin. El bisabuelo materno de Givenchy, Jules Dieterle, fue un escenógrafo que también creó diseños para la fábrica de Beauvais, que incluye un conjunto de 13 diseños para el Palacio del Elíseo. Uno de su tatarabuelo, también creo unos conjuntos, también diseñadas para la Ópera de París.
Vida artística y laboral[editar]
Contrariamente a lo que su familia quería, Givenchy no se convirtió en un abogado, y asistió a la Escuela de Bellas Artes de París y empezó en el mundo de la moda en las casas de Lucien Lelong, Piguet, Jacques Fath y Elsa Schiaparelli hasta que abrió su propia firma, la "Casa de Modas Givenchy", desde ahí fue conocido públicamente solo como "Hubert de Givenchy", con el apoyo del modisto español Cristóbal Balenciaga.
En la década de 1950 realizó trajes para la actriz Audrey Hepburn que ejercieron una gran influencia y en los que todavía se inspiran muchos diseñadores. Otras clientas destacadas fueron las actrices Elizabeth Taylor y Jean Seberg. Givenchy vistió a otras varias famosas, como Jacqueline Kennedy, Grace Kelly y a la duquesa de Windsor. En 1988 vendió la firma, pero siguió dirigiéndola hasta 1996, año en que se retiró.
La admiración de Givenchy por la figura de Cristóbal Balenciaga impulsó el proyecto de construcción de un museo dedicado a la obra del modisto vasco (Museo Balenciaga, en Guetaria) y la constitución de la fundación correspondiente, de la que es presidente fundador. Su compromiso con el museo le llevó a donar su colección particular de "balenciagas" a la entidad. El 31 de octubre de 2011 fue galardonado por el gobierno español con la Orden de las Artes y las Letras,1 y anteriormente el 1 de julio de 2002 fue distinguido con la Gran Cruz de la Orden de Isabel la Católica.2

Ha recibido 70 puntos

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20. Lee Alexander McQueen

Lee Alexander McQueen

Lee Alexander McQueen (Lewisham, 17 de marzo de 1969 - f. 11 de febrero de 2010) fue un diseñador de modas inglés.1 Es conocido por haber trabajado como diseñador jefe en Givenchy desde 1996 a 2001 y por fundar su propio sello, Alexander McQueen.1 Sus logros en la moda le valieron cuatro premios... Ver mas
Lee Alexander McQueen (Lewisham, 17 de marzo de 1969 - f. 11 de febrero de 2010) fue un diseñador de modas inglés.1 Es conocido por haber trabajado como diseñador jefe en Givenchy desde 1996 a 2001 y por fundar su propio sello, Alexander McQueen.1 Sus logros en la moda le valieron cuatro premios de la Moda Británica (en 1996, 1997, 2001 y 2003), así como el premio al Diseñador Internacional del Año del CFDA en 2003.1
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Vida privada
3 Muerte
4 Herencia
5 Referencias
6 Bibliografía
7 Enlaces externos
Biografía[editar]

Alexander McQueen Colección Otoño 2008.

Camilla Belle en 2009 con un vestido de Alexander McQueen, considerado uno de los 100 mejores vestidos de la década según la Revista InStyle.
De nombre completo Lee Alexander McQueen, nació en el East End de Londres, el hijo más joven de los seis de un taxista. Dejó la escuela a los 16 años, ya que desde pequeño había comenzado a diseñar ropa para sus tres hermanas y ya entonces tenía clara su intención de convertirse en diseñador. Alexander McQueen se graduó (1994) de la prestigiosa escuela St. Martins College of Art & Design de Londres formando parte de la más brillante generación británica surgida de allí junto a John Galliano o Stella McCartney. Su talento no pasó desapercibido para los sastres Anderson & Sheppard de la tradicional calle Savile Row, que le ofrecieron incorporarse a la firma como aprendiz. De ahí pasó a trabajar para Gieves y Hawkes y luego para Romeo Gigli y Koji Tatsuno, antes de abrir su estudio en East London. Tras crear su propia marca, McQueen comenzó a hacerse conocido en los tabloides británicos gracias a unos diseños rompedores respaldados por una pequeña pero fiel clientela entre la que se incluían figuras destacadas del mundo de la moda, como la estilista Isabella Blow, que fue su mentora.
En octubre de 1996, McQueen ganó el premio al mejor diseñador del año (Best British Designer of the Year). Unos días más tarde fue nombrado sucesor de John Galliano al frente del equipo de diseño de la casa Givenchy, gracias a su “brillante creatividad y maestría técnica”.
En 1997, año en el que creó cuatro colecciones para Givenchy y dos para su propia marca, McQueen compartió el galardón al mejor diseñador británico del año con John Galliano.
En diciembre de 2000, la prestigiosa marca Gucci adquirió las acciones mayoritarias de la firma Alexander McQueen. Esto le permitió desvincularse de la marca Givenchy y LVMH que, en sus palabras, limitaba su creatividad en algunas líneas de su propia marca, con algunas accesibles como McQ. Ese mismo año se casó con el cineasta George Forsyth. Su imagen de enfant terrible, junto a su creatividad transgresora y maestría en el corte, le convirtieron en uno de los más grandes y polémicos diseñadores de la historia de la moda. Su subida al poder fue un cuento de hadas por méritos propios; en 2003 fue condecorado por la reina Isabel II con el título de Comandante de la Orden del Imperio británico, que recibió de sus propias manos en el palacio de Buckingham, sólo porque le hacía ilusión a sus padres, ya que era anarquista y antimonárquico.
El estilo de McQueen se caracterizaba por una brutalidad atemperada con lirismo. La sensibilidad gótica de un cuento de los Hermanos Grimm está más cerca del espíritu de la ropa de McQueen que el fetichismo, el gore y la misoginia de los que le acusan sus detractores.Fue uno de los padres y diseñadores más influyentes de la llamada moda salvage. Por muy oscuros que fuesen sus diseños, siempre poseían una feminidad por la que se dejaron seducir desde Björk hasta la actual Duquesa de Westminster. La influencia de cortes angulares y agresivos tiene su origen en el figurinista de la MGM Adrian, Christian Dior y Thierry Mugler.
En 2003 lanzó al mercado su primer perfume, Kingdom y una colección de ropa para hombre hecha a medida producida por la sastrería Huntsman, de la londinense Savile Row. En 2004, se dio a conocer por primera vez en la pasarela de Milán su colección prêt-à-porter masculina.
McQueen presentó sus colecciones en la Semana de la moda de París y cuenta con tiendas en las principales ciudades del mundo. Sarah Burton, mano derecha suya durante doce años, tomó las riendas del diseño de su firma Alexander McQueen.
Vida privada[editar]
McQueen era abiertamente homosexual, y se dio cuenta de su orientación cuando era muy joven. Así se lo dijo a su familia cuando tenía 18 años, sobre esto comentó "Estaba seguro de mí mismo y de mi sexualidad, y no tengo nada que ocultar. Me fui directamente del vientre de mi madre al desfile del orgullo gay."
En el verano de 2000, McQueen se casó extraoficialmente con su compañero George Forsyth, director de documentales, en un yate en Ibiza. La relación terminó un año después y McQueen y Forsyth formaron una estrecha amistad.
Muerte[editar]

Una dedicación de un fan en una tienda de Alexander McQueen tras la muerte del diseñador.
El 11 de febrero de 2010 fue encontrado muerto en su domicilio londinense a los 40 años de edad.2 La policía fue llamada a las 10.20 am y su cuerpo retirado a las 4.30pm. La oficina de McQueen confirmó la noticia: "Es una trágica perdida. No haremos comentarios en este momento por respeto a la familia McQueen". La autopsia confirmó que se ahorcó después de haber consumido cocaína, somníferos y tranquilizantes. Su suicidio fue motivado al parecer por la depresión que había estado pasando desde la muerte de su madre, solo 10 días antes de su propia muerte. En su página de Twitter, que fue cerrada poco después, McQueen había demostrado su tristeza por la muerte de su madre y también sufría por ella desde hacía unos meses. Paradójicamente, su mentora, el icono de la moda Isabella Blow, se suicidó tres años atrás también en vísperas de la Semana de la Moda de Londres, dato que coincidía con la muerte de McQueen.
McQueen también trabajó con grandes artistas como Lady Gaga, Björk y Ayumi Hamasaki en sus últimos años de vida.
Herencia[editar]
Su herencia irá destinada en parte a sus perros, a los estudiantes de moda de la escuela Central Saint Martins de la capital inglesa, a diversos familiares y a su hija Lucero Lavado.

Ha recibido 69 puntos

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21. John Galliano

John Galliano

John Galliano CBE (Gibraltar, 28 de noviembre de 1960) es un diseñador de modas hispano-británico. Nacido bajo el nombre de Juan Carlos Antonio Galliano-Guillén, su padre era "llanito" gibraltareño y su madre española. Se trasladó a Londres cuando era niño y recibió educación en la Wilson's... Ver mas
John Galliano CBE (Gibraltar, 28 de noviembre de 1960) es un diseñador de modas hispano-británico.
Nacido bajo el nombre de Juan Carlos Antonio Galliano-Guillén, su padre era "llanito" gibraltareño y su madre española. Se trasladó a Londres cuando era niño y recibió educación en la Wilson's School de Wallington. En 1984 se graduó en diseño de modas de la St. Martin's School of Arts, con una colección inspirada en la Revolución francesa Tras ello estableció su propia marca, con su nombre, iniciando así una sólida carrera como diseñador de modas. Le fue otorgado el premio Diseñador Británico del Año en 1987, 1994 y 1995. En 1997 compartió el premio con Alexander McQueen, su sucesor en la firma Givenchy. Ha trabajado también con Susannah Constantine.
Índice [ocultar]
1 Carrera
2 Vida personal
2.1 Actitud segregacionista
3 Referencias
Carrera[editar]
En los años 1990, Galliano pasó a vivir a París buscando ayuda financiera y una amplia cartera de clientes. En 1995, Bernard Arnault, dueño del conglomerado LVMH le asignó el puesto de diseñador de Givenchy, esto lo convirtió en el primer diseñador británico que dirigía una casa francesa de alta costura. Menos de dos años después, el 14 de octubre de 1996, LVMH trasladó a Galliano a la firma Christian Dior. Su primer desfile para Dior coincidió con el 50 aniversario de la firma, el 20 de enero de 1997.
Su amor por el teatro y la femineidad juegan un papel central en sus creaciones; «Mi papel es seducir», ha dicho. Galliano ha afirmado varias veces que la actriz Charlize Theron es su musa y ha creado vestidos ex-profesionalmente para ella, los cuales ha usado en eventos como la alfombra roja de los Premios Óscar del 2006 y los Globos de Oro del 2005. Theron forma parte de la campaña de anuncios para la fragancia de Dior "J'Adore", mientras que la nieta de Elvis Presley, Riley Keough, es la cara de su perfume; "Miss Dior Cherie" y Kate Moss en fotografías de Nick Knight, hace lo propio con su campaña de ropa casual. Cate Blanchett y Nicole Kidman han usado sus creaciones en el pasado para los Premios de la Academia.
Hasta finales del 2011, entre su propia firma y Christian Dior, S. A., Galliano producía anualmente 6 colecciones de alta costura y de ropa casual. Tales relaciones laborales se rompieron el 25 de septiembre de 2011, cuando la firma de Christian Dior lo despedía por actitudes segregacionistas. Galliano denunció entonces a la casa Dior por despido improcedente, reclamando una indemnización de entre 2,4 y 13 millones de euros pero unos tres años después, el 5 de noviembre de 2014, se pronunciaba la sentencia en favor de la procedencia del despido, condenando a Giulliano a pagar un euro simbólico a cada una de las firmas a las que había denunciado.1
Un mes antes de la sentencia, el 6 de octubre del 2014, tras rumores durante la semana de la moda en París, se confirmó que John Galliano sería el nuevo director artístico de la Maison Martin Margiela, esperándose su debut para la semana de Alta Costura en enero del año 2015.[cita requerida]
Vida personal[editar]
Galliano afirma que sigue un riguroso régimen de ejercicios, el cual lo obliga a despertarse a las 6 de la mañana diariamente para completar una desgastante sesión de cuarenta minutos de aeróbicos con su entrenador personal, para después realizar 10 minutos de estiramientos, 150 abdominales y correr 9.5 kilómetros al lado de la orilla del Río Sena.
Actitud segregacionista[editar]
El 24 de febrero de 2011, Galliano fue detenido brevemente en París por lanzar presuntos insultos antisemitas contra una pareja en un café. Según la Agence France-Presse (AFP), los policías se abalanzaron y detuvieron a Galliano, encontrando que había estado bebiendo. Galliano fue puesto en libertad sin cargos y escoltado por la policía. El abogado de Galliano, Stéphane Zerbib, dijo a la AFP que el diseñador «formalmente niega las acusaciones de antisemitismo hechas en su contra». El incidente se produjo poco antes de que Kate Moss anunciara que Galliano iba a diseñar su vestido de novia.2
Al día siguiente, la casa de diseño Dior suspendía oficialmente al diseñador de sus funciones para investigar los hechos, ya que Galliano los negaba. El director general de Dior, Sidney Toledano, manifestaba en un comunicado que «la Casa Dior reafirma categóricamente su política de tolerancia cero hacia toda actitud antisemita o de degradación racial. A la espera de los resultados de la investigación, Christian Dior ha suspendido a John Galliano de sus funciones».3
El 1 de marzo del 2011, después de que The Sun hiciera público un vídeo en el que Galliano, visiblemente ebrio, que amaba a Hitler para agredir verbalmente a algunas personas que no aparecen en imagen4 la «maison» inició los trámites de despido del diseñador. Posteriormente, Galliano fue juzgado5 y condenado a 6.000 euros de multa por injurias racistas y antisemitas, cifra despreciable para alguien tan acaudalado, pero de gran descrédito para su imagen personal.
Paradójicamente, Galliano se convirtió en una figura familiar en las calles de Le Marais, un área popular entre los gays de París, así como de la comunidad judía de la ciudad. Según el diario Daily Mail, él mismo tiene ascendencia judía de la rama sefardí, habiendo llegado a Gran Bretaña desde España y Portugal en el siglo XIX.6

