Versión impresa

Cantantes o músicos invidentes

Cantantes o músicos invidentes

  • Lista creada por irenegm.
  • Publicada el 08.10.2016 a las 20:22h.
  • Clasificada en la categoría Música.
  • La lista SI admite nuevos comentarios.
  • La lista SI admite que sus elementos sean votados.
  • La lista NO admite que otros usuarios añadan nuevos elementos.

Avatar de irenegm

Último acceso 03.12.2016

Perfil de irenegm

  • Las estadísticas del usuario se mostrarán en los próximos días.

Ver el perfil de irenegm

Acciones de la lista

Estos son los elementos de la lista. ¡Vota a tus favoritos!

1. Ray Charles

Ray Charles

(Ray Charles Robinson; Albany, 1932 - Los Ángeles, 2004) Cantante, instrumentista y compositor estadounidense, una de las figuras más relevantes de la música negra del siglo XX. En su repertorio puede hallarse desde el blues más tradicional o el gospel hasta el jazz o el soul, estilo en el que... Ver mas
(Ray Charles Robinson; Albany, 1932 - Los Ángeles, 2004) Cantante, instrumentista y compositor estadounidense, una de las figuras más relevantes de la música negra del siglo XX. En su repertorio puede hallarse desde el blues más tradicional o el gospel hasta el jazz o el soul, estilo en el que desarrolló una vertiginosa carrera. Es difícil catalogar sus cientos de grabaciones, quizá por el eclecticismo que siempre le caracterizó. Durante su larga carrera fue galardonado con doce premios Grammy.

Ciego desde los siete años, Ray Charles aprendió a leer y componer música en el sistema Braille. Estudió en Florida, en un Instituto de San Agustín, y desde muy niño participó en distintos eventos musicales. Por influencia de su ídolo King Cole, fundó en Seattle, en 1948, un trío llamado McSon Trio (también conocido como Maxim Trio). En 1950 se asoció con Lowell Fulson, cantante y guitarrista de blues y acaso su mejor revulsivo, con quien inició una serie de giras por el país. También participó en las bandas de T-Bone Walker y de Joe Turner, que figuraban entonces entre los abanderados del blues.


Ray Charles

Su trayectoria discográfica se inició en 1953, cuando fue contratado por el agente Ahmet Ertegun, que le introdujo en la compañía Atlantic Records. A partir de entonces Ray Charles sería conocido como una de las figuras señeras e imprescindibles del rhythm & blues. Vivió sucesivamente en diversas ciudades (Nueva Orleans, Texas) y, tras unirse a Ruth Brown, formó una banda en la que también se integraron David Newman (saxo) y Joe Bridgewater (trompeta). A mediados de la década de los años cincuenta Ray Charles creó esa suerte de magnífica fusión entre el blues, el gospel y el swing, e impuso a su música también lo frenético del rock & roll.

Ya con su canción I got a woman (1954) se situó en lo más alto de la música negra. No obstante, esto fue sólo el principio. Después llegarían otros grandes éxitos como Hallelujah o I love her so, en los que introdujo como novedad el piano eléctrico en bandas de rhythm & blues. Estas bandas, por otro lado, se asemejaban ya a grandes orquestas, en las cuales era posible encontrar a trompetistas como Joe Hunt o Marcus Belgrave, saxos como Hank Crawford, David Newman o Don Wilkerson, y contrabajistas como Edgar Willis, además de algún que otro coro femenino (las llamadas Raelets) con cantantes tan sobresalientes como Mary Ann Fisher o Marjorie Hendrix.

Durante los años cincuenta, que fueron mayormente de proyección internacional, participó en proyectos de músicos de jazz muy reconocidos, como es el caso de Milt Jackson (con quien grabó el famoso Soul brothers), Betty Carter, Oscar Pettiford, Kenny Burrell o Billy Mitchell. También triunfó en algunos festivales carismáticos como el de Newport (1958) o en el templo del jazz, el conocido Carnegie Hall (1959). En 1960 visitó Europa y triunfó con su éxito Georgia in my mind; en el viejo continente, en los años ochenta, sería incluso más reconocido que en Estados Unidos.

Ray Charles fue uno de los mitos del rhythm & blues. Su estilo, personalísimo y eficaz, influido en primera instancia por Louis Jordan, Charles Brown y el inefable Nat King Cole, siguió ganando adeptos durante medio siglo y ha hecho de él uno de los personajes más carismáticos de la historia de la música. Su fusión de variados estilos musicales resultó un hallazgo. Conjugó a la perfección rhythm & blues y rock & roll, sin olvidar sus guiños al jazz (por ejemplo, en su colaboración con Benny Carter) u otros estilos tales como el country, la opereta, el gospel o el pop.



Dueño de una voz singular y reconocible por todos, su figura trajeada se convirtió en uno de los iconos más representativos de la música del siglo XX. Su voz rota, marcada y trágica una veces, melodiosa y dulce otros, e instalada en la frontera de sus propios recursos interpretativos, constituyó una de sus mejores dotes, y puede parangonarse con las de Louis Armstrong, Nat King Cole o Bessie Smith. Colaboró también con Frank Sinatra o Ella Fitzgerald, así como con Stevie Wonder.

Como pianista, su estilo también marcado y percusivo fue casi insuperable dentro del estilo del blues negro. Acordes superpuestos, ritmo frenético o melodías suaves y cadenciosas en las baladas son los rasgos musicales más características de Ray Charles al piano. Tocaba también, aunque muy anecdóticamente, el saxo. Su inmensa popularidad lo llevó a incursionar en el cine: algunas de sus películas fueron Swingin’ alone, de Charles Barton (1960), o Ballad in blue, de Paul Henried (1964). En 1978 publicó su autobiografía, Brother Ray.

Una enfermedad hepática, que arrastró durante mucho tiempo, no le impidió, pocas semanas antes de su muerte, celebrar su concierto número 10.000 en el Teatro Griego de Los Ángeles, todo un hito en el mundo de la música. Su funeral, al que acudieron 1.500 personas dentro del recinto religioso y cientos de admiradores en el exterior, contó con las sentidas aportaciones musicales de otras leyendas de la música, como B.B. King, Steve Gander o Willie Nelson. La última grabación que hizo en vida, un disco de duetos titulado Genius loves company (en el que participaron entre otros Norah Jones, Van Morrison y B.B. King) fue un auténtico éxito de ventas que se colocó en el número 2 de las listas de los más vendidos de Estados Unidos. En febrero de 2005, el disco fue galardonado con ocho premios Grammy en la 47ª edición de este certamen, entre ellos el de mejor álbum, al que hay que añadir el dúo que formó con la cantante Norah Jones, que fue merecedor de otro premio a la mejor grabación del año. En enero de 2005 se estrenó un largometraje sobre su vida titulado Ray, dirigido por Taylor Hackford e interpretado por Jamie Foxx, quien ganaría por su papel el Oscar al mejor actor.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies
© Biografías y Vidas, 2004-2016
¿Desea reproducir alguna biografía en su web?

Ha recibido 506 puntos

Vótalo:

2. Stevie Wonder

Stevie Wonder

Stevland Hardaway Morris, conocido artísticamente como Stevie Wonder (de nacimiento Stevland Hardaway Judkins, Saginaw, Míchigan, 13 de mayo de 1950), es un cantante, compositor, productor discográfico y activista social estadounidense. Wonder ha grabado más de 30 éxitos de ventas, ha recibido... Ver mas
Stevland Hardaway Morris, conocido artísticamente como Stevie Wonder (de nacimiento Stevland Hardaway Judkins, Saginaw, Míchigan, 13 de mayo de 1950), es un cantante, compositor, productor discográfico y activista social estadounidense. Wonder ha grabado más de 30 éxitos de ventas, ha recibido 25 premios Grammy, entre ellos uno por logros en su vida, y ha sido incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll de los compositores famosos.
Siendo ciego desde la infancia, Wonder se ha convertido en uno de los más exitosos y reconocidos artistas en la compañía discográfica Motown, con más de 100 millones de discos vendidos. Ha grabado diversos discos y sencillos que fueron aclamados por la crítica; también ha escrito y producido para otros artistas. Wonder toca diversos instrumentos como la batería, bajo, congas, y, más notablemente el piano, la armónica y el teclado. Los críticos refieren que la alta calidad y versatilidad de su trabajo indica todo el genio musical de Stevie.
Índice [ocultar]
1 Biografía y carrera musical
1.1 Infancia
1.2 Década de 1970
1.3 Década de 1980
1.4 Década de 1990
1.5 Década de 2000
1.6 Década de 2010
2 Premios
3 Grammy
4 Discografía
5 Enlaces externos
Biografía y carrera musical[editar]
Infancia[editar]
Stevland Hardaway Judkins nació en Saginaw (Míchigan) en 1950 siendo el tercero de los seis hijos de Calvin Judkins y Lula Mae Hardaway. Debido a su nacimiento prematuro (siete semanas antes) no desarrolló las retinas, quedando ciego. A los cuatro años, su madre dejó a su padre y se trasladó a Detroit con sus hijos adoptando de nuevo su apellido de soltera y cambiando a Morris el de sus hijos, siendo Stevland Hardaway Morris su nombre a efectos legales desde entonces. Aprendió desde muy pequeño a tocar gran cantidad de instrumentos, destacando con el piano, la batería, el bajo y la armónica. En su niñez fue muy activo en el coro de su iglesia.
Década de 1970[editar]
Esta es la época más gloriosa de Stevie quien abandonó definitivamente la coletilla de «pequeño Stevie» cuando se casó con Syreeta Wright, que trabajaba en el departamento de distribución de la Motown, y que colaboraría en la composición de algunos de los temas de los primeros discos de Stevie de la década de 1970. Su matrimonio no duró mucho, pero ambos continuaron cultivando una buena amistad hasta la muerte de Syreeta en 2004. Tras divorciarse de Syreeta, Stevie se volvió a casar con otro miembro de la Motown, Yolanda Simmons, con la que tiene dos hijos, Aisha Zakiya y Keita Sawandi.
En 1972 Stevie conoció a Johanan Vigoda, un abogado que consiguió que el artista firmara un contrato millonario, concediéndole al mismo tiempo una libertad creativa inimaginable en aquellos momentos dentro de una compañía tan férrea como era la Motown. El primer disco que Stevie grabó bajo esta nueva política fue Music of my Mind, en el que el cantante se hacía cargo, por primera vez en la historia, de la grabación de prácticamente todos los instrumentos del disco, además de ejercer las tareas de producción, composición y arreglista. En ese mismo año graba, la canción que es probablemente su méjor exito: Superstition.
En el verano de 1973, Stevie sufrió un accidente de tráfico que lo mantuvo en coma durante varios días y a consecuencia del cual el músico perdió el sentido del olfato, pero a pesar de este incidente, el resto de la década resultó gloriosa: de 1974 a 1977 Wonder ganó 14 Grammys incluyendo tres «discos del año» seguidos por Innervisions, Fullfillingness first finale y Songs in the Key of Life, para muchos uno de los mejores discos de la historia. Fue un periodo muy rico en creatividad y premios para Stevie, precursor en el empleo de sintetizadores y fuente de inspiración para los músicos venideros y de la época.
La década acaba con una banda sonora para el falso documental The secret life of plants, que a pesar de no cosechar el inmenso éxito comercial del disco anterior, obtuvo el disco de platino.
Década de 1980[editar]
La década empieza con un nuevo trabajo, Hotter Than July, que recibe los años 1980 a ritmo de reggae con el hit "Master Blaster", y que abre a Wonder a una audiencia más amplia. El artista inicia una lucha para conseguir que la fecha de nacimiento de Martin Luther King fuese declarado un día festivo en Estados Unidos. Efectúa colaboraciones importantes como "Ebony and ivory", junto a Paul McCartney, "Can't Help Loving That Man Of Mine", junto a Barbra Streisand o "Just good friends", junto a Michael Jackson, y recibe un nuevo Grammy por "We are the world". Publica un grandes éxitos, Musiquarium, en 1982, con cuatro temas inéditos y en 1984 lanza The woman in red, para la banda sonora de la misma película, consiguiendo un Óscar por la canción "I Just Called to Say I Love You". Publica además los discos In Square Circle y Characters. La década acaba con la inclusión del artista en el Rock and Roll Hall of Fame en 1989.
Década de 1990[editar]
Después de publicar la banda sonora de la película de Spike Lee Jungle Fever, Wonder se dedicó a actividades benéficas, retirándose parcialmente de los escenarios. Recibió el premio Grammy a toda una vida y grabó, en 1996, Conversation Peace, un nuevo disco que le reportó dos Grammys. Además de sus colaboraciones con Luciano Pavarotti, Cristian Castro y de su participación en la banda sonora de la película de Disney Mulan, Wonder inició una gira mundial que culminó con la grabación de un doble disco recopilatorio grabado en directo y editado por Motown.
Década de 2000[editar]
Hubo que esperar diez años para una nueva publicación, que finalmente vio la luz en 2005 con el nombre de A Time to Love. El fallecimiento de personas cercanas y queridas para el artista como Syreeta Wright (su ex mujer y colaboradora en los años setenta), su madre Lula Mae Hardaway, Michael Jackson, su hermano Larry Hardaway, Ray Charles, Gerald Levert, Luther Vandross, significan un período triste para Stevie Wonder. Como nota positiva, Stevie recibe la notificación por parte de la Industry Association of America (RIAA) del certificado de 10 millones de unidades vendidas del mítico doble LP Songs in the Key of Life, siendo elegido dicho disco también para formar parte de Library of Congress (la Biblioteca del Congreso estadounidense).

Wonder durante una conferencia en Salvador de Bahía, Brasil
La lista de 2003 de la revista Rolling Stone con los 500 discos más grandes de toda la historia incluyó cuatro de Stevie Wonder, además en 2008 la misma revista le consideró uno de los diez mejores cantantes de todos los tiempos.
En 2006 grabó junto a Andrea Bocelli, Canciones desafinadas – Canzoni stonate. En 2007 realizó su primera gira en diez años por los Estados Unidos, que continúa al año siguiente por Europa, Canadá y Australia.
Durante la campaña presidencial estadounidense de las elecciones de 2008, Stevie manifestó su apoyo al candidato demócrata Barack Obama.

Stevie Wonder junto a Usher y Shakira en la presentación inaugural del presidente Barack Obama
El 23 de febrero de 2009 recibió el Gershwin Prize otorgado por la Biblioteca del Congreso de los EE.UU. por su contribución a la música y expansión de la cultura en general. En marzo de ese mismo año publicó su primer DVD oficial, su título Live at Last, con el contenido de su concierto celebrado en octubre del año anterior en Londres.
En la ceremonia de entrega de los premios Grammy's 2009 actuó junto a los Jonas Brothers, interpretando "Burnin' up" y "Superstition".
Actualmente comparte su vida con la diseñadora de moda Kai Milla, que le ha dado dos hijos más, el último nacido en 2005, el mismo día de su cumpleaños. En total, Wonder es padre de diez hijos.
Entre sus futuros proyectos discográficos se cuentan The Gospel Inspired by Lula, un disco de gospel en homenaje a su madre fallecida en 2006, y otro titulado Through the Eyes of Wonder.
Década de 2010[editar]
En 2013 pusieron su canción Skeletons en el segundo tráiler de Grand Theft Auto V, la cual también se escucha en las radios del juego. Además participará en una de las canciones del nuevo disco de Mariah Carey The Art Of Letting Go, la cual tendría por nombre «I'll Still Be Around».
En la gala de los premios Grammy's 2014 actuó junto a Daft Punk, Pharrell Williams y Nile Rodgers interpretando la galardonada "Get Lucky". Ese mismo año aparece en el último disco de Céline Dion, donde interpretan a dueto Overjoyed.
Premios[editar]
2013 MAMA awards "music makes one global ambassador award"
2012 Billboard Icono
2012 Premio BET de honor
2011 Inducido en el Apollo Hall of Fame de Nueva York
2010 Commandeur des Arts et des Lettres (Paris)
2009 Library of Congress Gershwin Prize
2008 Hall of Fame Award
2006 Lifetime Achievement Freedom Award
2006 National Artistic Achievement Award
2005 Lifetime Achievement Award (city Detroit)
2004 Billboard Century Award
2002 Songwriters' Hall of Fame
1999 MusiCares Person of the Year
1998 United in Recovery's Ambassador of Peace Award
1996 NARAS Lifetime Achievement Award
1989 Incluido en el Rock 'N Roll Hall Of Fame
1985 Oscar - Best Original Song (por la película The woman in red)
1985 NARM Artist of the Decade
1984 ASCAP Founders Award
1974 NARM Presidential Award
1969 US Distinguished Service Award
1973-2006 Recibe 25 premios Grammy
Grammy[editar]
Año Premio Título
1973 Premio Grammy mejor canción R&B Superstition
1973 Premio Grammy mejor interpretación vocal R&B masculina Superstition
1973 Premio Grammy mejor interpretación vocal pop masculina You are the sunshine of my life
1973 Premio Grammy mejor productor del año Innervisions
1973 Premio Grammy mejor álbum del año Innervisions
1974 Premio Grammy mejor canción R&B Living for the city
1974 Premio Grammy mejor interpretación vocal R&B masculina Boogie on reggae woman
1974 Premio Grammy mejor interpretación vocal R&B masculina Fulfillingness’ first finale
1974 Premio Grammy mejor productor del año Fulfillingness’ first finale
1974 Premio Grammy mejor álbum del año Fulfillingness’ first finale
1976 Premio Grammy mejor interpretación vocal R&B masculina I wish
1976 Premio Grammy mejor interpretación vocal pop masculina Songs in the key of life
1976 Premio Grammy mejor productor del año Songs in the key of life
1976 Premio Grammy mejor álbum del año Songs in the key of life
1985 Premio Grammy mejor interpretación vocal R&B masculina In square circle
1986 Premio Grammy mejor interpretación vocal pop a dúo o grupo (Dionne Warwick, Elton John, Gladys Knight, S. Wonder) That's what friends are for
1995 Premio Grammy mejor canción R&B For Your Love
1995 Premio Grammy mejor interpretación vocal R&B masculina For Your Love
1996 Premio Grammy a toda una vida
1998 Premio Grammy por mejor arreglo y acompañamiento vocal/instrumental (Herbie Hancock, Robert Sadin y S. Wonder) St. Louis Blues
1998 Premio Grammy mejor interpretación vocal R&B masculina St. Louis Blues
2002 Premio Grammy mejor interpretación vocal R&B a dúo o grupo (Take 6 y S. Wonder) Love’s in need of love today
2005 Premio Grammy a la mejor interpretación vocal pop masculina From the bottom of my heart
2005 Premio Grammy mejor interpretación vocal R&B a dúo o grupo (Beyoncé Knowles y S. Wonder) So amazing
2006 Premio Grammy a la mejor colaboración pop vocal (Tony Bennett y S. Wonder) For once in my life
Discografía[editar]
Tribute To Uncle Ray (1962)
The 12 Year Old Genius (1963) Motown
With A Song In My Heart (1963)
The Jazz Soul Of Little Stevie (1963)
Stevie At The Beach (1964)
Down to Earth (1966)
Uptight (everything's alright) (1966)
Someday At Christmas (1967)
I Was Made To Love Her (1967)
Eivets Rednow (Featuring Alfie) (1968)
For Once In My Life (1968)
Greatest Hits (1968) Motown
My Cherie Amour (1969)
Live at the Talk of The Town (1970)
Signed, Sealed & Delivered (1970) Motown
Live In Person (1970) Motown
Where I'm Coming From (1971) Motown
Stevie Wonder's Greatest Hits Vol. 2 (1971) Motown
Music of My Mind (1972) Motown
Talking Book (1972) Motown
Innervisions (1973) Motown
Fulfillingness' First Finale (1974) Motown
Songs in the Key of Life (1976) Motown
Looking Back (1977) Motown
Journey Through the Secret Life of Plants (1979) Motown
Hotter Than July (1980) Motown
Original Musiquarium I (1982) Motown
The Woman In Red (1984) Motown
I Just Called to Say I Love You (1984)
In Square Circle (1985) Motown
We are the world (1985) motown
Characters (1987) Motown
Jungle Fever (1991) Motown
Conversation Peace (1995) Motown
Natural Wonder (1995) Motown
Song Review (1996) Motown
Ballad Collection (1999) Universal
At The Close Of a Century (1999) Motown
Bamboozled (2000) Motown
Stevie Wonder: The Definitive Collection (2002) Motown
Conception: An Interpretation of Stevie Wonder's Songs (2003) Motown
A Time To Love (2005) Motown
The Complete Stevie Wonder (2005) Motown
Number Ones (2007) Motown

Ha recibido 500 puntos

Vótalo:

3. Andrea Bocelli

Andrea Bocelli

Andrea Bocelli (Lajatico, Pisa, Italia; 22 de septiembre de 1958) es un tenor, músico, escritor y productor musical italiano. Ha grabado diez óperas completas (Andrea Chénier, Carmen, Cavalleria Rusticana, Il Trovatore, La Bohème, Manon Lescaut, Pagliacci, Roméo et Juliette, Werther y Tosca... Ver mas
Andrea Bocelli (Lajatico, Pisa, Italia; 22 de septiembre de 1958) es un tenor, músico, escritor y productor musical italiano. Ha grabado diez óperas completas (Andrea Chénier, Carmen, Cavalleria Rusticana, Il Trovatore, La Bohème, Manon Lescaut, Pagliacci, Roméo et Juliette, Werther y Tosca), además de discos con canciones clásicas y de música pop. Es un cantante conocido internacionalmente que ha vendido más de 75 millones de discos en todo el mundo.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Carrera musical
2.1 2000-2001
2.2 2002-2003
2.3 2004-2007
2.4 2008- actualidad
3 Participación en ópera
4 Colaboraciones
5 Tesitura y tipo de voz
6 Vida personal
7 Premios
8 Honores
9 Charts de Time to Say Goodbye
10 Discografía
10.1 Pop
10.2 Clásica
10.3 Ópera
10.4 Discografía en castellano
10.5 Sencillos
10.6 DVD
10.7 Canciones en Español
11 Referencias
12 Enlaces externos
Biografía[editar]
Nació el 22 de septiembre de 1958 en Lajatico, un pueblo de la campiña Toscana. A los 6 años comenzó a estudiar piano y luego comenzó con la flauta y el saxofón. Andrea Bocelli nació con glaucoma congénito que le dejó parcialmente ciego. A la edad de 12 años, a causa de un golpe en la cabeza durante un partido de fútbol, la ceguera se hizo total. Decidido a no dejar que esto destruyera su carrera, siguió adelante con la gran fuerza de voluntad que ya poseía a esa edad. Su pasión por la música le llevó a ofrecer pequeñas actuaciones en celebraciones familiares. Al terminar la escuela media, se inscribió en la Universidad de Pisa, llegando a licenciarse en Derecho, aunque en ningún momento dejó de lado su verdadera pasión. Fue capaz de compatibilizar las clases de Derecho con las clases de canto que recibió del maestro y gran tenor italiano Franco Corelli. También actuó en numerosos locales, lo que le permitió perfeccionar su técnica vocal.
En el año de la grabación de la demo Bocelli contrajo matrimonio con Enrica Cenzatti, a quien conoció en 1987 cuando tocaba el piano en bares.
Carrera musical[editar]
2000-2001[editar]
En el 2000 Bocelli recibe dos nominaciones a los premios Grammy, realiza una gira llamada "World Tour 2000" su álbum Sacred Arias es escogido por los oyentes de una emisora de Reino Unido como el álbum del año, y se convierte en el álbum de clásicos más vendido, publicado por un solo artista. Bocelli es inscripto en el Libro de los Récords Guinness quedando entre los primeros lugares, durante casi tres años y medio.
Continúa en el ámbito clásico y ya no como principiante graba un álbum en honor a su compositor favorito Giuseppe Verdi, titulado de la misma forma "Verdi". Poco después sale a la venta "La Bohème" de otro de sus compositores favoritos Giacomo Puccini, ahora con el maestro Zubin Mehta en la dirección.
Siguiendo con el tributo a Verdi, graba el Réquiem completo junto a la reconocida soprano Renée Fleming y con el director de orquesta Valery Gergiev, un réquiem con excelente sonido contemporáneo, con la fuerza característica de Gergiev, acompañados de la Orquesta y Coros de Kirov del Teatro Mariinsky en St. Petersburgo, pero con una crítica negativa hacia la participación del tenor Andrea Bocelli. A pesar de ello Andrea se enfrenta a todas las críticas con la aceptación del público y acompaña a Zubin Mehta a diferentes ciudades junto a Renée Fleming compitiendo con las demás versiones del Réquiem realizadas por maestros como Claudio Abbado y Riccardo Muti.
Cieli di Toscana es su nuevo álbum Pop, colabora con Bono nuevamente y con Hélène Segara. A partir de este álbum empieza a tener cierta amistad con el productor musical David Foster, quien ha colaborado con otros artistas internacionales como Madonna, Céline Dion, Chris Botti, Josh Groban, Kenny G, Whitney Houston, Toni Braxton, así como se le ha conocido como el gran descubridor de talentos creando el grupo The Corrs y a nuevos talentos como Heather Headley, Michael Bublé y su más nuevo descubrimiento Charice.
En el 2001, Andrea publicó su libro autobiográfico "La música del silencio" y termina el año con otro álbum pop de gran éxito: "Cieli de Toscana". El disco es un nuevo triunfo en el pop y música clásica en todo el mundo y le permite a Bocelli ganar dos Classical Brit Awards, incluso como "Álbum del Año". Para apoyar este proyecto, Bocelli es el protagonista de una serie de conciertos que le llevó a realizar desde China hasta el Madison Square Garden en Nueva York. Bocelli es el primer cantante que ofrece un concierto frente a la Estatua de la Libertad, a pocos días de que su padre muriera, a quien dedica Sogno al finalizar el concierto, acompañándose de Sarah Brightman y la soprano Ana María Martínez. También realiza un concierto memorable en las pirámides de Egipto, convirtiéndose ya en un artista de popularidad mundial.
2002-2003[editar]
En el 2002, graba el álbum "Sentimento" con el maestro Lorin Maazel. Realiza junto con Zubin Mehta varios conciertos entre ellos varias presentaciones del Réquiem de Verdi junto a la soprano Rennè Fleming. Canta para los presidentes George W. Bush y Silvio Berlusconi, además de cantar nuevamente junto a Pavarotti, debutar en "Madame Butterfly", realiza el "Sentimento Tour" ganando varias nominaciones y premios como mejor cantante clásico.
Andrea retoma la ópera y regresa con 2 grandes producciones Tosca e Il Trovatore. Zubin Mehta acompaña en Tosca a Andrea con la soprano Fiorenza Cedolins. En Il Trovatore dirige Steven Mercurio y lo acompaña la soprano Veronica Villaroel.
Su trabajo es ininterrumpido y sale a la venta otro álbum pop llamado Andrea, que rápidamente logra tener éxito con canciones como "Dell'amore Non Si Sa" del cual se realiza el video en Italia. Se incluyen además dúos como "Go Where Love Goes" con Holly Stell, "Sin Tu amor" con el último de la dinastía flamenca Gipsy Kings Mario Reyes y una nueva versión de "Dellamore Non Si Sa" para el álbum Odyssey con Hayley Westenra.
Ahora en el ámbito de la ópera, sale a la venta Werther de Massenet quien ahora dirige Mercurio. Junto a la soprano Julia Gertseva y con la Orchestra del Teatro Bolona.
En 2003, es invitado por su amigo Pavarotti para cantar junto a él en una nueva edición del "Pavarotti & Friends". Realiza grandes giras por Europa y América al lado de Ana María Martínez y Steven Mercurio. Sin embargo, al final del año, sufre la muerte de su maestro Franco Corelli.
2004-2007[editar]
En 2004, Andrea comienza a realizar giras por Asia y ya como tenor más maduro realiza Tosca, Werther y aparece el álbum Il Trovatore con la ópera completa. Además lanza un nuevo álbum totalmente Pop llamado Andrea con el que inicia una nueva gira mundial.
Durante 2005, sigue con la presentación de la ópera Werther y al finalizar el año realiza un concierto especial (su primer concierto Pop) en Las Vegas con música de autores latinos entre ellos, Consuelo Velázquez, Armando Manzanero, Agustín Lara, Julio Iglesias, José María Lacalle, entre otros.

Teatro del Silenzio en Lajatico.
En 2006, lanza su CD Amore, junto a sus amigos productores David Foster, Tony Renis y Humberto Gatica, el que incluye temas con los que empezó su carrera por los bares de Italia. Canta en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos en Turín, Italia con el tema Because We Believe de su álbum Amore. Inaugura el Teatro del Silenzio con un concierto totalmente clásico, ubicado en su ciudad natal Lajatico y cierra el año presentándose en ciudades de EE. UU. y en la Ciudad de México acompañado de Armando Manzanero. Junto con este álbum se incluyen varias versiones en italiano, inglés y una totalmente en castellano únicamente para los países latinos con canciones como "Bésame Mucho", "Somos Novios" al lado de Christina Aguilera, "Verano" con Chris Botti, "Me faltas" con Kenny G, "Las Hojas Muertas" con Veronica Berti, "Canción Desafinada" con Stevie Wonder, entre otras, que tuvo gran aceptación por toda la población de habla hispana.
En 2007, lanza las óperas Pagliacci y Cavalleria Rusticana. Además ofrece un concierto Pop memorial en el Teatro del Silenzio al lado de sus más grandes amigos: Sarah Brightman, Elisa, Laura Pausini, Heather Headley, Chris Botti, Kenny G, Lang Lang y el productor David Foster. En este mismo año muere su gran amigo Luciano Pavarotti, a quien canta el Ave Verum Corpus de Mozart en la Catedral de Módena. En ese mismo año, para celebrar sus más grandes éxitos, graba nuevos temas de estudio recopilados en el álbum titulado The Best of Andrea Bocelli: Vivere.
Para la presentación de su disco Amore, Andrea realiza un concierto privado en Las Vegas, el cual lanza en DVD (Under The Desert Sky). Como parte de la presentación preliminar del álbum, Andrea es invitado a la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Invierno en Turín, Italia en donde interpreta el tema Because We Believe compuesto por él mismo y con música de David Foster. Recorre gran parte del mundo con su álbum Amore y salen a la venta Cavalleria Rusticana de Pietro Mascagni y Pagliacci de Leoncavallo, dos proyectos que desde 2001 había grabado. Steven Mercurio dirige estas óperas acompañado de la soprano Ana María Martínez en Pagliacci y la soprano Paoletta Marrocu en Cavalleria Rusticana.
Andrea celebra 15 años de carrera, a partir de 1992, y saca a la venta "Vivere: The Best Of Andrea Bocelli" una recopilación de sus más grandes éxitos con nuevos arreglos y con nuevas versiones de estudio. Además, el álbum sale en una versión en castellano donde se incluyen duetos con Laura Pausini en "Vive ya" y Dulce Pontes "El Mar y Tú". También se re-edita el concierto ante la Estatua de la Libertad en 2001 y se vende en una edición especial limitada.
Con gran actividad, Andrea ofrece un concierto inolvidable en el Teatro del Silenzio. Colabora en otras producciones como "Italia" de Chris Botti, dónde se graba un video en las calles de Italia. "Io Ci Saró" con Lang Lang y en "Conradiana" de Ennio Morricone.
2008- actualidad[editar]
En enero sale a la venta el DVD/CD Vivere Live in Tuscany, una presentación digital en alta definición y con pistas bonus como "Domani", "Se la Gente Usasse il Cuore" y "Mille Lune, Mille Onde" grabada en vivo desde Lajatico.
De nuevo en la ópera, Andrea lanza una grabación que había hecho en 2005: Carmen de George Bizet. Ahora dirige Myung-Whung Chung con la mezzosoprano Marina Domashenko y el exitoso bajo-barítono Bryn Terfel. Incluye su debut en el Teatro de la Ópera de Roma con varias actuaciones en el papel principal de Don José.
Realiza su tercer concierto en el Teatro del Silenzio para presentar su nuevo álbum "Incanto" que incluye canciones clásicas italianas del cine como "Voglio Vivere Cosi", "Funiculí, Funiculá", "Mamma", "O Surdato Nnammurato", "Vieni Sul Mar", "Granada", "Non Ti Scordar di Me" y algunas más, álbum que muestra a un tenor maduro, con nuevas aptitudes y con apreciaciones distintas para ser parte de las leyendas operísticas. Sigue con varias participaciones en festivales como la Gala de Mascagni, Cavalleria Rusticana y presentaciones con el tenor Plácido Domingo. Finalmente cierra el año con presentaciones para la televisión y un concierto en la Catedral del estado de Campeche en México como parte del XII Festival Internacional del Centro Histórico de Campeche en el que se han presentado diversos grupos de música y artistas internacionales como Il Divo.
En vista del éxito que ha ganado mundialmente y a pesar de las duras críticas a las que se ha enfrentado durante distintas etapas de su carrera, Andrea Bocelli, se reconoce ya como una leyenda única por su repertorio Pop y Ópera, distinguiendo un Classical Crossover en el que se ha coronado como uno de los mejores de este género, junto a Sarah Brightman. Por las dimensiones discográficas, se puede recordar al éxito de Domenico Modugno en 1958 con "Volare"; sin embargo, este gran éxito no parece que vaya a afectar la filosofía de vida del tenor toscano ni a alejarlo de su familia, de sus amigos y del amor por la campiña toscana.
En 2009, realiza una nueva gira y llega a Sudamérica. Perú es uno de los países visitados y su recital capta a más de 20 mil personas y viaja a la República Dominicana presentando su gira Incanto el 30 de abril.
Una de las actuaciones más importantes se realizó el día 27 de mayo en el Estadio Olímpico de Roma, en la final de la temporada 2008-09 de la Liga de Campeones de la UEFA que enfrentaba al Manchester United y F.C. Barcelona, que fue el vencedor de esta edición. La pieza musical cantada por Andrea fue una elegida por la BSO de Gladiator y también cantó el Himno de la Liga de Campeones de la UEFA.[1]
El 31 de enero de 2010, durante los premios Grammy, Bocelli, Mary J. Blige y David Foster, unieron sus voces otra vez, cantando Bridge over Troubled Water para concientizar sobre las víctimas del terremoto de Haití. Los tres habían hecho previamente una aparición en Larry King Live de CNN.
El 1 de marzo, Bocelli, junto con David Foster, fueron honrados por L.A. Italia Film, Fashion and Art Fest durante una ceremonia en Grauman's Chinese Theatre, en Hollywood, en donde se mostró un documental de la vida y la carrera de Bocelli, titulado "The Story Behind The Voice".
El 12 de marzo, Bocelli hizo una aparición en Skavlan, en Oslo, Noruega, para promover su gira escandinava, dando una excepcional entrevista al conductor del programa Fredrik Skavlan, y más tarde interpretando "Voglio Vivere Cosi", de su álbum Incanto, con el Coro de niños noruegos, Sølvguttene.
En abril, volvió a Escandinavia, para un concierto en el Telenor Arena, en Oslo, Noruega, el 8 de abril, un concierto en el Foro de Copenhague, en Copenhague, Dinamarca, el 9 de abril, y finalmente un concierto en el Ericsson Globe en Estocolmo, Suecia, el 11 de abril. A él se unieron la ganadora de los Premios Tony Heather Headley y 120 músicos de la Orquesta Filarmónica de Estocolmo, en los tres conciertos, también la sueca mezzosoprano Malena Ernman en su concierto de Suecia.
El 30 de abril, Bocelli cantó Nessun Dorma, durante la ceremonia de inauguración de la Expo 2010, en Shanghái, China, frente a veinte jefes de Estado y de Gobierno, incluidos el presidente chino, Hu Jintao, el presidente francés, Nicolas Sarkozy, el presidente surcoreano, Lee Myung-bak, y el Presidente de la Comisión Europea José Manuel Barroso. Al día siguiente, el 1 de mayo, se celebró un concierto, titulado "Charming China", en el Estadio de Shanghai, frente a una audiencia de 80.000 personas, junto a los cantantes chinos Song Zuying y Chou Jay, y al pianista Lang Lang concertista de piano, la Orquesta Filarmónica de China bajo la dirección de su director artístico Yu largo.
Las dos apariciones coincidieron con la gira asiática de Bocelli, consistente en un concierto en Budokan, Tokio, Japón, el 28 de abril, un concierto en Jamsil Gymnasium, Seúl, Corea del Sur, el 2 de mayo, un concierto en el Hong Kong Convention and Exhibition Centre, en Hong Kong, el 4 de mayo, un concierto en el Taipei Arena, Taipei, Taiwan, el 06 de mayo, y finalmente, un concierto gratuito, organizado por la YTL Corporation, en el Jardín Botánico de Singapur, en Singapur, el 8 de mayo, asistieron más de 12.000 personas, recogido a través de votación pública, así como figuras prominentes en la región, como por ejemplo, el presidente de Singapur, SR Nathan y su esposa, el multimillonario de Malasia, y fundador de la YTL Corporation, Yeoh Tiong Lay y su hijo mayor, Francis Yeoh, la actriz Michelle Yeoh, y el fundador de Jimmy Choo Ltd, Jimmy Choo. La cantante de pop australiana Delta Goodrem actuó de nuevo con Bocelli en los cinco conciertos, después de él en su gira "My Chritmas 2009 winter tour".
Bocelli encabezó el "Grand Finale" de Concierto de la Copa Mundial de la FIFA 2010, en el Coca-Cola Dome, en Johannesburgo, Sudáfrica, para marcar el final de la Copa del Mundo, junto con el canadiense Bryan Adams, el 09 de julio de 2010, dos días antes de la final del Mundial.
En 2011 realizó una gira por Sudamérica pasando por Colombia, Venezuela, Argentina, etc, junto a la artista hispano-argentina Chenoa. En septiembre de ese mismo año encabezó un concierto en el Central Park. Contó con la participación especial de David Foster, Celine Dion, Tony Bennet, Chris Botti, etc. Interpretó canciones inéditas, como "New York, New York", "More", entre otras.
Al año siguiente, nuevamente con David Foster, empezó a trabajar en el CD Passione, que se lanzó a principios de 2013 y destacó el dueto con Jennifer López en la canción "Quizás, quizás, quizás". El CD estaba compuesto por canciones románticas, como "la vie en rose", "corcovado", entre otras.
En 2014 lanzo el CD "Manun Lescaut", que contó con Plácido Domingo como director de orquesta y a Ana María Martínez. El mismo año lanzó una colección de ópera, que contiene canciones clásicas que Bocelli interpretó a lo largo de su carrera.
En 2015 viajó a Miami Beach para celebrar, en un megaconcierto de muchos artistas, los 100 años de dicho lugar y, pocos días después, participó en un homenaje a Stevie Wonder.
El 30 de abril se emitió por televisión un concierto del tenor en Milán con motivo del apertura de la EXPO MILANO 2015. En mayo de este año realizó la gira llamada "il grande mistero", que consistió en propagar la misión de la familia según la Iglesia Católica ( pues el Papa Francisco le encargó ese trabajo). La gira fue en casi toda Europa, aunque luego llevó la gira a Phidadelphia donde le cantó al Papa , junto a cantantes como Juanes, etc
El 31 de mayo, en "Bretaña tiene talento", anunció su nuevo álbum llamado "Cinema", el cual se lanzó el 23 de octubre e incluye el tema de la película "gladiador", " now we are free" en versión italiana y un dueto con Ariana Grande en "e piú ti penso".El CD se lanzó también en 2 versiones en español. El álbum incluye canciones de películas,como "Evita", y algunos musicales como "West side story",entre otros.
Desde fines de noviembre se emite por TV un concierto del tenor presentando su último CD que contó con la ayuda de David Foster, y es titulado "il mio cinema".
En diciembre su último álbum Cinema se adjudicó como Disco de Oro.Dos meses después, en febrero, se convirtió en disco de platino al superar el millón de copias vendidas en todo el mundo, siendo su primer logro en 2016.
El 22 de abril lanzó una edición especial del último álbum que incluye "se" de la película "Cinema Paradiso", "prima di un addio" (la versión italiana de "historia de amor") de la película "Love story" y una versión solista de "No llores por mí Argentina" de "Evita".También incluye un concierto grabado con David Foster en el Dolby teather de Los Angeles donde contó con la participación especial de Nicole Scherzinger y un dueto virtual con Ariana Grande.
El 23 de septiembre se confirmó que su CD recibió tres nominaciones para los premios Grammy latinos: mejor álbum pop tradicional, mejor álbum y mejor grabación ("me faltarás" de "El cartero y Pablo Neruda")
Participación en ópera[editar]
Andrea Bocelli, desde muy pequeño, soñaba con cantar ópera escuchando a sus más grandes ídolos tenores como Enrico Caruso, Mario del Mónaco, Luciano Pavarotti y de su maestro Franco Corelli. Tras concluir sus estudios, trabaja durante un año como abogado para luego dedicarse por completo a la música. Ha colaborado con personalidades de la ópera entre las que se destacan Ana María Martínez, Angela Gheorghiu, Anna Netrebko, Barbara Frittoli, Bryn Terfel, Cecilia Bartoli, Yelena Obraztsova, Eva Mei, Ildebrando D'Arcangelo, José Carreras, Luciano Pavarotti, Lucio Gallo, Marisa Domashenko, Olga Borodina, Paoletta Marrocu, Plácido Domingo, Renée Fleming, Verónica Villaroel, Violeta Urmana y con directores musicales como Alan Gilbert, Eugene Kohn, Fabio Luisi, Lorin Maazel, Marco Armiliato, Myung-Whung Chung, Steven Mercurio, Valeri Guérguiev, Zubin Mehta, entre otros.
En 1992, después de hacer audiciones con Zucchero, en el verano de ese mismo año, Andrea viaja a Turín para tomar clases con el ya retirado maestro Franco Corelli en esa época, lo escucha cantar "Che Gelida Manina" de Puccini, aria con la que lo acepta en sus clases, que terminan poco tiempo después llevándolo a tomar lecciones de canto con Bettarini, hasta que el maestro muere en 1997 a la edad de 83 años. En ese mismo año graba Viaggio Italiano en el que incluye destacadas arias como "Nessun Dorma" de Turandot, "Lamento di Federico" de L`Arlesiana, el "Ave Maria" de Schubert, "`O sole mio", "La donna è mobile" de Rigoletto, entre otras, y con el que empieza a ganar algunos premios a nivel mundial.
A pesar de haber perdido la vista, Andrea no se ve imposibilitado para poder actuar como los grandes tenores líricos, por lo que en 1998 tiene su primer acercamiento con el teatro, de febrero 18 al 25 de ese año, interpreta el papel de Rodolfo en La Bohème de Puccini que se lleva a cabo en el Teatro Communale de Cagliari, el director es Steven Mercurio, la Mimi a su lado estuvo representada por Daniela Dessi, y es transmitida por la RAI TV el 28 de febrero. En marzo del mismo año, graba el álbum operístico "Aria" en el que contiene arias de La Bohème, Rigoletto, Tosca, Carmen, Madama Butterfly, La Fanciulla del West, La Fille du Règiment, entre otras.
Un año después, en 1999, desde octubre 7 al 19 de noviembre, se dirige a los Estados Unidos de América para su debut en Werther de Massenet en la ciudad de Detroit, acompañado nuevamente del director Steven Mercurio. Él está animado por el público, pero criticado negativamente por la prensa.
En 2000, es lanzada su primer ópera completa La Bohème de Puccini al lado del maestro Zubin Mehta.
Comenzando el 2001, a partir del 19 al 23 de enero, realiza su cuarto papel en la ópera, que retrata con éxito el carácter del título Amico Fritz de Mascagni en la ópera del mismo nombre en el Teatro Filarmónico di Verona, Italia. Comparte escenario con Cecilia Gasdia y el director Steven Mercurio.
Del 26 de julio al 3 de agosto de 2002, Andrea hace el papel del teniente Benjamín Franklin Pinkerton en "Madama Butterfly" en el 48th Festival Puccini de Torre del Lago.
En febrero de 2003 Andrea presenta un concierto exclusivo de "Madame Butterfly", junto con Carla Maria Izzo en el Grimaldi Forum de Montecarlo, a la que asistieron la princesa Carolina de Mónaco. En mayo del mismo año sale a la venta su segunda obra Tosca.
En enero de 2004, en Bolonia, interpreta de nueva cuenta la ópera Werther de Massenet junto con La Charlotte que es interpretada por Julia Gertseva. En junio del mismo año es lanzado Il Trovatore de Verdi. En julio, Andrea interpreta el pintor Cavaradossi en Tosca de Puccini en la Torre del Lago en Italia con ocasión del 50 aniversario del Festival Puccini.
Finalizando 2005 sale a las tiendas Werther, su tercera ópera completa.
En octubre de 2006, sale a la venta la ópera Pagliacci de Leoncavallo con Andrea cantando el papel de Canio junto con Ana María Martínez, dirige su amigo y director Steven Mercurio.
En 2007, lanza Cavalleria Rusticana de Mascagni al lado de Paoletta Marrocu y de nueva cuenta dirige Steven Mercurio.
A mitad del 2008 se pone al mercado la ópera completa Carmen de Bizet con Andrea Bocelli, Marisa Domashenko, Eva Mei y Bryn Terfel. La dirección es a cargo del maestro y amigo Myung-Whung Chung.
En julio de 2008, de nuevo regresa a los teatros con la ópera Carmen de Bizet, en la que interpreta el papel de Don José junto con Ildiko Komlosi en el papel de Carmen y Maria Carola como Micaela, la dirección es a cargo del maestro Alain Lombard llevándose a cabo en el famoso Teatro dell'Opera di Roma, Italia.
Colaboraciones[editar]
Andrea Bocelli ha trabajado antes y durante lo largo de su carrera por su única pasión: la música. Durante esta trayectoria ha colaborado con un gran número de músicos, cantantes y productores musicales. Dentro de sus participaciones vocales se destacan las que ha hecho con Ana María Martínez, Angela Gheorghiu, Anna Netrebko, Bono, Bruce Dickinson, Bryn Terfel, Cecilia Bartoli, Céline Dion, Chris Botti, Christina Aguilera, David Foster, David Garrett , Dulce Pontes, Elisa, Eros Ramazzotti, Gerardina Trovato, Giorgia, Heather Headley, Hayley Westenra, Helena Hellwig, Ildebrando D'arcangelo, John Miles, José Carreras, Josh Groban, Kai Hansen, Katherine Jenkins, Katherine Mcphee, Kenny G, Lang Lang, Laura Pausini, Luciano Pavarotti, Mary J. Blige, Mario Reyes, Marta Sánchez, Michael Jackson, Natalie Cole, Olga Borodina, Plácido Domingo, Reba McEntire, Renée Fleming, Sarah Brightman, Stevie Wonder, Tina Arena, Tony Bennett, Veronica Villarroel, Violeta Urmana, Zucchero, Nelly Furtado, Yuri, Sara Tunes, en 2014 con Barbra Streisand y en 2015 con la cantante del momento Ariana Grande
Tesitura y tipo de voz[editar]
El tipo vocal de Andrea es tenor ligero, y su rango vocal es de tres octavas: desde el Re2, en el tema Resta Qui, del álbum CIeli di Toscana,1 hasta el Re5, en el aria Possente amor, mi chiama de Verdi.
Vida personal[editar]

