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DIRECTORES DE CINE ESPAÑOLES

DIRECTORES DE CINE ESPAÑOLES

  • Lista creada por irenegm.
  • Publicada el 23.05.2014 a las 21:33h.
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Hola, ya sé que está hecha pero no había bastantes directores españoles, creo que de lo mejorcito, he añadido algunos cuántos. ¿Cuáles son tus preferidos? Para mí, hay muchos pero... me quedo con: GARCÍA BERLANGA, GARCI, FERNANDO TRUEBA, ANTONIO MERCERO, etc, etc. Si me falta alguno: admito y acepto sugerencias. OK???

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LUIS BUÑUEL

1. LUIS BUÑUEL

Biografía[editar] Sus primeros años[editar] Luis Buñuel nació en Calanda el 22 de febrero de 1900. Su padre, Leonardo Buñuel González, originario del mismo pueblo, donde tenía un negocio de ferretería y armas, había conseguido una pequeña fortuna en Cuba y en 1898, al estallar guerra hispano... Ver mas
Biografía[editar]
Sus primeros años[editar]
Luis Buñuel nació en Calanda el 22 de febrero de 1900. Su padre, Leonardo Buñuel González, originario del mismo pueblo, donde tenía un negocio de ferretería y armas, había conseguido una pequeña fortuna en Cuba y en 1898, al estallar guerra hispano-estadounidense, liquidó sus negocios y volvió a su pueblo natal, donde se casó el 10 de abril de 1899 con María Portolés Cerezuela, de diecisiete años, veintiocho más joven que él,3 con la que tuvo siete hijos: Luis (1900), María (1901), Alicia (1902), Concepción (1904), Leonardo (1907), Margarita (1912) y Alfonso (1915). De todos estos destacaron Leonardo, que fue médico, pediatra y radiólogo, y Alfonso, un arquitecto y diseñador gay con inquietudes artísticas que destacó como autor de collages surrealistas.

A los tres años del nacimiento de su primogénito, la familia se trasladó a vivir a Zaragoza y a partir de entonces pasó a repartir sus vacaciones entre Calanda (donde regresaban en Semana Santa y a veranear) y en ocasiones a San Sebastián.4



Calanda (Teruel), villa natal del cineasta.
Así pues, Luis pasó toda su infancia y adolescencia en Zaragoza, donde cursó la educación primaria y secundaria, primero en Corazonistas (con mayoría de franceses) y en 1908, durante siete años, en el colegio jesuita de El Salvador, al comienzo del paseo de la Constitución, donde hoy se encuentra la sede principal de Ibercaja, cerca de la plaza de Aragón; como alumno a media pensión, no vestía el uniforme completo de los internos, sino solamente la gorra con un galón. Sus notas eran generalmente excelentes.5

Lo que se sabe sobre las primeras películas que vio procede de las declaraciones del propio Buñuel, y son imprecisas y contradictorias. En 1975 dijo a Pérez Turrent y José de la Colina que había visto de niño «cine parlante y en colores, en la sala Coine [sic], de Zaragoza», aludiendo al cinema parlante que Ignacio Coyne Lapetra regentó entre 1905 y 1909; recordaba una película donde «se veía un cerdo, con faja de comisario de policía y sombrero de copa, cantando una canción. Era un dibujo animado con colores muy malos que salían de las figuras, y el sonido venía de un gramófono», pero también a los mismos autores les comunicó que en la primera película que vio había un asesinato cruento.6 Por otro lado, en sus memorias, tituladas Mi último suspiro, afirmaba que en 1908 asistió por primera vez al cine Farrucini [sic], que remite a la barraca de feria Nuevo Metensmograf Cinematógrafo Farrusini del feriante barcelonés Enric Farrús, quien se estableció en Zaragoza en 1908 al calor de la Exposición Hispano-Francesa de ese año que conmemoraba el centenario de los Sitios de Zaragoza. Recordaba, asimismo, haber visto en esa época muchas películas cómicas de André Deed, que en España era conocido como Toribio, y el Viaje a la luna de Georges Méliès.7

En Calanda daba funciones con un teatrillo de personajes de cartón que sus padres habían comprado en París y espectáculos de sombras chinescas con una linterna mágica. Acudía regularmente al teatro y a la ópera, pues los Buñuel tenían, como familia acomodada que era, palco en abono en el Principal, uno de los cuatro que entonces había en la capital aragonesa. Su niñera le llevaba también al teatro Circo que ofrecía comedias, dramas de detectives, melodramas, farsas, sainetes y zarzuelas; posiblemente allí contemplaría una opereta basada en Los hijos del capitán Grant, que Buñuel tenía como uno de sus mejores recuerdos, por la espectacularidad de su escenografía. Ya de adolescente, en 1915, asiste en el teatro Principal a numerosas funciones de teatro y ópera La vida es sueño, El alcalde de Zalamea, Don Álvaro o la fuerza del sino, La Favorita, Lucía de Lammermoor, el Fausto de Gounod, Rigoletto, El barbero de Sevilla, Carmen...8

Desde los diez o doce años comenzó a tocar el violín y a estudiarlo desde los trece. Al año siguiente salió por primera vez de Aragón y viajó a Vega de Pas (Cantabria) y San Sebastián, donde veranearía a menudo. En 1915 fue expulsado por los jesuitas del colegio y se matriculó en el Instituto de Enseñanza Media de Zaragoza (más tarde llamado «Goya») como alumno libre. En esa época leyó El origen de las especies, de Darwin, además de libros de la nutrida biblioteca de su padre Leonardo, como el Jean-Christophe de Romain Rolland, obras de los librepensadores franceses Rousseau, Diderot o Voltaire y clásicos españoles como Quevedo o Benito Pérez Galdós, además de novelas de detectives (Nick Carter, Dick Turpin) y una novela que le dejará huella: Robinson Crusoe.9

Juventud. Madrid y la Residencia de Estudiantes[editar]
A los 17 años, terminado el bachillerato, partió a Madrid para cursar estudios universitarios. En la capital se alojó en la recién creada Residencia de Estudiantes, fundada por la Junta para la Ampliación de Estudios, heredera del espíritu del krausismo pedagógico y la Institución Libre de Enseñanza,10 11 12 donde permaneció siete años. Su propósito, inducido por su padre, era estudiar Ingeniería Agrónoma. En esta época se interesó por el naturismo y llevó una alimentación y vestimenta espartanas, gustando de lavarse con agua helada. Tomó parte de las actividades del cine-club de la Residencia y trabó amistad con, entre otros, Salvador Dalí, Federico García Lorca, Rafael Alberti, Pepín Bello y Juan Ramón Jiménez. También participó en las tertulias ultraístas y, todos los sábados desde 1918 hasta 1924, en las del Café Pombo, dirigidas por Ramón Gómez de la Serna.



Benjamín Jarnés, Huberto Pérez de la Ossa, Luis Buñuel (arriba, de izquierda a derecha), Rafael Barradas y Federico García Lorca (abajo) en Madrid el año 1923.
En 1920 inició, con el doctor Ignacio Bolívar, estudios de entomología, que abandonó para matricularse en Filosofía y Letras, rama de Historia, ya que se había informado de que varios países ofrecían trabajo como lector de español a licenciados en Filosofía y Letras, lo que suponía una oportunidad de cumplir su deseo de salir de España.

Con sus compañeros de la Residencia hizo sus primeros ensayos de puesta en escena, con versiones delirantes del Don Juan Tenorio en las que actuaban Lorca, Dalí y otros compañeros.

En 1921 visitó por primera vez Toledo, ciudad que causó una profunda impresión en Buñuel y sus amigos. También tuvo conocimiento en estos años de las tendencias internacionales más importantes del pensamiento y del arte, y mostró interés por el Dadaísmo y la obra de Louis Aragon y André Bretón. Y, por supuesto, siguió asistiendo con regularidad al cine.

Desde 1922 escribe poemas, prosas poéticas y cuentos en diversas revistas literarias de la época, fundamentalmente aquellas que sirvieron de vehículo para el ultraísmo y la Generación del 27, como Ultra, Horizonte, Alfar, Helix o La Gaceta Literaria.

En 1923 murió su padre en Zaragoza, inició el servicio militar y publicó su primer artículo, al que siguieron cuentos y poemas en revistas de vanguardia e incluso preparó un libro que los recopilaba bajo el título Un perro andaluz. Muchas de las imágenes de sus escritos de estos años, previos al surrealismo francés, pasaron a su cine. El día de San José de ese mismo año de 1923 fundó la paródica Orden de Toledo y se nombró a sí mismo condestable. Para ser caballero había que emborracharse y estar toda la noche sin dormir. A ella pertenecieron, entre otros, Dalí, Pepín Bello, Alberti...

En 1924, año en que Dalí le realiza su primer retrato, se licenció en Historia y renunció al doctorado, decidido a marcharse a París, la que por entonces era capital cultural de occidente.13

París y el surrealismo[editar]
En enero de 1925, después de asistir a la conferencia que da Louis Aragon en la Residencia de Estudiantes, Buñuel abandonó Madrid rumbo a París. En la capital francesa asistió a las tertulias de los inmigrantes españoles y se acerca cada vez más al grupo surrealista. Su afición por el cine se intensificó y veía habitualmente tres películas al día, una por la mañana (generalmente proyecciones privadas, gracias a un pase de prensa), otra por la tarde en un cine de barrio y otra por la noche.



Ricardo Viñes.
El pianista Ricardo Viñes le propuso la dirección escénica de El retablo de Maese Pedro, de Manuel de Falla, que, estrenada en Ámsterdam el 26 de abril de 1926 y representada también al día siguiente, supuso un importante éxito. Esta experiencia le llevó a escribir una pieza de teatro de cámara de vanguardia titulada Hamlet en 1927, que fue representada en el Café Sélect de París.

Su conversión total al cine se produjo tras ver la película Las tres luces (Der müde Tod), de Fritz Lang. Varias semanas después se presentó en un rodaje al conocido director de cine francés Jean Epstein y se ofreció a trabajar en cualquier labor a cambio de aprender todo lo que pudiera acerca del cine, y Epstein acabó permitiéndole desempeñar el cargo de ayudante de dirección en el rodaje de sus películas mudas Mauprat (1926) y La caída de la casa Usher (La chute de la maison Usher), de 1928.

Comenzó a colaborar como crítico en varias publicaciones de cine y arte, en las que dejó constancia de sus iniciales concepciones cinematográficas, como la francesa Cahiers d'Art y española La Gaceta Literaria, de la que fue director de su sección de cine desde 1927. El director de esta revista, Ernesto Giménez Caballero, le propuso fundar un cine-club en la Residencia de Estudiantes. La idea se llevó a cabo y Buñuel, viajando ocasionalmente a Madrid, promovió en España el cine de vanguardia y las ideas surrealistas.



André Breton.
También en estos años colaboró como actor en pequeños papeles, como el de contrabandista en la película Carmen (Jacques Feyder, 1926) con Raquel Meller, y en La sirène des tropiques (Henri Étiévant y Mario Nalpas, 1927) con Joséphine Baker. Todo este bagaje le familiarizó con el oficio cinematográfico y le permitió conocer a buenos profesionales y actores que después habrían de colaborar con él en Un perro andaluz y La edad de oro, sus dos primeras películas. Como crítico, elogió el cine de Buster Keaton y atacó, por considerarla pretenciosa, la vanguardia cinematográfica francesa, en cuyas filas militaba el propio Jean Epstein. Es conocida su ruptura con este al negarse el aragonés a trabajar en el nuevo proyecto del más reputado de los directores vanguardistas franceses, Abel Gance, de cuyo Napoleón había escrito Buñuel recientemente una crítica muy dura.

Cada vez más interesado por el grupo surrealista de Breton, comenzó a trasladar a sus compañeros de la Residencia de Estudiantes las novedades de esta tendencia, escribiendo poemas de un surrealismo ortodoxo e instando a Dalí a que se trasladase con él a París para conocer el nuevo movimiento. En 1927 escribía un libro de poesía surrealista, que no llegó a editar, cuyo título inicialmente era Polismos y más tarde Un perro andaluz, que fue el que más tarde recibiría su primera película.

En 1928 preparó un guion cinematográfico sobre Francisco de Goya con motivo del centenario de su fallecimiento, patrocinado por una comisión zaragozana. El proyecto no llegó a buen término por falta de presupuesto, como tampoco otro basado en un guion de Ramón Gómez de la Serna que iba a titularse El mundo por diez céntimos, en el que el hilo conductor iban a ser los sucesivos cambios de dueño de una moneda, o bien, diferentes narraciones que se hallaban en un periódico. Gómez de la Serna le envió finalmente el guion de Caprichos (su nuevo título), aunque no se ha conservado, ya que entre octubre y noviembre de ese año abandonaría el proyecto al comenzar a trabajar con Dalí en el de Un perro andaluz.14

Un perro andaluz y La edad de oro[editar]
En enero de 1929, Buñuel y Dalí, en estrecha colaboración, ultimaron el guion de un film cuyo proyecto se titularía sucesivamente El marista en la ballesta, Es peligroso asomarse al interior y, por fin, Un perro andaluz, una vez desechada la publicación con este título de su proyectado poemario surrealista. La película se comenzó a rodar el 2 de abril con un presupuesto de 25.000 pesetas aportadas por la madre de Buñuel. Se estrenó el 6 de julio en el Studio des Ursulines, un cine-club parisino, en el que alcanzó un clamoroso éxito entre la intelectualidad francesa, y permaneció en exhibición nueve meses consecutivos en el Studio 28.



Salvador Dalí (1939).
A partir de la proyección de Un perro andaluz, Buñuel fue admitido de lleno en el grupo surrealista, que se reunía diariamente en el Café Cyrano para leer artículos, discutir sobre política y escribir cartas y manifiestos. Allí, Buñuel forjó amistad con Max Ernst, André Bretón, Paul Éluard, Tristan Tzara, Yves Tanguy, Magritte y Louis Aragon, entre otros.

A fines de 1929 se volvió a reunir con Dalí para escribir el guion de lo que sería más tarde La edad de oro, pero la colaboración ya no resultó tan fructífera, pues entre los dos se interpone el gran amor de Dalí, Gala Eluard. Buñuel comenzó el rodaje de la película en abril de 1930, cuando el pintor se encontraba disfrutando de unas vacaciones con Gala en Torremolinos. Cuando descubrió que Buñuel ya había acabado la película con el sustancioso mecenazgo de los Vizcondes de Noailles, que deseaban producir una de las primeras películas sonoras del cine francés, Dalí se sintió marginado del proyecto y traicionado por su amigo, lo que originó un distanciamiento entre ellos que se fue incrementando en el futuro. A pesar de aquello, felicitó a Buñuel por el largometraje, asegurando que le había parecido «una película americana». El estreno tuvo lugar el 28 de noviembre de 1930. Cinco días más tarde grupos de extrema derecha atacaron el cine donde se proyectaba y las autoridades francesas prohibieron la película y requisaron todas las copias existentes, comenzando una larga censura que duraría medio siglo, pues no sería distribuida hasta 1980 en Nueva York y un año después en París.

Hollywood y el Madrid de la República. Las Hurdes[editar]
En 1930 Buñuel viajó a Hollywood, contratado por la Metro Goldwyn Mayer, como «observador», con el fin de que se familiarizara con el sistema de producción estadounidense. Allí conoció a Charles Chaplin y Serguéi Eisenstein. En 1931 llegó a España, en vísperas de la proclamación de la Segunda República. La edad de oro se proyectó en Madrid y Barcelona. En 1932 asistió a la primera reunión de la Asociación de Escritores Revolucionarios (AERA), se separó del grupo surrealista y se afilió al Partido Comunista francés. Contratado por la Paramount, regresó a España y trabajó como responsable de sincronización.



Ramón Acín, artista y anarquista, financió Las Hurdes tras haber sido agraciado con un premio de lotería.
En abril de 1933,15 financiado por su amigo Ramón Acín, comenzó a filmar Las Hurdes, tierra sin pan, un documental sobre esa comarca extremeña. La derecha y la Falange Española comenzaban a rebelarse en España y la película fue censurada por la joven y débil Segunda República Española por considerarla denigrante para España. Ese mismo año firmó un manifiesto contra Hitler con Federico García Lorca, Rafael Alberti, Sender, Ugarte y Vallejo.

En 1934 visitó en París a Dalí, ya casado con Gala. Dalí se mostró indiferente con Buñuel, con lo que se incrementó su distanciamiento. El 23 de junio se casó con Jeanne Rucar, a la que había conocido en casa de su amigo Joaquín Peinado en 1925 cuando estudiaba anatomía en París, y que había sido medalla de bronce de gimnasia artística en las Olimpiadas de París de 1924. La boda se celebró en la alcaldía del distrito XX de la capital francesa, sin invitar a la familia, con tres testigos improvisados (uno de ellos, un transeúnte desconocido) y, después de comer, Buñuel volvió a Madrid, ya que había aceptado trabajar para la Warner Brothers como director de doblaje. La pareja tendría dos hijos, Jean Louis, nacido en París, y Rafael, que lo haría en Nueva York.

En 1935, con ayuda de algún dinero familiar, fundó, junto a Ricardo Urgoiti, la productora Filmófono, que competía con la Cifesa de los hermanos Casanova, principal productora española de los años treinta. Filmófono produjo películas como Don Quintín el amargao, donde debutó en el cine la gran bailaora Carmen Amaya, La hija de Juan Simón, ¿Quién me quiere a mí? o ¡Centinela alerta!, y la única condición de Buñuel para producirlas era, curiosamente, no aparecer en la ficha técnica, pues a sus ojos no eran más que "melodramas baratos". Todos estos largometrajes fueron rentables y supusieron la consolidación de la industria cinematográfica española de los años treinta. Sin embargo, la Guerra Civil abortó este proyecto.

La Guerra Civil. Estados Unidos[editar]
El golpe de estado franquista sorprendió a Buñuel en Madrid. Así como Dalí se alineó con Franco y simpatizó con el bando nacionalista, Buñuel siempre permaneció fiel a la Segunda República. No obstante, no dejó por ello de ayudar a amigos suyos del bando franquista cuando estuvieron en peligro de muerte; así, logró que liberasen a José Luis Sáenz de Heredia (primo hermano de José Antonio Primo de Rivera, fundador de Falange), que simpatizaba con Franco, pues habían trabajado juntos en Filmófono. El 18 de agosto de 1936 es asesinado Lorca.

En septiembre de 1936 salió de Madrid en un tren abarrotado hacia Ginebra, vía Barcelona. Allí lo había citado para una entrevista Álvarez del Vayo, ministro de Asuntos Exteriores de la República, quien lo mandó a París como hombre de confianza de Luis Araquistáin, embajador en Francia, para realizar diferentes misiones, principalmente de inteligencia. Supervisó y escribió junto a Pierre Unik el documental España leal en armas. Realizó su bautismo aéreo en varios viajes relámpago a España, en misiones de guerra.

Durante 1937 se encargó de supervisar para el Gobierno republicano el pabellón español de la Exposición Internacional de París. Dalí le pintó su segundo y último retrato: El sueño. El 16 de septiembre de 1938, ayudado en los gastos de viaje por sus amigos Charles Noailles y Rafael Sánchez Ventura, viajó a Hollywood de nuevo, esta vez encargado por el Gobierno republicano de la supervisión, como consejero técnico e histórico, de dos películas acerca de la Guerra Civil que se iban a rodar en Estados Unidos.

Terminada la Guerra, en 1941, cuando comenzaba el rodaje de Cargo of Innocents, la asociación general de productores estadounidenses prohibió toda película en contra de Franco, lo que significó el fin del proyecto en el que estaba implicado Buñuel. Sin trabajo y con poco dinero, y ya con su mujer e hijos reunidos con él, aceptó el encargo que le ofrece el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York, como productor asociado para el área documental y supervisor y jefe de montaje de documentales para la Coordinación de Asuntos Interamericanos, que dirigía Nelson Rockefeller. Su misión era seleccionar películas de propaganda antinazi; tenía despacho propio y personal a su cargo. Su primer trabajo para el MoMA consistió en la reedición de El triunfo de la voluntad, de Leni Riefenstal, con el fin de hacerla más breve y accesible a miembros del Gobierno de Estados Unidos para que viesen el potencial del cine como instrumento propagandístico. Pero fue despedido en 1943 a raíz de la publicación del libro La vida secreta de Salvador Dalí, donde el pintor tachaba a Buñuel de ateo y hombre de izquierdas. Un periodista del Motion Pictures Herald atacó a Buñuel en un artículo donde advertía acerca de lo peligroso que resultaba la presencia de este español en un museo tan prestigioso. Buñuel se reunió con Dalí en Nueva York para pedirle explicaciones y esa entrevista significó la ruptura de sus relaciones.

Volvió a Hollywood y se puso a trabajar para la Warner Brothers como jefe de doblaje de versiones españolas para América Latina. Acabada la colaboración con la Warner en 1946, se quedó en Los Ángeles en busca de un trabajo relacionado con el cine y en espera de que le concedieran la nacionalidad estadounidense, que había solicitado.

Etapa mexicana[editar]
Cuando Luis Buñuel aún estaba viviendo del dinero que había ahorrado el año anterior, la casualidad quiso que en una cena en casa del cineasta francés René Clair se encontrara con Denise Tual, la viuda del actor ruso Pierre Batcheff (protagonista de Un perro andaluz, quien se había suicidado en 1932). La mujer, que se había vuelto a casar, con el productor francés Ronald Tual, le ofreció trabajar en el nuevo proyecto que tenía intención de realizar: La casa de Bernarda Alba, que dirigiría Buñuel. Tual, que había llegado a Los Ángeles con el interés de conocer mejor la industria estadounidense del cine, tenía intención de realizar la película entre París y México, para lo cual aprovechó su regreso a París para hacer escala en México y concretar algunos asuntos con el productor francés de origen ruso Oscar Dacingers, exiliado en ese país. Una vez allí se enteraron de que los derechos de la obra habían sido vendidos a otra productora que había pujado más alto.

Truncado el proyecto, Luis Buñuel tuvo la suerte de que Dacingers le ofreciera otro trabajo: dirigir Gran Casino, una película comercial con el conocido cantante mexicano Jorge Negrete y la primera figura argentina Libertad Lamarque. Buñuel aceptó y, una vez arreglados todos los papeles de residencia e instalado con su esposa y sus hijos, ingresó en la industria mexicana del cine. Esta primera película de su nueva etapa constituyó un rotundo fracaso16 y durante los tres siguientes años se vio obligado a mantenerse del dinero que le enviaba su madre todos los meses.

En 1949, a punto de abandonar el cine, Dacingers le pidió que se hiciera cargo de la dirección de El gran calavera, ya que Fernando Soler no podía ser a la vez director y protagonista. El éxito de esta película y la concesión de la nacionalidad mexicana animaron a Buñuel a plantear a Dacingers un nuevo proyecto más acorde con sus deseos como cineasta, proponiéndole, bajo el título ¡Mi huerfanito, jefe!, un argumento sobre las aventuras de un joven vendedor de lotería. A esta oferta siguió una mejor respuesta por parte de Dacingers, la realización de una historia sobre los niños pobres mexicanos.

Así, en 1950 Buñuel realizó Los olvidados, película con fuertes vínculos con Las Hurdes, tierra sin pan, y que en un primer momento no gustó a los mexicanos ultranacionalistas (Jorge Negrete el primero), ya que retrataba la realidad de pobreza y miseria suburbana que la cultura dominante no quería reconocer. No obstante, el premio al mejor director que le otorgó el Festival de Cannes de 1951 supuso el reconocimiento internacional de la película, y el redescubrimiento de Luis Buñuel, y la rehabilitación del cineasta por parte de la sociedad mexicana. Actualmente, Los olvidados es una de las tres únicas películas reconocidas por la Unesco como Memoria del Mundo.

En 1951 filmó Susana y Él, película que constituyó un fracaso comercial pero que sería revalorada en los años venideros. En 1952 salió de Ciudad de México para filmar Subida al cielo, cinta simple donde un sueño del protagonista da el toque surrealista de Buñuel y que le valió ir nuevamente a Cannes. Ese mismo año filmó Robinson Crusoe, primera película que se rodó en Eastmancolor (todos los días se enviaban las copias a California para comprobar los resultados), y, junto con La joven, que dirigió en 1960, una de las dos únicas películas que rodó en inglés y con coproducción estadounidense. En 1953 dirigió La ilusión viaja en tranvía, una de las películas consideradas "menores" pero que por su frescura y sencillez, y respaldada por escritores como José Revueltas y Juan de la Cabada, sobrevive al paso de los años.

En 1954 dirigió El río y la muerte y es elegido miembro del jurado del Festival Internacional de Cine de Cannes. En 1955, año en que filmó Así es la aurora en Francia (lo que le brinda la oportunidad de visitar a su madre en Pau), fiel a sus ideas, firmó un manifiesto en contra de la bomba atómica estadounidense, lo que, unido a su apoyo a la revista antifascista España Libre (posicionada en contra de EE. UU.), supuso su inclusión en la lista negra estadounidense hasta 1975. A partir de ese momento, cada vez que pasaban por EE. UU., tanto él como su familia eran interrogados. No obstante, Buñuel dijo que EE. UU. era la tierra más hermosa que había conocido. Cuando alguien le preguntaba si era comunista siempre contestaba que era un español republicano.

Tras Ensayo de un crimen (1955), en 1956 realizó La muerte en ese jardín, con guion de Luis Alcoriza y Raymond Queneau, que adaptaba la novela homónima de Lacour. The National Film Theatre of London realizó una retrospectiva de su obra. Nazarín (1958), Palma de Oro del Festival de Cannes de 1959, es la primera de las tres películas que realizaría con el actor Paco Rabal. Ese mismo año rodó Los ambiciosos, cine de compromiso político y social. En 1960 dirigió por última vez una obra teatral, Don Juan Tenorio, en México, y realizó y estrenó en EE. UU. La joven. Después regresó a España para dirigir Viridiana, coproducción hispano-mexicana con guion escrito junto a Julio Alejandro. La película fue producida por Gustavo Alatriste (por parte mexicana) y por Pere Portabella y Ricardo Muñoz Suay, por parte de las productoras españolas UNINCI (Unión Industrial Cinematográfica) y Films 59. Estuvo protagonizada por Silvia Pinal, Francisco Rabal y Fernando Rey.

Viridiana fue presentada a concurso en el festival de Cannes de 1961 como representante oficial de España y obtuvo la Palma de Oro, que recogió el entonces Director General de Cinematografía, José Muñoz Fontán. Sin embargo, después de que el periódico vaticano L'Osservatore Romano condenara la cinta, a la que tachaba de blasfema y sacrílega, la censura española prohibió la cinta y Muñoz Fontán fue obligado a dimitir. Viridiana no se pudo proyectar oficialmente en España hasta 1977. Fue ganador del Premio Nacional de Bellas Artes, otorgado por el Gobierno de México en 1977.17

En 1962 rodó El ángel exterminador, una de sus películas más importantes y personales, en la que aludía a varias bromas privadas de su época de la Residencia de Estudiantes y del periodo surrealista transcurrido en Francia.

Etapa francesa[editar]
Ya en su etapa mexicana, Buñuel había rodado varias películas de producción francesa tras las elogiosas críticas europeas de Ensayo de un crimen, Así es la aurora o La muerte en el jardín, pero su verdadera reentrada en la cinematografía francesa se produjo en 1963 con Diario de una camarera (Le Journal d'une Femme de Chambre), adaptación de la novela de Octave Mirbeau. Comienza así su cooperación con el productor Serge Silberman y el guionista Jean Claude Carrière.

En 1964 filmó su última película mexicana, Simón del desierto, que no acabó como estaba proyectada por falta de presupuesto. Aun así, obtuvo el León de Plata de la Mostra de Venecia al año 1965, año en que, junto a Carrère, preparó las adaptaciones de El monje y Là-bas.

En 1966 Dalí le telegrafió desde Figueras ofreciéndole preparar la segunda parte de Un perro andaluz. Ese mismo año se estrenó Belle de jour, que obtuvo en 1967 el León de Oro en la Mostra de Venecia. Esta película obtuvo en Francia un extraordinario éxito de público y a partir de entonces los estrenos de Buñuel se convirtieron en acontecimientos culturales, lo que motivó que Silberman le concediera completa libertad creativa y los recursos suficientes para la producción de sus filmes, lo que caracterizó la etapa final de su obra. En 1969 la Mostra le otorgó el gran premio de homenaje por el conjunto de su obra.

En 1970 volvió a España para rodar, esta vez en régimen de coproducción, Tristana, protagonizada por Catherine Deneuve, que ya había desempeñado el papel principal en Belle de jour.

En 1972 se convirtió en el primer director español en conseguir el Óscar a la mejor película de habla no inglesa, por El discreto encanto de la burguesía (Le Charme Discret de la Bourgeoisie), película que se iba a rodar en España, lo cual resultó imposible debido a la censura. Esta película, junto con La Vía Láctea (La Voie Lactée, 1968) y El fantasma de la libertad (Le Fantôme de la Liberté, 1974), conforman una especie de trilogía que ataca los cimientos del cine de narrativa convencional y el concepto causa-consecuencia, abogando por la exposición del azar como motor de la conducta y del mundo. Ese mismo año de 1972 visitó Los Ángeles, donde vivía su hijo Rafael, y George Cukor ofreció en su casa una cena en honor de Buñuel a la que asistieron, además de su hijo Rafael y Carrière, importantes cineastas como Alfred Hitchcock, Billy Wilder, G. Stevens, William Wyler, R. Mulligan, Robert Wise o Rouben Mamoulian.

En 1977 Buñuel puso el colofón a su obra con Ese oscuro objeto del deseo (Cet Obscur Objet du Désir), que recibió el premio especial del Festival de Cine de San Sebastián. En la película, que revisa temas tratados anteriormente en Viridiana o Tristana, Carole Bouquet y Ángela Molina interpretan al alimón el personaje femenino que da réplica a Fernando Rey.

En 1980 realizó su último viaje a España y fue operado de próstata. En 1981, 50 años después de haber sido prohibida, se reestrenó en París La edad de oro, fue hospitalizado por problemas de la vesícula, Agustín Sánchez Vidal publicó su obra literaria, el Centro Georges Pompidou de París organizó un homenaje en su honor y Un perro andaluz se proyectó en una pantalla colocada en el techo de este centro cultural.

En 1982 publicó sus memorias, escritas en colaboración con Carrière y tituladas Mi último suspiro.

Muerte[editar]
Luis Buñuel falleció en Ciudad de México el día 29 de julio de 1983 de madrugada, a causa de una insuficiencia cardíaca, hepática y renal provocada por un cáncer. Sus últimas palabras fueron para su mujer Jeanne: "Ahora sí que muero". Ese mismo año había sido nombrado doctor honoris causa por la Universidad de Zaragoza. Se mantuvo fiel a su ideología hasta el final: no hubo ninguna ceremonia de despedida, siendo en 1997, cuando finalmente fueron esparcidas sus cenizas en el monte Tolocha, situado en su pueblo natal, Calanda.18

Filmografía[editar]
Como director[editar]
Entre 1929 y 1977 dirigió un total de 32 películas.19 Además, en 1930 rodó Menjant garotes ("Comiendo erizos"), una película muda de únicamente cuatro minutos, con la familia Dalí como protagonista.



Cabeza de Luis Buñuel, obra del escultor Iñaki, en el Centro Buñuel Calanda.
Un perro andaluz (Un chien andalou, 1929).20
La edad de oro (L'âge d'or, 1930).21
Las Hurdes, tierra sin pan (Las Hurdes, 1933).
Gran Casino (En el viejo Tampico, 1947).
El gran Calavera (1949).
Los olvidados (1950).
Susana (Demonio y carne, 1951).
La hija del engaño (1951).
Una mujer sin amor (Cuando los hijos nos juzgan, 1952).
Subida al cielo (1952).
El bruto (1953).
Él (1953).
La ilusión viaja en tranvía (1954).
Abismos de pasión (1954).
Robinson Crusoe (realizada en 1952 y registrada en 1954).
Ensayo de un crimen (La vida criminal de Archibaldo de la Cruz, 1955).
El río y la muerte (1954-1955).
Así es la aurora (Cela s'appelle l'aurore, 1956).
La muerte en el jardín (La muerte en este jardín, La mort en ce jardin, 1956).
Nazarín (1958-1959).
Los ambiciosos (La fiebre sube a El Pao, La fièvre monte a El Pao, 1959).
La joven (The Young One, 1960).
Viridiana (1961).
El ángel exterminador (1962).
Diario de una camarera (Le journal d'une femme de chambre, 1964).
Simón del desierto (1964-1965).
Belle de jour (Bella de día, 1966-1967).
La Vía Láctea (La Voie Lactée, 1969).
Tristana (1970).
El discreto encanto de la burguesía (Le charme discret de la bourgeoisie, 1972).
El fantasma de la libertad (Le fantôme de la liberté, 1974).
Ese oscuro objeto del deseo (Cet obscur objet du désir, 1977).
Aparte de las películas que realizó como director o actor, o en las que colaboró de una u otra forma, también hubo una serie de proyectos que no pudo realizar.22

Como asistente de dirección[editar]
Mauprat (Jean Epstein, 1926).
La sirène des tropiques (Mario Nalpas y Henri Étiévant, 1927).
La chute de la maison Usher (Jean Epstein, 1928).
Como productor o supervisor[editar]
Un perro andaluz (1929).
Don Quintín el Amargao (Luis Marquina, 1935).
La hija de Juan Simón (José Luis Sáenz de Heredia, 1935).
Quién me quiere a mí (José Luis Sáenz de Heredia, 1936).
Centinela alerta (Jean Grémillon, 1936).
España leal en armas (Jean-Paul Le Chanois, 1937). Documental propagandístico también conocido como España 1936 o Madrid 1936.
Como guionista en películas no realizadas por él[editar]
Si usted no puede, yo sí (Julián Soler, 1950). Guion de Janet Alcoriza basado en un argumento de L. Buñuel y Luis Alcoriza.
El monje (Le moine) (Ado Kyrou, 1965). Guion de L. Buñuel y Jean-Claude Carrière.
La novia de medianoche (Antonio F. Simón, 1997). Guion de L. Buñuel y José Rubia Barcia adaptado por Lino Braxe.
Como actor[editar]
Mauprat (Jean Epstein, 1926).
Carmen (Jacques Feyder, 1926).
La sirène des tropiques (Henri Étiévant, Mario Nalpas (codirectores), 1927).
Un perro andaluz (1929).
La fruta amarga (Arthur Gregor, 1931).
La hija de Juan Simón (José Luis Sáenz de Heredia, 1935).
Llanto por un bandido (Carlos Saura, 1964).23
En este pueblo no hay ladrones (Alberto Isaac, 1964).
Belle de jour (1967)
La chute d'un corps (Michel Polac, 1973).
El fantasma de la libertad (1974).
Obra literaria[editar]
Luis Buñuel realizó varias incursiones en diversos campos (teatro, literatura) antes y después de dedicarse al mundo del cine, si bien su más relevante aportación fueron los poemas y prosas surrealistas escritos entre 1922 y 1929 durante su estancia en la Residencia de Estudiantes de Madrid.24 Sus textos de esta época pueden inscribirse entre las aportaciones más interesantes, junto con las de Juan Larrea (1895-1980), de la introducción del surrealismo como componente clave de la Generación del 27.25 Pero los textos literarios de esta época no solo están influidos por el surrealismo francés, sino que también traslucen los rasgos de la greguería de Ramón Gómez de la Serna y del ultraísmo de la vanguardia madrileña.26

Muchos de estos textos iban a conformar un libro de textos poéticos y prosísticos surrealistas del que da noticias desde 1926 y se iba a titular inicialmente Polismos. Todavía en 1929, en carta escrita a Pepín Bello el 10 de febrero, tiene la intención de publicarlo, aunque ahora con el título Un perro andaluz, que finalmente se convirtió en el de su primera película.27

Los textos más significativos son:28 29

Textos iniciales[editar]
Una traición incalificable. Prosa. Publicación: Ultra, Madrid, n.º 23, 1 de febrero de 1922, [pág. 4].30 Primer texto publicado por Buñuel.
El guignol [sic]. Conferencia dada en la Residencia de Estudiantes sobre la historia del guiñol como presentación de una representación de títeres de Félix Malleu, posiblemente el 5 de mayo de 1922.31
Instrumentación. Dedicado al musicólogo Adolfo Salazar. Definiciones de instrumentos musicales de una orquesta influidas por la greguería. Publicación: Horizonte, Madrid, n.º 2, 30 de noviembre de 1922.
Suburbios. Subtitulado «Motivos». Prosa. Publicación: Horizonte, n.º 4, enero de 1923.
Tragedias inadvertidas como temas de un teatro novísimo. Teoría estética de raigambre futurista. Publicación: Alfar, La Coruña, n.º 26, febrero de 1923.
Por qué no uso reloj. Subtitulado «Cuento». Prosa. Publicación: Alfar, n.º 29, mayo de 1923.
El ciego de las tortugas. Cuento. Publicado en la Revista Tyflófila Hispano-Americana los Ciegos.32
Teorema. Poema inédito escrito en 1925.
Lucille y sus tres peces. Poema inédito escrito en 1925.
Diluvio. Prosa poética. Inédito escrito en 1925.
Ramuneta en la playa. Prosa poética. Inédito escrito en 1926.
Caballería rusticana. Prosa poética. Escrito en 1927.
Una historia decente. Cuento corto con epílogo titulado «Historia indecente». Escrito en 1927.
La agradable consigna de Santa Huesca. Cuento surrealista. Escrito en 1927.
Carta a Pepín Bello en el día de San Valero. Fechada en Madrid, a 2 de febrero de 1927. Se trata de una carta de carácter profundamente literario consistente en un relato surrealista.
Proyecto de cuento. 1927. Esbozo narrativo de carácter surrealista.
La Sancta Misa Vaticanae. 1927. Esbozo narrativo de carácter surrealista.
Menage a trois. 1927. Prosa poética.
Hamlet. Teatro surrealista. Original fechado en julio de 1927. Inédito escrito (según noticia de Buñuel a Sánchez Vidal) en el café Select de Montparnasse, donde fue representado por Francisco García Lorca, Augusto Centeno, Joaquín Peinado, Francisco Bores, Hernando Viñes, José María Ucelay, el hijo o hermano de Darío Regoyos y el mismo Luis Buñuel en el papel de Hamlet.
Textos del libro inédito Un perro andaluz[editar]
Los diez poemas del libro inédito, que inicialmente se iba a titular Polismos, fueron escritos hacia 1927. Algunos fueron publicados posteriormente.

Me gustaría para mí
Polisoir milagroso
No me parece ni bien ni mal
Al meternos en el lecho
El arco iris y la cataplasma
Redentora. Publicado en La Gaceta Literaria, n.º 50, 15 de enero de 1929, pág. 2.
Bacanal. Publicado con Redentora en La Gaceta Literaria.
Olor de Santidad. Publicado en La Gaceta Literaria, n.º 51, 1 de febrero de 1929.
Palacio de hielo. Publicado en Helix, Villafranca del Penedés, n.º 4, mayo de 1929.
Pájaro de angustia. Publicado con Palacio de hielo en Helix.
Otros textos[editar]
Una jirafa. Textos escritos en francés para una instalación. Publicados en la revista del grupo surrealista Le Surréalisme au Service de la Revolution, n.º 6, 15 de mayo de 1933.
El cine instrumento de poesía. Conferencia grabada y transcrita en la revista Universidad de México, diciembre de 1958.
La duquesa de Alba y Goya. Sinopsis escrita en 1937 en inglés para la Paramount en forma de relato corto del guion de su proyecto para el centenario de Goya de 1927.
Alucinaciones en torno a una mano muerta. 1944. Original en inglés. Guion para una secuencia de la película The beast with five fingers.
Ilegible hijo de flauta. Guion de 1947 en colaboración con Juan Larrea para un proyecto de película surrealista.
Crítica cinematográfica[editar]
Luis Buñuel dirigió desde 1927 la sección cinematográfica de la revista La Gaceta Literaria. En ella escribió varios artículos, aunque también publicó en revistas francesas, como Cahiers d'Art o su suplemento Feuilles Volantes.

«Una noche en el "Studio des Ursulines"», La Gaceta Literaria, n.º 2, 15 de enero de 1927.
«Del plano fotogénico», La Gaceta Literaria, n.º 7, 1 de abril de 1927. Fechado en el original en París en diciembre de 1926.
«Metrópolis», La Gaceta Literaria, n.º 9, 1 de mayo de 1927. Sobre la película de Fritz Lang.
«Napoleón Bonaparte», Cahiers d'Art, n.º 3, 1927. Sobre la película de Abel Gance.
«Cuando la carne sucumbe», Cahiers d'Art, n.º 10, 1927. Sobre El destino de la carne (The way of all flesh), de Víctor Fleming. No ha sobrevivido ninguna copia de esta película.
«Deportista por amor», Cahiers d'Art, n.º 10, 1927. Sobre El colegial (College), de Buster Keaton.
«La dama de las camelias», La Gaceta Literaria, n.º 24, 15 de diciembre de 1927. Primer número con sección monográfica de cine (págs. 4-5) dirigida por Buñuel. La crítica de Buñuel se refiere a la película de Fred Niblo, Margarita Gautier (Camille), cuya première data del 18 de diciembre de 1926, y su comercialización de 1927, película hoy perdida, salvo copias muy deterioradas y fragmentarias.33
«Variaciones sobre el bigote de Menjou», La Gaceta Literaria, n.º 35, 1 de junio de 1928; publicado anteriormente en francés con el título de «Variations sur Menjou», en Feuilles Volantes de Cahiers d'Art, 1927.
«Découpage o segmentación cinegráfica», La Gaceta Literaria, n.º 43, 1 de octubre de 1928. Número monográfico dedicado al cine, donde también se publicaron los siguientes tres textos.
«Noticias de Hollywood». La Gaceta Literaria, n.º 43, 1 de octubre de 1928.
«Nuestros poetas y el cine». La Gaceta Literaria, n.º 43, 1 de octubre de 1928.
«Juana de Arco, de Carl Dreyer». La Gaceta Literaria, n.º 43, 1 de octubre de 1928.
«Lo cómico en el cinema», La Gaceta Literaria, n.º 56, 15 de abril de 1929.

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FERNANDO FERNÁN GÓMEZ

2. FERNANDO FERNÁN GÓMEZ

Biografía[editar] Lo más probable, como él mismo escribe en sus memorias,1 es que naciese en Lima el 28 de agosto de 1921, por más que su partida de nacimiento indique que lo hizo en la capital argentina, Buenos Aires. La razón de esto responde a que su madre, la actriz de teatro Carola Fernán... Ver mas
Biografía[editar]
Lo más probable, como él mismo escribe en sus memorias,1 es que naciese en Lima el 28 de agosto de 1921, por más que su partida de nacimiento indique que lo hizo en la capital argentina, Buenos Aires. La razón de esto responde a que su madre, la actriz de teatro Carola Fernán Gómez, estaba de gira por Sudamérica cuando nació en Lima, por lo que su partida de nacimiento fue expedida días más tarde en Argentina, nacionalidad que mantuvo, además de la española, que le fue otorgada en 1984. Hijo extramarital, su padre fue el también actor Luis Fernando Díaz de Mendoza y Guerrero, hijo de María Guerrero, quien impidió el matrimonio entre los padres de Fernando Fernán Gómez.2

Tras algún trabajo escolar como actor, estudió Filosofía y Letras en Madrid, pero su verdadera vocación lo condujo al teatro. Durante la Guerra Civil, recibió clases en la Escuela de Actores de la CNT, debutando como profesional en 1938 en la compañía de Laura Pinillos; allí le descubrió Enrique Jardiel Poncela, quien le dio su primera oportunidad al ofrecerle, en 1940, un papel como actor de reparto en su obra Los ladrones somos gente honrada. Tres años más tarde le contrató la productora cinematográfica Cifesa y así irrumpió en el cine con la película Cristina Guzmán, dirigido por Gonzalo Delgrás, y ya al año siguiente le ofrecieron su primer papel protagonista en Empezó en boda, de Raffaello Matarazzo. En efecto, trabajó como actor hasta principios de los cuarenta para dedicarse después al cine, primero como actor (en éxitos como Balarrasa o Botón de ancla) y como director más tarde, sin descuidar su vocación de autor de teatro y director de escena, y escritor y guionista asiduo de la tertulia del Café Gijón.

A partir de 1984 vuelca su cada vez más intensa vocación literaria en la escritura de muy personales artículos en Diario 16 y el suplemento dominical de El País, produciendo además varios volúmenes de ensayos y once novelas, fuertemente autobiográficas unas e históricas otras: El vendedor de naranjas, El viaje a ninguna parte, El mal amor, El mar y el tiempo, El ascensor de los borrachos, La Puerta del Sol, La cruz y el lirio dorado, etcétera. Fue un gran éxito su autobiografía en dos volúmenes, El tiempo amarillo, de la que corren dos ediciones, la segunda algo más ampliada; pero acaso su éxito más clamoroso lo haya obtenido con una pieza teatral prontamente llevada al cine, Las bicicletas son para el verano, sobre sus recuerdos infantiles de la Guerra Civil.

Se casó y divorció de la cantante María Dolores Pradera (1947–1959), con la que tuvo una hija, la actriz Helena Fernán Gómez, y un hijo, Fernando, relacionado también con el mundo de la cultura. Se volvió a casar en 2000 con la actriz Emma Cohen, con la que mantuvo una relación desde los años 70, tras participar en un episodio de una serie de TVE donde Emma era protagonista (Tres eran tres, 1973) junto a Lola Gaos.

De su mano entró el cine en la Real Academia Española, de la que fue elegido miembro en 19983 y tomó posesión del sillón B el 30 de enero de 2000. Fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en el año 1995.

Cine[editar]
Polifacético, querido y respetado por los profesionales de la industria y por varias generaciones de espectadores, encontró la popularidad como actor casi al principio de su carrera cinematográfica con el clásico de la comedia negra Domingo de carnaval (del célebre realizador Edgar Neville), que protagonizó junto a Conchita Montes en 1945. Dos años antes había aparecido como secundario en otro notable título del cine español de los cuarenta como Cristina Guzmán. Ese mismo año acompañó a una ya consagrada Imperio Argentina y al recordado galán Alfredo Mayo en la exótica comedia Bambú, y también participó en un pequeño clásico de la comedia fantástica como El destino se disculpa, de José Luis Sáenz de Heredia, siguiendo el estilo del subgénero norteamericano en boga durante esos años (La pareja invisible, de Norman Z. MacLeod, Me casé con una bruja, de René Clair, Dos en el cielo, de Victor Fleming, etc.). A partir de entonces encadenó títulos de éxito que hoy críticos y cinéfilos califican de indispensables, trabajando con Gonzalo Delgrás (Los habitantes de la casa deshabitada); Carlos Serrano de Osma (Embrujo, junto a Lola Flores y Manolo Caracol); Sáenz de Heredia (La mies es mucha, Los ojos dejan huellas); Ramón Torrado (Botón de ancla), José Antonio Nieves Conde (Balarrasa, El inquilino); Luis Marquina (El capitán Veneno). En aquella época también trabajó en Barcelona como actor de doblaje.

En la década de 1950, se consolidó como actor principal en toda serie de comedias (El fenómeno), dramas (La gran mentira) y cine religioso (Balarrasa) o folclórico (Morena clara), propagandísticos o directamente escapistas (lo que en muchos sentidos también se considera propaganda para los historiadores), al tiempo que interviene en una de las primeras avanzadillas de lo que luego será el «Nuevo cine español»: Esa pareja feliz de Bardem y Berlanga. También ahora participa en algunas coproducciones de interés como La conciencia acusa (del genial Georg Wilhelm Pabst) o El soltero (de Antonio Pietrangeli) junto a Alberto Sordi, y por último, inicia una incipiente carrera como director, con obras de encargo de desigual fortuna: en este sentido, sobresale su versión de la novela de Wenceslao Fernández Flórez El malvado Carabel y dos excelentes comedias en las que compartió química y cartel con la deliciosa Analía Gadé, una de sus parejas más recurrentes, como son La vida por delante y La vida alrededor.

Al hilo del cine español de los sesenta, su filmografía como actor y director se llenó de comedias de todo tipo como: La venganza de Don Mendo, Adiós, Mimí Pompón, Ninette y un señor de Murcia, Crimen imperfecto o Un vampiro para dos, parodia de los filmes de Drácula con José Luis López Vázquez y Gracita Morales.

Incluso en esta época de trabajos eminentemente comerciales, hay excepciones como sus trabajos de dirección en El mundo sigue (1963), un durísimo drama naturalista, inspirado en la novela homónima de Juan Antonio Zunzunegui, donde se enfrentan dos hermanas de concepciones vitales opuestas en plena sociedad de posguerra española, su primer éxito como director, y en El extraño viaje (1964), en el que retrata, con casi mayor penetración que el propio Berlanga, el clima cicatero y opresivo de la sociedad española del Franquismo y que permanece como una de las cumbres del cine español de todos los tiempos; ambas producciones tuvieron tremendos encontronazos con la censura. Por otra parte, es ahora cuando inicia relación profesional con otra de sus parejas más emblemáticas, Concha Velasco, con la comedia negra Crimen para recién casados.

En los setenta, Fernán Gómez se convirtió en uno de los actores más solicitados de la llamada Transición española, con títulos dorados de esos años como El espíritu de la colmena, El amor del capitán Brando, Pim, pam, pum, fuego, Mi hija Hildegart, Los restos del naufragio, Mamá cumple cien años o ¡Arriba Azaña!. Con ello inició una exitosa colaboración al lado del notable director Jaime de Armiñán y una también estrecha relación profesional con Carlos Saura, ganándose con ello un justo prestigio como actor y director además de reconocimiento por su ya larga trayectoria. En 1976 intervino en un título de indudable valor, si bien no para el gran público, como El anacoreta, premiada en el Festival de cine de Berlín. También dirigió e interpretó dos exitosas producciones para TVE (el telefilme Juan soldado y sobre todo la serie El pícaro) que se cuelan en la memoria del gran público. Tras la muerte de Franco y la legalización de la CNT-AIT, tuvo una militancia activa en el Sindicato de Espectáculos de Barcelona participando en las Jornadas Libertarias de Barcelona en julio de 1977 junto a su compañera Emma Cohen.

En 1981 protagonizó un film memorable, Maravillas de Gutiérrez Aragón, y comenzó a encadenar éxitos de crítica y público (La colmena, Stico, Los zancos, Réquiem por un campesino español, La corte del faraón, La mitad del cielo y El viaje a ninguna parte). Termina la década con excelentes trabajos en filmes no muy bien acogidos pero de calidad: Esquilache y El río que nos lleva. En 1986 rodó en Argentina un título muy a tener en cuenta, Pobre mariposa, de Raúl de la Torre, junto a un reparto internacional (Bibi Andersson, Vittorio Gassman, Fernando Rey, Graciela Borges); y también es ésta la década en que se encuentra más activo en sus trabajos para TVE (Ramón y Cajal, Fortunata y Jacinta, Las pícaras, Juncal o Cuentos imposibles).

La década de 1990 presencia el inicio de un período de menor actividad profesional derivada de algunos problemas de salud y de, seguramente, falta de papeles de envergadura para un actor como él. Salvo Belle Époque y el Óscar que consigue la cinta como mejor película extranjera, debemos esperar hasta 1998 para volver a verle en dos cintas tan distintas como importantes (cada una a su manera) como son El abuelo (nominada al Óscar y gran éxito de taquilla) y Pepe Guindo (homenaje-ficción al gran actor por parte de un director infravalorado pero nada mediocre como Manuel Iborra). Entre medias, estuvo varias temporadas en la serie de TV Los ladrones van a la oficina, que le devolvería la popularidad a él y otros grandes nombres de la interpretación como Agustín González, Manuel Alexandre o José Luis López Vázquez. Después recupera fuelle con tres grandes películas (Todo sobre mi madre, Plenilunio y el éxito popular La lengua de las mariposas).

Más recientemente rodó Visionarios, de Gutiérrez Aragón; El embrujo de Shangai, con Fernando Trueba; Para que no me olvides, y la que probablemente quede como su última gran interpretación en la espléndida En la ciudad sin límites, de Antonio Hernández.

Marisa Paredes, presidenta de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, en la entrega de la décima Medalla de Oro, lo describió a la perfección: «Por anarquista, por poeta, por cómico, por articulista, por académico, por novelista, por dramaturgo, por único y por consecuente».4

Colaboró durante treinta y cinco años con el diario ABC.5

El 19 de noviembre de 2007 fue ingresado en el área de Oncología del madrileño Hospital Universitario La Paz para ser tratado de una neumonía. Falleció en Madrid, el 21 de noviembre de 2007, a los 86 años de edad.6 Tras anunciarlo el presidente del Gobierno, José Luis Rodríguez Zapatero en la capilla ardiente del actor, el Gobierno de España le concedió el día 23 de noviembre, a título póstumo, la Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X el Sabio.7 También, el alcalde de Madrid Alberto Ruiz-Gallardón anunció que el Centro Cultural de la Villa de Madrid pasará a llamarse Teatro Fernando Fernán Gómez.8 En la capilla ardiente su féretro fue recubierto con una bandera rojinegra anarquista,9 siendo posteriormente incinerado.

Obra literaria[editar]
Novela[editar]
El vendedor de naranjas. Madrid, Tebas, 1961; Madrid, Espasa-Calpe, 1986.
El viaje a ninguna parte. Madrid, Debate, 1985.
El mal amor. Barcelona, Planeta, 1987; novela histórica.
El mar y el tiempo. Barcelona, Planeta, 1988.
El ascensor de los borrachos. Madrid, Espasa-Calpe, 1993.
La Puerta del Sol. Madrid, Espasa-Calpe, 1995.
¡Stop! novela de amor. Madrid, Espasa-Calpe, 1997.
La cruz y el lirio dorado. Madrid, Espasa-Calpe, 1998; novela histórica.
Oro y hambre. Barcelona, Muchnik, 1999, novela histórica.
Capa y espada. Madrid, Espasa-Calpe, 2001; novela histórica.
El tiempo de los trenes. Madrid, Espasa-Calpe, 2004.
Teatro[editar]
Pareja para la eternidad. Madrid, Acanto, 1947.
Las bicicletas son para el verano. Madrid, Espasa-Calpe, 1984.
La coartada. Los domingos, bacanal. Madrid, Espasa-Calpe, 1985; Madrid, Antonio Machado, 1987.
Lazarillo de Tormes. Adaptación. Valladolid, Castilla Eds., 1994.
Marido y medio. Comedia estrenada el 7 de junio de 1959 en el Teatro Gran Vía de Madrid, inédita.
Del Rey Ordás y su infamia. Comedia estrenada el 22 de agosto de 1983 en el Teatro Palacio del Progreso de Madrid, inédita.
Ojos de bosque. Comedia estrenada el 9 de julio de 1986 en la Plaza de la Almudena de Madrid, dentro de la programación de «Los veranos de la Villa», inédita.
El Pícaro. Aventuras y desventuras de Lucas Maraña. Estrenada en el Teatro Central Hispano de Sevilla el 8 de septiembre de 1992, inédita.
Los invasores del palacio. Madrid, Fundación Autor, 2000.
Defensa de Sancho Panza. Estrenada en el XXV Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro el 19 de julio de 2002, publicada en la revista Acotaciones 20.
Morir cuerdo y vivir loco. Estrenada en el Teatro Principal de Zaragoza el 13 de enero de 2004, inédita.
Memorias[editar]
Diario de Cinecittà. Revista Internacional del Cine, núm. 6, noviembre de 1952; núm. 7, diciembre de 1952.
El olvido y la memoria. Autobiografía de Fernando Fernán Gómez. Triunfo, núm. 3, 6ª época, enero de 1981.
El tiempo amarillo. Memorias. I (1921–1943) y II (1943–1987). Madrid, Debate, 1990.
El tiempo amarillo: memorias ampliadas (1921–1997). Madrid, Debate, 1998.
Poesía[editar]
A Roma por algo. Madrid, Separata de Poesía Española (1954); Madrid, Fernán Gómez Arte y Ediciones, 1982.
El canto es vuelo. Madrid, Visor, 2002 (poesía completa).
Artículos y ensayos[editar]
El actor y los demás. Barcelona, Laia, 1987.
Impresiones y depresiones. Barcelona, Planeta, 1987.
Historias de la picaresca. Barcelona, Planeta, 1989.
El arte de desear. Madrid, Temas de Hoy, 1992.
Imagen de Madrid. Madrid, El País-Aguilar, 1992.
Tejados de Madrid. Madrid, Telefónica de España, 1992.
Desde la última fila: cien años de cine. Madrid, Espasa-Calpe, 1995.
Nosotros, los mayores, 1999.
Puro teatro y algo más, 2002.
Literatura infantil[editar]
Los ladrones. Madrid, Anaya, 1986.
Retal. Madrid, Anaya, 1988.
Varios[editar]
Mi querido general (guion de cine), 1986.
Historias de la picaresca, 1989.
La intrusa (guion de televisión sobre un cuento de Borges), 1986
Fuera de juego (guion de cine), 1991.
Las anécdotas del teatro: ¡aquí sale hasta el apuntador!, Barcelona, DeBolsillo, 1997.
La escena, la calle y las nubes (relatos), Madrid, Espasa-Calpé, 2000.
Conversaciones con Fernando Fernán Gómez (libro-entrevista a cargo de Enrique Brasó), Madrid, Espasa-Calpé, 2002.
Como director[editar]
Cine[editar]
Manicomio (codirigida con Luis María Delgado) (1954)
El mensaje (1955)
El malvado Carabel (1956)
La vida por delante (1958)
La vida alrededor (1959)
Sólo para hombres (1960)
La venganza de Don Mendo (1961)
El mundo sigue (1963)
Los Palomos (1964)
El extraño viaje (1964)
Ninette y un señor de Murcia (1965)
Mayores con reparos (1966)
Crimen imperfecto (1970)
Cómo casarse en 7 días (1971)
Yo la vi primero (1974)
La querida (1976)
Bruja, más que bruja (1976)
Mi hija Hildegart (1977)
Cinco tenedores (1979)
Mambrú se fue a la guerra (1986)
El viaje a ninguna parte (1986)
El mar y el tiempo (1989)
Fuera de juego (1991)
Siete mil días juntos (1994)
Pesadilla para un rico (1997)
A Porta do Sol (1998)
Lázaro de Tormes (codirigida con José Luis García Sánchez) (2001)
Televisión[editar]
La última cinta (1969)
Juan soldado (1973)
El pícaro (1974)
Tertulia con… (1981)
Cuéntame cómo pasó (2002)
Los ladrones van a la oficina (1993-1996)
Teatro[editar]
La vida en un bloc (1953), de Carlos Llopis
La vil seducción (1967), de Juan José Alonso Millán.
El alcalde de Zalamea (1979), de Calderón de la Barca.
Como actor[editar]
Cine[editar]
Rosas de otoño (Juan de Orduña, 1943)
Se vende un palacio (Ladislao Vajda, 1943)
Turbante blanco (Ignacio F. Iquino, 1943)
Viviendo al revés (Ignacio F. Iquino, 1943)
Cristina Guzmán (Gonzalo Delgrás, 1943)
Noche fantástica (Luis Marquina, 1943)
La chica del gato (Ramón Quadreny, 1943)
Empezó en boda (Raffaello Matarazzo, 1944)
Una chica de opereta (Ramón Quadreny, 1944)
Mi enemigo y yo (Ramón Quadreny, 1944)
Eres un caso (Ramón Quadreny, 1945)
Espronceda (Fernando Alonso Casares, 1945)
Se le fue el novio (Julio Salvador, 1945)
El destino se disculpa (José Luis Sáenz de Heredia, 1945)
El camino de Babel (Jerónimo Mihura, 1945)
Bambú (José Luis Sáenz de Heredia, 1945)
Domingo de carnaval (Edgar Neville, 1945)
La próxima vez que vivamos (Enrique Gómez, 1946)
Los habitantes de la casa deshabitada (Gonzalo Delgrás, 1946)
Es peligroso asomarse al exterior (Alejandro Ulloa, Arthur Duarte, 1946)
Noche sin cielo (Ignacio F. Iquino, 1947)
La muralla feliz (Enrique Herreros, 1947)
La sirena negra (Carlos Serrano de Osma, 1947)
Embrujo (Carlos Serrano de Osma, 1947)
Hoy no pasamos lista (Raúl Alfonso, Rafael Alonso, 1948)
Pototo, Boliche y compañía (Ramón Barreiro, 1948)
Encrucijada (Pedro Lazaga, 1948)
La mies es mucha (José Luis Sáenz de Heredia, 1948)
Botón de ancla (Ramón Torrado, 1948)
Vida en sombras (Lorenzo Llobet Gracia, 1948)
Noventa minutos (Antonio del Amo, 1949)
Alas de juventud (Antonio del Amo, 1949)
Facultad de letras (Pío Ballesteros, 1950)
Tiempos felices (Enrique Gómez, 1950)
El último caballo (Edgar Neville, 1950)
La noche del sábado (Rafael Gil, 1950)
Balarrasa (José Antonio Nieves Conde, 1951)
La trinca del aire (Ramón Torrado, 1951)
El capitán Veneno (Luis Marquina, 1951)
Cincuenta años del Real Madrid (Rafael Gil, 1952)
El sistema Pelegrín (Ignacio F. Iquino, 1952)
Me quiero casar contigo (Jerónimo Mihura, 1952)
Los ojos dejan huellas (José Luis Sáenz de Heredia, 1952)
La conciencia acusa (Georg Wilhelm Pabst, 1953)
Esa pareja feliz (Juan Antonio Bardem, Luis García Berlanga, 1953)
Aeropuerto (Luis Lucia Mingarro, 1953)
Nadie lo sabrá (Ramón Torrado, 1953)
Manicomio (Fernando Fernán Gómez, Luis María Delgado, 1954)
Rebeldía (José Antonio Nieves Conde, 1954)
Morena Clara (Luis Lucia Mingarro, 1954)
La otra vida del capitán Contreras (Rafael Gil, 1955)
El guardián del paraíso (Arturo Ruiz Castillo, 1955)
Congreso en Sevilla (Antonio Román, 1955)
El mensaje (1955)
Lo scapolo (El soltero, Antonio Pietrangeli, 1955)
La gran mentira (Rafael Gil, 1956)
El fenómeno (José María Elorrieta, 1956)
El malvado Carabel (1956)
Viaje de novios (León Klimovsky, 1956)
El inquilino (José Antonio Nieves Conde, 1957)
Muchachas de azul (Pedro Lazaga, 1957)
Faustina (José Luis Sáenz de Heredia, 1957)
Un marido de ida y vuelta (Luis Lucia Mingarro, 1957)
Los ángeles del volante (Ignacio F. Iquino, 1957)
La vida por delante (Fernando Fernán Gómez, José Luis de la Torre, 1958)
Ana dice sí (Pedro Lazaga, 1958)
La vida alrededor (1959)
Luna de verano (Pedro Lazaga, 1959)
Soledad (Mario Craveri, Enrico Gras, Félix Acaso, 1959)
Bombas para la paz (Antonio Román, 1959)
La ironía del dinero (Edgar Neville, Guy Lefranc, 1959)
Los tres etcéteras del coronel (Claude Boissol, 1959
Macario (Roberto Gavaldón, 1959)
Sólo para hombres (1960)
La vida privada de Fulano de Tal (José María Forn, 1960)
Crimen para recién casados (Pedro Luis Ramírez, 1960)
La venganza de Don Mendo (1961)
Adiós, Mimí Pompón (Luis Marquina, 1961)
Fantasmas en la casa (Pedro Luis Ramírez, 1961)
¿Dónde pongo este muerto? (Pedro Luis Ramírez, 1962)
Benigno, hermano mío (Arturo González hijo, 1963)
Rififí en la ciudad (Jesús Franco, 1963)
La becerrada (José María Forqué, 1963)
El mundo sigue (1965)
Ninette y un señor de Murcia (1965)
Un vampiro para dos (Pedro Lazaga, 1965)
La mujer de tu prójimo (Enrique Carreras, 1966)
Mayores con reparos (1966)
La vil seducción (José María Forqué, 1968)
¿Por qué pecamos a los cuarenta? (Pedro Lazaga, 1969)
Las panteras se comen a los ricos (Ramón Fernández, 1969)
Carola de día, Carola de noche (Jaime de Armiñán, 1969)
Un adulterio decente (Rafael Gil, 1969)
Estudio amueblado 2.P. (José María Forqué, 1969)
El triangulito (José María Forqué, 1970)
De profesión, sus labores (Javier Aguirre, 1970)
Crimen imperfecto (1970)
Pierna creciente, falda menguante (Javier Aguirre, 1970)
Cómo casarse en 7 días (1971)
Las Ibéricas F.C. (Pedro Masó, 1971)
Los gallos de la madrugada (José Luis Sáenz de Heredia, 1971)
Vera, un cuento cruel (Josefina Molina, 1973)
Don Quijote cabalga de nuevo (Roberto Gavaldón, 1973)
La leyenda del alcalde de Zalamea (Mario Camus, 1973)
Ana y los lobos (Carlos Saura, 1973)
El espíritu de la colmena (Víctor Erice, 1973)
Yo la vi primero (1974)
El amor del capitán Brando (Jaime de Armiñán, 1974)
Sensualidad (Germán Lorente, 1975)
Pim, pam, pum... ¡fuego! (Pedro Olea, 1975)
Yo soy Fulana de Tal (Pedro Lazaga, 1975)
Jó, papá (Jaime de Armiñán, 1975)
La querida (1976)
El anacoreta (Juan Estelrich, 1976)
Bruja, más que bruja (1976)
Gulliver (Alfonso Ungría, 1976)
Las cuatro novias de Augusto Pérez (José Jara, 1976)
Imposible para una solterona (Rafael Romero Marchent, 1976)
Reina Zanahoria (Gonzalo Suárez, 1977)
La ragazza dal pigiama giallo (La chica del pijama amarillo, Flavio Mogherini, 1977)
Más fina que las gallinas (Jesús Yagüe, 1977)
Parranda (Gonzalo Suárez, 1977)
Chely (Ramón Fernández, 1977)
Los restos del naufragio (Ricardo Franco, 1978)
Arriba Hazaña (José María Gutiérrez Santos, 1978)
Madrid al desnudo (Jacinto Molina, 1979)
Milagro en el circo (Alejandro Galindo, 1979)
Mamá cumple cien años (Carlos Saura, 1979)
Yo qué sé (Emma Cohen, 1980)
Maravillas (Manuel Gutiérrez Aragón, 1981)
127 millones libres de impuestos (Pedro Masó, 1981)
Apaga... y vámonos (Antonio Hernández, 1982)
Copia cero (Eduardo Campoy, 1982)
Bésame, tonta (Fernando González de Canales, 1982)
Soldados de plomo (José Sacristán, 1983)
Interior roig (Interior rojo, Eugenio Anglada, 1983)
La colmena (Mario Camus, 1983)
Juana la loca... de vez en cuando (José Ramón Larraz, 1983)
Stico (Jaime de Armiñán, 1984)
Feroz (Manuel Gutiérrez Aragón, 1984)
Los Zancos (Carlos Saura, 1984)
La noche más hermosa (Manuel Gutiérrez Aragón, 1984)
De hombre a hombre (Ramón Fernández, 1985)
Luces de bohemia (Miguel Ángel Díez, 1985)
Réquiem por un campesino español (Francisco Betriú, 1985)
La corte de Faraón (José Luis García Sánchez, 1985)
Marbella, un golpe de cinco estrellas (Miguel Hermoso, 1985)
La mitad del cielo (Manuel Gutiérrez Aragón, 1986)
Pobre mariposa (Raúl de la Torre, 1986)
Mambrú se fue a la guerra (1986)
El viaje a ninguna parte (1986)
Delirios de amor (Antonio González Vigil, Luis Eduardo Aute, Cristina Andreu, Félix Rotaeta, 1986)
El gran Serafín (José María Ulloque, 1987)
Cara de acelga (José Sacristán, 1987)
Mi general (Jaime de Armiñán, 1987)
Moros y cristianos (Luis García Berlanga, 1987)
Esquilache (Josefina Molina, Joaquín Molina, 1987)
El mar y el tiempo (Fernando Fernán Gómez, 1989)
El río que nos lleva (Antonio del Real, 1989)
Fuera de juego (1991)
El rey pasmado (Imanol Uribe, 1991)
Marcellino (Marcelino, pan y vino, Luigi Comencini, 1991)
Chechu y familia (Álvaro Sáenz de Heredia, 1992)
Belle Époque (Fernando Trueba, 1992)
Cartas desde Huesca (Antonio Artero, 1993)
Así en el cielo como en la tierra (José Luis Cuerda, 1995)
Pintadas (Juan Estelrich junior, 1996)
Pesadilla para un rico (1996)
Tranvía a la Malvarrosa (José Luis García Sánchez, 1996)
La hermana (Juan José Porto, 1997)
El sueño de los héroes (Sergio Renán, 1997)
Pepe Guindo (Manuel Iborra, 1998)
El abuelo (José Luis Garci, 1998)
Todo sobre mi madre (Pedro Almodóvar, 1999)
Plenilunio (Imanol Uribe, 1999)
La lengua de las mariposas (José Luis Cuerda, 1999)
Voz (Javier Aguirre, 2000)
Visionarios (Manuel Gutiérrez Aragón, 2001)
El embrujo de Shanghai (Fernando Trueba, 2002)
En la ciudad sin límites (Antonio Hernández, 2002)
Bibliofrenia (Marcos Moreno, 2003)
¡Hay motivo! (Varios, 2004) – voz en el epílogo
Tiovivo c. 1950 (José Luis Garci, 2004)
Para que no me olvides (Patricia Ferreira, 2005)
La silla de Fernando (David Trueba y Luis Alegre, 2006)
Mia Sarah (Gustavo Ron, 2006)
Televisión[editar]
Fábulas (1968) (serie)
El alcalde de Zalamea (episodio de Estudio 1) (1968)
Del dicho al hecho (serie) (1971)
Tres eran tres (episodio) (1972)
Juan soldado (1973)
El pícaro (mini-serie) (1974)
Memorias del cine español (episodio) (1978)
Fortunata y Jacinta (mini-serie) (1980)
El alcalde de Zalamea (episodio de Teatro Estudio) (1981)
Tertulia con (programa) (1981)
Ramón y Cajal (serie) (1982)
Los desastres de la guerra (mini-serie) (1983)
Las pícaras (episodio) (1983)
El jardín de Venus (Serie) (1983)
Nuevo amanecer (episodio de Cuentos imposibles) (1984)
La noche del cine español (2 episodios) (1985–1986)
Juncal (1989)
La mujer de tu vida: La mujer perdida (1988)
La mujer de tu vida 2: Las mujeres de mi vida (1992)
Esta noche es Nochebuena (episodio de Farmacia de guardia) (1992)
Los ladrones van a la oficina (1993–1995)
Cuéntame cómo pasó (2001)
Teatro[editar]
El amor sólo dura 2.000 metros (1941), de Enrique Jardiel Poncela.
Madre (el drama padre) (1941), de Enrique Jardiel Poncela.
Es peligroso asomarse al exterior (1942), de Enrique Jardiel Poncela.
El caso del señor vestido de violeta (1954), de Miguel Mihura.
Mayores con reparos (1965), de Juan José Alonso Millán.
La vil seducción (1967), de Juan José Alonso Millán.
La pereza (1968), de Ricardo Talesnik.
Un enemigo del pueblo (1972), de Henrik Ibsen en versión de Arthur Miller.
El alcalde de Zalamea (1979), de Calderón de la Barca.
Premios y candidaturas[editar]
Festivales de cine[editar]
Año Premio Festival Película
1977 Oso de Plata al mejor actor Festival Internacional de Cine de Berlín El anacoreta
1984 Premio Pasinetti Festival Internacional de Cine de Venecia Los zancos
1985 Oso de Plata al mejor actor Festival Internacional de Cine de Berlín Stico
1989 Premio especial del jurado Festival Internacional de Cine de San Sebastián El mar y el tiempo
1999 Premio Donostia Festival Internacional de Cine de San Sebastián Toda su trayectoria
2005 Oso de Honor Festival Internacional de Cine de Berlín Toda su trayectoria
Premios Goya[editar]
Año Categoría Película Resultado
1986 Mejor dirección El viaje a ninguna parte Ganador
1986 Mejor interpretación masculina protagonista Mambrú se fue a la guerra Ganador
1986 Mejor guion El viaje a ninguna parte Ganador
1989 Mejor película El mar y el tiempo Candidata
1989 Mejor dirección El mar y el tiempo Candidato
1989 Mejor interpretación masculina protagonista El mar y el tiempo Candidato
1989 Mejor interpretación masculina protagonista Esquilache Candidato
1989 Mejor guion adaptado El mar y el tiempo Candidato
1992 Mejor interpretación masculina de reparto Belle Époque Ganador
1998 Mejor interpretación masculina protagonista El abuelo Ganador
1999 Mejor interpretación masculina protagonista La lengua de las mariposas Candidato
2000 Mejor guion adaptado Lázaro de Tormes Ganador
Fotogramas de Plata[editar]
Año Categoría Película/Serie de TV Resultado
1951 Mejor intérprete de cine español Balarrasa Ganador
1969 Mejor intérprete de televisión La última cinta Ganador
1973 Mejor intérprete de televisión Juan soldado Ganador
1981 Mejor intérprete de cine español Maravillas Candidato
1983 Mejor actor de cine Soldados de plomo Candidato
1985 Mejor actor de cine La corte de Faraón
Marbella, un golpe de cinco estrellas
Stico Candidato
1986 Mejor actor de cine Delirios de amor
El viaje a ninguna parte
La mitad del cielo
Mambrú se fue a la guerra Ganador
1993 Mejor actor de televisión Los ladrones van a la oficina Candidato
1994 Mejor actor de televisión A su servicio
La mujer de tu vida 2: Las mujeres de mi vida Candidato
1997 Toda una vida Ganador
1999 Mejor actor de cine La lengua de las mariposas
Pepe Guindo
Todo sobre mi madre Candidato
Unión de Actores[editar]
Año Categoría Película/Serie de TV Resultado
1992 Toda una vida Ganador
1993 Mejor interpretación protagonista de televisión Los ladrones van a la oficina Candidato
1998 Mejor interpretación protagonista de cine El abuelo Candidato
Otros galardones[editar]
Premio Nacional de Teatro (1985).
Premio Nacional de Cinematografía (1989).
Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1995).
Premio Mariano de Cavia, por su artículo «El saloncillo de mis tiempos», publicado en ABC (1999).
Medalla de Oro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España (2001).
Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X el Sabio a título póstumo otorgada por el Gobierno de España (2007).
Estrella en el Paseo de la Fama de Madrid (2011).


Predecesor:
Emilio Alarcos Llorach Académico de la Real Academia Española
Sillón B
2000 – 2007 Sucesor:
José Luis Borau Moradell

Ha recibido 64 puntos

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MANUEL SUMMERS

3. MANUEL SUMMERS

Biografía[editar] Nació en Huelva, el 26 de marzo de 1935, en el seno de una familia andaluza acomodada de origen irlandés. Es padre del cantante David Summers del grupo Hombres G y de Cheyenne Summers, actriz española de doblaje y locución y hermano del periodista Guillermo Summers. Sus... Ver mas
Biografía[editar]
Nació en Huelva, el 26 de marzo de 1935, en el seno de una familia andaluza acomodada de origen irlandés.

Es padre del cantante David Summers del grupo Hombres G y de Cheyenne Summers, actriz española de doblaje y locución y hermano del periodista Guillermo Summers. Sus películas se caracterizan por una mezcla de humor negro y carácter satírico.

Fue precursor en dar a conocer el humor de la ciudad onubense de Lepe, al pasar los veranos allí, donde tomó contacto con los lugareños (fue declarado Hijo Predilecto de Lepe y da nombre a una céntrica calle de la ciudad) y en la que mantenía una residencia de verano.

Su primer trabajo, Del rosa al amarillo, Concha de Plata en el Festival de Cine de San Sebastián, fue seguido de otros como La niña de luto o Juguetes rotos. Por desgracia, el escaso reconocimiento de la mayoría de los filmes de su primera etapa motivó un progresivo cambio de registro hacia un cine más comercial, como el caso de Adiós, cigüeña, adiós, sobre una pareja de padres adolescentes, que hasta tuvo una secuela titulada El niño es nuestro.

En 1980 dirige Ángeles gordos en coproducción con Estados Unidos y rodada en Nueva York.

En los años ochenta volvió a la senda del éxito con la "trilogía de la cámara oculta": To er mundo é güeno, que obtuvo un gran éxito de público y provocó las dos secuelas siguientes, To er mundo é mejó y To er mundo é demasiao. Eran películas sin argumento, que basaban su desarrollo en continuas bromas callejeras provocadas por el director, que gozaron de enorme éxito en su momento, alguna de las cuales fueron casi míticas, como aquella donde se introdujo un león en un urinario público. Contó con la colaboración de su hermano Guillermo y de curiosos personajes, como boxeadores o enanos.

En 1986 Summers rodó Me hace falta un bigote, película protagonizada por él mismo y con referencias a su primer filme, Del rosa al amarillo, donde narra con ternura la historia de un amor infantil imposible, donde se mezclan ficción y realidad en una historia entrañable y nostálgica. La película, pese a ser considerada por cierto sector de la crítica como uno de sus mejores títulos, fracasó comercialmente, lo cual motivó que se resarciera dirigiendo otras dos interpretadas por el grupo Hombres G tituladas Sufre Mamón y Suéltate el pelo, que volvieron a ser un inevitable éxito en taquilla, al estar el conjunto de moda en su momento. Estos dos títulos (como ya lo fueran los de la trilogía de la cámara oculta), fueron notablemente vilipendiados por la crítica (Carlos Aguilar en su "Guía del Vídeo-Cine" califica a la primera de "engendro demencial e insufrible") y fueron su despedida cinematográfica.

En 1992 recibió la Medalla de Plata de Andalucía.

Summers trabajó también como técnico en TVE y como humorista gráfico en revistas como Hermano Lobo o ABC. Falleció en Sevilla el 12 de junio de 1993, a los 58 años de edad, víctima de un cáncer de colon.1

Filmografía[editar]
Filmografía como director[editar]
El Viejecito (1959). Proyecto de fin de carrera para el Instituto de Ciencias Cinematográficas de Madrid.
Del rosa al amarillo (1963). Ganadora de la Concha de Plata del Festival de Cine de San Sebastián.
La niña de luto (1964). Mención especial en el Festival de Cannes.
El juego de la oca (1966).
Juguetes rotos (1966). Premio Especial del Jurado en el Festival de Cine de Valladolid.
¿Por qué te engaña tu marido? (1969).
Urtain, el rey de la selva... o así (1969).
Adiós, cigüeña, adiós (1971).
Ya soy mujer (1975).
Mi primer pecado (1976).
Ángeles gordos (1980). Coproducción con EE. UU. rodada en Nueva York.
To er mundo é güeno (1982).
To er mundo é... ¡mejó! (1982).
La Biblia en pasta (1984).
To er mundo é... ¡demasiao! (1985).
Me hace falta un bigote (1986).
Sufre Mamón (1987).
Suéltate el pelo (1988).
El beatio de 2000W (1991).
Filmografía como actor[editar]
La niña de luto, de Manuel Summers.
Aunque la hormona se vista de seda, de Vicente Escrivá (1971).
Black story. La historia negra de Peter P. Peter, de Pedro Lazaga (1971).
Vente a Alemania, Pepe, de Pedro Lazaga (1971).
Polvo eres..., de Vicente Escrivá (1974).
Yo la vi primero, de Fernando Fernán Gómez (1974).
De profesión: polígamo, de Angelino Fons (1975).
El primer divorcio, de Mariano Ozores (1981)
Me hace falta un bigote, de Manuel Summers.
Filmografía como productor[editar]
La niña de luto, de Manuel Summers.
Filmografía como guionista[editar]
Del rosa al amarillo, de Manuel Summers.
Urtain, el rey de la selva... o así, de Manuel Summers.
Libros de humor gráfico[editar]
Politik.
Los pecados de Summers.

