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DIRECTORES DE CINE ESTADOUNIDENSES

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  • Lista creada por irenegm.
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STEVEN SPIELBERG

1. STEVEN SPIELBERG

Steven Allan Spielberg (Cincinnati, Ohio, 18 de diciembre de 1946), conocido como Steven Spielberg, es un director, guionista, productor de cine y diseñador de videojuegos estadounidense. Es uno de los directores más reconocidos y populares de la industria cinematográfica mundial.1 Ha sido... Ver mas
Steven Allan Spielberg (Cincinnati, Ohio, 18 de diciembre de 1946), conocido como Steven Spielberg, es un director, guionista, productor de cine y diseñador de videojuegos estadounidense. Es uno de los directores más reconocidos y populares de la industria cinematográfica mundial.1

Ha sido candidato siete veces a los Premios Óscar en la categoría de mejor director, obteniendo el premio en dos ocasiones, con La lista de Schindler (1993) y Saving Private Ryan (1998) y tres de sus películas (Jaws de 1975, E.T.: the Extra-Terrestrial de 1982 y Jurassic Park de 1993) lograron récord de taquillas, convirtiéndose en las películas de mayor recaudación en su momento. Ha sido también condecorado con la Orden del Imperio Británico y la National Humanities Medal. Gran aficionado al cómic, posee una gran colección, que incluye el número 1 de la revista Mad.2

En el mundo del espectáculo, se le conoce como "El Rey Midas de Hollywood". Según la revista Forbes, la fortuna de Spielberg supera los 3 mil millones de dólares norteamericanos.3 Vanity Fair publicó la lista de los Top 40 celebridades de Hollywood con más ingresos a lo largo de 2010. Spielberg fue clasificado n.º 3 en la lista, ganó un estimado $80 millones.4
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Spielberg nació en Cincinnati, Ohio, en una familia judía asquenazí. Su madre, Leah Adler, era una pianista y restauradora y el padre, Arnold Spielberg, un ingeniero eléctrico que participó en el desarrollo de las computadoras.5 Pasó su infancia en Haddon Heights, Nueva Jersey y Scottsdale, Arizona. Durante su adolescencia, Spielberg se hizo aficionado a realizar películas de 8 mm con sus amigos; el primer corto lo rodó en el restaurante Pinnacle Peak Patio en Scottsdale. En la película se incluía la escenificación de los restos de un accidente de tren preparado con su maqueta Lionel, LLC.

En 1958, se convirtió en Boy Scout y, para obtener la insignia del mérito, realizó un corto de 8 mm, de nueve minutos de duración, denominado The Final Duel (El duelo final).6 Spielberg recordaba años más tarde en una entrevista el hecho: "Pedí al jefe de exploradores si podía contar una historia con la cámara de cine de mi padre. Dijo que sí, y yo tenía la idea de realizar un western. Lo hice y obtuve mi insignia de mérito. Así fue como empezó todo."7 A los 13 años, Spielberg ganó un premio por una película de guerra de 40 minutos llamada Escape to Nowhere (Escape a ninguna parte), que se basaba en una batalla en el este de África. En 1964, a los 16 años, Spielberg escribió y dirigió su primera película independiente, una aventura de ciencia ficción de 130 minutos llamada Firelight (que más tarde inspiraría a Close Encounters of the Third Kind). La película, que contó con un presupuesto de 500 dólares, se proyectó en el cine local y generó una ganancia de un dólar.8 También hizo varias películas de la Segunda Guerra Mundial inspiradas en historias de guerra contadas por su padre.

Después del divorcio de sus padres, se trasladó con su padre a Saratoga (California), mientras que sus tres hermanas y su madre permanecieron en Arizona. Asistió a la Escuela Secundaria Arcadia en Phoenix, Arizona, durante tres años y se graduó en la Saratoga High School en Saratoga, California, en 1965. Fue durante este tiempo cuando Spielberg alcanzó el rango de Eagle Scout.

Spielberg asistió a la sinagoga cuando era un niño en Haddon Heights, Nueva Jersey y también a la escuela hebrea desde 1953 hasta 1957, en las clases impartidas por el Rabino Albert L. Lewis.9 Siendo niño, a Spielberg le fue difícil aceptar la religión de su familia. "No es algo que me gusta admitir", dijo en una ocasión, "pero cuando yo tenía 7 u 8 años, Dios me perdone, me daba vergüenza contar que eramos judíos ortodoxos. Yo estaba avergonzado por las prácticas judías de mis padres. Nunca estuve realmente avergonzado de ser judío, pero me sentía incómodo a veces. Mi abuelo siempre llevaba un largo abrigo negro, sombrero negro y larga barba blanca. Me daba vergüenza invitar a mis amigos a casa, porque él podía estar en una esquina orando y yo no sabía cómo explicarle esto a mis amigos".10 Spielberg también ha contado que sufrió actos racistas antisemitas durante sus primeros años: "En la escuela secundaria, me golpearon y me dejaron la nariz ensangrentada, fue horrible..."11

Después de mudarse a California, presentó una solicitud para asistir a la escuela de cine University of Southern California Escuela de Teatro, Cine y Televisión en tres ocasiones, pero no tuvo éxito. Posteriormente fue estudiante de la California State University, Long Beach, convirtiéndose en miembro de la fraternidad Theta Chi. Posteriormente, en 1994, cuando Spielberg ya era famoso, la USC le otorgó el doctorado Honoris Causa y en 1996 se convirtió en miembro del consejo de la Universidad.12 13 Su verdadera carrera comenzó cuando ingresó en Universal Studios como pasante no remunerado, empleado siete días a la semana como colaborador del departamento de edición. Hizo su primer cortometraje para su presentación en salas, con la película Amblin' (1968), de 26 minutos de duración, cuyo título Spielberg más tarde utilizó para dar nombre a su productora, Amblin Entertainment.

La llegada del éxito[editar]
Tras ser contratado por la división televisiva de la productora Universal, (que según la leyenda, ocurrió tras ser sorprendido una noche mientras rondaba por los decorados de los estudios14 ), empezó a dirigir episodios de series como Marcus Welby, M.D. (1969-1976) y Columbo (1971-2003), pero el inesperado éxito de la versión para el cine de su telefilme Duel (El diablo sobre ruedas, 1971) le abrió las puertas de la gran pantalla. Eso lo llevó a estrenar en 1974 su primer largometraje para la pantalla grande, The Sugarland Express (Loca evasión). Si bien no fue dado a conocer en mayor grado internacional hasta la posterior exitosa carrera del director, la película tuvo su éxito de crítica (tiene un 92% en Rotten Tomatoes) y de taquilla. La Universal depositó en él la confianza suficiente como para rodar Jaws (Tiburón, 1975), película de gran presupuesto y rodaje extremadamente accidentado que se convirtió en uno de los títulos más taquilleros de la historia e instauró el modelo moderno de superproducción, con elevados costes de mercadotecnia y efectos especiales. Más tarde, en 1977, George Lucas contribuyó a consolidar las bases del nuevo "cine comercial" con su famosa space opera Star Wars (La guerra de las galaxias). Desde entonces, Spielberg y Lucas mantienen una gran amistad.

Spielberg rechazó dirigir Jaws 2, King Kong y Superman, para desarrollar aquella historia que había escrito en su adolescencia, y que tantas vueltas había dado en su mente esos años. Así, en 1977 estrenó Close Encounters of the Third Kind, que fue un gran éxito y lo consolidó como el nuevo «rey Midas» del cine de Hollywood.15 Más adelante llegaría la poco conocida 1941 (1979), un intento de incursionar en la comedia que fue un fracaso. Según palabras de Lucas, "La dirección de Steve fue brillante; la idea, terrible".16

Como amantes de las viejas películas de aventura de los años '20 y '30 de Hollywood, Lucas le propuso a Spielberg escribir una historia con un aventurero arqueólogo como protagonista. El director aceptó el reto, y entre todos los actores eligió a Harrison Ford, quien le había encantado en su rol de Han Solo en The Empire Strikes Back. Por esa misma razón Lucas se negó, en un principio, pero finalmente el actor consiguió el papel, que lo impulsó hasta la cúspide de su carrera al interpretar al Dr. Indiana Jones. Raiders of the Lost Ark (1981) estuvo cargada de problemas, pero se convirtió en uno de los mayores éxitos de la década, revitalizando el olvidado género de aventuras.



Spielberg y Chandran Rutnam en Sri Lanka durante el rodaje de Indiana Jones and the Temple of Doom.
Mientras rodaba esa película, Spielberg decidió retomar el tema que más le fascinaba, el espacio y sus habitantes. Y es por eso que tras terminar con la aventura del Dr. Jones, se abocó inmediatamente a su, para muchos, obra maestra. En 1982, E.T. the Extra-Terrestrial se convirtió en la película más taquillera de todos los tiempos, superando a Star Wars (1977), y cuyo reinado mantuvo hasta que en 1997 la desplazó Titanic. Mostrando a uno de los extraterrestres más querido por el público de todo el mundo, Spielberg se alzó definitivamente como uno de los más grandes cineastas de su época, e incluso de la historia del cine.17 El director de Gandhi (1982), Richard Attenborough, declaró: «Yo estaba seguro de que no únicamente E.T. podría ganar, sino de que ganaría. Fue inventiva, poderosa, y maravillosa. Yo hago películas más mundanas».18 Tras esta película llegaría la secuela de Indiana Jones, Indiana Jones and the Temple of Doom (1984), que sería un poco más agridulce que la primera parte. A partir de ese momento alternó su faceta de productor con la de director, con mayor éxito en la primera (Gremlins de 1984 y Back to the Future de 1985) que en la segunda. Si bien sus siguientes películas no fueron fracasos, The Color Purple (1985), Empire of the Sun (1987) y Always (1989) se alejaron bastante de lo que fueron sus proyectos anteriores.

Camino a los Óscar[editar]


Spielberg en 1990.
Tras tres películas que dejaron mucho que desear para la crítica y la taquilla (aunque no fueron consideradas "malas"), Spielberg volvería para fin de año con la tercera parte del aventurero que hizo famoso a Harrison Ford. Indiana Jones and the Last Crusade (1989) fue un éxito, con la incorporación de Sean Connery como el padre de Indiana Jones. Para los fanáticos de la saga (y obviando la cuarta parte), esta es considerada como la más normal, sin el empuje que tuvieron las dos anteriores.19

En 1991, decidió abordar un tema de su infancia. Es reconocido su fanatismo por los clásicos de Disney que vio en su niñez, pero preferentemente por la historia de Peter Pan.20 Y aunque su versión de la historia original que quería filmar con actores de carne y hueso no pudo hacerse (pero se puede encontrar un guiño a la historia en E.T., cuando Mary le lee el cuento a Gertie, y E.T. las observa), si consiguió estrenar su propia versión, que sería una continuación a la historia conocida por todos. Michael Jackson iba a ser Peter Pan, originalmente, pero por diversos inconvenientes el papel recayó en el comediante Robin Williams. Hook fue un éxito, aunque no gozó de la popularidad que tuvieron otras películas del director.

Para 1993, Spielberg seguiría con su tendencia a estrenar, algunos años, dos películas al mismo tiempo (tendencia que inició en 1989 y repetiría en 1997, 2002, 2005 y 2011). La primera de ellas fue la exitosa Jurassic Park, que revolucionó los efectos especiales en los años 90 (como algunas otras contemporáneas). Una maestría de la narrativa visual, la película le devolvió la fama y la popularidad a esas olvidadas criaturas de miles de años: los dinosaurios. Pero en su filmografía, esta película sería opacada por Schindler's List (también de 1993), por la que recibiría el tan postergado reconocimiento por parte de la Academia y de los Premios Óscar. Gracias a este film fue reconocido como Mejor Director y ganó Mejor Película (habiendo sido nominado 3 veces anteriormente al primer premio).

Otro doblete de películas llegaría en 1997, con Amistad y The Lost World: Jurassic Park, secuela de la entrega de 1993, y que sería la última de la franquicia con Spielberg como director (aunque no dejó sus funciones de productor). Al año siguiente eligió regresar a las historias de la Segunda Guerra Mundial (tema recurrente como director y productor, tanto en películas como series y videojuegos), estrenando Saving Private Ryan (1998), que le valió su segundo Óscar.

Spielberg en el siglo XXI[editar]
A.I. Artificial Intelligence (2001) fue otra de sus películas cuestionadas por los tres grandes entes del cine: la taquilla, la crítica y la audiencia, danzando en una cuerda floja entre obra maestra y una historia aburrida de ciencia ficción. Sin embargo, el director salió impune al estrenar al año siguiente Catch Me If You Can (2002), con Leonardo DiCaprio y Tom Hanks. En ese mismo año también estrenó Minority Report, que fue duramente criticada. Para el año 2004, Spielberg volvió a entregarle el protagónico a Tom Hanks, esta vez en la aclamada The Terminal, una película con tintes de humor, momentos de drama y, a su vez, también romántica. El director tuvo la oportunidad de demostrar que podía ser exitoso aun fuera de sus marcos habituales (ciencia ficción, aventura o películas bélicas).

Llegando con otro año de dos películas, Spielberg fue vapuleado por la crítica, por un lado, y por los fans, por otro. Primero con Múnich (2005), que retrató el atentado terrorista palestino (conocido como Masacre de Múnich) en los Juegos Olímpicos de Múnich 1972. Como ya se dijo, él es judío, pero, aun directamente implicado en uno de los dos bandos beligerantes, estuvo muy cerca de una visión salomónica. La película no gustó a ninguna de las dos partes: los judíos le pusieron en su lista negra y a los propalestinos esa equidad es precisamente lo que les molestó. Para ellos hay un opresor y un oprimido, y por tanto no es justo tratar al invasor y al invadido por igual. Spielberg se defendió de esas críticas diciendo: "Si fuera necesario, estaría dispuesto a morir, tanto por Estados Unidos como por Israel".21

A su vez, ese mismo año, estrenó War of the Worlds (2005), que para muchos fue una increíble película que retrata la versión de Orson Welles, pero fue para los defensores de este último y los fanáticos de la versión original, que la de Spielberg no se encontró a la misma altura. Lucas convenció a Spielberg de volver con la retrasada cuarta entrega de Indiana Jones. Bastante cuestionada antes de su estreno, Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull (2008) no recibió tan malas críticas. Roger Ebert calificó a la película con 3.5 estrellas de un total de 4, argumentando "Puedo decir que si te gustaron las otras películas de Indiana Jones, seguramente ésta te gustará también. Si no te gustaron, entonces no nos estamos entendiendo."22 James Berardinelli, proporcionó a la película 2 estrellas de 4, mencionando "la maldición más prudente ha dejado a los aficionados con sus memorias únicamente".23



Spielberg en el Festival de Cannes de 2013, en el que fue presidente del jurado.
En el año 2011 estrenó dos películas, primero con The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn celebrada por su gran animación por captura de movimiento (o "captura de actuación"), pero ignorada en gran medida en la ceremonia de los Óscar (solo consiguió una nominación a Mejor Banda Sonora), pero ganando el Globo de Oro a la Mejor Película Animada.

Spielberg ha sido un ávido seguidor de Las aventuras de Tintín, que descubrió en 1981 cuando un artículo comparó Raiders of the Lost Ark con Tintín. Su secretario le compró las ediciones en francés de cada libro. La barrera lingüística no impidió que Spielberg lo entendiera y de inmediato se enamoró de su arte. Mientras tanto, el creador del cómic, Hergé, que odiaba a las anteriores versiones cinematográficas en imagen real o en dibujos animados, se convirtió en un fan de Spielberg. Michael Farr, autor de Tintín: Complet Companion, recordó que Hergé "pensaba que Spielberg era la única persona que podría hacer justicia a Tintín". Spielberg y su socia productora Kathleen Kennedy de Amblin Entertainment tenían previsto reunirse con Hergé en 1983, pero el autor murió esa semana, decidiendo su viuda darles los derechos. Pero no fue hasta su encuentro con Peter Jackson que por fin el proyecto comenzó a prepararse. Jackson, quien había estado durante mucho tiempo fascinado con el cine en 3-D, quedó impresionado por los avances recientes en el formato. Spielberg y Jackson se pusieron de acuerdo en que una adaptación en imagen real no haría justicia a los libros de historietas y que la animación sería la mejor manera de representar el mundo de Tintín.

También en 2011, Spielberg volvió a llevar a la pantalla otra película bélica, pero diferente de las que hizo anteriormente. Esta vez la situó en la Primera Guerra Mundial, y decidió utilizar ese hecho histórico como fondo para una historia emotiva y también romántica, con ese tinte esperanzador que tuvo Schindler's List. La película en cuestión, War Horse, sí llegó a los Premios Óscar, pero no consiguió ninguno. En 2012, Spielberg estrenó Lincoln, la película sobre el prócer norteamericano. También se embarcó en la preproducción de Robopocalypse, inicialmente propuesta para su estreno en 2014, se ha pospuesto indefinidamente sin fecha prevista.24 La película fue retrasada a pedido de Spielberg para reescribir el guion y conseguir una película más económica y personal. Se prevé que el rodaje inicie entre junio y agosto de 2013.25

En la actualidad (2014), Spielberg está trabajando en una serie sobre Halo junto con 343 Industries, que estará disponible en primavera a los usuarios premium de xbox live y solamente a través de una Xbox One.26

Producciones[editar]


Spielberg en 1999.
Spielberg ha producido Poltergeist, Transformers, Los Picapiedra, Casper, Men in Black, Impacto profundo, Jurassic Park, Back to the Future y La Máscara del Zorro entre otras.

También durante la década de los noventa produjo dibujos animados como Las aventuras de los Tiny Toons, Fenomenoide, Pinky y Cerebro y Animaniacs (los dibujos animados más vistos en Norteamérica en los años noventa).

Además de fundar su propia productora (Amblin Entertainment), Spielberg fundó DreamWorks SKG con Jeffrey Katzenberg y David Geffen en 1994. Este estudio es responsable de películas como American Beauty, Gladiator, Náufrago, Memorias de una Geisha y las de animación por ordenador Shrek, Kung Fu Panda, Madagascar, entre otras.

Spielberg no es solamente reconocido por su trabajo como director, sino también por sus acciones de caridad para organizaciones de la Segunda Guerra Mundial y la Righteous Persons Foundation (la cual concede dinero a varios proyectos judíos, especialmente organizaciones en memoria del Holocausto). También forma parte de la Junta de Consejeros de la Escuela de Cine-Televisión de la California State University.

Steven Spielberg también creo la saga de videojuegos Medal of Honor y Boom Blox.

Steven Spielberg está casado con la actriz Kate Capshaw, a quien conoció durante las audiciones para la película Indiana Jones and the Temple of Doom.

Poltergeist[editar]
Spielberg tenía dos proyectos en mente: E.T., el extraterrestre (1982) y Poltergeist. Como no podía dirigir las dos películas a la vez, ya que la normativa del Director´s Guild of America prohíbe que se dirijan dos films al mismo tiempo, se decantó por la primera, dejando la segunda en manos de Tobe Hooper, responsable de La matanza de Texas (The Texas Chainsaw Massacre, 1974) pese a que el guion de ésta lo había escrito Spielberg, junto con Michael Grais y Mark Victor, a partir de un argumento propio, todo ello basado en sus temores infantiles. Aunque Spielberg siempre lo ha negado categóricamente, fue él quien se encargó de rodar la película entera, pese a que su intención previa fuese la de dejársela a su colega. A Spielberg no le gustaba cómo rodaba Hopper algunas escenas y entonces comenzó aconsejándole como dirigir. Después cada uno puede creer lo que quiera. Todos los que estuvieron presentes durante el rodaje coinciden en señalar que Hopper siempre estaba en la filmación, pero que Spielberg era como su sombra; algunos, como el actor principal Craig T. Nelson, dicen que Hopper dirigió todas las escenas y otros, como Jerry Goldsmith, autor de la banda sonora, dicen que Spielberg pasaba olímpicamente de su colega. "A mí me gustaría creer que la dirigió Hopper, que me cae mejor que Spielberg, pero en el fondo soy de la otra opinión, como casi todo el resto de los mortales".27

Transformers[editar]
Spielberg, como otros productores, tenían la misma idea de llevar a los Transformers al cine, como el antiguo ejecutivo de estudio Lorenzo di Bonaventura, así como el jefe de operaciones de Hasbro, Brian Goldner, entre otros. Cuando todo estuvo dicho y hecho, la fuerza creativa detrás de la cinta conformó una especie de equipo de ensueño de la producción hollywoodense. Para cumplir con esa meta y al mismo tiempo dejar satisfechos a los aficionados de estos robots, Spielberg y su equipo decidieron buscar un director con la suficiente habilidad y experiencia para asumir el desafío de combinar una historia fantástica, efectos especiales y mucha acción. 28

“Pensé en Michael Bay porque lo considero perfecto para Transformers. Tiene el toque necesario y una visión muy clara de cómo podría ser esta película”, dice Spielberg.

“Así que le dimos toda la libertad para infundir vida a los humanos, a los Autobots y a los Decepticons, aunque les tengo que decir algo: en un principio, rechazó el proyecto, pero cuando se enteró de cuan interesado estaba yo en esto, fue cuando accedió”, explica Spielberg.

"He sido uno de los mayores admiradores de los Transformers desde su creación, creo que soy el fan número uno", dijo el productor ejecutivo. "No hablo de comprar los juguetes para mis hijos; hablo de leer las revistas de tiras cómicas y comprar los juguetes para mí", dice Spielberg.

La trama de la cinta está centrada en el ascenso de los malvados Decepticons, que están a punto de obtener el poder máximo, pero cuyo último eslabón cae en manos de un humano, el joven Sam Witwicky (Shia LaBeouf), el cual adquiere un automóvil que resulta ser más que eso.29

Colaboraciones[editar]


Estrella de Steven Spielberg en el Paseo de la Fama de Hollywood.
Spielberg tiene una inclinación conocida por trabajar con actores y miembros de la producción de sus películas anteriores. Por ejemplo, él contó con el actor Richard Dreyfuss en varias películas: Jaws, Close Encounters of the Third Kind, y Always. Spielberg también ha colaborado con Harrison Ford anteriormente como director del colegio de E.T., el extraterrestre (aunque la escena fue cortada en última instancia). Aunque Spielberg lo dirigió una sola vez (Raiders of the Lost Ark). El actor de voz Frank Welker ha prestado su voz en varias producciones de Spielberg, como Gremlins o su secuela, Gremlins 2: The New Batch, así como en The Land Before Time (y prestando su voz a sus secuelas que Spielberg no ha participado), ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, y programas de televisión tales como Tiny Toons, Animaniacs, SeaQuest DSV. En los últimos años, y en varias ocasiones, ha trabajado con Tom Hanks en películas como Saving Private Ryan, Atrápame si puedes, y La terminal. Spielberg también ha colaborado con Tom Cruise en Minority Report y La guerra de los mundos y ha lanzado al éxito a Shia LaBeouf en cuatro películas: Transformers, Eagle Eye, Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal, Transformers: la venganza de los caídos. y Transformers: Dark of the Moon. Spielberg prefiere trabajar con miembros de la producción con el que ha desarrollado una relación de trabajo. Un ejemplo de ello es su relación de producción con Kathleen Kennedy, quien se ha desempeñado como productora en todas sus películas importantes desde E.T., el extraterrestre. Otras relaciones de trabajo incluyen a Allen Daviau, un amigo de la infancia y la fotografía que filmó a principios de los años la película de Spielberg, Amblin', y la mayoría de sus películas hasta El imperio del Sol; Janusz Kaminski, que ha trabajado en todas las películas de Spielberg desde La lista de Schindler; y el editor Michael Kahn, quien ha editado cada película dirigida por Spielberg (excepto E.T., el extraterrestre).

Un ejemplo famoso de Spielberg de trabajo con los mismos profesionales es su colaboración con John Williams y el uso de sus partituras musicales en todas sus películas desde The Sugarland Express (con excepción de El color púrpura y Twilight Zone: The Movie). Una de las marcas de Spielberg es el uso de la música de John Williams para aumentar el impacto visual de sus escenas tratando de crear una imagen duradera y el sonido de la película en la memoria de la audiencia cinematográfica. Estas escenas visuales a menudo usan las imágenes del sol (por ejemplo, El imperio del sol, Salvar al soldado Ryan, la escena final de Jurassic Park, y los créditos finales de Indiana Jones y la Última Cruzada (donde se embarcan en la puesta de sol), de las cuales las dos últimas cuentan con una puntuación de Williams en esa escena final. Spielberg es uno de los cineastas contemporáneos junto a George Lucas, Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, John Milius, y Brian De Palma, conocidos colectivamente como los «Movie Brats». Además de su función principal como director, Spielberg ha actuado como productor en un considerable número de películas, incluyendo los primeros éxitos de Joe Dante y Robert Zemeckis.

Cameos[editar]
Steven Spielberg ha hecho cameos en The Blues Brothers, Gremlins, Vanilla Sky, Regreso al Futuro y Austin Powers in Goldmember, así como pequeños cameos sin acreditar en otras películas. También hizo numerosos papeles cameo en los dibujos animados de Warner Brothers produjo, como Animaniacs, e incluso hizo referencia a algunas de sus películas. Spielberg se expresó en un episodio de Tiny Toon Adventures titulado Buster y Babs Ir hawaiano. Y, curiosamente, en el videojuego Ratchet & Clank 3 este último rodaba películas de espías en las que el director tenía unas semejanzas a Spielberg. También participó en el video clip de su amigo Michael Jackson "Liberian Girl".

Crítica[editar]
Año Película Director Productor Escritor Crítica
1971 Duel Sí Sí No No No No 86%
1974 The Sugarland Express Sí Sí No No Sí Sí 92%
1975 Jaws Sí Sí No No No No 98%
1977 Close Encounters of the Third Kind Sí Sí No No Sí Sí 95%
1979 1941 Sí Sí No No No No 32%
1981 Raiders of the Lost Ark Sí Sí No No No No 95%
1982 E.T., el extraterrestre Sí Sí Sí Sí No No 98%
1982 Poltergeist No No Sí Sí Sí Sí 87%
1983 Twilight Zone: The Movie Sí Sí Sí Sí No No 65%
1984 Indiana Jones and the Temple of Doom Sí Sí No No No No 88%
1985 The Color Purple Sí Sí Sí Sí No No 88%
1987 The Empire of Sun Sí Sí Sí Sí No No 82%
1989 Always Sí Sí Sí Sí No No 64%
1989 Indiana Jones and the Last Crusade Sí Sí Sí Sí No No 89%
1991 Hook Sí Sí No No No No 31%
1993 Jurassic Park Sí Sí Sí Sí No No 93%
1993 Schindler's List Sí Sí Sí Sí No No 97%
1997 The Lost World: Jurassic Park Sí Sí No No No No 52%
1997 Amistad Sí Sí Sí Sí No No 76%
1998 Saving Private Ryan Sí Sí Sí Sí No No 92%
2001 A.I. Artificial Intelligence Sí Sí Sí Sí Sí Sí 73%
2001 Parque Jurásico III No No Sí Sí No No 42%
2002 Minority Report Sí Sí No No No No 91%
2003 Catch me if you can Sí Sí Sí Sí No No 96%
2004 The Terminal Sí Sí Sí Sí No No 60%
2005 War of the Worlds Sí Sí No No No No 74%
2005 Múnich Sí Sí Sí Sí No No 78%
2006 Flags of Our Fathers No No Sí Sí No No 73%
2006 Letters from Iwo Jima No No Sí Sí No No 91%
2008 Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull Sí Sí No No No No 78%
2011 Super 8 No No Sí Sí No No 82%
2011 The Adventures of Tintin Sí Sí Sí Sí No No 75%
2011 War Horse Sí Sí Sí Sí No No 77%
2012 Lincoln Sí Sí Sí Sí No No 90%
2015 Jurassic World No No Sí Sí No No
Filmografía[editar]
Artículo principal: Anexo:Filmografía de Steven Spielberg
Premios[editar]
Premios Óscar
Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor película Lincoln Nominado
2012 Mejor director Lincoln Nominado
2011 Mejor película War Horse Nominado
2005 Mejor película Múnich Nominado
2005 Mejor director Múnich Nominado
1998 Mejor película Salvar al soldado Ryan Nominado
1998 Mejor director Salvar al soldado Ryan Ganador
1993 Mejor película La lista de Schindler Ganador
1993 Mejor director La lista de Schindler Ganador
1986 Premio en Memoria de Irving Thalberg Ganador
1985 Mejor película El color púrpura Nominado
1982 Mejor película E.T., el extraterrestre Nominado
1982 Mejor director E.T., el extraterrestre Nominado
1981 Mejor director Raiders of the Lost Ark Nominado
1977 Mejor director Close Encounters of the Third Kind Nominado
1975 Mejor película Jaws Nominado
Premios Globo de Oro
Año Categoría Película Resultado
2013 Mejor película - Drama Lincoln Nominado
2013 Mejor director Lincoln Nominado
2012 Mejor película animada Las aventuras de Tintín: el secreto del Unicornio Ganador
2009 Premio Cecil B. DeMille Ganador
2006 Mejor director Múnich Nominado
2002 Mejor director Inteligencia artificial Nominado
1999 Mejor película - drama Saving Private Ryan Ganador
1999 Mejor director Saving Private Ryan Ganador
1998 Mejor película - drama Amistad Nominado
1998 Mejor director Amistad Nominado
1994 Mejor película - drama La lista de Schindler Ganador
1994 Mejor director La lista de Schindler Ganador
1986 Mejor director El color púrpura Nominado
1983 Mejor película - drama E.T., el extraterrestre Ganador
1983 Mejor director E.T., el extraterrestre Nominado
1982 Mejor director Raiders of the Lost Ark Nominado
1978 Mejor director Encuentros en la tecera fase Nominado
1976 Mejor director Tiburón Nominado
Premios BAFTA
Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor película Lincoln Candidato
1998 Mejor película Salvar al soldado Ryan Candidato
1998 Mejor director Salvar al soldado Ryan Candidato
1994 Mejor película La lista de Schindler Ganador
1994 Mejor director La lista de Schindler Ganador
1986 BAFTA honorífico Ganador
1983 Mejor película E.T., el extraterrestre Candidato
1983 Mejor director E.T., el extraterrestre Candidato
1977 Mejor director Encuentros en la tercera fase Candidato
1977 Mejor guion original Encuentros cercanos del tercer tipo Candidato
1975 Mejor director Tiburón Candidato
Otros reconocimientos y galardones
Entre la lista de premios que Spielberg ha recibido están: el Distinguished Public Service Award de la Marina de Estados Unidos por Salvar al Soldado Ryan; y John Huston Award for Artists Rights. Spielberg ha recibido también el Premio a los Logros de una Vida del American Film Institute.

Spielberg ha recibido en honor a su trabajo una escultura de cera en el Museo Madame Tussauds y el Museo de cera de la Ciudad de México.

Ha recibido 496 puntos

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MARTIN SCORSESE

2. MARTIN SCORSESE

Martin Charles Scorsese1 (Queens, Nueva York, 17 de noviembre de 1942), conocido como Martin Scorsese, es un director, guionista, actor y productor estadounidense de cine, ganador de un Óscar, tres Globos de Oro, dos premios BAFTA, un Primetime Emmy, y un premio del gremio de directores de... Ver mas
Martin Charles Scorsese1 (Queens, Nueva York, 17 de noviembre de 1942), conocido como Martin Scorsese, es un director, guionista, actor y productor estadounidense de cine, ganador de un Óscar, tres Globos de Oro, dos premios BAFTA, un Primetime Emmy, y un premio del gremio de directores de Estados Unidos, además de ser uno de los fundadores de World Cinema Foundation. Fue condecorado con la Legión de Honor francesa en 1987.

Las obras de Scorsese abordan principalmente los temas de la vida italo-estadounidense y los conceptos de culpa y redención de la Iglesia católica,2 el machismo y la violencia endémica en la sociedad estadounidense. Es también conocido por su afición a la música, mundo al que ha dedicado alguna de sus películas (No Direction Home sobre Bob Dylan y Shine a Light, sobre los Rolling Stones). Scorsese es ampliamente considerado como uno de los directores más influyentes de su generación.3

Ganó un premio MFA por su obra como director de cine otorgado por la prestigiosa Escuela de Cine de la Universidad de Nueva York. Tras múltiples nominaciones a lo largo de su carrera, ganó finalmente el Óscar al mejor director por su película Los infiltrados, la cual también ganó el Óscar a la mejor película en la 79.ª edición de los Premios de la Academia celebrados en 2007. El Óscar le fue entregado por Francis Ford Coppola, George Lucas y Steven Spielberg, quienes son buenos amigos suyos. A su vez, el 17 de enero del año 2010 se le otorgó el premio honorífico Cecil B. DeMille en la entrega de los Globos de Oro por su "sobresaliente contribución al campo del entretenimiento".4

Scorsese es presidente de The Film Foundation, una fundación sin fines de lucro dedicada a la preservación del material fílmico en deterioro.
Biografía[editar]
Inicialmente, Scorsese planeaba ordenarse como sacerdote, lo que se nota en muchas de sus películas, que reflejan una crianza católica. Se sintió atraído por el cine a una edad muy temprana con películas como Raíces profundas, La ventana indiscreta, o La heredera, y admite estar obsesionado con las películas, obsesión que se aprecia en el documental de 1995 A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies (Un viaje personal con Martin Scorsese a través de las películas de Estados Unidos). Siendo un niño que enfermaba a menudo, pasaba mucho tiempo de convalecencia en casa, observando desde su ventana lo que ocurría en la calle. Gran parte de su infancia la pasó en cines, lo que contribuyó a su determinación en ser cineasta.

Finales de los 1960 y años 1970[editar]
Martin Scorsese pertenecía a una familia de la clase trabajadora; su padre era planchador de pantalones. Sus padres sicilianos fueron el tema de su documental Italianamerican, y realizaron numerosas apariciones en las películas de su hijo como actores secundarios. Durante varios años, su madre trabajó como la proveedora oficial de comida en todas las producciones de Scorsese, mientras su padre trabajaba en el departamento de vestuario. En la película Goodfellas (Buenos muchachos o Uno de los nuestros), Scorsese dijo que nadie planchaba cuellos como su padre lo hacía.

Scorsese asistió a la Universidad de Nueva York, obteniendo una licenciatura en la escuela de cine en 1964 y una maestría en la misma disciplina en 1966. De 1967 data su cortometraje The Big Shave. Ese mismo año realizó su primer largometraje, Who's That Knocking at My Door? (¿Quién llama a mi puerta?) con su compañero de estudios Harvey Keitel, y a partir de entonces fue uno de los movie brats junto a Francis Ford Coppola, Brian De Palma, George Lucas y Steven Spielberg. De Palma fue quien le presentó a Robert De Niro, lo cual dio pie a una estrecha amistad que los llevó a compartir muchos proyectos.

En este periodo, Scorsese también trabajó como editor de la película Woodstock y realizó el documental Street Scenes (1970).

En 1972, Scorsese dirigió Boxcar Bertha por encargo del productor de películas de serie B Roger Corman, quien había ayudado a muchos directores a comenzar sus carreras, entre los que destacan Francis Ford Coppola, James Cameron y John Sayles. Con Boxcar Bertha, Scorsese aprendió a hacer filmes rápidamente y de forma económica, lo cual le preparó para su primera película con Robert De Niro (aunque éste aún encarnaba a un personaje secundario y el protagonista seguía siendo Keitel), Mean Streets (Malas calles).

Hasta esta película Scorsese no se sentía satisfecho con su trabajo, pero aquí fraguó finalmente un estilo personal e intransferible. La película no resultó un éxito de taquilla, pero llamó poderosamente la atención de la crítica, y Scorsese y De Niro comenzaron a sonar con gran fuerza en los circuitos de Nueva York. Entonces, la actriz Ellen Burstyn escogió a Scorsese para dirigirla en la película Alice Doesn't Live Here Anymore (Alicia ya no vive aquí), de 1974. Burstyn ganó un Óscar a la mejor actriz por esta película. Scorsese demostraba, con este drama realista, que podía moverse en muchos registros sin ningún problema.

A continuación, Scorsese exploraría sus raíces étnicas en el documental Italianamerican, sobre sus padres Charles y Catherine Scorsese.

Dos años después, en 1976, Scorsese asombró al mundo con Taxi Driver. Sobre un libreto de Paul Schrader, uno de los guionistas más brillantes de las últimas décadas del siglo XX en EE. UU., quien se inspiró en varias noches noctámbulas que vivió tras su divorcio, Scorsese se vio catapultado al estrellato con esta perturbadora historia, que protagonizó magistralmente un Robert De Niro en plenas facultades tras su gran éxito con El Padrino, parte II. La película se alzaría con la Palma de Oro del Festival de Cannes y generaría un creciente prestigio que se mantiene hasta el día de hoy. Todavía hay un papel de reparto para Harvey Keitel y supuso el descubrimiento de una joven Jodie Foster, quien tendría una de las cuatro nominaciones al Óscar como mejor actriz de reparto.

Su enorme fama le dio coraje para afrontar un atípico musical, su primera película de alto presupuesto: New York, New York. La pareja protagonista estuvo formada nuevamente por De Niro, en su tercera colaboración con el director, y una incombustible Liza Minnelli. Ambos daban cuerpo a un dúo —él saxofonista, ella cantante— que a lo largo de varias décadas mantuvieron una relación amorosa mientras trabajaban juntos en varios espectáculos musicales. Contó con un gran trabajo de decorados a cargo de Boris Leven, Harry Kemm y Robert De Vestel, pero no fue suficiente para atraer al público a las salas y amortizar el alto coste del filme. Este tributo musical a la ciudad natal de Scorsese fue un rotundo fracaso de taquilla, pero su canción principal, New York, New York alcanzó la categoría de clásico en la versión cantada por Frank Sinatra.

Para entonces, Scorsese ya había desarrollado una grave adicción a la cocaína. Entre su adicción y la depresión provocada por el último filme, Scorsese aún encontró la creatividad suficiente para hacer The Last Waltz (El último vals, 1978), un documental bellamente fotografiado sobre un concierto de The Band. Ese mismo año, apareció otro documental dirigido por Scorsese, titulado American Boy.

Años 1980[editar]
Convencido de que estaba haciendo su última película, Scorsese invirtió todas sus energías en Raging Bull (Toro salvaje), sobre la vida y la carrera pugilística del violento y perturbado Jake LaMotta, de nuevo sobre guion de Paul Schrader, que adaptaba libremente las memorias del deportista. Scorsese decidió rodar en blanco y negro, en parte para atenuar el rechazo a la enorme violencia del filme y en parte para hacerlo más realista, pero también perdió así gran potencial comercial. Robert De Niro interpretó con gran talento a LaMotta (ganaría su segundo Óscar por este papel), y Joe Pesci a su hermano. Además, esta película supone el comienzo de la colaboración con la montadora Thelma Schoonmaker, viuda de Michael Powell, a la que conoció trabajando en los documentales Street Scenes y Woodstock, y que desde entonces ha sido fiel colaboradora en todos sus proyectos y que le ayudaría a cristalizar sus ideas sobre montaje.

La película no alcanzó ningún éxito de público, pero afianzó nuevamente a Scorsese en el podio de los realizadores más poderosos del panorama norteamericano, a la vez que de los más arriesgados, en pleno momento de crisis, con los estudios radicalizando sus ideas y con los autores en estado de sospecha tras los fracasos de directores como Michael Cimino y Francis Ford Coppola. Recuperado por tanto de sus adicciones, Scorsese empezó la nueva década con una película votada la mejor de la década de 1980, por la revista británica Sight and Sound.

Por entonces Scorsese ya le daba vueltas a dos proyectos que tardarían en ver la luz: The Last Temptation of Christ (La última tentación de Cristo, 1988) adaptación del libro de Nikos Kazantzakis, La última tentación (1951), y Gangs of New York. Originalmente, la primera iba a ser producida bajo el sello Paramount en 1983 con Aidan Quinn en el papel de Jesús y Sting en el de Poncio Pilatos. Sin embargo, Paramount se retiró días antes de comenzar la filmación, argumentando presiones de grupos religiosos, por lo que el proyecto tuvo que esperar casi cinco años. La segunda sería una colosal producción para la que el director no tuvo inversión hasta veinte años después.

Tres años después de su drama sobre el boxeo, Scorsese estrenaría una de sus películas menos conocidas y más reivindicables, la comedia negra King of Comedy (El rey de la comedia), de nuevo interpretada por De Niro, que daba vida a un fanático de un cómico encarnado por Jerry Lewis. Nuevo fracaso de taquilla.

En 1985, regresa a Nueva York para rodar un filme más acorde a lo que generalmente se espera de él, un retrato de los bajos fondos neoyorquinos. After Hours representa, en cierta medida, un retorno a ambientes en los que él se maneja a la perfección, aunque esta ocasión se trata de un relato con tintes kafkianos, en el que un pseudo yuppie vive una delirante pesadilla dentro de los límites más perturbadores de Soho. La película obtendría un más que digno resultado en taquilla y le reportaría a Scorsese el premio al mejor director en el Festival de Cannes.

En 1986, dirigió The Color of Money (El color del dinero), protagonizada por Paul Newman, Tom Cruise y Mary Elizabeth Mastrantonio. El filme es una secuela de The Hustler (El buscavidas, de Robert Rossen), en la que Paul Newman ya interpretó al jugador de billar Eddie Felson. En esta ocasión se trata de un homenaje, y a la vez, segunda parte hacia aquel mítico filme, pero en color y proponiendo una aventura plenamente scorsesiana, con un ya maduro Felson redimiéndose de su pasado. Segundo Óscar para Newman, éste como Mejor actor después de que el año anterior ganara uno como homenaje a toda su carrera.

Finalmente Scorsese pudo filmar The Last Temptation of Christ (La última tentación de Cristo) en 1988, con un presupuesto modesto pues Scorsese sabía que el filme no iba a arrasar en las taquillas. Sin embargo, no anticipó el furor y la controversia que iban a desatarse cuando el filme fue estrenado al año siguiente. Las protestas en todo el mundo llegaron a la quema de varias salas, y a su prohibición durante más de quince años en algunos países. Por este filme, Scorsese recibió su siguiente nominación al Óscar al mejor director, que tampoco ganó. Sin embargo, el respaldo que varias figuras del mundo político le dieron a esta película otorgó credibilidad y prestigio al filme.

En 1989, se reunió con sus amigos Francis Ford Coppola y Woody Allen para rodar el filme colectivo Historias de Nueva York, para el que cada uno de ellos dirigiría un mediometraje. El primero de ellos es precisamente el de Scorsese, y quizá el mejor: Life Lessons, sobre las relaciones amorosas de un pintor deprimido (interpretado por Nick Nolte), quien intenta inspirarse gracias a la presencia de Rosanna Arquette.

Años 1990[editar]
Lo primero que se vio en 1990 dirigido por él fue el alabado corto documental Made in Milan, en torno a la figura de Giorgio Armani. Pero ese año Scorsese dirigiría su primera película sobre la mafia desde Mean Streets.

Con Goodfellas Scorsese regresa al aprendizaje acumulado en Little Italy, para contarnos la historia verídica del exgángster Henry Hill, interpretado por el entonces emergente Ray Liotta. En tono elegíaco, crispado y cínico, narra tres décadas en la vida de un trío de gángsters (Liotta, un recuperado Joe Pesci y De Niro) que trabajan para una familia siciliana asentada sobre todo en los alrededores del aeropuerto de Nueva Jersey. Considerada por muchos analistas como una de las películas más importantes sobre la mafia que se han hecho, Goodfellas propone una irónica versión del sueño americano, pervirtiéndolo a través de los ojos de Hill.

La película obtuvo un sinfín de alabanzas, y era la favorita para los premios Óscar, largamente codiciados por Scorsese dada su cinefilia, pero perdió en favor de Dances with Wolves de Kevin Costner (Bailando con lobos), aunque Pesci se alzó con la estatuilla a mejor actor en papel de reparto.

Scorsese prosiguió su carrera haciendo un remake de una película clásica que protagonizó Robert Mitchum en 1962: Cape Fear, (El cabo del terror, El cabo del miedo), contó con De Niro como Max Caddy, Nick Nolte como Sam Bowden, Jessica Lange como su mujer y una debutante Juliette Lewis como la hija de ellos. Resultó el mayor éxito económico de su director hasta la fecha, hasta el estreno de The Departed , aunque teniendo en cuenta que iba en principio a ser dirigida por Steven Spielberg mientras él haría La lista de Schindler (luego se intercambiaron proyectos), y teniendo en cuenta que Spielberg ganaría el Óscar por ésta, supuso una nueva decepción más respecto al Óscar.

En 1993, Scorsese regresaría a un cine mucho más personal y arriesgado, con la adaptación de Edith Warthon, en uno de sus textos más célebres: The Age of Innocence (La edad de la inocencia). Con Daniel Day-Lewis, Michelle Pfeiffer y Winona Ryder, muchos se sorprendieron de ver a Scorsese en un proyecto a lo Visconti, no sabiendo quizá lo mucho que admira él al director italiano. La película goza de una gran consideración crítica, y se mantiene hoy como un discurso más de su director dentro de la ciudad de Nueva York.

En 1995, rodó una nueva historia de gángsters, con un dúo conocido (De Niro y Pesci), y la sorprendente aportación de una fenomenal Sharon Stone, Casino, sobre los casinos controlados por la mafia en los años 70 y 80 en la ciudad de Las Vegas. Tres horas de melodrama en la línea de sus aportaciones al género y con un tono melancólico desconocido hasta el momento.

1997 sería el año de otro proyecto no muy bien recibido por sus admiradores, que siempre esperan películas de la mafia: Kundun, sobre la vida y exilio del decimocuarto Dalái Lama, una película que algunos sectores críticos intentan reivindicar.

En 1999, estrenó Bringing Out the Dead, que viene a ser como la otra cara de la moneda de la pesadilla urbana de Taxi Driver, sobre un paramédico (Nicolas Cage) noctámbulo incapaz de olvidar que una noche no pudo salvar a una drogadicta e intenta redimirse. La película fue acogida con frialdad.

Década de 2000[editar]


Scorsese junto a Leonardo DiCaprio y Cameron Diaz.
En 2002, Scorsese por fin dirigió uno de sus más ansiados proyectos, Gangs of New York, la cual fue su empresa más arriesgada hasta el momento, con presupuesto superior a los cien millones de dólares, el más alto en la carrera de Scorsese. La reacción de la crítica hacia la película fue moderadamente positiva, y a pesar de su alto coste consiguió recuperar gastos e incluso produjo beneficios, por lo que la aventura se saldó con éxito. Además, recibió diez nominaciones al Óscar, incluyendo Mejor película, Mejor director, y Mejor actor (para Daniel Day-Lewis). Scorsese perdió nuevamente, esta vez frente a Roman Polanski y su El Pianista y frente a Chicago. Significó el comienzo de su asociación con Leonardo DiCaprio.

El siguiente filme de Scorsese fue The Aviator (El aviador), película biográfica del excéntrico multimillonario y pionero de la aviación Howard Hughes. El filme fue lanzado a finales de 2004, con polarización de la crítica. Ganó tres Globos de Oro, incluyendo el de Mejor película dramática. En la entrega de los premios Óscar, El aviador fue la película con más nominaciones (once, incluyendo Mejor película, Mejor director y Mejor actor para Leonardo DiCaprio). Esta vez, Scorsese también salió con las manos vacías, al ver a Clint Eastwood llevarse el Óscar al Mejor director y a la Mejor película con Million Dollar Baby.

El 5 de enero de 2005, Scorsese recibió el reconocimiento de la Légion d'honneur de parte del gobierno de Francia, por sus contribuciones al cine.

Después de presentar su documental sobre Bob Dylan en 2005, No Direction Home, sorprendió a todos en 2006 con su galardonada The Departed, remake de la aclamada película china Infernal Affairs. En esta cinta policíaca se reunió nuevamente con Leonardo DiCaprio y, por primera vez, con Jack Nicholson. El 25 de febrero de 2007, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood le entregaba el Óscar al mejor director (y otros 3 Óscar, entre ellos el de Mejor película) con lo que finalmente Scorsese se hacía con la estatuilla a la que había estado nominado 8 veces y nunca había ganado, ni como director ni como guionista.

A finales de 2007, rueda un spot publicitario para la firma de cava Freixenet: The Key to Reserva, traducido al español como La clave Reserva, en el que Scorsese ha realizado un cuidado homenaje a Alfred Hitchcock, especialmente a su película El hombre que sabía demasiado.

En la 67a. ceremonia de los Globos de oro se le otorgó el premio Cecil B. DeMille por su gran carrera en la industria cinematográfica.

En 2008, realiza el documental Shine a Light, sobre el grupo de rock Rolling Stones. Ese mismo año se anuncia su participación como productor de la serie de HBO Boardwalk Empire, ambientada en la época de la Ley seca. Cuenta con Steve Buscemi, Kelly Macdonald, Michael Pitt, Michael Shannon y Stephen Graham como actores, y además el mismo Scorsese dirigió el capítulo piloto.5 6 En el año 2010, Scorsese vuelve a trabajar por cuarta vez con Leonardo DiCaprio, en el thriller psicológico Shutter Island, una adaptación de la novela de Dennis Lehane ambientada en los años 50, en la que un oficial de policía (DiCaprio) y su ayudante (Mark Ruffalo) deben investigar la confusa desaparición de un interno en un hospital psiquiátrico.

Después dirigió Hugo Cabret, que fue estrenada en el año 2011 en 3D y en formato de cine convencional, y contó con la actuación de Asa Butterfield, Chloë Moretz y Ben Kingsley. Esta película recibió cinco premios de la academia.

Vanity Fair publico la lista de los Top 40 celebridades de Hollywood con más ingreso a lo largo de 2010. Scorsese fue clasificado no. 32 en la lista, ganó un estimado $17 millones por sus películas.

Acaba de ganar su tercer Globo de Oro al Mejor Director, por Hugo7 Su último proyecto en la pantalla grande se llama The Wolf of Wall Street; se estrenó hacia fines de 2013. Basada en la historia real de un magnate de las finanzas ( Leonardo DiCaprio) que, rodeado de lujos y bellezas, cae en la ruina en la década del 90. También actúan Jonah Hill, Jean Dujardin y Matthew McConaughey.

Vida privada[editar]
Se ha casado cinco veces. Su primera mujer fue Laraine Marie Brennan, y tuvieron una hija llamada Catherine. Se casó por segunda vez con la escritora Julia Cameron en 1976, pero el matrimonio solo duró un año y también tuvieron una hija, Domenica Cameron-Scorsese. Se casó por tercera vez con Isabella Rossellini en 1979 y se divorciaron cuatro años más tarde, en 1983. Dos años más tarde, en 1985, se casó con la productora Barbara De Fina, divorciándose en 1991. Actualmente, lleva casado desde el año 1999 con Helen Morris y ambos tienen una hija, Francesca.

Filmografía[editar]
Largometrajes[editar]
1967: Who's that knocking at my door? (¿Quién llama a mi puerta?, ¿Quién toca a mi puerta?)
1972: Boxcar Bertha (El tren de Bertha, Bertha: ladrona y fugitiva)
1973: Mean Streets (Malas calles, Calles peligrosas)
1974: Alice Doesn't Live Here Anymore (Alicia ya no vive aquí)
1976: Taxi Driver
1977: New York, New York (película)
1980: Raging Bull (Toro salvaje)
1982: The King of Comedy (El rey de la comedia)
1985: After Hours (Después de hora, Jo, ¡qué noche!, Después de las horas).
1986: The Color of Money (El color del dinero)
1988: The Last Temptation of Christ (La última tentación de Cristo)
1989: New York Stories: "Life Lessons" (Historias de Nueva York: "Apuntes Del Natural", Lecciones de Vida)
1990: Goodfellas (Buenos muchachos, Uno de los nuestros)
1991: Cape Fear (Cabo de miedo, El cabo del miedo)
1993: The Age of Innocence (La edad de la inocencia)
1995: Casino (Casino, de Scorsese)
1997: Kundun
1999: Bringing Out the Dead (Al límite, Vidas al límite)
2002: Gangs of New York (Pandillas de Nueva York)
2004: The Aviator (El aviador)
2006: The Departed (Infiltrados)
2010: Shutter Island (La Isla Siniestra)
2011: Hugo (La invención de Hugo)
2013: The Wolf of Wall Street (El lobo de Wall Street)
2015: Silence
Documentales[editar]
1970: Street Scenes
1974: Italianamerican
1978: American Boy: A Profile of: Steven Prince
1978: The Last Waltz (El último vals, El último rock)
1999: Il mio viaggio in Italia (Mi viaje a Italia)
2001: The Concert for New York City: "The Neighborhood"
2003: The Blues: "Feel Like Going Home"
2004: Lady by the Sea: The Statue of Liberty
2005: No Direction Home: Bob Dylan
2008: Shine a Light (documental)
2010: Una carta a Elia
2010: Public Speaking
2011: George Harrison: Living in the Material World
Televisión[editar]
1986: Amazing Stories: "Mirror, Mirror" (Cuentos asombrosos: "Mirror, Mirror) (Serie de televisión).
1995: A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies (Un viaje personal con Martin Scorsese a través del cine americano)
2010: Boardwalk Empire (capítulo piloto)
Cortometrajes[editar]
1959: Vesuvius VI
1963: What's a Nice Girl Like You Doing in a Place Like This?
1964: It's Not Just You, Murray!
1968: The Big Shave (La gran afeitada; Afeitado apurado)
1987: "Bad" (vídeo musical, Michael Jackson).
2007: The Key to Reserva (La clave Reserva), anuncio para Freixenet
Actor[editar]
1967: Who's that knocking at my door? (¿Quién llama a mi puerta?, ¿Quién toca a mi puerta?)
1972: Boxcar Bertha (El tren de Bertha)
1973: Mean Streets (Malas calles, Calles peligrosas)
1976: Taxi Driver
1976: Cannonball!, de Paul Bartel
1980: Il Pap'occhio, de Renzo Arbore
1980: Raging Bull (Toro salvaje)
1982: The King of Comedy (El rey de la comedia)
1983: Anna Pavlova, de Emil Loteanu
1985: After Hours (Después de hora, Jo, ¡qué noche!, Después de las horas)
1986: The Color of Money (El color del dinero) (voz)
1986: Round Midnight (Alrededor de la medianoche), de Bertrand Tavernier
1989: New York Stories: "Life Lessons" (Historias de Nueva York: "Apuntes Del Natural", Lecciones de Vida)
1990: Dreams (Los sueños de Akira Kurosawa), de Akira Kurosawa
1990: The Grifters (Los timadores, Los tramposos), de Stephen Frears
1991: Guilty by Suspicion (Caza de brujas), de Irwin Winkler
1993: The Age of Innocence (La edad de la inocencia)
1994: Quiz Show (Quiz Show: El dilema), de Robert Redford
1995: Search and Destroy (Busca y destruye, Buscar y destruir), de David Salle
1999: Bringing Out the Dead (Al límite, Vidas al límite) (voz)
2002: Gangs of New York (Pandillas de Nueva York)
2004: Shark Tale (El espanta tiburones, El espantatiburones) (voz), de Bibo Bergeron, Vicky Jenson y Rob Letterman
2004: The Aviator (El aviador)
2011: Hugo (La invención de Hugo)
Productor[editar]
2000: You Can Count on Me
2004: Nyfes
2009: The Young Victoria
2010: Boardwalk Empire
Premios[editar]
Premios Óscar[editar]
Año Categoría Película Resultado
2013 Mejor Director El lobo de Wall Street Nominado
2011 Mejor Director Hugo Nominado
2006 Mejor Director The Departed Ganador
2004 Mejor Director El aviador Nominado
2002 Mejor Director Gangs of New York Nominado
1993 Mejor Guion Adaptado La edad de la inocencia Nominado
1990 Mejor Director Goodfellas Nominado
1990 Mejor Guion Adaptado Goodfellas Nominado
1988 Mejor Director La última tentación de Cristo Nominado
1980 Mejor Director Toro salvaje Nominado
Premios Globo de Oro[editar]
Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor director Hugo Ganador
2010 Premio Cecil B. DeMille Ganador
2006 Mejor director The Departed Ganador
2004 Mejor director El aviador Nominado
2002 Mejor director Gangs of New York Ganador
1995 Mejor director Casino Nominado
1993 Mejor director La edad de la inocencia Nominado
1990 Mejor director Goodfellas Nominado
1990 Mejor guion Goodfellas Nominado
1980 Mejor director Toro salvaje Nominado
Premios BAFTA[editar]
Año Categoría Película Resultado
2011 BAFTA Honorífico Ganador
2011 Mejor documental George Harrison: Living in the Material World Nominado
2011 Mejor director Hugo Nominado
2006 Mejor director The Departed Nominado
2004 Mejor director El aviador Nominado
2002 Mejor director Gangs of New York Nominado
1990 Mejor guion adaptado Goodfellas Ganador
1990 Mejor director Goodfellas Ganador
1983 Mejor director El rey de la comedia Nominado
1976 Mejor director Taxi Driver Nominado
1975 Mejor director Alicia ya no vive aquí Nominado
Festival de Cannes[editar]
Año Categoría Película Resultado
1986 Palma de Oro After Hours En competencia
1986 Premio al mejor director After Hours Ganador
1983 Palma de Oro El rey de la comedia En competencia
1976 Palma de Oro Taxi Driver Ganador
1975 Palma de Oro Alicia ya no vive aquí En competencia
Festival Internacional de Cine de Venecia[editar]
Año Categoría Película Resultado
1995 León de Oro Honorífico Ganador
1990 León de Plata (Mejor Dirección) Goodfellas Ganador
Premios Emmy[editar]
Año Categoría Película Resultado
2011 Mejor Director - Serie Dramática Boardwalk Empire Ganador

Ha recibido 470 puntos

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TIM BURTON

3. TIM BURTON

Biografía[editar] Muchas de las cosas que ves cuando eres niño permanecen contigo ... Pasas la mayor parte de tu vida intentando asimilar esas experiencias. Tim Burton, My Art and Films2 Timothy Walter Burton nació el 25 de agosto de 1958 en la ciudad de Burbank, California, siendo el... Ver mas
Biografía[editar]
Muchas de las cosas que ves cuando eres niño permanecen contigo ...
Pasas la mayor parte de tu vida intentando asimilar esas experiencias.
Tim Burton, My Art and Films2
Timothy Walter Burton nació el 25 de agosto de 1958 en la ciudad de Burbank, California, siendo el primero de los dos hijos de Bill Burton y Jean Erickson. La mayor parte de su infancia estuvo caracterizada por la representación, junto a su hermano, de parodias relacionadas con delitos sangrientos (homicidios, asesinatos, etc), considerándose a él mismo como un introvertido —una de sus anécdotas personales es la de haber simulado un asesinato con una hacha, para asustar a los vecinos hasta tal punto que uno de ellos llamó a la policía. Por ello recibió el alias «Axe Wound» (traducido como «herida de hacha»). Asimismo, otro de sus pasatiempos favoritos era asustar a los hijos de sus vecinos alegando el arribo de criaturas extraterrestres que invadirían la Tierra.3 Uno de sus principales entretenimientos fue el diseño, aspecto en el que demostró tener talento tras concursar y ganar una competencia de trazos que serían usados en los camiones urbanos de su ciudad natal.4 Académicamente, nunca sintió afinidad por la lectura ni por los estudios.5 En cambio, sus más grandes pasiones eran la pintura, el dibujo y el cine —le encantaban las películas de monstruos, principalmente aquellas vinculadas con Godzilla, Hammer Productions, Ray Harryhausen y Roger Corman. Este último trabajó en varias ocasiones con el actor Vincent Price, a quien Burton consideraba «su héroe».5 6

Sus vecinos lo catalogaban como un «inadaptado social con apetito frecuente por la ciencia-ficción y el terror»,7 debido a su afición por las películas de terror de bajo presupuesto.8 9 A los 13 años, realizó su primer corto animado junto con algunos de sus amigos, The Island of Doctor Agor,5 al cual le siguió Houdini, en donde Burton interpretó al escapista Harry Houdini.5

Su madre trabajaba en una tienda de regalos y utensilios decorativos para gatos, su padre en un parque de atracciones. El joven Tim Burton no tardó mucho en mudarse a vivir con su abuela, por sentirse fuera de su sitio, admitiendo que la relación que ha mantenido con sus padres ha sido mínima y recordando apenas a su hermano pequeño, Daniel.

Tim Burton adoraba el cine, en especial el cine fantástico, recordando como una de las primeras películas que vio de este género: Jason and the Argonauts, 1963. Embelesado por los efectos especiales de Ray Harryhausen, con su famosa técnica «stop motion», la cual Burton usará ya de adulto en sus películas.

Tras concluir sus estudios de bachillerato, en 1976, ingresó en su segundo año universitario10 en el Instituto de Artes de California —fundado por Walt Disney a manera de «plataforma alternativa de aprendizaje» para jóvenes interesados en la animación.11 Durante su estancia en Cal Arts (término popular con el que es conocido el instituto) realizó una serie animada bautizada como Stalk of the Celery Monster,5 trabajo que le dio la oportunidad de ser contratado por los estudios Disney para colaborar en próximos filmes y proyectos.

Años 1980[editar]
Primeros trabajos con Disney[editar]


El ídolo de Tim Burton, en la película de Otto Preminger Laura.
Después de ser contratado por Disney, Burton comenzó a colaborar en la empresa como aprendiz de animación en los bocetos de The Fox and the Hound, de 1981.12 13 En sus propias palabras, «(...) fui contratado justo cuando el estudio se encontraba en crisis y los gerentes buscaban incorporar nuevo personal a cualquier precio».14 Sin embargo, el estudio reconocería más tarde que «el talento de Burton no estaba siendo aprovechado al máximo»,5 así que optó por designarlo para el arte conceptual de The Black Cauldron, adaptación del segundo volumen de la saga Las Crónicas de Prydain.12 A pesar de sus esfuerzos, Disney nunca logró «entender» sus diseños, los cuales fueron desechados para la edición final de ambas películas.

Decidido a continuar con sus planes personales, y contando con la libertad creativa que la empresa le había otorgado por consideración además del apoyo económico de algunos ejecutivos de la misma,5 Burton comenzó a dirigir sus primeros cortometrajes exitosos, Vincent y Frankenweenie, además de escribir e ilustrar un poema, que daría lugar a la película The Nightmare Before Christmas.



Tim Burton hablando en los comic con 2009.
Vincent[editar]
Artículo principal: Vincent (cortometraje)
Mientras trabajaba como artista conceptual, Burton hizo amistad con el ejecutivo Julie Hickson y el encargado de desarrollo creativo de Disney, Tom Wilhite. Ambos se mostraron impresionados por su talento, aún cuando la empresa había rechazado sus colaboraciones en The Fox and the Hound y The Black Cauldron.15 En 1982, Wilhite lo financió con $60.000 dólares, para producir una adaptación del poema Vincent, que Burton había escrito poco tiempo antes bajo el concepto original de microrrelato infantil.15 Durante dos meses, Burton colaboró con animadores especializados en stop motion para producir el corto de cinco minutos de duración, mismo que fue filmado en blanco y negro, influido directamente por las películas alemanas de los años 1920, las cintas estelarizadas por Vincent Price y las adaptaciones de los relatos de Edgar Allan Poe.15 Narrado por el propio Price, el corto Vincent marcó el inicio de una buena amistad entre el actor y Burton, la cual persistiría hasta la muerte del primero, ocurrida en 1993.15 Burton declararía más tarde, que «(la muerte de Price) había sido, probablemente, una de las experiencias más cruciales en su vida».5

Vincent, que fue lanzado originalmente junto con el drama juvenil Tex, en una única sala de cine de Los Ángeles, permaneciendo durante dos semanas en exhibición, recibió numerosos reconocimientos por parte de la crítica especializada durante su proyección en algunos festivales internacionales de cine (fue premiado en los eventos anuales de Chicago y Francia). A pesar del éxito conseguido por la obra, Disney se mostró renuente a comercializarla.15 Poco después, participó en la producción de una versión live action japonesa del cuento de los hermanos Grimm Hansel y Gretel, para Disney Channel; la historia incorporaba elementos kung-fu para describir el enfrentamiento entre los niños y la bruja. La película fue transmitida, por única ocasión, en Halloween de 1982. Debido a que no existen copias de la misma, se ha dicho que constituye una leyenda urbana en la trayectoria inicial de Tim Burton.16 17

Frankenweenie[editar]
Artículo principal: Frankenweenie
En 1984 Tim estrenó su segundo cortometraje, titulado Frankenweenie y protagonizado por Barret Oliver, Daniel Stern y Shelley Duvall. Filmado en blanco y negro con una duración aproximada de 30 minutos, dicha película fue inspirada en Frankestein de James Whale. Su argumento cubre los esfuerzos de un niño por reanimar a su difunto perro Sparky, el cual murió tras ser atropellado por un automóvil.

A pesar de que obtuvo una nominación en los Premios Saturn, el contenido del corto hizo que Disney despidiera a Burton justo después de haber culminado su producción, pues encontró que Frankenweenie «era demasiado terrorífica para sus audiencias más jóvenes». En 1994, tras el éxito de películas como Beetlejuice y Batman, el corto fue comercializado en video; a partir de entonces, se encuentra disponible como material adicional en los formatos DVD, Blu-ray y disco UMD para la Playstation de The Nightmare Before Christmas.18 A finales de 2007, Burton firmó un contrato con los estudios Disney para adaptar el cortometraje a una película de larga duración.19

Como director y productor[editar]
La gran aventura de Pee-Wee[editar]
Artículo principal: La gran aventura de Pee-Wee
Aunque al trabajo de Burton todavía le faltaba cierta difusión, comenzó a atraer la atención de algunos sectores en la industria cinematográfica. En 1985, el actor y productor Griffin Dune, le invitó a dirigir su comedia denominada After Hours. Sin embargo, esto no fue posible debido a que el anterior responsable de dicha producción fílmica, Martin Scorsese, había decidido reconsiderar la idea de filmarla, anulando la posible intervención de Burton o cualquier otro cineasta en ésta.

Ese mismo año, el actor Paul Rubens le ofreció dirigir la versión cinematográfica de su popular personaje americano, Pee-wee Herman —el cual obtuvo popularidad, principalmente, a través de sus espectáculos para el canal HBO—. De esta forma, Burton dirigió su primer largometraje dentro de su inicial carrera como cineasta independiente, La gran aventura de Pee-Wee, creada con un presupuesto estimado de $7 millones de dólares y acreedora por un total en taquilla de $40 millones. Para la producción, Burton le pidió al guitarrista y vocalista de música ecléctica, Danny Elfman, que adaptara la musicalización para la misma.20

Beetlejuice[editar]
Artículo principal: Beetlejuice
Después de dirigir episodios para las revitalizadas series de televisión Alfred Hitchcock Presenta y Teatro Fantástico, Burton dirigió su siguiente largometraje en 1988, centrándose en una comedia de humor negro acerca de un repulsivo y excéntrico fantasma llamado Beetlejuice. La adaptación fue protagonizada por Michael Keaton, Winona Ryder, Alec Baldwin y Geena Davis. Beetlejuice obtuvo ganancias estimadas en alrededor de $80 millones de dólares, así como un premio Óscar en la categoría relativa al maquillaje de los personajes.

En noviembre del 2013, Michael Keaton, confirmaba la puesta en marcha de la secuela de Beetlejuice. Más tarde, en una entrevista a The Daily Beast [1], Winona Ryder confirmaba su participación. En ella aclaró que ″No es un remake, es 27 años más tarde. Y debo decir que adoro a Lydia (el personaje que interpretaba Ryder). Ella fue una gran parte de mí. Estaría muy interesada en lo que ella estuviera haciendo 27 años después″.

Batman[editar]
Artículo principal: Batman (película de 1989)
En 1989, Burton recibió la propuesta de dirigir su próximo largometraje acerca del héroe ficticio, Batman —en esta ocasión, con un colosal presupuesto para su realización—. Sin embargo, filmarla no fue una experiencia totalmente satisfactoria para el cineasta, quien se vio en múltiples discusiones y altercados con los productores de la película, Jon Peters y Peter Guber —aun cuando la debacle más notoria involucró al reparto seleccionado por Burton, quien ofrecía el protagonismo a Michael Keaton. Keaton ya había trabajado con él en su anterior filme, y de alguna manera, fue considerada como una contradictoria elección por los roles del actor en comedias y, no en películas de acción como esta última—. El furor sobre este aspecto provocó gran animosidad entre los fanáticos de la historieta en que se basaba la producción, al extremo de que, el valor comercial de las acciones de Warner Bros disminuyó. Burton había considerado ridículo elegir a alguien "musculoso" para el rol de Batman, insistiendo en que el personaje debería ser un "hombre ordinario y adinerado que hacía uso de una identidad secreta, a través de un complejo disfraz de murciélago, para asustar a los criminales". Además, escogió a Jack Nicholson como El Joker —con la cuestión de atraer audiencias desinteresadas en las películas de superhéroes—. Cuando la película finalmente se estrenó —siendo respaldada ampliamente por una amplia campaña publicitaria previa a su estreno—, se convirtió en el éxito de taquilla más grande de ese entonces, recaudando más de $400 millones de dólares a nivel mundial, con lo que probó ser una gran influencia para futuras películas de superhéroes centrados en personajes más enigmáticos y con mayor profundidad emocional. Adicionalmente, el estilo gótico proyectado por el propio Burton para Gotham City, terminó siendo adoptado para las siguientes tiras cómicas del personaje ficticio.

Años 1990[editar]
Edward Scissorhands[editar]
Artículo principal: Edward Scissorhands
En 1990, Burton redactó, junto a Caroline Thompson, el guion de su siguiente largometraje, bajo el título de Edward Scissorhands, que sería interpretado por el ídolo juvenil de esa década, Johnny Depp,21 quien había sido elegido para el rol protagonista de Edward, un personaje creado por un excéntrico inventor (interpretado por Vincent Price, en la que fuera su última actuación antes de fallecer). De acuerdo al argumento, Edward parecía humano, pero de manera peculiar, no había sido terminado totalmente por su creador al morir éste de manera repentina, dejando a su creación con unas visibles tijeras en lugar de manos. Ubicada en los suburbios —se filmó en Florida—, la película es considerada como la autobiografía de Burton, centrada en su infancia dentro de los suburbios en California. Price alguna vez comentó, en vida, que «"Tim es Edward"». Aunado a esta declaración, se encontraba el comentario de Johnny Depp —redactado posteriormente en el prólogo del libro de Mark Salisbury, Burton on Burton—, refiriéndose a su primer encuentro con el cineasta para el filme.

Edward Scissorhands, traducida al español como El joven manos de tijeras en Hispanoamérica y como Eduardo Manostijeras en España, es considerada como la mejor película de Burton por numerosos fanáticos y críticos, al presentar una estética muy característica del cineasta relacionada con diferentes composiciones visuales, llevadas al mayor límite —tanto en las escenas como en los colores y texturas, así como los diseños de los lugares, personajes y objetos—, representando su particular recepción visionaria del romanticismo más inocente a través del argumento en donde un joven no conoce el amor en ninguna de sus derivaciones, y siendo finalmente tal el sentimiento ejercido que resulta en una historia emotiva y entrañable. Según la página de crítica de cine web rottentomatoes.com, la película tiene 92% de aprobación; y se vuelve, al lado de Pesadilla antes de Navidad y Ed Wood, en las películas de Burton con más aprobación por la crítica, al menos, según esa página.

Además de Depp y Price, la película contó con las interpretaciones de Winona Ryder, Dianne Wiest y Kathy Baker entre otros.

Batman Returns[editar]
Artículo principal: Batman Returns
Aunque Warner Bros había rechazado producir el último filme de Burton (Edward Scissorhands aún después del éxito de Batman), Burton finalmente accedió a dirigir la secuela de la franquicia, con la condición que tuviera total control creativo en el largometraje, titulado finalmente bajo el nombre de Batman Returns e interpretado por un reparto integrado por los actores Michael Keaton —nuevamente en el rol protagonista como Batman—, Danny DeVito —como El Pingüino—, Michelle Pfeiffer —como Catwoman—, y Christopher Walken. Aún más gótica y personal que su predecesora, la película recibió quejas bajo el pretexto de que su contenido era muy fuerte para la audiencia infantil, que aunado a la insatisfacción de las restantes audiencias con la sexualidad explícita —personificada por el sugestivo y fetichista estilo del disfraz de Catwoman—, provocó nuevamente críticas negativas y controversia suscitada por dichos aspectos, principalmente. A pesar de ello, Batman Returns -conocida como Batman Regresa y Batman Vuelve en Latinoamérica y España, respectivamente -, recaudó alrededor de $160 millones de dólares que, a pesar de ser un éxito, fue mucho menos de lo que se esperaba por parte de los productores.

Burton comenzó a preparar la preproducción del próximo filme dentro de la misma franquicia, sin embargo Warner Bros prescindió de la nueva colaboración del cineasta, al percatarse de que el tono de la película sería similar a Batman Returns. De esta manera, Burton dejó, de forma definitiva en su trayectoria futura, la franquicia de Batman, para dar comienzo a la producción de su próximo largometraje, esta vez en formato animado.

The Nightmare Before Christmas[editar]
Artículo principal: The Nightmare Before Christmas
Originalmente, Burton tenía pensado redactar e ilustrar un libro con tendencias poéticas (rimas, versos, poemas...) y personajes animados para el entretenimiento de las audiencias más pequeñas. Sin embargo, en 1993 terminó produciendo un nuevo largometraje —el cual no pudo dirigir por su colaboración dentro de la franquicia de Batman—, cuyo argumento gira en torno al rey de la ciudad de Halloween y sus intenciones por convertirse en un benévolo Santa Claus. Conocida por sus traducciones El extraño mundo de Jack y Pesadilla antes de Navidad en sus doblajes para América Latina y España, el filme The Nightmare Before Christmas —dirigido por Henry Selick y basado enteramente en la historia y los personajes de Burton— fue prácticamente bien recibido por las audiencias, llegando al grado actual de considerarse una película de culto22

Ed Wood[editar]
Artículo principal: Ed Wood (película)
Su siguiente película, estrenada en 1994, retrató la vida de Ed Wood Jr, un realizador que ha sido considerado como "el peor director de la historia". Fue protagonizada por Johnny Depp, siendo a la vez una obra biográfica en homenaje al director de películas de horror y ciencia ficción de bajo presupuesto que Burton veía cuando era niño. Ed Wood Jr. era reconocido por sus obras acartonadas, acompañadas de malas actuaciones y torpes personajes que chocaban contra los decorados tirándolos, siendo su temática de base el género de la ciencia ficción y el terror. A pesar de ello, Burton consideraba que Wood era un director similar a Orson Welles, ideal que mantiene en el largometraje —filmado en blanco y negro, dirigiendo a Bela Lugosi, interpretado por Martin Landau destacando su soberbia interpretación, quizá de las mejores de esa década, Bill Murray y Lisa Marie—, considerado por numerosas personas como uno de los mejores trabajos que ha hecho el cineasta.

Debido a las frecuentes colaboraciones del cineasta durante la realización de The Nightmare Before Christmas, Danny Elfman no quiso musicalizar Ed Wood, por lo que recayó en Howard Shore su participación al integrar las melodías del filme —que, aun cuando fue un fracaso comercial en el momento de su estreno, fue bien recibida por los críticos ganando también admiradores y reviviendo el interés en las películas de Edward D. Wood Jr.

Batman Forever[editar]
Artículo principal: Batman Forever
A pesar de su intención de todavía dirigir la franquicia de Batman, Warner Bros consideró que Batman Returns fue demasiado oscura y no apta para menores de edad. Para atraer al público infantil se decidió que Joel Schumacher, quien había dirigido películas como El Cliente dirigiría la tercera parte mientras que Burton sólo la produciría, en conjunto con Peter McGreggor-Scott. Tras este cambio Michael Keaton renunció al rol siendo sucedido por Val Kilmer. El rodaje se inició a finales de 1994 contando con nuevos y reconocidos actores: Tommy Lee Jones, Nicole Kidman, Chris O'Donnell y Jim Carrey. La película, una mezcla de la oscuridad que caracterizó a la saga con colores y letreros de neón propuestos por Schumacher, tuvo un enorme éxito en taquilla de 336 millones de dólares, a pesar de la polémica producida por los personajes y la trama.[cita requerida] Aun siendo productor y teniendo una estrecha amistad con el director, Burton diferia con las decisiones Schumacher sobre todo en el rodaje de varias escenas, que fueron eliminadas de la edición final y más tarde añadidas como escenas eliminadas en su edición en DVD en 2005. Schumacher consideraba que si se incluían en la edición final el resultado seria igual a su predecesora.[cita requerida] Schumacher fue recontratado para dirigir Batman & Robin, en la que Burton ya no participó.

James and the Giant Peach[editar]
Artículo principal: James and the Giant Peach (película)
Conocida como James y el melocotón gigante en España y Jim y el durazno gigante en Hispanoamérica, es una película animada de Walt Disney producida en 1996 por Tim Burton y dirigida por Henry Selick, basada en el libro homónimo de Roald Dahl. La animación de la película está realizada con la técnica de stop motion, siendo la segunda película de Tim Burton (después de The Nightmare Before Christmas en 1993) realizada con esta técnica.

Mars Attacks![editar]
Artículo principal: Mars Attacks!
Inmerso en la iconografía kitsch de los años 50, el siguiente proyecto de Burton fue Mars Attacks!, para el cual se reunió nuevamente con Elfman. Basada en una serie de cartas de ciencia ficción, la cinta era un híbrido de las películas de fantasía de la década de los años 50 y de las de desastre total de los años 1970. La coincidencia la hizo una parodia no intencionada del éxito de taquilla, Independence Day, filmada al mismo tiempo y estrenada cinco meses antes, y aunque contaba con un amplio elenco estelar —incluyendo a Jack Nicholson, Pierce Brosnan, Michael J. Fox, Sarah Jessica Parker, Natalie Portman, Jack Black, Danny DeVito, Tom Jones, Glenn Close y Christina Applegate—, fue despreciada por los críticos y casi ignorada por la audiencia norteamericana. Sin embargo, la recreación de una mala película de los años 1950 fue recibida con éxito en el extranjero, y ha logrado hacerse de una base de admiradores gracias a la emisión por televisión y su venta comercial en DVD.

Sleepy Hollow[editar]
Artículo principal: Sleepy Hollow
Sleepy Hollow fue estrenada en 1999 con un escenario supernatural, sets únicos y una nueva actuación de Johnny Depp encarnando a un detective interesado en la ciencia forense, basándose en la historia redactada por Washington Irving. El elenco restante para el filme estuvo conformado por Michael Gambon, Ian McDiarmid, Miranda Richardson, Christopher Walken y Christina Ricci —elegida para el papel de Katrina Van Tassel—. Bien recibida por los críticos y con mención especial a la musicalización acompañada de una fotografía impecable a cargo de Emmanuel Lubezki, Sleepy Hollow ganó un premio Óscar por mejor dirección artística, así como dos galardones BAFTA por mejor diseño de vestuario y mejor diseño de producción.

Acompañado de un cambio en su vida personal —se separó de Lisa Marie—, Burton cambió radicalmente de estilo en su siguiente proyecto, dejando los bosques encantados y coloridos extraños para dirigir El Planeta de los Simios que, como Burton alguna vez dijo, no es un remake del filme original, estrenado en 1968 y dirigido por Franklin Schaffner.

Años 2000[editar]
El planeta de los simios[editar]
Artículo principal: El planeta de los simios (película de 2001)
El planeta de los simios fue un éxito comercial, recaudando $68 millones de dólares en su primer fin de semana de estreno. La principal crítica fue el aire comercial del que se dotó a varios aspectos de la cinta, huyendo del tono oscuro, cerebral y nihilista de la versión de 1968. Además, fue una significativa separación del estilo usual de Burton, y hubo muchos debates en cuanto a si en realidad se trataba de un filme de Burton o era un simple encargo de dirección.23 También hubo rumores sobre cambios de último minuto en la producción de la película. A pesar del éxito comercial y del final —que claramente sugería la posibilidad de una secuela— no parece haber intenciones por parte del estudio ni de Burton de continuar la saga. Además fue la primera vez que Helena Bonham Carter actuó en una de las películas de Burton.

Big Fish[editar]
Artículo principal: Big Fish
Burton dirigió Big Fish en 2003, largometraje que recibió un total de cuatro nominaciones a los Globos de Oro, y contando con actuaciones de Helena Bonham Carter, Ewan McGregor, Jessica Lange, Albert Finney, Steve Buscemi, Danny DeVito y Alison Lohman. En la película, un encargo de los estudios Disney, Burton intenta devolver algo a la sociedad americana, que según dice él mismo: «"nuestra cultura [estadounidense] es poca porque, nuestro país, es un país de inmigrantes"». Aunque se trata de una de las películas menos oscuras del director, es el mundo original y fresco en donde transcurre la trama lo que más llama la atención y fascina.

Charlie y la fábrica de chocolate[editar]
Artículo principal: Charlie y la fábrica de chocolate (película)
Charlie y la fábrica de chocolate fue un éxito en taquilla que recaudó más de 207 millones de dólares tan sólo en Estados Unidos. La imagen, voz y actuación de Johnny Depp como el dueño de la fábrica, Willy Wonka, fueron comparadas con los cantantes Michael Jackson y Marilyn Manson, aunque el actor argumenta que su principal inspiración provino de antiguas estrellas infantiles de televisión americanas.



Tim Burton en la premier de Charlie y la fábrica de chocolate.
Corpse Bride[editar]
Artículo principal: Corpse Bride
Corpse Bride (El cadáver de la novia en Latinoamérica, La novia cadáver en España) es una película más adulta que muchos intentaron comparar, erróneamente, con Nightmare Before Christmas [cita requerida]. La historia está basada en un cuento de la tradición rusa-Judía Ortodoxa, en la que un joven llamado Víctor —mientras practica sus votos matrimoniales en el bosque antes de pedirle matrimonio a su prometida—, se compromete accidentalmente con el cadáver de una novia llamada Emily, quien esperaba a su verdadero amor en tiempos anteriores y por tanto, se lleva a Víctor al país de los muertos. El filme fue adaptado con toques humorísticos para hacerla un poco más familiar y agradable para las audiencias infantiles. Johnny Depp le dio su voz a Víctor (siendo esta la primera vez que participa como actor de doblaje) y Helena Bonham Carter le dio su voz a la novia cadáver.

Sweeney Todd[editar]
Artículo principal: Sweeney Todd (película)
Aunque Alan Parker había expresado su interés por realizar una versión cinematográfica del musical Sweeney Todd en la década de los años 1980,24 Burton logró proponer un argumento a Stephen Sondheim, creador del musical, en donde consideró a Johnny Depp y a Helena Bonham Carter para los roles protagónicos del mismo, aunque para realizar la adaptación tiempo después.

De esta manera, el cineasta inglés Sam Mendes estuvo a cargo del proyecto desde 2003, aunque posteriormente decidió filmar Jarhead, la cual fue finalmente estrenada en 2005. En 2006, Dreamworks anunciaría que Burton habría de dirigir la película basada en el musical, la cual estaría a su vez protagonizada por Johnny Depp.

La adaptación del musical de 3 horas de duración, requirió algunos cambios para lograr convertirse en una película con duración máxima de 2 horas. Es por ello que algunas canciones fueron cambiadas —perdiendo algunos versos originales—, mientras que otras fueron descartadas para el filme. Un aspecto central de este largometraje fue lograr mantener el punto principal de la historia original entre sus tres protagonistas: Sweeney Todd, Mrs. Lovett y Toby. Finalmente, se estrenó en EEUU el 21 de diciembre de 2007. En España se estrenó un poco más tarde, el 15 de febrero de 2008.

9[editar]
Artículo principal: 9 (película)
Producida en parte por Tim Burton, Timur Bekmambetov y Jim Lemley, 9 ha recibido mitad de comentarios positivos de los críticos, el aspecto de las imágenes es el más elogiado. Sobre la base de 150 comentarios recogidos por Rotten Tomatoes, la película cuenta con un total "Rotten" índice de aprobación del 56% de los críticos, con los críticos Top Ranking ligeramente superior, dándole un "dulce" de calificación de 65% y la película tiene un promedio La puntuación de 6 / 10. En Metacritic, que actualmente tiene una puntuación de 60 de los 100 que indica el promedio de críticas. El sentimiento general de los críticos es que la película es "largo en el diseño imaginativo, pero menos importantes en la narrativa". Todd McCarthy de Variety dijo que "Al final, el impacto de la imagen se deriva principalmente de su diseño y ejecución aseguró".

Finalmente, se estrenó en EEUU el 9 de septiembre de 2009 lanzada por Focus Features.

Alicia en el país de las maravillas[editar]
Artículo principal: Alicia en el país de las maravillas (película de 2010)
Alicia en el país de la maravillas se estrenó el 3 de marzo de 2010 en Egipto, Italia y Suecia.25 Es una adaptación de la novela infantil Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas y A través del espejo y lo que Alicia encontró allí, ambas escritas por Lewis Carroll, y cuenta con la técnica 3-D en su rodaje, el cual comenzó en septiembre de 2008. Está protagonizada por Mia Wasikowska como Alicia, Johnny Depp, en el papel del Sombrerero Loco, Helena Bonham Carter, como la Reina de Corazones y por Anne Hathaway como la Reina Blanca. El elenco se completa con Alan Rickman, Timothy Spall y Christopher Lee, entre otros.

Sombras tenebrosas[editar]
Artículo principal: Sombras tenebrosas
Sombras tenebrosas es una adaptación cinematográfica de la serie de televisión homónima de gran audiencia en Estados Unidos. Dicho film mantiene a lo largo de la historia la mezcla entre elementos góticos propios de Tim Burton, a la vez que se mezcla con sencillez con los elementos propios de los 70's, época en la que transcurre la obra. En cuanto a los actores que interpretan sus personajes, están Johnny Depp como Barnabas Collins, Eva Green como Angelique Brouchard, Michelle Pfeiffer como Elizabeth Collins Stoddard, la matriarca en los 70's, Helena Bonham Carter interpretando a la Dr. Julia Hoffman y Chloe Grace Moretz interpretando a Carolyn Stoddard.

Abraham Lincoln: Vampire Hunter[editar]
En junio de 2012 se estrenó Abraham Lincoln: cazador de vampiros, basada en la novela del mismo nombre escrita por Seth Grahame Smith, de la cual Tim Burton es productor. La película no tuvo mucho éxito.

Frankenweenie[editar]
Artículo principal: Frankenweenie (película de 2012)
Es una adaptación larga de su cortometraje que realizó para la Disney. Esta versión está rodada en blanco y negro y en 3D usando la técnica Stop motion y se estrenó en 2012.

Proyectos[editar]
Big Eyes, con Christoph Waltz, y Amy Adams, este film, se encuentra en fase de rodaje, fruto de la colaboración con Silverwood Films, con fecha de estreno en 2014 , la historia real de Margaret y Walter Keane. Ambos artistas se hicieron famosos en las décadas de los cincuenta y de los sesenta gracias a unas pinturas en las que retrataban a niños con los ojos más grandes de lo habitual. Cuando se separaron, ella reveló que era la auténtica autora de las obras, mientras que él se dedicaba en realidad a hacer de relaciones públicas. Burton se encargará de dirigir y producir, mientras que Scott Alexander y Larry Karaszewski se encargarán del guión. Esta sería la segunda colaboración con la pareja de guionistas después de Ed Wood.

Vida personal[editar]
En 1989, Burton se casó con la artista alemana Lena Gieseke, de la cual terminó divorciándose poco tiempo después de la filmación de Batman Returns. Posteriormente estuvo comprometido con Lisa Marie desde 1992 hasta 2001. Desde entonces mantiene una relación con Helena Bonham Carter y tienen dos hijos: un varón llamado Billy-Ray Burton -nacido en octubre de 2003 y cuyo padrino es el amigo de Burton, Johnny Depp -, y una niña, llamada Nell, nacida el 15 de diciembre de 2007 -. Cabe señalar que Bonham Carter ha aparecido en todas las películas de Burton desde 2001. La pareja vive en casas separadas en Londres y conectadas por medio de un túnel. Cuando a Bonham Carter le preguntaron en Friday Night with Jonathan Ross acerca de estos datos, reveló que viven en dos casas conectadas por un pasillo y que sí duerme en otra habitación, dado que Burton ronca.

Por otra parte, Burton actualmente no tiene ningún tipo de relación con su hermano Daniel, mientras que su padre, Bill -un antiguo jugador de ligas menores de béisbol -, murió en octubre de 2000 durante el rodaje de El planeta de los simios, y su madre, Jean, falleció en marzo de 2002. Vanity Fair publicó la lista de los Top 40 celebridades de Hollywood con más ingreso a lo largo de 2010. Burton fue clasificado no. 6 en la lista, ganó un estimado $53 millones por sus películas.26

Actores habituales[editar]
Burton suele usar ciertos actores más de una vez, aunque solo sea para hacer pequeños papeles dentro de una película. Se entiende que en películas tales como "Corpse Bride" o "The Nightmare Before Christmas", los actores mencionados son las voces de los personajes animados.

Actor Pee-wee's Big Adventure (1985) Beetlejuice (1988) Batman (1989) Edward Scissorhands (1990) Batman Returns (1992) The Nightmare Before Christmas (1993) Ed Wood (1994) Mars Attacks! (1996) Sleepy Hollow (1999) El planeta de los simios (2001) Big Fish (2003) Charlie y la fábrica de chocolate (2005) Corpse Bride (2005) Sweeney Todd (2007) Alicia en el país de las maravillas (2010) Sombras tenebrosas
(2012) Frankenweenie
(2012) Big Eyes
(2014)
Helena Bonham Carter No No No No No No No
Johnny Depp No No No No No No No No
Michael Gough No No No No No
Winona Ryder No No No
Christopher Lee No No No No No No
Michelle Pfeiffer No No No
Missi Pyle No No No
Deep Roy No No No No
Características personales de la obra de Burton[editar]
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El cine gótico y oscuro, que ha inspirado a Tim Burton, pero también a Terry Gilliam y a los Hermanos Quay (Timothy Quay y Stephen Quay), está inspirado en el director de animación checo Jan Svankmajer.27
Las características físicas de los protagonistas son extremas: muy altos, muy cortos, muy esbeltos y muy gordos son algunas de las más notorias.
Casi todos sus personajes se caracterizan por tener enormes ojeras como si no hubieran dormido en días (por ejemplo, Edward Scissorhands, el Pingüino, Sweeney Todd, Katrina Van Tassel, etc.). A esto el director le suele llamar "estilo de cine mudo".
Incorporación de personajes siniestros y autodidactas.
Frecuentemente recurre a los nombres Edward, Vincent y Víctor para sus personajes principales.
La gama de color en sus películas son de dos tipos: siniestra, usando colores negros, índigos, verdes, rojos y grises (Edward Scissorhands, Batman) y fantástica, usando tonos pasteles y blancos contrastados con colores primarios (Charlie y la fábrica de chocolate, Mars Attacks!)
Su estilo y temas visuales están influenciados por las películas de horror de la década de 1920 a 1930, especialmente aquellas de James Whale y F.W. Murnau, junto con las películas del expresionismo alemán. Las ilustraciones de Edward Gorey son otras influencias, mientras que el motivo de cadáveres de Burton parece mostrar influencias del artista Edward Burra [2]. A su vez, en sus obras se ve la influencia del Dr. Seuss y de las películas de Víctor Moll en especial "Las aventuras del Baron Munchaussen".
Hay muchas curvas elegantes trabajadas en los diseños de muchas cosas vistas en pantalla. Los extremos de las líneas muchas veces se vuelven espirales. La más famosa de ellas es la colina en The Nightmare before Christmas.
Muchas películas, como Batman Returns, The Nightmare Before Christmas, Charlie y la fábrica de chocolate, Corpse Bride y Edward Scissorhands están ubicadas en navidad, durante el invierno o el intercambio de regalos.
A muchos de sus personajes se les da un trasfondo concerniente a sus relaciones con sus padres, a veces como medios de explicar su comportamiento errático. Sleepy Hollow, Charlie y la fábrica de chocolate, Big Fish y Edward Scissorhands son ejemplos prominentes.
Frecuentemente incluye perros muertos (pues son sus animales favoritos y para él la amistad entre hombre y perro adquiere un carácter simbólico), payasos, mosaicos a cuadros blancos y negros, árboles torcidos, linternas de calabaza, espantapájaros, serpientes a rayas, edificios típicos de películas de terror y mariposas.
Sus películas tienen subtextos góticos.
Personaliza el logo de la productora al principio de sus películas.
Sus personajes principales tienden a ser antisociales, y son usualmente tímidos, con una complexión pálida y alocado cabello negro, similar al suyo. Suelen ser altos y estilizados, de extremidades finas y alargadas. Los ojos de sus personajes suelen ser muy expresivos y otro rasgo típico es el de tener la boca pequeña.
Los créditos de entrada usualmente son en travelling. También tienden a ir sobre, a través o dentro de algún tipo de efecto visual.
Filmografía[editar]
Año Película Director Productor Escritor
1982 Vincent Sí Sí Sí Sí
1984 Frankenweenie Sí Sí Sí Sí
1985 Pee-wee's Big Adventure Sí Sí
1988 Beetlejuice Sí Sí
1989 Batman Sí Sí
1990 Edward Scissorhands Sí Sí Sí Sí Sí Sí
1992 Batman Returns Sí Sí Sí Sí
1993 The Nightmare Before Christmas Sí Sí Sí Sí
1994 Ed Wood Sí Sí Sí Sí
1995 Batman Forever Sí Sí
1996 James and the Giant Peach Sí Sí
Mars Attacks! Sí Sí Sí Sí
1999 Sleepy Hollow Sí Sí
2001 El Planeta de los simios Sí Sí
2003 Big Fish Sí Sí
2005 Charlie y la fábrica de chocolate Sí Sí
Corpse Bride Sí Sí Sí Sí
2007 Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet Sí Sí
2009 9 Sí Sí
2010 Alice in Wonderland Sí Sí
2012 Sombras tenebrosas Sí Sí
Abraham Lincoln: Vampire Hunter Sí Sí
Frankenweenie Sí Sí Sí Sí Sí Sí
2014 Big Eyes Sí Sí Sí Sí
Videos musicales[editar]
Bones de The Killers (2006)
Here with Me de The Killers (2012)
Como animador[editar]
Stalk of the Celery Monster (1979)
El Zorro y el Sabueso (Tod y Toby) (1981) - No acreditado
Luau (1982)
Tron (1982) - No acreditado
Taron y el caldero mágico (1985) - No acreditado
En televisión[editar]
Serie Teatro Fantástico - Director de capítulo Aladino y su Lámpara Maravillosa (1985)
Serie Alfred Hitchcock Presenta - Remake de capítulo "The Jar" basado en el cuento del mismo nombre de Ray Bradbury(1985)
Serie Historias asombrosas: Perro de familia - animador de personajes (1993)
Perdidos en Oz - no producido
En cameos y otros trabajos[editar]
La Película de los Muppet (1979) - Como actor manejador de un muppet
Solteros (1992)
Hoffa (1992)
La melancólica muerte del Chico Ostra y otras historias (1997) - Libro de poemas oscuros
Coraline (2009) - Promoción
Men in Black III (2012) - Padre alien (cameo)
Premios[editar]
Estos son sus nominaciones a los tres premios principales del mundo del cine

Premios Óscar
Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor película de animación Frankenweenie Nominado
2006 Mejor película de animación La novia cadáver Nominado
! 1989||Mejor película||Batman||Nominado|-

Premios Globo de Oro
Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor película de animación Frankenweenie Nominado
2010 Mejor película - Comedia o musical Alicia en el país de las maravillas Nominado
2007 Mejor película - Comedia o musical Sweeney Todd Ganador
2007 Mejor director Sweeney Todd Nominado
2003 Mejor película - Comedia o musical Big Fish Nominado
1994 Mejor película - Comedia o musical Ed Wood Nominado
Premios BAFTA
Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor película animada Frankenweenie Candidato
2003 Mejor director Big Fish Candidato
2005 Mejor película infantil Charlie y la fábrica de chocolate Ganador
Referencias

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CLINT EASTWOOD

4. CLINT EASTWOOD

Clinton «Clint» Eastwood Jr. (San Francisco, California, 31 de mayo de 1930) es un actor, director, productor, guionista, músico y compositor estadounidense. Su primer papel relevante fue como secundario en el reparto de la serie de televisión Rawhide (1959–1966). Alcanzó la fama interpretando... Ver mas
Clinton «Clint» Eastwood Jr. (San Francisco, California, 31 de mayo de 1930) es un actor, director, productor, guionista, músico y compositor estadounidense. Su primer papel relevante fue como secundario en el reparto de la serie de televisión Rawhide (1959–1966). Alcanzó la fama interpretando al Hombre sin nombre en los spaghetti western conocidos como Trilogía del dólar que dirigió Sergio Leone en la década de 1960 —Por un puñado de dólares, Per qualche dollaro in più e Il buono, il brutto, il cattivo— y a Harry Callahan en la serie de películas de Harry el Sucio durante los 70 y 80. Estos papeles, entre otros, lo convirtieron en un icono cultural de cierto tipo de masculinidad.

Por su trabajo en Unforgiven (Sin perdón, 1992) y en Million Dollar Baby (2004), Eastwood fue galardonado con los premios Óscar a mejor director, mejor película y mejor actor. Estas películas en particular y otras como Play Misty for Me (Escalofrío en la noche, 1971), Thunderbolt and Lightfoot (Un botín de 500.000 dólares, 1974), The Outlaw Josey Wales (El fuera de la ley, 1976), Escape from Alcatraz (Fuga de Alcatraz, 1979), Tightrope (En la cuerda floja, 1984), El jinete pálido (1985), Heartbreak Ridge (El sargento de hierro, 1986), En la línea de fuego (1993), Los puentes de Madison (1995) y Gran Torino (2008) fueron éxitos de crítica y público.

Además de dirigir muchas de las películas que le han convertido en una estrella del cine, Eastwood ha dirigido otros filmes en los que él no actúa, como Mystic River (2003) y Cartas desde Iwo Jima (2006), por las que fue nominado a los Óscar, y Changeling (El intercambio, 2008). Eastwood ha sido especialmente aclamado por la crítica en Francia, también por películas que no fueron muy bien recibidas en su propio país, y por ello ha sido galardonado con los más altos honores del país europeo: en 1994 recibió la Orden de las Artes y las Letras de la República Francesa y en 2007 la Legión de Honor. En el año 2000 recibió el León de Oro a toda su carrera en el Festival Internacional de Cine de Venecia.

Desde 1967 Eastwood posee su propia productora de cine, Malpaso Productions, que ha producido la mayor parte de sus películas. También fue alcalde de la localidad californiana de Carmel-by-the-Sea desde 1986 a 1988. Eastwood tiene ocho hijos de seis mujeres diferentes,1 aunque solo se ha casado dos veces.
Primeros años[editar]
Clint Eastwood nació en San Francisco, California, hijo de Clinton Eastwood, Sr. (1906–70), un trabajador del sector de la metalurgia, y Margaret Ruth (Runner) Eastwood (1909–2006), empleada de una fábrica.2 Pesó 5,2 kg al nacer, motivo por el que las enfermeras del hospital lo llamaron «Sansón».3 4 5 Es de ascendencia inglesa, irlandesa, escocesa y holandesa2 6 y fue criado en el seno de una familia de clase trabajadora junto con su hermana pequeña, Jeanne (nacida en 1934).7 8 La familia cambió de residencia en varias ocasiones en busca de trabajo para el padre a lo largo de toda la Costa Oeste de los Estados Unidos9 10 hasta que finalmente se establecieron en Piedmont, California, en cuyo colegio estudió Clint.11 Poco antes de comenzar sus estudios secundarios en esta localidad, Eastwood pasó con su bicicleta por el césped de las instalaciones deportivas del instituto y lo destrozó, motivo por el que le impidieron estudiar allí.12 En su lugar, hubo de matricularse en el Instituto Técnico de Oakland, donde los profesores de teatro le animaron a participar en las representaciones. Sin embargo, el joven Eastwood no estaba todavía interesado en ello y tuvo numerosos empleos, entre ellos el de socorrista, repartidor de periódicos, empleado de tienda, bombero forestal y caddie de golf.13

En 1951, durante la guerra de Corea, Eastwood fue reclutado por el ejército de los Estados Unidos14 y destinado a Fort Ord, California, donde trabajó como socorrista.15 Mientras estaba de permiso en 1951 el avión bombardero Douglas AD en que volaba se quedó sin combustible y se estrelló en el mar cerca de Punta Reyes;16 17 Eastwood escapó de la aeronave mientras ésta se hundía y tuvo que nadar junto al piloto cinco kilómetros hasta la costa.18

Carrera cinematográfica[editar]
Comienzos[editar]


Eastwood en una foto promocional de la serie Rawhide (1961).
Según un comunicado de prensa de la cadena de televisión CBS sobre la serie Rawhide, los Universal Studios estaban rodando en Fort Ord cuando un asistente conoció a Eastwood y le ayudó a conseguir un encuentro con el director de la serie.19 Según su biografía oficial, un hombre llamado Chuck Hill consiguió colar a Eastwood en los estudios Universal en Hollywood para que lo conociera el camarógrafo Irving Glassberg.19 Éste le facilitó realizar una audición con el director Arthur Lubin, quien a pesar de quedar impresionado con su 1,93 m de estatura,20 cuestionó en un principio sus habilidades actorales21 y le recomendó asistir a clases de interpretación. Lubin le consiguió su primer contrato en abril de 1954, por el que recibiría 100 dólares a la semana.21 Una vez contratado, Eastwood recibió críticas por su rigidez, su estrabismo y por pronunciar sus diálogos entre dientes, características todas estas que han sido seña de identidad del actor durante toda su carrera cinematográfica.22 23 24 25

El primer papel de Clint Eastwood fue una breve actuación como asistente de laboratorio en la película de 1955 Revenge of the Creature.26 Durante tres años interpretó pequeños papeles en otras películas como Lady Godiva, Never Say Goodbye o Escapade in Japan, además de una intervención con diálogo en Francis in the Navy.27 28 29 En 1959 hizo una aparición especial en la serie de televisión Maverick como antagonista de James Garner, donde interpretó a un hombre que se quería casar con una chica rica por dinero.30 Asimismo, tuvo un pequeño papel como aviador en La escuadrilla Lafayette y apareció en Ambush at Cimarron Pass, una película de baja calidad que el propio Eastwood considera lo peor de su carrera.31 32 33

Tras un período alejado de las cámaras, Eastwood consiguió en el verano de 1958 el papel secundario de Rowdy Yates en la teleserie Rawhide de la CBS,34 35 aunque no era un rol que entusiasmara al actor. Eastwood, que entonces tenía 28 años, no se sentía cómodo interpretando a este personaje porque pensaba que Rowdy era demasiado joven y tonto. Rawhide se estrenó en enero de 195936 y en pocas semanas se convirtió en un éxito. Aunque la serie nunca ganó un Emmy, gozó de gran aceptación durante los años en que se emitió, de 1959 a 1965.37 Los años en esta serie de televisión fueron de los más duros de la carrera del actor, pues filmaba doce horas diarias, seis días a la semana, a pesar de lo cual algunos directores lo criticaron por no trabajar lo suficiente.37 38 A fines de 1963 la popularidad de la serie había decaído y fue cancelada a la mitad de la temporada televisiva de 1965-66.39 Eastwood hizo su debut como director filmando varios anuncios de la serie, aunque no fue capaz de convencer a los productores para que le dejaran dirigir un episodio.40 En la primera temporada de Rawhide, Eastwood ganaba 750 dólares por episodio y cuando ésta fue cancelada le pagaron una compensación de 119 000 dólares.41

Años 60[editar]
A finales de 1963, el compañero de reparto de Eastwood en Rawhide, Eric Fleming, rechazó una oferta para protagonizar un western hispano-italiano titulado Por un puñado de dólares, que se iba a rodar en España y sería dirigido por el entonces desconocido Sergio Leone.42 El actor Richard Harrison estaba convencido de que Eastwood podría interpretar a un cowboy de manera convincente y lo propuso para el papel. El actor vio la oportunidad de escapar de su imagen en Rawhide. Firmó un contrato de 15 000 dólares por once semanas de trabajo más el obsequio de un coche Mercedes-Benz al final del rodaje.43 44 Eastwood dijo tiempo después sobre la transición de un western televisivo a la película Por un puñado de dólares: «En Rawhide me cansé de interpretar a un buen tipo, al héroe que besa ancianitas y perros y era amable con todo el mundo. Decidí que era el momento de ser un anti-héroe».45 Eastwood ayudó a crear el estilo del personaje del Hombre sin nombre, y aunque el actor no era fumador, Leone insistió en que debía fumar cigarros como ingrediente esencial de la «máscara» que estaba intentando crear para su solitario protagonista.46



Clint Eastwood en la película Por un puñado de dólares (1964).
Por un puñado de dólares resultó ser todo un hito en el desarrollo del género de los spaghetti westerns, en los que se retrataba un Oeste de Estados Unidos más salvaje y desolado que en las películas estadounidenses de este mismo género y donde se cambiaban los estereotipos norteamericanos del héroe del oeste por un antihéroe moralmente ambiguo. El éxito de esta película convirtió a Eastwood en una gran estrella en Europa47 y por ello volvió para protagonizar Per qualche dollaro in più (1965), segundo filme de la trilogía de Leone. A través de los esfuerzos del guionista Luciano Vincenzoni, los derechos de Per qualche dollaro in più y de la última entrega de la trilogía, Il buono, il brutto, il cattivo, se vendieron a United Artists por unos 900 000 dólares.48

En enero de 1966, Eastwood conoció al productor Dino De Laurentiis en Nueva York y aceptó participar en una producción compuesta por cinco partes titulada Le Streghe (Las brujas) junto a la esposa del propio De Laurentiis, Silvana Mangano.49 La intervención de Eastwood, de solo diecinueve minutos de duración, se filmó en pocos días, pero su actuación no fue del agrado de la crítica.50 Dos meses después el actor comenzó el rodaje de la tercera entrega de la Trilogía del dólar, Il buono, il brutto, il cattivo, en la que una vez más volvía a poner cara a un misterioso Hombre sin nombre. Lee Van Cleef también repetía como un cruel busca fortunas y remataba el trío protagonista Eli Wallach interpretando al astuto bandido mexicano Tuco Ramírez. La historia gira en torno a la búsqueda de un alijo de oro confederado enterrado en un cementerio. Durante la filmación de la escena de la voladura del puente, Eastwood le pidió a Wallach que se retirara hacia lo alto de una colina; «Yo sé de estas cosas», le dijo, «Mantente lo más alejado posible de los efectos especiales y de los explosivos».51 Minutos después se produjo una explosión prematura que pudo haber matado a Wallach.51

«Quise interpretarlo con pocas palabras y crear todo este sentimiento a través de la actitud y el movimiento. Era el tipo de personaje que yo había imaginado desde hacía tiempo, rodeado de misterio y que alude a lo que había sucedido en el pasado. Surgió después de pasar por la frustración de haber hecho Rawhide durante tantos años. Sentía que cuanto menos decía, más fuerte se hacía y más crecía en la imaginación de los espectadores».
—Clint Eastwood sobre el personaje del Hombre sin nombre.52
La Trilogía del dólar no se estrenó en los EE.UU. hasta 1967,53 pero los tres filmes fueron un éxito de taquilla, en especial la última entrega, lo que convirtió a Eastwood en una gran estrella del cine.53 Sin embargo, los críticos fueron muy duros con estos spaghetti westerns, lo que marcó el principio de la batalla del actor por ganarse el respeto de los críticos estadounidenses.54 Renata Adler, del periódico The New York Times, dijo que Il buono, il brutto, il cattivo, que hoy es considerada una obra maestra,55 56 era «la más cara, piadosa y repelente película de la historia de este género particular».57 Algunos críticos como Vincent Canby y Bosley Crowther elogiaron la frialdad del actor que interpretaba al alto y solitario protagonista.58 El distintivo estilo cinematográfico de Sergio Leone fue muy aclamado, incluso por los críticos que menospreciaron sus películas.54

El estrellato le deparó más papeles en el cine a Eastwood. Firmó para protagonizar el western revisionista americano Hang 'Em High (Cometieron dos errores, 1968),59 en el que interpreta a un Marshal que busca venganza tras a estar a punto de ser ahorcado y dado por muerto.60 El actor ingresó 400 000 dólares por esta película y un 25% de la recaudación en taquilla.59 Con el dinero que había ganado gracias al éxito de la Trilogía del dólar, Eastwood fundó, con ayuda de su contable y asesor Irving Leonard, su propia compañía de producción, Malpaso Productions, llamada así por el Malpaso Creek que hay en la propiedad que Eastwood tiene en el condado de Monterrey, California. Leonard consiguió que Hang 'Em High fuera una coproducción junto a United Artists61 y cuando el filme se estrenó en julio de 1968 fue un gran éxito de crítica y público. El crítico del New York Post Archer Winsten describió la película como «un western de calidad, valentía, peligro y emoción».8

Antes del estreno de Hang 'Em High, Eastwood había comenzado a rodar La jungla humana, sobre un sheriff de Arizona que intenta capturar a un criminal psicópata (Don Stroud) por las calles de Nueva York. La película, dirigida por Don Siegel, fue producida por los Universal Studios y Eastwood recibió un salario de un millón de dólares, más del doble que en su anterior película.62 Jennings Lang había conseguido que el actor y el director se conocieran y ambos entablaron una estrecha amistad, gracias a la cual a lo largo de una década ambos colaboraron en cinco películas.63 El rodaje había comenzado en noviembre de 1967, antes incluso de que el guion estuviera acabado.64 El filme causó controversia por su retrato de la violencia65 66 y en ella Eastwood perfiló su prototipo de policía duro que poco después inmortalizaría en la saga de Harry el Sucio. La jungla humana también fue su primera colaboración con el compositor argentino Lalo Schifrin, quien años después pondría música a varios filmes de Eastwood durante los años 70 y 80.

