Versión impresa

ARQUITECTOS ITALIANOS

ARQUITECTOS ITALIANOS

  • Lista creada por irenegm.
  • Publicada el 18.01.2016 a las 22:13h.
  • Clasificada en la categoría Internacional.
  • La lista SI admite nuevos comentarios.
  • La lista SI admite que sus elementos sean votados.
  • La lista NO admite que otros usuarios añadan nuevos elementos.

La lista no tiene tags.

Avatar de irenegm

Último acceso 14:06h

Perfil de irenegm

  • Las estadísticas del usuario se mostrarán en los próximos días.

Ver el perfil de irenegm

Acciones de la lista

Italia ha traído o ha dado muchos arquitectos y buenos y han hecho cosas buenas en España. Hago una lista con todos los mejores. ¿Cuál es el vuestro?

Estos son los elementos de la lista. ¡Vota a tus favoritos!

Miguel Ángel

1. Miguel Ángel

Michelangelo Buonarroti (Caprese, 6 de marzo de 1475-Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra... Ver mas
Michelangelo Buonarroti (Caprese, 6 de marzo de 1475-Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.1 Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médici de Florencia y los diferentes papas romanos.
Fue el primer artista occidental del que se publicaron dos biografías en vida: Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori, de Giorgio Vasari, publicada en 1550 en su primera edición, en la cual fue el único artista vivo incluido,2 y Vita de Michelangelo Buonarroti, escrita en 1553 por Ascanio Condivi, pintor y discípulo de Miguel Ángel, que recoge los datos facilitados por el mismo Buonarroti.3 Fue muy admirado por sus contemporáneos, que le llamaban el Divino.4 Benedetto Varchi, el 12 de febrero de 1560, le envió una carta en nombre de todos los florentinos diciéndole:
...toda esta ciudad desea sumisamente poderos ver y honraros tanto de cerca como de lejos... Vuestra Excelencia nos haría un gran favor si quisiera honrar con su presencia su patria.

Tolnay (1978, p. 14)
Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo.a La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición por parte del papa Julio II, y que se concretó en una obra excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos.
Índice [ocultar]
1 Biografía
1.1 Familia
1.2 Aprendizaje
1.3 Recorrido artístico
1.4 Vida amorosa
1.4.1 Tommaso Cavalieri
1.4.2 Vittoria Colonna
1.5 Últimos años
2 Obra escultórica
2.1 Primeras obras
2.2 Primera estancia en Roma
2.3 Retorno a la Toscana
2.4 La tragedia de la sepultura
2.5 Las tumbas de los Médici
2.6 Otras obras escultóricas
3 Obra pictórica
3.1 El tormento de San Antonio
3.2 Santo Entierro
3.3 Tondo Doni
3.4 Bóveda de la Capilla Sixtina
3.5 Juicio Final
3.6 Capilla Paulina
3.7 Crucifixión
4 Obra arquitectónica
4.1 La fachada de San Lorenzo
4.2 Mejoras del palacio Médici Riccardi
4.3 Sacristía Nueva
4.4 Biblioteca Laurenciana
4.5 Plaza del Capitolio
4.6 Palacio Farnese
4.7 Basílica de San Pedro
4.8 Santa Maria degli Angeli e dei Martiri
4.9 Porta Pia
5 Dibujos
5.1 La batalla de Cascina
5.2 Las fortificaciones de Florencia
5.3 Otros dibujos
6 Obra poética
7 Valoración
8 En otras artes
9 Escudo de armas
10 Reconocimientos
11 Véase también
12 Notas y referencias
12.1 Referencias
13 Bibliografía
14 Películas
15 Enlaces externos
Biografía[editar]

Vista de Florencia, según un grabado del Liber chronicarum (1493), en los primeros años de Miguel Ángel.
Familia[editar]
Nació el 6 de marzo de 1475, en Caprese, una villa de la Toscana cerca de Arezzo.5 Fue el segundo de cinco hijos varones de Ludovico di Leonardo Buonarroti di Simoni y de Francesca di Neri del Miniato di Siena.6 Su madre murió en 1481, cuando Miguel Ángel contaba con seis años. La familia Buonarroti Simoni vivía en Florencia desde hacía más de trescientos años y habían pertenecido al partido de los güelfos; muchos de ellos habían ocupado cargos públicos. La decadencia económica empezó con el abuelo del artista, y su padre, que había fracasado en el intento de mantener la posición social de la familia, vivía de trabajos gubernamentales ocasionales,2 como el de corregidor de Caprese en la época en que nació Miguel Ángel. Regresaron a Florencia, donde vivían de unas pequeñas rentas procedentes de una cantera de mármol y una pequeña finca que tenían en Settignano,7 pueblo donde Miguel Ángel había vivido durante la larga enfermedad y muerte de su madre; allí quedó al cuidado de la familia de un picapedrero.6
El padre le hizo estudiar gramática en Florencia con el maestro Francesco da Urbino. Miguel Ángel quería ser artista, y cuando comunicó a su padre que deseaba seguir el camino del arte, tuvieron muchas discusiones, ya que en aquella época era un oficio poco reconocido. Ludovico di Leonardo consideraba que aquel trabajo no era digno del prestigio de su linaje. Gracias a su firme decisión, y a pesar de su juventud, consiguió convencerlo para que le dejara seguir su gran inclinación artística, que, según Miguel Ángel, le venía ya de la nodriza que había tenido, la mujer de un picapedrero. De ella comentaba: «Juntamente con la leche de mi nodriza mamé también las escarpas y los martillos con los cuales después he esculpido mis figuras».8
Mantuvo buenas relaciones familiares a lo largo de toda su vida. Cuando su hermano mayor, Leonardo, se hizo monje dominico en Pisa, asumió la responsabilidad en la dirección de la familia. Tuvo a su cargo el cuidado del patrimonio de los Buonarroti y lo amplió con la compra de casas y terrenos, así como también concertó el matrimonio de sus sobrinos Francesca y Leonardo con buenas familias de Florencia.9
Aprendizaje[editar]

Retrato de Miguel Ángel, por Daniele da Volterra, donde se aprecia su nariz chata.

Retrato de Miguel Ángel Buonarroti, por Giulio Bonasone, 1546.
Desde muy joven manifestó sus dotes artísticas para la escultura, disciplina en la cual empezó a sobresalir. En abril de 1488, con doce años de edad y gracias al consejo de Francesco Granacci, otro joven que se dedicaba a la pintura, entró en el taller de los famosos Ghirlandaio (Domenico y Davide); su familia y los Ghirlandaio formalizaron un contrato de estudios durante tres años:b
1488. Yo, Ludovico di Lionardo Buonarota, en este primer día de abril, inscribo a mi hijo Michelangelo como aprendiz de Domenico y Davide di Tomaso di Currado, durante los próximos tres años, bajo las condiciones siguientes: que el dicho Michelangelo ha de permanecer durante el tiempo convenido con los anteriormente citados para aprender y practicar el arte de la pintura y que ha de obedecer sus instrucciones, y que los nombrados Domenico y Davide habrán de pagarle en estos años la suma de veinticuatro florines de peso exacto: seis durante el primer año, ocho el segundo año y diez el tercero, en total una suma de noventa y seis liras.

Hodson (2000, p. 14)
Allí permaneció como aprendiz durante un año, pasado el cual, bajo la tutela de Bertoldo di Giovanni, empezó a frecuentar el jardín de San Marcos de los Médicis, donde estudió las esculturas antiguas que había allí reunidas. Sus primeras obras artísticas despertaron la admiración de Lorenzo el Magnífico, que lo acogió en su Palacio de la Via Longa, donde Miguel Ángel se habría de encontrar con Angelo Poliziano y otros humanistas del círculo de los Médicis, como Giovanni Pico della Mirandola y Marsilio Ficino.10 Estas relaciones lo pusieron en contacto con las teorías idealistas de Platón, ideas que acabaron convirtiéndose en uno de los pilares fundamentales de su vida y que plasmó tanto en sus obras plásticas como en su producción poética.
Según Giorgio Vasari, un día, saliendo del jardín de los Médicis –o, según Benvenuto Cellini, de la capilla Brancacci, donde él y otros alumnos aprendían a dibujar delante de los frescos de Masaccio–, fue cuando Pietro Torrigiano le dio un puñetazo y le rompió la nariz; como consecuencia, le quedó la nariz chata toda la vida, tal como se aprecia claramente en todos sus retratos.c 11
Recorrido artístico[editar]

Retrato de Lorenzo el Magnífico, primer mecenas de Miguel Ángel, por Giorgio Vasari.
Tras la muerte de Lorenzo el Magnífico, en 1492, Miguel Ángel huyó de Florencia y pasó por Venecia, instalándose después en Bolonia. Allí esculpió diversas obras bajo la influencia de la labor de Jacopo della Quercia. Pero en 1496 decidió partir hacia Roma, ciudad que había de verle triunfar. Allí inició una década de gran intensidad artística, después de la cual, con treinta años, sería acreditado como un artista de primera línea. Después del Bacus del Bargello (1496),12 esculpió la Piedad del Vaticano a los veintitrés años, y posteriormente realizó el Tondo Pitti. De la misma época es el cartón de La batalla de Cascina, actualmente perdido, pintado para la Señoría de Florencia, y el David, obra cumbre de la escultura, de una gran complejidad por la escasa anchura de la pieza de mármol, que fue colocado delante del palacio del Ayuntamiento de Florencia y se convirtió en la expresión de los supremos ideales cívicos del Renacimiento.13
En marzo de 1505, Julio II le encargó la realización de su monumento fúnebre: Miguel Ángel proyectó un complejo arquitectónico y escultórico monumental en el cual, más que el prestigio del pontífice, se loaba el triunfo de la Iglesia. El escultor, entusiasmado con esta obra, permaneció en Carrara durante ocho meses para ocuparse personalmente de la elección y la dirección de la extracción de los mármoles necesarios. Al regresar a Roma, el papa había dejado a un lado el proyecto del mausoleo, absorbido como estaba con la reforma de Bramante en la Basílica de San Pedro. Miguel Ángel, contrariado, abandonó Roma y se dirigió a Florencia, pero a finales de noviembre de 1506, después de numerosas llamadas del pontífice –que hasta le llegó amenazar con la excomunión–, se reunió con él en Bolonia.14
En mayo de 1508, aceptó dirigir la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina, cuyos frescos concluyó cuatro años más tarde, después de un trabajo solitario y tenaz. En esta obra ideó una grandiosa estructura arquitectónica pintada, inspirada en la forma real de la bóveda. En el tema bíblico general de la bóveda, Miguel Ángel interpuso una interpretación neoplatónica del Génesis y dio forma a un tipo de interpretación de las imágenes que conseguirían ser un símbolo del arte del Renacimiento.

El papa Julio II, el otro gran mecenas de Miguel Ángel, por Rafael.
Después de la muerte de Julio II, en mayo de 1513, el artista hizo un segundo intento de seguir con la obra del mausoleo del pontífice. Con este propósito esculpió las dos figuras de los Esclavos y el Moisés, que reflejan una atormentada energía, la terribilitá de Miguel Ángel. Pero este segundo intento tampoco prosperó.
Finalmente, después de la muerte de Bramante (1514) y de Rafael Sanzio (1520), Miguel Ángel consiguió la total confianza del papado.
El gran retardo con que Miguel Ángel obtiene en Roma el reconocimiento oficial ha de ser atribuido a la heterodoxia de su estilo. Le faltaba lo que Vitruvio llamaba decòrum, es decir, el respeto por la tradición.

Ackerman (1968, p. 7)
En 1516, por encargo de León X, inició el proyecto para la fachada de la Basílica de San Lorenzo de Florencia, trabajo que en el año 1520 debió abandonar con gran amargura. Del proyecto original se conservan numerosos dibujos y una maqueta de madera. A partir de 1520 y hasta 1530, Miguel Ángel trabajó en Florencia y construyó la Sacristía Nueva de San Lorenzo y la Biblioteca Laurenciana, en especial su escalera. Después del saqueo de Roma (1527) y de la expulsión de los Médicis de Florencia, Miguel Ángel formó parte, como hecho meramente anecdótico, del gobierno de la nueva República Florentina, de la cual fue nombrado «gobernador y procurador general de la fabricación y fortificación de las murallas», y participó en la defensa de la ciudad asediada por las tropas papales. En el año 1530, después de la caída de la República, el perdón de Clemente VII lo salvó de la venganza de los partidarios de los Médicis.15 A partir de este año reemprendió los trabajos de la Sacristía Nueva y del sepulcro de Julio II.
En 1534, al encontrarse a disgusto con la nueva situación política que se había instaurado en Florencia, abandonó la ciudad y se estableció en Roma, donde aceptó el encargo de Clemente VII para trabajar en el altar de la Capilla Sixtina y donde, entre 1536 y 1541, realizó el magnífico Juicio Final. Hasta el año 1550 fue haciendo obras para la tumba de Julio II, y los frescos de la Capilla Paulina (La conversión de san Pablo y Crucifixión de san Pedro).
Vida amorosa[editar]

Tumba de Cecchino dei Bracci diseñada por Miguel Ángel.
Miguel Ángel pretendía interiorizar las teorías neoplatónicas del amor, haciendo grandes esfuerzos para conseguir un equilibrio emotivo que pocas veces logró. Su inclinación natural por la materia, por las formas físicas –era por encima de cualquier cosa, un escultor de cuerpos–, unida a su fascinación por todo lo joven y vigoroso, emblemas de la belleza clásica,d lo llevaron a decantarse por la belleza humana y el amor más sensual hasta muy avanzada su vida. Esta conflictividad enriquecedora con la que el artista vivió su deseo carnal, también afloró en el enfrentamiento con una supuesta homosexualidad.16
El artista mantuvo relación con diversos jóvenes, como Cecchino dei Bracci, por el que sentía un gran afecto. Cuando en 1543, Bracci falleció, Miguel Ángel le diseñó la tumba, en la iglesia de Santa María in Aracoeli de Roma, y encargó que la realizase su discípulo Urbino.17 También Giovanni da Pistoia, joven y bello literato, fue durante un tiempo íntimo amigo, y algunos estudiosos plantean que mantuviera una relación amorosa con Miguel Ángel en la época que empezó a pintar la bóveda de la Capilla Sixtina; esta relación queda reflejada en unos sonetos muy apasionados que Giovanni le dedicó.16
Tommaso Cavalieri[editar]

El rapto de Ganímedes, dibujo realizado para Tommaso Cavalieri, conservado en el castillo de Windsor.
En un viaje realizado a Roma en 1532, conoció al joven Tommaso Cavalieri, un patricio de inteligencia poco común y amante de las artes que dejó en el artista una viva impresión. Poco después de conocerlo, le envió una carta en la cual le confesaba: «El cielo hizo bien impidiendo la plena comprensión de vuestra belleza... Si a mi edad no me consumo aún del todo, es porque el encuentro con vos, señor, fue muy breve».18
Hace falta recordar que la Academia Platónica de Florencia quiso imitar la ciudad griega de Pericles. Esta asociación cultural de carácter filosófico, promovía el diálogo intelectual y la amistad entre hombres en un tono idealista, semejante a la relación de Sócrates con sus discípulos en la antigua Grecia. Dentro de este contexto es donde se puede entender la psicología, el gusto y el arte de Miguel Ángel. El artista creía que la belleza del hombre era superior a la de la mujer y, por lo tanto, el amor que sentía por Tommaso era una forma que tenía de rendirse ante la «belleza platónica».19
Tommaso Cavalieri era un muchacho de 22 años; de buena familia, aficionado al arte, ya que pintaba y esculpía. Varchi decía de él que tenía «un temperamento reservado y modesto y una incomparable belleza»; era, pues, muy atractivo a la vez que ingenioso. En su primer encuentro, ya causó una profunda impresión en Miguel Ángel, y al pasar el tiempo la relación se transformó en una gran amistad, con una pasión y una fidelidad que se mantuvo hasta la muerte.20
Miguel Ángel, por el contrario, era un hombre de 57 años, que se encontraba en el cenit de su fama; contaba con el soporte de los diversos papas y Tommaso lo admiraba profundamente. Parece que la amistad tardó cierto tiempo en producirse, pero cuando se consolidó llegó a ser muy profunda hasta el punto que Cavalieri, ya casado y con hijos, fue su discípulo y amigo mientras vivió Miguel Ángel y lo asistió en la hora de su muerte.21
Vittoria Colonna[editar]

Retrato de Vittoria Colonna dibujado por Miguel Ángel.
Vittoria Colonna era descendiente de una familia noble, y una de las mujeres más notables de la Italia renacentista. De joven se casó con Fernando de Ávalos, marqués de Pescara, un hombre poderoso que murió en la batalla de Pavía cuando luchaba en el bando español al servicio de Carlos I. Después de la muerte de su esposo se retiró de la vida cortesana y se dedicó a la práctica religiosa. Se unió al grupo de reformistas erasmistas de Juan de Valdés, Reginald Pole y Ghiberti, que seguían una doctrina que apostaba por una contrarreforma.22
En Roma, en el año 1536 y en el convento de San Silvestro in Capite, el artista conoció a esta dama y desde el principio hubo una empatía mutua, quizá porque los dos tenían las mismas inquietudes religiosas y ambos eran grandes aficionados a la poesía. Según Ascanio Condivi, Miguel Ángel «estaba enamorado de su espíritu divino» y, como era un gran admirador de Dante, ella representaba lo que el personaje de Beatriz significaba para el poeta.23 Esto se desprende de la lectura de los poemas dedicados a Vittoria, así como de los dibujos y los versos que le regaló, todos de temática religiosa: una Piedad, una Crucifixión y una Sagrada Familia.24
Vittoria murió en el año 1547, hecho que dejó a Miguel Ángel sumido en el dolor más profundo. Tal como él mismo confesó a Ascanio Condivi, «No había tenido dolor más profundo en este mundo que haberla dejado partir de esta vida sin haberle besado la frente, ni el rostro, como le besó la mano cuando fue a verla en su lecho de muerte».25
Últimos años[editar]

Sepulcro de Miguel Ángel diseñado por Vasari en la basílica de la Santa Croce de Florencia.
Durante los últimos veinte años de su vida, Miguel Ángel se dedicó sobre todo a trabajos de arquitectura: dirigió las obras de la Biblioteca Laurenziana de Florencia y, en Roma, la remodelación de la plaza del Capitolio, la capilla Sforza de Santa María Mayor, la finalización del palacio Farnese y, sobre todo, la finalización de la basílica de San Pedro del Vaticano. De esta época son las últimas esculturas como la Piedad Palestrina o la Piedad Rondanini, así como numerosos dibujos y poesías de inspiración religiosa.26
El proyecto de la basílica vaticana, en el que trabajó durante los últimos años de su vida, simplifica el proyecto que concibió Bramante, si bien mantiene la estructura con planta de cruz griega y la gran cúpula. Miguel Ángel creaba espacios, funciones que engloban los elementos principales, sobre todo la cúpula, elemento director del conjunto.
Murió el año 1564 en Roma, antes de ver acabada su obra, a la edad de ochenta y ocho años, acompañado por su secretario Daniele da Volterra y por su fiel amigo Tommaso Cavalieri; había dejado escrito que deseaba ser enterrado en Florencia. Hizo testamento en presencia de su médico Federigo Donati, «dejando su alma en manos de Dios, su cuerpo a la tierra y sus bienes a los familiares más próximos». Su sobrino Leonardo fue el encargado de cumplir con esta última voluntad del gran artista, y el 10 de marzo de 1564 recibió sepultura en la sacristía de la iglesia de la Santa Croce; el monumento funerario fue diseñado por Giorgio Vasari el año 1570. El 14 de julio se celebró un funeral solemne; fue Vasari quien describió estos funerales, donde participaron, además de él mismo, Benvenuto Cellini, Bartolomeo Ammannati y Bronzino.27
Obra escultórica[editar]
Véase también: Categoría:Esculturas de Miguel Ángel
Véase también: Anexo:Obras de Miguel Ángel
Primeras obras[editar]

Crucifijo del Santo Spirito, de madera policromada (1492-1494).
Entre los años 1490 y 1492 hizo sus primeros dibujos, estudios sobre los frescos góticos de Masaccio y Giotto; entre las primeras esculturas se cree que hizo una copia de una Cabeza de fauno, en la actualidad desaparecida.
Los primeros relieves fueron la Virgen de la escalera y La batalla de los centauros, conservados en la Casa Buonarroti de Florencia, en los que ya hay una clara definición de su estilo. Se muestra como el claro heredero del arte florentino de los siglos xiv y xv, a la vez que establece una vinculación más directa con el arte clásico. En el relieve de mármol de La batalla de los centauros se inspiró en el libro XII de Las metamorfosis de Ovidio y se muestran los cuerpos desnudos en pleno furor del combate, entrelazados en plena tensión, con una anticipación de los ritmos serpenteantes tan empleados por Miguel Ángel en sus grupos escultóricos.28 Ascanio Condivi, en su biografía sobre el artista, refirió haberle oído decir:
...que cuando volvió a verla, se dio cuenta hasta qué punto se había portado mal con la naturaleza al no seguir su inclinación en el arte de la escultura, y juzgo, por aquella obra, todo cuanto podría haber llegado a hacer.

