Versión impresa

DIRECTORES DE CINE EUROPEOS

DIRECTORES DE CINE EUROPEOS

  • Lista creada por irenegm.
  • Publicada el 28.05.2014 a las 21:02h.
  • Clasificada en la categoría Cine.
  • La lista SI admite nuevos comentarios.
  • La lista SI admite que sus elementos sean votados.
  • La lista NO admite que otros usuarios añadan nuevos elementos.

Avatar de irenegm

Último acceso 10:57h

Perfil de irenegm

  • Las estadísticas del usuario se mostrarán en los próximos días.

Ver el perfil de irenegm

Acciones de la lista

Estos son los elementos de la lista. ¡Vota a tus favoritos!

ALFRED HITCHCOCK

1. ALFRED HITCHCOCK

Primeros años[editar] Alfred Hitchcock nació el 13 de agosto de 1899 en Leytonstone, un barrio ubicado en el municipio londinense de Waltham Forest, cercano a la capital de Gran Bretaña. Fue el tercer y último hijo del matrimonio de William Hitchcock (1862-1914) y Ellen Kathleen (1863-1942... Ver mas
Primeros años[editar]
Alfred Hitchcock nació el 13 de agosto de 1899 en Leytonstone, un barrio ubicado en el municipio londinense de Waltham Forest, cercano a la capital de Gran Bretaña. Fue el tercer y último hijo del matrimonio de William Hitchcock (1862-1914) y Ellen Kathleen (1863-1942), dos comerciantes de clase media de rigurosa educación católica.10

Su estricta educación hizo que el pequeño Alfred fuera un niño tímido y apocado, elementos de su personalidad que lo acompañarían durante toda su vida. En 1906, la familia debió trasladarse desde Leytonstone a Stepney, en donde Hitchcock concurre al colegio jesuita de San Ignacio; sin embargo, debido a la muerte de su padre tuvo que abandonar el colegio en 1915 para comenzar a trabajar en la Compañía telegráfica Henley. Hitchcock siempre fue un ávido admirador de Charles Dickens y Edgar Allan Poe y un amante del cine, especialmente tras haber visto El nacimiento de una nación de David Wark Griffith.

Entrada en el mundo del cine[editar]
En 1920 se dedicaba a hacer los rótulos de varias películas de cine mudo en la Famous Players Lasky. Este trabajo ocasional provocó que, poco a poco, el joven Hitchcock comenzara a apasionarse por el mundo del cine. Es así como empezó a trabajar como montador, director artístico y guionista en películas de directores como Donald Crisp y Hugh Ford. En la Famous Players Lasky conoció a Alma Reville, que trabajaba como montadora, y con la que se casaría en 1926. Alma fue ayudante de dirección y guionista de varias películas de su marido.

En el lado profesional, Hitchcock estuvo tres años trabajando como ayudante de dirección de Graham Cutts. En 1923, se le encargó el rodaje del corto Number 13 aunque la producción se detuvo y la película quedó inacabada. De todas maneras, la posibilidad de acabar un largometraje apareció poco después, ya que dirigió en Múnich, en 1925, su primera película completamente acabada: El jardín de la alegría, una coproducción germano-británica que se haría muy popular. Poco después, el realizador londinense dirigió la primera película de cine sonoro de Inglaterra: Blackmail, en 1929. Durante el rodaje, recibió la visita sorpresiva de Isabel Bowes-Lyon, duquesa de York, quien sería la madre de la actual monarca.

British International[editar]
Hitchcock, descontento de los guiones que le proponen, deja Gainsborough Pictures para firmar un contrato con la British International Pictures (BIP).11 La primera película realizada para la compañía, El ring (1927), una historia de triángulo amoroso sobre fondo de boxeo, encuentra los favores del público. Sigue una comedia romántica, The Farmer's Wife (La esposa del granjero) (1928), en el rodaje, Hitchcock tiene que reemplazar el director de fotografía, Jack Cox, enfermo. El año siguiente, Hitchcock, que entonces vive con su esposa - y pronto con la pequeña Patricia - al 153 de Cromwell Road, un chalet en las afueras al oeste de Londres, dirige sus últimas películas mudas: Champagne (1928) y The Manxman (1929).

Las primeras películas sonoras[editar]
Chantaje: del mudo al sonoro[editar]
Hitchcock sabe que sus últimas películas no están a la altura de las esperanzas dejadas por The Lodger. A pesar de un gran dominio técnico, a las ideas les falta genialidad. En 1929, el director rueda su décimo largometraje, Blackmail (Chantaje / La muchacha de Londres), que adapta de una obra de Charles Bennett, que se convertirá desde El hombre que sabía demasiado (1934) hasta Enviado especial (1940), en uno de los guionistas habituales de Hitchcock, y que tendrá una influencia determinante sobre la orientación de la obra hitchcockiana.

Aunque la película no está aún terminada, la BIP, entusiasmada por la idea de utilizar la revolución técnica que constituye entonces la llegada del cine sonoro, decide hacer de Blackmail una de las primeras películas sonoras nunca producidas en Gran Bretaña. Hitchcock se sirve del sonido como de un elemento particular de la película, sobre todo en una escena donde se pone en evidencia la palabra «knife» («cuchillo»), en una conversación a la que asiste el heroína. Culminando con una escena que tiene lugar en la cúpula del British Museum, Blackmail es también la primera película en la que Hitchcock utiliza como decorado de una escena de suspense un lugar famoso.Nota 1 Durante el rodaje recibió la visita de la Duquesa de York Isabel Bowes-Lyon, futura madre de la reina Isabel II del Reino Unido. Al estreno, la película tiene un éxito fenomenal, tanto de público como de crítica. La prensa está encantada por la confrontación entre el deber y el amor y, más exactamente, del amor opuesto al deber. En aquella época, Hitchcock funda, con Baker, un agregado de prensa, la Hitchcock-Baker Ltd., Una pequeña estructura consagrada a su autopromoción.12

En esa época, Hitchcock dirige igualmente secuencias de Elstree Calling (1930), una revista musical filmada, producida por la BIP, así como un cortometraje, An Elastic Affair (1930) que tiene como protagonistas a dos premiados en la Film Weekly. Hitchcock también habría participado, modestamente, en otra revista musical de la BIP, Harmony Heaven (1929), aunque su nombre no aparezca en los créditos. Hitchcock dirige a continuación Juno and the Paycock (1930), adaptado sin gran brillo, sin duda demasiado fielmente, de una obra del irlandés Sean O'Casey; se trata verosímilmente de un reflejo de la voluntad de explotar la novedad de la llegada del sonoro. Rueda después, de 1930 a 1934, Murder! (Asesinato) del cual realizará también una versión con actores alemanes, distribuida con el título Mary - The Skin Game (Juego sucio), Rich and Strange (Ricos y extraños / Lo mejor es lo malo conocido), Number Seventeen (Número diecisiete), así como una película musical, Waltz from Vienna (Valses de Viena).

Michael Balcon: Gaumont British[editar]
En 1933, Hitchcock es contratado nuevamente por Balcon para la Gaumont British Picture Corporation.13 Su primera película para la compañía ( The Man Who Knew Too Much, 1934), es un éxito. Hitchcock rodará él mismo un remake en Estados Unidos. En cuanto a la segunda, (Los treinta y nueve escalones, 1935), que servirá más tarde de modelo a Inocencia y juventud, Enviado especial , Sabotage y Con la muerte en los talones, es normalmente citada como una de las mejores películas del comienzo de la carrera del realizador. Las dos cintas tienen en común a Charles Bennett como guionista principal.

Los treinta y nueve escalones es la primera película en la que Hitchcock recurre a un «MacGuffin», término que designa un elemento de la intriga en torno al cual parece girar toda la historia, pero que no tiene en realidad ninguna relación con el significado de la misma o la manera como se acaba. A Los treinta y nueve escalones,14 el «MacGuffin» es en este caso escondido en una serie de planos que parecen haber sido eludidos.

La siguiente película del realizador, Sabotage en 1936, es la adaptación muy libre, por Charles Bennett y Alma Reville, la esposa de Hitchcock, de una novela de Joseph Conrad. En 1937, Alfred Hitchcock, acompañado de su mujer Alma y de su ayudante Juan Harrison, hace un primer viaje a Hollywood, en Estados Unidos.15

Gainsborough, sin M. Balcon[editar]


Estatua de la cabeza de Alfred Hitchcock, en el antiguo lugar donde se encontraban los estudios Gainsborough.
Con Sabotage termina de manera abrupta la segunda fase de fructífera colaboración con Michael Balcon, en el momento en que los propietarios de la Gaumont British cerraron definitivamente el negocio. Entonces Hitchcock rodará sus dos películas siguientes de nuevo por la Gainsborough Pictures, pero sin su antiguo promotor. Inocencia y juventud (1937) constituye una variación sobre el tema de la inocente injustamente perseguido, con un tono de comedia más pronunciado. El director conoce otro éxito importante en 1938 con The Lady Vanishes,16 una película espiritual y de fuerte ritmo en la que el tema es la desaparición de Miss Froyo, simpática vieja inglesa (May Whitty), mientras viaja en un tren en un país ficticio llamado Vandrika, una alusión apenas velada a la Alemania nazi.17 Aunque trata de un viaje, el rodaje tiene lugar exclusivamente en un pequeño estudio londinense, y tiene el recurso, para dar la ilusión de desorientación, de maquetas y proyecciones en segundo plano de los personajes.

En esta época Hitchcock hizo una reflexión poco halagadora, refiriéndose a los actores, y asimilándolos al «ganado».18 La frase acompañaría entonces a Hitchcock durante años. Y hacia finales de los años 1930, sin embargo, el realizador goza de una cierta reputación con el público americano, está entonces en Gran Bretaña, en la cumbre de su arte.

Así, David O. Selznick le propone ir a trabajar a Hollywood. Hitchcock acepta y, a partir de ese momento, rodará casi todas sus películas en los Estados Unidos. El 14 de julio de 1938 firma un contrato de 40 000 dólares por película. En 1939, rueda -provisionalmente- una última película en Gran Bretaña, Jamaica Inn, un melodrama histórico. El 6 de marzo de 1939, él y su familia llegan a Nueva York y luego se instalan en Los Ángeles.

Hollywood llama a Hitchcock[editar]


Alfred Hitchcock en 1956.
Comienzos con David O. Selznick[editar]
El 22 de agosto de 1937 visitó con su familia Nueva York para entrevistarse con David O. Selznick, productor de Lo que el viento se llevó, quien lo contrató el 14 de julio de 1938. Las condiciones del productor convencieron a Hitchcock y se trasladó junto a su familia a Estados Unidos en 1939. Rápidamente, Hitchcock quedará impresionado por los superiores recursos de que disponían los estudios americanos, en comparación con las restricciones financieras con las que se había encontrado a menudo en Inglaterra. En septiembre de 1940, los Hitchcock compran Cornwall, un rancho de 200 acres (0,81 km ²) situado cerca de la pequeña ciudad de Scotts Valley, en las Montañas Santa Cruz, en el norte de California. El rancho seguirá siendo su residencia principal hasta su muerte, a pesar de que conservarán su casa de Bel Air.



El productor David O. Selznick.
Las condiciones de trabajo con Selznick no serán óptimas. Normalmente, el productor se encontraba en dificultades financieras y a menudo, Hitchcock estará descontento con el control ejercitado por Selznick sobre sus películas. Selznick «alabará» a Hitchcock a los grandes estudios (RKO, Universal, 20th Century Fox) antes de que producir él mismo las películas del director. Además, Selznick, como Samuel Goldwyn, su colega productor independiente, sólo hacía algunas películas cada año, de modo que no tenía siempre proyectos para proponer a Hitchcock. Goldwyn había negociado también con el realizador para un contrato potencial, pero Selznick había subido y se lo había llevado. Más tarde, en una entrevista, Hitchcock resumirá así su colaboración:

«[Selznick] era el gran Productor. [...] El productor era el rey. La cosa más halagadora que Mr. Selznick nunca haya dicho de mí -y esto muestra el grado de control- ... dijo que era el único director al que confiaría una película.»
Nota 2

Rebeca[editar]
El primer trabajo que Selznick encargó a Hitchcock fue la adaptación de la novela de Daphne du Maurier Rebeca (1940).



Mrs. Danvers (Judith Anderson), la criada desagradable, y la joven Mrs. De Winter (Joan Fontaine), en Rebecca (1940)
Este melodrama gótico explora los miedos de una ilusionada y joven esposa (Joan Fontaine), que se traslada a Gran Bretaña y debe luchar con un marido distante (Sir Laurence Olivier), un ama de llaves demasiado posesiva (Judith Anderson) y la memoria de la fallecida primera esposa de su marido: la bella y misteriosa Rebeca. El film obtuvo once nominaciones al premio Oscar. Pero John Ford se llevó ese año el premio al mejor director por Las uvas de la ira, arrebatándoselo al británico, que jamás ganaría una estatuilla, salvo el premio en memoria de Irving Thalberg, de carácter honorífico. Aparte de esto, empezaron a surgir los primeros problemas entre Selznick y Hitchcock. Y es que el director británico no podía soportar las restricciones fílmicas y artísticas del productor.

Tras numerosas revisiones del guión, el rodaje de la película arranca el 8 de septiembre de 1939, cinco días después de la declaración de guerra de Inglaterra a Alemania y la vigilia del preestreno de Lo que el viento se llevó. A Hitchcock le gusta trabajar solo, sin interferencias. Con Selznick, debe justificar su elección y tomar en consideración las ideas y las observaciones del productor.19 En el curso de la producción, surgen tensiones entre Hitchcock y Selznick en cuanto a la fidelidad de la obra literaria adaptada, la elección y la dirección de los actores, y la importancia del montaje.20 En relación con el primer punto, por ejemplo, Selznick, que desde hace tres años trabaja con Lo que el viento se llevó -la película Película que lo hará famoso-, amante de la literatura, desea que las escenas y los diálogos enteros de Rebecca sean fielmente reproducidos en la pantalla.19 Su enfoque es totalmente opuesto al de de Hitchcock.19 Se queja por otra parte sobre el «maldito rompecabezas» 21 de Hitchcock, que muestra que, finalmente, no es él, el productor, quien tendrá la última palabra para crear una película a su manera, sino que es obligado a seguir la visión de Hitchcock en relación con lo que debe parecerse al producto terminado.22

Rebeca, cuento gótico, explora los miedos de una ingenua joven casada (la actriz Joan Fontaine) que se instala en una gran casa de campo inglés, y debe luchar con un marido distante (Laurence Olivier), una ama de llaves demasiado posesiva (Judith Anderson) y la memoria de la primera esposa muerta de su marido: la bella y misteriosa Rebecca. En esta película, el realizador recurre a procedimientos que serán característicos de sus obras posteriores más consumadas: un ritmo lento, una historia contada según el punto de vista de un único personaje, la introducción al recorrido de un elemento que cambia totalmente el sentido de la historia y la utilización de procedimientos visuales espectaculares reservada a los momentos claves de la intriga.23

A pesar de su duración –más de 2 horas–Nota 3 –, es un triunfo, y recibe dos Oscars de trece nominaciones: el de la Oscar a la mejor película, otorgado a Selznick,24 y el de la mejor fotografía, otorgado al director de fotografía George Barnes. Hitchcock es nominado por el Óscar al mejor director, pero será John Ford quien finalmente se llevará el premio por Las uvas de la ira, un premio que Hitchcock no llegó a ganar nunca. Hitchcock siendo con cierta amargura que el premio a la mejor película llegue a las manos de Selznick antes que a las suyas, y es sin duda el que la estimularía en su voluntad de independencia.25 Durante la realización de la película se iniciaron las desavenencias entre Selznick y Hitchcock, ya que este último no podía soportar las restricciones fílmicas y artísticas del productor.

Enviado especial[editar]


Trailer de Enviado especial.
La segunda película americana de Hitchcock volvería a estar centrada en Europa. Foreign Correspondent también fue nominada a mejor película. El film fue rodado en el primer año de la Segunda Guerra Mundial y estaba inspirada en los rápidos cambios que experimentaba Europa en esos momentos, descritos por el corresponsal de un diario norteamericano, Joel McCrea. El film mezcló decorados construidos en Hollywood con escenas de la Europa real. Conforme a la censura del Código de Producción de Hollywood, la película evitó referencias directas a Alemania y a los alemanes.26

Hitchcock, como muy ingleses que viven en los Estados Unidos, está muy inquieto por su familia y sus amigos que se han quedado en el país al comienzo de la Segunda Guerra Mundial.27 Los rinde homenaje con la película Enviado especial, (1940), producida por Walter Wanger y basada en Personal History, un libro de Vincent Sheean.19 28 la historia es la de un periodista, interpretado por Joel McCrea, enviado a Europa para analizar la eventualidad de una nueva Guerra Mundial.



Imagen promocional de Enviado especial (1940)
La película, que mezcla escenas reales rodadas en Europa y otros filmadas en Hollywood, acaba con un alegato a favor de la entrada en la guerra de los Estados Unidos, el filme mezcló decorados construidos en Hollywood con escenas de la Europa real y, sin embargo, para cumplir con el código de censura entonces en vigor en los Estados Unidos, la película evita las referencias directas a Alemania ya los alemanes.29 Enviado especial será nominada para el Óscar de la mejor película, en competición con Rebecca, que será la elegida.

RKO Pictures[editar]
A pesar de un interés moderado por los ecos de sociedad, Hitchcock y su mujer hacen amistad con Clark Gable y su esposa Carole Lombard para quien acepta dirigir una comedia romántica con Robert Montgomery: Matrimonio original (1941) 27 30 La historia es la de una pareja camorrista, interpretada por Lombard y Montgomery, que descubren que no están casados legalmente. Después de una separación, acaban reconquistando a base de discusiones. El Red Book Magazine calificará la película de la «comedia más hilarante y explosiva de 1942».

Tanto Matrimonio original como Sospecha (1941) 31 son producidas por la RKO . Las dos películas de Hitchcock salen el mismo año que Ciudadano Kane de Orson Welles, producida por la misma compañía, la música de la que es firmada por Bernard Herrmann, un compositor que sería importante para Hitchcock.

Hitchcock considerará Sospecha, adaptada de la novela Before the Fact de Anthony Berkeley Cox, la historia de la que se desarrolla en su mayor parte en Inglaterra, como su segunda película inglesa realizada en Hollywood tras Rebecca. Las escenas que representan la costa inglesa serán en realidad rodadas en la costa septentrional de Santa Cruz en California.32 El guión es coescrito por neoyorquino Samson Raphaelson, por Juan Harrison y por Alma Reville. En el reparto, se encuentra Joan Fontaine, que tiene esta vez como compañero Cary Grant (también británico de origen). Se trata para el actor de su primera aparición en una película de Hitchcock, y una de las raras películas de toda su carrera personal donde encarna a un personaje bastante siniestro.32

Grant hace el papel de un hombre que, escondiendo su ociosidad en su encanto, logra seducir a una joven de fortuna y de carácter más bien reservado (Fontaine). Se casan. Rápidamente, la joven se da cuenta de que su marido es un irresponsable y se encuentra, al hilo de una serie de eventos, sumergida en una terrible angustia. Termina sospechando que el hombre que ama es un asesino y que busca la manera de deshacerse de ella. Según el director, el miedo y la angustia forman parte de los fantasmas más corrientes del ser humano. La heroína se llega a imaginar su marido precipitando de un acantilado a su amigo y socio y, después, a sospechar que un vaso de leche es envenenado, en una escena típicamente hitchcockiana, donde se ve el personaje encarnado por Grant en la penumbra subir lentamente la escalera que lleva a la cámara de su mujer, llevando en una bandeja un vaso de una blancura asombrosa. Hitchcock explicará que, para esta secuencia, había hecho colocar una fuente luminosa directamente en el vaso.Nota 4

En un primer montaje, la película respetaba el final del libro, y el personaje de Grant se revelaba ser realmente un asesino, pero la RKO consideró que esto perjudicaría la imagen del actor. Aunque - como lo reconocerá más tarde a François Truffaut, un homicidio le habría convenido más - Hitchcock acaba aceptando dar a la historia un desenlace más feliz, aunque ambiguo.33

Por su papel en esta película, Joan Fontaine 34 gana, los veinte y cuatro años, el Oscar a la mejor actriz - el único de toda su carrera 35 -, así como el premio de la crítica de Nueva York por su «destacable actuación».31

Las primeras películas con Universal[editar]
A finales de 1941, después de haber rodado cuatro películas en dos años, Hitchcock se lanza a su producción más personal y audaz hasta la fecha, Saboteur (Sabotaje),36 que recuerda Los treinta y nueve escalones y anuncia ya Con la muerte en los talones. El 20 de agosto de 1941, fecha del final del rodaje de Sospecha, Hitchcock se pone a trabajar, hasta el mes de octubre del mismo año, con el guionista Peter Viertel; participa igualmente en el guión Dorothy Parker. Esta película marca la primera colaboración de Hitchcock con la Universal Pictures.

La intriga comienza con un obrero de la aeronáutica acusado, equivocadamente, de haber cometido un acto de sabotaje en su fábrica: un incendio que conllevó la muerte de su mejor amigo. Para probar su inocencia, comienza una carrera-persecución encarnizada a través del país en busca del verdadero saboteador. En el transcurso de su huida, conoce a una joven que, en principio desconfiada, le acabará ayudando.

Para los papeles principales, Hitchcock deseaba poder disponer de Gary Cooper y Barbara Stanwyck pero, como consecuencia del rechazo del estudio, serán contratados finalmente Robert Cummings y Priscilla Lane. El director lamentará no haber podido trabajar, al menos en cuanto al papel masculino, con un actor más conocido, con quien el público se hubiera identificado mejor.37

A menudo, se acusó al realizador de que no se interesara más por sus películas antes de comenzar el rodaje pero, en realidad, Hitchcock, estaba continuamente en busca de la perfección, estaba siempre listo para modificar cualquier elemento de su guión en función del ritmo del trabajo.38 Para Saboteur experimenta nuevas técnicas con el decorador Robert F. Boyle. Rueda también dos versiones diferentes de numerosas escenas, para tener la posibilidad de elegir en el momento del montaje. Hitchcock podía llevar una mirada crítica sobre su propio trabajo. Al final de la película, el héroe persigue a un asesino que se encuentra suspendido en la cima de la antorcha de la estatua de la Libertad.38 Según Hitchcock, se trata de un error, y hubiera sido mejor que fuera el héroe que se encontrara en esta enojosa postura: así la identificación del público con el personaje habría sido más fuerte.38 Estrenada en abril de 1942 , la película, sin embargo, tiene un gran éxito.

El 26 de septiembre de 1942 muere en Londres su madre a la edad de 79 años. Además, al año siguiente, muere también su hermano William. Preocupado por su obesidad mórbida (pesaba 135 kilos), llegó a perder 40 kilos en pocos meses.



Joseph Cotten, los créditos de La sombra de una duda (1943), como el turbador y cínico tío Charlie.
Desde el final del rodaje de Secret Agent, Margaret McDonell, jefe del departamento literario de Selznick, se pone en contacto con Hitchcock para proponerle nuevos proyectos. El realizador elige Tío Charlie, una historia escrita por Gordon McDonell, marido de Margaret McDonell. Para escribir el guión de lo que será La sombra de una duda, (1943),39 su segunda película con la Universal. LLama en un principio a Thornton Wilder, que se dedica a esta tarea entre mayo y junio del año 1942. Antes de terminar, sin embargo, el guionista decide de manera repentina alistarse a los servicios secretos del ejército. Y desde entonces, la novelista Sally Benson y Alma Reville se encargan de terminar los diálogos. El rodaje comienza el 10 de agosto del mismo año. Nuevamente, numerosos planos de Shadow of a Doubt serán filmados en exteriores, esta vez en la ciudad de Santa Rosa, en el norte de California.



Teresa Wright y Joseph Cotten a Shadow of a Doubt. Charlie y Charlie.
La sombra de una duda que, de entre todas sus películas, Hitchcock dirá que era una de sus preferidas,Nota 5 Joseph Cotten interpreta Charlie Oakley, un hombre de pasado extremadamente turbio, y manipulador. Sintiéndose acorralado por la justicia, decide refugiarse con su hermana que la acoge con los brazos abiertos. La hija mayor de su hermana, Charlotte Newton (Teresa Wright), llamada «Charlie» en referencia a su tío, es una chica dinámica y soñadora que se siente agobiada en su pequeña ciudad y ve en su homónimo una especie de redentor. Sin embargo, Oakley es vigilado de cerca por dos hombres misteriosos, lo que siembra la duda en el espíritu de Charlie/Charlotte, y la lleva a sospechar que su salvador fantaseado es lo que es en realidad: un asesino de ancianas, venal y cínico.

A propósito de Charlie Oakley, Hitchcock dirá a François Truffaut: «Es un asesino idealista. Forma parte de estos asesinos que sienten en ellos una misión de destrucción. Quizás las viudas merecían lo que les ha pasado, pero no era su trabajo hacerlo. Un juicio moral aparece en la película, ya que Cotten es destruido finalmente, incluso accidentalmente, por su sobrina. Y así podemos decir que todos los malos no son negros y que todos los héroes no son blancos. Hay grises partes. El tío Charlie quería mucho a su sobrina pero, sin embargo, no tanto como ella la quería. Pero lo ha tenido que destruir, ya que no olvidemos que Oscar Wilde ha dicho: «Se mata lo que a uno le gusta.» »40

Sobre la película, hay críticos que han dicho que la utilización por Hitchcock de personajes, de diálogos y de primeros planos de doble sentido ofrecen una mina de interpretaciones psicoanalíticas potenciales a toda una generación de teóricos del cine, entre los que Slavoj Žižek (director de una obra titulada Todo lo que siempre quiso saber sobre Lacan sin atreverse nunca preguntarle a Hitchcock, aparecida en 1988). El realizador presenta su propia fascinación por el crimen y los criminales en una escena donde dos personajes tienen una discusión sobre las diferentes maneras de perpetrar un homicidio, emocionante la joven Charlie. El realizador, durante el rodaje, se entera de la muerte de su madre, que se había quedado en Londres. Algunos episodios de la niñez de Hitchcock en Leytonstone parecen evocados en el filme: 41 como Hitchcock, Charlie tiene una madre que se llama Emma; Oakley ha tenido un accidente de bicicleta en su niñez; una chica llamada Ann lee Ivanhoe, libro que Hitchcock de niño se sabía de memoria, y el personaje de Joseph - segundo nombre de Hitchcock-rechaza conducir un coche.42 Sin embargo, según la propia hija del director, Patricia, sólo serían simples coincidencias.43

20th Century Fox[editar]
Para la 20th Century Fox, Hitchcock realiza entonces su primera película abiertamente política,44 Lifeboat (Náufragos) (1944), una adaptación de uno de los guiones de John Steinbeck, crónica de las experiencias vividas por los supervivientes del naufragio de un barco estadounidense hundido por un submarino alemán 45 y que intentan, sin brújula, llegar a las Bermudas a bordo de un bote salvavidas. Uno de los pasajeros, uno de los únicos capaz de llevar la embarcación a buen puerto, sin embargo, resulta ser alemán.

La película estudia qué hacen los hombres cuando no tienen nada más. Se puede tratar de una película de propaganda, una nueva contribución al esfuerzo de la guerra. Las escenas de acción son rodadas a bordo del bote y la estrechez del lugar crea una ligera preocupación en relación con el tradicional cameo del director. El problema será resuelto por la aparición de Hitchcock en la foto de un diario que el personaje interpretado por William Bendix lee el barco, una publicidad «antes y después» para un producto adelgazante: reducción Obesity Slayer.46 Lifeboat recibirá una acogida crítica muy favorable al principio, pero la critica bruscamente se repensará, gangrenada por la duda, ya que el tratamiento de estas nueve individualidades, y sobre todo la del nazi, se toma algunas libertades intolerables en el contexto de la época. La película es a pesar de todo nominada tres veces a los Oscars 47 en las categorías mejor director, mejor guión original (Steinbeck) y mejor fotografía (Glen MacWilliams), y la actriz Tallulah Bankhead recibe el premio del New York Film Critics Circle a la mejor actriz.47

Mientras trabaja para la Fox, Hitchcock considera seriamente rodar una adaptación de la novela de A. J. Cronin, The Keys of the Kingdom (Las Llaves del reino),48 sobre un sacerdote católico en China, pero el proyecto se va a pique, y John M. Stahl, en 1944, terminará haciendo la película, producida por Joseph L. Mankiewicz y con Gregory Peck como protagonista.49

Intermedio británico: propaganda / Shoah[editar]
De vuelta a Inglaterra para una estancia prolongada hasta principios del 1944, Hitchcock realiza dos cortometrajes, de aproximadamente media hora cada uno, por el Ministerio de Información británica ( Ministry of Information), Bon Voyage < ref> Internet Movie Database (ed.): « Bon Voyage (1944)» (en inglés). Consultado el 21 de septiembre de 2011. y Aventura malgache.50 Estos films - rodados por las Fuerzas francesas libres - son los únicos de Hitchcock en francés y «presentan las teclas típicamente hitchcockiana».51 El segundo, juzgado demasiado sensible, será prohibido en Francia. Durante los años 1990, las dos películas serán difundidas por la cadena estadounidense Turner Classic Movies y saldrán en vídeo.

En 1945, Hitchcock es contratado como «consejero artístico» ( treatment advisor, de hecho como montador) para un documental producido por el Ejército británico y consagrado a la Shoah. Dirigido por Sidney Bernstein, la película, una grabación de la liberación de los campos de concentración nazis, quedará inédito hasta 1985; será entonces completado para la serie Frontline de la cadena estadounidense PBS y difundido con el título Memory of the Camps.52 53

Inmediata posguerra[editar]
Últimas películas con Selznick[editar]
Hitchcock vuelve a Estados Unidos para rodar Spellbound (Recuerda), 1945,54 segunda película del realizador, tras Rebecca, con Selznick como productor, y que explora el tema entonces en boga del psicoanálisis y donde destaca la colaboración de Salvador Dalí, que diseñó y elaboró los decorados de la escena del sueño. Los papeles principales son para Gregory Peck e Ingrid Bergman.



Cary Grant e Ingrid Bergman a Notorious, 1946).


Producida por la RKO, la película sería consecuencia de una transacción entre Selznick y el estudio
Peck encarna un personaje que se presenta en principio como el Dr. Anthony Edwardes, el nuevo director de un asilo psiquiátrico. Se sospecha de inmediato que no es quien pretende ser. Afectado de amnesia, luego acusado del homicidio del verdadero Edwardes, es ayudado en su búsqueda de identidad por la joven Dra. Peterson (Bergman) quien, finalmente, le permitirá igualmente disculparse. Una de las secuencias más famosas de la película, por otra parte con muchos diálogos, es la del sueño surrealista creado por Salvador Dalí, una especie de jeroglífico que permitirá a la psicoanalista dilucidar el misterioso pasado de su protegido.44 Juzgada demasiado perturbadora para el público, la escena onírica tal como aparece hoy en la película es sensiblemente más corta que los minutos previstos en un inicio. Una parte de la banda original compuesta para la película por Miklós Rózsa - que se sirve sobre todo de un theremin - será más tarde adaptada por el compositor bajo la forma de un concierto para piano La casa del doctor Edwardes, que será un gran éxito comercial.44 Con Notorious (Encadenados / Tuyo es mi corazón) empezó a trabajar con Ingrid Bergman, la primera rubia »hitchcockiana« por la que sentía fascinación, llegando a manifestar en una entrevista que prefería protagonistas rubias porque las consideraba más misteriosas.



Cary Grant e Ingrid Bergman en Encadenados (1946).
En el libro-entrevista de François Truffaut, Hitchcock afirma que Selznick, para compensar el avance de presupuesto del western Duelo al sol (1946), producido por él y dirigido por King Vidor, vende entonces un «lote» a la sociedad RKO: Hitchcock, escenógrafo, Cary Grant e Ingrid Bergman, las dos estrellas, así como un guión de Ben Hecht, todo por un importe de 500 000 dólares. Esta transacción está en el origen de Notorious (1946).55 Bergman hay que interpretar el papel de una joven, hija de un espía nazi alcoholizado que, al comienzo de la película, es seducida por un agente del gobierno estadounidense (Grant), que de hecho tiene como misión servir de ella para espiar un llamado Alexander Sebastian (Claude Rains), uno de sus antiguos amantes, amigo de su padre y que, refugiado en Brasil, lleva actividades sospechosas.

Mientras trabaja en la escritura del guión con Ben Hecht, el realizador se pregunta qué «MacGuffin» podrían realmente buscar los héroes de la película y escoge el uranio, pasado de contrabando en botellas de vino por los espías y destinado a la fabricación de una bomba atómica. Fechaacceso expertos que, para alejarlo de la verdad, intentan hacer creer que esta bomba está compuesta de agua pesada y no de uranio; 44 en cuanto a esto, el director habría consultado sobre todo Robert Andrews Millikan, del Instituto Caltech. Juzgando el «MacGuffin» totalmente ridículo, el estudio se muestra más bien reticente - el mismo Selznick, hasta la difusión de la noticia de los bombardeos atómicos de Hiroshima y Nagasaki de agosto de 1945, consideraba el tema dentro el ámbito de la «ciencia ficción».56 El realizador acaba conociendo el secreto de la fabricación de la bomba y, entonces, sabrá que el FBI lo ha hecho seguir tres meses para descubrir de dónde sacaba esta información.44 Notorious ganará un enorme éxito en box office y queda como una de las películas de más renombre por el realizador, y considerada por Truffaut como la mejor película en blanco y negro de Hitchcock.44 The Paradine Case 57 (1947), un drama judicial, será la última película de Hitchcock producida por Selznick.

Hastiado por la fortuna que el productor acumula -éste toca, en cada contrato, tanto como él-, Hitchcock manifiesta poco interés por el proyecto.58 En la película, Alida Valli hace el papel de una joven acusada de haber envenenado a su marido, un viejo rico y ciego. Su abogado (Gregory Peck) acabará por sucumbir a su encanto glacial. La película será un desastre, tanto de público como de crítica,58 que la juzgó pesada, pecando de una duración excesiva y de falta de ideas. Hitchcock se negará a continuar su colaboración con Selznick, que sin embargo le había comunicado una gran lección: en Hollywood, es el productor quien decide el final cut.58 Desde entonces, el realizador hace intentos por autoproducirse.

Transatlantic Pictures[editar]


Farley Granger, James Stewart y John Dall, en La soga, 1948, La primera película de Hitchcock en color pero, sobre todo, ejercicio de estilo y una proeza técnica.
En 1948, Hitchcock, en tándem con su amigo y compatriota Sidney Bernstein, crea Transatlantic Pictures, una sociedad de producción con la que dirigirá dos películas. Para la primera, el realizador elige adaptar la obra Rope's End de Patrick Hamilton, que se convertirá en la gran pantalla como La soga (The Rope) 59 . Inspirada en el homicidio cometido en 1924 por Nathan Leopold y Richard Loeb, renombrados en la película como Brandon Shaw y Philip Morgan.

La película empieza tras un plano mostrando la calle en contrapicado sobre el que desfilan los créditos y sigue con el asesinato de un joven por cuentas pendientes de sus compañeros. Éstos preparan entonces una cena a la que están invitados esa misma tarde en la escena del crimen, los padres de la víctima, su novia y un antiguo pretendiente de ésta. Entre los invitados se encuentra igualmente un profesor de los tres, Rupert Cadell, que, atento el comportamiento extraño de los jóvenes en el transcurso de la tarde, comenzará una sospechar lo impensable. Los dos homicidas son interpretados por John Dall y Farley Granger y en el papel del profesor, la Warner, Que distribuía la película, escogió a James Stewart. Sería la primera de las cuatro películas que el actor rodaría con el director.59



Trailer de La soga
La soga es la primera película de Hitchcock rodada en color y constituye también un ejercicio de estilo. Como lo había hecho algunos años antes en Náufragos,45 el director se propone un desafío de suspense metódicamente ordenado en un espacio confinado. Experimenta igualmente con planos excepcionalmente largos -la película tienen once en total, uno por bobina y algunos duran hasta diez minutos. De una manera u otra, la cámara de Hitchcock consigue desplazar de manera fluida a través del decorado la pesada y molesta cámara Technicolor y seguir la acción continua de los largos planos secuencia.

Terminada el 21 de febrero, la película se estrena en Estados unidades en septiembre de 1948 con el título de Alfred Hitchcock's Rope. Es la primera vez que su nombre aparece en un título, y Hitchcock experimenta un gran orgullo. Las críticas, no obstante, son moderadas y el éxito de taquilla fue templado. La película no tuvo problemas con la censura, aunque fuera prohibida en varias regiones de los Estados Unidos, o bien con proyectada cortes (normalmente la escena del homicidio). El National Board of Review la desaconsejó a los menores de veintiún años. En Europa, es prohibida en un principio en Francia y Italia. Al final, La soga no tuvo el éxito resonante, pero los productores recuperaron ampliamente su inversión.

El primer éxito de Transatlantic Fotos es contrapesado por el fracaso de Under Capricorn (Atormentada) (1949),60 un drama histórico que tiene como escenario la Australia del siglo XIX. Ingrid Bergman interpreta el papel de una joven que, gracias al amor, consigue eludir el alcohol y la locura.

Como La soga, Hitchcock, en Atormentada recurre a los planos secuencias, pero sin embargo de un modo menos insistente. La película es igualmente rodada en Technicolor, sin embargo, el realizador preferirá, en sus tres películas siguientes, volver al blanco y negro. Es la película que el cineasta más lamentará haber rodado. Marca la última colaboración de Hitchcock con la actriz Ingrid Bergman, y el fracaso del filme -el más grande de toda la carrera del director 61 - significa el fin de la efímera sociedad Transanlantic. Hitchcock seguirá no obstante, produciendo sus propias películas hasta el final.



James Stewart y Grace Kelly en La ventana indiscreta (1954)
En 1948 Bergman dejó de actuar con Hitchcock con el fin de iniciar su colaboración con el también director Roberto Rossellini. Esto supuso un golpe para un Hitchcock, que sin embargo no tardó en recuperar la confianza, conociendo a la que acabaría convirtiéndose en su nueva musa, Grace Kelly. Con ella, dirigirá La ventana indiscreta (1954), junto a James Stewart, Crimen perfecto (1954), junto a Ray Milland, y Atrapa a un ladrón (1955), en compañía de Cary Grant.

El 3 de enero de 1949, el realizador firma con la Warner un contrato con el que se compromete a rodar cuatro películas en seis años, por un salario estratosférico de 990 000 dólares.

La década de los 50: el Hitchcock más esplendoroso[editar]
Al principio de los años 1950, Lew Wasserman, entonces al frente de MCA, tendrá una influencia importante en la futura imagen y promoción de las películas del realizador. MCA tiene además como clientes James Stewart y Janet Leigh, dos de los actores que aparecerán en películas de Hitchcock.

Las películas realizadas y producidas por Hitchcock a partir de 1954 y Crimen perfecto son en general consideradas como sus principales obras maestras (este periodo fastuoso se extenderá hasta el comienzo del decenio siguiente, hasta Los pájaros, en 1963).



Marlene Dietrich en Pánico en la escena (1951)
En 1950, Hitchcock vuelve a Gran Bretaña para dirigir Pánico en la escena.62 Por primera vez, Hitchcock trabaja con Jane Wyman, una de las principales estrellas de la Warner Bros y con la sensual actriz alemana Marlene Dietrich. Forman parte del reparto algunos actores británicos de primer orden, como por ejemplo Michael Wilding, Richard Todd y Alastair Sim. Es la primera película del realizador producida por la Warner, que antes ya había distribuido La soga 59 y Atormentada,63 la sociedad Transatlantic debe hacer entonces frente a dificultades financieras.64

Pánico en la escena recuerda a las películas precedentes del realizador, como Los 39 escalones (1935), Inocencia y juventud (1937) y Saboteur (1942). Jonathan Cooper (Todd), un hombre enamorado de una actriz y cantante (Dietrich), es sospechoso de ser el homicida de su marido; su amiga Eve (Wyman) intenta ayudarlo. Sin embargo, el cineasta se entrega dentro de una nueva experiencia: la película empieza con un flashback que, finalmente, resultará ser engañoso. La película no es un éxito, y Hitchcock lo explicará en el hecho de que, a causa de este procedimiento narrativo poco ortodoxo, el público se habría sentido engañado.

Al comienzo del año 1950, Hitchcock descubre con entusiasmo la primera novela de Patricia Highsmith:Strangers on a Train, de quien compra los derechos el 20 de abril, por un importe de 75 000 dólares.65 El realizador trabaja con la sinopsis con Whitfield Cook en junio. Para la escritura de los diálogos, Hitchcock se pone en contacto en un principio con Dashiell Hammett, pero Raymond Chandler, sugerido por la Warner, será quien se encargue del trabajo. Sin embargo este no llegará hasta el final, debido a desacuerdos entre escritor y director.66 Hitchcock explicará más tarde: «Recuerdo que para Extraños en un tren, no encontraba nadie que quisiera colaborar conmigo. Todo el mundo pensaba que mi primer lanzamiento era a la vez tan plano y tan cerca de los hechos que no se encontraba la menor calidad. En realidad, toda la película estaba ahí, visualmente ».67



Farley Granger, cómplice de asesinato a The Rope, es el «joven respetable», víctima de la suerte, en Extraños en un tren ( Strangers on a Train, 1951)


Robert Walker en Extraños en un tren. El «malo». Un papel inusual
En Extraños en un tren,68 Hitchcock combina numerosos elementos de sus precedentes películas. Dos hombres se encuentran por casualidad en un tren y evocan la idea de deshacerse de él cada uno de la persona que le plantea problemas. Mientras que para el primero, un campeón de tenis (en el libro, el personaje es un arquitecto), no se trata más que de una broma, el segundo toma la historia del todo en serio. Con Farley Granger retomando algunos elementos de su papel de The Rope, el realizador, en Extraños en un tren, se sigue interesando por las posibilidades narrativas de los temas del chantaje y del homicidio. Robert Walker, que hasta aquí sólo había interpretado papeles de joven «de buena familia», encarna aquí el «malo».69

Su interpretación de demente inquietante, demasiado vinculado a su madre, anuncia que Anthony Perkins a Psicosis; desgraciadamente, Walker morirá algunos meses después del estreno de la película. Hitchcock confía por otra parte uno de los papeles secundarios en Patricia, «Pat», su propia hija, entonces con veintidós dos años y que ya había interpretado un pequeño papel en Pánico en la escena: en Extraños en un tren, encarna Barbara, «Babs», una víctima, no directa sino en la demencia mortífera de Bruno, el personaje interpretado por Walker.

Estrenada en marzo de 1951, Extraños en un tren, a pesar de algunas quejas de personas indignadas por sus connotaciones sexuales y su homicidio explícito, tiene un gran éxito. Hitchcock, tras el fracaso de la aventura Transatlantic, ha encontrado la confianza del público y de los estudios.67

Desde los años 1930, la idea de adaptar un pieza llamada las Nuestras dos conciencias, un drama católico escrito en 1902 por Paul Anthelme (seudónimo de Paul Bourde), no para de dar vueltas en la cabeza de Hitchcock; más de una decena de años más tarde, tiene finalmente la oportunidad de llevar a cabo este proyecto.70 La historia es la de un sacerdote, cuya conciencia le fuerza a asumir la culpabilidad de un crimen perpetrado por otro, un tema bastante delicado. Poco a poco, es concreta el proyecto de lo que será Yo confieso.



Montgomery Clift a Yo confieso (1953)
Por el contexto católico de la historia, se excluye el rodaje en Estados Unidos. La acción, entonces, se sitúa en Quebec donde, después de haber escrito un primer esbozo, el director y su esposa en la localización. El realizador vacila en cuanto a la elección del guionista definitivo, hasta que Alma le sugiere contratar William Archibald, que había hecho pruebas en Broadway; George Tabori participa igualmente en el guión. Montgomery Clift y Anne Baxter interpretarán los dos papeles principales.

Yo confieso se estrena a la mitad de febrero de 1953. La película es recibida tímidamente, tanto por la crítica como por el público. Entonces, Hitchcock explicará a François Truffaut:

«La idea de base no es aceptable para el público. Nosotros los católicos sabemos que un sacerdote no puede revelar un secreto de la confesión, pero los protestantes, los ateos, los agnósticos piensan: "Es ridículo callarse; ningún hombre sacrificaría su vida para algo así.« »
Hitchcock que, sin duda por comodidad, juzgará siempre sus películas según la acogida del público, llegará a declarar que Yo confieso fue un "error".



Grace Kelly, la rubia típicamente hitchcockiana, en Crimen perfecto (1954). Siempre ávido de innovaciones técnicas, Hitchcock experimentará en esta película un procedimiento de cine en relieve
Siguen tres películas muy populares, con Grace Kelly como protagonista, que se convertiría en el arquetipo de «la rubia hitchcockiana».

En 1953, Hitchcock había firmado un contrato de cuatro años con la Warner, y le queda una película para rodar. Durante un tiempo, trabaja para la adaptación de una novela de David Duncan, The Bramble Bush, pero acaba renunciando. El realizador descubre entonces que el estudio ha comprado los derechos de una obra de éxito de Broadway, Dial M for Murder, de Frederick Knott.

Crimen perfecto marca el retorno de Hitchcock al Technicolor, pero experimenta también un procedimiento de moda en aquel tiempo, el cine en 3D, en relieve estereoscópico y proyección en luz polarizada obligando la utilización de gafas adaptadas. La película no será sin embargo explotada en este formato en su estreno; será proyectada en 3D a comienzos de los años 1980. Hitchcock piensa un momento confiar los papeles del marido y de la esposa en Cary Grant y Olivia de Havilland, pero choca con el rechazo de los estudios. El director llama pues a una joven actriz que sólo había rodado tres películas hasta entonces: Grace Kelly.

Convertiría, además de una gran amiga, su actriz favorita. En Crimen perfecto, el papel del "malo", muy diferente del Bruno de Extraños en un tren, es interpretado por Ray Milland. Es un dandi venal y calculador, ex jugador de tenis profesional (actividad ejercitada por el héroe/víctima de Extraños en un tren), que construye un plan maquiavélico para deshacerse de su mujer infiel (Kelly) y heredar su fortuna. Pero es ella quien, para defenderse, mata al hombre contratado para efectuar el macabro trabajo. El marido manipula entonces las pruebas de que su esposa sea acusada de haber asesinado el secuaz. El amante, Mark Halliday (Robert Cummings), y el inspector de policía Hubbard (John Williams) deben actuar rápidamente para salvar la joven de la pena capital.71 Hitchcock tira astutamente los resortes de la obra y, a su estreno, Crimen perfecto es apodado como un "gran" Hitchcock.

En el rodaje de Crimen perfecto, Lew Wasserman, el agente de Hitchcock, firma con la Paramount un contrato de nueve películas, la primera de las cuales debe ser la adaptación de una novela de Cornell Woolrich - seudónimo de William Irish -, titulada It Had to be a Murder, la cual se llevaría a la pantalla bajo el título La ventana indiscreta (1954).72 Para escribir el guión, Hitchcock llama a John Michael Hayes, un antiguo periodista, que colaborará igualmente en la escritura de sus tres películas siguientes.



James Stewart en La ventana indiscreta


La ventana indiscreta. La vista
Apresurado por sus acreedores y por Wasserman, Hitchcock acepta en 1955 poner su nombre y su imagen a una serie de televisión titulada en principio Alfred Hitchcock Presents (1955/62) por un salario de 129 000 dólares por episodio de 30 minutos. Es una serie en la que él mismo presentaba unas historias cortas en la línea de sus películas.

La ventana indiscreta tiene como protagonistas James Stewart y nuevamente Grace Kelly, los papeles secundarios son para Thelma Ritter y Raymond Burr. La historia ocurre en Nueva York. Un fotógrafo (Stewart, un personaje basado en Robert Capa), a causa de un accidente se encuentra enyesado y en silla de ruedas, está obsesionado por la observación de los habitantes de un inmueble separado de su por un patín . Poco a poco, comienza a sospechar de uno de estos vecinos (Burr) de haber matado a su esposa y, desde entonces, intenta compartir sus temores vez con su amiga modelo (Kelly) y un policía de sus amigos (Wendell Corey). Terminará consiguiéndolo.73 Como Lifeboat45 y en The Rope,59 la película es casi rodada completamente en un espacio reducido, el minúsculo piso del fotógrafo, que sin embargo domina una decorado impresionante, constituido por un jardín y el inmueble de enfrente. Hitchcock se sirve de primeros planos de la cara de Stewart para mostrar las reacciones del personaje al espectador, desde el divertido voyeurismo en escenas en apariencia anodinas, hasta su terror impotente, cuando ve su promesa, que se ha introducido en el piso sospechoso, amenazada por la llegada, repentina e inesperada, del presunto asesino.73 Al estreno, la película tiene un gran éxito y obtiene cuatro nominaciones a los oscars, entre ellos el del mejor director. Sin embargo no recibe ninguna.



Grace Kelly con el actor Cary Grant en su tercer y último papel en una película de Hitchcock, To Catch a Thief (1955), una película considerada como «ligera» por el realizador.
La ventana indiscreta no se había estrenado todavía y Hitchcock ya estaba ocupado en otro proyecto. La Paramount le propone realizar la adaptación de To Catch a Thief, una novela de David Dodge. Muy satisfecho de Hayes como guionista, el realizador lo contrata de nuevo. Hayes, sin embargo, no conoce en absoluto el sur de Francia, situación que el director soluciona enseguida:

«Cuando se enteró de que nunca había ido al sur de Francia, lo arregló para que mi mujer me acompañara, a cuenta de los gastos del estudio, a fin de efectuar localizaciones. Este viaje fue naturalmente bienvenido y, a mi regreso, sabía exactamente qué hacer con la novela. »A finales de abril de 1954, el guión está listo, y el rodaje comienza a principios del mes de mayo.
La tercera y última película de Hitchcock con Grace Kelly, Atrapa a un ladrón, es una comedia policíaca que tiene como decorados la Riviera francesa y acompaña a la actriz Cary Grant. John Williams forma parte de nuevo del reparto, junto, a los franceses Brigitte Auber y Charles Vanel (que no habla una palabra de inglés ). Grant hace el papel de John Robie, llamado «el Gato», famoso atracador «jubilado», pero que se convierte en el principal sospechoso de una serie de robos cometidos en la Riviera. Una heredera americana (Kelly) rompe el misterio de su verdadera identidad, prueba de seducirlo con sus propias joyas, y se propone incluso de ayudarle en sus proyectos criminales.

El estreno tiene lugar en Nueva York, el 15 de agosto de 1955. Según el director, To Catch a Thief es una «película ligera». Es la constatación que hace la crítica en su conjunto, sin embargo, subraya también los puntos fuertes y los encantos de esta obra. En cuanto al público, se muestra muy satisfecho. «A pesar de la diferencia de edad evidente entre Grant y Kelly y una intriga más bien ligera, el guión lleno de ingenio (y trufado de dobles sentidos) y la buena interpretación de los actores, finalmente, garantiza a la película un éxito comercial.»74 Se trata de la última colaboración entre Hitchcock y Grace Kelly, debido al matrimonio de ésta con el Príncipe Rainiero de Mónaco, en 1956, un estatus que le obligaba a terminar su carrera de actriz.

En 1955 marca igualmente el comienzo de Hitchcock en la televisión americana, con una serie de historias más o menos macabras producidas por la CBS y que llevarán su nombre: Alfred Hitchcock Presents. Hitchcock realizará él mismo, entre el año de creación y en 1962, un total de veinte episodios de la serie. De 1962 a 1965, la serie tomará el título de Suspicion.



The Trouble with Harry (1955). Una comedia macabra, «a la inglesa». Una película inesperada de parte del realizador.
El director no abandona sin embargo, su carrera en el cine. En 1950, había leído la novela de Jack Trevor Story, The Trouble with Harry. Antes de rodar To Catch a Thief, pide a Hayes que trabaje para su adaptación. Compran los derechos por 11 000 dólares, a pesar del hecho de que, cuatro años antes, el comité de lectura de la Paramount hubiera emitido una opinión desfavorable en relación con la novela, juzgando su humor demasiado frágil, un poco extraña, y con personajes que se parecen un poco a extraterrestres.

The Trouble with Harry (Pero... ¿quién mató a Harry?) sigue el recorrido de un cadáver que encuentra primero un chico. Éste corre a buscar a su madre. En el mismo momento, un viejo cazador descubre el cuerpo y piensa que lo ha matado. Sucesivamente, otros personajes, relacionador a la muerte, se imaginarán tener algo que ver con su estado, por diversos motivos, el cadáver es enterrado y es desenterrado varias veces. Ocupado en el rodaje de To Catch a Thief, Hitchcock no se puede ocupar de la distribución. Herbert Coleman, su productor asociado, se hace cargo entonces, así que son elegidos, por los dos papeles principales Shirley MacLaine, que sería la primera aparición en la gran pantalla, y John Forsythe. El rodaje se efectúa en parte en decorados naturales en Vermont, y en parte en estudios en Hollywood. Harry marca por otra parte la primera colaboración del compositor Bernard Herrmann con una película de Hitchcock. Hitchcock revelaría a François Truffaut:

«He rodado esta película para probar que el público americano podía apreciar el humor inglés y no ha funcionado demasiado mal.»
Cuando la película se estrena, el realizador ya está ocupado en rodar la siguiente, que atrae toda su atención. La Paramount no sabe muy bien qué hacer, de Harry, renunciando incluso a promoverla.

Desde entonces, los Estados Unidos, la película interesa medianamente al público. En Europa, por el contrario, es muy bien acogida, sobre todo en Gran Bretaña y en Francia, donde recibe críticas muy positivas y se quedará, incluso, seis meses en cartel. El humor macabro de The Trouble with Harry se encuentra en la televisión en las presentaciones y las conclusiones-dadas por el maestro en persona- de cada episodio de su serie Alfred Hitchcock Presents.



La versión de 1956 de El hombre que sabía demasiado. Entre los dos platillos, el compositor Bernard Herrmann dirigiendo la Orquesta Sinfónica de Londres
A finales de 1954, Hitchcock acaba de finalizar su cuarta realización en diecisiete meses. Sin embargo, para él está fuera de cuestión hacer una pausa. Piensa entonces en uno de sus éxitos del periodo británico, The Man Who Knew Too Much (1934) que, en 1941 ya había considerado realizar una nueva versión, cuando estaba con Selznick.75 Finalmente, por primera y última vez en su carrera, se decide a rodar un remake de su propia película.

Para escribir el remake de El hombre que sabía demasiado,76 Hitchcock dirige una vez más a Hayes. El director, que pide al guionista que no visione el original, le explica simplemente la historia: un espía es asesinado y confía a un doctor en medicina, que ha conocido el día antes, que se prepara un atentado, el médico y su mujer se encuentran entonces embarcados en un complot internacional y están obligados a callar para salvar a su hijo tomado como rehén. Hitchcock ofrece el papel principal a James Stewart, que ya es la tercera colaboración con el realizador, tras La soga y La ventana indiscreta; respecto al papel de la esposa y antigua cantante en la película, se le confía a Doris Day, que el cineasta había localizado algunos años antes en Storm Warning.77 La película es rodada en Londres y Marrakech.77 Para la música, llama de nuevo a Herrmann; se podrá verlo dirigir la Orquesta Sinfónica de Londres en la agotadora escena final, en el Royal Albert Hall. Los últimos planos son rodados en los estudios Paramount en julio de 1955. La película resultará ser la más rentable del año 1956. La canción Que Sera, Sera (Whatever Will Be, Will Be), escrita por Jay Livingston y Ray Evans, será premiada con la Oscar a la mejor canción original 78 y será un gran éxito de Doris Day. Sobre la segunda versión de El hombre que sabía demasiado, Hitchcock dirá más tarde:

«Digamos que la primera versión es la obra de un aficionado de talento y la segunda, la de un profesional. »77


Secuencia de introducción de The Wrong Man (1957). Alfred Hitchcock presenta su película en off
79 The Wrong Man (Falso culpable) (1956) será la última película dirigida por Hitchcock para la Warner..

Rodado en blanco y negro, The Wrong Man no es una película de suspense sino un drama, basado en una historia verdadera, un error judicial explicado por la revista Life en 1953. El asunto es tratado de una manera realista, casi documental. Henry Fonda interpreta un músico del Stork Club, en Nueva York, que lo toman equivocadamente por el autor de varios atracos cometidos en la misma compañía de seguros. Es detenido por este crimen del que es inocente. Su mujer (Vera Miles, que hace la primera aparición en una película del director), la empuja a probar su inocencia antes de tener lugar el proceso, pero no puede resistir al estrés de la situación y, de una manera que parece irremediable, se hunde en la depresión. El realizador otorga a Falso culpable un lugar particular, sustituyendo a su habitual cameo por una introducción hecha por él mismo en off al comienzo de la película:

«Os habla Alfred Hitchcock. En el pasado, os he dado numerosas clases de películas de suspense, pero esta vez, quisiera que vieran algo diferente. La diferencia radica en el hecho de que es una historia verdadera, de la que cada palabra es verídica. Sin embargo, contiene elementos más extraños que toda la ficción que figura en un buen número de películas de suspense que he hecho antes. »
Como La ley del silencio, otra película "seria" del director, es evocado el catolicismo: algunos planes se entretienen con el rosario de falsos culpables, y el verdadero culpable es descubierto como resultado de una oración del falso culpable ante la imagen del Cristo. La película recibe una acogida del público poco entusiasta. Así, Hitchcock explicará a Truffaut que había sido empujado a hacer esta película por el miedo que había experimentado siempre con la policía, y de la que se encuentran rastros en numerosas escenas »,80 sobre todo aquella donde el personaje interpretado por Fonda explica a su hijo la experiencia que ha sufrido y que es similar, invirtiendo los papeles, a un episodio traumatizante que habría vivido el director durante su niñez.



James Stewart, de nuevo, a Vértigo, de entre los muertos (1958). La escena de introducción


Escena de la película Vértigo (De entre los muertos)
Algunos años antes, Hitchcock había interesado por la novela Celle quien n'était plus de los franceses Pierre Boileau y Thomas Narcejac, pero el libro se le había escapado y, finalmente, fue Henri-Georges Clouzot quien la adaptó bajo el título Las Diaboliques, y fue estrenada en 1955. Tras The Wrong Man, Hitchcock piensa en rodar la adaptación de Vértigo, de entre los muertos, otra obra del tándem.

Para escribir el que será Vértigo, de entre los muertos ( Vértigo, 1958),81 recurre, antes de mostrarse satisfecho del guión, a no menos de tres autores. El último, Samuel Taylor, reconocería más tarde que había trabajado sin leer ni el primer guión ni la novela original, pero limitándose a seguir las indicaciones del director, para concentrarse en el personaje principal. El realizador contrata como estrella masculina James Stewart. Para interpretar la obsesiva mujer joven, Hitchcock desea en principio contratar Vera Miles - había resultado excelente la interpretación a su película precedente-, pero estando embarazada, y se ve forzada a renunciar. Entonces, el estudio le encuentra una sustituta en Kim Novak, que hará aquí uno de sus mejores papeles.

Aunque está centrado en un homicidio, Vértigo, de entre los muertos no es propiamente una película policíaca, sino, según las propias palabras del realizador, «una historia de amor de clima extraño». Stewart es «Scottie", un antiguo investigador de la policía que sufre acrofobia que progresivamente se obsesiona con una misteriosa joven (Novak). El vértigo invencible y la obsesión de Scottie desembocan en una tragedia. Entonces, encuentra otra joven que se parece sorprendentemente a la desaparecida. La película se decide sin happy end. El estreno tiene lugar en España, en el Festival de San Sebastián,82 83 donde Hitchcock gana la Concha de Plata. Aunque actualmente sea considerado un clásico, Vértigo, de entre los muertos enfrenta sin embargo, en su estreno, a críticas negativas ya una acogida reservada por parte del público; marca la última colaboración entre James Stewart y el director.80 La película, sin embargo, hoy es considerada por muchos como una de las mejores películas del realizador, y se encuentra sobre todo en en grupo que encabeza la clasificación Sight & Sound de las mejores películas del decenio; constituirá por otra parte, con Psicosis, uno de los puntos de referencia privilegiados para Brian De Palma para la su relectura cinematográfica de la obra hitchcockiana, en los años 1970-1980.

En 1958, Hitchcock descubre que su mujer, Alma, es afectada de un cáncer de mama. Así aparece el año siguiente a Tactic, una emisión de televisión consagrada a la prevención de este tipo de cáncer. Alma se curará gracias a un tratamiento experimental.84 También en 1958 recibe varios premios: el Globo de Oro a la mejor serie de televisión.



Cary Grant y Eva Marie Saint en Con la muerte en los talones (1959)
Hitchcock, después, filmó a numerosas regiones de los Estados Unidos.85 A Vértigo, de entre los muertos 81 siguen tres otras películas de éxito, todas reconocidas como formando parte de sus mejores largometrajes: Con la muerte ( North by Northwest , 1959),86 Psicosis (Psycho, 1960) 87 y Los pájaros (The Birds, 1963).88 El primer retoma el tema del «Señor Nadie» tomado en un engranaje, injustamente perseguido, y obligado tanto si como no a disculparse.



Escena de la película Con la muerte en los talones (1959)


Trailer de Con la muerte en los talones


El Monte Rushmore, o más bien su maqueta, decorado de la escena final de Con la muerte en los talones
En Con la muerte en los talones, Cary Grant hace el papel de Roger Thornhill, un publicitario de Madison Avenue que nunca había tenido razones más que con su madre excéntrica, y que, por un cúmulo de circunstancias, se encuentra repentinamente como blanco de una misteriosa organización. Conoce una rubia seductora, Eve Kendall (Eva Marie Saint), que le seduce antes de hacerle caer en una trampa. La escritura del guión original es confiada a Ernest Lehman. Para la escena final, Hitchcock tiene la idea de utilizar como marco el Monte Rushmore, un lugar sin embargo protegido. El 17 de septiembre de 1958, obtiene finalmente la autorización del Ministerio del Interior de los Estados Unidos para servirse de maquetas de las famosas esculturas que representan la cara de cuatro presidentes.89 Los créditos de la película (ámbito en el que Hitchcock había iniciado en el cine), como los de Vértigo, de entre los muertos, es debido a grafista Saul Bass y a Bernard Herrmann, que desde Harry se ha convertido en el compositor habitual de Hitchcock, firma aquí la que será una de sus más célebres partituras.

Psicosis y Los pájaros, las obras maestras de los 60[editar]
En la década de los 60 comienza con dos películas generalmente consideradas como obras de arte del director, Psicosis (1960), protagoni

Ha recibido 85 puntos

Vótalo:

CHARLES CHAPLIN

2. CHARLES CHAPLIN

Biografía[editar] Primeros años[editar] Charles Chaplin en su juventud. Charles Spencer Chaplin nació el 16 de abril de 1889, supuestamente en East Street, en Walworth, Londres.9 Sin embargo, una carta descubierta en 2011 alegaba que había nacido en una roulotte de Black Patch Park, un... Ver mas
Biografía[editar]
Primeros años[editar]


Charles Chaplin en su juventud.
Charles Spencer Chaplin nació el 16 de abril de 1889, supuestamente en East Street, en Walworth, Londres.9 Sin embargo, una carta descubierta en 2011 alegaba que había nacido en una roulotte de Black Patch Park, un campamento gitano de Smethwick, cerca de Birmingham.10 Sus dos padres fueron artistas de music-hall. Su padre, Charles Spencer Chaplin Sr., fue actor y cantante; mientras que su madre, Hannah Chaplin, era conocida en el espectáculo bajo el seudónimo de Lily Harley.11 Ambos se separaron antes de que Charles cumpliera tres años. Un censo de 1891 demostró que Harley vivía en Barlow Street con sus dos hijos –Charles tenía un medio hermano, Sydney John Hawkes (1885-1965).

Cuando era niño, Chaplin vivió de forma alternada en varias direcciones, especialmente en los alrededores de Kennington Road, en Lambeth, incluyendo la 3 de Pownall Terrace, la calle Chester y el número 39 de la calle Methley. La madre de su abuela paterna provenía de la familia Smith de Romanichals,12 hecho del que Chaplin se sentía muy orgulloso13 y definió en su autobiografía como «los cimientos del aparador familiar».14

Charles Chaplin Sr. era alcohólico y frecuentaba poco a sus hijos, aunque ellos vivieron brevemente con él y su amante, Louise, en el 287 de Kennington Road,15 16 debido a que su madre había sido internada en el asilo de Cane Hill en Coulsdon a causa de sus serios problemas psiquiátricos.

Su padre murió en 1901 de cirrosis cuando contaba con 37 años y su hijo Charles, con 12.17 De acuerdo con un censo de 1901, Chaplin residía en el número 94 de Ferndale Road, en Lambeth, como integrante de un grupo de jóvenes bailarines, «Los ocho muchachos de Lancashire»,18 dirigido por William Jackson.19

Una enfermedad de la laringe terminó con la carrera de la madre de Chaplin.20 Debido a una de sus internaciones como consecuencia de sus problemas mentales –sufría depresión nerviosa– y un cuadro de desnutrición, sus hijos fueron ingresados durante varias semanas en el Asilo de Lambeth en el sur de Londres y luego, a la Escuela Hanwell para Huérfanos y Niños Pobres desde junio de 1896 a enero de 1898.21

En 1903, Chaplin compuso el personaje de Billy en la pieza teatral Sherlock Holmes, escrita por William Gillette y protagonizada por el actor inglés HA Saintsbury. Con este grupo, ofreció espectáculos en diferentes music-halls de Londres y el interior de Inglaterra.22 Cuando Sherlock Holmes fue reemplazado por Clarice, Chaplin se mantuvo en el papel de Billy hasta que la producción terminó el 2 de diciembre. Durante las actuaciones, Gillete guiaba a Chaplin en su manera sobria de actuar.

Chaplin se desempeñó en diversas profesiones –mandadero, soplador de vidrio, vendedor callejero– hasta que fue contratado por la compañía Frohman para cumplir algunos papeles menores hasta mediados de la década en giras alrededor del interior de Inglaterra y su capital.22 Mientras tanto, su madre fue hospitalizada de nuevo a causa de una nueva depresión nerviosa. Al término de su contrato con Frohman, actuó en cafés, circos y espectáculos de music-hall de forma exitosa.22

Primeros años en Estados Unidos[editar]


Chaplin hacia 1910.
El ingreso de Chaplin a la compañía de mimos de Fred Karno en 1907 constituyó un acontecimiento fundamental en su formación artística. Debutó con un papel cómico en la obra El partido de fútbol.22 Su primera gira por Estados Unidos con la compañía Karno ocurrió entre 1910-12; en 1909, había actuado en los principales teatros de variedades de París. Para finales de 1912, ya habían recorrido Canadá, Nueva York, Chicago, Fall River, Filadelfia, etc.22 En la compañía también participó Arthur Stanley Jefferson, conocido posteriormente como Stan Laurel. Él y Chaplin compartían una habitación en una pensión. A finales de 1913, las actuaciones de Chaplin habían sido vistas por Mack Sennett, Mabel Normand, Minta Durfee y Roscoe «Fatty» Arbuckle. Sennett, que lo había descubierto en un teatro de Nueva York en un papel de borracho, lo contrató para sus estudios Keystone como reemplazo de Ford Sterling23 a razón de 150 USD trimensuales y 175 USD los otros nueve restantes.22 Chaplin tuvo muchas dificultades para adaptarse a las demandas de una película de acción. Tras haber terminado de filmar Ganándose el pan, Sennett sintió que había cometido un error muy costoso.24 Muchos historiadores coinciden en que Normand fue quien lo convenció de que le diera otra oportunidad.25 Chaplin rápidamente se convirtió en un éxito y fue la estrella más popular de Keystone.26

Normand dirigió a Chaplin en algunas ocasiones y también escribió los libretos de algunas de sus primeras películas.27 A Chaplin no le agradaba ser dirigido por una mujer, y en muchas ocasiones tenían desacuerdos.27 Sin embargo, se convirtieron en amigos, a pesar de que poco después Chaplin abandonó Keystone.

El vagabundo[editar]
Archivo:Charlie Chaplin, The Bond, 1918.ogg

Video de la película muda The Bond.
El personaje del vagabundo, también conocido como Charlot o Carlitos en Hispanoamérica, fue presentado durante la época del cine mudo en una comedia de Keystone titulada Carreras sofocantes (estrenada el 7 de febrero de 1914). Sin embargo, Chaplin había diseñado el atuendo del personaje para una película producida unos días antes pero estrenada poco después que la otra, el 9 de febrero de 1914, titulada Extraños dilemas de Mabel. Chaplin recordó en su autobiografía:

No tenía idea sobre qué maquillaje ponerme. No me gustaba mi personaje como reportero (en Carlitos periodista). Sin embargo en el camino al guardarropa pensé en usar pantalones bombachudos, grandes zapatos, un bastón y un sombrero hongo. Quería que todo fuera contradictorio: los pantalones holgados, el saco estrecho, el sombrero pequeño y los zapatos anchos. Estaba indeciso entre parecer joven o mayor, pero recordando que Sennett quería que pareciera una persona de mucha más edad, agregué un pequeño bigote que, pensé, agregaría más edad sin ocultar mi expresión. No tenía ninguna idea del personaje pero tan pronto estuve preparado, el maquillaje y las ropas me hicieron sentir el personaje, comencé a conocerlo y cuando llegué al escenario ya había nacido por completo.28
Charlot es un vagabundo con modos refinados, ropa y la dignidad de un caballero. Chester Conklin contribuyó con el pequeño frac y Ford Sterling con los zapatos. Lo único que pertenecía a Chaplin era el bastón de caña, ya que el bombín también era de Roscoe Arbuckle.29

Chaplin, con su personaje, rápidamente se convirtió en la estrella más exitosa de la compañía de Sennet. El vagabundo fue conocido como Charlot en Francia, Italia, España, Andorra, Portugal, Grecia, Rumania y Turquía, como Carlitos en Brasil y Argentina y Der Vagabund en Alemania. Chaplin continuó interpretando al vagabundo en una decena de cortos y más tarde, en diversos largometrajes. Sin embargo, también intervino en cameo como un «Keystone Kop» –policías incompetentes que intervinieron en una serie de filmes de la década de 1920– en A Thief Catcher, filmada entre el 5 y el 26 de enero de 1914.30 La película se creía desaparecida y, por lo tanto, la actuación de Chaplin ahí era desconocida, hasta que una copia fue descubierta en 2010 durante una venta de antigüedades en Míchigan.31

El vagabundo estuvo profundamente identificado con la época del cine mudo. Cuando en la década de 1920 comenzaron las producciones sonoras, Chaplin se negó a encarar a su personaje hablado. De hecho, en Luces de la ciudad (1931), no aparece ningún diálogo. Chaplin abandonó su personaje en la película Tiempos modernos (estrenada el 5 de febrero de 1936), que finaliza con el vagabundo caminando por una carretera sin fin hacia el horizonte, de la mano de Paulette Goddard. La película fue prácticamente muda, aunque en una escena se lo pudo escuchar cantar a Chaplin durante unos minutos32 (sin embargo en una lengua ininteligible).

La fórmula de Chaplin al momento de filmar consistía en gestos exagerados y otros métodos de comedia física. Usualmente, el vagabundo responde a sus enemigos con patadas o ladrillazos, es decir, hace uso de una gran agresividad, por lo cual los críticos advirtieron que sus travesuras limitan la vulgaridad a pesar de que a los espectadores les agradó el personaje. En 1915, Chaplin –reconocido en las principales ciudades europeas y América– firmó un nuevo contrato con Essanay por un año bajo un sueldo de 1250 USD semanales.22 Con aquella compañía, filmó 14 películas en las cuales desarrolló mucho más sus habilidades cinematográficas, en producciones consideradas más ambiciosas. Frecuentemente, compartían cartel con Chaplin actores como Edna Purviance que encarnaba por lo general, ingenuas, o los villanos Leo Blanco y Bud Jamison quienes eran muy altos para contrarrestar la baja estatura de Chaplin.22

La popularidad de Chaplin continuó en aumento hacia el final de la Primera Guerra Mundial. En sus películas, hacía referencia a los problemas e injusticias de la sociedad de su tiempo; entre ellos, las dificultades, constantes luchas y humillaciones de los inmigrantes desamparados y los problemas laborales.33



Chaplin caracterizado como Charlot.
Con la Mutual Film Corporation[editar]
En 1916, la Mutual Film Corporation le pagó a Chaplin 670 000 USD para producir una docena de comedias de dos rollos con condiciones excepcionales. Se produjeron doce películas durante un período de 18 meses, por las cuales recibió 150 000 USD.22 Entre esas películas, se hallan Charlot, músico ambulante, Charlot prestamista, Charlot bombero, Charlot en la Calle de la Paz y Charlot en la tienda. Durante la filmación de Charlot en la tienda, Estados Unidos entró a participar en la Primera Guerra Mundial.22 Edna Purviance continuó siendo la protagonista femenina, pero Chaplin incluyó además a Eric Campbell, Henry Bergman y Albert Austin. Chaplin consideró su período con la Mutual Corporation como «el más feliz de su carrera».

Chaplin asumió la dirección de sus películas a partir de 1918. Sin embargo, un año antes, cuando había finalizado su contrato con la Mutual, se rehusó a continuar trabajando con ésta y firmó un nuevo contrato con la First National para producir ocho películas de dos rollos por 1 075 000 USD.22 Para 1923, Chaplin ya tenía sus propios estudios en Hollywood y, por lo tanto, ello le permitió trabajar a un ritmo más relajado y centrarse más en la calidad de sus producciones.21 Para la First National, realizó en 1918 Vida de perro y Armas al hombro.22

Fundación de United Artists[editar]
En 1919, el grupo constituido por Chaplin, Mary Pickford, Mac Adoo, D. W. Griffith y Douglas Fairbanks, fundó la compañía distribuidora de filmes United Artists, en un intento por escapar del creciente poder de los demás distribuidores y financiadores. Esta compañía, junto con el control total de su producción cinematográfica a través de su estudio, aseguró la independencia de Chaplin como cineasta. Sirvió en el consejo de la UA hasta la década de 1950, cuando vendió el 75% de sus acciones a un grupo dirigido por Arthur Krim.22

Las películas de Chaplin comenzaban a ser largometrajes, salvo por un breve cameo en Una mujer de París (1923).34 la cual fue seguida por las comedias La quimera del oro (1925) y El circo (1928). La quimera del oro es considerada la séptima mejor película del siglo xx,21 dentro de 100 seleccionadas y sucedida por Tiempos modernos (1936).35 Su única obra dramática fue La opinión pública, estrenada en octubre de 1923.22



Chaplin y Jackie Coogan en El chico (1921). Tras su estreno, Chaplin partió a Europa, visitando Londres, París y Berlín.
Tras la llegada del cine sonoro, Chaplin se siguió centrando en el cine mudo, incluyendo efectos de sonido y música con melodías basadas en canciones populares o compuestas por él.36 El circo (1928), Luces de la ciudad (1931) y Tiempos modernos (1936) fueron esencialmente mudas. Luces de la ciudad fue elogiada por su mezcla de comedia y sentimentalismo.37 Tras el estreno de la misma, Chaplin viajó durante 15 meses a Londres, Berlín, París, Viena y Bruselas.22

Tiempos modernos fue la primera película en la que se escuchó la voz de Chaplin, pero muchos la consideran muda de todas formas. Los preparativos de este filme se iniciaron a fines de 1932 y se comenzó a filmar en octubre de 1934, con Paulette Goddard como protagonista. En el mismo, Chaplin hace alegoría al maquinismo de la era industrial, el trabajador-robot, la producción en serie y la diferencia de clases sociales.21 Dos escenas de la película continúan siendo recordadas en la actualidad: una, cuando el vagabundo queda atrapado dentro de los engranajes de una máquina y cuando, al final, camina por una carretera sin fin hacia el horizonte tomado de la mano de Paulette Goddard. Tiempos modernos significó la última aparición del vagabundo y fue considerada la quinta mejor película del siglo xx.35

La canción más conocida que compuso, «Smile», para Tiempos modernos, fue interpretada después por Nat King Cole. «This is my song», de la última película de Chaplin, La condesa de Hong Kong, fue un éxito número uno en varios idiomas a finales de 1960 (sobre todo la versión de Petula Clark y otra descubierta en 1990 de Judith Durham de The Seekers registrada en 1967). El tema de Candilejas fue un éxito en la década de 1950 bajo el título «Eternally». Chaplin también escribió partituras para sus películas mudas, cuando se relanzaban con sonido, especialmente El chico,38 con Jackie Coogan en su primera versión, que fue nuevamente estrenada en 1971.

El gran dictador[editar]


Charles Chaplin en El gran dictador (1940).
La primera película hablada de Chaplin, El gran dictador (1940), significó un acto de desafío contra el nazismo. Fue filmada y lanzada un año antes de que Estados Unidos entrara en la Segunda Guerra Mundial. Chaplin interpretó el personaje de Adenoid Hynkel, el dictador de Tomainia, inspirado en el dictador alemán Adolf Hitler, que era en la vida real cuatro días más joven que Chaplin y tenía un bigote similar. La película también presentó al comediante Jack Oakie como Benzino Napaloni, el dictador de Bacteria, una parodia al dictador italiano Benito Mussolini.39

Paulette Goddard también intervino. La película fue vista como un acto de valentía en el entorno político de la época, tanto por su ridiculización al nazismo como por su representación de judíos perseguidos por el régimen. También intervino el personaje de un barbero judío, similar al vagabundo, que también sufrió la persecución. Al final, el barbero pronuncia un discurso denunciando a la dictadura, la codicia, el odio y la intolerancia, pronunciándose a favor de la libertad y la fraternidad humana:40

Lo lamento, pero yo no quiero ser un emperador, ése no es mi negocio, no quiero gobernar o conquistar a alguien. Me gustaría ayudar a todos si fuera posible: a los judíos y a los gentiles, a los negros y a los blancos. Todos deberíamos querer ayudarnos, así son los seres humanos. Queremos vivir con la felicidad del otro, no con su angustia. No queremos odiarnos y despreciarnos. En este mundo hay sitio para todos, y la tierra es rica y puede proveer a todos. El camino de la vida podría ser libre y hermoso...»
Fragmento de El gran dictador (1940), interpretado por el personaje del barbero41
La película fue nominada en cinco rubros para los premios de la Academia. Sin embargo no ganó ninguno.42 Fue prohibida en España y se estrenó 36 años después, en 1976, cuando ya había fallecido Francisco Franco.41

Problemas políticos[editar]


Charles Chaplin con Mahatma Gandhi.
Chaplin se negó a apoyar el esfuerzo realizado por el ejército durante la Segunda Guerra Mundial, como lo había realizado en la contienda anterior, cuando promocionó bonos de guerra para la Primera Guerra Mundial junto a su colega Douglas Fairbanks.43 En su comedia de humor negro Monsieur Verdoux, de 1947, críticó al capitalismo y afirmó que el mundo alentaba las matanzas en masa mediante las guerras y las armas de destrucción masiva .44 45

Un rey en Nueva York, una de sus últimas producciones, satirizó la persecución política basado en el exilio que había tenido que realizar años antes.46 En 1937, una campaña en contra del cómico lo imputó de haber plagiado en Tiempos modernos a René Clair en su película Para nosotros la libertad. Sobre Chaplin, Clair expresó: «Ese es un hombre que domina la historia del cine». En 1938, fue presionado para que no filmara El gran dictador y, con motivo de su estreno en 1940, Joseph Goebbels, ministro de propaganda de Adolf Hitler, comentó: «Chaplin es un pequeño judío despreciable».21 En 1942, los periódicos lo acusaron de comunista, y al año siguiente Joan Barry tuvo una hija y denunció al actor de no querer reconocer la paternidad de la misma. En 1944, el proceso iniciado por Barry se resolvió a favor de Chaplin.22



Charles Chaplin con Winston Churchill en 1929.
Durante la Segunda Guerra Mundial hizo campaña en pro de la apertura del Segundo Frente para ayudar a la Unión Soviética que estaba luchando contra los alemanes junto al Reino Unido, Estados Unidos y los demás aliados, y apoyó a varios grupos pro amistad soviético-norteamericana.47 Además socializó con comunistas reconocidos como Hanns Eisler y Bertolt Brecht, y concurrió a actos realizados por diplomáticos soviéticos.48 En el clima político que se vivía en los Estados Unidos en la década de 1940 esta conducta hacía que Chaplin pudiera ser considerado, como escribió Larcher, "peligrosamente progresista y amoral."49 50 51 Chaplin negó ser comunista y afirmó que era un "traficante de la paz",52 53 54 pero consideraba que los esfuerzos gubernamentales por suprimir aquella ideología era una inaceptable infracción a las libertades civiles.55

Fue acusado por el Comité de Actividades Antiestadounidenses por supuestas actividades «antiamericanas». J. Edgar Hoover había aportado archivos secretos sobre él al FBI.56 Por un lado, debido a sus ideas progresistas, exhibidas públicamente en todos sus cortometrajes y en muchas de sus películas como Tiempos modernos o El gran dictador, provocó que se buscara cualquier excusa para ingresarlo en la cárcel.57 De hecho, en 1947 la Comisión de Actividades Antiestadounidenses acusó a 79 figuras del cine americano, motivo por el cual comenzó el proceso contra los «Diez de Hollywood» que rehusaron comparecer ante la comisión mccarthysta. En 1949, la Corte de Apelaciones de Washington rechazó los recursos presentados por los «Diez de Hollywood», quienes son condenados a un año de prisión para 1950 e inscritos en las listas negras.22 También fue acusado de no cumplir la Ley Mann (que prohíbe el traslado de individuos a otros estados con el objetivo de prostituirlos) cuando llevó a su novia Joan Barry de Nueva York a Los Ángeles.58 Por participar de un acto de solidaridad con Rusia en San Francisco e intervenir en un acto de arte ruso en Nueva York, fue criticado y definido como comunista.22 Su película Monsieur Verdoux (1947) fue otra excusa para justificar esta persecución, ya que ésta establecía un paralelismo entre los crímenes del protagonista y los de las grandes potencias en período de guerras.21 Paralelamente, una violenta conferencia tiene lugar en Nueva York, donde Chaplin fue agredido verbalmente por más de 100 periodistas. En 1952, se trasladó al Reino Unido para el estreno de Candilejas, y Hoover al enterarse del hecho, negoció con el Servicio de Inmigración y Naturalización para prohibir el reingreso de Chaplin al país.59



Exilio[editar]
Mirada de cerca, la vida parece una tragedia; vista de lejos, parece una comedia. Nunca te olvides de sonreír, porque el día en que no sonrías será un día perdido. La vida es una obra de teatro que no permite ensayos. Por eso, canta, ríe, baila, llora y vive cada momento, antes de que baje el telón y la obra termine sin aplausos. Hay que tener fe en uno mismo. Aún cuando estaba en el orfanato o recorría las calles buscando qué comer, me consideraba el actor más grande del mundo. La vida es maravillosa...si no se le tiene miedo. Sin haber conocido la miseria, es imposible valorar el lujo. Más que maquinaria necesitamos humanidad, y más que inteligencia, amabilidad y cortesía. Fui perseguido y desterrado, pero mi único credo político siempre fue la libertad.
—Charles Chaplin60
En 1947, el Comité de Actividades Antiamericanas comenzó a presionar a la fiscalía para que se deportara a Chaplin,61 «cuya vida en Hollywood contribuye a destruir la fibra moral de América» —como se dijo—. A pesar de que fue llamado a testificar en varias ocasiones, él nunca se presentó y fue acusado por una asociación reaccionaria por escribirle una carta al pintor Pablo Picasso, también comunista, en referencia al «Caso Eisler».21

Un senador estadounidense dijo que «el comportamiento de Chaplin se aproximaba peligrosamente a la traición». El 17 de septiembre de 1952, el Fiscal General de Estados Unidos dio instrucciones para retener al actor y a parte de su familia cuando viajaban en el RMS Queen Elizabeth para asistir al estreno de Candilejas en Europa y de esa forma, debatir si debía ser expulsado o no.21 Allí lo denunciaron de «pertenecer al Partido Comunista,62 así como de graves delitos contra la moralidad y de formular declaraciones que demuestran una actitud hostil y de menosprecio hacia el país gracias a cuya hospitalidad se ha enriquecido».

Finalmente, adquirió una mansión en Corsier-sur, Vevey, en Suiza, donde residió desde 1953 hasta su muerte.63 Su esposa, Oona, viajó a Estados Unidos para rematar los bienes de su esposo y, con motivo de su 64º cumpleaños, Chaplin se trasladó a Ginebra y le hizo entrega al cónsul norteamericano de su permiso de retorno a Estados Unidos, con lo cual demostró su intención de no querer volver a ese país, aunque después regresó para recibir un premio por su trayectoria en 1972.22

Compositor[editar]
Chaplin redactó variadas partituras y canciones para sus películas, a pesar de que no fue reconocido por llevar a cabo ese trabajo. El tema «Sonrisa», que compuso para Tiempos modernos, fue muy popular en Reino Unido cuando fue interpretado por Nat King Cole en 1954, y por Celine Dion durante los obituarios en la 83º entrega de los premios Óscar de 2010, celebrada al año siguiente en Estados Unidos.64 65 Sus canciones, incluso, fueron cantadas por prestigiosos músicos como Michael Jackson o el mexicano José José.66 En la década de 1960, Petula Clark interpretó «Esta es mi canción», la cual había sido escrita para Una condesa de Hong Kong.67

En 1972 obtuvo un premio Óscar como «Mejor música original» por Candilejas, el cual compartió con Raymon Rasch y Larry Russell.68 Su sobrino, Spencer Dryden, fue baterista del Salón de la Fama del Rock.69

Últimos años[editar]


Charles Chaplin en 1965.
Entre mayo y julio de 1956, en Inglaterra, dirigió la filmación de Un rey en Nueva York. Durante el rodaje fue nombrado miembro de la British Film Academy de Londres. Para esa película, produjo, diseñó los guiones, actuó y dirigió. En 1958, comenzó a escribir su autobiografía y la Cinemateca de Bruselas pidió a 150 historiadores de todo el mundo una lista de los mejores filmes de la historia del cine: Chaplin resultó ser el director más votado por La quimera del oro.22

En 1962, fue nombrado Doctor Honoris Causa de la Universidad de Oxford, en Inglaterra.70 En 1964, anunció la aparición de sus memorias y en 1965, comenzó a dirigir Una condesa de Hong Kong, con Sophia Loren y Marlon Brando, estrenada en 1966.71

En 1969, con motivo de su 80º cumpleaños, tres historiadores de su obra (Maurice Bessy, Pierre Leprohon y Marcel Martin) le otorgaron una carta abierta, en la que le pidieron que reeditara sus filmes permitiendo así que sus películas fueran conocidas por las nuevas generaciones, petición que realizaría en los años siguientes.22 En 1972, regresó a Estados Unidos y la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas le rindió un homenaje y le otorgó el premio Óscar Honorífico durante una celebración llevada a cabo en el Pavillion Dorothy Chandler del Music Center de Los Ángeles el 16 de abril de aquel año, día en que cumplía 83 años.21 Aplaudido de pie durante doce minutos, los aplausos más largos en una celebración de los Premios Óscar, comentó: «Las palabras parecen tan insignificantes, tan inútiles. Sólo puedo decir que... gracias por el honor de ser invitado aquí, y... ¡oh!, son gente maravillosa y dulce, gracias».72

Entre 1969 y 1976, Chaplin utilizó composiciones musicales y partituras usadas en sus películas, para reeditarlas en otras como La clase ociosa (1971), Día de paga (1972), Un día de placer (1973) o Charlot al sol (1974). También colaboró para El circo (1969) y The Kid (1971). En 1974 se celebró en distintas partes del mundo su octogésimo quinto cumpleaños y se repuso en Buenos Aires, Tiempos modernos.22 En febrero de 1975 se difundió la noticia de su nuevo filme: La rareza, que trata sobre la historia de una mujer sudamericana dotada de alas y capaz de volar.73

El 2 de marzo de 1975, Isabel II del Reino Unido lo nombró Sir otorgándole la Orden del Imperio Británico. Chaplin, ya debilitado, recibió la distinción en silla de ruedas debido a que no podía moverse con demasiada facilidad.74 6 En 1976, se repusieron algunas de sus películas poco recordadas y se montaron ciclos sobre su extensa filmografía. Su último trabajo fue Una mujer de París, que se concretó en 1976.22

Fallecimiento[editar]


Tumba de Charles Chaplin en Suiza.
La salud del anciano actor comenzó a disminuir desde mediados de la década de 1960, cuando finalizó la filmación de Una condesa de Hong Kong. Además de los cuadros de asma que padecía,75 se le diagnosticó demencia senil. La reconocida actriz Lillian Gish admitió que no fue capaz de reconocerla cuando llegó a Estados Unidos en 1972. Para 1977, ya no era capaz de hablar ni moverse, aunque solía pasear en silla de ruedas acompañado de su esposa por las calles de Vevey hasta el lago. En septiembre de 1977, presenció un espectáculo circense y, al finalizar, los payasos le otorgaron sus narices rojas en calidad de homenaje. Fue su última aparición pública. Hacia finales de año, los medios públicos informaron sobre el debilitamiento físico de Chaplin.76

Falleció en la Navidad de 1977 a los 88 años en su residencia Manoir de Ban, en Consier-sur-Vevey, Suiza, mientras dormía, a las 4 h (hora de Suiza).77 Tras una ceremonia íntima, fue inhumado en el cementerio del cantón de Vaud. Casualmente, su hija recordó en varias entrevistas que a su padre jamás le había agradado la Navidad porque le recordaba la extrema pobreza que había pasado en su niñez.72 El 1 de marzo de 1978, su cadáver fue robado por un pequeño grupo de mecánicos polacos con el objetivo de extorsionar a su familia. Sin embargo, su plan fracasó, los ladrones fueron capturados y sus restos fueron recuperados once semanas después, el 17 de mayo, cerca del lago Lemán.78 Su cuerpo fue nuevamente sepultado, pero esta vez bajo 1,8 metros de hormigón para evitar otros asaltos. En 1981, el Consejo de Administración de Londres erigió una estatua de tamaño natural de Chaplin en Walworth, donde pasó sus primeros años de vida.22

Vida privada[editar]
En 1918, contrajo matrimonio con la joven actriz Mildred Harris, de quien expresó: «Ella era joven y bonita. Pero mis emociones eran muy encontradas. Sin estar enamorado quería que nuestro matrimonio fuera un éxito. No lo fue». En 1919, la pareja tuvo a su primer hijo, Norman, que sólo vivió tres días. Después la pareja se separó —se divorciaron en 1920— y la salud mental de la madre de Chaplin se agravó nuevamente. En 1921, ella llegaría a Estados Unidos para pasar sus últimos años de vida junto a su hijo.21

En 1924, se casó con Lita Grey; para 1926, había tenido dos hijos, a los cuales nombró Charles y Sydney (este último en honor a su hermano, que moriría el día del 76º cumpleaños de Chaplin). Por su parte, Lita Grey, le pidió el divorcio y la justicia incautó su vivienda y su estudio de cine.79 Finalmente, en 1927, la indemnizó con un millón de dólares.

En agosto de 1928 murió su madre a los 63 años, hecho del que comentó: «Pasó muchos años en manicomios. Pero en sus últimos siete, vio a sus hijos triunfantes. Eso hizo que recobrara en parte su salud». Sobre su matrimonio con la actriz Paulette Goddard en 1936, comentó: «Cuando la conocí "a fondo" vi que era una muchacha alegre y divertida. Yo me sentía desesperadamente solo, esperaba encontrar en algún lado un lindo "rayito de sol".»21

En 1941, se divorció de Paulette Goddard y en 1943 volvió a casarse, esta vez con Oona O'Neill, hija del dramaturgo Eugene O'Neill. Ella tenía 18 años y él 54; para 1946 ya habían tenido dos hijos, Geraldine y Michael John. Dos años antes, sus dos hijos —del matrimonio con Lita Grey— habían sido llamados al ejército estadounidense y destinados a combatir en Alemania. En 1948, la Asociación Francesa de la Crítica Cinematográfica se dirigió a la Fundación Nobel de Suecia y lo propuso como candidato al premio Nobel de la Paz, lo que generó diversas polémicas.

A lo largo de su vida, se lo involucró románticamente con muchas actrices de su época como Hetty Kelly, Edna Purviance, Mildred Harris, Pola Negri, Marion Davies, Lita Grey, Merna Kennedy, Georgia Hale, Louise Brooks, Paulette Goddard, Joan Barry, y finalmente con Oona O'Neill.80 81 82 21

Legado[editar]
Reconocimientos artísticos[editar]
Chaplin fue nombrado Sir en 1975 a la edad de 85 años por la reina Isabel II.5 El honor había sido propuesto en 1931 y en 1956, pero fue vetado por el Ministerio de Asuntos Exteriores, que expresó su preocupación por los supuestos puntos de vista políticos de Chaplin y su decisión de casarse en dos oportunidades con jóvenes de apenas 16 años. Esto, quizás, dañaría la reputación del sistema de honores británicos y la relación con Estados Unidos.83 6

Entre otros honores, Chaplin recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en 1970.84 Una estatua del cómico fue realizada por John Doubleday para estar en el Leicester Square en Londres. Fue presentada por Sir Ralph Richardson en 1981.85 Una estatua de bronce de Chaplin se halla en Waterville Kerry.86

Chaplin recibió tres premios de la Academia a lo largo de su vida: uno como Mejor Banda Sonora y otros dos de carácter honorífico. Sin embargo, durante sus años como cineasta, Chaplin no recibió ningún premio por sus películas, a pesar de que Luces de la ciudad y Tiempos modernos son consideradas unas de las mejores películas del siglo xx.

Valoración e influencia[editar]


Estatua de Chaplin en Londres.


Caricatura del actor junto al gato Félix (1923).
Hasta la actualidad, es considerado una de las figuras del espectáculo más representativas del cine mudo como así también un ícono del humorismo. Entre 1917 a 1918 el actor Billy West hizo una veintena de películas imitando al personaje de Chaplin.87 Cuatro años después de su muerte, la astrónoma ucraniana Lyudmila Karachkina, descubridora de 131 asteroides, nombró a uno de ellos Chaplin 3623 en honor al actor.88 También ha sido caracterizado en diversas series de dibujos animados y, en 1985, fue honrado con su imagen en sellos de correo en Reino Unido. La crítica expresó que había alcanzado «un nivel de expresión dramática que nunca fue superado».22

Además de que se comercializaron distintos productos con la imagen de Chaplin, la IBM diseñó en la década de 1980 comerciales con un imitador del cómico.89 En 1992, Richard Attenborough coordinó un filme sobre su biografía titulado Chaplin, el cual recibió un premio BAFTA.90 El director John Woo, por su parte, dirigió la película Hua ji shi dai (1981), en la que parodió a El circo. En 2001 el comediante británico Eddie Izzard interpretó al actor en el filme The Cat's Meow, basada en la muerte aún sin resolver del productor Tomas H. Ince durante un partido de fútbol, en el cual Chaplin era un invitado.91 El prestigioso director italiano Pier Paolo Pasolini era seguidor de sus películas y en su filme Los cuentos de Canterbury, el personaje de Ninetto Davoli es una especie de recreación del vagabundo. Una de las hijas del fallecido actor, Josephine Chaplin también trabajó en la película.92

El diario Página/12, de Argentina, analizando su obra, publicó: «Casi sin excepción, Chaplin ha encontrado en las contradicciones de su siglo el más apasionado material dramático y, sin duda, este hecho le valió la oposición de la crítica que no aceptaba este criterio de "inmediatez temática" que lo ha hecho transitar valientemente por caminos vinculados a la sátira política».22 La revista inglesa Time realizó un estudio, apoyado en encuestas y opiniones de diversas publicaciones en todo el mundo, por el que reconocía a Charles Chaplin como una de las personalidades más importantes del siglo xx.