Por su participación en El desafío de las Águilas (1968) el actor ganó 750 000 dólares.67 La película está ambientada en la Segunda Guerra Mundial y recrea la infiltración tras las líneas enemigas de un grupo de paracaidistas para rescatar un general americano preso una fortaleza de la Gestapo en los Alpes. Richard Burton interpreta el líder del grupo y Eastwood a su hombre de confianza. En esa época el actor participó en el único musical de su carrera, La leyenda de la ciudad sin nombre (1969), en la que él y Lee Marvin interpretan a dos mineros que comparten la misma mujer (Jean Seberg). El mal tiempo y los retrasos dificultaron el rodaje hasta el extremo de que la producción superó los 20 millones de presupuesto, una gran suma para la época,68 y tampoco tuvo éxito de crítica o público, aunque por otra parte fue nominada al Globo de Oro a la mejor película en la categoría de comedia o musical.69

Años 70[editar]
En 1970, Eastwood protagonizó Two Mules for Sister Sara (Dos mulas y una mujer) junto a Shirley MacLaine y con dirección de Don Siegel. La película cuenta la historia de un mercenario estadounidense que comienza rescatando a una monja en un ataque a un pequeño poblado, aunque esta resulta ser una prostituta disfrazada, y que acaba ayudando a un grupo de rebeldes juaristas en el México del emperador Maximiliano I.70 71 En esta película el actor volvió a interpretar a un misterioso pistolero ataviado con un sarape, sin afeitar y que gusta de fumar cigarros.72 Aunque en su momento el filme fue recibido con tibieza por la crítica,73 74 75 el periódico New York Times lo incluyó en su lista de las 1000 mejores películas de la historia.76 También en 1970 el actor trabajó en Kelly's Heroes (Los violentos de Kelly), donde formaba parte de un grupo de soldados estadounidenses que roban una fortuna en oro a los nazis durante la Segunda Guerra Mundial y en la que compartió cartel con Donald Sutherland y Telly Savalas. Kelly's Heroes fue la última película en la que actuó Eastwood que no fuera producida por su propia compañía, Malpaso.77 La crítica alabó el filme y se reconoció su mensaje antibelicista.77 En el invierno de 1969 a 1970 Eastwood y Siegel comenzaron a planear su próximo proyecto, El seductor, la historia de un soldado unionista herido en la guerra de Secesión estadounidense que es rescatado por una jovencita de un colegio femenino del sur del país; allí conquistará a varias mujeres durante su proceso de recuperación.78 En Francia esta película fue muy bien acogida y allí se considera uno de los mejores trabajos del actor,79 aunque en taquilla recaudó muy poco y, según Eastwood y Lang, fracasó por la mala campaña publicitaria y por el rol «emasculado» del protagonista.80

La carrera de Eastwood tuvo un punto de inflexión en 1971.81 Antes de la muerte de Irving Leonard, él y el actor habían hablado sobre la intención de la productora Malpaso de rodar Play Misty for Me (Escalofrío en la noche, 1971), una película en la que por primera vez Clint tendría todo el control creativo que deseaba y que supondría su debut como director.82 El guion se centraba en un músico de jazz llamado Dave (Eastwood), quien tiene una relación ocasional con Evelyn (Jessica Walter), una oyente de radio que había estado llamando insistentemente a la emisora para pedirle que tocara su canción favorita, «Misty» de Erroll Garner. Cuando Dave pone fin a la relación, Evelyn se convierte en una violenta asesina.83 El rodaje dio comienzo en Monterrey en septiembre de 1970 y en la película se incluyeron imágenes del Monterey Jazz Festival de aquel año.84 El filme y la labor de Eastwood tras la cámara fueron elogiados por la crítica,85 mientras que la protagonista femenina Jessica Walter fue nominada al Globo de Oro a mejor actriz en la categoría de drama.

«Sé lo que estás pensando. Si he disparado cinco o seis balas. Te digo que con este ajetreo yo también he perdido la cuenta, pero siendo este un Magnum 44, el revólver más potente del mundo, capaz de volarte la tapa de los sesos de un disparo, ¿no crees que deberías pensar que eres muy afortunado?».
—Clint Eastwood en Harry el sucio.
Ese mismo año Eastwood rodó Harry, el sucio, de nuevo a las órdenes de Don Siegel. La película, escrita por Harry Julian Fink y Rita M. Fink, se centra en un duro inspector de policía de Nueva York (ciudad que luego fue sustituida por San Francisco) llamado Harry Callahan que se propone detener por cualquier medio a un asesino psicótico.86 Harry, el sucio, es quizá el personaje más memorable de Clint Eastwood,87 88 y sobre él opina el escritor Eric Lichtenfeld que fue el «primer verdadero arquetipo» del cine de acción.89 Algunas de sus frases, como la citada en el cuadro de la derecha, están entre las más memorables de la historia del cine e incluso son consideradas por algunos historiadores de las armas de fuego, como Garry James y Richard Venola, como impulsoras de un aumento sin precedentes de la venta de pistolas como la Magnum 44 y la Smith & Wesson Modelo 29 en los EE.UU., ambas utilizadas por Harry Callahan en la gran pantalla.90 91 Harry, el sucio fue un gran éxito desde su estreno en diciembre de 1971 y recaudó 22 millones de dólares solo en Norteamérica,92 lo que la convirtió en la película más taquillera de todas las dirigidas por Don Siegel y dio inicio a una saga cinematográfica compuesta por un total de cinco filmes. Aunque muchos críticos alabaron la interpretación de Eastwood como el duro policía Harry Callahan, como Jay Cocks de la revista Time que la describió como «su mejor papel de lejos, tenso, duro, plenamente identificado con su personaje»,93 el filme también recibió acusaciones de ser fascista.94 95 96

Después de que Sean Connery anunciara que no interpretaría de nuevo a James Bond, los productores de la saga del espía se pusieron en contacto con Eastwood para ofrecerle el papel y éste lo rechazó porque pensaba que ese rol lo debía interpretar un actor inglés.97 Su siguiente papel protagonista fue en el filme Joe Kidd (1972), basado en un personaje inspirado en Reies Lopez Tijerina, que atacó unos juzgados en Tierra Amarilla (Nuevo México) en junio de 1967. Durante el rodaje el actor sufrió síntomas de una infección bronquial y varios ataques de pánico.98 Joe Kidd recibió críticas dispares; Roger Greenspun de The New York Times escribió que no tenía nada destacable, con un simbolismo absurdo y un montaje descuidado, aunque alabó la interpretación de Eastwood.99

En 1973 Clint Eastwood dirigió su primer western, High Plains Drifter (Infierno de cobardes), en el que compartió cartel con Verna Bloom, Marianna Hill, Billy Curtis, Paul Brinegar (de la serie Rawhide) y Geoffrey Lewis. La película trata un tema moral y sobrenatural que después sería emulado en El jinete pálido: un misterioso forastero (Eastwood) llega a una ciudad del oeste donde sus habitantes lo contratan para que los proteja de tres criminales que saldrán muy pronto de la cárcel. Durante toda la película se juega con la confusión de si el forastero es el hermano del sheriff, a quien los criminales lincharon y asesinaron, o su fantasma; asimismo el metraje está salpicado de toques alegóricos y de humor negro por influencia del cine de Sergio Leone.100 La crítica recibió la película con opiniones dispares, pero fue un gran éxito de taquilla. El crítico Arthur Knight del Saturday Review dijo que Eastwood había «absorbido los enfoques de Siegel y Leone y los había fusionado con su propia visión paranoica de la sociedad».101 John Wayne, que había rechazado un papel en la película, envió una carta a Eastwood poco después del estreno del filme en la que se quejaba de que «los habitantes de la ciudad no representaban el verdadero espíritu del pionero estadounidense, el espíritu que hizo grande al país».102



Clint Eastwood dirigiendo a William Holden en Breezy (1973).
El siguiente proyecto del actor y director fue Breezy (Primavera en otoño, 1973), una historia sobre el florecimiento del amor entre un hombre maduro y una adolescente. Durante el casting para esta película Eastwood conoció a Sondra Locke, una actriz que trabajaría en numerosos papeles en sus películas en los siguientes diez años y que se convertiría en una figura muy importante de la vida del cineasta.103 Kay Lenz fue seleccionada para el papel de Breezy porque Locke, que entonces tenía 29 años, les pareció demasiado mayor. La película se filmó muy rápidamente gracias a la eficiencia de Eastwood y del director de fotografía Frank Stanley, que la acabaron tres días antes de lo previsto y habiendo gastado un millón de dólares menos de lo presupuestado.104 Sin embargo, la película no gozó del favor del público o la crítica.105

Terminado el rodaje de Breezy, Warner Brothers anunció que Eastwood había aceptado retomar su papel de Harry Callahan en Magnum Force (Harry, el fuerte, 1973), secuela de Harry, el sucio, en la que un grupo de jóvenes y violentos oficiales de la policía de San Francisco (entre ellos David Soul, Robert Urich y Tim Matheson) se toman la justicia por su mano asesinando a los peores criminales de la ciudad.106 Aunque el filme fue todo un éxito de taquilla en los Estados Unidos, no obtuvo buenas opiniones de la crítica especializada.107 108 La crítica de The New York Times Nora Sayre señaló los temas morales a menudo contradictorios de la película, mientras que el periodista Frank Rich la llamó «lo mismo de siempre».108

En 1974 Eastwood formó equipo con Jeff Bridges y George Kennedy en Thunderbolt and Lightfoot (Un botín de 500.000 dólares), una road movie sobre el veterano ladrón de bancos Thunderbolt (Eastwood) y el joven timador Lightfoot (Bridges). Tras su estreno en primavera de 1974, la película recibió elogios por su poco convencional tono cómico mezclado con suspense y tragedia, pero no obtuvo una gran recaudación.109 Los críticos resaltaron la actuación de Eastwood, pero resultó eclipsado por el gran papel de Bridges, que fue nominado al premio Óscar a mejor actor secundario. Eastwood se enfadó por el poco reconocimiento de los premios de la Academia a su labor y juró que no volvería a trabajar para la productora United Artists.109 110

La siguiente película dirigida y protagonizada por Eastwood, The Eiger Sanction (Licencia para matar, 1975), estuvo basada en la aclamada novela de espías de Trevanian La sanción del Eiger. El actor interpreta a Jonathan Hemlock (papel que en principio estaba destinado a Paul Newman) un asesino reconvertido en profesor de arte que decide retomar su antigua profesión a cambio de obtener un valioso cuadro de Camille Pissarro. Para conseguirlo deberá escalar la peligrosa cara norte del pico Eiger, en Suiza. En este filme Eastwood volvió a contar con el actor George Kennedy. Mike Hoover enseñó a escalar al cineasta durante varias semanas del verano de 1974 en Yosemite y el rodaje comenzó en Grindelwald el 12 de agosto de ese año.111 112 El equipo de filmación, que había sido advertido de los peligros de una montaña como el pico Eiger, sufrió diversos accidentes, uno de ellos fatal.113 114 A pesar de todo, Eastwood decidió realizar él mismo todas sus escenas de escalada. Estrenada en mayo de 1975, The Eiger Sanction fue un fracaso comercial y de crítica, pues Joy Gould Boyum de The Wall Street Journal dijo que era «fantasía brutal».115 115 116 El cineasta culpó a los Universal Studios por la mala promoción de la película y le dio la espalda a este estudio para firmar en su lugar un acuerdo con Warner Bros. que perdura hasta la actualidad.117



Ciudad fantasma de Paria, Utah, lugar de rodaje de la película The Outlaw Josey Wales (1976).
The Outlaw Josey Wales (El fuera de la ley, 1976), un western inspirado en la novela homónima publicada en 1972 por Asa Carter,118 está protagonizado por Josey Wales (Eastwood), un granjero de Misuri que tras el asesinato de su familia por soldados yanquis se une a los guerrilleros confederados que siguen luchando contra la Unión, incluso después del fin de la guerra. Chief Dan George y Sondra Locke completan los papeles principales. El director Philip Kaufman fue despedido por el productor Bob Daley por orden del propio Eastwood, una decisión que llevó a que el Sindicato de directores de Estados Unidos les obligara a indemnizarlo con 60 000 dólares y a que este organismo aprobara una nueva norma en la que se reservaba el derecho a imponer multas mayores a los productores por el despido de un director.119 La cinta fue pre estrenada en Sun Valley (Idaho) durante una conferencia de seis días titulada Películas del oeste: mitos e imágenes. En este pase previo de la película dirigida y protagonizada por Clint Eastwood, estuvieron presentes críticos prestigiosos como Jay Cocks y Arthur Knight y directores de la talla de King Vidor, William Wyler y Howard Hawks.120 En su estreno para el gran público en agosto de 1976, el filme fue muy bien recibido y el personaje de Eastwood enseguida se convirtió en un icono del pasado ancestral de los Estados Unidos y del destino de la nación tras la brutal Guerra de Secesión.120 El crítico Roger Ebert comparó la naturaleza y vulnerabilidad de Josey Wales con la del Hombre sin nombre de la Trilogía del dólar y elogió la atmósfera del filme.121 La revista Time la incluyó entre su lista de las diez mejores películas de aquel año.122

En esa época le ofrecieron a Clint Eastwood el papel de Benjamin L. Willard en la película Apocalypse Now de Francis Ford Coppola, pero declinó su participación porque no deseaba pasar varias semanas de rodaje en Filipinas.123 124 Asimismo, rechazó el rol del líder de pelotón en un filme de Ted Post sobre la guerra de Vietnam, Go Tell the Spartans (La patrulla, 1978),123 para rodar en su lugar el tercer filme de la saga de Harry Callahan, The Enforcer (Harry, el ejecutor, 1976). En esta ocasión se enfrenta a un grupo de sádicos terroristas que se hacen llamar «Acción Revolucionaria del Pueblo» y que tratan de dominar la ciudad de San Francisco. Callahan y su nueva ayudante (interpretada por Tyne Daly), deberán rescatar al alcalde, a quien los terroristas han secuestrado. La película, que culmina con un tiroteo en la prisión de Alcatraz, tuvo un metraje bastante más corto que las anteriores entregas del duro policía,125 pero de nuevo fue un gran éxito comercial, tanto que se convirtió en el filme más taquillero del actor hasta la fecha.126

En 1977 dirigió y protagonizó The Gauntlet (Ruta suicida), en la que pone cuerpo a un policía adicto a la bebida que debe escoltar a una prostituta, desde Las Vegas hasta Phoenix, para que pueda testificar en el juicio contra un mafioso. Sin embargo, la misión resulta ser más difícil de lo esperado, ya que alguien muy poderoso está empeñado en que no lleguen a su destino. Fue un éxito comercial moderado y los críticos la recibieron con disparidad de opiniones pues muchos opinaron que era demasiado violenta. Las críticas más duras vinieron de la némesis habitual del cineasta, Pauline Kael, que dijo del filme que era «un cuento barnizado con un lenguaje soez y adornado con violencia», mientras que Roger Ebert, por el contrario, le otorgó tres estrellas y dijo que era «…clásico Clint Eastwood: rápida, furiosa y divertida».127 En el año 1978 el actor participó en Every Which Way but Loose (Duro de pelar), de nuevo acompañado por Sondra Locke. En un rol cómico poco habitual, el actor es Philo Beddoe, un camionero de aspecto bonachón que se hace acompañar por un orangután que ganó en una apuesta y está enamorado de una cantante llamada Lynn que no quiere compromisos serios. Este filme, vapuleado por la crítica, fue un éxito de público inesperado y llegó a ser la película más exitosa del actor hasta entonces.128

En 1979 Clint Eastwood protagonizó la quinta y última colaboración con su amigo Don Siegel, Escape from Alcatraz (Fuga de Alcatraz, 1979), en la que recrean la verdadera historia de Frank Morris, uno de los tres presos que se fugaron en 1962 de la prisión de máxima seguridad de Alcatraz, en la bahía de San Francisco. El filme fue un éxito rotundo: Stanley Kauffmann de The New Republic la llamó «cine cristalino»129 y Frank Rich de Time la describió como «fresca, gracia cinematográfica». Esta producción marcó el inicio de un período de la carrera de Eastwood muy aclamado por la crítica.130

Años 80[editar]


Clint Eastwood en 1981.
En 1980 Eastwood dirigió e interpretó el papel protagonista de Bronco Billy, filme en el que apareció junto a Sondra Locke, Scatman Crothers y Sam Bottoms.131 El biógrafo Richard Schickel asegura que el personaje de Bronco Billy es el más autorreferencial de la carrera del actor,132 133 aunque la película fue un fracaso comercial.134 La crítica, por su parte, alabó la cinta: Janet Maslin de The New York Times escribió que era «la mejor y más divertida película de Clint Eastwood en mucho tiempo», además de elogiar su labor de dirección y la manera intrincada en que yuxtapone el viejo y el nuevo Oeste.135 En navidades de ese mismo año se estrenó la secuela de Duro de pelar, Any Which Way You Can (La gran pelea), que recibió críticas muy negativas pero fue una de las cinco películas más taquilleras del año.136

En el año 1982 se estrenó Honkytonk Man (El aventurero de medianoche), basada en la novela de Clancy Carlile sobre la época de la Gran Depresión. Eastwood volvió a cumplir la doble función de director y protagonista interpretando a Red Stovall, un cantante enfermo de tuberculosis al que le dan la oportunidad de actuar en el certamen de música country Grand Ole Opry, en Nashville, Tennessee, a donde lo acompaña para grabar una canción su joven sobrino (interpretado por su hijo Kyle Eastwood). El filme no fue muy bien acogido por la crítica especializada, que resaltó su poco afortunada mezcla de humor mudo y tragedia.137 Sin embargo, en Francia la película fue muy alabada y se la comparó con una obra maestra como Las uvas de la ira, de John Ford,138 y en la actualidad tiene una excelente calificación en la web de valoración cinematográfica Rotten Tomatoes.139 También en 1982 llegó a los cines otra cinta dirigida y protagonizada por Eastwood, Firefox, que trata el tema de la Guerra Fría. Este filme se inspira en la novela homónima que Craig Thomas publicó en 1977. Filmada antes del estreno de Honkytonk Man en localizaciones de Austria para simular escenarios de la Unión Soviética, Firefox fue la película más cara rodada hasta entonces por Eastwood, con un presupuesto de 20 millones de dólares.140 En la revista People se comparó la actuación del actor con «Luke Skywalker atrapado en el alma de Harry, el sucio».140

La cuarta entrega de la saga de Harry, el sucio, titulada Sudden Impact (Impacto súbito, 1983), no sólo estuvo protagonizada por Eastwood, sino que también se ocupó de la dirección. Filmada en primavera y verano de 1983, esta cinta es considerada la más oscura y violenta de toda la saga.141 En esta época el cineasta ya recibía el 60% de todos los beneficios de las películas que protagonizaba y dirigía, mientras que el resto de los ingresos se los embolsaba la productora.142 Sudden Impact fue además la última película en la que trabajó con Sondra Locke, que en esta ocasión hace el rol de una artista que, junto con su hermana, fue violada diez años atrás. Su hermana quedó en estado vegetativo y por ello busca venganza asesinando sistemáticamente a todos los violadores. La frase «Anda, alégrame el día», pronunciada por Harry en una escena de tiroteo en una cafetería, es una de las más famosas e icónicas de la historia del cine, entre otras cosas porque fue empleada por el presidente de los EE.UU. Ronald Reagan en un discurso ante el Congreso y usada durante la campaña presidencial de 1984.143 144 145 Esta cuarta entrega de Harry Callahan fue la que más dinero recaudó en taquilla y recibió elogios de la crítica por sus aspectos feministas a través de exploración de las consecuencias físicas y psicológicas de una violación.146

Tightrope (En la cuerda floja, 1984) es una provocativa película de suspense inspirada en unos artículos de periódico que relataban las andanzas de un huidizo violador. Ambientada en Nueva Orleans para evitar la confusión con los filmes de Harry, el sucio,147 en esta ocasión el personaje de Eastwood es un policía divorciado al que asignan el caso de un violador y asesino en serie de mujeres que actúa en el famoso y conflictivo Barrio Francés. La investigación se transforma en un reto psicológico para él cuando descubre que su personalidad y comportamiento tienen muchos puntos en común con el sadomasoquismo del asesino.148 La hija del cineasta, Alison, que entonces tenía once años, también aparece en el filme. Esta producción fue un éxito de crítica y público y consiguió ser el cuarto filme más taquillero con la clasificación de «sólo para adultos» de 1984.149 En ese año el actor también encabezó el cartel, junto a Burt Reynolds, de una comedia ambientada en los años 1930, City Heat (Ciudad muy caliente), en la que un detective privado y su socio se ven envueltos en un feo asunto con unos gánsteres durante la Ley Seca. El éxito comercial de esta cinta solo se vio superado ese año por Beverly Hills Cop (Superdetective en Hollywood), de Eddie Murphy.150

Los westerns. Un tiempo pasado, el pionero, el solitario que se las apañaba por sí mismo, sin el beneficio de la sociedad. Normalmente tiene algo que ver con la venganza, se toma la venganza por su mano, no llama a la policía. Como Robin Hood. Es la última frontera masculina, un mito romántico, supongo, aunque es difícil pensar en nada romántico en la actualidad. En un western puedes pensar, Jesús, hubo un tiempo en el que el hombre estaba solo, a caballo, allí donde el hombre todavía no había echado a perder la tierra.
—Eastwood sobre el atractivo filosófico de retratar hombres solitarios en los westerns.151
El cineasta hizo su única incursión en la realización televisiva en 1985, cuando dirigió un episodio de Amazing Stories titulado «Vanessa en el jardín», protagonizado por Harvey Keitel y Sondra Locke. Esta fue además su primera colaboración con Steven Spielberg, quien dos décadas después haría de coproductor en Cartas desde Iwo Jima y Banderas de nuestros padres.152 Eastwood revisitó una vez más el género del western en El jinete pálido, una cinta dirigida y protagonizada por él que se basa en el filme Shane (Raíces profundas, 1953) y narra la historia de un misterioso y frío predicador que decide defender a unos colonos que sufren el acoso de unos mineros durante la Fiebre del oro de California, hacia 1850.153 El título es una referencia a los cuatro Jinetes del Apocalipsis, uno de los cuales cabalga un caballo pálido y representa a la Muerte. Asimismo, la historia guarda similitudes con otra película del director, High Plains Drifter (Infierno de cobardes, 1973) por su retrato de la moralidad y la justicia, así como por la exploración de lo sobrenatural.154 El jinete pálido fue uno de los filmes más exitosos de Eastwood hasta entonces, aclamada como una de las mejores películas del año y como el mejor western en mucho tiempo. Gene Siskel, del Chicago Tribune, escribió que «Este año (1985) pasará a la historia del cine como el momento en que Clint Eastwood finalmente se ganó el respeto como artista».155

En 1986 el actor y director coprotagonizó junto a Marsha Mason el drama militar Heartbreak Ridge (El sargento de hierro), cuya trama gira alrededor de la invasión estadounidense de la isla caribeña de Granada en 1983. Eastwood pone rostro a un duro sargento de artillería del cuerpo de Marines y veterano de la guerra de Corea. La producción y rodaje de esta película se vieron empañados por los desacuerdos de Eastwood con su viejo amigo y productor Fritz Manes, así como por las quejas sobre el argumento que expresó el Departamento de Defensa de los Estados Unidos.156 157 En el momento de su estreno la cinta tuvo más éxito comercial que de crítica,158 aunque hoy en día goza de mayor aprecio.159

En 1988 Eastwood apareció en The Dead Pool (La lista negra), quinto y último filme de la saga de Harry, el sucio. Dirigida por Buddy van Horn, en el reparto están Patricia Clarkson, Liam Neeson y un joven Jim Carrey que interpreta a una estrella del rock adicta a las drogas que se convierte en la primera víctima de una lista de ocho celebridades elaborada por el director de cine de terror Peter Swan (Neeson). El listado es robado por un fanático que, imitando a su director favorito, comienza a asesinar a esas celebridades, entre las que está Harry Callahan. The Dead Pool no tuvo tanto éxito de taquilla como sus predecesoras y en general se considera la más floja de la saga de Harry Callahan, aunque el prestigioso crítico Roger Ebert la calificó tan buena como la original.160 161

Entre 1988 y 1992 Eastwood comenzó a trabajar en proyectos más pequeños y personales y experimentó un parón en su carrera. Siempre interesado en el jazz, dirigió Bird (1988), una película biográfica sobre el músico Charlie «Bird» Parker, interpretado por Forest Whitaker. El saxofonista Jackie McLean y el director de cine Spike Lee, hijo del músico de jazz Bill Lee y habitual detractor del cine de Eastwood, criticaron negativamente el retrato fílmico de Charlie Parker señalando que no captaba su verdadera esencia y sentido del humor.162 A pesar de ello, Eastwood fue galardonado con dos premios Globos de Oro (uno de ellos a mejor director) y recibió el premio Cecil B. DeMille a su dilatada trayectoria. Bird no triunfó en taquilla, algo que el cineasta atribuyó al declive del interés por el jazz entre los afroamericanos.163

Jim Carrey volvería a aparecer en otra película de Eastwood, El Cadillac rosa (1989), coprotagonizada por Bernadette Peters. La trama gira alrededor de un cazarrecompensas (Eastwood) y un grupo de supremacistas blancos que persiguen a una mujer inocente que intenta escapar en el preciado coche Cadillac de color rosa de su marido. La cinta fue un fracaso de crítica y público164 y marcó uno de los momentos más bajos en la carrera del cineasta.165

Años 90[editar]
En 1990 se estrenó Cazador blanco, corazón negro, en la que Clint Eastwood volvió a cumplir su habitual doble papel de protagonista y director para llevar a la gran pantalla la novela en clave de Peter Viertel sobre John Huston y el rodaje de la película La reina de África. Filmada en Zimbabue en el verano de 1989,166 Cazador blanco, corazón negro tuvo cierto éxito entre la crítica especializada, pero su estreno comercial fue limitado y obtuvo poca recaudación en taquilla.167 También en 1990 Eastwood dirigió y coprotagonizó junto a Charlie Sheen The Rookie (El principiante), un filme policíaco de acción. La crítica encontró la trama y la caracterización muy poco convincentes, aunque elogió sus escenas de acción.168 La película no se exhibió en los cines en 1991169 por culpa de una denuncia legal que se interpuso por el supuesto choque del coche de Eastwood contra el de una mujer,170 aunque el cineasta ganó el pleito.169

«Parece más alto, delgado y posee más misterio que en el filme Por un puñado de dólares, de Sergio Leone, que se filmó un cuarto de siglo antes. Los años no lo han ablandado, le han dado la presencia de una fuerza feroz de la naturaleza, quizá otorgada por los paisajes del mítico Oeste de fines del siglo XIX, más que nunca en su nueva Unforgiven (Sin perdón)… Esta es su mejor y más satisfactoria interpretación desde la infravalorada Heartbreak Ridge (El sargento de hierro). No hay nadie como él».
—Vincent Canby, de The New York Times, sobre el papel de Eastwood en Unforgiven (Sin perdón).171
Eastwood revisitó el género del western por última vez en 1992, cuando dirigió y protagonizó la universalmente aclamada Unforgiven (Sin perdón). William Munny (Eastwood) es un pistolero retirado, viudo y padre de familia, que tiene dificultades económicas para sacar adelante a sus hijos y por ello su única salida es hacer un último trabajo. El guion de la película estaba escrito desde 1976 y había tenido títulos como The Cut-Whore Killings y The William Munny Killings, pero el director había retrasado el proyecto hasta que él fuera lo suficientemente mayor para interpretar de forma creíble al protagonista y saborear su último personaje en un western.169 Unforgiven fue un tremendo éxito de crítica y público: Jack Methews, de Los Angeles Times, la describió como «el mejor western clásico desde The Searchers (Centauros del desierto, 1956) de John Ford».172 La película fue nominada a nueve premios Óscar173 y ganó cuatro, entre ellos mejor película y mejor director para Eastwood. En junio de 2008 Unforgiven apareció en el cuarto lugar de la lista de los mejores western norteamericanos elaborada por el American Film Institute, solo por detrás de Shane (Raíces profundas, 1953), High Noon (Solo ante el peligro, 1952) y Centauros del desierto.174 175

Frank Horrigan es el nombre del agente del servicio secreto que Eastwood interpreta en En la línea de fuego (1993), dirigida por Wolfgang Petersen y coprotagonizada por John Malkovich y Rene Russo. Horrigan es un agente atormentado por no haber podido impedir el asesinato del presidente John F. Kennedy.176 La cinta fue una de las diez más taquilleras de ese año e ingresó más de 200 millones de dólares solo en los EE.UU.177 También en 1993 llegó a los cines la nueva película dirigida por Eastwood, Un mundo perfecto. Kevin Costner protagoniza una historia ambientada en los años 1960178 e interpreta a un convicto fugado que emprende una huida por carretera junto a un niño (T.J. Lowther) mientras es perseguido por un Ranger de Texas (Eastwood). Janet Maslin de The New York Times escribió que este filme es el punto culminante de la carrera de Eastwood detrás de las cámaras179 y a día de hoy sigue siendo considerado uno de sus trabajos como director más infravalorados.180 181



Clint Eastwood en el Festival de Cannes de 1994.
Durante el Festival de Cannes de 1994 Clint Eastwood recibió la medalla de la Orden de las Artes y las Letras de Francia182 y en mayo de 1995 fue galardonado con el Premio en memoria de Irving Thalberg durante la 67.ª Entrega de los Premios Óscar.183 También en 1995 se estrenó una de sus películas más aclamadas, Los puentes de Madison, un drama romántico junto a Meryl Streep. La película se basa en una novela de Robert James Waller184 que relata la breve historia de amor entre Robert Kincaid (Eastwood), fotógrafo de la revista National Geographic, y un ama de casa de ascendencia italiana que vive en una granja, Francesca (Streep). A pesar de que la novela no había recibido buenas críticas y de que su historia no parecía muy apta para una adaptación cinematográfica, la habilidad de Eastwood como director la convirtió en un éxito crítico y comercial.185 Roger Ebert escribió sobre la película: «Streep y Eastwood tejen un hechizo, y está basada en ese particular conocimiento del amor y de uno mismo que se consigue en la madurez».186 Los puentes de Madison fue nominada al Globo de Oro a mejor película y ganó un premio César en Francia a mejor película extranjera, mientras que Meryl Streep obtuvo sendas nominaciones al Globo de Oro y el premio Óscar.

«Los papeles que ha interpretado Eastwood y las películas que ha dirigido no se pueden desligar de la naturaleza de la cultura norteamericana del último cuarto de siglo, sus fantasías y sus realidades».
—El escritor Edward Gallafent comentando el impacto de Eastwood en el cine de 1970 a 1990.
En 1997 se estrenó Poder absoluto, un filme de suspense político nuevamente dirigido y protagonizado por Eastwood y con Gene Hackman, villano en Unforgiven, en uno de los papeles principales. El protagonista es un veterano ladrón que es testigo involuntario de un asesinato que involucra al Presidente de los Estados Unidos. La cinta recibió críticas dispares.187 A finales de ese año llegaba a los cines su nuevo proyecto, Medianoche en el jardín del bien y del mal, inspirada en el libro de John Berendt y con John Cusack, Kevin Spacey y Jude Law en los papeles principales. Al igual que con la otra película del director estrenada ese año, la crítica no se mostró muy entusiasmada.188 Dos años después, en 1999, Eastwood rodó True Crime (Ejecución inminente), en la que se pone en la piel de un periodista que se está recuperando de su adicción al alcoholismo y que descubre que un preso que va ser ejecutado (interpretado por Isaiah Washington) es en realidad inocente. Su hija en la vida real, Francesca, hace el papel de su hija en la ficción. True Crime fue recibida con tibieza entre la crítica y fracasó en taquilla, pues solo recaudó la mitad de su presupuesto y fue su película menos exitosa de toda la década sin contar a Cazador blanco, corazón negro, que tuvo un estreno muy limitado.189

Siglo XXI[editar]
Space Cowboys, dirigida y protagonizada por Eastwood, se estrenó en el año 2000 con un elenco protagonista que completaban Tommy Lee Jones, Donald Sutherland y James Garner. Los cuatro forman un grupo de veteranos expilotos de pruebas que son enviados al espacio para reparar un viejo satélite soviético. La banda sonora original fue compuesta por el propio Eastwood y por Lennie Niehaus. Space Cowboys fue elogiada por casi toda la crítica,190 aunque Roger Ebert señaló que estaba «demasiado segura dentro de su estructura de historia tradicional para hacerla parecer arriesgada».191 En taquilla también tuvo éxito pues recaudó unos 90 millones, más que las dos películas anteriores del cineasta juntas.192 En 2002 veía la luz el filme de suspense Deuda de sangre, en la que Eastwood es un exagente del FBI que persigue a un asesino sádico (Jeff Daniels) en una historia que se inspira lejanamente en la novela homónima de Michael Connelly publicada en 1998. Este nuevo filme no funcionó en taquilla y la crítica se mostró dividida en su valoración, pues en la web Rotten Tomatoes la describen como «bien hecha, pero lastrada por un ritmo aletargador».193 A pesar de esas valoraciones, Eastwood recibió por esta película el premio Future Film Festival Digital en el Festival de Venecia de ese año.

Clint es un verdadero artista en todos los aspectos. A pesar de los años que lleva en lo más alto y de las películas legendarias que ha hecho, siempre nos hace sentir a gusto y valorados en los rodajes, tratándonos como iguales.
—El actor Tim Robbins sobre su trabajo con Eastwood.4
En 2003 Eastwood estrenó una película en la que únicamente cumplía funciones de director, Mystic River, un drama muy sombrío que relata la historia de dos tragedias separadas por veinticinco años, un secuestro con abusos sexuales y un asesinato, que tienen como nexo de unión a tres amigos (interpretados por Sean Penn, Kevin Bacon y Tim Robbins). La película funcionó bien comercialmente, fue muy aplaudida por la crítica y ganó dos premios Óscar, mejor actor para Penn y mejor secundario para Robbins, además de otras dos nominaciones, a mejor director y mejor película.194 La cinta obtuvo una buena recaudación comercial195 y además, Eastwood fue nombrado mejor director del año por el Círculo de Críticos de Londres y por la Sociedad Nacional de Críticos de Cine de Estados Unidos.

Al año siguiente llegó a los cines la que quizá es la película más alabada de Clint Eastwood desde Unforgiven, Million Dollar Baby, un drama sobre el mundo del boxeo en la que el cineasta es director, productor, compositor de la banda sonora y protagonista. Frankie Dunn (Eastwood) es un entrenador solitario y adusto que regenta un gimnasio y que acepta a regañadientes preparar a una voluntariosa boxeadora, Maggie Fitzgerald (Hilary Swank). Million Dollar Baby fue un rotundo éxito de crítica y ganó cuatro premios Óscar, a mejor película, mejor director, mejor actriz y mejor actor secundario (Morgan Freeman).196 De esta manera, a sus 74 años Eastwood se convirtió en el más anciano de los dieciocho directores de cine que han dirigido dos o más filmes ganadores del Óscar a mejor película.197 198 Además, fue nominado a mejor actor y a los premios Grammy como autor de la banda sonora.199 El crítico A. O. Scott de The New York Times no dudó en calificar la nueva creación del cineasta como una «obra maestra» y en elegirla mejor película del año.200



Clint Eastwood en 2005.
En 2006 dirigió dos películas sobre la batalla de Iwo Jima librada durante la Segunda Guerra Mundial. La primera, Flags of Our Fathers (Banderas de nuestros padres), contaba la historia de los soldados norteamericanos que izaron la bandera de su país en lo alto del monte Suribachi de la isla de Iwo Jima y además fue el debut cinematográfico del hijo del cineasta, Scott. La segunda película sobre este conflicto fue Cartas desde Iwo Jima, que muestra los preparativos japoneses para la defensa de la pequeña isla y las cartas que enviaron a casa a sus seres queridos. Cartas desde Iwo Jima fue la primera película estadounidense en retratar un conflicto íntegramente desde el punto de vista de su enemigo.201 Ambos filmes se ganaron los elogios de la crítica y varias nominaciones a los premios Óscar, entre ellas mejor director, mejor película y mejor guion original para Cartas desde Iwo Jima, mientras que en los Globos de Oro, Eastwood fue nominado a mejor director por ambas producciones y Cartas desde Iwo Jima recibió el premio a la mejor película en lengua no inglesa.

La siguiente película del cineasta fue Changeling (El intercambio, 2008), un drama basado en una historia real sucedida en los años 1920. Angelina Jolie protagoniza la historia de una madre soltera cuyo hijo desaparece sin dejar rastro. Algunos meses después, la policía le comunica que ha encontrado al niño, aunque nada más verlo se da cuenta de que es un impostor.202 Esta producción recaudó 110 millones de dólares, la mayoría fuera de su país de origen,203 y fue muy alabada; Damon Wise de la revista Empire la describió como «impecable»204 y Todd McCarthy de Variety dijo que era «emocionalmente poderosa».205 Una vez más el trabajo de Eastwood tras las cámaras se vio recompensado con nominaciones a los Globos de Oro por la banda sonora, a mejor dirección en los premios BAFTA británicos y a director del año por el Círculo de Críticos de Londres.

Ese mismo año el actor puso fin a cuatro años sin actuar en una película206 con su papel protagonista en Gran Torino, un filme en el que también dirige, produce y compone parte de la banda sonora junto a su hijo Kyle y a Jamie Cullum. El biógrafo Marc Eliot describió el personaje del actor en esta película como una «amalgama del Hombre sin nombre, Harry el sucio y William Munny, aquí envejecidos y cínicos, pero dispuestos y capaces de luchar cuando surgiera la necesidad».207 La recaudación de esta producción en su primer fin de semana en cartelera ascendió a 30 millones de dólares y en total llegó a sumar 268 millones, lo que la sitúa como la película más taquillera de toda la carrera de Clint Eastwood.208

La película número treinta dirigida por Eastwood fue Invictus (2009), basada en la verdadera historia de la selección de Sudáfrica que ganó la Copa Mundial de Rugby de 1995. Morgan Freeman hace de Nelson Mandela y Matt Damon del capitán del equipo, François Pienaar.209 Las críticas a este drama deportivo fueron en general positivas: Roger Ebert le otorgó tres estrellas y media y la describió como «una película muy buena, con momentos que evocan gran emoción»,210 y Todd McCarthy afirmó que «el filme de Clint Eastwood tiene una trayectoria predecible, pero todas las escenas rebosan detalles sorprendentes que se acumulan en una rica creación de historia, impresiones culturales y emoción».211 Por esta producción el cineasta fue nominado a mejor director en la 67.ª edición de los Globos de Oro.

2010 fue el año de estreno del nuevo drama del director, Hereafter (Más allá de la vida), en la que narra paralelamente la historia de tres personajes que han tenido algún tipo de contacto con la muerte. En esta producción el cineasta volvió a contar con el actor Matt Damon, que interpreta a un psíquico. La premier de la película se celebró en el Festival Internacional de Cine de Toronto en septiembre de 2010212 213 y recibió críticas dispares. La página web Rotten Tomatoes concluye que «a pesar de su premisa reflexiva y del estilo típico de Eastwood como director, Hereafter no consigue ser un drama convincente y se queda a medio camino entre el sentimentalismo patético y el tedio».214 Ese mismo año el cineasta ejerció de productor ejecutivo de un documental para el canal de televisión Turner Classic Movies (TCM) sobre el pianista de jazz Dave Brubeck con la intención de conmemorar el noventa aniversario de su nacimiento.215

Todo el mundo se pregunta por qué sigo trabajando a esta edad. Sigo trabajando porque siempre hay nuevas historias... Mientras la gente quiera que se las cuente, lo seguiré haciendo.
—Eastwood sobre su dilatada carrera.216
Al año siguiente, en 2011, Eastwood dirigió una película biográfica titulada J. Edgar, sobre el que fuera durante varias décadas director del FBI, John Edgar Hoover, con Leonardo DiCaprio en la piel del biografiado.217 El consenso en Rotten Tomatoes fue que «DiCaprio ofrece una actuación predeciblemente potente, pero J. Edgar tropieza en todos los demás aspectos».218 Roger Ebert opinó que el filme era «fascinante» y «magistral», y elogió la actuación del protagonista, mientras que David Edelstein, del New York Magazine, también alabó a DiCaprio pero dijo «es una lástima que J. Edgar sea tan deforme y torpe, con tantas líneas malas y lecturas peores».219 En enero de 2011 se anunció que Clint Eastwood estaba en conversaciones con la cantante Beyoncé Knowles para que protagonizara una tercera adaptación de la película de 1937 Ha nacido una estrella,220 pero el proyecto tuvo que ser pospuesto debido al embarazo de la artista. En 2012 el actor volvió a ponerse delante de las cámaras a sus 82 años en un drama sobre el mundo del béisbol titulado Trouble with the curve (Golpe de efecto), en el que interpreta a un veterano ojeador de jugadores de béisbol. La cinta la dirige Robert Lorenz, asistente de dirección de Eastwood en varias películas.221

Director[editar]


Clint Eastwood en el Festival de Cannes de 2008.
Desde su ópera prima como director en 1971, Play Misty for Me (Escalofrío en la noche), Clint Eastwood ha dirigido más de treinta películas en su dilatada carrera cinematográfica, desde westerns, a filmes de acción y dramas. Es uno de los pocos actores que se han puesto detrás de las cámaras y han conseguido la aclamación del público y la crítica. La revista The New Yorker resumió que, a diferencia de Eastwood:222

John Ford sólo actuó en unas pocas películas mudas; Howard Hawks nunca fue actor. Clark Gable, Gary Cooper, Spencer Tracy, James Stewart, Cary Grant, Humphrey Bogart, William Holden, Steve McQueen y Sean Connery nunca dirigieron un largometraje. John Wayne solo dirigió dos películas y no muy bien, al igual que Burt Lancaster. Paul Newman, Jack Nicholson, Warren Beatty, Robert Redford, Robert De Niro y Sean Penn únicamente han dirigido unas pocas películas cada uno con diverso éxito de crítica y público.
Desde los inicios de su carrera a Eastwood le frustraba la insistencia de los directores en que las escenas se filmaran varias veces y se perfeccionaran. Por ello, cuando empezó a dirigir en 1970 intentó evitar de forma consciente algunos aspectos de la labor de dirección que no le habían gustado en su etapa como actor. Eastwood es famoso por su eficiente forma de dirigir y su habilidad para reducir la duración de los rodajes y mantener el presupuesto bajo control. Normalmente no deja que los actores ensayen y busca que todas las escenas se completen en la primera toma.223 224 La rapidez de filmación de Eastwood ha sido comparada con la de Woody Allen, Ingmar Bergman, Jean-Luc Godard o los hermanos Coen. En algunas películas en las que en principio solo iba a actuar también ha llegado a cumplir funciones de director si consideraba que el rodaje se desarrollaba con lentitud, como hizo en The Outlaw Josey Wales (El fuera de la ley, 1976).222 Mientras prepara una película raramente usa storyboards para esbozar el plan de rodaje225 226 227 y también intenta reducir los detalles de fondo de los personajes en el guion para que el público se involucre más en las historias,228 pues considera que la imaginación de los espectadores es un requisito indispensable para establecer una conexión con ellos.228 229 Eastwood afirma que plantea el argumento de sus películas para dar a la audiencia los detalles necesarios, pero no «tantos como para insultar su inteligencia».230

Según la revista Life, «El estilo de Eastwood es disparar primero y actuar después. Dibuja a sus personajes casi sin palabras».231 Los entrevistadores Richard Thompson y Tim Hunter apuntaron que las películas de Eastwood tienen «un ritmo magnífico: sin prisas, frescas, tienen un gran sentido del tempo, independientemente de la velocidad de la narración».232 Por su parte, Ric Gentry considera que el ritmo narrativo del cineasta es «relajado y tranquilo».233 Eastwood suele emplear una iluminación tenue y de mucho contraste que le da a sus filmes un aspecto similar al del cine negro.224 234 La frecuente exploración en su filmografía por los valores éticos ha llamado la atención de los estudiosos, que han explorado el trabajo de Eastwood desde perspectivas éticas y teológicas, incluido su retrato de la justicia, la misericordia o el suicidio.235

Vida privada[editar]
Relaciones[editar]
En 2011 una de las hijas de Clint Eastwood, Alison, dijo: «Mi padre tiene ocho hijos de seis mujeres».1 El actor ha sido descrito como un «mujeriego en serie»,236 237 4 y no en vano los biógrafos Marc Eliot y Patrick McGilligan afirman que el cineasta ha tenido relaciones con las actrices Catherine Deneuve,238 239 Jill Banner,240 Jamie Rose,241 Inger Stevens,242 Jo Ann Harris243 y Jean Seberg,244 con la guionista Megan Rose,243 245 con la ex mujer de James Brolin, Jane,246 con la columnista Bridget Byrne247 y con la nadadora profesional Anita Lhoest.238

Eastwood se casó con Maggie Johnson el 19 de diciembre de 1953, seis meses después de que se conocieran en una cita a ciegas.248 Sin embargo, ese matrimonio no fue completamente feliz porque el actor y director siempre pensó que se había casado demasiado joven. Una década después, durante el juicio para divorciarse de Johnson, Eastwood tuvo un romance con la bailarina Roxanne Tunis del que nació su primera hija, Kimber Tunis, que vino el mundo el 17 de junio de 1964249 250 (el cineasta no reconoció públicamente a esta hija hasta 1996,251 siete años después de que ella revelara en un periódico ser hija del célebre cineasta).252 Después de reconciliarse con su esposa, Eastwood tuvo dos hijos con Johnson: Kyle Eastwood (nacido el 19 de mayo de 1968) y Alison Eastwood (nacida el 22 de mayo de 1972), aunque el padre no estuvo presente en ninguno de los dos partos.253 En 1978 Maggie Johnson declaró la separación matrimonial tras otro largo juicio, aunque la pareja no se divorció oficialmente hasta mayo de 1984.254 255



Eastwood con la actriz Sondra Locke en 1988.
La relación de Eastwood con la actriz Sondra Locke comenzó en el otoño de 1975 durante la producción de The Outlaw Josey Wales. Vivieron juntos durante casi catorce años, durante los cuales Locke estuvo nominalmente casada con su marido homosexual, Gordon Anderson.256 257 Eastwood entabló amistad con el marido de la actriz y les compró una casa a él y a su pareja masculina en Crescent Heights, Canadá.250 A finales de los años 1970 Locke sufrió dos abortos y una ligadura de trompas,258 decisiones todas que según la actriz fueron de «mutuo acuerdo».259 Eastwood y Locke protagonizaron otras cinco películas juntos: The Gauntlet, Every Which Way but Loose, Bronco Billy, Any Which Way You Can y Sudden Impact. El 10 de abril de 1989, mientras Locke estaba fuera dirigiendo la película Impulse, Eastwood mandó cambiar las cerraduras de la casa que ambos compartían en el barrio de Bel-Air y empaquetar y almacenar los enseres de la actriz.260 Después de varios juicios, en los que ella llegó a denunciar al cineasta por estafa,261 en 1996 Eastwood aceptó pagarle una suma de dinero no desvelada solo unos minutos antes de que un jurado emitiera un veredicto a favor de la actriz.262 La autobiografía de Sondra Locke, titulada The Good, the Bad, and the Very Ugly (El bueno, el malo y el muy feo), incluye un relato pormenorizado del trato que le dispensó Eastwood tras la separación.263

Durante los últimos tres años de su cohabitación con Locke, Eastwood fue padre de dos hijos en secreto con la azafata Jacelyn Reeves.236 Se conocieron en un pub de la localidad de Carmel y concibieron un hijo, Scott Reeves, que nació el 21 de marzo de 1986, durante la premier de la película El jinete pálido.264 El 2 de febrero de 1988 nació la segunda hija del cineasta con Jacelyn, bautizada Kathryn Reeves.255 La partida de nacimiento de ambos hijos afirma «el padre renuncia».265 La relación de Eastwood con Reeves fue sacada a la luz por la revista Star en 1990,266 pero no tuvo eco en la prensa generalista hasta diez años después. En 1996 Richard Schickel, amigo de Eastwood, escribió una biografía autorizada en la que se afirmaba que el actor y director había tenido dos hijos que no eran de conocimiento público, pero que no revelarían sus nombres o el de la madre.267 Hasta el año 2002 Eastwood no hizo públicas las identidades de sus hijos y de la madre y en 2005 su hija Kathryn apareció en la entrega de los premios Globo de Oro presentando un premio a su padre por la película Million Dollar Baby.268



Clint Eastwood y Dina Ruiz, su esposa de 1996 a 2013.
En 1990 Eastwood comenzó a vivir con la actriz Frances Fisher, a quien había conocido durante el rodaje de El Cadillac rosa a finales de 1988.269 Ambos volvieron a trabajar juntos en Unforgiven y tuvieron una hija, Francesca Fisher Eastwood (nacida el 7 de agosto de 1993).270 Eastwood y Fisher pusieron fin a su relación a comienzos de 1995,271 pero siguieron manteniendo la amistad y trabajaron juntos en True crime (Ejecución inminente, 1999).

La siguiente pareja de Clint Eastwood fue Dina Ruiz, una presentadora de noticiarios de t

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QUENTIN TARANTINO

5. QUENTIN TARANTINO

Primeros años[editar] Nació en Knoxville, Tennessee, en 1963, hijo de Tony Tarantino, actor y músico amateur nacido en Queens, y Connie McHugh, una enfermera.1 Su padre es de ascendencia italiana (su abuelo era originario de Palermo)2 y su madre es de ascendencia irlandesa, alemana y cheroqui.2... Ver mas
Primeros años[editar]
Nació en Knoxville, Tennessee, en 1963, hijo de Tony Tarantino, actor y músico amateur nacido en Queens, y Connie McHugh, una enfermera.1 Su padre es de ascendencia italiana (su abuelo era originario de Palermo)2 y su madre es de ascendencia irlandesa, alemana y cheroqui.2 3 4 5 El nombre de Tarantino hace referencia a un personaje de una serie de televisión, el herrero mestizo Quint interpretado por Burt Reynolds en Gunsmoke. Fue criado por su madre, ya que sus padres se separaron antes de nacer.6 Cuando tenía dos años, se trasladaron a Torrance, al sur de Los Ángeles, y más tarde al barrio de Harbor City, donde asistió a la escuela superior Fleming Junior en Lomita, y tomó clases de teatro.6 Su barrio era una mezcla de blancos y negros por lo que estuvo expuesto a una gran variedad de influencias cinematográficas y de culturas populares. Por ejemplo, las películas de artes marciales, que se seguían poniendo en los barrios negros después de que la fiebre del kung fu se trasladara a otros sitios. Tarantino se las apañó para seguir viéndolas hasta bien entrados los años '70. Asistió a la escuela superior de Narbonne en Harbor City durante un año antes de abandonarla a 15 años para dedicarse a tiempo completo a tomar clases de actuación en la James Best Theater Company en Toluca Lake.7

Se puso a trabajar en el videoclub Video Archives en Manhattan Beach junto a otros entusiastas del cine, entre ellos Roger Avary, donde discutían de cine y de las recomendaciones a los clientes. Prestó mucha atención a los tipos de películas que le gustaba alquilar a la gente y ha citado la experiencia como fuente de inspiración para su carrera como director.8 El propio Tarantino ha dicho: "Cuando la gente me pregunta si fui a la escuela de cine les digo, ‘no, fui al cine‘".3

Carrera cinematográfica[editar]
Empezó a escribir junto con Avary y otros amigos, pasó varios frustrantes años escribiendo e intentando poner en marcha dos guiones que pretendían ser su debut como director. En parte como consecuencia de lo difícil que resultaba poder hacer una "película de verdad" para un escritor desconocido como director, escribió en 1991 Reservoir Dogs, con la intención de que fuera el proyecto más minimalista que se pueda imaginar: la historia de un atraco a mano armada en la que el robo tiene lugar fuera de la pantalla, páginas y páginas de diálogo que necesitan un sólo plató. Pretendía ser una película de 16mm extremadamente barata con Tarantino y sus amigos de Video Archives interpretando todos los papeles. Afortunadamente, el ambicioso productor Lawrence Bender leyó el guion de Reservoir Dogs, le fascinó y pidió a Tarantino que le concediera un mes para intentar convertirlo en esa "película de verdad". Fue Bender quien hizo llegar el guion al actor Harvey Keitel y fue el entusiasmo de éste lo que atrajo a varios buenos actores y, finalmente, un presupuesto decente para la producción. Rodada en menos de un mes en Los Ángeles, con un reparto excepcional que incluía al propio Keitel (que también se encargó de co-producirla), Michael Madsen, Steve Buscemi, Tim Roth, Lawrence Tierney, Chris Penn y el propio Tarantino. Reservoir Dogs fue todo un éxito, primero en el Festival de Cine de Sundance9 y después en todo el mundo.

De repente, Tarantino estaba de moda y los dos guiones en los que había estado trabajando antes de Reservoir Dogs se vendieron enseguida: fueron True Romance (Amor a quemarropa, 1992, dirigida por Tony Scott) y Natural Born Killers (Asesinos natos, reescrita y dirigida por Oliver Stone en 1993). También le ofrecieron algunos proyectos, como Speed y Men in Black,10 pero prefirió retirarse a Ámsterdam a trabajar en su guion de Pulp Fiction, un collage de ficción interpretado por John Travolta y Uma Thurman estrenado en 1994, que supuso otro éxito para Tarantino y varias nominaciones a premios, de los que consiguió la Palma de Oro en el Festival de Cannes, y el Oscar, Globo de Oro y BAFTA al mejor guion original.

Tras esto dirigió el cuarto episodio de Four Rooms, The Man From Hollywood, un homenaje a Alfred Hitchcock. El resto de episodios de la película fueron dirigidos por Allison Anders, Alexandre Rockwell y Robert Rodriguez. Actuó y escribió el guion de Abierto hasta el amanecer, película que dirigió su amigo Robert Rodriguez, y que dio lugar a dos secuelas, en las cuales Tarantino y Rodriguez sólo ejercieron como productores ejecutivos.

Su tercera película fue Jackie Brown en 1997, que escribió y dirigió. Fue una adaptación de Rum Punch, novela de Elmore Leonard. Un homenaje a las películas de blaxploitation, protagonizada por Pam Grier, quien actuó en muchas de las películas del género en los años 70, y que le valió la nominación tanto a los Globos de Oro como a los premios SAG por su papel, y el coprotagonista Robert Foster fue nominado al Oscar en la categoría de mejor actor de reparto. Completaban este reparto único Samuel L. Jackson (nominado también para un Globo de Oro), Robert De Niro, Bridget Fonda y Michael Keaton.



Quentin Tarantino y Diane Kruger en la ceremonia de los Óscar 2010.
Había planeado hacer a continuación una película bélica provisionalmente titulada Inglourious Bastards, pero lo pospuso para escribir y dirigir Kill Bill (estrenada en dos partes, Vol. 1 y Vol. 2), una película de venganza que tomaba elementos de Wuxia (arte marcial chino), Jidaigeki (género cinematográfico japonés) y spaghetti westerns. Se basó en el personaje (la Novia) y la trama que Uma Thurman y él habían desarrollado durante el rodaje de Pulp Fiction. En 2005 Tarantino fue director invitado en Sin City, película dirigida por Frank Miller y Robert Rodriguez. En ella dirige la escena del coche protagonizada por Clive Owen y Benicio del Toro.

Su siguiente proyecto fue Grindhouse, co-dirigida junto a Robert Rodriguez y estrenada en 2007. Tarantino dirigió el segmento titulado Death Proof. Su rendimiento en los cines no fue el esperado a pesar de tener una crítica favorable.11

Su siguiente película fue Inglourious Basterds, una historia sobre un grupo de soldados estadounidenses en la Francia ocupada por los nazis durante la Segunda Guerra Mundial. La filmación comenzó en octubre de 2008.12 La película se estrenó el 21 de agosto de 2009 (en Estados Unidos) cosechando críticas muy positivas13 y llegando al primer puesto de recaudación mundial.14 Es la película de Tarantino que mayor recaudación ha conseguido tanto en los Estados Unidos como a nivel mundial.15

En 2011 comenzó la producción de Django Unchained, una película sobre Django, un ex-esclavo que es rescatado por un cazarrecompensas que, después de que Django le ayude a cazar delincuentes durante un tiempo, los dos juntos van a rescatar a su mujer de manos del dueño de una gran plantación. La película surgió del deseo de Tarantino de hacer un spaghetti western en el sur profundo de Estados Unidos, que Tarantino ha llamado un "southern",16 afirmando que quería "hacer películas que trataran del horrible pasado de Estados Unidos con la esclavitud y esas cosas, pero como lo hacen los spaghetti westerns, no como películas sobre un gran problema. Quiero hacerlo como si fueran películas de género, pero se enfrentan con todo lo que Estados Unidos nunca se ha ocupado porque se avergüenza de ello, y otros países no tratan sobre ello porque no sienten que tengan derecho a hacerlo."17 18 Tarantino terminó el guion el 26 de abril de 2011, y se lo entregó a The Weinstein Company.19 Christoph Waltz fue elegido para interpretar a un alemán cazador de recompensas.20 Para el papel protagonista se rumorearon Will Smith e Idris Elba, pero finalmente Jamie Foxx fue el elegido para hacer de Django.21 También estaba en el reparto Samuel L. Jackson, como Stephen, un esclavo fiel; y Leonardo DiCaprio en el papel de Calvin Candie, el dueño de la plantación Candyland principal antagonista en la película. Se estrenó el 25 de diciembre de 2012.22 23 24

Productor[editar]
En los últimos años, Tarantino ha utilizado su poder en Hollywood para dar a películas pequeñas y extranjeras más atención de lo que recibirían de otra manera. Estas películas llevan por lo general la etiqueta "Presentado por Quentin Tarantino" o "Quentin Tarantino Presenta". La primera de estas producciones fue en 2001 con la película de artes marciales de Hong Kong Iron Monkey, que recaudó más de $14 millones en los Estados Unidos, siete veces su presupuesto. En el año 2004 llevó la película china de artes marciales Hero a Estados Unidos. Llegó a alcanzar el #1 de recaudación en su apertura a la taquilla ganando $53.5 millones. En 2006, la última producción "Quentin Tarantino Presenta", Hostel, alcanzó en su fin de semana de apertura el #1 en la taquilla con una recaudación inicial de $20.1 millones. En 2006 presentó Thai Dragon, y también es productor de la película Hostel: Part II (2007). En 2008 produjo Hell Ride (escrita y dirigida por Larry Bishop, que apareció en Kill Bill Vol. 2). También fue productor de la adaptación de la novela de Elmore Leonard, Killshot (donde está acreditado como productor ejecutivo, aunque Tarantino no estuvo asociado con la película a partir de su estreno en 2009).25 También brindó apoyo a la película El hombre de los puños de hierro, el debut como director de RZA, la cual se estrenó el 2 de noviembre de 2012 en Estados Unidos26

Además, en 1995 Tarantino creó Rolling Thunder Pictures27 junto con Miramax como un vehículo para lanzar o volver a lanzar varias películas independientes y extranjeras. En 1997, Miramax cerró la empresa debido a la "falta de interés" en las películas publicadas. Las siguientes películas fueron publicadas por Rolling Thunder Pictures:28 Chungking Express (1994, dir. Wong Kar-wai), Switchblade Sisters (1975, dir. Jack Hill), Sonatine (1993, dir. Takeshi Kitano), Hard Core Logo (1996, dir. Bruce McDonald), The Mighty Peking Man (1977, dir. Ho Meng-Hua), Detroit 9000 (1973, dir. Arthur Marks), El más allá (1981, dir. Lucio Fulci) and Curdled (1996, dir. Reb Braddock).

Otros proyectos potenciales[editar]
Antes de Inglourious Basterds, Quentin Tarantino había pensado en hacer una película sobre los hermanos Vega, que contaría con Michael Madsen y John Travolta retomando sus papeles de Vic Vega (Sr. Rubio) de Reservoir Dogs y Vincent Vega de Pulp Fiction. Sin embargo, en 2007, debido a la edad de los actores y las muertes de ambos personajes en pantalla, afirmó que el proyecto (que tenía la intención de llamarla Double V Vega) "es muy improbable ahora".29

En 2009, en una entrevista para la televisión italiana, tras ser preguntado sobre el éxito de las dos películas de Kill Bill, Tarantino dijo: "No me han preguntado acerca de la tercera", e insinuaba que iba a hacer un tercera película Kill Bill con las palabras "¡La Novia volverá a pelear!".30 Más tarde ese año, en el Festival Internacional de Cine de Morelia, Tarantino anunció que le gustaría hacer la película Kill Bill: Vol. 3. Él explicó que quería dejar pasar diez años entre el último conflicto de la novia, a fin de dar a ella y a su hija un período de paz.31

Hasta hace relativamente poco se encontraba trabajando en "The Hateful Eight", un western que sería su próxima película de no ser por una filtración del guión que le llevó a cancelar la producción de ésta para pasar a su siguiente proyecto, aún por conocer.

Vida personal[editar]
Tarantino ha estado ligado sentimentalmente con la actriz estadounidense Mira Sorvino,32 las directoras de cine Allison Anders, y Sofia Coppola,33 la actriz Julie Dreyfus34 y las comediantes Kathy Griffin35 y Margaret Cho.36 También ha habido rumores acerca de su relación con Uma Thurman, a quien se refería como su "musa".6 Sin embargo, Tarantino ha afirmado que su relación es estrictamente platónica.37

Tarantino declaró: "No estoy diciendo que nunca voy a casarme o tener un hijo antes de que tenga 60 años. Pero he tomado una decisión, por ahora, de ir por este camino solo. Este es mi tiempo para hacer películas".38 También ha declarado que planea retirarse del mundo del cine a los 60 años, para centrarse en escribir novelas y en la literatura cinematográfica. También se muestra contrario al rumbo hacia lo digital de la industria del cine, diciendo: "Si llega un día en el que no puedas ver películas de 35mm en los cines y todo sea proyección digital, ni siquiera voy a llegar a los 60".39

El 18 de febrero de 2010, Tarantino compró el New Beverly Cinema, un viejo cine de repertorio que data de 1920. Tarantino permitió a los actuales propietarios seguir llevando el teatro, pero de vez en cuando hará sugerencias de programación. Tarantino dijo: "Mientras yo esté vivo, y mientras sea rico, el New Beverly estará allí, proyectando películas rodadas en 35mm".40

Influencias y estilo[editar]


Robert Rodriguez y Tarantino en el año 2007. Ambos han compartido creditos en los filmes de cada uno.
Tarantino ha creado un estilo propio y único, que combina los estilos de sus géneros favoritos, haciendo de él uno de los más puros Auteurs recientes. Él expresa sus películas exactamente desde su punto de vista, por ejemplo, en Kill Bill, combinó el estilo de las películas de kung fu de Sonny Chiba y los spaghetti westerns de Sergio Leone. Tarantino es el primero en decir que está fuertemente inspirado en la trama y en el estilo por sus películas favoritas; y logra rendir homenaje a éstas, pero aun así sus películas tienen un toque único y propio. La música también es una parte muy importante de su estilo de filmación, y ha sido reconocido por ello con el premio Music and Film en los Critics' Choice Awards en 2011.41 42

En 2002, en la encuesta de directores de la revista Sight & Sound, Tarantino reveló sus doce películas favoritas: El bueno, el feo y el malo; Río Bravo; Taxi Driver; His Girl Friday; El expreso de Corea; Todos rieron; The Great Escape; Carrie; Coffy; Dazed and Confused; Five Fingers of Death; y Casados sin casa.43 En 2009 afirmó que la película de acción de Kinji Fukasaku Battle Royale era su película favorita de las estrenadas desde que se convirtiera en director en 1992.44

En agosto de 2007, mientras que impartía un curso de cine de cuatro horas durante el 9º Festival Internacional de Cine de Cinemanila en Manila, Tarantino citó a los directores filipinos Cirio Santiago, Romero Eddie y Gerardo de León como iconos personales de la década de los 70,45 citando las películas de vampiros y de la esclavitud en las mujeres de De León, especialmente la película Woman in cages, y describió la escena final como una "desesperación devastadora".45

El actor Steve Buscemi ha descrito el estilo de Tarantino a la hora de hacer cine como "lleno de energía" y "concentrado",46 un estilo que le ha granjeado muchos elogios en todo el mundo. Sobre el humor, Tarantino ha dicho: "Una de las cosas que intento hacer [en mis películas] es conseguir que la gente se ría de cosas que no son graciosas. No estoy diciendo que lo escriba como una comedia, pero ahí hay risas".47

Cuando le preguntaron si es posible aprender a hacer cine y dirigir películas simplemente viendo películas y sin estudios formales, respondió:

Sabes, es gracioso, para mí la mayoría de las escuelas de cine no te enseñan lo que necesitas para crear tu propia estética, tu propio estilo. Y en realidad parte de convertirse en un artista es descubrir tu estilo. Pueden enseñar a sincronizar la banda sonora con las imágenes, o puede ser que te enseñen algunos trucos diferentes de edición o "Oh, puedes hacer esto con una cámara" y te mostrarán algunas películas. Pero parte de convertirse en un artista es descubrir tu estilo, cuando empiezas "me gusta esto, pero no me gusta esto otro...". Pero luego empiezas a darte cuenta de la diferencia entre un buen trabajo y un mal trabajo, no sólo "me gusta esto, pero no me gusta esto otro...". Y entonces comienzas a afinar tu estilo, y ya sólo es ponerlo en práctica.47
Epítetos raciales[editar]
Spike Lee cuestionó el uso de Tarantino de epítetos raciales en sus películas, sobre todo el epíteto racial ofensivo "nigger" (negrata). En una entrevista a Variety sobre Jackie Brown, Lee dijo: "Yo no estoy en contra de la palabra, y la uso, pero no excesivamente. Y alguna gente habla así, pero Quentin está enamorado de la palabra ¿Qué es lo que quiere? ¿Que le hagan negro honorario?".48 49 Tarantino respondió en el talk-show de Charlie Rose afirmando:

Como escritor, exijo el derecho a escribir cualquier cosa en el mundo que quiera escribir. Exijo el derecho a ser ellos, exijo el derecho a pensar en ellos y exijo el derecho a decir la verdad de como los veo, ¿de acuerdo?. Y decir que yo no puedo hacer eso porque soy blanco, pero los hermanos Hughes pueden hacerlo porque son negros, eso es racista. Ese es el corazón del racismo. Y yo no acepto eso ... Es como un segmento de la comunidad negra que vive en Compton, que vive en Inglewood, donde se lleva a cabo Jackie Brown, que vive en Carson, así es como ellos hablan. Estoy diciendo la verdad. No se cuestionó si yo era negro, y me molesta que me lo pregunten porque soy blanco. Tengo derecho a decir la verdad. No tengo derecho a mentir.49 50
Samuel L. Jackson, quien ha aparecido en películas de ambos directores, defendió el uso de la palabra por parte de Tarantino, y también afirmó estar cansado de que Lee actuara como si fuera un cargo electo y pudiera hablar en nombre de toda la gente negra.49 En el Festival de Cine de Berlín, donde Jackie Brown se estaba exhibiendo, Jackson respondió a las críticas de Lee, diciendo:

No creo que la palabra sea ofensivo en el contexto de esta película ... Los artistas negros piensan que son los únicos autorizados a usar la palabra. Bueno, eso es una tontería. Jackie Brown es un homenaje maravilloso de las películas de blaxploitation. Esta es una buena película, y Spike no ha hecho una de estas en años. Si yo digo la palabra, está bien, pero porque Tarantino la ha escrito, ¿ya no está bien?49 50
Tarantino ha defendido su uso de la palabra, con el argumento de que las audiencias negras tienen una apreciación de las películas blaxploitation que le influyeron que escapa a algunos de sus críticos, y, de hecho, que Jackie Brown, se hizo principalmente para "público negro".51

Según un artículo de la revista Premiere en 1995, el actor Denzel Washington también se enfrentó con Tarantino debido al uso de insultos raciales en sus películas, aunque añadió que le consideraba un "gran artista".52

Actores habituales[editar]
Actor Reservoir Dogs Pulp Fiction Four Rooms Jackie Brown Kill Bill SAGA ! Death Proof Inglourious Basterds Django Unchained
Laura Cayouette No No
Omar Doom No No
Julie Dreyfus No No
Kathy Griffin No No
Sid Haig No No
Samuel L. Jackson No No No No (Sólo voz) No
Harvey Keitel No No No (Voz Teléfono)
Jonathan Loughran No No
Michael Madsen No No
James Parks No No
Michael Parks No No No
Tina Rodríguez No No
Eli Roth No No
Tim Roth No No No
Steve Buscemi No No
David Steen No No
Bo Svenson No No
Uma Thurman No No
Christoph Waltz No No
Bruce Willis No No
Filmografía 53 [editar]
Artículo principal: Filmografía de Quentin Tarantino
Junto a su faceta como director, Quentin Tarantino ha aparecido como actor, al margen de sus propias películas, en títulos como Duerme conmigo (1994), Alguien a quien amar (1994), Johnny Destiny (1995), Desperado (película) (1995), Abierto hasta el amanecer (1996), Girl 6 (1996), Little Nicky (2000) y Sukiyaki western Django (2007).

Director[editar]
1987 - My Best Friend's Birthday (Cortometraje)
1992 - Reservoir Dogs
1994 - Pulp Fiction
1995 - Four Rooms (Director invitado)
1997 - Jackie Brown
2003 - Kill Bill. Volumen 1
2004 - Kill Bill. Volumen 2
2005 - Sin City (Director invitado)
2007 - Death Proof
2009 - Inglourious Basterds
2012 - Django Unchained
Premios54 [editar]
Premios Oscar
Año Categoría Película Resultado
2013 Mejor guion original Django Unchained Ganador
2009 Mejor director Inglourious Basterds Nominado
2009 Mejor guion original Inglourious Basterds Nominado
1994 Mejor director Pulp Fiction Nominado
1994 Mejor guion original Pulp Fiction Ganador
Premios Globo de Oro
Año Categoría Película Resultado
2013 Mejor director Django Unchained Nominado
2013 Mejor guion Django Unchained Ganador
2010 Mejor director Inglourious Basterds Nominado
2010 Mejor guion Inglourious Basterds Nominado
1995 Mejor director Pulp Fiction Nominado
1995 Mejor guion Pulp Fiction Ganador
Premios BAFTA
Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor director Django Unchained Nominado
2012 Mejor guion original Django Unchained Ganador
2009 Mejor director Inglourious Basterds Nominado
2009 Mejor guion original Inglourious Basterds Nominado
1994 Mejor director Pulp Fiction Nominado
1994 Mejor guion original Pulp Fiction Ganador
Festival de Cannes
Año Categoría Película Resultado
1994 Palma de Oro Pulp Fiction Ganador
2007 Palma de Oro Death Proof Nominado
2009 Palma de Oro Inglourious Basterds Nominado


Otros
Reservoir Dogs ganó el Premio de la Crítica en el 4º Yubari International Fantastic Film Festival en 1993.55
En 1996, Tarantino fue nominado a los Razzie en la categoría Peor actor de reparto por la película Abierto hasta el amanecer, pero perdió contra Marlon Brando en La isla del doctor Moreau.56
En 2005, Quentin Tarantino ganó el premio a Icono de la Década en los 10ª edición de los Premios Empire.57
El 15 de agosto de 2007, la presidenta de Filipinas Gloria Macapagal-Arroyo entregó a Tarantino un premio por su trayectoria en el Palacio de Malacañán en Manila.58
En marzo de 2010, Tarantino fue premiado con la Orden al Mérito de la República de Hungría junto con Lucy Liu y Andy Vajna por la producción del documental de 2006 Freedom's Fury.59
En febrero de 2011, Tarantino recibió un César Honorífico de la Academia del Cine Francés.60
En 2011 recibió el premio Music and Film (música y cine) en los Critics' Choice Awards.41
Recepción y crítica[editar]
Película Rotten Tomatoes Metacritic IMDb
Todas Top
Reservoir Dogs 96%61 92%61 7862 8.463
Pulp Fiction 95%64 94%64 9465 9.066
Jackie Brown 86%67 61%67 6468 7.669
Kill Bill Vol. 1 85%70 78%70 6971 8.272
Kill Bill Vol. 2 85%73 81%73 8374 8.075
Death Proof 64%76 - - 7.277
Inglourious Basterds 88%78 74%78 6979 8.380
Django Unchained 88%81 76%81 8182 8.583
Media 86% 80% 77 8.2

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FRANCIS FORD COPPOLA

6. FRANCIS FORD COPPOLA

Francis Ford Coppola (nacido en Detroit, el 7 de abril de 1939) es un guionista, productor y director de cine estadounidense, siete veces ganador del premio Óscar. Hijo del compositor y director de orquesta Carmine Coppola y la actriz Italia Pennino Coppola, ingresó en la Universidad Hofstra... Ver mas
Francis Ford Coppola (nacido en Detroit, el 7 de abril de 1939) es un guionista, productor y director de cine estadounidense, siete veces ganador del premio Óscar.

Hijo del compositor y director de orquesta Carmine Coppola y la actriz Italia Pennino Coppola, ingresó en la Universidad Hofstra para estudiar Artes Dramáticas, y años más tarde se tituló en Artes Teatrales en la UCLA. Su carrera inició en 1963 con la dirección de Dementia 13, de la cual también realizó el guion. Desde eso ha dirigido más de una veintena de películas, algunas de ellas aclamadas por la crítica cinematográfica, entre las que destacan producciones como La conversación (1974), la bélica Apocalypse Now (1979) o la adaptación al cine de la novela de Bram Stoker Drácula (1992). Sin embargo sus obras más reconocidas y ovacionadas son El padrino y El padrino II, ambas adaptaciones del superventas homónimo del novelista italoamericano Mario Puzo, la primera es una de los filmes más reconocidos y elogiados de todos los tiempos, que le hizo acreedor a dos nuevos premios de la Academia por Mejor película y Mejor guion adaptado (que compartió con Puzo por co-escribirlo), mientras que la segunda es la secuela más apreciada en la cinematografía estadounidense (la única secuela en ganar un Óscar), con la que recibió un premio de la Academia por Mejor director.

Es considerado uno de los más grandes directores de la segunda mitad del siglo XX y uno de los más grandes de todos los tiempos, siendo El padrino recurrentemente elegida en encuestas como una de las mejores películas de la historia, y Apocalypse Now una de las más grandes películas de culto en el sistema de producción de Hollywood.

Desde sus inicios Coppola desarrolló de igual forma su carrera como productor, destacando los dos primeros filmes de su amigo George Lucas, THX-1138 y American Graffiti, y otras como Kagemusha, Kinsey o Sleepy Hollow.

Fuera de las luces del séptimo arte se desempeña como viticultor, hotelero y publicista. Es padre del director de películas y videos musicales Roman Coppola y de la actriz, directora, productora y guionista ganadora del Óscar Sofia Coppola, así como tío del actor Nicholas Kim Coppola, conocido como Nicolas Cage, y hermano de la actriz Talia Shire.
Infancia y juventud[editar]
Nació en Detroit, Míchigan como Francis Coppola (El segundo nombre, Ford, se lo puso en homenaje al director norteamericano John Ford). Hijo de Carmine Coppola (italo-americano, director de orquesta y flautista), y de Italia Coppola, (actriz que trabajó en su juventud en Italia). Es hermano de Talia Shire Coppola, padre de Sofia Coppola y tío de Nicolas Cage. A los nueve años cayó gravemente enfermo a causa de la poliomielitis, que le tuvo postrado en la cama cerca de un año en estado casi paralítico. Durante ese tiempo su única distracción fueron las marionetas y las películas familiares en «Súper 8».1 2

En 1957, decidido a convertirse en artista, ingresó a la Universidad Hofstra con 18 años de edad y se inscribió en la carrera de en Artes Dramáticas, donde llamó la atención por un montaje que realizó de Un tranvía llamado Deseo (A Streetcar Named Desire, de Tennesse Williams). Allí conoció a varios colaboradores, entre ellos Ronald Colby y Robert Spiotta, quienes ayudarían en la producción de El padrino, y también a los actores James Caan y Lainie Kazan, con quienes entablaría amistades duraderas.3 En 1960 obtuvo el título de Artes Teatrales y ese mismo año se graduó en la UCLA, cuyo plan de estudios no le agradó, pero le facilitó sus primeros contactos en la industria en la que pensó hacer fortuna y gloria.4

Años 1960[editar]
A principios de la década de los sesenta empezó a hacer películas, aunque lo primero que hizo son nudies (películas eróticas) de bajo presupuesto, pero esto no le importó. En este período completó los filmes Tonight for Sure y The Bellboy and the Playgirls, mediometrajes con desnudos y en los que demostró escaso interés. En 1962 conoció a Roger Corman, quien vio en Coppola a un joven talentoso con potencial para ser instruido en el medio cinematográfico, y seguidamente establecieron una relación profesional en la cual él se convirtió prácticamente en su asistente personal.5

Dementia 13[editar]
Artículo principal: Dementia 13
Su primera película acreditada fue Dementia 13, un largometraje de terror de bajo presupuesto hecho para Corman en 1963 y rodado en el transcurso de nueve días en Irlanda. Pero ese mismo año ya había participado en la realización, sin aparecer en los créditos, de otro filme para el mismo director y productor, denominado The Terror. Se sabe que Coppola montaba y colaboraba en muchos filmes de su mentor Corman mientras estudiaba en la universidad. No obstante, a Corman no le agradó el resultado final de la película y contrató a otro equipo dirigido por Jack Hill para que finalizase el rodaje, rompiendo definitivamente su relación con Coppola.6 7 8

You're a Big Boy Now[editar]
No fue hasta 1966 cuando Coppola dirigiría su primer título destacable, You're a Big Boy Now, entre otras cosas porque por primera vez incluía en él temas e inquietudes que le eran propios, tales como la búsqueda de independencia vital y el retrato de la juventud como uno de los tesoros malgastados de la sociedad. Filmado como su proyecto de fin de carrera, obtuvo por él matrícula de honor. Parcialmente autobiográfico, de irrisorio presupuesto, hoy en día es un filme muy desconocido y pendiente de revisión por el gran público.9 10

El valle del arco iris[editar]
A Coppola le ofrecieron dirigir un filme basado en la obra musical de Broadway El valle del arco iris, protagonizada por Petula Clark (en su primer filme americano) y el veterano Fred Astaire, y producida por Jack Warner, quien quedó desconcertado al ver el aspecto hippie de Coppola en aquella época. Adecuando material obsoleto a una época donde los musicales no eran populares, Coppola logró hacer de El valle del arco iris un filme meritorio y su trabajo con Petula Clark contribuyó a que la actriz fuera elegida por primera vez como candidata para el Globo de Oro como mejor actriz. Hoy día es una película olvidada, incluso por su autor, y en su momento fue acogida con indiferencia.11 12

The Rain People[editar]
Después de este encargo, Coppola decidió regresar con otro filme personal en el que poder demostrar que además de ser un buen director de estudio, con la capacidad de aceptar proyectos ajenos, era al mismo tiempo un autor con muchas cosas que contar y un estilo propio. Producto de ello es uno de sus filmes más personales, aunque también más desconocidos por el gran público: el drama The Rain People, que en 1969 le haría ganar la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián.

En 1969 funda su propia compañía productora, American Zoetrope, de la que era presidente ejecutivo y George Lucas vicepresidente.13 Cerraba así una prometedora primera década.

Años 1970[editar]
En 1971, Coppola ganó un Óscar al mejor guion original junto con Edmund H. Northon por el filme Patton. Su participación en este prestigioso y exitoso título era sólo el preludio de su década dorada, en la que se convertiría, progresivamente, en el director más influyente del mundo, el más exitoso, en un productor poderoso y de gran ambición.14

El padrino[editar]
Artículos principales: El padrino (película) y El padrino II.
Durante 1971 y 1972 se vio embarcado en el proyecto que le cambiaría la vida. Reacio en un principio a encargarse de la adaptación del [[supreventas] homónimo publicado hacía pocas fechas por el escritor Mario Puzo, Coppola vería cómo su vida cambiaba una vez que el infernal rodaje, de tan sólo 52 días, terminaba y veía a su película convertirse en la más taquillera de todos los tiempos y en ganadora de tres premios Óscar importantísimos, y a sí mismo en un creador capaz de llevar a cabo los más ambiciosos proyectos imaginables.15 16

Con el estudio disconforme con el reparto (especialmente por la presencia en él de la estrella Marlon Brando y del debutante Al Pacino) Coppola tuvo que pelear enconadamente con los ejecutivos de la Paramount para que le respetasen sus decisiones y para no ser sustituido a la semana de rodaje por un director más violento, pues creían que él no sería capaz de dotar al filme de la intensidad con la que esperaban atraer a millones de espectadores a las salas.17 Coppola les demostró, con la secuencia de la ejecución del gánster Sollozo y de su guardaespaldas el capitán McCluskey, a cargo de Michael Corleone, que tanto Pacino como él mismo eran los idóneos para protagonizar y dirigir la película respectivamente. Asimismo, Marlon Brando, en su colosal creación del Don, demostraba, una vez más, su grandioso talento para la caracterización extrema, que a partir de ese momento fue el paradigma del mafioso, que muchos de ellos intentarían imitar en su vida profesional.

Coppola, que coescribió la adaptación mano a mano con Puzo, en un principio se tomó el proyecto como un encargo profesional, pero poco a poco fue impregnando la historia con su propia experiencia ítalo-americana, dotando a la historia de una verosimilitud y una credibilidad pocas veces vista en esta clase de relatos negros. La soberbia fotografía del purista Gordon Willis y el diseño de producción del habitual en Coppola, a partir de entonces, Dean Tavoularis, terminaron por darle al primer filme de El padrino esa aura de clasicismo inolvidable que durante más de treinta años sigue enamorando a los cinéfilos.

Pero la ambición y el talento de Coppola no conocían límites en aquel entonces y, decidido a convertirse en el más grande, estrenó dos obras maestras en 1974. Dos años después de El padrino y convertido en multimillonario, filmaría La conversación y la segunda parte de la historia de Michael Corleone en El padrino II.

En la plenitud de su éxito y de su confianza en sí mismo, en marzo cosecharía seis premios de la academia de Hollywood por El padrino, parte II (convirtiéndose en la primera secuela que se alzaba con el Óscar a la mejor película) y en mayo la Palma de oro por La conversación.18 19 Esta cinta, protagonizada por Gene Hackman en uno de sus más aclamados trabajos, era un soberbio estudio del sonido dirigido por Walter Murch, por el que ganaría el Óscar al mejor montaje de sonido (no en vano Hackman encarna a un profesional de las escuchas telefónicas), para un relato sombrío y lento, de gran densidad psicológica, basada en los silencios y en la reflexión más que en una dinámica más habitual en el género de la intriga. Considerada por muchos una de las obras magnas de su realizador, La conversación ha envejecido tan bien como los dos primeros padrinos.

Por su parte, El padrino, parte II, con un presupuesto que doblaba el de su predecesora, lograba la gran hazaña de superar a un título mítico. Adentrándose en la tragedia (de raíz shakesperiana y homérica) de Michael Corleone, con la presencia, una vez más, de John Cazale, Robert Duvall, Talia Shire, Diane Keaton, y las incorporaciones de otros gigantes de su oficio como Lee Strasberg, Robert De Niro o Michael V. Gazzo; El padrino, parte II se estructuraba en dos líneas temporales que se trenzaban de manera primorosa. Por una parte, nos narra cómo Vito Corleone huyó de Sicilia a Norteamérica y se convirtió en un rey de la mafia de Nueva York. Por otro, nos retrata la lucha de Michael Corleone por proteger a su familia de los poderosos adversarios que acosan a los Corleone. Coppola consiguió sus tercer, cuarto y quinto Óscar aquel año por aquella obra maestra.

Endiosado, encumbrado y rico, Coppola aún tuvo tiempo para escribir la adaptación de 1974 de El gran Gatsby y para producirle a su amigo George Lucas su segunda película, el gran éxito y mito generacional American Graffiti. Pero Coppola aún no había superado a su gurú, Orson Welles, y estaba dispuesto a intentarlo con la adaptación de Heart of Darkness.

Heart of Darkness (Apocalypse Now)[editar]
Artículo principal: Apocalypse Now
La primera película del joven Orson Welles tenía que haber sido la adaptación de la famosa novela de Joseph Conrad El corazón de las tinieblas, pero ese proyecto fue abandonado por su elevado costo. Casi cuarenta años después, no existía mayor aliciente para Coppola (como luego lo fue el proyecto de Drácula) que realizar el proyecto que su gran mito en el cine no había podido hacer.

Inicialmente, Coppola quería ofrecer la película, que él había coescrito con John Milius, a su gran amigo George Lucas. Dándose cuenta de que él mismo era el único con la ambición para llevarla a buen puerto, comenzó el rodaje el 1 de marzo de 1976, sin saber que hasta el 21 de mayo de 1977 no daría el último «corten» y hasta 1979 no la estrenaría, con el título Apocalypse Now.

La cinta únicamente toma como referencia del relato original a sus dos principales personajes, a un ambiente de salvajismo primigenio y al viaje psicológico y espiritual que Willard emprende en pos de Kurtz. Pero, una vez más, Coppola demostró su talento para extraer de un texto materiales insospechados cuando dotó a su filme de una épica militarista y densamente onírica. Pero casi desde el principio la desgracia se alió con el rodaje, y las tragedias y los desastres se sumaron uno tras otro. El protagonista Martin Sheen sufrió un infarto que a punto estuvo de acabar con su vida, aunque pudo regresar en sorprendente buena forma al rodaje. Un huracán destruyó gran parte de los decorados. Marlon Brando mortificó a Coppola con exigencias excesivas de dinero y planes de rodaje a su gusto. El presupuesto del filme se disparó rápidamente. El gobierno de Filipinas se llevaba los helicópteros que Coppola utilizaba para las escenas de batalla sin previo aviso, pues estaban en guerra.

Pero Coppola supo mantenerse a flote y, en la cuerda floja, utilizó la pesadillesca experiencia para aportar al rodaje un tono y una tensión nunca antes experimentados en una sala de cine. Con un tratamiento del sonido, obra de Walter Murch, y una fotografía, obra de Vittorio Storaro, en verdad memorables, Coppola firmaba una de las obras de arte más importantes de las postrimerías del siglo XX. Endeudado y casi enloquecido por el rodaje, pudo recuperar lo invertido gracias a la fama y la taquilla que inmediatamente acompañaron a su estreno. No en vano, en el Festival de Cannes, aún sin terminar el montaje, fue presentada y ganó la Palma de oro. Es célebre la rueda de prensa en la que Coppola dijo la famosa frase: «Mi película no trata sobre Vietnam. Mi película es Vietnam».

Muchos años después de aquella película, en 1991, vería la luz el excelente documental en torno a la rodaje y a la locura de aquella mítica película, Heart of Darkness, en la que los «supervivientes», especialmente Eleanor Coppola, hablan de sus experiencias en la jungla filipina.

Años 1980[editar]
Después de una década febril y esplendorosa, Coppola vería como sus sueños, uno a uno, especialmente el de mantener un estudio en San Francisco (los Zoetrope), ajeno a la industria de Hollywood, le llevaba a la bancarrota, con los bancos reclamándole miles de millones de dólares y la entrega de su casa y su patrimonio, y con la obligación de regresar a la realización de proyectos de encargo, después de acariciar la posibilidad de no tener que volver a hacerlo.

One from the Heart[editar]
Artículo principal: One from the Heart
En 1982 y convencido de que nada podía pararle, dirige el musical, creado a la vieja usanza, One from the Heart, que con un coste superior a los veinte millones de dólares, y una taquilla cercana a la décima parte de esa cifra, supondría su gran desastre como productor y dueño de unos estudios que de la noche a la mañana se verían desmantelados. Obra de gran mérito pero lastrada por encajarse en una época en la que a nadie le interesaban obras de esa índole, One from the Heart supone el «Titanic» personal de Coppola y la razón de su periplo vital por los años ochenta.

Hammett[editar]
En 1982 tiene que terminar el filme que le había encargado a Wim Wenders, Hammett, porque él sólo había terminado el 30% de la película.20 Wenders realizó un cortometraje titulado Reverse Angle, en el que documentó sus disputas con Coppola durante el rodaje de Hammett.

The Outsiders y Rumble Fish[editar]
Artículos principales: The Outsiders (película) y Rumble Fish.
Coppola realiza al año siguiente dos filmes y al siguiente, 1984, otro más, una superproducción de encargo. Los dos primeros, The Outsiders y Rumble Fish, se hallan entre sus obras más personales, arriesgadas y mejores. Ambos significan el descubrimiento de una cantera de actores, (Tom Cruise, C. Thomas Howell, Matt Dillon, Patrick Swayze, Rob Lowe, Emilio Estévez, Diane Lane, su sobrino Nicolas Cage, Chris Penn y Mickey Rourke) que triunfará en el cine norteamericano de las siguientes décadas y ambas son relatos de jóvenes rebeldes que viven la vida a su manera, con ideas románticas y desesperadas. De especial relevancia es la segunda de ellas, inspirada en Sed de mal en su tratamiento del blanco y negro y con el tema recurrente del paso del tiempo (esencial en la obra del cineasta).

Cotton Club[editar]
Pero el fracaso de ambas películas lo obliga a aceptar el encargo de dirigir la ambiciosa The Cotton Club cuando ésta llevaba una semana de rodaje, convencido por el productor de El padrino, Robert Evans. Protagonizada por la estrella Richard Gere, Coppola logró colocar a su musa, la jovencísima Diane Lane, como compañera del protagonista. Coppola dirigió esta mezcla de musical y película de gánsters con destreza y buen gusto, y la crítica alabó el esfuerzo aunque parte de ella la recibió con tibieza y el público le dio la espalda. Su gran costo, superior incluso al de One from the Heart, y sus escasos resultados en la taquilla, terminaron por otorgar a Coppola una fama de derrochador y de director maldito. Su carrera parecía así herida de muerte.

Peggy Sue Got Married[editar]
Artículo principal: Peggy Sue Got Married
En 1986 accedió a realizar un encargo más pequeño aunque muy personal, la exitosa Peggy Sue Got Married, en la que reincidía en su estudio, aquí atemperado, del paso del tiempo y en una visión romántica e ingenua de la narración audiovisual. Ese año, sin embargo, le golpeaba cruelmente la muerte de su primogénito Gio Coppola, en un accidente de moto acuática, mientras rodaba su filme Jardines de piedra. Al año siguiente filmó un episodio televisivo, «Rip Van Winckle», parte de la serie llamada Faerie Tale Theatre.

Tucker[editar]
Artículo principal: Tucker: The Man and his Dream
Intentando sobreponerse al desastre de su vida familiar y profesional, seguiría trabajando, aun con muchas dificultades. Lucas, devolviéndole el favor de American Graffiti y ahora que él era rico y su amigo Coppola era un hombre arruinado, accedió a producirle la muy personal, emotiva y brillante Tucker, protagonizada por Jeff Bridges y que se convirtió en una de las películas más emblemáticas de su autor, quien a través de un visionario del mundo del automóvil conseguía contar su propia historia de éxitos y fracasos. Esta fue la primera película en varios años en la que Coppola firmaba como Francis Ford, y no como Francis Coppola a secas, según algunos dando a entender que los filmes en los que firmaba de ésta segunda forma no eran más que meros filmes de encargo.

Tucker representa un explícito álter ego del propio F. F. Coppola, tal como lo es Michael Corleone y, de un modo más perturbador, el Willard de Apocalypse Now. El visionario diseñador y constructor de coches revolucionarios viene a contar la propia historia de Coppola, pues ambos se enfrentan a las grandes compañías para intentar construir sus propios sueños.

Life without Zoe[editar]
Artículo principal: Life without Zoe
Al año siguiente, y dando por finalizada su terrible década, participó en el filme coral, junto con sus amigos Woody Allen y Martin Scorsese, New York Stories, para el que dirigió el segmento Life without Zoe, que la crítica no dudó en calificar como el peor de los tres.

Años 1990[editar]
El padrino III[editar]
Artículo principal: El padrino III
Decidido a salir de una vez por todas de su monstruosa crisis económica, Coppola accedió finalmente a realizar un filme más sobre la familia Corleone a cambio de un sueldo astronómico y de una tasa fija de intereses. Así, en 1990 se estrenó la conclusión de su colosal trilogía sobre Michael Corleone, con El padrino, parte III. Alejada de la épica y la energía de sus predecesoras, esta «coda», cómo el mismo gusta llamarla, es un relato crepuscular que no fue del agrado de muchos que esperaban una nueva aventura grandiosa de un todopoderoso Michael venciendo una vez más a sus enemigos. De hecho, la cinta cosechó numerosas críticas negativas, pese a un notable éxito de público que le permitió a Coppola cuadrar sus cuentas bancarias. En ésta ocasión, Michael es un anciano incapaz de sostener una lucha titánica y siniestra con el Vaticano, y ha de claudicar en favor del hijo bastardo de su hermano Sonny, Vincent (interpretado por Andy García, que resultó nominado al Óscar), para garantizar la supervivencia de su familia.

Coppola utilizó esta película, además, para exorcizar demonios personales, y no ha intentado ocultarlo. En un principio el papel de la hija de Michael iba a estar interpretado por la actriz Winona Ryder, quien abandonó a las pocas semanas el rodaje sin dar explicaciones, lo que obligó a Coppola a conceder el importante personaje de Mary a su propia hija, la entonces debutante Sofia Coppola, quien recibió un auténtico varapalo de los críticos por ésta interpretación. Pero su padre la defiende, y la puso ahí pues con ella en pantalla pudo exorcizar (dado que Michael Corleone es un álter ego suyo) la muerte de su hijo Gio y superar por fin también la tragedia. De esta forma, esta arriesgada y poco valorada película significó una superación vital para Coppola en muchos sentidos.

La película obtuvo siete nominaciones y ni un solo premio, en favor de otra película considerada inferior por la crítica, Bailando con lobos de Kevin Costner[cita requerida]. Esto certificó que, si bien Hollywood estaba dispuesto a admitir que el talento de Coppola no se había evaporado, no estaba dispuesto a hacerle regresar por la puerta grande ni a devolverle los privilegios de los que gozó en los años 70.[cita requerida]

Drácula[editar]
Artículo principal: Drácula de Bram Stoker
Enseguida comenzó los trabajos para una adaptación de Drácula que él no escribió. Es sabido que Orson Welles siempre quiso adaptarla y por eso, entre otras razones, Coppola se esforzó tanto en ella. Con un reparto destacado (Gary Oldman, Winona Ryder, Anthony Hopkins, Keanu Reeves) y una gran producción (aunque no demasiado grande para Hollywood), Coppola emprendió una aventura en la que intentó recuperar el aroma del cine primigenio hecho con maquetas, sombras y efectos rudimentarios.

Aprovechó así la cercanía del centenario del cine y la casi coincidencia de la publicación de la novela y la invención del cine, para homenajear (véase la secuencia del cinematógrafo) con un tratamiento cercano, salvando las distancias, a lo que hubieran hecho con ese material los maestros del cine mudo y primeros años del sonoro, filmando con una cámara Pathé y su mecanismo de manivela.

Siendo la más fiel de las adaptaciones de la famosa novela, es también un ejemplo de infidelidad literaria por la relación amorosa entre el conde y Mina, no presente en la novela, pero que en ningún momento deslegitima la adaptación, sino que la enriquece con un nuevo punto de vista que da fuerza a la decisión del conde, no explicada en la novela, de viajar a Inglaterra, que perfectamente podría haber estado incluida en el relato original. Algunos personajes, como Lucy Westenra, que a menudo en las adaptaciones cinematográficas era fusionado con el de Mina, eran aquí tratados con especial detalle. Otros que casi nunca han aparecido en las películas sobre el conde, como el doctor Seward, el tejano Quincy Morris o el aristócrata Arthur Holmwood, eran así mismo dotados de una presencia mucho mayor y más interesante.

Son muy elocuentes ciertos atuendos y apliques de Drácula, como un kimono rojo de larga cola y una peluca kabuki. En la película, el vestuario diseñado por Eiko Ishioka es el decorado. Una de las tres novias de Drácula está interpretada por Mónica Bellucci y la formidable banda sonora es obra del autor polaco Wojciech Kilar. La película contiene referencias al cine de Pabst, Murnau, Jean Cocteau y Abel Gance, y múltiples efectos visuales de fácil concepción (realizados con rudimentarios instrumentos), pero difícil ejecución: sombras que van a su bola, ilusiones teatrales, marionetas, maquetas pintadas en cristal, paredes que se mueven, escenas marcha atrás y continuos desafíos a las leyes de la Física en la naturaleza de las cosas, con el fin de dotar al relato de una extraordinaria atmósfera irreal; todo ello realizado por el magnífico fotógrafo Michael Ballhaus en colaboración con el hijo de Coppola (Roman Coppola, director de efectos visuales y ayudante de dirección) y Gary Gutiérrez, supervisor de efectos visuales.

A pesar de la citada controversia sobre la fidelidad/infidelidad al libro y sobre el tratamiento visual de la obra, tan alejada de todo lo conocido anteriormente, y en especial alejada de la típica imagen del vampiro creada por Béla Lugosi o Christopher Lee, Bram Stoker's Dracula fue uno de los mayores éxitos económicos de Coppola, con cuyos beneficios se compró el castillo de Inglenook y un extenso territorio dedicado a los viñedos, y logró tres premios Óscar: vestuario, maquillaje y efectos sonoros.21 22

Jack[editar]
Recuperado por fin de su crisis económica y vital, el siguiente proyecto de Coppola sería Jack, protagonizada por Robin Williams y que narra la vida de un niño que envejece cuatro veces más rápido de lo normal, por lo que tiene 10 años de edad, en un cuerpo de un hombre de 40 años. Jack Powell persuade a sus padres (Diane Lane y Brian Kerwin) de que lo dejen ir a la escuela por recomendación de su tutor, el Sr. Woodruff (Bill Cosby). El resto de la película trata con los fracasos y éxitos como estudiante en la escuela primaria hasta el final de sus días en la secundaria. Jack también tenía a Jennifer Lopez, Fran Drescher y Michael McKean como personajes secundarios. A pesar de ser un éxito moderado en las taquillas, la película fue rechazada por los críticos, quienes no estaban a gusto con el abrupto contraste entre la comedia y el melodrama. También fue comparada infavorablemente con Big, protagonizada por Tom Hanks, cuyo rol protagónico era similar al de Williams. La mayoría de los críticos sintió que el guion estaba pésimamente escrito, no era gracioso y que el material dramático era inverosímil e inconvincente. Otros críticos sintieron que Coppola era demasiado bueno para realizar este tipo de películas. A pesar de ser ridiculizado por el filme, Coppola lo ha defendido, declarando que no está avergonzado de haberlo realizado. Coppola ha tenido una amistad con Williams por muchos años y siempre ha querido hacer una película con él como actor. Cuando Williams leyó el libreto de Jack, dijo que lo aceptaría solo si Coppola aceptaba ser el director de la película.

The Rainmaker[editar]
Al año siguiente y firmando el guion por primera vez en siete años, filmó uno de sus filmes más emotivos con la adaptación de John Grisham The Rainmaker (conocido en castellano como Legitima defensa, o El poder de la Justicia,23 ) protagonizada por Matt Damon, Claire Danes, Danny DeVito, Danny Glover y Jon Voight. Un drama judicial sobrio y emotivo con el que Coppola cierra los noventa.

Siglo XXI[editar]


Retrato de Coppola durante el festival de Cannes, 2001.
Apocalypse Now Redux[editar]
Artículo principal: Apocalypse Now Redux
En 2001 presentó en el Festival de Cannes un nuevo montaje de su Apocalypse Now, que lleva a cabo con sus colaboradores Vittorio Storaro y Walter Murch, y al que titula Apocalypse Now Redux, en la que añadió cerca de media hora de metraje inédito y que en su momento no le agradó. La nueva película entusiasmó a un sector de la crítica, que considera este montaje incluso superior al primero. Otros sectores fueron más fríos con esta propuesta.24

Youth Without Youth[editar]
Artículo principal: Youth Without Youth
Después de casi diez años sin estrenar una nueva película, Coppola volvió con el melodrama Youth Without Youth, protagonizado por Tim Roth, Alexandra Maria Lara y Bruno Ganz, entre otros. Un filme de bajo presupuesto y rodado en Rumania con equipo europeo con el que Coppola se reinventa artísticamente después de diez años inactivo.