Ha recibido 59 puntos

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LUIS GARCÍA BERLANGA

4. LUIS GARCÍA BERLANGA

Biografía[editar] Infancia y juventud[editar] Luis García-Berlanga Martí nació en Valencia el 12 de junio de 1921, en una familia de terratenientes de Camporrobles. Su abuelo, Fidel García Berlanga (1859-1914), era miembro activo del Partido Liberal de Sagasta, a finales del siglo XIX... Ver mas
Biografía[editar]
Infancia y juventud[editar]
Luis García-Berlanga Martí nació en Valencia el 12 de junio de 1921, en una familia de terratenientes de Camporrobles. Su abuelo, Fidel García Berlanga (1859-1914), era miembro activo del Partido Liberal de Sagasta, a finales del siglo XIX, llegando a ser diputado en Cortes en Madrid y presidente de la diputación de Valencia. Su padre, José García-Berlanga (1886-1952), comenzó también su militancia en el Partido Liberal, para luego pasar al partido de centro derecha de Lerroux, el Partido Radical, y más tarde afiliarse al partido de centro izquierda burgués de Martínez Barrios, Unión Republicana.

Los orígenes de su madre, Amparo Martí, fueron mucho más humildes, ya que venía de una familia de emigrantes de Teruel que se establecieron en Valencia. Su tío materno, Luis Martí Alegre, llegó a ser presidente de la Caja de Ahorros de Valencia.

El propio Luis García Berlanga cuenta a su biógrafo Antonio Gómez Rufo2 en relación a su padre: «Y así fue que cuando llegó 1936 mi padre estaba en Unión Republicana, en el Frente Popular. Pero resultaba que era muy perseguido por determinadas facciones de la ultraizquierda, concretamente por aquellos con los que más simpatizaba yo, los anarquistas, a causa no recuerdo qué follones en Utiel y en Requena, por lo que no le quedó más remedio que huir de Valencia para salvarse de la persecución. Y se fue a Tánger, donde vivió un año, hasta que lo detuvieron los nacionales.»

De joven, decidió estudiar Derecho y luego Filosofía y Letras, pero más tarde, en 1947, cambió su vocación e ingresó en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas de Madrid. Durante su juventud se unió a la División Azul para evitar represiones políticas por el cargo de gobernador civil que su padre había desempeñado en Valencia durante la República española. En 1990, el propio Luis reconoce que se alistó pues muchos de sus amigos eran miembros jóvenes destacados de FE de las JONS. Sobre su ideología azul en aquellos años son muchos los testimonos de divisionarios que compartieron con él las trincheras en Rusia, como, por ejemplo, José Luis Amador de los Ríos. En marzo de 1943 ganaba el premio «Luis Fuster» dado por el SEU —sindicato universitario falangista— de Valencia por su artículo aparecido en la Hoja de Campaña de la División Azul titulado Fragmentos de una primavera. Escribía:

[...] Sobre un carro, un carro de ruedas destartaladas y ejes que chirríaban, a contraluz con la estepa iluminada eternamente, llevamos ayer su cadáver a Motorwo, y en su jardín, la cabeza hacia España, lo enterramos... Con él se fueron las medallas religiosas, el cisne blanco en la camisa azul, y aquellas rosa de los Alpes que una estudiante alemana le regalara. Nos dejó, sin embargo, una antología de la buena muerte y una postura arrogante ante lo irremediable. Caía la tierra sobre su cuerpo y descendía sobre nosotros el afán silencioso en la lucha. Así, sin gritos, proseguíamos, cada vez más acelerada, la marcha hacia los límites de nuestra conciencia. Se desangran, sí, los cadáveres de los falangistas, pero esa sangre entra en las venas de los que nos quedamos, para rejuvenecer nuestro ímpetu'».
Cineasta[editar]
Debutó como director en 1951, en pleno franquismo, en los años más duros, con la película Esa pareja feliz, en la que colaboraba con Juan Antonio Bardem. Junto a éste, se lo considera uno de los renovadores del cine español de posguerra. Entre sus películas destacan títulos célebres de la historia del cine español, como El verdugo o Bienvenido, Mister Marshall. Trabajó en siete ocasiones con el guionista Rafael Azcona, y de esta asociación surgieron algunas de las películas más célebres del cine español, además de las citadas, como La escopeta nacional.



Placa de Bienvenido Mr. Marshall en Guadalix de la Sierra.
Su cine se caracteriza por su mordaz ironía y sus ácidas sátiras sobre diferentes situaciones sociales y políticas. En la etapa de la dictadura franquista despuntó su habilidad para burlar la censura de la época con situaciones y diálogos no excesivamente explícitos pero de inteligente contralectura y consiguió llevar a cabo proyectos tan atrevidos como Los jueves, milagro.

Su película Plácido fue nominada para el Óscar a la mejor película de habla no inglesa en 1961. En 1980 obtuvo el Premio Nacional de Cinematografía, en 1981 la Medalla de Oro de las Bellas Artes, en 1986 el Premio Príncipe de Asturias de las Artes y en 1993 el Goya al mejor director por su película Todos a la cárcel. El 25 de abril de 1988 fue elegido miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, e ingresó al año siguiente con un discurso titulado El cine, sueño inexplicable.

Obtuvo premios y galardones internacionales en los más importantes festivales, como Cannes, Venecia, Montreal y Berlín). En el Festival de Karlovy Vary fue elegido como uno de los diez cineastas más relevantes del mundo. Además, poseía un incontable número de reconocimientos nacionales.

Familia[editar]
Se casó en 1954 con María Jesús Manrique de Aragón (n. 1921) y fueron padres de cuatro hijos: José Luis García-Berlanga; Jorge Berlanga (1958-2011), periodista, escritor y guionista (participó en el guion de varias películas de su padre) y director de la Mostra de Valencia entre 2001 y 2002; Carlos Berlanga (1959-2002), músico, compositor e importante precursor de la corriente cultural conocida como la movida madrileña, además de la música pop de los años 80; y Fernando García-Berlanga, locutor y presidente de la desaparecida cadena española Somosradio.

Sus dos hijos más conocidos fallecieron en Madrid relativamente jóvenes por enfermedades hepáticas: Carlos el 5 de junio de 2002, a los 42 años, y Jorge el 9 de junio de 2011, a los 52 años.3

Luis García Berlanga falleció a los 89 años por causas naturales en su casa de Madrid el 13 de noviembre de 2010. En 2008, teniendo ya un delicado estado de salud, depositó en la Caja 1.034 de las Letras del Instituto Cervantes un sobre donde contenía un secreto el cual pidió que no se revelase hasta junio de 2021 cuando se cumpliera el centenario de su nacimiento.4

Legado e influencia[editar]
Tras el fallecimiento de Luis García Berlanga, Álex de la Iglesia, presidente por entonces de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, escribió en El País un obituario donde reconoce que la película Plácido, del citado director, le cambió la vida:

Berlanga metió un puño en mi corazón y lo arrancó de cuajo, mientras con la otra mano me hacía burla. Y yo me reía, y lloraba, en el cineclub de la universidad, y no sabía que esa película, Plácido, me acompañaría en sueños toda la vida. Los rostros de sus actores, José Luis López Vázquez, Manuel Alexandre y tantos otros, serían mi familia para siempre.
Álex de la Iglesia5
Santiago Segura también explicó que su obra influyó en la suya diciendo que "el cine de Berlanga ha influido en mi filmografía de la mejor manera posible, impactando fuertemente en mi cerebro y dejando su poso tras visionarlo", al igual que Óscar Aibar quien afirmó que su película El gran Vázquez tiene influencias de Berlanga.6 Berlanga fue uno de los 25 primeros cieneastas españoles elegidos por la Junta Directiva de la Academia del Cine Español que tuvieron su estrella en el paseo de la fama de Madrid, situado en la calle de Martín de los Heros, y realizada por Oscar Mariné.7

Filmografía[editar]
Cortometrajes[editar]
Tres cantos (1948)
Paseo por una guerra antigua (1948). Codirigida con Juan Antonio Bardem, Florentino Soria y Agustín Navarro.
El circo (1949)
Se vende un tranvía (1959). Cortometraje para televisión de 28 minutos de duración, escrito por Berlanga y Azcona, y dirigido por Juan Estelrich March bajo supervisión de Berlanga.
Las cuatro verdades ("Les quatre vérités", 1963), episodio La muerte y el leñador. Adaptación de las fábulas de Jean de la Fontaine en una coproducción franco-italo-hispano-alemana de excelente reparto. Los tres episodios restantes estaban dirigidos por René Clair, Hervé Blomberger y Alessandro Blasetti, y el metraje original de la cinta se emitió en la TV francesa con el título "Les fables de La Fontaine" en 1964
El sueño de la maestra (2002)
Largometrajes[editar]
Esa pareja feliz (1951). Codirigida junto a Juan Antonio Bardem
Bienvenido, Mister Marshall (1953)
Novio a la vista (1954)
Calabuch (1956)
Los jueves, milagro (1957)
Plácido (1961)
El verdugo (1963)
Las pirañas (La boutique, 1967)
¡Vivan los novios! (1970)
Tamaño natural ("Grandeur nature", 1973)
La escopeta nacional (1978)
Patrimonio nacional (1981)
Nacional III (1982)
La vaquilla (1985)
Moros y cristianos (1987)
Todos a la cárcel (1993)
París Tombuctú (1999)
Otros trabajos[editar]
Villarriba y Villabajo (televisión, 1994). Creador de la serie y guionista, fue dirigida por su hijo José Luis y por Carlos Gil y Josetxo San Mateo.
Blasco Ibáñez, la novela de su vida (televisión, 1997)

Ha recibido 54 puntos

Vótalo:

PEDRO ALMODÓVAR

5. PEDRO ALMODÓVAR

Biografía[editar] Infancia y juventud (1951–1984)[editar] Nació el 25 de septiembre de 1951 en Calzada de Calatrava, un pueblo de la provincia de Ciudad Real, en una familia de arrieros, con gran presencia de mujeres, cuyo mundo plasmaría en películas como Volver. Sus padres eran Antonio... Ver mas
Biografía[editar]
Infancia y juventud (1951–1984)[editar]
Nació el 25 de septiembre de 1951 en Calzada de Calatrava, un pueblo de la provincia de Ciudad Real, en una familia de arrieros, con gran presencia de mujeres, cuyo mundo plasmaría en películas como Volver. Sus padres eran Antonio Almodóvar (fallecido en 1980) y Francisca Caballero (1916-1999). Emigró a Orellana la vieja y más tarde a Madrigalejo (Cáceres) y estudió el bachillerato en Cáceres capital con los padres salesianos y franciscanos, cuando se aficionó al cine. La primera comunión la hizo en el pueblo monegrino de Poleñino, provincia de Huesca.

Marchó a los 18 años a Madrid para estudiar cine, pero no pudo matricularse en la Escuela de Cine, recién cerrada. Trabajó entonces en todo tipo de empleos hasta que logró un puesto de ordenanza en Telefónica, que conservó durante doce años, al mismo tiempo que se sumergía de cabeza en el mundo de la movida madrileña, y fue miembro del grupo teatral Los Goliardos, en el que conoció a Félix Rotaeta y a Carmen Maura, y del dúo de punk-glam rock paródico Almodóvar y McNamara en el que, al lado de Fabio McNamara, generó canciones tan cómicas como Gran ganga o Quiero ser mamá.

Escribió también la novela corta Fuego en las entrañas, una fotonovela porno (Toda tuya), múltiples relatos en periódicos (El País, Diario 16 y La Luna) y cómics contraculturales como Star, El Víbora y Vibraciones, donde creó un personaje propio, llamado Patty Diphusa, protagonista de la novela que lleva su nombre publicada en 1991, que fue un gran éxito editorial y una de las obras más significativas de la eclosión de la literatura homosexual en España en la década de 1990.

Dirigió su primera película, Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, con unas 500.000 pts. (3000 € actuales), que obtuvo de sus amigos y el guion de Erecciones generales, que le había encargado El Víbora.

Su reconocimiento popular comenzaría, sin embargo, con el filme ¿Qué he hecho yo para merecer esto? (1984), también protagonizado por Carmen Maura, actriz fetiche de sus primeros filmes.

En 1985 rodó el mediometraje Tráiler para amantes de lo prohibido, por encargo de TVE para el programa La Edad de Oro.

Madurez (desde 1985)[editar]
En 1985 fundó, junto a su hermano Agustín, la compañía productora El Deseo, cuya primera película sería Matador (1986), a la que seguirían La ley del deseo (1987), Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988), ¡Átame! (1990) y Tacones lejanos (1991), que le permitirían lograr ya cierta repercusión internacional, sobre todo en Argentina y Francia, y abundantes premios internacionales.

Mujeres al borde de un ataque de nervios sería el primer contacto de Almodóvar con los Óscar, al ser seleccionada por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood como candidata al Óscar a la mejor película en lengua extranjera.

Tras el descalabro de Kika (1993), su carrera no alcanzó un éxito rotundo hasta 1999, con el éxito internacional de Todo sobre mi madre, que se alzó con numerosos premios en todo el mundo, entre ellos el primer Óscar, en la categoría de Mejor película en lengua extranjera.

En esta época comenzó el desencuentro de Almodóvar con la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, al manifestar, en 2003, que la academia se había equivocado al no seleccionar su Hable con ella (2002) como candidata española para la categoría de mejor película en lengua extranjera de los premios Óscar.

A la postre, la academia hollywoodense descartó Los lunes al sol como finalista para la citada categoría, y por el contrario premió con el Óscar al mejor guion a Hable con ella, y fue Almodóvar candidato además en el apartado de mejor director.

Sin embargo, los premios Goya de 2004 volverían a recaer en su mayor parte a la película Mar adentro, de Alejandro Amenábar, y dejaron sin ninguno a la La mala educación. A pesar de que Mar adentro ganó el Óscar a la Mejor Película Extranjera, mientras que La mala educación tuvo un recibimiento mixto del público y de la crítica, un año después Pedro Almodóvar y su hermano Agustín abandonarían la academia española, en desacuerdo con el sistema vigente de votaciones y por cierta animadversión de los académicos hacia su obra.1

Tras la muerte de su madre, rememoró su infancia en Volver (2006), película que supuso una especie de "reconciliación" entre Almodóvar y la academia de cine española (le fueron concedidos cinco premios Goya), así como con la actriz Carmen Maura. Además, esta película continuó la tendencia de éxito internacional, tanto de él como de su actriz principal (Penélope Cruz, quien junto al resto del reparto femenino del film fue galardonada en el Festival de Cannes).

Recibió también otros dos importantes galardones nacionales: el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en el 2006 y el Premio Terenci Moix en el 2007.

Finalmente, en la Gala de los Premios Goya 2010, el 14 de febrero, Almodóvar fue presentado por Rosa María Sardá y por Andreu Buenafuente para entregar el premio a la mejor película. La sorpresa fue mayúscula, ya que ningún asistente a la ceremonia sabía que acudiría, salvo el presentador, y el Presidente de la Academia, Álex de la Iglesia. Con ello, se escenificó la reconciliación entre Almodovar y la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España.

El 10 de enero de 2012 el director fue nominado para los Premios Goya a la mejor película por La piel que habito2

Filmografía[editar]
El cine de Almodóvar cultiva un naturalismo que destruye el usual costumbrismo burgués del cine español.

Suele representar, por el contrario, una realidad marginal o del subproletariado urbano y abunda en elementos escandalosos y provocadores: policías corruptos, consumo de drogas, maltrato, prostitución, niños precoces, paletos filosóficos, marujas desesperadas, homosexualidad desgarrada, etc., todo ello sin renunciar a su humor irreverente y sin dejar de provocar con heterodoxas escenas de sexo, como la lluvia dorada de su primer largo en 35 mm Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980).

Su primer trabajo cinematográfico Folle, folle, fólleme... Tim (1978), filmada en Super 8, se circunscribe dentro de este estilo punk.

Este material escandaloso podría pretender, como en el caso de los surrealistas, épater les bourgeois («perturbar a los burgueses»).

Con el tiempo, sin embargo, ha ido puliendo su escritura y desarrollando guiones cada vez más sofisticados y coloristas, muy cercanos al melodrama clásico inspirado en Douglas Sirk.

En películas posteriores, como ¡Átame!, clasificada inicialmente como X en los Estados Unidos (a raíz de esta película, nació la clasificación norteamericana NC-17, también adjudicada a La mala educación), una mujer llega a enamorarse de su secuestrador e incluso, según ataques de sectores reaccionarios de la sociedad española, en Kika llega incluso a trivializar la violación.

También abundan, entre sus fuentes de inspiración, casi siempre autobiográficas, los elementos buñuelescos y anticlericales, como el humor negro o el cura pederasta de La mala educación, o pertenecientes al casticismo, la cultura de masas y el arte de vanguardia.

Almodóvar mezcla en sus películas lo tradicional y lo transgresor. Es característica su afición a los boleros, a Chavela Vargas, a Caetano Veloso, y en general a la estética más punk, Cutre Lux y transgresora, basada en la utilización de colores muy vivos y fuertemente contrastados, exteriores vulgares y degradados y las desproporciones violentas entre los intérpretes humanos y los entornos físicos de los edificios.

Su experiencia como actor y cantante lo ha hecho transformarse en un importante director de actores, y como guionista pergeña especialmente bien los personajes femeninos y las historias cargadas de dramatismo.

En opinión de Lynn Hirschberg, «Almodóvar preside sobre sus cambiantes personajes como un cura benevolente: acepta y perdona prácticamente a todos ellos, no importa lo terrible de sus pecados. Un secuestrador, un violador o un pedófilo pueden tener un corazón puro; por supuesto, los aparentemente inocentes también pueden ser culpables.»3

Etapas de su obra[editar]
Aunque los analistas expertos en la obra almodovariana no parecen ponerse de acuerdo, quizá es posible clasificar su obra artística en seis etapas, si bien su cine posee una coherencia tal que podría hablarse sólo de una:

Etapa punk: Folle, folle, fólleme... Tim; Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón y Laberinto de pasiones.
Etapa con influencia de Federico Fellini: Entre tinieblas, Trailer para amantes de lo prohibido y ¿Qué he hecho yo para merecer esto?.
Etapa con influencia de los maestros: Matador, La ley del deseo, Mujeres al borde de un ataque de nervios, ¡Átame! y Tacones lejanos.
Etapa autobiográfica: Todo sobre mi madre, Volver, La mala educación.
Etapa melodramática pura: Los abrazos rotos y La piel que habito.
Etapa post pop: Los amantes pasajeros.
En su película Volver se produce el reencuentro con su musa Carmen Maura, la cual encarna el papel de una «abuela fantasma» (película del personaje Enrique Goded en La mala educación: guiño-pista sobre la próxima película que iba a rodar Almodóvar).

En La flor de mi secreto, la escritora Amanda Gris escribe un relato sobre una mujer cuyo marido intenta violar a la hija de ambos y cómo la hija le mata y la mujer esconde el cuerpo en la nevera de un restaurante. Este argumento regresaría también en la película Volver, y fue usado anteriormente en ¿Qué he hecho yo para merecer esto?. El personaje de Ángel es una dramatización del propio Almodóvar, lo que haría suponer que Amanda Gris dio a Ángel el guion para lo que después se convirtió en la película Volver.

También en La flor de mi secreto, Leo tiene una amiga (Carmen Elías) que trabaja en el centro de trasplantes. En las dramatizaciones de entrenamiento de los médicos actúa la enfermera Manuela Kiti Manver. Ese mismo papel de la enfermera Manuela es el que interpretaría años más tarde Cecilia Roth en Todo sobre mi madre.

En La ley del deseo, Carmen Maura interpreta a un transexual que visita al cura que le educó de pequeña (cantaba en el coro de la iglesia), argumento que veinte años después se convierte en la columna vertebral de La visita, relato que da vida a La mala educación.

En La mala educación el personaje del director de cine (Enrique Goded), interpretado por Fele Martínez, tiene un enfoque pseudobiográfico, lo que hace suponer que se trata de una interpretación del mismo Almodóvar. El personaje de Juan, interpretado por Gael García Bernal, se referiría a algún actor que apareció en las primeras películas de Almodóvar, según se explica al final de la película. En La visita, que sirve de base a La mala educación, el personaje del sacerdote es interpretado por Daniel Giménez Cacho. El parecido físico de este personaje en la película y el de Eusebio Poncela, quien actuó en La ley del deseo, hace suponer que el argumento de La mala educación es en realidad la dramatización de una relación entre éste y Almodóvar. En el final de La mala educación se refiere que el personaje de Juan representa en realidad a un actor que luego actuó en televisión, lo cual cuadraría con Imanol Arias, que actuó en Laberinto de pasiones y luego desarrolló parte de su carrera en la pantalla chica.

En Los abrazos rotos, la historia gira en torno a Chicas y maletas, película de la que el protagonista es director. El argumento y los personajes de esta película son los de Mujeres al borde de un ataque de nervios.

En ¿Qué he hecho yo para merecer esto? y en La flor de mi secreto, Chus Lampreave hace de una abuela que siempre dice que quiere volver a su pueblo natal. En Volver encarna a una tía que es visitada por su familia en su pueblo.

En Hable con ella, durante el concierto con Caetano Veloso aparecen como extras Cecilia Roth y Marisa Paredes, quienes respectivamente actúan los papeles de Manuela y Huma Rojo en Todo sobre mi madre.

En Kika, el hermano de la criada, que estaba en prisión, escapa y va a buscarla a casa de su patrona, donde la amordaza y viola a la protagonista del film. Una situación similar se presenta en La piel que habito, cuando el hermano prófugo del personaje principal amordaza a la criada de la casa (que también es su madre) y viola a la protagonista.

Títulos[editar]
Año Película
1977 Las manos sucias, de Jean Paul Sartre, con adaptación de Adolfo Marsillach. (A) Teatro
1978 ¿Qué hace una chica como tú en un sitio como este?, de Fernando Colomo. (A)
1978 Salomé. (DG)
1978 Un hombre llamado Flor de Otoño, de Pedro Olea. (A)
1980 Arrebato, de Iván Zulueta (voz).
1980 Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (DGA)
1982 Laberinto de pasiones (DGAM)
1983 Entre tinieblas (DG)
1984 ¿Qué he hecho yo para merecer esto? (DGA)
1986 Matador (DGA)
1987 La ley del deseo (DGAM)
1988 Mujeres al borde de un ataque de nervios (DG)
1990 ¡Átame! (DG)
1991 Tacones lejanos (DG)
1993 Kika (DG)
1995 La flor de mi secreto (DG)
1997 Carne trémula (DG)
1999 Todo sobre mi madre (DG)
2002 Hable con ella (DG)
2004 La mala educación (DG)
2006 Volver (DG)
2009 Los abrazos rotos (DG)
2011 La piel que habito (DG)
2013 Los amantes pasajeros (DG)
A: actor
DG: director y guionista
DGA: director, guionista y actor
DGAM: director, guionista, actor y música
Productor[editar]
Al margen de su actividad como director de cine, Pedro Almodóvar es uno de los más importantes productores españoles: la compañía El Deseo, fundada en 1985 junto con su hermano Agustín, ha producido, además de sus propios filmes, los de directores como Álex de la Iglesia, Guillermo del Toro o Isabel Coixet.

Su hermano Agustín ha logrado que El Deseo crezca hasta colocarla entre las primeras del país.4 En el año 2000 Almodóvar, por su capacidad para financiar sus películas y de atraer al público, ya aparecía como uno de los 100 directores más poderosos del mundo en la revista de la industria del cine Hollywood Reporter, en el lugar 64, por delante de leyendas del cine estadounidense como Robert Altman o Terrence Malick.5

Títulos[editar]
Las siguientes películas fueron producidas por Pedro Almodóvar (El Deseo): Matador (1986), La ley del deseo (1987), Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988), ¡Átame! (1989), Tacones lejanos (1991), Kika (1993), La flor de mi secreto (1995), Carne trémula (1997), Todo sobre mi madre (1999), Hable con ella (2002), La mala educación (2004), Volver (2006), Los abrazos rotos (2009), junto con:

Año Película Director
2007 La mujer rubia Lucrecia Martel
2005 La vida secreta de las palabras Isabel Coixet
2004 La niña santa Lucrecia Martel
2002 Mi vida sin mí Isabel Coixet
2001 El espinazo del diablo Guillermo del Toro
1998 Cuernos de espuma Manuel Toledano
1996 Mi nombre es sombra Gonzalo Suárez
1993 Acción mutante Álex de la Iglesia
1982 Pestañas postizas Enrique Belloch
Militancia política[editar]
Pedro Almodóvar fue una de las figuras públicas más significadas en contra de la invasión de Irak y del apoyo del gobierno español al estadounidense, y fue, junto con Fernando Fernán Gómez y Leonor Watling, el encargado de leer el manifiesto en contra de la guerra y del gobierno de José María Aznar en la masiva manifestación (entre 660.000 y 990.000 personas) que tuvo lugar en Madrid el 15 de febrero de 2003.6

En 2004, después de las elecciones de marzo ganadas por el PSOE, en la presentación de su película La mala educación, Almodóvar lanzó un duro ataque al PP, y declaró que se había vuelto a la democracia después de «la modorra de estos ocho años». Días antes de las elecciones se habían perpetrado los atentados del 11M en Atocha. Almodóvar suspendió todos los festejos de presentación de la película nada más conocerse la noticia: «Hemos vivido momentos durísimos, de mucho dolor y por eso decidimos suspender todo lo festivo, por eso no vamos a hacer la gala de estreno ni la fiesta posterior.» También mostró su satisfacción por el triunfo del PSOE, pero matizada por los tristes sucesos: «Esta terrible semana ha culminado con una noticia liberadora, lástima que tuviéramos que pagar un precio tan alto». Acusó al gobierno del PP de manipular la información durante esos días: «El secuestro y la manipulación de la información a la que ya nos tenían acostumbrados, esa oscuridad, no es democracia». Y se hizo eco de un rumor que corría a través de Internet:

Voy a decir una cosa que por ahora circula como rumor y que si se confirma puede ser terrorífico, y es que el PP estuvo a punto, el sábado a las doce de la noche, de provocar un golpe de Estado. No quiero ser fino ni delicado. No se trata de tirar piedras, pero hay que ver cómo se ha ido el PP. Pero, por fin, volvemos a estar en una España democrática donde se puede hablar claro. Ha sido el pueblo español el que salió a la calle a pedir información y aquello, afortunadamente, no se pudo parar.
Rajoy calificó las palabras de Almodóvar de «una colosal mentira», dijo sentir «vergüenza» de que un compatriota pudiera afirmar tales cosas, y llegó a interponer infructuosamente una querella contra el director.7 En esas mismas elecciones la Junta Electoral investigó a Almodóvar por no presentarse como presidente de mesa el 14-M. Está, finalmente, se constituyó con el suplente designado para cubrir la no comparecencia de Almodóvar. Al intentar los medios contactar con la productora El Deseo, estos declaran que no van a hacer "ningún comunicado" ni declaración sobre este asunto.

En enero de 2008 fue uno de los participantes, junto a otros directores y actores, en la «Plataforma de Apoyo a Zapatero».8 Almodóvar señaló posteriormente que su apoyo se extiende «a toda la izquierda».9 Con razón de la promoción de su última película Los amantes pasajeros, Almodóvar declaró a XL Semanal: "La segunda etapa de Zapatero fue un auténtico desastre. Hombre, en sus primeros años hizo cosas, pero... A ver, yo, como mucha gente, apoyé a Zapatero en 2008 para evitar que el PP llegara al poder. Me equivoqué. ¿Cómo iba a saber que este hombre reaccionaría así ante la crisis?".

Detractores[editar]
Medios de comunicación conservadores han atacado a Almodóvar en varios sentidos. La Nación le reprochaba ser difusor por el mundo de unos estereotipos con los que nos identifican por el mundo. España es un país de travestidos, homosexuales, yonquis, histéricas,... al tiempo que relacionaba su patrimonio con las subvenciones que habían recibido sus producciones.10 En ese mismo sentido, el antecesor de La Nación, el semanario Época, titulaba un artículo en octubre de 2006: «Almodóvar se hace de oro con el dinero de todos.»11 y Libertad Digital, con motivo de la participación de Almodóvar en un mitin de artistas a favor de Rodríguez Zapatero, afirmó que los «activos» de Almodóvar sumaban 67 millones de euros y que su apoyo a Zapatero tenía como trasfondo un interés comercial: el canon digital. Además de los grandes ingresos que debe recaudar en este concepto.12

Premios[editar]
Premios Cóndor de Plata
Año Categoría Película Resultado
1999 Mejor película extranjera Todo sobre mi madre Candidato
2003 Mejor película extranjera Hable con ella Ganador
2005 Mejor película extranjera de habla hispana La mala educación Candidato
2007 Mejor película iberoamericana Volver Ganador
2010 Mejor película iberoamericana Los abrazos rotos Candidato
Festival de Cine de Bogotá
Año Categoría Película Resultado
1987 Mejor director La ley del deseo Ganador
Premios Óscar
Año Categoría Película Resultado
2002 Mejor director Hable con ella Candidato
2002 Mejor guion original Hable con ella Ganador
1999 Mejor película extranjera Todo sobre mi madre Ganador
1988 Mejor película extranjera Mujeres al borde de un ataque de nervios Candidato
Premios Globo de Oro
Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor película en lengua no inglesa La piel que habito Candidato
2010 Mejor película en lengua no inglesa Los abrazos rotos Candidato
2007 Mejor película en lengua no inglesa Volver Candidato
2003 Mejor película en lengua no inglesa Hable con ella Ganador
2000 Mejor película en lengua no inglesa Todo sobre mi madre Ganador
Premios BAFTA
Año Categoría Película Resultado
2011 Mejor película extranjera La piel que habito Ganador
2009 Mejor película extranjera Los abrazos rotos Candidato
2006 Mejor película extranjera Volver Candidato
2004 Mejor película extranjera La mala educación Candidato
2002 Mejor película extranjera Hable con ella Ganador
2002 Mejor guion original Hable con ella Ganador
1999 Mejor guion original Todo sobre mi madre Candidato
1999 Mejor película extranjera Todo sobre mi madre Ganador
1999 Mejor director Todo sobre mi madre Ganador
1998 Mejor película extranjera Carne trémula Candidato
1989 Mejor película extranjera Mujeres al borde de un ataque de nervios Candidato
Premios Goya
Año Categoría Película Resultado
2011 Mejor guion adaptado La piel que habito Candidato
2011 Mejor director La piel que habito Candidato
2011 Mejor película La piel que habito Candidato
2009 Mejor guion original Los abrazos rotos Candidato
2006 Mejor director Volver Ganador
2006 Mejor película Volver Ganador
2006 Mejor guion original Volver Candidato
2004 Mejor director La mala educación Candidato
2004 Mejor película La mala educación Candidato
2002 Mejor director Hable con ella Candidato
2002 Mejor película Hable con ella Candidato
2002 Mejor guion original Hable con ella Candidato
1999 Mejor director Todo sobre mi madre Ganador
1999 Mejor película Todo sobre mi madre Ganador
1999 Mejor guion original Todo sobre mi madre Candidato
1995 Mejor director La flor de mi secreto Candidato
1990 Mejor director ¡Átame! Candidato
1990 Mejor película ¡Átame! Candidato
1990 Mejor guion original ¡Átame! Candidato
1988 Mejor director Mujeres al borde de un ataque de nervios Candidato
1988 Mejor película Mujeres al borde de un ataque de nervios Ganador
1988 Mejor guion original Mujeres al borde de un ataque de nervios Ganador
Premios César
Año Categoría Película Resultado
2007 Mejor película extranjera Volver Candidato
2005 Mejor película de la Unión Europea La mala educación Candidato
2003 Mejor película de la Unión Europea Hable con ella Ganador
2000 Mejor película extranjera Todo sobre mi madre Ganador
1999 César de honor
1992 Mejor película extranjera Tacones lejanos Ganador
1990 Mejor película extranjera ¡Átame! Candidato
Premios David de Donatello
Año Categoría Película Resultado
1988 Premio al mejor director extranjero Mujeres al borde de un ataque de nervios Ganador
Festival Internacional de Cine de Cannes
Año Categoría Película Resultado
2006 Premio al mejor guion Volver Ganador
1999 Premio al mejor director Todo sobre mi madre Ganador
Premio Nacional de Cinematografía (1990)
Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2006)
Estrella en el Paseo de la Fama de Madrid (2011).
Actuaciones[editar]
Pedro Almodóvar ha hecho pequeñas apariciones como actor en varias películas. Entre ellas, destacan:

Tatuaje, de Gregori Baquet (1999).
En la cama con Madonna, de Alek Keshishian (1991).
La ley del deseo, de Pedro Almodóvar (1987).
Matador, de Pedro Almodóvar (1986).
¿Qué he hecho yo para merecer esto?, de Pedro Almodóvar (1984).
Laberinto de pasiones, de Pedro Almodóvar (1982).
Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, de Pedro Almodóvar (1980).
Un hombre llamado Flor de Otoño, de Pedro Olea (1978).
Un humain, de Pedro Olea (1965).

Ha recibido 53 puntos

Vótalo:

EMILIO ARAGÓN ÁLVAREZ

6. EMILIO ARAGÓN ÁLVAREZ

Biografía[editar] Perteneciente a la saga de la Familia Aragón. Hijo del payaso español Emilio Aragón Bermúdez, Miliki, comenzó su carrera en el programa El Gran Circo de TVE en 1977, con el nombre de Milikito, junto a su padre, a su tío Gabriel Aragón Bermúdez Gaby, y a su primo Alfonso Aragón... Ver mas
Biografía[editar]
Perteneciente a la saga de la Familia Aragón. Hijo del payaso español Emilio Aragón Bermúdez, Miliki, comenzó su carrera en el programa El Gran Circo de TVE en 1977, con el nombre de Milikito, junto a su padre, a su tío Gabriel Aragón Bermúdez Gaby, y a su primo Alfonso Aragón Sac Fofito. En 1981 abandona este programa que había sido bautizado popularmente como el de "Los payasos de la tele" y dos años más tarde presenta en la temporada 1983-1984 de Televisión Española el espacio Ni en vivo ni en directo que basaba su contenido en sketchs de humor. Más tarde, en septiembre de 1984 estrenó en Madrid el musical Barnum, creado por Mark Bramble, Cy Coleman y Michael Stewart, y del que fue productor ejecutivo, protagonista y responsable de las letras en castellano2 .

Alcanzó gran popularidad a mediados de la década de los 80 como presentador. En esta época se encargará del programa Saque Bola de Canal Sur acompañado de José María Fraguas. Por este trabajo obtuvo el TP de Oro al personaje más popular de Canal Sur. Pero su salto a la fama llegará con el progama VIP en Telecinco; un concurso vespertino que dirigirá de lunes a viernes junto al realizador Daniel Écija y con la colaboración en la presentación de Belén Rueda. El espacio obtendrá una buena aceptación y fruto de ella pronto se abordará su versión infantil, VIP Guay para los sábados copresentada por Ana Chávarri, y VIP Noche. Será en este último donde, debido a su mezcla de concurso y gala, adquirirá su imagen más recordada de aquellos años con su esmoquin acompañado de zapatillas deportivas, así como su palabra más emblemática: "Dabuten". Estaba acompañado también por la cantante mexicana Thalía y las integrantes del grupo femenino Cacao Maravillao. También hace un pequeño cameo en la película de Martes y Trece: El robobo de la jojoya en 1991.

En 1992 el por entonces presidente del Grupo Zeta Antonio Asensio se hace con el control de Antena 3 y acomete una importante renovación de toda su plantilla. Tras "La Regala", programa especial de navidad grabado en el Palau de Sant Jordi ante 15,000 personas3 Emilio Aragón y su equipo será su fichaje más reconocible, y tras otorgarle la dirección del espacio Noche, noche, en la temporada 1993-1994 será puesto al frente de El gran juego de la oca, que se convirtió en su mayor éxito en la cadena. Por estas fechas y en compañía de su mano derecha, el ya mencionado Daniel Écija, funda en 1993 la productora Globomedia que concebirá o adaptará para España programas como ¡Qué me dices!, Caiga Quien Caiga o El Club de la Comedia, o series como Compañeros o posteriormente 7 vidas, Aída, Los hombres de Paco y muchas más.

En 1995 y tras un tiempo en el extranjero vuelve a Tele5 con un proyecto de serie familiar que a la postre se traduciría en su papel protagonista más recordado y reconocido por el público: Médico de familia, que permaneció en antena hasta diciembre de 1999. En la misma, y al margen su faceta de productor, encarnaba al personaje principal: Nacho Martín. Tras esta apuesta, mantuvo en la misma cadena entre 2002 y 2003 tres temporadas de la producción Javier ya no vive solo en la que interpretaba a un cuarentón soltero que se hacía cargo de sus sobrinas, aunque no consiguió revalidar el éxito de su anterior formato. Finalmente en 2004 volvió a probar suerte en Antena 3 con Casi perfectos, aunque los malos resultados de audiencia llevaron a la cadena a cancelar su emisión tras una segunda temporada pobre en resultados.4

Desde 2006 es presidente honorífico de la cadena de televisión La Sexta de la que Globomedia posee una parte importante de su accionariado. En ella presentó el programa de improvisación Los irrepetibles de Amstel y adquirió el apodo cariñoso de "El señor de La Sexta" otorgado por el programa Sé lo que hicisteis. Entre medias dirigió en 2009 su primera película: "Pájaros de papel"5 con Imanol Arias, Lluís Homar y Carmen Machi.

Otras de sus facetas han sido las de intérprete de álbumes musicales de corte desenfadado como Te huelen los pies, posee el título de piloto, y forma parte de asociaciones de fines solidarios como Acción Contra el Hambre (de la que es vicepresidente), Intermón Oxfam, el Comité Drogas No y la Fundación Dales la Palabra. También forma parte del proyecto "No Hunger" que pretende convencer a Al Gore para que su próximo documental esté dirigido contra la desnutrición debido al gran calado social de su Una verdad incómoda.

Series de televisión[editar]
Casi perfectos (2004-2005): Actor (como Andrés), productor ejecutivo.
Javier ya no vive solo (2002-2003): Actor (como Javier), productor ejecutivo.
Médico de familia (1995-1999): Actor (como Dr. Nacho Martín).
Ni en vivo ni en directo (1983-1984): Presentador y actor en los sketchs de esta serie de humor.
El gran circo de TVE (1977-1981): Actor (como Milikito).
Películas[editar]
Una noche en el Viejo Mexico aka A night in Old Mexico(estreno 9 de mayo de 2014) (director)
Pájaros de papel (2010) (director)
Carlitos y el Campo de los Sueños (2008) (productor)
El robobo de la jojoya (1991) (cameo)
Policía (1987) (protagonista)
Presentador de televisión[editar]
Los irrepetibles de Amstel (2006-2007) (La Sexta).
El Club de la Comedia (2002-2003) (Antena 3).
El gran juego de la oca (1993-1994) (Antena 3).
Noche, noche (1993) (Antena 3).
VIP Guay (1990-1991) (Telecinco).
VIP Noche (1990-1992) (Telecinco).
VIP (1990) (Telecinco).
Saque Bola (1989) con José María Fraguas (Canal Sur).
Festival OTI de la Canción, OTI 1985 (Junto a Paloma San Basilio).
Discografía[editar]
Bach to Cuba (2006)
El Soldadet de Plom (versión en catalán) (2005).
El Soldadito de Plomo: Cuento musical (2004).
Atrapado (1993)
Eso Es Así (1992)
Te huelen los pies (1991)
Gaby Miliki Fofito y Milikito "Cantando siempre cantando" (1980)
Gaby Miliki Fofito y Milikito "Cómo me pica la nariz" (1979)
Gaby Miliki Fofito y Milikito "Había una vez un disco" (1977)
Doblaje[editar]
Stuart Little y Stuart Little 2: Puso la voz de Stuart en la versión española (en la versión original era la voz de Michael J. Fox).
Compositor[editar]
Compuso la banda sonora de la película Una noche en el Viejo Mexico, de la que también fue su director y productor6 .
Compuso la banda sonora de la película Pájaros de papel, de la que también fue su director y productor.
Compuso la banda sonora de la película Carlitos y el Campo de los Sueños, de la que también fue su productor.
Compuso la música del ballet Blancanieves y dirigió la orquesta.
Compuso la música de la serie de dibujos animados Esquimales en el Caribe, serie ideada por él.
Compuso la música de la serie de dibujos animados La aldea del arce.
Compuso la música de la serie de dibujos animados Noeli (interpretada por su hermana, Rita Irasema).
Compuso e interpretó la sintonía de la serie de televisión 7 vidas.
Compuso e interpretó la sintonía de la serie de televisión Periodistas.
Premios y nominaciones[editar]
Premios Goya[editar]
Año Categoría Película Resultado
2013 Mejor canción original Aquí sigo Candidato
2013 Mejor música original Una noche en el Viejo México Candidato
2010 Mejor dirección novel Pájaros de papel Candidato
2010 Mejor canción original No se puede vivir con un franco Candidato
Antena de Oro[editar]
Año Categoría Programa
1991 Televisión VIP Noche
Fotogramas de Plata[editar]
Año Categoría Programa Resultado
1997 Mejor Actor de TV Médico de familia Nominado
1996 Mejor Actor de TV Médico de familia Nominado
1995 Mejor Actor de TV Médico de familia Nominado
Premios Ondas[editar]
Año Categoría Programa
1991 Nacionales de Televisión VIP Noche
1996 Nacionales de Televisión Médico de familia
TP de Oro[editar]
Año Categoría Programa Resultado
1999 Mejor Actor Médico de familia Nominado
1998 Mejor Actor Médico de familia Nominado
1997 Mejor Actor Médico de familia Ganador
1996 Mejor Actor Médico de familia Ganador
1995 Mejor Actor Médico de familia Ganador
1993 Mejor Presentador El gran juego de la oca y Noche, noche Ganador
1991 Mejor Presentador VIP Noche y VIP Guay Ganador
1990 Mejor Presentador VIP Noche y VIP Guay Ganador
1989 Personaje más popular de Canal Sur Saque Bola Ganador

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EDGAR NEVILLE

7. EDGAR NEVILLE

Vida y obra[editar] Nació en Madrid el 28 de diciembre de 1899, en la calle de Trujillos. Su padre fue Edward Neville Riddlesdale, ingeniero inglés que se ocupaba en España de los negocios de la empresa de motores de su padre, afincada en Liverpool, Julius G. Neville & Co (posteriormente... Ver mas
Vida y obra[editar]
Nació en Madrid el 28 de diciembre de 1899, en la calle de Trujillos. Su padre fue Edward Neville Riddlesdale, ingeniero inglés que se ocupaba en España de los negocios de la empresa de motores de su padre, afincada en Liverpool, Julius G. Neville & Co (posteriormente Sociedad Anglo-Española de Motores); su madre era María Romrée y Palacios, hija del conde de Romrée y de la condesa de Berlanga de Duero, título este último que heredaría él. Pasa su infancia en la casa palaciega que sus abuelos los Romrée poseían en la valenciana localidad de Alfafar, lugar que siempre recordaría como uno de los más felices espacios de su niñez. Vivió también en La Granja de San Ildefonso (Segovia) y cursó estudios en el colegio del Pilar, donde se relacionó con quienes constituirían parte de la intelectualidad futura. Desde muy pronto mostró afición a las letras.

Siempre le atrajo el carnaval, afición que con el tiempo llevaría a sus películas. Estrenó en 1917 La Vía Láctea con la compañía de La Chelito, una comedia a lo "vaudeville" en medio acto. En ese tiempo conoce al humorista y dibujante Tono, uno de sus mejores amigos.

Cursó estudios de Derecho sin mucho entusiasmo, pues pronto mostró afición por el teatro. Tras el desengaño amoroso con una joven actriz de la época, se alistó con los húsares que se destinaban a la Guerra de Marruecos. Duró poco en el Protectorado, pues a raíz de una enfermedad es devuelto a España. Restablecido, participó en las célebres tertulias del Café Pombo, donde conoce a José López Rubio. Marchó a Granada, donde consiguió terminar sus estudios de abogado. En la ciudad de la Alhambra entabló amistad con el poeta Federico García Lorca y con el músico gaditano Manuel de Falla, con quien compartió su pasión por el flamenco y las letras.

Casó con la malagueña Ángeles Rubio-Argüelles y Alessandri. Los esposos se fueron a vivir a la calle Alfonso XII, en una casa que le decora su amigo el arquitecto Carlos Arniches Moltó, al que no hay que confundir con Carlos Arniches Barreda, su padre y afamado comediógrafo. En esta época viajó frecuentemente a Málaga, donde la editorial Imprenta Sur le publica sus primeros libros. Por entonces entabló nuevas relaciones con el pintor Salvador Dalí y los poetas Manuel Altolaguirre, Emilio Prados o José María Hinojosa, todos ellos pertenecientes a la Generación del 27.

Con el ánimo de conocer mundo ingresó en el cuerpo diplomático. Fue destinado como secretario en la embajada en Washington. También viajó a Los Ángeles, lugar que le atrajo por las posibilidades que le ofrecía para introducirse en el mundo del cine. Logró entablar amistad con Charles Chaplin, quien le contrató como actor de reparto en su película Luces de la ciudad, donde hacía el papel de guardia. Chaplin le abre caminos y la Metro Goldwyn Mayer lo contrató como dialoguista y guionista, ya que en la época se rodaban versiones en español con destino al mundo hispano. Una vez consolidado como residente en Hollywood, comenzó a atraer a la meca del cine a muchos de sus amigos: José López Rubio, Eduardo Ugarte, Tono, Luis Buñuel y Enrique Jardiel Poncela entre otros. En Los Ángeles se siente feliz y exulta de actividad.[cita requerida]

En los años treinta se separó de su esposa, y se relacionó sentimentalmente con Conchita Montes, una aristócrata intelectual y artista bien relacionada. Gracias en parte a ella, escapó de ser fusilado en los primeros momentos del golpe de estado que condujo a la Guerra Civil. Escapó a Londres, estableciéndose más tarde en una residencia que su familia posee en San Juan de Luz, en el país vasco-francés. En 1937 se unió al ejército franquista como reportero de guerra. En calidad de tal estuvo presente en el frente de Madrid, la batalla de Brunete y la toma de Bilbao, donde pudo filmar pavorosas escenas de la contienda que le producen hondo impacto. Escribe también guiones de películas de carácter propagandístico como Juventudes de España (1938), La Ciudad Universitaria (1938) o Vivan los hombres libres (1939) y Carmen fra i rossi (1939). Terminada la guerra inicia su actividad cinematográfica y teatral, alabada por todos los críticos de entonces.

Acabada la guerra, y guiado por su amigo Ricardo Soriano Sholtz Von Hermensdorff, Marqués de Ivanrey, adquirió una residencia en Marbella a la que, por nostalgia de sus días en California, llamó "Malibú." Allí se instaló con su compañera Conchita Montes. Su ya mencionada afición por la gastronomía fue lo que puso en peligro su salud, pasando por varios tratamientos y clínicas de adelgazamiento.

Hombre exquisito, de múltiples talentos y aficiones, aprovechó todo cuanto pudo ofrecerle su época. Debido a su adscripción al bando nacional y a que su actividad fue desarrollada en la industria del entretenimiento, y cultivando sobre todo el humor, no fue incluido por lo general entre la nómina de intelectuales de la Generación del 27, como les ocurriría también a sus amigos escritores falangistas, como Miguel Mihura, Tono, Enrique Jardiel Poncela, Álvaro de la Iglesia...[cita requerida] Tanto Edgar como ellos optaron por un humor no comprometido políticamente, que cultivó en todos los géneros: teatro, poesía, novela, cine, pintura... Desde sus posiciones de privilegio criticaban sin aspereza las costumbres de la misma burguesía de entonces, como la cursilería y absurdo. Junto con Tono, Antonio Mingote y Mihura escribe en la revista de humor La Codorniz, sucesora del semanario La Ametralladora, que Mihura había publicado durante el sitio de Madrid.

Destacó sobre todo como director de cine. La vida en un hilo obtuvo un gran éxito. Se gestó primero como película y más tarde fue convertida en comedia musical por su hijo Santiago. Es una reflexión risueña sobre los mecanismos del azar, a la vez que un alegato contra la burguesía entendida como enfermedad del alma, contra la cursilería y contra la estrechez de miras disfrazada de sentido común. También fue un gran éxito la obra teatral El baile, que se mantuvo en cartel durante siete años. Trata de un trío amoroso que triunfa sobre el tiempo y las generaciones. Llevada al cine, se distinguía por sus ágiles y brillantes diálogos, donde alternan ternura y disparate. Además de El baile, estrenó otras comedias en teatro como Margarita y los hombres (1934), Veinte añitos (1954), Rapto (1955), Adelita (1955), Prohibido en otoño (1957), Alta fidelidad (1957) o La extraña noche de bodas (1961), así como la adaptación teatral de La vida en un hilo en 1959.

Cultivó también otros géneros cinematográficos, como el cine policíaco español, con obras como La torre de los siete jorobados (1944) o El crimen de la calle Bordadores (1946). En cuanto al musical, dejó una valiosa película documental sobre el estado del flamenco a la altura de 1952 titulada Duende y misterio del flamenco.

Fuente[editar]
Edgar Neville por Edgar Neville nieto, en la página web oficial sobre Edgar Neville.
Filmografía como director[editar]
El presidio (1930)
Yo quiero que me lleven a Hollywood (1931)
Do, Re, Mi, Fa, Sol, La, Si, o La vida privada de un tenor (1934)
El malvado Carabel (1935)
La señorita de Trévelez (1936)
Juventudes de España (1938)
La Ciudad Universitaria (1938) - documental sobre la Batalla de la Ciudad Universitaria
Vivan los hombres libres (1939)
Santa Rogelia (1939)
Frente de Madrid (1939)
Verbena (1941)
Sancta Maria (1942)
La parrala (1942)
Correo de Indias (1942)
Café de París (1943)
La torre de los siete jorobados (1944)
Domingo de carnaval (1945)
La vida en un hilo (1945)
El crimen de la calle Bordadores (1946)
El traje de luces (1946)
Nada (1947)
El marqués de Salamanca (1948)
El señor Esteve (1948)
El último caballo (1950)
Cuento de Hadas (1951)
El cerco del diablo (1951)
Duende y misterio del flamenco (1952)
La ironía del dinero (1955)
El baile (1959)
Mi calle (1960)


Bibliografía[editar]
Marramiau, Madrid, Escelicer, 1958
La vida en un hilo, Madrid, Escelicer, 1959
Alta fidelidad, Madrid, Escelicer, 1960
Teatro de Edgar Neville, Madrid, Biblioteca Nueva, 1963
Amor huido, Madrid, Taurus, 1965
El día más largo de Monsieur Marcel, Madrid, Afrodisio Aguado, 1965
La familia Mínguez, Madrid, Afrodisio Aguado, 1967
Prohibido en otoño, Madrid, Escelicer, 1968
Teatro selecto de Edgar Neville, Madrid, Escelicer, 1968
Margarita y los hombres, Madrid, Escelicer, 1969
Judith y Holofernes, Madrid, Ediciones El Observatorio, 1986
Su último paisaje, y otros poemas. Ayuntamiento de Málaga, 1991
El baile. Cuentos y relatos cortos, Madrid, Castalia, 1996
Don Clorato de Potasa, Madrid, Espasa Calpe, 1998
Eva y Adán", Zaragoza, Libros del Innombrable, 2000
Flamenco y cante jondo, Madrid, Rey Lear, 2006
Producciones García, S.A.", Madrid, Castalia, 2007
La piedrecita angular, Madrid, Clan, 2011
Mi España particular: guía arbitraria de los caminos turísticos y gastronómicos de España, Madrid, Reino de Cordelia, 2011

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CHICHO IBÁÑEZ SERRADOR

8. CHICHO IBÁÑEZ SERRADOR

Narciso Ibáñez Serrador (n. Montevideo, Uruguay; 4 de julio de 1935), también conocido como Chicho Ibáñez Serrador o Luis Peñafiel (el seudónimo con el que firmaba sus guiones), es un realizador de cine y televisión, director teatral, actor y guionista español nacido en Uruguay. A lo largo de... Ver mas
Narciso Ibáñez Serrador (n. Montevideo, Uruguay; 4 de julio de 1935), también conocido como Chicho Ibáñez Serrador o Luis Peñafiel (el seudónimo con el que firmaba sus guiones), es un realizador de cine y televisión, director teatral, actor y guionista español nacido en Uruguay.

A lo largo de su vida, Ibáñez Serrador ha destacado por su contribución al cine fantástico y de terror en idioma español, así como por los numerosos programas que ha dirigido para Televisión Española, entre los que destacan "Historias para no dormir", "Historia de la frivolidad" y "Un, dos, tres... responda otra vez" entre otros. Reconocido admirador de Alfred Hitchcock, de quien intentó seguir sus pasos, según confesó el propio Chicho. Es el único hijo de Narciso Ibáñez Menta y Pepita Serrador.
Biografía[editar]
Inicios[editar]
Narciso Ibáñez nació en 1935 en Montevideo, y desde pequeño se vio influenciado por el mundo de la actuación: su padre fue el director teatral español Narciso Ibáñez Menta, mientras que su madre fue la actriz argentina Pepita Serrador. Pasó toda su infancia en América Latina acompañando a sus padres durante sus giras teatrales, y con 8 años realiza su primer papel doblando, para todo el mundo hispanohablante, al conejo Tambor en la película "Bambi".1

En 1947 se marcha a vivir a España, donde cursa el bachillerato en la ciudad de Salamanca. Allí comenzará a colaborar con la compañía de teatro de su madre, y en 1951 debuta como actor. Más tarde, Ibáñez Serrador guionizó y escribió numerosos títulos teatrales, y después pasó a ser director teatral debutando con El zoo de cristal, de Tennessee Williams. Durante la década de 1950 escribió numerosas obras radiofónicas bajo el seudónimo de Luis Peñafiel, y realiza programas divulgativos para ese medio como Los premios Nobel o Cuentos para mayores, que fueron estrenadas tanto en España como en América Latina.2

Llegada a la televisión[editar]
En 1963 comienza a trabajar en Televisión Española, adaptando clásicos de la literatura universal en programas como Estudio 3. Pronto se da cuenta que los episodios que tienen más aceptación entre los espectadores son aquellos de temática de suspense, terror y ciencia-ficción, por lo que crea el programa Mañana puede ser verdad en 1964, donde se ofrecen adaptaciones e historias propias, como Los Bulbos y N.N.23. Al mismo tiempo dirige y protagoniza la serie La historia de San Michele basada en el libro de Axel Munthe.

Sin embargo, su primer gran éxito fue el programa Historias para no dormir, del que se hicieron tres temporadas y numerosas reposiciones. Este espacio comenzó su andadura en 1965, y el propio Chicho se encargaba de presentar con un toque de humor a los espectadores episodios de terror, que eran adaptaciones de clásicos de la literatura y obras propias. Con uno de esos capítulos (El asfalto), basado en un relato de Carlos Buiza, Ibáñez Serrador fue premiado en el Festival de Televisión de Montecarlo con la Ninfa de Oro al mejor guion en 1967, lo que supuso también el primer galardón internacional para TVE en toda su historia.3

Con un mayor reconocimiento por parte de la televisión pública, en 1968 realiza y escribe junto a Jaime de Armiñán el programa de humor Historia de la frivolidad, un especial interpretado por Irene Gutiérrez Caba que cosechó gran éxito por parte de la crítica, a pesar de que su primer pase por televisión se emitió de forma semiclandestina. A través de una serie de escenas cómicas se parodiaba la actuación de la censura, lo cual le valió reconocimientos internacionales como una nueva Ninfa de Oro en Montecarlo.4

El éxito de "Un, dos, tres..."[editar]
Tras estos dos éxitos y su primer Premio Ondas en 1969 como "mejor autor", Narciso realiza otros programas para TVE y se centra en su primera película, "La residencia" (1969). En 1970 estrena en el Teatro Lara, de Madrid, la comedia en dos actos El agujerito, que él mismo interpreta junto a Mari Carmen Prendes, Beatriz Savón, Marta Puig, Conchita Goyanes y Bárbara Lys. La obra está editada en la colección Teatro de la editorial Escellicer con el nº 660.

En 1972, Chicho firmaría el trabajo con el que se dio a conocer en toda España, cuando crea el popular concurso Un, dos, tres... responda otra vez, presentado por Kiko Ledgard y con Valentín Tornos como Don Cicuta en lo que llamaban amistosamente "la parte negativa" del concurso. El programa fue un gran éxito de audiencia y aceptación, y contó con diez etapas que estuvieron presentadas, además de Kiko, por Mayra Gómez Kemp, Jordi Estadella, Miriam Díaz-Aroca, Josep María Bachs y Luis Larrodera. De Un, dos, tres... llegaron a grabarse 411 programas durante tres décadas, y el formato se vendió internacionalmente a países como Portugal en 1984,5 Reino Unido en 1978,6 Países Bajos en 19767 y Alemania.8 Chicho actuó como asesor de todos estos formatos internacionales aportando guiones hechos en España para que fueran adaptados a cada país.9

Televisión Española le nombró en 1974 como Director de Programas, pero Ibáñez Serrador dimitirá del mismo cargo a las pocas semanas. Durante ese tiempo, compagina el éxito de Un, dos, tres... con nuevas adaptaciones de novelas como El televisor, interpretada por su padre, o la serie radiofónica Historias para imaginar para Radio Nacional de España. En 1976 rodó la película de terror ¿Quién puede matar a un niño?, basada en la novela de Juan José Plans El juego de los niños, que fue estrenada internacionalmente.10

Nuevos espacios[editar]
Durante la Transición española, Ibáñez Serrador continuó elaborando programas para el ente público. Muchos de esos programas, como Mis terrores favoritos o una nueva temporada de Historias para no dormir, se emitieron en la segunda cadena de TVE, que por entonces cosechaba una audiencia marginal, y no tuvieron el éxito esperado.2

Tras la cancelación de la temporada de "Historias para no dormir", Chicho se centró en lo que sería la etapa más larga de la historia del Un, dos, tres..., la presentada por Mayra Gómez Kemp desde 1982 hasta 1988, y en la que se dieron a conocer gente como Kim Manning, Silvia Marsó y Lydia Bosch entre otras. Durante esos seis años, el formato registra sus mayores índices de audiencia.

Más tarde, dirigiría nuevos programas que tuvieron repercusión en TVE. En 1989 dirigió el concurso sobre el mundo animal Waku Waku, presentado entonces por Consuelo Berlanga y que regresó a las pantallas en 1998 con Nuria Roca, y en 2003 bajo el nombre Jimanji Kanana.11 En 1990 dirigió el primer programa sobre sexología en España, Hablemos de sexo, que estuvo presentado por la doctora Elena Ochoa. Con este formato, Chicho obtuvo su primer premio Ondas ese mismo año.12

Tras dirigir el programa de sucesos Luz roja en 1994, obtendrá un nuevo éxito de audiencias con la puesta en marcha en 1995 de El semáforo, una adaptación del programa italiano La Corrida (de Canale 5) presentada por Jordi Estadella, en la que artistas noveles deben someterse al veredicto del público, que valoran con aplausos o ruido de cacharros cada actuación. El programa dura dos temporadas y se emiten 72 programas entre 1995 y 1997.13

En el Siglo XXI[editar]
En 2001 regresó al teatro como actor y director con una representación de la obra Aprobado en inocencia, de la que es autor con el seudónimo de Luis Peñafiel, editada en Argentina con el título Aprobado en castidad y en España con el subtítulo de Un mes de vacaciones en dos actos cada uno de ellos dividido en dos cuadros. Un año después, ganó el Premio Lope de Vega de teatro con la obra El águila y la niebla. Historia clínica en dos partes, protagonizada por Luis Merlo y Paula Sebastián.2

Tras varios años sin emitirse el formato, TVE recurre a Chicho para dar un impulso a su nueva temporada de 2004, con el espacio "Un dos tres... a leer esta vez", enfocada a incentivar la lectura y presentada por Luis Larrodera (entonces, Luis Roderas). Aunque en las primeras semanas el programa fue líder de audiencia, su share cayó con el paso de las semanas y no llegó a grabarse una segunda temporada.14 Ese mismo año, recibió el Premio Ondas a toda una vida.

En 2005 la cadena privada Telecinco le pide la grabación de varias películas de televisión bajo el título Películas para no dormir, para las que Chicho contó con directores como Álex de la Iglesia o Enrique Urbizu entre otros. Sin embargo, la cadena no se decide a emitirlas hasta 2007, y el espacio fue relegado a las pocas semanas a los canales de TDT del grupo. Anteriormente, las películas habían sido publicadas en un pack de DVD.

En 2006 la cadena autonómica Castilla-La Mancha TV (CMT) emitió un programa concurso de 25 minutos de duración en el que los concursantes montados en un gran elefante y vestido estilo Aladino asociaban imágenes demostrando tener gran memoria. Lo presentaba Patricia Pérez. En diciembre apreció en la Gala 50 años de TVE presentado por Anne Igartiburu, Laura Valenzuela y Paula Vázquez donde le premiaron.

Tras estos papeles, Chicho aparcó la televisión durante un tiempo. En 2009 fue homenajeado en la Seminci de Valladolid, al que acudió personalmente, y por el Festival de Cine de Alicante por su contribución en el cine fantástico y de terror.15 16 En 2010, fue galardonado por el Ministerio de Cultura con el Premio Nacional de Televisión en reconocimiento a toda su trayectoria.17

Filmografía[editar]
Cine[editar]
Obras maestras del terror (1960)
Todo el año es Navidad (1960)
La residencia (1969)
¿Quién puede matar a un niño? (1976)
Nadie Inquietó Más - Narciso Ibáñez Menta (2009) ...Él mismo.
Televisión[editar]
Mañana puede ser verdad (1962)
Estudio 3 (1963)
Historias para no dormir (1967)
Historia de la frivolidad (1968)
Un, dos, tres... (1972 y varias temporadas)
El Televisor (1974)
Waku Waku (1989)
Hablemos de sexo (1990)
Luz roja (1994)
El semáforo (1995)
Jimanji Kanana (2003)
La Culpa (2006)
Memoria de elefante (2007)

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FERNANDO TRUEBA

9. FERNANDO TRUEBA

Biografía[editar] Fernando estudió en la Facultad de Ciencias de la Información de Madrid; luego se inició como crítico de cine para el periódico El País y para La Guía del Ocio. Se dio a conocer con su primera película, llamada oportunamente Ópera prima (1980). En 1985 alcanzó la fama... Ver mas
Biografía[editar]
Fernando estudió en la Facultad de Ciencias de la Información de Madrid; luego se inició como crítico de cine para el periódico El País y para La Guía del Ocio.

Se dio a conocer con su primera película, llamada oportunamente Ópera prima (1980).

En 1985 alcanzó la fama con la comedia Sé infiel y no mires con quién protagonizada, entre otros, por Ana Belén, Carmen Maura y Antonio Resines. Al año siguiente rueda El año de las luces, que ganaría un Oso de Plata del Festival de Berlín.

En 1988 fue presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, la cual otorga anualmente los Goya. En 1989 rodó El sueño del mono loco, con dos estrellas internacionales: Jeff Goldblum y Miranda Richardson.

En 1992 su película Belle Époque fue premiada con 9 premios Goya, a mejor película, mejor director y mejor actriz (Ariadna Gil). En 1993 este filme fue galardonado con el premio a la mejor película de habla no inglesa de los Óscars de los EE. UU.

En el 1994 dirigió Two Much con Antonio Banderas, Melanie Griffith y Daryl Hannah. Esta comedia no tuvo la repercusión esperada, pero en 1998 Trueba alcanzó otro resonante éxito con La niña de tus ojos, película protagonizada por Penélope Cruz que consiguió 7 Goyas, entre ellos el Goya a la mejor película. En 2012 se rumoreó que Trueba y la actriz protagonista estaban preparando una secuela.

Entre los últimos trabajos del director, hay que destacar los documentales de tema musical Calle 54 y El milagro de Candeal, y el filme de animación Chico y Rita, que llegó a ser nominado a un Premio Óscar. En 2012 ha presentado El artista y la modelo, un filme inusual: en blanco y negro, hablado en francés, y con dos figuras legendarias del cine europeo, Jean Rochefort y Claudia Cardinale.

Es autor del libro Mi diccionario de cine (1997).

Filmografía[editar]
Categoría principal: Películas dirigidas por Fernando Trueba
Año Película
1980 Ópera prima película
1982 Mientras el cuerpo aguante documental (sobre Chicho Sánchez Ferlosio)
1983 Sal gorda película
1985 Sé infiel y no mires con quién película
1986 El año de las luces película
1989 El sueño del mono loco película
1992 Belle Époque película
1995 Two Much película
1998 La niña de tus ojos película
2000 Calle 54 documental
2002 El embrujo de Shanghai película (encargo de la productora)
2004 El milagro de Candeal documental
2009 El baile de la Victoria película
2010 Chico y Rita película de animación
2012 El artista y la modelo película
Premios[editar]
Premios Goya a la mejor película:
1989 - El sueño del mono loco (no figura como productor)
1993 - Belle Époque (no figura como productor, pero sí su productora, Fernando Trueba PC)
1998 - La niña de tus ojos (no figura como productor, pero sí su productora, Fernando Trueba PC)
Premios Goya como mejor director:
1990 - El sueño del mono loco
1993 - Belle Époque
Premio Goya a la mejor película documental:
2004 - El milagro de Candeal
Premio Goya a la mejor película de animación:
2010 Chico y Rita (compartido)
Premio Goya al mejor guion original:
1992 Belle Époque (compartido)
Premio Goya al mejor guion adaptado:
1989 El sueño del mono loco (compartido)
Premios Goya a la mejor película en la que su empresa figura como productora:
2013 - Vivir es fácil con los ojos cerrados (no figura como productor, pero sí su productora, Fernando Trueba PC)
Óscar a la mejor película de habla no inglesa:
1993 - Belle Époque
Estrella en el Paseo de la Fama de Madrid (2011)
Curiosidades[editar]
En 1994 al recibir el Óscar por su película Belle Époque, Trueba dijo:
Me gustaría creer en Dios para agradecérselo. Pero solo creo en Billy Wilder, así que, gracias Mr. Wilder.
Al día siguiente Billy Wilder le llamó por teléfono y le dijo:

Hola Fernando, soy Dios.
El 1 de julio de 2010, Trueba dijo: "SGAE es una empresa muy transparente, que está auditada de una manera muy seria. Como debe ser" y “Lo que no puede ser es que a mí me puedan robar una película y yo no pueda robar en un banco Santander con la ilusión que me haría”.1

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JOSÉ LUIS BORAU

10. JOSÉ LUIS BORAU

Biografía[editar] Realizó sus primeros estudios en el Colegio San Agustín de Zaragoza, ciudad en la que comenzó a estudiar Derecho en 1949. Tras trabajar durante un corto período como crítico de cine en el periódico Heraldo de Aragón, estudió desde 1957 en la Escuela Oficial de Cinematografía... Ver mas
Biografía[editar]
Realizó sus primeros estudios en el Colegio San Agustín de Zaragoza, ciudad en la que comenzó a estudiar Derecho en 1949. Tras trabajar durante un corto período como crítico de cine en el periódico Heraldo de Aragón, estudió desde 1957 en la Escuela Oficial de Cinematografía en Madrid, carrera que terminó con el corto En el Río en 1960.

Se lo consideró como la gran esperanza del "nuevo cine español" en los años 60. Sin embargo, mientras que sus contemporáneos hacían un cine psicológico, él, siguiendo las modas de Hollywood, se dedicó al Spaghetti Western (Brandy, 1963) o al thriller (Crimen de doble filo, 1965), con poco éxito comercial.

De estos trabajos sacó la conclusión de que sólo podía filmar películas satisfactorias si las realizaba bajo control propio y fundó en 1967 su propia productora El Imán. Durante diez años filmó sobre todo anuncios y produjo películas de otros. Además, trabajó como profesor de guion de la Escuela Oficial de Cinematografía.

Su primera película bajo control propio es el thriller político Hay que matar a B. (1974), que puso de relieve, por primera vez, su estilo preciso y minucioso en la dirección, la construcción de la historia y el montaje. Este filme contó con un reparto internacional que incluía a las estrellas norteamericanas Burgess Meredith y Patricia Neal.

Su mayor éxito comercial lo tuvo en 1975 con el drama Furtivos, que actualmente se considera como uno de los mejores ejemplos del cine del tardofranquismo. Sobre todo, impresiona la escenografía visual de la trama en los bosques de los alrededores de Madrid. La película obtuvo en 1975 la Concha de Oro del Festival de Cine de San Sebastián y el premio a la mejor película en lengua española.

En 1979 estrena La Sabina, una historia de pasión y superstición que transcurre en tierras andaluzas. La coproducción con Suecia permite sumar al reparto a conocidos actores extranjeros.

En 1984, fue director de la coproducción hispano-norteamericana Río Abajo (título en EEUU: On the Line) con David Carradine y Victoria Abril, que no obtuvo la repercusión esperada. Borau pudo desquitarse de este relativo fracaso cosechando un éxito de público y crítica en 1986 con Tata mía (con Imperio Argentina y Carmen Maura), entre otras cosas alcanzó una nominación para los Goya como mejor guion y filmó en 1997 Niño nadie.

En 1993 filmó la serie de televisión Celia, basándose en historias de Elena Fortún. Con la idea inicial de tan sólo escribir los guiones y producir los capítulos, acabó por dirigir parte de la serie, que tuvo cierto éxito de público en TVE.

De 1994 a 1999 fue presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, desde la que dirigió la elaboración y edición del Diccionario de Cine Español en 1998. En 1995 fundó su propia editorial, Ediciones El Imán, dedicada principalmente a la cinematografía.

En el año 2001 obtuvo con su película Leo (2000) el premio Goya a la mejor dirección. Además, ganó el premio especial del jurado del Festival de Cine de Málaga y junto con La Comunidad de Álex de la Iglesia el premio Premio Fotogramas de Plata. En 2003, a los 74 años, recibió por Camisa de once varas, libro de relatos, el Premio Tigre Juan de narrativa a la mejor ópera prima. En 2007, Chunta Aragonesista le concedió el III Premio Aragoneses en Madrid. Presidente de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) desde julio de 2007 hasta julio de 2011.

En febrero de 2008 fue nombrado académico de la Real Academia Española, cubriendo la vacante de Fernando Fernán Gómez en el sillón B.3 La contestación de su discurso de incorporación corrió a cargo de Mario Vargas Llosa. El 22 de noviembre de 2012 se presentó el libro Borau. La vida no da para más, un acercamiento a su obra por parte de Bernardo Sánchez Salas.4 Un día después fallecía en Madrid a la edad de 83 años.5 6

Premios[editar]
Premio Goya a la mejor dirección por su película Leo (2000).
Premio Nacional de Cinematografía (2002).
Premio Tigre Juan de narrativa (2003).
Mención Especial Espiello (2009).
Premio de las Letras Aragonesas (2009).
Filmografía[editar]
(D) Director
(G) Guionista
(P) Productor
(A) Actor
Cine[editar]
Año Película Director
2001 El verano de Anna (P) Jeanine Meerapfel
2000 Leo (DGP) José Luis Borau
1997 Niño nadie (DGP) José Luis Borau
1996 Ilona llega con la lluvia (A) Sergio Cabrera
1993 Todos a la cárcel (A) Luis García Berlanga
1988 Malaventura (A) Manuel Gutiérrez Aragón
1986 Tata mía (DGP) José Luis Borau
1984 Río abajo (On the line) (DGP) José Luis Borau
1981 Cuentos para una escapada (A) Varios
1979 La Sabina (DGP) José Luis Borau
1978 Sonámbulos (A) Manuel Gutiérrez Aragón
1977 In memoriam (P) Enrique Brasó
1977 El monosabio (GP) Ray Rivas
1976 Camada negra (GP) Manuel Gutiérrez Aragón
1975 La adúltera (A) Roberto Bodegas
1975 Furtivos (DGPA) José Luis Borau
1973 Hay que matar a B. (DGP) José Luis Borau
1972 Mi querida señorita (GPA) Jaime de Armiñán
1970 Un, dos, tres, al escondite inglés (PA) Iván Zulueta
1965 Crimen de doble filo (D) José Luis Borau
1964 Brandy (DG) José Luis Borau
Televisión[editar]
Año Serie Director
1992 Celia (DGP) José Luis Borau
Obra literaria[editar]
Camisa de once varas, Premio Tigre Juan de Narrativa.
Navidad, horrible navidad
El amigo de invierno
Cuentos de Culver City
Palabra de cine
Crítica cinematográfica[editar]
Diccionario de cine español
La pintura en el cine, el cine en la pintura
Cine, arte y artilugios en el cine español
Guiones publicados[editar]
Leo


Predecesor:
Gerardo Herrero 35px
Presidenta de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España
1994 - 1998 Sucesor:
Aitana Sánchez-Gijón
Predecesor:
Fernando Fernán Gómez Académico de la Real Academia Española
Sillón B
2008 – 2012 Sucesor:
Vacante

Ha recibido 41 puntos

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MONTXO ARMENDÁRIZ

11. MONTXO ARMENDÁRIZ

Biografía[editar] Nació el 27 de enero de 1949 en Olleta (Navarra). Se mudó al barrio de la Chantrea de Pamplona a los seis años de edad. Fue profesor de electrónica en el Instituto Politécnico de Pamplona. Su afición por contar historias le llevó a plasmarlas en el cine. Sus comienzos en este... Ver mas
Biografía[editar]
Nació el 27 de enero de 1949 en Olleta (Navarra). Se mudó al barrio de la Chantrea de Pamplona a los seis años de edad. Fue profesor de electrónica en el Instituto Politécnico de Pamplona. Su afición por contar historias le llevó a plasmarlas en el cine. Sus comienzos en este arte fueron en 1979 realizando varios cortos.

Premios[editar]
Premio Nacional de Cinematografía (1998).
Galardón Manuel Lekuona (2008).
Premio Nacional de Cinematografía Nacho Martínez del Festival Internacional de Cine de Gijón (2011).
Desde 2007 es miembro de número de Jakiunde, Academia de las Ciencias, de las Artes y de las Letras del País Vasco.

Oscar[editar]
Año Categoría Película Resultado
1998 Mejor película extranjera Secretos del corazón Candidata
Premios Goya[editar]
Año Categoría Película Resultado
2005 Premio Goya a la mejor película Obaba Candidato
2005 Premio Goya a la mejor dirección Obaba Candidato
2005 Premio Goya al mejor guion adaptado Obaba Candidato
1997 Premio Goya a la mejor dirección Secretos del corazón Candidato
1997 Premio Goya al mejor guion original Secretos del corazón Candidato
1995 Premio Goya al mejor guion adaptado Historias del Kronen Ganador
1990 Premio Goya a la mejor dirección Las cartas de Alou Candidato
1990 Premio Goya al mejor guion original Las cartas de Alou Ganador
Berlinale[editar]
Año Categoría Película Resultado
1998 Ángel Azul de Berlín Secretos del corazón Ganadora
Filmografía[editar]
Año Película Modo
2011 No tengas miedo Director y guionista
2005 Obaba Director y guionista
2004 Escenario móvil Director y guionista
2002 La guerrilla de la memoria Productor (dir. Javier Corcuera)
2001 Silencio roto Director, productor y guionista.
1997 Secretos del corazón Director y guionista
1994 Historias del Kronen Director y guionista
1990 Las cartas de Alou Director y guionista
1986 27 horas Director y guionista
1984 Tasio Director y guionista
1981 Ikuska 11 (documental de Navarra) Director y guionista
1980 Paisaje (cortometraje) Director y guionista
1974 La danza de lo gracioso (Barregarearen dantza, cortometraje) Director y guionista

Ha recibido 39 puntos

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FERNANDO COLOMO

12. FERNANDO COLOMO

Biografía[editar] Nació en Madrid en 1946. Con 16 años rodó su primer cortometraje en formato 8MM titulado Sssoufl. Estudió en la Escuela Superior de Arquitectura, en la que se licenció, pero luego se pasó a Escuela Oficial de Cine. Está casado con Beatriz de la Gándara y tienen un hijo y una... Ver mas
Biografía[editar]
Nació en Madrid en 1946. Con 16 años rodó su primer cortometraje en formato 8MM titulado Sssoufl. Estudió en la Escuela Superior de Arquitectura, en la que se licenció, pero luego se pasó a Escuela Oficial de Cine. Está casado con Beatriz de la Gándara y tienen un hijo y una hija, Pablo y Lucía.

Desde sus inicios compatibilizó las tareas de dirección con la de guionista. Con 16 años rodó su primer cortometraje en formato 8MM titulado Sssoufl. Tras dirigir y producir varios cortos junto con Miguel Ángel Díez, empieza a cimentar su fama con En un París imaginario (1975), Usted va a ser mamá (1976) y, sobre todo, Pomporrutas imperiales (1976).

Ya en el terreno del largometraje, dirige su ópera prima, Tigres de papel (1977), que supuso una gran revelación en el cine de la época y le consagró junto al siguiente, ¿Qué hace una chica como tú en un sitio como éste? (1978) como uno de los modelos de lo que se denominó la Nueva comedia madrileña, aunque él no lo quiere ver así, y cuya banda musical pasó a ser uno de los iconos de la movida madrileña. Con su tercer largometraje, La mano negra (1980), consiguió el premió a la mejor película en el Mystfest de Italia.

Durante la década de los ochenta, Fernando Colomo realiza siete nuevos trabajos, producidos y dirigidos por él, que le vinculan a la movida madrileña. En este periodo estrena Estoy en crisis (1982), comedia protagonizada por José Sacristán; La línea del cielo (1983), rodada en Nueva York, con muy bajo presupuesto y con Antonio Resines encabezando el reparto, donde se intenta describir el descolocamiento de un español que no sabe inglés en la metrópolis estadounidense; La vida alegre (1987), una historia en la que el director vuelva a sus orígenes de la "comedia madrileña" y con la que obtuvo un gran éxito de público y crítica (consiguió el Premio Goya a la mejor actriz para Verónica Forqué). Un año más tarde Fernando Colomo estrena la comedia Bajarse al moro (1988), basada en el éxito teatral homónimo de José Luis Alonso de Santos.

A mediados de los ochenta, Fernando Colomo da un gran giro a su filmografía y dirige la superproducción internacional El caballero del dragón (1985), protagonizada por Harvey Keitel, Klaus Kinski y Miguel Bosé. La cinta es una apasionante narración de ficción científica ambientada en la época medieval, pero fue un estrepitoso fracaso de taquilla y obtuvo unas críticas nefastas que la condenaron casi al olvido.1 Por entonces cofundó la productora La Salamandra y desde 1992 posee su propia productora, Fernando Colomo Producciones Cinematográficas. En 1988 rueda en México y España Miss Caribe con Ana Belén, Chus Lampreave, Santiago Ramos y Juan Echanove.

En la década de los noventa, vuelve al terreno de la comedia con Rosa Rosae (1993), una historia basada en el enfrentamiento entre dos mujeres que contó con la interpretación de Ana Belén y María Barranco. Sin abandonar la comedia, dirige un año más tarde Alegre ma non troppo (1994), protagonizada por Penélope Cruz y galardonada con el premio a la mejor película en el Festival de Cine de París. Su siguiente largometraje es, de nuevo, una comedia coproducida entre España, Francia y Reino Unido titulada El efecto mariposa (1995), una comedia coral espléndida con la que cosechó un gran éxito en taquilla y obtuvo muy buenas críticas, y en la que destaca especialmente el actor y músico Coque Malla. En 1995 la escritora Susana Villalba escribe el libro titulado Con Fernando Colomo hemos topado. Posteriormente dirige el telefilme Eso (1997), con el que el consigue el premio al mejor telefilme internacional en el Festival de Cine de Múnich.

En su etapa más reciente ha dirigido las comedias Los años bárbaros (1998), Cuarteto de la Habana (1998) y Al sur de Granada (2002), esta última inspirada en la autobiografía homónima de Gerald Brenan, que narra su estancia en un olvidado pueblo de la Alpujarra y sus amores con las mozas del lugar.

La ironía y el humor se entremezclan magistralmente en todas sus películas, dando lugar a un tipo de comedia personal, donde la memoria histórica es interpretada con cierto cinismo y simpatía.

Para la TV ha dirigido producciones televisivas como la serie Chicas de hoy en día (1991) Famosos y familia (1999), Cuarteto de la Habana (1999), Dime que me quieres (2001) y El pacto (2010), una miniserie en dos capítulos con guion de Santos Mercero (hijo del director Antonio Mercero) inspirada en una historia real: el acuerdo entre varias adolescentes en un colegio de Estados Unidos para quedarse embarazadas al unísono.