En 1999, el American Film Institute lo definió como «el décimo actor más célebre de todos los tiempos».93 En 2008, el escritor Martin Sieff en su libro Chaplin: una vida, redactó: «Chaplin no era solo un grande, era gigantesco». George Bernard Shaw lo llamó «El único genio de la industria del cine.»94 También se le destacó al actor que haya realizado humor durante la Primera y Segunda Guerra Mundial, la Gran Depresión y el período dictatorial de Adolf Hitler, ya que dio entretenimiento a una gran cantidad de personas que sufrían las privaciones propias de la guerra y la pérdida de sus familiares.95

En 2005, su sombrero y su bastón fueron subastados por la casa de remates Bonhams por 300 000 USD y en 2011, al conmemorarse el 122º aniversario de su natalicio, la compañía tecnológica Google lanzó un doodle con video para conmemorarlo.96 97 98

Ha recibido 65 puntos

Vótalo:

FRIEDRICH WILHELM MURNAU

3. FRIEDRICH WILHELM MURNAU

rayectoria[editar] Friedrich W. Plumpe era hijo del dueño de una manufacturería textil de Bielefeld. Estudió literatura, historia del arte, filosofía y música en la prestigiosa Universidad de Heidelberg, antes de instruirse en teatro y cinematografía junto a Max Reinhardt, con quien llegó a... Ver mas
rayectoria[editar]
Friedrich W. Plumpe era hijo del dueño de una manufacturería textil de Bielefeld. Estudió literatura, historia del arte, filosofía y música en la prestigiosa Universidad de Heidelberg, antes de instruirse en teatro y cinematografía junto a Max Reinhardt, con quien llegó a colaborar. En 1909, para no perturbar a su familia con el apellido Plumpe, adoptó el nombre artístico F. W. Murnau, elegido de un pueblo de alta Baviera: lo había conocido en un viaje en bicicleta con su amigo Hans Ehrenbau-Degele, del cual por añadidura tuvo noticias de la cultura judía-alemana.

Cuando estalló la Primera Guerra Mundial, se interrumpió la carrera teatral, pues Murnau se unió al combate como piloto aéreo, y sufrió un grave accidente aéreo en Suiza.

Al finalizar la contienda, Murnau pudo adscribirse, aunque sólo en parte, a ese movimiento expresionista, dentro del cine alemán, que se desarrolló durante la década de 1920, produciendo una obra variada y originalísima, ya en Berlín, en la que asimismo se nota el eco de Max Reinhardt. En todo caso, debe verse también como una prolongación del romanticismo alemán. 1

Su prestigio le condujo a ir a la capital del cine estadounidense con un contrato con la Fox, entre 1926 y 1931 (aunque intentó trabajar de nuevo en Alemania, de la que no estaba desconectado en absoluto). Poco después de la finalización del rodaje de su último film americano, y antes del estreno, Murnau murió tras un accidente automovilístico, en Santa Mónica, el 11 de marzo de 1931.

Fue enterrado en Alemania. Murnau no pudo ver, al morir tan joven, a los 42 años, la deriva trágica de su país de origen desde 1933.

Cine alemán[editar]


Cartel de Der Knabe in Blau (1919).
Murnau empezó con El muchacho en azul, de 1919, y rodó al inicio por tres veces con el mismo director de fotografía (Karl Hoffmann, llamado el Mago)2 , hasta llegar a ocho filmes, hasta hacer su película más famosa, Nosferatu. Eine Symphonie des Grauens, de 1922.

Ya con El castillo Vogelöd, de 1921, que rodó solo en dieciséis días, Murnau puso en evidencia su especial talento para crear una atmósfera angustiosa. Y dicha habilidad, más refinada y con mayor reflexión le condujo a su Nosferatu. Ésta era una adaptación peculiar de la célebre novela Drácula de Bram Stoker, lo que provocó la denuncia de su viuda por infringir los derechos de autor, pues no se pagaron los debidos derechos. Murnau perdió el pleito y fue condenado a destruir todas las copias, pero unas pocas se almacenaron y conservaron, lo que permitió que en la actualidad Nosferatu esté perfectamente disponible para el público en general.

Nosferatu presentaba la Alemania desmoralizada derrotada tras la Primera Guerra Mundial haciendo al vampiro (el actor alemán Max Schreck) parecer una rata que sabía dónde conducir la plaga. El origen de la palabra es la manera de designar al vampiro de los ciudadanos polacos de la novela de Bram Stoker. "Nosferatu" también suena parecido al griego "nosophoros", traducible como "portador de plagas", posible raíz del nombre. Werner Herzog, en una línea romántica muy personal (que se quería enlazar expresamente con Murnau) hizo una versión personal de esa historia de vampirismo, en el año 1979.

La siguiente película que dirigió fue El nuevo Fantomas. El guión era de Thea von Harbou (primera esposa de Fritz Lang, luego entregada al nacionalsocialismo) y está basada en una novela de Gerhart Hauptmann (premio Nobel de Literatura en 1912), Phantom. El título se refiere a los fantasmas personales del protagonista (un funcionario modesto que espera ser reconocido poeta), como a la joven de clase elevada a la que adora (y que ha conocido tras ser atropellado por su carruaje).3

Casi tan importante como Nosferatu en la filmografía de Murnau fue El último (Der Letzte Mann), de 1924, considerada como una de sus mejores obras, escrita por Carl Mayer y protagonizada por Emil Jannings. A menudo considerada la segunda mejor película de todos los tiempos por los críticos internacionales, la película introdujo la cámara de punto de vista subjetivo, donde la cámara "ve" como los ojos del protagonista y efectos visuales para representar la alteración del estado psicológico de un personaje.

El último es, con su Tartufo, de 1926, el film más ambicioso del director.4 En ambos casos resalta el tema de la apariencia, pegada casi a la piel de sus personajes. El último se asemeja más al teatro de cámara alemásm, que es lo que impone un relato pausado (sin contar la actuación algo insistente de Jannings). 5 En Herr Tartüff, basado en la comedia de Molière pero de un modo muy alemán, vuelve a trabajar con el mismo equipo (Carl Mayer, Emil Jannings], para narrar la hipocresía de un individuo presuntamente virtuoso que quiere adueñarse de una fortuna. Añadió al texto molieresco un prefacio y un epílogo modernos, que actualizan la historia de Tartufo, pero que no son muy interesantes.6

La última película alemana de Murnau fue la carísima Fausto (1926) con Gösta Ekman de protagonista, Emil Jannings como Mefistófeles y Camilla Horn como Gretchen. La película de Murnau imita el ritmo clásico de la historia de Fausto de la versión de Goethe, pero su narración es muy personal. Cuidado, tranquilo e innovador, el film contiene muchas imágenes memorables y efectos especiales alarmantes, con una cuidada atención a los claroscuros. La escena más llamativa presenta a Mefistófeles (Jannings) como una figura gigante y burlona, cornado y con alas negras que se cierne sobre una ciudad sembrando las semillas de la plaga. Son especialmente sobresalientes las interpretaciones de Ekman de viejo, que se va rejuveneciendo a lo largo del film partiendo de un barbudo anciano a un apuesto joven, así como la del citado Jannings —personaje siniestro, amargo y cínico— y la de la prácticamente desconocida Camilla Horn, que representa memorablemente a la trágica Gretchen.

Se cree que la mayoría de sus películas alemanas no se conservan, pero la Fundación Murnau (Murnau Stiftung7 ) de Alemania, ha venido reconstruyendo viejos filmes suyos, como El castillo Vogeloed, de 1921, o más aún como Phantom, de 1922, que se consideró perdido durante muchos años hasta que en 2002 se encontró una copia en buen estado y pudo editarse con añadidos.

En Hollywood[editar]
Murnau emigró a Hollywood en 1926, donde trabajó para la 20th Century Fox. Realizó en 1927 Amanecer (Sunrise), citada como una de las mejores películas de todos los tiempos, que recibió el primer Oscar a la mejor calidad de producción, otorgado al propio director.

Murnau regresó a Berlín en 1927, pero sus negociaciones con la gran productora alemana, la Ufa, no dieron resultado.

La llegada del cine sonoro, supuso un abandono momentáneo de su carrera tras los fracasos de City Girl, 1928, y Four Devils, lo que le hizo emprender un viaje por el sur del Pacífico. Este viaje quedó reflejado en su última película:Tabú, que realizó en compañía de Robert Flaherty aunque las discrepancias entre ambos directores provocaron que finalmente Flaherty renunciase a la coautoría.

Balance[editar]
Este discípulo de Max Reinhardt fue un maestro de la puesta en escena, en el empleo de los espacios urbanos y de la naturaleza como expresión emocional y lírica, así como en el manejo psicológico de unos personajes marcados, en general, por el fatalismo y la búsqueda en un contexto infausto.

Es posible que, de todos los directores, Murnau sea el que organizó el espacio de sus filmes del modo más riguroso y más inventivo, lo cual es propio de su gran cultura pictórica, que perfeccionó en sus estudios en Heidelberg: Caravaggio, Holbein, Rembrandt, Vermeer, Hals, Goya, Friedrich han sido indicados como posibles referencias suyas, pero Murnau no 'copiaba' cuadros similares, sino que elaboraba otros en su mismo espíritu.8

Entre los estudios sobre Murnau destaca el trabajo de Lotte Eisner, F. W. Murnau, emigrada del nazismo y colaboradora de la Filmoteca parisina. Su libro ha sido muy citado (y a veces saqueado). Posteriormente, la tesis-monografía de Eric Rohmer, L'organisation de l'espace dans le 'Faust' de Murnau, de 1977, supuso un salto cualitativo en sus análisis, dada la calidad de sus disquisiciones formales.

Filmografía[editar]
Der Knabe in Blau, 1919
Der Januskopf (La cabeza de Jano) 1920
Abend - Nacht - Morgen, 1920
Satanas (Satán), 1920
Sehnsucht (Anhelo), 1920
Der Gang in die Nacht, 1920
Der Bucklige und die Tänzerin, 1920
Schlöss Vogeloed (El castillo Vogeloed), 1921
Marizza, 1922
Nosferatu. Eine Symphonie des Grauens (Nosferatu una sinfonía del terror, o Nosferatu el vampiro), 1922
Phantom(El nuevo Fantomas), 1922
Der Brennende Acker (La tierra en llamas), 1922
Die Austreibung, 1923
Der Letzte Mann (El último, a veces La última carcajada), 1924
Die Finanzen des Großherzogs, 1924, su única comedia.
Herr Tartüff (Tartufo o el hipócrita), 1926
Faust (Fausto), 1926
Sunrise (Amanecer), 1927
Four Devils, 1928
City Girl, 1930
Tabú, 1931

Ha recibido 63 puntos

Vótalo:

ERNST LUBITSCH

4. ERNST LUBITSCH

Biografía[editar] Lubitsch nació en 1892 en Berlín.2 . Era hijo de Simón Lubitsch, dueño de una próspera sastrería, cuya familia tenía raíces judía askenazis, y que había nacido en Grodno; su madre nació en Wriezen (Oder), fuera de Berlín; Simón quiso orientar a Ernst hacia el negocio familiar... Ver mas
Biografía[editar]
Lubitsch nació en 1892 en Berlín.2 . Era hijo de Simón Lubitsch, dueño de una próspera sastrería, cuya familia tenía raíces judía askenazis, y que había nacido en Grodno; su madre nació en Wriezen (Oder), fuera de Berlín; Simón quiso orientar a Ernst hacia el negocio familiar.

Estudió Lubitsch en el instituto Sophien de Berlín, pero desde adolescente hizo funciones teatrales. A los 16 años empezó a trabajar como actor (aunque ayudaba a su padre). Es más, sin alcanzar los veinte años, comenzó a actuar en el teatro de Max Reinhardt desde 1911 (el Deutsches Teather); y ya hizo con esa compañía el papel de Wagner del Fausto, que circuló con la compañía por Londres, París y Viena. En 1912 entró en el cine como atrezzista del Bioscope.3

En 1913 creó un personaje cómico judío para diferentes cortometrajes que escribió y dirigió. Desde 1914 hasta 1922, rodó cerca de cincuenta filmes de distinto metraje. Hizo su primer viaje a Estados Unidos en 1921, y asistió al rodaje de Las dos huérfanas de Griffith.

En Estados Unidos continuó luego una brillante carrera, tanto en cine mudo como en sonoro, desde 1922. Destacaría especialmente en el género musical, y lo mejor de su obra serán las películas de comedia.

Fue supervisor de la Paramount, lo que aprovechó para ofrecer su primera oportunidad a jóvenes promesas que huían de Europa ante el antisemitismo nazi, como Billy Wilder y Otto Preminger.

Obra[editar]
Ya había rodado con éxito, en 1918, Los ojos de la momia, Meyer de Berlín y Carmen (según Merimée); en 1919, La Princesa de las Ostras, Madame Du Barry (con gran aceptación) y La muñeca; en 1920, Romeo y Julieta, Las hijas del cervecero, Sumurun (donde actuaba) y Ana Bolena. Al año siguiente rodó El gato montés y La mujer del faraón, cuyo gran éxito le valió ir a California. Fue muy entrevistado y habló muy bien de Chaplin.4 . Al regresar a Berlín, y hastiado del cine histórico, hizo un drama de cámara Montmartre (Die Flamme, 1922).

Se trasladó a los Estados Unidos a la edad de 30 años, como un maestro consumado. Sus cuatro primeros largometrajes obtuvieron un notable éxito, por lo que la actriz Mary Pickford le propuso un contrato en Hollywood. Del primero destacan en 1923 Rosita; en 1924, Los peligros del flirt y La frivolidad de una dama; en 1925 Divorciémonos y especialmente una obra maestra por su sutileza, El abanico de Lady Windemere. En 1928, rodó El patriota e hizo su último film silencioso en 1929: Amor eterno, romántico y bello visualmente.

Luego, hasta su nacionalización en 1933, hizo Montecarlo (1930), El teniente seductor (1931); un drama antibelicista, Remordimiento (1932), que se considera obra maestra; y otras comedias, como Una hora contigo, Un ladrón en la alcoba, Si yo tuviera un millón (episodio), todo en 1932, y al año siguiente Una mujer para dos.

Formó parte del modelo star-system de Hollywood. Una vez en Estados Unidos, se consagró con la llamada «comedia refinada» de la que se le considera fundador. En este mismo subgénero (dentro de la comedia americana clásica), dirigió la famosa sátira contra la absurda rigidez soviética Ninotchka (1940), y más tarde la mordaz sátira antinazi Ser o no ser (1943), pero trenzada con su esquema del engaño amoroso matrimonial, que fue su guía. Después rodó El diablo dijo no (1943), El pecado de Cluny Brown (1946) y [[La dama del armiño (1948), que ya no pudo concluir.

Su obra se ha caracterizado por un modo irónico especial, el llamado «toque Lubitsch», que usaba no solo para saltarse la censura, sino también para complicar la trama, para divertirse, para hacer ambiguas las situaciones. Nadie lo ha definido de un modo muy concreto, porque no existe, decía él. Un ejemplo de este método estaría en La viuda alegre (1934) en el que se nos permite intuir una infidelidad con puertas que se abren y cierran. Se ha dicho que ese toque es un modo de narrar que posse "los sutiles ingredientes de la ironía, el pathos, la amargura y la risa, todos en uno; muy a menudo es el sarcasmo más anímico que visual que brota de una situación imposible que pueda degradar al héroe o descalificar al genio".5

Filmografía[editar]
1914 – Fräulein Seifenschaum
1915 – Aufs Eis Geführt
1915 – Zucker Und Zimt
1915 – Blindekuh
1915 – Der Gemischte Frauenchor
1915 – Sein Einziger Patient
1915 – Der Kraftmeyer
1915 – Der Letzte Anzug
1915 – Als Ich Tot War
1916 – Wo Ist Mein Schatz?
1916 – Schuhpalast Pinkus
1916 – Das Schönste Geschenk
1916 – La mamá de los perritos (Der G.M.B.H.-Tenor)
1916 – Seine Neue Nase
1916 – Keiner Von Beiden
1917 – Käsekönig Holländer
1917 – Der Blusenkönig
1917 – Ossi's Tagebuch
1917 – La niña de los millones (Wenn Vier Dasselbe Tun)
1917 – Das Fidele Gefängnis
1917 – Prinz Sami
1918 – Pasajero sin billete (Der Rodelkavalier)
1918 – La bailarina del antifaz (Das Mädel Vom Ballett)
1918 – No quiero ser un hombre (Ich Möchte Kein Mann Sein)
1918 – Der Fall Rosentopf
1918 – Los ojos de la momia (Die Augen Der Mumie Mâ)
1918 – Meyer Aus Berlin
1918 - Carmen (Carmen)
1919 – Mi mujer, artista de cine (Meine Frau, Die Filmschauspielerin)
1919 – La Princesa de las Ostras (Die Austernprinzessin)
1919 – Rausch
1919 – Madame Du Barry (Madame Dubarry)
1919 – La muñeca (Die Puppe)
1920 – Romeo y Julieta (Romeo Und Julia Im Schnee)
1920 – Las hijas del cervecero (Kohlhiesels Töchter)
1920 – Sumurun (Sumurun)
1920 - Ana Bolena (Ann Boleyn)
1921 - El gato montés (Die Bergkatze)
1921 – La mujer del faraón (Das Weib Des Pharao)
1922 – Montmartre (Die Flamme)
1923 – Rosita, la cantante callejera (Rosita)
1924 - Los peligros del flirt (The Marriage Circle)
1924 – Mujer, guarda tu corazón (Three Women)
1924 – La frivolidad de una dama (Forbidden Paradise)
1925 – Divorciémonos (Kiss Me Again)
1925 - El abanico de Lady Windemere (Lady Windemere's Fan)
1926 – La locura del charlestón (So This Is Paris)
1927 – El príncipe estudiante (The Student Prince In Old Heidelberg)
1928 – El patriota (The Patriot)
1929 – Amor eterno (Eternal Love)
1929 – El desfile del amor (The Love Parade)
1930 – Galas de la Paramount (Paramount On Parade) (Director de las secuencias ‘Origin Of The Apache’, ‘Park In Paris’ y la secuencia final en Technicolor ‘The Rainbow Revels’)
1930 – Montecarlo (Monte Carlo)
1931 – El teniente seductor (The Smiling Lieutenant)
1932 - Remordimiento (The Man I Killed)
1932 – Una hora contigo (One Hour With You)
1932 - Un ladrón en la alcoba (Trouble in Paradise)
1932 – Si yo tuviera un millón (If I Had A Million) (Director del episodio ‘The Clerk’)
1933 - Una mujer para dos (Design for living)
1934 - La viuda alegre (The Merry Widow)
1937 - Ángel (Angel)
1938 - La octava mujer de Barba Azul (Bluebeard's eighth wife)
1939 - Ninotchka (Ninotchka)
1940 - El bazar de las sorpresas (The Shop Around the Corner)
1941 - Lo que piensan las mujeres (That Uncertain Feeling)
1942 - Ser o no ser (To Be or Not to Be)
1943 - El diablo dijo no (Heaven Can Wait)
1946 – El pecado de Cluny Brown (Cluny Brown)
1948 – La dama del armiño (That Lady In Ermine) (Finalizada Por Otto Preminger)

Ha recibido 61 puntos

Vótalo:

FRITZ LANG

5. FRITZ LANG

Trayectoria[editar] Era hijo de Anton Lang, arquitecto jefe de los trabajos públicos de la ciudad de Viena, y de Paula Schlesinger, de ascendencia judía.1 Cuando Lang tenía diez años de edad su madre se convirtió al catolicismo e intentó que el niño se educase en dicha religión. No obstante... Ver mas
Trayectoria[editar]
Era hijo de Anton Lang, arquitecto jefe de los trabajos públicos de la ciudad de Viena, y de Paula Schlesinger, de ascendencia judía.1 Cuando Lang tenía diez años de edad su madre se convirtió al catolicismo e intentó que el niño se educase en dicha religión. No obstante, Lang siempre manifestó no tener ningún interés en las religiones, y no mostró especial interés en sus raíces judías hasta que los nazis llegaron al poder en 1933, lo que condicionó su carrera profesional y su vida en el exilio.

En 1908 empezó sus estudios de arquitectura en la Escuela Técnica de Viena, por deseo paterno; pero se inclinaba por la pintura, de modo que interrumpió dichos estudios arquitectónicos para matricularse en la Escuela de Artes Gráficas de Viena. Sus modelos eran Klimt y especialmente Schiele, que admiró de por vida.2 Pasó luego a la de Núremberg y luego a la Escuela de Bellas Artes de Múnich.1 A partir de 19091 o 1910,3 abandonó el hogar paterno y emprendió una serie de largos viajes, dejando los estudios. Inicia una época de cambios continuos de residencia y de vida bohemia (trabajó en dos cabarets vieneses, viajó por todo el mundo). Tras una estancia artística en Múnich se estableció finalmente en París, hasta 1914.

Tras el inicio de la primera guerra mundial se trasladó desde París a Viena.4 Se alistó en 1914 como voluntario en el ejército austrohúngaro el 12 de enero de 1915, pero se decepcionó enseguida.5 Herido durante la contienda, en la convalecencia de 1916 empezó a escribir guiones de cine.6

Etapa alemana[editar]
Conoció en su hospital militar al director de cine vienés y luego alemán Joe May; le mostró dibujos y varios de sus relatos, por lo que May le contrató como guionista. En 1916, comenzó a escribir guiones para los estudios Universum Film AG (UFA) y estrenó su primer film como guionista en Viena, en 1917: se trataba de Die Hochzeit im exzentrik Klub, obra dirigida por May, actualmente desaparecida. El resultado le pareció fallido a Lang, así que decidió dirigir él mismo sus propias películas.

Acabada la contienda en 1918, abandonó Viena (ciudad de la que se había apartado en realidad desde 1908); ciudadano alemán ya, trabajó como director en Hallblut (1919) y Las arañas (Die Spinnen) (1920), que fueron bien recibidas. En la segunda, la primera que se conserva, se perciben ya sus rasgos: talento dramático, cuidadas composición de imágenes, notable sentido volumétrico muchedumbres,.

Era el momento de eclosión del cine en Alemania: se pasó de 28 filmes anuales, antes de la guerra, a 245 en 1919 o ya 474 en 1922.7 Las fantasías más bien terroríficas de esos años, con vampiros, seres artificiales, vidas dobles, sabios ocultos o sociedades secretas, mujeres fatales, dan un tono folletinesco general al cine alemán (lleno de histeria y desesperación dirá luego Lang) del que no fue ajeno su trabajo, por lo cual se le ve en las filas del expresionismo. Su primera mujer se suicidó en 1920, y Lang nunca quiso dar datos íntimos, ni siquiera a historiadoras serias (y amigas de él), como Lotte Eisner.

A partir de sus propios guiones y los de su segunda mujer, la escritora Thea von Harbou, rodó Das Wandernde Bild (1920), Las tres luces (1921), Dr. Mabuse, el jugador (1922), Spione (1927) y luego, a petición de los productores, El testamento del Dr. Mabuse (1932), que continuaba las aventuras siniestras de ese criminal. Ahí aparece de continuo un inquietante mundo subterráneo (con sótanos, galerías y cuevas), espejos que hacen que las figuras se desdoblen, visiones ilusorias o distorsionadas, de acuerdo con la mente delirante de Mabuse y otras figuras, como ya en M.

Son consideradas las mejores de su producción en Alemania las dos partes de Los nibelungos (Sigfrido y La venganza de Crimilda, 1924), Metrópolis (1927), La mujer en la Luna (1928) y, ya en el ámbito sonoro, M, el vampiro de Düsseldorf (1931).

Al finalizar El testamento del Dr. Mabuse en 1932, recibió la propuesta de Joseph Goebbels de hacerse cargo de la dirección de la UFA, pero Lang era del todo contrario a las ideas nazis, así que esa misma noche huyó hacia Francia, dejando casi todo lo que tenía y a Thea von Harbou, con la que no convivía ya, la guionista de muchas películas de entonces y próxima a las ideas que dominaban Alemania en aquella época.

En París rodó Liliom (1934), con poco éxito, pero siguió hacia Hollywood ese mismo año, contratado por la Metro-Goldwyn-Mayer. El estreno en 1933 de El testamento del Dr. Mabuse fue prohibido.

Etapa estadounidense[editar]
Ya en Estados Unidos sus proyectos fueron rechazados y tardó dos años en hacer Furia (1936). Sus producciones estadounidenses debieron acomodarse a las normas de los diferentes géneros, aunque filmó destacadas películas policíacas como Sólo se vive una vez (1937), La mujer del cuadro (1944), Perversidad (1945), Secreto tras la puerta (1947), Los sobornados (1953), Más allá de la duda (1956), Mientras Nueva York duerme (1956), y otras de otro tipo como Deseos humanos (1954), Los contrabandistas de Moonfleet (1955) y Encubridora (1952).

En varias ocasiones, era manifiesta la crítica social y siempre estaban presentes sus dudas sobre la justicia así como sus reflexiones sobre el individuo contemporáneo y su desamparo. A finales de los años cincuenta, en parte por el clima creado por las investigaciones del Comité sobre Actividades Antiamericanas, en parte por su rechazo de criterios comerciales, y también por la oferta de un productor europeo, viajó a la República Federal Alemana para rodar El tigre de Esnapur (1958), La tumba india (1959) y Los crímenes del Dr. Mabuse (1960), su última película.

Murió en Los Ángeles en 1976, admirado por el grupo de Cahiers en Francia, el propio Godard le había entrevistado y dado un papel relevante en unos de sus filmes, El desprecio.

Ha recibido 61 puntos

Vótalo:

ROBERTO ROSSELLINI

6. ROBERTO ROSSELLINI

Biografía[editar] Nacido en una familia burguesa de Roma, su padre construyó el primer cine romano (un teatro donde podían mostrarse películas), garantizando a Roberto el pase libre de admisión ilimitado; Roberto comenzó a frecuentar el cine a una edad temprana. Cuando su padre murió, Roberto... Ver mas
Biografía[editar]
Nacido en una familia burguesa de Roma, su padre construyó el primer cine romano (un teatro donde podían mostrarse películas), garantizando a Roberto el pase libre de admisión ilimitado; Roberto comenzó a frecuentar el cine a una edad temprana. Cuando su padre murió, Roberto trabajó como técnico de sonido en películas, y por algún tiempo pudo trabajar en varios campos relacionados con la creación de películas, ganando competencia en cada uno.

En 1938 rodó su primer cortometraje, Prélude à l'aprés-midi d'un faune, después del cual asistió a Goffredo Alessandrini en el rodaje de Luciano Serra pilota, una de las películas italianas de la primera mitad de siglo con más éxito. En 1940 asistió a Francesco De Santis en Uomini sul Fondo. Su primer largometraje, La Nave Bianca (1941) es la primera de la llamada Trilogía Fascista, junto con Un pilota ritorna (1942) y Uomo dalla Croce (1943). A esta etapa corresponde su amistad y cooperación con Federico Fellini y Aldo Fabrizi.

Cuando el régimen fascista terminó en 1945, sólo dos meses después de la liberación de Roma, Rossellini ya estaba preparando Roma, ciudad abierta (Roma città aperta, con Fellini asistiendo en el guion y Fabrizi en el papel del sacerdote), que él mismo produjo, obteniendo la mayor parte del dinero de créditos y préstamos. Este drama fue un éxito inmediato. Rossellini comenzó así su Trilogía Neorrealista, cuya segunda película fue Paisà (Camarada, 1946), filmada enteramente con actores no profesionales, y la tercera Germania anno zero (1947), patrocinada por un productor francés y dirigida en el sector francés de Berlín.

Declaró en una entrevista: para crear realmente el personaje que uno tiene en mente, es necesario para el director entablar una batalla con el actor que normalmente termina sometiéndose a los deseos del actor. Como no deseo estar malgastando mis energías en una batalla como ésta, sólo uso actores profesionales en contadas ocasiones. Se ha dicho que una de las razones de su éxito fue el hecho de que Rossellini reescribió los guiones según los sentimientos y las historias de sus actores no profesionales. Acentos regionales, dialectos y vestimentas se ven en sus películas del modo en que verdaderamente eran.

Después de su Trilogía Neorrealista, Rossellini produjo dos largometrajes que hoy se clasifican como cine transicional: L'Amore (con Anna Magnani) y La macchina ammazzacattivi, mostrando realidad y verdad.

En 1948 Rossellini recibe una carta de Ingrid Bergman proponiéndole trabajar con él y así comienza una de las más conocidas historias de amor en el mundo del cine, con Ingrid Bergman y Rossellini en la cumbre de su popularidad e influencia. Comenzaron a trabajar juntos un año más tarde en Stromboli terra di Dio (en la isla de Stromboli) 1950, cuyo volcán entró en erupción durante el rodaje), y en Europa '51 1951. En 1954, Viaggio in Italia completa la llamada Trilogía de Ingrid.

Esta relación causó un gran escándalo en algunos países (Bergman y Rossellini estaban casados antes de conocerse); el escándalo se intensificó cuando comenzaron a tener hijos (uno de los cuales es Isabella Rossellini).

Filmografía[editar]
Cine[editar]
La nave bianca (1941)
Un pilota ritorna (1942)
L'uomo dalla croce (1943)
Roma città aperta (1945)
Desiderio (1946)
Paisà (1946)
Germania anno zero (1948)
L'amore, episodio Una voce umana y Il miracolo (1948)
Stromboli terra di Dio (1950)
Francesco, giullare di Dio (1950)


Roberto Rossellini con la gata
que se ve en el episodio Invidia.
Invidia (episodio de I sette peccati capitali, 1952)
La macchina ammazzacattivi (1952)
Europa '51 (1952)
Ingrid Bergman (episodio de Siamo donne, 1953)
Viaggio in Italia (1953)
Napoli '43 (episodio de Amori di mezzo secolo, 1954)
Dov'è la libertà? (1954)
La paura (1954)
Giovanna d'Arco al rogo (1954)
India (1959)
Il generale Della Rovere (1959)
Era notte a Roma (1960)
Viva l'Italia! (1961)
Vanina Vanini (1961)
Anima nera, (1962)
Illibatezza (episodio de Ro.Go.Pa.G., 1963)
La prise de pouvoir par Louis XIV (TV, 1966)
Anno uno (1974)
Il messia (1975)
Televisión[editar]
L'India vista da Rossellini (Serie TV, 1959)
Torino nei cent'anni (TV, 1961)
L'età del ferro (TV, 1964)
La Prise de pouvoir par Louis XIV (TV de Francia, 1966)
Idea di un'isola (TV, 1967)
Atti degli apostoli (miniserie TV, 1969)
Socrate (TV, 1970)
Rice University (1971)
Intervista a Salvador Allende: La forza e la ragione (1971)
Blaise Pascal (TV, 1971)
Agostino d'Ippona (1972)
L'età di Cosimo de' Medici (TV, 1973)
Cartesius (TV, 1974)
Concerto per Michelangelo (TV, 1977)
Beaubourg, centre d'art et de culture Georges Pompidou (1977)

Ha recibido 57 puntos

Vótalo:

JEAN RENOIR

7. JEAN RENOIR

Biografía[editar] Gabrielle y Jean, por Pierre-Auguste Renoir Sus comienzos[editar] Estudió en el Sainte-Marie de Monceau, un colegio católico privado en París. Tras unos estudios mediocres, Jean Renoir se alistó en el cuerpo de dragones en 1912. Soldado durante la Primera Guerra... Ver mas
Biografía[editar]


Gabrielle y Jean, por Pierre-Auguste Renoir
Sus comienzos[editar]
Estudió en el Sainte-Marie de Monceau, un colegio católico privado en París.

Tras unos estudios mediocres, Jean Renoir se alistó en el cuerpo de dragones en 1912. Soldado durante la Primera Guerra Mundial, sirvió en la aviación a partir de 1916. Sufrió una herida en la pierna que hará que cojee toda su vida.

En 1920, se casó con una de las modelos de su padre, Andrée Madeleine Heuchling, y abrió un taller cerámico. El estreno, en 1921, de la película de Erich von Stroheim, Esposas frívolas (Foolish Wives) fue determinante en su futura carrera como cineasta.

En 1924, hizo el guion y produjo Catherine ou une vie sans joie; estaba dirigida por Albert Dieudonné, aunque él asimismo participó en su realización. Trabajaba su joven esposa.2

Su primer largometraje, La Fille de l'eau (1924), era una fábula bucólica con estética impresionista, en el que participa asimismo su mujer, que había adoptado el seudónimo de Catherine Hessling, y su hermano mayor, Pierre Renoir.

La tibia acogida que se dispensó a la película no desanimó al cineasta, que poco después se aventurará en una costosa producción, Nana, basada en la novela homónima de Émile Zola, en 1926. Para financiarla venderá algunos de los lienzos de su padre que había heredado. Para él era su primera película, y el influjo de Stroheim, Esposas frívolas, esá reconocido. Hay un contraste evidente entre criados y señores, y aparece un tema de Renoir, su afición al espectáculo.3

Más adelante se lanzará a una serie de películas de inspiración diversa, que no siempre convencieron al público, comoLa Petite Marchande d'allumettes, basada en el relato de Hans-Christian Andersen, 1928; Tire-au-flanc, comedia militar, 1928, que se ha descuidado, a juicio de Bazin, por su mexcla de lo cómico y lo trágico, la fantasía y la crueldad4 On purge Bébé, basado en Georges Feydeau, 1931).

El período realista[editar]
La Golfa (1931) marca un cambio en la obra de Jean Renoir. Es una de las primeras películas sonoras, adaptada partiendo de una novela de Georges de La Fouchardière. Esta bella La Golfa dio a Michel Simon uno de sus mejores papeles, el de un pequeñoburgués celoso, asesino y torpe (el actor era homenajeado por el cineasta). Fue una empresa desmesurada, dice Renoir, que careció de éxito.5

Tras La Nuit du carrefour (basada en Georges Simenon, 1932), en la que Pierre Renoir interpretaba al comisario Maigret, el director dirigirá una serie impresionista de obras maestras: Boudou salvado de las aguas (otra vez con Michel Simon, 1932), y lleno de contrasentidos poéticos,6 El crimen de Monsieur Lange (con Jules Berry, 1935), Una partida de campo (1936) en la que su sobrino Claude Renoir es el autor de la fotografía, que recuerda al mundo de su padre.

Su Toni, 1934, está lleno de claves para, porque es una especie de manojo de filmes suyos. Pese a sus defectos, es donde leva más lejos sus hallazgos sobre sí y sobre el cine.7

Asimismo hay que contar con Los bajos fondos (donde trabaja Louis Jouvet, 1936). Buscando inspiración en las novelas de Gorki, como en este caso, o en los relatos de Maupassant, Jean Renoir demuestra un agudo sentido de la realidad, que pone al servicio de un auténtico naturalismo poético.

El compromiso político[editar]
Poco a poco irá buscando la colaboración de Jacques Prévert y Roger Blin, que dan a su producción una dimensión abiertamente política, marcadas por las ideas del Frente Popular, dado el horror que le inspiraba un personaje como Hitler:8 La vie est à nous, (1936), El crimen de Monsieur Lange, La Marsellesa, (1938). Esta tendencia abrirá el camino al neorrealismo italiano.

Antes de la Segunda Guerra Mundial, Jean Renoir trata de promover un mensaje de paz con La gran ilusión (1937), en la que participan (en un homenaje) su padre espiritual Erich von Stroheim y Jean Gabin. En La bestia humana (1938), trata de poner ante la pantalla los compromisos sociales de la época. En su obra maestra, La regla del juego (1939), prevé el desmoronamiento de los valores humanistas y traza un cuadro sin ninguna condescendencia sobre las costumbres de la sociedad francesa.

La etapa estadounidense[editar]
Exiliado en los Estados Unidos en 1940 (dejará inconclusa una adaptación de Tosca de Victorien Sardou, que al final rodará su amigo Carl Koch), Jean Renoir adquiere la nacionalidad estadounidense.

Aunque se adapta difícilmente al universo de Hollywood, dirige a pesar de todo algunas películas por encargo, en especial películas de propaganda, como Esta tierra es mía, con Charles Laughton en 1943, o Salute to France 1944 y hace adaptaciones literarias (Memorias de una doncella, basado en Octave Mirbeau, 1946).

Todo ello sucede antes de viajar a la India para rodar una oba maestra,El río (The River, 1951). Es una película en color, contemplativa y serena, con un humanismo a veces desencantado: es el resultado de una experienccia propia. El influjo de este film en el cine de la India será patente. Y, para Rivette, el viaje a la India se convirtió desde entonces en un referente (como antes lo era a Grecia).9

Sus últimas películas[editar]
De vuelta a Europa a principios de los años 1950, Jean Renoir aún rodará Le Carrosse d'or (basado en Prosper Mérimée, 1952), French Cancan (con Jean Gabin y Françoise Arnoul, 1955), Elena y los hombres (con Ingrid Bergman y Jean Marais, 1956) y Le Caporal épinglé (basado en Jacques Perret, 1962).

Al encontrarse cada vez con mayores dificultades para producir su películas, se dedica a la televisión (Le Petit Théâtre de Jean Renoir, 1969-1971) y se dedica con mayor empeño a la escritura: publica un libro sobre su padre, Renoir, mi padre (1962), su autobiografía, Mi vida y mis películas (1974), un ensayo (Escritos 1926-1971, 1974), algunas obras de teatro (Orvet, 1955) así como varias novelas (Los Cuadernos del capitán Georges, 1966 ; El crimen del inglés, 1979).

En 1970, se retira y se va a vivir a Beverly Hills, en donde muere en 1979.

Filmografía[editar]
Como director[editar]
1924 - Catherine ou una vida sin alegría (Catherine ou une vie sans joie), 2ª versión, 1927, guión y producción; dirigida por Albert Dieudonné.
1925 - La Fille de l'eau
1926 - Nana
1927 - Sur un air de charleston
Marquitta
1928 - La Petite Marchande d'allumettes
Tire-au-flanc
Le Tournoi dans la cité
1929 - Le Bled
1931 - On purge bébé
1931 - La golfa (La Chienne)
1932 - La Nuit du carrefour
Boudu sauvé des eaux
Chotard et Cie
1933 - Madame Bovary
1935 - Toni
1936 :
1936
Los bajos fondos (Les Bas-Fonds)
Una partida de campo (Une partie de campagne)
El crimen de Monsieur Lange (Le crime de M. Lange)
La vida es nuestra (La vie est à nous)
Boudou salvado de las aguas (Boudou sauvé des eaux)
1937 - La gran ilusión (La grande illusion)
1938
La Marsellesa (La Marseillaise)
La bestia humana (La bête humaine)
1939 - La regla del juego (La règle du jeu)
1941 - Aguas Pantanosas (Swampwater)
1943 - Esta tierra es mía (This Land is Mine)
1946 - Memorias de una doncella (The Diary of a Chambermaid)
1943 : Vivre libre (This Land Is Mine)
1945 : El hombre del sur o El sureño (The Southerner)
1946 : El diario de una camarera (The Diary of a Chambermaid)
Salut à la France (Salute to France)
1947 - La mujer en la playa (The Woman on the Beach)
1950 - El río (The River)
1952 - La carroza de oro (Le Carrosse d'or)
1955 - Can-can Francés (French Cancan)
1956 - Elena y los hombres (Elena et les hommes)
1959
Comida sobre la hierba (Le déjeuner sur l'herbe)
El Testamento del Doctor Cordelier (Le Testament du Docteur Cordelier" / Experiment in evil)
1962 - El cabo (Le Caporal épinglé)
1971 - Le Petit Théâtre de Jean Renoir
Como actor o presentador[editar]
1924 : Catherine, como el subperfecto
1936 : Partie de campagne, como Poulain
La vie est à nous, es el patrón del bistró
1938 - La Bête humaine, como Cabuche
1939 - La Règle du jeu, como Octave
1959 - Le Testament du docteur Cordelier, como presentador
1971 - Le Petit Théâtre de Jean Renoir, como presentador
Escritos[editar]
Orvet, pieza en tres actos, París, Gallimard, 1955
Pierre-Auguste Renoir, mon père, 1962, y Gallimard, Folio, 1981. Trad. esp. Renoir, Buenos Aires, Editorial Sudamericana, 1964
Les Cahiers du capitaine Georges, París, Gallimard, 1966
Ma vie et mes films, París, Flammarion, 1974. Trad. esp. Mi vida, mis films, Valencia, Torres, 1975
Écrits 1926-1971, Paris, Pierre Belfond, 1974
Carola, pieza en tres actos, L'Avant-Scène Théâtre, 597, noviembre 1976
Le Cœur à l'aise, París, Flammarion, 1978
Julienne et son amour, junto a En avant Rosalie, París, Henri Veyrier, 1978
Le Crime de l'Anglais, París, Flammarion, 1979
Geneviève, París, Flammarion, 1979
Entretiens et propos, 1979 (ahora: Cahiers, 2005)
Lettres d'Amérique, París, Presses de la Renaissance, 1984
Le passé vivant, Cahiers, 1989
Correspondance, 1913-1978, Plon, 1998
Premios[editar]
Año Categoría Película Resultado
1974 Oscar Honorífico Ganador
1945 Mejor Director The Southerner Candidato

Ha recibido 57 puntos

Vótalo:

DAVID LEAN

8. DAVID LEAN

Sir David Lean CBE (Croydon, 25 de marzo de 1908 - Limehouse, 16 de abril de 1991) fue un director de cine británico recordado especialmente por películas como Lawrence de Arabia y Doctor Zhivago. David Lean y Omar Sharif, preparando una toma de Doctor Zhivago en el pinar de San Leonardo... Ver mas
Sir David Lean CBE (Croydon, 25 de marzo de 1908 - Limehouse, 16 de abril de 1991) fue un director de cine británico recordado especialmente por películas como Lawrence de Arabia y Doctor Zhivago.



David Lean y Omar Sharif, preparando una toma de Doctor Zhivago en el pinar de San Leonardo de Yagüe, en la provincia de Soria.
Nació en Croydon (Surrey, Inglaterra). Se inició en la industria como ayudante de cámara en 1927 en Gaumont Pictures. Luego, ascendió a mejores posiciones. En 1930 trabajaba en el montaje de noticias y, a partir de 1934, en el de películas. Montó obras como Escape me Never'' (1936), Pigmalion (1938), Paralelo 49 (1941), y One of our Aircraft is missing (1942). Sus primeros cuatro trabajos como director estuvieron basados en obras de Noël Coward, con quien codirigió la primera de ellas, Sangre, sudor y lágrimas (In Which we Serve, 1942). La más notable de este grupo fue Breve encuentro (Brief Encounter, 1945), que compartió una Palma de Oro en el Cannes.

Más tarde dirigió dos adaptaciones de obras de Charles Dickens, Great Expectations y Oliver Twist.

Las superproducciones por la que es más recordado comenzaron en 1957 con El puente sobre el río Kwai, por la que ganó un New York Film Critics Award, y un Óscar.

Recibió otro Óscar por Lawrence de Arabia (1962). Después del éxito de Doctor Zhivago (1965), vino la no tan exitosa La hija de Ryan (1970).

Tras un largo paréntesis de catorce años, dirigió, Pasaje a la India (1984).

Murió en Londres mientras planeaba una película basada en la obra Nostromo, de Joseph Conrad.

Filmografía[editar]
Sangre, sudor y lágrimas (1942)
La vida manda (1944)
Un espíritu burlón (1945)
Breve encuentro (1945)
Cadenas rotas (1946)
Oliver Twist (1948)
Amigos apasionados (1949)
Madeleine (1950)
La barrera del sonido (1952)
El déspota (1954)
Locuras de verano (1955)
El puente sobre el río Kwai (1957)
Lawrence de Arabia (1962)
Doctor Zhivago (1965)
La hija de Ryan (1970)
Pasaje a la India (1984)

Ha recibido 51 puntos

Vótalo:

LUCHINO VISCONTI

9. LUCHINO VISCONTI

Biografía[editar] Luchino Visconti nació en Milán, Lombardía, Italia en 1906, en el seno de una familia de la más antigua aristocracia lombarda, los Visconti, cuyo linaje se remonta al Renacimiento. Era hijo del duque Giuseppe Visconti di Modrone, y de Carla Erba, hija de un poderoso industrial... Ver mas
Biografía[editar]
Luchino Visconti nació en Milán, Lombardía, Italia en 1906, en el seno de una familia de la más antigua aristocracia lombarda, los Visconti, cuyo linaje se remonta al Renacimiento. Era hijo del duque Giuseppe Visconti di Modrone, y de Carla Erba, hija de un poderoso industrial milanés.

Desde muy joven se vinculó al teatro de la Scala de Milán, (convirtiéndose la ópera en una de sus pasiones), medio de expresión artístico con el que su abuelo, el duque Guido Visconti, y su tío Huberto Visconti mantuvieron una estrecha relación, pues ambos fueron Sovrintendenti -superintendentes- del teatro de la Scala.

Carrera en el cine[editar]
Obsesión, La terra trema y Senso[editar]
En 1935 se trasladó a París, donde gracias a Coco Chanel se vincula y colabora con el cineasta francés Jean Renoir, con quien participó como asistente de dirección en Los Bajos Fondos (1936) y como asistente y diseñador de vestuario en Una partida de campo (Une Partie de Campagne) (1937).

Su obra luego se aproxima a los principios artísticos del neorrealismo. Obsesión (de 1943) fue la primera película neorrealista, movimiento que toma como antecedente al novelista Giovanni Verga; introdujo una nueva visión del cine, de la dirección de actores (frecuentemente no profesionales) y en la concepción de la realidad y de los problemas sociales. El neorrealismo no fue una escuela con principios y personalidades artísticas totalmente concordantes, ni en los directores ni en los guionistas, de ahí que se ha sostenido la existencia de una línea más idealista, representada por Roberto Rossellini, y otra, más próxima al marxismo o a las concepciones sociales afines, representada justamente por Visconti, entre otros.

Uno de los teóricos marxistas más importantes del neorrealismo fue Guido Aristarco, autor de La disolución de la razón, -discurso sobre el cine- quien consideró que La tierra tiembla (La terra trema, de 1948) era la película más lograda y avanzada ideológica y estéticamente, que emprendía una búsqueda del hombre ante las cosas que no las sometía a éstas como permanentes por sí mismas, lo que constituiría una alienación, y que tampoco admitía una naturaleza humana inmutable (cine antropomórfico de Visconti).

Con Obsesión en 1943, película de fuerte influencia renoiriana, Visconti trataba temas no aceptables hasta entonces por la censura fascista sobre la base de una novela de James M. Cain, El cartero llama dos veces, narrando el asesinato de un hombre cometido por el amante de su esposa. Lo que más impactó a la sociedad italiana de la época -más allá de la excelente dirección de actores y la minuciosidad de estilo- fue el clima de opresión y el ámbito sórdido que se percibía en el film, pese a no tener aparentes implicancias políticas.

Los años que siguieron hasta su segunda realización (La tierra tiembla (La terra trema, en 1948), encontraron a Visconti comprometido con la lucha antifascista y la resistencia italiana. Las duras condiciones de vida de los pescadores, campesinos y obreros del sur italiano acapararon su atención, y sirvieron de inspiración a su nuevo film, el cual fue un fracaso económico, pero ubicó a Visconti en la cima de la escena política y social de la época, por el compromiso moral y humano que había enfrentado.

En los años '50, después de filmar Bellísima, protagonizada por Anna Magnani, melodrama ambientado en el mundo cinematográfico, Visconti encaró el tema del Risorgimento y la unidad italiana con Senso: una historia de amor ambientada en los momentos más dramáticos del Risorgimento y una visión crítica que otra vez abrió el camino para que la censura se impusiera con toda su fuerza. Esa concepción totalizadora del Risorgimento se completó con la inclusión de un aspecto cultural importante: una ópera de Verdi y el espíritu del melodrama verdiano como médula de la película.

Rocco y sus hermanos, y El Gatopardo[editar]


Escena que reúne los principales protagonistas de El Gatopardo: Burt Lancaster, Alain Delon y Claudia Cardinale.
Luego de una incursión hacia un cine creador con la libre adaptación de una obra de Dostoievski: Las noches blancas, Visconti retomó el sendero de los films munidos de cuestionamientos sociales, con la película Rocco y sus hermanos (1960). Nuevamente abordó el tema de los conflictos sufridos por los campesinos meridionales, esta vez en el marco de la historia de una familia que se traslada a Milán y la dura realidad que allí debe enfrentar.

La importancia que Visconti otorgaba al núcleo famiiar en el contexto de sus films, también es puesta de manifiesta en otras películas.

En El Gatopardo -su siguiente realización- concretó los indicios de gran producción evidenciados en su película anterior. En ella, con gran belleza visual, basándose en el libro de Giuseppe Tomasi di Lampedusa, reflejó las reflexiones del príncipe Di Salina sobre la decadencia de su clase nobiliaria y su mundo que agonizaba, mientras la nueva burquesía ascendía al poder económico y político en el marco de los acontecimientos que sacudieron Sicilia en 1860 (la invasión de los camisas rojas conducidos por Giuseppe Garibaldi).

Hacia un cine de perspectiva histórica[editar]
Atavismo impúdico o Sandra (Vaghe stelle dell'Orsa en el original) en 1965 -un nuevo ensayo de su cine de interioridad-, y El Extranjero -fiel reproducción de la novela de Albert Camus- en 1967, sirvieron de antesala a La caída de los dioses, una metáfora sobre el mal y la corrupción moral de una familia alemana vinculada con el nazismo durante la Segunda Guerra Mundial.

La caída de los dioses reflejó con realismo y crudeza una etapa negra en la historia de la humanidad, y fue catalogada por los críticos como una película de brillante minuciosidad histórica.

Muerte en Venecia fue considerado uno de los films más importantes de la década del '70, siendo su contenido fundamental la contradicción entre el artista -protagonista de la película- y su posición burguesa.

Ludwig (sobre Luis II de Baviera), significó una coherente continuación de la realización anterior, vale decir, una reflexión acerca de las relaciones de la vida y el arte, entre la estética y la ética.

En 1974 dirigió Confidencias o Grupo de familia (Gruppo di famiglia in uno interno), declarando Visconti que se trataba de un film antifascista en el sentido crítico y en el sentido lato del término.

Poco tiempo antes de su muerte, y en un estado de salud bastante grave, logró concretar su última película,El inocente, adaptación de la novela homónima de Gabriele D'Annunzio.

Su fallecimiento se produjo el 17 de marzo de 1976 en la ciudad de Roma, cuando contaba 69 años de edad.

La colaboración artística entre Visconti y varios colegas (Claudia Cardinale, Alain Delon, Burt Lancaster, Nino Rota, Silvana Mangano, Suso Cecchi D'Amico, Alida Valli, Dirk Bogarde, Anna Magnani, Rina Morelli, Paolo Stoppa, Giorgio Albertazzi, Anna Proclemer y otros) suma prestigio al trabajo de uno de los más importantes directores de cine y ópera del siglo XX que, junto a los directores Federico Fellini, Michelangelo Antonioni, Roberto Rossellini, Mauro Bolognini, y más tarde Pier Paolo Pasolini, Bernardo Bertolucci o los hermanos Taviani, situó al cine italiano en un puesto de honor.

Sus trabajos dirigiendo ópera[editar]
La ópera fue el primer amor de Visconti y el género sirve de marco o aparece conspicuamente en varias de sus realizaciones como en Senso, El gatopardo y en Ludwig, que narra la obsesión del rey bávaro por la música de Richard Wagner. El título La caída de los dioses alude a la ópera homónima de Wagner, trazando un paralelismo entre Wagner y la Alemania nazi.

En el escenario operístico milanés llevó al teatro de su ciudad, La Scala, a un nuevo esplendor con sus magníficas puestas en escena de La Traviata, Anna Bolena, Ifigenia en Táuride y La Sonnambula para Maria Callas.

Trabajó en La Scala, la Ópera de París y Covent Garden en Londres en una recordada producción de Don Carlos de Verdi con Jon Vickers. Aparte de Callas, sus máximos colaboradores fueron Leonard Bernstein, Carlo Maria Giulini, y Franco Zeffirelli su más famoso discípulo.

En Muerte en Venecia la música volvió a hacerse presente en la figura del torturado compositor. Al film se debe en gran parte la popularidad actual de la música de Gustav Mahler cuyo Adagietto de la Quinta Sinfonía enmarca cada escena.

Filmografía[editar]
1942 — Obsesión (Ossessione)
1942 — Giorni di gloria
1948 — La tierra tiembla (La terra trema)
1951 — Bellísima (Bellissima)
1953 — Nosotras las mujeres (Siamo Donne. Episodio: 'Anna Magnani')
1954 — Senso (Senso)
1957 — Noches blancas (Le notti bianche)
1960 — Rocco y sus hermanos (Rocco e i suoi fratelli)
1962 — Boccaccio 70 (Boccaccio '70. Episodio: 'El trabajo' ['Il lavoro'])
1963 — El gatopardo (Il gattopardo)
1965 — Atavismo impúdico (Vaghe stelle dell'Orsa...)
1967 — Las brujas (Le streghe. Episodio: 'La bruja quemada viva' ['La strega bruciata viva'])
1967 — El extranjero (Lo straniero)
1969 — La caída de los dioses (La caduta degli dei)
1970 — Alla ricerca di Tadzio (documental)
1971 — Muerte en Venecia (Morte a Venezia)
1972 — Luis II de Baviera (Ludwig)
1974 — Grupo de familia (Gruppo di famiglia in un interno)
1976 — El inocente (L'innocente)
Trayectoria en Teatro[editar]
Director de teatro en prosa[editar]
Parenti terribili de Jean Cocteau (1945)
Quinta colonna de Ernest Hemingway (1945)
La macchina da scrivere de Jean Cocteau (1945)
Antigone de Jean Anouilh (1945)
A porte chiuse de Jean-Paul Sartre (1945)
Adamo de Marcel Achard (1945)
La via del tabacco de John Kirkland (1945)
Il matrimonio di Figaro de Pierre Augustin Caron De Beaumarchais (1946)
Delitto e castigo de Gaston Bary (sobre la obra de Dostoievski) (1946)
Zoo di vetro de Tennessee Williams (1946)
Eurídice de Jean Anouilh (1947)
Come vi piace de William Shakespeare (1948)
Un tram che si chiama desiderio de Tennessee Williams (1949)
Oreste de Vittorio Alfieri (1949)
Troilo e Cressida de William Shakespeare (1949)
Morte di un commesso viaggiatore de Arthur Miller (1951)
Il seduttore de Diego Fabbri (1951)
La locandiera de Carlo Goldoni (1952)
Tre sorelle de Anton Chejov (1952)
Il tabacco fa male de Anton Chejov (1953)
Medea de Eurípides (1953)
Come le foglie de Giuseppe Giacosa (1954)
Il Crogiuolo de Arthur Miller (1955)
Zio Vania de Anton Chejov (1955)
Contessina Giulia de August Strindberg (1957)
L'impresario di Smirne de Carlo Goldoni (1957)
Uno sguardo dal ponte de Arthur Miller (1958)
Immagini e tempi di Eleonora Duse (1958)
Veglia la mia casa, angelo de Ketti Frings (da Thomas Wolfe) (1958)
Deux sur la balançoire de William Gibson (1958)
I ragazzi della signora Gibbons de Will Glickman y Joseph Stein (1958)
Figli d'arte de Diego Fabbri (1959)
L'Arialda de Giovanni Testori (1960)
Dommage qu'elle soit une p... de John Ford (dramaturgo) (1961)
Il tredicesimo albero de André Gide (1963)
Après la chute de Arthur Miller (1965)
Il giardino dei ciliegi de Anton Chejov (1965)
Egmont de Johann Wolfgang von Goethe (1967)
La monaca di Monza de Giovanni Testori (1967)
L'inserzione de Natalia Ginzburg (1969)
Tanto tempo fa de Harold Pinter (1973)
Colaboraciones (teatro en prosa)[editar]
Carità mondana de Giannino Antona Traversi, puesta en escena (1936)
Il dolce aloe de Jay Mallory, puesta en escena (1936)
Il viaggio de Henry Bernstein, puesta en escena (1938)
Vita col padre de Howard Lindsay y Russel Crouse, supervisión (1947)
Festival de Age, Scarpelli, Dino Verde y Vergani, supervisión, (1954)
Director de Ópera[editar]
La Vestale de Gaspare Spontini (1954)
La sonnambula de Vincenzo Bellini (1955)
La traviata de Giuseppe Verdi (1955)
Anna Bolena de Gaetano Donizetti (1957)
Ifigenia in Tauride de Christoph Willibald Gluck(1957)
Don Carlos de Giuseppe Verdi (1958)
Macbeth de Giuseppe Verdi (1958)
Il Duca d'Alba de Gaetano Donizetti (1959)
Salomè de Richard Strauss (1961)
Il diavolo in giardino de Franco Mannino su libretto dello stesso Visconti, Filippo Sanjust e Enrico Medioli (1963)
La traviata de Giuseppe Verdi (1963)
Le nozze di Figaro de Wolfgang Amadeus Mozart (1964)
Il trovatore de Giuseppe Verdi (1964)
Il trovatore de Giuseppe Verdi (1964), diverso allestimento
Don Carlos de Giuseppe Verdi (1965)
Falstaff de Giuseppe Verdi (1966)
Der Rosenkavalier de Richard Strauss (1966)
La traviata de Giuseppe Verdi (1967)
Simon Boccanegra de Giuseppe Verdi (1969)
Manon Lescaut de Giacomo Puccini (1973)
Ballet[editar]
Mario e il Mago, acción coreográfica, (1956)

Ha recibido 51 puntos

Vótalo:

JACQUES TATI

10. JACQUES TATI

Biografía[editar] Orígenes familiares[editar] Su padre, Georges Emmanuel Tatischeff, nacido en 1875 en París y muerto en 1957, era hijo natural del conde Dimitri Tatischeff, general del ejército ruso, agregado militar de la embajada rusa en París, que murió poco después del nacimiento de... Ver mas
Biografía[editar]
Orígenes familiares[editar]
Su padre, Georges Emmanuel Tatischeff, nacido en 1875 en París y muerto en 1957, era hijo natural del conde Dimitri Tatischeff, general del ejército ruso, agregado militar de la embajada rusa en París, que murió poco después del nacimiento de Georges, y de una francesa, Rose Anathalie Alinquant. El niño Georges-Emmanuel tuvo una infancia agitada; fue secuestrado y llevado a Rusia, y su madre no pudo traerlo de nuevo a Francia hasta 1883. Se instaló en un lugar muy alejado, Le Pecq, cerca de Saint-Germain-en-Laye.2 En 1903, Georges-Emmanuel Tatischeff se casó con Claire van Hoof, muerta en 1968, de origen italo-neerlandés, con quien tuvo dos hijos: Natalie, nacida en 1905, y Jacques. El padre de Claire, holandés, era enmarcador e hizo entrar a Georges-Emmanuel en su empresa. La familia Tatischeff tenía, pues, un nivel de vida bastante alto. Posteriormente, Georges-Emmanuel se convirtió en director de la firma Van Hoof.3

Infancia y juventud[editar]
Jacques Tatischeff parece haber sido un estudiante mediocre; sin embargo, fue muy deportista; jugó al tenis y, sobre todo, practicó la equitación; abandono los estudios a los 16 años (1923) y entró como aprendiz en el negocio familiar, donde fue formado por su abuelo. En 1927-1928, hizo el servicio militar en Saint-Germain-en-Laye, en caballería, 10º Regimiento de Dragones.4 A continuación, pasó un curso en Londres, durante el cual se inició en el rugby. A su regreso, descubrió su talento cómico en el seno del equipo de rugby del Racing Club de Francia, cuyo capitán era Alfred Sauvy y uno de los valedores de Tristan Bernard.5

Dejó el oficio de enmarcador6 en 1931 ó 1932, cuando la crisis económica mundial alcanzó a Francia, especialmente al mundo del espectáculo. Vivió, por tanto, un período muy difícil, durante el cual elaboró, a pesar de todo, el número que se convertirá en Impressions sportives (Impresiones deportivas). Participó en el espectáculo amateur organizado cada año por Alfred Sauvy de 1931 a 1934.7

Los inicios en el mundo del espectáculo[editar]
Es probable que tuviera empleos remunerados en el music-hall, pero sólo hay pruebas a partir de 1935, año en que hace una interpretación para la gala del diario Le Journal, para festejar el récord de la travesía del Atlántico por el Normandie. Entre los espectadores se encuentra Colette, quien más tarde hará un comentario muy elogioso del número de Tati. Después, entra en la revista del Théâtre-Michel y, tras una estancia en Londres, actúa en el A.B.C.,8 en la revista dirigida por Marie Dubas. A partir de entonces trabaja ininterrumpidamente hasta la guerra.9

Durante los años treinta empieza a actuar también como actor de cine:

1932: Oscar, champion de tennis, de Jack Forrester (film perdido y muy mal documentado);
1934: On demande une brute, de Charles Barrois, con Jacques Tati (Roger) y Enrico Sprocani, conocido como le clown Rhum (Enrico);
1936: Gai dimanche, (igual reparto);
1936: Soigne ton gauche, de René Clement, con Jacques Tati (Roger) y Max Martel (el cartero).
La Segunda Guerra mundial[editar]
Es movilizado en septiembre de 1939 y destinado al 16º regimiento de dragones; luego es enviado a una nueva unidad con la que participa, en mayo de 1940, en la batalla del río Mosa. Tras la derrota, es enviado a Dordoña, donde es desmovilizado.

Entre 1940 y 1942, presenta sus Impressions sportives en el Lido de París. Allí conoce a la bailarina Herta Schiel, que había huido de Austria con su hermana Molly al producirse la Anschluss. En el verano de 1942, Herta da a luz una niña, Helga Marie-Jeanne Schiel. Siguiendo los consejos de su hermana Nathalie, Tati se niega a reconocer a la niña; deja a la madre y es despedido del cabaret.10 A principios de 2009, Helga Marie-Jeanne Schiel y su familia vivían en Inglaterra.11 10

En 1942 se presenta en La Scala de Berlín.12 Luego, abandona París y pasa algunos meses de 1943 en Sainte-Sévère con un amigo, el guionista Henri Marquet, y allí escriben el guion de L’école des facteurs.

El 25 de marzo 1944 se casa con Micheline Winter. Vuelve a trabajar como actor de cine al final de la guerra. Considerado como potencial sustituto de Jean-Louis Barrault en Les Enfants du paradis, interpreta el papel del fantasma en Sylvie et le fantôme de Claude Autant-Lara y aparece, también, en Le Diable au corps, del mismo director. En esa época es cuando conoce a Fred Orain, director de los estudios de Saint-Maurice, cerca de París, y los de la Victorine,13 en Niza.

Jacques Tati, realizador[editar]
A principios de 1946, Orain y Tati fundan una productora, Cady-Films, que está en el origen de las tres primeras películas de Tati.

En 1946, año del nacimiento de Sophie-Catherine Tatischeff, realiza un cortometraje titulado L’École des facteurs. Estaba previsto que lo dirigiese René Clément, pero en ese momento está realizando La bataille du rail y es Jacques Tati quien asume esa función.

Día de fiesta (Jour de fête)[editar]
Su primer largometraje, Jour de fête (Día de fiesta), en el cual su mujer hace un papel, se rueda en 1947 y se termina en 1948, pero no se estrena en Francia hasta el 4 de julio de 1949, debido a la reticencia de los distribuidores franceses. La película, estrenada ya con éxito en Londres en marzo de 1949, obtiene finalmente un gran éxito de público en Francia, aunque los críticos se muestran, en general, poco entusiastas. No obstante, el film recibe el Grand Prix del cine francés en 1950. Iba a ser una de las primeras películas francesas en color, pero el carácter experimental del nuevo sistema de color «Thomsoncolor» y el elevado coste del positivado en color hizo que tuviera que proyectarse en blanco y negro. No fue hasta 1995 cuando se pudo hacer una copia en color y presentarla al público.

1949 es, también, el año del nacimiento de Pierre-Francois Tatischeff, alias Pierre Tati.14

Las vacaciones del Sr. Hulot (Les vacances de M. Hulot)[editar]


Estatua de Mr. Hulot en la playa de Saint-Marc-sur-Mer, localización del rodaje de la película.
Antes de la guerra, durante una visita a la casa cercana a la playa de Port Charlote de unos amigos de Saint-Nazaire, los Lemoine, Tati es seducido por la cercana playa de Saint-Marc-sur-Mer15 (Loira Atlántico) y decide regresar algún día para rodar allí una película.

Durante el rodaje de Les vacances de M. Hulot (Las vacaciones del Sr. Hulot) en Saint-Marc-sur-Mer, Jacques Lagrange, a la sazón decorador, se convierte en su colaborador, siéndole fiel hasta el final de la vida de Tati.

Les vacances de M. Hulot se estrena en 1953; este nuevo personaje es muy apreciado por la crítica pero también por el público del mundo entero, y la película recibe varios premios, incluyendo el Premio Louis Delluc. Les vacances de M. Hulot sigue siendo una de las películas francesas más populares de ese período.

Diversos problemas retrasarán el estreno de la siguiente película, en la que Tati pensaba desde 1954. En 1955, sufre un accidente de coche bastante grave, que le deja secuelas en la mano izquierda y una cierta debilidad física. Por otra parte, el éxito de Les vacances de M. Hulot genera importantes ingresos, pero Jacques Tati se considera perjudicado por Fred Orain; estas diferencias llevan a la ruptura de su asociación y a la creación por Tati de su propia productora, "Spectra Films", en 1956. En el lado positivo, se puede destacar el comienzo de la relación profesional con Tati de Pierre Étaix.

Mi tío (Mon oncle)[editar]


Decorado de Mi tío, en la exposición del centro Cent Quatre de París, en 2009.
Mon oncle (Mi tío), su primera película estrenada en color, aparece en 1958, así como una versión inglesa, My uncle, ligeramente diferente en duración y guion; recibe importantes premios en Francia y en el extranjero, especialmente el Oscar a la mejor película extranjera, en Hollywood. Gracias a estos premios la familia Tati se instala en Saint-Germain-en-Laye.

Playtime y la quiebra de «Spectra Films»[editar]
De 1964 a 1967, aunque muy ocupado con el proyecto de Playtime, Tati codirige también un cortometraje, Cours du soir, en el que interpreta el papel del profesor.

En 1967, los graves problemas financieros relacionados con el rodaje de Playtime lo obligan a hipotecar su casa de Saint-Germain-en-Laye; sus películas anteriores se encuentran confiscadas por orden judicial. Playtime se estrena a finales de 1967 y es bastante bien acogida en Gran Bretaña, Suecia y América del Sur; en Francia es un semifracaso, y no se estrena en Estados Unidos, contrariamente a lo que Tati esperaba. Playtime ha requerido una inversión enorme —la construcción del decorado de Tativille— y resulta más costosa de lo previsto. En resumen, Tati se encuentra en 1968 en una situación financiera catastrófica. La casa de Saint-Germain se vende después de la muerte de Claire Van Hoof y Tati se traslada a París con su mujer, Micheline. «Spectra Films» está bajo administración judicial. La conclusión será la liquidación de la empresa en 1974, mediante subasta de todos los derechos y las películas por poco más de 120.000 francos.

Los años 70[editar]
Jacques Tati crea en 1969 una nueva productora, la CEPEC, pero tiene que reducir sus ambiciones: Trafic, aunque proyectada en cines en 1971, es originalmente un telefilme. El realizador no puede mostrar su último largometraje sino con la ayuda de la televisión sueca en 1973.

En 1977, recibe un premio César por el conjunto de su obra.

Debilitado por graves problemas de salud, muere el 4 de noviembre de 1982 de una embolia pulmonar, dejando un último guion, titulado Confusion, aplazado varias veces y que concluyó con Jacques Lagrange.

En Paris Match,16 Philippe Labro informaba de la muerte de Jacques Tati bajo el titular «Adieu Monsieur Hulot. On le pleure mort, il aurait fallu l’aider vivant !» («Adiós, Monsieur Hulot. Lo lloramos una vez muerto, ¡habría que haberlo ayudado cuando estaba vivo!»).

Posteridad de la obra de Jacques Tati[editar]
En 2001, su hija Sophie Tatischeff, un primo político de Tati, Jérôme Deschamps,17 18 19 y Macha Makeïeff crean la sociedad “Les Films de Mon oncle” para recomprar los derechos del catálogo Tati y reestrenar copias restauradas de las películas del realizador.

El arte de Jacques Tati[editar]
A pesar de la aparente ausencia de diálogo en sus películas, Jacques Tati aplica un meticuloso cuidado al sonido. Hay versiones en inglés de varias de sus películas, entre ellas Les vacances de Monsieur Hulot, y Mon Oncle, cuya versión inglesa, My uncle, se estrenó en Francia en 2005.

Filmografía[editar]
Como realizador[editar]
1945: Sylvie et la fantôme.
1947: L'école des facteurs.
1949: Jour de fête (Día de fiesta).
1953: Les vacances de M. Hulot (Las vacaciones del Sr. Hulot).
1958: Mon oncle (Mi tío).
1967: Playtime.
1971: Trafic.
1974: Parade.
1977: La sapponatrice.
1978: Forza Bastia (cortometraje).
Como actor[editar]
1932: Oscar, champion de tennis de Jack Forrester (cortometraje + guionista)
1934: On demande une brute de Charles Barrois (cortometraje + guionista)
1935: Gai dimanche de Jacques Berr (cortometraje + guionista)
1936: Soigne ton gauche de René Clément (cortometraje + guionista)
1945: Sylvie et le fantôme de Claude Autant-Lara
1946: Le Diable au corps de Claude Autant-Lara
1947: L'école des facteurs de Jacques Tati (cortometraje)
1949: Jour de fête de Jacques Tati
1953: Les vacances de monsieur Hulot de Jacques Tati
1958: Mon oncle de Jacques Tati
1967: Cours du soir de Nicolas Ribowski (cortometraje + guionista)
1967: Playtime de Jacques Tati
1971: Trafic de Jacques Tati
1972: Obraz uz obraz (serie de la televisión yugoslava, Belgrado)
1974: Parade de Jacques Tati
1978: Forza Bastia 78, co realizador de este documental con Sophie Tatischeff
Homenajes[editar]
Homenajes permanentes

Saint-Marc-sur-Mer: localización de rodaje de Les vacances de Mr. Hulot. La playa de Saint-Marc se llama ahora «Playa de Mr. Hulot»; desde 1999 está presidida por una estatua de Monsieur Hulot, realizada por el escultor Emmanuel Debarre.
Saint-Maur-des-Fossés: Mon Oncle, escultura de Melanie Quentin instalada en el año 2000.
Sainte-Sévère-sur-Indre: localización del rodaje de Jour de fête, escultura de Jacques Tati como el cartero de la película; «Casa de Jour de fête»: proyección de un espectáculo multimedia sobre la película.
Exposiciones



"Villa Arpel", de la película Mi tío, en la exposición del centro cultural Cent Quatre de París.
2009: Jacques Tati, deux temps, trois mouvements, exposición en la Cinémathèque française; comisarios Masha Makeïeff y Stéphane Goudet, del 8 de abril al 2 de agosto. Esta exposición provocó un mini-escándalo después de que "Métrobus", la agencia de publicidad de la RATP, decidiese censurar la pipa de "Monsieur Hulot" en los carteles que lo representaban, sustituyéndola por un molinete, invocando la «ley Évin».20
2009: Exposición La Ville Arpel en el centro cultural Cent Quatre de París.

Ha recibido 50 puntos

Vótalo:

OTTO PREMINGER

11. OTTO PREMINGER

Biografía[editar] Primeros años[editar] Otto Ludwig Preminger nació en Wiznitz, una ciudad al oeste de Czernowitz, en el norte de Bukovina, en lo que actualmente es Ucrania, por aquel entonces parte del Imperio Austrohúngaro. Fue hijo de Markus y de Josefa Preminger, de origen judío. El padre... Ver mas
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Otto Ludwig Preminger nació en Wiznitz, una ciudad al oeste de Czernowitz, en el norte de Bukovina, en lo que actualmente es Ucrania, por aquel entonces parte del Imperio Austrohúngaro. Fue hijo de Markus y de Josefa Preminger, de origen judío. El padre de Preminger había nacido en 1877 en Galitzia, en aquel tiempo parte de Polonia, y trabajó como fiscal general del Imperio y principal defensor de los intereses del emperador Francisco José I. Los Preminger tenían una vida estable y vivían junto a su segundo hijo Ingo.

Después del asesinato del archiduque Francisco Fernando en 1914, Markus Preminger y su familia huyeron hacia Graz, donde encontraría un trabajo seguro como fiscal. Por aquel entonces, Otto tenía nueve años y fue a una escuela de un profundo dogma católico. Después de un año en Graz, los Preminger se trasladarían a Viena, donde se le ofreció a Markus un importante cargo en la magistratura del imperio, pero que obtendría sólo si se convertía al catolicismo. En un gesto de desafío, Markus lo rechazó, aunque conseguiría el cargo igualmente. En 1915, Markus llevó a toda su familia a Viena, la ciudad que Otto defendía como la ciudad que le había visto nacer. Aunque para entonces ya trabajaba para el emperador, la familia de Markus tenía un vida ciertamente modesta y con una actividad cultural que levantó la pasión del Otto de diez años. Normalmente acompañado por su abuelo, Otto hacía visitas regulares a Burgtheater en la Ringstrasse, donde se representaban una gran variedad de obras de teatro tanto clásicas como contemporáneas.

Pasión para el teatro[editar]
La primera intención de Otto fue la de convertirse en actor. Con una voz ciertamente potente, ojos azules penetrantes y su cuerpo esbelto, no tardaría en integrarse en un pequeño grupo local de teatro. En sus primeros años, Otto fue capaz de recitar de memoria muchos de los grandes monólogos del repertorio clásico. El mayor éxito de Otto llegaría por la interpretación del papel de Marco Antonio de la obra shakespiriana de Julio César en la Biblioteca Nacional. Poco después, comenzaría a ser él mismo el que organizaría y produciría obras de teatro. Eso provocaría que cada día perdiera más y más horas de colegio. La caída de fortunas en Austria no afectó a los Premingers. Markus seguía en una posición privilegiada como burócrata y en 1916 trasladaría a la familia a un barrio más elegante. Aunque eran años de guerra, Otto (y pronto con su hermano Ingo) continuaron acudiendo a ver obras de teatro y conciertos, visitando museos aunque su comparecencia en el colegio fuera menos escasa.

Cuando la I Guerra Mundial llegó a su final, Markus creó su propio bufete de abogados. Markus instruyó a sus hijos en el sentido del deber y el respeto por aquellos puntos de vista que fueran diferentes a los suyos, lo que provocó en Otto y Ingo un fuerte sentido por la línea política más liberal. Por otro lado, Otto intentaba dedicarse en serio al mundo del teatro. Con 16 años, consiguió el papel de Lisandro de la producción Sueño de una noche de verano. En 1923, cuando tenía 17, Otto conocería al que sería su primer mentor, Max Reinhardt, un director teatral vienés que había establecido su base de operaciones en Berlín, y que anunció planes para establecer una compañía estable de teatro en Viena. El anuncio de Reinhardt fue visto por Otto como una señal del destino y comenzaría a escribir a Reinhardt semanalmente, para pedirle una audición. Después de unos pocos meses, Otto, completamente frustrado por no obtener información, dejó de enviar cartas. Poco después intentó entrevistarse en persona con el socio de Reinhardt, el Dr. Stefan Hock, hasta que consiguió la audición y finalmente sería aceptado.

Otto intentó explicar a su padre que la carrera de teatro no iba a ser incompatible con su deber en el colegio. Aunque era un estilo de vida, era lo que más amaba hacer pero, para obtener el beneplácito de su padre, Otto acabó el colegio y completó sus estudios de derecho en la Universidad de Viena. Una vez acabados los estudios, se dedicó en exclusiva a su puesto de aprendiz de Reinhardt. Ambos desarrollaron una relación muy especial de aprendiz y profesor. Cuando el teatro se hubo inaugurado, el 1 de abril de 1924, Otto apareció en la comedia de Carlo Goldoni El sirviente de dos señores. Su siguiente aparición sería junto a William Dieterle en El mercader de Venecia. Otros pupilos notables de Reinhardt fueron Mady Christians, y Nora Gregor, pero con quien más tuvo 'feeling' fue con Otto, al que consideraba un chico con múltiples habilidades. En él confió para hacerse cargo de la escuela de actores que creó en el teatro de Schöbrunn. Pero en el verano siguiente, Otto decide alejarse de la sombra de Reinhardt y cambiar su foco de la interpretación a la dirección debido a su pérdida constante de cabello y su edad, ya más cercano a la treintena.

Sus primeros intentos como director fueron en Aussig donde dirigiría obras eróticas como Lulu, y obras de Berlín como Roar China, de inspiración comunista. En 1930, una rica industrial de Graz, se acercó al prometedor director para ofrecerle la dirección de una película llamada Die Grosse Liebe (The Great Lover). El inexperto Otto no sintió la misma pasión por el nuevo medio que por el teatro al principio, pero aceptó el encargo. El film se estrenó en el Teatro Imperial el 2 de diciembre de 1931, con admirables críticas y recaudación. Así, con este primer éxito, desde 1931 - 1935, Preminger dirigiría 26 películas, ordenando a futuras estrellas como Lili Darvas, Lilia Skala, Harry Horner, Oskar Karlweis, Albert Bassermann y Luise Rainer. Aún en 1931, conocería a la que sería su primera esposa Marion Mill, con la que se casaría el 3 de agosto de 1932 justo tres minutos después del divorcio de la mujer con su primer marido.

El exilio a Hollywood[editar]
En abril de 1935, el nombre de Preminger comienza a ser conocido y recibe una oferta de un productor norteamericano llamado Joseph Schenck. En 1924 Schenck se había convertido en el presidente de United Artists, y en 1934 había fundado una nueva compañía llamada Twentieth Century. Dos años después (tan sólo unos meses antes del encuentro con Preminger), Schenck se había aliado con Darryl F. Zanuck para fundar una nueva entidad: la Twentieth Century-Fox. En estos nuevos estudios, Zanuck trataba todas las producciones de las películas mientras que Schneck manejaba las finanzas. El dúo, ahora en las mismas condiciones que otros grandes estudios como Paramount y Metro-Goldwyn-Mayer, buscaban nuevos talentos. Así fue como Schenck tan sólo necesitó media hora para convencer a Preminger para viajar a Los Ángeles.

Sam Spiegel, productor, acompañó a Preminger de Viena a París en tren hasta París, Otto cogió otro tren a Le Havre, donde se uniría con Gilbert Miller y su esposa, Kitty Miller, para embarcarse a Nueva York, en el Normandía. El Normandie llegó a Nueva York el 21 de octubre de 1935. Desde la llegada de Preminger a Hollywood, Schenck presentó a la pareja a la aristocracia de la industria cinematográfica como Irving Thalberg, Norma Shearer, Gary Cooper, Joan Crawford y Greta Garbo. Para Preminger, la fiesta más memorable fue en Pickfair, la mansión de Mary Pickford en Beverly Hills, donde conoció a Charlie Chaplin. Por lo tanto, Preminger se adaptó rápidamente al star system de Hollywood.

El primer trabajo de Preminger fue dirigir una audición de Lawrence Tibbett, un cantante de ópera que Zanuck quería lanzar. Tibbett consiguió éxitos relativos para MGM en algunos musicales a principios de la década de los 30 y quería volver a los escenarios. Zanuck intentó convencer a Tibbett para volver a las películas con un generosos contrato. Preminger trabajó eficientemente, completando la película sin pasarse del presupuesto. El film abriría las serie de noticies en noviembre de 1936. Preminger produjo una buena sensación a Zanuck que no lo consideró un típico director a la europea. Zanuck le asignó su primera historia Nancy Steele Is Missing con la estrella Wallace Beery, que recientemente había ganado el Oscar al mejor actor con The Champ. Beery, de todas maneras, rechazó el trabajo diciendo que no iba a trabajar con un director cuyo nombre no sabía pronunciar. Así pues, Zanuck le dio a Preminger otro trabajo, una comedia de serie B llamado Danger - Love at Work. La actriz francesa Simone Simon encabezaba el reparto pero sería despedida por Zanuck, siendo reemplazada por Ann Sothern. El argumento cuenta la historia de un abogado que debe persuadir a ocho miembros de una excéntrica familia acomodada para dejar al abuelo en un asilo. El estreno se realizó en septiembre de 1937, obteniendo un éxito aceptable.

En noviembre de 1937, un emisario de Zanuck Gregory Ratoff le da a Preminger la noticia de que Zanuck lo ha escogido para dirigir Kidnapped, la producción más cara que había hecho el estudio hasta la fecha. Zanuck en persona había adaptado la novela de Robert Louis Stevenson, situada en las Highlands escoceses. Después de leer el script de Zanuck, Preminger sabía que tenía un problema: un director extranjero dirigiendo un adaptación extranjera. Durante el rodaje de Kidnapped, Preminger tuvo una de sus primeras ataques de rabia que lo caracterizaron en diferentes fases de su vida. Mientras estaba rodando, el jefe del estudio acusó al director de haber realizado cambios en una escena en la que aparecía el niño Freddie Bartholomew y un perro. Preminger intentó excusarse diciendo que la escena se había realizado tal y como estaba escrita. Zanuck insistió en que sabía cómo la había escrito; la confrontación fue subiendo de nivel y acabó con Preminger cerrando violentamente la puerta. Días después el nombre de Preminger había sido borrado y el realizador dejó de ir al estudio once meses antes del fin del contrato con la productora.

Preminger buscó trabajo en otras compañías pero no recibió ofertas. Tan sólo dos años después de su llegada a Hollywood, Preminger estaba sin empleo. Pero la oportunidad que pedía llegó en el teatro: en Broadway. Le encargan la producción de Outward Bound con Laurette Taylor y Vincent Price, My Dear Children con John y su mujer Elaine Barrymore, y Margin for Error, en la que el mismo Preminger interpreta a un malvado nazi. Una semana después del estreno de Margin, a Preminger se le ofrece un puesto de profesor en la Escuela de Arte Dramático de Yale. Preminger comienza a dar clases en Yale. Nunnally Johnson, un escritor impresionado por la performance de Preminger en Margin, le pidió si estaría interesado en interpretar a otro nazi en un film llamado The Pied Piper. Con la cuenta corriente en números rojos, Preminger aceptó el reto. El film estaba producido por la Twentieth Century-Fox, el estudio que lo había despedido. Durante la ausencia de Zanuck, que se había alistado en el ejército después del atauqe a Pearl Harbor, Preminger no esperaba acordarse de Hollywood. Después de recoger una considerable suma por su rentrée en el cine, Preminger estaba preparado para volver a New York cuando su agente le informó que Fox quería que reinterpretara su papel en la adaptación al cine de Margin for Error. El afamado director alemán Ernst Lubitsch sería el encargado de la película, mientras que Preminger aparecería junto a Joan Bennett y Milton Berle. La retirada de Lubitsch dio a Preminger la oportunidad de ganarse otra vez la confianza del estudio. William Goetz, que se resposabilizaba de los rodajes en ausencia de Zanuck, fue persuadido por Preminger.

Antes de nada, Preminger contrató al guionista Samuel Fuller para reescribir el script. El estudio estuvo impresionado con el nuevo guion y así fue como se le ofreció a Preminger un nuevo contrato de siete años. Preminger completó la producción, que sería presentada en noviembre de 1942.

Antes del siguiente trabajo para la Fox, se le pidió a Preminger interpretar otro papel de nazi. En esta ocasión para aparecer en una comedia de Bob Hope llamada They Got Me Covered. Hope interpretaba a un reportero que descubre a un espía alemán en Washington. Preminger, un ávido lector, esperaba encontrar posibles proyectos ante la vuelta de Zanuck, uno de los cuales fue la novela de suspense de Vera Caspary Laura. Antes de que la producción de Laura empezara, Preminger obtuvo la luz verde para dirigir Army Wives, una película de serie B de moralina para una nación en guerra, enseñando los sacrificios de las mujeres para enviar material a sus hombres que están en el frente. Lideraba el reparto Jeanne Crain, una actriz que buscaba un sitio en el star system y el veterano actor Eugene Pallette, interpretaba al padre de Crain. Una relación que no fue fácil y Otto recomendó furiosamente a Zanuck que la despidiera aunque sus escenas ya habían sido filmadas. Al final, Army Wives sería estrenada con el título de In the Meantime, Darling en septiembre de 1944, con un presupuesto de media millón de dólares.

Laura[editar]
Zanuck volvió de su servicio militar con su resquemor por Preminger todavía abierto. Aunque el director europeo no había olvidado, el productor no le dio permiso para dirigir Laura, tan solo le dio permiso a controlar la producción. El escogido por Zanucvk para dirigirlo sería Rouben Mamoulian. Pero para disgusto de Preminger, Mamoulian empezó a reescribir el guion de Preminger y a ignorar sus consejos. Además, aunque Preminger no tenía reparos con el reparto de Gene Tierney y Dana Andrews, entró en cólera con la elección de Waldo: Laird Cregar. Preminger explicó a Zanuck que el público identificaría a Cregar como el villano y más después de que Cregar interpretara a Jack el destripador en The Lodger. Preminger quería que el papel lo hiciera Clifton Webb. Aunque Zanuck no estaba muy convencido por el actor y por su declarada condición de homosexualidad, Preminger consiguió convencer la elección después de hacer pruebas de cámara a Webb. La persuasión llegó incluso más allá, cuando Preminger consiguió que despidieran a Mamoulian.

Laura empezó a rodarse el 27 de abril de 1944, con un presupuesto de 849,000 dólares. El film fue un éxito de público y críticas, lo que le valió a Preminger su primera nominación a los Oscar. Clifton Webb lo consiguió en condición de mejor actor de reparto, Lyle Wheeler en el mejor dirección artística y Joseph La Shelle ganará en el apartado de mejor fotografía en blanco y negro. También catapultó a dos jóvenes y desconocidos actores como Gene Tierney y Dana Andrews a lo más alto del estrellato. El tema de David Raksin se convertiría en uno de las sintonías más célebres de la historia de Hollywood.

Proyectos frustrados[editar]
Preminger esperaba que el éxito de Laura le ayudaría para promocionar y trabajar en mejores películas, pero su futuro profesional todavía estaba en manos de Darryl Zanuck. Pero como enemigos íntimos, sabían que tenían que trabajar juntos para llegar a buen puerto, así que Zanuck encargó a Preminger que se hiciera cargo de un trabajo de Ernst Lubitsch, que había abandonado el proyecto por un ataque al corazón recientemente, de la obra La zarina (A Royal Scandal), un remake de una de las propias obras de Lubitsch en 1924 Forbidden Paradise, protagonizada por Pola Negri como Catalina la Grande. Antes de su ataque cardíaco, Lubitsch había empleado muchos meses en la preparación y en el reparto del film. Preminger, que había conocido Tallulah Bankhead antes de la invasión nazi de Austria, no podía tener a nadie mejor para el papel protagonista. Ambos compartían afinidades y también los odios: en esta caso hacia la otra protagonista femenina Anne Baxter. Baxter asumió que sus opiniones no encajaban en el set como cuando pidió si su abuelo, el arquitecto Frank Lloyd Wright, notorio republicano conservador y antisemita, podía visitar el rodaje, y que provocó la ira de Preminger y Bankhead. Cuando se acabó el rodaje, la película recibió críticas muy tibias y donde se veía claramente que no era un proyecto ideado de Preminger. Este fracaso supuso el fin de Bankhead como actriz, que no volvió a aparecer en el cine hasta veinte años después.

La siguiente película de Preminger fue Fallen Angel que era una vieja aspiración del director. En este film, un hombre acaba en un pueblo de la California donde empieza un romance con una camarera. Pero cuando esa camarera aparece asesinada, Dana Andrews se convierte en el principal sospechoso. Zanuck dio a Preminger la responsabilidad de convencer a Alice Faye, un estrella de musical, esperando que fuese la reaparición de Faye. Linda Darnell tuvo el papel de la propietaria dominante. A pesar de su estilo estético, Fallen Angel nunca llegó a los niveles visuales de Laura.

El siguiente film de Preminger, Centennial Summer, sería la primera que pudo rodar el director en color. Con la intención de reproducir el éxito del musical de la MGM de 1944 Desfile de Pascua, Zanuck unió a Preminger con el famoso compositor de Broadway Jerome Kern. El musical explica la vida de dos hermanas de una clase trabajadora, que rivalizan por el mismo hombre. El reparto incluye Jeanne Crain y Linda Darnell como las hermanas, Cornel Wilde como el afortunado pretendido, y las veteranas estrellas Walter Brennan, Constance Bennett y Dorothy Gish.

La famosa novela de Kathleen Winsor Forever Amber, publicada en 1944, sería el siguiente encargo de Zanuck para Preminger. El director había leído el libro y no le había gustado y tenía otro best seller en mente: Daisy Kenyon. Zanuck convenció al realizador de que realizara Forever Amber primero y que se comprometía a financiarle Daisy Kenyon posteriormente. Ambiciosa fue filmada en seis semanas, cuando Preminger substituyó a John Stahl. Zanuck había gastado casi dos millones de dólares cuando Preminger decidió que el guion tenía que ser reescrito por completo y Peggy Cummins, la actriz principal, tenía que ser substituida, ya que Otto la veía como una "amateur". Sólo después de reescribir el guion, hubo otro desencuentro entre Zanuck y Preminger. El productor había escogido a Linda Darnell para substituir a Cummins, pero el realizador creía que la heroína era rubia y creía necesario que la rubia tenía que ser auténtica como Lana Turner, que tenía contrato con MGM. A pesar del escándalo de la película en los ámbitos católicos, Ambiciosa fue uno de los grandes éxitos de taquilla de la productora y de la filmografía de Preminger, que consideró el film como "una de las películas más caras que hice peor en mi vida."

A pesar de este éxito, Preminger se mantenía ocupado con guionistas para preparar sus dos proyectos futuros, Daisy Kenyon y The Dark Wood. Preminger estuvo preparado en trabajar en Daisy Kenyon. Joan Crawford protagonizaba la película como la editora de una revista que está inmersa en un triángulo amoroso: un abogado casado y pretencioso y un neurótico veterano de guerra. Crawford estaba entusiasmada con el papel y Preminger escogió a Dana Andrews y Henry Fonda para acabar el triángulo. La película tuvo un éxito moderado. Como dijo la revista Variety el film era un "melodrama dirigido exclusivamente al mercado femenino."

Después del modesto éxito de Daisy Kenyon (1947), Preminger, un ávido trabajador, vio en el libro La dama del armiño como una oportunidad. Betty Grable fue elegida para interpretar a una condesa que seduce a un coronel húngaro a cargo de la ocupación del país, interpretado por Douglas Fairbanks, Jr.. El film era otro proyecto de Lubitsch, pero tras su repentina muerte en 1947, Preminger se hizo cargo de la dirección. El film fue otro éxito moderado y las críticas echaban en falta la visión de Ernst Lubitsch en el film.

El siguiente proyecto de Preminger fue un clásico, la adaptación de la obra de 1897 de Oscar Wilde' El abanico de Lady Windermere. Entre la primavera y el verano de 1948 Otto escribió el film. Madeleine Carroll interpretó a Mrs. Erlynne, que intentaba salvar el matrimonio de su hija Lady Windermere (Jeanne Crain) de una ruinosa reputación. George Sanders y Martita Hunt completaban el reparto principal. Esta película fue una de las peores películas de la carrera de Preminger y un tremendo batacazo en taquilla.



Filmografía[editar]
1932 Die Grosse Liebe
1936 Under Your Spell
1937 Amor en la oficina (Danger Love at Work)
1943 Margin for Error
1944 Laura
1944 In the Meantime, Darling
1945 La zarina (A Royal Scandal)
1945 ¿Ángel o diablo? (Fallen Angel)
1946 Centennial Summer
1947 Daisy Kenyon
1947 Ambiciosa (Forever Amber)
1948 La dama del armiño (That Lady in Ermine)
1949 Vorágine (Whirlpool)
1949 El abanico de Lady Windermere (The Fan)
1950 Al borde de peligro (Where the Sidewalk Ends)
1951 The Thirteenth Letter
1953 Cara de ángel (Angel Face)
1953 La luna es azul (The Moon Is Blue)
1954 River of No Return (Río sin retorno / Almas perdidas / Almas rebeldes)
1954 Carmen Jones
1955 El hombre del brazo de oro
1955 El proceso de Billy Mitchell (The Court Martial of Billy Mitchell)
1957 Buenos días, tristeza
1957 La dama de hierro (Saint Joan)
1959 Porgy y Bess (Porgy and Bess)
1959 Anatomía de un asesinato (Anatomy of a Murder)
1960 Éxodo (Exodus)
1962 Tempestad sobre Washington (Advise and Consent)
1963 El cardenal (The Cardinal)
1965 Primera victoria (In Harm's Way)
1965 El rapto de Bunny Lake (Bunny Lake Is Missing)
1967 La noche deseada (Hurry Sundown)
1968 Skidoo
1970 Dime que me amas, Junie Moon (Tell Me That You Love Me, Junie Moon)
1971 Such Good Friends
1975 Operación Rosebud
1979 El factor humano (The Human Factor)

Ha recibido 49 puntos

Vótalo:

MICHAEL POWELL

12. MICHAEL POWELL

Michael Latham Powell (30 de septiembre de 1905 – 19 de febrero de 1990) fue un renombrado director de cine británico, recordado por su asociación con Emeric Pressburger, con quien produjo una serie de clásicos del cine inglés bajo el sello "The Archers". Primeros trabajos[editar] Algunos de... Ver mas
Michael Latham Powell (30 de septiembre de 1905 – 19 de febrero de 1990) fue un renombrado director de cine británico, recordado por su asociación con Emeric Pressburger, con quien produjo una serie de clásicos del cine inglés bajo el sello "The Archers".
Primeros trabajos[editar]
Algunos de los primeros trabajos de Powell exhiben ya las sofiticadas técnicas y recursos que luego utilizaría en sus posteriores obras.

1928: Riviera Revels (codirector)
1930: Caste (no acreditado) *
1931: Two Crowded Hours *
1932: His Lordship *
1932: C.O.D. *
1932: Hotel Splendide
1932: The Star Reporter *
1932: Rynox
1932: The Rasp *
1932: My Friend the King *
1933: Born Lucky *
1934: Something Always Happens
1934: Red Ensign
1934: The Fire Raisers
1935: Some Day *
1935: The Price of a Song *
1935: The Phantom Light
1935: The Night of the Party
1935: The Love Test
1935: Lazybones
1935: The Girl in the Crowd *
1936: The Man Behind the Mask
1936: Crown Vs. Stevens
1936: The Brown Wallet *
1936: Her Last Affaire
Los títulos marcados con un asterisco se consideran desaparecidos.

Películas con Emeric Pressburger[editar]
Consúltese Películas de Powell y Pressburger.

Otras películas[editar]
Desde finales de los 30, la mayoría de las películas de Powell se realizaron en colaboración con Emeric Pressburger. Se listan aquí sus trabajos en solitario:

The Edge of the World (1937)
Smith (1939)
The Lion Has Wings (1939)
The Thief of Bagdad (1940) (codirector)
An Airman's Letter to His Mother (1941)
The Sorcerer's Apprentice (1955)
Luna de Miel (1959)
El fotógrafo del pánico (Peeping Tom, 1960)
The Queen's Guards (1961)
Herzog Blaubarts Burg (1963)
They're a Weird Mob (1966)
Age of Consent (1969)
Return to the Edge of the World (1978)
Powell también dirigió episodios para las siguientes series de TV: The Defenders, Espionage y The Nurses.

Otros trabajos[editar]
Powell también estuvo involucrado en la producción de las siguientes películas:

The Silver Fleet (1943) - Productor
The End of the River (1947) - Productor
Sebastian (1968) - Productor
Anna Pavlova (1983) - Productor asociado

Ha recibido 48 puntos

Vótalo:

LADISLAO VAJDA

13. LADISLAO VAJDA

Biografía[editar] Nacido con el nombre de László Vajda Weisz, fue hijo del popular actor, director y escenógrafo Ladislaus Vajda. Comenzó su carrera como guionista en el cine mudo austriaco y alemán trabajando como montador en los años 30 junto a nombres como los de Billy Wilder o Henry Koster... Ver mas
Biografía[editar]
Nacido con el nombre de László Vajda Weisz, fue hijo del popular actor, director y escenógrafo Ladislaus Vajda. Comenzó su carrera como guionista en el cine mudo austriaco y alemán trabajando como montador en los años 30 junto a nombres como los de Billy Wilder o Henry Koster. En esos años también realizó tareas de dirección artística.

Uno de sus primeros trabajos como director fue El hombre bajo el puente (1936) película húngara muy influenciada por Pabst o Wiene. En tiempos de la Segunda Guerra Mundial huye primero a París pasando luego a Italia donde dirige dos largometrajes. La prohibición por Mussolini del segundo de ellos, Giuliano de' Medici (en español Conjura en Florencia) (1941), con la gran Conchita Montenegro, motiva que se traslade a España, donde se asienta. Aquí debuta con Se vende un palacio (1943) film protagonizado por Mary Santamaría, Roberto Rey, Manolo Morán y José Nieto.