Tetro[editar]
Artículo principal: Tetro
En 2008 preparó en Argentina un nuevo filme, Tetro, relatando la inmigración italiana que pobló Buenos Aires en los inicios del siglo XX, hablada en inglés, con la anunciada participación de Vincent Gallo, Maribel Verdú, Alden Ehrenreich, Klaus Maria Brandauer, Carmen Maura, Rodrigo De la Serna, Leticia Brédice, Mike Amigorena, Sofía Gala, Érica Rivas, Silvia Pérez, Norma Pons y Adriana Mastrángelo.25

Trabajo como productor[editar]


Edificio de Zoetrope-transamerica, en San Francisco.
Prácticamente desde sus inicios como cineasta, F.F. Coppola ha desarrollado una encomiable y a veces fascinante carrera como productor, no solo de sus propias películas o las de sus hijos y amigos, sino de proyectos muy dispares a los que ha prestado su apoyo para que pudieran hacerse realidad.

Participó en las dos primeras películas de su amigo íntimo George Lucas, THX-1138 y American Graffiti, asumiendo parte de las pérdidas de la primera y financiando la propia distribución de la segunda cuando ésta no encontraba distribuidores (luego sería un grandioso éxito económico). A continuación se aseguró de que el proyecto de Black Stallion, y su secuela, llegaran a hacerse. Asimismo, una de las películas más emblemáticas de Kurosawa, Kagemusha, existe gracias a su intervención como productor.

Contrastando con su progresiva pérdida de poder y control de sus películas como director, su labor como productor se ha ido afianzando a lo largo de las décadas, hasta unos productivos, prolíficos y exitosos años 90 en los que ha sabido compaginar proyectos ambiciosos (Kinsey, El buen pastor) con meras cintas comerciales (Sleepy Hollow, Jeepers Creepers, Don Juan de Marco, Mary Shelley's Frankenstein).

Otros trabajos[editar]


Escalera en la bodega de Coppola.


Calle de Palermo, barrio donde Coppola instaló su nuevo hotel boutique.
Vinos. En recientes años, se ha dedicado también a otros negocios, como la elaboración de vinos en el Valle de Napa de California, con su bodega Niebaum-Coppola.
Pasta. También produce una línea de especial de pastas y salsas: Mammarella.
Hoteles. Ha abierto hoteles en Guatemala, Belice, y recientemente en Buenos Aires, en el barrio de Palermo.
Revista. En 1997, Coppola fundó Zoetrope All-Story, una revista literaria que publica historias cortas. La revista ha publicado relatos de ficción de T. C. Boyle y Amy Bloom, y ensayos de David Mamet, Steven Spielberg y Salman Rushdie. Desde su fundación, la revista ha crecido en reputación para llegar a ser uno de las más importantes especializadas en la ficción literaria. Coppola sirve como editor fundador y publicista de todo tipo de historias.26
Familia[editar]
Sus hijos lo han seguido en su carrera cinematográfica. Sofia Coppola, pese a las malas críticas iniciales cosechadas por su interpretación en El padrino III, ha alcanzado una gran reputación como directora y guionista con los filmes Las vírgenes suicidas, Lost in Translation y María Antonieta. Otro hijo, Roman Coppola, también ha realizado algunos filmes. Además de sus hijos, su hermana Talia Shire, actriz de la saga de Rocky y de El padrino, su padre, Carmine Coppola, fue un renombrado compositor y músico y escribió las melodías de muchos de sus filmes; y sus sobrinos Nicolas Cage, famoso actor de grandes producciones hollywoodienses, y Jason Schwartzman (hijo de Talia), también actor pero ha basado su carrera en el cine independiente.

Filmografía[editar]
Año Título Contribución Notas
1962 Tonight for Sure Director/Guion Primera película
1962 The Bellboy and the Playgirls Director/Guion
1963 Dementia 13 Director/Guion Primer largometraje.
1963 The Terror Director/Productor
1966 You're a Big Boy Now Director/Guionista Nominada-Palma de Oro
Nominada-Globo de Oro a la mejor película - Comedia o musical
Nominada-Mejor Guion original - Comedia
1968 Finian's Rainbow Director Nominada-Globo de Oro a la mejor película - Comedia o musical
1969 The Rain People Director/Guion Concha de Oro en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián
1970 Patton Guion Óscar al mejor guion original
1971 THX 1138 Productor
1972 El padrino Director/Guion Óscar a la mejor película
Óscar al mejor guion adaptado
David de Donatello a la mejor película extranjera
Premio del Sindicato de Directores a la mejor dirección
Globo de Oro a la mejor película dramática
Globo de Oro al mejor director
Globo de oro al mejor guion
Premios WGA al mejor guion adaptado
Nominado-Óscar al mejor director
1973 American Graffiti Productor Nominada-Óscar a la mejor película
Globo de Oro a la mejor película - Comedia o musical
1974 La conversación Director/Productor/Guion Palma de Oro
Premio del Jurado Ecuménico del Festival de Cannes- Mención especial
Nominada-Óscar al mejor guion original
Nominada-BAFTA al mejor director
Nominada-BAFTA al mejor guion original
Nominada-Premio del Sindicato de Directores al mejor guion de un largometraje
Nominada-Globo de Oro a la mejor película dramática
Nominada-Globo de Oro al mejor director
Nominada-Globo de Oro al mejor guion
Nominada-Premios WGA al mejor drama adaptado
Nominada-Óscar a la mejor película
1974 El padrino II Director/Productor/Guion Óscar a la mejor película
Óscar al mejor director
Óscar al mejor guion adaptado
Premios del Sindicato de Directores a la mejor dirección de un largometraje
Premios WGA al mejor drama adapatado
Nominada-Globo de Oro a la mejor película dramática
Nominada-Globo de Oro al mejor director
Nominada-Globo de Oro al mejor guion
1979 Apocalypse Now Director/Productor/Guion/Música Palma de Oro
Globo de Oro al mejor director
BAFTA al mejor director
David de Donatello a la mejor película extranjera
Nominada-Óscar a la mejor película
Nominada-Óscar al mejor director
Nominada-Óscar al mejor guion adaptado
Nominada-BAFTA a la mejor película
Nominada-Premio a la mejor película extranjera del Gran Festival de Cine Brasileño (2002)
Nominada-César a la mejor película extranjera
Nominada-Premios del Sindicato de Directores a la mejor dirección de un largometraje
Nominada-Globo de Oro a la mejor película dramática
Nominada-Premios Grammy a la mejor banda sonora
Nominada-Premios WGA al mejor drama adaptado
1982 One from the Heart Director/Guion
1983 The Outsiders Director Nominada-San Jorge de Oro del Festival Internacional de Cine de Moscú
Nominada-Premios Young Artist a la mejor película
La ley de la calle Director/Productor/Guion Concha de Oro del Festival Internacional de Cine de San Sebastián
1984 Cotton Club Director/Guion Nominada-Globo de Oro al mejor director
Nominada-Globo de Oro a la mejor película dramática
1986 Peggy Sue Got Married Director Nominada-Globo de Oro a la mejor película - Comedia o musical
Nominada-Saturn a la mejor película de ciencia ficción
1987 Gardens of Stone Director/Productor Nominada-San Jorge de Oro del Festival Internacional de Cine de Moscú
1988 Tucker: The Man and his Dream Director
1989 Historias de Nueva York Codirector/Coautor del guion
1990 El padrino III Director/Productor/Guion Premio Fotograma de Plata a la mejor película extranjera
Nominada-Óscar a la mejor película
Nominada-Óscar al mejor director
Nominada-Premios del Sindicato de Directores a la mejor dirección
Nominada-Globo de Oro a la mejor película dramática
Nominada-Globo de Oro al mejor director
Nominada-Globo de Oro al mejor guion
1992 Drácula de Bram Stoker Director/Productor/Guion Saturn a la mejor dirección
Saturn a la mejor película de terror
Premio Fotograma de Plata a la mejor película extranjera
Nominada-Premio Hugo a la mejor representación dramática
1993 The Junky's Christmas Director Cortometraje
1994 Frankenstein de Mary Shelley Productor Nominada-Saturn a la mejor película de terror
1996 Jack Director/Productor Nominada-Premios Young Artist a la mejor película - Comedia o musical
1997 The Rainmaker Director/Guion
1999 Las vírgenes suicidas Productor
Sleepy Hollow Productor
2001 CQ Productor
2006 Marie Antoinette Productor
2007 Youth Without Youth Director/Productor/Guion
2009 Tetro Director/Productor/Guion
2010 Somewhere Productor
2011 On the Road Productor ejecutivo
2011 Twixt Director/Productor/Guion

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WALT DISNEY

7. WALT DISNEY

Walter Elias Disney (Chicago, Illinois, 5 de diciembre de 19015 6 — Burbank, California, 15 de diciembre de 19667 8 ) fue un productor, director, guionista y animador estadounidense. Figura capital de la historia del cine de animación, es considerado un ícono internacional gracias a su... Ver mas
Walter Elias Disney (Chicago, Illinois, 5 de diciembre de 19015 6 — Burbank, California, 15 de diciembre de 19667 8 ) fue un productor, director, guionista y animador estadounidense. Figura capital de la historia del cine de animación, es considerado un ícono internacional gracias a su influencia y sus importantes contribuciones a la industria del entretenimiento durante gran parte del siglo XX. Fundó junto a su hermano Roy O. Disney la compañía Walt Disney Productions,9 que años después se convirtió en la más célebre productora del campo de la animación y en la actualidad es la mayor compañía de medios de comunicación y entretenimiento del mundo. Esta corporación, que se conoce hoy con el nombre de The Walt Disney Company, obtuvo solo en el año 2010 unos beneficios de 36.000 millones de dólares.10

Disney adquirió renombre como productor de cine, como innovador en el campo de la animación y como diseñador de parques de atracciones. Junto a su equipo creó algunos de los personajes de animación más famosos, en especial Mickey Mouse, una caricatura de ratón a la que el propio Disney puso su voz original. Durante su extensa y exitosa carrera en el cine de animación fue premiado con 26 premios Óscar de un total de 59 nominaciones y recibió otros cuatro premios honoríficos, lo que lo convierte en la persona que más premios de la Academia ha ganado.11 También fue galardonado con siete premios Emmy. Walt Disney murió el 15 de diciembre de 1966 a causa de un cáncer de pulmón.
Primeros años[editar]
Walt Disney nació el 5 de diciembre de 1901 en Chicago, Illinois, hijo de una limpiadora e hijo ilegítimo de un médico, se trasladó de bebé a Chicago, Illinois donde su madre biológica lo dió en adopción12 13 . Tuvo la infancia típica del hijo de un granjero. Su padre, Elías Disney (1859-1941), de antepasados irlandeses,14 había llegado a Estados Unidos desde Canadá y se había instalado en Chicago poco después de contraer matrimonio con la maestra de escuela Flora Call (1868—1938), en 1888. Walt nació en 1901, siendo el cuarto de los cinco hijos del matrimonio.15 En 1906 —según algunos, huyendo de la creciente criminalidad existente en Chicago—,16 la familia se trasladó a una granja en las cercanías de Marceline, Misuri. Más adelante, Disney diría que esos fueron los años más felices de su vida. Tanto él como su hermana menor, Ruth, eran demasiado pequeños para ayudar en las labores de la granja, pasaban la mayor parte del tiempo jugando. De esta época datan los primeros escarceos de Disney con el dibujo y su gran afición por los trenes.

Este período idílico concluyó pocos años después. En 1909, Elías Disney cayó repentinamente enfermo de fiebres tifoideas, y, a pesar de contar con la ayuda de sus hijos mayores, se vio imposibilitado de continuar trabajando en la granja. La vendió a regañadientes, y la familia vivió en una casa alquilada hasta 1910, año en que se mudaron a Kansas City. Para el joven Disney fue muy duro tener que abandonar su paraíso rural.



Disney (en el centro a la derecha), con diez años, en una reunión de niños repartidores de periódicos. Kansas City, 1912.
En Kansas City, Elías empezó a trabajar repartiendo periódicos para el Kansas City Star. A Walt y a su hermano Roy les correspondió ayudar a su padre en el reparto, un trabajo duro que requería levantarse todos los días a las doce de la noche.

De acuerdo con los archivos de la escuela pública del distrito de Kansas City, Disney empezó a asistir a la Benton Grammar School en 1910, y se graduó el 8 de junio de 1911. No fue un buen estudiante: a causa de su trabajo repartiendo periódicos, le costaba concentrarse y con frecuencia se quedaba dormido. Era propenso a soñar despierto y a pasar el tiempo haciendo garabatos.

Elías dejó su trabajo como repartidor de periódicos y se convirtió en uno de los propietarios de una empresa dedicada a elaborar bebidas carbonatadas, la O'Zell Company, radicada en Chicago. La familia se trasladó a esta ciudad, y Disney continuó sus estudios en la McKinley High School de Chicago. Al mismo tiempo, trabajaba para su padre y asistía por las tardes a clases en el Instituto de Arte de Chicago.

A los 15 años, Walt consiguió un trabajo de verano vendiendo periódicos y chucherías a los pasajeros del ferrocarril de Santa Fe. Le interesaba mucho más el tren que su trabajo, en el que no tuvo demasiado éxito, ya que con frecuencia le robaban la mercancía.



Walt Disney junto a la ambulancia de la Cruz Roja que conducía en Francia.
En sus años escolares, Disney fue el historietista del periódico del instituto, The Village Voice. Sus cómics eran de tema patriótico y político, centrados en el tema de la Primera Guerra Mundial. En 1918, queriendo seguir los pasos de su hermano Roy, que se había enrolado en la marina, abandonó el instituto para alistarse en el ejército. No fue aceptado por ser demasiado joven. Enterado de que el cuerpo de ambulancias de la Cruz Roja admitía a chicos de diecisiete años, Walt falsificó su certificado de nacimiento para hacer ver que había nacido en 1900 en lugar de en 1901, y había cumplido ya los diecisiete.

Fue admitido, pero nunca llegó a entrar en combate. Cuando terminó su entrenamiento y fue trasladado a Europa, Alemania había firmado el armisticio, y la guerra había terminado. Pasó el resto de su tiempo en la Cruz Roja como conductor de ambulancias en Francia, trasladando a oficiales. Se entretuvo llenando de dibujos la ambulancia que conducía. Fue también en esta época cuando empezó a fumar, un hábito que le acompañaría durante toda su vida. En 1919 solicitó ser relevado de sus obligaciones militares y fue enviado de regreso a Estados Unidos.

Comienzos en la animación[editar]
Decidido a seguir una carrera artística, se trasladó a Kansas City. Su hermano Roy trabajaba en un banco por la zona y, gracias a un amigo, le consiguió un trabajo en el Pesemen-Rubin Art Studio, donde Walt se dedicó a crear anuncios para periódicos, revistas y cines. Allí coincidió con otro dibujante, Ubbe Iwwerks, con el que trabó amistad, y ambos decidieron empezar su propio negocio.

Disney e Iwwerks (quien acortó su nombre a Ub Iwerks) fundaron una compañía llamada "Iwerks-Disney Commercial Artists" en enero de 1920. Por desgracia, no consiguieron demasiados clientes, y finalmente tuvieron que abandonar. Ambos fueron contratados por la empresa Kansas City Film Ad, en la que trabajaron en anuncios, realizados con primitivas técnicas de animación, para los cines locales. Disney estaba fascinado por las posibilidades de la animación. Pasó varios días en la biblioteca pública de Kansas City hojeando libros de anatomía y mecánica. Leyó también un libro de Eadweard Muybridge acerca de la animación. Aprovechó su tiempo en Film Ad experimentando con animación y técnicas cinematográficas. Incluso tomó prestada una de las cámaras de la empresa para experimentar en casa.

Después de dos años en Film Ad, Disney creyó que había adquirido la experiencia suficiente como para emprender un nuevo negocio por su cuenta. En 1922, fundó la empresa Laugh-O-Gram Films, Inc., dedicada a realizar cortometrajes animados basados en cuentos de hadas populares y relatos para niños, como Cenicienta o El gato con botas. Entre sus empleados estaban Iwerks, Hugh Harman, Rudolph Ising, Carmen Maxwell, y Friz Freleng. Los cortos se hicieron famosos en la zona de Kansas City, pero sus gastos de producción excedían a los ingresos que proporcionaban.

Tras crear su último corto, la mezcla de acción real y animación Alice's Wonderland, el estudio se declaró en bancarrota en junio de 1923. Disney decidió entonces trasladarse al floreciente centro de la industria cinematográfica, Hollywood. Vendió su cámara y obtuvo el dinero suficiente para un viaje de ida en tren a California. Dejó atrás a sus amigos y antiguos empleados, pero se llevó con él la película de Alice's Wonderland.

Llegó a Los Ángeles con cuarenta dólares en el bolsillo y una película sin acabar en su maletín. Su propósito era abandonar el cine de animación, creyendo que no podría competir con los estudios de Nueva York. Pretendía convertirse en director de películas de acción real, y recorrió sin éxito todos los estudios buscando trabajo.

Al no encontrarlo, optó por volver a intentarlo con la animación. Su primer estudio en Hollywood fue un garaje en casa de su tío Robert. Envió la película Alice's Wonderland a la distribuidora neoyorquina Margaret Winkler, quien mostró un gran interés por la película y contrató a Disney para producir más películas combinando animación e imagen real.

Se reunió con su hermano Roy, que se estaba recuperando de una tuberculosis en un hospital de veteranos de Los Ángeles, y le convenció para que se encargase de la gestión económica del estudio. Roy estuvo de acuerdo. A petición de Disney, la actriz protagonista de Alice's Wonderland —Virginia Davis— y su familia se trasladaron a Hollywood desde Kansas City. Lo mismo hicieron Iwerks y la suya. Este fue el comienzo del Disney Brothers' Studio, el germen de la futura The Walt Disney Company.

Las nuevas películas, llamadas "Comedias de Alicia" ("Alice Comedies"), tuvieron bastante éxito. Después de Virginia Davis, quien dejó la serie al no aceptar Disney las exigencias de aumento salarial de sus padres, fueron protagonizadas por las actrices Dawn O'Day y Margie Gay. Más adelante Lois Hardwick asumió brevemente el papel. Por el tiempo en que concluyó la serie, en 1927, el centro de atención eran más los personajes animados —en particular un gato llamado Julius que recordaba al gato Félix—.

Oswald el conejo afortunado[editar]
En 1927, Charles B. Mintz, que se había casado con Margaret Winkler y había tomado las riendas de su negocio, solicitó una nueva serie de películas, solo de animación, que serían distribuidas por Universal Pictures de Carl Laemmle. La nueva serie, "Oswald el conejo afortunado", fue un éxito casi instantáneo. El personaje fue creado y dibujado por Iwerks. Su éxito permitió el crecimiento del estudio, y Walt pudo volver a contratar a Harman, Ising, Maxwell y Freleng, de Kansas City.

En febrero de 1928, Disney viajó a Nueva York para negociar un nuevo acuerdo económico con Mintz, pero se llevó una gran sorpresa cuando éste le anunció que no sólo iba a pagarle menos por cada cortometraje que produjera, sino que tenía a los principales animadores de Disney —incluyendo a Harman, Ising, Maxwell y Freleng (pero no a Iwerks)— bajo contrato, y que crearía su propio estudio si Disney no aceptaba trabajar por menos dinero. Los derechos de Oswald pertenecían a Universal y no a Disney, y podían hacer las películas sin él.

Disney rechazó la imposición de Mintz y perdió a la mayor parte del personal de su estudio. Los que se fueron formaron el núcleo del Winkler Studio, dirigido por Mintz y su cuñado George Winkler. Sin embargo, Universal asignó poco más tarde la producción de las películas del conejo Oswald a una sección de su propia empresa que dirigía Walter Lantz, y Mintz tuvo que dedicar su estudio a la producción de los cortos de Krazy Kat. Harman, Ising, Maxwell y Freleng crearon un personaje muy parecido a Oswald, Bosko, para Leon Schlesinger y Warner Bros., y empezaron poco después a trabajar en las primeras entregas de la serie Looney Tunes. La compañía de Disney sólo recuperó los derechos sobre Oswald 78 años después, en 2006.17

Mickey Mouse[editar]
Artículo principal: Mickey Mouse
Tras perder los derechos sobre Oswald, Disney optó por crear un nuevo personaje. Se discute si la primera idea del ratón animado (que básicamente era igual que Oswald, pero con orejas redondas en lugar de alargadas) fue de Disney, a quien suele atribuírsele, o de Iwerks. En todo caso, ambos participaron en la creación del personaje. Sus primeras películas fueron animadas por Iwerks, cuyo nombre se destaca en los títulos de crédito. Algunas fuentes indican que el ratón iba a llamarse en un principio "Mortimer", pero que más tarde fue bautizado como "Mickey Mouse" por su mujer, Lillian Disney. Según Bob Thomas, sin embargo, la leyenda del nombre es ficticia, y cita el caso de un personaje llamado Mortimer Mouse, que nació en 1936, tío de Minnie Mouse.18

La primera aparición de Mickey tuvo lugar el 15 de mayo de 1928 en Plane Crazy, un cortometraje mudo, como todas las películas de Disney hasta esa fecha. Tras no conseguir interesar a los distribuidores por Plane Crazy ni por su continuación, The Gallopin' Gaucho, Disney creó una película sonora, Steamboat Willie. El empresario Pat Powers proporcionó a Disney tanto la distribución de la película como el Cinephone, un sistema de sincronización de sonido. Steamboat Willie se convirtió en un gran éxito, y se añadió sonido a los cortos anteriores. Desde entonces, todas las películas de Disney serían sonoras. El propio Disney se encargó de los efectos vocales de sus primeros cortometrajes y fue la voz de Mickey Mouse hasta 1947.

Mickey Mouse conoció un extraordinario éxito, hasta el punto de que, en 1935, la Sociedad de Naciones premió a Disney con una medalla de oro, declarando a Mickey "símbolo internacional de buena voluntad". En enero de 1930 fue adaptado al cómic, en una tira de prensa con guion de Disney y dibujos de Iwerks. Durante la década de 1930, el mercado se inundó de productos relacionados con el personaje, desde juguetes infantiles y relojes de pulsera hasta un brazalete de diamantes diseñado por Cartier. Numerosas personalidades públicas declararon su admiración por Mickey Mouse, incluyendo a la actriz Mary Pickford, al presidente de Estados Unidos Franklin Delano Roosevelt, a Benito Mussolini e incluso al rey de Inglaterra, Jorge V.19

Silly Symphonies[editar]


Disney en 1935.
Además de los cortometrajes de Mickey Mouse, en 1929 Disney inició una serie de películas musicales titulada "Silly Symphonies" ("Sinfonías tontas"). La primera se tituló The Skeleton Dance ("La danza de los esqueletos"), y fue enteramente dibujada y animada por Iwerks, que fue también el responsable de la mayor parte de las películas producidas por Disney en los años 1928 y 1929. Aunque ambas series tuvieron un gran éxito, el estudio Disney no estaba de acuerdo con compartir las ganancias con Pat Powers, y firmó un nuevo contrato de distribución con Columbia Pictures.

Iwerks se estaba cansando de la posición subalterna que tenía en el estudio a pesar de realizar la mayor parte del trabajo, y se dejó convencer por Powers para abrir su propio estudio con un contrato exclusivo. Disney buscó desesperadamente a alguien que pudiera reemplazarlo, ya que él mismo no era capaz de dibujar tan bien, ni —sobre todo— tan rápido (se dice que Iwerks hacía más de 700 dibujos al día para los cortos de Mickey).

Entretanto, Iwerks lanzaba su exitosa serie sobre el personaje de Flip the Frog con el primer cortometraje de animación sonoro en color, titulado Fiddlesticks. Creó también otras dos series: Willie Whopper y Comicolor. Su éxito amenazaba el predominio que Disney había alcanzado en la industria del cine de dibujos animados.20

Disney contrató a varias personas para hacer el trabajo que Iwerks era capaz de hacer en solitario. En 1932, Disney estrenó su primera película en color, Flowers and Trees, de la serie "Silly Symphonies", que consiguió el Óscar al mejor cortometraje de animación en 1932. Ese mismo año, Disney recibió también un Óscar honorífico por la creación de Mickey Mouse, cuyos cortometrajes pasaron a realizarse en color a partir de 1935. Pronto aparecieron series derivadas, protagonizadas por nuevos personajes, como el Pato Donald, Goofy y Pluto.

Vida privada[editar]
En 1925, Disney contrató a una joven llamada Lillian Bounds para entintar y colorear el celuloide. Tras un breve noviazgo, se casó con ella el 15 de julio de 1925. Después de intentarlo varias veces, Lillian dio a luz a una hija, Diane Marie Disney en 1933, que muere en 2013.21 Sin posibilidades de tener más hijos, los Disney adoptaron a una segunda hija, Sharon Mae Disney, en 1936. Sharon dio a luz a Catherine Spitcktip Disney en 1988, y murió en 1993. Lillian falleció el 16 de diciembre de 1997.

La edad dorada de la animación[editar]
«La locura de Disney»: Blancanieves y los siete enanitos[editar]


Disney en 1937 presentando a los siete enanitos en el tráiler original de Blancanieves.
Aunque los ingresos del estudio eran muy considerables, no eran todavía suficientes para Disney, quien en 1934 empezó a planear la producción de un largometraje. Cuando en la industria de la animación se supo que Disney planeaba la producción de un largometraje animado sobre Blancanieves, se bautizó al proyecto como "la locura de Disney", y todo el mundo estuvo de acuerdo en que el proyecto terminaría arruinando al estudio. Tanto Lillian como Roy trataron de disuadir a Disney de sus planes. Éste contrató al profesor Don Graham, del Instituto de Arte Chouinard, para que formase a la plantilla del estudio, y utilizó los cortos de la serie "Silly Symphonies" como laboratorio para experimentar acerca de la animación realista de seres humanos, la creación de personajes animados con personalidad definida, efectos especiales, y el uso de procesos especializados y aparatos como la cámara multiplano.



Imagen del tráiler de la película Blancanieves y los siete enanitos.
Todos estos esfuerzos iban dirigidos a elevar el nivel tecnológico del estudio para que fuese capaz de producir una película de la calidad requerida por Disney. El proceso de producción de Blancanieves y los siete enanitos ("Snow White and the Seven Dwarfs") se prolongó desde 1935 hasta mediados de 1937, cuando al estudio se le terminó el dinero. Para conseguir los fondos necesarios para completar Blancanieves, Disney tuvo que mostrar un montaje previo de la película a los directivos del Bank of America, quienes le prestaron el dinero para terminar el proyecto. El presupuesto inicial de la película era de 250.000 dólares, pero acabó costando 1.488.000. La película terminada se preestrenó en el Carthay Circle Theater el 21 de diciembre de 1937, y, a su término, recibió una sonora ovación.

Blancanieves, el primer largometraje animado de lengua inglesa, y el primero en utilizar el Technicolor, fue distribuido en febrero de 1938 por RKO. Fue la película con mayor éxito de taquilla de 1938, y obtuvo unos ingresos de 8 millones de dólares (equivalentes a unos 98 millones actuales) en su estreno.

El éxito de Blancanieves permitió a Disney construir unos nuevos estudios en Burbank, que se inauguraron el 24 de diciembre de 1939. En 1940, los estudios produjeron otros dos largometrajes: Pinocho y Fantasía. La segunda, en concreto, constituía una apuesta bastante arriesgada: sin un argumento unitario, consistía en la puesta en imágenes animadas de ocho piezas de música clásica (entre otros, de Beethoven, Bach y Stravinski), al estilo de las "Silly Symphonies". Los resultados fueron bastante irregulares.

Al mismo tiempo, seguían creándose nuevos cortos de las estrellas de la casa (Mickey, Donald, Goofy y Pluto), destacando cortometrajes como El sastrecillo valiente (1938) y The Pointer (1939), ambas protagonizadas por el ratón Mickey. La producción de cortos de la serie "Silly Symphonies" concluyó en 1939.

La huelga de 1941[editar]


Walt Disney en 1938.
Después de varias tentativas de organización sindical entre los trabajadores de la industria de la animación, en 1938 se había creado el Screen Cartoonists Guild (SCG), sindicato que pronto desarrolló una activa campaña para reclutar afiliados entre los trabajadores del medio. Aunque había sido reconocido por la mayor parte de los otros estudios, Disney se negaba a permitir la afiliación sindical de sus empleados. Por otro lado, desde 1937 existía un creciente descontento entre los trabajadores del estudio. Aunque los empleados de Disney eran los mejores pagados de la profesión, consideraban que se habían incumplido las promesas sobre bonificaciones por el trabajo extra que habían realizado en los largometrajes de la compañía. Películas como Blancanieves habían tenido un éxito sin precedentes en el cine de animación, y los empleados no habían participado de los beneficios (en realidad, Disney se había endeudado con la apertura de los nuevos estudios en Burbank y la producción de los largometrajes Pinocho y Fantasía, que no obtuvieron el éxito deseado). Además, el trabajo de numerosos empleados no era reconocido en los títulos de crédito de las películas.

En 1941, Herbert Sorrell, el principal líder sindical entre los trabajadores de Disney, intentó negociar el reconocimiento del SCG, pero fue rechazado. Animadores que tenían una posición importante dentro de los estudios, como Art Babbitt y Will Tytla, abrazaron la causa de sus compañeros. Disney lo consideró una traición personal, y despidió a Babbitt y a otros 16 trabajadores. El 28 de mayo gran número de trabajadores fueron a la huelga. Esa mañana, cuando Disney llegó a los estudios, los encontró bloqueados por cientos de piquetes de huelga.

A medida que continuaba la huelga, la tensión fue creciendo. El personal de los estudios quedó dividido casi al 50% y hubo varios conatos de enfrentamiento. El propio Disney, según algunos testimonios, estuvo a punto de llegar a los golpes con Babbitt.22 Poco antes del final de la huelga, Disney, a sugerencia de Nelson Rockefeller, director de la agencia de relaciones con Latinoamérica en el Departamento de Estado, partió de gira a Latinoamérica como embajador de buena voluntad, lo que contribuyó a enfriar los ánimos entre las partes enfrentadas.

Finalmente, Disney, influido por la opinión pública favorable a la huelga, y gracias la mediación del gobierno federal y de varios grupos de presión (entre ellos su principal acreedor, el Bank of America) aceptó reconocer al sindicato. La huelga terminó el 29 de julio, después de nueve semanas. Los trabajadores obtuvieron mejoras salariales y se acordó un sistema para reconocer su trabajo en los títulos de crédito. Sin embargo, el regreso a la normalidad no fue tal, ya que Disney no perdonó nunca a los huelguistas. Algunos fueron despedidos en cuanto la ley lo permitió, y otros optaron por irse ante la hostilidad que vivían en su entorno laboral. Entre los que, por una u otra razón, terminaron por abandonar la compañía estaban Vladimir William Tytla, John Hubley, Stephen Bosustow, Dave Hilberman y Walt Kelly.

La huelga arruinó la imagen de Walt Disney Company como empresa paternalista y armónica que había predominado en los años treinta, pero no disminuyó en absoluto la aceptación de la marca por parte del gran público.23

Tiempos de guerra[editar]


Encuentro entre representantes del club chileno Universidad Católica y Walt Disney en 1947.
A pesar de que Pinocho y Fantasía no consiguieron el éxito extraordinario de Blancanieves, la ternurista Dumbo, cuya producción no pudo ser detenida por la huelga, se estrenó finalmente en octubre de 1941, y fue un gran éxito, convirtiéndose en una importante fuente de ingresos para el estudio. Poco después, en diciembre, Estados Unidos entraba en la Segunda Guerra Mundial. Los estudios Disney colaboraron estrechamente con el gobierno, produciendo películas educativas y de formación militar, así como otras encaminadas a elevar la moral en retaguardia, tales como los cortometrajes Der Fuehrer's Face ("El rostro del Führer), Education for Death ("Educación para la muerte"), Reason and Emotion ("Razón y emoción"), y el largometraje Victory Through Air Power ("Victoria a través de la fuerza aérea", 1943), en el que se defendía la idea de que era necesario construir más bombarderos para ganar la guerra.

Sin embargo, los estudios atravesaron una época de cierta estrechez económica. Los filmes propagandísticos no generaban beneficios, y Bambi, el siguiente largometraje de Disney, no produjo los resultados deseados cuando se estrenó en agosto de 1942. Para recortar gastos, durante los años 1940 no se produjeron nuevos largometrajes, sino películas que recopilaban varios cortos. Las más destacadas fueron Saludos Amigos (1942), su secuela Los tres caballeros (1945), Canción del sur (1946), Fun and Fancy Free (1947), y The Adventures of Ichabod and Mr. Toad (1949). Esta última constaba sólo de dos secciones: la primera basada en La leyenda de Sleepy Hollow de Washington Irving y la segunda en El viento en los sauces, de Kenneth Grahame. Con el objeto de rentabilizar sus producciones, Disney tuvo otra gran idea comercial: en 1944 se reestrenó Blancanieves, estableciendo la tradición de reestrenar a los siete años los largometrajes de la compañía.

Después de la guerra, a pesar de la prosperidad que entonces conoció Estados Unidos, los hábitos de consumo cinematográfico cambiaron. Los exhibidores dejaron de interesarse por los cortometrajes, que antes eran indispensables al inicio de toda sesión cinematográfica, y empezaron a demandar sólo largos. Ante esta nueva situación, Disney diversificó su oferta, orientándose hacia la producción de películas infantiles de imagen real (la serie True-Life Adventures, que se inició en 1948), documentales sobre la naturaleza y programas de televisión.

A finales de la década de 1940, el estudio se había recobrado lo suficiente como para continuar con la producción de nuevas películas: La Cenicienta (que fue en vida la película favorita de Walt Disney, en especial, la escena de la transformación del traje de la magia del hada madrina) fue el primer auténtico largometraje producido por los estudios Disney desde Bambi, en 1942. Siguieron Alicia en el país de las maravillas (1951) y Peter Pan (1953). Ambos filmes fueron muy criticados por edulcorar las obras originales —de Lewis Carroll y James M. Barrie respectivamente—, descartando todos sus elementos perturbadores y convirtiéndolas en fábulas intrascendentes e inocuas.

Walt Disney y la caza de brujas[editar]


Disney junto al ingeniero aeroespacial Wernher von Braun en 1954.
Tras la huelga de 1941, Disney sentía una profunda desconfianza por los sindicatos. En 1947, durante los primeros años de la Guerra Fría, testificó ante el Comité de Actividades Antiamericanas,24 y denunció a Herbert K. Sorrell, David Hilberman y William Pomerance, antiguos empleados y activistas sindicales, como agitadores comunistas. Disney explicó que la huelga de 1941 había formado parte de una estrategia del Partido Comunista de los Estados Unidos para ganar influencia en Hollywood.

Existen documentos25 que demuestran que Disney actuó secretamente como agente del FBI desde los primeros años de la década de 1940 y que en 1954 fue ascendido al rango de "agente especial de contacto" (special agent contact) por orden directa de Hoover. Estos documentos demuestran también que los guiones de algunas películas fueron modificados a instancias del FBI. Una de las preocupaciones de la organización gubernamental era la imagen que de sus agentes se daba en los filmes Disney (por ejemplo, en la película de 1965 That Darn Cat!).

Curiosamente, los mismos documentos revelan que el propio Disney fue investigado por la organización a la que él mismo pertenecía como sospechoso de subversión (es decir, de comunismo).

El Imperio Disney[editar]
Carolwood Pacific Railroad[editar]
En 1949, Disney y su familia adquirieron una mansión con una gran finca en el distrito de Holmby Hills de Los Ángeles. Disney aprovechó para hacer realidad su sueño de tener un ferrocarril privado. Con la ayuda de sus amigos Ward y Betty Kimball, Disney diseñó los planos y comenzó a construir un tren en miniatura. El tren fue bautizado como Carolwood Pacific Railroad, por el nombre de la antigua calle en que vivía Disney, Carolwood Drive. La locomotora de vapor diseñada por Roger E. Broggie, empleado de los estudios, recibió el nombre de Lilly Belle en honor a la esposa de Disney.

Disneylandia[editar]


Vista aérea del parque de Disneylandia en Anaheim, California.
Ya desde los años 40, Disney tenía la idea de construir un parque de atracciones para que sus empleados y sus familias se pudieran divertir en su tiempo libre. Con el tiempo, este proyecto más bien modesto iría creciendo hasta convertirse en Disneylandia.

Dos parques suelen mencionarse como fuente de inspiración de Disney para su proyecto: Children's Fairyland en Oakland, California, construido en 1950, y los Jardines de Tivoli, en la capital de Dinamarca, Copenhague.26 También se ha afirmado que Disney pudo haberse inspirado para la creación de Disneylandia en el parque República de los Niños, ubicado en Manuel B. Gonnet, La Plata, Argentina, e inaugurado en 1951,27 aunque algunos opinan que se trata de un mito.28

Mientras maduraba su idea de Disneylandia, visitó numerosos parques de atracciones, pero en general le parecieron sucios y mal gestionados.

Su plan original era construir el parque en un terreno cercano a los estudios, pero la ciudad de Burbank le denegó el permiso para construir, y el terreno era además demasiado pequeño, por lo cual la compañía adquirió un terreno de 160 acres ( unos 730,000 m²), originalmente plantado de naranjos y nogales, en Anaheim, en el condado de Orange, vecino a Los Ángeles.

En 1952, Disney creó una nueva filial de su empresa, WED Enterprises (nombrada a partir de las iniciales de su nombre: Walter Elias Disney), para ocuparse de planear y construir el parque. Algunos miembros del estudio participaron en el proyecto como ingenieros y diseñadores. La construcción de Disneylandia comenzó el 21 de julio de 1954. El parque abrió sus puertas al público el 18 de julio de 1955.

Expansión[editar]
Cuando Walt Disney Productions empezó a construir Disneylandia, también había empezado a interesarse por otras áreas de la industria del entretenimiento. La isla del tesoro (1950) fue la primera película de acción real de la compañía, y fue pronto seguida de otras: Veinte mil leguas de viaje submarino (en CinemaScope, 1954), The Shaggy Dog (1959) y The Parent Trap (1960). Los estudios Disney descubrieron muy pronto la importancia de la televisión. En 1950 produjeron su primer programa televisivo, One Hour in Wonderland. En la cadena ABC, Disney patrocinó un programa llamado Disneyland dedicado a promocionar su nuevo parque de atracciones, en el que se emitían también secuencias de las películas antiguas. El primer programa televisivo de emisión diaria realizado por el estudio fue el popular Mickey Mouse Club, que continuaría, con varios cambios de nombre, hasta entrados los 90.

A medida que el estudio se expandía y diversificaba su campo de acción, Disney fue prestando menos atención al departamento de animación, delegando cada vez más tareas en sus animadores de confianza, a los que llamaba "los Nueve Viejos".29 En vida de Disney, el departamento de animación creó varios largometrajes de éxito: La dama y el vagabundo (en CinemaScope, 1955), 101 dálmatas (1961), La bella durmiente (en Super Technirama 70mm, 1959), y Merlín el encantador (1963).



El castillo de la Cenicienta en Walt Disney World Resort, Florida.
La producción de cortometrajes continuó hasta 1956, cuando Disney decidió cerrar el departamento de cortometrajes. Desde entonces, sólo de forma esporádica fueron realizados algunos cortos.

En los primeros años sesenta, el imperio Disney era un gran éxito, y Walt Disney Productions se consolidó como la más importante empresa dedicada al entretenimiento familiar del mundo. Tras décadas de intentarlo, Disney consiguió finalmente los derechos de los libros de P.L. Travers sobre una institutriz con poderes mágicos, y en 1964 se estrenó la película Mary Poppins, que combinaba animación y acción real, y fue otro de los grandes éxitos de la factoría Disney (llegó incluso a estar nominada al Óscar a la mejor película, que perdió frente a My Fair Lady). Ese mismo año, Disney presentó varias novedades en la Feria Mundial de Nueva York, entre ellas figuras Audio-Animatronic, que después fueron utilizadas para las atracciones de Disneylandia y para el proyecto de un nuevo parque temático en la Costa Este, que Disney había estado planeando desde que se abrió Disneylandia. En 1965 se anunció la construcción del nuevo parque, Disneyworld, cerca de Orlando, en Florida, que comenzó poco después de la muerte de Disney.

Poco antes de su muerte, Disney estaba interesado en abrir una estación de esquí (Disney's Mineral King Ski Resort). El proyecto fue finalmente cancelado debido a las protestas de las organizaciones ecologistas.

Muerte[editar]
Disney dejó de trabajar en el desarrollo de Disneyworld en los últimos meses de 1966, cuando se le diagnosticó un cáncer en su pulmón izquierdo, tras toda una vida de fumador empedernido. Pasó un examen médico en el hospital St. Joseph, junto al edificio del estudio Disney, y sufrió un paro cardiorrespiratorio. Falleció el 15 de diciembre de 1966. Diez días antes había cumplido 65 años. Su cuerpo fue incinerado el 17 de diciembre en el Forest Lawn Cemetery de Glendale, California. Su hermano Roy llevó adelante el proyecto del parque de atracciones de Florida, insistiendo en que se llamase Walt Disney World en honor a su hermano. Roy moriría tres meses después de que el parque abriese sus puertas en 1971.

Durante años se gestó la leyenda urbana de que Disney, pocos minutos antes de morir, había sido criogenizado. Su cuerpo supuestamente fue introducido cuando aún estaba vivo en una cámara y fue congelado a bajas temperaturas para que cuando la ciencia avanzara pudiera ser resucitado y sanar su pulmón enfermo. Esta historia cobró una relevancia enorme en todo el mundo, tomándose a Disney como ejemplo de que las criogenizaciones sí tenían razón de ser.

El Imperio Disney hoy[editar]


Sello postal de los Estados Unidos de 1968 dedicado a Walt Disney dos años después de su muerte.
En la actualidad, el pequeño estudio de animación que en 1923 fundaron Walt y Roy Disney se ha convertido en una de las mayores empresas en el ámbito del entretenimiento, con unos ingresos anuales de 36.000 millones de dólares. The Walt Disney Company gestiona dieciocho parques de atracciones, treinta y nueve hoteles, ocho estudios cinematográficos, once canales de televisión por cable y uno terrestre (la cadena ABC).

Walt Disney Pictures, el estudio cinematográfico más importante propiedad de la empresa, continúa produciendo largometrajes de animación, a un ritmo aproximado de uno por año. Además, en mayo de 2006 The Walt Disney Company adquirió los estudios de animación Pixar, cuyas películas, distribuidas por Disney, habían alcanzado en años anteriores un éxito mayor que las producidas por Walt Disney Pictures.

Disney en la historia de la animación[editar]
La importancia de Walt Disney en la historia del cine de animación difícilmente puede pasar desapercibida. Fue pionero en la utilización de numerosas innovaciones técnicas en el cine de animación, como el sonido, el color o la cámara multiplano, y en el plazo de unos doce años (entre 1928 y 1940), logró convertir los antes menospreciados dibujos animados en un sofisticado medio de expresión artística.

Contó con un equipo de animadores de primera fila cuyos méritos, sin embargo, quedaron siempre difuminados, pues de la publicidad de la compañía parecía deducirse que era el propio Disney el autor material de todas las películas. El caso de Iwerks es paradigmático: a pesar de su importancia en los primeros cortometrajes de la compañía, y en la creación de Mickey Mouse, apenas es conocido en la actualidad.

Walt Disney convirtió los dibujos animados en un producto de consumo de masas. En varias ocasiones, aceptó con total franqueza que su objetivo era llegar al mayor número posible de espectadores, por encima de cualquier consideración de tipo artístico. Aunque muchas de sus películas son obras maestras del cine de dibujos animados, con el tiempo el interés por halagar los gustos del público acentuó una cierta tendencia al kitsch y al excesivo sentimentalismo. Tras su muerte, los dibujos animados de The Walt Disney Company continuaron en la misma línea.

El éxito de las películas de Disney tuvo como consecuencia que su cine llegara a ser considerado por gran parte del público como la única forma posible de hacer cine de dibujos animados, lo cual dificultó en gran medida la aparición de propuestas alternativas dentro del cine de animación.

Ideología[editar]


Disney en 1954.
La ideología de Walt Disney, tal como se hace patente en sus películas, se basa sobre todo en la defensa de los valores del "american way of life" ("Modo de vida americano"), en los que creía firmemente. La ideología neocolonialista subyacente en los filmes de Disney ha sido puesta de relieve, entre otros, por Ariel Dorfman y Armand Mattelart, en su conocido ensayo Para leer al Pato Donald (1971).

Una cuestión muy discutida es la de las posibles simpatías de Disney por los regímenes fascistas europeos en los años previos a la Segunda Guerra Mundial. Según algunas referencias,30 fue recibido en Roma por Mussolini en una o dos ocasiones durante la década de 1930. También se ha argüido como prueba de su simpatía por el nazismo su asistencia, en compañía del abogado de la empresa, Gunther Lessing, a mítines del German American Bund, organización pro-nazi estadounidense. Sin embargo, el principal testigo que documenta la presencia de Disney en estos mítines no es en absoluto imparcial: se trata de Art Babbitt, despedido por Disney en 1941 poco antes de la famosa huelga de los trabajadores de los estudios. También se sabe que Disney fue uno de los pocos empresarios cinematográficos que recibieron abiertamente a la cineasta alemana Leni Riefenstahl, en su visita a Hollywood en 1938, cuando la mayor parte de la industria le cerró sus puertas.

En cualquier caso, si Disney tuvo simpatías por los regímenes fascistas, las desechó en cuanto su país entró en guerra contra el Eje. Durante el conflicto bélico, colaboró con el gobierno realizando varios filmes de propaganda, entre los cuales destaca el cortometraje Der Fuehrer's Face, en el cual aparecen caricaturizados Hitler, Mussolini e Hirohito y que termina con una auténtica oda a las virtudes de la democracia.

Disney ha sido tildado a veces de antisemita, argumentando que los judíos aparecen como personajes estereotipados y malévolos en algunos cortometrajes de la década de 1930 particularmente en Los tres cerditos (1933).

Sí está fuera de toda duda que Disney fue un ferviente anticomunista, en gran medida a causa de la huelga de 1941, que él atribuyó a maniobras del Partido Comunista de los Estados Unidos para ganar poder en la industria del cine. Según su declaración ante el Comité de Actividades Antiamericanas, creía firmemente que el comunismo era una seria amenaza contra el modo de vida estadounidense.

No se ha podido probar que militara en ningún partido político. Durante los años 50, Disney apoyó económicamente al Partido Republicano.31 En su juventud, Disney formó parte de una organización de tipo masónico, llamada Orden DeMolay. Según su propio testimonio, la pertenencia a esta organización tuvo un papel muy importante en su formación.

Las convicciones religiosas de Disney son también poco conocidas. Fue bautizado como miembro de la iglesia congregacionalista (de hecho, se le puso el nombre de Walter en honor a un pastor de dicha iglesia, Walter Parr32 ), pero no parece haber sido un hombre religioso, aunque sí respetaba profundamente la religión como garante de los valores establecidos. Para un libro sobre la oración de Roland Gammon editado en 1963, Faith is a Star, Disney escribió un texto acerca de la importancia de los valores religiosos en la sociedad y en su propia vida, que es uno de los pocos documentos conocidos acerca de sus ideas religiosas.33

En la ficción[editar]
Al encuentro de Mr. Banks (2013). Interpretado por el actor Tom Hanks.
Los Óscar de Walt Disney[editar]


Vitrina con todos los Óscar ganados por Walt Disney en el Walt Disney Family Museum de San Francisco (California).
A lo largo de su carrera como productor cinematográfico, Walt Disney obtuvo un total de 22 premios Óscar, de los cuales 4 fueron honoríficos. 12 de esos premios fueron a cortometrajes de animación, categoría que las producciones Disney prácticamente coparon durante la década de 1930; menos conocido es el hecho de que Disney recibió también 10 estatuillas por la producción de películas de imagen real (entre ellas, dos largometrajes), en las categorías de mejor cortometraje de imagen real, mejor cortometraje documental y mejor largometraje documental. No recibió nunca el Óscar al mejor largometraje, aunque Mary Poppins fue una de las nominadas en 1965, poco antes de la muerte de Disney. No existía la categoría de mejor largometraje de animación, que no se creó hasta 2001, por lo cual ninguno de los largos clásicos de Disney obtuvo la estatuilla. Con dos excepciones: los Óscar honoríficos concedidos a Blancanieves, en 1939, y a Fantasía, en 1942.

Óscar al mejor cortometraje de animación[editar]
1932 - Flowers and Trees Flores y Árboles (1932)
1934 - Los tres cerditos (1933)
1935 - La tortuga y la liebre (1934)
1936 - Three Orphan Kittens Tres gatitos huérfanos(1935)
1937 - The Country Cousin El primo campestre (1936)
1938 - The Old Mill El viejo molino (1937)
1939 - Ferdinand the Bull Ferdinando el Toro (1938)
1940 - Ugly Duckling Patito feo (1939)
1942 - Lend a Paw (1941)
1943 - Der Fuehrer's Face (1942)
1954 - Toot Whistle Plunk and Boom (1953)
1969 - Winnie the Pooh and the Blustery Day Winnie the Pooh y el día ventoso (1968). A título póstumo.
Óscar al mejor cortometraje de imagen real[editar]
1949 - Seal Island (1948)
1951 - Beaver Valley (1950)
1952 - Nature's Half Acre (1951)
1953 - Water Birds (1952)
1954 - Bear Country (1953)
1959 - Grand Canyon (1958)
Óscar al mejor cortometraje documental[editar]
1954 - The Alaskan Eskimo (1953)
1956 - Men Against the Arctic (1955)
Óscar al mejor largometraje documental[editar]
1954 - The Living Desert (1953)
1955 - The Vanishing Prairie (1954)
Óscar honoríficos[editar]
1932 - Por la creación de Mickey Mouse
1939 - Por Blancanieves y los siete enanitos. En esta ocasión se otorgaron, además de la escultura habitual, siete miniaturas de la misma.34
1942 - Por Fantasía. Compartido con William E. Garity y J.N.A. Hawkins.
1942 - Irving G. Thalberg Memorial Award

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ORSON WELLES

8. ORSON WELLES

George Orson Welles (Kenosha, Wisconsin, 6 de mayo de 1915 - Hollywood, Los Ángeles, 10 de octubre de 1985) fue un actor, director, guionista y productor de cine estadounidense. Es considerado uno de los artistas más versátiles del siglo XX en el campo del teatro, la radio y el cine, en los... Ver mas
George Orson Welles (Kenosha, Wisconsin, 6 de mayo de 1915 - Hollywood, Los Ángeles, 10 de octubre de 1985) fue un actor, director, guionista y productor de cine estadounidense.

Es considerado uno de los artistas más versátiles del siglo XX en el campo del teatro, la radio y el cine, en los que tuvo excelentes resultados. Alcanzó el éxito a los veintitrés años gracias a la obra radiofónica The War of the Worlds, que causó conmoción en los Estados Unidos cuando muchos oyentes del programa pensaron que se trataba de una retransmisión verdadera de una invasión extraterrestre. Este sensacional debut le valió un contrato para tres películas con el estudio cinematográfico RKO, que le otorgó libertad absoluta en sus realizaciones. A pesar de estos beneficios, sólo uno de sus proyectos previstos pudo ver la luz: Citizen Kane (1941), su película más exitosa.

En 1946, bajo la sospecha de ser comunista, su carrera en Hollywood se estancó y se vio obligado a trasladarse a Europa, donde trabajó como actor para financiar sus producciones. Este suceso fue muy común a lo largo del periodo conocido como Macarthismo durante el cual numerosos personajes de la vida publica fueron acusados de pertenecer a este corriente ideológico y, con ello, ser enemigos de los Estados Unidos.

Esta acusación nunca fue verificada, aunque el mismo Welles hizo declaraciones como la que sigue: «Lo malo de la izquierda americana es que traicionó para salvar sus piscinas. Y no hubo unas derechas americanas en mi generación. No existían intelectualmente. Sólo había izquierdas y estas se traicionaron. Porque las izquierdas no fueron destruidas por Mac Carthy; fueron ellas mismas las que se demolieron dando paso a una nueva generación de nihilistas». Pese a su persecución y debido a su triunfo en Europa, en 1958 Welles pudo volver a Hollywood para el rodaje de su película Touch of Evil entre otros títulos de capital relevancia en su carrera.

Entre sus otros muchos proyectos destaca la producción y dirección de películas como Macbeth (1948), Otelo (1952), El proceso (1962) y F for Fake (1975), entre otros. Su última aparición fue en televisión, haciendo un cameo en la teleserie Luz de luna, muriendo cinco días antes de la emisión del capítulo.1 Su fama creció tras su muerte en 1985 y ahora se le considera uno de los más grandes directores de cine y teatro del siglo XX. En 2002 fue elegido por el British Film Institute como el mejor director de la Historia del cine.
Carrera[editar]
Orson Welles nació en Kenosha, Wisconsin, segundo hijo de Beatrice Ives, una pianista y sufragista que había cumplido una condena por sus opiniones políticas fuertemente radicales, y Richard Welles, propietario de una cadena de fábricas de camionetas e inventor aficionado proveniente de una familia rica de Virginia. Desde su nacimiento, Welles recibió una educación poco convencional de parte de sus eclécticos y adinerados padres, lo trataron como el prodigio de la familia y dirigieron su precoz talento hacia las diferentes formas de arte. El pequeño Orson aprendió rápidamente las enseñanzas de su madre y pronto se inició en la pintura.

Primeros años[editar]
Welles hizo su primera aparición en el escenario a los tres años en una representación de la obra Sansón y Dalila, en la Ópera de Chicago.2 En 1919 sus padres se separaron y Orson pasó a residir con su madre en Chicago, donde comenzó a introducirse en los círculos artísticos e intelectuales. El 10 de mayo de 1924, Beatrice Welles murió repentinamente de ictericia a la edad de cuarenta y tres. Tras la pérdida de su madre Welles vuelve a vivir con su padre y abandona para siempre su carrera musical.

El Dr. Maurice Bernstein, un viejo amigo de la familia Welles y ex pretendiente de su difunta madre, estimuló en el infante el amor por el teatro, dándole una linterna mágica, un cuadro de pintura y un teatro de marionetas.3 A la edad de diez años, mientras estudiaba su primaria en Madison (Wisconsin), Welles se dedicó a ofrecer presentaciones escolares y dirigió y protagonizó su primera representación teatral, El extraño caso del doctor Jekyll y míster Hyde. Al poco tiempo ingresó en la Todd School de Illinois, una escuela de vanguardia dirigida por el profesor Roger Hill, que en numerosas ocasiones Welles citó como su mentor y la persona que le suministró las ideas artísticas y literarias en las que fundamentó toda su obra futura.

Teatro y radio[editar]
En 1931, a los 16 años, Welles comenzó a trabajar en el teatro en Dublín, Irlanda. Pronto se trasladó a Nueva York, donde debutó al año siguiente en Broadway con la representación de Romeo y Julieta.

Fundó posteriormente la compañía de teatro Mercury Theatre, con la que obtuvo gran éxito. En 1938, junto con varios colegas de su compañía, representó por radio, en la cadena CBS, una adaptación de la obra de H. G. Wells La guerra de los mundos. El realismo fue tal que la emisión causó auténtico pánico en Nueva Jersey, donde, según la obra, estaba teniendo lugar la invasión de los extraterrestres. Este episodio le dio fama mundial, lo que llevó a la RKO Pictures a contratarle en 1939 con plena libertad para escribir, producir y dirigir dos películas.

El contexto internacional del año 1939 - inestabilidad en Europa, inicio de la Segunda Guerra Mundial - también contribuyeron a potenciar el efecto que la representación de Welles tuvo en una audiencia muy sensibilizada por esos acontecimientos.

Ciudadano Kane[editar]
Hasta ese momento la experiencia de Welles como realizador cinematográfico había sido casi nula, por lo que comenzó a interiorizarse de la técnica y del lenguaje del cine, contribuyendo además con un estilo visual propio, inédito para la época, como el uso del "documental" dentro de la propia historia. Tenía 24 años cuando convenció al guionista Herman J. Mankiewicz para escribir una historia basada en la vida de William Randolph Hearst, magnate de la prensa, propietario de dos importantes periódicos. Tras unos retoques que él mismo realizó en el guion, Welles dirigió la película bajo el título de Citizen Kane. Hearst intentó prohibir la proyección, pero se estrenó en 1941 con gran éxito de crítica, aunque no de taquilla, debido a las trabas que tuvo en la distribución, promovidas por Hearst.

Años 40[editar]
Para el guion de su segunda película, The Magnificent Ambersons (1942), Welles se basó en la novela The magnificent Ambersons de Booth Tarkington (Premio Pulitzer en 1919). La película reflejaba la vida de una familia norteamericana a principios del siglo XX. El montaje final de Welles fue alterado por la RKO hasta tal punto que el cineasta dijo que habían arruinado su obra. No obstante la película conserva el vigor creativo de Ciudadano Kane.

Con El extraño (1946) Welles se puso al frente de un proyecto en el que, como él mismo reconoció, su implicación personal fue mínima. A pesar de todo, demostró que también sabía ser un eficaz artesano.

La dama de Shanghái (1948), con su apariencia de thriller al uso, y similar en varios aspectos al filme Vértigo de Hitchcock (1958) —la ciudad de San Francisco, California, el teñido del cabello de Rita Hayworth, el traje sastre gris— trascendió los límites del género y de un enrevesado argumento, para convertirse en una tela de araña que atrapa al espectador con una rara fascinación. Se recuerda especialmente la escena en la galería de los espejos.

Años de madurez[editar]
Mr. Arkadin (1954) se resintió de un argumento que parecía querer aprovechar muchas de las premisas de Citizen Kane, así como de un reparto poco adecuado si exceptuamos la interpretación del propio Welles en su papel protagonista.

Touch of Evil (1958) es su segunda obra maestra después de Citizen Kane En este subyugante thriller, Sed de mal, Welles se reservó el papel de un obeso inspector de policía que utilizaba métodos de una ética más que dudosa hasta llegar al asesinato. La película recorre un mundo onírico y de ambientes enfermizos que tiene ecos de drama shakespeariano. El film fue muy tocado en el montaje, e incluso se añadieron planos y escenas breves; hoy se ha repuesto dentro de lo posible con el plan de Welles (que expuso en una memoria de más de 50 pp. su crítica concreta a esa manipulación).4

En El proceso (1962) Welles intentó adaptar la novela de Franz Kafka sirviéndose de su particular estilo cinematográfico. El resultado global fue desigual, aunque sobresaliente en muchas escenas, por su capacidad de crear un mundo paralelo al de Kafka.

Welles ofreció una personalísima y muy intensa visión del mundo de Shakespeare en tres películas aceptadas por todos como obras maestras: Macbeth (1948), Otelo (1952)5 y Campanadas a medianoche (1966). Ésta última, inspirada en diversas obras del dramaturgo inglés, es un monumento de inventiva visual y maestría interpretativa. La película tiene como hilo conductor a Sir John Falstaff, interpretado por el propio Welles.

Últimos trabajos[editar]
En 1973, Welles estrena F de Falso (en España, Fraude), una película de corte experimental planteada como un falso documental que se anticipa a algunas propuestas del cine postmoderno y que fue reconocida como influyente por realizadores como Jean-Luc Godard. En la película aparecen Picasso y Oja Kodar.

En 1976, graba su voz recitando a Edgar Allan Poe para el famoso disco "Tales of Mystery and Imagination", de Alan Parsons Project. Curiosamente jamás tuvo contacto con ningún miembro del grupo (nunca conoció en persona a Parsons), que mientras estos trabajaban en la obra en Inglaterra, Welles lo hizo en unos estudios en USA; Por problemas técnicos de la época su participación no se incluyó en las primeras ediciones del trabajo (Alan era muy exigente y esto supuso un problema tecnológico que provocó la anulación de varias pistas de sonido en la grabación final, incluida la voz de Welles). En 2007 el álbum fue remasterizado y gracias a las mejoras técnicas actuales se incluyeron todas las pistas anuladas, recuperando la voz profunda de Welles y su magnífica forma de recitar.

En 1979, hizo la narración de la versión en inglés de, A Step Away, película oficial de los VIII Juegos Panamericanos, celebrados en Puerto Rico en 1979. Esta narración fue la última que hizo para un largometraje. La película A Step Away, se restauró en 2010 en audio y video. El audio de la voz de Orson Welles, se sacó de la grabación de un LP original del soundtrack de la película.

Su última aparición fue en octubre de 1985, en la serie de televisión Luz de luna, donde hacía un cameo e introducía el capítulo 4 de la segunda temporada "The Dream Sequence Always Rings Twice", homenaje al cine negro de los años 40.6 7

Prolífico y genial[editar]
Actor prolífico, Welles a menudo usaba su trabajo de actor para financiar sus proyectos como director. Fue uno de los directores de mayor talento de la historia del cine. Citizen Kane, en su momento y ahora, representó (y representa) un prodigio de la técnica y narrativa cinematográfica. El plano secuencia inicial de Touch of Evil (una toma ininterrumpida de varios minutos) demuestra un dominio de la puesta en escena y organización de los movimientos como sólo un cineasta de su categoría podía conseguir, si bien él no apreciaba esos planos en exceso.8 Incluso obras en apariencia menores, como The Stranger, presentan rastros de su gran talento.

En ocasiones es difícil establecer la cronología exacta de su filmografía debido a las películas que inició y no pudo finalizar por falta de financiación.

Vida privada[editar]
Welles vivió un tórrido romance entre 1938 y 1942 con la actriz mexicana Dolores del Río. Según su hija, Rebecca Welles, Dolores fue el amor de su vida. Welles estuvo casado con la actriz Rita Hayworth.

Era conocido su amor por España por lo que rodó varias de sus películas en tierras españolas y cultivó la amistad de figuras conocidas del mundo de los toros de la época, como Antonio Ordóñez o Luis Miguel Dominguín.

Durante toda su vida tuvo un elevado ritmo de trabajo y muchos pleitos financieros, lo que a la larga le acarrearía la muerte. Welles murió de un ataque cardíaco en Los Ángeles en 1985. Sus cenizas fueron depositadas en el municipio malagueño de Ronda, en la finca de recreo de San Cayetano, propiedad de su amigo el matador de toros Antonio Ordóñez, según tal y como había expresado.9 Sin embargo hay otras versiones en las cuales se dice que Orson Welles no dejó testamento alguno donde expresara sus deseos luego de su muerte, por lo cual tanto su hija como su esposa acordaron que sus cenizas fuesen esparcidas en España, ya que concordaron que ése fue el lugar donde Welles se sintió más feliz en el transcurso de su vida.

Filmografía[editar]
Como director[editar]
1938 - Too Much Johnson - película desaparecida y recuperada en 2013.10
1941 - Citizen Kane (Ciudadano Kane / El ciudadano)
1942 - The Magnificent Ambersons (Soberbia11 / Los magníficos Amberson / El cuarto mandamiento)
1942 - It's all true - película inacabada
1942 - Tanques (Tanks) - película inédita y desconocida
1945 - The Stranger (El extraño)
1947 - The Lady from Shanghai (La dama de Shanghái)
1947 - Macbeth (Macbeth)
1952 - Otelo
1955 - Mr. Arkadin (Mister Arkadin/Confidential report)
1955 - The Land of the Basques (La tierra de los vascos) - Documental para la BBC
1956 - Moonraker - Película desconocida en argumento.
1957 - Touch of Evil (Sed de Mal / Sombras del mal)
1962 - El proceso (The Trial), basada en El proceso, novela de Franz Kafka.
1965 - Campanadas a medianoche (Falstaff / Chimes at Midnight), sobre obras de Shakespeare
1967 - The Deep - Película inacabada
1968 - Una historia inmmortal (The immortal story
1969 - Don Quijote de Orson Welles - película inacabada (aunque montada en 1992 por Jesús Franco).12
1970 - Al otro lado del viento - película inacabada
1973 - F for Fake (F de Falso / Falso / Fraude)
1978 - Filming Othello
Radio[editar]
1938 - La guerra de los mundos (War of the Worlds)
Como actor[editar]
1941 - Citizen Kane (El Ciudadano / Ciudadano Kane), de Welles
1943 - Journey into Fear (Estambul), de Norman Foster (pero iniciado por Welles).
1944 - Jane Eyre (Jane Eyre), de Robert Stevenson
1945 - El extraño (The Stranger), de Welles
1947 - The lady from Shanghai (La dama de Shanghái), de Welles
1947 - Macbeth (Macbeth), de Welles
1952 - Otelo (Othello), de Welles
1949 - El tercer hombre (The Third Man), de Carol Reed
1949 - Cagliostro (Black Magic), de Gregory Ratoff y Welles
1949 - Principe de los zorros (Prince of Foxes), de Henry King
1950 - La Rosa Negra (The Black Rose) de Henry Hathaway
1953 - El enigma de Manderson, de Herbert Wilcox
1956 - Moby Dick (Moby Dick), de John Huston
1957 - Touch of Evil (Sed de Mal), de Welles
1958 - El largo y cálido verano (The long hot summer), de Martin Ritt.
1959 - Compulsión
1962 - El proceso (The Trial), de Welles
1963 - Ro.Go.Pa.G (dirigida por Godard, Pasolini,Rossellini y Gregoretti)
1965 - Campanadas a medianoche (Chimes at Midnight), de Welles
1966 - Un hombre para la eternidad (A man for all Seasons), de Fred Zinnemann
1966 - ¿Arde París? (Is Paris burning?), de René Clément
1967 - Casino Royale (Casino Royale), de John Huston
1968 - Una historia inmmortal (The immortal story), de Welles
1968 - Castillo de naipes (House of Cards), de John Guillermin
1970 - La batalla del río Neretva (Bitka na Neretvi / The Battle of Neretva), de Veljko Bulajić
1973 - Fraude (F for Fake), de Welles
1972 - La isla del tesoro, de John Hough y Andrea Bianchi
1979 - A Step Away, Película Oficial VIII Juegos Panamericanos 1979, San Juan de Puerto Rico (Última narración para un largometraje - 140mins.)
1980 - El secreto de Tesla (Tajna Nikole Tesle), de Krsto Papic
1986 - The Transformers the movie (voz/Unicron) último papel
Como narrador[editar]
1965 - A King's Story, documental.
1971 - Centinelas del silencio, cortometraje.
Bibliografía[editar]
Herrero Sánchez, David: Ciudadano Wells, Convivia Literaria no. 1 (Febrero de 2006), págs. 31-32.
Peter Bogdanovich, Ciudadano Welles, Grijalbo, 1994, libro-entrevista
Esteve Riambau, Orson Welles. El espectáculo sin límites, Fabregat, Barcelona, 1985.
Esteve Riambau, Orson Welles. Una España inmortal, Filmoteca Española/Filmoteca Valencia, Madrid/Valencia, 1993.

Ha recibido 261 puntos

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WOODY ALLEN

9. WOODY ALLEN

Allan Stewart Königsberg (Brooklyn, 1 de diciembre de 1935), más conocido por su nombre artístico Woody Allen, es un director, guionista, actor, músico, dramaturgo, humorista y escritor estadounidense. Ha sido ganador del premio Óscar en cuatro ocasiones. Es uno de los directores más... Ver mas
Allan Stewart Königsberg (Brooklyn, 1 de diciembre de 1935), más conocido por su nombre artístico Woody Allen, es un director, guionista, actor, músico, dramaturgo, humorista y escritor estadounidense. Ha sido ganador del premio Óscar en cuatro ocasiones.

Es uno de los directores más respetados, influyentes y prolíficos de la era moderna, rodando una película al año desde 1969.1 Allen dirigió, escribió y protagonizó Annie Hall, película considerada por muchos como una de las mejores comedias de la historia del cine, y la cual recibió el premio Óscar al Mejor director en 1977. Mantiene una gran amistad con su primera "musa" y ex pareja, Diane Keaton. Sus grandes influencias cinematográficas oscilan entre directores europeos como Ingmar Bergman y Federico Fellini, hasta comediantes como Groucho Marx y Bob Hope.
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Nació el 1 de diciembre de 1935 en el barrio de Brooklyn, Nueva York, con el nombre de Allan Stewart Königsberg.2 3 Proviene de una familia judía de orígenes ruso-austríacos, a la que el propio Allen define como «burguesa, bien alimentada, bien vestida, e instalada en una cómoda casa». Sus padres y su hermana también son neoyorquinos. Woody estudió hasta los ocho años en una escuela hebrea, y después acudió a la escuela pública de Midwood High School. Durante su infancia, aprendió a tocar el violín; posteriormente se convertiría en intérprete de clarinete (que toca con asiduidad en público, junto con una banda de jazz, The New Orleans Jazz Band), hecho que le ayudaría más tarde en la elección de las bandas sonoras de sus películas.



Woody Allen y su orquesta.
Hasta 1997, esta actividad de intérprete musical tuvo lugar en el Michael's Pub de Nueva York, pero al cerrar este local sus puertas, pasó a tocar cada lunes en el Café Carlyle, en el hotel del mismo nombre, al que sólo falta los días en que su actividad como cineasta se lo impide. Allen recuerda así sus primeros años: «Eran tiempos agitados, en parte debido a circunstancias económicas y en parte por la escasez de viviendas en tiempos de guerra. Mi familia siempre tenía que cargar con parientes. Constantemente había tíos y primos entrando y saliendo de las habitaciones y siempre nos estábamos mudando de casa».

Su primer encuentro con el cine fue a la edad de tres años, cuando su madre lo llevó a ver Blancanieves y los siete enanitos. Fue tanta la emoción que le produjo ver cómo los personajes de la pantalla se movían, que corrió a la pantalla para tratar de tocarlos.

A los cinco años, se le observó el primer cambio de carácter: se convirtió en un niño solitario e introvertido. Se cree que la razón fue su ingreso en la escuela pública (escuela pública 99 de Brooklyn). Años más tarde Allen definió ese lugar como una escuela para maestros con trastornos emocionales.

Su disgusto por la escuela no cambiaría al ingresar a la secundaria. Lo único en lo que le iba bien era en las redacciones escolares, en las que él siempre dejaba ver su humor. Por aquella época, se había vuelto un buen deportista. Aparte del béisbol (era seguidor de los Giants), le gustaba el boxeo, inclusive llegó a practicar para los Golden Gloves, pero sus padres no le dejaron participar.

De su época adolescente comenta: «Yo no quería ser Bogart, tampoco quería ser John Wayne. Yo sólo quería ser el capullo de la clase, quería ser ese chico con gafas que nunca consigue a la chica, pero que es divertido y cae bien a todo el mundo».

Inicios creativos[editar]
Allen empezó su carrera como humorista a los 16 años, siempre asociado a otros humoristas. En 1957 se le concedió su primer premio Sylvana Award. A los 17 años tomaría la decisión de adoptar el seudónimo de Woody Allen. Comenzaría a trabajar individualmente, llegando a ejercer la tarea de director de sus espectáculos en la cadena de hoteles Borsch Belt de Nueva York, donde ya habían trabajado otros humoristas importantes como Jerry Lewis.



Allen en 1953
En 1952, cuando se encontraba terminando la secundaria, comenzó a confeccionar chistes para enviarlos a algunos columnistas de los periódicos de su ciudad.

El primero en usarlos fue Nick Kenny, columnista del Mirror. Poco después, Earl Wilson, el más leído del New York Post, también usaría algunos chistes de Allen. Inicialmente se publicaron de forma anónima, pero luego lo hicieron con el seudónimo de Woody Allen.

Con 17 años su nombre ya circulaba por diferentes agencias de relaciones públicas y sus chistes aparecían más en los periódicos. Gene Shefrin, un agente de prensa, se interesó por este joven a quien contrató para la agencia en la que trabajaba.

A finales de 1953, Allen ingresó en la Universidad de Nueva York, donde entre otras materias cursaba Producción cinematográfica. Pero no le interesaban mucho las clases; le gustaba más asistir a las proyecciones de películas que tenía la asignatura. Después de dejar de asistir a la mitad de las clases, terminó su primer semestre en la Universidad con pésimas calificaciones en varias materias. Se retiró sin iniciar el segundo semestre. Uno de los profesores le dijo alguna vez No eres material de Universidad. Creo que tendrías que recibir ayuda psiquiátrica, porque me parece que no tendrás mucha suerte para encontrar trabajo. En parte tenía razón, Allen consiguió su primer psiquiatra en 1959 y seguiría acudiendo a uno por el resto de su vida.

Su primer contrato lo logra en 1955 en el programa The Colgate Happy Hour, con una asignación de 175 dólares semanales.

Actuó en numerosos locales, apareciendo ocasionalmente en programas de televisión, hasta que finalmente, y gracias a su talante e ingenio, tras una actuación en el local Blue Angel (en 1960), le ofrecieron la posibilidad de elaborar un guion y participar como actor en el filme What's new, Pussy Cat?. En ese año conoce a dos personas que posiblemente han sido las que más le han influido: sus agentes Jack Rollins y Charles Joffe.

Su primera actuación en el Blue Angel fue gracias a una recomendación de Rollins. Ellos veían en Allen un excelente humorista, pero primero debían hacerle vencer su timidez. Esa noche de domingo en el Blue Angel fue un éxito, pero a pesar de eso, tuvieron que pasar dos años para que tuviera suficiente confianza y comenzara a improvisar saliéndose de los libretos que había preparado.

Carrera cinematográfica[editar]
En 1968, rueda su primera película (primera película completamente escrita y dirigida por él y en la que actúa como un ladrón), Take the money and run. Al comienzo fue difícil encontrar una productora que financiara el proyecto (costaba dos millones de dólares), hasta que Palomar Pictures decidió apoyarlo. Aunque la productora no estuvo muy contenta con el resultado final, la película resultó ser un éxito de público.

Después de este éxito, a Allen no le costó trabajo encontrar algún estudio que siguiera pagando sus películas. En 1970 firma un contrato con United Artists (productora creada por Charles Chaplin), y comenzaría a rodar su segunda película Bananas. El contrato con United Artists lo comprometía para rodar tres películas, y el estudio le otorgó a Woody Allen total control sobre su producción, algo que era muy poco usual para cualquier director joven de la época (en aquella época ni siquiera Scorsese, Coppola o Mazursky tenían privilegios como éste).

En 1977, tras filmar El dormilón (1973) y Love and Death (1975), Allen realiza la película con la cual obtendría su primer premio Óscar: Annie Hall.

A partir de ese momento, Allen alcanza el éxito como director y guionista y también como actor, con la realización de películas ambientadas principalmente en su querida Manhattan, siendo uno de los primeros directores estadounidenses en reivindicar a cineastas europeos como Ingmar Bergman.

En 1979 realiza la película que lo consagraría como director, Manhattan; filmada en blanco y negro, con largas e imponentes tomas de la localidad de Manhattan es considerada como un clásico de la historia del cine.

Ha sido nominado varias veces al Óscar y en 1977 recibió el premio como mejor director por su película Annie Hall, pero no acudió a la entrega alegando que se había olvidado de la ceremonia (se había quedado tocando el clarinete ese día), Diane Keaton obtuvo un premio Óscar como mejor actriz por esta película.



Estatua de Woody Allen en Oviedo (Asturias, España).
Este incidente con los Óscar no sirvió precisamente para aumentar su escasa popularidad en los Estados Unidos. Varias veces ha declarado que, si no fuese por su acogida en Europa, le resultaría imposible continuar filmando.

En 2002 recibe el Premio Príncipe de Asturias de las Artes. Desde entonces tiene una estatua en su honor en el centro de Oviedo. Sus últimas películas (2005–2012) han sido filmadas en Europa, recibiendo, como ya ha sido una constante, la aclamación de la crítica, especialmente la francesa.

En el verano de 2007 rodó la película Vicky Cristina Barcelona en Barcelona, Oviedo, Avilés y La Felguera donde participaron intérpretes como Scarlett Johansson, Penélope Cruz (ganó el Óscar a la mejor actriz de reparto) y Javier Bardem. La producción estuvo a cargo de Mediapro. El director de fotografía fue el ganador de numerosos goyas, Javier Aguirresarobe.

Cuando actúa en una película, su actor de doblaje al castellano (versión sólo para España) es Joan Pera, al que ofreció un pequeño papel en la citada película, agradecido por su trabajo, por el que llegó a decir que «era más héroe de lo que es en realidad».

También se puede destacar que su personaje ha realizado fugaces apariciones en la serie animada Los Simpsons. En la escuela le llamaban Red por el color de su pelo cuando era pequeño. Woody Allen se consagró como "Mr. World Peace" en el 2010 debido a su gran contribución al teatro, a la comedia y a la cinematografía.

En marzo de 2011, en una entrevista a un periódico italiano aseguró que le encantaría volver a trabajar con su gran amiga Diane Keaton, con la que ha hecho siete películas, la última de ellas Misterioso asesinato en Manhattan, en 1993.

Tras grabar en París la película, Medianoche en París -un éxito de crítica y público por la que gana su segundo Globo de Oro y su cuarto Oscar- filmó A Roma con amor, que fue grabada en Roma con Alec Baldwin, Ellen Page, Roberto Benigni y de nuevo con Penélope Cruz. Dicha película está formada por cuatro historias que transcurren en la capital italiana y que posee el humor característico de Allen.

Lo más reciente del director neoyorquino es la película Blue Jasmine, con Cate Blanchett como protagonista, quien ganó el Óscar por su trabajo.

Controversias[editar]
Acusaciones de abuso sexual[editar]
Allen tuvo como pareja entre 1982 y 1992 a la actriz Mia Farrow, pero se separó de la misma después de que Farrow le descubriera fotografías de una de las hijas adoptivas de ella, desnuda,4 5 6 casándose tras ello con Soon Yi, en 1997.7 En 1991, cuando la relación se blanqueó, Allen tenía 56 años y Soon Yi cerca de 19.8 9 Tras la separación Farrow afirmó que el director había acosado sexualmente a otra hija adoptiva de la pareja,10 11 Dylan Farrow, que tenía 7 años en la época de los abusos.

Dylan Farrow, relató en febrero de 2014 a través de una carta abierta los supuestos abusos sexuales a los que la sometió el cineasta cuando tenía 7 años. Los hechos habrían ocurrido cuando vivía junto a Allen y la actriz Mia Farrow. El caso salió a la luz en 1993, pero los cargos criminales en contra del director fueron abandonados luego de que se le negara el derecho de visitas sobre su hija adoptiva.12 La carta ha sido la primera vez que Dylan Farrow se ha referido al tema ante la prensa, y la decisión estuvo inspirada por los reconocimientos que ha recibido Allen durante el último tiempo.13 Allen sostuvo que las acusaciones de Dylan eran "falsas y vergonzosas", y que no existían pruebas creíbles de los supuestos abusos.14

Filmografía[editar]
Artículo principal: Filmografía de Woody Allen
Otras obras[editar]
Libros[editar]
Guiones

Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo pero nunca se atrevió a preguntar (Everything You Always Wanted to Know About Sex (But Were Afraid to Ask), 1972), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1986, Fábula, 2003, traducción de José Luis Guarner.
Annie Hall (Woody Allen y Marshall Brickman, 1977), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1981, Fábula, 1999, traducción de José Luis Guarner.
Interiores (Interiors, 1978), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1987.
Manhattan (Woody Allen y Marshall Brickman, 1979), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1981, Fábula, 1999, traducción de José Luis Guarner.
Stardust Memories (1980), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1981, Fábula, 2000, traducción de José Luis Guarner.
Zelig (1983), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1984, Fábula, 2004, traducción de Jaime del Leal y Ariel Collazo.
Hannah y sus hermanas (Hannah and her Sisters, 1986), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1987, Fábula, 2000, traducción de José Luis Guarner.
Delitos y faltas (Crimes and Misdemeanors, 1989), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1992, Fábula, 2007.
Maridos y mujeres (Husbands and Wives, 1992), Tusquets, Fábula, 1993.
Misterioso asesinato en Manhattan (Manhattan Murder Mystery, Woody Allen y Marshall Brickman, 1993), Tusquets, Fábula, 1995
Balas sobre Broadway (Bullets Over Broadway, Woody Allen y Douglas MacGrath, 1995), Fábula, 1998, traducción de Claudio López Lamadrid.
Anything Else (Todo lo demás, 2003)), Ocho y medio, 2003, versión bilingüe.
Melinda and Melinda (Melinda y Melinda, 2004), Ocho y medio, 2004, versión bilingüe.
Teatro

No te bebas el agua (Don't Drink the Water, 1967), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1985, Fábula, 2006, traducción de José Luis Guarner.
Sueños de un seductor (Play It Again, Sam, 1969), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1983, Fábula, 2005, traducción de Manuel Sáenz de Heredia.
La bombilla que flota (The Floating Light Bulb, 1982), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1984, Fábula, 2006, traducción de José Luis Guarner.
Adulterios. Tres comedias en un acto (Three One-Act Plays, 2003), Tusquets, Marginales, 2006, Fábula, 2008, traducción de Silvia Barbero.
Textos breves (cuentos, ensayos, pequeñas piezas teatrales…)

Cómo acabar de una vez por todas con la cultura (Getting Even, 1972), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1974, Fábula, 1996, traducción de Marcelo Covián.
Sin plumas (Without Feathers, 1975), Tusquets, Cuardernos Ínfimos, 1976, Fábula, 1997, traducción de José Luis Guarner.
Perfiles (Side Effects, 1980), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1980, Fábula, 2001, traducción de José Luis Guarner.
Cuentos sin plumas (Complete Prose, 1989), Tusquets, Andanzas, 1991, traducción de Marcelo Covián, contiene íntegros los tres libros anteriores.
Pura anarquía (Mere Anarchy, 2007), Tusquets, Andanzas, 2007, traducción de Carlos Milla Soler.
Premios y nominaciones[editar]
Premios Óscar
Año Categoría Película Resultado
2014 Mejor guión original Blue Jasmine Candidato
2011 Mejor director Midnight in Paris Candidato
2011 Mejor guion original Midnight in Paris Ganador
2005 Mejor guion original Match Point Candidato
1997 Mejor guion original Deconstructing Harry Candidato
1995 Mejor guion original Poderosa Afrodita Candidato
1994 Mejor director Bullets Over Broadway Candidato
1994 Mejor guion original Bullets Over Broadway Candidato
1992 Mejor guion original Husbands and wives Candidato
1990 Mejor guion original Alice Candidato
1989 Mejor director Crimes and Misdemeanors Candidato
1989 Mejor guion original Crimes and Misdemeanors Candidato
1987 Mejor guion original Días de radio Candidato
1986 Mejor director Hannah y sus hermanas Candidato
1986 Mejor guion original Hannah y sus hermanas Ganador
1985 Mejor guion original La rosa púrpura del Cairo Candidato
1984 Mejor director Broadway Danny Rose Candidato
1984 Mejor guion original Broadway Danny Rose Candidato
1979 Mejor guion original Manhattan Candidato
1978 Mejor director Interiores Candidato
1978 Mejor guion original Interiores Candidato
1977 Mejor director Annie Hall Ganador
1977 Mejor actor Annie Hall Candidato
1977 Mejor guion original Annie Hall Ganador
Premios BAFTA
Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor guion original Midnight in Paris Candidato
1997 BAFTA honorífico Ganador
1994 Mejor guion original Bullets Over Broadway Candidato
1992 Mejor guion original Maridos y mujeres Ganador
1989 Mejor película Crimes and Misdemeanors Candidato
1989 Mejor director Crimes and Misdemeanors Candidato
1989 Mejor guion original Crimes and Misdemeanors Candidato
1987 Mejor película Días de radio Candidato
1987 Mejor guion original Días de radio Candidato
1986 Mejor película Hannah y sus hermanas Candidato
1986 Mejor director Hannah y sus hermanas Ganador
1986 Mejor guion original Hannah y sus hermanas Ganador
1986 Mejor actor Hannah y sus hermanas Candidato
1985 Mejor guion original La rosa púrpura de El Cairo Ganador
1984 Mejor guion original Broadway Danny Rose Ganador
1983 Mejor guion original Zelig Candidato
1979 Mejor guion original Manhattan Ganador
1979 Mejor director Manhattan Candidato
1979 Mejor actor Manhattan Candidato
1977 Mejor director Annie Hall Ganador
1977 Mejor guion original Annie Hall Ganador
1977 Mejor actor Annie Hall Candidato2♙2♙


2014 Premio Cecil B. de Mile a la trayectoria.

Premios Globo de Oro
Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor director Midnight in Paris Candidato
2012 Mejor guion Midnight in Paris Ganador
2006 Mejor director Match Point Candidato
2006 Mejor guion Match Point Candidato
1987 Mejor director Hannah y sus hermanas Candidato
1987 Mejor guion Hannah y sus hermanas Candidato
1986 Mejor guion La rosa púrpura de El Cairo Ganador
1984 Mejor actor - Comedia o musical Zelig Candidato
1979 Mejor director Interiores Candidato
1979 Mejor guion Interiores Candidato
1978 Mejor director Annie Hall Candidato
1978 Mejor actor - Comedia o musical Annie Hall Candidato
1978 Mejor guion Annie Hall Candidato2♙2♙


Festival Internacional de Cine de San Sebastián
Año Categoría Resultado
2004 Premio Donostia Ganador
Premios Goya
Año Categoría Película Resultado
2005 Mejor película europea Match Point Ganadora
2006 Mejor película europea Scoop Candidata
2011 Mejor guion original Midnight in Paris Candidato
Premios Saturn
Año Categoría Película Resultado
1986 Premio Saturn al mejor director La rosa púrpura de El Cairo Candidato
1986 Premio Saturn al mejor guionista La rosa púrpura de El Cairo Candidato
1986 Premio Presidente La rosa púrpura de El Cairo Ganador
1984 Premio Saturn al mejor director Zelig Candidato
Premios Adircae
Año Categoría Película Resultado
2006 Premio Adircae a la mejor película extranjera Match Point Ganador
Premios Cecil B. DeMille
Otros reconocimientos[editar]
En 2002 recibió el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, de la mano del Príncipe de Asturias Don Felipe de Borbón.
En 2003 se inaugura una estatua en su honor en el centro de Oviedo, que lo representa fidedignamente.
En junio de 2007 es investido Doctor Honoris Causa por la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona.15
En octubre de 2008 la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) le entrega la Espiga de Honor del festival.

Ha recibido 259 puntos

Vótalo:

GEORGE LUCAS

10. GEORGE LUCAS

Biografía[editar] Inicios[editar] George Lucas fue criado en un rancho de Modesto, California, lugar de cultivo de nueces. Su padre era dueño de una tienda de venta de escritorios y tenía tres hermanos. Durante su adolescencia estudió en la Downey High School y era un fanático de las carreras... Ver mas
Biografía[editar]
Inicios[editar]
George Lucas fue criado en un rancho de Modesto, California, lugar de cultivo de nueces. Su padre era dueño de una tienda de venta de escritorios y tenía tres hermanos. Durante su adolescencia estudió en la Downey High School y era un fanático de las carreras de automóviles, incluso tenía planeado convertirse en un piloto de carreras profesional. Sin embargo sufrió un terrible accidente con su coche poco tiempo después de graduarse en la secundaria, estuvo hospitalizado por varios días y estuvo a punto de morir. Este accidente cambió definitivamente su manera de ver la vida. Decidió ir al Modesto Junior College antes de enrolarse en la escuela de cine de la University of Southern California. Como estudiante de cine hizo varios cortometrajes incluyendo: Freiheit (1966) y THX-1138: 4EB (Laberinto Electrónico) que ganó el primer premio en el festival nacional de películas de estudiantes 1967-68. También en 1967 Warner Bros. le concedió una beca que le permitió observar el rodaje de Finian´s Rainbow (1968), dirigida por Francis Ford Coppola. Cuando comenzó su aprendizaje en los estudios de Warner Brothers dijo que deseaba trabajar en el departamento de animación. Justamente, cuando él llegó era el último día de dicho departamento, que luego fue cerrado. Con el tiempo Lucas y Coppola se transformaron en buenos amigos y juntos crearon en 1969 una compañía llamada American Zoetrope. El primer proyecto de la compañía fue una versión largometraje de THX-1138: 4EB con el título apenas modificado: el clásico de culto THX 1138.

En 1971, Coppola comenzó a dedicarse a la producción de la película El padrino, la cual se estrenó en 1972, mientras Lucas decidía crear su propia compañía, Lucasfilm Ltd..

En 1973 Lucas dirigió American Graffiti, un film sobre autos y jóvenes, a principios de los años 60. La película ganó el Globo de Oro, el New York Film Critics y el premio de la National Society of Film Critics. Obtuvo también cinco nominaciones al Óscar.

Reconocimiento y éxito[editar]
Durante los años 1973 y 1974 se dedicó exclusivamente a escribir el guion de su siguiente película, una fantasía espacial llamada The Star Wars. Para escribir este guion se inspiró en el cómic Flash Gordon y la película El planeta de los simios. Luego, en 1975 fundó ILM (Industrial Light & Magic) para producir los efectos especiales que necesitaba para la película. Otra compañía llamada Sprocket Systems se dedicaría a editar y mezclar el sonido de Star Wars. Más tarde esta compañía sería rebautizada como Skywalker Sound. No obstante, su proyecto de Star Wars era rechazado una y otra vez por varios estudios, hasta que tuvo una reunión con los ejecutivos de Twentieth Century Fox, quienes decidieron darle una oportunidad. Lucas llegó a un acuerdo con estos directivos para ceder su salario como director de la película a cambio de recibir el 40% de las ganancias de taquilla y todos los derechos del merchandising. Lo que parecía un buen negocio para Fox no fue así ya que Star Wars se transformó en 1977 en un tremendo éxito de taquilla, causando un fenómeno recordado hasta el día de hoy y recibiendo incluso siete nominaciones de la Academia, lo cual era casi impensable hasta ese momento para una película de ciencia ficción. Estuvo tan estresado durante el rodaje de Star Wars que tuvo que ir a un hospital, donde le diagnosticaron hipertensión.

Lucas inició la historia de El Imperio Contraataca, episodio V, y Return of the Jedi, episodio VI, de las cuales fue productor ejecutivo dejando las tareas de dirección a Irvin Kershner en El Imperio contraataca y a Richard Marquand en Return of the Jedi. Cuando comenzó la preproducción de El retorno del Jedi, se le dio el nombre falso de Blue Harvest (Cosecha Azul) para despistar a los fanáticos y a la industria en general, nombre que después seria usado como título del especial de Padre de familia sobre Star Wars. Le pidió a Steven Spielberg que dirigiera El Regreso del Jedi, pero una disputa con el sindicato de directores se lo impidió. También se ofreció a David Lynch la dirección del film. A pesar de su reputación de éxitos de Hollywood, todos los filmes de Star Wars son películas independientes, a excepción de Star Wars: A New Hope. La única manera en que podría conseguir la financiación requerida para hacer la película era solicitarla al estudio. Con el éxito de la película y de su comercialización, Lucas ya no necesitó al estudio. Para los episodios V y VI, pidió préstamos bancarios, que pagó con las ganancias de cada película. Para las «precuelas», no necesitó ningún préstamo, teniendo bastante dinero para financiar cada película con sus propios ahorros personales.

En 1980 escribió y produjo En busca del Arca Perdida dirigida por Steven Spielberg obteniendo cinco premios de la academia. Logró lo que para ese entonces era un trato inusual para la película Riders of the Lost Ark. Resulta que Paramount financió el presupuesto entero de 20 millones de dólares. A cambio, Lucas poseería más del 40% de la película y recogería casi la mitad de los beneficios después de que el estudio ganara cierta cantidad de dinero. Esto resultó ser un reparto muy lucrativo para Lucas. El ejecutivo de Paramount Michael Eisner dijo que él sentía que el guion para la película era el mejor que había leído. También fue coproductor y creador de la historia de Indiana Jones y el templo maldito, estrenada en 1984, nominada a dos premios de la Academia y que obtuvo un Óscar por los efectos especiales.

Retiro[editar]


George Lucas con Jim Henson en Laberinto (1986).
Desde 1980 hasta 1985 Lucas gastó su tiempo en la construcción del Skywalker Ranch, para reunir allí los recursos creativos, técnicos y administrativos de la ya importante Lucasfilm. Luego, George Lucas revolucionaría los cines con su sistema THX, que fue desarrollado para mantener los más altos estándares de calidad para la proyección de una película. También se transformó en el presidente de The George Lucas Educational Foundation.

Adoptó tres niños: Amanda Lucas (1981), Katie Lucas (1988) y Jett Lucas (1993).

Se negó a prestarle un millón de dólares a Francis Ford Coppola para la compra de los Hollywood General Studios. Esto propició su separación hasta que finalmente Lucas le pidió perdón y se reconciliaron.

En 1992, George Lucas fue honrado con el premio Irving G. Thalberg por el Consejo Superior de la Academia de Artes y Ciencias del Cine por sus logros durante el curso de su vida. Lucasfilm Games, después renombrada LucasArts, es altamente reconocida dentro de la industria de los videojuegos. Vendió la División de Gráficos por computadora de Lucasfilm a Steve Jobs de Apple Computers. Ahora se la conoce como Pixar.

Últimos años[editar]


Personas disfrazadas como Carl Fredricksen y Russell, junto con George Lucas en el Festival de cine de Venecia de 2009.
El último proyecto de Lucasfilm fue terminar la nueva trilogía de La guerra de las galaxias. La amenaza fantasma, episodio I de la nueva trilogía, fue escrita, dirigida y producida por George Lucas y salió al público el 19 de mayo de 1999. En mayo de 2002 se estrenó la segunda parte, El ataque de los clones, episodio II, también dirigida y producida por él. El capítulo final de la nueva trilogía de La guerra de las galaxias, La venganza de los Sith, episodio III, que abre las puertas a la trilogía clásica, se estrenó el 19 de mayo de 2005, quedando la saga finalizada.



George Lucas en Time 100 en 2006.
En 2007 se anunció que iba a producir una serie de televisión sobre Star Wars que tendrá lugar entre los episodios II y III. Lucas supuestamente también anunció recientemente que tiene previsto hacer otras dos películas de Star Wars, que tendrá lugar después de Return of the Jedi, pero este rumor fue desmentido en la Celebration 4 de Star Wars en Los Ángeles, California que se celebró el 24 de mayo de 2007. Cuando Steve Sansweet, director de Gestión de Contenidos y Jefe de Relaciones con los fans en Lucasfilm, fue interrogado sobre la propuesta de dos películas después de El retorno del Jedi afirmó que se trataba de un malentendido de lo que dijo Lucas. Según Sansweet, Lucas se refería a los dos proyectos de televisión de Star Wars, actualmente en producción: Star Wars: The Clone Wars, que es un espectáculo de animación CG que debutó en el otoño de 2008, y el segundo, que todavía no tiene título, la serie de televisión de acción en vivo de La guerra de las galaxias, de la cual aún no hay una fecha exacta de comienzo. Tras el cierre oficial de la saga Star Wars y el revival de Indiana Jones, producciones como Robot Chicken o South Park revisaron, en clave satírica, la calidad de sus películas durante este último periodo.2 3



George Lucas en Festival Internacional de Cine de Venecia en 2009.
Esta última, con su episodio 'The China Problem', generó cierta polémica al identificar Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal con abusos sexuales perpetrados por George Lucas y Steven Spielberg contra el célebre arqueólogo, así como por representar al propio Lucas sodomizando a otros personajes de la franquicia galáctica.

El 30 de octubre del 2012 George Lucas vende Lucasfilm por 4050 millones de dólares a Disney y Disney confirma que habrá una tercera trilogía de Star Wars que comenzará en 2015 y estará formada por los episodios VII, VIII y IX. Además no será el cierre de la saga, ya que después de esto se realizarán películas que especifiquen más sobre algunos de los personajes.

Filmografía[editar]
Año Trabajo Notas
1971 THX-1138 Director, productor ejecutivo y guionista
1973 American Graffiti Director, productor ejecutivo y guionista
1977 Star Wars: Episodio 4: Una nueva esperanza Director, productor ejecutivo y guionista
1980 Star Wars: Episodio 5: El Imperio contraataca Productor
1980 La sombra del guerrero Productor ejecutivo
1981 Indiana Jones y los cazadores del arca perdida Productor
1981 Fuego en el cuerpo Productor ejecutivo
1983 Star Wars: Episodio 6: El regreso del jedi Productor
1984 Indiana Jones y el templo de la perdición Productor
1985 Mishima: Una vida en cuatro capítulos Productor
1986 Howard el pato Productor
1986 Laberinto Productor
1986 Powaqqatsi Productor
1988 En busca del valle encantado Productor
1988 Willow Productor ejecutivo
1988 Tucker: un hombre y su sueño Productor y guionista
1989 Indiana Jones y la última cruzada Productor
1991 Hook, el regreso del capitán Garfio Cameo
1992-1996 Las aventuras del joven Indiana Jones Productor
1993 Parque Jurásico Efectos visuales y sonoros
1994 Superdetective en Hollywood 3 Cameo
1997 El Mundo Perdido: Parque Jurásico 2 Efectos visuales y sonoros
1999 Star Wars: Episodio 1: La amenaza fantasma Director, productor ejecutivo y guionista
2001 Parque Jurásico 3 Efectos visuales y sonoros
2002 Star Wars: Episodio 2: El ataque de los clones Director, productor ejecutivo y guionista
2003-2005 Star Wars: La Guerra de los Clones: La Serie Productor y diseño de personajes
2005 Star Wars: Episodio 3: La venganza de los Sith Director, productor ejecutivo y guionista
2008 Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal Productor
2008 Star Wars: La Guerra de los Clones Productor
2012 Red Tails Productor
2015 Stars Wars: Episodio 7 Consultor creativo y ayudante de dirección
2016 Indiana Jones 5 Guionista
2017 Stars Wars: Episodio 8 Consultor creativo y ayudante de dirección
2019 Stars Wars: Episodio 9 Consultor creativo y ayudante de dirección
Apariciones en sus propios filmes[editar]
George Lucas en persona hizo una aparición en la última película de Star Wars, Star Wars Episodio III: La Venganza de los Sith, interpretando a un personaje extra llamado Baron Papanoida.

Premios[editar]
Óscar
Año Categoría Película Resultado
1991 Premio en Memoria de Irving Thalberg Ganador
1977 Óscar a la mejor película La Guerra de las Galaxias Nominado
1977 Óscar al mejor director La Guerra de las Galaxias Nominado
1977 Óscar al mejor guion original La Guerra de las Galaxias Nominado
1973 Óscar al mejor director American Graffiti Nominado
1973 Óscar al mejor guion original American Graffiti Nominado

Ha recibido 256 puntos

Vótalo:

JAMES CAMERON

11. JAMES CAMERON

James Francis Cameron (Kapuskasing, Ontario, Canadá; 16 de agosto de 1954) es un director, guionista, productor de cine y explorador marino canadiense, conocido por películas como The Terminator, Titanic y Avatar, siendo éstas dos últimas las que encabezan la lista de películas con mayor... Ver mas
James Francis Cameron (Kapuskasing, Ontario, Canadá; 16 de agosto de 1954) es un director, guionista, productor de cine y explorador marino canadiense, conocido por películas como The Terminator, Titanic y Avatar, siendo éstas dos últimas las que encabezan la lista de películas con mayor recaudación en taquilla en la historia. Ha sido ganador de tres premios Óscar, cuatro Globos de Oro y nominado a seis premios BAFTA. En su faceta de explorador marino hay que destacar que el 26 de marzo de 2012 Cameron descendió al fondo de la Fosa de las Marianas, el punto más profundo de la tierra, a bordo del sumergible Deepsea Challenger y se convirtió en la primera persona en lograrlo en solitario.1
Biografía[editar]
Hijo del ingeniero eléctrico Philip Cameron y la enfermera Shirley Cameron, joven solitario, desde pequeño mostró su interés por la ciencia; explorando cosas nuevas y fantaseando con crear algo también nuevo. Su vocación definitiva la encontró con la edad de 15 años, visualizando la película 2001 A Space Odyssey de Stanley Kubrick por la que quedó hipnotizado y fascinado por sus efectos visuales, al mismo tiempo que se volvía loco por aprender la habilidad de crear toda esa magia visual para mostrarla al público. Empezó su vocación con una cámara de 16 mm inventando aventuras espaciales y en un principio creando sobre todo sus propios efectos visuales, pronto ampliaría su habilidad para la dirección de películas, pero con conocimientos mínimos. Con la suerte de su mudanza a Ontario Orange Country por una oportunidad profesional de su padre en 1971, James Cameron tuvo más posibilidad de dedicarse a su actual pasión por el cine por su mayor cercanía a Hollywood, pero desilusionado por limitaciones económicas decidió intentar matricularse en Física y Literatura Inglesa. En 1978 empezando su relación con Sharon Williams trabajó de mecánico y camionero entre otros, sin olvidar su sueño de convertirse en director de cine. Su luz renació al año siguiente, cuando se estrenaba el film La Guerra de las Galaxias que fue cuando decidió perseguir definitivamente su sueño con más fuerza. Ayudado por su amigo William Wisher y con su empeño en aprender todo lo posible sobre cine explorando en bibliotecas, creó algunos proyectos, contratado por la empresa busca talentos New World Pictures comenzó como creador de efectos especiales que con sus ganas de participar no tardaría en hacerse destacable. Pero su oportunidad de dirección llegaría de la mano del productor italiano Ovidio G. Assonitis.

Películas como director[editar]
James Cameron destaca como uno de los creadores cinematográficos que más y mejor ha aportado a la ciencia ficción. De sus ocho películas (hasta la fecha), seis de ellas pertenecen a este género. Ya desde sus inicios, Cameron mostró predilección por relatos futuristas. No en vano, dirigió el cortometraje Xenogenesis, muy influenciado por 2001: Odisea en el espacio y por Star Wars, un trabajo cuyo mayor mérito consiste en anticipar modelos e ideas que cuajarán en obras futuras.

Piraña 2: los vampiros del mar[editar]
Artículo principal: Piraña 2: los vampiros del mar
Trabajando como supervisor de efectos especiales para Roger Corman, los productores se mostraron impresionados cuando de un brazo falso, los gusanos que en él se encontraban, ya muertos, comenzaron a moverse como si devorasen un brazo auténtico. La razón era que Cameron electrificó el brazo de manera muy ingeniosa. Esto le valió para ser contratado como director para Piraña 2, pero la experiencia sería desastrosa, pues Cameron sería despedido cuando llevaba tres semanas de rodaje. Aun así, pueden percibirse en la película algunos motivos propios de Cameron, como el pecio bajo el mar.

The Terminator[editar]
Artículo principal: The Terminator


Cameron en septiembre de 1986.
Cameron pronto ganó fama como un guionista hábil. Tal fue así que le contrataron para escribir el guion de dos secuelas, mientras él se dedicaba a escribir la que esperaba fuera su primera película como director, respectivamente: Rambo: First Blood Part II, Aliens y The Terminator.

Cameron se encontraba en un hotel de Roma, por motivo del rodaje de un anuncio comercial, pero una noche sufrió fiebres y mareos. Cuenta cómo en mitad de la noche se despertó, febril, y dibujó algo que hoy en día es un icono del cine: un Terminator surgiendo de una bola de fuego. Sabía que después de la primera película nadie le contrataría y que debía escribir un argumento propio para poder ejercer como director. Este fue el germen de su primera película, y una de las más importantes que ha dirigido. En su argumento, ordenadores de última generación tomaban conciencia de sí mismos y decidían el exterminio de la humanidad. Sin embargo, la resistencia humana lograría vencer a las máquinas. No obstante, la inteligencia artificial intentaría cambiar las cosas enviando a un Terminator, una máquina con apariencia humana, hacia el pasado, para asesinar a la madre del futuro líder humano.

La película cosechó un fabuloso éxito comercial, y entusiasmó a la crítica. Con ella Cameron borraba la experiencia de su primera fallida película y se mostraba como un director ambicioso y brillante, capaz de sacar adelante un proyecto muy barato que se convertiría en un clásico imperecedero.

Aliens[editar]
Artículo principal: Aliens


Los productores de Aliens, James Cameron y Gale Ann Hurd.
Antes de estrenar su anterior película, Cameron ya había firmado para hacer esta, segunda parte del famoso filme Alien, de Ridley Scott, que siete años antes había fascinado a medio mundo. Lejos de conformarse con filmar una copia, Cameron continuó indagando y perfeccionando su estilo, construyendo además un coherente mundo de ciencia ficción que englobaba y perfeccionaba el que se había insinuado en la primera película. Y conoció un nuevo éxito de público que le afianzó para dirigir su complejo tercer largometraje.