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22. Stella McCartney

Stella McCartney

Stella Nina McCartney (Londres, 13 de septiembre de 1971) es una diseñadora de modas británica. Es la hija del ex Beatle Sir Paul McCartney y de la fotógrafa y activista por los derechos de los animales, Linda McCartney. Índice [ocultar] 1 Inicios 2 Carrera 2.1 Inicios 2.2 Chloé, Gucci... Ver mas
Stella Nina McCartney (Londres, 13 de septiembre de 1971) es una diseñadora de modas británica. Es la hija del ex Beatle Sir Paul McCartney y de la fotógrafa y activista por los derechos de los animales, Linda McCartney.
Índice [ocultar]
1 Inicios
2 Carrera
2.1 Inicios
2.2 Chloé, Gucci, CARE
2.3 Colaboraciones
2.4 Críticas
3 Vida personal
4 Referencias
5 Enlaces externos
Inicios[editar]
Stella McCartney nació en Londres el 13 de septiembre de 1971. Es la segunda hija del ex Beatle Sir Paul McCartney y Linda Eastman. Lleva el nombre de sus bisabuelas maternas: ambas abuelas de Linda McCartney se llamaban Stella. Durante su niñez, McCartney visitó varios países con sus padres y su grupo pop Wings, junto con sus hermanos: su media hermana Heather (quien fue legalmente adoptada por Paul McCartney), su hermana mayor Mary, y su hermano menor James. Según su padre, el nombre de Wings fue inspirado por el difícil momento del nacimiento de Stella. Cuando su hija nació de urgencia mediante cesárea, Paul se encontraba fuera del quirófano y oraba para que ella naciera "en las alas de un ángel" (on the wings of an angel).1 Wings viajó al poco tiempo después de su nacimiento en 1971 hasta 1980.
A pesar de su fama, el matrimonio McCartney quería que sus hijos a llevaran una vida tan normal como fuera posible, Stella y sus hermanos asistieron a la escuela pública local en East Sussex, siendo uno de ellos Bexhill College. McCartney afirmó que cuando asistió a la escuela estatal, ella fue víctima de acoso escolar.2
Carrera[editar]
Inicios[editar]
Stella McCartney comenzó a interesarse en el diseño de modas a los 13 años, cuando se hizo su primera chaqueta. Tres años más tarde, fue interna en Christian Lacroix, trabajando en su primera colección de moda, perfeccionando sus habilidades en Savile Row por unos años.
Estudió en su fundación de Ravensbourne College of Design and Communication, diseño de moda en Central Saint Martins College of Art and Design a inicios de los '90. Su colección de graduación en 1995 fue modelada por sus amigas y supermodelos Naomi Campbell, Yasmin Le Bon y Kate Moss —quienes modelaron ad honorem. La colección fue acompañada por una canción llamada "Stella May Day" escrita por su famoso padre.3 El evento fue noticia y estuvo en primera plana de los diarios, y toda la colección fue vendida a Tokio, una tienda de Londres. Los diseños fueron autorizados a Browns, Joseph, Bergdorf Goodman y Neiman Marcus. En 1998 diseñó el vestido de novia de su hermana Mary para su boda con el productor de televisión Alistair Donald.
Es una estricta vegetariana.4 McCartney no utiliza pieles en sus diseños y apoya a la organización PETA.5 Algunos de sus diseños tienen frases que reflejan su respeto a la naturaleza; por ejemplo, una de sus chaquetas para Adidas dice: "apto para vegetarianos deportivos" en una de sus mangas. Su padre es también conocido por apoyar a PETA protestando contra los diseñadores que utilizan pieles de animales y quienes lo llevan. Stella utiliza lana, seda, y otros derivados sus diseños.
Chloé, Gucci, CARE[editar]
En marzo de 1997 McCartney fue entrevistada por el director creativo de la marca Parisina de modas Chloé, Karl Lagerfeld. Lagerfeld estaba un poco impresionado con la elección hecha por la marca, argumentando: "Chloé debía tomar un nombre famoso. lo hicieron, pero musicalmente, no de la moda. Esperemos que sea tan virtuosa como su padre." Pese al escepticismo inicial, los diseños de McCartney gozaron de un considerable éxito crítico y comercial. En Chloé fue acompañada por su amiga y asistente Phoebe Philo, quien luego la sucedería en el cargo. [cita requerida]
Colaboraciones[editar]
En 2004, diseñó el vestuario de Madonna para el Re-Invention Tour, el de Annie Lennox para su gira de verano, y los de Gwyneth Paltrow y Jude Law para el film Sky Captain y el Mundo del Mañana. [cita requerida]
Ese mismo año también lanzó una línea de ropa deportiva femenina en colaboración con Adidas.6 La colección incluyó prendas para natación, tenis y deportes de invierno. Entre ellas piezas más informales como ropa para correr y bolsos. En enero de 2007, la diseñadora anunció que añadiría a sus creaciones para Adidas una línea de ropa especial para practicar yoga, llamada Gym Yoga. Fue lanzada en la temporada primavera-verano y estuvo inspirada en uniformes de ballet y danza, destacándose las camisetas de tirantes de doble capa con escotes profundos, pantalones de tiro bajo y zapatos de goma flexible.7 Todas estas colaboraciones han tenido éxito. Su contrato con Adidas venció en el año 2010.
En 2005, colaboró con H&M. La colección, compuesta de ropa informal y accesorios, tuvo un gran éxito. La línea fue lanzada en noviembre de ese año y se agotó casi de inmediato el día del lanzamiento, debido a la semejanza (en muchos casos, casi la copia directa) entre la línea principal y la línea de H&M.[cita requerida] El 12 de marzo de 2007, una edición limitada de McCartney 42 piezas fue puesta a la venta en sólo 100 tiendas Target exclusivamente en Australia. El rango de precios era de $30 por un pañuelo de seda a $200 por un abrigo de tafetán. La colección se fabricó en China. Se desataron escenas de histeria cuando las mujeres irrumpieron en las tiendas para comprar la colección. Un problema fueron los "revendedores de ropa", que compraron grandes cantidades de la gama para venderlas en eBay como una marca de alto precio.8 Más tarde, un gran número de compradores devolvieron su ropa Stella a Target quejándose de extraña, de no estándar, de tamaño más grande que lo normal. Un portavoz de Target se defendió diciendo que el rango de la talla de Stella había sido "generosa" y "de gran tamaño". Más tarde, regresó ropa Stella languidecido en los bastidores de haber tenido redujo sus precios hasta en un 60 por ciento.9
En enero de 2008, McCartney colaboró con la marca de lencería Bendon, programada para que fuera lanzado en las tiendas por departamentos, tiendas especializadas y las tiendas de Stella McCartney.[cita requerida] McCartney, se programó, a principios de 2008, para lanzar una línea de bolsos para LeSportsac. La colección tiene entre 30 y 40 estilos y los precios oscilan desde $200-$500. La colección constará de bolsos de viaje, maletas, bolsos y accesorios de bebé para las madres con bebés y niños pequeños.
En 2009, Stella anunció una colaboración de una línea de ropa para niños con Gap. El lanzamiento fue en noviembre de ese año, y la colección será llevada a seleccionadas tiendas GapKids y babyGap en los Estados Unidos y Canadá, el Reino Unido, Francia, Irlanda y Japón.
Desde que comenzó con su propia marca, McCartney también ha colaborado en proyectos con varios artistas, incluyendo a Reem Alasadi, Gary Hume, R. Crumb, Jeff Koons, David Remfry y Ed Ruscha. [cita requerida]
Críticas[editar]
McCartney siempre ha afirmado que habría sido una famosa diseñadora de moda, incluso si su padre no hubiera sido Paul McCartney. En particular, ha sugerido que Vendôme, dueños de la casa Chloé, nombrando la oleada de publicidad que se generan como por su talento. En el último tiempo, la mayoría de los comentaristas dijeron que ella es totalmente capaz. De hecho, la revista Vogue escribió esto "su primera colección para la casa Chloé, mostrado en París en octubre de 1997, rápidamente disipó cualquier duda acerca de su talento."10
McCartney asistió a Central St Martins, pero no recibió un grado de primera clase, [cita requerida] a diferencia de John Galliano y Hussein Chalayan. A pesar de esto, se le conoce en la industria de la moda como "Stella de Acero" o "Imparable Stella".11
En noviembre de 2007, Stella diseñó un collar con una sola pierna, como un aparente ataque por el distanciamiento con su padre por su nueva esposa Heather Mills, una amputada. Conocedores de la moda pensaron que su actitud era "tensa", pero también un poco "fuera de orden".12
Vida personal[editar]
McCartney se casó con el editor británico Alasdhair Willis el 30 de agosto de 2003 en una capilla católica en Mount Stuart House, la ancestral casa del Marquess of Bute en la Isla de Bute, Escocia. El vestido de novia de McCartney fue una versión actualizada del vestido de novia que usó su madre en el matrimonio con Paul McCartney en marzo de 1969.10 Ella diseñó el vestido con Tom Ford, su jefe en Gucci. El servicio contó con la participación de Gwyneth Paltrow, Liv Tyler, Pierce Brosnan, y Madonna.13
Su primer hijo, Miller Alasdhair James Willis, nació el 25 de febrero de 2005.14 Su segundo hijo fue niña, Bailey Linda Olwyn Willis, y nació el 8 de diciembre de 2006.15 16 Stella dio a luz a su tercer hijo Beckett Robert Lee Willis el 8 de enero de 2008.17 Sus tres hijos nacieron en Londres, Inglaterra.
Stella es miembro de la Royal British Legion. Además de sus hermanas mayores y su hermano menor, Stella tiene una mediohermana mucho más joven, Beatrice Milly McCartney, nacida el 28 de octubre de 2003, de la relación de su padre con su ex-esposa, Heather Mills.

