¿Cuáles son los mejores pintores y escultores españoles del siglo XX?

¿Cuáles son los mejores pintores y escultores españoles del siglo XX?

  • Lista creada por arbolviviente.
  • Publicada el 25.04.2013 a las 17:08h.
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El siglo XX fue el marco en el que se desarrollaron las obras de importantes artistas españoles, reflejando los cambios artísticos y sociales del último siglo y sentando las bases del arte contemporáneo. En esta breve lista (que espero vayáis ampliando con los artistas que haya podido olvidar) se reflejan algunos de los más importantes.

Estos son los elementos de la lista. ¡Vota a tus favoritos!

Salvador Dalí

1. Salvador Dalí

http://es.wikipedia.org/wiki/Salvador_Dal%C3%AD

(Figueras, 11 de mayo de 1904 – ibídem, 23 de enero de 1989) fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se... Ver mas
(Figueras, 11 de mayo de 1904 – ibídem, 23 de enero de 1989) fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.

Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la habilidad de forjar un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era muy ecléctico y que «vampirizó» innovaciones ajenas. Una de sus obras más célebres es La persistencia de la memoria, el famoso cuadro de los «relojes blandos», realizado en 1931.

Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Esta conducta irritaba a quienes apreciaban su arte y justificaba a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas como un reclamo publicitario ocasionalmente más llamativo que su producción artística. Dalí atribuía su «amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo, [su] pasión por el lujo y su amor por la moda oriental» a un autoproclamado «linaje arábigo», que remontaba sus raíces a los tiempos de la dominación árabe de la península ibérica.

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Pablo Picasso

2. Pablo Picasso

http://es.wikipedia.org/wiki/Picasso

(Málaga, España; 25 de octubre de 1881 — Mougins, Francia; 8 de abril de 1973), conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista. Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la g... Ver mas
(Málaga, España; 25 de octubre de 1881 — Mougins, Francia; 8 de abril de 1973), conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista.

Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras, presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.

En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido Comunista Francés hasta su muerte,2 el 8 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie (Mougins, Francia) a los 91 años. Está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues (Bouches-du-Rhone).

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Joaquín Sorolla

3. Joaquín Sorolla

http://museosorolla.mcu.es/colec_pintura.html

(Valencia, 27 de febrero de 1863 - Cercedilla, provincia de Madrid, 10 de agosto de 1923) fue un pintor y artista gráfico español. Fue uno de los pintores españoles más prolíficos, con más de 2.200 obras catalogadas. Etiquetado a veces como impresionista, en realidad su estilo maduro se define... Ver mas
(Valencia, 27 de febrero de 1863 - Cercedilla, provincia de Madrid, 10 de agosto de 1923) fue un pintor y artista gráfico español. Fue uno de los pintores españoles más prolíficos, con más de 2.200 obras catalogadas. Etiquetado a veces como impresionista, en realidad su estilo maduro se define mejor como luminista.

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Joan Miró

4. Joan Miró

http://miro.palmademallorca.es/index.php?Idi=1&Cod_fam=&C...

(Barcelona, 20 de abril de 1893 — Palma de Mallorca, 25 de diciembre de 1983) pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En un principio mostr... Ver mas
(Barcelona, 20 de abril de 1893 — Palma de Mallorca, 25 de diciembre de 1983) pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En un principio mostró fuertes influencias fauves, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf, como lo es su conocido cuadro La Masía del año 1920. A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más onírica, coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento.1 En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década de 1930, Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de "matarlos, asesinarlos o violarlos", para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas.2

Uno de sus grandes proyectos fue la creación en 1975, de la Fundación Joan Miró, ubicada en Barcelona, centro cultural y artístico para difundir las nuevas tendencia del arte contemporáneo, constituyéndose con un gran fondo de obras donadas por el autor; otros lugares con importantes fondos de sus obras son la Fundación Pilar i Joan Miró de Palma de Mallorca, el Museo Reina Sofía de Madrid, el Centro Pompidou de París (Musée National d'Art Moderne) y el MOMA de Nueva York.

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Antonio López García

5. Antonio López García

http://www.arteseleccion.com/maestros-es/lopez-antonio-205

(Tomelloso, Ciudad Real, 6 de enero de 1936) es un pintor y escultor español. Antonio López es el mayor de cuatro hermanos (Josefina, Diógenes y Carmen). Sus padres eran labradores acomodados de la localidad castellano manchega de Tomelloso y su casa estaba situada en la calle Domecq. Su... Ver mas
(Tomelloso, Ciudad Real, 6 de enero de 1936) es un pintor y escultor español. Antonio López es el mayor de cuatro hermanos (Josefina, Diógenes y Carmen). Sus padres eran labradores acomodados de la localidad castellano manchega de Tomelloso y su casa estaba situada en la calle Domecq. Su temprana vocación por el dibujo, así como la influencia de su tío, el pintor Antonio López Torres, conformaron su decisión de dedicarse a la pintura.

En 1949 se trasladó a Madrid para preparar su ingreso en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde coincidió con diversos artistas como Enrique Gran, Amalia Avia, y Lucio Muñoz, con los que conformó lo que se ha venido a llamar Escuela madrileña. Permaneció en la academia entre 1950 y 1955. En 1955, y gracias a una beca, viajó a Italia, donde conoció de primera mano la pintura italiana del Renacimiento. Sufrió así una pequeña decepción al contemplar en vivo las obras maestras que sólo conocía por reproducciones, y que hasta ese momento veneraba. Comenzó a revalorizar la pintura clásica española, que tan bien conocía, gracias a las frecuentes visitas al Museo del Prado, especialmente Diego Velázquez.

Tras terminar los estudios realizó sus primeras exposiciones individuales, en 1957 y 1961 en Madrid, mientras trabajaba tanto en esta ciudad como en la localidad que le vio nacer. En 1961 se unió en matrimonio a la también pintora María Moreno, unión de la que nacieron dos hijas: María en 1962 y Carmen en 1965. Desde este último año y hasta 1969 fue profesor encargado de la Cátedra de preparatorio de colorido en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.

En 1985 se le concedió el Premio Príncipe de Asturias de las Artes. En 1990 el director de cine Víctor Erice filmó El sol del membrillo, filme en el que se recoge el proceso creativo del artista mientras pinta un membrillero del patio de su casa. En enero de 1993 fue nombrado miembro de número de la madrileña Real Academia de San Fernando y en ese mismo año, el Museo Reina Sofía le dedicó una exposición antológica.

En 2006 recibió el Premio Velázquez de Artes Plásticas. En 2008, el Museo de Bellas Artes de Boston le dedicó una exposición monográfica.1 Además, su obra Madrid desde Torres Blancas alcanzó en una subasta de Christie's de Londres el 1.918.000 €, la mayor cantidad pagada hasta ese momento por una obra de un artista español vivo.2

En 2011 el Museo Thyssen-Bornemisza y el Museo de Bellas Artes de Bilbao le dedicaron sendas exposiciones temporales con obras de todas sus etapas, aunque mayoritariamente de su última producción. En 2012 la Asociación de Municipios del Campo de Calatrava le otorgó el premio Raimundo de Fítero en el Castillo de Bolaños de Calatrava como reconocimiento a su trayectoria.

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Rafael Zabaleta

6. Rafael Zabaleta

http://es.wikipedia.org/wiki/Rafael_Zabaleta

(Quesada, Jaén, 6 de noviembre de 1907 - Ibídem, 24 de junio de 1960) Nació en Quesada el año 1907 dentro de una familia acomodada. En 1925 viaja a Madrid para cursar estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando. Dos años más tarde es nombrado Delegado del Tesoro Artístico... Ver mas
(Quesada, Jaén, 6 de noviembre de 1907 - Ibídem, 24 de junio de 1960) Nació en Quesada el año 1907 dentro de una familia acomodada. En 1925 viaja a Madrid para cursar estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando. Dos años más tarde es nombrado Delegado del Tesoro Artístico Nacional. Al terminar la Guerra Civil, fue denunciado y pasó brevemente por el campo de concentración de Higuera de Calatrava y la cárcel de Jaén.1 En este periodo le incautan una series de dibujos sobre la Guerra Civil que empezaría 3 años antes. De sus viajes a París conoció a Picasso y pintores españoles relevantes de la época. En 1951 su ciudad natal le concede el título de Hijo Predilecto. En 1960 presenta en el pabellón español de la XXX Bienal de Venecia una serie de 16 óleos y 10 dibujos, sería su exposición más importante. El 24 de junio de 1960, fallece en Quesada por una hemorragia cerebral, después de haber sobrevivido a un ataque al corazón durante una estancia en Almería.