Notas[editar]
Volver arriba ↑ Tres ejemplos: el crítico Carlos Aguilar la calificó de «lamentable y majadero ejercicio de desmitificación», mientras que Joan Bassa y Ramón Freixas comentaron que estaba protagonizada por un «andrógino y soso pseudo San Jorge, Ix (Miguel Bosé), enamorador de princesitas bobaliconas». Por su parte, el crítico del diario El País Fernando Morales dijo de ella que «se trata de una descabellada e inoperante fantasía medieval y de un buen presupuesto desperdiciado».
Filmografía[editar]
Filmografía:

1973 Mañana llega el presidente (cortometraje)
1974 En un país imaginario (cortometraje)
1976 Pomporrutas imperiales (cortometraje)
1976 Usted va a ser mamá (cortometraje)
1977 Tigres de papel
1978 ¿Qué hace una chica como tú en un sitio como éste?
1979 Cuentos eróticos
1980 La mano negra
1982 Estoy en crisis
1983 La línea del cielo
1985 El caballero del dragón
1987 La vida alegre
1988 Miss Caribe
1989 Bajarse al moro
1991 Chicas de hoy en día (serie de TV)
1993 Rosa Rosae
1994 Alegre, ma non troppo
1995 El efecto mariposa
1996 ¿Recuerdas la primera vez que hiciste... eso?
1997 Eso
1998 Los años bárbaros
1999 Famosos y familia (serie de TV)
1999 Cuarteto de la Habana
2001 Dime que me quieres (serie de TV)
2003 Al sur de Granada
2004 ¡Hay motivo! (sección "Mis 40 euros")
2006 El Próximo Oriente
2008 Rivales
2009–2010 El pacto (TV Movie) (Telecinco)
2012 La Banda Picasso

Ha recibido 39 puntos

Vótalo:

ANTONIO MERCERO

13. ANTONIO MERCERO

Antonio Mercero Juldain (Lasarte-Oria, Guipúzcoa, 7 de marzo de 1936) es un director y guionista de cine y televisión español, conocido sobre todo por sus series Verano azul y Farmacia de guardia y por su premiado telefilme La cabina. Trabajos en el cine[editar] En 1963 dirige su primer... Ver mas
Antonio Mercero Juldain (Lasarte-Oria, Guipúzcoa, 7 de marzo de 1936) es un director y guionista de cine y televisión español, conocido sobre todo por sus series Verano azul y Farmacia de guardia y por su premiado telefilme La cabina.
Trabajos en el cine[editar]
En 1963 dirige su primer largometraje Se necesita un chico, presentado en el Festival de Bordighera (Italia). De 1966 a 1970 rueda varios documentales para televisión.

Entre sus películas posteriores están Las delicias de los verdes años (1976), La guerra de papá (1977), Tobi (1978), Buenas noches, señor monstruo (1982), Espérame en el cielo (1988), Don Juan, mi querido fantasma (1990), La hora de los valientes (1998), Planta 4ª (2003), e ¿Y tú quién eres? (2007).

Trabajos en televisión[editar]
En 1970 comienza a realizar en TVE programas de ficción. Dirigió las series Verano azul, Crónicas de un pueblo, Este señor de negro, Farmacia de guardia y Manolito Gafotas, escrito por Elvira Lindo, que es actriz en "Planta 4ª"

Es destacable su película estrenada en televisión La cabina (1972), protagonizada por José Luis López Vázquez, por la que recibió un amplio reconocimiento y numerosos premios y Los pajaritos, con Julia Caba Alba y José Orjas.

Vida personal[editar]
Es el padre del guionista de televisión Antonio Santos Mercero y del director y productor cinematográfico Ignacio Mercero.

En 2009 le fue detectado la enfermedad de Alzheimer, estando retirado desde entonces de la vida pública.

Premios[editar]
Goya de Honor de la Academia en 2010.1
Premio al mejor director del Festival de Cine de Montreal de 2003 por Planta 4ª.
Premio Emmy de la Academia Nacional de Televisión y Ciencias de Nueva York en 1973 por La cabina.
Mejor programa dramático del Canal 47 de Nueva York (1973).
Premio de la Crítica Internacional del Festival de Montecarlo (1973).
Premio Marconi de Mifed de Milán (1973).
Quijote de Oro al Mejor Director, concedido por la crítica española en 1972.
Premio Nacional 1972
Premio Ondas 1972
Antena de ORO 1972
Premio TP de ORO 1972
Mención Especial en el Festival de Cork (Irlanda).
Premio del Sindicato Nacional del Espectáculo.
Premio en la Bienal de Arte de París en 1965 por su práctica de fin de Carrera Trotín Troteras.
Concha de Oro y Perla del Cantábrico en el Festival de Cine de San Sebastián de 1962 por su cortometraje Lección de Arte.

Ha recibido 36 puntos

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JULIO MEDEM

14. JULIO MEDEM

Biografía[editar] Nació en el seno de una familia burguesa el 21 de octubre de 1958 en San Sebastián. Las raíces de Medem tienen diferentes orígenes: su padre, Julio Medem Sanjuán, es hijo de un alemán y de una valenciana, y su madre, Margarita Lafont Mendizábal, de un partisano francés y de... Ver mas
Biografía[editar]
Nació en el seno de una familia burguesa el 21 de octubre de 1958 en San Sebastián. Las raíces de Medem tienen diferentes orígenes: su padre, Julio Medem Sanjuán, es hijo de un alemán y de una valenciana, y su madre, Margarita Lafont Mendizábal, de un partisano francés y de una vasca.

Vivió en su ciudad natal hasta el nacimiento de su segundo hermano, Alberto, que la familia se trasladó a Madrid. Allí estudió en el Colegio marianista Nuestra Señora del Pilar, en un ambiente elitista y acomodado.Su afición por el cine nació gracias a una cámara súper 8 con la que su padre, un virtuoso cineasta amateur, rodaba la vida de la familia. Por las noches, clandestinamente, Julio cogía la cámara para experimentar junto a su hermana Ana. Poco a poco y mediante el montaje de esos fotogramas el futuro director comenzó a descubrir la poderosa fascinación que es manejar el espacio y el tiempo, el atractivo que es crear una ficción de la nada con una modesta cámara de súper 8 y una pequeña moviola.

Era un estudiante aplicado pero a los 14 años se enamoró de una vecina que no le correspondió y sufrió un desamor que le afectó mucho en su vida y le llevó a escribir su primer poema y una novela llamada Mi primer día.

Tras este hecho se dedicó al deporte, donde se aficionó por el atletismo y sus diversas pruebas: mientras estudiaba COU consiguió la mejor marca española en 110 metros vallas e incluso fue candidato para ser becado para los Juegos Olímpicos de 1976 en Montreal. Sin embargo, apartó el deporte y se matriculó en Medicina en la Universidad de Soria para ser psiquiatra.

En 1976 conoce a la que sería su primera mujer, Lola Barrera.

A pesar de la aspiración por ser psiquiatra, desde pequeño fue un aficionado al cine y con su hermana Ana jugaban a hacer películas con la cámara en súper-8 de la familia. Sus primeros cortometrajes fueron: El ciego (1974), El jueves pasado (1977) y Fideos (1979) y más tarde, realiza otros cortometrajes del mismo formato durante su carrera, Si yo fuera poeta… (1981), Teatro en Soria (1982).

Al mismo tiempo, empieza a colaborar en las revistas Cinema 2002, Casablanca y en el periódico La voz de Euskadi realizando críticas cinematográficas.

En 1979 vuelve a San Sebastián para estudiar el segundo ciclo de medicina. Tres años más tarde termina la carrera, licenciándose en Medicina y Cirugía General por la Universidad del País Vasco. Más tarde realiza sus primeros cortometrajes en 35 mm. Patas en la cabeza (1985), producida por Luis Campoy y el propio Medem, consigue ganar el Premio de Cine Vasco y el Certamen Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao. En este último concurso, pero un año más tarde, gana el Premio Telenorte con su galardonado cortometraje Las seis en punta (1987).

Desde ese año, Medem empieza a trabajar como colaborador de la Crónica de la segunda guerra carlista, producido por José María Tuduri, y en La espalda del cielo, cortometraje de Germán Beltrán. Realiza a la vez, el mediometraje Martín (1988) producido por Elías Querejeta y el documental El Diario Vasco. En una época de aislamiento y crisis económica de la familia de Medem, trabaja como montador en otro corto titulado El puente, dirigido por Koldo Eizagirre en 1990.

Tras esta serie de cortometrajes escribe el guion del largometraje Vacas y busca subvenciones públicas en Euskadi sin éxito, por lo que se va a Madrid donde consiguió financiación a través del Ministerio de Cultura mediante el Sistema de ayuda a la creación de guiones. A partir de ahí trata de encontrar busca productora, con nulo resultado. Al final, Fernando Garcillán a través de Sogetel aceptó. Este primer largometraje de Medem, rodado en Elizondo 1992, obtuvo el Goya a la Mejor Dirección Novel, además de diversos galardones en los festivales de Tokio, Turín, Alejandría, Londres, Montreal.1

A finales de mayo de 1992, se embarca en su segundo proyecto, La ardilla roja, guion que había escrito durante los dos años difíciles que precedieron el rodaje de Vacas. De nuevo consigue ayuda para la financiación gracias al Ministerio de Cultura y a Fernando Garcillán. Se estrena el 21 de abril de 1993. Una comedia de misterio en la que el amor y el sexo jugarán un papel importante y que obtuvo el Premio de la Juventud en el Festival de Cannes. El recorrido internacional de la película es imparable. Recomendado por Stanley Kubrick recibió la propuesta de Steven Spielberg para dirigir El Zorro pero finalmente la trayectoria y coherencia que quería seguir le llevaron a Julio Medem a rechazar la oferta.

Poco antes del estreno de La ardilla roja nace su segunda hija, Alicia, afectada de síndrome de Down, hecho que será clave para la vida de Medem. Además la productora que creará cuatro años después, en 1997, llevará su nombre (Alicia Produce).

En 1994 rueda el videoclip de Antonio Vega Océano de sol. En febrero de 1995 (tras varios retrasos mientras se esperaba a Antonio Banderas, que finalmente no interpretó al protagonista, Ángel) se empezará a rodar el guion de Tierra que no se estrenará hasta 1996. Se presentó ese mismo año en Cannes, donde fue recibida con una larguísima ovación del público en el pase oficial. Es aquí donde Medem concoce a la que será su segunda esposa, Monste Sanz, que fue ayudante de decoración en Tierra y, a partir de entonces firmará la dirección artística de sus películas.

En esa época, Medem se muda a Madrid.

Comienza la siguiente etapa con Los amantes del Círculo Polar (1998), su cuarto largometraje que le brindó el reconocimiento del público y le consolidó como uno de los grandes valores de la cinematografía española. Además se proyectó con gran éxito en el Festival de Venecia. El trágico final de esta historia de amor le perseguía en sus pensamientos, así que en el siguiente guion quiso recuperar a la Ana que moría al final de este filme y darle vida en otra historia. Así encontró al personaje de Lucía.

Surge el proyecto de Lucía y el sexo (2001) con Paz Vega de protagonista. Esta película, rodada entre Madrid y la isla de Formentera y que inauguró un sistema de rodaje en alta definición, el Hdcam, que jamás se había utilizado para un largometraje en Europa,2 obtuvo un gran éxito en la taquilla española —cuarto lugar en 2001—, acompañado de un merecido reconocimiento a nivel internacional.

En 2003, Medem estrena su documental sobre el conflicto vasco que titulará La pelota vasca. La piel contra la piedra. Es la primera película producida completamente por Alicia Produce. Presentado en el Festival de Cine de San Sebastián en el apartado Especiales de Zabaltegi, el filme generó una gran polémica entre otras cosas, porque dos de los entrevistados pidieron retirar del filme sus testimonios.3 En este documental el conflicto vasco es analizado y comentado por setenta personas ante la cámara de Medem en típicos espacios de la geografía de Euskadi: frontones, acantilados, playas, montes de caseríos. Desde esta polífonía de voces Julio Medem compone un complejo tejido de opiniones y momentos históricos concebido desde un doble compromiso ético: la oposición a la violencia y la invitación a un diálogo político. Hay que destacar que es el documental más visto de la historia del cine español en salas comerciales, con más de 377.000 espectadores.

¡Hay motivo! producida en 2004, es la obra colectiva de 32 cortometrajes realizados por otros tantos directores y gente de cine. Una crítica sobre varios aspectos de la realidad española del momento, incidiendo en la política del gobierno de José María Aznar. Tuvo escasa repercusión en salas pero cierto éxito en internet.

Entre tanto, Medem recibe dos reconocimientos más a su filmografía, uno en el marco del II Festival Internacional de Cine de Acapulco (México) y por otro lado, el Instituto de Cine de Noruega le homenajeará con un ciclo.

En 2007 se estrena Caótica Ana, película inspirada en su hermana, que falleció en 2001 en un accidente de tráfico cuando se dirigía a inaugurar una exposición en Cariñena. Toma una vertiente más misteriosa dejando de lado el tono de comedia del principio. Además de a su hermana, está dedicado a su hija Alicia, con quien había realizado un breve cortometraje En las ramas de Ana para el proyecto medioambiental Natura Movies dentro del Notodofilm Festival.

La película, en la que invirtió mucho dinero propio y que le dejó en una situación económica difícil, no consiguió tener la cantidad de público a la que él aspiraba: "Tuvo 200.000 espectadores, una cifra por encima de la media de un filme español, pero estaba destinada por muchas razones a llegar a mucho más público", dijo en su momento.4

Asumido el "fracaso" de su "filme, quizás la más personal, tras largos meses en los que se encerró a escribir (y después de una sincera confesión pública en el diario El País)4 , regresó en enero de 2009 con su octavo largometraje, el séptimo de ficción, Room in Rome (Habitación en Roma), su primera historia rodada íntegramente en inglés y con una sencilla producción.

Con su productora Alicia Produce participa en el filme Yo, también (2009), elogiado en el Festival de San Sebastián y premiado con las Conchas de Plata a la Mejor Actriz (Lola Dueñas) y Mejor Actor (Pablo Pineda).

En 2010 recibió el Premio Retrospectiva en homenaje a su trayectoria, durante la celebración de la XIII edición del Festival de Málaga.

Aspasia, amante de Atenas es su primera novela. Publicada en marzo de 2012 por Espasa, esta obra nació ante la imposibilidad de transformar en película un guion sobre Pericles y su época.5

Medem es autor del tercer episodio —La tentación de Cecilia— de la película colectiva 7 días en La Habana, presentada en Cannes 2012, en la que participaron otros seis famosos directores: Benicio del Toro, Pablo Trapero, Elia Suleiman, Gaspar Noé, Juan Carlos Tabío y Laurent Cantet.

Actualmente se encuentra en Los Ángeles preparando su nuevo proyecto cinematográfico.

Filmografía como director[editar]
Año Película Género
2010 Habitación en Roma largometraje
2007 En las ramas de Ana cortometraje
2007 Caótica Ana largometraje
2004 ¡Hay motivo! cortometraje
2003 La pelota vasca, la piel contra la piedra documental
2001 Clecla cortometraje
2000 Lucía y el sexo largometraje
1998 Los amantes del Círculo Polar largometraje
1996 Tierra largometraje
1993 La ardilla roja largometraje
1992 Vacas largometraje
1990 El puente cortometraje
1988 Martín cortometraje
1987 Las seis en punta cortometraje
1985 Patas en la cabeza cortometraje
1982 Teatro en Soria cortometraje
1981 Si yo fuera poeta cortometraje
1979 Fideos cortometraje
1977 El jueves pasado cortometraje
1974 El ciego cortometraje
Nominaciones y premios[editar]
Premios Goya[editar]
Año Categoría Película Resultado
2011 Guion adaptado Habitación en Roma Candidato
2005 Documental ¡Hay motivo! Candidato
2004 Documental La pelota vasca, la piel contra la piedra Candidato
2000 Película Lucía y el sexo Candidato
2000 Director Lucía y el sexo Candidato
2000 Guion original Lucía y el sexo Candidato
1998 Guion original Los amantes del Círculo Polar Candidato
1997 Director Tierra Candidato
1993 Director novel Vacas Ganador
1993 Guion original Vacas Candidato
Festival de Cannes[editar]
Año Categoría Película Resultado
1996 Palma d'Or Tierra Candidata
1993 Premio de la Juventut La ardilla roja Ganadora
Festival de Venecia[editar]
Año Categoría Película Resultado
1998 León de Oro Los amantes del Círculo Polar Candidata
Festival de Málaga[editar]
Año Categoría Película Resultado
2010 Premio Retrospectiva Ganador
Premis Sant Jordi[editar]
Año Categoría Película Resultado
1994 Película española La ardilla roja Ganador
1993 Primer trabajo Vacas Ganador

Ha recibido 36 puntos

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MARIANO OZORES

15. MARIANO OZORES

Biografía[editar] Nació en Madrid, a diferencia de su hermano Antonio, que lo hizo en Burjassot (Valencia). Su infancia transcurre en un mundo relacionado con la interpretación ya que sus padres (Mariano Ozores Francés y Luisa Puchol) eran actores y tenían su propia compañía de teatro, donde el... Ver mas
Biografía[editar]
Nació en Madrid, a diferencia de su hermano Antonio, que lo hizo en Burjassot (Valencia). Su infancia transcurre en un mundo relacionado con la interpretación ya que sus padres (Mariano Ozores Francés y Luisa Puchol) eran actores y tenían su propia compañía de teatro, donde el joven Mariano comienza a trabajar en 1940 desempeñando varios oficios,como actor resulta malo y nada comparable con la talla de sus hermanos, por lo que decide buscar otros puestos artísticos en la compañía de sus padres dejando de actuar hacia 1948. Sus primeros escritos humorísticos los hace para sus padres y para la revista satírica La Codorniz junto a sus dos hermanos.

Se casó la actriz Teresa Arcos (hija del actor Rafael Arcos y la bailarina conocida como La Gioconda) y tuvieron una hija, Teresa, que durante algunos años se dedicó a traducir guiones de cine.

Sus comienzos[editar]
En 1952 comienza sus pasos en el cine contratado por Benito Perojo en la película Ché, qué loco. Hasta finales de los 50 trabaja con Perojo y Alfonso Paso y a partir del inicio de las emisiones de TVE en 1956 dirige o presenta varios programas, como Aeropuerto Telefunken (1959-1959).

En 1959 dirige el film Las dos y media y... veneno, escrita por Paso y protagonizada por el elenco que participaría en sus primeras obras: sus hermanos Antonio y José Luis, su cuñada la actriz Elisa Montés, entre otros. Es su primera comedia, género que cultivaría ampliamente en su carrera, a la que le siguieron otros títulos como Salto mortal (1961), Alegre juventud (1962) rodada en el Seminario Menor de Pilas (Sevilla), Chica para todo (1962), etc.

En 1963, su productora La Hispánica quiebra tras el fracaso de La hora incógnita. En 1964 dirigió Morir en España1 y fue director de la 2ª unidad de Franco, ese hombre. Pese a trabajar en estas dos películas exaltadoras del régimen franquista, Ozores nunca se significó políticamente y sus intereses cinematográficos se centraron en las películas de entretenimiento.

El «landismo»[editar]
Pero sus filmes de más éxito están a punto de llegar. Todos ellos se incluyen en la comedia española típica del momento, portavoz de la realidad social de la clase media y popular de la época. Rueda entre tres y cuatro películas por año, la mayoría de ellas escritas por él, y se convierte en uno de los máximos exponentes del Landismo. Figuran entre sus actores preferidos de esta época pre-democrática, además de sus hermanos, el propio Alfredo Landa, José Luis López Vázquez, Concha Velasco, Gracita Morales, Florinda Chico, entre muchos otros.

Aúna esfuerzos con dos fenómenos cómicos del momento: Paco Martínez Soria y Lina Morgan, y en cada film va conformando selectos planteles que han constituido la historia del cine popular comercial español. Además, aprovecha la fama de cantantes famosos de la época como Manolo Escobar o Peret para rodar varias películas. Pueden destacarse entre sus mejores títulos de este período la trilogía Operación cabaretera – Mata Hari – Secretaria (1965-66-67), protagonizada por Gracita Morales, Crónica de nueve meses (1967), Objetivo Bi-ki-ni (1968), ¡Cómo está el servicio! (1968), El taxi de los conflictos (1969), película formada por varias historias que transcurren en el interior de un taxi y que contaba con un reparto compuesto por decenas de actores y cantantes archiconocidos y cuyos beneficios se destinaron a bienes caritativos, Cuatro noches de boda (1969), La llamaban la madrina (1972), Manolo la nuit (1973), Fin de semana al desnudo (1974), Celedonio y yo somos así (1974) y un extenso etcétera.

El destape[editar]
Con la llegada de la Transición, Mariano Ozores continúa siendo unos de los más prolíficos directores y guionistas. Se incorpora al cine del destape, pero además utiliza sus filmes como base de crítica y parodia de la sociedad y la política del momento y sitúa a sus personajes dentro de los grandes cambios que se están produciendo. A pesar del éxito de su cine, siempre ha vivido rodeado de numerosas críticas que consideran sus productos como un subgénero sin valor de la cinematografía española. Títulos como Alcalde por elección (1976) o El apolítico (1977) son los primeros de esta etapa.

Pero su mayor fuente de éxitos comerciales llega de la mano del dúo Fernando Esteso-Andrés Pajares, con quienes va a rodar 9 películas (muchas más con ambos actores por separado), junto a su inseparable hermano Antonio y otras figuras como Juanito Navarro, Africa Pratt, Alfonso del Real o Marcia Bell. El primer título de la saga será Los bingueros (1979), que será el film más taquillero del año, al que seguirá Los energéticos (1979), Los chulos (1981), o Padre no hay más que dos (1982), que aprovecha comercialmente el éxito del grupo infantil Parchís. El trío “Ozores-Pajares-Esteso” rueda su último film conjunto en 1983.

Otra de sus obras de más éxito en el cine de los primeros 80 es Cristóbal Colón, de oficio descubridor (1982), escrita por Juan José Alonso Millán y protagonizada por Pajares que consigue ser una de las tres películas más taquilleras del cine español durante muchos años. En este ambiente “histórico” rueda La loca historia de los tres mosqueteros (1983), con el joven trío Martes y trece.

Sus últimos trabajos[editar]
Tras un ritmo que le lleva a realizar algunos años hasta seis películas (incluso versionando el mismo film El hijo del cura (1982) pocos años después como El cura ya tiene hijo (1984), el ritmo decae a mediados de la década, cuando este tipo de tramas ya no interesan al espectador medio, que ha evolucionado hacia otro tipo de cine y el estereotipo del guion crítico de Ozores ya no atrae la atención de antes. Sus últimos títulos con Esteso son Que tía la CIA y Cuatro mujeres y un lío, ambas de 1985.

Aprovecha entonces la fama que su hermano Antonio está consiguiendo con sus apariciones en el popular concurso de TVE Un, dos, tres... para rodar dos filmes cuyos títulos son directamente tomados de las frases estelares que Antonio populariza en el programa: No hija, no y Esto sí se hace (1987). Esta última es la versión para cine de la revista Reír más es imposible que Antonio Ozores y Juanito Navarro interpretan con éxito en teatro, y que se convierten en su nuevo dúo preferido.

Sus últimos trabajos para el cine se producen a finales de los 80 y principios de los 90 con títulos como Esto es un atraco (1987), Hacienda somos casi todos (1988), Disparate nacional (1990), Jet Marbella Set (1991) y Pelotazo nacional (1993), donde recupera la actualidad política del momento (ricos, famosos y políticos corruptos) como tema a parodiar.

En los 90, llevó a televisión dos series en TVE: en 1991 realiza Taller Mecánico, con Antonio Ozores, María Silva y Leticia Sabater como protagonistas, que obtiene unos resultados aceptables y en 1993 El sexólogo, que es retirada en medio de una gran polémica. Una voz contraria a la retirada de la serie fue la del también director Luis García Berlanga, quién califico esta acción de: Intolerable y propio de los peores años del maccarthysmo.2 Mariano Ozores publicó en 2002 una autobiografía titulada Respetable público, con el subtítulo Cómo hice casi cien películas, en la cual se refiere a la retirada de la serie. Según el director, el argumento de la serie fue aprobado por el productor, José Antonio Cascales, para posteriormente ser filtrado el guión a un diputado de Izquierda Unida. Aparecieron declaraciones en la prensa en contra de la serie, calificándola de machista; el director general de RTVE , entonces Jordi García Candau, se vió presionado para retirarla de la parrilla de programación. La serie comenzó a emitirse, pero fue retirada tras la emisión de los dos primeros episodios. Ozores recuerda que la serie tuvo una buena audiencia en sus dos primeras emisiones, y lamenta que la serie fuera retirada y su carrera profesional perjudicada por presiones políticas.3 Tras interrumpirse la emisión de El sexólogo en TVE, García Candau reconoce ante Ozores las presiones políticas recibidas, y le promete que la serie volverá a emitirse. Ozores considera que la serie se retiro muy a pesar de Candau; la serie es adquirida finalmente por Antena 3 TV,4 que la programa con el título de La noche de Ozores y en un horario más bien intempestivo.

Filmografía como director[editar]
Cine

Categoría principal: Películas dirigidas por Mariano Ozores
Pelotazo nacional (1993)
Jet Marbella Set (1991)
Disparate nacional (1990)
Pareja enloquecida busca madre de alquiler (1989)
Tahiti’s girl (1989)
Hacienda somos casi todos (1988)
Los obsesos (1988)
Veneno que tú me dieras (1988)
Esto es un atraco (1987)
Esto sí se hace (1987)
No hija, no (1987)
Ya no va más (1987)
Los presuntos (1986)
Cuatro mujeres y un lío (1985)
El recomendado (1985)
Que tía la CIA (1985)
Al este del oeste (1984)
El pan debajo del brazo (1984)
El rollo de septiembre (1984)
Agítese antes de usarla (1983)
El cura ya tiene hijo (1983)
El currante (1983)
La loca historia de los tres mosqueteros (1983)
La Lola nos lleva al huerto (1983)
¡Que vienen los socialistas! (1982)
Cristóbal Colón de oficio descubridor (1982)
El hijo del cura (1982)
Padre no hay más que dos (1982)
Todos al suelo (1982)
Brujas mágicas (1981)
El primer divorcio (1981)
Los chulos (1981)
Los liantes (1981)
Qué gozada de divorcio (1981)
Queremos un hijo tuyo (1981)
El erótico enmascarado (1980)
El liguero mágico (1980)
El soplagaitas (1980)
Es peligroso casarse a los 60 (1980)
Yo hice a Roque III (1980)
Los bingueros (1979)
Los energéticos (1979)
Donde hay patrón (1978)
Cuentos de las sábanas blancas (1977)
El apolítico (1977)
Alcalde por elección (1976)
Ellas los prefieren locas (1976)
Los pecados de una chica casi decente (1975)
Mayordomo para todo (1975)
Nosotros, los decentes (1975)
Tío, ¿de verdad vienen de París? (1975)
Celedonio y yo somos así (1974)
Dormir y ligar, todo es empezar (1974)
El calzonazos (1974)
Fin de semana al desnudo (1974)
El reprimido (1973)
Jenaro, el de los catorce (1973)
Manolo, la nuit (1973)
Señora doctor (1973)
Una monja y un don Juan (1973)
Dos chicas de revista (1972)
La descarriada (1972)
La llamaban la Madrina (1972)
En la red de mi canción (1971)
La Graduada (1971)
Si fulano fuese mengano (1971)
Venta por pisos (1971)
A mí las mujeres, ni fu ni fa (1970)
En un lugar de la Manga (1970)
Después de los nueve meses (1969)
Cuatro noches de boda (1969)
El taxi de los conflictos (1969) (co-dirigida por José Luis Sáenz de Heredia)
Matrimonios separados (1969)
Susana (1969)
¡Cómo está el servicio! (1968)
Objetivo Bi-ki-ni (1968)
Operación Mata-Hari (1968)
Crónica de nueve meses (1967)
Cuarenta grados a la sombra (1967)
Operación cabaretera (1967)
Operación secretaria (1966)
Hoy como ayer (1966)
Morir en España (1964)
La hora incógnita (1963)
Las hijas de Elena (1963)
Alegre juventud (1962)
Chica para todo (1962)
Su alteza la niña (1962)
Suspendido en sinvergüenza (1962)
Salto mortal (1961)
Las dos y media y... veneno (1959)
Filmografía como guionista[editar]
El turista (1963)
Televisión

El sexólogo (1993)
Taller Mecánico (1991)
Aeropuerto Telefunken (1959)

Ha recibido 35 puntos

Vótalo:

ANTONIO BANDERAS

16. ANTONIO BANDERAS

Biografía[editar] Hijo de un comisario de policía y una profesora de instituto, Banderas nació el 10 de agosto de 1960 en el hospital de La Caleta en la ciudad de Málaga. Ya desde muy joven mostró un fuerte interés por las artes escénicas y formó parte del malacitano Teatro-Escuela ARA que... Ver mas
Biografía[editar]
Hijo de un comisario de policía y una profesora de instituto, Banderas nació el 10 de agosto de 1960 en el hospital de La Caleta en la ciudad de Málaga. Ya desde muy joven mostró un fuerte interés por las artes escénicas y formó parte del malacitano Teatro-Escuela ARA que dirigía Amparo Rubio-Argüelles6 y de la Escuela Superior de Arte Dramático de Málaga.

Inicios en Madrid[editar]
Se trasladó a Madrid con 19 años, en el contexto de la agitación cultural conocida como la movida madrileña. Allí actuó en pequeños teatros hasta iniciarse en el cine de la mano de Pedro Almodóvar. El trabajo conjunto de ambos llevó al actor a recibir dos candidaturas a los Premios Goya por las películas Matador (1986) y ¡Átame! (1989). El propio nombre artístico de Antonio Banderas se debe a una sugerencia de Almodóvar. Ambos realizaron juntos cinco películas: las dos citadas además de Laberinto de pasiones, La ley del deseo y Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988). Esta última alcanzó repercusión internacional y fue nominada al Óscar como mejor película de habla no inglesa.

En esta etapa, Banderas trabajó también con otros directores españoles como Francesc Betriu (Réquiem por un campesino español) y en comedias como La corte de Faraón de José Luis García Sánchez (adaptación de la antigua zarzuela del mismo título) y Bajarse al moro de Fernando Colomo.

Despegue internacional[editar]
Gracias a esas películas, el nombre de Banderas comenzó a hacerse popular en los círculos cinéfilos. Una aparición en el filme documental de Madonna Truth or Dare (En la cama con Madonna), parcialmente rodado durante la estancia de la cantante en Madrid, reportó cierta fama de latin lover al actor, ya que en una escena la famosísima y polémica estrella del pop afirmaba que pretendía seducirlo aún sabiendo que estaba casado; pero no lo consiguió. Banderas había contraído matrimonio con Ana Leza en 1988 (se divorciarían en 1996). A pesar de este aparente desengaño amoroso para Madonna, ella y Banderas trabajarían juntos años después en la película musical Evita.

Antonio Banderas debutó en el cine anglófono junto a Armand Assante en Los reyes del mambo (1992); en aquella época apenas sabía hablar en inglés y tuvo que aprenderse los textos fonéticamente. Pero pronto obtuvo dos papeles de especial importancia: el primero, como pareja homosexual de Tom Hanks en Philadelphia (1993), película de Jonathan Demme sobre el sida que ganó dos premios Oscar y que le abriría definitivamente las puertas de Hollywood; y el segundo papel, encarnando al vampiro francés Armand en Entrevista con el vampiro, junto a Brad Pitt y Tom Cruise. También participó en La casa de los espíritus, ambiciosa adaptación de la novela de Isabel Allende que contó con un rutilante reparto: Jeremy Irons, Meryl Streep, Glenn Close, Winona Ryder, Vanessa Redgrave...

En 1993 rodó ¡Dispara! con Francesca Neri, bajo dirección de Carlos Saura, pero las mayores ofertas le llegaban de Estados Unidos, por lo que no volvería al cine español hasta casi veinte años después (sería con La piel que habito de Pedro Almodóvar). La única excepción fue Fernando Trueba, con quien Banderas rodó Two Much en 1995; interpretó a un seductor que engañaba a Melanie Griffith y Daryl Hannah inventándose un hermano gemelo. Esta comedia de vocación internacional no tuvo el éxito de taquilla esperado, pero el actor obtuvo con ella una nueva nominación a los Premios Goya y fue en su rodaje donde congenió con la mujer que sería su segunda esposa: Melanie.

En la segunda mitad de la década, Antonio Banderas encadenó producciones de Hollywood con múltiples estrellas, como Miami Rhapsody (con Mia Farrow), el thriller erótico Nunca hables con extraños (con Rebecca De Mornay) y el filme colectivo (formado por cuatro cortometrajes de desigual calidad) Four Rooms, donde compartió elenco con Bruce Willis, Tim Roth y Madonna (quien recibió el infausto premio Razzie por su papel). En 1996 Banderas y Madonna se reencontrarían en otro proyecto más ambicioso y exitoso: la adaptación al cine del famoso musical Evita. Con más de 140 millones de dólares de recaudación y nominada a cuatro premios Oscar (de los que ganó el de mejor canción), Evita confirmó la valía musical del actor español y le permitió acceder, años después, a los escenarios de Broadway. Pero no era la primera vez que Banderas cantaba...



Antonio Banderas y Salma Hayek, 26 de noviembre de 2011
Su papel como el mariachi sin nombre en el film de Robert Rodríguez Desperado (1995) introdujo al actor en un nuevo género: el cine de acción en películas de gran presupuesto. Desperado reveló, además, la habilidad de Banderas como cantante: la banda sonora de la película incluía un tema interpretado por él ("Desperado" o "La canción del mariachi") que se hizo muy popular y que seguramente fue lo que propició el posterior dueto del actor con Tina Turner ("In Your Wildest Dreams"). Estas tentativas ayudaron a la elección de Banderas para Evita poco después.

En el género de acción y aventuras, Antonio Banderas obtendría éxitos de taquilla como Asesinos (junto a Sylvester Stallone y Julianne Moore) y la película que le dio su primer papel protagonista en Hollywood, La máscara del Zorro (1998), junto a Anthony Hopkins, filme que también suponía el debut en la meca del cine de la galesa Catherine Zeta-Jones.

Desde 2000[editar]
Antonio Banderas inició la primera década del siglo XXI con otro exitoso papel en una película de entretenimiento familiar, Spy Kids (2001), de la que se producirían tres secuelas en 2002, 2003 y 2011. Otros trabajos relevantes de esta etapa fueron encarnando a un sacerdote investigador en The Body (thriller sobre el supuesto hallazgo del cuerpo de Jesucristo) y una película de época junto a Angelina Jolie: Pecado original, remake de La sirena del Mississipi que había dirigido François Truffaut.

También trabajó Banderas a las órdenes de Brian De Palma en Femme Fatale (con Peter Coyote y Rebecca Romijn-Stamos), con Emma Thompson y Rubén Blades en Imagining Argentina y con Salma Hayek y Alfred Molina en Frida, película biográfica sobre la pintora Frida Kahlo.

En 2003 regresó al género musical, en este caso en el teatro, obteniendo un gran éxito en Broadway con la reposición del musical Nine de Maurey Yeston, que había sido estrenado por Raul Julia en los años 80 y que se basaba en la película Ocho y medio de Federico Fellini. En 2009, esta obra teatral sería llevada al cine por Rob Marshall. Por este papel, Banderas ganó los premios Outer Critics Circle y Drama Desk, y fue nominado para el Premio Tony al mejor actor en un musical. Gracias a su solvencia en el género musical, en 2008 Banderas participaría en el 60º aniversario de Andrew Lloyd Webber, interpretando El fantasma de la ópera, junto a la soprano Sarah Brightman.

Desde 2004 el actor español ha participado en la saga de animación Shrek, prestando su voz al personaje del gato con botas, personaje con el que protagoniza en 2011 un spin-off o secuela: la película, también de animación, El gato con botas, junto a Salma Hayek.

En 2005 retomó el personaje de El Zorro The Legend of Zorro, nuevamente junto a Catherine Zeta-Jones, y al año siguiente participó en la película musical Déjate llevar, que no obtuvo el éxito esperado. Tampoco lo logró con Bordertown (La ciudad del silencio), un thriller sobre los asesinatos de Ciudad Juárez (México) que protagonizó junto a Jennifer Lopez. En 2008 trabajó con Meg Ryan en My Mom's New Boyfriend.

Pasando al otro lado de las cámaras, ha firmado trabajos como director en Locos en Alabama (1999), protagonizada por su esposa, o El camino de los ingleses (2006), cuyo rodaje tuvo lugar en su Málaga natal. Precisamente su provincia malagueña le nombró Hijo Predilecto en 2001.

En 2008 fue galardonado con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, que recogió el 15 de octubre en La Coruña en una ceremonia presidida por los Reyes de España.7 En 2010 fue nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad de Málaga.

En 2009 rodó con Morgan Freeman la película de ladrones The Code, dirigida por Mimi Leder, y en 2010 se puso a las órdenes de Woody Allen en la comedia Conocerás al hombre de tus sueños, junto a Naomi Watts. En 2011 volvió a trabajar con Pedro Almodóvar, veinte años después de su última colaboración, en su película La piel que habito, por la que obtiene su cuarta candidatura a los Premios Goya al premio a la mejor interpretación masculina.8 Para el verano de 2012 se anunció el rodaje de 33 días, película de Carlos Saura sobre la realización del Guernica de Picasso; Banderas encarnaría al pintor y Gwyneth Paltrow a la fotógrafa Dora Maar, quien tomó imágenes del cuadro mientras se ejecutaba. Según las últimas informaciones, el rodaje se aplaza a 2014.

A finales del año 2013 arribo al municipio de Nemocón en Colombia en donde rodara la película Los 33, en la cual se relatara la odisea de los mineros sepultados en una mina de Chile en el año 2011, allí contara con la presencia de actores como Lou Diamond Phillips, Martin Sheen, Juan Pablo Raba, Gustavo Angarita Jr entre otros.

Su actividad empresarial se ha centrado en una línea de perfumes, en colaboración con la compañía Puig, con el nombre de Antonio Banderas Fragances, (Fan-Page,9 ) y en el vino a través de las Bodegas ANTA Banderas.

Semana Santa[editar]


Banderas en 2007
Suele acudir todos los años con su familia a la Semana Santa Malagueña. Es miembro de las Cofradías Fusionadas, donde participa como Mayordomo del Trono de la Virgen de Lágrimas y Favores la mañana del Domingo de Ramos. Compusó la letra de la marcha Lágrimas de San Juan, de Abel Moreno, marcha que se ha convertido en un Himno a la Virgen de Lágrimas y Favores, además en el año 2011 compuso junto al compositor Juan Manuel Parras la marcha Cuatro Estampas para una Virgen, dedicada a dicha Virgen. También llevaba sobre sus hombros a la Virgen de la Esperanza cada madrugada del Jueves Santo.

Fue nombrado por la Agrupación de Cofradías como el pregonero de la Semana Santa de Málaga en el año 2011.

En el año 2013, el actor recibió el chapiri luego de ser nombrado "legionario de honor" de la Congregación de Mena, en reconocimiento a sus méritos como "persona de bien", "trabajadora" y como "malagueño universal" que representa el amor y respeto de los ciudadanos de Málaga por la Legión.

Filmografía[editar]
Actor[editar]
The Spongebob Squarepants 2 (2015)
The Expendables 3 (2014)
Los 33 (2014)
Autómata (2014)
Justin and the Knights of Valour (2013)
Machete Kills (2013)
Los amantes pasajeros (2013)
Puss in Boots: The Three Diablos (2012)
33 días (2012)
Black Gold (2012)
Ruby Sparks (2012)
Indomable - Haywire (2011)
El gato con botas (2011)
La piel que habito (2011)
Conocerás al hombre de tus sueños (2010)
Shrek Forever After (2010)
The Big Bang(La particula de dios) (2010)
The Code (2009)
The Other Man (2008)
My Mom's New Boyfriend (2008)
Shrek Tercero (2007)
La ciudad del silencio o Bordertown (2007)
Déjate llevar (2006)
The Legend of Zorro (2005)
Shrek 2 (2004)
Presentando a Pancho Villa (And Starring Pancho Villa as Himself) (2003) (TV)
Imagining Argentina (2003)
Once Upon a Time in Mexico (2003)
Spy Kids 3D: Game Over (2003)
Ballistic: Ecks vs. Sever (2002)
Frida (2002)
Spy Kids 2 (2002)
Femme Fatale (2002)
Pecado original (Original Sin) (2001)
Spy Kids (2001)
The Body (2001)
Play it to the Bone (1999)
The White River Kid (1999)
El guerrero número 13 (1999)
La máscara del Zorro (1998)
Evita (1996)
Nunca hables con extraños (1995)
Miami Rhapsody (1995)
Asesinos (1995)
Two Much (Loco de amor) (1995)
Desperado (1995)
Four Rooms (1995)
Entrevista con el vampiro (1994)
Of Love and Shadows (1994)
¡Dispara! (1993)
Il gióvane Mussolini (1993) (TV)
Benito (1993) (TV)
Philadelphia (1993)
La casa de los espíritus (1993)
Una mujer bajo la lluvia (1992)
Los reyes del mambo (1992)
Madonna: Truth or Dare (1991)
Terra Nova (1991)
La blanca paloma (1990)
¡Átame! (1990)
Contra el viento (1990)
Aventis (1989)
Baton Rouge (1988)
Bajarse al moro (1989)
Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988)
El placer de matar (1987)
La ley del deseo (1987)
El Acto (1987)
27 horas (1986)
Puzzle (1986)
Delirios de amor (1986)
Matador (1986)
Así como habían sido (1986)
Caso cerrado (1985)
Réquiem por un campesino español (1985)
La corte de Faraón (1985)
Los zancos (1984)
Kevin en nochevieja (1984)
El Señor Galíndez (1983)
Y del seguro... ¡líbranos señor! (1983)
Pestañas postizas (1982)
Laberinto de pasiones (1982)
Director[editar]
Crazy in Alabama (Locos en Alabama) (1999)
El camino de los ingleses (2006)
Productor[editar]
El lince perdido (2008)
Tres días (2008)
El camino de los ingleses (2006)
The White River Kid (1999)
Palmarés[editar]
Premios Globo de Oro

Año Categoría Película Resultado
2003 Mejor actor de miniserie o telefilme Presentando a Pancho Villa Nominado
1998 Mejor actor - Comedia o musical La máscara del Zorro Nominado
1996 Mejor actor - Comedia o musical Evita Nominado
Premios Goya
Año Categoría Película Resultado
2011 Mejor interpretación masculina protagonista La piel que habito Nominado
1996 Mejor interpretación masculina protagonista Two Much Nominado
1990 Mejor interpretación masculina protagonista ¡Átame! Nominado
1986 Mejor interpretación masculina de reparto Matador Nominado
Premios Fotogramas de Plata
Año Categoría Película Resultado
2011 Mejor actor de cine La piel que habito Nominado
1995 Mejor actor de cine Two Much Nominado
1993 Mejor actor de cine ¡Dispara! Nominado
1992 Mejor actor de cine Una mujer bajo la lluvia
Los reyes del mambo Nominado
1990 Mejor actor de cine ¡Átame!
La blanca paloma
Contra el viento Ganador
Mejor actor de televisión La mujer de tu vida: La mujer feliz Nominado
1989 Mejor actor de cine Bajarse al moro
Si te dicen que caí Nominado
1988 Mejor actor de cine Así como habían sido
Mujeres al borde de un ataque de nervios
El placer de matar Ganador
1987 Mejor actor de cine La ley del deseo
Delirios de amor Nominado
1985 Mejor actor de cine Caso cerrado
La corte de Faraón
Réquiem por un campesino español Ganador
Premios Emmy
Año Categoría Película Resultado
2004 Mejor actor - Miniserie o telefilme Presentando a Pancho Villa Nominado
Premios de la Unión de Actores
Año Categoría Película Resultado
2011 Mejor actor protagonista de cine La piel que habito Nominado
1992 Mejor interpretación protagonista de cine Los reyes del mambo Nominado
Premios Sant Jordi de Cine
Año Categoría Película Resultado
1987 Mejor actor español La ley del deseo
Delirios de amor
27 horas Ganador
Premios del Cine Europeo
Año Categoría Película Resultado
1999 Mejor logro europeo en el mundo del cine Locos en Alabama Nominado
1998 Premio Jameson del público al mejor actor europeo La máscara del Zorro Ganador
Mejor logro europeo en el mundo del cine La máscara del Zorro Nominado
Premios Juventud
Año Categoría Película Resultado
2012 ¡Qué actorazo! El gato con botas Ganador10
2011 Premio "Super Nova" a su trayectoria artística Ganador11
2010 ¡Qué actorazo! Thick as Thieves Nominado
2009 ¡Qué actorazo! The Other Man Nominado
2008 ¡Qué actorazo! Shrek Tercero Nominado
2007 ¡Qué actorazo! Take the lead Ganador
2006 ¡Qué actorazo! La leyenda del Zorro Ganador
Premios Tony
Año Categoría Musical Resultado
2003 Mejor actor principal en un musical Nine Nominado
Festival Internacional de Cine de San Sebastián
Año Categoría Resultado
2008 Premio Donostia Ganador
Festival Internacional de Cine de Berlín
Año Categoría Película Resultado
2007 Premio Label Europa Cinemas El camino de los ingleses Ganador
Festival Internacional de Cine de Venecia
Año Categoría Película Resultado
1999 León de Oro Crazy in Alabama Candidato
Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary
Año Categoría Resultado
2009 Premio Festival President Ganador
Semana Internacional de Cine de Valladolid
Año Categoría Película Resultado
1989 Espiga de Plata al mejor actor La blanca paloma Ganador
Semana de Cine Español de Murcia
Año Categoría Película Resultado
1986 Premio "Francisco Rabal" al mejor actor Matador
La corte de Faraón
Réquiem por un campesino español Ganador

Ha recibido 34 puntos

Vótalo:

CARLOS SAURA

17. CARLOS SAURA

Biografía[editar] Nació en Huesca el 4 de enero de 1932. Recién finalizado el bachillerato, comenzó a aficionarse a la fotografía, por lo que abandonaría sus estudios de ingeniería industrial para ingresar en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas de Madrid, donde... Ver mas
Biografía[editar]
Nació en Huesca el 4 de enero de 1932. Recién finalizado el bachillerato, comenzó a aficionarse a la fotografía, por lo que abandonaría sus estudios de ingeniería industrial para ingresar en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas de Madrid, donde obtuvo el diploma de Dirección.

En noviembre de 1992 le es concedida la Medalla de Oro de la Academia de las Ciencias y las Artes Cinematográficas de España. Asimismo, se le han otorgado importantes condecoraciones por parte de los gobiernos francés (en agosto de 1993 se le impone la Orden de Artes y Letras de Francia) e italiano (Gran Oficial de la Orden al Mérito de la República Italiana), así como los galardones más importantes que concede el Estado Español. En marzo de 1994 fue investido doctor honoris causa por la Universidad de Zaragoza. Saura tiene también una importante obra como fotógrafo y es autor de novelas traducidas a más de 20 lenguas, como Esa Luz, Elisa, vida mía o Pajarico solitario.

Con la directora Adela Medrano tuvo dos hijos, Carlos y Antonio Saura Medrano. Convivió con Geraldine Chaplin durante más de una década y de esta relación en 1974 nació su hijo Shane. En 1978 comienza su relación con Mercedes Pérez (1960), con la que contrae matrimonio en 1982 y con la que tiene tres hijos, Manuel (1981), Adrián (1984) y Diego (1987). En 2006 se casó con la actriz Eulalia Ramón, con la que tiene una hija llamada Anna.

Es hermano del pintor Antonio Saura.

Carrera[editar]
Primeros filmes[editar]
Tras realizar el cortometraje La tarde del domingo (1957), realiza el documental Cuenca (1958), premiado en el Festival de San Sebastián, al que siguió su primer largometraje, Los golfos (1959), que abrió el cine español al camino del Neorrealismo, estilo ya extendido por toda Europa. Pero es en La caza (1965), cuando aparece el mejor cine de Saura, con un asunto de gran dureza que hacía un análisis de las heridas provocadas por la guerra civil en la terrible historia de una partida de caza entre personajes que representaban distintas posturas vitales. La escenografía en exteriores, en un paisaje árido y la fotografía muy contrastada de Luis Cuadrado, hicieron de esta obra una referencia para el cine posterior y obtuvo grandes éxitos internacionales, consiguiendo el premio a la mejor dirección en el Festival Internacional de Cine de Berlín.

Encuentro con Querejeta[editar]
Tras estos primeros trabajos, se consolida en 1967 su colaboración con el productor Elías Querejeta, con el que había producido a medias La caza, con la película Peppermint frappé, dando inicio al periodo más destacado de su carrera. Peppermint frappé es de nuevo una indagación psicológica sobre los efectos de la represión franquista tras la guerra civil, las inhibiciones eróticas y otras carencias de su generación. El desenlace es tan violento como La caza, pero aparece ahora situado en el espacio de la memoria o los instintos más primarios de los personajes.

Temas y formas, puliendo este estilo abstracto, desarrollado en colaboración con Querejeta, que pretendía radiografiar los males de la sociedad española burlando la censura, continúan en Stress, es tres, tres (1968), La madriguera (1969), El jardín de las delicias (1970) y Ana y los lobos (1972).

Ana y los lobos nos ofrece el mundo cerrado de una casona de una familia española aristocrática. Rafaela Aparicio, la matriarca de este mundo cerrado, retomará este personaje en Mamá cumple cien años (1979), una continuación de Ana y los lobos. A la casa solariega llega una institutriz extranjera para educar a las niñas de Juan, el varón de la casa. Las pulsiones sexuales frustradas de los tres hombres de la familia aparecen tras la llegada de esta bella joven cuyos modos más libres y su sinceridad provocan en el subconsciente de los varones deseos irreprimibles. Ana destapa la inquietud del ambiente cerrado y conservador de esta familia, revelando así los rasgos que tanto definen a la sociedad de su tiempo.

La consolidación del "mito Saura": La prima Angélica y Cría cuervos[editar]
La película que marca la consolidación internacional del director es La prima Angélica (1973), que recibió el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes; en ella, el pasado (1936) y el presente (1973) se funden y esto se muestra mediante la confusión del tiempo histórico que se produce en los planos de la película, incluso dentro de una misma secuencia. Así se delata el tema de la presencia de las heridas del pasado en el presente, clásico asunto del psicoanálisis. La fusión del tiempo tiene también otras consecuencias frustrantes, como el contraste entre el amor infantil de Luis y Angélica, que ha sido acaso su único amor, y la relación adulta de un Luis con una Angélica ya casada en una situación que hace imposible la recuperación de aquella relación afectiva. No es este el primer film que explora el recuerdo y la intromisión del pasado en el presente, que estaba ya bien dibujado en obras anteriores, como El jardín de las delicias (1970).

María Clara Fernández de Loaysa, en su papel de Angélica niña, establece una relación con la figura de José Luis López Vázquez, cuyo personaje seguía la estela del que interpretó en El jardín de las delicias, donde aparecía en una silla de ruedas, simbolizando con ello la parálisis psíquica de aquella generación. En esta caso representa la frustración amorosa por su prima, en el doble papel de niño y adulto, representado por el mismo actor.

Cría cuervos (1975), también premio del Jurado en el Festival de Cannes, vuelve a explotar el tema de la memoria, oponiendo en feroz contraste la mirada de la niña Ana Torrent a los personajes autoritarios.

Últimos filmes con Querejeta[editar]
Elisa, vida mía (1977) es probablemente su obra maestra. Partiendo de un concepto muy ambicioso de interrelación del cine y la literatura, la película dialoga constantemente con los elementos peculiares del cine: imágenes, sonido, música y textos. En cuanto a las imágenes, hay una profunda relación entre escritura de textos y escritura visual. El diario que escribe el personaje interpretado por Fernando Rey es la fuente, o punto de vista de la enunciación, de lo que vemos, pero todo se complica al ser su hija, interpretada por Geraldine Chaplin, quien lee ese diario a su muerte. Por tanto hay que estar muy avisados para conocer el origen de la narración visual, que podría ser producida por la lectura de la hija, la escritura del padre o la voz enunciadora de un narrador externo a las voces de los personajes, algo así como un Saura-narrador. Todo ello entretejido de referencias a El gran teatro del mundo de Calderón de la Barca, El Criticón de Baltasar Gracián y el mito de Pigmalión que oímos en la versión de la Ópera de Jean-Philippe Rameau (Pygmalion, 1748). Todo ello está pautado por la Gnosienne I de Erik Satie, que nos lleva a los espacios de la memoria.

Con la llegada de la democracia a España, Saura se convierte en uno de los cineastas más destacados de la Transición. Los ojos vendados (1978) es un alegato contra la tortura y las injusticias en Latinoamérica. Al año siguiente aborda su primera comedia con su revisión de la familia de Ana y los lobos en clave cómica y con un aire de fin de franquismo en Mamá cumple cien años. Fue todo un éxito de crítica y público, premiada en varios festivales y seleccionada para el Oscar a la mejor película extranjera.

En 1980 Saura cambia de registro y, abandonando el cariz intelectual, reflexivo y polisémico con el que trataba de diseccionar las consecuencias de la guerra civil y el franquismo, vuelve al cine popular, al que trata problemas contemporáneos como la marginación juvenil, con Deprisa, deprisa, que obtuvo el Oso de Oro del Festival de Berlín.

La trilogía musical con Antonio Gades[editar]
En 1981 comienza la colaboración con Antonio Gades y con el productor Emiliano Piedra. Tras ver su ballet teatral Bodas de sangre Saura le propone llevarlo al cine, con lo que inicia un género de musical genuino y alejado de los moldes anglosajones. El musical recabó un éxito inesperado internacional tras proyectarse en Cannes. Con la película Bodas de sangre (1981) inventa un nuevo género de película de danza y contribuye con ello a la extraordinaria divulgación que experimenta estos últimos años el baile español en el mundo. De nuevo con Antonio Gades y Emiliano Piedra prepara una adaptación de la ópera de Bizet Carmen que se convierte en un éxito internacional en 1983, premiada en Cannes y seleccionada para el Óscar. Con El amor brujo, inspirada en la obra homónima de Falla, su musical más ambicioso hasta ese momento, cerraría una trilogía dedicada al musical español contemporáneo.

Variedad y eclecticismo: la ambición temática de un director[editar]
Tras Dulces horas, la última colaboración con Elías Querejeta, Saura rueda en 1982 su primera película latinoamericana: Antonieta, la historia de una mujer durante la revolución mexicana. En 1984 Saura rueda con Piedra Los zancos.

En 1985 acude al productor Andrés Vicente Gómez para financiar un ambicioso filme sobre la expedición de Lope de Aguirre en busca de El Dorado. El rodaje se lleva a cabo en Costa Rica durante 1987, y la película se convierte en la más cara de la historia del cine español hasta ese momento.

En 1989 estrena La noche oscura, un film intimista sobre el periodo de prisión que sufrió San Juan de la Cruz, el gran místico y poeta español del siglo XVI. En 1990 rueda ¡Ay, Carmela!, adaptación de la obra teatral de José Sanchis Sinisterra. Para esta película, que revisa de nuevo la Guerra Civil, vuelve a trabajar con el guionista Rafael Azcona, y en la V edición de los Premios Goya obtiene 13 estatuillas.

En 1991 se traslada a Buenos Aires para rodar El Sur, versión del cuento de Borges. Con Sevillanas hace un homenaje a lo más significativo del género, esta vez mediante una serie de cuadros independientes.

Al año siguiente, se hace cargo de la película oficial de los Juegos Olímpicos de Barcelona, Maratón.

En 1993 rueda "Dispara", una adaptación de un cuento del escritor italiano Scerbanenco. En enero de 1994, comienza el rodaje de Flamenco, que probablemente es el más importante documento audiovisual sobre este arte, a pesar de la desaparición de Camarón, que sí intervino en Sevillanas. Ya no se trata de una serie de cuadros inconexos, sino de un conjunto rodado con milimétrica precisión donde colaboraba como director de fotografía el mago de la luz Vittorio Storaro.

En junio de 1997, Saura se traslada a Argentina para rodar Tango; esta película, tras múltiples polémicas, concurre a los Oscar bajo bandera argentina: la cinta es la más galardonada del año en Argentina, y Saura recibe el Premio Cóndor de la Asociación de Críticos Argentinos como mejor director del año. Aparece su novela Pajarico solitario. En abril de 1998 se estrena el film Pajarico.

En 1999 estrena Goya en Burdeos, aproximación a la figura del pintor aragonés Francisco de Goya, donde realiza, posiblemente, el mejor trabajo fotográfico de su obra, en estrecha colaboración con Vittorio Storaro. Publica su novela Esa luz. En 2000 Saura es distinguido con el Premio a la Mejor Contribución Artística y el Premio del Jurado del Festival de Montreal por Goya en Burdeos.

En 2001 Buñuel y la mesa del rey Salomón supone un tributo a su maestro declarado, Luis Buñuel, y al ambiente de la Residencia de Estudiantes de la España de los años 20. En el guion contó con la colaboración de Agustín Sánchez Vidal, quien ganara en 1988 el Premio Espejo de España de ensayo por su obra Buñuel, Lorca, Dalí: el enigma sin fin, y que tras esta experiencia como fabulador se dedicó con éxito a la novela de ficción.

Últimos trabajos[editar]


Saura en 2002.
Comienza el nuevo siglo dirigiendo tres filmes musicales basados en idénticos presupuestos estéticos: Salomé (2002), puesta en escena de la conocida tragedia bíblica por la compañía de Aída Gómez; Iberia (2005), homenaje a la Suite homónima del compositor Isaac Albéniz; y Fados (2007), en coproducción con Portugal, sobre el fado, expresión musical portuguesa por excelencia. En estos filmes Saura reitera las mismas convenciones de los musicales previos de los años 90, empezando por el empleo de la luz como elemento dramático, así como la utilización de un mobiliario minimalista, obteniendo en consecuencia unos musicales de gran sobriedad y belleza visual, pero ya sin la novedad de aquellos.

Entre sus últimas películas destacan El séptimo día (2004), cinta inspirada en el crimen de Puerto Hurraco, terrible masacre acaecida en la Extremadura profunda que conmocionó a España en 1990, con guion de Ray Loriga y, sobre todo, Io, Don Giovanni (2009), uno de sus más ambiciosos trabajos, superproducción en torno a la figura de Lorenzo da Ponte; entre medias, Saura realiza para la Exposición Internacional de Zaragoza 2008 el cortometraje documental Sinfonía de Aragón (2008), magistral ejercicio audiovisual en el que el protagonista es Aragón.

Filmografía[editar]
Categoría principal: Películas dirigidas por Carlos Saura
Años 50[editar]
Flamenco (1955) -cortometraje-
El pequeño río Manzanares (1956) -cortometraje-
La tarde del domingo (1957) -cortometraje-
Cuenca (1958) -documental-
Los golfos (1959)
Años 60[editar]
Llanto por un bandido (1963).
La caza (1965)
Peppermint frappé (1967)
Stress es tres, tres (1968)
La madriguera (1969)
El jardín de las delicias (1970).
Años 70[editar]
Ana y los lobos (1972).
La prima Angélica (1973)
Cría cuervos (1975)
Elisa, vida mía (1977)
Los ojos vendados (1978)
Mamá cumple cien años (1979)
Años 80[editar]
Deprisa, deprisa (1981)
Bodas de sangre (1981)
Dulces horas (1982)
Antonieta (1982)
Carmen (1983)
Los zancos (1984)
El amor brujo (1986).
El Dorado (1988).
La noche oscura (1988).
Años 90[editar]
¡Ay, Carmela! (1990)
Sevillanas (1991).
El sur (1991)
Maratón (1992)
¡Dispara! (1993).
Flamenco (1995).
Taxi (1996)
Pajarico (1998).
Tango (1998)
Goya en Burdeos (1999)
Años 2000[editar]
Buñuel y la mesa del rey Salomón (2001)
Salomé (2002)
El séptimo día (2004).
Iberia (2005)
Fados (2007)
Sinfonía de Aragón (2008) -documental realizado para la Exposición Internacional de Zaragoza 2008-
Io, Don Giovanni (2009)
Años 2010[editar]
Flamenco, Flamenco (2010)
33 días (2014) -pre-producción-[1]
Premios y distinciones[editar]
1958-1970[editar]
Mención especial del Festival Internacional de Cine de San Sebastián de 1958 por Cuenca.
Medalla de Plata en el Festival de Bilbao de 1959 por Cuenca.
Oso de Plata al mejor director en el Festival Internacional de Cine de Berlín, por La caza (1965).
Oso de Plata al mejor director en el Festival Internacional de Cine de Berlín de 1968, por Peppermint frappé (1967).
1971-1980[editar]
Prix L'Age d'Or a la mejor película de habla castellana de la Asociación de Cronistas Cinematográficos de Argentina, por Ana y los lobos (1972).
Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes de 1974 por La prima Angélica (1973). Preseleccionada para el Oscar a la Mejor Película Extranjera.
Premio al Mejor Director de Trofeo Radio España por La prima Angélica (1974).
Premio Hugo de Bronce del Festival de Chicago por La prima Angélica (1974).
Premio a la mejor película nacional del Premio Radio España, por La prima Angélica (1974).
Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes de 1976 por Cría cuervos (1975). Preseleccionada para el Óscar a la Mejor Película Extranjera (1976).
Premio de la Crítica Francesa (1976) por Cría Cuervos.
Premio de la Crítica del Festival de Bruselas (1977) por Cría Cuervos.
Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actriz (Geraldine Chaplin) según la Asociación de Cronistas de Espectáculos de Nueva York (1978), por Cría Cuervos.
Nominación al Globo de Oro a la mejor película en lengua no inglesa (1976), por Cría Cuervos.
Elisa, vida mía (1977); Premio de Interpretación a Fernando Rey en el Festival de Cannes de 1977. Mejor Película según el Círculo de Escritores Cinematográficos (1978).
Mamá cumple cien años (1979); Premio Especial del Jurado del Festival Internacional de Cine de San Sebastián (1979). Seleccionada para el Óscar a la Mejor Película Extranjera (1979). Mejor Guion del Festival de Chicago (1979). Premio Especial de la Crítica del Festival de Bruselas (1980).
Premio Nacional de Cinematografía (1980).
1981-1990[editar]
Deprisa, deprisa (1980); Oso de Oro Festival de Berlín 1981. Premio Especial Calidad, Festival de Sydney 1981.
BAFTA a la mejor película de habla no inglesa por Carmen (1985).
Medalla Santa Isabel de la Diputación de Zaragoza (1985).
V edición de los Premios Goya (1990). Premios por ¡Ay, Carmela!: Mejor Película, Mejor Director, Mejor actriz protagonista (Carmen Maura), Mejor actor protagonista (Andrés Pajares), Mejor actor de reparto (Gabino Diego), Mejor guion adaptado (Carlos Saura y Rafael Azcona), Mejor dirección de producción, Mejor montaje, Mejor dirección artística, Mejor diseño de vestuario, Mejor maquillaje y peluquería, Mejor sonido, Mejores efectos especiales.
1991-2000[editar]
Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes (1991)
Medalla de Oro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España (1992).
Premio Ciudad de Huesca (1992).
Medalla de la Orden de Artes y Letras de Francia (1993).
Rosa de Oro y Rosa de Plata del Festival de Montreux por Sevillanas (1994).
Título de Gran Oficial de la Orden al Mérito de la República Italiana.
Doctor honoris causa por la Universidad de Zaragoza (1994).
Gran Premio de las Américas del Festival Internacional de Cine de Montreal (1995) en ocasión del Centenario del Cine por su contribución al arte cinematográfico.
Premio al Mejor Director del Festival Internacional de Cine de Montreal por Pajarico (1997).
Premio Especial Camerimage al director de cine con especial sensibilidad visual (1998).
Premio Jules Verne del Festival de Cine de Nantes por Pajarico (1999).
Nominación al Óscar a la mejor película de habla no inglesa por Tango (1999).
Premio a la Mejor Contribución Artística del Festival Internacional de Cine de Montreal por Goya en Burdeos (1999).
Premio a toda su carrera del Festival Internacional de Cine Latino de Los Ángeles (1999).
Premio Aragón a las Artes (2000).
Premio Especial del Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary de 2000 a toda su carrera.
2001-2010[editar]
Premio a la Mejor Contribución Artística del Festival Internacional de Cine de Montreal por Salomé (2002).
Premio a toda su carrera del Festival Internacional de Cine de Estambul (2002).
Doctor honoris causa de la Universidad de Dijon (2003). [2]
Premio de la Academia de Cine Europeo a toda una carrera (2004).
Premio al Mejor Director del Festival Internacional de Cine de Montreal por El séptimo día (2004).
Concha de Oro Honorífica del Festival Internacional de Cine de San Sebastián de 2007 a toda su carrera. (El galardón solo se ha concedido dos veces, la anterior en 1981 a Luis Buñuel.)
Premio Internacional del Festival de Cine de Barcelona (2007).
Espiga de Oro Honorífica de la Semana Internacional de Cine de Valladolid de 2009 a toda su carrera.
Premio Ciudad de Sevilla del Festival de Cine Europeo (2010).
2011-presente[editar]
Premio Especial Ojo Crítico 2010, concedido por Radio Nacional de España (2011). [3]
Fotogramas de Plata 2010 Especial Homenaje (2011). [4][5]
Doctor honoris causa de la Universidad Nacional Autónoma de México (2011). [6]
III Premio UIMP a la Cinematografía por su actuación relevante en el cine español y por su trayectoria profesional, concedido por la Universidad Internacional Menéndez Pelayo (2011). [7]
Medalla Internacional de las Artes de la Comunidad de Madrid (2011). [8]
Premio "Siñal d'onor Espiello 2012" del Festival Internacional de Documental Etnográfico de Sobrarbe Espiello (2012). [9]
Premio anual de la Asociación de Cineclubes Checos, concedido durante la inauguración de la Escuela de Cine de Verano de la localidad checa Uherske Hradiste (2012). [10]
Premio Luso-Español de Arte y Cultura 2012. [11]
Mikeldi de Honor de la 54ª edición del Zinebi de Bilbao (2012). [12]
Doctor honoris causa de la Academia Nacional de Arte de Cine y Teatro de Bulgaria (2013). [13]
Doctor honoris causa por la Universidad Complutense de Madrid (2014). [14]
Biznaga a la Película de Oro del Festival de Málaga concedida a La prima Angélica, al cumplir el filme 40 años (2014). [15]
Obra literaria y fotográfica[editar]
Junto a su labor cinematográfica, Carlos Saura es también un escritor de amplios horizontes temáticos y notable investigación estilística. Su novela Pajarico solitario (1997), llevada luego al cine con el título de Pajarico, es una narración de corte autobiográfico. De mayor ambición literaria es Elisa, vida mía (2004), con la que Saura realiza la operación inversa: novelar un film previamente realizado, en esta ocasión su película del mismo título fechada en 1977.

Novelas[editar]
Pajarico solitario (1997)
¡Esa luz! (1998)
Elisa, vida mía (2004)
Guiones (editados en libro)[editar]
Cría cuervos
Elisa, vida mía
¡Esa luz!
Goya en Burdeos
Buñuel y la mesa del rey Salomón
Libros sobre Fotografía[editar]
El Rastro (2003) [16]
Flamenco (2004)
Las fotografías pintadas de Carlos Saura (2005)
Saura x Saura (2009)
Exposiciones (selección)[editar]
Otras miradas de Carlos Saura Exposición itinerante comisariada por Asier Mensuro que se inauguró en la SEMINCI de Valladolid (2009) y que posteriormente pudo verse en León (2009-2010), A Coruña (2010), Madrid (2010), Zaragoza (2010) y Gijón (2010-2011); En ella se reflexiona sobre los temas recurrentes en la obra de Saura, mostrando como se desarrollan en las difrentes disciplinas en las que trabaja como son el cine, la fotografía, el dibujo, las artes escénicas o la literatura.[17].[18]
Luz de Carlos Saura (Avilés, 2011); Comisariada por Asier Mensuro es la primera exposición con que se abre el Centro Cultural Internacional Oscar Niemeyer. En ella, Carlos Saura reflexiona mediante instalaciones, proyecciones y diversas piezas interactivas sobre uno de los temas que domina con mayor maestría: La luz; analizándola en todos los aspectos posibles: La ausencia de luz y los miedos primarios, el ojo biológico y los instrumentos mecánicos como la cámara oscura, fotográfica o cinematográfica, gracias a los cuales podemos captar la luz. La luz en la pintura, la arquitectura o la fotografía. También se incluyen piezas sobre caracterísicas de la luz como son el color, la sombra que produce o el reflejo. Finalmente, incluye una gran proyección homenaje a la luz de luces: El sol. [19]. [20]
Exposiciones (bibliografía)[editar]
Carlos Saura, fotógrafo: años de juventud (1949-1962), exposición de fotografías...' (edición de Agustín Sánchez Vidal) (Galaxia Gutenberg; Barcelona, 2000).
Otras miradas de Carlos Saura''(edición de Asier Mensuro, Jorge Gorostiza y Roberto Cueto) (Caja España Obra Social y Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC); Madrid, 2009).[21]
Luz de Carlos Saura (Cuaderno de trabajo de la exposición) (Centro Cultural Internacional Oscar Niemeyer; Avilés, 2011). [22]
Dirección de ópera[editar]
1991: Carmen (Georges Bizet), para la Ópera de Sttutgart
2004: Carmen (Georges Bizet) [23]
2007: Carmen (Georges Bizet) [24]
2010: Carmen (Georges Bizet) [25]
Dirección teatral[editar]
2013: El gran teatro del mundo (Pedro Calderón de la Barca) [26]

Ha recibido 34 puntos

Vótalo:

JUAN ANTONIO BARDEM

18. JUAN ANTONIO BARDEM

Biografía[editar] Nacido el 2 de junio de 1922. Hijo de los actores Rafael Bardem y Matilde Muñoz Sampedro y hermano de Pilar Bardem. Se casó con María Aguado Barbado y tuvieron cuatro hijos: Miguel Bardem, Juan, Rafael y María. Fue también tío de los actores Javier Bardem, Carlos Bardem y... Ver mas
Biografía[editar]
Nacido el 2 de junio de 1922. Hijo de los actores Rafael Bardem y Matilde Muñoz Sampedro y hermano de Pilar Bardem. Se casó con María Aguado Barbado y tuvieron cuatro hijos: Miguel Bardem, Juan, Rafael y María. Fue también tío de los actores Javier Bardem, Carlos Bardem y Mónica Bardem.

Aunque es hijo de actores no se vincula a ese mundo desde un principio, sino que se titula como Ingeniero agrónomo. Es posteriormente, cuando estudia cine en el instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas, cuando se plantea dedicarse al mundo del celuloide. De esa época nace la amistad y la colaboración con Luis García Berlanga. Esa relación fructificó en la película Esa pareja feliz, que ambos codirigieron, y continuó en Bienvenido, Mister Marshall, de 1953, en la cual ambos fueron coguionistas y contaron además con una contribución adicional de Miguel Mihura en los diálogos. Bienvenido, Mister Marshall, dirigida por Berlanga, obtuvo el premio al mejor guion y a la mejor comedia en el Festival de Cannes.

En 1953 comienza a dirigir sus propias películas, de las que destacan Muerte de un ciclista (1955, Premio de la Crítica internacional en el Festival de Cannes) y Calle Mayor (1956, Premio de la Crítica en el Festival de Venecia). También fue encarcelado mientras grababa esta película, pasando dos noches en la Dirección General de Seguridad (en el edificio de la Puerta del Sol que en la actualidad ocupa la Presidencia de la Comunidad de Madrid) [cita requerida].

Pese a estos éxitos internacionales, Bardem tuvo problemas en España con la censura, debido a su militancia en el PCE, y en los años 1960 y 1970 apenas puede desarrollar su trabajo cinematográfico en el país. Es el más politizado de las Tres Bes del cine español (Bardem, Berlanga y Buñuel).1

Sus películas posteriores no han recibido el respaldo de la crítica, con la excepción de El puente (1977), en la que intentaba deshacer el discurso cinematográfico del landismo.

También se cuenta entre sus obras Siete días de enero (1979, galardón Golden Price en el Festival de Moscú), película que narra el asesinato de cuatro abogados laboralistas pertenecientes al Partido Comunista de España por parte de un comando terrorista de la ultraderecha española, todo ello en plena transición española.

Murió en Madrid el 30 de octubre de 2002 a los 80 años debido a una enfermedad hepática. Poco antes había escrito un libro de memorias titulado Y todavía sigue.

Tiene una calle con su nombre en el barrio del ensanche de Vallecas en el Sureste de la ciudad de Madrid.

Filmografía[editar]
Como director[editar]
Paseo por una guerra antigua (cortometraje codirigido junto a Luis García Berlanga, 1948)
Esa pareja feliz (1951)
Cómicos (1954)
Felices pascuas (1954)
Muerte de un ciclista (1955)
Calle Mayor (1956)
La venganza (1958)
Sonatas (1959)
Los inocentes (1962)
Nunca pasa nada (1963)
Los pianos mecánicos (1965)
El último día de la guerra (1968)
Varietés (1971)
La corrupción de Chris Miller (1973)
La isla misteriosa (1973)
El puente (1977)
Siete días de enero (1979)
Die Mahnung (La advertencia) (1982)
Jarabo (1985)
Lorca, muerte de un poeta (1987)
El joven Picasso (1993)
Resultado final (1997)
Como guionista[editar]
Esa pareja feliz (1951)
Bienvenido, Mister Marshall (1953)
Novio a la vista (1954)
Felices pascuas (1954)
Cómicos (1954)
Muerte de un ciclista (1955)
El amor de don Juan (1956)
Calle Mayor (1956)
La venganza (1958)
Sonatas (1959)
Los inocentes (1962)
Los pianos mecánicos (1965)
Varietés (1971)
La isla misteriosa (1973)
El puente (1977)
Siete días de enero (1979)
Lorca, muerte de un poeta (1987)
Resultado final (1997)
Televisión[editar]
La huella del crimen "Jarabo" (1985)
Premios[editar]
Óscar[editar]
Año Categoría Película Resultado
1958 Óscar a la mejor película` de habla no inglesa La venganza Candidato
Goya de Honor (2002)
Estrella en el Paseo de la Fama de Madrid (2011)

Ha recibido 33 puntos

Vótalo:

ÁLEX DE LA IGLESIA

19. ÁLEX DE LA IGLESIA

Carrera[editar] Licenciado en Filosofía por la Universidad de Deusto, empezó a dibujar historietas en los fanzines No, el fanzine maldito3 y Metacrilato, y en revistas como Trokola, Burdinjaun, La Ría del Ocio. Fue también en esta época, entre 1986 y 1989, cuando De la Iglesia fundó en Bilbao... Ver mas
Carrera[editar]
Licenciado en Filosofía por la Universidad de Deusto, empezó a dibujar historietas en los fanzines No, el fanzine maldito3 y Metacrilato, y en revistas como Trokola, Burdinjaun, La Ría del Ocio. Fue también en esta época, entre 1986 y 1989, cuando De la Iglesia fundó en Bilbao uno de los primeros clubs de rol de España, Los Pelotas.

Su debut en el medio cinematográfico fue como director artístico en el cortometraje Mamá (1988), de Pablo Berger y desempeñó igual tarea en la película Todo por la pasta (1991), de Enrique Urbizu.

Su primer cortometraje, Mirindas asesinas (1991), consiguió llamar la atención de Pedro Almodóvar, cuya productora El Deseo colaboró en el primer largometraje de De la Iglesia, Acción mutante (1993).

El día de la Bestia[editar]
A continuación estrenó la película que le consagraría como uno de los directores más relevantes del cine español: El día de la Bestia (1995). Consiguió seis premios Goya entre los que destaca el premio al mejor director. Este trabajo convirtió a Santiago Segura en uno de los actores más conocidos de España y recuperó a la actriz Terele Pávez, desde entonces rostro habitual de sus películas.

Diferentes films[editar]
Gracias a su espíritu atrevido y aupado por resultados de taquilla generalmente buenos, Álex de la Iglesia ha ido sumando filmes muy variados, tanto en argumentos como en actores, oscilando entre producciones ambiciosas destinadas a un público internacional, y otras más apegadas a la tradición española, con toques de esperpento y humor negro. Han trabajado a sus órdenes muchos actores veteranos del cine español, desde Carmen Maura hasta María Asquerino, así como varias estrellas de Hollywood: Rosie Perez, Elijah Wood, John Hurt, Salma Hayek...

Dirigió a Javier Bardem, Rosie Perez y James Gandolfini en Perdita Durango (1997), a Santiago Segura y El Gran Wyoming en Muertos de risa (1999), a Carmen Maura, Manuel Tejada y Paca Gabaldón en La comunidad (2000), a Sancho Gracia, Ángel de Andrés López y Eusebio Poncela en 800 balas (2002), a Guillermo Toledo, Mónica Cervera y Kira Miró en Crimen ferpecto (2004), y a Elijah Wood, Leonor Watling y John Hurt en Los crímenes de Oxford (2007).

Balada triste de trompeta[editar]
Su película Balada triste de trompeta (2010) fue galardonada con dos premios en la 67ª Mostra de Venecia, al mejor guion y el León de plata a la dirección. Además, fue nominada a quince premios Goya en 2011, incluidos los de mejor director, mejor película y mejor guion original. De todos ellos recibió los galardones al mejor maquillaje y a los mejores efectos especiales.

Últimos trabajos[editar]
En 2011 estrenó La chispa de la vida, con Salma Hayek y José Mota como protagonistas y rodada en Cartagena.

Su película más reciente es la comedia Las brujas de Zugarramurdi. Comenzó el rodaje en otoño de 2012 con un extenso reparto que incluye a Carmen Maura, Macarena Gómez, Hugo Silva, Mario Casas, Carolina Bang, Terele Pávez o Pepón Nieto, y los cameos de Santiago Segura o Carlos Areces. La película se estrenó en España el 27 de septiembre de 2013, con una buena respuesta comercial, y obtuvo ocho premios Goya, incluyendo el de mejor actriz secundaria para la veterana Terele Pávez.

Televisión[editar]
Álex de la Iglesia ha dirigido sketches para espacios de televisión, como El peor programa de la semana de El Gran Wyoming (TVE) e Inocente, Inocente (televisiones autonómicas), así como la serie Plutón B.R.B. Nero (2008) para La 2. Esta serie es una parodia de las series de ciencia-ficción protagonizada de manera coral por Antonio Gil, Carolina Bang y Carlos Areces entre otros.

Presidencia de la Academia de Cine[editar]
Álex de la Iglesia fue elegido presidente de la Academia de cine el 21 de junio de 2009 tras presentarse como único candidato -junto a Icíar Bollaín y Emilio A. Pina- para sustituir a Ángeles González-Sinde tras su nombramiento como ministra de Cultura. Sus intenciones como cabeza visible de la industria nacional aspiraban a "reunir en la Academia a todos los artistas que se fueron de España o están lejos de la institución".4 Con esta referencia señalaba a Pedro Almodóvar y su hermano, Agustín Almodóvar que abandonaron en 2005 la asociación por estar en desacuerdo con el sistema de votos. Y, también, José Luis Garci que la dejó en 1999 por la polémica sobre la compra de votos para su película El abuelo. El cineasta bilbaíno también se mostró comprometido con la lucha contra la piratería y los derechos de autor. Según sus palabras, quería "defender a la gente que vive del cine".4

El 14 de febrero de 2010, De la Iglesia pronunció en la gala de los Goya el discurso5 como presidente de la Academia de Cine. Recordó que se necesitan crear leyes "que protejan la coexistencia de todos los sectores industriales, y eso incluye también al cine".5 Por ello, el presidente de la Academia participó en el debate de la disposición final segunda de la Ley de Economía Sostenible (conocida como Ley Sinde-Wert) tras ser rechazada en el Congreso de los Diputados el pasado 21 de diciembre de 2010. Este texto plantea la posibilidad de cerrar páginas de internet que violen los derechos de autor tras la intervención de una Comisión de Propiedad Intelectual, y no de un juez ni magistrado. Álex de la Iglesia buscó un acuerdo de todos los agentes para alcanzar una solución a ese estancamiento.