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23. Jean Paul Gaultier

Jean Paul Gaultier

Jean Paul Gaultier (Arcueil, 24 de abril de 1952) es un diseñador de moda francés. Posee su propia marca de ropa (Jean Paul Gaultier), cuyo accionista mayoritario es la compañía española de moda y perfumes Puig.1 También fue director creativo de Hermès. Índice [ocultar] 1 Carrera 1.1... Ver mas
Jean Paul Gaultier (Arcueil, 24 de abril de 1952) es un diseñador de moda francés. Posee su propia marca de
ropa (Jean Paul Gaultier), cuyo accionista mayoritario es la compañía española de moda y
perfumes Puig.1 También fue director creativo de Hermès.
Índice [ocultar]
1 Carrera
1.1 Primeros años
1.2 Fama mundial: con Madonna y el cine
1.3 Últimos años
1.4 Perfumería
1.5 Exposiciones
1.6 Detalles curiosos
2 Referencias
3 Enlaces externos
Carrera[editar]
Primeros años[editar]
Gaultier nunca recibió educación formal como diseñador. En lugar de eso, comenzó enviando sus dibujos a diseñadores famosos,
además de amar el arte y ser admirador de Krasivaya, una modelo rusa (que él decía era su musa). Ella le inspiraría a ir más allá de
sus adentros y dejar volar su imaginación.
Gaultier se sumergió en el mundo de la alta costura cuando era muy joven. Pierre Cardin se impresionó por su talento, y lo
contrató como asistente en 1970. Poco después Jean Paul Gautier añadiría la L intercalada en su apellido para darle un toque más
fresco y moderno, lo que le abrió las puertas en el panorama internacional.
Su primera colección individual fue lanzada en 1976 y su característico estilo irreverente data de 1981. Ha sido conocido como
el enfant terrible (chico rebelde) de la moda francesa. Muchas de las siguientes colecciones de Gaultier estarían basadas en ropa
callejera, inspirándose en la cultura popular, mientras otras, particularmente sus colecciones de alta costura, son muy formales y al
mismo tiempo inusuales.
Fama mundial: con Madonna y el cine[editar]
Jean­Paul Gaultier produjo los vestidos de la cantante Madonna en los años 1990, trabajando con la firma
Wolford Hoisery. Fomentó el uso de faldas, especialmente el uso de kilts para los hombres. Gaultier causó un gran
impacto al usar modelos poco convencionales en sus exhibiciones (como hombres viejos y mujeres poco delgadas, modelos
tatuadas y con piercings) y por jugar con los roles tradicionales de género en sus desfiles. Esto le valió enormes críticas, pero
también una enorme popularidad.
Gaultier también ha diseñado el vestuario de muchos filmes como El quinto elemento del director Luc Besson, Kika de
Pedro Almodóvar, El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante de Peter Greenaway y La ciudad de los niños perdidos
de Jean­Pierre Jeunet. La Gira de conciertos Blond Ambition Tour de Madonna también mostraba sus creaciones, siendo la
más famosa el icónico corsé de color rosa con copas en forma de cono. Posteriormente Jean­Paul Gaultier diseñó el vestuario de
otra gira de conciertos de la cantante Madonna, Confessions Tour (2006), The MDNA Tour (2012).
Últimos años[editar]
Actualmente diseña para tres colecciones: su propia línea de alta costura y de ropa para tiendas, así como para la recién lanzada
línea de ropa de Hermès, compañía francesa especializada en productos de cuero, famosa por sus corbatas y costosas maletas.
Gaultier también ha diseñado varios vestuarios para Marilyn Manson. Frecuentemente se le recuerda por su exposición en el
Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, titulada Breavehearts ­ Men in Skirts (Corazones Valientes ­ Hombres en
Faldas).
En 2008 fue contratado por la cantante francesa Mylène Farmer para diseñar los polémicos vestuarios que usaría en su Gira
Mylène Farmer en Tournée 2009 terminando en el Estadio de Francia y también ha diseñado vestidos para Lady Gaga, con
quien posó en una controvertida imagen: vestido de sacerdote, azota en las nalgas a la cantante, vestida de monja y arrodillada en
actitud de rezar.
En mayo del 2010 renunció a su puesto en Hermès por problemas personales con quienes heredaron la firma tras la muerte de
Louis Dumas. En ese momento, la compañía española de moda y perfumes Puig se hizo con el control de la
firma al convertirse en su accionista mayoritario.2 Además, en este
mes comenzó a diseñar lencería femenina para La Perla, firma multinacional de ropa interior de lujo.
En octubre de 2012 participó de manera activa pese a su edad y larga trayectoria, por primera vez en Colombia en el Cali Expo Show
en donde mostró su extensa colección de fragancias y últimas colecciones de vestido para toda ocasión.
Perfumería[editar]
Jean­Paul Gaulter también es famoso por su popular línea de fragancias, comercializadas por Puig. Su primer perfume, Classique,
para mujeres fue introducida en 1993, seguida por Le Mâle para hombres dos años después. Ambas fueron muy exitosas, y Le
Mâle es actualmente la fragancia número uno para hombres en la Unión Europea, según las ventas; también tiene una posición
importante en los mercados de Australia y de los Estados Unidos.
Su tercera fragancia, Fragile (para mujeres), fue lanzada en el 2000, sin embargo ahora tiene una distribución limitada debido a
las bajas ventas. En 2005 se lanzó un nuevo producto unisex, la «fragancia para la humanidad» Gaultier2. Su lanzamiento en
Canadá se demoró hasta enero del 2006, y en los Estados Unidos hasta agosto del 2006). Una nueva fragancia para hombres,
Fleur du Male, con aroma de camelia, fue lanzada mundialmente en abril del 2007.
Todos los perfumes de Jean­Paul Gaultier son producidos bajo una licencia de muchos años propiedad de Beaute Prestige
International, con oficinas centrales en París, una división de la compañía japonesa de cosméticos Shiseido quien también
produce fragancias para Narciso Rodríguez e Issey Miyake.
Exposiciones[editar]
Desde el 17 de junio hasta el 2 de octubre de 2011, Jean­Paul Gaultier expuso su trabajo de 35 años en el [[Museo de bellas artes
de Montreal]] con más de 120 artículos de alta costura y algunos de prêt­à­porter. Desde entonces la exposición ha recorrido el
mundo y ha sido presentada en la Fundación MAPFRE en Madrid, en el Museo de Arte Kunsthal de Rotterdam, en el
Museo Brooklyn, en el Barbican Centre en Londres y finalmente en el Gran Palacio de París de abril a agosto de 2015. La
exposición en el Gran Palacio de París fue el objeto de un documental llamado Jean Paul Gaultier en el Grand Palais,
presentado exclusivamente por Eurochannel.3
Detalles curiosos[editar]
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Gaultier participó en el programa británico Eurotrash, co­conduciéndolo durante las primeras seis temporadas.
En 1989 Gaultier lanzó un sencillo musical, con ritmos de house new­beat titulado How To Do That.
Seguidor del Festival de Eurovisión, al que asiste en varias ediciones como público, ha diseñado los vestidos que lucieron en el
concurso las representantes británica (1996), israelí (1998), croata (1999), griega
(2006), israelí (2011) y la presentadora sueca (2013), y en 2008 participaba como comentarista para la televisión
francesa.

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24. Hugo Boss

Hugo Boss

Hugo Ferdinand Boss (Metzingen, 8 de julio de 1885 – ibídem, 9 de agosto de 1948) fue el fundador de la casa de moda Hugo Boss AG y un convencido partidario nazi que obtuvo la licencia de Tercer Reich para la confección de los uniformes paramilitares del régimen de Hitler en el periodo previo a... Ver mas
Hugo Ferdinand Boss (Metzingen, 8 de julio de 1885 – ibídem, 9 de agosto de 1948) fue el fundador de la casa de moda Hugo Boss AG y un convencido partidario nazi que obtuvo la licencia de Tercer Reich para la confección de los uniformes paramilitares del régimen de Hitler en el periodo previo a la Segunda Guerra Mundial y durante este periodo para las Waffen-SS y la Wehrmacht.
Índice [ocultar]
1 Biografía
1.1 Juventud
1.2 Colaboración con el régimen nazi
2 Referencias
3 Enlaces externos
Biografía[editar]
Juventud[editar]
Boss nació en Alemania, en el antiguo reino de Wurtemberg (1806–1918). Después de completar su aprendizaje y un año de empleo, fundó su propia compañía textil en Metzingen entre 1923 y 1924. La línea de trabajo textil de Boss se centraba en la confección de ropa de trabajo para la industria alemana, el ministerio de correos, impermeables, ropa deportiva y uniformes de la policía. Su taller contaba con 22 trabajadores. Hugo Boss para ese entonces tenía relaciones industriales con sastres judíos y de tendencia comunista como la familia Herold, que fue ejecutada en Holanda.
Colaboración con el régimen nazi[editar]
Hugo Boss fue un nazi convencido que se afilió al NSDAP con el número 508 889 en 1931 y se embebió profundamente en la doctrina nazi. En 1934 deriva su habitual línea productiva a los uniformes paramilitares de las SA, SS y posteriormente la Wehrmacht y las juventudes hitlerianas, que con tres millones de afiliados lo convierten en un empresario muy próspero. No dudó en deshacerse de toda relación con judíos denunciándoles para justificar su adoctrinamiento ante el partido.

Un patrón de uniforme de las SA, conocidas como «camisas pardas».
Según un libro del historiador Roman Köster publicado en 2011 y autorizado por la empresa Hugo Boss SA, su militancia nazi le sirvió para disparar sus beneficios y salvarle de la bancarrota en la llamada Gran Depresión en 1931. Además desde 1943 en sus talleres de Metzingen se utilizaron 180 trabajadores forzados, la mayoría mujeres judías de Francia (140) y Polonia (40). El ritmo de trabajo era agotador y las condiciones de alimentación y sanitarias eran muy deficientes.1
Le encargaron la fabricación de las camisas pardas para la organización SA. Según Köster, los posteriores uniformes negros de las SS de Heinrich Himmler no fueron diseñados por su empresa, sino que seguían los patrones enviados desde Berlín y Boss simplemente los fabricaba.2 3 4 Fabricó además los uniformes de las Waffen SS y sus trajes mimetizados, paracaídas, mochilas, guantes, etc.
Después del final de la Segunda Guerra Mundial, Boss fue procesado por un tribunal de la RFA y multado con 80 000 marcos alemanes por su participación en la estructura nazi.
A su muerte, en 1948, la empresa volvió a fabricar uniformes para trabajadores de correos y la policía. Presentó sus primeros trajes de vestir para hombre pero no se centraría en la ropa masculina de moda hasta 1970, cuando además empezó a operar internacionalmente. Actualmente pertenece en buena medida a un grupo de inversión británico.

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25. Miuccia Prada

Miuccia Prada

Miuccia Bianchi Prada (nacida Maria Bianchi1 el 10 de mayo 1949, en Milán) es una empresaria y diseñadora de moda italiana; diseña para las casas de moda Prada y Miu Miu. Tiene un doctorado en ciencias políticas. Es la nieta más joven de Mario Prada, fundador de la casa Prada. De acuerdo a al... Ver mas
Miuccia Bianchi Prada (nacida Maria Bianchi1 el 10 de mayo 1949, en Milán) es una empresaria y diseñadora de moda italiana; diseña para las casas de moda Prada y Miu Miu. Tiene un doctorado en ciencias políticas. Es la nieta más joven de Mario Prada, fundador de la casa Prada. De acuerdo a al artículo Forbes.com's The World's Richest People 2001, ella y su esposo Patrizio Bertelli, tomaron el control de la empresa familiar Prada en 1978. Desde entonces, la han convertido en una peso pesado en la industria de la moda, tras adquirir las casas de Jil Sander, Helmut Lang y la zapatera Church & Co.
Tiene un hijo, Lorenzo Bertelli, que es piloto de rally y que ha competido en el Campeonato mundial de rally de producción.2

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26. Roberto Cavalli

Roberto Cavalli

Roberto Cavalli (15 de noviembre de 1940) es un diseñador de modas italiano. Índice [ocultar] 1 Biografía 2 Críticas 3 Referencias 4 Enlaces externos Biografía[editar] Cavalli nació en Florencia, Italia, en una familia aristocrática. Su abuelo, Giuseppe Rossi, fue un prolífico miembro... Ver mas
Roberto Cavalli (15 de noviembre de 1940) es un diseñador de modas italiano.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Críticas
3 Referencias
4 Enlaces externos
Biografía[editar]
Cavalli nació en Florencia, Italia, en una familia aristocrática. Su abuelo, Giuseppe Rossi, fue un prolífico miembro del movimiento pictórico Macchiaioli, cuyo trabajo se exhibe en la Galería Uffizi. Cavalli decidió ingresar al instituto de arte local, concentrándose en la estampado textil. Mientras era aún un estudiante, creó una serie de diseños florales que llamaron la atención de importantes calceterías italianas.
A comienzos de los años 1970, Cavalli inventó y patentó un revolucionario método para estampar cuero y comenzó a crear parches de diferentes materiales. Estas técnicas las presentó por primera vez en París, recibiendo inmediatamente encargos de Hermès y Pierre Cardin.
Cuando tenía treinta años, presentó su primera colección en el Salón del Prêt-à-Porter de París para luego exhibirla en la Sala Blanca del Palacio Pitti de Florencia. En 1972, inauguró su primera boutique en Saint-Tropez, Francia.
En 1980 se casó con Eva Düringer, quien había sido su compañera y socia comercial durante largo tiempo. En Milán, en 1994, Cavalli presentó los primeros bluyines gastados con arena. En diciembre del mismo año, abrió tiendas en San Bartolomé, en Venecia y nuevamente en Saint-Tropez.
Además de la línea principal de moda, la cual se vende en más de cincuenta países, Roberto Cavalli diseña las línes RC Menswear y Just Cavalli desde 1998. La primera abarca el mercado masculino y la segunda está dirigda a la mujer joven con indumentaria, accesorios, anteojos, relojes, perfumes, lencería y trajes de baño. También existe la línea infantil Angels & Devils Children Collection, la línea Class, dos colecciones de ropa interior, zapatos, lentes, relojes y perfumes.
En el 2002, Cavalli inauguró su primera tienda-café en Florencia, decorada con sus distintivos estampados de animales. Poco tiempo después, abrió el café Just Cavalli en la Torre Branca de Milán y luego otra boutique en la Via della Spiga.
En junio de 2008, Cavalli declaró al diario estadounidense Women's Wear Daily que buscaba un socio, generando rumores de una posible venta de su negocio. Más tarde, aclaró que sólo necesitaba a alguien que se encargara de las finanzas de su empresa para él no distraerse del proceso de creación.1 En América solo cuenta con boutiques en Estados Unidos, México, Canadá y Panamá.
Cavalli reside con su esposa, Eva, y sus hijos en una villa de Florencia. Los veranos los pasa en su yate confeccionado especialmente por Cantieri Baglietto y galardonado con el premio Yacht Capital en el 2004.
Críticas[editar]
En el 2004, la comunidad india criticó duramente a Cavalli por comercializar una línea de lencería —diseñada para la tienda Harrods— que incluía imágenes de las diosas de Asia del Sur. La colección fue eventualmente retirada y se pidieron disculpas formales.2