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Eduardo Chillida

7. Eduardo Chillida

http://es.classora.com/units/f65139002/eduardo-chillida

(San Sebastián, 1924-2002) Comenzó estudios de arquitectura que abandonó para dedicarse al dibujo y a la escultura. En 1948 fue a París e inició sus primeras obras abstractas ("Torso y metamorfosis", 1950). Regresó a España y empezó a trabajar el hierro, material que ya nunca abandonaría... Ver mas
(San Sebastián, 1924-2002) Comenzó estudios de arquitectura que abandonó para dedicarse al dibujo y a la escultura. En 1948 fue a París e inició sus primeras obras abstractas ("Torso y metamorfosis", 1950). Regresó a España y empezó a trabajar el hierro, material que ya nunca abandonaría, aunque utilice también el acero, la madera, el granito, el alabastro y el hormigón. El contraste entre la masa y el hueco caracteriza la reflexión de sus obras; movimiento y equilibrio dan concepto a las piezas. Su estilo consigue así una gran fuerza. Numerosas exposiciones y premios prestigian su carrera internacional. Obtuvo el Gran Premio de Escultura en la Bienal de Venecia de 1958; expuso en el Museo Guggenheim de New York; recibió el premio Kandinsky en 1960 y el premio Carnegie en 1965. Fue nombrado profesor de la Universidad de Harvard, y recibió el premio Nacional de Bellas Artes de Escultura de París en 1984 y el Premio Cáceres. Sus obras están repartidas por todo el mundo. En la playa de Ondarreta, en su San sebastián natal, se enclava su "Peine del viento"; su "Elogio del agua" en un parque de Barcelona; "La sirena varada" en el Museo de escultura al aire de Madrid; "La casa de nuestro padre" en Guernica; otra en el acceso al Parlamento alemán en Berlín, etc. En 1994 le nombraron miembro de honor de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

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Santiago Rusiñol

8. Santiago Rusiñol

http://www.lletra.com/es/autor/santiago-rusinol

Santiago Rusiñol i Prats (Barcelona, 25 de febrero 1861 - Aranjuez, donde falleció mientras pintaba sus famosos jardines,13 de junio de 1931), pintor, escritor y dramaturgo español en lengua catalana. Nació en el seno de una familia de industriales del textil, procedentes de Manlleu. Se form... Ver mas
Santiago Rusiñol i Prats (Barcelona, 25 de febrero 1861 - Aranjuez, donde falleció mientras pintaba sus famosos jardines,13 de junio de 1931), pintor, escritor y dramaturgo español en lengua catalana.

Nació en el seno de una familia de industriales del textil, procedentes de Manlleu. Se formó en el Centro de acuarelistas de Barcelona y fue discípulo de Tomás Moragas. Viajó a París en 1889, donde vivió en Montmartre junto con Ramón Casas y con Ignacio Zuloaga.

Se familiarizó con el simbolismo y la pintura al aire libre. Tras regresar a España funda en Sitges el taller-museu del “Cau Ferrat”, y frecuenta en Barcelona las tertulias del café Els Quatre Gats. Su posición social y económica acomodada le permitió hacer frecuentes viajes. En 1901 fue a Mallorca con Joaquín Mir.

El año 1908 recibió la medalla de la Exposición Nacional de Bellas Artes.

Su pintura está muy influida por los impresionistas y tiene temática paisajista, tanto rural como urbana, retratos y composiciones simbólicas de inspiración modernista. Al comienzo de su carrera incluía figuras humanas. En las etapas finales sólo pintaba paisajes, especialmente de los Reales Sitios como Aranjuez o La Granja. Entre sus obras más destacadas figuran La morfina y La medalla, ambas de 1894.

En su obra literaria, siempre en catalán, se incluyen poemas en prosa (“Oracions”, 1897), dramas como “L'alegria que passa” (1898), “Cigals i formigues” (1901), “La bona gent” (1906) y novelas costumbristas como “L'auca del senyor Esteve” (1907), que fue adaptada al teatro por el propio Rusiñol en 1917, “La niña Gorda” (1914), “El català de La Mancha” (1917) o “En Josepet de Sant Celoni”.

También escribió para periódicos como La Vanguardia o revistas como L'Esquella de la Torratxa.

Fue un personaje importante de la Renaixença literaria y cultural de Cataluña, y del mundo intelectual y bohemio de la Barcelona de su tiempo.

Estuvo en Buenos Aires, en Rosario y en Córdoba para el centenario de la Revolución de Mayo, en 1910; estrenando obras suyas.

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Ignacio Zuloaga

9. Ignacio Zuloaga

http://es.wikipedia.org/wiki/Ignacio_Zuloaga

Ignacio Zuloaga fue uno de los más importantes pintores españoles de finales del siglo XIX y principios de XX, fundamentalmente conocido por sus cuadros costumbristas y retratos. Por su estilo naturalista de recio dibujo y colorido oscuro, influido por Ribera y Goya, ha sido tradicionalmente... Ver mas
Ignacio Zuloaga fue uno de los más importantes pintores españoles de finales del siglo XIX y principios de XX, fundamentalmente conocido por sus cuadros costumbristas y retratos. Por su estilo naturalista de recio dibujo y colorido oscuro, influido por Ribera y Goya, ha sido tradicionalmente etiquetado como «reverso» u oponente del estilo luminoso y optimista de Sorolla.

Perteneció a una saga de artistas: fue hijo del notable damasquinador Plácido Zuloaga y sobrino de Daniel Zuloaga, uno de los más destacados ceramistas españoles de su época y que ejerció gran influencia sobre él. Trabajó de niño en el taller de su padre en Éibar, donde tuvo los primeros contactos con el dibujo y el grabado. Su formación escolar se realizó con los jesuitas en Francia, completándose en Madrid, París y Roma.

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Juan Gris

10. Juan Gris

http://es.wikipedia.org/wiki/Juan_Gris

(Madrid, 23 de marzo de 1887 – Francia, 11 de mayo de 1927), conocido artísticamente como Juan Gris, fue un pintor español que desarrolló su actividad principalmente en París como uno de los maestros del cubismo.José Victoriano González-Pérez nace en Madrid en 1887, hijo de padre mercante... Ver mas
(Madrid, 23 de marzo de 1887 – Francia, 11 de mayo de 1927), conocido artísticamente como Juan Gris, fue un pintor español que desarrolló su actividad principalmente en París como uno de los maestros del cubismo.José Victoriano González-Pérez nace en Madrid en 1887, hijo de padre mercante, familia bien situada y que le permitió entrar gradualmente en un ambiente de clase media.

Entre 1904 y 1906 estudia en la escuela de artes y oficios de Madrid y en el estudio de José Moreno Carbonero. En su adolescencia es ilustrador de publicaciones como Blanco y Negro y Madrid, además de ilustrar el contenido y cubiertas de obras literarias como "Alma América" de José Santos Chocano, "Canciones del camino" de Francisco Villaespesa y "Alma. Museo. Cantares" de Manuel Machado.

En 1906, para evitar la milicia y conocer vida artística, se muda a París, donde conoce a Pablo Picasso y Georges Braque. Vive en un hostal, en el Bateau-Lavoir de Montmartre durante unos diez años.

Los primeros años vive dibujando para L'Assiette au Beurre y Charivari.

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César Manrique

11. César Manrique

http://es.wikipedia.org/wiki/Cesar_Manrique

(Arrecife, 24 de abril de 1919 - Teguise, 25 de septiembre de 1992) fue un pintor, escultor, arquitecto y artista español originario de la isla de Lanzarote. Compaginó su obra con la defensa de los valores medioambientales de Canarias. Buscó la armonía entre el arte y la naturaleza como espacio... Ver mas
(Arrecife, 24 de abril de 1919 - Teguise, 25 de septiembre de 1992) fue un pintor, escultor, arquitecto y artista español originario de la isla de Lanzarote. Compaginó su obra con la defensa de los valores medioambientales de Canarias. Buscó la armonía entre el arte y la naturaleza como espacio creativo. Obtuvo, entre otros, el Premio Mundial de Ecología y Turismo y el Premio Europa Nostra. Nació el 24 de abril de 1919 en Arrecife, en el seno de una familia de clase media,1 y desde muy temprana edad evidenció su facilidad para el dibujo y su admiración por autores como Picasso, Matisse y Braque.2 Su infancia transcurrió entre el Charco de San Ginés —zona de Arrecife cercana al puerto y núcleo original de la población— y la Caleta de Famara, lugar que inspiró su posterior vinculación con la defensa del patrimonio natural de la isla de Lanzarote.

Al estallar la Guerra Civil española en 1936, se alistó como voluntario en el bando franquista, sirviendo en el cuerpo de artillería de Ceuta y combatiendo más tarde en distintos frentes peninsulares. Nunca quiso hablar de su atroz experiencia en la guerra, y al regresar a casa en 1939, aún vistiendo el uniforme, se despojó de la ropa, la pisoteó con rabia y le prendió fuego.1 2

Concluida la guerra, ingresó en la Universidad de La Laguna para estudiar arquitectura técnica, pero después de dos años abandonó la carrera para trasladarse a Madrid y, gracias a una beca concedida por la Capitanía General de Canarias, ingresa en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando donde se graduó como profesor de arte y pintura en 1945. Ya en 1942 tiene lugar su primera exposición individual en Arrecife, y con el auge del surrealismo en la década de los 50 funda la galería Fernando Fé, la primera galería no figurativa de España. Durante esa época realizó murales en Lanzarote, como el del Aeropuerto de Guacimeta y el parador de Turismo de Arrecife, y en la península, y expone su trabajo en varios países.