Así, se reunió el 30 de diciembre de 2010 con internautas (abogados como David Bravo y David Maeztu, representantes del Partido Pirata, y usuarios que De la Iglesia había conocido en Twitter) y Pedro Pérez, el presidente de FAPAE (productores)6 . Tras esto, el cineasta bilbaíno le propone a Bravo que le ayude a reescribir la norma, pero él se niega porque siempre se ha posicionado en contra 7 .

Entonces, recurre a Maeztu quien la considera "aberrante", pero como está convencido de que la Ley seguirá adelante decide colaborar para minimizar los daños a los usuarios. De la Iglesia acepta el nuevo texto, igual que Pedro Pérez, por eso le envían la propuesta a los políticos. El lunes 24 de enero de 2011 se aprobó una enmienda del Partido Socialista Obrero Español (PSOE), del Partido Popular (PP) y de Convergencia i Unió (CiU) para aprobar el texto. Este retoque en el texto no recoge ninguna de las ideas aportadas por el presidente de la Academia, por eso acusa a los dos partidos de no dialogar. Como argumentó en su cuenta de Twitter: "Lo hemos intentando, y no habido respuesta. Cero. Han pactado una ley que no conviene a NADIE". Por esta razón, Álex de la Iglesia anunció el 25 de enero de 2011 que abandona la presidencia de la Academia de Cine tras la gala de entrega de los Premios Goya del día 13 de febrero.

El 10 de abril de 2011, Álex de la Iglesia dejó su puesto como presidente de la academia de cine tras unas elecciones entre el cineasta Bigas Luna y el productor Enrique González Macho, siendo este último el vencedor.

Filmografía[editar]
Artículo principal: Anexo:Filmografía de Álex de la Iglesia
Actores fetiche[editar]
Tiene un grupo de actores que normalmente trabajan en un número importante de sus películas como Enrique Villén, Terele Pávez, Manuel Tallafé, Santiago Segura, Carolina Bang y en menor medida, Carmen Maura, Alex Angulo, Jesús Bonilla, Luis Varela, Carlos Areces y Antonio de la Torre.

Libros[editar]
En 1997 publicó la novela Payasos en la lavadora.

Premios[editar]
Premios Anuales de la Academia «Goya»
Año Categoría Película Resultado
2010 Mejor película
Mejor director
Mejor guion original Balada triste de trompeta Candidata
Candidato
Candidato
2008 Mejor película
Mejor director
Mejor guion adaptado Los crímenes de Oxford Candidata
Candidato
Candidato
2000 Mejor película
Mejor director
Mejor guion original La comunidad Candidata
Candidato
Candidato
1995 Mejor película
Mejor director
Mejor guion original El día de la Bestia Candidata
Ganador
Candidato
1992 Mejor director novel Acción mutante Candidato
Mostra de Venecia
Año Premio Película Resultado
2010 León de Plata a la mejor dirección
Premio Mostra de Venecia al mejor guion Balada triste de trompeta Ganador

Ha recibido 31 puntos

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JOSÉ LUIS GARCI

20. JOSÉ LUIS GARCI

Biografía[editar] Primeros años[editar] Nació en 1944 en Madrid en el seno de una humilde familia de ascendencia asturiana. Su comienzo en el cine fue a los cinco años cuando tuvo que entrar en una sala porque su madre se había dejado el bolso y vio la película Lo que el viento se llevó.1 A... Ver mas
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Nació en 1944 en Madrid en el seno de una humilde familia de ascendencia asturiana. Su comienzo en el cine fue a los cinco años cuando tuvo que entrar en una sala porque su madre se había dejado el bolso y vio la película Lo que el viento se llevó.1 A partir de entonces asistió a los cines de programa doble que había en su barrio para poder pasar el tiempo de una manera entretenida,2 y poder evadirse a la infancia que vivió durante la Posguerra española. Estas asistencias al cine hicieron que se convirtiera en un cinéfilo con gustos que se decantaban por John Ford y Howard Hawks, y hacia otros medios como al músico Cole Porter y el escritor Rudyard Kipling.3

Cuando acabó los estudios de bachillerato y el preuniversitario (en el instituto Cervantes, de Madrid) comenzó a trabajar en una entidad bancaria, lo que le permitió ampliar sus conocimientos de cine, escribir artículos no publicados y asistir a los más importantes festivales cinematográficos.2 En el banco trabajó para la familia Fierro donde entró por recomendación ya que su padre conocía a Ignacio Fierro Viña trabajando como auxiliar administrativo. Estaría trabajando allí durante 10 años.4

Carrera profesional[editar]
1963-1976[editar]
Garci comenzó con 19 años su labor como crítico de cine,4 entre ellas Signo, Cinestudio, la revista SP y Reseña.2 Sus primeras críticas eran copias de Cahiers du Cinéma, pero más adelante comenzó a tener idea propia y pudo escribir lo que realmente pensaba.4 Al mismo tiempo escribió sus primeros relatos literarios que le hicieron ganar el premio Puerta de Oro y el premio «a la mejor labor literaria» del Círculo de Escritores Cinematográficos.3 4

Tras recibir los consejos de Antonio Mercero y José María González Sinde,2 en 1969, a la edad de 25 años, comenzó su carrera como guionista de cine.4 En ese año escribe el de El Cronicón de Antonio Giménez Rico, dos años después realizaría también el de La casa de las chivas de León Klimovsky.2 Pero sería en 1972 cuando escribiría junto a Mercero el guion del mediometraje La cabina, que sería galardonado con un premio Emmy.3 Tras el éxito de dicha obra comenzó a realizar trabajos para el productor José Luis Dibildos realizando los guiones de No es bueno que el hombre esté solo de Pedro Olea y Una gota de sangre para morir amando de Eloy de la Iglesia y Los nuevos españoles y Vida conyugal sana de Roberto Bodegas. Estas dos últimas serían impulsoras del cine de la "Tercera vía" caracterizado por ser un cine comercial de gran interés.2

Su amigo José María González Sinde le propone que sea el director de varios cortometrajes en 1975: su decepcionante ¡Al fútbol! (que fue duramente criticado, recibiendo una valoración de 0 puntos por parte del Ministerio de Cultura de España y en el que mostró el primer entrenamiento de Luis Aragonés como entrenador,5 6 ), Mi Marilyn (2 que le haría llevarse un premio del Círculo de Escritores Cinematográficos al mejor cortometraje,4 ) y, un año después Tiempo de gente acobardada.2

Paralelamente a sus trabajos cinematográficos, escribió y publicó relatos de ciencia ficción en diversas revistas, como Drácula.7 Como ensayista publica una decena de libros entre los que destaca Ray Bradbury, humanista del futuro, Adam Blake y un monográfico sobre el cine de ciencia ficción en la Enciclopedia Buru-Lan,4 por los cuales recibiría premios tales como el Nueva Dimensión o el González-Ruano de Periodismo.2

1977-1993[editar]
Tras haber realizado sus cortometrajes consiguió la suficiente soltura para realizar largometrajes centrándose en la temática por el cine de la «Tercera vía». El primero de ellos fue Asignatura pendiente protagonizada por José Sacristán y Fiorella Faltoyano en donde quiso mostrar cómo sería la realidad española del año 1976 tras la muerte de Francisco Franco,4 esta película resultó interesante para el público español que deseaba recuperar un tiempo que no habían vivido y sus experiencias frustradas mientras añoraban la libertad,2 un año después estrenó Solos en la madrugada con los mismos protagonistas,3 en donde narraba la vida de un locutor de radio simpatizante de izquierdas.2 La trilogía finalizó con Las verdes praderas con María Casanova y Alfredo Landa en donde narra la historia de un matrimonio que pasaba sus fines de semana en un chalé a las afueras de Madrid para aislarse del ruido de las ciudad,8 con la pretendió mostrar a la nueva clase acomodada que por la rutina acaba perdiendo los valores aunque parezca que vayan progresando.2

En 1980 escribe, produce y actúa en la película Viva la clase media que dirigió José María González Sinde, en donde se narraba la historia de un cúpula comunista que nació en España en los últimos años de la dictadura franquista. Garci interpretó a Antonio, el más radical del grupo.9 En ese mismo año realizó el cortometraje documental Alfonso Sánchez sobre el crítico homónimo a quien calificó como un maestro.10

Tras fundar en 1980 junto a José Esteban Alenda la productora Nickel Odeón comienza la producción de El crack que se estrenaría un año después.2 La película era un homenaje al cine negro y, en particular, a Dashiell Hammett, cuyo nombre colocó al inicio de la película como homenaje.11 Al año siguiente estrenó Volver a empezar, que fue duramente criticada por la crítica española del momento por su dramatismo facilón,3 aunque se convirtió en la primera película española galardonada con el Óscar de Hollywood a la mejor película de habla no inglesa. En 1983 estrena El crack II cuyo homenaje esta vez iría dirigido a Raymond Chandler,11 aunque la crítica la valoró de manera más negativa que a la primera parte.2

Tras el éxito de su oscarizada película comienza a realizar un cine nostálgico con matices cinematográficos que serían Sesión continua en 1984;2 en donde mostraba su mirada al cine clásico y que, a pesar de ser un desastre en taquilla, fue candidata al Óscar a la mejor película de habla no inglesa;3 tres años después estrenaría Asignatura aprobada con la que Garci consigue el Goya de la Academia española al mejor director en la segunda edición de los premios.4 En 1988 comienza la producción de su primera incursión en la televisión como realizador con la serie Historias del otro lado que comenzó a emitirse en 1991 su primera temporada.12 Uno de los episodios, Mnemos que dirigió el propio Garci fue presentado a los premios Emmy y que se emitió en 1988,13 pero no consiguió el galardón. También intentó realizar El crack 3, pero no consiguió financiación al ser un tema complicado al estar relacionado con el terrorismo.14

1994-2012[editar]
Comenzó su nueva etapa con una trilogía de melodramas.15 Esta trilogía comenzó 1992 cuando se le ocurre la idea de adaptar la obra de teatro Canción de cuna (obra de teatro) de Gregorio Martínez Sierra con la película homónima que estrenó en 1994 con la que inicia su segunda etapa marcada por las adaptaciones.16 3 La película fue bien recibida tanto por el público como por la crítica,4 y con los años Garci la valoró como la mejor ha hecho.5 Tres años después estrenó una fallida adaptación de la obra de teatro La herida luminosa y, en 1998, estrenó la adaptación de la novela El abuelo de Benito Pérez Galdós. Con esta última tuvo problemas debido a que fue presentada a los premios Oscar como representante española y se le acusó de compra de votos por Pedro Costa porque se habían enviado cartas anónimas donde se decía: «los mensajeros de José Luis Garci le anunciamos nuestra próxima visita, en la que recogeremos una vez más las papeletas y les desearemos personalmente un feliz año nuevo». Posteriormente se demostró la inocencia del director, pero el director se enfadó porque mandaron su rectificación tras los premios Goya y decidió abandonar la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España.3 En vano también intentó adaptar las obras La malquerida, San Juan y Hoy es fiesta, que no pudieron salir adelante por motivos económicos.16

En 1995 comenzó la emisión de su programa de cine ¡Qué grande es el cine! de TVE que comenzaba con la sintonía de Moon River de Henry Mancini,17 posteriormente se hacía una presentación de los invitados que había en el programa y, tras la emisión de la película, realizaba una tertulia con otros críticos sobre la película que se había emitido dicho día.18 También tuvo brevemente ¡Qué grande es el cine español! pero, debido a sus bajas audiencias duró poco tiempo.17 También realizó por estos años su trilogía literaria formada por Morir de cine, Beber de cine y Latir de cine.15

También comienza con la revista trimestral Nickel Odeon creada con el equipo de su programa de cine que llevaba haciendo desde que lo vio en Hollywood, pero el déficit económico que sufrió la revista hizo que desapareciese.19 En 2000 inicia su díptico sobre el ficticio pueblo asturiano de Cerralbos del Sella.15 Estas dos películas serían dos dramas intimistas,3 la primera sería You're the One (una historia de entonces) (rodada en blanco y negro) y la segunda, Historia de un beso.3 También intentó realizar una tercera parte titulada Al otro lado del río que no salió adelante.5

Sus últimos trabajos no consiguen la aceptación ni de la crítica. El primero es la película coral Tiovivo c. 1950,3 en donde quiso mostrar sus vivencias en el banco de la familia Fierro,4 . Le siguió la fallida adaptación de dos novelas cómicas de Miguel Mihura (Ninette y un señor de Murcia y Ninette, modas de París) titulada Ninette, sobre una joven y sexy parisina de Galerías Lafayette interpretada por Elsa Pataky18 3 . El siguiente filme fue Luz de domingo, un drama sobre la violación múltiple de una joven interpretada por Paula Echevarría como demostración de poder en donde muestra una crítica al caciquismo,18 que recuerda a un western,3 . La polémica producción Sangre de mayo,3 es una adaptación libre de los Episodios nacionales de Benito Pérez Galdós La corte de Carlos IV y El 19 de marzo y el 2 de mayo, filmada con financiación de la Comunidad de Madrid a petición de su presidente, Esperanza Aguirre, con motivo del segundo centenario del levantamiento del 2 de mayo.18

En 2009 Garci estrenó el programa Cine en blanco y negro de estructura similar a ¡Qué grande es el cine! en Telemadrid,20 aunque como sintonía usó la de la película El tercer hombre de Antón Karas,17 al igual que comenzó el programa Cowboys de medianoche junto a Luis Herrero y a Eduardo Torres-Dulce.5

Tras el desastre de la película no consiguió sacar adelante sus proyectos de El crack 3, Los últimos del Filipinas sobre el sitio de Baler,5 o las adaptaciones en 3D de La Regenta y Tigre Juan.21 Sin embargo sí conseguiría comenzar a rodar el 7 de noviembre de 2011 la película Holmes. Madrid Suite 1890 protagonizada por Gary Piquer y José Luis García Pérez. Esta sería su última película y pasaría a dedicarse a escribir libros.22 Tras esta última película anuncia su retirada del cine.

{Cita|«Nunca se puede decir pero no creo que vaya a hacer ninguna película más. No tenga la edad ni el vigor ni la fuerza de un chaval de 30 años. Es ley de vida»|José Luis Garci.23 }}

El 13 de octubre de 2012 se inicia en Telemadrid la emisión de Querer de Cine, una "continuación" de Cine en Blanco y Negro, esta vez con la emisión también de películas en color y que se mantiene pocas semanas en emisión.24

Ultimos años[editar]
Tras dar por finalizada su carrera cinematográfica, Garcia publicaen 2013 su libro Noir sobre cine negro.25

Vida privada[editar]
José Luis Garci mantuvo durante mucho tiempo una relación sentimental con Ana Rosa Quintana y,3 durante el rodaje de El abuelo, se enamoró de Cayetana Guillén Cuervo con la que comenzó a salir.26 En la actualidad está casado con la actriz argentina Andrea Tenuta, desde el 10 de junio de 2004.27

José Luis Garci también fue fumador, consumiendo una media de 15 cigarrillos diarios,14 aunque tenía fama de fumar más debido al gran uso que hacía del cigarro en su programa de cine, ha sido la última persona en fumar en directo en TVE; fue en ¡Qué grande es el cine!, en diciembre de 2005, y se emitió en abierto para todo el país a través del canal La 2.17 A nivel político no es seguidor de ningún partido y se declara independiente y dice que nunca ha servido para tener opiniones de grupo, de partido.28

Estilo[editar]
A la hora de escribir los guiones Garci lo hace a mano o, si le falta tiempo, los hace con una máquina de escribir de la marca Olympia.29 Los guiones los ha realizado siempre en colaboración, primero con José María González-Sinde, en sus tres primeras películas,30 y con Horacio Valcárcel, desde El crack hasta Sangre de mayo,29 a excepción de Volver a empezar que lo hizo con Ángel Llorente.31 A la hora de redactar el guion en colaboración, uno de los dos comenzaban a hacer la idea como quisiera realizarla y el otro después hacía los retoques a la historia y lo comentaba con el otro para llegar al resultado final.32

A la hora de elegir a los actores no realiza ningún casting y suele rodar como máximo durante seis horas al día destacando su preferencias por el plano y la secuencia.29 El profesor de la Universidad de Cantabria, Javier Ayesta, mostró que los personajes de sus películas son en su mayoría fumadores y que a los exfumadores los muestra como personas desgraciadas y con gran sufrimiento.33 En su filmografía se observa dos etapas, en la primera que va hasta Asignatura aprobada y la segunda desde Canción de cuna las primeras se caracterizan por ser casi documentales ejerciendo como un notario de los cambios sociales y políticos que habían en ese momento,34 mientras que en la segunda se muestra una mirada al pasado para poder comprender el presente actual es necesario irse al pasado y leer con objetividad a los pensadores del pasado.14

Valoración[editar]
En 1992 fue galardonado con el Premio Nacional de Cinematografía y en 1997 con la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes.29 También goza de 4 calles con su nombre en España.35 al igual que tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Madrid.36 El público valora su carrera cinematográfica de manera mixta.

Garci afirmó que nunca había hecho una buena película,37 ya que cuando se encuentra haciéndola no sabe cuál es el resultado final,38 y, al observarla tiempo después con detenimiento, observa los numerosos fallos que tiene.39 Para el director sus mejores obras son su cortometraje Alfonso Sánchez y el largometraje Volver a empezar.40 También afirma que la única parte de todas ellas que le gusta es la conversación entre el personaje que interpreta Antonio Ferrandis y el que incorpora José Bódalo, pero él afirma que no la puede ver porque se apena al haber fallecido ambos actores, ya que habían sido grandes amigos y compañeros en clases de interpretación.41

El filósofo Agapito Maestre realiza un minucioso estudio a una parte importante de la filmografía de José Luis Garci en el libro Del sentimiento. Notorious Ediciones. ISBN 978-84-15606-12-3

Filmografía[editar]
1977 — Asignatura pendiente.
1978 — Solos en la madrugada.
1979 — Las verdes praderas.
1981 — El crack.
1982 — Volver a empezar.
1983 — El crack II.
1984 — Sesión continua.
1987 — Asignatura aprobada.
1988 — Mnemos.
1994 — Canción de cuna.
1997 — La herida luminosa.
1998 — El abuelo.
2000 — You're the one (una historia de entonces).
2002 — Historia de un beso.
2004 — Tiovivo c. 1950.
2005 — Ninette.
2007 — Luz de domingo.
2008 — Sangre de mayo.
2012 — Holmes & Watson. Madrid Days.
Bibliografía[editar]
Ray Bradbury. Humanista del futuro. Helios Editorial. Madrid 1971. ISBN 9788473310161
1972 — El cine (Buru Lan Ediciones), colectiva.42
Miller, Frederic P.; Vandome, Agnes F.; McBrewster, John. Jose Luis Garci (en inglés). Betascript Publishing. ISBN 10: 6134101230 / 13: 9786134101233 |isbn= incorrecto (ayuda).
Gutiérrez, Marisa (junio de 2010). Garci. Entrevistas. Notorious Ediciones. p. 287. ISBN 9788493714895. «Entrevistas realizadas a José Luis Garci entre 1978 y 2010, además de una autoentrevista en forma de epílogo»
Morir de cine. Nickel Odeón. Madrid 1990. ISBN 8488370083
Beber de cine. Nickel Odeón. Madrid 1996. ISBN 848837013X
Latir de cine. Nickel Odeón. Madrid 1998. ISBN 8488370148
Querer de cine. Nickel Odeón. Madrid 2003. ISBN 8488370202
Premios y candidaturas[editar]
Premios Óscar
Año Categoría Película Resultado
1982 Mejor película extranjera Volver a empezar Ganadora
1984 Mejor película extranjera Sesión continua Nominada
1987 Mejor película extranjera Asignatura aprobada Nominada
1998 Mejor película extranjera El abuelo Nominada
Premios Goya
Año Categoría Película Resultado
1987 Mejor dirección Asignatura aprobada Ganador
1994 Mejor película Canción de cuna Nominada
Mejor dirección Nominado
Mejor guion adaptado Nominado
1998 Mejor película El abuelo Nominada
Mejor dirección Nominado
Mejor guion adaptado Nominado
2000 Mejor película You're the One (una historia de entonces) Nominada
Mejor dirección Nominado
Mejor guion original Nominado
2004 Mejor película Tiovivo c. 1950 Nominada
2005 Mejor guion adaptado Ninette Nominado
Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos
Año Categoría Película Resultado
1968 Labor literaria José de la Cueva Ganador
1975 Mejor cortometraje Mi Marilyn Ganador
1981 Mejor guion El crack Ganador
1994 Mejor película Canción de cuna Ganador
Mejor director Ganador
1998 Mejor película El abuelo Ganador
Mejor guion adaptado Ganador
2000 Mejor director You're the One (una historia de entonces) Ganador
2007 Mejor guion adaptado Luz de domingo Ganador
Otros premios
Junto a Antonio Mercero fue galardonado con un Premio Emmy por el mediometraje La cabina (1972).
Premio Nacional de Cinematografía (1992).
Antena de Oro-Cine (2003).
Estrella en el Paseo de la Fama de Madrid (2011).

Ha recibido 31 puntos

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PILAR MIRÓ

21. PILAR MIRÓ

Biografía[editar] Estudió Periodismo y Derecho, graduándose igualmente en la Escuela Oficial de Cine, donde también fue profesora. Trabajó en TVE desde 1960 como ayudante de redacción y como realizadora. En ocasiones se ha puesto de manifiesto que su labor como realizadora durante la segunda... Ver mas
Biografía[editar]
Estudió Periodismo y Derecho, graduándose igualmente en la Escuela Oficial de Cine, donde también fue profesora.

Trabajó en TVE desde 1960 como ayudante de redacción y como realizadora. En ocasiones se ha puesto de manifiesto que su labor como realizadora durante la segunda mitad de los años 1970, la convirtió en precursora de la introducción de valores democráticos y progresistas en sus trabajos para televisión, en especial en los episodios de los que fue responsable de las series Curro Jiménez y Los libros.1

De la pequeña pantalla saltó al mundo del cine escribiendo y dirigiendo varias películas.

En 1982 ocupó el cargo de Directora General de Cinematografía hasta 1985, cargo desde el que impulsó un cambio estructural de la creación cinematográfica española que, a cambio de un aumento de la calidad, tuvo una incidencia negativa sobre la cantidad de películas producidas. Desde dicha responsabilidad tuvo un papel decisivo en la recuperación de la categoría A de la FIAPF por parte del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, al que desvió buena parte de las subvenciones estatales dirigidas a otros festivales de cine españoles. En 1985 volvió a dedicarse al cine dirigiendo Werther. En 1986 vuelve a ocupar un cargo político dirigiendo el Ente de Radiotelevisión Española hasta 1989. Consigue inaugurar los míticos Estudios Buñuel en 1988. En su periodo se suprimieron programas muy populares como la La bola de cristal.

En 1982 tuvo que ser sometida a la implantación de dos válvulas en el corazón en dos operaciones a corazón abierto.

En 1995 y 1997 fue la realizadora televisiva de los enlaces de la infanta Elena y de la infanta Cristina. Falleció de infarto a los pocos días de esta última retransmisión. Dejó más de 200 producciones para el cine y televisión. Además, el mismo año de su fallecimiento dirigió la obra de teatro El anzuelo de Fenisa, de Lope de Vega.

Tuvo un hijo, Gonzalo, nacido en febrero de 1981.

Películas dirigidas[editar]
La petición (1976)
El crimen de Cuenca (1979)
Gary Cooper, que estás en los cielos (1980)
Hablamos esta noche (1982)
Werther (1986)
Beltenebros (1991)
El pájaro de la felicidad (1993)
El perro del hortelano (1996) (7 Premios Goya)
Tu nombre envenena mis sueños (1996)
Guiones[editar]
La niña de luto (1964) (colaboración)
El juego de la oca (1966) (colaboración)
La petición (1976)
El crimen de Cuenca (1979)
Beltenebros (1991)
Tu nombre envenena mis sueños (1996)
Televisión[editar]
Cuarto de estar (1963)
Revista para la mujer (1963)
Foro TV (1963)
Un tema para el debate (1965)
Tele-club (1965-1966)
Novela (1967-1977)
Estudio 1 (1968-1979)
Pequeño estudio (1968)
Ritmo 70 (1970)
Mónica a medianoche (1973)
Silencio, estrenamos (1974)
Cuentos y leyendas (1975)
Objetivo nosotros (1975)
Curro Jiménez (1977)
Los libros (1977)
Yo canto (1977)
Premios[editar]
Premio Revelación al mejor director concedido por el Círculo de Escritores Cinematográficos (1976).
Premio al mejor guion del Sindicato Nacional del Espectáculo (1976).
Premio al mejor director en el Festival de cine de Cartagena de Indias (1980).
Premio Goya: Mejor guion adaptado y Mejor dirección, por el El perro del hortelano (1996).
Premio a la mejor película por el El perro del hortelano en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata de 1996.
Estrella en el Paseo de la Fama de Madrid (2011).
Candidaturas[editar]
Premio Goya: Mejor dirección y Mejor guion adaptado, por Beltenebros (1991)

Ha recibido 31 puntos

Vótalo:

ANA DIOSDADO

22. ANA DIOSDADO

Biografía[editar] Nace en Buenos Aires el 21 de mayo de 1938. Ahijada de la actriz Margarita Xirgu e hija del actor y director Enrique Diosdado. Tras el divorcio de sus padres y posterior fallecimiento de su madre, Isabel Gisbert, Enrique Diosdado contrajo matrimonio con la también actriz... Ver mas
Biografía[editar]
Nace en Buenos Aires el 21 de mayo de 1938. Ahijada de la actriz Margarita Xirgu e hija del actor y director Enrique Diosdado. Tras el divorcio de sus padres y posterior fallecimiento de su madre, Isabel Gisbert, Enrique Diosdado contrajo matrimonio con la también actriz Amelia de la Torre.

Con tan sólo cinco años actuó por primera vez sobre las tablas en la obra Mariana Pineda, junto a su madrina Margarita Xirgu. En 1950 llegó a España y estudió en el Liceo Francés. Continuó trabajando en la compañía de su padre, actuando, por ejemplo en la obra Así que pasen cinco años de Federico García Lorca.

Inició estudios de Filosofía y Letras en la Universidad Complutense de Madrid, pero los abandónó antes de obtener la licenciatura. A los veinticuatro años fue finalista del premio Planeta con la novela En cualquier lugar, no importa cuándo. En 1965 publicó su primera novela, y en 1969 estrenó una adaptación de una comedia de Peter Ustinov, A mitad de camino. Seis años más tarde estrena su primera pieza de teatro original, Olvida los tambores (1970), que fue su mayor éxito en los escenarios; ganó con ella los premios Mayte y Foro Teatral y fue llevada al cine en 1975 por Rafael Gil. En este año inició su relación sentimental con el actor Carlos Larrañaga.

Empieza a escribir guiones de televisión; su primera incursión en el género es Yo, la juez; en 1972 escribe el guion y protagoniza, junto a Jaime Blanch, la serie Juan y Manuela en Televisión española. Seguirían, en ese mismo medio, Anillos de oro (1983), junto a Imanol Arias, que se convierte en una de las series de mayor éxito en la historia de la televisión en España y Segunda enseñanza (1986). Ambas fueron dirigidas por Pedro Masó. También cultiva el guion de radio, con obras como La imagen del espejo (1976).

Con El Okapi, estrenada en 1972, expone un problema generacional concentrándose en una residencia de ancianos. En 1973 estrena el drama Usted también podrá disfrutar de ella, ácida visión de la sociedad de consumo. También es un éxito el drama histórico Los comuneros (1974), donde la rebelión de Padilla, Bravo y Maldonado es vista a través de los ojos de Carlos V en tres momentos distintos de su vida, niñez, mocedad y vejez. Posteriores son Y de Cachemira, chales, 1976 y Cuplé (1986).

A partir de ese momento, se centra en su carrera de escritora y dramaturga, destacando entre sus grandes éxitos, la novela, adaptada luego a obra de teatro Los ochenta son nuestros, estrenada en 1988. Luego ha representado Camino de plata, (1988) interpretada por ella misma y Carlos Larrañaga, Cristal de Bohemia (1994) y La última aventura (1999).

Ha realizado adaptaciones como la ya mencionada de Peter Ustinov, o Knack (1973), La gata sobre el tejado de cinc caliente de Tenessee Williams (1979), Casa de muñecas de Henrik Ibsen (1983) y La importancia de llamarse Wilde (1993)

Además, ha trabajado como columnista en los periódicos Diario 16 y ABC.

Estuvo casada con el actor Carlos Larrañaga de 1979 a 1999. Contrajeron matrimonio en Londres en la primavera de 1979. Posteriormente se volvieron a casar en Toledo el 6 de noviembre de 1987.

Obras[editar]
Teatro[editar]
Olvida los tambores. 1970.
El okapi. 1972.
Usted también podrá disfrutar de ella. 1973.
Los comuneros (Si hubiese buen señor). 1974.
Y de Cachemira chales. 1976.
Cuplé. 1986.
Los ochenta son nuestros. 1988.
Camino de plata. 1988.
321, 322. 1991.
Cristal de Bohemia. 1994.
Decíamos ayer. 1997.
La última aventura. 1999.
Adaptaciones teatrales[editar]
A mitad de camino de Peter Ustinov. 1970.
Knack de Ann Jellicoe. 1973.
Casa de muñecas de Henrik Ibsen. 1983.
La gata sobre el tejado de zinc de Tennessee Williams. 1979.
La importancia de llamarse Wilde. 1993.
Guiones de TV[editar]
Juan y Manuela. 1974.
Anillos de Oro. 1983.
Segunda Enseñanza. 1986.
Guiones de Radio[editar]
La imagen del espejo 1976.
Novela[editar]
En cualquier lugar, no importa cuando. 1965.
Campanas que aturden. 1969.
Los ochenta son nuestros. 1986.
Igual que aquel príncipe. 1994.
Premios[editar]
TP de Oro (1983) por Anillos de Oro.
Fotogramas de Plata (1983) a la Mejor intérprete de TV por Anillos de Oro.
Premio Mar del Plata
Premio Mayte (1971), por Olvida los tambores
Premio Max (2013). Premio de Honor
Medalla de Oro de Valladolid
Fastenrath de la Real Academia Española.

Ha recibido 31 puntos

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GERARDO HERRERO

23. GERARDO HERRERO

Biografía[editar] Licenciado en Derecho por la Universidad Complutense de Madrid. Fundó, junto con Javier López Blanco, la productora Tornasol Films en 1987, desde entonces ha financiado varios documentales para TVE además de 50 largometrajes de ficción. Su primera obra producida fue La boca... Ver mas
Biografía[editar]
Licenciado en Derecho por la Universidad Complutense de Madrid. Fundó, junto con Javier López Blanco, la productora Tornasol Films en 1987, desde entonces ha financiado varios documentales para TVE además de 50 largometrajes de ficción.

Su primera obra producida fue La boca del lobo de Francisco J. Lombardi. El primer éxito de crítica y pública lo obtuvo con Guantanamera 1995, de Tomás Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabío, una comedia rodada en Cuba sobre una familia que debe recorrer toda la isla para enterrar en su ciudad natal a su recién difunta tía. Su debut como director fue Malena es un nombre de tango (1996), basada en una novela de Almudena Grandes. En 1997 rodó Territorio comanche, una cruda historia de tres corresponsales de guerra en Sarajevo que arriesgan sus vidas entre los horrores del conflicto de Bosnia, basada en la novela homónima de Arturo Pérez-Reverte. También basada en una novela, esta vez La conquista del aire de Belén Gopegui, dirigió en 2000 el film Las razones de mis amigos.

En Mayo de 2014 empieza el rodaje de "La playa de los ahogados", película basada en el best seller homónimo de Domingo Villar . El casting se compone de Carmelo Gómez , Antonio Garrido , Carlos Blanco y Marta Larralde , entre otros.

Herrero aboga por la colaboración cinematográfica entre España e Iberoamérica, como escribió en 2001: «Los cineastas del entorno hispanohablante debiéramos pensar que no sólo realizamos películas para nuestro país de origen. Dado que tenemos la suerte de hablar una lengua común, hemos de diseñar proyectos que se puedan elaborar en colaboración, de forma que puedan sobrepasar las fronteras nacionales».

Fruto de esta colaboración son obras como Martín (Hache) (1997), de Adolfo Aristarain; El coronel no tiene quien le escriba (1999), de Arturo Ripstein; Plata quemada (2000), de Marcelo Piñeyro; El hijo de la novia (2001), de Juan José Campanella. Con capital hispano-argentino Herrero ha dirigido Frontera sur (1998), El lugar donde estuvo el paraíso (2001), basada en la novela del mismo nombre del chileno Carlos Franz, o Lugares comunes (2002) de Adolfo Aristarain.

Entre 1993 y 1994 presidió la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España; es miembro fundador de la Escuela de Cine de la Comunidad de Madrid y promotor del Programa Ibermedia, un fondo para el desarrollo de la industria audiovisual iberoamericana. Entre 1997 y 1999, fue presidente de la Federación de Asociación de Productores Audiovisuales Españoles y hasta el año 2001, secretario general de la Federación Iberoamericana de Productores Cinematográficos y Audiovisuales.

Se posiciona claramente a favor de la Ley de Economía Sostenible, uno de cuyos apartados particulares es conocido como «Ley Sinde», expresando su opinión al periódico ABC sobre que los internautas opinen sobre la libertad en Internet y debatan la Ley Sinde: «Álex ha perdido la cabeza con el Twitter. Le ha venido un síndrome de Estocolmo con los internautas. Es como si el Ministerio de Sanidad negociara con los traficantes de cocaína cómo se hace una ley y si la coca debe ser de mejor calidad y se habla del tema con la gente que tiene problemas con ella».1

Filmografía[editar]
Como director[editar]
1987 • Al acecho
1994 • Desvío al paraíso
1995 • Malena es un nombre de tango
1997 • Territorio comanche
1998 • Frontera Sur
1999 • América mía
2000 • Las razones de mis amigos
2001 • El lugar donde estuvo el paraíso
2003 • El misterio Galíndez
2004 • El principio de Arquímedes
2004 • Ni locas, ni terroristas
2005 • Heroína
2005 • Los aires difíciles
2007 • Una mujer invisible
2008 • Que parezca un accidente
2009 • El corredor nocturno
2012 • Silencio en la nieve
2013 • Lejos del mundo
2013 • Crimen con vista al mar
2014 • La playa de los ahogados (en rodaje)
Como productor[editar]
1987 • Rumbo norte, de Jose Miguel Ganga
1987 • Mientras haya luz, de Felipe Vega
1988 • La boca del lobo, de Francisco J. Lombardi
1990 • Caídos del cielo, de Francisco J. Lombardi
1992 • Un paraguas para tres, de Felipe Vega
1992 • Le journal de Lady M, de Alain Tanner
1994 • Desvío al paraíso, de Gerardo Herrero
1994 • Guantanamera, de Tomás Gutiérrez Alea
1995 • Malena es un nombre de tango, de Gerardo Herrero
1996 • Éxtasis, de Mariano Barroso
1996 • Bajo la piel, de Francisco J. Lombardi
1997 • Cosas que dejé en La Habana, de Manuel Gutiérrez Aragón
1997 • Martín (Hache), de Adolfo Aristarain
1997 • Mensaka, de Salvador García Ruiz
1998 • El pianista, de Mario Gas
1999 • El corazón del guerrero, de Daniel Monzón
2000 • Nueces para el amor, de Alberto Lecchi
2000 • El otro barrio, de Salvador García Ruiz
2000 • Lista de espera, de Juan Carlos Tabío
2000 • Las razones de mis amigos, de Gerardo Herrero
2000 • Sé quién eres, de Patricia Ferreira
2000 • Krámpack, de Cesc Gay
2000 • Tinta roja, de Francisco J. Lombardi
2000 • Kasbah, de Mariano Barroso
2000 • Le harem de Mme Osmane, de Nadir Moknèche
2001 • El hijo de la novia, de Juan José Campanella
2001 • Sin vergüenza, de Joaquín Oristrell
2001 • Hombres felices, de Roberto Santiago
2001 • L'amore imperfetto, de Giovanni Davide Maderna
2002 • Lugares comunes, de Adolfo Aristarain
2002 • El último tren, de Diego Arsuaga
2002 • Rosa la china, de Valeria Sarmiento
2002 • Aunque estés lejos, de Juan Carlos Tabío
2003 • La vida mancha, de Enrique Urbizu
2003 • El misterio Galíndez/The Galindez File, de Gerardo Herrero
2003 • En la ciudad, de Cesc Gay
2004 • Luna de Avellaneda, de Juan José Campanella
2004 • La vida que te espera, de Manuel Gutiérrez Aragón
2004 • Nubes de verano, de Felipe Vega
2004 • Machuca, de Andrés Wood
2004 • Seres queridos, de Dominic Harari
2004 • Inconscientes, de Joaquín Oristrell
2004 • Perder es cuestión de método, de Sergio Cabrera
2005 • El penalti más largo del mundo, de Roberto Santiago
2005 • Hormigas en la boca, de Mariano Barroso
2005 • Heroína, de Gerardo Herrero
2005 • Los aires difíciles, de Gerardo Herrero
2006 • Días azules, de Miguel Santesmases
2008 • Los crímenes de Oxford, de Álex de la Iglesia
2009 • El secreto de sus ojos, de Juan José Campanella
2009 • Las viudas de los jueves, de Marcelo Piñeyro
2012 • Todos tenemos un plan, de Ana Piterbarg


Predecesor:
Fernando Rey 35px
Presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España
1994 – 1994 Sucesor:
José Luis Borau

Ha recibido 30 puntos

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CARLOS IGLESIAS

24. CARLOS IGLESIAS

Biografía[editar] Sus padres emigraron de Quintanar de la Orden (Toledo) hasta Suiza, donde Carlos vivió hasta los 13 años. A dicha edad se trasladó a Madrid y Alicante. Se convirtió en actor tras sustituir a un compañero enfermo en un grupo de teatro independiente, por lo que acabó estudiando... Ver mas
Biografía[editar]
Sus padres emigraron de Quintanar de la Orden (Toledo) hasta Suiza, donde Carlos vivió hasta los 13 años. A dicha edad se trasladó a Madrid y Alicante. Se convirtió en actor tras sustituir a un compañero enfermo en un grupo de teatro independiente, por lo que acabó estudiando en la Real Academia de Arte Dramático (RESAD). Aunque se dio a conocer en Esta noche cruzamos el Mississippi (Telecinco), donde interpretaba a Pepelu, el papel que le ha reportado más fama fue el de Benito, el introductor del gotelé en este país en Manos a la obra (Antena 3), serie que llegó a cosechar datos de audiencia superiores a los 6 millones de espectadores. Es, además, director de la exitosa película Un Franco, 14 pesetas (2006)1 , donde relata la historia de unos emigrantes españoles en Suiza; y de Ispansi (Españoles) (2011)2 , que narra el envío de miles de niños a la Unión Soviética al comienzo de la Guerra Civil Española. Actualmente Carlos Iglesias está trabajando en la película "2 Francos, 40 Pesetas", una comedia con la que cerrará su trilogía sobre la vida de los emigrantes fuera de España 3 .

Filmografía[editar]
2 francos, 40 pesetas (2014)
La venta del paraíso (2012)
Los Muertos no se tocan,Nene (2011).
Ispansi (Españoles) (2011).
Un Franco, 14 pesetas (2006).
Sinfín (2005).
Torrente 3 (2005).
Ninette (2005).
El caballero Don Quijote (2002).
Siempre felices4 (1991)
Dragón-Rapide (1986).
El caso Almería (1984).
Heart-Attack.
El bolso.
Malasaña.
Televisión[editar]
B&B, de Boca en Boca (Cesar) . (2014-¿?)
Las chicas de oro, vecino de Adelfas. (2010)
Manolo y Benito Corporeision (adaptación de Manos a la obra). (2006/07)
El club de la comedia, varias participaciones. (2004)
Los 80, Así éramos, personaje capitular. (2004)
Cuéntame cómo pasó, dir. Sergio Cabrera. (2004)
Haz el humor y no la guerra, dedicado a Miguel Gila. (2003)
Pares y Nines, obra de Estudio 1. TVE. (2003)
Paraíso, dir. Jesús Rodríguez (capitular). (2003)
7 vidas, personaje capitular. (2002)
Manos a la Obra (Benito). (1998/2001)
Blasco Ibáñez, de Luis García Berlanga. (1996)
Éste es mi barrio, de Vicente Escrivá. Antena 3. (1996)
Esta noche cruzamos el Mississippi (Pepelu). Tele 5. (1995)
Estamos todos locos, de Pepe Navarro. Antena 3. (1994)
El sexólogo, de Mariano Ozores. TVE. (1994)
Todo va bien, de Pepe Navarro. Antena 3. (1993/94)
¡Vivir vivir, qué bonito!, de Pepe Navarro. Antena 3. (1992/93)
La forja de un rebelde, de Mario Camus. (1990)
Los mundos de Yupi. (1987)
Goya, de José Ramón Larraz. (1985)
Fragmentos de interior, de Francisco Abad.
Teatro[editar]
Arte (1998)
Las galas del difunto, de Valle Inclán. Dir. Francisco Muñoz. (1992)
Ella, de Jean Genet. Dir. Ángel Facio. (1990/91)
El castillo de Lindabrindis. Dir. Juan Pastor. (1989)
El público, de Federico García Lorca. Dir. Lluis Pascual. (1987)
La muerte alegre, de Nicolás Evreinov. Dir. Heine Mix Toro. (1986)
Calidoscopios y faros de hoy, de S. Belbel. Dir. J. J. Granda. (1986)
Pablo Iglesias, de Lauro Olmo. Dir. Luis Balaguer. (1983)
Los cuernos de Don Friolera, de Valle-Inclán. Dir. J. J. Granda. (1983)
Sueño de libertad, Compañía Le Miroir Magic de Bruselas. (1983)
El retablo de Maese Pedro, de Manuel de Falla. Dir. Rafael P. Sierra. (1982)
Arlequín, servidor de dos amos, de Goldoni. Dir. Angel Gutiérrez. (1982)
Polinka, de Antón Chéjov. Dir. Ángel Gutiérrez. (1982)
Justo antes de la guerra con los esquimales, de J. D. Salinger. (1982)
Prometeo (previsor) mal te sienta ese nombre. (1979)
Tirant lo Blanc, Companyia de Teatre d'Alacant.
Premios[editar]
Premio al mejor actor de reparto en ADIRCE (Asamblea de Directores Cinematográficos Españoles).
Nominado al mejor actor revelación en la XVIII edición de los Premios Goya (2003).
Referencias

Ha recibido 29 puntos

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DAVID TRUEBA

25. DAVID TRUEBA

Biografía[editar] Es el hermano menor de una familia madrileña con ocho hijos, entre ellos el ganador del Óscar Fernando Trueba. No ingresó en el colegio hasta los siete años debido al afán de su madre por retenerlo. Desde pequeño adquirió el hábito de escribir con la máquina Lettera 35 que... Ver mas
Biografía[editar]
Es el hermano menor de una familia madrileña con ocho hijos, entre ellos el ganador del Óscar Fernando Trueba. No ingresó en el colegio hasta los siete años debido al afán de su madre por retenerlo. Desde pequeño adquirió el hábito de escribir con la máquina Lettera 35 que vendía su padre en su trabajo de venta ambulante.

De vocación periodista ingresó en la facultad de Ciencias de la Información rama de Periodismo en la Universidad Complutense de Madrid. Mientras cursaba sus estudios trabajó en cortometrajes y escribió la película Amo tu cama rica que dirigió Emilio Martínez Lázaro. Al terminar sus estudios completó su formación en Estados Unidos, donde realizó un curso de guion en el American Film Institute, en la que le impartió clase Leonardo Bercovici, y quien le corrigió el primer borrador de su guion Los peores años de nuestra vida, donde se auto-retrató como un joven enamoradizo, romántico, adverso a la idea de estabilidad laboral...

Antes de su viaje a Estados Unidos en 1992, en España ejerció diversos trabajos: letrista para Rosa León, también escribió la letra de la canción de Andrés Calamaro para su película Bienvenido a casa que fue nominada al Goya a la Mejor Canción Original en 2006; periodista para El País y El Mundo; guionista de programa televisivo en Sopa de gansos y Querido Rafael (sobre la figura de Rafael Alberti). Volvería a trabajar en televisión entre 1993 y 1994 como co-director del programa El peor programa de la semana.

Emilio Martínez Lázaro le contrató en 1991 para hacer el guion de Amo tu cama rica. Su buen entendimiento profesional se tradujo en la filmación del posterior guion de David, Los peores años de nuestra vida, a su vuelta de los Estados Unidos.

En 1996 se produjo su salto a la dirección con La buena vida, inspirada en la obra de François Truffaut, Louis Malle y J. D. Salinger. En ella, Trueba rememoró la adolescencia como una etapa vital dolorosa, solitaria, de la que sólo se podría escapar gracias al influjo del amor. Tras una larga búsqueda en los institutos madrileños seleccionó a Fernando Ramallo por su mirada melancólica. Ese mismo año ganó el Premio al Mejor Videoclip al dirigir a Albert Pla en su versión del clásico de Lou Reed Walk on the Wild retitulado El lao más bestia de la vida. Con el mismo cantante rodaría el espectáculo teatral Albert Pla supone Fonollosa.

Al año siguiente la Academia le recompensó con una doble candidatura a los Premios Goya al mejor director novel y al mejor guion original.

Su siguiente largometraje, Obra maestra (2000), se demoró cuatro años y en él narró las vicisitudes de un director de cine aficionado que secuestra a una actriz de éxito para convertirla en la protagonista de su propio film.

Dos años más tarde abordó su proyecto más ambicioso, Soldados de Salamina, adaptación cinematográfica de la novela homónima de Javier Cercas, Soldados de Salamina, una ficción sobre un periodista que investiga los hechos en el fusilamiento de Sánchez Mazas, así como una disertación sobre la relatividad de la heroicidad. El largometraje es seleccionado por la Academia para representar a España en los Oscar, pero no obtuvo la candidatura, aunque el documental Balseros, donde David Trueba fue coproductor y co-guionista con Carlos Bosch, sí lo consiguió. Su trabajo de guionista para otros directores ha continuado con ciertos paréntesis, aunque ha colaborado en películas de Álex de la Iglesia, Tony Gatliff o su hermano Fernando Trueba como Two Much o La niña de tus ojos, cuyo guion escribió junto a Rafael Azcona.

En 2004 aceptó el cargo de vice-presidente de la Academia de Cine Española que dejó tras tres años en la institución.

En 2005 rodó su cuarta película, Bienvenido a casa, sobre una joven pareja (formada por Alejo Sauras y Pilar López de Ayala), que empieza su vida personal -nacimiento de un hijo incluido- como profesional. La cinta se presenta al Festival de Málaga, en el que David es galardonado con el premio al mejor realizador.

En 2006 dirige junto al polifacético Luis Alegre la película conversación La silla de Fernando en la que se da a conocer un Fernando Fernán Gómez brillante e inteligente. La película obtuvo el aplauso unánime de la crítica.

En 2010 dirigió ¿Qué fue de Jorge Sanz?, miniserie de seis capítulos producida por Canal+, creada por Jorge Sanz y él mismo, y de la que también es responsable del guion. Se trata de una ficción en clave de comedia basada en parte en hechos reales, en el que el actor Jorge Sanz se interpreta a sí mismo en un momento de declive profesional, problemas económicos y desorientación personal.

Ha publicado tres novelas en la editorial Anagrama, Abierto toda la noche de 1995, Cuatro amigos de 1999 y Saber perder de 2008 y desde hace años escribe cada domingo una columna en la revista Dominical que se entrega con casi una veintena de diarios españoles, entre ellos El Periódico de Catalunya. Durante 2010 escribe una columna diaria en el periódico El País. Algunas de sus columnas periodísticas están recogidas en los libros Artículos de ocasión y Tragarse la lengua.

Recibió el Premio Nacional de la Crítica de 2008 por su novela Saber perder. Sus novelas han sido traducidas a más de quince idiomas, incluido el inglés, alemán, griego, checo, portugués, italiano, holandés y francés. En 2010 Saber perder ha sido elegida finalista del prestigioso Premio Médicis a raíz de su publicación en Francia en la editorial Flammarion.1

Filmografía[editar]
Guionista[editar]
Amo tu cama rica (1991), junto con Martín Casariego y Emilio Martínez Lázaro.
Los peores años de nuestra vida (1994).
Perdita Durango (1997).
La niña de tus ojos (1998).
Balseros (2003).
Director y guionista[editar]
La buena vida (1996).
Obra maestra (2000).
Soldados de Salamina (2002).
Bienvenido a casa (2006).
La silla de Fernando (2006).
¿Qué fue de Jorge Sanz? TV (2010).
Madrid, 1987 (2011).
Vivir es fácil con los ojos cerrados (2013).
Actor[editar]
¡Hay motivo!, de varios directores (2004)
El elefante del rey, de Víctor García León (2003)
Más pena que gloria, de Víctor García León (2001)
Adiós con el corazón, de José Luis García Sánchez (2000)
Airbag, de Juanma Bajo Ulloa (1997)
Suspiros de España y Portugal, de José Luis García Sánchez (1995)
Los peores años de nuestra vida, de Emilio Martínez Lázaro (1994)
Amo tu cama rica, de Emilio Martínez Lázaro (1992)
Evilio, de Santiago Segura (1992)
Obra escrita[editar]
Novelas[editar]
Abierto toda la noche (1995).
Cuatro amigos (1999).
Saber perder (2008).
Vivir es fácil con los ojos cerrados (2013).
Otros[editar]
2003 - Diálogos de Salamina: un paseo por el cine y la literatura (con Javier Cercas; Luis Alegre, ed.; David Airob, fot.)
2013 - Érase una vez, antología de artículos, Debate.
Premios[editar]
Premios Goya.
Goya al Mejor guion original2 , Mejor dirección y Mejor película (2014).
Candidato al Mejor Guion Adaptado y Mejor realizador (2002).
Candidato al Mejor guion original (1998).
Candidato al Mejor guion original y Mejor realizador novel (1996).
Candidato al Mejor guion original (1994).
Premios Feroz.
Premio a la mejor dirección (2014).
Premio al mejor guión (2014).
Festival de Málaga.
Mejor director.
Premios Literarios.
Premio Nacional de la Crítica por la novela Saber perder.

Ha recibido 29 puntos

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ALEJANDRO AMÉNABAR

26. ALEJANDRO AMÉNABAR

Biografía[editar] Infancia y juventud[editar] Alejandro Amenábar nació en Santiago de Chile, manteniendo actualmente la doble nacionalidad española y chilena. Su madre es Josefina Cantos, una española nacida en Madrid, que había viajado a Chile donde vivía una hermana. Allí contrajo matrimonio... Ver mas
Biografía[editar]
Infancia y juventud[editar]
Alejandro Amenábar nació en Santiago de Chile, manteniendo actualmente la doble nacionalidad española y chilena. Su madre es Josefina Cantos, una española nacida en Madrid, que había viajado a Chile donde vivía una hermana. Allí contrajo matrimonio con su padre, Hugo Ricardo Amenábar, de nacionalidad chilena y trabajador de la empresa General Electric. El matrimonio tuvo dos hijos, ambos nacidos en Chile, el mayor, Ricardo, nacido en 1969 y Alejandro en 1972. Un año después del nacimiento de Alejandro, ante el crispado ambiente político de Chile, la familia decide trasladarse a España. En agosto de 1973, solo unas semanas antes del golpe de Estado de Pinochet se instalan en Madrid, donde su padre comienza a trabajar en la empresa OSRAM.2 A su llegada se instalaron provisionalmente en una caravana en un cámping, pero fijaron su residencia definitiva en una tranquila urbanización en las afueras de la localidad de Paracuellos del Jarama.

Estudios[editar]
Alejandro comenzó sus estudios en el colegio de los Padres Escolapios de Getafe. En segundo de bachillerato trasladó sus estudios al Instituto Alameda de Osuna, en la zona noreste de Madrid.

Sus padres siempre pusieron un especial celo en la educación de sus hijos, tanto en la elección del centro donde estudiaban, como en el tiempo libre, ni Alejandro ni su hermano fueron grandes consumidores de televisión, ni tampoco veían cine en pantalla grande, al que acudió a partir de los quince años de edad. Su afición era escribir relatos y leer historias juveniles. Según su madre, Alejandro tenía la capacidad de absorber todo lo que leía.

Antes de su ingreso en la facultad, trabajó como reponedor en un almacén y como jardinero hasta que pudo comprarse una cámara de vídeo doméstico. No concebía iniciar sus estudios universitarios de imagen sin haber tocado antes una cámara.

En 1990 tras concluir sus estudios en el instituto con buenos resultados, accede a la Facultad de Ciencias de la Información en la Universidad Complutense de Madrid, donde no llegó a terminar sus estudios, considerando Amenábar que son unos estudios excesivamente teóricos y muy despegados de la realidad profesional.3

Lo positivo de su paso por la universidad fue el encuentro con personas cercanas del mundo cinematográfico como Mateo Gil, amigo y compañero con el que colaboraría en varios de sus proyectos.3

Carrera cinematográfica[editar]
Entre 1991 y 1995 realizó 4 cortometrajes que de un modo muy significativo influirán en sus primeros largos. La cabeza (corto), Himenóptero (corto) y Luna tienen sus hermanos mayores en Tesis, Mar adentro y Abre los ojos.

De su faceta como compositor se puede decir que desde pequeño compuso melodías con el teclado y la guitarra con la misma fluidez que al escribir historias. Aprende música de un modo autodidacta para poder musicalizar sus cortometrajes. En 1993 trabajó estrechamente con Guillermo Fernández Groizard y realizó la música y premezclas de "Al lado del Atlas", cortometraje de alumnos de Metrópolis c.e., de hecho parece ser que regaló su primera composición para el tema principal de Tesis al mencionado cortometraje.

El hecho de conocer a José Luis Cuerda fue un momento decisivo en su biografía. Un compañero de José Luis Cuerda le entregó el corto de Himenóptero, para que éste le diera su opinión. A partir de entonces, Cuerda se interesa por el guion de la futura película Tesis (1996), y se convirtió en productor de ésta y de las dos siguientes. "Tesis" es un thriller ambientado en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid. Consiguió llamar la atención de la crítica en el Festival de Cine de Berlín y obtuvo 7 Goyas, incluidos el de Mejor Película y Mejor Director Novel.

En 1997 realizó Abre los ojos, una película de ciencia ficción e intriga psicológica que se hizo con un notable éxito de crítica en festivales internacionales como los de Berlín o Tokio. Impresionado por la película, Tom Cruise adquirió los derechos de adaptación y produjo y protagonizó un remake, Vanilla Sky.

Su tercer largometraje fue Los otros, protagonizado por Nicole Kidman. Consiguió un gran éxito de crítica y público a nivel internacional, especialmente en España, donde fue la película más vista del año, y también en los Estados Unidos, donde se mantuvo durante varias semanas entre las más vistas. Se estrenó en la sección oficial del Festival de Venecia de 2001, consiguió ocho premios Goya, incluidos el de Mejor Película y Mejor Director, y fue candidata al Premio de la Academia de Cine Europeo a la mejor película.

En 2004 presentó Mar adentro, un relato de la vida real del tetrapléjico Ramón Sampedro (interpretado por Javier Bardem), donde abordaba temas como la eutanasia, el aborto o "el derecho a una vida digna". La película ganó 14 goyas, incluidos el de mejor película y mejor director, y el Óscar a la mejor película de habla no inglesa en 2004.

En 2008 preparó su siguiente película, inicialmente titulada Mists of Time y que finalmente se llamó Ágora. Tiene por estrellas protagonistas, entre otros, a Rachel Weisz y a Max Minghella y se estrenó el 9 de octubre de 2009. Con un presupuesto de 50 millones de euros es la película española más cara de la historia.

Amenábar es también el compositor de la banda sonora de sus películas, así como de otras como La lengua de las mariposas dirigida por Jose Luis Cuerda y Nadie conoce a nadie dirigida por Mateo Gil.

Vida privada[editar]
Amenábar ha sido siempre muy discreto y celoso de su intimidad. En 2004, cuando se estrenaba Mar adentro, se produjo su salida del armario. Los diarios y publicaciones españoles se hicieron eco de ello; el director, a propósito de su aparición en las portadas de las revistas gais Zero y Shangay, declaró en una entrevista:

«Yo no quiero que nadie entre en mi intimidad. Pero ni puedo ni quiero negarme a una entrevista en cualquier revista y tampoco quiero negarme a dar la cara por los gais, creo que contribuye a normalizar la situación y además no quiero entrar en el juego ambiguo del sí pero no. Es tan fácil como decir que eres gay y ya está».2

Valoración[editar]
Aunque es un autor de gran popularidad, Amenábar no ha escapado de las críticas más duras. El crítico Jordi Costa lo considera el epítome de un modelo cinematográfico basado en el simulacro del talento, la competencia técnica y la asfixia de lo dionisíaco.4 5 6

Influencias[editar]
El cine de Alejandro Amenábar muestra la influencia de diversas fuentes literarias y cinematográficas, como el propio autor ha reconocido en alguna ocasión. Ha declarado su admiración por los grandes cineastas que han cultivado más y mejor géneros como el thriller, el suspense, la intriga o la ciencia-ficción, entre otros, admira a Alfred Hitchcock, Fritz Lang, Jacques Tourneur, Stanley Kubrick o Roman Polanski.

La inspiración de su largometraje Los otros se puede rastrear con facilidad en Otra vuelta de tuerca, el relato de Henry James;7
De Tesis, thriller con el que debutó, se ha dicho que tiene un claro antecedente en El fotógrafo del pánico del director británico Michael Powell;8
En Abre los ojos se reflejan elementos argumentales y narrativos de Plan diabólico, de John Frankenheimer, o de la obra maestra de Orson Welles, Ciudadano Kane, así como de la novela de Philip K. Dick, Ubik, escrita 30 años antes [cita requerida].
Filmografía[editar]
Como director y guionista[editar]
1991 - La cabeza (cortometraje)
1992 - La extraña obsesión del Doctor Morbius (cortometraje)
1992 - Himenóptero (cortometraje)
1994 - Luna (cortometraje)
1996 - Tesis
1997 - Abre los ojos
2001 - Los otros
2004 - Mar adentro
2009 - Ágora
Como productor[editar]
2004 - Mar adentro
2010 - El mal ajeno
Como compositor[editar]
1991 - La extraña obsesión del Doctor Morbius (cortometraje)
1992 - Himenóptero (cortometraje)
1994 - Luna (cortometraje)
1996 - Tesis
1997 - Abre los ojos
1999 - La lengua de las mariposas
1999 - Nadie conoce a nadie
2001 - Los otros
2004 - Mar adentro
Como actor[editar]
1991 - La cabeza (cortometraje)
1992 - La extraña obsesión del Doctor Morbius (cortometraje)
1992 - Himenóptero (cortometraje)
1994 - Luna (cortometraje)
1997 - Abre los ojos (cameo)
2009 - Spanish Movie (cameo)
Premios[editar]
Premios Óscar
Año Categoría Película Resultado
2005 Mejor película de habla no inglesa Mar adentro Ganador
Premios Globo de Oro
Año Categoría Película Resultado
2005 Mejor película en lengua no inglesa Mar adentro Ganador
Premios BAFTA
Año Categoría Película Resultado
2001 Mejor guion original Los otros Nominado
Premios Goya
Año Categoría Película Resultado
2009 Mejor director Ágora Candidata
2009 Mejor guion original Ágora Ganador
2004 Mejor película Mar adentro Ganador
2004 Mejor director Mar adentro Ganador
2004 Mejor guion original Mar adentro Ganador
2004 Mejor música original Mar adentro Ganador
2001 Mejor director Los otros Ganador
2001 Mejor guion original Los otros Ganador
2001 Mejor música original Los otros Candidato
1999 Mejor música original La lengua de las mariposas Candidato
1998 Mejor director Abre los ojos Candidato
1998 Mejor guion original Abre los ojos Candidato
1996 Mejor director novel Tesis Ganador
1996 Mejor guion original Tesis Ganador
Premios del Cine Europeo
Categoría Película Resultado
Mejor película europea Nominada
Mejor director europeo Mar adentro Ganador
Premios Independent Spirit
Año Categoría Resultado
2004 Mejor película extranjera Ganador
Otros premios
En 2011 recibe una Estrella en el Paseo de la Fama de Madrid.
En 1994 su tercer corto Luna recibe el Premio Luis García Berlanga al mejor guion y premio a la mejor banda sonora de la AICA.
En 1992 Himenóptero consigue el Premio al mejor corto en los festivales cinematográficos de Elche y Carabanchel.
En 1991 recibe el Premio de la Asociación Independiente de Cineastas Amateurs (AICA) por su primer cortometraje La cabeza.
Colaboradores habituales[editar]
Tesis Abre los Ojos Los otros Mar adentro Ágora
Actores
Joserra Cadiñanos ✘ ✘
Fele Martínez ✘ ✘
Eduardo Noriega ✘ ✘
Walter Prieto ✘ ✘
Guionistas
Mateo Gil ✘ ✘ ✘ ✘
Productores
José Luis Cuerda ✘ ✘ ✘
Fernando Bovaira ✘ ✘ ✘
Directores de fotografía
Hans Burman ✘ ✘
Javier Aguirresarobe ✘ ✘
Montadores
María Elena Sáinz de Rozas ✘ ✘
Nacho Ruiz Capillas ✘ ✘

Ha recibido 28 puntos

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VICENTE ARANDA

27. VICENTE ARANDA

Vicente Aranda Ezquerra (Barcelona; 9 de noviembre de 1926) es un director de cine español. Está ligado a la llamada Escuela de Barcelona, cuya refinada estética es una novedad en el cine español. Fata Morgana (1966) es una de sus obras más representativas y encuadradas en esta corriente... Ver mas
Vicente Aranda Ezquerra (Barcelona; 9 de noviembre de 1926) es un director de cine español.

Está ligado a la llamada Escuela de Barcelona, cuya refinada estética es una novedad en el cine español. Fata Morgana (1966) es una de sus obras más representativas y encuadradas en esta corriente.

Abordó después géneros más comerciales, cine fantástico y cine erótico: Las crueles (1969), La novia ensangrentada (1972), Clara es el precio (1974).

Después, con más rigor, trató la transexualidad en Cambio de sexo (1977). Llevó a la pantalla, con talento, La muchacha de las bragas de oro (1980), adaptación de la obra de Juan Marsé (incursión de un escritor franquista en su pasado), Asesinato en el Comité Central (1982) basada en la novela de Manuel Vázquez Montalbán, película policíaca irónicamente teñida de política, y Fanny Pelopaja (1983), retrato sin concesiones de una joven de suburbio y de un policía corrompido.

En 1996, Libertarias, sobre un grupo de mujeres anarquistas en plena revolución española, reúne uno de los mayores repartos del cine español. En el 2001 llevó a la fama a Pilar López de Ayala en el papel principal de Juana La Loca (Premio Goya a la mejor interpretación femenina protagonista). En 2003 dirigió Carmen, película protagonizada por Paz Vega y basada en Carmen, la novela de Prosper Mérimée.

Insistiendo en el drama de raíz histórica, Aranda abordó posteriormente una adaptación de la narración medieval Tirante el Blanco.

Filmografía[editar]


Vicente Aranda en 2011.
Brillante porvenir (1964) (codirigida con Román Gubern)
Fata Morgana (1965)
Las crueles (1969)
La novia ensangrentada (1972)
Clara es el precio (1974)
Cambio de sexo (1977)
La muchacha de las bragas de oro (1979)
Asesinato en el Comité Central (1982)
Fanny Pelopaja (1984)
Tiempo de silencio (1986)
El Lute: camina o revienta (1987)
El Lute II: mañana seré libre (1988)
Si te dicen que caí (1989)
Amantes (1991)
El amante bilingüe (1992)
Intruso (1993)
La pasión turca (1994)
Libertarias (1996)
La mirada del otro (1998)
Celos (1999)
Juana la Loca (2001)
Carmen (2003)
Tirante el Blanco (2006)
Canciones de amor en Lolita's Club (2007)
Luna caliente (2010)
Premios[editar]
Goya a la Mejor dirección por Amantes (1992)

Ha recibido 28 puntos

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JOSÉ MARÍA FORQUÉ

28. JOSÉ MARÍA FORQUÉ

Biografía[editar] De joven se traslada a Madrid, donde estudió Arquitectura. Allí sus inquietudes teatrales en el ámbito universitario le conducirán a interesarse por el cine tras su colaboración con Pedro Lazaga en María Morena en 1951. Su primera película como director y guionista fue Niebla... Ver mas
Biografía[editar]
De joven se traslada a Madrid, donde estudió Arquitectura. Allí sus inquietudes teatrales en el ámbito universitario le conducirán a interesarse por el cine tras su colaboración con Pedro Lazaga en María Morena en 1951. Su primera película como director y guionista fue Niebla y sol del mismo año. En 1955 codirige con José Antonio Nieves Conde La legión del silencio, que supuso una de las más importantes contribuciones españolas al clima ideológico de la "guerra fría".

Incide en este asunto, ya en solitario, con Embajadores en el infierno (1956). Esta película, basada en una novela de Torcuato Luca de Tena, trataba de las vivencias de un grupo de soldados españoles de la División Azul en su reclusión en un campo de concentración soviético. Fue este su primer gran éxito, al que siguió, en 1957, una de sus obras cumbres, Amanecer en Puerta Oscura, que fue galardonada con el Oso de Plata del Festival Internacional de Cine de Berlín y contó con un guion del dramaturgo Alfonso Sastre.

Esta película exploraba el bandolerismo andaluz del siglo XIX. Comienza planteando el tema de la colonización y la lucha de clases de la Andalucía minera de esta época, salpicado por nociones propias de los años cincuenta del siglo XX, como el del "compromiso". Pero el desarrollo de estas premisas hubiera sido inviable en el cine de la España de 1957, por lo que se produce un deslizamiento hacia las pasiones humanas y su tema se canaliza como el clásico género de las películas de bandoleros. El final, que entronca con el tema del bandido generoso, arranca al filme sus momentos más dramáticos, desembocando en una actualización de la parábola del "buen ladrón", dejando atrás el inicial aliento de rebeldes sociales que caracterizaba su plan inicial.

Siguió colaborando con Alfonso Sastre en los guiones de Un hecho violento y La noche y el alba durante 1958. Esta última, protagonizada por Paco Rabal, abordaba el delicado tema de la reconciliación nacional por la que abogaba entonces el clandestino Partido Comunista. La película fue injustamente ignorada y su fracaso contribuyó a que José María Forqué fuera refugiándose en un tipo de cine más comercial y ajustado a los cánones de los géneros tradicionales. De este modo, buscó la colaboración como guionista de Alfonso Paso para el filme policíaco De espaldas a la puerta (1959).

En 1960 rueda una excelente adaptación de la obra teatral de Miguel Mihura Maribel y la extraña familia, con Silvia Pinal y Adolfo Marsillach como protagonistas. Sigue con las adaptaciones, en este caso de Alfonso Paso, con la comedia Usted puede ser un asesino (1961) y La becerrada, producida en 1962 por Pedro Masó. Este sería el guionista de su siguiente película, quizá su mejor comedia, Atraco a las tres, del mismo año. En esta obra se parodia la fórmula del atraco perfecto, al modo del film de Jules Dassin de 1955 Rififí. Un gran reparto, integrado por Cassen, José Luis López Vázquez, Alfredo Landa, Gracita Morales y Manuel Alexandre brilla en esta comedia comandado por la mano maestra de Forqué.

Parecidas fórmulas utiliza en títulos como Vacaciones para Ivette o Casi un caballero (ambas de 1964). Tampoco faltan incursiones en el género policíaco como Zarabanda bing bing (1966), el musical, con Tengo 17 años (1964), protagonizada por Rocío Dúrcal o Dame un poco de amor (1968), con el grupo Los Bravos; o el erótico, con filmes como El monumento (1970) y La cera virgen (1971). Este tipo de cine "alimenticio" jalona su filmografía, con títulos como Madrid, costa Fleming (1975) o ¡Qué verde era mi duque! (1979).

En 1967 había fundado su propia productora, Orfeo Films, que le permite realizar un número considerable de películas. Tras algunas coproducciones internacionales más ambiciosas, en los años 80 se prodiga en series para televisión, entre las que destacan las de El español y los siete pecados capitales (1980), Ramón y Cajal (1982), El jardín de Venus (1983), Miguel Servet, la sangre y la ceniza (1989) y Romanza final (Gayarre) (1986).

Nexus 2431 (1993), un filme de ciencia-ficción, cierra su trayectoria, que planeaba culminar con una cinta sobre Raquel Meller, proyecto abortado por su fallecimiento en Madrid a la edad de 72 años.

En 1996 EGEDA creó el Premio Cinematográfico José María Forqué. El premio se otorga a la mejor producción española del año anterior por sus valores técnicos y artísticos, mediante votación secreta ante notario de todos los productores españoles socios.

Filmografía[editar]
María Morena (1951)
Niebla y sol (1951)
El diablo toca la flauta (1954)
Un día perdido (1954)
La legión del silencio (1956)
Embajadores en el infierno (1956)
Amanecer en puerta oscura (1957)
Un hecho violento (1958)
La noche y el alba (1958)
De espaldas a la puerta (1959)
091 Policía al habla (1960)
Maribel y la extraña familia (1960)
Usted puede ser un asesino (1961)
Atraco a las tres (1962)
El secreto de Mónica (1962)
Juego de la verdad, El. (1963)
Becerrada, La. (1963)
Accidente 703 o Los culpables(1964)
Vacaciones para Ivette. (1964)
Muerte viaja demasiado, La. (1964)
Tengo 17 años. (1964)
Casi un caballero. (1964)
Yo he visto a la muerte. (1965)
Viudas, Las. (1966)
Millón en la basura, Un. (1967)
Diablo bajo la almohada, Un. (1967)
Las que tienen que servir. (1967)
¡Dame un poco de amooor...!. (1968)
Vil seducción, La. (1968)
Pecados conyugales. (1968)
Estudio amueblado 2.P.. (1969)
Monumento, El. (1970)
Cera virgen, La. (1972)
No es nada, mamá, sólo un juego. (1974)
Una pareja... distinta (1974)
¡Qué verde era mi duque!. (1980)
Ramón y Cajal. (1982)
Romanza final (Gayarre). (1986)
Nexus 2431. (1993)
Premios[editar]
Premio Nacional de Cinematografía (1994)
Premio Goya de honor (1994)
Dirige en 1957 la película: Amanecer en puerta oscura, premiada en el Festival Internacional de Cine de Berlín Oso de Plata - Premio Extraordinario del Jurado.

Ha recibido 28 puntos

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ANA BELÉN

29. ANA BELÉN

Biografía[editar] Inicios de su carrera[editar] Ana Belén se crió en el seno de una familia humilde en la calle del Oso, junto a la glorieta de Embajadores del barrio de Lavapiés (Madrid, España). Es la mayor de tres hermanos; ella, Julio y Eugenia. Su padre era cocinero en el Hotel Palace y... Ver mas
Biografía[editar]
Inicios de su carrera[editar]
Ana Belén se crió en el seno de una familia humilde en la calle del Oso, junto a la glorieta de Embajadores del barrio de Lavapiés (Madrid, España). Es la mayor de tres hermanos; ella, Julio y Eugenia. Su padre era cocinero en el Hotel Palace y su madre, Pilar Acosta, portera de la finca en la que residían.2 Pasaba los veranos de su niñez en Cabezuela (Segovia), donde ejercía su abuela paterna, Matilde Bravo, de maestra en la escuela del pueblo. Estudió en el colegio de las Damas Apostólicas; allí tuvo su primera salida a escena para actuar en un cuento que se titulaba El enanito saltarín. Desde muy pequeña sintió una vocación artística y por ello, al mismo tiempo que estudiaba solfeo y piano con el maestro Estebarena, que vivía en su misma calle, comenzó a inscribirse en concursos radiofónicos infantiles, algunos como Gran Vía o Conozca usted a sus vecinos, en los que cantaba temas de moda como La novia, La flor de la canela, Nena, de Sara Montiel, o Tómbola, de Marisol. Participó en un concurso de Radio España a los diez años que se llamaba Vale todo, dirigido por Bobby Deglané, en la Gran Vía madrileña; se inscribió en el apartado de música moderna e interpretó La novia. Ese año no ganó el concurso, pero sí al año siguiente, con el tema La flor de la canela, famosa canción de la cantautora peruana Chabuca Granda, que interpretaba por entonces con una gran repercusión María Dolores Pradera. Estuvo en otros concursos con Juan de Toro, en Radio Madrid, donde cantó cuatro temas acompañada del maestro Aguayo (El ritmo de la lluvia, Cúlpale a la bossa nova, La novia y La flor de la canela).

En 1964 ya era conocida en las emisoras de radio como una nueva niña prodigio, con el nombre de Mari Pili Cuesta, al estilo de Rocío Dúrcal o Marisol, a quien Ana Belén admiraba mucho. A los 13 años grabó sus primeras canciones, de las cuales la más promocionada fue Qué difícil es tener 18 años. Pronto empezó a trabajar de forma fija en Radio Madrid para cubrir un hueco que había dejado Rocío Dúrcal, hasta que la productora Época Films se interesó por ella y le firmó un contrato por cuatro años para rodar cuatro películas musicales infantiles.

Zampo y yo[editar]
Su primera intervención en el cine con Época Films, en conjunción con Benito Perojo, a los 13 años, fue en la película musical infantil Zampo y yo, donde trabajó con el actor Fernando Rey bajo la dirección de Luis Lucia Mingarro. Mari Pili interpretaba a una niña rica, hija de un empresario, que entabla una tierna amistad con un payaso de circo ambulante. En la película interpret varias canciones que se llegaron a grabar en un disco con la BSO (Banda Sonora Original), que incluía Esta noche, Un mundo mágico y Muy cerca de ti. Esta última fue grabada con posterioridad por Kaka de Luxe, grupo musical punk de la movida madrileña liderado por Olvido Gara. Los responsables de la música original de la película fueron Augusto Algueró y Adolfo Waitzman. La cinta, estrenada en 1965, no tuvo el éxito esperado, hecho que impidió la realización de las otras tres películas previstas en el contrato con Época Films. Fue esta productora la que le otorgó el nombre artístico de Ana Belén, después de pensar para ella otros muchos nombres como María José.

Inicios teatrales[editar]
A partir del fracaso de Zampo y yo, Ana Belén emprendió una carrera personal como actriz dramática de teatro de la mano de Miguel Narros, reconocido decorador y director teatral que se fijó en ella durante el rodaje de la película. Con él tuvo uno de los encuentros más influyentes de su carrera profesional. Comenzó a estudiar en el TEM (Teatro Estudio de Madrid), primero como oyente y después empezó a estudiar interpretación y en particular arte dramático.

Siendo una adolescente, interpretó su primera obra en 1966, a los quince años, en el Teatro Español, cuyo director era Narros. La obra representada fue El cerco de Numancia, de Miguel de Cervantes; después, El Rey Lear, Las mujeres sabias, El burlador de Sevilla, El condenado por desconfiado, El rufián castrucho, Don Juan Tenorio, Medida por medida y El sí de las niñas, hasta llegar finalmente a Los niños y Te espero ayer, en 1970. Participó como actriz secundaria en diversas piezas teatrales de autores como Shakespeare, Molière, Lope de Vega o José Zorrilla en distintos escenarios de Madrid, como los del Teatro La Latina o el Teatro María Guerrero. Con dichas obras comenzó a trabajar en la compañía del Teatro Español durante gran parte de su juventud, guiada por Berta Riaza y Julieta Serrano, las dos actrices a quienes su madre la había dejado a cargo, y conoció a actores muy respetados en el mundo del teatro y el cine de entonces como María Luisa Ponte y Agustín González, entre otros, con los que hizo sus primeras giras por España.

Paralelamente, su encuentro con Narros le permitió aprender y estudiar teatro de otros maestros como William Layton, quien dirigía el TEM junto a Narros. La hija de Ana Belén, Marina San José, ha empezado su carrera como actriz en el estudio de este director teatral.

En esa época, finales de los años sesenta, comienza a trabajar en Televisión Española con pequeñas apariciones en Estudio 1, en las que llegó a colaborar con profesionales de la cultura española como la cineasta Pilar Miró, con quien filmó La pequeña Dorrit. La primera de esas colaboraciones fue en 1967 con Ligazón, de Valle Inclán y, tras ella, rodó muchas y diversas piezas teatrales como Eleonora.

El inicio de su trayectoria cinematográfica[editar]
En 1970, el por entonces director novel Roberto Bodegas le propuso un papel en la película Españolas en París, en la que trabajaban Laura Valenzuela, Máximo Valverde y Tina Sainz. Sería su segunda película tras Zampo y yo.3

En 1971, vuelve al teatro, con la obra Sabor a miel, de Shelag Delaney, junto a Laly Soldevilla y Eusebio Poncela. Con esa obra realiza una gira por España en la que coincide con el cantautor asturiano Víctor Manuel, en Galicia, mientras este cantaba con Julio Iglesias. En aquel año realizó las películas Aunque la hormona se vista de seda, de Vicente Escrivá, junto a Manuel Summers y Morbo de Gonzalo Suárez, en la que también trabajaba Víctor Manuel. En esa película, por la que recibió una mención especial en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, iniciaron una relación sentimental y posteriormente se casaron, rodeados de polémicas, por el juzgado del Sr. Pardo el 13 de junio de 1972, en Gibraltar.4

En aquellos años continuó trabajando para Televisión Española con obras como Romeo y Julieta o Retablo de las mocedades del Cid, con la que consigue su primer Fotograma de Plata por votación de los lectores en la categoría Mejor Actriz Televisiva, en 1972.

Después de la película Al diablo con amor, de Gonzalo Suárez, en 1972 (también junto a Víctor Manuel, de la que sale un disco con la BSO que incluye Canción del oro, con letras de Gonzalo Suárez y música de Víctor Manuel), hizo películas de mayor repercusión como Separación matrimonial, de Angelino Fons y Vida conyugal sana, de Roberto Bodegas en 1973, con José Sacristán y Antonio Ferrandis, producida por José Luis Dibildos y escrita por José Luis Garci. La película fue muy transgresora en aquellos momentos, ya que fue de las primeras que abordó explícitamente el uso de la píldora anticonceptiva.

En 1974 rodó un cortometraje de Luis Eduardo Aute llamado A flor de piel; El amor del capitán Brando de Jaime de Armiñán, junto a Fernando Fernán Gómez, y Tormento de Pedro Olea, en la que pudo protagonizar una obra de Benito Pérez Galdós, con compañeros de reparto como Francisco Rabal, Rafael Alonso o Concha Velasco.

Tras esta etapa cinematográfica y junto a Víctor Manuel, alcanzó la fama y la popularidad entre el público español. Además, su carrera como actriz de cine y teatro se consolidaba, trabajando con algunos de los grandes cineastas españoles del momento y con compañeros de reparto muy veteranos que ocupaban un privilegiado lugar en el cine y teatro español.

Inicios discográficos - compromiso político[editar]
En 1973 retomó su carrera como cantante después de Zampo y yo, publicando discos de escasa repercusión como Tierra y Calle del Oso, con canciones mayoritariamente compuestas por Víctor Manuel, algunas de ellas con un claro contenido político y social. En esa época Víctor y Ana comenzaron a tomar posiciones políticas de forma pública hacia la izquierda política progresista española, y el franquismo fue en repetidas ocasiones bastante restrictivo con ellos, al igual que con muchos otros profesionales de la música como Joan Manuel Serrat, Lluís Llach o Luis Eduardo Aute, quienes utilizaron su música para protestar contra la situación de España en aquellos momentos. En este sentido, el mayor problema que tuvieron fue en 1974, cuando representaron juntos en México una obra de teatro llamada Ravos, dirigida por Miguel Narros, con la que les acusaron de quemar una bandera de España durante la representación, en un episodio poco claro que les obligó a permanecer seis meses de exilio en México. También sufrieron varios percances, como la explosión de dos bombas en el chalet que por entonces poseía la pareja en Torrelodones (Madrid).