Andrea Bocelli con su esposa Verónica Berti
Conoció a su primera esposa, Enrica, con quien tuvo dos hijos, mientras cantaba en piano bar al principio de su carrera. Se casaron el 27 de junio de 1992. Su primer hijo, Amos, nació en febrero de 1995. Su segundo hijo, Matteo nació en octubre de 1997. En 1998, Bocelli fue nombrado una de las 50 personas más bellas de la Revista People.
En 2002, Bocelli se divorció civilmente de Enrica, y obtuvo la nulidad matrimonial eclesiástica.2 Poco después conoció a Verónica Berti con quien contrajo matrimonio el 21 de marzo de 2014, eligiendo este día para coincidir con el comienzo de la Primavera y el segundo cumpleaños de su hija Virginia, nacida en 2012. La pareja vive en Forte dei Marmi, y la ex esposa de Bocelli y su dos hijos viven en la residencia anterior de la pareja en la misma comuna, en Versilia.
El padre de Bocelli, Sandro Bocelli, murió el 30 de abril de 2000. Su madre le animó a que cumpliera sus compromisos y así cantó para el Papa en Roma el 1 de mayo y de inmediato regresó a su casa para el entierro. En su presentación del 5 de julio, la cual fue filmada para PBS American Dream—Andrea Bocelli's Statue of Liberty Concert, Bocelli dedicó el encore Sogno a la memoria de su padre. Una sección del camino a lo largo de la playa en Jesolo, en la costa adriática italiana, fue nombrada en honor de Bocelli el 11 de agosto de 2003
En 2006, Bocelli influyó en el municipio de su ciudad natal Lajatico para construir un teatro al aire libre, el Teatro del Silenzio. Bocelli se presentó sólo por una sola noche. Una noche, cada mes de julio el teatro se abrirá para presentaciones. El resto del tiempo permanecerá en silencio. Desde la apertura se han celebrado nueve conciertos desde 2006 hasta 2014. En 2015 dio 2 conciertos en el mes de Julio con motivo de sus 10 años de fundación.
Andrea Bocelli se ha definido a sí mismo como un «ferviente católico».3
En 2011 creó "Andrea Bocelli Foundation", una fundación cuyas acciones solidarias fueron motivo de muchos premios recibidos en los últimos años.

En 2015 cantó como un indigente en las calles de Nueva York para recaudar dinero a los más pobres.
El 07 de Mayo de 2016, fue invitado por Claudio Rainieri al King Power Stadium que enfrento al campeon contra el Everton para celebrar el primer titulo del Leicester en la Premier League que habia conseguido unos dias antes, cantando el Nessun Dorma de Turandot
Premios[editar]
Ganador como mejor debutante en el Festival de la Canción de San Remo en 1994.
Premios ECHO en la categoría Single Nacional del Año por la canción Time to Say Goodbye en 1997.
Premios ECHO en la categoría "Bestseller del Año" por el álbum Viaggio Italiano en 1997.
Premios Bambi en 1999.
Dos World Music Awards uno en la categoría "Mejor Cantante Italiano" y otro por "Mejor Inerpretación Clásica" en 1998.
Premios ECHO por "Álbum Clásico Más Vendido" con Aria – the opera album en 1998.
Premios ECHO en la categoría "Bestseller del Año" por Sacred Arias en 2000.
Dos "Classical BRIT Awards" en la categoría "Álbum Clásico Más Vendido" y "Álbum del año" por Sacred Arias en 2000.
Goldene Europa por Música Clásica en 2000.
Goldene Kamera en la categoría "Music & Entertainment" en 2002.
Dos "World Music Awards" en las categorías "World best selling classical artist" y "Best selling Italian artist" en 2002.
Premio Telegatto por la banda sonora de la serie Cuore en 2002.
Classical BRIT Award en la categoría "Outstanding Contribution to Music" en 2002.
Dos "Classical BRIT Awards" en las categorías "Best selling classical album" y "Album of the year" por el álbum Sentimento en 2003.
Dos World Music Awards por "Best Italian Artist" y "World's Best-selling Classical Artist" en 2006.
Premios Telegatto en platinum por "Italian music in the world" en 2008
Honores[editar]

Andrea Bocelli recibiendo una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.
El 4 de marzo de 2006, recibió por parte del Gobierno Italiano el nombramiento como Gran Oficial de la Orden al Mérito de la República Italiana4 y es presidente honorario de la fundación del Teatro del Silenzio.
En 2009, fue condecorado Gran Oficial de la Orden del Mérito de Duarte, Sánchez y Mella por el Gobierno Dominicano otorgado por el Presidente de la República Dominicana lic. Leonel Fernández , por sus contribuciones al arte y la cultura internacional.
El 2 de marzo de 2010, fue galardonado con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood por su contribución al teatro en vivo.
Premio "Arte, Ciencia y Paz" 2015. PIER FRANCO MARCENARO, fundador del "Centro del Hombre" y de la "Escuela de Espiritualidad", ha otorgado el tenor ANDREA BOCELLI, por su arte que eleva el espíritu y une a las personas más allá de todas las barreras de raza, nacionalidad o religión.5
Charts de Time to Say Goodbye[editar]
Chart (2005433) Peak
position
U.S. Hot Classic Club Play 1 (Por 2 Semanas)
Hot Canadian Digital Singles 1
Romantic Latin America Play 1 (1 Mes)
Canadian Top 100 1 (1 mes)
Billboard 1 (4 meses)
Discografía[editar]
Artículo principal: Discografía de Andrea Bocelli
Pop[editar]
II Mare Calmo della Sera (1994)
Bocelli (1995)
Romanza (1996)
Sogno (1999)
Cieli di Toscana (2001)
Andrea (2004)
Amore (2006)
Under The Desert Sky (2007)
Vivere: The Best of Andrea Bocelli (2007)
Vivere: Live in Tuscany (2008)
My Christmas (2009)
Concerto: One Night in Central Park (2011)
Passione (2013)
Cinema (2015)
Cinema: edición especial (2016)
Clásica[editar]
Hymn for the World (Con Cecilia Bartoli) (1997)
Aria: Il Opera Album (1997)
Hymn for the World 2 (Con Cecilia Bartoli y Bryn Terfel) (1998)
Sacred Arias (1999)
Verdi (2000)
Verdi: Réquiem (2001)
Sentimento (2002)
Incanto (2008)
Notte Illuminata (2011)
Opera (2012)
Opera: The Ultimate Collection (2014)
Ópera[editar]
Puccini: La Bohème (2000)
Puccini: Tosca (2003)
Verdi: Il Trovatore (2004)
Massenet: Werther (2005)
Leoncavallo: Pagliacci (2006)
Mascagni: Cavalleria Rusticana (2007)
Bizet: Carmen (2008)
Giordano: Andrea Chénier (2010)
Gounod: Roméo et Juliette (2012)
Puccini: Manon Lescaut (2014)
Puccini: Turandot (2015)
Discografía en castellano[editar]
Romanza (1996)
Sueño (1999)
Cieli di Toscana (2001)
Amor (2006)
Viviré: Lo Mejor de Andrea Bocelli (2007)
Mi Navidad (2009)
Pasión (2013)
Cinema (2015)
Cinema- edición deluxe (2015)
Cinema- edición especial (2016)
Sencillos[editar]
Quando/Amico Mio (1985)
Il diavolo e l'angelo (1991) vinilo, cara 'B' "Proprio Tu"
Miserere (Con Zucchero y Luciano Pavarotti)(1992)
Il Mare Calmo Della Sera (1994)
Vivere (con Gerardina Trovato; español, italiano) (1994)
La Luna (1995)
Vivo Per Lei (Versión en español, francés y alemán) (1995)
Con Te partirò (Versión en italiano y español) (1995)
Butterfly (Con Zenima en el álbum "Butterfly") (1996)
Time to Say Goodbye (con Sarah Brightman) (1997)
Amore Splendida Luce/La Luna (con Helen Schneider & Gianna Nannini) (1997)
The Prayer (Versión Solo] (1998)
Canto della Terra (3 versiones) (1999)
'O Mare e TU (Con Dulce Pontes; versión en Portugués y español) (1999)
Melodramma (2 versiones: español e italiano) (2001)
L'abitudine (con Helena Hellwig; 3 versiones) (2001)
Proteggimi (incluida en la banda sonora de la película "Vajont") (2001)
When a Child Is Born (2004)
Dell'Amore Non Si Sa (Con Hayley Westenra del álbum "Odyssey") (2005)
Un Nuovo Giorno (2005)
Desiderio (Incluida en el álbum "Many Voices" con Steven Mercurio) (2006)
Because We Believe (con Marco Borsato) (2006)
Conradiana (En el álbum "We all Love" de Ennio Morricone) (2007)
Italia (Del álbum "Italia" con Chris Botti) (2007)
Io Ci Saró (Para el álbum "The Magic Of Lang Lang" de Lang Lang) (2007)
Canto della Terra (con Sarah Brightman del álbum Symphony) (2008)
Dare To Live (con Laura Pausini) (2008)
Embrace in Love and Dream (con Jane Zhang; Tema candidato para los Juegos Olímpicos de Pekín 2008) (2008)
Ray of Hope (con Liel Kolet del álbum "Ray of Hope" (2008)
Canto del sole inesauribile (con Plácido Domingo del álbum "Amore Infinito") (2008)
Ouverture (en el álbum "O.P.G.A" de Claudio Baglioni) (2009)
I Believe (con Katherine Jenkins del álbum "Believe") (2009)
Stranger in Paradise (con Tony Bennett del álbum "Duets II") (2011)
Per te (For You) (con Chris Botti del álbum "Impressions") (2012)
La forza del sorriso (2015)
Nelle tue mani ( now we are free)(de "Gladiador")(2015)
E piú ti penso (de "Once upon a time in America"/"Malena") ( con Ariana Grande)(2015)
DVD[editar]
A Night in Tuscany (1997)
Sacred Arias (2000)
Christmas Glory at Westminster Abbey (2000)
Tuscan Skies (Cieli di Toscana) (2001)
American Dream: Statue of Liberty Concert (2001)
Credo (2006)
Under The Desert Sky: Live at Lake, Las Vegas (2007)
Vivere: Live in Tuscany (2008)
Incanto: The Documentary (2008)
My Christmas Live: Andrea Bocelli & David Foster (2009)
Concerto: One Night in Central Park (2011)
Love in Portofino (2013)
Andrea Bocelli:Cinema.Live at the Dolby Theater in Los Angeles. (2016)
Canciones en Español[editar]
A ti
Amapola
Bajas de las estrellas
Bésame mucho
Blanca Navidad
Canción desafinada
Canto de la Tierra
Cuando me enamoro
Dios nos bendecirá
El abeto
El mar y tú
El misterio del amor
El silencio de la espera
En Aranjuez con tu amor
Gloria in Excelsis Deo
Granada
Hermosas estrellas
Júrame
La costumbre
La voz del silencio
Las hojas muertas
Me faltas
Mil lunas mil olas
Momentos
Noche de Paz
Nuestro encuentro
Perfidia
Pero te extraño
Por amor
Porque tú me acostumbraste
Por ti volaré
Santa Claus Llegó a la Ciudad
Santa la noche
Sin tu amor
Solamente una vez
Somos novios
Sueño
Un dulce melodrama
Venid y adoremos
Verano
Vive ya
Viviré
Vivo por ella
Quizás, Quizás, Quizás (con Jennifer Lopez)

Ha recibido 377 puntos

Vótalo:

4. Joaquín Rodrigo

Joaquín Rodrigo

(Sagunto, 1902 - Madrid, 1999) Compositor español. Perdió la vista a los tres años de edad a causa de una difteria, por lo que escribió toda su producción en Braille que después dictaba a un copista. Estudió composición con Francisco Antich en Valencia (1920-1923). En 1927 se trasladó a París... Ver mas
(Sagunto, 1902 - Madrid, 1999) Compositor español. Perdió la vista a los tres años de edad a causa de una difteria, por lo que escribió toda su producción en Braille que después dictaba a un copista. Estudió composición con Francisco Antich en Valencia (1920-1923). En 1927 se trasladó a París para ampliar sus estudios en la École Normale de Musique con Paul Dukas (hasta 1932) y, posteriormente, musicología con Maurice Emmanuel y André Pirro.


Joaquín Rodrigo

En la capital gala trabó amistad con personalidades tan eminentes como Manuel de Falla, Honegger o Ravel. En 1933 contrajo matrimonio con la pianista turca Victoria Kamhi y, después de una estancia en Suiza, se instalaron definitivamente en Madrid a partir de 1940, donde ganó la plaza de catedrático de Historia de la Música para la Universidad de Madrid.

Ese mismo año presentó su Concierto de Aranjuez para guitarra y orquesta que le daría fama universal. El compositor mostró en esta obra un estilo inconfundible, al que denominó "neocasticismo". En sus composiciones destaca la preferencia por las formas clásicas y los elementos refinados como enlace entre las tradiciones españolas del pasado y las tradiciones del presente. Conocedor de las corrientes estéticas europeas, no abandonó su propio estilo, con el que continuamente afirmó su propia personalidad.

Escribió obras en todas las estructuras musicales formales, particularmente el concierto. Sus composiciones incluyeron música para teatro, y cultivó, sobre todo, la música vocal (Cántico de la esposa, 1934; Cuatro madrigales amatorios, 1948), aportando a la canción un nuevo lenguaje universal con piezas maestras. Además, compuso importantes obras para violín, violoncelo y flauta. No obstante, debe su fama a su contribución al repertorio de guitarra, dándole universalidad a la guitarra española como instrumento de concierto.



Entre sus obras para instrumentos y orquesta destacan Suite (1923), Berceuse de otoño (1923), Preludio al gallo mañanero (1926), À l'ombre de Torres Bermeja (1945) y Cinco sonatas de Castilla (1951), Concierto heroico para piano y orquesta (1942), Concierto de estío para violín y orquestra (1943), Ausencias de Dulcinea, para gran orquesta, barítono y cuatro sopranos (1948), Concierto galante para violoncelo y orquestra (1949), Música para un códice salmantino (1953), para solistas, coro y orquesta de cámara, Junto al Generalife (1955), para guitarra sola, Fantasía para un gentilhombre (1955), para guitarra y orquestra, Concierto Andaluz (1966), para cuatro guitarras y orquesta y música de escena, Concierto para una fiesta (1982), Homenaje a Turina (1982) y Cántico de san Francisco de Asís (1986).

Entre los muchos galardones que recibió destacan su investidura como doctor "honoris causa" por varias universidades (Salamanca, California del Sur, Politécnica de Valencia, Complutense de Madrid, Alicante y Exeter), Medalla de Oro al Trabajo, Medalla de Oro de Bellas Artes y Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1996). En 1990 fue investido por el rey don Juan Carlos I con el título nobiliario de Marqués de los Jardines de Aranjuez.