En 1964 se trasladó a Nueva York donde expuso, entre otras, en la Galería Catherine Viviano y tuvo contacto con las corrientes artísticas norteamericanas.

En 1966 se instala definitivamente en Lanzarote, donde comenzaba a desarrollarse el sector turístico. A partir de 1973 comienza su estrecha colaboración con el arquitecto Fernando Higueras, quien en 1962 había proyectado la casa de César Manrique en Camorritos, en las afueras de Madrid. Ambos acometen diversos proyectos dentro de la isla lanzaroteña, comenzando por las obras del Mirador del Río. Durante las décadas de los 70 y 80 tiene lugar una importante actividad como creador de espacios perfectamente integrados en el entorno natural. También participó en proyectos en otras islas del archipiélago y otros lugares de España, como el Centro Comercial La Vaguada 1983 en Madrid.

En 1988 traslada su residencia a su nueva casa de Haría, construida y decorada por Manrique y publica "Escrito en el fuego".

Murió en un accidente de tráfico el 25 de septiembre de 1992, cerca de la sede de la fundación que lleva su nombre, inaugurada en marzo de ese mismo año.

La Fundación, ubicada en la antigua residencia del artista en Taro Tahíche, acoge hoy en día sus obras (esculturas, dibujos, pinturas...) y las de otros artistas.

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Baltasar Lobo

12. Baltasar Lobo

http://es.wikipedia.org/wiki/Baltasar_Lobo

(Cerecinos de Campos, Zamora, 22 de febrero de 1910 – París, 4 de septiembre de 1993) fue un dibujante y escultor español1 muy conocido por sus composiciones que representan madres e hijos. Nacido en Cerecinos de Campos, Zamora, España, se trasladó a París, Francia en 1939 donde su escultura... Ver mas
(Cerecinos de Campos, Zamora, 22 de febrero de 1910 – París, 4 de septiembre de 1993) fue un dibujante y escultor español1 muy conocido por sus composiciones que representan madres e hijos.

Nacido en Cerecinos de Campos, Zamora, España, se trasladó a París, Francia en 1939 donde su escultura tuvo influencias de Constantin Brancusi y Jean Arp. La obra de Baltasar Lobo fue expuesta en la Galerie Vendôme en la Rue de la Paix junto con la de notables artistas como Henri Matisse, Fernand Léger, Maurice Utrillo y Pablo Picasso. Baltasar Lobo fue uno de los artistas que contribuyó al proyecto de la Ciudad Universitaria de Caracas e hizo las ilustraciones para la traducción inglesa de la obra Platero y yo de Juan Ramón Jiménez. En 1984, fue galardonado con el Premio Nacional de Artes Plásticas de España.

Baltasar Lobo murió en 1993 y fue enterrado en París en el Cementerio de Montparnasse. El Museo Baltasar Lobo está en la ciudad de Zamora, próxima a su lugar de nacimiento. Actualmente se está llevando a cabo una rehabilitación del castillo de Zamora a manos de Moneo, con el fin de albergar el museo de Baltasar Lobo.

La vida, del que se iba a convertir en el escultor zamorano de mayor renombre internacional en el siglo XX, arranca un 22 de febrero de 1910 en el seno de una familia humilde de Cerecinos de Campos, Zamora. Ya desde la infancia, su espontánea habilidad para el dibujo y el modelado, así como su temprana y decidida vocación artística, dirigieron sus pasos por el camino de la escultura. Con 12 años entró como aprendiz en el taller del escultor-imaginero Ramón Núñez en Valladolid, a la vez que se iniciaba como modelador en la Escuela de Artes y Oficios. Gracias a una beca en 1927 puede continuar su formación en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, donde también pudo asistir a las clases de Círculo de Bellas Artes, especializándose en la talla directa de la madera y el mármol. Durante estos años descubre con admiración la obra de los grandes artistas españoles del momento, Picasso, Dalí, Miró o Gargallo entre otros.

En 1934 su esposa Mercedes Composada Guillén, Lucía Sánchez Saornil y Amparo Poch y Gascón fundaron la revista Mujeres Libres, que era portavoz de la Federación Mujeres Libres, en pro de la liberación de la mujer obrera. Era una revista para mujeres y escrita por mujeres. Vetó la colaboración de hombres, a excepción del artista Baltasar Lobo, que era ilustrador y maquetista de la publicación.2

Durante la Guerra Civil en el bando republicano se apasiona por las ideas anarquistas, adhiriéndose a la CNT y dibuja para numerosas publicaciones ácratas de la época.

Al final de la guerra en 1939 toma el amargo camino del exilio junto a su esposa Mercedes Comaposada Guillén. Se mueven por varias ciudades francesas hasta fijar definitivamente su residencia en París.

En la capital del arte moderno entabla pronto amistad con Pablo Picasso y el escultor Henri Laurens, en cuyo taller trabajará unos años y de quién tomará su interés por simplificar las formas, su afición por los volúmenes curvilíneos, así como su concepto de estructuración poscubista de la escultura.

Durante la década de los 40 va a ir perfilando su estilo, empezará con una figuración muy simplificada en relación con las formas populares y con un cierto carácter arcaico, por Ej. “Ídolo” (1941), “Campesina” (1942); para continuar por caminos de creciente abstracción y depuración de las formas. Su deseo por indagar en el desnudo femenino se traducirá en una iconografía repleta de “bañistas” y “maternidades” y más tarde en los centauros y las ninfas. Así, a partir de los años 50 veremos un Lobo ya maduro con un lenguaje propio e inequívoco que aúna en sus esculturas la rotundidad de volúmenes con una gran perfección en el modelado de las formas, especialmente elocuente en las piezas realizadas en mármol y bronce pulidos, en las que el escultor aprovecha la plasticidad táctil y luminosa del material hasta obtener obras radiantes, dotadas de una bellísima y oscilante transparencia interior. Ej.: “Levante”(1962), “Al Sol” (1970).

El sentido monumental de su obra alcanzará su plenitud con 2 esculturas urbanas basadas en desnudos masculinos: “A los españoles muertos por la libertad” (1948), monumento en piedra que se levanta en Annecy y “El homenaje al poeta León Felipe” (1983), bronce que encontramos en Zamora.

Desde muy pronto, a diferencia de lo que le pasaría en España, la obra de Lobo fue objeto de una importante difusión dentro de Francia recorriendo también galerías y museos de ciudades como Praga, Bruselas, Luxemburgo, Zürich, Caracas o Tokio, lo que le otorgará desde los años 70 un lugar destacado dentro de la escultura contemporánea europea.

Hasta 1960, en que El Museo de Arte Contemporáneo de Madrid le organiza una retrospectiva, el escultor zamorano no pudo reencontrarse con su público, para el que había pasado demasiado tiempo desapercibido. Posteriormente la Galería Theo seguiría de cerca la trayectoria del artista.

Su reconocimiento internacional se tradujo también en numerosos premios y distinciones como el Premio André Susse de Escultura (1958), el Premio Jacques Lenchener (1974), el Premio Oficial de las Artes y las Letras (Francia, 1981), la Orden Andrés Bello del Gobierno de Venezuela (1989) y la Medalla de Oro Susse Fréres Fondeul. Los galardones en España llegarían necesariamente tras el cambio político: el Premio Nacional de Artes Plásticas de 1984 y el Premio de Castilla y León de las Artes de 1985.

En la década de los 80 afortunadamente se estrecharon sus lazos con la tierra que le vio nacer y que él nunca quiso olvidar, así en 1984 podrá celebrar su primera exposición en Zamora y, dos años después, la VIII Bienal de esta ciudad, le dedicará una sala especial en homenaje a su fructífera trayectoria artística

Por desgracia la muerte le sorprenderá en París a los 83 años cuando estaba preparando, en colaboración con diversas entidades públicas y financieras, un ambicioso proyecto museográfico para la exhibición y estudio de su obra en la capital zamorana, y que en un futuro no muy lejano esperamos se convierta en una total realidad; mientras se encuentra una ubicación definitiva, gracias al Patronato Baltasar Lobo podemos disfrutar de una exposición permanente de parte de su obra en la iglesia románica de San Esteban, acondicionada para tales efectos.