The Abyss[editar]
Artículo principal: The Abyss
Cameron ya había escrito un tratamiento de esta historia cuando se encontraba en la adolescencia, obsesionado por las profundidades marinas, y ansioso por construir un relato en torno a sus fantasías respecto a ellas. El proyecto fue el más caro de la historia hasta la fecha, y Cameron exigió un sobreesfuerzo casi inhumano a su equipo para lograr terminarla. Tanto es así que su actor principal, Ed Harris, a día de hoy todavía no se habla con él. No conoció un éxito tan grandioso como las dos anteriores, pero sigue siendo un proyecto único por sus características submarinas.

Terminator 2[editar]
Artículo principal: Terminator 2
Se sabía que algún día llegaría la segunda parte de la famosa película, y Cameron no pudo por menos que aceptar hacerla cuando Mario Kassar lo anunció sorpresivamente en el Festival de Cannes. Trabajando a contrarreloj, el cineasta consiguió cuajar una de sus obras más completas y mejor cohesionadas, ampliando un universo que enriqueció aún más. La película muestra unos efectos especiales sorprendentes para la época (1991).

True Lies[editar]
Artículo principal: True Lies
Cambiando completamente de registro, Cameron se entregó a una comedia, adaptación de una cinta francesa. Una vez más, superó el presupuesto de su anterior filme para erigirse como película más cara de la historia, y por tercera vez contó con Arnold Schwarzenegger interpretando una parodia de otros agentes secretos.

Antes del estreno de Terminator 2, Schwarzenegger le sugirió a Cameron la idea de hacer una adaptación de la comedia francesa La Totale! con el título True Lies. La grabación comenzó después del estreno de Terminator 2, y la historia trata de un espía agente secreto que lleva una doble vida como un hombre casado cuya mujer cree que es un vendedor de ordenadores. Schwarzenegger interpreta a Harry Tasker, un espía encargado de parar un plan terrorista con la intención de atacar a Estados Unidos con armas nucleares. Jamie Lee Curtis y Eliza Dushku interpretan a la familia del personaje, mientras que Tom Arnold es su compañero de espionaje.

La productora de Cameron, Lightstorm Entertainment, firmó con la 20th Century Fox para la producción de True Lies. Producida con un presupuesto de 115 millones de dólares y estrenada en 1994, la película consiguió 146 millones de dólares en América del Norte, y 232 millones de dólares en el extranjero. La película fue nominada como Mejor Efectos Visuales en los Premios Óscar.

Titanic[editar]
Artículo principal: Titanic (1997)
En 1997 Cameron después de pasar por variadas dificultades y haberse soprepasado en presupuesto estrena Titanic, la segunda película más taquillera de la historia basada en el hundimiento del transatlántico homónimo; su argumento se centra en los jóvenes Jack y Rose cuyo destino romántico se vería mermado por el hundimiento del mismo. Esta cinta recibió once Premios Óscar, incluyendo mejor película y mejor director. Además, aparece la que sería su quinta esposa Suzy Amis, hace un cameo como al hombre que le revisan su barba al principio de la película, cuando el Titanic va a zarpar. Respecto a su opinión:

"La historia no podría haber sido escrita mejor... La yuxtaposición de los ricos y los pobres, los roles del género que duran hasta la muerte (las mujeres primero), el estoicismo y la nobleza de una época pasada, la magnificencia del gran barco igualado en escala por la locura de los hombres que con empeño lo condujeron a la oscuridad. Y encima de todo la lección de que la vida es incierta, el futuro es desconocido... lo impensable es posible"
Avatar[editar]
Artículo principal: Avatar (película)


Cameron promocionando Avatar durante la Convención Internacional de Cómics de San Diego de 2009.
En junio de 2005, Cameron anunció que trabajaba en un proyecto inicialmente titulado "Proyecto 880" (ahora se sabe que es Avatar) en paralelo con otro proyecto, Battle Angel. Ambas películas iban a ser rodadas en 3D. En diciembre, Cameron dijo que quería filmar primero Battle Angel, seguido por Avatar. Sin embargo, en febrero de 2006, cambió los objetivos para sus dos nuevos proyectos en cine y decidió iniciar con Avatar. Mencionó que si tienen éxito, iniciaría sendas trilogías.

Cameron había declarado que tuvo la idea y escribió el guión de la película en 1995, igualmente ya tenía ideados los diseños de personajes, escenarios y efectos del filme, sin embargo el proyecto no lo pudo llevar a cabo debido a que la tecnología cinematográfica de entonces no estaba a la altura de todo lo que pretendía, por lo que guardó guión y se enfoncó en trabajar en Titanic de la que inició filmaciones en 1996. Sin embargo en 2005 tras analizar el guión de la película que había tenido guardado por años, decidió finalmente llevar a cabo el proyecto confiando en las nuevas tecnologías del cine de las que sabía que eran viables para realizar la historia.

Avatar se estrenó en algunos países el 17 de diciembre de 2009 y en todo el mundo el 18 de ese mismo mes y con un presupuesto estimado de doscientos setenta millones de dólares, recaudó más de dos mil setecientos millones de dólares en todo el mundo, desplazando a Titanic que hasta entonces fue la película más taquillera de la historia y a su vez estableció un nuevo récord siendo el primer filme en rebasar la cifra de los 2000 millones de dólares y al ser la primera película en llegar a esa cantidad con la rápidez de diecisiete días desde su estreno (Curiosamente Titanic también había incrementado su recaudación a los más de 2100 millones de dólares con su reestreno en 2012, siendo junto con Avatar las únicas películas en rebasar dicha cifra).

La cinta está compuesta, en gran parte de su metraje, con imágenes de animación generadas con la técnica de la pixilación por computadora. Después de su reconocimiento de tres Premios Óscar indirectamente dirigidos a la parte más artística visualmente, en verano del año 2010 decide reestrenar el film, pero en esta ocasión con escenas inéditas.

Posteriormente en una entrevista de Los Angeles Times con la razón de su estreno en formato DVD y Blu-Ray confirma una secuela para Avatar, decidido después de recapacitar su dirección artística, en 2012 hace público el estreno de la 2ª y 3ª parte en un tiempo de seis años, cuya 2ª parte se ambientaría en los océanos de Pandora, hogar de los ficticios na´vi.

Documentales[editar]
Los primero proyectos de Cameron en esta década, en cine, han incluido los documentales submarinos sobre el trágico final del acorazado Bismarck alemán (Expedition: Bismarck, 2002), Ghosts of the Abyss y un documental sobre la fauna marina de las grandes profundades, Aliens of the Deep. También fue productor en la nueva versión de Solaris.

Cameron es el principal impulsor del 3D en salas comerciales. En una entrevista en 2003 sobre su documental Ghosts of the Abyss, mencionó que "voy a hacer todo lo posible en 3D a partir de ahora". Planea crear un proyecto de 3 D sobre el primer viaje a Marte. ( "He estado muy interesado en el movimiento de los seres humanos a Marte-la 'Mars Underground'-y he hecho una cantidad tremenda de investigación personal para una novela, una miniserie y una película 3-D.") [18 ] Es en el equipo de la ciencia para el 2009 Mars Science Laboratory [19].

Cameron anunció el 26 de febrero de 2007, que, junto con su director, Simcha Jacobovici, han documentado el descubrimiento de la tumba de Talpiot, que se supone que es la tumba de Jesús. Descubierta en 1980 por obreros de la construcción de Israel, los nombres de la tumba tienen correlación con los nombres de Jesús y varias personas estrechamente asociadas con él. Cameron afirma además que las pruebas de ADN, las evidencias arqueológicas, y estudios bíblicos para respaldar su reclamo. [20] El documental, llamado La tumba perdida de Jesús, fue transmitido por Discovery Channel el 4 de marzo de 2007.

El 26 de marzo de 2012, desciende a una profundidad de casi 11 km en el mar, justo en la Fosa de las Marianas, donde llegó a las 2 h y 36 min dentro del submarino Deepsea Challenger, en un proyecto personal y en la colaboración con la NASA y el National Geographic, donde ha rodado varias películas en 2D y 3D para unos documentales.2

Fama[editar]


Cameron recibiendo una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en diciembre de 2009.
Vanity Fair publicó la lista de los Top 40 celebridades de Hollywood con más ingresos a lo largo de 2010. Cameron fue clasificado no. 1 en la lista, ganó un estimado $257 millones por sus películas.3

Personalidad[editar]
James Cameron tiene fama de ser muy exigente e intenso en los platós de filmación, llevando a sus actores al límite de sus capacidades y concentración.

De naturaleza absolutamente trabajadora, esta característica le ha costado al menos 3 de sus 4 fracasos matrimoniales. Se caracteriza además por ser un apasionado cineasta y documentalista que es capaz de realizar acciones arriesgadas como visitar el Titanic en las profundidas del Océano Atlántico o descender a los restos del acorazado Bismarck. De mentalidad ecologista, Cameron envió una carta a presidente brasileño, Ignacio Lula Da Silva para sugerir que no construyese una hidroeléctrica en el Amazonas.4

Filmografía completa[editar]
Peliculas destacadas[editar]
Año Trabajo Notas
1981 Rescate en Nueva York Efectos visuales
1981 Piraña 2: Los vampiros del mar Director
1981 La galaxia del terror Diseño de producción
1984 Terminator Director
1985 Rambo 2 Guion
1986 Aliens, El regreso Director
1989 Abyss Director
1991 Terminator 2: El juicio final Director
1994 Mentiras Arriesgadas Director
1995 Días extraños Guion
1997 Titanic Director
2002 Solaris Productor
2009 Avatar Director
2011 Sanctum: Viaje al Fondo de la Tierra Productor ejecutivo
2015 Ángel de Batalla Director
2016 Avatar 2 Director
2018 Avatar 3 Director
2019 Avatar 4 Director
Documentales[editar]
Año Trabajo Notas
2002 James Cameron's Expedition: Bismarck Co-Director, Productor
2003 Misterios del Titanic Director, Productor
2005 Aliens of the Deep Director, Productor ejecutivo, Narrador
2006 El Éxodo Descodificado Productor ejecutivo, Narrador
2007 La tumba perdida de Jesús Productor
Premios[editar]
Premios Óscar
Año Categoría Película Resultado
2009 Mejor película Avatar Nominado
2009 Mejor director Avatar Nominado
2009 Mejor montaje Avatar Nominado
1997 Mejor película Titanic Ganador
1997 Mejor director Titanic Ganador
1997 Mejor montaje Titanic Ganador
Premios BAFTA
Año Categoría Película Resultado
2009 Mejor película Avatar Candidato
2009 Mejor director Avatar Candidato
2009 Mejor montaje Avatar Candidato
1997 Mejor película Titanic Candidato
1997 Mejor director Titanic Candidato
1997 Mejor montaje Titanic Candidato
Premios Globo de Oro
Año Categoría Película Resultado
2010 Mejor película dramática Avatar Ganador
2010 Mejor director Avatar Ganador
1997 Mejor película dramática Titanic Ganador
1997 Mejor director Titanic Ganador
1997 Mejor guion Titanic Candidato

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HERMANOS COEN

12. HERMANOS COEN

Joel David Coen (29 de noviembre de 1954) e Ethan Jesse Coen (21 de septiembre de 1957), conocidos profesionalmente como los hermanos Coen, son cineastas estadounidenses. Ganadores del premio Óscar en cuatro ocasiones, y autores de comedias (Raising Arizona, El gran salto, O Brother, Where Art... Ver mas
Joel David Coen (29 de noviembre de 1954) e Ethan Jesse Coen (21 de septiembre de 1957), conocidos profesionalmente como los hermanos Coen, son cineastas estadounidenses. Ganadores del premio Óscar en cuatro ocasiones, y autores de comedias (Raising Arizona, El gran salto, O Brother, Where Art Thou?, Burn After Reading), de películas de cine negro (Miller's Crossing, The Man Who Wasn't There, Blood Simple, No Country for Old Men)1 y también de películas en las que mezclan ambos géneros (Fargo, El gran Lebowski, Barton Fink).2

Ambos colaboran en la escritura, producción y dirección de sus películas, si bien es frecuente que Joel aparezca como director e Ethan como productor en los títulos de crédito. En la industria cinematográfica, de hecho, se les conoce por el apodo de "el director bicéfalo" (the two-headed director). Usan el seudónimo Roderick Jaynes para algunos de los montajes de sus películas. Muchos actores que han trabajado con ellos cuentan la anécdota de que al estar tan compenetrados, al hacer una pregunta, sobre el guion o sus personajes a cada uno de ellos, reciben exactamente la misma respuesta de cada hermano.3 4

Los hermanos Coen se han convertido en los mayores exponentes del cine independiente norteamericano. Capaces de hacer películas que entusiasman a los críticos, ofrecen, también, una vertiente de atracción del gran público.

Para sus películas cuentan con cierto equipo y actores que los acompañan frecuentemente, entre ellos se incluyen John Turturro, Michael Badalucco, Holly Hunter, Steve Buscemi, Frances McDormand, John Goodman, Jon Polito y George Clooney (cada uno ha aparecido en al menos tres producciones de los Coen).
Primeros años[editar]
Joel Coen nació el 29 de noviembre de 1954 e Ethan Coen el 21 de septiembre de 1957. Crecieron en St. Louis Park, Minnesota, una zona residencial de Minneapolis,5 en una familia judía.6 Sus padres, Edward y Rena Coen, ambos judíos, fueron catedráticos, su padre un economista de la Universidad de Minnesota, y su madre una profesora de historia del arte de la Universidad St. Cloud State.

De niños, Joel ahorró dinero cortando césped para comprar una cámara Vivitar Super-8. Juntos, los hermanos hicieron películas que veían en TV, junto a un vecino, Mark Zimering ("Zeimers"), como actor. The Naked Prey (1966) de Cornel Wilde, se transformó en una versión hecho por los Coen titulada Zeimers in Zambia, la cual también tenía a Ethan como un nativo.7

La educación judía de los Coen estuvo pocas veces relacionada con la temática y trama de sus películas, con algunas excepciones, como A Serious Man (2009), traducida al hebreo como "El buen judío". Joel aclara que "con respecto a si nuestras raíces influyen en nuestra forma de hacer cine… ¿quién sabe? No pensamos en eso… No hay duda de que nuestra ascendencia judía afecta el cómo vemos las cosas".6

Educación[editar]
Se graduaron en la Secundaria St. Louis Park en 1973 y 1976. Ambos se graduaron también en el Bard College at Simon's Rock en Great Barrington, Massachusetts.5 Más tarde, Joel pasó cuatro años en un programa de cine universitario en la Universidad de Nueva York, donde realizó una película de 30 minutos llamada Soundings. La película mostraba a una mujer involucrada sexualmente con su novio sordo mientras fantaseaba verbalmente sobre tener sexo con el mejor amigo de su novio, quien escuchaba en la habitación de al lado. Ethan fue a la Princeton University y consiguió un título en filosofía en 1979.5

A finales de los años 1970, vivieron en una residencia estudiantil de la Universidad de Nueva York notable por albergar gentes del ámbito artístico como Ralph Bakshi, Rick Rubin, el actor Jonathan Schmock, y los cineastas Chris Columbus y Dan Goldman.

Familia[editar]
Joel está casado con la actriz Frances McDormand desde 1984. Adoptaron un niño originario de Paraguay llamado Pedro McDormand Coen (Frances y todos sus hermanos también son adoptados). McDormand ha trabajado como actriz en seis de las películas de los hermanos Coen, incluyendo un pequeño papel en Miller's Crossing, un rol secundario en Raising Arizona, un papel vocal en Barton Fink y como protagonista en Blood Simple, The Man Who Wasn't There, Fargo (con la que ganó el premio Óscar) y Burn After Reading.

Ethan está casado con la editora Tricia Cooke, y tienen dos hijos: Dusty y Buster.8

Ambas parejas viven en la ciudad de Nueva York.9

Carrera[editar]
Década de 1980[editar]
Después de graduarse en la Universidad de Nueva York, Joel trabajó como asistente de producción en varias películas y videos musicales. Desarrolló su talento para el montaje de películas y conoció a Sam Raimi, quien en ese entonces buscaba un asistente para el montaje de su primera película, The Evil Dead (1981).

En 1984, los hermanos escribieron y dirigieron Blood Simple, su primera película juntos. Rodada en Texas, cuenta la historia de un sospechoso dueño de un bar de mala muerte que contrata un detective privado para asesinar a su esposa y su amante. Dentro de esta película hay considerables elementos que señalan una futura dirección: sus propios homenajes a otras películas del género (en este caso cine negro y terror) e inteligentes giros en sus tramas sobre historias simplistas; su misterioso ingenio y retorcido sentido del humor; y su dominio del ambiente. La película fue protagonizada por Frances McDormand, quien seguiría presente en muchos de los proyectos de los hermanos Coen, y que además se casaría con Joel. Una vez lanzada la cinta, recibiría muchos elogios (especialmente entre el público más singular) y premios a la dirección de Joel en el Festival de Sundance y en los Independent Spirit Awards.

El próximo proyecto de los hermanos Coen que llegó a la gran pantalla fue Crimewave (1985) dirigido por Sam Raimi. La película fue escrita por los Coen y Sam Raimi, con quien Joel había trabajado en The Evil Dead.

La siguiente película escrita y dirigida por los Coen sería Raising Arizona (Arizona Baby en España, Educando Arizona en Latioamérica), lanzada en 1987. Presenta la historia de una pareja inverosímil: un ex convicto llamado H.I. (personificado por Nicolas Cage) y Ed (Holly Hunter), una ex policía, quien espera tener un hijo pero son incapaces de concebir. La fortuna les sonríe cuando un magnate local aparece en televisión con sus recién nacidos quintillizos y diciendo en broma que son más de los él puede controlar. Viendo esto como un "signo" y una oportunidad para corregir el balance natural, H.I. y Ed roban uno de los quintillizos. Raising Arizona resultaría más accesible para el mercado del público masivo, con su inocencia y comicidad, disminuyendo de alguna forma el humor negro.

Década de 1990[editar]
Miller's Crossing fue lanzada en 1990, un homenaje al género gánster. Protagonizada por Albert Finney, Gabriel Byrne y John Turturro quien seguiría como regular de los Coen, la película esta ambientada durante la era de la ley seca en la década del 30, y cuenta la historia de una disputa entre capos de la mafia. Fue elogiada por sus diálogos y las profundas caracterizaciones. Los toques de humor negro y giros argumentales ya eran algo recurrente en los trabajos de los Coen.

La reputación de los hermanos Coen era aparentemente mejorada con cada lanzamiento, pero el mayor salto lo darían con su próxima película, la visualmente contundente Barton Fink de 1991. Barton Fink esta ambientada en 1941 y muestra la historia de un dramaturgo neoyorquino (encarnado por John Turturro en el papel que le da nombre a la película) que se traslada a Los Angeles para escribir una B movie. Se aloja en un inusual hotel para comenzar a escribir pero demasiado pronto un bloqueo de escritor le impide continuar, mientras recibe ayuda de un afable vecino de la habitación contigua (encarnado por John Goodman). Barton Fink resultó un éxito a nivel de la crítica, siendo nominada a los premios Óscar además de ganar tres importantes premios en el Festival de Cannes, incluyendo el Palma de Oro. Fue la primera película de los hermanos Coen en la que trabajó el director de fotografía Roger Deakins, una figura clave para el trabajo de los Coen durante los siguientes años.

En 1994, con las reservas más altas que nunca antes, los hermanos Coen esta vez lo intentaron con su primer trabajo de alto presupuesto, El gran salto (coesrita por Sam Raimi). La historia gira en torno un hombre (interpretado por Tim Robbins) que es colocado a la cabeza de una gran corporación con la expectativa de que la arruine, pero en vez de eso, termina inventando el hula hoop transformándose en un éxito. Los críticos fueron, por primera vez, poco entusiastas acerca del trabajo de los Coen, mientras que Roger Deakins fue mundialmente elogiado por sus habilidades como director de fotografía. Muchos críticos vieron la película como algo que no tenía nada nuevo que aportar debido a sus constantes referencias y homenajes a clásicos del cine de las dácadas de 1930 y 1940. Muchos fueron decepcionados por este primer intento multitudinario de los Coen. Lo más significativo fueron los solo tres millones de dólares que se recaudaron, con un presupuesto de realización de 25, resultando un fracaso comercial.

Después del fracaso en la taquilla de El gran salto, los Coen volvieron a trabajar con bajo presupuesto, con el thriller/neo-noir Fargo de 1996. Situada en el estado de Minnesota, de donde son originarios los Coen, la película trata sobre Jerry Lundegaard (William H. Macy), un hombre con problemas de dinero que trabaja en la automotriz de su suegro. Jerry esta preocupado por conseguir dinero así que planea el secuestro de su esposa para de esa forma repartirse el dinero del rescate que su adinerado suegro pagaría, con los secuestradores que él contrató. Inevitablemente, su plan falla cuando los torpes secuestradores se desvían del acorado plan no violento, y la policía local Marge Gunderson (Frances McDormand) comienza a investigar el asunto. Con un éxito crítico y comercial, con particulares elogios a los diálogos y actuaciones, la película recibió varios premios, incluyendo un premio BAFTA, un premio a la dirección en el Festival Internacional de Cine de Cannes, y dos Premios Óscar, uno al Mejor guion original y otro a la Mejor actriz para McDormand.

La próxima película después del éxito de Fargo, fue El gran Lebowski, lanzada en 1998. Con su historia acerca de "The Dude", un vago ciudadano de Los Ángeles (protagonizado por Jeff Bridges), usado involuntariamente en un secuestro falso junto a sus amigos y compañeros de bolos (Steve Buscemi y John Goodman), los Coen podrían haber alcanzado un nivel de más accesibilidad que no tenían desde Raising Arizona. A pesar del tibio recibimiento por parte de los críticos en ese momento y solo un éxito comercial moderado, se ha convertido en una película de culto.10

Década de 2000[editar]
Tras el éxito conseguido con Fargo y El gran Lebowski, el próximo filme de los hermanos Coen, titulado O Brother, Where Art Thou? (2000), significó otro éxito. Basado lejanamente en la Odisea de Homero, la historia transcurre en Mississippi en la década de 1930 y sigue a tres convictos que acaban de escapar de prisión con el objetivo de recuperar el botín de un atraco a un banco que el líder ha enterrado. La película resalta las habilidades cómicas de George Clooney como Ulysses Everett McGill, el líder de la banda (acompañado de Tim Blake Nelson y John Turturro). La música bluegrass, el humor poco convencional y la fotografía, hicieron de esta película un éxito crítico y comercial. El álbum de la banda sonora se convirtió aún más popular y coincidió con el resurgimiento del interés por la música folclórica de Estados Unidos.

En 2001, los Coen cambian el ritmo con otro thriller de cine negro, El hombre que nunca estuvo allí. Ambientado a finales de los 40 en California, la película cuenta la historia de un lacónico barbero fumador (interpretado por Billy Bob Thornton), que en un intento para conseguir algo de dinero para invertir en un negocio, decide chantajear al jefe de su esposa, quien además es el amante. Inusual para ser una película contemporánea, fue proyectada en los cines completamente en blanco y negro. Los giros de la trama y el humor negro de la película fueron elementos típicos de las películas de los Coen, pero la construcción del thriller, sus caminos sin salida y el aspecto en blanco y negro, hacen creer que la película estaba más dirigida hacia los puristas que al público casual.

Intolerable Cruelty, para muchos la más comercial de los Coen, fue lanzada en 2003 y protaginizada por George Clooney y Catherine Zeta-Jones. La película recibe mucha influencia de las comedias románticas de los años 40, con una historia acerca de Miles Massey, un abogado especializado en divorcios, y una divorciada que buscar conseguir dinero de sus divorcios. Intolerable Cruelty dividió a los críticos, algunos aplaudiendo los elementos de comedia absurda ("screwball") de la película, y otros cuestionando la razón por la que los Coen decidieron crear algo de este género. Comercialmente solo recibió un éxito moderado.

En 2004, los Coen lanzan The Ladykillers, una nueva versión del clásico británico El quinteto de la muerte (1955). La historia gira en torno a un profesor (Tom Hanks) que reúne un equipo con el objetivo de robar un casino. Alquilan una habitación en la casa de una anciana, desde donde ejecutaran el atraco. Cuando la mujer descubre el plan, el grupo decide asesinarla para no arruinar el trabajo. Muchas de las críticas indicaron que mientras los Coen han podido homenajear géneros en sus películas con éxito, en esta nueva versión de un clásico no han podido desarrollar su creatividad como para estampar su estilo de trabajo.



Javier Bardem y los Coen en el Festival de Cannes.
En noviembre de 2007 fue lanzada No Country for Old Men. Basada en la novela de 2005 escrita por Cormac McCarthy, la película cuenta la historia de Llewelyn (Josh Brolin), un hombre que vive en la frontera entre Texas y México que encuentra dos millones de dólares de dinero proveniente del narcotráfico y decide guardarlos. Como consecuencia de esta acción, será perseguido por quienes buscan el dinero, incluido un siniestro asesino (Javier Bardem), que frustrará a Llewelyn y a un oficial local (Tommy Lee Jones). Es el retorno a las oscuras temáticas que le han dado a los Coen algunos de sus más exitosos trabajos, pero también marca un notable cambio, como la falta de actores regulares de sus anteriores películas (con la excepción de Stephen Root), un menor uso de elementos cómicos y un mínimo uso de la música. La película ha recibido aprecio por parte de la crítica en todo el mundo, generando un 94% de críticas positivas en Rotten Tomatoes.11 Se llevó cuatro Premios Óscar, incluyendo Mejor película, Mejor director, Mejor guion adaptado, recibidos por los Coen, y Mejor actor de reparto, recibido por Javier Bardem. Los Coen, como "Roderick Jaynes", fueron nominados al mejor montaje. Es la primera vez desde 1961 que dos directores reciben el premio a Mejor director al mismo tiempo.

En enero de 2008, la obra de Ethan Coen, Almost An Evening, fue presentada "Off-Broadway" en el Atlantic Theater Company y consiguió críticas entusiastas. Las últimas funciones fueron el 10 de febrero de 2008, pero fue rápidamente trasladada a otras teatros para nuevas funciones.

Burn After Reading, una comedia de humor negro protagonizada por Brad Pitt y George Clooney fue lanzada en septiembre de 2008. Llegó al número uno en su debut en la taquilla de Norteamérica.

En 2009, estrenaron A Serious Man, una comedia de época de bajo presupuesto "discreta pero oscura" ambientada en 1967.12 La película está en parte basada en El libro de Job y en la propia niñez de los Coen en una familia académica judía en un barrio judío en las afueras de St Louis Park, Minnesota.12 La cinta fue nominada a mejor película en los Óscar de ese año.

Década de 2010[editar]
En 2010 estrenaron True Grit, basada en la novela de Charles Portis. Fue protagonizada por Jeff Bridges (anteriormente en El gran Lebowski) junto a Matt Damon, Josh Brolin y Hailee Steinfeld. True Grit recibió diez nominaciones al Oscar pero no ganó en ninguna de las categorías.

Recursos estilísticos[editar]
Las películas de los hermanos Coen combinan el humor seco con la ironía fina y visuales escandalosas. Prefieren no poner los créditos de presentación al principio de la película. Los hermanos Coen son algunos de los directores contemporáneos que han mostrado afecto por las comedias de los años 30 y 40 ("Screwball comedies"), y han incorporado algunos de sus elementos introduciendo variantes ingeniosas y sutiles, como en El gran salto y Intolerable Cruelty, y en ocasiones colocando a excéntricos personajes habladores como Steve Buscemi en Miller's Crossing. Su estilo de caracterización crea un mundo en el cual incluso personajes con poca participación, y que hablan poco, parecen tener exagerados rasgos o características. Esto puede estar atribuido a los escenarios de muchas de las películas (por ejemplo los raros y maravillosos personajes de El gran Lebowski no parecen estar por fuera de la realidad de muchas comunidades de Los Angeles).

Diálogos[editar]
Ganadores del Óscar como mejor guion por Fargo, los hermanos Coen son conocidos por los diálogos de sus películas. Por momentos escasos (El hombre que nunca estuvo allí; Fargo; No Country for Old Men), por momentos inusualmente locuaces (The Big Lebowski, Raising Arizona), sus guiones típicamente presentan una combinación de ingenio, agudeza, lenguaje exagerado y deslumbrante ironía. Además de Fargo, muchos de sus guiones han sido nominados (El hombre que nunca estuvo allí, O Brother).

Cine negro[editar]
Estilísticamente y argumentalmente, las películas de los Coen muestran una gran influencia del cine de gangsters del cine negro. Los Coen, que raramente admiten alguna de sus influencias, reconocen libremente el impacto que novelistas clásicos del cine negro han tenido en sus trabajos más oscuros. En particular, Miller's Crossing esta basada en novelas de Dashiell Hammett, particularmente en The Glass Key y Cosecha roja; El gran Lebowski en novelas de Raymond Chandler y El hombre que nunca estuvo allí en novelas de James M. Cain.

Sus películas también presentan un contraste inhóspito y austero, y temas sobre personas elaborando planes y confabulando, como por ejemplo los secuestros. En los argumentos de sus películas usan la confusión como mecanismo: confusión acerca de quien mató a Rug Daniels y las causas de fricción entre los diferentes bandos mafiosos en Miller's Crossing; confusión de la copia del plano de Norville que luego le causará dolor en El gran salto; El gran Lebowski comienza con una alfombra estropeada como causa de una confusión de identidad. El hombre que nunca estuvo allí rinde homenaje al cine negro, con un argumento que parece una versión actual y distorsionada de El cartero siempre llama dos veces. La película es en blanco y negro, y ha sido mencionada por varios críticos por su fotografía y sus compasivos personajes, mientras otros críticos hacen mención al filoso cambio en el argumento hacia el final de la película. Los Coen han descrito esos giros como un intento de imitar los inesperados terceros actos de las novelas de Cain.

Descripción de Estados Unidos[editar]
Los varios aspectos que hacen al carácter de una ciudad, estado o región de Estados Unidos son parte integral en varias películas de los hermanos Coen. Raising Arizona muestra los distintivos paisajes de Arizona y algunos de los personajes son estereotipos exagerados de los ciudadanos de esa zona. De forma similar, en Fargo, los paisajes y acentos exagerados de los pobladores de Dakota del Norte y Minnesota son parte esencial de la película. El gran Lebowski está situdada en Los Ángeles, "the Dude" y otros de los personajes son emblemas de la ecléctica población de esa ciudad. O Brother! es claramente sureña, rodada en las zonas rurales de Mississippi, muchos de los personajes hablan con acento sureño, y la banda sonora está mayoritariamente compuesta de canciones Bluegrass. Barton Fink es en algunos aspectos una sátira de Hollywood, como El gran salto lo es de Nueva York. No Country for Old Men es también una descripción del paisaje remoto de Texas y México.

Además, los hermanos Coen frecuentemente sitúan sus películas en épocas de crisis: Miller's Crossing durante la ley seca, Barton Fink cerca de los ataques a Pearl Harbor, El gran Lebowski durante la Guerra del Golfo (1991), y O Brother Where Art Thou? durante la Gran depresión. La Segunda Guerra Mundial es mencionada en The Man Who Wasn't There. El gran salto esta ambientada en 1958/59, el periodo del programa Sputnik y la consecuente intensificación de la Guerra Fría.

Dinero[editar]
El dinero esta involucrado en muchas de las películas de los Coen. En Fargo, el dinero fue la razón para todos los eventos sucedidos durante la película. El gran Lebowski tiene dinero, siendo robado o perdido, lo que es causa de varios problemas y situaciones cómicas de los personajes. O Brother, Where Art Thou? consiste en tres convictos que escapan para tratar de encontrar un tesoro escondido. En El hombre que nunca estuvo allí, el personaje principal chantajea al jefe de su esposa para obtener dinero. El quinteto de la muerte trata sobre un excéntrico profesor sureño y su equipo planeando el robo a un casino. La historia en No Country for Old Men gira en torno a un cazador que se fuga con dos millones de dólares robados y es perseguido por un asesino psicópata que reclama el dinero. En su último trabajo "Quemar después de leer" también el dinero es parte de la trama, ya que dos amigos del trabajo reclaman 50.000 dólares para poder pagar 4 operaciones estéticas a cambio de un CD que pertenece un ex agente de la CIA, en este CD narra la vida del espía durante su actividad.

Violencia[editar]
La mayoría de las películas de los Coen son bastante violentas. En cada una hay por lo menos una muerte y, en muchos casos, múltiples muertes. En El gran salto, el argumento es desencadenado por el suicidio del presidente de una compañía. Y en El quinteto de la muerte todos los personajes principales mueren en su intento de eliminar a una anciana. En algunas de sus películas más gráficas como Fargo, muchos de los personajes principales mueren o son agredidos, los cuales son mostrados en pantalla, como el cuerpo de uno de los personajes que es introducido en una trituradora.

La mayoría de la violencia en sus películas entra en la categoría de humor negro. Un ejemplo notable es No Country for Old Men, en el cual mucha de la violencia es representada con austeridad, severos matices y algunos efectos de comedia negra, para representar de forma efectiva y fiel, la historia original de Cormac McCarthy. Los Coen muchas veces usan la violencia para hacer avanzar la historia; por ejemplo en Fargo, el ataque de Shep Proudfoot a Carl Showalter hace que este último llame de inmediato a Jerry para que le entregue el dinero.

Personajes imparables[editar]
Varias de sus películas cuentan con personajes que personifican el arquetipo de "malvado imparable" ("unstoppable evil"). En muchos casos, indirectamente esos personajes son inhumanos o presentan matices demoníacos. Por ejemplo, el Sheriff Cooley en O Brother, Where Art Thou? encaja en la descripción de demonio dada por uno de los personajes. Él indica su inhumanidad cuando, es aconsejado de que sería ilegal colgar fugitivos perdonados, sarcásticamente opina que "la ley es una institución humana". Otros ejemplos que encajan dentro de este arquetipo son Eddie Dane, el asesino a sueldo en Miller's Crossing, Leonard Smalls en Raising Arizona y Charlie Meadows en Barton Fink. En No Country for Old Men, Anton Chigurh personifica la violencia y la muerte en el mundo al cual el Sheriff Bell intenta dar sentido.

Colaboradores[editar]
El director de fotografía Barry Sonnenfeld trabajó con los hermanos Coen hasta Miller's Crossing, para luego continuar con su propia carrera como director, algunos de sus trabajos son The Addams Family, Get Shorty u Hombres de negro. Roger A. Deakins ha sido el director de fotografía de los Coen desde la partida de Sonnenfeld. Sin embargo para su próxima película, Burn After Reading, los Coen trabajaran con Emmanuel Lubezki como director de fotografía.

El realizador Sam Raimi ha ayudado a los Coen en el guion de El gran salto, y los Coen lo han ayudado a él en el guion de Crimewave, la cual fue dirigida por Raimi. Raimi ha hecho cameos en Muerte entre las flores y El gran salto, conoció a los Coen cuando Joel fue contratado como uno de los editores de The Evil Dead.

William Preston Robertson es un viejo amigo de los Coen, los ayudó en el rodaje de Blood Simple y también proporcionó su voz, como también en otras como El gran Lebowski, en la cual además de dar su voz, escribió el The Making of The Big Lebowski junto a Tricia Cooke.

Los Coen también cuentan con un número de actores que frecuentemente trabajan en sus producciones, en los que se incluyen Steve Buscemi (6 veces), Frances McDormand (6 veces), Jon Polito (5 veces), John Goodman (4 veces), John Turturro (4 veces), George Clooney (3 veces), Michael Badalucco (3 veces), Holly Hunter (3 veces), Stephen Root (3 veces), Jeff Bridges (2 veces), Josh Brolin (2 veces) y Richard Jenkins (2 veces).

La música de todas las realizaciones de los hermanos Coen han sido compuestas por Carter Burwell. Aunque T-Bone Burnett produjo gran parte de la música tradicional en O Brother, Where Art Thou? y El quinteto de la muerte.

Filmografía[editar]
Año Título original Título en español
1985 Blood Simple Sangre fácil
Simplemente sangre
1987 Raising Arizona Arizona Baby
Educando a Arizona
1990 Miller's Crossing Muerte entre las flores
De paseo por la muerte
1991 Barton Fink Barton Fink
1994 The Hudsucker Proxy El gran salto
El apoderado de Hudsucker
1996 Fargo Fargo
1998 The Big Lebowski Identidad peligrosa
El gran Lebowski
2000 O Brother, Where Art Thou? O Brother!
¿Dónde estás, hermano?
2001 The Man Who Wasn't There El hombre que nunca estuvo allí
El hombre que nunca estuvo
2003 Intolerable Cruelty Crueldad intolerable
El amor cuesta caro
2004 The Ladykillers El quinteto de la muerte
Ladykillers
2007 No Country for Old Men No es país para viejos
Sin lugar para los débiles
2008 Burn After Reading Quémese después de leerse
Quemar después de leer
2009 A Serious Man Un tipo serio
Un hombre serio
2010 True Grit Valor de ley
Temple de acero
2013 Inside Llewyn Davis A propósito de Llewyn Davis
Inside Llewyn Davis: Balada de un hombre común
Otros trabajos[editar]
Crimewave (1985) - Escrita por los hermanos Coen y Sam Raimi, y dirigida por Sam Raimi.
Gates of Eden (1998) - Una colección de cuentos cortos escritos por Ethan Coen.
The Naked Man (1998) - Una película protagonizada por Michael Rapaport y coescrita por Ethan Coen.
The Drunken Driver Has the Right of Way (2001) - Una colección de poemas escritos por Ethan Coen.
Bad Santa (2003) - Dirigida por Terry Zwigoff y protagonizada por Billy Bob Thornton, fue producida por los hermanos Coen.
Romance & Cigarettes (2005) - Producida por los hermanos Coen, y escrita y dirigida por John Turturro.
Paris, je t'aime (2006) - Segmento: "Tuileries".
Chacun son cinéma (2007) - Segmento: "World Cinema".
Gambit (2012) - Adaptación con guión de los hermanos Coen.
Suburbicon - Escrita y producida por los hermanos Coen, será dirigida por George Clooney.
Distinciones como directores[editar]


Todas las películas de los hermanos Coen en una estadística (resultados de taquilla, valoración IMDb, críticas positivas en Rotten Tomatoes).
En el pasado, Joel e Ethan Coen han tenido que separar los créditos de director y productor debido a las reglas de Directors Guild of America, que no permitían compartir el crédito de director previniendo posibles problemas de derechos y propiedad. La única excepción a esta regla es si los co-directores son un "dúo establecido", como es el caso de Ethan y Joel.
Ahora que son capaces de compartir los créditos de director (como un dúo establecido), los hermanos Coen han pasado a ser el tercer dúo en ser nominado al Óscar como mejor director. Los primeros dos pares en lograr esto fueron Robert Wise y Jerome Robbins (quienes ganaron por West Side Story en 1961) y Warren Beatty y Buck Henry (quienes fueron nominados por El cielo puede esperar en 1978).
Con cuatro nominaciones a los premios Óscar por No Country for Old Men (Mejor película, director, guion adaptado y montaje), los hermanos Coen han empatado el récord a la mayor cantidad de nominaciones concentradas (contando al dúo como un solo nominado) por una misma película. Orson Welles marcó el récord en 1941 con Citizen Kane siendo nominado por Mejor película, director, actor y guion (junto a Herman J. Mankiewicz). Warren Beatty alcanzó el récord de Welles cuando fue nominado por Mejor película, director, actor y guion, por Rojos en 1981. Alan Menken también consiguió lo mismo al ser nominado por Mejor banda sonora y tres veces nominado por Mejor canción original, por La bella y la bestia en 1991.
Premios[editar]
Óscar[editar]
Año Categoría Película Resultado
2010 Mejor Película True Grit Candidatos
2010 Mejor Director True Grit Candidatos
2010 Mejor Guion Adaptado True Grit Candidatos
2009 Mejor Película A Serious Man Candidatos
2009 Mejor Guion Original A Serious Man Candidatos
2007 Mejor Película No Country for Old Men Ganadores
2007 Mejor Director No Country for Old Men Ganadores
2007 Mejor Guion Adaptado No Country for Old Men Ganadores
2007 Mejor Montaje No Country for Old Men Candidatos
2000 Mejor Guion Adaptado O Brother, Where Art Thou? Candidatos
1996 Mejor Película (Ethan Coen) Fargo Candidatos
1996 Mejor Director (Joel Coen) Fargo Candidatos
1996 Mejor Guion Original Fargo Ganadores
1996 Mejor Montaje Fargo Candidatos
Globos de Oro[editar]
Año Categoría Película Resultado
2013 Mejor Película - Comedia o Musical Inside Llewyn Davis Candidatos
2009 Mejor Película - Comedia o Musical Burn After Reading Candidatos
2008 Mejor Película - Drama No Country for Old Men Candidatos
2008 Mejor Director No Country for Old Men Candidatos
2008 Mejor Guion No Country for Old Men Ganadores
2002 Mejor Guion The Man Who Wasn't There Candidatos
1997 Mejor Película - Comedia o Musical Fargo Candidatos
1997 Mejor Director Fargo Candidatos
1997 Mejor Guion Fargo Candidatos
Premios BAFTA[editar]
Año Categoría Película Resultado
2013 Mejor Guion Original Inside Llewyn Davis Pendiente
2009 Mejor Guion Original A Serious Man Candidatos
2008 Mejor Guion Original Burn After Reading Candidatos
2007 Mejor Película No Country for Old Men Candidatos
2007 Mejor Director No Country for Old Men Ganadores
2007 Mejor Guion Adaptado No Country for Old Men Candidatos
2007 Mejor Montaje No Country for Old Men Candidatos
2000 Mejor Guion Original O Brother! Candidatos
1996 Mejor Película Fargo Candidatos
1996 Mejor Director Fargo Ganadores
1996 Mejor Guion Original Fargo Candidatos
1996 Mejor Montaje Fargo Candidatos
Festival de Cannes[editar]
Año Categoría Película Resultado
1991 Palma de Oro Barton Fink Ganadores
1991 Mejor dirección Barton Fink Ganadores
1996 Mejor dirección Fargo Ganadores
2001 Mejor dirección The Man Who Wasn't There Ganadores
2013 Gran Premio Inside Llewyn Davis Ganadores

Ha recibido 230 puntos

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OLIVER STONE

13. OLIVER STONE

Biografía[editar] William Oliver Stone nació en Nueva York. Su padre era un agente de bolsa judío y su madre, francesa y católica; él más adelante se convertiría al budismo. Estudió en las universidades de Yale y de Nueva York. Participó como soldado en la guerra de Vietnam, en la que fue... Ver mas
Biografía[editar]
William Oliver Stone nació en Nueva York. Su padre era un agente de bolsa judío y su madre, francesa y católica; él más adelante se convertiría al budismo. Estudió en las universidades de Yale y de Nueva York. Participó como soldado en la guerra de Vietnam, en la que fue herido dos veces, obteniendo la condecoración del Corazón Púrpura. Este hecho marcó su vida y es protagonista de algunos de sus mejores trabajos.

Su producción cinematográfica se inspira en hechos reales. Sus primeros contactos con la industria del cine (sin contar los trabajos de guion y/o dirección en películas menos conocidas) fueron como guionista de gran éxito. Suyos son los guiones de El expreso de medianoche, de Alan Parker (1978), de Conan el Bárbaro, de John Milius (1982), y de Scarface, el precio del poder, de Brian De Palma (1983).

Carrera profesional[editar]
Finales años 1980, consagración[editar]
El paso al primer plano de la actualidad cinematográfica se produce con la dirección de Platoon en 1986, con la que obtendrá el Óscar a la mejor dirección. En 1987 realizó Wall Street, una de sus mejores películas, y en la que narraba las peripecias de un tiburón de las finanzas, bien interpretado por Michael Douglas, que ganó un Óscar por este papel.

Tras una breve pausa con la menos ambiciosa Talk Radio, Stone regresó con su segunda película sobre Vietnam, que sería muy diferente en enfoque y objetivos respecto a Platoon. Born in the fourth of July (Nacido el 4 de julio), protagonizada por el ascendente Tom Cruise, quien sería nominado al Óscar, es el relato de un veterano del conflicto, discapacitado por sus heridas de guerra, quien pasará de ser un fervoroso soldado a un activista en contra de la guerra. Sería el segundo y hasta ahora último Óscar como director para Oliver Stone.

Años 1990, polémica[editar]
Imparable, y muy trabajador, al año siguiente (1990) realizaría The Doors, una poco valorada recreación de la vida del famoso grupo, y fundamentalmente de su líder, Jim Morrison, encarnado por Val Kilmer, y un año después realizaría la que para muchos es su película más importante como cineasta: JFK: caso abierto.

Su relato sobre la investigación que el fiscal Jim Garrison desarrolló en los años 60 sobre el asesinato de John F. Kennedy causó un enorme revuelo debido al planteamiento de una conspiración y contribuyó a hacer crecer su imagen (muy autofomentada) de provocador.

Dos años después estrenó su tercera película sobre Vietnam, Heaven & Earth, protagonizada por Tommy Lee Jones que, pese a no tener el impacto de las dos anteriores, certificó su versatilidad y las pocas facilidades que se dio narrando una historia de amor entre un veterano y una vietnamita, y siendo capaz al mismo tiempo de regresar al conflicto con una tercera óptica.

Al año siguiente, 1994, adapta y cambia libremente un libreto de Quentin Tarantino, para afrontar una de sus películas más provocadoras y atacadas por la crítica, Natural Born Killers (Asesinos natos o Asesinos por naturaleza), que narra las peripecias de dos asesinos sociópatas que dejan un inefable rastro de sangre a su paso. Combinando todo tipo de objetivos de cámara, negativos en color y en blanco y negro, incluso animación, con un montaje alocado y demencial, Stone intentó llamar la atención por todos los medios posibles, logrando un notable éxito de taquilla.

En 1995 regresaría al melodrama con el retrato de uno de los líderes más controvertidos de la historia de los Estados Unidos, Richard Nixon, con su biopic Nixon. Interpretado con gran solidez por Anthony Hopkins, la película obtuvo una respuesta fría de público y crítica negativa.

Sin película en 1996, el año 1997 verá su regreso con el thriller U-Turn, que incluyó a Sean Penn, a Jennifer Lopez, a Nick Nolte y a Billy Bob Thornton. Hermana de Natural Born Killers, aquí el director relajó un poco el ritmo del montaje para ofrecer un relato de turbia atmósfera de un tono casi humorístico.

En 1999 daría una sorpresa a sus seguidores con Any Given Sunday (Un domingo cualquiera), sobre el mundo del fútbol americano.

Años 2000[editar]
En 2003 estrenó Comandante, en torno a la figura del presidente cubano Fidel Castro, en la que se asiste a una extensa entrevista-río. El documento tuvo detractores, que le reprocharon ser aquiescente con las respuestas del entrevistado.[cita requerida] El mismo año estrenó el documental sobre el conflicto palestino-israelí, Persona non grata. En 2004 regresaría a Cuba, para montar una segunda parte de Comandante, titulada Looking for Fidel, con motivo de la ejecución, por parte del gobierno cubano, de tres supuestos disidentes o terroristas.

En 2004 dirigió Alexander, sobre la vida de Alejandro Magno, protagonizada por Colin Farrell, que relata en clave historicista, épica y lírica el viaje emocional de Alejandro a lo largo de sus años de conquista, abordando de forma explícita la bisexualidad del conquistador y de su relación con Hefestión.

En 2006 abordó la destrucción de las Torres Gemelas de Nueva York en World Trade Center, que narra la historia verídica de dos agentes de la policía portuaria, uno de ellos interpretado por Nicolas Cage, que sobrevivieron milagrosamente al derrumbe de la estructura que mató a centenares de bomberos y policías. Este año hizo un pequeño cameo en la película de Santiago Segura Torrente 3: El protector.

En 2008 dirigió un biopic sobre George W. Bush, llamada W., en la que narra la controvertida infancia del presidente, su relación con su padre, su lucha contra el alcoholismo, el redescubrimiento de su fe cristiana, su carrera política y su mandato presidencial durante la invasión de Irak de 2003. La película se basa en un guion del propio Stone y de Stanley Weiser, con quien también había escrito Wall Street.

Prepara una nueva incursión en el viejo tema de Vietnam con Pinkville, protagonizada por Bruce Willis, y que se acerca a la masacre de My Lai, donde cientos de vietnamitas fueron asesinados por los soldados norteamericanos. A la vez realizó el documental llamado Al sur de la frontera, ésta vez sobre el resurgir de la izquierda en América Latina, en especial en Venezuela con su presidente Hugo Chávez.

Polémicas[editar]
En diciembre de 2007 Stone viajó a Colombia para participar, como observador y como documentalista,1 en la liberación de tres rehenes del grupo guerrillero de las FARC, en una operación humanitaria nombrada Operación Emmanuel. El grupo de las FARC ha sido incluido en la lista de grupos terroristas por parte del gobierno estadounidense y la Unión Europea, después del fallido proceso de entrega de los rehenes, debido a la imposibilidad de entrega de un menor de edad, hijo de Clara Rojas (una de las rehenes) y al hecho de que fue concebido en cautiverio, y a que ya se encontraba en una institución de protección del Estado colombiano. Stone hace referencias frente a la posibilidad de que el gobierno colombiano es el responsable del fracaso de la misión, lo cual generó la inconformidad de éste, así como la de amplios sectores de la sociedad colombiana[cita requerida].

Las declaraciones de Stone se dieron antes de que el grupo guerrillero reconociera que no tenía al niño en su poder, o de que confirmaran su identidad las autoridades colombianas. El texto de la entrevista completa se encuentra en Internet.2

En junio de 2010 Stone declaró que consideraba que la guerrilla colombiana las FARC eran heroicas.3 Ese mismo mes, también declaró que "El golpe de estado en Honduras fue una vergüenza para los Estados Unidos" y criticó que el presidente norteamericano Barack Obama "no movió un dedo" durante los acontecimientos.4

En 2010 declaró, en una entrevista con el diario Sunday Times, que su serie documental Oliver Stone's Secret History of America era una reacción ante la "dominación judía de los medios". Estas palabras fueron denunciadas como antisemitas por la Liga Antidifamación.5 Posteriormente Stone, quien a comienzos de ese año había declarado que "Hitler es el chivo expiatorio de la historia",6 se disculpó por estas declaraciones.7

Filmografía[editar]


Oliver Stone en la premiere de Alejandro Magno en Colonia.
1971 : Último año en Vietnam (Last Year in Vietnam corto)
1974 : Reina del Mal (Seizure)
1979 : Loco de Martinique (Madman of Martinique corto)
1981 : La mano (The Hand)
1986
Salvador
Platoon
1987 : Wall Street
1988
Hablando con la muerte (Talk Radio)
Nacido el 4 de julio (Born on the Fourth of July)
1991
The Doors
JFK: caso abierto (JFK)
1993 : El cielo y la tierra (Heaven & Earth)
1994 : Natural Born Killers
1995 : Nixon
1997 : U-Turn, giro al infierno (U Turn)
1999 : Un domingo cualquiera (Any Given Sunday)
2003
Comandante
Persona non grata
2004
Alejandro Magno (Alexander)
Looking for Fidel
2006 : World Trade Center
2008: W.
2009: Al sur de la frontera (South of the Border)
2010: Wall Street 2: El dinero nunca duerme (protagonizada por Michael Douglas, Shia LaBeouf, Charlie Sheen y otros), la secuela de Wall Street.
2012: Savages (protagonizada por Aaron Johnson, Taylor Kitsch, Blake Lively, John Travolta, Benicio del Toro, Salma Hayek, Emile Hirsch, Demian Bichir ).
2014: Mi Amigo Hugo (Protagonizada por Hugo Chávez) En homenaje por su primer aniversario de muerte. 8
Premios[editar]
Premios Óscar:

Año Categoría Película Resultado
1978 Mejor guion adaptado El expreso de medianoche Ganador
1986 Mejor guion original Salvador Candidato
1986 Mejor guion original Platoon Candidato
1986 Mejor director Platoon Ganador
1989 Mejor guion adaptado Nacido el 4 de julio Candidato
1989 Mejor director Nacido el 4 de julio Ganador
1989 Mejor película Nacido el 4 de julio Candidato
1991 Mejor guion adaptado JFK: Caso abierto Candidato
1991 Mejor director JFK: Caso abierto Candidato
1991 Mejor película JFK: Caso abierto Candidato
1995 Mejor guion original Nixon Candidato
Premios Globo de Oro:

Año Categoría Película Resultado
1978 Mejor guion El expreso de medianoche Ganador
1986 Mejor guion Platoon Candidato
1987 Mejor director Platoon Ganador
1990 Mejor guion Nacido el 4 de julio Ganador
1990 Mejor director Nacido el 4 de julio Ganador
1992 Mejor guion JFK: caso abierto Candidato
1992 Mejor director JFK: caso abierto Ganador
1995 Mejor director Natural Born Killers Candidato

Ha recibido 226 puntos

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BRIAN DE PALMA

14. BRIAN DE PALMA

Biografía[editar] Nació el 11 de septiembre de 1940 en Newark, Nueva Jersey. Hijo de un cirujano, desde muy temprana edad se interesó sobre todo por las ciencias y la técnica; en dos ocasiones ganó la "National Science Fair Competition" (Concurso Nacional de Ciencias). Mientras estudiaba la... Ver mas
Biografía[editar]
Nació el 11 de septiembre de 1940 en Newark, Nueva Jersey. Hijo de un cirujano, desde muy temprana edad se interesó sobre todo por las ciencias y la técnica; en dos ocasiones ganó la "National Science Fair Competition" (Concurso Nacional de Ciencias).

Mientras estudiaba la carrera de Física, descubrió su pasión por el séptimo arte, interesándose especialmente por el trabajo de Alfred Hitchcock, Roman Polanski y Jean-Luc Godard. De 1962 a 1964 estudió Arte dramático en el Sarah Lawrence College de Nueva York y dirigió varios cortometrajes.

Éxitos y fracasos[editar]
Tras siete producciones independientes, en la que destaca su primera mirada hacia la guerra y en especial a la guerra en Vietnam Greetings (1968) con un joven Robert De Niro, salta a la fama con la película Sisters (1973) y usa por primera vez el estilo voyeurista que después será, junto con las pantallas divididas, una característica en su estilo.

El éxito de esta película le llevaría a hacer un cine donde el thriller de marcada influencia Hitchcockiana sería su estandarte, aunque serían dos obras de género fantástico, Phantom of the Paradise (1974) y sobre todo el descomunal éxito de la primera adaptación de una novela de Stephen King, Carrie (1976), los que le situarían como uno de los más interesantes autores del nuevo cine de Hollywood que despuntó en los 70. Como curiosidad señalar que George Lucas y él, grandes amigos entonces, hicieron un casting conjunto para Carrie y Star Wars. También ayudó a redactar el texto que aparece en la primera escena de esta película.

Ya en los 80 encadenaría éxitos y fracasos a partes iguales. Siempre que volvía al thriller al estilo Hitchcock triunfaba (Dressed to Kill y Body Double) pero sus inquietudes le llevaron a aceptar el encargo de rodar una nueva versión del clásico Scarface (1932) con Al Pacino como gran estrella. A pesar de haber sido una de las películas más taquilleras (recaudó 65 millones de dólares) y que hoy en día es un clásico de culto, en su época fue destrozada por la crítica y supuso un enorme fracaso comercial que hizo que Pacino sólo rodase una única película desde ahí hasta 1989.

Tras rodar, incomprensiblemente, una comedia absurda donde la personalidad del director no se deja ver por ninguna parte, Chicos listos, llega al cénit de su carrera con otro trabajo de encargo, The Untouchables. Pionera en la adaptación de series televisivas a la gran pantalla, tanto la crítica como el público la respaldaron. En la cinta se reúne un magnífico plantel de actores donde se ven a unos despuntantes Kevin Costner y Andy García, y a unos espléndidos Sean Connery, quien ganaría el Oscar al Mejor Actor de Reparto por su rol en la cinta, y Robert De Niro deslumbrante en el papel de Al Capone. Mencionar que Al Capone fue la inspiración del tándem Howard Hawks/Howard Hughes para el antihéroe Tony Camonte en la Scarface original, con lo que De Palma habría contado en apenas 6 años dos veces la historia del mismo personaje.

Tras este sensacional éxito, De Palma vuelve los ojos a su vieja obsesión sobre Vietnam aprovechando la estela de premios de Platoon (1986). En esta ocasión rememora una noticia que le marcó en su juventud, la violación de una joven vietnamita a manos de unos soldados estadounidenses Casualties of War (1989). La cinta, a pesar de sus buenas intenciones se hundió en la taquilla y fue ignorada a pesar (o quizás por culpa de) contar con el emergente Michael J. Fox como protagonista. Decir que esta historia la retomaría años después en Redacted (2007) pero enmarcándola en la Guerra del Golfo.

Su mayor fracaso fue sin embargo su siguiente película, La hoguera de las vanidades (1990), destrozada y denostada a partes iguales, el intento de sacarle de la condición de "artesano" para ser un autor acabó como si hubiese sido un espejismo, aunque todavía haría una última intentona con la notable Carlito's Way (1993), donde reúne a Al Pacino y a Sean Penn en un intenso duelo actoral que sigue la estela de Scarface. Al igual que ésta, en su momento pasó desapercibida para posteriormente convertirse en un clásico del cine.

En la filmografía pendular de De Palma no podía faltar otra nueva adaptación por encargo de una serie de TV. Misión: Imposible (1996) es un vehículo para lucimiento de su productor y protagonista Tom Cruise. No se sabe si por las constantes peleas entre estrella y director, el trabajo de De Palma fue eficaz pero sin chispa, lo cual desgraciadamente se ha convertido desde entonces en moneda común en su cine. A pesar de esto se saldó con una taquilla arrolladora que dio al neoyorquino vida tras las pobres recepciones de sus últimas películas.

Snake Eyes (1998) y Mission to Mars (2000) intentaron ser, igual que la anterior, vehículos de lucimiento de Nicolas Cage la primera y de intento de consolidar la posición de los emergentes Gary Sinise, Don Cheadle, Connie Nielsen y Jerry O'Connell, y afianzar el estatus de Tim Robbins, pero en ambos casos las cifras no fueron lo suficiente como para llamar la atención a pesar de ser películas esforzadas, aunque no notables.

Después de Mission to Mars, y tras una serie de problemas con la industria estadounidense, se traslada a Francia, donde reside, y encuentra una serie de productores, con los que consigue filmar Femme Fatale (2002). Esta película, a pesar de recibir críticas negativas, es considerada por críticos de renombre como Roger Ebert como una excelente película. Unos años más tarde, se reencuentra con el productor Art Linson (productor de The Untouchables y Corazones de hierro) y regresa a los Estados Unidos para dirigir The Black Dahlia (2006), también con pobres resultados.

Tras este último fracaso vuelve a sus orígenes, al cine de pequeño formato, a la obsesión sobre la guerra y a la ruptura visual a la que acostumbró al público con Redacted (2007), pero como todas las películas bélicas ambientadas en el conflicto del golfo, esta también pasó desapercibida.

Ahora se dice que está trabajando en la continuación del punto más álgido de su carrera, Los intocables, contándonos la ascensión de Capone, pero ahora mismo y tras casi 5 años ya, aún no se ha dado el pistoletazo de salida para comenzar la filmación.

Filmografía[editar]
Año Título original Título en España Título en Latinoamérica
2012
Passion
2007
Redacted Redacted Samarra
2006
The Black Dahlia La dalia negra La dalia negra
2002
Femme Fatale Mujer fatal Mujer fatal
2000
Mission to Mars Misión a Marte Misión a Marte
1998
Snake Eyes Snake Eyes (Ojos de serpiente) Ojos de serpiente
1996
Mission: Impossible Misión: Imposible Misión imposible
1993
Carlito's Way Atrapado por su pasado Atrapado por su pasado
1992
Raising Cain En nombre de Caín Demente
1990
The Bonfire of the Vanities La hoguera de las vanidades La hoguera de las vanidades
1989
Casualties of War Corazones de hierro Pecados de guerra
1987
The Untouchables Los intocables de Eliot Ness Los intocables
1986
Wise guys Chicos listos Éstos sí son amigos
1984
Body Double Doble cuerpo Doble de cuerpo
1983
Scarface El precio del poder Caracortada
1981
Blow out Impacto Estallido mortal/El sonido de la muerte
1980
Dressed to Kill Vestida para matar Vestida para matar
Home Movies Una familia de locos
1978
The Fury La furia La furia
1976
Carrie Carrie Carrie: extraño presentimiento
Obsession Fascinación Obsesión/Magnifica obsesión
1974
Phantom of the Paradise El fantasma del paraíso El fantasma del paraíso
1973
Sisters Hermanas Siamesas mortales
1972
Get to Know Your Rabbit
1970
Hi, Mom! Hola, mamá
Dionysus
1969
The Wedding Party
1968
Greetings Saludos
Murder à la Mod

Ha recibido 224 puntos

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SYDNEY POLLACK

15. SYDNEY POLLACK

Biografía[editar] Inicios[editar] De familia judía de inmigrantes ucranianos, nació en Lafayette (Indiana), de donde se trasladó a Nueva York para proseguir su carrera teatral. De 1954 a 1960 estudió y enseñó interpretación e intervino en varios montajes de Broadway. De 1960 a 1965 dirigió más... Ver mas
Biografía[editar]
Inicios[editar]
De familia judía de inmigrantes ucranianos, nació en Lafayette (Indiana), de donde se trasladó a Nueva York para proseguir su carrera teatral. De 1954 a 1960 estudió y enseñó interpretación e intervino en varios montajes de Broadway. De 1960 a 1965 dirigió más de 80 espectáculos de televisión y ganó varios premios Emmy.

Luego de dirigir programas dramáticos para la televisión, comenzó su carrera en el cine con The Slender Thread, en 1966.

Carrera[editar]
Después de un irregular comienzo como director de cine, fue nominado al Óscar en 1969 por Danzad, danzad, malditos, también premiada en los festivales de Cannes, Bruselas y Belgrado. Realizó varias películas protagonizadas por Robert Redford, entre ellas Las aventuras de Jeremías Johnson (1972), con la que obtuvo un gran éxito de crítica que se repetiría en el filme Tal como éramos (1973).

En la década de los 80 destacó por Ausencia de malicia (1981), con Paul Newman, y Tootsie (1982), con Dustin Hoffman, película que obtuvo diez nominaciones al Óscar. En 1985 ganó este galardón por la dirección de Memorias de África, protagonizada por Robert Redford y Meryl Streep. Otras películas de su filmografía son Yakuza (1974), El jinete eléctrico (1979), Habana (1990), La tapadera (1993), Sabrina (y sus amores) (1995) y Caprichos del destino (1999). Como actor ha intervenido en un gran número de producciones, como la propia Tootsie, Maridos y mujeres (1992, de Woody Allen) o Eyes Wide Shut (1999, de Stanley Kubrick).

Participó como estrella invitada en Will & Grace en numerosos capítulos durante casi toda la serie, encarnando al padre de Will.

Fallecimiento[editar]
El cineasta falleció el 26 de mayo de 2008 en su casa de Los Ángeles a causa de un cáncer diagnosticado diez meses antes.

Filmografía selecta[editar]
El lector (The reader) (2008) co-productor
Made of Honor (La boda de mi novia) (2008) actor
Michael Clayton (Michael Clayton) (2007) productor ejecutivo y actor
La intérprete (The Interpreter) (2005) director, productor ejecutivo y actor
Sketches of Frank Gehry (2005) director
Cold Mountain (2003) (productor)
The Quiet American (2002) productor ejecutivo
Iris (2001) productor ejecutivo
El Talento de Mr. Ripley (1999) productor
Eyes Wide Shut (1999) actor
Random Hearts (1999) director
Sliding Doors (1998) productor
Sabrina (y sus amores) (1995) director/productor
Sentido y sensibilidad (1995) productor ejecutivo
La tapadera (The Firm) (1993) director/productor
Maridos y mujeres (1992) actor
La muerte le sienta bien (1992) actor
Habana (1990) director/co-productor
The Fabulous Baker Boys (1989) productor ejecutivo
Memorias de África (1985) director/productor
Tootsie (1982) director/productor/actor
Ausencia de malicia (1981) director/productor
El jinete eléctrico (1979) director/actor
Bobby Deerfield (1977) director/productor
Yakuza (1975) director/productor
Los tres días del Cóndor (1975) director
Tal como éramos (1973) director
Las aventuras de Jeremías Johnson (1972) director
Danzad, danzad, malditos (1969) director/guionista/productor
Castle Keep (1969) director
The Swimmer (1968) co-director
The Scalphunters' (1968) director
Propiedad condenada (1966) director
The Slender Thread (1965) director
Premios[editar]
Óscar[editar]
Año Categoría Película Resultado
2007 Mejor Película Michael Clayton Candidato
1985 Mejor Película Memorias de África Ganador
1985 Mejor Director Memorias de África Ganador
1982 Mejor Película Tootsie Candidato
1982 Mejor Director Tootsie Candidato
1969 Mejor Director Danzad, danzad, malditos Candidato

Ha recibido 223 puntos

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JOHN FORD

16. JOHN FORD

Primeros años[editar] Nacimiento e infancia[editar] Faro de Cape Elizabeth, localidad de Maine en la que Ford nació El futuro John Ford nació el 1 de febrero de 1894 (aunque muchas veces diría que en 1895) en una granja de Cape Elizabeth (Maine) y fue bautizado con el nombre de John... Ver mas
Primeros años[editar]
Nacimiento e infancia[editar]


Faro de Cape Elizabeth, localidad de Maine en la que Ford nació
El futuro John Ford nació el 1 de febrero de 1894 (aunque muchas veces diría que en 1895) en una granja de Cape Elizabeth (Maine) y fue bautizado con el nombre de John Martin Feeney, hijo de dos emigrantes irlandeses que le transmitieron su natal gaélico y el amor a su Irlanda de origen. Su padre, Sean A. Feeney, era oriundo de Galway, al igual que su madre, Barbara Abbey Curran, si bien la familia de ésta procedía de las Islas Aran.1 Fue probablemente su madre quien inspiró la permanente asociación del hogar con la figura de una mujer presente a lo largo de su filmografía.2 Hay dudas acerca del auténtico nombre del pequeño, pues el irlandés «Sean» parece haber sido sustituido por el equivalente anglosajón «John», que dio lugar a que se le conociera familiarmente con el americanizado «Jack». En cuanto al apellido, se escribe de diversas formas, como O'Fienne u O'Fearna. Además, el mismo Ford dijo muchas veces que su segundo nombre era Aloysius. Todo ello motivó muchas polémicas entre sus biógrafos.

Fue el menor de once o trece hijos. A los cuatro años, las dificultades económicas que atravesaba la familia le obligaron a desplazarse a Portland (Maine), sustituyendo la granja familiar por un apartamento. Allí llegó a completar sus estudios secundarios sin que mostrara más inquietudes artísticas que una habilidad para la caricatura muy apreciada por sus amistades.3 Comenzó a trabajar en el departamento de publicidad de una fábrica de zapatos, y parece que intentó en vano entrar en la Academia Naval de Annapolis;4 en cualquier caso, Ford mostraría años después su amor por la Marina.

Primer contacto con la industria del cine[editar]
Su hermano mayor, Frank O'Feeney, se había desplazado a Hollywood en 1911. Allí, con el nombre artístico de Francis Ford, inició una prometedora carrera en la naciente industria cinematográfica. El joven Jack se uniría a él en 1913, trabajando a sus órdenes en diversos oficios: regidor, doble de acción, atrezzista, asistente de su hermano y actor. Pronto adoptó el apellido artístico de Francis y se hizo llamar Jack Ford, para disgusto de sus padres a quienes no agradaba esa actividad profesional. Estos años le sirvieron al joven Jack para familiarizarse con el cine desde diversos ángulos y en diferentes géneros. Su hermano fue no sólo la primera influencia, sino quizá la más importante en su forma de hacer cine,5 lo que siempre provocó cierta envidia en Jack.6 Fuera de la tutela de su hermano, Ford participó como extra en el rodaje de El nacimiento de una nación, lo que le permitió conocer la forma de trabajar de David W. Griffith, director por el que Ford siempre sintió respeto. Estos años junto a su hermano le sirvieron a Ford para conocer la industria, pero todavía no tenía conciencia de las posibilidades reales de la labor de dirección cinematográfica.7

La época muda[editar]
El paso a la dirección de Ford parece una evolución lógica en su carrera, aunque el azar tuvo mucho que ver en tal tránsito. Se suele considerar que su primera película como director es The Tornado (El tornado) en 1917, en la que también figura como guionista. Se trataba de un western corto protagonizado por su hermano Francis, y resulta dudoso si John ya era el director o se limitaba todavía a ayudar a su hermano asumiendo cada vez más responsabilidades. La película, de la que no se conserva copia alguna, debió limitarse a una sucesión de acrobacias hechas por los especialistas, pero supuso el comienzo de una larga y brillante carrera profesional. Desgraciadamente, de los 62 films de diverso metraje que Ford rodó durante la época muda, sólo se conservan entre quince y veinte8 (algunos mutilados), lo que dificulta hacer una valoración global de su obra en este período de formación.

Universal y Harry Carey[editar]


Harry Carey en un film de 1912. La colaboración del actor con Ford en 25 westerns lanzaría la carrera de ambos
Afortunadamente para Ford, las películas del Oeste no gozaban de mucho prestigio entonces y los directores de los estudios Universal eran reacios a dirigirlas. Eso provocó un vacío que su hermano Francis aprovechó recomendándole al estudio. Ford rodaría un total de 37 films para Universal en cinco años.9 De allí nació una relación profesional y de amistad entre John Ford y el actor Harry Carey, quienes rodarían juntos un total de veinticinco películas mudas de apresurada realización y creciente rentabilidad.10 Carey fue la respuesta de Universal a actores como Tom Mix o Broncho Billy y, de la mano de Ford, compuso un héroe alejado de los arquetipos tradicionales. Su personaje habitual recibió el nombre de Cheyenne Harry (Cayena, en ciertas versiones hispanas), aunque no era muy diferente cuando recibía otros nombres. El actor fue la segunda influencia en importancia en el cine de Ford tras su hermano Francis.11 El éxito en taquilla de Carey permitió subir poco a poco el salario de Ford. Parece que las películas tenían una excelente fotografía y unos escenarios exteriores que resaltaban la trama violenta. Sólo se conservan Straight Shooting (A prueba de balas, 1917) y Hell Bent (El cowboy vengador o El barranco del diablo, 1918).

En enero de 1920, Ford rueda The Prince of Avenue A, reseñable por ser su primera película ajena al western. En el verano de ese año, Ford contrajo matrimonio con Mary France McBride Smith, con quien tendría dos hijos: Patrick (1921), quien llegaría a ser productor y realizador de cine de bajo presupuesto; y Barbara (1922), que trabajaría con el tiempo como montadora. En ese mismo año, su hermano Francis abandona definitivamente la dirección y se centra en el trabajo como actor.

Paso a la Fox[editar]
A finales de 1920, Ford filma Just Pals (Buenos amigos), su primer trabajo con la productora Fox, con la que mantendrá una relación casi en exclusiva hasta 1931 y con la que rodaría más de cincuenta películas a lo largo de su vida. Se trata de un western "moderno" ambientado en su propia época y que narra la relación entre un vagabundo y un niño en tono de comedia. Aunque Ford siguió rodando algunas películas con Universal y Carey, la nueva productora le permitió trabajar también con Tom Mix. Por esa época realiza un viaje a la Irlanda de sus ancestros, donde estableció contacto con el Sinn Féin y con el duro conflicto anglo-irlandés. Volvió a casa habiendo reforzado sus lazos con la tierra de sus padres.

En 1923, Ford rueda su película de mayor presupuesto hasta entonces. Se trata de Cameo Kirby (Sota, caballo y rey), protagonizada por la estrella John Gilbert y coloreada en algunas secuencias. Probablemente la importancia del encargo motiva que por primera vez firme con su definitivo nombre de John Ford.



Cartel anunciador de El caballo de hierro, en el que el nombre de John Ford ya aparece destacado
Una superproducción[editar]
Artículo principal: El caballo de hierro
En 1924, Ford rueda su mayor producción hasta la fecha, el western de tonos épicos The Iron Horse (El caballo de hierro). La película no estaba concebida inicialmente como una superproducción, pero la Fox no reparó en gastos conforme avanzaba el rodaje, desarrollado durante el primer trimestre del año. El film narra en tono de epopeya la construcción del ferrocarril Transcontinental por las compañías Union Pacific y Central Pacific entre los años 1863 y 1869, trama acompañada de una relación sentimental entre los protagonistas, encarnados por George O'Brien y Madge Bellamy.

El rodaje se desarrolló en difíciles condiciones, pues el numeroso equipo no fue a Nevada preparado para el duro clima propio de la estación. Hubo que improvisar alojamientos adecuados para el numeroso equipo. La productora hizo un importante esfuerzo económico encaminado a potenciar el tono épico. Hubo que construir dos ciudades enteras para las tomas generales. Dado que uno de los ejecutivos de la Fox se había encaprichado de la actriz protagonista, se añadieron posteriormente escenas rodadas sin el concurso de Ford para realzar su papel.12

Quizá El caballo de hierro no sea la mejor película de la época silente de Ford,13 pero el director demostró saber hacer frente a las adversidades y dirigir a un numeroso equipo en condiciones difíciles. El resultado fue un éxito de taquilla que permitió que la compañía recuperase con creces su elevada inversión. Ello reforzó la posición de Ford en Fox y en la industria de Hollywood, en general. El tono grandioso del film es compensado con cierta ironía, en la que colaboran, como no, los personajes de tres viejos borrachines irlandeses (tipo que se hará habitual en posteriores películas de Ford).14

Diversidad de géneros[editar]
El éxito de El caballo de hierro garantizó a Ford la continuidad como director, realizando a continuación películas de diversa temática con las que experimentó géneros distintos al western. Tras la desaparecida Hearts of Oak, melodrama de ambiente marítimo, Ford rodó Ligtnin' (Don Pancho), amable comedia sin pretensiones aunque excesivamente larga, cuya acción se desarrolla en el peculiar Hotel Calivada, situado justo sobre el límite fronterizo entre los Estados de California y Nevada. La ubicación dará lugar a diversas situaciones cómicas, en las que destacan el matrimonio que regenta el hotel, personajes que prefiguran otros que poblarán más tarde la obra fordiana (como el Jeeter Lester de Tobacco Road).15

Kentucky Pride (Sangre de pista) permitió a Ford introducirse en el ambiente para él grato de las carreras de caballos. La comedia se inicia desde el punto de vista subjetivo del equino protagonista hasta que pasa a contarnos las historias paralelas de su dueño, un hombre acaudalado que pierde su fortuna y su montura, y el mozo de cuadras, un irlandés interpretado por J. Farrel McDonald y que anticipa futuros personajes de Ford. The Fighting Heart (Corazón intrépido) es un desaparecido melodrama que gira en torno a las consecuencias del alcoholismo, reseñable por suponer la primera aparición de un joven Victor McLaglen en el cine de Ford, del que el actor llegaría a convertirse en un emblema.

The Shamrock Handicap (La hoja de trébol) permite a Ford retomar el tema de la equitación. Narra la historia de un bondadoso aristócrata irlandés arruinado por ser generoso con sus arrendatarios. Ello le obliga a vender su mejor caballo para que compita en los Estados Unidos. Lo que podría haber sido una tragedia, adquiere visos de una optimista historia de superación personal en la que el noble, su hija y su mejor jockey emigrarán a Norteamérica, triunfarán en las carreras y regresarán a la patria victoriosos.16 Tema muy grato a un emigrante de segunda generación como Ford. También narra una emigración desde Irlanda Mother Machree (¡Madre mía!), un film con el que la Fox experimentó la sincronización de música e imágenes y cuyo estreno se retrasó dos años. Sólo conservada parcialmente, la película es excesivamente sentimental y discursiva y, aunque cercana a la temática habitual de Ford, está lejos en resultado.

Retorno al western[editar]


George O'Brien junto a Heather Angel en una imagen de 1936. El actor protagonizó El caballo de hierro, Tres hombres malos y otras películas de Ford en esta época. La actriz trabajaría con Ford en Pilgrimage y El delator
Artículo principal: Tres hombres malos
3 Bad Men (Tres hombres malos) está considerada por muchos críticos como la mejor película del período silente de Ford. Basada en un hecho histórico, la carrera por la disputa de las tierras libres del Territorio de Dakota, podría haber dado lugar a otra superproducción épica como El caballo de hierro. Sin embargo, aunque la memorable secuencia de la carrera responde a ese planteamiento, el resto de la película se aparta de él. Oscilando con habilidad entre la comedia y el drama, el film presenta a tres bandidos de buen corazón que deciden defender a una joven huérfana y enfrentarse a un malvado sheriff. Los forajidos, conscientes de que su tiempo ha pasado, se sacrificarán por la muchacha y su novio, al que ellos mismos han ayudado a elegir, en lo que constituye un indudable anticipo del western crepuscular.17

La película no fue un éxito de taquilla pese a estar incluida en el género en el que Ford inició su carrera y con el que había conseguido su mayor éxito. Pasarían años hasta que el director volviera a dirigir su mirada hacia el oeste.

Éxito en el drama[editar]
Artículo principal: Cuatro hijos
Tras la encorsetada The Blue Eagle (El águila azul), film de ambiente castrense, Ford conocerá su mayor éxito de la era silente gracias al drama bélico Four Sons (Cuatro hijos). En este caso, público y crítica caminan de la mano al considerarla una gran película.18 Aunque hoy permanezca casi olvidada, supuso el encumbramiento de Ford a la misma altura de figuras de la época como el mismísimo Griffith. El film trata temas habituales en Ford, como la guerra, la nostalgia de la patria perdida (Baviera en este caso sustituye a la habitual Irlanda) y la emigración como forma de reconstruir la propia vida.

Fin de una era[editar]
Ford se despediría del cine silente con tres películas muy diferentes. The Hangman's House (El legado trágico) supone una vuelta a Irlanda desde la perspectiva nacionalista que le caracterizó tras su contacto con el IRA, así como a las carreras de caballos. El film es reseñable por suponer la primera colaboración acreditada de John Wayne a las órdenes de Ford, además de contar de nuevo con Victor McLaglen. Riley the Cop (Policías sin esposas o El policía sin esposas), nuevamente protagonizada por J. Farrell McDonald, es una comedia sin pretensiones relacionada con el slapstick en torno a un agente que se vanagloria de no haber efectuado nunca una detención y es enviado en misión al extranjero. Strong Boy (¡Viva la ambición!) estaba también protagonizada por McLaglen y parece haberse perdido. Los dos últimos films fueron estrenados como películas mudas pero con sincronización musical, una técnica utilizada por los estudios en la fase de transición al sonoro.

Ford dirigió más de sesenta películas durante la era silenciosa del cine. Aunque su carrera se hubiera truncado con la llegada del sonido, como ocurrió con grandes creadores como D.W. Griffith, Erich von Stroheim o Buster Keaton, su obra sería digna de consideración en la historia del cine. Pero Ford tenía todavía muchas más cosas que aportar.19

Una década de adaptación[editar]
Napoleon's Barber (El barbero de Napoleón) constituye la primera toma de contacto de Ford con el cine sonoro. Es una película corta de Fox que trata una anécdota ficticia: camino de Waterloo, Napoleón Bonaparte se detiene en una barbería para ser afeitado; el barbero, que no le reconoce, se explaya explicando lo que le haría al Emperador si lo tuviera delante... hasta que acaba reconociéndole.20 Hoy perdida, la película no parece tener mayor interés que el de la experimentación de Ford con el sonido, discutiendo con los técnicos acerca de los límites de la nueva técnica.21

Años después, Ford relató a Peter Bogdanovich cómo las productoras les despidieron a él y otros directores con la llegada del sonoro y les reemplazaron por directores teatrales. Cuando éstos fracasaron en una labor que desconocían por completo, Ford y los demás fueron vueltos a contratar con un aumento de sueldo. Según él, el que los actores declamaran su diálogo durante el rodaje no era nuevo pues ya se hacía durante la época muda en prevención del público que sabía leer los labios.22 En cualquier caso, Ford fue de los directores que sobrevivieron al desarrollo técnico; y lo hizo gracias a asumir su condición de asalariado que debía obedecer las reglas impuestas por el patrón.

Primeras obras sonoras[editar]
El primer reto serio del director fue The Black Watch (conocida como Shari, la hechicera o Shari, la hechicera oriental en el ámbito hispano). La Fox buscaba un espectáculo de aventuras exóticas de tinte colonialista británico que guardara ciertas similitudes con Las cuatro plumas, de la que se había rodado una nueva versión ese mismo año 1929. Nuevamente es uno de los actores predilectos de Ford, Victor McLaglen, quien interpreta al oficial protagonista, secundado por Myrna Loy en el rol femenino. La película está lastrada por el deseo de explotar a ultranza las posibilidades del sonido, por lo que abundan las canciones, música militar y alaridos bélicos. Además, los productores contrataron a un director teatral para que rodara nuevas y postizas escenas con los protagonistas, en las que la cámara se situaba en plano fijo y los actores declamaban teatralmente, para nuevo disgusto de Ford.23 Pese a ello, la película tiene algunos apuntes visuales positivos que llevaron al crítico Tag Gallagher a definirla como un melodrama neowagneriano.24

El anterior film cumplió las expectativas económicas, y Ford recibió un nuevo encargo de Fox: Salute (conocida en español como El triunfo de la audacia o La audacia triunfa, 1929). Quizá la menor ambición del encargo le hizo pensar que recibiría menos presiones; o quizá fuera la expectativa de rodar en un ambiente agradable (las instalaciones militares de Peaks Island) en compañía de sus amigos Ward Bond y John Wayne lo que le atrajo.25 El film, protagonizado de nuevo por George O'Brien, narra en tono de comedia la rivalidad existente entre miembros del Ejército y de la Armada de los Estados Unidos (dos instituciones muy gratas al director) que culminará en un partido de fútbol americano.

Men Without Women (Tragedia submarina) supone la primera colaboración del director de Maine con el escritor Dudley Nichols, fructífera unión que se prolongaría durante catorce películas más. El propio Nichols relataría posteriormente la experiencia admitiendo su total ignorancia inicial acerca de cómo se escribía un guion y cómo Ford le enseñó.26 Pero Nichols sí sabía contar historias y pronto dominó la técnica cinematográfica. El trabajo conjunto de ambos inspiraría algunas de sus mejores películas. Puesto que el guionista había servido en la Marina, propuso un tema naval para su primer film, algo fácilmente aceptado por el director.27 La cinta relata la tragedia de la atrapada tripulación de un sumergible que se hunde sin remedio y sus desesperados esfuerzos por sobrevivir. El opresivo ambiente es suavizado mediante el habitual uso del humor en pequeñas situaciones colaterales a la trama principal. Ford recordaría más tarde que se trataba de la primera película rodada en un submarino auténtico.28 Técnicamente sigue siendo una película muda pero con sonido sincronizado, que incluye música (incluso alguna canción), efectos de sonido y algún diálogo.29

En Born Reckless (El intrépido), de nuevo con ayuda de Nichols, Ford asumió el papel contrario al que había sufrido en El caballo de hierro o The Black Watch, pues tuvo que terminar una película encargada a otro director. Puesto que el proyecto no le gustaba, optó por introducir un partido de béisbol como elemento cómico, de forma semejante a como había hecho en Salute.30 Algo similar ocurrió con Up the River (Río arriba), que contaba con un guion carcelario que disgustaba a Ford. Él y el comediante Bill Colliér reescribieron el guion convirtiéndolo en una hilarante comedia de gran éxito en la que los protagonistas entraban y salían del penal constantemente. El resultado es una extraña mezcla de géneros31 que dio fama a una inusual pareja formada por los casi debutantes Spencer Tracy y Humphrey Bogart,32 pero la guionista original se sintió muy molesta con Ford.33

Más interés tiene Seas Beneath (Mar de fondo), nueva aventura marítima de la mano de Dudley Nichols y con la colaboración de George O'Brien. En esta ocasión se relata la actuación de la tripulación de un buque "cazasubmarinos" durante la Gran Guerra. Aunque cierta crítica destaca hallazgos expresivos que dotan de gran "fisicidad" a la acción, como la colocación de una cámara en la popa del submarino durante su emersión,34 Ford quedó molesto por la imposición por parte del estudio de una actriz protagonista a la que él consideraba incapaz.35

Mucho menos reseñable es The Brat (La huerfanita), comedia de la que Ford sólo recordaba años después una enérgica pelea entre dos mujeres.36

Primera aproximación a la medicina[editar]
Artículo principal: Arrowsmith (película)
Arrowsmith (estrenada en España como El doctor Arrowsmith y en Argentina como Médico y amante) es una película interesante por varios motivos. En primer lugar, es el primer trabajo de Ford con una productora distinta de Fox Film Corporation tras una larga relación de exclusividad con ésta; la colaboración con el productor Samuel Goldwyn en una obra ambiciosa no fue sencilla para el director. En segundo lugar, constituye la primera aproximación a un tema que luego reaparecería en Ford, la medicina, esta vez a través de la adaptación de una novela de prestigio del reciente Premio Nobel Sinclair Lewis, libro que había sido, a su vez, galardonado con el Premio Pulitzer. Por último, es el primer esfuerzo serio de Ford por describir en profundidad a un personaje complejo.37

Aunque la crítica ha considerado posteriormente que es una película fallida en varios aspectos, obtuvo en 1932 cuatro nominaciones a los Premios Óscar de la Academia, entre ellos el de mejor película, siendo la primera vez que una obra de Ford llegaba a obtener este tipo de reconocimiento.

El film tuvo consecuencias de otro tipo. Ford incumplió el contrato firmado con Goldwyn que le prohibía beber durante el rodaje, lo que hizo que fuera sancionado por aquél38 y que, a continuación, Fox diera por concluido el contrato de exclusividad que había disfrutado durante años.39 A partir de ese momento, aunque Ford siguió colaborando con Fox, quedó en libertad para desarrollar proyectos con otros estudios. Ello significó un importante cambio en la forma de trabajar de un director acostumbrado hasta entonces a estar en nómina de una compañía.

Free lance[editar]
Ford vuelve a trabajar con la compañía de sus inicios, Universal, en el rodaje de Air Mail (Hombres sin miedo, 1932). Allí conocerá al capitán de fragata Frank W. Spig Weady, condecorado piloto de aviación de la Marina que colaboró como guionista en éste y otros films (entre ellos, They Were Expendable, de nuevo con Ford), con el que le llegará a unir una estrecha amistad. La película se ambienta en el mundo de los pilotos dedicados al correo aéreo, y su temática se asemeja a la de la gran película posterior de Howard Hawks Sólo los ángeles tienen alas (Only Angels Have Wings, 1939). No obstante, a Ford le falta la vivencia personal que sí tuvo Hawks y que le permitió impregnar la película de verosimilitud, por lo que el film fordiano es mucho más frío que el del cineasta-aviador.

Flesh (Carne, 1932) supone la primera colaboración de Ford con la Metro-Goldwyn-Mayer. En este drama, un fuerte Wallace Beery debe enfrentarse tanto a una banda de gangsters como a una temible mujer fatal. El nombre de Ford no aparece en los títulos de crédito.

Con Pilgrimage (Peregrinos o Peregrinación en sus estrenos hispanos, 1933) Ford vuelve a trabajar con Fox Film Corporation. La película está basada en una narración de I.A.R. Wylie, la misma autora del relato que dio lugar a Cuatro hijos, el mayor éxito de Ford en la época del cine mudo. Nuevamente la historia versa acerca de las relaciones maternofiliales, pero en este caso la madre es una mujer dura que se niega a que su hijo contraiga matrimonio y rompe con él. El hijo morirá en la guerra y la madre sólo se reconciliará con su nuera y nieto tras conocer a otro soldado que ha tenido una experiencia similar a la de su difunto hijo.

Un nuevo icono[editar]
En 1933, Ford acepta el encargo de realizar una película protagonizada por el popularísimo actor Will Rogers. El éxito de Doctor Bull propiciará la realización de otras dos películas, Judge Priest (1934) y Steamboat' Round the Bend (1935), componiendo un ciclo que, por reunir una serie de características propias, se denomina a veces la trilogía de Will Rogers.40

Nuevos trabajos[editar]
Recobra a Dudley Nichols para La patrulla perdida que mete en escena en 1934 la RKO con Victor McLaglen, a quien ofrecería un nuevo gran papel en Hangman's house. Ford detestará siempre su siguiente película El mundo en marcha ambientada en los finales del siglo XIX y principios del XX a pesar de que tiene varias escenas de guerra muy realistas. Más éxito tuvo Judge Priest con Dudley Nichols en el guion y el actor Will Rogers que había dirigido el año antes en Doctor Bull y que nuevamente dirigiría en 1935 en la película Steamboat round the bend, justo antes de que éste muriera en un trágico accidente de avión. Esta película es una de las preferidas del director. Se hizo un remake en 1952 titulado El Sol brilla para todo el Mundo.

En 1934, Ford empieza a participar económicamente en sus películas. Se compró un yate al que bautizó como "L'Araner" en homenaje a Irlanda que tendría hasta 1970. Rodaría dos películas más y empezaría a tener problemas por la presión de Hollywood. Continuó su amistad con John Wayne, que trabajó con él como figurante en sus primeras películas, en El delator.

En 1935 funda con King Vidor, Lewis Milestone, William A. Wellman, Frank Borzage y Gregory La Cava la Asociación de Directores, reemplazando así la Asociación de Directores de Películas. El delator, realizada muy rápido para la RKO le permitió abordar el tema de la Irlanda británica. No son un misterio su simpatía hacia el IRA. En esta película se descubre al Ford de los decorados interiores, está lejos de sus grandes producciones y decorados clásicos del oeste. Con este trabajo, inspirado en el cine expresionista recibe su primer Óscar al mejor director que iría a parar a la Asociación de directores fundada anteriormente.

20th Century Pictures en 1935 absorbe a la Fox, y pasa a denominarse desde entonces 20th Century Fox, de Darryl F. Zanuck. Realiza junto a su nuevo productor, un gran admirador de Abraham Lincoln, Prisionero del odio. Los problemas entre Ford y Zanuck comienzan por el enfrentamiento a causa del acento sureño de Warner Baxter. Ford está a punto de dejar la 20th Century Fox pero finalmente accede a los deseos de Zanuck. Desde entonces mantienen una estrecha amistad y admiración.

Dirige a Katharine Hepburn en María Estuardo (Mary of Scotland) para la RKO en 1936. Dirigió también en 1937 Huracán sobre la Isla producida por Samuel Goldwyn.

En 1937 se alista en el Comité cinematográfico de Ayuda a la República Española para ayudar a los republicanos combatientes en la Guerra Civil Española (1936-1939). Se encarga personalmente de enviar una ambulancia con las Brigadas Internacionales. Es un luchador muy activo también en la lucha contra el nazismo. En 1938 defiende el bloqueo a la Alemania nazi y es nombrado miembro de la Liga Hollywoodiense Anti-Nazi. La firma del pacto germano-soviético le valió la crítica de los comunistas que le acusaron de "propaganda de guerra".

El período clásico[editar]
De La diligencia a El fugitivo[editar]
Con La diligencia, Ford regresa al western. En esta película cuenta con John Wayne que recibe la oportunidad de su vida y se convertirá en una gran estrella. Los exteriores se rodaron en Monument Valley. La película optó a ocho Óscar, de los que consiguió el de actor secundario con Thomas Mitchell y el de banda sonora, y John Ford recibió el Premio de la Crítica Cinematográfica Neoyorquina. La diligencia se considera la mejor película del Oeste de todos los tiempos.

Después y junto a Zanuck retomó su pasión por Lincoln y rodaron juntos El joven Lincoln con Henry Fonda, que será el protagonista de sus dos películas siguientes: The Grapes of Wrath (Las viñas de la ira, Viñas de ira o Las uvas de la ira) (colaboración número doce con el guionista Nunnally Johnson) y Corazones indomables. En 1940 gana de nuevo el Óscar al mejor director. Su talento por fin es reconocido por los profesionales y la crítica.

Vuelve a trabajar con John Wayne en The Long Voyage Home. La última película de Ford antes de la guerra (Qué verde era mi valle) es todo un éxito de público y crítica. Recibe cinco Óscar, entre ellos el de mejor película y mejor dirección (arrebatándoselo a Citizen Kane de Orson Welles).

En 1939 Ford tiene la intuición de que América no tardaría en entrar en la Segunda Guerra Mundial. Se pone a la cabeza de un grupo de cineastas que piden a Franklin Roosevelt el boicot a la Alemania nazi y funda un grupo de gente de Hollywood al servicio de la Armada Americana llamado Naval Field Photographic Unit. Tras el ataque japonés a Pearl Harbor el 7 de diciembre de 1941 se fundan otros dos grupos similares.

Durante la guerra, Ford y su equipo recorren los teatros informando de operaciones militares. A principios de 1.942 van al frente del Pacífico. Realizan para la Marina los documentales: 7 de diciembre sobre el ataque de Pearl Harbor, y La batalla de Midway; las imágenes del ataque japonés a la isla fueron rodados por Ford. Las dos le reportaron un Óscar al mejor documental. Realizó también una pequeña película para las familias de las víctimas de Midway llamada Escuadrón Torpedo. En 1942 se traslada al norte de África para cubrir el desembarco. Durante 1943 cubre múltiples operaciones exteriores y las victorias de los aliados en Victoria en Burma. Cubre también en 1944 el desembarco de Normandía. Sigue también al ejército durante la preparación del Proceso de Nuremberg.

De febrero a junio de 1945 rueda They were expendable para la Metro-Goldwyn-Mayer con John Wayne, Robert Montgomery y Donna Reed. Ésta es curiosamente la única película de Ford sobre la Segunda Guerra Mundial, en la que tan activamente participó. El dinero recaudado por esta película fue destinado para los veteranos de la Field Photo Unit y la Field Photo Farm.

Después de la guerra vuelve a Hollywood y vuelve a rodar en Monumental Valley: Pasión de los fuertes. En El fugitivo (1947) trabaja de nuevo con Henry Fonda, a quien permitía interpretar con total libertad.

El hombre tranquilo[editar]
La dirigió en 1952, de nuevo en compañía de su actor predilecto, John Wayne. La película trata sobre un boxeador norteamericano, Sean Thorton (interpretado por el nombrado Wayne), que regresa a su Irlanda natal para recuperar su granja y escapar de su pasado. Allí se enamora de una alegre chica, aunque para conseguirla deberá luchar contra las costumbres locales, incluidos el pago de una dote y la oposición del temperamental hermano de su prometida.

La película obtuvo siete nominaciones a los Óscar, incluyendo mejor película, y fue galardonada por dos. Una de las estatuillas fue a manos de Ford y la otra a los directores de fotografía Winton C. Hoch y Archie Stout.

Filmografía[editar]
Director[editar]
1917
The Tornado (El tornado)
The Scrapper
Cheyenne's Pal / Cactus my Pal (El amigo Cayena / El misterio de Martín)
The Soul Herder (El bravo Cayena / La ley del más fuerte)
Straight Shooting / The Cattle War (A prueba de balas)
The Secret Man / The Round up (Hombre entre hombres / El reo 1432)
A Marked Man (Bajo sentencia de muerte)
Backing Brodway (El rescate)
1918
Phantom Riders / The Range War (Bajo la máscara / Los fantasmas del valle)
Wild Women (Las dos mujeres)
Thieves' Gold (La nueva senda)
The Scarlett Drop / The Hill Billy (La gota de sangre)
Hell Bent (El cowboy vengador / El barranco del diablo)
A Woman's Fool (La envenenada / Marino de agua dulce)
Three Mounted Men (Lealtad / Los tres cowboys)
1919
Bare Fists (Deuda pagada / El hombre inerme)
Roped (Hombre sin armas / Esposa por correo)
The Fighting Brothers
A Fight for Love (El barranco del diablo / Cuando el culpable confesó / El contrabandista)
By Indian Post
The Rustlers
Gun Law
Riders of Vengeance (El jinete vengador)
The Gun Packer
The Last Outlaw
The Outcasts of Poker Flat (Los parias de la sierra)
The Ace of the Saddle (El jinete de hierro / Un hombre de paz)
Rider of the Law (El brazo de la ley)
A Gun Fightin' Gentleman (El hombre de las pistolas de oro / El caballero cowboy)
Marked Men (La fuerza de las circunstancias / El vagabundo)
Harry Carey Tour Promotional Film (cortometraje)
1920
The Prince of Avenue A (El príncipe de la avenida A)
The Girl in Number 29 (La joven del cuarto 29 / La doncella del 29)
Hitchin' Posts (Ligaduras de oro / El caballero tahur)
Just Pals (Buenos amigos / Camaradas)
1921
The Big Punch (Manos de hierro / Amor filial)
The Freeze-Out (La deuda satisfecha)
The Wallop (El golpe / El azote del amor)
Desperate Trails (Caminos de desesperación / Huellas imborrables)
Action (Acción enérgica)
Sure Fire (Fuego certero)
Jackie (Juanita / Jacqueline)
1922
Little Miss Smiles (La señorita Sonrisas / La cascabelera)
Silver Wings (El hijo consentido)
The Village Blacksmith (El herrero de la aldea)
The Face on the Bar-Room Floor (El relato del borracho)
1923
Three Jumps Ahead (Venciendo abismos)
North of Hudson Bay (La jornada de la muerte)
Cameo Kirby (Sota, caballo y rey)
Hoodman Blind (El pecador errante)
1924
The Iron Horse (El caballo de hierro)
Hearts of Oak (Corazones de roble)
1925
Lightnin' (Don Pancho / El remolón)
Kentucky Pride (Sangre de pista / Sangre pura de carrera)
The Fighting Heart (Corazón intrépido)
Thank You (Con gracia a porfía)
1926
The Shamrock Handicap (La hoja de trébol / Hojas de trébol)
3 Bad Men (Tres hombres malos)
The Blue Eagle (El águila azul)
1927
Upstream (Ser o no ser / Contra la corriente)
Mother Machree (¡Madre mía! / El sacrificio de una madre)
1928
Four Sons (Cuatro hijos)
Hangman's House (El legado trágico / La casa del verdugo)
Napoleon's Barber (El barbero de Napoleón)
Riley the Cop (Policías sin esposas / El policía sin esposas)
1929
Strong Boy (¡Viva la ambición!)
The Black Watch (Shari, la hechicera / Shari, la hechicera oriental)
Salute (El triunfo de la audacia / La audacia triunfa)
Men Without Women (Tragedia submarina)
1930
Born Reckless (El intrépido)
Up the River (Río arriba)
1931
Seas Beneath (Mar de fondo)
The Brat (La huerfanita)
Arrowsmith (El doctor Arrowsmith / Médico y amante)
1932
Air Mail (Hombres sin miedo)
Flesh (Carne)
1933
Pilgrimage (Peregrinos / Peregrinación)
Doctor Bull (El doctor Bull)
1934
The Lost Patrol (La patrulla perdida)
The World Moves On (Paz en la tierra)
Judge Priest (El juez Priest)
1935
The Whole Town's Talking (Pasaporte a la fama / El enemigo público nº 1)
The Informer (El delator)
Steamboat' Round the Bend
1936
The Prisoner of Shark Island (Prisionero del odio)
Mary of Scotland (María Estuardo)
The Plough and the Stars (El arado y las estrellas / La Osa Mayor y las estrellas)
1937
Wee Willie Winkie (El ídolo del regimiento / La mascota del regimiento)
The hurricane (El huracán / Huracán sobre la isla)
1938
Four Men and a Prayer (Cuatro hombres y una plegaria)
Submarine Patrol (Patrulla Submarina)
1939
Stagecoach (La diligencia)
Young Mr. Lincoln (El joven Lincoln)
Drums Along the Mohawk (Al redoblar de tambores / Corazones indomables)
1940
The Grapes of Wrath (Las uvas de la ira / Viñas de ira / Las viñas de la ira)
The Long Voyage Home (Hombres del mar / Hombres intrépidos)
1941
Tobacco Road (El camino del tabaco / La ruta del tabaco)
Sex Hygiene (documental militar)
How Green Was My Valley (¡Qué verde era mi valle!)
1942
Canal Report (documental bélico)
The Battle of Midway (documental bélico)
Torpedo Squadron (documental bélico)
1943
December 7th (documental bélico)
We Sail at Midnight (documental bélico)
1945
They Were Expendable (No eran imprescindibles / Fuimos los sacrificados)
1946
My darling Clementine (Pasión de los fuertes)
1947
The Fugitive (El fugitivo)
1948
Fort Apache (Fort Apache / Fuerte Apache / Sangre de héroes)
3 Godfathers (Tres padrinos / Tres hijos del Diablo)
1949
She Wore a Yellow Ribbon (La legión invencible)
1950
When Willie Comes Marching Home (Bill, qué grande eres / El imposible superhéroe)
Wagon Master (Caravana de valientes / Caravana de paz)
Rio Grande (Río Grande)
1951
This Is Korea! (documental bélico)
1952
The Quiet Man (El hombre tranquilo / El hombre quieto / Un hombre quieto)
What Price Glory? (El precio de la gloria)
1953
The Sun Shines Bright (Resplandece el sol / El sol siembre brilla en Kentucky)
Mogambo
1955
The long gray line (Cuna de Héroes)
Mister Roberts (Mr. Roberts / Escala en Hawái)
Rookie of the Year (TV)
The Bamboo Cross (TV)
1956
The Searchers (Centauros del desierto / Más corazón que odio)
1957
The Wings of Eagles (Alas de águila / Escrito Bajo el Sol / Bajo el sol)
The Rising of the Moon (La salida de la Luna)
The Growler Story (documental bélico)
1958
Gideon's Day / Gideon of Scotland Yard (Un crimen por hora)
The Last Hurrah (El último hurra / El último viva)
So Alone (cortometraje)
1959
The horse soldiers (Misión de audaces / Marcha de Valientes)
Korea: Battleground for Liberty (documental bélico)
1960
Sergeant Rutledge (Sargento Rutledge / El sargento negro / El Capitán Búfalo)
1961
Two Rode Together (Dos cabalgan juntos / Misión de dos valientes)
1962
The Man Who Shot Liberty Valance (El hombre que mató a Liberty Valance / Un tiro en la noche)
How the West was won (La conquista del Oeste) (Un episodio)
1963
Donovan's Reef (Aventurero del Pacífico / La taberna del irlandés)
1964
Cheyenne Autumn (El otoño de los Cheyennes / El ocaso de los Cheyennes / El gran combate / Último combate)
Young Cassidy (El soñador rebelde / Soñador rebelde)
1965
Seven Women (Siete mujeres)
1976
Chesty: A Tribute to a Legend (documental bélico)
Guionista[editar]
Tres hombres malos (Three Bad Men) (1926)
Tragedia submarina (Men Without Women) (1930)
Caravana de paz (Wagon Master) (1950)
Actor[editar]
His Lordship (His Lordship) (1936)
Everybody Does It (Everybody Does It) (1949)
Premios[editar]
Óscar[editar]
Año Categoría Persona Resultado
1935 Óscar a la mejor dirección El delator Ganador
1939 Óscar a la mejor dirección La diligencia Nominado
1940 Óscar a la mejor dirección The Grapes of Wrath Ganador
1941 Óscar a la mejor dirección ¡Qué verde era mi valle! Ganador
1952 Óscar a la mejor dirección The Quiet Man Ganador
Bibliografía utilizada

Ha recibido 204 puntos

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BILLY WILDER

17. BILLY WILDER

Biografía[editar] Wilder pasó su infancia y su juventud en Austria. Su primer trabajo fue como cronista en el periódico austriaco Juranek. Continuó trabajando como cronista en Berlín, y tuvo que alternar esta ocupación con otras para sobrevivir. Allí se aficionó al cine, tras ver diversas... Ver mas
Biografía[editar]
Wilder pasó su infancia y su juventud en Austria. Su primer trabajo fue como cronista en el periódico austriaco Juranek. Continuó trabajando como cronista en Berlín, y tuvo que alternar esta ocupación con otras para sobrevivir. Allí se aficionó al cine, tras ver diversas películas que le impresionaron hondamente. Una de ellas fue El acorazado Potemkin, de Sergéi Eisenstein. Entró a trabajar para la UFA, donde conoció a los grandes directores del momento.

Tras la subida al poder de Hitler, Wilder se vio obligado a abandonar Berlín, debido a su ascendencia judía. Su madre moriría en los campos de concentración de Auschwitz. Estuvo en París y, desde allí, en 1934 se trasladó a Estados Unidos, junto al actor Peter Lorre. Wilder y Lorre compartieron apartamento, hambre y momentos muy difíciles durante una temporada. Allí comenzó a trabajar como guionista para la Paramount, y tuvo la ocasión de colaborar con Ernst Lubitsch, su gran maestro. Al funeral de éste acudieron, entre otros, Wilder y su colega y amigo William Wyler. A la salida del mismo, ambos comentaron: "Nos hemos quedado sin Lubitsch". "Peor aún, nos hemos quedado sin las películas de Lubitsch".