Quiénes somos Contacto Enlácenos Publicidad Cookies

Ha recibido 292 puntos

Vótalo:

5. José Feliciano

José Feliciano

José Monserrat Feliciano García, (Lares, Puerto Rico, 10 de septiembre de 1945), más conocido como José Feliciano, es un cantante, músico y compositor puertorriqueño, considerado el primer latino en introducirse al mercado de la música en inglés; abriendo las puertas a otros artistas... Ver mas
José Monserrat Feliciano García, (Lares, Puerto Rico, 10 de septiembre de 1945), más conocido como José Feliciano, es un cantante, músico y compositor puertorriqueño, considerado el primer latino en introducirse al mercado de la música en inglés; abriendo las puertas a otros artistas. Permaneciendo vigente durante cinco décadas, e influenciando la música popular por más de dos generaciones.1
Grabó su primer larga duración en 1964 cuando tenía 19 años. Desde entonces ha grabado más de 60 discos entre el mercado anglosajón y el de habla hispana. Está considerado como un virtuoso ejecutante de la guitarra española y con su potente e inconfundible voz, ha interpretado y publicado más de 600 canciones. Sus ventas de discos se estiman en 50 millones de copias.2
Aunque sus mayores éxitos provienen del bolero y las baladas, Feliciano es reconocido por sus influencias y ejecuciones en el ámbito del Soul, el Jazz, el Rock y los ritmos latinos. Posee infinidad de canciones conocidas pero hay tres que marcaron su trayectoria musical: “Light my fire” que le abrió las puertas de la popularidad con la cancion y l'LP que la incluyo que fue Hit en muchos países del mundo como USA, Canada, Brasil, Australia, Uk entre otros y “Che Sarà”, cantada en el Festival de San Remo, que fue éxito en Europa, Asia y América, y “Feliz Navidad”, una canción de su autoría considerada una de las más escuchadas durante la época navideña en el mundo entero.
Ha sido galardonado con más de cuarenta y cinco discos de Oro y de Platino. Ha recibido infinidad de nominaciones al premio Grammy, el cual ha ganado en nueve ocasiones, incluyendo uno a su trayectoria artística.3 En 1987 tuvo el honor de ser reconocido con una estrella en el “Paseo de la Fama” en Hollywood. En 1996 fue seleccionado por la revista Billboard para recibir el premio “Lifetime Achievement” por su trayectoria artística.
Como compositor tiene más de 100 canciones registradas, entre las que pueden mencionarse: “No hay sombra que me cubra”, “Ay, cariño”, “Paso la vida pensando”, “Me has echado al olvido”, "Destiny", "Come Down Jesus", "Angela", "Rain", "Chico & The Man", "Hard Times In El Barrio" y los instrumentales: "Pegao" y "Affirmation". Fue uno de los primeros artistas en incluir duetos dentro de sus discos, entre los que destacan: “Para decir adiós” con Ann Kelly (1982), “Por ella” con José José, “Un amor así” con Lani Hall, y “Tengo que decirte algo” con Gloria Estefan.
En el año 2013 ingresó en el Salón de la Fama de compositores latinos en una ceremonia celebrada en el New World Center de Miami, junto a Julio Iglesias, Armando Manzanero y Manuel Alejandro. Fue ovacionado al salir al escenario para interpretar "Paso la vida pensando".4
Índice [ocultar]
1 Biografía
1.1 Principios de su carrera
1.2 Años 80
1.3 Años 90
1.4 Año 2000 hasta el presente
2 Discografía
2.1 Inglés
2.2 Español
3 Hit singles
4 Hit albums
5 Referencias
6 Enlaces externos
Biografía[editar]
Principios de su carrera[editar]
Feliciano nació con ceguera como consecuencia de un glaucoma congénito. De origen humilde, es uno de once hermanos. A la edad de cinco años emigró con su familia a la ciudad de Nueva York. Desde muy niño se sintió atraído por la música y experimentó la percusión tocando el fondo de una lata de galletas para acompañar a su tío en el cuatro. A los seis años ya tocaba la concertina y luego el acordeón, presentándose en su escuela y en el teatro puertorriqueño del Bronx sin haber cumplido los diez años.
Su padre le regaló una guitarra envuelta en una bolsa de papel marrón y, a partir de ahí, comenzó un proceso de autoaprendizaje que le llevó a ensayar en su cuarto hasta 14 horas al día para intentar repetir los registros de los guitarristas clásicos de rock y jazz de los años 50. Posteriormente cursó estudios formales de guitarra con Harold Morris. Entre sus influencias tempranas están Wes Montgomery, Andrés Segovia y Ray Charles en la parte vocal.
Con 17 años su padre quedó desempleado y Feliciano decidió ayudar a su familia presentándose en pequeños clubes de Greenwich Village en los mismos espacios en que Bob Dylan y Joan Baez también lo hicieron; recibiendo como salario lo que en aquella época era costumbre, pasar el sombrero.
Años 80[editar]

José Feliciano en concierto en 2007.
Después de un retiro momentáneo de tres años, Feliciano regresó bajo el sello Motown convirtiéndose en el primer artista latino en ser firmado por una compañía discográfica que principalmente producía música soul. Es así que en 1981 lanza su disco homónimo José Feliciano producido por Berry Gordy Jr., director de Motown, álbum influenciado completamente por la música soul y funky, características del sello. Los temas más destacados fueron: "I Wanna Be Where You Are" y "Everybody Loves Me". En 1982 dio paso al que sería el primer disco en español editado por Motown y que sería definitivo en la carrera de Feliciano, titulado Escenas de Amor, el cual le valdría una nominación a los Grammy como mejor álbum pop. Este disco está diseñado para un público mayoritario ya que gran parte de sus temas son versiones al castellano de canciones exitosas en inglés, entre ellas: “Ahora sí quiero amar” (I Wanna Be Where You Are) cantada por Michael Jackson en su álbum del año 1972, “Todo el mundo te ama” (Everybody Loves Me) del propio José en su disco en inglés de 1981 y “Malas costumbres” (Evil ways) popularizada por Carlos Santana. Además, el cantante interpreta versiones cantadas de los temas “Samba pa ti” y “Concierto de Aranjuez”. Los temas más populares fueron: “Para decir adiós” (en dueto con Anne Kelly), una versión muy parecida a la realizada por Danny Rivera y Eydie Gormé en 1977, “No hay sombra que me cubra” y “La balada del pianista”, una triste historia sobre la decadencia y tristeza de un músico.
En 1983 Feliciano lanza 2 discos, el primero en inglés titulado Romance In The Night, producido por Rick Jarrard, el mismo que produjo Feliciano! en 1968; el segundo álbum en español se tituló Me enamoré, que le valió un Grammy al mejor álbum pop. En este álbum desarrolla un estilo donde predominan las baladas entre las que destaca “Eterno amor” cantado a dúo con Anne Kelly un tema de la autoría de Lionel Richie popularizado en los años 70. Los otros temas conocidos de este álbum fueron “Ay, amor” y “Paso la vida pensando” ambos compuestos por el propio Feliciano.
En 1984 Feliciano regresa con su antigua disquera RCA pero sólo para grabar discos en idioma Español. Es así que lanza Como tú quieres; donde el artista experimenta con mezcla de ritmos y estilos salsa, baladas y pop; destacando los temas: “Tema de Susana” y “Vamos a bailar” y el dueto con Lani Hall en el tema “Abrázame”.
En 1985 el sello RCA lanza "Ya soy tuyo", bajo la producción de Rudy Pérez donde apoyado en arreglos orquestales vuelve a apostar por las baladas. El dúo con el cantante José José en el tema “Por ella” lo vuelve a colocar en los primeros lugares de ventas. Hay otro dueto con Lani Hall “Un amor así” que igualmente obtuvo cierta popularidad. El álbum cierra con un tema en ritmo de salsa que constituye una especie de Bonus ya que rompe con el estilo del disco. Se trata de Don Rodríguez una canción dedicada al cantante Tito Rodríguez, donde Feliciano asume los ritmos salseros con sobrada solvencia.
Un año después el mismo sello lanzó un álbum en denominado Te amaré (1986), que estuvo bajo la producción de Luis Gómez Escolar. En 1987 el sello Emi Music lanza al mercado Tu Inmenso Amor con lo que el artista completa una serie de seis discos publicados en años consecutivos. Los temas más relevantes fueron: “Tu inmenso amor” y un tema de su autoría “Cuando el amor se acaba”. Luego de este disco pasaran tres años hasta 1990 en que el cantante publicará otro disco en español.
Ese mismo año graba un disco con la orquesta sinfónica de Viena eligiendo un repertorio con temas de Sting, Peter Gabriel, Paul McCartney y Phil Collins entre otros, el cual obtuvo gran repercusión en Viena y algunas ciudades de Europa. El tema "The Sound of Vienna", grabado para el mercado europeo, alcanzó el número 1 durante cuatro semanas.
En 1989 realiza un álbum de estudio en inglés titulado I'm Never Gonna Change, un disco con acento pop que incluye baladas y música dance distribuido por EMI Music donde el cantante incluye además temas como “Cielito lindo” y “Puerto Rican Feeling” compuesto por él, que es de sus favoritos.
Años 90[editar]
Comenzando su presencia en su cuarta década de actividad Feliciano decide grabar en su estudio personal, un álbum con toques de Jazz e instrumental titulado Steppin' Out y que saldría a la luz en 1990. Para finales de 1990 Feliciano lanza Niña, en el cual dedica un tema a su hija recién nacida, con la que sale en la portada del disco. Este disco contiene uno de sus mayores éxitos "¿Por qué te tengo que olvidar?" y "No puedo estar sin ti". El álbum obtuvo buena receptividad tanto de crítica como a nivel de ventas.
Para 1992 el sello Capitol lanza al mercado el álbum Calle Latina (Latin Street) '92 que rompe los paradigmas de estilo de este artista, concentrándose en los ritmos típicamente latinos de salsa y vallenato y que causó asombro en sus fan de baladas y que por lo sorpresivo tampoco obtuvo la audiencia de los fanáticos de la salsa. Es un álbum dedicado a su alma latina; destilando optimismo y un cierto carácter autobiográfico e introspectivo. Está realizado por músicos norteamericanos e incorpora coros femeninos y se nota que su concepción no fue confiada a productores latinos habituales al mundo de la salsa. De hecho, el propio artista se encarga de la producción, los arreglos, el bajo, cuatro, guitarra y percusión. Aunque casi todos los temas son bailables resaltan por su novedad son: "Venga la esperanza" compuesta por Silvio Rodríguez, "Soy vallenato" y "Naioma (Más allá)". Las canciones que rompen con el estilo alegre son: "Madrigal" y “Canción de navidad” a dueto con Silvio Rodríguez que cierra el álbum.
Para el período de 1993 a 1995 Feliciano hace una segunda pausa de tres años donde no editaría ningún álbum pero se mantendría en constante gira, y editando discos de éxitos y recopilatorios entre los que destacó: "A tribute to The Beatles" donde se recogen los temas versionados por el artista en sus inicios de esta banda y And I love her (1996).
En 1996 regresa al mercado hispano con el disco Americano donde el tema más destacado fue “Oye guitarra mia” y un tema proveniente del flamenco español “Verde”. Ese mismo año edita On Second Though, un álbum de éxitos que grabó en su estudio donde reinterpreta con nuevos arreglos, temas en español, inglés e instrumentales y en el cual abarca todos los géneros en los que ha incursionado. En este disco doble, Feliciano graba temas como La Bamba, Malagueña, Bamboleo y algunas versiones de temas de Rolling Stones y Elton John que no habían sido publicadas en discos anteriores.
En 1998 José Feliciano a través de Polygram lanza al mercado latino el disco Señor Bolero. Con este trabajo el artista regresa a sus raíces musicales grabando temas románticos pero con el sabor clásico de sus grabaciones de los años 60’; estilo al cual estuvo asociado durante mucho tiempo. Este álbum fue producido y arreglado por Rudy Pérez y su lanzamiento estuvo acompañado de una campaña publicitaria y de promoción donde se planeaba lanzar entre 4 y 6 sencillos. Los temas más destacados fueron: “Me has echado al olvido” y “Cuando te toque llorar” compuestas por el propio Pérez y letra de Roberto Livi. Señor Bolero compuesta por Feliciano fue otro de los temas inéditos promocionados, junto a “Que tristeza” de Armando Manzanero, “Somos” que había sido grabada por Raphael y un tema de corte rítmico “La última noche”. El álbum fue un éxito rotundo en ventas alcanzando doble platino en USA, Puerto Rico y Venezuela y Oro en México, Costa Rica y Argentina posicionándose en las carteleras de éxitos y de la radio de varios países.
Año 2000 hasta el presente[editar]
Feliciano interpretó la canción, "Behind the Mask", para la serie de televisión Reina de espadas en 2000, siendo los compositores del tema Proffer Spencer y Steve Plunkett. Aunque nunca se publicó, está en youtube [1]. Ese mismo año el Banco Popular de Puerto Rico rinde un homenaje especial al cantante produciendo un espectáculo que fue grabado en CD y DVD, publicados respectivamnete en 2000 y 2003. Artistas de la talla de Marc Anthony, Son by Four, Ismael Miranda, Gilberto Santa Rosa, Danny Rivera, Manny Manuel, Luis Enrique y Ednita Nazario, interpretaron canciones de Feliciano, tanto de las que es autor como otras que él popularizó.
El 6 de mayo de 2003 se edita Señor Bolero 2, con temas totalmente inéditos compuestos en su mayoría por la dupla de Rudy Pérez y Roberto Livi siendo los más promocionados: "Sentimiento" y "Lo que yo tuve contigo". El álbum cierra con tres canciones de la autoría de Feliciano, de las cuales: "Un ciego no vive en la oscuridad" destaca por su carácter folklórico y autobiográfico.
A México... con amor (2005) constituye un álbum diseñado por Universal Records para penetrar el mercado mexicano, donde Feliciano ejecuta un repertorio de once canciones clásicas mexicanas destacando seis temas de José Alfredo Jiménez. Feliciano abandona el estilo típico latino que lo caracteriza y la guitarra se adapta a la métrica tradicional del estilo charro. Los arreglos estuvieron a cargo de José Hernández y se ejecutaron respetando el estilo tradicional de mariachis. A pesar de ello el artista impone su creatividad interpretativa en varios temas imprimiendo al disco un toque contemporáneo.
El 5 de diciembre de 2006 Universal Records, lanza al mercado José Feliciano y amigos, donde se ejacutan duetos con otras estrellas latinoamericanos, incluyendo a Luis Fonsi, Lupillo Rivera, Luciano Pereyra, Rudy Pérez, Cristian Castro, Marc Anthony, Ramón Ayala, Alicia Villarreal, Ricardo Montaner, y Raúl di Blasio. Una edición especial fue lanzada más adelante, con Ana Gabriel y Gloria Estefan. Ese mismo año edita en forma independiente un álbum instrumental homenaje a la guitarra denominado Six-String Lady
En 2007, Feliciano lanzó un álbum que supuso la ampliación de su espectro musical en un intento por mantenerse vigente entre las nuevas generaciones y los sonidos en boga, titulado Señor Bachata. Este trabajo obtuvo simultáneamente dos Premios Grammy en 2008 en la categoría "Mejor Álbum Tropical"; siendo uno de los pocos artistas que lo hace tanto en el mercado anglosajón como en el latino.
Ese mismo año graba y edita de forma independiente Soundtrax of My Life, el primer álbum en idioma Inglés totalmente compuesto y escrito por él.
En 2008 edita un segundo disco de música mexicana donde se destacaron los dúos con Vicente Fernández en el tema "Las llaves de mi alma" y "Te solté la rienda" con Marisol y Vicky de Los Horóscopos de Durango. El álbum mezcla canciones rancheras, huapangos y boleros rancheros bajo la dirección del maestro Manuel Cázares Zamudio.5 Ese mismo año es invitado por el compositor griego Yanni, para formar parte del Disco Yanni Voces, interpretando la canción "No ha dejado de llover".
En 2009, lanzó dos álbumes nuevos en idioma Inglés para descarga digital, sólo están disponibles en sus sitios web personales. Uno de ellos fue dedicado a los clásicos americanos, incluyendo canciones popularizadas por Frank Sinatra, y el otro era un álbum instrumental en homenaje al legendario guitarrista de jazz Django Reinhardt que inspiró a Feliciano, y cuenta con la canción "Djangoisms" de su propia inspiración. En el año de 2010 aparece en la producción El Talento Del Bloque del cantante puertorriqueño Farruko en la canción "Su hija me gusta".
El 9 de noviembre de 2011, Feliciano recibió el premio Lifetime Achievement Grammy Latino de la Academia Latina de las Artes y las Ciencias.
En enero de 2012, fue invitado en Memphis a la celebración del cumpleaños de Elvis Presley, donde anunció la publicación (el 7 de agosto de 2012) de su nuevo álbum The King, un tributo a Elvis producido en colaboración con el ex gerente de Elvis, George Klein.
Discografía[editar]

José Feliciano en 1970
Inglés[editar]
1964 The Voice and Guitar of José Feliciano
1966 A Bag Full of Soul
1966 Fantastic Feliciano
1968 Feliciano!
1968 Souled
1969 Feliciano/10 To 23
1969 Alive Alive O!
1970 Fireworks
1970 Feliz Navidad
1971 Encore!
1971 Che sarà
1971 That the Spirit Needs
1971 Another Record
1972 Sings
1972 Memphis Menu
1973 Compartments
1973 Peter Stuyvesant presents José Feliciano in concert with the London Symphony Orchestra
1974 For My Love, Mother Music
1974 And The Feeling's Good
1975 Affirmation
1975 Just Wanna Rock'n'Roll
1976 Angela
1977 Sweet Soul Music
1981 José Feliciano
1983 Romance in the Night
1989 I'm Never Gonna Change
1990 Steppin' Out (Optimism Records)
1994 Goin' Krazy' (MJM Records) (12" Dance Remix Single recorded under the pseudonym JR)
1996 Present Tense
1996 On Second Thought
2006 Six-String Lady (the instrumental album)
2007 The Genius of José Feliciano
2008 Soundtrax of My Life
2009 The Paris Concert (live)
2009 American Classics (only for digital download)
2009 Djangoisms (only for digital download)
2011 The Genius of José Feliciano, Vol.2
2012 The King, Jose Feliciano tribute to Elvis Presley
Español[editar]
1982 Para decir adios
1966 El sentimiento la voz y la guitarra
1967 Sombras, una voz, una guitarra
1967 Más éxitos de José
1968 Felicidades con lo mejor de José Feliciano
1969 En mi soledad - No llores más
1970 ¡El Fantástico!
1971 José Feliciano Argentina
1971 José Feliciano Otros éxitos
1982 Escenas de amor
1983 Me enamoré
1984 Como tú quieres
1985 Ya soy tuyo
1986 Te amaré
1987 Tu inmenso amor
1990 Niña
1992 Latin Street '92
1996 Americano
1998 Señor bolero
2003 Señor bolero 2
2003 Guitarra mía Tribute
2004 A México, con amor
2006 José Feliciano y amigos
2007 Señor bachata
2008 Con Mexico en el corazón
2009 José Feliciano en vivo
Hit singles[editar]
6
Year Single Chart positions
US US
R&B US
AC US Latin US Country UK7 AU CAN SPA NED BRA SWE AUT GER FRA ARG TUR
1966 "Usted" - - - - - - - - - - - - - - - 3 -
"Extraños en la Noche" - - - - - - - - - - - - - - - 1 -
1967 "La Carcel de Sing Sing" - - - - - - - - - - 5 - - - - 1 -
"Amor Gitano" - - - - - - - - - - - - - - - 3 -
"Celoso" - - - - - - - - - - - - - - - 2 -
"Camino Verde" - - - - - - - - - - - - - - - 6 -
1968 "La Copa Rota" - - - - - - - - - - - - - - - 2 -
"Light My Fire" 3 29 - - - 6 15 1 25 24 2 2 - - 54 - -
"Hi-Heel Sneakers" 25 44 31 - - - 20 10 - - - - - - 32 - -
"Hitchcock Railway" 77 - - - - - 20 - - - - - - - - - -
"The Star Spangled Banner" 50 - - - - - - - - - - - - - - - -
"And the Sun Will Shine" - - - - - 25 - - - - - - - - - - -
1969 "Adios Amor (Goodbye My Love)" - - - - - 51 4 - - - - - - - 48 - -
"Hey! Baby!" 71 - - - - - 71 20 - - 74 - - - - - -
"My World Is Empty Without You" 87 - - - - - 71 - - - - - - - - - -
"No Dogs Allowed" - - - - - - - - - 6 - - - - - - -
"Marley Purt Drive" 70 - 33 - - - 31 48 - - 82 - - - - - -
"Old Turkey Buzzard (Mackenna's Gold)" - - - - - - - - - - - - - - - - 15
"Rain" 76 - 19 - - - 36 67 21 - - 6 7 - - - 1
"She's a Woman" 103 - - - - - 36 91 - - - - - - 63 - -
"Windmills of Your Mind" - - - - - - - - - 13 - - - - - - 4
1970 "Point of View" - - - - - - 58 90 - - - - - - - - -
"Younger Generation" - - - - - - 93 - - - - - - - - - -
"Once There Was A Love" - - - - - - - - - - - - - - - - -
"Girl (You'll Never Get Away From Me)" - - - - - - 93 - - - - - - - - - -
"Destiny" 83 - 15 - - - 37 77 14 - - 3 13 - - - -
"Suzie Q" 84 - - - - - 37 - 14 - 108 - - - 35 - -
"Feliz Navidad" 10 - - - - - 99 - 8 - - 1 - - - - -
1971 "Che Sarà / Que Sera / Shake a Hand" - - - - - - - - 1 2 - 1 1 7 - 2 17
"I Only Want To Say" 122 - - - - - - - - - - - - - - - 11
"Dos Cruces - El Jinete" - - - - - - - - 3 - - - - - - 7 10
"Cenizas" - - - - - - - - - - - - - - - - 1
1972 "Come Down Jesus - Only Once" - - - - - - - - - - - 9 - - - - 14
"Una Favola Blu" - - - - - - - - - - - - - - - - 18
1973 "Tale Of Maria" - - - - - - - - - - - 2 - - - - -
1975 "Twilight Time" - - 45 - - - - - - - - - - - - - -
"Chico and the Man" 96 - - - - - - - - - 76 - - - - - -
1980 "I'm Comin' Home Again" - - 44 - - - - - - - - - - - - - -
1982 "I Wanna Be Where You Are" - 63 - - - - - - - - 26 - - - - - -
"Everybody Loves Me" - - - - - - - - - - 44 - - - - - -
"Para Decir Adios" - - - - - - - - 1 - - - - - - 1 -
"Samba Pa Ti" - - - - - - - - 10 - - - 8 - - - -
1983 "Let's Find Each Other Tonight" - - - - 64 - - - 25 - - - - - - - -
"Ay Cariño" - - - - - - - - 11 - - - - - - 6 -
1987 "Se Me Sigue Olvidando" - - - 6 - - - - - - - - - - - - -
"Te Amaré" - - - 4 - - - - - - - - - - - - -
"Por Eso" - - - 34 - - - - - - - - - - - - -
1988 "Ponte a Cantar" - - - 5 - - - - - 13 - - - - - - -
"No Hay Mal Que Por Bien No Venga" - - - 3 - - - - - - - - - - - - -
"Cuando El Amor Se Acaba" - - - 7 - - - - - - - - - - - - -
"No Te Arrepentiras" - - - 33 - - - - - - - - - - - - -
"Sound of Vienna" - - - - - - - - - - - - 1 62 - - -
1989 "Never Gonna Change" - - - - - - - - - - - - - 71 - - -
1990 "¿Por Qué Te Tengo Que Olvidar?" - - - 1 - - - - - - - - - - - 3 -
"Insieme Fairplay (with Etta Scollo)" - - - - - - - - - - - - 30 - - - -
1991 "No Puedo Estar Sin Ti" - - - 10 - - - - - - - - - - - - -
1993 "Venga La Esperanza" - - - 24 - - - - - - - - - - - - -
1994 "Soy Alegre" - - - 31 - - - - - - - - - - - - -
"Goin' Krazy" (Dance Single Charts) 38 - - - - - - - - - - - - - - - -
1998 "Me Has Echado Al Olvido" - - - 6 - - - - - - - - - - - - -
"Feliz Navidad (Re-Release)" 70 - 18 - - - - - - - 102 - - - - - -
1999 "Que Tristeza" - - - 17 - - - - - - - - - - - - -
2000 "Feliz Navidad" / "Um Feliz nadal" (re-entry) 105 - 12 29 - - - - - - 81 - - - - - -
2003 "Lo Que Yo Tuve Contigo" - - - 13 - - - - - - - - - - - - -
2004 "Cien Años" - - - 38 - - - - - - - - - - - - -
2007 "Feliz Navidad" (re-entry) - - - - - - - - - - - 54 - 86 - - -
2008 "Feliz Navidad" (re-entry) - - - - - - - - - - - - - 42 - - -
2009 "Feliz Navidad" (re-entry) - - - - - - - - - - - - 37 54 - - -
2010 "Feliz Navidad" (re-entry) - - - - - - - - - - - - 38 42 - - -
2011 "Feliz Navidad" (re-entry) - - - - - - - - - - - - 47 48 - - -
2012 "Feliz Navidad" (re-entry) - - - 37 - - - - - - - 34 48 57 - - -
2013 "Feliz Navidad" (re-entry) - - - 29 - - - - - - - - 45 56 - - -
2014 "Feliz Navidad" (re-entry) - - - 25 - - - - - 65 - 22 57 49 - - -
2015 "Feliz Navidad" (re-entry) - - - 1 - - - - - 89 - 32 51 45 - - -
Hit albums[editar]
8
Year Album Chart positions
US US
R&B US
Soul Album US Latin Album US Cash Box UK7 AUS CND SPA NLD ITA TUR
1968 Feliciano! / "Light My Fire" 2 3 38 - 1 6 2 1 - - - 5
Souled 24 4 34 - 11 - 6 5 - - - -
1969 José Feliciano - - - - - 29 10 - - - - 1
Feliciano 10 to 23 16 15 18 - 8 38 2 8 4 8 - -
Alive Alive-O! 29 - - - 19 - 3 19 4 1 15 1
1970 Fireworks 57 - - - - 65 11 32 1 - 8 -
1971 Encore! / Las Mejores Actuaciones de" 92 - - - - - - 55 4 - - -
'Che Sarà - - - - - - - - - 25 10 -
That The Spirit Needs 173 - - - - - - - 19 - - -
1973 Sings 192 - - - - - - - - - - -
Compartments 156 - - - 88 - - - - - - -
1974 And The Feeling's Good 136 - - - - - - - - - - -
1975 Just Wanna Rock'n'Roll 165 - - - - - - - - - - -
1981 José Feliciano - 61 - - - - - - - - - -
1982 Escenas de Amor - - - 3 - - - - 2 - - -
1983 Romance In The Night - - - - - - - - 12 - - -
Me Enamore - - - - - - - - 4 - - -
1984 Como Tú Quieres - - - 9 - - - - - - - -
1985 Ya Soy Tuyo - - - 2 - - - - - - - -
Portrait / The Best Of - - - - - - - - - 37 - -
1986 Te Amaré - - - 3 - - - - - - - -
1987 Tu Inmenso Amor - - - 4 - - - - - - - -
1989 Los 15 Especiales - - - 7 - - - - - - - -
1990 Niña - - - 3 - - - - - - - -
1998 Señor Bolero - - - 20 - - - - - - - -
2000 Guitarra Mia-Tribute - - - 42 - - - - - - - -
2001 Noches de Bohemia - - - 35 - - - - - - - -
Noches de Bohemia Vol. 2 - - - 47 - - - - - - - -
2003 Señor Bolero Vol. 2 173 - - 2 - - - - - - - -
2004 A México... Con Amor - - - 54 - - - - - - - -
2006 La Historia de José Feliciano - - - 33 - - - - - - - -
2007 José Feliciano y Amigos - - - 33 - - - - - - - -
Señor Bachata - - - 40 - - - - - - - -
2008 Con México en el Corazón - - - 69 - - - - - - - -