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27. Karl Lagerfeld

Karl Lagerfeld

Karl Otto Lagerfeld (10 de septiembre de 1933, Hamburgo, Alemania) es ampliamente reconocido como uno de los diseñadores de moda más influyentes de la segunda mitad del siglo XX. Debe gran parte de su popularidad a su labor para la firma Chanel, a su actividad como fotógrafo y también a sus... Ver mas
Karl Otto Lagerfeld (10 de septiembre de 1933, Hamburgo, Alemania) es ampliamente reconocido como uno de los diseñadores de moda más influyentes de la segunda mitad del siglo XX. Debe gran parte de su popularidad a su labor para la firma Chanel, a su actividad como fotógrafo y también a sus llamativas apariciones públicas que por lo general esta rodeado de celebridades del espectáculo y top models.
Índice [ocultar]
1 Orígenes acomodados
2 Moda
2.1 Inicios de su carrera
2.2 Al servicio de varias firmas
2.3 Colaboraciones y proyectos
3 Labor como fotógrafo
4 Pérdida de peso
5 Frases célebres
6 Referencias
7 Enlaces externos
Orígenes acomodados[editar]
Su padre, Christian Lagerfeld, era miembro de una familia de banqueros sueca e hizo su fortuna al introducir la leche en polvo en Alemania. Su madre, Elizabeth, era miembro de una familia noble alemana. Karl fue su único hijo en común; nació 10 años después de que la pareja se casara, cuando su madre tenía 42 y su padre 60. Ambos habían tenido otros hijos en matrimonios anteriores.
Moda[editar]
Inicios de su carrera[editar]
Karl Lagerfeld emigró a París en 1953.
En 1955, a los 22 años, Lagerfeld fue premiado con un puesto de trabajo en la casa de modas Pierre Balmain, tras haber ganado un concurso patrocinado por el Secretariado Internacional de Lana. No era la primera vez que participaba; años antes le derrotó Yves Saint Laurent.
Al servicio de varias firmas[editar]
Karl Lagerfeld se hizo un nombre como creador independiente, colaborando con una variedad de diferentes casas de moda que incluyen nombres como Chloé, Fendi y Chanel. Además, en los 80 fundó su propia marca, llamada Lagerfeld, la cual lanzó perfumes y líneas de ropa.
Lagerfeld es conocido por su gusto y costumbres elitistas, de una excentricidad a veces snob, que no duda en mezclar con guiños a la cultura de consumo y a las estrellas populares. A principios de la década de 1990 eligió a nudistas y a una estrella italiana de filmes eróticos (Moana Pozzi) para que desfilasen con su colección Blanco y negro para la firma Fendi. A las críticas contra Pozzi, Lagerfeld respondió: «Las mujeres comunes caminan como Moana y como modelos al 50%».
Ha producido piezas legendarias como bañador con agua burbujeante brotando en el frente, un vestido imitando un automóvil con una parrilla de radiador y parachoques, y un sinfín de sombreros excéntricos.
Karl Lagerfeld trabajó como diseñador por las casas de moda más importantes :
1955-1958: Pierre Balmain
1958-1963: Jean Patou
1963-1978, 1992-1997: Chloé
1965-hoy: Fendi
1974-hoy: Karl Lagerfeld
1983-Hoy: Chanel
2004: Hennes & Mauritz (H&M)
Al contrario que otros diseñadores como Gianni Versace, nunca se ha adentrado en la moda para niños.
En la edición francesade la revista Architectural Digest en mayo de 2012, Karl Lagerfeld muestra su apartamento en París.2 Él también reveló su vasta colección de pins Suzanne Belperron y broches y se utiliza el color de uno de sus anillos de calcedonia azul como el punto de partida Chanel para la primavera / verano 2012 colección.3
Colaboraciones y proyectos[editar]
En 2004 diseñó algunos atuendos para la gira internacional de la cantante Madonna, "Re-Invention Tour" y, recientemente, diseñó algunos para la gira "Showgirl" de Kylie Minogue.
Recientemente, Lagerfeld colaboró con la firma de moda sueca H&M. El 12 de noviembre del 2004, H&M ofreció un número limitado de diferentes prendas en centros comerciales seleccionados, para mujeres y hombres. Sólo dos días después de haber surtido los centros comerciales, H&M había anunciado que todas sus prendas habían sido agotadas. Lagerfeld ha dicho que no teme que trabajar con firmas más populares manche su imagen.
Labor como fotógrafo[editar]
También es fotógrafo y produjo "Visonaire 23: The Emperor's New Clothes", una serie de fotografías de desnudos del modelo sudafricano David Miller. En 1996 recibió el premio de cultura de la asociación alemana de fotografía.
Además, el hecho de que «el rey de la moda» o el "Kaiser" (como llaman a Karl en Alemania y en otros diversos países de Europa) estuvo personalmente interesado en el grupo musical Tokio Hotel, demostró que el líder de dicho grupo, Bill Kaulitz, está muy familiarizado con el mundo de moda. En otoño de 2009 Lagerfeld fotografió a Kaulitz para la Vogue alemana, lo que fue un gran honor para Bill:
"Empecé a estar interesado en esto a una edad muy temprana, también cosí y diseñé unas cosas por mí mismo y por supuesto es un sueño hacer algo para alguien como Karl Lagerfeld, para mí fue completamente un momento genial y por supuesto estuve feliz de que él se diese cuenta, él mirase y le gustase y eso, también creo que él es súper". (Bill Kaulitz, cantante de Tokio Hotel).
En 2010, fue el fotógrafo elegido para el tradicional Calendario Pirelli del año siguiente. Caracterizó a las modelos (entre ellas, la actriz Julianne Moore) como personajes mitológicos y (por primera vez en dicho calendario) incluyó desnudos masculinos.
Hasta la fecha, como director creativo de Chanel, realiza personalmente las campañas publicitarias de la casa, con sus propias fotografías.
Pérdida de peso[editar]
Lagerfeld también es famoso por una drástica transformación de su cuerpo, cuando perdió alrededor de 36 kilos en un año. "De repente me quise vestir diferente, usar prendas diseñadas por Hedi Slimane" afirmó. "Pero esta ropa, lucida por chicos muy, muy flacos -y no por hombres de mi edad- requería que perdiese por lo menos 36 kilos. Me costó exactamente trece meses".
La dieta creada especialmente para Lagerfeld por el Dr. Jean-Claude Houdret, se transformó en un libro llamado "La dieta de Karl Lagerfeld" ("The Karl Lagerfeld Diet").
Claramente, el peso es un tema para Lagerfeld y es en este contexto que durante el 2012 hizo gran polémica al decir que la cantante Adele estaba "demasiado gorda", declaración que inmediatamente fue respondida por la británica, quien aseguró estar conforme con su físico, sobre todo porque siente que así representa a la mayoría de las mujeres.
Frases célebres[editar]
Este diseñador alemán ha contribuido a dejar algunas de las frases más controvertidas en el mundo de la moda. Estos son algunos de los ejemplos:
"La moda es la motivación más saludable para bajar de peso" [1]
"El auténtico drama de la gente rica es que siempre la hay aún más"[2]
"Exactamente, las tres cosas que más me gustan son la moda, la fotografía y la literatura. Estas tres cosas las hago y todo viene de mi mente. Me encantaría saber cantar pero no sé, me gustaría saber actuar pero no lo necesito, mi vida es ya una pantomima"

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28. Tommy Hilfiger

Tommy Hilfiger

Thomas Jacob Hilfiger (Nueva York, 24 de marzo de 1951), conocido como Tommy Hilfiger, es un diseñador de moda estadounidense, fundador de la empresa que lleva su nombre y que fabrica ropa y joyas de alta categoría. Biografía[editar] Proveniente de una familia irlandesa, Tommy Hilfiger es el... Ver mas
Thomas Jacob Hilfiger (Nueva York, 24 de marzo de 1951), conocido como Tommy Hilfiger, es un diseñador de moda estadounidense, fundador de la empresa que lleva su nombre y que fabrica ropa y joyas de alta categoría.
Biografía[editar]
Proveniente de una familia irlandesa, Tommy Hilfiger es el segundo de nueve hermanos. Tuvo claro desde temprana edad que quería dedicarse al mundo de la moda. Así, en 1969 comenzó a trabajar como distribuidor de ropa hippie. Luego, en los comienzos de la era disco (finales de los años 70 y primeros 80), trabajó en la marca Jordache.
Creó su propia línea en 1985 y, siendo prácticamente un desconocido, lanzó una campaña con el siguiente mensaje: "Los cuatro mejores diseñadores de ropa de hombre son Ralph Lauren, Perry Ellis, Calvin Klein y Tommy Hilfiger". Desde entonces, Tommy Hilfiger se ha afianzado como una de las grandes marcas de ropa a nivel mundial.
El 15 de marzo de 2010, Phillips-Van Heusen adquirió Tommy Hilfiger por $3000 millones.
Fue víctima de un rumor muy controvertido, se planteo que habría dicho en el programa de que su ropa "es para persona de clase alta y blanca, y que preferiría darle esa ropa a los cerdos que a un AfroAmericanos" con lo que Oprah Winfrey lo habría expulsado de su show. Con los años se agregó a la lista a colombianos, venezolanos, mexicanos, asiaticos, etc. Nunca se ha hallado dicho anuncio o programa.
Finalmente este rumor quedo desmentido. Cuando el propio Tommy fue por primera vez al programa de Oprah Winfrey, quedo bien aclarado que todo fue obra de alguien muy mal intencionado.1

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29. Marc Jacobs

Marc Jacobs

Marc Jacobs (Nueva York, Estados Unidos; 9 de abril de 1963), es un diseñador de moda estadounidense. Posee una marca con su mismo nombre de la cual es el diseñador principal Marc Jacobs, también conocida como Marc by Marc Jacobs, con 200 tiendas con presencia en 80 países.1 Fue el director... Ver mas
Marc Jacobs (Nueva York, Estados Unidos; 9 de abril de 1963), es un diseñador de moda estadounidense. Posee una marca con su mismo nombre de la cual es el diseñador principal Marc Jacobs, también conocida como Marc by Marc Jacobs, con 200 tiendas con presencia en 80 países.1 Fue el director creativo de la prestigiosa marca de moda Louis Vuitton desde 1997 hasta 2014. Jacobs fue nombrado en el año 2010 en la Revista Time en su edición especial Time 100, una de las 100 personas más influyentes del mundo,2 y alcanzó el puesto n°14 en 2012 en la Revista Out en "Los 50 hombres y mujeres homosexuales más influyentes de América".3
Índice [ocultar]
1 Trayectoria profesional
2 Marc Jacobs Internacional Company, L.P.
3 Premios
4 Vida privada
5 Referencias
6 Enlaces externos
Trayectoria profesional[editar]
La primera colección que el diseñador sacó bajo la firma Marc Jacobs salió en 1986, gracias al apoyo económico de Kashiyama USA Inc. En 1987 Jacobs se convirtió en el diseñador más joven jamás galardonado con el premio Perry Ellis Award for New Fashion Talent, del Consejo Americano de Diseñadores de Moda (CFDA). En 1989, Robert Duffy y Marc Jacobs se unieron a la compañía de Ellis para ocuparse de su línea femenina. Jacobs perdió el cargo en 1992, tras crear una colección de inspiración grunge que suscitó una gran polémica. Curiosamente, ese mismo año, fue premiado con el más prestigioso galardón del CFDA: el Women’s Designer of the Year Award.
En 1994, coincidiendo con su 31 aniversario, Jacobs presentó su primera colección prêt-à-porter en Nueva York creando, de nuevo, un gran revuelo cuando modelos de la talla y caché de Naomi Campbell o Linda Evangelista aparecieron en la pasarela sin cobrar, en señal de apoyo al diseñador. La colección tuvo una gran acogida y, desde entonces, la carrera de Jacobs ha ido a más. En 1995 presentó su primera colección masculina y, en 1997, fue nombrado director artístico de la casa Louis Vuitton para quien diseñó su primera colección prêt-à-porter. Desde su cargo, ha impulsado notables colaboraciones como con Stephen Sprouse o con el artista japonés Takashi Murakami, modernizando la marca y adaptándola al nuevo milenio. Sigue ocupándose, además, de la firma que lleva su nombre.
Marc Jacobs Internacional Company, L.P.[editar]
En 1993, Jacobs Duffy Designs Inc. lanzó Marc Jacobs Internacional Company, L.P. que, en 1994, firmó su primer acuerdo internacional con Renown Look, Inc. y Mitsubishi Corp., para comercializar la marca en Japón. Poco después, un acuerdo con la compañía italiana Iris S.R.L. aseguraría la producción del calzado, tanto masculino como femenino, de la marca. En 1997, la primera tienda de Marc Jacobs abrió sus puertas en el número 163 de Mercer Street, en el Soho neoyorquino. En el año 2000 salió a la luz su primera línea de bolsos y se inauguró una segunda boutique en San Francisco. En el 2001, se creó la segunda línea de la marca, Marc by Marc Jacobs, de precios más accesibles. Calza Turificio Rossi Moda S.P.A. es la compañía italiana responsable de producir el calzado de esta joven y exitosa marca. Ese mismo año, nació su primera fragancia: Marc Jacobs Perfume, y al año siguiente, apareció la versión masculina. En el 2003, apareció una pequeña línea de textil para el hogar y, en el 2005, la primera colección de gafas, gracias a un acuerdo firmado con la compañía Safilo S.P.A. También en el 2005, tras un pacto con Fossil Inc., apareció su primera línea de relojes y Marc Jacobs abrió tienda en París.