Más tarde vendrían títulos con Antonio Casal de protagonista como Te quiero para mí (1949), filme que supuso el debut de una jovencísima Sara Montiel. Otras películas con Antonio Casal serían: Doce lunas de miel (1944) y Cinco lobitos (1945) adaptación de una obra de los Hermanos Quintero.

Con Portugal co-produjo Ladislao Vajda el policial Barrio (1947) y Tres espejos (1947) con Rafael Durá y Mary Carrillo.

Vajda también rodó en Inglaterra The Golden Madonna (1949), una película de aventuras protagonizada por Phyllis Calvert y Michael Rennie y The Woman with No Name (1959).

Sin duda, fueron los años 50 los de su mayor esplendor artístico. En las películas de esta etapa podemos observar la clara influencia del realizador alemán Fritz Lang sobre todo en sus sugerentes atmósferas, su gran nervio narrativo y una estética derivada del expresionismo alemán que nunca abandonó. Los principales títulos de esta época son: Carne de horca (1953), con Pepe Isbert; Marcelino pan y vino (1955) y Mi tío Jacinto (1956) con Pablito Calvo; Tarde de toros (1956) y Un ángel pasó por Brooklyn (1957), filme igualmente pensado para el lucimiento de Pablito Calvo, el cual contó con Pepe Isbert y el astro internacional Peter Ustinov.

Uno de los títulos más destacados de Vajda es El cebo (1958), un thriller sobre un asesino en serie de niñas coproducido entre España, Alemania y Suiza y basado en una adaptación de la novela del suizo Friedrich Dürrenmatt, quien además firmó el guion del filme. Años después el autor suizo editaría ese guion en forma de novela bajo el título de La promesa (1958). De la misma historia se han llegado a rodar hasta tres versiones más, siendo la más reciente El juramento (2001) dirigida por Sean Penn y protagonizada por Jack Nicholson.

La mayoría de la filmografía de Vajda gozó de un gran favor popular y de crítica: Marcelino pan y vino y Mi tío Jacinto consiguieron premios en el Festival de Cannes y el Festival de Berlín; Tarde de toros fue nominada a la Palma de Oro y El cebo al Oso de Berlín.

Durante los años 60, Vajda realizó varias obras menores en Alemania y España. Falleció en Barcelona en 1965 mientras rodaba La dama de Beirut, protagonizada por Sara Montiel.

En la actualidad su obra está siendo valorada de nuevo y se le considera como uno de los nombres importantes de la cinematografía europea.

Filmografía como director[editar]
La dama de Beirut (1965)
Una chica casi formal (1963)
Das Feuerschiff (1963)
Der Lügner (1961)
Die Schatten werden länger (1961)
María, matrícula de Bilbao (1960)
Ein Mann geht durch die Wand (1959)
El cebo (1958)
Un ángel pasó por Brooklyn (1957)
Mi tío Jacinto (1956)
Tarde de toros (1956)
Marcelino pan y vino (1955)
Aventuras del barbero de Sevilla (1954)
Carne de horca (1953)
Doña Francisquita (1953)
Ronda española (1952)
The Woman with No Name (1950)
Sin uniforme (1950)
Séptima página (1950)
The Golden Madonna (1949)
Call of the Blood (1948)
Barrio (1947) (1947)
Tres espejos (1947)
Cinco lobitos (1945)
O Diabo São Elas (1945)
El testamento del virrey (1944)
Te quiero para mí (1944)
Doce lunas de miel (1944)
Se vende un palacio (1943)
Giuliano de Medici (1941)
La zia smemorata (1940)
Péntek Rézi (1938)
Fekete gyémántok (1938)
Döntö pillanat (1938)
Magdát kicsapják (1938)
Az Én lányom nem olyan (1937)
A Kölcsönkért kastély (1937)
The Wife of General Ling (1937)
Wings Over Africa (1937)
Három sárkány (1936)
Ember a híd alatt (1936)
Szenzáció (1936)
Haut comme trois pommes (1935)
Love on Skis (1933)
Where Is This Lady? (1932)
Filmografía como director artístico[editar]
La Dama de Beirut (1965)
Die Schatten werden länger (1961)
María, matrícula de Bilbao (1960)
El cebo (Es geschah am hellichten Tag) (1958)
Un Ángel pasó por Brooklyn (1957)
Mi tío Jacinto (1956)
Marcelino pan y vino (1955)
Dona Francisquita (1953)
La mujer sin nombre (The Woman with No Name) (1950)
La Zia smemorata (1940)
Ember a híd alatt (1936)
Tarakanova (1930)
Die Czardasf (1927)
Die Lawine (1923)
Filmografía como montador[editar]
Café Moszkva (1936)
Ball im Savoy (1935)
Es war einmal ein Walzer (1932)
Filmografía como productor[editar]
Un Ángel pasó por Brooklyn (1957)
Filmografía como actor[editar]
Sin uniforme (1950)

Ha recibido 46 puntos

Vótalo:

VITTORIO DE SICA

14. VITTORIO DE SICA

Primeros años de vida[editar] Nació en Sora, en la provincia de Terra di Lavoro, en la región de Campania (hoy en provincia de Frosinone, Lacio), hijo del empleado de banco y asegurador Umberto (nacido en Regio de Calabria, pero de origen salernitano) y de la napolitana Teresa Manfridi. De... Ver mas
Primeros años de vida[editar]
Nació en Sora, en la provincia de Terra di Lavoro, en la región de Campania (hoy en provincia de Frosinone, Lacio), hijo del empleado de banco y asegurador Umberto (nacido en Regio de Calabria, pero de origen salernitano) y de la napolitana Teresa Manfridi.

De niño se trasladó a Roma, donde en la década de 1930 consiguió tener su propia compañía teatral e iniciar una segunda carrera cinematográfica como actor y director.

Vida personal[editar]
En los años 30 contrajo matrimonio con Giuditta Rissone, a quien conoció diez años antes y tuvieron una hija, Emi.

De su relación con la actriz barcelonesa María Mercader,2 nacieron dos hijos: el actor Christian y el compositor Manuel. De una relación anterior con la actriz Mimí Muñoz nació la actriz Vicky Lagos.3

Vida artística[editar]
Figura clave del movimiento cinematográfico, conocido como neorrealismo italiano, al que contribuyó con dos destacadas películas, escritas en colaboración con Cesare Zavattini: Sciucià (traducida en España como El limpiabotas, Sciuscià es una deformación de la expresión inglesa «shoe shine»: el film narra la historia de un grupo de niños que durante la Segunda Guerra Mundial se ofrecen para trabajar como limpiabotas para los soldados estadounidenses) y su universalmente conocida Ladrón de bicicletas. Vittorio se inició en la escena cuando en 1927 ingresó en calidad de segundo actor joven en la compañía de Sergio Tofano, Luigi Almirante y Giuditta Rissone. Después de estas dos películas continuó con Milagro en Milán, producida en 1950 y Umberto D en 1952. A partir de esta época, De Sica se fue alejando del cine «de autor» para participar en proyectos menos ambiciosos y con una mayor carga comercial. En la década de 1970, volvió el De Sica más personal, con películas como El jardín de los Finzi Contini y el que sería su último filme, El viaje (1974).

La crítica destaca asimismo su film de 1960 La ciociara, conocida en España como Dos mujeres. Habría de valerle a Sophia Loren el Óscar a la mejor actriz.

Una de sus primeras apariciones como actor fue en la película Gli uomini, che mascalzoni! (¡Que descarados son los hombres!) de 1932 en la que canta la famosa canción Parlami d'amore, Mariù y destacó, entre otras muchas películas, en El general della Rovere, donde interpreta a un estafador de poca monta que acepta hacerse pasar por un general badogliano (partidario del presidente del gobierno Pietro Badoglio, militar nombrado para tal cargo por el Rey tras la deposición de Benito Mussolini y el armisticio del 8 de septiembre de 1943) abatido por los alemanes al intentar entrar en Italia para ponerse al frente de la Resistencia, y de la evolución moral del personaje de De Sica de estafador sin principios a héroe de la lucha antinazi.

Para el rodaje de La puerta del cielo, Vittorio de Sica dio trabajo como extras a alrededor de 300 judíos y otros amenazados por el nazismo. Para evitar su captura y deportación, el director de Ladrón de bicicletas prolongó lo más que pudo el trabajo, permitiendo así que pudieran eludir el cerco nazi-fascista hasta la llegada de los aliados en junio de 1944.4

Falleció el 13 de noviembre de 1974 en Neuilly-sur-Seine, Francia, tras una intervención quirúrgica.

Filmografía[editar]
1940: Rosas escarlata (Rose scarlatte)
1941: Nacida en viernes (Teresa Venerdì)
1941: Magdalena, cero en conducta (Maddalena zero in condotta)
1942: Recuerdo de amor (Un garibaldino al convento)
1943: Los niños nos miran (I bambini ci guardano)
1945: La puerta del cielo (La porta del cielo)
1946: El limpiabotas (Sciuscià)
1948: Ladrón de bicicletas o Ladrones de bicicletas (Ladri di biciclette)
1951: Milagro en Milán (Miracolo a Milano)
1952: Umberto D.
1953: Estación Termini (Stazione Termini)


Vittorio De Sica y Sophia Loren
bailan el mambo en la película
de Dino Risi Pane, amore e...,
secuela de 1955 de la dirigida en 1953 por Luigi Comencini: Pan, amor y fantasía.


Otro fotograma de Pane, amore e...
1954: El oro de Nápoles
1956: El techo (Il tetto)
1957: A Farewell to Arms (Adiós a las Armas) (Mayor Alessandro Rinaldi)
1959: El general De La Rovere (Il generale della Rovere)
1960: Dos mujeres (La ciociara)
1960: It Started in Naples (Abogado Vitale)
1961: El juicio universal (Il giudizio universale)
1962: Boccaccio 70 (Boccaccio '70), episodio «La rifa»
1962: Los secuestrados de Altona, (I sequestrati di Altona)
1963: Ayer, hoy y mañana (Ieri, oggi, domani)
1963: El especulador (Il Boom)
1964: Matrimonio a la italiana (Matrimonio all'italiana)
1965: Un mondo nuovo
1966: Tras la pista del zorro (Caccia a la volpe)
1967: Siete veces mujer (Woman Times Seven)
1967: Las brujas (Le streghe), episodio "Una sera come le altre"
1968: Amantes (Amanti)
1970: Tres parejas (Le coppie), episodio «El león».
1970: El jardín de los Finzi-Contini I y II (Il giardino dei Finzi-Contini I y II)
1970: Los girasoles (I girasoli)
1972: ¿Y cuando llegará Andrés? (Lo chiameremo Andrea)
1973: Las vacaciones (Una breve vacanza)
1974: El viaje (Il viaggio)

Ha recibido 44 puntos

Vótalo:

MICHAEL CURTIZ

15. MICHAEL CURTIZ

Michael Curtiz, cuyo verdadero nombre era Manó Kertész Kaminer (Budapest, 24 de diciembre de 1886- Hollywood, 10 de abril de 1962) fue un director de cine estadounidense, originario de una familia judía húngara. Michael Curtiz se marchó de casa a los 21 años para ir a trabajar en un circo... Ver mas
Michael Curtiz, cuyo verdadero nombre era Manó Kertész Kaminer (Budapest, 24 de diciembre de 1886- Hollywood, 10 de abril de 1962) fue un director de cine estadounidense, originario de una familia judía húngara.

Michael Curtiz se marchó de casa a los 21 años para ir a trabajar en un circo. Luego se formó como actor en la Real Academia de Arte y teatro. En 1912, empieza a trabajar como actor y director de cine en Hungría, con el nombre de Mihály Kertész. Estudió cine unos meses en el centro más importante: Copenhage.

Al finalizar la Primera Guerra Mundial, se trasladó a Austria primero (había hecho 40 filmes) y luego Hollywood en 1926, con 58 largometrajes mudos. En Estados Unidos estuvo hasta 1962, año de su muerte, y dirigió entre otros a estrellas consagradas como Errol Flynn o James Cagney en películas que han llegado a ser clásicos: Jimmy the Gent (1933), El Capitán Blood (1935), La carga de la brigada ligera (1936) y Robín de los bosques (1939), lo mismo que a la mítica Bette Davis en su única película en color de los años treinta, La vida privada de Elizabeth y Essex (1939).

La película que ha hecho pasar a Curtiz al Olimpo del cine fue Casablanca (1942), con Humphrey Bogart e Ingrid Bergman, sin embargo, además de ser uno de los cineastas más prolíficos de la historia del cine (con 167 filmes), y de tener una notable carrera de cincuenta años, fue un artista polifacético, de gran ritmo y viveza, como demuestran muchas de sus otras películas.
Estilo[editar]
Se ha dicho a menudo que Curtiz era un director sin un estilo especialmente definido: trabajó todos los géneros, no siempre aportando originalidad. Sin embargo, su trabajo, caracterizado entre otras cosas por una compleja manera de mover la cámara, composiciones robustas, texturas matizadas en la iluminación, siempre es apreciado por el cinéfilo.

Filmografía selecta[editar]


Dolores Costello y George O'Brien
representados en un cartel de la película
El arca de Noé (1928).
1926: La mariposa de oro ("Der Goldene Schmetterling")
1928: El arca de Noé ("Noah's Ark")
1930: Bajo la luna de Texas ("Under a Texas Moon")
1931: El ídolo ("The Mad Genius")
1932
Hay mujeres así? ("The Strange Love of Molly Louvain")
Esclavos de la tierra ("The Cabin in the Cotton")
20.000 años en Sing Sing ("20.000 Years in Sing Sing")
1933
Jimmy the Gent
Los crímenes del museo ("Mystery of the Wax Museum")
Por el mal camino ("The Mayor of Hell")
Matando en la sombra ("The Kennel Murder Case")
Hembra ("Female")
1934: El agente británico ("British Agent")
1935
Casino de París ("Go Into Your Dance")
Infierno negro ("Black Fury")
La que apostó su amor ("Front Page Woman")
El capitán Blood ("Captain Blood")
1936
Los muertos andan ("The Walking Dead")
El caballero Adverse ("Anthony Adverse")
La carga de la brigada ligera ("The Charge of the Light Brigade")
1937
La mujer marcada ("Marked Woman")
El heredero perfecto ("The Perfect Specimen")
1938
En busca de oro ("Gold Is Where You Find It")
Robin de los bosques ("The Adventures of Robin Hood")
Ángeles con caras sucias ("Angels with Dirty Faces")
1939
Dodge, ciudad sin ley ("Dodge City")
La vida privada de Elizabeth y Essex ("The Private Lives of Elizabeth and Essex")
1940
Oro, amor y sangre ("Virginia City")
El halcón del mar ("The Sea Hawk")
Camino de Santa Fe ("Santa Fe Trail")
1941
El lobo de mar ("The Sea Wolf")
Bombarderos en picado ("Dive Bombers")
1942
Yanqui Dandy ("Yankee Doodle Dandy")
Casablanca
1943: Misión en Moscú ("Mission to Moscow")
1944: Pasaje para Marsella ("Passage to Marseille")
1945: Alma en suplicio ("Mildred Pierce")
1946: Noche y día ("Night and Day")
1947: Vivir con papá ("Life with Father")
1949: Flamingo Road
1950
Música en el alma ("Young Man with a Horn")
El rey del tabaco ("Bright Leaf")
1951
La fuerza de las armas ("Force of Arms")
El hombre de bronce ("Jim Thorpe -- All-American")
1953: Un conflicto en cada esquina ("Trouble Along the Way")
1954
El muchacho de Oklahoma ("The Boy from Oklahoma")
Sinuhé, el egipcio ("The Egyptian")
Navidades blancas ("White Christmas")
1955: No somos ángeles ("We're No Angels")
1958
El barrio contra mí ("King Creole")
El rebelde orgulloso ("The Proud Rebel")
1960
Las aventuras de Huckleberry Finn ("The Adventures of Huckleberry Finn")
Escándalo en la corte ("A Breath of Scandal")
1961: Francisco de Asís ("Francis of Assisi")
1962: Los comancheros ("The Comancheros")

Ha recibido 43 puntos

Vótalo:

FRANÇOIS TRUFFAUT

16. FRANÇOIS TRUFFAUT

Trayectoria[editar] Reconocido en el registro civil como hijo por Roland Truffaut, un delineante (o arquitecto y decorador), François Truffaut nunca llegó a conocer a su verdadero padre. Su madre Jeanine de Montferrand, que era secretaria en el periódico L'Illustration, será recordada en su... Ver mas
Trayectoria[editar]
Reconocido en el registro civil como hijo por Roland Truffaut, un delineante (o arquitecto y decorador), François Truffaut nunca llegó a conocer a su verdadero padre. Su madre Jeanine de Montferrand, que era secretaria en el periódico L'Illustration, será recordada en su cine conflictivamente.

Sus padres se despreocuparon de él, y fue atendido por sus abuelos maternos hasta los diez años. La orfandad forma parte de sus personajes esenciales y también originó esa novela familiar que rodea varias de sus historias. De todos modos, una agencia privada de detectives, encargada por Truffaut, señaló en 1968, que las indagaciones sobre su origen conducían a Roland Levy, un dentista de origen judío, de Bayona (al que vio de lejos); ese hallazgo lo rechazó la familia materna, pero a Truffaut le pareció plausible, y hoy viene recogida en las monografías más autorizadas, así en la muy extensa que fue escrita por dos autores clave de Cahiers du Cinéma.1

François Truffaut, cuya infancia estuvo más bien desgarrada y fantasiosa, estudió en la escuela de la rue Clauzel y en el liceo Rollin, aunque nunca fue un alumno ejemplar. A partir de 1939, el joven Truffaut, que era un lector apasionado de literatura, también se pasaba la vida en el cine, a veces durante las horas en las que debería estar en clase (destacó pronto a Renoir, Rossellini, Hitchcock, Vigo, Buñuel, Bresson, Welles, N. Ray, K. Vidor, Ophuls, Sternberg, Stroheim).2

Bazin, Rossellini, Rivette[editar]
Desde 1946, una vez que dejó sus estudios, sobrevivió con pequeños trabajos, como mozo de almacén, y fundó un cine-club en 1947, pero algunos problemas económicos (el alquiler de películas le condujo al impago por fracaso) hacen que sea enviado por su padre adoptivo a un correccional en Villejuif, del que fue sacado por André Bazin, que conoció en ese trabajo de divulgación cinematográfica.3

Gracias de nuevo al crítico de cine André Bazin, su referencia vital, François Truffaut empieza a trabajar en Travail et Culture. Escribe sus primeros artículos desde 1950. Tras alistarse en el ejército, se le envía a Alemania, pero deserta y pasa por la prisión militar; es liberado por Bazin, alegando inestabilidad de carácter.

A continuación publica críticas en los Cahiers du cinéma en 1953, con sus colegas innovadores, pero también ese trabajo, que llega hasta 1959, lo hace en Le Parisienne, en Arts, Radio, Cinéma y Le Bulletin de Paris.4 La persona de cine de su momento más influyente en él fue Jacques Rivette.5

Dirige ya al año siguiente, 1954, su primer cortometraje: Une visite.

En 1956, Truffaut fue ayudante de dirección de Roberto Rossellini. Se casó en 1957 con Madeleine Morgenstern, hija de un distribuidor de cine, siendo testigos André Bazin y Roberto Rossellini; tuvo dos hijas, Laura y Eva. Se separaron en 1965, aunque mantuvieron relación y hasta convivencia toda la vida, por amistad y por las hijas (ella se casó pero se separó enseguida).6 Madeleine le cuidó al final de sus días, y ha sido su albacea (aunque Truffaut tuvo otra hija, Josephine, con Fanny Ardant, en 1983, que fue la mujer del final). Ese mismo año dirigió otro cortometraje, Les Mistons ("Los golfillos").

En acción[editar]
En 1958, rueda Los cuatrocientos golpes, que servirá de carta de presentación al mundo del movimiento de la Nouvelle vague, que encabeza junto a Chabrol, Rohmer, Godard, Resnais o Rivette. Tendrá un éxito espectacular (Cannes, Acapulco, Fémina de Bélgica, Crítica de Nueva York, el Meliès, el Laurel de David Selznick, Valladolid).7

Colaboró con Godard (guion de Al final de la escapada), y en los inicios de Rivette. Aparece ya una característica de Truffaut, su preocupación por la infancia, tan conflictiva en su caso, y por los más desamparados; e irá desde su primer largo Los cuatrocientos golpes (documento que radiografía autobiográficamente la realidad francesa tras en la 2ª Guerra Mundial), pasando por la revisión de las teorías de Rousseau en El pequeño salvaje, hasta la sensibilidad que demuestra en la visión que un adulto puede llegar a tener de los niños y su mundo acometida en La piel dura.

En 1968, cuando el gobierno destituyó a Henry Langlois de la Cinemateca francesa, se creó un comité de defensa, presidido por Renoir, del que él fue tesorero, con Doniol-Valcroce, y organizó protestas.8 Fue el momento de mayor intervención social de Truffaut, en general replegado, pero firme defensor de libertades, como hizo con su admirado Jean-Paul Sartre.

Dirigirá Truffaut películas hasta su muerte a los 52 años, el 21 de octubre de 1984 en Neuilly-sur-Seine debido a un tumor cerebral. Está enterrado en el cementerio de Montmartre en París.

Hay que destacar que François Truffaut aparece como actor en varias de sus películas: La habitación verde, La noche americana, El pequeño salvaje y también en Close Encounters of the Third Kind de Steven Spielberg en 1977, en la que interpretaba al sabio francés "Claude Lacombe".

Es autor de un extenso libro de entrevistas a Alfred Hitchcock, El cine según Hitchcock, que se ha convertido en una referencia en los estudios de cine, y que decidió su éxito global en lengua inglesa.

Pues destaca el Truffaut escritor. Además de ser un cuidadoso guionista (sus guiones se han editado), escribió muchas y buenas críticas así como el prólogo a la obra de André Bazin, muerto prematuramente como él mismo, o el prefacio al libro de su gran director de fotografía, Néstor Almendros, con el que hizo nueve películas.9

Truffaut es el director de su generación que fue más aceptado en Estados Unidos. Woody Allen siempre se declaró admirador suyo, y el propio Truffaut trabajó en una película de Spielberg como actor, con gran éxito. Estuvo varias temporadas en California, para aprender inglés o para descansar y ver a amigos; periódicamente viajó allí como su otro lugar, como un territorio para replegarse.

Películas[editar]
Entre las muchas películas de Truffaut, cabe destacar la serie en la que aparece el personaje de Antoine Doinel, interpretado por el actor Jean-Pierre Léaud, quien inicia con 14 años su carrera de actor en Los cuatrocientos golpes: será el actor-fetiche y alter-ego del propio Truffaut, con el que le confundieron alguna vez, según aparece en Les aventures de Antoine Doinel, libro prologado por Truffaut que recoge sus guiones de toda esa secuencia de filmes.10 Esta serie seguirá hasta El amor en fuga, y pasando por un episodio de El amor a los 20 años, Besos robados y Domicilio conyugal junto a Claude Jade en el papel de Christine, amiga y mujer de Doinel. Una hija de Truffaut, Eva Truffaut seguía en 2004 buscando las últimas escenas de su padre y ha producido un serial radiofónico El diario de Alphonse, en donde aparecen Christine Doinel (Claude Jade) y su hijo Alphonse (Stanislas Merhar).

Lector apasionado, Truffaut llevará al cine muchas novelas: a) policiales estadounidenses (La novia vestida de negro y La sirena del Mississippi de William Irish, Vivamente el domingo (o bien, más cercano al francés, Ojalá el domingo llegue pronto, de Charles Williams, Disparen al pianista de David Goodis y Una chica tan decente como yo de Henry Farrell); b) satírico-costumbristas, destacadamente de Henri-Pierre Roché Jules y Jim y Las dos inglesas y el continente; c) de ciencia-ficción Fahrenheit 451 de Ray Bradbury; d) un relato de fantasmas de Henry James, en La habitación verde, que es un film que revela lo más profundo de sus inquietudes: la amistad, la pasión, la muerte.

El resto de las películas de Truffaut surgen de guiones originales, a menudo en colaboración consu gran colaboradora, Suzanne Schiffman, o Jean Gruault. Son películas de temas muy diversos, que van desde Diario íntimo de Adèle H., basada en la vida de la hija de Víctor Hugo, con Isabelle Adjani, o La noche americana, un auténtico homenaje al cine, que fue premiado en la ceremonia de los Óscar de Hollywood con el Óscar a la mejor película de habla no inglesa en 1973), y también El último metro, película que se desarrolla durante la ocupación alemana de Francia y con la que ganó diez Premios César concedidos por la Academia del Cine Francés.

Pero no hay que olvidar que el propio director decía que "no hay buenas historias, sólo hay buenas películas".11

Balance[editar]
Los inicios del movimiento cinematográfico y del propio realizador son una crítica al academicismo y a los convencionalismos del cine francés hasta mediados de los años 50, a los que acusaban de ser caducos reflejos del arte de narrar visualmente una historia, un sentimiento, etc. Ellos creían que el cine tenía que renovarse enfocando cada historia, personaje o situación desde una perspectiva más cercana, humana y, dentro de lo posible, real. Concretamente, Truffaut señaló que sólo unos pocos directores franceses trabajaban de un modo más personal, como Jacques Tati, Robert Bresson, Max Ophuls, Jacques Becker y Jean Renoir.12

Por ello, muchos de estos jóvenes teóricos cinematográficos, reconvertidos en directores, se adhieren al género documental en sus primeras realizaciones, tomando incluso elementos del entonces en declive neorrealismo italiano, del realismo francés de los años 30 de Jean Vigo, Renoir o Carné, además del cine experimental y de vanguardia de los años 20.

Tras debutar en el largometraje, estos directores rápidamente entendieron que el nuevo movimiento (al igual que ocurrirá con el free cinema británico o el "nuevo cine" alemán), tenía unas claras limitaciones en cuanto a estructuras narrativo-visuales, y que al intentar salir de la independencia artística e integrar sus motivos conceptuales en un cine más comercial —y con mejores medios a raíz del éxito comercial de sus primeras cintas—, el estilo se diluía en parte desde su propia base y era percibido por crítica y público como un cine igual de clásico que el de la etapa anterior, si bien suponía un clasicismo renovado y una reflexión sobre un presente muy distinto ya de los años de posguerra.

El propio Truffaut comienza siendo renovador y rupturista, pero con su estilo más moderado (desde Jules y Jim hasta Domicilio conyugal) que otros, para ser además un autor lúcido y brillante y con un clasicismo formal tan descollante como insospechado, desde Las dos inglesas y el amor hasta su último film.

De ahí las muy polémicas páginas sobre él escritas por Godard, su amigo-enemigo, que le alabó cariñosamente en su estreno y que decía en 1965 que era el "cineasta cada vez más y más serio".13 En 1973, Godard atacó absurda y violentamente a Truffaut (éste sólo escribiría "historias"), y la respuesta implacable de Truffaut, que denunciaba a Godard por su frialdad y cobardía, su ideologismo coyuntural y elitista, su impostura vanidosa, les llevó a la ruptura.14 Truffaut le había ayudado en el primer guion y también como productor. Hicieron una carrera en paralelo en vida de Truffaut, con dos ángulos de visión casi puestos; incluso su roce indica admiración, pese a tantas diferencias radicales.

Filmografía[editar]
Director[editar]
1955: Une visite
1957: Les mistons (Los golfillos).
1959: Les quatre cents coups (Los 400 golpes).
1960: Tirez sur le pianiste (Disparen sobre el pianista / Tirad sobre el pianista).
1961: Une histoire d'eau, codirigida con Jean-Luc Godard.
1961: Tire au flanc
1962: L'amour à vingt ans (El amor a los veinte años) (1962) (Episodio "Antoine et Colette").
1962: Jules et Jim (Jules y Jim).
1964: La peau douce (La piel suave).
1966: Fahrenheit 451.
1967: La mariée était en noir (La novia vestía de negro).
1968: Baisers volés (Besos robados).
1969: La sirène du Mississippi (La sirena del Misisipi).
1969: L'enfant sauvage (El pequeño salvaje).
1970: Domicile conjugal (Domicilio conyugal).
1971: Les deux anglaises et le continent (Las dos inglesas y el amor).
1972: Une belle fille comme moi (Una chica tan decente como yo).
1973: La nuit américaine (La noche americana).
1975: L'histoire d'Adèle H. (Diario íntimo de Adèle H.)
1976: L'argent de poche (La piel dura).
1977: L'homme qui aimait les femmes (El amante del amor o El hombre que amaba a las mujeres).
1978: La chambre verte (La habitación verde).
1979: L'amour en fuite (El amor en fuga).
1980: Le dernier métro (El último metro) César a la mejor película y mejor director.
1981: La femme d'à côté (La mujer de la puerta de al lado / La mujer de al lado).
1983: Vivement dimanche! (Confidencialmente tuya / Vivamente el domingo).
Guionista[editar]
1959: Los 400 golpes de François Truffaut.
1960: Tirad sobre el pianista de François Truffaut.
1960: Al final de la escapada de Jean-Luc Godard (historia).
1962: Antoine y Colette de François Truffaut, episodio de El amor a los veinte años, junto con Shintarō Ishihara, Marcel Ophüls, Renzo Rossellini y Andrzej Wajda.
1964: Mata-Hari, agent H21 de Jean-Louis Richard.
1964: La piel suave de François Truffaut.
1966: Fahrenheit 451 de François Truffaut.
1968: La novia vestía de negro de François Truffaut.
1968: Besos robados de François Truffaut.
1969: El pequeño salvaje de François Truffaut.
1969: La sirena del Mississippi de François Truffaut.
1970: Domicilio conyugal de François Truffaut.
1971: Las dos inglesas y el amor de François Truffaut.
1972: Une belle fille comme moi de François Truffaut.
1973: La noche americana de François Truffaut.
1975: Diario íntimo de Adèle H. de François Truffaut.
1977: El amante del amor de François Truffaut.
1978: La habitación verde de François Truffaut.
1978: El amor en fuga de François Truffaut.
1980: El último metro de François Truffaut.
1981: La mujer de al lado de François Truffaut.
1983: Vivamente el domingo de François Truffaut.
1983: Vivir sin aliento de Jim McBride.
1988: La pequeña ladrona de Claude Miller.
1995: La Belle Époque de Gavin Millar.
Productor[editar]
1958: Paris nous appartient de Jacques Rivette.
1959: Los 400 golpes de François Truffaut.
1970: L'enfance nue ("La infancia desnuda") de Maurice Pialat.
1978: La habitación verde de François Truffaut.
1980: El último metro de François Truffaut.
1981: La mujer de al lado de François Truffaut.
Actor[editar]
1956: Le coup du berger de Jacques Rivette.
1969: El pequeño salvaje de François Truffaut.
1971: Las dos inglesas y el amor de François Truffaut.
1973: La noche americana de François Truffaut.
1974: I'm a stranger here myself de David Helpern y James C. Gutman
1975: Diario íntimo de Adèle H. de François Truffaut.
1976: La piel dura de François Truffaut.
1977: El amante del amor de François Truffaut.
1977: Close Encounters of the Third Kind, (Encuentros en la tercera fase/Encuentros cercanos del tercer tipo) de Steven Spielberg.
1978: La habitación verde de François Truffaut.
Obra apócrifa[editar]
2004: El diario de Alphonse de Elisabeth Butterfly.
Actores destacados en sus películas[editar]
Isabelle Adjani hizo una soberbia interpretación en Diario íntimo de Adèle H.;
Fanny Ardant, compañera de Truffaut al final de su vida, y madre de su hija Joséphine, rodó con él La mujer de al lado y también su última película en blanco y negro, Vivamente en domingo ;
Claude Jade fue « Christine » junto a Jean-Pierre Léaud, en las aventuras de Antoine Doinel (Besos robados, Domicilio conyugal, El amor en fuga); llegó a trabajar bajo el mando de Alfred Hitchcock en "Topaz" por recomendación del propio Truffaut en uno de sus tantos intercambios epistolares.
Nathalie Baye empezó su carrera como la script de La noche americana, luego fue la intérprete femenina de La habitación verde;
Jacqueline Bisset era la star de La noche americana;
Catherine Deneuve actúa en su melodrama-grandguiñolesco La sirena del Mississippi junto a Jean-Paul Belmondo e interpretó a la directora del teatro Montparnasse en El último metro, junto a Gérard Depardieu;
Charles Denner tuvo un papel en La novia vestía de negro y fue El amante del amor (y paradójicamente el Landru de Claude Chabrol);
Bernadette Lafont participó en el primer cortometraje de Truffaut, Les mistons y fue Una chica tan decente como yo;
Jean-Pierre Léaud fue descubierto por Truffaut y rodó seis largometrajes con él; luego fue también el protagonista de obras de otro icono de la Nouvelle Vague, Jean-Luc Godard, para quien trabajó en Masculin et feminin y La chinoise; también colaboró con Pier Paolo Pasolini.
Jeanne Moreau pasó a la posteridad gracias a Jules y Jim y fue la despiadada víctima vengadora de "La novia vestía de negro"...
Françoise Dorléac debutó en "La piel suave", y el impacto de su interpretación la lleva a trabajar con otros importantes directores como Roman Polanski en Cul de sac y con Jacques Demy en Las señoritas de Rochefort junto con su hermana Catherine Deneuve .
Julie Christie se consagra en "Fahrenheit 451", tras su Oscar por Darling (1965), y comienza una carrera internacional.
Oskar Werner se consagra en "Jules et Jim", y volvería a trabajar con Truffaut en "Fahrenheit 451".
Compositores de las películas de François Truffaut[editar]
Jean Constantin
Georges Delerue
Antoine Duhamel
Bernard Herrmann
Maurice Jaubert
Maurice Le Roux
Alain Souchon
Antonio Vivaldi
Charles Trenet
Libros de Truffaut[editar]
Les 400 Coups (1960) con M. Moussy, guion
Le Cinéma selon Alfred Hitchcock (1967); tr. El cine según Hitchcock
Les Aventures d'Antoine Doinel (1970)
Jules et Jim (1971), guion
La Nuit américaine et le Journal de Fahrenheit 451 (1974), guion
L'Argent de poche (1976), guion
L'Homme qui aimait les femmes (1977), guion
Les Films de ma vie (1975); tr. Las películas de mi vida, artículos
Le plaisir des yeux (1987), artículos reunidos por Jean Narboni y Serge Toubiana, en prolongación de Las películas de mi vida
Correspondance (1988)
Le Cinéma selon François Truffaut (1988) editado por Anne Gillain
Belle époque (1996) con Jean Gruault
Libros sobre Truffaut[editar]
Andrew Sarris, Entrevistas con directores de cine, Novelas y Cuentos, 1970, sección François Truffaut.
Dominique Fanne, L'Univers de François Truffaut, Cerf, 1972
Carlos Balagué, François Truffaut, 1988
VV. AA., La Nouvelle Vague, Paidós, 2004, estudio y entrevistas con Truffaut, Chabrol, Godard y Rohmer.
Dominique Rabourdin, Truffaut par Truffaut, Chêne, 1985
Hervé Dalmais, Truffaut, Rivages, 1987
Anne Gillain, Le cinéma selon François Truffaut, Flammarion, 1988
Antoine de Baecque y Serge Toubiana, François Truffaut, Madrid, Plot, 2005 (or., Gallimard, 1996 y 2001) ISBN 978-84-86702-70-0

Ha recibido 41 puntos

Vótalo:

STANLEY KUBRICK

17. STANLEY KUBRICK

Biografía[editar] Sus primeros años[editar] Nació en un barrio del Bronx de Nueva York, en el seno de una familia judía de clase media-alta. Desde muy joven mostró su interés por la fotografía, que practicaba con una cámara réflex, regalo de sus padres. Otras aficiones eran la música en... Ver mas
Biografía[editar]
Sus primeros años[editar]
Nació en un barrio del Bronx de Nueva York, en el seno de una familia judía de clase media-alta. Desde muy joven mostró su interés por la fotografía, que practicaba con una cámara réflex, regalo de sus padres. Otras aficiones eran la música en general, el jazz en particular (llegó a tocar la batería en la Taft Swing Band) y el ajedrez.

Estos tres pasatiempos serían fundamentales para su futura carrera como director. Su afición a la fotografía le permitió, en primer lugar, trabajar para la revista Look, donde hizo reportajes fotográficos a importantes estrellas del momento, y donde se labró una reputación profesional. Su melomanía le permitió a lo largo de toda su carrera poder discutir todos los aspectos relacionados con la banda sonora de sus películas, llegando en ocasiones a prescindir de compositor y escogiendo personalmente piezas de música clásica para sus películas (como en el caso de 2001: una odisea en el espacio, descartando en el último momento la banda sonora original de Alex North). Y su afición al ajedrez quizás pulió el perfeccionismo y la futura frialdad profesional del director. El ajedrez, gracias al cual subsistió durante un inestable período de su vida, sería homenajeado en algunas de sus películas, como Atraco Perfecto o 2001: una odisea en el espacio.



Kubrick con su cámara de fotos en 1949.
Durante su juventud, Kubrick iba frecuentemente al cine Loew's Paradise y al Museo de Arte Moderno de Nueva York; también a malas películas que le impulsaron a superarlas con creces. Poco a poco nació en él la idea de abandonar su trabajo en Look y dedicarse a la realización de películas. Cuando Kubrick aún concedía entrevistas, se refería a Max Ophüls y Sergéi Eisenstein como sus dos referencias cinematográficas más influyentes, el primero por su trabajo con la cámara, y el segundo por su técnica de montaje.

Day of the Fight sería su primera filmación a modo de documental de 13 minutos, en 1951, sobre la base de un trabajo fotográfico, hecho por él mismo para Look, acerca del boxeador Walter Cartier; lo financió con su propios ahorros a los 23 años, aprendiendo a usar el equipo por la persona que se lo alquiló.3 El documental fue comprado por RKO para incorporarlo en la serie This is America que fue proyectada en el Paramount Theatre, en Nueva York, dándole a Kubrick un pequeño beneficio económico. La propia RKO le adelantó dinero para el siguiente documental de 9 minutos llamado Flying Padre (a través del cual sacó el título de piloto, aunque años más tarde se negaría a seguir volando), que narraba la vida de un sacerdote que viaja en avioneta de pueblo en pueblo en el estado de Nuevo México . El último de sus documentales que duró 30 minutos sería Los marineros (The Seafarers9, su primer trabajo en color. Para esta época Kubrick ya había renunciado a su trabajo en Look y se dedicaría de lleno a la industria del cine.

Su primer largometraje, y su primer aprendizaje formal con una cámara, fue Miedo y deseo (Fear and Desire) (1953), que financió con 13.000 dólares obtenidos de préstamos familiares. El film trata de un pelotón de soldados que lucha en una tierra sin nombre, y se exhibió en circuitos de salas de arte, pues era un experimento de calidad. Tras la realización de la película se separa de su primera esposa, Toba Metz.

La película tuvo escaso éxito, y perdió dinero. Ocurrió otro tanto con su siguiente trabajo, Killer's Kiss (1955), cuyo presupuesto ascendió a 40.000 dólares y pedió la mitad del presupuesto (con el tiempo se lo devolvería a familiares y amigos que le ayudaron);4 es una notable película de suspenso sobre un boxeador que conoce a la mujer de un mafioso y se enamora de ella. En el film aparece, en el papel de la bailarina hermana de la protagonista, la que sería su segunda esposa, Ruth Sobotka. La película contó con pocos medios, y no cobró nada. Hizo de operador, montador, ayudante de montaje, técnico de efectos especiales, además de director, y el trabajo de Kubrick con la fotografía en blanco y negro llamó la atención de James B. Harris, un productor de la NBC.

Primera etapa: 1956-1960[editar]
Kubrick y Harris se asociaron en una productora y de su unión surgió Atraco Perfecto (The Killing), de 1956, su primer gran film, con un presupuesto de 320.000 dólares y un reparto de importantes actores de Hollywood, protagonizado por Sterling Hayden. Partiendo de una novela de Lionel White, y sobre un guion de Jim Thompson, Kubrick relató la historia del atraco a un hipódromo. La utilización del tiempo cinematográfico hecha por Kubrick supuso una innovación para la época. En la película se empiezan a sentar las bases del pensamiento del director: la lucha de un antihéroe en su enfrentamiento con el mundo, y su conflictivo final.

Atraco Perfecto atrajo las miradas de algunos personajes de Hollywood como Dore Schary, el jefe de producción de MGM.3 Entre ellos también se encontraba Kirk Douglas, que firmó con Harris-Kubrick un contrato para cinco películas. La primera de ellas sería Senderos de gloria (Paths of Glory) (1957), basada en una novela de Humphrey Cobb, que interpretaría el propio Douglas haciendo el papel del coronel Dax, encargado de defender a sus soldados, acusados de cobardía ante el enemigo, en el marco de la guerra de trincheras de la Primera Guerra Mundial. Y también sería la primera polémica de Kubrick, aunque no la última. El mensaje antibelicista de la cinta hizo que en Francia, a cuyo ejército pertenecían los protagonistas, estuviera prohibida durante décadas. La película fue rodada en los estudios Geiselgasteig en Múnich, Alemania.3 En el rodaje de la película conocería a Christiane Susanne Harlan, que en los créditos aparece como Susanne Christian, que se convertiría en su tercera y última mujer.

Tras Senderos de gloria, Kubrick estuvo trabajando junto a Marlon Brando en la preproducción de One-Eyed Jacks (1961), aunque tras varios meses sería despedido por desavenencias con el actor, quien terminó dirigiendo la película.

Consolidación: 1960-1968[editar]


Kubrick dando instrucciones a los actores Woody Strode y Kirk Douglas durante el rodaje de Espartaco.
En esta situación lo encontró de nuevo Douglas, que buscaba un director para sustituir a Anthony Mann al frente de Spartacus, de 1960. Kubrick aceptó, sabiendo que una película de tan alto presupuesto podía suponer un empujón a su carrera como director. Aunque apenas tuvo oportunidad de intervenir en el guion (como había hecho antes y haría después en todas sus películas), la película supuso el fin de las listas negras (debido al estratégico interés de Douglas de reducir el sueldo del guionista Dalton Trumbo, a cambio de colocar su nombre real en los créditos). La película ganó otros tres premios de la Academia y fue un éxito comercial. La carrera de Kubrick estaba definitivamente lanzada.

Kubrick y Harris lograron rescindir el contrato que les unía con Douglas por otras tres películas. Las aspiraciones artísticas y comerciales de Kubrick le llevaron a hacer Lolita (1962): fue su siguiente trabajo. Tras arduas negociaciones, convenció a Vladimir Nabokov no sólo para que aceptase vender los derechos de su novela, sino para que fuese él mismo quien adaptase el guion, aunque posteriormente Kubrick solo conservó una parte de su trabajo. La película estuvo envuelta en escándalo por adaptar una historia tan controvertida para los estándares de la época, ya que narra la historia de la seducción de una menor de edad por parte de un hombre maduro, y de ahí que dirigentes conservadores exhortaran a no ver la película. Esta película cuenta la historia de Humbert Humbert, un soltero de mediana edad interpretado por James Mason que se enamora de Lolita, una púber de catorce años (interpretada por Sue Lyon, de dieciséis, a quién Kubrick vio en The Loretta Young Show), y que para conseguirla está dispuesto a casarse con la madre de la menor. El actor Peter Sellers termina de componer el reparto como el multifacético Clare Quilty. La película no solo se centra en la relación entre Humbert y Lolita sino que posee efectivas dosis de humor, aspecto del film soportado por el oficio de Sellers que fue animado por el director a improvisar. Kubrick nuevamente trabajó a partir de una narración no lineal, cosa que no ocurría en el libro, con el fin de darle más suspenso a la trama. Kubrick sustituyó la simple lujuria y deseo que el profesor sentía por Lolita en la novela de Nabokov, por amor, evitando así la menor injerencia posible de la censura.5 El presupuesto fue de 2 millones de dólares y logró obtener buenas ganancias. Debido a aspectos financieros y legales, así como por temas de la misma censura, el rodaje se realizó en los estudios ABPC en Inglaterra, donde Kubrick finalmente se estableció definitivamente, en la localidad de Hertfordshire. A pesar de vivir y trabajar en Inglaterra, al inicio por problemas coyunturales, nunca se sintió un expatriado; las circunstancias le retuvieron allí, y volvía varias veces al año a los Estados Unidos, casi siempre en barco.6

Tras el éxito de Lolita, se permitió afrontar proyectos más arriesgados. Se separó de su socio y amigo Harris para producir su nueva película en solitario. Así que, en medio de la guerra fría y de la crisis de los misiles cubanos, Kubrick comenzaría a rodar Dr. Strangelove or how I learned to stop worrying and love the bomb, en 1964. El título en español para esta película fue Dr. Insólito con el que fue conocido en el mundo hispanoparlante excepto en España, donde se dobló con el título de ¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú.

Basada en la novela de Peter George, Red Alert, que era un relato no cómico, pero que lo viró Kubrick para conseguir verosimilitud. Aunque en un principio pretendía abordar de manera directa la novela sobre la guerra fría y la posibilidad de un conflicto atómico, a medida que se iba documentando encontraba aspectos cada vez más hilarantes y esperpénticos sobre la estrategia nuclear de ambos bloques, de forma que decidió realizar una comedia de humor negro en función a las parte más ligeras del libro.7 El actor británico Peter Sellers, sería el encargado de dar vida a tres personajes de la cinta, por presión de Columbia, ya que lo consideraban responsable del éxito de Lolita; completando el reparto Sterling Hayden, George C. Scott y Slim Pickens. El guion de Terry Southern, el propio Peter George y Kubrick está lleno de gags y alusiones sexuales, y narra cómo un acceso de locura del general Ripper, interpretado por Hayden que ordena a varios bombarderos intercontinentales estadounidenses B-52 atacar su objetivos en suelo ruso con armas nucleares, provoca que se haga realidad la tan temida Destrucción mutua asegurada, mientras el jefe Lionel Mandrake (Sellers) busca hacerlo desistir. Por otro lado el presidente Merkin Muffley y el Sr. Strangelove (Sellers en ambos casos) debaten con el mayor Buck Turgidson (Scott) sobre una eventual solución al problema. Dentro de un B-52, el mayor T. J. King Kong (Pickens) aún no sale de su asombro junto con su tripulación por la misión encargada. Kubrick contrató al decorador Ken Adam para llevar a cabo los ambiciosos escenarios, muy adelantados a la época (la sala de guerra, La base militar, y el interior del bombardero) en los estudios ingleses de Shepperton, empleando de manera novedosa la iluminación natural para darle mayor realismo a la puesta en escena.7 La película encontró a un Kubrick plenamente instalado en la campiña inglesa haciendo gala de su obsesión por el detalle en función a los recursos que tenía a su alcance. Un ejemplo de esto es la escenografía que recrea el interior B-52. La fuerza aérea estadounidense no quiso colaborar con el director y éste tuvo que, en función de una fotografía en una revista especializada, y los controles de un B-29, reconstruir el tablero de instrumentos del avión con enorme realismo enfatizando8 el ambiente claustrofóbico de la nave. La música original es encargada a Laurie Johnson, pero dos melodías tienen especial relevancia, sentando las bases del uso que después Kubrick le daría a la música en sus cintas: Try a Little Tenderness en versión instrumental en los créditos iniciales acompañando las imágenes de los aviones acoplados para cargar combustible y el tema de Vera Lynn We'll Meet Again, sugerido por Sellers, en la escena final. En ambos casos los temas contrapesan la fuerza de las imágenes.

Obras célebres: 1968 - 1980[editar]
En 1968 Kubrick alcanzaría la cumbre de su carrera con 2001: una odisea en el espacio (2001: A Space Odyssey. La película no solo buscó elevar el estatus de un género menor en aquel momento, la ciencia ficción, que se limitaba a alienígenas antropomórficos y platillos volantes, sino además narrar una audaz parábola sobre la evolución del hombre: una elipse de 4 millones de años.

La película se construye sobre la base de un relato corto de Arthur C. Clarke, The Sentinel, que Kubrick leyó en 1964 y en ese año junto con Clarke, empezó a construir el guion inicial de la película que protagonizaron Keir Dullea, Gary Lockwood, William Sylvester y Douglas Rain como la voz del computador HAL 9000. En 1966 Kubrick ya había filmado todas las escenas con actores en los estudios Shepperton en Inglaterra. En 1968 se concluyeron los efectos especiales. El presupuesto inicial de 5,5 millones de dólares subió hasta los 10 millones.3 Pero fue en la sala de edición donde Kubrick estableció los mayores cambios entre esta película y sus predecesoras: sólo contiene 40 minutos de diálogo para un metraje de 141 minutos, además de ser la primera película del director sin narración alguna. Con unos efectos especiales sin precedentes (diseñados por el mismo Kubrick y ejecutados y supervisados por Douglas Trumbull), y una confianza ciega en sí mismo, Kubrick realizaría finalmente una de las películas más complejas, vanguardistas y arriesgadas de la historia del cine. La historia empieza con un grupo de homínidos en su lucha por la subsistencia y su encuentro con un monolito, y luego se traslada al futuro, millones de años adelante, donde un hombre, ya evolucionado a homo sapiens, explora el sistema solar en una nave controlada por un computador omnipresente. Kubrick toca diversos temas en la cinta (la inteligencia, la soledad, la muerte, la evolución, la inmortalidad, la auto reflexión, la inteligencia artificial...) que hacen del trabajo un motivo continuo de reflexión, manteniéndola vigente a la postre. Sus efectos especiales y la recreación del viaje espacial siguen siendo apreciados por su fidelidad técnica, estableciendo un antes y un después en la innovación tecnológica de los efectos y del género en sí mismo. Otro aspecto notable es la música, apartado donde Kubrick también ha aportado mucho. Descartó la banda sonora que originalmente había compuesto Alex North, quien se había encargado de la música en Spartacus, usando las composiciones clásicas que empleó en la sala de edición. Entre las partituras utilizadas, además de Richard Strauss o Aram Jachaturián, Kubrick empleó ampliamente la música vanguardista del compositor rumano, György Ligeti, impulsando enormemente su fama a nivel mundial.9 Con esta película Kubrick ganó su único Óscar a título personal (por el diseño de efectos especiales) y varios Premios BAFTA, entre otros.

La historia de Napoleón, proyecto en la que pensaba recrear la vida y las batallas más importantes libradas por el dirigente francés, fue un sueño largamente ansiado por Kubrick, quien desarrolló una investigación de pre-producción enorme a finales de los años sesenta,10 que finalmente no se concretó debido a sus descomunales costos: necesitaba 40.000 soldados cercano a una ciudad, para alojar a 50.000 personas, un lugar adecuado como campo de batalla. Sin embargo leyó centenas de libros y preparó los planos minuciosamente.11 Le atraían tanto su épica como su vida sexual, que fue "digna de Arthur Schnitzler".Ibid., p. 402

Durante aquellos años, Kubrick recibió un obsequió de Terry Southern: la novela A clockwork orange de Anthony Burgess. Kubrick leyó el libro de un tirón y pensó en Malcolm McDowell para interpretar el papel de Alex, a quién el director comparaba con Ricardo III. La historia narra a modo de sátira las correrías de Alex, un joven violento cuyas distracciones son la violación, la ultraviolencia y Beethoven como rezaba la promoción de la película. Los "Droogs", el film retoma el lenguaje empleado en el libro que usó variantes del ruso con el inglés de la calle llamado Nadsat,12 causan destrozos, actos de violencia y delitos sexuales. Pero las cosas se saldrán de control y se pondrá en práctica el proceso Ludovico para buscar corregir la conducta del joven Alex. El director buscó localizaciones en Inglaterra mediante revistas de arquitectura contemporánea y solo construyó tres sets en los estudios Borehamwood: el bar Korova, la prisión y el baño en la casa del escritor. La naranja mecánica presenta algunas innovaciones en el aspecto técnico como el empleo de lentes más rápidas, cámaras ligeras de mano y los micrófonos Sennheiser Mk. 12,13 que permitieron no tener que volver a grabar diálogo alguno tomado de la escena en vivo, así como el uso de nuevos equipos de iluminación como los reflectores de cuarzo Lowell de 1000 vatios, que le permitió a Kubrick girar la cámara en cualquier dirección sin preocuparse por capturar algún equipo luminotécnico en la habitación. La escena de la mujer y los gatos es un buen ejemplo.13

La música fue nuevamente otro elemento destacable, por su carácter avant garde en el uso de la electrónica para adecuar las melodías a las escenas por parte del músico Wendy Carlos, quién recrea mediante sintetizadores la marcha fúnebre de Henry Purcell en la obertura de la película junto con la imagen de los actores, conformando una escena de carácter hipnótico y atmosférico. También se utiliza la Sinfonía N° 9 (Scherzo) de Ludwig van Beethoven como fondo para la danza de las estatuillas abrazadas de Jesucristo y la Obertura de Guillermo Tell de Gioachino Rossini para la orgía en el cuarto de Alex pero acelerada electrónicamente. Incluso se afirma que Kubrick contactó con la banda de rock progresivo Pink Floyd para utilizar pasajes del tema Atom Heart Mother,14 pero finalmente no llegaron a un acuerdo.

Estrenada en Estados Unidos en 1971 y en Inglaterra en 1972, la película despertó una controversia nunca antes vista en el Reino Unido para un film, en torno al contenido de la misma y sus repercusiones en los espectadores; dividió a los críticos, generó debates públicos en la prensa escrita, la televisión y la radio como lo analiza Christian Bugge en The Clockwork Orange Controversy.15 A todo esto se sumó el hecho de que los delitos cometidos, incluso un asesinato, en aquella época, con mucha atención otorgada por parte de la prensa inglesa, por jóvenes que aparentemente replicaban escenas de la película o en algún caso vestían trajes similares a los protagonistas. Esto aumentó la presión en el debate y llevó a Kubrick, quién según diversas fuentes estaba sumamente preocupado, a presionar a Warner Bros., su nueva distribuidora, a cancelar cualquier exhibición pública de la película en 1973 en cualquier sala del Reino Unido. Esto duró hasta el año 2000. La película obtuvo 7 Premios BAFTA incluyendo mejor película, 2 Premios Globo de oro, 4 nominaciones a los Premios Óscar, 2 Director Guild of America, entre otros.

Quizá el logro más importante que obtuvo Kubrick con esta cinta fue asegurar formalmente por parte de Warner Bros., a través de un lucrativo contrato, el control total sobre sus cintas, a nivel técnico y sobre todo artístico, incluso de distribución. El éxito en taquilla del film que sobre una inversión de 2 millones de dólares pudo ganar 40 millones16 le permitió al director sustentar su contrato. Kubrick recibía además cerca del 40% de los beneficios, para lo cual creó una base de datos de salas donde este tipo de películas de autor tenían mejores opciones comerciales.

El trabajo de preproducción que había hecho para Napoleón le ayudó a establecer las bases de su siguiente producción, Barry Lyndon. Estuvo basada en la novela victoriana de William Makepeace Thackeray publicada en 1884 como The Luck of Barry Lyndon, que narra la historia de la ascensión y caída de un muchacho en la Europa del siglo XVIII, y fue protagonizada por Ryan O'Neal y Marisa Berenson en 1975. Nuevamente el extremo cuidado por el detalle de Kubrick se hace manifiesto en el proceso de la película usando libros de arte y documentos de la época para buscar localizaciones, crear objetos, coches y el vestuario que fue confeccionado usando como modelo ropa de aquel siglo, siguiendo las técnicas de costura que se emplearon originalmente y contratando a 35 sastres que trabajaron durante 6 meses.17 Ante la insistencia del director, los interiores se rodaron exclusivamente con la luz de las velas, gracias a unos objetivos especiales de la casa Carl Zeiss (apertura máxima de f/0,7) que había comprado a un contacto suyo y cuyo diseño fue inicialmente realizado para la NASA. Según la actriz Marisa Berenson,18 los actores, en algunas tomas de acercamiento, casi no se podían mover para no salir de foco. Las técnicas de emulsión y revelado actual hicieron obsoleta esta tecnología. La película fue filmada en Irlanda y en Inglaterra. En el primero Kubrick recibió algunas amenazas por parte del grupo terrorista IRA debido a que los extras representaban a soldados ondeando la bandera británica sobre suelo irlandés.

La música que se empleó fue el resultado de la recopilación de todas las grabaciones conteniendo composiciones del siglo XVIII que Kubrick consiguió. Pero al ver que el carácter de la misma era mayormente festiva recurrió también a Franz Schubert y su Piano Trio In E-Flat, compuesto en 1828 y adicionalmente agregó score grabado por Leonard Rosenman para suplir el pedido del director.17 Precedida de gran expectación debido a sus dos títulos anteriores y su efecto en el público, la película fue recibida con críticas mixtas a mediados de los setentas, y falló en la recaudación de taquilla inicial a pesar de los 4 premios Óscar que obtuvo en 1975. Desde entonces la película ha ganado estatura dentro del legado del director por sus logros técnicos y artísticos.19

La novela del escritor multi-ventas de finales de los años setenta Stephen King y un género con buen tirón en aquel momento, el terror, motivaron a Kubrick por su siguiente película. A partir de la novela The Shining del escritor estadounidense reescribió el guion junto a Diane Johnson, y el resultado fue The Shining (1980). La versión de Kubrick es una variación sobre la versión del libro, especialmente en el carácter del protagonista y sus motivaciones. La película, filmada en los estudios Elstree en Borehamwood para los interiores haciendo tomas exteriores del Timberline Lodge, en Portland, Oregón, para recrear el Overlook Hotel, muestra la transformación del personaje de Jack Torrance (interpretado por el oscarizado Jack Nicholson), que cuida el hotel durante los intermedios de temporada, presentándolo como un ser temperamental y con una progresiva perturbación que afecta finalmente la seguridad de su propia familia. Kubrick hizo uso extensivo de una innovación reciente, el Steadicam,20 un giroscopio estabilizador que permitía a la cámara desplazarse a través del espacio sin vibraciones, lo cual le permite filmar de manera efectiva al hijo de Torrance, interpretado por Danny Lloyd, sobre su triciclo de plástico a través de los corredores del hotel o a Nicholson caminando por el laberinto del jardín. La música nuevamente recae en manos de Walter Carlos, ahora Wendy Carlos, quién modifica nuevamente a través de la electrónica música original; una adaptación del compositor Hector Berlioz, del tema medieval Dies Irae. Otros compositores cuyas piezas son utilizadas son György Ligeti, Béla Bártok, Krzysztof Penderecki y temas de bandas pertenecientes al primer cuarto del siglo XX.21 La película obtuvo buena respuesta del público y taquilla, pero la crítica volvió a dividirse en torno este trabajo del director estadounidense. A juicio del autor de la novela, Stephen King, quién inicialmente estuvo halagado con la idea de la adaptación por parte de Kubrick, el filme no profundiza en el verdadero tema de la novela que incluso posee tintes autobiográficos.22 Este primero hace una nueva adaptación para la televisión de su libro, en 1997. La hija de Kubrick, Vivian, realiza un documental sobre la filmación de la película en 1980.

Etapa final: 1987 - 1999[editar]
Tienen que transcurrir siete años hasta que aparezca su siguiente película, Full Metal Jacket, en 1987, donde vuelve a tocar el tema bélico, esta vez la Guerra de Vietnam y nuevamente es un adaptación de una novela. En este caso es Gustav Hasford y su libro The Short-Timers. La película tiene dos partes claramente diferenciadas: la preparación de los soldados en la base de Marines de Parris Island en Carolina del Sur, Estados Unidos y la guerra en sí, ubicada en la ciudad vietnamita de Huế. Durante el rodaje Kubrick reescribía el guion sobre la marcha, modificando las escenas originales. La película se rodó entre 1985 y 1986 en Inglaterra, en la base del ejército británico en Bassingbourne, los estudios en Enfield, y el gasífero de Beckton, al este de Londres, cuyo proceso de demolición fue utilizado para recrear la ciudad modernista de Huế, hasta donde se llevaron 66 palmeras.23 La película es protagonizada por Matthew Modine, Vincent D'Onofrio, Adam Baldwin y Lee Ermey. La música fue escrita por Abigail Mead, un alias que utilizó Vivian Kubrick, empleando un sintetizador. Para las canciones, Kubrick recurre a las listas de éxitos del periodo 1962 – 1968, incluyendo éxitos de Johnny Wright, The Rolling Stones, Nancy Sinatra, The Trashmen, entre otros. A pesar de que el filme se estrenó poco después del hit Platoon (1986) de Oliver Stone, obtuvo buenas críticas y buena taquilla durante su exhibición.24

Tras esta película Kubrick comenzó a evaluar nuevos proyectos. En primer lugar, Inteligencia Artificial, la historia de un niño robot abandonado por su madre. Kubrick siempre había querido adaptar el relato de Brian W. Aldiss, pero no fue hasta que vio Parque Jurásico (1993), del director estadounidense Steven Spielberg, que supo que la tecnología necesaria para filmar la película estaba por fin a su alcance. También estaba interesado en The aryan papers, una película sobre dos refugiados judíos durante la persecución nazi que iba a ser protagonizada por Jodie Foster y Joseph Mazzello, el niño de Parque jurásico. Sin embargo, el mismo Spielberg se adelantaría con el filme La lista de Schindler (1993), debido fundamentalmente a la dificultad que supuso para Kubrick el encaje cinematográfico del Holocausto judío, según su propio criterio. La semejanza de la película de Spielberg con su propio proyecto y problemas de diversa índole le harían desistir.25

Finalmente Kubrick realizó Eyes Wide Shut (1999), basada en la novela Traumnovelle (Relato soñado), de Arthur Schnitzler, que había elogiado años antes. La historia original está situada en la Viena del siglo XIX pero la película se ubica en la Nueva York de finales de siglo XX, narrando la vida una pareja de neoyorquinos de clase alta que viven aparentemente una feliz vida en común, pero que los sueños y fantasías sexuales manifestados en un momento de intimidad empiezan a desestabilizar su relación. La película contó con una pareja en la vida real de las estrellas de Hollywood de aquel momento, Tom Cruise y Nicole Kidman, como los Harford, contando con Sydney Pollack y Marie Richardson como roles secundarios.

La película, como en sus anteriores filmes desde Lolita, fue filmada en Inglaterra incluso en las tomas exteriores, con sólo algunas tomas generales hechas en Nueva York. El trabajo final es un despliegue del habitual virtuosismo de Kubrick para filmar y componer, jugando intensamente con los colores y la luz, especialmente la artificial para reforzar ciertas sensaciones, llegando incluso a forzar el revelado de las cintas para darle a la imagen el aura buscada. El score fue muy variado compuesto para la ocasión por Jocelyn Pook incluyendo al mismo trabajos de György Ligeti, Franz Liszt, Chris Isaak o Dmitri Shostakóvich. Después de casi 12 años, Kubrick volvía con una película, generando una fuerte expectación en el público, en parte por los rumores que circularon en la prensa sobre su hábitos de vida, especialmente su misantropía, lo cual fue desmentido por el director en sendas entrevistas durante su vida. La película nuevamente generó una cierta polémica, en torno a la censura que recibió la cinta en la versión para los Estados Unidos donde digitalmente se taparon las zonas genitales a ciertos actores extras durante una orgía, por lo demás bastante pudorosa para ser tal. El film, de gran calidad narrativa, fue recibido con cierta tibieza por parte de un sector de la crítica en un inicio, y con entusiasmo por otros sectores, especialmente la crítica francesa que incluso le dio el premio a la mejor película extranjera del año.26 El presupuesto del filme ascendió a 65 millones de dólares.

Días después de acabar de montar la película, a los 70 años, Stanley Kubrick moría en la cama de su residencia de Hertfordshire, al sureste de Inglaterra, de un ataque al corazón. Su muerte congregó gran interés por parte de la prensa mundial debido a la enorme fama y reputación tanto profesional como el mito personal que ganó durante sus años de vida.

Algunos de sus trabajos fílmicos fueron lanzados en formato VHS, y posteriormente toda su obra ha sido remasterizada en formato digital DVD y Blu-Ray. Existen también sendos trabajos biográficos y de análisis de su obra y álbumes fotográficos, convirtiéndolo en uno de los directores cinematográficos más reseñados en la actualidad.

Legado[editar]


Kubrick en el set de rodaje de Espartaco con Tony Curtis y Laurence Olivier (derecha).
La influencia de Kubrick en el cine contemporáneo es enorme y difícil de definir en su real dimensión. No sólo por la gran cantidad de libros dedicados a su persona y a su trabajo, las compilaciones que lo sitúan entre los más importantes de la historia, así como documentales televisivos sobre su vida y ensayos publicados en diversos medios de comunicación, sino también por los logros fílmicos que alcanzó en vida y el aporte que realizó al statu quo de rol del director dentro la industria cinematográfica.

Kubrick luchó y logró el tan ansiado control total sobre sus películas, con el fin de que su visión fílmica no se viera afectada más que por lo que él entendía como coherencia artística. Sin estudios formales de cine, participó en cada etapa de la producción de una cinta, aprendiendo las técnicas y el oficio, llegando a aportar innovadores procedimientos técnicos (efectos especiales, sistema de filmación, nuevas cámaras, focos, luces y lentes) y narrativos que le permitieron a la industria en general avanzar varios años.

Otro apartado donde fue decisivo fue en el empleo de la banda sonora en las cintas que dirigió, anticipándose a varias tendencias, incorporando tanto la enciclopédica revisión de la música perteneciente a la época en la que se ambientaba la película de turno, así como también emplear los aportes de la electrónica cuando ésta se aplicaba mayormente en el campo experimental.

Sus películas no dejaban de incorporar sus propios intereses intelectuales y la reflexiones sobre el hombre y su lucha constante con su entorno, ya sea físico, social, psicológico o metafísico. Su observación del ser humano siempre guardaba una distancia prudente, que en vez de frialdad (como lo tachaban algunos críticos), podría más bien leerse un verdadero interés y abierta curiosidad por entender el proceder del personaje como pieza dentro de un engranaje más complejo que lo puramente cultural. Él busca aquellos códigos dentro de cada ser humano que lo empujan a accionar de una manera en particular, tanto en la intimidad como en la odiseas titánicas que modifican el curso la historia, creando en el proceso imágenes tan sobresalientes y atemporales que se han convertido en parte de la cultura popular.

Un tema final podría ser su obsesión con los detalles y la calidad del producto. Pocos directores hicieron de esto un tema mayor: entender el filme como acto de aprendizaje extremo del entorno del personaje, en base a una sólida investigación que llevó, junto a su perfeccionismo, a dilatar sus rodajes y aumentar el aura mítica que proyectaba en la prensa.

Filmografía[editar]
Año Película Director Productor Guionista Otros Notas
1951 Day of the Fight Sí Sí Sí Sí Sí Sí Sí Sí Él mismo (cameo sin acreditar), director de fotografía, editor (sin acreditar); sonido (sin acreditar).
Flying Padre Sí Sí Sí Sí Sí Sí Director de fotografía; escritor (sin acreditar).
1953 Fear and Desire Sí Sí Sí Sí Sí Sí Director de fotografía y editor; sonido (sin acreditar).
The Seafarers Sí Sí Sí Sí Director de fotografía, editor y sonido.
1955 Killer's Kiss Sí Sí Sí Sí Sí Sí Sí Sí Historia, director de fotografía y editor.
1956 The Killing Sí Sí Sí Sí Productor (sin acreditar).
1957 Paths of Glory Sí Sí Sí Sí Productor ejecutivo (sin acreditar).
1960 Spartacus Sí Sí
1962 Lolita Sí Sí Sin acreditar como guionista y productor.
1964 Dr. Strangelove Sí Sí Sí Sí Sí Sí
1968 2001: A Space Odyssey Sí Sí Sí Sí Sí Sí Sí Sí Director y diseñador de efectos visuales.
1971 A Clockwork Orange Sí Sí Sí Sí Sí Sí Operador adicional de cámara (sin acreditar).
1975 Barry Lyndon Sí Sí Sí Sí Sí Sí
1980 The Shining Sí Sí Sí Sí Sí Sí
1987 Full Metal Jacket Sí Sí Sí Sí Sí Sí Sí Sí Murphy (Voz) (cameo sin acreditar).
1999 Eyes Wide Shut Sí Sí Sí Sí Sí Sí Operador adicional de cámara (sin acreditar).
Otras
Stanley Kubrick contribuye como asesor de iluminación en la película The Spy Who Loved Me a petición de Ken Adam, diseñador de producción de la cinta.

En el año 2001, Steven Spielberg dirige Inteligencia Artificial y realiza una dedicatoria a Kubrick, quien fuese su colega y amigo. La película originalmente seria dirigida por Stanley Kubrick, quien además intervino en el desarrollo de la historia, aunque debido a su muerte en 1999 no lo consigue.

Año Película Director Productor Guionista Otros Notas
1977 The Spy Who Loved Me Sí Sí Asesor de Iluminación (sin acreditar). El diseñador de producción Ken Adam solicitó el asesoramiento de Kubrick en la iluminación de 007 Stage. Kubrick aceptó con la condición de que su participación se mantuviera en secreto, lo que se cumplió mientras estuvo vivo (Kubrick muere en 1999)27
2001 Inteligencia Artificial Sí Sí Concepto (sin acreditar) y dedicatoria. Originalmente Kubrick intentó dirigir la película. Después de su muerte el proyecto cobró impulso y fue Steven Spielberg quien la dirigió y escribió el guion basado en una historia de 90 páginas escrita por Ian Watson bajo la supervisión de Kubrick.
Clasificación[editar]
Se pueden apreciar en la obra de Kubrick dos etapas bien diferenciadas, dejando aparte, como él mismo quiso, sus trabajos tempranos (Flying Padre, Day of the Fight, The Seafarers y Fear and Desire).

La Primera Etapa, denominada, según el criterio: "Etapa Clásica", "Período en Blanco y Negro" o "Etapa de Juventud", incluye Killer's Kiss, The Killing, Paths of Glory, Spartacus, Lolita y Dr. Strangelove.

La Segunda Etapa, denominada "Etapa Renovadora", "Período en Color" o "Etapa de madurez", incluye 2001: A Space Odyssey, A Clockwork Orange, Barry Lyndon, The Shining, Full Metal Jacket y Eyes Wide Shut.

Las etapas se distinguen observando su estructura dramática (más tradicional en su primera etapa y experimental e innovadora en su segunda etapa) o la coloración del metraje (pero, a modo de excepción, Spartacus -de su primera etapa- está en color, aunque no por decisión de Kubrick).

Así, tras el salto temporal de unos cuatro años que separa Dr. Strangelove de 2001, se aprecia un gran cambio en el planteamiento de su obra, si bien permanecen ciertos paralelismos argumentales (la sexualidad en Lolita y Eyes Wide Shut, la dureza de la guerra en Paths of Glory y Full Metal Jacket, la ascensión social con el fracaso final en Spartacus y Barry Lyndon,...)

Recepción y crítica[editar]
Película Rotten Tomatoes Metacritic IMDb
Todas Top
Fear and Desire 90%28 35%28 - 5.629
Killer's Kiss 82%30 58%30 - 6.731
The Killing 97%32 90%32 - 8.133
Paths of Glory 93%34 94%34 - 8.535
Spartacus 96%36 79%36 - 8.037
Lolita 98%38 81%38 - 7.739
Dr. Strangelove 100%40 94%40 9641 8.642
2001: A Space Odyssey 96%43 86%43 8644 8.345
A Clockwork Orange 89%46 92%46 7847 8.448
Barry Lyndon 94%49 90%49 - 8.150
The Shining 90%51 91%51 6152 8.553
Full Metal Jacket 97%54 93%54 7855 8.456
Eyes Wide Shut 77%57 66%57 6858 7.259
Media 92% 80% 78 7.8
Premios[editar]
Premios Óscar
Año Categoría Película Resultado
1987 Óscar al mejor guion adaptado Full Metal Jacket Nominado
1975 Óscar a la mejor película Barry Lyndon Nominado
1975 Óscar al mejor director Barry Lyndon Nominado
1975 Óscar al mejor guion adaptado Barry Lyndon Nominado
1971 Óscar a la mejor película A Clockwork Orange Nominado
1971 Óscar al mejor director A Clockwork Orange Nominado
1971 Óscar al mejor guion adaptado A Clockwork Orange Nominado
1968 Óscar al mejor director 2001: A Space Odyssey Nominado
1968 Óscar al mejor guion original 2001: A Space Odyssey Nominado
1968 Óscar a los mejores efectos visuales 2001: A Space Odyssey Ganador
1964 Óscar a la mejor película Dr. Strangelove Nominado
1964 Óscar al mejor director Dr. Strangelove Nominado
1964 Óscar al mejor guion adaptado Dr. Strangelove Nominado
Premios Globo de Oro
Año Categoría Película Resultado
1975 Mejor película - Drama Barry Lyndon Nominado
1975 Mejor director Barry Lyndon Nominado
1971 Mejor película - Drama A Clockwork Orange Nominado
1971 Mejor director A Clockwork Orange Nominado
1962 Mejor director Lolita Nominado
1961 Mejor película - Drama Spartacus Ganador
1961 Mejor director Spartacus Nominado
Premios BAFTA
Año Categoría Película Resultado
2000 BAFTA Honorífico Ganador
1975 Mejor película Barry Lyndon Nominado
1975 Mejor director Barry Lyndon Ganador
1971 Mejor película A Clockwork Orange Nominado
1971 Mejor director A Clockwork Orange Nominado
1971 Mejor guion adaptado A Clockwork Orange Nominado
1968 Mejor película 2001: A Space Odyssey Nominado
1964 Mejor película Dr. Strangelove Ganador
1964 Mejor película de cualquier fuente Dr. Strangelove Ganador
1964 Mejor guión británico Dr. Strangelove Nominado
1961 Mejor película de cualquier fuente Spartacus Nominado
1957 Mejor película de cualquier fuente Paths of Glory Nominado
1956 Mejor película de cualquier fuente The Killing Nominado
Premios Saturn
Año Categoría Película Resultado
1980 Mejor director The Shining Nominado
1980 Mejor película de terror The Shining Nominado
Premios Razzie
Año Categoría Película Resultado
1980 Peor director The Shining Nominado
Premios César
Año Categoría Película Resultado
2000 Mejor película extranjera Eyes Wide Shut Nominado
1977 Mejor película extranjera Barry Lyndon Nominado
Premio Bodil
Año Categoría Película Resultado
2000 Mejor película norteamericana Eyes Wide Shut Nominado
1964 Mejor película norteamericana Dr. Strangelove Ganador
Premio David de Donatello
Año Categoría Película Resultado
1988 Mejor producción extranjera Full Metal Jacket Ganador
1988 Luchino Visconti Ganador
1988 Mejor película extranjera Full Metal Jacket Nominado
1988 Mejor director extranjero Full Metal Jacket Nominado
1977 Premio David Europeo Barry Lyndon Ganador
1969 Mejor producción extranjera 2001: A Space Odyssey Ganador
Festival Internacional de Cine de Moscú
Año Categoría Película Resultado
1968 Mejor película 2001: A Space Odyssey Nominado
1968 Mejor director 2001: A Space Odyssey Nominado
Festival de Venecia
Año Categoría Película Resultado
1999 Premio Bastone Bianco Eyes Wide Shut Ganador
1997 León de Oro Honorífico Ganador
1962 León de oro Lolita Nominado
Chicago Film Critics Association
Año Categoría Película Resultado
2000 Mejor película Eyes Wide Shut Nominado
2000 Mejor director Eyes Wide Shut Nominado
2000 Mejor fotografía Eyes Wide Shut Nominado
New York Film Critics Circle
Año Categoría Película Resultado
1975 Mejor película Barry Lyndon Nominado
1975 Mejor director Barry Lyndon Nominado
1971 Mejor película A Clockwork Orange Ganador
1971 Mejor director A Clockwork Orange Ganador
1964 Mejor película Dr. Strangelove Nominado
1964 Mejor director Dr. Strangelove Ganador
1964 Mejor guión Dr. Strangelove Nominado
Otros reconocimientos y galardones60
Año Categoría Premio Película Resultado
2000 Lifetime Achievement Award Directors Guild of Great Britain Por su trayectoria Ganador
2000 Critics Award French Syndicate of Cinema Critics Por su trayectoria Ganador
1997 D.W. Griffith Lifetime Achievement Award Directors Guild of America Awards Por su trayectoria Ganador
1975 Mejor director National Board of Review Barry Lyndon Ganador
1959 Mejor director Festival Internacional de Cine de Locarno Killer's Kiss Ganador

Ha recibido 40 puntos

Vótalo:

FEDERICO FELLINI

18. FEDERICO FELLINI

Biografía[editar] Infancia y juventud[editar] Federico Fellini nació en Rímini de una familia de clase media: su madre, Ida Barbiani, de origen romano, era ama de casa; su padre, Urbano, un representante de licor, dulces y comestibles, nacido en Gambettola, un pueblo al oeste de Rímini... Ver mas
Biografía[editar]
Infancia y juventud[editar]
Federico Fellini nació en Rímini de una familia de clase media: su madre, Ida Barbiani, de origen romano, era ama de casa; su padre, Urbano, un representante de licor, dulces y comestibles, nacido en Gambettola, un pueblo al oeste de Rímini. Federico estudió en el Liceo Classico «Giulio Cesare»1 donde descubrió su talento para el dibujo; sentía admiración por el dibujante estadounidense Winsor McCay, creador del personaje de cómic "Little Nemo".

En su infancia, el joven Federico muestra un vivo interés por las películas de Chaplin y los cómics humorísticos estadounidenses, llegando a afirmar en 1966

Es evidente que la lectura intensa de esas historias, en una edad en que las reacciones emotivas son tan inmediatas y frecuentes, condicionó mi gusto por la aventura, lo fantástico, lo grotesco y lo cómico. En este sentido es posible encontrar una relación profunda entre mis obras y los cómics norteamericanos. De sus estilizaciones caricaturescas, de sus paisajes, de los personajes siluetados contra el horizonte, me han quedado imágenes felizmente "chocantes", imágenes que de vez en cuando vuelven a aflorar y cuyo recuerdo inconsciente ha condicionado el elemento figurativo y las tramas de mis películas.2
Inicios profesionales[editar]
Antes de terminar la escuela secundaria clásica, Fellini consigue unas colaboraciones con periódicos y revistas como dibujante; la más importante fue la colaboración con el periódico Il 420, que editaba Nerbini. Hacia 1937-38, con 17 o 18 años, Nerbini le contratará como corrector de las pruebas de imprenta de estas revistas, pasando el joven 7 u 8 meses en Florencia. También ejercerá de guionista de la serie Flash Gordon, con dibujos de George Toppi, cuando el gobierno fascista prohíbe la importación de cómics estadounidenses y los autores italianos han de continuarlas para no defraudar a sus lectores.2

A principio de 1939 se traslada a Roma, bajo el pretexto de asistir a la universidad de Derecho, pero con la intención de convertirse en periodista. A los pocos meses de su llegada a Roma, Fellini debuta en abril de 1939 en la principal revista satírica italiana, Marc'Aurelio, dirigida por Vito de Bellis. Tras el éxito en Marc'Aurelio, Fellini recibe muchas ofertas de trabajo y sustanciosas cantidades de dinero.

Durante estos primeros años escribió secuencias cómicas para actores conocidos como Aldo Fabrizi y Erminio Macario en Imputato, alzatevi! y Lo vedi come sei... lo vedi come sei? en 1939. Fellini también produjo varios dibujos (principalmente en lápiz sobre papel), a menudo retratos cómicos y caricatura política siendo así como el joven Fellini conoció el cine: su primer éxito fue como dibujante publicitario para películas. Avanguardista durante el Fascismo, sus primeras obras fueron para la Alleanza Cinematográfica Italiana (ACI), una compañía productora de Vittorio Mussolini, hijo de Benito Mussolini, a través del cual conoció a Roberto Rossellini.

Fellini y la radio[editar]


Fellini de joven.
En 1941 empieza a colaborar con el Ente Italiano Audizioni Radiofoniche (EIAR), viviendo una breve pero feliz fase como escritor en la radio. La etapa de Fellini en la radio marca el debut del maestro en el mundo del espectáculo y el inicio de la relación afectiva y artística con Giulietta Masina. En los últimos años firmó unos noventa guiones de Fellini, incluyendo las presentaciones de los programas de música, revistas, radio, a la famosa serie Cico y Pallina. La serie se emitió entre 1942 y 1943, contaba la historia de una joven pareja.

En julio de 1943, Giulia presenta a Federico a sus padres, y la pareja contrajo matrimonio en octubre de ese mismo año. El 22 de marzo de 1954, Giulia y Federico tuvieron un hijo, Pier Federico, que fallece tan sólo doce días después de su nacimiento.

La fase neorrealista[editar]
A principios de los años cuarenta, Fellini conoce a Tullio Pinelli, un dramaturgo, y fundan una asociación profesional. Fellini y Pinelli son los encargados de redactar el texto que dará a conocer a Aldo Fabrizi. En 1944, tras la caída del fascismo en una Roma apenas liberada de las tropas armadas, abrió una tienda de retratos y caricaturas, The Funny Face Shop. El 1945 se produce el primer encuentro de Fellini con Roberto Rossellini y comenzó su contribución a la película más emblemática del cine italiano de posguerra: Roma città aperta (Roma ciudad abierta). Fellini también escribió guiones para otros directores reconocidos como Alberto Lattuada (Sin piedad, El molino del Po), Pietro Germi (En nombre de la ley, La ciudad se defiende) y Luigi Comencini.

Después de colaborar en los guiones de otros films de Rossellini: Paisà (Camarada, 1946) y L´amore (El amor, 1948); y debutar en la dirección junto a Alberto Lattuada con Luces de variedades en 1950, su primera película en solitario como realizador fue Lo sceicco bianco (El jeque blanco, 1951) protagonizada por el cómico Alberto Sordi y escrita por Michelangelo Antonioni y Ennio Flaiano. Durante el rodaje de esta comedia entre satírica y burlesca con ecos del omnipresente neorrealismo de la época, Fellini conoció a Nino Rota, el músico que lo seguiría por el resto de su carrera.3

La resonancia internacional[editar]


Franco Fabrizi (1926 - 1995) en Almas sin conciencia (Il bidone, 1955).
La actriz Giulietta Masina, con quien se había casado Fellini en 1943, se convirtió en su musa absoluta y en el personaje físico y sobre todo emocional que fascinó al público de medio mundo en títulos dorados del cine italiano como Almas sin conciencia, Las noches de Cabiria, La Strada, Giulietta de los espíritus y Ginger y Fred. Otro actor que aparece constantemente en sus filmes es Marcello Mastroianni, quien estudiaba interpretación en la misma escuela que Massina, y que fue gran amigo del director. De hecho, Mastroianni aparece en algunas de sus películas más importantes, siempre interpretando el papel principal (entre ellas La Dolce Vita y Ocho y medio). Fellini trabajó también con actores como Anita Ekberg, a quien lanzó a la fama, Sandra Milo, los ya citados Sordi y Fabrizi, Anouk Aimée, Claudia Cardinale, Richard Basehart, Sylva Koscina, Freddie Jones o Roberto Benigni.

Los guionistas con los que siempre trabajó (Bernardo Zapponni por ejemplo), lograron encontrar el modo de aunar diálogos y estructuras a la plasticidad, expresividad y enorme personalidad cinematográfica de Fellini (presente en la narrativa, encuadres, temáticas sobre lo onírico, el patetismo, la crueldad, la felicidad, la desolación, lo diferente, lo extravagante, la provocación, el humor, la farándula, lo mediterráneo...), y todo ello llega a desbordar rabiosamente la gran mayoría de sus películas.

La madurez[editar]
Su época de madurez está marcada por su distanciamiento con la crítica y por su pérdida de rentabilidad masiva de cara al mercado coincidiendo con dos acontecimientos clave: al final de la supremacía de los grandes estudios estadounidenses y europeos, y el relevo generacional tan rupturista como radical que se produce en los primeros años 70 en medio mundo, a lo que se une el auge de la televisión como motor del ocio diario de la gran mayoría del público, acompañada de la fabricación de un nuevo invento que cambia el concepto de la industria del cine predominante hasta entonces: el vídeo doméstico.

También ahora, la superación del cine de estructura clásica perjudica la carrera del cineasta ya que, paradójicamente, es ahora cuando el maestro italiano se vuelve —al menos aparentemente— más convencional en sus propuestas y su cine "pasa de moda" en aras de las nuevas corrientes del cine del viejo continente (el thriller de Jean Pierre Melville, el clasicismo filosófico de François Truffaut, el compromiso político de Pier Paolo Pasolini, las innovaciones estéticas y formales de Bernardo Bertolucci, el lirismo poético y metafísico de Andréi Tarkovski, el auge de los nuevos y jóvenes creadores (Rainer Werner Fassbinder, Wim Wenders, Carlos Saura, Ken Russell, Vilgot Sjöman, Hristo Popov). Sin embargo es en este momento cuando Fellini se vuelca en hacer obras más pequeñas y personales, con menor presupuesto pero de encomiable envergadura artística, ya que esta crisis profesional no resta valía a los proyectos que va rodando y estrenando: I clowns (Los clowns, 1970); Roma, (1972); Prova d'orchestra (Ensayo de orquesta, 1979) o E la nave va (Y la nave va, 1983).

Filmografía[editar]
Hay tres momentos en la filmografía de este director: Sus inicios, en constante coqueteo con la corriente neorrealista predominante en el cine italiano de los 40 y 50, y en aras de encontrar un estilo propio que le definiera como creador (de El jeque blanco a Almas sin conciencia pasando por la estupenda Los inútiles (I vitelloni, 1953)); la fama internacional y conquista de las taquillas de todo el mundo, premios Óscar incluidos (La strada, Las noches de Cabiria, La dolce vita, Julieta de los espíritus, El Satiricón, Casanova y Amarcord); y la época de madurez, marcada por su distanciamiento con la crítica y por su pérdida de rentabilidad masiva de cara al mercado.

Como director[editar]
Luci del varietà (Luces de variedades) (1950)
Lo sceicco bianco (El jeque blanco) (1951)
I vitelloni (Los inútiles) (1953)
L'amore in città (Amor en la ciudad) (1953)
La strada (1954)
Il bidone (Almas sin conciencia/El cuentero) (1955)
Le notti di Cabiria (Las noches de Cabiria) (1957)
La Dolce Vita (íd.) (1960)
Boccaccio 70 (Boccaccio '70) (1962)
Otto e mezzo (8 ½) (1963)
Giulietta degli spiriti (Giulietta de los espíritus / Julieta de los espíritus) (1965)
Tre passi nel delirio (Historias extraordinarias) (1968)
Block-notes di un regista (1969) — TV
Satyricon (Fellini Satyricon) (1969)
I clowns (1971)
Roma (Roma de Fellini) (1972)
Amarcord (1973)
Casanova (1976)
Prova d'orchestra (Ensayo de orquesta) (1978)
La città delle donne (La ciudad de las mujeres) (1980)
E la nave va (Y la nave va) (1983)
Ginger e Fred (Ginger y Fred) (1986)
Intervista (Entrevista) (1987)
La voce della luna (La voz de la luna) (1990)
Como guionista[editar]
Lo vedi come sei... Lo vedi come sei? de Mario Mattoli (1939)
Imputato alzatevi! de Mario Mattoli (1939)
Il pirata sono io! de Mario Mattoli (1940)
I cavalieri del deserto de Gino Talamo y Osvaldo Valenti (1940)
Avanti, c'è posto de Mario Bonnard (1942)
Quarta pagina de Nicola Manzari (1942)
Campo de' fiori de Mario Bonnard (1943)
Aparición Apparizione de Jean de Limur (1943)
Vive... si te dejan L'ultima carrozzella de Mario Mattoli (1943)
Tutta la città canta de Riccardo Freda (1945)
Roma, ciudad abierta (Roma città aperta) de Roberto Rossellini (1945)
Chi l'ha visto? de Goffredo Alessandrini (1945)
Camarada (Paisà) de Roberto Rossellini (1946)
Il passatore de Duilio Coletti (1947)
Il delitto di Giovanni Episcopo de Alberto Lattuada (1947)
Senza pietà (Sin piedad) de Alberto Lattuada (1948)
El molino del Po (Il mulino del Po) de Alberto Lattuada (1948)
El amor (L'amore) de Roberto Rossellini (1948)
En nombre de la ley (In nome della legge) de Pietro Germi (1949)
Il cammino della speranza de Pietro Germi (1950)
Luces de variedades (Luci del varietà) (1950)
Francisco, juglar de Dios (Francesco, giullare di Dio) de Roberto Rossellini (1950)
Persiane chiuse de Pietro Germi (1950)
La ciudad se defiende (La città si difende) de Pietro Germi (1951)
Una doncella en apuros (Cameriera bella presenza offresi...) de Giorgio Pastina (1951)
Il brigante di tacca del Lupo de Pietro Germi (1952)
El jeque blanco (Lo sceicco bianco) (1951)
Europa 51 (Europa '51) de Roberto Rossellini (1951)
Los inútiles (I vitelloni) (1953)
L'amore in città (1953) — episodio Un'agenzia matrimoniale
La strada (1954)
Alma sin conciencia (Il bidone) (1955)
Las noches de Cabiria (Le notti di Cabiria) (1957)
Fortunella (Fortunella) de Eduardo De Filippo (1958)
La dolce vita (1960)
Boccaccio '70 (1962) — episodio Le tentazioni del dottor Antonio
Fellini 8 ½ (8 e ½) (1963)
Giulietta de los espíritus (Giulietta degli spiriti) (1965)
Tre passi nel delirio (1968) — episodio Toby Dammit
Block-notes di un regista (1969) — TV
Noches en la ciudad (Sweet Charity) de Bob Fosse (1969)
Satyricon (Fellini Satyricon) (1969)
I Clowns (1971)
Roma de Fellini (Roma) (1972)
Amarcord (1973)
[Il Casanova di Federico Fellini (1976)
Prueba de orquesta (Prova d'orchestra) (1978)
La ciudad de las mujeres (La città delle donne) (1980)
Y la nave va (E la nave va) (1983)
Ginger y Fred (Ginger e Fred) (1986)
Entrevista (Intervista) (1987)
La voz de la luna (La voce della luna) (1990)

Ha recibido 38 puntos

Vótalo:

SERGUÉI M. EISENTEIN

19. SERGUÉI M. EISENTEIN

Biografía[editar] Cuando contaba 25 años, Serguéi Eisenstein puso fin a su carrera teatral, al ver la artificiosidad del resultado en su montaje de Máscaras de gas, donde, según sus propias palabras, «el carro se rompió en pedazos y el conductor se cayó de cabeza en el cine». Esto hizo que... Ver mas
Biografía[editar]
Cuando contaba 25 años, Serguéi Eisenstein puso fin a su carrera teatral, al ver la artificiosidad del resultado en su montaje de Máscaras de gas, donde, según sus propias palabras, «el carro se rompió en pedazos y el conductor se cayó de cabeza en el cine». Esto hizo que dejara el teatro y se centrara en el medio que le dio prestigio internacional, el cine.

Eisenstein fue un pionero del uso del montaje en el cine. Para Eisenstein, la edición no era un simple método utilizado para enlazar escenas, sino un medio capaz de manipular las emociones de su audiencia. Después de una larga investigación en el tema, Eisenstein desarrolló su propia teoría del «montaje». Sus publicaciones al respecto serían luego de gran influencia para varios directores de Hollywood.

Eisenstein, con frecuencia, no utilizaba actores profesionales para sus películas. Sus narrativas evitaban el individualismo y, en cambio, iban dirigidas a cuestiones más amplias de la sociedad, especialmente a conflictos de clases. Sus actores eran por lo usual personas sin entrenamiento en el campo dramático, tomadas de ámbitos sociales adecuados para cada papel.

Su principal mensaje político se basó en la organización, la participación y la lucha «Como quieras, quiero.»

Sus ideales comunistas lo condujeron en varias ocasiones a conflictos con funcionarios del gobierno soviético. Stalin era consciente del poder del cine como medio de propaganda, y consideró a Eisenstein como una figura controvertida. Su popularidad se profundizó más tarde con el éxito de sus películas, entre ellas El acorazado Potemkin (1925), calificada una de las mejores películas de todos los tiempos.

Sus ensayos literarios cinematográficos y sus dotes como orador, teniendo en cuenta que hablaba además alemán, inglés y francés, hizo que ejerciera una gran influencia sobre la teoría cinematográfica en la época.

De 1924 a 1930[editar]


Fotograma de El acorazado Potemkin.
En 1924, podrá poner en práctica sus teorías en su primera gran obra, La Huelga (Стачка), aunque él mismo consideró que había fracasado a la hora de hacer fluir las emociones de los espectadores y que era demasiado teatral. Se incautó la única copia que había de la película y no se pudo volver a distribuir hasta después de su muerte, aunque el film llegó a ser exhibido en Occidente y obtuvo el premio en la Exposición de París en 1925.

Pero será su siguiente película, El acorazado Potemkin, la que dará a conocer su nombre en todo el mundo, y es posiblemente la película sobre la que más se ha escrito en toda la historia del cine. Según Eisenstein, el guion de la película, de Nina Agadzhánova-Shutkó, fue escrito para una película en ocho episodios, 1905, que comenzó a rodarse en Leningrado y pensaba relatar los sucesos de la huelga general. Tuvieron que abandonar el rodaje por el mal tiempo, y se dirigieron a Odesa a rodar el capítulo dedicado al motín del Potemkin. Eisenstein decidió entonces centrar la película en ese episodio, y se abandonó su proyecto de 1905.

Cuando llegaron a Odesa, buscó a los supervivientes de la masacre, e incluso localizó los dibujos de un francés que había sido testigo de lo ocurrido. Reescribió el guion y realizó diversos títulos para dirigir la acción. Aunque los medios eran pocos, gracias a una serie de experimentos técnicos (pantallas reflectantes, fotografía desenfocada y plataformas móviles entre otros) obtuvieron resultados asombrosos.

Eisenstein erige su película en 1.290 planos, combinados con genial maestría mediante un montaje rítmico. Considera innecesarios los movimientos de cámara, ya que el movimiento está determinado por la acción y por el montaje, por lo que son escasísimos, y sólo realiza varios travellings . Destaca la escena de la escalinata, con 170 planos, en la que el pueblo es brutalmente agredido por las fuerzas zaristas y donde crea un tempo artificial, que hace que la secuencia dure casi seis minutos. Prescindirá de simbolismos intelectuales, y la película, con una espléndida fotografía en la que la masa se convertirá en la auténtica protagonista de la obra, acabará por ser considerada la primera obra maestra del cine soviético.



Eisenstein con el actor japonés de Kabuki Sadanji Ichikawa II en 1928.
Tras esta gran película realizará dos trabajos más, Octubre, donde narra los sucesos del asalto al Palacio de Invierno durante la Revolución rusa de 1917, y La línea general (también conocida como Lo viejo y lo nuevo), film sobre la reforma agraria, aunque por los cambios en la colectividad agraria en la Unión Soviética tuvo que cambiar su guion en varias ocasiones. En estas dos obras, volverá a experimentar con un nuevo lenguaje a través de las imágenes, pero por su complejidad no llegarán a ser muy bien comprendidas en su época. Además, en La línea general su protagonista no será la masa, sino una heroína individual, María Lápkina. El estreno de Octubre tuvo que retrasarse cinco meses, pues en pleno proceso de postproducción se enteró de que León Trotski había caído en desgracia, y tuvo que quitarlo de todos los planos en los que aparecía en la película.

Etapa estadounidense y proyecto mexicano[editar]
Eisenstein viajó a Europa en 1930 para investigar sobre el sonido, campo que en la Unión Soviética tardó bastante en desarrollarse. Un directivo de la Paramount se trasladó a París y convenció a Eisenstein de que firmara un contrato para grabar un disco como solista y para rodar en Hollywood, donde llegaría a cobrar hasta 900 dólares a la semana. Fue recibido en Nueva York como un genio, y pronto se dedicaría a dar conferencias en las Universidades de Columbia y Harvard. Poco antes de marcharse a Hollywood, se estrenó en un cine de Arte y Ensayo de Nueva York su película La línea general, y los directivos de la Paramount Pictures se pusieron bastante nerviosos al conocer sus ideas sobre la colectivización y el comunismo.

Al entrar en los Estados Unidos, tuvo que jurar respeto a la Constitución estadounidense, y sufrió distintas presiones para que no usara su gorra típica y se quitara la barba.