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Ramon Gaya

13. Ramon Gaya

http://www.ramongaya.blogspot.com.es/

Ramón Gaya nace en Murcia, en 1910, hijo de Salvador Gaya, litógrafo, y de Josefa Pomés. Sus padres, catalanes, se trasladaron a Murcia porque Salvador va a participar en la instalación de una litografía. Sus inicios en la pintura van de la mano de los pintores Pedro Flores y Luis Garay, amigos... Ver mas
Ramón Gaya nace en Murcia, en 1910, hijo de Salvador Gaya, litógrafo, y de Josefa Pomés. Sus padres, catalanes, se trasladaron a Murcia porque Salvador va a participar en la instalación de una litografía. Sus inicios en la pintura van de la mano de los pintores Pedro Flores y Luis Garay, amigos de su padre; abandona la escuela siendo casi un niño para dedicarse a la pintura, completando su formación en la pequeña biblioteca de su padre, un obrero catalán culto, anarquizante y wagneriano. Tolstoi, Nietzsche, Galdós, estarán entre sus primeras lecturas, autores que le acompañarán a lo largo de su vida. Gracias a una beca de estudios que le concede el Ayuntamiento de Murcia, a los diecisiete años va a Madrid, visita el Museo del Prado y conoce a Juan Ramón Jiménez y a casi toda la Generación del 27; poco después marcha a París junto a Pedro Flores y Luis Garay, con los que expone en la galería Aux Quatre Chemins. A pesar del éxito de la exposición y de lo atractivo de la vida de París, la pintura de vanguardia le decepciona y pasados unos meses decide regresar. En agosto de 1928 muere su madre en Murcia. En octubre marcha a Altea, donde pasa varios meses pintando y hace crisis su rechazo a la vanguardia.

La proclamación de la Segunda República lo sorprende en Barcelona, donde ha ido para visitar a su padre. En enero de 1932 se encuentra en Madrid, colabora con las Misiones Pedagógicas, realiza varias copias de cuadros del Museo del Prado para el Museo del pueblo, y viaja después con dicho proyecto por los pueblos de España. En junio de 1936, se casa en Madrid con Fe Sanz. Declarada la guerra, forma parte de la Alianza de Intelectuales Antifascistas. En Valencia, en 1937, nace su única hija. Participa en la fundación de la revista Hora de España, de la que es miembro de su consejo de redacción, y de la que será único viñetista. En 1939, en los últimos días de la guerra muere su mujer en el bombardeo de Figueras,al que sobrevive su hija. Con el ejército cruza los Pirineos y pasa dieciséis días en el campo de concentración de Saint-Cyprien. Muere su padre en Barcelona. Junto al grupo de Hora de España, en junio de 1939, embarca en el Sinaia camino de México, donde permanecerá exiliado hasta 1952. Son años de soledad y de intenso trabajo. Los Homenajes a los Grandes Pintores aparecen como tema de sus cuadros, así como hermosos y personalísimos paisajes de Chapultepec y Cuernavaca. Colabora con sus escritos en algunas revistas mexicanas como Taller, El Hijo Pródigo, etc. Se reencuentra con Octavio Paz, al que ha conocido en Valencia durante la guerra, frecuenta al poeta Xavier Villaurrutia, al músico Salvador Moreno, a Octavio Barreda, a Laurette Séjourné y al poeta Tomás Segovia.
Boceto al pastel de Ramón Gaya: Puente de París.

En 1952 vuelve a Europa, donde permanecerá un año recorriendo París, Venecia, Florencia, Roma, París de nuevo y vuelta a México. (En 1984, la editorial Pre-Textos de Valencia publicara su libro: Diario de un pintor, 1952–1953, en el que se recogen las anotaciones de ese año). En 1956 vuelve a Europa y se instala provisionalmente en Roma; se reencuentra con los Grandes Museos, con la gran pintura: Miguel Ángel, Tiziano, Rembrandt, Van Gogh, Cezanne. En Roma vive su gran amiga María Zambrano; gracias a ella conoce a Elena Croce, a Tomaso Carini, y junto a ellos frecuentará a Italo Calvino, Carmelo Pastor, Nicola Chiaromonte, Pietro Citati, Cristina Campo, Elémire Zolla... En sus cuadros aparecen los grandes temas de la pintura: Bautismo, Entierro de Cristo, Noli me tangere, Judith y Holofernes etc. En De Luca, Editore, Roma 1960, aparece su libro Il sentimento della pittura. El cuatro de marzo de 1960 viene a España tras veintiún años de exilio. En Madrid visita el Prado, donde ve de nuevo los Velázquez. Algunos amigos le han organizado una exposición en la galería Mayer de Madrid. La editorial Arión publica su libro El sentimiento de la pintura. Se encuentra con viejos amigos: Bergamín, Leopoldo Panero, Juan Gil-Albert, Juan Bonafé.

A lo largo de la década de los sesenta hará varios viajes a España: Barcelona, Madrid, Murcia, Andalucía, Valencia donde en 1966 conoce a Isabel Verdejo, con la que se casará más tarde. Sus viajes a España se harán más frecuentes. En 1969, en la editorial R.M. de Barcelona aparece su libro fundamental: Velázquez, pájaro solitario. Trabaja en Barcelona en su estudio frente a Santa Maria del Mar. En 1974 y 1975 expone su obra en Murcia y en Valencia, donde vivirá gran parte del año. En 1978 exposición retrospectiva en Madrid, en la galería Multitud. Con Cuca (Isabel), su mujer, viaja a Italia, donde pasa varios mese pintando: Roma, Florencia, Venecia, París. En 1980, por sus setenta años, sus amigos murcianos le ofrecen un homenaje. Se organizan dos exposiciones retrospectivas comisariadas por Manuel Fernández-Delgado y se publica el libro Homenaje a Ramón Gaya publicado por la Editora Regional en el que colaboran entre otros: José Bergamín, María Zambrano, Tomás Segovia, Enrique de Rivas, Giorgio Agamben, Nigel Dennis y los murcianos Soren Peñalver, Pedro García Montalvo, José Rubio Fresneda, y Eloy Sánchez Rosillo que también será el coordinador del libro. En él publicará su texto inédito Huerto y vida. Se va produciendo una recuperación de su figura. En 1984, exposición retrospectiva en Valencia, en el Museo San Pío V, comisariada por Pascual Masiá; la editorial Trieste que dirige Andrés Trapiello publica la segunda edición de su Velázquez, pájaro solitario. Su pintura se hace más esencial, más luminosa.

En 1985 el Ministerio de Cultura le concede la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. En 1989, exposición antológica en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid y en la Iglesia de San Esteban de Murcia. En 1990, en Murcia, se inaugura un Museo dedicado a su obra, dirigido por Manuel Fernández-Delgado, en el se recogen más de 500 obras donadas a la ciudad por el pintor. En 1997, se le concede el Premio Nacional de Artes Plásticas. En 1999, doctor honoris causa por la Universidad de Murcia. En 2000, exposición en el IVAM de Valencia. En 2002, el Ministerio de Cultura le concede Premio Velázquez de Artes Plásticas, en su primera edición. En 2003, exposición en el Museo Reina Sofía de Madrid, que dirige Juan Manuel Bonet. Muere en Valencia el 15 de octubre de 2005.

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Begoña Izquierdo

14. Begoña Izquierdo

http://www.begonaizquierdo.260mb.org/

(Bilbao, 7 de septiembre de 1926 – Madrid, 27 de junio de 1999), una de las principales representantes de la pintura figurativa en españa durante el siglo xx. En 1948 se traslada a Madrid, para estudiar pintura en la Academia de Bellas Artes de San Fernando. Su pintura aúna características del... Ver mas
(Bilbao, 7 de septiembre de 1926 – Madrid, 27 de junio de 1999), una de las principales representantes de la pintura figurativa en españa durante el siglo xx. En 1948 se traslada a Madrid, para estudiar pintura en la Academia de Bellas Artes de San Fernando. Su pintura aúna características del expresionismo, como su fuerza y energía, con una gran poesía y sensibilidad, describiendo en la vida diaria la felicidad y la desdicha de hombres y mujeres. Sus figuras son intemporales, no se atienen a ninguna época histórica ni moda concreta, evolucionando de una temática más universal a una más personal.
En una primera época, la figura humana predomina sobre todo lo demás, para ir poco a poco introduciendo más construcciones y naturaleza, siempre llenas de símbolos en sus composiciones. En sus primeras obras utiliza una gama austera de colores oscuros, pasando por una etapa de estallido de color para finalizar con una época de gran luminosidad. No le importa exagerar las formas de los cuerpos para expresar mejor sus sentimientos, siendo destacable la gran expresividad que tienen las manos en todas sus figuras.

En 1954, obtiene el título oficial de Profesora de dibujo, en las especialidades de pintura y grabado. Realiza su primera exposición compartida con la pintora y grabadora Carmen Arozena en el año 1957, a partir de entonces no dejará de realizar exposiciones individuales y colectivas en España y en el extranjero.

En el año 1963 se dedica temporalmente a la ilustración, realizando dibujos para libros infantiles, La estafeta literaria, Cuadernos Hispanoamericanos, etc. Es en el año 1965 cuando obtiene la pensión March y gana el premio Abril de Pintura.

Aunque su producción principal fue realizada en óleo sobre lienzo, no hay que olvidar sus dibujos a plumilla con una técnica claramente influenciada de sus experiencia en las técnicas del grabado. Fallece en Madrid el 27 de junio de 1999 a los 72 años.