Como guionista, Wilder escribió 60 películas. Como director, realizó 26 películas. Fue galardonado con seis Óscar tras haber sido nominado en 21 ocasiones.



Lápida de Billy Wilder en Westwood Memorial con el texto: "I'm a writer but then nobody's perfect" ("Soy escritor, pero nadie es perfecto").
En 1981 dirigió su última película, Aquí, un amigo. A partir de entonces las compañías aseguradoras ya no querían asegurar películas suyas, debido a su avanzada edad. Murió 21 años más tarde, a la edad de 95 años, en su residencia de Beverly Hills, a causa de una neumonía. Sus restos se encuentran en el Cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Ángeles, California.

En una entrevista publicada en 1952 Wilder enumeró sus diez películas favoritas[cita requerida]:

El acorazado Potemkin (Sergéi Eisenstein) (1925)
Avaricia (Erich von Stroheim) (1924)
Varieté (Charles Dupont) (1925)
La quimera del oro (Charles Chaplin) (1924)
Y el mundo marcha (King Vidor) (1928)
La gran ilusión (Jean Renoir) (1937)
El delator (John Ford) (1935)
Ninotchka (Ernst Lubitsch) (1939)
Los mejores años de nuestra vida (William Wyler) (1946)
Ladrón de bicicletas (Vittorio de Sica) (1948)
Filmografía[editar]
Dentro de su filmografía podemos encontrar trabajos como director y como guionista, tanto de trabajos propios como de otros directores1 2

Como director
1981 - Buddy Buddy (Aquí, un amigo)
1978 - Fedora (Fedora)
1974 - The Front Page (Primera plana)
1972 - Avanti! (¿Qué ocurrió entre mi padre y tu madre?)
1970 - The Private Life of Sherlock Holmes (La vida privada de Sherlock Holmes)
1966 - The Fortune Cookie (En bandeja de plata)
1964 - Kiss Me, Stupid (Bésame, tonto)
1963 - Irma la Douce (Irma la dulce)
1961 - One, two, three (Uno, dos, tres)
1960 - The Apartment (El apartamento)
1959 - Some Like it Hot (Con faldas y a lo loco)
1957 - Witness for the Prosecution (Testigo de cargo)
1957 - Love in the Afternoon (Ariane)
1957 - The Spirit of St. Louis (El héroe solitario)
1955 - The Seven Year Itch (La tentación vive arriba)
1954 - Sabrina (Sabrina)
1953 - Stalag 17 (Traidor en el infierno)
1951 - Ace in the Hole (El gran carnaval)
1950 - Sunset Boulevard (El crepúsculo de los dioses)
1948 - A Foreign Affair (Berlín Occidente)
1948 - The Emperor Waltz (El vals del Emperador)
1945 - The Lost Weekend (Días sin huella)
1944 - Double Indemnity (Perdición)
1943 - Five Graves to Cairo (Cinco tumbas al Cairo)
1942 - The Major and the Minor (El mayor y la menor)
1934 - Mauvaise graine (Curvas peligrosas)
Nominaciones al Óscar[editar]
Como director

Categoría Película Resultado
Mejor Director Perdición Nominado
Mejor Director Días sin huella Ganador
Mejor Director Sunset Boulevard Nominado
Mejor Director Traidor en el infierno Nominado
Mejor Director Sabrina Nominado
Mejor Director Con faldas y a lo loco Nominado
Mejor Director El apartamento Ganador
Mejor Director Testigo de cargo Nominado
Como guionista

1939 - Ninotchka (nominado junto con Charles Brackett y Walter Reisch a mejor guion)
1941 - Bola de fuego (nominado junto con Thomasa Monroe a mejor argumento)
1941 - Si no amaneciera (nominado junto con Charles Brackett a mejor guion adaptado)
1944 - Perdición (nominado junto con Raymond Chandler a mejor guion adaptado)
1945 - Días sin huella (ganador junto con Charles Brackett a Óscar al mejor guion adaptado)
1948 - Berlín Occidente (nominado junto con Charles Brackett y Richard L. Breen a mejor guion)
1950 - Sunset Boulevard (ganador junto con Charles Brackett y D. M. Marshman a mejor argumento y Óscar al mejor guion adaptado)
1951 - El gran carnaval (nominado junto con Lesser Samuels y Walter Newman a mejor argumento y guion)
1954 - Sabrina (nominado junto con Samuel Taylor y Ernest Lehman a mejor guion)
1959 - Con faldas y a lo loco (nominado junto con I. A. L. Diamond a mejor guion adaptado)
1960 - El apartamento (ganador junto con I. A. L. Diamond a Óscar al mejor guion original)
1966 - En bandeja de plata (nominado junto con I. A. L. Diamond a mejor guion original)
En total fue nominado 8 veces como director, en dos de las cuales fue el ganador, y obtuvo el premio en tres de las doce nominaciones que tuvo como guionista.

Ha recibido 189 puntos

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JOHN HUSTON

18. JOHN HUSTON

Biografía[editar] Estatua de John Huston, Puerto Vallarta, México. "He vivido muchas vidas", escribió en sus Memorias este personaje inquieto, pues también fue boxeador, periodista, novelista, militar, criador de caballos, cazador, coleccionista de arte... Su padre Walter fue actor desde... Ver mas
Biografía[editar]


Estatua de John Huston, Puerto Vallarta, México.
"He vivido muchas vidas", escribió en sus Memorias este personaje inquieto, pues también fue boxeador, periodista, novelista, militar, criador de caballos, cazador, coleccionista de arte... Su padre Walter fue actor desde niño, y luego se unió a compañías de repertorio, todas ambulantes; aunque también trabajó como ingeniero, nunca dejó ese oficio. Se separó de su mujer en 1912, y John fue a vivir con ella y con su abuela (pero no perdió el contacto paterno).1 En su adolescencia, Huston llegó a ser campeón de boxeo y ejerció como agregado militar estadounidense en el ejército mexicano. Contrajo su primer matrimonio a la temprana edad de 20 años. Vivió como pintor callejero en París durante una temporada, pues muy pronto se quedó impresionado con el arte de vanguardia, y estuvo en conexión con la Liga de estudiantes de arte en Los Ángeles, perdió la conexión con ella en 1924 cuando fue a vivir a Nueva York.2 También trabajó como actor y fue redactor en una revista neoyorquina.

Comenzó en el cine como extra en alguna película, como El testaferro, Santos del infierno o The Storm. Gracias a su padre, que era actor reconocido ya, fue guionista de varias películas de William Wyler (La casa de la discordia o Jezabel) y trabajó en una cantidad impresionante de guiones durante los años 1930 y principios de los años 1940: El sargento York, El doble crimen de la calle Morgue o El último refugio, entre otras).

Su primera película como director, de la que también fue guionista, El halcón maltés, sigue siendo considerada una obra maestra de la historia del cine, con Humphrey Bogart en el papel protagonista. Sus siguientes películas importantes también estuvieron protagonizadas por Bogart: El tesoro de Sierra Madre y Cayo Largo.

Su Medalla roja al valor (1951), de gran potencia en las imágenes, no quedó completada. La reina de África, otra de sus obras maestras, rodada en 1951, demostró a su equipo hasta dónde estaba dispuesto a llegar para rodar una película, rodando en el Congo, con mosquitos, calor y todo tipo de enfermedades. Errol Flynn y Trevor Howard también sufrieron grandes penalidades durante el rodaje de Las raíces del cielo en el Chad.

Sin embargo, su carrera tuvo cierta luego, al aceptar dirigir películas como La Biblia, producida por Dino de Laurentiis; Annie; Evasión o victoria, o Casino Royale, película de James Bond que contó con cinco directores distintos.

A pesar de eso, siguió haciendo grandes películas posteriormente, como Reflejos de un ojo dorado o Bajo el volcán.

Tuvo ocasión de dirigir a su propio padre, el oscarizado actor Walter Huston, en al menos cinco largometrajes, y también dirigió a su hija, Anjelica Huston, en El honor de los Prizzi y en Dublineses, entre otras, que su último film y uno de sus trabajos más emocionantes.

Falleció en Middletown (Rhode Island), ahogado por un enfisema. Sus memorias terminan con lo que haría si pudiese volver a vivir de nuevo: "Pasaría más tiempo con mis hijos; ganaría el dinero antes de gastármelo; aprendería los placeres del vino en lugar de los de las bebidas fuertes; no fumaría cuando tuviera pulmonía y no me casaría por quinta vez", escribió. Se puede afirmar que John Huston es uno de los grandes directores de la historia reciente del cine. Tiene su estrella en Paseo de la Fama de Hollywood, en el 1765 de Hollywood Boulevard.

Filmografía como director[editar]
El halcón maltés (The Maltese Falcon, 1941).
A través del Pacífico (Across the Pacific, 1942).
Como ella sola (In This Our Life, 1942).
Report from the Aleutians (1943)
The Battle of San Pietro (1944).
Let there be light (1946).
Cayo Largo (Key Largo) (1948).
El tesoro de Sierra Madre (The Treasure of the Sierra Madre, 1948).
Éramos desconocidos (We Were Strangers, 1949).
La jungla de asfalto (The Asphalt Jungle, 1950).
La reina africana / La reina de África (The African Queen, 1951).
Medalla roja al valor (The Red Badge of Courage, 1951).
Moulin Rouge (1952).
La burla del diablo (Beat the Devil, 1954).
Moby Dick (1956).
Sólo Dios lo sabe (Heaven Knows, Mr. Allison, 1957).
El bárbaro y la geisha (The Barbarian and the Geisha, 1958).
Las raíces del cielo (The Roots of Heaven, 1958).
Los que no perdonan (The Unforgiven, 1960).
Vidas rebeldes (The Misfits, 1961).
Freud, pasión secreta (Freud, 1962).
El último de la lista (The List of Adrian Messenger, 1963).
La noche de la iguana (The Night of the Iguana, 1964).
La Biblia (The Bible: In the Beginning, 1966).
Casino Royale (1967).
Reflejos de un ojo dorado (Reflections in a Golden Eye, 1967).
La horca puede esperar (Sinful Davey, 1968).
Paseo por el amor y la muerte (A Walk with Love and Death, 1969).
La carta del Kremlin (The Kremlin Letter, 1970).
El juez de la horca (The Life and Times of Judge Roy Bean, 1972).
Fat City, ciudad dorada (Fat City, 1972).
El hombre de Mackintosh (The Mackintosh Man, 1973).
El hombre que sería rey / El hombre que pudo reinar (The Man Who Would Be King, 1975).
Sangre sabia (Wise Blood, 1979).
Phobia (1980).
Let There Be Light (1981).
Escape a la victoria / Evasión o victoria (Escape to Victory) (1981).
Annie (1982).
Bajo el volcán (Under the Volcano) (1984).
El honor de los Prizzi (Prizzi's Honor) (1985).
Los Muertos / Dublineses (The Dead) (1987).
Notas[editar]
Volver arriba ↑ Memorias, Madrid, Espasa, 1998, cap. 2.
Volver arriba ↑ Memorias, Madrid, Espasa, 1998, pp. 41-43.
Bibliografía[editar]
John Huston: An Open Book. The Autobiography, Da Capo Press, 1980. ISBN 0-306-80573-1. Traducción: Memorias, Madrid, Espasa, 1998.
Andrew Sarris, "John Huston", en Entrevistas con directores de cine, NyC / Magisterio español, 1971, vol. II, pp. 51-72.
Gabriel Insausti (2005). Tras las huellas de Huston: la jungla del asfalto. EIUNSA. ISBN 9788484691273.
Premios[editar]
Óscar[editar]
Año Categoría Película Resultado
1985 Mejor director El honor de los Prizzi Nominado
1975 Mejor guion adaptado El hombre que pudo reinar Nominado
1963 Mejor actor de reparto El cardenal Nominado
1957 Mejor guion adaptado Sólo Dios lo sabe Nominado
1952 Mejor película Moulin Rouge Nominado
1952 Mejor director Moulin Rouge Nominado
1951 Mejor director La reina de África Nominado
1951 Mejor guion adaptado La reina de África Nominado
1950 Mejor director La jungla de asfalto Nominado
1950 Mejor guion adaptado La jungla de asfalto Nominado
1948 Mejor director El tesoro de Sierra Madre Ganador
1948 Mejor guion adaptado El tesoro de Sierra Madre Ganador
1941 Mejor película El halcón maltés Nominado
1940 Mejor guion original Dr. Ehrlich's Magic Bullet Nominado
Globo de Oro[editar]
Año Categoría Película Resultado
1985 Mejor director El honor de los Prizzi Ganador
1974 Mejor actor de reparto Chinatown Nominado
1963 Mejor actor de reparto El cardenal Ganador
1948 Mejor director El tesoro de Sierra Madre Ganador
Premios BAFTA[editar]
Año Categoría Película Resultado
1980 BAFTA Honorífico Ganador
1974 Mejor actor de reparto Chinatown Nominado

Ha recibido 175 puntos

Vótalo:

ROBERT REDFORD

19. ROBERT REDFORD

Charles Robert Redford (Santa Mónica, California, 18 de agosto de 1936) es un actor y director estadounidense, ganador de los premios Óscar y Globo de Oro. A su extensa y apreciada carrera, hay que sumar su condición de sex symbol para varias generaciones, título que compartió con su colega y... Ver mas
Charles Robert Redford (Santa Mónica, California, 18 de agosto de 1936) es un actor y director estadounidense, ganador de los premios Óscar y Globo de Oro. A su extensa y apreciada carrera, hay que sumar su condición de sex symbol para varias generaciones, título que compartió con su colega y amigo Paul Newman, con quien rodó películas de gran éxito. En 2010, el presidente de Francia Nicolás Sarkozy lo condecoró con la Legión de Honor por toda su amplia y reconocida trayectoria en el mundo del cine.
Biografía[editar]
Nació en el distrito de Santa Mónica, en Los Ángeles (California) como Charles Robert Redford, Jr.. Marta, su madre, era ama de casa, y su padre lechero, de religión católica de origen irlandés.

Juventud rebelde[editar]
Se crió en el barrio hispano del oeste de Los Ángeles. En los años 50 su padre trabajó como contable en la Standard Oil y se trasladaron a un suburbio de clase media en el valle de San Fernando. A su madre se le diagnosticó un cáncer y Redford atravesaba entonces una época de rebeldía; pero le gustaba contar historias y dibujar. Una excursión al parque nacional de Yosemite le imprimió un intenso amor por la naturaleza, que influiría en muchas de sus películas.

Bohemia en Europa y problemas[editar]
En 1955 la madre de Redford murió a los 41 años de edad. Él abandonó los estudios en 1956 y se fue a Italia y Francia para probar la vida bohemia de un artista; regresó desilusionado en 1957 y comenzó a beber más que nunca.

En ese mismo año conoció a Lola van Wagenen, una universitaria de Utah, con la que inició una relación que tuvo una influencia positiva en él. Dejó de beber y en 1958 se matriculó en el Pratt Institute de Nueva York para estudiar arte. Le interesaba el diseño de escenarios y siguió el consejo de estudiar interpretación para aprender más sobre el teatro. Nunca le había atraído el trabajo de actor, pero le agradó la experiencia.

Boda y primeros trabajos[editar]
En 1958 se casó con Lola y al año siguiente nació su hijo Scott, que falleció pocos meses después por muerte súbita. En ese mismo año uno de sus profesores le consiguió su primer papel en Broadway. En 1960 comenzó a trabajar en la televisión, en la serie Playhouse 90, y a continuación en Perry Mason, Alfred Hitchcock presenta y La dimensión desconocida. A raíz de ello, su padre le llegó a decir: «¿Por qué no te buscas un trabajo de verdad?»

En 1960 Redford y su esposa tuvieron una hija, Shawna, y en 1962 nuevamente un hijo, David James. En esos años compraron una parcela en Utah, donde construyeron una vivienda. Su hija Amy nacería en 1970.

Debut en el cine[editar]
En el año 1962 Redford consiguió su primer papel en un largometraje de cine, War Hunt, de Denis Sanders. A continuación volvió a actuar en Broadway, en la obra Descalzos por el parque, dirigida por Mike Nichols, quien impuso la participación de Redford, a quien había visto en la televisión. Esta obra de teatro le convirtió en estrella de Broadway y fue el trampolín perfecto hacia Hollywood, donde fue contratado en 1964.

En sus cuatro primeras películas hizo papeles secundarios y no le proporcionaron un éxito digno de mención. Estas películas fueron La rebelde (protagonizada por Natalie Wood), La jauría humana de Arthur Penn, Situación desesperada y Propiedad condenada.

Estrellato en el cine[editar]
En 1966 Redford se trasladó a España para comenzar una vida bohemia. Pero en ese mismo año le ofrecieron un papel como protagonista en la versión cinematográfica de Descalzos por el parque (1967), junto a Jane Fonda, que fue un gran éxito.

En los años siguientes intervino en varias películas que le consolidaron como actor de prestigio y también como estrella de Hollywood; la primera de ellas en 1969, Butch Cassidy and the Sundance Kid (en castellano Dos hombres y un destino), con Paul Newman, con quien congenió rápidamente y se convirtieron en una de las parejas cinematográficas más importantes de la historia del cine. Otras películas de éxito fueron: El candidato (1972), dos filmes dirigidos por Sydney Pollack (el interesantisimo y hoy filme de culto Las aventuras de Jeremiah Johnson de 1972, y la romántica y taquillera Tal como éramos de 1973, co-protagonizada por Barbra Streisand), y la esperada y genial El golpe (1973), nuevamente con su amigo Newman. Este filme obtuvo cinco Óscar y por él recibió Redford su primera nominación, como actor principal. En 1974 rodó El Gran Gatsby con Mia Farrow; una producción de ambientación muy cuidada, pero que recibió malas críticas.

Redford creó también su propia productora, Wildwood Enterprises, cuya primera película fue Downhill Racer en 1969 (en castellano, El descenso de la muerte), dirigida por Michael Ritchie.

En 1976 actuó en Todos los hombres del presidente, sobre el caso Watergate, junto a Dustin Hoffman. La película consiguió seis nominaciones a los Óscar, incluida la de mejor película. En 1979, protagoniza El jinete eléctrico junto a una destacable Jane Fonda, donde una vez más aparece el amor hacia los caballos que Redford profesa.

Siguió siendo una estrella con tirón comercial en la década de los 80, donde destacan dos películas: Memorias de África, con Meryl Streep, filme que cosechó siete premios Óscar, entre ellos el de mejor película; y Peligrosamente juntos (1986) con Debra Winger y Daryl Hannah. En 1985 se separó de su esposa Lola y posteriormente mantuvo una larga relación con la actriz brasileña Sonia Braga.

Trabajos como director[editar]
Como director, Redford ya tiene una trayectoria importante, con películas que le valieron el reconocimiento de la profesión y del público. En 1980 se inicia como director con Gente corriente, filme protagonizado por Donald Sutherland y Mary Tyler Moore que obtuvo muy buenas críticas y éxito de taquilla, y que le supuso el Oscar al mejor director.

Redford dirigió también Un lugar llamado Milagro, una película bucólica y de fantasía en la que se refleja su amor por la naturaleza y la vida rústica, pero que no tuvo un éxito significativo.

En 1992 dirige El río de la vida, con Brad Pitt y Tom Skerritt, donde trata de la comunicación entre padres e hijos, un tema recurrente en su vida.

Posteriormente dirigió Quiz Show, que obtuvo buenas críticas, aunque escasa aceptación en taquilla, y que supuso su segunda nominación a los Óscar como director. Esta cinta fue igualmente nominada al premio como mejor película, pero finalmente resultó derrotada en ambas categorías.

En 1998 dirigió El hombre que susurraba a los caballos, basada en la novela de Nicholas Evans, en 2000 La leyenda de Bagger Vance, y en 2012 The Company You Keep (Pacto de silencio).

Festival de Sundance[editar]
Redford creó en 1980 un centro de enseñanza para jóvenes cineastas, el Instituto Sundance, en sus terrenos de Utah. Llevó adelante esta empresa a pesar de no encontrar apoyos. Su instituto subvenciona a nuevas promesas con todos los gastos pagados durante 4 semanas, proporciona profesores, material técnico y el asesoramiento de grandes profesionales.

Viendo la calidad de los trabajos decidió crear un festival de cine paralelo para exponer los trabajos de los estudiantes que hoy se ha convertido en el festival de cine independiente más importante del mundo: el Festival de Cine de Sundance, que se celebra todos los eneros desde el 83 en Park City, Utah. Es curioso porque el nombre de la escuela y el festival viene de la película que protagonizó en 1969 con Paul Newman: Dos hombres y un destino, en la que él se llamaba The Sundance Kid.

Últimos trabajos como actor[editar]
A partir de la década de 1980, Robert Redford fue espaciando sus trabajos como actor de cine, si bien siguió participando en varias producciones de prestigio por director y/o reparto. Entre ellas destacan las películas románticas Habana de Sydney Pollack (con Lena Olin) e Íntimo y personal con Michelle Pfeiffer, y dos del género de intriga: Spy Game con Brad Pitt y La sombra de un secuestro con Helen Mirren. Pero acaso tuvo más repercusión comercial otra película de calidad y argumento más discutibles: Una proposición indecente, con Demi Moore.

En 2005, rodó con Jennifer Lopez Una vida por delante, y en 2007 respaldó al entonces criticado Tom Cruise interpretando un papel en su producción Leones por corderos, junto al mismo Cruise y Meryl Streep.

Creencias políticas y ecológicas[editar]
Para la elección presidencial de 1976, Redford preparó al Presidente Carter para el debate presidencial, obteniendo óptimos resultados, ya que Carter ganó el debate y Ford cometió varios errores. Jimmy Carter obtuvo en la elección un 50,1% contra un 48% de Ford.

En 1977 Redford escribió un libro de denuncia sobre la expansión estadounidense hacia el oeste, The Outlaw Trail. Luchó con éxito contra la construcción de una central eléctrica en Utah, lo que le valió numerosas amenazas.

Segunda boda[editar]
El 11 de julio de 2009 se casó con su pareja desde hace años Sibylle Szaggars, pintora alemana. La ceremonia tuvo lugar en Hamburgo en la intimidad de la familia y amigos más próximos.1

Filmografía completa como actor y director[editar]


Con Sônia Braga y Melanie Griffith, Cannes 1988.
Capitán América: The Winter Soldier (2014)
Cuando todo está perdido (2013)
Pacto de silencio (2012)
The Conspirator (2010)
Leones por corderos (2007)
La telaraña de Charlotte (2006) (voz)
Una vida por delante (2005)
The Clearing o La sombra de un secuestro (2003)
Juego de espías (2001)
La última fortaleza (2001)
The Legend of Bagger Vance (2000)
El hombre que susurraba a los caballos, con Kristin Scott Thomas y Scarlett Johansson (1998)
Íntimo y personal, con Michelle Pfeiffer (1996)
Quiz Show: El dilema (1994)
Una proposición indecente, con Demi Moore y Woody Harrelson (1993)
Los fisgones (1992)
El río de la vida (1992)
Habana, con Lena Olin (1990)
Un lugar llamado Milagro o The Milagro Beanfield War (1988)
Peligrosamente juntos, con Debra Winger y Daryl Hannah (1986)
Memorias de África, con Meryl Streep (1985)
El mejor (1984)
Gente corriente (1980)
Brubaker (1980)
El jinete eléctrico (1979)
Un puente lejano (1977)
Todos los hombres del presidente, con Dustin Hoffman (1976)
Three Days of the Condor (1975)
El carnaval de las águilas o The Great Waldo Pepper (1975)
El gran Gatsby, con Mia Farrow (1974)
El golpe, con Paul Newman (1973)
Tal como éramos, con Barbra Streisand (1973)
El candidato (1972)
Las aventuras de Jeremiah Johnson (1972)
Un diamante al rojo vivo o The Hot Rock (1972)
El precio del fracaso o Little Fauss and Big Halsy (1970)
Downhill Racer o El descenso de la muerte (1969)
El valle fugitivo o Tell Them Willie Boy Is Here (1969)
Dos hombres y un destino con Paul Newman (1969)
Descalzos por el parque con Jane Fonda (1967)
Propiedad condenada o This Property Is Condemned (1966)
La jauría humana (1966)
La rebelde o Inside Daisy Glover con Natalie Wood (1966)
Situación desesperada, pero menos o Situation Hopeless... But Not Serious (1965)
War Hunt o El que mató por placer (1962)
Premios[editar]
Premios Óscar[editar]
Año Categoría Película Resultado
2001 Óscar Honorífico
1994 Mejor Película Quiz Show Candidato
1994 Mejor Director Quiz Show Candidato
1980 Mejor Director Ordinary People Ganador
1973 Mejor Actor El golpe Candidato
Globos de Oro
Año Categoría Película Resultado
1965 Nueva estrella del año - Actor La rebelde Ganador
1980 Mejor director Ordinary People
1992 El río de la vida Candidato
1993 Premio Cecil B. DeMille
1994 Mejor director Quiz Show Candidato
1998 The Horse Whisperer

Ha recibido 172 puntos

Vótalo:

DAVID LYNCH

20. DAVID LYNCH

David Keith Lynch (n. Missoula, Montana, Estados Unidos, 20 de enero de 1946), conocido como David Lynch, es un director de cine, productor de música electrónica y guionista estadounidense. Su actividad artística se extiende asimismo al terreno de la pintura, la música, la publicidad, la... Ver mas
David Keith Lynch (n. Missoula, Montana, Estados Unidos, 20 de enero de 1946), conocido como David Lynch, es un director de cine, productor de música electrónica y guionista estadounidense. Su actividad artística se extiende asimismo al terreno de la pintura, la música, la publicidad, la fotografía, e incluso el diseño de mobiliario.

Su amor por el dadaísmo y el surrealismo queda patente en algunas de sus películas, cuya misteriosa y hasta inquietante atmósfera mezcla lo cotidiano con lo soñado escapando a veces a la comprensión exhaustiva del espectador. Como ejemplo de ello pueden citarse Eraserhead y la serie de televisión Twin Peaks. Posteriormente realizó algunas producciones más accesibles como The Straight Story, aunque manteniendo su toque personal. En la actualidad, algunos de sus proyectos cinematográficos y de animación son sólo accesibles a través de su sitio web, de pago.


Sus películas tienden a describir los entresijos de pequeñas comunidades de los Estados Unidos, como es el caso de Twin Peaks: Fire walk with me o Blue Velvet. Lynch siente también predilección por los secretos ocultos de los barrios periféricos de Los Ángeles, retratados en Lost Highway y Mulholland Drive. El sonido en sus películas es de gran importancia, y por ello cada banda sonora es trabajada con esmero. El responsable de conseguir ese sonido es el compositor Angelo Badalamenti, colaborador habitual del director, creador entre otras de la fascinante banda sonora de la serie de televisión Twin Peaks o de la inquietante y perturbadora Lost Highway.

Reconocido admirador de Jacques Tati, Ingmar Bergman o Werner Herzog, Lynch ha conseguido destacarse como uno de los pocos directores actuales con un estilo auténticamente personal y constituye un referente ineludible en el cine contemporáneo. Su último largometraje, que le ocupó varios años de rodaje usando exclusivamente técnicas digitales, se tituló INLAND EMPIRE (en mayúsculas) y su estreno se produjo en 2006.
Biografía y obra[editar]
Niñez y juventud[editar]
Lynch podría considerarse el arquetipo del muchacho americano de clase media. Según Thierry Jousse, redactor de la revista "Cahiers du cinéma" y autor de un libro sobre Lynch, «cuando habla de su infancia Lynch la describe invariablemente como una etapa idílica, una especie de permanente sueño despierto, cuyo único aspecto problemático fue, sin duda, una forzada vida nómada».1 Su padre, Donald, fue un científico adscrito al Ministerio de Agricultura norteamericano, y su madre, Sunny, era profesora de lengua. La familia vivió en distintos lugares, entre el noroeste del país y Carolina del Norte. Lynch fue boy scout y a los 15 años participó como acomodador en la toma de posesión del presidente John F. Kennedy.

Pronto experimentó impulsos artísticos y asistió al Corcoran School of Art en Washington, D.C. mientras terminaba sus estudios secundarios en Alexandria, Virginia. Después se apuntó al School of the Museum of Fine Arts de Boston durante un año, antes de partir rumbo a Europa en compañía de su amigo y colega artístico Jack Fisk. Sus planes eran estudiar con el pintor del expresionismo austríaco Oskar Kokoschka (quien resultaría uno de sus principales referentes artísticos) durante tres años. Sin embargo, Lynch regresó a los Estados Unidos al cabo de sólo 15 días.

Filadelfia y sus primeros largometrajes[editar]
En 1966, Lynch se instala en la ciudad Filadelfia, Pensilvania, asistiendo al Pennsylvania Academy of Fine Arts (PAFA). Allí se dedicó en principio a la confección de complejos mosaicos a base de figuras geométricas, a los que él llamó Industrial Symphonies. Por aquel tiempo, tuvo sus primeros devaneos cinematográficos. Su primer corto recibió el título de Six Men Getting Sick ("Seis hombres enfermos") (1966). Él lo describió como "57 segundos de desarrollo y pasión, y tres segundos de vómito". Con esta pieza ganó el certamen anual de la Academia. Este pequeño éxito le permitió abordar su segundo cortometraje: The Alphabet.

A partir de 1970, Lynch se centró exclusivamente en el arte cinematográfico. Consiguió un premio de 5.000 dólares del American Film Institute por The Grandmother, ("La abuela") sobre un pobre chico de la calle que se las ingenia para conseguir una abuela a partir de una semilla. Esta película de 30 minutos de duración muestra ya muchos de los patrones característicos en su cine de madurez, incluyendo un sonido perturbador y envolvente y una potente imaginería enfocada a los deseos y al inconsciente reprimido, todo ello lejos de los métodos tradicionales de narrar.

Eraserhead[editar]


Póster de Eraserhead.
En 1971, Lynch se trasladó a Los Ángeles para asistir a las clases del American Film Institute Conservatory. Fue allí donde empezó a trabajar en su primer largometraje, Eraserhead, aprovechando una ayuda de 10.000 dólares concedida por dicha institución. Este dinero no alcanzó para terminar el film y por este motivo la película no se remataría hasta el año 1977. Lynch tuvo que pedir dinero a amigos y familiares, incluyendo a su amigo de la infancia Jack Fisk, diseñador de producción y marido de la actriz Sissy Spacek, e incluso se dedicó a vender periódicos para financiarla.

Eraserhead es una película enigmática y sombría, plena de guiños surrealistas y elementos desasosegantes. Por tal motivo fue rodada apropiadamente en blanco y negro. Cuenta la historia de un joven tranquilo (papel que interpreta Jack Nance) que vive en una especie de área industrial y cuya novia da a luz a una rara bestezuela que no para de gemir. Lynch se refiere a la película como “mi historia de Filadelfia”, aludiendo al hecho de que refleja muy bien todas las crudas experiencias que vivió en esa ciudad en su etapa de estudiante, experiencias que le marcaron profundamente.

Sobre la película, la crítica ha afirmado que sugiere o intenta sugerir los miedos y ansiedades del propio cineasta acerca de la paternidad, personificados en el grotesco aspecto del bebé, que se ha convertido en uno de los íconos del cine fantástico de todas las épocas. El director ha rehuido en más de una ocasión explicar cómo fue elaborada la criatura, pero la leyenda cuenta que fue construida a partir de un feto de vaca embalsamado.

Debido a sus extravagantes contenidos, al principio se pensó que Eraserhead no podría ser exhibida comercialmente, sin embargo, gracias al esfuerzo del distribuidor Ben Barenholtz, se convirtió pronto en un clásico, típico en salas especializadas en proyecciones de medianoche, fuera de las grandes audiencias. La crítica más avanzada la alabó inmediatamente como obra maestra, lo que colocó al director a la cabeza de la vanguardia cinematográfica. El gran director Stanley Kubrick afirmó con admiración que era una de sus películas favoritas de toda la historia del cine. El éxito provocó que el equipo de actores y técnicos (entre ellos el cámara Frederick Elmes, el técnico de sonido Alan Splet, y el actor Jack Nance) siguieran trabajando con Lynch en años posteriores.

El hombre elefante y Dune[editar]
Eraserhead atrajó la atención del productor Mel Brooks, quien contrató a Lynch para dirigir la película de 1980 The Elephant Man (El hombre elefante), un biopic sobre la figura de Joseph Merrick, un hombre de clase baja con tremendas malformaciones físicas. Esta película, rodada igualmente en blanco y negro, fue un gran éxito comercial y obtuvo ocho nominaciones a los Óscar, incluyendo el de mejor director y mejor guion adaptado para Lynch. Del mismo modo demostró la viabilidad comercial de sus propuestas.

Posteriormente, el cineasta aceptó dirigir una superproducción que adaptaba la novela de ciencia-ficción Dune, del escritor Frank Herbert, para el productor italiano Dino De Laurentiis, con la condición de que la productora se comprometiera a financiar un segundo proyecto sobre el cual Lynch mantendría control creativo total. Aunque el productor esperaba que Dune (1984) supondría algo así como la nueva Guerra de las galaxias, la película resultó un gran fiasco comercial, siendo además vapuleada por la crítica. Se calculó que ingresaría 45 millones de dólares que al final se quedaron en sólo 27,4. Para compensar pérdidas, el estudio elaboró una versión alargada para la televisión que desvirtuaba el montaje del director y que Lynch desautorizó inmediatamente.

Blue Velvet[editar]
La segunda película de Lynch producida por De Laurentiis fue Blue Velvet (Terciopelo azul, 1986), la historia de un joven universitario (representado por el actor que protagonizara Dune, Kyle MacLachlan) que descubre el lado oscuro de una pequeña ciudad, al investigar la procedencia de una oreja cortada que había encontrado casualmente en el transcurso de un paseo campestre. La película muestra actuaciones memorables de Isabella Rossellini, en el papel de una cantante atormentada, y de Dennis Hopper en el de un criminal psicópata, líder de una banda de matones de medio pelo.

Blue Velvet obtuvo un gran éxito de crítica y proporcionó a Lynch su segunda nominación al Óscar al mejor director. La película presenta algunos lugares comunes en su cine: una cuidadísima puesta en escena, ciertos episodios y conductas inexplicables, mujeres ultrajadas, los malsanos entresijos de una pequeña comunidad, y la utilización poco convencional de canciones antiguas. Blue velvet, de Bobby Vinton e In dreams de Roy Orbison suenan en este film extrañas y perturbadoras. Esta fue la primera ocasión en que Lynch trabajaba con el compositor Angelo Badalamenti, quien contribuiría en todas sus películas posteriores.

El director Woody Allen, cuya cinta Hannah y sus hermanas fue nominada como mejor película, afirmó que Blue Velvet era el mejor filme del año. La película, que es comúnmente considerada como una de las obras maestras del cine contemporáneo, ha llegado a convertirse en un icono de la cultura popular.

Twin Peaks, Wild at Heart[editar]


David Lynch en los Premios Emmy de 1990.


Lynch junto a Isabella Rossellini en el Festival de Cannes de 1990, donde obtuvo la Palma de Oro por Corazón Salvaje.
Al no obtener financiación para posteriores guiones, a finales de los 80 Lynch optó por colaborar con el productor televisivo Mark Frost en la serie televisiva Twin Peaks, acerca de una pequeña localidad de Washington donde ocurren extraños sucesos. La historia se centraba en las investigaciones realizadas por el agente especial del FBI Dale Cooper (de nuevo Kyle MacLachlan) en torno a la muerte de una conocida estudiante de secundaria llamada Laura Palmer, una investigación que iba revelando los escabrosos secretos de muchos ciudadanos aparentemente respetables. El cineasta dirigió seis episodios en total, incluyendo los dos primeros, y escribió o co-escribió algunos más, e incluso apareció como actor en algunos de ellos.

La serie se estrenó en la cadena ABC Network el 8 de abril de 1990 y poco a poco fue revelándose como todo un fenómeno cultural. Ningún otro proyecto de Lynch ha obtenido semejante aceptación. La serie fue vendida a infinidad de países, y algunos de sus latiguillos ingresaron en la cultura popular. Se hicieron parodias de la misma en el show Saturday Night Live y en la serie de animación Los Simpson. Lynch apareció en la portada de la revista Time en gran medida debido al gran éxito cosechado con Twin Peaks. El director encarnó el papel del vociferante y medio sordo jefe del agente Cooper, Gordon Cole.

Pese a todo, Lynch chocó con los responsables de la cadena por distintos motivos, en especial por la posibilidad de revelar o no la identidad del asesino de Laura Palmer. La cadena insistía en desenmascararlo ya en la segunda temporada, pero Lynch quería guardarlo en secreto hasta el final. Lynch pronto se desencantó de la serie y como resultado muchos miembros del reparto declararon sentirse “abandonados”.

Fue en aquel tiempo cuando Lynch empezó a colaborar con la editora, productora y su compañera en la vida real, Mary Sweeney, que había trabajado como asistente para él en Blue Velvet. Esta colaboración se prolongaría a lo largo de once proyectos. De su relación nació un hijo.

Su siguiente largometraje fue una adaptación de la novela de Barry Gifford, Wild at Heart (Corazón salvaje), una alucinante, sensual y atropellada “road movie” protagonizada por los actores Nicolas Cage y Laura Dern. La producción obtuvo la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1990, pero no contó con la aprobación de la crítica ni el respaldo del gran público. Se dice que algunos espectadores abandonaban la sala en las exhibiciones de prueba.

Twin Peaks acabó sufriendo serios reveses de audiencia y fue retirada en 1991. Mientras tanto Lynch escribió una precuela sobre los últimos siete días en la vida del personaje de Laura Palmer, que dio lugar al largometraje Twin Peaks: El fuego camina conmigo (1992), un desastre de taquilla que acarreó al director las peores críticas de su carrera.

Industrial Symphonies, On the air, American Chronicles y Hotel Room[editar]
El eslabón perdido entre Twin Peaks y Wild at Heart, es el espectáculo musical Industrial Symphony No. 1: The Dream of the Broken Hearted, una nueva colaboración con Angelo Badalamenti en la que canta Julee Cruise y actúan varios actores de Twin Peaks, así como Nicolas Cage y Laura Dern. Lynch confesó que la obra reflejaba de alguna forma una relación sentimental rota. El director produjo en 1990 un vídeo de 50 minutos sobre la obra.

Durante este periodo Lynch volvió a colaborar con Mark Frost en la serie de humor On the Air para la ABC, sobre los orígenes de la televisión. En EE.UU. sólo se emitieron tres episodios. Esta colaboración se prolongó en la serie documental American Chronicles.

Su siguiente proyecto fue una miniserie de escasa importancia para la cadena HBO titulada Hotel Room, la cual narraba los acontecimientos que se enmarcaban en una misma habitación de hotel a lo largo de varias décadas.

Lost Highway y The Straight Story[editar]
En 1997 Lynch volvió a la palestra con el complejo film de argumento no lineal Lost Highway (Carretera perdida), el cual poseía muchos elementos de cine negro. Fue coescrito con Barry Gifford y protagonizado por los actores Bill Pullman y Patricia Arquette. La película fracasó comercialmente, pero recibió críticas contrapuestas. No obstante, gracias en parte a la banda sonora en que aparecían cantantes y grupos como Marilyn Manson, Rammstein, Nine Inch Nails y The Smashing Pumpkins, Lynch obtuvo una nueva audiencia por parte de espectadores de la llamada Generación X.

En 1999, sorprendió muy positivamente a sus fans y a la crítica con una película producida por la compañía Disney: The Straight Story (Una historia verdadera), que era, al menos aparentemente, una sencilla película sin pretensión alguna contando una historia real acerca de un hombre de pueblo (incorporado por el viejo actor Richard Farnsworth) que emprende un largo viaje de estado en estado, a bordo de un cortacésped, con el único fin de hacer las paces con su hermano enfermo. La película recibió muy buenas críticas y proporcionó a su autor nuevas audiencias.

Mulholland Drive, Dumb Land, Rabbits y Darkened Room[editar]


Naomi Watts, David Lynch, Laura Harring y Justin Theroux en la presentación de Mulholland Drive durante el Festival de Cannes en 2001.
Ese mismo año Lynch tentó una vez más a la cadena ABC con la idea de un drama para la televisión. La cadena dio el visto bueno y se grabó el episodio piloto, de dos horas de duración. Pero controversias sobre el contenido y la duración de la serie la aparcaron definitivamente.

Con la aportación de 7 millones de dólares por parte de la productora francesa Studio Canal, el director convirtió ese episodio piloto en un largometraje. Mulholland Drive es una historia extraña que trata de ahondar en la vertiente oscura de Hollywood, la “fábrica de sueños”. Está protagonizada por Naomi Watts, Laura Harring y el actor Justin Theroux. En lo comercial, la película funcionó relativamente bien en todo el mundo, mereciendo además reseñas positivas, lo que supuso a su director el premio al mejor director en el Festival de Cannes del año 2001 (este premio lo compartió con Joel Coen por El hombre que nunca estuvo allí) y otro premio al mejor director otorgado por la New York Film Critics Association.

En 2002, Lynch desarrolló una serie de cortos para Internet titulada Dumb Land. Los ochos episodios de que constaba, intencionadamente muy duros de contenido e interpretación, aparecieron posteriormente en formato DVD.

Lynch dedicó a sus incondicionales ese mismo año una comedia de situación a través de su página web. La serie se tituló Rabbits ("Conejos") y constó de ocho episodios plenos de surrealismo que se desarrollaban en un cuarto habitado por extrañas personas con cabeza de roedor. Posteriormente, el director rodó en vídeo digital el corto Darkened Room, a imitación del exitoso cine de terror japonés de los últimos años.

Inland Empire[editar]


Lynch recibiendo el León de Oro en el Festival de Venecia de 2006.
En el Festival de Cannes correspondiente a 2005, el cineasta anunció que durante un año había estado rodando en Polonia, por medio de técnicas digitales, su último film. La película, titulada INLAND EMPIRE (en mayúsculas) supone casi un compendio del cine de este director audaz e inquietante desde sus comienzos. La historia, retorcida y con tintes pesadillescos, desarrolla distintos niveles argumentales entremezclados, sin aclarar nunca los nexos lógicos entre ellos. Abunda en primeros planos expresionistas (especialmente de la atribulada Laura Dern), el sonido es distorsionado y envolvente, y los efectos especiales unidos a las numerosas escenas cómico-grotescas que contiene producen un gran impacto visual. El reparto de la película incluye actores habituales de Lynch como la ya mencionada Laura Dern, Harry Dean Stanton, y la protagonista de Mulholland Drive Naomi Watts, con un cameo de Justin Theroux (supuestamente uno de los actores disfrazados de conejos en la serie del mismo nombre), además de la actuación estelar del británico Jeremy Irons, y la participación de la méxico-americana Laura Harring al final del filme. Lynch describió la película como "un misterio acerca de una mujer metida en grandes dificultades”. Se estrenó en diciembre de 2006, habiendo suscitado hasta el momento entre los críticos, como en ocasión de los más recientes largometrajes del director, multitud de comentarios y opiniones enfrentadas.

Influencias[editar]


David Lynch en 2007.
Lynch ha declarado a menudo admirar profundamente a los cineastas Stanley Kubrick y Federico Fellini, al escritor Franz Kafka y al pintor Francis Bacon. Sostiene que muchas de las películas de Kubrick se encuentran entre sus preferidas, y que las obras de Kafka y Bacon lo subyugan por su fuerza visual y su conmovedora sensibilidad. Igualmente ha citado al pintor expresionista austriaco Oskar Kokoschka como fuente de inspiración. Lynch se siente desde siempre hechizado por la película The Wizard of Oz ("El mago de Oz"), aunque no con el culto típico norteamericano y a menudo ha hecho clara referencia a la misma en cintas como Wild at Heart, donde crea una gran polémica al parodiarla.

Una influencia temprana en él fue el libro The Art Spirit del artista y profesor norteamericano Robert Henri, del cual afirmó que le ayudó a decidir el curso que tomaría su trabajo plástico. Como Henri, Lynch se trasladó del campo a un entorno urbano para desarrollar su carrera artística. Henri era un pintor realista urbano, que adoptaba la vida en la ciudad como materia principal de su trabajo, lo que imitó Lynch en sus orígenes. Y si la obra de Henri sirvió de puente entre la Norteamérica agrícola del siglo XIX y la urbana del XX, las cintas de Lynch entremezclan la nostalgia feliz de los años 50 con la extrañeza existencial de los 80 y 90.

Tienen gran peso sobre su obra igualmente los cineastas Luis Buñuel, Werner Herzog y Roman Polanski, alguno de los cuales ha reconocido también al propio Lynch como referente.

Colaboradores habituales[editar]
Lynch emplea a menudo a los mismos actores y al mismo equipo técnico y artístico en sus producciones:

12 Producciones:
Angelo Badalamenti: música de los largometrajes Blue Velvet, Twin Peaks, Wild at Heart, On the Air, Lost Highway y Mulholland Drive. También escribió la música de Industrial Symphony No. 1, Twin Peaks: Fire Walk With Me, Hotel Room, The Straight Story, Darkened Room y Rabbits.

10 Producciones:
Mary Sweeney, su habitual editora y productora. Escribió el guion de The Straight Story. Trabajó igualmente en: Blue Velvet (1986), Wild at Heart (1990), Twin Peaks serie de TV, Twin Peaks: Fire Walk with Me (1992), Hotel Room, serie de TV (1993), Lost Highway (1997), Mulholland Drive (2001), INLAND EMPIRE (2006) y co-produjo Nadja (1994) con Lynch.

7 Producciones:
Jack Nance: en Eraserhead, Dune, Blue Velvet, The Cowboy and the Frenchman, Twin Peaks, Wild at Heart y Lost Highway

6 Producciones:
Harry Dean Stanton: The Cowboy and the Frenchman, Wild at Heart, Twin Peaks: Fire Walk With Me, Hotel Room, The Straight Story e INLAND EMPIRE.

5 Producciones:
Scott Coffey: Wild at Heart, Lost Highway, Mulholland Drive, Rabbits e INLAND EMPIRE.

Freddie Jones: The Elephant Man, Dune, Wild at Heart, Hotel Room y On the Air.

4 Producciones:
Michael J. Anderson: Twin Peaks, Industrial Symphony No. 1, Twin Peaks: Fire Walk With Me y Mulholland Drive.

Eric DaRe: Twin Peaks, Wild at Heart (casting), Twin Peaks: Fire Walk With Me y Lost Highway (departamento artístico).

Laura Dern: Blue Velvet, Wild at Heart, Industrial Symphony No. 1 e INLAND EMPIRE.

Bellina Logan: Wild at Heart, Twin Peaks, On the Air e INLAND EMPIRE.

Kyle MacLachlan: Dune, Blue Velvet, Twin Peaks y Twin Peaks: Fire Walk With Me.

Grace Zabriskie: Twin Peaks, Wild at Heart, Twin Peaks: Fire Walk With Me e INLAND EMPIRE.

3 Producciones:
Frances Bay: Blue Velvet, Twin Peaks y Wild at Heart.

Catherine E. Coulson: The Amputee, Twin Peaks y Twin Peaks: Fire Walk With Me.

Miguel Ferrer: Twin Peaks, Twin Peaks: Fire Walk With Me y On the Air.

Laura Harring: Mulholland Drive, Rabbits e INLAND EMPIRE.

Sheryl Lee: Twin Peaks, Wild at Heart y Twin Peaks: Fire Walk With Me.

Everett McGill: Dune, Twin Peaks y The Straight Story.

Frank Silva: Twin Peaks y Twin Peaks: Fire Walk With Me, y trabajó como encargado de vestuario en Wild at Heart.

Charlotte Stewart: Eraserhead, Twin Peaks y Twin Peaks: Fire Walk With Me.

Naomi Watts: Mulholland Drive, Rabbits e INLAND EMPIRE.

Alicia Witt: Dune, Twin Peaks y Hotel Room.

2 Producciones:
Jeanne Bates: Eraserhead y Mulholland Drive.

Nicolas Cage: Wild at Heart e Industrial Symphony No. 1.

Brad Dourif: Dune y Blue Velvet.

Sherilyn Fenn: en Twin Peaks y Wild at Heart.

Crispin Glover: Wild at Heart y Hotel Room. Lynch estaba interesado en producir el debut como director de Glover, What is it?.

Diane Ladd: Wild at Heart e INLAND EMPIRE.

Dean Stockwell: Dune y Blue Velvet.

Justin Theroux: Mulholland Drive e INLAND EMPIRE.

Además, Mädchen Amick, Dana Ashbrook, Phoebe Augustine, Eric DaRe, Heather Graham, Gary Hershberger, Peggy Lipton, James Marshall, Walter Olkewicz, Al Strobel, Lenny Von Dohlen y Ray Wise aparecen en Twin Peaks y Twin Peaks: Fire Walk With Me.

Músicos que han aparecido en sus films: Sting en Dune, Chris Isaak en Twin Peaks: Fire Walk With Me, David Bowie en Twin Peaks: Fire Walk With Me, Julee Cruise en Twin Peaks y Twin Peaks: Fire Walk With Me, John Lurie en Wild at Heart, Marilyn Manson, Twiggy Ramirez y Henry Rollins en Lost Highway y Billy Ray Cyrus en Mullholland Drive.

El propio Lynch se reservó pequeños papeles en The Amputee, Dune, Twin Peaks y Twin Peaks: Fire Walk With Me. También hizo cameos de voz en INLAND EMPIRE y Nadja, y aparecía en una escena suprimida de Lost Highway. También interpreta al cantinero Gus en la serie animada de tv The Cleveland Show tanto en la voz como en la apariencia.2

Otras actividades[editar]


Lynch hablando sobre Meditación Trascendental y el proceso creativo en 2007.
Durante su trayectoria también dedica su trabajo al formato publicitario, llevando a cabo multitud de spots televisivos desde 1988, entre los que se encuentran distintos fines comerciales; perfumes, artículos de deporte, productos alimenticios, automóbiles o dispositivos de entretenimiento.

A parte del cine, David Lynch ha desarrollado su creatividad en el campo de la pintura. En España su obra pictórica pudo verse con la exposición Action-reaction, que recorrió en 2009 ciudades como Zaragoza y Granada.

Lynch también ha colaborado en el mundo de la música con la creación de videoclips, entre los que destacan Dangerous de Michael Jackson (1992), Longing de Yoshiki (1995), Rammstein de Rammstein (1996), Shot in the Black of the Head de Moby (2009) y Came back Haunted de Nine Inch Nails (2013), entre otros.

También es destacable su labor en la divulgación de la Meditación Trascendental (MT), desde que se iniciara en ella hacia 1973. En julio de 2005 fundó la David Lynch Foundation For Consciousness-Based Education and World Peace (también conocida simplemente como David Lynch Foundation), para ayudar económicamente a los estudiantes en las escuelas intermedias y secundarias que estén interesados ​​en la Meditación Trascendental y para financiar la investigación sobre la técnica y sus efectos en el aprendizaje. Con los años, la Fundación ha ampliado su enfoque para incluir otras poblaciones "en riesgo", tales como las personas sin hogar, los veteranos de guerra estadounidenses, los refugiados de las guerras africanas y los presos.3

Vida personal[editar]
En lo personal, Lynch ha mantenido relaciones sentimentales con la actriz Isabella Rossellini (a raíz del rodaje de Terciopelo azul), y ha estado casado tres veces: con Peggy Lentz (1967-1974; una hija, Jennifer Chambers Lynch, 1968, ahora directora cinematográfica). Con Mary Fisk (1977-1987) (un hijo, nacido en 1982, Austin Jack Lynch). Y con la editora y productora de sus películas Mary Sweeney (2006; un hijo nacido en 1992, Riley Lynch).

Filmografía[editar]
Largometrajes[editar]
Eraserhead (1977)
El hombre elefante (1980)
Dune (1984)
Terciopelo azul (1986)
Corazón salvaje (1990)
Twin Peaks: Fire Walk With Me (1992)
Lost Highway (1997)
The Straight Story (1999)
Mulholland Drive (2001)
Inland Empire (2006)
Cortometrajes[editar]
Six Figures Getting Sick (1966)
The Alphabet (1968)
The Grandmother (1970)
The Amputee (1974)
The Cowboy and the Frenchman (1988)
Premonitions Following an Evil Deed (1996)
The Short Films of David Lynch (recopilación de cortometrajes) (2002)
Darkened Room (2002)
Absurda (2007)
Lady Blue Shanghai (2010)
I Touch A Red Button Man (2011)
Series[editar]
Twin Peaks (serie de televisión) (1990-1991)
Hotel Room (serie de televisión) (1993)
Dumbland (serie de Internet) (2002)
Rabbits (serie de Internet) (2002)
Spots televisivos[editar]
Obsession by Calvin Klein (1988)
Georgia Coffee (1991)
We Care About New York (1991)
Who is Gio? (1992)
Dangerous Teaser (1993)
Alka-Seltzer Plus (1993)
Tresor (1993)
Barilla Pasta (1993)
The Wall (1993)
Revealed (1993)
The Instinct of Life (1993)
Sun Moon Stars (1994)
Dead Leaves, Aunt Droid, Nuclear Winter and Rocket (1997)
Clear Blue Easy (1997)
Parisienne (1998)
Playstation 2: The Third Place (2000)
Nissan Micra (2002)
Discografía[editar]
Álbumes de estudio[editar]
Crazy Clock Time (2011)
The Big Dream (2013)
Premios[editar]


Lynch en el Festival de Cannes de 1990.
Óscar
Año Categoría Película Resultado
2001 Mejor dirección Mulholland Drive Nominado
1986 Mejor dirección Blue Velvet Nominado
1980 Mejor dirección
Mejor guion adaptado El hombre elefante Nominado
Globos de Oro
Año Categoría Película Resultado
2001 Mejor dirección
Mejor guion Mulholland Drive Nominado
1986 Mejor guion Blue Velvet Nominado
1980 Mejor dirección El hombre elefante Nominado
Otros galardones[editar]
Lynch ha ganado dos veces el Premio César francés a la mejor película extranjera, y en 2002 fue presidente del jurado del Festival de Cannes, donde había ganado la Palma de Oro en 1990. En 2002 fue asimismo galardonado por el gobierno francés con la Legión de Honor. El 6 de septiembre de 2006 recibió el León de Oro en el Festival de Venecia por sus contribuciones al Séptimo Arte. En este mismo festival presentó su último film, INLAND EMPIRE.

Ha recibido 164 puntos

Vótalo:

AL PACINO

21. AL PACINO

Alfredo James Pacino, conocido como Al Pacino (Nueva York, Nueva York, 25 de abril de 1940), es un actor y director estadounidense de cine y teatro, ganador de los premios Óscar, Emmy, Globo de Oro, SAG, BAFTA, AFI y Tony, y considerado uno de los mejores actores de la historia. Es famoso por... Ver mas
Alfredo James Pacino, conocido como Al Pacino (Nueva York, Nueva York, 25 de abril de 1940), es un actor y director estadounidense de cine y teatro, ganador de los premios Óscar, Emmy, Globo de Oro, SAG, BAFTA, AFI y Tony, y considerado uno de los mejores actores de la historia. Es famoso por interpretar mafiosos, como Michael Corleone en la trilogía de El Padrino, Tony Montana en Scarface, Alphonse "Big Boy" Caprice en Dick Tracy, "Lefty" Ruggiero en Donnie Brasco y Carlito Brigante en Atrapado por su pasado, aunque también ha aparecido varias veces del lado de la ley, como oficial de policía, detective y abogado. Su papel como Frank Slade en Scent of a Woman le valió el Óscar al mejor actor en 1992 después de haber recibido varias nominaciones previas.

Hizo su debut en el cine en la película Me, Natalie (1969) con un breve papel secundario, antes de interpretar el papel principal en el drama The Panic in Needle Park (1971). Su carrera tomó impulso después de su papel como Michael Corleone en El padrino en 1972, por la cual fue nominado al Óscar como mejor actor de reparto. También fue nominado como mejor actor de reparto por Dick Tracy y Glengarry Glen Ross, y como mejor actor por El padrino II, Serpico, Tarde de perros, ...And Justice for All y Scent of a Woman.

Además de su carrera en el cine, ha tenído una exitosa carrera en el teatro, ganando el Premio Tony por Does a Tiger Wear a Necktie? y The Basic Training of Pavlo Hummel. Pacino es seguidor de Shakespeare e hizo su debut como director con Looking for Richard, un quasi-documental sobre la obra Ricardo III. Ha recibido numerosos reconocimientos a su carrera, incluyendo uno del American Film Institute. Es un actor de método, entrenado principalmente por Lee Strasberg y Charles Laughton en el Actors Studio de Nueva York.
Primeros años[editar]
Al Pacino nació en East Harlem, Manhattan, Nueva York, en 1940, hijo de Rose Gerardi y Salvatore Pacino, ítalo-estadounidenses, que se divorciaron cuando él tenía dos años de edad.1 Tras la separación, su madre se mudó a South Bronx, cerca del Zoológico del Bronx, a vivir con sus padres, Kate y James Gerardi, originarios de Corleone, Provincia de Palermo, Sicilia.2 Su padre se mudó a Covina, California, trabajó como vendedor de seguros y abrió un restaurante,1 llamado Pacino's Lounge (cerró en 1992). Pacino asistió a la secundaria Fiorello H. LaGuardia High School en Nueva York.2 Durante su adolescencia "Sonny", como lo llamaban sus amigos, aspiraba a ser jugador de béisbol, aunque también era apodado "El actor".3 Pacino suspendió casi todas las materias excepto inglés y abandonó la secundaria con 17 años. Su madre no estuvo de acuerdo con esa decisión; discutieron y abandonó la casa. Trabajó en varios empleos pobremente remunerados, como mensajero, ayudante de camarero, portero y empleado en una oficina postal, para financiar su formación actoral.1


Actuó en obras en el circuito de teatro underground de Nueva York pero no fue aceptado por el Actors Studio cuando todavía era un adolescente.3 Más tarde se unió al Herbert Berghof Studio (HB Studio), donde conoció al profesor de actuación Charles Laughton, quien se transformaría en su mentor y mejor amigo.3 Durante este período, frecuentemente se encontraba desempleado y sin hogar, a veces teniendo que dormir en la calle, en teatros o en casas de amigos.2 4 En 1962, su madre falleció a los 43 años de edad. Al año siguiente, su abuelo, James Gerardi, una de sus mayores influencias, también falleció.1

Entrenamiento en el Actors Studio[editar]
Tras cuatro años en HB Studio, ingresó con éxito en el Actors Studio,3 una organización de actores profesionales, directores teatrales y dramaturgos en Hell's Kitchen, barrio de Manhattan, Nueva York.5 Allí estudió "el método" de actuación1 y fue alumno de calidad del legendario profesor estadounidense Lee Strasberg (quien más tarde actuaría junto a Al Pacino en las películas El Padrino II y ...And Justice for All).2 En entrevistas posteriores habló de Strasberg y el efecto que tuvo sobre su carrera: «El Actors Studio significó mucho en mi vida. Lee Strasberg no ha recibido el crédito que merece... Junto a Charlie, de cierta forma impulsó mi carrera. Realmente fue así. Fue un punto de inflexión muy notable en mi vida. Él fue el responsable de que abandonara todos esos trabajos y me dedicara a la actuación».6 Durante otra entrevista, agregó: «Era emocionante trabajar con él, porque era una persona muy interesante cuando hablaba sobre una escena o acerca de ciertas personas. Uno sólo quería oírlo, porque las cosas que decía, nunca antes las habías oído. Tenía un gran entendimiento, quería mucho a los actores».7 Desde el año 2009, Al Pacino es co-presidente, junto con Ellen Burstyn y Harvey Keitel, del Actors Studio.5

Carrera en el teatro[editar]


Al Pacino como Pavlo Hummel en Basic Training of Pavlo Hummel (Boston Theatre, 1971). En 1977 obtendría un premio Tony al mejor actor principal por la interpretación teatral de este personaje en Brodway.
En 1967, Pacino pasó una temporada en el Teatro Charles en Boston, actuando en la obra de Clifford Odets Awake and Sing! (su primer gran sueldo: 125 dólares por semana); y en la obra de Jean-Claude Van Itallie América, Hurrah, donde conoció a la actriz Jill Clayburgh trabajando en la obra. Mantuvieron una relación durante cinco años y se trasladaron juntos a Nueva York.8

En 1968, Pacino protagonizó la obra de Israel Horovitz The Indian Wants the Bronx, en el Teatro Astor Place, interpretando a Murph, un punk de la calle. La obra se estrenó 17 de enero de 1968, y se representó 177 veces. Pacino ganó un Premio Obie al Mejor Actor por su papel; John Cazale ganó el premio al mejor actor de reparto y Horowitz se alzó con el galardón a la Mejor Obra Nueva.9 Martin Bregman vio la obra y se ofreció a ser el representante de Pacino, una asociación que se revelaría fructífera en los siguientes años, con la participación de Pacino en El Padrino, Serpico y Tarde de Perros.10 Con The Indian Wants the Bronx, Pacino viajó a Italia para actuar en el Festival de los Dos Mundos, en Spoleto. Fue el primer viaje a Italia de Pacino, que más tarde recordó que «actuar para el público italiano fue una experiencia maravillosa».8 Pacino y Clayburgh participaron en "Deadly Circle of Violence", un episodio de la serie de televisión N.Y.P.D. (Policías de Nueva York), de la cadena ABC, estrenado 12 de noviembre de 1968. Por aquel entonces, Clayburgh también participaba en la telenovela de Search for Tomorrow, interpretando el papel de Grace Bolton. Su padre les enviaba dinero cada mes para ayudarlos.11

El 25 de febrero de 1969, Pacino hizo su debut en Broadway en la obra de Don Petersen Does a Tiger Wear a Necktie? en el Teatro Belasco. Se cerró después de 39 actuaciones el 29 de marzo de 1969, pero Pacino recibió excelentes críticas y ganó el premio Tony al mejor actor de reparto en una obra de teatro el 20 de abril de 1969.8 Pacino continuó trabajando en los escenarios durante los años 1970, ganando su segundo premio Tony —en esa oportunidad como mejor actor principal en una obra de teatro— por The Basic Training of Pavlo Hummel, e interpretando a Ricardo III en la obra del mismo nombre.1 En los años 1980 volvió a tener éxito en el teatro, actuando en American Buffalo de David Mamet, por la cual fue nominado al Drama Desk Award.1 Desde 1990 los trabajos de Pacino en el teatro incluyen los reestrenos de Hughie de Eugene O'Neill, Salomé de Oscar Wilde y Orphans de Lyle Kessler.12

Pacino volvió al teatro en el verano de 2010, como Shylock en una producción de El mercader de Venecia.13 La elogiada obra fue llevada a Broadway en el Teatro Broadhurst en octubre, recaudando un millón de dólares en su primera semana.14 15 Por su actuación, Pacino obtuvo una nominación al Premio Tony como mejor actor principal en una obra de teatro.16

Carrera en el cine[editar]
Comienzos[editar]
Pacino comenzó a disfrutar la actuación y se dio cuenta que tenía talento mientras estudiaba en el Actors Studio. Sin embargo, sus primeros trabajos no fueron económicamente gratificantes.2 Después de su éxito en el teatro, Pacino hizo su debut en el cine en 1969 con una aparición breve en Me, Natalie, una película independiente protagonizada por Patty Duke.17 En 1970, Pacino firmó con la agencia de talentos Creative Management Associates (CMA).8

Década de 1970: El Padrino y nominaciones al Óscar[editar]
Su ascenso al estrellato vino de la mano del personaje de Michael Corleone, a quien interpretó en la saga de El Padrino (1972, 1974 y 1990). A pesar de que numerosos actores ya consagrados como Robert Redford y Warren Beatty fueron considerados para este personaje, Coppola eligió al relativamente desconocido Pacino. Esta actuación le consiguió una nominación a los premios de la Academia al Mejor actor de reparto.

En 1973, Pacino protagonizó la popular Serpico, basada en la historia real del incorruptible policía de Nueva York, Frank Serpico, quien trabajó varios años en las calles como encubierto y expuso la corrupción que existía en el departamento de policía de esa ciudad. Ese mismo año co-protagonizó Espantapájaros, con Gene Hackman, y ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes. En 1974, Pacino repitió su papel como Michael Corleone en la exitosa secuela El Padrino II. En 1975, logró un mayor éxito con el lanzamiento de Tarde de perros, la historia de un publicitado robo a un banco. La película fue dirigida por Sidney Lumet, quien también lo dirigió en Serpico unos años antes, y con ambas películas Pacino consiguió nominaciones al Óscar al Mejor Actor.

En 1977, Pacino interpretó a un piloto de carreras en Bobby Deerfield, dirigida por Sydney Pollack, y recibió una nominación al Globo de Oro. Durante la década de 1970, Pacino obtuvo cuatro nominaciones al Oscar al mejor actor, por sus interpretaciones en Serpico, El Padrino II, Tarde de perros y Justicia para todos. Pacino continuó actuando en teatro, y ganó un premio Tony en esa década.

Década de 1980[editar]


Grafiti en que se representa a Al Pacino como Tony Montana en la película Scarface de 1983.
La carrera cinematoráfica de Pacino sufrió un poco a principios de los años 1980, y sus trabajos en A la caza y Author! Author! fueron fracasos en la crítica y taquilla. Sin embargo, con Scarface (1983), dirigida por Brian De Palma, la carrera de Pacino volvió por un momento a la cima. En su lanzamiento inicial, la película fue muy criticada, pero recibió buenos números en la taquilla, obteniendo $45 millones.18 Pacino consiguió una nominación al Globo de Oro por su papel del narcotraficante cubano Tony Montana. Años más tarde, revelaría a la entrevistadora Barbara Walters que Tony Montana representó el mejor trabajo de su carrera. Su única película desde Scarface hasta 1989, Revolución (1985) fue muy criticada y un desastre en taquilla. Pacino se refugió en el teatro y trabajó en sus proyectos más personales, como The Local Stigmatic, una obra Off Broadway de 1969 del escritor inglés Heathcote Williams, la cual protagonizó, y remontó junto al director David Wheeler y a la Theater Company of Boston en una versión de película que fue filmada en Nueva York en marzo de 1990. Luego fue lanzada como parte del box set Pacino: An Actor's Vision en 2007. Tras esto Pacino regresó a los escenarios teatrales durante cuatro años. Montó obras como Crystal Clear y National Anthems; apareció en el New York Shakespeare Festival con Julio César en 1988, producida por Joseph Papp. Pacino remarcó en su hiato de la película: «Recuerdo cuando todo pasaba, '74, '75, haciendo El resistible ascenso de Arturo Ui en el teatro y leyendo que la razón por la que volví a los escenarios fue que mi carrera en el cine estaba decayendo! Ese ha sido el origen, la forma en que el teatro percibió, desafortunadamente».19 A finales de los 80, Pacino regresó al cine en 1989 con Melodía de seducción, thriller convencional y con algunas gotas de erotismo que funcionó correctamente en taquilla y que lo devolvió al lugar donde estuvo la década anterior. Su mayor éxito teatral de la década fue American Buffalo, de David Mamet, por la cual Pacino fue nominado a un premio Drama Desk.

Década de 1990[editar]


Al Pacino en la 49.ª edición del Festival de Cannes (1996).
Pacino recibió una nominación al Oscar por interpretar a Big Boy Caprice en la taquillera película Dick Tracy (1990), seguido de un retorno a uno de sus personajes más famosos, Michael Corleone, en El Padrino III (1990). En 1991, Pacino protagonizó Frankie y Johnny, con Michelle Pfeiffer, quien había co-protagonizado junto a Pacino en Scarface. Finalmente ganaría el Oscar al mejor actor, por su interpretación del Teniente Coronel retirado del Ejercito de los Estados Unidos, Frank Slade, en el éxito taquillero Scent of a Woman (1992). Ese mismo año, también fue nominado para el Óscar al mejor actor de reparto por Glengarry Glen Ross, haciendo de Pacino el primer actor masculino en recibir dos nominaciones por dos películas diferentes en el mismo año, y de ganar para el papel principal.

Durante la década de 1990, Pacino regresó brevemente a los papeles de mafioso en los aclamados dramas criminales, Carlito's Way (1993) y Donnie Brasco (1997). En 1995, Pacino interpretó al teniente Vincent Hanna en Fuego contra Fuego (Heat) de Michael Mann, en la que él y su compañero e ícono cinematrgáfico Robert De Niro aparecen juntos en pantalla por primera vez (aunque ambos participaron en El Padrino II, no compartían ninguna escena). Fuego contra Fuego creó una enorme expectativa debido a sus protagonistas, y aunque recibió críticas favorables, no logró grandes números en la taquilla mundial. En 1996, Pacino protagonizó su largometraje Looking for Richard, y fue elogiado por su papel de Satanás en el thriller sobrenatural Pactar con el Diablo/El abogado del Diablo en 1997. En 1999, Pacino protagonizó el drama deportivo Un Domingo Cualquiera de Oliver Stone y la multi nominada al Oscar, El Informante de Michael Mann.

Década de 2000[editar]
Pacino apareció en Insomnia, junto a Robin Williams, la cinta es un remake de una película Noruega del mismo nombre y está dirigida por Christopher Nolan. La película y el trabajo de Pacino recibieron críticas constructivas y le fue moderadamente bien en taquilla. Después interpretó al abogado Roy Cohn en la miniserie de HBO de 2003, Angels in America de Tony Kushner, junto a la legendaria Meryl Streep.

Sigue su interés por la dirección y su película Chinese Coffee obtuvo buena respuesta, a su vez, su trabajo en el teatro continúa con éxito. En los "AFI's 100 Years... 100 Heroes and Villains", es uno de los únicos dos actores que aparece en ambas listas: en la "lista de héroes" como Frank Serpico y en la "lista de villanos" como Michael Corleone. Pacino dio una gran interpretación de Shylock, el judío avaro y despiadado, en la película de 2004 basada en la obra de Shakespeare: El Mercader de Venecia. Aunque no fue un éxito en taquilla, junto con Jeremy Irons, brindaron interpretaciones de gran altura.

El 20 de octubre de 2006, el American Film Institute entregó a Pacino el 35.° Premio AFI Life Achievement.20 El 22 de noviembre de 2006, la Sociedad Filosófica Universitaria del Trinity College de Dublín condecoró a Pacino con el Patrocinio Honorario de la Sociedad.21

Con sus ganancias de taquilla relativamente menores que las anteriores, Pacino prepara nuevos proyectos. Protagonizó Ocean's Thirteen de Steven Soderbergh junto con George Clooney, Brad Pitt, Matt Damon y Andy García, como el villano Willy Bank, un magnate de los casinos que está en la mira de Danny Ocean y sus compañeros, quienes buscan vengarse.

El 19 de junio de 2007 fue lanzado un box set titulado Pacino: An Actor's Vision, que contiene 3 extrañas filmaciones de Al Pacino: The Local Stigmatic (Disco 1), Looking for Richard (Disco 2) y Chinese Coffee (Disco 3), y también un documental sobre toda la carrera de Pacino, Babbleonia (Disco 4).

En 2007 protagonizó la cinta 88 Minutos, misma que no figuró en la taquilla. Ese mismo año estrenó Asesinato Justo, en la que Pacino y Robert De Niro interpretan a dos detectives de Nueva York que buscan a un asesino en serie, siendo ésta la primera vez que ambos actores intervienen juntos en las mismas escenas durante todo el largometraje. La cinta no obtuvo buena respuesta en la taquilla y por los críticos.

Aparece en el filme para HBO You Don't Know Jack (No conoces a Jack) junto a Susan Sarandon y John Goodman, donde Pacino interpreta a el Dr. Jack Kevorkian. Co-protagoniza el drama policíaco Son of No One, junto a Channing Tatum, Juliette Binoche, Ray Liotta y Katie Holmes.22 Aparece como él mismo en la comedia Jack & Jill junto con Adam Sandler, dirigida por Dennis Dugan. Recientemente participa en Stand Up Guys y Despicable Me 2.

Vida privada[editar]
Si bien Pacino nunca ha estado casado, tiene dos hijos, Anton James y Olivia Rose (nacidos en 2001), con la actriz Beverly D'Angelo, con quien tuvo una relación entre 1996 y 2003; y una hija, Julie Marie (nacida en 1989), con la maestra de actuación Jan Tarrant.23 24 Pacino sostuvo una relación intermitente con la popular actriz Diane Keaton, su compañera de reparto en la trilogía de El padrino; la relación terminó después de la filmación de El padrino II.25 26 Otras de las mujeres con las que ha tenído relaciones son Tuesday Weld, Marthe Keller, Kathleen Quinlan y Lyndall Hobbs.27 La actual pareja de Pacino es la actriz argentina Lucila Polak (hija de Federico Polak), quien también utiliza el nombre artístico de Lucila Solá, casi 40 años menor que él.28

El Servicio de Impuestos Internos presentó un gravamen impositivo contra Pacino reclamándole una deuda con el gobierno de US$169 143,06 en 2008 y US$19 140,44 en 2009 por un total de US$188 283,50. Un representante de Pacino culpó por la discrepancia a su anterior encargado de finanzas Kenneth Starr.29

Filmografía[editar]


Al Pacino en el Festival de Cine de Roma (2010).
Año Película Personaje Director
2013 Phil Spector (Película de TV) Phil Spector David Mamet
2013 Despicable Me 2 Eduardo Pierre Coffin
2012 Stand Up Guys Valentine "Val" Fisher Stevens
2011 Jack and Jill Él mismo Dennis Dugan
2011 Son of No One Detective Stanford Dito Montiel
2010 You Don't Know Jack Jack Kevorkian Barry Levinson
2008 Righteous Kill Detective Rooster Jon Avnet
2007 Ocean's 13 Willie Bank Steven Soderbergh
88 Minutes Jack Gramm Jon Avnet
2005 Two for the Money Walter Abrams D.J. Caruso
2004 El mercader de Venecia Shylock Michael Radford
2003 The Recruit Walter Burke Roger Donaldson
Angels in America Roy Cohn Mike Nichols
Gigli Starkman Martin Brest
2002 Relaciones Confidenciales Eli Wurman Daniel Algrant
Simone Viktor Taransky Andrew Niccol
Insomnia Detective Will Dormer Christopher Nolan
2000 Chinese Coffee Harry Levine Al Pacino
1999 The Insider Lowell Bergman Michael Mann
Un domingo cualquiera (Any Given Sunday) Tony D'Amato Oliver Stone
1997 The Devil's Advocate John Milton Taylor Hackford
Donnie Brasco Benjamin 'Lefty' Ruggiero Mike Newell
1996 Looking for Richard Él mismo/Richard III Al Pacino
City Hall Mayor John Pappas Harold Becker
1995 Heat Lt. Vincent Hanna Michael Mann
Two Bits Gitano Sabatoni James Foley
1993 Carlito's Way Carlito 'Charlie' Brigante Brian De Palma
1992 Scent of a Woman Lieutenant Colonel Frank Slade Martin Brest
Glengarry Glen Ross Ricky Roma James Foley
1991 Frankie y Johnny Johnny Garry Marshall
1990 Dick Tracy Big Boy Caprice Warren Beatty
The Local Stigmatic Graham David F. Wheeler
El Padrino III Michael Corleone Francis Ford Coppola
1989 Melodía de seducción Det. Frank Keller Harold Becker
1985 Revolución Tom Dobb Hugh Hudson
1983 Scarface Tony Montana Brian De Palma
1982 Author! Author! Ivan Travalian Arthur Hiller
1980 A la caza Steve Burns William Friedkin
1979 Justicia para todos Arthur Kirkland Norman Jewison
1977 Un instante, una vida Bobby Deerfield Sydney Pollack
1975 Tarde de perros Sonny Sidney Lumet
1974 El Padrino II Michael Corleone Francis Ford Coppola
1973 Serpico Frank Serpico Sidney Lumet
Espantapájaros Francis Lionel 'Lion' Delbuchi Jerry Schatzberg
1972 El Padrino Michael Corleone Francis Ford Coppola
1971 The Panic in Needle Park Bobby Jerry Schatzberg
1969 Yo, Natalia Tony Fred Coe
Premios[editar]


Al Pacino en 2010.
Óscar
Año Categoría Película Resultado
1992 Mejor Actor Scent of a Woman Ganador
1992 Mejor Actor de Reparto Glengarry Glen Ross Nominado
1990 Mejor Actor de Reparto Dick Tracy Nominado
1979 Mejor Actor Justicia para todos Nominado
1975 Mejor Actor Tarde de perros Nominado
1974 Mejor Actor El Padrino II Nominado
1973 Mejor Actor Serpico Nominado
1972 Mejor Actor de Reparto El Padrino Nominado
Emmy
Año Categoría Película Resultado
2004 Primetime Emmy al mejor actor - Miniserie o telefilme Angels in America Ganador
2010 Primetime Emmy al mejor actor - Miniserie o telefilme You Don't Know Jack Ganador
2013 Primetime Emmy al mejor actor - Miniserie o telefilme Phil Spector (Película de TV) Nominado
BAFTA
Año Categoría Película Resultado
1991 Mejor Actor de Reparto Dick Tracy Nominado
1976 Mejor Actor Dog Day Afternoon Ganador
1975 Mejor Actor El Padrino II Ganador
1974 Mejor Actor Serpico Nominado
1973 Mejor Actor Revelación El Padrino Nominado
Premios del Sindicato de Actores
Año Categoría Película Resultado
2004 Mejor actor - Miniserie o telefilme Angels in America Ganador
Premios Tony
Año Categoría Película Resultado
1969 Mejor actor revelación Does a Tiger Wear a Necktie? Ganador
1977 mejor actor principal The Basic Training of Pavlo Hummel Ganador
Globos de Oro
Año Categoría Película Resultado
2013 Mejor Actor de Miniserie o Telefilme Phil Spector Nominado
2011 Mejor Actor de Miniserie o Telefilme You Don't Know Jack Ganador
2004 Mejor Actor de Miniserie o Telefilme Angels In America Ganador
2001 Premio Cecil B. DeMille Ganador
1993 Mejor Actor - Drama Scent of a Woman Ganador
1993 Mejor Actor de Reparto Glengarry Glen Ross Nominado
1991 Mejor Actor - Drama El Padrino III Nominado
1991 Mejor Actor de Reparto Dick Tracy Nominado
1990 Mejor Actor - Drama Melodía de seducción Nominado
1984 Mejor Actor - Drama Scarface Nominado
1983 Mejor Actor - Comedia o Musical ¡Autor! ¡Autor! Nominado
1980 Mejor Actor - Drama Justicia para todos Nominado
1978 Mejor Actor - Drama Un instante, una vida Nominado
1976 Mejor Actor - Drama Tarde de perros Nominado
1975 Mejor Actor - Drama El Padrino II Nominado
1974 Mejor Actor - Drama Serpico Ganador
1973 Mejor Actor - Drama El Padrino Nominado
Independent Spirit Awards
Año Categoría Película Resultado
1997 Mejor director Looking for Richard Ganador
Premios Saturn
Año Categoría Película Resultado
1991 Mejor Actor de reparto Dick Tracy Nominado
1997 Mejor Actor Pactar con el Diablo/El abogado del Diablo Nominado
MTV Movie Awards
Año Categoría Película Resultado
1998 Mejor Villano Pactar con el Diablo/El abogado del Diablo Nominado
Teen Choice Awards
Año Categoría Película Resultado
2007 Película Choice: Villano Ocean's 13 Nominado
Premios Mundiales del Teatro
Año Categoría Película Resultado
1969 Mejor actor ofrecido en un juego Does a Tiger Wear a Necktie? Ganador
Boston Society of Film Critics Awards
Año Categoría Película Resultado
1997 Mejor Actor Donnie Brasco Ganador
Premio David de Donatello
Año Categoría Película Resultado
1974 Mejor actor Serpico Ganador
1973 Mejor actor El Padrino Ganador
LAFCA
Año Categoría Película Resultado
1975 Mejor Actor Tarde de perros Ganador
Directors Guild of America
Año Categoría Película Resultado
1996 Mejor Logro Directoral en Documental Looking for Richard Ganador
NBR
Año Categoría Película Resultado
1972 Mejor actor de reparto El padrino Ganador
1973 Mejor Actor Serpico Ganador
Festival Internacional de Cine de San Sebastián
Año Categoría Película Resultado
1996 Premio Donostia Toda su trayectoria Ganador
1975 Concha de Plata al mejor actor Tarde de perros Ganador
Drama Awards Escritorio
Año Categoría Película Resultado
1969 Mejor Interpretación ¿Un tigre use una corbata? Ganador
1977 Mejor Interpretación La formación básica de Pavlo Hummel Ganador
1984 Mejor Interpretación American Buffalo Nominado
Film London Critics Award al Mejor Actor del Círculo
Año Categoría Película Resultado
2002 Mejor Actor Insomnia Nominado
Kansas City Film Critics Award al Mejor Actor del Círculo
Año Categoría Película Resultado
1975 Mejor Actor Tarde de perros Ganador
Festival de Cine de Venecia
Año Categoría Película Resultado
2004 Mejor Actor El mercader de Venecia Nominado
Sociedad Nacional de Críticos de Cine Premios
Año Categoría Película Resultado
1972 Mejor Actor El padrino Ganador
1990 Mejor Actor Secundario Dick Tracy Tercer lugar
1997 Mejor Actor Donnie Brasco Tercer lugar
Academia de Ciencia Ficción, Fantasía y Terror, EE.UU.
Año Categoría Película Resultado
1991 Mejor actor de reparto Dick Tracy Nominado
1998 Mejor actor Pactar con el Diablo/El abogado del Diablo Nominado
Blockbuster Entertainment Award
Año Categoría Película Resultado
2000 Mejor Actor Un Domingo Cualquiera Nominado
Sindicato Nacional Italiano de Periodistas de Cine
Año Categoría Película Resultado
1994 Mejor Actor Carlito's Way Ganador
Premios American Movie
Año Categoría Película Resultado
1980 Mejor Actor Justicia para todos Nominado
American Comedy Awards
Año Categoría Película Resultado
1991 Más divertido actor de reparto en una película Dick Tracy Ganador
TCA
Año Categoría Película Resultado
2004 Mejor Actor Angels in America Nominado
Premios Satellite
Año Categoría Película Resultado
2004 Mejor actor de Miniserie Angels in America Nominado
2000 Mejor actor El dilema Nominado
2011 Mejor actor de Miniserie You Don't Know Jack Ganador
Chlotrudis Premio al Mejor Actor
Año Categoría Película Resultado
1998 Mejor Actor Donnie Brasco Nominado
Festival de San Sebastián Film International
Año Categoría Película Resultado
1975 Mejor Actor Tarde de perros Ganador
Asociación de Críticos de Televisión Premios
Año Categoría Película Resultado
2004 Mejor Actor Angels in America Nominado
Mostra de Venecia
Año Categoría Película Resultado
1992 Copa Volpi al mejor actor Glengarry Glen Ross Ganador
Off-Broadway Awards
Año Categoría Película Resultado
1966 Mejor Actor ¿Porque es una Carta de Crooked? Nominado
1968 Mejor Actor El indio quiere el Bronx Ganador

Ha recibido 162 puntos

Vótalo:

SOFIA COPPOLA

22. SOFIA COPPOLA

Vida personal[editar] Es hija del director y productor Francis Ford Coppola y Eleanor Coppola (nacida Eleanor Jessie Neil), con lo que tiene ascendencia irlandesa, inglesa e italiana. Se caso con el director Spike Jonze desde el 26 de junio de 1999 hasta el 5 de diciembre de 2003, cuando... Ver mas
Vida personal[editar]
Es hija del director y productor Francis Ford Coppola y Eleanor Coppola (nacida Eleanor Jessie Neil), con lo que tiene ascendencia irlandesa, inglesa e italiana. Se caso con el director Spike Jonze desde el 26 de junio de 1999 hasta el 5 de diciembre de 2003, cuando presentaron una demanda de separación alegando "diferencias irreconciliables". En la actualidad se encuentra emparejada con el cantante de la banda francesa Phoenix, Thomas Mars, con el que tiene dos hijas, Romy, llamada así en honor al hermano de Sofia, Roman, y otra, Cosima. Es sobrina de la actriz Talia Shire y prima del actor Nicolas Cage.

Contrajo matrimonio en 2011 con el padre de sus hijas, Thomas Mars, en la tierra de sus antepasados, Bernalda.1

Carrera[editar]
Actriz[editar]
La carrera cinematográfica de Sofia Coppola comenzó a muy temprana edad, ya que siendo una bebé apareció en la película "El padrino". Además ha participado en varias películas de su padre. Su papel más conocido fue el de Mary Corleone en "El padrino. Parte III" (1990), en un papel que estaba pensado inicialmente para Winona Ryder, pero al que una enfermedad de esta última impidió representar. Esta interpretación recibió muchas críticas y terminó con la carrera interpretativa de Sofia (aunque posteriormente hizo pequeñas apariciones en las películas "Inside Monkey Zetterland" (1992) y "Star Wars: Episodio I - La amenaza fantasma" (1999)).

Directora de cine[editar]
Su primera experiencia detrás de la cámara fue con el corto Lick the star (1998). Posteriormente, llegaría su reconocimiento a nivel mundial con Las vírgenes suicidas (1999) y más adelante, Lost in Translation (2003). Por esta última película ganó el premio Óscar al mejor guion original (además de obtener otras tres nominaciones, entre ellas la de mejor película) y tres premios Globos de Oro, entre ellos el de mejor película en la categoría de comedia o musical. Con su nominación a los Óscar en la categoría de Mejor dirección, se convirtió en la tercera mujer en estar nominada en esta categoría y la primera estadounidense.

En 2006 estrena su película Marie Antoinette (película de 2006) (2006), adaptación de la biografía de la reina de Francia escrita por la historiadora británica Antonia Fraser. La actriz Kirsten Dunst interpreta en papel de la reina, y el actor Jason Schwartzman (primo de la directora) interpreta el papel de Luis XVI.

En 2010 gana el León de Oro del Festival Internacional de Cine de Venecia por su última película Somewhere, la historia de una estrella de Hollywood interpretada por Stephen Dorff, que vive en el famoso hotel Chateau Marmont de Los Ángeles y el cambio radical de vida que sufre con la llegada de su hija, interpretada por Elle Fanning.

Filmografía2 [editar]
Como directora[editar]
1996 - Bed, Bath and Beyond (Cortometraje)
1998 - Lick the Star (Cortometraje)
1999 - Las vírgenes suicidas
2003 - Lost in Translation
2006 - Marie Antoinette (película de 2006)
2010 - Somewhere
2013 - The Bling Ring
Como actriz[editar]
2001 - CQ
1999 - Star Wars: Episodio I - La amenaza fantasma
1997 - Electrobank - The Chemical Brother's music video
1994 - Ciao L.A (Cortometraje)
1992 - Inside Monkey Zetterland
1990 - El padrino. Parte III
1987 - Anna y Cristina
1986 - Peggy Sue se casó
1984 - Frankenweenie (Cortometraje)
1984 - Cotton Club
1983 - The Outsiders
1983 - La ley de la calle
Videos musicales (directora)[editar]
I just don't know what to do with myself - The White Stripes
This here giraffe - The Flaming Lips
City girl - Kevin Shields
Playground love - Air
Shine - Walt Mink
Chloroform - Phoenix
Publicidad[editar]
Miss Dior Chérie fragance por Christian Dior con Maryna Linchuk (2008).
City of Light fragrance por Christian Dior con Natalie Portman (2010).
Marni colección para H & M protagonizada por Imogen Poots (2012).

Ha recibido 159 puntos

Vótalo:

EL GORDO Y EL FLACO

23. EL GORDO Y EL FLACO

El Gordo y el Flaco fue el nombre que se le puso en español al famoso dúo cómico Laurel and Hardy (en inglés), formado por el actor estadounidense Oliver Hardy (el Gordo) y el actor inglés Stan Laurel (el Flaco). Su carrera como pareja se inició en el cine mudo, en la tercera década del siglo XX... Ver mas
El Gordo y el Flaco fue el nombre que se le puso en español al famoso dúo cómico Laurel and Hardy (en inglés), formado por el actor estadounidense Oliver Hardy (el Gordo) y el actor inglés Stan Laurel (el Flaco). Su carrera como pareja se inició en el cine mudo, en la tercera década del siglo XX, y se alargó hasta la segunda mitad de ese mismo siglo. Considerados como una de las mejores parejas cómicas del cine, consiguieron aunar sus diversos estilos de comedia en una sincronía casi perfecta.
Historia[editar]
Carrera en solitario[editar]
Véase también: Stan Laurel
Véase también: Oliver Hardy
Stan y Ollie: Los años de Hal Roach[editar]


Cartel del film The Lucky Dog.
El primer encuentro de los dos cómicos, como dos actores que participaban en la misma producción pero sin formar pareja, fue en la película muda The Lucky Dog, producida en 1918 por Sun-Lite Pictures y estrenada en 1921. Años más tarde volverían a aparecer, sin compartir ninguna escena, en la producción de Hal Roach 45 Minutes from Hollywood (1926). Su primera película oficial como dúo cómico establecido fue The Second Hundred Years en junio de 1927, dirigida por Fred Guiol y supervisada por Leo McCarey, al que se considera con toda probabilidad como padre de la idea del dúo.

A partir de 1927 desarrollaron su carrera bajo los auspicios del productor Hal Roach; participaron en cortometrajes mudos, sonoros y largometrajes. La aparición del sonoro conllevó la desaparición de muchos actores de la época silente, Laurel y Hardy, sin embargo, tuvieron una relativamente fácil transición al cine sonoro, con el corto Unaccustomed As We Are, en 1929. El acento inglés de Laurel y el acento sureño de Hardy le dieron una nueva dimensión a sus personajes. La pareja demostró su capacidad para el humor verbal y visual, usando los diálogos para enfatizar, más que para desplazar, su tipo de humor visual.

Los cortos de Laurel y Hardy, producidos por Hal Roach y estrenados por Metro Goldwyn Mayer, fueron producciones de mucho éxito en la industria del cine de aquellos años. La mayoría de los cortos eran de dos rollos (veinte minutos) pero hubo muchos de tres rollos e incluso uno, Beau Hunks, llegó hasta los cuatro rollos. En 1929 aparecieron por primera vez en un largometraje, en una de las escenas de Hollywood Revue of 1929. En 1930 aparecerían por primera vez en color en La canción de la estepa, donde hacían el papel de contrapunto cómico a una historia dramática. La película se considera como perdida, pues solo sobreviven algunos fragmentos y su banda sonora completa. En 1931 Laurel y Hardy hicieron su primer largometraje como protagonistas, Pardon Us. Dado el éxito de la película, la pareja decidió reducir el número de cortometrajes para concentrarse más en la realización de largometrajes. En esta época realizarían, entre otras, Pack Up Your Troubles en 1932, Fra Diavolo (o The Devil's Brother), Sons of the Desert (Compañeros de Juerga en español) en 1933, Babes in Toyland en 1934. Con el corto clásico The Music Box de 1932 ganaron el premio Óscar de la academia al mejor cortometraje de comedia.

A raíz del sistema de presentar películas en programas dobles, Hal Roach decidió cancelar los cortometrajes de la pareja y dedicarse a hacer solo largometrajes. El último cortometraje de la serie de Laurel y Hardy fue en 1935, Thicker than Water. Las siguientes películas ya entrarían en la categoría de largometrajes; las más destacadas serían obras como Bonnie Scotland en 1935, The Bohemian Girly Our Relations, ambas de 1936, Way Out West (Laurel y Hardy en el Oeste) de 1937 (con la famosa canción On the Trail of the Lonesome Pine), o Swiss Miss y Block-Heads, rodadas en 1938.

Estilo de comedia y rutinas cómicas[editar]


Laurel y Hardy en Babes in Toyland (1934).
El humor de Laurel y Hardy era por naturaleza Slapstick, un tipo de humor donde se exagera la violencia física, muy común en los dibujos animados. Una típica secuencia de ejemplo: la pareja está trabajando en la construcción de una casa, Hardy aguanta unos clavos en su boca, Laurel le da una palmada amistosa en la espalda y Hardy se traga los clavos. La mayor parte de sus películas siguieron un proceso que ellos llamaron ordeñar. Una idea simple es usada para enlazar varios situaciones o momentos cómicos (llamados gags en inglés). Muchas de sus películas generan todas sus secuencias alrededor de los problemas concretos de la pareja en una situación determinada. A partir de esa situación se construye toda la película.

En algunos casos sus películas bordan el surrealismo por sus componentes casi mágicos. Por ejemplo: Laurel chasquea el pulgar como si encendiera un mechero y de sus dedos sale una llama con la que enciende una pipa. Hardy, herido en su orgullo, intenta hacerlo también, y después de varias tentativas fallidas consigue encender sus dedos pero, a diferencia de Laurel, Hardy empieza a quemarse la mano y la intenta apagar entre gritos de dolor.

Una famosa rutina cómica era la conocida como tit-for-tat (esto por aquello) en sus peleas con un oponente. Al principio Laurel y Hardy empiezan a destrozar algún objeto muy querido por su enemigo mientras éste observa sin intención de defenderse. Cuando la pareja acaba su destrozo su enemigo, con calma, empieza a destrozar otro objeto querido por el dúo mientras ellos observan. Y así sucesivamente, primero unos y después el otro, se va intensificando el destrozo, hasta que al final todas las propiedades de los contendientes acaban en ruinas. Uno de los primeros ejemplos de este tipo de películas ya se ve en el clásico mudo de Laurel y Hardy Big Bussiness, cortometraje que fue incluido en la Biblioteca del Congreso en 1992.

Personajes en la pantalla[editar]


Laurel y Hardy colaborando con la USO.
Los personajes de Laurel y Hardy representan a dos tipos a menudo muy tontos, eternamente optimistas, casi valientes en su perpetua inocencia. Su humor es físico, pero su tendencia a sufrir todo tipo de accidentes queda compensada por su gran amistad, sus tiernas personalidades y su devoción el uno por el otro. Son dos niños adultos; un gordo y un flaco, cuya inocente forma de ver la vida les sitúa siempre a merced de "furiosos propietarios, pomposos ciudadanos, policías airados, mujeres dominantes y jefes apopléticos".

Laurel y Hardy usaron su propio físico para ayudar a crear sus personajes, potenciando sus poses, algo ridículas, pero siendo muy cuidadosos de no volverlas irreales. Stan siempre aparecía con el pelo corto por los lados, pero algo más largo encima de la cabeza, para conseguir su famoso efecto de pelo de asustado como consecuencia de rascarse la cabeza o tirarse de los pelos en momentos de miedo o tensión. Para conseguir sus andares de persona con pies planos, le quitó a sus zapatos, normalmente del ejército, los talones. Cuando hablaba con Oliver siempre le miraba a la frente, y no a los ojos, para crear la impresión de que sus pensamientos estaban muy lejos de allí en aquel momento.

La imagen de Laurel y Hardy era la de dos tipos con sombrero bombín. La cuasi británica formalidad de esta prenda de vestir está en plena consonancia con su habitual cortesía y cautela al hablar. Por encima de todo son dos auténticos caballeros: el Sr Laurel y el Sr Hardy.

En la vida real Laurel y Hardy eran bastante diferentes a lo que se ve en la pantalla. Laurel era ambicioso y dinámico, el líder natural de la pareja, mientras que Oliver era algo más tolerante que su personaje. A pesar de que Roach contrató a escritores y directores como H.M. Walker, Leo McCarey, Frank Capra, James Parrotto James W. Horne, entre otros, la mayoría de los guiones eran retocados, total o parcialmente, por el propio Laurel. Reescribía secuencias enteras, escogía actores, y supervisaba meticulosamente todas las fases de la película hasta el punto de que prácticamente asumía todos los roles de una producción. Hardy, en cierta medida, también contribuía, pero se sentía más cómodo siguiendo el liderazgo natural de su compañero y así disponer de tiempo libre para sus grandes aficiones, como, por ejemplo, jugar al golf.

Por iniciativa de Roach empezaron a doblar sus películas a otros idiomas; con sus propias voces y con la ayuda de profesores de dicción. Era un proceso largo y costoso ya que había que repetir todas las escenas en las que ellos participaban en los diferentes idiomas y el resto de escenas se completaban con actores foráneos de los diversos países. Pero reportó grandes beneficios en esos países. Se adaptaron al alemán, francés, italiano y español. Como curiosidad, Hardy tenía mucha más facilidad para hablar lenguas foráneas que Laurel, con su cerrado acento inglés.

Decadencia[editar]
Hacia 1936 la relación entre Laurel y Hardy era estable, a pesar del hecho de que estaban muy distanciados de Hal Roach. Las disputas entre Laurel y Roach fueron muy habituales a finales de los años 30. Hal Roach abandonó la MGM (que distribuía sus películas) y firmó por la United Artists en 1938. En 1939 Roach, cansado de las constantes quejas, decidió despedir a Laurel. Entonces intentó formar una nueva pareja cómica con Hardy y Harry Langdon, antigua estrella del cine mudo cuya carrera había casi desaparecido en el sonoro, llegando a rodar una película, Zenobia. Roach tuvo que admitir que no era lo mismo y readmitió de nuevo a Laurel después de varios episodios de demandas y contra-demandas. Juntos harían dos películas más para Roach antes de abandonar el estudio en 1940.



Laurel y Hardy en Robinsones Atómicos.
Esperando mayor libertad artística, Laurel y Hardy se fueron a los grandes estudios, la Fox primero y MGM después. Sin embargo en los métodos de producción, menos artesanos y mucho más sofisticados, de estas grandes compañías la pareja era considerada como un producto antiguo y fueron relegados a los estudios de películas de serie B. Sin poder ejercer casi ningún poder creativo sobre estas películas, siendo producciones menos elaboradas y con guiones menos proclives a explotar el sentido del humor propio que les había hecho famosos, las ocho películas que rodaron hasta 1944 no fueron recordadas con mucho cariño por los artistas. Tuvieron malas críticas en general, aunque una de ellas, Jitterbugs (Fox), fue revalorizada años más tarde. Se notaba que en esta película en concreto habían tenido algo de libertad creativa y se valoraba el buen trabajo de Hardy, en un papel algo diferente al que el público se había acostumbrado, junto a la actriz Lee Parker.

En 1943 rodaron una secuencia muda para un cortometraje patriótico del Departamento de Agricultura, The Tree in a Test Tube; la pareja enseñaba el uso de la madera, especialmente en tiempos de guerra. Lo más destacado de este corto, narrado por el hombre de MGM Pete Smith, es que fue realizado en color, usando el sistema Kodachrome, siendo la segunda y última película en color del dúo, aunque algunas de las películas que hicieron con Hal Roach se colorearon para su salida en vídeo).

Oliver Hardy hizo dos apariciones sin su compañero Laurel en 1949. John Wayne, amigo de Hardy, le preguntó si quería actuar como actor de reparto en la película del estudio Republic The Fighting Kentuckian. Hardy ya había trabajado con Wayne y John Ford unos años antes, en una producción benéfica de la obra What Price Glory? mientras Laurel se recuperaba de un tratamiento para su diabetes. Escéptico al principio, Hardy al fin aceptó alentado por Laurel. En 1950 Frank Capra proporcionó a Hardy un pequeño papel (no acreditado) en la película Riding High con Bing Crosby. Hardy demostró que era un buen actor, aunque no tan bueno como Laurel, y da una idea de lo que hubiera sido su carrera si hubiera tomado otras vías de actuación.

En 1951 rodaron su última película, Robinsones Atómicos (también conocida como Utopía). El argumento era simple: Laurel hereda un barco y los chicos se hacen a la mar, descubriendo una nueva isla, rica en uranio, que los hace poderosos, desencadenado una guerra de poder con los nuevos visitantes de la isla. La película estaba producida por un consorcio de intereses europeos y con un reparto internacional que eran incapaces de entenderse entre ellos. Se ve a un Hardy sensiblemente mas obeso y a un Laurel visiblemente enfermo que, por añadidura, tuvo que reescribir el guion para adaptarlo al estilo de comedia del dúo. Fue un rodaje difícil, recibió muy malas críticas y acabó siendo una muestra de la decadencia final de la famosa pareja.

Como dato final la pareja hizo varias giras a Inglaterra, tierra natal de Laurel, y al resto de Europa durante los años 30, a finales de los 40 y a principios de los 50. Más información en Stan Laurel y Oliver Hardy.

Últimos años[editar]


Laurel y Hardy en el programa This is your Life en 1954
Después de Robinsones Atómicos Laurel y Hardy se tomaron un largo descanso para que el primero se recuperara. En su gira europea de principios de los años 50 disfrutaron de un agradable éxito con varias representaciones de un corto de Laurel llamado Birds of a Feather. En diciembre de 1954, el dúo hizo su única aparición en un programa de televisión estadounidense. Fue una sorpresa que les preparó Ralph Edwards para su programa en directo This is your Life, en la NBC-TV. El programa consistió en una serie de apariciones de viejos amigos de la pareja. Un murmullo de sorpresa corrió entre el público cuando la pareja hizo su aparición ya que, a diferencia de los europeos, mucha gente pensaba que los cómicos ya habían fallecido.

A mediados de los 50, y debido en parte al éxito del programa de televisión, negociaron un nuevo contrato con Hal Roach Jr (hijo de Hal Roach, que le había comprado los estudios a su padre) para rodar unos especiales para televisión que se llamarían Laurel & Hardy's Fabulous Fables; pero la mala salud de los cómicos no permitió su realización. En 1955 tuvo lugar la que sería la última aparición de Stan Laurel y Oliver Hardy en la televisión. Fue en un programa de la BBC sobre la Grand Order of Water Rats, la nueva organización de espectáculos de variedades británica. En el programa, llamado This is Music Hall, la pareja incorporó una filmación en la cual recordaron a sus viejos amigos de la escena inglesa. Concluyeron con un agradecimiento y una emotiva despedida para todos sus admiradores. Resultó ser su adiós definitivo, y resultó también ser el más apropiado. Aquí se puede ver una imagen junto al audio de aquel programa:

Hardy, preocupado por su excesivo peso decidió, por consejo médico, someterse en 1956 a una dieta estricta y bajó de 159 kilos a 95. Su transformación física fue absoluta e incluso provocó el estupor de sus amigos, que no reconocían a Oliver en aquella esbelta figura. Esto perturbó a Hardy, que a partir de entonces se recluyó en su casa, aquejado de depresión. En la mañana del 14 de septiembre de 1956 sufrió un derrame cerebral masivo que le inmovilizó todo el cuerpo. Hardy falleció tras una serie de derrames cerebrales convulsivos a las 7:25 de la mañana del 7 de agosto de 1957. La causa de la muerte se registró como Accidente vascular grave. Laurel no fue al entierro, dijo que Babe, apodo por el que se conocía a Hardy, lo entendería.

Durante los ocho años que le quedaban de vida Laurel no quiso volver a actuar, rechazando incluso la oferta de Stanley Kramer para un breve papel en su película de 1963 El mundo está loco, loco, loco. En 1960 Laurel recibió un premio Óscar honorífico por su contribución a las comedias. Rechazó ir a la gala (su premio lo recogió Danny Kaye) y cuando le entregaron el premio en su casa afirmó que el galardón le recordaba a Mister Proper; Stan se había vuelto un telespectador compulsivo.

Decidido a no volver a actuar, Laurel, sin embargo, escribió chistes y guiones para otros cómicos. También recibió muchas visitas de la nueva generación de cómicos entre los que estaban Dick Cavett, Jerry Lewis, y Dick Van Dyke. Éste último, protegido de Laurel, hizo una imitación de Stan en su programa de televisión a principios de los 60, que Laurel vio, e incluso le recomendó una serie de gestos para perfeccionar su imitación. Vivió hasta 1965, y pudo ver como el trabajo del dúo era reivindicado en especiales de televisión y festivales de cine clásico.

Stan Laurel murió de un ataque al corazón en su casa de Santa Mónica y está enterrado en el cementerio Forest Lawn-Hollywood Hills en Los Ángeles, California.

Tributo[editar]
Pocos meses después de la muerte de Laurel tuvo lugar, en Nueva York, la inauguración de Sons of the Desert, el club de "fans" oficial de Laurel y Hardy. El nombre se adoptó de la película Sons of the Desert (Compañeros de juerga en español, 1933). Posteriormente el club tendría secciones en el resto de Estados Unidos, Europa y Australia.

Larry Harmon adquirió los derechos de imagen de la pareja a mediados de los 60 y, en 1966, produjo la serie de animación Laurel and Hardy, con Hanna-Barbera Productions. Las versiones animadas de Laurel y Hardy también aparecieron en un episodio de Las Nuevas Aventuras de Scooby-Doo, en 1972, con Harmon poniendo la voz de los dos personajes. En la serie televisiva Harmon dobló a Laurel y Jim MacGeorge a Hardy.

En la décadas de los 70's y 80's, el comediante mexicano Roberto Gómez Bolaños (chespirito) junto con Edgar Vivar, fue una de las mejores parejas imitadoras de estos comediantes ingleses.