Cuando le presentaron a diversas estrellas de Hollywood, se mostró distante, salvo frente a Charles Chaplin y a Colleen Moore. Su primer guión para la Paramount, Sutter's Gold, fue rechazado, entre otros motivos porque el Mayor Frank Pease, de tendencias fascistas, lanzó un panfleto titulado Eisenstein, el mensajero del infierno en Hollywood, en el que entre otras cosas le llamaba «perro rojo» y lo acusaba de todas las barbaridades, fueran reales o no, cometidas por los bolcheviques.

La Paramount no quería renunciar todavía a Eisenstein y le encargó otro guión, que se titularía An American Tragedy, adaptación de una obra de Theodore Dreiser que trataba sobre la justicia norteamericana en un juicio por asesinato, y con el que la productora quedó encantada. El problema fue que el Comité Fish, antecesor del Comité de Actividades Antiamericanas, estaba actuando contra las actividades comunistas en California y contra la idea de llevar esa novela al cine. Todo esto hizo que finalmente la Paramount rompiera su contrato con Eisenstéin.

Entre 1930 y 1932 Eisenstein visitó México, donde intentó producir una nueva película titulada ¡Que viva México!. Nada más llegar al país fueron encarcelados tanto él como sus dos ayudantes de dirección, todos rusos, pero gracias a la intervención de un amigo español el panorama cambió hasta el punto de que lo convirtieron en huésped de honor. Llegó a rodar 60.000 m de película, pero la producción se paró debido a que Upton Sinclair, el novelista estadounidense, dejó de patrocinar la película. Le dijo a Eisenstein que volviera a Moscú, a donde le enviaría la película ya rodada, cosa que nunca ocurrió. Upton Sinclair terminaría la película y estrenaría el resultado en 1933 bajo un título modificado: Thunder over Mexico (Trueno sobre México). Sinclair acusó a la Unión Soviética del fracaso del proyecto. Con el material rodado se han hecho seis montajes distintos, pero ninguno por el propio Eisenstein.

En su etapa norteamericana conoció y se hizo amigo de Paul Robeson, el cantante y activista afroamericano de los derechos civiles.

La vuelta a la Unión Soviética[editar]


Escena de Alejandro Nevski.
Profundamente deprimido, Eisenstein regresó a su patria. Sin embargo, la visita de Eisenstein a Norteamérica lo convirtió en sospechoso para Stalin, y esta sospecha jamás sería erradicada por completo de la mente de la élite estalinista. Las siguientes dos películas de Eisenstein serían censuradas por cuestiones políticas. Por lo tanto, no pudo culminar su siguiente rodaje, El prado de Bezhin (1935-1937), tragedia campesina que será saboteada por el máximo responsable de la cinematografía rusa, que la considera políticamente incorrecta. Entonces, al igual que hiciera Vsévolod Pudovkin, se refugia en la enseñanza y en la elaboración de su teoría sobre el empleo del color y del sonido, que sin embargo no tendrá ocasión de llevar a la práctica.

En 1938, Eisenstein dirige Alejandro Nevski, que cuenta las andanzas de este héroe nacional ruso, que derrotó a los teutones en el siglo XIII y y por la que se le concedería el Premio Stalin. En ella vuelve a hacer gala de su maestría para el montaje. Su protagonista vuelve a ser una sola persona, no la masa, y desparece su vigoroso estilo documental para ser sustituido por una delicada reconstrucción de la historia. Durante el rodaje, se asignó un supervisor oficial para vigilar a Eisenstein.

A comienzos de los años 40, proyecta Iván el Terrible, una amplia trilogía sobre la figura del zar Iván Grozni. Plantea el drama del zar como la materialización de las contradicciones de un político creyente fiel y ortodoxo, que se ve obligado a enfrentarse con la Iglesia rusa que no quiere perder sus privilegios feudales. La imagen que presenta Eisenstein de este zar torturado, que se cuestiona si el poder proviene de Dios o del pueblo, disgusta a los dirigentes comunistas soviéticos, y después de recibir el Premio Stalin por su primer capítulo, su segunda y su tercera parte, que pensaba rodar en color, son prohibidas.

En 1948, Eisenstein sufrió una terrible hemorragia a causa de un infarto, y murió a los 50 años de edad.

Características de su obra[editar]
Es fundamental su aportación teórica, como su hipótesis sobre el «montaje de atracciones», donde postula el empleo en el cine de técnicas provenientes del circo y del music-hall.
Eisenstein repudiará el montaje clásico, tal como lo concibe D. W. Griffith, a pesar de haberse inspirado para sus teorías en la película Intolerancia de este director, y derivará sus teorías sobre el montaje del estudio de los ideogramas japoneses, en los que dos nociones yuxtapuestas conforman una tercera, como por ejemplo: ojo + agua = llanto; puerta + oreja = escuchar; boca + perro = ladrar.
Concepto de la tercera idea. El montaje es para él: «Una idea que surge de la colisión dialéctica entre otras dos, independientes la una de la otra». Este método le permitirá partir de elementos físicos representables para visualizar conceptos e ideas de complicada representación.
El movimiento está determinado por la acción y por el montaje.
El protagonista en sus obras es la masa, el pueblo.
Filmografía[editar]
El diario de Glúmov (1923)
La huelga (1924)
El acorazado Potemkin (1925)
Octubre (1928)
La línea general (1929)
¡Que viva México! (inconclusa) (1930-1932)
El prado de Bezhin (inconclusa) (1935-1937)
Alejandro Nevski (1938)
Iván el Terrible (1943-1945)
Iván el Terrible, segunda parte: la conjura de los Boyardos (1948-1958)
Iván el Terrible, tercera parte (inacabada)
Romance sentimental (Francia, 1930)
Trueno sobre México (1933)
Eisenstein en México (1933)
Día de muerte (1933)
Tiempo en el sol (1940)

Ha recibido 35 puntos

Vótalo:

WILLIAM DIETERLE

20. WILLIAM DIETERLE

Biografía[editar] Nació en el seno de una familia judía askenazí. Era el menor de los nueve hijos de Jacob y Berthe Dieterle. De niño, su familia tuvo considerables problemas económicos, lo que le obligó a trabajar como carpintero y vendedor de chatarra. Pronto Dieterle empezó a interesarse, y... Ver mas
Biografía[editar]
Nació en el seno de una familia judía askenazí. Era el menor de los nueve hijos de Jacob y Berthe Dieterle. De niño, su familia tuvo considerables problemas económicos, lo que le obligó a trabajar como carpintero y vendedor de chatarra. Pronto Dieterle empezó a interesarse, y a los 16 años ya se había unido a una compañía de teatro ambulante. Su apariencia y ambición le ayudaron a conseguir papeles de galán en producciones teatrales.

En 1919 atrajo la atención de Max Reinhardt en Berlín, quien le contrató como actor para sus películas. Dieterle empezó a actuar en filmes alemanes en 1921 para ganar más dinero y rápidamente se convirtió en un popular actor de carácter. Poco después se cansó de interpretar y quiso empezar a dirigir.

Dirigió su primera película Wilhelm Dieterle en 1923, Der Mensch am Wege, protagonizado por una joven Marlene Dietrich. Luego de este film, continuó actuando durante varios años en notables películas alemanas como Das Wachsfigurenkabinett y Fausto, esta última dirigida por F.W. Murnau. En 1927, Dieterle y su esposa, Charlotte Hagenbruch, crearon su propia productora, lo que le permitió dirigir más películas, como Geschlecht in Fesseln, en la que también interpretó el papel protagónico.

En 1930, Dieterle, en una Alemania en donde el ascenso del nazismo era imparable, emigró a los Estados Unidos, tras serle ofrecido un trabajo en Hollywood, para hacer versiones alemanas de películas estadounidenses. Dieterle se adaptó rápidamente al estilo de Hollywood y pronto estuvo dirigiendo películas originales. Tradujo ya su nombre al inglés: William Dieterle, y adquirirá la ciudadanía estadounidense en unos años: en 1937.

El primero de estos filmes, The Last Flight (1931), fue un éxito, y recientemente ha sido reivindicado como una gran obra maestra; también lo fueron El altar de la moda o Fog over Frisco.1

Otras películas que dirigió durante los años 1930, ahora ya con un mayor presupuesto, fueron Jewel Robbery, Adorable, Madame Du Barry, El sueño de una noche de verano (A Midsummer Night's Dream, 1935), que se inspiraba directamente en un montaje de Max Reinhardt, La tragedia de Louis Pasteur (The Story of Louis Pasteur, 1936), relato muy personal ya, o La vida de Émile Zola (The Life of Emile Zola, 1937), Juárez (Juarez, 1939), film comprometido con las vicisitudes de México en el siglo XIX; y Esmeralda, la zíngara (The Hunchback of Notre Dame).



Wilhelm Dieterle (primero a la izquierda) junto con parte del equipo de la película Das Wachsfigurenkabinett
Durante los años 1940 los trabajos de Dieterle estuvieron dotados de un carácter más romántico y exuberante, y varios críticos consideran los filmes de este periodo como sus mejores obras. Hay un valor estetiista en sus obras, que se adapta a cada film pero en el que se hace muy patente su tendencia a la abstracción.2 Algunas de estas películas son El hombre que vendió su alma (The Devil and Daniel Webster, 1941), El prícipe mendigo (Kismet, 1944) y Te volveré a ver (I'll Be Seeing You, 1944), Cartas a mi amada (Love Letters, 1945) y Jennie (Portrait of Jennie, 1948), especialmente alabada por una fantasía en parte influida por imágenes del cine mudo.

La carrera de Dieterle decayó durante los años 50 a consecuencia del macarthismo.[cita requerida] Aunque nunca fue incluido en ninguna lista negra, su filme libertario como Bloqueo (Blockade, 1938), así como algunos de sus colaboradores habituales, eran considerados sospechosos.

Dieterle continuó realizando películas en los Estados Unidos durante los años 1950, entre los que se cuentan La ciudad en sombras (1950), el film noir The Turning Point, Salomé (Salome, 1953) con Rita Hayworth, La senda de los elefantes (Elephant Walk, 1954) con Elizabeth Taylor y la película biográfica Magic Fire, sobre el compositor alemán Richard Wagner.

También realizó varias películas en Alemania e Italia, pero hay que contar su fracaso de taquilla con The Confession, protagonizada por Ginger Rogers.

Valoración[editar]
Es evidente hoy que lo que se denomina el 'clasicismo' del cine de EEUU se debe, además de a los pioneros (Griffith, Chaplin, Keaton) y a figuras magníficas que fueron surgiendo en América, a decenas de figuras que pasaron de Europa a América, bien exiliados, bien ante el reclamo de una industria poderosa: Murnau, Sternberg, Lang, Wyler, Ophüls, Curtiz, son ejemplos dispares. Dieterle fue uno de los que cambiaron la iluminación, con sus sombras y sus contrastes: "el cine adquiere una complejidad interna que va mucho más allá de los mecanismos narrativos y los condicionanates técnicos, confiriendo a las imágenes un sigificado independiente de las infraestructuras argumentales"; nacen nuevas posibilidades expresivas y simbólicas que se añaden a las ideas que transmiten. Ahí tuvo su lugar Dieterle, que se aporvecha al máximo de las posibilidades de la imagen (en parte por su experiencia teatral y cinemetográfica europeas: Max Reinhardt, F. W. Murnau, Paul Leni.3

No obstante sigue siendo un autor por descubrir, tanto en su cine mudo como en las distintas etapas de su filmografía sonora.

Filmografía[editar]
The Confession (1965)
Antigone (1962, telefilme)
Vergnügen, anständig zu sein, Das (1962, telefilme)
Gabriel Schillings Flucht (1962, telefilme)
Die Große Reise (1961, telefilme)
Die Herrin der Welt - Teil I (1960)
Die Fastnachtsbeichte (1960)
Ich fand Julia Harrington (1960, telefilme)
Die Herrin der Welt - Teil II (1960)
Il vendicatore (1959)
Omar Khayyam (Omar Khayyam, 1957)
Screen Director's Playhouse (1956, serie de TV)
Magic Fire (1955)
Elephant Walk (La senda de los elefantes, 1954)
Salome (Salomé, 1953)
The Turning Point (1952)
Boots Malone (1952)
Red Mountain (Solo una bandera, 1951)
Peking Express (Pekin Express, 1951)
Dark City (Ciudad en sombras, 1950)
September Affair (1950)
Vulcano (1950)
Paid in Full (1950)
Rope of Sand (1949)
The Accused (1949)
Portrait of Jennie (Jennie, 1948)
Duelo al sol (1946)
The Searching Wind (1946)
This Love of Ours (1945)
Love Letters (Cartas a mi amada, 1945)
I'll Be Seeing You (Te volveré a ver, 1944]])
Kismet (El príncipe mendigo, 1944)
Tennessee Johnson (1942)
Syncopation (1942)
The Devil and Daniel Webster (El hombre que vendió su alma, 1941)
Dr. Ehrlich's Magic Bullet (1940)
A Dispatch from Reuter's (1940)
The Hunchback of Notre Dame (1939)
Juarez (Juárez, 1939)
Blockade (Bloqueo, 1938)
The Life of Emile Zola (La vida de Émile Zola, 1937)
Another Dawn (1937)
The Prince and the Pauper (1937)
The Great O'Malley (1937)
Satan Met a Lady (1936)
The White Angel (1936)
The Story of Louis Pasteur (1935)
Dr. Socrates (1935)
A Midsummer Night's Dream (1935)
The Secret Bride (1934)
The Firebird (1934)
Madame Du Barry (1934)
Dr. Monica (1934)
Fashions of 1934 (El altar de la moda, 1934)
Fog Over Frisco (1934)
From Headquarters (1933)
Female (1933)
The Devil's in Love (1933)
Adorable (1933)
Grand Slam (1933)
Lawyer Man (1933)
Scarlet Dawn (1932)
Six Hours to Live (1932)
The Crash (1932)
Jewel Robbery (1932)
Man Wanted (1932)
Her Majesty, Love (1931)
The Last Flight (1931)
Eine Stunde Glück (Una hora de felicidad, 1931)
Dämon des Meeres (1931)
Der Tanz geht weiter (1930)
Ludwig der Zweite, König von Bayern (Luis II de Baviera, 1930)
Kismet (1930)
Die Maske fällt (1930)
Das Schweigen im Walde (SIlencio en el bosque, 1929)
Frühlingsrauschen (Susurros de primavera, 1929)
Ich liebe für Dich (1929)
Durchs Brandenburger Tor. Solang noch Untern Linden... (1929)
Die Heilige und ihr Narr (El santo y su loco, 1928)
Geschlecht in Fesseln (1928)
Das Geheimnis des Abbe X (1927)
Der Mensch am Wege (1923)

Ha recibido 34 puntos

Vótalo:

FRED ZINNEMANN

21. FRED ZINNEMANN

Biografía[editar] Zinnemann nació en el seno de una familia judía en Viena, Austria. Durante su infancia en Austria quería convertirse en músico, aunque luego estudió Derecho. Mientras estudiaba en la Universidad de Viena trabajó como operador de cámara. Trabajó después en Alemania junto a... Ver mas
Biografía[editar]
Zinnemann nació en el seno de una familia judía en Viena, Austria. Durante su infancia en Austria quería convertirse en músico, aunque luego estudió Derecho. Mientras estudiaba en la Universidad de Viena trabajó como operador de cámara. Trabajó después en Alemania junto a Billy Wilder y Robert Siodmak, también principiantes; los tres intervinieron en Los hombres del domingo (1929). Posteriormente emigró a los Estados Unidos para estudiar cine.

Inicios de la etapa estadounidense[editar]
Uno de sus primeros trabajos en Hollywood sería como extra en Sin novedad en el frente (1930), aunque sería despedido de la producción por criticar al director del film, Lewis Milestone. Zinnemann se basó en el realismo para realizar su primer corto de ficción Redes (1935), rodado en México e interpretado por actores no profesionales. Éste sería uno de los primeros ejemplos del realismo que triunfaría en Italia después de la guerra.

Después de un cierto éxito con diferentes cortometrajes, se graduaría en 1942, dirigiendo dos películas de terror de serie B Eyes in the Night y Kid Glove Killer antes de darse a conocer con su primer éxito La séptima cruz (1944), protagonizado por Spencer Tracy. La película mostraba un mensaje antinazi, desarrollando la historia de siete hombres intentado escapar de un campo de concentración alemán y siendo acosados por la Gestapo.

Tras ser despedido del rodaje de El Reloj (1945) por diferencias con la actriz Judy Garland, -la película la terminaría Vincente Minnelli- realizó el melodrama Little Mister Jim (1946) y la comedia My brother talk to horses (1947), que fueron el preludio del título que lo convirtió en director de primera fila, Los ángeles perdidos (1948), drama bélico con tono casi de documental que sirvió para descubrir a Montgomery Clift. El director volvió a escoger auténticas localizaciones y extras del Berlín de la inmediata posguerra, en lugar de decorados de Hollywood.

En Hombres (1950), el director coincidió por primera vez con el guionista Carl Foreman y el productor Stanley Kramer, siempre interesados en conceder a sus trabajos una perspectiva y reflexión social. El film dio a conocer a uno de los mejores actores de su generación, Marlon Brando, quien encarnaba a un héroe parapléjico de la Segunda Guerra Mundial. Con este título, por el cual Foreman fue nominado al Óscar, Zinnemann exhibía su excelente tacto para definir sentimientos y psicologías. Fiel a su costumbre, filmaría muchas escenas en un hospital de California, junto a pacientes reales como extras.

En 1951, rodó Teresa (1951), un drama con Pier Angeli y John Ericson, el director ganaría su primer Óscar con el documental Benjy (1951), un corto narrado por Henry Fonda sobre un niño con graves problemas físicos desde su nacimiento.

La época dorada[editar]
Pero en 1952, realizaría quizás su trabajo más conocido Solo ante el peligro (1952). Con un examen psicológico y moral de un hombre de la ley, protagonizado por Gary Cooper, la alegoría política recuerda a la caza de brujas del macartismo. También destaca su innovadora cronología en la que el filme dura 80 minutos, exactamente lo que dura la cuenta hacia atrás antes del duelo final.

Al año siguiente, Zinnemann volvería a estar en boca de todos con De aquí a la eternidad (1953), situada en los días anteriores al ataque de la aviación japonesa a Pearl Harbor. Sería uno de los primeros papeles principales del, hasta entonces, crooner Frank Sinatra, además de contar con un excelente reparto con Montgomery Clift, Burt Lancaster, Ernest Borgnine y Deborah Kerr. De aquí a la eternidad sería un éxito de taquilla, de crítica y también en la ceremonia de los Óscar, siendo la película la gran triunfadora de la noche, logrando Fred Zinnemann su primera estatuilla como mejor director.

Después de éste, llegarían otros éxitos como el musical Oklahoma (1955), con Gloria Grahame, Gordon MacRae y Shirley Jones en su debut en el cine, Un sombrero lleno de lluvia (1957), estupendo drama sobre un adicto a las drogas encarnado por Don Murray, e Historia de una monja (1959), adaptación de la novela de Kathryn C. Hulme protagonizada por Audrey Hepburn.

En 1966, tuvo un resonante éxito con Un hombre para la eternidad, película histórica escrita por Robert Bolt y protagonizada por Paul Scofield en el papel de Tomás Moro. El film consiguió alzarse con el Óscar a la mejor película del año y Zinnemann alcanzaría su segundo Óscar al mejor director.

Zinnemann se pasa a la producción[editar]
En la década de 1960, se incorporó a la producción cinematográfica. Su primer largometraje como productor fue Tres vidas errantes un drama ambientado en Australia protagonizado por Deborah Kerr, Robert Mitchum y Peter Ustinov y, posteriormente, Y llegó el día de la venganza (1964), con Gregory Peck y Anthony Quinn, donde se narra la vida de los maquis exiliados en Francia tras la Guerra Civil Española.

Últimos trabajos[editar]
En la década de 1970 estrenaría el thriller político Chacal (1973), basado en la novela de Frederick Forsyth y protagonizado por Edward Fox, que centraba su trama en un complot para acabar con la vida de Charles de Gaulle; y Julia (1977), en el contexto de la Segunda Guerra Mundial, narraba las vivencias de la escritora Lillian Hellman con su amiga Julia, excelentemente interpretadas por Jane Fonda y Vanessa Redgrave, quien lograría el Óscar como mejor actriz secundaria, al igual que Jason Robards en la categoría masculina. El director austríaco sería nominado en la categoría de mejor director, aunque el galardón se lo llevaría Woody Allen por Annie Hall.

El director se despediría del cine con Cinco días, un verano (1982), una de sus películas menos destacadas, aposentada en un triángulo amoroso ambientado en los Alpes en la década de 1930. El film estaba interpretado por Sean Connery, Betsy Brantley y Lambert Wilson. Alejado de la pantalla grande, fallecería a la edad de 89 años el 14 de marzo de 1997 de un ataque al corazón en Londres, Gran Bretaña.

Filmografía[editar]
Como director:

Eyes in the Night (1942)
Kid Glove Killer (1942)
La séptima cruz (The Seventh Cross) (1944)
Little Mister Jim (1946)
My brother talk to horses (1947)
Los ángeles perdidos (The Search) (1948)
Hombres (The Men) (1950)
Teresa (Teresa) (1951)
The member of the Wedding (1952)
Solo ante el peligro (High Noon) (1952)
De aquí a la eternidad (From Here to Eternity) (1953)
Oklahoma (Oklahoma!) (1955)
Un sombrero lleno de lluvia (A Hatful of Rain) (1957)
Historia de una monja (The Nun’s Story) (1959)
Tres vidas errantes (The Sundowners) (1960)
Y llegó el día de la venganza (Behold a Pale Horse) (1964)
Un hombre para la eternidad (A Man for All Seasons) (1966)
Chacal (The Day of the Jackal) (1973)
Julia (Julia) (1977)
Cinco días, un verano (Five Days One Summer) (1982)

Ha recibido 32 puntos

Vótalo:

JEAN COCTEAU

22. JEAN COCTEAU

Biografía[editar] Hijo de Georges Cocteau y de Eugénie Lecomte, nació en Maisons-Laffitte, una pequeña ciudad cerca de París y fue el menor tres hermanos, tras Marthe (12 años; fallecerá en 1958) y Paul (8 años; morirá en 1961). Su padre, rentista hijo de abogados, se suicidó en 1898... Ver mas
Biografía[editar]
Hijo de Georges Cocteau y de Eugénie Lecomte, nació en Maisons-Laffitte, una pequeña ciudad cerca de París y fue el menor tres hermanos, tras Marthe (12 años; fallecerá en 1958) y Paul (8 años; morirá en 1961). Su padre, rentista hijo de abogados, se suicidó en 1898 disparándose una bala en la cabeza. Esto, junto con el posterior traslado de sus dos hermanos adonde sus abuelos, hizo que su madre fuera sobreprotectora con el pequeño Jean.

En 1900 ingresó en el Lycée Condorcet, del que fue expulsado por indisciplina cuatro años más tarde, y en 1906 continuó su educación en el Lycée Fénelon, donde nunca logró un rendimiento regular debido a su falta de interés.



Jean Cocteau, por Amedeo Modigliani.
Cocteau comenzó a escribir poemas a muy temprana edad y en 1908, Édouard de Max, fanático de la obra del joven, lo presentó como un joven prodigio en una matinée poética en el Théâtre Fémina. Al año siguiente, publicó su primera compilación, La lampe d'Aladin.

En 1909, el año en que se mudó con su madre a la calle parisina d'Anjou, tuvo una fugaz relación con la comediante Madeleine Carlier y, gracias a su amistad con Serguéi Diáguilev y a la revelación de su compañía de danza, Jean Cocteau ingresó al círculo del ballet y el teatro.



Afiche del estreno del ballet Parade, de Jean Cocteau y Erik Satie.
La muerte súbita de su gran amor, Raymond Radiguet, el 12 de diciembre de 1923 afectó terriblemente y llegó a declarar: «Ya no escribiré». Desesperado, Cocteau se aficiona al opio y a pesar de numerosas curas de desintoxicación, consumirá droga hasta el final de su vida. En 1925 conoce a Jean Desbordes (1906-1944)1 a quien dibujará en los 25 Dessins d'un dormeur de 19292

En 1930 realizó su primera película La sangre de un poeta y más tarde fue hospitalizado durante 40 días debido a un ataque de fiebre tifoidea. Durante 1932 mantuvo una relación con Natalia Paléi, hija de gran duque ruso Pablo Románov. La princesa quedó embarazada, pero abortó. Cocteau se refiere a esta tragedia en Le passé défini, donde asegura que el aborto se habría debido a una violenta escena con Marie-Laure de Noailles. Sin embargo, bien prodría haber sido causado por el opio, droga en la que Cocteau la había iniciado.

Después de Paléi, ya no se le conocerán relaciones sentimentales importantes con mujeres; solo con hombres: Marcel Khill, a quien conoció el mismo año del aborto de Paléi y con quien realizó en 1936 su viaje alrededor del mundo en 80 días (en Mon Premier voyage figurará como Passepartout), Jean Marais; Édouard Dermit, que se convertiría en su hijo adoptivo y heredero.

En 1943 falleció su madre; dos años más tarde filma La Belle et la Bête (estrenada en 1946), especialmente escrita para Marais, su pareja más duradera, a quien había conocido en 1937. Su relación con el joven actor levantó fuertes críticas, que contrarrestó en sus ensayos contra la homofobia. Cocteau le había dado a Marais un papel mudo en su Edipo Rey y luego, en 1938, creó para él la pieza Los padres terribles. Marais actuará también en 1946 en su obra de teatro El águila de dos cabezas y en su famosa película Orfeo, estrenada en 1950.

Su mano derecha en el teatro y el cine fue el pintor y diseñador Christian Bérard —a quien Cocteau apodaba Bebé—, realizador de las exquisitas escenografías de La bella y la bestia, La voz humana, El águila de dos cabezas y otras obras, hasta que en 1949, a los 47 años.

Cocteau fue elegido miembro de la Academia francesa el 3 de marzo de 1955 y dos año después se convierte en miembro honorario del Instituto Nacional de Artes y de Letras de Nueva York.

En 1960 realiza para el Teatro Colón de Buenos Aires la escenografia para la ópera La Voix Humaine de F. Poulenc interpretada por Denise Duval.

Jean Cocteau murió en Milly-la-Forêt, cerca de Fontainebleau, el día 11 de octubre de 1963, víctima de un infarto de miocardio, horas después de enterarse del fallecimiento de su amiga Édith Piaf. La casa ha sido abierta al público, y alberga una importante colección de obras y memorabilia.3

Obras[editar]


Cocteau (a la derecha) con el pintor húngaro Ákos Bíró (izquierda).
Obras escogidas, prosa, dibujos y teatro, con 118 ilustraciones; prólogo de Juan Gil Albert, trad.: Aurora Bernárdez, Luis Hernández Alfonso, Miguel de Hernani, José Hesse, Julio Lago y Enrique López Martín; Aguilar, Madrid, 1966, 1274 pp (reeimpresión: 1969). Contiene:
Prosa: Thomas el impostor, Chicos terribles; Retratos; Recuerdo; Discurso de recepción en la Academia Francesa
Dibujos: Setenta dibujos para Chicos terribles
Teatro: Los novios de la Torre Eiffel; Orfeo; La voz humana; La máquina infernal; Los caballeros de la Mesa Redonda; Los padres terribles; Los monstruos sagrados; La máquina de escribir; El águila de dos cabezas; Baco
Cocteau en España, dibujos, cerámicas, litografías, fotografías; catálogo de la exposición, Museo Camón Aznar, Zaragoza, 1992
Cocteau y España, Museo Reina Sofía, 2001
Novelas[editar]
Le Potomak, 1919 — El Potomak,, trad.: Montserrat Morales Peco; Cabaret Voltaire, Barcelona, 2013
Le Grand écart, 1923 — La gran separación,, trad.: Montserrat Morales Peco; Cabaret Voltaire, Barcelona, 2009
Thomas l'imposteur, 1923 — Thomas el impostor, Bruguera, trad.: Ramón Camps Salvat, Barcelona, 1981; trad.: Montserrat Morales Peco, Cabaret Voltaire, Barcelona, 2006
Le Livre blanc, 1928 — El libro blanco, prólogo y trad.: Arturo Bázquez Barrón, introducción de Milorad, editorial P. Arriaga, México, 1995; prólogo de Vicente Molina Foix, trad.: Martine Monleau; La Máscara, Valencia, 1999; trad.: Montserrat Morales Peco, Cabaret Voltaire, Barcelona, 2010
Les Enfants terribles, 1929 — Infancia terrible, trad.: Julio Gómez de la Serna; Ediciones Ulises, Madrid, 1930, Nardin, Buenos Aires, 1955; Los muchachos terribles, Editorial Fontamara, Barcelona 1974; Los niños terribles, trad.: Mauricio Wacquez, Bruguera, Barcelona, 1981; edición y trad.: José Ignacio Velázquez; Cátedra, Madrid, 1997 (reedición: 2006)
La Fin du Potomak, 1940
Les deux travestis, 1947
Poesía[editar]
La lampe d'Aladin, 1909
Le prince frivole, 1910
La danse de Sophocle, 1912
Le Cap de Bonne-Espérance, 1918
L'Ode à Picasso, 1919 — Oda a Picasso, prólogo y trad.: Cristina Peri Rosi; Pequeña Biblioteca Calamus Scriptorius, Barcelona, 1981 (reedición: Palma de Mallorca, José J. de Olañeta, 2003)
Poésies 1917-1920, 1920
Vocabulaire, 1922
Plain-chant, 1923
Cri écrit, 1925
Prière mutilée, 1925
L'Ange Heurtebise, 1926
Opéra, 1927
Morceaux choisis, poèmes, 1926-1932, 1932
Mythologie, 1934
Énigme, 1939
Allégories, 1941
Poèmes écrits en allemand, 1944
Léone, 1945
La crucifixion, 1946
Poèmes, 1948
Anthologie poétique de Jean Cocteau, 1951
La nappe du Catalan , 1952
Le chiffre sept, 1952
Appogiatures, 1953
Dentelle d'éternité, 1953
Clair-obscur, 1954
Poèmes, 1916-1955, 1956
Paraprosodies précédées de 7 dialogues, 1958
Gondole des morts, 1959
Cérémonial espagnol du phénix, suivi de La partie d'échecs, 1961
Le Requiem, 1962
Poemas, edición biligüe, trad.: Ahmed el-Boab; Letras Vivas, México, 2000
Dramaturgia[editar]
Orphée, 1926
Oedipe roi, 1928
Roméo et Juliette, 1928
La Voix humaine, 1930. En 1958, Francis Poulenc escribió una ópera homónima con libreto de Cocteau basado en esta pieza. En el 2013, se estrenó el cortometraje La voce umana, dirigido por Edoardo Ponti y con Sophia Loren como actriz principal
La machine infernale, 1934
Le bel indifférent, 1940.
Théâtre I: Antigone - Les Mariés de la tour Eiffel - Les Chevaliers de la table ronde - Les Parents terribles, 1948
Théâtre II: Les Monstres sacrés - La Machine à écrire - Renaud et Armide - L'aigle à deux têtes, 1948
Théâtre de poche, 1949
Bacchus, 1952
Nouveau théâtre de poche, 1960
L'Impromptu du Palais-Royal, 1962
Paul et Virginie, 1968
Le gendarme incompris, 1971
Ediciones de teatro en español

El águila de dos cabezas, trad.: Javier Olavide; Editorial José Janés, Barcelona, 1950
Los padres terribles (1938); Los monstruos sagrados; La máquina de escribir (1941), trad.: Aurora Bernárdez, Losada, Buenos Aires, 1952 (reedición: 1959)
Antígona; Reinaldo y Armida, prefacio de Rosa Chacel, trad.: Miguel Alfredo Olivera y Rosa Chacel; Emecé, Buenos Aires, 1952
Cuatro monólogos, con cinco dibujos originales del autor, Ediciones Alfil, Madrid, 1962. Contiene:
El bello indiferente; La voz humana; La farsa del castillo; El fantasma de Marsella
Los padres terribles (1938), Losada, Buenos Aires, 1974
Los monstruos sagrados y La máquina de escribir (1941), Losada, Buenos Aires, 2004
Baco; Los novios de la Torre Eiffel; y Los caballeros de la Mesa Redonda; trad.: Miguel de Hernani, Losada, Buenos Aires, 2004
Los padres terribles (1938) y La máquina de escribir (1941), Losada, Buenos Aires, 2006
Ensayo, crítica, diarios[editar]
Carte blanche, 1920
Le Secret professionnel, 1922
''Le Rappel à l'ordre - Lettre à Jacques Maritain, 1926
Opium: Journal d'une désintoxication, diario escrito en 1928-1929; publicado en 1930 — Opio: diario de una desintoxicación, prólogo y trad.: Ramón Gómez de la Serna, Ediciones de la Flor, Buenos Aires, 1969; Opium, prólogo y trad.: Ignacio Vidal-Folch; Planeta, Barcelona, 2009
Essai de critique indirecte
Portraits-Souvenir, 1935
Mon Premier voyage, vuelta al mundo en 80 días, 1937
Le Greco, 1943
Le Foyer des artistes - La Difficulté d'être, 1943 — La dificultad de ser, trad.: María Teresa Gallego Urrutia; Siruela, Madrid, 2006
Lettres aux Américains - Reines de la France, 1949
Jean Marais - Entretiens autour du cinématographe (avec André Fraigneau), 1951
Jean Marais par Jean Cocteau, Calmann-Lévy, 1951
Gide vivant, 1952
Journal d'un inconnu. Démarche d'un poète, 1953
Colette (discours de réception à l'Académie royale de Belgique) - Discours de réception à l'Académie française, 1955
Discours d'Oxford, 1956
Entretiens sur le musée de Dresde (avec Louis Aragon) - La Corrida du 1.er mai, 1957 — La corrida del 1 de mayo, trad.: David Villanueva Sanz; Demipage, Madrid, 2009
Poésie critique I, 1959
Poésie critique II, 1960
Le Cordon ombilical, 1962 — El cordón umbulical, trad.: Antonio Álvarez, edición de Alfredo Taján; Confluencia, Málaga, 2012
La Comtesse de Noailles, oui et non, 1963
Lettres à sa mère, Gallimard, Paris, 1989 — Cartas a mi madre, 1906-1918; Libros del Zorzal, Buenos Aires, 2004
Pintura[editar]
Dessins, 1923
Le mystère de Jean l'oiseleur, 1925
Maison de santé, 1926
Poésie plastique, 1927
25 dessins d'un dormeur, 1928
Soixante dessins pour les Enfants terribles, 1935
Dessins en marge du texte des Chevaliers de la table ronde, 1941
Drôle de ménage, 1948
La chapelle Saint-Pierre, Villefranche-sur-mer, 1957
La salle des mariages, Hôtel de ville de Menton, 1957
La Chapelle Saint-Pierre, 1958
Saint-Blaise- des -simples, 1960
Cine[editar]
Le sang d'un poète, 1930
La Belle et la Bête, 1945
L'aigle à deux têtes, 1945
Les parents terribles, 1948
Orphée, 1950
La Couronne Noire (argumento, 1951)
La villa Santo-Sospir, 1952
L'Amour sous l'électrode, 1955
Le testament d'Orphée, 1959

Ha recibido 31 puntos

Vótalo:

CLAUDE CHABROL

23. CLAUDE CHABROL

Biografía[editar] Chabrol nace en París el 24 de junio de 1930 encima de la farmacia de su padre Yves Chabrol. A los seis años ve la primera película de la que conserva recuerdo, Anthony Adverse (1936) de Mervyn LeRoy, y a partir de entonces comienza a ser asiduo del cine que regenta su tío, el... Ver mas
Biografía[editar]
Chabrol nace en París el 24 de junio de 1930 encima de la farmacia de su padre Yves Chabrol. A los seis años ve la primera película de la que conserva recuerdo, Anthony Adverse (1936) de Mervyn LeRoy, y a partir de entonces comienza a ser asiduo del cine que regenta su tío, el Nouveau Théâtre en la rue Vaugirard. Su otras grandes pasiones, la literatura y el teatro clásicos franceses, los descubrirá poco más adelante, cuando, durante la Segunda Guerra Mundial se traslada a la casa de su abuela Marie en Sardent (Creuse), donde fundará un cine en un garaje. Su amor por la literatura se deja ver en muchas de sus películas, donde sus actores citan a Molière, a Homero, o directamente cuando ha basado sus guiones en obras de Simone de Beauvoir, William Shakespeare o Gustave Flaubert.

En 1952 se casa con Agnès Marie Madeleine Goute, su primera esposa, con la que tendrá dos hijos, Jean-Yves, el primogénito, y Matthieu, actualmente el compositor de las bandas sonoras de sus películas. La dote de su mujer era cuantiosa, y se pueden dedicar a viajar y vivir de las rentas, sin necesidad de preocuparse especialmente por el dinero. Así, a partir de esa fecha comienza a colaborar con distintas revistas, publicando sus primeros relatos literarios y sus primeras críticas de películas. Su primera colaboración con Les Cahiers du cinéma será con la crítica de Cantando bajo la lluvia (1953 de Stanley Donen y Gene Kelly).

Poco a poco, sus colaboraciones en la revista serán de mayor calado teórico, como el artículo publicado en el número 39, un ensayo sobre Hitchcock titulado "Hitchcock devant le mal", Hitchcock ante el mal, que precede a su primer gran proyecto relacionado con el cine, "una monografía sobre el director británico" que realizará junto a Éric Rohmer. La idea detrás de esta monografía era la de señalar la genialidad de Hitchcock, algo que hoy nos parece incuestionable, pero no era así entonces, cuando su cine era visto sólo con las interpretaciones más superficiales (cine de suspense, policíaco, de homicidios...). Para Chabrol, "salta a la vista que la lección de Hitchcock pertenece al territorio de la ética y que sus concepciones morales siempre acaban por desembocar en una metafísica".

En 1956, dos años después del número de Hitchcock de Cahiers du cinéma, Chabrol dará el salto activo al cine cuando funda la productora AJYM Films' (A por su esposa Agnès, JY por su hijo Jean-Yves, M por Matthieu), en la que comenzarán sus andanzas cinematográficas varios miembros de la Nouvelle Vague, como Jacques Rivette, Éric Rohmer, Philippe de Broca o Jacques Gaillard. El mismo Chabrol usará AJYM Films para producir sus primeros cinco largometrajes antes de su cierre definitivo en 1961.

Construcción del relato cinematográfico[editar]
Su cine se basa casi exclusivamente en la creación de personajes, en recrear, basándose en obras literarias de mayor o menor importancia, una realidad que poner en movimiento delante de la cámara. En sus palabras: defiendo las tramas simples con personajes complicados. Los autores de referencia en la creación de los personajes de Claude Chabrol son Alfred Hitchcock, Fritz Lang y Ernst Lubitsch, con los que comparte una visión similar de la realidad, y, sobre todo, una visión similar de la importancia de la estructura y de la construcción cinematográfica como lo más importante de la película. Lo que busca es crear personajes que estén entre la apariencia y la realidad, entre la superficialidad y la profundidad, y presentarlos en la película de una forma muy teatral, como un arte de las apariencias. Muchas de sus películas tienen tramas simples, evidentes. Lo que sucede aparece en la pantalla de forma clara y comprensible, con una estructura conscientemente ausente que hace que el relato tome más un cariz de crónica de sucesos. Pero el resultado siempre es complejo, atrayente y muy rico, tanto en el plano narrativo, como en el estético o cultural.

Tanto cuando sus películas se basan en temas propios o en adaptaciones de novelas, lo más importante es la estructura narrativa. En sus palabras: "La construcción es mucho más importante que la intriga. El ideal sería que la forma de una película manifestara para todos la esencia, pero es evidente que esto nunca pasa. Los personajes y la intriga existen sólo para suscitar el interés del espectador, ya sea porque recobran lo que ya conoce, o porque le proponen aventurarse por un nuevo terreno. Pero lo que da forma a una película es siempre la construcción: es decir, todo lo referente al ritmo, la armonía de la forma escrita —la conexión entre las escenas— y el conjunto de señales que se disponen para que puedan comprenderse sin ambigüedad. La clave que permite pasar de la bidimensionalidad de la pantalla a la esencia de la película se encuentra sobre todo en la construcción".

Pero el valor que Chabrol da a la construcción no es porque sea un director formalista, donde la forma lo es todo, sino porque opina que "la forma es la apariencia de la construcción", y ambas deben mantenerse separadas, porque el tema ha de estar sólo en la construcción, y no en la forma. Si lo más sobresaliente en el cine de Chabrol es la veracidad de su visión de conjunto, ésta se basa en la importancia de sus secuencias particulares, y en la manera en que forma y construcción interactúan para crear el contenido narrativo.

El juego de miradas, el uso de las panorámicas para describir los momentos más importantes de sus películas, el uso del tráveling, del encuadre, y especialmente el lenguaje no verbal que sus personajes expresan gracias a trabajar con grandes actores, son algunos de los recursos formales que intervienen en la construcción de la realidad dentro del film, pero esta construcción nunca se convierte en una referencia estética, sino que ha de desaparecer completamente para dejar a los personajes actuar de forma autónoma. La idea es que el relato se construya por medio de una estructura absolutamente estable, que ha de quedar invisible, no construirse a partir del encadenamiento de técnicas formales ante las cuales el espectador está entrenado para reaccionar, como pasa en la mayoría del llamado cine comercial.

El triángulo Charles-Hélène-Paul[editar]
El triángulo Charles–Hélène-Paul es sin duda la creación formal más característica de la obra de Chabrol. Esta contraposición surge con Los primos (1959), los primeros Charles y Paul de la filmografía chabroliana. En esta película, Gérard Blain es Charles, un chico de provincia que se matricula en la facultad de derecho de París, a donde irá a vivir a casa de su primo Paul, interpretado por Jean-Claude Brialy. Paul está más interesado en organizar noches de juerga que en estudiar, mientras que Charles es estudioso y tímido. Todo se convierte en tragedia cuando aparece en escena Florence, interpretada por Juliette Mayniel, de la que Charles se enamora locamente, un amor que se desvanece tan rápido como surge, cuando Paul se la quita. Cuando llega el día del examen más importante, Charles, deprimido por la convivencia con la pareja, falla clamorosamente, mientras que Paul lo supera gracias a sus trampas y sobornos. Cuando vuelve a casa, Charles, frustrado, introduce una bala en la pistola de su primo mientras duerme, pero el disparo no sale. Cuando se levanta, Paul comienza a jugar con la pistola sin saber que está cargada, y la mala suerte quiere que se dispare, matando a Charles.

Aquí aparecen por primera vez el "Charles víctima" y el "Paul verdugo", que tendrán que esperar hasta 1961, en El tercer amante (1961) para encontrar a Hélène, encarnada siempre por Stéphane Audran. Hélène es su personaje. "En ella coinciden la bondad de Charles y la maldad de Paul, Hélène es la ambigüedad personificada en Stéphane Audran, sensual y distante, deseable y fría, esposa y amante, adúltera y fiel".

La época dorada en la que se desarrolla hasta las últimas consecuencias este triángulo será la época de la exitosa colaboración con el productor André Génovès. La construcción de estas películas es siempre la misma: un extraño aparece para perturbar la vida de una pareja, con consecuencias fatales. Todas presentan esta simetría a tres bandas, pero "los tres papeles son 'éticamente' intercambiables". Hélène es a veces la esposa engañada (Al anochecer (1971)), otras es ella la adúltera (La mujer infiel (1968)), cuando no es la amante (Accidente sin huella (1969)). De la misma forma, Charles no es siempre la víctima (sólo en La mujer infiel, bajo el nombre de Victor, y en La Ruptura), también puede ser él el verdugo (en Accidente sin huella), o ser simplemente una encarnación del destino, del azar (como en El carnicero (1970)).

No siempre están los tres, al menos “de nombre”, pero todas las películas de esta etapa se desarrollan con este simple y a la vez complejo esquema. Jean Renoir dijo que los grandes directores hacen la misma película una y otra vez; quizás sea Chabrol el que se ha tomado esa frase más en serio.

Las cuatro etapas de su filmografía[editar]
Etapa Nouvelle Vague (1958-1962)[editar]
Es su primera etapa, en la que autoproduce sus películas con "AJYM Films". Son las más características dentro del esquema de la Nouvelle Vague, aparte de ser la etapa en la que más filma en París de toda su carrera. El díptico formado por El bello Sergio (Le Beau Serge, 1958) y Los primos (Les cousins, 1958) serán sus dos primeras películas. Estas dos películas forman un retrato casi especular la una de la otra, la primera desarrollada en el campo, la segunda en la ciudad, la primera termina con un nacimiento, la segunda con una muerte, etc.. Nada en Chabrol es casual. El bello Sergio obtiene el premio a la mejor dirección en el Festival de Locarno, y el Premio Jean Vigo al año siguiente. Los primos, rodada en julio de 1958 le consigue el Oso de Oro en el Festival de Berlín. En mayo de 1959 rueda Una doble Vida (A double tour, 1959), con la que su protagonista, Madeleine Robinson, obtiene la Copa Volpi a la interpretación femenina en la Mostra de Venecia. Durante el rodaje de Los primos, Gérard Blain le presenta a Stéphane Audran, cuya aparición provoca el divorcio entre Claude y Agnès, de la que se separa ese mismo año de 1958. Stéphane Audran aparece ya en Los primos, siendo esta su primera intervención en una película de Chabrol.

Etapa André Génovès (1967-1974)[editar]
Durante la etapa Génovès se desarrolla su creación más característica, el triángulo argumental formado por los personajes Paul, Hélène y Charles de una forma más precisa, evidente y magistral, si bien todos los personajes habían nacido en la etapa anterior. Con Génovès Chabrol establecerá de forma definitiva su estilo cinematográfico y su esquema constructivo. En esta época su musa será Stéphane Audran, madre de su tercer hijo, Thomas Chabrol, actor en muchas de las películas de su padre desde finales de los 80. A pesar de la importancia de la estructura del relato cinematográfico que había creado, en general la crítica de esos años le consideraba una especie de "desertor" y de "cínico", por haber abandonado los principios estéticos de la Nouvelle Vague y haberse pasado a un cine comercial. La primera afirmación es cierta, pero la comercialidad de las películas de Chabrol puede llevar a engaño. Muchas fueron éxitos de taquilla, trabajó con actores y actrices establecidos dentro del star-system, pero la arquitectura cinematográfica que hay detrás de sus relatos nos obliga a darnos cuenta de que en su cine hay algo más. Respecto al "abandono" de la Nouvelle Vague, Chabrol sólo dijo: "No existe una 'nueva ola', sólo existe el mar".

Etapa Marin Karmitz (1985-2003)[editar]
Su colaboración con el productor Marin Karmitz ha sido la más larga y la más fructífera, en la que podemos encontrarnos las obras de la que serían su segunda juventud, a partir de La ceremonia (La cérémonie, 1995). Es en esta etapa cuando hace su aparición un nuevo tipo de mujer, interpretado por Isabelle Huppert, que deja de lado el triángulo de poder anterior, tomando el personaje femenino el control total sobre el relato cinematográfico. En esta etapa se sucedieron los premios internacionales en festivales como Cannes, Venecia, Toronto o Montreal, o San Sebastián y Valladolid en España, premios tanto para él y sus películas como para las interpretaciones de Isabelle Huppert en particular.

Etapa Patrick Godeau (2004-2009)[editar]
En ésta su última etapa, casi su “tercera juventud” a sus casi 80 años, Chabrol ha retomado algunas de sus características del cine anterior, como el triángulo amoroso de Una chica cortada en dos (Une fille coupée en deux, 2007), o la participación de Isabelle Huppert en Borrachera de poder (L'ivresse du pouvoir, 2006).

Filmografía[editar]
Actor[editar]
1986: Je hais les acteurs de Gérard Krawczyk
1987: L'Été en pente douce de Gérard Krawczyk
2010: Serge Gainsbourg, vie héroïque de Joann Sfar
Director[editar]
1958:El bello Sergio ("Le Beau Serge")
1959
Una doble vida ("À double tour")
Los primos ("Les Cousins")
1960: Les Bonnes Femmes
1961
Les Godelureaux
Les Sept Péchés capitaux (sketch L'avarice)
1962
L'Œil du Malin
Ofelia ("Ophelia")
Landrú ("Landru")
1963: Las más famosas estafas del mundo ("Les plus belles Escroqueries du monde") (sketch El hombre que vendió la torre Eiffel)
1964: El tigre ("Le Tigre aime la chair fraîche")
1965
París visto por... ("Paris vu par...") (sketch La muda)
María Chantal contra el doctor Kha ("Marie-Chantal contre docteur Kha")
El tigre se perfuma con dinamita ("Le Tigre se parfume à la dynamite")
1966: La Ligne de démarcation
1967
Campaña para un asesino ("Le Scandale")
La ruta de Corinto ("La Route de Corinthe")
1968
Las ciervas ("Les Biches")
La mujer infiel ("La Femme infidèle")
1969
Accidente sin huella ("Que la bête meure")
El carnicero ("Le Boucher")
1970: La ruptura ("La Rupture")
1971
Al anochecer ("Juste avant la nuit")
La década prodigiosa ("La Décade prodigieuse")
1972: Doctor Casanova ("Docteur Popaul")
1973
Relaciones sangrientas ("Les Noces rouges")
Nada
1974: Una fiesta de placer ("Une Partie de plaisir")
1975
Inocentes con manos sucias ("Les Innocents aux mains sales")
Les Magiciens
1976: Locuras de un matrimonio burgués ("Folies bourgeoises")
1977
Alicia o la última fuga ("Alice ou la Dernière Fugue")
Laberinto mortal ("Les Liens de sang")
1978: Violette Nozière
1980: El caballo del orgullo ("Le Cheval d'orgueil")
1982: Los fantasmas del sombrerero("Les Fantômes du chapelier")
1983: Le Sang des autres
1984: Pollo al vinagre ("Poulet au vinaigre")
1986: Inspecteur Lavardin
1987
Masques
El grito de la lechuza ("Le Cri du hibou")
1988: Un asunto de mujeres ("Une Affaire de femmes")
1990
Días tranquilos en Clichy ("Jours Tranquilles à Clichy")
Doctor M ("Docteur M")
1991: Madame Bovary
1992: Betty
1994: El infierno ("L'Enfer")
1995: La ceremonia ("La Cérémonie")
1997: No va más ("Ríen ne va plus")
1999: En el corazón de la mentira ("Au Cœur du mensonge")
2000: Gracias por el chocolate ("Merci pour le chocolat")
2003: La flor del mal ("La Fleur du mal")
2004: La dama de honor ("La Demoiselle d'Honneur")
2006: Borrachera de poder ("L'Ivresse du Pouvoir")
2007: La fille coupée en deux
2009: Bellamy (Bellamy)

Ha recibido 30 puntos

Vótalo:

INGMAR BERGMAN

24. INGMAR BERGMAN

Biografía[editar] Erik Bergman durante un sermón en la Iglesia Hedvig Eleonora. ca. 1930. Segundo hijo del pastor luterano Erik Bergman (1886 - 1970) y de Karin Åkerblom, Ingmar nació en Upsala. El mundo metafísico de la religión influyó tanto en su niñez como en su adolescencia. Su... Ver mas
Biografía[editar]


Erik Bergman durante un sermón en la Iglesia Hedvig Eleonora. ca. 1930.
Segundo hijo del pastor luterano Erik Bergman (1886 - 1970) y de Karin Åkerblom, Ingmar nació en Upsala. El mundo metafísico de la religión influyó tanto en su niñez como en su adolescencia. Su educación estuvo basada en los conceptos luteranos: «Casi toda nuestra educación estuvo basada en conceptos como pecado, confesión, castigo, perdón y misericordia, factores concretos en las relaciones entre padres e hijos, y con Dios», escribe en sus memorias. «Los castigos eran algo completamente natural, algo que jamás se cuestionaba. A veces eran rápidos y sencillos como bofetadas y azotes en el trasero, pero también podían adoptar formas muy sofisticadas, perfeccionadas a lo largo de generaciones».1 Muchas de sus obras están inspiradas en esos temores y relaciones violentas. El ritual del castigo y otras anécdotas de su infancia aparecen escenificadas en una de sus más reconocidas películas, Fanny y Alexander, donde Alexander es un niño de 10 años que es trasunto del pequeño Bergman.

Progresivamente el joven Bergman buscó la forma de encauzar sus propios sentimientos y creencias independizándose cada vez más de los valores paternos a fin de buscar su propia identidad espiritual, pero, a lo largo de su vida, Bergman siempre mantuvo un canal abierto con su infancia, y en ella había penetrado con fuerza el cine con el regalo de un cinematógrafo elemental, que le condujo a todo tipo de ensoñaciones y conocimientos técnicos.2

A partir de los trece años estudió bachillerato en una escuela privada de Estocolmo; después se licenció en Letras e Historia del Arte en la Universidad. Afortunadamente encontró en el teatro, y luego en el cine, los dos medios más apropiados para expresarse y centrar su potencial creativo. Durante los años de la Segunda Guerra Mundial, ya distanciado de su familia, inició su carrera como ayudante de dirección en el Teatro de la Ópera Real de Estocolmo. No obstante, las imágenes y valores de su niñez, que lo seguirían por el resto de su vida, y la proximidad con el quehacer de su padre, lo habían sumergido en las cuestiones metafísicas: la muerte, la autonomía, el dolor y el amor.

El director falleció el 30 de julio de 2007 a los 89 años en la isla de Fårö, a la que se había retirado. Aquel mismo día falleció también el cineasta italiano Michelangelo Antonioni.3

Cinematografía[editar]
La carrera cinematográfica de Bergman comienza en 1941 trabajando como guionista. Su primer guion lo concibió en el año 1944 a partir de un cuento suyo, Tortura (Hets), que sería finalmente un film dirigido por Alf Sjöberg. Pero a la par que guionista ejerció como script; y en su segunda autobiografía, Imágenes, Bergman señala que él hizo el rodaje final de exteriores (fue su inicio como director profesional), y que su historia obsesiva y violenta fue retocada por Sjöbert, siendo este el que dio una tensión interior especial al personaje.4 La película estuvo producida por Victor Sjöström, por lo que Bergman tuvo así cercano contacto con dos grandes directores. Sjöström le apoyará, y participó como actor en dos filmes suyos.5

El éxito internacional de Tortura le permitió a Bergman iniciarse como director, un año después, con Crisis. Durante los siguientes diez años escribió y dirigió más de una docena de películas, que incluyen Llueve sobre nuestro amor (Det regnar på vår kärlek), Prisión (Fängelse) en 1949, Noche de circo (Gycklarnas afton) y Un verano con Mónica (Sommaren med Monika), ambas de 1953. La actriz de la última, Harriet Andersson, era a su juicio uno de los «raros ejemplares respladecientes de la jungla cinematográfica».6

Curiosamente, el primer reconocimiento internacional, tanto de público como de crítica, se dio en países periféricos de la industria cinematográfica, con la exhibición de Sommarlek llamada Juegos de verano en España y Juventud divino tesoro en Uruguay y Argentina, en el Festival de Cine de Punta del Este de 1952. El éxito obtenido en ese festival dio lugar a la exhibición de toda la obra inicial de Bergman en Río de la Plata así como inmediatamente en Brasil, que obtuvo una alta valoración tanto por el público como por la crítica, aun antes de su reconocimiento internacional en Europa y América del Norte.7 8 La adhesión del público y la crítica cinematográfica del Cono Sur latinoamericano persistió durante toda la obra posterior de Bergman.

El reconocimiento internacional en Europa y América del Norte le llega con Sonrisas de una noche de verano (Sommarnattens leende) (1955), donde «hay una porción de nostalgia, una relación padre-hija reflejo de mi vida, la gran confusión y la tristeza», además del complicado amor;9 con ella gana el premio «Best poetic humor» y es nominado para la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1956.

Fue seguida por los rodajes de El séptimo sello (Det sjunde inseglet) y Fresas salvajes (Smultronstället), estrenadas con diez meses de diferencia en Suecia, en 1957. El séptimo sello —para muchos, su primera obra maestra, aunque Bergman, que la apreciaba, no la considerase impecable—10 ganó el Premio Especial del Jurado y fue nominada a la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Y Fresas salvajes ganó numerosos premios, como el Globo de Oro, el Oso de Oro en el Festival de Berlín y estuvo nominada al Óscar al mejor guion. Es el comienzo de la mejor etapa del director, que enlazaría numerosas obras maestras hasta finales de los 60.

A continuación rodó dos películas: En el umbral de la vida (Nära livet) (1958), que recibió numerosos premios -es de las primeras obras de cámara del director (con pocos personajes y desarrollada prácticamente en un solo escenario)- y en 1959 El rostro (Ansiktet) —única incursión del director en el cine de misterio mezclado con humor negro— con la que ganó el premio BAFTA. El rostro, a pesar de no ser un gran éxito de crítica y público, es uno de los títulos más reivindicados de su filmografía, por el Bergman maduro o por su admirador Woody Allen.

En 1960 rueda otra de sus obras más hermosas, El manantial de la doncella (Jungfrukällan), una cruda fábula medieval basada en una vieja historia sueca de violación y venganza, por la que recibe el Óscar a la Mejor Película Extranjera, el Globo de Oro y un premio especial en el Festival de Cannes. Bergman se encuentra en la cima y, justo en esta época, comienza a pasar largos periodos de tiempo en la isla sueca de Fårö, donde rodará muchos de sus filmes claves.



Bergman con Sven Nykvist durante el rodaje de Como en un espejo. (1961)
Tras filmar un divertimento El ojo del diablo (Djävulens öga) —una interesante comedia olvidada con el paso de los años sobre el mito de Don Juan—, Bergman dirige tres de las películas más importantes de su filmografía: Como en un espejo (Såsom i en spegel) 1961, Los comulgantes (Nattvardsgästerna) 1962, y El silencio (Tystnaden) 1963, explorando temas como la soledad, la incomunicación o la ausencia de Dios. Los críticos trataron las obras como un tríptico y Bergman inicialmente desmintió tal afirmación (argumentando que no había planeado sus rodajes como una trilogía y que no veía similudes entre los tres films), pero terminaría aceptando dicho rótulo para los trabajos por su temática. Como en un espejo ganó nuevamente el Oscar a la Mejor Película Extranjera, además de estar nominanda a numerosos premios. La película abordaba con un cuarteto de personajes un caso de locura histérico-religiosa, como escribió el autor.11 Por su parte, El silencio se convirtió en una de las obras más aplaudidas del director y su mayor éxito de taquilla hasta la fecha. No obstante el precio de la fama fue caro, debido al contenido argumental desesperado (que anticipaba en su realización parte del estilo formal de obras posteriores de Bergman) y a sus explícitas escenas de sexo, El silencio fue prohibida en numerosos países, y Bergman recibió varias amenazas de muerte por parte del sector más conservador y cínico de los espectadores de la época, que veían la película como pornografía. En este periodo de creatividad desaforada y gran éxito de público y crítica, Bergman rodó en 1964 una comedia menor parodiando el cine de Fellini: Todas esas mujeres (För att inte tala om alla dessa kvinnor).

En 1966, tras un pasar unos meses hospitalizado, Bergman dirige Persona, una película que el propio autor consideraría de las más importantes de su carrera, y que condensa de forma magistral todo el trabajo que venía haciendo el director desde comienzos de los 60. La película tuvo una recaudación en taquilla modesta (110 725 suecos vieron Persona frente a 1 459 031 que vieron El silencio tres años atrás, tal como apunta Peter Cowe en Los Archivos Personales de Bergman); pero a pesar de su aire de cine experimental de arte y ensayo, y de que Persona apenas ganó premios, muchos la considerarían desde su estreno, la pieza cumbre de su carrera y seguramente es su trabajo hoy más reconocido. Además según escribió: «Durante el rodaje nos alcanzó la pasión a Liv y a mí; una grandiosa equivocación que nos llevó a construir la casa de Fårö, entre 1966 y 1967; ella se quedó allí unos años».12

En 1967, un inspirado Bergman rueda una de sus obras más crípticas y polémicas: La hora del lobo (Vargtimmen, 1967), un trabajo tan adorado como criticado por su público debido a su compleja narración y simbolismo. Ya en 1968 se despide del blanco y negro (volvería a él en 1980) con dos trabajos de intachable envergadura: la cruda película bélica: La vergüenza (Skammen, 1968) y el film para la televisión sueca El rito (Riten). «En el origen de La vergüenza hay un horror personal: vi un reportaje sobre Vietnam, antes de la gran escalada, basado en los sufrimientos de civiles; los personajes principales son dos músicos, y él pierde el equilibrio en una invasión bélica.»13

En 1969 Bergman estrena la que es oficialmente (si no tenemos en cuenta Todas esas Mujeres) su primera obra en color: Pasión (A passion, 1969), considerada por un sector como otra de sus obras capitales (casi como todas las obras de los 60 de autor), en parte debido al cuidado y hermoso tratamiento de la fotografía. La película es un doloroso análisis del lado más amargo del amor y de las relaciones de pareja; y en ella repiten los mismos actores de La hora del lobo y La vergüenza. En ella, el director se permite la licencia de incluir en medio de su metraje un descarte de su anterior película (La vergüenza) en forma de sueño. Con Pasión se pone fin a una etapa ascendente cargada de experimentación y creatividad para Bergman, y a partir de aquí el director se dedicará a ahondar con mayor desasosiego y crudeza en los temas que ya venía tratando en sus trabajos anteriores, con mayor o peor fortuna.

En 1971 se estrena La carcoma (Beröringen 1971), primera película rodada íntegramente en inglés y producto puramente pensado para el mercado hollywoodense, del que el propio director renegaría años después y que supuso uno de sus mayores fracasos de crítica. Fracaso que se subsanaría con el estreno de Gritos y susurros (Viskningar och rop, Susurros y gritos, 1972) un año después. Obra preciosista y atormentada, de intachable fotografía y escaso diálogo, que se encumbraría entre las más aplaudidas del director, con tres nominaciones a los Oscar y premios en Cannes, y que suponía un regreso más oscuro y onírico a temas tratados en películas anteriores como El silencio (Tystnaden).

En estas fechas Bergman trabaja para la televisión sueca. Dos de los trabajos más memorables son Secretos de un matrimonio (Scener ur ett äktenskap) y La flauta mágica (Trollflöjten, 1975).14 La excelente Secretos de un matrimonio tendría su estreno cinematográfico en versión acortada y sería recordada como uno de los mejores ahondamientos en las relaciones de pareja llevados a la pantalla. La flauta mágica, en sueco, dio una síntesis teatral sencilla y sabia de Mozart.

En 1976, Bergman dirige Cara a cara (Ansikte mot ansikte), una película de una crudeza brutal y sumamente onírica, que ahonda de forma asfixiante en la psique de una protagonista perturbada. Nuevamente, fue nominado al Oscar al mejor director y ganó un Globo de Oro. Ese mismo año es acusado de evasión de impuestos, y el director tiene que ser internado en un psiquiátrico; con posterioridad se vería que era un problema de su contable y todo se resolvería pagando la diferencia.15 El escándalo fue internacional y tuvo muchos apoyos.

Tras el escándalo, Bergman decide abandonar Suecia y ubicarse en Alemania para rodar El huevo de la serpiente (Ormens ägg/Das Schlangenei) 1977, un curioso análisis del nazismo que quedaría ensombrecido por el éxito de su siguiente trabajo: Sonata de otoño (Höstsonaten) 1978, alabada por muchos como otra de sus cimas artísticas. Sonata de otoño recibe nominaciones a los Óscar y los César, y gana el Globo de Oro a la mejor película Extranjera. La película contaría con la presencia de Ingrid Bergman y retomaría la temática de las relaciones familiares deterioradas que ya había trabajado el director en numerosas obras anteriores como El silencio (1963), Gritos y susurros (1972) o poco antes Cara a cara (1976).

La etapa alemana del director se cierra con De la vida de las marionetas (Aus dem Leben der Marionetten) en 1980. Rodada inicialmente para televisión, es el primer trabajo sin la intervención de Liv Ullman en el reparto desde los años 60. Un film severo, apreciado por el director, rodado en blanco y negro, que gira en torno al asesinato de una prostituta.

En 1982 Bergman estrena su última película para cine Fanny y Alexander (Fanny och Alexander, 1982) que ganaría el Óscar, el Globo de Oro y el César a la mejor película extranjera, además de otras nominaciones. Esta película supondría la despedida del director del celuloide y sería considerada por muchos el broche de oro a una carrera llena de obras maestras.

A partir de entonces Bergman se dedicará a su amado teatro (del que no se había desprendido nunca) y a rodar películas para televisión: tiene especial interés Saraband (2003), la última rodada por el director y en la que retoma los personajes de su obra Secretos de un matrimonio, para situarlos en la ancianidad. La concibe como un homenaje a Ingrid, recién desaparecida.

Sus principales actores y actrices y otros colaboradores[editar]


Firma de Ingmar Bergman.
Bergman trabajó en numerosas películas con una serie de mismos actores; destacan entre los que le acompañaron a lo largo de toda su carrera:

Gunnar Björnstrand: actor carismático, sobrio y galán debutó con el director en Llueve sobre nuestro amor en 1946, haciendo un papel totalmente secundario. Continuaría en Música en la oscuridad (1948), Tres mujeres (Secretos de mujeres) (1952) y Noche de circo (1953); hasta que en 1954 se enfrentaría a uno de sus primeros papeles como protagonista en Una lección de amor. En Sueños (1955) y Sonrisas de una noche de verano (1955) seguía mostrando sus dotes de galán, pero es en 1957 con El séptimo sello donde su rol de escudero del protagonista (al más puro estilo Sancho Panza) le hace brillar. Seguiría trabajando con Bergman en muchos de sus títulos más importantes: Fresas salvajes (1957), El rostro (1958), El ojo del diablo (1960), Como en un espejo (1961) o Los comulgantes (1962), una de sus mejores interpretaciones donde encarna a un pastor que ha perdido la fe. A partir de 1966, tendría pequeñas apariciones en los films de Bergman, aunque de gran importancia argumental: Persona (1966), La vergüenza (1968), El rito (1969), Cara a cara al desnudo (1976), Sonata de otoño (1978) y Fanny y Alexander (1982).
Ingrid Thulin: guapísima y polifacética actriz sueca que debutó con Bergman en Fresas salvajes (1957). Continuó con roles variopintos y de mucha personalidad en En el umbral de la vida (1958), El rostro (1959), Los comulgantes (1962) y El silencio (1963) donde sus interpretaciones son soberbias. Tras unos años de gloria internacional en producciones hollywoodieses, regresó con Bergman en 1967 en La hora del lobo, a las que seguirían El rito (1969) y Gritos y Susurros (1972), donde hace uno de los mejores papeles de su carrera. En 1984 rodó para la televisión sueca su última película con Bergman Tras el ensayo (1984).
Max Von Sydow: el actor escandinavo de roles torturados fue uno de los favoritos de Bergman a lo largo de su carrera. Con aires melancólicos y profundos debutó como protagonista en El séptimo sello (1957) y continuaría en casi todas las producciones del director en esa época: Fresas salvajes (1957), En el umbral de la vida (1958), El rostro (1958), El manantial de la doncella (1960), Como en un espejo (1961), Los comulgantes (1962), La hora del lobo (1967), La vergüenza (1968), La pasión (1969) y La carcoma (1971), última colaboración con Bergman. Después, Von Sydow triunfaría en Hollywood tras interpretar al Padre Merrin en El Exorcista (1973) y continuaría una carrera de éxito.
Bibi Andersson: de cara angelical, es una de las actrices suecas más llamativas de su época. Debutó en el cine de Bergman con un papel secundario en Sonrisas de una noche de verano (1955). Un año antes había comenzado un romance con el director sustituyendo a Harriet Andersson en el corazón de Bergman. Relación que se alargaría hasta 1969. Bibi Andersson se caracterizaría inicialmente por sus papeles alegres o aniñados en El séptimo sello (1957), Fresas Salvajes (1957), En el umbral de la vida (1958), El rostro (1958), El ojo del diablo (1960) o Esas mujeres (1964). En Persona (1966), cambiaría radicalmente de registro mostrando una madurez interpretativa espectacular y dominando con su pulso toda la película, en uno de los mejores monologos de la historia del cine. Aún rodaría tres películas más con Bergman: Pasión (1969), La carcoma (1971) y Secretos de un matrimonio (1973).
Liv Ullmann: de origen noruego, grandísima actriz y gran amor de Bergman, debutó con el director en Persona (1966), a la que seguirían casi todas las producciones del director entre 1966 y 1978: La hora del lobo (1967), La vergüenza (1968), Una pasión (1969), Gritos y susurros (1972), Secretos de un matrimonio (1973), Cara a cara al desnudo (1976), El huevo de la serpiente (1977) y Sonata de otoño (1978). Conseguiría el éxito internacional y el reconocimiento como actriz dramática, y desarrollaría una amplia carrera como actriz y directora cinematográfica. Aún rodaría una película más con Bergman, la última del director, Saraband (2003).
Harriet Andersson: otro de los gandes amores de Bergman, debutó con el director en la polémica Un verano con Mónica, a la que seguirían las siguientes producciones Noche de circo (1953), [[Una lección de amor] (1954), [Sueños] (1955) y [Sonrisas de una Noche de Verano] (1955). Tras el éxito internacional de Bergman, regresaría con el director en Como en un espejo (1961) -donde está soberbia-, Esas mujeres (1964) y Gritos y susurros (1972), su mejor interpretación. Aún rodaría una película más para Bergman para la televisión sueca: Los elegidos (1986).
Erland Josephson: aunque hace su debut con Bergman en 1958 con dos películas seguidas: En el umbral de la vida (1958) y El rostro (Ansiktet) (1958), no vuelve a trabajar con el director hasta La hora del lobo (1967), a la que seguirían un amplio número de producciones: La pasión de Anna (1969), Gritos y susurros (1972), Secretos de un matrimonio (1973), Cara a cara al desnudo (1976), Sonata de otoño (1978) y Fanny y Alexander. Le tomó el testigo de la dirección del Dramaten de Estocolmo. Regresaría con Bergman para su última película Saraband (2003).
Otras actrices valiosas que trabaron con Bergman en varias producciones son Eva Dahlbeck que trabajó en seis de los primeros films de Bergman -Tres mujeres (1952), Una lección de amor (1954), Sueños (1955), Sonrisas de una noche de verano (1955), En el umbral de la vida (1958) y Esas mujeres (1964)—; y la bella Gunnel Lindblom, que trabajó en El séptimo sello (1957), El manantial de la doncella (1960), Los comulgantes (1962), El silencio (1963) -acaso su mejor interpretación- y Escenas de un Matrimonio (1973).

Además de este grupo de actores y actrices, desde inicios de los años 50, más precisamente desde Noche de circo (1953), Bergman tuvo casi como miembro de su equipo de rodaje al fotógrafo Sven Nykvist, quien obtuvo varios premios con las obras dirigidas por Bergman, entre los que se destacan dos Óscar de la Academia de Hollywood a la fotografía de Gritos y susurros (1972) y de Fanny y Alexander. El fruto de esa colaboración con Bergman lanzó la carrera internacional de Nykvist, particularmente en Hollywood.

Temas y estilo[editar]
Dos dramaturgos, Henrik Ibsen y, sobre todo, August Strindberg , le influyeron e introdujeron en un mundo donde se manifestaban los grandes temas que tanto lo atraían, cargados de una atmósfera dramática, agobiante y aun desesperanzada, lo que deja una profunda huella en el espíritu del joven Bergman y una marcada influencia en su obra artística.

Su narrativa visual suele ser deliberadamente lenta, con un montaje y una secuencia de planos mesurados, esto con el fin de lograr un suficiente tiempo de reflexión entre los espectadores, aun cuando ya estén «capturados» en la diégesis; sin embargo tal lentitud está, como en Andrei Tarkovsky, lejos de la monotonía merced a la carga del mensaje o a la excelente marcación actoral; otra característica de su estética fílmica es la limpieza de las imágenes.

Es recurrente el hecho de que en la mayor parte de la filmografía del realizador sueco, sus personajes son atravesados por los mismos caminos en que se internan. Se trata de trayectorias que los reconducen hacia sí mismos, hacia su propia alma, hacia su propia conciencia. Son recorridos íntimos, enigmáticos, que muchas veces se apoderan del espectador transportándolo a una experiencia estrictamente personal e inquietante, en la medida en que sus personajes realizan aquella trayectoria sobrecargada por un denso dramatismo, aquél que implica desnudar el alma humana en forma genérica.

Aquella trayectoria termina en algunos casos en la locura o en la muerte, en otros en un estado de gracia, un momento metafísico que permite a sus personajes comprender más de su realidad, una revelación que los iluminará y modificará el curso de sus vidas. En algunos casos les servirá para exorcizar, conjurar y dominar los fantasmas que perturban el alma del personaje.

Los personajes de Bergman arrastran un pesado lastre en sus mentes, en sus sentimientos. En general son adultos, salvo el caso del niño de El silencio (muy revelador, aunque sea Esther la que tiene el 'alumbramiento', el personaje que interpreta Ingrid Thulin). La inquietud que sienten esos personajes es más o menos latente, pero progresivamente irá revelándose ante el espectador produciendo un efecto de iluminación y a veces sólo devastador.

La transmisión de esos estados de conflicto interno de sus personajes, originan historias angustiosas y lacerantes, como pocos directores de cine han podido comunicar a su público, y éste es el mayor logro del director sueco.

Los especialistas Jordi Puigdomenech y Charles Moeller clasifican las más de cuarenta obras de Bergman, como director y guionista, en cinco etapas:

Obras de juventud o impresionistas, 1945-1948;
De peso psicológico, 1948-1955;
De contenido simbólico, 1956-1963;
De expresión crítica, 1964-1980;
De reconstrucción genealógica, 1981-2007.
Filmografía[editar]
Director de cine y guionista[editar]
1944: Tortura (Hets, Tormento): Guionista y ayudante de dirección de Alf Sjöberg, una de sus influencias confesas. Dirige las últimas escenas de este pequeño clásico interpretado por Mai Zetterling.
1945: Crisis (Kris): Fue su debut oficial. Drama materno-filial de interés por su construcción, que puede decepcionar a un seguidor del realizador, porque no trasciende la linealidad de la historia que cuenta.
1946: Llueve sobre nuestro amor (Det regnar på vår kärlek): La historia de una joven pareja marginada contada desde un sentido alegórico.
1947:
Mujer sin rostro (Kvinna utan ansikte)
Barco a la India (Skepp till India Land): Drama sobre un joven marino, Birger Malmsten en una de sus mejores interpretaciones, que regresa por un día a su ciudad natal y se rebela contra su padre.
1948:
Música en la oscuridad o Música en la noche (Musik i mörker): Un músico cegado durante su servicio militar vive entre amargura y esperanza su condición. Se proyectó en el Festival de Cine de Venecia en 1948, donde fue bien recibida por público y crítica.
Ciudad portuaria o Puerto (Hamnstad)
Eva (Eva)
1949:
Prisión (Fängelse): Su primer drama con personajes torturados emocionalmente que es conocido fuera de su país; se desarrolla en un hospital psiquiátrico y tiene algún punto en contacto con la magistral Como un espejo.
La sed (Sed) (Törst): Disputa marital en un coche de tren e historias asociadas a los amantes de la pareja principal. Bergman consideró esta película con gran vitalidad cinematográfica tanto por su contenido como por la producción. La censura de la época cortó una sugerente escena lésbica entre Birgit Tengroth y Mimi Nelson, sin la cual el final se hace incomprensible.
1950:
Hacia la felicidad (Till glädje): Drama sobre el matrimonio de dos músicos. Hace referencia a temas como el aborto, la maternidad y la infidelidad.
Cuando la ciudad duerme (Medan staden sover, 'Mientras la ciudad duerme')
Esto no puede ocurrir aquí (Sånt händer inte här, 'Una cosa tal no ocurre aquí')
Divorcio (Frånskild)
1951: Juegos de verano o Juventud, divino tesoro (Sommarlek), film donde se empieza a poner de manifiesto el futuro sello del director, y en el que aparecen algunos de sus actores fetiche como Maj-Britt Nilsson y Birger Malmsten. Frescura para el cine de su tiempo, armonía estilística en sus planos, buenos actores y alguna de las bases de las temáticas obsesivas del autor.
1952: Tres mujeres (Secretos de mujeres) (Kvinnors väntan, 'La espera de las mujeres'): Historia de un grupo de mujeres que cuentan sucesivamente sus experiencias con el amor, la fidelidad, y la rutina de la convivencia.
1953:
Un verano con Mónica (Sommaren med Monika, 'El verano con Monika'). Este film supuso su descubrimiento por parte de la crítica francesa, y lo cierto es que resulta esencial en su filmografía. Con una escena amorosa polémica para su tiempo y un retrato humano de gran calidez, fue el primer papel importante de Harriet Andersson, su pareja y una de las actrices fundamentales.
Noche de circo (Gycklarnas afton), Historia sobre la miseria de los actores de un circo. Destacables actuaciones de Åke Grönberg (Albert), Harriet Andersson (Anne), Hasse Ekman (Frans) y Anders Ek (Frost).
1954: Una lección de amor (En lektion i kärlek), Filme trágico-cómico sobre un matrimonio, la fidelidad y la convivencia.
1955:
Sueños (Kvinnodröm, 'Sueño de mujer'). Una productora gráfica Eva Dahlbeck y una modelo Harriet Andersson viajan a Göteborg donde por separado viven su sueño por una tarde.
Sonrisas de una noche de verano (Sommarnattens leende), insólita en su carrera por ser una comedia y desarrollarse en ambientes de lujo, y entre focos teatrales; está narrada en un tono clásico y poco intimista pero sí diseccionador de los modos sociales y costumbres que recrea. Tiene un estilo costumbrista europeo, con segunda mitad llena de planos que recuerdan al teatro filmado, pero sin que se note, multitud de diálogos, ironía no contenida, calidad artística sobrada y algún detalle reconocible del autor.
1956:
El séptimo sello (Det sjunde inseglet), obra maestra absoluta según la crítica y el público casi desde su estreno y éxito internacional destacado. Supone la aparición e interpretación de sus queridos Max von Sydow y Bibi Andersson. Aparecen la muerte y la desolación del ser humano frente a frente, la vida como una especie de partida de ajedrez sin reglas aparentes pero sí presentes, la Edad Media y la existencia de Dios, etc.
La última pareja que corre (Sista paret ut, 'La última pareja, afuera')
1957:
Fresas salvajes (Smultronstället, 'Pequeño rincón de frutillas silvestres') o Cuando huye el día, con una escena que ha pasado a la historia del cine, memorables interpretaciones, flashbacks no exentos de fascinación y la presencia de Ingrid Thulin y del director de cine sueco Victor Sjöström (El viento) como actor protagonista. Bergman se interna ya en la meditación sobre la madurez, el sentido de la experiencia y de la vida, la filosofía de la vejez, el tiempo como (propia) incomunicación con uno mismo, y por supuesto las relaciones paterno-filiales. Su título en sueco, "Smultronstället", esconde una clave interpretativa que pasa desapercibida para el público no escandinavo: en Suecia suele decirse que "toda familia tiene un pequeño rincón de frutillas silvestres" en el sentido de que tiene un secreto oculto.
En el umbral de la vida (Nära livet, 'La vida cercana'), no tan recordada por el público en general como El séptimo sello o Fresas salvajes, pero sí por cinéfilos, la cinta se desarrolla en una sala hospitalaria ginecológica. Logró el premio de interpretación femenina en el Festival de cine de Cannes.
1958: El rostro (Ansiktet), incomprendida en su día, es uno de los mejores títulos del joven realizador. Visualmente espléndida y con encomiables actuaciones del reparto actoral, influyó en cierto modo en el estilo de las producciones de terror británicas de la Hammer rodadas en la década de 1960. Vampirismo, soledad, incomunicación, medioevo y burguesía elevados a la máxima potencia dramática, se conjugan en una obra de estructura teatral y momentos casi genuinos en cuanto a atmósferas del cine de suspense o fantasmagórica tipo Sheridan Le Fanu.
1959: El manantial de la doncella (Jungfrukällan), Óscar al mejor film de habla no inglesa, y uno de los poemas visuales más bellos jamás rodados por Bergman, recrea una famosa leyenda nórdica de crimen y castigo envolviendo la historia en una atmósfera de cuento desarrollado en la Edad Media.
1960: El ojo del diablo (Djävulens öga): Poco valorada pero nada desdeñable comedia, con una destacada composición de Jarl Kulle. Es una contribución original y muy cuidada al mito de Don Juan, que regresa del infierno para tentar a la hija de un pastor.
1961:
Como en un espejo (Såsom i en spegel, 'Detrás de un vidrio oscuro'). Citada por André Techiné en su film Los juncos salvajes (1994), retrata dolorosamente el estado mental perturbador y fascinante de Harriet Andersson, en una de sus mejores interpretaciones. Reflexión sobre la verdadera incomunicación, la fragilidad del ser humano y la incertidumbre, constituyó el inicio de la discutible trilogía sobre la existencia de Dios y la incomunicación entre éste y el ser humano que completan Los comulgantes (1962) y El silencio(1963).
El jardín de las delicias (Lustgården, 'El jardín de los deseos')
1962: Los comulgantes (Nattvardsgästerna, Luz de Invierno). Están sus actores característicos de la etapa de madurez de Bergman y el drama finaliza con una pérdida de fe muy significativa.
1963: El silencio (Tystnaden). Cierra su trilogía e introduce algunos elementos simbólicos clave en la filmografía posterior del director, por lo que podemos decir que clausura un ciclo de su cine abriendo otro. Fue una de sus obras más aplaudidas y más crípticas, con la magnífica pareja (Ingrid Thulin y Gunnel Lindblom).
1964: Todas esas mujeres (För att inte tala om alla dessa kvinnor, 'Mejor ni hablemos de todas esas mujeres'). Comedia críptica sobre la integridad artística. Historia surrealista que pone en evidencia temas como los nuevos valores y la liberación sexual.
1966: Persona. Supuso el inicio de su colaboración con Liv Ullmann y la ruptura del sueco con el clasicismo cinematográfico (en su versión personal y muy elaborada ya). Innovadora y experimental, la crítica se rindió con esta historia de superación de la joven protagonista que pierde la voz en el teatro.
1967: Daniel, episodio de Stimulantia. Cortometraje presentado por el propio Bergman muestra con delicadeza los dos primeros años de su hijo Daniel.
1968:
La hora del lobo (Vargtimmen), drama con resonancias del cine de terror, muy críptica pero conseguida, aunque a ratos desconcertante, parece que crítica y público estuvieron muy divididos en su momento: obra maestra u obra menor, según gustos. Liv Ullmann, Max von Sydow y Erland Josephson encarnan las obsesiones de su autor en una cinta cuanto menos interesante.
La vergüenza (Skammen), muy poco recordada cinta de verdadero alcance. Primera vez que Bergman requiere un análisis de la pareja en un contexto ambiental y anímico hostil, que en algún momento aparece referenciada implícitamente en un film con el sello del director aunque no rodado por él titulada Las mejores intenciones de 1992 y dirigida por Bille August), el drama alcanza cotas de virtuosismo técnico nada insólitas en el propio Bergman. Fue su último film en blanco y negro (si se exceptúa el telefilm estrenado en cine, "El rito"), y explora las relaciones humanas en mayor profundidad y con más versatilidad que en la más famosa -y también televisiva- Secretos de un matrimonio (1974).
1969:
El rito (Riten), telefilm dramático con Ingrid Thulin que adapta una obra teatral que el mismo Bergman desarrolla en los escenarios, precisa y de corta duración.
Fårödokument 1969 ('Documento sobre Fårö')
Una pasión (En passion, La pasión de Anna), primer film en color del realizador sueco y uno de sus mejores trabajos, únanimemente elevada a la categoría de obra maestra (para algunos, una de las veinte mejores películas de la historia). Drama en su isla de innegable belleza, contrastan parajes desoladores con una villa adinerada; utiliza el color como elemento expresivo y simbólico para contar una historia de amor entre un hombre encerrado y humilde y una joven delicada procedente de buena familia. Sobresaliente atmósfera, uno de los estudios sobre la naturaleza del ser humano más contundentes jamás rodados, e interpretaciones excepcionales de Max von Sydow, Liv Ullmann, Erland Josephson y Bibi Andersson. En algunas secuencias, el film adelanta el aliento de Gritos y susurros (1972) y la opresividad, luego totalmente onírica y fantasmal, de Cara a cara (1976).
La Reserva (Reservatet)
1971: La carcoma o El toque(Beröringen 'El contacto'), única experiencia hollywoodiense del autor, previsible tras los varios Óscar otorgados a sus películas y su prestigio por parte de la crítica, para un film si no es el peor de toda su carrera, sí uno de los más flojos e inconexos, nuevamente centrado en las vicisitues emocionales de una pareja, protagonizada por Elliott Gould y Bibi Andersson.
1972: Gritos y susurros (Viskningar och rop, 'Susurros y gritos'). Su estreno constituyó uno de sus mayores éxitos de crítica y público en España, y es el film de madurez más celebrado de su director en dicho país junto a Sonata de otoño (1978) y Fanny y Alexander (1982). Feroz diatriba sobre la muerte y la incomunicación, sobre el valor de la vida y las convenciones sociales siempre castradoras, es uno de esos films difíciles de olvidar.
1974:
Secretos de un matrimonio (Escenas de la vida conyugal) (Scener ur ett äktenskap), miniserie de televisión de ocho capítulos que en España se ha visto generalmente en su versión reducida y en los cines, satisface a los seguidores de Bergman y a los no tanto por su temática y estilo, aunque no consigue resultados tan rotundos como otras obras de este mismo período. Liv Ullmann y Erland Josephson, de nuevo juntos, retomaron sus personajes en 2003 en la revisión-continuación (también televisiva) estrenada en cine tras su paso por Cannes: Saraband.
Misantropen
1975: La flauta mágica (Trollflöjten), recientemente versionada por Kenneth Branagh. La ópera de Wolfgang Amadeus Mozart se convierte aquí en una brillante fábula moral, en lengua sueca, con ecos de la dramaturgia escénica que el director ejercía en el Teatro de Estocolmo, perfectamente entremezclados al lenguaje fílmico. Soberbio espectáculo rodado para la TV, de poco gancho de cara a la taquilla, pero de indiscutible fuerza.
1976: Cara a cara (Ansikte mot ansikte). Una de las obras más personales de Ingmar Bergman, con Liv Ullmann y Erland Josephson repitiendo papeles de protagonista. Los miedos íntimos, la angustia, la soledad y el vacío existencial de una doctora, incapaz de reaccionar ante su fracaso sentimental, unido a los recuerdos de la niñez, episodios traumáticos y oscuros teñidos de muerte, la entrevisión de un destino amargo como hilo conductor de toda la trama, apariciones fantasmales, psicóticas, conflictos de Edipo asociados al padre real y al interpuesto, depresión severa y un profundo sentimiento de melancolía conforman a este film en particular una fascinación fuera de toda duda.
1977: El huevo de la serpiente (Ormens ägg/Das Schlangenei), famosa en su momento, prestigiada por la crítica y todavía realmente demoledora, cuenta los años clave del nazismo en un fresco histórico que enlaza con las obsesiones más íntimas del autor. La cinta es protagonizada por David Carradine y Liv Ullmann.
1978: Sonata de otoño (Höstsonaten), única ocasión en que dos de los mayores mitos del cine sueco compartieron cartel: Ingmar e Ingrid Bergman. Esta película ha alcanzado el rango de mítica, se ha versionado-homenajeado-copiado libremente en multitud de ocasiones, sin hacerle sombra. Tanto Ingrid Bergman como Liv Ullmann como Lena Nyman brillan como personajes envueltos en una trama principal tan sencilla como asfixiante: la posesividad familiar. Pocos duelos interpretativos femeninos resuenan en la memoria como el de Ingrid y Liv, y pocas películas han conseguido poseer tal conjunto de matices que se va ampliando conforme pasa el tiempo. Con premio o sin él, este título corona la filmografía de su director.
1979: Mi isla, Farö (Farö-dokument)
1980: De la vida de las marionetas (Aus dem Leben der Marionetten). Luces y sombras de un personaje masculino, un joven hijo de un industrial, de carácter marcadamente autobiográfico -de nuevo-, connotaciones homosexuales del personaje protagonista y acidez en la trama. No aparecen sus actores predilectos, pero el potencial dramático de la historia está explotado a la perfección, el guion es excelente, visualmente resulta rica y elaborada, adelanta en varios sentidos a Fanny y Alexander (1982) sin quedar excesivamente por debajo, es una obra pletórica de la madurez intelectual y cinematográfica del director, etc, pero como suele suceder con obras de este tipo (a Fellini le ocurrió con sus películas de madurez desde Ensayo de orquesta) nunca figura en la lista de los críticos entre sus mejores películas.
1982: Fanny y Alexander (Fanny och Alexander). Cine y miniserie de la televisión sueca, es el adiós oficial de su director a la gran pantalla, es autobiografía y ficción, la infancia y la inocencia perdida por la fuerza, los usos sociales, la vanidad, el amor, la amistad y la familia, el mundo adinerado y del teatro, etc., que se dan cita en la película más popular de Bergman para espectadores de todas las generaciones, y casi su mejor película. Sus 285 minutos en versión íntegra proporcionan al espectador un placer incomparable, intelectual y sentimental que supone cerrar todo un ciclo en cuanto a la manera de narrar, temática y estilos, finalizando todo con una búsqueda de la esencia, de lo aprendido y de las bases de un cine que será siempre eterno.
1984:
El Rostro de Karin (Karins Ansikte). Cortometraje con fotografías de la madre de Ingmar. Permite entender la relación biográfica de la película Las mejores intenciones dirigida por Bille August con guion de Bergman.
Después del ensayo (Efter repetitionen), telefilm con Erland Josephson, Lena Olin e Ingrid Thulin. Intimismo y rasgos biográficos a través de diálogos de un director de teatro y dos de sus actrices.
1985: Los dos bienaventurados (Det tva saliga)
1986:
Documento Fanny y Alexander (Dokument Fanny och Alexander), cortometraje
De Två saliga
1992: La marquesa de Sade (Markisinnan de Sade)
1993: Backanterna Adaptación de Las Bacantes de Eurípides rodada para la TV sueca.
1995: Sista skriket ('El último grito')
1997: En presencia de un payaso (Larmar och gör sig till, 'Lágrimas y actuaciones'). Carl Åkerblom encerrado en un hospital psiquiátrico idea junto al Profesor Osvald Vogler (Erland Josephson) como complementar películas mudas con actuaciones en vivo. La muerte acompaña la historia en el disfraz de un payaso. El tío de Bergman, Carl reaparece interpretado por Börje Ahlstedt luego de Fanny y Alexander, Las mejores intenciones y El domingo de los niños. La película fue exhibida bajo la categoría 'Un certain regard' en el Festival de Cannes.
2000: Creadores de imágenes (Bildmakarna) Victor Sjöström, gran director de cine sueco de la época del mudo, presenta a Selma Lagerlöf, premio Nobel de literatura, los copiones de su película. El director está adaptando uno de los libros de la novelista, que fue la primera mujer en obtener el galardón. Teatro filmado, basada en una pieza de Per Olov Enquist, que es también guionista, el film vuelve a los temas clásicos bergmanianos: las conflictivas relaciones humanas, la relevancia y el sentido del arte, la incomunicación, el mundo de las apariencias. Un guion impecable, actuaciones inolvidables en la que descuella la interpretación sin mácula de Elin Klinga, esta película es una de las grandes piezas del maestro sueco.
2003: Saraband. La última película del cineasta sueco. Liv Ullmann y Erland Josephson encabezan reparto en una producción rodada en video de alta definición, lanzada en Cannes para el mercado internacional de cine, que recupera los personajes de Escenas de un matrimonio. Estructura teatral, monólogos o escenas dialogadas entre los personajes dos a dos, conforman una obra con miras al pasado pero que aportan nuevas vías de expresión a su manera de narrar, lo que evidencia su lucidez.
Premios[editar]
Óscar[editar]
Año Categoría Película Resultado
1983 Óscar al mejor director Fanny y Alexander Nominado
1983 Óscar a la mejor película de habla no inglesa Fanny y Alexander Ganador
1983 Óscar al mejor guion original Fanny y Alexander Nominado
1976 Óscar al mejor director Cara a cara al desnudo Nominado
1973 Óscar al mejor director Gritos y susurros Nominado
1973 Óscar a la mejor película de habla no inglesa Gritos y susurros Nominado
1973 Óscar al mejor guion original Gritos y susurros Nominado
1970 Premio en Memoria de Irving Thalberg Ganador
1961 Óscar a la mejor película de habla no inglesa Como en un espejo Ganador
1961 Óscar al mejor guion original Como en un espejo Nominado
1960 Óscar a la mejor película de habla no inglesa El manantial de la doncella Ganador
1958 Óscar al mejor guion original Fresas salvajes Nominado
Director de teatro (selección)[editar]
Dirigió teatro desde su juventud, y trabajó en el gran teatro sueco, el Dramaten de Estocolmo, durante decenios. Pero no sólo como dramaturgo; en los años sesenta, pasó al despacho del Dramaten y marcó una época: reorganizó el trabaj interno, abrió los ensayos al público, animó las giras a provincia y el teatro infantil, aumentó los salarios de los actores, rebajó los precios de las entradas, atrayendo a los jóvenes, y utilizó su prestigio para, con apoyo del Parlamento, lograr que la cultura sueca repercutiese en el mundo16

Toda la creación de Bergman no puede entenderse sin su constante y paralela dedicación al teatro, de la que destacan:

1939: Strindberg (El viaje de Pedro el Afortunado, El pelícano); Paar Lagervist (El hombre que pudo revivir)
1940: Shakespeare (Macbeth)
1942: Ingmar Bergman (La muerte de Kaspar)
1944: Hjälmar Bergman (La casa de juego, Llega el sr. Schleman)
1946: Camus (Calígula)
1947: Ingmar Bergman (Para darme miedo)
1948: J. Anouilh (Baile de los ladrones)
1949: T. Williams (Un tranvía llamado deseo)
1950: B. Brecht (La ópera de tres centavos); Valle-Inclán (Divinas palabras)
1953: Ingmar Bergman (Asesinato en Barjärna)
1953: L. Pirandello (Seis personajes e busca de autor); Kafka (El castillo)
1954: Strindberg (Sonata de espectros)
1955: Molière (Don Juan)
1956: T. Williams (La gata)
1957: Ibsen (Peer Gynt); Hjälmar Bergman (La saga); Molière (El misántropo)
1958: Goethe (Fausto)
1939: Strindberg (Tormenta)
1961: Auden y Stravinsky (The Rake's Progress)
1962: Chejov (Las tres hermanas)
1963: Albee (Quién teme a Virginia Woolf); Strindberg (El sueño)
1964: Ibsen (Hedda Gabler)
1965: Molière (Don Juan)
1966: Molière (Escuela de mujeres); Weiss (La indagación)
1969: Büchner (Woyzeck)
1970: Strindberg (El sueño); Ibsen (Hedda Gabler)
1972: Ibsen (El pato salvaje)
1974: Strindberg (El camino de Damasco)
1976: Strindberg (Danza de la muerte)
1977: Strindberg (El sueño)
1980: Gombrowicz (Yvonne)
1981: Ibsen (Casa de muñecas)
1983: Molière (Don Juan)
1985: Strindberg (La señorita Julia)
La señorita Julia (1986) y Casa de muñecas (1990) fueron representadas en Madrid (otras piezas en Barcelona), bajo su dirección.

En ocasiones, Ingmar Bergman ha dirigido algunas piezas teatrales para televisión: Llega el señor Sleeman (Herr Sleeman kommer) (1957), La veneciana (Venetianskan) (1958), ambas de Hjalmar Bergman; Rabia (Rabies) (1958) de Olle Hedberg, Tormenta (1960) y Un sueño (Ett Drömspel) (1963) de August Strindberg, y también La Escuela de las mujeres (1983) de Molière.

Añadimos que, en 1951, Ingmar Bergman hizo nueve cortos publicitarios del jabón Bris para AB Sunlight. La actriz sueca Bibi Andersson intervino en uno de ellos.

Miscelánea[editar]
No tiene ningún vínculo familiar con la actriz Ingrid Bergman, confusión producida porque Ingmar Bergman se casó con una actriz que también se llamaba Ingrid, Ingrid von Rosen.