Pijoan (1966, p. 206)
Otra escultura de la misma época (hacia 1490) es también un relieve con tema mariano, la Virgen de la escalera, que presenta un cierto esquema parecido a las de Donatello, pero en la cual se muestra toda la energía de la escultura de Miguel Ángel, tanto en la forma del tratamiento de los planos de la figura como en su contorno tan vigoroso y la anatomía del niño Jesús con la insinuación del contrapposto.
Después de la muerte en 1492 de Lorenzo el Magnífico, y por iniciativa propia, realizó la escultura de un Hércules de mármol en su casa paterna; escogió este tema porque Hércules era, desde el siglo xiii, uno de los patrones de Florencia. La estatua fue comprada por los Strozzi, que la vendieron a Giovan Battista Palla, a quien la adquirió el rey de Francia Enrique III y fue colocada en un jardín de Fontainebleau, donde Rubens hizo un dibujo antes de su desaparición en 1713. Sólo queda dicho dibujo y un esbozo conservado en la casa Buonarroti.29
A continuación permaneció un tiempo alojado en el convento del Santo Spirito, donde realizaba estudios de anatomía con los cadáveres provenientes del hospital del convento. Para el prior Niccolò di Giovanni di Lapo Bichiellini ejecutó un Crucifijo de madera policromada, donde resolvió el cuerpo desnudo de Cristo, como el de un adolescente, sin resaltar la musculatura, a pesar de que el rostro parece el de un adulto, con una medida desproporcionada respecto al cuerpo; la policromía está pintada con unos colores tenues y con unas suavísimas líneas de sangre, que consiguen una unión perfecta con la talla de la escultura. Fue dado por perdido durante la dominación francesa, hasta su recuperación el año 1962, en el mismo convento, cubierto con una gruesa capa de pintura que lo mostraba prácticamente irreconocible.30

Ángel de la basílica de Santo Domingo de Bolonia (1495).
La Florencia gobernada por Piero de Médici, hijo de Lorenzo el Magnífico, no satisfacía a Miguel Ángel, que viajó a Bolonia en octubre de 1494, donde descubrió los plafones en relieve de la puerta de San Petronio de Jacopo della Quercia, un maestro escultor del gótico tardío, del cual integra en su estilo los amplios pliegues de las vestiduras y el patetismo de sus personajes. Recibió el encargo de parte de Francesco Aldovrandi, de realizar tres esculturas para completar la sepultura del fundador del convento de San Domenico Maggiore, llamada Arca de Santo Domingo, para la que esculpió un Ángel porta candelabro, arrodillado que forma pareja con otro realizado por Niccolò dell'Arca, además un San Próculo y un San Petronio, que actualmente se conservan en la basílica de Santo Domingo de Bolonia. Acabadas estas obras, en el término de poco más de un año, volvió a Florencia.31
Por estas fechas, el dominico Girolamo Savonarola reclamaba la república teocrática, y con sus críticas consiguió la expulsión de los Médicis de Florencia en 1495. Savonarola reclamaba la vuelta del arte sacro y la destrucción del arte pagano. Todos estos sermones ocasionaron grandes dudas en Miguel Ángel, entre la fe y el conocimiento, entre el cuerpo y el espíritu, e hicieron que se planteara si la belleza era pecado y si, tal como decía el monje, se había de eliminar del arte la presencia del cuerpo humano. En su prédica contra el absolutismo papal, el 7 de febrero de 1497 organizó en la plaza de la Señoría, una gran hoguera (Hoguera de las vanidades), donde ordenó quemar imágenes, joyas, instrumentos musicales y también libros de Boccaccio y Petrarca; a raíz de esta acción recibió la excomunión por parte del papa Alejandro VI. El año siguiente Savonarola repitió la acción, por lo que finalmente fue detenido y quemado en la hoguera el 23 de mayo de 1498.32
De retorno en Florencia, entre 1495 y 1496, talló dos obras: un San Juanito, esculpido para Lorenzo de Pierfrancesco de Médicis,33 y un Cupido durmiente. El San Juanito, tras su restauración concluida en 2013, ha sido identificado con la escultura custodiada en la Capilla del Salvador de Úbeda, destruida en 1936,34 confirmándose la teoría planteada por Manuel Gómez-Moreno ya en 1931 de la donación de la obra a Francisco de los Cobos, secretario de Estado de Carlos I, por Cosme I de Médici.35 Anteriormente se había especulado también con la posibilidad de que fuese una escultura que se encontraba en el Kaiser Friedrich Museum de Berlín, o bien otra que se encuentra sobre la puerta de la sacristía de San Giovanni dei Fiorentini en Roma.36 Del Cupido durmiente, realizado según el modelo helenístico más clásico, se explica que fue enterrado para conseguir darle una pátina antigua y venderlo al cardenal de San Giorgio, Raffaele Riario, como pieza auténtica, sin saberlo Miguel Ángel. Más tarde, fue comprado por César Borgia y regalado finalmente a Isabel de Este; más adelante, en 1632, fue enviado a Inglaterra como presente para el rey Carlos I, momento a partir del cual se pierde el rastro.37
Primera estancia en Roma[editar]

El Baco con un sátiro del Museo del Bargello, en Florencia, (1496-1498).
Su salida hacia Roma tuvo lugar el 20 de junio de 1496. La primera obra que realizó fue un Baco con un sátiro de medida natural, con gran parecido a una estatua clásica, y encargada por el cardenal Riario, que al ser rechazada, fue adquirida por el banquero Jacopo Galli. Más adelante fue comprado por Francisco I de Médici y actualmente se conserva en el museo del Bargello, en Florencia.38 Ascanio Condivi fue el primero que comparó la estatua con las obras de la Antigüedad clásica:
...esta obra, por su forma y manera, en cada una de sus partes, corresponde a la descripción de los escritores antiguos; su aspecto festivo: los ojos, de mirada furtiva y llenos de lascivia, como los de aquellos que son dados excesivamente a los placeres del vino. Sostiene una copa con la mano derecha, como quien está a punto de beber, y la mira amorosamente, sintiendo el placer del licor que inventó; por este motivo se le representa coronado con un trenzado de hojas de vid... Con la mano izquierda sostiene un racimo de uva, que hace las delicias de un pequeño sátiro alegre y vivo que hay a sus pies.
Es ésta claramente la primera gran obra maestra de Miguel Ángel, donde se muestra la característica constante de la sexualidad en su escultura y donde se simboliza el espíritu del hedonismo clásico que Savonarola y sus seguidores estaban dispuestos a suprimir de Florencia.39
Al mismo tiempo que realizaba el Baco, por encargo de Jacopo Galli, esculpió un Cupido de pie, que pasó a pertenecer, más tarde, a la colección de los Médicis y que hoy en día está desaparecido.37
Por medio de dicho coleccionista Galli, en 1497 recibió del cardenal francés Jean Bilhères de Lagraulas el encargo de una Piedad como monumento para su mausoleo en la capilla de Santa Petronila de la antigua basílica de San Pedro, y que más tarde fue instalada en la nueva construcción de Bramante.
La originalidad con la que trató esta pieza Miguel Ángel se nota en la ruptura con el dramatismo con el que hasta entonces se trataba esta iconografía, que siempre mostraba el gran dolor de la madre con el hijo muerto en sus brazos. Miguel Ángel, sin embargo, realizó una Virgen, serena, concentrada y extremadamente joven, y un Cristo que parece que esté dormido y sin muestras en su cuerpo de haber padecido ningún martirio: el artista desplazó toda clase de visión dolorosa con tal de conseguir que el espectador reflexionase delante del gran momento de la muerte.40 Es la única obra de Miguel Ángel que firmó: lo hizo en la cinta que atraviesa el pecho de la Virgen:
MICHAEL. ANGELVS. BONAROTVS. FLORENT[INVS].FACIEBAT

La Piedad de la basílica de San Pedro en el Vaticano, de 1,74 m de altura x 1,95 m de longitud en la base (1496).
Un Crucifijo de marfil, datado hacia los años 1496-1497, ha estado atribuido recientemente a Miguel Ángel. Esta imagen se encuentra en el monasterio de Montserrat y representa según el historiador Anscari M. Mundó, la última agonía de Cristo, con la cabeza inclinada hacia la derecha, la boca abierta y los ojos casi cerrados; está coronado de espinas, de cuerpo joven con los brazos abiertos, desnudo, protegido con un paño de pureza doblado con pliegues irregulares que sujeta un cordón doble. Presenta una buena anatomía muy realista y muestra la herida a la derecha de las costillas. Mide 58,5 cm de altura. Se cree que fue adquirido por el abad Marcet en el año 1920 durante un viaje a Roma, creyendo que era una obra de Ghiberti. Desde el año 1958 se encuentra sobre el altar mayor de la abadia de Montserrat.41
Retorno a la Toscana[editar]

El Tondo Taddei, en la Royal Academy of Arts de Londres.

El David, Galería de la Academia, Florencia.
Vuelve a Florencia en la primavera de 1501, después de cinco años ausente de la Toscana. Con Savonarola muerto, en Florencia se había declarado una nueva república gobernada por un gonfaloniere, Piero Soderini, un admirador de Miguel Ángel que le hace uno de los encargos más importantes de su vida: el David. Pone a su disposición un gran bloque de mármol abandonado que había sido empezado por Agostino di Duccio en 1464 y que se encontraba en Santa María del Fiore. Vasari explica que cuando recibió el encargo, el gobernante pensaba que el bloque era inservible y le pidió que hiciera todo lo posible en darle forma. Miguel Ángel realizó un modelo en cera y se puso a esculpir en el mismo lugar donde estaba ubicado el bloque sin dejar que nadie viera su trabajo durante más de dos años y medio, que fue el tiempo que tardó en acabarlo.42
Hizo la representación de la escultura en la fase anterior a la lucha con Goliat, con una mirada cargada de incertidumbre y con la personificación simbólica de David defendiendo la ciudad de Florencia contra sus enemigos. Los florentinos vieron el David como símbolo victorioso de la democracia.43 Esta obra muestra todos los conocimientos y estudios del cuerpo humano conseguidos por Miguel Ángel hasta esa fecha. La técnica empleada fue descrita así por Benvenuto Cellini:
El mejor método empleado jamás por Miguel Ángel; después de haber dibujado la perspectiva principal en el bloque, empezó a arrancar el mármol de un lado como si tuviera la intención de trabajar un relieve y, de esta manera, paso a paso, sacar la figura completa.

Hodson (2000, p. 42)

La Madonna de Brujas en la iglesia de Nuestra Señora de Brujas.
Tan pronto estuvo terminada, por consejo de una comisión formada por los artistas Francesco Granacci, Filippo Lippi, Sandro Botticelli, Giuliano da Sangallo, Andrea Sansovino, Leonardo da Vinci y Pietro Perugino, entre otros, se decidió colocarla en la plaza de la Señoría enfrente del palazzo Vecchio.44
Desde allí, en 1873 se trasladó para una mejor conservación al museo de la Galleria dell'Accademia, mientras que en la plaza se colocó una copia, también de mármol.45
Por estas mismas fechas, estuvo trabajando en el Tondo Taddei, un relieve de mármol de 109 cm de diámetro que muestra la Virgen con el Niño y san Juan Bautista también niño, colocado a la izquierda sujetando un pájaro en sus manos. La figura de Jesús y la parte superior de la Virgen están acabadas, pero el resto no. El relieve fue adquirido por Taddeo Taddei, protector del pintor Raffaello Sanzio, y actualmente se conserva en la Royal Academy of Arts de Londres. Otro alto relieve, el Tondo Pitti, también de mármol, empezado para Bartolomeo Pitti, muestra la Virgen sentada con Jesús apoyado sobre un libro abierto encima de las rodillas de su madre. Se encuentra en el museo del Bargello desde el año 1873; como el anterior se encuentra inacabado.46
En el año 1502, la Señoría de Florencia le encargó un David de bronce para Pierre de Rohan, mariscal de Gié, que había pasado por Italia con el séquito de Carlos VIII de Francia y había hecho una solicitud de una imagen del David. Miguel Ángel empezó a diseñarlo, pero a causa de su tardanza se tuvo que recurrir a la fundición por parte del escultor Benedetto da Rovezzano para acabar la obra. Posteriormente se ha perdido el rastro.44
Hacia 1503 realizó, por encargo de unos mercaderes flamencos, los Mouscron, una Virgen con Niño para una capilla de la iglesia de Nuestra Señora de Brujas. Aunque se puede apreciar el movimiento de la ropa como en la Piedad del Vaticano, el resultado es diferente, sobre todo por la verticalidad de la escultura. Está representada en un momento de abandono, donde la mano derecha de la Virgen parece que sólo tiene la fortaleza para evitar que el libro no caiga y la izquierda está sujetando suavemente al niño Jesús, en contraposición con la vitalidad de movimiento que demuestra el Niño.47
El 24 de abril de 1503, el escultor firmó el contrato con los representantes del gremio de la lana (Arte della Lana), en virtud del cual se comprometía a realizar doce imágenes de los apóstoles para Santa María del Fiore. Sólo empezó la de san Mateo, una obra de mármol de 261 cm de altura que dejó inconclusa y que se encuentra en la Galería de la Academia de Florencia.44
Para la capilla de los Piccolomini de la catedral de Siena, realizó entre 1503 y 1504, cuatro imágenes, las de san Pablo, san Pedro, san Pío y san Gregorio (este último de autoría incierta), con una gran riqueza de pliegues en las vestiduras y un buen equilibrio entre las sombras y las luces. En la parte posterior están solo esbozadas, ya que se esculpieron para ser colocadas dentro de unas hornacinas del altar realizado por Andrea Bregno entre 1483 y 1485.44
La tragedia de la sepultura[editar]

Parte baja de la sepultura de Julio II en San Pietro in Vincoli, en Roma, con las esculturas Moisés, Raquel y Lía.
El año 1505 fue llamado a Roma por el papa Julio II para proponerle la construcción de la sepultura papal, que se habría de poner bajo la cúpula de la basílica de San Pedro del Vaticano. Toda la sucesión de hechos durante los cuarenta años que se tardó para la realización de la tumba fue llamada por Ascanio Condivi «la tragedia de la sepultura», como será conocido desde entonces todo el desfile de infortunios de esta obra.
El artista consideró el sepulcro de Julio II la gran obra de su vida. El primer proyecto presentado fue un monumento aislado de planta rectangular y de forma piramidal escalonada de tres pisos, con una gran cantidad de figuras escultóricas. Una vez el papa le dio el visto bueno, Miguel Ángel pasó cerca de ocho meses en las canteras de Carrara escogiendo los bloques de mármol para la obra. Por indicación de Bramante, Julio II, cambió de idea y solicitó al escultor que parara la ejecución del mausoleo y emprendiera la de la pintura de la bóveda de la Capilla Sixtina.
El 17 de abril de 1506 Miguel Ángel, contrariado, abandonó Roma y se dirigió a Florencia, pero a finales de noviembre, tras las numerosas llamadas del Pontífice que le amenazó con excomulgarle, se reunió con él en Bolonia. El papa le asignó un trabajo en esta ciudad: una colosal estatua de bronce del papa Julio, que fue entregada en febrero de 1508, y fue instalada en la fachada de la Basílica de San Petronio. Esta escultura fue destruida en diciembre de 1511 por rebeldes boloñeses.48
En 1513, cuando terminó la pintura de la bóveda de la Capilla Sixtina y Miguel Ángel creía que ya podría esculpir los mármoles del sepulcro, falleció el papa Julio II y se aplazó la ejecución durante dos décadas más. Se realizaron seis proyectos diferentes y finalmente en 1542 el sepulcro fue construido como un retablo con solo siete estatuas, y se instaló en la iglesia de San Pietro in Vincoli y no en la basílica del Vaticano.49 La gran escultura del sepulcro es la figura del Moisés, la única de las ideadas en el primer proyecto que llegó al final de la obra. La estatua colosal, con la terribilitá de su mirada, demuestra un dinamismo extremo. Está colocada en el centro de la parte inferior, de manera que se convierte en el centro de atención del proyecto definitivo, con las estatuas de Raquel y Lía situadas una en cada lado. El resto del monumento fue realizado por sus ayudantes.50

El Esclavo moribundo del Museo del Louvre, de 229 cm de altura.

El Esclavo rebelde del Museo del Louvre, de 215 cm de altura.
Para el primer proyecto, había realizado durante los años 1513-1516 el Esclavo moribundo y el Esclavo rebelde (ambos en el Museo del Louvre), con la simbología de representar los pueblos paganos en su reconocimiento de la fe verdadera.51 El Esclavo moribundo recuerda las imágenes de san Sebastián; el tronco del cuerpo hace una torsión, con un movimiento contenido hacia atrás, que se acentúa con el brazo izquierdo sobre la cabeza y se encuentra equilibrado por el derecho que cruza el cuerpo sobre el pecho. Presenta también un acusado contrapposto.40
En el Esclavo rebelde, comparado con los dibujos iniciales de Miguel Ángel (guardados en Oxford), se aprecia la transformación que hizo, obligado por la forma primitiva del bloque de mármol: la pierna derecha, que en el dibujo quedaba medio escondida, en la escultura se ve completamente apoyada en el bloque; los brazos en el dibujo estaban atados detrás, en la espalda, mientras que en la estatua se muestran: el derecho, verticalmente que sube por el borde del bloque, y el izquierdo en ángulo recto hacia atrás; finalmente, la cabeza está girada hacia arriba, en un claro recuerdo de la expresión de la escultura del Laocoonte y sus hijos, de cuyo descubrimiento en Roma, fue testimonio Miguel Ángel.40
Desde el año 1520, continuó esculpiendo cuatro estatuas más de esclavos, con una medida más grande que la pareja anterior y menos acabados en su realización, con aspecto de atlantes, conocidos como el Joven esclavo, Esclavo atlante, Esclavo despertándose y Esclavo barbudo.52 Permanecieron en el taller del escultor hasta el año 1564, cuando su sobrino Leonardo los donó a Cosme I de Médici y fueron colocados en la gruta de Buontalenti del jardín de Bóboli hasta su traslado definitivo, en 1908, a la Galería de la Academia de Florencia.53
Esculpió la estatua del Genio de la Victoria, que entraba dentro del quinto proyecto realizado para la tumba de Julio II. Se trata de un grupo escultórico colocado en el Salón del Cinquecento del palazzo Vecchio, aunque Vasari la relacionaba con el primer proyecto, donde las Victorias que había diseñadas estaban todas vestidas y, en cambio, solo desde el quinto proyecto se muestran desnudas; en lo que sí coincide es que se trata de una obra realizada para el mausoleo del papa.
Por unas cartas intercambiadas entre Vasari y el sobrino de Miguel Ángel, Leonardo, se sabe que estaba en el taller del escultor cuando ocurrió su fallecimiento en 1564; el sobrino había llegado a proponer colocarla en la tumba de Miguel Ángel; al final, fue donada al duque Cosme I de Médici y fue colocada en la palazzo Vecchio. Se ha dicho de esta escultura que es la representación del victorioso vencido, la inevitable victoria de la juventud sobre la vejez, según Tolnay.
Las tumbas de los Médici[editar]
El papa Clemente VII, hacia el año 1520, le encargó el proyecto para las tumbas de sus familiares Lorenzo el Magnífico, padre de León X, y su hermano Juliano, (padre de Clemente VII), y dos tumbas más para otros miembros de la familia: Juliano II y Lorenzo II, en la sacristía de la basílica de San Lorenzo de Florencia. El papa le propuso cuatro sepulcros, uno en cada pared de la planta cuadrada de la sacristía, una Virgen con Niño y las imágenes de los santos Cosme y Damián, que tenían que estar colocados en el centro de la estancia sobre un altar.54
Una vez aprobado el proyecto, no se empezó a realizar hasta 1524, cuando llegaron los bloques de mármol de Carrara. Miguel Ángel aplicó las esculturas al lado de la arquitectura de las paredes; todas las molduras y cornisas cumplen la función de sombra y luz y, se componen de un sarcófago curvilíneo sobre las que hay dos estatuas con la simbología del tiempo. En la de Lorenzo, el Crepúsculo, con los trazos de un hombre que envejece pero que aún tiene plena posesión de su fuerza, el cual tiene una actitud simétrica a la Aurora, que se encuentra a la derecha y por encima de ambas, dentro de una hornacina, la estatua de Lorenzo, sobrino de León X, que tiene la cabeza cubierta con el casco de los generales romanos; su actitud de meditación hizo que enseguida se le conociera con el nombre de «el pensador».55
Encima de la tumba de Juliano están las alegorías de la Noche, que a pesar de simbolizar la muerte anuncia la paz suprema y el Día que muestra la cabeza inacabada de un hombre, siendo muy singular esta representación de una persona mayor. Simboliza la imagen del cansancio de empezar un día sin desearlo. Sobre ellas la estatua de Juliano, hermano de León X, con un gran parecido a la escultura del Moisés de la tumba de Julio II; a pesar de la coraza con la que lo vistió, se aprecia el cuerpo de un joven atleta. En definitiva, los retratos de estos personajes de la casa Médicis son más espirituales que físicos, se muestra más el carácter que no la apariencia material. Cuando se le dijo al escultor que se parecían poco a las personas reales, contestó: «¿Y quién se dará cuenta de aquí a diez siglos?».56
Miguel Ángel realizó también la escultura de la Virgen y el Niño, que es símbolo de vida eterna y está flanqueada por las estatuas de san Cosme y san Damián, protectores de los Médici, ejecutadas sobre modelo de Buonarroti, respectivamente por Giovanni Angelo Montorsoli y Raffaello da Montelupo. Aquí están enterrados Lorenzo el Magnífico (primer mecenas de Miguel Ángel) y su hermano Juliano.57 Estos últimos sepulcros quedaron incompletos, así como las esculturas que representan los ríos, que tenían que ir en la parte baja de las otras tumbas ya realizadas, por la marcha definitiva de Miguel Ángel a Roma, en el año 1534 a causa de la situación política de Florencia.58
Para estas tumbas esculpió también un Joven en cuclillas de mármol, que representa un joven desnudo, doblado sobre sí mismo; seguramente quería representar las almas de los «no nacidos». Fue una de las esculturas que se quedaron en la sacristía el año 1534, cuando Miguel Ángel viajó a Roma. Esta estatua se encuentra en el Museo del Hermitage de San Petersburgo.59
Otras obras escultóricas[editar]

El Cristo de la Minerva de Santa Maria sopra Minerva, en Roma.
Una nueva versión del Cristo de la Minerva, realizado para Metello Vari, es consecuencia de la que empezó durante el año 1514, y que fue abandonada a causa de los defectos del mármol; en el contrato de la escultura se precisa que será «una estatua de mármol de un Cristo, de medida natural, desnudo, con una cruz entre los brazos y los símbolos de la pasión, en la posición que Miguel Ángel juzgue más adecuada». La obra se envió a Roma en 1521, donde fue acabada por su ayudante Pietro Urbano, el cual cambió la línea y le dio una terminación muy diferente de la que solía hacer Miguel Ángel, que inicialmente la había tratado como un joven atleta adolescente y que acostumbraba a dejar sus esculturas con planos voluntariamente inacabados. Fue colocada en la iglesia de Santa Maria sopra Minerva en Roma.60
Hacia 1530, Baccio Valori, comisario del papa Clemente VII y nuevo gobernador de Florencia, le encargó una estatua de Apolo o de David. Se cree que en principio Miguel Ángel se inclinó hacia la ejecución de un David, ya que la forma redonda que se aprecia debajo del pie derecho se considera un esbozo para hacer la cabeza de Goliat. La figura, está definitivamente dedicada a Apolo, con la imagen del cuerpo que evoca la forma de una mujer, tratado como Narciso enamorado de sí mismo; muestra un claro contrapposto. Se encuentra en el museo florentino del Bargello.
El busto de Brutus fue realizado hacia 1539 en Roma y se encuentra también en el Bargello. Fue un encargo del cardenal Niccolò Ridolfi, ejecutado en un estilo antiguo, parecido a los bustos romanos de los siglos i y ii de nuestra era; lo acabó su discípulo Tiberio Calcagni, sobre todo en la parte de las vestiduras. Tiene una altura de 74 cm sin contar la peana. Giorgio Vasari fue el primero que relacionó su iconografía con la Antigüedad clásica y Tolnay observó reminiscencias de un busto romano de Caracalla que se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles.52

La Piedad florentina, Museo dell'Opera del Duomo, Florencia.
La Piedad florentina, llamada así porque se encuentra en el Duomo de Florencia, se cree que fue empezada a partir del año 1550. Según Vasari y Condivi, Miguel Ángel proyectó este grupo escultórico con la idea que lo sepultaran a sus pies, dentro de la basílica de Santa María la Mayor en Roma. Más tarde, abandonó este deseo, por el de ser enterrado en Florencia, y también por la oportunidad de su venta, en 1561, a Francesco Bandini, que colocó la escultura en los jardines romanos de Montecavallo, donde permaneció hasta su traslado a la basílica de San Lorenzo de Florencia por parte de Cosme III en 1674; finalmente el año 1722 se colocó en Santa Maria del Fiore y desde 1960 se encuentra en el museo de la catedral.61
El grupo escultórico de la Piedad florentina consta de cuatro personajes: el Cristo muerto que está sostenido por la Virgen, María Magdalena y Nicodemo, los rasgos del cual son un autorretrato de Miguel Ángel. La estructura es piramidal, con Nicodemo como vértice, y el Cristo se muestra como una figura serpentinata propia del manierismo.40 El año 1555, no se sabe exactamente, si por accidente o porque la obra no le parecía bien al autor, la rompió en diversos trozos. Explica Vasari:
Quizá porque la piedra era dura y estaba llena de esmeril y el cincel sacaba chispas, o quizá por su autocrítica severa, no estaba nunca contento con nada de lo que hacía... Tiberio Calcagni le preguntó por qué había roto la Piedad y se habían perdido así todos sus maravillosos esfuerzos. Miguel Ángel le respondió que una de las razones era porque su criado le había estado importunando con sus sermones diarios para que la acabase, y también porque se había roto una pieza del brazo de la Madonna. Y todo esto dijo, así como otras desgracias, como que había descubierto una fisura en el mármol, habiéndole hecho odiar la obra, había perdido la paciencia y la había roto.