En 1975 Ana Belén representó la obra de teatro clásica Antígona en el Teatro Reina Victoria de Madrid. Cinco días después del estreno se produjo la primera huelga de actores en reclamación a un día de descanso en los teatros, en la que participó activamente con otros compañeros de profesión como Concha Velasco o Juan Diego y durante la cual fueron detenidas entre otras Tina Sainz y Rocío Dúrcal. Un gran número de actores tomaron el sindicato y se encerraron allí. Víctor Manuel compuso una canción escrita para los actores en la época de la huelga: Cómicos. Al terminar la huelga, la pareja entró a formar parte del Partido Comunista de España, y militaron en él de forma clandestina durante varios años. Pasados los años, tras su salida del Partido Comunista, Ana Belén y Víctor Manuel han continuado comprometiéndose políticamente, pero no han vuelto a pertenecer a ningún colectivo político.

En 1975 publica un nuevo LP llamado De paso, incluyendo canciones de Luis Eduardo Aute, Pablo Milanés y Teddy Bautista, entre otros, así como poemas de Fanny Rubio, Nicolás Guillén o Rafael Alberti. Este disco tuvo una mayor repercusión que los anteriores, y fue el primer álbum que alcanzó un cierto éxito, sobre todo por la canción que da título al disco, escrita por Luis Eduardo Aute y que fue su primer gran single. Ese mismo año rueda Jo, papá de Jaime de Armiñán, rodada en Albarracín y ambientada en la Guerra Civil Española, junto a los actores Antonio Ferrandis, Amparo Soler Leal, Fernando Fernán Gómez y Josep María Flotats, entre otros.

El 13 de noviembre de 1976 Ana Belén es madre de su primer hijo, David San José, y continuó con su carrera cinematográfica, participando en varias películas: La petición de Pilar Miró junto a Carmen Maura y Emilio Gutiérrez Caba, Emilia parada y fonda de Angelino Fons y El buscón de Luciano Berriatúa.

En 1977 rueda La oscura historia de la prima Montse de Jordi Cadena, basada en una obra de Juan Marsé, La criatura de Eloy de la Iglesia, una cinta extraña junto a Juan Diego y Luis Ciges y Sonámbulos de Manuel Gutiérrez Aragón junto a Lola Gaos.

En 1978 rueda Jaque a la dama de Francisco Rodríguez junto a Concha Velasco y al año siguiente Cuentos eróticos de Emma Cohen.

En 1979 se compromete con algunos compañeros de profesión en la creación del TEC (Teatro Estable Castellano) y participa en el primer montaje de este: Tío Vania de Chéjov, dirigido por William Layton. Con esta obra recibe el Fotogramas de Plata por votación de los lectores a la mejor actriz teatral en reconocimiento como miembro del TEC.

Su relación con América Latina[editar]
Tras vivir seis meses de exilio en México, desde muy jóvenes Ana Belén y Víctor Manuel tuvieron contacto con los países de América Latina y han mantenido con todos ellos, Argentina, Uruguay, Perú, Paraguay, Colombia, Chile o Venezuela entre otros, una estrecha relación hasta la actualidad. Precisamente fue en la década de los setenta cuando comenzaron a realizar sus primeras giras musicales en el extranjero, por países como México o Cuba, donde conocieron a integrantes de la Nueva Trova Cubana como el cantautor Pablo Milanés y al poeta Nicolás Guillén, aunque se mostraron críticos con el gobierno cubano de Fidel Castro.

Desde entonces y hasta ahora, los discos de Ana Belén se publican siempre en dichos países y sus giras viajan por sus principales ciudades, ya sean en solitario, junto a Víctor Manuel o acompañada de otros artistas como Miguel Ríos o Joan Manuel Serrat. De hecho, América Latina sigue siendo la zona del extranjero donde Víctor y Ana gozan de una mayor fama y repercusión internacional, especialmente gracias a discos como Mucho más que dos, Mírame o El gusto es nuestro, que tuvieron una igual acogida de ventas que en España. Además, muchas de las canciones de Ana Belén y Víctor Manuel como La muralla (poema de Nicolás Guillén), Sólo le pido a Dios (de León Gieco), La Puerta de Alcalá, Derroche o Contamíname han obtenido muy buenas aceptaciones por parte del público latinoamericano.

La muralla[editar]
De dichas relaciones con Latinoamérica surgieron otros proyectos profesionales de carácter musical como la grabación de un disco doble, llamado La paloma del vuelo popular en 1976, con poemas de Nicolás Guillén musicalizados por Sergio Aschero, Víctor Manuel o Rosa León, entre otros. El disco incluía la canción La muralla, musicado con anterioridad por Quilapayún. En principio lo grabó Ana Belén en solitario, pero fue el primer éxito musical del repertorio en común de Ana Belén y Víctor Manuel, siendo así la primera canción que la pareja cantó en un concierto en directo. Esta canción se convirtió y sigue siendo uno de los más representativos de la carrera de Víctor y Ana, que alcanzó un éxito masivo tanto en España como en Latinoamérica.

Fortunata y Jacinta[editar]
En 1979 Ana Belén protagonizó junto a Maribel Martín, Manuel Alexandre, Paco Rabal, Mary Carrillo, Fernando Fernán Gómez, Charo López y María Luisa Ponte entre otros actores, la serie Fortunata y Jacinta, basada en la obra de Benito Pérez Galdós y dirigida por Mario Camus. La serie, emitida por Televisión Española, tuvo una importante repercusión tanto de crítica como de público. Se emitió con éxito en países como Francia, Italia, Países Bajos, República Checa, Argentina y en el resto de América Latina. Por su interpretación en esta serie de diez capítulos, Ana Belén recibió el Fotogramas de Plata a la mejor actriz de televisión por votación de los lectores. Actualmente sigue siendo con diferencia su mayor éxito televisivo, con el que también recibió el TP de Oro por votación de los lectores como mejor actriz televisiva.

Su consolidación como solista[editar]
Tras el éxito de La muralla, la pareja se empezó a fusionar y comenzaron a cantar juntos en directo por medio de giras que recorrían España y Latinoamérica. Uno de sus primeros espectáculos en común fue Víctor y Ana en vivo, que tras su paso por las fiestas de San Isidro, se grabó el concierto editado en un disco publicado en 1983, año en que nace su hija Marina San José.

Agapimú, primer éxito musical[editar]
En 1979 sale a la luz el álbum Ana. En este álbum hay menos canciones de contenido político y social (aunque siempre van a estar presentes en todos sus discos). El disco, por el que consiguió el Fotogramas de Plata a la mejor solista, incluía canciones como Desde mi libertad o Agapimú, adaptación de Luis Gómez Escolar de una canción griega que se convirtió en una de las canciones más representativas de su carrera en solitario.

Participó junto a Elsa Baeza y Miguel Bosé, entre otros, en la versión pop internacional de la Misa campesina nicaragüense, de Carlos Mejía Godoy. Interpretó Kyrie en solitario y Canto de despedida en grupo.5 6

El hombre del piano, versionando a Billy Joel[editar]
Véase también: Piano Man (canción)
En 1980 edita el disco Con las manos llenas, en el que se incluían las canciones Qué será de Chico Buarque y El hombre del piano, adaptación realizada por Víctor Manuel de una mítica canción del músico estadounidense Billy Joel. Esta canción es probablemente una de las más importantes de la carrera musical de Ana Belén.

Ana en Río[editar]
En 1982 viaja a Brasil donde graba el disco Ana en Río, con canciones de compositores brasileños entre los que destaca la canción Balance. En este disco contó con la colaboración de Chico Buarque y Raimundo Fagner, con el que graba el dúo Noche de máscaras.

Ese mismo año representa en los escenarios La hija del aire de Calderón de la Barca, dirigida por Lluís Pasqual, estrenada en el María Guerrero de Madrid.

Géminis, éxito masivo[editar]
Con el álbum Géminis en 1984 logra un punto de inflexión en su carrera como cantante en solitario, con canciones como La paloma, poema de Rafael Alberti, Sólo le pido a Dios de León Gieco o España, camisa blanca de mi esperanza de Víctor Manuel, la cual se convirtió en una de sus mejores canciones. El disco fue producido y arreglado por Geoff Westley, quien introdujo en él algunos elementos electrónicos pioneros en la música española como la batería lynn.

Desarrollo cinematográfico[editar]
En 1982 rueda Demonios en el jardín de Manuel Gutiérrez Aragón, una de sus películas más conocidas; intervienen también Ángela Molina, Encarna Paso e Imanol Arias.

La colmena[editar]
Con Mario Camus repitió en La colmena en 1982, de Camilo José Cela, compartiendo el plantel actoral con José Luis López Vázquez, Fernando Fernán Gómez, José Sacristán, Paco Rabal, Agustín González y Concha Velasco. Esta película logró el Oso de Plata en ese año durant el Festival Internacional de Cine de Berlín.

La corte de Faraón[editar]
En 1985 interviene en el cine en Sé infiel y no mires con quien de Fernando Trueba con Carmen Maura y Verónica Forqué, y en Dolores de José Luis García Sánchez, director con el que trabajó en repetidas ocasiones. En una de esas ocasiones se estrenó una de sus películas más populares: La corte de Faraón, de la cual salió un disco con la banda sonora, ya que la artista cantaba varias canciones durante la película, en la que trabajó con Fernando Fernán Gómez, Antonio Banderas y José Luis López Vázquez. Con esta película volvió a recibir una mención especial durante el Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

La casa de Bernarda Alba[editar]
Con Camus también rodó La casa de Bernarda Alba en 1987, basada en la obra de Federico García Lorca, que también interpretó en el teatro, en la que compartió reparto con actrices como Irene Gutiérrez Caba y Florinda Chico, entre otras.

Divinas palabras[editar]
Ese mismo año vuelve a repetir con José Luis García Sánchez, protagonizandade divinas como mili

Valle Inclán, junto a Imanol Arias, Aurora Bautista y Paco Rabal entre otros.

Primeras nominaciones a los Premios Goya[editar]
Con Fernando Colomo hizo Miss Caribe en 1988, película con la que obtuvo su primera nominación en la III edición de los Premios Goya de la academia del cine español como actriz protagonista. También rodó Rosa rosae años más tarde junto a la actriz María Barranco en 1992. Al año siguiente de estrenar Miss Caribe, volvió a estar nominada en la IV edición de los Premios Goya como actriz protagonista por El vuelo de la paloma de José Luis García Sánchez, en la cual trabajó con José Sacristán y Juan Luis Galiardo.

La Puerta de Alcalá y otros éxitos[editar]
A pesar de sus personales y diferenciadas carreras en solitario, Ana Belén y Víctor Manuel no dejaron de colaborar en espectáculos y discos en común. El ejemplo de ese éxito conjunto está en el año 1986, cuando sale a la luz el disco doble Para la ternura siempre hay tiempo con canciones nuevas como Niña de agua. En realidad se trataba de dos discos, uno de ellos Para la ternura de Ana Belén y el otro Siempre hay tiempo de Víctor Manuel con canciones como Nada sabe tan dulce como su boca o Cruzar los brazos pero en ambos discos aparecen canciones cantados a dúo. El disco incluía la canción La Puerta de Alcalá, composición del grupo Suburbano, la cual se convirtió en la canción más representativa de la pareja. Su conocido estribillo pertenece a la memoria colectiva de la España más reciente, siendo todo un himno popular. Con este álbum realizaron una gira por toda España y América Latina y vendieron más de 300.000 copias sólo en España.

Ana Belén además fue condecorada por el ministro de cultura francés Jack Lang con el galardón Caballero de la Orden de las Artes y Letras francesas en marzo de 1986.

Ese mismo año rueda Adiós pequeña de Imanol Uribe y también participa como cantante en la campaña de protesta contra el ingreso de España en la OTAN durante el entonces Gobierno del PSOE, presidido por Felipe González.

Ana Belén, tras el grandísimo éxito de La Puerta de Alcalá se convirtió en una personalidad muy relevante de la cultura española. En su siguiente disco de 1988, A la sombra de un león, contó con la colaboración del brasileño Djavan y con el que se convertiría en un colaborador habitual en sus proyectos discográficos: Joaquín Sabina.

En 1989 cambia de compañía de discos —pasando a BMG— y de arreglista, y graba con ellos Rosa de amor y fuego, arreglado por el italiano Roberto Costa, excepto la canción Lía, arreglado por José María Cano, integrante de Mecano, y Manel Santiesteban. En este disco evoluciona hacia una línea más comercial y vanguardista. La canción Lía se convierte en una de las canciones más características de su repertorio. También destaca la canción Arde París. El disco fue presentado en el Teatro Español por medio de un espectáculo, realizado durante diez días, dirigido por Miguel Narros, con diseño gráfico de Juan Gatti y vestuario de su diseñador por excelencia: Jesús del Pozo.

Altibajos comerciales. 1990-1992[editar]
Cómo ser mujer y no morir en el intento[editar]
Animada por José Luis García Sánchez, en 1991 Ana Belén debutó como directora de cine con la película Cómo ser mujer y no morir en el intento, basada en una novela de la escritora Carmen Rico Godoy en la que contó con el protagonismo de Carmen Maura y Antonio Resines. Por esta ópera prima fue nominada en la VI edición de los Premios Goya de la academia del cine español como directora novel. La película, a pesar de ser mal recibida por la crítica, gozó de un notable éxito de público y logró el Premio Ondas a la mejor dirección.

Como una novia[editar]
En 1991 graba Como una novia, con canciones de Gloria Varona, Pancho Varona y Antonio García de Diego, siendo este el primer disco en el que no se incluye ninguna canción compuesta o adaptada por su marido Víctor Manuel. El disco también fue producido por Pancho Varona y Antonio García de Diego.

La Gallarda, éxitos teatrales y colaboraciones[editar]
En 1992, coincidiendo con la inauguración de la exposición universal de Sevilla, Ana Belén estrena en el teatro Central de la ciudad La gallarda de Rafael Alberti, dirigida por su maestro en el teatro Miguel Narros, junto al actor José Sacristán y la soprano Montserrat Caballé.

Ese año vuelve a rodar con Mario Camus la película Después del sueño y además, ese mismo año interpreta El mercader de Venecia de Shakespeare, dirigida por José Carlos Plaza,7 con el que ya había interpretado con gran éxito Hamlet en 1989 junto a José Luis Gómez.

En 1992 también estrena la película El marido perfecto, una producción internacional en la que trabajó con Aitana Sánchez-Gijón.

En 1990 graba junto a la gran estrella del flamenco Camarón de la Isla la canción Amor de conuco, compuesta por Juan Luis Guerra.

Auge y ascenso internacional. 1993-1996[editar]
Veneno para el corazón, éxitos en solitario[editar]
En 1993 publica el álbum Veneno para el corazón, con sonidos de jazz, salsa, bolero, rumba, rock, reegae, pop.... En este disco, grabado parcialmente en Londres, se incluye un bloque de canciones compuestas por Cole Porter, grabadas con big-band y arregladas por Geoff Westley, así como canciones de nuevos cantautores como Pedro Guerra y Andrés Molina, y clásicos como el bolero La mentira de Álvaro Carrillo. Además de Geoff Westley, aparecen otros arreglistas como Pancho Varona y Antonio García de Diego, el guitarrista flamenco Gerardo Núñez y Roberto Costa. La edición en CD incluye además una segunda versión de la canción Derroche, con la colaboración de Juan Luis Guerra y los 4:40. Derroche es también uno de las canciones más características del repertorio en solitario de Ana Belén, compuesto por el cantautor dominicano Manuel Giménez.

Ese año estrena la película basada en la novela Tirano Banderas de Valle Inclán, dirigida de nuevo por José Luis García Sánchez con la compañía en el reparto de Juan Diego y Fernando Guillén entre otros. La película fue rodada en Cuba.

En este mismo año también colabora con Tate Montoya en su disco "Entre son y son" cantando a dúo con Tate unas sevillanas compuestas por él, "Y yo le dije".8

Mucho más que dos[editar]
En abril de 1994 junto a Víctor Manuel graba en Gijón uno de los acontecimientos más importantes de la música española; un concierto en directo con las colaboraciones de Joan Manuel Serrat, el actor Juan Echanove, Antonio Flores, Joaquín Sabina, Manolo Tena, Pablo Milanés y Miguel Ríos. El espectáculo se produjo durante dos días en el Palacio de los Deportes de la ciudad asturiana y dio lugar a un doble álbum y un DVD llamado Mucho más que dos. De este doble álbum se vendieron más de 600.000 copias sólo en España.

Durante el espectáculo se repasaron los grandes éxitos de Ana Belén y Víctor Manuel con canciones a dúo con los colaboradores. Desde Asturias a El hombre del piano, pasando por Derroche, Lía, El abuelo Víctor hasta llegar a La muralla y La Puerta de Alcalá.

Este concierto dio pie a una exitosa gira en España y en el extranjero, pasando por países como Chile y EUA. Con este espectáculo se produjo el primer hito de Víctor y Ana en cuanto a giras musicales.

En este espectáculo, dirigido y organizado por José Carlos Plaza -colaborador habitual de Ana Belén en sus espectáculos- se estrenaron dos canciones: la composición de Víctor Manuel Yo también nací en el 53 y Contamíname, un himno al mestizaje cultural, compuesto por el cantautor canario Pedro Guerra, que se convirtió en un grandísimo éxito de la pareja.

La pasión turca[editar]
En 1994 rueda La pasión turca, escrita y dirigida por Vicente Aranda, sobre la novela homónima del escritor andaluz Antonio Gala. La interpretación de Ana Belén en esta película fue valorada con varios galardones y con una nominación en la IX edición de los Premios Goya de la academia del cine español como actriz protagonista. Producida por Andrés Vicente Gómez, la película tuvo bastante éxito de público pero no muy buenas críticas, y Antonio Gala no estuvo conforme con la adaptación que Vicente Aranda hizo de su obra, algo que le dio también la categoría de una controvertida y polémica película que es hasta el momento la más famosa y conocida de Ana Belén, quien recibió el Fotogramas de Plata a la mejor actriz de cine por votación de los lectores, y la Rosa de Sant Jordi a la mejor intérprete del año.

La controversia de esta película también se vio influenciada por su explícito contenido erótico. Rodada fundamentalmente en Estambul, esta película cuenta la historia de una mujer que abandona toda su vida por la pasión sexual y amorosa que siente por un guía turístico turco interpretado por George Corraface. Junto a él también aparecen en el reparto Sílvia Munt, Ramón Madaula y Loles León, y destaca la música de José Nieto, ganador del Premio Goya por la banda sonora.

Éxitos cinematográficos[editar]
Ha sabido compatibilizar desde sus comienzos cine, música, teatro y televisión. En 1995 fue galardonada con la medalla de Oro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España en honor a su trayectoria como actriz de cine, donde llevaba más de treinta películas.

En 1996 rueda, de nuevo con Vicente Aranda, Libertarias, en la que compartió reparto con Victoria Abril. Ambientada durante la Guerra Civil Española, esta película -rodada gran parte en Aragón- fue un éxito de público y bien recibida por la crítica.

De forma casi consecutiva con Libertarias, Ana Belén rueda El amor perjudica seriamente la salud, dirigida por: Manuel Gómez Pereira; estaba acompañada de Gabino Diego, Juanjo Puigcorbé y Penélope Cruz. La película fue un éxito de público y crítica. La película recorre la peculiar relación de una pareja de enamorados que atraviesa la historia más reciente de nuestro país. Los cuatro actores interpretaron a los mismos personajes de jóvenes y adultos. Con esta película fue condecorada con el premio a la mejor actriz en el festival de cine de Peñíscola.

Ana Belén en el Teatro Romano de Mérida[editar]
En 1995 Ana Belén estrena en el marco del Teatro romano de Mérida la clásica opereta La bella Helena de Jacques Offenbach, adaptada por Molina Foix y dirigida por José Carlos Plaza; en ella cabe destacar la música de Mariano Díaz.

Con esta obra, Ana Belén recibió el Fotogramas de Plata a la mejor actriz teatral por votación de los lectores y con ella realizó una exitosa gira que pasa por ciudades como Sevilla, Valencia o Madrid, donde se representó durante varios días en el teatro Albéniz.

La artista volvería posteriormente al Teatro romano de Mérida con sus giras musicales y con la obra clásica griega Fedra en el año 2007.

El gusto es nuestro[editar]
En 1996 y 1997 realiza junto a Víctor Manuel, Miguel Ríos y Joan Manuel Serrat la exitosa gira El gusto es nuestro, que arrasa en toda España con más de 500.000 espectadores, y que llegó a Latinoamérica con un éxito rotundo que da lugar a un CD y un DVD, grabados en vivo en el concierto ofrecido en la plaza de toros de Las Ventas en Madrid, el 12 de septiembre de 1996.

Cuatro grandes nombres de la música española se unieron en un espectáculo -de nuevo dirigido por José Carlos Plaza-, en el que se mezclaron los repertorios de los cuatro artistas. Se cantaron sobre el escenario desde España, camisa blanca de mi esperanza al Himno a la alegría, pasando por Quiero abrazarte tanto y Paraules d´amor.

El gusto es nuestro fue premiada en los premios de la música en el año 1996 en la categoría de mejor gira del año.

Monográficos y éxitos en solitario. 1997-1999[editar]
Mírame[editar]
En 1997 publica su nuevo álbum Mírame, grabado en Londres. Un disco de duetos que se convierte en el trabajo discográfico más vendido de su carrera en solitario junto con Géminis. Con él realiza una gira por España y Latinoamérica que consiguió notables éxitos, llegando incluso a actuar en Miami, donde la condecoraron con un galardón al mejor espectáculo. En dicho álbum canta junto a muchas personas, entre las cuales destaca el actor malagueño Antonio Banderas, con el que interpreta el bolero No sé por qué te quiero, un éxito compuesto por Víctor Manuel que cantaría con posterioridad la cantante Pasión Vega y que nunca faltó desde entonces en los conciertos de Víctor y Ana. Entre el resto de duetos también sobresale el realizado junto a Chavela Vargas, cantando la canción amanecí en tus brazos. También canta junto a Ketama y Fito Páez entre otros. El disco fue producido de nuevo por Geoff Westley y también colaboraron en él Chico Buarque y el italiano Lucio Dalla entre muchos otros.

En 1997 también fue reconocida en Buenos Aires como solista femenina con el premio Carlos Gardel y el premio Cadena Dial, en homenaje a su trayectoria como cantante en solitario.

Ana Belén, mujer del año[editar]
Ese año recibe el premio de la revista de moda femenina Elle, otorgado a mujeres que destacan por su belleza, personalidad y elegancia.

Lorquiana, la revisión de un mito[editar]
1998 es el año del centenario del poeta Federico García Lorca y Ana quiso conmemorarlo publicando dos discos bajo el título de Lorquiana en los que se recogen los poemas y las canciones populares del poeta granadino versionadas por Ana Belén y su equipo musical propio en conjunción con Chano Domínguez y sus músicos. Canciones populares y poemas como los cuatro muleros recogidos en este doble disco con el que realiza una gira paseando por España un personalísimo espectáculo de recitales, a caballo entre el teatro y la música, dirigido por Lluís Pascual que se estrenó en el teatro Romea de Murcia. El doble álbum Lorquiana se encuentra dividido en dos volúmenes, uno de canciones populares y otro de poemas. Este último contenía grandes composiciones poéticas del granadino musicalizadas por diversos músicos como Joan Manuel Serrat, Fito Páez, Kiko Veneno, Pedro Guerra, Chano Domínguez, Ketama o el propio Víctor Manuel. Una de esas composiciones era el mítico Pequeño Vals Vienés, que versionó primero el célebre músico canadiense Leonard Cohen. Este álbum fue dirigido y arreglado por Michel Camilo. Lorquiana, trabajo por el que obtuvo una nominación a los Premios Amigo como mejor solista femenina, fue producido en su conjunto por Víctor Manuel, quien ya se había lanzado desde hace años al mundo de la producción musical y cinematográfica. Víctor Manuel ya había producido Mírame y a partir de ahí, muchas de sus producciones discográficas y de Ana Belén fueron producidas por él.

Petra Delicado y colaboraciones[editar]
Ese mismo año rueda para Tele 5 la serie policíaca Petra Delicado junto a Santiago Segura, una producción de Andrés Vicente Gómez dirigida por Julio Sánchez Valdés que no obtuvo el éxito esperado.

Tras este último proyecto televisivo, más tarde la cantante puso voz junto a su hijo David San José a la sintonía de la serie de Televisión Española Cuéntame cómo pasó, en el año 2001, por medio de la canción que lleva por título el mismo nombre, original de Fórmula V.

Ana Belén y Miguel Ríos cantan a Kurt Weill[editar]
En 1999 publica el disco Ana Belén y Miguel Ríos cantan a Kurt Weill, doble disco homenaje a Kurt Weill dirigido por Josep Pons, que cuenta con la colaboración de la Orquesta Ciudad de Granada y Lluis Vidal Trío. Los dos cantantes unieron sus voces en un espectáculo con el que recorrieron los principales auditorios de España. El disco se publicó en el centenario del nacimiento de Kurt Weill, autor de Mackie Navaja. En septiembre de 2005 Ana Belén y Miguel Ríos se unen de nuevo con Josep Pons y esta vez, con la Orquesta Nacional de España, y actúan en el Auditorio Nacional de Madrid.

Ese mismo año recopiló sus grandes éxitos, como Sólo le pido a Dios, La Puerta de Alcalá o A la sombra de un león, y los recogió en un disco editado en Argentina que lleva por título Ana Belén en Argentina. Por este trabajo recibió el premio Martín Fierro a la mejor cantante extranjera. Ana Belén ya había publicado hasta ese momento varios recopilatorios que repasaban sus más importantes éxitos como fueron los discos: Ana Belén, 20 éxitos en 1996 o 26 grandes canciones de amor y una nube blanca en 1989, entre otros.

Primeros años de la década del 2000[editar]
Peces de ciudad - nominación al Grammy Latino[editar]
En mayo de 2001 publica un disco de canciones inéditas titulado Peces de ciudad, con once canciones de autores como Joaquín Sabina, Carlos Varela, Víctor Manuel, Fito Páez y Franco De Vita, entre otros. El primer single fue la canción que da título al disco, de Joaquín Sabina, que se convirtió pronto en una de las canciones más representativas de la carrera musical de Ana Belén. El segundo single fue la canción Si me nombras y también alcanzó notables éxitos.

Con este álbum obtuvo un Doble Disco de Platino, fue nominada al Grammy Latino y al Premio Amigo en la categoría de mejor solista femenina.

Dos en la carretera[editar]
En 2001 realiza una nueva gira multitudinaria junto a Víctor Manuel, llamada Dos en la carretera, en la que se presentaron las canciones de sus discos en solitario Peces de ciudad y El hijo del ferroviario, además de repasar importantes éxitos como Asturias, El hombre del piano, Derroche o La Puerta de Alcalá. Con esta gira consiguen grandes éxitos en España y Latinoamérica.

Con una puesta en escena dirigida de nuevo por José Carlos Plaza, el 21 de septiembre de 2001 consiguen llenar la Plaza de Toros de Las Ventas en Madrid, en un concierto al que acudieron sobre el escenario Joaquín Sabina, Joan Manuel Serrat, Miguel Ríos, Fito Páez y Pedro Guerra e invitados del mundo de la cultura como Concha Velasco, Nacho Duato, Jesús del Pozo, Cecilia Roth y Antonio Resines, entre otros. Dicho concierto se graba en directo y se edita con posterioridad en un disco (CD+DVD) que alcanza grandes éxitos de ventas. En esta gira comienza a acompañarles en sus espectáculos el hijo de ambos: David San José, al teclado, junto a la banda habitual de músicos formada entre otros por Mariano Díaz, Andreas Prittwitz y Ángel Crespo.

Antigua vida mía[editar]
En 2001 estrena la película Antigua vida mía junto a Cecilia Roth, una coproducción de España y Argentina. Rodada en Buenos Aires y Guatemala, esta película de Héctor Olivera no recibió buenas críticas. En esta película, adaptación realizada por Ángeles González Sinde de una conocida novela de la escritora Marcela Serrano, interpretó a una famosa cantante de éxito que mantiene una dulce amistad con una mujer que sufre malos tratos por parte de su marido.

En la película Ana Belén canta El vals de Violeta, una canción compuesta por Jorge Drexler.

Teatro, cine y música. 2002- 2005[editar]
Después de regresar con proyectos nuevos como el disco Peces de ciudad y la gira Dos en la carretera, Ana Belén siguió trabajando en proyectos musicales y sobre todo interpretativos en el teatro, con distintas obras, y en el cine, con una película tras Antigua vida mía. Siguió recibiendo premios y homenajes, colaborando con otros artistas en la música y el compromiso político, sin dejar de hacer balance de sus años de trayectoria profesional con una biografía.

Defensa de dama[editar]
Su vuelta al teatro se produce en 2002, con la obra Defensa de dama, dirigida por José Luis Gómez y coprotagonizada por Antonio Valero y Juan José Otegui, en los papeles del marido y el padre del personaje de Ana Belén. Creada en base a testimonios reales de mujeres maltratadas, la obra fue escrita por Joaquín Hinojosa e Isabel Carmona, y tuvo un gran éxito de crítica y público, y se llevó a Estudio 1 con Amparo Larrañaga como protagonista femenina. La obra fue estrenada en el Teatro de La Abadía de Madrid, propiedad del director de la obra José Luis Gómez, y posteriormente inició una gira que recorrió diversas ciudades españolas, donde se representó con gran acogida. Con esta obra, Ana Belén consiguió la segunda posición a la mejor actriz teatral en los Premios Mayte de las artes escénicas.

En esta obra, Ana Belén interpretó el drama de una mujer que sufre malos tratos por parte de su marido y que vive angustiada y enquistada en el dolor que le produce recordar que fue violada por su propio padre cuando no era más que una adolescente.

Ana Belén. Biografía de un mito. Retrato de una generación[editar]
El 7 de noviembre de 2002 se publica su primera biografía autorizada, llamada Ana Belén. Biografía de un mito. Retrato de una generación, pensada, ideada y escrita por el periodista de El País Miguel Ángel Villena, que empezó a escribirla con la estrecha colaboración de la artista en 2001, bajo la editorial Plaza & Janés y con la intención de contar no solo la historia personal y profesional de Ana Belén, sino también la trayectoria social que ha vivido España en los últimos años, desde el punto de vista de su generación. La propia artista cedió fotografías personales inéditas en exclusiva para dicha biografía.

Ana Belén presentó el libro junto a su marido Víctor Manuel y el autor del mismo en el Círculo de Bellas Artes de Madrid ante los medios de comunicación, en un acto que contó con la asistencia de diversos invitados y amigos de la artista, como José Carlos Plaza, Gerardo Vera, Loles León, José Luis García Sánchez, el diseñador de moda Jesús del Pozo y la política y ex - ministra de cultura Carmen Alborch, entre muchos otros.

Viva L´Italia[editar]
En noviembre de 2003 edita un nuevo disco: Viva L'Italia, en el que rinde tributo a la música italiana con canciones de Domenico Modugno, Gino Paoli, Francesco de Gregori, Claudio Baglioni y Mina entre otros. También interpreta a dúo la canción Canción junto a Lucio Dalla. Las canciones fueron adaptadas al castellano por Víctor Manuel, la producción fue de nuevo realizada por Emanuele Rufinengo y el proceso de grabación se produjo en Milán, Roma y Madrid.

El álbum fue Disco de Oro en España, se rodaron varios videoclips con los singles y se editó una edición especial del disco que cosechó bastante éxito y con él, Ana Belén realizó una gira con Víctor Manuel a lo largo del año 2004 presentando el álbum, así como el disco El perro del garaje, de Víctor Manuel. Con dicha gira recorren España.

Colaboraciones, compromiso político y homenajes[editar]
En 2003 colabora en la plataforma cultural contra la Guerra de Irak con la ayuda de otros artistas como Juan Diego, Pedro Almodóvar, Jordi Dauder o Pilar Bardem, que salieron junto a miles de personas a la calle en protesta al apoyo del Gobierno de España a dicho conflicto. Su compromiso con ello pasó también por entrar junto a actores como Aitana Sánchez Guijón, Juan Echanove o María Barranco al Congreso de los Diputados con camisetas de protesta mientras el por entonces Presidente del Gobierno José María Aznar, uno de los líderes mundiales que apoyaron a George Bush en la Guerra de Irak, comparecía en el hemiciclo.

Ese año también colabora con el hijo del fallecido cantaor flamenco Juanito Valderrama en su disco La memoria del agua, en el que canta la canción Envidia, una canción a caballo entre la balada y el flamenco de la que se graba un videoclip con los dos cantantes.

En 2003 también graba en castellano e inglés la balada I only have eyes for you con el cantante británico Rod Stewart en su disco The great american song book volumen II, en el que también colaboraron las cantantes Queen Latifah y Cher con otros duetos con el artista.

El 18 de febrero de 2003 recibe un homenaje en el Instituto Cervantes de Toulouse por su carrera cinematográfica, al que acudió para realizar varias conferencias y coloquios. En el homenaje, durante una semana se proyectaron algunas de sus películas como La casa de Bernarda Alba, La corte de Faraón, La colmena, Demonios en el jardín y El amor perjudica seriamente la salud, o Cómo ser mujer y no morir en el intento; su única incursión en la dirección cinematográfica.

A mediados de 2003 graba en el disco homenaje a José Alfredo Jiménez "XXX Un Mundo Raro", la canción que da nombre al homenaje Un Mundo Raro

En junio de 2004 colabora y participa activamente en un concierto realizado en homenaje a los republicanos que sufrieron el impacto de las consecuencias de la Guerra Civil Española. El recital se celebró en la localidad de Rivas Vaciamadrid, llevando como nombre Recuperando memoria. De ese concierto se editó un disco (CD+DVD). En él recitó el poema del fallecido Pedro Garfias Madrid y bajo la metralla y cantó junto a su marido Víctor Manuel y el cantautor canario Pedro Guerra la canción Contamíname. En dicho concierto también participaron la actriz Pilar Bardem, el cantante Miguel Ríos, la escritora Almudena Grandes y su marido Luis García Montero, el cantante Paco Ibáñez, los actores Juan Diego y José Sacristán y los cantautores Luis Eduardo Aute y Lluís Llach, entre otros.

Ese mismo año colabora en un disco homenaje a Pablo Neruda producido por su marido Víctor Manuel: Neruda en el corazón, en el que también colaboran Julieta Venegas, Enrique Morente, Soledad Giménez, Joan Manuel Serrat, Miguel Bosé y Pablo Milanés. Ana Belén canta Tonada de Manuel Rodríguez, la cual interpretó en la Teletón de Santiago de Chile, por medio de una emotiva actuación retransmitida a toda Latinoamérica. Precisamente es allí donde este proyecto les reporta más triunfos profesionales y particularmente en Santiago de Chile. Todos los artistas que colaboraron en el disco realizaron un exitoso concierto en el Palau Sant Jordi.

Fue uno de los integrantes de la "Plataforma para el Apoyo de Zapatero", apoyando la candidatura socialista de José Luis Rodríguez Zapatero para la presidencia del Gobierno, una plataforma en la que participaron actores, deportistas, cantantes y españoles destacados, entre los que se puede citar a Concha Velasco, Fran Perea, Álvaro de Luna, Joan Manuel Serrat y David Meca, entre otros.

Cosas que hacen que la vida valga la pena[editar]
En 2004 estrena la película Cosas que hacen que la vida valga la pena de Manuel Gómez Pereira, escrita por Joaquín Oristrell y Yolanda García Serrano, que le reporta muchos triunfos profesionales. Ganó el premio a la mejor actriz en el Festival de Montecarlo y el Premio Turia a la mejor intérprete femenina cinematográfica del año, y además fue nominada en la XIX edición de los Premios Goya de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España como actriz protagonista, a los premios de la Unión de Actores y a los Fotogramas de Plata como actriz de cine protagonista.

En esa película, ganadora del Premio del Público en el Festival de Cine Español de Málaga, compartió protagonismo con Eduard Fernández y en ella interpretan a Hortensia y Jorge, dos personas desencantadas de la vida que se enamoran y deciden iniciar una nueva vida en común. En el reparto también figuran María Pujalte y José Sacristán y la banda sonora de la película incluye canciones originales cantadas por Joan Manuel Serrat, Joaquín Sabina, Pasión Vega y Miguel Ríos.

Diatriba de amor contra un hombre sentado[editar]
El 13 de febrero de 2004 vuelve al teatro con la obra de Gabriel García Márquez Diatriba de amor contra un hombre sentado, la única pieza teatral del autor, y el primer monólogo de la carrera interpretativa de Ana Belén. La obra la estrenó en el Palacio de Festivales de Santander y con ella realizó una gira durante varios meses, que se retomó el 8 de abril de 2005 en el Teatro Romea de Barcelona. Con ella recorrió ciudades españolas como Bilbao, Málaga, Jaén, Almería, Cádiz, Alicante, Albacete o Madrid, donde se representó en el Teatro de La Latina durante más de un mes. En la obra, desarrollada en el Caribe, interpretó a Graciela, una mujer que narra la historia de su vida frente a su marido, que permanece ausente. La dirección corrió a cargo de José Carlos Plaza, la minimalista y peculiar escenografía fue creada por Gerardo Vera, la música fue compuesta y dirigida por el hijo de Ana Belén, David San José y del diseño gráfico del cartel fue responsable Juan Gatti.

La interpretación de Ana Belén fue bien acogida por la crítica y fue nominada a diversos premios teatrales del año, incluido el Premio Mayte de las artes escénicas.

Una canción me trajo aquí - 30 años de historia musical[editar]
Su siguiente proyecto fue la gira Una canción me trajo aquí junto a Víctor Manuel, que comenzó el 25 de junio de 2005 junto al Acueducto de Segovia. Este espectáculo, con el que recorrieron España y Latinoamérica, repasa los más de 30 años de trayectoria musical de la pareja cantando sus grandes éxitos de manera continua, enlazados como un medley. De esta gira se publica en febrero de 2006 un álbum (CD+DVD) con el concierto que grabaron en directo en el Teatro romano de Mérida el 16 de septiembre de 2005. Con este espectáculo estuvieron en el Palacio de la Música Catalana y una semana en el Teatro Gran Vía de Madrid, entre otros lugares de España y Latinoamérica. La gira concluyó en octubre de 2006, durante el cierre de la XVI cumbre de Iberoamérica en Uruguay, ante 15.000 personas. La recaudación de ese concierto fue a beneficio de un hospital.

En esta gira, además de sus músicos como Ángel Crespo, Andreas Prittwitz, Mariano Díaz o su hijo David San José al teclado, también les acompañó haciendo los coros la hija de la pareja: Marina San José. En esta misma gira también, además de repasar sus mayores éxitos musicales, estrenaron tres canciones inéditas: El largo viaje, compuesta por David San José, Cuando arreglábamos el mundo y Una canción me trajo aquí, canción que da título a la gira y al disco, compuesto por el ganador de un Óscar Jorge Drexler.

Durante esta gira, el 12 de enero de 2006, participa con su marido Víctor Manuel y otros artistas como Miguel Bosé en el cierre de la Campaña Electoral de Michelle Bachelet en el Paseo de la Alameda de Santiago de Chile.

Música, teatro y homenajes. Regreso a Mérida. 2006-2010[editar]
Después de estar más de un año en la gira Una canción me trajo aquí, Ana Belén se involucró en nuevos proyectos tanto en la música como en la interpretación, no dejando de colaborar tampoco con otros artistas y de recibir premios, nominaciones y homenajes a toda su carrera profesional como la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes o el recibido en el Festival de Cine Español de Málaga. Publicó un nuevo disco de canciones inéditas en marzo de 2007: Anatomía y comenzó una nueva gira teatral con la obra clásica de la mitología griega Fedra.

Premio Málaga a toda la trayectoria cinematográfica[editar]
El 18 de marzo de 2006 recibió el Premio Málaga (Biznaga de Plata) durante la novena edición del Festival de Cine Español de Málaga e inauguró su monolito situado en el Paseo Marítimo Antonio Banderas de la ciudad, en reconocimiento a su extensa carrera cinematográfica como actriz. Durante el festival se proyectaron sus películas más representativas como La corte de Faraón o La pasión turca. El galardón lo recibió en un emotivo acto celebrado en el Teatro Cervantes de Málaga de manos de compañeros de profesión y amigos como Imanol Arias, Pastora Vega y Juan Echanove. Este reconocimiento cinematográfico lo poseen otras personalidades del cine español como Carmen Maura, Ángela Molina, Concha Velasco, Verónica Forqué o Geraldine Chaplin.

Anatomía[editar]
En 2006 comienza a grabar con el productor Javier Limón un nuevo trabajo discográfico que se publica el 6 de marzo de 2007 con el nombre de Anatomía, en el que se incluyen trece canciones inéditos de autores como Joaquín Sabina, Javier Limón, Pablo Guerrero, su hijo David San José, Bebe y Víctor Manuel entre otros, y que contó con la producción de Javier Limón. En él hay colaboraciones de músicos como Niño Josele con la guitarra flamenca. El primer single, titulado Pobrecita de mi está compuesto por Joaquín Sabina y con él se rodó un videoclip. El disco, el decimonoveno de su carrera en solitario, ha sido certificado con un Disco de Oro en España y con él comenzó una gira en solitario por toda España el 19 de enero de 2008, que se prolongó hasta el 1 de junio. Un sobrio espectáculo diseñado y dirigido por José Carlos Plaza en el que fue acompañada por su banda habitual de músicos, entre los que destacan Mariano Díaz, Santi Ibarretxe, Ovidio Pérez, el batería Ángel Crespo y su propio hijo David San José al teclado, entre otros. Repasando casi todas las canciones del disco y clásicos más o menos conocidos de su repertorio como El hombre del piano, Lía o A la sombra de un león, la artista pasó por más de veinte ciudades y por lugares emblemáticos como el Gran Casino de Aranjuez o el Palacio de la Música Catalana, finalizando su recorrido en el Teatro Gran Vía de Madrid, donde realizó siete conciertos consecutivos desde el 26 de mayo hasta el 1 de junio de 2008.

Por este disco, optó en la VIII edición de los Grammy Latino al Gramófono de Oro en la categoría de mejor álbum pop vocal femenino, compartiendo nominación con Shaila Dúrcal, ILona, Belinda y Laura Pausini, quien resultó finalmente vencedora.

Fedra[editar]
El 12 de julio de 2007 se estrenó en la inauguración de la LIII edición del Festival de Teatro Clásico de Mérida la tragedia griega Fedra, con versión del dramaturgo Juan Mayorga y bajo la dirección de José Carlos Plaza. La obra, un clásico inmortalizado por Eurípides y Séneca entre otros, batió récords con más de 22.000 espectadores, lo que la convierte en la segunda obra con más público en la historia del festival. Después, la obra emprendió una gira que recaló el 1 de agosto en el Festival Grec de Barcelona. El 7 de septiembre Fedra se estrenó con gran éxito en el Teatro Bellas Artes de Madrid y se representó hasta el 28 de octubre. El 1 y el 2 de noviembre se representó en el Gran Teatro de Córdoba y en San Sebastián en el Teatro Victoria Eugenia durante los días 10 y 11 de noviembre. Además, la gira pasó por otras ciudades de la geografía española como Sevilla, Bilbao, Almería y Alicante. En esta obra compartió reparto con Alicia Hermida y Fran Perea entre otros actores.

Por Fedra, Ana Belén ganó el Fotogramas de Plata en la categoría de mejor actriz teatral por votación de los lectores, y fue candidata en los Premios Mayte de las artes escénicas, los Premios Ercilla y en los galardones de la Unión de Actores como actriz de teatro. Además, junto a once candidatos más, estuvo nominada al Premio Valle-Inclán de Teatro, resultando la finalista en una segunda posición, durante una ceremonia de entrega ofrecida en el Teatro Real de Madrid.

Debido al gran éxito de público y crítica, la obra se reestrena en septiembre de 2009 en Madrid. Después, emprende una gira por toda España, visitando ciudades como Zaragoza, Málaga, Palma de Mallorca y Las Palmas de Gran Canaria, entre otras. Hasta la fecha, más de 83.000 espectadores han visto la función.

Tal para cual[editar]
El 26 de junio de 2008, Ana Belén y Víctor Manuel iniciaron la gira conjunta Tal para cual, en la que presentaron canciones de sus discos en solitario: Anatomía y No hay nada mejor que escribir una canción, respectivamente. Juntos protagonizaron un espectáculo, que recorrió España por ciudades como León, Zaragoza, Madrid o Barcelona y que viajó a países como México, Chile, Costa Rica y Colombia en diversas fases desde 2008 hasta 2013.

Colaboraciones musicales[editar]
El 8 de marzo de 2007, día de la mujer trabajadora, ofreció un concierto en Gijón junto a su hijo David San José al piano, rindiendo homenaje a cientos de mujeres asturianas.

El 14 de marzo de 2007 colaboró en el concierto-homenaje del veinte aniversario de la ONG Solidaridad Internacional, acompañada por otros muchos rostros del mundo del espectáculo como Joan Manuel Serrat, Ismael Serrano, Miguel Ríos, Pilar Bardem, Víctor Manuel, Lola Herrera, Iñaki Gabilondo o Luis Eduardo Aute.

Ese mismo año 2007 se edita un álbum (CD+DVD) llamado Tatuaje, el cual trata de rendir tributo a la canción típica española. En él, diversos artistas de distintos estilos musicales ponen sus voces a clásicos de la copla de Miguel de Molina o Concha Piquer entre muchos otros cantantes en varias actuaciones para Televisión Española, por medio de una gala muy teatral presentada por la actriz Pastora Vega. Ana Belén canta precisamente, de forma más melódica, la canción Tatuaje, canción por excelencia de la estrella de la copla Concha Piquer. En este álbum también participan cantantes como Cristina del Valle, Antonio Carmona, Enrique Bunbury, Rosario Flores, Luis Eduardo Aute, Antonio Vega, Joaquín Sabina, Marta Sánchez, Malú, Andrés Calamaro, David Bisbal, Pasión Vega, Carmen París y su propio marido Víctor Manuel entre otros.

Junto a este último proyecto discográfico de Tatuaje, Ana Belén también se involucra en 2007 en el disco La Zarzuela + pop cantando Bella enamorada, un trabajo musical que trata de acercar el género de la zarzuela al público joven mezclando e introduciendo dicho género en el pop actual. Ana Belén colabora junto a distintos cantantes como Pasión Vega, Chano Domínguez, Martirio o Jaime Urrutia, que ponen sus voces a clásicos como La verbena de la paloma. El álbum ha sido editado con el apoyo de la SGAE y el Teatro de la Zarzuela.

Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes[editar]
En junio de 2007 se le concedió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, galardón anual honorífico a toda la trayectoria artística, otorgado por el Consejo de Ministros y entregado en la Catedral de Toledo el 12 de diciembre de 2007, en un solemne acto presidido por los Príncipes de Asturias. Ese mismo año, este premio también se lo concedieron a diversas personalidades del mundo de la cultura como el cantautor Paco Ibáñez, la actriz Nati Mistral, el cineasta Bernardo Bertolucci, el torero Enrique Ponce, el cocinero Ferran Adriá o la presentadora y actriz Cayetana Guillén Cuervo por su programa Versión española de la 2 de Televisión Española.

Plataforma de Apoyo a Zapatero[editar]
En febrero de 2008 Ana Belén, junto a cientos de ciudadanos anónimos y diversas personalidades del mundo de la cultura como su marido Víctor Manuel, Pedro Almodóvar, Álvaro de Luna, Concha Velasco, Miguel Bosé, Juan José Millás, Soledad Giménez, José Luis Cuerda, José Saramago, Joaquín Sabina, María Barranco, Bernardo Bertolucci, Marisa Paredes y Joan Manuel Serrat entre otros, entró a formar parte de PAZ (Plataforma de Apoyo a Zapatero), organización conformada por más de dos mil personas que apoyaron y reivindicaron el voto para el Presidente del Gobierno José Luis Rodríguez Zapatero del PSOE, con la intención de que saliera de nuevo elegido en las pasadas Elecciones Generales del 9 de marzo de 2008.

Con esta plataforma, todos los integrantes hicieron público un manifiesto en el Círculo de Bellas Artes de Madrid y realizaron varios vídeos propagandísticos en los que con un gesto haciendo referencia a las cejas del Presidente del Gobierno en lengua de signos trataron de apoyarle. En otro de los vídeos, que despertaron grandes polémicas, los artistas adaptaron y cantaron juntos una canción de Joan Manuel Serrat: Defender la alegría, basada en un poema del escritor y poeta uruguayo Mario Benedetti.

Tras la definitiva victoria del PSOE en las Elecciones Generales del 9 marzo de 2008, Ana Belén estuvo apoyando activamente junto a cientos de personas a José Luis Rodríguez Zapatero con Víctor Manuel, José Carlos Plaza, Rosa León y Fran Perea entre otros artistas desde la Calle Ferraz en Madrid, donde se encuentra la sede central del partido.

Colaboraciones, homenajes y firmas publicitarias[editar]
El 5 de febrero de 2008, la cantante Soledad Giménez (ex vocalista de Presuntos Implicados) lanzó al mercado su nuevo álbum en solitario, en el que canta una canción a dúo con ella: La felicidad. Asimismo, ese día se publica el nuevo álbum en solitario de su marido Víctor Manuel: No hay nada mejor que escribir una canción, en el cual colabora en los coros.

A partir de febrero de 2008 Ana Belén se presentó ante los medios de comunicación como la nueva imagen publicitaria oficial de la línea o gama comercial de productos cosméticos Vitesse Excellent, anunciando unas cremas faciales destinadas a mujeres maduras con una edad superior a los cuarenta años. Esta campaña publicitaria supone ser la primera en la que Ana Belén cede su imagen a una marca privada determinada.

El 12 de marzo de 2008 se le rindió un homenaje como actriz cinematográfica en la XIV Muestra de Cine Español de Tudela. En ella se proyectó la película La corte de Faraón y se hizo un coloquio en el que estuvo ella como invitada junto al director de la película, José Luis García Sánchez.

El 14 de abril de 2008 participa en un homenaje al fallecido guionista Rafael Azcona, recitando un poema sobre el escenario del Círculo de Bellas Artes de Madrid.

Este año también colabora con la ONG Survival International, poniendo su voz a la narración del documental Indígenas aislados, junto al actor Óscar Jaenada.

El 14 de junio de 2008 colaboró en el concierto Para la libertad, dirigido por José Carlos Plaza en el Palacio de Vista Alegre en Madrid, en homenaje a los quinientos presos y represaliados políticos del Franquismo. En él cantó La muralla, España, camisa blanca de mi esperanza y Rumbo al Sur.

El 7 y 8 de noviembre del 2008 participó junto a miles de personas anónimas en el concierto internacional homenaje al fallecido Presidente Chileno Salvador Allende, conmemorando así el año de su centenario. En la organización de dicho evento está profundamente implicado su marido Víctor Manuel y en él participaron muchos artistas de carácter internacional. Se celebraron dos conciertos consecutivos los días 7 y 8 de noviembre de 2008 en el Estadio Nacional de Chile bajo el título 100 años, 1000 sueños.

A finales de julio de 2008 su hijo David la convirtió en abuela primeriza de una niña.

La plaça del diamant[editar]
El 28 de abril de 2008, Ana Belén realizó en el Teatro Español de Madrid un espectáculo donde recitó e interpretó una lectura dramatizada de un fragmento de la mítica obra literaria catalana La plaça del diamant de la escritora Mercè Rodoreda, por medio de una versión traducida al castellano dirigida por Joan Ollé. Conmemorando el centenario del nacimiento de su autora, dicho espectáculo pertenece al calendario de actividades internacionales que promocionan la cultura catalana en todo el mundo bajo la coordinación del Institut Ramon Llull (IRL) y el apoyo de la Generalidad de Cataluña y el Centro Cultural Blaquerna. Sobre una íntima puesta en escena, Ana Belén dio vida a través de un monólogo a Colometa. El espectáculo se representó también en México, durante el festival anual de Guanajuato.

Nuevo álbum, teatro y colaboraciones televisivas. 2011-2014[editar]
Música callada. La vida rima [editar]
El 7 de abril de 2011 inicia en Bilbao una gira con la pianista Rosa Torres-Pardo. El espectáculo, con guion de Luis García Montero y dirigida por José Carlos Plaza, lleva por título Música callada. La vida rima y está compuesto de textos poéticos y piezas musicales. Recorren teatros y auditorios de España, en ciudades como Bilbao, Madrid, Jaén, Mérida o Santiago de Compostela.

Colaboraciones televisivas: Cheers y Hospital Central[editar]
En septiembre de 2011 interviene en el primer capítulo de la versión española de la serie Cheers, interpretando a Emilia, la prometida del personaje que encarna Antonio Resines. En 2012 también participa como invitada especial en un capítulo de la vigésima temporada de la serie Hospital Central, dando vida a Ana Besteiro, una psicóloga que sufre agorafobia.

A los hombres que amé[editar]
El 15 de noviembre de 2011 Ana Belén publica un nuevo álbum de estudio, A los hombres que amé, con el que rompe cuatro años de silencio discográfico. En el disco recrea canciones de 14 de sus autores preferidos, entre los que figuran Joaquín Sabina, Víctor Manuel, Kiko Veneno, Joan Manuel Serrat y Chico Buarque. Como primer sencillo se extrae una versión del clásico de Luis Eduardo Aute Las cuatro y diez. Con este disco, la artista protagoniza un especial musical emitido por La 1 en Nochebuena. El álbum es certificado Disco de Oro por sus ventas en España. En marzo de 2012, la cantante emprende una larga gira de 2 años para presentar el álbum, que la lleva a ofrecer su primer concierto en el Teatro del Liceo de Barcelona y a actuar durante 5 noches consecutivas en el Teatro Español de Madrid.

Electra[editar]
Ana Belén regresa al Festival de Teatro de Mérida en su 58ª edición para encarnar a Electra. La dirección del montaje corre a cargo de José Carlos Plaza y la adaptación de la tragedia de Eurípides es obra de Vicente Molina Foix. En el espectáculo, que se representa del 20 al 29 de julio de 2012, la actriz com

Ha recibido 26 puntos

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ICÍAR BOLLAÍN

30. ICÍAR BOLLAÍN

Filmografía como actriz[editar] Largometrajes[editar] El sur (Víctor Erice, 1983) Las dos orillas (Juan Sebastián Bollaín, 1986) Al acecho (Gerardo Herrero, 1987) Mientras haya luz (Felipe Vega, 1987) Malaventura (Manuel Gutiérrez Aragón, 1989) Venecias (Pablo Llorca, 1989) El mejor de... Ver mas
Filmografía como actriz[editar]
Largometrajes[editar]
El sur (Víctor Erice, 1983)
Las dos orillas (Juan Sebastián Bollaín, 1986)
Al acecho (Gerardo Herrero, 1987)
Mientras haya luz (Felipe Vega, 1987)
Malaventura (Manuel Gutiérrez Aragón, 1989)
Venecias (Pablo Llorca, 1989)
El mejor de los tiempos (Felipe Vega, 1990)
Doblones de a ocho (Andrés Linares, 1990)
Sublet (Chus Gutiérrez, 1991)
Un paraguas para tres (Felipe Vega, 1992)
Entretiempo (Santiago García de Leániz, 1992)
Dime una mentira (Juan Sebastián Bollaín, 1993)
Tocando fondo (José Luis Cuerda, 1993)
Jardines colgantes (Pablo Llorca, 1993)
Tierra y libertad (Ken Loach, 1994)
El techo del mundo (Felipe Vega, 1995)
Menos de cero (Ernesto Tellería, 1996)
Niño nadie (José Luis Borau, 1997)
Subjudice (Josep María Forn, 1997)
Leo (José Luis Borau, 2000)
Sara, una estrella (José Briz Méndez, 2002)
Nos miran (Norberto Pérez Amado, 2002)
La balsa de piedra (George Sluizer, 2003)
La noche del hermano (Santiago García de Leániz, 2005)
Rabia (Sebastián Cordero, 2010)
Cortometraje[editar]
Polvo enamorado (Javier López Izquierdo, 1990)
Filmografía como directora[editar]
Largometrajes[editar]
Hola, ¿estás sola? (1995)
Flores de otro mundo (1999). Mejor Película de la Semana de la Crítica en el Festival de Cannes.
Te doy mis ojos (2003). Goya a la Mejor Película en los Premios de la Academia del Cine.
Mataharis (2007).
También la lluvia (2010).
Katmandú, un espejo en el cielo (2011).
Cortometrajes[editar]
Baja, corazón (1993)
Los amigos del muerto (1994)
Amores que matan (2000): germen de su película Te doy mis ojos.
Viajes con mi abuela (2002)
¡Hay motivo! (segmento "Por tu propio bien" [1]) , 2004).
Vídeos musicales[editar]
Romper del disco "Dramas y Caballeros", de Luis Ramiro (2009)
Escritos[editar]
Ken Loach, un observador solidario. Madrid, El País-Aguilar, 1996.
Premios[editar]
Premios Goya[editar]
Año Categoría Película Resultado
2010 Mejor director También la lluvia Nominada
2010 Mejor guion original También la lluvia Nominada
2007 Mejor director Mataharis Nominada
2007 Mejor guion original Mataharis Nominada
2003 Mejor director Te doy mis ojos Ganadora
2003 Mejor guion original Te doy mis ojos Ganadora
2000 Mejor actriz Leo Nominada
1999 Mejor guion original Flores de otro mundo Nominada
1995 Mejor director novel Hola, ¿estás sola? Nominada

Ha recibido 26 puntos

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ANTONIO DEL REAL

31. ANTONIO DEL REAL

Biografía[editar] Antonio del Real nació en el municipio jiennense de Cazorla, localidad que abandonó cuando era un niño junto a su familia, que se afincó definitivamente en Madrid. En esta ciudad comenzó a trabajar como actor en representaciones en su colegio y se inició en el mundo del... Ver mas
Biografía[editar]
Antonio del Real nació en el municipio jiennense de Cazorla, localidad que abandonó cuando era un niño junto a su familia, que se afincó definitivamente en Madrid.

En esta ciudad comenzó a trabajar como actor en representaciones en su colegio y se inició en el mundo del cine de forma autodidacta.

Sus primeros pasos como director fueron en el terreno del cortometraje.

En 1980 se estrenó como director de largometrajes con el rodaje de El poderoso influjo de la luna. Después, grabó una serie de comedias de éxito como Buscando a Perico (1981) o ¡Y del seguro... líbranos señor! (1983). Fue en 1988, con la dirección del El río que nos lleva cuando su carrera dio un giro radical, ya que esta película fue premiada en diez festivales internacionales.

Filmografía[editar]
Como director[editar]
Año Película Funciones
2011 Ni pies ni cabeza Director
2010 Los ochenta son nuestros (Teatro) Director
2008 La conjura de El Escorial Director, productor y guionista
2006 Desde que amanece apetece Director
2003 Trileros Director
2001 La mujer de mi vida Director
2000 Y decirte alguna estupidez, por ejemplo, te quiero Director
2000 Jacinto Durante, representante (TV) Director
1998 Cha-cha-chá Director y guionista
1997 Corazón loco Director
1995 Los hombres siempre mienten Director
1994 ¡Por fin solos! Director
1989 Café, coca y puro Director
1989 El río que nos lleva Director, productor y guionista
1983 ¡Y del seguro... líbranos señor! Director
1981 Buscando a Perico Director
1980 El poderoso influjo de la luna Director
Como actor[editar]
Año Película Director
2003 Trileros Antonio del Real
1988 Cha-cha-chá Antonio del Real
1992 Dime que me quieres Juan Sebastián Bollaín
1987 ¡¡Biba la banda!! Ricardo Palacios
1984 Café, coca y puro Antonio del Real
1976 Manuela Gonzalo García Pelayo
1976 A la legión les gustan las mujeres (...y a las mujeres les gusta la legión) Rafael Gil
1976 El alijo Ángel Pozo
1975 Cómo matar a papá sin hacerle daño Ramón Fernández
1976 La otra alcoba Eloy de la Iglesia
1975 De profesión: polígamo Anelino Fons
1974 Cinco almohadas para una noche Pedro Lazaga
1973 Una gota de sangre para morir amando Eloy de la Iglesia
1973 Le llamaban la madrina Mariano Ozores
1973 Nadie oyó gritar Eloy de la Iglesia
1973 Señora doctor Mariano Ozores
1972 La semana del asesino Eloy de la Iglesia
1972 Coartada en disco rojo (I due volti della paura) Tulio Demicheli
1971 La orilla Luis Lucía
1969 Las amigas Pedro Lazaga
1969 ¡Se armó el belén! José Luis Sáenz de Heredia
Premios[editar]
2011: Premio de Honor del V Festival de Cortos "Cuéntalo en 90 segundos".1
2009: Premio "Miguel Picazo" otorgado por la Diputación Provincial de Jaén.2
2007: Antena de Oro en el apartado de Cine.3
1990: Premio ADIRCAE (Asamblea de Directores, Realizadores Cinematográficos y Audiovisuales Españoles) al "Mejor Director" por El río que nos lleva.4

Ha recibido 26 puntos

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JUANMA BAJO ULLOA

32. JUANMA BAJO ULLOA

Biografía[editar] Hipotecó su casa para producir su primera película de largo metraje, Alas de mariposa (1991). Con los ingresos de ésta hizo su segundo largo, La madre muerta. En 1983 fundó la productora Gasteizko Zinema. Fue la primera figura de su generación de realizadores en darse a... Ver mas
Biografía[editar]
Hipotecó su casa para producir su primera película de largo metraje, Alas de mariposa (1991). Con los ingresos de ésta hizo su segundo largo, La madre muerta.

En 1983 fundó la productora Gasteizko Zinema. Fue la primera figura de su generación de realizadores en darse a conocer ante el gran público al conseguir, con Alas de mariposa, el premio del Festival de Cine de San Sebastián. Su estilo barroco unía a la perfección técnica un aire peculiar de cuento infantil cuasi siniestro, remarcado en La madre muerta (1993), con guion y producción propios, en la que destaca también la fuerza expresiva de ciertas imágenes.

En 1997 rodó Airbag, una violenta road movie sobre guion y producción ajenos, repleta de chistes sobre la alta sociedad vasca y española y sobre la cultura popular, que en su día se convirtió en la película más taquillera de la historia del cine español,1 si bien luego fue superada por Torrente, el brazo tonto de la ley y, más tarde, Torrente 2, misión en Marbella.

En 2002, dirigió la gala de entrega de premios del Salón del Cómic de Granada, para la cual presentó a unos actores caracterizados como talibanes quemando fotografías de la Virgen de las Angustias, García Lorca y Rosa López, simulando un atentado terrorista y practicando una felación y un coito en directo.2

Su última película es Frágil (2004).

Desde 1994, ha dirigido y producido varios video clips y documentales para artistas y grupos musicales como Joaquín Sabina, Los Enemigos, Barricada, Su Ta Gar, Golpes Bajos, Distrito 14 y Pablo Carbonell, entre otros.

Su hermano Eduardo es guionista de cine.

Premios[editar]
Goya al mejor corto por El reino de Víctor.
Concha de Oro a la mejor película en el Festival de San Sebastián, por Alas de Mariposa (1991)
Goya a la mejor Dirección Novel, al mejor Guion Original y a la mejor actriz Principal (Silvia Munt).
Premio Ópera Prima y de Público en el Festival Internacional de Seattle,
Premio de la Asociación de Críticos de Nueva York a la mejor Ópera Prima.
Mejor dirección Festival Internacional de Montreal, por La madre muerta
Premio de la Crítica a la Mejor Película en el Festival de Estocolmo por La madre muerta
Premio de la Crítica a la Mejor Película en el Fantasporto (Portugal) por La madre muerta
Filmografía[editar]
Año Película Formato
2008 Historia de un grupo de rock Largometraje documental
2004 Frágil Largometraje
1999 Ordinary Americans Cortometraje
1997 Airbag Largometraje
1993 La madre muerta Largometraje
1991 Alas de mariposa Largometraje
1989 El reino de Víctor Cortometraje
1988 Akixo Cortometraje
1987 100 aviones de papel Cortometraje
1986 A kien puede interesar Cortometraje
1985 El último payaso Cortometraje
1984 Cruza la puerta Cortometraje

Ha recibido 26 puntos

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AGUSTÍN DÍAZ YANES

33. AGUSTÍN DÍAZ YANES

Biografía[editar] Hijo de torero,1 estudió Historia y se licenció por la Universidad Complutense de Madrid en los años 70. Trabajó dando clases y traduciendo del inglés. También ejerció como crítico literario y, en esa época, se interesó por el cine, Fue entonces que escribió sus primeros... Ver mas
Biografía[editar]
Hijo de torero,1 estudió Historia y se licenció por la Universidad Complutense de Madrid en los años 70. Trabajó dando clases y traduciendo del inglés. También ejerció como crítico literario y, en esa época, se interesó por el cine, Fue entonces que escribió sus primeros guiones, que posteriormente fueron llevados al cine.

Su reputación como guionista y las amistades que cultivó le permitieron rodar la película Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto en 1995, que le valió dos Premios Goya: por el guion y la dirección. Después del éxito de su primera película preparó el guion de Madrid Sur, un filme de ciencia-ficción que no pudo ser rodado por falta de financiación.

En 2001 juntó a Penélope Cruz y a Victoria Abril en su película Sin noticias de Dios, que fue nominada a once Goyas.

Cinco años más tarde comenzó a rodar Alatriste, cinta basada en la serie de novelas Las aventuras del capitán Alatriste de Arturo Pérez-Reverte, que contó con un reparto espectacular encabezado por Viggo Mortensen. Esta película también fue nominada a numerosos Goyas.

Su último filme hasta la fecha es Sólo quiero caminar, estrenado en noviembre de 2008, que le ha valido una nueva nominación al Goya como Mejor Director.

Es el presidente de la Asociación Autores Literarios de Medios Audiovisuales (ALMA).

En 2012 publicó su primera novela, Simpatía por el diablo, en la que hay referencias a su amigo, el escritor Javier Marías y, particularmente, a la novela Los enamoramientos. Este libro, homenaje a los Rolling Stones y su mítica canción Sympathy for the Devil, es "un thriller con tintes de novela negra de políticos corruptos, banqueros insaciables y ciudadanos resistentes en la España actual, en el que no falta por supuesto el mundo de los toros".1 Díaz Yanez es Duke of Michelín del ficticio Reino de Redonda, que encabeza Marías con el nombre de King Xavier I.

Premios[editar]
1996 Goya en la X edición de los Premios Goya al mejor director novel y mejor guion original por Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto.
Filmografía[editar]
Año Película Modo
2008 Solo quiero caminar Director y guionista
2006 Alatriste Director y guionista
2001 Sin noticias de Dios Director y guionista
1997 Al límite Guionista
1995 Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto Director y guionista
1994 Belmonte Guionista
1990 Demasiado corazón Guionista
1990 A solas contigo Guionista
1988 Baton Rouge Guionista
Obras literarias[editar]
Simpatía por el diablo , Espasa, Madrid, 2012

Ha recibido 25 puntos

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VÍCTOR ERICE

34. VÍCTOR ERICE

Biografía[editar] Primera etapa: Inicios (1961-1969)[editar] Víctor Erice nació en Carranza (Vizcaya) en 1940. Con pocos meses se trasladó con su familia a San Sebastián, donde vivió hasta los diecisiete años. Tras acabar el bachillerato se afincó en Madrid. Allí estudió Ciencias Políticas... Ver mas
Biografía[editar]
Primera etapa: Inicios (1961-1969)[editar]
Víctor Erice nació en Carranza (Vizcaya) en 1940. Con pocos meses se trasladó con su familia a San Sebastián, donde vivió hasta los diecisiete años. Tras acabar el bachillerato se afincó en Madrid.

Allí estudió Ciencias Políticas y Derecho en la Universidad Central y después entró a estudiar en el Instituto de investigaciones y experiencias cinematográficas (1961). Con sus primeros proyectos cinematográficos hace crítica de cine en publicaciones como Cuadernos de Arte y pensamiento o Nuestro cine. También trabaja en diversos oficios cinematográficos, por ejemplo, de guionista para Miguel Picazo, en Oscuros sueños de agosto y Antonio Eceiza El próximo otoño y como actor en Antoñito vuelve a casa, de Manuel Revuelta.

En 1963 su proyecto de fin de carrera, el mediometraje Los días perdidos, representa a la Escuela Cinematográfica Española en el XI Festival Cinematográfico de San Sebastián, durante los Encuentros Internacionales de escuelas de cine.

En 1969 participa con un segmento en el largometraje colectivo Los desafíos, junto a Claudio Guerín y José Luis Egea, con participación de Rafael Azcona en el guion. Los tres directores habían sido escogidos por Elías Querejeta como los más prometedores de los graduados en la Escuela de Cinematografía.

Segunda etapa: Largometrajes en solitario (1973-1993)[editar]
En 1973 realiza su primera película en solitario: El espíritu de la colmena, inicialmente una película de terror de encargo, escrita junto al crítico y guionista Ángel Fernández Santos. Debido a la falta de medios, los dos aprovechan la ocasión para convertirla en una obra más personal y menos ceñida al género fantástico. Apenas cinco páginas de argumento bastaron para convencer al productor Elías Querejeta del interés de la historia. El espíritu de la colmena fue protagonizada por Fernando Fernán Gómez y supuso el debut de la actriz Ana Torrent.

La película resultó ganadora en el festival cine de San Sebastián, recibió el Hugo de Plata en el festival de Chicago y fue reestrenada en 2004. Después de estrenar su película, y tras un proyecto de diario cinematográfico que no llegó a materializarse por problemas económicos, Erice se dedicó un tiempo a la realización publicitaria y de programas, en ocasiones de manera anónima, en Televisión Española.

Más adelante conocerá a la escritora Adelaida García Morales, con la cual mantendrá una relación de pareja durante varios años, que en lo artístico dará como resultado El sur (1982), película basada en un relato de ésta publicado en la editorial Anagrama con Iciar Bollain, Omero Antonutti y Rafaela Aparicio en los papeles principales.

El segundo largometraje de Erice no pudo filmarse en su totalidad debido a la interrupción del proyecto por parte del productor Elías Querejeta. Querejeta argumentó que con lo rodado existía material suficiente para una buena historia, y en poco tiempo se preparó un montaje de la película.

El sur fue presentada con gran éxito en el festival de Cannes y ganó varios premios en otros como el de Chicago (Hugo de Oro), Burdeos (premio a la mejor película) y Sao Paulo. La buena acogida crítica de El Sur imposibilitó para siempre la posibilidad de completar el rodaje. Para Erice, los motivos de Querejeta fueron económicos, y la obra debe considerarse como incompleta.

Tras la película, Erice baraja varios proyectos, incluyendo una adaptación de dos relatos de Jorge Luis Borges, uno de ellos, La muerte y la brújula, finalmente adoptado por Carlos Saura, y el cuento Bene, de Adelaida García Morales. Al no formalizarse ninguno vuelve a la dirección de televisión y publicidad. También dirige entonces el doblaje de la película El último emperador, de Bernardo Bertolucci.

También en esta época, y dentro de su faceta de crítico de cine, escribe junto a Jos Oliver el libro Nicholas Ray y su tiempo, editado en 1986 por la Filmoteca Española.

Su tercer y último largometraje hasta la fecha es El sol del membrillo (1992), un retrato documental del pintor realista Antonio López. Los antecedentes de este trabajo se hallan en un proyecto de película documental de Erice sobre el cuadro Las Meninas, de Velázquez. A este proyecto dedicó Erice dos años de documentación y escritura de guión, pero antes de poder terminarlo otro director realizó una película de tema parecido y Erice desechó la idea. Tiempo después llegó a Erice un encargo de Televisión Española de una serie de cortometrajes documentales sobre el mundo de la pintura. Erice iba a encargarse del trabajo de Antonio López en un cuadro llamado La terraza de Lucio. Al final el proyecto se frustró porque TVE sólo pretendía encargarse de una parte minoritaria de su financiación. En todo caso, la relación con Antonio López se mantuvo. En el verano de 1990, acompaña al pintor en su trabajo de pintura de cuatro cuadros urbanos, tomando notas y grabando en vídeo, con el propósito de realizar una película. Terminados estos proyectos, López comparte con Erice su deseo de pintar un membrillero en su jardín, y un sueño recurrente que tiene acerca de los árboles membrilleros. De esta conversación surge el plan de rodaje de El sol del membrillo, que Erice prepara en apenas una semana, como proyecto en parte autoproducido, sin una sola línea de guión escrita, de presupuesto y equipo técnico limitados pero ambicioso en lo artístico.

Esta película fue premiada en Cannes, Montevideo (Primer premio del jurado) y Chicago (Hugo de Oro) y elegida varias veces como una de las mejores películas de la historia del cine. En una encuesta encargada por la Cinemateca de Toronto a todas las filmotecas del mundo en el año 2000, fue elegida como la cinta más importante de su década.

En 1994, Erice recibe el encargo de Andrés Vicente Gómez para realizar La promesa de Shanghai. A esta obra, una adaptación de la novela El Embrujo de Shanghai de Juan Marsé, dedicó Erice tres años y hasta diez versiones del guión, cuya versión definitiva recibió no solo la aprobación sino el entusiasmo del novelista barcelonés. El proyecto, que contemplaba una duración de tres horas, no convenció al productor, que impuso un recorte de cuarenta minutos al texto. Erice aceptó, y con el visto bueno de la productora, se preparó en 1998 un plan de rodaje en el que se llegó a abordar al actor Fernando Fernán Gómez para uno de los papeles.

El proyecto, interrumpido de súbito por la productora, de nuevo por motivos de financiación, fue a parar a manos de Fernando Trueba, que realizó la película en 2002, y el guion de Erice (no utilizado por Trueba) finalmente encontró una salida editorial.

Tercera etapa: Largometrajes colectivos (1995-actualidad)[editar]
En 1995 participa en el largometraje colectivo Celebrate Cinema 101, producido en Japón por Miyaoka Hideyuki, con un corto documental rodado en video de forma improvisada y titulado Preguntas al atardecer. En esta película aportan cortos también directores como Jonas Mekas, Marco Bellocchio, Robert Kramer, Kaname Oda y Aleksandr Sokúrov.

A finales de los años noventa, Erice funda Nautilus films, su propia productora, con la que llevará a cabo toda su obra posterior.

Su cortometraje Alumbramiento, con una duración de diez minutos, formó parte del proyecto titulado Ten minutes older: the trumpet, film colectivo producido por Nicholas McClintock y en el que intervienen otros doce cineastas (Jim Jarmusch, Aki Kaurismaki, Jean-Luc Godard, Bernardo Bertolucci, Wim Wenders o Chen Kaige , entre otros), cada uno de los cuales ha rodado un episodio de diez minutos. Esta obra no llegó a estrenarse en las salas españolas por problemas de distribución, pero pudo verse, junto al corto ruso de 1978 que dio origen al proyecto (Ten minutes older, de Herz Frank) en la gala de clausura de la Tercera edición del Festival Punto de Vista.

Con un equipo de producción limitado realiza La Morte Rouge, para la exposición que se dio en Barcelona Erice. Kiarostami. Correspondències al principio del año 2006, en la que intercambia diez videocartas con Abbas Kiarostami entre 2005 y 2007. Hasta el momento, la exposición se ha podido ver en Barcelona, Madrid, París, Melbourne, México, Buenos Aires (como parte de la exposición conjunta "Todas las cartas") y Berlín, y ha inspirado otras correspondencias entre directores.

En 2007 anuncia que está realizando un nuevo proyecto, titulado Memoria y Sueño, consistente en una serie documental sobre las películas que han influido en su vida. A la primera parte, dedicada a Roma, ciudad abierta de Roberto Rosselini le seguirá un capítulo sobre L'espoir, la película de André Malraux rodada durante la Guerra Civil española. En julio de 2009 se mostraron en un ciclo de cine sobre la guerra civil española del British Film Institute de Londres estos dos episodios. Otros capítulos estarán dedicados a El desprecio de Jean-Luc Godard, en Capri, Viaggio in Italia de Roberto Rosselini, en Nápoles y Kenji Mizoguchi, en Kyoto.

En 2008 participa en el documental Un lugar en el cine, de Alberto Morais, junto a Theo Angelopoulos, Tonino Guerra, Ninetto Davoli y Nico Naldini. Todos ellos tratan del compromiso y la resistencia de los realizadores europeos, con Pier Paolo Pasolini como ejemplo principal.

Víctor Erice ha sido miembro del jurado de la edición festival de Cannes de 2010, presidida por Tim Burton. En este mismo año se presenta la película documental París-Madrid, idas y vueltas, dirigida por Alain Bergala, sobre su trayectoria cinematográfica. Esta obra forma parte de la serie biográfica francesa Cineastas de nuestro tiempo.

En 2011 se anuncia la producción de un film colectivo dedicado a las víctimas del desastre de Fukushima de marzo de 2011. La película, titulada 3.11, a sense of home, producida por Naomi Kawase, incorpora un cortometraje de Víctor Erice de tres minutos, junto a otros de Ariel Rotter, Jia Zhangke, el tailandés Apichatpong Weerasethakul, y los japoneses Kaori Momoi y Toyoko Yamasaki. Todos los colaboradores de la película trabajaron de manera gratuita y la recaudación fue destinada a las víctimas de la catástrofe. El trabajo de Erice, titulado Ana, tres minutos, transcurre el día 6 de agosto de 2011 (66 aniversario del lanzamiento de la primera bomba atómica) y lo protagoniza Ana Torrent. Este film ha sido proyectado en más de veinte festivales en todo el planeta.

Con la celebración de la capitalidad europea de la ciudad de Guimarães en 2012, una serie de realizadores participan en una nueva película episódica con el título provisional de Histórias do Cinema. Erice dirige uno de los mediometrajes, en el que también colaboran Aki Kaurismäki y los portugueses Pedro Costa y Manoel de Oliveira. La cinta trata de "la cuestión central de la memoria histórica". Su episodio, titulado Cristales rotos, de media hora de duración, explora Rio Vizela, una de las mayores fábricales textiles de Europa, cerrada en 2002, y las vidas de los trabajadores que pasaron por ella. Los cuatro directores -Jean-Luc Godard quedó fuera al querer rodar en formato 3D, lo cual complicaba en exceso la producción- han cedido por cinco años los derechos de la película, al ser esta un proyecto cultural1 .

La película colectiva, finalmente titulada Centro histórico (contra la propuesta de Erice, que era Nubes de occidente), fue presentada en el Festival de Cine de Roma de 2012, y más adelante, en festivales de Rotterdam, Buenos Aires, Tokyo, Guadalajara (México), Edimburgo, Nueva York y Lima. El estreno oficial en España tuvo lugar en la Seminci de Valladolid de 2013.

En 2014, el Festival de Locarno premia en su 67 edición a Erice con el Leopardo a toda su carrera.2 .

Aunque no existen hipótesis sobre nuevos trabajos de Erice aparte de los mencionados, sí se ha sabido de un guión para un largometraje titulado Cazadores de sombras3 , del que no hay más noticias aparte de su existencia.

Filmografía[editar]
Categoría principal: Películas dirigidas por Víctor Erice
Largometrajes[editar]
El espíritu de la colmena (1973)
El sur (1983)
El sol del membrillo (1992)
Cortometrajes y segmentos en largometrajes coletivos[editar]
En la terraza (1961)
Páginas de un diario (1962)
Los días perdidos (1963)
Entre vías (1966)
Los desafíos - Segmento 3 (1969)
Celebrate Cinema 101 - Segmento Preguntas al atardecer (1995)
Ten minutes older: the trumpet - Segmento Alumbramiento (2002)
Correspondencia (10 cartas con Abbas Kiarostami) (2005-2007)
La Morte Rouge (2006)
3.11 A sense of home - Segmento Ana, tres minutos (2011)
Centro histórico - Segmento Cristales rotos (2012)
Como guionista[editar]
Oscuros sueños de agosto (1967)
El próximo otoño (1967)
La promesa de Shanghai (1998)
Como actor[editar]
Un lugar en el cine - Dirigida por Alberto Morais (2007)
Víctor Erice: París-Madrid, idas y vueltas - Dirigida por Alain Bergala (2010)
Premios[editar]
Personales[editar]
Premio Nacional de Cinematografía (1993)
Medalla de Honor de la Asociación Española de Historiadores del cine4 ,(2012)
Leopardo a toda su Carrera en el Festival de Locarno5 ,(2014)
Sus películas[editar]
Título Cannes San Sebastián ADIRCE
Los desafíos Ganador: 1
El espíritu de la colmena Ganador: 1
El sur Nominado: 1
El sol del membrillo Ganador: 2
Nominado: 1 Ganador: 1
Ten minutes older: the trumpet
Colaboradores habituales[editar]
Directores de fotografía Los desafíos El espíritu de la colmena El sur El sol del membrillo Ten minutes older: the trumpet
Luis Cuadrado ✘ ✘
Ángel Luis Fernández ✘ ✘
Productores
Elías Querejeta ✘ ✘ ✘
Diseño de producción
Jaime Chávarri ✘ ✘
Músicos
Luis de Pablo ✘ ✘
Montadores
Pablo González del Amo ✘ ✘ ✘

Ha recibido 25 puntos

Vótalo:

FERNANDO LEÓN DE ARANOA

35. FERNANDO LEÓN DE ARANOA

Biografía[editar] Fernando León de Aranoa nació en Madrid en mayo de 1968 y es licenciado en Ciencias de la Imagen por la Universidad Complutense de Madrid. Comenzó trabajando como guionista en series de televisión como Turno de oficio, en programas como el Un, dos, tres... responda otra vez... Ver mas
Biografía[editar]
Fernando León de Aranoa nació en Madrid en mayo de 1968 y es licenciado en Ciencias de la Imagen por la Universidad Complutense de Madrid.