Ha recibido 29 puntos

Vótalo:

FRANCO ZEFFIRELLI

25. FRANCO ZEFFIRELLI

Perfil biográfico[editar] Zeffirelli nace, se forma y crece en Florencia, en un ambiente bilingüe pues su familia tenía mucho contacto con un grupo de intelectuales británicos que ahí vivían y de quienes se inspiró años más tarde para la realización de su película Té con Mussolini (1999... Ver mas
Perfil biográfico[editar]
Zeffirelli nace, se forma y crece en Florencia, en un ambiente bilingüe pues su familia tenía mucho contacto con un grupo de intelectuales británicos que ahí vivían y de quienes se inspiró años más tarde para la realización de su película Té con Mussolini (1999).

Durante la Segunda Guerra Mundial peleó como guerrillero antes de unirse a soldados británicos del primer regimiento escocés, de quienes fue intérprete. En los años de la posguerra, estudió Arte y Arquitectura en la Universidad de Florencia, y trabajó con algunos de los grandes nombres del cine italiano como ayudante de dirección: Vittorio De Sica, Roberto Rossellini y Luchino Visconti, debutando como realizador en 1957 en una comedia, Camping, protagonizada por un entonces emergente Nino Manfredi.

En los años 60, hizo renombre al escribir y dirigir sus propias obras teatrales en Londres y Nueva York, y pronto pasó esas ideas al cine. Zeffirelli también ha sido director importante de las producciones de ópera desde los años 50 en Italia, Europa, y los EE.UU.. Sobresaliente fue su producción en la Royal Opera House de Tosca (1964) con Maria Callas y Tito Gobbi, y varias producciones para el Metropolitan Opera House de Nueva York, incluyendo La Bohème y Turandot.

Su amistad con Maria Callas llegó a ser muy estrecha, y la plasmaría en la película Callas Forever, donde Jeremy Irons encarna a un personaje que parece un trasunto del propio Zeffirelli.

Tras empezar a ser conocido por el filme de 1967 La mujer indomable (versión de La fierecilla domada de William Shakespeare), donde dirigía a la pareja de moda del momento formada por Richard Burton y Elizabeth Taylor, da el salto definitivo a su revelación con Romeo y Julieta, colocando esta versión como una de las más logradas a nivel cinematográfico de la historia, y logrando todo un éxito de taquilla a nivel mundial. El filme marcó toda una época, y el éxito se repitió en la siguiente producción del cineasta: Hermano sol, hermana luna en 1973.

Tras ellos, Zeffirelli comienza una carrera bastante irregular donde sobresale su versión del clásico de King Vidor de 1931 El campeón (rodada en Hollywood), sus óperas llevadas al cine con resultados más que interesantes al lado de Plácido Domingo (La traviata y Otello) y la lujosa versión de Hamlet estrenada en 1990 y recibida con entusiasmo por el público.

Además, en 1977 produjo el ambicioso filme para cine y televisión llamado Jesús de Nazaret (1977), con una actuación muy convincente de Robert Powell y una duración de algo más de seis horas. Con un rutilante reparto de estrellas en papeles más o menos breves (Laurence Olivier, James Mason, Anthony Quinn, Anne Bancroft, Claudia Cardinale, Donald Pleasence, Fernando Rey, Olivia Hussey) es una de las versiones de la vida de Jesucristo más famosas de entre los 140 filmes que han pasado por la pantalla, muy bien ambientada, de mayor rigor histórico que la mayoría y está bastante desmitificada, lo que provoca el consenso en casi todos los credos cristianos y quizás resulte la más recurrente en los canales de televisión durante la Semana Santa, ya que, por ejemplo en Chile, se ha mostrado en televisión ininterrumpidamente en cada Semana Santa por más de 25 años.

En 1996, Zeffirelli da un giro en su carrera cinematográfica y comienza a bucear en otras inquietudes temáticas o estéticas, ofreciendo al público películas con repartos solventes, pero de más sobriedad y menor ambición artística: su versión de Jane Eyre merece interés, pero sus dos siguientes cintas se diluyen en guiones menos trabajados o certeros, y en puestas en escena más discutibles.

En 2004, el Presidente del Consejo, Silvio Berlusconi, le encomendó el diseño y supervisión de la escenografía en que se produjo, el 29 de octubre de ese mismo año, la firma solemne de la primera Constitución Europea, celebrada en la histórica Sala de los Horacios y Curacios del Capitolio romano. La decisión del Gobierno italiano resultó controvertida, pues Zeffirelli, nacionalista manifiesto, nunca se mostró un entusiasta de la integración europea. A pesar de todo, la puesta en escena resultó, a la vista de todos, espectacular.

Reconocimientos[editar]


Franco Zeffirelli en el 2008.
En noviembre de 2004 el Reino Unido le concedió el título de caballero honorario del Imperio Británico.
En 1999 recibe el premio «Globo de Cristal» por sus contribuciones artísticas excepcionales al arte del cine del mundo en el Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary.
La película de 1979 El campeón será recordada como la Película más triste del mundo según unos estudios científicos.1
En 2009 recibe el Premio Coliseo de la ciudad de Roma.
Filmografía[editar]
Callas Forever (2002), con Fanny Ardant y Jeremy Irons
Don Giovanni (2000)
Té con Mussolini (1999), con Joan Plowright, Cher, Maggie Smith...
Jane Eyre (1996), con Charlotte Gainsbourg, Anna Paquin, Geraldine Chaplin...
Il tabarro (Puccini) (1994)
Pagliacci (Leoncavallo) (1994)
Storia di una capinera (1993)
Hamlet (1990)
Turandot (1989), con Eva Marton y Plácido Domingo
Otello (1986) — ganador del premio BAFTA, a película en idioma diferente al inglés; protagonista Plácido Domingo
Tosca (1985)
Cavalleria rusticana (1982)
La bohème (1982)
La traviata (1982) — Nominada al Óscar, ganador del BAFTA, Dirección Artística; con Teresa Stratas y Plácido Domingo
Endless Love (1981)
El campeón (1979)
Jesús de Nazaret (1977), con Robert Powell, Olivia Hussey...
Hermano Sol, hermana Luna (1972) Basada en la vida de San Francisco de Asís
Romeo y Julieta (1968) Nominada al Óscar, director; con Olivia Hussey
The Taming of the Shrew (La mujer indomable, 1967)
La bohème (1965)
Falstaff (1964)
Camping (id., 1957)

Ha recibido 28 puntos

Vótalo:

JACQUES YVES COUSTEAU

26. JACQUES YVES COUSTEAU

Conservación Marina[editar] En octubre de 1960 una gran cantidad de desperdicios radioactivos iban a ser descargados en el mar por la Comunidad Europea de la Energía Atómica. Cousteau organizó una campaña publicitaria con la cual ganó amplio apoyo popular de la gente de ese entonces. El tren... Ver mas
Conservación Marina[editar]
En octubre de 1960 una gran cantidad de desperdicios radioactivos iban a ser descargados en el mar por la Comunidad Europea de la Energía Atómica. Cousteau organizó una campaña publicitaria con la cual ganó amplio apoyo popular de la gente de ese entonces. El tren que llevaba los desperdicios fue detenido por mujeres y niños sentados en las líneas del tren y fue enviado de vuelta a su lugar de origen. En noviembre de 1960, en Mónaco, una visita oficial del presidente francés Charles de Gaulle se convirtió en un debate sobre los sucesos de octubre de ese mismo año y sobre los experimentos nucleares en general. El embajador francés ya le había sugerido al Príncipe Raniero que evitara el tema, pero supuestamente el presidente le pidió a Cousteau, en una forma amigable, ser más comprensivo con las investigaciones nucleares, a lo cual Cousteau supuestamente le respondió: «No señor, son sus investigaciones las que deben ser más comprensivas con nosotros».

En 1973, junto con sus dos hijos, Jean-Michel Cousteau, Philippe Cousteau y Frederick Hyman, creó la Sociedad Cousteau para la protección de la vida oceánica, que llegó a tener más de 300.000 miembros.

En 1975, Cousteau descubrió los restos del naufragio del HMHS Britannic.

En 1977, junto con Sir Peter Scott, recibió el Premio Internacional sobre el Medio Ambiente, otorgado por las Naciones Unidas.

En 1985, se le concedió la Medalla Presidencial de la Libertad en los Estados Unidos, otorgada por Ronald Reagan.

En 1992, fue invitado a Río de Janeiro (Brasil), a la Conferencia Internacional de las Naciones Unidas por el Medio Ambiente y el Desarrollo, y desde entonces se convirtió en asesor para las Naciones Unidas y el Banco Mundial.

Legado[editar]
A Cousteau le gustaba definirse como un «técnico oceanográfico». Era en realidad un sofisticado director y amante de la naturaleza. Su trabajo le ha permitido a mucha gente explorar los recursos del «continente azul». Su trabajo también creó una nueva forma de comunicación científica, criticada en su momento por algunos científicos. El así llamado «divulgacionismo» , una forma simple de compartir conceptos científicos fue luego empleado en otras disciplinas y llegó a ser una de las características más importantes de la televisión moderna.

En 1975, el cantante de country-folk John Denver compuso la canción Calypso como un tributo a Cousteau y a su barco de investigación homónimo. La canción alcanzó la posición número uno del Billboard.

En 1992, y luego de casarse por segunda vez después de la muerte de su esposa Simone, compañera desde el comienzo de sus aventuras y quien le ofreciera todo su apoyo, se ve envuelto en una batalla legal con su hijo Jean-Michael sobre el uso del apellido Cousteau. Como resultado, la corte le ordenó a Jean-Michael Cousteau no crear confusión entre sus negocios con fines de lucro y las labores sin fines de lucro de su padre. Esta disputa familiar quedó resuelta poco antes de la muerte de Jacques Cousteau.

En 1990 el compositor francés Jean-Michel Jarre, produjo un disco titulado Waiting for Cousteau. De sus cuatro temas, tres se titulan Calypso (divididos como «parte 1», «parte 2» y «parte 3»), nombre del barco que Cousteau hizo célebre con sus documentales. El cuarto tema se titula como el disco mismo, Waiting for Cousteau, con una duración aproximada de unos 40 minutos.

El 25 de junio de 1997 Jacques-Yves Cousteau falleció a los 87 años. Su funeral, al que acudieron miles de personas, fue celebrado en la catedral de Notre-Dame en París. Sus cenizas fueron trasladadas al mausoleo familiar en Saint-André-de-Cubzac, su ciudad natal. La Sociedad Cousteau y su homólogo francés el Equipo Cousteau, los cuales fueron fundados por él, siguen activos en la actualidad.

Dentro del legado que Cousteau dejó al mundo, se cuentan:

Desveló la vida submarina a través de más de 115 documentales de televisión y películas (L'Odyssée sous-marine du Commandant Cousteau para la televisión o El mundo del silencio para el cine, entre otros).
Aportó al conocimiento de las especies marinas, su clasificación y comportamiento
Descubrió nuevas especies marinas
Fue el coinventor de la escafandra autónoma moderna junto al ingeniero Émile Gagnan
Adaptó las cámaras fotográficas al medio acuático
Fue un imaginativo y genial divulgador de la ciencia
Contribuyó a la medicina submarina
Fue un gran defensor y custodio del medio ambiente
Participó en el diseño de la turbovela, una tecnología que permite que un barco se desplace por medio de la energía eólica
Luchó por que la Antártida fuera consagrada a la paz y la ciencia, hoy mandato del Tratado Internacional y su Protocolo de Madrid
Datos complementarios[editar]
Broom icon.svg
Las secciones de curiosidades deben ser evitadas.
Puedes mejorar este artículo introduciendo la información útil de esta sección en el resto del texto y quitando los datos inapropiados.
El 17 de noviembre de 2009, el gobierno federal mexicano cambió el nombre de la isla mexicana de Cerralvo, ubicada en el Mar de Cortés, a Jacques Cousteau, como un homenaje al oceanógrafo, quien pasó largas temporadas explorando ese mar, al que llamó «el acuario del mundo». Sin embargo, debido a la falta de consulta con la población del litoral, hay creciente oposición ciudadana y legislativa al cambio de nombre.3 4
Su hijo Philippe Cousteau murió en 1979 a bordo de un PBY Catalina al estrellarse el aparato sobre el río Tajo.
Cousteau descubrió el HMHS Britannic, el tercer mayor transatlántico de la línea White Star Line, en su viaje a las islas griegas del mar Egeo.
En 1999, su hijo mayor, Jean-Michel Cousteau fundó la organización Ocean Futures Society dedicada a la protección de los océanos por medio de la educación. [1]
En 2012, el grupo catalán Els amics de les arts dio a conocer el sencillo Monsieur Cousteau, perteneciente a su álbum Espècies Per Catalogar, el cual hace referencia a Cousteau. El video musical está basado en su vestimenta frecuente (gorro rojo, camisa azul y lentes), también aparecen VHS en referencia a sus películas y documentales.
Carta de Derechos de las Generaciones Futuras[editar]
El oceanógrafo Jacques-Yves Cousteau, conocido por ser un gran divulgador científico, inventor y promotor ambiental, inició una cruzada ecológica ante diversos foros internacionales. Su propósito consistía en llamar la atención sobre los peligros a los que se enfrentarían las futuras generaciones ante el deterioro de nuestro planeta.

La preocupación del Comandante Cousteau le llevó a publicar en 1979 un documento que tituló “Carta de Derechos de las Generaciones Futuras” (“A Bill of Rights for Future Generations”) . Este documento contiene una serie de principios encaminados a la protección de los derechos de las futuras generaciones.

Como nos refiere el mismo Cousteau, el documento fue elaborado por la sociedad que lleva su nombre, con la ayuda de los profesores de Columbia E. Allan Farnsworth, reconocido turista estadounidense; Gabriel H. Nahas, médico de profesión; y el filósofo H. Standish Thayer, a quien el City College de Nueva York reconoció como profesor emérito. Con base en el trabajo producido por este pequeño grupo de profesionales de las más diversas ciencias, Cousteau pretendía que la Carta de Derechos de las Generaciones Futuras fuera adoptada por la AGNU. Para lograr dicho fin, la Sociedad Cousteau recabó nueve millones de firmas para respaldar la presentación del proyecto ante dicha organízacion en octubre de 1994. Latino América contribuyó con cinco millones de firmas, destacando Costa Rica con setecientas cincuenta mil firmas.

Si bien es cierto que el intento de Cousteau de establecer una Carta de Derechos de las Generaciones Futuras no estaba fundamentado sobre una base jurídica sólida, es importante mencionar que en el año en que publicó el documento ya existían una serie de instrumentos internacionales que hacían mención a la protección de las futuras generaciones. Las necesidades e intereses de las generaciones futuras ya se mencionaban además en diversos instrumentos normativos, entre ellos la Convención de la UNESCO para la Protección del Patrimonio Mundial, Cultural y Natural, cuya adopción en 1972, marcó un hito para el desarrollo del tema. La intención de abordar esta cuestión en dicho tratado internacional obedecía, entre otras cosas, al deseo de salvaguardar el patrimonio cultural mundial a fin de que pudiera transmitirse intacto a las generaciones futuras.

Podemos añadir que la Carta de Derechos de las Generaciones Futuras del “Capitán Planeta” tenía un giro eminentemente ambientalista y desde su primer artículo declaraba que nuestros sucesores tienen derecho a un planeta no contaminado y libre de daños. La solidaridad intergeneracional está plasmada en el artículo segundo del proyecto de Cousteau, en el cual se señala que cada generación tiene el deber de prevenir daños irreversibles e irreparables a la vida en la Tierra, así como a la vida y dignidad humana. Del tercer artículo de la Carta bien podría decirse que es un antecedente del principio precautorio en materia ambiental, ya que enfatiza que cada generación debe vigilar y evaluar los impactos desfavorables que las alteraciones y modificaciones tecnológicas pueden tener en la vida en la Tierra, el balance de la naturaleza y la evolución humana.

El deseo de Cousteau, consistente en la adopción de la Carta de Derechos de las Generaciones Futuras por la Asamblea General de las Naciones Unidas, no se cumplió. No obstante, la UNESCO prestó mayor atención a las demandas de Cousteau y para responder a ellas, en 1994, patrocinó una Reunión de Expertos organizada por el Instituto Triconental de la Democracia Parlamentaria y de los Derechos Humanos de la Universidad de La Laguna sobre los Derechos Humanos de las Generaciones Futuras. El 26 de febrero de ese año, la Reunión de Expertos, en la que participaron el Equipo Cousteau y un gran número de expertos de todo el mundo, culminó sus trabajos con la Declaración de los Derechos Humanos de las Generaciones Futuras o Declaración de La Laguna.



Predecesor:
Jean Delay Sillón 17 Academia Francesa
1988 - 1997 Sucesor:
Érik Orsenna

Ha recibido 27 puntos

Vótalo:

JAMES IVORY

27. JAMES IVORY

James Francis Ivory (Berkeley, California, Estados Unidos, 7 de junio de 1928) es un director de cine estadounidense. Biografía[editar] Más conocido como James Ivory, nació en Berkeley, California. Su película Una habitación con vistas, fue nominada en 1985 a 8 Óscares, ganando finalmente 3... Ver mas
James Francis Ivory (Berkeley, California, Estados Unidos, 7 de junio de 1928) es un director de cine estadounidense.

Biografía[editar]
Más conocido como James Ivory, nació en Berkeley, California. Su película Una habitación con vistas, fue nominada en 1985 a 8 Óscares, ganando finalmente 3, igualmente ganó un Globo de Oro y 2 premios BAFTA. En 1987, Maurice fue nominada a un Óscar y ganó 3 premios del Festival de Cine de Venecia. En el año 1992, su película Regreso a Howards End fue nominada a 10 Óscares, ganando finalmente 3 de ellos, igualmente ganó 1 Globo de Oro (mejor actriz) y 2 premios BAFTA (mejor actriz y mejor película). En 1993, Lo que queda del día fue nominada a otros 8 Óscares, no ganando finalmente ninguno.

Filmografía parcial[editar]
Año Película
2005 La condesa rusa
2003 Le divorce
2000 La copa dorada
1998 La hija de un soldado nunca llora
1996 Sobrevivir a Picasso
1995 Jefferson en París
1993 Lo que queda del día
1992 Regreso a Howards End
1990 Esperando a Mr. Bridge
1989 Slaves of New York
1987 Maurice (película)
1985 Una habitación con vistas
1984 Las bostonianas

Ha recibido 25 puntos

Vótalo:

LARS VON TRIER

28. LARS VON TRIER

Biografía[editar] Nació en Copenhague (Dinamarca) el 30 de abril de 1956. Lars von Trier fue uno de los creadores de Dogma 95, un movimiento cinematográfico con el cual se llama al regreso de historias más creíbles en la industria fílmica, al uso mínimo de los efectos especiales. Su... Ver mas
Biografía[editar]
Nació en Copenhague (Dinamarca) el 30 de abril de 1956.

Lars von Trier fue uno de los creadores de Dogma 95, un movimiento cinematográfico con el cual se llama al regreso de historias más creíbles en la industria fílmica, al uso mínimo de los efectos especiales.

Su primera película como graduado de la escuela de cine fue Forbrydelsens Element (El elemento del crimen). A pesar de alcanzar un mayor reconocimiento con películas como Europa, von Trier se consagró como uno de los directores de cine más importantes de Europa en 1996 con Rompiendo las olas.

Esta última producción, junto con Bailando en la oscuridad (donde actúan la cantante islandesa Björk, la actriz francesa Catherine Deneuve y el sueco Peter Stormare) y Los idiotas o Dogma #2, forma la trilogía Los corazones de oro. Von Trier ha venido preparando una nueva trilogía en torno a los Estados Unidos, cuya primera entrega fue Dogville de 2003, donde actúa la actriz australiana Nicole Kidman. La segunda parte, titulada Manderlay, se estrenó en 2005. La tercera aún no se ha estrenado, y el título será Washington.

Lars von Trier también se dedica a la pintura, y uno de sus cuadros se exhibe en la última planta del castillo de Hillerod, en Dinamarca. Refleja un universo casi monocromático y angustiante, como en sus películas.

Infancia e interés por el cine[editar]
Lars Von Trier se crío en un ambiente de cinefilos. Consiguió a la edad de 11 su primera cámara, una Super 8 con la que filmaba a sus amigos en producciones caseras y entró en la escuela de cine de Copenhague en la década de 1980. En 1981 y 1982 ganó varios premios en el Festival de Cine de Múnich por sus películas de estudiante.

En 1983, después de haberse graduado, estrenó su opera prima: El elemento del crimen (1984), con la que logró llamar la atención en el Festival de Cine de Cannes, donde recibió un premio por Logro Técnico.

Von Trier agregó “von” a su nombre cuando el profesor Gert Fredholm lo sorprendió junto con otros colegas de curso, en la sala de montaje, por la noche, y les recordó que era hora de cerrar; los alumnos respondieron increpándole hasta ponerlo fuera de sí. A los insultos, el profesor respondió diciendo; "sois peores que los niñatos de Sealand", con lo que se refería a los hijos de los burgueses de Copenhague. Y justo después les incitó a poner un "von" delante de sus apellidos, para que así todo el mundo los reconociera. Sus compañeros no le hicieron caso, pero para Lars el tener algo en común con los directores Erich von Stroheim y Josef von Sternberg le atraía, y decidió cambiar su nombre.

Lars von Trier continuó con su Trilogía Europa en 1987, con la película Epidemic, acerca de un director de cine –interpretado por él mismo- que trata de juntar dinero para hacer una película dentro de una película acerca de un virus que diezmaba a Alemania.

Después de Medea, realizada para la televisión danesa en 1988, von Trier culminó su trilogía europea con Europa en 1991, una comedia negra ubicada en la posguerra de la Segunda Guerra Mundial en Alemania. Europa consiguió llamar la atención de sus espectadores con el uso de superposiciones, proyección trasera y cambios dramáticos entre escenas en blanco y negro y color. Retitulada Zentropa para la versión estadounidense (para no ser confundida con la película Europa Europa) Europa le dio a von Trier el reconocimiento cinematográfico. Desilusionado por su tercer puesto en el Festival de Cannes, aceptó el premio con un agradecimiento al “enano” presidente del jurado Roman Polański.

Lars von Trier continuó experimentando con su visión fílmica a través de un proyecto de filmación llamado Dimensión, que constará de segmentos de tres minutos durante treinta años. Los resultados de esta película todavía están por verse.

Rebelado contra su pasado al enterarse, a través de su padre biológico, de la muerte de su madre y de que a su padre no le importaba von Trier, además de convertirse al catolicismo, terminó con el perfeccionismo de su trilogía europea. Por su honestidad, admiraba el trabajo iconoclasta de Carl Theodor Dreyer, con su castidad artística autoimpuesta. Fue así como se convirtió en el coautor de Dogma 95, al lado de Dane Thomas Vinterberg, con quien lanzó un llamado colectivo que exhorta al regreso de historias más creíbles en la industria fílmica sin el uso de los efectos especiales y centradas principalmente en un uso técnico mínimo.

Por este motivo, sus películas se ruedan con cámara al hombro, sólo en contadas ocasiones con una cámara fija. Una de las características fundamentales de este tipo de películas es que se utiliza la iluminación natural y el tipo de edición es imprevisto con algunas escenas y tomas, cortadas en medio del diálogo de los personajes, que no encajan con los tiempos, lo que les da un aspecto documental o informal, para crear un mayor realismo (sobre todo en momentos críticos), aspecto que la crítica puede considerar un método de abreviación.

En junio de 1989 Lars von Trier se describió a sí mismo en una entrevista como "un melancólico danés masturbándose en la oscuridad ante las imágenes de la industria del cine". A pesar de que buscaba una audiencia más amplia con películas de habla inglesa, consiguió, gracias a su éxito, la resurrección del cine escandinavo.

En 1992 Trier fundó su propio estudio, Zentropa (nombre proveniente de una compañía ferroviaria ficticia en su película Europa).

Trabajo en la televisión danesa[editar]
Lars von Trier también ha dirigido series para la televisión danesa: The Kingdom (Riget) y The Kingdom II, un par de miniseries, filmadas en 16 milímetros, acerca de un hospital embrujado. La muerte de Ernst-Hugo Jaregard en 1998 impidió que von Trier realizara la tercera versión de The Kingdom. Tal vez un relanzamiento llevado a cabo por el escritor Stephen King, basado en la serie de von Trier, titulado Stephen King’s Kingdom Hospital, llegue a las pantallas a través de la cadena norteamericana ABC.

Reconocimiento de la crítica por su punto de vista dramático[editar]
Por su película Rompiendo las olas, acerca del sacrificio de una mujer y su martirio sexual, se destacó con la intervención del cinematógrafo Robby Müller y el surgimiento de la nueva actriz Emily Watson, quien interpretó un papel intenso y de carácter simple, von Trier recibió el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cine de Cannes. La película estaba segmentada en capítulos coloreados, realizados por el pintor Pers Kirkeby. Emily Watson recibió una nominación al Óscar a la mejor actriz.

Después del éxito alcanzado por Celebración, de Vinterberg, von Trier presentó en 1988 su propio trabajo de Dogma con la película The Idiots, película rodada en video digital por la que logró llamar la atención al negarse a cortar una secuencia de desnudos para una escena de orgía y limitarse solamente a cubrir los genitales con barras negras. En 1999 von Trier se sintió ofendido cuando los productores realzaron los colores artificialmente para el lanzamiento en video, algo que iba en contra del movimiento del Dogma 95.

En 1999, después de haber sido el productor ejecutivo de una novela para la televisión de Dinamarca llamada Morten Korch, se embarcó en la realización de un drama musical; fue así como en 2000 realizó Dancer in the Dark, por la que recibió la Palma de Oro en Cannes por Mejor Película y Mejor Actriz para la cantante islandesa Björk, quien hizo el papel de Selma, una inmigrante checa que va perdiendo la vista.

Con Dancer in the Dark (Bailando en la oscuridad) von Trier pudo sorprender nuevamente al público con el uso de 100 cámaras digitales fijas, empleadas para las escenas de la canción de Björk I've Seen It All, las cuales transcurren en un tren en movimiento. Por otra parte, la canción fue nominada a un Óscar a la mejor canción en 2001.

Con Dancer in the Dark, von Trier inició su fijación por Estados Unidos, con lo que inició su nuevo proyecto: una trilogía sobre la sociedad estadounidense. La primera de las películas que conformaría esta trilogía fue Dogville (2003), que se rodó íntegramente en el interior de un hangar cerrado, con un decorado mínimo, y con marcas en el suelo para indicar muros y otros elementos de atrezzo. En ella, la actriz australiana Nicole Kidman encarna el papel de Grace, una mujer que está escapando de un pasado misterioso.

En Manderlay, segunda parte de la trilogía, von Trier lleva a Grace, en esta ocasión interpretada por al actriz Bryce Dallas Howard, hasta una plantación explotada por esclavos, y vuelve a hacer hincapié en la vida de un grupo de personajes que sufren y son humillados continuamente por una sociedad individualista impulsada por el egoísmo, el poder y los intereses personales.

En el Festival de Cannes de 2009 presenta Antichrist, polémica película protagonizada por Willem Dafoe, que recibe duras críticas por sus escenas de sexo y automutilación.

La última de las películas de la trilogía Estados Unidos: tierra de oportunidades será Washington.

En cuanto a sus trabajos a partir de 2010, Melancolía es un drama psicológico sobre el fin del mundo, protagonizado por Kirsten Dunst. La película se estrenó en el Festival de Cannes de 2011 con una acogida bastante buena, a pesar de la polémica que despertaron las declaraciones del director danés sobre su postura con respecto a la ideología nazi.

Von Trier anunció que, después de Melancolía, comenzaría la producción de Nymphomaniac, una película sobre el despertar sexual de una mujer (interpretada por Charlotte Gainsbourg, quien apareció también en Melancolía).

Una peculiaridad acerca de von Trier es que tiene aviofobia (pánico a volar), y por este motivo jamás ha salido más allá de lo que se lo permiten las carreteras, lo que ha dificultado su trabajo en las ocasiones en las que sus películas se basan en territorios extranjeros como los Estados Unidos, para lo cual siempre ha recurrido a emplazamientos en Dinamarca y sus alrededores.

Polémicas[editar]
El 19 de mayo de 2011, el Festival de Cannes declaró al cineasta "persona non grata", con su consiguiente expulsión del festival. La polémica se desató después de que von Trier afirmó: "Comprendo a Hitler...creo que hizo algunas cosas malas, sí, pero simpatizo un poco con él. Puedo verlo sentado en su bunker al final. No fue lo que llamaríamos un buen tipo, pero lo entiendo bastante y simpatizo un poco con él. Pero no estoy con la Segunda Guerra Mundial, y no estoy en contra de los judíos. No, ni siquiera contra Susanne Bier. Los aprecio mucho. Bueno, no demasiado, porque Israel es un dolor en el trasero. ¿Cómo escapo de esta frase? Ok, soy nazi".[1].

Las declaraciones las hizo el día 19 de mayo de 2011 por la mañana. Esa misma tarde emitió un comunicado público en el que pedía disculpas: "Si he herido a alguien con mis palabras de esta mañana en la rueda de prensa, le pido disculpas sinceramente [...] No soy antisemita, ni tengo prejuicios raciales de ningún tipo, ni soy nazi."

Posteriormente declaró a la prensa que todo fue una "broma muy pesada", y que en la rueda de prensa un periodista francés ubicado en Cannes, debido según el cineasta a su "mal inglés", le hizo una pregunta que quizá interpretó mal, argumentando que «yo mismo soy judío, tengo amigos judíos y hacemos bromas entre nosotros».

Filmografía[editar]
Ochidégartneren (The Orchid Gardener) (dirección, guion, edición, cinematografía, actuación en el papel de Victor Morse) (1977)
Menthe – la bienheureuse (dirección, guion, edición, cinematografía, actuación en el papel del conductor) (1979)
Nocturne (dirección y guion) (1980 – 1981)
Den Sidste Detalje (The Last Detail) (dirección) (1981)
Befrielsesbilleder (Image of relief) (dirección y guion) (1982)
Forbrydelsens Element (El elemento del crimen)] (dirección, guion, actuación como Schmuck of Ages, operador de cámara de la segunda unidad) (1984, primera parte de la trilogía Europa)
Epidemic (dirección, guion, edición, actuación como Lars/Dr. Mesmer) (1987, segunda parte de la trilogía Europa)
Medea (dirección y guion) (1988) (TV)
Europa (dirección, guion, guion de filmación, actuación como judío, tercera parte de la trilogía Europa)
Riget (The Kingdom) (dirección, guion, actuación como él mismo) (1994) (miniserie de televisión)
Rompiendo las olas (dirección y guion) (1996, primera parte de la trilogía Golden Heart)
Riget II (The Kingdom II) (dirección, guion, actuación como él mismo) (1997) (miniserie de televisión)
Idioterne (The Idiots) (dirección, guion, cinematografía, actuación: voz de entrevistador) (1998, segunda parte de la trilogía Golden Heart)
D-dag (dirección) (2000) (televisión)
D-dag – Lise (dirección) (2000) (televisión)
Bailando en la oscuridad (dirección, guion, operador de cámara, letra de canciones: Cvalda, In The Musicals; con Björk, Mark Bell, Sjón; I’ve Seen It All, Scatterheart, 107 Steps y New World, con Björk y Sjón) (2000, tercera parte de la trilogía Golden Heart)
D-dag - Den færdige film (D-dag - Editors Cut) (dirección) (2001)
D-dag – Den færdige film (D-dag – Editors Cut) (dirección) (2001) (televisión)
Dogville (dirección, guion, operador de cámara) (2003) (primera parte de la trilogía U.S.A.)
De Fem Benspænd (´Las cinco condiciones´, con segmentos de la película The Perfect Human: Avedøre, Denmark) (dirección, guion, actuación, como el Obstructor) (2003)
Manderlay (dirección, guion) (2005) (segunda parte de la trilogía U.S.A.)
El jefe de todo esto (Direktøren for det hele) (2007)
Anticristo (2009) (primera parte de la Trilogía de la depresión)
Washington (no ha sido producida hasta ahora, tercera parte de la trilogía U.S.A.)
Melancolía (2011) (segunda parte de la Trilogía de la depresión)
Nymphomaniac (2013) (tercera parte de la Trilogía de la depresión)
Filmografía como colaborador[editar]
Hemmelig Sommer (actuación como Lars Trier) (1969)
Kaptajn Klyde og hans venner vender tilbage (actuación como Lars Trier) (1980)
En Verden til forskel (A World of Difference) (actuación como taxista) (1989)
Lærerværelset (guion) (1994) (miniserie de televisión)
I Am Curious (como él mismo) (1995)
Tranceformer - A Portrait of Lars von Trier ( (1997)
Kvinnan i det låsta rummet (agradecimiento) (1998) (miniserie de televisión)
Hela härligheten (Love Fools) (agradecimiento) (1998)
Constance (coproductor ejecutivo) (sin créditos) (1998). Versión danesa: Constance - uddrag fra en ung piges dagbog (versión erótica)
De Ydmygede (The Humiliated) (como él mismo) (1998)
Lars from 1-10 (como él mismo) (1998)
Pink Prison (coproductor ejecutivo) (sin créditos) (1999)
I Lars von Triers rige (como él mismo) (1999) (televisión)
Store Klaus og lille Lars (como él mismo) (1999) (serie de televisión)
Morten Korch - Solskin kan man altid finde (como él mismo) (1999)
Kopisten (The Copier) (como él mismo) (1999)
Foot on the Moon (como él mismo) (1999)
D-dag - Instruktørene (aparece dirigiendo) (2000) (televisión)
D-dag - Boris (asistente de dirección) (2000) (televisión)
D-dag - Carl (asistente de dirección) (2000) (televisión)
D-dag - Niels-Henning (asistente de dirección) (2000) (televisión)
Von Trier's 100 øjne (Von Trier's 100 Eyes) (como él mismo) (2000)
The Name of this Film Is Dogme 95 (como él mismo) (2000)
100 Cameras: Capturing Lars Von Trier's Visión (como él mismo) (2000)
HotMen CoolBoyz [Coproductor ejecutivo] (sin créditos) (2000)
De Udstillede (The Exhibited) (guion, aparición como él mismo) (2000)
Digtere, divaer og dogmebrødre (como él mismo) (2001) (miniserie de televisión. Episodio 1.8 “2000”) (archivo fílmico)
The 2001 IFP/West Independent Spirit Awards (como él mismo) (2001) (televisión)
De Lutrede (The Purified) (como él mismo) (2002)
Wilbur quiere suicidarse (consultor de guion) (2002)
Trier, Kidman og Cannes (como él mismo) (2003) (televisión)
Dogville Confessions (agradecimiento, aparición como él mismo) (2003)
A Boy Named Joshua (aparece como él mismo) (2004)
Dear Wendy (guion) (2004)
Kingdom Hospital (guion de personajes) (2004) (serie de televisión)
All About Anna (coproductor ejecutivo) (sin créditos) (2005)
Apariciones como invitado en televisión[editar]
Mens vi venter på kometen [papel de él mismo. Episodio #1.5] (2001)

Ha recibido 25 puntos

Vótalo:

DINO RISI

29. DINO RISI

Dino Risi (Milán, 23 de diciembre de 1916 – Roma, 7 de junio de 2008) fue un director de cine italiano. Junto a Mario Monicelli, Luigi Comencini, Nanni Loy y Ettore Scola, fue uno de los llamados maestros de la comedia a la italiana. Es hermano de Nelo Risi. Risi quedó huérfano de niño, y fue... Ver mas
Dino Risi (Milán, 23 de diciembre de 1916 – Roma, 7 de junio de 2008) fue un director de cine italiano. Junto a Mario Monicelli, Luigi Comencini, Nanni Loy y Ettore Scola, fue uno de los llamados maestros de la comedia a la italiana. Es hermano de Nelo Risi.

Risi quedó huérfano de niño, y fue criado por familiares y amigos de la familia. Estudió medicina, y se epecializó en psiquiatría.

Se convirtió en un respetado director de cine tras el éxito de la película Pane, amore e... (1955), secuela de Pane, amore e fantasia y Pane, amore e gelosia, ambas dirigidas por Comencini.

Entre sus películas más célebres se encuentran Poveri ma belli, Una vita difficile, Il sorpasso; I Mostri y Profumo di donna, la cual tuvo una versión moderna protagonizada por Al Pacino en 1992.

En 2002, obtuvo el premio León de Oro a la trayectoria ("Leone d'oro alla carriera") en el Festival de Cine de Venecia. Era ateo.

Filmografía[editar]
Vacanze col gangster (1952)
Il viale della speranza (1953)
L'amore in città (episodio "Paradiso per 4 ore", 1953)
Il segno di Venere (1955)
Pane, amore e... (1955)
Poveri ma belli (1956)
La nonna Sabella (1957)
Bella ma povere (1957)
Venezia, la luna e tu (1958)
Il vedovo (1959)
Poveri milionari (1959)
Il mattatore (1959)
Un amore a Roma (1960)
A porte chiuse (1961)
Una vita difficile, 1961)
Il sorpasso, 1962)
La marcia su Roma, 1962)
Il giovedì (1963)
I mostri (1963)
Le bambole (episodio "La telefonata", 1965)
Un italiano en la Argentina (1965)
I complessi (episodio "Una giornata decisiva", 1965)
L'ombrellone (1966)
I nostri mariti (episodio "Il marito di Attilia", 1966)
Operazione San Gennaro (1966)
Il Tigre (1967)
Straziami, ma di baci saziami (1968)
Il profeta (1968)
Vedo nudo (1969)
Il giovane normale (1969)
In nome del popolo italiano (1971)
La moglie del prete (1971)
Noi donne siamo fatte così (1971)
Mordi e fuggi (1973)
Sessomatto (1973)
Perfume de mujer (1974)
The Career of a Chambermaid (1976)
Anima persa (1977)
La stanza del vescovo (1978)
I nouvi mostri (episodios "Con i saluti degli amici", "Tantum ergo", "Pornodiva", "Mammina mammona" y "Senza parole", 1978)
Primo amore (1978)
Caro papà (1979)
Sono fotogenico (1980)
I seduttori della domenica (episodio "Roma", 1980)
Fantasma d'amore (1981)
Sesso e volentieri (1982)
...e la vita continua (TV, 1984)
Dagobert (1984)
Scemo di guerra (1985)
Teresa (1987)
Il commissario Lo Gatto (1987)
Il vizio di vivere (1989)
Tolgo il disturbo (1990)
Giovani e belli (1996)
Esercizi di stile (episodio "Myriam", 1996)

Ha recibido 23 puntos

Vótalo:

PIER PAOLO PASOLINI

30. PIER PAOLO PASOLINI

Biografía[editar] Pasolini nació en Bolonia, ciudad de tradición política izquierdista, pero de niño le llevaron por numerosas ciudades. Según dijo, él era hijo de una familia representativa de la unidad italiana: "Mi padre desciende de una antigua familia noble de la Romaña; mi madre, por... Ver mas
Biografía[editar]
Pasolini nació en Bolonia, ciudad de tradición política izquierdista, pero de niño le llevaron por numerosas ciudades.

Según dijo, él era hijo de una familia representativa de la unidad italiana: "Mi padre desciende de una antigua familia noble de la Romaña; mi madre, por el contrario, procede de una familia de campesinos friulanos que alcanzaron la condición pequeño-burguesa. La madre de mi madre era piamontesa, pero con vínculos con Sicilia y la región de Roma".1 Se recuerda que su padre fue un soldado que se hizo famoso por salvar la vida de Benito Mussolini, cuando el joven Anteo Zamboni atentó contra su vida.

Pasolini empezó a escribir poemas a los siete años de edad y publicó por primera vez a los 19 mientras se encontraba estudiando en la Universidad de Bolonia.

Fue reclutado durante la Segunda Guerra Mundial; capturado por los alemanes, logró escapar.

Al finalizar la guerra, se unió al Partido Comunista Italiano en Ferrara, pero fue expulsado dos años después a causa de su homosexualidad.

Fallecimiento[editar]
Fue asesinado el 2 de noviembre de 1975, en circunstancias aún no aclaradas completamente.

Obra literaria[editar]
En 1957 publicó los poemas de Le ceneri di Gramsci (Las cenizas de Gramsci, Premio Viareggio de 1957) y al año siguiente L'usignolo della Chiesa cattolica (El ruiseñor de la Iglesia católica). En 1960 dio a la imprenta los ensayos Passione e ideología, y en 1961 otro libro de versos, La religione del mio tempo.

Se destacan los ensayos Sobre la poesía dialectal (1947), La poesía popular italiana (1960) y Escritos corsarios (1975); las antologías Poesía dialectal del siglo XX (1955) y Antología de la poesía popular (1955).

Por otro lado, son fundamentales sus obras poéticas: La mejor juventud (1954), Las cenizas de Gramsci (1957), La religión de mi tiempo (1961) y Poesía en forma de rosa (1961–1964).

Asimismo destacan en la literatura italiana de posguerra sus novelas Muchachos de la calle (1955), Una vida violenta (1959) y Mujeres de Roma (1960), y los dramas Orgía (1969) y Calderón (1973).

Su obra poética, igual que su obra ensayística y periodística, polemiza con el marxismo oficial y el catolicismo, a los que llamaba «las dos iglesias» y les reprochaba no entender la cultura de sus propias bases proletarias y campesinas. Juzgaba asimismo que el sistema cultural dominante, sobre todo a través de la televisión, creaba un modelo unificador que destruía las culturas más ingenuas y valiosas de las tradiciones populares.

Obra[editar]
Teatro[editar]
Orgía (1968)2
Porcile3
Calderón (1973)4
Pilade (1973)5
Affabulazione (1977, póstumo)6
Bestia da stile (1977, póstumo)7
Poesía[editar]
Poesie a Casarsa, Libreria Antiquaria Mario Landi, Bolonia 1942.
Poesie, Stamperia Primon, San Vito al Tagliamento 1945.
Diarii, Pubblicazioni dell'Academiuta, Casarsa 1945
I pianti, Pubblicazioni dell'Academiuta, Casarsa 1946.
Dov'è la mia patria, con 13 disegni di G. Zigaina, Edizioni dell'Academiuta, Casarsa 1949.
Tal còur di un frut, Edizioni di Lingua Friulana, Tricesimo 1953 (nueva edición, a cargo de Luigi Ciceri, Forum Julii, Udine 1974).
Dal diario (1945-47), Sciascia, Caltanissetta 1954.
La meglio gioventù, Sansoni, Florencia 1954.
Il canto popolare, Meridiana, Milán 1954.
Le ceneri di Gramsci, Garzanti, Milán 1957 Edición, traducción y notas de Stéphanie Ameri y Juan Carlos Abril, Las cenizas de Gramsci, Madrid: Visor, 2009, ISBN 978-84-9895-732-7.
L'Usignolo della Chiesa Cattolica, Longanesi, Milán 1958
Roma 1950. Diario, All'insegna del pesce d'oro (Scheiwiller), Milán 1960.
Sonetto primaverile (1953), Scheiwiller, Milán 1960.
La religione del mio tempo, Garzanti, Milán 1961
Poesia in forma di rosa (1961-1964), Garzanti, Milán 1964.
Poesie dimenticate, al cuidado de Luigi Ciceri, Società filologica Friulana, Udine 1965.
Trasumanar e organizzar, Garzanti, Milán 1971.
La nuova gioventù. Poesie friulane 1941-1974, Einaudi, Turín 1975.
Le poesie: Le ceneri di Gramsci, La religione del mio tempo, Poesia in forma di rosa, Trasumanar e organizzar; Garzanti, Milán 1975.
Bestemmia. Tutte le poesie, 2 vols., a cargo de Graziella Chiarcossi y Walter Siti, Garzanti, Milán 1993 ).
Poesie scelte, editados por Nico Naldini y Francesco Zambon, TEA, Milán 1997.
Tutte le poesie, 2 vols., a cargo de W. Siti, Mondadori, Milán 2003.
Narrativa[editar]
Ragazzi di vita, Garzanti, Milán 1955. Se rodó una película basada libremente en el argumento de la novela. Se tituló La noche brava (La notte brava),8 y fue dirigida por Mauro Bolognini en 1959.9
Una vita violenta, Garzanti, Milán 1959.
L'odore dell'India, Longanesi, Milán 1962.
Il sogno di una cosa, Garzanti, Milán 1962.
Alì dagli occhi azzurri, Garzanti, Milán 1965.
Teorema, Garzanti, Milán 1968.
La Divina Mimesis, Einaudi, Turín 1975.
Amado mio, Garzanti, Milán 1982.
Petrolio, Einaudi, Turín 1992.
Un paese di temporali e di primule, Guanda, Parma 1993 .
Storie della città di Dio. Racconti e cronache romane (1950-1966), Einaudi, Turín 1995.
Ensayos[editar]
Passione e ideologia (1948-1958), Garzanti, Milán 1960.
Empirismo eretico, Garzanti, Milán 1972.
Scritti corsari, Garzanti, Milán 1975. >> Escritos corsarios, 2009
Volgar'eloquio, ed. por Antonio Piromalli y Domenico Scafoglio, Athena, Nápoles, 1976
Lettere luterane, Einaudi, Turín, 1976.
Descrizioni di descrizioni, a cargo de Graziella Chiarcossi, Einaudi, Turín 1979 .
Il Portico della Morte, a cargo de Cesare Segre, «Associazione Fondo Pier Paolo Pasolini», Garzanti, Milán 1988.
I film degli altri, ed. por Tullio Kezich, Guanda, Parma 1996.
Poesia dialettale del Novecento,ed. por Mario Dell'Arco y Pier Paolo Pasolini, introd. Pasolini, Guanda, Parma 1952.
Canzoniere italiano. Antologia della poesia popolare, ed. por Pier Paolo Pasolini, Guanda, Parma 1955.
Pier Paolo Pasolini e il setaccio 1942-1943, ed. por Mario Ricci, Cappelli, Bolonia 1977,
Saggi sulla letteratura e sull'arte, 2 vols., ed. por Walter Siti y Silvia De Laude, Mondadori, Milán, 1999.
Saggi sulla politica e sulla società, Walter Siti y Silvia De Laude, Mondadori, Milán 1999.


Obra cinematográfica[editar]
Pier Paolo Pasolini
Pier Paolo Pasolini.jpg
Nacimiento Bandera de Italia Bolonia, Emilia-Romagna, Reino de Italia
5 de marzo de 1922
Fallecimiento Bandera de Italia Ostia, Roma, Italia
2 de noviembre de 1975
(53 años)
Nacionalidad Italiano
Ocupación Director, escritor, poeta, filósofo,
Años activo/a 1961-(†) 1975
Características físicas
Estatura 1,67 m
Sitio oficial
Ficha en IMDb
Se inició en 1961 como director, y al poco tiempo creó una suerte de segundo Neorrealismo, explorando los aspectos de la vida cotidiana, en un tono cercano al de la Commedia dell'arte, centrando su mirada en los personajes marginales, la delincuencia y la pobreza que arrastra Italia desde la posguerra, y estableciendo un estilo narrativo y visual en el que priman el patetismo y la ironía sobre el humor grueso y a veces sórdido de sus historias.

Debuta en 1961 con una película en clave neorrealista pero que abarca mucho más y sorprende a la crítica: Accattone, en la que inicia su relación personal y profesional con uno de sus actores fetiche (Franco Citti), quien, junto a su hermano Sergio Citti, había sido alumno de Pasolini cuando era profesor. Su segunda película, Mamma Roma (1962), es una obra ya plenamente neorrealista que se convierte casi desde su estreno en una de las cumbres del cine italiano de los 60, y que cuenta con una de las interpretaciones más aplaudidas de la memorable actriz Anna Magnani. Con El Evangelio según San Mateo (1964), Pasolini rompe con su trayectoria anterior (recordemos que Pasolini era un reconocido ateo, y que en 1963 fue condenado a 4 meses de cárcel por sus posiciones anticlericales en el film Ro.Go.Pa.G.), aunque no traiciona sus obsesiones personales ni las constantes de su cine, al presentar el pasaje bíblico en una lectura marxista (consecuentemente con su ideología de izquierda), y lo irónico es que el propio Vaticano en el año 1999 declarará ésta como una de las mejores películas del siglo XX en su retrato de las escrituras y de la figura de Jesús.[cita requerida]

Pajaritos y pajarracos (1966) es una de sus mejores obras (pese a las ya magníficas dos anteriores). Parábola política y humanística, inmortalizó al entrañable actor cómico Totó en una inolvidable creación, y es un film donde la música se hace protagonista de un modo único. Edipo Rey (1967), fue la primera cinta con guion ajeno, la famosa obra teatral de Sófocles, llevada al cine ese mismo año en una versión inglesa de menor repercusión comercial que ésta, que contaba entre su reparto con la maravillosa Silvana Mangano y uno de los actores favoritos del director, Laurent Terzieff. Teorema, estrenada en 1968, supone la consagración internacional de Pasolini, dotándole de un prestigio que incluso atrapó al público mayoritario. En ésta, sobresalen los trabajos de Terence Stamp y Laura Betti enmarcados ambos en una atmósfera sórdido-sensual que levantó algunas ampollas en su tiempo. Pocilga (1969), fue una de sus obras más crudas y realistas, de enorme polémica en su momento, se la consideró degradante, provocadora y obscena, lo que no evitó bastante éxito en los cines europeos. Medea (1970), con la diva Maria Callas entre el reparto, supone su segunda y mejor actualización-revisión-adaptación de una obra teatral de la Grecia clásica —esta vez de Eurípides—.

Los años 1970 se inician con la llamada Trilogía de la vida (integrada por El Decamerón, 1971; Los cuentos de Canterbury, 1972; y Las mil y una noches, 1974). Pasaron por los festivales de cine de Cannes, Berlín o Venecia con éxito crítico-comercial y definieron la deriva del último Pasolini hacia propuestas más libres y menos narcisitas (pese a que esta trilogía enseña prácticamente lo contrario de cara al espectador). En 1971 aparece un curioso film con el título de Los cuentos de Pasolini, dirigido por Sergio Citti, que aprovecha el tirón comercial del italiano y de Ninetto Davoli (su otro actor fetiche) de cara a la taquilla. Un poco antes, en 1970, había aparecido otro film que «copiaba» el estilo pasoliniano y «adoptaba» a alguno de sus actores: Ostia, dirigido por Sergio Citti y guionizado por Pasolini.

La carrera del cineasta se trunca cuando, en 1975, se estrena en los cines un film que convulsiona a toda la sociedad italiana y hace que el autor sea objeto de multitud de amenazas de muerte y presiones incluso políticas: Salò o los 120 días de Sodoma, en la que Pier Paolo adopta un tono autocrítico hacia algunos pasajes de su obra anterior y en la que adapta al Marqués de Sade con toda crudeza y con la mayor libertad con la que un creador se haya dotado a sí mismo nunca, desdibujando los límites convencionales y cinematográficos que encierran el erotismo, pornografía, expresión, sadismo, provocación y degradación humanas.

Esto no evitó que, a raíz de este último film y en circunstancias aún no del todo aclaradas, Pasolini muriera asesinado a manos de un joven marginal, que lo embistió con su propio coche, en el balneario popular de Ostia. Era para entonces un intelectual ampliamente reconocido y gozaba de una posición económica acomodada pero, como se ha comentado, la polémica que le rodeó en vida se agudizó en los últimos tiempos, y la Italia «oficial» de la época acabó por hacerle pagar. Así, durante las primeras investigaciones, las declaraciones del presunto asesino acerca de que lo había matado debido a que el director le proponía tener relaciones sexuales, no convencieron a toda Italia y siempre flotaron en el ambiente las teorías de que ciertas personas poderosas del gobierno deseaban muerto al director debido a las críticas que hacía continuamente a través de sus películas, sus libros y sus discursos políticos a la vez que el día de su asesinato desconocidos lo habían llamado para chantajearlo y devolverle rollos con escenas inéditas de Salò.10 11 12 13 14

La noche antes de morir dio una entrevista, hoy famosa, a Stampa Sera, en la que recuerda el peligro del fascismo: intervista di Furio Colombo a Pier Paolo Pasolini.

En abril de 2005, unas nuevas declaraciones del supuesto asesino, quien aseguraba que fueron en realidad tres jóvenes los que le quitaron la vida a Pasolini aquella fatídica noche de noviembre de 1975, provocaron que un amplio sector del entorno político y cultural de Italia pidiese la reapertura del caso para esclarecer el crimen.

Tras su muerte, se han realizado diversos homenajes y películas documentales que analizan su figura desde distintas percepciones, tanto biográficas al uso como ensayísticas sobre su repercusión a nivel internacional, su eco en el cine posterior, la verdadera dimensión de su universo personal, etc., no estrenadas en los cines españoles pero si vistas en alguna TV europea (RAI, Canal +). Entre las obras literarias realizadas en los últimos años sobre el director destaca el ensayo El consumismo: Pasolini en nuestros días, escrito por Miguel Suárez del Cerro, y que fue seleccionado entre los cinco mejores ensayos de 2013 en la categoría de menores de 29 años por la Fundación para el Progreso UNIR.

Filmografía[editar]
1961 — Accattone
1962 — Mamma Roma
1963 — Ro.Go.Pa.G. (fragmento La Ricotta)
1963 — La rabbia
1963 — Sopralluoghi in Palestina per il Vangelo secondo Matteo. Su traducción en español sería Reconocimiento de localizaciones en Palestina para la película El Evangelio según San Mateo.15 Se trata de un documental rodado en 1963 en Tierra Santa cuando Pasolini estaba buscando localizaciones para su película El Evangelio según san Mateo Nunca llegó a tener exhibición comercial.15
1964 — El Evangelio según San Mateo (Il Vangelo secondo Matteo)
1965 — Il padre selvaggio (corto)
1965 — Comizi d'amore
1966 — Pajaritos y pajarracos (Uccellacci e uccellini)
1967 — Las brujas (Le streghe) (fragmento La Terra vista dalla Luna)
1967 — Edipo rey (Edipo re)
1967 — Teorema
1968 — Capriccio all'italiana (fragmento Che cosa sono le nuvole?)
1969 — Appunti per un film sull'India
1969 — Amor y rabia (Amore e rabbia) (fragmento La sequenza del fiore di carta)
1969 — Pocilga (Porcile)
1969 — Medea
1970 — Appunti per un romanzo dell'immondeza
1970 — Appunti per un'Orestiade africana
1971 — El Decamerón (Il Decameron)
1971 — Le mura di Sana'a
1972 — Dodici dicembre
1972 — Los cuentos de Canterbury (I racconti di Canterbury)
1974 — Pasolini e... la forma della città
1974 — Las mil y una noches (Il fiore delle Mille e una notte)
1975 — Saló o los 120 días de Sodoma (Salò o le 120 giornate di Sodoma)
Obras sobre Pasolini[editar]
1971 Pier Paolo Pasolini: A Film Maker's Life (cortometraje) (documental), dirigida por Carlo Hayman-Chaffey
1973 The British Showbiz Awards (episodio de la serie de TV: "Monty Python's Flying Circus"), dirigida por Ian MacNaughton
1991 Ostia (cortometraje), dirigida por Julian Cole
1993 Un uomo fioriva: Pier Paolo Pasolini (documental), dirigida por Enzo Lavagnini
1995 Pasolini, un delitto italiano, dirigida por Marco Tullio Giordana
1996 Nerolio, dirigida por Aurelio Grimaldi
2002 Un mondo d'amore, dirigida por Aurelio Grimaldi
2004 Vie et mort de Pier Paolo Pasolini (TV), dirigida por Cyril Legann y Antoine Soltys
2005 Il delitto Pasolini, novela gráfica de Gianluca Maconi.
2006 Pasolini prossimo nostro, (documental), dirigida por Giuseppe Bertolucci
2006 Vida y muerte de Pier Paolo Pasolini, obra teatral de Michel Azama.
2009 Pasolini en forma de rosa, obra teatral de Pedro Víllora.
2009 Il Cristo dell'eresia. Sacro e censura nel cinema di Pier Paolo Pasolini", monografía crítica de Erminia Passannanti.
2009 La ricotta. Il Sacro Trasgredito", monografía crítica de Erminia Passannanti.
2013 El consumismo: Pasolini en nuestros días, ensayo de Miguel Suárez del Cerro.

Ha recibido 23 puntos

Vótalo:

CHRISTOPHER NOLAN

31. CHRISTOPHER NOLAN

Biografía[editar] Primeros años[editar] Hijo de padre inglés y de madre estadounidense, Nolan nació en Londres, donde empezó a realizar películas a la edad de siete años usando la cámara Súper 8 de su padre y sus juguetes como personajes. Fue educado en Haileybury College, una escuela... Ver mas
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Hijo de padre inglés y de madre estadounidense, Nolan nació en Londres, donde empezó a realizar películas a la edad de siete años usando la cámara Súper 8 de su padre y sus juguetes como personajes. Fue educado en Haileybury College, una escuela independiente en Hertfordshire, Inglaterra, después estudió literatura inglesa en la University College de Londres, mientras tanto realizó varios cortometrajes en una escuela de cine. Su corto Tarantella fue proyectado en Image Union, una exhibición de cine independiente en PBS, en 1989. Otro de sus cortos, Larceny, fue proyectado durante el Cambridge Film Festival en 1996. Otro de sus más notables cortos fue Doodlebug, protagonizado por el actor Jeremy Theobald, quien luego también aparecería en Following, el primer largometraje de Chistopher.

Carrera artística[editar]
La primera experiencia de Nolan como director fue en la cinta Following2 de 1998, en la cual se describe a un escritor obsesionado con el seguimiento a otras personas, destaca el hecho de hacer este film durante varios fines de semana mientras aún cursaba sus estudios universitarios y el hecho de que muchos de sus compañeros hagan apariciones en la película. Acto seguido, vendría la aclamada Memento del año 2000, una cinta en la cual Nolan experimenta con el hilo narrador de la historia fragmentándola y alterando el habitual modo de contar las películas, valiéndose de Flashbacks y otros recursos fílmicos. Memento fue hecha a partir de un escrito de su hermano menor Jonathan Nolan y lo puso en boca de todos en el circuito Hollywoodiense. Después de ello, llegaría Insomnia (2002) donde dirige al aclamado Al Pacino, quien comparte cartel junto a Robin Williams y Hilary Swank. La buena recepción de ésta, fue la que a la postre le permitió negociar con la Warner Bros. el re-boot del clásico héroe de cómic Batman, después de que la franquicia hubiese quedado muy maltrecha tras los fallidos intentos de Joel Schummacher a finales de los 90. Batman Begins, The Dark Knight y The Dark Knight Rises constituyen las tres películas que Nolan ha hecho sobre el personaje de DC Comics. La primera sitúa al protagonista, interpretado por Christian Bale, en lo que será su papel como guardián de Gotham City. En la segunda parte se introduce su prueba de fuego al enfrentarse a Joker, interpretado por el fallecido Heath Ledger. La tercera parte, The Dark Knight Rises, introduce un nuevo enemigo: Bane, interpretado por Tom Hardy que amenaza a Gotham City de manera implacable. Ésta última entrega pondrá fin a la relación de Nolan como director del héroe de Gotham.

Entre Batman Begins y The Dark Knight, en el año 2007, Christopher y Jonathan escribieron el guion de The Prestige, adaptando la obra original de Christopher Priest, una película ambientada a principios del Siglo XX, que cuenta la historia de dos magos rivales que buscan la destrucción del otro a cualquier precio. Actuaron Hugh Jackman y Christian Bale, nuevamente con la participación de Michael Caine. En 2010 estrenó Inception, una película que trata el tema de los sueños. En esta ocasión trabajó con Leonardo DiCaprio, y le valió su primera nominación por una película en los Premios Oscar. Se casó con la productora Emma Thomas en 1997. Tienen cuatro hijos juntos y residen en Los Ángeles, California. En su penúltima película (The Dark Knight) innovó con el uso de las cámaras de alta definición IMAX para las escenas de acción (sin precedentes conocidos, pues son habituales como planos fijos en documentales). Vanity Fair publicó la lista de las Top 40 celebridades de Hollywood con más ingreso a lo largo de 2010. Nolan fue clasificado cuarto en la lista y ganó aproximadamente 71,5 millones de dólares.3 En 2012 dirige la última entrega como director de la franquicia de Batman, en la que vuelven Christian Bale, Michael Caine, Morgan Freeman y Gary Oldman a sus respectivos papeles, y se incluyen nuevos rostros como Joseph Gordon-Levitt (John Blake), Anne Hathaway (Selina Kyle), Tom Hardy (Bane) y Marion Cotillard (Miranda Tate).

En enero del 2013 se anunció que su próximo proyecto como director es Interstellar con un guión hecho por su hermano Jonathan Nolan, que trata sobre un grupo de científicos que viajan por un agujero de gusano logrando llegar a otra dimensión, será protagonizada por Matthew McConaughey, Anne Hathaway y Jessica Chastain. Se espera su estreno para el 7 de noviembre del 2014.

Año Película Director Productor Escritor Crítica
1998 Following Sí Sí Sí Sí Sí Sí 78%
2000 Memento Sí Sí No No Sí Sí 92%
2002 Insomnia Sí Sí No No No No 92%
2005 Batman Begins Sí Sí No No Sí Sí 85%
2006 The Prestige Sí Sí Sí Sí Sí Sí 76%
2008 The Dark Knight Sí Sí Sí Sí Sí Sí 94%
2010 Inception Sí Sí Sí Sí Sí Sí 86%
2012 The Dark Knight Rises Sí Sí Sí Sí Sí Sí 88%
2013 Man of Steel No No Sí Sí Sí Sí 56%
2014 Interstellar Sí Sí Sí Sí Sí Sí TBA
Filmografía completa[editar]
Cortometrajes[editar]
Doodlebug (1997)
Largometrajes[editar]
Título Funciones Año Duración Óscar Globos de Oro BAFTA Premios AFI Sundance Presupuesto Taquilla mundial BeneficioNota 1
Following Dirección
Guion
Fotografía
Montaje 1998 70' 6.000 48.482 20.665
Memento Dirección
Guion 2000 117' Nominado: 2 Nominado: 1 Nominado: 1 Ganador: 1
Nominado: 2 Ganador: 1
Nominado: 1 9.000.000 39.723.096 12.847.702
Insomnia Director 2002 118' 46.000.000 113.714.830 16.543.156
Batman Begins Dirección
Guion 2005 140' Nominado: 1 Nominado: 3 150.000.000 372.710.015 54.990.508
The Prestige Director
Productor
Guion 2007 130' Nominado: 2 40.000.000 109.676.311 20.321.971
The Dark Knight Director
Productor
Guion 2008 152' Ganador: 2
Nominado: 8 Ganador: 1 Ganador: 1
Nominado: 9 Ganador: 1 185.000.000 1.004.558.444 366.057.003
Inception Director
Productor
Guion 2010 140' Ganador: 4
Nominado: 8 Nominado: 4 Ganador: 3
Nominado: 9 Ganador: 1 160.000.000 815.519.920 201.635.956
The Dark Knight Rises Director
Productor
Guion 2012 165' Ganador: 1 Nominado: 1 Ganador: 1 250.000.000 1.081.041.287
Man of Steel Productor
Guion 2013 143' 636.058.272
Transcendence Productor ejecutivo 2014
Interstellar Director
Productor
Guion 2014
Colaboradores recurrentes[editar]
Actores Doodlebug (1997) Following (1999) Memento (2000) Insomnia (2002) Batman Begins (2005) The Prestige (2006) The Dark Knight (2008) Inception (2010) The Dark Knight Rises (2012) Interstellar (2014)
Leonardo Dicaprio ✘
Christian Bale ✘ ✘ ✘ ✘
Mark Boone Junior ✘ ✘
Michael Caine ✘ ✘ ✘ ✘ ✘ ✘
Cillian Murphy ✘ ✘ ✘ ✘
Colin McFarlane ✘ ✘
Larry Holden ✘ ✘ ✘
Morgan Freeman ✘ ✘ ✘
Ken Watanabe ✘ ✘
Gary Oldman ✘ ✘ ✘
Tom Hardy ✘ ✘
Joseph Gordon-Levitt ✘ ✘
Marion Cotillard ✘ ✘
Anne Hathaway ✘
Liam Neeson ✘ ✘
Productores
Emma Thomas ✘ ✘ ✘ ✘ ✘ ✘ ✘ ✘ ✘
Jordan Golberg ✘ ✘ ✘
Charles Roven ✘ ✘ ✘
Charles J.D. Schlissel ✘ ✘
Michael E. Uslan ✘ ✘ ✘
Aaron Ryder ✘ ✘
William Tyrer ✘ ✘
Benjamin Melniker ✘ ✘ ✘
Guionistas
Jonathan Nolan ✘ ✘ ✘ ✘
David S. Goyer ✘ ✘ ✘
Directores de fotografía
Wally Pfister ✘ ✘ ✘ ✘ ✘ ✘ ✘
Músicos
David Julyan ✘ ✘ ✘ ✘
Hans Zimmer ✘ ✘ ✘ ✘
James Newton Howard ✘ ✘
Montadores
Dody Dorn ✘ ✘
Lee Smith ✘ ✘ ✘ ✘ ✘
Reconocimientos artísticos[editar]
Óscar[editar]
Año Categoría Película Resultado
2011 Mejor Película Inception Nominado
2011 Mejor Guion Original Inception Nominado
2002 Mejor Guion Original Memento Nominado
Premios Globo de Oro[editar]
Año Categoría Película Resultado
2011 Mejor Director Inception Nominado
2011 Mejor Guion Inception Nominado
2002 Mejor Guion Memento Nominado

Ha recibido 22 puntos

Vótalo:

CHARLES VIDOR

32. CHARLES VIDOR

Charles Vidor, (Budapest, 27 de julio de 1900 - Viena, 4 de junio de 1959) fue un cineasta de origen húngaro, director de grandes clásicos como Gilda o Adiós a las armas. Biografía[editar] Vidor Károly nació en una familia judía de clase media de Hungría. Pero ello no le impidió que fuera... Ver mas
Charles Vidor, (Budapest, 27 de julio de 1900 - Viena, 4 de junio de 1959) fue un cineasta de origen húngaro, director de grandes clásicos como Gilda o Adiós a las armas.

Biografía[editar]
Vidor Károly nació en una familia judía de clase media de Hungría. Pero ello no le impidió que fuera alistado en el bando húngaro en la Primera Guerra Mundial. Una vez acabado el conflicto, estudió ingeniería en la Universidad de Budapest primero, y en la de Berlín después. Fue precisamente en la capital alemana donde tomó contacto con el mundo del cine, trabajando como montador y director asistente para la productora alemana Universum Film AG.

No tardó mucho en dar el salto a los Estados Unidos, en 1924. En esos primeros meses, trabajaría en algunos musicales de Broadway y en la compañía de Opera de Wagner británica. Concluidos esos trabajos, viajaría a Hollywood, donde empezaría como colaborador del director británico Alexander Korda.

Después de estos primeros años de aprendizaje en la meca del cine, en 1931 se le da la oportunidad a Charles Vidor de dirigir su primer cortometraje, The Bridge, donde iniciaría su contrato con la Metro Goldwyn Mayer. Un año después, codirigiría junto a Charles Brabin su primer largo La máscara de Fu Manchú (The Mask of Fu Manchu), aunque en los créditos no figurara como tal.

En 1933, ya como asalariado de la MGM, rodaría su primer film en solitario: Dama de cabaret (Sensation Hunters). El trabajo de Vidor en esta época cuenta con nueve títulos entre los que destacan Árbol genealógico (His family tree) (1935), Desconocidos (Strangers All) (1935) o The great Gambini (1937).

En 1939, Vidor rompe su compromiso con MGM y llega a un acuerdo con Columbia Pictures. Aquí es donde llega al cenit de su popularidad como cineasta, aunque nunca llegó a tener una buen sintonía con el propietario de la productora, Harry Cohn. De todas maneras, la prolífica filmografía de Vidor es una de las más representativas de la década de los 40 haciendo de guiones insulsos y actores sin mucha chispa películas de buen gusto. Así, destacan La dama en cuestión (The Lady in Question) (1940), El misterio de Fiske Manor ("Ladies in Retirement") (1941), Se acabó la gasolina (The Tuttles of Tahiti) (1942) o Las modelos (Cover girl) (1944). Esta película es importante porque es la primera dirección de Vidor sobre la que sería su musa en sus próximos proyectos: Rita Hayworth. Y es que en 1946, llegaría Gilda, uno de los clásicos del cine y donde elevaría a Hayworth como la auténtica sex symbol de la primera época de la historia del cine, con su insinuante extracción de guante mientras cantaba Put the Blame on Mame.

Después de su siguiente proyecto Los amores de Carmen (The Loves of Carmen) (1948) nuevamente con Hayworth, Vidor tuva una extraordinaria disputa que hizo que el director rompiera su contrato de 75.000 dólares con la Columbia para volver a la Metro en 1949.

Durante los 50, Vidor siguió dirgiendo películas entre las que destacan El fabuloso Andersen (Hans Christian Andersen) (1952), Rapsodia (Rapshody) (1954), Quiéreme o déjame ("Love Me or Leave Me") (1955) y otra de las grandes perlas de su filmografía Adiós a las armas (1957) (A Farewell to Arms).

En 1956, crea su propia productora Aurora Productions, aunque no llegó a disfrutar mucho de su éxito ya que el 4 de junio de 1959 en Viena, Vidor moría de un ataque al corazón mientras filmaba su película póstuma Magic Flame, que acabó George Cukor con el nombre de ''Song Without End'' (en castellano, Sueño de amor).

Filmografía[editar]
Con MGM:

1932 - La máscara de Fu Manchú ("The Mask of Fu Manchu"), codirigiendo junto a Charles Brabin, aunque no aparezca en los créditos.
1933 - Dama de cabaret ("Sensation Hunters").
1934 - La hiena de la Quinta Avenida ("The Double Door").
1935 - Desconocidos ("Strangers All").
Árbol genealógico ("His Family Tree").
El valiente de Arizona ("Tha Arizonian")
1936 - ¿Quién la raptó? ("Muss 'em Up").
1937 - The Great Gambini.
A Doctor's Diary.
She's No Lady.
1939 - Rejas humanas ("Blind Alley").
Romance of the Redwoods.
Those High Grey Walls.
Con Columbia Pictures:

1940 - La dama en cuestión ("The Lady in Question")
Hijo mío ("My Son, My Son!")
1941 - El misterio de Fiske Manor ("Ladies in Retirement")
New York Town.
1942 - Se acabó la gasolina ("The Tuttles of Tahiti")
1943 - Los desesperados ("The Desperadoes")
1944 - Las modelos ("Cover girl")
Otra vez juntos ("Together Again")
1945 - Canción inolvidable ("A Song to Remember")
Locamente enamorada ("Over 21")
1946 - Gilda ("Gilda")
1948 - Los amores de Carmen ("The Loves of Carmen")
Con MGM:

1952 - El fabuloso Andersen ("Hans Christian Andersen")
Tempestad en Oriente ("Thunder in the east")
1954 - Rapsodia ("Rhapsody")
1955 - Quiéreme o déjame ("Love Me or Leave Me")
1956 - El cisne ("The Swan")
1957 - Adiós a las armas ("A Farewell to Arms")
La máscara del dolor ("The joker is wild")
Con Aurora Productions:

1960 - Sueño de amor ("Song Without End") (finalizada por George Cukor)

Ha recibido 22 puntos

Vótalo:

CONSTANTIN COSTA-GAVRAS

33. CONSTANTIN COSTA-GAVRAS

Biografía[editar] Cuando deja Atenas para ir a París, se licencia en literatura. Luego entra en el Instituto de Altos Estudios Cinematográficos (IDHEC) y trabaja de ayudante de Henri Verneuil, Jacques Demy y René Clément. La película Le Jour et l'heure, de René Clément, en la que trabaja de... Ver mas
Biografía[editar]
Cuando deja Atenas para ir a París, se licencia en literatura. Luego entra en el Instituto de Altos Estudios Cinematográficos (IDHEC) y trabaja de ayudante de Henri Verneuil, Jacques Demy y René Clément.

La película Le Jour et l'heure, de René Clément, en la que trabaja de ayudante, le permite conocer a Simone Signoret e Yves Montand, con los que trabará una amistad duradera. Tras leer el libro Los raíles de la muerte de Sébastien Japrisot, escribió el guión y consiguió interesar al productor Julien Derode. La película tuvo un gran éxito en Francia e incluso en los Estados Unidos, en donde recibió unas buenas críticas.

Tras una estancia en Grecia, conoce el libro de Vassilis Vassilikos, Z, en el que se reconstruye el asesinato organizado por la policía de un líder izquierdista, y el intento de disfrazarlo de accidente. En cuanto vuelve a Francia, escribe el guion en colaboración con Jorge Semprún. Al no encontrar financiación, habla con Jacques Perrin, al que conocía de la película Los raíles de la muerte. Aprovechando esta ocasión, Jacques Perrin crea su propia productora para montar la película y utilizar sus contactos, en especial, los que tenía en Argelia. Allí rodarán. Jean-Louis Trintignant aceptó trabajar con una baja remuneración, y lo mismo hizo Yves Montand. La película tuvo un enorme éxito en todo el mundo, con el público aplaudiendo al final de las representaciones; obtuvo el "premio del Jurado" en el Festival de Cannes, los Óscar a la mejor película extranjera y al mejor montaje.

Tras el montaje de "Z", una Nochebuena, Claude Lanzmann le habla de Lise y Artur London que había sido viceministro de Asuntos exteriores de Checoslovaquia y era uno de los tres fugados de los procesos que se habían llevado a cabo en Praga en 1952. Muchos intelectuales de su generación se habían visto fascinados por el comunismo. También Yves Montand se une al proyecto de La confesión, y tras el éxito de "Z" consigue dinero para llevar a cabo su proyecto.

"La Confesión" se estrenó después de "Z", y en un momento bastante maniqueo: fue acusado primero de atacar a la derecha y luego a la izquierda, cuando lo único que hacía era denunciar los totalitarismos. Algunos nunca le perdonaron haber levantado el telón que cubría el estalinismo y en ciertos círculos culturales fue considerado un apestado. La película tuvo un gran éxito y se convirtió en auténtico fenómeno político y cultural que marcó una época.

De 1973 es una de sus mejores películas, Estado de sitio. Tres años después fue jurado del Festival de Cannes de 1976.

La película Clair de femme (1979) está basada en una novela de Romain Gary, quién opinó que por primera vez estaba satisfecho con la adaptación a la pantalla de una de sus obras. Costa-Gavras se sintió fascinado por esta historia. A Dustin Hoffman le pareció una de las historias de amor más hermosas que hubiera conocido y, durante el rodaje de Mad City, le sugirió la idea de hacer un remake.

El guion de la película Desaparecido (1982) está basado en el libro de Thomas Hauser La ejecución de Charles Horman, basado a su vez en una historia real. La película cuenta la historia de la desaparición de un joven periodista estadounidense durante el golpe de Estado de 11 de septiembre de 1973 de las fuerzas armadas contra el gobierno de Salvador Allende en Chile. La película levantó una gran polémica en Estados Unidos, puesto que pone de manifiesto la actuación de los agentes del gobierno estadounidense y la responsabilidad de la CIA en ese golpe de Estado. La extrema derecha de Estados Unidos exigió que ese comunista europeo no trabajara en el país. Sin embargo, la película consiguió la Palma de Oro y el Premio a la mejor interpretación masculina para Jack Lemmon en el Festival de Cannes de 1982, y el Óscar al mejor guion. Las universidades estadounidenses siguen estudiando esta película como una de las importantes.

Algunos de sus proyectos no los realizó, como es, por ejemplo, la idea de llevar al cine la novela del argelino Boualem Sansal El juramento de los bárbaros, para la cual Jorge Semprún trabajó en su guion.1

Galardones obtenidos[editar]
Por Z en 1969:
Premio del Jurado en el Festival de Cannes de 1969;
Óscar a la mejor película de habla no inglesa y al mejor montaje.
Por Desaparecido en 1982:
Palma de Oro y Premio a la mejor interpretación masculina en el Festival de Cannes de 1982;
Óscar al mejor guion adaptado.
Oso de oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín por La caja de música en 1989.
Por Amen. (2002):
César al mejor guion original o adaptación en 2003.
Orden de las Artes y las Letras de España en 2011.2
Filmografía[editar]
Como ayudante de dirección[editar]
Le Jour et l'heure de René Clément con Simone Signoret e Yves Montand.
Les Félins de René Clément.
Como director[editar]
1965 : Los raíles de la muerte con Simone Signoret e Yves Montand
1967 : Un homme de trop con Charles Vanel y Bruno Cremer
1969 : Z con Yves Montand y Jean-Louis Trintignant
1971 : La confesión con Yves Montand y Simone Signoret
1973 : Estado de sitio con Yves Montand y Renato Salvatori
1975 : Sección especial con Michael Lonsdale y Louis Seigner
1979 : Clair de femme con Romy Schneider e Yves Montand
1981 : Desaparecido con Jack Lemmon y Sissy Spacek
1983 : Hanna K con Jill Clayburgh y Jean Yanne
1985 : Consejo de familia con Fanny Ardant y Remi Martin
1987 : El sendero de la traición con Debra Winger y Tom Berenger
1989 : La caja de música con Jessica Lange y Armin Mueller-Stahl
1991 :
Pour Kim Song-Man con MC Solaar, Sai Sai
Contre l'oubli codirigido con Chantal Akerman, René Allio
1993 : Un pequeño apocalipsis con Pierre Arditi, André Dussollier
1995 :
Lumière y compañía codirigido con Lasse Hallström, Abbas Kiarostami
À propos de Nice, la suite codirigido con Catherine Breillat
1997 : Mad City con Dustin Hoffman y John Travolta
2001 : Amen. con Ulrich Tukur y Mathieu Kassovitz
2004 : Arcadia con José García
2009 : Edén al Oeste con Riccardo Scamarcio
2012 : El Capital con Gabriel Byrne

Ha recibido 21 puntos

Vótalo:

GEORGES MELIES

34. GEORGES MELIES

Biografía[editar] Inicios[editar] Nació el 8 de diciembre de 1861 en el boulevard Saint-Martin de París. Director de teatro y actor, su padre era un conocido empresario del calzado parisino. Desde pequeño mostró interés y habilidad en el dibujo. Durante su estancia en Inglaterra, y debido a... Ver mas
Biografía[editar]
Inicios[editar]
Nació el 8 de diciembre de 1861 en el boulevard Saint-Martin de París. Director de teatro y actor, su padre era un conocido empresario del calzado parisino. Desde pequeño mostró interés y habilidad en el dibujo. Durante su estancia en Inglaterra, y debido a que su falta de soltura con el idioma le impedía comprender las obras de teatro, entró en contacto con el mundo del ilusionismo al frecuentar la "Egyptian Hall", sala de variedades dirigida por el célebre mago Maskelyne.

Más tarde regresa a París, y a pesar de sus intenciones de ingresar en la Escuela de Bellas Artes, es obligado por su familia a participar en el negocio del calzado. Se encargó de la reparación y el perfeccionamiento tecnológico de esta industria, mostrando las habilidades mecánicas que posteriormente le resultarían tan útiles. Cuando su padre se retiró del negocio, Méliès se negó a continuar con el mismo, utilizando su parte del reparto para comprar en 1888 el teatro "Robert Houdin", del que era asiduo visitante.

Teatro[editar]
Con la incesante capacidad para el trabajo que caracterizó su vida, entre los años 1889 y 1890 combinó sus labores de director del teatro con las de reportero y dibujante en el periódico satírico La Griffe, donde su primo Adolphe ejercía como redactor jefe. Durante los años siguientes se escenifican en el teatro espectáculos de ilusionismo, cuyos decorados, trucos y maquinaria fueron en su mayoría creados por el propio Méliès.

Cine[editar]


El primer estudio de cine en Francia.


Fotograma del «Viaje a la luna».
Cuando el 28 de diciembre de 1895 Méliès asistió invitado por los Lumière a la primera representación del Cinematógrafo, Méliès queda impresionado y su inagotable mente que, siempre está maquinando ideas, hace que lance una oferta para incluirlo en su función. Ante la negativa, el prestidigitador acaba comprando el aparato de otro inventor, Robert William Paul, y en abril de 1896 ya se halla realizando proyecciones en su teatro. Su deseo por crear sus propias películas le lleva a transformar el artilugio de Paul en una cámara con la que rueda su primer filme Partida de naipes. El 5 de abril de 1896 proyectó las primeras películas en su teatro Robert Houdin; eran pequeñas escenas al aire libre, documentales similares a las de los hermanos Lumière. Su estilo evolucionó rápidamente buscando crear películas parecidas a sus espectáculos de ilusionismo.

Fue pionero en la utilización del truco de sustitución de elementos mediante el parado de la cámara, y también lo fue en la exposición múltiple del negativo (doble sobreimpresión) y los fundidos a negro y desde negro. Invirtió una gran cantidad de dinero para la creación del que se consideró el primer estudio de cine, en el que se utilizaron sistemas mecánicos para ocultar zonas al sol, trampillas y otros mecanismos de puesta en escena.

En 1902 creó la que está considerada su obra capital, Viaje a la luna. En ella la evolución de la continuidad narrativa cinematográfica da un paso de gigante, al montar la secuencia del disparo del cañón que lleva a los astrónomos a la Luna y, a continuación poner en escena un decorado con la cara animada de esta, que va creciendo en travelling inverso y sobre la que acaba aterrizando la nave/bala de cañón clavándose en ella.

Méliès intentó distribuir comercialmente Viaje a la Luna en Estados Unidos. Técnicos que trabajaban para Thomas Alva Edison lograron hacer copias de la película y las distribuyeron por toda Norteamérica. A pesar de que fue un éxito, Méliès nunca recibió dinero por su explotación. Creador de alrededor de quinientas películas, la paulatina transformación de la industria (monopolizada por Edison en Estados Unidos y Pathé en Francia), junto con la llegada de la Primera Guerra Mundial, afectaron a su negocio, que fue declinando sin remedio. En 1913 se retiró de todo contacto con el cine.

Retiro[editar]
De 1915 a 1923, Méliès montará, con la ayuda de su familia, numerosos espectáculos en uno de sus dos estudios cinematográficos transformado en teatro. En 1923, acosado por las deudas, tuvo que vender propiedades y abandonar Montreuil. En 1925 se reencuentra con una de sus principales actrices, Jeanne d'Alcy. Ella regenta un quiosco de juguetes y golosinas en la estación de Montparnasse. Méliès se casó con ella ocupándose juntos de la tienda. Allí será reconocido más tarde por Léon Druhot, director de Ciné-Journal, que lo rescatará del olvido.

Desde 1925 su obra será redescubierta por la vanguardia cinematográfica francesa, especialmente por los surrealistas, que reivindicaron su figura hasta el punto de que Méliès fue reconocido con la Legión de Honor en 1931 por toda su trayectoria. En 1932 se encuentra en el Castillo de Orly casa de jubilación de la «Mutua del cine» (institución fundada en 1921 por Léon Brézillon, presidente del sindicato francés de productores cinematográficos) y allí vivirá el resto de sus días con su esposa Jeanne d'Alcy. Falleció en el hospital Léopold Bellan de París y sus restos descansan en el cementerio de Père-Lachaise.

Poco antes de la muerte de Méliès, en 1938, Henri Langlois, creador de la Cinemateca francesa recuperó y restauró parte de sus películas. Georges Méliès fue el gran creador del cine de espectáculo y fantasía, dando el paso hacia la creación de un lenguaje de ficción para el cine del que carecía el cinematógrafo tomavistas de los Lumière. Desde 1946 el premio Méliès otorga anualmente el reconocimiento a la mejor película francesa.

Filmografía[editar]
Algunas de sus películas son:

1896 : Le cauchemar (Una pesadilla)
1896 : Une nuit terrible (Una noche terrible)
1896 : Escamotage d'une dame au théâtre Robert Houdin (Desaparición de una dama en el teatro Robert Houdin)
1896 : Le Manoir du diable (La mansión del diablo)
1897 : Faust et Marguerite (Fausto y Margarita)
1897 : L'Hallucination de l'alchimiste (La alucinación del alquimista)
1897 : L'Auberge ensorcelée (La posada embrujada)
1898 : Un homme de têtes (El hombre de las cabezas)
1898 : La Tentation de Saint-Antoine (La tentación de San Antonio)
1898 : La Damnation de Faust (La condenación de Fausto)
1898 : Guerre de Cuba et l'explosion du Maine à La Havane (Guerra de Cuba y explosión del Maine en la Habana)
1899 : Le diable au couvent (El diablo en el convento)
1899 : L’impressionniste fin de siècle (El impresionista de fin de siglo)
1899 : Cendrillon (Cenicienta)
1899 : L'Affaire Dreyfus (El caso Dreyfus)
1899 : Cléopâtre (Cleopatra)
1900 : Nouvelles luttes extravagantes (Nuevas luchas extravagantes)
1900 : L'homme-orchestre (El hombre orquesta)
1900 : Le Malade hydrophobe (El enfermo de hidrofobia)
1900 : Jeanne D'arc (Juana de Arco)
1901 : L'Homme à la tête de caoutchouc (El hombre de la cabeza de caucho)
1901 : Barbe-Bleue (Barba Azul)
1902 : Le Voyage de Gulliver à Lilliput et chez les géants (El viaje de Gulliver a Lilliput y al país de los gigantes)
1902 : Le Voyage dans la Lune (El viaje a la Luna)
1902 : Le Diable et le Statue (El diablo y la estatua)
1903 : Illusions funambulesques (Ilusiones funámbulescas)
1903 : Le Puits fantastique (El pozo fantástico)
1903 : Le Revenant (El espectro)
1903 : Le Mélomane (El melómano)
1903 : Le Chaudron infernal (La caldera infernal)
1903 : Le Cake walk infernal (El cakewalk infernal)
1903 : La Flamme merveilleuse (La llama maravillosa)
1903 : Le Royaume des Fées (El reino de las hadas)
1903 : Le Monstre (El monstruo)
1903 : Jacques et Jim (Jacques y Jim)
1903 : L'enchanteur Alcofrisbas (Los encantadores Alcofrisbas)
1903 : L'Auberge du Bon Repos (La posada del buen reposo)
1903 : La Lanterne magique (La linterna mágica)
1903 : Le Rêve du Maître de Ballet (El sueño del maestro de baile)
1903 : Faust aux Enfers (Fausto en los infiernos)
1904 : Les Cartes vivantes (Los naipes vivientes)
1904 : Le Thaumaturge chinois (El mago chino)
1904 : Le Bourreau turc (El verdugo turco)
1904 : Le Juif errant (El judío errante)
1904 : Le Roi du Maquillage (El rey del maquillaje)
1904 : Le Voyage à travers l'Impossible (El viaje a través de lo imposible)
1904 : La Siréne (La Sirena)
1904 : Les moustaches indomptables (Los bigotes indomables)
1905 : Le Tripot clandestin (La casa de juego clandestina)
1905 : Les Affiches en goguette (Los carteles juerguistas)
1905 : Le Palais des Mille et Une Nuits (El palacio de las mil y una noches)
1905 : Le Raid Paris-Monte Carlo en 2 heures (El rally París-Montecarlo)
1905 : Les Chevaliers du chloroforme (Los caballeros del cloroformo)
1905 : Le dirigeable fantastique ( El fantástico dirigible)
1906 : Les 400 Farces du Diable (Las 400 farsas del diablo)
1906 : L'Alchimiste Parafaragamus ou la Cornue infernale (El alquimista Parafaragamus o la retorta infernal)
1907 : L'Éclipse du soleil en pleine lune (El eclipse del sol en plenilunio)
1907 : La Prophétesse de Thèbes (La profetisa de Tebas)
1907 : Vingt mille lieues sous les mers (Veinte mil leguas bajo el mar)
1908 : Le Rêve d'un fumeur d'opium (El sueño de un fumador de opio)
1908 : Tartarin de Tarascon (Tartarín de Tarascón)
1908 : La Fée libellule (El hada libélula)
1909 : Le Locataire diabolique (El inquilino diabólico)
1909 : Le Mousquetaire de la reine (El mosquetero de la reina)
1909 : Le papillon fantastique (La fantástica mariposa)
1910 : Les illusions fantaistes (Ilusiones fantasiosas)
1910 : Le Secret du Médecin (El secreto del médico)
1910 : Les Hallucinations du Baron de Münchausen (Las alucinaciones del barón de Munchausen)
1912 : À la conquête du Pôle (A la conquista del Polo)
1912 : Le Chevalier des neiges (El caballero de las nieves)
1912 : Cendrillon ou La pantoufle mystérieuse (Cenicienta o la zapatilla misteriosa)
1913 : Le Voyage de la famille Bourrichon (El viaje de la familia Bourrichon)
Lectura adicional[editar]
Gubern, Román (1998). «La era de los pioneros». Historia del cine (en Español) (5ª edición). Lumen. pp. 21 a 62. ISBN 84-264-1179-7.
Cultura popular[editar]
El video musical Tonight, Tonight de los The Smashing Pumpkins está inspirado por la película de cine mudo Le Voyage dans la Lune.

La película de 2011 Hugo, del director Martin Scorsese, que se basa en la novela de Brian Selznick La invención de Hugo Cabret, es un homenaje a este gran ilusionista del cine. En ella Méliès es interpretado por el actor británico Ben Kingsley.

En la novela La mecánica del corazón, de Mathias Malzieu, se narra parcialmente la historia de Méliès, que interviene como personaje secundario.

Ha recibido 20 puntos

Vótalo:

KEN LOACH

35. KEN LOACH

Biografía[editar] A los 25 años, mientras estudiaba derecho en el St Peter's College de Oxford, entró por primera vez en contacto con las artes escénicas actuando en el grupo de teatro de la universidad. Después de graduarse, trabajó como asistente de dirección en el Northampton Repertory... Ver mas
Biografía[editar]
A los 25 años, mientras estudiaba derecho en el St Peter's College de Oxford, entró por primera vez en contacto con las artes escénicas actuando en el grupo de teatro de la universidad. Después de graduarse, trabajó como asistente de dirección en el Northampton Repertory Theatre. Sin embargo, estaba más interesado en el mundo audiovisual que en el de las tablas, así es que después de obtener en 1963 una beca en la cadena de televisión BBC, se inicia en la dirección.

El ambiente que se respiraba en aquellos años favorecía la realización de programas que criticaban las injusticias sociales, allí encontró Loach la visión y la voz que caracterizaría su cine. A partir de 1964 comienza a dirigir una serie de docudramas, siendo el más famoso de ellos Cathy Come Home (1966), que aborda la problemática de la vivienda y la pobreza en el contexto del estado de bienestar británico. Fue una de las películas más controvertidas producidas por la BBC, llegando incluso a provocar que se modificasen las leyes sobre los sin techo.1

Desde entonces y hasta principios de los 80', Loach dividió su tiempo entre el cine y la televisión, filmó cuatro largometrajes, numerosos documentales y películas para la TV como The Big Flame (1969) sobre los trabajadores portuarios de Liverpool y la serie Days of Hope (1975), sobre los hechos que llevaron a la huelga de 1926, y la derrota del Movimiento Laborista Británico.

Con Margaret Thatcher en el poder, crece el paro y los recortes de presupuesto para la cultura. La Dama de Hierro se gana muchos enemigos entre los artistas, Loach entre ellos. El Channel Four prohibió sus documentales A Question of Leadership, con los que combate al Thatcherismo, por lo cual a lo largo de toda esa década solo puede filmar dos películas: Miradas y sonrisas y La tierra de mi padre.

En los años 90', con los cambios políticos, su carrera se revitaliza. Ha filmado hasta ahora nueve películas más, con la mayoría de las cuales ha obtenido numerosos premios, consolidando su carrera internacional, pero manteniéndose siempre fiel al estilo que fue una constante en su vida: la defensa de los oprimidos. En cuanto a la militancia estrictamente política, Ken Loach es hoy día miembro de la directiva de la coalición de izquierda Respect - The Unity Coalition.

Heredero del british social realism (realismo social británico)[editar]
Loach, en cuyas películas muchos creen ver algo así como un "grado cero de la escritura cinematográfica o escritura fria", es dueño de un estilo depurado y sintético. Como heredero inequívoco de las principales tendencias de cine realista de europa y en mayor medida del cine independiente que se caraterizaba por su realismo, su inconformismo social, su crítica a la burguesía y a la sociedad, y su acercamiento a los seres anónimos de la misma, o su sentido del humor.

Ken Loach, al igual que sus antecesores, denuncia los traumas que ocasiona en los seres humanos la vida en las ciudades industriales a pesar de los avances tecnológicos, y con sus historias sacude las conciencias de la sociedad contemporánea con el fin de mejorar sustancialmente las condiciones de la clase trabajadora (poniendo de ejemplo lo que mejor conoce: las injusticias que sufren las clases menos favorecidas en la sociedad británica).

Filmografía[editar]
Televisión[editar]
Z Cars (serie, 1962)
Diary of a Young Man (1964)
3 Clear Sundays (1965)
Up the Junction (1965)
The End of Arthur's Marriage (1965)
Coming Out Party (1965)
Cathy Come Home (1966) (as Kenneth Loach)
In Two Minds (1967)
The Golden Vision (1968)
The Big Flame (1969)
The Rank and the File (1971) - part of the Play for Today series.
After a Lifetime (1971)
A Misfortune (1973)
Days of Hope (mini-series, 1975)
The Price of Coal (1977)
Auditions (1980)
A Question of Leadership (1981)
The Red and the Blue: Impressions of Two Political Conferences - Autumn 1982 (1983)
Questions of Leadership (1983)
The View From the Woodpile (1989)
Cine[editar]
Poor Cow (1967)
Kes (1969) (as Kenneth Loach)
The Save the Children Fund Film (1971)
Family Life (1971)
Black Jack (1979)
The Gamekeeper (1980)
Miradas y sonrisas (Looks and Smiles) (1981) (como Kenneth Loach)
Which Side Are You On? (1984)
Fatherland (1986)
Agenda oculta (Hidden Agenda) (1990). Premio del Jurado de Festival de Cannes de 1990.
Riff-Raff (1990). Distribuida con subtítulos en Estados Unidos, debido a la jerga británica.
Lloviendo piedras (Raining Stones) (1993). Premio del Jurado del Festival de Cannes de 1993.
Ladybird Ladybird (1994)
Tierra y libertad (Land and Freedom) (1995). Premio internacional de críticos FIPRESCI y premio del jurado ecuménico del Festival de cine de Cannes.
A Contemporary Case for Common Ownership (1995)
La canción de Carla (Carla's Song) (1996)
The Flickering Flame (1997)
Mi nombre es Joe (My Name Is Joe) (1998)
Pan y rosas (Bread and Roses) (2000)
La cuadrilla (The Navigators) (2001)
Felices dieciséis (Sweet Sixteen) (2002), Espiga de Oro Seminci Festival de Valladolid (2002).
Sólo un beso (Ae fond Kiss) (2004). Premio del Jurado Festival de Cine de Berlín (2004), Mejor película Europea Premios César (2005), Premio del Público Festival de Valladolid (2004).
Tickets (2005), junto a Ermanno Olmi y Abbas Kiarostami
The Wind That Shakes the Barley (El viento que acaricia el prado y El viento que agita la cebada) (2006) Palma de Oro de Cannes
En un mundo libre (It's a free world) (2007), Premio al mejor guion del Festival Internacional de Cine de Venecia
Buscando a Eric (Looking for Eric) (2009)
Route Irish (2010)
La parte de los ángeles (The Angels' Share) (2012)
El espíritu del '45 (The Spirit of '45) (2013)

Ha recibido 18 puntos

Vótalo:

RENATO CASTELLANI

36. RENATO CASTELLANI

Biografía[editar] Nacido en Varigotti, donde la madre había regresado de Argentina para dar a luz a su hijo en Italia. Pasó su infancia en Argentina en Rosario de Santa Fe. A los 12 años, volvió a reanudar sus estudios en Liguria y Génova. Se mudó a Milan, donde se graduó en la Politécnico de... Ver mas
Biografía[editar]
Nacido en Varigotti, donde la madre había regresado de Argentina para dar a luz a su hijo en Italia. Pasó su infancia en Argentina en Rosario de Santa Fe. A los 12 años, volvió a reanudar sus estudios en Liguria y Génova. Se mudó a Milan, donde se graduó en la Politécnico de Arquitectura y, después, Roma.

Inicia sus colabroaciones en 1936 como "asistente militar" por Il grande appello, un film de Mario Camerini. Escribe críticas cinematográficas y trabaja - come esconógrafo y ayudante de realización - con nombre simportantes del cine italiano como Augusto Genina, Mario Soldati, Alessandro Blasetti. Su primera dirección sería en 1941, con Un colpo di pistola, inspirado en un texto de Aleksandr Puskin y cuyo guión también trabajaron Alberto Moravia, Fosco Giachetti y Assia Noris. Elegante historia que se escribe en el filón "caligráfico", como su siguiente trabajo Zazà (1944).