La Piedad Palestrina de Florencia.

La Piedad Rondanini de Milán.
Posteriormente, la Piedad florentina, fue restaurada por Tiberio Calcagni, a pesar de ello aún se puede observar algún desperfecto en el brazo y en la pierna del Cristo.62
Otra obra sobre el mismo tema y realizada durante la misma época (1556) es la Piedad Palestrina, un grupo escultórico con el Cristo, la Virgen y María Magdalena, de dos metros y medio de altura. Miguel Ángel empleó para su elaboración un fragmento de una construcción romana; en la parte posterior se puede apreciar un trozo de decoración antigua de un arquitrabe romano. Se encuentra inacabada y, después de estar en la capilla del palazzo Barberini de Palestrina, actualmente se puede ver en la Galería de la Academia de Florencia.63
Miguel Ángel empezó también la Piedad Rondanini, que sería la última escultura en la cual trabajaría hasta la vigilia de su muerte. La religiosidad que muestran estas últimas esculturas es el resultado de una crisis interna del autor. Las imágenes de la Piedad Rondanini son alargadas y tanto el Cristo como la Virgen se encuentran completamente unidos como si se tratase de un solo cuerpo, se aprecia una frontalidad dramática de origen medieval. La dejó, inacabada, como legado, en 1561, a su fiel servidor Antonio del Franzese. Se mantuvo durante siglos en el patio del palazzo Rondanini y en 1952 fue adquirida por el Ayuntamiento de Milán y colocada para su exposición en el centro cívico del castillo Sforzesco de los Sforza.64
La Piedad Rondanini es, de todas sus esculturas, la más trágica y misteriosa. En el inventario de su casa de Roma, se refiere como «otra estatua iniciada de un Cristo con otra figura encima, juntas, esbozadas y sin acabar».65
Obra pictórica[editar]
Véase también: Categoría:Cuadros de Miguel Ángel
El tormento de San Antonio[editar]
La primera obra pictórica atribuida a Miguel Ángel, de cuando este contaba con 12 años de edad, fue el Tormento de San Antonio. La pintura, citada por los primeros biógrafos del artista, era una copia con variantes de un conocido grabado del alemán Martin Schongauer. Una pintura de este tema fue subastada como obra «del taller de Ghirlandaio», adquirida por un marchante norteamericano y sometida a diversos análisis en el Metropolitan Museum de Nueva York en el año 2009. Varios expertos en la obra de Miguel Ángel la identifican como la pintura que el florentino realizó durante su aprendizaje con Ghirlandaio, aunque existen dudas al respecto.66 Finalmente, fue adquirida por el Kimbell Art Museum de Estados Unidos.67
Santo Entierro[editar]
Artículo principal: Santo Entierro (Miguel Ángel)

Santo Entierro, en la National Gallery de Londres (1500-1501).
Hasta el reciente hallazgo de Las tentaciones de san Antonio, eran el Santo Entierro y la Madonna de Mánchester las primeras pinturas atribuidas a Miguel Ángel. El Santo Entierro se trata de una tabla al temple inacabada, datada hacia 1500-1501, que se encuentra en la National Gallery de Londres. Gracias a unos documentos publicados en 1980, se sabe que durante su estancia en Roma recibió el encargo de hacer un retablo para la iglesia de Sant'Agostino de esa ciudad y que el artista devolvió el pago recibido a cuenta, ya que no había podido acabarlo debido a su retorno a Florencia en 1501.
Esta tabla, que durante muchos años se ha dudado si pertenecía a Miguel Ángel, finalmente se ha reconocido como obra suya.68 Las figuras de Cristo y san Juan son las que muestran más fuerza, y su composición es soberbia; la figura de José de Arimatea, situada detrás de Jesucristo se puede observar un curioso parecido con la de san José del Tondo Doni.69
Tondo Doni[editar]

Tondo Doni, en los Uffizi de Florencia (1504-1505).
Artículo principal: Tondo Doni
El Tondo Doni, conocido también como la Sagrada Familia (1504-1505), se encuentra hoy en la Galería Uffizi, Florencia. Esta pintura al temple, la pintó para Agnolo Doni, como regalo de bodas a su esposa Maddalena Strozzi. En primer plano está la Virgen con el Niño y detrás, san José, de grandiosas proporciones y dinámicamente articulado; llaman la atención las imágenes tratadas como esculturas dentro de una disposición circular de 120 cm de diámetro y con una composición en forma piramidal de las figuras principales. La base de la línea triangular es la marcada por las piernas de la Virgen colocada de rodillas, con la cabeza girada hacia la derecha, donde se encuentra el Niño sostenido por san José, con el cuerpo inclinado hacia la izquierda; esta parte superior de la pintura junto con la línea que marcan los brazos, denota un movimiento en forma de espiral.70
Separados por una balaustrada, se encuentran Juan el Bautista y un grupo de ignudi. Esta pintura puede verse como la sucesión de las diversas épocas en la historia del hombre: los ignudi representarían la civilización pagana, san Juan y san José la era mosaica y la Virgen con el Niño la era de la Redención, a través de la encarnación de Jesús. Esta interpretación está sostenida, incluso en las cabezas esculpidas sobre la cornisa original: dos sibilas (representa la edad pagana), dos profetas (representa la edad mosaica) y la cabeza de Cristo (representa la era de la redención), con frisos intermedios de animales, máscaras de sátiros y el emblema de los Strozzi.
El artista demostró que con la pintura era capaz de expresarse con la misma grandiosidad que en la escultura; el Tondo Doni, de hecho, se considera el punto de partida para el nacimiento del manierismo.71
Bóveda de la Capilla Sixtina[editar]
Artículo principal: Bóveda de la Capilla Sixtina

Imagen de Adán en la escena de La Creación de Adán de la bóveda de la Capilla Sixtina, en los Museos Vaticanos.
Entre marzo y abril de 1508, el artista recibió de Julio II el encargo de decorar la bóveda de la Capilla Sixtina; en mayo aceptó y concluyó los frescos cuatro años más tarde, tras un solitario y tenaz trabajo. El proyecto del papa era la representación de los doce apóstoles, que Miguel Ángel cambió por uno mucho más amplio y complejo. Ideó una grandiosa estructura arquitectónica pintada, inspirada en la forma real de la bóveda. Al tema bíblico general de la bóveda, Miguel Ángel interpuso una interpretación neoplatónica con la representación de nueve escenas del Génesis, cada una rodeada por cuatro jóvenes desnudos (ignudi), junto con doce profetas y las sibilas. Un poco más abajo se encuentran los antepasados de Cristo. Todas estas escenas están diferenciadas magistralmente por medio de la imitación de arquitecturas. Estas imágenes se convirtieron en el símbolo mismo del arte del Renacimiento.38

Bóveda de la Capilla Sixtina, vista parcial (1512). Para Goethe, al contemplarla se comprende de lo que es capaz el hombre. (Para ver esta imagen en formato panorámico, pulse con el ratón sobre la imagen y vuelva a hacerlo sucesivamente sobre las nuevas imágenes que aparecerán. Si vuelve y no aumenta la imagen, vuelva a pulsar. Para desplazar la imagen emplee el cursor en los bordes de la pantalla.)
Empezó el trabajo el día 10 de mayo de 1508, rechazando la colaboración de pintores expertos en frescos; también hizo quitar los andamios que había colocado Bramante y puso unos nuevos diseñados por él. Mientras trabajaba en su primer fresco (El Diluvio), tuvo problemas con la pintura, la humedad alteró los colores y el dibujo, tuvo que recurrir a Giuliano da Sangallo para su solución y volver a empezar; Miguel Ángel aprendió a fuerza de sufrimiento la técnica del fresco, ya que según Vasari, hacía falta:
...realizar en una única jornada toda la escena... La obra se ejecuta sobre la cal aún fresca, hasta concluir la parte prevista... Los colores aplicados sobre el muro húmedo producen un efecto que se modifica cuando se seca... Lo que se ha trabajado al fresco queda para siempre, pero lo que ha estado retocado en seco se puede quitar con una esponja húmeda...
La superficie pintada en un día se llama «jornada»; la escena de La Creación de Adán, una de las más espectaculares de la bóveda, se realizó en dieciséis jornadas.72
El artista también estuvo bajo la tensión de las continuas discusiones con el papa, las prisas por acabar la pintura y los pagos que no recibía. Finalmente, la gran obra de la pintura de la bóveda se presentó públicamente el 31 de octubre de 1512.73

Bóveda de la Capilla Sixtina (1508–12)
Juicio Final[editar]
Artículo principal: El Juicio Final
Por encargo del papa Clemente VII y más tarde confirmado por Pablo III, Miguel Ángel aceptó pintar en la pared del altar de la Capilla Sixtina el Juicio Final, o Juicio Universal, iniciado en 1536 y finalizado en 1541.

Detalle del Juicio Final, con Jesucristo y su madre, María.

Detalle del Juicio Final, con san Bartolomé aguantando la piel con el autorretrato de Miguel Ángel.
El tema se basa en el Apocalipsis de san Juan. La parte central está ocupada por un Cristo con gesto enérgico, que separa los justos de los pecadores, y a su lado tiene a su madre María, temerosa por el gesto tan violento de su Hijo.74 A su alrededor están los santos, fácilmente reconocibles ya que la mayoría muestran los atributos de su martirio, entre los que se encuentra san Bartolomé, que en su martirio fue despellejado; este santo lleva colgada en su mano su propia piel, donde se reconoce el autorretrato de Miguel Ángel. Justo debajo hay un grupo con ángeles con trompetas, anunciadores del Juicio. Todas las escenas están rodeadas por una multitud de personajes, unos al lado derecho de Cristo, los que ascienden al cielo, y a la izquierda los condenados que bajan a las tinieblas, algunos de los cuales se encuentran encima de la barca de Caronte, presente en la Divina Comedia de Dante. En los semicírculos de la parte superior del mural aparecen unos ángeles con los símbolos de la Pasión de Cristo, en un lado la cruz donde murió y en el otro la columna donde fue flagelado.75
A pesar de la admiración que despertó esta obra, también las protestas por los desnudos y por las aptitudes de los personajes fueron importantes, ya que se consideraron inmorales. El maestro de ceremonias papal, Biagio da Cesena, dijo que la pintura era deshonesta, pero uno de los que más críticas contrarias lanzó contra los desnudos, argumentando que se había de «hacer una hoguera con la obra», fue Pietro Aretino. En 1559, se consiguió que Daniele da Volterra, por orden del papa Pablo IV, cubriese las «vergüenzas» de las figuras desnudas, por lo que sería conocido con el sobrenombre de il Braghettone; el pintor murió al cabo de dos años, sin haber podido completar su trabajo.
Después de la restauración empezada el año 1980, las pinturas vuelven a lucir tal y como las realizó Miguel Ángel.76
Capilla Paulina[editar]

El Martirio de san Pedro.

La conversión de san Pablo.
Terminado el Juicio Final, el papa Pablo III le encargó para la Capilla Paulina (que había sido construida por Antonio da Sangallo el Joven), la pintura de dos grandes frescos en los que Miguel Ángel trabajó desde 1542 a 1550: La conversión de san Pablo y El Martirio de San Pedro. Fueron diversos los motivos que alargaron la ejecución de estas obras, entre ellos el incendio del año 1544, una enfermedad del artista que retardó el segundo fresco hasta 1546, así como los fallecimientos de sus amigos Luigi del Riccio en 1546 y más tarde el de Vittoria Colonna en 1549.77
Parece que el primer fresco que terminó fue La conversión de san Pablo, que es el que más se parece en estilo al Juicio Final, sobre todo por la imagen del san Pablo, cabeza abajo con los brazos que apuntan uno a la tierra y otro hacia las nubes, que recuerdan el remolino de los escogidos y los condenados alrededor de Jesús en el Juicio. En este fresco también se aprecia la partición entre el mundo celestial y el terrenal, con el contraste entre el objeto principal de la parte inferior: el caballo que mira hacia la derecha, y la parte superior: Jesucristo mirando hacia el lado contrario.78
Este gran dinamismo se encuentra mucho más contenido en el siguiente fresco El martirio de san Pedro, donde se aprecia el ritmo compositivo equilibrado, enfrente del desorden existente en La conversión de san Pablo. La línea principal, en diagonal, la representa la cruz aún no izada, y las figuras que describen un gran arco de medio punto cerca del centro. Gracias al movimiento de la cabeza de san Pedro, Miguel Ángel consigue el punto de atención principal de la escena.79
Crucifixión[editar]

La Crucifixión de Logroño, copia de una pintura para Vittoria Colonna.
En 1540 Vittoria Colonna le pidió un pequeño cuadro de la Crucifixión que le ayudara en sus oraciones privadas. Tras presentarle varios bocetos, que se conservan en el British Museum y en el Louvre, el artista gustoso le pintó un pequeño Calvario quedando Vittoria muy complacida por la espiritualidad de las figuras. En ese momento sólo aparecían Cristo, la Virgen, San Juan y unos angelotes. Vasari lo describe así:
... y Miguel Ángel le dibujó una Piedad, donde se ve a la Virgen con dos angelitos y un Cristo clavado en la cruz, que, levanta la cabeza y encomienda su espíritu al Padre, que es cosa divina.
Aunque habla de un dibujo, el artista acabó haciendo una pintura.80 Se tiene noticia de esta pintura también por una carta de Vittoria a Miguel Ángel:
Confiaba yo sobre manera que Dios os daría una gracia sobrenatural para hacer este Cristo; después de verlo tan admirable que supera, en todos los aspectos, cualquier expectación; porque, animada por vuestros prodigios, deseaba lo que ahora veo maravillosamente realizado y que es la suma de la perfección, hasta el punto que no se podría desear más, y ni tan siquiera a desear tanto.
En 1547 falleció Vittoria y tal era el afecto que Miguel Ángel le profesaba que recuperó el cuadro y la incluyó como María Magdalena abrazada a la cruz de Cristo y sobre los hombros un pañuelo símbolo de su viudedad.81
Aunque el cuadro original se ha perdido, se conservan muchos dibujos y copias hechas por discípulos de Miguel Ángel, entre ellas la que se guarda en la Concatedral de Santa María de la Redonda de Logroño.82
Obra arquitectónica[editar]
La fachada de San Lorenzo[editar]

Reconstrucción de un diseño de Miguel Ángel sobre la fachada de la basílica de San Lorenzo de Florencia, por medio de una proyección luminosa, el año 2007.
La familia Médici había financiado la construcción de la basílica de San Lorenzo de Florencia, según diseño de Brunelleschi. Empezada en 1420, durante la visita en 1515 del papa León X la fachada estaba aún sin realizar con solo un cerramiento a base de obra vista de piedra picada, y para la ocasión, se recubrió la inacabada fachada de la iglesia, con una construcción efímera realizada por Jacopo Sansovino y Andrea del Sarto. El pontífice decidió entonces realizar un concurso para dicha fachada, patrocinado siempre por los Médici. Miguel Ángel triunfó en el concurso frente a diseños de Raffaello Sanzio, Jacopo Sansovino y Giuliano da Sangallo. Proyectó realizar un frente en el que se representara toda la arquitectura y toda la escultura de Italia, ideando una fachada semejante a un retablo contrarreformista pero que en realidad estaba inspirado por los modelos de la arquitectura profana, realzada con numerosas estatuas de mármol, bronce y relieves. Realizó una maqueta en madera hecha por Baccio d'Agnolo; como no fue de su gusto, se realizó una segunda maqueta con veinticuatro figuras de cera, sobre la base de la cual se firmó el contrato para su construcción el 19 de enero de 1518.83

Ventanas inginocchiate en el palacio Medici Riccardi, en una fotografía de 1908.
Según escribió Miguel Ángel, lleno de entusiasmo: «me he propuesto hacer, de esta fachada de San Lorenzo, una obra que sea el espejo de la arquitectura y de la escultura para toda Italia...». Entre los años 1518-1519, Miguel Ángel revisó los mármoles en Carrara, un trabajo inútil, ya que el papa propuso que el mármol fuera del territorio florentino, en las pedreras de Pietrasanta y Serravezza. Con fecha 10 de marzo de 1520, el papa dio por finalizado el contrato,e cuando el artista se había quejado que el mármol destinado para la fachada se estaba utilizando en otras obras. La segunda maqueta de madera presentada y realizada por su ayudante Urbano, se conserva en la Casa Buonarroti.84
Mejoras del palacio Médici Riccardi[editar]
Hacia el año 1517, efectuó unas obras de mejora en la planta baja del palacio Medici Riccardi, donde se cerraron los arcos de la loggia (galería) que se habían construido en la esquina de la Via Longa y la Vía de'Gori, con lo que resultaba una arquitectura más cerrada y más compacta del edificio. Se colocaron también unas ventanas que Vasari denominaba inginocchiate (arrodilladas). En la Casa Buonarroti se conserva un dibujo que debió servir para la maqueta de este palacio.85
Sacristía Nueva[editar]
Artículo principal: Sacristía Nueva de San Lorenzo
Empezada por encargo de León X en 1520, fue bajo el mandato de Clemente VII cuando se dio un nuevo impulso a la construcción de la «Sacristía Nueva» en 1523, situada en la Basílica de San Lorenzo de Florencia, destinada a acoger las tumbas de los capitanes Juliano, duque de Nemours y Lorenzo, duque de Urbino, muertos hacía poco, y la de los Magníficos, Lorenzo y su hermano Juliano de Médici, en el lado contrario del crucero donde se encontraba la antigua sacristía construida por Brunelleschi y decorada por Donatello. La nueva construcción se había de adecuar a la planta de la precedente, que consistía en dos cuadrados de diferente anchura comunicados a través de un arco y c

Ha recibido 59 puntos

Vótalo:

Filippo Brunelleschi (1377/1446)

2. Filippo Brunelleschi (1377/1446)

Filippo di Ser Brunellesco Lapi, conocido simplemente como Filippo Brunelleschi (1377 - 15 de abril de 1446), fue un arquitecto, escultor y orfebre renacentista italiano. Es conocido, sobre todo, por su trabajo en la cúpula de la Catedral de Florencia Il Duomo. Sus profundos conocimientos... Ver mas
Filippo di Ser Brunellesco Lapi, conocido simplemente como Filippo Brunelleschi (1377 - 15 de abril de 1446), fue un arquitecto, escultor y orfebre renacentista italiano. Es conocido, sobre todo, por su trabajo en la cúpula de la Catedral de Florencia Il Duomo. Sus profundos conocimientos matemáticos y su entusiasmo por esta ciencia le facilitaron el camino en la arquitectura, además de llevarlo a la invención de la perspectiva cónica.1
Fue contemporáneo de Leon Battista Alberti, Ghiberti, Donatello y Masaccio. Giorgio Vasari incluyó la biografía de Brunelleschi en su obra Vida de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos (Vite de' più eccellenti architetti, pittori, et scultori italiani, da Cimabue insino a' tempi nostri, 1542–1550).
Índice [ocultar]
1 Brunelleschi y la pintura
2 Brunelleschi escultor
3 Brunelleschi arquitecto
3.1 Cúpula de la Catedral de Florencia
3.2 Basílica de San Lorenzo de Florencia
3.3 Fachada del Hospital de los Inocentes 1419-1444
4 Obras principales
4.1 Arquitectura
4.2 Escultura
5 Referencias
6 Enlaces externos
Brunelleschi y la pintura[editar]
Su primera gran obra fue teórica, al ser el primero que formula las leyes de la perspectiva cónica, un sistema de representación gráfico basado en la proyección de un volumen sobre un plano auxiliándose en rectas proyectantes. Fue un elemento clave de la pintura renacentista, pues es la representación que más se aproxima a la visión real, al ser muy similar a la imagen que percibimos de los objetos.
Brunelleschi escultor[editar]
Decidido a ganarse la vida como escultor, participó en un concurso que consistía en realizar los bajorrelieves de las puertas del Baptisterio de Florencia, en 1401, en los que se tenía que representar el sacrificio de Isaac dentro de un marco poli lobulado; tenía que aparecer Abraham, Isaac, un ángel, dos sirvientes con un asno, leña y un cordero o una oveja. Quedó en segundo lugar, por no ceñirse a las bases y hacer un altar que parece estar llevado por el asno, además, el rostro de Abraham aparecía con expresión irritada; este hecho hizo que se inclinase por la arquitectura en exclusiva.
Brunelleschi arquitecto[editar]
Filippo Brunelleschi fue el iniciador de la arquitectura de estilo renacentista, caracterizado por ser un momento de ruptura con respecto al estilo precedente: la Arquitectura gótica, buscando su inspiración en una interpretación del Arte clásico, que se consideraba el modelo más perfecto de las Bellas Artes.
Cúpula de la Catedral de Florencia[editar]

Cúpula de Santa María del Fiore, la catedral de Florencia.