En 1999 Larry Harmon produjo un largometraje directamente para vídeo titulado The All-New Adventures of Laurel and Hardy: For Love of Mummy. El argumento presentaba a dos ficticios sobrinos de la pareja que cometían los mismos errores y meteduras de pata que sus legendarios tíos. Fue interpretada por Bronson Pinchot y Gailard Sartain.

Las películas de Laurel y Hardy se emiten frecuentemente por televisión (tanto abierta como restringida) y en canales por cable como American Movie Classics, Turner Classic Movies, The Family Channel, y Hallmark Channel. La mayoría de sus películas se pueden encontrar en vídeo o DVD.



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Argentina[editar]
En Argentina se produjo una obra teatral sobre la vida de los cómicos titulada Stan y Oliver. El libro y la dirección estuvieron a cargo de Hugo Midón, y en los roles principales: Gustavo Monje (Stan) y Omar Calicchio (Oliver), realizando dos temporadas de gran éxito (1997/1998). Asimismo, la pareja de humoristas conformada por Jorge Porcel y Alberto Olmedo, filmarían una importante cantidad de películas dando vida a uno de los dúos más recordados del humor argentino y siendo a su vez la primera pareja de humoristas conformada por un Gordo (Porcel) y un Flaco (Olmedo) fuera de Europa, y siendo considerada como una especie de reedición argentina del dúo de Laurel & Hardy.

Serie televisiva[editar]
Artículo principal: El gordo y el flaco (1991)
En este último país, en el año 1991, la señal televisiva Telefe lanzaría una telecomedia denominada El Gordo y el Flaco, haciendo un parangón con la dupla Laurel & Hardy. Esta comedia, fue una suerte de continuación de la comedia Mesa de noticias, escrita por el reconocido actor y guionista Juan Carlos Mesa, quien para la nueva comedia asumiría el papel del Gordo, dejándole a su compañero de Mesa de noticias, el ítalo-argentino Gianni Lunadei el papel de el Flaco. Las acciones de esta comedia, tenían lugar en una alocada empresa dirigida por Mesa, de la cual Lunadei era su accionista más maquiavélico.

Laurel y Hardy en otros idiomas[editar]


Estatuas de Laurel y Hardy.
Albanés Olio me Stelion
Alemán Laurel und Hardy, Stan und Ollie, Dick und Doof (Gordo y tonto)
Árabe El Tikhin Ouel Roufain
Danés Gøg og Gokke
Finés Ohukainen ja Paksukainen (El Gordo y el Flaco)
Francés Laurel et Hardy
Gallego Laurel e Hardy, O gordo e o fraco (El Gordo y el Flaco)
Griego Χονδρός και Λιγνός Chondros kai Lighnos (El Gordo y el Flaco)
Hebreo Hashamen ve Haraze (El Gordo y el Flaco)
Holandés De Dikke en de Dunne (El Gordo y el Flaco)
Húngaro Stan és Pan
Italiano Stanlio e Ollio
Coreano 홀쭉이와 뚱뚱이 (Holjjugi wa Ddungddungi) (El Gordo y el Flaco)
Kurdo Laurel û Hardy
Maltés L-Ohxon u l-Irqiq (El Gordo y el Flaco)
Noruego Helan og Halvan (El uno y la mitad)
Polaco Flip i Flap
Portugués (Brasil) O Gordo e o Magro (El Gordo y el Flaco)
Portugués (Portugal) Bucha e Estica
Rumano Stan şi Bran
Ruso Лорел и Харди
Serbio Stanlio i Olio, Станлио и Олио
Sueco Helan och Halvan (El uno y la mitad)
Turco Lorel ile Hardi
Ucraniano Лаурель і Харді (Laurel y Hardy)

Ha recibido 157 puntos

Vótalo:

ROBERT ZEMECKIS

24. ROBERT ZEMECKIS

Biografía[editar] Zemeckis nació en la ciudad de Chicago, Illinois, Estados Unidos hijo de un lituano y una italoestadounidense. Estudió en la Universidad del Sur de California. Se casó por primera vez el 26 de julio de 1980 con la actriz Mary Ellen Trainor a quién hizo partícipe de muchas... Ver mas
Biografía[editar]
Zemeckis nació en la ciudad de Chicago, Illinois, Estados Unidos hijo de un lituano y una italoestadounidense. Estudió en la Universidad del Sur de California.

Se casó por primera vez el 26 de julio de 1980 con la actriz Mary Ellen Trainor a quién hizo partícipe de muchas de sus películas durante el tiempo en que estuvieron casados. De éste matrimonio nació un hijo. Su matrimonio con Trainor fue bastante difícil, debido a las discusiones que sostenían frecuentemente. El matrimonio concluyó en divorcio en el año 2000, tras aproximadamente 20 años de casamiento.

El 4 de diciembre de 2001 contrajo matrimonio nuevamente, en esta ocasión con Leslie Carter (cuyo apellido de casada es Leslie Zemeckis. Leslie también ha sido partícipe de muchas de sus películas, sobre todo de las más recientes. Con Leslie ha tenido 2 hijos más.

Carrera[editar]
Siendo un fanático de los efectos especiales, sus primeras películas se han enfocado sobre todo en ellos, en lugar de la trama o la personalidad de los personajes. El estilo de Zemeckis sigue la línea del director Steven Spielberg (quien muchas veces produjo sus películas).

Década de los 80[editar]
En ésta época sus películas se centran sobre todo en la acción, el entretenimiento, y la comedia siendo sus elementos más recurrentes. Además su ex esposa Mary Ellen Trainor también estaba muy presente en sus películas, aunque no en papeles protagónicos, sino en papeles de reparto. Con Tras el corazón verde (Dos Bribones tras la esmeralda perdida), con Kathleen Turner, Michael Douglas y Danny DeVito, los críticos elogiaron la mezcla de acción, romance y comedia. Posteriormente realiza la película que le llevaría directo al éxito tanto comercial como crítico, Regreso al futuro. En 1988 dirige la película de ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, donde se aprecia la creatividad del director en una película donde se fusionan un mundo de caricaturas con el mundo real.

Desde 1989, se hace partícipe del proyecto de HBO, Cuentos de la Cripta, donde junto a otros productores como Richard Donner, Joel Silver y otros más produce y dirige algunos episodios. En uno de ellos también participa su entonces esposa, Trainor.

Década de los 90[editar]
Comienza esta década concluyendo su exitosa saga Regreso al futuro III, en 1990. A diferencia de la mayoría de filmes que dirigió en los 80, las películas que empieza a dirigir y producir empiezan a ser un tanto más complejas y maduras en cuanto al argumento. En 1992, dirige la comedia negra La muerte os sienta tan bien, con Meryl Streep, Goldie Hawn, Isabella Rossellini y Bruce Willis (el cual interpreta bien un papel inusual para él), en la que lo mejor fueron los buenos efectos especiales y los gags divertidos que tiene. Muchos afirman que en esta película trata de imitar el clásico estilo de Tim Burton.

En 1994 dirige su película más exitosa, Forrest Gump, protagonizada por Tom Hanks y Robin Wright en la que demuestra una faceta totalmente diferente a la que había mostrado en todas sus películas anteriores. Muestra una trama más trabajada con un personaje bastante profundo, además es una película más sentimental. Con ella consigue 13 nominaciones y gana 6 premios Óscar, en un año difícil debido a la gran calidad de las películas rivales (ver [[1]]). Curiosamente en 1995 dirige un episodio de Cuentos de la Cripta llamado "Tú, asesino", en el cual parodia a Forrest Gump, sin embargo ambas coinciden en que se utilizaron tomas de archivo. En Forrest Gump, utiliza a John Lennon, mientras que en el episodio de Cuentos de la Cripta utiliza a Alfred Hitchcock y a Humphrey Bogart.

Tres años después dirige la película Contact, protagonizada por Jodie Foster y Matthew McConaughey, en la que practica el mismo estilo que había empleado en Forrest Gump.

Al mismo tiempo que producía y dirigía la serie Cuentos de la Cripta también produjo y dirigió bastantes episodios de una spin-off de la serie llamado Cuentos del guardián de la Cripta, que era una adaptación animada de la serie. Durante esos años se centra en producir sobre todo películas de horror. En 1995 y en 1996 produce las películas de la serie Cuentos de la Cripta, Caballero del diablo y Burdel de sangre. En 1999 inicia otra etapa de sus producciones, cuando empieza a producir películas de terror basadas en películas de los años 60's, siendo la primera House on Haunted Hill.

Década de 2000[editar]
En el año 2000 nuevamente vuelve a contar con Tom Hanks para una nueva película, Náufrago, que se convirtió en todo un éxito y recibió muy buenas críticas. Durante el resto de la década se mantiene realizando películas animadas como El Expreso Polar (2004), Beowulf (2007) y A Christmas Carol (2009), que en cierto modo han tenido un éxito bastante moderado en comparación a las películas de las décadas pasadas y en pocas palabras sin mayor trascendencia.

En cuanto a producción, continúa con películas de terror, generalmente de Dark Castle Entertainment, como Gothika, 13 Fantasmas y La casa de cera.

Década de 2010[editar]
En la nueva década continúa con películas animadas. En 2011 produce Marte Necesita Mamas, la cuál fue duramente criticada por sus excesivos efectos, que lejos de darle calidad a la película la hacen un tanto desagradable. Últimamente se encontraba dirigiendo una película animada para el año 2012 que llevaría como título Yellow Submarine como tributo a Los Beatles, en la cuál se narra una historia en la que ellos viajan a un lugar mágico llamado Pepperland en su "Submarino amarillo", pero fue cancelada.

En 2012 dirige Flight con Denzel Washington.

Filmografía[editar]
Locos por ellos, 1978
Frenos rotos, coches locos, 1980
Tras el corazón verde, 1984
Regreso al Futuro, 1985
¿Quién engañó a Roger Rabbit?, 1988
Regreso al Futuro II, 1989
Regreso al Futuro III, 1990
La muerte os sienta tan bien, 1992
Forrest Gump, 1994
Contact, 1997
Lo que la verdad esconde, 2000
Náufrago, 2000
El Expreso Polar, 2004
Beowulf, 2007
Cuento de Navidad, 2009
Marte Necesita Mamas, 2011
El vuelo, 2012
Premios[editar]
Premios Óscar:

Año Categoría Película Resultado
1985 Mejor guion original Back to the Future Candidato
1994 Mejor director Forrest Gump Ganador
Premios Globo de Oro:

Año Categoría Película Resultado
1995 Mejor director Forrest Gump Ganador

Ha recibido 156 puntos

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FRANK CAPRA

25. FRANK CAPRA

Primeros años[editar] Nacido con el nombre de Francesco Rosario Capra en Sicilia, Capra emigró a los Estados Unidos a la edad de seis años (1903) con su padre Salvatore, su madre Rosaria Nicolosi y sus hermanos Giuseppa, Giuseppe y Antonia. En California se reúnen con Benedetto Capra, (el... Ver mas
Primeros años[editar]
Nacido con el nombre de Francesco Rosario Capra en Sicilia, Capra emigró a los Estados Unidos a la edad de seis años (1903) con su padre Salvatore, su madre Rosaria Nicolosi y sus hermanos Giuseppa, Giuseppe y Antonia. En California se reúnen con Benedetto Capra, (el hermano mayor) y se asientan en Los Angeles, California, donde Frank Capra cursó estudios en el Instituto Tecnológico de California (conocido entonces como el Throop Institute) obteniendo el grado de ingeniero químico. El 18 de octubre de 1918, se enroló, tras su graduación, en el ejército americano como profesor, siendo licenciado el 13 de diciembre de 1920 al contraer la gripe española. Ese año obtuvo la ciudadanía estadounidense.

Carrera[editar]
Al igual que otros directores de los años 30 y 40, Capra comenzó su carrera en el cine mudo, destacando como director y guionista de comedias protagonizadas por Harry Langdon y sus chicos. En 1930 Capra fue a trabajar para Mack Sennett y se trasladó a la Columbia Pictures donde colaboró estrechamente con el guionista Robert Riskin (marido de Fay Wray) y el cámara Joseph Walker. En 1940, Sidney Buchman substituye a Riskin.

Época dorada[editar]
Tras los Premios de la Academia (Óscar) a mejor director y mejor película por It Happened One Night, en 1934, que también ganó los galardones para el mejor actor y actriz (Clark Gable y Claudette Colbert), Capra dirigió una serie de películas para Columbia de corte espiritual y humanitario. La más conocido es Mr. Deeds Goes to Town, las originales Lost Horizon, You Can't Take It with You y Mr. Smith Goes to Washington. Estuvo durante diez años sin dirigir otras comedias hasta la clásica Arsenic and Old Lace. Entre los actores que obtuvieron su éxito gracias a Capra están Barbara Stanwyck, James Stewart, Gary Cooper y Jean Arthur.

Las películas de Capra disfrutaron de un importante éxito en los premios de la academia. It Happened One Night fue la primera película que ganó los cinco Óscar más importantes (a la mejor película, al mejor director, al mejor actor, a la mejor actriz y al mejor guion adaptado). En 1936, Capra gana su segundo Óscar a la mejor dirección por Mr. Deeds Goes to Town y en 1938 gana el tercero por You Can't Take It with You con el que ganó también el Óscar a la mejor película.

Documentalista de guerra[editar]
Entre 1942 y 1948, produjo el film State of the Union, y dirigió o codirigió ocho documentales de guerra incluyendo Prelude to War (1942), The Nazis Strike (1942), The Battle of Britain (1943), Divide and Conquer (1943), Know Your Enemy Japan (1945), Tunisian Victory (1945) y Two Down and One to Go (1945). Su serie documental Why We Fight, que también ganó el premio de la Academia, es considerada una obra maestra de la propaganda de guerra. Capra se puso como meta convencer a un país para entrar en guerra, motivar a las tropas y obtener la alianza de la URSS, entre otras cuestiones de crucial importancia.

¡Qué bello es vivir![editar]
¡Qué bello es vivir! (1946) es quizás la película más conocida de Capra. A pesar de no ser muy bien considerada por algunos sectores, fue nominada para cinco Óscar, incluidos el de mejor director y mejor fotografía.

La película ha renacido gracias a la televisión, donde se ha convertido en un clásico de las Navidades en muchos países. Al expirar el copyright de la película, esta pasó a ser de dominio público y las emisoras de televisión creyeron que podían emitirla sin pagar royalties. Con este nuevo medio de comunicación, ¡Qué bello es vivir! ha quedado como una tradición navideña más.

A pesar de que el copyright del film había expirado, estaba todavía protegido en virtud de haber sido realizado basándose en otro material que sí estaba protegido, como el guion, la música, etc. la impugnación de la Corte Suprema de los Estados Unidos impidió su reemisión y en la actualidad solo puede verse en unas pocas cadenas, como la americana NBC.

El American Film Institute la considera como uno de las mejores películas de la historia, estando en la undécima posición de la AFI's 100 Years... 100 Movies una lista de los mejores films americanos[cita requerida].

Último film[editar]
La última película de Capra fue Pocketful of Miracles, de 1961, con Glenn Ford y Bette Davis. Capra habría querido hacer una película de ciencia ficción más adelante, pero no consiguió que ésta superara la etapa de pre-producción. Algunos de los últimos trabajos del director consistieron en la producción de series científicas para la televisión.

En 1982 fue homenajeado por el American Film Institute por su obra.

Muerte y legado[editar]
Frank Capra murió en La Quinta (California) de un ataque al corazón mientras dormía, a la edad de 94 años. Fue enterrado en el cementerio de Coachella, California.

Su hijo, Frank Capra, Jr. - uno de los tres hijos frutos del matrimonio con su segunda esposa, Lou Capra - es presidente de Screen Gems, en Wilmington, Carolina del Norte. El nieto de Frank Capra es Frank Capra III.

La biografía escrita de Capra[editar]
En 1971, Capra publicó su autobiografía, The Name Above the Title. Sin entrar en detalles, ofrece un autorretrato de obligada lectura para la comprensión de esta figura del cine.

Capra fue también el sujeto de una biografía escrita en 1991 por Joseph McBride titulada Frank Capra: The Catastrophe of Success. McBride corrige muchas de las impresiones dejadas por Capra en su autobiografía.

Filmografía[editar]
1922: Fultah Fisher´s Boarding House (Cortometraje) (La pensión de Fultah Fischer).
1926: The Strong Man (El hombre cañón).
1927: Long Pants (Sus primeros pantalones).
1927: For the Love of Mike (Los tres papás).
1928: That Certain Thing (Como se corta el jamón).
1928: So This Is Love (Abandonada).
1928: The Matinee Idol (El teatro de Minnie).
1928: The Way of the Strong.
1928: Say It with Sables.
1928: The Power of the Press (El poder de una lágrima).
1928: Submarine (Submarino).
1928: The Burglar.
1929: The Younger Generation (La nueva generación).
1929: The Donovan Affair (La sortija que mata).
1929: Flight (Águilas).
1930: Ladies of Leisure (Mujeres ligeras).
1930: Rain or Shine (Pasa el cielo).
1931: Dirigible.
1931: The Miracle Woman (La mujer milagrosa).
1931: Platinum Blonde (La jaula de oro).
1932: Forbidden (Amor prohibido).
1932: American Madness (La locura del dólar).
1933: The Bitter Tea of General Yen (La amargura del general Yen).
1933: Lady for a Day (Dama por un día).
1934: Broadway Bill (Estrictamente confidencial).
1934: It Happened One Night (Lo que sucedió aquella noche, Sucedió una noche)
1935: Opera Hat.
1936: Mr. Deeds Goes to Town (El secreto de vivir).
1937: Lost Horizon (Horizontes perdidos).
1938: You Can't Take It With You (Vive como quieras, Tómalo o déjalo).
1939: Mr. Smith Goes to Washington (Caballero sin espada, El señor Smith va al Senado).
1941: Meet John Doe (Juan Nadie, Y la cabalgata pasa).
1944: Arsenic and Old Lace (Arsénico y encaje antiguo, Arsénico por compasión).
1944: Tunisian Victory.
1945: Know Your Enemy: Japan.
1945: Your Job In Germany.
1945: Two Down And One To Go.
1946: Qué bello es vivir.
1948: El estado de la Unión (State of the Union).
1950: Riding High (Así lo quiso la suerte).
1951: Here Comes the Groom (Aquí viene el novio).
1959: A Hole in the Head (Millonario de ilusiones, Un hombre sin suerte).
1961: Pocketful of Miracles (Milagro por un día, Un gángster para un milagro).
Serie documental “Why We Fight”[editar]
1943: Prelude To War.
1943: The Nazis Strike.
1943: Divide And Conquer.
1943: The Battle Of Britain.
1943: The Battle Of Rusia.
1944: The Battle Of China.
1945: War Comes To America.

Ha recibido 155 puntos

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ELIA KAZAN

26. ELIA KAZAN

Biografía[editar] Orígenes[editar] Nació en Kayseri (Cesárea de Capadocia), en el antiguo Imperio otomano (actual Turquía). Era hijo de un comerciante de alfombras griego, por lo que formaba parte de la minoría de lengua griega y religión cristiana ortodoxa del Imperio otomano. Su familia... Ver mas
Biografía[editar]
Orígenes[editar]
Nació en Kayseri (Cesárea de Capadocia), en el antiguo Imperio otomano (actual Turquía). Era hijo de un comerciante de alfombras griego, por lo que formaba parte de la minoría de lengua griega y religión cristiana ortodoxa del Imperio otomano.

Su familia abandonó su país natal para trasladarse a Berlín cuando Elia solo tenía dos años de edad. Después de una breve estancia en la capital alemana, que no mejoró su situación económica, en 1913 la familia se instaló en Nueva York, donde el cabeza de familia montó un negocio de alfombras con el que consiguió enriquecerse con rapidez, hasta que la crisis de 1929 puso fin a su prosperidad.

Actividad teatral[editar]
Interesado por el teatro, en 1930 Kazan ingresó en la Universidad de Yale, donde cursó Arte Dramático durante dos años, costeándose los estudios con su trabajo como portero de noche de un edificio. Montó su primera obra teatral, El segundo hombre, de Samuel N. Behrman, en 1931, y en 1932 debutó como actor en la obra Chrysalis, que tenía a Margaret O'Sullivan y Humphrey Bogart como protagonistas. Por esas mismas fechas se incorporó al Group Theatre, una formación que entendía el arte escénico de una manera novedosa y experimental para la época. Llevó a escena, entre otras obras, La muerte de un viajante y Después de la caída, ambas de Arthur Miller.

Pronto se reveló como uno de los directores más innovadores del Group Theatre, lo que le valió en 1943 el premio de la crítica por la puesta en escena de The Skin on our Teeth, de Thornton Wilder. En 1947 fue, junto con Cheryl Crawford y Robert Lewis, uno de los fundadores del Actor's Studio, la mítica escuela de formación de actores. Esta escuela tuvo una influencia decisiva en el teatro estadounidense y de ella salieron actores de la talla de Marlon Brando, Montgomery Clift, Geraldine Page y Paul Newman.

Actividad cinematográfica[editar]


Fotograma de Viva Zapata! (1952), dirigida por Kazan y protagonizada por Marlon Brando, Jean Peters y Anthony Quinn.
En 1944 dirigió su primer largometraje, A Tree Grows in Brooklyn (Lazos humanos). Le siguieron Boomerang (El justiciero, 1947) y The Sea of Grass (Mar de hierba, 1947), que le valieron dos premios de la crítica; Gentleman's Agreement (La barrera invisible, 1947) por el que obtuvo su primer Óscar; Pinky (1949); Panic in the Streets (Pánico en las calles, 1950); y A Streetcar Named Desire (Un tranvía llamado deseo, 1951), por la que fue nominado al Óscar. Los años siguientes a estos hechos fueron los más prolíficos de toda su carrera. Sin desatender la dirección dramática ni la actividad literaria, realizó numerosas y célebres películas: Viva Zapata! (1952); Man on a Tightrope (Fugitivos del terror rojo, 1952); On the Waterfront (Nido de ratas / La ley del silencio, 1954) por la que ganó su segundo Óscar en 1955; East of Eden (Al este del paraíso / Al este del Edén, 1955) su cuarta nominación al Oscar como director; Baby Doll (1956); Wild River (Río Salvaje, 1960); Splendor in the Grass (Esplendor en la hierba, 1961).

Más tarde redujo su actividad cinematográfica, hasta que la abandonó para dedicarse enteramente a la producción literaria desde finales de los setenta. Sus últimas realizaciones fueron America, America (1963), a partir de una novela autobiográfica publicada en 1962; The Arrangement (El compromiso, 1968); The Visitors (Los visitantes, 1972); y The Last Tycoon (El último magnate, 1976).

Actividad literaria[editar]
Como autor literario también logró el reconocimiento de público y crítica. Aparte de America, America, publicó The Assassins (1972); The Understudy (1974); Acts of Love (1978); The Anatolian (1982); y Elia Kazan: a Life (1989), minuciosas memorias por las que desfilan numerosos personajes de Hollywood. En España se publicaron seis novelas suyas con los títulos: Los asesinos, América, América, El doble, El compromiso, El hombre de Anatolia y Actos de amor. También se publicó su autobiografía titulada Mi vida.

Galardones[editar]
Consiguió dos Óscar, ambos como mejor director. También recibió en 1999 un Honorífico al conjunto de su carrera. Además de los Óscar por sus películas, Kazan recibió numerosos galardones como el Premio de Maestros del Cine, otorgado por la el diario 'Times' en 1989 y, en febrero de 1996, el Oso de Oro especial por el conjunto de su obra en el Festival de Berlín.

Matrimonio[editar]
Contrajo matrimonio en tres ocasiones. Con Molly Day Thacher en 1932, con la que tuvo dos hijos y dos hijas,2 y con la actriz Barbara Loden en 1967, con la que tuvo dos hijos más, ambas fallecidas. En 1982 se casó con Frances Rudge con la que estuvo hasta la muerte del director.



Joseph R. McCarthy, senador que lideró el Comité de Actividades Antinorteamericanas entre 1950 y 1956.
Testimonio en la caza de brujas[editar]
Consiguió una cierta notoriedad tras su testimonio ante el Comité de Actividades Antinorteamericanas en la época del mccarthismo y la caza de brujas. Testificó contra sus antiguos compañeros del Partido Comunista, delación con la que consiguió mantener su estatus pero que no olvidaron algunos actores y demás colegas de su profesión. Al recibir su Óscar honorífico, varios de ellos se negaron a aplaudirle y a ponerse en pie, para dejar así patente su rechazo.

Kazan trató de justificar sus delaciones. En su novela El Anatolio y en su película America, America, explica que su admiración por el modo de vida americano le llevó a velar por su país. Estas obras autobiográficas cuentan los avatares de un joven griego anatolio que, como otros millones de emigrantes, deja su tierra natal hostil para acceder al nuevo paraíso. Tampoco fue casual que Kazan deformara la historia de la lucha de los obreros portuarios de Nueva York en La ley del silencio. Los sindicatos de obreros portuarios, que en la realidad tenían mayoría de comunistas, aparecen dominados por la Mafia. El protagonista, representado por Marlon Brando, hace una auténtica apología de la delación.

Filmografía[editar]
1937: The People of the Cumberlands (cortometraje)
1940: It's Up to You (documental)
1945: A Tree Grows in Brooklyn
1946: The Sea of Grass (Mar de hierba)
1947: Boomerang (El justiciero)
1947: Gentleman's Agreement (La barrera invisible)
1949: Pinky
1950: Panic in the Streets (Pánico en las calles)
1951: Un tranvía llamado Deseo (A Streetcar Named Desire)
1952: ¡Viva Zapata!
1953: Man on a Tightrope (Fugitivos del terror rojo)
1954: On the Waterfront (Nido de ratas / La ley del silencio)
1955: East of Eden (Al este del Edén / Al este del paraíso)
1956: Baby Doll
1957: A Face in the Crowd (Un rostro en la multitud)
1960: Wild River (Río salvaje)
1961: Splendor in the Grass (Esplendor en la hierba)
1963: América, América
1969: The Arrangement (El compromiso)
1972: The Visitors (Los visitantes)
1976: The Last Tycoon (El último magnate)
Teatro (obras dirigidas en Broadway)[editar]
The Changeling (1964)
But For Whom Charlie (1964)
After the Fall (1964)
Sweet Bird of Youth (1959)
J.B. (1958)
The Dark at the Top of the Stairs (1957)
Cat on a Hot Tin Roof (1955)
Tea and Sympathy (1953)
Camino Real (1953)
Flight Into Egypt (1952)
Death of a Salesman (1949)
Love Life (1948)
Sundown Beach (1948)
A Streetcar Named Desire (1947)
All My Sons (1947)
Dunnigan's Daughter (1945)
Deep Are the Roots (1945)
Jacobowsky and the Colonel (1944)
One Touch of Venus (1943)
Harriet (1943)
The Skin of Our Teeth (1942)
The Strings, My Lord, Are False (1942)
Cafe Crown (1942)
Thunder Rock (1939)
Casey Jones (1938)
The Young Go First (1935)
Premios[editar]
Premios Óscar:

Año Categoría Película Resultado
1947 Mejor director La barrera invisible Ganador
1951 Mejor director Un tranvía llamado deseo Candidato
1955 Mejor director On the Waterfront Ganador
1956 Mejor director East of Eden Candidato
1963 Mejor director América, América Candidato
Mejor película América, América Candidato
Mejor guion adaptado América, América Candidato
1998 Óscar honorífico Ganador

Ha recibido 138 puntos

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BEN AFFLECK

27. BEN AFFLECK

Benjamin Geza "Ben" Affleck (Berkeley, California; 15 de agosto de 1972) es un actor, productor, guionista y director estadounidense. Se dio a conocer con sus actuaciones en las películas de Kevin Smith tales como Persiguiendo a Amy (1997) y Dogma (1999). Affleck ganó un Óscar y un Globo de Oro... Ver mas
Benjamin Geza "Ben" Affleck (Berkeley, California; 15 de agosto de 1972) es un actor, productor, guionista y director estadounidense. Se dio a conocer con sus actuaciones en las películas de Kevin Smith tales como Persiguiendo a Amy (1997) y Dogma (1999). Affleck ganó un Óscar y un Globo de Oro por el guion de Good Will Hunting (1997), que él co-escribió con Matt Damon, y ha aparecido en papeles principales en éxitos populares como Armageddon (1998), Pearl Harbor (2001), Changing Lanes (2002), The Sum of All Fears (2002), Daredevil (2003), o films de temática más seria como Hollywoodland (2007), La sombra del poder (2009) y The Town (2010). Affleck es un director de cine aclamado por la crítica. Dirigió Gone Baby Gone (2007),The Town (2010) y Argo (2012) desempeñando el papel principal en los dos últimos. La dirección y participación en Argo le valió un Óscar por Mejor Película, 2 Globos de Oro, 2 Premios BAFTA y el premio de Mejor Director del Sindicato de Directores entre otros galardones.
Biografía[editar]
Affleck nació en Berkeley (California), hijo de Anne Christine "Chris" Affleck, una maestra empleada en el distrito escolar, y de Timothy Byers Affleck, trabajador social, consejero de drogas, conserje, mecánico, camarero, escritor, director y actor de la Compañía de Teatro de Boston. Su hermano menor es el actor Casey Affleck. El apellido "Affleck" es escocés, y Ben tiene ascendencia inglesa, irlandesa, escocesa y alemana. Su familia, mayoritariamente episcopaliana, se mudó a Cambridge, población muy cercana a Boston (Massachusetts) cuando él era muy joven, y sus padres se divorciaron en 1984. A los ocho años, Affleck conoció a Matt Damon, quien tenía 10 años de edad, y vivía a dos cuadras de distancia, con quien todavía mantiene una estrecha y duradera amistad. Además, Damon es primo décimo de Affleck a través de un ancestro común de Nueva Inglaterra. Los dos estudiaron en Cambridge Rindge y Latin School, aunque en diferentes grados. Más tarde, Affleck cursó estudios en el Occidental College de Los Ángeles, así como en la Universidad de Vermont, donde se especializó en asuntos de Oriente Medio, pero abandonó sus estudios para intentar tener éxito en Hollywood. A los 13 años, se fue a vivir a México durante un año, lo cual le permitió aprender español.1

Carrera[editar]
Inicios[editar]
A los nueve años, Affleck debutó como actor infantil en la película The dark end of the street (1981), dirigida por Jan Egleson. Durante unos años hizo telefilmes y protagonizó la serie infantil de PBS The Voyage of the Mimi (1984).2 En la década de 1990 tuvo papeles en Lifestories: Familias en Crisis y en varias películas: el drama de Robert Mandel School Ties (1992), junto a Matt Damon, Brendan Fraser y Chris O'Donnell; la versión cinematográfica de Buffy, la Cazavampiros (sin acreditar); Dazed and Confused (1993), film dirigido por Richard Linklater; Mallrats (1995), una comedia que protagonizó junto a Shannen Doherty y Jeremy London y Persiguiendo a Amy (1997), con Joey Lauren Adams y Jason Lee. Mallrats y Persiguiendo a Amy marcaron el inicio de su colaboración con el escritor/director Kevin Smith.



Ben Affleck en el estreno mundial de la película Armageddon con Peter Stormare, el director Michael Bay, Liv Tyler, Ken Campbell, Billy Bob Thornton, Bruce Willis, Steve Buscemi, el productor Jerry Bruckheimer y Jessica Steen.
Hizo su debut como director en 1993 con una comedia de 16 minutos llamado I Killed My Lesbian Wife, Hung Her on a Meat Hook, and Now I Have a Three-Picture Deal at Disney. Al final de los 90 su posición de estrella se consolidó con títulos comerciales como Armageddon (1998), thriller de acción dirigido por Michael Bay, y Shakespeare in Love (1999), oscarizada película de John Madden que contó con el protagonismo de Joseph Fiennes y Gwyneth Paltrow. En 1999 protagonizó Dogma, con Matt Damon, Linda Fiorentino y Salma Hayek. En el mismo año protagonizó la comedia-romántica Las Fuerzas De La Naturaleza en la que compartía protagonismo con Sandra Bullock.

2000-2004[editar]
En el año 2000 apareció en Operación Reno, thriller dirigido por John Frankenheimer que co-protagonizó con Charlize Theron. En 2001 tuvo participación en Jay y Bob el silencioso contraatacan, protagonizada por el propio Kevin Smith y Jason Mewes. Además ese año actuó en varios episodios de Saturday Night Live. También, en 2001, apareció en la superproducción de Jerry Bruckheimer realizada por Michael Bay, Pearl Harbor.

En 2003 tuvo el papel protagónico en la adaptación del super héroe de Marvel Comics dirigida por Mark Steven Johnson y co-protagonizada por Jennifer Garner, Daredevil. Affleck dijo de Daredevil que era su cómic favorito cuando era niño y explicó por qué tomó el papel diciendo

"Todo el mundo tiene ese recuerdo favorito de la infancia con el que se queda. Ese fue el mío".
Él también dijo:

"Yo no quería que alguien más lo hiciera, porque tenía miedo de que saliera y que lo hicieran diferente al cómic [...]"
Más tarde protagonizó la película Gigli (2003), un film de Martin Brest. En 2004 tuvo el papel principal en Una chica de Jersey comedia en la que comparte protagonismo con Jennifer López y Liv Tyler.

Taquilla[editar]
El salto definitivo en la industria de Hollywood se produjo cuando protagonizó junto a Matt Damon, Minnie Driver y Robin Williams el drama dirigido por Gus Van Sant Good Will Hunting (1997), escrito por la pareja Affleck/Damon, quienes conseguirían un Globo de Oro y un Óscar al Mejor Guion Original. Junto con Damon y los productores Chris Moore y Sean Bailey, fundaron la compañía de producción LivePlanet, a través del cual los cuatro crearon la serie/documental Project Greenlight. Este último fue nominado a un Emmy por Programa Reality Sobresaliente en 2002, 2004 y 2005.

Affleck protagonizó Armageddon (1998) junto a Bruce Willis. La película recibió mezclas de comentarios críticos pero sobre todo negativos pero fue un éxito de taquilla, ganando $ 553 millones en todo el mundo. En 2001, Affleck colaboró ​​con el director de Armageddon, Michael Bay en la película de guerra Pearl Harbor. La película se estrenó con un mixto de recepción negativa pero fue un éxito de taquilla, ganando $ 449 millones en todo el mundo.

En 2002, fue elegido para interpretar a Jack Ryan, un papel anteriormente interpretado por Alec Baldwin y Harrison Ford, en la cuarta película de la serie de tecno-thriller, The Sum of All Fears. La película, que ignoró los argumentos de las anteriores, también fue protagonizada por Morgan Freeman. Ann Hornaday, del Washington Post escribió que Affleck y Freeman "Crean una química creíble".

En 2003 por Daredevil Roger Ebert, escribió que tanto Affleck y co-estrella Jennifer Garner eran adecuadas para sus funciones. Esta película recaudado más de $ 179 millones en todo el mundo.

A pesar de algunos errores críticos, sus éxitos de taquilla según se informa Affleck ganaron un promedio de $ 15 millones por película. Después de Daredevil, Affleck protagonizó Gigli (2003) y Sobreviviendo a la Navidad (2004), y su carrera decayó.

2006-2008[editar]
Affleck protagonizó la aclamada Hollywoodland, por HBO y dirigida por Allen Coulter donde interpretó el personaje George Reeves. Su actuación fue bien recibida, Peter Travers de Rolling Stone escribió:

"La ironía es que las pañizas de Affleck a manos de la fama lo ha preparado muy bien para interpretar a Reeves. Conoce este carácter desde el interior: El encanto superficial, la vulnerabilidad escondida, el dolor de ver una carrera convertido en una broma y ser impotente para detenerlo."
Claudia Puig escribió en USA Today que Affleck da un "buen comportamiento". Fue galardonado con la Copa Volpi al Mejor Actor en el Festival de Cine de Venecia, ganó el Actor de Reparto del Año en el Festival de Cine de Hollywood, y fue nominado a un Globo de Oro a la Mejor actuación de un Actor en un Papel de Reparto en una Película.



Ben Affleck en la ceremonia en la que Bruce Willis recibe su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood el 30 de octubre del 2006.
Tras el éxito crítico de Hollywoodland, apareció en la película de acción Ases calientes, interpretando a Jack Dupree. Ases calientes recibió críticas mixtas de los críticos y fue un fracaso de taquilla.

En 2007 Affleck hizo su gran debut como director con Gone Baby Gone, para la cual también co-escribió el guion basado en la novela de Dennis Lehane ("Mystic River") sobre dos detectives del área de Boston que investigan el secuestro de una niña y cómo afecta a sus vidas. El film fue protagonizado por su hermano menor Casey Affleck. Se abrió con excelentes críticas en octubre de 2007. Cuando se le preguntó por qué decidió dirigir la película, Affleck dijo:

"Dirigir una película fue muy instructivo para mí, creo que he aprendido mucho sobre la escritura, y mucho de la actuación, y me enteré de cómo todas las piezas encajan entre sí desde el interior. Eso fue muy valioso. Era una buena cosa ".
La película recibió elogios de la crítica. En Entertainment Weekly, Lisa Schwarzbaum, señaló que Affleck "muestra excelentes instintos" como director. Stephanie Zacharek de Salon.com escribió:

"Como director, Ben Affleck puede llegar a ser muy bueno con los actores ... Pero quizás tenga que trabajar más duro para dar forma material, y en hacer que sus personajes aparezcan personas realmente creíbles".
En 2008, Affleck, apareció en el vídeo de Jimmy Kimmel I'm Fucking Ben Affleck, una respuesta a un vídeo de la novia de Kimmel, Sarah Silverman: I'm Fucking Matt Damon. Muchas otras celebridades apareció en el vídeo, incluyendo Good Charlotte, Joel y Benji Maden, Macy Gray, Dominic Monaghan, Lance Bass, Josh Groban, Don Cheadle, Brad Pitt, Cameron Diaz, Robin Williams, Harrison Ford, Lewis Huey, Joan Jett, Pete Wentz, Christopher Mintz-Plasse, Meat Loaf, Dicky Barrett y otros.

2009-2011[editar]


Affleck en los estudios de MSNBC en el set de El Show de Rachel Maddow en 2009
En 2009, Affleck volvió a la actuación, protagonizando tres películas: Simplemente no te quiere, La sombra del poder y Extract. En Simplemente no te quiere, una comedia romántica, formó parte de un reparto que incluye a Jennifer Aniston, Drew Barrymore, Scarlett Johansson, Justin Long, y Jennifer Connelly. La película generó críticas en su mayoría mixtos y fue un éxito de taquilla, ganando $ 165 millones en todo el mundo. En La sombra del poder, una adaptación de la serie de televisión homónima de la BBC, Affleck interpretó al congresista Stephen Collins. La película es un thriller político que explora la relación entre los políticos y los medios de comunicación. Luego en el Extract una película de comedia, Affleck interpretó a Dean, un camarero, y el mejor amigo del personaje de Jason Bateman. Su actuación en la película fue muy bien recibida. Barbara Vancheri del Pittsburgh Post-Gazette informó que:

"Affleck es un puntazo como una fuente de pelo largo de malos consejos y drogas que guarda en una lata pequeña detrás de la barra. Después de interpretar a un luchador contra el crimen de mandíbula cuadrada, Superman se volvió un actor y un congresista, él es realmente suelto y divertido".


Ben Affleck en la premiere de Argo en TIFF en 2012
En 2010 Affleck dirigió su segunda película, The Town, una adaptación de la novela "Prince of Thieves" de Chuck Hogan, que fue un éxito comercial y de crítica cuando se estrenó en los cines en 2010. Junto con la dirección y co escrito-la película, fue parte del elenco que incluía a Jon Hamm, Jeremy Renner, Chris Cooper y Blake Lively. Affleck fue galardonado con el Premio del Presidente en el Festival Internacional de Cine de Palm Springs en 2011. Al comentar sobre Affleck, el presidente del Festival, Harold Matzner, dijo:

"Si hay un verdadero hombre del renacimiento en el cine actual, es Ben Affleck. Se ha destacado como escritor y director principal, así como un actor con una filmografía de amplio alcance e impresionante. En su último trabajo, The Town, Affleck vuelve a poner su actuación, la escritura y las habilidades para trabajar como director, en un retrato punzante de un pueblo de Nueva Inglaterra y el agarre que tiene en la generación tras generación, a quienes les resulta imposible salir. Por su capacidad de "hacer todo" y en constante evolución como artista, The Palm Springs International Film Festival se enorgullece en presentar a Ben Affleck con el Premio del Presidente de 2011".
2012-presente[editar]
En 2012, Affleck protagonizó junto a Olga Kurylenko, Javier Bardem, Rachel McAdams y Rachel Weisz, To the Wonder, un drama romántico escrita y dirigida por Terrence Malick. El rodaje tuvo lugar en otoño de 2010 en Tulsa, Oklahoma, y Pawhuska, Oklahoma.



Affleck en un panel en el Festival de Cine de Telluride en 2012 junto a Michael Winterbottom, Dror Moreh y Insdorf Annette.
Ben estrenó, en 2012, su nuevo largometraje Argo,3 junto con los productores George Clooney y Grant Heslov. El film cuenta la historia desde 1979, durante la revolución iraní, los militantes deciden hacerse cargo de la embajada de EE.UU. en Teherán y mantienen como rehenes a 52 estadounidenses. Otros seis estadounidenses escapan y se esconden en la casa del embajador canadiense. La Agencia Central de Inteligencia y su especialista Tony Mendez (Affleck) elaboran un plan para ayudar al escape de los seis estadounidenses de Irán. El film fue presentado en el Festival de Cine de San Sebastián y en el Festival AFI.4 5 La película fue ampliamente aclamada por la crítica y obtuvo múltiples nominaciones y premios. Entre las nominaciones más destacables encontramos: 5 a los Premios Globos de Oro, entre ellas a Mejor Película y Mejor Director para Affleck6 7 las cuales ganó;8 9 10 11 Además ganó en la categoría de Mejor Reparto en los Premios del Sindicato de Actores.12 13 14 15 En estos premios Ben también ofició de presentador.16 Además el Instituto Americano del Cine (AFI) posicionó a Argo en el puesto N°1 en la lista de las 10 mejores películas del año 2012,17 18 19 y en los Premios de la Sociedad de críticos de Nevada también ganó como mejor película y Ben Affleck quedó empatado como mejor Director junto a Kathryn Bigelow por La noche más oscura.20 21 Argo también ganó en las categorías de Mejor Película y Mejor Director, para Affleck, en los Premios Critics Choice Awards 2013.22 23 24 Respecto a los Premios de la Academia obtuvo 7 nominaciones.25 26 27 El día domingo 24 de febrero se desarrallo la 85º entrega Anual de los Premios de la Academia donde Argo ganó 3 estatuillas entre ellas incluida la de Mejor Película28 29 categoría que fue presentada por Jack Nicholson y la primera dama estadounidense Michelle Obama esta última desde el salón diplomático de la Casa Blanca.30 En esta entrega, Affleck, no fue nominado dentro de la categoría de Mejor Director lo cual generó gran repercusión.31 A pesar de este olvido Affleck ganó como Mejor Director en los Sindicato de Directores.32 33 En febrero de 2013, la película Argo salió triunfadora de los Premios BAFTA, saliendo elegida mejor película del año y mejor director.34 35 36 37 38



La Primera Dama estadounidense Michelle Obama anunciando al ganador de la categoría Mejor Película en la 85º entrega anual de los Premios de la Academia desde el salón diplomático de la Casa Blanca.
Después de su trabajo en Argo, Affleck fue seleccionado para reemplazar a David Yates como director para la adaptación de Warner Bros. de la novela de Stephen King, La danza de la muerte. En agosto de 2012, se informó de que Warner Bros. estaba mirando a Affleck para que dirigiese la película de acción Liga de la Justicia.39 40 Aunque los representantes de Affleck indicaron que se transmitió la oferta, esta fue rechazada por Ben y en una entrevista para la prensa canadiense manifestó que:

"No estoy trabajando en La Liga de la Justicia. Uno de los problemas con las webs de entretenimiento es que necesitan rellenar páginas y así es como comienzan los rumores. Justice League suena muy emocionante, pero es algo en lo que no estoy inmerso".41 42
En diciembre del año 2012 se confirmó que Affleck protagonizaría una comedia romántica, junto a la actriz Kristen Stewart, titulada Focus. La historia gira alrededor de un veterano timador (Ben) que se une a una atractiva joven (Kristen), y se inserta a un nuevo estilo de vida. La filmación comenzará en el mes de abril del año 2013.43 44 45 A mediados del mes de diciembre Ben, se vio obligado a rechazar el papel protagónico por problemas de tiempo.46 47 Affleck así lo dio a entender frente a la prensa:

"De todo corazón deseaba participar en este proyecto, pero numerosos problemas de tiempo y dificultades con mi agenda me impiden hacerme cargo de este compromiso".48
El 22 de agosto del 2013 se anunció que interpretará a Batman el la secuela de Man of Steel que se planea se estrenará en 2015 y será dirigida por Zack Snyder.49 50

Proyectos benéficos y humanitarios[editar]
Al igual que Matt Damon, Affleck es un filántropo. Ben apoya a la organización caritativa sin fines de lucro "A-T Children's Project". Todo comenzó mientras se encontraba filmando Fuerzas de la naturaleza. Affleck conoció a un, entonces niño de nueve años de edad, Joe Kindregan, que tiene la rara enfermedad ataxia-telangiectasia (AT). La enfermedad, descrita como tener distrofia muscular, fibrosis quística, inmunodeficiencia y cáncer a la vez, es progresivo; los niños con AT no suelen vivir más allá de su adolescencia. Affleck habló ante el Congreso para abogar por la caridad, y en 2007 fue el orador principal en la ceremonia de graduación de la Escuela Secundaria Falls Church en Fairfax, Virginia, de donde se graduó Kindregan.



Ben Affleck testifica ante el Congreso de los Estados Unidos sobre la República Democrática del Congo en 2011.
En junio de 2008, apareció en un informe de ABC News en exclusiva explorando la crisis humanitaria en el Congo oriental. Affleck viajó a la nación africana y entrevistó a los refugiados, los señores de la guerra, y los miembros del parlamento. En diciembre del mismo año, se asoció con las Naciones Unidas para lanzar un cortometraje que destacara la difícil situación de los refugiados congoleños, y en marzo de 2010, Affleck anunció la creación de la Iniciativa del Este del Congo,51 fundada por él como "la primera defensa con sede en EE.UU. y de concesión de subvenciones iniciativa completamente enfocada en el trabajo con y para la gente del este de Congo". El día 19 de diciembre del 2012 Affleck se presentó en el Senado de los Estados Unidos en Washington para explicar a los políticos norteamericanos la trágica situación que se vive en la República Democrática del Congo. Affleck instó al presidente Barack Obama a que lidere los esfuerzos de la comunidad internacional para terminar con el conflicto en esa nación.52 En su discurso frente al comité de relaciones exteriores del Senado Ben declaró que:

“Los congoleños quieren vivir en paz y tranquilidad con sus familias y en sus comunidades. Los EE.UU. podemos ayudarles y tenemos la obligación de hacerlo. No estoy aquí para pedir más impuestos a los americanos, sino para solicitarles que usen el poder más importante que tienen, su voz como representantes de EE.UU.”.53 54
En enero de 2014 Affleck junto a su gran amigo y actor, Matt Damon, realizaron un concurso para pasear con ellos dos por Hollywood, a través de la página Omaze.com. El concurso consiste en donar 10 dólares para participar y lo recaudado será donado a dos programas de ayuda: Eastern Congo Initiative (elegida por Affleck) y Water.org (la elegida por Damon).55 El concurso se dio a conocer mediante un vídeo donde los actores brindan la información mientras se juegan bromas entre ellos.56

Vida privada[editar]


Ben Affleck en la World Series of Poker en 2008
Affleck se ha descrito como un protestante caducado. Ben es, además, un hábil jugador de póker y regenta habitualmente los eventos locales. Fue instruido en el mundo del póker por profesionales como Amir Vahedi o Annie Duke. Ganó el campeonato de Póker de California el 20 de junio del 2004, se llevó a casa el primer premio de $ 356.000, clasificándose para la final del campeonato del mundo. Ben es un fanático de los Medias Rojas de Boston, Patriotas de Nueva Inglaterra, Boston Celtics, y los Boston Bruins.

Familia y relaciones[editar]
Affleck tuvo un romance de alto perfil con la actriz Gwyneth Paltrow en 1998, tras su ruptura con el actor Brad Pitt. En 2002, Ben comenzó a salir con la actriz y cantante Jennifer Lopez. El mismo año, su compromiso con Lopez fue anunciado, y la relación entre ambos recibió mucha atención de los medios de entretenimiento, que apodaron a la pareja "Bennifer". A pesar de una boda prevista para el 14 de septiembre57 58 la pareja se separó en 2004, donde echaron la culpa a la atención de los medios - incluyendo un supuesto incidente en una fiesta a la que había asistido Affleck con Christian Slater y algunos bailarines de vuelta en Vancouver. La publicidad negativa y la atención de los medios se trasladaron al estreno de la película Gigli película de 2003, que también fue un fracaso de taquilla.

En junio de 2005, se casó en las Islas Turcas y Caicos, situada en el norte del Océano Atlántico entre Haití y la República Dominicana, después de un breve y no tan sonado romance, con la actriz Jennifer Garner a quien conoció en el set de rodaje de la película Pearl Harbor en el que ella hacía un pequeño papel de enfermera al lado de Kate Beckinsale y luego compartieron protagonismo en Daredevil, y hoy son padres de una niña de nombre Violet Anne Affleck nacida el 1 de diciembre de 2005. El 6 de enero de 2009 nació su segunda hija, llamada Seraphina Rose Elizabeth Affleck.59 El 22 de agosto de 2011, Affleck y Garner anunciaron que esperaban su tercer hijo.60 El día 27 de febrero de 2012 nació su tercer hijo Samuel Affleck Garner.61 62 La familia vive todo el año en su casa en Los Angeles y Massachusetts, y poseen una casa de vacaciones en Savannah, Georgia.

Alcohol y cigarrillos[editar]
Affleck entró en rehabilitación de alcohol en 2001, un portavoz del actor dijo que

"Ben es un hombre consciente de sí mismo e inteligente que había decidido que una vida más plena le espera sin alcohol".
Dejó de fumar después de protagonizar Ases calientes, en la que se requería fumar mucho, y perdió su gusto por ello después de una semana de fumador empedernido por su papel.

Filmografía[editar]
Actor[editar]
Cine[editar]
Año Título Personaje Director Notas
1981 The Dark End of the Street Tommy Jan Egleson
1987 Hands of a Stranger Billy Hearn Larry Elikann
1989 Field of Dreams Baseball Fan en el Fenway Park Phil Alden Robinson Sin acreditar
1992 Buffy, la cazavampiros Basketball Player # 10 Fran Rubel Kuzui Sin acreditar
School Ties Chesty Smith Robert Mandel
1993 Dazed and Confused Fred O'Bannion Richard Linklater
1995 Días de gloria Jack Rich Wilkes
Mallrats Shannon Kevin Smith
1997 Going All the Way Tom 'Gunner' Casselman Mark Pellington
Persiguiendo a Amy Holden McNeil Kevin Smith
La asesina de la oficina Hombre en la oficina Cindy Sherman Escena borrada
Good Will Hunting Chuckie Sullivan Gus Van Sant
1998 Phantoms Sheriff Bryce Hammond Joe Chappelle
Armageddon A.J. Frost Michael Bay
Shakespeare in Love Ned Alleyn John Madden
1999 200 Cigarettes Bartender Risa Bramon García
Las fuerzas de la naturaleza Ben Holmes Bronwen Hughes
Dogma Bartleby Kevin Smith
2000 El informador (Boiler Room) Jim Young Ben Younger
Operación Reno Rudy Duncan John Frankenheimer
Algo que contar Buddy Amaral Don Roos
2001 Pearl Harbor Capt. Rafe McCawley Michael Bay
Daddy and them Lawrence Bowen Billy Bob Thornton
Jay y Bob el silencioso contraatacan Holden McNeil/ Como el mismo Kevin Smith
2002 Changing Lanes Gavin Banek Roger Michell
The Sum of All Fears Jack Ryan Phil Alden Robinson
Una noche perfecta Michael Jordan Brady
2003 Daredevil Matt Murdock/Daredevil Mark Steven Johnson
Gigli Larry Gigli Martin Brest
Paycheck Michael Jennings John Woo
2004 Una chica de Jersey Ollie Trinke Kevin Smith
Sobreviviendo a la Navidad Drew Latham Mike Mitchell
2006 Man About Town Jack Giamoro Mike Binder
Clerks II Gawking Guy Kevin Smith
Hollywoodland George Reeves Allen Coulter
Ases Calientes Jack Dupree Joe Carnahan
2009 Simplemente no te quiere Neil Ken Kwapis
La sombra del poder Stephen Collins Kevin Macdonald
Extract Dean Mike Judge
2010 The Company Men Bobby Walker John Wells
The Town Doug MacRay Dirigida por el mismo
2012 Argo Tony Mendez Dirigida por el mismo
To the Wonder Neil Terrence Malick
2013 Runner, Runner Ivan Block Brad Furman
2014 Gone Girl Nick Dunne David Fincher
2016 Superman/Batman Bruce Wayne/Batman Zack Snyder Pre-producción
Televisión[editar]
Año Título Personaje Notas
1984 The Voyage of the Mimi C.T. Granville Tv serie
1986 ABC Afterschool Specials Danny Coleman 1 episodio
1987 Hands of a Stranger Billy Hearn Película para Tv
1988 The Second Voyage of the Mimi C.T. Granville Tv serie
1991 Danielle Steel: Papá Ben Watson Película para Tv
1993 Almost Home Kevin Johnson 1 episodio
Against the Grain Joe Willie Clemons Tv serie
1994 Lifestories: Families in Crisis Aaron Henry 1 episodio
2000 SNL Fanatic Jason Corto para Tv
2001 Saturday Night Live Donnie Bartalotti Tv serie: "Conan O'Brien/Don Henley" / Desacreditado
2009 Larry David Hombre en la tienda Tv serie: "Officer Krupke" / Desacreditado
2011 Gossip Girl Stephen Van der Woodsen 1 episodio
Director[editar]
Año Título Notas
1993 I Killed My Lesbian Wife, Hung Her on a Meat Hook, and Now I Have a Three-Picture Deal at Disney Corto
2007 Gone Baby Gone
2008 Gimme Shelter Vídeo Corto
2010 The Town
2012 Argo
Escritor[editar]
Año Título Notas
1997 Good Will Hunting Escrito junto con Matt Damon
2002 Push, Nevada Tv serie/ Escrito junto con 5 más
2007 Gone Baby Gone Guion
2010 The Town Guion
Premios[editar]
Año Premio Categoría Título Resultado
1995 Daytime Emmy Artista destacado en especial de los niños (Por el episodio "A Body to Die For: The Aaron Henry Story".) Lifestories: Families in Crisis (HBO) Nominado
1997 Boston Society of Film Critics Awards Mejor guion (Compartido con Matt Damon Good Will Hunting Ganador (3.er puesto)
National Board of Review, USA Premio especial (Compartido con: Matt Damon por el logro especial en el cine) Ganador
1998 Broadcast Film Critics Association Awards Mejor guion Original (Compartido con Matt Damon) Ganador
Chicago Film Critics Association Awards Actor más prometedor Good Will Hunting, Persiguiendo a Amy y Going All the Way Nominado
Chlotrudis Awards Mejor guion (Compartido con Matt Damon) Good Will Hunting Nominado
Florida Film Critics Circle Awards Newcomer of the Year (Compartido con Matt Damon por su guion) Ganador
Humanitas Prize Categoría largometraje (Compartido con Matt Damon) Ganador
MTV Movie Awards Mejor dúo (Compartido con Matt Damon) Nominado
Online Film Critics Society Awards Mejor guion (Compartido con Matt Damon) Nominado
Satellite Awards Mejor guion original (Compartido con Matt Damon) Ganador
Writers Guild of America, USA Mejor guion escrito directamente para la pantalla (Compartido con Matt Damon) Nominado
1999 London Critics Circle Film Awards Guionista del año (Compartido con Matt Damon) Nominado
Premios Saturn Mejor actor de reparto Armageddon Nominado
Blockbuster Entertainment Awards Actor favorito de reparto - Ciencia ficción Ganador
MTV Movie Awards Mejor interpretación masculina Nominado
Mejor dúo (Compartido con Liv Tyler) Nominado
Teen Choice Awards Mejor actor Nominado
Premios Golden Raspberry Peor pareja en pantalla (Compartido con Liv Tyler) Nominado
American Comedy Awards, USA Actor de reparto más gracioso en una película Shakespeare in Love Nominado
2000 Blockbuster Entertainment Awards Mejor actor de comedia/romance Las fuerzas de la naturaleza Ganador
Kids' Choice Awards, USA Pareja de película favorita (Compartido con Sandra Bullock ) Nominado
Teen Choice Awards Elección sleazebag El informador Nominado
Mejor actor de película Operación Reno Nominado
2001 Mejor química (Compartido con Kate Beckinsale) Pearl Harbor Nominado
Mejor actor en película Ganador
MTV Movie Awards Mejor beso (Compartido con Gwyneth Paltrow) Algo que contar Nominado
DVD Exclusive Awards Mejor interpretación carácter animado (Compartido con Luc Chamberland) Joseph: King of Dreams Nominado
2002 Teen Choice Awards Mejor actor drama/acción- aventura Changing Lanes Nominado
2003 Mejor actor drama/acción- aventura Daredevil Nominado
Mejor química (Compartido con Jennifer Garner) Nominado
MTV Movie Awards Mejor beso (Compartido con Jennifer Garner) Nominado
Premios Golden Raspberry Peor actor Daredevil
Gigli
Paycheck Ganador
Producers Guild of America Awards Televisión- Productor del año en la serie informativa (Compartido con Matt Damon, Chris Moore, Sean Bailey, Elizabeth Bronstein, Eli Holzman y De Tony Yates) Project Greenlight Nominado
2004 Project Greenlight 2 Nominado
MTV Movie Awards, México Héroe más sexy Daredevil Nominado
Premios Golden Raspberry Peor perdedor de los razzies Ganador
2006 Hollywood Film Festival Mejor actor de reparto en el año Ganador
Chicago Film Critics Association Awards Mejor actor de reparto Hollywoodland Nominado
2007 Premios Saturn Mejor actor de reparto Ganador
Broadcast Film Critics Association Awards Mejor actor de reparto Nominado
Austin Film Critics Association Mejor primer película Gone Baby Gone Ganador
Boston Society of Film Critics Awards Mejor cineasta nuevo Ganador
Chicago Film Critics Association Awards Cineasta más prometedor Ganador
Hollywood Film Festival Director revelación Ganador
National Board of Review, USA Mejor debut directorial Ganador
Toronto Film Critics Association Awards Mejor primer película Nominado
2008 Online Film Critics Society Awards Cineasta revelación Nominado
2010 Premios Golden Raspberry Peor actor de la década (Nominado en 9 ocasiones, ganador de 2 Razzies) Nominado
National Board of Review, USA Mejor actuación de un reparto (Compartido con Jon Hamm, Jeremy Renner, Chris Cooper, Blake Lively, Owen Burke, Rebecca Hall, Slaine, Titus Welliver y Pete Postlethwaite) The Town Ganador
San Diego Film Critics Society Awards Mejor guion adaptado (Compartido con Aaron Stockard y Peter Craig) Nominado
Satellite Awards Mejor director Nominado
Mejor guion adaptado (Compartido con Aaron Stockard y Peter Craig) Nominado
Washington DC Area Film Critics Association Awards Mejor actuación de un reparto (Compartido con Jon Hamm, Jeremy Renner, Chris Cooper, Blake Lively, Owen Burke, Rebecca Hall, Slaine, Titus Welliver y Pete Postlethwaite) Ganador
2011 Broadcast Film Critics Association Awards Nominado
Mejor película de acción Nominado
Mejor guion adaptado (Compartido con Aaron Stockard y Peter Craig) Nominado
Festival Internacional de Cine de Palm Springs Premio del presidente Ganador
Writers Guild of America, USA Mejor guion adaptado (Compartido con Aaron Stockard y Peter Craig) Nominado
2012 Casting Society of America Career Achievement Award Ganador
Toronto International Film Festival Premio elección popular Argo Ganador (2.º puesto)
AFI Awards AFI película del año (Compartido con George Clooney y Grant Heslov) Ganador
National Board of Review Premio al logro especial en el cine Ganador
New York Film Critics Circle Awards Mejor director Ganador (3.er puesto)
Satellite Awards Nominado
Washington DC Area Film Critics Association Awards Nominado
San Diego Film Critics Society Awards Ganador
Mejor Actuación de un Reparto (Compartido con Rory Cochrane, Tate Donovan, Alan Arkin, Bryan Cranston, Kyle Chandler, Titus Welliver, John Goodman, Zeljko Ivanek, Victor Garber, Clea DuVall y 5 más) Nominado
Hollywood Film Festival Reparto del Año (Compartido con Taylor Schilling, Rory Cochrane, Tate Donovan, Alan Arkin, Bryan Cranston, Kyle Chandler, Titus Welliver, John Goodman, Zeljko Ivanek, Victor Garber, Clea DuVall y 4 más) Ganador
Detroit Film Critics Society Awards Mejor director Nominado
2013 Festival Internacional de Cine de Palm Springs Premio al reparto (Compartido con Taylor Schilling, Rory Cochrane, Tate Donovan, Alan Arkin, Bryan Cranston, Kyle Chandler, Titus Welliver, John Goodman, Zeljko Ivanek, Victor Garber, Clea DuVall y 4 más) Ganador
Broadcast Film Critics Association Awards Mejor director Ganador
St. Louis Gateway Film Critics Association Awards Ganador
Premios Phoenix Film Critics Society Nominado
Online Film Critics Society Awards Nominado
Premios César Mejor película extranjera Ganador
Robert Festival, Dinamarca Ganador
Amanda Awards, Noruega Nominado
Cinema Brazil Grand Prize Nominado
Cinema Writers Circle Awards, España Ganador
Premio David de Donatello Nominado
Instituto de Cine Australiano Mejor director Nominado
Mejor película (Compartido con George Clooney y Grant Heslov) Nominado
Central Ohio Film Critics Association Mejor elenco (Compartido con Scoot McNairy, Bryan Cranston, Rory Cochrane, Kerry Bishé, Clea DuVall, Alan Arkin, Tate Donovan, Kyle Chandler, Victor Garber, John Goodman y dos más) Nominado
Mejor director Ganador (2.º puesto)
Irish Film and Television Awards Mejor actor internacional Nominado
MTV Movie Awards Mejor actor Nominado
Teen Choice Awards Nominado
Producers Guild of America Outstanding producer of theatrical motion pictures (Compartido con George Clooney y Grant Heslov) Ganador
Festival Internacional de cine de Santa Bárbara Modern Master Award Ganador
Premios Oscar[editar]
Año Categoría Película Resultado
1998 Mejor Guión Original Good Will Hunting (con Matt Damon) Ganador
2013 Mejor película Argo Ganador
Premios Globo de Oro[editar]
Año Categoría Película Resultado
1998 Mejor Guión Good Will Hunting Ganador
2013 Mejor película dramática Argo Ganador
2013 Mejor Director Argo Ganador
Premios BAFTA[editar]
Año Categoría Película Resultado
2013 Mejor Película Argo Ganador
Mejor Director Ganador
Mejor Actor Nominado
Premios del Sindicato de Actores[editar]
Año Categoría Película Resultado
1999 Mejor reparto Shakespeare in Love Ganador
2013 Mejor reparto Argo Ganador
Premios del Sindicato de Directores[editar]
Año Categoría Título Resultado
2013 Mejor Director Argo Ganador
Premios Primetime Emmy[editar]
Año Categoría Título Resultado
2002 Sobresaliente No Ficción Program (Reality) Project Greenlight Nominado
2004 Programa Reality Sobresaliente Project Greenlight 2 Nominado
Festival Internacional de Cine de Venecia[editar]
Año Categoría Película Resultado
2006 Copa Volpi al mejor actor Hollywoodland Ganador

Ha recibido 137 puntos

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GENE WILDER

28. GENE WILDER

Jerome Silberman, conocido como Gene Wilder (Milwaukee, 11 de junio de 1933) es un actor, director y guionista estadounidense conocido por haber aparecido en algunas de las más notables obras de Mel Brooks, especialmente en Sillas de montar calientes, Los productores y El jovencito Frankenstein... Ver mas
Jerome Silberman, conocido como Gene Wilder (Milwaukee, 11 de junio de 1933) es un actor, director y guionista estadounidense conocido por haber aparecido en algunas de las más notables obras de Mel Brooks, especialmente en Sillas de montar calientes, Los productores y El jovencito Frankenstein. Además de películas como Willy Wonka & the Chocolate Factory, El expreso de Chicago o Bonnie y Clyde.
Biografía[editar]
Nacido en Milwaukee e hijo de una familia de inmigrantes judíos rusos, Wilder estudió interpretación en la Universidad de Iowa,1 donde fue miembro de la Fraternidad Alpha Epsilon Pi, se graduó en 1955 y después sirvió en la Armada de los Estados Unidos desde 1956 al 1958. Allí serviría como médico en el Departamento de Psiquiatría y Neurología del Valley Forge Army Hospital en Phoenixville, Pensilvania.

De vuelta en los Estados Unidos, Wilder se puso a trabajar en el teatro además de ser conductor de limusinas y de ser maestro de esgrima. Su carrera como actor se fomentaría en algunas producciones del off-Broadway como "The Complaisant Lover" y "Roots" (1961), por lo que recibiría los galardones Clarence Derwent. En 1964, tendría la oportunidad de ser elegido para interpretar Mother Courage and Her Children junto a Anne Bancroft. A la actriz le gustó Wilder y habló de él al gran comediante Mel Brooks.

El debut en la gran pantalla de Wilder sería con Bonnie y Clyde de Arthur Penn. Pero donde Wilder se haría un nombre sería con la encarnación de Willy Wonka en Un mundo de fantasía y también del doctor Friederich Frankenstein en El jovencito Frankenstein y de Leo Bloom en Los productores. Por estas dos películas, le llegarían sus dos únicas nominaciones a los Oscars. Por El jovencito Frankenstein, obtendría la nominación al mejor guion adaptado y por Los productores, la del mejor actor de reparto.

En la década final de los 70 y en los 80, aparecería en cuatro películas junto a Richard Pryor, en la que sería una de las parejas cómicas interraciales más famosas de la historia del cine. Actuaron juntos en cuatro películas: El expreso de Chicago (1976), Locos de remate (1981), No me chilles que no te veo (1989) y No me mientas que te creo (1991). Contrariamente a lo que se piensa, las relaciones entre Wilder y Pryor eran más bien tensas. En realidad, en su autobiografía Wilder comenta que la adicción a las drogas de Pryor le hacían un personaje difícil y desagradable. De todas maneras, Wilder reconoce que la química que creó con Pryor no la experimentó con ningún otro con el que haya trabajado. [cita requerida]

En 1982 Wilder protagonizaría Hanky Panky donde conocería a Gilda Radner con la que se casaría en 1984. Una relación que se mantendría hasta el fallecimiento de la actriz (a causa de un cáncer de ovarios) en 1989. Su muerte afectaría a Wilder que fundaría la asociación Gilda's Club en su memoria y junto a Karen Boyer se convertiría en uno de los mayores activistas de la concienciación del cáncer de ovarios. En 1998 Wilder realizaría el libro Gilda's Disease por el que explicaría sus experiencias junto a su tercera esposa. Un año después, Wilder se retiraba del mundo del cine para dedicarse a las actividades humanitarias.

En 2005, Wilder publicaba sus memorias bajo el nombre Kiss Me Like A Stranger y en 2007 hacía lo mismo con su primera novela, centrada en la Primera Guerra Mundial, bajo el título My French Whore.

Actualmente su imagen de la película "Willy Wonka y la Fabrica de Chocolate" es utilizada en internet por miles de usuarios para referirse a alguna broma con la frase: " Así que te gustan los (un tema particular)... dime que se siente..."

Filmografía[editar]
Filmografía como director[editar]
El hermano más listo de Sherlock Holmes (1975) (The Adventure of Sherlock Holmes’ Smarter Brother).
El mejor Amante del mundo (1977) (The World’s Greatest Lover).
Los seductores (1980) (Sunday Lovers), de Gene Wilder, Bryan Forbes, Edouard Molinaro y Dino Risi
La mujer de rojo (1984) (The Woman in Red).
Terrorífica luna de miel (1986) (Haunted Honeymoon).
Filmografía como actor[editar]
Bonnie and Clyde (1967) (Bonnie and Clyde), de Arthur Penn.
Los productores (1968) (The Producers), de Mel Brooks.
Empiecen la revolución sin mi (1970) (Start the Revolution Without Me), de Bud Yorkin.
Quackser Fortune Has a Cousin in the Bronx (1970)
Willy Wonka & the Chocolate Factory (1971) (Willy Wonka & the Chocolate Factory), de Mel Stuart.
Todo lo que quiso saber sobre el sexo (1972) (Everything You Always Wanted to Know About Sex), de Woody Allen.
The Scarecrow (1972)
Rhinoceros (1974)
El jovencito Frankenstein (1974) (Young Frankenstein), de Mel Brooks.
Sillas de montar calientes (1974) (Blazing Saddles), de Mel Brooks.
El principito (1974) (The Little Prince), de Stanley Donen.
El hermano más listo de Sherlock Holmes (1975) (The Adventure of Sherlock Holmes’ Smarter Brother), de Gene Wilder.
El expreso de Chicago (1976) (Silver Streak), de Arthur Hiller.
El mejor amante del mundo (1977) (The World’s Greatest Lover), de Gene Wilder.
El rabino y el pistolero (1979) (The Frisco Kid), de Robert Aldrich.
Los seductores (1980) (Sunday Lovers), de Gene Wilder, Bryan Forbes, Edouard Molinaro y Dino Risi
Locos de remate (1981) (Stir Crazy), de Sidney Poitier.
Hanky Panky (1982) (Hanky Panky), de Sidney Poitier.
La mujer de rojo (1984) (The Woman in Red), de Gene Wilder.
Terrorífica luna de miel (1986) (Haunted Honeymoon), de Gene Wilder.
No me chilles que no te veo/Sordos, ciegos y locos (1989) (See No Evil, Hear No Evil), de Arthur Hiller.
Funny Baby (1990) (Funny About Love), de Leonard Nimoy.
No me mientas que te creo (1991) (Another You), de Maurice Phillips.
Alicia en el país de las maravillas (1999) (Alice in Wonderland), de Nick Willing.
Murder In A Small Town (1999)
The Lady In Question (1999)
Filmografía como productor[editar]
El mejor Amante del mundo (1977) (The World’s Greatest Lover), de Gene Wilder.
Filmografía como guionista[editar]
El jovencito Frankenstein (1974) (Young Frankenstein), de Mel Brooks.
El hermano más listo de Sherlock Holmes (1975) (The Adventure of Sherlock Holmes’ Smarter Brother), de Gene Wilder.
El mejor Amante del mundo (1977) (The World’s Greatest Lover), de Gene Wilder.
Los seductores (1980) (Sunday Lovers), de Gene Wilder, Bryan Forbes, Edouard Molinaro y Dino Risi
Terrorífica luna de miel (1986) (Haunted Honeymoon), de Gene Wilder.
Obras teatrales[editar]
The Complaisant Lover (Broadway, 1962)
Mother Courage and Her Children (Broadway, 1963)
One Flew Over the Cuckoo's Nest (play) (Broadway, 1963)
The White House (Broadway, 1964)
Luv (Broadway, 1966)
Laughter on the 23rd Floor (Londres, 1996)
Reconocimientos[editar]
Oscars[editar]
Año Categoría Película Resultado
1968 Oscar al mejor actor de reparto Los productores Nominado
1974 Oscar al mejor guion adaptado El jovencito Frankenstein Nominado

Ha recibido 132 puntos

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HOWARD HAWKS

29. HOWARD HAWKS

Biografía[editar] Nace el 30 de mayo de 1896 en Goshen (Indiana) y muere el 26 de diciembre de 1977 en Palm Springs, (California). Tuvo tres matrimonios: el primero con Athole Shearer (1928-1940), el segundo con Nancy Gross (1941-1947) y el tercero con Dee Hartford (1953-1959). Su primera... Ver mas
Biografía[editar]
Nace el 30 de mayo de 1896 en Goshen (Indiana) y muere el 26 de diciembre de 1977 en Palm Springs, (California).

Tuvo tres matrimonios: el primero con Athole Shearer (1928-1940), el segundo con Nancy Gross (1941-1947) y el tercero con Dee Hartford (1953-1959). Su primera esposa era hermana de Norma Shearer.

Antes de entrar en el mundo del cine fue piloto de aeroplano y corredor de coches. En Red Line 7000 homenajea este mundo de las carreras de coches, y en Sólo los ángeles tienen alas ofrece una visión menos romántica y más realista del mundo de los aviones en los años 30.

Filmografía[editar]
Artículo principal: Anexo:Filmografía de Howard Hawks
Comentario sobre su filmografía[editar]
Hawks dirige películas desde 1926 (The Road to Glory) hasta 1970 (Río Lobo) un total de 47.

Trabaja en 23 guiones, de los que no dirige: Quicksands, Tiger Love, The Dresmaker From Paris, The Road to Yeserday, Honesty - The Best Policy, Underworld (no acreditado), Viva Villa! (no acreditado), Test Pilot, Indianápolis Speedway, The Outlaw (no acreditado ni en el guion ni en la dirección) y The Thing From Another World (no acreditado ni en el guion ni en la dirección); el resto de sus guiones los dirigió él.

Produce 21 películas: la primera es Quicksands, en 1923, para Jack Conway, que también escribe Corvette K-225, para Richard Rosson; el resto son producciones de sus propias películas, por lo que tiene un control sobre ellas que no solían tener otros directores de Hollywood.

Considerado por la industria americana como un artesano, son los europeos, en Cahiers du Cinèma, los que “descubren” para los americanos los valores de Hawks hasta llegar a ser considerado como uno de los más grandes directores de cine de todos los tiempos.

Hawks dirige cualquier tipo de género y, en los que toca, consigue obras maestras consideradas de las mejores del género.

Género “Cine negro”: Criminal Code, Scarface; To Have and Have Not, en la que dignifica a Ernest Hemingway; The Big Sleep, novela de Raymond Chandler y guion de William Faulkner.

Comedias: Bringin Up Baby (La fiera de mi niña): maravillosa pareja protagonista formada por Cary Grant y Katharine Hepburn; His Girl Friday, segunda versión de Primera Plana, en la que cambia el personaje de hombre a mujer; Ball Of Fire, I Was a Male War Bride, Gentlemen Prefer Blondes.

Oeste: la saga de los ríos: Río Rojo, Río Bravo, Río Lobo (su última película). Además, Red Line 7000 (sobre carreras de coches), Hatari!, sobre safaris, Land of the Pharaohs, con una alta carga política, y hace una incursión en el género de terror / ciencia ficción con The Thing From Another World.

En dos ocasiones se copió a sí mismo: El Dorado, sobre Río Bravo y A Song Is Born, sobre Ball of Fire, en la que consiguió una vis cómica de Gary Cooper.

Se cuenta que John Ford, amigo de Hawks, después de haber visto Río Rojo y refiriéndose a John Wayne, dijo: "Nunca pensé que este hijo de puta supiera actuar"; de hecho, a partir de esta película, John Ford le da más profundidad a los personajes de Wayne, cosa que antes no había hecho, ya que eran totalmente planos.

Unas de sus premisas de trabajo era que la cámara siempre tenía que estar a la altura de los hombres, y que el espectador no debía ser consciente de su movimiento. Esto le proporcionaba un estilo en apariencia muy sencillo pero a la vez muy difícil de ejecutar.

A pesar de haber hecho un puñado de las mejores películas de la historia del cine, no ganó ningún Óscar. Sólo estuvo nominado en 1942 por El sargento York y recibió un Óscar honorífico por el conjunto de su carrera en 1975.

Ha recibido 131 puntos

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ANTHONY MANN

30. ANTHONY MANN

Trayectoria[editar] Se desconocen muchos datos iniciales, aunque se supone que nació en 1907 en San diego (o en Point Loma). Pero se sabe que su padre, Emile Theodore Bundsmann, era un emigrante austríaco; y que su madre, Bertha Waxelbaum (apellido original: Weichselbaum), provenía de una... Ver mas
Trayectoria[editar]
Se desconocen muchos datos iniciales, aunque se supone que nació en 1907 en San diego (o en Point Loma). Pero se sabe que su padre, Emile Theodore Bundsmann, era un emigrante austríaco; y que su madre, Bertha Waxelbaum (apellido original: Weichselbaum), provenía de una familia judía de Macon, Georgia. Hacia 1917, la familia se trasladó a Nueva York. Mann inició sus estudios, que tuvo que abandonar en 1923 tras la muerte de su padre,1

Anthony Mann comenzó su carrera como actor en Nueva York, en pequeñas salas del Off-Broadway. Esa experiencia sería decisiva para su futuro quehacer. Entre 1926 y 1933 fue contratado como jefe de produción de Teatro Guild; ese último año dirigió dos producciones para dicho teatro. En 1936 dirigió Cherokee Night para el Teatro de Harlem; en 1937, otra pieza para el teatro de la Calle 46; y en 1938 otras tres para el teatro federal.2

En 1938 se trasladó a Hollywood contratado por Seznick, como descubridor de talentos y directo de reparto. En 1942 empezó a trabajar como asistente de dirección. Hizo pruebas para filmes famosos, como Lo que el viento se levó, para Intermezzo, y para Rebecca.

Sus primeros filmes, de 1942, fueron Dr. Brodway (para la Paramount) y Moonlight in Havana (para la Universal). Rodó con habilidad la comedia Two O'clock Courage (1945). Destacó pronto en el cine negro clásico —así con He Walked by Night (1948), Railroaded!, T-Men y Raw Deal—, lo que le permitió hacerse un hueco en la capital del cine. También hizo Reign of Terror, 1949, sobre la Revolución francesa.

A continuación obtuvo un éxito significativo en el género del western durante su etapa en los Estudios Universal, así con La puerta del diablo (1950); y sobre todo destacó en un ciclo de colaboraciones con James Stewart: Winchester '73 (muy alabada), Horizontes lejanos, The Naked Spur, The Far Country, El hombre de Laramie y El hombre del Oeste, con Gary Cooper, considerada por muchos críticos su obra maestra. En el estilo cinematográfico de Mann resalta cómo subraya a un personaje por encima de los restantes.3

Aunque sea un campo menos logrado, destacó su Música y lágrimas (The Glenn Miller Story, 1954), de género musical (y también biográfico, sobre Glenn Miller) con guion de Valentine Davies y Oscar Brodney; tuvo como protagonistas a James Stewart y June Allyson. En 1958 rodó una violenta película en blanco y negro, La pequeña tierra de Dios, basada en la novela homónima de Erskine Caldwell.

En los años 60 se concentró en realizar dos grandes producciones épicas, ambas con Sofía Loren, producidas por el rumano-estadounidense Samuel Bronston. El Cid (1961), por un lado, tuvo gran éxito comercial, no sólo en España; y algunos críticos valoran especialmente su factura pictográfica.4 Aunque con menos éxito de crítica, pero sí de público, realizó La caída del Imperio romano (1964), una gran película tétrica y extensa, que arranca de los últimos años del emperador sabio, Marco Aurelio (su funeral sería la culminación del relato), y se detiene justo en el ocaso de su hijo Cómodo, cuyo desorden vital y píblico o su muerte en el año 192 preanunciarían, antes de dos siglos, el fin del Imperio. El guión, dice en los créditos, estaría inspirado por la Historia de la decadencia y caída del Imperio romano de Edward Gibbon, cuyo arranque es precisamente el mandato de Marco Aurelio.

Por su trabajo, tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en el 6229 de Hollywood Bulevard. Estuvo casado con Mildred Mann (1936–1956); en segundas nupcias, desde 1957 con Sara Montiel, y trabajaron juntos en Serenade, con otras estrellas como Joan Fontaine, Mario Lanza y Vincent Price. Tras anular ese matrimonio se casaría con la bailarina rusa Sadlers, con la que tuvo un hijo.

En 1964 fue presidente del jurado en el 14º Festival International de Cine, en Berlín. Murió ocasionalmente de un ataque al corazón en la capital alemana, en 1967, cuando grababa una película de espionaje, A Dandy in Aspic, la última, que fue concluida nada brillantemente por el protagonista, Laurence Harve.

Estuvo cierto tiempo olvidado, y no se le situaba junto a los grandes directores estadounidenses. Andrew Harris, en 1968 lo destacó en su libro The American Cinema, 1929-1968, y señalaba que ese olvido afectaba entre otros a Sirk, Ray, Fuller y Preminger.

Pero a finales de los setenta, en 1979, la crítica americana Jeanine Basinger escribió una monografía sobre Mann, que sería el texto, bien ilustrado 25 años después, que se presentó en el Festival de San Sabastián en 2004, que se centró en su obra. Este evento proyectó de nuevo a Mann en el siglo XXI (y se han recuperado en DVD muchos de sus filmes).

Filmografía[editar]
Moonlight in Havana (1942)
Dr. Broadway (1942)
Nobody's Darling (1943)
Extraños en la noche (Strangers in the Night, 1944)
My Best Gal (1944)
El gran Flamarion (The Great Flamarion, 1945)
El código del amor (Sing Your Way Home, 1945)
Dos en la oscuridad (Two O'clock Courage, 1945)
Strange Impersonation (1946)
The Bamboo Blonde (1946)
La brigada suicida (T-Men, 1947)
Desesperado (Desperate, 1947)
El último disparo (Railroaded!, 1947)
He Walked by Night (1948)
Pasiones de fuego / Ejecutor (Raw Deal, 1948)
El reinado del terror (Reign of Terror, 1949)
Incidente en la frontera (Border Incident, 1949)
Follow me Quietly (1949)
Winchester '73 (Winchester '73, 1950)
La puerta del diablo (Devil's Doorway, 1950)
Las furias (The Furies, 1950)
Side Street (1950)
Devil's Doorway (1950)
The Tall Target (1951)
Horizontes lejanos (Bend of the River, 1952)
Música y lágrimas (The Glenn Miller Story, 1953)
Bahía negra (Thunder Bay, 1953)
Colorado Jim (The Naked Spur, 1953)
Música y lágrimas (The Glenn Miller Story, 1954)
Tierras lejanas (The Far Country, 1954)
La última frontera (The Last Frontier, 1955)
El hombre de Laramie (The Man from Laramie, 1955)
Acorazados del aire (Strategic Air Command, 1955)
Dos pasiones y un amor (Serenade 1956)
Los que saben morir (Men in War, 1957), también fue su productor.
Cazador de forajidos (The Tin Star, 1957)
La pequeña tierra de Dios (God's Little Acre, 1958)
El hombre del oeste (Man of the West, 1958)
Cimarrón (1960)
El Cid (1961)
La caída del Imperio romano (The Fall of the Roman Empire, 1964)
Los héroes de Telemark (The Heroes of Telemark, 1965)
Sentencia para un dandy (A Dandy in Aspic, 1968), también fue su productor.

Ha recibido 131 puntos

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KEVIN COSTNER

31. KEVIN COSTNER

Éxito[editar] Tras Silverado (1984), protagonizó No hay salida. Pero fue Los intocables de Elliot Ness (1987), película que dirigió Brian De Palma, la que le otorgó la etiqueta de estrella y Bailando con lobos (1990) la que le consagró como tal. Protagonizó El guardaespaldas (1992) junto a... Ver mas
Éxito[editar]
Tras Silverado (1984), protagonizó No hay salida. Pero fue Los intocables de Elliot Ness (1987), película que dirigió Brian De Palma, la que le otorgó la etiqueta de estrella y Bailando con lobos (1990) la que le consagró como tal. Protagonizó El guardaespaldas (1992) junto a Whitney Houston, aunque se rumorea que fue escrita para ser protagonizada por Robert Redford y Diana Ross. En 1993 rodó Un Mundo Perfecto y un año después Wyatt Earp junto a Dennis Quaid, películas que no tuvieron mucho éxito pese a su enorme calidad. Con Waterworld (1995) varios sectores periodísticos intentaron desacreditarle como actor de éxito, la que sin embargo posteriormente se transformaría en película de culto. Como productor, tuvo que afrontar los fracasos económicos de ésta última película y Mensajero del futuro (1997), que dirigió y protagonizó el mismo.

El 6 de septiembre de 2006 grabó sus huellas en el famoso Grauman's Chinese Theatre de Hollywood Boulevard. En 2013 resurge al éxito ganando el Globo de Oro como mejor actor por una de sus mejores actuaciones en la miniserie por Hatfields & McCoys, serie que batió los récords de pago por visión para una retransmisión no deportiva en EEUU.

Vida personal[editar]
Se casó en 1978 con Cindy Silva, a la que conoció mientras estudiaba Ciencias Empresariales en la Universidad Pública de California. Junto a ella tuvo a sus tres primeros hijos: Annie (1985), Lily (1986) y Joseph (1988). Durante el rodaje de Waterworld (1995), el actor le fue infiel a su mujer y el matrimonio decidió separarse en 1996. Fue ese mismo año cuando nació su cuarto hijo: Liam, hijo que tuvo con una periodista llamada Bridget Rooney.1 En 2000 conoció a la modelo Christine Baumgartner y se casó con ella en 2004. Han sido padres de tres hijos: Cayden (2007), Hayes (2009) y Grace (2010).2

El actor ha sido socio de la empresa ambientalista Ocean Therapy Solutions, que se dedica a evitar la contaminación con centrifugadoras en el Golfo de México. Se rumorea que ha tenido problemas con otros socios de la compañía.3

Filmografía[editar]
Actor[editar]
McFarland (2014)
Black And White (2014)
Draft Day (2014)
3 Días para Matar (2014)
Jack Ryan: Operación Sombra (2014)
El Hombre de Acero (2013)
Hatfields & McCoys (Serie TV) (2012)
The Company Men (2010)
La Otra Hija (2009)
El Último Voto (2008)
Mr. Brooks (2007)
The Guardian (película de 2006)
Dicen por ahí... (2005)
Más Allá del Odio (2005)
Open Range (2003)
Dragonfly. La Sombra de la Libélula (2002)
Los Reyes del Crimen (2001)
Trece Días (2000)
For Love of the Game (1999)
Mensaje en una botella (1999)
Mensajero del Futuro (The Postman) (1997)
Tin Cup (1996)
Waterworld (1995)
The War (La Guerra) (1994)
Wyatt Earp (1994)
Un Mundo Perfecto (1993)
El Guardaespaldas (1992)
JFK: caso abierto (1991)
Robin Hood, príncipe de los ladrones (1991)
Revenge (1990)
Bailando con lobos (1990)
Campo de Sueños (1989)
The Gunrunner (1989)
Los Búfalos de Durham (1988)
No hay salida (1987)
Los Intocables (1987)
American Flyers (1985)
Silverado (1985)
Fandango (1985)
Frances (1982)
Shadows Run Black (1981)
Director[editar]
Open Range (2003)
Mensajero del Futuro (The Postman) (1997)
Waterworld (no acreditado, el director oficial es Kevin Reynolds, 1995)
Bailando con lobos (1990)
Premios[editar]
Premios Óscar
Año Categoría Película Resultado
1990 Mejor película Bailando con Lobos Ganador
1990 Mejor director Bailando con Lobos Ganador
1990 Mejor actor Bailando con Lobos Candidato
Premios BAFTA
Año Categoría Película Resultado
1991 Mejor película Bailando con Lobos Candidato
1991 Mejor director Bailando con Lobos Candidato
1991 Mejor actor Bailando con Lobos Candidato
Premios Globo de Oro
Año Categoría Película Resultado


1990 Mejor película - Drama Bailando con Lobos Ganador
1990 Mejor director Bailando con Lobos Ganador
1990 Mejor actor - Drama Bailando con Lobos Candidato
1991 Mejor actor - Drama JFK: caso abierto Candidato
1996 Mejor actor - Comedia o musical Tin Cup Candidato
2013 Mejor actor de miniserie o telefilme Hatfields & McCoys Ganador
Premios del Sindicato de Actores
Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor actor de televisión - Miniserie o telefilme Hatfields & McCoys Ganador
Premios Emmy
Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor actor - Miniserie o telefilme Hatfields & McCoys Ganador
Premios Satellite
Año Categoría Película Resultado
2005 Mejor actor - comedia/musical The Upside of Anger Candidato

Ha recibido 129 puntos

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KING VIDOR

32. KING VIDOR

Trayectoria[editar] Tenía orígenes húngaros por parte del padre, que procedía de una familia adinerada de madereros texanos y amasó una fortuna con los negocios. King Vidor entró en la Academia Militar de San Antonio, y después ingresó en el colegio de Fort Deposit. King Vidor vio su... Ver mas
Trayectoria[editar]
Tenía orígenes húngaros por parte del padre, que procedía de una familia adinerada de madereros texanos y amasó una fortuna con los negocios.

King Vidor entró en la Academia Militar de San Antonio, y después ingresó en el colegio de Fort Deposit.

King Vidor vio su primer film, El viaje a la luna de Meliès a los quince años, lo que originó una loca pasión dpor este medio artístico todavía en ciernes.1 Empezó casi de adolescente como aficionado, y se lanzó a rodar por el país, con poco dinero y pasando penalidades, como contaría en Un árbol es un árbol. Hizo documentales publicitarios y noticiarios (por ejemplo para la Ford), que logró vender en ocasiones. Por entonces pudo ver rodar a Griffith y estudiar su planificación.2

Publicista y autor de cortometrajes, debutó como realizador en 1913. En el año 1916, se casó con Florence Arto, futura actriz y colaboradora suya. Se instaló con su primera mujer (1915-1924) en Hollywood, con la que tuvo a su hija Suzanne.

Su primer trabajo en Hollywood fue en 1915, para desarrollar actividades relacionadas con el cine (contable, regidor, guionista).

Cine mudo[editar]
A los pocos años tuvo su oportunidad artística, y dirigió The Turn of the Road (La vuelta del camino) en 1919, con verdadero éxito, lo cual le permitió realizar de inmediato otros tres filmes.



El operador de cámara Gus Peterson (1893 - 1969) y el director King Vidor durante el rodaje de la película de 1921 The Sky Pilot.
En 1920, fundó Vidor Village, estudio cinematográfico propio, en el cual dirigirá siete películas, casi todas protagonizadas por su mujer, Florence Vidor. Duró poco, pues se vio obligado a vender ese estudio en 1923.3

Considera que su primera película fue Tin tin de mi corazón, de 1923, con la Metro, y la actriz Laurette Taylor.4 A continuación rodó Tres solterones discretos, con muchos experimentos visuales, y conoció a Eleanor Boardman. Se había divorciado ya, y se casó con ella: Eleanor sería su segunda esposa (1926-1931); y tuvieron dos hijas, Antonia y Belinda. .5 . Luego rodó Flor del camino y El caballero del amor (1926)

Logró éxito un año antes, con un film menos efímero que los anteriores, El gran desfile (1925), gran película antibelicista en el fondo, aunque según dijo. "era la historia de un joven nortemaericano, no patriotero ni pacifista pero que reaccionaba con normalidad ante las cosas que le pasaban". Protagonizada por John Gilbert, sin maquillar, y al que le mutilan una pierna en la Primera Guerra, logró un éxito económico (quince millones para la productora), que le dieron holgura económica.6

Y destacó asimismo con Y el mundo marcha (1928), sobre la idea de un hombre en la masa.7 Viajó con Eleanor, en 1928, a París, para promocionar esa última película. Allí se enteró que aparecía en América el cine sonoro: "habría que enfrentarse al dragón del sonido y domesticarlo", escribió; y regresó de inmediato.8

Cine sonoro[editar]
En Hollywood había rodado ya más de treinta filmes silenciosos, cuando Vidor hizo la famosa Aleluya, 1929, interpretada sólo por actores afroamericanos, como pensó hacer durante muchos años. Fue un film en principio planteado como mudo, pero luego sonorizado, con una trama pasional, y llena de canciones y detalles sociológicos. Eligió un reparto de negros de Chicago y Nueva York (no sólo en Harlem), que es donde tendría gran éxito (en el sur hubo cierto rechazo, como era previsible), y buscó a predicadores, así como un coro negro. En ella, el sonido toma por primera vez relevancia artística dentro del cine; Vidor inventó innumerables usos, como golpeteos y otros ruidos para acentuar la acción, además de escuchar lo que se ve, cosa que no era así antes de esa película ya que la mayor parte de estrenos eran películas habladas ("talkies"); como estaba en los inicios tuvo problemas con la sincronización.9 Para sus detractores, Vidor no se apartó de las visiones tradicionales.10 Con todo, fue una revelación, y su acercamiento es pleno y total a esa comunidad sojuzgada aún; es una obra maestra que revela una gran simpatía por esos compatriotas.

Su tercera mujer (1932-1978) sería Elizabeth Hill. Su camino tuvo mucho interés. Rodó en 1930 Billy the Kid o el terror de las praderas, una excelente película de acción. Y en 1931, Champ, con un niño que narra sus relaciones con su padre, ex-boxeador y borrachín, de gran belleza de imágenes.

En ese año hizo otra magnífica película, La calle, de acuerdo con la obra teatral Escene street; la acción tuvo lugar en un solo decorado, que era la acera y la fachada de un bloque de apartamentos, pero Vidor tomaba ángulos muy distintos cada vez.11

Rodó además una exótica y bella Ave del paraíso, en 1932, en Hawai. Hizo El pan nuestro de cada día, 1934, de notable lirismo, sobre la depresión económica, paliada en parte por la creación de una cooperativa (tuvo problemas para financiarse); en parte, la grabó sin sonido (con un metrónomo para acompasarse, dada su experiencia muda), luego sonorizada, contando con el magnífico apoyo del músico Alfred Newman.

Después entregó un film basado en un episodio de la vida de Scott Fitzgerald, Noche nupcial, en 1935, película de gran dramatismo y de valor plástico y narrativo destacados. El drama materno-filial, Stella Dallas (1937), fue otra obra maestra.

Luego, hizo La ciudadela, en 1938; la rodó en Gales, y se quedó estupefacto por las condiciones de trabajo de los mineros.12 Pronto se acercó al cine en color, y filmó Paso al noroeste (1940). Con An American Romance (1944) realizó una segunda experiencia con ese tipo de película.

Entre sus obras sucesivas hay que recordar, sin duda, Duelo al sol (1946), El manantial (1949) y Pasión bajo la niebla (1952), que tuvieron mucho éxito. Más irregular, fue su producción de Salomón y la reina de Saba

Vidor publicó su extraordinario libro de memorias, A Tree is a Tree (Un árbol es un árbol), en 1953 (ampliado en 1981), sobre su pasión por el mundo del cine. El título se inspira en una anécdota temprana en Hollywood: Vidor quería rodar una película en los lugares donde la acción había ocurrido, lo que encarecía mucho la producción, y un productor le dijo que rodase en un parque público accesible y económico, donde estaba todo lo que buscaba, con la frase: "A rock is a rock. A tree is a tree. Shoot it in Griffith Park".

Tras Salomón y la reina de Saba de 1959 se retiró. Además de la escritura se dedicó a la pintura, la filosofía, la enseñanza universitaria. También llegará a hacer dos cortometrajes experimentales.

Había influido en sus ideas su madre, que le introdujo de joven en la Ciencia Cristiana (Christian Scientist); para ella trabajaría con un grupo de médicos hacia 1920,13 y escribiría ocasionalmente; mucho más tarde, en el ocaso de su vida, quiso hacer una película sobre Mary Baker Eddy, fundadora de esa religión, de la que decía humorísticamente en su caso que era como una especie de masonería (Un árbol es un árbol).

Fue cinco veces nominado al Premio Óscar, y recibió un premio honorífico en 1979, por el conjunto de su obra.

Filmografía[editar]
Hurricane in Galveston (1913)
The Grand Military Parade (1913)
The Intrigue (1916)(como actor)
The Lost Lie (1918)
Bud's Recruit (1918)
The Chocolate of the Gang (1918)
Tad's Swimming Hole (1918)
The Accusing Toe (1918)
I'm a Man (1918)
The Turn in the Road (1919)
Better Times (1919) (como King W. Vidor)
The Other Half (1919) (como King W. Vidor)
Poor Relations (1919)
The Family Honor (1920) (como King W. Vidor)
The Jack-Knife Man]] (1920)
The Sky Pilot (1921)
Love Never Dies (1921)
The Real Adventure (1922)
Dusk to Dawn (1922)
Conquering the Woman (1922)
Peg o' My Heart (1922)
The Woman of Bronze (1923)
Three Wise Fools (1923)
Wild Oranges (1924)
Happiness (1924)
Wine of Youth (1924)
His Hour (1924)
The Wife of the Centaur (1924)
Proud Flesh (1925)
The Big Parade (1925), El gran desfile
La Bohème (1926)
Bardelys the Magnificent (1926)
The Crowd (1928), Y el mundo marcha
The Patsy, o bien The Politic Flapper (1928)
Show People (1928)
Hallelujah! (1929),Aleluya
Not So Dumb]] (1930)
Billy the Kid, o bien The Highwayman Rides (1930)
Street Scene (1931), La calle
The Champ (1931) Champ
Bird of Paradise (1932), Ave del paraíso
Cynara (1932) o bien I Was Faithful
The Stranger's Return (1933)
Our Daily Bread (1934), El pan nuestro de cada día.
The Wedding Night (1935), Noche nupcial.
So Red the Rose (1935 film)|So Red the Rose]] (1935)
The Texas Rangers (1936)
Stella Dallas (1937)
The Citadel (1938), La ciudadela.
The Wizard of Oz (1939), las escenas de Kansas; no acreditado.
Northwest Passage (1940)
Comrade X (1940) Camarada X
H.M. Pulham, Esq. (1941)
An American Romance (1944)
Duel in the Sun (1946), Duelo al sol
On Our Merry Way, o bien A Miracle Can Happen (1948)
The Fountainhead (1949), El manantial
Beyond the Forest (1949)
Lightning Strikes Twice (1951)
Japanese War Bride (1952)
Ruby Gentry (1952), Pasión bajo la niebla 1952
Light's Diamond Jubilee (1954) TV
Man Without a Star (1955)
War and Peace (1956), Guerra y Paz
Solomon and Sheba (1959), Salomón y la reina de Saba
Truth and Illusion (1964)
The Metaphor (1980)

Ha recibido 123 puntos

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JOHN CASSAVETES

33. JOHN CASSAVETES

Biografía[editar] John Cassavetes nació en Nueva York de padres inmigrantes griegos; su padre, Nicholas, llegó en 1908 y se casó en 1926, con una griega quince años más joven. Eran muy humildes, pero el padre se dedicó a ayudar a los inmigrantes de su país. John creció en Long Island, y estudió... Ver mas
Biografía[editar]
John Cassavetes nació en Nueva York de padres inmigrantes griegos; su padre, Nicholas, llegó en 1908 y se casó en 1926, con una griega quince años más joven. Eran muy humildes, pero el padre se dedicó a ayudar a los inmigrantes de su país. John creció en Long Island, y estudió en el instituto en Nueva Jersey antes de ingresar a la Academia de Artes Dramáticas (American Academy of Dramatic Arts), que eligió antes de hacer cualquier otro trabajo. Tras su graduación en 1950, actuó en el teatro, en papeles secundarios en películas y en varias series de televisión.

Primeras películas[editar]
En 1954, Cassavetes se casó con la actriz Gena Rowlands, nacida en 1930, con la que trabajaría toda su vida, a poco de conocerla. Como señala su gran biógrafo, R. Carney, eran dos personas de carácter y de orígenes sociales muy diferentes (ella procedía de familia adinerada); ambos eran conflictivos y de valía; parte de sus vidas se reflejará en los filmes de John. Hacia 1956, comenzó a enseñar el "método" en talleres en Nueva York. Un ejercicio de improvisación le dio la idea para lanzarse a su primer largometraje, Shadows (1959). Cassavetes obtuvo los fondos de su familia y de sus amigos, así como del programa de radio Night People.

Cassavetes fue incapaz de conseguir que ninguna distribuidora norteamericana lanzase Shadows, así que probó fortuna en Europa, donde consiguió el premio de la crítica en el Festival de Venecia. Los distribuidores europeos llevaron posteriormente la película a los Estados Unidos como si se tratara de una importación.

A pesar de que su distribución en los Estados Unidos no fue muy amplia, consiguió llamar la atención de los estudios de Hollywood. Cassavetes dirigió dos largometrajes en Hollywood a comienzos de los años '60: Too Late Blues y A Child is Waiting (1963), esta última estrenada en España con el título de Ángeles sin paraíso, que trata en profundidad el tema del retraso mental. En ella Jean Hansen (Judy Garland), profesora de música en un colegio de niños deficientes mentales, conoce a Reuben, un niño con problemas al que sus padres no visitan desde hace años; Jean lo colmará de atenciones y mimos a pesar de que el director del centro (Burt Lancaster) considera que su actitud es contraproducente.

Su siguiente película como director (la segunda de forma independiente a los estudios) fue Faces (1968), protagonizada por su mujer y por John Marley, Seymour Cassel y Val Avery. La película muestra la desintegración de un matrimonio moderno, y fue candidata a tres Premios Oscar en las categorías de mejor guion original, mejor actor de reparto y mejor actriz de reparto.

Maridos (1970) está protagonizada por el propio Cassavetes, Peter Falk y Ben Gazzara. Interpretan a un trío de hombres casados y con hijos viajando por Nueva York y Londres tras el funeral de uno de sus mejores amigos, que les obliga a replantearse su vida y dejar todo atrás para recobrar una ansiada -y falsa- libertad.

Minnie and Moskowitz, película que trata de una pareja formada por dos amantes muy diferentes, es interpretada por Rowlands y Seymour Cassel.

La etapa dorada[editar]
En los años '70, realiza las que serían consideradas sus tres mejores películas: Una mujer bajo la influencia (1974), por la que Cassavetes fue candidato al Oscar a la mejor dirección y su mujer fue candidata al Oscar a la mejor actriz; en ella una familia feliz empieza a sentir el desarrollo de una enfermedad mental en la madre. Y aun así, la vida sigue: la ternura y el amor, según Cassavetes. The Killing of a Chinese Bookie (1976) y Noche de estreno (1977). Todas estas tres películas fueron producidas independientemente.

En The Killing of a Chinese Bookie Ben Gazzara interpreta a Cosmo Vitelli, un propietario de un pequeño club de strip-tease que es presionado por unos gangsters a cometer un asesinato para poder pagar sus deudas.

En el drama Noche de estreno, Rowlands interpreta a una estrella cinematográfica, venida a menos con los años, que trabaja en el teatro y sufre una crisis personal. Según Laurence Gavron, Cassavettes trabajó en el guion durante años, refinándolo y alterándolo. La producción costó más de 1,5 millones de dólares, y se necesitó más de un año para terminarla. La primera versión duraba 5 horas, y finalmente tan sólo una copia de la versión final fue distribuida en los Estados Unidos. El argumento es el siguiente: una joven fan muere intentando ver a una gran actriz, y esta se siente culpable del accidente, tanto, que su vida personal y la profesional empiezan a ser erráticas.

Carrera como actor[editar]
Cassavetes también desarrolló su carrera como actor, participando en películas como Doce del patíbulo (1967), por la que fue candidato al Premio de la Academia al mejor actor de reparto, y La semilla del diablo (también intitulada, en otros países hispanohablantes, como El bebé de Rosemary) (1968), de Roman Polanski. Otras películas destacadas en su carrera interpretativa fueron The Killers (1964), de Don Siegel, y The Fury (1978). En la siguiente década hizo tres películas destacadas: Gloria (1980), Love Streams (1984) y, la que sería su última película, Big Trouble (1986).

Cassavetes murió de cirrosis hepática en 1989, a los 59 años. Sus restos se encuentran en el Cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Ángeles, California.

Su hijo Nick Cassavetes continuó sus pasos como actor (Face/Off) y (The Astronaut's Wife) y como director (John Q) y (The Notebook) donde dirige a su madre, Gena Rowlands.

Improvisación[editar]
Suele malinterpretarse el papel de la improvisación en las películas de Cassavetes. Sus filmes –con excepción de la primera versión de Shadows – tenían un sólido guion. Sin embargo Cassavetes permitía a sus actores llevar sus propias interpretaciones de los personajes a la escena. La escena en general estaba escrita, pero la actuación obviamente no. Cassavetes también era receptivo a la hora de tomar una nueva dirección, si el actor así se lo sugería.