El neorrealismo[editar]
Con la trilogia costituída por Bajo el sol de Roma (Sotto il sole di Roma) (1948), È primavera... (1949) y Due soldi di speranza (1952), todos las escenas al aire libre y con actores no profesionales o recién llegados, dio a luz a un nuevo género, llamado neorrealismo rosa, denostado por la crítica, pero con un amplio éxito de público. Con Dos centavos de esperanza (Due soldi di speranza) ganó ex aequo el Gran Premio del Festival de Cannes en 1952 y con Romeo y Julieta (Giulietta e Romeo) ganó el León de Oro del Festival de Venecia en 1954.

Otros filmsa signitivos de Castellani son Si tú estuvieras (I sogni nel cassetto) (1957) y El bandolero (Il brigante) (1961), Castellani se dedicó principalmente biografías televisión en episodios de gran número de seguidores: Vita di Leonardo (1971) y Verdi (1982).


Il molo Castellani a Varigotti
Filmografía[editar]
Como director[editar]
Un colpo di pistola (1941)
La donna della montagna (1943)
Zazà (1944)
Mi hijo profesor (Mio figlio professore) (1946)
Bajo el sol de Roma (Sotto il sole di Roma) (1948)
È primavera... (1950)
Dos centavos de esperanza (Due soldi di speranza) (1951)
Romeo y Julieta (Giulietta e Romeo) (1954)
Si tú estuvieras (I sogni nel cassetto) (1957)
Infierno en la ciudad (Nella città l'inferno) (1958)
El bandolero (Il brigante) (1961)
Pensión a la italiana (Mare matto) (1963)
Controsesso (1964)
Tre notti d'amore (1964)
La guapa y su fantasma (Questi fantasmi) (1967)
Una breve stagione (1969)
Il furto della Gioconda, sceneggiato televisivo (1978)
Escenógrafo[editar]
Quartieri alti, regia di Mario Soldati (1945)
Malìa, de Giuseppe Amato (1946).
L'arcangelo, de Giorgio Capitani (1969)
Colaboraciones[editar]
1936: Il grande appello de Mario Camerini (asistente militar)
1939: Un'avventura di Salvator Rosa di Alessandro Blasetti (firma el guión, la escenografía).

Ha recibido 18 puntos

Vótalo:

ALBERTO LATTUADA

37. ALBERTO LATTUADA

Alberto Lattuada (Milán, 13 de noviembre de 1914 – Roma, 3 de julio de 2005) fue un director de cine italiano. Biografía[editar] Lattuada nació en Milán, hijo del compositor Felice Lattuada (1882 - 1962). Inicialmente, Alberto mostró interés por la literatura, y se convirtió, mientras... Ver mas
Alberto Lattuada (Milán, 13 de noviembre de 1914 – Roma, 3 de julio de 2005) fue un director de cine italiano.

Biografía[editar]
Lattuada nació en Milán, hijo del compositor Felice Lattuada (1882 - 1962). Inicialmente, Alberto mostró interés por la literatura, y se convirtió, mientras todavía era un estudiante, en un miembro del equipo editorial de la revista quincenal Camminare...

En 1940, inició su carrera cinematográfica como guionista y asistente de dirección en la película de Mario Soldati Piccolo mondo antico. En 1943, dirigió su primera película: Giacomo l'idealista. La película de 1950 Luces de variedades fue la primera que dirigió Federico Fellini, y lo hizo con Alberto Lattuada.



Federico Fellini, Giulietta Masina,
Carla del Poggio (1925 - 2010) y Alberto Lattuada.
Lattuada murió a los 91 años de enfermedad de Alzheimer.

Filmografía[editar]


Alberto Lattuada y Renato Rascel
en la ed. de 1952 del Festival de Cannes.
12 registi per 12 città (1989, documental)
Una spina nel cuore (1986)
Nudo di donna (1981, sustituido por Nino Manfredi)
La cicala (1980)
Cosi' come sei (1978)
Oh, Serafina! (1976)
Cuore di cane (1976)
Le farò da padre (1974)
Sono stato io (1973)
Bianco, rosso e... (1972)
Venga a prendere il caffè... da noi (1970)
L'amica (1969)
Fräulein Doktor (1968)
Don Giovanni in Sicilia (1967)
Matchless (1966)
La mandrágora (1965)
La steppa (1962)
Mafioso (1962)
L'imprevisto (1961)
Lettere di una novizia (1960)
I dolci inganni (1960)
La tempesta (1958)
Guendalina (1957)
Scuola elementare (1955)
La spiaggia (1954)
L'amore in città (1953, segmento «Gli italiani si voltano»)
La lupa (1953)
Il cappotto (1952)
Anna (1951)
Luci del varietà (1950)
Il mulino del Po (1949)
Senza pietà (1948)
Il delitto di Giovanni Episcopo (1947)
Il bandito (1946)
La nostra guerra (1945, documental)
La freccia nel fianco (1943, terminada por Mario Costa en 1944)
Giacomo l'idealista (1942)

Ha recibido 18 puntos

Vótalo:

PAUL VERHOEVEN

38. PAUL VERHOEVEN

Paul Verhoeven (n. Ámsterdam, 18 de julio de 1938) es un famoso director de cine neerlandés, mayoritariamente conocido por sus cintas de ciencia ficción con una espectacular acción y polémicos temas que trata en ellas. Biografía[editar] Se graduó por la Universidad de Leiden en Matemáticas y... Ver mas
Paul Verhoeven (n. Ámsterdam, 18 de julio de 1938) es un famoso director de cine neerlandés, mayoritariamente conocido por sus cintas de ciencia ficción con una espectacular acción y polémicos temas que trata en ellas.

Biografía[editar]
Se graduó por la Universidad de Leiden en Matemáticas y Física. Se unió a la armada neerlandesa y fue allí donde empezó a rodar y a hacer sus primeros documentales. Abandonó la armada y se metió en la televisión neerlandesa, donde desarrollaría estas nuevas habilidades que había adquirido rodando documentales para el ejército. Su primer gran éxito fue la serie de televisión Floris, en 1969, protagonizada por Rutger Hauer.

Su primer largometraje fue estrenado en 1971, Wat Zien Ik?, aunque no fue especialmente bien recibido. Su primer éxito a nivel nacional llegaría en 1973 con Turks Fruit cuya traducción al castellano es Delicias turcas, protagonizada por Hauer y nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Empezó así a forjar su reputación y continuó con éxitos internacionales en menor escala, llegando a ganar el Globo de Oro con Soldaat van Oranje (en la versión española: "Eric, oficial de la Reina" o "Soldado de Orange"). Finalmente se trasladaría a Estados Unidos. El hecho de cruzar el Atlántico pudo también haber sido el resultado de su resentimiento hacia el sistema cinematográfico neerlandés. Su trabajo era visto allí como demasiado comercial y no había obtenido el reconocimiento que pensaba que merecía.

Trabajar en los Estados Unidos supuso un drástico cambio de estilo, y empezó a dirigir grandes éxitos con muchos efectos especiales, violencia y enormes presupuestos, como Robocop (1987), protagonizada por Peter Weller y Total Recall (1990). Siguió el camino marcado por estos éxitos con la provocadora Instinto básico (1992) y la sensual Showgirls (1995). Después de estas cintas, regresó a la violencia y a los efectos especiales que habían marcado sus anteriores películas, en cintas tales como Starship Troopers (1997) y El hombre sin sombra (2000).

Si hubiese que definir el estilo de Verhoeven (dejando de lado el hecho de haber utilizado la ciencia ficción como tema principal en sus películas más taquilleras), sería quizás la forma en la que es capaz de retratarnos una sociedad (del pasado, del presente o del futuro) polarizada en una clase alta, elitista, incluso snob, por un lado, y una clase baja, humilde y enfrentada al problema de sobrevivir al día a día, por otro, y lograr situar una al lado de otra, equilibrarlas, a través de una orgía de sangre y del lema: La muerte nos hace a todos iguales.

Filmografía[editar]
1960 / Cortometraje / Een Hagedis Teveel
1961 / Cortometraje / Niets Bijzonders
1962 / Cortometraje / De Lifters
1963 / Cortometraje / Feest / Bandera de Argentina Fiesta
1965 / Cortometraje / Documental / Her Korps Mariniers
1968 / Documental / Portret van Anton Adriaan Mussert
1969 / Serie TV / Floris
1970 / Cortometraje / De Worstelaar
1971 / Largometraje / Wat Zien Ik!? / Bandera de España Delicias holandesas
1973 / Largometraje / Turks Fruit / Bandera de Argentina Pasión obsesiva / Bandera de España Delicias turcas / Bandera de Uruguay Delicia turca
1975 / Largometraje / Keetje Tippel / Bandera de Argentina Sudor caliente / Bandera de España Una novia llamada Katy Tippel
1977 / Miniserie TV / Soldaat van Oranje
1977 / Largometraje / Soldaat van Oranje / Bandera de Argentina El soldado de Orange / Bandera de España Eric, oficial de la reina
1979 / Telefilme / Voorbij, Voorbij
1980 / Largometraje / Spetters / Bandera de Argentina Descontrol / Bandera de México Machos
1983 / Largometraje / De Vierde Man / Bandera de Argentina Bandera de España El cuarto hombre
1983 / Serie TV / The Hitchhiker / Bandera de España El autoestopista / Bandera de México Bandera de Venezuela El caminante
1985 / Largometraje / Flesh+Blood / Bandera de España Los señores del acero
1987 / Largometraje / RoboCop / Bandera de Argentina Bandera de España Bandera de México Bandera del Perú Bandera de Uruguay (Id.)
1990 / Largometraje / Total Recall / Bandera de Argentina Bandera de México Bandera del Perú Bandera de Venezuela El vengador del futuro / Bandera de España Desafío total
1992 / Largometraje / Basic Instinct / Bandera de Argentina Bandera de México Bandera del Perú Bandera de Uruguay Bajos instintos / Bandera de España Instinto básico
1995 / Largometraje / Showgirls / Bandera de Argentina Bandera de España Bandera de Uruguay (Id.)
1997 / Largometraje / Starship Troopers / Bandera de Argentina Bandera del Perú Invasión (Starship Troopers) / Bandera de España Starship Troopers (Las brigadas del espacio)
2000 / Largometraje / Hollow Man / Bandera de Argentina Bandera de España Bandera de México Bandera del Perú El hombre sin sombra
2006 / Video / Sarah Brightman: Diva (Starship Trooper)
2006 / Largometraje / Zwartboek / Bandera de Argentina Black book - El libro negro / Bandera de España El libro negro / Bandera de México Bandera de VenezuelaLa lista negra
2011 / Largometraje / Steekspel

Ha recibido 18 puntos

Vótalo:

ROMAN POLANSKI

39. ROMAN POLANSKI

Biografía Infancia Nació en París en 1933 con el nombre de Raymond Roman Thierry Liebling, en el seno de un matrimonio de emigrantes judíos polacos. Su padre Ryszard Polański, pintor de escaso éxito, se cambió el apellido en 1932 y pasó a llamarse Ryszard Liebling, por lo que el nombre legal... Ver mas
Biografía
Infancia
Nació en París en 1933 con el nombre de Raymond Roman Thierry Liebling, en el seno de un matrimonio de emigrantes judíos polacos. Su padre Ryszard Polański, pintor de escaso éxito, se cambió el apellido en 1932 y pasó a llamarse Ryszard Liebling, por lo que el nombre legal de Polanski fue Rajmund Roman Thierry Liebling, hasta su retorno a Cracovia (Polonia), a primeros de julio de 1936, en donde recuperó su apellido original polaco y pasó a llamarse Rajmund Roman Thierry Polański, respondiendo al apodo de Romek, diminutivo de Roman. Su madre, de soltera llamada Bula Katz, era de origen ruso y se educó en la religión católica porque su madre lo era, aunque su padre (abuelo paterno de Polanski), apellidado Katz, era judío askenazí. Bula Katz estaba divorciada cuando se casó con Ryszard Liebling en 1932 y sólo tuvieron un hijo juntos. Se instalaron en el número 5 de la rue Saint-Hubert, en París, donde vivió Polanski sus tres primeros años de vida. En el árbol genealógico de Polanski, por tanto, hay raíces judías en un 75% (sus abuelos paternos y su abuelo materno, Katz) y un 25% de raíces rusas católicas (su abuela materna). Los padres de Polanski no practicaban la religión judía y Roman Polanski no recibió educación religiosa, ni judía ni tampoco católica, ni en París ni luego en Cracovia.

Por sus ancestros judíos, experimentó en carne propia los males de la Segunda Guerra Mundial ya que poco antes de dar comienzo el conflicto se mudó con sus padres de París a Cracovia (Polonia), creyendo que allí estarían más seguros; e instalarse en Polonia se convirtió en la primera, de muchas, desgracias de su vida. Durante la guerra perdió a su madre —católica, pero "clasificada racialmente" como judía por parte de padre— en el campo de concentración de Auschwitz, en algún momento de 1943, junto a otros familiares. Su padre pese a que estuvo también recluido dos años en el campo de concentración de Mauthausen-Gusen sobrevivió, convirtiéndose en uno de los pocos supervivientes polacos del Holocausto. Durante la guerra, Polanski sobrevivió al gueto de Cracovia y luego, tras vivir como un mendigo en la calle, logró escapar de los nazis haciéndose pasar por hijo católico en familias de acogida, primero los Wilk, en Cracovia, luego los Putek y los Buchala, en el pueblo de Wysoka, a partir de julio de 1943 y hasta la liberación por el Ejército Soviético en enero de 1945, tal y como relató el cineasta en sus memorias.

Inicios profesionales
Después de la guerra, siendo muy joven, ya empezó a interesarse por el mundo del cine y comenzó su carrera como actor teatral. Más tarde cursó estudios en la Escuela de Cine de Łódź.

Su primer cortometraje lo realizó a la temprana edad de 21 años. Se trataba de Rower (La bicicleta, 1955), en el que él también actúa con el papel principal. Le siguieron Rozbijemy zabawę... (1957), Uśmiech zębiczny (1957), Dwaj ludzie z szafą (1958) (conocida en castellano como Dos hombres y un armario), Lampa (La lámpara, 1959) y Gdy spadają anioły (1959) (Cuando los ángeles caen en España). Durante el rodaje de esta película el joven Polanski, de 26 años, comenzó un romance con la actriz principal, Barbara Kwiatkowska-Lass, de 19 años, con la que se casó en ese mismo año y de la que se divorció en 1962.

Esto le sirvió para poder realizar su primer largometraje en Polonia: El cuchillo en el agua (rodada en 1961 pero estrenada en 1962), con el que consiguió una nominación a la mejor película extranjera en los Óscar de 1963. La película ya mostraba algunas de las características de sus siguientes producciones, por su gusto por los ambientes claustrofóbicos, al colocar a tan sólo tres personajes (una pareja y un desconocido) que navegan en un pequeño barco.

Poco después Polanski realizó sus últimos cortometrajes: Le Gros et le maigre (1961), que rodó en Francia y con el que consiguió varios premios, y Ssaki (1963).

Dándose a conocer
Gracias al reconocimiento cosechado con El cuchillo en el agua, Polanski rodó Repulsión (1965). Escribió el guion junto con su amigo Gérard Brach y contó con una banda sonora del también íntimo Krzysztof Komeda, que ya había realizado varias composiciones musicales para los cortos de Roman. Esta película fue ya producida por una compañía más o menos importante y significó su primera gran producción en el Reino Unido, con Catherine Deneuve como estrella principal y con un argumento de thriller psicológico que le valió varios premios, incluido el Oso de Plata en el festival de Berlín de ese año.

En 1966 filmó Callejón sin salida (Cul-de-sac), de nuevo en Reino Unido, con Donald Pleasence como protagonista, en la que aparte del ambiente claustrofóbico tan característico del autor, deja ver atisbos de un humor negro muy particular que acompañará algunas de sus mejores películas. Cul-de-sac obtuvo el Oso de Oro en el festival de Berlín, así como muchos otros premios.

Tate y la mejor etapa de su vida


Sharon Tate.
En 1967 Polanski dio el gran salto a los Estados Unidos con el rodaje de El baile de los vampiros, primer filme que rodó en color. Este film, una parodia de las películas de vampiros de la época, le permitió mostrar sus dotes interpretativas y lo consagró en el mercado norteamericano.

Antes y durante el rodaje comenzó una relación amorosa con la bella actriz Sharon Tate, de 23 años (a pesar de que ésta se encontraba saliendo por aquel entonces con un prestigioso peluquero de Hollywood, Jay Sebring), con la que se casó en enero de 1968 en Londres.

La película fue destrozada debido a la excesiva censura de la época y sólo pudo ser vista de manera íntegra tiempo después.

En 1968, Polanski rodó en EE.UU. una de sus películas más emblemáticas y polémicas: Rosemary's Baby (conocida en Hispanoamérica como El bebé de Rosemary y como La semilla del diablo en España). Interpretada por la actriz Mia Farrow la película obtuvo numerosos premios (entre ellos varias nominaciones al Óscar), logró el éxito internacional y tuvo gran repercusión. Cabe destacar que Polanski tenía en mente utilizar para el papel protagonista a su mujer, Sharon. Sin embargo, al no decir los productores nada al respecto Roman desechó la idea.

Polanski, de 35 años, se encontraba en la mejor etapa de su vida, como reconoció él mismo.

Asesinato de su esposa
En abril de 1969 murió el compositor musical de películas Krzysztof Komeda a causa de un accidente. Era el preludio de una serie de desgracias que se cebarían con el director polaco.

Por aquel tiempo, Polanski se había mudado a una enorme mansión en el 10050 de Cielo Drive, en Los Ángeles (California), donde tuvo lugar uno de los sucesos que marcarían su vida, tanto personal como cinematográfica. Su mujer, la actriz Sharon Tate, que se encontraba embarazada de ocho meses, fue una de las víctimas de la masacre que la banda de Charles Manson realizó en dicha casa. Los sucesos tuvieron lugar mientras Polanski se encontraba en Londres preparando otro largometraje, El Día del Delfín, que jamás terminó. El suceso ocurrió la madrugada del 9 de agosto y Polanski tenía en mente regresar el día 12 a tierras norteamericanas, tras haber estado desde el 20 de julio en la capital británica.

Chinatown y otros estrenos
Tras un período de inactividad regresó al cine en 1971 con Macbeth, en una personal adaptación de la obra de William Shakespeare. La película fue el primer fracaso comercial de Polanski, aunque en Inglaterra funcionó bien. Destaca en la película la matanza realizada por el protagonista sobre los escoltas del Rey que hace alusión a los asesinatos de su esposa y amigos.

En 1973 viajó a Italia para rodar ¿Qué?, una comedia disparatada con Sydney Rome y Marcello Mastroianni que recordaba por momentos a Alicia en el país de las maravillas y que contiene alguno de los momentos más divertidos de su filmografía. La película fue un fracaso en EE.UU., pero en Europa consiguió un notable éxito, sobre todo en Francia, Italia y Alemania. En España fue prohibida por la censura de la época, debido a los continuos desnudos de Sydne Rome, y tan sólo pudo verse en salas de arte y ensayo en versión original subtitulada. Actualmente se ha editado en DVD en España por Filmax.

En 1974 Polanski volvió por la puerta grande, al rodar Chinatown, una película inspirada en los clásicos del cine negro, con las apariciones estelares de Jack Nicholson, Faye Dunaway y John Huston. La película fue un éxito mundial y lograría 11 nominaciones a los Óscar, de los que obtendría tan sólo uno, así como otros numerosos premios.

En 1975 empezó a preparar el rodaje de Piratas, de nuevo con Jack Nicholson, invirtiendo gran parte de su propio dinero en la preparación. Como finalmente ninguna gran productora cinematográfica se interesó por el proyecto, Polanski se ve obligado a abandonarlo, así que viajó a Francia, donde, apoyado de nuevo por las multinacionales, comienza el rodaje de El quimérico inquilino (The Tenant), un «thriller» psicológico que quizá sea la obra cumbre del director polaco y en el que él mismo actúa como protagonista. Como las autoridades francesas pretendían presentar el largometraje en el festival de Cannes, Polanski se vio obligado a realizar el proyecto a gran velocidad, con lo que pasaron tan sólo ocho meses desde que se escribió el guion hasta que se estrenó la película.

El quimérico inquilino se estrenó en 1976, fracasó en el festival de Cannes y recibió malísimas críticas. Fue un tremendo fiasco comercial y, curiosamente, hoy en día se ha convertido en el largometraje favorito de muchos de sus seguidores, ya que es uno de los trabajos más personales de Polanski y, a la vez, más retorcido, mezclando de forma magistral terror con humor negro.

En 1977 Polanski, de nuevo en EE.UU., fue acusado de haber mantenido relaciones sexuales con una joven de trece años. El suceso ocurrió debido a que Polanski era el encargado de realizar unas fotos a la joven para una revista. Durante la realización de éstas ambos se encontraban en casa de Jack Nicholson, que por aquel entonces era pareja de Anjelica Houston, en un jacuzzi con alcohol y drogas. Abandonó el país mientras estaba en libertad bajo fianza y tras haber pasado unos meses en prisión en Chino (Los Ángeles), previendo una condena mayor. Nunca ha vuelto a pisar suelo estadounidense.

Exilio en Europa y Emmanuelle Seigner
En 1979, tras un intenso rodaje de más de año y medio en Francia, Polanski estrenó Tess, basada en la novela de época de Thomas Hardy, con Nastassja Kinski como protagonista. Dedicó el filme a su fallecida esposa Sharon Tate (con un simple «To Sharon»), quien dio la novela a Polanski junto con otras pertenencias el último día que se vieron antes de que volviera la actriz a Los Ángeles. "Podemos hacer una película fascinante con este libro" le dijo en ese momento. Tess fue uno de los mayores éxitos de su carrera, logrando varios Globos de Oro y estando nominada a 6 estatuillas en los Óscar, de las que conseguiría tres. Cabe destacar por el propio Polanski que con Tess lograría la cumbre de su carrera, si bien el propio director tenía pensado hacerla dándole el papel protagonista a la propia Sharon.

Reconocido como uno de los más grandes directores de la historia del cine, Polanski se tomó un descanso como director de cine durante seis años. En ese tiempo escribe su autobiografía Roman por Polanski (1985), donde deja ver claramente que aún no ha superado la muerte de su mujer.

En 1986 regresó con Piratas, proyecto que pretendía haber rodado diez años atrás inspirándose en las películas de piratas y que, sin Jack Nicholson como protagonista, fue, como vaticinaron las productoras diez años atrás, un fracaso comercial.



Roman Polanski y Emmanuelle Seigner en el Festival de Cannes en 1992.
Dos años más tarde, con 55 años, volvió al género de suspense con una producción estadounidense rodada en Francia: Frantic, junto a Harrison Ford y la que sería la futura esposa de Polanski en 1989, Emmanuelle Seigner, de 22 años. Frantic funcionó muy bien comercialmente y permitió al director adentrarse en temas aún más oscuros en cuanto a la relación de pareja en Lunas de hiel, su siguiente trabajo, de nuevo con Emmanuelle Seigner como protagonista junto a Peter Coyote y Hugh Grant. El filme se estrenó en 1992 y, sin llegar a estar considerada de lo mejor de la filmografía de Polanski, supera los trabajos del director en la década de los 80 y 90.

Década de los noventa
En 1993, con casi 60 años, nace su primera hija, Morgane, fruto de su matrimonio con Emmanuelle Seigner. En 1994 estrenó La muerte y la doncella (basado en el libro del mismo nombre de Ariel Dorfman) con Sigourney Weaver como protagonista. La cinta fue un éxito moderado tanto comercial como de crítica. En 1998 nace su segundo hijo, Elvis.

Tras abandonar un proyecto cinematográfico con John Travolta en 1996 por desavenencias con el actor, en 1999 Polanski rodó La novena puerta, en la que adaptó de forma original la novela de Arturo Pérez-Reverte El club Dumas y otorgó el papel protagonista a Johnny Depp. El filme, aunque fue un éxito comercial, se ganó el estatus de una de las peores películas de Polanski por parte de la crítica.

Fue en 1997 cuando Polanski incursionó en el teatro musical con la producción germano-austriaca Tanz der Vampire (basada en la película de Polanski, con libreto de Michael Kunze y musicalizada por el célebre Jim Steinman). Dicha versión fue protagonizada por el fallecido actor estadounidense Steve Barton. El musical fue un éxito, logrando una gran temporada en Viena (Austria) y después siendo montada en algunas ciudades alemanas como Stuttgart, Hamburgo y Berlín. También recientemente se ha estrenado la versión polaca del musical, dirigida personalmente por Polanski. El musical contó con una versión estadounidense: Dance of the Vampires, que pese a tener un gran presupuesto no logró captar el sentimiento original de la versión en alemán. El resultado fue una comedia ridícula, con una traducción/adaptación al inglés bastante mediocre, que fue un rotundo fracaso, no llegando siquiera a las cien funciones.

Cabe destacar también su papel como actor en la película Una pura formalidad, en la cual interpreta a un inspector de policía que intenta descubrir un caso con Gérard Depardieu como sospechoso. La película fue rodada íntegramente en una lúgubre comisaría de policía.

Siglo XXI
En 2002 recibió la Palma de Oro de la 55.ª edición del festival de Cannes, máximo galardón del certamen, por el filme El pianista, adaptación de las memorias de Władysław Szpilman, pianista judío polaco que sobrevivió a las masacres nazis gracias a la ayuda de un oficial alemán. En la 75 edición de los Óscar, El pianista recibió tres galardones; mejor actor (Adrien Brody), mejor guion original (Ronald Harwood) y mejor director para Polanski, que no asistió a la ceremonia por ser prófugo de la justicia estadounidense.

Polanski estrenó (diciembre de 2005 en España) Oliver Twist (2005), una película con la que se identificaba. En 2007 se preparaba para un nuevo giro en su carrera, con la adaptación de la novela "Pompeya" de Robert Harris. Demoras ajenas a su voluntad le obligaron a renunciar en septiembre de 2007 tras varios años dedicados al proyecto.

En febrero de 2009 Polanski inició en Berlín el rodaje de The Ghost Writer, que también incluye secuencias filmadas en el Studio Babelsberg, de Potsdam (Brandenburgo), los mismos estudios donde filmó El pianista, así como en la Isla de Sylt. Polanski ha escrito también el guion, adaptado de la novela homónima del escritor ingles Robert Harris, distribuida en España bajo el título El poder en la sombra. Cuenta con la fotografía del operador polaco Pawel Edelman, el mismo de El pianista y Oliver Twist, además de sus productores habituales: Robert Benmussa, Timothy Burrill y Alain Sarde. Los actores protagonistas son el escocés Ewan McGregor y el irlandés Pierce Brosnan. Y como secundarios los ingleses Olivia Williams, Kim Cattrall y Tom Wilkinson, así como los estadounidenses Timothy Hutton y James Belushi, entre otros. La productora es Summit International. The Ghost Writer se estrenó en Alemania el 18 de febrero de 2010. Según el diario alemán Märkische Allgemeine, Polanski habló de la película a la prensa en el Filmmuseum Potsdam, el 19 de febrero de 2009.

Sin embargo fue detenido sorpresivamente el sábado 26 de septiembre de 2009 en Zúrich por los cargos de abuso sexual que pesaban sobre él en Estados Unidos desde 1977, por los que pesaba contra él una orden de búsqueda y captura. Polanski había sido invitado por el Festival de Cine de Zúrich.

Por este motivo no pudo estar presente en la entrega del Premio al Mejor Director que se le concedió el 20 de febrero de 2010 en el Festival de Berlín por su película The ghost writer. La película se estrenó en España como El escritor el 26 de marzo, con excelentes críticas de la prensa generalista y especializada.

El 12 de julio de 2010, la ministra de Justicia de Suiza, Eveline Widmer-Schlumpf, anunció que Suiza no extraditaría a Polanski, por considerar que las autoridades estadounidenses no habían probado que el cineasta no hubiera cumplido ya la totalidad de la condena impuesta en su día al pasar 42 días en una institución psiquiátrica. Esta decisión puso fin al arresto domiciliario que sufría el cineasta.1

El 14 de julio de 2010, Polanski confirmó que llevaría al cine Un Dios salvaje, obra teatral de la escritora francesa de origen judío sefardí Yasmina Reza. Polanski y Reza escribieron juntos la primera versión del guion durante el arresto domiciliario en Gstaad, Suiza.

El 20 de mayo de 2012 presentó en el Festival de Cannes su cortometraje A Therapy (Una terapia), protagonizado por Ben Kingsley y Helena Bonham Carter, para promocionar la firma de moda Prada.

Acusaciones de abuso sexual
En 1977, a los 43 años, Polanski, se vio involucrado en un escándalo junto a Samantha Gailey (posteriormente Samantha Geimer2 ), de 13 años de edad. Según Samantha Gailey, Polanski la llevó a la casa de Jack Nicholson en Mulholland Drive para fotografiarla para la revista Vogue. Gailey declaró que Polanski le dio champán y metacualona, le tomó fotos con el pecho desnudo y después la llevó a un jacuzzi, donde mantuvo relaciones sexuales consentidas, aunque luego Gailey declaró que se negó verbalmente en varias ocasiones. 3

Polanski fue acusado de abuso sexual a una menor tras el uso de drogas, perversión y sodomía, así como por administración de drogas a una menor de catorce años. Estos cargos fueron atenuados bajo los términos de su plea bargain (negociación en el sistema jurídico estadounidense entre el fiscal y el acusado por la que el fiscal accede a limitar sus acusaciones o las penas que solicitará si el acusado se reconoce culpable de ciertas acusaciones) y se declaró culpable del cargo menor de tener relaciones sexuales ilícitas con una menor.4 Polanski fue condenado en primer lugar a un periodo de reclusión de 90 días en una prisión estatal para realizarle una evaluación psiquiátrica con el fin de decidir su condena final, pero le dieron un permiso de otros 90 días para terminar su proyecto pendiente. De acuerdo con los términos de la sentencia, se le dio permiso para viajar al extranjero. Polanski volvió a California y se sometió a la evaluación en la Prisión Estatal de Chino, de la que fue liberado tras 42 días. El 1 de febrero de 1978 Polanski voló a Londres, donde tenía una residencia. Al día siguiente viajó a Francia, país en el que tenía y sigue teniendo la nacionalidad, evitando así el riesgo de ser extraditado a los Estados Unidos por el Reino Unido, pues de acuerdo con el tratado de extradición entre Francia y los Estados Unidos, Francia se puede negar a extraditar a sus ciudadanos, como hizo en este caso.5 Desde entonces ha vivido en Francia y Polonia y ha evitado visitar países donde probablemente podría ser extraditado, como el Reino Unido.

Polanski no ha vuelto a pisar Estados Unidos ni el Reino Unido. No asistió, por ejemplo, a la ceremonia de los Óscars de 2002, en la que obtuvo el Óscar al mejor director por El Pianista, y rodó Oliver Twist en Praga con actores británicos.

El 26 de septiembre de 2009, Polanski fue arrestado en el aeropuerto de Zúrich por las autoridades del país helvético, a petición de Estados Unidos por el caso abierto del año 1978.6 7


Charlotte Lewis ha declarado que Polanski, en el rodaje de Piratas, le dijo que "Si no eres lo suficientemente adulta como para tener relaciones conmigo, no lo eres tampoco para hacer una prueba de cámara". Lewis dijo que en ese momento se echó a llorar y finalmente accedió para no dejar pasar una oportunidad única en su carrera. 8

Filmografía
Cortometrajes
Año Título Duración Formato Argumento9 Tarea Ref.
1955 Rower
(«La bicicleta») B/N Director, guionista 10
1957 Uśmiech zębiczny
(«Una sonrisa») 2 min B/N, mudo Un hombre observa a una mujer desnuda a través de una ventana Director, guionista
sin acreditar 11
Rozbijemy zabawę
(«Interrumpiendo la fiesta») 8 min B/N, polaco Unos gamberros pretenden acabar con las celebraciones de una fiesta. Director, guionista 12
Morderstwo
(«Asesinato») 2 min B/N, mudo En la oscuridad de una habitación, un extraño perturba el sueño de su víctima. Director, guionista
sin acreditar 13
1958 Dwaj ludzie z szafa
(«Dos hombres y un armario») 15 min B/N, polaco Dos hombres cargando un armario emergen del mar y se adentan en la ciudad donde no serán bien recibidos. Director, guionista 14
1959 Lampa
(«La lámpara») 8 min B/N, musical En un taller de juguetes estos cobran vida y arden porun desperfecto eléctrico cuando el dueño se va. Director, guionista 15
Gdy spadają anioły
(«Ángeles caídos») 21 min B/N y color, polaco Una anciana cuida los baños públicos del sótano de un edificio observando la conducta de los hombres que entran y recordando su propia juventud, así como su relación amorosa con un soldado. Director, guionista, actor 16
1963 Ssaki
(«Mamíferos») 11 min B/N, musical Dos hombres en la nieve se turnan para llevar el uno al otro en un trineo. Su relación de afecto y odio los lleva a perderlo y tener que seguir sin él. Director, escritor 17
Todos estos cortometrajes salvo Rower fueron lanzados en 2007 en un DVD titulado Roman Polanski: Cortometrajes 1957-1963.9

Largometrajes
Como productor
Bitter Moon (1992)
Como director
El gordo y el flaco (1961)
El cuchillo en el agua (1962)
Les plus belles escroqueries du monde (1964, sólo un episodio)
Repulsión (1965)
Callejón sin salida (1966)
El baile de los vampiros (1967)
Rosemary's Baby (1968) o La semilla del diablo.
Cinema Different 3 (1970)
Macbeth (1971)
¿Qué? (1973)
Chinatown (1974)
Le Locataire (1976)
Tess (1979)
Piratas (1986)
Frantic (1988) (Frenético)
Bitter Moon (1992) (Lunas de Hiel)
La muerte y la doncella (1994)
The Ninth Gate (1999) (La novena puerta)
El pianista (2001)
Oliver Twist (2005)
A cada uno su cine (2007)
El escritor fantasma (2010)
Un dios salvaje (Carnage) (2011)
Venus in Fur (2013)
D (2014)18
Como guionista
El cuchillo en el agua (1962)
Aimez-vous les femmes? (1964)
Les plus belles escroqueries du monde (1964)
Repulsion (1965)
Callejón sin salida (1966)
A Taste for Women (1966)
El baile de los vampiros (1967)
Rosemary's Baby (1968) (La semilla del Diablo)
La fille d'en face (1968)
A Day at the Beach (1970)
Cinema Different 3 (1970)
Macbeth (1971)
¿Qué? (1973)
El inquilino (1976) (Quimerico Inquilino)
Tess (1979)
Piratas (1986)
Frantic (1988) (Frenetico)
Bitter Moon (1992) (Lunas de Hiel)
The Ninth Gate (1999) (La Novena Puerta)
Como actor
Generación (Pokolenie, 1954)
Fin de la noche (Koniec nocy, 1957)
Lotna (1959)
Do widzenia, do jutra (1960)
El baile de los vampiros (1967)
The Magic Christian (1969)
Blood for Dracula (1973)
¿Qué? (1973)
Chinatown (1974)
El inquilino (1976)
Back in the USSR (1991)
Una pura formalità (1994)
Grosse fatigue (1994)
Hora punta 3 (2007)
Caos calmo (2008)
Premios y nominaciones
Premios Óscar
Año Categoría Película Resultado
2002 Mejor director El pianista Ganador
1980 Mejor director Tess Candidato
1974 Mejor director Chinatown Candidato
1968 Mejor guion adaptado Rosemary's Baby Candidato
Premios Globo de Oro
Año Categoría Película Resultado
2003 Mejor película europea El pianista Ganador
1980 Mejor director Tess Candidato
1974 Mejor director Chinatown Ganador
1968 Mejor guion Rosemary's Baby Candidato
Premios Goya
Año Categoría Película Resultado
2002 Mejor película europea El pianista Ganador
Festival de Cannes
Año Categoría Película Resultado
2002 Palma de Oro El pianista Ganador
1976 Palma de Oro Le Locataire Candidato

Ha recibido 18 puntos

Vótalo:

ROBERT WIENE

40. ROBERT WIENE

Trayectoria[editar] Hijo del actor Carl Wiene, y por tanto en un ambiente artístico, Robert Wiene inició su carrera en el mundo del teatro para después vincularse al cine. La película con la que logró destacarse es el clásico de terror El gabinete del Doctor Caligari (1920) que es... Ver mas
Trayectoria[editar]
Hijo del actor Carl Wiene, y por tanto en un ambiente artístico, Robert Wiene inició su carrera en el mundo del teatro para después vincularse al cine.

La película con la que logró destacarse es el clásico de terror El gabinete del Doctor Caligari (1920) que es considerada como la primera película del cine expresionista alemán. Era un proyecto para Fritz Lang, pero el productor Erich Pommer finalmente se lo ofreció por su formación teatral: la película viene marcada por este marco. Los decorados fueron realizados por Walter Riemannn, Hermann Warm y Walter Röring, que dieron un tono irreal con sus pinturas angulosas, y sus puertas y perspectivas deformadas. El caso Caligari, dada la manipulación de la voluntad de ciertos individuos y por su aspecto patológico ha sido analizado por Siegfried Kracauer (De Caligari a Hitler) y por Lotte Eisler (La pantalla demoniaca).

Después de la ascensión de Hitler al poder en 1933, Robert Wiene se marchó a Hungría donde filmó la opereta Una noche en Venecia y luego huyó a París donde quiso trabajar con Jean Cocteau en una nueva versión de Caligari.

Falleció en París en 1938 de cáncer, cuando estaba a punto de finalizar el largometraje Ultimatum. Fue concluido por Robert Siodmak, amigo suyo.

Filmografía[editar]
Selección:

1919 (estrenada en 1920) El gabinete del Doctor Caligari.
1920 Genuine
1921 Die Rache einer Frau.
1923 Raskolnikow (basada en la novela Crimen y castigo de Fiódor Dostoievski).
1923 I.N.R.I.
1924 Orlacs Hände.
1926 Der Rosenkavalier (versión abreviada muda sobre la ópera de Richard Strauss).
1930 Der Andere (El otro).
1931 Der Liebesexpress.
1934 One Night in Venice.
1938 Ultimatum.

Ha recibido 17 puntos

Vótalo:

LAURENCE OLIVIER

41. LAURENCE OLIVIER

Biografía[editar] Hijo de un pastor protestante, a los 10 años llama la atención al interpretar a Bruto en la representación teatral de Julio César de William Shakespeare. Siete años más tarde interrumpe sus estudios en Oxford, para estudiar Arte Dramático en Londres. A finales de los años 20... Ver mas
Biografía[editar]
Hijo de un pastor protestante, a los 10 años llama la atención al interpretar a Bruto en la representación teatral de Julio César de William Shakespeare. Siete años más tarde interrumpe sus estudios en Oxford, para estudiar Arte Dramático en Londres. A finales de los años 20, debuta como actor de teatro y no tarda en convertirse en un gran especialista en Shakespeare. Durante la década de los treinta llega a ser una de las principales figuras de la compañía del famoso Old Vic Theatre, mientras desarrolla una carrera como actor de cine en varias películas británicas. Llega a Hollywood y se convierte en un actor de películas románticas debido a su Heathcliff de Cumbres Borrascosas dirigido por William Wyler y a su Max de Winter en Rebeca de Alfred Hitchcock.

La II Guerra Mundial interrumpe esta ascendente trayectoria y le lleva a intervenir en diferentes películas de propaganda bélica, el documental Los conquistadores del aire de los hermanos Korda, la obra de ficción Lady Hamilton o Los invasores de Michael Powell. En 1946 dirige Enrique V, personal visión de la tragedia de Shakespeare y por la que consigue varios Óscar. Su éxito le ayuda a dirigir y protagonizar Hamlet un nuevo éxito que le hace ganar el León de Oro en el Festival de Venecia, el Óscar a la mejor película y al mejor actor. En los años 50 dirige el Old Vic Theatre y dedica su tiempo al teatro, aunque vuelve a Hollywood para protagonizar Carrie de William Wyler y para terminar su trilogía shakesperiana con Ricardo III, que no logra el éxito de las anteriores. Laurence Oliver, ganó fama como un actor muy versátil de interpretaciones sólidas y marcadas por un personal estilo psicológico.

En los sesenta dirige la England's National Theatre Company y cierra su carrera como director con El príncipe y la corista, una comedia con Marilyn Monroe como protagonista y él como partenaire; y Tres hermanas, una adaptación del clásico de Antón Chéjov. Además interviene como actor en películas entre las que destacan Espartaco, donde da vida al cónsul Craso y es dirigido por Stanley Kubrick; El animador, de Tony Richardson; Las sandalias del pescador, con Anthony Quinn o El rapto de Bunny Lake, de Otto Preminger. Tras conseguir todo tipo de honores y ser un mito del teatro británico, en los años setenta y ochenta se limita a hacer papeles secundarios en películas de renombre como La huella, en la que tiene un enorme duelo interpretativo con Michael Caine, Marathon Man de John Schlesinger o Los niños del Brasil de Franklin J. Schaffner, inquietante película sobre el doctor nazi Joseph Mengele (interpretado por Gregory Peck), en el que interpreta a un cazanazis retirado (inspirado en la figura de Simon Wiesenthal).

En los años setenta protagoniza una serie de películas para televisión entre las que sobresale Amor entre ruinas con Katharine Hepburn y por la que gana un premio Emmy, y la miniserie Jesús de Nazaret, donde encarna a Nicodemo, logrando otra destacada labor.

"¿Qué es en el fondo actuar sino mentir?, ¿y qué es actuar bien sino mentir convenciendo? Un actor debe ser capaz de crear el universo en la palma de su mano".
Laurence Olivier
Casado en segundas nupcias con Vivien Leigh con quien mantuvo una relación tormentosa, se divorcia para casarse con la actriz británica Joan Plowright.

Al morir Vivien, Laurence se encontraba en el Hospital afectado por una enfermedad, pero al ser avisado de la noticia sobre su ex-esposa pidió el alta voluntaria y acudió inmediatamente al lado de Vivien. Él mismo relata en sus memorias que permaneció junto a ella a solas «pidiéndose perdón por todo el daño que se habían hecho». Siempre la recordaría como el gran amor de su vida.

Laurence fue cremado, y sus cenizas fueron sepultadas en la Abadía de Westminster.

Obras teatrales en el Reino Unido[editar]
The Adding Machine - 1928
Macbeth - 1928
Back to Methuselah - 1928
Harold - 1928
The Taming of the Shrew - 1928
Bird in Hand - 1928
Paul Among The Jews - 1928
The Dark Path - 1928
Journey's End - 1928
Beau Geste - 1929
Prize Giving at Woodside House School (sketch) - 1929
The Circle of Chalk - 1929
Paris Bound - 1929
The Stranger Within - 1929
The Last Enemy - 1929
100 Not Out (sketch) 1930
After All - 1930
Vidas privadas -1930
Some Other Private Lives (sketch) 1930
The Rats of Norway - 1931
Biography - 1934
Queen of Scots - 1934
Theatre Royal - 1934
Journey's End - 1934
A Kiss for Cinderella - 1934
November Afternoon (sketch) - 1934
The Winning Post - 1934
Ringmaster - 1935
November Afternoon (sketch) - 1935
Notices (sketch) - 1935
The Down and Outs Matinee - 1935
Golden Arrow - 1935
Romeo and Juliet - 1935
Bees on the Boatdeck - 1936
Hamlet - 1937
Twelfth Night - 1937
Henry V - 1937
Macbeth - 1937
Othello -1938
The King of Nowhere - 1938
Coriolanus - 1938
Here's To Our Enterprise - 1938
Henry V - 1942
Elsie Fogerty Jubilee Matine - 1942
Peer Gynt - 1944
Arms and the Man - 1944
Richard III - 1944
Uncle Vanya - 1945
Henry IV, Part 1 - 1945
Henry IV, Part 2 - 1945
Oedipus & The Critic - 1945
King Lear - 1946
The School for Scandal - 1949
Richard III - 1949
Antigone - 1949
Venus Observed - 1950
Caesar and Cleopatra - 1951
Antony and Cleopatra - 1951
The Sid Field Tribute - 1951
The Sleeping Prince - 1953
The Entertainer - 1957
Titus Andronicus - 1957
Rhinoceros - 1960
Semi-Detached - 1962
Uncle Vanya - 1963
The Recruiting Officer - 1963
Othello - 1964
The Master Builder - 1964
Love for Love - 1965
The Dance of Death - 1967
A Flea in her Ear - 1967
Home and Beauty - 1969
The Merchant of Venice - 1970
Long Day's Journey into Night - 1971
Saturday, Sunday, Monday - 1973
The Party - 1973
Tributo a una dama - 1974
Obras teatrales en Broadway[editar]
Murder on the Second Floor - 1929
Private Lives - 1931
The Green Bay Tree - 1933
No Time for Comedy - 1939
Romeo and Juliet - 1940
King Henry IV, Part I - 1946
King Henry IV, Part II - 1946
Uncle Vanya - 1946
Oedipus Rex - 1946
The Critic - 1946
Antony and Cleopatra - 1952 (productor)
The Entertainer - 1958
Becket - 1960-1
Romeo and Juliet - 1940 (compositor, director, y diseñador)
Daphne Laureola - 1950 (productor)
Antony and Cleopatra - 1952
Rosencrantz & Guildenstern Are Dead - 1967-8 (productor, director)
Venus Observed - 1952 (productor y director)
Romeo and Juliet - 1940 (compositor, productor, y diseñador)
Venus Observed - 1952 (productor y director)
The Tumbler - 1960 (director)
Rosencrantz & Guildenstern Are Dead - 1967-8 (productor, director)
Filumena - 1980 (director)
Filmografía como director[editar]
Enrique V (1946)
Hamlet (1948)
Ricardo III (1956)
El príncipe y la corista (1957)
Tres Hermanas (1970)
Filmografía selecta como actor[editar]
Como gustéis (1936)
Cumbres borrascosas (1939)
Rebeca (1940)
Orgullo y prejuicio (1940)
Lady Hamilton (1941)
Enrique V (1946)
Hamlet (1948)
Carrie (1952)
Ricardo III (1956)
El príncipe y la corista (1957)
Espartaco (1960)
El animador (1960)
El rapto de Bunny Lake (1965)
Otelo (1966)
Kartum (1966)
Las sandalias del pescador (1968)
Nicolás y Alejandra (1971)
La huella (1972)
Marathon Man (1976)
Jesús de Nazaret (1976)
Un Puente Lejano (1977)
Los Niños del Brasil (1978)
Drácula (1979)
Furia de titanes (1981)
Motín a bordo (1986)
Films para televisión[editar]
John Gabriel Borkman - 1958
The Moon and Sixpence - 1959
The Power and the Glory - 1961
Male of the Species - 1969
David Copperfield - 1969
Long Day's Journey Into Night - 1973
The Merchant of Venice - 1973
The World At War - 1974
Amor entre ruinas - 1975
The Collection - 1976
Cat on a Hot Tin Roof - 1976
Come Back, Little Sheba - 1977
Daphne Laureola - 1978
Brideshead Revisited - 1981
A Voyage Round My Father - 1982
Mr. Halpern and Mr. Johnson - 1983
Wagner - 1983
A Talent for Murder - 1984
King Lear - 1984
The Last Days of Pompeii - 1984
The Ebony Tower - 1984
Peter the Great - 1986
Lost Empires - 1986
Premios[editar]
Premios Óscar
Año Categoría Película Resultado
1978 Óscar honorífico Ganador
1978 Mejor actor Los niños del Brasil Nominado
1976 Mejor actor de reparto Marathon Man Nominado
1972 Mejor actor La huella Nominado
1965 Mejor actor Otelo Nominado
1960 Mejor actor El animador Nominado
1955 Mejor actor Ricardo III Nominado
1948 Mejor actor Hamlet Ganador
1948 Mejor director Hamlet Nominado
1948 Mejor película Hamlet Ganador
1946 Óscar honorífico Por su trabajo en Enrique V Ganador
1946 Mejor actor Enrique V Nominado
1940 Mejor actor Rebeca Nominado
1939 Mejor actor Cumbres borrascosas Nominado
Premios Golden Raspberry
Año Categoría Película Resultado
1982 Golden Raspberry al peor actor Inchon Ganador

Ha recibido 17 puntos

Vótalo:

TERENCE YOUNG

42. TERENCE YOUNG

Stewart Terence Herbert Young (n. 20 de junio de 1915 en Shanghái China - f. 7 de septiembre de 1994) fue un director de cine del Reino Unido, conocido por dirigir tres filmes de la serie de James Bond: Dr No, Desde Rusia con amor y Operación Trueno. Biografía[editar] Educado en una escuela... Ver mas
Stewart Terence Herbert Young (n. 20 de junio de 1915 en Shanghái China - f. 7 de septiembre de 1994) fue un director de cine del Reino Unido, conocido por dirigir tres filmes de la serie de James Bond: Dr No, Desde Rusia con amor y Operación Trueno.

Biografía[editar]
Educado en una escuela pública, estudió "Historia Oriental" en la universidad de Cambridge. Durante la Segunda Guerra Mundial, Young participó en la batalla de Arnhem, Holanda, como comandante de tanques.

En 1946 fue uno de los directores de la película Theirs is the Glory, en la que cual recreó la batalla del puente de Arnhem (Arnhem fue el hogar de la actriz Audrey Hepburn en su infancia y adolescencia). Durante la filmación de Sola en la oscuridad, Audrey Hepburn y Young bromeaban acerca de que él había estado atacando a su estrella favorita sin siquiera saberlo.

Young se inició como escritor para filmes británicos en los años 40 y 50 antes de haber dirigido varios filmes para Irving Allen y del estudio Warwick Films de Albert R. Broccoli en los 50, tales como The Red Beret con Alan Ladd. Su asociación con Broccoli en dichos filmes fue una de las razones por las que se le ofreció dirigir los dos primeros filmes de James Bond.

"Terence Young era James Bond" escribió Robert Cotton. Había cierta incertidumbre sobre si Young llenaría el perfil de Bond, el erudito y sofisticado asesino que vestía trajes Saville Row. Cotton comentó al igual que Lois Maxwell en una de las muchas biografías de Connery: "Terence tomó a Sean bajo su tutela. Lo llevaba a cenar y le mostraba como caminar, como hablar e incluso la forma de comer; muchos de los del elenco nos dimos cuenta que Sean estaba representando el tipo de carácter que Young le había enseñado". Otras películas posteriores que Young dirigió fueron Mayerling (1968) e Inchon (1981). Young murió de un ataque al corazón a la edad de 79 años en Cannes, en Côte d'Azur en Francia.

Filmografía[editar]
1946 Men of Arnhem
1948 Corridor of mirrors
1948 One Night with You
1949 Woman hater
1950 They Were Not Divided
1951 Valley of eagles
1953 The Red Beret
1955 That Lady (La princesa de Éboli)
1955 Storm over the Nile
1956 Safari
1956 Zarka Khan
1957 Action of the tiger
1958 No time to die
1959 Serious charge
1960 Too hot to handle
1962 Dr. No (James Bond 007)
1963 From Russia with Love (James Bond 007)
1965 Operación Trueno (James Bond 007)
1965 The amorous adventures of Moll Flanders
1965 Guerre secrète (episodio)
1966 The poppy is also a flower
1967 El aventurero
1967 Triple cross
1967 Sola en la oscuridad (con Audrey Hepburn)
1968 Mayerling
1969 L'arbre de noel
1970 De la part des copains
1971 Sol rojo
1972 Carteggio Valachi
1974 Guerriere dal seno nudo
1974 The klansman
1977 Foxbat
1979 Blood line
1981 Inchon
1982 The jigsaw-man
1988 Run for your Life

Ha recibido 16 puntos

Vótalo:

J. LEE THOMPSON

43. J. LEE THOMPSON

Biografía[editar] Thompson nació en Bristol, Inglaterra a una familia teatral. Después de estudiar en Dover College, él apareció brevemente en el escenario y escribió obras de crimen en su tiempo libre. Thompson primero saco notas críticas cuando su obra Double Error fue puesta en el escenario... Ver mas
Biografía[editar]
Thompson nació en Bristol, Inglaterra a una familia teatral. Después de estudiar en Dover College, él apareció brevemente en el escenario y escribió obras de crimen en su tiempo libre. Thompson primero saco notas críticas cuando su obra Double Error fue puesta en el escenario en el West End de Londres en 1935, en la cuál lo contrataron como guionista para British International Pictures, adquisidor de los derechos de la obra de las película. Durante esta restricción inicial de BIP, Thompson hizo su única aparición en película en Carol Reed-directed Midshipman Easy (1935) y ha trabajado como entrenador de diálogo para Jamaica Inn (1939) de Alfred Hitchcock.

La pequeño enmarcado inglés fue ocupado durante la Segunda Guerra Mundial como un artillero trasero y operador de radio para la Royal Air Force. El eventualmente regreso a sus deberes de guionista en la Associated British Picture Corporation, un sucesor de BIP, en 1950. Ese año, a Thompson se le fue dada su primera oportunidad en la dirección de la película, Murder Without Crime.

Películas británicas[editar]
Murder Without Crime fue la más ignorada en lanzamiento. La primera película exitosa de Thompson era una que él dirigió y que co-escribió, The Yellow Balloon (lanzada en 1953), la historia de un niño que es chantajeado en la ayuda de un criminal después de accidentalmente causar la muerte de su amigo. The Weak and the Wicked (1954), retrata la vida de las mujeres en la cárcel y se basa en las memorias de Joan Henry, quien se convirtió en primera mujer de Thompson.

Thompson ganó una reputación en Gran Bretaña para los dramas sociales valientes además de comedias y de musicales ocasionales. También fue conocido por colaborar con los mejores actores británicos. Después de las comedias For Better, For Worse (1954) protagonizada por Dirk Bogarde, As Long as They're Happy (1955), y An Alligator Named Daisy (1955), él volvió al tema de prisioneras en Yield to the Night (1956), un poderoso cuento anti-pena capital con Diana Dors. A finales de la década de 1950 continuaron las obras ultrarrealistas de Thompson, centrándose en las situaciones difíciles del ciudadano británico promedio. Woman in a Dressing Gown (1957), con Yvonne Mitchell, Anthony Quayle, y Sylvia Syms, trata del derrumbamiento de un matrimonio de 20 años. The Good Companions (1957) da una severa, vista semimusical del mundo teatral.

El periodio más duro de Thompson de películas británicas era indudablemente 1958-60, durante el cual hizo Ice-Cold in Alex (1958), North West Frontier (1959), No Trees in the Street (1959), Tiger Bay (1959), y I Aim at the Stars t.c.c Wernher von Braun (1960). Ice-Cold in Alex, la historia de una unidad del ejército británica de rastreo a través de África del Norte en la Segunda Guerra Mundial, fue un gran éxito con John Mills, Sylvia Syms, Anthony Quayle, y Harry Andrews; ganó tres premios BAFTA, incluyendo Mejor película británica. Hayley Mills ganó un BAFTA por Recién Llegado Más Prometedor en Tiger Bay, retratando a una muchacha de 12 años que rechaza traicionar a un marinero acusado de asesinato. Thompson salto a la fama internacional con The Guns of Navarone (1961) como un reemplazo de última hora para el director Alexander Mackendrick.

Su actitud de tomar y cambiar durante esta producción le ganó el apodo "Ratón Poderoso" del actor principal Gregory Peck. The Guns of Navarone, una épica Segunda Guerra Mundial filmada en sobre Rodas, Grecia, fue nominada para siete Premios de la Academia incluyendo Mejor Director para Thompson.

El éxito de la película le ganó su entrada en Hollywood, donde dirigió Cape Fear (1962), un thriller psicológico con Gregory Peck, Robert Mitchum, Polly Bergen, y Lori Martin. Basada en una novela titulada The Executioners de John D. MacDonald, Cape Fear audazmente muestra cómo un delincuente sexual puede manipular el sistema de justicia y aterrorizar a toda una familia. Muy controvertida en su tiempo, la película fue cortada fuertemente tanto en los Estados Unidos como en Gran Bretaña.

Filmografía[editar]
Murder Without Crime (1950)
The Yellow Balloon (1953)
For Better, for Worse (1954)
The Weak and the Wicked (1954)
As Long as They're Happy (1955)
An Alligator Named Daisy (1955)
Yield to the Night (1956)
The Good Companions (1957)
Woman in a Dressing Gown (1957)
Ice-Cold in Alex (1958)
North West Frontier(1959)
No Trees in the Street (1959)
Tiger Bay (1959)
I Aim at the Stars (1960)
The Guns of Navarone (1961)
Cape Fear (1962)
Taras Bulba (1962)
Kings of the Sun (1963)
What a Way to Go! (1964)
John Goldfarb, Please Come Home (1965)
Return from the Ashes (1965)
Eye of the Devil (1967)
Mackenna's Gold (1969)
Before Winter Comes (1969)
The Chairman (1969)
Country Dance (1970)
Conquest of the Planet of the Apes (1972)
A Great American Tragedy (1972) (TV)
Battle for the Planet of the Apes (1973)
Huckleberry Finn (1974)
The Reincarnation of Peter Proud (1975)
The Blue Knight (1975) (TV)
Widow (1976) (TV)
St. Ives (1976)
The White Buffalo (1977)
The Greek Tycoon (1978)
The Passage (1979)
Caboblanco (1980)
Happy Birthday to Me (1981)
Code Red (1981) (TV)
10 to Midnight (1983)
The Evil That Men Do (1984)
The Ambassador (1984)
King Solomon's Mines (1985)
Murphy's Law (1986)
Firewalker (1986)
Death Wish 4: The Crackdown (1987)
Messenger of Death (1988)
Kinjite: Forbidden Subjects (1989)

Ha recibido 16 puntos

Vótalo:

THEO ANGELOPOULOS

44. THEO ANGELOPOULOS

Biografía[editar] Uno de los cuatro hijos del matrimonio de Katerina y Spyros Angelópoulos, estudió Derecho en Atenas (1953-1957) y luego hizo, hasta 1960, el servicio militar, después de lo cual se fue a París. Allí ingresó a La Sorbona y asistió a cursos del Claude Lévi-Strauss pero pronto... Ver mas
Biografía[editar]
Uno de los cuatro hijos del matrimonio de Katerina y Spyros Angelópoulos, estudió Derecho en Atenas (1953-1957) y luego hizo, hasta 1960, el servicio militar, después de lo cual se fue a París. Allí ingresó a La Sorbona y asistió a cursos del Claude Lévi-Strauss pero pronto abandonó esa universidad para estudiar en el IDHEC. En la capital francesa hace toda clase de trabajos para ganarse la vida, incluido el de guardia de seguridad.1 Sus estudios cinematrográficos terminan abruptamente al final del primer curso, cuando es "expulsado por inconformista" y regresa a Grecia en 1963.1

En Atenas —donde ese mismo año hará su primera incursión como director, al comenzar a rodar una película policíaca, Negro y blanco, que abandonará por falta de fondos— trabajará como crítico de cine para el periódico izquierdista Dimokratiki Allaghi hasta que la Dictadura de los Coroneles lo cerró en 1967.

Su segunda obra, también inacabada, la emprendió en 1965: Forminx Story, película sobre el grupo de rock griego del mismo nombre ideada como promoción para la gira que este debería hacer en Estados Unidos. Pero la gira fue cancelada y la financiación no llegó. La primera película que terminó es un corto de 23 minutos, titulado Broadcast y que ganó el premio de la crítica en el Festival de Cine de Tesalónica 1968.

El primer largometraje de Angelopoulos es Reconstrucción, de 1970. Premiada en los festivales de Tesalónica y Hyères, está basada en un hecho real: reconstruye un crimen perpetrado por una esposa y su amante. A esta le sigue, dos años más tarde, Días de 36, película política en la que Angelopoulos muestra un gobierno débil, corrupto e incompetente, que tiene que recurrir al asesinato para solucionar la crisis desatada después que un parlamentario es tomado rehén por un exinformador de la policía. Este filme da comienzo a su trilogía histórica y, como los siguientes, fue galardonado internacionalmente. El viaje de los comediantes, estrenado en 1975, continúa la trilogía, que termina en 1977 con Los cazadores. Después Angelopoulos ha realizado una decena de películas más, todas aplaudidas por la crítica especializada.

Sobre Mia eoniotita kai mia mera (La eternidad y un día, Palma de Oro en el Festival de Cannes 1998) David Stratton de Variety escribió: "La eternidad y un día encuentra a Angelopoulos refinando sus temas y su estilo. Al igual que otros grandes realizadores cinematográficos en el pasado, ha explorado temas similares y reiteradamente. Angelopoulos ha ido evolucionando y llega a uno de sus viajes más lúcidos y emocionales hasta el momento".2

Según Theo Angelopoulos "Ahora más que nunca, el mundo necesita cine. Puede que sea la última forma de resistencia ante el deteriorado mundo en el que vivimos. Al tratar de fronteras, límites, la mezcla de idiomas y culturas de hoy, intento buscar un nuevo humanismo, una nueva vía".3 El cine de Theo Angelopoulos se caracteriza por su ritmo poético, fuertemente influenciado por la mitología griega, la tragedia y la épica clásicas, la iconografía y el ceremonial bizantino, la historia de Grecia y de los Balcanes, la moderna cultura pop griega, el teatro de marionetas y de variedades griego.4 La belleza de sus películas está a la altura de directores como Andréi Tarkovski, Michelangelo Antonioni o Ingmar Bergman.

Su estilo se caracterizaba por narraciones pausadas, ambiguas y tomas largas; utilización de tiempos muertos, de planos secuencia y alteración del eje cronológico, con dilataciones del ritmo espacio-temporal. Entre sus temas destacan la inmigración y el regreso al país de origen. Colaboraba a menudo con el director de fotografía Giorgos Arvanitis, la compositora Eleni Karaindrou y el guionista Tonino Guerra.

Esta cita del poeta griego George Seferis, que Angelopoulos utiliza en Alejandro Magno, refleja, según él, el espíritu de sus películas: "Desperté con esta cabeza de mármol en mis manos, que agota mis brazos y no sé donde dejar".5

Vivía en Atenas, con su esposa y socia, Phoebe, y sus tres hijas: Anna, Katerina y Eleni.

Murió el 24 de enero del 2012, cuando la motocicleta de un policía lo atropelló mientras filmaba su nueva película, 'El otro mar', en el barrio de Drapetsona, en Atenas. El director de 76 años, fue ingresado con graves heridas en un centro médico donde falleció a consecuencia de heridas internas y derrame cerebral poco después de ser trasladado.6

Premios y distinciones[editar]
Premio de la Crítica en el Festival de Cine de Tesalónica 1968 por Broadcast
Premio al Mejor Director y Premio de la Crítica en el Festival de Cine de Tesalónica 1970 por Reconstrucción
Premio Georges Sadoul 1971 a la mejora película del año mostrada en Francia por Reconstrucción
Premio a la mejor película extranjera en el Festival de Cine de Hyères 1971 por Reconstrucción
Premio al Mejor Director y Premio de la Crítica en el Festival de Cine de Tesalónica 1972 por Días de 36
Premio FIPRESCI en el Festival de Berlín por Días de 36
Premio FIPRESCI en el Festival de Cannes 1975 por El viaje de los comediantes
Premio a la Mejor Película, al Mejor Director, al Mejor Guion y Premio de la Crítica en el Festival de Cine de Tesalónica 1975 por El viaje de los comediantes
Premio Interfilm Forum en el Festival de Berlín 1975 por El viaje de los comediantes
Premio a la Mejor Película del Año 1976, British Film Institute por El viaje de los comediantes
Premio de la Crítica Italiana a la Mejor Película del Mundo 1970-1980 por El viaje de los comediantes
Premio FIPRESCI Principales Películas en la Historia del Cine por El viaje de los comediantes
Gran Premio de las Artes, Japón por El viaje de los comediantes
Premio a la Mejor Película del Año 1976 en Japón por El viaje de los comediantes
Premio Edad de Oro, Bruselas por El viaje de los comediantes
Premio Hugo de Oro a la mejor película en el Festival de Cine de Chicago 1978 por Los cazadores
León de Oro y Premio FIPRESCI en el Festival de Venecia 1980 por Alejandro Magno
Premio al Mejor Guion y Premio FIPRESCI en el Festival de Cannes 1984 por Viaje a Cytera
Premio de la Crítica en el Festival de Río por Viaje a Cytera
León de Plata al Mejor Director en el Festival de Venecia 1988 por Paisaje en la niebla
Premio Felix 1989 a la mejor película europea del año por Paisaje en la niebla
Premio Hugo de Oro al Mejor Director por Paisaje en la niebla
Placa de Plata a la mejor cinematografía en el Festival de Cine de Chicago por Paisaje en la niebla
Gran Premio y Premio FIPRESCI en el Festival de Cannes 1995 por La mirada de Ulises
Premio Felix de la Crítica a la Película del Año 1995 por La mirada de Ulises
Palma de Oro y Premio del Jurado Ecuménico en el Festival de Cannes 1998 por La eternidad y un día
Premio Terenci Moix a la Trayectoria Cinematográfica 20117
Filmografía[editar]
Broadcast (I Ekpombi, 1968)
Reconstrucción (Anaparastasis, 1970)
Días de 36 (Meres tou '36, 1972)
El viaje de los comediantes (O Thiassos, 1975)
Los cazadores (I Kinighi, 1977)
Alejandro Magno (O Megalexandros, 1980)
Atenas (Athina, epistrofi stin Akropoli, 1983)
Viaje a Cytera (Taxidi stin Kythera, 1984)
El apicultor (O Melissokomos, 1986).8
Paisaje en la niebla (Topio stin Omichli, 1988)
El paso suspendido de la cigüeña (To Meteoro Vima tou Pelargou, 1991)
La mirada de Ulises (To Vlemma tou Odyssea, 1995)
La eternidad y un día (L’éternité et un jour., 1998)
Eleni (Trilogía I: To Livadi pou dakryzei, (2004)
The Dust of Time (Trilogía II: I skoni tou hronou, 2008)

Ha recibido 16 puntos

Vótalo:

VITTORIO GASSMAN

45. VITTORIO GASSMAN

Carrera[editar] Su padre era originario de una rica familia alemana y su madre de Pisa. Se trasladó a Roma siendo joven, donde empezó sus estudios en la Accademia Nazionale d'Arte Drammatica donde se formaron también otras importantes figuras del cine y teatro italiano, tales como Tino... Ver mas
Carrera[editar]
Su padre era originario de una rica familia alemana y su madre de Pisa. Se trasladó a Roma siendo joven, donde empezó sus estudios en la Accademia Nazionale d'Arte Drammatica donde se formaron también otras importantes figuras del cine y teatro italiano, tales como Tino Buazzelli, Adolfo Celi, Rossella Falk, Nino Manfredi, Rina Morelli, Lea Padovani, Elio Pandolfi, Paolo Panelli, Luca Ronconi, Luigi Squarzina, Paolo Stoppa, Gianrico Tedeschi, Monica Vitti, y muchos otros. Su debut se produjo en Milán, en 1942, con Alda Borelli en la obra teatral Nemica (enemiga) de Niccodemi. En Roma formó después equipo artístico con Tino Carraro y Ernesto Calindri en el Teatro Eliseo, equipo que sería famoso. Con ellos Gassman actuó en una serie de obras que iban desde la comedia burguesa hasta el teatro más sofisticado intelectualmente, sin ninguna aparente dificultad para transitar entre papeles tan diferentes.

En 1946 hizo su debut en el cine en Preludio d’amore; al año siguiente, apareció ya en cinco películas. En 1948, su famosa interpretación en Riso amaro (Arroz amargo) demostró su pasión por el cine y su capacidad para resultar eficiente en el cine tanto como en el teatro.

Fue con la compañía de Luchino Visconti con quien Gassman alcanzó su mayor éxito, junto con Stoppa, Rina Morelli y Paola Borboni. Interpretó un vigoroso Kowalski en la obra de Tennessee Williams Un tranvía llamado Deseo, y resultó brillante en el papel de Ganímedes (el personaje Rosalinda disfrazado de hombre) en As you like it (Como gustéis) de William Shakespeare y en el Oreste de Vittorio Alfieri. A continuación se unió al Teatro Nazionale, con Arnoldo Foà, Massimo Girotti y Tommaso Salvini, para un exitoso Peer Gynt (de Ibsen).

Con Luigi Squarzina en 1952 cofundó y codirigió el Teatro de Arte Italiano produciendo la primera versión completa de Hamlet y después obras como Seneca’s Tieste o Eschilo, los persas.

El año 1956 fue un año clave en su carrera: Gassman actuó en Otelo con el memorable Salvo Randone, intercambiando con él los roles de Moor y Yago. Poco después hizo la serie de televisión Il matattore (El matador), y a partir de ahí fue apodado así hasta su muerte. Ese mismo año dirigió y actuó en una película dedicada al teatro que era una versión de Kean.

Un verdadero perfeccionista, siempre odió la dicción imperfecta o las imperfecciones dialectales, pero fue también capaz de interpretar, perfectamente y cuando era necesario, la mayor parte de casi todos los numerosos dialectos e inflexiones del italiano. Aceptó el desafío de dirigir Aldechi, una de las menos conocidas y una de las más difíciles obras de Alessandro Manzoni. Hizo una tourné con esta obra, que fue vista por medio millón de personas, expandiéndose fuera de Italia con su Teattro Popolare Itinerante (una nueva edición del famoso teatro Carro di Tespi.

Sus producciones incluyen autores famosos del siglo XX, y muchos clásicos como Shakespeare, Dostoievski y los griegos. También fundó una escuela de teatro en Florencia, que formó a muchos de los actores más talentosos de esta generación.

En el cine, trabajó mucho tanto en Italia como en el extranjero. Su carisma y su fluidez en el inglés le permitieron hacer muchos papeles en Hollywood. Allí conoció a Shelley Winters y se casó con ella, para luego divorciarse a su regreso a Italia.



Vittorio Gassmann en la película La guerra y la paz (1956).
Aunque tuvo mucho éxito en el cine, Gassman nunca dejó el teatro. En un momento de su carrera, añadió la poesía a su repertorio, trayendo de esta manera obras extranjeras a Italia.

Gassman se casó con las siguientes actrices:

Nora Ricci (con quien tuvo a Paola Gassmann, actriz y esposa de Ugo Paliai);
Shelley Winters (madre de su hija Vittoria);
Juliette Maynel (con quien tuvo a Alessandro, también actor), y por último
Diletta D'Andrea con quien tuvo a su hijo menor Jacopo.
Gassman era un hombre de emociones intensas y un honesto intelecto; su notable sentido del humor y su propia ironía, hizo que en los años noventa actuara en la popular serie de televisión Túnel, en la cual recitaba seriamente el recibo del gas o de la luz o instrucciones de uso. Lo hacía de la misma manera que cuando recitaba La divina comedia de Dante, la cual le había hecho famoso.

Aclamado como actor, su vida fue también bastante discutida por sus divorcios (un escándalo en los años cincuenta y sesenta), y por su posterior ateísmo. En sus apariciones públicas siempre hacía un comentario original o inconveniente con la intención de molestar a ciertas clases sociales. Se ganó enemigos en el mundo de las artes por esas mismas razones.

En 1997 Vittorio Gassmann fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.

En sus últimos años sufrió de depresión.1

Murió de un ataque al corazón en su casa en Roma.



Vittorio Gassmann en el Festival de Cannes (1997).
Filmografía[editar]
1946: Preludio d’amore
1947: El tío indigno.
1948: L’ebreo errante (El judío errante).
1948: Riso amaro (Arroz amargo).
1951: La corona negra.
1953: Escándalo en Milán.
1954: Rhapsody.
1956: Guerra y paz.


Vittorio Gassmann con la actriz Audrey Hepburn en la película La guerra y la paz (1956).
1958: Rufufú.
1959: La Gran Guerra.
1959: Rufufú da el golpe.
1961: Fantasmas de Roma.
1962: Il sorpasso (La escapada).
1962: Barrabás.
1963: Monstruos de hoy.
1965: Un italiano en la Argentina
1966: La armada Brancaleone.
1967: Lo scatenato (El bello Giorgio).
1967: El profeta.
1967: Siete veces mujer.
1970: Protesta general.
1971: Escipión, el Africano.
1971: La audiencia.
1973: Tosca.
1974: Profumo di donna (Perfume de mujer).
1974: C'eravamo tanto amati (Nos habíamos amado tanto o Una mujer y tres hombres).
1975: La carrera de una doncella.
1975: Virginidad.
1976: El desierto de los tártaros.
1977: Alma perdida.
1978: ¡Qué viva Italia!
1979: Quinteto.
1980: La terraza.
1981: Sharky´s Machine.
1983: Benvenuta.
1986: La famiglia.
1990: No molestes más.
1991: El largo invierno.
1996: Sleepers.
1998: La cena

Ha recibido 16 puntos

Vótalo:

RICHARD ATTENBOROUGH

46. RICHARD ATTENBOROUGH

Biografía[editar] Creció en el College House del campus de la University College, Leicester, lugar en el que su padre, Frederick Attenborough, fue director. Es el mayor hijo de tres (su hermano David, llegó a ser naturalista y su hermano menor, John, es director ejecutivo de Alfa Romeo... Ver mas
Biografía[editar]
Creció en el College House del campus de la University College, Leicester, lugar en el que su padre, Frederick Attenborough, fue director. Es el mayor hijo de tres (su hermano David, llegó a ser naturalista y su hermano menor, John, es director ejecutivo de Alfa Romeo). Durante la Segunda guerra mundial, sus padres adoptaron a dos chicas refugiadas judías, procedentes de las zonas de conflicto.

Cursó estudios en Leicester y en la Real Academia de Arte Dramático. En 1941 comenzó a trabajar en el teatro, con lo que consiguió su debut en el cine un año después con una famosa cinta bélica de propaganda: Sangre, sudor y lágrimas (In Which We Serve) de David Lean y Noel Coward.

El éxito como actor le llegaría en 1947 con uno de los clásicos emblemáticos del cine británico de la década: Historia de una cobardía, sobre la novela de Graham Greene. El papel de cobarde realizado en este film casi lo dejó encasillado para siempre en su personaje, cuyos rasgos emocionales se perpetuaron, y se demuestran a ratos en cada uno de los filmes posteriores en que actuó, mezclando la cobardía y la inseguridad con la adulación y una fuerte personalidad.

Estos dos papeles, unidos al del asesino adulador de Brighton, parque de atracciones (1947), le encasillaron en ese tipo de personajes en el cine inglés hasta Asuntos privados (A Private Progress, 1956 de John Boulting), con la que dio un salto decisivo en su carrera como actor, convirtiéndose en estrella, y ampliando su registro hacia el melodrama negro, el drama comprometido y/o costumbrista y el cine de aventuras. Pero antes, Attenborough había ido ganando solidez en su estilo interpretativo en títulos como A vida o muerte (1946, de Michael Powell), junto a David Niven y Flora Robson; el clásico melodrama negro The Lost People (1952, de Virgil Vogel), o la superproducción biográfico-histórica The Magic Box (1951), que supuso su primera colaboración con el director John Boulting.

En 1959 secunda a Peter Sellers en otra exitosa película que dirige Boulting (Estás bien, Jack), y al año siguiente coproduce y protagoniza Amargo silencio de Guy Green, retratando el drama del mundo obrero en las figuras de varios mineros rurales. En 1962 repite con Boulting y Sellers en una comedia inolvidable: Juego para dos, en la que también destacaba una deliciosa Mai Zetterling. Ya en 1963 aparece en el cine norteamericano como secundario de lujo con una cinta que se convierte casi inmediatamente en hito: La gran evasión (The Great Escape de John Sturges), y luego participa en títulos de interés como El vuelo del Fénix (Robert Aldrich, 1965), al lado de James Stewart, Hardy Krüger y Peter Finch; El yang-tsé en llamas (The Sand Pebbles, 1966, de Robert Wise), en compañía de Steve McQueen y Candice Bergen, o la aparatosa y convencional pero no desdeñable El extravagante Dr. Doolittle (1967, de Richard Fleischer), en un reparto que lideraba el gran Rex Harrison.



Richard Attenborough en 1975
En 1964 realiza la que resulta ser su mejor creación de la década, en un film convertido hoy día en emblemático del cine inglés: Plan siniestro (de Bryan Forbes), brillando sobre las actuaciones, por otro lado excelentes, de Kim Stanley y Nannette Newman; luego, sobresale en una pequeña comedia romántica (Los pecados de la sra. Blossom, 1968), y ya en 1971 rueda también en Inglaterra el filme que despide su carrera como actor protagonista -siendo para muchos su mejor interpretación: se trata de El estrangulador de Rillington Place (Rillington Place, de Richard Fleischer), basada en hechos reales. A mediados de los 70 colabora con Otto Preminger en dos títulos de distinto signo: Rosebud (1974) supone un fracaso de crítica y público absoluto, pero El factor humano (1979) es recibida con mayor entusiasmo y todavía hoy se ve con satisfacción. Por último, en 1975 secunda a John Wayne, Mel Ferrer y Lesley Anne Down en el exitoso thriller Brannigan, de Douglas Hickox.



Lord Attenborough.
También destacable como director, su debut en este campo se da con una comedia satírico-musical: ¡Oh, qué guerra tan bonita! (Oh, What a Lovely War!, 1969), que contó con un impresionante desfile de estrellas del cine británico y de Hollywood. A ésta siguieron tres títulos de notable valía: El joven Winston (The Young Winston, 1972) sobre los años de juventud de Winston Churchill, donde Attenborough sobresale como director de actores (en este caso, Robert Shaw y Anne Bancroft, entre otros), Un puente lejano (A Bridge Too Far, 1977), la última superproducción con grandes estrellas internacionales como Sean Connery, Michael Caine, Robert Redford y Liv Ullmann, entre muchos otros, dedicada a la Segunda Guerra Mundial, y Magic (íd., 1978), thriller sobrenatural que contiene una de las mejores creaciones de Anthony Hopkins.

No obstante, su consagración definitiva como realizador no llegó sino con Gandhi (1982), ambiciosa superproducción anglonorteamericana cuyos preparativos y rodaje llevó al director nueve años de su vida, coronada ese año por un inmenso y merecido éxito en los cines de todo el mundo, y por ser galardonada con ocho premios Óscar en Hollywood. Sus siguientes empeños continuaron en primera línea de calidad y reconocimiento: el musical adaptado directamente de Broadway A Chorus Line (1985); el drama de denuncia titulado Grita Libertad (1987), sobre el Apartheid, basado en hechos y personajes reales de Sudáfrica y protagonizado por Denzel Washington y Kevin Kline; el fresco biográfico que catapultó a la fama a Robert Downey Jr. (Chaplin, de 1992), y una especie de biografía del escritor C. S. Lewis que roza el calificativo de obra maestra: Tierras de penumbra (1993), con Anthony Hopkins y Debra Winger. Sin embargo, en 1999 dejó una obra bienintencionada pero menor: Búho gris.

Tras su actuación en una poderosa y algo incomprendida cinta del maestro hindú Satyajit Ray (Jugadores de ajedrez) en (1977), Attenborough dejó la interpretación por un tiempo, hasta su retorno con una de las cintas más taquilleras de la historia del cine: Parque Jurásico (1993, de Steven Spielberg), y con un fácil remake al año siguiente del clásico navideño de 1947 Milagro en la calle 34. Sus últimas interpretaciones a destacar pertenecen a las películas Hamlet (1996, de Kenneth Branagh), quizá la versión definitiva de la obra de Shakespeare, y Elizabeth (1998).

Filmografía[editar]
The Snow Prince (2007)
Puckoon (2002)
Grey Owl (Búho gris, 1999)
Elizabeth (íd., 1998) de Shekpar Kapur
El Mundo Perdido: Parque Jurásico 2 (1997)
En el amor y en la guerra (1996)
Hamlet (íd., 1996) de Kenneth Branagh
Milagro en la ciudad (1994)
Parque Jurásico (Jurassic Park, 1993) de Steven Spielberg
Shadowlands (Tierras de penumbra, 1993)
Chaplin (íd., 1992) de Richard Attenborough
Cry Freedom (1987) de Richard Attenborough
A Chorus Line (1985) de Richard Attenborough
Gandhi (id., 1982) de Richard Attemborough
El factor humano (The human factor, 1979) de Otto Preminger
Magic (íd., 1978)de Richard Attenborough
Jugadores de ajedrez (1977) de Satyajit Ray
A Bridge Too Far (Un puente lejano, 1977)
Rosebud (íd., 1975) de Otto Preminger
Conducta Unbecoming (1975)
And Then There Were None (1975)
Brannigan (íd., 1975) de Douglas Hickox
El joven Winston (The young Winston, 1972) de Richard Attenborough
A Severed Head (1971)
El estrangulador de Rillington Place (1971) de Richard Fleischer
Loot (1970)
La última granada (1970)
¡Oh, qué guerra tan bonita! (Oh! What a lovely war, 1969) de Richard Attenborough
El mágico Christian (1969)
Only When I Larf (1968)
Los pecados de la señora Blossom (1968) de Joe McGrath
El extravagante Dr. Dolittle (Dr. Doolittle, 1967) de Richard Fleischer
The Sand Pebbles (El Yang-Tsé en llamas o El cañonero del Yang-Tzé) (1966) de Robert Wise
El vuelo del Fénix (1965) de Robert Aldrich
The Third Secret (1964)
Plan siniestro (1964) de Bryan Forbes
Guns at Batasi (1964)
The Great Escape (La gran evasión o El gran escape, 1963) de John Sturges
Only Two Can Play (Juego para dos, 1962) de John Boulting
La larga noche (1962)
The Dock Brief (1962)
Amargo silencio (1960) de Guy Green
S.O.S. Pacific (1960)
La liga de los hombres (1960)
Extraño afecto (1959)
I'm All Right Jack (Estás bien, Jack, 1959) de John Boulting
Breakout (1959)
Jet Storm (1959)
Desert Patrol (1958)
Dunkirk (1958)
The Man Upstairs (1958)
The Brothers in Law (1957)
The Scamp (1957)
P.T. Raiders (1956)
The Baby and the Battleship (1956)
A Private's Progress (Asuntos privados, 1956) de John Boulting
The Ship That Died of Shame (1955)
Eight O'clock Walk (1954)
Father's Doing Fine (1952)
The Gift Horse (1952)
Hell Is Sold Out (1951)
Operation Disaster - Morning Departure (1951)
The Magic Box (íd., 1951) de John Boulting
Morning Departure (1950)
The Lost People (íd., 1950) de Virgil Vogel
Boys in Brown (1949)
The Guinea Pig (1948)
Dulcimer Street (1948)
The Smugglers (1948)
Brighton Rock (1947)
Dancing with Crime (1947)
The Man Within (1947)
Journey Together (1946)
Escuela de secretos (1946)
A Matter of Life and Death (A vida o muerte, 1946) de Michael Powell
The Hundred Pound Window (1943)
Schweik's New Adventures (1943)
In Which We Serve (Sangre, sudor y lágrimas, 1942) de David Lean y Noel Coward
Premios[editar]
Premios Óscar:

Año Categoría Película Resultado
1983 Mejor película Gandhi Ganador
Mejor director Gandhi Ganador

Ha recibido 15 puntos

Vótalo:

RIDLEY SCOTT

47. RIDLEY SCOTT

Biografía[editar] Primeros años[editar] Scott nació el 30 de noviembre de 1937 en South Shields, hijo mediano de Elizabeth y el coronel Francis Percy Scott. Por el oficio de su padre éste no estuvo muy presente en la infancia de Scott. Después de la Segunda Guerra Mundial, su familia se muda a... Ver mas
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Scott nació el 30 de noviembre de 1937 en South Shields, hijo mediano de Elizabeth y el coronel Francis Percy Scott. Por el oficio de su padre éste no estuvo muy presente en la infancia de Scott. Después de la Segunda Guerra Mundial, su familia se muda a Teeside. Le gustaba mucho ver películas, siendo sus favoritas Ciudadano Kane de Orson Welles, Lawrence de Arabia de David Lean y Los siete samuráis de Akira Kurosawa.

Estudió en la Royal College of Art, donde ayudó a establecer el Departamento de Cine. Dirigió un cortometraje en blanco y negro titulada Boy and Bicycle y protagonizada por su hermano menor Tony Scott y su padre. La película tenía las características visuales que serían marca de Scott en sus futuras películas. En 1963 consiguió un trabajo como escenógrafo en prácticas en la BBC y trabajó en la serie Out of the Unknown.

En 1968, junto con su hermano Tony, funda Ridley Scott Asociados. Durante los años setenta dirige anuncios televisivos y participa con Alan Parker, Hugh Hudson y Hugh Johnson.

Carrera artística[editar]
Su estilo eleva la importancia de la experiencia sensorial (visual, sonora, auditiva) en un filme. El cine de Scott utiliza a la iluminación, fotografía, creación de ambientes y sincronía con la música y el sonido como "actores" adicionales que contribuyen a la experiencia total del espectador. Esta característica puede ser percibida en los más de 2000 anuncios de televisión que Scott ha dirigido. Sus primeros filmes (especialmente Los duelistas, Alien, y Blade Runner) proporcionan al espectador una experiencia completa donde las escenas son recordadas no solamente por los actores que intervienen o por momentos específicos del guion, sino por el ambiente recreado en ellas. Se le consideró desde entonces como un visionario del cine. Ridley Scott fue el primero en utilizar comercialmente la denominación "Director's Cut" (‘montaje del director’) para una obra que el director reedita para el público y en la que se aprecian diferencias con la versión estrenada originalmente. También ha participado junto con su hermano Tony en la producción de la serie basada en el libro del mismo nombre Los pilares de la Tierra.

Los duelistas[editar]
Artículo principal: Los duelistas
Adaptando la novela The Duel de Joseph Conrad, Scott nos traslada a las guerras napoleónicas, donde dos tenientes se baten en salvajes duelos que desencadenan en una enemistad que dura 15 años. Protagonizada por Harvey Keitel y Keith Carradine.Se destacó por su gran calidad visual.

Alien, el octavo pasajero[editar]
Artículo principal: Alien, el octavo pasajero
Estrenada en 1979, esta película de terror y ciencia ficción se ha convertido en un clásico moderno. La nave de transporte comercial, U.S.C.S.S. Nostromo, regresa a la tierra, pero se detiene al detectar una transmisión de origen desconocido. Tras encontrar una hostil criatura alienígena, ésta les ataca. Sigourney Weaver fue la protagonista, convirtiéndose en una importante figura en la ciencia ficción. En las décadas posteriores se han hecho varias secuelas (con otros directores), hasta que en 2012 Scott estrenó una nueva película indirectamente ligada al universo Alien: Prometheus.

Blade Runner[editar]
Artículo principal: Blade Runner
Basada parcialmente en la novela ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? de Philip K. Dick, Scott siguió con el cine de ciencia ficción.

La película describe un futuro en el que seres fabricados a través de la ingeniería genética —«replicantes»— son empleados en trabajos peligrosos y como esclavos en las «colonias exteriores» de la Tierra. Los replicantes fueron declarados ilegales en el planeta Tierra tras un sangriento motín.

Un cuerpo especial de la policía —Blade Runners— se encarga de rastrear y matar (o «retirar») a los replicantes fugitivos que se encuentran en la Tierra. Con un grupo de replicantes particularmente brutal y hábil suelto en Los Ángeles, un dubitativo Deckard es invocado desde su semirretiro para que use algo de «la vieja magia blade runner».

La película recibió grandes elogios por parte de la crítica, que la clasificaron como la mejor película de ciencia ficción.

Legend[editar]
Artículo principal: Legend (película)
Ridley cambia de registro con esta película, más enfocada a la acción y a la fantasía. Tom Cruise y Mia Sara protagonizan esta aventura. Lili es una bella princesa a la que le gusta pasear por el bosque encantado. Ella dice que va a ver a unos parientes, pero en realidad va a encontrarse con Jack, un extraño personaje verde. Mientras, una personificación del diablo intentará extender la noche eterna matando al unicornio de esas tierras. Aunque muchos se mostraron decepcionados por este cambio, la película cuenta con un grupo de fans incondicionales.

1987-1992[editar]
Tras dirigir en 1987 La sombra del testigo, que recibió muy malas críticas, la reputación de Scott en Hollywood empezó a decaer. Esto siguió en 1989 con Black Rain, también con pobres críticas.

Finalmente, en 1991 dirige Thelma y Louise, protagonizada por Susan Sarandon y Geena Davis. La película obtuvo buenas críticas reviviendo la reputación de Scott y siendo ambas protagonistas nominadas a los Premios Óscar, aunque perdieron en favor de Jodie Foster por El silencio de los corderos. El argumento trata sobre dos mujeres que viven rodeadas de machistas e intentan romper con la situación. Un jovencísimo Brad Pitt, entonces casi desconocido, tiene una intervención breve pero impactante en esta película, que fue su empujón al estrellato.

Respaldado de nuevo por el éxito Scott dirige al año siguiente la superproducción 1492: La conquista del paraíso con Gérard Depardieu y Sigourney Weaver, pero fracasa en taquilla.

Tras el fracaso de 1492: La conquista del paraíso, en cuatro años no vuelve a dirigir una película. En 1996 dirige Tormenta blanca y al año siguiente La teniente O'Neil.

Gladiador[editar]
Artículo principal: Gladiator
El éxito le llega de nuevo en el año 2000 con Gladiator, protagonizada por Russell Crowe y Joaquin Phoenix. La película obtuvo buenas críticas por parte de la crítica especializada por revivir el casi extinto género de romanos. Arrasó en los Premios de la Academia, llevándose los premios de mejor película, mejor actor (Russell Crowe), mejor vestuario, mejor sonido y mejores efectos visuales.

2001 - 2005[editar]
En 2001 dirige Hannibal, continuación del clásico El silencio de los corderos, con Anthony Hopkins en el papel de Hannibal y Julianne Moore sustituyendo a Jodie Foster. Fue un enorme éxito de taquilla y, aunque parte de la crítica alabó el cambio de la franquicia hacia caminos más sangrientos, el resto se mostró decepcionada al compararla con su antecesora. En los siguientes años dirigió éxitos de taquilla. Black Hawk derribado ganó dos premios Óscar, al mejor sonido y al mejor montaje. Los impostores, una comedia negra sobre robos y estafas recibió mayoritariamente críticas positivas, pero la taquilla no respondió de igual manera, cosechando moderado éxito. En 2005 dirigió una película sobre las Cruzadas, El reino de los cielos, protagonizada por Orlando Bloom. Aunque los resultados en taquilla no fueron los esperados, la crítica la calificó como «mejor y más profunda que Gladiator».

2006 - presente[editar]
Scott se unió de nuevo con la estrella de Gladiator, Russell Crowe para dirigir Un buen año, basada en un best-seller. En 2007 dirige American Gangster, basada en la vida real del narcotraficante Frank Lucas y un detective que trataba de derribar su imperio de la droga, Richie Roberts. Protagonizada de nuevo por Russell Crowe y Denzel Washington, la crítica alabó enormemente la película, llamándola incluso "la 'Scarface negra' o el 'Padrino de Harlem'" (Peter Travers: Rolling Stone). Obtuvo buenos resultados en taquilla.

A finales del 2008 se estrenó Red de mentiras de nuevo con Russell Crowe y también con Leonardo DiCaprio, que de nuevo abrió taquilla y dividió a la crítica. En el año 2010 estrenó una revisión moderna del mito de Robin Hood, Robin Hood con Russell Crowe en el papel protagonista. Las críticas no fueron positivas para la película, que fue criticada por mediar entre la realidad y la ficción, y por desmitificar a Robin Hood.

En 2012 estrenó Prometheus, inicialmente concebida como precuela de Alien, el octavo pasajero, pero que sin embargo, Scott Free y 20th Century Fox han comentado de manera oficial que empleó el universo Alien como telón de fondo para una historia original, que refleja claros indicios de la mitología ancestral que se mostró en el film original. Está protagonizada por Noomi Rapace, Charlize Theron y Michael Fassbender.

En 2013 Scott estrenó The Counselor con Michael Fassbender, Penélope Cruz, Cameron Diaz, Brad Pitt y Javier Bardem.1

Próximos proyectos[editar]
Se ha confimado el comienzo de la grabación del film Exodus en 2013, un film basado en la historia de Moisés, con Christian Bale y Maria Valverde a la cabeza del reparto. El rodaje será realizado en España principalmente en Almería (Andalucía) y Fuerteventura (Canarias).

La productora Alcon Entretainment confirmó el 17 de mayo de 2012 que la nueva entrega de Blade Runner será una secuela cuya acción tendrá lugar varios años después. Ridley Scott dirigirá el filme, que no se centrará en el personaje de Harrison Ford, y negocia con el guionista de la cinta de 1982, Hampton Fancher, para que desarrolle el argumento de la secuela.2

El 1 de agosto de 2012 se confirmó que Fox estaba interesada en una secuela de Prometheus con Scott, Rapace y Fassbender involucrados, y estaba en conversaciones con nuevos guionistas en el caso de que Lindelof no participara de nuevo. La película sería programada para un estreno no antes de 2014.3 El 19 de diciembre de 2012 se informó de que Lindelof había decidido no trabajar en una secuela, citando otros compromisos.4 En junio de 2013 Jack Paglen anunció estar en negociaciónes para escribir la secuela.5 En octubre de 2013 Scott confirmó que el guion estaba terminado.6 7

Filmografía completa[editar]
Como director[editar]
1965: Boy and Bicycle (cortometraje, con Tony Scott)
1977: Los duelistas (The Duellists, su primer largometraje, con Keith Carradine, Harvey Keitel y Albert Finney)
1979: Alien, el octavo pasajero (Alien, con Sigourney Weaver, Tom Skerritt y John Hurt)
1982: Blade Runner (con Harrison Ford, Sean Young y Rutger Hauer)
1985: Legend (con Tom Cruise, Mia Sara y Tim Curry)
1987: La sombra del testigo (Someone to Watch Over Me, con Tom Berenger, Mimi Rogers y Lorraine Bracco)
1989: Black Rain (con Michael Douglas, Andy Garcia y Kate Capshaw)
1991: Thelma y Louise (con Susan Sarandon, Geena Davis y Brad Pitt)
1992: 1492: La conquista del paraíso (1492: Conquest of Paradise, con Gérard Depardieu, Sigourney Weaver y Armand Assante)
1996: Tormenta blanca (White Squall, con Jeff Bridges, Caroline Goodall y John Savage)
1997: La teniente O'Neil (G.I. Jane, con Demi Moore, Viggo Mortensen y Anne Bancroft)
2000: Gladiator (con Russell Crowe, Joaquin Phoenix y Connie Nielsen)
2001: Hannibal (con Anthony Hopkins, Julianne Moore y Ray Liotta)
2002: Black Hawk Derribado (Black Hawk Down, con Josh Hartnett, Eric Bana y Ewan McGregor)
2003: Los impostores (Matchstick Men, con Nicolas Cage, Sam Rockwell y Alison Lohman)
2005: El reino de los cielos (Kingdom of Heaven, con Orlando Bloom, Eva Green y Liam Neeson)
2006: Un buen año (A Good Year, con Russell Crowe, Abbie Cornish, Albert Finney y Marion Cotillard)
2007: American Gangster (con Denzel Washington y Russell Crowe)
2008: Red de mentiras (Body of Lies, con Leonardo DiCaprio y Russell Crowe)
2010: Robin Hood (con Russell Crowe y Mark Strong)
2012: Prometheus (con Noomi Rapace, Charlize Theron y Michael Fassbender)
2013: The Counselor (con Michael Fassbender, Penélope Cruz, Cameron Diaz, Brad Pitt y Javier Bardem)8
2014: Exodus (con Christian Bale, Joel Edgerton y Aaron Paul)
Reconocimientos artísticos[editar]
Oscar[editar]
Año Categoría Película Resultado
2001 Mejor Director Black Hawk Down Candidato
2000 Mejor Director Gladiator Candidato
1991 Mejor Director Thelma y Louise Candidato
Globos de Oro[editar]
Año Categoría Película Resultado
2008 Mejor Director American Gangster Candidato
2001 Mejor Director Gladiator Candidato

Ha recibido 15 puntos

Vótalo:

ROBERT STEVENSON

48. ROBERT STEVENSON

Robert Stevenson (Buxton, Derbyshire, 31 de marzo de 1905 - Santa Bárbara (California), 30 de abril de 1986) fue un director y guionista de cine británico, que trabajó muy a menudo en los Estados Unidos, donde murió. Empezó a rodar en 1936, e hizo una docena de filmes muy dispares (históricos... Ver mas
Robert Stevenson (Buxton, Derbyshire, 31 de marzo de 1905 - Santa Bárbara (California), 30 de abril de 1986) fue un director y guionista de cine británico, que trabajó muy a menudo en los Estados Unidos, donde murió. Empezó a rodar en 1936, e hizo una docena de filmes muy dispares (históricos, aventuras, amorosas, misterio o criminales), que le dieron prestigio. Desde 1960 se convirtió en colaborador habitual de Walt Disney, con quien rodó 19 películas. Entre ellas Un sabio en las nubes (1961), Los hijos del capitán Grant (1962), y, sobre todo, Mary Poppins (1964).