Comenzó trabajando como guionista en series de televisión como Turno de oficio, en programas como el Un, dos, tres... responda otra vez y escribiendo para humoristas como Martes y Trece.

Su debut tras la cámara se produjo en 1994 con el cortometraje Sirenas, que fue premiado en varios festivales nacionales.

Su primer largometraje fue Familia (1996), cuyo guion también escribió, como es habitual. En reconocimiento por esta película le fue otorgado el Premio Goya a la mejor dirección novel, así como el premio Fipresci y el premio del público de la SEMINCI de Valladolid. La obra ha sido con posterioridad adaptada a la escena teatral y representada en varios países

En 1998 escribió y dirigió Barrio, retrato de la vida de tres jóvenes adolescentes en un barrio marginal. Gracias a este trabajo obtuvo los premios Goya a la mejor dirección y al mejor guion original. La película fue presentada en la sección oficial del Festival de San Sebastián donde obtuvo la Concha de Plata al mejor director. La película recibió otros importantes premios como el premio Fipresci, el Fotogramas de plata a la mejor película española, el premio José María Forqué, el Sant Jordi y el Turia, entre otros.

En 2002 dirigió Los lunes al sol, película protagonizada por Javier Bardem, que se convirtió en la gran triunfadora de ese año en los Premios Goya al conseguir cinco galardones, incluyendo Mejor película y Mejor dirección. La película también triunfó en el Festival de Cine de San Sebastián al lograr la Concha de Oro a la mejor película. La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España seleccionó la película para representar a España en los Óscar en la categoría de mejor película en lengua no inglesa, aunque no logró ser una de las cinco nominadas.

Princesas (2005) fue su cuarta película como director y guionista y su debut como productor tras crear su propia productora, «Reposado». La película, que fue vista por más de un millón de espectadores, recibió tres premios Goya de la Academia española de Cine —a sus dos actrices protagonistas y a la mejor canción original, compuesta por Manu Chao— así como el premio Ondas al acontecimiento cinematográfico del año y el premio Protagonistas a la mejor película. Participó también en la sección oficial del Festival de cine independiente de Sundance.

Como documentalista ha dirigido en México Caminantes (2001), premiado en los festivales de La Habana, Los Ángeles, Nueva York y Alcalá de Henares y en 2007 tomó parte en el documental Invisibles dirigiendo el capítulo titulado Buenas noches, Ouma. Este documental contó también con la participación de otros directores como Mariano Barroso, Isabel Coixet, Wim Wenders y Javier Corcuera y fue galardonado con el Goya al mejor documental. En el campo de los documentales escribió el 1997 el guion del documental La espalda del mundo y colaboró en la dirección de Izbieglize en 1994.

Su labor como guionista no sólo se ha centrado en sus propias películas, sino que ha escrito guiones como los de Fausto 5.0, Imsomnio y Corazón loco.

Ha publicado varios relatos y narraciones breves, habiendo recibido por ellos el Premio Antonio Machado en dos ocasiones. Ha trabajado también como dibujante e ilustrador.

Filmografía[editar]
Año Película
2010 Amador
2007 Invisibles (documental, capítulo Buenas noches Ouma)
2005 Princesas
2002 Los lunes al sol
2001 Caminantes (documental)
1998 Barrio
1996 Familia
1994 Sirenas (cortometraje)
Premios[editar]
Premios Goya[editar]
Año Edición Edición Película Resultado
2007 Mejor documental 22ª Invisibles Ganadora
2005 Mejor película 20ª Princesas Candidata
2005 Mejor guion original 20ª Princesas Candidata
2003 Mejor director 17ª Los lunes al sol Ganadora
2003 Mejor guion original 17ª Los lunes al sol Candidata
1999 Mejor guion original 13ª Barrio Ganadora
1999 Mejor película 13ª Barrio Candidata
1999 Mejor director 13ª Barrio Ganadora
1997 Mejor dirección novel 12ª Familia Ganadora
1997 Mejor guion original 12ª Familia Candidata
Festival de cine de San Sebastián[editar]
Año Categoría Película Resultado
2002 Premio CEC a la mejor película Los lunes al sol Candidata
2002 FIPRESCI Prize Los lunes al sol Ganadora
2002 Concha de oro Los lunes al sol Ganadora
2002 Premio SIGNIS Los lunes al sol Ganadora
Festival de cine Hispánico de Miami[editar]
Año Categoría Película Resultado
1997 Golden Egret Mejor película Familia Candidata
Myfest[editar]
Año Categoría Película Resultado
1997 Mejor película Familia Ganadora
Festival Internacional de Valladolid[editar]
Año Categoría Película Resultado
1997 Mejor director Familia Ganadora
1997 Espiga de oro Familia Candidata
Premios Ondas[editar]
Año Categoría Película Resultado
2002 Mejor película Los lunes al sol Ganadora
Festival de Cine de Sundance[editar]
Año Categoría Película Resultado
2005 Mejor película Princesas Candidata

Ha recibido 25 puntos

Vótalo:

ÁLVARO SÁENZ DE HEREDIA

36. ÁLVARO SÁENZ DE HEREDIA

Álvaro Sáenz de Heredia (Madrid, 1942) (70 años) es un director de cine español. Nació en 1942 en Madrid.1 Es de familia de cineastas. Estudió Derecho y Marketing, pero se decantó por el audiovisual. Durante muchos años trabajó de publicista. En 1982 fundó Producciones A.S.H. Films, S.A... Ver mas
Álvaro Sáenz de Heredia (Madrid, 1942) (70 años) es un director de cine español.

Nació en 1942 en Madrid.1 Es de familia de cineastas. Estudió Derecho y Marketing, pero se decantó por el audiovisual. Durante muchos años trabajó de publicista.

En 1982 fundó Producciones A.S.H. Films, S.A.

Se trata de un director con una vertiente polifacética que abarca desde la producción hasta la realización de guiones de cine. Comenzó su actividad de muy joven creando una productora de cine publicitario.

Generalmente es guionista de sus películas y confiesa que el momento creativo que más disfruta de todo el proceso es cuando dibuja el story board del filme que después llevará a la gran pantalla.

Su serie de televisión más conocida es Ana y los siete con Ana Obregón.

Filmografía[editar]
Filmografía como director:

Fredy el Croupier (1982)
La Hoz y el Martínez (1984)
Policía (1987)
Aquí huele a muerto (1990)
El robobo de la jojoya (1992)
Chechu y familia (1992)
Una Chica entre un millón (1993)
Aquí llega Condemor, el Pecador de la Pradera (1996)
Brácula. Condemor II (1997)
Papá Piquillo (1998)
Corazón de bombón (2000)
Esta noche, no (2001)
Ana y los siete (2002), Jaime Botella
R2 y el caso del cadáver sin cabeza (2005)
La venganza de Ira Vamp (2010)
Filmografía como productor:

Aquí llega Condemor, el Pecador de la Pradera (1996)
Corazón de bombón (2000)
R2 y el caso del cadáver sin cabeza (2005)
Filmografía como guionista:

La Hoz y el Martínez (1984)
Aquí llega Condemor, el Pecador de la Pradera (1996)
Brácula. Condemor II (1997)
No Esta noche (2001)
R2 y el caso del cadáver sin cabeza (2005)
Filmografía como asistente de dirección:

Universidades laborales - A (1962)
Universidades laborales - B (1962)
Han robado una estrella (1963)
Le tardone (1964)
Filmografía como actor:

Cuartelazo (1961)

Ha recibido 25 puntos

Vótalo:

JOSÉ LUIS GARCÍA-SÁNCHEZ

37. JOSÉ LUIS GARCÍA-SÁNCHEZ

José Luis García Sánchez (n. 22 de septiembre de 1941 en Salamanca, Castilla y León) es un director de cine español, que ha trabajado, además, como guionista, productor, y en algunas ocasiones como actor (Colorín colorado - 1976). Es licenciado en Derecho y Sociología. Casado con la cantante... Ver mas
José Luis García Sánchez (n. 22 de septiembre de 1941 en Salamanca, Castilla y León) es un director de cine español, que ha trabajado, además, como guionista, productor, y en algunas ocasiones como actor (Colorín colorado - 1976). Es licenciado en Derecho y Sociología. Casado con la cantante Rosa León y padre del director de cine español Víctor García León.

Filmografía[editar]
Filmografía como director[editar]
Los muertos no se tocan, nene (2011)
Life and Times of Jess Franco (2006)
María querida (2004)
¡Hay motivo! (2004) (serie de: "Español para extranjeros")
Franky Banderas (2004)
La marcha verde (película) (2002)
Lázaro de Tormes (2001)
Adiós con el corazón (2000)
Siempre hay un camino a la derecha (1997)
Tranvía a la Malvarrosa (1997)
El seductor (1995)
Suspiros de España y Portugal (1995)
La mujer de tu vida segundo episodio de TV: La mujer cualquiera (1994)
Tirano Banderas (película) (1993)
La noche más larga (1991)
La mujer de tu vida: La mujer infiel (1990) (TV)
El vuelo de la paloma (1989)
Pasodoble (1988)
Divinas palabras (1987)
Hay que deshacer la casa (1986)
La corte de Faraón (1985)
Cuentos para una escapada (1981) (serie denominada "El regalo de los colores")
Dolores (1981)
Las truchas (1978) - ganadora del Oso de Oro del Festival de Berlín
Colorín colorado (1976)
El Love feroz o Cuando los hijos juegan al amor (1975)
Gente de boina (1971)
Loco por Machín (1971)
Labelecialalacio (1970)
Pólipos en las trompas (1968)
Premios[editar]
1993 Goya al mejor guion original por Belle Époque. (VII edición de los Premios Goya)
1994 Goya mejor guion adaptado por Tirano Banderas (VIII edición de los Premios Goya)

Ha recibido 24 puntos

Vótalo:

RAFAEL GIL

38. RAFAEL GIL

Biografía[editar] Empezó su actividad en 1931 como crítico cinematográfico, en el diario ABC y otras revistas especializadas como Popular Films y Films Selectos. Durante la Guerra Civil rodó varios documentales para el bando republicano. Al finalizar la guerra inició su relación con la... Ver mas
Biografía[editar]
Empezó su actividad en 1931 como crítico cinematográfico, en el diario ABC y otras revistas especializadas como Popular Films y Films Selectos. Durante la Guerra Civil rodó varios documentales para el bando republicano. Al finalizar la guerra inició su relación con la productora valenciana CIFESA, dirigiendo su primera película en 1941: El hombre que se quiso matar, adaptación del libro de Wenceslao Fernández Flórez y protagonizada por Antonio Casal. Su primer gran éxito fue Eloísa está debajo de un almendro, basada en la obra de Enrique Jardiel Poncela, producida también por CIFESA. El éxito impulsó a Rafael Gil a continuar su relación con CIFESA, con la que llegó a dirigir ocho películas, de las que casi todas obtuvieron un fuerte éxito.

El cine de Rafael Gil[editar]
De no existir el cine cuando el abrió los ojos a los gustos y a la razón, lo habría inventado; porque el cine, para Rafael Gil, llegó a ser una auténtica necesidad física.
Carlos Fernández Cuenca, «Rafael Gil», en Revista Internacional del Cine, núms. 11–12
Desarrolló una extensa actividad que abarcó más de cuarenta años de ejercicio como director, rodó sesenta y ocho películas, también trabajó como guionista y productor. En todas ellas contó con un sobresaliente equipo técnico, como el decorador Enrique Alarcón.

Inició su cine en los años cuarenta con tres películas pequeñas, sin que supusieran grandes éxitos, pero que los críticos destacan, de aquí pasó a una fase en la que realizó algunos melodramas de gran éxito y adaptó gran cantidad de obras literarias de clásicos autores españoles como Galdós, Lope de Vega, Wenceslao Fernández Flórez, Jardiel Poncela y otros, también cultivó el cine histórico y religioso. En esos años fue una de los realizadores básicos de la industria española del cine. En los últimos años de su carrera, durante los años ochenta, realizó varias adaptaciones del escritor Fernando Vizcaíno Casas.

En sus artículos de cine se confesaba admirador de la obra de Murnau, Charles Chaplin, Buster Keaton, John Ford, Howard Hawks, Frank Capra, Frank Borzage o King Vidor.

Filmografía como director[editar]
Flechas, 1939
El hombre que se quiso matar, 1942
Huella de luz, 1942 (guionista)
Viaje sin destino, 1942 (guionista)
Eloísa está debajo de un almendro, 1943 (guionista)
El clavo, 1944 (guionista)
El fantasma y doña Juanita, 1944 (guionista)
La pródiga, 1946 (guionista)
Reina santa, 1947 (guionista)
La fe, 1947 (guionista)
La calle sin sol, 1948
Mare nostrum, 1948
Don Quijote de la Mancha, 1949 (guionista)
Una mujer cualquiera, 1949
Teatro Apolo, 1950
La noche del sábado, 1950
La señora de Fátima, 1951
El gran Galeoto, 1951
Sor intrépida, 1952
De Madrid al cielo, 1952 (guionista)
La guerra de Dios, 1953
El beso de Judas, 1954
Murió hace 15 años, 1954
El canto del gallo, 1955
La otra vida del capitán Contreras, 1955 (guionista)
La gran mentira, 1956
Un traje blanco, 1956
¡Viva lo imposible!, 1958
Camarote de lujo, 1958 (guionista)
La casa de Troya, 1959
El Litri y su sombra, 1959
Siega verde, 1960 (guionista)
Cariño mío, 1961 (guionista)
Tú y yo somos tres, 1962 (guionista)
La Reina del Chantecler, 1962
Rogelia, 1962 (guionista)
Chantaje a un torero, 1963
Samba, 1964 (guionista)
Currito de la Cruz, 1965
La nueva vida de Pedrito Andía, 1965 (guionista)
Camino del Rocío, 1966
Es mi hombre, 1966
La mujer de otro, 1967 (guionista)
El marino de los puños de oro, 1968
Verde doncella, 1968
Un adulterio decente, 1969
Sangre en el ruedo, 1969
El hombre que se quiso matar, 1970
El relicario, 1970
Nada menos que todo un hombre, 1971 (guionista)
El sobre verde, 1971
La guerrilla, 1972
La duda, 1972
El mejor alcalde, el rey, 1973
Novios de la muerte, 1974
Los buenos días perdidos, 1975
Olvida los tambores, 1975
A la legión le gustan las mujeres, 1976
La boda del señor cura, 1979 (guionista)
Hijos de papá, 1980
...Y al tercer año, resucitó, 1981
De camisa vieja a chaqueta nueva, 1982
Las autonosuyas, 1983.
Las alegres chicas de Colsada, 1984.
Filmografía como guionista[editar]
La dama del armiño (1947) De Eusebio Fernández Ardavín
El pobre rico (1942) de Ignacio F. Iquino
Premios[editar]
Concha de Plata al mejor director por La guerra de Dios (1953)
Concha de plata a la mejor película por La guerra de Dios (1953)
León de Bronce del Festival de Venecia por La guerra de Dios (1953).

Ha recibido 24 puntos

Vótalo:

JOSEFINA MOLINA

39. JOSEFINA MOLINA

Trayectoria[editar] Estudia Ciencias Políticas y en 1962 funda el Teatro de Ensayo Medea en su ciudad natal, dirigiendo varios montajes. En 1969 se convierte en la primera mujer que obtiene el título de directora/realizadora en la Escuela Oficial de Cine. En esa época rueda numerosos espacios... Ver mas
Trayectoria[editar]
Estudia Ciencias Políticas y en 1962 funda el Teatro de Ensayo Medea en su ciudad natal, dirigiendo varios montajes. En 1969 se convierte en la primera mujer que obtiene el título de directora/realizadora en la Escuela Oficial de Cine. En esa época rueda numerosos espacios dramáticos para Televisión Española (Estudio 1, Hora once, Teatro de siempre, etc.).

Sus series de televisión más destacadas son El camino (1978), Teresa de Jesús (1984) y Entre naranjos (1998).

También dirige teatro, logrando un gran éxito con el montaje Cinco horas con Mario, monólogo representado durante décadas e interpretado en distintas etapas por Lola Herrera y Natalia Millán a partir de la obra homónima de Miguel Delibes. En 1990 dirige Los últimos días de Emmanuel Kant, de Alfonso Sastre.

Su primer largometraje, Vera, un cuento cruel, de género fantástico, data de 1973 y en 1981 alcanza un buen nivel como cineasta con Función de noche, película que repasa la vida en común de un matrimonio separado en la que Lola Herrera y Daniel Dicenta se interpretan a sí mismos.

En 1989 estrena el drama histórico Esquilache, basado en la obra de Antonio Buero Vallejo Un soñador para un pueblo y con un gran reparto que incluye a Fernando Fernán Gómez, Adolfo Marsillach, Concha Velasco y otros actores de renombre. Lo más natural (1990), protagonizada por Charo López y Miguel Bosé y La Lola se va a los puertos (1993) con la cantante Rocío Jurado, constituyen sus últimas incursiones cinematográficas.1

El productor más representativo de su trayectoria es José Sámano (Sabre Producciones).

A su labor teatral y audiovisual se añade la literaria, con la publicación de las novelas Cuestión de azar, En el umbral de la hoguera y Los papeles de Bécquer.

En 2006 funda CIMA (Asociación de mujeres cineastas y de medios audiovisuales) junto a otras cineastas como Inés París, Chus Gutiérrez, Icíar Bollaín o Isabel Coixet y de la que es presidenta de honor.

En 2011 la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España le concede el premio Goya de Honor.2

En 2012 es nombrada Hija Predilecta de Andalucía.3

Cine y televisión[editar]
Entre naranjos (1998)
La Lola se va a los puertos (1993)
Lo más natural (1990)
Esquilache (1989)
Teresa de Jesús (1984) Televisión
Función de noche (1981)
Cuentos eróticos (1980) Fragmento
Escrito en América (1979)
El camino (1977)
Un globo, dos globos, tres globos (1974) Televisión
Doña Luz (1974) Televisión
Los Pintores del Prado (1974) Televisión
Vera, un cuento cruel (1973)
La rama seca (1972) Cortometraje
Hora once (1971) Televisión (episodio: Eleonora)
Pequeño estudio (1968) Televisión
Cuentos y leyendas (1968) Televisión
Aquel humo gris (1967) Cortometraje
Teatro de siempre (1966) Televisión
La otra soledad (1966) Cortometraje
Novela (1962) Televisión
Premios y candidaturas[editar]
Premios Goya
Año Categoría Película Resultado
2011 Goya de Honor Ganadora
1989 Mejor directora Esquilache Candidata
Mejor guion adaptado Candidata
Premios de la Academia de la Televisión de España
Año Categoría Serie Resultado
2003 Toda una vida Ganadora
1998 Mejor dirección y/o realización Entre naranjos Ganadora
Mejor programa de ficción Candidata
Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (2005)

Ha recibido 24 puntos

Vótalo:

MANUEL GUTIÉRREZ-ARAGÓN

40. MANUEL GUTIÉRREZ-ARAGÓN

Biografía[editar] Llegó a Madrid a estudiar periodismo, pero como no había cupo ingresó en la Escuela Oficial de Cinematografía,3 , de la que se graduó como realizador en 1970. He aquí cómo explica Gutiérrez Aragón que se hizo cineasta "de manera accidental": "Vine a Madrid a estudiar... Ver mas
Biografía[editar]
Llegó a Madrid a estudiar periodismo, pero como no había cupo ingresó en la Escuela Oficial de Cinematografía,3 , de la que se graduó como realizador en 1970. He aquí cómo explica Gutiérrez Aragón que se hizo cineasta "de manera accidental": "Vine a Madrid a estudiar periodismo, pero no había plazas y me matriculé en la Escuela de Cine. Me sentía un polizón. Descubrí después que hacer películas es un tóxico, muy adictivo y podía ganar dinero más rápido que en periodismo. Aunque yo lo que quería era escribir. Comencé haciendo guiones, sin considerarlos una pieza literaria".3

Tras rodar varias películas de corta duración, debuta en 1973 con el largometraje Habla, mudita, protagonizado por José Luis López Vázquez y Kiti Manver. La película, que obtuvo el Premio de la Crítica en el Festival de Berlín, refleja el universo opuesto de un intelectual y una pequeña campesina con mentalidades completamente diferentes.

Posteriormente, colabora en los guiones de Furtivos, de José Luis Borau y Las largas vacaciones del 36, de Jaime Camino.

Su siguiente película, Camada negra, fresco salvaje sobre la pervivencia de grupos fascistas de conducta violenta en el arranque de la Transición, es oficialmente prohibida, pese a haber muerto Franco, hasta 1977. Tras ganar en Berlín el Oso de Plata a la mejor dirección, se estrena en Madrid en medio de ataques ultraderechistas.

Sería el comienzo de una fructífera colaboración entre el director y la actriz Ángela Molina, protagonista también de El corazón del bosque (1979), Demonios en el jardín (1982) y La mitad del cielo (1986), obras clave en sus carreras que componen un retrato alegórico de la España ominosa del franquismo. El productor es Luis Megino, que también colabora en los guiones.

En 1981 codirige los Cuentos para una escapada junto con Jaime Chávarri, Teo Escamilla, José Luis García Sánchez, Carles Mires, Miguel Ángel Pacheco y Gonzalo Suárez. Cuenta con Fernando Fernán Gómez en Maravillas, película sobre los descubrimientos de la adolescencia en un contexto judío; Feroz, coescrita por Elías Querejeta y La noche más hermosa, entre otras, que le permiten colocarse a la cabeza de su generación.

En 1991 realiza para TVE la serie El Quijote de Miguel de Cervantes a partir del guion de Camilo José Cela, con Fernando Rey y Alfredo Landa en los papeles principales. Once años después rodaría en cine una nueva versión de El Quijote, esta vez encarnado por Juan Luis Galiardo.

En 1993 es elegido presidente de la Sociedad General de Autores y Editores, cargo que ocupa hasta 2001, cuando pasa a encabezar la Fundación Autor y luego el Instituto Buñuel. También preside, desde 2000, la Federación Europea de Realizadores Audiovisuales. Colabora, además, como guionista en cintas de otros directores como Jarrapellejos, de Antonio Giménez-Rico o Cuando vuelvas a mi lado, de Gracia Querejeta.

Algunas de sus películas recientes son Visionarios (2001) y La vida que te espera (2004), en las que no abandona el entorno rural y la reflexión política inherente a buena parte de su obra. En 2008 retrata el conflicto vasco cruzando las vidas de un terrorista y de un amenazado por ETA en Todos estamos invitados, a la vez que hace pública su intención de abandonar la dirección cinematográfica.

Actores de renombre como Ana Belén, Imanol Arias, Carmen Maura, Juan Diego, Emma Suárez o Marta Etura han trabajado a sus órdenes.

Autor de un cine complejo y progresivamente popular, Gutiérrez Aragón es uno de los directores más maduros y premiados de su generación. Ha rodado en múltiples ocasiones en parajes naturales de su Cantabria natal.

Aparece como actor en dos películas, Corto descafeinado (2007), de Juan Manuel Cotelo y Antonio Esteve y Contra la pared (1988), de Bernardo Fernández.

Gutiérrez Aragón ha incursionado también el teatro. Así, en 1979 dirigió la versión teatral de Peter Weiss sobre El proceso de Kafka. Escribió para el Centro Dramático Nacional Morirás de otra cosa, obra que dirigió y estrenó en Teatro María Guerrero de la capital española (1982). También dirigió en 1998 dos óperas basadas en textos de García Lorca, que fueron representadas en el Festival de Teatro de Granada, en la Zarzuela de Madrid y en La Fenice de Venecia.4

En 2009 reveló su faceta de escritor, al ganar el Premio Herralde con La vida antes de marzo. Anagrama publica en 2012 su segunda novela, Gloria mía.5

Militó en el Partido Comunista de España, que abandonó después de la legalización del PCE en 1977.3

Filmografía[editar]
Cine[editar]
Año Película Director
2007 Todos estamos invitados (DG) Manuel Gutiérrez Aragón
2005 Una rosa de Francia (DG) Manuel Gutiérrez Aragón
2004 La vida que te espera (DG) Manuel Gutiérrez Aragón
2002 El caballero Don Quijote (DG) Manuel Gutiérrez Aragón
2001 Visionarios (DG) Manuel Gutiérrez Aragón
1999 Cuando vuelvas a mi lado (G) Gracia Querejeta
1995 Los baúles del retorno (G) María Miró
1997 Cosas que dejé en la Habana (DG) Manuel Gutiérrez Aragón
1996 El rey del río (DG) Manuel Gutiérrez Aragón
1995 Cuernos de mujer (G) Enrique Urbizu
1992 El largo invierno (G) Jaime Camino
1991 La noche más larga (G) José Luis García Sánchez
1988 Malaventura (DG) Manuel Gutiérrez Aragón
1987 Jarrapellejos (G) Antonio Giménez-Rico
1986 La mitad del cielo (DG) Manuel Gutiérrez Aragón
1984 La noche más hermosa (DG) Manuel Gutiérrez Aragón
1984 Feroz (DG) Manuel Gutiérrez Aragón
1982 Demonios en el jardín (DG) Manuel Gutiérrez Aragón
1981 Cuentos para una escapada (DG) Manuel Gutiérrez Aragón
1980 Maravillas (DG) Manuel Gutiérrez Aragón
1979 El corazón del bosque (DG) Manuel Gutiérrez Aragón
1978 Sonámbulos (DG) Manuel Gutiérrez Aragón
1977 Camada negra (DG) Manuel Gutiérrez Aragón
1976 Las largas vacaciones del 36 (G) Jaime Camino
1975 Furtivos (G) José Luis Borau
1974 Las truchas (G) José Luis García Sánchez
1973 Habla, mudita (DG) Manuel Gutiérrez Aragón
1971 El cordobés (película) El cordobés (DG) Manuel Gutiérrez Aragón
1970 Cátedras ambulantes (DG) Manuel Gutiérrez Aragón
1969 Jansel y Gretel (DG) Manuel Gutiérrez Aragón
1969 El último día de la humanidad (DG) Manuel Gutiérrez Aragón
(DG) Director y guionista
(G) Sólo guionista
Televisión[editar]
Año Serie Director
2003 Andalucía es de Cine (DG) Manuel Gutiérrez Aragón y Juan Lebrón
1991 El Quijote de Miguel de Cervantes (D) Manuel Gutiérrez Aragón
1985 Los pazos de Ulloa (G) Gonzalo Suárez
(D) Director
(G) Guionista
Cortometrajes[editar]
Año Cortometraje Director
1992 Semana Santa de Sevilla (DG) Manuel Gutiérrez Aragón y Juan Lebrón
Premios y candidaturas[editar]
Festival Internacional de Cine de Berlín
Año Categoría Película Resultado
1977 Oso de Plata a la mejor dirección Camada negra Ganador
1973 Premio de la Crítica Habla, mudita Ganadora
Festival Internacional de Cine de San Sebastián
Año Categoría Película Resultado
1986 Concha de Oro a la mejor película La mitad del cielo Ganadora
1982 Concha de Oro a la mejor película Demonios en el jardín Ganadora
1978 Concha de Plata al mejor director Sonámbulos Ganador
Premios Goya
Año Categoría Película Resultado
2002 Mejor guion adaptado El caballero Don Quijote Candidato
1999 Mejor guion original Cuando vuelvas a mi lado Candidato
1988 Mejor guion adaptado Jarrapellejos Ganador
1986 Mejor película La mitad del cielo Candidata
Premios Fotogramas de Plata
Año Categoría Película Resultado
1986 Mejor película española La mitad del cielo Ganadora
1982 Mejor película española Demonios en el jardín Ganadora
1981 Mejor película española Maravillas Ganadora
Otros reconocimientos
Preseleccionado para el Oscar a la mejor película de habla no inglesa por Habla, mudita (1973).
Premio del Círculo de Escritores Cinematográficos al mejor guion por Furtivos (1975).
Preseleccionado para el Oscar a la mejor película de habla no inglesa por Sonámbulos (1978).
Premio FIPRESCI de la Crítica en el Festival Internacional de Cine de Moscú por Demonios en el jardín (1983).
Premio David de Donatello de la Academia de Cine de Italia por Demonios en el jardín (1983).
Preseleccionado para el Oscar a la mejor película de habla no inglesa por La mitad del cielo (1986).
Premio Ondas a la mejor película por Cosas que dejé en La Habana (1997).
Premio Nacional de Cinematografía (2005).
Premio José Estrañi de la Asociación de la Prensa de Cantabria (2006).
Premio Especial del Jurado en el Festival de Cine Español de Málaga por Todos estamos invitados (2008)
Premio Herralde 2009 por La vida antes de marzo.1
Medalla de Oro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España (2012).
Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes (2012).
Ficción[editar]
La vida antes de marzo, Anagrama, 2009
Gloria mía, Anagrama, 2012

Ha recibido 23 puntos

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JUAN ANTONIO BAYONA

41. JUAN ANTONIO BAYONA

Carrera[editar] Creció con la pasión por el cine, lo que le llevó a ser periodista y a estudiar en la Escuela Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya (ESCAC). En el Festival de Cine de Sitges, Bayona conoció a Guillermo del Toro, que presentaba Cronos, y este último le prometió ayuda si... Ver mas
Carrera[editar]
Creció con la pasión por el cine, lo que le llevó a ser periodista y a estudiar en la Escuela Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya (ESCAC). En el Festival de Cine de Sitges, Bayona conoció a Guillermo del Toro, que presentaba Cronos, y este último le prometió ayuda si en el futuro se daba la ocasión. Dirigió anuncios de TV y videoclips para OBK, Fangoria y Camela. En 1999 dirigió el corto Mis vacaciones y en 2002 otro corto: El hombre esponja.

En 2004 conoció a Sergio G. Sánchez, que estaba trabajando en el corto 7337, al que ofreció el guion de El orfanato. Para rodar esta película tuvo que doblar el presupuesto y la duración, además de recibir la ayuda de Guillermo del Toro, que se ofreció a coproducirla nada más enterarse del proyecto. La película, finalmente, se estrenó el 20 de mayo de 2007 en Cannes, recibiendo una ovación de más de 10 minutos por parte de la audiencia presente. Meses más tarde, el 11 de octubre de 2007, se estrenó en las salas de cine españolas, consiguiendo recaudar 8'3 millones de $.

Bayona, por este trabajo, fue galardonado con un Goya a "Mejor Director Novel" en 2008, además de ser su película nominada a 14 categorías de los Premios Goya de los cuales ganó 7. En octubre de ese mismo año, Variety anunció que Universal Studios había firmado un contrato con el director barcelonés para adaptar cinematográficamente Hater, de David Moody, siendo escrita por Glen Mazzara y producida por Guillermo del Toro.

En 2008, dirigió también el videoclip de El Aleph de Nena Daconte. En 2010, dirigió también el clip de "Frente a frente", interpretada por Enrique Bunbury y Miren Iza, en el cual aparece al final la cantante Jeanette, intérprete original del tema.1

En agosto de 2010 inició el rodaje de Lo imposible, ambientada en el tsunami del océano Índico en 2004. Rodada en inglés y protagonizada por Ewan McGregor y Naomi Watts.2 3 Se estrenó en octubre de 2012 y la critica fue positiva. Además, en su primer fin de semana recaudó 8,6 millones, lo que le hizo cosechar el récord al mejor estreno de la historia de la taquilla española. Dentro de los premios, Lo imposible ha sido nominada a los Premios Oscar y Premios Globo de Oro en la categoría "Mejor Actriz" por la excelente interpretación de Naomi Watts. También fue nominada en 14 categorías de los Premios Goya incluyendo "Mejor Película", "Mejor Director", "Mejor Actriz", "Mejor Actor de reparto" y "Mejor Actor revelación" (Tom Holland), de los que consiguió 5.

En marzo de 2012 dirigió en Barcelona el clip musical de "Disconnected", segundo single del álbum Strangeland del cuarteto británico Keane. La banda ha declarado que admira mucho el trabajo cinematográfico que realiza Bayona, así como también el cinesta español manifestó que es un seguidor de la música de Keane.4

Filmografía[editar]
Cine[editar]
El orfanato (2007)
Lo imposible (2012)
Guerra mundial Z 2 (2015)
Series[editar]
Penny Dreadful: 2 episodios (2014)
Cortometrajes[editar]
Mis vacaciones (1999)
El hombre Esponja (2002)
Premios[editar]
Premios Goya
Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor dirección Lo imposible Ganador
2007 Mejor dirección novel El orfanato Ganador
Premios y nominaciones por película[editar]
Año Título Cargo Premios o nominaciones
2012 Lo imposible Director Premios Óscar: 1 nominación
Mejor actriz (Naomi Watts) - Nominada
Premios Globo de Oro: 1 nominación
Mejor actriz-Drama (Naomi Watts) - Nominada
Premios del Sindicato de Actores (SAG): 1 nominación
Mejor actriz protagonista (Naomi Watts) - Nominada
Premios Goya: 5 premios 14 nominaciones
Mejor película - Nominado
Mejor director - Ganador
Mejor actriz protagonista (Naomi Watts) - Nominada
Mejor actor de reparto (Ewan McGregor) - Nominado
Mejor actor revelación (Tom Holland) - Nominado
Mejor guion original (Sergio Gutiérrez Sánchez) - Nominado
Mejor música original (Fernando Velázquez) - Nominado
Mejor fotografía - Nominado
Mejor montaje - Ganador
Mejor dirección de producción -'Ganador
Mejor dirección artística - Nominado
Mejor maquillaje y peluquería - Nominado
Mejor sonido - Ganador
Mejores efectos especiales - Ganador
Premios National Board of Review: 1 premio 1 nominación
Mejor actor revelación (Tom Holland) - Ganador
2007 El orfanato Director Premios Goya: 7 premios 14 nominaciones
Mejor película - Nominada
Mejor director novel - Ganador
Mejor actriz protagonista (Belén Rueda) - Nominada
Mejor actriz de reparto (Geraldine Chaplin) - Nominada
Mejor actor revelación (Roger Príncep) - Nominado
Mejor guion original (Sergio Gutiérrez Sánchez) - Ganador
Mejor música original (Fernando Velázquez) - Nominado
Mejor montaje - Nominada
Mejor dirección artística - Ganadora
Mejor dirección de producción - Ganadora
Mejor vestuario - Nominada
Mejor maquillaje y peluquería - Ganadora
Mejor sonido - Ganadora
Mejores efectos especiales - Ganadora

Ha recibido 22 puntos

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ELOY DE LA IGLESIA

42. ELOY DE LA IGLESIA

Biografía[editar] Aunque nacido en Zarauz, se crio en Madrid, donde estudió Filosofía y Letras hasta el tercer curso; momento en el que decidió dedicarse al cine, teatro y televisión. A los 20 años de edad ya había escrito, dirigido o producido casi cincuenta títulos para el medio televisivo... Ver mas
Biografía[editar]
Aunque nacido en Zarauz, se crio en Madrid, donde estudió Filosofía y Letras hasta el tercer curso; momento en el que decidió dedicarse al cine, teatro y televisión. A los 20 años de edad ya había escrito, dirigido o producido casi cincuenta títulos para el medio televisivo, como La doncella del mar, Los tres pelos del diablo y El mago de Oz, textos que formaron su primer largometraje Fantasía... 3 (1966). Intentó ingresar en la Escuela Oficial de Cinematografía, pero no lo aceptaron por no contar con la edad mínima requerida. Estudió cine en París en el IDHEC. Trabajó como guionista de televisión y, tras algunos trabajos en 8 mm, debutó en el citado Fantasía... 3 (1966). Después rodó Algo amargo en la boca (1969), que tropezó con la censura franquista dada su militancia en el Partido Comunista de España, problemas que le acompañaron además por el carácter profundamente provocador y revulsivo de su cine, de sesgo existencial y pleno de denuncia social y política.

Alcanzó el éxito comercial con la película Techo de cristal (1971); hizo después Cuadrilátero (1970). Se acercó después al cine de terror, despreciando los amaneramientos y academicismos estilísticos y estructurales: La semana del asesino (1972), Nadie oyó gritar (1973), Una gota de sangre para morir amando (1973), ficción científica deudora de La naranja mecánica de Stanley Kubrick, y Juegos de amor prohibido (1975), donde narra cómo un profesor humilla a una pareja de alumnos. Posteriormente aborda la problemática sexual y homosexual en filmes como La otra alcoba (1976) y La criatura (1977), cuyo asunto es una mujer con relaciones zoofílicas, denunciando la frustración sexual y el fracaso del matrimonio y la familia tradicional. Siguió con esta temática en Los placeres ocultos (1977), historia de un homosexual enamorado de un muchacho. Siguió con su temática habitual en El sacerdote (1978), El diputado (1978) -sobre un político homosexual y que tuvo un gran éxito en Estados Unidos- y Miedo a salir de noche (1979). Esta última cinta, en una época marcada por la inseguridad ciudadana, difundió lo que acabó convirtiéndose en una leyenda urbana sobre una violenta banda de violadores.

En los años ochenta extiende estos temas al mundo de la marginación, la delincuencia juvenil y las drogas. A esta época pertenecen Navajeros (1980), Colegas, (1982), tal vez su mejor película, El pico una de las películas más taquilleras de los 80 (1983) y El pico 2 (1984), que se convirtieron en auténticos éxitos de taquilla y despertaron el malhumor e incomprensión de los críticos. En 1985 se apartó de esta temática para dirigir Otra vuelta de tuerca, adaptación de la novela de fantasmas de Henry James, y volvió al tema de la delincuencia callejera en La estanquera de Vallecas, sobre la obra teatral homónima de José Luis Alonso de Santos (1987), que también fue un éxito. Sin embargo Eloy de la Iglesia cayó en una sequía creativa en los años siguientes a causa de su adicción a las drogas (empezó a consumir heroína en 1983); tras desintoxicarse, recibió un homenaje del Festival de Donostia en 1996, que reavivó su deseo de volver a dirigir, tras 16 años en dique seco, y estrenó un nuevo filme, Los novios búlgaros (2003), una historia de amor homosexual cuya carga social tiene en este caso por ambiente el mundo de la emigración y se inspira en la novela homónima de Eduardo Mendicutti. Dirigió, asimismo, el Calígula de Albert Camus para televisión.

Amante del discurso directo y de estética naturalista, hizo protagonistas de sus trabajos a chicos de la calle reclutados en castings nada académicos en las afueras y en la frontera misma de la delincuencia: José Luis Fernández Eguia "El Pirri", José Luis Manzano, y una excepción, Antonio Flores, la mayoría fallecidos por sobredosis al cabo de cierto tiempo.

La obra de Eloy de la Iglesia es muy personal, disidente, transgresora y provocadora; inspira en parte la de Pedro Almodóvar, cuyo mundo se mueve en órbita próxima a la suya. Su cine posee puntos de contacto con el de Pier Paolo Pasolini (inspecciona el mundo del subproletariado y del lumpen como el director italiano) y Rainer Werner Fassbinder, al que aporta un elemento castizo y una violencia esencial en contenido y forma. Conmocionó la época de la Transición española con sus taquilleras historias de estilo tremendista que destemplaron a críticos (alguno de los cuales calificó sus películas de groserías fílmicas) y biempensantes.

De la Iglesia es célebre por haber retratado la marginalidad y el mundo de las drogas que se vivía en muchas ciudades españolas en los años 80 y que él mismo experimentó en carne propia. Parte de su obra está muy relacionada con el fenómeno conocido popularmente en España como cine quinqui, dada su aportación a este género cinematográfico con varias películas. En sus películas hay un ejemplo de compromiso con la realidad inmediata, gran honestidad y riesgo, frente al conformista panorama de la mayoría del cine de su tiempo. Fuera de sus discutibles méritos estéticos, su cine conserva un gran valor documental como fiel reflejo del tiempo que él vivió, especialmente de la marginalidad española de finales de los años setenta y principios de los ochenta.

Después de recuperarse de sus graves problemas con las drogas, murió el 23 de marzo de 2006, a los 62 años de edad, tras una operación para la resección de un tumor maligno.

Filmografía[editar]
Como director[editar]
2003 - Los novios búlgaros
2001 - Calígula
1987 - La estanquera de Vallecas
1985 - Otra vuelta de tuerca
1984 - El pico 2
1983 - El pico
1982 - Colegas
1980 - Navajeros
1981 - La mujer del ministro
1980 - Miedo a salir de noche
1979 - El sacerdote
1978 - El diputado
1977 - La criatura
1977 - Los placeres ocultos
1976 - La otra alcoba
1975 - Juego de amor prohibido
1973 - Una gota de sangre para morir amando
1973 - Nadie oyó gritar
1972 - La semana del asesino
1971 - El techo de cristal
1970 - Cuadrilátero
1969 - Algo amargo en la boca
1966 - Fantasía... 3
Como guionista[editar]
La semana del asesino (1971)
Juego de amor prohibido (1975)
La otra alcoba (1976)
Los placeres ocultos (1977)
El diputado, (1978)
Navajeros (1980)
Colegas (1980)
El pico (1983)
El pico 2 (1984)
Otra vuelta de tuerca (1985)
La estanquera de Vallecas (1986)

Ha recibido 22 puntos

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EL GRAN WYOMING

43. EL GRAN WYOMING

Biografía[editar] Nació en Madrid en el seno de una familia de farmacéuticos de origen aragonés. Licenciado en Medicina, abandonó su trabajo como médico, el cual ejerció en la mili1 , en la localidad de Buitrago del Lozoya,2 y también el de residente de medicina interna (se dice que en la... Ver mas
Biografía[editar]
Nació en Madrid en el seno de una familia de farmacéuticos de origen aragonés. Licenciado en Medicina, abandonó su trabajo como médico, el cual ejerció en la mili1 , en la localidad de Buitrago del Lozoya,2 y también el de residente de medicina interna (se dice que en la Fundación Jiménez Díaz de Madrid aunque este dato no figura en las memorias anuales de dicha institución), para dedicarse al mundo del espectáculo.

Al principio de su carrera musical tocaba junto a su grupo Paracelso y más adelante representaba espectáculos cómico-musicales junto al pianista Ángel Muñoz Alonso, apodado Maestro Reverendo, también se declaraba fanático y admirador del cómico inglés "Alfie" Hill conocido como Benny Hill, gusto que comparte con sus amigos y colegas Santiago Segura y Alex de la Iglesia. Se comenta que de una charla que comenzó hablando de Benny surge la idea del guion de la película Muertos de Risa.[cita requerida]

Ha sido presentador de varios programas televisivos, como Silencio se juega (1981), de José María Fraguas, La noche se mueve (1992) y El peor programa de la semana (1993), dirigido por Fernando Trueba. Televisión Española (TVE) suspendió la emisión de El peor programa de la semana el mismo día en que iba a ser entrevistado el escritor catalán Quim Monzó, ante el temor de que hiciera chistes ofensivos sobre la familia real.3 El programa se emitía en directo, por tanto, no pudo hacerse. Se ha especulado mucho sobre el contenido de esa entrevista como razón de la suspensión; no obstante, lo cierto es que la entrevista no llegó a realizarse. En 1996 Wyoming volvió a la televisión, pero esta vez al canal privado Telecinco, presentando la versión española del programa argentino Caiga quien caiga.4 Durante siete temporadas fue uno de los éxitos de la cadena, galardonado con una treintena de premios, como el Ondas o el TP de Oro. Uno de los pilares de Caiga quien caiga era la sátira a la clase política en general y al gobierno de José María Aznar en particular. Según él, esto volvió a costarle el programa.

De tendencia progresista,[cita requerida] El Gran Wyoming fue uno de los promotores de manifestaciones contra las políticas del Partido Popular durante su segunda legislatura y dirigió el segmento Muertos de segunda en el film colectivo de denuncia Hay motivo.

En 2004 estrenó un nuevo programa en Televisión Española, La azotea de Wyoming, que acabó suponiendo un gran fracaso. Tras varios cambios de horario y cuotas de pantalla que llegaron al 6%, TVE decidió retirar La azotea de Wyoming de su parrilla.5

En mayo de 2007 estrenó en La Sexta su primer trabajo documental propio,6 El Severo me duele, un reportaje de denuncia sobre supuestas irregularidades médicas en el Hospital Severo Ochoa de Leganés.

Desde 2006 presenta en La Sexta el programa nocturno El intermedio, en el cual realiza comentarios satíricos de la actualidad diaria. Además de actuar en televisión, escribió una columna en el periódico Público del grupo Mediapro, llamada Asuntos & Cuestiones, en la que criticaba diferentes temas, tanto de política como actualidad. Dejó de colaborar para Público debido al cese del medio por cuestiones económicas.

No estamos locos[editar]
En 2013 El Gran Wyoming escribe un libro para la Editorial Planeta titulado No estamos locos en el que hace un repaso de toda la historia de España, entre otras cuestiones, del siglo pasado hasta llegar al presente argumentando que lo que ocurre ahora, la situación de crisis y demás cuestiones, se lo debemos a los hechos del pasado, todo el libro está plagado de humor e ironía. El libro ha superado las 100.000 copias vendidas y va por la octava edición. El propio Wyoming dice que con este libro trata de contar 'el origen de por qué estamos atrapados en este terrible momento político e ideológico', un libro 'que hace una burla crítica de diálogos y situaciones reales'.7

Controversias[editar]
En enero de 2009, Xavier Horcajo, en el programa Más se perdió en Cuba de Intereconomía, comentó de Beatriz Montañez, copresentadora de El intermedio, que lo que hace, más que periodismo, «tiene que ver con los oficios más viejos del mundo» a raíz de un sketch suyo en el que representaba el papel de una actriz porno.8 Como respuesta a dicha declaración, el equipo de El intermedio grabó un vídeo en el que Wyoming supuestamente reprendía a una becaria por interrumpir un ensayo de su programa y lo envió por correo electrónico a Intereconomía, que le dio credibilidad y lo emitió como una exclusiva. Posteriormente, un vídeo de esta emisión fue difundido en YouTube y visto unas 250.000 veces durante un fin de semana, generando numerosas críticas a Wyoming por su trato vejatorio hacia la becaria. El 2 de febrero, Wyoming desveló que el vídeo había sido sólo un montaje con el fin de ridiculizar a Intereconomía y denunciar su falta de rigor informativo al haber emitido el vídeo sin haber comprobado antes su veracidad.9 10 Xavier Horcajo alegó en su defensa posteriormente que «las imágenes que nos remitieron daban cuenta de un delito, y cuando tienes un delito entre manos no te paras a pensar si es un montaje»10 y calificó el montaje de «engaño».11

En diciembre de 2009, tras un vídeomontaje emitido en El intermedio, en el que el periodista Hermann Tertsch se mostraba partidario de combatir a los terroristas de Al Qaeda con todo medio y fuerza, "Para salvar la vida de un compatriota se justifica todo",12 El Gran Wyoming fue demandado por éste.13 Pocos días después de la emisión de este vídeo, Hermann Tertsch sufrió una agresión en un bar de Madrid. Según su propia versión, el autor fue un desconocido que le dio una patada y le rompió varias costillas.14 Parte de la prensa conservadora y algunos políticos como Esperanza Aguirre relacionaron la agresión con las sátiras de Wyoming.15 Al final, se esclareció el caso y Ramón Narváez, un empresario del ocio nocturno, fue detenido el 7 de enero de 2010 como presunto autor de la agresión a Hermann Tertsch, quedando descartada la hipótesis del móvil político de la agresión.16

Televisión[editar]
Como actor[editar]
La mujer de tu vida: La mujer fría (1990), en TVE
Los jinetes del alba (1990)
La mujer de tu vida 2: La mujer duende (1992)
Hermanos de leche (1995), en Antena 3
Vivancos 3 (2002)
Vientos de agua (2005), en Telecinco
La muerte de Fran Carceles (2008)
Vaya semanita17 (Cameo) (2012), en ETB
Como presentador[editar]
Silencio, se juega (1981), en TVE.
Esto es lo que hay (1985), en TVE.
En la cuerda floja (1985), en TVE.
A media voz (1988-1989), en TVE.
La noche se mueve (1992-1993), en Telemadrid.
El peor programa de la semana (1993-1994), en TVE.
Caiga Quien Caiga (1996-2002), en Telecinco.
El club de la comedia (2004), en Antena 3.
La azotea de Wyoming (2005), en TVE.
El intermedio (2006-presente), en La Sexta.
Buenafuente (capítulo 692, 2009), en La Sexta.
Como director[editar]
Me estoy quitando (1999), en Telecinco.
En la calle (2007), en La Sexta.
El Severo me duele (2007), en La Sexta.
Como guionista[editar]
La mujer de tu vida 2: La mujer duende (1992), en TVE.
Cine[editar]
Filmografía como actor[editar]
Torrente 4: Lethal Crisis (2011)
Isi Disi 2 Alto Voltaje (2006)
Isi/Disi. Amor a lo bestia (2004)
El oro de Moscú (2003)
Vivancos 3 o Vivancos III (Si gusta haremos las dos primeras) (2002)
El florido pensil (2002)
Buñuel y la mesa del rey Salomón (2001)
Manolito Gafotas en ¡Mola ser jefe! (2001)
Torrente 2: Misión en Marbella (2001)
Muertos de risa (1999)
Torrente, el brazo tonto de la ley (1998)
Un día bajo el sol (En dag til i solen) (1998)
Tengo una casa (1996)
El día de la Bestia (1995)
Los peores años de nuestra vida (1994)
Cómo ser infeliz y disfrutarlo (1994)
¡Oh, cielos! (1994)
Pásala (1994)
La marrana (1992)
La reina anónima (1992)
Quiero que sea él (1991)
Tu novia está loca (1988)
No hagas planes con Marga (1988)
Esa cosa con plumas (1988)
El juego más divertido (1988)
La vida alegre (1987)
Lulú de noche (1986)
Sé infiel y no mires con quién (1985)
Best Seller (1982)
Ópera prima (1980)
Filmografía como guionista[editar]
Quiero que sea él (1991)
Historias de la puta mili (1994)
Discografía[editar]
Wyoming & Reverendo: Antología 1975-2000, 18 Chulos (2000).
La perversión del lenguaje, Cosas que pasan, que no pasan y que deberían pasar(2009), en colaboración con El Chojin.
Libros[editar]
Un vago, dos vagos, tres vagos (1990). Ed. Temas de Hoy. ISBN 84-7880-885-X
Te quiero personalmente (1993). Ed. Anagrama. ISBN 8433914910
Las aventuras del mapache (1997). Ed. Alfaguara. ISBN 84-204-5700-0
Janos, el niño que soñaba despierto (2000). Ed. Agruparte. Colección de Cuentos Musicales "La mota de polvo" ISBN 978-84-95423-10-8
No estamos locos (2013). Planeta. ISBN 9788408118657
Premios y nominaciones[editar]
Premios Ondas[editar]
Año Categoría Programa Resultado
2013 Presentador El Intermedio Ganador
2009 Conducción de Programa de Actualidad El Intermedio Ganador
Premios ATV[editar]
Año Categoría Programa Resultado
2013 Comunicador de Programa de Entretenimiento El Intermedio Ganador
2012 Comunicador de Programa de Entretenimiento El Intermedio Ganador
2009 Conducción de Programa de Entretenimiento El Intermedio Ganador
2007 Conducción de Programa de Entretenimiento El Intermedio Nominado
2002 Comunicador de Programa de Entretenimiento Caiga Quien Caiga Ganador
2001 Comunicador de Programa de Entretenimiento Caiga Quien Caiga Ganador
2000 Comunicador de Programa de Entretenimiento Caiga Quien Caiga Ganador
1998 Comunicador Caiga Quien Caiga Ganador
TP de Oro[editar]
Año Categoría Programa Resultado
2006 Presentador de variedades y espectáculos El Intermedio Nominado
Micrófono de oro[editar]
Año Categoría Programa Resultado
2008 Televisión El intermedio Ganador

Ha recibido 22 puntos

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PEDRO OLEA

44. PEDRO OLEA

Pedro Olea Retolaza (*30 de junio de 1938) es un director, productor, guionista de cine español nacido en Bilbao. Por sus orígenes bilbenses se le dedicó la bilbainada San Pedro Olea Filmografía como director[editar] Días de viejo color. 1968. El bosque del lobo. 1971. La casa sin... Ver mas
Pedro Olea Retolaza (*30 de junio de 1938) es un director, productor, guionista de cine español nacido en Bilbao. Por sus orígenes bilbenses se le dedicó la bilbainada San Pedro Olea

Filmografía como director[editar]
Días de viejo color. 1968.
El bosque del lobo. 1971.
La casa sin fronteras. 1972.
No es bueno que el hombre esté solo. 1973.
Tormento. 1974.
Pim, pam, pum... ¡fuego!. 1975.
La Corea. 1976.
Un hombre llamado Flor de Otoño. 1978.
Akelarre. 1984.
La huella del crimen 1: Las envenenadas de Valencia. 1985 (Televisión).
Bandera negra. 1986.
La Leyenda del cura de Bargota. 1990.
El día que nací yo. 1991.
El maestro de esgrima. 1992.
Morirás en Chafarinas. 1995.
Más allá del jardín. 1997.
Tiempo de tormenta. 2003.
¡Hay motivo!. 2004.
Filmografía como productor[editar]
El bosque del lobo (1971)
El maestro de esgrima (1992)
Los novios búlgaros (2002, dirigida por Eloy de la Iglesia).
Los mánagers (2006, dirigida por Fernando Guillén Cuervo).

Ha recibido 22 puntos

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MIGUEL PICAZO

45. MIGUEL PICAZO

Miguel Picazo de Dios (Cazorla, Jaén, 27 de marzo de 1927) es un director, guionista y actor español. Estudió Derecho, Dirección de cine y Psicología. Su exitoso comienzo con el largometraje La tía Tula le sitúa en el ámbito de realizadores del Nuevo cine español, innovador en su contenido y... Ver mas
Miguel Picazo de Dios (Cazorla, Jaén, 27 de marzo de 1927) es un director, guionista y actor español.

Estudió Derecho, Dirección de cine y Psicología. Su exitoso comienzo con el largometraje La tía Tula le sitúa en el ámbito de realizadores del Nuevo cine español, innovador en su contenido y contrario a los convencionalismos de la época.1
Trayectoria[editar]
Como director y guionista[editar]
1964 La tía Tula. Con Aurora Bautista y Carlos Estrada.
1967 Oscuros sueños de agosto.
1977 Los claros motivos del deseo.
1978 El hombre que supo amar. Con Timothy Dalton.
1979 Escrito en América (Televisión).
1982 Sonata de primavera (Televisión).
1985 Extramuros. Con Carmen Maura y Mercedes Sampietro.
Como actor[editar]
1973 El espíritu de la colmena, de Víctor Erice.
1975 El libro de buen amor, de Tomás Aznar.
1988 Remando al viento, de Gonzalo Suárez.
1991 La huella del crimen 2: El crimen de Don Benito, de Antonio Drove.
1996 Tesis, de Alejandro Amenábar.
1997 99.9, de Agustí Villaronga.
Premios[editar]
Festival Internacional de Cine de San Sebastián (1964, La tía Tula)
Premio San Sebastián a la mejor dirección
Premio Perla del Cantábrico al mejor largometraje de habla hispana
Premios Sant Jordi: Mejor película (La tía Tula)
Círculo de Escritores Cinematográficos: Mejor director por La tía Tula (1964) y por Oscuros sueños de agosto (1967)
Premios ACE (Nueva York): Mejor director por Extramuros (1985)
Premio Goya de Honor (1996)
Medalla de Andalucía (2014)3

Como actor ocasional destaca en la película Tesis, de Alejandro Amenábar, dando vida al profesor Figueroa. En 1996 recibe el Premio Goya de Honor en reconocimiento a su trayectoria.2

Ha recibido 22 puntos

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GRACIA QUEREJETA

46. GRACIA QUEREJETA

Primeros años[editar] Querejeta es la hija de la diseñadora de vestuario María del Carmen Marín Maikila y del productor Elías Querejeta, que le abrió el camino en el mundo del cine, nunca tuvo vocación de ser actriz y estudió Historia Antigua en la Universidad Complutense de Madrid. Carrera... Ver mas
Primeros años[editar]
Querejeta es la hija de la diseñadora de vestuario María del Carmen Marín Maikila y del productor Elías Querejeta, que le abrió el camino en el mundo del cine, nunca tuvo vocación de ser actriz y estudió Historia Antigua en la Universidad Complutense de Madrid.

Carrera profesional[editar]
En 1992 dirige su primera película en solitario, Una estación de paso, premio especial del Jurado en la Semana de Cine de Valladolid. A su ópera prima siguieron El último viaje de Robert Rylands y Cuando vuelvas a mi lado, una película que cuenta la historia de tres hermanas que se vuelven a reunir de nuevo después de fallecer su madre. En esta película participaron las actrices Mercedes Sampietro, Julieta Serrano y Adriana Ozores.

En 2004 dirigió Héctor. Esta fue galardonada con el premio a la mejor película en el Festival de Málaga de Cine Español en mayo de 2004.Siete mesas de billar francés del 2007 le supusieron diverdas nominaciones al premio Goya como mejor dirección y adaptación de un guion. En 2008 recibió el premio 'Ciudad de Cuenca' del festival internacional de cine Mujeres en Dirección en reconocimiento a su trayectoria.1 2

Obra[editar]
Una estación de paso (1992). Premio especial del Jurado en la Semana de Cine de Valladolid.
El trabajo de rodar (1994). Documental.
El último viaje de Robert Rylands (1994). Premio a la mejor dirección, mejor película, mejor fotografía, mejor montaje y mejor música otorgados por el Círculo de Escritores Cinematográficos.
Di Stefano (1997) capítulo de la serie El partido del siglo.
Primarias (1998). Documental codirigido junto a Fernando León de Aranoa y Azucena Rodríguez.
Cuando vuelvas a mi lado (1999). Mención especial del Jurado en el Festival de San Sebastián por la calidad de la dirección e interpretación y el premio a la mejor fotografía.
Héctor (2004). Biznaga de Oro a la mejor película y premio a la mejor interpretación femenina (Adriana Ozores) en el Festival de Cine Español de Málaga.
Siete mesas de billar francés (2007). Nominación en los Premios Goya a la Mejor película y mejor dirección, entre otras, además de conseguir los premios a mejor actriz protagonista (Maribel Verdú) y de reparto (Amparo Baró).
15 años y un día (2013). Biznaga de Oro a la mejor película y otros 3 premios en el Festival de Cine Español de Málaga.
Polémica con Javier Marías[editar]
Su película "El último viaje de Robert Rylands" está basado en la novela Todas las almas de Javier Marías. El escritor sostuvo una agria polémica en el periódico "El País" con Elías y Gracia Querejeta, a los que acusaba de desfigurar su libro hasta hacerlo irreconocible. Exigió que se suprimiera toda mención a su nombre y a su novela en los títulos de crédito de la misma e inició un largo proceso judicial que, tras dos sentencias favorables al escritor en 1998 y 2002, terminó el 7 de marzo de 2006 cuando el Tribunal Supremo rechazó los recursos presentados por la productora de Elías Querejeta y ratificó las sentencias anteriores.

Ha recibido 22 puntos

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JAIME DE ARMIÑÁN

47. JAIME DE ARMIÑÁN

Biografía[editar] Nació en el seno de una familia de artistas, políticos y escritores. Su abuela y su madre eran respectivamente las actrices Carmen Cobeña y Carmita Oliver; su abuelo el dramaturgo y escultor Federico Oliver y su padre el periodista y gobernador civil Luis de Armiñán.1 Se... Ver mas
Biografía[editar]
Nació en el seno de una familia de artistas, políticos y escritores. Su abuela y su madre eran respectivamente las actrices Carmen Cobeña y Carmita Oliver; su abuelo el dramaturgo y escultor Federico Oliver y su padre el periodista y gobernador civil Luis de Armiñán.1 Se licencia en Derecho en la Universidad Complutense de Madrid. Sus primeros pasos en el mundo del arte, se remontan a su labor como articulista en publicaciones como Fotos y Dígame, a la vez que sus incursiones en el campo del drama teatral le llevan a escribir Eva sin manzana (1953), Sinfonía acabada (1955) o Nuestro fantasma (1956).

Comenzó en el mundo de la televisión desde sus primeras emisiones en 1957, siendo uno de los principales responsables de programas de ficción durante casi dos décadas. También escribe guiones para el cine sobre todo con el director José María Forqué, colaborando en La becerrada (1962) o Yo he visto la muerte (1965).

A finales de la década de los sesenta, Jaime de Armiñán debuta como director cinematográfico con Carola de día, Carola de noche (1969), y va consolidando su propio estilo hasta estrenar Mi querida señorita (1971), película escrita junto a José Luis Borau, con la que consiguió la candidatura en los Oscar de Hollywood. La película aborda la temática del amor heterodoxo y las vidas marginales, elementos comunes a lo largo de su filmografía que se repetirán en películas como El amor del capitán Brando (1974), Al servicio de la mujer española (1978), El nido (1980) —nuevamente designada para el Oscar— o Stico (1984), película en que se plantea el conflicto dispar de un catedrático de Derecho Romano que, incapaz de vivir con cierta autonomía su vida diaria, se ofrece como esclavo a uno de sus peores alumnos.

A finales de los años ochenta, vuelve a la televisión con series tan populares y exitosas como Juncal (1988) y Una gloria nacional (1992), interpretadas por Francisco Rabal. Después de rodar Al otro lado del túnel (1994), que significó la despedida del cine de Fernando Rey, y El palomo cojo (1995), regresó a la dirección en 2008 con 14, Fabian Road, que protagonizaron Julieta Cardinali, Ana Torrent y Ángela Molina y que apenas tuvo recorrido comercial.

Ha continuado su labor como articulista, principalmente en los diarios ABC y El Mundo.2 3 4 5

Está casado desde 1956 con Elena Santonja, con quien tiene tres hijos. Sus hijos Álvaro (1959) y Eduardo de Armiñán (1962) también son profesionales de la dirección en cine y televisión.6

Premios[editar]
Ganador del Premio Ondas en 1961 y 1989.
Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes de 1985.
Goya de Honor de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España en 2014.
Filmografía[editar]
Año Película Director
2008 14, Fabian Road (DG) Jaime de Armiñan
1995 El palomo cojo (DG) Jaime de Armiñan
1992 Al otro lado del túnel (DG) Jaime de Armiñan
1991 El día que nací yo (G) Pedro Olea
1989 Juncal Serie TV (DG) Jaime de Armiñan
1987 Mi general (DG) Jaime de Armiñan
1985 La hora bruja (D) Jaime de Armiñan
1984 Stico (D) Jaime de Armiñan
1981 En septiembre (DG) Jaime de Armiñan
1980 El nido (DG) Jaime de Armiñan
1978 Al servicio de la mujer española (DG) Jaime de Armiñan
1977 Nunca es tarde (DG) Jaime de Armiñan
1976 El bengador Gusticiero y su pastelera madre (G) Antonio Fraguas
1975 Jo, papá (DG) Jaime de Armiñan
1974 El amor del capitán Brando (DG) Jaime de Armiñan
1973 Un casto varón español (D) Jaime de Armiñan
1972 Mi querida señorita (DG) Jaime de Armiñan
1970 La Lola, dicen que no vive sola (D) Jaime de Armiñan
1969 Carola de día, Carola de noche (G) Jaime de Armiñan
1968 Solos los dos (G) Luis Lucia Mingarro
1967 Un diablo bajo la almohada (G) José María Forqué
1967 Yo he visto a la muerte (G) José María Forqué
1965 Whisky y vodka (G) Fernando Palacios
1964 La muerte viaja demasiado (G) José María Forqué
1964 Piso de solteros (G) Alfonso Balcázar
1964 Tengo 17 Años(G) José María Forqué
1964 Playa de Formentor (G) Germán Llorente
1963 El juego de la verdad (G) José María Forqué
1963 La Becerrada (G) José María Forqué
1962 El secreto de Mónica (G) José María Forqué
(D) — Director; (G) — Guionista; (DG) — Director y guionista

Trayectoria en televisión[editar]
Érase una vez... (1959), primer espacio infantil de TVE
Cuentos para mayores (1959)
Gran parada (1959)
El secreto del éxito (1959)
Galería de maridos (1959)
Cuando ellas veranean (1960)
Galería de esposas (1960)
Una pareja cualquiera (1961)
El personaje y su mundo (1961)
Mujeres solas (1961)
Chicas en la ciudad (1961)
La pata del conejo (1962)
Trío de damas (1962–1963)
Día a día (1962)
El hombre, ese conocido (1963)
Confidencias (1963–1965)
Tiempo y hora (1965–1966)
Del dicho al hecho (1971)
Las doce caras de Juan (1967)
Historia de la frivolidad (1968)
Fábulas (1968)
Del dicho al hecho (1971)
Las doce caras de Eva (1971–1972)
Tres eran tres (1972–1973)
Suspiros de España (1974)
Ramón y Cajal (1982)
Cuentos imposibles (1984)
Juncal (1989)
Una gloria nacional (1992).

Ha recibido 21 puntos

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MARIO CAMUS

48. MARIO CAMUS

Biografía[editar] Estudia Derecho y posteriormente estudios de cine en la Escuela Oficial de Cine. Pertenece a la generación del Nuevo Cine Español de la que forman parte, entre otros, Carlos Saura, Basilio Martín Patino, José Luis Borau, Julio Diamante, Miguel Picazo y Manuel Summers. Ganador... Ver mas
Biografía[editar]
Estudia Derecho y posteriormente estudios de cine en la Escuela Oficial de Cine. Pertenece a la generación del Nuevo Cine Español de la que forman parte, entre otros, Carlos Saura, Basilio Martín Patino, José Luis Borau, Julio Diamante, Miguel Picazo y Manuel Summers. Ganador del Oso de oro en el Festival de cine de Berlín en 1983 por La colmena. En 1984 en el Festival Internacional de cine de Cannes gana la mención especial del jurado ecuménico por Los santos inocentes, una de las películas españolas más conocidas por los espectadores. Por estas dos películas gana un gran reconocimiento como cineasta a nivel internacional como nacional.

Es reconocida su maestría en la adaptación de textos literarios al cine, como se comprueba en las películas basadas en obras de Calderón de la Barca y Lope de Vega (La leyenda del alcalde de Zalamea, 1972), Ignacio Aldecoa (Young Sánchez, 1964, Con el viento solano, 1967 y Los pájaros de Baden-Baden, 1975), Pérez Galdós (la serie de televisión Fortunata y Jacinta), Camilo J. Cela (La colmena, 1982), Miguel Delibes (Los santos inocentes, 1984), García Lorca (La casa de Bernarda Alba, 1987).

Junto a un cine más comercial al servicio del cantante Raphael y de Sara Montiel en los años sesenta y obras de género, como el western La cólera del viento (1970) o las historias de amor conflictivo Volver a vivir (1968) y La joven casada (1975), realiza sus películas más personales ya en la década de los noventa, con el análisis del terrorismo de ETA presente en Sombras en una batalla (1993) y La playa de los galgos (2002) y las fábulas críticas con la sociedad capitalista Después del sueño (1992), Adosados (1997) y El color de las nubes (1998). Ha escrito los libros de relatos Un fuego oculto (Madrid, 2003) y Apuntes del natural (Santander, 2007), que la editorial Valnera recopiló en 2011 bajo el título 29 relatos.

En su trayectoria profesional realizó también alguna incursión a la dirección escénica teatral, y así fue responsable del montaje de ¿Por qué corres, Ulises? (1975), de Antonio Gala.

Filmografía[editar]
Categoría principal: Películas de Mario Camus
Cine[editar]
Año Título
2007 El prado de las estrellas
2002 La playa de los galgos
1999 La ciudad de los prodigios
1998 La vuelta de El Coyote
1997 El color de las nubes
1996 Adosados
1994 Amor propio
1993 Sombras en una batalla
1992 Después del sueño
1990 La mujer y el pelele
1987 La rusa
1987 La casa de Bernarda Alba
1985 La vieja música
1984 Los santos inocentes
1982 La colmena
1978 Los días del pasado
1975 Los pájaros de Baden-Baden
1975 La joven casada
1972 La leyenda del alcalde de Zalamea
1967 Con el viento solano
1967 Al ponerse el sol
1966 Cuando tú no estás
1965 Muere una mujer
1964 Young Sánchez
1963 Los farsantes
Televisión[editar]
Año Serie Director
1990 La femme et le pantin (D) Mario Camus
1990 La forja de un rebelde (D)(G) Mario Camus
1983 Los desastres de la guerra (D) Mario Camus
1980 Fortunata y Jacinta (D) (G) Mario Camus
1976 Paisaje con figuras (D) Mario Camus
1976 Curro Jiménez (D) Mario Camus, Antonio Drove
Pilar Miró, Rafael Romero Marchent
Francisco Rovira Beleta
1974 Los camioneros (D) Mario Camus
1973 Noelia y el wavalaooo (D) Mario Camus
1972 Si las piedras hablaran (D) Mario Camus
1968 Cuentos y leyendas (D) Mario Camus
(D) - Director; (G) - Guionista

Premios[editar]
Recibió a lo largo de su carrera varios premios, entre los que se destacan:
Premio Nacional de Cinematografía en 1985.
Premio en la Quincena de Realizadores en el Festival de Cannes de 1993 por "Sombras en una batalla".
Goya. Mejor guión original 1993.
Goya. Premio de honor 2011.
Premio 'Miguel Picazo', un galardón concedido por la Diputación de Jaén en el marco de la Muestra de Cine Español Inédito.
Medina del Campo galardona a Mario Camus con el Roel de Honor de la Semana de Cine.
Mención especial (Jurado Ecuménico Internacional), Festival de Cannes por la película Los Santos Inocentes.
Círculo de Escritores Cinematográficos: Mejor película por Los Santos Inocentes.
Festival Internacional de Cine de Berlín, Oso de Oro a la mejor película por La Colmena.
Círculo de Escritores Cinematográficos, mejor película y mejor director por La Colmena.
Premios de la ACE (Nueva York) a mejor película por La Colmena.
Argentinean Film Critics Association Awards, mejor guión original de ficción por Roma (2007).

Ha recibido 21 puntos

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ÁNGELES GONZÁLEZ-SINDE

49. ÁNGELES GONZÁLEZ-SINDE

Biografía[editar] Nació en Madrid en 1965, hija del cineasta José María González-Sinde, fundador y primer presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España (AACCE), y de Ángeles Reig y tiene un hermano (homónimo de su padre) también dedicado al mundo del cine... Ver mas
Biografía[editar]
Nació en Madrid en 1965, hija del cineasta José María González-Sinde, fundador y primer presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España (AACCE), y de Ángeles Reig y tiene un hermano (homónimo de su padre) también dedicado al mundo del cine.

Estudió Filología Clásica en la Universidad Complutense de Madrid, realizó un máster de Guion Cinematográfico en la Universidad Autónoma de Madrid y perfeccionó sus estudios de cinematografía en el American Film Institute de Los Ángeles.1 Antes de dedicarse profesionalmente al cine, González-Sinde trabajó como traductora, promotora de conciertos, redactora de la revista femenina Cosmopolitan y en una editorial.2

Ha sido la guionista de numerosas series de televisión, como Truhanes o La casa de los líos, así como de una docena de películas, entre ellas La buena estrella, de Ricardo Franco (1997), por la que obtuvo su primer premio Goya. Su debut como directora, y uno de sus trabajos más premiados, fue la película La suerte dormida (2003), protagonizada por Adriana Ozores. También fue directora de uno de los cortos de Madrid 11M: Todos íbamos en ese tren (2004). Su guion más reciente, la comedia de sexo explícito3 Mentiras y gordas (2009), protagonizada por actores de gran popularidad gracias a su participación en teleseries, ha resultado un gran éxito de taquilla.4

Desde diciembre de 2006 estaba al frente de la presidencia de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España (AACCE), cargo en el que sustituyó a la actriz Mercedes Sampietro.

En junio de 2008 apoyó el Manifiesto por la lengua común.5

Ministerio de Cultura[editar]
Tras la profunda remodelación del Gobierno de España del 7 de abril de 2009 fue nombrada Ministra de Cultura como independiente, sustituyendo a César Antonio Molina.6

El día 17 de septiembre de 2011 anunció que abandonaría su carrera política para dedicarse al cine.7

Sinde fue la única que cobrando algún otro sueldo, no renunció a la pensión, a la que hasta 2012 tenían derecho el presidente Zapatero y todo el Consejo de Ministros.8

Controversia de la Ley Sinde[editar]
Artículo principal: Ley de Economía Sostenible (disposición final segunda).
Durante la gala de los Premios Goya 2009, como presidenta de la Academia del Cine, había realizado un discurso en contra de las descargas gratuitas de archivos, afirmando que ponían en peligro la supervivencia del cine español, beneficiando únicamente a las operadoras de ADSL.9 Por ello, su nombramiento como Ministra de Cultura provocó un movimiento de rechazo inmediato entre grupos de internautas.10 11 La Asociación de Internautas (AI) consideró su nombramiento como una provocación de Zapatero a la comunidad de internautas.12 El mismo día de su elección se creó en un grupo de protesta en Facebook exigiendo su dimisión.13 Otro de los argumentos aducidos por la Asociación de Internautas para pedir su dimisión es que su nombramiento contradiría las prescripciones de la Ley 5/2006, de 10 de abril, de regulación de los conflictos de intereses de los miembros del Gobierno y de los Altos Cargos de la Administración General del Estado.14

En enero de 2010, un recurso contra la falta de imparcialidad de Ángeles González-Sinde fue admitido por la Audiencia Nacional.15

A finales de enero de 2011, la red social de acción comunitaria Actuable, hospedó una propuesta de envío de carta al gobierno por parte de cada firmante, en la que solicitaba a petición popular la dimisión de la ministra y que, a mediados de febrero de 2011, unas 3 semanas después, reunía ya una cifra cercana a las 25.000 firmas (~22.600) sin un periodo de cierre de la propuesta. No obstante, la iniciativa tan solo sería a nivel testimonial no constituyendo una iniciativa legislativa popular (500.000 firmas) por la no obligatoriedad de datos legales (nombre completo real y DNI) en las firmas de los usuarios.16 17

Iniciativas parecidas en Internet (Facebook entre otros)18 17 así como manifestaciones (como la del grupo activista «Anonymous»)19 20 21 en contra de la Ley Sinde, han seguido estando a la orden del día en el 2011, en especial, desde el anuncio de Álex de la Iglesia de dimisión al frente de la Academia de cine de España por divergencias respecto a esta ley tras la enmienda negociada de PSOE y PP. Tal es el caso, que desde algunas redes como Twitter incluso se le propuso como sustituto de González-Sinde en el ministerio.22 23 24 17 25

La "Ley Sinde" en realidad era la disposición final segunda de la Ley de Economía Sostenible (que pasó a ser la disposición final cuadragésima tercera en el texto definitivo),26 27 28 29 relativa a la regulación de webs y la protección de la propiedad intelectual. El 15 de febrero de 2011 fue finalmente aprobada por el Congreso.30 31 Sin embargo, el gobierno de Rodríguez Zapatero no llegó a aprobar el Reglamento de la "Ley Sinde" por falta de consenso entre sus miembros.32

Fue el nuevo gobierno del Partido Popular presidido por Mariano Rajoy el que aprobó a propuesta del ministro de Educación, Cultura y Deportes José Ignacio Wert el Real Decreto del reglamento de la "Ley Sinde" (por lo que algunos medios a partir de ese momento comenzaron a llamarla "Ley Sinde-Wert") en el que se establecían las atribuciones de la Comisión de Propiedad Intelectual que comenzaría a funcionar el 1 de marzo de 2012.33

Filmografía[editar]
Como guionista[editar]
La casa de los líos — serie de TV (1 episodio, 1996).
La buena estrella (1997), de Ricardo Franco.
Lágrimas negras (1998), de Ricardo Franco.
Segunda piel (1999), de Gerardo Vera.
Las razones de mis amigos (2000), de Gerardo Herrero.
Antigua vida mía (2001), de Héctor Olivera.
Cuéntame cómo pasó — serie de TV (2001).
El misterio Galíndez (2003), de Gerardo Herrero.
Manolito Gafotas - serie de TV (2004), de Antonio Mercero.
La suerte dormida (2003).
La vida que te espera (2004), de Manuel Gutiérrez Aragón.
La puta y la ballena (2004), de Luis Puenzo.
Madrid 11M: Todos íbamos en ese tren (2004), de varios directores.
Entre vivir y soñar (2004), de Alfonso Albacete y David Menkes.
Heroína (2005), de Gerardo Herrero.
Los aires difíciles (2006), de Gerardo Herrero.
Todos estamos invitados (2007), de Manuel Gutiérrez Aragón.
Una palabra tuya (2008).
Mentiras y gordas (2009), de Alfonso Albacete y David Menkes.
Como directora[editar]
La suerte dormida (2003).
Madrid 11M: Todos íbamos en ese tren (2004) — segmento «Como los demás».
Una palabra tuya (2008).
Como actriz[editar]
El bengador Gusticiero y su pastelera madre (1977)
Premios[editar]
Premio Goya al mejor guion original por la La buena estrella, de Ricardo Franco (1997).
Nominación al premios del Círculo de Escritores Cinematográficos al mejor guion adaptado por Las razones de mis amigos (2000), de Gerardo Herrero.
Nominación al premio al mejor guion adaptado de la Asociación de Críticos Cinematográficos de Argentina por Antigua vida mía (2001), de Héctor Olivera.
Nominación a la mejor película en el Festival de Cine de Bogotá por La suerte dormida (2003).
Nominación al premio a la mejor película en la Semana Internacional de Cine de Valladolid por La suerte dormida (2003).
Premio Goya a la mejor dirección novel por La suerte dormida (2003).
Premio Turia al mejor trabajo novel por La suerte dormida (2003).
Biznaga de Plata al mejor guion en el VIII Festival de Málaga por Heroína (2005), de Gerardo Herrero.
Premio Edebé de literatura infantil por Rosanda y el arte de birli birloque. (2006)
Nominación al Goya en 2008 el mejor guion adaptado por Una palabra tuya.
Finalista premio Planeta 2013
Distinciones y condecoraciones[editar]
Gran Cruz de la Orden de Carlos III (30 de diciembre de 2011).34

Ha recibido 21 puntos

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JAVIER REBOLLO

50. JAVIER REBOLLO

Biografía[editar] Javier Rebollo (Madrid, 1969), es el director de los largometrajes "La mujer sin piano" (Woman Without Piano) (2009) y "Ce que je sais de Lola" (Lo que sé de Lola), así como de algunos de los cortometrajes más galardonados del cine español. En la primavera de 2011 concluyó el... Ver mas
Biografía[editar]
Javier Rebollo (Madrid, 1969), es el director de los largometrajes "La mujer sin piano" (Woman Without Piano) (2009) y "Ce que je sais de Lola" (Lo que sé de Lola), así como de algunos de los cortometrajes más galardonados del cine español. En la primavera de 2011 concluyó el rodaje de su tercer largometraje, "El muerto y ser feliz", realizado casi en su totalidad en Argentina y protagonizado por el actor José Sacristán. Entre otros reconocimientos ha ganado la Concha de Plata al Mejor Director en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, en 2009, y fue preseleccionado al Premio Oscar de la Academia de Hollywood (EEUU) en 2003.