Filmografía selecta[editar]
Como director[editar]
Shadows (Sombras) (1959)
Too Late Blues (1961)
Ángeles sin paraíso (1963)
Faces (1968)
Maridos (1970)
Así habla el amor (1971)
Una mujer bajo la influencia (1974)
El asesinato de un corredor de apuestas chino (1976)
Opening Night (1977)
Gloria (1980)
Love Streams (1984)
Big Trouble (1986)
Como actor[editar]
Edge of the City (1957)
Saddle the Wind (1958)
The Killers (1964)
Doce del patíbulo (1967)
La semilla del diablo (1968)
Maridos (1970)
Two-Minute Warning (1976)
Mikey and Nicky (1976)
The Fury (1978)
Whose Life Is It Anyway? (1981)
Tempest (1982)
Premios[editar]
Óscar[editar]
Año Categoría Película Resultado
1974 Mejor Director Una mujer bajo la influencia Nominado
1968 Mejor Guion Original Faces Nominado
1967 Mejor Actor de Reparto Doce del patíbulo Nominado
Globos de Oro[editar]
Año Categoría Película Resultado
1974 Mejor Director Una mujer bajo la influencia Nominado
1974 Mejor Guion Una mujer bajo la influencia Nominado
1970 Mejor Guion Husbands Nominado
1967 Mejor Actor de Reparto Doce del patíbulo Nominado
Fuentes

Ha recibido 121 puntos

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SAM PECKINPAH

34. SAM PECKINPAH

Biografía[editar] Sus inicios[editar] Nació el 21 de febrero de 1925, hijo de un abogado perteneciente a una acomodada familia. Su bisabuelo Rice Peckinpaugh, un comerciante y granjero proveniente de Indiana, cambió su apellido a Peckinpah al trasladarse a California en la década de 1850.1 Su... Ver mas
Biografía[editar]
Sus inicios[editar]
Nació el 21 de febrero de 1925, hijo de un abogado perteneciente a una acomodada familia. Su bisabuelo Rice Peckinpaugh, un comerciante y granjero proveniente de Indiana, cambió su apellido a Peckinpah al trasladarse a California en la década de 1850.1 Su madre también pertenecía a una familia acomodada. Junto a su hermano, solían faltar a clases para ir al rancho de su abuelo materno, Denver S. Church, a vivir la vida como cowboy. Realizó en Fresno sus estudios básicos, y los secundarios en el Fresno High School. Su carácter lo involucró repetidamente en peleas y problemas de disciplina, por lo cual sus padres decidieron inscribirlo en la academia militar San Rafael Military Academy, para realizar su último año de estudios. En 1943 se alistó en el Cuerpo de Marines de los Estados Unidos y en 1945 fue enviado a China en un batallón cuya tarea consistió en desarmar a los soldados japoneses. A finales de 1946 regresó a Estados Unidos sin haber presenciado ningún combate. Una vez en casa, sus planes fueron estudiar Derecho y entrar en la empresa de su familia. Sin embargo, conoció a una joven estudiante de Teatro, Mary Selland, que más tarde sería su esposa, e influenciado por ella, comenzó a interesarse por el teatro y la poesía. Inició sus estudios de teatro en el Fresno State College y los completó en la Universidad del Sur de California.

Su paso por la televisión[editar]
Tras terminar sus estudios pasó una temporada trabajando de tramoyista hasta 1951, cuando comienza a trabajar en la CBS. Su primera incursión en el cine fue de la mano de Don Siegel en 1954, como guionista y actor secundario en su película Invasion of the Body Snatchers (1956) (La invasión de los ladrones de cuerpos). Esta obra le valió el reconocimiento de la cadena CBS, para la cual comenzó a escribir guiones en series como Gunsmoke (La ley del revólver), Broken Arrow, Tales of Wells Fargo y Zane Grey Theatre. Su primera obra como director fue en 1958, con el episodio de Broken Arrow titulado The Knife Fighter. Durante sus años en televisión Peckinpah reunió un grupo de actores –Strother Martin, R. G. Armstrong, Warren Oates– que le acompañarían en sus posteriores películas.

Su carrera cinematográfica[editar]
En 1961 Peckinpah dirigió su primera película The Deadly Companions con Maureen O'Hara y Brian Keith en los papeles principales. La cinta, rodada en principio como un telefilme pero estrenada en Europa en los cines, obtuvo una escasa aceptación por parte del público y de la crítica en general, ante esto, el director reaccionó asegurando que había tenido muy poca libertad durante el rodaje a causa de las presiones de los productores.

Un año después dirigió su siguiente película, Ride the High Country (Duelo en la alta sierra, 1962), que ganó un premio en el Festival Internacional de Cine de Bélgica, por encima de Fellini 8 ½. Además, la crítica francesa la calificó muy positivamente y fue juzgada como la mejor película extranjera en el Festival Mexicano de Cine. Está incorporada en el archivo National Film Registry de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos. Con esta película inauguró uno de sus temas fetiche: el western crepuscular, con dos estrellas del género en su madurez (Joel McCrea y Randolph Scott).

Su tercera película fue Mayor Dundee (1965), y marcó el inicio de sus explosivas relaciones con productores y distribuidoras. Protagonizada por Charlton Heston y Richard Harris, y situada al final de la Guerra de Secesión. El director pretendió dar suficiente densidad a la película y dotar a los personajes de cierta complejidad. Sin embargo la productora Columbia Pictures, la consideró demasiado larga y complicada, e hizo numerosos cortes y remontajes. Peckinpah se enfureció, declarando públicamente que su película, tras esos recortes, era incomprensible. A causa de su reacción fue retirado del rodaje de su siguiente película, El rey del juego (1965), finalmente rodada por Norman Jewison, que se convirtió en uno de los clásicos del cine estadounidense de la época. En 1966, la cadena de televisión ABC le ofreció la oportunidad de dirigir Noon Wine, una adaptación de la novela de Katherine Anne Porter, que fue un éxito de público y crítica.

Pero la película que inauguró la fama sanguinaria de su cine fue The Wild Bunch (Grupo salvaje, 1969), continuando con el género del western crepuscular. También su estilo de dirección estableció lo que serían sus características, usando la cámara lenta en numerosas secuencias y una técnica de montaje bastante vanguardista. Fue considerada por algunos críticos como «la película más violenta que se haya filmado jamás».

Durante el rodaje de su siguiente película, La balada de Cable Hogue (1970), el director fue forzado por la productora Warner Bros. a dirigir la película sin la violencia mostrada en The Wild Bunch. De manera que el director le dio un toque cómico y se invirtió apenas dinero en publicitarla, lo cual hizo que pasara casi desapercibida entre el público.

Cuando la reputación del director estaba marcada por el apodo de Bloody Sam (Sam el sanguinario) que le acuñaron los críticos estadounidenses, dirigió en el Reino Unido, Perros de paja (1971), con Dustin Hoffman y Susan George como protagonistas principales. En poco tiempo la película se convirtió en un importante tema para diversas publicaciones como Cinema, Esquire, Life o Playboy, que publicaron varias entrevistas con el director. Sin embargo, gran parte de la polémica que levantó, estuvo debida a la presunta tendencia misógina que atribuyeron diversos grupos feministas a la película. Este sería, junto al de la violencia en su cine, otro de los debates que estuvo presente durante toda su carrera.

En 1971 realizó Junior Bonner (El rey del rodeo), protagonizada por Steve McQueen, que pasó mucho más desapercibida por la taquilla que su predecesora. En ella se encuentra el tema favorito del director: el mundo de los perdedores. La «lírica de la desolación» o incomprensión -como cita algún crítico- es llevada aquí a su máxima expresión, contando con unos medios poco halagüeños pero con una historia honesta, con garra y unos actores entregados (Ben Johnson, Ida Lupino y otros).

Un año después volvería a trabajar con Steve McQueen en uno de sus más famosos papeles: The Getaway (La huida). Tan famosa como denostada en su momento (con anécdota de la censura española incluida), su revalorización internacional llega tras el remake de 1994.

En 1973 dirigió Pat Garrett y Billy The Kid, con Bob Dylan y Kris Kristofferson.

En 1974 realizó su película más surrealista según la crítica, Bring Me the Head of Alfredo Garcia (Quiero la cabeza de Alfredo García); al año siguiente el thriller Los aristócratas del crimen (1975), y en 1977 La cruz de hierro. Todas ellas realizadas con escaso presupuesto. Orson Welles se puso en contacto con Peckinpah para decirle que La cruz de hierro era la mejor película antibélica que había visto. Sin embargo, fue un fracaso de crítica y público en Estados Unidos.

A finales de la década de 1970 Peckinpah parecía haber pasado al olvido, ninguna publicación hablaba de él. Su salud era ya muy precaria debido a su alcoholismo y su adicción a la cocaína. En 1978 dirigió Convoy, que fue otro fracaso.

Su última película fue Clave: Omega (1983), un thriller de espías que no tuvo la suficiente fuerza ni siquiera para motivar críticas serias, debido a sus concesiones al comercialismo -protagonismo de Rutger Hauer incluido.

Sam Peckinpah murió de paro cardíaco el 28 de diciembre de 19842

Filmografía[editar]
The Deadly Companions (Compañeros mortales, 1961)
Ride the High Country (Duelo en la Alta Sierra, 1962)
Mayor Dundee (1965)
The Glory Guys (1965) Gloriosos camaradas3 El gran combate4
The Wild Bunch (Grupo Salvaje o La pandilla salvaje, 1969)
La balada de Cable Hogue (1970)
Perros de paja (1971)
Junior Bonner (El rey del rodeo, 1972)
The Getaway (La huida, 1972)
Pat Garrett y Billy The Kid (1973)
Quiero la cabeza de Alfredo García (1974)
Los aristócratas del crimen (1975)
La cruz de hierro (1977)
Convoy (1978)
Clave: Omega (1983)
Obras para la televisión[editar]
Gunsmoke (Escribió nueve adaptaciones de guiones de radio y dos guiones originales. 1955-1958)
‘The Assassin’ (Episodio de Broken Arrow, 1956) (Guionista)
‘Apache Gold’ (Episodio de Tales of Wells Fargo, 1957) (Guionista)
‘The Teacher’ (Episodio de Broken Arrow, 1957) (Guionista)
‘The Singer’ (Episodio de Have Gun - Will Travel, 1958) (Co-guionista)
‘The Town’ (Episodio de Trackdown, 1958) (Guionista)
‘The Transfer’ (Episodio de Broken Arrow, 1958) (Director y guionista)
‘The Johnny Ringo Story’ (Episodio de Tombstone Territory, 1958) (Guionista)
‘The Kidder’ (Episodio de Man Without a Gun, 1958) (Guionista)
‘The Knife fighter’ (Episodio de Broken Arrow, 1958) (Director)
‘Trouble at Tres Cruces’ (Director y guionista) (Episodio de Dick Powell’s Zane Grey Theatre, 1958)
‘The Sharpshooter’ (Guionista), ‘The Marshal’ (Director y guionista), ‘Home Ranch’ (Guionista), ‘The Boarding House’ (Director), ‘The Money Gun’ (Director y guionista) y ‘The Baby Sitter’ (Director) (Todos ellos episodios de The Rifleman, 1958-1959)
‘Miss Jenny’ (Co-guionista y director), ‘Lonesome Road’ (Co-guionista y director) (Episodios de Dick Powell's Zane Grey Theatre, 1959)
‘Klondike Fever’ (Guionista) ‘Swoger's Mules’ (Co-guionista) (Episodios de Klondike, 1960)
‘Jeff’ (Co-guionista y director), ‘Brown’ (Director), ‘The Courting of Libby’ (Director), ‘Hand on the Gun’ (Director), ‘The Painting’ (Director), ‘The Old Man’ (Guionista), ‘School Days’ (Co-guionista) y ‘Mrs. Kennedy’ (Co-guionista) (Episodios de The Westerner, 1960.
‘The Story of Julesberg’ (Episodio de Pony Express, 1961) (Guionista)
‘Mon Petit Chou’ (Episodio de Route 66, 1961) (Director)
‘Pericles on 31st Street’ (Co-guionista, productor y director) y ‘The Losers’ (Co-guionista, productor y director) (Episodios de Dick Powell Theatre, 1962)
Noon Wine (Especial televisivo de ABC, 1967) (Director y guionista)
‘That Lady is My Wife’ (Episodio de Bob Hope's Chrysler Theatre, 1967) (Director)

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DENNIS HOPPER

35. DENNIS HOPPER

Biografía[editar] Primeros años[editar] Nacido en Dodge City, Dennis Lee Hopper era hijo de Marjorie Mae (nacida Davis, 12 de julio de 1917 - 12 de enero de 20075 6 ) y James Millard Hopper7 (23 de junio de 1916 – 7 de agosto de 1982).5 Hopper y su familia se instalaron en Kansas City (Misuri... Ver mas
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Nacido en Dodge City, Dennis Lee Hopper era hijo de Marjorie Mae (nacida Davis, 12 de julio de 1917 - 12 de enero de 20075 6 ) y James Millard Hopper7 (23 de junio de 1916 – 7 de agosto de 1982).5 Hopper y su familia se instalaron en Kansas City (Misuri) tras finalizar la Segunda Guerra Mundial. Siguió los cursos de pintura de Thomas Hart Benton en el Kansas City Art Institute. Tenía 13 años cuando su familia se trasladó a San Diego en California. En la universidad desarrolló un interés por el teatro, interesándose particularmente por las obras de William Shakespeare.

Trayectoria en cine y televisión[editar]
Durante su carrera, Dennis Hopper trabajó en más de 150 películas.8 9 Debutó ante las cámaras con un pequeño papel en la película Johnny Guitar, pero su nombre no aparece en los créditos. Fue en un episodio de Medic en 1955, donde interpretaba a un joven epiléptico, cuando su nombre apareció por primera vez en las pantallas. Pero es junto a James Dean, a quien admiraba inmensamente, donde empieza realmente su carrera cinematográfica. Tiene así un papel en Rebelde sin causa (1955) y en Gigante (1956), dos de las tres películas de James Dean en su corta carrera cinematográfica.

La muerte de Dean en un accidente de coche en el mismo 1955 afectó profundamente al joven Dennis Hopper,10 y poco tiempo después tuvo un conflicto con el director Henry Hathaway en la película Del infierno a Texas. El comportamiento de Hopper en el rodaje fue tal, que hizo que estuviese alejado de Hollywood durante varios años.11 Imposibilitado de trabajar en el cine, Hopper se decanta hacia la fotografía y hace la cubierta para el álbum River Deep – Mountain High de Ike & Tina Turner (1966).

En Nueva York, estudió en la Lee Strasberg Acting School. Apareció en más de 140 episodios de series de televisión como Bonanza, The Twilight Zone, The Defenders, The Big Valley, El túnel del tiempo y Combat!.12



Dennis Hopper durante la inauguración de su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.
Aunque Hopper trabajó en películas como Los cuatro hijos de Katie Elder y True Grit, con escenas junto a John Wayne, no fue hasta que trabajó con Peter Fonda como actor y director en Easy Rider cuando impresionó al establishment de Hollywood.

Hopper escribió y realizó otras películas como The Last Movie en 1971. Sin embargo, esta película fue un fracaso en taquilla10 e hizo que fuese alejado de los grandes estudios.13 Hopper era alcohólico y drogadicto, y en este punto de su vida, su dependencia se hizo más importante. Pese a ello, continuó rodando películas en aquella época, como Mad Dog Morgan, Tracks, The American Friend, o Apocalypse Now, y obtuvo un gran éxito por la realización y su papel en Out of the Blue.

En 1983, Hopper inició un programa de desintoxicación y se curó de sus dependencias.14 Rodó algunas películas importantes como Rumble Fish y The Osterman Weekend; pero aun así su carrera no resurgió hasta que interpretó al sádico Frank Booth en Terciopelo azul de David Lynch.

En 1988 rueda la película Colores de guerra, apreciada por la crítica, sobre las bandas de Los Ángeles. Continuaba siendo una personalidad importante en Hollywood, como actor, fotógrafo y director. En 1994, tuvo el papel de malo en la película Speed con Keanu Reeves y Sandra Bullock. En 1995, Hopper realizó igualmente el papel de malo con Kevin Costner en la película Waterworld. Realizó sus últimas actuaciones en la serie Crash (2008) y en las películas Elegy (2008, dirigida por Isabel Coixet), Palermo Shooting (2008) y Alpha and Omega (2010). El 26 de marzo de 2010, Dennis Hopper fue homenajeado con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.15

Vida personal[editar]
Dennis Hopper se casó cinco veces y tuvo cuatro hijos:

Su primera esposa, de 1961 a 1969, fue Brooke Hayward.16 Una hija, Marin Brooke Hopper, nació de esta unión el 26 de junio de 1962.17
Su segunda y –por poco tiempo- esposa, del 31 de octubre al 8 de noviembre de 1970, fue la cantante y actriz Michelle Phillips.16
Su tercera esposa, de 1972 a 1976, fue Daria Halprin.16 Una hija, Ruthanna Hopper, nació de esta unión en 1974.16
Su cuarta esposa, del 17 de junio de 1989 hasta abril de 1992, fue Katherine LaNasa.16 Un hijo, el también actor Henry Lee Hopper, nació de esta unión el 11 de septiembre de 1990.18
Hopper se casó por última vez el 13 de abril de 1996 con Victoria Duffy con la cual tuvo una hija, Galen Grier Hopper, el 26 de marzo de 2003.16 Estaban en trámites de divorcio desde enero de 2010.19
Posturas políticas[editar]


Dennis Hopper en 2008
Desde los años 1980, Dennis Hopper estaba comprometido políticamente con el Partido Republicano. Hopper apoyó las candidaturas de Ronald Reagan, de George H. W. Bush y George W. Bush20 y, según el Newsmeat, donó 2000 dólares al Comité Nacional Republicano en 2004 y la misma suma en 2005.21 Sin embargo, en octubre de 2008 declaró que votaría por Barack Obama (del Partido Demócrata) debido a las «innumerables e intolerables mentiras» del presidente George W. Bush.20 Participó igualmente en 2008 en una película comprometida con la derecha, titulada An American Carol, junto a otros actores conservadores y republicanos como Jon Voight, Kelsey Grammer, y James Woods.

Defunción[editar]
El 28 de septiembre de 2009, los medios de comunicación informaron que Hopper había sido ingresado en un hospital de Nueva York por causas desconocidas. Con 73 años, fue trasladado en ambulancia portando una mascarilla de oxígeno y entubado a un hospital (sin especificar a cual) de Manhattan.22 El 2 de octubre recibió el alta médica tras recibir un tratamiento de hidratación.23 El 29 de ese mismo mes el representante del actor hizo público un comunicado en el que anunciaba que le habían diagnosticado un cáncer de próstata en estado avanzado.24

El 23 de marzo de 2010 se confirmó que había perdido 45 kilos y era incapaz de mantener conversaciones largas.25 26

Según unos informes, debía asistir a los tribunales para solucionar el divorcio con su mujer, pero debido a la quimioterapia anticancerígena se tuvo que posponer. Su estado se calificó finalmente como terminal al ser su cuerpo incapaz de soportar los efectos secundarios del tratamiento.27

El óbito se produjo finalmente el día 29 de mayo de 2010 en su casa en la localidad californiana de Venice.1

Filmografía[editar]
Como actor[editar]
Gossip Girl (2011)
The Town (2010)
Alpha and Omega (2010)
Crash (serie de TV) (2008)
Palermo Shooting (2008)
Sleepwalking (2008)
Elegy (2008) dirigida por Isabel Coixet.
Swing vote (2008)
An American Carol (2008)
Tierra de los muertos (2005)
The Crow: Wicked Player (2005)
9 extraños (2005)
The Last Ride (2004)
El vigilador (2004)
Knockaround Guys (2001)
24 primera temporada (2001).
Asfixia (2001)
Jasón y los Argonautas (serie de televisión) (2000).
EDtv (1999) dirigida por Ron Howard.
Falsa inocencia (1999) en el papel de Rick Chambers.
The Blackout (1997)
Basquiat (1996) dirigida por Julian Schnabel.
Sansón y Dalila (1996).
Search and Destroy (1995)
Waterworld también conocida como Mundo acuático (1995) dirigida por Kevin Reynolds.
Speed (dirigida por Jan de Bont, 1994), en el papel de Howard Payne.
Traición perfecta (1993)
Super Mario Bros. (1993) dirigida por Annabel Jankel Rocky Morton.
Amor a quemarropa (1993) dirigida por Tony Scott.
El sucio (1992)
Flashback (1990).
Catchfire (1990) dirigida por Alan Smithee.
Straight to Hell (1987) dirigida por Alex Cox.
Hoosiers (1986)
Terciopelo azul (1986)
My Science Project (1985)
La matanza de Texas 2 (1986) dirigida por Tobe Hooper.
Blue Velvet (1986) dirigida por David Lynch.
La viuda negra (1986) dirigida por Bob Rafelson.
Omega: encuentro final (1983) dirigida por Sam Peckinpah.
Rumble Fish (1983) dirigida por Francis Ford Coppola.
Caído del cielo (1980)
Apocalipsis Now (1979) dirigida por Francis Ford Coppola.
El amigo americano (1977) dirigida por Wim Wenders.
Kid Blue (1973) dirigida por James Frawley.
The last movie (1971) dirigida por Dennis Hopper.
True Grit (1969) dirigida por Henry Hathaway.
Easy Rider (1969).
La leyenda del indomable (1967) dirigida por Stuart Rosenberg.
Cometieron dos errores (1967) dirigida por Ted Post.
Los cuatro hijos de Katie Elder, de Henry Hathaway (1965).
Duelo de titanes (1957) dirigida por John Sturges.
Gigante (1956) dirigida por George Stevens .
Rebelde sin causa (1955) dirigida por Nicholas Ray.
Como director[editar]
Misión explosiva (1994)
Labios ardientes (1990)
Catchfire (1990)
Vigilantes de la calle (1988)
Caído del cielo (1980)
The last movie (1971)
Easy Rider (1969)
Como narrador[editar]
En 2005 grabó la narración de la canción "Fire Coming Out of the Monkey's Head", canción del álbum Demon Days de la banda Gorillaz, donde narra la historia de un pueblo habitado por "La Gente Feliz" (Happy Folks), es atacado por seres desconocidos y misteriosos (Strange Folks), quienes debido a su codicia, ocasionan la destrucción del pueblo y sus habitantes, así como a sí mismos. La canción es una alegoria a como la invasión y sobreexplotación de recursos naturales pueden ocasionar grandes desastres.
También es quien hace de locutor para VH1 de la serie inglesa Seven Ages of Rock, que salió al aire en 2007.
Videojuegos[editar]
Black Dahlia (1998): personaje de Walter Pensky.
Grand Theft Auto: Vice City (2002): voz de Steve Scott.
Deadly Creatures (2009): voz de Wade.
Premios[editar]
Óscar[editar]
Año Categoría Película Resultado
1986 Óscar al mejor actor de reparto Hoosiers Candidato
1969 Óscar al mejor guión original Easy Rider Candidato
Estrella del Paseo de la Fama de Hollywood[editar]
Nombre Categoría Dirección
Dennis Hopper Cine 6712 Hollywood Blvd.

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BUSTER KEATON

36. BUSTER KEATON

Joseph Francis "Buster" Keaton (Piqua, Kansas, 4 de octubre de 1895 - Woodland Hills, California, 1 de febrero de 1966) fue un famoso actor, guionista y director estadounidense de cine mudo cómico. Se caracterizó principalmente por su humor físico mientras mantenía un rostro inexpresivo en... Ver mas
Joseph Francis "Buster" Keaton (Piqua, Kansas, 4 de octubre de 1895 - Woodland Hills, California, 1 de febrero de 1966) fue un famoso actor, guionista y director estadounidense de cine mudo cómico.

Se caracterizó principalmente por su humor físico mientras mantenía un rostro inexpresivo en todo momento, lo cual le ganó su apodo, "Cara de piedra". En España fue conocido artísticamente como Pamplinas, o "Cara de Palo". Al igual que sus contemporáneos, Keaton provino del vodevil. El apodo de Buster fue puesto por el ilusionista Harry Houdini, colaborador del padre de Buster, que, al verlo caer de una escalera sin una sola herida a la edad de tres años, exclamó: "That was a real buster!", que podría traducirse por: "¡Menuda caída!", o también "¡Qué tipo más tremendo!" o "¡Qué temerario!".


El actor no está relacionado con Diane Keaton1 ni con Michael Keaton (cuyo verdadero apellido es Douglas, pero se lo cambió para no ser confundido con el hijo de Kirk Douglas).
Primeros años[editar]
Joseph Keaton, conocido después como Buster debuta oficialmente en los escenarios en 1899, participando en el número de music hall de sus padres. Joe Keaton, abandonó el negocio de venta de bebidas medicinales supuestamente milagrosas de su suegro, por lo que entonces en Estados Unidos se llamaba el vodevil, o Music Hall. Keaton hijo tenía que apoyarse en una de las representaciones en una pared lateral y quedarse allí, pero un día, a su padre, se le ocurrió la idea de vestirle como a él, parodiando de esta forma a un irlandés, colocándole una peluca, barbas postizas, chaleco de fantasía y pantalones demasiado grandes. Pronto imitaría todo lo que hacía su padre, consiguiendo de este modo provocar las risas.

A los cinco años, Buster ya se había convertido en la estrella del espectáculo familiar que era bastante violento, ya que el padre no dudaba en lanzarlo al foso de la orquesta, si hacía falta o emplearlo como escoba para limpiar el suelo. La sociedad neoyorquina de protección a la infancia, Gerry Society, no veía con buenos ojos este espectáculo, y lo consideraba un caso de explotación infantil que ponía en peligro a un niño. En 1902, sus representantes intentaron impedir las representaciones, recordando que las personas de menos de siete años de edad no tenían derecho a subir a escena. Después acusaron a su padrre Joe Keaton, en vano, de crueldad. “Dudo que intentaran salvar a algún otro actor infantil con tanto ahínco como a nuestro pequeño Buster”, concluía el interesado reprochando a esos “fanáticos de la dulzura” su indiferencia frente a los miles de niños errantes por las calles de Nueva York. Sin embargo Buster afirma que en dieciséis años de vodevil sólo le hicieron daño en una ocasión. Tenía ocho años, y un puñetazo mal ajustado de su padre le golpeó el rostro y lo dejó inconsciente durante dieciocho horas.

El cine[editar]
En 1907 la Gerry Society consiguió su objetivo y el actor y sus padres quedan excluidos de los escenarios de Nueva York durante dos años, lo que hace que tengan que marcharse de gira por Inglaterra. En 1913, el empresario estadounidense de la prensa William Randolph Hearst propone a Joe y los suyos que debuten en el cine con una serie adaptada de la historieta Bringing Up Father (Educando a Papá), creada por el caricaturista George Mc Manus. Pero Joe, rechazó la oferta. Hacia 1916, después de una pelea, los Keaton son expulsados de los teatros de la cadena Keith-Albbe, lo que les condena a actuar en salas de segunda fila.

En febrero de 1917 Buster decide marcharse solo a Nueva York. Enseguida consigue un contrato en el reconocido Passing Show de los hermanos Shubert en el Winter Garden, por doscientos cincuenta dólares a la semana. Pero justo antes de empezar los ensayos, conoce por la calle al actor cómico holandés Lou Anger, quien dirigía los estudios Comique Film Corporation, creados en 1916 por el productor Joseph Schenck para una de las estrellas emergentes del cine, el actor y realizador Roscoe Arbuckle. Unos días después, Buster Keaton presenta su dimisión en el teatro y rueda, en los estudios Colony Studios de la calle 42 y por sólo cuarenta dólares a la semana, su primera película al lado de Arbuckle.

Los largometrajes[editar]


Buster Keaton en el Ejército.
En octubre de 1917, tras el rodaje de Fatty en la feria, el productor transfiere la actividad cómica de Arbuckle a los estudios de la empresa Biograph en Hollywood. En junio de 1918 Keaton es llamado a alistarse para servir en la Primera Guerra Mundial y enviado a Francia durante siete meses. Allí hace teatro y no participa en combate, pero aún así pierde parcialmente el oído.

Cuando regresa, tras rechazar varias ofertas muy ventajosas de los productores cinematográficos Jack Warner y William Fox, vuelve al lado de Arbuckle y rueda con él a lo largo de 1919 sus tres últimas películas en común: Keaton entre bastidores, Fatty, cartero y Fatty en el garaje. De los quince filmes que reunieron a Keaton y Fatty, solo doce son accesibles hoy en día. Faltan Fatty enamorado y Fatty, héroe y el filme Fatty y las estrellas, está incompleto.

Pero la carrera de Fatty no tuvo tiempo de desarrollarse plenamente. En septiembre de 1921, Arbuckle es acusado de homicidio involuntario de la actriz Virginia Rappe, quien falleció en el hospital después de una fiesta organizada en una suite de hotel. Fue, según Keaton, “el día en que acabó la risa”, y en que se desató una “tormenta de odio y amargura sin precedentes […] en contra de Roscoe”



Cartel de una película de Buster Keaton, 1920.
El éxito[editar]
Entre los años 1920 y 1923, Keaton rodó un largometraje, Pasión y boda de Pamplinas (The Saphead), y 19 cortos. Cuando cambió de productor, rodó, entre los años 1923 y 1928, otros 10 largometrajes. En esa época tuvo control absoluto de todas sus películas, aunque él personalmente no poseía ninguna acción de la productora. Sus rodajes eran muy caros, pues podía pedir una antigua locomotora o un transatlántico. Después no volvió a controlar el aspecto creativo de sus propias películas.

Buster Keaton comenzó a protagonizar una serie de comedias que lo catapultaron a la fama, incluyendo Una semana, La mudanza, La casa eléctrica y El gran espectáculo. Alcanzó la cima de su creatividad durante los años 1920. Su éxito inicial le convirtió en uno de los comediantes más famosos del mundo. Su popularidad fue opacada solamente por el éxito obtenido por sus colegas Harold Lloyd y Charlie Chaplin, aunque mantuvo una relación cordial con ambos al igual que con algunos de los actores dramáticos más famosos de la época, como Douglas Fairbanks y Rodolfo Valentino.

Cara de Palo[editar]
Fue en esta época cuando modeló su personaje, un joven tragicómico, que se enfrenta a las desgracias con una absoluta inexpresividad, que hizo que le bautizaran como "stone face" ("cara de piedra", pero en España fue conocido como "Cara de Palo"). Para darle expresión a su personaje, utilizaba las acrobacias, para las que se negaba a usar dobles o especialistas. Todas las proezas que realizó en El maquinista de la General, o en El héroe de río, son suyas. En El rostro pálido, llegó a saltar desde una altura de 24 metros, y en la película El moderno Sherlock Holmes, se rompió el cuello en una escena de riesgo.

Sus mejores películas[editar]
Sus películas más famosas y populares de esta primera época, son las consideradas como las mejores de toda su carrera, e incluyen Las tres edades (1923), La ley de la hospitalidad (1923), El navegante (1924), El héroe del río (1928), El maquinista de la General (1927), El moderno Sherlock Holmes (1924) o Las siete ocasiones (1925).

El maquinista de la General[editar]


Buster Keaton en El maquinista de la General, 1926.
En una ocasión, le dijeron a Keaton que ésta película reflejaba mejor la Guerra de Secesión de Estados Unidos que Lo que el viento se llevó, a lo que él respondió que "mientras unos recurren a las novelas para encontrar argumentos, otros recurren a la Historia". Estaba basada en un hecho "real" autobiográfico del novelista William Pittenger, que trataba sobre el secuestro de un tren confederado por parte de soldados de la Unión. Lo que hizo Keaton fue cambiar el punto de vista, ya que el protagonista es un soldado sureño, es decir, los "malos" para el gran público de Hollywood. La cinta fue filmada en los bosques de Oregón, y al poner en marcha las locomotoras con leña, provocaron un incendio forestal durante el rodaje. Fue todo un hito en efectos especiales la escena en que la locomotora cae desde un puente por un barranco.

La película resulta una reivindicación de lo que es capaz de hacer un hombre solo, pequeño, y en apariencia débil, por recuperar las dos cosas que más desea en este mundo, su locomotora, y la mujer a la que ama. El maquinista de la General es considerada hoy día como una obra maestra, pero en el momento de su estreno resultó un fracaso comercial.

El olvido[editar]


Keaton (a la derecha) junto a Gilbert Roland, en San Sebastián, España, en agosto de 1930
La unidad de producción de Keaton fue adquirida por MGM en 1928, una decisión de negocios que Keaton lamentaría siempre. Le obligaron a realizar una serie de películas junto a Jimmy Durante, que tuvieron éxito, pero que él despreciaba por considerarlas de muy baja calidad.

Tras ser forzado a entrar en el sistema de estudio, al cual nunca se adaptó, Keaton cayó en el alcoholismo. Su carrera se derrumbó en unos pocos años y pasó gran parte de la década de 1930 oculto, trabajando como escritor de gags para varias películas de Metro-Goldwyn-Mayer, particularmente aquellas de los Hermanos Marx -incluyendo Una noche en la ópera (1935) y Una tarde en el circo (1939)- y varias películas de Red Skelton.

Últimos años[editar]


Tumba de Buster Keaton.
Las películas Sunset Boulevard (1950), de Billy Wilder, con un pequeñísimo papel en el que hacía de antigua gloria del cine, y Candilejas, (1952), de Chaplin, hicieron que el gran público volviera a fijarse otra vez en él.

Posteriormente, se dedicó a hacer anuncios de televisión y espectáculos en directo que hicieron que la gente se interesara en sus antiguas películas, en su mayoría obras maestras que fueron prácticamente ignoradas cuando se estrenaron.

Otra aparición especial en una película de esta época es con el acor cómico mexicano Cantinflas en La vuelta al mundo en 80 días (1956), de Michael Anderson, donde hace el papel del jefe del tren, en claro homenaje a su recordada película El maquinista de la General.

En 1960 la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood le otorgó un premio Oscar honorario por su importante contribución artística a la industria del cine estadounidense.

Su última aparición en público fue en el año 1965, en el Festival de Cine de Venecia, cuando presentó la que sería su última película, Film, de Samuel Beckett, dirigida por Alan Schneider. En esa ocasión protagonizó un drama por primera vez en su vida, recibiendo una ovación del público. Cinco meses después fallecía, a los 70 años, en su casa de Los Ángeles víctima de un cáncer.

Filmografía[editar]


Cartel de El rey de los cowboys, 1925.
Pasión y boda de Pamplinas (The saphead) (1920) Largometraje
Una semana (One Week) (1920)
Convicto 13 (Convict 13) (1920)
El espantapájaros (Scarecrow) (1920)
La vecina de Pamplinas (Neighbors) (1920)
El gran espectáculo (The Playhouse) (1921)
La barca (The Boat) (1921)
La casa encantada (The haunted house) (1921)
Pamplinas nació en día 13 (Hard luck) (1921)
El guardaespaldas (The high sign) (1921)
El chivo (The Goat) (1921)
Cops (1922)
Las relaciones con mi mujer (My wife's relations) (1922)
El herrero (The Blacksmith) (1922)
El polo norte (The frozen north) (1922)
El rostro pálido (The paleface) (1922)
Sueños imposibles (Day dreams) (1922)
La casa eléctrica (The Electric House) (1922)
El aeronauta (The Balloonatic) (1923)
Nido de amor (The love nest) (1923)
Las tres edades (The Three Ages) (1923)
La ley de la hospitalidad (Our Hospitality) (1923)
El navegante (The Navigator) (1924)
El moderno Sherlock Holmes (Sherlock Jr.) (1924)
El rey de los cowboys (Go West) (1925)
Siete ocasiones (Seven Chances) (1925)
El maquinista de la General (The General) (1926)
El boxeador, también conocida como El último round, (Battling Butler) (1926)
El colegial (College) (1927)
El héroe del río (Steamboat Bill Jr.) (1928)
El cameraman (The Cameraman) (1928)
El comparsa (Spite marriage) (1929)
El Moderno Barba Azul (Boom in the Moon) (1946)
Sunset Boulevard, donde hace una breve aparición interpretándose a sí mismo, (1950)
Candilejas (Limelight) (1952)
La vuelta al mundo en ochenta días (Around the World in 80 Days) (1956)
Once upon a Time, episodio 78 de La dimensión desconocida, (1961)
El mundo está loco, loco, loco (It's a Mad, Mad, Mad, Mad World) (1963)
Film, de Samuel Beckett, (1964)
The Railrodder, también conocida como The Railroader, (1965)
Golfus de Roma, dirigida por Richard Lester, (1966)
Guerra a la italiana, dirigida por Luigi Scattini, (1966)

Ha recibido 112 puntos

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CECIL B. DE MILLE

37. CECIL B. DE MILLE

Biografía[editar] Nació en Ashfield, Massachusetts. Sus padres, Henry Churchill DeMille (1853–1893), episcopaliano, y Matilda Beatrice Samuel (1853–1923), judía de ascendencia alemana, se dedicaban a escribir obras de teatro. Henry murió cuando Cecil tenía 12 años y su madre comenzó a mantener... Ver mas
Biografía[editar]
Nació en Ashfield, Massachusetts. Sus padres, Henry Churchill DeMille (1853–1893), episcopaliano, y Matilda Beatrice Samuel (1853–1923), judía de ascendencia alemana, se dedicaban a escribir obras de teatro. Henry murió cuando Cecil tenía 12 años y su madre comenzó a mantener el hogar, tras abrir un colegio para señoritas y una compañía de teatro.

Demasiado joven para enrolarse en el ejército y participar en la guerra de Estados Unidos contra España, siguió a su hermano William a Nueva York, para estudiar en la Academia de Artes Dramáticas, e hizo su debut teatral en 1900.

Fue durante 20 años actor y manager de la compañía de su madre. En 1913 junto a Jesse L. Lasky y Samuel Goldwyn, fundaron la Lasky (Paramount), y al año siguiente, produjeron The Squaw Man, su primera película de Hollywood. Produjo y dirigió 70 películas y estuvo muy ligado a muchas más. La mayoría de sus películas son comedias con dejes sexuales, ya que siempre sostuvo que los norteamericanos eran curiosos sólo con el sexo y el dinero.

Su hija adoptada Katherine DeMille se casó con el talentoso actor Anthony Quinn en contra de sus deseos y nunca le prestó ningún apoyo. Su hija biológica se llamó Cecilia.

También es muy conocido por sus producciones de filmes épicos y bíblicos, como Rey de reyes (King of Kings), Los diez mandamientos (The Ten Commandments) (1923).1

Filmografía[editar]
Los diez mandamientos (1956)
The Greatest Show on Earth (1952)
Sansón y Dalila (1949)
California's Golden Beginning (1948)
Unconquered (1947)
The Story of Dr. Wassell (1944)
Reap the Wild Wind (1942)
North West Mounted Police (1940)
Unión Pacífico (1939)
The Buccaneer (1938)
The Plainsman (1936)
Las cruzadas (1935)
Cleopatra (1934)
Four Frightened People (1934)
This Day and Age (1933)
The Sign of the Cross (1932)
The Squaw Man (1931)
Madam Satan (1930)
Dynamite (1929)
The Godless Girl (1929)
Walking Back (1928)
The King of Kings (1927)
The Volga Boatman (1926)
The Road to Yesterday (1925)
The Golden Bed (1925)
Feet of Clay (1924)
Triumph (1924)
The Ten Commandments (1923)
Adam's Rib (1923)
Manslaughter (1922)
Saturday Night (1922)
Fool's Paradise (1921)
The Affairs of Anatol (1921)
Forbidden Fruit (1921)
Something to Think About (1920)
Why Change Your Wife? (1920)
Male and Female (1919)
For Better, for Worse (1919)
Don't Change Your Husband (1919)
The Squaw Man (1918)
Till I Come Back to You (1918)
We Can't Have Everything (1918)
Old Wives for New (1918)
The Whispering Chorus (1918)
The Devil-Stone (1917)
Nan of Music Mountain (1917)
The Woman God Forgot (1917)
The Little American (1917)
A Romance of the Redwoods (1917)
Lost and Won (1917)
Joan the Woman (1917)
The Dream Girl (1916)
Maria Rosa (1916)
The Heart of Nora Flynn (1916)
The Trail of the Lonesome Pine (1916)
The Golden Chance (1915)
Temptation (1915)
The Cheat (1915)
Chimmie Fadden Out West (1915)
Carmen (1915)
Kindling (1915)
Chimmie Fadden (1915)
The Arab (1915)
The Wild Goose Chase (1915)
The Captive (1915)
The Unafraid (1915)
The Warrens of Virginia (1915)
After Five (1915)
The Girl of the Golden West (1915)
The Ghost Breaker (1914)
Rose of the Rancho (1914)
The Man from Home (1914)
What's His Name (1914)
The Virginian (1914)
The Call of the North (1914)
The Man on the Box (1914) (co-director)
The Only Son (1914)
The Master Mind (1914)
Brewster's Millions (1914)
The Squaw Man (1914)

Ha recibido 109 puntos

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MEL BROOKS

38. MEL BROOKS

Biografía[editar] Hijo de padres judíos rusos, durante la Segunda Guerra Mundial perteneció al cuerpo de ingenieros de la US Army y es allí donde dio sus primeros pasos de cómico parodiando en la radio del Ejército los mensajes de propaganda nazi que se podían oír en la radio alemana. De vuelta... Ver mas
Biografía[editar]
Hijo de padres judíos rusos, durante la Segunda Guerra Mundial perteneció al cuerpo de ingenieros de la US Army y es allí donde dio sus primeros pasos de cómico parodiando en la radio del Ejército los mensajes de propaganda nazi que se podían oír en la radio alemana. De vuelta a Estados Unidos, trabajó para televisión escribiendo guiones para series o shows cómicos, siendo El Superagente 86 (Get Smart, en inglés) el más destacado de ellos.

Su entrada en el mundo del cine fue en 1968 con Los productores (The Producers), siendo el director y el guionista. Da vida a un productor de musicales estafador y a un contable tímido y nervioso que encuentran la más grande estafa jamás creada: producir un musical cuyo fracaso es asegurado de forma de hacer más dinero que con un musical exitoso. Ganó el Óscar al mejor guion en 1969.

Una de sus parodias más conocidas es Soy o no soy, sobre el clásico Ser o no ser, en la que interpreta el actor de teatro polaco que durante la Segunda Guerra Mundial tiene que actuar para salvar su vida y la de varios de los que le rodean en dicha comedia, también Escribe, Dirige y Actúa en un clásico de terror, pero llevado a la comedia en la pelicula "Drácula, muerto pero feliz" (Drácula: Dead and Loving It).

Mel Brooks también ha sido el productor de El hombre elefante de David Lynch (1980) y de La mosca de David Cronenberg (1986). Para producir estas películas tan ajenas a su estilo tuvo que crear la empresa Brooksfilms, para evitar que el público, al ver en los carteles «Mel Brooks presenta», pensase de inmediato en una comedia.

Los títulos de sus películas han sido traducidas del inglés en forma distinta en diferentes países, y también han sido modificadas, práctica usual para las audiencias en éstos.

En cuanto a homenajes, en 2009 recibió el Premio Kennedy del gobierno estadounidense y el 25 de abril de 2010 recibió su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood por su trayectoria cinematográfica.1

Filmografía[editar]
Los productores (The Producers, 1968) (director y guionista).
El misterio de las 12 sillas (The Twelve Chairs, 1970) (director, guionista y actor).
Sillas de montar calientes (Blazing Saddles, 1974) (director, guionista y actor).
El jovencito Frankenstein (Young Frankenstein, 1974) (director, guionista).
La última locura (Silent Movie, 1976) (director, guionista y actor).
Máxima Ansiedad (High Anxiety, 1978) (director, guionista y actor).
La loca historia del Mundo (History of the World. Part I, 1981) (director, guionista y actor).
Soy o no soy (To be or not to be, 1983) (actor).
La loca historia de las galaxias (Spaceballs, 1987) (director, guionista y actor).
¡Qué asco de vida! (Life Stinks, 1991) (director, guionista y actor).
Las locas, locas aventuras de Robin Hood (Robin Hood: Men in Tights, 1993) (director, guionista y actor).
Una pandilla de pillos (Little Rascals, 1994) (actor).
Dracula, muerto pero feliz (Drácula: Dead and Loving It, 1995) (director, guionista y actor).
Robots (2005) (voz).
Superagente 86 (Get Smart, 1965-1970) (guionista)
spaceballs the animated serie (como actor, guionista y director)
Condecoración honorífica[editar]
Ruban de l'Ordre des Arts et des Lettres.PNG
Condecoración de la Orden de las Artes y las Letras, en el grado de Caballero.
Televisión[editar]
La producción de la serie de la década de los años 60 (1965 a 1970) titulada El Superagente 86, protagonizada por Don Adams, ha sido de lo más exitoso en sus logros televisivos.

Ha participado como invitado especial en el programa de televisión llamado Loco por ti, programa protagonizado por Helen Hunt y Paul Reiser. También prestó su voz para la serie de animación Los Simpson, interpretándose a sí mismo.

Recientemente ha aparecido interpretándose a sí mismo en varios episodios de Curb Your Enthusiasm.

Premios[editar]
Premios Óscar
Año Categoría Película Resultado
1968 Mejor guion original Los productores Ganador
1974 Mejor guion adaptado El jovencito Frankenstein Candidato
1974 Mejor canción original Blazing Saddles Candidato

Ha recibido 102 puntos

Vótalo:

HAROLD LLOYD

39. HAROLD LLOYD

Harold Clayton Lloyd (Burchard, Nebraska; 20 de abril de 1893 - Beverly Hills, California; 8 de marzo de 1971) fue un actor cinematográfico estadounidense, considerado uno de los más grandes cómicos de la historia del séptimo arte. Lloyd actuó en 208 películas entre 1913 y 1947. Durante la... Ver mas
Harold Clayton Lloyd (Burchard, Nebraska; 20 de abril de 1893 - Beverly Hills, California; 8 de marzo de 1971) fue un actor cinematográfico estadounidense, considerado uno de los más grandes cómicos de la historia del séptimo arte.

Lloyd actuó en 208 películas entre 1913 y 1947. Durante la década de los veinte fue el actor más popular y mejor pagado del universo cinematográfico. Es conocido sobre todo por las secuencias de persecución que incluían proezas físicas como trepar por los muros de altos edificios. Junto a Buster Keaton y Charlie Chaplin forma el «triunvirato» de grandes cómicos del cine mudo y, como ellos, su carrera continuó en el período sonoro.
Juventud y comienzos en el cine[editar]
Con ascendencia galesa por parte de padre, Harold Clayton nació en la localidad de Burchard, condado de Pawnee en Nebraska en una humilde casita que actualmente está restaurada y convertida en museo. Sus padres fueron James Darsie Clayton y Elizabeth Lloyd, de los cuales era el segundo hijo tras su hermano Gaylord nacido en 1888. Su padre, apodado «Foxy» (Astuto), era un hombre inquieto, aventurero, de fácil verborrea y algo bohemio incapaz de permanecer mucho tiempo en un mismo empleo. La madre era dominante, de principios inalterables y con cierta afición por la interpretación; el matrimonio se divorció en 1910. Durante un tiempo Harold y Gaylord vivieron alternando períodos con el uno u otro progenitor hasta quedar definitivamente al cuidado del padre. La infancia de Harold transcurrió de ciudad en ciudad (Humbolt, Beatrice, Omaha, Denver,...) debido, en buena parte, a ese espíritu «nómada» del padre. Si la infancia de Charles Chaplin fue «dickensiana», la de Lloyd puede calificarse al estilo de Tom Sawyer. Desde pequeño, Lloyd se mostró como una persona despierta, rápida de ingenio, inquieta y heredera de la pasión maternal por el teatro. Su padre lo apodó Speedy («Rápido»).

A los doce años trabajaba como acomodador en el teatro Orpheum de Omaha donde conoce y entabla amistad con John Lane Connor, un famoso actor de la época que le ofrece debutar en el escenario realizando un pequeño papel (Abe, un niño cojo) en la obra Tess of the D´Urbervilles. Por aquel entonces su padre trabajaba para la compañía de máquinas de coser Singer, en la cual sufrió un accidente laboral por lo que fue indemnizado con la suma de 3.000 dólares, cantidad más que suficiente para que los hombres Lloyd pudieran vivir holgadamente durante una larga temporada. A la hora de elegir donde establecerse, la decisión fue tomada lanzando una moneda al aire la cual determinó que irían a San Diego. La Escuela de Teatro de esa ciudad estaba dirigida precisamente por Lane Connor, por lo que Harold pasa algún tiempo allí a la vez como estudiante y monitor, sin embargo con ese carácter aventurero heredado de su padre, Lloyd no pasaría mucho tiempo en las aulas. En ese entonces la Compañía Edison pasa por San Diego rodando una western; Connor recomendó a Lloyd para un pequeño papel como extra, se trataba de estar disfrazado de indígena piel roja y medio desnudo. Después de su brevísima formación académica emprende varias giras teatrales por pueblos de la América profunda haciendo pequeños papeles en obras como Trilby y Oliver Twist; estos meses se convertirían en una magnífica escuela. Entre los actores de la compañía teatral en la cual participaba, estaba Charlie Ruggles (posterior secundario en el cine) que constata el don innato de Lloyd para la comedia.


Marinero de agua dulce, primer largometraje de Harold Lloyd (1921).
La gira teatral los llevó a Balboa, donde la Edison Film Company tenía unos de sus estudios. Harold aprovecha y trabaja como extra en varias cintas. Después de esto abandona para siempre el teatro para dedicarse de lleno a la actuación cinematográfica.

En 1913 consigue entrar en los enormes estudios Universal Pictures disfrazado de figurante. Su actitud positiva, carisma y gran sentido del humor, le permiten entablar amistad con J. Farrel McDonald. McDonald era el director de His Heart, His Hand, His Sword (Su corazón, su mano, su espada), típico serial de la época que tenían mucho éxito entre el público. Lloyd participó en éste y otros trabajos de McDonald. En uno de aquellos rodajes se producirá uno de los encuentros más exitosos de la historia del cine: En 1914 Harold Lloyd conoce y entabla amistad con Hal Roach, y ambos, aunque no siempre en perfecta sintonía, trabajarían juntos durante una década.

Roach y Lloyd[editar]
Hal Roach, al igual que Harold, llegó a Hollywood cargado de ilusiones y ligero de bolsillos. Durante un tiempo los dos amigos trabajaron de extras hasta que en 1914 Roach recibió una pequeña herencia que le permitiría pasar a ser productor de sus propias películas con Lloyd como protagonista. No tuvieron mucho éxito comercial aunque sí el suficiente para ir tirando y continuar en el negocio. Esas primeras obras mostraron la capacidad interpretativa de Harold a Mack Sennett, el rey de la comedia en aquellos años diez. Sennett le ofreció un contrato a Lloyd para que realizara imitaciones de Chaplin, que era el modelo cómico a emular. Lloyd no estuvo a gusto con Sennett y volvió a los pocos meses con Roach. Después de varios intentos, crearon el personaje Willie Work, que tenía marcadas similitudes con Charlot. Tuvieron un rápido éxito comercial. A continuación llegaría Lonesome Luke también en la misma línea «chaplinesca». En el curso de tres años habían conseguido crearse una buena reputación en Hollywood. Snub Pollard y Bebe Daniels son los acompañantes habituales de Lloyd en la pantalla en aquella época.

Aunque con este esquema al tándem Lloyd-Roach les iba bien, Harold quería innovar con nuevos personajes, mientras que su socio no quería perder la fórmula que le generaba muy buenos ingresos. En el verano de 1917 Harold crea un nuevo personaje: «El hombre de las gafas» que rompe el estilo cómico imperante. Lloyd aparecía en pantalla con un aspecto completamente normal, similar al hombre medio norteamericano; llevaba gafas de carey (muy de moda en aquel tiempo), sombrero de paja y aspecto juvenil. La clave del éxito no radicaba en el aspecto sino en las virtudes del personaje y su capacidad para superar, desde la sencillez, todos los obstáculos que se interponen en su camino. Éste personaje es optimista, valiente, perseverante, atlético y dinámico; sus historias se desarrollaban en la ciudad ya que el ritmo frenético de la urbe moderna es el que mejor se ajusta a su personalidad. Su éxito radicaba en ser el espejo del estilo de vida opulente de los Estados Unidos de los años veinte. Si Charlot era un personaje marginal inadaptado al mundo burgués, El chico de las gafas se encuentra perfectamente encajado en el sistema capitalista, luchando por el ascenso social usando siempre todas las armas que encuentra a su alrededor aunque siempre «jugando limpio». Si con Chaplin la crítica es frontal y abierta, Lloyd será más condescendiente aunque en su obra si se encuentran formas más sutiles de crítica.

El hombre de las gafas se dio a conocer en el corto Over the Fence (Sobre la valla) el 9 de septiembre de 1917. Bebe Daniels era la acompañante de Lloyd tanto dentro como fuera de la pantalla. Ambos eran la pareja más popular en las fiestas de Hollywood. Eran apodados «El Chico y La Chica», participaban y ganaban frecuentemente concursos de baile. La pareja rompió su relación tanto profesional como personalmente en 1919 aunque continuaron siendo buenos amigos toda la vida. Como nueva pareja en la pantalla, el Chico de las Gafitas quería a una chica de estilo y apariencia muy diferentes a la Daniels. La encontró en Mildred Davis, una rubia de la cual el propio Harold decía que «parecía una gran muñequita francesa». Lloyd y Davis acabaron por ser pareja en la vida real cuando contraen nupcias en 1923. A partir de entonces ella se retira de la actuación.

Lloyd comenzaba a ser visto como una alternativa seria al «reinado» de Chaplin. Uno tras otro, sus cortos se convertían en éxito. Llegó entonces un momento trágico. El día 24 de agosto de 1919 Lloyd posaba para los carteles promocionales de la película Haunted Spooks; en ellos debía aparecer encendiendo un puro con la mecha de una bomba que, evidentemente, se suponía era de broma. El fotógrafo detuvo unos momentos la sesión para ajustar la cámara, cosa que aprovechó Lloyd para acomodar sus ya famosas gafas de carey; alejó la bomba de su rostro justo antes de que hiciera explosión y la detonación estremeciera el edificio. Como resultado de este accidente Lloyd quedó ciego y perdió los dedos índice y pulgar de la mano derecha; los médicos no le daban esperanzas de recobrar la vista, sin embargo, dando una lección de coraje, unos cuantos meses después estaba totalmente recuperado y haciendo sus piruetas aún sin sus dedos completos, un guante protésico disimulaba su condición de manera tan efectiva, que muchos años después el público no sabía que le faltaban dos dedos, él no quería que la gente fuera a ver a un hombre disminuido actuar y hacer acrobacias como una persona normal. Harold Lloyd declaró que «el momento más dramático de mi vida fue aquel en el que estuve a punto de perderla». Nunca hubo denuncias ni aclaración sobre aquel misterioso y dramático asunto.

Los felices veinte[editar]
Desde Over the Fence Lloyd nunca abandonó a su personaje. Su popularidad iba en aumento y en 1921, impulsado por el éxito de The Kid (El Chico) de Chaplin, Lloyd dio el salto a los largometrajes. Sus cortos de uno, dos o tres rollos ya no eran suficientes para el inquieto muchachito de Nebraska aunque entonces se creía que era difícil mantener a la audiencia interesada en una comedia por más de media hora. Roach consideraba que no era conveniente arriesgarse pero finalmente Lloyd se salió con la suya y en 1921 con A Sailor-Made Man (Marinero de agua dulce) hizo un mediometraje de 46 minutos de duración. El éxito fue tremendo. Durante un tiempo Chaplin regresó a los cortos, pero Lloyd ya nunca volvió a hacer una película de menos de 5 rollos.



Harold Lloyd y Mildred Davis en I Do. 1921.
Roach y Lloyd habían creado un equipo de colaboradores llamado The Gag Men, que se complementaban a la perfección (Fred Neymeyer, Tim Whelan, Clyde Bruckman, Ted Wilde y Sam Taylor -Considerado por Lloyd como el más capacitado de todos-). Aunque ellos figurasen como directores de las películas, era Lloyd el responsable final de las mismas. Al igual que Buster Keaton o Chaplin, Lloyd y sus gagmen preparaban minuciosamente las escenas calculando cada segundo de acción. Tenía un estilo rápido, aparentemente loco e improvisado y casi siempre increscendo, sin embargo nada era dejado al azar; de hecho, tras A Sailor-Made Man, sólo rodó nueve películas en siete años debido a la minuciosidad con que se realizaban los cada vez más complejos gags y escenas.

Sus películas solían empezar con un ritmo moderadamente lento, donde 'El hombre de gafas' se ve enredado en algún asunto amoroso o un reto condenado al fracaso, luego iba de chiste en chiste, cada vez más rápido, para llegar a un final donde la velocidad y las piruetas hacen que el protagonista salga victorioso contra la adversidad. En unos pocos años el estilo propio de Lloyd se impone y populariza entre el público, un elemento tan importante para éstas películas, que Lloyd realizaba funciones especiales de sus filmes antes del estreno, y modificaba, añadía u omitía partes de la misma dependiendo de la actitud, aplausos, duración y frecuencia de las risas y carcajadas, aplausos y otros comportamientos de los espectadores.

Entre otros mediometrajes y largometrajes realizados por él, se destacan Captain Kidd's Kids (Las Hijas del Capitán Kidd), From Hand to Mouth (De la mano a la boca) o Now or Never (Ahora o nunca). Su último corto fue Never Weaken (Viaje al Paraíso) de 1921. En sus películas luego usará muchos elementos de sus cortos.

La década de los veinte corona a Harold como el cómico favorito del público junto a Chaplin (Buster Keaton, -redescubierto años más tarde-, estaba en un escalón inferior en cuanto a aceptación e ingresos en taquilla se refiere). Charlot y el Hombre de las gafas de carey no eran, sin embargo, rivales encarnizados. De hecho los dos cómicos, pese a no ser íntimos amigos, siempre mantuvieron una relación muy cordial y de mutua admiración.

Grandes obras maestras[editar]


Cartel de El mimado de la abuelita.
Tras el éxito de Marinero de agua dulce llegan en 1922 Grandma's Boy (El mimado de la abuelita) y Dr. Jack. La primera es una parodia del drama rural muy popular e imitado Tol´able David (dirigido en 1921 por Henry King), donde un apático y asustadizo jovencito sobreprotegido por su abuela saca fuerzas de flaqueza para enfrentarse contra su rival por el amor de la chica armado simplemente con el supuesto talismán que ayudó a su abuelo en la Guerra de Secesión. La idea original era hacer un drama serio sobre la superación de la cobardía. De hecho así se rodó originalmente para, a continución, por presión de Roach, añadir las escenas cómicas. El resultado es una comedia plagada de excelentes gags con una trama muy bien elaborada. Tras ver la película, Chaplin envió un telegrama a Lloyd asegurándole que a partir de entonces tendría que mejorar muchísimo para estar a su altura dada la enorme calidad cómica del filme. El prestigioso crítico Robert E. Sherwood apuntó que Lloyd «construía cada escena con tanta meticulosidad como si se tratara de los mecanismos principales de un reloj. No hay nada que pueda dejar al azar en sus métodos; se preocupa acerca de cada episodio y situación en particular, trabajándola primero en su cabeza para llevarla después a la práctica. Tenía una visión extremadamente clara y un agudo sentido de lo risible; sabía por instinto lo que resultaría naturalmente gracioso y lo que podría parecer como algo simplemente forzado».

En 1923 se estrena la que sería la tarjeta de presentación de Harold Lloyd para futuras generaciones de espectadores y su símbolo de aportación al Séptimo Arte: Safety Last (El hombre mosca). El título parodia la advertencia safety first («la seguridad primero»). Fue estrenada el 1º de abril de 1923. Su éxito fue clamoroso tanto dentro como fuera de los Estados Unidos. La película narra los esfuerzos de un joven empleado de unos grandes almacenes para hacer creer a su ingenua prometida que es un gran hombre de negocios. La larga escena final, con el protagonista escalando un edificio en pleno centro de Los Ángeles, es un prodigio cinematográfico donde se aunan los elementos cómicos y de suspense cuando se cree que el personaje está a punto de caer al vacío en varias ocasiones. Durante mucho tiempo se pensó que era el propio Lloyd quien realizó toda la escalada sin ningún tipo de trucaje. Hoy sabemos que fuera de cuadro se mantenía una plataforma de seguridad que iba ascendiendo a la vez que lo hacía el propio actor.



Escena cumbre de El hombre mosca(1923).
En los planos largos es Bill Strothers, actor que hace el papel de compañero de piso de Harold, quien realiza las escaladas. El hombre era conocido en Los Ángeles como «la araña humana» ya que se dedicaba a trepar por los edificios. A Lloyd se le ocurrió la idea de la película tras ver a Strothers trepar por un edificio de oficinas en Los Ángeles y observar como el público lo observaba con gran interés. Cuando Strothers llegó al tejado Harold lo estaba esperando para proponerle participar en una película.

Por encima de los elementos humorísticos que convierten a la película en una excelente comedia, Safety Last es toda una metáfora del ascenso social y vital en esos Estados Unidos alegres de los años 20 donde todo parecía posible. Todo el filme gira alrededor del tiempo, de la agitada vida urbana y lucha sin cuartel por conseguir el éxito. Desde la escena inicial se ve aparecer la importancia que el tiempo va a jugar en todo el largometraje. En todos los momentos claves un reloj aparece y conforme la película avanza el reloj se va haciendo más y más grande hasta la eclosión final, la gran escena de Harold colgando del reloj, imagen que ya forma parte de la historia del cine. Tras esta película Lloyd había conquistado por méritos propios el título de «Rey de la Comedia de Suspense» y desde entonces fue el actor más taquillero y mejor pagado durante toda la década de los veinte. Su máxima era: «La comedia sale de dentro, sale de tu cara, de tu cuerpo».

Tras Safety Last! Mildred Davis deja de ser la acompañante femenina de Lloyd en pantalla. Su sustituta será Jobyna Ralston que debuta con Lloyd en Why Worry? (Venga Alegría), la historia de un rico hipocondríaco que marcha a una república sudamericana en busca de tranquilidad y reposo para verse involucrado, sin querer, en una revolución. Y aunque no es de las consideradas como mejores obras de Lloyd, sirvió de inspiración muchos años después a Woody Allen para su película Bananas. Esta fue la última comedia de Lloyd producida por Hal Roach. La relación profesional del dúo Roach-Lloyd finalizó de manera amistosa. Muchos años después Roach recordaría a su antiguo socio con estas palabras: «Harold Lloyd no era un cómico, pero fue el mejor actor en interpretar a un cómico que jamás he visto». Tras este gran éxito Harold creó su porpia productora: la Harold Lloyd Film Corporation, lo que le permitirá una completa libertad creativa.

En 1924, ya como productor independiente, rueda Girl Shy (El Tenorio Tímido), una comedia con algunas escenas románticas y con una persecución final donde Lloyd utiliza todos los medios a su alcance para llegar a tiempo de evitar la boda de su amada. Lloyd siempre consideró ésta película como una de sus favoritas. De ese mismo año es Hot Water (Casado y con suegra), simpática parodia de la vida conyugal y los problemas con la familia política. Es una obra episódica con tres fragmentos que casi podrían verse de manera independiente. En 1925 rodó The Freshman (El Estudiante Novato), que quizá junto a Safety Last! son sus películas más populares, y ésta última la más taquillera. Aquí Harold Lloyd es un joven que desea alcanzar la popularidad en la universidad donde sus compañeros lo han elegido como el blanco de todas las bromas pesadas. La escena final en un campo de fútbol americano es célebre, con Harold luchando para conseguir el tanto final que dé la victoria a su equipo. Veinte años después el personaje central volvería a ser utilizado en su despedida del cine. Al final del período del cine mudo, Lloyd dejó un par de grandes obras. La primera es The Kid Brother (El Hermanito) en 1927, comedia de ambiente rural donde retoma algunos de los patrones de Grandma's Boy aunque de una manera más madura y elaborada. Esta cinta fue la última donde Jobyna Ralston actuó como compañera de Harold. La actriz no súpero más adelante el tránsito al sonoro debido a un pronunciado ceceo. Su última producción en el período mudo fue Speedy (Relámpago) en 1928 donde su personaje es llamado como su apodo en la vida real, y vive en la agitada Nueva York. La película retrata A Nueva York desde Conney Island a las calles de Manhattan, pasando por el Estadio de los Yankees (El mítico jugador de béisbol Babe Ruth tuvo un pequeño papel). Todo el filme constituye un homenaje a Nueva York y un completo documento gráfico que muestra el espíritu de la gente en Estados Unidos un año antes de la Gran Depresión.

La década de los veinte acaba con Harold Lloyd en la cima de su popularidad siendo uno de los 36 miembros fundadores de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Con solo 35 años ya había publicado su autobiografía: Una comedia americana. Fuera de la pantalla, participaba muy activamente en The Ancient Arabic Order of the Nobles of the Mystic Shrine, organización caritativa de corte masónico actuando de manera generosa en el sostenimiento de diferentes hospitales infantiles.

El tránsito al cine sonoro: los difíciles años 30[editar]
Con la llegada de la década de los treinta y los problemas sociales y políticos en todo el mundo, Lloyd y sus personajes optimistas ya no son los preferidos de un público que, con la llegada del cine sonoro, prefiere cómicos magos de la palabra, como W. C. Fields, Los Hermanos Marx, Mae West o Eddie Cantor. Para evitar el mismo destino que otros actores de cine mudo sufrieron con la nueva tecnología, Lloyd tomó clases de dicción y entrenamiento vocal, aunque llegó a afirmar «No creo que el público quiera comedias habladas. Las películas y las artes habladas son dos artes distintos».

Welcome Danger (¡Qué fenómeno!) de 1929 se rodó como película muda. Cuando estaba prácticamente terminada, el gran éxito del cine sonoro hizo que Lloyd se decidiera a rehacer casi por completo la película, lo que disparó el costo de la producción a casi un millón de dólares. En ésta película, la acompañante en escena fue Barbara Kent, una actriz canadiense nacida en 1906. Welcome Danger fue estrenada el 12 de octubre de 1929, unas semanas antes del crack bursátil, fue un éxito en taquilla, debido a que la gente estaba ansiosa de oír hablar a Lloyd, sin embargo no fue tan rentable como algunas obras anteriores, en parte por la gran inversión realizada. En 1930 lanzó Feet First (¡Ay, que me caigo!) ya plenamente sonora, película con varias escenas de peripecias al mismo nivel de Safety Last!, pero no tuvo la misma acogida del público.

Con la regular recepción del filme ante el público, Lloyd se toma un par de años sabáticos lejos de la pantalla volviendo en [1932] con Movie Crazy (Cinemanía), película sonora pero con muchas características del cine mudo, donde el protagonista tiene una compleja relación amorosa con la protagonista (Constance Cummings), algo novedoso en sus películas. Aunque es posiblemente su mejor sonora, la taquilla no funcionó del todo.


En 1934 lanza la película The Cat's Paw (La garra del Gato), donde rompe los esquemas de sus producciones anteriores realizando una comedia con altas dosis de crítica social al mejor estilo de Frank Capra. Por primera vez Lloyd tomó como base una obra literaria usando una novela de Clarence Budington Kelland. La película trata sobre el hijo de un misionero criado en China, que al volver a Estados Unidos para elegir esposa se encuentra atrapado en una compleja y oscura red de intereses políticos. Corrupción caciquismo, racismo, fascismo y la oposición oriente-occidente tienen cabida en una película oscura con un tipo de humor completamente distinto al gag lloydiano. En el cartel promocional de la película podía leerse: «Todo es nuevo menos las gafas». En 1936 rodó The Milky way (La Vía Láctea), su último intento serio por asentarse en el cine sonoro. Es la historia de un lechero que termina por convertirse en campeón de boxeo. El tema fue retomado diez años después por Dany Kaye. En 1938 filmó Professor Beware (No Se Duerma, Profesor), comedia flojita que fue un rotundo fracaso en taquilla y llevó a Lloyd a su retiro a la temprana edad de 45 años.

Retiro[editar]
Con una enorme fortuna, el siempre inquieto y aún no muy mayor Lloyd se dedicó a multitud de aficiones desde criar perros, jugar al balonmano, fotografía en color y en tres dimensiones, pintura y hasta viajar por todo el mundo. En la década del 40 produjo un par de películas con poco éxito y trabajó un año como locutor radiofónico. Muchos de los que lo trataron en aquella época consideraban que las aficiones de Lloyd eran auténticas excentricidades.

Por ejemplo gastaba enormes sumas de dinero encargando catálogos anuales completos a casas discográficas, o redecorando una y otra vez su mansión Green Acres con 44 habitaciones, 26 baños, 12 fuentes, 12 jardines, campo de golf de 9 hoyos y varias canchas deportivas en las afueras de Los Ángeles. Subía tanto el volumen de su impresionante equipo de alta fidelidad que en más de una ocasión el techo de su gran mansión llegó a resquebrajarse. Como fotógrafo se especializó en desnudos femeninos, retratando a Bettie Page, Dixie Evans y una joven casi desconocida Marilyn Monroe, entre otras. En su vida privada siempre hubo rumores sobre sus infidelidades y supuestos hijos ilegítimos. Incluso su antiguo socio Hal Roach llegó a insinuar que contrajo algún tipo de enfermedad venérea crónica. Todos esos rumores nunca fueron confirmados. Lloyd demostró siempre tolerancia hacia la homosexualidad (Su hijo Harold Junior era homosexual) mientras, al parecer, fue muy intransigente en cuanto a la educación de sus hijas.

A diferencia de otros actores de la época, e incluso posteriores, Lloyd era el propietario de casi toda su obra fílmica, lo cual le aseguró una sólida fortuna durante toda su vida. En 1947 fue convencido por el director Preston Sturges para regresar al cine en la película The Sin of Harold Diddlebock (El pecado de Harold Diddlebock), en la cual lloyd retoma su personaje de The Freshman, convertido en un triste contable maduro. El resultado no fue el mejor, pero se puede ver por última vez a Lloyd hacer piruetas en la cornisa de un edificio.

En 1953 recibió el Óscar honorífico por su aportación al mundo del cine y «por ser buen ciudadano». Esta última afirmación era una clara indirecta a Chaplin, investigado en aquellos días por supuestas actividades antiamericanas. En esta década de los 50, apadrinó a varios actores ascendentes, como Debbie Reynolds, Robert Wagner y Jack Lemmon.

Recibió varias ofertas para que sus películas fueran emitidas por televisión, pero él siempre se negó, considerando que el medio ideal para disfrutar de su obra era la pantalla grande. Esta actitud suya es una de las causas del olvido que sufrió Lloyd durante varias décadas.

A finales de los 50 el entorno familiar de los Lloyd se resquebraja: Mildred cayó en una profunda depresión que la llevó al alcoholismo al igual que Harold Junior, el hijo mayor, el cual no pudo aceptar su homosexualidad ni su fracaso como actor a pesar del apoyo paterno.

Mientras, Harold continuaba con una vida muy activa, viajando, siendo conferenciante o presidiendo el jurado de la Berlinale de 1960. Convencido por su hijo preparó un par de recopilaciones televisivas con las mejores escenas de sus películas que tuvieron un éxito inmediato en 1962 y 1963. Su esposa falleció en 1969. Harold Lloyd falleció en 1971 en Beverly Hills por un cáncer de próstata.

En 1970, en una de sus últimas apariciones públicas, Harold Lloyd afirmó: «Mi humor nunca fue cruel o cínico. Simplemente agarraba la vida y le daba un codazo de diversión. Lo hacíamos de manera que todo el mundo lo entendiera, sin las barreras del lenguaje. Parece que también hemos conquistado las barreras del tiempo». «La risa es el sonido más hermoso del mundo» es otra de sus sentencias más conocidas.

El redescubrimiento de Lloyd[editar]
A diferencia de Chaplin, la popularidad de Lloyd declinó rápidamente a partir de los sesenta ya que sus películas nunca se proyectaban por la pequeña pantalla. Casi toda la obra fílmica de Lloyd está controlada por el Harold Lloyd Trust, que permitió la emisión de algunas de las obras lloydianas más populares en televisión a finales de la década del 70. En 1974, Time-Life comenzó la emisión de la serie El mundo de la comedia de Harold Lloyd, una compilación de escenas de sus películas mezcladas arbitrariamente y con una voz en off comentándolas. A pesar de su mediocre calidad, una nueva generación descubrió al genio de las gafitas y comenzó a pedir más de aquel cómico cuyo estilo era muy distinto al de Charlot o Keaton. En 1989 la serie estadounidense American Masters, produjo Harold Lloyd, el tercer genio, espaldarazo para el «renacimiento lloydiano». Tras esto, el Harold Lloyd Trust, celoso guardián de la obra de Lloyd, restauró varias de sus grandes películas de los años veinte con nuevas partituras musicales, algunas muy meritorias como la de Carl Davis para El hombre mosca. En 2005 New Line Cinema sacó al mercado Harold Lloyd Comedy Collection, una colección de 7 DVD con 13 cortos, 15 largometrajes (entre mudos y hablados), completamente restaurados y con contenido extra de todo tipo. El éxito de esa colección en Norteamérica animó a la compañía para editarla en el resto del mundo. Este renacer de Lloyd se produce, en buena medida, gracias a la labor de Annette D´Agostino, «lloydmaníaca» confesa y Suzanne Lloyd, nieta del actor.

Filmografía seleccionada[editar]


Anuncio (1919)
Cortos[editar]
Harold director de un cine (Luke's Movie Muddle, 1916)
El chef (The chef / On the fire, 1919)
No empujen (Don't Shove, 1919)
La niña y la niñera (His Only Father / The Baby Sitter and the Girl, 1919)
Hacia Broadway (Bumping into Broadway, 1919)
De la mano a la boca (From Hand to Mouth, 1919)
Aparición de fantasmas (Haunted spooks, 1920)
Salgan y entren (Get out and get under, 1920)
Largometrajes mudos[editar]
Marinero de agua dulce (A Sailor-Made Man, 1921)
El doctor Jack (Doctor Jack, 1922)
El mimado de la abuelita (Grandma's Boy, 1922)
El hombre mosca (Safety Last, 1923)
¡Venga alegría! (Why Worry?, 1923)
El tenorio tímido (Girl Shy, 1924)
Casado y con suegra (Hot water, 1924)
El estudiante novato (The Freshman, 1925)
El hermanito (The kid brother, 1927)
Relámpago (Speedy, 1927)
Largometrajes sonoros[editar]
¡Qué fenómeno! (Welcome Danger, 1929)
¡Ay, qué me caigo! (Feet First, 1930)
Cinemanía (Movie crazy, 1932)
La garra del gato (The Cat's Paw, 1934)
La vía láctea (The Milky way, 1936)
Professor Beware (Professor Beware, 1938)
El pecado de Harold Diddlebock (Sin of Harold Diddlebock, 1947)
El mundo de comedia de Harold Lloyd (Harold Lloyd´s World of Comedy, 1962)
El lado divertido de la vida de Harold Lloyd (The Funny side of Life, 1963)

Ha recibido 101 puntos

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ROBERT ALTMAN

40. ROBERT ALTMAN

Biografía[editar] Juventud e inicios en el cine[editar] Altman nació en Kansas City, Missouri, E.U.A., hijo de Bernard Clement Altman y Helen Mathews. De ascendencia alemana, inglesa e irlandesa,1 2 su abuelo paterno, Frank Altman, Sr., cambió el apellido de la familia de "Altmann" a "Altman... Ver mas
Biografía[editar]
Juventud e inicios en el cine[editar]
Altman nació en Kansas City, Missouri, E.U.A., hijo de Bernard Clement Altman y Helen Mathews. De ascendencia alemana, inglesa e irlandesa,1 2 su abuelo paterno, Frank Altman, Sr., cambió el apellido de la familia de "Altmann" a "Altman".2 Altman tuvo una estricta educación católica.3 Estudió en el colegio St. Peter's School. Luego en la secundaria Rockhurst High School y en Southwest High School en Kansas City, y fue enviado a la academia militar Wentworth Military Academy a las afueras de Lexington, Missouri, donde estuvo durante sus primeros años universitarios. En 1943, a la edad de 18 años, Altman entró a las Fuerzas Aéreas del Ejército de los Estados Unidos (USAAF) donde fue copiloto de un bombardero B-24 durante la Segunda Guerra Mundial. Fue durante esta época en que Altman vio las primeras luces de Hollywood y se enamoró de ellas. Desde su retiro, en 1947, Altman se mudó a Los Ángeles y siguió una carrera como actor, escritor y director.

Tras varios fracasos como director de cine y dedicarse a la dirección de series televisivas, en series como Bonanza o Alfred Hitchcock presenta, conoce el éxito merced a la película M*A*S*H (1970), sátira de la guerra de Corea que logra la Palma de Oro en el Festival de Cannes. A partir de aquí desarrollará una carrera ascendente que, aunque con altibajos, le convierte en uno de los directores americanos más originales de la segunda mitad del siglo XX.

Su empleo del movimiento continuo de las cámaras y el cine coral son referentes y han creado escuela.

Altman falleció en la noche del 20 de noviembre de 2006 a los 81 años en un hospital de Los Ángeles. La causa de su muerte se debió a complicaciones producto de un cáncer que padecía.

Filmografía[editar]
The Delinquents, The James Dean Story, 1957
Countdown, 1968
That Cold Day in the Park, 1969
M*A*S*H, Brewster McCloud, 1970
McCabe and Mrs. Miller, 1971
Images, 1972
The Long Good Bye, 1973
Thieves like us, California Split, 1974
Nashville, 1975
Buffalo Bill and the Indians, 1976
3 Women, 1977
A wedding, 1978
A perfect couple, HEALTH, Quintet, 1979
Popeye, 1980
Come bach to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean, 1982
Streamers, 1983
Secret Honor, 1984
Fool for Love, 1985
Beyond Therapy, O.C and the Stiggs, 1987
Vincent y Theo, 1990
El Juego de Hollywood, 1992
Vidas cruzadas (Short Cuts), 1993
Prêt-à-Porter, 1994
Kansas City, 1996
The Gingerbread Man (Conflicto de intereses), 1998
Cookie's Fortune, 1999
Dr. T y sus mujeres, 2000
Gosford Park, 2001
The Company, 2004
El último show, 2006
Premios[editar]
Premios Óscar
Año Categoría Película Resultado
2006 Óscar honorífico Ganador
2001 Mejor director Gosford Park Candidato
1993 Mejor director Vidas cruzadas Candidato
1992 Mejor director El juego de Hollywood Candidato
1975 Mejor película Nashville Candidato
1975 Mejor director Nashville Candidato
1970 Mejor director M*A*S*H Candidato
Premios Globo de Oro
Año Categoría Película Resultado
2002 Mejor director Gosford Park Ganador
1994 Mejor película - Comedia o musical Vidas cruzadas Candidato
1993 Mejor director El juego de Hollywood Candidato
1976 Mejor director Nashville Candidato
1971 Mejor director M*A*S*H Candidato
Premios BAFTA
Año Categoría Película Resultado
2001 Mejor director Gosford Park Ganador
1992 Mejor película The Player Ganador

Ha recibido 97 puntos

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JOSEPH LEO MANKIEWICZ

41. JOSEPH LEO MANKIEWICZ

Biografía[editar] Su padre, Franz Mankiewicz, judío berlinés que emigró a los 17 años de Alemania en 1885, llegó a ser en los Estados Unidos un famoso profesor en el New York City College. Enseñó lengua, teología hebrea y educación; además frecuentó la élite cultural de Nueva York. Tuvo tres... Ver mas
Biografía[editar]
Su padre, Franz Mankiewicz, judío berlinés que emigró a los 17 años de Alemania en 1885, llegó a ser en los Estados Unidos un famoso profesor en el New York City College. Enseñó lengua, teología hebrea y educación; además frecuentó la élite cultural de Nueva York. Tuvo tres hijos con una mujer judía proveniente de Curlandia. El mayor, Herman Mankiewicz (n. 1897), sería un importante guionista y productor de cine, autor del guión de la película Ciudadano Kane. Tras su hermana Erna, nació el benjamín, Joseph Leo; Franz quiso que todos ellos tuviesen una esmerada formación.

El joven Joseph comenzó la carrera de medicina, en la rama de la psiquiatría, pero la baja puntuación en una asignatura le impidió terminar esos estudios, aunque leería luego mucho psicoanálisis. Por contraste, en 1928 estudió la rama de Arte de la Universidad de Columbia. A los 19 años, una vez terminados los estudios, viajó a Berlín para estudiar, enviado por su padre, pero empezó a aficionarse por el teatro —le entusiasmaron Max Reinhardt, Piscator y Brecht—, y el cine —en aquellos momentos estaba en pleno apogeo la corriente expresionista del cine alemán—. Trabajó como corresponsal del Chicago Tribune y fue traductor de intertítulos para la productora UFA. Fue su única aportación al cine alemán. En 1929, su hermano Herman lo llamó desde Hollywood, donde trabajaba como guionista, así que Joseph, refugiado en París con escasos medios, decidió aceptar la invitación de su hermano e ir a Hollywood.1

Los primeros pasos en el cine estadounidense los dio en los estudios Paramount donde su labor fue secundaria y apenas sin relevancia profesional. Poco después, y ya bajo contrato de la Metro-Goldwyn-Mayer, obtuvo su primer éxito profesional al colaborar en el guion del melodrama negro El enemigo público número uno (1934) dirigida por W. S. Van Dyke, película que consiguió el Óscar al mejor guion, aunque el premio fue concedido a Arthur Caesar, ya que fue quien firmó finalmente el guion. Pero aquel primer paso dio resultados positivos, que se consolidaron con otros dos guiones para el mismo director pensados como vehículos para el lucimiento de la actriz Joan Crawford: Cuando el diablo asoma (1934) y Vivo mi vida (1935).

Alentado por su éxito inicial, intentó que Louis B. Mayer lo dejara dirigir sus propios guiones, pero éste sopesaba bien la valía de cada uno de sus empleados antes de embarcarlos en un proyecto diferente al que habitualmente desempeñaban. A pesar de que no cedió a sus intentos, Mayer accedió no obstante a nombrarlo productor y desempeñó muy notablemente este cargo entre 1935 y 1942, periodo durante el cual produjo 19 film para MGM, entre los que destacan dos títulos: Furia (1936), dirigida por Fritz Lang, alegato contra la intolerancia y el racismo en una lectura claramente política, e Historias de Filadelfia (1940), una comedia sobre la lucha de sexos dirigida por George Cukor.

Decepcionado por no poder dirigir sus propias películas, Mankiewicz dejó la MGM y se puso al servicio de la 20th Century Fox. En este estudio realizó su ópera prima como director, El castillo de Dragonwyck (1944), dirigiendo a la fascinante Gene Tierney con secundarios del calibre de Jessica Tandy o Vincent Price. En 1947 logró otra obra maestra con la poética El fantasma y la señora Muir, con Gene Tierney, Rex Harrison y una Natalie Wood de ocho años, más una excelente fotografía de Charles Lang y una impagable música de Bernard Herrmann. Aprendió de Ernst Lubitsch, su maestro, que le «enseñó lo que no hay que hacer»2

En 1949 estrenó Carta a tres esposas, película donde se pone de manifiesto su interés por la psicología femenina y con la que obtuvo dos premios Óscar, el de mejor guion adaptado y el de mejor dirección; cuenta con las interpretaciones de Kirk Douglas y Linda Darnell en una historia tan innovadora como El crepúsculo de los dioses en cuanto a narrativa fílmica.

El éxito que obtuvo fue refrendado con su siguiente película, uno de los considerados clásicos del séptimo arte, Eva al desnudo (1950), sobre las ambiciones sin piedad en el mundo teatral. Con este film, Mankiewicz obtuvo seis Óscar, entre ellos el de mejor película, mejor dirección y mejor guion adaptado; el éxito de la película hizo que se creara el premio «Sarah Siddons» que él había inventado para el relato.3

Luego se sucedieron otras películas destacadas y de muy distinto tipo (de hecho, fue denominado un «director inclasificable»), como Operación Cicerón (1951), con James Mason y Dannielle Darrieux, de espías; un clásico, Julio César (1952), con algunos de los mejores actores de la época en el reparto (Marlon Brando, James Mason, Deborah Kerr, Greer Carson y Louis Calhern); La condesa descalza (1954), sobre el mundo devorador del cine, con la mejor actuación de Ava Gardner hasta ese momento; Ellos y ellas (1955), el único musical que dirigió, y De repente, el último verano (1959), adaptación a la pantalla de una historia de Tennessee Williams.

Pero llegó lo que Mankiewicz llamaría su «pesadilla»: Cleopatra. Tras un desastroso prólogo en Londres, pues tuvo que desechar todo el material filmado, en septiembre de 1961 se reinició en Roma el rodaje de la epopeya histórica basada en la vida de la reina egipcia, y cuyo rodaje se prolongó hasta 1963. Fue la primera vez que una actriz (Elizabeth Taylor) cobraba un millón de dólares por su trabajo, lo que encareció el proyecto. Además, desastres de toda índole que rodearon la preparación y el rodaje del film quebrantaron la salud de Mankiewicz, quien necesitó dos años para recuperarse, aunque en medio dirigió una película para la TV. Pese a la espectacularidad de Cleopatra, decepcionó a crítica y público en su estreno, convirtiéndose en uno de los mayores desastres de taquilla de la historia.

En 1967 dirigió Mujeres en Venecia, película que fue recibida fríamente por la crítica y el público; en 1970 realizó su único western, El día de los tramposos. Y en 1972 puso fin a su carrera cinematográfica al filmar la adaptación de la obra teatral de Anthony Shaffer La huella.

"Los nuevos directores han cometido un grave error al aprender a hacer cine en escuelas y universidades. Que se cultiven, que lean, que aprendan de Shakespeare, de Molière o de Cervantes, que han sido formidables guionistas."
Joseph Mankiewicz (años 70)
Mankiewicz pasó sus últimos años de vida retirado en su granja de Willow Pond, rodeado de los recuerdos que guardaba de todas sus películas, y falleció el 5 de febrero de 1993 en Bedford (Nueva York) cuando estaba a punto de cumplir 84 años, a causa de un ataque al corazón.

Licenciado en Historia del Arte y crítico teatral para el New York Times en Berlín, leyó hasta su muerte innumerables libros de psiquiatría, pero Mankiewicz es considerado sobre todo como un gran y culto guionista, experto en adaptaciones literarias (Graham Greene en El americano impasible, William Shakespeare en Julio César, Tennessee Williams en De repente, el último verano (1959) y Anthony Shaffer en La huella). Cuidaba la estructura de sus historias y la caracterización de sus personajes y era un gran director de actores, que llegaba al virtuosismo en los diálogos de sus filmes.

"Creo que sinceramente se puede decir que he estado en el comienzo, el ascenso, la cima, la caída y el fin del cine sonoro."
Joseph Mankiewicz
Filmografía[editar]
Como Director[editar]
Año Filme Nominaciones al Óscar Óscars recibidos
1946 Dragonwyck
Backfire
Somewhere in the Night
1947 The Late George Apley
The Ghost and Mrs. Muir (El fantasma y la señora Muir) 1
1948 Escape
1949 A Letter to Three Wives (Carta a tres esposas) 3 2
House of Strangers
1950 No Way Out 1
All About Eve (La Malvada / Eva al desnudo) 14 6
1951 People Will Talk
1952 5 Fingers (Cinco dedos / Operación Cicerón) 2
1953 Julius Caesar (Julio César) 5 1
1954 The Barefoot Contessa (La condesa descalza) 2 1
1955 Guys and Dolls 4
1958 The Quiet American (El americano tranquilo)
1959 Suddenly, Last Summer (De repente, en el verano / De repente, el último verano / De repente el verano ) 3
1963 Cleopatra 9 4
1964 Carol for Another Christmas
1967 The Honey Pot (Mujeres en Venecia)
1970 King: a Filmed Record...Montgomery To Memphis 1
There Was a Crooked Man... (El día de los tramposos)
1972 Sleuth (La huella) 4
Como Guionista[editar]
1929: Fast Company co-guionista
1930: Slightly Scarlet co-guionista
1930: Paramount on Parade
1931: The Social Lion adaptación
1931: Only Saps Work co-guionista
1931: The Gang Buster
1931: Finn & Hattie
1931: June Moon co-guionista
1931: Skippy co-guionista
1931: Newly Rich co-guionista
1931: Sooky co-guionista
1932: This Reckless Age co-guionista
1932: Sky Bride co-guionista
1932: Million Dollar Legs guion
1932: If I Had A Million (partes de "China Shop", "Three Marines", "Violet") sin acreditar
1933: Diplomaniacs co-guionista
1933: Emergency Call co-guionista
1933: Too Much Harmony guion
1933: Alice In Wonderland co-guionista
1934: Manhattan Melodrama co-guionista
1934: El pan nuestro de cada día diálogo
1934: Forsaking All Others
1935: I Live My Life
1944: Las llaves del Reino co-guionista
1946: Dragonwyck
1946: Somewhere in the Night co-guionista
1949: Carta a tres esposas
1949: House of Strangers sin acreditar
1950: No Way Out co-guionista
1950: Eva al desnudo
1951: People Will Talk
1953: Julius Caesar sin acreditar
1954: La condesa descalza
1955: Guys and Dolls
1958: The Quiet American
1963: Cleopatra co-guionista
1967: The Honey Pot
Premios y nominaciones[editar]
Año Película Categoría Resultado
Premios Óscar
1931 Skippy Mejor guion adaptado Candidato
1941 The Philadelphia Story Mejor película Candidato
1950 Carta a tres esposas Mejor director Ganador
Mejor guion original Ganador
1951 Eva al desnudo Mejor director Ganador
Mejor guion original Ganador
No Way Out Mejor guion original Candidato
1953 5 Fingers Mejor director Candidato
1955 La condesa descalza Mejor guion original Candidato
1973 La huella Mejor director Candidato
Sindicato de directores de Estados Unidos
1949 Carta a tres esposas Premio al logro excepcional como Director Ganador
1951 Eva al desnudo Premio al logro excepcional como Director Ganador
1953 5 Fingers Premio al logro excepcional como Director Candidato
1954 Julius Caesar Premio al logro excepcional como Director Candidato
1981 Premio honorífico como miembro vitalicio Ganador
1986 Premio honorífico a toda su carrera Ganador
Writers Guild of America
1950 Carta a tres esposas Comedia americana mejor escrita Ganador
1951 Eva al desnudo Comedia americana mejor escrita Ganador
Drama americano mejor escrito Candidato
No Way Out Premio Robert Meltzer Candidato
1952 People Will Talk Comedia americana mejor escrita Candidato
1955 La condesa descalza Drama americano mejor escrito Candidato
1956 Guys and Dolls Musical americano mejor escrito Candidato
1963 Premio Laurel al logro como guionista Ganador
Premios Oscar a interpretaciones dirigidas[editar]
Año Intérprete Película Resultado
Mejor actor
1953 Marlon Brando Julius Caesar Candidato
1963 Rex Harrison Cleopatra Candidato
1972 Michael Caine La huella Candidato
1972 Laurence Olivier La huella Candidato
Mejor actriz
1950 Anne Baxter Eva al desnudo Candidato
1950 Bette Davis Eva al desnudo Candidato
1959 Katharine Hepburn Suddenly, Last Summer Candidato
1959 Elizabeth Taylor Suddenly, Last Summer Candidato
Mejor actor de reparto
1950 George Sanders Eva al desnudo Ganador
1954 Edmond O'Brien La condesa descalza Ganador
Mejor actriz de reparto
1950 Celeste Holm Eva al desnudo Candidato
1950 Thelma Ritter Eva al desnudo Candidato

Ha recibido 94 puntos

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BLAKE EDWARDS

42. BLAKE EDWARDS

Biografía[editar] Desde siempre, lo que llenaba a Edwards era escribir. Sus inicios como guionista fueron casi producto del azar. Una de sus novias de juventud le mostró un guion que estaba escribiendo para un programa de radio y, cuando quiso darse cuenta, Edwards lo había rehecho por completo... Ver mas
Biografía[editar]
Desde siempre, lo que llenaba a Edwards era escribir. Sus inicios como guionista fueron casi producto del azar. Una de sus novias de juventud le mostró un guion que estaba escribiendo para un programa de radio y, cuando quiso darse cuenta, Edwards lo había rehecho por completo. El jefe de la muchacha quedó tan impresionado con el trabajo de Edwards que se convirtió en su agente y le consiguió trabajo para escribir con regularidad para la radio. Como guionista, Edwards pasó de la radio a la televisión, que le sirvió de plataforma para alcanzar su meta, el cine.

Antes de escribir guiones para cine, mientras escribía para radio y televisión empezó su acercamiento al cine de la forma que le era más fácil: como extra. En 1942, dio sus primeros pasos en el cine como actor, en la excelente película Diez héroes de West Point. Un drama bélico, dirigido por Henry Hathaway, en el que el argumento se traza en torno a un grupo de estudiantes de la academia militar West Point que han de acudir a sofocar una rebelión india. Además, en la trama se incluye un conflicto amoroso típico: dos hombres (John Sutton y Laird Cregar) enamorados de una misma mujer (la pelirroja Maureen O'Hara). La participación de Edwards en el film es bastante irrelevante, interpretaba un pequeño papel secundario y ni siquiera aparece mencionado en los créditos.

Su primer guion para el cine fue el del western de 1948 dirigido por Lesley Selander: Imperio del crimen. El guion no lo escribió en solitario, sino que fue coguionista junto con John Champion. Además de colaborar en el guion, ambos fueron productores de la película.

Su primera película como director fue Venga tu sonrisa de 1955. Es la primera película del equipo formado por Blake Edwards con Richard Quine. Ambos empezaron a colaborar en los inicios de sus respectivas carreras, cuando aún eran los dos novatos, actores que aspiraban a algo más. Entre 1952 y 1958 firmaron conjuntamente siete guiones para la Columbia Pictures. Cinco de las películas, las dirigiría Quine; las otras dos, Edwards. El último guion que escribieron conjuntamente ya no fue afrontado por la Columbia que cuatro años después cedió los derechos a la Universal Studios. Finalmente, en 1962, Quine dirigió La misteriosa dama de negro.

Su carrera abarca 50 años. Aunque, etiquetado para la historia como "director de comedias", Edwards se ha paseado por todos los géneros y algunos de sus melodramas se han convertido en verdaderos clásicos.

Como director de cine, su última película fue un indigno final: El hijo de la pantera rosa de 1993, con Roberto Benigni. En televisión fue una nueva adaptación para la televisión de Victor Victoria (1982) rodada en 1995. Después, dejó de dirigir aquejado de fatiga crónica. Edwards ha pasado a la historia del séptimo arte por: Desayuno con diamantes (1961) o la mejor interpretación de Audrey Hepburn que el público recuerda, sobre la novela de Truman Capote; Días de vino y rosas (1963), o la comedia amarga más brillante y aclamada jamás rodada sobre el mundo del alcoholismo, con magistrales interpretaciones de Jack Lemmon, Lee Remick y Charles Bickford; y en menor medida tres taquillazos con cuatro comedias de calidad como la encantadora Operación Pacífico (1959), con Cary Grant en una de las mejores comedias de submarinos nunca estrenadas; The Party (1968), compenetrándose a la perfección con un hierático Peter Sellers y logrando una comedia absurda y genial que roza la perfección y renueva profunda y definitivamente el género; la sensacional Victor Victoria, remedando el famoso film alemán de 1930 (de Reinhold Schunzel); y la inevitable La pantera rosa (1963) y todas sus secuelas.

Como productor en cine, su últimas películas fueron La maldición de la pantera rosa y Mis problemas con las mujeres de 1983. En televisión, posteriormente, aún trabajo como productor ejecutivo en tres series. La última fue Julie cuya protagonista era su mujer.

El éxito comercial y recaudatorio de La pantera rosa fue de tal magnitud que marcó la carrera del director. Al año siguiente se rodó una secuela. Después, Edwards fue grabando una nueva secuela cada vez que tenía falta de liquidez. Además su prestigio le ha permitido incluir su nombre en el propio título: por ejemplo, Blake Edwards' son of the pink Panther.

Como director siempre se ha destacado que, por su experiencia previa como actor, dejaba mucho margen de acción a los actores. De hecho, esperaba a ubicar definitivamente las cámaras hasta después de los ensayos en el set de rodaje. Además, es fundamental la colaboración entre Blake Edwards y el compositor Henry Mancini, de cuyos frutos han salido muchas de las mejores bandas sonoras de la historia, siendo sólo un ejemplo, la célebre canción Moon River de Desayuno con diamantes. También fue importante en la carrera de Blake Edwards, el apoyo del productor Tony Adams, al que encontramos detrás de la financiación de muchas de sus películas.

Vida privada[editar]
Cuando su madre contrajo segundas nupcias con Jack McEdwards, entró a formar parte de una familia con grandes lazos con el mundo del cine:

Su padrastro, Jack McEdwards, fue asistente de dirección en siete películas entre 1936 y 1957.
Su abuelo político (el padre de Jack McEdwards), James Gordon Edwards, fue un notable director, guionista y productor estadounidense durante la época del cine mudo. Era el principal supervisor de la Fox Film Corporation y hombre de confianza de William Fox hasta el momento de su muerte en 1925. Rodó como director 56 películas en una década, entre 1914 y 1924, en 23 de estas, con la mítica Theda Bara, primera mujer fatal de Hollywood y primera gran estrella femenina del cine de EE.UU., como actriz principal. (Salomé, de 1917, es un gran ejemplo).
En 1953 contrajo matrimonio con la actriz Patricia Walker, pero se divorciaron en 1967. Patricia no tuvo una gran carrera como actriz. Sólo trabajó en siete películas y, tras su boda, abandonó la interpretación. Patricia nunca trabajó a las órdenes de Edwards, sólo trabajó con él en Marino al agua, donde él era guionista, no director. Blakie y Pat tuvieron dos hijos Jennifer y Geoffrey Edwards. Jennifer ha trabajado con su padre en varias ocasiones (Diagnóstico asesinato, S.O.B.,...)

En 1969, dos años después de su divorcio, Blake Edwards contrajo matrimonio con Julie Andrews, con quien estuvo casado hasta su fallecimiento. Edwards dirigió a su esposa en siete ocasiones. Julie se había divorciado del productor Tony Walton también en 1967. De esta unión, Julie aportaba una hija Emma Walton. Julie y Blakie no tuvieron hijos propios en común, pero adoptaron a dos niñas vietnamitas Amy y Joanna Edwards.

Entre las anécdotas de su vida siempre se cita el hecho de que fue compañero de piso de Mickey Rooney.

Por último, tres de sus cuatro hijos están vinculados con el cine. También su hijastra, Emma Walton, y una de sus nieta Hannah Schneider (hija de Jennifer). Por ahora (2005), la filmografía de Hannah sólo cuenta con un título en el que aparece como atriz de reparto: Princesa por sorpresa 2 (The princess diaries 2: Royal engagement) de Garry Marshall. En esta película también intervienen la mujer de su abuelo, Julie Andrews, y su tía, Amy Edwards.