Trayectoria[editar]
Considerado por la crítica como un buen artesano, es decir, un realizador con empeño pero sin excesiva personalidad cinematográfica, su carrera está repleta de películas rodadas entre el Reino Unido y Estados Unidos: El hombre que trocó su mente (1936), cinta de terror con Boris Karloff y Anna Lee conformando las constantes de un género todavía en desarrollo; La rosa de los Tudor (1936), superproducción histórica inglesa sobre la figura de "Lady Jane" con Cedric Hardwicke y John Mills; la primera versión sonora de Las minas del rey Salomón en 1937, con la pre-estrella Robert Young, que comenzaba su carrera.

El melodrama basado en la novela de Fannie Hurst Su vida íntima en 1941, con Charles Boyer y Margaret Sullavan, inicia su obra de la década de 1940. Entre ellas destaca su inquietante versión, en 1944, de la novela Jane Eyre de Charlotte Brontë, que llevaba ese título en inglés (pero fue traducida como Alma rebelde en los cines españoles); allí la institutriz Joan Fontaine hacía frente a un torturado Orson Welles. Actuaron, además, Margaret O'Brien, Peggy Ann Garner, Sara Allgood, Henry Daniell, Agnes Moorehead, John Sutton, Betta St. John y Elizabeth Taylor (primera aparición, de niña). Orson Welles fue el productor de la película y ayudó a Stevenson en sus escenarios góticos, a perfilar escenas románticas y a seleccionar actores, aunque afirmó que era un buen profesional y que su ayuda fue por mera amistad. 1

Otras películas son: To the Ends of the Earth (1948), suspense criminal de notable acabado técnico y con excelentes interpretaciones de Dick Powell y Signe Hasso (Hasta el fin del mundo, en Argentina; Opio en España); Walk softly Stranger (Despacio, forastero), de 1950, otra curiosa cinta de ambiente criminal y de intriga notable, con buena interpretación de Joseph Cotten y Alida Vally);2 Odio y orgullo (1951) con Robert Mitchum y Ava Gardner, que viven una historia de amor de trágico desenlace en Nueva Orleans, a finales del siglo XIX: pues la guapa joven, antes pobre, al heredar una fortuna, intenta vengarse de un médico, comprometido, del que está muy enamorada. En 1959 rodó Dárby y el rey de los duendes, film que adaptaba una leyenda popular de gnomos en clave familiar con Sean Connery, que empezaba a destacar en la pantalla, y que le valió su inminente contrato en USA con la productora de Disney.

En la década de 1960 será artífice de algunos de los mejores títulos de la Disney, en efecto, fuera de la animación, tanto en cine como en TV. Cabe citar: Un sabio en las nubes (1961), con Fred MacMurray encasillándose a partir de este éxito en el género; El abuelo está loco (1967), con Walter Brennan; Mi amigo el fantasma (1968), con Peter Ustinov y Elsa Lanchester hipnotizando al auditorio juvenil del momento con sus personajes del pirata Barbarroja y la criada afín que puede ver su espectro; o Ahí va ese bólido (1969), primer film sobre el mítico coche parlante Herbie o también La bruja novata (1971). Destaca, sobre todo, Mary Poppins (1964), por la que fue nominado al Óscar al mejor director. Narra una vida familiar al principio del siglo XX, que se alterará con cierta institutriz Mary Poppins (Julie Andrews), una estrambótica que baja de las nubes con un raro paracaídas (su paraguas), y que doblega a dos niños rebeldes que siempre hacían la guerra total a sus niñeras.

Ha recibido 14 puntos

Vótalo:

SERGIO LEONE

49. SERGIO LEONE

Biografía[editar] Hijo del director de cine Vincenzo Leone, que a veces filmaba con el seudónimo de Roberto Roberti. Su padre fue director de cine hasta que en 1943 Benito Mussolini le solicitó una opinión sobre un guion que había escrito y desgraciadamente Vincenzo fue sincero, a partir de ese... Ver mas
Biografía[editar]
Hijo del director de cine Vincenzo Leone, que a veces filmaba con el seudónimo de Roberto Roberti. Su padre fue director de cine hasta que en 1943 Benito Mussolini le solicitó una opinión sobre un guion que había escrito y desgraciadamente Vincenzo fue sincero, a partir de ese momento nunca volvería a dirigir.

Primeros años[editar]
Sergio, aún muy joven, entra en la industria del cine, y con 20 años es actor y asistente de dirección de Ladri di biciclette (1948) de Vittorio de Sica. Después estaría en grandes producciones estadounidenses rodadas en Europa. Entre ellas Quo Vadis? (1951) de Mervyn Le Roy, Helena de Troya (1955) de Robert Wise, Ben-Hur (1959) de William Wyler o Historia de una monja (1959) de Fred Zinnemann.

En 1959 le dieron la oportunidad de sustituir, por enfermedad, al director Mario Bonnard durante el rodaje de Los últimos días de Pompeya, aunque no pudo firmar la película.

Su primera película oficial fue El coloso de Rodas (1960) y dos años más tarde sustituiría de nuevo a un director, Robert Aldrich, en Sodoma y Gomorra. Aldrich fue una influencia clave para Leone, con películas como Veracruz (1954), donde el perfil clásico del western se desdibuja con personajes más ambiguos y carentes de valores.

Apogeo[editar]
A partir de aquí comienzan sus obras más personales, que se inicia con la famosa trilogía western, también conocida como Trilogía del dólar, en coproducción con varios países europeos y rodada en la árida región de Tabernas, Almería (España), así como en las proximidades de Carazo en la Sierra de la Demanda, Burgos. La trilogía obtuvo un inesperado gran éxito, conduciendo al western a su último período cinematográfico, el llamado spaguetti western, género muy cultivado en el cine de los 70, además de aportar dos nuevos talentos al medio, el compositor Morricone, amigo desde la infancia del director, y el actor Clint Eastwood, desconocido hasta entonces, al que el director contrata entre un grupo de actores. El personaje creado para Eastwood, "el hombre sin nombre", es el prototipo de antihéroe del spaguetti western. Hombre duro y solitario, sin escrúpulos ni sentimientos y movido por el dinero. De esta manera Leone crea un icono del cine, personalidad ruda, pocas palabras, mirada de hielo, invencible en múltiples duelos. Siempre vestido con un poncho raído y un cigarro en los labios, es capaz de matar a sangre fría, si es necesario por la espalda, para conseguir su objetivo. Es un personaje que se convertirá en esteroetipo en múltiples films y que influirá de forma decisiva a directores, actores e incluso a los dibujantes de cómic actuales. Como anécdota curiosa, cabe destacar que Por un puñado de dólares tuvo ciertos problemas legales al plagiar una película anterior de Akira Kurosawa titulada Yojimbo (1961).

Tras esta trilogía no deja la temática del western y filma una de sus obras maestras, Hasta que llegó su hora, un western crepuscular rodado en Cinecittà, Almería y en los mismos escenarios estadounidenses en los que rodó la mayor parte de sus películas su admirado John Ford.

Tras un período más dilatado, vuelve al cine, casi por obligación, con ¡Agáchate, maldito!, que tiene menos éxito que sus películas precedentes y basada en la revolución mexicana. Esta película la dirige a última hora debido a problemas con el director elegido. Por último, dirige la que muchos consideran su obra maestra, Érase una vez en América, un "western moderno" basada en la época de los gángsters. En Europa tuvo gran éxito a pesar de las cuatro horas de duración, pero en EE. UU. se ofrece una versión recortada a casi dos horas, además de alterar su montaje (la historia fue contada linealmente y no como en la original en que se utilizan flashback).

Sergio tuvo siempre a su lado a un amigo de la infancia, que hizo más grandes aún sus películas, el compositor Ennio Morricone.

Muerte[editar]
Sergio Leone falleció en 1989, cuando estaba preparando la película Leningrado, debido a los problemas de corazón que sufría desde que entró en juicios con la Warner Bros por la película Once Upon A Time In America. La productora recortó en más de una hora el film y contrató para esta labor al encargado de montaje de Loca academia de policía.

Leone, que planeaba retomar el género que le llevó a la fama, el western, tiene una calle dedicada con su nombre en la ciudad de Almería, España.

Filmografía[editar]
Como director[editar]
Taxi... Signore? (Cortometraje, 1957)
Gli ultimi giorni di Pompei (Los últimos días de Pompeya, 1959) (Sustituye por enfermedad a Mario Bonnard pero no firma)
Il Colosso di Rodi (El Coloso de Rodas, 1961)
Sodoma y Gomorra (1962) (Sustituye a Robert Aldrich, pero en los créditos aparece como director de segunda unidad)
Per un pugno di dollari (Por un puñado de dólares, 1964)
Per qualche dollaro in più (La muerte tenía un precio / Por Unos Dólares Más, 1965)
Il buono, il brutto, il cattivo (El Bueno, el Feo y el Malo / Lo Bueno, Lo Malo Y Lo Feo / El Bueno, El Malo Y El Feo, 1966)
C'era una volta il West (Hasta Que Llegó Su Hora / Érase Una Vez El Oeste, 1968)
Giù la testa (¡Agáchate, maldito! / Érase Una Vez La Revolución / Los Héroes de Mesa Verde, 1971)
Once Upon A Time In America (Érase una vez en América, 1984)
Como productor[editar]
Il mio nome è Nessuno (Mi nombre es... Ninguno, 1973)
Un genio, due compari, un pollo (El Genio, 1975)
Premios[editar]
Globos de Oro[editar]
Año Categoría Película Resultado
1984 Mejor director Érase una vez en América Nominado
BAFTA[editar]
Año Categoría Película Resultado
1984 Mejor director Érase una vez en América Nominado
David de Donatello[editar]
Año Categoría Película Resultado
1972 Mejor director ¡Agáchate, maldito! Ganador

Ha recibido 14 puntos

Vótalo:

WIM WENDERS

50. WIM WENDERS

Trayectoria[editar] Estudió parcialmente medicina y filosofía en la universidad de Friburgo de Brisgovia (en un momento llegó a planear convertirse en sacerdote), luego hizo fotografía. Estuvo a los 21 años en un curso (1966) en París, iba diariamente a la filmoteca y veía el nuevo cine. En... Ver mas
Trayectoria[editar]
Estudió parcialmente medicina y filosofía en la universidad de Friburgo de Brisgovia (en un momento llegó a planear convertirse en sacerdote), luego hizo fotografía. Estuvo a los 21 años en un curso (1966) en París, iba diariamente a la filmoteca y veía el nuevo cine. En 1967 finalmente comenzó a estudiar en la Escuela de Cine y Televisión de Múnich, que se abría ese año.1

De 1967 a 1970, Wenders frecuentó la Hochschule für Film und Fernsehen en Múnich, y ya en 1967 realizó su primer corto Escenario (Schauplätze). Al año siguiente hizo otros tres: El mismo jugador dispara de nuevo (Same Player Shoots Again), Klappenfilm, dirigido junto a Gerhard Theuring y Victor I. El mismo año empieza a colaborar como crítico en Filmkrit y Suddeutsche Zeitung.

Su primer largometraje lo realizó al acabar la carrera, Verano en la ciudad; dura tres horas y trata de un hombre que sale de la cárcel, y empieza a viajar sin meta. El segundo es El miedo del portero ante el penalty, 1972, sobre una novela de Peter Handke, de quien se sentirá cerca toda su vida, desde 1967, y con el que trabajará una y otra vez. Desde entonces hará una película al año.

Habiendo nacido en una época en la que Alemania comenzó a girar hacia la cultura estadounidense para olvidar su propio pasado, Wenders tiende a explorar en sus películas la presencia estadounidense en el inconsciente europeo, o más concretamente la americanización de la Alemania de posguerra (un personaje suyo al cantar una tonadilla en inglés dice "estamos colonizados").

Con tres películas su nombre se afianza: en 1974 Alicia en las ciudades, Falso movimiento (que parte del Wilhelm Meister de Goethe) y En el curso del tiempo (1975), para muchos sus obras maestras de juventud. Con El amigo americano (1977), basada en la novela El juego de Ripley, de Patricia Highsmith, Wenders fue conocido internacionalmente.

A partir de ese momento, e instalado en parte en los Estados Unidos (con Coppola y Fred Ross), Wenders comenzó lo que podría denominarse su etapa más prolífica, encadenando títulos experimentales como Lightning Over Water (Relámpago sobre el agua) (1980), documental sobre la agonía y muerte del director Nicholas Ray, que lo co dirigió, y Hammett, 1982, El estado de las cosas (1982) con historias intimistas como Paris, Texas (1984), Cielo sobre Berlín (1987) o su secuela ¡Tan lejos, tan cerca! (1993).

En 1985, había rodado una película singular, Tokio-Ga, sobre la vida del director japonés Yazujiro Ozu, el director con el que, dijo, más había aprendido en su vida.2 También rodó en Portugal, entre otros lugares, donde conoció al director Raoul Ruiz.;3 e hizo films-homenaje a Antonioni y N. Ray.

En 1998 filmó, con un grupo reducido, Buena Vista Social Club, sobre un grupo de olvidados pero legendarios músicos cubanos, cuyas edades oscilaban entre los 60 y 80 años. Este documental registra el regreso a Cuba del músico estadounidense J. Cooder, momento en el que se reúne con el vocalista cubano Ibrahim Ferrer y el resto de los músicos para grabar un álbum. Este singular documento recoge a los músicos en el estudio donde les registraban y además rastrea sus vidas en una La Habana filmada evocadoramente.

Entre sus últimas producciones, está el largometraje rodado en formato digital Llamando a las puertas del cielo (2005). En septiembre de 2009, estaba a punto de empezar a rodar con su amiga Pina Bausch un documental en 3-D sobre el modo de observar el mundo de esta coreógrafa, pero tras dos años de preparación, ésta murió. Pese a todo, llegará a filmar Pina en 2011 con el apoyo de los miembros de la compañía de esa artista (el "Wuppertal Dance Theatre"), que insistireron en seguir, como un homenaje a la gran creadora de la danza actual. Se pusieron como condición no poner datos biográficos ni hacer entrevistas con conocidos, sólo basarse en sus coreografías.4

Además de largometrajes, Wenders también ha tenido una importante actividad como director de cortometrajes, de documentales y de programas para la televisión, así como guionista, productor e incluso actor.

Filmografía (largometrajes)[editar]
1970 - Verano en la ciudad, dedicado a The Kinks, guion: Wim Wenders.
1971 - El miedo del arquero al tiro penal (Latinoamérica) o El miedo del portero ante el penalty (España) - (Die Angst des Tormanns beim Elfmeter), guion: Wim Wenders basado en la novela de Peter Handke.
1972 - La letra escarlata (Der scharlachrote Buchstabe), guion: Wim Wenders, Ursula Ehler y Bernardo Fernández. Basado en la novela del mismo título de Nathaniel Hawthorne.
1974 - Alicia en las ciudades (Alice in den Städten), guion: Wim Wenders, Veith von Fürstenberg.
1974 - Falso movimiento (Falsche Bewegung), guion: Peter Handke.
1975 - En el curso del tiempo (Im Lauf der Zeit), guion: Wim Wenders.
1977 - El amigo americano(Der amerikanische Freund), guion: Wim Wenders basado en la novela de Patricia Highsmith Ripley's game.
1980 - Relámpago sobre el agua (Lightning over water) - Co-Dirección: Nicholas Ray.
1982 - El estado de las cosas (Der Stand der Dinge), guion: Wim Wenders, Robert Kramer.
1982 - El hombre de Chinatown (Hammett), guion: Ross Thomas y Dennis O'Flaherty, adaptación Thomas Pope basada en el libro de Joe Gores, terminada casi en su totalidad por Francis Ford Coppola.
1984 - París, Texas (Paris, Texas), guion: Sam Shepard.
1985 - Tokio-Ga (Tokyo-Ga), documental sobre Yasujirō Ozu.
1987 - Der Himmel über Berlin (Cielo sobre Berlín, Wings of desire o Las alas del deseo), guion: Wim Wenders y Peter Handke.


Wim Wenders en el Festival Internacional de Cine de Berlín de 2005.
1991 - Hasta el fin del mundo (Bis ans Ende der Welt / Until the end of the world), guion: Peter Carey y Wim Wenders según un argumento de Wim Wenders y Solveig Dommartin.
1993 - ¡Tan lejos, tan cerca! (In weiter Ferne, so nah!), guion: Wim Wenders, Ulrich Zieger, Richard Reitinger. Continuación de Las alas del deseo.
1994 - Historias de Lisboa (Lisbon Story), guion: Wim Wenders.
1995 - Más allá de las nubes (Par delà les nuages) - Dirección: Michelangelo Antonioni y Wim Wenders. Guion: Tonino Guerra, Michelangelo Antonioni y Wim Wenders según relatos de Michelangelo Antonioni.
1995 - Los hermanos Skladanowsky (Die Gebrüder Skladanowsky, en inglés A trick of the light), guion: Wim Wenders con estudiantes de la Universidad de Televisión y Cine de Múnich.
1997 - El final de la violencia (The end of violence), guion: Nicholas Klein, Wim Wenders.
1999 - Buena Vista Social Club
2000 - El hotel del millón de dólares (The Million Dollar Hotel), guion: Nicholas Klein, según un argumento de Bono (U2) y Nicholas Klein.
2002 - Ten Minutes Older, segmento "Twelve Miles to Trona".
2003 - El alma de un hombre (The soul of a man)
2004 - Tierra de abundancia (Land of Plenty), guion: Scott Derrickson.
2005 - Llamando a las puertas del cielo (Don´t come knocking), guion: Sam Shepard y Wim Wenders
2007 - Invisibles (capítulo Crímenes invisibles)
2008 - Palermo Shooting
2011 - Pina (Pina – tanzt, tanzt sonst sind wir verloren), sobre el legado de la coreógrafa Pina Bausch.

Ha recibido 13 puntos

Vótalo:

WERNER HERZOG

51. WERNER HERZOG

Biografía[editar] Nació en Múnich, pero pasó toda su infancia en un pueblo de las montañas de Baviera. Su madre era yugoslava, y su apellido, por ello, Stipetić. Fue él quien inventó el apellido Herzog. Y es conocido hoy como Werner Herzog. Su padre se casó dos veces y tiene muchos hermanos y... Ver mas
Biografía[editar]
Nació en Múnich, pero pasó toda su infancia en un pueblo de las montañas de Baviera. Su madre era yugoslava, y su apellido, por ello, Stipetić. Fue él quien inventó el apellido Herzog. Y es conocido hoy como Werner Herzog. Su padre se casó dos veces y tiene muchos hermanos y hermanastros.

Era muy pobre.2 Creció sin radio ni cine, en pleno contacto con la naturaleza, en una granja, alejado del mundo. Según él mismo afirma, no tuvo conocimiento de la existencia del cine hasta los once años, la misma fecha en la que vio por primera vez un coche. A los 17 años hizo su primera llamada telefónica.

A los trece años lo llevaron a Múnich para que iniciara sus estudios secundarios. Su familia se alojó provisionalmente en una pensión donde, casualmente, se alojaba Klaus Kinski, (1926-1991), actor que en un futuro sería clave en su carrera cinematográfica. Kinski ni reparó en el Herzog de trece años, pero el futuro director sí lo hizo con el singular actor.

Durante su adolescencia, pasó por una etapa de gran fervor religioso, llegando a convertirse al catolicismo, lo que le provocó discusiones con sus parientes, que eran ateos convencidos. Por esta época también empezó a realizar sus primeros largos viajes a pie. Hacia los quince años atravesó Europa, desde Múnich hasta Albania. También hizo a pie el viaje que lo llevó a Grecia.

Hacia los 17 años decidió dedicarse al cine. Para pagarse sus películas, trabajó en diversos oficios, que combinaba con sus estudios secundarios y más tarde universitarios. Inició estudios de Historia, Literatura y Teatro en Múnich. Hacia 1960 obtuvo la beca Fulbright para el Seminario de cine de la Universidad de Duquesne, en Pittsburgh (Estados Unidos).

A pesar de participar en seminarios universitarios de cine, Herzog nunca estudió en ninguna escuela ni tampoco trabajó como asistente de ningún director; su formación fue completamente autodidacta. En Estados Unidos combinó de nuevo sus estudios con diversos trabajos, como soldador en una fábrica o aparcacoches, para lograr dinero que luego invertiría en su arte. En 1962, a los veinte años, fundó su productora de cine, Herzogfilmproduktionen. Al año siguiente inició el rodaje de su primer cortometraje, Herakles, para el cual tuvo que trabajar dos años y medio en una fundición de Múnich, en la cadena de montaje3 .

Le seguirían Juego en la arena (1964), Últimas palabras (1967) y La Incomparable Defensa de la Fortaleza Deutschkreutz (1967).

Tras esta primera etapa de formación en el cortometraje realizó su primer largometraje, Lebenszeichen (Señales de vida), subvencionado por el Instituto de Cine alemán, que buscaba promocionar a nuevos cineastas. La película ganó el Premio de Cine Alemán (Deutscher Filmpreis). A partir de aquí Herzog inició una carrera singular, que ha combinado la filmación de largometrajes, documentales, dirección de ópera, actuación y redacción de guiones. Werner Herzog sigue en activo en la actualidad.

Obra[editar]
Fundador del denominado Nuevo cine alemán junto con otros cineastas como Rainer Werner Fassbinder, Herzog ya en sus primeros cortos, como Herakles o Juego en la Arena, dejó clara su preferencia por los antihéroes: personajes de singular personalidad enfrentados a un mundo hostil, para los que la lucha por su supervivencia o por defender sus ideas está siempre abocada al fracaso. Sus personajes se rebelan ante lo absurdo de la vida y su lucha contra esta situación les lleva a la locura, la anulación total o la muerte. Esto quedó plasmado en su primer película, Señales de Vida, donde un joven soldado alemán destinado a una isla griega durante la Segunda Guerra Mundial enloquece ante la inutilidad de su misión y la imposibilidad de comunicarse con los habitantes de la isla. Su locura se representa en la visión de un millar de molinos de viento que sólo él puede ver.

En realidad, Herzog no distingue nunca sus películas de ficción y sus documentales. En su obra, ambas vertientes se funden formando una sola. En una entrevista Joe Bini, montador de varios trabajos de Herzog, confirma este ejemplo al señalar que el documental El Pequeño Dieter Necesita Volar es más un trabajo de ficción, mientras que su contraparte ficticia, Rescate al Amanecer, es todo lo contrario. El mismo Herzog afirma que Fitzcarraldo es su mejor documental.4

En la obra de Herzog se pueden distinguir dos tipos de personajes y temas. Por un lado, personajes megalómanos, rebeldes, supervivientes, a menudo sin escrúpulos, enfrentados a un mundo hostil que les vapulea y que no les perdona su originalidad. Sus empresas e ideas están destinadas al fracaso. Dentro de este apartado se encuentran, por ejemplo, personajes como:

Lope de Aguirre (protagonista de Aguirre, la cólera de Dios), soldado español que se rebeló contra el rey Felipe II, adentrándose en la selva amazónica en busca de El Dorado.
Brian Fitzgerald «Fitzcarraldo» (en Fitzcarraldo), el melómano apasionado de la ópera que para montar una representación en medio de la selva es capaz de aventurarse a recolectar caucho para costear su montaje y hacer cruzar su barco de un afluente del Amazonas a otro, subiéndolo por una montaña con ayuda de los indios.
Da Silva (Cobra verde), el tratante de esclavos brasileño establecido en África y que dirige su negocio con mano dura, hasta que distintos enfrentamientos civiles arruinan por completo su próspero negocio, llevándolo a la ruina y a darse cuenta de lo criminal de su actividad.
El profeta de Corazón de cristal, que al intentar descubrir las propiedades de una misteriosa piedra, lleva a un pueblo a un estado de trance y locura colectivas. Los actores rodaron algunas escenas en estado de hipnosis.
Hanussen (Invencible), el prestidigitador farsante, sin escrúpulos y manipulador que cree engañar a los nazis para conseguir de ellos establecer un Ministerio de las Ciencias Ocultas hasta que se encuentra con el forzudo judío Zische, representación de la bondad e inocencia, que le lleva a la defenestración absoluta.
Terence McDonagh (Teniente corrupto), el atormentado, adicto, ludópata y enfermo policía que navega en la noche de una Nueva Orleans recién asolada por el Katrina para esclarecer la muerte de cinco inmigrantes senegaleses. Fue interpretado por Nicolas Cage.
Por otro lado, Herzog retrata también a personajes singulares, como:

Los enanos (También los enanos empezaron pequeños). Estos enanos maltratados y encerrados en un correccional inician una grotesca rebelión que les lleva a cometer actos de lo más extravagantes.
Kaspar Hauser (El enigma de Kaspar Hauser). La película se basa en la historia real de este joven alemán, que apareció un día por las calles de Núremberg en 1828. Había pasado la mayor parte de su vida encerrado en un sótano y se desconocía su origen y el modo en el que un día se liberó o fue liberado. Hauser aprendió en cinco años a leer, escribir poesía, andar correctamente, tocar el piano, conversar y a relacionarse con el mundo con solvencia. Un ser que era una página en blanco trasplantado a un mundo decadente, totalmente desconocido para él. Herzog hace hincapié en cómo Hauser llevó su particularidad con gran dignidad, mientras que la sociedad burguesa, interesada morbosamente en su caso, era la realmente excéntrica y enfermiza. Su singularidad e inocencia no le fueron perdonadas y falleció asesinado. Nunca se esclareció el móvil del asesinato.
Woyzeck (Woyzeck), el soldado alemán maltratado por sus superiores hasta la locura. Basada en la obra teatral de Büchner, esta cinta es prácticamente teatro filmado.
Stroszek (Stroszek), el antiguo reo alemán que emigra a Estados Unidos y es devorado por el sueño americano.
Nosferatu (Nosferatu, fantasma de la noche). Revisión de la película de F.W. Murnau, Nosferatu, el no muerto, cuyo romanticismo decadente e imposible lleva la enfermedad y la muerte al pequeño pueblo donde se instala.
Zishe Breitbart (Invencible), el inocente y forzudo judío polaco que vive en Berlín justo en el momento en que el nazismo está viviendo su ascensión. Padece visiones y vaticina el Holocausto, lo que le lleva a convencerse de que ha sido elegido por Dios para advertir a su pueblo del grave peligro que se avecina.
Con frecuencia, Herzog se inspira en personajes que existieron realmente, como Aguirre, Fitzcarraldo, Hanussen o Kaspar Hauser, entre otros. En sus documentales, esta premisa también es básica, pues tiene especial interés en presentar personas, grupos de gente o etnias que viven o han vivido situaciones difíciles y que han luchado contra todo tipo de obstáculos para sobrevivir o por alcanzar los objetivos que se habían propuesto.

La música en las películas de Herzog es como un personaje más. Desde sus primeras películas ha colaborado con el grupo Popol Vuh, agrupación de rock progresivo meditativo de su amigo Florian Fricke (a quien conoció durante sus estudios de cine), que le ha confeccionado las bandas sonoras de Aguirre, Fitzcarraldo y Cobra Verde, entre otras. A veces, incluso el propio Herzog ha compuesto algunas piezas para completar la banda sonora de sus películas. Su vinculación con la música le ha llevado a dirigir óperas. Debutó con Lohengrin, de Richard Wagner, para el Festival de Bayreuth.5 Afirma que la música es el arte que más fácilmente llega al ser humano.

Los paisajes son fundamentales en su obra. Afirma Herzog que más de una de sus películas surgieron de un paisaje, como por ejemplo Signos de vida o Fitzcarraldo. Frecuentemente, las tramas de las películas se encuentran en localizaciones donde la naturaleza es hostil o de una exuberancia sin límites. Esta particularidad se manifiesta tanto en sus largometrajes de ficción como en sus documentales. El esplendor de la naturaleza siempre esconde para Herzog un lado oscuro y frecuentemente maligno para sus antihéroes. Puede decirse que el paisaje es un personaje más de sus historias y tiene un papel fundamental en el desarrollo de la trama.

Aunque huye del cinéma verité, Herzog siempre ha buscado efectos visuales reales en sus filmes. Es decir, no hay efectos especiales. El destartalado barco en que Fitzcarraldo sube por una montaña para pasar de un río a otro, fue realmente transportado e izado por un numeroso grupo de indios, tal y como se ve en la película. Herzog afirma que no busca engañar al espectador: lo que ve es lo que hay[cita requerida]. En Aguirre hizo caminar a los actores por la selva hasta la extenuación para reflejar el verdadero agotamiento que debieron sufrir los conquistadores españoles en su periplo por la selva y el río.

En Rescate al Amanecer, el acercamiento de Herzog con Hollywood, el actor Christian Bale, interpretando a Dieter Dengler (piloto real convertido en prisionero de guerra), pasó por un sinnúmero de torturas reales, lo que provocó una fuerte disputa de Herzog con Bale, y más notablemente con los productores de la cinta. Zische, el forzudo judío, está interpretado por Jouko Ahola, quien ganó por cuatro veces el título de El hombre más fuerte del mundo; todas las escenas donde demuestra su fuerza son reales. Para plasmar esto no duda en contar con actores absolutamente amateurs (como Ahola o Bruno S., que interpretó a Kaspar Hauser) o en rodar en los lugares donde sucedieron los hechos que narra la película. En esta búsqueda de realismo, la fusión autor-obra es total. Al igual que sus personajes, que deben luchar contra innumerables contratiempos en empresas casi imposibles, Herzog mismo vive estas situaciones en sus rodajes, que suelen ser particularmente difíciles.

También cabe destacar que en sus películas ambientadas en la selva amazónica o en África hace participar de manera activa a indígenas, que muestran sus costumbres o su idiosincrasia. Suelen tener un papel fundamental.

Herzog tiene también la fama de ser uno de los pocos cineastas en haber filmado en los cinco continentes.

Críticas[editar]
Las obras de Herzog han recibido grandes elogios de la crítica y le han reportado gran popularidad en los circuitos especializados. Al mismo tiempo ha sido sujeto de controversias referidas a los temas y mensajes tratados en sus obras, especialmente referidos a las circunstancias relativas a su creación. Un ejemplo significativo fue Fitzcarraldo, en la que la obsesión, tema central de la película, fue reproducida por el director durante la filmación. Su tratamiento de los temas también ha sido frecuentemente calificada de wagneriana, quizá porque películas como Fitzcarraldo o su película posterior, Invencible (2001), están directamente inspiradas por la ópera o por temáticas operísticas, lo cual es excesivo, dada su clara atención por los humildes y los marginados.

No se puede hablar de la filmografía de Herzog sin comentar su tensa y difícil relación con el actor alemán Klaus Kinski. Con él rodó cinco películas, quizá las más emblemáticas de las carreras de ambos (Aguirre, la cólera de Dios, Woyzeck, Nosferatu, fantasma de la noche, Fitzcarraldo y Cobra verde). Herzog plasmó esta relación, que a veces llegó al enfrentamiento físico, en el documental Mi enemigo íntimo.

Premios[editar]
Herzog y sus obras han ganado y han estado seleccionadas para numerosos premios a lo largo de su carrera. El más importante es, sin duda, el premio al mejor director por Fitzcarraldo en el Festival de Cine de Cannes de 1982.

Grizzly Man ganó el Premio Alfred P. Sloan en la edición de 2005 del Festival de Cine de Sundance.

Filmografía[editar]
Como director[editar]
Largometrajes[editar]
Signos de vida (1968).
También los enanos empezaron pequeños (1970).
Fata Morgana (1971).
Aguirre, la cólera de Dios (1972).
El enigma de Kaspar Hauser (1974).
Corazón de cristal (1976).
Stroszek (1977).
Nosferatu, vampiro de la noche (1979).
Woyzeck (1979).
Fitzcarraldo (1982).
Donde sueñan las verdes hormigas (1984).
Cobra verde (1988).
Grito de piedra (1991).
Invencible (2001).
La salvaje y azul lejanía (2005).
Rescate al amanecer (2007).
Teniente corrupto (2009).
My Son, My Son, What Have Ye Done (2010).
Cortometrajes[editar]
Herakles (1962).
Juego en la arena (1964).
La incomparable defensa de la fortaleza Deutschkreutz (1967).
Últimas palabras (1968).
Medidas contra los fanáticos (1969).
Nadie quiere jugar conmigo (1976).
La Bohème (2009).
Documentales[editar]
El país del silencio y la oscuridad (1971).
Ecos de un reino siniestro (1990).
Las campanas del alma (1993).
El pequeño Dieter necesita volar (1997).
Mi enemigo íntimo (1999).
La rueda del tiempo (2003).
El diamante blanco (2004).
Grizzly Man (2005).
Encuentros en el fin del mundo (2008).
La cueva de los sueños olvidados (2010).
Into the Abyss (2011)
Happy People: A Year in the Taiga (2011)
On Death Row (2012)
Trabajos para la televisión[editar]
Los doctores voladores de África del Este (1969).
Futuro minusválido (1971).
El gran éxtasis del escultor de madera Steiner (1974).
Cuanta madera podrá roer una marmota (1976).
La Soufrière (1977).
El sermón de Huie (1980).
Fe y moneda (1980).
La balada del pequeño soldado (1984).
Gasherbrum – La montaña luminosa (1985).
Retrato de Werner Herzog (1986).
Los galos incluido en The French as seen by... (1988).
Wodaabe – Los pastores del sol (1989).
Film Lesson 1-4 (1990).
Lecciones en la oscuridad (1992).
Jag Mandir: El teatro privado excéntrico del maharajá de Udaipur (1991).
Gesualdo – Muerte para cinco voces (1995).
The Transformation of the World Into Music (1996).
Las alas de la esperanza (2000).
Dios y la carga o Nuevos mundos – Detrás del horizonte europeo incluido en 2000 años de cristianismo (2000).
Pilgrimage (2001).
Diez mil años incluido en Ten Minutes Older: The Trumpet (2002).
Como actor[editar]
Werner Herzog eats his shoe, de Les Blank (1980).
El poder de los sueños, de Les Blank (1982)
Tokyo-Ga, de Wim Wenders (1985).
El poder de un dios, de Peter Fleischmann (1990).
Más allá de los sueños, de Vincent Ward (1998).
Julien Donkey-Boy, de Harmony Korine (1999).
Mi enemigo íntimo, de Werner Herzog (1999).
Mister Lonely, de Harmony Korine (2007).
Jack Reacher de Cristopher McQuarrie (2012).
Como productor[editar]
Aguirre, la cólera de Dios (1972).
Nosferatu, fantasma de la noche (1979).
Fitzcarraldo (1982).
Invencible (2001).
Obra escénica[editar]
Opera[editar]
Doktor Faust (1986, Teatro Comunale de Bolonia)
Lohengrin (1987, Festival de Bayreuth)
Giovanna d'Arco (1989, Teatro Comunale de Bolonia)
La Donna del lago (1992, Teatro alla Scala, Milan)
El holandés errante (1993, Opera de París)
Il Guarany (1993, Opera de Bonn)
Norma (1994, Arena de Verona)
Il Guarany (1996, Washington National Opera)
Chushingura (1997, Tokyo Opera)
Tannhäuser (1997-1999 Teatro de la Maestranza; Teatro di San Carlo; Teatro Massimo; Teatro Real)
Die Zauberflöte (1999, Teatro Bellini, Catania)
Fidelio (1999, Teatro alla Scala)
Tannhäuser (2000)
Giovanna d'Arco (2001, Teatro Carlo Felice, Genova)
Tannhäuser (2001, Teatro Municipal; Houston Grand Opera)
Die Zauberflöte (2001, Baltimore Opera)
El holandés errant (2002, DomStufen Festspiele Erfurt)
Parsifal (2008, Palau de les Arts, Valencia)
Teatro[editar]
Floresta Amazonica (A Midsummer Night's Dream) (1992, Teatro Joao Caetano)
Varété (1993, Hebbel Theatre)
Specialitaeten (1993, Etablissement Ronacher, Viena)

Ha recibido 13 puntos

Vótalo:

PETER YATES

52. PETER YATES

Biografía[editar] Hijo de un oficial de ejército, estudió en el Charterhouse School y posteriormente, en la Royal Academy of Dramatic Art de Londres. Sus primeros trabajos llegaron en el mundo de la interpretación en la década de 1940. Después de esto, fue piloto de carreras de coches y... Ver mas
Biografía[editar]
Hijo de un oficial de ejército, estudió en el Charterhouse School y posteriormente, en la Royal Academy of Dramatic Art de Londres. Sus primeros trabajos llegaron en el mundo de la interpretación en la década de 1940. Después de esto, fue piloto de carreras de coches y administrador de Stirling Moss. En el mundo del cine, empezó con películas de habla no inglesa dentro de Gran Bretaña, antes de trabajar en 1958 como asistente de dirección junto a Mark Robson en El albergue de la sexta felicidad (1958); con Tony Richardson en El animador (1960), y con J. Lee Thompson en Los cañones de Navarone (1961). A partir de 1962, dirigió episodios de las series de televisión de la cadena ITV, El Santo.

Realizó su debut como director con un musical ideado por Cliff Richard, Vacaciones de verano, que pese a su calidad artística, fue el segundo éxito de la temporada en las taquillas británicas de 1963. Su siguiente film, una adaptación de la obra teatral One Way Pendulum (1965), que había sido un éxito, no lo fue en cine. Yates se resistió a la tentación de adaptar visualmente la excéntrica familia del cuento de N.F. Simpson, dejándola con un tono de comedia.

A lo largo de la década de 1960, alternó el cine con la televisión. Probó suerte durante tres años, con una serie al estilo del primer James Bond: Danger Man (1964), protagonizada por Patrick McGoohan. Su éxito hizo que pasara después a un formato más largo, con episodios de una hora en vez de treinta minutos, cambiando su título por el de Koroshi (1966). Tras esta experiencia abandonó la televisión y se centró en el cine.

Volvió con una de las primeras obras notables de su carrera El gran robo (1967), un metódico y eficiente thriller basado en el Gran robo al tren de Glasgow de 1963, que abrió un género de triller de robos de banco.

El éxito de El gran robo le abrió las puertas a su primer trabajo para Hollywood. Basada en la novela de Robert L.Pike, el filme Bullitt, que tuvo como protagonista a Steve McQueen, marcó el género policiaco de la época. La película pasó a la historia del cine por la secuencia de persecución de automóviles. Ganó el premio Oscar al mejor montaje y obtuvo cuatro premios Globo de Oro: a la dirección, montaje, banda sonora, y actor secundario (Robert Vaughn).

El director se trasladó a Nueva York y continuó haciendo películas en Estados Unidos, normalmente dirigiendo películas británicas que se realizaban en los estudios de Hollywood.

Entre 1968 y 1973, realizó un número de películas de acción. Pasando de la acción a una historia más intimista, dirigió John y Mary (1969), con Dustin Hoffman y Mia Farrow. Después llegaría La guerra de Murphy (1971), un relato bélico de la Segunda Guerra Mundial, sobre un único superviviente de un barco británico torpedeado por un submarino alemán, que planea una venganza sobre los nazis, destacando la interpretación de Peter O'Toole.

En 1972, realizó Un diamante al rojo vivo, otro thriller de ladrones de bancos, basado en la novela de Donald Westlake y protagonizado por Robert Redford. Después llegaría El confidente (1973), una de sus mejores películas, protagonizada por Robert Mitchum, y ¿Qué diablos pasa aquí? (1974), una comedia sobre el mundo del hampa, con Barbra Streisand encabezando el reparto. La década de 1970 acabó para Yates con títulos menores como El madre, la melones y el ruedas (1976) y Abismo (1977), aunque tomó cierto aliento con El relevo (1979).

La década de 1980 fue bastante irregular. Después de El ojo mentiroso (1981), Krull (1983) y Eleni (1985), llegaron otros títulos como La sombra del actor (1983) y Sospechoso (1987).

Ya en la década de 1990 siguió trabajando con títulos como El año del cometa (1992), Compañeros de habitación (1995), Una razón para luchar (1995) y Fantasmas a escena (1999), con Michael Caine y Maggie Smith en los roles de fantasmas de Broadway.

En el 2000, consiguió hacer realidad uno de sus sueños, realizar una adaptación para la televisión de la obra de Miguel de Cervantes, Don Quijote de la Mancha.

Filmografía[editar]
El Santo (The Saint, 1962, serie de televisión, 7 episodios)
Vacaciones de verano (Summer Holiday, 1963)
One Way Pendulum (1964)
Danger Man (1964, serie de televisión)
Koroshi (1966, película para televisión)
El gran robo (Robbery, 1967)
Bullitt (1968)
John and Mary (1969)
La guerra de Murphy (Murphy's War, 1971)
Un diamante al rojo vivo (The Hot Rock, 1972)
El confidente (The Friends of Eddie Coyle, 1973)
¿Qué diablos pasa aquí? (For Pete's Sake, 1974)
El madre, la melones y el ruedas (Mother, Jugs & Speed, 1976)
Abismo (The Deep, 1977)
El relevo (Breaking Away, 1979)
El ojo mentiroso (Eyewitness, 1981)
Krull (1983)
La sombra del actor (The Dresser, 1983)
Eleni (1985)
Sospechoso (Suspect, 1987)
La casa de Carroll Street (The House on Carroll Street, 1988)
Un hombre inocente (An Innocent Man, 1989)
El año del cometa (Year of the Comet, 1992)
Compañeros de habitación (Roommates, 1995)
Una razón para luchar (The Run of the Country, 1995)
Fantasmas a escena (Curtain Call, 1999)
Don Quijote (2000, película para televisión)
A Separate Peace (2004, película para televisión)

Ha recibido 13 puntos

Vótalo:

MICHAEL CACOYANNIS

53. MICHAEL CACOYANNIS

Vida[editar] Nacido en Limassol, Chipre, bajo el nombre Mikhalis Kakogiannis (Μιχάλης Κακογιάννης),2 Cacoyannis fue enviado a Londres para seguir estudios de Derecho; sin embargo, tras producir programas en idioma griego para la BBC durante la Segunda Guerra Mundial,3 Cacoyannis se percató de... Ver mas
Vida[editar]
Nacido en Limassol, Chipre, bajo el nombre Mikhalis Kakogiannis (Μιχάλης Κακογιάννης),2 Cacoyannis fue enviado a Londres para seguir estudios de Derecho; sin embargo, tras producir programas en idioma griego para la BBC durante la Segunda Guerra Mundial,3 Cacoyannis se percató de que su interés estaba en el cine. Así, llegó al teatro Old Vic, donde desarrolló una breve carrera como actor bajo el nombre "Michael Yannis" antes de empezar a trabajar en el cine. Debido a que tuvo problemas para encontrar un trabajo como director de cine en la industria cinematográfica británica, Cacoyannis regresó a Grecia, donde filmó su primera película, titulada Kyriakatiko xypnima (1953).3 Luego, se le ofreció la oportunidad de dirigir a Elizabeth Taylor y Marlon Brando en la película Reflejos de un ojo dorado, pero declinó tal oferta y finalmente dirigió este filme John Huston.

Cacoyannis ha trabajado en muchas ocasiones con la actriz griega Irene Papas, destacándose en las versiones fílmicas de las tragedias Electra e Ifigenia.

En 1971, filmo la tragedia de Eurípides Las troyanas, protagonizada por Katharine Hepburn, Irene Papas y Vanessa Redgrave. Antes, en 1967 dirigió la versión lírica de A Electra le sienta bien el luto de Martin Levy en el Metropolitan Opera de Nueva York el 17 de marzo de 19674 con Evelyn Lear, Marie Collier y Sherrill Milnes dirigidos por Zubin Mehta.

Cacoyannis fue un amigo cercano de Darryl F. Zanuck y de George Cukor.

Filmografía[editar]


Anthony Quinn en el papel de Zorba el griego.
El jardín de los cerezos (1999): director, guionista y productor
Pano kato ke plagios ("Arriba, abajo y a los lados") (1993): director, guionista y productor
Glykeia patrida ("Dulce patria") (1986): director, guionista y productor
Ifigenia (1977): director y guionista
Attilas '74 (1975): director y productor
The Story of Jacob and Joseph (1974), director, music Mikis Theodorakis5 ,
Las troyanas (1971): director, guionista y productor
Otan ta psaria vgikan sti steria ("El día que el pez salió") (1967): director, guionista y productor
Alexis Zorbas ("Zorba el griego") (1964): director, guionista y productor
Electra (1962): director, guionista y productor
Il Relitto (1961): director y guionista
Eroica ("Nuestra última primavera") (1960): director, guionista y productor
To telefteo psemma ("Una cuestión de dignidad") (1957): director, guionista y productor
To koritsi me ta mavra ("Una muchacha de negro") (1956): director y guionista
Stella (1955): director, guionista y productor
Kyriakatiko xypnima (1954): director y guionista
Teatro[editar]
1965: Las troyanas (Eurípides), adap. Jean-Paul Sartre
1966: Les Diables, New York
1967: A Electra le sienta bien el luto de 'Eugene O'Neill, New York
1968: Romeo y Julieta de William Shakespeare, TNP Théâtre de Chaillot6
1977: Las Bacantes de Euripides, Comédie-Française - Théâtre de l'Odéon
1983: Zorba, New York
1983: Electra, Epidauro
Premios y nominaciones[editar]
Festival de Cannes

1954: Palma de Oro por "Windfall in Athens" - nominado
1955: Palma de Oro for "Stella" - nominado
1956: Palma de Oro por "Una muchacha de negro" - nominado
1957: Palma de Oro por "Una cuestión de dignidad" - nominado
1961: Palma de Oro por "The Wastrel" - nominado
1962: Palma de Oro por "Elektra" - nominado
1962: Gran Premio del Jurado por "Elektra" - ganador
1962: Premio Técnico por "Elektra" - ganador
1977: Palma de Oro por "Ifigenia" - nominado
Berlinale

1960: Oso de oro por "Nuestra última primavera" - nominado
1963: Premio David O. Selznick por "Elektra" - ganador
Premios Óscar

1963: Mejor película en lengua extranjera por "Elektra" - nominado
1964: Mejor fotografía por "Zorba el griego" - nominado
1964: Mejor director por "Zorba el griego" - nominado
1964: Mejor guion adaptado por "Zorba el griego" - nominado
1977: Mejor película en lengua extranjera por "Ifigenia" - nominado
Premios Globo de Oro

1956: Mejor película en lengua extranjera por "Stella" - ganador
1957: Mejor película en lengua extranjera por "Una muchacha de negro" - ganador
1965: Mejor director por "Zorba el griego - nominado
Premios BAFTA

1966: Mejor película por "Zorba el griego - nominado
Asociación de críticos de cine de Nueva York

1964: Mejor película por "Zorba el griego - nominado
1964: Mejor director por "Zorba el griego - nominado
1964: Mejor guion por "Zorba el griego - nominado
Premio David de Donatello

1964: Placa especial para "Zorba el griego"
Festival de cine de Thessaloniki

1960: Premio por contribución especial - ganador
1961: Mejor director por "Nuestra última primavera" - ganador
1962: Mejor película por "Elektra" - ganador
1962: Mejor director por "Elektra" - ganador
1977: Mejor película por "Iphigenia" - ganador
1999: Premio del Sindicato de técnicos de cine y televisión por "The Cherry Orchard" - ganador
Festival Internacional de Cine de Moscú

1956: Medalla de plata para "Una muchacha de negro"
Festival de Cine de Edimburgo

1954: Diploma al Mérito por "Windfall in Athens"
1962: Diploma al Mérito por "Elektra"
Festival Internacional de Cine de Montreal

1999: Premio a la contribución especial - ganador
Festival de Cine de Jerusalén

1999: Premio a los logros de una vida entera - ganador
Festival de Cine de El Cairo

2001: Premio a los logros de una vida entera - ganador

Ha recibido 13 puntos

Vótalo:

ETTORE SCOLA

54. ETTORE SCOLA

Ettore Scola (n. Trevico, Provincia de Avellino, Italia; 10 de mayo de 1931) es un director de cine italiano, representante de la commedia all'italiana. Cursó estudios en la facultad de derecho de la Universidad de Roma. Desde mediados de los años cincuenta se dedicó a escribir guiones... Ver mas
Ettore Scola (n. Trevico, Provincia de Avellino, Italia; 10 de mayo de 1931) es un director de cine italiano, representante de la commedia all'italiana.

Cursó estudios en la facultad de derecho de la Universidad de Roma. Desde mediados de los años cincuenta se dedicó a escribir guiones, algunos en colaboración con Ruggero Maccari, hasta que en 1964 debutó como director en Se permettete parliamo di donne.
Títulos honoríficos[editar]
Cavaliere di Gran Croce Ordine al Merito della Repubblica Italiana.1
Medaglia d'oro ai benemeriti della cultura dell'arte.2
Filmografía[editar]
Se permettete parliamo di donne (1964)
Thrilling (1965) - episodio Il vittimista
La congiuntura (1965)
L'arcidiavolo (1966)
Riusciranno i nostri eroi a ritrovare l'amico misteriosamente scomparso in Africa? (1968)
Il commissario Pepe (1969)
Dramma della gelosia - tutti i particolari in cronaca (1970)
Permette? Rocco Papaleo (1971)
Festival dell'Unità 1972 (1972) - documental
La più bella serata della mia vita (1972)
Trevico-Torino - Viaggio nel Fiat-Nam (1973)
Festival Unità (1973) - documental
Una mujer y tres hombres (C'eravamo tanto amati) (1974)
Carosello per la campagna referendaria sul divorzio (1975) - documental
Brutti sporchi e cattivi (1976)
Una giornata particolare (1977)
I nuovi mostri (1977) - episodios L'uccellino della Val Padana, Il sospetto, Hostaria, Come una regina, Cittadino esemplare, Sequestro di persona cara ed Elogio funebre
Signore e signori, buonanotte (1978)
La terrazza (1980)
Passione d'amore (1981)
Vorrei che volo (1982) - documental
Il mondo nuovo (1982)
Ballando ballando (1983)
L'addio a Enrico Berlinguer (1984) - documental
Maccheroni (1985)
Imago urbis (1987) - documental
La famiglia (1987)
Splendor (1989)
Che ora è? (1989)
Il viaggio di Capitan Fracassa (1990)
Mario, Maria e Mario (1993)
Romanzo di un giovane povero (1995)
I corti italiani (1997) - episodio 1943-1997
La cena (1998)
Concorrenza sleale (2001)
Un altro mondo è possibile (2001) - documental
Lettere dalla Palestina (2002) - documental
Gente di Roma (2003)

Ha recibido 13 puntos

Vótalo:

MICHAEL  ANDERSON

55. MICHAEL ANDERSON

Michael Joseph Anderson (30 de enero de 1920) es un director británico. Anderson nació en el seno de una familia teatral. Sus padres fueron Lawrence y Beatrice Anderson y su tía abuela (Mary Anderson) fue la primera actriz que tuvo un teatro a su nombre en Louisville, Kentucky. Filmografía... Ver mas
Michael Joseph Anderson (30 de enero de 1920) es un director británico.

Anderson nació en el seno de una familia teatral. Sus padres fueron Lawrence y Beatrice Anderson y su tía abuela (Mary Anderson) fue la primera actriz que tuvo un teatro a su nombre en Louisville, Kentucky.
Filmografía[editar]
Private Angelo (1949)
El puerto (Waterfront) (1950)
1984 (1984) (1956)
La vuelta al mundo en 80 días (Around the World in Eighty Days) (1956)
Misterio en el barco perdido (The Wreck of the Mary Deare) (1959)
Los jóvenes caníbales (All the Fine Young Cannibals) (1960)
Sombras de sospecha (The Naked Edge) (1961)
Patrulla de rescate (Flight from Ashiya) (1964)
Salvaje y encantador (Wild and wonderful) (1964)
Operación Crossbow (Operation Crossbow) (1965)
Conspiración en Berlín (The Quiller Memorandum) (1966)
Las sandalias del pescador (The Shoes of the Fisherman) (1968)
La papisa Juana (Pope Joan) (1972)
Culpable sin rostro (Conduct unbecoming) (1975)
La fuga de Logan (Logan’s Run) (1976)
Doc Savage, el hombre de bronce (Doc Savage: The Man of Bronze) (1975)
Orca, la ballena asesina (Orca) (1977)
Dominique (Dominique) (1978)
Bells: llamada mortal (Bells) (1982)
Millennium (Millennium) (1989)
El lobo de mar (The Sea Wolf) (1993)
Oro bruto (Rugged Gold) (1994)
Capitanes intrépidos (Captains Courageous) (1996)
20.000 leguas de viaje submarino (20,000 Leagues Under the Sea) (1997)
El verano de los monos (Summer of the Monkeys) (1998)
Pinocho y Geppetto (The New Adventures of Pinocchio) (1999)
Premios[editar]
Premios Óscar[editar]
Año Categoría Película Resultado
1956 Óscar a la mejor dirección La vuelta al mundo en ochenta días Nominado
Globos de oro[editar]
Año Categoría Película Resultado
1956 Mejor director La vuelta al mundo en ochenta días Nominado
Después de servir en la Segunda Guerra Mundial, empezó en películas británicas, debutando en 1949 con Private Angelo. A estos siguieron títulos como El puerto (1950) o The Dam Busters (1954), una película de ciencia ficción que servirían de inspiración para la saga de Star Wars, o la adaptación al cine de la obra de George Orwell 1984. Pero, sin duda, Michael Anderson sería catapultado hacia la fama por la adaptación de la novela de Julio Verne La vuelta al mundo en 80 días, un éxito de taquilla y por la que Anderson consiguió una nominación al Oscar a la mejor dirección. Después del éxito de La vuelta al mundo en 80 días, Anderson se instalaría en Hollywood. Pero sus obras posteriores no llegarían ni de lejos al éxito de ésta anterior. Cabe reseñar como las más destacables Las sandalias del pescador (1968) Doc Savage, el hombre de bronce (1975), La fuga de Logan (1976) o Orca, la ballena asesina (1978). Posteriormente, Anderson se adentró en la realización de miniseries como Crónicas marcianas o Sword of Gideon.

Michael Anderson es el padrasto de actriz Laurie Holden (The X-Files , La niebla , The Walking Dead).

Ha recibido 12 puntos

Vótalo:

HERMANOS LUMIERE

56. HERMANOS LUMIERE

Biografía[editar] Hijos de Antoine Lumière y de Jeanne Joséphine Costille, Auguste y Louis nacieron en Besançon, Francia, pero crecieron en Lyon. Ambos trabajaron en el taller fotográfico de su padre, Louis como físico y Auguste como administrador. Louis hizo algunas mejoras en el proceso de... Ver mas
Biografía[editar]
Hijos de Antoine Lumière y de Jeanne Joséphine Costille, Auguste y Louis nacieron en Besançon, Francia, pero crecieron en Lyon. Ambos trabajaron en el taller fotográfico de su padre, Louis como físico y Auguste como administrador. Louis hizo algunas mejoras en el proceso de fotografías estáticas.

A partir de 1892, los hermanos empezaron a trabajar en la posibilidad de fotografiar imágenes en movimiento. Patentaron un número significativo de progresos notables.

De regreso de un viaje a París, Antoine Lumière trajo un kinetoscopio. Los dos hermanos lo examinaron atentamente y pronto concibieron un proyecto que harían realidad partiendo de los inventos ya existentes. Crearon un aparato que servía como cámara y como proyector: el cinematógrafo, que se basaba en el efecto de la persistencia retiniana de las imágenes sobre el ojo humano. Al comienzo ellos mismos cargaban las piezas de la cámara filmadora en un cajón para transportarlo de un lugar a otro.



Cartel de 1895
El cinematógrafo fue patentado el 13 de febrero de 1895. Ese mismo año, los Lumière rodaron su primera película, La sortie des ouvriers des usines Lumière à Lyon Monplaisir (Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon Monplaisir). Fue presentada el 22 de marzo de 1895, tres días después del rodaje, en una sesión de la Société d'Encouragement à l'Industrie Nacional en París.

Tras diversas presentaciones en sociedades científicas, en la Universidad de la Sorbona, en Bruselas y otros lugares, el 28 de diciembre de 1895 en París se procedió a la primera exhibición comercial, como primer espectáculo de pago, marcando oficialmente el inicio del cine. El evento tuvo lugar en el Salon indien du Grand Café del Boulevard des Capucines y se proyectaron, además de Salida de la fábrica Lumière, otras cintas como Llegada de un tren a la estación de la Ciotat y El regador regado, en la que aparece el primer actor pagado de la historia, el jardinero Jean-François Clerc. Así, con este catálogo, el cine comenzó su historia a modo de documental, como testigo objetivo de la vida cotidiana.



Cámara cinematográfica de los hermanos Lumière
Aunque los hermanos dijeron «el cine es una invención sin ningún futuro», aprovecharon todo lo que el nuevo invento les ofreció para montar un negocio rentable. Los Lumière enviaban un cinematógrafo y un operador donde fuera requerido, por ejemplo, a la coronación del zar Nicolás. Con estas cintas rodadas en los lugares más exóticos del planeta surgió el montaje.

Su posición económica y el interés que mostraban hacia la ciencia les hizo menospreciar las posibilidades comerciales de su invento, por lo que finalmente abandonaron la producción cinematográfica.

En 1903 patentaron un proceso para realizar fotografías en color, el Autochrome Lumière, lanzado al mercado en 1907.

Posteriomente, Louis Lumière continuó con sus experiencias inventando el photorama y la fotografía en relieve. Fue nombrado doctor honoris causa en la Universidad de Berna.

Por su parte Auguste Lumière, continuó con sus estudios de bioquímica y de la fisiología.

Actualmente su cámara esta en el museo de cine de París, con la de Georges Méliès.

Filmografía[editar]
La salida de la fábrica (1895).
Las calaveras (1895) se inicia las películas de cine de horror.
La demolición de un muro, film en el que se utilizaron los primeros trucajes de la historia del cine.
El regador regado (1895), se puede considerar cine de comedia o también el inicio de una memoria colectiva, un Gag
La llegada del tren. En este film se empleó la técnica del travelling inverso, que permite apreciar la profundidad de campo.
La llegada de los congresistas (Le débarquement des congresistes). Esta película de 1895, en la que se muestra a congresistas bajando de un barco y proyectada 24 horas después de su filmación, es considerada el inicio del noticiero moderno.
Los hermanos Lumiere contribuyeron al desarrollo del montaje y la edición al juntar cuatro films de su autoría (Sortie de la pompe, Mise en batterie, Attaque du feu y Le sauvetage). Sin embargo, el primer montaje como tal es La coronación del zar Nicolás II dirigido por Perrigot en 1896.

Ha recibido 12 puntos

Vótalo:

MICHAEL HANEKE

57. MICHAEL HANEKE

Biografía[editar] Michael Haneke es hijo del director y actor alemán nacido en Düsseldorf Fritz Haneke, y de la actriz austríaca Beatrix Degenschild. Haneke creció en la pequeña ciudad de Wiener Neustadt con la familia de su madre. Sus padres se divorciaron cuando era pequeño. Asistió a la... Ver mas
Biografía[editar]
Michael Haneke es hijo del director y actor alemán nacido en Düsseldorf Fritz Haneke, y de la actriz austríaca Beatrix Degenschild. Haneke creció en la pequeña ciudad de Wiener Neustadt con la familia de su madre. Sus padres se divorciaron cuando era pequeño. Asistió a la Universidad de Viena para estudiar filosofía, psicología y drama después de fracasar en sus primeros intentos en la actuación y la música. Después de graduarse en 1965, se convirtió en un crítico de cine y entre 1967 y 1970 trabajó como editor y dramaturgo en la estación televisiva del sur de Alemania Südwestfunk. Como dramaturgo dirigió varias producciones escénicas en Alemania, entre ellas obras de Strindberg, Goethe y Heinrich von Kleist en Berlín, Múnich y Viena. Hizo su debut como director televisivo en 1973.

Desde 2002 ejerce como profesor de dirección en la Academia de Cine de Viena. En sus clases intenta transmitir sus conocimientos fílmicos a sus estudiantes, haciendo especial hincapié en la dirección de actores, ya que para él es la base de la credibilidad real y emocional total de una escena.

Desde 2006 se dedica también a la dirección de ópera, siendo Don Giovanni y Cosi fan tutte de Mozart sus producciones más notables.

Michael Haneke está casado desde 1983 con la propietaria de un negocio de antigüedades de Viena. Él mismo describe a su mujer como su crítico más agudo e importante de su trabajo.

El 9 de mayo de 2013 fue elegido como Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2013 que se celebran anualmente en la Ciudad de Oviedo , Asturias , España en el mes de octubre.

Obra[editar]
La película comercial con la que Haneke debutó fue El séptimo continente de 1989, que sirvió para trazar su estilo violento y grueso que florecería en los años siguientes. Tres años después, la controvertida El Video de Benny colocó el nombre de Haneke en el mapa. El gran éxito de Haneke llegaría en 2001 con su película más aclamada por la crítica La pianista. La película ganó el prestigioso Gran Premio en el Festival de Cine de Cannes de 2001 y también ganaron sus protagonistas, Benoit Magimel e Isabelle Huppert, los premios de mejor actor y actriz. Ha trabajado con Juliette Binoche en dos ocasiones, después de que ella expresase interés en trabajar con él. Una de esas películas fue Caché, película en donde el director ganó el premio a Mejor director en Cannes y a Mejor película en la ceremonia de Premios del Cine Europeo

En el 2007, debutó en el mercado norteamericano, con el remake de su película Funny Games, que fue producida por la actriz Naomi Watts, quien también actuó en esta película. En el 2009 logra ganar la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes, por su película La cinta blanca, película que ganó el Globo de Oro a la mejor película en lengua no inglesa y obtuvo nominaciones a mejor película extranjera y a mejor fotografía en los premios Oscar.

Haneke se declara admirador de los directores de cine Kiarostami y Bruno Dumont.2

Temas[editar]
Haneke deconstruye las estructuras narrativas tradicionales para lograr un distanciamiento brechtiano. Su provocativa forma de narrar busca sobre todo hacer pensar al espectador y sacarle de sus cómodas convenciones cinematográficas situándole en encrucijadas donde todo es posible. En ese sentido, el precedente de Michelangelo Antonioni ha sido fundamental para él.

Son una llamada a un cine que aporte insistentes cuestiones en lugar de respuestas falsas (por lo excesivamente rápidas), que clarifique las distancias en lugar de violar la cercanía, que abogue por la provocación y el diálogo en lugar de la consunción y el consenso.
Rechazando lo que considera convenciones estándar de tiempo, construcción del suspense y continuidad lógica, Haneke no teme llegar a ser aburrido, irritante o frustante. Sus películas son consideradas como muy inmediatas y realistas sin ser simplistas. Es muy posible que trate acerca de una sociedad que no sabe cómo amar —o en todo caso cómo odiar— y sus películas son en diversos modos un intento por afinar los sentimientos del público y sus respuestas hacia el mundo. El ritmo de sus filmes es lo más particular: no necesita extender más de lo ordinario la duración de sus narraciones (generalmente sin verdaderas intrigas) o sus planos, incluyendo en la mayor parte de sus obras periodos de inacción, de vacío, de frustración y de irritación. Es, sobre todo, en la representación de la violencia en lo que el cineasta innova, sin estilizarla ni volverla espectacular. Sin exuberancia, la barbarie aparece en la progresión dramática misma de cada uno de sus filmes de manera estructural. Es, por otra parte, a menudo más sugerida que verdaderamente mostrada, manifestada sin subrayado alguno y generalmente jamás está justificada o motivada, lo que vuelve su puesta en escena aún más seca y brutal. De manera implacable el realizador busca sin cesar poner al espectador en una situación incómoda, alterando las maneras tradicionales y su manera de percibir o de recibir una obra cinematográfica. Deseando provocar reacciones vivas y emotivas, Haneke intenta interrogar sobre la responsabilidad del testigo ante las escenas expuestas, planteando cuestiones de orden social, político, histórico, cultural o moral sin jamás aportar respuestas claramente establecidas. Un trasfondo cultural y filosófico denso se percibe detrás de cada una de sus obras.

Entre sus temas recurrentes están:

La introducción de una fuerza malévola en la confortable vida burguesa, como se ve en Funny Games y en Caché;
Una actitud crítica contra los medios masivos, en especial la televisión, como sucede en Funny Games, donde algunos de los personajes son conscientes de pertenecer a una película.
La incomunicación o incapacidad de poderse comunicar directamente con el otro, presente en Benny´s Video y Caché.
Imágenes de maltrato animal: El director defiende que al espectador de cine le impresiona más la muerte de un animal que la de una persona, pues da por hecho que la muerte de la persona es ficticia. Para conseguir mayor impacto, en muchas de sus películas incluye escenas en las que aparece la muerte de un animal. En la mayoría de los casos es ficticia, así ocurre con uno de los caballos en El tiempo del lobo, entrenado para caer; sin embargo la muerte de otro caballo es real, filmado en un matadero donde se iba a sacrificar, ya que Austria no se permite el maltrato gratuito de animales. En El séptimo continente aparece la muerte de un pez, pero es ficticia ya que el pez fue de nuevo introducido en el agua.2 En El vídeo de Benny, el protagonista graba como disparan a un cerdo en la cabeza (escena real), la cual es rebobinada y puesta a cámara lenta, y aparece de nuevo en varias ocasiones de la película. En Caché el protagonista tiene un sueño en el que se decapita a una gallina, y ésta sigue dando saltos después de decapitada; escena también real.[cita requerida]
Filmografía[editar]
1989 Der siebente Kontinent - El séptimo continente
1992 Benny's Video - El video de Benny
1994 71 Fragmente einer Chronologie des Zufalls - 71 fragmentos de una cronología del azar
1995 Der Kopf des Mohren - La cabeza del moro (guion)
1997 Funny Games (juegos divertidos)
1997 Das Schloß - El castillo
2000 Código desconocido
2001 La Pianiste - La pianista. Adaptación de la novela La pianista de la autora austriaca Elfriede Jelinek. Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes.
2003 El tiempo del lobo
2005 Caché o Escondido Premio al mejor director en el Festival de Cannes y premio a la mejor película y mejor director de los Premios del Cine Europeo 2005
2007 Funny Games, remake U.S.
2009 Das Weiße Band- La cinta blanca. Palma de Oro en el Festival de Cannes. Globo de Oro a la mejor película extranjera.
2012 Amor. Oscar a mejor película de habla no inglesa. Palma de Oro en Festival de Cannes. Globo de Oro a la mejor película en lengua no inglesa.

Ha recibido 12 puntos

Vótalo:

SAM MENDES

58. SAM MENDES

Biografía[editar] Mendes nació Reading, Berkshire, el único hijo de Valerie Helene (nacida Barnett), autora de libros infantiles, y de Jameson Peter Mendes, profesor universitario. Su padre, oriundo de Trinidad, es de origen portugués e italiano, y su madre es judía inglesa. Su abuelo paterno... Ver mas
Biografía[editar]
Mendes nació Reading, Berkshire, el único hijo de Valerie Helene (nacida Barnett), autora de libros infantiles, y de Jameson Peter Mendes, profesor universitario. Su padre, oriundo de Trinidad, es de origen portugués e italiano, y su madre es judía inglesa. Su abuelo paterno fue el escritor de Trinidad Alfred Hubert Mendes.]. Sus padres se divorciaron siendo Sam un niño y perdió el contacto con su padre, siendo educado por su madre.

Estudió en la Universidad de Cambridge. Como director de escena, es muy conocido por su producción de 1998: "Cabaret" (musical) estelarizada por Alan Cumming. Como director de cine se le reconoce por su ópera prima "American Beauty" (1999), la cual lo hizo acreedor a un premio de la Academia por Mejor Director.

Tras una cadena de romances con varias actrices, que incluye a Cameron Diaz, Calista Flockhart y Rachel Weisz, Sam se casó con la actriz inglesa Kate Winslet el 24 de mayo de 2003. Su primer hijo Joe Alfie Winslet-Mendes nació el 22 de diciembre de 2003. También tiene una hijastra, Mia Hiney Threapleton, fruto del primer matrimonio de Winslet con el asistente de dirección inglés Jim Threapleton. El 15 de marzo de 2010 el matrimonio anunció su separación.

Filmografía como director[editar]
Cabaret (TV) (1993) [Reino Unido], con Jane Horrocks, Alan Cumming, Sara Kestelman, George Raistrick, Charlotte Medcalf, Loveday Smith
Company (TV) (1996) [Reino Unido], con Adrian Lester, Rebecca Front, Clive Rowe, Clare Burt, Gareth Snook, Liza Sadovy, Teddy Kempner, Sophie Thompson, Sam Mendes
American Beauty (Belleza Americana) (1999), con Kevin Spacey y Annette Bening. Presupuesto: $15 millones. Taquilla: $356,296,601
Road to Perdition (Camino a la perdición) (2002), con Tom Hanks, Paul Newman, Jude Law y Daniel Craig. Presupuesto: $80 millones. Taquilla: $181,001,478
Jarhead (2005), con Jake Gyllenhaal, Peter Sarsgaard y Jamie Foxx. Presupuesto: $72 millones. Taquilla: $96,889,998
Revolutionary Road (2008), con Leonardo DiCaprio, Kate Winslet y Kathy Bates. Presupuesto: $35 millones. Taquilla: $75,225,693
Away we go (Un lugar donde quedarse) (2009), con John Krasinski, Maya Rudolph, Maggie Gyllenhaal y Jeff Daniels. Presupuesto: $7 millones. Taquilla: $10,219,669
Skyfall (2012) con Daniel Craig, Judi Dench, Javier Bardem y Ralph Fiennes. Presupuesto: $200 millones. Taquilla: $1,108,348,855 hasta ahora...
Premios[editar]
Premios Óscar:

Año Categoría Película Resultado
1999 Mejor director American Beauty Ganador
Premios Globo de Oro:

Año Categoría Película Resultado
2000 Mejor director American Beauty Ganador
2009 Mejor director Revolutionary Road Candidato

Ha recibido 11 puntos

Vótalo:

JEAN LUC GODARD

59. JEAN LUC GODARD

Primeros años[editar] Hijo de un médico y de una hija de banqueros suizos, vivió sus primeros años en este país, para trasladarse a París durante su adolescencia, donde estudiaba etnología en la Sorbona. En esta época comienza a descubrir su gran pasión por el cine, frecuenta de continuo la... Ver mas
Primeros años[editar]
Hijo de un médico y de una hija de banqueros suizos, vivió sus primeros años en este país, para trasladarse a París durante su adolescencia, donde estudiaba etnología en la Sorbona. En esta época comienza a descubrir su gran pasión por el cine, frecuenta de continuo la Cinemateca Francesa y los cineclub parisinos. En 1950 empezó a trabajar como crítico cinematográfico en varias revistas, entre ellas Cahiers du Cinéma, en las que utilizaba el seudónimo de Hans Lucas. En esta publicación coincidiría con la plana mayor de la nouvelle vague, es decir, con François Truffaut, Éric Rohmer, Claude Chabrol y Jacques Rivette.

Al morir su madre en 1954, se trasladó de nuevo a Suiza donde trabajó como albañil, hecho que sirvió como argumento a su primer documental, Operation Béton. Al regresar a París, mientras seguía trabajando en Cahiers du Cinéma, rodó los cortometrajes Une femme coquette (1955) y Tous les garçons s'apellent Patrick (1957).

La época dorada de la Nouvelle vague[editar]
En el verano de 1959 comenzó el rodaje de su primer largometraje, À bout de souffle sobre un guion de François Truffaut —de quien fue por esos años muy amigo— y con la colaboración de Claude Chabrol. La película, protagonizada por Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg supuso una revolución en la manera de filmar al utilizar técnicas hasta entonces poco ortodoxas, como rodar cámara en mano, utilizar el estilo documental o saltar de un plano a otro. A pesar de no lograr ningún premio en el Festival de Cannes, ganó el Oso de Plata en el Festival de Berlín, así como el Premio Jean Vigo.

En 1960 dirigió su segundo largo, El soldadito, que estuvo prohibido en Francia durante tres años. Este film estuvo protagonizado por Anna Karina, actriz con quien se casó un año más tarde y que protagonizaría varios de sus proyectos posteriores.

Durante los siguientes años, Godard colaboró con otros integrantes de la Nouvelle vague como actor, codirector o productor, a la vez que dirigió películas enormemente influyentes que fueron aclamadas por la crítica cinematográfica como Banda aparte o Pierrot el loco. Algunos de los premios que cosechó en esta época fueron el premio especial del jurado y el de la crítica de la Mostra de Venecia por Vivir su vida, su segundo Oso de Oro por Alphaville, y un nuevo premio especial del jurado en la Mostra por La Chinoise.

A partir de Made in USA el cine de Godard, ya antes caracterizado por el radicalismo formal, incorporó un progresivo radicalismo político que cristalizó en dos largometrajes, La Chinoise y Week End, preludio de su incorporación al movimiento maoísta.

Etapa política[editar]
Tras el estreno de Week End en 1967, y después de divorciarse de Anna Karina y casarse con la entonces estudiante anarquista Anne Wiazemsky, Godard decidió poner su cine al servicio del movimiento revolucionario que eclosionaba con el Mayo francés y, adherido a la ideología maoísta, abandonó sus métodos de trabajo anteriores.

En mayo de 1968 el Festival de Cannes fue suspendido por la interrupción de las proyecciones que hicieron Godard, François Truffaut, Polanski y otros cineastas, en apoyo y solidaridad al movimiento estudiantil y obrero del Mayo francés. Ese año también dirigió One plus One, más tarde titulado Sympathy for the Devil, un documental que no sólo muestra cómo los Rolling Stones van dando forma a esta canción paso a paso, sino que también es un relato simultáneo de dos o tres discursos políticos y estéticos revolucionarios.

Con el fin de diluir la propia autoría en un colectivo cinematográfico miliante, creó el Grupo Dziga-Vertov, como homenaje al cineasta soviético Dziga Vertov junto al estudiante de Filosofía Jean-Pierre Gorin, la actriz Juliet Berto y la propia Wiazemsky, entre otros, y muchos de sus filmes, que comenzaría a rodar en 16 mm, se nutrirían de influencias del cine de propaganda soviético. En sus propias palabras, eran «películas revolucionarias para audiencias revolucionarias» y se caracterizaron por una gran desconfianza en las imágenes «bellas», en beneficio de un sonido por veces hipertrofiado, y por un discurso netamente marxista, abandonando las historias de ficción para mostrar ensayos fílmicos de gran radicalidad.

Las décadas de 1970 y 1980[editar]
Sin disolver el Grupo Dziga Vertov, y todavía comprometido con la militancia revolucionaria, Godard probó a dirigir filmes de ficción convencional que ejemplificasen las teorías maoístas dirigiéndose a un público más amplio. Como primera pieza de este proyecto, y codirigiendo con Jean-Pierre Gorin, estrenó en 1972 el largometraje Todo va bien, protagonizado por Yves Montand y Jane Fonda. Sin embargo, y a pesar de que tanto Godard como Gorin habían planeado fundar la productora Todo Va Bastante Bien con la cual dirigir nuevos proyectos de corte marxista, unos meses después hicieron una severa autocrítica de los presupuestos teóricos bajo los que se había rodado Todo va bien en el documental Carta a Jane, tras el cual el Grupo Dziga Vertov se disolvió definitivamente.

Godard, ya separado de Anne Wiazemsky, rechazó toda su etapa maoísta en el documental Aquí y en otro lugar, estrenado en 1976 y codirigido con Anne-Marie Mieville.

En la década de 1980 volvería al cine convencional de 35 mm y rodaría películas polémicas como Yo te saludo, María, en paralelo con Anne-Marie Mieville. A finales de la década comenzó a trabajar en una serie documental titulada Histoire(s) du cinéma, en la que daría su particular visión sobre la historia del cine y que Canal Plus francés emitió en el año 2000. Es una obra conceptual, llena de imágenes superpuestas y textos, de polémicas y de poesía, que se prolonga en la década siguiente.

Últimas películas[editar]
Además, rodó Allemagne 90 neuf zéro (1991) y Les Enfants jouent à la Russie (1993), sobre esos años críticos. E hizo Hélas pour moi (1993) film que se inspira en la leyenda d'e Alcmena y de Amfitrión, que fue llevada al teatro por Plauto, Molière, Kleist y Giraudoux; quiere mostrar el deseo encarnado en el hombre; y utiliza asismimo ideas de Leopardi sobre el amor. Hizo más tarde, un retrato de sí mismo en JLG/JLG - autoportrait de décembre (1995), y una película For Ever Mozart (1996), en la que está presente la música del título.

Después realizará Nuestra música (2004), y tras unos cortos, en 2010, Film socialisme.

En 2012, la productora Wild Bunch anunció un nuevo film de Godard, Adieu au Language,1 2 película rodada en 3D por su director de fotografía, Fabrice Aragno.3

Premios[editar]
1965 - Oso de Oro en el Festival de Berlín por Alphaville
1995 - Premio Theodor W. Adorno (Theodor W. Adorno Preis) de la ciudad de Fráncfort del Meno (Alemania)
2010 - La Academia de Hollywood le concedió el Óscar honorífico.
Filmografía[editar]
3X3D (2014)
Adieu au language (2013)
Film socialisme (2010)
Une catastrophe (2008, corto)
Vrai faux passeport (2006, corto)
Moments choisis des histoire(s) du cinéma (2004, doc.)
Nuestra Música, Notre musique (2004)
Ten Minutes Older: The Cello (2002) (segmento de "Dans le noir du temps")
Liberté et patrie (2002) (V)
Elogio del amor, Éloge de l'amour (2001)
De l'Origine du XXIème siècle (2000, corto, doc.)
Histoire(s) du cinéma: La monnaie de l'absolu (1998) (V)
Histoire(s) du cinéma: Le contrôle de l'univers (1998) (V)
Histoire(s) du cinéma: Les signes parmi nous (1998) (V)
Histoire(s) du cinéma: Une vague nouvelle (1998) (V)
The Old Place (1998)
Histoire(s) du cinéma: Fatale beauté (1997) (V)
Histoire(s) du cinéma: Seul le cinéma (1997) (V)
For Ever Mozart (1996)
JLG/JLG - autoportrait de décembre (1995)
Deux fois cinquante ans de cinema français (1995)
Hélas pour moi (1993)
Les Enfants jouent à la Russie (1993)
Allemagne 90 neuf zéro (1991)
Contre l'oubli (1991) (segmento de "Pour Thomas Wainggai, Indonésie")
Nueva ola, Nouvelle vague (1990)
Comment vont les enfants (1990) (segmento L'enfance de l'art)
Histoire(s) du cinéma: Toutes les histoires (1989) (V)
Histoire(s) du cinéma: Une histoire seule (1989) (V)
Le Rapport Darty (1989)
Les Français vus par (1988) (mini) TV Series (segmento Le dernier mot)
On s'est tous défilé (1988)
Puissance de la parole (1988)
Soigne ta droite (1987) (figura como Monsieur Godard)
Aria (1987) (segmento Armide)
El rey Lear, King Lear (1987)
Grandeur et décadence (1986) (TV)
Meetin' WA (1986)
Soft and Hard (1986)
Detective, Détective (1985)
Yo te saludo, María, Je vous salue, Marie (1985)
Série noire (1984) TV Series
Carmen, pasión y muerte (1983)
Pasión (1982)
Carta a Freddy Buache, Lettre à Freddy Buache (1981)
Que se salve quien pueda (la vida), Sauve qui peut (la vie) (1980)
Guion de Sauve qui peut la vie (1979)
Comment ça va? (1978)
France/tour/detour/deux/enfants (1977) (mini serie) (TV)
Ici et ailleurs (1976)
Six fois deux/Sur et sous la communication (1976) (mini serie) (TV)
Numéro deux (1975)
Letter to Jane (1972)
Todo va bien, Tout va bien (1972)
One P.M. (1972)
Lotte in Italia (1971)
Le Vent d'est (1970)
British Sounds (1970)
Pravda (1970)
Vladimir et Rosa (1970)
Le Gai savoir (1969)
Amor y rabia, Amore e rabbia (1969) (segmento L'Amore)
Sympathy for the Devil (1968)
Cinétracts (1968)
Un film comme les autres (1968)
Week End (1967)
Loin du Vietnam (1967) (segmento Caméra-oeil)
La Chinoise (1967)
Le Plus vieux métier du monde (1967) (segmento Anticipation, ou l'amour en l'an 2000)
2 o 3 cosas que sé sobre ella, 2 ou 3 choses que je sais d'elle (1967)
Made in USA (1966)
Masculino, Femenino, Masculin, féminin: 15 faits précis (1966)
Pierrot el loco, Pierrot le fou (1965)
París visto por..., Paris vu par... (1965) (segmento Montparnasse-Levallois)
Lemmy contra Alphaville, Alphaville, une étrange aventure de Lemmy Caution (1965)
Une femme mariée: Suite de fragments d'un film tourné en 1964 (1964)
Las estafas más famosas del mundo, Les Plus belles escroqueries du monde (1964) (segmento Le Grand escroc)
Banda aparte, Bande à part (1964)
Reportage sur Orly (1964)
El desprecio, Le Mépris (1963)
Los carabineros, Les Carabiniers (1963)
Ro.Go.Pa.G. (1963) (segmento Il Nuovo mondo)
El pequeño soldado, Le Petit soldat (1963)
Vivir su vida, Vivre sa vie: Film en douze tableaux (1962)
Los siete pecados capitales, Les Sept péchés capitaux (1962) (segmento La Paresse)
Una mujer es una mujer, Une femme est une femme (1961)
Une histoire d'eau (1961)
Charlotte et son Jules (1960)
Al final de la escapada o Sin aliento, À bout de souffle (1960)
Charlotte y Véronique, Charlotte et Véronique, ou Tous les garçons s'appellent Patrick (1959)
Une femme coquette (1955)
Opération béton (1954)
Referencias[editar]
Volver arriba ↑ «Un nouveau film de Jean-Luc Godard en 3D». Télérama. 9. Consultado el 11 de mayo de 2013.
Volver arriba ↑ Craig Keller. (13 de septiembre de 2011). «Cinemasparagus: ADIEU AU LANGUAGE / Jean-Luc Godard».
Volver arriba ↑ Cook, Adam (23 de octubre de 2012). «Beauty in the Defects: An Interview with Fabrice Aragno». Notebook. Consultado el 11 de mayo de 2013.
Bibliografía[editar]
De Godard[editar]
Cinco guiones, Alianza, 1973, ISBN 84-206-1459-9
Jean-Luc Godard por Jean-Luc Godard, Barral, 1971, ISBN 84-211-0213-3, artículos y entrevistas
Introducción a una verdadera historia del cine, Alphaville, 1980, ISBN 84-85865-00-6
Archéologie du cinéma, Farrago, 2000, diálogo con Y. Ishaghpour, ISBN 2-84490-049-6
La Nouvelle Vague, Paidós, 2004 (or. 1999), junto con Chabrol, Truffaut y Rohmer.
Jean-Luc Godard: pensar entre imágenes: conversaciones, entrevistas, presentaciones y otros fragmentos, Intermedio, 2010, ISBN 978-84-614-1547-2.
Sobre Godard[editar]
R. Gubern, Godard polémico, Tusquets, 1969
J. Mandelbaum, Jean-Luc Godard, El País / Cahiers, 2008
VV. AA., Jean-Luc Godard, documents, Pompidou, 2006
J.F. Nemer, Jean-Luc Godard, Gallimard, 2006
Anne Wiazemsky, Une année studieuse, 2012. Tr.: Un año ajetreado, Anagrama, 2013, ISBN 978-84-339-7857-8

Ha recibido 11 puntos

Vótalo:

SAM WOOD

60. SAM WOOD

Sam Wood (Samuel Grosvenor Wood: Filadelfia, 10 de julio de 1883 - Hollywood, 22 de septiembre de 1949) fue un prolífico director de Hollywood. También fue productor, escritor y, en menor medida, actor. Vida profesional[editar] Wood trabajó para Cecil B. De Mille como ayudante en 1915... Ver mas
Sam Wood (Samuel Grosvenor Wood: Filadelfia, 10 de julio de 1883 - Hollywood, 22 de septiembre de 1949) fue un prolífico director de Hollywood. También fue productor, escritor y, en menor medida, actor.

Vida profesional[editar]
Wood trabajó para Cecil B. De Mille como ayudante en 1915. Siendo director en 1919, Wood trabajó durante la década de los 20 dirigiendo a algunas de las grandes estrellas de la Paramount Pictures, como Gloria Swanson o Wallace Reid.

Comenzó a trabajar para MGM en 1927, trabajando con Marion Davies, Clark Gable y Jimmy Durante. En los 40, Wood dirigió a Ginger Rogers en, la premiada con un óscar, Kitty Foyle (1940). La hija de Woods fue una actriz de películas y televisión: K. T. Stevens, quien comenzó su carrera en una película de su padre, Peck's Bad Boy.

Wood murió de un ataque al corazón , en Hollywood , a la edad de 66. Su tumba se encuentra en Glendale Forest Lawn Memorial Park Cemetery .

Por su contribución a la industria del cine, Wood tiene una estrella en el Hollywood Walk of Fame en el 4296 de Hollywood Boulevard.

Películas dirigidas[editar]
Emboscados ("Ambush") (1949)
The Stratton Story (1949)
Sublime decisión ("Command Decision") (1948)
Abismos ("Ivy") (1947)
Latidos del corazón ("Heartbeat") (1946)
La exótica ("Saratoga Trunk") (1945)
Guest Wife (1945)
El mujeriego ("Casanova Brown") (1944)
Por quién doblan las campanas (película) ("For Whom the Bell Tolls") (1943)
El orgullo de los Yankees ("The Pride of the Yankees") (1942)
Abismo de pasión ("Kings Row") (1942)
El diablo burlado ("The Devil and Miss Jones") (1941)
Espejismo de amor ("Kitty Foyle") (1940)
Rangers of Fortune (1940)
Sinfonía de la vida ("Our Town") (1940)
Caballero y ladrón ("Raffles") (1940)
Lo que el viento se llevó ("Gone with the Wind") (1939)
Adiós, Mr. Chips ("Goodbye, Mr. Chips") (1939)
Stablemates (1938)
Horizontes de gloria ("Lord Jeff") (1938)
Navy Blue and Gold (1937)
Madame X (1937)
Un día en las carreras ("A Day at the Races") (1937)
Una hora en blanco (1936)
Whipsaw (1935)
Una noche en la ópera ("A Night at the Opera") (1935)
Rendezvous (1935) (uncredited)
Let 'em Have It (1935)
Girl from Missouri, The (1934) (uncredited)
Stamboul Quest (1934)
Hollywood Party (1934) (uncredited)
The Cat and the Fiddle (1934) (uncredited)
El secreto de su vida ("Christopher Bean") (1933)
Hold Your Man (1933) (uncredited)
The Barbarian (1933)
Prosperity (1932) (uncredited)
Huddle (1932)
New Adventures of Get Rich Quick Wallingford (1931)
The Man in Possession (1931)
A Tailor Made Man (1931)
Paid (1930)
Way for a Sailor (1930)
The Sins of the Children (1930) (uncredited)
The Girl Said No (1930)
They Learned About Women (1930)
Queen Kelly (1929) (uncredited)
It's a Great Life (1929)
So This Is College (1929)
Telling the World (1928)
Latest from Paris, The (1928)
The Fair Co-Ed (1927)
A Racing Romeo (1927)
Rookies (1927)
One Minute to Play (1926)
Fascinating Youth (1926)
The Re-Creation of Brian Kent (1925)
The Mine with the Iron Door (1924)
The Female (1924)
Bluff (1924)
The Next Corner (1924)
His Children's Children (1923)
Bluebeard's Eighth Wife (1923)
Prodigal Daughters (1923)
My American Wife (1922)
The Impossible Mrs. Bellew (1922)
Beyond the Rocks (1922)
Her Gilded Cage (1922)
Her Husband's Trademark (1922)
Don't Tell Everything (1921)
Under the Lash (1921)
The Great Moment (1921)
Peck's Bad Boy (1921)
The Snob (1921)
Her First Elopement (1920)
Her Beloved Villain (1920)
A City Sparrow (1920)
What's Your Hurry? (1920)
Sick Abed (1920)
Dancin' Fool, The (1920)
Excuse My Dust (1920)
Double Speed (1920)

Ha recibido 10 puntos

Vótalo:

RAINER WERNER FASSBINDER

61. RAINER WERNER FASSBINDER

Carrera[editar] Era hijo de un médico militar y de una traductora, que se separaron cuando tenía seis años. Se quedó con la madre (que colaboraría en algunas películas), y vivió protegido a veces por su abuela. Normalmente en sus filmes no aparece la figura paterna, y muchos de los argumentos... Ver mas
Carrera[editar]
Era hijo de un médico militar y de una traductora, que se separaron cuando tenía seis años. Se quedó con la madre (que colaboraría en algunas películas), y vivió protegido a veces por su abuela. Normalmente en sus filmes no aparece la figura paterna, y muchos de los argumentos son trasposiciones de sucesos y afectos personales (incluyendo a sus actores).1

Empezó con El amor es más frío que la muerte, presentado en el Festival de Berlín, y con Katzelmacher, ambos de 1969. Katzelmacher, que obtuvo el premio de la crítica internacional era una pieza teatral del propio Fassbinder, que había representado en el Antitheater de Múnich, teatro de vanguardia dirigido por él; el film era vitalista y de estilo indirecto y muy expresivo, sin afán por sr coherente. 2

Pero la influencia del melodrama estadounidense en Fassbinder irrumpe pronto, a partir de 1971, cuando vio una serie de films de Douglas Sirk en una retrospectiva, y decidió ir a conocerlo personalmente a su casa de Lugano (Suiza). Las películas de Sirk, y las charlas con él, le hicieron buscar un cine más popular, a salir a buscar al público, dejando atrás su primera etapa más artística (influenciada por la Nouvelle Vague, a la que reconoce en los genéricos de su primer film). Su propósito desde ese momento fue crear unas películas "como las de Hollywood, pero sin la hipocresía". Con el modelo de Douglas Sirk en mente, buscó la manera de comunicarse con la audiencia sin trucos sentimentalistas, rechazando la empatía natural del espectador, y presentando las historias de la manera más fría, intelectualizada y distanciada.

Esta intención dio lugar a un estilo de filmar atrevido y moderno (tan moderno como el de sus primeras películas, pero con otra actitud). La presencia de la cámara se hace casi visible al espectador, por los ángulos, los movimientos y los planos que hace, consiguiendo así una anti-naturalidad que pretende distanciar al espectador y obligarle a juzgar las historias sin manipulaciones sentimentales. Su primer "melodrama distanciado" fue Las amargas lágrimas de Petra von Kant (1972), que fue su primer éxito internacional.

Retrato de la Alemania 1969-1982[editar]
Su prolífica carrera (más de 40 películas en menos de 15 años) le permitió hacer un repaso exhaustivo de Alemania. Su historia, su sociedad, su cultura, su geografía, y el malestar del tiempo en el que él vivió, y por la violencia de relaciones con la que convivió. Fassbinder filmó por todo el país, situando sus historias en Baviera, Baden, Fráncfort, Coburgo, Berlín. Muchos críticos señalan que las películas de Fassbinder son indispensables para entender la Alemania de hoy, con su insolidario afán de dominio económico.

Fassbinder retrató todas las clases sociales: la burguesía en Ruleta china, los comerciantes en El mercader de las cuatro estaciones, el proletariado sobre todo en Viaje a la felicidad de Mamá Küsters, el lumpen en El amor es más frío que la muerte, la patronal en La tercera generación, los intelectuales en El asado de Satán, los periodistas en La ansiedad de Veronika Voss, los artistas en Lili Marlene, los inmigrantes en Katzelmacher. De ahí que haya sido llamado el Balzac del cine alemán.3

Llevó al cine obras capitales de la literatura alemana como Effi Brest (1894) de Theodor Fontane (quizás el más importante escritor alemán del siglo XIX, cuya novela se considera la Madame Bovary alemana), o Berlin Alexanderplatz (1929) de Alfred Döblin (que retrata la crisis social y moral de la Alemania pre-Nazi), así como una dramatización de una revuelta de campesinos del siglo XV (Viaje a Niklashauser).

Realizó una trilogía sobre la República Federal de la posguerra, la "era Adenauer": Lola, El matrimonio de Maria Braun y La ansiedad de Veronika Voss. También retrató el nacimiento del Nazismo en Desesperación, así como su auge y caída en Lili Marleen.

Además, retrató los asuntos sociales de más actualidad en su época, como el terrorismo de extrema izquierda del Rote Armee Fraktion, en su película La tercera generación. También participó en el film colectivo Alemania en Otoño junto con otros directores de izquierdas, para dar su punto de vista sobre los acontecimientos de 1978, tras las muertes de tres miembros del RAF en la cárcel, y la radicalización del gobierno alemán en temas de seguridad.

Estilo[editar]
El estilo de Fassbinder es muy variado (clásico, barroco, realista, alegórico, expresionista, distante, moderno), no sólo considerando el conjunto de su filmografía sino también cada película en particular. A menudo se habla de Fassbinder como un gran director de escena, ya que cada plano estaba minuciosamente diseñado para provocar un fuerte impacto estético en la pantalla, ya fuera por su sobriedad o por sus retorcidas virguerías técnicas. En sus primeras películas abundan los planos lentos, muchas veces estáticos, e incluso repetitivos. Ver Katzelmacher (1969), por ejemplo, y compararla con Martha (1973).

Su estrecha colaboración con el cámara Michael Ballhaus le permitió llevar a cabo todo tipo de audaces giros, consiguiendo en alguna película verdaderos atrevimientos técnicos, como en Ruleta china (1976). Ambos ensayaron por primera vez, en Martha (1973), el giro completo de 360 grados, que se ha convertido en el sello personal de Ballhaus en su posterior carrera en Hollywood a las órdenes de directores como Martin Scorsese, Francis Ford Coppola o Paul Newman entre otros.

Pero el atrevimiento estético y técnico nunca fueron meros ejercicios de estilo. Siempre estuvieron detrás de un programa estético y ético que Fassbinder heredó de los maestros del melodrama de Hollywood, como Raoul Walsh, de quien tomaba su apellido siempre como pseudónimo (Franz Walsh), o Douglas Sirk, al que conoció personalmente, lo que cambió su manera de hacer cine, y con el que colaboró como actor en su último film, el cortometraje Bourbon Street Blues (1978).

Al marcharse Michael Ballhaus a Hollywood, Fassbinder trabajó con Xaver Scharzemberger, con quién rodó películas tan importantes como La ansiedad de Veronika Voss, Lola o la mítica adaptación televisiva de Berlin Alexanderplatz, la novela de Alfred Döblin.

En sus últimas películas su estilo se complicó aún más, dando obras sus más difíciles y distanciadas del espectador como La tercera generación, Un año con 13 lunas (ambas filmadas por él mismo) o Querelle, aparecida póstumamente. Fassbinder murió a los 37 años, tras un fallo cardíaco, al parecer resultado de la interacción entre somníferos y cocaína. Su muerte en 1982 supuso cierto fin del Nuevo Cine Alemán.

Temas[editar]
Más allá del cine de mujeres[editar]
La soledad, el miedo, la desesperación, la angustia, la búsqueda de la propia identidad y la aniquilación del individuo por los convencionalismos, el amor no correspondido, la felicidad soñada y el deseo tortuoso, la explotación de los sentimientos y su comparación a una mera transacción comercial, las pasiones íntimas como forma de retratar una época (la de la Alemania de los setenta que aún arrastra las consecuencias de la posguerra, "de la democracia que recibió como regalo") y dar testimonio de sus grietas económicas, políticas, morales y sexuales, son los grandes temas del cine de Fassbinder, en el que casi siempre tendrá un protagonismo esencial la mujer, figura que le servirá de excusa para poner de manifiesto los mecanismos opresivos que se dan en la relación de pareja, para plantear diversas fórmulas de emancipación femenina, y para representar a la mismísima nación alemana en sus films sobre la era Adenauer a través de tres heroínas "que pugnan por sobrevivir a los estragos del pasado": Maria Braun (interpretada por Hanna Schygulla), Lola (interpretada por Barbara Sukowa) y Veronika Voss (interpretada por Rosel Zech).