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Antonio Tapies

15. Antonio Tapies

http://www.fundaciotapies.org/site/spip.php?rubrique65

Antoni Tàpies i Puig, I marqués de Tàpies1 (Barcelona, 13 de diciembre de 1923 - ibídem, 6 de febrero de 2012),2 fue un pintor, escultor y teórico del arte español. Uno de los principales exponentes a nivel mundial del informalismo, está considerado como uno de los más destacados artistas espa... Ver mas
Antoni Tàpies i Puig, I marqués de Tàpies1 (Barcelona, 13 de diciembre de 1923 - ibídem, 6 de febrero de 2012),2 fue un pintor, escultor y teórico del arte español. Uno de los principales exponentes a nivel mundial del informalismo, está considerado como uno de los más destacados artistas españoles del siglo XX. La obra del artista catalán goza de un centro de estudio y conservación en la Fundación Antoni Tàpies de Barcelona.

De formación autodidacta, Tàpies creó un estilo propio dentro del arte de vanguardia del siglo XX, en el que se combinaban la tradición y la innovación dentro de un estilo abstracto pero lleno de simbolismo, dando gran relevancia al sustrato material de la obra. Cabe destacar el marcado sentido espiritual dado por el artista a su obra, donde el soporte material trasciende su estado para significar un profundo análisis de la condición humana.

La obra de Tàpies ha tenido una gran valoración a nivel tanto nacional como internacional, estando expuesta en los más prestigiosos museos del mundo. A lo largo de su carrera ha recibido numerosos premios y distinciones, entre los que cabe destacar el Premio de la Fundación Wolf de las Artes (1981), la Medalla de Oro de la Generalidad de Cataluña (1983), el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1990), la Medalla Picasso de la Unesco (1993) y el Premio Velázquez de Artes Plásticas (2003). Como reconocimiento a su trayectoria artística el rey Juan Carlos I le otorgó el 9 de abril de 2010 el título de marqués de Tàpies.

Ha recibido 218 puntos

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Antonio Saura

16. Antonio Saura

http://es.wikipedia.org/wiki/Antonio_Saura

(Huesca, España, 22 de septiembre de 1930 - Cuenca, España, 22 de julio de 1998) pintor y escritor, es considerado como uno de los grandes artistas del siglo XX. Antonio Saura creció durante la Guerra Civil Española en Madrid, Valencia y Barcelona en compañía de sus padres, Antonio Saura Pacheco... Ver mas
(Huesca, España, 22 de septiembre de 1930 - Cuenca, España, 22 de julio de 1998) pintor y escritor, es considerado como uno de los grandes artistas del siglo XX. Antonio Saura creció durante la Guerra Civil Española en Madrid, Valencia y Barcelona en compañía de sus padres, Antonio Saura Pacheco, abogado del Estado y técnico del Ministerio de Hacienda, y Fermina Atarés Torrente, pianista. Fue el primogénito de cuatro hermanos (María del Pilar, Carlos Saura y María de los Ángeles). Debido a una tuberculosis ósea que lo mantuvo cinco años en cama a partir de 1943, empezó a pintar y a escribir en 1947.

Sin educación académica, comienza su carrera artística como autodidacta. Expone por primera vez en 1950 en la librería Libros de Zaragoza y en 1952 en la librería Buchholz de Madrid, donde presenta pinturas oníricas y surrealistas. Tras su traslado a París de 1954 a 1956, se suma en un primer tiempo al Surrealismo, movimiento del que se distancia rápidamente. Inicia trabajos experimentales en series que titula Fenómenos y Grattages. En 1954 abandona la abstracción. En 1956 realiza sus primeras pinturas en blanco y negro a partir de la estructura del cuerpo femenino.

Tras su vuelta a España funda junto a Manolo Millares, Pablo Serrano, Rafael Canogar, Luis Feito y otros artistas el grupo El Paso (1957-1959). Expone por primera vez en París en la Galería Stadler en 1957. El año siguiente, 1958, participa junto con Antoni Tàpies y Eduardo Chillida en la Bienal de Venecia y en 1959 es invitado a la segunda edición de Documenta en Kassel (Alemania). En 1958 pinta sus primeros Retratos Imaginarios de entre los cuales surge la serie Brigitte Bardot. Entre 1957 y 1960 realiza varias series de pinturas de gran formato cuyos temas serán recurrentes a lo largo de su obra: Crucifixiones, Damas, Sudarios, Retratos, Retratos imaginarios, Desnudos, Desnudos-Paisaje, Curas, El Perro de Goya y Multitudes. A partir de esta época el cromatismo de su pintura se limitará, durante largo tiempo, al uso de negros, grises y tierras. Asumidas las tendencias del informalismo europeo y el expresionismo abstracto estadounidense, seguirá una trayectoria personal que hunde sus raíces en la herencia de Velázquez, la pintura barroca española en general, y Goya.

En 1958 inicia, con una serie de litografías titulada Pintiquiniestras, la que será una fértil obra impresa que desarrollará durante toda su vida. Fue prolífica su labor de ilustrador en ediciones de calidad de obras literarias, como el Quijote de Cervantes, el El Criticón de Baltasar Gracián, 1984 de Orwell, Las aventuras de Pinocho de Collodi en la versión adaptada de Christine Nöstlinger, los Diarios de Kafka, o los Sueños y discursos de Quevedo entre otros.

A finales de años 1950 expuso con su compatriota Antoni Tàpies en una muestra conjunta en la Documenta de 1959 en Múnich. Ambos son los principales exponentes del arte informal español.

En 1960 abandona el uso exclusivo del blanco y negro en la pintura al óleo y comienza diversas series de carácter acumulativo y repetitivo que realiza sobre papel. A partir de 1961 expone regularmente en la Galería Pierre Matisse de Nueva York. En 1965 destruye un centenar de sus lienzos. En 1967, traslada su residencia definitivamente a París, expone regularmente en la Galerie Stadler y en el último año de su vida en la Galerie Lelong.

En 1968 deja la pintura hasta 1979, aunque seguirá desarrollando su obra gráfica así como realizando grandes series de pinturas sobre papel, y se dedicará a escribir ensayos sobre arte.

Antonio Saura se casó en primeras nupcias con Gunhild Madeleine Augot en 1954, con quien tuvo tres hijas: Marina (1957), Ana (1959-1990) y Elena (1962-1983). Su segunda esposa fue Mercedes Beldarraín Jiménez. Sus herederas son su hija Marina y su viuda Mercedes.

La mayor parte de la obra de Antonio Saura es figurativa y se caracteriza por el conflicto con la forma. Sus cuadros son expresivos y dan la impresión de ser obsesivos en su franqueza pictórica. Es un conflicto con un mundo lleno de contradicciones y falto de seguridad, en el que impera el pesimismo.

En 1997, Antonio Saura fue nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad de Castilla-La Mancha, la cual ha dado su nombre al edificio de la ciudad de Cuenca que alberga la Facultad de Bellas Artes. Su discurso de aceptación fue leído por su hija, la actriz Marina Saura.

Ha recibido 209 puntos

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Darío de Regoyos

17. Darío de Regoyos

http://es.wikipedia.org/wiki/Dar%C3%ADo_de_Regoyos

(Ribadesella, Asturias, 1 de noviembre de 1857 - Barcelona, 29 de octubre de 1913) fue un pintor español. Hijo del Arquitecto y Ayudante de Obras Públicas Darío Regoyos Morenillo, se trasladó en su juventud a vivir a Madrid. Entró en la Academia de Bellas Artes de San Fernando en 1878. All... Ver mas
(Ribadesella, Asturias, 1 de noviembre de 1857 - Barcelona, 29 de octubre de 1913) fue un pintor español.

Hijo del Arquitecto y Ayudante de Obras Públicas Darío Regoyos Morenillo, se trasladó en su juventud a vivir a Madrid. Entró en la Academia de Bellas Artes de San Fernando en 1878. Allí fue alumno del belga Carlos de Haes.

Invitado por sus amigos Enrique Fernández Arbós e Isaac Albéniz y siguiendo el consejo de Carlos de Haes, Regoyos visitó Bruselas en 1879. Se matriculó en la École Royale des Beaux-Arts. En la capital belga residió diez años, siendo retratado por James Ensor. El mecenas Edmond Picard lo introdujo en el pujante mundo artístico bruselense.

En años posteriores (entre 1881 y 1893) compaginó estancias en Bélgica y los Países Bajos con visitas por la geografía española. Participó en la fundación de varios círculos artísticos como L'Essor o Los XX. Impulsó exposiciones, conciertos y todo tipo de actividades culturales con el objetivo de desarrollar el arte moderno en Bélgica.

En 1883, acompañó a varios colegas en un recorrido por España. Se instaló en el país al año siguiente, y allí se casaría en 1895, aunque siguió efectuando múltiples viajes. Durante este período, la pintura de Regoyos evolucionó del naturalismo al pre-simbolismo de su serie La España negra, y finalmente, ya en su madurez, se movió en un estilo próximo al impresionismo y al puntillismo, siendo en cierta manera más atrevido que Zuloaga y Joaquín Sorolla.

En su etapa madura, realizó abundantes paisajes del natural (plenairismo), de localidades de Vizcaya y Guipúzcoa. Su dibujo resulta un tanto primario, casi naif, en contraste con un colorido vivo de gusto internacional, que entonces era mayoritariamente denostado en España. Existe una amplia muestra de su arte en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, el MNAC de Barcelona y el Museo Carmen Thyssen de Málaga.