Filmografía[editar]
Como director[editar]
Cine[editar]
1955 - Venga tu sonrisa (Bring your smile along). Comedia musical protagonizada por Frankie Lane y Lucy Marlow.
1956 - He laughed last ("El que ríe el último"). Comedia no muy memorable protagonizada por Anthony Dexter.
1957 - El temible Mr. Cory (Mister Cory). Drama protagonizado por dos excelentes Tony Curtis y Charles Bickford, que supone el primer film notable de su director. Es la primera película en la que Edwards colabora con Henry Mancini, y el propio realizador demuestra una solidez a la hora de narrar que pone a la cabeza de los realizadores jóvenes del momento.
1958 - La pícara edad (This happy feeling). Comedia de enredo protagonizada por Debbie Reynolds, Curd Jürgens, John Saxon y Mary Astor. De éxito en su día, el film ha envejecido bastante, pero como mínimo todavía resulta agradable.
1958 - Vacaciones sin novia (The perfect furlough). Primera aparición en pantalla de la deliciosa pareja Tony Curtis- Janet Leigh en una comedia de apuntes bélicos y desarrollo clásico, pero que apunta muy buenas maneras. 2 nominaciones como Mejor comedia, una en los Globo de Oro y otra en los Golden Laurel.
1959 - Operación Pacífico (Operation Petticoat). Comedia militar de gran repercusión y ambientada según las convenciones del género en un submarino, que consigue resultados modélicos, además del encanto de sus protagonistas: Cary Grant, Tony Curtis y Dina Merrill.
1960 - Buenos tiempos (High time). Regular comedia musical protagonizada por un talludito Bing Crosby, nominada a un Óscar pero que pasó sin pena ni gloria.
1961 - Desayuno con diamantes (Breakfast at Tiffany's) Drama triste disfrazado de comedia romántica protagonizada por Audrey Hepburn y George Peppard. La película ganó ocho premios (ente ellos, dos Óscar) y obtuvo otras cuatro nominaciones (entre ellas, Blake Edwards estuvo nominado como Mejor director en los premios DGA).
1962 - Chantaje contra una mujer (Experiment in terror). Thriller dramático que afianzaba la carrera de Edwards, en una historia tan bien planteada como escrita, con elementos de suspense bien medidos y más que correctas interpretaciones de su trío protagonista: Glenn Ford, Lee Remick y Stefanie Powers. La cinta obtuvo una nominación para los Globo de Oro.
1962 - Días de vino y rosas (Days of wine and roses). La película ganó el Óscar a la mejor canción y estuvo nominada en otras cuatro categorías. Además, la película ganó otros 7 premios y cosechó 8 nominaciones más. Entre ellos, Blake Edwards obtuvo la Concha de Plata del Festival Internacional de Cine de San Sebastián y fue nominado como Mejor director en los Globo de Oro.
1963 - La pantera rosa (The pink panther). Comedia protagonizada por Peter Sellers, David Niven, Claudia Cardinale, Capucine, Robert Wagner y Herbert Lom en los papeles importantes. El guion optó a los premios WGA como Mejor guion de comedia.
1964 - El nuevo caso del inspector Clouseau / Un disparo en las sombras (A shot in the dark). Comedia protagonizada por Peter Sellers, Herbert Lom y Elke Sommer.
1965 - La carrera del siglo (The race). Disparatada y a ratos genial comedia, con escenas desternillantes, trabajado guion y mucha inventiva, de magníficas caracterizaciones de un reparto coral en el que sobresalen: Jack Lemmon, Tony Curtis, Natalie Wood o Peter Falk. La película ganó un Óscar, otros tres premios y 12 nominaciones (entre ella: Edwards fue nominado como Mejor director en el Festival Internacional de Cine de Moscú), y su arrollador éxito dio lugar a una serie de TV: "Los autos locos" ("Wally races") de la productora animada Hanna-Barbera en 1966, y a la imitación de la fórmula en dos films conocidos: "Aquéllos locos chalados en sus locos cacharros" (1967, de Ken Annakin con un reparto lleno de más estrellas todavía) y "El rally de Montecarlo" (en 1969).
1966- ¿Qué hiciste en la guerra, papi?. Excelente comedia antibelicista en la que fue la primera colaboración de Edwards con el notable actor James Coburn. Rodada en Italia, en el film intervenían actores como Giovanna Ralli o Sergio Fantoni.
1967- Gunn. Thriller de éxito localizado (sólo a nivel estadounidense), que a su vez se apropiaba de la popularidad de una serie de TV de escaso recorrido pero recordada por la canción de su presentación. Los actores que intervenían y los resultados del film son de segunda categoría.
1968- La fiesta inolvidable / El guateque (The party). Comedia loca protagonizada por Peter Sellers, Marge Champion y Claudine Auger.
1970 - Darling Lili (Darling Lili). Musical dramático de flojo tirón comercial, protagonizado por Julie Andrews y Rock Hudson. La canción Whistling away the dark de Mancini y John Mercer ganó el Globo de Oro. Además, la película obtuvo otras 6 nominaciones en otros premios (3 de ellas en los Óscar).
1971 - Dos hombres contra el Oeste (Wild Rovers). Drama y comedia se dan cita en este western crepuscular que representa uno de los títulos de los 70 que renovaron el género (protagonizado por dos perdedores sin suerte). Tanto William Holden como Ryan O’Neal, Karl Malden y Lynn Carlin están espléndidos.
1972 - Diagnóstico: asesinato (The carey treatment). Thriller en clave de comedia que supuso un inesperado triunfo comercial, protagonizado por James Coburn y Jennifer O’Neill. El guion estaba firmado por Michael Crichton y Harriet Frank Jr., y logra situar a la película por encima de la media del género. También, la película fue nominada como Mejor película en los premios Edgar Allan Poe.
1974 - La semilla del tamarindo (The tamarind seed). Película romántica de sonado fracaso en las taquillas de todo el mundo, en la que la historia de amor se ancla en torno a una trama de espías, protagonizada por Julie Andrews, Omar Sharif. Silvia Syms fue nominada en los Premios BAFTA como Mejor actriz de reparto.
1975 - El regreso de la pantera rosa (The return of the pink panther).Protagonizada por Peter Sellers, Herbert Lom, David Niven y Dyan Cannon que no pertenece a la mejor época de la serie pero, aun así, la cinta ganó dos Premios BAFTA: Mejor comedia y Mejor actor (Peter Sellers). Además, obtuvo tres nominaciones a los Globo de Oro y una a los WGA.
1976 - La pantera rosa ataca de nuevo (The pink panther strikes again). Comedia protagonizada por Peter Sellers, Colin Blakely, Lesley Anne Down y Herbert Lom. La película obtuvo el BAFTA a la Mejor comedia y el guion se alzó con el WGA al Mejor guion adaptado. Además, la película cosechó otras cinco nominaciones en diferentes certámenes, y superaba en calidad a las entregas anteriores.
1977 - La venganza de la pantera rosa (The revenge of the pink panther).El film ganó el BAFTA a la Mejor comedia, pese a ser uno de los trabajos más flojos del director. Además, la banda sonora de Mancini ganó un Grammy.
1979 - 10, la mujer perfecta '(10). Comedia protagonizada por Bo Derek, a la que lanzó a la fama, Dudley Moore, al que convirtió en mini-mito de la comedia de los 80 y una Julie Andrews inaugurando su excelente madurez física. La obra no obtuvo ningún premio, pero cosechó un total de 8 nominaciones, entre ellas, 2 a los Óscar, y fue una de las películas más taquilleras del año.
1981 - Sois honrados Bandidos (S.O.B). Comedia de reparto coral cuyas cabezas visibles son Julie Andrews, William Holden y Robert Preston, ácida y con cierta polémica en su día por algunas escenas de desnudo pero bien planteada y mejor resuelta la película estuvo nominada al Globo de Oro como mejor comedia y, paradójicamente, Edwards a los Razzie como peor director. En Argentina, el título se tradujo como Se acabó el mundo.
1982 - Tras la pista de la pantera rosa (Trail of the pink panther). Comedia protagonizada por Peter Sellers y David Niven. Sellers había muerto en 1980, por lo que se aprovechó material de archivo (escenas que no se habían empleado en el montaje final de las anteriores películas de la saga). El resultado fue tan decepcionante como irregular, y algunos sectores de la crítica e incluso la industria reprocharon a Edwards el estreno del film.
1982 - Victor Victoria. Comedia musical protagonizada por Julie Andrews, James Garner, Robert Preston y Lesley Ann Warren. Muy aclamada y de enorme encanto, recolectó 9 premios (entre ellos, un Óscar) y otras nueve nominaciones.
1983 - La maldición de la pantera rosa (Curse of the pink panther). De casi nula repercusión, fue también interpretada por David Niven y las pocas escenas en las que aparece Sellers también son de archivo.
1983 - Mis problemas con las mujeres (The man who loved women). Burt Reynolds, Kim Basinger y Julie Andrews comparten cartel en una comedia dramática sobre el ego masculino, la crisis de identidad y las relaciones hombre-mujer.
1984 - Micki y Maude (Micki + Maude). Famosa comedia sentimental protagonizada por Dudley Moore, Amy Irving y Ann Reinking. Nominada al Globo de Oro, en la categoría de Mejor comedia o musical, Dudley Moore fue también nominado como Mejor actor de musical o comedia en los Globo de Oro, pero no se hizo con el galardón. Las crisis de pareja de un seductor nato, van de la comedia al drama.
1986 - Así es la vida (That's life!). Interesante historia sobre la descomposición de un matrimonio maduro, Jack Lemmon y Julie Andrews. El film no termina de aprovechar sus posibilidades, pero ello no evitó que los actores fuesen nominados al Globo de Oro y la canción a los Óscar. En Argentina, el título se tradujo como Esto es vida.
1986 - El gran enredo (A fine mess). Fallida comedia de enredo, de escaso éxito, protagonizada por Ted Danson y Howie Mandel. En Argentina, el título se tradujo como Un desparramo memorable.
1987 - Cita a ciegas (Blind date). Con esta cinta, Edwards recuperó el éxito comercial. Comedia de estructura clásica, protagonizada por Bruce Willis y Kim Basinger, resulta sólida y convincente aunque pudo ser excelente.
1988 - Sunset (Sunset). Comedia disfrazada de thriller que sufrió un batacazo en las taquillas, protagonizada por Bruce Willis, James Garner, Malcolm McDowell y Mariel Hemingway. La película ganó el Óscar al mejor diseño de vestuario. Edwards tuvo el dudoso honor de ser nominado como Peor director en los Razzies. Idéntica mala fortuna tuvo Mariel Hemingway que fue nominada como Peor actriz de reparto. En Argentina, el título se tradujo como Asesinato en Hollywood.
1988- Justine Case.
1989 - Peter Gunn (Peter Gunn). Película para televisión protagonizada por Peter Strauss, Peter Jurasik y Jennifer Edwards. Remake de la serie televisiva homónima de finales de los cincuenta en la que Edwards había trabajado. En 1967, ya había realizado otro remake titulado Gunn.
1989 - Skin Deep (Skin deep). Comedia de reparto coral cuya cabeza visible es el entrañable John Ritter.
1991 - Una rubia muy dudosa (Switch). Comedia protagonizada por Ellen Barkin. Este papel le valió una nominación a los Globo de Oro como Mejor actriz en musical o comedia. No muy afortunada.
1993 - El hijo de la pantera rosa (Son of the pink panther). Comedia protagonizada Roberto Benigni.
1995 - Victor/Victoria).
Televisión[editar]
2 episodios de la serie Four star playhouse de CBS, emitida entre 1952 y 1956. (4 temporadas, 129 episodios).
Detective's holiday, emitido el 4 de marzo de 1953. Sobre un guion de Frederick Brady, basado en una historia original de Octavus Roy Cohen. Fue la primera vez que, como director, se puso detrás de las cámaras.
Indian taker, emitido el 28 de enero de 1954. Blake Edwards, además, escribió el guion de este capítulo.
10 episodios de la serie Peter Gunn de la NBC emitida entre septiembre de 1958 y junio de 1962. (3 temporadas, 114 capítulos). Además de dirigir, Edward escribió el argumento de 21 episodios, el guion de 8 y produjo cinco.
The kill. Primer episodio de la serie emitido el 22 de septiembre de 1958. Dirigió un guion propio.
Streetcar Jones. Segundo episodio de la serie, emitido el 29 de septiembre de 1958. Guion de Al C. Ward.
The blind pianist. Cuarto episodio de la serie, emitido el 13 de octubre de 1958. Guion de George W. y Judy George, basado en un argumento de George W. George y Edwards.
The chinese hangman. Emitido el 27 de octubre de 1958. Guion de Lewis Reed y Vick Knight que desarrolla un guion del propio Edwards.
Lynn's blues. Emitido el 3 de noviembre de 1958. Coguionista junto con Lewis Reed.
Rough Buck. Emitido el 10 de noviembre de 1958. Guion de Tony Barrett.
Death house testament. Emitido el 1 de diciembre de 1958. Guion de George y Gertrude Fass, basado en un argumento de George Fass y Edwards.
Let's kill Timothy. Emitido el 19 de enero de 1959. Guion de Lewis Reed, basado en un argumento de Edwards.
The comic. Emitido el 12 de octubre de 1959. Dirigió un guion propio.
The briefcase. Emitido el 14 de diciembre de 1959. Guion de Lester Aaron Pine.
1 capítulo de la serie Mr. Lucky de la CBS, emitida entre octubre de 1959 y 1960. (1 temporadas, 34 episodios).
The magnificent bribe (primer capítulo de la serie, emitido el 24 de octubre de 1959. Fue coguionista junto a Arthur A. Ross y, además, escribió el guion.
Serie: Julie.
Serie: The Dick Powell show.
Como guionista[editar]
Cine[editar]
1948 - Imperio del crimen de Lesley Selander. (Edwards y John Champion).
1949 - Stampede de Lesley Selander. (Edwards y John Champion). Basado en una novela de Edward Beverly Mann.
1952 - Rainbow 'round my shoulder de Richard Quine. (Edwards y Richard Quine).
1953 - Marino al agua de Richard Quine. (Edwards y Richard Quine). Esta película fue la última en la que intervino la primera mujer de Edwards, la actriz Patricia Walker, que aparece en el papel de Susie. Patricia, una vez casada, dejó la interpretación.
1953 - Cruisin' down the river de Richard Quine. (Edwards y Richard Quine).
1954 - Drive a crooked road de Richard Quine. (Edwards y Richard Quine). Basado en una historia original de James Benson Nablo.
1955 - Mi hermana Elena (My sister Eileen) de Richard Quine. (Edwards y Quine). Basándose en una historia original de Ruth McKenney, desarrollada por Joseph Fields y Jerome Chodorov.
1955 - Venga tu sonrisa de Blake Edwards. (Edwards y Robert Quine).
1956 - He laughed last de Blake Edwards. (Edward y Richard Quine).
1957 - Operation Mad Ball de Richard Quine. (Edwards, Arthur Carter y Jed Harris). El guion fue nominado para los premios WGA en la categoría de mejor comedia.
1957 - El temible Mr. Cory de Blake Edwards, básandose en una idea original de Leo Rosten.
1958 - La pícara edad de Blake Edwards.
1962 - La misteriosa dama de negro de Richard Quine. (Edwards y Larry Gelbart). Basado en una historia original de Margery Sharp titulada The notorious tenant. El guion estuvo nominado en los premios WGA en la categoría de mejor comedia.
1963 - La pantera rosa de Blacke Edwards. (Edwards y Maurice Richlin). El guion estuvo nominado en los WGA.
1964 - A Shot in the Dark de Blake Edwards. (Edwards y William Peter Blatty.
1965 - La carrera del siglo de Blacke Edwards.
1967 - Gunn de Blake Edwards, (Edwards y William Peter Blatty).
1968 - The Party de Blake Edwards. (Edwards, Tom Waldman y Frank Waldman.
1970 - Darling Lili de Blake Edwards. (Edwards y William Peter Blatty).
1971 - Dos hombres contra el Oeste de Blake Edwards.
1974 - La semilla del tamarindo de Blake Edwards. El guion de Edwards se basa en la novela de Evelyn Anthony.
1975 - El regreso de la pantera rosa de Blake Edwards. (Edwards y Frank Waldman). El guion fue nominado en los premios WGA al Mejor guion adaptado.
1976 - La pantera rosa ataca de nuevo de Blake Edwards. (Edwards y Frank Waldman). El guion fue premiado con el WGA al Mejor guion adaptado.
1977 - La venganza de la pantera rosa de Blake Edwards. (Edwards y Ron Clark).
1979 - 10. La mujer perfecta de Blake Edwards. (Edwards y Tony Adams). El guion fue nominado a los premios WGA, en la categoría de Mejor guion original de comedia.
1981 - Sois hOnrados Bandidos de Blake Edwards. Edwards estuvo nominado en los WGA. Paradójicamente, también estuvo entre los candidatos a Peor guion en los Razzie.
1982 - Tras la pista de la pantera rosa. (Edwards y su hijo: Geoffrey Edwards).
1982 - Victor Victoria de Black Edwards. (Edwards y Hans Hoemburg). La película es un remake de la película alemana de 1933 Viktor und Viktoria de Rheinhold Schünzel, por tanto, el guion se basaba en el guion de ésta. El guion ganó el WGA al Mejor guion adaptado y el David di Donatello al mejor guion de película extranjera. Además, nominados al Óscar al mejor guion adaptado.
1983 - Mis problemas con las mujeres de Blake Edwards, (Edwards, Geoffrey Edwards, y Milton Wexler).
1983 - La maldición de la pantera rosa de Blake Edwards. (Edwards y Geoffrey Edwards).
1984 - Ciudad muy caliente (Hot City) de Richard Benjamin.
1986 - Así es la vida de Blake Edwards. (Edwards y Milton Wexler).
1986 - El gran enredo de Blake Edwards. (Edwards basándose en una historia original de Rodney Amateau).
1988 - Asesinato en Beverly Hills de Blake Edwards.
1989 - Skin Deep de Blake Edwards.
1989 - Peter Gunn de Blake Edwards.
1991 - Switch de Blake Edwards.
1993 - El hijo de la pantera rosa de Blake Edwards. El guion lo escriben Edwards, Madeleine y Steven Sunshine, basándose en una historia original de Edwards y en la biblia (caracteres) de la serie de Edwards y Maurice Richlin.
Televisión[editar]
5 episodios de la serie Four star playhouse de la CBS, emitida entre 1952 y 1956. (4 temporadas, 129 episodios).
Welcome home, emitido el 20 de noviembre de 1952, dirigido por Robert Florey.
Trail's end, emitido el 29 de enero de 1953, dirigido por Robert Florey.
The hard way, emitido el 10 de septiembre de 1953, dirigido por Robert Aldrich.
The squeeze, emitido el 1 de octubre de 1953, dirigido por Robert Aldrich.
Indian taker, emitido el 28 de enero de 1954. Blake Edwards, además, dirigió este captítulo.
8 capítulos de la serie Peter Gunn de la NBC emitida entre septiembre de 1958 y junio de 1962. (3 temporadas, 114 capítulos). Además de guionista, Edward escribió el argumento de 21 episodios, produjo 5 episodios y dirigó diez.
The kill. Primer capítulo de la serie, emitido el 22 de septiembre de 1958. Además de escribir el guion, lo dirigió.
The vicious dog. Emitido el 6 de octubre de 1958. El episodio lo dirigió David O. McDearmon.
The frog Emitido el 20 de octubre de 1958. El capítulo lo dirigió David O. McDearmon.
Lynn's blues Emitido el 3 de noviembre de 1958. Edwards fue coguionista junto a Lewis Reed. Además de escribir el guion, también dirigió el episodio.
Image of Sally. Emitido el 17 de noviembre de 1958. Edwards fue coguionista junto a Lewis Reed. El capítulo lo dirigió David O. McDearmon.
The Missing night watchman. Emitido el 26 de enero de 1959. El episodio lo dirigió Boris Sagal.
Murder on the migway. Emitido el 2 de febrero de 1959. Coguionista junto a P.K. Palmer. El episodio lo dirigió David O. McDearmon.
The comic. Emitido el 12 de octubre de 1959. Además de escribir el guion, lo dirigió.
Además, firmó la historia original de 21 capítulos:
The rifle.
The price is murder.
Kidnap.
The feathered doll.
The family affair.
Death Is a red rose.
The wolfe case.
Spell of murder.
Send a thief.
The maitre D'.
The hunt.
See no evil.
The grudge.
Edie finds a corpse.
Pecos Pete.
The blind pianist.
The chinese hangman.
Death house testament.
Story let's kill Timothy.
The man with the scar.
Murder on the midway.
1 capítulo de la serie Mr. Lucky de la CBS, emitida entre octubre de 1959 y 1960. (1 temporadas, 34 episodios).
The magnificent bribe (primer capítulo de la serie, emititdo el 24 de octubre de 1959. Fue coguionista junto a Arthur A. Ross y, además, dirigió el capítulo.
Productor[editar]
Cine[editar]
1948 - Imperio del crimen de Lesley Selander. (Producen Champion y Blake Edwards).
1949 - Stampede de Leslie Selander. (Producen Champion y Blake Edwards).
1962 - Chantaje contra una mujer de Blake Edwards. (Intervinó también Don Peters como productor asociado).
1964 - El nuevo caso del inspector Clouseau de Blake Edwards. (Edwards Dick Crockett y Martin Jurow.
1965 - La carrera del siglo de Blacke Edwards.
1966 - ¿Qué hiciste en la guerra, papi? de Blake Edwards.
1966 - El nuevo caso del inspector Clouseau de Blake Edwards. (Edwards, Cecil F. Ford y Lelan Hayward).
1967 - Gunn de Blake Edwards. (Produce Owen Crump. Edwards participa como productor ejecutivo).
1968 - El guateque de Blake Edwards. (Produce Edwards y Ken Wales toma parte como productor asociado).
1970 - Darling Lili de Blake Edwards. (Produce Edwards y toman parte: Ken Wales, como productor asociado, y Owen Crump, como productor ejecutivo.
1971 - Dos hombres contra el Oeste de Blake Edwards. (Edwards, Ken Wales y Jerry Goldsmith).
1975 - El regreso de la pantera rosa de Blake Edwards. Edwards obtuvo el BAFTA a la Mejor Comedia.
1976 - La pantera rosa ataca de nuevo de Blake Edwards. Edwards obtuvo el BAFTA a la Mejor Comedia.
1977 - La venganza de la pantera rosa de Blake Edwards. Edwards obtuvo el BAFTA a la Mejor Comedia.
1979 - 10, la mujer perfecta de Blake Edwards. (Edwards y Tony Adams). La película fue nominada al Globo de Oro como Mejor película musical o comedia.
1981 - Sois hOnrados Bandidos de Blake Edwards. (Edwards y Tony Adams). La película estuvo nominada a los Globo de Oro como Mejor musical o comedia.
1982 - Tras la pista de la pantera rosa. (Edwards y Tony Adams).
1982 - Victor Victoria de Black Edwards. (Edwards y Tony Adams. Productor Ejecutivo: Gerald T. Nutting). Victor Victoria ganó el César a la Mejor película extranjera y estuvo entre las nominadas que optaron al Globo de Oro.
1983 - Mis problemas con las mujeres de Blake Edwards. (Edwards y Tony Adams. Productor Ejecutivo: Jonathan D. Krane y Gerald T. Nutting).
1983 - La maldición de la pantera rosa de Blake Edwards. (Edwards y Tony Adams. Productor Ejecutivo: Jonathan D. Krane y Gerald T. Nutting).
Televisión[editar]
5 episodios de la serie Peter Gunn de la NBC emitida entre septiembre de 1958 y junio de 1962. (3 temporadas, 114 capítulos). Además de productor, Edward escribió el argumento de 21 episodios, el guion de 8 y dirigó diez.
The blind pianist.
The vicious dog.
Streetcar Jones.
The kill'.
The chinese hangman.
Premios y reconocimientos[editar]
Edwards recibía el Oscar Honorífico a toda su carrera 2004

Óscar Honorífico a toda su carrera en la 76 edición de los Óscar celebrada el 29 de febrero de 2004.
Como director[editar]
Premios[editar]
1963 - Concha de Plata al mejor director del Festival Internacional de Cine de San Sebastián por Días de vino y rosas.
Nominaciones[editar]
1962 - Mejor director en los premios DGA por Desayuno con diamantes.
1963 - Mejor director en los Globos de Oro por Días de vino y rosas.
1966 - Mejor director en el Festival Internacional de Cine de Moscú por La carrera del siglo.
Antipremios[editar]
1982 - Nominado en los Razzie al Peor director por Sois hOnrados Bandidos.
1989 - Nominado en los Razzie al Peor director por Asesinato en Beverly Hills.
Como guionista[editar]
Premios[editar]
1964 - Premio WGA al Mejor guion adaptado por La pantera rosa ataca de nuevo.
1983 - Premio WGA al Mejor guion adaptado por Victor Victoria.
1983 - David di Donatello al Mejor guion de película extranjera por Victor Victoria.
Nominaciones[editar]
1958 - Premio WGA al Mejor guion por Operation Mad Ball.
1963 - Premio WGA al Mejor guion por La misteriosa dama de negro.
1964 - Premio WGA al Mejor guion de comedia por La pantera rosa.
1976 - Premio WGA al Mejor guion de comedia por El regreso de la pantera rosa.
1980 - Premio WGA al Mejor guion de comedia por 10. La mujer perfecta.
1982 - Premio WGA al Mejor guion original por Sois hOnrados Bandidos.
1983 - Nominación al Óscar al mejor guion original por Victor Victoria.
Antipremios[editar]
1982 - Nominado en los Razzie al Peor Guion por Sois hOnrados Bandidos.
Como productor[editar]
Premios[editar]
1976 - BAFTA a la Mejor comedia por El regreso de la pantera rosa.
1977 - BAFTA a la Mejor comedia por La pantera rosa ataca de nuevo.
1979 - BAFTA a la Mejor comedia por La venganza de la pantera rosa.
1983 - César a la Mejor película extranjera por Victor Victoria.
Nominaciones[editar]
1974 - Globo de Oro a la Mejor musical o comedia por El regreso de la pantera rosa.
1977 - Globo de Oro a la Mejor musical o comedia por La pantera rosa ataca de nuevo.
1980 - Globo de Oro Mejor musical o comedia por 10. La mujer perfecta.
1982 - Globo de Oro Mejor musical o comedia por Sois hOnrados Bandidos.
1983 - Globo de Oro Mejor musical o comedia por Victor Victoria.

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GEORGE CUKOR

43. GEORGE CUKOR

Biografía[editar] Era hijo de unos inmigrantes húngaros judíos. Ya siendo adolescente, mientras estudiaba en el instituto, Cukor se interesó por el teatro y empezó a participar en diferentes montajes como actor. Tras su graduación en el De Witt Clinton High School, ingresó durante un año en... Ver mas
Biografía[editar]
Era hijo de unos inmigrantes húngaros judíos. Ya siendo adolescente, mientras estudiaba en el instituto, Cukor se interesó por el teatro y empezó a participar en diferentes montajes como actor.

Tras su graduación en el De Witt Clinton High School, ingresó durante un año en los Students Army Training Corp. Después, encontró trabajo como técnico en una compañía de teatro de Chicago. Este empleo lo mantuvo durante tres años.

En 1920, concluida esta etapa de formación, Cukor se atrevió a crear su propia compañía teatral en Rochester (Nueva York). La compañía funcionó bien durante siete años y le permitió dar el salto a Broadway. En efecto en 1927, a sus veintiocho años, Cukor empezó a trabajar en Broadway, lo que le permitió entrar en contacto con grandes actrices del momento como Ethel Barrymore o Jeanne Eagles.

En los inicios del cine sonoro, Hollywood empezó a contratar a los profesionales de Broadway. Cukor fue uno de ellos. En 1929, comenzó a trabajar para Hollywood, colaborando con los directores que venían trabajando desde el cine mudo. Su primer encargo fue como director de diálogos en la película River of Romance de Richard Wallace para Paramount Pictures. Repitió como director de diálogos en la célebre Sin novedad en el frente (All Quiet on the Western Front) de Lewis Milestone.

Después empezó lo que sería su carrera como director. Primero, en 1930, como codirector en tres títulos, antes de empezar a dirigir en solitario. Estas películas fueron:

Grumpy (junto con Cyril Gardner).
The Virtuous Sin (junto con Louis J. Gasnier).
The Royal Family of Broadway (De nuevo, junto con Cyril Gardner).
Cukor, en 1932, abandonó la Paramount Pictures, tras el rodaje de Una hora contigo que había codirigido junto a Ernst Lubitsch. Tras abandonar la Paramount, David O. Selznick lo contrató y empezó a trabajar para la RKO. La celebridad llegaría a Cukor en este período, pues las películas que dirigió para la RKO obtuvieron éxito tanto de público como de crítica. Llegó a crear un tipo de película muy personal que fue conocida como comedia refinada, en la cual la mujer adquiría un carácter fuerte, sexista y cruel con su pareja. Lo de refinada se refería a la ambientación, pues generalmente los personajes se ubicaban como pertenecientes a las clases altas o profesionales y, por tanto, los decorados, podían responder a tal calificativo.

El protagonismo que adquieren los personajes femenino en el universo de Cukor es la razón por la cual al director se le ha definido como «director de actrices», apelativo, que, en vida, no le hacia demasiada gracia. Por otra parte, aunque sus películas lograsen premios, el trabajo de Cukor, en sus inicios, no obtuvo reconocimiento. Se le consideraba un director eficaz pero menor, pues se creía que el mérito de que sus películas obtuvieran buenos resultados estaba motivado por que se trataba, por lo general, de adaptaciones de grandes obras. Entre sus filmes de estos años destaca Camille (La dama de las camelias) con Greta Garbo.

Cukor pudo haber sido el director de Lo que el viento se llevó. De hecho O. Selznick le puso al mando en 1937 y pasó un año en las labores de preproducción de la película, e incluso llegó a ensayar con las actrices Vivien Leigh y Olivia de Havilland. No obstante, a Cukor le molestaron ciertos cambios de guion y al protagonista masculino Clark Gable le incomodaba la abierta homosexualidad de Cukor, pues el director, aunque discreto, nunca la ocultó. Ambas razones llevaron a O. Selnick a prescindir de Cukor. No obstante, continuó ayudando en la producción, ya que fue contratado para ensayar con Leigh y Havilland.

Cukor, pese a tal incidente, no tuvo grandes problemas en Hollywood; de hecho, el director contaba con gran cantidad de amigos entre los actores, directores y técnicos que lo visitaban con regularidad. En su casa, se celebraban grandes fiestas a las que estos acudían con asiduidad y, ya que no tenía familia propia, esta casa estaba decorada con las fotos de los que Cukor consideraba sus amigos.

De hecho, Cukor era amigo de sus amigos y fue fiel a los técnicos que intervenían en sus películas. Responsables de sonido, decoradores, directores artísticos, incluso maquilladores o responsables de vestuario solían repetir con Cukor.

La venganza de Cukor fue, como todo lo que el tocaba, refinada: ese mismo año, 1939 estrenó una película en el que no había ningún papel masculino. Mujeres estuvo protagonizada por Norma Shearer, Joan Crawford, Paulette Goddard y Rosalind Russell. No hubo ningún hombre en el reparto.

Aunque fueron muchas las actrices que trabajaron para Cukor, su musa fue, sin duda Katharine Hepburn, con quien rodó uno de sus grandes éxitos: Historias de Filadelfia. En los cincuenta, fue otra gran actriz Judy Holliday la que proporcionaría a Cukor grandes interpretaciones que convirtieron sus películas en clásicos, como Nacida ayer.

Por esta época, Cukor estrenó Ha nacido una estrella y, a raíz de este momento, compaginó sus peculiares comedias románticas (comedias refinadas) con melodramas de éxito.

Cukor en los 60 empezó a no ser tan regular, no porque decreciera su prestigio, sino que la progresiva desaparición del sistema de estudios hizo que muchas veces, no encontrase un proyecto que le llamase dirigir. Por esa fecha My Fair Lady (con Audrey Hepburn) supondría la última gran producción en la que intervendría. Con 65 años, después volvería puntualmente para afrontar determinados proyectos, pero ya no con regularidad. En 1981, Ricas y famosas, fue la última película dirigida por Cukor.

Cukor murió a los 83 años; sorprendentemente, su último deseo fue ser enterrado junto a Francis Howard Goldwyn, viuda de Samuel Goldwyn, de quien dijo, en su testamento, haber estado enamorado toda la vida.

Filmografía[editar]
1931- Honor mancillado (Tarnished Lady).
1931 - Girls About Town.
1932 - Una hora contigo (One Hour with You). No acreditado, codirección con Ernst Lubitsch.
1932 - Hollywood al desnudo (What Price Hollywood?).
1932 - Doble sacrificio (A Bill of Divorcement).
1932 - Tentación (Rockabye).
1932 - El reino animal (The Animal Kingdom). No acreditado, codirección con Edward H. Griffith.
1933 - Mujercitas/Las cuatro hermanitas (Little Women).
1933 - Nuestros superiores (Our Betters).
1933 - Cena a las ocho (Dinner at Eight).
1934 - El enemigo público número uno (Manhattan Melodrama). No acreditado, codirección con W. S. Van Dyke
1935 - David Copperfield (The Personal History, Adventures, Experience, & Observation of David Copperfield the Younger).
1935 - No más mujeres (No More Ladies). No acreditado, codirección con Edward H. Griffith
1936 - Romeo y Julieta (Romeo and Juliet).
1936 - La gran aventura de Silvia (Sylvia Scarlett).
1937 - La dama de las camelias (Camille).
1938 - Vivir para gozar (Holiday).
1938 - Volvió el amor (I Met My Love Again). No acreditado, codirección con Joshua Logan y Arthur Ripley
1938 - Las aventuras de Tom Sawyer. (The Adventures of Tom Sawyer). No acreditado, codirección con Norman Taurog, H C. Potter y William A. Wellman
1939 - Zaza.
1939 - Mujeres (The Women).
1939 - Lo que el viento se llevó (Gone with the Wind). No acreditado, codirección con Victor Fleming y Sam Wood
1940 - Historias de Filadelfia (The Philadelphia Story).
1940 - Susana y Dios (Susan and God).
1941 - Un rostro de mujer (A Woman's Face).
1941 - Otra vez mío' (Two-Faced Woman).
1942 - Her Cardboard Lover.
1942 - La llama sagrada (Keeper of the flame)
1943 - Resistance and Ohm's Law (Cortometraje documental).
1943 - Te volveré a ver (I'll Be Seeing You). No acreditado, codirección con William Dieterle
1944 - Gaslight (Gaslight).
1944 - Cita en los cielos (Winged Victory).
1947 - Doble vida (A Double Life).
1947 - Desire Me. No acreditado, codirección con George Fitzmaurice, Jack Conway, Mervyn LeRoy y Victor Saville
1949 - La costilla de Adán (Adam's Rib).
1949 - Edward, mi hijo (Edward, My Son).
1950 - Nacida ayer (Born Yesterday.).
1950 - A Life of Her Own.
1951 - The model and the marriage broker.
1952 - Chica para matrimonio (The Marrying Kind).
1952 - La impetuosa (Pat and Mike).
1953 - La actriz (The Actress).
1954 - Ha nacido una estrella (A Star Is Born).
1954 - La rubia fenómeno (It should happen to you).
1956 - Cruce de destinos (Bhowani Junction).
1957 - Las girls (Les Girls).
1957 - Viento salvaje (Wild is the Wind).
1958 - Hot Spell. No acreditado, codirección con Daniel Mann
1960 - El multimillonario (Let’s Make Love).
1960 - Heller in Pink Tights (El pistolero de Cheyenne / Su pecado fue jugar).
1960 - Sueño de amor (Song Without End). No acreditado, codirección con Charles Vidor
1962 - Something's Got to Give. La película quedó inacabada. En 2001 se montaron 34 minutos convirtiéndola en un cortometraje homenaje a Marilyn Monroe.
1962 - Confidencias de mujer (The Chapman Report).
1964 - My Fair Lady (Mi bella dama).
1969 - Justine (Justine). Codirección con Joseph Strick (no acreditado)
1972 - Viajes con mi tía (Travels with My Aunt).
1975 - Love Among the Ruins, telefilme.
1976 - El pájaro azul (The Blue Bird).
1979 - El trigo está verde (The corn is green), telefilme.
1981 - Ricas y famosas (Rich and Famous).
Premios[editar]
1934 - Nominación a los Óscar y nominado a la Copa Mussolini en el Festival Internacional de Cine de Venecia por Las cuatro hermanitas.
1935 - Nominado a a la Copa Mussolini en el Festival Internacional de Cine de Venecia por David Coperfield.
1941 - Nominación a los Óscar por Historias de Filadelfia.
1948 - Nominación a los Óscar por Doble vida.
1951 - Nominaciones a los Óscars y al León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia por Nacida ayer.
1953 - Nominación en los premios que concede el Gremio de Directores de América por La impetuosa.
1958 - Nominado en los premios que concede el Gremio de Directores de América por Las Girls.
1962 - Nominación al Oso de Oro del Festival Internacional de Cine de Berlín por Viento salvaje.
1966 - por My Fair Lady obtuvo el Óscar, el BAFTA y el premio del Gremio de directores de América (premio que compartió con David Hall, su asistente de dirección).
1975 - ganó el Emmy al mejor director en Programa Especial drama o Comedia por Love Among the Ruins. Además, por este trabajo, ganó un premio especial otorgado por la Asociación de Críticos cinematográficos de Los Ángeles en 1976.

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BARBRA STREISAND

44. BARBRA STREISAND

Barbra Streisand (AFI: /ˈstɹaɪsænd/;) (Brooklyn, Estados Unidos, 24 de abril de 1942) es una actriz, cantante, compositora, productora, y directora de cine estadounidense. Apreciada sobre todo por su poderosa voz, es la cantante solista femenina que más discos ha vendido en Estados Unidos1 y... Ver mas
Barbra Streisand (AFI: /ˈstɹaɪsænd/;) (Brooklyn, Estados Unidos, 24 de abril de 1942) es una actriz, cantante, compositora, productora, y directora de cine estadounidense. Apreciada sobre todo por su poderosa voz, es la cantante solista femenina que más discos ha vendido en Estados Unidos1 y ampliamente reconocida a nivel mundial. Ganadora de dos Premios Óscar, cuatro Emmy, ocho Grammy, cuatro Golden Globe y un Tony. Entre otros muchos reconocimientos tiene, el premio American Film Institute a toda una carrera, la medalla Nacional de América de las Artes y la Legión de Honor francesa. En diciembre de 2008 fue la primera mujer directora en recibir el prestigioso Kennedy Center Honors.

Gracias a su frenética actividad discográfica en los años 1960 y 1970, y pese a su relativa inactividad en las últimas tres décadas, continúa siendo la artista solista femenina que más ha vendido en la historia en los Estados Unidos con, por lo menos, un álbum Nº 1 en Billboard en cada una de las últimas cinco décadas. Sus 9 números 1 en los Estados Unidos se extienden durante un espacio de 46 años; el período más largo que ningún artista o grupo haya logrado. Según la RIAA (Recording Industry Association of America), a lo largo de su carrera, Streisand ha conseguido 51 discos de oro, 30 de platino, 13 multiplatinos, 3 megaplatinos, 1 ultraplatino, y 247 de metal.2
Biografía[editar]
Nació el 24 de abril de 1942 como Barbara Joan Streisand, en el seno de una familia judía en Williamsburg, Nueva York. Su padre, Emanuel Streisand, profesor de gramática y literatura, murió a consecuencia de una hemorragia cerebral cuando ella tenía apenas 15 meses. Tiene un hermano mayor, Sheldon, agente inmobiliario y una media hermana, Roslyn Kind (también cantante), fruto del segundo matrimonio de su madre, Diana, que era secretaria en una escuela y que nunca respaldó el sueño de su hija de dedicarse al mundo del espectáculo, ya que no le parecía atractiva.3 Cursó estudios en el Colegio Beis Yakov y el Erasmus Hall High School de Brooklyn donde se graduó cuarta en la promoción de 19594 5 Allí cantaba en el coro junto a Neil Diamond. También fue compañera y amiga del que después sería campeón mundial de ajedrez Bobby Fischer.

Carrera musical[editar]
1958-1961: inicios artísticos[editar]


Barbra Streisand en 1962.
Los deseos de Streisand de convertirse en actriz y cantante surgieron en 1956 cuando acudió a ver en Broadway la obra teatral El diario de Ana Frank. Para lograr su objetivo se inscribió en el verano de 1957 en un curso teatral, donde participó en Teahouse of the August Moon, Desk Set y Picnic. Entre 1958 y 1960 tomó parte en varias producciones teatrales independientes off-off-Broadway y off-Broadway como Driftwood, The Insect Comedy, The Boyfriend y Another Evening with Harry Stoones.

Las perspectivas de su carrera comenzaron a mejorar en 1960 cuando, con la ayuda de su entonces novio Barry Dennen, ganó un concurso de nuevos talentos organizado en el club nocturno The Lion. A partir de ese momento realizó presentaciones como cantante en otros clubes neoyorquinos, entre ellos el Bon Soir y el Blue Angel. En 1961 realizó su primera aparición en la televisión; interpretó la canción "A Sleepin' Bee" en el programa de variedades The Tonight Show.6 A finales de ese año realizó actuaciones especiales en el programa televisivo presentado por el periodista Mike Wallace, PM East/PM West.

Debutó en Broadway el 20 de marzo de 1962 en el musical I Can Get It For You Wholesale, donde representó el papel de la Sta. Marmelstein. Su interpretación recibió críticas positivas de muchas fuentes. Posteriormente fue nominada al premio Tony por mejor actriz secundaria de un musical. En la primavera de ese año, Barbra entró por primera vez en un estudio profesional de grabación para registrar las canciones de I Can Get It For You Wholesale, donde, además de la cómica Miss Marmelstein, también interpretaba una espectacular What Are They Doing To Us Now?; aparte de colaborar en un par de números más junto a compañeros del reparto. El disco solamente llegó a la posición 125 de Billboard pero le dio la oportunidad, gracias a la insistencia del compositor de la obra, Harold Rome, de participar, un par de meses más tarde, en un disco homenaje por el 25 aniversario de la exitosa obra Pins And Needles, donde interpretó cinco solos y un cuarteto.

1962-1964: contrato con Columbia y primeras grabaciones[editar]
Goddard Lieberson, productor y presidente de la Columbia Records, quedó tan fascinado con Barbra por su trabajo en teatro, sus intervenciones en televisión y sus actuaciones en clubes, que cedió a la presión de su mánager Marty Erlichmann (todavía hoy -2009-, su mánager), en la única cláusula que importaba a Barbra: "absoluto control artístico" sobre la elección del material musical, algo sin precedentes hasta ese entonces en la industria discográfica.

En cuanto firmó su primer contrato con Columbia Records, se empezaron a hacer planes para su primer álbum; de hecho, en noviembre de 1962, se grabaron tres de sus actuaciones en el Bon Soir con el fin de editar un disco, pero no contentos con el resultado prefirieron meterse en el estudio de grabación con el arreglista Peter Matz y un número muy pequeño de músicos, ya que el presupuesto era bastante bajo. El resultado fue su primer álbum, The Barbra Streisand Album, básicamente compuesto por las grabaciones en estudio de su repertorio de los clubes. Pronto se convirtió en el disco más vendido por una vocalista femenina en Estados Unidos, alcanzando el puesto número 8 de Billboard y obteniendo 3 premios Grammy, entre ellos el de Mejor Vocalista Femenina (Barbra se convirtió en la artista más joven en recibir este premio) y Mejor álbum. El disco se mantuvo durante 101 semanas en la lista de los más vendidos.

Con sus siguientes dos discos repetiría el mismo éxito de ventas, llegando en un momento a tener tres álbumes en las listas de los diez más vendidos de Billboard, en una época en que el rock'n roll y The Beatles dominaban las listas de éxitos.

En junio de 1963 grabó The Second Barbra Streisand Album que llegó al número 2 de Billboard. Continuó con la fórmula de grabar principalmente temas de su repertorio de actuaciones en directo.

En enero de 1964, ya metida de lleno en los ensayos de Funny Girl, grabó The Third Album en el que mezclaba temas de su repertorio con temas de musicales americanos. Es un trabajo menos ecléctico, más relajado y reflexivo que los anteriores que se situó en el número 5 de Billboard.

Funny Girl de Jule Styne, obra musical de Broadway en la que Streisand interpretaba a Fanny Brice, fue un éxito rotundo desde el momento de su estreno el 26 de marzo de 1964. Para hacerse una idea del alcance de su éxito, Barbra fue portada de Time y Life. Volvió a ser nominada para un Premio Tony, esta vez como actriz principal. La obra se mantuvo en cartel con Barbra como protagonista hasta el 26 de diciembre de 1965. Entre abril y julio de 1966 la representó en Londres. El álbum con las canciones de Funny Girl llegó al número 2 de Billboard.

Desde entonces, Barbra, no ha vuelto a actuar en ninguna otra obra de teatro.

En octubre de 1964, se editó People. El álbum fue su primer número 1 en USA, desbancando a los Beatles y manteniéndose en esa posición durante 5 semanas. Durante una semana de ese mes, los cinco últimos discos de Streisand figuraban en la lista Top200 de Billboard. People obtuvo 3 premios Grammy, entre ellos el de Mejor Interpretación Femenina.

1965-1968: el éxito multitudinario[editar]
Barbra había aparecido innumerables ocasiones en programas de televisión entre 1961 y 1963, a veces como cantante y otras como excéntrica tertuliana. La última vez que apareció como cantante fue en octubre de 1963 en The Judy Garland Show. Unas interpretaciones y unas colaboraciones con Judy que dejaron huella en este medio. Sorprendentemente, y por primera vez en la historia, una artista invitada fue nominada al Emmy por la Mejor Interpretación de Variedades.

Su primer especial de televisión para la CBS fue My Name is Barbra en 1965; programa que catapultó su éxito a escala nacional, dándola a conocer como cantante y actriz; proporcionándole más reconocimiento de crítica. Este programa se convirtió en un hito tanto en la biografía de Barbra como en la historia de la televisión, al que además, hay que sumar cinco premios Emmy. El álbum con algunas de las canciones del especial más otras nuevas llegó al número 2. En este disco se incluye una extraordinaria versión de My Man!. Barbra volvió a ganar el premio Grammy por la Mejor Interpretación Femenina por tercer año consecutivo.

En noviembre de 1965 se publica My Name is Barbra, Two con temas nuevos y el divertido medley Second Hand Rose del espectáculo televisivo. También alcanzó el número 2 de las listas.

En marzo de 1966 se emite Color Me, Barbra, siguiendo la fórmula de 'One Woman Show', alcanzando un éxito igual al de su predecesor. El álbum llegó al número 3 de las listas de éxitos.

En noviembre de 1966 publica Je m'appelle Barbra, primera colaboración con Michel Legrand con temas cantados en francés e inglés. El disco contiene la primera composición de Barbra Ma Premiere Chanson. El álbum llega al número 5.

En abril de 1967 graba su tercer especial para la televisión The Belle of 14th Street inspirado en la época del vodevil. Por primera vez aparecían otros actores y cantantes compartiendo la pantalla con Barbra. Este especial no fue tan bien recibido como los dos anteriores. El disco con las canciones nunca fue publicado.

En noviembre de 1967, Barbra publica dos álbumes, Simply Streisand, colección de estándares y de temas de musicales americanos que alcanzó el número 12 de las listas y A Christmas Album, disco que mezcla temas navideños con temas religiosos. Cabe destacar la desenfrenada Gingle Bells?, Silent Night y el Ave María de Gounod. El disco llegó al número 1 de los discos de temporada navideña.

En junio de 1967, ya inmersa en el rodaje de Funny Girl, cantó para una multitud de 135.000 personas (la mayor audiencia de la historia congregada para ver a un artista en solitario). Este se convertiría en su cuarto especial para la televisión A Happening in Central Park. El evento se convirtió en un gran éxito para Barbra, afianzando su leyenda de la cantante americana más celebrada con apenas 25 años. El disco llegó a la posición 30 de Billboard.

1969-1979: fracasos comerciales y renovación[editar]
A finales de los años '60, Barbra, presionada por la Columbia empieza a cantar temas de compositores jóvenes haciendo sus primeros pinitos en el mundo del pop y del rock. Su primer y fallido intento fue con What About Today, editado en 1969, que solamente llegó a la posición 31.

En febrero de 1970 se editó Barbra Streisand's Greatest Hits que sólo alcanzó el puesto 32. Los gustos musicales habían cambiado drásticamente y Barbra ya no estaba vendiendo discos aunque, estaba trabajando en su transformación...

Con el éxito de "Stoney End", (número 10 en Billboard) publicado en febrero de 1971 obtuvo una legión de nuevos admiradores que descubrieron a una joven intérprete (29 años) que ya había conquistado todas las metas (Óscar, Emmy, Grammy, Tony), y que a veces hacía olvidar lo joven que era.

En septiembre publica Barbra Joan Streisand, que alcanza la posición 11, y cimentando su indudable transformación al campo pop y rock.

Ya desde mediados de los 60, Barbra demostró su apoyo al partido Demócrata. En abril de 1972, su afinidad por la causa liberal quedó plasmada en vinilo en su disco Live Concert at the Forum; un concierto para recaudar fondos para la candidatura del senador McGovern para la presidencia de los Estados Unidos y donde era capaz de pasar de sus temas más clásicos de los 60 como 'People', 'Don't Rain On My Parade' o 'Happy Days Are Her Again' al rock más actual en temas como 'Stoney End', 'Where You Lead/Sweet Ispiration' o 'Make Your Own Kind of Music', en un pabellón de deportes con 18.000 almas y humo de marihuana flotando en el aire. Barbra no dudó en hacer un número con porro incluido. El excitante disco llegó al número 19.

En noviembre de 1973 se emite y se publica el Barbra Streisand...and other musical instruments; el último de los especiales de Streisand producido a tal efecto. Aunque con muy buenos índices de audiencia, el disco sólo alcanzó la posición 64.

En noviembre de 1974, y bajo la producción de su entonces amante-peluquero Jon Peters publica el álbum ButterFly que, para el desmayo de todos los profesionales musicales, obtiene una más que respetable posición 13 en Billboard.

En noviembre de ese año se edita Lazy Afternoon uno de los discos más aclamados de la artista de los años 70, y primera colaboración con Rupert Holmes. Posición 12 en Billboard

En febrero de 1976 y ya inmersa en el rodaje de la nueva versión de A Star Is Born se publica Classical Barbra, una colección de música clásica cantada por Streisand que dejó boquiabiertos a los críticos más duros de este campo musical que llegaron a compararla con Victoria de los Ángeles. El disco clásico llegó a una increíble posición 46 entre los 200 discos de pop y rock de Billboard. Streisand obtuvo una nominación al Grammy como Mejor Cantante Clásica.

En junio de 1977 se presenta "Streisand Superman", uno de los álbumes más roqueros de Streisand donde también se incluían dos temas no utilizados en Ha nacido una estrella. Otro éxito que se situó en el número 3 de las listas.

En mayo de 1978 se edita "Songbird" donde además de la canción que da título al álbum, destacan una estimulante versión de Tomorrow y la brillante versión en solitario de You Don't Bring Me Flowers. El disco alcanzó la posición número 12 en las listas.

"Eyes of Laura Mars" es un thriller producido en 1978 por Jon Peters, dirigido por Irvin Kershner, y protagonizado por Faye Dunaway y Tommy Lee Jones. Streisand rechazó el papel protagonista pero aportó la escalofriante canción Prisoner.

Neil Diamond había compuesto y publicado la canción You Don't Bring Me Flowers en 1977. Gary Guthrie, disk-jockey de una emisora de radio se percató que los dos temas estaban grabados en la misma clave y creó un dúo virtual que comenzó a emitir. La repercusión social fue tal que ambos artistas se vieron obligados a grabar juntos una nueva versión del tema que se convirtió en un nuevo éxito y en un nuevo número 1 en Billboard a finales de 1978.

Streisand aprovechó este momento para publicar "Barbra Streisand Greatest Hits Volume 2"(1976), un recopilatorio de algunos de sus éxitos de los últimos ocho años. El álbum se situó de nuevo en el número 1, con unas ventas récord.

En octubre de 1979 se edita "Wet", un álbum conceptual con temas referentes al agua. El disco llegó al número 7 y fue un gran éxito debido a la colaboración con Donna Summer en el tema "No More Tears (Enough Is Enough)", sencillo y maxi-single que llegó al número 1, y es un clásico de la música disco.

Durante los 70, Barbra fue una habitual en las listas de éxitos. A finales de los 70, Streisand se convirtió en la cantante femenina con más discos vendidos en los Estados Unidos, solamente Elvis Presley y The Beatles estaban por encima de ella y los Rolling Stones eran los cuartos (este ranking continúa siendo vigente en el 2010).

En cuanto al cine, desde 1969 hasta 1980, Streisand apareció en el Top 10 Box Office en 10 ocasiones, a menudo como la única mujer en la lista.

1980-1984: Guilty, Memories y Emotion[editar]
En septiembre de 1980, publicó un álbum de estudio titulado Guilty. El disco fue un extraordinario éxito musical y de crítica, que alcanzó casi instantáneamente el #1 en Estados Unidos y en todos los países en donde fue lanzado, incluidos los mercados de Reino Unido, Francia, Nueva Zelanda, Austria, Canadá, Italia, España, Suecia, Países Bajos, Noruega y Australia. Fue certificado con cinco discos de platino en EE.UU y ha vendido más de 20 millones de copias en todo el mundo, siendo el disco más vendido en la carrera de Streisand. En 1981, ganó junto al cantautor Barry Gibb, integrante del grupo Bee Gees, el Premio Grammy a la mejor actuación de un dúo o grupo pop por el sencillo homónimo. La canción llegó al puesto #3 de Billboard Hot 100. El primer sencillo fue "Woman in Love", el sencillo más exitoso de toda su carrera, que llegó a la posición #1 de Billboard Hot 100, donde se mantuvo durante tres semanas.Curiosamente, Barbra nunca ha interpretado este tema en directo. El álbum también incluye otros sencillos que se convirtieron en éxito en Estados Unidos y otras partes del mundo, como "What Kind of Fool", que interpretó a dúo con Barry, y "Promises".

A principios de 1981 se presentó All Night Long una comedia dirigida por Jean-Claude Tramont e interpretada por Gene Hackman. Streisand fue contratada para hacer un papel secundario por el que cobró la increíble cantidad 4 millones de dólares (por tres semanas de trabajo); algo inusitado en 1980. La película resultó ser un fracaso estrepitoso pero Barbra recibió algunas estupendas críticas de su inusual papel.

Desde 1980, Streisand, estaba inmersa en la preproducción de Yentl. El año siguiente no tenía tiempo de grabar ningún disco. Mientras estaba en Londres preparando su debut detrás de la cámara, grabó la canción 'Memory' de la famosa obra musical 'Cats' y 'Comin' In And Out Of Your Life'. Ambos temas solamente llegaron hasta el número 18 de las listas, pero 'Memory' se ha convertido con el tiempo en un clásico de Streisand aunque ha sido interpretado por multitud de cantantes. El álbum recopilatorio que incluía estos dos nuevos temas y titulado 'Memories' se situó en el número 10 de Billboard obteniendo, al igual que su antecesor 5 discos de Platino en EE.UU. lo que demostraba que los fans comprarían cualquier cosa con tal de que hubiera una o dos canciones nuevas.



Barbra Streisand en la entrega de los premios Primetime Emmy de 1995.
En 1982, el crítico del New York Times, Stephen Holden, escribió que Streisand era "la cantante más influyente en la música americana desde Frank Sinatra."

1985-1993: The Broadway Album y Back to Broadway[editar]
A mediados de 1985, la cantante lanzó al mercado The Broadway Album, que tuvo gran reconocimiento y llegó al puesto número uno de la lista Billboard 200. El disco estuvo compuesto por nuevas versiones de canciones pertenecientes al repertorio de diversos musicales de Broadway, como A Little Night Music y West Side Story. Incluyó los sencillos "Send in the Clowns" y "Somewhere"; se posicionaron en los puestos veinticinco y cinco de la lista Adult contemporary, respectivamente. Por este álbum ganó el premio Grammy en la categoría de "Mejor interpretación vocal pop femenina".

1993-1999: de vuelta a las giras de conciertos, Higher Ground y A Love Like Ours[editar]
En 1991, se presentó un set de 4 cd's, Just for the Record, que cubría toda la carrera de Streisand. Incluía más de 70 grabaciones entre grabaciones en vivo, éxitos, rarezas, temas inéditos desde 1955, año en que con 13 años grabó la canción "You'll Never Know" en un estudio para aficionados, hasta 1991.

Streisand ayudó considerablemente a Bill Clinton a llegar a la presidencia involucrándose como nunca recaudando fondos para la campaña electoral. Barbra Streisand fue la piedra angular en la gala inaugural el 20 de enero de 1992. Meses después grabó junto con Frank Sinatra el sencillo "I've Got a Crush on You" para el álbum Duets, el mayor éxito comercial del músico.

En septiembre de 1993, Streisand hizo públicos los preparativos para su primera gira de conciertos en 27 años. Los tickets para este tour limitado se vendieron en una hora. La gira fue una de las más rentables en la historia del mundo del espectáculo y fue calificada por la revista Time como "el evento musical del siglo". La artista encontró el éxito nuevamente en la televisión a mediados de 1995 con Barbra Streisand: The Concert, un especial grabado por la cadena HBO que se convirtió en uno de los conciertos más vistos de la historia. Este programa le proporcionó dos premios Primetime Emmy, en las categorías de "Mejor performance individual en un programa musical o de variedades" y "Mejor especial de comedia, variedades o música".



Streisand realizando un concierto en Londres, 2007.
En septiembre de 2000, Streisand anunció que se retiraba de las actuaciones en vivo dando cuatro últimos conciertos, dos en Los Ángeles y dos en Nueva York. Su última interpretación de "People" fue retransmitida en Internet vía America Online.

2000-2013: Streisand en el siglo XXI[editar]
Al año siguiente publicó un álbum de estudio de temática navideña, titulado Christmas Memories.

En 2005 lanzó la tan esperada secuela de Guilty: Guilty Pleasures (el cual fue titulado Guilty Too en el mercado inglés). Esta producción contó con una nueva de colaboración de la artista y su colega Barry Gibb.

En febrero de 2006, Barbra grabó la canción "Smile" junto con Tony Bennett en el estudio de grabación que la artista tiene en su casa de Malibú. La canción formó parte del álbum por el octogésimo cumpleaños de Bennett. En septiembre grabaron nuevamente la canción para el especial de televisión dirigido por Rob Marshall y titulado Tony Bennett: An American Classic. El dúo con Streisand abrió el especial.

En 2006 Streisand abandonó su retiro de los conciertos con el propósito de recaudar fondos para las múltiples causas que defiende la Fundación Streisand. Streisand: The Tour se inició en Wachovia Center de Filadelfia el 4 de octubre y finalizó en el Staples Center de Los Ángeles el 20 de noviembre. El concierto incluía a Il Divo como invitado especial. El tour obtuvo con gran éxito de crítica y batió récords de recaudación en casi todos los escenarios. Posteriormente esta gira se extendió a Suiza, Austria, Alemania, Francia, Irlanda y el Reino Unido entre junio y julio de 2007, acompañada esta vez por un grupo de actores y cantantes de Broadway, con igual éxito de crítica y público.

En septiembre de 2009, la cantante brindó un concierto especial en el Village Vanguard, en Nueva York. Esta presentación fue grabada y publicada en formato de DVD por Columbia, bajo el título de One Night Only Barbra Streisand and Quartet at The Village Vanguard. En ese mismo año lanzó al mercado un nuevo álbum de estudio, Love is the answer. El disco, producido por Diana Krall, llegó a los primeros puestos de las listas UK Albums Chart y Billboard 200; se convirtió en la única artista hasta ese momento en lograr encabezar lista Billboard 200 durante cinco décadas consecutivas.

Carrera en el cine[editar]


Streisand en la película Hello, Dolly!
Streisand debutó en el cine en 1968 en la película Funny Girl, adaptación del musical que ella misma había protagonizado en Broadway en 1964, donde interpretó a Fanny Brice. El papel la hizo acreedora del premio Óscar por "Mejor Actriz", compartiéndolo con Katharine Hepburn por El león en invierno, la primera vez en la historia que se producía un empate en esta categoría. A esa presentación le siguieron Hello Dolly! (1969) y On a Clear Day You Can See Forever (1970), películas musicales que también recibieron críticas mayoritariamente positivas de diversas fuentes. Por su trabajo en Hello Dolly! fue nominada al Globo de oro por "Mejor actriz - Comedia o musical".

En 1970, protagonizó la comedia The Owl and The Pussycat dirigida por Herbert Ross, al lado de George Segal, Robert Klein y Evelyn Lang, también con gran éxito de crítica y taquilla. Por su interpretación recibió una nueva candidatura al Globo de oro por "Mejor actriz - Comedia o musical". En 1969 funda, junto a Paul Newman y Sidney Poitier, la productora First Artists, con el objeto de garantizar la realización de proyectos que los grandes estudios hubieran rechazado. En 1971 se unió Steve McQueen y en 1976 Dustin Hoffman.

En 1972 protagoniza junto a Ryan O'Neal la alocada comedia de Peter Bogdanovich "¿Qué me pasa, doctor?" (What's Up, Doc?), que se ha convertido en un clásico de las comedias americanas. Obtuvo un enorme éxito de crítica y público...aumentando su legión de fans.

En 1972 formaliza su propia productora Barwood Films y bajo los auspicios de, la también su empresa, Firsts Artists rueda Up the Sandbox dirigida por Irvin Kershner, película que resultó ser un fracaso comercial estrepitoso pero que es un film de culto para admiradores de Streisand por lo inusual en una estrella de su calibre y donde interpreta a la perfección a una simple ama de casa cuya falta de realización personal le hace vivir fantasías.

Su trabajo en 1973 en el drama romántico "Tal como éramos" (The Way We Were) junto a Robert Redford y dirigida por Sydney Pollack, le proporcionó un gran éxito de crítica y una segunda nominación al Óscar. La estupenda banda sonora de Marvin Hamlish alcanzó el número 20 y el álbum publicado en febrero de 1974 con el mismo título y con temas de Stevie Wonder, Carole King, Paul Simon, Michel Legrand, etc, catapultó a Streisand nuevamente hasta el número 1.

En 1974 rueda ¿Qué diablos pasa aquí?/For Pete's Sake! dirigida por Peter Yates. Una comedia de enredo de bastante éxito en el verano de ese año.

En 1975 presenta Funny Lady (secuela de Funny Girl), junto a James Caan, dirigida por Herbert Ross y producida por Ray Stark. La película también fue un éxito, y la banda sonora llegó hasta el número 6.

"Ha nacido una estrella" se convirtió en la película más taquillera en la carrera de Streisand como protagonista. Fue la segunda película en el Box Office de ese año, después de Rocky. El film mostraba a una Streisand sexy y moderna además de tener un control sin precedentes detrás de la cámara como productora ejecutiva. Barbra recibe su segundo Óscar, esta vez como compositora de Evergreen como Mejor Canción Original, convirtiéndose en la primera mujer en la historia en recibir este premio. El disco con las canciones de la película resultó ser un bombazo, alcanzando el número 1 de Billboard además de ser la banda sonora más vendida de la historia hasta ese momento.

"The Main Event" se rodó y se presentó en 1979. Es una comedia protagonizada por Barbra Streisand y Ryan O'Neal, y dirigida por Howard Zieff. Aunque mal recibida por la crítica se situó entre las 10 películas más taquilleras del año. La banda sonora alcanzó el número 20 de la lista. El single llegó al número 3, y el maxi-single de más de 11 minutos fue un éxito en las pistas de baile.

En 1983 produjo, dirigió, escribió y protagonizó "Yentl", experiencia que posteriormente repetiría en "El Príncipe de las Mareas" (The Prince of Tides, 1991) y "El Amor Tiene Dos Caras" (The Mirror Has Two Faces, 1996). Steven Spielberg calificó "Yentl" de obra maestra ("uno de los debuts más dinámicos en la dirección desde el "Ciudadano Kane" de Welles") y muchos críticos alabaron la película, pero la Academia ignoró a la nueva directora a la hora de las candidaturas a los premios Óscar más importantes (fue nominada a 5 premios menores, ganando solamente el de Mejor Banda Sonora). Años después, se produjo una gran controversia cuando "El príncipe de las mareas" obtuvo siete candidaturas para varias categorías, incluida la de mejor película y, sin embargo, Streisand no fue nominada como mejor directora. Algunas opiniones lo achacaron a su bien conocido temperamento duro e intransigente, mientras otros pensaban que Hollywood la castigaba por ser mujer, ya que de haber sido hombre, incluso con el mismo temperamento, se lo hubieran concedido. Barwood Films ha producido también varios dramas para la televisión. El primero de ellos, "Serving In Silence: The Margarethe Cammermeyer Story", fue galardonado con tres premios Emmy en 1995.

Vida privada y convicciones[editar]
Estuvo casada con el actor Elliott Gould de 1963 a 1971, con quien tuvo su único hijo, Jason Gould (que hace el papel de su hijo también en El Príncipe de las Mareas). Streisand también es conocida por haber mantenido sonoros romances con Ryan O'Neal, Tom Smothers, Warren Beatty, Jon Voight, Pierre Trudeau (Primer Ministro de Canadá), Omar Sharif, Don Johnson, Steve McQueen, Kris Kristofferson, Peter Jennings, Elvis Presley y Richard Baskin entre otros. Mantuvo también una larga relación (1974-1982) con el peluquero convertido luego en productor de cine Jon Peters. No obstante, se le han atribuido numerosos falsos romances, siendo el del tenista Andre Agassi el más sonado, a pesar de que nunca fue confirmado y siempre fue negado por ambos. Desde el 1 de julio de 1998 está casada con el actor y también director James Brolin. Curiosamente sus dos maridos coincidieron en 1970 en la famosa película Capricornio Uno.

Streisand es conocida por su franca orientación política liberal y progresista, y es una activa defensora de sus ideas dentro del Partido Demócrata. Es asimismo una firme defensora de la causa de Israel, y en junio de 2013 concurrió especialmente invitada a la celebración de 90 aniversario de Shimón Peres.

Su fuerte y marcada personalidad la han convertido en un símbolo para sus admiradores. Esto fue cariñosamente satirizado en la serie de Mike Myers "Linda Richman", serie de sketches humorísticos en directo, emitidos los sábados por la noche, en la que la misma Streisand hizo una aparición sorpresa.

Por otra parte, su implicación política en la lucha por los derechos civiles de las mujeres, los gays y las lesbianas, las causas medioambientales, así como el absoluto control que ejerce sobre todo su trabajo a menudo la convierten también en blanco de la hostilidad de los sectores conservadores de la industria del cine y la prensa norteamericana, que no pueden negar su impresionante carrera artística y sus incuestionables éxitos, pero los simplifican reduciéndola a la categoría de diva o convirtiendo en noticia sólo los aspectos más banales de su vida íntima.

A lo largo de los años, Barbra ha sido una fuerte recaudadora de fondos para causas sociales como la lucha contra el sida, la educación y la protección de las minorías étnicas. Sus ideas sobre la posición de los artistas a la hora de participar en el proceso político quedaron reflejadas en su discurso en la Universidad Harvard "El Artista Como Ciudadano", reproducido íntegramente por el New York Times y el Washington Post. También ha sido reconocida con un Doctorado Honorario en Artes y Humanidades por la Universidad de Brandeis. En febrero de 2001 le fue concedido el premio del Instituto Americano del Cine por su trabajo como directora, actriz, guionista, productora y compositora. Ha recibido también la Medalla Nacional de las Artes concedida por el gobierno de los Estados Unidos y el gobierno de Francia la ha condecorado con la Orden de las Artes y las Letras y más recientemente, en 2007, como Oficial de la Legión de Honor. En el 2008, Barbra recibe un homenaje y una medalla del Kennedy Center Honors debido a sus colaboraciones al arte durante su larga y exitosa trayectoria.

Discografía[editar]
Artículo principal: Discografía de Barbra Streisand
Año Título Tipo
1962 I Can Get It For You Wholesale Broadway cast
1962 Pins And Needles Estudio/colaboración
1963 The Barbra Streisand Album Estudio
1963 The Second Barbra Streisand Album Estudio
1964 The Third Album Estudio
1964 Funny Girl Broadway cast
1964 People Estudio
1965 My Name is Barbra Estudio/especial televisión
1965 My Name is Barbra, Two Estudio/especial televisión
1966 Color Me, Barbra Estudio/especial televisión
1966 Harold Arlen sings...with friend Estudio/colaboración
1966 Je m'appelle Barbra Estudio
1967 Simply Streisand Estudio
1967 A Christmas Album Estudio
1968 Funny Girl Banda sonora
1968 A Happening in Central Park Banda sonora
1968 What About Today? Estudio
1969 Hello, Dolly! Banda sonora
1970 Barbra Streisand's Greatest Hits Recopilatorio
1970 On A Clear Day You Can See Foerever Banda sonora
1971 The Owl and The Pussycat Banda sonora y diálogos
1971 Stoney End Estudio
1971 Barbra Joan Streisand Estudio
1972 Live Concert at the Forum Directo
1973 Barbra Streisand... And Other Musical Instruments Especial televisión
1974 The Way We Were Banda sonora
1974 The Way We Were Estudio
1974 ButterFly Estudio
1975 Funny Lady Banda sonora
1975 Lazy Afternoon Estudio
1976 Classical Barbra Estudio
1976 A Star is Born Banda sonora
1977 Streisand Superman Estudio
1978 Songbird Estudio
1978 Eyes of Laura Mars Banda sonora
1978 Barbra Streisand's Greatest Hits Vol. 2 Recopilarotio
1979 The Main Event Banda sonora
1979 Wet Estudio
1980 Guilty Estudio
1981 Memories Recopilatorio y estudio (temas nuevos)
1983 Yentl Banda sonora
1984 Emotion Estudio
1985 The Broadway Album Estudio
1987 One Voice Directo
1987 Nuts Banda sonora
1988 Till I Loved You Estudio
1989 A Collection: Greatest Hits.. and More Recopilatorio y estudio (temas nuevos)
1991 Just for the Record Recopilatorio, temas inéditos y nuevos
1991 Prince of Tides Banda sonora
1991 Just for the Record: Highlights Recopilatorio, temas inéditos y nuevos
1993 Back to Broadway Estudio
1994 Barbra: The Concert Directo
1995 The Concert: Highlights Directo
1996 The Mirror Has Two Faces Banda sonora
1997 Higher Ground Estudio
1999 A Love Like Ours Estudio
2000 Timeless: Live in Concert Directo
2001 Christmas Memories Estudio
2002 The Essential Barbra Streisand Recopilatorio y estudio (temas nuevos)
2002 Duets Recopilatorio y estudio (temas nuevos)
2003 The Movie Album Estudio
2005 Guilty Pleasures Estudio
2007 Live in Concert 2006 Directo
2008 The Essential Barbra Streisand 3.0 Recopilatorio
2009 Love Is the Answer (album) Estudio
2010 One Night Only Directo
2010 The Ultimate Collection Recopilatorio
2011 What Matters Most Estudio
2012 Release Me Recopilatorio temas inéditos
2013 "Back to Brooklyn" Directo
Filmografía[editar]
Artículo principal: Filmografía de Barbra Streisand
Año Película Papel Notas
1968 Funny Girl Fanny Brice
1969 Hello, Dolly! Dolly Levi
1970 Vuelve a mi lado (On a clear day you can see forever) Daisy Gamble/Lady Melinda Winifred Waine Tentrees
La gatita y el búho (The owl and the pussycat) Doris
1972 ¿Qué me pasa, doctor?(What's up, doc?) Judy Maxwell
Casada en Nueva York (Up the sandbox) Margaret Reynolds (también productora)
1973 Tal como éramos (The way we were) Katie Morosky
1974 ¿Qué Diablos Pasa Aquí? (For Pete's sake) Henrietta 'Henry' Robbins
1975 Funny Lady Fanny Brice
1976 Ha nacido una estrella (A star is born) Esther Hoffman (también creadora de conceptos musicales, compositora y productora ejecutiva)
1979 Combate de Fondo (The main event) Hillary Kramer (también productora)
1981 All Night Long Cheryl Gibbons
1983 Yentl Yentl/Anshel (también creadora las escenas musicales, coguionista, productora, y directora)
1987 Loca (Nuts) Claudia Draper (también compositora y productora)
1991 El príncipe de las mareas (The prince of tides) Susan Lowenstein (también productora y directora)
1996 El amor tiene dos caras (The mirror has two faces) Rose Morgan (también compositora, productora y directora)
2004 Meet the Fockers(Meet the Fockers) Rozalin Focker
2010 Ahora los padres son ellos (Little Fockers) Rozalin Focker y Duck sauce DFBM
2012 The Guilt Trip Joyce Brewster
Televisión[editar]
Artículo principal: Televisión Barbra Streisand
Especiales para televisión[editar]
Año Programa de Televisión Papel Notas
1965 My Name is Barbra Ella misma
1966 Color Me, Barbra Ella misma
1967 The Belle of 14th Street Ella misma
1968 A Happening in Central Park Ella misma
1973 Barbra Streisand... and Other Musical Instruments Ella misma
1975 Funny Girl to Funny Lady Ella misma/Fanny Brice Presentación de la película 'Funny Lady' - Entrevista/Actuación en directo
1976 Barbra: With One More Look at You Ella misma Documental sobre el proceso creativo y el rodaje de 'A Star Is Born'
1983 A Film Is Born: The Making of 'Yentl' Ella misma Documental sobre el rodaje de 'Yentl'
1986 Putting it Together: The Making of The Broadway Album Ella misma También arreglista, productora ejecutiva y directora
1987 One Voice Ella misma También productora ejecutiva
1994 Barbra Streisand: The Concert Ella misma También diseñadora de vestuario, directora de escena, creadora, productora y directora
2000 Barbra Streisand: Timeless Ella misma También productora y directora
2004 Barbra Streisand: Live at the MGM Grand (1993/4) Ella misma También diseñadora de vestuario, directora de escena, creadora, productora y directora
2009 Barbra Streisand: Live in Concert Ella misma También diseñadora de vestuario, directora de escena, creadora, productora y directora
2013 "Back to Brooklyn" Ella misma También creadora, diectora de escena, productora y directora
Teatro[editar]
Artículo principal: Apariciones en teatro de Barbra Streisand
Fecha Obra Teatro Papel
Verano 1957 Teahouse of the August Moon Malden Bridge Playhouse Niña japonesa
Verano 1957 Desk Set Malden Bridge Playhouse Elsa
Verano 1957 Picnic Malden Bridge Playhouse Millie Owens
Invierno 1957/58 Purple Dust Cherry Lane Theatre Asistente de director de escena
Verano 1958 Tobacco Road Clinton Playhouse Elli May
Enero-Febrero 1959 Driftwood Garret Theatre Lorna
Verano 1959 Separate Tables Cecilwood Theatre ?
08.-10.05.1960 The Insect Comedy Jan Hus Theatre Apatura Clythia, Segunda Mariposa, Primera Hormiga y Segunda Polilla
16.-30.08.1960 The Boyfriend Cecilwood Theatre Hortense
21.10.1961 Another Evening with Harry Stoones Gramercy Arts Theatre Varios personajes
22.03.-09.12.1962 I Can Get It For You Wholesale Shubert Theatre y Broadway Theatre Miss Marmelstein
26.03.1964 - 26.12.1965 Funny Girl Winter Garden Theatre Fanny Brice
13.04.-16.07.1966 Funny Girl Prince of Wales Theatre Fanny Brice
Premios, listas de ventas Billboard y certificaciones RIAA[editar]
Artículo principal: Premios de Barbra Streisand
Apariciones en vivo, actuaciones y giras[editar]
Artículo principal: Apariciones en vivo, actuaciones y giras de Barbra Streisand
La gran mayoría de las actuaciones en vivo de Barbra Streisand se produjeron en los años 60; antes y durante sus primeras apariciones cinematográficas. Cantar en público se convirtió en incómodo para ella y virtualmente cesó sus actuaciones a mediados de los 70, a excepción de conciertos benéficos. Barbra regresó triunfante al circuito de los conciertos y de las giras en 1994 en lo que los medios llamaron "The Tour of the Century". En el año 2000, su espectáculo "Timeless" debutó en Las Vegas para después ir a Australia, Los Angeles y Nueva York. Barbra volvió con una nueva gira que le llevó a 20 ciudades Norteamericanas en 2006 y a 10 europeas en 2007. La última gira de Streisand tuvo lugar en 2012 con actuaciones en 10 ciudades de Norteamérica y en 2013 visitando 5 ciudades entre Europa e Israel.

At the beginning of her career, Barbra was usually a “talk guest,” speaking live from the radio station. Later, special radio programs were created to publicize her newest album or film.

Below is a list of Streisand's radio appearances.

Apariciones en radio[editar]
Artículo principal: Apariciones en radio de Barbra Streisand
Al igual que ocurría con la televisión, al principio de su carrera, Barbra solía aparecer como "invitada". Con la popularidad, se hacían programas especiales de radio para publicitar su último trabajo como cantante, actriz o directora. También son relativamente frecuentes sus intervenciones para las causas que defiende.

Ha recibido 89 puntos

Vótalo:

SIDNEY LUMET

45. SIDNEY LUMET

Biografía[editar] Nacido en Filadelfia, sus padres fueron el actor judío de origen polaco Baruch Lumet y la bailarina Eugenia Wermus. Se graduó en el Professional Children's School y fue actor antes que director. Hizo su debut en el Yiddish Art Theater de Nueva York a la edad de cuatro años y... Ver mas
Biografía[editar]
Nacido en Filadelfia, sus padres fueron el actor judío de origen polaco Baruch Lumet y la bailarina Eugenia Wermus. Se graduó en el Professional Children's School y fue actor antes que director. Hizo su debut en el Yiddish Art Theater de Nueva York a la edad de cuatro años y actuó en teatros judíos de Broadway durante la década de 1930 hasta que debutó en el cine con la película One Third of a Nation (1939). En 1947 empezó a dirigir sus propias obras de teatro en el off-Broadway y dirigió a actores como Yul Brynner, Eli Wallach y otros miembros del Actor's Studio. Lumet hizo su debut detrás de la cámara al principio de la década de 1950 como director de televisión en la CBS. En ella destacan los 150 episodios de la serie "Danger" (1950) y los 26 de "You Are There" (1953).

El comienzo en el cine de Lumet fue prometedor, con el éxito comercial y de crítica de 12 Angry Men (1957). Por esta película, ganó el Oso de Oro en el Festival de Berlín y su primera nominación al premio Óscar en la categoría de mejor película, mejor director y mejor guion adaptado.

Sus siguientes realizaciones Stage Struck (1958) y Esa clase de mujer (1959) no estuvieron a la altura de su debut, como tampoco lo estuvo la dirección que hizo de Marlon Brando y Anna Magnani en Piel de serpiente (The Fugitive Kind, 1959).

A pesar de esos fracasos, el comienzo de la década de 1960 fue una de las épocas más fructíferas de Lumet. Comenzó con la sólida adaptación del clásico de Arthur Miller Panorama desde el puente (1961), con Raf Vallone y Maureen Stapleton, a la que siguió una de sus obras maestras del periodo, Larga jornada hacia la noche (1962), protagonizada por Katharine Hepburn, Ralph Richardson, Dean Stockwell y Jason Robards.

Después de este gran éxito, llegó un título menor Punto límite (1964), drama sobre la Guerra fría. Pero se recuperó con El prestamista (1964), que trata de un superviviente del Holocausto que vive en Nueva York, y que relata sus experiencias en los campos de concentración. El papel protagonista fue interpretado por Rod Steiger, por el que fue una nominado a premio Oscar. El director siguió investigando los horrores de la guerra en su posterior proyecto La colina (1965), con Sean Connery, con el que empezaría una fructífera relación profesional.

Lumet dio un giro en sus películas al siguiente año, dirigiendo el drama El grupo (1966) y posteriormente el thriller de espionaje Llamada para el muerto (1966), con James Mason, Maximilian Schell y Simone Signoret.

La década de 1960 no terminó tan bien para Lumet como empezó. La comedia Bye Bye Braverman (1968) y la adaptación de la obra de Antón Chéjov, La gaviota (1968) fueron grandes fracasos. Tampoco tuvieron mucho mejor aceptación de público y crítica Cita, Una (1969) y Last of the Mobile Hot Shots (1970). La única buena crítica que recibió Lumet por aquellos años fue el documental que realizó juntamente con Joseph L. Mankiewicz, King: A Filmed Record... Montgomery to Memphis (1970) sobre Martin Luther King, que fue nominada a un premio Oscar.

En 1971 filmó Supergolpe en Manhattan, con Sean Connery. Esta película consiguió un aceptable éxito de taquilla, cosa que no sucedió con Perversión en las aulas (1972), ni con La ofensa (1972).

Después de los anteriores fracasos, Lumet se quiso apuntar al cine denuncia que empezaba a triunfar en Hollywood. Su primer título no pudo ser más acertado, el thriller policial Serpico (1973), que relata la corrupción de la Policía de Nueva York. El filme fue protagonizado por Al Pacino y fue también el comienzo de una de las épocas más brillantes de su carrera cinematográfica. La película recibió críticas excelentes y fue un éxito de taquilla. Al Pacino ganó el premio Globo de Oro por su actuación, y la película recibió además 2 nominaciones al premio Oscar.

Después de Lovin' Molly (1974) se dedicó a la adaptación a la pantalla, del clásico de Agatha Christie Asesinato en el Orient Express (1974), que reunió a grandes actores como Albert Finney, Lauren Bacall, Sean Connery e Ingrid Bergman. La película tuvo 6 nominaciones al premio Oscar, e Ingrid Bergman ganó su tercera estatuilla.

Después de esto, dirigió a Al Pacino en Tarde de perros (1975), una película sobre un robo en Nueva York, que también recibió 6 nominaciones al premio Oscar, a la mejor película, mejor director y mejor actor actor y un premio a Frank Pierson, al mejor guion original.



Sidney Lumet en 1939
Su siguiente título Network (1976), fue una sátira sobre el mundo de la televisión. La película ganó 4 premios Óscar: al mejor actor (Peter Finch), a la mejor actriz (Faye Dunaway), al mejor guion original (Paddy Chayefsky), y a la mejor actriz secundaria (Beatrice Straight).

Después de estos éxitos, se lanzó a proyectos más ambiciosos que no tuvieron tanto éxito, exceptuando a Equus (1977), una adaptación a la pantalla de la polémica obra de teatro de Peter Shaffer, por la cual Richard Burton, y Peter Firth fueron nominados al premio Oscar. La película no fue tan bien acogida como sus anteriores títulos. Su película El mago (1978) fue un fracaso de crítica y de taquilla. Tampoco tuvo éxito Dime lo que quieres (1980) sobre una performance de Alan King.

Lumet volvió a remontar el vuelo con El príncipe de la ciudad (1981), y Veredicto final (1982), con Paul Newman, James Mason, Jack Warden y Charlotte Rampling.

Los siguientes títulos del director fueron el polémico drama Daniel (1983) con Timothy Hutton sobre la historia de dos jóvenes ejecutados por espionaje durante la época de la caza de brujas de Hollywood. A ella, siguieron la comedia Buscando a Greta (1984), Power (1986) y A la mañana siguiente (1986).

Al final de la década de 1980 y comienzo de la de 1990, su actividad se fue poco a poco espaciando. En 1988, realizó Un lugar en ninguna parte (1988). La historia retrata a una familia que tiene que huir del FBI porque los padres (Christine Lahti y Judd Hirsch) cometen un atentado a un laboratorio de napalm en 1971 en protesta por la Guerra del Vietnam.

Otras películas fueron Negocios de familia (1989), con Sean Connery, Dustin Hoffman y Matthew Broderick, y Distrito 34: corrupción total (1990) con Nick Nolte, Timothy Hutton y Armand Assante entre otros. En la década de 1990 realizó Una extraña entre nosotros (1992), El abogado del diablo (1993), y el remake de la película de John Cassavetes Gloria (1999).

En 2005 recibió el premio Oscar honorífico por su trayectoria.

Sus películas más recientes fueron Find Me Guilty (2006), que se basa en la historia real de Giacomo "Jackie Dee" DiNorscio, y Before the Devil Knows You're Dead (2007), cuya trama gira en torno a dos hermanos que organizan el robo de la joyería de sus propios padres.

Filmografía[editar]
Como director:

12 Angry Men (1957)
Stage Struck (1958)
Esa clase de mujer (That Kind of Woman) (1959)
Piel de serpiente (The Fugitive Kind) (1959)
Una mirada desde el puente (Vu du pont) (1961)
Larga jornada hacia la noche (Long Day's Journey Into Night) (1962)
El prestamista (The Pawnbroker) (1964)
Punto límite (Fail-Safe) (1964)
La colina (The Hill) (1965)
El grupo (The Group) (1966)
Llamada para el muerto (The Deadly Affair) (1966)
Bye Bye Braverman (1968)
La gaviota (The Sea Gull) (1968)
Una cita (The Appointment) (1969)
Last of the Mobile Hot Shots (1968)
King: A Filmed Record... Montgomery to Memphis (1970) (documental)
Supergolpe en Manhattan (The Anderson Tapes) (1971)
Perversión en las aulas (Child's Play) (1972)
La ofensa (The Offence) (1973)
Serpico (Serpico) (1973)
Lovin' Molly (1974)
Asesinato en el Orient Express (Murder on the Orient Express) (1974)
Tarde de perros (Dog Day Afternoon) (1975)
Network, un mundo implacable (Network) (1976)
Equus (Equus) (1977)
El mago (The Wiz) (1978)
Dime lo que quieres (Just Tell Me What You Want) (1980)
El príncipe de la ciudad (Prince of the City) (1981)
La trampa de la muerte (Deathtrap) (1982)
Veredicto final (The Verdict) (1982)
Daniel (Daniel) (1983)
Buscando a Greta (Garbo Talks) (1984)
Power (Power) (1986)
A la mañana siguiente (The Morning After) (1986)
Un lugar en ninguna parte (Running on Empty) (1988)
Negocios de familia (Family Business) (1989)
Distrito 34: corrupción total (Q & A) (1990)
Una extraña entre nosotros (A Stranger Among Us) (1992)
El abogado del diablo (Guilty as Sin) (1993)
La noche cae sobre Manhattan (Night Falls on Manhattan) (1997)
En estado crítico (Critical Care) (1997)
Gloria (Gloria) (1999)
Find Me Guilty (Find Me Guilty) (2006)
Antes que el diablo sepa que has muerto (Before the Devil Knows You're Dead) (2007)
Como productor:

Llamada para el muerto (The Deadly Affair) (1966)
La gaviota (The Sea Gull) (1968)
Dime lo que quieres (Just Tell Me What You Want) (1980)
En estado crítico (Critical Care) (1997)
Como guionista:

Distrito 34: corrupción total (Q & A) (1990)
La noche cae sobre Manhattan (Night Falls on Manhattan) (1997)
Premios[editar]
Premios Óscar[editar]
Año Categoría Película Resultado
2004 Óscar Honorífico Ganador
1982 Óscar a la mejor dirección Veredicto final Candidato
1981 Óscar al mejor guion adaptado Príncipe de la ciudad Candidato
1976 Óscar a la mejor dirección Network Candidato
1975 Óscar a la mejor dirección Tarde de Perros Candidato
1957 Óscar a la mejor dirección Doce hombres sin piedad Candidato

Ha recibido 88 puntos

Vótalo:

NICHOLAS RAY

46. NICHOLAS RAY

Biografía y carrera[editar] Fue el menor de cuatro hermanos. Su padre, que ya tenía dos hijas de un matrimonio anterior, era alcohólico. Era un alemán católico, pero se hizo luterano. Su madre trabajaba en el mundo del espectáculo. Inicios[editar] Ray empieza a estudiar en la Universidad de... Ver mas
Biografía y carrera[editar]
Fue el menor de cuatro hermanos. Su padre, que ya tenía dos hijas de un matrimonio anterior, era alcohólico. Era un alemán católico, pero se hizo luterano. Su madre trabajaba en el mundo del espectáculo.

Inicios[editar]
Ray empieza a estudiar en la Universidad de Chicago, pero se ve obligado a dejarla en 1932. Se traslada a Nueva York y se cambia el nombre. Regresará a Wisconsin tras recibir una invitación del arquitecto Frank Lloyd Wright, con el que había estudiado en una escuela de arquitectura llamada «Taliesin». Por desgracia, este dúo no tendrá continuidad y Ray deja otra vez su escuela y regresa a Nueva York.

Con apenas 100 dólares en el bolsillo, Ray se une a un grupo de Teatro de Improvisación de Nueva York. Allí conocerá a Elia Kazan. Era célebre por su manera poco corriente de empujar a los estudiantes hasta sus límites, y esa forma de enseñar es la que marcará a Ray el resto de su vida. De hecho, cuando Kazan dirige Lazos humanos, su primera película en Hollywood, contratará a Ray como ayudante.

Debut como director[editar]
A continuación, Ray empezará a dirigir sus propias películas. Empieza en 1948 con Los amantes de la noche, y en 1949 con El secreto de una mujer, en la que destaca la interpretación de Gloria Grahame, con la que se casará tras el rodaje. Luego rodará Llamad a cualquier puerta, con Humphrey Bogart, y En un lugar solitario (1950), película protagonizada por Bogart y Grahame y que trataba de un guionista sospechoso de asesinato. Películas posteriores son Nacida para el mal, Infierno en las nubes (con John Wayne), La casa en la sombra, Hombres errantes y Johnny Guitar, que tuvo un gran éxito de taquilla.

Rebelde sin causa[editar]
Tras este triunfo, Ray se une a la Warner Bros., que le encargará la dirección de la famosa Rebelde sin causa. Esta película era en principio una visión de las investigaciones del Doctor Robert M. Lindner acerca de los adolescentes díscolos y violentos. La Warner se había hecho con los derechos de esta obra y tenía pensado que la protagonizara Marlon Brando y que la dirigiera Sidney Lumet. Sin embargo, ninguno de los dos pudo participar en ese proyecto.

El tema de la delincuencia juvenil ya estaba presente en todos los medios de comunicación norteamericanos desde mucho tiempo antes, lo que animó a Ray a aceptar este proyecto. De hecho, opinó a este respecto: «No me interesaban ni el psicópata ni el hijo de una familia desestructurada». Sin embargo, poco después, Ray empieza a escribir su propia historia, titulada The Blind Run, una cruda historia de 17 páginas que contaba con una serie de escenas violentas y de actos criminales. A él se une el productor David Weisbart, con el que reescribe la historia para hacerla más aceptable. A continuación, Ray se da cuenta de lo absurdo de la tesis que pretende transmitir ese rebelde «sin causa»: los malos provienen de familias pobres, los ricos son los buenos. «Es totalmente falso», dijo Ray. «Somos todos nosotros».

Para perfilar el guion, Ray recurre al dinámico Stewart Stern, un escritor de 32 años. Para poner la guinda, Ray escoge a James Dean como protagonista del largometraje. Ambos tienen mucho en común, por ejemplo, ambos han tenido una infancia desgraciada (el padre de Dean lo abandonó a los nueve años) y ambos eran adultos introvertidos.

La banda sonora de la película contará con el muy reconocido Leonard Rosenman, que había hecho la música de Al este del Edén.

Sin embargo, la Warner Bros. no estaba muy de acuerdo en la elección del actor principal. La compañía prefería actores jóvenes, estrellas ascendentes como Robert Wagner, Tab Hunter o John Kerr. Como estrella femenina de la película, acude a Natalie Wood, que sólo contaba entonces con 16 años.

Luego, como es sabido, muere James Dean una semana antes del estreno mundial. Se convierte entonces en un icono entre la juventud mundial, y Ray se ve muy afectado por esta muerte.

Últimos años[editar]
En un desesperado intento de olvidar la tragedia, Nicholas Ray dirige Rey de reyes y 55 días en Pekín. Sufre una dolencia cardíaca durante el rodaje de 55 días en Pekín, y éste fue el principio del final de su carrera. Lo había perdido todo. Enloquecía progresivamente en lo relacionado con James Dean, del que decía que le había legado diversos objetos. Por ejemplo, exhibió un rifle ante los estudiantes de la Sorbona gritando que Dean se lo había legado.

En el final de su vida, Nicholas Ray cayó en el alcoholismo y la ludopatía. Su fortuna se disipó en un abrir y cerrar de ojos. En 1969, conoce en la Universidad de Chicago a la mujer que será su cuarta y última esposa, una estudiante de la facultad llamada Susan Schwartz, que contaba sólo con 18 años (él tenía 58).

Ray participó como actor en El amigo americano de Wim Wenders (1976). Sus múltiples problemas con la justicia sólo terminaron con su muerte en 1979.

Vida personal[editar]
Bisexual y adicto al alcohol y a las anfetaminas, Ray se casó con la actriz Gloria Grahame (su segunda esposa) con la que tuvo un hijo, Tim, y más tarde se divorciaron. Ocho años después, en 1960, Hollywood se escandalizó con el matrimonio de Grahame y Tony Ray, hijo de Nicholas e hijastro de Grahame. Gloria acabó teniendo hijos de los dos Ray: padre e hijo.

Ray tuvo dos hijas con su tercera mujer, la actriz y bailarina Betty Utey.

La cuarta y última mujer de Ray, Susan Ray, escribió un ensayo con el título de La Autobiografía de Nicholas Ray.

Tras acudir a Alcohólicos Anónimos, en 1976 había superado sus adicciones.

En sus dos últimos años, colaboró en la dirección de Lightning Over Water ó Relámpago sobre el Agua, (también conocida como Nick' s Film), con el director alemán Wim Wenders. Se trata de un testimonio sobre el final de la vida de Nicholas Ray. En la última escena, sus amigos llevan sus cenizas, en un barco, hasta el océano.

Murió de cáncer de pulmón el 16 de junio de 1979 en Nueva York, después de dos años de enfermedad y agonía.

Filmografía[editar]
1948 - Los amantes de la noche (They Live by Night)
1949
El secreto de una mujer (A Woman's Secret)
Llamad a cualquier puerta (Knock on Any Door)
1950
En un lugar solitario (In a Lonely Place)
Nacida para el mal (Born to Be Bad)
1951
Infierno en las nubes (Flying Leathernecks)
Soborno (película de 1951) (The Racket, de John Cromwell. Escenas adicionales)
1952
La casa en la sombra (On Dangerous Ground)
Una aventurera en Macao (Macao, de Josef von Sternberg. Escenas adicionales)
Hombres errantes (The Lusty Men)
1954 - Johnny Guitar
1955
Busca tu refugio (Run for Cover)
Rebelde sin causa (Rebel Without a Cause)
1956
Sangre caliente (Hot Blood)
Más poderoso que la vida (Bigger Than Life)
1957 - La verdadera historia de Jesse James (The True Story of Jesse James)
Amarga victoria (Bitter victory)
1958
Muerte en los pantanos (Wind Across the Everglades)
Chicago, año 30 (Party Girl)
1959 - Los dientes del diablo (The Savage Innocents)
1961 - Rey de reyes (King of Kings)
1963 - 55 días en Pekín (55 Days at Peking)
1980 - Relámpago sobre el agua (Lightning Over Water)

Ha recibido 86 puntos

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JON VOIGHT

47. JON VOIGHT

Biografía[editar] Hijo del jugador profesional de golf Elmer Voight, cuyo apellido original era Voytka, y de Bárbara Voight, ambos de ascendencia alemana y eslovaca, Jon Voight tiene dos hermanos: el profesor de geología Barry Voight y el músico y compositor Wes Voight, más conocido cómo Chip... Ver mas
Biografía[editar]
Hijo del jugador profesional de golf Elmer Voight, cuyo apellido original era Voytka, y de Bárbara Voight, ambos de ascendencia alemana y eslovaca, Jon Voight tiene dos hermanos: el profesor de geología Barry Voight y el músico y compositor Wes Voight, más conocido cómo Chip Taylor. Estudió en Archbishop Stepinac High School (White Plains, Nueva York) y se graduó en 1956, para realizar sus estudios universitarios a continuación, en la Universidad Católica de América (Washington) donde se graduó con el título de Bachelor of Arts en 1960.

Se mudó a su ciudad natal para iniciar su carrera cómo actor. Encontró un papel reemplazando a uno de los actores del musical The Sound of Music, donde conoció a la que sería su futura mujer y con la que se casaría en 1962, la también actriz Lauri Peters. Entre 1963 y 1969 participó en nueve series de televisión y dos películas, además de dos obras de teatro entre 1965 y 1967. Consiguió dar el salto a la fama interpretando al vaquero Joe Buck en Cowboy de medianoche (1969), junto a Dustin Hoffman, actuación que lo llevo a ser nominado por primera vez al Óscar Mejor Actor. Ese mismo año se divorció de Lauri Peters.

Durante los 70 trabajó bajo las órdenes de grandes directores como Mike Nichols, John Boorman, Martin Ritt, Franco Zeffirelli y Hal Ashby. En 1974 protagonizó el film Odessa (película) basado en la novela "The Odessa File" de Frederick Forsyth. En 1979 ganó el Óscar, en su segunda nominación, por el papel de "Luke Martin" un ex-combatiente de Vietnam en El regreso de 1978 junto a Jane Fonda, tambien es recordada su participación como un boxeador en el ocaso de su carrera, en El campeón (película de 1979), junto a Faye Dunaway y Rick Schroder. Además, en 1971 se casó con la modelo y actriz Marcheline Bertrand, madre de James Haven Voight y Angelina Jolie Voight.

En la década de 1980, participó en cinco largometrajes, siendo el filme Runaway Train, (1985) del director Andrei Konchalovsky, el que le haría ganar el premio Globo de Oro 1986 al mejor actor cinematográfico, género drama, siendo ademas su tercera nominación al Óscar. También participó en los guiones de los filmes Lookin' to Get Out (1982), y Eternity (1989).

En la década de 1990 actuó en siete telefilmes, una serie de televisión y 12 largometrajes, siendo su primer trabajo en televisión Chernobyl: The Final Warning en 1991, seguido de The Last of his Tribe en 1992.

La década tuvo aciertos y altibajos en su carrera profesional. Trabajo en la aclamada Heat 1995 junto a Al Pacino y Robert de Niro.Luego vendria el exito taquillero y de crítica con el papel del siniestro agente, Jim Phelphs en una de las mejores películas del año Misión: Imposible (película) 1996, junto a Tom Cruise. En 1998 fue candidato al Premio Golden Raspberry conocido como Premio Razzie: al peor actor, por Anaconda, y al peor actor secundario por Enemigo público, y U Turn. Para compensar, también recibió ese año el premio Globo de Oro al mejor actor secundario de cine por The Rainmaker.

Vida privada[editar]
Participa activamente en política, apoyando al Partido Republicano. Ademas es el padre de la famosa actriz Angelina Jolie.

Filmografía[editar]
Como actor[editar]
Series de TV[editar]
Año Serie Personaje Capítulos Creador
2009 24 Jonas Hodges 10 Robert Cochran
Joel Surnow
2010 Lone Star Clint Thatcher 5 Kyle Killen
2013 Ray Donovan Mickey Donovan 12 Ann Biderman
Como guionista[editar]
Lookin' to Get Out (1982). De Hal Ashby
Premios[editar]
Óscar[editar]
Año Categoría Película Resultado
2001 Mejor Actor de Reparto Alí Candidato
1985 Mejor Actor Runaway Train Candidato
1978 Mejor Actor El regreso Ganador
1969 Mejor Actor Cowboy de medianoche Candidato
Globos de Oro[editar]
Año Categoría Película Resultado
2014 Mejor de reparto de serie, miniserie o telefilme Ray Donovan Ganador
2002 Mejor Actor de Reparto Alí Nominado
1998 Mejor Actor de Reparto Legítima defensa Nominado
1986 Mejor Actor - Drama Runaway Train Ganador
1980 Mejor Actor - Drama El campeón Nominado
1979 Mejor Actor - Drama El regreso Ganador
1973 Mejor Actor - Drama Deliverance Nominado
1970 Nueva Estrella del Año - Actor Cowboy de medianoche Ganador
BAFTA[editar]
Año Categoría Película Resultado
1970 Nueva promesa Midnight Cowboy Ganador

Ha recibido 86 puntos

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RAOUL WALSH

48. RAOUL WALSH

Su carrera[editar] Según describe su propia autobiografía, sabemos de primera mano que a finales de la década de 1870 su padre Thomas Walsh en compañía de tres hermanos emigró de su tierra natal, Irlanda, a tierras estadounidenses: se fugaban de la prisión en donde estaban encerrados por los... Ver mas
Su carrera[editar]
Según describe su propia autobiografía, sabemos de primera mano que a finales de la década de 1870 su padre Thomas Walsh en compañía de tres hermanos emigró de su tierra natal, Irlanda, a tierras estadounidenses: se fugaban de la prisión en donde estaban encerrados por los ingleses, por actividades subversivas. [cita requerida]

El inquieto Raoul Walsh tuvo una infancia feliz en Nueva York, en su juventud fue marinero en Cuba y a continuación fue vaquero del Oeste durante más de un año; además trabajó en un circo.[cita requerida] Walsh comenzó su carrera en el mundo del espectáculo como actor de teatro en New York, y rápidamente se convirtió en intérprete cinematográfico, al trasladarse a Hollywood.

Cine mudo[editar]
En 1912 debutó en la dirección, con la película Life of Villa, en la que el revolucionario mexicano Pancho Villa se interpretó a sí mismo. Poco después dirigió una secuencia de otro filme muy similar, La vida del general Villa; esta vez, el personaje de Pancho Villa fue interpretado por Walsh.

En 1914 empezó a trabajar como asistente de D.W. Griffith, e interpretó el papel del asesino de Lincoln en el clásico El nacimiento de una nación (1915). Su trabajo con Griffith llamó la atención de la Fox Film Company (futura 20th Century Fox), que lo contrató ese mismo año. Durante su época en el cine mudo, Walsh solía escribir los guiones de sus películas, y a menudo actuaba también en ellas como protagonista.

Destacan entre sus obras de esta época una de las primeras películas de gángsters de la historia del cine, Regeneration (1915), así como la innovadora y espectacular El ladrón de Bagdad, que fue interpretada por Douglas Fairbanks y Anna May Wong y tuvo un enorme éxito. Bastante insólita en su filmografía, en general consagrada al cine de acción, es Evangeline (1919), basada en un poema de Longfellow, uno de los pocos filmes de su producción con pretensiones artísticas y que no tuvo demasiado éxito de público. Muchas de sus películas mudas se han perdido irremisiblemente.

Cine sonoro[editar]
En los primeros días del sonoro dirigió para la Fox el western En el viejo Arizona (In Old Arizona, 1929), tras haber tenido que renunciar al papel de protagonista de Cisco Kid al perder un ojo; pues una liebre se cruzó en su camino mientras conducía buscando localizaciones para la película por las carreteras de Nevada. Poco después dirigió, en el western La gran jornada (The Big Trail, 1930) a un entonces desconocido Marion Morrison, a quien Walsh cambió su nombre por el de John Wayne.

Continuó trabajando para la Fox hasta 1935, y pasó luego un corto período en la Paramount, hasta 1939, año en que fue contratado por Warner Brothers, productora en la permanecería hasta 1953 y con la que rodaría muchas de sus obras más recordadas, entre ellas varios clásicos del cine de gángsters, como Los violentos años veinte (1939) y Al rojo vivo (1949), ambas protagonizadas por James Cagney, y una película de aventuras sobre la vida del general Custer, Murieron con las botas puestas, protagonizada por Errol Flynn.

Ya en la década de 1950, Walsh dirigió dos películas de aventuras marinas protagonizadas por Gregory Peck, El hidalgo de los mares (Captain Horatio Hornblower R.N., 1951) y El mundo en sus manos (The World in His Arms, 1952), y el clásico del cine del Oeste Tambores lejanos (Distant Drums, 1951), cuyo papel principal lo interpretó Gary Cooper.

Tras expirar su contrato con la Warner, Walsh continuó dirigiendo películas, entre ellas tres con Clark Gable: The Tall Men (1955), Un rey para cuatro reinas (The King and Four Queens, 1956) y La esclava libre (Band of angels, 1957). Hay que añadir Los desnudos y los muertos (The Naked and the Dead, 1958), basada en la novela sobre la 2ª Guerra de Norman Mailer; algunos consideran que su segunda parte, ya en el frente, llega a niveles de su gran film bélico, Objetivo Birmania.1

Se retiró en 1964, tras rodar su último film, Una trompeta lejana (A Distant Trumpet, 1964).

Walsh fue uno de los fundadores de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas. El actor George Walsh era hermano suyo.

Filmografía selecta[editar]
The Pseudo Prodigal (1913), inicio como director (cortometraje)
The Life of General Villa (1914)
Regeneration (1915)
Peer Gynt (1915)
Carmen (1915), con Theda Bara.
The serpent (1916)
The Honor System (1916)
Pillars of Society (1916)
The Serpent (1917)
The Silent Lie (1917)
Betrayed (1917)
The Conqueror (1917)
This is the Life (1917)
The Pride of New Noyk (1917)
The Woman and the Law (1918), con Jack Connors, Miriam Cooper y Peggy Hopkins Joyce.
The Prussian Cur (1918)
On the Jump (1918), A salto de mata
Every's Mother Don (1918)
I'll say so (1918), Lo digo yo.
Evangeline (1919)
Should a Husban Forgive? (1919).
The Strongest (1920)
The Deep Purple (1920)
From now on (1920), De ahora en adelante.
The Oath (1921)
Serenade (1921)
Kindred of the Dust (1922)
Lost and found (1923)
Rosita (1923)
The Thief of Bagdad (1924), El ladrón de Bagdad, producido y protagonizado por Douglas Fairbanks.
East of Suez (1925), La dama de Oriente
The Spaniard (1925)
The Wanderer (1925)
The Lucky Lady (1926)
The Ladyu ofthe Harem (1926)
The Spaniard (1926)
What Price Glory? (1926), su película muda de mayor eco.
The Monkey Talks (1927)
Loves of Carmen (1927), Los amores de Carmen
Sadie Thompson (1928), en el que actúa Gloria Swanson
The Red Dance (1928).
Me Gangster (1928).
In Old Arizona (1929), En el viejo Arizona, sonora
The Cock-Eyed World (1929), El mundo al revés
Hot for Paris (1929), Un marino afortunado
The Big Trail (1930), La gran jornada, primera aparición de John Wayne.
The Man who Came Back (1931), con Janet Gaynor y Charles Farrell
Women of all Nations (1931),
The Yellow Ticket (1931), El carnet amarillo, con Lionel Barrymore y Laurence Olivier
Wild Girl (1932), El beso redentor, con Charles Farrell, Joan Bennett, Ralph Bellamy y Eugene Pallette
Me and my Gal (1932), Mi chica y yo
Sailor's Luck (1933), Suerte de marinero.
The Bowery (1933), El arrabal, con Wallace Beery, George Raft, Fay Wray, y Pert Kelton
Going Holluwood (1933). Amores en Holluwood.
Baby face Harrington (1935),
Every night by eight (1935), A las ocho en punto.
Klondike Annie (1936), con Mae West y Victor McLaglen
Big brown eyes (1936)
KSpendthrift (1936)
OHMS (1937)
Jumop for Glory (1937)
Hitting a new High (1937)
College Swing (1938)
St. Louis Blues (1939)
The Roaring Twenties (1939), Los violentos años veinte, con James Cagney y Humphrey Bogart
Dark Command (1940), con John Wayne, Roy Rogers y Gabby Hayes
They Drive by Night (1940), La pasión ciega, con George Raft, Ann Sheridan, Ida Lupino y Humphrey Bogart
High Sierra (1941), El último refugio, con Ida Lupino y Humphrey Bogart
The strawerry blonde (1941),
They Died with Their Boots On (1941), Murieron con las botas puestas, con Errol Flynn y Olivia de Havilland
Manpower (1941), con Edward G. Robinson, Marlene Dietrich y George Raft
Desperate Journey (1942), Jornadas desesperadas, con Errol Flynn y Ronald Reagan
Gentleman Jim (1942), con Errol Flynn y William Frawley
Northern Pursuit (1943), con Errol Flynn.
Background to Danger (1943)
Uncertain Glory (1944)
Objective, Burma! (1945), Objetivo Birmania, con Errol Flynn.
Salty o'Rourke (1945)
The horn blows at Midnight (1945)
San Antonio (1945)
The Man I Love (1946)
Pursued (1947), Perseguido, con Robert Mitchum y Teresa Wright
Stalling Road (1947)
Cheyenne (1947)
Silver River (1948), Río de Plata, con Errol Flynn.
Fighter Squadron (1948), Escuadrón de combate
One Sunday Afternoon (1948)
White Heat (1949), Al rojo vivo, con James Cagney y Edmond O'Brien.
Colorado Territory(1949), Juntos hasta la muerte, con Joel McCrea, Virginia Mayo, Dorothy Malone y Henry Hull, nueva versión (remake) de su film de 1941 High Sierra (El último refugio).
Montana (1950), con Errol Flynn.
The Enfoncer (1951), Sin conciencia, con Humphrey Bogart. Codirector.
Captain Horatio Hornblower (1951), El hidalgo de los mares con Gregory Peck y Virginia Mayo
Distant Drums (1951), Tambores lejanos.
Glory Alley (1952)
Along the Grat Divide (1951), Camino a la horca.
Blackbeard the Pirate (1952), El pirata Barbanegra, con Robert Newton, Linda Darnell y William Bendix.
The World in His Arms (1952), El mundo en sus manos, con Gregory Peck, Ann Blyth y Anthony Quinn.
Gun Fury (1953), con Donna Reed y Lee Marvin.
A Lion Is in the Streets (1953), Un león en las calles, con James Cagney y Lon Chaney Jr..
The Lawless Breed (1953), Historia de un condenado, con Rock Hudson.
Sea Devils (1953), con Rock Hudson.
Saskatchewan (1954), Rebelión en el fuerte.
Battle Cry (1955) , Más allá de las lágrims, con Val Heflin.
The Tall Men (1955), Los implacables, con Clark Gable y Jane Russell
The Revolt of Mamie Stowes (1956), La rebeldía de la Sra. Stowes
The King and Four Queens (1956), Un rey para cuatro reinas, con Clark Gable y Eleanor Parker
Helen of Troy (1956)
Band of Angels (1957), La esclava libre, con Clark Gable, Yvonne DeCarlo y Sidney Poitier
The Sheriff of Fractured Jaw (1958), La rubia y el Sheriff
The Naked and the Dead (1958), Los desnudos y los muertos, con Cliff Robertson, basada en la novela de Norman Mailer.
A Private's Affair (1958), Negocios del corazón.
Esther and the King (1960), Ester y el rey, con Joan Collins.
Marines, Let's Go! (1961).
A Distant Trumpet (1964), Una trompeta lejana, último film.

Ha recibido 85 puntos

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GEORGE CLOONEY

49. GEORGE CLOONEY

George Timothy Clooney (Lexington, Kentucky, 6 de mayo de 1961) es un actor, director, productor y guionista estadounidense. Ha sido galardonado con cuatro Globos de Oro, dos Óscar, y un BAFTA. También es conocido por su activismo político, siendo Mensajero de la Paz de Naciones Unidas desde...