La mujer sin piano[editar]
Javier Rebollo dirige en el año 2009 el largometraje "La mujer sin piano" protagonizado por Carmen Machi y Jan Budar. Se estrena en la Sección Oficial del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde gana la Concha de Plata al Mejor Director. Según la encuesta anual que cada fin de año realiza El Cultural del diario El Mundo, fue escogida como la mejor película española estrenada este año 2010. Por otro lado, la revista Cahiers du Cinéma España, que escoge cada año las mejores películas estrenadas en nuestro país, incluyó tan solo una película española, también "La mujer sin piano". Entre otros ha ganado el Premio a la Mejor Película en el Festival Internacional de Cine de Los Ángeles (AFI) y el Premio a la Mejor Película en el Festival de Cine Español de Toulouse y en el festival internacional de cine de Tirana entre otros. También obtuvo el Premio FIPRESCI de la crítica Iberoamericana en el Festival Internacional de Montevideo y el Premio al Mejor Director, Mejor Guion y Mejor Fotografía en el Festival de Cine de Ceará, en Brasil.



Lo que sé de Lola[editar]
Su anterior largometraje, Lo que sé de Lola (Ce que je sais de Lola, 2006), el primero de Rebollo, está protagonizado por Lola Dueñas, Michaël Abiteboul y Carmen Machi. Es una coproducción al cincuenta por ciento entre España: Lolita Films, y Malvarrosa Media y Francia: Lazennec, que se ha encargado de la producción delegada. Ha sido rodada en Francia (París y Calais) y España (La Mancha y los estudios de la Ciudad de la Luz en Alicante) y viene a continuar el ciclo iniciado con En medio de ninguna parte sobre el personaje que Lola Dueñas viene representando en estos años en sus películas. Rebollo realizó este largometraje con su equipo habitual, con el que empezó su carrera, cerca de Santiago Racaj en la fotografía, Angel Hernández Zoido en el Montaje, Dani Fontrodona en el sonido directo, Pelayo Gutiérrez en el montaje de sonido, y Lola Mayo, en el guion.

Lo que sé de Lola se estrenó en la Sección Oficial del Festival Internacional de Cine de San Sebastián y fue nominada al Goya a la Mejor Dirección Novel. El filme participó en 50 festivales internacionales y ha obtenido, entre otros, el premio FIPRESCI, Premio de la Crítica Internacional, en el London Film Festival, el Gran Premio del Festival de Cine Español de Marsella, el Premio Julio Verne a la Mejor película del Festival de Cine Español de Nantes, el Gran Premio del Festival Internacional de Cine de Seúl (Corea),así como el premio al Mejor director en los festivales de Montevideo (Uruguay) y Santa Cruz de la Sierra (Bolivia), y el Premio a la Mejor Ópera Prima en los festivales de Tudela, (España), Guadalajara (México), MadridImagen (España) y Chicago (EEUU). La película obtuvo una gran repercusión entre la crítica (fue elegida por el conjunto de críticos reunidos anualmente por el Cultural de El Mundo entre las cinco mejores películas del año).

Primeros años[editar]
Javier Rebollo es licenciado en Ciencias de la Información en la especialidad de Imagen por la Universidad Complutense de Madrid. Entre 1990 y 1994 estudia y trabaja en [Metrópolis c.e.]http://www.metropolis-ce.com lo que le permite ser asistente personal de Antonio Drove. En el año 1996 crea con Damián París, y Lola Mayo la productora Lolita Films, con la que rueda todos sus cortometrajes y produce sus trabajos documentales para televisión, junto a cortometrajes de otros directores (entre ellos destacan Un, dos tres, taxi (1998) de Ricardo Aristeo, o Llévame a otro sitio (2004), Hasta la muerte (2005) -nomidado al Mejor cortometraje de animación- o En el hoyo (2006) de David Martín de los Santos) .

Su trabajo es inseparable del de Lola Mayo, guionista de todo lo que ha rodado Rebollo, y quien escribe para todas sus historias "esos diálogos aparentemente naturales pero, a la vez, como en Pavese, con una tremenda fuerza poética; de Lola es también ese gusto por los personajes pequeños y por las pequeñas insignificancias de la vida cotidiana", explica Rebollo.

Cortometrajes[editar]
Entre 1997 y 2002 dirige los cortometrajes En medio de ninguna parte (1997) Hola, desconocido! (1998), El equipaje abierto (1999), El preciso orden de las cosas (2001) -episodio de un filme colectivo realizado para el programa de Televisión Española Versión Española, dirigido por Santiago Tabernero- y En camas separadas (2002). Todos estos trabajos se estrenan en la Sección Oficial de la Semana Internacional de Cine de Valladolid y con ellos obtiene por dos veces la Nominación a los Premios Goya al Mejor Cortometraje (1997 y 2003), es finalista al Premio Europa al Mejor Corto Europeo, gana un centenar de premios, y acude a festivales de cortometrajes de todo el mundo: Clermont-Ferrand, Cracovia, Montreal, Locarno entre otros, así como en Alcalá de Henares, Bilbao, la Seminci y Cinema Jove en España. Su último cortometraje fue En Camas Separadas, preseleccionado al Premio Oscar de la Academia de Hollywood (EEUU) además de los dos primeros premios del Certamen Nacional de Cortometrajes de Alcalá de Henares, el Primer Premio Nacional,el Primer Premio Comunidad de Madrid, el Premio al Mejor Sonido y el Premio a la Mejor Actriz, Lola Dueñas.

Rebollo se ha destacado en los últimos años por su reivindicación del cortometraje como género mayor, "no lo considero trampolín ni salto a nada sino un sitio del que ir y venir como otros directores europeos hacen de manera saludable como Agnes Vardá o Chantal Akerman".

En el año 2003 el XVIII Festival Internacional de Cine de Brest (Francia) dedicó una retrospectiva a todos sus trabajos en cine, con el título Javier Rebollo, un auteur. Y el Festival de Cine Español de Bruselas otra retrospectiva de todos sus cortometrajes en el año 2004 titulada Javier Rebollo: Desespoir et Beauté. En el 2007 se le han dedicado nuevos ciclos retrospectivos de todos su trabajos en cine en Essone (Francia) y Tübingen (Alemania).



Documentales[editar]
Antes de dedicarse al cine, Rebollo trabajó en los servicios informativos de Telemadrid (entre los años 1993 y 1999), realizó programas documentales para el programa 30 minutos. Desde 1999 realiza documentales, ya con Lola Mayo, para el espacio Documentos TV de La 2 de Televisión Española que dirige Pedro Erquicia. En ese espacio informativo, Rebollo intenta "ir más allá del formato, dejar las muletas televisivas, de la actualidad, y apuntar más hacia la eternidad del documental frente al reportaje, a través de un despliegue de mecanismos cinematográficos y con una elaborada puesta en escena".

En el año 2004, el Festival Internacional de Documental de Madrid DocumentaMadrid 2004 dedica una retrospectiva a los documentales de Javier Rebollo y Lola Mayo para televisión. El ciclo se tituló: Javier Rebollo y Lola Mayo: en los límites de la realidad.

Por los trabajos documentales, el tandem Javier Rebollo-Lola Mayo ha obtuvo en 2006, entre otros, el Premio Reina Sofía de Periodismo contra los Drogas por A través del cristal (2004) .

No confundir Javier Rebollo con otro director de cine del mismo nombre y apellido, pero nacido en Bilbao, ingeniero industrial y realizador, entre otros de Marujas asesinas y Locos por el sexo. El estilo y trayectoria de su homónimo nada tienen en común con el director de “Lo que sé de Lola”, Premio de la Crítica en el Festival de Cine de Londres, entre otros.



Filmografía de Javier Rebollo[editar]
Cine

En medio de ninguna parte (1997) Cortometraje
Hola, desconocido! (1998) Cortometraje
El equipaje abierto (1999) Cortometraje
El preciso orden de las cosas (2001) Cortometraje
En camas separadas (2002) Cortometraje
Ce que je sais de Lola (Lo que sé de Lola) (2006) Largometraje
La mujer sin piano (Woman Without Piano) (2009) Largometraje

Televisión. Selección Documentales

La memoria herida (1997) 30 minutos, Telemadrid
Cartas al Sahara (1999) 30 minutos, Telemadrid
Lejos del manicomio (2000) Documentos TV, TVE
Sin techo (2001) Documentos TV, TVE
Gran Sol, al final de la marea (2002) Documentos TV, TVE
A través del cristal (2003) Documentos TV, TVE
Hospital (2005) Documentos TV, TVE

Ha recibido 21 puntos

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IMANOL URIBE

51. IMANOL URIBE

Biografía[editar] Director guipuzcoa­no nacido el 28 de febrero de 1950 en San Salvador (El Salvador). Comenzó sus estudios en la Escuela Oficial de Periodismo de Madrid y obtuvo el título de Director en la Escuela de Cinematografía de Madrid. En 1975 funda la productora Zeppo Films, en 1979 la... Ver mas
Biografía[editar]
Director guipuzcoa­no nacido el 28 de febrero de 1950 en San Salvador (El Salvador). Comenzó sus estudios en la Escuela Oficial de Periodismo de Madrid y obtuvo el título de Director en la Escuela de Cinematografía de Madrid. En 1975 funda la productora Zeppo Films, en 1979 la productora Cobra Films y pos­teriormente Aiete Films S.A. El tema predominante de sus películas está dedicado a la situación social-política del País Vasco. Esto se refleja en películas como El proceso de Burgos, La fuga de Segovia, La muerte de Mikel o Días Contados. También ha tocado otras temas: el racismo en Bwana, el mundo de la brujas en La luna negra o el histórico en El rey pasmado. Aparte de director también ha ejercido de productor como en Secretos del corazón.

En su larga carrera, ha recibido numerosos premios. Entre otros la Concha de Oro en San Sebastián por Días Contados, ocho premios Goya por Días Contados y otros siete premios Goya por El rey pasmado (basada en la novela de Gonzalo Torrente Ballester, Crónica del rey pasmado).

Compartió su vida con la actriz María Barranco hasta 2004 y tienen una hija.

Premios[editar]
Goya al Mejor Director en la edición de 1994.
Filmografía[editar]
Año Película
1979 El proceso de Burgos
1981 La fuga de Segovia
1983 La muerte de Mikel
1986 Adiós pequeña
1989 La luna negra
1991 El rey pasmado
1994 Días contados
1996 Bwana
1998 Extraños
2000 Plenilunio
2002 El viaje de Carol
2007 La carta esférica
2012 Miel de naranjas

Ha recibido 21 puntos

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ISABELCOIXET

52. ISABELCOIXET

Biografía[editar] Nació en Sant Adrià del Besós el 9 de abril de 1960. Estudió Historia Contemporánea en la Universidad de Barcelona, trabajó como periodista en la revista Fotogramas. Su afición a la imagen le hace acercarse al mundo del cine, desempeñando diversas tareas y al mundo de la... Ver mas
Biografía[editar]
Nació en Sant Adrià del Besós el 9 de abril de 1960. Estudió Historia Contemporánea en la Universidad de Barcelona, trabajó como periodista en la revista Fotogramas. Su afición a la imagen le hace acercarse al mundo del cine, desempeñando diversas tareas y al mundo de la publicidad en el que, tras un tiempo, creará productora propia. Años más tarde, decidida a filmar su prímer largometraje, se traslada a Estados Unidos a rodar Cosas que nunca te dije (1996). Un año después, nace su hija Zoe.

Es un peso pesado de la industria publicitaria, y dirigio anuncios por todo el mundo: ha sido directora creativa de la agencia JWT, fundadora y directora creativa de la agencia Target y la productora Eddie Saeta, obteniendo los más prestigiosos premios por sus trabajos en este campo. Entre sus clientes publicitarios figuran British Telecom, Ford, Danone, BMW, Ikea, Evax, Renault, Peugeot, Winston, Kronenbourg, Pepsi, Kellogg, MCI, Helene Curtis, Procter&Gamble, AT&T y Estrella Damm entre otros.

En el año 2000 creó la productora Miss Wasabi Films desde donde también ha realizado destacados documentales -y vídeo clips a los más variados músicos (desde Sexy Sadie hasta Alejandro Sanz). Con motivo de las elecciones de 2008 en España realizó spots para el PSOE.

En 2005 realiza La vida secreta de las palabras cuyos protagonistas son Tim Robbins y Sarah Polley.

En 2006 formó, junto a otras cineastas como Inés París, Chus Gutiérrez o Icíar Bollaín, CIMA (Asociación de mujeres cineastas y de medios audiovisuales).

Isabel ha contado con Penélope Cruz para el papel protagonista de su película Elegy, estrenada en 2008, y basada en una novela de Philip Roth.

A principios de 2009, Isabel Coixet acabó el rodaje de Mapa de los sonidos de Tokio[1], estrenada el 28 de agosto, protagonizada por Rinko Kikuchi y Sergi López, y producida por Mediapro. Según Coixet, ella se siente "muy cercana al mundo y a la cultura japonesa" [2].

Películas[editar]
Ayer no termina nunca (2013) con Javier Cámara y Candela Peña
Marea Blanca (documental - 2012)
Escuchando al juez Garzón (documental - 2011)
Aral. El mar perdido (cortometraje - 2010)
Mapa de los sonidos de Tokio (2009) con Rinko Kikuchi y Sergi López
Elegy (2008) con Penélope Cruz y Ben Kingsley.
Invisibles (capítulo Cartas a Nora) (2007)
Paris, je t'aime (segmento Bastille) (2006) con Javier Cámara, Sergio Castellitto, Miranda Richardson y Leonor Watling
La vida secreta de las palabras (The Secret Life of Words) (2005) con Sarah Polley, Tim Robbins, Javier Cámara y Julie Christie
¡Hay motivo! ("La insoportable levedad del carrito de la compra") (2004)
Mi vida sin mí (My Life Without Me) (2003) con Sarah Polley, Mark Ruffalo y Alfred Molina
A los que aman (1998)
Cosas que nunca te dije (Things I Never Told You) (1996)
Demasiado viejo para morir joven (1989)
Mira y verás, cortometraje, 1984.
Premios[editar]
Premio Nacional de Cine y Audiovisual de Cataluña (2002) por la película Mi vida sin mí.
Premio Ojo Crítico de Cine en su XIV Edición por la película, Mi vida sin mí, por la sinceridad y sensibilidad de su lenguaje cinematográfico.
Premios Goya[editar]
Año Película Categoría Resultado
2012 Escuchando al juez Garzón Mejor Película Documental Ganadora
2007 Invisibles Mejor Película Documental
(compartido con otros 4 directores)
Ganadora
2005 La vida secreta de las palabras Mejor director Ganadora
2005 La vida secreta de las palabras Mejor guion original Ganadora
2003 Mi vida sin mí Mejor director Candidata
2003 Mi vida sin mí Mejor guion adaptado Ganadora
1997 Cosas que nunca te dije Mejor guion original Candidata
1989 Demasiado viejo para morir joven Mejor director novel Candidata
Premios Butaca[editar]
Año Categoría Película Resultado
2006 Mejor película catalana La vida secreta de las palabras Ganadora
2003 Mejor película catalana Mi vida sin mí Ganadora
Festival Internacional de Cine de Berlín[editar]
Año Categoría Película Resultado
2008 Oso de Oro Elegy Candidata
2003 Oso de Oro Mi vida sin mí Candidata
Festival Internacional de Cine de Cannes[editar]
Año Categoría Película Resultado
2009 Palma de Oro Map of the sounds of Tokio Candidata
Publicidad[editar]
Directora creativa de la agencia JWT, fundadora y directora creativa de la agencia Target y Producciones Eddie Saeta, ha realizado diversos anuncios publicitarios de marcas como: British Telecom , Ford, Danone, BMW, Ikea, Evax, Renault, Peugeot, Winston, Kronenbourg, Pepsi, Kellogg, MCI, Helene Curtis, Jacq's, Procter Gamble, Philip Morris y la Fundación Once ("Veo Veo", 2006), entre otros.

En el Año 2000 ha creado la productora Miss Wasabi Films donde ha realizado destacados documentales y vídeo clips musicales, destacando los realizados a Sexy Sadie, Marlango, Alejandro Sanz o Alfonso Vilallonga.

50 años de...[editar]
Con motivo de la celebración del cincuentenario de TVE Catalunya (TVE Cataluña) Isabel Coixet, junto con otros 15 documentalistas catalanes, tuvieron la idea de plasmar en imágenes, tomadas del archivo de Televisión Española, el último medio siglo español. El programa 50 años de..., es en honor al cincuentenario de la primera emisión de TVE en Cataluña, cuya primera sede, fue el mítico hotel Miramar, en Barcelona que se mantuvo por 24 Años, hasta 1983, cuando se mudó el centro de producción en San Cugat del Vallés.1 Se ha hecho una segunda temporada.2 A más de una tercera temporada, que tiene el nombre de Cómo hemos cambiado.3

Ha recibido 20 puntos

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JOSÉ LUIS CUERDA

53. JOSÉ LUIS CUERDA

Biografía[editar] José Luis Cuerda en el photocall de Alicia en el país de las Maravillas en 2010. Comienza a estudiar Derecho, pero lo deja después de tres años y se convierte en técnico de radiodifusión y televisión. En 1969 entró a trabajar en Televisión Española, realizando reportajes... Ver mas
Biografía[editar]


José Luis Cuerda en el photocall de Alicia en el país de las Maravillas en 2010.
Comienza a estudiar Derecho, pero lo deja después de tres años y se convierte en técnico de radiodifusión y televisión. En 1969 entró a trabajar en Televisión Española, realizando reportajes y documentales para los servicios informativos (durante cinco años realizó más de 500 reportajes y documentales). Entre 1985 y 1987 trabajó como profesor en la facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca.

Después de diversos cortometrajes en 1982 dirigió su primer largometraje Pares y nones, que le situaría en el ámbito de los directores que cultivan la llamada "comedia madrileña" (Fernando Colomo es otro de sus más importantes representantes).

Su siguiente película El bosque animado (1987) inaugurará en su carrera una nueva etapa carac­terizada por lo que se puede denominar como "humor absurdo". Un año después aparecería el trabajo que lo consagra como realizador, además de ser un éxito de taquilla: Amanece, que no es poco (1988). Con Así en el cielo como en la tierra (1995) se completa una especie de trilogía con el humor absurdo como elemento común.

Con La lengua de las mariposas (1999) presenta una visión tierna y al mismo tiempo descarnada de la Guerra Civil española desde la relación de un niño con su maestro.

También se destaca en su rol de productor cinematográfico, haciendo este trabajo en varios de sus filmes y en tres largometrajes del director español Alejandro Amenábar (Tesis, Abre los ojos y Los otros); además de ser el guionista de la mayoría de sus producciones detrás de cámaras.

Para televisión dirigió la segunda temporada de la serie Makinavaja (1997), basada en el popular personaje creado por Ivà.

Filmografía[editar]
Películas[editar]
2012 - Todo es silencio
2008 - Los girasoles ciegos
2006 - La educación de las hadas
2004 - ¡Hay motivo! (cortometraje: "Por el mar corre la liebre")
2000 - Primer amor
1999 - La lengua de las mariposas (basada en relatos de Manuel Rivas)
1995 - Así en el cielo como en la tierra
1993 - Tocando fondo
1992 - La marrana
1991 - La viuda del Capitán Estrada
1988 - Amanece, que no es poco
1987 - El bosque animado (adaptación de la novela de Wenceslao Fernández Flórez)
1983 - Total (película para televisión)
1982 - Pares y nones
1977 - Mala racha (película para televisión)
1977 - El túnel (película para televisión basada en la novela homónima de Ernesto Sabato)
Obras publicadas[editar]
Amanece, que no es poco, Pepitas de calabaza, Logroño, 2013. ISBN 978-84-15862-08-6
Si amaestras una cabra llevas mucho adelantado, Martínez Roca, 2013. ISBN 978-84-27039-83-4

Ha recibido 20 puntos

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ELÍAS QUEREJETA

54. ELÍAS QUEREJETA

Biografía[editar] Futbolista en su juventud[editar] En su juventud fue un futbolista de élite, aunque compaginó esta actividad con estudios de química y derecho. Jugó como delantero en la Real Sociedad de Fútbol durante 6 temporadas entre 1952 y 1958. Debutó muy joven; el 5 de abril de 1953... Ver mas
Biografía[editar]
Futbolista en su juventud[editar]
En su juventud fue un futbolista de élite, aunque compaginó esta actividad con estudios de química y derecho. Jugó como delantero en la Real Sociedad de Fútbol durante 6 temporadas entre 1952 y 1958. Debutó muy joven; el 5 de abril de 1953, con solo 18 años, jugó su primer partido en la Primera división española. Su carrera como futbolista fue bastante irregular ya que en 6 años disputó sólo 41 partidos con la Real y marcó 6 goles; 39 de los partidos y 5 de los goles fueron en la Primera división española. De su carrera futbolística es recordado principalmente un gran gol que marcó el 9 de octubre de 1955 en el Estadio de Atocha al Real Madrid de Di Stéfano. Ese gol valió la victoria a la Real. En 1958 decidió dejar el mundo del fútbol prematuramente, con solo 23 años y se marchó de su Guipúzcoa natal a Madrid para dedicarse profesionalmente al cine, su gran pasión.

Carrera cinematográfica[editar]
Desde 1963, año en que crea su propia productora, produjo más de cincuenta películas, de las que una buena parte contribuyeron a la renovación de los temas y las formas del cine español del tardofranquismo y la transición. Continuó su labor produciendo películas de Fernando León de Aranoa (Familia y Barrio) y de su hija, Gracia Querejeta (Una estación de paso, El viaje de Robert Rylands y Cuando vuelvas a mi lado).

Pero sin duda, su más importante contribución al cine radica en las producciones que hizo para filmes de Carlos Saura, Víctor Erice, Manuel Gutiérrez Aragón o Julio Médem. Con respecto al primero, creó, junto con el director aragonés, un cine que analizaba con rigor intelectual la sociedad española del franquismo, todavía no recuperada de las heridas producidas por una situación social y moral represora. Con un estilo a veces críptico, estas películas denunciaban la situación política y social, consiguiendo burlar los mecanismos de censura de la época. Así figuran como hitos del cine de Saura y Querejeta La caza (1965), que obtuvo el premio al Mejor Director en el Festival Internacional de Cine de Berlín; Peppermint frappé (1967), premiada con el Oso de Plata en dicho festival; Stress es tres, tres (1968), junto con La madriguera (1969) y El jardín de las delicias (1970), hacían un repaso de los problemas de pareja en la época.

Ana y los lobos (1972), La prima Angélica (1973) y Cría cuervos (1975), estas dos últimas galardonadas con el Premio del Jurado en el Festival de Cannes, podrían considerarse una disección de la familia en la España del tardofranquismo. Elisa, vida mía (1977), quizá la película más ambiciosa en su incisiva reflexión sobre los límites de la enunciación de la voz narradora en el cine. Con Los ojos vendados (1978), Mamá cumple cien años (1979), Deprisa, deprisa (1980), Oso de Oro en el Festival de Berlín y Dulces horas (1981) finalizaría su colaboración con Saura.

También produjo una de las obras maestras del cine español, del director Víctor Erice, El espíritu de la colmena, película que fue premiada en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián de 1973 con la Concha de Oro a la Mejor Película.

En enero de 2007 produjo Noticias de una guerra, en la que se seleccionaron imágenes de archivos españoles y extranjeros para contar la historia de la Guerra Civil Española.3

Entre sus premios destaca la medalla de oro de la Academia de Ciencias Cinematográficas española, que recibió en 1998.

Fallecimiento[editar]
El 9 de junio de 2013 falleció en Madrid por causas aún desconocidas.

Filmografía[editar]
Director[editar]
Cerca de tus ojos (2009).
Codirigió junto con Antonio Eceiza dos cortos documentales:

A través del fútbol (1962).
A través de San Sebastián (1960).
Guionista[editar]
El agua de la vida (2008).
Goodbye, América (2006).
Noticias de una guerra (2006).
Perseguidos (2004).
Asesinato en febrero (2001).
La espalda del mundo (2000).
Cuando vuelvas a mi lado (1999).
El último viaje de Robert Rylands (1996).
Una estación de paso (1992).
27 horas (1986).
Feroz (1984).
Dedicatoria (1980).
Las palabras de Max (1978).
A un dios desconocido (1977).
Pascual Duarte (1976).
De cuerpo presente (1967).
Último encuentro (1967).
Los inocentes (1963).
A través del fútbol (1962).
A través de San Sebastián (1960).
Productor[editar]
Cerca de tus ojos (2009).
El agua de la vida (2008).
Buscarse la vida (2007).
Siete mesas de billar francés (2007).
Goodbye, América (2006).
Noticias de una guerra (2006).
Avant l'oubli (2005) (coproductor).
Invierno en Bagdad (2005).
Condenados al corredor (2003).
Los lunes al sol (2002).
Asesinato en febrero (2001).
La espalda del mundo (2000).
Cuando vuelvas a mi lado (1999).
Barrio (1998).
Shampoo Horns (1998).
Familia (1996).
El último viaje de Robert Rylands (1996).
La ciudad de los niños perdidos (La cité des enfants perdus) (1995).
Historias del Kronen (1995).
El aliento del diablo (1993).
Un estación de paso (1992).
Las cartas de Alou (1990).
El número marcado (1989).
27 horas (1986).
Tasio (1984).
Feroz (1984).
El sur (1983).
Dulces horas (1982).
Deprisa, deprisa (1981).
Dedicatoria (1980).
Los primeros metros (1980).
Mamá cumple cien años (1979).
Los ojos vendados (1978).
Las palabras de Max (1978).
A un dios desconocido (1977).
Elisa, vida mía (1977).
El desencanto (1976).
Pascual Duarte (1976).
Cría cuervos (1976).
El increíble aumento del coste de la vida (1976).
La prima Angélica (1974).
El espíritu de la colmena (1973).
La banda de Jaider (Verflucht, dies Amerika) (1973).
Ana y los lobos (1973).
Carta de amor de un asesino (1972).
El jardín de las delicias (1970).
Las secretas intenciones (1970).
Los desafíos (1969).
La madriguera (1969).
Stress-es tres-tres (1968).
Si volvemos a vernos (1968).
Peppermint Frappé (1967).
De cuerpo presente (1967).
El próximo otoño (1967).
Último encuentro (1967).
La caza (1966).
Noche de verano (1962).

Ha recibido 20 puntos

Vótalo:

ANTONIO ISASI-ISASMENDI

55. ANTONIO ISASI-ISASMENDI

Antonio Isasi-Isasmendi Lasa (Madrid, 22 de marzo de 1927) es un director de cine, guionista y productor español. Biografía[editar] Comienza su trabajo en el cine como doblador de niños en los Estudios “Voz de España”, en Barcelona. Allí pasara a trabajar en las salas de montaje... Ver mas
Antonio Isasi-Isasmendi Lasa (Madrid, 22 de marzo de 1927) es un director de cine, guionista y productor español.

Biografía[editar]
Comienza su trabajo en el cine como doblador de niños en los Estudios “Voz de España”, en Barcelona. Allí pasara a trabajar en las salas de montaje convirtiéndose en poco tiempo en uno de más destacados montadores de la época.

Crea su propia Productora y después de dirigir y producir varias películas de ámbito nacional realiza otras de difusión internacional como “La Mascara de Scaramouche”, coproducción franco-española, “They come to robb Las Vegas” de USA, Alemania, Italia, Francia y España, “The Summertime Killer aka Un Verano Para Matar”, España, Italia, Francia. Más tarde realiza “A Dog Named Veangeance aka El Perro” con Francia, España e Italia, producciones internacionales distribuidas en el mundo por las Mayor Companys, como Warner Bros, Columbia Pictures o Embassy. Producciones internacionales con algunos de sus títulos traducidos a 13 idiomas y estrenados en Nueva York en más de 40 cines a la vez.

El perro fue otra de las coproducciones internacionales destacadas en su carrera, obra basada en la novela homónima de Alberto Vázquez-Figueroa. Filmes que, en su mayoría, son distribuidos en el mundo por Warner Bros, Columbia o Embassy, entre otras.

De esta manera consiguió hacer un cine internacional desde España, estrenando algunas de sus películas con sesenta copias en los cines de Nueva York y traduciedo algunos de sus títulos a 13 idiomas distintos para su difusión mundial.

En 1988 dirige El aire de un crimen, basada en la novela homónima del escritor Juan Benet y candidata al Goya al mejor guion adaptado en la 3ª edición de los Premios Goya.

A sus órdenes trabajan actores de la talla de Lee J. Cobb, Elke Sommer, Karl Malden, Raf Vallone, Jack Palance, Olivia Hussey, Jason Miller, Lea Masari, Gerard Barray, Gary Loockwood, Horst Buchholz, Klaus Kinski, Christopher Mitchum, Fernando Rey, Francisco Rabal, Maribel Verdú, Germán Cobos y Marisa Paredes, entre otros.

Miembro de varios jurados internacionales, preside los de Berlín, San Sebastián y Málaga.

Entre los premios recibidos en mérito a su trabajo, figuran cinco como Mejor Director del Año, tres como Mejor Película, cuatro del Círculo de Escritores Cinematográficos, cinco Sant Jordi de la Crítica de Barcelona y tres Ciudad de Barcelona.

La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España le concedió en su XIV edición el Goya de Honor por su destacada aportación al cine.

Es poseedor de la Encomienda de Isabel La Católica y está distinguido, así mismo, como Oficial de la Orden del Mérito Civil.

Escribe “MEMORIAS TRAS LA CÁMARA” , (50 años en UN cine ESPAÑOL) , libro editado por la Sociedad de Autores de España y por la Editorial 8 1/5 de Madrid. En este libro narra todo lo que ha representado su carrera en el cine.

En el año 2008 la Editorial AGUILAR perteneciente a PRISA publica su segundo libro “LOS AÑOS GRISES” en el que describe el tiempo de su adolescencia en la ciudad de Barcelona en plena guerra civil, y su paso por la Isla de Ibiza en compañía de sus padres durante su niñez.

Entre otros premios recibidos a lo largo de su trabajo figuran siete Nacionales, varios como Mejor Película, Mejor Dirección, etc. -equivalentes a los Goya de hoy- . Cuatro de Circulo de Escritores Cinematográficos, Cinco Sant Jordi de la Crítica de Barcelona, y Tres Ciudad de Barcelona.

Asimismo es poseedor de la Medalla de Oro de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de España. Recibe el premio de Honor de la ASDREC -Agrupación de los Directores Españoles. En el año 2000 se le concede el Goya de Honor por su destacada aportación a nuestro cine.

Desde entonces recibe numerosos homenajes y retrospectivas por parte de la Filmoteca de la Generalitat de Cataluña, Filmoteca de Murcia, y de Bilbao donde se le hace entrega del “Mikeldi de Honor”.

A principios del año 2009 es nombrado miembro de Honor de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de España. En el mismo año se le otorga por la ciudad de Ibiza donde reside, la Medalla de Oro de la Ciudad. Es galardonado con una “ María Honorífica” en el Festival de Cine Sitges.

Se le ha otorgado la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes otorgada por su Majestad el Rey, correspondiente al año 2007.

En 2011, la recientemente constituida Academia del Cinema de Cataluña le nombra miembro de honor de la misma. Su manos están impresas en una de las placas de bronce de la Plaza del Parc de Ibiza formando parte del conjunto Mans d'Eivissa del escultor Frédéric Berthelot.

Su hija, la actriz María Isasi, nacida en 1975, es fruto de su relación con la también actriz Marisa Paredes.

Ha recibido 19 puntos

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LADISLAO VAJDA

56. LADISLAO VAJDA

Biografía[editar] Nacido con el nombre de László Vajda Weisz, fue hijo del popular actor, director y escenógrafo Ladislaus Vajda. Comenzó su carrera como guionista en el cine mudo austriaco y alemán trabajando como montador en los años 30 junto a nombres como los de Billy Wilder o Henry Koster... Ver mas
Biografía[editar]
Nacido con el nombre de László Vajda Weisz, fue hijo del popular actor, director y escenógrafo Ladislaus Vajda. Comenzó su carrera como guionista en el cine mudo austriaco y alemán trabajando como montador en los años 30 junto a nombres como los de Billy Wilder o Henry Koster. En esos años también realizó tareas de dirección artística.

Uno de sus primeros trabajos como director fue El hombre bajo el puente (1936) película húngara muy influenciada por Pabst o Wiene. En tiempos de la Segunda Guerra Mundial huye primero a París pasando luego a Italia donde dirige dos largometrajes. La prohibición por Mussolini del segundo de ellos, Giuliano de' Medici (en español Conjura en Florencia) (1941), con la gran Conchita Montenegro, motiva que se traslade a España, donde se asienta. Aquí debuta con Se vende un palacio (1943) film protagonizado por Mary Santamaría, Roberto Rey, Manolo Morán y José Nieto.

Más tarde vendrían títulos con Antonio Casal de protagonista como Te quiero para mí (1949), filme que supuso el debut de una jovencísima Sara Montiel. Otras películas con Antonio Casal serían: Doce lunas de miel (1944) y Cinco lobitos (1945) adaptación de una obra de los Hermanos Quintero.

Con Portugal co-produjo Ladislao Vajda el policial Barrio (1947) y Tres espejos (1947) con Rafael Durá y Mary Carrillo.

Vajda también rodó en Inglaterra The Golden Madonna (1949), una película de aventuras protagonizada por Phyllis Calvert y Michael Rennie y The Woman with No Name (1959).

Sin duda, fueron los años 50 los de su mayor esplendor artístico. En las películas de esta etapa podemos observar la clara influencia del realizador alemán Fritz Lang sobre todo en sus sugerentes atmósferas, su gran nervio narrativo y una estética derivada del expresionismo alemán que nunca abandonó. Los principales títulos de esta época son: Carne de horca (1953), con Pepe Isbert; Marcelino pan y vino (1955) y Mi tío Jacinto (1956) con Pablito Calvo; Tarde de toros (1956) y Un ángel pasó por Brooklyn (1957), filme igualmente pensado para el lucimiento de Pablito Calvo, el cual contó con Pepe Isbert y el astro internacional Peter Ustinov.

Uno de los títulos más destacados de Vajda es El cebo (1958), un thriller sobre un asesino en serie de niñas coproducido entre España, Alemania y Suiza y basado en una adaptación de la novela del suizo Friedrich Dürrenmatt, quien además firmó el guion del filme. Años después el autor suizo editaría ese guion en forma de novela bajo el título de La promesa (1958). De la misma historia se han llegado a rodar hasta tres versiones más, siendo la más reciente El juramento (2001) dirigida por Sean Penn y protagonizada por Jack Nicholson.

La mayoría de la filmografía de Vajda gozó de un gran favor popular y de crítica: Marcelino pan y vino y Mi tío Jacinto consiguieron premios en el Festival de Cannes y el Festival de Berlín; Tarde de toros fue nominada a la Palma de Oro y El cebo al Oso de Berlín.

Durante los años 60, Vajda realizó varias obras menores en Alemania y España. Falleció en Barcelona en 1965 mientras rodaba La dama de Beirut, protagonizada por Sara Montiel.

En la actualidad su obra está siendo valorada de nuevo y se le considera como uno de los nombres importantes de la cinematografía europea.

Filmografía como director[editar]
La dama de Beirut (1965)
Una chica casi formal (1963)
Das Feuerschiff (1963)
Der Lügner (1961)
Die Schatten werden länger (1961)
María, matrícula de Bilbao (1960)
Ein Mann geht durch die Wand (1959)
El cebo (1958)
Un ángel pasó por Brooklyn (1957)
Mi tío Jacinto (1956)
Tarde de toros (1956)
Marcelino pan y vino (1955)
Aventuras del barbero de Sevilla (1954)
Carne de horca (1953)
Doña Francisquita (1953)
Ronda española (1952)
The Woman with No Name (1950)
Sin uniforme (1950)
Séptima página (1950)
The Golden Madonna (1949)
Call of the Blood (1948)
Barrio (1947) (1947)
Tres espejos (1947)
Cinco lobitos (1945)
O Diabo São Elas (1945)
El testamento del virrey (1944)
Te quiero para mí (1944)
Doce lunas de miel (1944)
Se vende un palacio (1943)
Giuliano de Medici (1941)
La zia smemorata (1940)
Péntek Rézi (1938)
Fekete gyémántok (1938)
Döntö pillanat (1938)
Magdát kicsapják (1938)
Az Én lányom nem olyan (1937)
A Kölcsönkért kastély (1937)
The Wife of General Ling (1937)
Wings Over Africa (1937)
Három sárkány (1936)
Ember a híd alatt (1936)
Szenzáció (1936)
Haut comme trois pommes (1935)
Love on Skis (1933)
Where Is This Lady? (1932)
Filmografía como director artístico[editar]
La Dama de Beirut (1965)
Die Schatten werden länger (1961)
María, matrícula de Bilbao (1960)
El cebo (Es geschah am hellichten Tag) (1958)
Un Ángel pasó por Brooklyn (1957)
Mi tío Jacinto (1956)
Marcelino pan y vino (1955)
Dona Francisquita (1953)
La mujer sin nombre (The Woman with No Name) (1950)
La Zia smemorata (1940)
Ember a híd alatt (1936)
Tarakanova (1930)
Die Czardasf (1927)
Die Lawine (1923)
Filmografía como montador[editar]
Café Moszkva (1936)
Ball im Savoy (1935)
Es war einmal ein Walzer (1932)
Filmografía como productor[editar]
Un Ángel pasó por Brooklyn (1957)
Filmografía como actor[editar]
Sin uniforme (1950)

Ha recibido 19 puntos

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JAIME CHÁVARRI

57. JAIME CHÁVARRI

Biografía[editar] Es hijo de Tomas Chávarri y Ligues y de Marichu de la Mora Maura. Bisnieto del ex Presidente del Gobierno Antonio Maura. Licenciado en Derecho. Estudió dos cursos en la Escuela Oficial de Cinematografía y se encargó de la crítica de cine en la revista Film Ideal. Empezó su... Ver mas
Biografía[editar]
Es hijo de Tomas Chávarri y Ligues y de Marichu de la Mora Maura. Bisnieto del ex Presidente del Gobierno Antonio Maura. Licenciado en Derecho. Estudió dos cursos en la Escuela Oficial de Cinematografía y se encargó de la crítica de cine en la revista Film Ideal. Empezó su carrera rodando largometrajes en super 8. Fue ayudante de dirección en algunas producciones y trabajó para televisión. Aunque su primer largometraje fue Run, Blancanieves, run (1967), su primera obra comercial fue una obra difícil y de amplio contenido autobiográfico: Los viajes escolares (1973). Esta película sería continuada de algún modo en 1985 con El río de oro. Ninguna de las dos películas tuvo éxito. Fue también director artístico de Víctor Erice en El espíritu de la colmena y de Carlos Saura en Ana y los lobos.

Su colaboración con el productor Elías Querejeta dio lugar a la parte más reconocida e interesante de su producción, en la que contamos con un documental rompedor y cáustico sobre la familia del poeta Leopoldo Panero, El desencanto (1976), una reflexión acerca de la decadencia y el paso del tiempo, A un dios desconocido, y una excelente y desconcertante película, Dedicatoria, en la que el protagonista encarna a un periodista que ha de entrevistar a un preso.

Tras esta etapa de colaboración con Querejeta, lleva a cabo adaptaciones de obras literarias de Llorenç Villalonga (Bearn o La sala de las muñecas), Fernando Fernán Gómez (Las bicicletas son para el verano) y Pablo Solozábal (Tierno verano de lujurias y azoteas). Estas películas serán producidas por Alfredo Matas.

En 1984 tiene un pequeño papel como actor en la película de Pedro Almodóvar Qué he hecho yo para merecer esto, protagonizada por Carmen Maura. En 1996 aparece en el video Y sin embargo te quiero de Joaquín Sabina junto a Olga Román.

Chávarri rueda también dos musicales protagonizados por Ángela Molina -con quien ha trabajado hasta en cinco ocasiones- y Manuel Bandera, Las cosas del querer (1989) y su secuela (1995). Tras una etapa en la que sus películas tienen menor repercusión comercial, con la excepción de Besos para todos (2000), rueda en 2005 una película sobre la vida del cantaor flamenco Camarón de la Isla (Camarón).

Igualmente ha desarrollado una carrera como director teatral, que incluye montajes como Tres mujeres altas (1995), de Edward Albee o La prueba (2001), de David Auburn.

Filmografía[editar]
1967: Run, Blancanieves, run
1971: La danza, episodio de Pastel de sangre
1973: Los viajes escolares
1976: El desencanto
1977: A un dios desconocido
1979:
La mujer sorda, episodio de Cuentos para una escapada
Pequeño planeta, episodio de Cuentos eróticos
1980: Dedicatoria
1982: Bearn o La sala de las muñecas
1983: Las bicicletas son para el verano
1985: El río de oro
1988: Regalo de cumpleaños
1989: Las cosas del querer
1993: Tierno verano de lujurias y azoteas
1995: Las cosas del querer, Segunda parte
1996: Gran slalom
1997: Sus ojos se cerraron y el mundo sigue andando
2000: Besos para todos
2004:
El año del diluvio
Doce de octubre, episodio de Madrid 11M: Todos íbamos en ese tren
2005: Camarón
Teatro (selección)[editar]
El engañao (1981), de José Martín Recuerda.
Tres mujeres altas (1995), de Edward Albee
La prueba (2001), de David Auburn.
Todo en el jardín (2002), de Edward Albee
Memento Mori (2011), de Borja Ortiz de Gondra.

Ha recibido 18 puntos

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FERNANDO GARCÍA DE LA VEGA

58. FERNANDO GARCÍA DE LA VEGA

Televisión[editar] Tras estudiar en el Instituto de Experiencias e Investigaciones Cinematográficas de Madrid, se incorpora a una recién creada Televisión Española en 1956. Considerado uno de los pioneros de la televisión en España, sus primeros trabajos en el medio fueron los programas... Ver mas
Televisión[editar]
Tras estudiar en el Instituto de Experiencias e Investigaciones Cinematográficas de Madrid, se incorpora a una recién creada Televisión Española en 1956. Considerado uno de los pioneros de la televisión en España, sus primeros trabajos en el medio fueron los programas infantiles.

Sin embargo, pronto pasa a los espacios de variedades y realiza el programa estrella de la cadena en ese momento La hora Philips, presentado por Jesús Álvarez.

En años sucesivos conocería grandes éxitos en su labor televisiva, entre los que cabe mencionar Escala en hi-fi (1961),1 Sábado 64 (1964), el célebre concurso Un millón para el mejor (1968-1969), con José Luis Pécker, Galas del sábado (1969-1970), con Joaquín Prat y Laura Valenzuela, Pasaporte a Dublín (1971) o el concurso Cambie su suerte (1974), que provocó enorme polémica en su tiempo por culpa del escote lucido por Rocío Jurado en una actuación en el programa,2 además de numerosas galas especiales de Nochevieja en la cadena pública.

Pese a que se especializó en programas musicales y de variedades, también dirigió dramáticos dentro de los espacios Estudio 1 y Novela.

Cine[editar]
Gracias al prestigio alcanzado en televisión, hizo también alguna incursión en el cine, tanto como dirigiendo - En un mundo nuevo (1970), con Karina -, como escribiendo guiones - Las cuatro bodas de Marisol (1967) -.

Actividad teatral[editar]
Apartado del mundo de la televisión desde mediados de los años ochenta, posteriormente se ha dedicado a la producción teatral, especialmente de Zarzuela.

En 1994 fundó junto a Antonio Blancas y Manuel Moreno Buendía la Sociedad Madrid Género Lírico y durante ese año gestionó el Teatro de Madrid, sala de propiedad municipal dedicada a representaciones de danza, ópera y zarzuela.

Trayectoria en TV[editar]
Las Gomas (1956).
La Goleta (1957),
La hora Philips (1957).
Club del sábado (1957-1958).
Teatro Apolo (1957).
Gran Parada (1959).
Cuarta dimensión (1960-1961).
Gran Circo (1961).
Escala en hi-fi (1961-1967).
Tele domingo (1963-1965).
Sábado 64 (1964).
Verbena (1957).
Estudio 1 (1965).
Novela (1966).
Un millón para el mejor (1968-1969).
Galas del sábado (1969-1970).
Pasaporte a Dublín (1970).
Gala de Nochevieja (1970).
Divertido siglo (1972).
Los Maniáticos (1974).
Cambie su suerte (1974).
La hora de... (1975).
Gala de Nochebuena (1975).
Gala de Nochebuena (1976).
Eva a las diez (1977).
Destino Argentina (1978).
Gala de Nochevieja (1978).
Antología de la Zarzuela (1979).
Gol...y al Mundial 82 (1981).
Gala de Nochevieja (1982).
La Comedia Musical Española (1985).
Premios[editar]
Antena de Oro (1970).
Premio Ondas 1971 Nacionales de televisión: Mejor director.
Premio Talento 2002 de la Academia de Televisión.

Ha recibido 18 puntos

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MANUEL GÓMEZ-PEREIRA

59. MANUEL GÓMEZ-PEREIRA

Manuel Gómez Pereira (Madrid, 8 de diciembre de 1953) es un director de cine y guionista español. Biografía[editar] Comenzó sus estudios de Arquitectura, pero los abandonó tiempo después para iniciar la carrera de Facultad de Ciencias de la Información en la Universidad Complutense de Madrid... Ver mas
Manuel Gómez Pereira (Madrid, 8 de diciembre de 1953) es un director de cine y guionista español.

Biografía[editar]
Comenzó sus estudios de Arquitectura, pero los abandonó tiempo después para iniciar la carrera de Facultad de Ciencias de la Información en la Universidad Complutense de Madrid. Es sobrino del director de cine Luis Sanz.

Desde 1973 estuvo colaborando en largometrajes de directores como José Luis García Sánchez, Fernando Colomo o Antonio Mercero.

En 1979 dirigió la película Nos va la marcha junto con Manu Berástegui y Raimundo García.

En 1991 dirigió su primera película en solitario, "Salsa rosa", haciendo de guionista junto a Joaquín Oristrell, Yolanda García Serrano y Juan Luis Pérez Iborra.

Filmografía[editar]
Año Película
2014 La ignorancia de la sangre
2009 El juego del ahorcado
2005 Reinas
2004 Cosas que hacen que la vida valga la pena
2004 ¡Hay motivo!
2001 Desafinado
1999 Entre las piernas
1996 El amor perjudica seriamente la salud
1995 Boca a boca
1994 Todos los hombres sois iguales
1993 ¿Por qué lo llaman amor cuando quieren decir sexo?
1992 Salsa rosa
1979 Nos va la marcha
Premios y nominaciones[editar]
Premios Godoy

Año Categoría Película Resultado
2001 Premio Godoy a la peor película Desafinado Ganador
2005 Premio Francisco de Paula al mejor guion ¡Hay motivo! Nominado
Premios Goya

Año Categoría Película Resultado
1992 mejor dirección novel Salsa rosa Nominado
1994 mejor guion original Todos los hombres sois iguales Ganador
1995 mejor director Boca a boca nominado
1995 mejor guion original Boca a boca nominado
2004 mejor documental ¡Hay motivo! Nominado

Ha recibido 18 puntos

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JOSÉ LUIS SÁENZ DE HEREDIA

60. JOSÉ LUIS SÁENZ DE HEREDIA

Su cine[editar] Durante años la crítica le recriminó su implicación con el régimen franquista y su parentesco con José Antonio Primo de Rivera. De hecho dirigió Raza, filme con guión de Francisco Franco y el documental Franco, ese hombre, documental que intentó no dirigir pero fue prácticamente... Ver mas
Su cine[editar]
Durante años la crítica le recriminó su implicación con el régimen franquista y su parentesco con José Antonio Primo de Rivera. De hecho dirigió Raza, filme con guión de Francisco Franco y el documental Franco, ese hombre, documental que intentó no dirigir pero fue prácticamente obligado por el dictador.[cita requerida]

Sáenz de Heredia comenzó su carrera de director cinematográfico bajo los auspicios de Luis Buñuel, cuando éste era responsable máximo de producción de la empresa Filmófono. Tras el triunfo del bando franquista en la Guerra Civil, Sáenz de Heredia se convirtió en uno de los directores más importantes de España.

Franquista comprometido, ocupó varios cargos oficiales durante la dictadura del general Franco, entre ellos el de director de la Escuela Oficial de Cine.

Es autor del libreto de la revista Yola, estrenada por Celia Gámez en 1941.

Filmografía[editar]
Patricio miró a una estrella (1934)
La hija de Juan Simón (1935)
¿Quién me quiere a mí? (1936)
Raza (1942)
El escándalo (1943)
El destino se disculpa (1945)
Bambú (1945)
Mariona Rebull (1947)
Las aguas bajan negras (1948)
La mies es mucha (1948)
Don Juan (1950)
Los ojos dejan huellas (1952)
Todo es posible en Granada (1954)
Historias de la radio (1955)
Faustina (1957)
Diez fusiles esperan (1959)
El indulto (1960)
El grano de mostaza (1962)
Los derechos de la mujer (1963)
La verbena de la Paloma (1963)
Franco, ese hombre (1964)
Historias de la televisión (1965)
Fray Torero (1966)
Pero... ¿en qué país vivimos? (1967)
Relaciones casi públicas (1968)
Juicio de faldas (1969)
El taxi de los conflictos (1969)
¡Se armó el belén! (1969)
Don Erre que erre (1970)
El alma se serena (1970)
Me debes un muerto (1971)
La decente (1971)
Los gallos de la madrugada (1971)
Proceso a Jesús (1973)
Cuando los niños vienen de Marsella (1974)
Solo ante el Streaking (1975)
Guiones[editar]
Franco, ese hombre (1964).

Ha recibido 18 puntos

Vótalo:

ALFONSO UNGRÍA

61. ALFONSO UNGRÍA

Alfonso Ungría (Madrid, 30 de marzo de 1943) es un director de cine español. Biografía[editar] Estudió Ciencias Económicas. Primero se dedicó al teatro y luego pasó al cine. Filmografía[editar] Año Película 2004 ¡Hay motivo! 2002 El deseo de ser piel roja 1996 África 1984 La... Ver mas
Alfonso Ungría (Madrid, 30 de marzo de 1943) es un director de cine español.

Biografía[editar]
Estudió Ciencias Económicas. Primero se dedicó al teatro y luego pasó al cine.

Filmografía[editar]
Año Película
2004 ¡Hay motivo!
2002 El deseo de ser piel roja
1996 África
1984 La conquista de Albania
1996 Cuentos eróticos (un episodio)
1981 Cervantes (TV)
1977 Soldados
1976 Gulliver
1971 Tirarse al monte
1970 El hombre oculto

Ha recibido 18 puntos

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RICARDO FRANCO

62. RICARDO FRANCO

Biografía[editar] Perteneciente a la Escuela de Argüelles, realizó bajo la influencia de este grupo su primer corto, Gospel (1969), seleccionado para el festival de cine de Nueva Delhi. Guionista de sus propias películas (y de algunas ajenas), tuvo problemas con la censura y algunos de sus... Ver mas
Biografía[editar]
Perteneciente a la Escuela de Argüelles, realizó bajo la influencia de este grupo su primer corto, Gospel (1969), seleccionado para el festival de cine de Nueva Delhi. Guionista de sus propias películas (y de algunas ajenas), tuvo problemas con la censura y algunos de sus trabajos, como El desastre de Annual, fueron prohibidos.

Obtuvo un cierto renombre con Pascual Duarte, basada en la novela de Camilo José Cela, producida y encargada por Elías Querejeta. Este filme le granjeó el premio al mejor actor en el Festival de Cannes de 1976 a José Luis Gómez y se llevó el premio a la mejor fotografía del Círculo de Ecritores Cinematográficos, en el mismo año.

A mediados de los ochenta se estableció en Estados Unidos, donde, de sus varios proyectos, sólo logró llevar a cabo un largometraje, Gringo mojado con el actor Sam Bottoms y la mexicana Rebecca Jones.

Durante la década de los 90, ya enfermo, estrenó varias películas que, en opinión de muchos, representan lo mejor de su carrera. Entre ellas está La buena estrella, que ganó cinco premios Goya y dos premios Ondas y fue seleccionada para la sección Una cierta mirada del Festival de Cannes.

Además de ello, trabajó para televisión en las series La huella del crimen (uno de los capítulos dirigidos por Franco, "El crimen de las estanqueras de Sevilla" ganó el premio FIPA de Plata en el Festival de Cannes de Televisión de 1991), La mujer de tu vida, Yo, una mujer y Crónicas del mal y dirigió y produjo varios documentales sobre distintas religiones.

Aparte de su trabajo como cineasta, publicó un libro de poemas, Los restos del naufragio (1979), y escribió una cantidad considerable de letras de canciones pop, entre ellas varias para el grupo español Tam Tam Go!, como su éxito "Manuel Raquel". También es autor de la canción "Loco de amor" interpretada por el grupo Café Quijano e incluida en su CD Qué grande es esto del amor!

Fue un aventurero e incansable viajero, fumador empedernido, muy mujeriego (a menudo con el corazón roto) y figura constante de la noche madrileña, aunque gran trabajador. Falleció a los 49 años de un infarto de miocardio, sin ver terminada la que sería su obra póstuma, Lágrimas negras.

Filmografía[editar]
Como director[editar]
Gospel (1969) (cortometraje).
El desastre de Annual (Un invento sin futuro) (1970).
África Occidental hoy (1973) (documental para televisión).
El increíble aumento de la vida (1974) (cortometraje).
Pascual Duarte (1976).
Los restos del naufragio (1978).
Disa, cincuenta aniversario (1984) (corto documental publicitario).
Gringo mojado (también conocida como In 'n Out, Único heredero y San Judas de la Frontera, 1984).
"El caso del cadáver descuartizado", en la serie La huella del crimen 1 (1985) (TV).
El sueño de Tánger (1986).
Berlín Blues (1988).
"La mujer perdida", en la serie La mujer de tu vida (1988) (TV).
"Una canción de amor", en la serie El flechazo (1990) (TV).
"El crimen de las estanqueras de Sevilla", en la serie La huella del crimen 2 (1991) (TV).
"La canción del condenado", en la serie Un mundo sin fronteras (1991) (TV).
"El cielo caerá sobre la tierra", en la serie Un mundo sin fronteras (1991) (TV).
"El color de la piel", en la serie Un mundo sin fronteras (con Magali Negroni, 1991) (TV).
"La muerte en la calle", en la serie Un mundo sin fronteras (1991) (TV).
Antonio López (1991) (cortometraje).
Javier Mariscal (1991) (cortometraje).
"No habrá flores para los muertos", en la serie Crónicas del mal (1991) (TV).
¡Oh, cielos! (1994).
Después de tantos años (1994).
"Rajasthán: de ascetas y guerreros" ("Jainism: Ascetics and Warriors"), en la serie Cenizas en el río, cap. 2 (1995).1
"Darjeeling y Sikkim: el árbol de Buda" ("Buddhism: The Great Wheel of Being"), en la serie Cenizas en el río, cap. 4 (1995).2
Yo, una mujer (1995) (serie dramática de 13 capítulos, TV)
La buena estrella (1997).
Lágrimas negras (con Fernando Bauluz, 1998).
Como guionista[editar]
Góspel (con Javier Marías) (1969).
El desastre de Annual (Un invento sin futuro) (con Javier Marías) (1970).
El increíble aumento del costo de la vida (1974).
Pascual Duarte (con Emilio Martínez-Lázaro y Elías Querejeta) (1976).
Los restos del naufragio (1978).
Gringo mojado (con Ellen Kesend) (1984).
El sueño de Tánger (1986).
Adiós, pequeña (con Imanol Uribe) (Imanol Uribe, 1986).
Berlín Blues (1988).
"La mujer perdida" (con Luis Ariño) (1989).
Sangre y arena (con Rafael Azcona) (Javier Elorrieta, 1989).
"Una canción de amor" (1990).
Antonio López (con Teresa Aranda) (1991).
Después de tantos años (1994).
¡Oh, cielos! (con Joaquín Oristrell, Yolanda García Serrano y Juan Luis Iborra) (1994).
"Darjeeling y Sikkim: el árbol de buda" (con Luis Ariño) (1995).
"Rajasthán: de ascetas y guerreros" (con Luis Ariño) (1995).
Tu nombre envenena mis sueños (con Pilar Miró y Ángeles González Sinde —no acreditada—) (Pilar Miró, 1996).
La buena estrella (con Ángeles González Sinde) (1997).
Lágrimas negras (con Ángeles González Sinde) (1998).
Como actor[editar]
Ginebra en los infiernos (Jaime Chávarri, 1969).3
Amo mi cama rica (Emilio Martínez-Lázaro, 1970).
Los restos del naufragio (1977).
Mi hija Hildegart (Fernando Fernán Gómez, 1977).
El gabinete del doctor Angustias (José Luis Olaizola, 1977).
Compañero de viaje (Clemente de la Cerda, 1977).
Sonámbulos (Manuel Gutiérrez Aragón, 1978).
Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (Pedro Almodóvar, 1980).
La paloma azul (Francisco Fernández Cueto, 1980).
Percusión (Josecho San Mateo, 1982).
El pecador impecable (Augusto Martínez Torres, 1987)
La madre (Miguel Bardem, 1995).
Como productor[editar]
Góspel (1969)
El desastre de Annual (Un invento sin futuro) (1970).
Serie de televisión Cenizas en el río (cinco capítulos) (1995).4 5 6
Todos los dioses un dios (Mikel Clemente, 1995).
Kerala: la esencia de la palmera (Daniel Cebrián, 1995).
Cachemira: el valle sagrado (Daniel Cebrián, 1995).

Ha recibido 17 puntos

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GUILLERMO FESSER

63. GUILLERMO FESSER

Guillermo Fesser Pérez de Petinto (Madrid, 4 de mayo de 1960) es un periodista español, conocido por introducir el humor en los informativos radiofónicos a través de su programa Gomaespuma. Forma, junto con Juan Luis Cano, el dúo Gomaespuma y con él dirige desde el año 2000 la Fundación... Ver mas
Guillermo Fesser Pérez de Petinto (Madrid, 4 de mayo de 1960) es un periodista español, conocido por introducir el humor en los informativos radiofónicos a través de su programa Gomaespuma.

Forma, junto con Juan Luis Cano, el dúo Gomaespuma y con él dirige desde el año 2000 la Fundación Gomaespuma, dedicada principalmente a facilitar el acceso a la educación a niños de Nicaragua y Sri Lanka y a promocionar el flamenco en España y en el mundo con un festival didáctico bautizado como Flamenco Pá Tós. La recaudación del festival financia los proyectos educativos.

Es el director, productor y uno de los guionistas de la película Cándida (2006).

Además, es hermano del director de cine Javier Fesser y del promotor cultural Alberto Fesser.
Radio[editar]
Guillermo Fesser es principalmente conocido como parte del dúo Gomaespuma. También fue locutor, junto a Juan Luis Cano, Santiago Alcanda y Jaime Barella, de El Flexo (Considerado el antecesor de Gomaespuma). Fesser conoció a su compañero Juan Luis Cano en 1977, en la Universidad Complutense, e hicieron su primer programa de radio en la FM de Radio Madrid en 1981. Juntos formaron el dúo Gomaespuma que se afianzó durante años en Antena 3 de Radio.

Cine[editar]
Guillermo Fesser ha dirigido el largometraje Cándida, basado en la biografía de su asistenta que publicó bajo el título "Cuando Dios aprieta, ahoga pero bien". Además ha escrito el guion de El milagro de P. Tinto y La gran aventura de Mortadelo y Filemón, ambas dirigidas por su hermano.

Fesser dirigió un programa de marionetas en Telecinco y, fruto de esa experiencia, manipuló y puso voz a la marioneta que aparece en el cortometraje Aquel ritmillo, en el que también se encargó del vestuario. Colaboró como supervisor del guion en El secdleto de la tlompeta, un corto humorístico de su hermano Javier.

Ha prestado su voz para doblar, con Juan Luis Cano, películas de ficción como Chicken Run: Evasión en la Granja, La espada mágica, Como perros y gatos, Ali G anda suelto o Chicken Run 2.

Televisión[editar]
Guillermo Fesser presentó en los 80, junto a Pastora Vega y Toni Cantó, el programa de TVE La Tarde de Verano, y durante unos meses, en 1992, el concurso VIP Noche en Telecinco.

En colaboración con Kermit Love, el creador de las marionetas de la factoría de Jim Henson, ideó un programa de marionetas para Telecinco. Realizado por Javier Fesser y con guiones de Juan Luis Cano y él mismo, el programa vio la luz en 1994 con el nombre de Gomaespuma. Allí nació la sintonía que se utilizó en el programa de radio del mismo nombre.

Además actuó en el famoso anuncio publicitario de margarina Tulipán, haciendo el papel del entrevistador que llegaba en helicóptero.

Como Gomaespuma ha aparecido en numerosas entrevistas.

En la actualidad produce y presenta desde Nueva York A Cien Millas de Manhattan, mini-documentales sobre la vida cotidiana norteamericana para el programa 59 segundos de TVE.

Literatura[editar]
Su primera obra y la más importante es: Cuando Dios aprieta, ahoga pero bien (memorias de una asistenta), publicada en 1998, de la que se ha rodado una película dirigida por él mismo, estrenada en 2006 y, paralelamente ese mismo año, se publicó la segunda parte. Esta obra cuenta la historia de Cándida Villar, la asistenta de la familia Fesser, una mujer natural de Martos (Jaén). En la obra se narra desde sus principios como asistenta, el maltrato de su marido y su vida actual, trabajando como crítica cinematográfica para Gomaespuma. Es una biografía real. Guillermo conoce a Cándida desde su juventud.

Además de esta obra, ha colaborado junto con Juan Luis Cano en la escritura de tres cómics con dibujos de Vicente Luis Conejos, Marchando una de mili, Navidad con orejas y Pasando Olímpicamente; tres libros de humor para la editorial Temas de Hoy, Familia no hay más que una, Grandes disgustos de la historia de España, ¿Quién me mandaría meterme en obras?; un libro de entrevistas El papa dijo no; un cómic con dibujos de Jose Luis Agreda, A la fuerza ahorcan; dos libros de memorias, 20 años de Gomaespuma, redactado por Curra Fernández y Nuria Serena, y 20 años de Gomaespuma y ¡Vivan los novios!, un libro editado por La Fábrica con fotografias de bodas.

Su último libro es A cien millas de Manhattan (2008), publicado por la editorial Aguilar.

En 2011, Guillermo Fesser presentó en la BookExpo America de Nueva York, la feria literaria más importante de Estados Unidos, el primer libro interactivo para niños creado específicamente para tabletas y teléfonos móviles de la mano de Touchybooksle [1].

Ha recibido 17 puntos

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JESÚS FRANCO

64. JESÚS FRANCO

Biografía[editar] Interesado por la música desde pequeño, ingresó, tras la Guerra Civil Española en el conservatorio de Madrid, donde estudió piano. Acabó sus estudios en el Instituto Ramiro de Maeztu de Madrid y se licenció en Derecho, tras lo cual ingresó en el Instituto de Investigaciones y... Ver mas
Biografía[editar]
Interesado por la música desde pequeño, ingresó, tras la Guerra Civil Española en el conservatorio de Madrid, donde estudió piano. Acabó sus estudios en el Instituto Ramiro de Maeztu de Madrid y se licenció en Derecho, tras lo cual ingresó en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas (IIEC), donde permaneció dos años, mientras escribía novelas policiacas bajo el seudónimo de David Khunne. También compaginó sus trabajos como director y actor de teatro durante esta época, además de dedicarse a tocar jazz en clubes de Madrid y Barcelona y, más tarde, en Francia y Bélgica.

Viajó a París (Francia), donde estudió técnicas de dirección y solía pasar el tiempo viendo películas en la filmoteca de la universidad. A su regreso a España empezó su carrera como compositor para cine y como ayudante de dirección, trabajando con directores como Juan Antonio Bardem, León Klimovsky, Luis Saslavsky, Julio Bracho, Fernando Soler, Joaquín Luis Romero Marchent y Luis García Berlanga, entre otros. También trabajó en Ágata Films S.A., como escritor y representante.

Sus primeros trabajos como director dieron como fruto películas culturales, normalmente documentales de corta duración sobre diversos temas de la esplendorosa España del pasado.

Pronto aplicó su experiencia y sus conocimientos y así realizó su primer largometraje: Tenemos 18 años, que protagonizaron Antonio Ozores y Terele Pávez en 1959, pero no fue hasta 1962, con la famosa Gritos en la noche, cuando consiguió un cierto éxito. Otras películas de la época son La muerte silba un blues (1962), La mano de un hombre muerto (1962) y Rififí en la ciudad (1963).

Aclamado por los fans del género de terror, que empezó a cultivar con bastante frecuencia, pronto se convirtió en un enemigo de la dictadura de Francisco Franco. Sin embargo, las buenas críticas recibidas por sus trabajos en aquella época, se materializaron en ayuda económica para poder continuar con la labor. Se exilió y continuó trabajando en el extranjero.

No le faltaron productores fuera de España, y no sólo para sus incursiones en el género de terror, ya que también tocó todo tipo de géneros: comedia, drama, musical... y posteriormente incluso la pornografía. En 1965 trabajó como director de unidad secundario para Orson Welles en Campanadas a medianoche, con quien repetiría en los proyectos inacabados La isla del tesoro y Don Quijote. Pero fue en 1967 cuando se ganó el clamor del público a nivel internacional, con su película Necronomicón, que fue presentada en el festival de Berlín.

Sin embargo, sus películas no siempre eran bien acogidas por la crítica o el público. De hecho, buena parte de crítica y público empezó a rechazar y despreciar sus alocadas ideas. Así, se centró en realizar películas de bajo presupuesto y con una velocidad asombrosa, llegando a lanzar seis, siete o incluso más títulos al año, trabajando con infinidad de productoras en numerosos países, e incluso llegando a crear la suya propia (Manacoa Films). Este hecho le llevó a estrenar muchos de sus títulos bajo seudónimos, "por recomendación de las productoras, para no saturar el mercado cinematográfico", según explica él. En realidad la razón fundamental del uso de seudónimos era la búsqueda de una mejor venta de la película, con nombres que sonaran bien en el mercado internacional y que sonaran novedosos. Así, firmó algunos de sus trabajos como David Khunne, John O'Hara, Clifford Brown o Pablo Villa, entre otros nombres.

Franco era capaz de hacer películas con muy poco dinero. Debido a su enorme capacidad de producción, aprovechaba muchas veces el reparto de un rodaje para embarcarse en un nuevo proyecto, utilizando para ello el mismo material y el dinero sobrante del proyecto anterior. Llegó incluso a aprovechar las mismas escenas para diferentes películas.

Entre sus actores más destacados se encuentran Howard Vernon, Antonio Mayans, Christopher Lee, Klaus Kinski, Jack Taylor, Jean Servais, Santiago Segura, Fernando Fernán Gómez, Aldo Sambrell y Ricardo Palacios. Entre sus musas o actrices fetiche están Diana Lorys, Elisa Montés, Maria Rohm, Soledad Miranda, Rosalba Neri y Lina Romay. Esta última es la más representativa, y de quien enviudó en mayo de 2012.

Durante los 80, muchas de sus películas fueron calificadas como X por los comités de censura de diversos países. Se estrenaron versiones de sus películas con un metraje bastante recortado (hasta 40 minutos), algo que él no comprendía. Respondió con incursiones en el cine puramente pornográfico, algo que muchos de sus fans tampoco supieron comprender.

A principios de los 90, Jess, como se le conoce popularmente, fue contactado por la Sociedad Estatal para la Exposición Universal de Sevilla 1992 para recopilar el material y montar la película que se estrenaría con el título de Don Quijote de Orson Welles, un film que el genial director americano rodó a lo largo de décadas y dejó inacabada. Tras mucho tiempo de trabajo y montaje, estrenó finalmente la película, aunque no recibió una muy buena acogida por la crítica. Algunas de estas críticas se debieron, entre otras razones, al hecho de que la sociedad de la Expo no consiguió reunir al menos un tercio del metraje rodado por Welles, por desaveniencias económicas con los herederos del cineasta. Así, por ejemplo, la versión de Franco no cuenta con una de las imágenes más famosas de la película, una secuencia rodada en México en la que Don Quijote se ve a sí mismo en un cine y arremete con su lanza contra su propia imagen, destrozando la pantalla de la sala.

Tras años en los que las películas de Franco sólo se podían ver ocasionalmente en España a través de ediciones en vídeo, en 1996 estrena en cine Killer Barbys, lo que coincidió con un homenaje en Nueva York (donde recibió un premio de manos del mismísimo Roger Corman) y una reivindicación general de su obra.

Posteriormente la producción de Jess ha descendido notablemente, aunque sigue rodando.

Además de su labor como director, ha trabajado como actor en muchas de sus películas, así como en el clásico de Fernando Fernán Gómez El extraño viaje (1964), considerada uno de los mejores filmes españoles de todos los tiempos. Más recientemente, ha aparecido en películas de sus colaboradores Pedro Temboury y José Roberto Vila y en la serie televisiva Martes de Carnaval, que resultó ser la última obra con guion del fallecido Rafael Azcona.

Además de muchas de sus propias películas, Franco produjo otras cintas, como la única que dirigió el actor Ricardo Palacios, la aclamada ¡Biba la banda!

Como compositor y músico ha sido responsable de las bandas sonoras de muchas de sus películas, así como de obras de otros cineastas, como Cómicos, de Juan Antonio Bardem. Existen al menos dos recopilaciones en CD con algunas de sus obras musicales.

En 2006 apadrinó al colectivo español Digital 104, que, como él, defiende la producción en formato digital frente al problemático celuloide. Es también el gran protagonista del documental The Life and Times of Jess Franco (2006), de José Luis García Sánchez.

En la vigésimo tercera edición de los premios Goya, celebrada el 1 de febrero de 2009, la Academia de las Ciencias y las Artes Cinematográficas de España le entregó el premio Goya de Honor por su extensa trayectoria cinematográfica.13 Además, la Sociedad General de Autores de España está preparando una retrospectiva sobre toda su filmografía.14

Casado con Lina Romay en Málaga, el 23 de abril de 2008. Ella falleció en el año 2012.

El actor falleció el 2 de abril de 2013 en Málaga a causa de un accidente cerebro-vascular isquémico.

Pseudónimos[editar]
La lista de pseudónimos que utilizó para firmar sus películas es inusualmente amplia en el ámbito de la cinematografía. Incluye (por orden alfabético de apellido): Joan Almirall, Rosa María Almirall, Clifford Brawn, Clifford Brown Jr., Clifford Brown, Juan G. Cabral, Betty Carter, Candy Coster, Terry De Corsia, Rick Deconinck, Raymond Dubois, Chuck Evans, Toni Falt, Dennis Farnon, Jess Franck, J. Franco, James Franco, Jesse Franco, Jess Franco, Jesús Franco, A.M. Frank, Adolf M. Frank, Antón Martín Frank, Jeff Frank, Jess Frank, Wolfgang Frank, James Gardner, Manfred Gregor, Jack Griffin, Robert Griffin, Lennie Hayden, Frank Hollman, Frank Hollmann, Frarik Hollmann, B.F. Johnson, J.P. Johnson, Yogourtu Ungue, James Lee Johnson, James P. Johnson, David J. Khune, David Khune, D. Khunne Jr., D. Khunne, David J. Khunne, David Khunne, David Kuhne, David Kunne, David Kühne, Lulu Laverne, Lulú Laverne, Franco Manera, J. Franck Manera, J. Frank Manera, Jesús Franco Manera, Jesús Manera, Jeff Manner, Roland Marceignac, A.L. Mariaux, A.L. Marioux, John O´Hara, Cole Polly, Preston Quaid, P. Querut, Dan L. Simon, Dan Simon, Dave Tough, Pablo Villa, Joan Vincent y Robert Zinnermann.

Curiosidades[editar]
En 2003, Jess Franco leyó unas líneas de puro horror cósmico para la introducción del disco Supervillanos de Alquiler, del grupo de rap malagueño Hablando en Plata Squad.
Filmografía como director[editar]
Artículo principal: Anexo:Filmografía de Jesús Franco
Cortometrajes documentales[editar]
1957 - El árbol de España
1958 - Estampas guipuzcoanas número 2: Pío Baroja
1959 - El destierro del Cid
1959 - Oro español
1959 - Las playas vacías
1982 - El huésped de la niebla
1982 - El tren expreso
Largometrajes[editar]
1959 - Tenemos 18 años
1960 - Labios rojos
1960 - La reina del Tabarín
1961 - Vampiresas 1930
1962 - Gritos en la noche
1962 - La muerte silba un blues
1962 - La mano de un hombre muerto
1963 - El llanero
1963 - Rififí en la ciudad
1964 - El secreto del Dr. Orloff
1965 - Miss Muerte
1966 - Cartas boca arriba
1966 - Residencia para espías
1966 - Lucky el intrépido (Jaque al rey Midas)
1967 - Necronomicon - Geträumte Sünden
1967 - Bésame, monstruo
1967 - El caso de las dos bellezas
1968 - Fu-Manchú y el beso de la muerte
1968 - La ciudad sin hombres
1968 - 99 mujeres
1968 - Marquis de Sade: Justine
1968 - El castillo de Fu-Manchú
1969 - Venus in Furs (Paroxismus)
1969 - Eugénie... The Story of Her Journey into Perversion (De Sade 70)
1969 - El juez sangriento/El proceso de las brujas (Il trono di fuoco)
1969 - El conde Drácula
1970 - Les cauchemars naissent la nuit
1970 - Sex Charade
1970 - Eugénie (La isla de la muerte) (De Sade 2000)
1970 - Las vampiras (Vampyros Lesbos)
1970 - Sie tötete in Ekstase
1970 - El diablo que vino de Akasawa
1971 - Vuelo al infierno
1971 - El muerto hace las maletas
1971 - La venganza del Doctor Mabuse
1971 - Jungfrauen-Report
1971 - Robinson und seine wilden Sklavinnen
1971 - Drácula contra Frankenstein
1971 - Los sueños eróticos de Christina
1972 - La hija de Drácula
1972 - La maldición de Frankenstein (Les expériences érotiques de Frankenstein)
1972 - Los demonios
1972 - Los amantes de la isla del diablo
1972 - Un capitán de quince años
1972 - Los ojos siniestros del Doctor Orloff
1972 - Un silencio de tumba
1972 - Diario íntimo de una ninfómana
1972 - Les ebranlées
1973 - Maciste contre la reine des Amazones
1973 - Les gloutonnes
1973 - Al otro lado del espejo
1973 - Plaisir à trois
1973 - La comtesse perverse
1973 - Kiss Me, Killer
1973 - La noche de los asesinos
1973 - Les nuits brûlantes de Linda
1974 - Les avaleuses
1974 - Les chatouilleuses
1974 - Les emmerdeuses
1974 - L'homme le plus sexy du monde
1974 - Célestine, bonne à tout faire
1974 - Lorna, l'exorciste
1974 - Exorcisme
1973 - Tendre et perverse Emanuelle
1973 - Relax Baby
1973 - El misterio del castillo rojo
1974 - Vals para un asesino
1974 - Les possédées du diable
1975 - Shining Sex
1975 - Frauengefängnis
1975 - Downtown - Die nackten Puppen der Unterwelt
1975 - Des diamants pour l'enfer
1975 - Eugenie
1975 - Le jouisseur
1976 - Weiße Haut und schwarze Schenkel
1976 - Une cage dorée
1976 - Aberraciones sexuales de una rubia caliente
1976 - Die Sklavinnen
1976 - Die Marquise von Sade
1976 - Midnight Party
1976 - Mädchen im Nachtverkehr
1976 - Jack the Ripper
1976 - La noche de los asesinos
1977 - Frauen ohne Unschuld
1977 - Frauen für Zellenblock 9
1977 - Greta - Haus ohne Männer
1977 - Cartas de amor a una monja portuguesa
1977 - Das Frauenhaus
1977 - Mujeres en el campo de concentración del amor
1977 - Las diosas del porno
1978 - Elles font tout
1978 - Convoi de filles
1978 - Cocktail spécial
1979 - El sádico de Notre-Dame
1979 - Je brûle de partout
1979 - Justine
1979 - Ópalo de fuego: Mercaderes del sexo
1979 - Sinfonía erótica
1980 - Eugenie (Historia de una perversión)
1980 - El caníbal
1980 - Sexo caníbal
1981 - El sexo está loco
1981 - L'abîme des morts vivants
1981 - Colegialas violadas
1981 - Sadomania - Hölle der Lust
1981 - Las chicas de Copacabana
1981 - Aberraciones sexuales de una mujer casada
1981 - La isla de las vírgenes
1981 - Orgía de ninfómanas (Linda)
1981 - La chica de las bragas transparentes
1982 - El hundimiento de la casa Usher
1982 - Las orgías inconfesables de Emmanuelle
1982 - Revenge in the House of Usher
1982 - Los blues de la calle Pop (Aventuras de Felipe Malboro, volumen 8)
1982 - Gemidos de placer
1983 - Voces de muerte
1983 - En busca del dragón perdido
1983 - El hotel de los ligues
1983 - La tumba de los muertos vivientes
1983 - Botas negras, látigo de cuero
1983 - La noche de los sexos abiertos
1983 - El tesoro de la diosa blanca
1983 - Macumba sexual
1983 - La casa de las mujeres perdidas
1983 - Sangre en mis zapatos
1983 - Lilian, la virgen pervertida
1984 - El asesino llevaba medias negras
1984 - Camino solitario
1984 - Una rajita para dos
1984 - Historia sexual de O
1984 - Mil sexos tiene la noche
1984 - Bahía Blanca
1984 - ¿Cuánto cobra un espía?
1984 - El siniestro doctor Orloff
1984 - Lilian (La virgen pervertida)
1985 - Viaje a Bangkok, ataúd incluido
1985 - Una de chinos
1985 - La sombra del judoka contra el doctor Wong
1985 - El hombre que mató a Mengele
1985 - La esclava blanca
1985 - Bangkok, cita con la muerte
1985 - Juego sucio en Casablanca
1985: La mansión de los muertos vivientes 15
1985 - El chupete de Lulú
1986 - Las últimas de Filipinas
1986 - Las tribulaciones de un Buda bizco
1986 - Sida, la peste del siglo XX
1986 - La chica de los labios rojos
1986 - Bragueta historia
1986 - Orgasmo perverso (Furia en el trópico)
1986 - El ojete de Lulú
1986 - El mirón y la exhibicionista
1986 - Sola ante el terror
1987 - Esclavas del crimen
1987 - El lago de las vírgenes
1987 - Las chicas del tanga
1987 - Falo Crest
1987 - Phollastia
1988 - Los depredadores de la noche (Faceless)
1988 - Dark Mission (Operación Cocaína)
1989 - La bahía esmeralda
1989 - Una canción por Berlín
1991 - À la poursuite de Barbara
1992 - El abuelo, la condesa y Escarlata la traviesa
1992 - Ciudad baja (Downtown Heat)
1996 - Killer Barbys
1997 - Carne fresca (Tender Flesh)
1998 - Mari Cookie y la tarántula asesina
1998 - Lust for Frankenstein
1998 - Vampire Blues
1999 - Dr. Wong’s Virtual Hell
1999 - Vampire Blues
1999 - Broken Dolls
1999 - Red Silk
2000 - Helter Skelter
2000 - Objetivo a ciegas
2001 - Vampire Junction
2002 - Incubus
2003 - Killer Barbys contra Drácula
2005 - Flores de la pasión
2005 - Flores de perversión
2005 - Snakewoman
2008 - La cripta de las mujeres malditas
2010 - Paula-Paula; una experiencia audiovisual
2012 - La cripta de las condenadas
2012 - La critpa de las condenadas II
2012 - Al Pereira vs. the Aligator Women
Videoclips[editar]
2000 - Los Planetas: "Himno Generacional #83". Disponible en el VHS Los Planetas. Videografía (viacarla.com, 2000), como contenido extraordinario en el dvd Encuentro con entidades (RCA, BMG Ariola 2002) y en el dvd Principios básicos de Astronomía (Octubre, Sony BMG 2009).
2003 - Hablando en Plata: Reyes del Horrorcore.
29 de febrero de 1992

Documentales sobre Jesús Franco[editar]
Mesa, Kike: Jesús Franco, manera de vivir, largometraje producido por Andale Films, estrenado en el festival internacional de cine de Sitges.
García Sánchez, José Luis: The Life and Times of Jess Franco (2006).
Fiol, Naxo: A ritmo de Jess (2013).