En su filmografía, llena de personajes femeninos inolvidables, hay que destacar algunas actrices con las que trabajó intensamente, como Hanna Schygulla, Margit Carstensen, Ingrid Caven o Irm Hermann, con algunas de cuales tuvo relaciones amorosas. Todas ellas de su misma generación, formaron parte de su equipo desde el principio, pero también trabajó con actrices mayores como Brigitte Mira, una actriz y cantante de mediana edad que él reivindicó dándole papeles protagonistas en Todos nos llamamos Alí (1973) y Viaje a la felicidad de Mamá Küsters (1975).

Cine gay[editar]
Aunque Fassbinder, que estuvo casado dos veces y tuvo relaciones con amigos de ambos sexos (con cuatro hombres, muy tormentosas,4 nunca trató de hacer un "cine gay" en el que se tratara lo gay como una problemática. Pero en casi todas sus películas aparecen personajes homosexuales y, como él mismo dijo, "siempre puede notarse una sensibilidad gay en todas mis películas", propia de su personalidad. Además, algunas películas suyas tienen como protagonista un personaje homosexual, como Las amargas lágrimas de Petra von Kant, La ley del más fuerte o Querelle, basada en la novela de Jean Genet, Querelle de Brest (1947).

El doble (Doppelgänger)[editar]
Un motivo que se repite constantemente a lo largo de su filmografía es el tema del desdoblamiento de la personalidad. Sus películas están llenas de espejos, de personajes que sufren crisis de identidad, de confusiones y trampas. El propio Fassbinder creía que para ser un artista debía doblarse a sí mismo, vivir dos vidas en una, y quizá eso explica su increíble productividad.

Las dos novelas no alemanas que adaptó para el cine tratan ese tema:

En Desesperación el protagonista cree que ha encontrado la solución a su crisis existencial al conocer a su doble, y planea sustituirlo, para ser esa otra persona y romper de una vez con su existencia.
En Querelle de Genet los dos hermanos que se reencuentran provocan la confusión en los demás e incluso la suya propia.
Presencia de la música[editar]
El particular tratamiento del sonido en sus películas ayudó a Fassbinder a conseguir su deseado "distanciamiento dramático". Jugaba con el doblaje (a veces haciendo que los actores no se doblaran a sí mismos, sino a otro personaje de la historia), con la banda sonora (modificando la relación real de los ruidos respecto al espacio o el tiempo), y con la música que incluía en sus films.

Aunque contó siempre con la colaboración del músico Peer Raben, con el que compuso como letrista varias canciones que grabarían Hanna Schygulla o Ingrid Caven, también elegía con mucho cuidado para sus películas temas musicales ajenos, desde música clásica a canciones pop, ya que era un gran aficionado.

En algunas películas se pueden oír canciones de Leonard Cohen, Kraftwerk o The Walker Brothers, normalmente porque el personaje decide escuchar esa música. Ejemplos son cuando Margit Carstensen escucha para calmar su fragilidad mental Bird on the wire de Leonard Cohen en Miedo al miedo, o se pone una y otra vez In my room de los Walker Brothers. En Las amargas lágrimas... se escuchan discos con Smoke gets in your eyes y The great pretender de The Platters. En la Ruleta china la niña y su niñera escuchan y bailan Radioactivität de Kraftwerk. Finalmente, en Un año de 13 lunas la protagonista llora en un salón de juegos recreativos en el que se mezclan el sonido de los juegos y A song for Europe de Roxy Music.

Principales obras[editar]
Cine y TV[editar]
1969 - El amor es más frío que la muerte (Liebe ist kälter als der Tod)
1969 - Katzelmacher
1970 - El soldado americano (Der amerikanische Soldat)
1970 - El dios de la peste (Götter der Pest)
1970 - ¿Porqué le dio la loca al Sr Amok? (Warum läuft Herr R. Amok?)
1971 - Rio das Mortes
1971 - Pioniere in Ingolstadt
1971 - Whity
1971 - Atención a esa prostituta tan querida (Warnung vor einer heiligen Nutte)
1972 - El mercader de las cuatro estaciones (Der Händler der vier Jahreszeiten)
1972 - Las amargas lágrimas de Petra von Kant (Die bitteren Tränen der Petra von Kant)
1973 - Martha (TV)
1973 - Todos nos llamamos Alí (Angst essen Seele auf)
1973 - La ternura de los lobos (Zärtlichkeit der Wölfe)
1973 - El mundo conectado / El mundo en el alambre (Welt am Draht)
1974 - Fontane Effi Briest (basada en la novela de Theodor Fontane)
1974 - La ley del más fuerte (Faustrecht der Freiheit)
1975 - Miedo al Miedo (Angst vor der Angst) (TV)
1975 - Viaje a la felicidad de Mamá Küsters (Mutter Küsters Fahrt zum Himmel)
1976 - Sólo quiero que me ames (Ich will nur, dass ihr mich liebt) (TV)
1976 - El asado de Satán (Satansbraten)
1976 - Ruleta china (Chinesisches Roulette)
1977 - Bolwieser (La esposa del ferroviario) (Bolwieser) (TV), basada en la novela de Oskar Maria Graf
1977 - Desesperación (Despair) , basada en un libro de Vladimir Nabokov)
1978 - El matrimonio de María Braun (Die Ehe der Maria Braun)
1978 - En un año con trece lunas (In einem Jahr mit 13 Monden)
1979 - La tercera generación (Die Dritte Generation)
1980 - Berlin Alexanderplatz (TV) basada en la novela de Alfred Döblin)
1980 - Lili Marleen
1981 - Lola
1982 - La ansiedad de Veronika Voss; or. Die Sehnsucht der Veronika Voss (Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín)
1982 - Querelle, basada en la novela de Jean Genet
Teatro (Como autor y director)[editar]
1968 - Katzelmacher
1968 - El soldado estadounidense (Der amerikanische Soldat)
1969 - Pre-Paradise Sorry Now
1969 - Anarquía en Baviera (Anarchie in Bayern)
1971 - Sangre en el cuello del gato (Blut am Hals der Katze)
1971 - Las amargas lágrimas de Petra von Kant (Die bitteren Tränen der Petra von Kant)
1971 - Café Bremen (Bremer Freiheit)
1975 - La basura, la ciudad y la muerte (Der Müll, die Stadt und der Tod), obra de teatro muy conflictiva, pues se atisbó cierto antisemitismo, que él negó.5

Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

KENNETH BRANAGH

62. KENNETH BRANAGH

Biografía[editar] Su nombre completo es Kenneth Charles Branagh. Es el segundo de tres hijos en una familia protestante de la clase obrera. Se trasladaron a Reading, Inglaterra, cuando él tenía 9 años, para escapar a la violencia de la zona. Ken tuvo un conflicto de identidad que le hizo... Ver mas
Biografía[editar]
Su nombre completo es Kenneth Charles Branagh. Es el segundo de tres hijos en una familia protestante de la clase obrera. Se trasladaron a Reading, Inglaterra, cuando él tenía 9 años, para escapar a la violencia de la zona. Ken tuvo un conflicto de identidad que le hizo adoptar el acento inglés en su escuela mientras se mantenía irlandés en casa. Fue capitán del equipo de rugby y de fútbol y se enroló en la revista local, escribiendo críticas de libros infantiles. Pero fue cuando tenía 15 años, al ver a Derek Jacobi en el papel de Hamlet, cuando decidió ser actor.

A los 18 ingresó en la Royal Academy of Dramatic Art, cuyo director, Hugh Crutwell, sería mucho más tarde su ayudante y referencia en muchas películas. Nada más terminar la escuela, realizó el papel secundario en la obra Another country, que le valió muchos premios y aclamaciones. Pero fue su papel como Enrique V para la Royal Shakespeare Company (RSC) a la edad de 23 años, la que aseguró su posición como nuevo talento de la escena británica tanto en la dirección como en la interpretación.

En 1987 fundó, junto con su colega en Another country, David Parfitt, una nueva compañía, que fue nombrada Renaissance, con un principio algo desfavorable: la producción Public Enemy, escrita, dirigida y protagonizada por Kenneth Branagh, recibió muchas críticas negativas (especialmente dedicadas a su megalomanía). Afortunadamente, las producciones de RTC de Noche de Reyes (dirigida por Kenneth), de Mucho ruido y pocas nueces (con Keneth como protagonista), y Hamlet (también en el papel principal), fueron recibidas con la aclamación crítica. La prensa le etiquetó como "el nuevo Olivier".

Durante el período agitado del nacimiento de la Renaissance, continuó trabajando en proyectos de televisión y de cine. Uno de ellos la mini-serie de BBC Fortunes of war. Su actriz principal era Emma Thompson. Los dos acabaron enamorándose en el rodaje. Se casaron tres años más tarde en 1989 y después de catapultarse en sus distintas carreras cinematográficas se les conoció internacionalmente como "Ken y Em", "la pareja Real del cine inglés". Sus diferentes proyectos los llevaron a distanciarse y anunciaron su separación el 30 de septiembre de 1995.

Su siguiente película, Morir todavía fue su primera experiencia con un gran estudio, la Paramount. Film que homenajea el cine negro. Hizo a los críticos que ahora le comparasen con Welles. La película fue un éxito y le permitió rodar la comedia de bajo presupuesto Los amigos de Peter y después trasladarse a la Toscana para rodar Mucho ruido y pocas nueces.

Mary Shelley's Frankenstein fue una de las producciones más caras de 1994 y probablemente la mejor y más fiel adaptación de la obra de Mary Shelley. Intervino como director y actor. Pese a ser considerada un fracaso comercial, llegó a producir 106 millones de dólares de beneficio.

En 1995 dirige la película de bajo presupuesto En lo más crudo del crudo invierno que apenas sí tuvo exhibición en muchos países y que narra la historia de un atípico grupo teatral que pretende montar Hamlet en un pequeño pueblo rural. Esta película contó con la veterana Joan Collins.

Al poco tiempo cumplió su sueño al dirigir una versión de Hamlet de cuatro horas, sin ningún corte con respecto a la obra original y con un reparto plagado de estrellas, aunque también se exhibió una versión reducida de poco más de hora y media. Los críticos la aclamaron y recibió cuatro nominaciones a los Óscar. Pese al éxito, no recibió ninguno.

En el 2001 protagonizó el gran papel en el telefilm Conspiracy, (distribuida en España con el nombre La solución final), que le valió el premio Emmy. Se decide a volver a los escenarios a principios del 2002 tras casi diez años de ausencia, pero lo hace primero como director con The play what wrote, que se convierte en la comedia revelación del año y recibe varios galardones. De nuevo acapara el éxito de la crítica y el público, haciendo el papel de Ricardo III de Inglaterra en los teatros de Sheffield, en marzo del 2002.

Consigue el papel de Gilderoy Lockhart en Harry Potter y la cámara secreta. En el 2003 vuelve al teatro, pero no con Shakespeare, sino con Mamet. Edmond es un nuevo éxito de audiencia y crítica. Contrae matrimonio con Lindsay Brunnock, a la que conoció en el rodaje de Shackleton. Recientemente ha exhibido en diversos festivales su cortometraje Listening.

En el 2006, Branagh dedico gran parte de su tiempo en Japón preparando su personal visión de Como gustéis, de William Shakespeare. Con Jimmy Juill, Brian Blessed, Adrian Lester {que anteriormente trabajó junto con Kenneth en la película Trabajo de amor perdidos}

También trabaja para la televisión en la serie Wallander, donde interpreta al famoso detective creado por Henning Mankell. La serie comenzó en 2008 y actualmente en 2012 se cumple la tercera temporada.

Actualmente Branagh ha estrenado el film "Thor" (2011), que está basado en el personaje de la empresa "Marvel Comics". Branagh hace incursión en el gran cine industrial basado en personajes de comics, ya que la mayor parte de su filmografía corresponde a otros tipos de films. Muchos fanáticos del comic "Thor" y de los personajes de "Marvel", están muy contentos con la elección de Kenneth Branagh a cargo del proyecto, ya que al igual que Christopher Nolan, son directores muy respetados por filmes anteriores. Branagh mantiene el proyecto en absoluto silencio, y muchos auguran que el resultado de "Thor" es muy similar al éxito que obtuvo Nolan con su visión de "Batman" en "The Dark Knight".

Por su última película My Week with Marilyn fue nominado al Óscar como mejor actor de reparto. Por otra parte, tuvo un papel en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Londres 2012.

Filmografía[editar]
Como actor[editar]
Jack Ryan: Shadow Recruit (2013) Viktor Cherevin. De Kenneth Branagh1
My Week with Marilyn (2011)
Radio Encubierta . (2009)
Valkyrie. (2008) Henning von Tresckow. De Bryan Singer
Warm Springs. (2005) Franklin Delano Roosevelt. De Joseph Sargent
Cinco Chicos y Esto. (2004) Tío Albert. De John Stephenson
Harry Potter y la cámara secreta. (2002) Gilderoy Lockhart. De Chris Columbus
Cómo matar al perro de tu vecino. (2002) Peter McGowan.De Michael Kalesniko
Shackleton. (2002) Sir Ernest Shackleton. De Charles Sturridge
Generación robada. (2002) De Phillip Noyce
Alien love triangle. (2002) De Danny Boyle
La solución final. (2001) De Frank Pierson
La ruta hacia El Dorado. (2000) De Bibo Bergeron
Wild Wild West. (1999) De Barry Sonnenfeld
Trabajos de amor perdidos. (1999) De Kenneth Branagh
El fabricante de pelucas. (1999)De Steffen Schäffler
Extraña petición. (1998) De Paul Greengrass
Conflicto de intereses. (1998) De Robert Altman
Celebrity. (1998) De Woody Allen
Promesas incumplidas. (1997) De Lesli Linka Glatter
Hamlet. (1996) De Kenneth Branagh
Otelo. (1995) De Oliver Parker
The True Story of Frankenstein. (1994) The True Story of Frankenstein. De -
Frankenstein de Mary Shelley. (1994) Frankenstein. De Kenneth Branagh
Rebeldes del Swing. (1993) Swing kids (no aparece en los créditos). De Thomas Carter
Mucho ruido y pocas nueces (Much Ado About Nothing, 1993). De Kenneth Branagh.
Symphony for the Spire. (1992) Symphony for the Spire. De Mike Mansfield
Los amigos de Peter. (1992) Peter’s Friends. De Kenneth Branagh
Morir todavía. (1991) Dead Again. De Kenneth Branagh
Enrique V. (1989) Henry V. De Kenneth Branagh
Look back in anger. (1989)
Temporada alta. (1987) High Season. De Clare Peploe
Un mes en el campo. (1987) A Month in the Country. De Pat O'Connor
Coming Through. (1985) Coming Through. De Peter Barber-Fleming
Como director[editar]
Cinderella (2015)
Jack Ryan: Shadow Recuit (2013)
Thor (2011)
La huella (Sleuth) (2007)
La flauta mágica (2006)
Como gustéis (2006)
Listening (2003)
Trabajos de amor perdidos (2000)
Hamlet (1996)
En lo más crudo del crudo invierno (1995)
Frankenstein (Mary Shelley's Frankenstein, 1994)
Mucho ruido y pocas nueces (Much Ado About Nothing, 1993)
Los amigos de Peter (Peter's Friends, 1992)
Morir todavía (Dead Again, 1991)
Enrique V (Henry V, 1989)
Como guionista[editar]
Listening (Listening, 2003)
Trabajos de amor perdidos(Love's Labour's Lost, 2000)
Hamlet (Hamlet, 1996)
En lo más crudo del crudo invierno (In the Bleak Midwinter, 1995)
Mucho ruido y pocas nueces (Much Ado About Nothing, 1993)
Enrique V (Henry V, 1989)
Como productor[editar]
Thor 2 (Thor 2, 2013)
Trabajos de amor perdidos (Love's Labour's Lost, 2000)
Frankenstein de Mary Shelley (Frankenstein, 1994) (coproductor)
Mucho ruido y pocas nueces (Much Ado About Nothing, 1993)
Los amigos de Peter (Peter's Friends, 1992)
Premios[editar]
Premios Óscar[editar]
Año Categoría Película Resultado
2011 Oscar al mejor actor de reparto My Week with Marilyn Candidato
1996 Oscar al mejor guion adaptado Hamlet Candidato
1992 Oscar al mejor cortometraje Swan Song Candidato
1989 Oscar a la mejor dirección Enrique V Candidato
1989 Oscar al mejor actor Enrique V Candidato
Globos de Oro[editar]
Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor Actor de Reparto My Week with Marilyn Candidato
2010 Mejor Actor de Miniserie o Telefilme Wallander Candidato
2005 Mejor Actor de Miniserie o Telefilme Warm Springs Candidato
2001 Mejor Actor de Miniserie o Telefilme Conspiracy Candidato

Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

PIETRO GERMI

63. PIETRO GERMI

Pietro Germi (Génova 14 de septiembre de 1914 - Roma 5 de diciembre de 1974) fue un director, guionista y actor de cine italiano. Biografía[editar] Comenzó su carrera de actor en 1939 con la película Retroscena en la que trabajó también como guionista. En el Centro experimental de... Ver mas
Pietro Germi (Génova 14 de septiembre de 1914 - Roma 5 de diciembre de 1974) fue un director, guionista y actor de cine italiano.

Biografía[editar]
Comenzó su carrera de actor en 1939 con la película Retroscena en la que trabajó también como guionista. En el Centro experimental de Cinematografía siguió un curso de dirección bajo la tutela de Alessandro Blasetti. El gran éxito internacional le llegó en la década de los sesenta con la película Divorcio a la italiana (1962), con la que obtuvo numerosos premios internacionales.

Filmografía[editar]
Pietro Germi.jpg
1945 Il testimone
1947 Gioventù perduta
1948 In nome della legge
1950 Il cammino della speranza
1951 La città si difende
1952 La presidentessa
1952 Il brigante di Tacca del Lupo
1953 Gelosía
1953 Amori di mezzo secolo
1955 Il ferroviere
1959 Un maledetto imbroglio

Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

MILOS FORMAN

64. MILOS FORMAN

Biografía[editar] Nació el 18 de febrero de 1932 en Čáslav, Checoslovaquia. Hijo de padres protestantes, se quedó huérfano a temprana edad después de que su madre muriera en el campo de concentración de Auschwitz y su padre en Buchenwald, donde fue arrestado por distribuir libros prohibidos por... Ver mas
Biografía[editar]
Nació el 18 de febrero de 1932 en Čáslav, Checoslovaquia. Hijo de padres protestantes, se quedó huérfano a temprana edad después de que su madre muriera en el campo de concentración de Auschwitz y su padre en Buchenwald, donde fue arrestado por distribuir libros prohibidos por el nazismo. Durante la Segunda Guerra Mundial, Milos vivió con parientes y luego descubrió que su padre biológico era un arquitecto judío. Después de la guerra, Miloš acudió a la escuela pública Krále Jiřího en la ciudad de Podebrady, donde sus compañeros de estudios fueron Václav Havel y los hermanos Mašín. Posteriormente, estudió dirección cinematográfica en la Escuela de Cine de Praga siendo uno de sus maestros Otakar Vávra.

Carrera[editar]
Dirigió varias comedias checas en Checoslovaquia. Sin embargo, en 1968 cuando la URSS y sus aliados del Pacto de Varsovia invadieron el país para poner fin a lo que se llamó la Primavera de Praga, se encontraba en París negociando la producción de su primera película americana. El estudio checo para el que trabajaba le despidió, alegando que estaba fuera del país ilegalmente. Así las cosas, se trasladó a Nueva York, donde se convirtió en profesor de cine en la Universidad de Columbia y codirector (junto a Frantisek Franek) de la división de cine de Columbia. Uno de sus protegidos fue el futuro director James Mangold.

A pesar de las dificultades iniciales, empezó a dirigir en su nuevo país y alcanzó notable éxito en 1975 con la adaptación de la novela de Ken Kesey One Flew Over the Cuckoo's Nest, que ganó 5 Premios de la academia, incluyendo el de mejor dirección. En 1977, se convirtió en ciudadano de los Estados Unidos. Otro éxito notable fue la película Amadeus, que ganó 8 Premios de la academia.

En 1997 recibió el Globo de Cristal por su destacada contribución artística al mundo del cine en el Festival de Karlovy Vary.

Filmografía[editar]
Año Película
1963 Audition
1964 Pedro el negro
1965 Los amores de una rubia
1967 ¡Al fuego, bomberos!
1971 Taking off
1971 I Miss Sonia Henie
1973 Visions of Eight
1975 Alguien voló sobre el nido del cuco
1979 Hair
1981 Ragtime
1984 Amadeus
1989 Valmont
1996 El escándalo de Larry Flynt
1999 Man on the Moon
2006 Los fantasmas de Goya
2009 Un paseo bien pagado
Premios[editar]
Premios Óscar

Año Categoría Película Resultado
1965 Mejor película de habla no inglesa Los amores de una rubia Candidato
1968 Mejor película de habla no inglesa ¡Al fuego, bomberos! Candidato
1975 Mejor director Alguien voló sobre el nido del cuco Ganador
1984 Mejor director Amadeus Ganador
1996 Mejor director El escándalo de Larry Flint Candidato
Premios Globo de Oro

Año Categoría Película Resultado
1975 Mejor director Alguien voló sobre el nido del cuco Ganador
1981 Mejor director Ragtime Candidato
1984 Mejor director Amadeus Ganador
1996 Mejor director El escándalo de Larry Flint Ganador

Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

LINDSAY ANDERSON

65. LINDSAY ANDERSON

Lindsay Gordon Anderson (Bangalore, India, 17 de abril de 1923 - Angulema, Francia, 30 de agosto de 1994), conocido como Lindsay Anderson, es un director de cine británico. Fue también crítico de cine, productor y actor teatral y cinematográfico. Abierto a las tendencias del nuevo cine, fue uno... Ver mas
Lindsay Gordon Anderson (Bangalore, India, 17 de abril de 1923 - Angulema, Francia, 30 de agosto de 1994), conocido como Lindsay Anderson, es un director de cine británico. Fue también crítico de cine, productor y actor teatral y cinematográfico. Abierto a las tendencias del nuevo cine, fue uno de los mayores exponentes del Free cinema británico y dirigió If... (1968), que se llevó la Palma de Oro en el Festival de Cannes y supuso el début del actor Malcolm McDowell. Su filmografía cuenta con títulos como Un hombre de suerte (1973) y Britannia Hospital (1982), entre otros.1

Antes de dedicarse a la realización de cine y a la producción teatral, fue un renombrado crítico de la revista Sight and Sound del British Film Institute, y desempeñó papeles secundarios en varios filmes como Carros de fuego, en 1981. Como productor teatral, tiene en su haber unas 40 producciones, la mayoría para el Royal Court Theatre de Londres.

Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

TERRY GILLIAM

66. TERRY GILLIAM

Biografía[editar] Gilliam nació en Medicine Lake, Minnesota, en los Estados Unidos, y estudió Ciencias Políticas en el Colegio Occidental de California. Más conocido por las animaciones, en las que recortaba fotografías y las volvía surrealistas, que por los papeles raros que realizó (A... Ver mas
Biografía[editar]
Gilliam nació en Medicine Lake, Minnesota, en los Estados Unidos, y estudió Ciencias Políticas en el Colegio Occidental de California. Más conocido por las animaciones, en las que recortaba fotografías y las volvía surrealistas, que por los papeles raros que realizó (A diferencia de los otros 5 miembros del grupo, que se repartían los papeles de manera equitativa, Terry Gilliam tenía considerablemente menos protagonismo; sus papeles siempre eran breves y secundarios). De entre sus personajes más conocidos destaca Patsy, el escudero del rey Arturo en Los caballeros de la mesa cuadrada, película que llevó a cabo con Terry Jones, e interpretó también al cardenal Fang de los sketches de la temible Inquisición Española. Realizó papeles siempre grotescos y enloquecidos.

Como director ha deambulado por los límites de la realidad, los sueños y el tiempo. Sus películas, de estilo surrealista, están marcadas por los viajes en el tiempo (Los héroes del tiempo y Doce monos) y la realidad confundida por los sueños, la fantasía o la imaginación (Brazil, Las aventuras del Barón Munchausen, El rey pescador, Fear and Loathing in Las Vegas o El imaginario del Doctor Parnassus), siempre aderezado con mucho humor o ironía.

Filmografía como director[editar]
Monty Python and the Holy Grail (Los caballeros de la mesa cuadrada), Interpretada por el grupo de comediantes Monty Python y codirigida con Terry Jones (1975)
Jabberwocky (La bestia del reino) (1977)
Time Bandits (Los héroes del tiempo, título en España y Los ladrones del tiempo, título en Argentina) (1981)
The Crimson Permanent Assurance, cortometraje incluido en *The Meaning of Life (El sentido de la vida) (1983)
Brazil (Brasil) (1985). Una versión satírica de la distopía 1984, en donde un pobre hombrecillo se ve enfrentado a la omnipotencia de una burocracia gigantesca de corte orwelliano.
Las aventuras del Barón Munchausen (1989). Con un destacado elenco (Robin Williams, Uma Thurman entre otros) da vida a una alocada fantasía ligeramente basada en las aventuras del barón del siglo XVIII, incluyendo algunos de sus tópicos malabarismos sobre la realidad y la ilusión.
El rey pescador (Pescador de ilusiones) (1991). Un locutor de radio en medio de una crisis existencial descubre a un individuo medio desquiciado (interpretado por Robin Williams) que le enseña un nuevo sentido a su vida.
Twelve Monkeys (Doce monos) (1995). Un viajero del tiempo (Bruce Willis) regresa a nuestra época para estudiar una terrible epidemia que barrerá a la Humanidad, sólo para descubrir con horror que nada de lo que haga podrá impedir el desastre. (inspirado del corto "La Jetée" (1962), de Chris Marker)
Fear and Loathing in Las Vegas (Miedo y asco en las Vegas) (1998). Johnny Depp interpreta a un periodista, Hunter S. Thompson, que junto a un amigo, Dr. Gonzo (Benicio del Toro) no deja droga por probar, en la ciudad de Las Vegas en la década de los 70.
The Brothers Grimm (Los hermanos Grimm) (2005)
Tideland (2005)
The Imaginarium of Doctor Parnassus (2009)
The Zero Theorem (2013)
Tiene varios proyectos en distintas fases de desarrollo, incluida una adaptación de la novela escrita entre Neil Gaiman y Terry Pratchett, Good Omens (Buenos presagios: las buenas y ajustadas profecías de Agnes la chalada).

Los infructuosos esfuerzos de Gilliam por rodar la película The man who killed Don Quixote (El hombre que mató a Don Quijote), basado en la obra de Miguel de Cervantes, son el tema del documental Lost in la Mancha (Perdido en la Mancha). Tras ganar de nuevo los derechos sobre el guión, el proyecto ha sido retomado por Gilliam.

Como actor[editar]
Tiene aparición en pequeños papeles. En su versión en castellano:

Se armó la gorda (1971) - como Exhibicionista, Monja, Tío Sam, Mountie y Titular.
Los caballeros de la mesa cuadrada (1975) - como Patsy, "el viejo de la escena 24", Sir Bors, dibujante, gorila y Caballero Verde.
La bestia del reino (1977) - como Hombre con piedra.
La vida de Brian (1979) - como Profeta, Carcelero, revolucionario, "la persona de delante", Frank, espectador y uno de los crucificados.
El sentido de la vida (1983) - como limpiacristales (en el prólogo The Crimson Permanent Assurance), Mr. Brown, Pez, anunciador de "Mitad de película", Señora del Cielo, Howard y Walters.
Espías como nosotros (1985) - como Dr. Imhaus.
A liar's autobiography (2012) - como Jose, señor de la entrevista 1, Piloto, Aleister Crowley y Doctor.

Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

GIUSEPPE DE SANTIS

67. GIUSEPPE DE SANTIS

Giuseppe De Santis (Fondi, 11 de febrero de 1917 - Roma; 18 de mayo de 1997), director de cine italiano, es uno de los representantes del neorrealismo italiano que siguió a la Segunda Guerra Mundial. Fue el hijo de Oreste (un reputado geómetra) y de Teresa Goduti. Desde muy joven se interesó... Ver mas
Giuseppe De Santis (Fondi, 11 de febrero de 1917 - Roma; 18 de mayo de 1997), director de cine italiano, es uno de los representantes del neorrealismo italiano que siguió a la Segunda Guerra Mundial.

Fue el hijo de Oreste (un reputado geómetra) y de Teresa Goduti. Desde muy joven se interesó por la literatura. Compuso y publicó relatos que trataban de la vida campesina y familiar. Entre 1935 y 1940 estudió Filosofía y Letras en Roma, aunque abandonará pronto la facultad para dedicarse a su auténtica vocación: la cinematografía.

En esa época se relacionaba con un grupo de jóvenes intelectuales, que se agrupaban en torno a la revista Meridiano di Roma y alrededor de la Galería de Arte Cometa, que dirigía el poeta Libero de Libero. El grupo elaboraba por aquella época una poética y una visión artística global volcada hacia la interdisciplinariedad y marcada por la racionalidad y la concreción: precisamente fueron estos principios los que Giuseppe De Santis comprendió que podían ser ilustrados mejor utilizando el cine. En aquella época, la situación del cine italiano era deprimente, a causa de la limitación autárquica decretada por el fascismo contra la importación de películas extranjeras. Ante esa situación, un grupo de intelectuales reunidos en torno a la revista quincenal Cinema(que dirigía Vittorio Mussolini), en la que ya en 1940 tuvo Giuseppe De Santis una sección fija. De ese grupo formaban parte jóvenes con talento como Carlo Lizzani, Gianni Puccini, Antonio Pietrangeli. Esta revista es en parte responsable de la reunión de fuerzas partidarias de la cultura y contrarias al fascismo que tras la guerra contribuirá a la renovación del cine italiano.

Durante los 40 De Santis acudió al Centro Experimental de Cinematografía, en el que se diplomó con brillantez y en donde pudo llevar a cabo sus primeras pruebas de dirección. Por esa época, trabó conocimiento con un importante grupo de jóvenes romanos ya implicados en la lucha clandestina antifascista, entre los que estaba Pietro Ingrao. Este grupo fue determinante para su orientación política, ya que como militante del PCI trató los problemas de la clase obrera y de los campesinos.

Tras algunas colaboraciones con directores consagrados como Visconti (en Obsesión Ossessione, película en la que incluso firmó el guion) y Rossellini (en Desiderio), dirige su primer largometraje en 1948, Caza trágica, que por los temas que trata (la lucha entre los campesinos de una cooperativa y un grupo de terratenientes), el ritmo de drama popular, sin olvidar por ello las exigencias narrativas americanas (escenas movimentate e drammatiche, erotismo, etc.), inaugura la época del neorrealismo, a la que De Santis contribuye por medio de un riguroso análisis de las fuerzas sociales, una visión directa de la realidad humana y social (a menudo contrata a los actores entre la gente del lugar), pero fundamentalmente superando los modos didácticos de la cinematografía soviética y la ideología de la literatura nacional-popular con un uso original de la cámara, que reproducía cadencias y ritmos narrativos propios del cine americano.

Estas características son en gran parte responsables del éxito de su siguiente película, Arroz amargo (1949), en la que narra la dura lucha por la vida de las recolectoras de arroz, en una historia que integra el análisis político marcado por la lucha de clases en la esfera privada de los protagonistas. En su hábil dirección destaca la interpretación de Silvana Mangano. Por esta película, De Santis y Carlo Lizzani obtienen la nominación de Hollywood para el Oscar al mejor guion.

Los mismos temas, con un fondo de una sociedad campesina aún primitiva y conflictiva, la de su pueblo natal, aparecen en su siguiente película, Non c’è pace tra gli ulivi (1950). Con Roma, hora once, inspirado en un suceso que había tenido mucha repercusión que sucedió en Roma (1952), y Un marito per Anna Zaccheo (1953), que analiza la vida y los problemas de una criada preocupada porque su gran belleza representa un obstáculo para la vida sencilla a la que aspira, De Santis deja momentáneamente los temas ciudadanos y burgueses, en una Italia que en medio de la reconstrucción se orienta siempre más hacia la forma de vida americana. Su dirección destaca sobre todo por el uso original de la grúa y por la técnica del pan focus, con la que domina el movimiento amplio, aunque controlado, y en especial el movimiento de masas. Con Días de amor (1954) y Hombres y lobos (1956) vuelve a los temas habituales. En especial, Días de amor es su primera película en color y gana la Concha de Plata en 1955 para el mejor actor protagonista (Marcello Mastroianni) y el premio a la mejor fotografía en color en el III Festival de San Sebastián.

Con La strada lunga un anno, que rueda en 1958 en Istria empieza la crisis del director: crisis de inspiración, cansancio, incapacidad de rinovarse profundamente en un período histórico muy crítico para la izquierda, que no consigue asimilar los acontecimientos negativos del comunismo soviético (desestalinización, represión sangrienta de la revolución en Hungría en 1956...) Pero todo el filón del neorrealismo entra en crisis, dejando espacio a la comedia 'a la italiana'.

La siguiente etapa en la dirección de De Santis se inicia con La garçonnière (1960) en donde narra la aventura extraconyugal de un hombre que, desilusionado, acaba volviendo al seno familiar; seguirá con Italiani brava gente (1964), una coproducción italo-soviética sobre la retirada de Rusia de las tropas italianas, en la que de modo más subrepticio reaparece la ideología en forma de rebelión de los trabajadores de todas las partes contendientes contra la guerra, y termina con Un apprezzato professionista di sicuro avvenire (1972), un melodrama basado en los temas que habían triunfado en la comedia 'a la italiana'. Pero el director no es capaz de adaptarse a las nuevas tareas, y la película carace de garra, a pesar de estar dirigida y montada con la habitual maestría.

Filmografía (parcial)[editar]
1942 - La gatta (La gatta) (cortometraje)
1945 - Giorni di gloria
1947 - Caza trágica (Caccia tragica)
1949 - Arroz amargo (Riso amaro)
1950 - Non c'e pace fra gli ulivi
1951 - Roma, hora once (Roma ore 11)
1953 - Un marito per Anna Zaccheo
1954 - Días de amor (Giorni d'amore)
1956 - Hombres y lobos (Uomini e lupi)
1957 - La strada lunga un anno
1960 - La garçonnière
1964 - Italiani brava gente
1972 - Un apprezzato professionista di sicuro avenire
1995 - Oggi è un altro giorno

Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

NIKITA MIJALKOV

68. NIKITA MIJALKOV

La familia Mijalkov[editar] Mijalkov nació en una familia de distinguidos artistas. Su bisabuelo fue el gobernador imperial de Yaroslavl, cuya madre era una princesa de Galitzia. El padre de Nikita, Serguéi Mijalkov, es más conocido como autor de literatura para niños aunque también escribió la... Ver mas
La familia Mijalkov[editar]
Mijalkov nació en una familia de distinguidos artistas. Su bisabuelo fue el gobernador imperial de Yaroslavl, cuya madre era una princesa de Galitzia. El padre de Nikita, Serguéi Mijalkov, es más conocido como autor de literatura para niños aunque también escribió la letra del Himno de la Unión Soviética. La madre de Nikita, la poetisa Natalia Konchalóvskaya, era la hija del artista vanguardista Piotr Konchalovski y nieta de otro pintor sobresaliente, Vasili Súrikov. El hermano mayor de Nikita es el director Andréi Konchalovski, básicamente conocido por su colaboración con Andréi Tarkovski y películas como Siberiada o de acción en Hollywood, como Tango y Cash y Runaway Train.

Biografía[editar]
Inicios como actor[editar]
Mijalkov estudió interpretación de niño en el Teatro del Arte de Moscú y después en la Escuela Schukin del Teatro Vajtángov. Todavía estudiante, apareció en el film Un paseo por Moscú (Я шагаю по Москве - Ya shagayu po Moskvé) (1964) de de Georgi Daneliya y en el film Nido de hidalgos (Дворянское гнездо - Dvoryánskoe gnezdó) (1969) dirigido por su hermano Andréi Konchalovski. Pronto estuvo en camino de convertirse en una estrella del cine soviético.

Inicios como director[editar]
Mientras continuaba su carrera de actor acudió a la escuela de cinematografía del estado donde estudió dirección a las órdenes de Andrei Tarkovsky, maestro de su hermano Andréi Konchalovski. Dirigió su primer corto en 1968, Vuelvo a casa (А я уезжаю домой - A ya uezzhayu domoy) y otro en su graduación, Un día tranquilo al final de la guerra (Спокойный день в конце войны - Spokoynyy den v kontse voyny) en 1970. Mijalkov había aparecido en una veintena de películas, incluyendo la de su hermano Tío Vanya (1972), antes de colaborar en el guion, dirigir e interpretar su primera obra, En casa entre extraños (Свой среди чужих, чужой среди своих - Svoy sredi chuzhikh, chuzhoy sredi svoikh) en 1974, un Western Rojo situado en los años 1920 en la guerra civil en Rusia.

Ganando reputación internacional[editar]
Mijalkov estableció su reputación internacional con su segunda obra, Esclava del amor (1976). Desarrollada en 1917, narraba los esfuerzos de un equipo de rodaje por crear un melodrama mudo en un balneario mientras la revolución rusa explotaba a su alrededor. La película, basada en los últimos días de Vera Jolódnaya, fue aclamada internacionalmente tras su estreno en los EE.UU.

El siguiente film de Mijalkov, Una pieza inacabada para piano (1977) era una adaptación de una obra temprana de Chéjov, Platónov. Fue ganadora del primer premio en el Festival de cine de San Sebastián. En 1978, mientras protagonizaba el épico film de su hermano Siberiada, Mijalkov hizo Cinco tardes, una historia de amor acerca de una pareja separada por la Segunda Guerra Mundial que se reencuentra tras 18 años. El siguiente film de Mijalkov, Oblómov (1980), con Oleg Tabakov en el papel principal, estaba basado en la homónima novela de Iván Goncharov acerca de un perezoso joven noble que se niega a dejar su cama. Parientes (1981) es una comedia acerca de una mujer provinciana en Moscú envuelta en los complicados enredos de su parientes. Sin Testigos (1983) sigue la larga conversación nocturna entre una mujer, (Irina Kúpchenko) y su ex-marido (Mijaíl Ulyánov) accidentalmente encerrados en una habitación.

Al inicio de los 80, Mijalkov reasumió su carrera como actor, apareciendo en la popular Estación para dos de Eldar Ryazánov (1982) y en Un romance cruel (1985). En ese periodo también interpretó el papel de Henry Baskerville en la versión soviética de El perro de los Baskerville. También apareció en sus propias películas, como En casa entre extraños, Esclava del amor, Una pieza inacabada para piano y Quemado por el Sol.

Éxito internacional[editar]
Incorporando varios relatos cortos de Antón Chéjov, Ojos negros (1987) fue protagonizada por Marcello Mastroianni como un hombre mayor que cuenta la historia de un amor que tuvo en su juventud con una mujer a la que ha sido incapaz de olvidar. El film fue aclamado internacionalmente, recibiendo Mastroianni el premio al mejor actor en el Festival de Cannes y la nominación a un premio Óscar por su actuación.

El siguiente film de Mijalkov, Urga, el territorio del amor (1992), transcurría en el poco conocido mundo de los mongoles, que viven en la frontera entre Rusia y China. Recibió el León de Oro del Festival de cine de Venecia y fue nominado al los premio Óscar como mejor película en lengua extranjera. Anna: 6-18 (1993), documenta el crecimiento de su hija Anna mientras crece de la infancia a la madurez.

La más famosa producción de Mijalkov hasta la fecha, Quemado por el sol (1994), estaba ambientada en la tensa atmósferade la época de las purgas de Stalin. La película recibió el gran premio del Festival de Cannes y el premio Óscar a la mejor película en lengua extranjera, entre otros muchos honores. En el 2000, Quemado por el Sol era la película más rentable producida en la Europa del Este.

Carrera reciente[editar]
Mijalkov usó el prestigio y el dinero de Quemado por el sol para acumular $25.000.000 de presupuesto para su mayor épica producción hasta la fecha, El barbero de Siberia (1998). El film, que abrió el Festival de Cannes de 1998, se diseñó como una extravagancia patriótica de consumo doméstico. Julia Ormond y Oleg Ménshikov (un habitual de Mijalkov) interpretaban los papeles principales, mientras que el director aparecía como el zar Alejandro III de Rusia.

La película recibió el premio estatal ruso y disparó rumores acerca de las ambiciones presidenciales de Mijalkov. El director, no obstante, eligió la administración de la industria cinematográfica rusa. A pesar de la oposición de directores rivales, fue elegido presidente de la sociedad rusa de cineastas y ha dirigido el Festival de Cine de Moscú desde el 2000. También instauró el Premio Águila dorada de la academia rusa en oposición al tradicional Premio Nika.

En el 2005, Mijalkov retomó su carrera de actor, protagonizando nuevas películas - El consejero de Estado (basada en una novela de Borís Akunin), que rompió récords de taquilla en Rusia; Zhmurki, una comedia negra acerca de la mafia rusa; y el film de Krzysztof Zanussi Persona non grata.

En octubre del 2006, Mijalkov se hallaba en Serbia, dando soporte moral a la soberanía serbia sobre Kósovo.

En septiembre del 2007, la película de Mijalkov 12, una adaptación del drama judicial de Sidney Lumet Doce hombres sin piedad, recibió un León de Oro especial y fue alabada por numerosos críticos en el Festival de cine de Venecia. Recientemente ha asumido el papel de productor ejecutivo de la película épica 1612.

Vida personal[editar]
La vida personal de Mijalkov ha sido tan variada como su carrera en el cine.

Su primera esposa fue la renombrada actriz rusa Anastasia Vertínskaya, a quién desposó en 1966. Tienen un hijo, Stepán Mijalkov, nacido en septiembre de 1966.

Con su segunda esposa la ex-modelo Tatyana, ha tenido su hijo Artiom (1975) e hijas Anna (1974) y Nadya (1986).

Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

ALAIN RESNAIS

69. ALAIN RESNAIS

Formación y primeras obras[editar] Fascinado por el cine desde pequeño —a los 14 años filmó su primer corto en 8 mm—, Resnais estudió en el Institut des hautes études cinématographiques de París. Comenzó su carrera tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, como montador para otros directores... Ver mas
Formación y primeras obras[editar]
Fascinado por el cine desde pequeño —a los 14 años filmó su primer corto en 8 mm—, Resnais estudió en el Institut des hautes études cinématographiques de París. Comenzó su carrera tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, como montador para otros directores, mientras se abocaba a la dirección de cortometrajes sobre temas artísticos y sociales. En 1950 su atrevido corto sobre la vida de Vincent van Gogh, que formaba parte de una serie de cortometrajes dedicados a temas de pintura, junto a Gauguin y Guernica. El uso de la narración en off, anticipaba los recursos que Resnais desarrollaría en sus siguientes obras, entre ellas la también premiada Les statues meurent aussi, correalizada con Chris Marker, un ensayo fílmico sobre la interpretación colonialista de las obras de arte.

Volvió a trabajar con Marker en 1955 en un estudio sobre el Holocausto (Nuit et brouillard, Noche y niebla) con texto de Jean Cayrol, quien había estado prisionero en un campo de concentración durante la guerra. El documental, de estética mesurada, no se concentra en el horror visceral de la guerra y el exterminio, como haría luego Claude Lanzmann en Shoah (1985), sino que explora, mediante el montaje de material de archivo, los medios que el régimen desarrolló para hacer invisible esta experiencia; la niebla del título alude tanto al sigilo con que tenían lugar las deportaciones a los campos como al voluntario velo que el pueblo alemán echó sobre la degradación a la que sus vecinos y compañeros fueron sometidos. El film es una verdadera joya pero, en su momento, pasó bastante desapercibido en los festivales en los que se pasó. También rodó un documental sobre la Biblioteca Nacional, Toute la mémoire du monde (1956). En 1958 rodó Le chant du Styrène, una visita a las fábricas Péchiney, en la que le sirvió de guía el novelista Raymond Queneau.

Primeros largometrajes[editar]
Antes de dirigir su primer largometraje, Resnais también había adquirido experiencia en el cine como montador para directores como Paul Paviot, Agnès Varda, François Reichenbach, François Truffaut, Jacques Doniol-Valcroze, William Klein y Nicole Védrés. La pareja de temas que habían ya motivado sus obras documentales —la guerra y la memoria— formaron también la base de su primer largometraje, Hiroshima, mon amour (1959), sobre guion de Marguerite Duras. En ésta obra, Resnais retoma el diseño no lineal de una obra de juventud, Ouvert pour cause d'inventaire; los hechos no se narran según el orden convencional de la cronología, sino que se evocan a través de los sucesivos recuerdos que dos sobrevivientes de la guerra van reviviendo gracias a un affaire sentimental. A la noción ya establecida de que la huella del pasado traumático es la que conforma el presente de los protagonistas, el montaje suma la sugerencia de que el pasado irrecuperable se modifica también por las experiencias posteriores, y asimila la fragilidad de la memoria a la de las víctimas del bombardeo de Hiroshima, cuya imagen se reitera a lo largo de la película. La técnica de montaje empleada para los flashbacks, usando breves planos que cortan el ritmo narrativo, se ha convertido en parte del repertorio estándar del lenguaje cinematográfico.

Alain Resnais no ceso de explorar los vínculos entre imagen y escritura, basando muchas de sus películas en la obra de grandes escritores, como Alain Robbe-Grillet o el español Jorge Semprún.

El premio de la crítica obtenido para Hiroshima, mon amour —empatada con Los 400 golpes, de Truffaut— marcó el comienzo de la época dorada de la Nouvelle Vague, que acapararía la escena internacional en los años siguientes junto al free cinema británico, que irrumpe también por entonces (Sábado noche, domingo mañana, El ingenuo salvaje, La soledad del corredor de fondo, El animador, Mirando hacia atrás con ira...). El impacto del film contagia al público, que se sentirá fascinado por la narrativa y estética de la historia, en apariencia sencilla y desnuda, de este joven director. Dos años más tarde, Resnais obtuvo un nuevo éxito con El año pasado en Marienbad (L'année derniére à Marienbad), para la que Alain Robbe-Grillet adaptó libérrimamente la nouvelle de ciencia ficción La invención de Morel del argentino Adolfo Bioy Casares. En la narrativa experimental de la película, los decorados, los nombres y la condición de los personajes cambian siguiendo las variaciones de la memoria de dos amantes —sensacional Delphine Seyrig— identificados sólo por sus iniciales; la ambigüedad permea los ambientes, cuyas funciones son imprecisas pese a la suntuosidad del mobiliario, y la identidad y la historia de sus protagonistas, que parecen no poder ponerse de acuerdo acerca de si se conocían de antemano o aún de qué año es éste. La obra granjeó un prestigio duradero para Resnais, y es hoy un film de culto entre los cinéfilos a la par que una de las obras maestras del cine francés de los 60, pero también suscitó críticas por lo críptico de la trama y el rigor, juzgado pretencioso, con que se resistió a las fórmulas convencionales de la narrativa fílmica.

Años 60[editar]
A lo largo de la década siguiente, el ritmo de producción de Resnais no disminuiría. En 1963, con Muriel —escrita por Jean Cayrol—, retomó los temas de sus películas anteriores pero alterando radicalmente el estilo fílmico. La confusión de los personajes —una mujer Helene obsesionada con su primer amor, Alphonse, al que reencuentra sin casi reconocer, y que están separados por la barrera infranqueable del pasado, que Alphonse se reinventa para sobrevivir, su hijastro, atormentado por una experiencia de tortura durante la guerra de Argelia, que utiliza una amante para olvidar sus propios problemas— se refleja en sus constantes errores e incoherencias, pero también en un montaje frenético y abrupto. La película fue incomprendida por un público que salía confuso de las salas, y una parte de la crítica la consideró un paso atrás en la carrera del cineasta, pero vista ahora resulta una de sus mejores obras.

En 1966 produjo el que se considera su trabajo más asequible, La guerra ha terminado (La guerre est finie), que relata las vacilaciones ideológicas de un militante antifranquista y el progresivo cansancio (más bien vacío existencial) que pesa sobre su sin embargo impecable actividad en la resistencia. Empleando las técnicas de montaje no lineal por las que ya era famoso, y con guion de Jorge Semprún, que por entonces formaba parte del Comité Central del Partido Comunista de España, la obra tiene sin embargo un cariz más realista que las anteriores, y un ritmo de thriller al que había sido ajeno hasta ese momento; con ella volvió a obtener numerosos galardones críticos, y uno de sus mayores triunfos comerciales, en parte por la presencia en el reparto actoral del famoso actor y cantante Yves Montand junto a una de las musas de Ingmar Bergman (Ingrid Thulin).

1967 fue un año intenso, en el que además de un largometraje propio que presentaría al año siguiente Resnais se involucró en la producción de Lejos de Vietnam (Loin du Vietnam), un documental colaborativo sobre la guerra de Vietnam gestado por su antiguo colaborador Chris Marker, en el que participaron también Godard, Claude Lelouch, Agnès Varda, William Klein y Joris Ivens. Producido íntegramente por la Société pour le Lancement des Œuvres Nouvelles (SLON), que Marker creó a ese efecto, el documental marcaría tendencias que la insurrección estudiantil del año siguiente llevaría a la fama.

En 1968 Resnais sufrirá un fracaso de crítica y público con Te quiero, te quiero (Je t'aime, je t'aime), que se basaba en un guion original de Jacques Sternberg. Se trataba de una historia de amor futurista, de desiguales resultados pero con méritos artísticos nada despreciables y el sello de su director.

Años 70[editar]
Tras el fracaso de Te quiero, te quiero, esperará hasta 1974 para rodar una película, Stavisky, sobre la vida de un conocido estafador (Alexandre Stavisky), para la que volvió a contar con Jorge Semprún como guionista. Pese a no carecer de interés, y a contar con un actor taquillero como Jean-Paul Belmondo, no obtuvo demasiada repercusión quizá por ser una rara avis dentro de la filmografía del reputado director.

En 1977 rueda, esta vez en inglés, Providence, basada en relatos de Howard Phillips Lovecraft; en ella plantea el tema de la memoria, la subjetividad y el olvido. Cuenta ccon un elenco internacional de actores entre los que destacan Dirk Bogarde, John Gielgud, Ellen Burstyn y Elaine Stricht. El guion fue de David Mercer y, con una alinealidad llevada al máximo, el film bordea el género surrealista en algunos momentos. Su película obtiene siete premios César, entre ellos el de mejor película y la Espiga de Oro de la Seminci de Valladolid, convirtiéndose en uno de los títulos más emblemáticos del cine de arte y ensayo de la década.

Años 80[editar]
Rodará cinco largometrajes en esta década, en la que se manifiesta su gran interés por integrar materiales de otras formas de la cultura en sus filmes, con especial énfasis de música y teatro. La mayoría de ellos está protagonizada por un grupo de actores fijo: Sabine Azéma, Pierre Arditi y André Dussollier, acompañados a veces por Fanny Ardant o Lambert Wilson.

El primero de ellos fue, aún en 1980, Mi tío de América (Mon oncle d'Amérique), un ensayo en torno a las teorías del filósofo Henri Laborit, sobre el comportamiento animal que juxtapone a tres relatos ficticios; destaca un por entonces emergente Gérard Depardieu.

A ella le sigue en 1983 La vie est un roman, sin duda una de sus más desconocidas pero más valiosas obras. Es una fantasía cómica sobre sueños utópicos en tres historias, de tiempos diferentes y narrada con estilos dispares. La acción se ve adornada por episodios cantados. Resnais señaló que el punto de partida fue su deseo de hacer un film mezclando diálogo y canción.

En 1984, hizo L'amour à mort, donde la música fue utilizada como una componente de primera línea. Es una intensa obra de cámara hecha con Azéma, Arditi, Ardant y Dussollier; en la que Resnais apeló a Hans Werner Henze para componer episodios musicales que hacen de 'quinto protagonista' en el relato. De hecho se intercalan autónomamente, una y otra vez, sobre un fondo oscuro tachonado de estrellas o de partículas brillantes, y no sirve de acompañamiento.

Destacó, pese a su escaso éxito, Mélo de 1986 , que era una adaptación de la obra de teatro homónima de los años veinte de Henry Bernstein, rodada con un atractivo elenco (Fanny Ardant, Sabine Azéma), y en un estilo riguroso, ateniéndose al lenguaje algo anticuado pero exacto de la pieza.

Quiero volver a casa (I Want Go Home), de 1989, está basada en un guion del humorista estadounidense Jules Feiffer, en la que narraba las andanzas de un norteamericano en París.

Años 90[editar]
Hizo Gershwin (1992), curioso documental para TV en el que la vida y obras del músico se une con testimonios de intérpretes y directores de cine, unido a pinturas de Guy Peellaert.

En 1993 dirige Smoking y No Smoking, basándose en obras de Alan Ayckbourn. Obtuvo el León de Oro del Festival de Venecia en 1995 y el Oso de Plata en el Festival de Berlín en 1998.

En 1997 logró un sorprendente e inesperado éxito internacional con una comedia en clave musical que homenajeaba a los clásicos del género de los años 40 y 50 (On connait la chanson, Conocemos la canción), así con las obras televisivas de Dennis Potter. Obtuvo otra vez siete César, entre ellos el de la mejor película francesa.

Años 2000[editar]
Pas sur la bouche 2003 supone la culminación del estilo del Resnais de los noventa, al adaptar una opereta de André Barde y llevar al límite su obsesión por el símbolo estético. Se une lo teatral como lo musical-popular.

En 2006 dirige Coeurs, probablemente una de sus mejores y más difíciles obras, muy valorada por publicaciones como Cahiers du cinema. En 2009 es homenajeado en Cannes por toda su carrera y presenta Les herbes folles, de nuevo muy apreciada por la crítica especializada y en que la estética y el símbolo parecen haber alcanzado una forma máxima, independiente de cualquier cinematografía actual.

Filmografía[editar]
1936: La aventura de Guy (L'aventure de Guy)
1946:
Boceto de una identificación (Schéma d'une identification)
Abierto por inventario (Ouvert pour cause d'inventaire)
1947:
Visita a Óscar Domínguez (Visite à Oscar Dominguez)
Visita a Lucien Coutaud (Visite à Lucien Coutaud)
Visita a Hans Hartnung (Visite à Hans Hartnung)
Visita a Félix Labisse (Visite à Félix Labisse)
Visita a César Domela (Visite à César Doméla)
Van Gogh
Retrato de Henri Goetz (Portrait d'Henri Goetz)
La leche Nestlé (Le lait Nestlé)
Día natural (Journée naturelle)
1948:
Van Gogh
Malfray
Los jardines de París (Les jardins de Paris)
Castillos de Francia (Châteaux de France)
1950:
Guernica
Gauguin
1952: Pictura
1953: Las estatuas también mueren (Les statues meurent aussi)
1955: Noche y niebla (Nuit et brouillard)
1956: Toda la memoria del mundo (Toute la mémoire du monde)
1957: El misterio del taller quince (Le mystère de l'atelier quinze)
1958: El canto del estireno (Le chant du styrène) (documental)
1959: Hiroshima mon amour (Hiroshima mon amour)
1961: El año pasado en Marienbad (L'année dernière à Marienbad)
1963: Muriel (Muriel ou le temps d'un retour)
1966: La guerra ha terminado (La guerre est finie)
1967: Lejos de Vietnam (Loin du Vietnam)
1968:
Te amo, te amo (Je t'aime, je t'aime)
Cinétracts
1973: El año 01 de Jacques Doillon (rueda la secuencia americana)
1974: Stavisky (Stavisky)
1977: Providence (película)(Providence)
1980: Mi tío de América (Mon oncle d'Amérique)
1983: La vida es una novela (La vie est un roman)
1984: L'amour à mort (editada en vídeo como El amor ha muerto)
1986: Mélo
1989: I Want to go home
1991: Contra el olvido (Contre l'oubli)
1992: Gershwin
1993:
Smoking
No smoking
1997: On connaît la chanson
2003: En la boca no (Pas sur la bouche)
2007: Asuntos privados en lugares públicos (Coeurs)
2009: Las malas hierbas (Les herbes folles)

Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

LUDWIG BERGER

70. LUDWIG BERGER

Ludwig Berger (6 de enero de 1892 – 18 de mayo de 1969) fue un director, guionista y actor cinematográfico de nacionalidad alemana. Nacido en Maguncia, Alemania, su verdadero nombre era Ludwig Bamberger.1 Dirigió un total de 36 filmes entre 1920 y 1969, y fue miembro del jurado del sexto... Ver mas
Ludwig Berger (6 de enero de 1892 – 18 de mayo de 1969) fue un director, guionista y actor cinematográfico de nacionalidad alemana.

Nacido en Maguncia, Alemania, su verdadero nombre era Ludwig Bamberger.1 Dirigió un total de 36 filmes entre 1920 y 1969, y fue miembro del jurado del sexto Festival Internacional de Cine de Berlín.2
Filmografía[editar]
Director[editar]
1920 : Der Richter von Zalamea
1921 : Der Roman der Christine von Herre
1923 : Ein Glas Wasser
1923 : Der verlorene Schuh
1925 : Cymbeline
1925 : Ein Walzertraum
1927 : Der Meister von Nürnberg
1928 : Street of Sin
1928 : The Woman from Moscow
1928 : Sins of the Fathers
1929 : Das Brennende Herz
1930 : The Vagabond King
1930 : The Playboy of Paris
1931 : Le Petit café
1932 : Ich bei Tag und du bei Nacht
1932 : À moi le jour, à toi la nuit
1933 : La Guerre des valses
1933 : Walzerkrieg
1933 : Early to Bed
1937 : Pygmalion
1938 : Trois Valses
1940 : Ergens in Nederland
1940 : The Thief of Bagdad
1950 : Ballerina
1957 : Der Tod des Sokrates (telefilm)
1958 : Viel Lärm um nichts (telefilm)
1958 : Wie es euch gefällt (telefilm)
1960 : Die Nacht in Zaandam (telefilm)
1961 : Hermann und Dorothea (telefilm)
1969 : Demetrius (telefilm)
Guionista[editar]
1920 : Der Richter von Zalamea
1921 : Der Roman der Christine von Herre
1923 : Ein Glas Wasser
1923 : Der verlorene Schuh]]
1927 : Königin Luise, 1. Teil - Die Jugend der Königin Luise]]
1927 : Der Meister von Nürnberg
1928 : Königin Luise, 2. Teil
1937 : Pygmalion
1940 : Ergens in Nederland
1950 : Ballerina
1957 : Stresemann
1957 : Der Tod des Sokrates (telefilm)
1958 : Viel Lärm um nichts (telefilm)
1958 : Wie es euch gefällt (telefilm)
1960 : Die Nacht in Zaandam (telefilm)
Director de fotografía[editar]
1947 : Das unsterbliche Antlitz
1948 : Rendezvous im Salzkammergut
1948 : Der himmlische Walzer
1949 : Lambert fühlt sich bedroht
1949 : Höllische Liebe
1951 : A Tale of Five Cities
1962 : Willy (TV)
1963 : Stadtpark (TV)
1963 : Der Schatten (TV)
Actor[editar]
1959 : So weit die Füße tragen, serie TV
1959 : Gangsterjagd in Lederhosen
Productor[editar]
1930 : The Playboy of Paris
1931 : Le Petit Café

Ludwig Berger falleció en Schlangenbad, Alemania, en 1969, a causa de un fallo cardiaco.

Ha recibido 7 puntos

Vótalo:

PAUL WEGENER

71. PAUL WEGENER

Paul Wegener (Arnoldsdorf, Prusia Oriental; actualmente Jarantowice, Polonia, 11 de diciembre de 1874 - † Berlín, 13 de septiembre de 1948), actor y director de cine alemán. Era hijo de Anna Wolff y Otto Wegener. A los veinte años, ya interesado por la poesía y el teatro, ingresó a la... Ver mas
Paul Wegener (Arnoldsdorf, Prusia Oriental; actualmente Jarantowice, Polonia, 11 de diciembre de 1874 - † Berlín, 13 de septiembre de 1948), actor y director de cine alemán.

Era hijo de Anna Wolff y Otto Wegener. A los veinte años, ya interesado por la poesía y el teatro, ingresó a la Universidad de Leipzig para seguir la carrera de Derecho. En 1905 abandonó la carrera para unirse a la compañía teatral de Max Reinhardt. Debutó en la gran pantalla en 1913, en la película El estudiante de Praga (Der Student von Prag). Es uno de los realizadores más destacados del expresionismo alemán, recordado especialmente por sus películas sobre el Golem, basadas en la novela de Gustav Meyrink. Fue considerada como la versión definitiva Der Golem, wie er in die Welt kam (1920) que protagonizó y dirigió junto a Carl Boese. Se casó siete veces. Dirigió diecinueve películas y actuó en setenta.

Filmografía selecta[editar]
1913 El estudiante de Praga, de Stellan Rye.
1914 El Golem, de de Henrik Galeen y Paul Wegener.
1916 Der Yoghi, de Rochus Gliese y Paul Wegener.
1916 Rübezahls Hochzeit, de Paul Wegener y Rochus Gliese.
1917 Der Golem und die Tänzerin, de Rochus Gliese y Paul Wegener.
1917 Hans Trutz im Schlaraffenland, de Paul Wegener.
1918 Der Rattenfänger von Hameln, de Paul Wegener.
1920 Sumurun, de Ernst Lubitsch.
1920 Der Golem, wie er in die Welt kam (Versión definitiva) de Carl Boese y Paul Wegener.
1921 Das Weib des Pharao, de Ernst Lubitsch.
1922 Vanina, de Arthur von Gerlach.
1922 Lucrezia Borgia, de Richard Oswald.
1924 Lebende Buddhas, de Paul Wegener.
1926 The Magician (USA), de Rex Ingram.
1927 Die Weber, de Friedrich Zelnik.
1928 Alraune, de Henrik Galeen.
1933 Hans Westmar, de Franz Wenzler.
1934 Ein Mann will nach Deutschland, de Paul Wegener.
1935 ...nur ein Komödiant
1939 Das unsterbliche Herz
1942 Der große König, de Veit Harlan.
1945 Der Fall Molander de Georg Wilhelm Pabst.
1945 Kolberg de Veit Harlan.
1948 Der große Mandarin de Karl-Heinz Stroux.

Ha recibido 7 puntos

Vótalo:

JOSEPH LOSEY

72. JOSEPH LOSEY

Primeros años[editar] Procedente de una importante familia, estudió en un principio medicina y la abandonó para estudiar letras. Su inclinación artística comenzó durante la década de los 30, cuando frecuentó la Graduate School of Art and Sciencies y desarrolló numerosas actividades tanto en el... Ver mas
Primeros años[editar]
Procedente de una importante familia, estudió en un principio medicina y la abandonó para estudiar letras. Su inclinación artística comenzó durante la década de los 30, cuando frecuentó la Graduate School of Art and Sciencies y desarrolló numerosas actividades tanto en el campo periodístico y radiofónico como en el teatral. En este último medio alcanzó mucho prestigio, pues fue el responsable de algunos espectáculos en colaboración con Bertolt Brecht (exponente del teatro épico) y se trasladó a Rusia para estudiar técnicas teatrales.

Trabajos cinematográficos[editar]
A finales de los años 30 comienza a tener sus primeros contactos con el cine, y realizó algunos trabajos para la administración estadounidense y largometrajes de carácter educativo. En 1948 dirigió el primero: The Boy with the Green Hair (El muchacho de los cabellos verdes) para la RKO.

Censura macartista[editar]
En 1952, como muchos de sus coetáneos, fue víctima de la política del senador Joseph McCarthy, acusado de mantener actividades "antiamericanas". Emigró entonces a Inglaterra, donde, tras trabajar con varios pseudónimos, entre ellos el de Joseph Walton, Victor Hanbury o Andrea Forzano, decidió instalarse definitivamente y proseguir su labor cinematográfica. Empezó a obtener reconocimiento crítico a partir de su exitosa colaboración con el dramaturgo Harold Pinter en tres películas: su obra maestra El sirviente (1963); Accidente (1967) y El mensajero (1970), y por esta última obtuvo la Palma de Oro en Cannes.

Filmografía[editar]
1985: Steaming
1982: La truite
1980: Boris Godunov
1979: Don Giovanni1 , basada en la ópera de Mozart
1978: Las rutas del sur
1976: El otro señor Klein
1975: The Romantic Englishwoman
1975: Galileo
1973: A Doll's House
1972: The Assassination of Trotsky
1970: El mensajero (The Go-Between)
1970: Figures in a Landscape (como Joseph Walton)
1968: Secret Ceremony
1968: Boom
1967: Accident
1966: Modesty Blaise
1964: King & Country
1963: El sirviente
1963: The Damned
1962: Eva
1960: The Criminal
1959: Blind Date
1959: First on the Road
1958: The Gypsy and the Gentleman
1957: Time Without Pity
1956: The Intimate Stranger (como Joseph Walton)
1955: A Man on the Beach
1954: The Sleeping Tiger (como Victor Hanbury)
1952: Imbarco a mezzanotte (como Andrea Forzano)
1951: The Big Night
1951: M
1951: El merodeador (The Prowler)
1950: The Lawless
1948: The Boy with Green Hair
1947: Leben des Galilei
1945: A Gun in His Hand
1941: A Child Went Forth
1941: Youth Gets a Break
1939: Pete Roleum and His Cousins

Ha recibido 7 puntos

Vótalo:

PETER USTINOV

73. PETER USTINOV

Biografía[editar] Peter Ustinov en el papel de Nerón en Quo vadis? Peter Ustinov se autodescribió en alguna ocasión como "europeo practicante", pero era el ejemplo vivo de un ciudadano del mundo. Hijo de una familia de origen ruso, alemán y francés, estudió en el Westminster School... Ver mas
Biografía[editar]


Peter Ustinov en el papel de Nerón en Quo vadis?
Peter Ustinov se autodescribió en alguna ocasión como "europeo practicante", pero era el ejemplo vivo de un ciudadano del mundo.

Hijo de una familia de origen ruso, alemán y francés, estudió en el Westminster School, 1937 y realizó su formación dramática en el London Theatre Studio, comenzando dos años más tarde su presentación en los escenarios británicos. En 1939 se casó con Isolde Benham, hermanastra de Angela Lansbury, (se divorciaron en 1950). La hija del matrimonio es la actriz Tamara Ustinov.

Participó en la Segunda Guerra Mundial como enfermero en un puesto de ambulancias. Sus superiores lo describieron como un individuo con falta de talento y de pocos atributos para la carrera militar, por lo que después de la contienda no siguió este camino. Cuando intentó hacer carrera de oficial, un supervisor tachó sus pretensiones con la frase:

"A este hombre jamás se le debe confiar el mando de ninguna unidad de las fuerzas armadas."
Uno de sus primeros trabajos fue una representación de una obra de Federico García Lorca, traducida al inglés por su amigo Charles David Ley.

En 1940 inició su carrera de actor cinematográfico, donde tuvo caracterizaciones notables en Quo Vadis? (1951) y Espartaco (1960), por las cuales ganó dos premios Óscar al mejor actor secundario. También son destacables los filmes: La burla del diablo, No somos ángeles y Sinuhé, el egipcio (los tres dirigidos por Michael Curtiz), Lola Montes de Max Ophuls, Romanoff and Juliet (1961), Topkapi (1964), Viva Max! (1969) y la superproducción Jesús de Nazareth de Franco Zeffirelli.

En 1957 participó en una producción española: Un ángel pasó por Brooklyn de Ladislao Vajda, película para el lucimiento del niño prodigio Pablito Calvo.

Sus actuaciones fueron muy bien recibidas por el público al interpretar a personajes melosos, zalameros, acobardados pero a la vez ingeniosos y divertidos que le daban una cuota particular de humor al drama, como por ejemplo el detective Hércules Poirot en varias adaptaciones cinematográficas de novelas de Agatha Christie.

Dirigió algunas de las películas en las que intervino como actor y, además de guionista de filmes, escribió varias obras teatrales de fino humor cosmopolita, como The Love of Four Colonels (El amor de los cuatros coroneles, 1951), Romanoff and Juliet (1956), The Unknown Soldier and His Wife (El soldado desconocido y su esposa, 1967), Krumnagel (1971), y sus memorias, tituladas Dear Me (1977).



Peter Ustinov en una firma de autógrafos.
Fue un exitoso director de ópera, se recuerda su puesta en escena de La flauta mágica de Mozart.

Ustinov llegó a Berlín, por la primera vez, en una misión del UNICEF en 2002 para visitar el círculo de United Buddy Bears que promueven un mensaje de un mundo más pacífico entre las naciones, culturas y religiones. Decidido a garantizar que Irak también estuviera representada en este círculo de de cerca de 140 países. En 2003, patrocinó y abrió la segunda exposición de los United Buddy Bears1 en Berlín.

En los últimos años de su vida se dedicó a dictar conferencias como animador (conférencier) y era invitado frecuente en muchos talkshows. Además, era un hombre interesado en política. Fue uno de los artistas más influyentes del siglo XX e inicios del siglo XXI y un decidido combatiente de multitud de prejuicios.

Falleció en las montañas de Suiza cuando estaba a sólo dieciocho días de cumplir 83 años. Según un amigo del actor, murió a causa de una combinación de problemas cardíacos y diabetes. Además, desde que en enero de 2004 ingresó en el hospital, el actor perdió mucho peso. "Los médicos hicieron todo lo posible, pero ya no sirvió de nada. De forma lenta pero segura se fue extinguiendo su vida", dijo el amigo, que visitó a Ustinov al menos diez veces en la clínica.

Filmografía parcial[editar]
Como actor[editar]


Sir Peter Ustinov en 1986.


1992
Quo vadis? (Mervyn LeRoy, 1951)
La burla del diablo (Michael Curtiz, 1953)
Beau Brummell (El árbitro de la elegancia) (Curtis Bernhardt,1954)
Sinuhé, el egipcio (Michael Curtiz, 1954)
No somos ángeles (Michael Curtiz, 1955)
Lola Montes (Max Ophuls, 1955)
I girovaghi (película)(Hugo Fregonese,1956)
Un ángel pasó por Brooklyn (Ladislao Vajda, 1957)
Espartaco (Stanley Kubrick, 1960)
La fragata infernal (Peter Ustinov, 1963)
Topkapi (Jules Dassin, 1964)
Los comediantes (Peter Glenville, 1967)
Mi amigo el fantasma (Robert Stevenson, 1967)
Robin Hood (Wolfgang Reitherman, 1973)
Se ha perdido un dinosaurio (1976)
La fuga de Logan (1976)
Doppio delitto (1977)(Steno, 1973)
Jesús de Nazareth (Franco Zeffirelli, 1977)
Muerte en el Nilo (John Guillermin, 1978)
Muerte bajo el sol (Guy Hamilton, 1982)
La muerte de Lord Edgware (Lou Antonio, 1985)
Ricos y arrogantes (1987)
Cita con la muerte (Michael Winner, 1988)
Historia de una revolución (Roberto Enrico, Richard T. Heffron, 1989)
La vuelta al mundo en 80 días (miniserie) (Buzz Kulik, 1989)
El aceite de la vida (George Miller, 1992)
Alicia en el país de las maravillas (Lewis Carrol, 1999)
Lutero (Eric Till, 2003)
Como director[editar]
La fragata infernal (1963)
Lady L (1965)
Libros[editar]
El perdedor
El viejo y Mr. Smith
No piséis la hierba
La vida es una opereta
Condecoraciones[editar]
1968 - Embajador de UNICEF
1975 - Comendador del Imperio Británico (CBE)
1981 - Orden-Karl-Valentin
1987 - Goldenes Schlitzohr (Zorro de Oro)
1990 - Caballero Comendador del Imperio Británico (KBE), con el título de sir.
1997 - DIVA-Award
2001 - Orden de Austria para las Ciencias y las Artes en 1.er. Grado
Premios[editar]
Óscar[editar]
Año Categoría Película Resultado
1968 Mejor guion original Un cerebro millonario Candidato
1964 Mejor actor de reparto Topkapi Ganador
1960 Mejor actor de reparto Espartaco Ganador
1951 Mejor actor de reparto Quo Vadis Candidato
Globos de Oro[editar]
Año Categoría Película Resultado
1964 Mejor actor de reparto Topkapi Candidato
1960 Mejor actor de reparto Espartaco Candidato
1952 Mejor actor de reparto Quo Vadis Ganador
Premios BAFTA[editar]
Año Categoría Película Resultado
1978 Mejor actor Muerte en el Nilo Candidato

Ha recibido 7 puntos

Vótalo:

JEAN LOUIS TRINTIGNANT

74. JEAN LOUIS TRINTIGNANT

Jean-Louis Trintignant (Piolenc, Vaucluse, 11 de diciembre de 1930) es un actor francés, padre de la fallecida actriz Marie Trintignant. Biografía[editar] A la edad de veinte, Trintignant se mudó a París, para estudiar drama, e hizo su debut teatral en 1951. Tras hacer varias giras a inicios... Ver mas
Jean-Louis Trintignant (Piolenc, Vaucluse, 11 de diciembre de 1930) es un actor francés, padre de la fallecida actriz Marie Trintignant.

Biografía[editar]
A la edad de veinte, Trintignant se mudó a París, para estudiar drama, e hizo su debut teatral en 1951. Tras hacer varias giras a inicios de la década de 1950 en varias producciones teatrales, apareció por primera vez en una película en 1955 y al año siguiente alcanzó la fama con su actuación junto a Brigitte Bardot en la película Y Dios creó a la mujer de Roger Vadim. Durante varios años dejó de actuar por el servicio militar obligatorio. Tras servir en Argel, regresó a París.

Nacido en una familia pudiente, es el sobrino del piloto de carreras Louis Trintignant, quien falleció en 1933 mientras practicaba en la pista de Péronne en Picardía. Su otro tío, Maurice Trintignant, fue un piloto de Fórmula 1, quien ganó dos veces el Gran Premio de Mónaco así como también las 24 horas de Le Mans. Por estos antecedentes, el director Claude Lelouch lo eligió como protagonista de su película Un hombre y una mujer (1966), en la que interpretaba a un piloto de carreras; la película fue un éxito global que lo convirtió en una estrella internacional. A partir de entonces se consagró con películas como Los raíles de la muerte, El Conformista de Bernardo Bertolucci y Z de Costa-Gavras. En Italia, con su voz siempre doblada al italiano, trabajó con Dino Risi, Ettore Scola y Valerio Zurlini.

Durante la década de 1970 fue parte de varias películas y en 1983 hizo su primera película en inglés, Under Fire (aunque en realidad ya había participado en una película rodada en inglés, El gran silencio (1968), pero lo hizo a condición de no tener que aprender ni una línea de diálogo, por lo que su personaje en dicha película era mudo). Tras Under Fire, actuó en la última película de François Truffaut, Vivamente el domingo. A finales de la década de 1980 e inicios de la década de 1990, Trintignant trabajó infrecuentemente por sus problemas de salud (consecuencia de un accidente automovilístico) y un creciente desinterés por las películas. Una excepción fue su rol en la película Tres colores: Rojo (1994) de Krzysztof Kieślowski, por la cual fue nominado al Premio César al mejor actor. Al año siguiente prestó su voz para la película La ciudad de los niños perdidos y desde entonces sólo ha aparecido en películas ocasionalmente, prefiriendo trabajar en teatro. Su última película ha sido Amor (2012) de Michael Haneke, donde trabajó con Emmanuelle Riva e Isabelle Huppert.

Ha recibido 7 puntos

Vótalo:

ISTVÁN SZABÓ

75. ISTVÁN SZABÓ

István Szabó (Budapest, Hungría, 18 de febrero de 1938) es el director de cine más conocido de su país y es considerado uno de los mejores exponentes del cine de Hungría. En los años 60 y 70 produjo varias cintas en húngaro catalogadas como cine de autor, en las que exploró la historia reciente... Ver mas
István Szabó (Budapest, Hungría, 18 de febrero de 1938) es el director de cine más conocido de su país y es considerado uno de los mejores exponentes del cine de Hungría. En los años 60 y 70 produjo varias cintas en húngaro catalogadas como cine de autor, en las que exploró la historia reciente de su país desde la perspectiva de su generación. Entre ellas, Apa (Padre), de 1966, Szerelmesfilm (1970) y Tűzoltó utca 25. (1973).

En la década siguiente, su trabajo salió de las salas de cine de arte y se volvió más masivo, con la trilogía compuesta por Mefisto (1981), ganadora del Oscar a la Mejor Película Extranjera y en el Festival de Cannes como mejor guion; Colonel Redl (1985), ganadora del Premio del Jurado en el Festival de Cannes, y Hanussen (1988).

En los años noventa dirigió películas en inglés, como Meeting Venus (1991), Sunshine (El amanecer de un siglo, 1999), Taking Sides (2001) y Being Julia (2004), que obtuvo una nominación al Oscar por la actuación de Annette Bening.

Szabo ha trabajado algunas de sus principales películas con el actor austríaco Klaus Maria Brandauer y su amigo el director Lajos Koltai.

Años estudiantiles[editar]
El 26 de enero del 2006, el periódico semanal húngaro Élet és Irodalom (Vida y Literatura) reveló que fue informante de la Policía Secreta (Internal Reactionary Prevention Unit) del régimen comunista húngaro en el gobierno de Kádár. Sus tareas habrían consistido en dar un total aproximado de 48 informes acerca de sus compañeros de la Universidad de Artes del Teatro y el Cine.

El propio Szábo explicó públicamente que fue forzado a enrolarse como "agente" debido a que fue puesto en la "lista negra" de la agencia policial, un año después de la Revolución Húngara de 1956. Tomó la decisión de cooperar para salvar su vida y la de su compañero, el revolucionario Pál Gábor.

Solo días después de la revelación realizada por el periódico, Szábo fue ovacionado en la premier de su película Rokonok (Parientes) en el 37º Festival Anual de Cine Húngaro. Dos días después ofreció una conferencia de prensa acompañado por cuatro de sus compañeros de clase de la época, respecto de los que él informó a la policía secreta. En la ocasión, hablaron de sus recuerdos de vida de la época postrevolucionaria, y señalaron que no guardaban rencor contra Szabó.

Filmografía[editar]
Conociendo a Julia (Being Julia, 2004) (director)
Taking Sides (2001) (director)
Sunshine (1999) (director)
Dulce Emma, querida Böbe (Édes Emma, drága Böbe, 1992)
Cita con Venus (Meeting Venus, 1991) (guionista, director)
Hanussen, El Adivino (Hanussen, 1988) (director)
Coronel Redl (Redl Ezredes, 1985) (director)
Mefisto (1981) (guionista, director)
Confianza (1980) (guionista, director)
Father (Apa) (1966) (guionista, director)

Ha recibido 7 puntos

Vótalo:

WOLFGANG PETERSEN

76. WOLFGANG PETERSEN

Biografía[editar] En 1954 entra a formar parte de una compañía teatral como actor y ayudante de dirección; trabaja como realizador para la televisión estatal alemana (1966); realiza diversos telefilms en 35 mm, algunos de los cuales son exhibidos en los cines comerciales (1970-1980). Nominado... Ver mas
Biografía[editar]
En 1954 entra a formar parte de una compañía teatral como actor y ayudante de dirección; trabaja como realizador para la televisión estatal alemana (1966); realiza diversos telefilms en 35 mm, algunos de los cuales son exhibidos en los cines comerciales (1970-1980). Nominado al Oscar al Mejor Director y al Mejor Guion Adaptado por El submarino (Das Boot, 1981). Fundador de la productora Cappella Films. Bajo la denominación de nuevo cine alemán, en un intento por emular otros movimientos cinematográficos del momento o anteriores (el free cinema, la nouvelle vague), surgieron varios directores a finales de los años sesenta y principios de los setenta.

Al margen de nacer immediatamente antes o durante la Segunda Guerra Mundial en Alemania, muchos de ellos trabajaron en la televisión teutona. A partir de aquí, se forjaron los nombres de Peter Fleischmann, Volker Schlöndorff, Daniel Schmid y Rainer Werner Fassbinder, entre otros. Aunque Wolfgang Petersen coincide en el lugar y en el tiempo con esta generación, su vinculación al nuevo cine alemán se reduce a algunas de sus producciones televisivas, que posteriormente se estrenarían en cine -La consecuencia y El jugador de ajedrez-, y en una forma de concebir los proyectos, desde la creación del guion hasta la dirección. Las preocupaciones estilísticas y temáticas de Petersen divergían de las de sus colegas, decantándose a partir de El submarino por un cine de evasión, que juega con elementos propios del thriller. Escrita por Petersen y tomando como referencia una obra de Lothar-Gunther Bucchei, El submarino se reveló como un auténtico descubrimiento en diversos festivales especializados, y posteriormente entre el gran público, evidenciando la habilidad de Wolfgang Petersen para mantener la tensión claustrofóbica dentro del sumergible en una misión secreta durante la Segunda Guerra Mundial.

Nominado al Oscar como mejor director y guionista -un hecho insólito por lo que concierne a la nacionalidad- Petersen buscó el soporte de distribuidoras internacionales para financiar en los estudios Bavaria una de las grandes superproducciones del cine alemán contemporáneo, La historia interminable, basada en el cuento de Michael Ende, punto de referencia de la literatura infantil. Tras un espectacular despliegue de medios, La historia interminable pudo competir en el mercado internacional a nivel de las producciones hollywoodienses, y de esta forma proyectar el nombre de Petersen a las más altas esferas. La gran acogida de público de La historia interminable y el sometimiento de la industria norteamericana a historias infantiles (los films y las producciones de Steven Spielberg, Jim Henson, George Lucas y John Hughes, entre otros) encasillaron a Petersen en este tipo de producciones.

El realizador teutón substituyó a Richard Loncraine (Ricardo III) en Enemigo mío, una historia fantástica que recurre, para la creación de los personajes, a los films de terror de los años cincuenta, y respecto al hilo argumental y a una estética visual similar a Infierno en el Pacífico (1968). Pero en el fondo, Enemigo mío no escapa al modelo de las producciones de Steven Spielberg o de Jim Henson de principio de los años ochenta, cuya área de influencia alcanza films del país originario de Petersen, como lo prueba El secreto de Joey, cuyo máximo responsable es Roland Emmerich, director que no tardaría en seguir los pasos de su compatriota. Probablemente en un escaso margen de tiempo, Petersen se había situado en el polo casi opuesto a sus primeros trabajos televisivos, que aportan una densidad dramática y social muy alejada de Enemigo mío.

Este enorme contraste que se percibe en la carrera de Petersen coincidió con una etapa de inactividad de cinco años -motivado por la cancelación de una serie de proyectos- que pareció hacerle regresar a un tipo de producción sujeta a los imperativos comerciales de la industria norteamericana, para espectadores más adultos, después de vivir un período de una cierta regresión por lo que se refiere a la media de edad de los asistentes al cine. Sus últimos films, La noche de los cristales rotos, En la línea de fuego, Air Force One (El avión del Presidente), Estallido, La tormenta perfecta, Troya o Poseidón transitan por el terreno del thriller o el cine catastrofista, pero de naturaleza bien distinta. A pesar de alcanzar una cierta estabilidad, su poder dentro de la industria ha disminuido en favor de servir a las grandes estrellas (Clint Eastwood, Dustin Hoffman, Harrison Ford, George Clooney, Brad Pitt, etc ) y a los productores del neo-Hollywood, que parecen erigirse en la marca de fábrica de sus producciones, como sucedió con Arnold Kopelson, artífice de Estallido, un film que coincidió en su estreno con un peligroso brote del virus ébola en África Central, factor que contribuyó a situarlo entre los más taquilleros de la temporada.

Filmografía[editar]
Año Película Director Productor/productor ejecutivo Guionista o escritor
1974 One or the Other of Us
No
1977 Die Konsequenz
No
No
1981 Das Boot
No
No
1984 La historia interminable
No
No
1985 Enemigo mío
No
1991 Shattered
No
No
No
1993 En la línea de fuego
No
1995 Outbreak
No
No
1997 Red Corner
No
Air Force One
No
No
2000 La tormenta perfecta
No
2004 Troya (película)
No
No
2006 Poseidón
No
No
2012 Old Man's War
No
No
No
Premios[editar]
1973 Premio nacional del cine alemán por Mejor nuevo director por su película The One or the Other
Óscar[editar]
Año Categoría Película Resultado
1982 Oscar a la mejor dirección Das Boot Nominado
1982 Oscar al mejor guion adaptado Das Boot Nominado

Ha recibido 7 puntos

Vótalo:

NEIL JORDAN

77. NEIL JORDAN

Neil Jordan (Condado de Sligo, 25 de febrero de 1950) es un director de cine irlandés. Tal vez mejor conocido por haber dirigido la aclamada película Juego de lágrimas (The Crying Game) y haber ganado un Óscar al mejor guion original en 1992 por la misma. El cine de Jordan, en esencia poético... Ver mas
Neil Jordan (Condado de Sligo, 25 de febrero de 1950) es un director de cine irlandés. Tal vez mejor conocido por haber dirigido la aclamada película Juego de lágrimas (The Crying Game) y haber ganado un Óscar al mejor guion original en 1992 por la misma.

El cine de Jordan, en esencia poético, tiende a explorar los espacios que se abren más allá del estado normal de conciencia, con frecuencia recurriendo a elementos plásticos que remiten a lo onírico. Sus películas adoptan un punto de vista enteramente subjetivo en torno a un único personaje protagonista.

Es notable su gusto por la relectura de la narrativa clásica, muchas veces en clave irónica e iconoclasta, como ocurre en En compañía de lobos, y también su visión de los ambientes marginales, en la línea del director español Pedro Almodóvar, como se puede comprobar en Desayuno en Plutón.

Filmografía[editar]
Angel (1982)
En compañía de lobos (The Company of Wolves, 1984)
Mona Lisa (1986)
El hotel de los fantasmas (High Spirits, 1988)
We're No Angels (1989)
Amor a una extraña (The Miracle, 1991)
Juego de lágrimas (The Crying Game, 1992)
Entrevista con el vampiro (Interview with the Vampire: The Vampire Chronicles, 1994)
Michael Collins (1996)
The Butcher Boy (1997)
Dentro de mis sueños (In dreams, 1999)
The End of the Affair (1999)
Not I (2000)
El buen ladrón (The good thief, 2002)
Desayuno en Plutón (Breakfast on Pluto, 2005)
The Brave One (2007)
Ondine (2009)
Byzantium (2013)
Series de televisión[editar]
The Borgias (2011)

Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

GUY RITCHIE

78. GUY RITCHIE

Biografía[editar] Inicios[editar] Es el hijo pequeño de los dos que tuvieron John Vivian Ritchie y Amber Parkinson. Además tiene un medio hermano mayor, hijo que tuvo su madre cuando era adolescente. Dejó la Stanbridge Earls School a los 15 años, uno de los centros más importantes de Reino... Ver mas
Biografía[editar]
Inicios[editar]
Es el hijo pequeño de los dos que tuvieron John Vivian Ritchie y Amber Parkinson. Además tiene un medio hermano mayor, hijo que tuvo su madre cuando era adolescente. Dejó la Stanbridge Earls School a los 15 años, uno de los centros más importantes de Reino Unido especialistas en dislexia, problema que tiene Guy Ritchie desde siempre.

Su carrera como director[editar]
Guy Ritchie debutó en 1995 con el corto The Hard Case a la que siguió su primer largo Lock, Stock and Two Smoking Barrels (Juegos, trampas y dos pistolas humeantes) en 1998 la que se convertiría en una película de culto y crearía una fiel legión de seguidores. La película fue aclamada por su ingenio y puso de manifiesto su particular estilo de dirigir, con repartos corales y varias tramas que acaban entrelazándose.

Lock & Stock, por su parte, le dio la oportunidad de trabajar en la gran pantalla al actor Jason Statham y al ex futbolista Vinnie Jones, quien a partir de ahí comenzó una fructífera carrera artística.

Snatch: Cerdos y diamantes, del 2000, fue sin duda otro gran éxito y quizás la película que hizo despegar la carrera de Guy Ritchie a nivel internacional. Gran parte de ello se debe a Columbia Tri Star, la compañía que apoyó el proyecto económicamente y que le dio una distribución digna de cualquier película de Hollywood. Por este gran apoyo, la película tuvo un amplio elenco de artistas, entre los que destacan Brad Pitt, Benicio del Toro y Dennis Farina, además de sus actores fetiche, Jason Statham y Vinnie Jones.

Después de su matrimonio con Madonna, Ritchie comenzó a enfocarse en hacer filmes en torno a su famosa esposa, y la dirigió en un video musical para la canción What It Feels Like for a Girl, controvertido porque mostraba a Madonna en actos violentos como atropellar gente con el coche. También la dirigió en el cortometraje Star, para la popular serie de filmes de la BMW.

Su siguiente trabajo, en el que también incluyó a Madonna, fue un remake de una exitosa película de Lina Wertmüller de los años 1960. Swept Away (traducido en España como Barridos por la marea) fue un fracaso de crítica y público, lo que significó un borrón en la carrera de Ritchie.

Su siguiente film fue Revólver, que fue tan aclamado como vapuleado.

Luego filmó RocknRolla, que ha vuelto a ser todo un éxito de crítica y público. Ha vuelto al estilo de sus películas con un reparto coral, conformado en esta ocasión por Gerard Butler, Tom Hardy, Jeremy Piven, Thandie Newton y Tom Wilkinson, entre otros, y con varias tramas que se van sucediendo hasta que convergen.

En diciembre del 2009 se estrenó, en los Estados Unidos, Sherlock Holmes, donde Robert Downey Jr. y Jude Law dan vida al personaje del título y al Dr. Watson, respectivamente. La película fue un gran éxito comercial y propició una secuela o continuación dos años después.

La revista Vanity Fair publicó la lista de las 40 más grandes celebridades de Hollywood con más ingreso a lo largo del 2010. Ritchie fue clasificado como el número 39, ganó un estimado de $13.5 millones por sus películas.1

Vida personal[editar]
En el año 2000, se casó con la estrella del pop Madonna, en Escocia. Tan solo nueve meses después nació su único hijo biológico, Rocco. En 2008, Madonna viajó a Malaui para adoptar al pequeño David.

Unas semanas más tarde, después de traerse a David, los portavoces de Guy y Madonna anunciaron su separación tras 8 años de matrimonio, ya que "eran incapaces de estar bajo el mismo techo". La batalla legal comenzó, no solo por los patrimonios de ambos (Guy Ritchie consiguió 50 millones de libras) sino por la custodia de sus dos hijos, Rocco y David. Meses más tarde, se dictó sentencia y ambos niños tendrán que vivir la mitad del año con su madre en Nueva York y la otra mitad con su padre en Londres.

Es practicante de jiu-jitsu brasileño, siendo cinturón marrón en esta disciplina.

Filmografía[editar]
Año Title
1995 The Hard Case
1998 Lock, Stock and Two Smoking Barrels
2000 Snatch: cerdos y diamantes
2001 The Hire: Star
2002 Swept Away
2005 Revólver
2008 Suspect
2008 RocknRolla
2009 Sherlock Holmes
2011 Sherlock Holmes: Juego de Sombras

Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

ANTHONY MINGHELLA

79. ANTHONY MINGHELLA

Anthony Minghella, CBE (6 de enero de 1954 — 18 de marzo de 2008) fue un director y guionista del Reino Unido. Nacido en la Isla de Wight de padre italiano y madre Escocesa, se graduó en la Universidad de Hull. Ganó el Premio Óscar al mejor director por su trabajo en la película El paciente... Ver mas
Anthony Minghella, CBE (6 de enero de 1954 — 18 de marzo de 2008) fue un director y guionista del Reino Unido. Nacido en la Isla de Wight de padre italiano y madre Escocesa, se graduó en la Universidad de Hull.

Ganó el Premio Óscar al mejor director por su trabajo en la película El paciente inglés. En los años 1980 trabajó para la televisión en series británicas tanto para la BBC como para la ITV.

Fue en 1990 cuando empezó a trabajar en el mundo del cine. Ese año filmó la película Truly, Madly, Deeply que fue su primer gran éxito de taquilla. Este fue el primer trabajo de Minghella como director, y le dio la oportunidad de aprender para posteriores proyectos más ambiciosos.

Minghella estaba casado con la coreógrafa Carolyn Choa y tenía un hijo y una hija, Max y Hanna. Max, nacido en 1985, es actor y uno de los protagonistas de la película de Alejandro Amenábar, Ágora, donde da vida a Davo. Hanna fue ayudante de producción de su padre en El talento de Mr. Ripley.

Fue el presidente del British Film Institute hasta su fallecimiento.

Falleció a primeras horas del martes 18 de marzo de 2008 por una serie de complicaciones médicas surgidas tras su paso por el quirófano, durante el tratamiento de un cáncer de amígdalas y cuello.

Su hermano, Dominic Minghella, es también un conocido guionista.
Filmografía seleccionada[editar]
Inspector Morse (1987, 1989, 1990) (TV) (guionista)
El narrador de cuentos (1987) (TV) (guionista)
Living with Dinosaurs (1989) (TV) (guionista)
Truly, Madly, Deeply (1990)
Mr Wonderful (1993)
El paciente inglés (1996)
El talento de Mr. Ripley (1999)
Cold Mountain (2003)
Breaking and Entering también llamada Violación de Domicilio (2006)
The No. 1 Ladies Detective Agency (2008)
MIchael Clayton (2008)
Premios[editar]
Óscar[editar]
Año Categoría Película Resultado
1999 Óscar al mejor guion adaptado El talento de Mr. Ripley Candidato
1997 Óscar a la mejor dirección El paciente inglés Ganador
BAFTA[editar]
Año Categoría Película Resultado
2003 Mejor Director Cold Mountain Candidato
2003 Mejor Guion Adaptado Cold Mountain Candidato
1997 Mejor Película El paciente inglés Ganador
1997 Mejor Director El paciente inglés Candidato
1997 Mejor Guion Adaptado El paciente inglés Ganador
1992 Mejor Guion Original Truly, Madly, Deeply Ganador
2003 Premios "National Board of Review" - Mejor guion adaptado por Cold Mountain (2003)
1999 Premios "National Board of Review" - Mejor director por El talento de Mr. Ripley (1999)
1997 Premio de la "Broadcast Film Critics Association" - Mejor director y mejor guion por El paciente inglés (1996)
1997 Premio de la "Directors Guild of America" a la mejor dirección por El paciente inglés (1996)

Ha recibido 6 puntos

Vótalo:

YVES MONTAND

80. YVES MONTAND

Biografía[editar] Comienzos[editar] Yves Montand nació bajo el nombre de Ivo Livi en Monsummano Terme, Toscana, Italia; hijo de Giuseppina y Giovanni, unos campesinos pobres de religión católica. En 1921, poco tiempo después de su nacimiento, la familia de Montand emigró de Italia a Francia... Ver mas
Biografía[editar]
Comienzos[editar]
Yves Montand nació bajo el nombre de Ivo Livi en Monsummano Terme, Toscana, Italia; hijo de Giuseppina y Giovanni, unos campesinos pobres de religión católica. En 1921, poco tiempo después de su nacimiento, la familia de Montand emigró de Italia a Francia. Cuando pidieron la nacionalidad francesa, su padre arguyó que habían dejado Italia para escapar del régimen de Mussolini. Montand se crió en Marsella, donde trabajó en la barbería de su hermana y luego en los muelles. Comenzó su carrera en el espectáculo como cantante del music-hall. En 1944 fue descubierto por Édith Piaf en París, quien lo hizo miembro de su compañía artística, convirtiéndose en su mentora y amante.

Carrera[editar]
Fue reconocido internacionalmente por protagonizar numerosas películas. En 1951 se casó con la también actriz Simone Signoret y ambos co-protagonizaron varias películas a lo largo de sus carreras. El matrimonio fue lo bastante armonioso, según los testimonios conocidos, para que durase hasta la muerte de ella en 1985, aunque Montand tuvo varios amores ampliamente publicitados, principalmente con Marilyn Monroe, con quien realizó una de las últimas películas de la actriz americana, Let's Make Love.

Durante su carrera, Montand actuó en numerosas películas estadounidenses, así como en Broadway. Fue nominado para un Premio César para "Mejor Actor" en 1980 por I comme Icare y nuevamente en 1984 por Garçon!

En 1986, después de que su gran influencia en la taquilla internacional hubiese decaído considerablemente, Montand de 65 años hizo una de sus actuaciones más memorabl