Marc by Marc Jacobs en Oporto.
Actualmente, pueden encontrarse tiendas de Marc Jacobs por todo el mundo. La compañía comercializa una amplia gama de productos, desde bolsos y zapatos hasta gafas y perfumes, bajo distintas marcas: Marc Jacobs, Marc by Marc Jacobs, Little Marc, para los niños, y Stinky Rat.
El 8 de enero de 2014, anunciaron que la cantante estadounidense y amiga de Jacobs, Miley Cyrus, sería la imagen de Marc Jacobs, para su campaña de primavera-verano 2014. Ambos trabajaron juntos anteriormente en una campaña benéfica contra el cáncer de piel, en la que Cyrus apareció desnuda en unas camisetas junto a un mensaje de protección de la piel.4
Premios[editar]
1984
Perry Ellis Gold Thimble Award
Chester Weinberg Gold Thimble Award
Design Student of the Year Award.
1987
CFDA’s Perry Ellis Award for New Fashion Talent.
1992
CFDA’s Women’s Designer of the Year Award.
1997
CFDA’s Women’s Designer of the Year Award.
1998
VH1 Fashion Women’s Designer of the Year Award.
1999
CFDA’s Accessories Designer of the Year Award.
2002
CFDA’s Menswear Designer of the Year Award.
2003
CFDA’s Accessories Designer of the Year Award.
2005
CFDA’s Accessories Designer of the Year Award.
2010
CFDA’s Womenswear Designer of the Year Award.
2011
CFDA’s Geoffrey Beene Lifetime Achievement Award.
Vida privada[editar]
En el 2009, Jacobs estuvo en el puesto número 15 en la lista anual de los "50 hombres y mujeres gais más poderosos en América" de la revista Out. Jacobs, quien es abiertamente gay, estuvo en una relación de cuatro años con el estilista Jason Preston, y en otra relación con el ejecutivo de publicidad Lorenzo Martone. En marzo de 2009, "Women's Wear Daily" anunció que la pareja estaba comprometida después de estar un año saliendo.5 Sin embargo, posteriormente aparecieron varios reportes que lo negaban.6 El 24 de julio de 2010 Martone anunció vía Twitter que él y Jacobs llevaban dos meses separados.7 En abril de 2012 celebró su cumpleaños en Rio de Janeiro con su pareja, el actor porno Harry Louis.8

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30. Liz Clairbone

Liz Clairbone

Anne Elisabeth Jane Claiborne, conocida como Liz Claiborne (Bruselas, 31 de marzo de 1929 - Nueva York, 27 de junio de 2007), fue una diseñadora de ropa femenina en Estados Unidos, que cobró fama en los años 70 con el desembarco masivo de la mujer profesional en el mundo de la empresa... Ver mas
Anne Elisabeth Jane Claiborne, conocida como Liz Claiborne (Bruselas, 31 de marzo de 1929 - Nueva York, 27 de junio de 2007), fue una diseñadora de ropa femenina en Estados Unidos, que cobró fama en los años 70 con el desembarco masivo de la mujer profesional en el mundo de la empresa.
Biografía[editar]
En su juventud se trasladó a Estados Unidos (1949), y residió en Nueva Orleans, Luisiana. Años más tarde, se fue a vivir a San Timoth, un internado que había entonces en Catonsville, Maryland. Al finalizar sus estudios, se fue a Europa a estudiar Arte. En 1949, ganó la Competición de Diseño Nacional de Jacques Heim y un tiempo más tarde se trasladó a Nueva York donde trabajó como artista en la casa Sportswear Tina Leser. También trabajó como diseñadora para Dan Keller y el Grupo Juvenil la S.A., antes de fundar su propia empresa de diseño, Liz Claiborne S.A., en 1976, lo que supuso un claro desafío en un momento en que el sector estaba controlado por hombres.
Su intención era la de crear ropa asequible y elegante para la mujer profesional que, en aquel entonces, comenzaba a incorporarse a la alta dirección de las empresas. De esta manera, el estilo característico de sus trajes y prendas femeninas se convirtieron en un emblema de las ejecutivas que trataban de romper barreras y escalar puestos en el mundo profesional.
Sin miedo a ser transgresora, reinventó el traje de chaqueta, incorporando un mayor colorido, y tratando siempre de que las prendas fueran muy femeninas y no se encareciesen en exceso.
En el año 1986, la empresa Liz Claiborne fue la primera fundada por una mujer que entró a formar parte del ranking de las 500 empresas más importantes que elabora la revista financiera Fortune. Cuando se retiró de la dirección ejecutiva de su empresa, a principios de los años 90, la compañía era la mayor fabricante de ropa de mujer de Estados Unidos, con unas ventas totales de 1.400 millones de dólares. Progresivamente la empresa ha ido contando con marcas como Dana Buchman, Juicy Couture, Ellen Tracy y Lucky Brand jeans.
Estuvo casada con Art Ortenberg y previamente con Ben Schultz. Incansable defensora de dar mayores oportunidades a la mujer en el mundo del moda, Claiborne se dedicó, tras su retiro, a las labores humanitarias, y creó con su marido una fundación caritativa dedicada a la protección del medioambiente.
Liz Claiborne falleció a los 78 años de edad en el Hospital Presbiteriano de Manhattan en el verano de 2007, a consecuencia del cáncer que sufría desde hacía más de una década.

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31. Hussein Chalayan

Hussein Chalayan

Hussein Chalayan MBE (/ h U ˌ s eɪ n ʃ ʌ l ə j ɑː n /; nombre dado Hüseyin Çağlayan, turco: [hyseˌjin ʧaːlajan]) (nacido el 08 de agosto 1970) es un británico / turcochipriota diseñador de moda. Ha ganado el Diseñador Británico del Año en dos ocasiones (1999 y 2000) y fue galardonado con el MBE... Ver mas
Hussein Chalayan MBE (/ h U ˌ s eɪ n ʃ ʌ l ə j ɑː n /; nombre dado Hüseyin Çağlayan, turco: [hyseˌjin ʧaːlajan]) (nacido el 08 de agosto 1970) es un británico / turcochipriota diseñador de moda. Ha ganado el Diseñador Británico del Año en dos ocasiones (1999 y 2000) y fue galardonado con el MBE en 2006. [1]
Contenido [hide]
1 Primeros años y educación
2 Inicios de su carrera
3 Carrera profesional
4 Solo y otras exposiciones
5 premios
6 Referencias
7 Enlaces externos
Primeros años y educación [editar]
Hussein Chalayan nació en Nicosia en 1970 y se graduó en el Türk Maarif Koleji de su ciudad natal. [2] En ese momento la población de la isla se dividió debido a las constantes luchas entre las autoridades griegas y turcas. Los conflictos étnicos entre las comunidades chipriotas turcos y griegos finalmente llevó a la invasión turca de Chipre y conducido a abusos contra los derechos humanos hacia el civil de ambos lados. [3] [4] Por esta razón Chalayan y su familia se vieron obligados a trasladarse a Inglaterra en 1978. [5] Después de Highgate School [6] estudió un Diplomado Nacional en la moda y la ropa en la Escuela de Artes de Warwickshire, y procedió a estudiar Diseño de Moda en Central Saint Martins College of Art and Design de Londres. Su colección de postgrado en 1993, titulado "La Tangente Flujos", contenía la ropa que había enterrados en un patio trasero [7] y exhumados justo antes del espectáculo en el que se les presentó un texto de acompañamiento que explicó el proceso. El ritual de enterramiento y resurrección se dijo para dar las prendas una dimensión que hace referencia a la vida, la muerte y la decadencia urbana. La obra atrajo la atención de los Browns boutique de moda en Londres que tomó prestado de la colección para ofrecer en su escaparate. [8]
Inicios de su carrera [editar]

El tono de esta sección o estilo puede no reflejar el tono enciclopédico utilizado en la Wikipedia. Ver de Wikipedia guía para escribir mejores artículos para sugerencias. (Octubre de 2013)
Chalayan estableció su propia compañía en 1994, Cartesia Ltd., así como su línea de prêt-à-porter, Hussein Chalayan (que se cambió en 2010 a sólo "Chalayan" debido a la connotación oriental de su primer nombre, Hussein). En sus diseños de moda que integra cuerpo humano y la ropa con la tecnología, la ciencia y la arquitectura, jugando con las narrativas construidas alrededor de la cultura y la antropología. Para construir estas historias compagina su labor artística de la moda con las instalaciones de la música y el cine. [9] Esta es la razón por sus desfiles se refieren a menudo como actuaciones en lugar de moda. Según Chalayan sin embargo parte de esta percepción está relacionada con el hecho de que las prendas que eventualmente se hablaban son los que son los más innovadores, en algunos casos incluso se describen como "arte para vestir" y no el resto de las colecciones que muestran altamente prendas de vestir. [10]
Carrera profesional [editar]

El tono de esta sección o estilo puede no reflejar el tono enciclopédico utilizado en la Wikipedia. Ver de Wikipedia guía para escribir mejores artículos para sugerencias. (Octubre de 2013)

Hussein Chalayan vestir diseños en la exhibición en una exposición de 2009.