Sección de la cúpula de la Catedral de Florencia.
La cúpula de la Catedral de Florencia o Santa María de las Flores, es su obra más famosa y más controvertida. Esta enorme cúpula no sólo destaca sobre el conjunto de la iglesia sino que es una referencia visual en toda la ciudad de Florencia. La catedral de Florencia es gótica y fue realizada por Arnolfo di Cambio, pero estaba sin concluir pues se encontraba sin abovedar el crucero.
Por la altura del edificio, la cúpula que cubriera dicho crucero no podía ser totalmente semiesférica por posibles problemas en el sistema de empujes y contrarrestos de fuerzas. La solución que llevó a cabo Brunelleschi fue una superposición de dos bóvedas esquifadas, octogonales, una dentro de otra, que estaban hechas de ladrillo, divididas en tramos a modo de gajos. Esta innovación permitía un reparto de esfuerzos, además de conseguir la sensación de ligereza.
La distancia entre ambas cúpulas se mantiene siempre constante. Por su casquete alargado recuerda al gótico. Está construida sobre un tambor poligonal de fábrica, que más adelante se recubriría con mármoles, en el cual se abrieron óculos circulares, que proporcionan iluminación cenital al interior del crucero. Es la primera vez que la estructura bien definida de una cúpula ofrece el mismo aspecto en el interior que en el exterior.
Basílica de San Lorenzo de Florencia[editar]

Interior de la Basílica de San Lorenzo de Florencia.
Inspirada en las basílicas paleocristianas que Brunelleschi estudió, se trata de un templo con planta de cruz latina de tres naves, planteada bajo un esquema 2-1, es decir con la nave central más alta y ancha. En el interior, la nave central tiene el techado plano casetonado y las naves laterales se cubren con concatenación de bóvedas vaídas. La separación de las naves se establece mediante columnas de orden compuesto y sobre ellas un entablamento completo en el que descarga cada arco de medio punto, consiguiendo mayor altura de una manera armónica. En el crucero dispuso de cúpula como cerramiento.
Brunelleschi busca en esta iglesia fundamentalmente dos aspectos:
Horizontalidad: empleando elementos arquitectónicos que refuerzan la sensación de horizontalidad, como los entablamentos, la cubierta plana de la nave central, etc.
Armonía: buscó la armonía empleando criterios geométricos. Por ejemplo, establece formas cúbicas ya que la altura de las columnas es idéntica a la distancia entre columnas contiguas y entre éstas y los muros de las naves laterales.
La Basílica del Espíritu Santo es de estilo similar.
Fachada del Hospital de los Inocentes 1419-1444[editar]
Se trata de un edificio de gran horizontalidad. En el cuerpo inferior se dispone de un pórtico con arcos de medio punto sobre columnas de orden compuesto, que se independiza visualmente del resto de la construcción. En las enjutas de los arcos hay tondos o medallones con figuras blancas (bebés que piden) sobre fondo azul. Es el único elemento figurativo, ya que Brunelleschi desnuda esta fachada del Hospital de los Inocentes del resto de elementos decorativos.
Obras principales[editar]
Arquitectura[editar]

Staggia senese

Interior de la Capilla Pazzi.
1418-1434 -Cúpula de la Catedral de Santa María de la Flor, en Florencia
1419-1427 - Hospital de los Inocentes, Florencia (completada por otros)
1420 - Capilla Barbadori, Iglesia de Santa Felicita, Florencia
ca. 1420 - Ampliación del palacio de Parte Guelfa, Florencia
1421-1426 - Sacristía Vieja de San Lorenzo, Florencia
ca. 1421-1428 - Basílica de San Lorenzo de Florencia, Florencia (completada por otros)
1424-1425 - Muralla de Lastra en Signa (resistematización)
1424 - Muralla de Signa (resistematización)
1424 - Muralla de Malmantile
1429 - Capilla Pazzi, Florencia (completada por otros)
años 1430 - Palacio Bardi, Florencia
1431 - Castillo de Staggia Senese
1434-1437 - Rotonda de Santa Maria degli Angeli, Florencia (completada por otros)
1435-1440 - Rocca de Vicopisano
Rocca de Castellina en Chianti
Castillo de Rencine (reestructuración)
1444 - Basílica del Santo Spirito, Florencia (completada por otros)
1420 - Proyecto para la residencia del Duque de San Demetrio ne' Vestini
1434 - Proyecto para la Iglesia de Santa María de los Angeles, Florencia (con planta inspirada en el Panteón o San Vital de Rávena, no llegó a finalizarse pero sus planos influyeron en Bramante y Leonardo da Vinci)
Proyecto del palazzo Pitti?, Florencia (iniciado postumamente en 1458)
Escultura[editar]
Altar argenteo de San Jacopo, catedral de Pistoia (1400-1401)
Sant'Agostino (atr.)
San Giovanni Evangelista (atr.)
Geremia e Isaia (atr.)
Sacrificio di Isacco, Museo del Bargello, Florencia (1401)
Madonna col Bambino (attr.), palazzo Davanzati, Florencia(1402-1405 circa) – se ne conoscono circa ottanta repliche con lievi differenze, sparse nei musei del mondo.
Crocifisso di Brunelleschi, cappella Gondi in Santa Maria Novella, Florencia (1410-1415 circa)
San Pietro (atr.), Museo di Orsanmichele, Florencia (1412 circa)
Pulpito di Santa Maria Novella (diseño), scolpito dal Buggiano, Santa Maria Novella, Florencia (1443)

Ha recibido 46 puntos

Vótalo:

Marco Vitruvio (0070 aC/0025 aC)

3. Marco Vitruvio (0070 aC/0025 aC)

Marco Vitruvio Polión (en latín Marcus Vitruvius Pollio; c. 80-70 a. C.-15 a. C.) fue un arquitecto, escritor, ingeniero y tratadista romano del siglo I a. C. Índice [ocultar] 1 Biografía y obra 2 De Architectura libri decem (De Architectura) de Vitruvio 3 Tecnología romana 3.1 Máquinas... Ver mas
Marco Vitruvio Polión (en latín Marcus Vitruvius Pollio; c. 80-70 a. C.-15 a. C.) fue un arquitecto, escritor, ingeniero y tratadista romano del siglo I a. C.
Índice [ocultar]
1 Biografía y obra
2 De Architectura libri decem (De Architectura) de Vitruvio
3 Tecnología romana
3.1 Máquinas
3.2 Acueductos
3.3 Materiales
3.4 Máquinas de desagüe
3.5 Instrumentos de topografía
3.6 Calefacción central
4 Redescubrimiento
5 Legado
6 Véase también
7 Referencias
7.1 Bibliografía
8 Enlaces externos
Biografía y obra[editar]
Fue arquitecto de Julio César durante su juventud, y al retirarse del servicio entró en la arquitectura civil, siendo de este periodo su única obra conocida, la basílica de Fanum (en Italia). Es el autor del tratado sobre arquitectura más antiguo que se conserva y el único de la Antigüedad clásica, De Architectura, en 10 libros (probablemente escrito entre los años 27 a. C. y 23 a. C.). Inspirada en teóricos helenísticos –se refiere expresamente a inventos del gran Ctesibio–, la obra trata sobre órdenes, materiales, técnicas decorativas, construcción, tipos de edificios, hidráulica, colores, mecánica y gnomónica (Libro IX).
El último libro está dedicado a las máquinas: de tracción, elevadoras de agua y todo tipo de artefactos bélicos (catapultas, ballestas, tortugas, etc.). Vitruvio describió muy bien la rueda hidráulica en el cap. X.5. La rueda de Vitruvio era vertical y el agua la empujaba por abajo; unos engranajes tenían la finalidad de cambiar la dirección del giro y aumentar la velocidad de las muelas; se calcula que con la energía producida por una de estas ruedas se podían moler 150 kg de trigo por hora, mientras que dos esclavos solo molían 7 kg.1

Hombre de Vitruvio, de Leonardo da Vinci.
De Architectura, conocido y empleado en la Edad Media, se imprimió por primera vez en Roma en 1486, edición del humanista y gramático Fray Giovanni Sulpicio de Veroli, ofreciendo al artista del Renacimiento, imbuido de la admiración por las virtudes de la cultura clásica tan propio de la época, un canal privilegiado mediante el que reproducir las formas arquitectónicas de la antigüedad greco-latina. Posteriormente, se publicó en la mayor parte de los países y todavía hoy constituye una fuente documental insustituible, también por las informaciones que aporta sobre la pintura y la escultura griegas y romanas.2 El famoso dibujo de Leonardo da Vinci, el Hombre de Vitruvio, sobre las proporciones del hombre está basado en las indicaciones dadas en esta obra. El dibujo se conserva ahora en la Galleria dell'Accademia, en Venecia. El gran redescubridor de Vitruvio fue Petrarca, y tras la difusión por el florentino de la obra de este autor clásico, se puede afirmar que Vitruvio sentó las bases de la arquitectura Renacentista.3
Las imágenes que ilustran la obra de Vitruvio, en sus ediciones hasta el siglo XVIII, no solo aclaran y embellecen el tratado grecorromano, sino que son expresión de distintas intenciones y usos que ese libro ha tenido en la modernidad europea.
De Architectura libri decem (De Architectura) de Vitruvio[editar]

Plano de una casa griega según Vitruvio
Vitruvio es el autor de De Architectura, conocido hoy como Los Diez Libros de Arquitectura,4 un tratado escrito en latín y griego antiguo acerca de arquitectura, dedicado al emperador Augusto. En el prefacio del libro I, Vitruvio dedica sus escritos para dar conocimiento personal de la calidad de los edificios al emperador. Probablemente Vitruvio se refiere a la campaña de reparaciones y mejoras públicas de Marco Agripa. Este trabajo es un gran libro y único superviviente de la arquitectura de la antigüedad clásica. Según Petri Liukkonen, este texto "influyó profundamente a los artistas desde el primer Renacimiento en adelante, como a pensadores y arquitectos, entre ellos Leon Battista Alberti (1404-1472), Leonardo da Vinci (1452-1519) y Miguel Ángel (1475-1564)."5 El siguiente libro importante en la arquitectura fue la reformulación de los diez libros de Alberti, que no fue escrito hasta 1452.
Vitruvio es famoso por afirmar en su libro De Architectura que ciertos edificios públicos deben exhibir las tres cualidades de firmitas, utilitas, venustas –es decir, deben ser sólidos, útiles, hermosos–. Estas cualidades a veces se llaman las virtudes de Vitruvio o la Tríada de Vitruvio. Desde el siglo XVII, esta Tríada se usa para describir la arquitectura en general, aunque la descripción vitruviana de la disciplina es muy diferente.
Según Vitruvio, la arquitectura es una imitación de la naturaleza. Como las aves y las abejas construyen sus nidos, los seres humanos construyen vivienda a partir de materiales naturales, que les da refugio contra los elementos. Para el perfeccionamiento de este arte de la construcción, los griegos inventaron los órdenes arquitectónicos: dórico, jónico y corintio. Se les dio un sentido de la proporción, que culminó en la comprensión de las proporciones de la mayor obra de arte: el cuerpo humano. Esto llevó Vitruvio a la definición de un canon del cuerpo humano, el Hombre de Vitruvio, adoptado más tarde por Leonardo da Vinci: el cuerpo humano inscrito en el círculo y el cuadrado (los patrones geométricos fundamentales del orden cósmico).
A Vitruvio se le considera a veces libremente como el primer arquitecto, pero es más exacto describirlo como el primer arquitecto romano que escribió registros de su campo que sobrevivieron. Él mismo cita a obras mayores, pero menos completas. Era al menos un pensador original o tenía el intelecto creativo de un codificador de la práctica arquitectónica existente. También hay que señalar que Vitruvio tenía un alcance mucho más amplio que los arquitectos modernos. Los arquitectos romanos practicaban una amplia variedad de disciplinas; en términos modernos, podrían describirse como la combinación de ingenieros, arquitectos, arquitectos paisajistas, artistas y artesanos. Etimológicamente la palabra arquitecto deriva de las palabras griegas que significan "maestro" y "constructor". El primero de los diez libros se ocupa de muchos temas que ahora entran en el ámbito de la arquitectura del paisaje.
Tecnología romana[editar]

Rueda de drenaje de las minas de Río Tinto
Los Libros VIII, IX y X son la base de gran parte de lo que sabemos acerca de la tecnología romana, ahora aumentados por los estudios arqueológicos de los restos existentes, tales como los molinos de agua en Barbegal, Francia. La otra fuente importante de información es la Historia Naturalis compilada por Plinio el Viejo mucho más tarde en el año 75 de nuestra era.
Máquinas[editar]
El trabajo es importante por describir las diferentes máquinas utilizadas para estructuras de ingeniería, tales como montacargas, grúas y poleas, también máquinas de guerra, como catapultas, ballestas y máquinas de asedio. Como ingeniero practicante, Vitruvio debe estar hablando de la experiencia personal en lugar de la simple descripción de las obras de los demás. Asimismo se describe la construcción de relojes de sol y de agua, y el uso de un aeolipile (la primera máquina de vapor ) como un experimento para demostrar la naturaleza de los movimientos de aire atmosféricas (viento).
Acueductos[editar]
Su descripción de la construcción de un acueducto incluye la forma en que se registran y la cuidadosa elección de los materiales necesarios, aunque Frontino (un general que fue nombrado a fines del Siglo I para administrar los numerosos acueductos de Roma) los describiría un siglo más tarde, con mucho más detalle acerca de los problemas prácticos involucrados en la construcción y el mantenimiento. Seguramente el libro de Vitruvio habría sido de gran ayuda en esto. Vitruvio escribió esto en el siglo I cuando muchos de los mejores acueductos romanos fueron construidos, y que sobreviven hasta nuestros días, como los de Segovia o Pont du Gard. El uso del sifón invertido se describe en detalle, junto con los problemas de altas presiones desarrolladas en la base del tubo del sifón, un problema práctico con el que parece estar familiarizado.
Materiales[editar]
Vitruvio describe muchos diferentes materiales de construcción usados para una amplia variedad de diferentes estructuras, así como detalles tales como pintura estuco. El concreto y la cal reciben profundas descripciones, la longevidad de muchas estructuras romanas que son mudo testimonio de la habilidad de los romanos en los materiales de construcción y diseño.
Vitruvio es muy conocido y citado a menudo como una de las fuentes más antiguas que sobreviven por haber advertido que el plomo no se debe utilizar para conducir el agua potable, recomendando en cambio pipas de arcilla o canales de mampostería. Se llega a esta conclusión en el Libro VIII De Architectura después de la observación empírica de las aparentes enfermedades de los obreros en las fundiciones de plomo de su tiempo.6
Vitruvio fue el que nos relató la famosa historia de Arquímedes y su detección de oro adulterado en una corona real. Cuando Arquímedes se dio cuenta de que el volumen de la corona podría medirse exactamente por el desplazamiento creado en un baño de agua, corrió a la calle con el grito de ¡Eureka!, y el descubrimiento le permitió comparar la densidad de la corona de oro puro. Demostró que el oro de la corona había sido aleado con plata, y el rey había sido defraudado.
Máquinas de desagüe[editar]

Diseño para un tornillo de agua de Arquímedes
Describe la construcción del tornillo de Arquímedes en el Capítulo X (sin mencionar a Arquímedes por su nombre). Era un dispositivo ampliamente utilizado para la elevación de agua para el riego de los campos y desaguar las minas. Otras máquinas de elevación hídrica que menciona son la interminable cadena de cubos y la rueda reversa de drenaje. Estos restos de ruedas de agua empleadas para la elevación de agua fueron descubiertos cuando las antiguas minas fueron reabiertas en río Tinto en España, Rosia Montana en Rumania y Dolaucothi en el oeste de Gales. La rueda de río Tinto se muestra ahora en el Museo Británico, y el espécimen Dolaucothi en el Museo Nacional de Gales.
Instrumentos de topografía[editar]
Vitruvio debe haber sido ducho en el arte del levantamiento topográfico, y esto se demuestra por sus descripciones de instrumentos topográficos, especialmente el nivel de agua o chorobates, que compara favorablemente con el groma, un dispositivo mediante plomadas. Eran esenciales en todas las operaciones de construcción, pero sobre todo en la construcción de acueductos, donde un degradado uniforme era importante para la provisión de un suministro regular de agua sin dañar las paredes del canal. También desarrolló uno de los primeros odómetros, que consta de una rueda de circunferencia conocida que dejaba caer una piedra en un recipiente en cada rotación.
Calefacción central[editar]

Ruinas del hipocausto bajo el piso de una villa romana. La parte debajo de la exedra está cubierto.
Describe muchas innovaciones introducidas en el diseño de edificios para mejorar las condiciones de vida de los habitantes. La más importante de ellas es el desarrollo del hipocausto, un tipo de calefacción central, donde el aire calentado por un fuego era canalizado bajo el suelo y en el interior de las paredes de los baños públicos y villas. Da instrucciones explícitas de cómo diseñar estos edificios para maximizar la eficiencia del combustible, como por ejemplo, el caldarium debe estar al lado del tepidarium seguido del frigidarium. También aconseja sobre el uso de un tipo de regulador para controlar el calor en las habitaciones calientes, un disco de bronce fijado en el techo por debajo de una abertura circular que podría ser elevada o bajada por una polea para ajustar la ventilación. A pesar de que no lo sugiere, es probable que sus dispositivos de desagüe, como la rueda hidráulica de paso inverso, se utilizaran en los baños más grandes para elevar el agua a los tanques de cabecera en la parte superior de las grandes termas, como las Termas de Diocleciano y las de Caracalla.
Redescubrimiento[editar]

Batalla de Thapsus representada en un grabado posterior de Andrea Palladio.

El interior del Panteón (de una pintura del siglo XVIII por Panini. Aunque fue construido después de la muerte de Vitruvio, su excelente estado de conservación hace que sea de gran importancia para los interesados en la arquitectura de Vitruvio).
La falsa leyenda, tantas veces repetida, de que el libro De architectura fue redescubierto en 1414 por el humanista florentino Poggio Bracciolini en la biblioteca de Montecassino no se puede sostener en la actualidad. Durante el año 1414, Bracciolini permaneció en la ciudad de Constanza, y probablemente no fue hasta 1416 cuando encontró el códice Harleianus de Vitruvio, entonces guardado en la biblioteca del monasterio de San Gall, pero esto no fue un redescubrimiento de la obra, pues durante la Edad Media se escribieron muchos manuscritos del tratado de Vitruvio que en 1416 eran conocidos. De hecho, ya en el siglo XIV los tempranos humanistas italianos Petrarca y Boccaccio se habían ocupado del tratado de Vitruvio. No obstante, la crítica y difusión de Vitruvio mejoró en el Renacimiento debido al renovado interés por los escritos de la Antigüedad grecoromana, y al análisis y conocimiento de los restos arquitectónicos de la Antigüedad7 .
En Leon Battista Alberti (1404-1472) recae el honor de haber dado a conocer ampliamente esta obra en su tratado fundamental sobre la arquitectura De re aedificatoria (c. 1450). La primera edición conocida de Vitruvio fue presentada en Roma por Fra Giovanni Sulpicio en 1486.8 9 Traducciones siguieron en italiano (Como, 1521), francés (Jean Martin, 1547,,10 inglés, alemán (Walter H. Ryff, 1543), español y otros idiomas. Las ilustraciones originales se habían perdido y la primera edición ilustrada fue publicada en Venecia en 1511, con grabados en madera sobre la base de las descripciones en el texto, probablemente por Fra Giovanni Giocondo.11 Más tarde, en el siglo XVI Andrea Palladio realizó ilustraciones para los comentarios de Daniele Barbaro sobre Vitruvio (que apareció en las versiones en italiano y latín). Sin embargo, la ilustración más famosa sigue siendo una del siglo XV, el Hombre de Vitruvio de da Vinci.
Las ruinas que sobreviven de la antigüedad romana, el Foro Romano, templos, teatros, arcos de triunfo, relieves y estatuas dieron numerosos ejemplos visuales de las descripciones dadas en el texto de Vitruvio. Este libro se convirtió rápidamente por ello en una importante fuente de inspiración para el Renacimiento, el Barroco y la arquitectura neoclásica. Filippo Brunelleschi, por ejemplo, inventó un nuevo tipo de elevador para levantar las grandes piedras de la cúpula de la catedral de Florencia y se inspiró en De Architectura, así como viendo los numerosos monumentos sobrevivientes romanos, como el Panteón y las Termas de Diocleciano en Roma.
Legado[editar]
Un pequeño cráter lunar lleva el nombre de Vitruvio y también una montaña lunar alargada, el Mons Vitruvio. Este cráter se encuentra cerca del valle que sirvió como el lugar de aterrizaje de la misión Apolo 17.
El Indicador de Calidad de Diseño (ICD) es un conjunto de herramientas para medir, evaluar y mejorar la calidad del diseño de los edificios. Utiliza principios de Vitruvio.
El asistente (voz de Morgan Freeman), quien es el líder de los Maestros Constructores en La película de Lego se llama Vitruvio.