Regoyos murió en Barcelona, el 29 de octubre de 1913, aquejado de un cáncer. No demasiado apreciado en vida, tras su fallecimiento se le dedicó una exposición-homenaje en la Biblioteca Nacional de España, en Madrid.

Tiene calles en su honor en Oviedo, Ribadesella, Bilbao, Irún, Errenteria, Azuqueca de Henares y Cabezón de Pisuerga (Valladolid)

Ha recibido 200 puntos

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Pablo Gargallo

18. Pablo Gargallo

http://es.wikipedia.org/wiki/Pablo_Gargallo

Sugerido por Erebos el 29.04.2013 a las 23:58h.

Pablo Emilio Gargallo Catalán (Maella (Zaragoza), 5 de enero de 1881- Reus (Tarragona), 28 de diciembre de 1934). Escultor y pintor español. Considerado uno de los escultores más importantes e innovadores del siglo XX. Pasó parte de su vida en el barrio de Montparnasse de París. En 1903 vivi... Ver mas
Pablo Emilio Gargallo Catalán (Maella (Zaragoza), 5 de enero de 1881- Reus (Tarragona), 28 de diciembre de 1934). Escultor y pintor español. Considerado uno de los escultores más importantes e innovadores del siglo XX.
Pasó parte de su vida en el barrio de Montparnasse de París. En 1903 vivió en la comuna de artistas Le Bateau-Lavoir con Max Jacob, Juan Gris y Picasso, cuya cabeza modeló en una escultura.

Entre sus obras se encuentran tres piezas inspiradas en Greta Garbo: Masque de Greta Garbo à la mèche, Tête de Greta y los Garbo avec chapeau y Masque de Greta Garbo aux cils.

Sin embargo, su obra más conocida es su pieza maestra El profeta, de 1933, que es la culminación de su concepto cubista de escultura del hueco y a la vez posee una energía expresionista que conecta, por el tema tratado, con la tradición bíblica.

Se le considera uno de los artistas más significativos de la vanguardia española e internacional. En 1985 se inauguró el Museo Pablo Gargallo en el Palacio Arguillo de Zaragoza.

Ha recibido 190 puntos

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Mateo Inurria

19. Mateo Inurria

http://es.wikipedia.org/wiki/Mateo_Inurria

(Córdoba, 1867 – Madrid, 21 de febrero de 1924) fue un escultor español. Nace en Córdoba, ciudad en la que se educa y desarrolla gran parte de su actividad como escultor, profesor, restaurador y decorador. Hasta 1883 asiste a los cursos de la Escuela Provincial de Bellas Artes, donde también... Ver mas
(Córdoba, 1867 – Madrid, 21 de febrero de 1924) fue un escultor español. Nace en Córdoba, ciudad en la que se educa y desarrolla gran parte de su actividad como escultor, profesor, restaurador y decorador. Hasta 1883 asiste a los cursos de la Escuela Provincial de Bellas Artes, donde también recibieron formación artística notables creadores durante el último cuarto del siglo XIX: Lorenzo Coullaut Valera, Rafael García Guijo, y los hermanos Romero de Torres, Rafael y Julio. Entre 1883 y 1885 cursa estudios en la Escuela Especial de Pintura, Escultura y Grabado de Madrid. Debido a sus progresos en el aprendizaje académico, la Diputación Provincial de Córdoba le concede una pensión para continuar sus estudios en Madrid hasta 1890, año en que Inurria presenta en la Exposición Nacional de Bellas Artes su obra «Un náufrago», de tal verismo que la mala fe de algunos miembros del jurado lo tachan de vaciado del natural.

Entre 1891 y 1901 Inurria vive inmerso en un ambiente provinciano, poco abierto a la crítica y al público, e inicia su labor como restaurador y profesor. Su escultura supera las restricciones del academicismo y tiende hacia un naturalismo sobrio, de expresión sencilla y carente de detalles anecdóticos, en el que ya se advierte la tendencia a idealizar sus modelos que impregnará su obra de madurez. Inurria se considera a sí mismo un autodidacto, llegando a afirmar: «No he tenido maestro, me he hecho solo». Trabaja la escultura religiosa y conmemorativa, y durante toda su carrera, en Córdoba y en Madrid, recibe abundantes encargos monumentales para homenajear a celebridades de la vida local y nacional, que no siempre llegan a erigirse.
Ensueño (1922, R.A.B.A.S.F., Madrid), obra de madurez de Inurria .

Su vocación docente tiene para él una gran significación. Cree firmemente que mediante la enseñanza se puede contribuir a la mejora del individuo y de la sociedad, económica, industrial y artísticamente. Ejerce como catedrático de Modelado de la Figura y Dibujo del Antiguo en la Escuela Municipal de Artes y Oficios de Córdoba, y en 1901 es nombrado director de la Escuela Superior de Artes Industriales de Córdoba, con atribuciones para programar los estudios de Platería, Guadamecilería, Herrería, Carpintería, Cantería y Cerámica en escuelas-taller. Realiza alguna obra en la línea de denuncia social que triunfa a finales de siglo, como La mina de carbón, y diseños y decoraciones de influencia modernista para la biblioteca del Círculo de la Amistad, Liceo Artístico y Literario de Córdoba, donde ingresa en 1900.

En 1905 el escultor Rodin llega a España acompañado de su íntimo amigo Ignacio Zuloaga. Inurria tiene la ocasión de conocerle y de ser su cicerone en su visita a Córdoba. Desde esta época, Inurria participa periódicamente en los jurados de la sección de escultura de las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes de Madrid.
Ángel orante, de Mateo Inurria. Escultura que se encuentra en el Museo Arqueológico Municipal de Montoro, primera obra documentada del escultor. Obra de juventud que le fue encargada por el arquitecto Amadeo Rodríguez para la hornacina de la fachada del Cementerio de Montoro.

En 1911, Inurria es nombrado profesor de término de Modelado y Vaciado en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid, iniciando una nueva etapa en la que su dedicación a la escultura es más intensa. El hecho de residir en Madrid le facilita un mayor contacto con el mundo cultural y artístico, así como un mayor reconocimiento de su obra. Se concentra cada vez más en su tema preferido: el desnudo femenino, como materialización de un ideal estético en el que se funden la perfección formal, un naturalismo idealizado y sobrio, la sensualidad y el erotismo. Ejemplos de ello son: «Ídolo eterno», «Deseo», «La parra» y «Forma», estas dos últimas pertenecientes actualmente a la colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Obtiene una Medalla de Honor en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1920, y dos años después ingresa en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Fallece en Madrid, en 1924.

Ha recibido 183 puntos

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Juan de Echevarría

20. Juan de Echevarría

http://es.wikipedia.org/wiki/Juan_de_Echevarr%C3%ADa

(Bilbao, 14 de abril de 1875 – Madrid, 8 de junio de 1931) fue un pintor español novecentista, representante del llamado «fauvismo español». Era hijo de Federico de Echevarría y de Felipa Zuricalday. Dada la dedicación paterna a la gran industria, éste parecía iba a ser el destino del futuro... Ver mas
(Bilbao, 14 de abril de 1875 – Madrid, 8 de junio de 1931) fue un pintor español novecentista, representante del llamado «fauvismo español». Era hijo de Federico de Echevarría y de Felipa Zuricalday. Dada la dedicación paterna a la gran industria, éste parecía iba a ser el destino del futuro realista, al que se dio educación muy esmerada, cursando el bachillerato en Angulema, y los estudios superiores en el Colegio Eton (Inglaterra) y en la Universidad de Mittweida (Alemania). Al terminar la carrera y regresar a España, falleció su madre, de la que ha heredado el gusto por la música. Ya no dudó más y marchó a París, concurriendo con cinco lienzos en 1911 al Salón de Otoño, lo que le valió los elogios de Guillaume Apollinaire.

Contrajo matrimonio en la Abadía de Westminster con Enriqueta Normand, y el nuevo matrimonio se instaló en Madrid. En 1916 presentó su primera exposición personal en el Ateneo. En septiembre de 1919 concurrió a la Exposición Internacional de Bilbao, donde le fue reservada una sala. En 1923 y 1926 hizo nuevas exposiciones en los salones de la Sociedad Española de Amigos del Arte, de Madrid. En 1930 pasó a Hendaya a compartir el destierro de su dilecto amigo Miguel de Unamuno. Regresó a Madrid, donde murió el 8 de junio de 1931.

Ha recibido 172 puntos

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Lucio Muñoz

21. Lucio Muñoz

http://es.wikipedia.org/wiki/Lucio_Mu%C3%B1oz

(Madrid, 27 de diciembre de 1929 - 24 de marzo de 1998), fue un pintor abstracto, uno de los máximos exponentes del informalismo español de la segunda mitad del siglo XX. Cursó estudios en la Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, donde fue discípulo de Eduardo Chicharro y compa... Ver mas
(Madrid, 27 de diciembre de 1929 - 24 de marzo de 1998), fue un pintor abstracto, uno de los máximos exponentes del informalismo español de la segunda mitad del siglo XX.