Hussein Chalayan vestir en exhibición en Museo del Diseño de Londres, Reino Unido en 2009.
Desfiles de moda Hussein Chalayans 'se caracterizan por conjuntos mínimos y un ambiente de suspenso, incorporando elementos de interiores contemporáneos, arquitectura urbana, y estructuras geométricas. En los programas de las inspiraciones conceptuales y teóricos detrás de sus vestidos se reproducen por todo el cuerpo. [11]
En 1995, Chalayan venció 100 competidores para hacerse con un top de Londres el premio de diseño de moda. En el certamen, organizado por la empresa "Absolut", Chalayan, 25 años, ganó el respaldo financiero por una suma de 28.000 £ para desarrollar creaciones para la Semana de la Moda de la capital británica en octubre de 1995. [12]
También en 1995 Chalayan trabajó con vanguardista estrellas Björk. La chaqueta que Björk lleva en la portada de su álbum Publicar fue diseñado por HChalayan. Publicar gira de Björk también contó con varias creaciones de Chalayan y Björk modelado para Chalayan en octubre de 1995 para la semana de moda de Londres. [13]
Sus Tierras de recolección Sin para la Primavera / Verano 1997 presentaron varios vestidos "cometa", que eran notables por la forma en que dirigió la relación entre sus ropas y el cuerpo, y su uso de las proporciones arquitectónicas para amplificar su interacción con su entorno. [14]
En su colección Entre para la primavera / verano 1998 envió modelos en la pasarela vistiendo chador negro de diferentes longitudes y nada más, aludiendo al cambio continuo de la moda de las zonas erógenas de todo el cuerpo de la mujer que surge en respuesta a la evolución de los ideales. [15] La primera llevaba un chador, que cubría la mayor parte de su cuerpo y se deja un vacío sólo para sus ojos. Cada velo se convirtió más y más cortos hasta que, finalmente, el último que estaba desnuda, aparte de una máscara que cubre su rostro. Según Chalayan esta pieza estaba a punto territorio cultural de la definición, "[16]
La colección panorámica para el Otoño / Invierno 1998 expresa la idea del infinito en un paisaje urbano surrealista de formas geométricas y las imágenes distorsionadas. Los modelos fueron distorsionados en formas genéricas y unificados por proporciones arquitectónicas; conos se fijan a la parte superior de la cabeza y la cara y el cuerpo envuelto en negro para ocultar su identidad. Como Chalayan exploró la idea de representar la naturaleza en esta colección, lo partió abajo en su representación gráfica más básico, los píxeles. Cuerpo y ropa luego se fusionaron en un paisaje digital, que fue recreado en agrandados píxeles en forma de cubo. [17]
En el otoño de 1998, al tiempo que el diseño de su línea de la firma, fue nombrado como consultor de diseño para la etiqueta de los géneros de punto de Nueva York TSE. [18] Su colaboración con ellos duró hasta 2001, cuando la compañía decidió no renovar su contrato. [19]
Para su colección Echoform para el otoño / invierno 1999 Chalayan creado vestidos de cuero inspiradas en el interior del automóvil para representar la velocidad de la externalización. También imitó interiores de avión uniendo reposacabezas acolchados a vestidos Este proyecto se basó en la exploración de la relación de la movilidad inherente del cuerpo y el objetivo de evocar pensamientos sobre la velocidad, la espacialidad y el bienestar.
El Antes menos ahora la colección de primavera / verano de 2000 contenía una serie de vestidos arquitectónicos que evolucionaron a partir de su colaboración con B Consultores, una firma con sede en Londres de ingenieros arquitectónicos. Los vestidos presentados alambre-marco grabados arquitectónicos contra los fondos blancos estáticos, generados por un programa informático que permite a los diseñadores dibujan dentro de un rango de perspectivas tridimensionales dentro de un paisaje arquitectónico. Las imágenes fueron trasladados a las telas de seda y algodón mediante un proceso de tejido de la impresión mecanizada. [20] Esta colección también contó con el vestido "Remote Control", que se estrenó en el Festival de Hyères en Francia en 2000 y claramente ilustra el interés de Chalayan en tecnología. [ 21] El vestido incorpora la aerodinámica de un viaje en avión en su forma y estética y fue considerado un triunfo de alta tecnología que conecta la moda con la tecnología y la tecnología para el cuerpo, el establecimiento de un diálogo entre el cuerpo y el medio ambiente. El vestido de control remoto fue el primer dispositivo inalámbrico que se presenta como una prenda de moda en pleno funcionamiento. [22]
Su colección Geotrophics para la Primavera / Verano 1999 ya había destacados Vestidos silla que representa la idea de una existencia nómada y un ambiente completamente transportable. Este concepto fue posteriormente ampliado en Chalayan de Después de la colección Palabras para el Otoño / Invierno 2000. [23], que incluía algunos de sus diseños más conocidos como 'el vestido mesa de café ". [24] En Epílogos, Hussein Chalayan se centró en el involuntario y aspecto dramático de la movilidad, y se ilustra el impacto sentimental de la migración forzada. [25] Presentado en el teatro de los pozos de Sadler en Londres, la muestra contó con un escenario blanco desnuda flanqueada por planos asimétricos en tres lados y contenía muebles de los años 1950 al estilo que los modelos adaptados como la ropa en el final de la serie y ya sea llevada o llevaban fuera del escenario. [26] para que sea desplazable en el cuerpo humano. Uno de los modelos transforma una mesa de centro de caoba en una falda geométrica y telescópica, [27] El espectáculo se basó en la idea de tener que evacuar su casa durante un tiempo de guerra, ocultando las posesiones cuando un ataque era inminente, y el uso de prendas de vestir como el medio para llevar a distancia posesiones más rápidamente. El tema era una expresión autobiográfica de raíces turcochipriotas de Chalayan y los acontecimientos políticos que afectaron su infancia. [28] Sin embargo Chalayan no se limita a ilustrar la situación, que desafía el contexto histórico en el que los inmigrantes tuvieron que dejar atrás sus posesiones y pierden su identidad por su calidad un-portátil de los objetos. Desde que diseña la ropa como propiedades privadas portátiles, los inmigrantes pueden llevar a estos elementos que definen sus identidades y culturas con ellos durante sus viajes no deseados. De esta manera les una posición relativamente más activo en el que puedan adaptar la naturaleza física al contexto social permite. [29] La Tabla Falda y todo el conjunto de la serie más tarde fueron presentados en la exposición 2001 de Century City Tate Modern de Londres. [ 30]
A pesar de esta atención y reconocimiento por su trabajo Chalayan luchó con el patrocinio y la financiación, a menudo lo recibe de varias otras compañías y su propio país. [31] La decisión del TSE de no renovar su contrato causó nuevas dificultades financieras como el diseñador ascendió a 250.000 libras en deuda y se vio obligado a entrar en liquidación voluntaria. [32] Posteriormente, se reestructuró su compañía y organizó colección reaparición en 2001 sin una presentación pasarela, [33] y diseñado para etiqueta alta de la calle Marks and Spencer a fin de mes. [34] italiano fabricante de ropa Gibo también ayudó al diseñador como hizo joyero británico Asprey, que lo nombró como su directora de moda del mismo año. [35]
Fue coronado "Diseñador Británico del Año 'en 1999 y 2000, [36] y fue galardonado con un miembro de la Orden del Imperio Británico (MBE), el 17 de junio de 2006. [37] El reconocimiento internacional también siguió, donde fue galardonado con el diseño de la estrella homenajeado por The Fashion Group International en su Noche de Gala anual de Estrellas, Nueva York en 2007. [38]
En 2002, Chalayan amplió su portafolio de diseño con su línea de ropa masculina, [39] los derechos exclusivos de los cuales fueron vendidos a Internet Retailer Yoox.com en 2007. [40] Después de pasar por los problemas financieros que incluyen tener que mover su estudio en tres ocasiones y el trabajo desde su casa con su equipo en el medio, anunció planes para reubicar su desfiles de moda de París. [41] En 2004, él y añadió otra línea de difusión a su creciente lista de tareas de diseño. [42]
En 2007, donó una obra maestra de la moda es la exposición de arte a beneficio de la estación de radio Ayuda de capital 95.8 caridad Londres Niño que fue vendido en una subasta exclusiva de Londres. [43]
A principios de 2008, diseñó una serie de vestidos LED láser en colaboración con la etiqueta de lujo Swarovski, exhibido en Tokio. [44] 28 de febrero 2008, Chalayan fue designado como el director creativo de la etiqueta de ropa deportiva alemana Puma. [45] Puma también han anunciado que han adquirido una participación mayoritaria en su etiqueta. [46] El diseñador también colaboró ​​con Hoisery alemán y etiqueta legwear Falke para producir piezas de una sola vez calzado por su Otoño / Invierno espectáculo colección 2008 entubado en París. [47] En 2010 abrió su I Am instalación triste multimedia Leyla en la Galería Lisson en Londres. [48] El 13 de febrero de 2011, él y Nicola Formichetti colaboró ​​con Lady Gaga en la 53ª Entrega Anual del Grammy. Además de sus colecciones de moda Chalayan también ha sido reconocido por sus cortometrajes como Ausente Presencia que representa Turquía en la 51ª Bienal de Venecia en 2005 y Ambimorphous proyectó en Modo Natie en Amberes en 2002. [49]
Solo y otras exposiciones [editar]
"Hussein Chalayan, The Box" proyecto de arte encargado por el Houldsworth Galería Pippy (2013 mayo)
Exposición individual "Fashion Narrativas" en Les Arts Décoratifs, París (2011 julio-noviembre)
Instalación "I Am Leyla Sad (Üzgünüm Leyla)" exhibido durante una exposición individual en la Lisson Gallery, Londres.
Exposición individual '1994-2010' en el Istanbul Modern (2010 julio-octubre)
Exposición individual 'De Moda y Back' en el Museo de Arte Contemporáneo de Tokio (2010 abril-junio)
Hussein Chalayan: De Moda y Back - Amplia selección de de Hussein Chalayan 15 años de trabajo expuesto en el Design Museum de Londres (2009 enero - mayo)
Hussein Chalayan, 10 años de trabajo retrospectiva, Groninger Museum, Países Bajos, y luego viajó a Wolfsburg, Alemania. Patrocinado por Turquality (2005 abril a septiembre)
Retrospectiva Echoform, Galerist, Estambul (2003 abril)
Ropa de correo aéreo - Musée de la Mode, Palais du Louvre, Fotografía por Paul Wetherell, Gráficos de Mike y Rebecca (1999 Diciembre)
Exposición individual en Collete, París (1998 París)
Exposición individual - La Galería Ventana, Praga (1996 agosto-septiembre)
Premios [editar]
Hussein Chalayan recibió el "Premio Visionario de moda" por sus 20 años de excelencia del diseño durante el Festival de Moda de Audi, Singapur (2013 mayo)
Hussein Chalayan recibió El Premio Lucky Diseñador Strike. Este premio es presentado anualmente por la Fundación Raymond Loewy (2012 noviembre)
Ganador de la Trayectoria excepcional para el diseño en el International Design Awards FX Interior, Londres (2009 noviembre)
Brit Diseños Insirance de la concesión del año en la categoría Moda para la colección A / W'07 Airborne (2008 Marzo). Un vestido / W'07 LED exhibe como parte de la exposición 100 nominaciones en el Design Museum de Londres.
Se concede Diseño Estrella homenajeado por The Fashion Group International en su Noche de Gala anual de Estrellas, Nueva York (2007 octubre)
Hussein Chalayan galardonado con un MBE en la lista de honores del cumpleaños de la Reina 2006 (2006 junio)
British Fashion Awards - Diseñador del Año (2000 febrero)
British Fashion Awards - Diseñador del Año (1999 Marzo)
El ganador de la primera Absolut Vodka, Premio Creación Absolut (1995 septiembre)
Referencias [editar]
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32. Pierre Cardin

Pierre Cardin

Pierre Cardin es un diseñador de moda, que nació como Pietro Cardin el 2 de julio de 1922, en San Biagio di Callalta, región de Véneto, Italia, de padres italianos. Se trasladó a París en 1945. Allí, estudió arquitectura y trabajó con Jeanne Paquin después de la guerra. Trabajó con Schiaparelli... Ver mas
Pierre Cardin es un diseñador de moda, que nació como Pietro Cardin el 2 de julio de 1922, en San Biagio di Callalta, región de Véneto, Italia, de padres italianos. Se trasladó a París en 1945. Allí, estudió arquitectura y trabajó con Jeanne Paquin después de la guerra. Trabajó con Schiaparelli hasta que se convirtió en jefe del atelier de Christian Dior en 1947. Cuando le denegaron trabajar en Balenciaga, decidió fundar su propia casa en 1950. Es así como Cardin se inició en la alta costura en 1953.
Índice [ocultar]
1 Trayectoria
2 Otros intereses
3 Notas
4 Enlaces externos
Trayectoria[editar]
Cardin era conocido por su estilo vanguardista, y de sus diseños de era espacial. Prefería las formas geométricas y los motivos, a menudo ignorando la forma femenina. Innovó al diseñar la moda unisex, comprobando que ésta es a veces experimental, y no siempre práctica. En 1954 presentó el "vestido burbuja"
Cardin fue el primer diseñador en exportar a Japón un mercado de «alta costura» cuando viajó allí en 1959.
En 1959, fue expulsado del Chambre Syndicale por el lanzamiento de una colección prêt-à-porter (listo para ponerse), para grandes almacenes (Printemps) lo cual era inapropiado para la época ya que era considerado el primer couturier (costurero) en París, pero pronto fue reintegrado. Sin embargo, se retiró de la Chambre Syndicale en 1966 y ahora muestra sus colecciones en el Espace Cardin del cual se siente orgulloso y el cual fue inaugurado 1971, en París, donde anteriormente estaba el Théâtre des Ambassadeurs, cerca de la Embajada de los Estados Unidos. El Espace Cardin también se utiliza para promocionar nuevos talentos artísticos, como grupos de teatro, músicos y otros.
Cardin ha expandido a otros mercados su marca entre los cuales se incluye un contrato con American Motors (AMC), tras el éxito de Aldo Gucci quien diseñó el interior de los vagones del Hornet Sportabout. Los automóviles AMC Javelin incorporaban en su interior diseños de Cardin resaltando la audacia y extravagancia, términos que definen exquisitamente al diseñador; estos automóviles estuvieron disponibles en 1972 y 1973. Un total de 4.152 coches recibieron un acabado interior combinando bandas chinas en varios colores creando un conjunto contra un fondo negro. Éste fue uno de los primeros autos americanos en ofrecer un paquete especial que permitía personalizar los asientos quitando los forros, idea creada por el entonces ya famoso diseñador de moda.
El Cardin Jaballins también vino con el emblema del diseñador en el frente y tenía una selección limitada de colores exteriores para coordinar con la personalización especial de los interiores.1
Su compañero diseñador, Andrè Oliver, que se unió a él en 1971 y asumió la responsabilidad de las colecciones de alta costura en 1987, murió en 1993.
Cardin fue miembro del Chambre syndicale de la Haute Couture y del Prêt à Porter y de la Maison de Haute Couture de 1953 a 1993. Al igual que otros muchos diseñadores de hoy, Cardin decidió en 1994 mostrar su colección sólo a un pequeño círculo de clientes y periodistas seleccionados.
Otros intereses[editar]
En 1981 adquirió los restaurantes Maxim's y pronto abrió sucursales en Nueva York, Londres y Pekín (1983). Actualmente posee una cadena de hoteles con el mismo nombre (Maxim). Cardin también ha obtenido la licencia de una amplia gama de productos alimenticios con ese nombre.
Durante la década de 1980 y hasta que a mediados de la década de 1990, fue el gran amigo y un miembro de una organización de la prensa del francés de música-pasillo, Circus, Danza y Artes presidido por un periodista muy conocido en Francia, Jacqueline Cartier, con autores o personalidades notables como Guy des Cars, Jean-Pierre Thiollet y Francis Fehr.
Cardin es propietario de las ruinas del castillo en Lacoste Vaucluse que en su tiempo fue habitado por el Marqués de Sade. Él ha renovado parcialmente el sitio y periódicamente organiza festivales de teatro allí.
En 2003, Cardin invitó al ballet de niños chechenos Lovzar a bailar en el espectáculo musical Tristán e Isolda, que realizó en Moscú.
En el 16 de octubre de 2009, Pierre Cardin fue nombrado Embajador de buena voluntad de la FAO,2 Organización de las Naciones Unidas para la Agricultura y la Alimentación.

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33. Kenzo Takada

Kenzo Takada

Kenzō Takada (高田賢三 Takada Kenzō?, Prefectura de Hyogo, 27 de febrero de 1939) es un diseñador de moda japonés y fundador de la marca de ropa Kenzo, una marca internacional de perfumes, ropa y productos para el cuidado de la piel. Índice [ocultar] 1 Biografía 2 Carrera 3 Referencias 4... Ver mas
Kenzō Takada (高田賢三 Takada Kenzō?, Prefectura de Hyogo, 27 de febrero de 1939) es un diseñador de moda japonés y fundador de la marca de ropa Kenzo, una marca internacional de perfumes, ropa y productos para el cuidado de la piel.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Carrera
3 Referencias
4 Enlaces externos
Biografía[editar]
Kenzo desarrolló su amor por la moda desde temprana edad, particularmente leyendo las revistas de sus hermanas. Asistió brevemente A la Universidad de Kobe, donde se sintió aburrido y eventualmente se retiró, en contra del deseo de sus padres. En 1958, ingresa a la academia de moda Tokio's Bunka Fashion College, la cual recientemente había abierto sus puertas a estudiantes masculinos.
Luego de recibir su diploma, se radica en París en 1964. Trataba de ganarse un lugar en el mundo de la moda asistiendo a eventos, haciendo contantos con los medios y vendiendo bocetos.
Carrera[editar]
Los primeros diseños de Kenzo nacieron de telas del mercado de pulgas porque era lo único que podía costear. Como resultado, Kenzo tuvo que mezclar muchas telas de diseños audaces juntas para formar una prenda.
El éxito de Kenzo se dio en 1970: durante este año presentó su primer show en Vivienne Gallery; abrió su primer tienda, "Jungle jap"; y una de sus modelos apareció en la portada de ELLE. Su colección se presentó en Nueva York en 1971. Al año siguiente ganó el premio Fashion Editor Club of Japan. Kenzo probó su capacidad para las apariciones dramáticas cuando en 1978 y 1971 realizaba sus shows en una tienda de circo y los finalizaba con mujeres a caballo vistiendo uniformes con transparencias y a él mismo sobre un elefante.
Su primera colección para hombres se realizó en 1983. En 1988, comenzó su línea de perfumes femeninos con Kenzo de Kenzo (conocido como Ça Sent Beau, Se siente bien), Aroma de verano (Parfum d'été), El mundo es bello (Le monde est beau) y El agua (L'eau) de Kenzo.
En 1991 lanzó su primer perfume para hombres Kenzo pour Homme. FlowerbyKenzo es lanzado en el 2000 y se ha convertido en la fragancia insignia para la marca de perfumes Kenzo. En 2001, lanza KenzoKI, una línea de productos para el cuidado de la piel.
Desde 1993 la marca Kenzo pertenece a LVMH, una compañía francesa de artículos de lujo.1
Kenzo Takada anunció su retiro en 1999, dejando a cargo de su imperio de moda a su asistenta. En 2005, reapareció como diseñador de decoraciones presentando Gokan Kobo (taller de los cinco sentidos), una marca de vajilla, objetos del hogar y muebles.