Ha recibido 17 puntos

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FLORIÁN REY

65. FLORIÁN REY

Biografía[editar] Comienza estudios de Derecho en 1909, que abandona pronto. Al año siguiente trabaja en la redacción del diario zaragozano La Crónica de Aragón y viaje a Madrid, ingresando redactor en la Revista Financiera. Tras cumplir el servicio militar, regresa a Zaragoza en 1918 y empieza... Ver mas
Biografía[editar]
Comienza estudios de Derecho en 1909, que abandona pronto. Al año siguiente trabaja en la redacción del diario zaragozano La Crónica de Aragón y viaje a Madrid, ingresando redactor en la Revista Financiera. Tras cumplir el servicio militar, regresa a Zaragoza en 1918 y empieza a trabajar en el Diario de Avisos, al tiempo que enviaba crónicas al diario madrileño La Correspondencia de España, donde comienza a utilizar el seudónimo de «Florián Rey».

En 1920 trabaja como actor en su primera película, La inaccesible, (José Buchs, 1920). Y al año siguiente es contratado por Gregorio Martínez Sierra para el elenco del Teatro Eslava. Poco después pasa a la compañía del Teatro de la Princesa. En 1923 actúa en la película Maruxa, obteniendo un importante éxito que consolida su profesión como actor (actúa en La casa de la Troya, 1924, de Alejandro Pérez Lugín y Manuel Noriega) y comienza a dirigir en 1924, adaptando para el cine la zarzuela La revoltosa, que consigue un gran éxito popular.

En 1927 descubre para el cine a su nuevo iluminador, José María Beltrán, y a la actriz Imperio Argentina, que protagoniza, bajo su dirección, La Hermana San Sulpicio (1927), que ambos repetirían, en el cine sonoro, en 1934. En 1929 dirige la que está considerada la obra maestra del cine español de este periodo, La aldea maldita. Al coincidir con la llegada del sonoro, en Francia se le dio sonido y se rodaron de nuevo algunas escenas habladas, aunque esta versión ha desaparecido. La versión existente es la muda con acompañamiento al piano de Javier Pérez Azpeitia. La historia puede dividirse en dos tiempos: en el primero, se nos presenta una aldea castellana castigada por las malas cosechas continuadas constituyendo un fresco sobre la España rural y real miserable; el segundo es un drama familiar, próximo quizás a lo calderoniano, con honor y amor contrapuestos.

Tras esta cinta, la producción española debe adaptarse al cine sonoro, y en este periodo Florián Rey marcha a familiarizarse con este sistema, al ser contratado como director de doblajes en español a Les Studios Paramount de Joinville-le-Pont.

En 1933, regresa a España. Su primer film plenamente sonoro es Sierra de Ronda, historia sobre bandoleros andaluces cargada de dramatismo. En esta etapa de la Segunda República, Florián Rey madura la idea de crear un cine nacional comercial, basado en temas y formas populares. Con estos presupuestos realizó su trilogía de La hermana San Sulpicio (1934), Nobleza baturra (1935) y Morena Clara (1936), protagonizadas por Imperio Argentina, que exploraban la lucha de la mujer en un mundo tradicional basado en la religión y la vida rural, actitud ante la mujer muy acorde con los avances del periodo republicano. La visión conciliadora entre las diferentes españas que convivían en estos agitados tiempos de este cine de Florián Rey, suponía un granito de arena en la forja de una sociedad moderna para España, aunque, desgraciadamente, la historia desmentiría este propósito con el advenimiento de la Guerra Civil Española.

El éxito de este cine en los años 30, que pudo competir con el llegado de Hollywood, basándose en temas populares, la destreza técnica y el gracejo de Imperio Argentina solo ha podido ser conseguido en menor medida en nuestros días por Pedro Almodóvar, como señala Agustín Sánchez Vidal. El director inaugura un periodo dorado con un cine de raíces costumbristas, apoyado en el folclore y los mitos populares, en números musicales arraigados en nuestra tradición y en una narrativa fílmica eficaz e inteligente.

En 1935 se afilió junto a Imperio Argentina a Falange Española. 2

La Guerra Civil truncó este fulgurante ascenso. Florián, de ideología conservadora, aunque no franquista, e Imperio Argentina, ya casados, se trasladaron a Berlín, donde fueron acogidos por el propio Adolf Hitler. Realizaron en Alemania dos películas, Carmen la de Triana (1938), revisión del mito de Carmen, y La canción de Aixa (1938), inicio del final de la relación entre Florián e Imperio.

Vuelto a España tras la guerra, rodó La Dolores (1940), protagonizada por Concha Piquer. Un intento de restaurar aquel cine costumbrista y popular en la España franquista. Brindis a Manolete (1948) y Cuentos de La Alhambra (1950), inspirada en los cuentos de Washington Irving, fueron sus últimas obras valiosas.

No se adaptó al cine del franquismo y se retiró en 1957 porque, como dice Agustín Sánchez Vidal, “no puede resignarse a la clase de infracine que le obligan a hacer”. De ahí pareció derivarse una tímida actitud rebelde ante el régimen de Francisco Franco. Muere muy olvidado en 1962.

Filmografía como director[editar]
1924

La revoltosa
1925

La chavala (también actor)
Los chicos de la escuela
Lazarillo de Tormes
Gigantes y cabezudos
1926

El pilluelo de Madrid
El cura de aldea
1927

Águilas de acero o los misterios de Tánger
La Hermana San Sulpicio (con Imperio Argentina)
1928

Agustina de Aragón
Los claveles de la Virgen
1929

Fútbol, amor y toros
1930

La aldea maldita
1934

La Hermana San Sulpicio
1935

Nobleza baturra
1936

Morena Clara
1938

Carmen la de Triana
1939

La canción de Aixa
1940

La Dolores
1941

Polizón a bordo
1942

La aldea maldita
1943

Orosia
Ídolos
1945

La luna vale un millón
1946

Audiencia pública
1947

La nao Capitana
1948

Brindis a Manolete
1950

Cuentos de la Alhambra
1954

La danza de los deseos
La moza del cántaro
1955

Cruz de mayo
1956

Polvorilla

Ha recibido 17 puntos

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ANTONIO HERNÁNDEZ

66. ANTONIO HERNÁNDEZ

Antonio Hernández Núnez (n. Peñaranda de Bracamonte, Salamanca; 1953) (60 años) es un actor, director de cine y guionista español. Biografía[editar] Nació en Peñaranda de Bracamonte (Salamanca) en 1953. Estudió en la Universidad Complutense de Madrid la carrera de Ciencias de la Imagen... Ver mas
Antonio Hernández Núnez (n. Peñaranda de Bracamonte, Salamanca; 1953) (60 años) es un actor, director de cine y guionista español.

Biografía[editar]
Nació en Peñaranda de Bracamonte (Salamanca) en 1953. Estudió en la Universidad Complutense de Madrid la carrera de Ciencias de la Imagen.

Se dio a conocer con la película F.E.N. (1979), ya que la protagonizaban actores de la talla de Héctor Alterio y José Luis López Vázquez.

Creó la productora Zeppelín Televisión (1994 - 1999). En la actualidad trabaja en Zebra Producciones.

En 2006 dirige Los Borgia inspirado en la familia valenciana que accedió al Vaticano.

Filmografía[editar]
El Capitán Trueno y el Santo Grial (2011)
El menor de los males (2007)
Cervantes (2006)
Los Borgia (2006) (DGA)
Oculto (2005) (DG)
En la ciudad sin límites. (2001) (DGA)
El gran marciano. (2000) (DG)
Lisboa. (1999) (DG)
La madre, de Miguel Bardem (1995) (A)
Cómo levantar mil kilos. (1991) (DG)
El tucán y la furia roja. (1982) (DG)
Woody y yo (1981) (A)
F.E.N. (1979) (DG)
El arca de Noé. (D)
Gustavo y la modelo. (D)
Soldado. (1975) (A)
A ver, señor, tome asiento por favor, de León Klimovsky (1960) (A)
Perspectiva de verano según la connotación pertinente, de Pedro Lazaga (1959) (A)
También hay cielo sobre el mar, de José María Zabalza (A)(1958)
El Candelabro, de Javier González Álvarez (1956) (A)
(D) - Director; (G) - Guionista; (A) - Actor

Premios[editar]
Goya al Mejor guion original por En la ciudad sin límites en la 17ª edición junto con Enrique Brasó.

Ha recibido 16 puntos

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VENTURA PONS

67. VENTURA PONS

Trayectoria artística[editar] Antes de dedicarse al cine se dedicó durante una década a la dirección teatral, en la que dirigió una veintena de espectáculos, rodó su primera película en 1977, "Ocaña, retrat intermitent" (Ocaña, retrato intermitente), por la que fue seleccionado oficialmente por... Ver mas
Trayectoria artística[editar]
Antes de dedicarse al cine se dedicó durante una década a la dirección teatral, en la que dirigió una veintena de espectáculos, rodó su primera película en 1977, "Ocaña, retrat intermitent" (Ocaña, retrato intermitente), por la que fue seleccionado oficialmente por el Festival de Cannes de 1978.

Pese a que acostumbra a rodar sus películas en catalán, casi siempre las traduce al castellano para que se distribuya en toda España. También han sido estrenadas en numerosos países. Su obra se programa en los mejores Festivales Internacionales, destacando la Berlinale, donde ha conseguido su presencia durante cinco años consecutivos.

Ha sido vicepresidente de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de España y actualmente es consejero de la SGAE y patrono de la Fundación Autor. Es propietario de la compañía cinematográfica "Els Films de la Rambla, S.A." fundada en 1985, que ha producido 16 de sus 18 largometrajes.

Filmografía[editar]
2011 Año de Gracia, Director
2010 Mil cretinos, Director
2009 A la deriva, Director
2008 Forasteros, Director
2007 La vida abismal, Director
2007 Barcelona (un mapa), Director
2006 La vida abismal, Director y guionista
2005 Animales heridos, Director y guionista
2004 Amor idiota, Director y guionista
2002 El gran Gato, Director y guionista
2001 Manjar de amor, Director
2000 Anita no pierde el tren , Director y guionista
2000 Morir (o no), Director y guionista
1998 Amic/Amat, Director
1997 Caricias, Director
1996 Actrices, Director
1994 El porqué de las cosas, Director
1993 Rosita, please!, Director
1992 Aquesta nit o mai, Director
1990 Que t´hi jugues Mari Pili?, Director
1989 Puta misèria, Director
1986 La rossa del bar, Director, productor y coguionista
1980 El vicari d´Olot, Director
1978 Ocaña, un retrato intermitente, Director
Premios[editar]
Premio Nacional de Cine de Cataluña
Premio Ondas
Premio Ciudad de Huesca
Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.

Ha recibido 16 puntos

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BENITO PEROJO

68. BENITO PEROJO

Biografía[editar] De familia acaudalada, era hijo de un periodista y político de origen cubano. Se licenció en Londres en ingeniería eléctrica, con lo que accedió a las nuevas tecnologías que con posterioridad aplicó a su cine. Se le considera habitualmente uno de los padres del cine español... Ver mas
Biografía[editar]
De familia acaudalada, era hijo de un periodista y político de origen cubano. Se licenció en Londres en ingeniería eléctrica, con lo que accedió a las nuevas tecnologías que con posterioridad aplicó a su cine. Se le considera habitualmente uno de los padres del cine español, cuyos comienzos marcó con algunas características esenciales (gusto por las adaptaciones literarias y uso frecuente de temas relacionados con el folclore patrio). Intervino en todas las ramas de la cinematografía y fue incluso actor. Sus primeros trabajos datan del principio de la década de los diez, para la Sociedad Productora Patria Film: en 1913 realizó Cómo se hace un periódico y en 1915 intenta explotar el filón cómico de Charlot, personaje creado por el genial Charles Chaplin, imitándole como Peladilla, personaje cómico que le otorgó gran fama y con el cual interpretó y dirigió varios cortometrajes ese año. Después estuvo en Francia hasta que volvió en 1923.

Su flamenquismo folclórico, que le granjeó el aprecio de las masas, disgustó sin embargo a Luis Buñuel y a otros intelectuales de la Generación del 27; éste tuvo al "Perojismo" como uno de los males endémicos del cine español. Ajeno a todo siguió cultivando Perojo su versión del musical patrio, identificado no se sabe por qué con el andalucismo. Fueron sus grandes éxitos Malvaloca (1927), adaptación de un drama rural de los hermanos Serafín y Joaquín Álvarez Quintero; El negro que tenía el alma blanca (1934), adaptación de la celebérrima novela de otro español de origen cubano, Alberto Insúa; La verbena de la paloma (1935), versión de la famosa zarzuela inspirada en la verbena de la Paloma; y Goyescas (1942), junto a la actriz y cantante Imperio Argentina que se afianzó como la diva en esa etapa del cine español y con quien trabajó también en Argentina con los títulos La maja de los cantares (1946) y Lo que fue de la Dolores (1947). Esta última realización fue seleccionada para participar en el Festival de Cannes, en 1947.

Tras su regreso a España en 1948 Perojo fundó una productora, labor que eclipsó por completo su faceta como director, que decidió relegar al olvido hasta su muerte, acaecida en Madrid en 1974.

Perojo dirigió numerosas adaptaciones fílmicas de clásicos y éxitos literarios de su época: Mariquilla Terremoto (1938), El Barbero de Sevilla (1938), sobre la obra homónima de Beaumarchais (1773/1775) transformada en ópera por Gioacchino Rossini; Nuestra Natacha (1936), sobre el drama de Alejandro Casona; El Negro que tenía el alma blanca (dos veces, 1927 y 1934), sobre la famosísima novela de Alberto Insúa; Marianela (1940), sobre la novela de Benito Pérez Galdós; Niebla (1932), sobre la novela de Unamuno; Es mi hombre (1934), sobre la tragedia grotesca antimachista de Carlos Arniches; El Hombre que se reía del amor (1932), también sobre una novela de Insúa; Mamá (1931), sobre la comedia de Gregorio Martínez Sierra; Malvaloca (1926), sobre el drama rural de los Quintero; Boy (1926), sobre la obra de Luis Coloma; Donde las dan las toman (1916); La Verbena de la Paloma (1934), sobre la celebérrima zarzuela, o La Casta Susana (1945), por ejemplo.

Cortos como director y actor cómico "Peladilla"[editar]
Garrotazo y tentetieso (1915).
Peladilla, cochero de punto (1915).
Donde las dan las toman (1915).
Clarita y Peladilla en el football (1915).
Clarita y Peladilla van a los toros (1915).
Filmografía como director[editar]
(1926) El negro que tenía el alma blanca.
(1928) La condesa María.
(1928) Corazones sin rumbo.
(1929) La bodega.
(1932) Es mi hombre (nueva versión sonora con el actor Valeriano Leon)
(1933) Crisis mundial
(1933) Se ha fugado un preso
(1933) Susana tiene un secreto
(1934) El negro que tenía el alma blanca (nueva versión musical)
(1935) La verbena de la Paloma.
(1935) Rumbo al Cairo
(1936) Nuestra Natacha
(1938) El barbero de Sevilla.
(1938) Mariquilla Terremoto.
(1938) Suspiros de España.
(1940) La última falla.
(1941) Héroe a la fuerza.
(1942) Goyescas.
(1943) Stella
(1944) La casta Susana
(1944) Siete mujeres
(1945) Chiruca
(1945) Villa Rica del Espíritu Santo
(1946) La maja de los cantares
(1947) La copla de la Dolores
(1948) ¡Olé Torero!
(1948) La hostería del caballito blanco
(1948) La novia de la Marina
Filmografía como productor[editar]
(1953) Aventuras del barbero de Sevilla. De Ladislao Vajda.
(1954) Novio a la vista. De Luis García Berlanga.
(1954) Morena Clara. De Luis Lucia.
(1956) El amor de don Juan. De John Berry.
(1956) Gli amanti del deserto. De Goffredo Alessandrini.
(1956) La chica del barrio. De Ricardo Núñez.
(1957) Susana y yo. De Enrique Cahen Salaberry.
(1957) Maravilla. De Javier Setó.
(1958) Pan, amor y... Andalucía. De Javier Setó.
(1960) Un rayo de luz. De Luis Lucia.
(1961) Ha llegado un ángel. De Luis Lucia.
(1963) El turista o Millonario por un día. De Enrique Cahen Salaberry.
(1963) La verbena de la Paloma. De José Luis Sáenz de Heredia.
(1965) La pérgola de las flores. De Román Viñoly Barreto
(1966) Un novio para dos hermanas. De Luis César Amadori.
(1966) Dos pistolas gemelas. De Rafael Romero Marchent.
(1966) Las locas del conventillo. De Fernando Ayala.
(1967) Grandes amigos. De Luis Lucia.
(1970) El mesón del gitano. De Antonio Román.
(1971) La orilla. De Luis Lucia.
Filmografía como guionista[editar]
(1929) La bodega. De Benito Perojo.
(1934) La verbena de la Paloma. De Benito Perojo.
(1938) Suspiros de España. De Benito Perojo.
(1941) Héroe a la fuerza. De Benito Perojo.
(1942) Goyescas. De Benito Perojo.
(1970) El mesón del gitano. De Antonio Román.
Distinciones honoríficas[editar]
Order of Civil Merit (Spain) GC.svg Caballero Gran Cruz de la Orden del Mérito Civil (18/07/1966).2

Ha recibido 16 puntos

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JAUME BALAGUERÓ

69. JAUME BALAGUERÓ

Jaume Balagueró i Bernat (Lérida, 3 de noviembre de 1968) es un director de cine español. Biografía[editar] Nació el 3 de noviembre de 1968 en Lérida, Cataluña (España). Especializado en el género de terror, más concretamente en la vertiente del terror psicológico. Se graduó en Ciencias de... Ver mas
Jaume Balagueró i Bernat (Lérida, 3 de noviembre de 1968) es un director de cine español.

Biografía[editar]
Nació el 3 de noviembre de 1968 en Lérida, Cataluña (España). Especializado en el género de terror, más concretamente en la vertiente del terror psicológico. Se graduó en Ciencias de la Comunicación y estudió cine en el Centre d'estudis cinematogràfics de catalunya (CECC). Ejerció como periodista y presentador radiofónico (La espuma de los días, en Radio Hospitalet) antes de abordar su primer trabajo en cine, el cortometraje Alicia, con el que triunfaría en el Festival de Sitges. En su segundo cortometraje consolidaría un estilo que perduraría en sus siguientes obras, y que atraería el interés de los productores.

En 1999 dirigió su primer largometraje, Los sin nombre, una adaptación de la novela homónima de Ramsey Campbell, con la que ganó el Meliès de Oro a la mejor película fantástica europea de ese año, suponiendo su despegue a nivel internacional.

En 2002 dirigió junto a Paco Plaza OT: la película, un documental sobre el programa televisivo que tantas pasiones despertó ese año, donde se hacía un seguimiento de las peripecias del grupo de cantantes.

Sus dos siguientes largometrajes, para los que ha podido contar con mayores presupuestos y la intervención de prestigiosos actores de Europa y de los Estados Unidos, apuntalan una obra aclamada en todo el mundo por los aficionados al género, coherente y muy personal, ya no por la revisitación de temas recurrentes que ha conseguido hacer suyos, sino por el uso de ciertos recursos expresivos (las máscaras antigás, los transistores de radio antiguos, los viejos retratos familiares, y el famoso «el efecto Balagueró», una suerte de efecto estroboscópico utilizado en momentos «siniestros» con los que logra recrear una atmósfera verdaderamente desasosegante sin recurrir necesariamente a truculencias demasiado explícitas.

Miembro del jurado del primer concurso de cortometrajes por móvil celebrado en San Felíu de Guixols en 2007.

Filmografía[editar]
Año Película
2014 [REC] 4 Apocalipsis
2013 Mientras duermes 2
2010 Mientras duermes
2010 Miedo
2009 [REC] 2
2007 [REC]
2006 Para entrar a vivir
2005 Frágiles
2002 Darkness
2002 OT - La película
1999 Los sin nombre
1995 Días sin luz
1994 Alícia

Ha recibido 15 puntos

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JOSEP JOAN BIGAS LUNA

70. JOSEP JOAN BIGAS LUNA

Datos biográficos[editar] Proveniente del interiorismo y del diseño industrial. Premio Delta de Oro ADI/FAD 1970. Se introdujo en el mundo del cine a mediados de los años 70, rodando en pequeños formatos. En 1976 rodó su primer largometraje, Tatuaje, pero será en 1978 cuando adquiera notoriedad... Ver mas
Datos biográficos[editar]
Proveniente del interiorismo y del diseño industrial. Premio Delta de Oro ADI/FAD 1970. Se introdujo en el mundo del cine a mediados de los años 70, rodando en pequeños formatos. En 1976 rodó su primer largometraje, Tatuaje, pero será en 1978 cuando adquiera notoriedad con Bilbao, que sería seleccionada para el Festival de Cannes.

Ha rodado tanto en catalán como en castellano e incluso en inglés en el caso de la película Angustia (1987), siempre con un sello personal cargado de altas cotas de erotismo en todas sus películas, muchas veces relacionado con la comida, hacia la cual, según confesó, sentía una gran pasión.

Fue el descubridor de grandes estrellas como Ariadna Gil, Javier Bardem, Penélope Cruz, Verónica Echegui o Jordi Mollà. En varias de sus películas contó con famosos actores extranjeros: Dennis Hopper, Stefania Sandrelli, Valeria Marini, Anita Ekberg, Francesca Neri, Olivier Martinez, Peter Coyote, Zelda Rubinstein, Maria de Medeiros, Benicio del Toro, Stefano Dionisi...

Dirigió el espectáculo del cabaret El Plata en Zaragoza.

Falleció de cáncer (leucemia) el 5 de abril de 2013 en su domicilio en Can Virgili de La Riera de Gaià en la provincia de Tarragona.2

Deja en preparación la película Segundo origen, basada en la novela Mecanoscrito del segundo origen del escritor Manuel de Pedrolo. El productor de esta película es Carles Porta, que ha indicado en una entrevista en la radio catalana La Xarxa su intención de rodarla póstumamente.3

Filmografía[editar]
Tatuaje (1976), director
Historias impúdicas (1977), director
Bilbao (1978), director
Caniche (1979), director
Renacer (1981), director
Lola (1986), director
Angustia (1987), guionista y director
Las edades de Lulú (1990), guionista y director
Jamón, jamón (1992), guionista y director
Huevos de oro (1993), director
La teta y la luna (1994), director
Lumière y compañía (1995), director de uno de los cortos
Bámbola (1996), director
La camarera del Titanic (1997), guionista y director
Volavérunt (1999), director
Son de mar (2001), director
Collar de moscas (2002), director (cortometraje)
Yo soy la Juani (2006), director
Con el corazón (2007), director (cortometraje)
Di Di Hollywood (2010), director
Premios[editar]
Festival de Venecia[editar]
León de Plata a la mejor dirección por Jamón, jamón (1992)
Premio al mejor guion por La teta y la luna (1994)
Otros premios[editar]
Premio Nacional de Cine de Cataluña (1998)
Premio Castillete de Oro del Festival del Cante de las Minas de La Unión (2012).

Ha recibido 15 puntos

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IÑAKI MERCERO

71. IÑAKI MERCERO

Ignacio Mercero Santos, conocido como Iñaki Mercero, (18 de febrero de 1967)1 es un director y productor de series de televisión español. Es hijo del cineasta Antonio Mercero y hermano del guionista de televisión Antonio Santos Mercero. Comenzó su carrera como ayudante de dirección... Ver mas
Ignacio Mercero Santos, conocido como Iñaki Mercero, (18 de febrero de 1967)1 es un director y productor de series de televisión español. Es hijo del cineasta Antonio Mercero y hermano del guionista de televisión Antonio Santos Mercero. Comenzó su carrera como ayudante de dirección cinematográfico pero su carrera se fue centrando progresivamente en el género televisivo.
Filmografía2 [editar]
Como director de series de televisión[editar]
El Príncipe (2014; 4 episodios).
El tiempo entre costuras (2013; 6 episodios): Serie basada en el libro homónimo de la autora María Dueñas.
Gran Reserva. El origen (2013; 6 episodios).
Familia (2013; 2 episodios).
Los protegidos (2010-11; 4 episodios).
La chica de ayer (2009; 2 episodios).
Física o química (2008; 3 episodios).
Génesis, en la mente del asesino (2006-07; 8 episodios).
El comisario (2001-06; 24 episodios).
Motivos personales (2005; 5 episodios).
Lobos (2005; 2 episodios).
Los 80 (2004; 2 episodios).
Hospital Central (2001-02; 3 episodios).
Abogados (2001; 1 episodio).
Mediterráneo (1999-2000; 6 episodios).
El súper (1998; 3 episodios).
Fernández y familia (1998).
La vida en el aire (1998; 13 episodios).3
Como ayudante de dirección cinematográfico[editar]
Pon un hombre en tu vida (1996)
Tránsito (cortometraje) (1996)
Cautivos de la sombra (1994)
Sevilla Connection (1992)
Ni se te ocurra... (1991)
Espérame en el cielo (1988)
La guerra de los locos (1987)
Asignatura aprobada (1987)
Como ayudante de dirección de series de televisión[editar]
Por fin solos (2 episodios; 1995)
El destino en sus manos (1995)
¡Ay, Señor, Señor! (13 episodios; 1994)
Vecinos (1994)
Réquiem por Granada (1991)
Brigada central (1989)
Historias del otro lado (1988)
Como productor ejecutivo de series de televisión[editar]
Los protegidos (2010-11; 27 episodios)
La chica de ayer (2009; 8 episodios)
Física o química (2008; 12 episodios). Preparó el proyecto inicial de la serie, cuyo título iba a ser "Empezar de cero",4 y produjo los doce primeros capítulos.
Otros trabajos[editar]
Como realizador: Farmacia de guardia (serie de televisión) (21 episodios; 1991-92)
Como guionista: La vida en el aire (serie de TV) (13 episodios; 1998)

Ha recibido 15 puntos

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GERARDO VERA

72. GERARDO VERA

Gerardo Vera Perales (Miraflores de la Sierra, Comunidad de Madrid, 10 de marzo de 1947)1 es un escenógrafo, figurinista, actor y director de cine y de teatro español. Licenciado en Filología Inglesa y Literatura por la Universidad Complutense de Madrid, y en Teatro por la Universidad de... Ver mas
Gerardo Vera Perales (Miraflores de la Sierra, Comunidad de Madrid, 10 de marzo de 1947)1 es un escenógrafo, figurinista, actor y director de cine y de teatro español.

Licenciado en Filología Inglesa y Literatura por la Universidad Complutense de Madrid, y en Teatro por la Universidad de Exeter, se inició como actor en Tábano.2 Fue director del Centro Dramático Nacional entre 2004 y 2011.

En el cine ha sido director de:

La otra historia de Rosendo Juárez (1990).
Una mujer bajo la lluvia (1992)
La Celestina (1996)
Segunda piel (2000).
Deseo (2003).
Su montaje de la obra de teatro Divinas palabras, producido por el Centro Dramático Nacional en 2006, inauguró el teatro Valle-Inclán de Madrid. Este espectáculo participó en 2007 en el Festival del Lincoln Center de Nueva York, siendo la primera vez que se representaba en el mismo una obra elaborada en España y en español.3

Tras su paso por el Centro Dramático Nacional se dedica enteramente al teatro, y ha dirigido espectáculos para varios teatros madrileños como Maribel y la extraña familia, de Miguel Mihura, en el Infanta Isabel, El crédito, de Francesc Galcerán, en el teatro Maravillas y el Cojo de Inishmaan, de Martin McDonagh, en el teatro Español.4

Entre sus premios se encuentran el de Premio Goya al mejor diseño de vestuario por El amor brujo en 1986 y el Premio Goya a la mejor dirección artística por La niña de tus ojos. En 1988 fue galardonado con el Premio Nacional de Teatro.

Ha recibido 15 puntos

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ENRIQUE URBIZU

73. ENRIQUE URBIZU

Enrique Urbizu Jáuregui (Bilbao, España, 1962) es un guionista y director de cine español. Actualmente también es profesor en el departamento de Periodismo y Comunicación Audiovisual de la Universidad Carlos III de Madrid. Es licenciado en Ciencias de la Información (rama de Publicidad) por... Ver mas
Enrique Urbizu Jáuregui (Bilbao, España, 1962) es un guionista y director de cine español. Actualmente también es profesor en el departamento de Periodismo y Comunicación Audiovisual de la Universidad Carlos III de Madrid.

Es licenciado en Ciencias de la Información (rama de Publicidad) por la Universidad del País Vasco. Tras varios cortos dirige en 1987 su primer largometraje, Tu novia está loca, comedia de enredo que contó con una pareja de actores ya conocidos: Antonio Resines y María Barranco. En 1991 dirigió Todo por la pasta, una especie de road movie.

Urbizu se traslada a Madrid, donde dirige dos comedias de encargo para el productor Andrés Vicente Gómez, en 1994 Cómo ser infeliz y disfrutarlo y en 1995 Cuernos de mujer. Ambas películas estaban basadas en unos libros de la periodista Carmen Rico-Godoy. Paralelamente adapta un relato de Arturo Pérez-Reverte, Cachito, lo que le dará pie para trabajar también en el guion de la adaptación cinematográfica de otra novela de Pérez-Reverte, El club Dumas, que, con el título de La novena puerta, será dirigida por Roman Polanski en 1999.

En 2002 dirige La caja 507, un thriller que consigue dos Premios Goya y otros premios en diversos festivales. El año siguiente dirige La vida mancha.

El 17 de diciembre de 2006 se convirtió en vicepresidente primero de la Academia de Cine, al resultar ganadora la candidatura encabezada por Ángeles González-Sinde.

En febrero de 2012 ganó el Goya 2011 al mejor guión, mejor director y mejor película por No habrá paz para los malvados.1
Filmografía como director[editar]
1988: Tu novia está loca
1991: Todo por la pasta
1994: Cómo ser infeliz y disfrutarlo
1995: Cachito
1995: Cuernos de mujer
2002: La caja 507
2003: La vida mancha
2006: Adivina quién soy (TV)
2011: No habrá paz para los malvados
2015: Silver or Lead
Filmografía como guionista[editar]
1996: Cachito
1999: La novena puerta
2002: La caja 507
2006: Películas para no dormir: Adivina quién soy (TV)
2009: Castillos de cartón
2011: No habrá paz para los malvados

Ha recibido 15 puntos

Vótalo:

GONZALO SUÁREZ

74. GONZALO SUÁREZ

Biografía[editar] Gonzalo Suárez nace en Oviedo (1934) durante la revolución minera. En el año 1936 la guerra civil le sorprende en Madrid, donde su padre, Gonzalo Suárez Gómez, catedrático de francés, había ido a presidir unos exámenes. Hasta los diez años no va al colegio. Es su padre quien... Ver mas
Biografía[editar]
Gonzalo Suárez nace en Oviedo (1934) durante la revolución minera. En el año 1936 la guerra civil le sorprende en Madrid, donde su padre, Gonzalo Suárez Gómez, catedrático de francés, había ido a presidir unos exámenes. Hasta los diez años no va al colegio. Es su padre quien se ocupa de su instrucción. En el 1951 inicia sus estudios de Filosofía y Letras en Madrid, escribe obras de teatro y protagoniza, entre otras, "El momento de tu vida" de Saroyan, "Medea" de Eurípides y "La tempestad" de Shakespeare. Influenciado por la vida y obra de los impresionistas se dedica con obsesivo entusiasmo a la pintura. Abandona los estudios y marcha a París donde realiza trabajos eventuales.

En el 1958, llega a Barcelona con su mujer, practica el periodismo con el seudónimo de Martin Girard.1 A pesar de su creciente éxito, deja el periodismo y publica sus primeros libros, que suponen una ruptura con el naturalismo en boga. Algunos de sus relatos son adaptados al cine y así en 1966 inicia su obra cinematográfica. A partir de ese momento, alternará ininterrumpidamente libros y películas.

Julio Cortázar[editar]
Julio Cortázar dijo de él: "Para alguien que aprecie los juegos sigilosos de una inteligencia irónica, y la marginalidad deliberada allí donde la gran mayoría trabaja a full time, la obra resbaladiza y casi inasible de Suárez dibuja en el panorama español contemporáneo algo análogo a lo que pudo dibujar en Francia la obra de Boris Vian. Cuando se los espera en una pantalla de cine o en un escenario, desaparecen bruscamente para mostrarse detrás de las tapas de un libro o de un solo de trompeta; quienes les habían dado cita en una mesa redonda, comprobarán consternados el hueco de su ausencia a la misma hora en que una ama de casa estupefacta descubrirá que un huésped de amable sonrisa ocupa una silla a la que nadie lo había invitado. De alguna manera cuyo secreto sólo él conoce, Gonzalo Suárez transita desde hace años por los registros más variados de la vida intelectual española, pero esa actitud tránsfuga y casi de fantasma inquieta e incluso enoja a los críticos amantes del orden, los géneros y las etiquetas.

"¿Escritor que hace cine, cineasta que regresa a la Literatura? De cuando en cuando hay mariposas que se niegan a dejarse clavar en el cartón de las bibliografías y los catálogos, de cuando en cuando, también, hay lectores o espectadores que siguen prefiriendo las mariposas vivas a las que duermen su triste sueño en las cajas de cristal".

Premios[editar]
Premio Nacional de Cinematografía (1991)
Medalla de Oro de Bellas Artes
Caballero de las Artes y las Letras (Francia)
Medalla de Plata del Principado de Asturias
Hijo Adoptivo de la Ciudad de Llanes
Prix de La Jeunesse (Gonzalo Suárez: Epílogo). Festival de Cannes, 1984.
Festival de Río de Janeiro. Premio Especial del Jurado. Epílogo, 1984
Director honorario de La Escuela de Cine de Ponferrada (Universidad de León).
Concha de Plata al mejor director en el Festival Internacional de cine de San Sebastián por Remando al viento, 1988.
Premio al Mejor Guion del Festival international de Paris du film fantastique et de science-fiction por Remando al viento (1987).
Premios Anuales de la Academia «Goya» por Remando al viento (1987).
Premio Luis Buñuel por La Regenta (1974).
Premio Nacional de Cinematografía Nacho Martínez (2003).
Premio Sant Jordi a la Mejor Película: El portero (2000)
Premio Terenci Moix (2012)
Fotogramas de Plata 2012.
Filmografía[editar]
Categoría principal: Películas dirigidas por Gonzalo Suárez
Películas dirigidas por Gonzalo Suárez:2

Año Película Principales actores
2007 Oviedo Express Barbara Goenaga, Carmelo Gómez, Najwa Nimri, Jorge Sanz, Maribel Verdú,
2005 El genio tranquilo Manuel Medina, Pepín el nuestru, Aitana Sánchez-Gijón, Ayanta Barilli
2000 El portero Maribel Verdú, Carmelo Gómez, Antonio Resines, Elvira Mínguez, Roberto Álvarez
1997 Tindaya - Chillida: un proceso de creación Eduardo Chillida,
1995 Mi nombre es sombra Francois-Eric Gendron, Amparo Larrañaga,
1994 El detective y la muerte María de Medeiros, Javier Bardem, Carmelo Gómez, Héctor Alterio, Charo López, Mapi Galán
1992 La reina anónima Carmen Maura, Marisa Paredes, Juanjo Puigcorbé
1991 Don Juan en los infiernos Fernando Guillén, Charo López, Héctor Alterio, Olegar Fedoro
1990 El lado oscuro Héctor Alterio, Hugo Gorban
1988 Remando al viento Virginia Mataix, José Luis Gómez, Hugh Grant, Valentine Pelka, Lizzy McInnerny, Elizabeth Hurley
1985 Los pazos de Ulloa. Serie de TV. Omero Antonutti, José Luis Gómez, Victoria Abril, Charo López
1984 Epílogo Francisco Rabal, José Sacristán, Charo López, Sonia Martínez, Chus Lampreave
1982 La mujer fría Episodio de "La mujer de tu vida" El Gran Wyoming, Ana Obregón,
1980 Una leyenda asturiana cortometraje Oscar Ladoire, Rogelio
1979 Cuentos para una escapada: episodio "Miniman y Superlobo" José Luis Borau, Chus Lampreave, Carmen Santonja
1977 Reina Zanahoria Fernando Fernán Gómez
1977 Parranda (film) José Sacristán, Antonio Ferrandis, Fernando Fernán Gómez, José Luis Gómez,
1976 Beatriz Jorge Rivero, José Sacristán, Carmen Sevilla
1974 La Regenta Emma Penella, Keith Baxter, Nigel Davenport, Adolfo Marsillach, Charo López, Agustín González
1973 La loba y la paloma Carmen Sevilla, Donald Pleasance, Michael Dunn, Muriel Català
1972 Al diablo con amor Ana Belén, Víctor Manuel, Luis Ciges
1971 Morbo (film) Ana Belén, Víctor Manuel, Michael J. Pollard, María Vico
1970 Aoom Lex Barker, Teresa Gimpera, Romy, Bill Dyckes
1969 El extraño caso del doctor Fausto Gonzalo Suárez, Alberto Puig Palau, Olga Vidal, Teresa Gimpera,
1969 Ditirambo (film) Gonzalo Suárez, Charo López, Lou Bennett, Ángel Carmona, Francesc Català Roca, Bill Dyckes
1967 Ditirambo vela por nosotros Gonzalo Suárez, Marianne Bennett, Bill Dyckes, Silvia Suárez
1966 El horrible ser nunca visto Francisco Balcells, Silvia Suárez
Teatro[editar]
Obras de teatro dirigidas por Gonzalo Suárez: Año 2000, adaptación y dirección.3

Libros[editar]
De cuerpo presente, 1ª edición: Luis de Caralt, Barcelona,1963.

Los once y uno, 1ª edición: Rondas, Barcelona, 1964.

Trece veces trece, 1ª edición: Ediciones Ferré, Barcelona, 1964.

El roedor de Fortimbrás, 1ª edición: Ediciones Ferré, Barcelona,1965.

Rocabruno bate a Ditirambo, 1ª edición: Ediciones Ferré, Barcelona, 1966.

La zancada del cangrejo, 1ª edición: Los Papeles de Son Armadans, Palma de Mallorca, 1969.

Operación Doble Dos, 1ª edición: Planeta, Barcelona,1974.

Gorila en Hollywood, 1ª edición: Planeta, Barcelona, 1980.

La reina roja, 1ª edición: Cátedra, Madrid, 1981.

El asesino triste, 1ª edición: Alfaguara, Madrid, 1994.

La literatura, 1ª edición: Alfaguara, Madrid, 1997.

Ciudadano Sade, 1ª edición: Areté, Madrid, 1999.

Yo, ellas y el otro, 1ª edición: Areté, Madrid, 2000.

El cine: de las cavernas a la pantalla. Universidad de León, León, 2001.

El hombre que soñaba demasiado, 1ª edición: Areté, Madrid, 2005.

La suela de mis zapatos, 1ª edición: Seix Barral, Barcelona, 2006.

Dos pasos en el tiempo. De Aoom a El Genio tranquilo. Asturias 1969-2006. Ocho y medio, Madrid, 2006.

El secreto del cristal. Aforismos y desafueros de Gonzalo Suárez., 1ª edición: Fernando Villaverde, Madrid, 2008.

Las fuentes del Nilo, 1ª edición: Alfaguara, Madrid, 2011.

El síndrome de Albatros, 1ª edición: Seix Barral, Barcelona, 2011.

Guiones[editar]
1965 Fata Morgana. Guion de Vicente Aranda y Gonzalo Suárez.

1975 Operación Doble Dos. Guion de Sam Peckinpah y Gonzalo Suárez, basado en la novela homónima de Gonzalo Suárez. Publicado en la revista Viridiana, núm. 12.

1980. La colmena. Finalmente dirigida por Mario Camus.

Traducciones[editar]
Los once y uno. Publicado en: eslovaco por Editions Sport.
Trece veces trece. Publicado en: eslovaco por Tatran y polaco por Iskry [2 cuentos].
El roedor de Fortimbras. Publicado en: polaco por Czytelnik.
Rocabruno bate a Ditirambo. Publicado en: polaco por Czytelnik.
Operación Doble Dos. Publicado en: francés por Gallimard.
Adaptaciones de la obra de Gonzalo Suárez[editar]
Teatro[editar]
2001 "Palabras en penumbra", adaptación teatral de textos de Gonzalo Suárez dirigida por Carles Alberola, Albena Teatre. Premio de las Artes Escénicas de la Generalitat Valenciana a la mejor dirección y premio de la crítica de Valencia a la mejor dirección escénica.4

Ópera[editar]
2004 "La noche y la palabra" con música de José Manuel López, libreto de Gonzalo Suárez e imágenes escénicas de José Manuel Broto. Estrenada en Madrid, 2004, Teatro de la Abadía. Se representó, también, en la Bienal de Venecia (2005).

En esta ópera, José Manuel López crea un fresco de gran potencia dramática a partir de textos preparados por el director cinematográfico y escritor asturiano Gonzalo Suárez, extraídos de los memoriales que recuerdan la tragedia del encuentro entre Moctezuma y Hernán Cortés y adaptados por el propio compositor y Andrés Lima, responsable, por su parte, de la dirección escénica. Además del tenso clima musical y teatral minuciosamente conseguidos, en esta ópera destacan las imágenes creadas por el pintor Broto, que sitúa en el centro de la escena una pantalla por la que sus estilizadas abstracciones cobran vida a través de un tratamiento informático que sugiere con rotundidad el laberinto mental de los personajes y el viaje a través de una jungla de colores y signos de sorprendente plasticidad. (Jorge Fernández Guerra, El País, 4-06-2005).

Ha recibido 15 puntos

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MIGUEL ALBALADEJO

75. MIGUEL ALBALADEJO

Luis Miguel Albaladejo (n. Pilar de la Horadada (Alicante); 20 de agosto de 1966), director y guionista de cine español. Estudió Ciencias de la Imagen en la Universidad Complutense de Madrid (1984-1990). Fue asistente de producción en films como El sueño del mono loco (Fernando Trueba, 1989... Ver mas
Luis Miguel Albaladejo (n. Pilar de la Horadada (Alicante); 20 de agosto de 1966), director y guionista de cine español. Estudió Ciencias de la Imagen en la Universidad Complutense de Madrid (1984-1990).

Fue asistente de producción en films como El sueño del mono loco (Fernando Trueba, 1989) y Las cartas de Alou (Montxo Armendáriz, 1990), y ayudante de dirección en Todos a la cárcel (Luis García Berlanga).

Su pasión por el cine le viene de su infancia y adolescencia, pues su familia tenía un cine y su hermano mayor era el programador. Esto hizo que Albaladejo ocupara su juventud viendo películas de Buñuel, Bertolucci, Kubrick, Pasolini, Woody Allen, Truffaut y Fassbinder, entre otros grandes nombres de los años 70.

Su apellido es con frecuencia mal escrito como "Albadalejo".

Filmografía[editar]
Sangre Ciega (1994): Cortometraje con Geli Albaladejo
La primera noche de mi vida (1998)
Manolito Gafotas (1999): basada en el personaje de Elvira Lindo
Ataque verbal (2000)
El cielo abierto (2001): ganadora del premio a la Mejor Película del V Festival Latino de Los Ángeles. Premio Goya al mejor actor secundario (Emilio Gutiérrez Caba)
Rencor (2002): ganadora del premio Goya a la mejor actriz revelación (Lolita Flores)
Cachorro (2004)
Volando voy (2006)
Nacidas para sufrir (2009)
Carmina (2012)
Vive cantando (2013-actualidad) Serie de TV

Ha recibido 14 puntos

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DANIEL CALPARSORO

76. DANIEL CALPARSORO

Biografía[editar] Nace el 1968 en Barcelona. Aunque a los pocos meses se trasladó su familia a San Sebastián. Compaginó sus estudios de cine con los de ciencias políticas en Madrid, su formación cinematográfica la realizó en Nueva York. Se dio a conocer en España como director con Salto al... Ver mas
Biografía[editar]
Nace el 1968 en Barcelona. Aunque a los pocos meses se trasladó su familia a San Sebastián. Compaginó sus estudios de cine con los de ciencias políticas en Madrid, su formación cinematográfica la realizó en Nueva York.

Se dio a conocer en España como director con Salto al vacío en 1995 protagonizada por su ex mujer Najwa Nimri, junto a la que rodaría 5 películas más.1 En la actualidad comparte su vida junto a la actriz Patricia Vico con la que tuvo un hijo, Hugo (2006).2 3

Filmografía[editar]
Año Película
2013 Combustión4
2013 Tormenta (miniserie)
2012 Invasor
2010 Inocentes (miniserie)
2009 La ira (miniserie)
2008 El castigo (miniserie)
2005 Ausentes
2002 Guerreros
1999 Asfalto
1997 A ciegas
1996 Pasajes
1995 Salto al vacío
Televisión[editar]
Tormenta (2013), miniserie de televisión, como guionista y director. Producida por New Atlantis. 5
El castigo (2008), miniserie de televisión, como guionista y director. Producida por New Atlantis.
La ira (2009), miniserie de televisión, como guionista y director. Producida por New Atlantis.
Inocentes (2010), miniserie de televisión, como guionista y director. Producida por New Atlantis.

Ha recibido 14 puntos

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MANUEL IBORRA

77. MANUEL IBORRA

Manuel Iborra Martínez, nacido en Alicante (España) en 1952, es un director de cine español. Estudió en la Universidad Complutense de Madrid, donde se licenció en Ciencias de la Información, por la rama de Imagen. Además de su principal faceta como director de cine y de series de televisión... Ver mas
Manuel Iborra Martínez, nacido en Alicante (España) en 1952, es un director de cine español. Estudió en la Universidad Complutense de Madrid, donde se licenció en Ciencias de la Información, por la rama de Imagen.

Además de su principal faceta como director de cine y de series de televisión, también ha trabajado como periodista y ha realizado spots publicitarios. En su juventud estudió en el TEI (Teatro Experimental Independiente).

Casado en 1981 con la actriz Verónica Forqué y tienen una hija en común.
Filmografía[editar]
Cortometrajes[editar]
El gran Freddy Ortigosa, 1976.
Pasiones monstruosas, 1978.
Largometrajes[editar]
Tres por cuatro, 1981.
Caín, 1986.
El baile del pato, 1988.
Orquesta Club Virginia, 1992.
El tiempo de la felicidad, 1997.
Pepe Guindo, 1999.
Clara y Elena, 2001.
La dama boba, 2006.
Televisión[editar]
La mujer de tu vida 2: La mujer vacía, 1992.
Pepa y Pepe, 1994.
La vida de Rita, 2003.

Ha recibido 14 puntos

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JUAN CARLOS FRESNADILLO

78. JUAN CARLOS FRESNADILLO

Juan Carlos Fresnadillo (Santa Cruz de Tenerife, 5 de diciembre de 1967), guionista y director de cine español. Entre sus principales obras destacan el cortometraje Esposados 1996, candidato al Oscar de Hollywood, e Intacto 2001, película con la que consigue el Premio Goya al mejor director... Ver mas
Juan Carlos Fresnadillo (Santa Cruz de Tenerife, 5 de diciembre de 1967), guionista y director de cine español.

Entre sus principales obras destacan el cortometraje Esposados 1996, candidato al Oscar de Hollywood, e Intacto 2001, película con la que consigue el Premio Goya al mejor director novel. En 2002 realiza, junto con Alejandro Jodorowsky el cortometraje Psicotaxi.
Biografía[editar]
En 1985, Fresnadillo se trasladó a Madrid desde su ciudad natal. Estudio Sociología en la Universidad Complutense. Comenzó los estudios de fotografía y cine en la Escuela TAI, y realizó sus primeros pinitos en los cortometrajes. En 1987, creó una productora para una serie de cortos y anuncios publicitarios.

En 1990, colaboró con Gustavo Fuertes en su cortometraje El Juicio Final (1991)

En 1996, debutó internacionalmente como director con su corto en blanco y negro, Esposados, para el que también hizo de productor ejecutivo.

Filmografía[editar]
Esposados. Cortometraje (1996)
Intacto (2001)
Psicotaxi. Cortometraje (2002)
28 semanas después (2007)
Intruders (2011)
Los inmortales (Remake) (Sin fecha)

En 2007 dirigió la película 28 semanas después (tit. orig. 28 Weeks Later), secuela de 28 días después de Danny Boyle. El realizador Steven Spielberg, ofreció a Fresnadillo dirigir un proyecto financiado por su productora Dreamworks. La película, de título provisional "Wednesday", será un thriller ambientado en Los Ángeles, donde se desarrollará una persecución desesperada. Su nuevo proyecto será convertir el videojuego BioShock en película, al principio estaba destinada a Gore Verbinski (director de Piratas del Caribe, entre otras) pero finalmente Fresnadillo será el encargado.

Ha recibido 14 puntos

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VICENTE ESCRIVÁ

79. VICENTE ESCRIVÁ

Biografía[editar] Fue Jefe Provincial de Propaganda de Valencia entre 1939 y 1940.1 Doctor en Filosofía y Letras por la Universidad de Valencia, desde finales de los años cuarenta se dedicó a escribir guiones para la productora Cifesa y crea historias de tono épico y religioso muy del gusto de... Ver mas
Biografía[editar]
Fue Jefe Provincial de Propaganda de Valencia entre 1939 y 1940.1 Doctor en Filosofía y Letras por la Universidad de Valencia, desde finales de los años cuarenta se dedicó a escribir guiones para la productora Cifesa y crea historias de tono épico y religioso muy del gusto de la época como La mies es mucha (1950) y Pequeñeces.

En 1950, junto al director Rafael Gil funda Aspa films para la que escribe los guiones de éxitos del momento como Agustina de Aragón (1950) y Balarrasa (1951).

En 1960 debuta en la dirección, con El hombre de la isla. Muy a destacar en su filmografía fue la película Montoyas y Tarantos (1989), que obtuvo dos Premios Goya. Otros obras de esa época fueron Cateto a babor (1970), Vente a Alemania, Pepe (1971), Zorrita Martínez (1975), La lozana andaluza (1976).

En la última etapa de su vida, se centró en televisión y creó y dirigió series de éxito como Réquiem por Granada (1991) para TVE y en Antena 3: Lleno, por favor (1993-1994), ¿Quién da la vez? (1995), Éste es mi barrio (1996-1997) y Manos a la obra (1998-1999), siendo ésta última la que más éxito cosechó entre los espectadores, prolongándose su emisión hasta 2001 pese a su ausencia como director tras su muerte.

Filmografía[editar]
Televisión[editar]
1998/1999 - Manos a la obra (Guionista)
1996/1997 - Éste es mi barrio (Guionista)
1996 - La maja de Goya: El Musical (Guionista)
1993/1994 - Lleno, por favor (Guionista)
1991 - Réquiem por Granada (Guionista)
Cine[editar]
1989 - Montoyas y Tarantos (Director y guionista)
1988 - Matar al Nani (Guionista)
1984 - Tuareg - Il guerriero del deserto (Coguionista)
1980 - Esperando a papá (Director y co-guionista)
1979 - Visanteta, estate queta (Director y coguionista)
1979 - El virgo de Vicenteta (Director y coguionista)
1976 - El señor está servido (coguionista)
1976 - La lozana andaluza (Director y coguionista)
1975 - Una abuelita de antes de la guerra (Director y coguionista)
1975 - Zorrita Martínez (Director y guionista)
1974 - Polvo eres... (Director y coguionista)
1974 - Un curita cañón (Guionista)
1973 - La curiosa (Director y guionista)
1972 - Vente a ligar al Oeste (Coguionista)
1971 - Aunque la hormona se vista de seda... (Director y guionista)
1971 - Vente a Alemania, Pepe (Coguionista)
1970 - Sin un adiós (Director y guionista)
1970 - Cateto a babor (Coguionista)
1969 - Johnny Ratón (Director y coguionista)
1969 - El ángel (Director y guionista)
1969 - El golfo (Director y guionista)
1969 - Primera comunión (Coguionista)
1969 - Sor Ye-yé (Coguionista)
1967 - Aquí mando yo (Coguionista)
1963 - Dulcinea (Director y coguionista)
1961 - El hombre de la isla (Director y guionista)
1961 - Margarita se llama mi amor (Guionista)
1961 - Aquí están las vicetiples (Guionista)
1960 - ¡Ahí va otro recluta! (Guionista)
1959 - El gafe (Guionista)
1959 - Salto a la gloria (Guionista)
1959 - Soledad (Coguionista)
1958 - La mina (Coguionista)
1957 - El Tigre de Chamberí (Coguionista)
1957 - La cenicienta y Ernesto (Guionista)
1956 - Un traje blanco (Guionista)
1956 - Los ladrones somos gente honrada (Coguionista)
1956 - La gran mentira (Guionista)
1956 - Recluta con niño (Coguionista)
1955 - El canto del gallo (Guionista)
1955 - La otra vida del capitán Contreras (Coguionista)
1954 - Murió hace quince años (Coguionista)
1954 - El beso de Judas (Guionista)
1953 - La guerra de Dios (Guionista)
1952 - Sor intrépida (Guionista)
1952 - De Madrid al cielo (Coguionista)
1951 - La señora de Fátima (Guionista)
1951 - La leona de Castilla (Guionista)
1951 - Balarrasa (Guionista)
1950 - Agustina de Aragón (Coguionista)
1950 - Pequeñeces (Coguionista)
1948 - La mies es mucha (Coguionista)

Ha recibido 13 puntos

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LEÓN KLIMOSKY

80. LEÓN KLIMOSKY

Biografía[editar] Graduado en odontología, la verdadera pasión de Klimovsky fue el cine. Fue pionero del cineclub en Argentina, financiando el primer local de proyección de cine arte. Tras participar en 1944 de Se abre el abismo como guionista y asistente de dirección, debutó con El jugador... Ver mas
Biografía[editar]
Graduado en odontología, la verdadera pasión de Klimovsky fue el cine. Fue pionero del cineclub en Argentina, financiando el primer local de proyección de cine arte. Tras participar en 1944 de Se abre el abismo como guionista y asistente de dirección, debutó con El jugador, adaptación de la novela de Fiódor Dostoievski. De su primera época se destacan también las adaptaciones de El conde de Montecristo de Alejandro Dumas y de El túnel de Ernesto Sabato.

Klimovsky emigra a mediados de los años cincuenta a España, donde continúa su carrera con un total eclecticismo temático; se convierte en un director de cine "profesional". Incursionó en el spaghetti western y en los llamados exploitation films (de "explotación comercial"), y filmó en México, Italia y Egipto. Quizás se lo recuerde fundamentalmente por su contribución al cine de terror español, comenzando con La noche de Walpurgis

Fue galardonado en 1995 con el premio de honor de la Asociación de Directores de España. Murió en Madrid de un paro cardíaco. Era hermano del matemático y filósofo argentino Gregorio Klimovsky.

Filmografía[editar]
Director
La barraca (miniserie de televisión, 1979)
Violación fatal (1978)
La doble historia del Dr. Valmy (1978)
Laverna (1978)
El extraño amor de los vampiros (1977), con guion de Carlos Pumares.
El transexual (1977)
¿Y ahora qué, señor fiscal? (1977)
Último deseo (1976), con guion de Joaquim Jordà y Vicente Aranda.
Gritos a medianoche (1976)
Secuestro (1976)
Tres días de noviembre (1976)
Muerte de un quinqui (1975)
Mean Mother (Estados Unidos, 1974), codirigida por Al Adamson.
Una libélula para cada muerto (1974)
El mariscal del infierno (Los poseídos de Satán, 1974)
Odio mi cuerpo (1974)
El talón de Aquiles (1974)
La rebelión de las muertas (1973)
La orgía nocturna de los vampiros (1973)
Dr. Jekyll y el Hombre Lobo 1 (1972)
La casa de las Chivas (1972), con guion de Carlos Pumares.
La saga de los Drácula(1972)
Su le mani, cadavere! Sei in arresto (Un dólar para Sartana, Italia-España, 1971)
Reverendo Colt (1971)
El hombre que vino del odio (1971)
La noche de Walpurgis (1971)
Quinto: non ammazzare (1970)
Los hombres las prefieren viudas (1970)
La sfida dei MacKenna (1970)
Pagó cara su muerte (1969)
No me importa morir (1969)
Hora cero: Operación Rommel (L'urlo dei giganti) (con el alias de Henry Mankiewicz, 1969)
Giugno '44 - Sbarcheremo in Normandia (Junio 44: desembarcaremos en Normandía) (con el alias de Henry Mankiewicz, 1968)
Un hombre vino a matar (1968)
Una chica para dos (1968)
A Ghentar si muore facile (En Ghentar se muere fácil) (1967)
Pochi dollari per Django (Alambradas de violencia) (1966)
El bordón y la estrella (1966)
Dos mil dólares por Coyote (Django... Cacciatore di taglia) (1966)
La colina de los pequeños diablos (1965)
Aquella joven de blanco (1965)
Escala en Tenerife (1964)
Fuera de la ley (1964)
Ella y el miedo (1964)
Los siete bravísimos (1964)
Escuela de seductoras (1962)
Horizontes de luz (1962)
Todos eran culpables (1962)
Torrejón City (1962)
La danza de la fortuna (1961)
Un tipo de sangre (1960)
La paz empieza nunca (1960)
Ama Rosa (1960)
El hombre que perdió el tren (1960)
Un bruto para Patricia (1960)
Gharam fi sahraa (Amor en el desierto, en árabe, Egipto, 1960)
S.O.S., abuelita (1959)
Salto a la gloria (1959)
Llegaron los franceses (1959)
Un indiano en Moratilla (1958)
Viaje de novios (1956)
Miedo (1956)
Gli amanti del deserto ('Los amantes del desierto', 1956)
La pícara molinera (1955)
El tren expreso (1955)
El juramento de Lagardere (1955)
Tres citas con el destino (episodio Maleficio, 1954)
El conde de Montecristo (1953)
La Parda Flora (1952)
El túnel (1952)
El pendiente (1951)
Suburbio (1951)
La vida color de rosa (1951)
Marihuana (1950)
La guitarra de Gardel (1949)
Se llamaba Carlos Gardel (1949)
El jugador (1947)
Guionista
Odio mi cuerpo (1974)
Una señora llamada Andrés (1970)
Un dólar y una tumba o "La sfida dei MacKenna" (1970)
La colina de los pequeños diablos (1965)
Escala en Tenerife (1964)
Los siete bravísimos (1964)
Horizontes de luz (1962)
Todos eran culpables (1962) (diálogo)
Y el cuerpo sigue aguantando (1961)
La paz empieza nunca (1960)
Ama Rosa (1960)
Un bruto para Patricia (1960)
S.O.S., abuelita (1959)
Un indiano en Moratilla (1958)
Miedo (1956)
El tren expreso (1955)
El conde de Montecristo (1953)
El túnel (1952)
La parda Flora (1952)
La guitarra de Gardel (1949)
Siete para un secreto (1947)
Albergue de mujeres (1946)
3 millones y el amor (1946)
Se abre el abismo (1945)
Productor
Rodríguez supernumerario (1948)
Asistente de dirección
Viaje sin regreso (1946)
Se abre el abismo (1944)
Asesor literario
Lucrecia Borgia (1947)

Ha recibido 13 puntos

Vótalo:

ANTONIO GIMÉNEZ-RICO

81. ANTONIO GIMÉNEZ-RICO

Biografía[editar] Licenciado en Derecho por la Universidad de Valladolid, posee también estudios de periodismo y piano. Crítico cinematográfico en la revista "Cinestudio". Fue ayudante de dirección de Vittorio Cottafavi y Eugenio Martín, entre otros, antes de rodar su primera película. Ha... Ver mas
Biografía[editar]
Licenciado en Derecho por la Universidad de Valladolid, posee también estudios de periodismo y piano. Crítico cinematográfico en la revista "Cinestudio". Fue ayudante de dirección de Vittorio Cottafavi y Eugenio Martín, entre otros, antes de rodar su primera película. Ha realizado también varios documentales y series de televisión como Plinio (y algún capítulo de Cuentos y Leyendas, Crónicas de un pueblo o Página de sucesos). Ha sido presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España (1988-1992) y colaborador de los programas de José Luis Garci ¡Qué grande es el cine! (1995-2005) y Cine en blanco y negro (2009- ). Su último proyecto es Conspiración en la catedral1 , una adaptación para la pantalla grande de la novela Inquietud en el Paraiso del escritor burgalés Oscar Esquivias.2 3

Filmografía como director[editar]
Mañana de domingo (1966)
El hueso (1967)
El cronicón (1970). Guion escrito en colaboración con José Luis Garci
¿Es usted mi padre? (1971)
Retrato de familia (1976). Basada en una novela Mi idolatrado hijo Sisí de Miguel Delibes
Del amor y de la muerte (1977)
Al fin solos, pero... (1977)
Vestida de azul (1983)
El disputado voto del señor Cayo (película) (1986). Basada en la novela de Miguel Delibes
Jarrapellejos (1987). Basada en la novela de Felipe Trigo
Soldadito español (1988). Guion escrito en colaboración con Rafael Azcona
Catorce estaciones (1991)
Tres palabras (1993)
Sombras y luces: Cien años de cine español (1996). Documental
Las ratas (1997). Basada en la novela de Miguel Delibes
Primer y último amor (2002). Basada en la novela de Torcuato Luca de Tena
Hotel Danubio (2003). Remake de Los peces rojos (1955), de José Antonio Nieves Conde
El libro de las aguas (2008). Basada en la novela homónima de Alejandro López Andrada
Guion[editar]
Días de viejo color (1968, dirigida por Pedro Olea)

Ha recibido 13 puntos

Vótalo:

PEDRO LAZAGA

82. PEDRO LAZAGA

Biografía[editar] Se introdujo en el mundo del cine en 1946 como uno de los guionistas de la película de Carlos Serrano de Osma, Abel Sánchez. En 1948 hizo su debut como director en Campo bravo, en colaboración con Jacinto Esteva. Su primer éxito de crítica llega en 1955 con Cuerda de presos... Ver mas
Biografía[editar]
Se introdujo en el mundo del cine en 1946 como uno de los guionistas de la película de Carlos Serrano de Osma, Abel Sánchez. En 1948 hizo su debut como director en Campo bravo, en colaboración con Jacinto Esteva. Su primer éxito de crítica llega en 1955 con Cuerda de presos, que, aunque no tuvo mucho éxito de taquilla, le permitió seguir dirigiendo hasta la década de 1970. Fue a su vez el marido de Maruja Bustos.

Filmografía[editar]
Categoría principal: Películas dirigidas por Pedro Lazaga
Como director[editar]
Siete chicas peligrosas (1979)
¡Vaya par de gemelos! (1978)
Estimado Sr. juez... (1978)
Estoy hecho un chaval (1977)
Hasta que el matrimonio nos separe (1977)
El ladrido (1977)
Vota a Gundisalvo (1977)
La amante perfecta (1976)
Fulanita y sus menganos (1976)
El alegre divorciado (1976)
Ambiciosa (1976)
Terapia al desnudo (1976)
Yo soy Fulana de Tal (1975)
En la cresta de la ola (1975)
Largo retorno (1975)
Tres suecas para tres Rodríguez (1975)
Una mujer de cabaret (1974)
Cinco almohadas para una noche (1974)
El amor empieza a medianoche (1974)
El chulo (1974)
Las estrellas están verdes (1973)
El abuelo tiene un plan (1973)
El vikingo (1972)
La mansión de la niebla (1972)
¡No firmes más letras, cielo! (1972)
Vente a ligar al Oeste (1972)
El padre de la criatura (1972)
Mil millones para una rubia (1972)
París bien vale una moza (1972)
Blanca por fuera y Rosa por dentro (1971)
Black story (La historia negra de Peter P. Peter) (1971)
Hay que educar a papá (1971)
Vente a Alemania, Pepe (1971)
El dinero tiene miedo (1970)
Las secretarias (1970)
El abominable hombre de la Costa del Sol (1970)
Las siete vidas del gato (1970)
El otro árbol de Guernica (1969)
A 45 revoluciones por minuto (1969)
Las amigas (1969)
Abuelo Made in Spain (1969)
Por qué pecamos a los cuarenta (1969)
Verano 70 (1969)
La chica de los anuncios (1968)
¡Cómo sois las mujeres! (1968)
No desearás la mujer de tu prójimo (1968)
El turismo es un gran invento (1968)
No le busques tres pies... (1968)
Novios 68 (1967)
Los chicos del Preu (1967)
El rostro del asesino (1967)
Las cicatrices (1967)
¿Qué hacemos con los hijos? (1967)
Los guardiamarinas (1967)
Sor Citroën (1967)
Las viudas (1966)
Operación Plus Ultra (1966)
Nuevo en esta plaza (1966)
La ciudad no es para mí (1966)
Posición avanzada (1966)
El cálido verano del Sr. Rodríguez (1965)
El tímido (1965)
Dos chicas locas, locas (1965)
La corrida (1965)
Un vampiro para dos (1965)
Fin de semana (1964)
La pandilla de los once (1963)
Trampa para Catalina (1963)
Eva 63 (1963)
Los siete espartanos (1962)
Sabían demasiado (1962)
Aprendiendo a morir (1962)
Martes y trece (1962)
Los económicamente débiles (1960)
La fiel infantería (1960)
Trío de damas (1960)
Los tramposos (1959)
Miss Cuplé (1959)
El frente infinito (1959)
Luna de verano (1959)
Ana dice sí (1958)
La frontera del miedo (1958)
El aprendiz de malo (1958)
Roberto el diablo (1957)
El fotogénico (1957)
Muchachas de azul (1957)
Torrepartida (1956)
Cuerda de presos (1956)
La vida es maravillosa (1956)
La patrulla (1954)
Hombre acosado (1952)
María Morena (1952)
Campo Bravo (1948)
Encrucijada (1948)
Como guionista[editar]
Embrujo (1947).
Niebla y sol (1951).
Trampa para Catalina (1961).
El tímido (1965).
El rostro del asesino (1969).
Las siete vidas del gato (1970).
Blanca por fuera, Rosa por dentro (1971).
Mil millones para una rubia (1972).
Una mujer de cabaret (1974).
Ambiciosa (1975).

Ha recibido 12 puntos

Vótalo:

LUIS CÉSAR AMADORI

83. LUIS CÉSAR AMADORI

Luis César Amadori (Pescara, Italia, 28 de mayo de 1902 – Buenos Aires, Argentina, 5 de junio de 1977) fue un director de cine argentino nacido en Italia, que emigró a los 5 años a Argentina. Cursó sus estudios universitarios en Córdoba, si bien los abandonó en favor de su vocación de escritor... Ver mas
Luis César Amadori (Pescara, Italia, 28 de mayo de 1902 – Buenos Aires, Argentina, 5 de junio de 1977) fue un director de cine argentino nacido en Italia, que emigró a los 5 años a Argentina. Cursó sus estudios universitarios en Córdoba, si bien los abandonó en favor de su vocación de escritor. Fue elegido por Walt Disney para dirigir el doblaje al español de 4 de sus propios filmes, Fantasía, Pinocho, Dumbo y Bambi; el director de fotografía de su película Madreselva fue el húngaro John Alton, quien luego desarrolló su carrera en Hollywood. Como guionista cinematográfico utilizó el seudónimo de Gabriel Peña, como autor de revistas musicales el de Leo Carter; sus íntimos lo llamaban Gino.

En 1955 emigró a España, debido al golpe de Estado contra Juan Perón. Se convirtió así en una de las figuras de la dirección en el cine español de los 50 y los 60, sobre todo de corte histórico.

Además de director de cine, fue guionista, escritor, músico y productor.
Filmografía[editar]
1968 — Cristina Guzmán
1967 — Buenos días, condesita
1967 — Un novio para dos hermanas
1967 — Amor en el aire
1966 — Acompáñame
1965 — Más bonita que ninguna
1964 — Como dos gotas de agua
1964 — El señor de La Salle
1963 — La casta Susana
1958 — Una muchachita de Valladolid
1958 — La violetera
1958 — ¿Dónde vas, Alfonso XII?
1958 — Amor prohibido
1955 — El amor nunca muere
1955 — El barro humano
1954 — Caídos en el infierno
1954 — El grito sagrado
1953 — La pasión desnuda
1952 — La de los ojos color del tiempo
1952 — Eva Perón inmortal (cortometraje)
1951 — Me casé con una estrella
1951 — Soñemos (cortometraje)
1950 — Nacha Regules
1949 — Almafuerte
1949 — Una noche en el Ta Ba Rin
1949 — Juan Globo
1949 — Don Juan Tenorio
1948 — Dios se lo pague
1947 — Una mujer sin cabeza
1947 — Albéniz
1946 — Mosquita muerta
1945 — Dos ángeles y un pecador
1945 — Santa Cándida
1945 — Madame Sans Gene
1944 — Apasionadamente
1943 — Carmen
1943 — Luisito
1943 — Son cartas de amor
1942 — Claro de luna
1942 — Bajó un ángel del cielo
1942 — La mentirosa
1942 — El tercer beso
1942 — El profesor Cero
1941 — Soñar no cuesta nada
1941 — Orquesta de señoritas
1941 — La canción de los barrios
1941 — Napoleón
1940 — Hay que educar a Niní
1940 — El haragán de la familia
1939 — Caminito de gloria
1939 — Palabra de honor
1938 — Madreselva
1938 — El canillita y la dama
1938 — Maestro Levita
1937 — El pobre Pérez
1936 — Puerto Nuevo
Letras de sus más importantes canciones[editar]
Alma de Bandoneón
Madreselva
Cartas de Amor
Cobardía
Confesión
De Contramano
Desencanto
El Anillo de Oro
Envidia
Fondín de Pedro Mendoza
Olvido
Quién Hubiera Dicho
Quisiera Amarte Menos
Rencor
Serenata
Tormento
Tu Sombra
Vendrás Alguna Vez
Ventanita Florida
Yo También Soñé

Ha recibido 12 puntos

Vótalo:

JOAQUÍN ORISTRELL

84. JOAQUÍN ORISTRELL

Biografía[editar] Nació el 15 de septiembre de 1953 en Barcelona. Es sobrino del trompetista Rudi Ventura y primo de la actriz y cantante Yolanda Ventura. Está casado con la actriz española Carmen Balagué, con la que tiene dos hijos. De joven, estudia Filosofía y Letras y debuta como guionista... Ver mas
Biografía[editar]
Nació el 15 de septiembre de 1953 en Barcelona. Es sobrino del trompetista Rudi Ventura y primo de la actriz y cantante Yolanda Ventura. Está casado con la actriz española Carmen Balagué, con la que tiene dos hijos. De joven, estudia Filosofía y Letras y debuta como guionista en el concurso de TVE Un, dos, tres. En 1995 funda la productora Boca a Boca la cual dirige hasta la fecha.

Filmografía (selección)[editar]
Guionista[editar]
La noche de la ira (1986).
Esquilache (1989).
Bajarse al moro (1989).
Don Juan, mi querido fantasma (1990).
Salsa rosa (1992).
Orquesta Club Virginia (1992).
¿Por qué lo llaman amor cuando quieren decir sexo? (1993).
Alegre ma non troppo (1994).
Todos los hombres sois iguales (1994).
Boca a boca (1995).
El efecto mariposa (1995).
El amor perjudica seriamente la salud (1996).
¿De qué se ríen las mujeres? (1997).
Entre las piernas (1999).
Cosas que hacen que la vida valga la pena (2004).
Reinas (2005).
Rivales (2008)
Dieta mediterránea (2008)
Director[editar]
¿De qué se ríen las mujeres? (1997).
Sin vergüenza (2001)
Inconscientes (2003)
¡Hay motivo! (Libre) (2004)
Va a ser que nadie es perfecto (2006)
Dieta mediterránea (2008)
Ados (2009) Pre-Producción
Televisión[editar]
Guionista[editar]
Un, dos, tres... responda otra vez (1982).
Platos rotos (1985).
Gatos en el tejado (1988).
El séptimo cielo (1989).
Locos por la tele (1990).
Las chicas de hoy en día (1991).
Como la vida misma (1992).
El destino en sus manos (1995).
Todos los hombres sois iguales (1996).
Abuela de verano (2005).
Felipe y Letizia (2010).

Ha recibido 11 puntos

Vótalo:

FRANCESC ROVIRA I BELETA

85. FRANCESC ROVIRA I BELETA

Biografía[editar] Estudió en las Escuelas Pías de Barcelona y, ya cursando Arquitectura en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona, comenzó a realizar cine amateur estimulado por su tío el arquitecto Enric Mora i Gosch, quien posteriormente rodaría el making-of de algunas de... Ver mas
Biografía[editar]
Estudió en las Escuelas Pías de Barcelona y, ya cursando Arquitectura en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona, comenzó a realizar cine amateur estimulado por su tío el arquitecto Enric Mora i Gosch, quien posteriormente rodaría el making-of de algunas de sus películas.2

Durante la Guerra Civil (1936-1939), viajó por Europa con su madre y sus hermanos, estableciéndose primero en Francia y luego en Italia, donde la sociedad de su padre, fallecido prematuramente en 1920, mantenía intereses comerciales.

En 1939, tras una primera estancia en Sevilla, regresó con su familia a la Ciudad Condal, donde retomaría los estudios superiores interrumpidos por la guerra, para en 1942 licenciarse en Derecho por la Universidad de Barcelona, decidiendo entonces dedicarse profesionalmente al cine.3

En 1948 rodó su primer largometraje, 12 horas de vida, seguido de 39 cartas de amor en 1949 y Luna de sangre en 1950.

En 1953, un año después de fallecer su madre, dirigió la primera película de su particular trilogía de cine negro, Hay un camino a la derecha, protagonizada por Francisco Rabal en una de sus primeras mejores interpretaciones, a la que siguieron El expreso de Andalucía, de 1956, y Los atracadores, de 1961, habiendo también dirigido Once pares de botas en 1954, Familia provisional en 1955, Historias de la feria en 1957 y Altas variedades en 1960.

También de 1953 es el cortometraje documental El lago de los cisnes, en el que experimentó con las tres dimensiones y el color (Cinefotocolor) filmando a la compañía de ballet que representaba en El Liceu de Barcelona El lago de los cisnes de Tchaikovsky, el International Ballet (Londres), de Mona Inglesby.

En 1963 fundó su propia productora, con la que produjo el mismo año, sobre un argumento de Alfredo Mañas basado en su obra teatral La historia de los tarantos, la película Los Tarantos, cuya dirección le valió su reconocimiento internacional como director.

La película, ambientada en Barcelona y representada por un reparto de célebres intérpretes de flamenco como Carmen Amaya, en el papel de la Taranta, Antonio Gades, en el de Moji, o Sara Lezana, en el de Juana, fue nominada a los premios Óscar en la categoría Óscar a la mejor película de habla no inglesa, compitiendo con 8½ de Federico Fellini.4

En 1965 dirigió y coprodujo La dama del alba, sobre la obra teatral homónima de Alejandro Casona (La dama del alba, 1944), dedicándole también este año la Cinémathèque de París un ciclo.

En 1967, cuatro años después de su primera candidatura a los Óscar, repitió la misma nominación a que fue candidata Los Tarantos, ahora con la película El amor brujo, también producida por él, siendo el primer director de cine dos veces nominado a esta candidatura en España.

En 1970 realizó juntó con Joaquim Jordà como coguionista, La larga agonía de los peces fuera del agua (La llarga agonia dels peixos fora de l'aigua, en catalán), basada en la novela de Aurora Bertrana Vent de grop (1967), ambientada en Ibiza, Formentera, Londres, Isla de Wight y Cannes y protagonizada por Joan Manuel Serrat.

Entre 1972 y 1985 dirigió sus últimos largometrajes: No encontré rosas para mi madre, de 1972, interpretada por Gina Lollobrigida o Danielle Darrieux; La espada negra, de 1976; y Crónica sentimental en rojo, de 1985, originalmente producida para televisión pero finalmente estrenada en salas de cine.

Fue confundador y primer presidente del Col·legi de Directors de Cinema de Catalunya (1986).5 En 1987, recibió el Premio Extraordinario de Cinematografía de la Generalitat de Catalunya. En 1990, fue elegido académico de honor de la Reial Acadèmia Catalana de Belles Arts de Sant Jordi.6 En 1994, le fue concedida la medalla de oro al Mérito en las Bellas Artes del Ministerio de Cultura.7 En 1996, fue premiado con la Medalla de Oro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España y, en 1999, la Generalitat de Catalunya, reconociendo su trayectoria cinematográfica, le otorgó la Creu de Sant Jordi.8

Un aula de la Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya (ESCAC-UB), lleva su nombre.

Filmografía[editar]
Como director[editar]
1948: 12 horas de vida.
1949: 39 cartas de amor.
1950: Luna de sangre.
1953: Hay un camino a la derecha.
1954: Once pares de botas.
1955: Familia provisional.
1956: El expreso de Andalucía.
1957: Historias de la feria.
1960: Altas variedades.
1961: Los atracadores.
1963: Los Tarantos.
1965: La dama del alba.
1967: El amor brujo.
1970: La larga agonía de los peces fuera del agua.
1972: No encontré rosas para mi madre.
1976: La espada negra.
1985: Crónica sentimental en rojo.
Como productor[editar]
1963: Los Tarantos.
1965: La dama del alba.
1967: El amor brujo.
Como guionista[editar]
1950: Luna de sangre.
1953: Hay un camino a la derecha.
1955: Familia provisional.
1961: Los atracadores.
1963: Los Tarantos.
1965: La dama del alba.
1970: La larga agonía de los peces fuera del agua. Coguionista con Joaquim Jordà.
Reconocimientos[editar]
Festivales[editar]
1953: Festival Internacional de Cine de San Sebastián (premio a la mejor interpretación masculina a Francisco Rabal).
1960: Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary (selección oficial).
1961: Festival Internacional de Cine de Berlín (selección oficial).
1963: Festival Internacional de Cine de Mar del Plata (premio a la mejor película).
1967: Festival de Cine de Nueva York (premio a la mejor interpretación femenina a La Polaca).
Nominaciones[editar]
1963: Nominado al Óscar a la mejor película de habla no inglesa con Los Tarantos.
1967: Nominado al Óscar a la mejor película de habla no inglesa con El amor brujo.
Premios[editar]
1953: Premio Ciudad de Barcelona.
1960: Ídem. Premio Sant Jordi de Cine al mejor director.
1961: Premio Sant Jordi de Cine a la mejor película.
1963: Premio Ciudad de Barcelona.
1967: Ídem.
1987: Premio Extraordinario de Cinematografía de la Generalitat de Catalunya.
1996: Medalla de Oro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España.
Distinciones[editar]
1990: Académico de honor de la Reial Acadèmia Catalana de Belles Arts de Sant Jordi.
1994: Medalla de oro al Mérito en las Bellas Artes del Ministerio de Cultura.
1999: Creu de Sant Jordi de la Generalitat de Catalunya.

Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

JAIME CAMINO

86. JAIME CAMINO

Jaime Camino es un escritor, guionista y director de cine español nacido en Barcelona el 11 de junio de 1936. En esa misma ciudad realizó estudios de Derecho, cursando además estudios musicales (piano y armonía). Tras un primer trabajo literario en forma de novela (La coraza, finalista del... Ver mas
Jaime Camino es un escritor, guionista y director de cine español nacido en Barcelona el 11 de junio de 1936. En esa misma ciudad realizó estudios de Derecho, cursando además estudios musicales (piano y armonía). Tras un primer trabajo literario en forma de novela (La coraza, finalista del Premio Nadal) inicia su obra cinematográfica. Se le asocia habitualmente a la llamada Escuela de Barcelona, un grupo de directores de cine comprometidos con la renovación del cine bajo la dictadura de Franco y orientados hacia la Nouvelle Vague francesa.

Premio Gaudí de honor concedido por la Academia Catalana de cine en 2009

Filmografía[editar]
2001. Los niños de Rusia
1991. El largo invierno
1988. Luces y sombras
1986. Dragon Rapide
1979. La campanada
1978. La vieja memoria
1976. Las largas vacaciones del 36
1973. Mi profesora particular
1969. Un invierno en Mallorca, basado en la obra de George Sand
1969. España otra vez
1964. Los felices 60

Ha recibido 6 puntos

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