Cursó estudios en la Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, donde fue discípulo de Eduardo Chicharro y compañero de algunos de los que se convertirían en sus mejores amigos. Entre ellos se encontraban una serie de artistas realistas, como Antonio López, Julio López Hernández, Francisco López Hernández, Carmen Laffon o Amalia Avia, con la que se casó en 1960.

En 1956 fue becado por el estado francés para continuar sus estudios en París, donde entró en contacto con el informalismo de pintores como Dubuffet, Fautrier, Wols o Tàpies. A partir de ese momento se adentra en los terrenos de la abstracción, que no abandonará ya en toda su trayectoria. En 1958 empieza a trabajar con la madera. Este material —arañado, quemado, tallado o enmohecido— se convierte a partir de ese momento en una de las señas de identidad más reconocibles de su pintura.

A partir de 1959, participa en las más importantes exposiciones de pintura española en todo el mundo (Bienal de Venecia, Documenta de Kassel, Basilea...). En 1964 se convierte en el primer pintor en exponer individualmente en la galería Juana Mordó, a cuyo grupo de pintores pertenece desde su fundación hasta 1991. En 1989, el Museo Reina Sofía de Madrid realizó una gran exposición antológica sobre su obra. En 1991 firmó un contrato en exclusiva con la Galería Marlborough de Nueva York, con sede reciente en Madrid.

La crítica destacó la potencia expresiva de su pintura, llena de misterio y con una gran presencia de la naturaleza. A ella hay que sumar su obra gráfica (con decisivas aportaciones técnicas al grabado de gran formato) y las obras murales, entre las que destacan el ábside de la Basílica de Aránzazu, en Oñate (Guipúzcoa), y el mural que preside el Pleno de la Asamblea de Madrid.

En 1983, se le concede el Premio Nacional de Artes Plásticas y en 1993 la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.

Falleció el 24 de marzo de 1998, sin ni siquiera poder ver colgada ni ensamblada su última obra, el Mural de la Asamblea de Madrid, que su equipo de ayudantes colgó pocas fechas después.

Ha recibido 146 puntos

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César Montaña

22. César Montaña

http://es.wikipedia.org/wiki/C%C3%A9sar_Monta%C3%B1a

(Vegadeo, 1928- Madrid, 2000) Escultor asturiano. De 1948 a 1953, estudia en la Escuela Superior de Bellas Artes de Madrid, y en 1955 obtiene el Gran Premio de Roma. Residió en Italia hasta 1960, realizando viajes de estudios a través de aquel país, Grecia, Francia, Bélgica, Holanda, Alemania... Ver mas
(Vegadeo, 1928- Madrid, 2000) Escultor asturiano. De 1948 a 1953, estudia en la Escuela Superior de Bellas Artes de Madrid, y en 1955 obtiene el Gran Premio de Roma. Residió en Italia hasta 1960, realizando viajes de estudios a través de aquel país, Grecia, Francia, Bélgica, Holanda, Alemania, Austria e Inglaterra. Posteriormente, consigue los siguientes galardones: en 1962, Premio Nacional de Escultura; en 1963, Primer Premio del Concurso Alhambra, de Escultura al Aire Libre, en Granada. Ha realizado exposiciones, tanto personales como colectivas, en las principales galerías del mundo, destacando las celebradas en Roma, Madrid, México DF, Milán, París, Alejandría, Londres, Nueva York, La Habana, Oslo, Amberes, etc. Sus obras, que han representado a España en numerosas exposiciones internacionales, figuran en los más importantes museos públicos, así como en colecciones particulares.

El material de su escultura es, generalmente, metal, con predominio del bronce. Tiene instalado su estudio en Madrid, ciudad donde reside. Ha expuesto en el Museo Español de Arte Contemporáneo, en Madrid y en la Universidad de Oviedo (1973); en la Galería Ponce, de Madrid (1974); Caja de Ahorros, de Huesca (1976). Destacan sus obras de gran formato, al aire libre, entre las que figuran: Concierto en do mayor, en el Museo Español de Arte Contemporáneo, Madrid; Minero, Museo Estrada Saladich, de Barcelona; Ícaro, Ciudad Universitaria de Oviedo; Gravidez, Museo de Escultura al aire libre Bartolomé March, Palma de Mallorca; Diálogo, Biblioteca Conde de Toreno, en Oviedo; Herrero, Escuela de Formación Profesional, de Vegadeo; Isabel la Católica, patio del Museo de Arte de Ponce, Puerto Rico; Llama olímpico, en el Palacio de Deportes de Oviedo; Monumento a los Reyes Pirenaicos, en Huesca. Casi todas estas obras han sido realizadas en piedra y en bronce. En 1986 fue nombrado director de la Escuela de Artes Aplicadas Central de Madrid. En 1979 reliza una nueva versión de La hilandera, obra realizada en Roma en 1956. En 1980, para el Banco Urquijo de Madrid, realizó la obra Pareja; de 1980, es el Ícaro cero, y de principios de ese decenio la Venus Algálica del Eo. En 1990 es homenajeado en el XXI Certamen Nacional de Pintura de Luarca.

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Emilio Grau Sala

23. Emilio Grau Sala

http://es.wikipedia.org/wiki/Emilio_Grau_Sala

Hijo del dibujante Juan Grau Miró, nace en Barcelona en 1911. Si bien acude a la Escuela de Bellas Artes, su formación se considera mayormente autodidacta. Su primera exposición tiene lugar en 1930, en la “Galería Badriñas” de la misma ciudad. Al estallar la Guerra Civil española (1936), Grau... Ver mas
Hijo del dibujante Juan Grau Miró, nace en Barcelona en 1911. Si bien acude a la Escuela de Bellas Artes, su formación se considera mayormente autodidacta. Su primera exposición tiene lugar en 1930, en la “Galería Badriñas” de la misma ciudad.

Al estallar la Guerra Civil española (1936), Grau Sala abandona España con su esposa, la también pintora Ángeles Santos, y se instala en París. Allí permanecerá durante 25 años.

En París, Grau Sala conoce de cerca las vanguardias pero se decanta claramente por una figuración amable y colorista, derivada del impresionismo y del fauvismo. Era una vía ya asumida por el circuito comercial, superada en cuanto a novedad por el cubismo y el surrealismo, pero que se mantenía viva dentro de un alto nivel gracias a maestros como Pierre Bonnard, Chagall y Raoul Dufy, a los que Grau Sala sigue con una dependencia acaso excesiva. Esta opción estilística del artista condicionó la de su esposa, conduciéndola hacia el paisaje convencional, lo que certificó el fin de Ángeles Santos como singular creadora surrealista, un influjo que los críticos no dudaron en lamentar.

El estilo de Grau Sala, de un vago impresionismo servido con una paleta viva y variada, encuentra puertas abiertas en el mundo editorial y gráfico. Ilustra ediciones de “Madame Bovary”, “Las flores del mal” y “Bel-Ami”, diseña carteles y produce litografías y aguafuertes.

En 1963, Grau Sala retorna a Barcelona, cuando la anquilosada figuración de la España franquista empieza a ser contestada por Oteiza y Chillida, Antoni Tàpies y el colectivo “El Paso” (Antonio Saura, Manolo Millares, Rafael Canogar). Pero él sigue fiel a su estilo, y hasta su muerte en 1975, deja una amplia producción dentro de las mismas coordenadas: figuras femeninas, interiores y paisajes, en una ambientación temporal vagamente clásica, nostálgica del siglo XIX. Una pintura de valor decorativo, que elude todo riesgo y que roza la reiteración y el exceso de blandura.

Tras su muerte, y durante más de una década, el arte de Grau Sala quedó ensombrecido por las múltiples novedades que afluían en la España democrática. Pero a partir de los ’90, el nuevo auge del coleccionismo de nivel medio relanzó a Grau Sala, al entenderle como un intérprete, en clave española y accesible, de un estilo genéricamente etiquetado como “impresionista”. Este repunte en precios no se ha visto acompañado por el apoyo de la crítica y del circuito museístico, que marcan diferencias (seguramente con razón) entre Grau Sala y otras figuras como Darío de Regoyos, Sorolla, Ignacio Zuloaga o Daniel Vázquez Díaz.