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34. Vera Wang

Vera Wang

Vera Ellen Wang (Nueva York, Estados Unidos; 27 de junio de 1949) es una diseñadora de moda estadounidense. Adquirió reconocimiento mundial por su colección de vestidos de novia.1 Vera Wang fue criada por una adinerada familia de origen chino,2 acudió a la escuela privada de niñas Chapin3 en... Ver mas
Vera Ellen Wang (Nueva York, Estados Unidos; 27 de junio de 1949) es una diseñadora de moda estadounidense. Adquirió reconocimiento mundial por su colección de vestidos de novia.1
Vera Wang fue criada por una adinerada familia de origen chino,2 acudió a la escuela privada de niñas Chapin3 en Manhattan y posteriormente a La Sorbona4 en Francia. En la Facultad de Bellas Artes Sarah Lawrence College recibió la licenciatura en Historia del Arte. Su madre a menudo la llevaba a desfiles de modas en París. Su padre inició y se hizo propietario de una empresa química.
En el año 1968, Vera compitió en campeonatos de patinaje artístico en Estados Unidos, incluso apareció en la sección "Rostros en la Multitud" de la edición de ese año de la revista Sports Illustrated. Cuando no consiguió entrar al equipo olímpico de Estados Unidos, ella ingresó a la industria de la moda.
Wang fue la editora de la revista de modas Vogue durante 16 años. En 1985, ella se retiró de Vogue luego de ser rechazada para el puesto de editora jefe. Vera se unió a la marca Ralph Lauren como directora de diseño por dos años. En 1990, ella instaló su propio taller de diseño en el Carlyle Hotel de Nueva York. Vera Wang ha diseñado trajes para patinadoras artísticas, incluyendo Nancy Kerrigan y Michelle Kwan. También diseñó los trajes de novia de importantes celebridades: Mariah Carey, Jennifer Lopez, Jessica Simpson, Avril Lavigne, Victoria Beckham, Jennifer Garner, Sharon Stone, Uma Thurman, Sophia Bush, Chelsea Victoria Clinton, Hilary Duff , Holly Hunter , Khloé Kardashian y Kim Kardashian entre otras. Un atuendo que diseñó para la serie de televisión Buffy la cazavampiros apareció en el episodio "The Prom". Sarah Michelle Gellar, la actriz que interpretaba a Buffy, también usó uno de sus vestidos de novia para su boda con el actor Freddie Prinze, Jr.
Vera además fue la encargada de diseñar los uniformes de dos piezas usados por las cheerleaders del equipo de fútbol americano Philadelphia Eagles.
Wang ha expandido su marca a la industria de fragancias, joyería, anteojos, zapatos y utensilios de cocina. También escribió el libro "Vera Wang on Weddings"1 que fue lanzado al mercado en octubre de 2001. En el año 2002, Vera Wang comenzó a entrar al mercado de la moda casera. En junio de 2005, fue nombrada como Diseñadora de Ropa Femenina del Año por el CDFA (Council of the Fashion Designers of America). El 27 de mayo de 2006, Vera fue galardonada con el premio André Leon Talley Lifetime Achievement Award del Colegio de Arte y Diseño de Savannah. El 24 de agosto de 2006, la tienda de departamentos Kohl's anunció que vendería ropa, accesorios, calzado y linos diseñados por Wang.
Wang reside actualmente en Nueva York junto a su marido, Arthur Becker, y sus dos hijas adoptivas, Cecilia (nacida en 1990) y Josephine (1993), quienes acuden también a The Chapin School. Arthur es el gerente de una empresa de servicios tecnológicos denominada Navisite. Ambos tienen una casa de descanso en Pound Ridge, New York, ciudad donde el hermano de Vera posee el club de golf Pound Ridge.
Vera apareció como jurado en la tercera temporada del reality show Project Runway en 2007, ése mismo año también participó en una campaña publicitaria de la marca Hewlett-Packard, junto a otras celebridades como el cantante Bono, el rapero Jay-Z, la supermodelo Petra Nemcova, la tenista Serena Williams y el escritor brasileño Paulo Coelho.
Sus escasas boutiques se encuentran en Nueva York, Boston, Beverly Hills y Waikiki.

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35. Pierre Balmain

Pierre Balmain

Pierre Alexandre Claudius Balmain (Saint-Jean-de-Maurienne, 18 de mayo de 1914 - París, 29 de junio de 1982) fue un diseñador de moda francés. Nació en la región francesa de Saboya y empezó a estudiar arquitectura en la Escuela de Bellas Artes de París en 1933, pero ya al año siguiente abandonó... Ver mas
Pierre Alexandre Claudius Balmain (Saint-Jean-de-Maurienne, 18 de mayo de 1914 - París, 29 de junio de 1982) fue un diseñador de moda francés.
Nació en la región francesa de Saboya y empezó a estudiar arquitectura en la Escuela de Bellas Artes de París en 1933, pero ya al año siguiente abandonó la escuela para empezar en el taller de modas de Molyneux, donde estaría hasta 1939. Posteriormente pasó dos años en Lucien Lelong, donde conoció a Dior.
En 1945, presenta su primera colección en París caracterizada por faldas acampanadas largas y de cintura estrecha, y la poeta Gertrude Stein, que se encontraba entre el público, escribiría en la revista Vogue que los diseños de Balmain constituirían «el nuevo look francés». Así es, ya que en 1947 se ponen de moda como parte del New Look de Dior.
En 1946 aparece su primer perfume, Ely 64-83, dedicado a su madre.
En 1951 abre una filial de su firma en Nueva York y en esa década pone de moda la estola para día y noche, y sus chales y capas de estilo cosaco marcan tendencias. Conocido por su sofisticación y elegancia, es el creador del estilo Jolie Madame, aunque siempre estuvo inspirado en el ideal de la belleza clásica. Es considerado uno de los grandes mitos de la moda del siglo XX y su casa se consolidó como una de las más importantes de la alta costura en la época de la posguerra. Fue el favorito de grandes estrellas como Brigitte Bardot, Marlene Dietrich y Sofía Loren. También tuvo como clienta a la primera dama de Nicaragua Hope Portocarrero.
Su autobiografía, titulada Mis años y épocas, se publica en 1964. Una de sus frases más conocidas dice: «La creación de moda es la arquitectura del movimiento».

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36. Perry Ellis

Perry Ellis

Perry Ellis (3 de marzo, 1940 – 30 de mayo, 1986) fue un diseñador estadounidense, quien creó una tienda de ropa casual a mediados de los '70. Biografía[editar] Perry Ellis, de Virginia, comenzó su carrera profesional como vendedor al por menor de grandes almacenes. Después, se trasladó a... Ver mas
Perry Ellis (3 de marzo, 1940 – 30 de mayo, 1986) fue un diseñador estadounidense, quien creó una tienda de ropa casual a mediados de los '70.
Biografía[editar]
Perry Ellis, de Virginia, comenzó su carrera profesional como vendedor al por menor de grandes almacenes. Después, se trasladó a Nueva York, donde continuó trabajando de una forma muy activa. Después de trabajar como Director de Diseño para una firma conocida, dieron a Perry la oportunidad de crear su propia empresa, a la que él llamó Portfolio. Rápidamente ganó una gran reputación por ideas frescas, innovadoras creando ropa sofisticada y elegante.
En 1978 su éxito le permitió hacerse jefe de su propia Colección de mujer. Con su equipo de talentosos diseñadores, produjo ropa individual y los accesorios que cambiaron el modo ver norteamericano. Sus diseños extraordinarios fueron admirados por personalidades de clases altas, y la prensa de moda. Hacia 1980, sintió que su sensibilidad de diseño también sería vista con buenos ojos por la gente. Se hizo conocido por sus clásicos no-tradicionales, modernos, y fue alabado por crear coherentemente prendas innovadoras.
Al comienzo de la década de los años 80, la salud de Ellis comenzó a deteriorarse hasta que el 30 de mayo de 1986 murió en Nueva York (Estados Unidos). Oficialmente se dijo que su fallecimiento se produjo a causa de una encefalitis viral, pero hubo muchos rumores que decían que Ellis tenía sida.

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37. Vivienne Westwood

Vivienne Westwood

Vivienne Isabel Swire (Derbyshire, Inglaterra, 8 de abril de 1941), conocida como Vivienne Westwood, es una diseñadora de moda británica considerada como la principal responsable de la estética asociada con el punk y el New Wave. Westwood, como compañera de Malcolm McLaren y dueña de la... Ver mas
Vivienne Isabel Swire (Derbyshire, Inglaterra, 8 de abril de 1941), conocida como Vivienne Westwood, es una diseñadora de moda británica considerada como la principal responsable de la estética asociada con el punk y el New Wave.
Westwood, como compañera de Malcolm McLaren y dueña de la boutique SEX, estuvo directamente involucrada con la banda Sex Pistols y el surgimiento del movimiento punk en el Reino Unido.
Biografía[editar]
Durante su adolescencia Westwood estudió en el Harrow School of Art y el Trent Park College y dio clases en una escuela primaria del norte de Londres. Con el tiempo, se casó con Derek Westwood y tuvo un hijo, Ben, perdurando el matrimonio hasta que Vivienne conoció a Malcolm McLaren, futuro mánager de los Sex Pistols. La pareja tuvo un hijo, Joseph, e inauguró en 1971 el local de ropa Let it Rock (luego renombrado SEX) donde la diseñadora comenzó a exhibir sus diseños extravagantes.
La estética punk comenzó luego del primer recital de los Sex Pistols donde la banda usó diseños de la pareja que incluían, o incluyeron luego, elementos fetichistas, alfileres de gancho (tomados de la estética de Richard Hell, una personalidad importante en la escena punk neoyorquina), cadenas, navajas de afeitar y el característico cabello en punta, entre otros. La inclusión de elementos del diseño tradicional británico contribuyó a formar la imagen chocante, polémica y antisocial del punk. Vivienne Westwood UK