Ha recibido 281 puntos

Vótalo:

6. Serafín Zubiri

Serafín Zubiri

Serafín Lizoaín Vidondo (Zubiri, 20 de abril de 1964), conocido por el nombre artístico de Serafín Zubiri es un cantante español. También ha realizado labores de actor, locutor, presentador y deportista. Índice [ocultar] 1 Biografía 1.1 Discografía 2 Éxitos deportivos 2.1 Atletismo 2.2... Ver mas
Serafín Lizoaín Vidondo (Zubiri, 20 de abril de 1964), conocido por el nombre artístico de Serafín Zubiri es un cantante español. También ha realizado labores de actor, locutor, presentador y deportista.
Índice [ocultar]
1 Biografía
1.1 Discografía
2 Éxitos deportivos
2.1 Atletismo
2.2 Maratón
2.3 Alpinismo
2.4 Ciclismo
2.5 Otros
3 Enlaces externos
Biografía[editar]

Fotografía de Serafín Zubiri y su perro guía Xifo.
Debido a su ceguera, asistió a colegios especializados de la ONCE, donde, además de cursar estudios ordinarios, tomó contacto con la música, aprendiendo solfeo, piano y canto.
A los diecisiete años, tras terminar sus estudios, formó en Pamplona el grupo “Equus”, del que era pianista y cantante. Cinco años más tarde, inicia su carrera en solitario. En 1987 grabó “Inténtalo”, su primer disco. Al año siguiente lanzó al mercado su segundo álbum “Pedaleando”, cuyo tema principal sirvió de sintonía para la vuelta ciclista a España de aquel mismo año.
En 1991 publicó “Detrás del viento”, que supuso su gran lanzamiento comercial con el éxito de la canción “Polvo de estrellas”. En 1992 fue elegido para representar a España en el festival de Eurovisión con la canción “Todo esto es la música” incluida en su disco “Te veo con el corazón”. En las navidades de este mismo año interpretó el tema central de la banda sonora de la película “La bella y la bestia”, gracias a la cual obtuvo una importante repercusión popular.
1995 es el año en el que sale al mercado “Un hombre nuevo”, título también de la canción principal del álbum, que ilustra la experiencia deportiva vivida por Serafín Zubiri cuando escaló la cima del Aconcagua (6.962 m.), el monte más alto de América, situado en Argentina.
En 1996 se estrenó como actor en la serie de televisión “Todos los hombres sois iguales” de la cadena Telecinco. También debutó como presentador en el programa “Sin límites” de Canal 4 Navarra. Durante 1997, 1998 y 1999 dirigió y presentó un magazine musical diario en Onda 10 Navarra.
En 1999 trabajó en el espectáculo musical “La magia de Broadway”, en el que también participaba la conocida cantante Marta Sánchez. El 13 de mayo de 2000 representó a España por segunda vez en el Festival de Eurovisión con la canción “Colgado de un sueño”, siendo seleccionado por votación popular. Dicha canción está incluida en su sexto álbum titulado igualmente “Colgado de un sueño”.
En la temporada 2002 - 2003 Serafín Zubiri dirigió y presentó un programa de entrevistas, “Vamos a ver”, en una cadena de televisión local de Navarra (Canal 4 - Localia Televisión). En febrero de 2003 se estrena en Madrid la obra de teatro “Las mariposas son libres”, siendo protagonista de la misma.
En septiembre de 2007 comienza su participación en la sexta edición del programa de TVE, “¡Mira quién baila!”, siendo el primer concursante ciego en el mundo que intenta mostrar sus dotes para el baile en un programa de estas características. Debido a la repercusión obtenida en España que sin duda fue propiciada por el masivo apoyo popular que recibió desde la primera emisión, en abril de 2008 fue reclamado desde Argentina para participar en “Bailando por un sueño”, que era el programa más visto en dicho país, y en el que obtuvo también desde el primer día el apoyo incondicional del público y, al igual que en España, un impactante éxito.
En otoño de 2010 se edita su séptimo álbum, “Sigo aquí”, con el que vuelve al mundo discográfico y logra unas notables ventas con una gira y promoción que le llevan por toda la geografía española.

Serafín Zubiri y su perro guía Kron
En febrero de 2012 se embarca en un reality televisivo, “El conquistador del Aconcagua”, que consiste en superar una serie de pruebas para ganarse el privilegio de hollar la cumbre del “Centinela de piedra”, como también se conoce a esta mítica montaña. Entre septiembre y octubre, graba un programa de multiaventura para TVE titulado “Sin barreras”. En tres capítulos se demuestra, una vez más, que la capacidad de superación está por encima de los límites que nos marcamos.
El 27 de noviembre de 2012 se publica su octavo disco titulado genéricamente “X una causa justa”. En este trabajo se refleja la sensibilidad de este gran artista que ha querido implicarse de forma activa con una serie de causas sociales por las que merece la pena luchar, dedicando cada una de las canciones a una problemática diferente.
En los meses de marzo y abril de 2013 participó como concursante en el programa “Splash! Famosos al agua” que emitió la cadena Antena 3. En este formato televisivo, los famosos tenían que mostrar sus habilidades para realizar distintos saltos desde plataformas a diferentes alturas. Una vez más, se puso de manifiesto que, con esfuerzo, constancia y tenacidad, se pueden abordar retos que contribuyen a potenciar la voluntad humana.

Serafín Zubiri "X Una Causa Justa"
En la actualidad compagina todas sus actividades profesionales y deportivas con los estudios de Psicología en la UNED y ofrece charlas de motivación a través de la superación personal.
Discografía[editar]
1987: Inténtalo
1988: Pedaleando
1991: Detrás del viento
1992: Te veo con el corazón
1995: Un hombre nuevo
2000: Colgado de un sueño
2008: Colgado de un sueño (reedición para la República Argentina)
2010: Sigo aquí
2012: X una causa justa

Serafín Zubiri
Éxitos deportivos[editar]
Atletismo[editar]
En 1991 fue Récord de España en la prueba de 1.500 m. y campeón de España en la de 800 m., en los campeonatos para ciegos organizados por la ONCE en dicho año.
Maratón[editar]
1995: Madrid y Nueva York.
1996: Sevilla y Madrid.
1998: Madrid y San Sebastián.
2000: La Habana.
2001: Madrid.
2004: San Sebastián.
2005: Madrid.
Ha corrido también más de treinta medias maratones en distintas ciudades de España.
Alpinismo[editar]
En 1994 hizo cima en el “Aconcagua” (6.962 m.), “Kilimanjaro” (5.895 m.), “Mont Blanc” (4.807 m.), los montes más altos de América, África y el más alto de los Alpes, respectivamente y en otras muchas más de Pirineos y Andes.
Ciclismo[editar]
Ha participado en varias ocasiones en algunas de las pruebas ciclistas populares más importantes: “Irati Xtrem”, “Quebrantahuesos”, “La Indurain”, “Larra-Larrau”, “Pamplona-Pamplona”, “Treparriscos”, “Bilbao-Bilbao”.
Ha completado nueve veces el “Camino de Santiago” y consiguió terminar en dos ocasiones la “Titan Desert” que es un Rallie de ciclismo de montaña que está considerado como una de las 5 pruebas más duras del mundo en esa modalidad.
Del 2 al 7 de diciembre de 2013 participó en la XXV edición de la “Vuelta Cicloturista Internacional Gran Canaria”. En dicha prueba se subió el “Pico de las Nieves” (considerado el puerto más duro de Europa), siendo el primer tándem que lo consigue.
Otros[editar]
Ha hecho incursiones en deportes como piragüismo, submarinismo, paracaidismo, puenting, patinaje de velocidad sobre ruedas y hasta ha llegado a conducir un kart adaptado para ciegos.
En octubre de 2010 formó parte del proyecto promovido por la Fundación Tecnología Social, “Camino de los Satélites”. Este proyecto consistió en realizar a pie el “Camino de Santiago” con el apoyo de las nuevas tecnologías aplicadas para personas con diversidad funcional, y cuya finalidad fue la elaboración de un informe sobre la accesibilidad del camino.
Desde junio de 2005 hasta abril de 2009 fue vicepresidente de la “Federación Internacional de Deportes para Ciegos” (IBSA).
En la actualidad se está entrenando para participar en la maratón de patinaje sobre ruedas entre Pamplona y Puente La Reina, que se celebrará el próximo mes de septiembre de 2014.

Predecesor:
Sergio Dalma
con "Bailar pegados" EuroEspaña.svg
España en el Festival de Eurovisión
1992 Sucesor:
Eva Santamaría
con "Hombres"
Predecesor:
Lydia
con "No quiero escuchar" EuroEspaña.svg
España en el Festival de Eurovisión
2000 Sucesor:
David Civera
con "Dile que la quiero"

Ha recibido 267 puntos

Vótalo:

7. Tete Montoliú

Tete Montoliú

Vicenç Montoliu i Massana, más conocido como Tete Montoliu (Barcelona, 28 de marzo de 1933 - ibídem, 24 de agosto de 1997) fue un pianista y compositor español de jazz, el primero que trascendió las fronteras y alcanzó nivel internacional. Su estilo está muy influenciado por artistas como Duke... Ver mas
Vicenç Montoliu i Massana, más conocido como Tete Montoliu (Barcelona, 28 de marzo de 1933 - ibídem, 24 de agosto de 1997) fue un pianista y compositor español de jazz, el primero que trascendió las fronteras y alcanzó nivel internacional. Su estilo está muy influenciado por artistas como Duke Ellington, John Coltrane, y Thelonius Monk.
Índice [ocultar]
1 Trayectoria
2 Estilo
3 Discografía
4 Referencias
4.1 Notas
4.2 Bibliografía
5 Enlaces externos
Trayectoria[editar]
Ciego de nacimiento, comenzó a tocar el piano desde su más tierna infancia, influido por una familia de gran vocación musical. Se inició en el mundo del jazz atraído por la música de Art Tatum, otro gran pianista ciego, y Earl Hines.
Su trayectoria profesional comienza en mayo de 1954, como pianista de la orquesta del bolerista venezolano Lorenzo González. En el Hot Club de Barcelona, donde toca con frecuencia con el saxofonista Don Byas conoce a Lionel Hampton, quien lo incoporaría a una grabación suya, en 1956. Actúa en Cannes en trío, con Art Taylor y Doug Watkins, en 1958, lo que sería su primera actuación fuera de España. En los años 1960, tocará con frecuencia en Berlín, junto a Albert Mangelsdorff, Chet Baker, Sahib Sihab, o Herb Geller, así como en Copenhague, junto a Dexter Gordon, Archie Shepp, Kenny Dorham y Roland Kirk, entre otros. En 1967, graba con Richard Davis y Elvin Jones, en Estados Unidos, para Impulse! (aunque no llegó a editarse en álbum) y, ya de vuelta a Europa, edita varios discos como líder, con el trompetista Dusko Goykovich (1971), y otros músicos.
Volverá a Estados Unidos en dos ocasiones (1979 y 1980) y trabajará en colaboración con Bobby Hutcherson, Ben Webster, Lucky Thompson, Anthony Braxton y George Coleman, con quienes también realizó diversas grabaciones. También tocó con músicos como Chick Corea, Paquito D'Rivera, Stan Getz o Stéphane Grappelli. A nivel nacional, realizó un gran número de sesiones junto a Núria Feliu, o con su inseparable trío: el contrabajista Horacio Fumero y el baterista Peer Wyboris. También grabó con otros músicos, como Jordi Sabatés.
El pianista de jazz Tete Montoliu falleció el 24 de Agosto de 1997 en Barcelona a las 11.40 en el Hospital Clínico de Barcelona, a los 64 años, víctima de un cáncer de pulmón.
En 1996, recibió un homenaje a escala nacional en el Teatro Monumental de Madrid con motivo de sus 50 años en el mundo del jazz, con Tom Harrell y Gary Bartz, entre otros.1 Tras su muerte, se creó la "Bienal Premios Tete Montoliu de Jazz".
Estilo[editar]
Montoliu desarrolló su forma de tocar partiendo de la influencia de Bud Powell y, en menor medida, de Lennie Tristano,2 aunque logró un estilo personal, percusivo, repleto de swing y muy bluesy, que lo convirieron en la figura más internacional del jazz español, y en un acompañante reclamado por las figuras americanas de paso por Europa. Su papel en la escena española es similar al que jugaría Martial Solal en la francesa.
Discografía[editar]
1974 Song For Love
1987 Tottie´s Tempo
1987 Tete¡
1988 The Music I Like To Play Vol. 1 & Vol. 2
1989 Solo Piano
1989 Live At The Keystone Corner
1989 Catalonian Nights Vol. 1 & Vol. 2
1990 Lush Life
1990 Piano Bolero
1991 Catalonian Fire
1991 The Music I Like To Play Vol. 3
1992 Tete A Tete
1992 Music For Perla
1992 Dinamic Duo (feat. George Coleman)
1992 Music For Anna
1992 The Music I Like To Play Vol. 4
1993 That´s All
1994 Words For Love
1996 I Wanna Talk About You
1996 Face To Face (feat. Niels-Henning Orsted and Pederson)
1996 Tete Montoliu en el San Juan
1997 Boston Concert Vol. 1 & 2
1998 Catalonian Nights Vol. 3
1999 T´estimo Tant...
1999 Palau De La Musica Catalana - Piano Solo
2006 Tete plays Tete

Ha recibido 190 puntos

Vótalo:

8. Jeff Healey

Jeff Healey

Jeff Healey (nacido como Norman Jeffrey Healey, 25 de marzo de 1966 - 2 de marzo de 2008) fue un guitarrista y vocalista de jazz, y blues-rock canadiense no vidente; que alcanzó popularidad internacional; tanto personal como musical, entre los años de la década de 1980 y la de 1990. A diferencia... Ver mas
Jeff Healey (nacido como Norman Jeffrey Healey, 25 de marzo de 1966 - 2 de marzo de 2008) fue un guitarrista y vocalista de jazz, y blues-rock canadiense no vidente; que alcanzó popularidad internacional; tanto personal como musical, entre los años de la década de 1980 y la de 1990. A diferencia de otros guitarristas ciegos, Jeff tocaba a la perfección la guitarra, acostada sobre sus piernas.
Índice [ocultar]
1 Primeros años de vida
2 Carrera musical
3 Enfermedad y muerte
4 Discografía
5 Referencias
6 Enlaces externos
Primeros años de vida[editar]
Healey nació en Toronto, Ontario, siendo criado en el extremo oeste de la ciudad. Fue adoptado como un bebé;1 su padre adoptivo fue un bombero. Cuando tenía once meses de edad, Healey perdió su vista por retinoblastoma, un extraño cáncer de los ojos. Los ojos tenían que ser eliminados quirúrgicamente, y se le dio otros ojos sustitutos artificiales.
Carrera musical[editar]
Después de haber obtenido su primera guitarra, comenzó a imitar a sus héroes del blues, tales como John Lee Hooker, Muddy Waters y Eric Clapton, y creó un estilo propio. Apoyado sobre su regazo, mientras que su mano derecha pulsaba las cuerdas, la izquierda recorría una y otra vez el mástil, casi al estilo de una pedal steel guitar. Hizo sus primeras presentaciones en público a los seis años de edad, y alternó bandas y estilos hasta formar su propio trío, once años después. Desde los catorce años seleccionaba música de su colección de casi 25 mil discos de pasta en la Canadian Broadcasting Corporation. Para Healey, la influencia del pop y el jazz de principios del siglo XX era algo esencial en su formación.
A los 17 años fundó un grupo, Blue Direction, junto al bajista Jeremy Litller, el baterista Graydon Chapamn y el guitarrista Rob Quail, los cuales eran sus compañeros de estudio. En una de las visitas de Albert Collins a Toronto, se le abrieron las puertas del Albert Hall de la ciudad para tocar como su invitado, una experiencia que repitió cuando llegaron a la ciudad Stevie Ray Vaughan y B.B. King.
Sus jams en la Taberna Grossman, en su ciudad, fueron la antesala del lanzamiento discográfico de su Jeff Healey Band, con su primer álbum See The Light, que fue editado en 1988 por Arista, con John Rockman y Tom Stephem, en bajo y batería respectivamente. El LP incluía una versión del clásico de ZZ Top "Blue Jeans Blues".
Después de eso participó en la película Road House (De profesión duro en español) en 1989, protagonizada por Patrick Swayze, en la cual compuso la banda sonora y actuó en las escenas musicales del pub donde transcurre el film.
Con Hell to Pay, de 1990, su éxito creció aún más. Mark Knopfler, Bobby Whitlock y George Harrison entre sus invitados, y una excelente versión de «While My Guitar Gently Weeps», de The Beatles. Tres años más tarde, Feel This fue el predecesor de Cover to Cover, una mirada propia sobre temas de Led Zeppelin, The Rolling Stones, The Beatles y Cream, entre otros. Una colaboración en la banda sonora de Un hombre entre sombras y dos recopilaciones antecedieron a Get Me Some, editado en el año 2000. A partir de entonces, Healey dedicó su tiempo a grabar tres CD de jazz tradicional de las décadas del '20 y '30, junto a sus Jazz Wizards, con quienes tocaba en su bar Jeff Healey's Roadhouse, en Toronto. En las presentaciones, solía cambiar la guitarra por la trompeta y el clarinete. Colaboró con Ian Gillan en Gillan's Inn, apareció junto a Stevie Ray Vaughan en un video de "Look at Little Sister" y condujo dos programas de jazz en una radio.
Siendo esposo de Cristie y papá de Rachel (13 años) y Derek (3 años), Healey dejó un nuevo CD, Mess of Blues, el cual se lanzó en 2009. En la programación de su Roadhouse, aún se anuncian sus futuros shows.
Enfermedad y muerte[editar]
El 11 de enero de 2007, Healey se sometió a una cirugía para extirpar el tejido metastásico de ambos pulmones. En los previos 18 meses, dos sarcomas fueron extirpados de su piernas.2
El 2 de marzo de 2008, Healey murió de cáncer3 en St. Joseph's Health Centre en su casa de Toronto.4 Su muerte ocurrió un mes antes del lanzamiento de su álbum, Mess of Blues, el cual era su primer álbum de música rock/blues en ocho años.5
Healey dejó esposa, Cristie, y dos hijos.6 El 3 de mayo de 2008, se llevó a cabo un concierto-homenaje a beneficio de Daisy's Eye Cancer Fund, organización que, de acuerdo con Cristie Healey, ha ayudado a hacer grandes avances en la investigación y el futuro de las personas nacidas con la misma herencia genética del retinoblastoma,7 el cual tuvo su esposo cuando tenía once meses de edad. El hijo de Cristie y Jeff Healey también nació con la misma discapacidad.8
Discografía[editar]
1988: See the light
1989: Road House Soundtrack
1990: Hell to Pay
1992: Feel This
1993: Evil Blues
1995: Cover to Cover
1998: The Very Best of JHB
2000: Get Me Some
2002: Among Friends
2004: Adventures in Jazzland
2005: Live At Montreux
2006: It’s Tight Like That
2008: Mess of Blues
2010: Last Call

Ha recibido 182 puntos

Vótalo:

9. Blind Willie Johnson

Blind Willie Johnson

"Blind" Willie Johnson (22 de enero de 1897 - 18 de septiembre de 1945) fue un cantante y guitarrista afroamericano cuyo estilo musical combinó tanto el blues como los espirituales; así mismo, en sus letras se pueden encontrar elementos sacros y de blues tradicional. Entre los músicos, es... Ver mas
"Blind" Willie Johnson (22 de enero de 1897 - 18 de septiembre de 1945) fue un cantante y guitarrista afroamericano cuyo estilo musical combinó tanto el blues como los espirituales; así mismo, en sus letras se pueden encontrar elementos sacros y de blues tradicional. Entre los músicos, es considerado como uno de los mejores intérpretes de la slide guitar, así como una de las personalidades más reverenciadas de la música gospel en el periodo de la Gran depresión. Su música se caracteriza por el sonido profundo, similar al de un bajo, que producen sus pulgares y su voz.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Carrera musical
3 Legado
4 Notas
5 Referencias
6 Enlaces externos
Biografía[editar]
"Blind" Willie Johnson nació en 1897 cerca de Brenham, Texas (anteriormente al descubrimiento de su certificado de defunción, se creía que nació en Temple, Texas). Su madre falleció cuando Blind aún era muy joven, volviéndose a casar su padre al poco tiempo.1
Se piensa que Willie Johnson se casó en dos ocasiones, la primera de ellas con una mujer que tenía el mismo nombre que él, Willie B Harris, y posteriormente con una joven cantante llamada Angeline Johnson, hermana del guitarrista de blues L.C. Robinson (no obstante, aún no se han descubierto los certificados de matrimonio). Las primeras investigaciones en la biografía de Johnson, realizadas por Samuel Charters, llevaron a la conclusión de que Angeline era la persona que cantaba en las grabaciones del artista; posteriores investigaciones demostraron que en realidad fue la primera mujer de Johnson.
Johnson no nació ciego, y a pesar de que no se sabe realmente cómo perdió la vista, Angeline Johson relató a Samuel Charters: "Cuando Willie tenía siete años, su padre pegó a su madrastra al encontrarla con otro hombre; la madrastra cogió lejía y se la tiró a la cara del joven Willie".1
Johnson permaneció en la pobreza hasta su muerte, predicando y cantando en las calles de Beaumont, Texas, a cualquiera que quisiera escucharle. En 1945, la casa de Johnson se quemó, por lo que el músico terminó viviendo en las ruinas de la misma y durmiendo en una cama mojada, hasta que falleció debido a una neumonía (a pesar de ello, el certificado de defunción indica que la causa de la muerte fue debida a malaria junto a sífilis). En una entrevista posterior, su mujer relató que intentó llevarle a un hospital pero que le fue denegada la entrada al mismo debido a la ceguera de su marido.
Carrera musical[editar]
Johnson aprendió rápidamente a tocar la guitarra de doce cuerdas, dejándole su padre en las esquinas de las calles para que cantara y consiguiera dinero. Existe una historia acerca del arresto de Johnson por estar a punto de iniciar una revuelta en los juzgados de Nueva Orleans, al interpretar la canción "If I Had My Way I'd Tear the Building Down"; según Samuel Charters, el arresto se debió a que cantó delante de los juzgados y fue escuchado por un policía, el cual malinterpretó la letra de la canción creyendo que incitaba a una revuelta.2
Johnson realizó 30 grabaciones musicales en cinco sesiones de grabación separadas, de 1927 a 1930, para la compañía discográfica Columbia Records; en algunas de estas grabaciones, Johson utiliza un estilo rápido con púa, mientras que en otra toca la slide guitar. Algunas de las grabaciones más famosas de Johnson incluyen la interpretación de una canción famosa de gospel, "Let Your Light Shine On Me", así como "Dark Was The Night, Cold Was The Ground", canción que trata acerca de la crucifixión de Jesús.
En 14 de estas grabaciones le acompañan bien Willie B Harris o una voz femenina que no se ha podido identificar; algunas de estas grabaciones son "Church I'm Fully Saved Today", "John the Revelator", "You'll Need Somebody on Your Bond" y "Keep Your Lamp Trimmed and Burning".
Legado[editar]
La música de Johnson han influido a una gran cantidad de artistas posteriores, realizando versiones de algunas de sus canciones músicos como Led Zeppelin (el cual incluyó una foto de Johnson en su segundo disco), Bob Dylan, The 77s, Beck, Phil Keaggy y The White Stripes, los cuales han versionado la canción "John the Revelator"; artistas del delta blues, como Son House y Fred McDowell, también grabaron versiones de canciones de Johnson.
La canción de Johnson, "If I Had My Way I'd Tear the Building Down", fue grabada por el grupo Peter, Paul, and Mary, la cual se renombró posteriormente a "Samson and Delilah" (canción que solía interpretar Grateful Dead en sus conciertos y que también grabó Gary Davis). Otro canción de Johnson, "Nobody's Fault But Mine", ha sido versionada por Mason Jennings en varias ocasiones, contando con arreglos posteriores por Led Zeppelin.
En el año 2003, la compañía discográfica Deep Sea Records publicó un disco compacto titulado "Dark was the Night" en el cual artistas como Martin Simpson, Gary Lucas, Mary Margaret O'Hara y Jody Stecher rinden tributo a Blind Willie Johnson.
La canción de Johnson, "Dark Was The Night, Cold Was The Ground" fue incluida en uno de los discos de oro, el cual fue enviado al espacio en 1977 en la sonda espacial Voyager, siendo utilizada por este motivo en la serie científica de Carl Sagan "Cosmos: A Personal Voyage" en 1980. Esta canción se utilizó en "The Devil's Rejects", película sobre un asesino en serie realizada por el músico de rock and roll Rob Zombie.

Ha recibido 125 puntos

Vótalo:

10. Blind Willie McTell

Blind Willie McTell

Willie Samuel McTell, conocido en el mundo del blues como Blind Willie McTell, fue un guitarrista y cantante, nacido en Thomson, Georgia, en 1898, probablemente el 5 de mayo, y fallecido en Almón, en el mismo estado, el 19 de agosto de 1959. Índice [ocultar] 1 Historial 2 Estilo 3... Ver mas
Willie Samuel McTell, conocido en el mundo del blues como Blind Willie McTell, fue un guitarrista y cantante, nacido en Thomson, Georgia, en 1898, probablemente el 5 de mayo, y fallecido en Almón, en el mismo estado, el 19 de agosto de 1959.
Índice [ocultar]
1 Historial
2 Estilo
3 Referencias
4 Bibliografía
Historial[editar]
McTell había sido educado en escuelas para ciegos de Georgia, Nueva York y Míchigan, aunque su ceguera no era total. Comenzó su actividad como músico callejero en Atlanta, donde consiguió convertirse en el rey. Grabó abundantemente, entre 1927 y 1956, sobre todo para productores de compañías discográficas que recopilaban folclore auténtico: siempre estaba localizable y accesible. Buena parte de estas grabaciones se editaron bajo seudónimos, como Blind Sammie, Georgia Bill o Pig'n Whistle Red. Gracias a estas grabaciones, para Alan y John Lomax, y los sellos Atlantic Records, Savoy Records o Regal, consiguió bastante fama, y pudo seguir grabando después de la guerra, aún cuando su estilo ya no estaba de moda, gracias al entusiasmo despertado en los aficionados al folk de todo el mundo. Llegó a viajar a Sudamérica.
Su última grabación la realizó en 1956 para el dueño de una tienda de discos de Atlanta, y fue puesta en circulación póstumamente por la firma Prestige/Bluesville, bajo el título de Last Session..1 Después de eso, sólo interpretó música religiosa. De 1957 hasta su muerte fue predicador en la Iglesia Bautista Monte Zion de Atlanta. Murió a causa de una hemorragia cerebral, según algunos autores consecuencia de los golpes recibidos de unos atracadores que le robaron su guitarra,2 el 19 de agosto de 1959, en el Hospital Estatal de Milledgeville.
Bob Dylan le dedicó una canción titulada "Blind Willie McTell", cuya melodía se basaba en la del tema "St. James Infirmary Blues" y cuya letra refleja la historia de la música de América y la esclavitud.
Estilo[editar]
McTell era, en realidad, un songster, fiel representante del Blues de Piedmont, con un estilo muy versátil de guitarra y una voz muy adaptable3 y un repertorio repleto de ragtimes, hillbilly y cantos espirituales, además de blues. Su fingerpicking era virtuoso, complejo e irregular, creando escuela entre los músicos de las generaciones posteriores. También fue un especialista en el uso del bottleneck, con un sonido muy cristalino. Algunos autores lo consideran como la cima de la guitarra folk.4

Ha recibido 111 puntos

Vótalo:

11. Gilbert Montagné

Gilbert Montagné

Gilbert Montagne (nacido el 28 de diciembre de 1951 en París) es un músico francés de la Ménilmontant barrio en París y Bourbonnais , pianista, organista y cantante. Él es un caballero decorado de la Orden de las Artes y las Letras. [1] Ciego de nacimiento, es más recordado por su éxito... Ver mas
Gilbert Montagne (nacido el 28 de diciembre de 1951 en París) es un músico francés de la Ménilmontant barrio en París y Bourbonnais , pianista, organista y cantante. Él es un caballero decorado de la Orden de las Artes y las Letras. [1] Ciego de nacimiento, es más recordado por su éxito internacional "El Loco", que era un solo número 1 en Europa en 1971. En Francia sigue siendo un álbumes populares y concertista, de haber recorrido con los gustos de Johnny Hallyday .
En 2009, participó en Rendez-vous en terre desconocida .
Contenido
1 Discografía
1.1 álbumes
1.2 Singles
2 enlaces externos
3 Referencias
Discografía [ editar ]
Álbumes [ editar ]
Gilbert Montagne (1971)
Il faut oscilación que ça (1976)
Vie ta (1981)
Liberté (1984)
Gilbert Montagné à l'Olympia LIVE (1985)
Quelques toma nota de musiques (1985)
Vivre en couleurs (1987)
Entre douceur et la violencia (1989)
En magique acuerdo (1989)
Rien amitié qu'une (1993)
Comme une étoile (1995)
Le meilleur de compilación (1995)
Mélange de couleurs (1997)
Les belles chansons además compilación (1997)
Live à l'Olympia (1998)
CD recopilatorio Story (2001)
Anthologie box set de 3 CDs (2001)
Les indispensables compilación (2001)
Rien sans amour tonelada (2002)
Versiones Originales compilación (2002)
Ses plus belles chansons compilación (2002)
Lo mejor de la compilación Gilbert Montagne (2002)
Get Ready (2006)
Singles [ editar ]
"Quand on ferme les yeux" / "Le phénomène" (1969)
"The Morning Comes" (1970)
"El Loco" / "Hide Away" (1971)
"Aime-moi" / "Song for Every Time" (1972)
"Baby I Feel so Fine" / "Mi Señor" (1972)
"Dans mon il ya des oiseaux de piano" / "Elle chantait ma vie en musique" (1973)
"Pas tomber M'laisse" (1979)
"Crea en mí" / "On the Road" (1979)
"Besoin de vous" (1981)
"Va s'aimer On" (1983)
"Sólo por esta noche" (1984)
"Les sunlights des Tropiques" / "Près de toi" (1984)
"J'ai le azules de toi" / "Si je l'aime" (1984)
"Au soleil - Robinson Crusoe" / "Un monde entre nous" (1984)
"Je veux tout" / "elle Sans" (1987)
"Perdu dans Nueva York" (1989)
"Plus fort la vie" / "Open Your Heart (y Take a Chance)" (1990)
"Un vrai Noël" (2001)
"Entendre ton sourire" / "Si tu voulais" (2002)

Ha recibido 109 puntos

Vótalo:

12. Nobuyuki Tsujii

Nobuyuki Tsujii

Nobuyuki Tsujii (辻井伸行 ? ) | Tsujii Nobuyuki | Nobu Tsujii (nacido el 13 de septiembre de 1988) es un pianista y compositor japonés. Contenido 1 Antecedentes 2 Comentarios sobre Tsujii 3 ¿Cómo se entera de nuevas obras musicales 4 Obras 5 Referencias 6 Enlaces externos Antecedentes... Ver mas
Nobuyuki Tsujii (辻井伸行 ? ) | Tsujii Nobuyuki | Nobu Tsujii (nacido el 13 de septiembre de 1988) es un pianista y compositor japonés.
Contenido
1 Antecedentes
2 Comentarios sobre Tsujii
3 ¿Cómo se entera de nuevas obras musicales
4 Obras
5 Referencias
6 Enlaces externos
Antecedentes [ editar ]
Nobuyuki Tsujii nació ciega (debido a la microftalmia ) pero con un talento para la música.
A la edad de dos años, empezó a tocar " Do Re Mi " en un piano de juguete después de que su madre había estado tarareando la melodía. Comenzó sus estudios formales de piano a la edad de cuatro años. En 1995, a la edad de siete años, Tsujii ganó el primer premio en el All Japan Music de Estudiantes Ciegos por la Asociación Helen Keller Tokio. En 1998, a los diez años, debutó con la Orquesta del Siglo, de Osaka. Dio su primer recital de piano en la pequeña sala de Tokio Suntory Hall a los 12 años [1] Posteriormente, hizo su debut en el extranjero con actuaciones en los Estados Unidos, Francia y Rusia. En octubre de 2005, llegó a la semifinal y recibió el Premio de la Crítica en el 15º Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin, celebrada en Varsovia, Polonia. [2]
En abril de 2007, entró en Tsujii Universidad Ueno Gakuen , donde se graduó en marzo de 2011. [3]
Tsujii compitió en el 2009 en el Concurso Internacional de Piano Van Cliburn y atado por la medalla de oro con Haochen Zhang . También fue galardonado con el Premio Beverley Taylor Smith por la mejor interpretación de una obra nueva. Jugó todos los doce de Frédéric Chopin 's op. 10 Études como parte de su actuación en los preliminares.
Fue uno de los competidores destacados prominente en el Peter Rosen película documental sobre el concurso de 2009 Van Cliburn, "Una sorpresa en Texas" , que fue transmitido por primera vez en PBS de televisión en 2010. [4]
Además de ser un pianista, Nobuyuki Tsujii es un compositor. A los 12 años, él realizó su propia composición "Esquina de Viena." [5] Se ha publicado ya numerosos discos de sus propias composiciones. Es un compositor de música de cine, y el destinatario de 2011 del Premio de los Críticos de Cine de Japón para el Festival de música del artista.
El 10 de noviembre de 2011, Nobuyuki Tsujii hizo un recital debut en la sala principal (Auditorio Isaac Stern) en el Carnegie Hall en Nueva York, como parte de la serie Virtuosos II teclado. [6] [7] Tsujii debutó en los Proms de la BBC en 16 de de julio de de 2013, una demostración con la Filarmónica de la BBC y director Juanjo Mena . [8]
Nobuyuki Tsujii aparece en un libro de texto Inglés 2013 para las escuelas secundarias en Japón. [9]
Una película de 2014 Tocando el sonido , también por Peter Rosen, documenta la vida de Tsujii desde su nacimiento hasta su 2011 debut en el Carnegie Hall, incluyendo imágenes de su visita a la región en Japón, que sufrió las consecuencias devastadoras del terremoto y tsunami de Tohoku de 2011 .
Comentarios sobre Tsujii [ editar ]
Van Cliburn es citado como habiendo dicho al Fort Worth Star-Telegram , "Él era absolutamente milagroso. Su actuación tuvo el poder de un servicio de sanidad. Fue verdaderamente divina." [10]
2009 Van Cliburn Concurso Jurado Richard Dyer, un crítico musical en jefe de The Boston Globe , dijo, "Muy pocas veces cierro mi cuaderno y simplemente me entrego a él, y él hizo que fuera necesario. Yo no quería ser interrumpido en lo que estaba escuchando ". [11]
2009 Concurso Van Cliburn Jurado Michel Béroff , un galardonado pianista de fama internacional, dijo a la revista de piano mensual japonesa Chopin , [12] "Lo especial de su actuación es su sonido. Tiene profundidad, color y contraste, la música genuina." [13]
En el documental "Una sorpresa en Texas", Menahem Pressler , Cliburn miembro del jurado y un eminente pianista, dice: "Tengo la mayor admiración por (Nobuyuji Tsujii) Dios ha quitado los ojos, pero le dio la dotación física y la dotación mental. abarcar las más grandes obras de piano para que pueda jugar el concierto de Chopin con tanta dulzura, delicadeza y sinceridad -. que es profundamente conmovedora que tenía para no llorar cuando salí de la habitación. ".
Scott Cantrell en su revisión de la competencia Van Cliburn 2009 por The Dallas Morning News escribió que "Es casi inimaginable que ha aprendido las puntuaciones tan formidable como Segundo concierto para piano de Rachmaninoff y de Beethoven Sonata Hammerklavier por el oído ... A través de las tres rondas, jugó con aseguramiento infalible, y sus no forzado, concierto para piano de Chopin e-Minor completamente natural era un oasis de belleza ". [14] [15]
John Giordano , director musical y director de orquesta sinfónica de Corpus Christi, que era el presidente del jurado de la competición Cliburn, dijo en 2010: "Es increíble. Cerramos los ojos y es tan fenomenal que es difícil de retener sus lágrimas. Nobu jugado los más difíciles pieza de Beethoven de una hora (Hammerklavier, Sonata no. 29) sin problemas. para cualquier persona, es extraordinario. Pero para alguien ciego que aprende de oído, es alucinante ". [16]
En una entrevista después del Noviembre de 2011 Carnegie Hall debut en el considerando de Tsujii, Van Cliburn dijo en TV Asahi , "Qué emoción al escuchar esta brillante muy dotado pianista,, fabuloso. Se siente la presencia de Dios en la habitación cuando jugaba. Su alma está tan puro. Su música es tan maravilloso, y que tiende a infinito a lo alto del cielo. " [17]
En una revisión de 2014 que apareció en The Daily Telegraph del Reino Unido, David Fanning revisor escribió, "... el rendimiento del concierto para piano de Prokofiev Nº 3. Tsujii de Nobuyuki Esto no fue sólo supersónica en sus tempos, pero muy limpia, y también responde a la hada poesía -tale que pone en marcha la agresión de acero. " [18]
El funcionamiento del principio de Tsujii con la Filarmónica de Munich el 4 de noviembre de 2015, la Münchner Merkur escribió (traducido del alemán): "Al principio parece un poco incierto, pero tan pronto como se sienta al piano, que es como una persona diferente . la supuesta desventaja resulta ser su fuerza:.. los sumideros japoneses en el quinto concierto para piano de Beethoven los altos acordes del segundo movimiento parecen flotar con su toque ligero como una pluma " [19]
Tras la celebración de una gira en Japón con Tsujii en noviembre de 2015, director de orquesta Valery Gergiev dijo:. "No sólo es un gran músico y estrella en Japón, muestra que los recursos humanos son prácticamente ilimitadas El muestra que no hay prácticamente nada que un ser humano no puede hacer. " [20]
Cómo aprende nuevas obras musicales [ editar ]
Tsujii aprende nuevas obras musicales estrictamente por el oído.
Un 2009 Tiempo (revista) artículo explica: "Desde luego, ser ciego no ha hecho que sea fácil Tsujii puede utilizar braille partituras musicales para aprender nuevas piezas, pero este tipo de traducción se realiza habitualmente por los voluntarios Debido a que la demanda es tan baja, la.. variedad de partituras disponibles no se ajusta a las necesidades de un intérprete profesional, por lo Tsujii ha ideado su propio método. un equipo de pianistas registra las puntuaciones junto con los códigos específicos e instrucciones escritas por los compositores, que Tsujii escucha y prácticas hasta que aprende y perfecciona cada pieza ".. [21]
dijo Tsujii en una entrevista de 2011, "Aprendo piezas escuchando, pero eso no quiere decir que estoy copiar CDs o interpretación de otra persona. Pido a mis ayudantes para hacer una cinta de cassette especial para mí. Se separaron la pieza en pequeñas secciones , tales como varios bares, y grabarlo (por un lado a la vez). yo llamo a estas cintas 'hojas de la música para los oídos. " Me toma unos días para completar una pieza corta, pero se necesita un mes para completar una gran sonata o concierto. " [22]
Obras [ editar ]
Desde su triunfo en la competición Cliburn, Tsujii ha ganado importancia en la música de piano clásico, sobre todo en su Japón natal. Sus CDs Cliburn, así como otros CDs grabados antes de 2009, ahora están ampliamente disponibles. Su disco oficial de Van Cliburn (HMU 907505) vendió más de 100.000 copias en un año. [23]
A continuación se presenta una lista de sus CDs y DVDs, más reciente en primer lugar:
Liszt Sonata en si menor y Ravel Gaspard de la nuit Nobuyuki Tsujii CD. Lanzado por Avex Classics el 20 de julio de 2016.
Concierto para piano de Chopin Nº 2 y 3 Nobuyuki Tsujii CD. Lanzado por Avex Classics el 21 de octubre de 2015.
Nobuyuki impresiones Tsujii CD. Lanzado por Avex Classics el 22 de julio de 2015.
Nobuyuki Tsujii obras para piano con la orquesta (Maestro! ~ Nobuyuki Tsujii propias composiciones con orquesta) de CD . Lanzado por Avex Classics el 28 de enero de 2015.
Emperador y Coronación --Nobuyuki Tsujii y Orpheus Chamber Orchestra CD . Lanzado por Avex Classics el 21 de enero de 2015.
Nobuyuki Tsujii juega Liszt (La Campanella -Virtuoso Liszt: Nobuyuki Tsujii!) CD . Lanzado por Avex Classics el 24 de septiembre de 2014.
Al tocar el sonido: El improbable viaje de Nobuyuki Tsujii de DVD / Blu-ray . Lanzado por EuroArts Música en julio de 2014.
月の光~辻井伸行juegaドビュッシー(Clair de Lune - Nobuyuki Tsujii juega Debussy) CD . Lanzado por Avex Classics el 11 de septiembre de 2013.
Nobuyuki Tsujii en las noches blancas de DVD / Blu-ray . Lanzado por EuroArts Música en enero de 2013.
ジェニーへのオマージュ自作集CD +自作en vivo "Homenaje a Jeanie 'DVD CD de auto-composición y DVD . Lanzado por Avex Clásicos en diciembre de 2012.
辻井伸行juega花は咲くNobuyuki Tsujii juega 'Flowers Bloom' . Lanzado por Avex Classics el 17 de octubre de 2012.
辻井伸行モーツァルト·アルバムNobuyuki Tsujii - Mozart álbum . Lanzado por Avex Classics el 5 de septiembre de 2012.
はやぶさ遥かなる帰還オリジナル·サウンドトラックNobuyuki Tsujii - Hayabusa Harukanaru Kikan banda sonora original , música de la película original compuesta por Nobuyuki Tsujii. Lanzado por Avex Classics el 8 de febrero de 2012.
辻井伸行カーネギーホール·デビューVIVO Nobuyuki Tsujii Carnegie Hall debut en vivo! . Lanzado por Avex Classics el 28 de diciembre de 2011.
それでも,生きてゆくオリジナル·サウンドトラック( 'Todavía nos Live'Original Banda Sonora) , publicado por Avex Clásicos en agosto de 2011
神様のカルテ~辻井伸行自作集Nobuyuki Tsujii Works, 2000-2011 , una colección de composiciones propias de Tsujii, publicado por Avex Clásicos en julio de 2011
Nobuyuki Tsujii - Yutaka Sado - Filarmónica de la BBC Tchaikovsky: Concierto para piano No. 1 , publicado por Avex Clásicos en febrero de 2011
Tchaikovsky: Concierto para piano Nº 1 , con Yutaka Sado y la Filarmónica de la BBC, publicado por Avex Clásicos en febrero de 2011.
Mi favorita Chopin Nobuyuki Tsujii , publicado por Avex clásicos en marzo de 2010.
Chopin: Piano Works , con dos discos, cada uno de 10 pistas; grabado en el Concurso de Piano Chopin en 2005 y re-lanzado por Victor Japón en septiembre de 2009.
Cuadros de una exposición Nobuyuki Tsujii , liberará 15 de septiembre 2010 por Avex Classics
Frédéric Chopin: Piano Concerto No. 1; Estudios Op. 10, editado por Harmonia Mundi en 2010
Nobuyuki Tsujii Cliburn 2009 Ronda Preliminar Considerando, publicado por Harmonia Mundi en 2009; También disponible como un DVD
Nobuyuki Tsujii Cliburn Ronda de semifinales Considerando, publicado por Harmonia Mundi en 2009; También disponible como un DVD
Nobuyuki Competencia Cliburn Tsujii Ronda final Considerando, publicado por Harmonia Mundi en 2009; También disponible como un DVD
Nobuyuki Tsujii, medallista de oro, 2009 - Los ganadores de CD, editado por Harmonia Mundi en 2009
Rachmaninoff: Concierto para piano nº 2 , publicado por Avex Trax Japón en 2008, con el conductor de Yutaka Sado y el Deutsches Symphonie
Nobuyuki debut Tsujii , Avex etiqueta de espectáculos, 2007: contiene un disco de recitales de obras de Chopin, Liszt, Ravel y; y un segundo disco con cinco composiciones originales de Tsujii.
Nobuyuki Tsujii ha realizado con éxito con numerosas orquestas bajo la batuta de muchos conductores, tanto en Japón como en el extranjero. Los conductores que llevan a cabo con en los últimos años incluyen [24] Yutaka Sado ( Tonkünstler Orchestra , Filarmónica de la BBC , Deutsches Symphonie-Orchester Berlin ), James Conlon ( Fort orquesta sinfónica Worth ), Randall Craig Fleischer ( Hudson Valley Filarmónica , Youngstown orquesta sinfónica ), John Giordano (Corpus orquesta sinfónica Christi), Thierry Fischer (Suiza orquesta italiano), Vladimir Spivakov (Moscow Virtuosi Chamber Orchestra), Jean-Marie Zeitouni ( orquesta sinfónica de Edmonton ), Paolo Carignani ( Yomiuri orquesta sinfónica de Nippon ), Mitiyoshi Inoue ( Orquesta Ensemble Kanazawa ), Yuzo Toyama ( NHK Symphony Orchestra ), Eliahu Inbal ( Tokyo Metropolitan Symphony Orchestra ), Michael Collins ( Sinfonieorchester Basilea ), Lukasz Borowicz (Poznan Philharmonic Orchestra), Vladimir Ashkenazy ( Philharmonia Orchestra y la Orquesta Ensemble Kanazawa ), Valery Gergiev ( Mariinsky Orquesta del Teatro , Orquesta de Teatro al la Scala y la Filarmónica de Munich ), Kazuyoshi Akiyama ( Hiroshima orquesta sinfónica ), Tatsuya Shimono ( Yomiuri orquesta sinfónica de Nippon ), Alexander Mickelthwate ( Winnipeg Symphony Orchestra ), Stilian Kirov (en sustitución de Ludovic Morlot ) ( orquesta sinfónica de Seattle ), Miguel Harth-Bedoya ( Fort orquesta sinfónica Worth ), Juanjo Mena ( Filarmónica de la BBC ), Arild Remmereit ( Orquesta Sinfónica de Baltimore , Andriy Yurkevych ( Múnich orquesta sinfónica ), Scott Speck ( orquesta sinfónica de móvil ), Kaspar Zehnder ( Sinfonieorchester Basilea ), Pascal Rophé (en sustitución de Marc Minkowski ) ( orquesta Ensemble Kanazawa ), Vasily Petrenko ( Royal Liverpool Philharmonic ), Yuko Tanaka ( Orquesta Ensemble Kanazawa ), Michiyoshi Inoue ( Orquesta Ensemble Kanazawa ), Ronald Feldman ( Longwood orquesta sinfónica ), Sylvain Cambreling ( Yomiuri Nippon orquesta sinfónica ), Christopher Warren-Green ( Yomiuri Nippon Symphony Orchestra ), Darrell Ang ( Filarmónica Real de Liverpool ), y Michael Sanderling ( Filarmónica de Dresde ). Tsujii también se ha realizado con el Cuarteto Takács y la Orpheus Chamber Orchestra .
Conciertos para piano que Nobuyuki Tsujii ha realizado incluyen [25] Concierto para piano n.º 1 (Beethoven) , Concierto para piano Nº 3 (Beethoven) , Piano Concerto No. 5 (Beethoven) , Piano Concerto No. 1 (Tchaikovsky) , Concierto para piano n . 3 (Prokofiev) , Concierto para piano (Grieg) , Concierto para piano Nº 2 (Rachmaninoff) , Concierto para piano Nº 3 (Rachmaninoff) , Piano Concerto No. 20 (Mozart) , Concierto para piano n.º 21 (Mozart) , Concierto para piano Nº 26 (Mozart) , Concierto para piano n.º 27 (Mozart) , Piano Concerto No. 1 (Chopin) , Concierto para piano Nº 2 (Chopin) , y el concierto para piano (Ravel) . También ha actuado de Gershwin Rhapsody in Blue .
Además de ser un pianista, Nobuyuki Tsujii es un compositor. A los 12 años, él realizó su propia composición "Esquina de Viena." [26] En 2010-2011, que compuso el tema musical de una película japonesa '神様のカルテ(en su carta) " [27] , así como para un drama de televisión japonés "それでも,生きてゆく(Still We Live On)". [28] en junio de 2011, el japonés campeón de patinaje artístico Midori Ito lleva a cabo en un evento mundial (Master Elite Oberstdorf 2011) [29] con la música de " el susurro del río ", compuesta por Tsujii cuando estaba en la escuela secundaria para expresar su amor por su padre después de que ambos tomaron un paseo por el río Kanda en Tokio. [30] Tsujii fue el director musical y compuso el tema musical para el película japonesa はやぶさ遥かなる帰還el retorno del Hayabusa " publicado en febrero de 2012. en 2014, compuso el tema de cierre de la película 'マエストロ(Maestro!)" [31]
Nobuyuki Tsujii fue ofrecido en un cortometraje original de "Luces de Japón" que se muestra en la Cumbre Mundial de Economía en Davos, Suiza, en enero de 2012. [32] En la película, se lleva a cabo en un piano de cola restaurada a partir de los estragos de la Marcha 2011 tsunami que devastó el este de Japón. [33] Además, actuó en numerosos conciertos de caridad en nombre de 2011 terremoto y tsunami víctimas de Japón, incluyendo un concierto de la UNESCO celebrada en París el 11 de marzo de 2012. [34] Parte de las ganancias de su 2012 'Flowers Bloom' CD va hacia esfuerzo de reconstrucción del terremoto de Japón. [35] Además de su esfuerzo de ayuda por el terremoto, Tsujii realiza frecuentemente conciertos benéficos, como para los hospitales de niños, [36] de la Cruz Roja japonesa [37] [38] y la personas con discapacidad. [39] en el verano de 2012, Nobuyuki Tsujii contribuyó a una rublos donación de un millón de las ganancias de un concierto aclamado, en la que se realizó el 8 de julio con el director Valery Gergiev y la Orquesta del Teatro Mariinsky , a las víctimas de una inundación en Kuban que ocurrió la noche anterior. [40] el 25 de octubre de 2015, Nobuyuki Tsujii realiza con la orquesta sinfónica de Longwood en Boston, en colaboración con la Sociedad Japonesa de Boston y el Berklee College of Music , en beneficio de la Higashi Boston School y la Sinfonietta de Jóvenes de Fukushima. [41] al día siguiente, Tsujii hizo una visita especial a la Escuela Higashi y "inspirado niños y el personal por igual." [42]

Ha recibido 107 puntos

Vótalo:

13. Clarence Carter

Clarence Carter

Clarence George Carter (nacido el 14 de enero de, 1936) es un estadounidense de blues y alma productor cantante, músico, compositor y registro. Sus más exitosos registros incluyen "Slip Away", " puerta de atrás de Santa ", "demasiado débil para luchar", " parches " (1970), y "Strokin '" (1985... Ver mas
Clarence George Carter (nacido el 14 de enero de, 1936) es un estadounidense de blues y alma productor cantante, músico, compositor y registro. Sus más exitosos registros incluyen "Slip Away", " puerta de atrás de Santa ", "demasiado débil para luchar", " parches " (1970), y "Strokin '" (1985).
Contenido
1 Vida y carrera
2 Discografía
2.1 Gráfico de solteros
2.1.1 Nota
2.2 álbumes
3 Referencias
4 Enlaces externos
Vida y carrera [ editar ]
Ciego de nacimiento en Montgomery, Alabama , el 14 de enero de 1936, [1] Carter asistió a la escuela de Alabama para Ciegos en Talladega, Alabama , y de la universidad del estado de Alabama en Montgomery, donde se graduó en agosto de 1960 con una Licenciatura en Ciencias grados en la música. [2 ] Su carrera musical profesional comenzó con el amigo Calvin Scott, firma a la etiqueta para liberar Fairlane "I Wanna Dance Pero yo no sé cómo", como Clarence y Calvin, el año siguiente. Después del lanzamiento de 1962 "I Do not Know (School Girl)," la pareja se unió a Duke registros , cambiar el nombre de los mismos C & C Niños y la liberación de cuatro sencillos para el sello, aunque ninguno fue un éxito comercial. En 1965, el dúo grabó "paso a paso" a Rick Salón 's FAME Estudios en Muscle Shoals ; que fue lanzado en el Atlantic Records subsidiaria ' Atco etiqueta, pero también no pudo trazar. [3] [4]
El dúo realiza regularmente en los clubes en Birmingham, Alabama , en 1966. Después de Scott fue gravemente herido en un accidente automovilístico, Carter continuó como solista, y graba para el sello Fama. En 1967 grabó " Dile a papá ", que alcanzó el número 35 en el Billboard gráfico de R & B e inspiró a Etta James ' registro de respuesta , " Tell Mama ", para el que Carter fue acreditado como escritor. A finales de 1967, Carter se unió a Atlantic Records. A continuación, comenzó una serie de éxitos en el R & B y listas de éxitos, empezando por "Slip Away" (número 2 de R & B, el número 6 del pop), que ha sido descrito como "una balada engaño superior, que pone de relieve su angustiosa barítono, masiva junto con la notable sinuosa respaldo de banda de apoyo ejemplar de la Fama ", [3] y" demasiado débil para luchar "(número 3 de R & B, pop número 13). Tanto de los sencillos del Atlántico anteriores fueron certificado Oro por la Asociación de la Industria de Grabación de América . [5] A finales de 1968, que tenía un golpe del estallido de temporada con el lascivo y funky " puerta de atrás de Santa " (número 4 estallido de Navidad), y recorrieron a nivel nacional. [3] [6] [7] Sus cantantes de apoyo incluyen Candi Staton ; se casaron en 1970 y produjeron un hijo, Clarence Carter Jr., antes de divorciarse en 1973.
Carter continuó teniendo éxitos en 1969 y 1970, con "arrebatándolo Volver", "La sensación es la derecha", "Doin Nuestra Cosa", y "no puede salir de su amor Alone" toda alcanzar tanto el pop estadounidense y R & B gráficos. La cara B de "arrebatándolo Volver" era un remake de un remake de James Carr 's "The Dark final de la calle." El mayor éxito de Carter llegó en 1970 con su versión de " parches ", primera registrados por los presidentes de la Junta , que era un Reino Unido hit número 2 [8] y un número de Estados Unidos 4. El disco vendió más de un millón de copias, y recibió una de oro disco otorgado por la RIAA en septiembre de 1970, apenas dos meses después de su lanzamiento, [9] y ganó el premio Grammy a la Mejor canción R & B en 1971. después de "Slip Away" y "demasiado débil para luchar", que fue tercero millones- de Carter vendedor. [9] Sin embargo, posteriores lanzamientos de discos de Carter tuvieron menos éxito, y se fue del Atlántico a finales de 1971 para unirse a la etiqueta de la Fama. En 1975 se firmó con ABC Records , lanzando tres álbumes, incluyendo la soledad y la tentación. [3] [10] Según el escritor Brian Ward, Carter "prácticamente hecho una carrera de cuentos de amor desenfrenado y el sexo ilícito ..." [11]
Con el advenimiento de la música disco a mediados de 1970, la carrera de Carter sufrió. [10] Sin embargo, fichó por el Ichiban registros en 1985 y encontró un nuevo público con canciones como "Strokin '" y "Dr. CC" en los años 1980 y 1990 . "Strokin '" fue supuestamente consideró demasiado procaz para un lanzamiento público o reproducción de radio, por lo que la compañía discográfica coloca los registros en máquinas de discos, en los que los clientes de bares descubrieron la canción. [12] "Strokin'" se le dio más reconocimiento cuando fue utilizado en el Eddie Murphy nueva versión de el profesor chiflado . Fue utilizado más recientemente en William Friedkin película Killer Joe . El alma de sonido Carter también encontró una audiencia dentro de la entonces naciente hip-hop de la comunidad. [ Cita requerida ] En particular, la ruptura del cuerno de "puerta de atrás de Santa" es muestreada en el Run-DMC canción de Navidad " Navidad en Hollis ".
Canciones posteriores de Carter apelaron (y todavía apelan) a un público de clase obrera principalmente afroamericana que también estaba interesado en los artistas de blues contemporáneos como Denise LaSalle , Bobby Rush , Marvin Sease y Sir Charles Jones . Ha continuado la grabación, la liberación de seis álbumes para el sello Ichiban y, desde 1996, estableciendo su propio sello Cee Gee Entertainment. [13] Él también ha continuado gira regularmente en los estados del sur como en el internacional. [10]
Discografía [ editar ]
Lista de sencillos [ editar ]
Año Soltero posiciones de la carta
Pop estadounidense [6] NOS
R & B [7] Reino Unido [14]
1967 " Dile a papá " - 35 -
"Enhebrar la aguja" 98 38 -
1968 "Buscando un Fox" 62 20 -
"Deslizarse" /
"Fiebre de moda" 6
88 2
49 -
-
"Demasiado débil para luchar" 13 3 -
" Puerta de atrás de Santa " 4 [nb 1] - -
1969 "Arrebatándolo Volver" 31 4 -
"La sensación es justo" sesenta y cinco 9 -
"Doin 'Nuestra cosa" 46 9 -
1970 "Take It Off él y lo puso en mí" 94 23 -
"No puedo dejar a su amor Alone" 42 6 -
" Parches " 4 2 2
"Todo está en tu mente" 51 13 -
1971 "La Sala de justicia" 61 12 -
"Cayó, tropezó y cayó en amor" 84 25 -
"Scratch My Back (Mumble Y en mi oído)" - 41 -
1972 "Back In Your Arms" - 46 -
1973 "Ponte los zapatos y caminar" - 40 -
" Sesenta Minute Man " /
" Madre-In-Law " sesenta y cinco
80 17
24 -
-
"Estoy The Midnight Special" - 15 -
1975 "Me atraparon" - 49 -
1981 "Es un monstruo Thang" - 81 -
Nota [ editar ]
^ Una semana en el # 4 en el gráfico de la Navidad por separado.
Álbumes [ editar ]
1968 This Is Clarence Carter
1969 Testifyin '
1969 La dinámica de Clarence Carter
1970 Parches
1971 Eso es lo que tu amor significa para mí
1973 Sixty Minutes
1974 real
1975 La soledad y la tentación
1976 Corazón por completo de la Canción
1977 quedó atrapado haciendo el amor
1980 Vamos Burn
1981 Sr. Clarence Carter en persona
1982 me aman con un sentimiento
1984 Canto para mi cena
1985 Messin 'With My Mind
1986, el Dr. CC
1987 Enganchado en Amor
1989 Touch of Blues
1990 Entre la espada y la pared
1991 Dr. Las recetas de CC más grandes: Lo mejor de
1992 ¿Se ha reunido Clarence Carter ... todavía?
1994 en directo con el Dr.
1995 Junto otra vez
1995 que no podía rechazar
1996 Esquina de Carter
1997 demasiado débil para luchar
1999 Tráemelo
2001 Vivo en Johannesburgo
2003 Todos los Y'all Feeling Alright
2005 Un golpe más
2007 Messin con mi mente
2007 El golpe final
2007 Estoy Fácil (álbum de la compilación)
2009 en sus pies
2010 Una fiesta de Navidad
2.011 cantar junto con Clarence Carter
2015 Dance To The Blues

Ha recibido 107 puntos

Vótalo:

14. Geoffrey Gurrumul Yunupingu

Geoffrey Gurrumul Yunupingu

Geoffrey Gurrumul Yunupingu (nacido en 1970) es un músico indígena australiano, que canta en el idioma yolngu. Nació en Galiwin'ku (Elcho Island), en la costa de la Tierra de Arnhem, al norte de Australia alrededor de 580 kilómetros de Darwin. Él es del clan Gumatj del Yolngu y su madre de la... Ver mas
Geoffrey Gurrumul Yunupingu (nacido en 1970) es un músico indígena australiano, que canta en el idioma yolngu.
Nació en Galiwin'ku (Elcho Island), en la costa de la Tierra de Arnhem, al norte de Australia alrededor de 580 kilómetros de Darwin. Él es del clan Gumatj del Yolngu y su madre de la nación Galpu.1 Nació ciego, nunca ha aprendido braille y no tiene un perro guía o usa un bastón blanco. Yunupingu habla unas pocas palabras de inglés, y se dice que es extremadamente tímido.2
Toca la batería, teclados, la guitarra y el didgeridoo, pero es la claridad de su voz de canto que ha atraído críticas muy favorables. Canta historias de su tierra en los dos idiomas (Galpu, Gumatj o Djambarrpuynu, todo Yolŋu Matha) e inglés.3 Antes de Yothu Yindi, ahora está con Saltwater Band.