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Josep Clara

24. Josep Clara

http://es.wikipedia.org/wiki/Josep_Clara

(Olot, 16 de diciembre de 1878 - Barcelona, 4 de noviembre de 1958) fue un escultor español. Su obra se encuentra enmarcada en el «mediterraneísmo», término para designar especialmente a los artistas plásticos del movimiento noucentista del ambiente catalán,1 su obra es figurativa, sólida y... Ver mas
(Olot, 16 de diciembre de 1878 - Barcelona, 4 de noviembre de 1958) fue un escultor español. Su obra se encuentra enmarcada en el «mediterraneísmo», término para designar especialmente a los artistas plásticos del movimiento noucentista del ambiente catalán,1 su obra es figurativa, sólida y compacta. Inició su formación en la Escuela de Dibujo de Olot con el profesor Josep Berga i Boix (1837-1914) y allí el elogio que le hizo de un dibujo el pintor Joaquín Vayreda (1843-1894),2 fue un gran estímulo y uno de sus recuerdos infantiles más gratos. Más tarde, en 1897 ingresó en la escuela de Bellas Artes de Toulouse (Francia). Sus inquietudes artísticas y después de ganar una mención en un concurso, le hicieron marcharse a París en 1900, donde conoció a Auguste Rodin, lo que le hizo decidirse definitivamente por el arte de la escultura.3 Conoce entre otros artistas al escultor Arístides Maillol con quien mantendrá una gran amistad y una afinidad en el sentido de la escultura, en 1907 presentó la obra Turment (Tormento) en la que se aprecia la influencia y admiración que sentía por Rodin.4 Es alumno también de Louis-Ernest Barrias. Como dibujante destacan los dibujos-apuntes, que realizó a la bailarina Isadora Duncan, en distintos movimientos de danza. Isadora murió en 1927. Después, otra gran bailarina le sirvió de modelo para sus dibujos; Antonia Mercé "La Argentina".

Viajes a Londres, y sobre todo a Italia completan su formación. Vuelve a París donde se convierte en un escultor acreditado. Realiza numerosas exposiciones en galerías y salones de París, Londres, Berlín, Roma y Barcelona. Se traslada definitivamente en 1932 a Barcelona, donde sigue trabajando y exponiendo hasta su muerte, ocurrida el 4 de noviembre de 1958.

Su última escultura fue Estática (1954-1958). La gran parte del legado de sus obras están en el Museo Comarcal de la Garrotxa en Olot (Gerona) y en el Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC) en Barcelona.

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Maruja Mallo

25. Maruja Mallo

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(Vivero, Lugo, 5 de enero de 1902 - Madrid, 6 de febrero de 1995), fue una pintora surrealista española. Poco después del nacimiento de su hermano, Cristino Mallo, la familia se trasladó a Avilés, donde Maruja comenzó a dibujar copiando las ilustraciones que aparecían en las revistas de la época... Ver mas
(Vivero, Lugo, 5 de enero de 1902 - Madrid, 6 de febrero de 1995), fue una pintora surrealista española. Poco después del nacimiento de su hermano, Cristino Mallo, la familia se trasladó a Avilés, donde Maruja comenzó a dibujar copiando las ilustraciones que aparecían en las revistas de la época. Allí trabó amistad con el pintor avilesino Luis Bayón, quien años más tarde también acabaría en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y después tomaría rumbo a París.

En 1922, con 20 años, se traslada a Madrid para estudiar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en donde estudió hasta 1926, como también hizo su hermano Cristino desde 1923. Allí se relaciona con artistas, escritores y cineastas como Salvador Dalí, Federico García Lorca, Margarita Manso, Luis Buñuel, María Zambrano o Rafael Alberti, con el que mantiene una relación hasta que aquel conoce a María Teresa León. En 1927 toma parte activa en la primera Escuela de Vallecas, una propuesta 'plástico-poética' del escultor Alberto y el pintor Benjamín Palencia.1

Durante esa década de 1920 trabaja asimismo para numerosas publicaciones literarias como La gaceta literaria, El almanaque literario o la Revista de Occidente y realiza portadas de varios libros. Ortega y Gasset conoce sus cuadros en 1928 y le organiza una exposición en los salones de la Revista de Occidente. Exhibió diez óleos que representaban poblados llenos de sol, toreros y manolas, así como estampas coloreadas de maquinaria, deportes y cine de principios de siglo. La exposición fue todo un acontecimiento cultural en Madrid, y también punto de partida para que Maruja fuera juzgada por su obra y no por su condición femenina.

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Joaquín Mir

26. Joaquín Mir

http://es.wikipedia.org/wiki/Joaqu%C3%ADn_Mir

(Barcelona, 6 de enero de 1873 - Barcelona, 27 de abril de 1940) fue un pintor español. Estudió en la escuela de Bellas Artes de Barcelona, así como en el taller del pintor Lluís Graner. Formó en 1893 la Colla del Safrà con otros artistas, como Isidro Nonell, Ricard Canals, Ramón Pichot, Juli... Ver mas
(Barcelona, 6 de enero de 1873 - Barcelona, 27 de abril de 1940) fue un pintor español.

Estudió en la escuela de Bellas Artes de Barcelona, así como en el taller del pintor Lluís Graner. Formó en 1893 la Colla del Safrà con otros artistas, como Isidro Nonell, Ricard Canals, Ramón Pichot, Juli Vallmitjana i Colomines y Adrià Gual. En los últimos años del siglo se relaciona con el ambiente artístico de Els Quatre Gats. En 1901 fue a Mallorca con Santiago Rusiñol, y se instaló en La Calobra. Allí hizo algunas de sus mejores pinturas, llenas de colores, pero menos populares, destacando de esta etapa en las pinturas murales que hizo para la casa de su tío y mecenas Avelino Trinxet Casas, de Barcelona, gran industrial textil: la Casa Trinxet, cuyo arquitecto fue Josep Puig i Cadafalch. En 1903 se trasladó a Reus por motivos de salud, y pintó los paisajes de L'Aleixar y Maspujols a partir de 1906. A partir de esta época se reconoció más su obra. En 1913, por razones familiares, se trasladó a Mollet del Vallès, y en 1918 a Caldas de Montbui. En 1921 se casó y se instaló en Villanueva y Geltrú.

En 1930 recibe una medalla de honor por el conjunto de su producción.

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Gerardo Rueda

27. Gerardo Rueda

http://www.arteseleccion.com/maestros-es/rueda-gerardo-41

(Madrid, 23 de mayo de 1926 – 25 de mayo de 1996) fue un pintor y escultor español, de importancia capital en la historia de la pintura abstracta española del siglo XX. Fundó el Museo de Arte abstracto español de Cuenca, junto con Fernando Zóbel y Gustavo Torner. En Madrid cursa sus primeros... Ver mas
(Madrid, 23 de mayo de 1926 – 25 de mayo de 1996) fue un pintor y escultor español, de importancia capital en la historia de la pintura abstracta española del siglo XX. Fundó el Museo de Arte abstracto español de Cuenca, junto con Fernando Zóbel y Gustavo Torner. En Madrid cursa sus primeros estudios, gran parte de los cuales los realiza en el Liceo Francés. Rueda recibe, en los años cuarenta, clases de pintura con Ángel Mínguez pintor de historia. En esa década el artista realiza diversos cuadros del Jardín de Villa San Juan, en San Rafael (Segovia). Durante el año 1943 copia en un pequeño cuaderno de dibujo numerosos cuadros cubistas, que ejercen en él una profunda impresión.

Realiza algunos collages con el tema del bodegón, también de inspiración cubista, y prosigue con la pintura de paisajes. También toma apuntes de la figura humana. Las visiones paisajísticas centran el interés en edificios, agrupaciones urbanas y volúmenes de casas. En 1949 realiza estudios de Derecho en tanto prosigue con la labor pictórica. Primera exposición colectiva del artista, “Fin de temporada” en la Galería de la Revista de Occidente de Madrid.

Sus primeros collages datan de 1953 y son realizados con materiales diversos (cuero, papel, textil, etc.). En ellos aúna la presencia del collage y el dibujo a lápiz.

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María Blanchard

28. María Blanchard

http://www.arteespana.com/mariablanchard.htm

pintora española, nacida en Santander (Cantabria) el 6 de marzo de 1881 y fallecida en París, 5 de abril de 1932. El ambiente familiar, culto y refinado, habrá de influir decisivamente en su formación. Su padre le inculca el amor y el conocimiento del arte, cultivando desde su más temprana edad... Ver mas
pintora española, nacida en Santander (Cantabria) el 6 de marzo de 1881 y fallecida en París, 5 de abril de 1932. El ambiente familiar, culto y refinado, habrá de influir decisivamente en su formación. Su padre le inculca el amor y el conocimiento del arte, cultivando desde su más temprana edad sus dotes para el dibujo y su extraordinaria sensibilidad.

Animada por los suyos emprende decididamente el camino del arte trasladándose en el año 1903 a Madrid donde comienza el desarrollo de su verdadera vocación. Sus primeros pasos vacilantes se dirigen al estudio de Emilio Sala, cuya precisión en el dibujo y exuberancia en el color influirán en sus primeras composiciones. En Madrid siente el rechazo de una sociedad cerrada.

Al año siguiente muere su padre, por lo que toda la familia decide trasladarse a Madrid, fijando su residencia en la calle Castelló nº7.

Estudió en el año 1906 con Fernando Álvarez de Sotomayor y empieza a exponer en Bellas Artes. Dos años más tarde concurre de nuevo, consiguiendo tercera medalla de pintura con la obra Los primeros pasos. Ese año entra en el taller de Manuel Benedito. La diputación de Santander y el Ayuntamiento de su ciudad natal le conceden unas becas que utilizaría para proseguir sus estudios en París y convertirse en la pintora que todos conocemos.

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