Ha recibido 43 puntos

Vótalo:

Giorgio Vasari (1511/1574)

4. Giorgio Vasari (1511/1574)

Giorgio Vasari (Arezzo, 30 de julio de 1511 – Florencia, 27 de junio de 1574) fue un arquitecto, pintor y escritor italiano. Considerado uno de los primeros historiadores del arte, es célebre por sus biografías de artistas italianos, colección de datos, anécdotas, leyendas y curiosidades... Ver mas
Giorgio Vasari (Arezzo, 30 de julio de 1511 – Florencia, 27 de junio de 1574) fue un arquitecto, pintor y escritor italiano.
Considerado uno de los primeros historiadores del arte, es célebre por sus biografías de artistas italianos, colección de datos, anécdotas, leyendas y curiosidades recogidas en su libro Vida de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos (Vite de' più eccellenti architetti, pittori, et scultori italiani, da Cimabue insino a' tempi nostri 1550; segunda edición ampliada en 1568). Se le atribuye el haber acuñado el término Renacimiento.
Nació en Arezzo el 30 de julio de 1511, hijo de Antonio Vassari y Maddelena Tacci.
Índice [ocultar]
1 Formación
2 Fama
3 Obra arquitectónica
4 Obra pictórica
5 Las vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos
6 Referencias
7 Enlaces externos
Formación[editar]
A edad muy temprana se convirtió en alumno de Guglielmo da Marsiglia —destacado pintor de vidrieras—, a quien fue recomendado por su pariente el pintor Luca Signorelli. A los dieciséis años el cardenal Silvio Passerini lo envió a estudiar a Florencia, donde frecuentó el estudio del escultor Baccio Bandinelli y trató con el círculo de Andrea del Sarto y sus alumnos Rosso Fiorentino y Jacopo Pontormo. En Florencia conoció a Miguel Ángel, que preparaba su marcha a Roma y cuyo estilo de pintura le influyó poderosamente.
En 1529 visitó Roma y estudió las obras de Rafael y de otros artistas romanos de la generación anterior. Fue empleado regularmente por patronos de la familia Médicis en Florencia y Roma, trabajando también en Nápoles, Arezzo, Pisa, Bolonia y Módena.
Fama[editar]
Vasari disfrutó de una alta reputación durante su vida y logró una considerable fortuna. También disfrutó de la consideración de sus paisanos de Arezzo, ciudad dependiente de Florencia, donde terminó de construir en 1547 una bella casa a cuya decoración dedicó mucho esfuerzo y que actualmente es su museo. Fue nombrado representante del consejo municipal de su ciudad natal y finalmente ostentó el cargo supremo de confaloniero. Fue también coleccionista de dibujos, que en algunos casos le sirvieron para formular los juicios artísticos que incluyó en sus Vidas.
El manierismo de Vasari fue más admirado durante su vida que después. Se debe entender que Vasari era en cierto modo un romántico, lúcido y entusiasta ante el papel novedoso que estaba desempeñando en el arte el movimiento realista en el que participaba y al que puso nombre, en cierto modo de ruptura con el pasado.
Obra arquitectónica[editar]

Villa Julia, cuya construcción fue supervisada por Vasari.
Como arquitecto, su obra principal fue el Palacio de los Uffizi, en Florencia, edificio de un clasicismo simétrico y muy elegante.1 También levantó en 1559 el Corredor vasariano, un largo pasaje que conecta los Uffizi con el Palacio Pitti a través del Puente Vecchio. También hizo obras en las iglesias medievales de Santa Maria Novella y Santa Croce, en las que no respetó el coro y el trascoro, y que remodeló al gusto manierista de la época. En Roma colaboró en la construcción de la Villa del Papa Julio III, Villa Giulia, iniciada en 1552, con Giacomo Barozzi da Vignola y Bartolomeo Ammanati. Varios edificios de Pistoia fueron diseñados por él.2
Obra pictórica[editar]
Cristo conducido al sepulcro 1532, Retrato del Duque Alejandro de Medicis1534 y Alegoría de la inmaculada concepción 1540.
Se le deben también los frescos del gran salón del palacio de la Cancillería en Roma y especialmente algunos de los frescos decorativos del Palazzo Vecchio en Florencia3 (Cronos castrando a su padre Urano). Comenzó los frescos de la cúpula de la catedral de Florencia, que no logró completar. Cabe destacar la pieza La adoración de los pastores, que conserva una estrecha relación con el fresco del convento de Santa Margarita en Arezzo. El soporte de piedra que el artista eligió cuenta con una delgada preparación. El óleo matizado logra expresar una profundidad de planos, típico recurso del Barroco Neoclásico. Yo recuerdo que realicé una pequeña pintura de la natividad de Cristo, la cual regalé a mi Señora Costanza de Medici .
En 1563 fundó la Accademia delle Arti del Disegno en Florencia, bajo la protección del duque Cosme I de Médicis y con Miguel Ángel como cabeza de la institución, y treinta y seis artistas elegidos como miembros.
La obra pictórica de Vasari se muestra en todo su esplendor en el interior del Palacio Vecchio, en la conocida Sala de los Quinientos. En 1563 la sala es encomendada a Vasari a fin de llevar a cabo una remodelación decorativa acorde con la grandeza del palacio. Como resultado tenemos un impresionante salón de 52x23 metros, cuyas paredes están decoradas con obras del pintor: la conquista de Siena, la toma de Porto Ercole, la victoria de Cosme I de Marciano della Chiana, la derrota de Pisa en San Vincenzo, el ataque de Mazimiliano de Austria en Livorno y Pisa atacada por las tropas de Florencia. La decoración del techo representa, en 39 paneles, los episodios más importantes de la vida de Cosme I, los barrios de la ciudad y, en el centro, la escena de su nombramiento como Gran Duque de Toscana. A ambos lados, junto a las paredes, encontramos seis estatuas, incluyendo el Genio de la Victoria de Miguel Ángel.
Hay una polémica por la existencia de una obra de Leonardo Da Vinci conocida como La batalla de Anghiari, que en su tiempo se encontraría pintada al fresco en estos muros pero que actualmente está perdida. Se baraja la posibilidad de que al redecorar la sala, Vasari la ocultase bajo sus pinturas. Uno de los elementos que refuerzan esta teoría es la existencia de una expresión italiana situada en la bandera de uno de los frescos de Vasari, que dice Cerca Trova (literalmente: busca y hallarás).
Las vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos[editar]
Artículo principal: Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori

Portada de la segunda edición de Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori.
Como primer historiador del arte italiano, inició el género con una enciclopedia de biografías artísticas que continúa hoy. Vasari acuñó el término Renacimiento («rinascita»), consciente del continuo renacer en las artes desde los tiempos de Alberti. Publicada su primera edición en 1550, y dedicada al duque Cosme I, fue parcialmente ampliada y reescrita en 1568, y dotada de retratos en grabado de artistas —algunos inventados—, titulada Le Vite de' più eccellenti architetti, pittori et scultori italiani. El libro comienza con un prólogo técnico sobre arquitectura, escultura y pintura, agrupadas bajo la denominación de «artes del diseño», e incluía un tratado informativo y valioso sobre las técnicas empleadas en las artes. Continúa con una introducción sobre el origen de las artes desde los pueblos antiguos hasta la Edad Media (como decadencia del arte) y presenta el Renacimiento como la etapa de la renovación.
Utilizó como documentación tanto los escritos sobre arte anteriores al suyo, como las notas, los recuerdos sobre artistas antiguos y todo el material que había recogido en sus viajes a través de Italia.
Sus biografías están salpicadas de historias entretenidas. Muchas de sus anécdotas tienen el espíritu y la apariencia de la verdad, aunque otras parecen demasiado buenas como para ser ciertas. Algunas son puras ficciones, como el cuento del joven Giotto que pintaba una mosca en la superficie de una pintura de Cimabue, la cual el viejo maestro intentaba espantar repetidas veces; famoso cuento que tiene su eco en una anécdota que se contaba del pintor griego Apeles. Con pocas excepciones, el juicio estético de Vasari es perspicaz e imparcial. La concepción renacentista de la historia como relato de los hombres y sus obras, dota a sus biografías de un toque humano y teatral, mientras que las obras de arte se analizan como expresión absoluta de un temperamento o de un pensamiento, como resultado del impulso que lleva a todo artista a crear arte.
Vasari no investigaba en archivos para encontrar las fechas exactas, como harían los modernos historiadores del arte, y naturalmente sus biografías son más seguras para los artistas de su propia generación y de la precedente. La crítica moderna —con todos los nuevos materiales descubiertos por la investigación— ha corregido buena parte de sus fechas y atribuciones tradicionales. Pero el resultado es una tendencia a subestimar la exactitud de Vasari.
La obra sigue siendo un clásico. Vasari escribió una pequeña autobiografía al final de las Vidas, y añadió noticias de sí mismo y de su familia en las vidas de Lazaro Vasari y Francesco Salviati.

Ha recibido 34 puntos

Vótalo:

Giotto di Bondone (1267/1337)

5. Giotto di Bondone (1267/1337)

Giotto di Bondone nace en Colle de Vespignano (Vicchio) en 1267 aunque para algunos críticos como Carlo Ludovico Ragghianti esta fecha se podría adelantar hasta una década, muere en Florencia el 8 de enero de 1337. Reconocido artista de la época desarrolló varios ámbitos artísticos, destacando... Ver mas
Giotto di Bondone nace en Colle de Vespignano (Vicchio) en 1267 aunque para algunos críticos como Carlo Ludovico Ragghianti esta fecha se podría adelantar hasta una década, muere en Florencia el 8 de enero de 1337. Reconocido artista de la época desarrolló varios ámbitos artísticos, destacando la poesía, escultura, arquitectura y sobre todo la pintura, considerándose este autor del Trecento uno de los iniciadores de movimiento renacentista en Italia, su obra tuvo una influencia determinante en los movimientos pictóricos posteriores.
Índice [ocultar]
1 Biografía
1.1 Primeros pasos
1.2 Reconocimiento de su obra
1.3 Éxito en Italia
1.4 Muerte
1.5 Carácter y costumbres
2 Obra
2.1 Pintura
2.1.1 Características
2.1.2 Influencias
2.1.3 Obras
2.1.3.1 Capilla de los Scrovegni
2.1.3.2 La Vida de San Francisco
2.1.3.3 La Santa Croce de Florencia
2.1.3.4 Otras obras
2.2 Escultura
2.3 Arquitectura
2.4 Influencia
2.5 Giotto y el cometa Halley
3 Notas
4 Referencias
5 Enlaces externos
Biografía[editar]
Primeros pasos[editar]
Giotto nació, según las fuentes más fiables, en Colle de Vespignano, en las cercanías de Vicchio del Mugello, una localidad cercana a Florencia. Según su principal biógrafo, Giorgio Vasari, era hijo de un campesino llamado Bondone, y pasó su infancia como pastor de ovejas. Si bien la mayoría de los autores cree que se llamaba en realidad Giotto di Bondone, otros opinan que su verdadero nombre de pila era Ambrogio o Angelo, y que el nombre por el que es conocido, Giotto, no sería más que un diminutivo, derivado de Ambrogiotto o Angelotto.
Según sus biógrafos, fue discípulo del pintor florentino Cimabue, el artista más conocido de su época. Vasari relata el modo en que el pequeño de once años demostró por primera vez su talento artístico: cuenta que, estando el niño al cuidado de unas ovejas, mataba el tiempo dibujando a una de ellas sobre una piedra plana con una tiza. Acertó a pasar por allí Cimabue, quien, impresionado por el talento natural de Giotto —que había dibujado una oveja tridimensional, tan natural y perfecta que parecía viva—, lo acompañó hasta su cabaña y consiguió convencer al padre de que le dejara hacer del muchacho su aprendiz.1
Otra versión de la biografía de Giotto2 manifiesta que su padre lo mandó a Florencia para que trabajase como aprendiz con un mercader de lanas. El joven, muy interesado en el arte, tomó la costumbre de visitar el estudio de Cimabue para ver a los artistas trabajar hasta que tras la insistencia su padre le permitió entrar al taller. Vasari refiere que Giotto era un aprendiz divertido y bromista, a tal punto que en una ocasión pintó una mosca en la nariz de un retrato. Su técnica era tal que Cimabue intentó espantarla con la mano antes de darse cuenta de que estaba pintada. Esta anécdota de juventud presagia ya la técnica característica de Giotto, que lo capacitaba para pintar figuras casi reales.
Reconocimiento de su obra[editar]

Escenas de la vida de San Francisco, en Asís: La expulsión de los diablos de Arezzo.
Cuando Giotto contaba con treinta años, su fama había trascendido las fronteras de Florencia y se extendía ya por toda Italia, hasta tal punto que el papa Bonifacio VIII le envió un mensajero para pedirle una muestra de su arte, con la intención de ver por sí mismo si el renombrado pintor era digno de recibir propuestas para trabajar en Roma. Según Vasari, Giotto tomó un lienzo blanco en presencia del recadero, hundió su pincel en pintura roja y, con un solo trazo continuo, dibujó a mano alzada un círculo geométricamente perfecto, diciendo al hombre: «La valía de este trabajo será reconocida». Escribe Vasari: «El papa vio el lienzo, percibió instantáneamente que Giotto era superior a todos los demás pintores de su tiempo».
Provisto de su talento natural y de las enseñanzas de Cimabue, Giotto comenzó pronto a ocuparse de encargos de terceros, principalmente trabajos religiosos. Así, se le atribuyen como primeras obras la continuación en la Basílica de San Francisco de Asísde la parte alta de las paredes del templo a partir de las Historias de Isaac, realizado posiblemente en el último lustro del siglo XIII, desarrolla temas bíblicos. Más adelante, entre 1297 y 1299, una nueva serie de frescos fue muy probablemente ejecutada por Giotto en su totalidad en la parte inferior de los muros de la basílica, acerca de la vida de San Francisco de Asís. Vistos los excelentes resultados, se le solicitó que pintara —entre 1305 y 1306— los extraordinarios frescos de la Capilla de la Arena en Padua, siendo todas estas grandes obras pintadas al fresco.
Éxito en Italia[editar]
Los viajes de Giotto se suceden por toda Italia, en la mayoría de los casos era llamado por órdenes, nobles o incluso por el Papa. En 1343 es llamado por Benedicto IX para realizar varios trabajos dentro de la primitiva basílica de San Pedro, destaca el altar realizado para la capilla mayor(Políptico Stefaneschi y un mosaico del que en la actualidad queda poco del original, además tras este importante encargo recorrerá las cortes de Italia: Arezzo, Pisa, Padua, Verona, Ferrara, Urbino, Ravena, Milán, Bolonia, Gaeta, Rímini, Nápoles e incluso en Aviñón acompañando al papa Clemente V, donde pintará numerosas obras y hará que estas se proyecten al resto de Europa.
Muerte[editar]
Fallece el 8 de enero de 1337. Según la biografía de Vasari, fue sepultado en el lado izquierdo de la antigua catedral de Santa Reparata de Florencia en una tumba de gran sencillez con una sola losa de mármol. Será Lorenzo de Medicis quien encargue un busto a Benedetto da Maiano para conmemorar su nombre. Debido a la construcción de la nueva catedral en 1292 y a la elevación del terreno la tumba de Giotto se perderá, pero en 1981 se hallarán unos restos que se atribuirán al famoso autor.
Carácter y costumbres[editar]
Giotto era un hombre campechano y de vida hogareña, gran conversador y de ánimo bromista. Casado, dejó seis hijos que lo sobrevivieron. Fue un hombre de gran austeridad. Esta costumbre, junto con los beneficios que obtendrá por su obra, le permitió ahorrar su dinero —al revés que la mayor parte de los artistas de la época— y morir como un hombre acaudalado.
Se relacionaba con soltura tanto con los ricos y nobles como con los hombres del pueblo. Se sabe que tuvo mucha confianza con el papa Bonifacio, y el rey Roberto I de Nápoles escribió de él que era su «gran amigo». Existe una tradición según la cual Dante Alighieri fue también su amigo, y lo habría visitado durante la realización de los frescos de la capilla de los Scrovegni, pero no ha podido ser confirmada por fuentes fiables. En todo caso, en la Divina Comedia, Dante afirma que Giotto fue superior a su maestro Cimabue. Boccaccio lo retrata en el Decamerón3 y en el año 1400 Cennino Cennini escribió que «Giotto tradujo el arte de la pintura del griego al latín».
Obra[editar]
Pintura[editar]
Características[editar]

La desesperación, Capilla de la Arena.
El arte de Giotto fue extremadamente innovador y es considerado el dentonante de la Renacimiento. Sus obras fueron el punto de inflexión entre el arte bizantino de la Baja Edad Media y el realista y humanista que floreció en el Renacimiento.
Las figuras planas y simbólicas del arte bizantino dieron lugar a las modeladas e individuales formas en perspectiva. Giotto adoptó el lenguaje visual de la escultura al darles volumen y peso. La comparación entre la Madonna de Giotto y la de su maestro Cimabue nos muestra por qué sus contemporáneos consideraban sus pinturas como «milagros del naturalismo».
Al igual que los demás artistas de su tiempo, Giotto carecía de los conocimientos técnicos de anatomía y teoría de la perspectiva que los pintores posteriores se acostumbraron a aprender. Independientemente de ello, los que sí poseía eran infinitamente superiores a los de los que lo precedieron e imitaron.
Con sus composiciones de profunda emotividad, Giotto es el gran iniciador del espacio tridimensional en la pintura europea, tratando con un nuevo espíritu los temas religiosos que dominaron el arte medieval. Su estilo se caracteriza por una frescura y una vida inesperadas, por lo que los críticos hablan de la emoción humana y una carga de todo lo que es importante para el ser humano como las más claras peculiaridades de sus trabajos.
Al concentrarse en estos conceptos esenciales, Giotto fue capaz de crear impresionantes imágenes de gente bajo presión, personas en crisis y hombres en los que se percibe claramente que están tomando gravísimas decisiones espirituales. Los pintores modernos, que a menudo han utilizado las obras del florentino como fuente de inspiración, dicen haber encontrado en él una forma de aproximación directa a la más íntima e intrincada experiencia del espíritu humano. Esta característica es atemporal y ha sido reconocida por todos los estilos posteriores. Además otra características es la gran abundancia de obras que le atribuyen sus biógrafos, pero las pinturas que tienen su autoría clara son muy escasa, dudándose de la mayoría de ellas pese a que existan muchas firmadas.
Influencias[editar]
Los biógrafos contemporáneos al autor señalan a Giotto como discípulo y aprendiz de Cimabue pero lo ciero es que algunos autores como Panofsky y Woermanapuntan a Pietro Cavallini como maestro de Giotto o al menos creen que ambos aspiran a romper con el arte medieval y bizantino.
Obras[editar]
Apenas ninguna de las obras supervivientes puede ser documentada como suya más allá de una duda razonable, considerándose el pintor uno de los artistas con mayor problema para la atribución de obras.
Capilla de los Scrovegni[editar]
Artículo principal: Capilla de los Scrovegni

"Joaquín expulsado del Templo", primera escena del ciclo narrativo de la Capilla de los Scrovegni.
Sin embargo, hay unanimidad en atribuir a Giotto el notable ciclo de frescos de la Capilla de los Scrovegni, en Padua, ya que existen varios testimonios del mismo siglo XIV que así lo confirman. Los frescos de esta capilla son considerados por los críticos el momento culminante de la obra de Giotto.
El edificio, también conocido por el nombre de Capilla de la Arena, por estar construido sobre las ruinas de una "arena" o anfiteatro, fue construido por Enrico Scrovegni como penitencia para expiar los pecados de su padre, un conocido usurero —que también fue retratado por Dante en la Comedia en términos no muy halagüeños—. La construcción de la capilla comenzó en 1303. La opinión más extendida es que Giotto empezó a pintar los frescos dos años más tarde y los concluyó en 1306. Los frescos cubren por entero la única nave de la capilla: la pared occidental, a los pies del templo, está cubierta con un "Juicio Final", el arco de la cancela muestra una "Anunciación" y las áreas principales de las paredes tienen tres filas de pinturas que representan escenas de la vida de la Virgen y sus padres —Santa Ana y San Joaquín— y escenas de la vida de Cristo. Bajo estas escenas pueden verse alegorías, es decir, figuras humanas que personifican las Virtudes y los Vicios, pintadas en monocromía, simulando ser esculturas.
Las figuras de la secuencia narrativa principal están hechas a media escala, pero el concepto de Giotto es tan grandioso y potente que, en la reproducción de un libro, por ejemplo, parecen de tamaño natural. Presentan un sentido tridimensional y una presencia física completamente desconocidas en la época en que fueron realizadas, evidenciando la capacidad del artista para retratar un sentimiento de "peso moral" más que el esplendor religioso o divino.
Es muy posible que Giotto basara su trabajo en experiencias personales, y ningún otro artista ha conseguido mostrarse tan convincente en la tarea de dirigirse directamente al núcleo de la historia que relata y expresarla con gestos y expresiones tan perfectamente claras y reconocibles. La Capilla de los Scrovegni posee una réplica oficial que ha sido expuesta en muchos países; y, por ejemplo, llegó al Perú, en el 2004, y se expuso en el Museo de Arte Italiano
La Vida de San Francisco[editar]

«El homenaje de un hombre sencillo», primera escena de los frescos de la Vida de San Francisco, en Asís.

«La donación de la capa», segunda escena, 1297-1299, fresco, 270 x 230 cm, iglesia superior, basílica de San Francisco, Asís.
El segundo ciclo de frescos de importancia asociado o atribuido a Giotto es la "Vida de San Francisco" en la iglesia superior de San Francisco de Asís. Si el autor fue en verdad Giotto no es solamente uno de los mayores problemas que enfrentan los expertos, sino también una de las mayores controversias de la historia del arte. Los frescos de San Francisco son, evidentemente, obra de un pintor de enorme talento. Sus retratos íntimos y humanos han definido, en realidad, la imagen popular que se tiene del santo. Pero existen, sin embargo, grandes diferencias técnicas y estilísticas entre estas obras y las de la Capilla de los Scrovegni. Ellas han hecho que muchos críticos se nieguen, aún hoy en día, a aceptarlas como obras del mismo artista. Los intentos de atribuir a Giotto otros frescos de la ciudad de Asís han producido disputas similares entre los estudiosos de su obra.
Véase también: Escuela romana de pintura
En la actualidad, sin embargo, son mayoría los estudiosos que consideran segura la autoría de Giotto, si bien admiten que habría contado con amplia colaboración de los miembros de su taller. No hay acuerdo en cuanto a la cronología de la obra, pues, aunque es mayoritaria la datación en los primeros años del siglo XIV, hay autores que retrotraen la fecha hasta 1291-1292. Hay acuerdo en cuanto a que se trata de una obra anterior a la de la Capilla de los Scrovegni.
Los frescos cubren la parte inferior de tres de las paredes del templo, las dos laterales y la interior de la fachada, a ambos lados de la puerta. Se trata de 28 episodios de la vida del recientemente canonizado Francisco de Asís, siguiendo el relato de la Legenda maior de San Buenaventura.
La Santa Croce de Florencia[editar]
Las pinturas de la basílica de la Santa Croce (Santa Cruz) de Florencia, por el contrario, gozan de mayor consenso entre los expertos, que coinciden en general en atribuirlas al pincel de Giotto. Posiblemente las cuatro capillas sean suyas, y los frescos de las capillas Peruzzi y Bardi han sido fechadas en o alrededor de 1320, cuando el pintor estaba en la ciudad. Algunos de los frescos no se encuentran bien conservados, ya que se intentó lavarlos en el siglo XVIII, pero algunos de la capilla de los Bardi siguen siendo tan impresionantes como en la fecha en que se hicieron.
En la capilla Peruzzi están representadas escenas de la vida de San Juan Bautista y de San Juan Evangelista. En la capilla Bardi, en cambio, los frescos representan escenas de la vida de San Francisco de Asís.
Otras obras[editar]