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38. Diane von Fürstenberg

Diane von Fürstenberg

Diane von Fürstenberg (nacida como Diane Simone Michelle Halfin el 31 de diciembre de 1946 (69 años), en Bruselas, Bélgica) es una diseñadora de moda comúnmente conocida por sus famosos vestidos de corte cruzado (wrap dress). Índice [ocultar] 1 Nacimiento y educación 2 Matrimonios 3... Ver mas
Diane von Fürstenberg (nacida como Diane Simone Michelle Halfin el 31 de diciembre de 1946 (69 años), en Bruselas, Bélgica) es una diseñadora de moda comúnmente conocida por sus famosos vestidos de corte cruzado (wrap dress).
Índice [ocultar]
1 Nacimiento y educación
2 Matrimonios
3 Carrera
4 Referencias
5 Enlaces externos
Nacimiento y educación[editar]
Diane Simone Michelle Halfin nació en el seno de una familia de clase media-alta judía en Bruselas. Su padre, Leon Halfin, de nacionalidad rusa, pasó la Segunda Guerra Mundial en Suiza y su madre Liliane Nahmias, de nacionalidad griega, fue una superviviente del holocausto y una figura fundamental en la educación de Diane. A los 12 años fue enviada a una escuela-residencia, posteriormente a los 15 ingresó en el colegio Oxfordshire. En el año 1965 viajó a Madrid para estudiar español. De vuelta en Suiza comenzó sus estudios de Economía en la Universidad de Ginebra en Suiza.
Matrimonios[editar]
Fue en la universidad, a la edad de 18 años, donde conoció al Principe Egon de Fürstenberg, hijo mayor de un Príncipe alemán y su primera esposa, heredera de la fortuna automovilística Fiat. La pareja finalmente se casó en 1969. Tres años después se divorciaron. Durante ese tiempo tuvieron dos hijos, el Príncipe Alexandre (nacido seis meses después de la boda)1 y la Princesa Tatiana, ambos nacidos en la ciudad de Nueva York. Actualmente Diane von Fürstenberg tiene tres nietos.
El matrimonio de los Fürstenberg, no muy bien visto debido a la religión de la novia, fue considerado dinástico, y Diane se convirtió oficialmente en la Princesa Diane de Fürstenberg.2 Al divorciarse Diane perdió el título.3
A principio de los años 80, von Fürstenberg mantuvo una relación sentimental con Alain Elkann, el ex-marido de Margherita Agnelli, por entonces el ex-primo de su propio ex-marido. Durante todos esos años mantuvo una relación intensa con sus hijos, Jaki, Lapo y Ginevra Elkann.
En el 2001 se casó con el magnate en comunicaciones Barry Diller, con el que ya había sido relacionada sentimentalmente desde los años 70.
En el 2002 consiguió la nacionalidad estadounidense.
Carrera[editar]
Como ya explicó una vez Fürstenberg, "El minuto en el que supe que iba a ser la mujer de Egon, decidí comenzar una carrera. Quería ser alguien con aspiraciones, y no sólo una chica cualquiera que se casa con un príncipe".1 Su intención era, entre otros aspectos, la de ganar su propio sueldo, y de mostrar su independencia como mujer trabajadora. En 1970, y con un presupuesto de 30.000 dólares, comenzó a diseñar ropa para mujer. Su propio marido también se convertiría en diseñador, comenzando su carrera años más tarde, en 1974.4
Fürstenberg y su marido fueron el fiel reflejo del glamour de los años 70: su exótico estilo de vida se alternaba con las fiestas y galas en las que asistían desde Salvador Dalí hasta los Duques de Windsor. La pareja fue portada de la revista "New York Magazine" bajo el titular: "La pareja que lo tiene todo. ¿Es acaso todo suficiente?". La pareja finalmente se divorció, de forma amistosa, en 1973.
Su popularidad comenzó a desarrollarse gracias a la creación en 1973 del vestido de corte cruzado (conocido en inglés como "wrap dress"). La creación de Fürstenberg tuvo una gran influencia en la moda femenina. Actualmente uno de esos primeros vestidos se encuentra en el Museo de Arte Metropolitano en Nueva York. Puede ser contemplado en el "Costume Institute".5 El vestido fue introducido en el mercado de la moda de forma casual, en el momento en que Fürstenberg le enseñó a la editora de Vogue, Diana Vreeland, la prenda que sería precursora del "wrap-dress". Ese mismo año fue invitada a participar en la semana de la moda de Nueva York, donde el vestido apareció por primera vez en la pasarela.
Dentro del negocio de moda de Fürstenberg, también se puede encontrar una línea de cosméticos y accesorios. En 1975 puso a la venta la fragancia "Tatiana", llamada así en honor a su hija. Además, con el objetivo de expandir su negocio registró su nombre y sus iniciales y sacó a la venta nuevos productos, como cosméticos, bolsos y gafas de sol. Al año siguiente, 1976, la cifras de venta de su vestido de marca, "wrap dress", ascendían ya a 5 millones.
En el año 1983, firmó un contrato con el grupo farmacéutico británico, Beecham Group Ltd. El éxito de la marca y la expansión de su negocio le reportó durante 4 años un puesto en el Top 10 de los mejores negocios dirigidos por mujeres en Estados Unidos.
En 1985, Fürstenberg decidió mudarse a la ciudad de París, Francia. A finales de los años 80 se dio a conocer que durante toda la década los productos la línea DVF obtuvieron un beneficio de más de mil millones de dólares. Tras cinco años en París y con su firma en pleno auge, Fürstenberg vuelve a EE.UU.
En 1993, tras la muerte del artista estadounidense Lowell Nesbitt, Fürstenberg compró su estudio y residencia en el 389 West 12th Street. La casa, antes de su reforma, solía funcionar como establo para los caballos de la policía neoyorquina, de ahí su gran extensión. El lugar se convirtió en los años 70 y 80 en un lugar de reunión, en el que además de diferentes salas se podía disfrutar de una piscina interior, un ático y grandes ventanales. Por este edificio, denominado por su antiguo dueño como "The Old Stable" (El viejo establo), pasaron celebridades y figuras del arte como Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Robert Indiana, Jasper Johns, Robert Motherwell, Larry Rivers y James Rosenquist.
Diane studio.jpg
El edificio fue utilizado por Fürstenberg como estudio de trabajo y residencia hasta que a principios del año 2000 fue demolido. Posteriormente se construyó un edificio más moderno y de mayor altura. Actualmente trabaja en el "DVF Studio" situado en el 874 de la calle Washington, en Nueva York, donde su trabajo se centra principalmente en la creación de líneas de ropa "high-end", es decir, de precios elevados y en venta tan solo en lugares selectos como Bergdorf Goodman, Nordstrom, Saks Fifth Avenue, y Neiman Marcus.
En 1997, volvió al mercado de la moda de forma más activa, poniendo a la venta su línea de alta costura. Publicó sus memorias, "Diane: A Signature Life" (Simon & Schuster; 1998).
En 2005, la CFDA (Council of Fashion Designers of America) otorgó con su galardón a Fürstenberg en reconocimiento a todos los logros en su carrera como diseñadora. Al año siguiente, en el 2006, fue nombrada presidenta de la CFDA.6 Otros proyectos realizados durante este mismo año fueron la creación de un diseño de teléfono móvil para la marca T-Mobile,7 y la aparición como jurado en varios episodios del programa estadounidense Project Runway.
Tanto en su trabajo como en su vida personal, utiliza en su apellido "von" en vez de "zu", menos como fuera de Europa. Otro detalle anecdótico sobre su apellido es que normalmente en campañas publicitarias y logotipos suele aparecer sin diéresis, a pesar de que en el comienzo de su carrera (hasta los años 90) siempre estuvo incluida.

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39. Kenneth Cole

Kenneth Cole

Kenneth D. Cole (nacida el 23 de marzo 1954) es un estadounidense diseñadora de ropa. Contenido [hide] 1 Primeros años y educación 2 El nacimiento de una empresa de calzado 3 Apoyo a las causas sociales progresistas 4 premios 5 Controversia 6 Vida personal 7 Libros 8 Referencias 9... Ver mas
Kenneth D. Cole (nacida el 23 de marzo 1954) es un estadounidense diseñadora de ropa.
Contenido [hide]
1 Primeros años y educación
2 El nacimiento de una empresa de calzado
3 Apoyo a las causas sociales progresistas
4 premios
5 Controversia
6 Vida personal
7 Libros
8 Referencias
9 Bibliografía
Primeros años y educación [editar]
Nacido en una judía de la familia [2] [3], en Brooklyn, Nueva York, su padre, Charles Cole, era dueño de la empresa de fabricación de calzado de El Greco. Cole se graduó de John L. Miller Great Neck North High School en 1972. Antes de aprender el negocio familiar y comenzar su propia compañía en 1982, Cole se graduó de Emory Facultad de Artes y Ciencias de la Universidad de Emory en 1976. [4] [5]
Nacimiento de una empresa de calzado [editar]
Kenneth Cole Productions, Inc. es una casa de moda estadounidense fundada en 1982 por Kenneth Cole. Querer una vista previa de su línea de zapatos en la Semana de mercado en el New York Hilton, pero no pueden permitirse la compra de una habitación de hotel o sala de exposición para mostrar sus artículos, Kenneth Cole preguntó por aparcar un remolque a dos cuadras del Hotel Hilton. Al descubrir que los permisos para los remolques solamente se conceden a las empresas de servicios y de producción, Cole cambió el nombre de su compañía de Kenneth Cole Incorporated para Kenneth Cole Productions, y solicitó un permiso para filmar el largometraje, "El nacimiento de un zapato Compañía". En dos días y medio, Kenneth Cole Productions vendió cuarenta mil pares de zapatos, mientras que la crónica de comienzo de la compañía en la película. [5]
En 1994, Kenneth Cole salió a bolsa, y se ha incluido en Forbes lista anual de las 200 Mejores Pequeñas Empresas cuatro veces. [6]
Kenneth Cole diseña calzado para hombres y mujeres, Ropa de hombres y mujeres de, y accesorios bajo la Línea de Reacción Kenneth Cole. [5] En general, Kenneth Cole Productions vende ropa y accesorios en las siguientes líneas: Kenneth Cole New York, Kenneth Cole Reaction, y No estante en la lista. Ahora, la compañía opera más de 90 tiendas al por menor y de salida en todo el mundo, y vende en los catálogos y sitios web. El propio Cole controla casi la totalidad de los derechos de voto y es propietaria de 45% de la compañía. [7]
Apoyo a causas sociales progresistas [editar]
Desde 1985, Kenneth Cole ha participado abiertamente en apoyar públicamente la conciencia y la investigación del SIDA. Se le considera el primer lugar en la industria de la moda para hacerlo. [6] Se utiliza la moda como un medio para promover anuncios con conciencia social para ayudar a combatir diversas causas del SIDA a las personas sin hogar. Él ha donado fondos a organizaciones como Mentoring EE.UU., amfAR y Rock the Vote. [6]
En 2001, la Fundación Kenneth Cole, en asociación con el alma mater de Cole, de la Universidad de Emory, creó La Kenneth Cole becarios en el Programa de Cambio Social Construcción de la Comunidad y en la Universidad de Emory. [4]
Publicidad conciencia social de Kenneth Cole para las causas que él campeones pueden ser algo polémico, pero siempre tienen el propósito de fomentar el cambio. Un ejemplo de ello fue su campaña por el Día Mundial del SIDA en 2005. Él diseñó las camisetas de la campaña que se vende en las tiendas como Barneys New York, Scoop, y Louis Boston. Los mensajes en las camisetas declarado bien, "todos tenemos el SIDA" o "Tengo SIDA." Cole creó las camisas con la esperanza de que las personas con o sin el SIDA sería llevar las camisas, para ayudar a disminuir el estigma asociado a la enfermedad. Cole dijo: "Hay una leyenda del rey danés, Christian X, que, durante la Segunda Guerra Mundial, cuando Hitler insistió todos Judios desgaste públicamente una estrella de David amarilla, usaría el propio estrella, por lo tanto, lo que hace difícil distinguir quién era judía. Esto es algo así como que, es de esperar ". [8]
En agosto de 2006, se anunció que Kenneth Cole Productions dejaría de vender la piel en todas sus prendas para el Fashion Season Fall 2007. [9]
En octubre de 2007, protagonizó invitado Cole en el Ugly Betty Espere Problema episodio de Betty. [10] [11]
En el verano de 2007, Kenneth Cole Productions también comenzó su campaña "Awearness", que producirá una línea de camisetas para beneficiar a las organizaciones benéficas que la empresa apoya, y lo recaudado se destinará al Fondo Awearness. [12] La campaña es más promovida por un libro "Awearness: Historias inspiradoras sobre cómo hacer la diferencia". con las celebridades que asisten a diversas causas [13]
El 01 de mayo 2009 Kenneth Cole entregado Northeastern University discurso 's en la ceremonia de graduación. [14]
Premios [editar]
En 1998, la revista People votó Cole como "El hombre de negocios más sexy del año." [6]
El 14 de mayo de 2009, la Sociedad de Ayuda Legal de la Ciudad de Nueva York honrado Kenneth Cole con su primer Premio Corporativo Theodore Roosevelt en el Waldorf Astoria durante su Siervo de Cena Premio Justicia. Las ganancias irán a beneficio de la lucha a los neoyorquinos que viven en la pobreza. [1]
En noviembre de 2011, Cole fue honrado por el Paseo de la Fama y un recorrido decker bus doble fue dedicada a él en la ciudad de Nueva York. [15]
Controversia [editar]
El 3 de febrero de 2011, Kenneth Cole ha publicado una actualización en el sitio web de microblogging Twitter que hace referencia a las 2011 protestas egipcias. El tweet, lo que indica que el propio Cole escribió la entrada, dijo: "Millones están en alboroto en #Cairo El rumor es que escucharon nuestra nueva colección de primavera ya está disponible en línea en (dirección web) -Kč.". [16] Después de la indignación y la mucho la parodia en el sitio de microblogging y en la web en general, Cole suprime la entrada y registró una disculpa personal en Facebook. [17]
En abril de 2012, el diseñador comenzó una campaña que incluyó un ataque a maestros de escuelas públicas y sus sindicatos que retratan el debate nacional sobre la educación como uno que enfrenta a los "Derechos de los Estudiantes vs Profesores Derechos." [18] En el sur que entra West Side Highway Ciudad de Nueva York, una cartelera hizo juegos de palabras a los viajeros hacia el sur, "? ¿No debería Todos Be Well Red" [19] En Salon, David Sirota escribió:
"La campaña de Cole es propaganda ideológica apenas velado, y viene con múltiples problemas, no menos importante de los cuales es el simple hecho de que casi nadie cree" maestros de bajo rendimiento "debe ser protegida. Eso incluye a los sindicatos más grandes maestros de la nación ', que han sido abiertamente Al respaldar reformas "rendición de cuentas" para los profesores titulares. Así que la derecha del palo, Cole está construyendo un hombre de paja, que ha servido durante años para pretender que los sindicatos de empleados públicos en general y de los sindicatos de docentes en concreto son de nada más que hacer seguro malos empleados se quedan con sus puestos de trabajo. "[20]
En respuesta a la protesta negativa, la compañía anunció en Twitter: "Nosotros desvirtuado la cuestión y uno demasiado complejo para un cartel y están tomando hacia abajo." [21]
Vida personal [editar]
En 1986, Cole conoció a María Cuomo, y se casaron un año después. María Cuomo Cole es la hija del ex gobernador de Nueva York Mario Cuomo y hermana del Gobernador del Estado de Nueva York, Andrew Cuomo, y CNN periodista Chris Cuomo. [6] Una de sus hijas, Amanda, fue sede de la Mets Clubhouse los niños para SportsNet Nueva York a la red de televisión por cable . [22]
Kenneth Cole y su esposa María Cuomo Cole comprar una cooperativa $ 14.5 millones en el 2008 en Sutton Place en Nueva York. En un momento, el diseñador de moda Bill Blass vivió en este mismo edificio. [23]
Libros [editar]
Cole, Kenneth, Awearness: Historias inspiradoras sobre Cómo hacer la diferencia, Nueva York:. DK Melcher Medios (3 de noviembre de 2008) ISBN 978-1595910462
Referencias [editar]
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