Ha recibido 106 puntos

Vótalo:

15. George Shearing

George Shearing

George Shearing, OBE (Londres, 13 de agosto de 1919 - 14 de febrero de 2011), fue un pianista y compositor inglés de jazz. Su ámbito estilístico fue el de los géneros anteriores al hard bop: swing, bop y cool; ha hecho también importantes aproximaciones al jazz latino. Dentro de su atención... Ver mas
George Shearing, OBE (Londres, 13 de agosto de 1919 - 14 de febrero de 2011), fue un pianista y compositor inglés de jazz. Su ámbito estilístico fue el de los géneros anteriores al hard bop: swing, bop y cool; ha hecho también importantes aproximaciones al jazz latino. Dentro de su atención constante al jazz desde una perspectiva más bien tradicional, Shearing lideró en los años cincuenta, y hasta bien entrados los sesenta, uno de los grupos de jazz más populares: un original quinteto formado por piano, vibráfono, guitarra eléctrica, bajo y batería.
Shearing fue influido en su estilo (autodenominado "locked hands", basado en los acordes paralelos) por el trabajo del pianista Milt Buckner con la banda del vibrafonista Lionel Hampton, por la sección de saxo de la orquesta de Glenn Miller y por el King Cole Trio.1 Son perceptibles también las influencias de los grandes pianistas de boogie-woogie y de clásicos como Fats Waller, Earl Hines, Teddy Wilson, Erroll Garner, Art Tatum y Bud Powell. Por supuesto, ha sido a su vez también muy admirado y seguido.
En los años 50´s creó el famoso estilo de los Bloques de Shearing, consistente en tocar la melodía en bloques armónicos. La nota de la melodía va acompañada por las 3 restantes notas del acorde en la mano derecha, y la mano izquierda dobla la melodía.2
Shearing contribuyó también como pionero de los pequeños combos de jazz afro-cubano en los años cincuenta. En este sentido, Cal Tjader se inició en el jazz latino mientras tocaba con Shearing, quien también contó entre sus músicos con congueros como Mongo Santamaría, Willie Bobo y Armando Peraza.
Como compositor, Shearing es conocido sobre todo por los estándares "Lullaby of Birdland,", "Conception" y "Consternation".3
George Shearing ha sido también uno de los más aclamados acompañantes del cantante Mel Tormé.
Biografía esencial[editar]
Shearing, que nació ciego, empezó a tocar el piano a los tres años de edad, recibiendo algunas lecciones en la Linden Lodge School para ciegos de Londres durante su adolescencia, siendo influido ya por jazzistas como Teddy Wilson y Fats Waller. A finales de los años treinta, comenzó a tocar profesionalmente con la Ambrose dance band e hizo su primera grabación en 1937 bajo la supervisión de un joven Leonard Feather. Se convirtió en una estrella en Gran Bretaña, tocando para la BBC y para los grupos del autoexiliado Stéphane Grappelli a comienzos de los años cuarenta. Ganó siete encuestas consecutivas de la revista Melody Maker.
En 1947, incitado por Feather, emigró a Nueva York. Una vez allí, el pianista absorbió el bebop y reemplazó a Erroll Garner en el trío de Oscar Pettiford y lideró un cuarteto junto con Buddy DeFranco.4 En 1949, formó el primero y el más famoso de sus quintetos, en el que tocaban Marjorie Hyams en el vibráfono, Chuck Wayne en la guitarra, John Levy en el bajo y Denzil Best en la batería. Grabaron primero para Discovery, luego para Savoy, y finalmente obtuvieron importantes contratos con MGM (1950-55) y Capitol (1955-69), haciendo para esta los famosos discos con Nancy Wilson, Peggy Lee y Nat Cole. 5 Grabó también en 1961 con Jazzland con los Montgomery Brothers (entre los que estaba Wes Montgomery) y empezó a dar conciertos con orquestas sinfónicas.
Tras abandonar Capitol, Shearing siguió tocando con varios quintetos más, pero su música se hizo algo previsible y en 1978 abandonó el último de ellos. A principios de los setenta, había creado su propia compañía, Sheba, que duró poco tiempo, y a continuación hizo algunas grabaciones en trío para MPS.
A lo largo de los setenta, su popularidad había disminuido considerablemente; sin embargo, cuando en 1979 firma con Concord recupera parte de su crédito. Graba unos discos muy elogiados con el cantante Mel Tormé, que a su vez incrementaron la popularidad de este, y con otros artistas como la vocalista Ernestine Anderson, el guitarrista Jim Hall, Marian McPartland, Hank Jones y con el intérprete de cuerno francés Barry Tuckwell. Grabó también varios discos en solitario, expresando todas sus influencias.
Tras firmar con Telarc en 1992, siguió grabando, continuando una de las carreras más largas y prolíficas de la historia del jazz.
Falleció el 14 de febrero de 2011 debido a una insuficiencia cardiaca en la ciudad de Nueva York.6
Discografía[editar]
1947: Piano Solo – Savoy
1947: Great Britain's Marian McPartland & George Shearing – Savoy Jazz (Released 1994)
1949: Midnight on Cloud 69 – Savoy
1949: George Shearing Quintet – Discovery
1950: You're Hearing George Shearing and his Quintet – MGM (E-3216)
1951: An Evening with the George Shearing Quintet
1951: Souvenirs – London
1951: Touch of Genius – MGM
1952: I Hear Music – Metro
1955: Shearing Caravan – MGM
1955: Shearing in Hi Fi – MGM
1955: The Shearing Spell – Capitol
1956: Latin Escapade – Capitol
1956: Black Satin – Capitol (T858) (pop #13)
1956: By Request – London
1956: Velvet Carpet – Capitol (pop #20)
1957: Shearing on Stage – Capitol #T-1187
1958: Blue Chiffon – Capitol
1958: Burnished Brass – Capitol (pop #17)
1958: Latin Lace – Capitol
1958: George Shearing on Stage! – Capitol
1958: Latin Affair – Capitol
1958: In the Night – Capitol (con Dakota Staton)
1959: Satin Brass – Capitol
1959: Satin Latin – MGM
1959: Beauty and the Beat! (con Peggy Lee) – Capitol
1960: San Francisco Scene – Capitol
1960: On the Sunny Side of the Strip – GNP
1960: The Shearing Touch – Capitol (T1472)
1960: White Satin – Capitol (pop #11)
1961: George Shearing and the Montgomery Brothers – Jazz
1961: Mood Latino – Capitol
1961: Nat King Cole Sings/George Shearing Plays (con Nat King Cole) – Capitol (pop #27)
1961: Satin Affair – Capitol (pop #82)
1961: The Swingin's Mutual! (con Nancy Wilson) – Capitol
1962: Concerto for My Love – ST-1755 Capitol
1962: Jazz Moments – Blue Note
1962: Shearing Bossa Nova – Capitol
1962: Soft and Silky – MGM
1962: Smooth & Swinging – MGM
1963: Touch Me Softly – Capitol
1963: Jazz Concert – Capitol
1963: Old Gold and Ivory – Capitol
1963: Latin Rendezvous – Capitol
1964: Out of the Woods – Capitol
1964: Deep Velvet – Capitol
1965: "Here & Now" - Capitol
1965: "New Look" - Capitol
1966: That Fresh Feeling – Capitol
1966: Rare Form (live, grabado 1963)
1968: Shearing Today – Capitol
1969: In the Mind – Capitol
1969: The Fool on the Hill – Capitol
1970: Out of This World (Sheba Records)
1970: It's Real George (CRS 2023 Crown Records)
1971: The Heart and Soul of Joe Williams and George Shearing (Sheba)
1972: As Requested (Sheba)
1972: Music to Hear (Sheba)
1972: The George Shearing Quartet (Sheba)
1973: GAS (Sheba)
1974: Light Airy and Swinging – MPS/BASF
1974: Swinging in a Latin Mood – MPS/BASF
1974: My Ship – MPS/BASF
1974: The Way We Are – MPS/BASF
1975: Continental Experience – MPS/BASF
1976: The Many Facets of George Shearing – MPS/BASF
1976: The Reunion – MPS/BASF (con Stéphane Grappelli)
1977: Windows – MPS/BASF
1977: 500 Miles High – MPS/BASF
1979: Getting in the Swing of Things – MPS/BASF
1979: Blues Alley Jazz (Live) – Concord Jazz
1979: Concerto for Classic Guitar and Jazz Piano – Angel
1980: Two for the Road (con Carmen McRae) – Concord
1980: On a Clear Day – Concord Jazz
1981: Alone Together – Concord Jazz (con Marian McPartland)
1981: First Edition – Concord Jazz (con Jim Hall)
1982: An Evening with George Shearing & Mel Tormé (Live, con Mel Tormé)
1983: Top Drawer – Concord Jazz (Live, con Mel Tormé)
1984: Live at the Cafe Carlyle – Concord
1985: An Elegant Evening – Concord Jazz (con Mel Tormé)
1985: Grand Piano – Concord Jazz
1986: George Shearing & Barry Tuckwell Play the Music of Cole Porter – Concord (con Barry Tuckwell)
1986: More Grand Piano – Concord Jazz
1987: A Vintage Year – Concord Jazz (Live, con Mel Tormé)
1987: Breakin' Out – Concord Jazz
1987: Dexterity – Concord Jazz (Live, con Ernestine Anderson)
1988: The Spirit of 176 – Concord Jazz (con Hank Jones)
1988: A Perfect Match – Concord Jazz (con Ernestine Anderson)
1989: George Shearing in Dixieland – Concord
1989: Piano – Concord Jazz
1990: Mel and George "Do" World War II – Concord (Live, con Mel Tormé)
1991: Get Happy! – EMI Classics
1992: I Hear a Rhapsody: Live at the Blue Note – Telarc (Live)
1992: Walkin': Live at the Blue Note – Telarc (Live)
1992: How Beautiful Is Night – Telarc
1994: That Shearing Sound – Telarc
1994: Cocktail for Two – Jazz World
1995: Paper Moon: Songs of Nat King Cole
1997: Favorite Things – Telarc
1998: Christmas with The George Shearing Quintet – Telarc
2000: Just for You: Live in the 1950s – Jazz Band
2001: Back to Birdland – Telarc (Live)
2002: The Rare Delight of You (con John Pizzarelli) – Telarc
2002: Pick Yourself Up – Past Perfect
2002: Here and Now. New Look – with G.S. Quintet and String Choir
2004: Like Fine Wine – Mack Avenue
2005: Music to Hear – Koch
2005: Hopeless Romantics (con Michael Feinstein) – Concord
2012: George Shearing at home (con Don Thompson) – Jazzknight Records 001, New York

Ha recibido 99 puntos

Vótalo:

16. Ronnie Milsap

Ronnie Milsap

Ronnie Lee Milsap (16 de enero de 1943)1 es un cantante y pianista estadounidense de música country. Ronnie fue uno de los artistas más populares e influyentes de la música country en las décadas de los 70 y 80. Consiguió ser el primer cantante ciego conocido y uno de los más importantes... Ver mas
Ronnie Lee Milsap (16 de enero de 1943)1 es un cantante y pianista estadounidense de música country.
Ronnie fue uno de los artistas más populares e influyentes de la música country en las décadas de los 70 y 80. Consiguió ser el primer cantante ciego conocido y uno de los más importantes cantantes crossover del momento al unir los mercados country y pop con canciones de éxito que incorporaban también estilos de R&B y rock and roll.
Algunos de los éxitos de esta mezcla de estilos fueron "It Was Almost Like a Song," "Smokey Mountain Rain," "(There's) No Gettin' Over Me," "I Wouldn't Have Missed It for the World," "Any Day Now" y "Stranger in My House", entre otros. Ha ganado seis premios Grammy y 40 números Uno, siendo el tercero por número tras George Strait y Conway Twitty.
Índice [ocultar]
1 Discografía
2 Premios
3 Véase también
4 Bibliografía
5 Referencias
6 Enlaces externos
Discografía[editar]
Ronnie Milsap discography
Premios[editar]
Academia de la música country
1982 Top Male Vocalist
1985 Song of the Year - "Lost in the Fifties Tonight"
1988 Instrumentalist of the Year: Teclados
2002 Pioneer Award
Billboard
1980 #1 Country Song of the Year - "My Heart"
1985 #1 Country Song of the Year - "Lost in the Fifties Tonight"
Asociación de música country
1974 Male Vocalist of the Year
1975 Album of the Year - "A Legend in My Time"
1976 Male Vocalist of the Year
1977 Album of the Year - "Ronnie Milsap Live"
1977 Entertainer of the Year]]
1977 Male Vocalist of the Year
1978 Album of the Year - "It Was Almost Like a Song"
1986 Album of the Year - "Lost in the Fifties Tonight
Premios Grammy
1975 Mejor interpretación vocal country, masculina - "Please Don't Tell Me How The Story Ends"
1977 Mejor interpretación vocal country, masculina - "(I'm a) Stand By My Woman Man"
1982 Mejor interpretación vocal country, masculina - "(There's) No Gettin' Over Me"
1986 Mejor interpretación vocal country, masculina - "Lost in the Fifties Tonight"
1987 Mejor interpretación vocal country, masculina - "Lost in the Fifties Tonight"
1988 Mejor colaboración vocal country - "Make No Mistake, She's Mine" (con Kenny Rogers)
Music City News Country
1975 Most Promising Male Artist
Miscellaneous achievements
40 #1 Hits, 35 of which reached the top spot on the Billboard charts; the remaining 5 topped other trade charts, including Cashbox
Over 35 million albums sold
Inducted into the Grand Ole Opry in 1976
Inducted into the North Carolina Music Hall of Fame in 2002
Awarded the Career Achievement Award by Country Radio Seminar in 2006
Awarded the 2007 Rocketown Legend Award

Ha recibido 99 puntos

Vótalo:

17. Baluji Shrivastav

Baluji Shrivastav

Dhanonday Shrivastav OBE (nacido el 21 de junio de 1959), conocido profesionalmente como Baluji Shrivastav, es un músico e instrumentista indio / británico que interpreta a una variedad de instrumentos tradicionales de la India, incluyendo la cítara , dilruba, surbahar , Pakhawaj y tabla... Ver mas
Dhanonday Shrivastav OBE (nacido el 21 de junio de 1959), conocido profesionalmente como Baluji Shrivastav, es un músico e instrumentista indio / británico que interpreta a una variedad de instrumentos tradicionales de la India, incluyendo la cítara , dilruba, surbahar , Pakhawaj y tabla .
Nacido en Usmanpur en Uttar Pradesh , Baluji Shrivastav comenzó primero estudió música cuando fue enviado como un niño para vivir y estudiar en la Escuela de Ciegos Ajmer después de haber sido cegado como un bebé.
Shrivastav se graduó de la Universidad de Lucknow con un BA en estudios de canto y Sitar. Esto fue seguido en breve por un título más en Tabla anuncio una maestría en la Universidad de Sitar Alahabad.
Contenido
1 Carrera musical
2 La Fundación Baluji Música
3 Discografía
3.1 Otros créditos
4 Referencias
Carrera musical [ editar ]
Shrivastav actúa y graba con un número de diferentes formaciones como su propio conjunto de jazz denominado Jazz Orient / Re-Orient, que ha publicado 7 discos hasta la fecha.
En 2012, fundó la Orquesta Shrivastav Visión Interna [1] que comprende 14 músicos ciegos. [2] La orquesta Visión Interna fue parte financiado por el Arts Council England, el cuerpo principal de la financiación pública de las artes en Inglaterra [3]
En 2012, Baluji realiza en la ceremonia de clausura del Juego Paralímpico junto al Paraorchestra británica y Coldplay [4] [5]
Shrivastav ha actuado y enseñado en todo el mundo y ha grabado varios discos con una amplia gama de artistas contemporáneos como palomas , Stevie Wonder , Massive Attack , Annie Lennox , Oasis , Kaiser Chiefs , de Guy Barker y Andy Sheppard .
Shrivastav fue nombrado Oficial de la Orden del Imperio Británico (OBE) en los 2016 honores del cumpleaños de servicios a la música. [6]
La Fundación Música Baluji [ editar ]
En 2008, creó la Fundación Baluji Baluji Música; una organización benéfica con sede en Londres, que, como se indica en su página web, tiene como objetivo promover "la comprensión y el disfrute de la música y las artes escénicas desde el subcontinente indio en todas sus formas tradicionales y en evolución". La Caridad celebra especialmente la participación de las personas con discapacidad en la música, y por lo tanto ha fundado la Orquesta Visión Interna de músicos ciegos y deficientes visuales.
La Fundación Baluji La música es una organización benéfica registrada en la Comisión de caridad en Inglaterra y Gales, número 1.130.985.
Discografía [ editar ]
Clásica de la India Sitar y Surbahar Ragas, ARC Music 1999
Ragas indias clásicas: Sombra del Loto, ARC Music 2007
Indio en Londres - Colomna Musica de 2008
Diosa - ARC Music de 2010
El arte de la Dilruba india, ARC Music 2013
Re-Orient
Tiempo sin descubrir - ARC Music , 1997
Siete pasos para el Sol - Música ARC 1999
Re-Orient - ARC Music 2006
Indian Mundial de Música Fusión, ARC Music 2010
Jazz Orient
Jazz Orient - Dangerous Ground - TRG Música 1991
Jazz Orient - viva en el Banco del Sur
Jazz Orient - Bird Dancer - Música Gremio 1998
Otros créditos [ editar ]
Mar de Amor, La Misión - Tallado en la arena - Mercury Records, 1990
Nasa - In sha Allah! - Sire, Warner Bros Records, 1990
Urogallo - milagro de estar - Arista, 1994
Mizo Para Abura (como Balugi) - Ken Morioka - Preguntas, Invitación XEO de 1994
Soul II Soul - Volumen V, crea, Virgin Records America Inc, 1995
Con cara de maíz (Subsurfing - Congelado hormigas) - Apollo, 1995
Hágase la luz (Hardfloor Dub) (como Belugi Shrivastav) Reprise Records 1995
Oi Muistatko, Viela Sen Virren, Piirpauke - Ave María, Rockadillo Records, 1996
Aikakone - Keltainen - RCA, 1996

Ha recibido 91 puntos

Vótalo:

Bienvenido

Con las Listas de 20minutos.es puedes crear tu propio top y leer y votar los del resto de usuarios. Ver más

Crear una nueva lista

Encuentra una lista al azar

Busca una lista

Conectados recientemente

Comentarios
Haz tu comentario aquí

© 2013-2016 - Listas de 20minutos.es | Ir a la versión móvil