Crucifijo de la iglesia de Santa Maria Novella, en Florencia.
Palacio de la podestá: Retrato de Dante Alighieri e importantes personajes de la época.
Badia Fiorentina: Altar mayor o Polittico di Badia (Uffizi), hacia el 1300.
Altares de las capillas de los Peruzzi(Políptico Peruzzi) y Baroncelli(Políptico Baroncelli)en la iglesia de Santa Croce, hacia 1313.
Crucifijo policromado de Santa Maria Novela, hacia 1312.
Dormición de la virgen, Crucifijo y la Maestá de Ognissanti en Florencia.
Frescos de las paredes del camposanto de Pisa.
En octubre de 2010 se confirmó la atribución a Giotto del crucifijo, de 5 m de longitud, existente en la Iglesia de Todos los Santos de Florencia, realizado entre 1310-20.4
Se le atribuye, además, el fresco de Bonifacio VIII bendiciendo durante el Jubileo de 1300, que se conserva actualmente en la Archibasílica de San Juan de Letrán. Debido a su deterioro, no se ha confirmado si pertenece efectivamente al pintor o a algún ayudante de éste.
Escultura[editar]
Se le atribuyen varios diseños, entre ellos la tumba del obispo de Lucca Guido Tarlati, tallada en 1330 por Agostino di Giovanni y Agnolo Ventura. Además es probable que realizase algunos medallones para el nuevo campanario de la catedral.
Arquitectura[editar]
En el año 1334, la ciudad de Florencia decidió honrar al gran pintor. Se le otorgó el título de magister et gubernator (‘maestro y gobernador’) de la Obra de Santa Reparata, que se encargaba de las obras de la catedral, así como arquitecto en jefe de la ciudad y superintendente de obras públicas. En esta última etapa de su vida, Giotto diseñó el famoso campanile (‘campanario’) de la catedral de Florencia, cuya construcción se inició en ese mismo año de 1334, pero que no pudo ver concluido. Según Ghiberti, los bajorrelieves del cuerpo inferior del campanario fueron también obra suya. Curiosamente, aunque finalmente el campanile no se construyó de acuerdo con sus proyectos, es universalmente conocido como «campanile di Giotto».
Influencia[editar]
La obra de Giotto ha trascendido en el tiempo y en la generación posterior a su muerte se extendió la influencia de su estilo, cristalizando en las obras de todos los pintores que le siguieron. La estrella del florentino no declinó sino hasta el gran auge del gótico, pero, aún pasado éste, siguió influyendo e inspirando la obra de otros formidables artistas como Masaccio y Miguel Ángel. Fue citado como ejemplo de excelencia pictórica por el Marqués de Santillana en una Canción dedicada a la reina Isabel de Portugal, esposa de Juan II de Castilla ("qual Ioto (sic) non vos pintara").
Giotto y el cometa Halley[editar]

"La adoración de los Reyes Magos". Obsérvese el cometa.
Uno de los frescos de la Capilla de la Arena es la "Adoración de los Reyes Magos", que se encuentra entre los más reputados y admirados de la serie. En el cielo, encima del techo del pesebre, puede observarse la Estrella de Belén, la que, en la iconografía católica, representa la guía divina que condujo a los Reyes Magos hasta Belén. La imagen representada por Giotto tiene forma de cometa (con su cabeza y cola), y ha dominado la idea colectiva que todos tenemos acerca de este episodio bíblico.
Giotto vio el cometa Halley en su aparición de 1301 en el cielo italiano, y es muy probable que este objeto astronómico haya sido el modelo para la sobrenatural estrella de su "Adoración". Lo que Giotto no tenía forma de saber es que el cometa Halley, con su período de entre 76,5 y 79,3 años, apareció en 11 o 10 a. C., es decir, entre 4 y 7 años antes del nacimiento de Cristo. No puede asegurarse que el Halley haya inspirado el episodio de la Estrella de Belén, pero sí resulta interesante que casi con certeza, tanto la estrella del relato bíblico como la pintada por el maestro florentino sean el mismo cometa en dos apariciones separadas por trece siglos.
Por esta circunstancia, la Agencia Espacial Europea bautizó como "Misión Giotto" a la sonda que en 1986 se aproximó al cometa para estudiarlo. No es el único homenaje que Giotto recibió de las ciencias del espacio: en Mercurio (planeta poblado de accidentes geográficos con nombres de artistas) se encuentra un cráter que ha sido bautizado en su honor.

Ha recibido 33 puntos

Vótalo:

León Battista Alberti (1404/1472)

6. León Battista Alberti (1404/1472)

Leon Battista Alberti (Génova, Italia, 18 de febrero de 1404 - Roma, 25 de abril de 1472) fue un sacerdote, secretario personal (abreviador apostólico) de tres Papas —Eugenio IV, Nicolás V y Pío II—, humanista, arquitecto, tratadista, matemático y poeta italiano. Además de estas actividades... Ver mas
Leon Battista Alberti (Génova, Italia, 18 de febrero de 1404 - Roma, 25 de abril de 1472) fue un sacerdote, secretario personal (abreviador apostólico) de tres Papas —Eugenio IV, Nicolás V y Pío II—, humanista, arquitecto, tratadista, matemático y poeta italiano. Además de estas actividades principales, también fue criptógrafo, lingüista, filósofo, músico y arqueólogo. Es uno de los humanistas más polifacéticos e importantes del Renacimiento.
Alberti fue el primer teórico artístico del Renacimiento, una figura emblemática, por su dedicación a las más variadas disciplinas. Se mostró constantemente interesado por la búsqueda de reglas, tanto teóricas como prácticas, capaces de orientar el trabajo de los artistas; en sus obras menciona algunos cánones. Por ejemplo, en De statua expone las proporciones del cuerpo humano, en De pictura proporciona la primera definición de la perspectiva científica y por último en De re ædificatoria (obra que termina en 1450) describe toda la casuística relativa a la arquitectura moderna, subrayando la importancia del proyecto, los diversos tipos de edificios siguiendo las funciones que deben desempeñar.
El aspecto más innovador de sus propuestas consiste en mezclar lo antiguo y lo moderno propugnando de ese modo la praxis antigua y la moderna, que había iniciado Filippo Brunelleschi. Además, según Alberti: "...el artista en este contexto social no debe ser un simple artesano, sino un intelectual preparado en todas las disciplinas y en todos los terrenos". Una idea heredera del enciclopedismo medieval de los doctos, pero adaptada a la vanguardia humanista.
La clase social con la que Alberti se relacionará es la alta burguesía culta florentina. Trabajó al servicio de los mecenas más importantes de su época: el papado, los Este en Ferrara, los Gonzaga en Mantua, los Malatesta en Rímini.
Índice [ocultar]
1 Biografía
1.1 La formación humanística
1.2 La actividad como arquitecto
1.3 Alberti en Fiesole
1.4 Arquitectura fuera de Florencia
2 Alberti teórico
2.1 De Pictura (1436)
2.2 De re ædificatoria (1452)
2.3 De statua (1464)
3 Escritos
4 Bibliografía
5 Referencias
6 Enlaces externos
Biografía[editar]

Estatua de Alberti en la Galleria degli Uffizi.
La formación humanística[editar]
Alberti nació en Génova. Era hijo no natural de Lorenzo Alberti, miembro de una pobre familia de comerciantes y florentinos, desterrados de la ciudad toscana en 1401 por motivos políticos. De hecho, Alberti no conocerá la ciudad de la que su familia era originaria hasta 1434.
Sus primeros estudios los dedicó a las Letras, primero en Venecia y luego en Padua, pero los abandonó al trasladarse a la Universidad de Bolonia, donde empezó a estudiar Derecho (y tal vez griego), a la vez que desarrollaba otras disciplinas artísticas, entre las que hay que señalar la música, la pintura, la escultura, las ciencias físicas y matemáticas, y la filosofía.
Alberti se dedicó a la literatura desde muy joven, incluso antes de inicar sus estudios. En Bolonia escribió una comedia autobiográfica en latín, una lengua que dominaba con gran maestría, la Philodoxeos fabula (Amante de la Gloria), con la que consiguió engañar a todos los expertos de su época, que la consideraron original y la atribuyeron a Lépido, el nombre que usó para firmar Alberti. También en latín compuso diálogos, los Intercœnales, que algunos atribuyeron a Luciano de Samosata a causa de su circulación anónima y su carácter satírico, y en 1428, una obra titulada Deifira, en la que explicaba el modo de escapar de un amor que se hubiera iniciado con mal pie, inspirado con toda probabilidad en vivencias personales.
Tras la muerte de su padre en 1421, Alberti tuvo fuertes diferencias con la familia, a lo que se unieron problemas de tipo económico. En esta época Alberti fue ordenado sacerdote, y comenzó una exitosa carrera eclesiástica en la diplomacia vaticana. En 1431 se convirtió en secretario del patriarca de Grado, en 1432 se trasladó a Roma, en donde fue nombrado "abreviador apostólico" (su cargo eclesiástico era el de rubricar los "breves apostólicos", las disposiciones papales enviadas a los obispos). Durante 34 años trabajó como abreviador, viviendo entre Roma, Ferrara, Bolonia, Florencia, Mantua y Rímini.
En 1433 Alberti empieza a redactar cuatro libros en lengua vulgar, en el dialecto italiano de la época hablado en la región toscana, una importante elección, los Libros de la Familia, que están considerados como su obra maestra, y que finaliza en 1441. Se trata también en esta ocasión de un tratado que "reproduce" un diálogo apócrifo desarrollado en Padua, en 1421. En el debate participan varios componentes de la familia Alberti, personajes reales. En el diálogo se enfrentan dos visiones opuestas: por una parte aparece la mentalidad emergente, burguesa y moderna, por otra la tradición, una mentalidad clásica unida al pasado. El análisis del libro es una visión de los principales aspectos de la vida social de la época, el matrimonio, la familia, la educación, la gestión económica de la familia, las relaciones sociales.
A pesar de haber escrito numerosos textos en latín, lengua a la que reconocía un gran valor cultural y unas cualidades expresivas superiores, Alberti fue un ferviente preconizador de la lengua vulgar, a la que consideraba más adecuada a las exigencias de una sociedad naciente en permanente transformación. La experiencia del Certame coronario, una competición de poesía dedicada al tema de la amistad, desarrollada en Florencia en 1441, sirvió como afirmación de la importancia y valor de la lengua vulgar. A la idea de este concurso hay que atribuir las pruebas de diversas líricas desarrolladas por Alberti, recogidas y publicadas sucesivamente con el título de Rimas, casi todas de tema amoroso, pero muy originales e innovadoras tanto en su estilo como en la métrica. Se trata de uno de los primeros ejemplos en la literatura italiana del recurso a una métrica "bárbara".
La actividad como arquitecto[editar]

Palacio Rucellai, Florencia.

Santa María Novella, Florencia.
Trabajó como arquitecto sobre todo para Giovanni di Paolo Rucellai, comerciante y humanista, amigo íntimo suyo y de su familia.
Por encargo de Rucellai en 1456 proyecta la finalización de la fachada de la iglesia de Santa Maria Novella, que había quedado inconclusa en 1365 en el primer nivel de arcadas. Alberti se encontró con el problema de tener que integrar elementos de épocas anteriores: debajo estaban las tumbas flanqueadas por arcos apuntados y las portadas laterales, también apuntadas, en cambio en la parte superior ya estaba establecida la altura del rosetón en el que, en la parte inferior insertó en el centro una portada clásica, y colocó una serie de arquitos, con una franja de mármol para separar y enmascarar las contradicciones entre los dos niveles. El factor de unificación más poderoso entre ambas partes fue completar la composición con incrustaciones de mármol inspiradas en el románico florentino, como en la fachada de la iglesia florentina de San Miniato.
De hecho, la fachada se inscribe perfectamente en un cuadrado cuyo lado coincide con la línea de base de la iglesia. Dividiendo en cuatro, dicho cuadrado, se obtienen cuatro cuadrados menores equivalentes a las partes fundamentales de la fachada: dos de ellos comprenden la zona inferior; mientras uno comprende la parte superior.
En 1447 se le encarga la construcción del Palacio de la familia Rucellai. Su intervención en él se centra en la fachada, sobre una base que imita el opus reticulatum romano, realizada entre 1450 y 1460, y formada por tres planos superpuestos, separados horizontalmente por cornisas; la superposición de filas de columnas con distintos órdenes tiene origen clásico, y se basa en el Coliseo: en el piso inferior dóricas, jónicas en el piso noble y corintias en el segundo piso. El palacio pasará a ser modelo para todas las siguientes construcciones de residencias señoriales.
En Mantua construyó la iglesia San Andrés.[1]
Alberti en Fiesole[editar]
Estudios recientes1 creen que la Villa Médicis de Fiesole (edificada entre 1451 y 1457), es fruto de un proyecto ideado por Leon Battista Alberti, y rechazan la anterior atribución a Michelozzo (derivadas de Vasari).
Comparando la villa fiesolana con los edificios descritos en el libro V del De re ædificatoria (que termina de redactar en 1450), haciendo especial mención a la villa campestre y al jardín suburbano, la villa tiene una serie de requisitos que parecen estar inspirados de (o haber inspirado) la obra de Alberti:
La posición de cercanía a la residencia urbana;
La visibilidad "nada más salir de la ciudad";
Contar con un magnífico panorama;
"Vistas sobre la ciudad, la fortaleza, el mar o una amplia llanura";
La existencia de una sala central, el ‘sinus’ de Alberti, en lugar del patio que utiliza Michelozzo;
La proyección al exterior, por medio de la terraza y el soportal que filtra la luz del jardín.
Además de la belleza del edificio no se basa en la decoración de tipo medieval, sino en la sencillez de la estructura que le confiere economía, necesidad y belleza y, sobre todo, en la armonía de las proporciones. La villa resulta proporcionada en todas sus partes, tanto internas como externas, según los conceptos de Alberti que remiten a los números, a la música y a la geometría.
La Villa Médicis de Fiésole tenía numerosos elementos innovadores que hacen de ella probablemente el primer modelo de residencia suburbana y de jardín totalmente renacentista.
Arquitectura fuera de Florencia[editar]

Entrada de la Iglesia de San Francisco de Rímini, también llamado el Templo Malatestiano.
En 1450, Segismundo Malatesta lo llama y le solicita que vaya a Rímini. El objetivo es transformar la iglesia de San Francisco en un templo cristiano (el llamado Templo Malatestiano) a mayor gloria suya y de su familia. A la muerte del señor el templo permaneció inacabado en la parte superior de la portada, en la parte izquierda y en la tribuna. Se sabe del proyecto de Alberti por una medalla acuñada por Matteo de Pasti. Alberti creó, para integrar la antigua iglesia, para no estropearla, un muro inspirado en modelos romanos, pero también en parte tomando modelos gótico-venecianos, elevándolo sobre una tarima, siguiendo el modelo de los templos griegos. Para la fachada utilizó la forma de un arco de triunfo que encuadraba la puerta central, que había tomado del arco de Rímini, situando en los lados dos arcos menores que tendrían que haber enmarcado los sepulcros de Segismundo e Isotta, su mujer; en la parte superior de la fachada, la parte central debía realzarse y acabarse en forma semicircular, junto a dos volutas semicirculares. En los lados estaba prevista teóricamente una columnata, inspirada en los acueductos romanos. En el debían haberse alojado las tumbas de los hombres ilustres de Rímini. Para el ábside quería desarrollar una gran rotonda cubierta de una bóveda hemisférica, solución tomada del Panteón. Una particularidad de esta obra era que el revestimiento no tiene en cuenta las anteriores oberturas góticas, de hecho, los arcos laterales no tienen la misma medida que las ventanas ojivales.

San Sebastián, en Mantua.
En 1459 es requerido en Mantua a instancias de Ludovico Gonzaga. Su primera intervención en dicha ciudad es la iglesia de San Sebastián, que empieza en 1460. Esta iglesia era privada para los Gonzaga; tiene planta de cruz griega, dividida en dos pisos, uno de ellos enterrado, con tres brazos absidiados alrededor de un cuerpo cúbico. El brazo anterior tiene delante un pórtico con cinco aberturas. En la fachada el arquitrabe con tímpano dividido sobrevolado por un arco siriaco, inspirado en el arco de Orange.
Su segunda intervención, también por encargo de los Gonzaga, es la iglesia de San Andrés, erigida para reemplazar una capilla anterior en la que se veneraba una reliquia de la sangre de Cristo. Alberti presentó su proyecto, inspirado en un modelo etrusco que toma de Vitruvio, en oposición al anterior, de Antonio Manetti. La iglesia, que se empieza a construir en 1472, tiene planta de cruz latina y una nave única, con capillas laterales rectangulares, inspirándose en el arco de triunfo clásico como el arco de Trajano en Ancona. La fachada se puede inscribir en un cuadrado, y todas las medidas de la nave, tanto en su planta como en su alzado, tienen un preciso módulo métrico. La tribuna y la cúpula se completaron siguiendo un diseño diferente del de Alberti.
De 1467 data otra de las obras que lleva a cabo para los Rucellai: se trata del templete del Santo Sepulcro en la iglesia de San Pancracio de Florencia, construido siguiendo un paralelepípedo corintio, decorado con mármol, con figuras geométricas en proporción áurea, decoraciones geométricas, al igual que en la fachada de Santa Maria Novella, y que según Alberti, llevan a meditar acerca de los misterios de la fe.
Alberti también trabajó en Ferrara, en donde crea la parte trasera del Palacio Municipal, por aquella época sede de los Este y el campanario de la catedral con su característica bicromía de mármoles rosa y blanco.
Alberti trabajó para la curia romana hasta 1464, cuando se suprimió el colegio de los abreviadores, pero permaneció en la capital hasta su muerte, sucedida el 25 de abril de 1472, a los 68 años, Tras una intensa vida en la que había destacado en múltiples disciplinas. En el momento en que muere, ya hay un relevo: Leonardo Da Vinci tiene 20 años.
Alberti teórico[editar]
Una de las facetas más importantes en Alberti son sus tratados teóricos, por los que hoy conocemos su pensamiento artístico. Es curioso el concepto que tiene del arte y definición de la idea. La función del arquitecto es matemática, crear, dar proporciones. La labor de aparejador la hacen sus discípulos, que son los que resuelven los problemas a pie de obra. El arquitecto es el que la inventa.
De Pictura (1436)[editar]
De regreso a Florencia en 1434 Leon Battista Alberti, se acercó a la obra de los innovadores florentinos (Filippo Brunelleschi, Donatello y Masaccio). De 1436 data De Pictura , que el propio Alberti tradujo a toscano con el título "Della pittura", obra que dedica a Brunelleschi. En este tratado trata de dar reglas sistemáticas a las artes figurativas. El tratado se basa principalmente en Euclides. En su introducción marca la distinción entre la forma presente, la palpable y la forma aparente, es decir, la que aparece ante la vista, que varía según la luz y el lugar, a la que se unió la teoría de los rayos visivos. Luego trata de los colores: el rojo, el azul, el verde y el amarillo (en correspondencia con los cuatro elementos) que Alberti define como colores fundamentales. El blanco y el negro no los define como colores, sino como modificación de la luz. Sigue la descripción del método prospectivo siguiendo principios geométricos.
El II libro habla de teoría artística. Alberti divide la pintura en tres partes:
Circumscriptione, es decir, contorno de los cuerpos, en donde trata del llamado velo, del sistema para trazar contornos precisos.
Compositione, es decir, composición de los planos, en donde trata de la teoría de las proporciones basándola en la anatomía.
Receptione di lumi, que trata de tonos y tintas, se habla fundamentalmente del relieve, y en este apartado reprueba también el uso excesivo del oro puro para los fondos.
El libro III trata de la formación y del modo de vida del artista, que ya no es artesano como antes, en tanto en cuanto su arte se basaba en la técnica, sino intelectual puesto que su arte se basa en las matemáticas y la geometría. En este tratado Alberti diferencia entre copia y variedad, diferencia que se expresará durante todo el Renacimiento. Mientras la copia es la abundancia de temas presentes en una composición, la variedad, en cambio, es la diversidad, tanto en la decoración como en los colores, de los temas. A este principio de variedad se adaptarán artistas diversos como Fra Filippo Lippi y Donatello.
En 1437 escribe, en latín, los Apologi, una especie de breviario de su filosofía vital. De 1450 es el Momus, sive De principe, una sátira alegórica construida según el modelo de Luciano de Samosata, que trata con bastante amargura las relaciones entre literatura y política.
De re ædificatoria (1452)[editar]
De re ædificatoria es un completo tratado de arquitectura en todos los aspectos teóricos y prácticos relativos a la profesión. La obra no fue publicada hasta unos años después de su muerte en 1485.
En Roma, durante el papado de Nicolás V, restauró las iglesias de Santa María la Mayor y Santo Stefano Rotondo. En dicha ciudad escribió De re ædificatoria en latín. Se trata de una obra no dirigida a especialistas, sino al gran público con formación humanística, tomando como modelo los diez libros de arquitectura de Vitruvio, que en aquel momento circulaba en copias manuscritas sin corregir filológicamente. La obra también está dividida en diez libros.
I- Lineamenta. (Regio (zona), Área (parcela), Partitio (ordenación), Paries (muros), Tectum (cubiertas) y Aperitio (huecos)
II- Materia
III- Opus (técnica constructiva)
IV- Universorum opus (obras generales)
V- Singuiorum opus (obras específicas)
VI- Ornamentum
VII- Sacrorum ornamentum
VIII- Publici profani ornamentum
IX- Privati ornamentum
X- Operitium instauratio (por primera vez un arquitecto se ocupa de la restauración, antes si alguien intervenía en una obra era para destruirla)
En los tres primeros, trata de la elección del terreno, de los materiales que deben utilizar y de los cimientos (lo que Vitrubio llama firmitas). Los libros IV y V se centran en diversos tipos de edificios (utilitas). El libro VI sobre la belleza arquitectónica (venustas), y en él habla de la belleza como una armonía que se puede expresar matemáticamente gracias a la ciencia de las proporciones. Este libro incluye, además un tratado acerca de la construcción de máquinas. Los libros VII, VIII y IX tratan de la construcción de iglesias, edificios públicos y privados. El libro X trata de restauración. En el tratado parte siempre del estudio de la antigüedad, un estudio basado sobre medidas de los monumentos antiguos, para proponer nuevos tipos de edificios modernos, y también edificios nuevos por la diferencia cronológica pero inspirados en el estilo antiguo, entre los que se incluían las prisiones, que trata de hacer más humanas, los hospitales y otros lugares de utilidad pública.
El tratado fue una obra imprescindibile para muchos hombres cultos: Pellegrino Prisciani escribió su Spectacula (que dedicó a Ercole I de Este) entre 1486 y 1502, tratando de explicar mejor las partes de texto de Alberti que tratan sumariamente del teatro antiguo, uniéndolo a fragmentos de Vitruvio que éste había omitido.
El término usado en el libro "concinnitas" se puede traducir como la justa medida, cuando no sobra ni falta nada. Es el concepto que hace que veamos algo bello y no sepamos porqué.
De statua (1464)[editar]

El definitor, instrumento inventado por Leon Battista Alberti.
De 1464 es su tratado De statua, en el que define la escultura tanto poniendo como quitando, dividiéndola en tres modos según la técnica utilizada:
Quitar y poner, esculturas con materiales blandos: tierra y cera;
Quitar, escultura en piedra;
Añadir, o sea, el realce sobre metal.
Más adelante Alberti fija sus reglas de procedimiento con los dos métodos: dimensio y definitio. El primero utiliza escuadra y regla y la teoría de las proporciones. El segundo, que utiliza un instrumento que el mismo Alberti había inventado, el definitor, cuyo objetivo es calcular las variables temporales producidas por el movimiento del modelo.
Escritos[editar]
Nº Título Año de redacción Características
1º Philodoxe1os 1424 Comedia en latín, falso histórico que hace circular como obra de Lepido, inexistente cómico latino, bulo creído hasta 10 años más tarde, cuando Alberti reivindica la obra
2º Deifira 1428 Diálogo en italiano
3º Ecatonfilea 1428 Diálogo en italiano
4º De commodis literarum atque incommodis 1429-1430 Disertación sobre los estudios literarios
5º Amator 1429-1430 Discurso en latín sobre la naturaleza del amor, traducido al italiano por su hermano Carlo, con el título de Ephoebia.
6º POESÍAS, elegías: Agiletta, Mirzia; eglogas: Corinto, Tirsia; sonetos; un madrigal; una "frotola d'amore" 1429-1430 todas las poesías en italiano
7º Vita Sancti Potiti 1433
8º Della Famiglia 1433-1434: libros I-III, libro IV de 1440-1441 titulado De amicitia
9º Comentarium Philodoxo fabulae 1434
10º De pictura 1435 En latín.
11º Elementos de Pintura 1436 Traducción De pictura al italiano dedicado a Filippo Brunelleschi, tratado técnico didáctico con ejercicios prácticos de geometría.
12º Elementa picturae 1436 La versión latina de Elementos de Pintura fue dedicado a Teodoro Gaza.
13º Pontifex 1437 sobre la vida eclesiástica, en latín.
14º Apologi 1437 Cien fábulas breves en latín, dedicadas a Francesco Marescalchi.
15º De iure 1437 Opúsculo latino
16º Sofrona 1437 Diálogo sobre el amor, en italiano.
17º Cartas sobre el amor 1437 Lattera consolatoria, Avvertimenti matrimoniali traducción al italiano de la intercenale Uxoria, dedicada a P. Codagnello.
18º Vita anonima 1438 Autobiografía que relata la vocación de un literatus.
19º Theogenius 1439 Diálogo en italiano, sobre el Estado y los ciudadanos, sólo la rectitud y las virtudes son el verdadero fundamento de la sociedad. Lo dedicó a Lionello d'Este.
20º Intercoenales 1439 Diez libros de diálogos, apólogos y narraciones breves, en latín. Escritos entre 1420-1421 y 1439. Quedan sólo los libros I, II y IV: Defunctus, Uxoria y Anuli. Defunctus está dedicado a Paolo Toscanelli; Uxoria dedicado a Leonardo Bruni, Anuli dedicado a Poggio Braciolini.
21º Villa 1439 Opúsculo sobre agricultura, en italiano.
22º De equo animante 1441 Sobre la educación de los caballos, en latín.
23º De amicitia 1441 (IV libros del tratado Della famiglia), en italiano. lo presentó al Certamen Coronario premiado con una corona Láurea, como en la Antigüedad, celebrado en Florencia el 22/10/1441, el cual Alberti había organizado, con el apoyo de Piero Mdicis, en Santa María del Fiore, para levantar la literatura toscana de su decadencia.
24º Della tranquillità del'animo 1441-1442 Diálogo en italiano.
25º Canis 1441-1442 Elogio del perro tras la muerte del suyo, en latín.
21º Passer 1441-1442 Carmen latino (perdido).
22º Navis 1446 Escrito en el que se discutía sobre la forma de las naves de la Antigüedad, y las mejores formas (perdido).
23º Navis aeraria 1447 .
24º Historia numeri et linearum 1447 .
25º Quid conferat architectus in negotio 1447 .
26º Momus 1447 Tratado satírico político-moral sobre el príncipe y el Estado, en latín, gozó de gran éxito en los ambientes humanistas.
27º Ludi matematici 1448-1449 Juegos matemáticos que contienen la solución de interesantes problemas de mecánica, física, óptica, etc.
28º De mortibus ponderis 1448-1449 en latín.
29º Grammatica della lingua toscana 1450 .
30º De lunularum quadratura 1450 Sobre el cálculo de los sectores circulares, en latín.
31º Descriptio urbis Romae 1450 Exposición del método usado para el levantamiento topográfico de Roma, en latín.
32º De statua 1451 Tratado sobre escultura, poco extenso, sólo atiende a ser complemento de los incluido en De pictura .
33º De re aedificatoria 1452

De re aedificatoria
Tratado sobre arquitectura en 10 libros, en latín (escrito probablemente de 1443 a 1445 y de 1447 a 1452). Aunque el tratado fue conocido, no se editó hasta 1485, en Florencia, con prologo de Angelo Poliziano y dedicado a Lorenzo el Magnífico.
34º De Porcaria coniuratione 1453 Epístola latina a propósito de la conjura organizada por Stefano Porcari contra el papa Nicolás V .
35º Mosca 1455 Improvisación sobre el Elogio de las moscas de Luciano.
36º Trivia 1455 Sobre la oratoria, dedicado al joven Lorenzo de Medici.
37º Comentari 1458 Incluye los paseos arqueológicos por las ruinas de Roma.
38º Trivia senatoria 1460 Sobre la oratoria, dedicado al joven Lorenzo de Medici.
39º Cena Familiaris 1460-1462 Diálogo sobre la familia, en italiano.
40º Sentenze pitagoriche 1460-1462 Aforismo sobre la conducta virtuosa, en vulgar.
41º Epistolae septem Epidemendis nomine Diogeni inscriptae 1462-1465 Respuesta imaginaria a Diógenes.
42º Epistola Leonem ad Craten philosophum 1462-1465 .
43º De componendis cifris 1467 .
44º De Iciarchia 1468 Se razona sobre la dirección del Estado y se presenta la Príncipe como un hombre sabio, virtuoso y justo.
Apologías y elogios
Historieta amorosa entre Leonora de Bardi e Ippolito Bondelmonti
Profugiorum ab ærumna libri III

Ha recibido 33 puntos

Vótalo:

Rafael (1483/1520)

7. Rafael (1483/1520)

Raffaello Sanzio (Urbino, 6 de abril de 1483 – Roma, 6 de abril de 15201 ), también conocido como Rafael de Urbino o, simplemente, como Rafael1 n. 1 fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Además de su labor pictórica, que sería admirada e imitada durante siglos, realizó... Ver mas
Raffaello Sanzio (Urbino, 6 de abril de 1483 – Roma, 6 de abril de 15201 ), también conocido como Rafael de Urbino o, simplemente, como Rafael1 n. 1 fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Además de su labor pictórica, que sería admirada e imitada durante siglos, realizó importantes aportes en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos.3
Hijo de un pintor de modesta relevancia, fue considerado un niño prodigio por su precoz habilidad y al quedar huérfano se formó en los talleres de varios artistas de prestigio. A los 25 años obtuvo su primer encargo oficial, la decoración de las Estancias Vaticanas, donde pintó algunos frescos como La escuela de Atenas, considerado una de sus obras cumbre.4 5 Es célebre por la perfección y gracia de sus artes visuales, destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico.6 Junto con Miguel Ángel y Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período.7
Nació en Viernes Santo y falleció en esta misma festividad el día que cumplió 37 años.n. 2 Fue un artista muy productivo, en parte gracias a que dirigió un taller conformado por numerosos colaboradores,8 y, a pesar de su muerte prematura, dejó una extensa obra que en gran parte aún se conserva. La mayor parte de su trabajo está alojado en los Museos Vaticanos, ya que decoró con frescos las habitaciones conocidas como las Estancias de Rafael, el principal encargo de su carrera, que quedó sin terminar a causa de su muerte y fue completado por ayudantes.
Después de sus años de juventud en Roma, gran parte de su obra, a pesar de haber sido diseñada por él, fue ejecutada por su taller, con una considerable pérdida de calidad. Ejerció gran influencia en su época; aunque fuera de Roma su obra fue conocida sobre todo a través de la producción que hicieron los talleres de grabado que colaboraban con él. Después de su muerte, la influencia de su principal rival, Miguel Ángel, se intensificó hasta los siglos XVIII y XIX, cuando las cualidades más serenas y armoniosas de Rafael, fueron consideradas de nuevo como un modelo superior.
Su carrera se dividió de manera natural en tres fases y tres estilos, descritos así por Giorgio Vasari: sus primeros años en Umbría, el periodo posterior de cuatro años en Florencia (1504-1508), donde absorbió las tradiciones artísticas de la ciudad, y finalmente su último y triunfal período de doce años en Roma, trabajando para los papas y su corte.9

Autorretrato con un amigo (1518 circa), Louvre, Paris
Índice [ocultar]
1 Ascendencia
2 Biografía
2.1 Primeros años (1483-1504)
2.2 Influencia florentina (1504-1508)
2.3 Las Estancias vaticanas (1509-1513)
2.4 Otros proyectos
2.5 Taller
2.6 Retratos
2.7 Arquitectura
2.8 Dibujos
2.9 Grabados
3 Vida privada y muerte
4 Relación con otros autores
4.1 Rafael y Leonardo
4.2 Rafael y Miguel Ángel
4.3 Rafael y Durero
5 Influencia
6 Véase también
7 Notas
8 Referencias
9 Bibliografía
10 Enlaces externos
Ascendencia[editar]
Artículo principal: Corte de Urbino

Obra de Giovanni Santi, padre de Rafael; Cristo sostenido por dos ángeles (1490).
Nació en Urbino —una pequeña ciudad de la Italia central—, en la región de Marcas, localidad pequeña, pero importante desde el punto de vista artístico,10 donde su padre Giovanni Santi era pintor de la corte del duque. En la pequeña corte de Urbino, Giovanni fue integrado en el círculo íntimo de la familia en un grado superior al que era habitual en otras cortes italianas, bajo un gobierno con importante centro de cultura literaria y artística.11
Crecer en el seno de esta pequeña corte le dio a Rafael la oportunidad de aprender las maneras pulidas y las habilidades sociales tan alabadas en él por Vasari.12 La vida cortesana de Urbino en esta época sería poco después considerada por Baldassare Castiglione, (en su obra El Cortesano13 en 1528), como modelo de virtudes de una corte humanista italiana. Castiglione se instaló en Urbino en el año 1504, cuando Rafael ya no residía en ella; sin embargo, la visitaba muy a menudo, lo que dio como resultado una extensa amistad. Otros visitantes habituales de la corte también se convirtieron en sus amigos: Pietro Bibbiena y Pietro Bembo, nombrados ambos cardenales más tarde, eran conocidos entonces como buenos escritores y vivieron en Roma al mismo tiempo que Rafael.
Se movió con comodidad en las altas esferas sociales durante toda su vida, lo que ha sido uno de los factores que han contribuido a dar una falsa impresión de una carrera artística fácil. Sin embargo, no recibió una completa educación humanística, por lo tanto no se sabe con claridad si leía fácilmente en latín.14
Biografía[editar]
Primeros años (1483-1504)[editar]

Posible autorretrato de Rafael durante su adolescencia.

Los desposorios de la Virgen de Rafael Sanzio, en la Pinacoteca de Brera en Milan. En esta obra, se puede apreciar la influencia de Perugino en la manera de pintar del joven.
Su madre, Magia di Battista di Nicola Ciarla , murió en 1491 y el 1 de agosto de 1494, Giovanni Santi, su padre, volvió a casarse. Con tan sólo 11 años, quedó huérfano y bajo la custodia legal de su tío Bartolomeo, sacerdote, que inició un litigio con la madrastra del chico. Sin embargo, Rafael continuó viviendo con ella cuando no acudía a su aprendizaje con un maestro. Aun así, ya había dado muestra de su talento, según Giorgio Vasari, quien cuenta que había sido "una gran ayuda para su padre".15 16 Un brillante autorretrato de su adolescencia muestra su precoz talento.17 El taller de su padre continuó y, probablemente en compañía de su madrastra, jugó un relevante papel en su gestión desde su juventud. En Urbino tuvo la oportunidad de conocer la obra de Paolo Uccello, el precedente pintor de la corte († 1475), y de Luca Signorelli, quien hasta el año 1498 residió y trabajó en la próxima Città di Castello.18
Según Vasari, su padre lo colocó en el taller del maestro de Umbria Pietro Perugino como aprendiz, «a pesar de las lágrimas de su madre». La evidencia de un periodo de aprendizaje viene sólo de Vasari y de otra fuente,19 y ha sido discutida, porque su madre murió cuando él tenía ocho años, lo que sería demasiado pronto para comenzar a formarse. Una teoría alternativa es que recibió algún adiestramiento de Timoteo Viti, un pintor de la corte de Urbino desde 1495.20 Pero los historiadores modernos están de acuerdo en que Rafael trabajó al menos como ayudante de Perugino desde alrededor de 1500; la influencia de Perugino en sus primeras obras es muy evidente: "probablemente ningún otro discípulo de talento había absorbido las enseñanzas de su maestro como lo hizo Rafael, aún comparándolo con Leonardo da Vinci y Miguel Ángel", según Wölfflin.21 Vasari escribe que, en cuanto a este período, era imposible distinguir las obras de ambos artistas, pero muchos historiadores del arte modernos afirman haber detectado las partes que Rafael pintó como ayudante en obras de Perugino o de su taller. Aparte de la similitud estilística, sus técnicas eran también muy similares, por ejemplo en la densa aplicación de la pintura, con el uso de un medio a base de barniz, en las sombras y los adornos oscuros, pero con una aplicación más ligera en las partes de carne. Sin embargo, el exceso de resina en el barniz, ha causado a menudo grietas en áreas de las pinturas de ambos maestros.22 El taller de Perugino estaba activo tanto en Perugia como en Florencia, quizá con dos sucursales permanentes.23 Se considera que en 1501 Rafael era un Maestro de Pleno Derecho, completamente formado.
Su primera obra documentada fue el Retablo Baronci —aunque hay una controversia con La resurrección de Cristo que fue realizada entre los años 1499 y 1501— para la Iglesia de San Nicolás de Tolentino en Città di Castello, una ciudad a medio camino entre Perugia y Urbino. Evangelista di Pian di Meleto, quien había trabajado para su padre, compartió el encargo de la obra, que data de 1500 y fue terminada en 1501, hoy en día sólo quedan algunas porciones y un boceto preparatorio.n. 3 Durante los siguientes años pintó obras para otras iglesias, incluyendo la Crucifixión Mond —alrededor de 1503— y Los desposorios de la Virgen de la Pinacoteca di Brera, así como obras para Perugia, como el Retablo Oddi —La anunciación , La Adoración de los Magos y La coronación de la Virgen 1501-1503—. Probablemente también visitó Florencia en esta época. Se trata de obras mayores, algunas de ellas como frescos, en las que Rafael limita la composición al estático estilo de Perugino. En estos años también pintó muchas pequeñas y exquisitas pinturas de caballete, la mayor parte probablemente para amantes de la pintura de la corte de Urbino, como Las Gracias, El sueño del caballero o San Miguel, y empezó a pintar Virgen con el Niño entronizados y santos.24 25
En el año de 1502 fue a Siena por invitación de otro discípulo de Perugino, Pinturicchio, "al ser amigo de Rafael y conocedor de su capacidad como artista de la más elevada calidad", porque le ayudó con las obras, y muy probablemente con los dibujos, para una serie de frescos en la Biblioteca Piccolomini de la Catedral de Siena.26 Es evidente que en esta etapa temprana de su carrera ya era un artista solicitado.
Influencia florentina (1504-1508)[editar]

Retrato de un joven, acaso Francesco Maria della Rovere, antaño perteneciente al Museo Czartoryski de Cracovia y actualmente desaparecido.
Rafael llevó una vida de "nómada", trabajando en distintos lugares del norte de Italia, pero pasando una buena parte de su tiempo en Florencia, quizás desde el año 1504. Así, aunque se habla de su "período florentino" entre 1504 y 1508, cabe mencionar que nunca residió ahí de forma continua.27 En cualquier caso, tal vez de tanto en tanto, tenía que visitar la ciudad para proveerse de materiales. Existe una carta de recomendación, fechada en octubre de 1504, de la madre del siguiente duque de Urbino al confaloniero de Florencia: "El portador de ésta es Rafael, pintor de Urbino, quien, ha sido dotado para esta profesión y que ha determinado pasar algún tiempo en Florencia para continuar con sus estudios. Su padre fue muy honesto y yo lo quería mucho, y el hijo es un joven sensible y pulido; tanto por una cosa como para la otra le tengo gran afecto...".28
Como anteriormente con Perugino y otros, fue capaz de asimilar la influencia del arte florentino, respetando la evolución de su propio estilo. Los frescos que hizo en Perugia alrededor de 1505 muestran una nueva calidad monumental en las figuras, que podría evidenciar la influencia de Fra Bartolomeo, de quien Vasari dice fue amigo. Pero la influencia más asombrosa en este período fue la de Leonardo da Vinci, quien volvió a la ciudad entre 1500 y 1506. Las figuras de Rafael comenzaron a tomar posiciones más complejas y dinámicas, y aunque todavía los temas eran mayoritariamente "reposados". Comenzó a hacer bocetos de hombres desnudos luchando, una de sus mayores obsesiones de este período florentino. Otro dibujo es el retrato de una mujer joven, utilizando la composición piramidal en tres cuartos de la reciente Mona Lisa, pero con una apariencia completamente rafaelesca. Otra de las invenciones compositivas de Leonardo, la piramidal Sagrada Familia, se repitió en una serie de obras que se consideran entre sus más famosas pinturas de caballete. En la Royal Collection hay un dibujo de Rafael de la obra perdida de Leonardo Leda y el cisne, del que tomó la postura en contrapposto para su Santa Catalina de Alejandría.29 También perfeccionó su propia versión del sfumato de Leonardo, para dar más sutileza a la representación de la carne, y desarrollar el intercambio de miradas entre los grupos, aunque mucho menos enigmáticos que los conseguidos por Leonardo. Además, supo conservar en sus obras la suave y clara luz de Perugino.30
Leonardo era poco menos de una treintena de años mayor que Rafael, pero Miguel Ángel, que en esa época residía en Roma, era sólo ocho años mayor. Miguel Ángel detestaba a Leonardo, y en Roma empezó a detestar a Rafael incluso más aún, atribuyendo conspiraciones contra él.31 Rafael debió conocer sus obras en Florencia, pero sus obras más originales de esta época apuntan en una dirección muy diferente. En su Santo Entierro sitúa, al modo clásico de los sarcófagos, todas las figuras en la frente, en un arreglo complejo y no del todo exitoso. Wöllflin detecta la influencia de la Virgen de Miguel Ángel en el Tondo Doni en la figura arrodillada de la derecha, pero el resto de la composición se aleja mucho de su estilo, o del de Leonardo. Aunque fue obra muy considerada en su época, y mucho después retirada a la fuerza de Perugia por los Borghese, se trata de una obra aislada en su producción. Su clasicismo tomaría después una dirección menos "literal".32 33
Las Estancias vaticanas (1509-1513)[editar]
Artículo principal: Estancias de Rafael

La misa de Bolsena, 1514, Estancia de Heliodoro.

Liberación de San Pedro, 1514, Estancia de Heliodoro.

El incendio del Borgo, 1514, Estancia del incendio del Borgo, pintada por el taller de Rafael a partir de un diseño del artista.

El Parnaso, 1511, Estancia de la Signatura.
A finales de 1508 se trasladó a Roma, donde entró al servicio del papa Julio II, probablemente gracias a la recomendación de su arquitecto Donato Bramante, quien por entonces trabajaba en la basílica de San Pedro, era natural de Urbino y tenía alguna relación con Rafael.34 A diferencia de Miguel Ángel, que no realizó trabajo artístico alguno durante cierto tiempo en Roma antes de recibir los primeros encargos,35 el joven artista recibió rápidamente el encargo de decorar al fresco la que habría de ser la biblioteca privada del pontífice en el Vaticano.n. 4 36 Era un proyecto mucho más importante y extenso que cualquiera en el que hubiera trabajado hasta ese momento, pues hasta la fecha no había pasado de hacer algún retablo en Florencia. En su equipo había otros artistas trabajando en diferentes estancias, muchos de ellos pintando sobre obras encargadas por el odiado predecesor de Julio II, el papa español Alejandro VI. El nuevo pontífice había decidido borrar cualquier vestigio del papa Borgia, hasta sus escudos de armas.37 Uno de ellos fue Miguel Ángel, que recibió el encargo de pintar la cúpula de la Capilla Sixtina.
La primera de las célebres stanze que comenzó a pintar, es la conocida como Stanza della Segnatura —por el uso que tenía en tiempos de Giorgio Vasari—, produjo un impacto extraordinario en el arte romano. Hoy día continúa siendo considerada la obra maestra del pintor, pues contiene La Escuela de Atenas, El Parnaso y La disputa del Sacramento, que son algunas de las obras más conocidas del pintor. Como consecuencia de este gran éxito, le fueron encargadas nuevas estancias, desplazando a otros artistas previamente contratados, como Perugino o Luca Signorelli. Concluyó tres de ellas, todas con pinturas en sus muros y, a menudo, también en los techos. Sin embargo, la inmensidad del trabajo asumido le obligó a delegar la ejecución práctica de sus detallados diseños (que siempre realizó en persona) en los miembros del numeroso taller que había formado. Eran estos artistas de sobrada capacidad, que con posterioridad a la muerte del propio Rafael, se encargarían de la decoración de la cuarta estancia, basándose en los diseños que el maestro había dejado. La muerte de Julio II (1513) no interrumpió los trabajos, pues su sucesor, el papa León X, un Medici, estableció una relación cercana con el artista, que continuó recibiendo encargos.38 El amigo de Rafael, el cardenal Bibbiena, era uno de los antiguos tutores del nuevo papa, y su íntimo amigo y consejero.
Es evidente que Rafael se dejó influir por los frescos del techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel. Vasari dice que Bramante lo introdujo en dicha capilla secretamente. La bastida correspondiente a la primera sección en ser terminada fue retirada el año 1511. La reacción de los demás artistas ante la superior fuerza expresiva de Buonarroti fue la cuestión dominante en el arte italiano en las dos décadas posteriores, y Rafael, que ya había demostrado su capacidad de asimilación de influencias externas a su propio estilo, aceptó el reto tal vez con mayor intensidad que cualquier otro artista. Uno de los primeros y más claros ejemplos fue el retrato del mismo Miguel Ángel como Heráclito en La Escuela de Atenas, que parece sacado directamente de la Sibilas o los ignudi del techo de la Capilla Sixtina. Otras figuras de esta y otras obras posteriores en las estancias acusan la misma influencia, pero todavía más integradas en el estilo personal de Rafael.39 Buonarroti lo acusó de plagio y unos años antes de la muerte de Rafael se quejaba en una carta del siguiente tenor: «todo lo que sabe de arte lo ha aprendido de mí», aunque en otras ocasiones se mostró más generoso.40
Estas enormes y complejísimas composiciones pueden ser consideradas entre las obras supremas del Renacimiento. Proporcionan una visión extremadamente idealizada de los sujetos representados, y las composiciones, aunque ya perfectamente concebidas en dibujo, parecen sufrir de «sprezzatura», un término ideado por su amigo Baldassare Castiglione, que el definía como «una cierta indiferencia que impregna toda la obra y que nos hace pensar o dir que ha fluido sin ningún esfuerzo».41 Según Michael Levey, «Rafael les da a sus figuras una gracia y claridad sobrehumanas en un universo de certezas Euclidianas».42 La pintura es de la máxima calidad en las dos primeras estancias, pero las composiciones posteriores, especialmente las que contienen acción de tinte dramático, no son completamente perfectas por lo que atañe a la concepción, como tampoco en la ejecución por parte de sus ayudantes.
Otros proyectos[editar]

La Galatea, una de sus principales obras mitológicas.
Los proyectos en el Vaticano ocuparon la mayor parte de su tiempo, pero aun así pintó algunos retratos, incluyendo los de sus mecenas, los papas Julio II y León X, el primero de los cuales es considerado como uno de sus mejores retratos. Otros retratos fueron los de sus amigos, como Castiglione, o de personajes del círculo de los papas. Algunos gobernantes lo presionaron con hacer sus respectivos encargos, como a Francisco I de Francia que le fueron enviados dos pinturas como presente diplomático del papado.n. 5 43 Para Agostino Chigi, el inmensamente rico tesorero del papa, Rafael pintó La Galatea, diseñó frescos decorativos para su Villa Farnesina y pintó dos capillas en las iglesias de Santa Maria della Pace y Santa Maria del Popolo.44 También diseñó parte de la decoración de la Villa Madama, sin embargo, la obra de ambas villas fue realizada por su taller.
Uno de los encargos papales más importantes fue la serie de los Cartones de Rafael (actualmente en el Victoria and Albert Museum), una serie de 10 cartones para tapices, de los cuales han sobrevivido 7, y que representan escenas de las vidas de San Pablo y San Pedro, hechas para la Capilla Sixtina. Los cartones fueron enviados a Bruselas para ser tejidos en el taller de Pieter van Aelst el Viejo (padre del luego famoso pintor Pieter Coecke). Es posible que Rafael viera la serie completa terminada antes de su muerte. Probablemente fueron terminados en 1520.45 También diseñó y pintó la Loggia del Vaticano, una galería larga y estrecha entonces abierta a un patio a un lado y decorada en el estilo grotesco46 típico de Roma. Pintó también ciertos retablos importantes, como por ejemplo el Éxtasis de Santa Cecilia y la Madonna Sixtina. Su última obra, en la que estuvo trabajando hasta la muerte, fue La Transfiguración, que en compañía de El Pasmo de Sicilia muestra la dirección que había tomado su arte en las postrimerías de su vida: un estilo más proto-barroco que manierista.n. 6 47 48
El cardenal Bernardo Dovizi di Bibbiena obtuvo del papa León X, a cambio del apoyo concedido para su elección, la autorización para reestructurar su apartamento en el interior de los palacios Vaticanos. Culto humanista y literato, de gustos refinados, el cardenal deseaba que su apartamento estuviese a la altura de la tradición romana y encargó el proyecto a Rafael. Corría el año 1516; Rafael, con sus ayudantes se ocupó del conjunto decorativo, inspirándose en la Villa de Adriano en Tívoli y en la Domus Aurea, alcanzando resultados de gran refinamiento y elegancia en el entrelazamiento de motivos clásicos y elementos ornamentales de gusto antiguo, que constituirán durante tiempo un imitado motivo decorativo. La estructura del conjunto refleja la cultura y el gusto de Rafael; la ejecución es de sus alumnos: Giovanni da Udine, G. Romano y G. F. Penni. 49
Taller[editar]
Véase también: Categoría:Cuadros de Taller de Rafael

Retrato de Andrea Navagero y Agostino Beazzano o Retrato Doble, obra hecha por Rafael Sanzio durante su periodo romano. El retrato parece haber sido hecho en abril de 1516 estando los dos humanistas retratados en Roma, poco antes de que Andrea Navagero regresara a Venecia con motivo de su nombramiento como bibliotecario de la República Serenísima. La magna obra del italiano está hecha al óleo sobre lienzo. Mide 76 cm de alto y 107 de ancho y se conserva actualmente en la Galería Doria Pamphili de Roma.50
Vasari dice que Rafael llegó a tener un taller con cincuenta pupilos y ayudantes, muchos de los cuales llegarían a ser después importantes artistas por su propio derecho. Fue, posiblemente, el mayor taller reunido bajo el magisterio de un único gran maestro de la pintura, y mucho mayor de lo habitual. Incluía destacados pintores provenientes de otras regiones de Italia, que probablemente trabajaban con sus propios equipos como subcontratistas, así como aprendices y obreros. Hay poca información sobre el taller y sobre su organización interna, aparte de las mismas obras de arte, a menudo difíciles de atribuir a la intervención de un artista concreto.51 52
Tras la muerte de Rafael, la actividad del taller continuó, sin embargo, muchas de sus pinturas quedaron incompletas, así como algunas de sus posesiones. Los miembros más destacados fueron Giulio Romano, joven discípulo de origen romano — de 21 años —, y Gianfrancesco Penni, ya considerado un maestro, de origen florentino. Penni no alcanzó el mismo nivel de reputación personal que Giulio, y después de la muerte de Rafael, ocupó el puesto de ayudante de Giulio Romano durante la mayor parte de su carrera. Perino del Vaga, ya un maestro, y Polidoro da Caravaggio, quien supuestamente ascendió a la posición de pintor luego de ocupar el humilde oficio de trasportar materiales para los obreros, también llegaron a ser importantes pintores. Maturino da Firenze, como en el caso de Penni, fue eclipsado por la fama de su compañero Polidoro. Giovanni da Udine gozaba de un estatus más independiente, y fue responsable de la decoración en estuco y los grotescos que decoraban los principales frescos.53 La mayor parte de los artistas se dispersaron, y algunos de ellos tuvieron una muerte violenta a raíz del saqueo de Roma de 1527.54 Esto contribuyó a la difusión del estilo de Rafael por toda Italia y a lugares más lejanos.
Vasari da mucha importancia al hecho de que Rafael logró un armonioso y eficiente taller, y al igual su habilidad y paciencia en la resolución de los conflictos o disputas entre los clientes y sus ayudantes, algo que carecía Miguel Ángel con ambos colectivos.55 Aun así, hoy en día, es casi imposible descifrar las partes que Rafael y sus ayudantes realizaron, ya que, tanto Giulio como Penn, eran diestros, no hay duda de que muchas de las últimas obras murales de Rafael, y probablemente algunas de sus obras de caballete, destacan más por el dibujo que por la ejecución. Sin embargo, muchos de sus retratos, que se encuentran en buenas condiciones, muestran la brillante técnica de ejecución que alcanzó al final de su vida.56
Otros de sus destacados discípulos y ayudantes fueron Raffaellino del Colle, Andrea Sabbatini, Bartolommeo Ramenghi, Pellegrino Aretusi, Vincenzo Tamagni, Battista Dossi, Tommaso Vincidor, Timoteo Viti—pintor de Urbino—, así como el escultor y arquitecto Lorenzetto—cuñado de Giulio Romano.n. 7 Se ha dicho que el flamenco Bernard van Orley trabajó durante un tiempo para Rafael, y que Luca Penni, hermano de Gianfrancesco, tal vez fue miembro del taller.57
Retratos[editar]
A lo largo de su vida realizó varios retratos donde mostró una gran medida de gracia y armonía, ejemplo de esto fue el de Baltasar de Castiglione. Las Madonne y los bambini llenos de belleza y elegancia fueron un tema recurrente tanto en sus retratos como en sus pinturas. En la "Última Cena" dio un gran protagonismo a la figura de los apóstoles. De igual manera realizó retratos de grandes personajes como: del Cardenal Bibbiena (c. 1516), el Retrato de Andrea Navagero y Agostino Beazzano (c. 1516), Retrato de Bindo Altoviti (c. 1514), Retrato de Tommaso Inghirami (1515-1516), Retrato de cardenal (1510-1511), Retrato de Julio II (1511–1512) y Retrato del cardenal Alessandro Farnese (1509-1511). Muchos de ellos se encuentran hoy dispersos en los museos y galerías de Europa.
La relación de Rafael con Leonardo da Vinci en Florencia a principios del siglo XVI fue muy significativa. El modelo inspirador es la Gioconda, que por el efecto emocional de su mirada y sobre todo la integración entre la figura y el paisaje constituyó un modelo de reflexión para Rafael. Pero en los retratos de Rafael la línea establece netamente las formas, que gracias a su certeza se convierten en "módulo" espacial, en equilibrio entre lleno y vacío, en medida de la relación entre lo particular y lo universal, en síntesis perfecta de las verdades de la persona. También la trayectoria de Rafael se concreta en la superación de las formas poco convencionales de Perugino, en la adquisición de una pintura autónoma, libre, que sea expresión del perfecto equilibrio existente entre el hombre y la naturaleza. Los comitentes del artista son representantes de la alta burguesía de los banqueros y los mercaderes o de la aristocracia menor, mientras la sociedad más elevada se dirige a pintores de más fama, como Ghirlandaio.
El encargo papal acrecienta enormemente la fama y el prestigio de Rafael, que entre 1509 y 1513 recibe numerosas peticiones de cardenales y nobles más o menos próximos a la curia romana. Realizaba dichos retratos al mismo tiempo que ejecutaba las estancias. En este ámbito es interesante la evolución del retrato. La novedad es que se advierte en ellos una mayor propensión a representar los rasgos como indicadores de la interioridad, más allá de la preocupación por la afirmación del estado social; además, resulta evidente la representación de la figura como presencia más cierta y consciente.

Proyecto que ideó Rafael para la basílica de San Pedro en el Vaticano, 1514.
Arquitectura[editar]
Tras la muerte de Bramante, en 1514, fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro. La mayor parte de sus obras arquitectónicas han sido derrumbadas o modificadas después de su muerte y a raíz de la aceptación de los diseños de Miguel Ángel, pero, sobreviven unos pocos diseños. Para el análisis de estos, se llevó a cabo el examen de un templo que se encontraba muy oscuro, con grandes pilares a lo largo, «como un callejón» según un análisis crítico y póstumo de Antonio da Sangallo el Joven. Existe también la hipótesis de que el templo tiene un parecido con el santuario de La expulsión de Heliodoro del templo.58 Rafael diseñó otros edificios, y durante un corto tiempo se le consideró el arquitecto más importante de Roma y el preferido del círculo social del papa. Julio había hecho cambios en la disposición urbanística de la ciudad, creando varias vías públicas, las cuales aparentaban esplendorosos palacios.59
Un importante edificio, el Palazzo Branconio dell'Aquila del chambelán de León X, fue completamente derrumbado para hacer lugar a la plaza diseñada por Bernini para San Pedro, obra que jamás se realizó, pero se han conservado dibujos de la fachada y del patio. La fachada gozaba de una abigarrada decoración, inusual para la época, incluyendo tanto paneles pintados en el piso superior (de tres) como profusión de esculturas en el piso intermedio.60 El diseño básico de la Villa Farnesina no fue de Rafael, pero él diseñó y pintó la Capilla Chigi para el propietario, Agostino Chigi, tesorero del papa. Otro edificio, para el doctor del papa León, el Palazzo di Jacobo da Brescia, el cual fue trasladado en la década de 1930, y actualmente se mantiene en pie; dicho edificio fue diseñado como complemento de un palacio de la misma calle, obra de Bramante, donde el mismo Rafael residió durante un tiempo.61 La Villa Madama, una espléndida residencia de recreo del cardenal Julio de Médicis, posteriormente del papa Clemente VII, nunca fue terminada, pero sus planos revelan su propósito. Se hizo un diseño a partir de los planos constructivos por Antonio da Sangallo el Joven y aunque incompleta, era la villa más sofisticada diseñada hasta el momento en Italia. De este modo, influyó de manera importante en los diseños posteriores de este tipo de edificio. (éste parece ser el único edificio moderno de Roma del cual Palladio hizo un dibujo medido).62 n. 8 Sólo quedan los planos de la planta baja de un gran palacio diseñado por él mismo a la nueva «Via Giulia», en el Borgo, para el cual estuvo acumulando el terreno en sus últimos años. Se encontraba en una manzana irregular cerca del río Tíber. Parece que las fachadas debían incluir una orden gigante de pilastrasn. 9 elevándose al menos dos plantas hasta la altura completa de la planta noble, «un estilo grandilocuente sin precedentes en un palacio de carácter privado».64 65 En 1515, le fueron otorgados poderes como "Prefecto" sobre todas las antigüedades que se desenterraran en la ciudad y hasta una milla alrededor de esta. Rafael escribió una carta al papa León sugiriendo medidas para impedir la destrucción de los monumentos antiguos, y propuso una inspección visual de la ciudad para registrar las antigüedades de manera organizada. La opinión del Papa era diferente, quería seguir reutilizando las antiguas fábricas para la construcción de San Pedro, pero quería que todas las inscripciones antiguas quedaran documentadas, así como también conservar las esculturas, antes de dar permiso para el uso de la piedra.66
Dibujos[editar]

Bosquejo preparatorio para la obra de La resurrección de Cristo, la cual es quizá su primera obra oficial.
Se le considera uno de los dibujantes más finos en la historia del arte occidental y uno de los que usó ampliamente el dibujo para planear sus composiciones. Según Armerina, experta en la vida del artista, cuenta, que cuando éste empezaba a planear una composición, extendía en el suelo un gran número de dibujos que conservaba archivados, y comenzaba rápidamente a dibujar, utilizando figuras de «aquí y de allá».67 Han sobrevivido unos cuarenta bocetos de la Disputa de las Estancias y probablemente haya más entre las cuatrocientas hojas que se tienen actualmente de sus pre-diseños; bien sólo constituyen una parte mínima de los que realizó el artista o hizo realizar por su taller bajo su supervisión.68 69 Hizo muchos dibujos para perfilar las posturas y las composiciones, aparentemente en cantidad superior a la de otros pintores, a juzgar por la gran cantidad de variantes que han sobrevivido: «... Es así como el mismo Rafael, que tenía tanta riqueza inventiva, solía trabajar, siempre partiendo de cuatro o seis maneras diferentes de exponer la escena, cada una de ellas diferente al resto, y todas ellas llenas de gracia y finura» escribió un autor tras la muerte de éste.70 Para John Shearman, el arte de Rafael marca «un desplazamiento de los recursos desde la producción hacia la investigación y el desarrollo».71
Su obra está acompañada de un inmenso corpus de dibujos, que constituyen un fundamental documento de apoyo de las obras pintadas, pero que deben ser entendidos e interpretados como un ámbito de investigación autónomo y original. Han sido catalogados por Fischer como una estancia romana.72
Ciertamente, desde el período umbro, el dibujo constituía una parte fundamental de su método de trabajo: se trata de esbozos o estudios principalmente al natural, útiles para enfocar un detalle de la composición, aunque debe reconocerse que los motivos del dibujo nunca son transferidos a la obra definitiva sin modificaciones ni variaciones.
Cuando estaba satisfecho con una composición a menudo la trasladaba a cartón a escala real, que posteriormente perforaba con un punzón, dejando agujeros por donde dejaba pasar un poco de hollín, de modo que quedaban líneas en la superficie final como guía. También hizo un uso exhaustivo y poco habitual, tanto en papel como en yeso, de una «aguja ciega», marcando líneas que dejaban sólo una hendidura, pero ninguna marca. Estas pueden ser vistas en el muro de La escuela de Atenas y en muchos otros dibujos.n. 10 Los Cartones de Rafael, como diseños para tapices que eran, fueron completamente coloreados con pintura al temple, y fueron enviados a Bruselas para ser tejidos.
En las últimas obras pintadas por el taller, los dibujos son a menudo mucho mejores que la pintura.74 La mayor parte de sus dibujos son bastante detallados, incluso los bocetos iniciales con figuras desnudas están cuidadosamente hechos, y los posteriores dibujos de preparación tienen un alto nivel de acabado, con sombreados y, a veces, zonas iluminadas en blanco. Carecían de la libertad y la energía de algunos de los bocetos de Leonardo o de Miguel Ángel, pero siempre muy satisfactorios desde el punto de vista estético. Fue uno de los últimos artistas en utilizar de manera habitual un dispositivo metálico, aunque también supo hacer un soberbio uso de la técnica más libre del carbón rojo o negro.75 En sus últimos años fue uno de los primeros artistas en usar modelos femeninos para dibujos preparatorios, aunque cabe mencionar que habitualmente se usaban hombres para estudio de ambos sexos. («Garzón»).
Las técnicas son dispares: lápiz, sanguina, pluma, punta de plomo o de plata, bistre, albayalde, acuarela, trazos netos o esfumados, sobre papel blanco o coloreado.
Grabados[editar]
Rafael no hizo directamente los grabados, sino que buscó la colaboración de Marcantonio Raimondi para reproducirlos a partir de sus dibujos, colaboración que dio lugar a muchos de los grabados italianos más afamados del siglo y que marcó la evolución de este arte. Este interés por los grabados no es habitual entre los grandes maestros; de sus contemporáneos, sólo Tiziano, quien trabajó con Raimondi, pero de una forma menos satisfactoria.76 77 Se hicieron alrededor de cincuenta planchas, algunas copiando pinturas conocidas de Rafael, pero otras aparentemente sobre diseños originales expresamente pensados por el maestro. Parte de estos dibujos preparatorios se ha perdido, y su existencia se conoce solamente porque Raimondi los trasladó al grabado.78 79
Los grabados originales más famosos surgidos de esta colaboración fueron Lucrecia, el Juicio de Paris y La masacre de los Inocentes (del que fueron grabadas dos versiones prácticamente idénticas). Entre los grabados basados en pinturas cabe destacar El Parnaso (con diferencias considerables respecto a la original)80 y Galatea. Fuera de Italia, los de Raimondi y otros fueron la principal vía de divulgación del arte de Rafael hasta el siglo XX. Baviero Carocci, llamado por Vasari «Il Baviera»,n. 11 un ayudante a quien Rafael confiaba su dinero,81 se quedó en posesión de muchas de las planchasn. 12 después de la muerte del artista, y tuvo éxito en la nueva ocupación de editor de grabados.
Vida privada y muerte[editar]

La Fornarina, amante de Rafael.n. 13 82
Rafael vivía en Borgo, con bastante lujo y en un palacio diseñado por Bramante. Nunca se casó, pero en 1514 se comprometió con María Bibbiena, sobrina del cardenal Médici. Parece que su amigo, el cardenal, forzó el compromiso, y que la falta de entusiasmo del artista no hizo posible los esponsales antes de su muerte en 1520.83 Se ha dicho que tuvo varias relaciones amorosas, pero mientras vivió en Roma gozó de una relación permanente con Margherita Luti, «La Fornarina», llamada así por ser hija de un panadero (fornaio en italiano) de origen sienés llamado Francesco Luti, que vivía en la Via del Governo Vecchio.
Fue nombrado mayordomo del Papa León X, lo que le daba un cierto estatus ante la corte y unos ingresos adicionales, así como también, caballero de la Orden Papal de la Espuela Dorada. Vasari afirma que estos nombramientos, y al igual que los muchos encargos hechos por estos, pudieron ser motivo y explicación del retraso de su casamiento.83 Según Vasari, su prematura muerte en un Viernes Santo (6 de abril de 1520, posiblemente el día de su aniversario treinta y siete) fue debido a una noche en la cual tuvo excesivas relaciones sexuales con «La Fornarina», tras lo cual enfermó con fiebre, y al no confesarle a los doctores la verdadera causa, no le fue administrado el cuidado correcto, lo que le causó la muerte.n. 14 84 85 Fuese cual fuese la causa, en la agudización de su enfermedad, que duró quince días, pudo recibir la extremaunción y puso sus cosas en orden. Dictó su testamento, mediante el cual dejó suficiente dinero para manutención de su amante, confiado a su leal sirviente Baviera, y dejó la mayor parte del contenido de su taller a Giulio Romano, a Penni y a un desconocido sacerdote de Urbino que era pariente suyo. Cumpliendo su solicitud, fue enterrado en el Panteón de Roma.86
La biografía de Vasari, dice que nació en Viernes Santo, y que en 1483, ese día fue el 28 de marzo. Esto significa que si Rafael efectivamente nació y murió en Viernes Santo, en realidad no murió el día de su cumpleaños, ya que el Viernes Santo de 1520 fue 6 de abril.n. 15 Su funeral fue grandioso y acudió una gran multitud. La inscripción en su sarcófago de mármol, un pareado elegíaco escrito por Pietro Bembo, dice:87
ILLE HIC EST RAPHAEL TIMVIT QVO SOSPITE VINCI RERVM MAGNA PARENS ET MORIENTE MORI
Puede traducirse como "Aquí yace Rafael, por el que en vida temió ser vencida la naturaleza, y al morir él, temió morir ella."
Y el conde Baldassare Castiglione escribió sobre su muerte de esta forma:88
"Por haber sanado con su arte médica el cuerpo herido de Hipólito y por haberlo sacado de las aguas estigias, el mismo Epidauro fue hundido en las aguas estigias. Así el precio de la vida supuso la muerte del artífice. Tú también, Rafael, mientras recomponías con admirable talento Roma mutilada en todo su cuerpo y el cadáver de la ciudad desgarrado por el hierro, el fuego y los años, y mientras devolvías a la vida su antigua dignidad, moviste la envidia de los de arriba y la Muerte se indignó de que pudieras devolver el alma a lo ya extinguido y de que tú despreciando su ley de nuevo reparases lo que el lento paso del tiempo había hecho desaparecer. Así, infeliz, rota tu primera juventud, ay, caíste recordándonos que todos nosotros y lo nuestro ha de morir."

Baldassare Castiglione
Relación con otros autores[editar]
Rafael y Leonardo[editar]
El retrato de Rafael que copia más directamente el modelo de la Gioconda es el de Maddalena Doni: el mismo corte con el busto entero, la misma articulación en el espacio, la misma evidencia de las manos en primer término. Ahora bien, la lectura comparada de las dos obras evidencia una profunda distancia en la concepción. Leonardo, al regresar a Florencia, llevaba consigo el fruto de los estudios milaneses sobre la realidad fenoménica y una actitud de tipo "científico", con base en la cual la indagación sobre la realidad estaba exenta de cualquier certeza "a priori". Rafael llegaba a Florencia después de la experiencia de Urbino, que había desarrollado en él la concepción del arte como evidencia de la verdad representada en la perfección de la forma geométrica. El joven se mide con el más viejo Leonardo.89
Rafael y Miguel Ángel[editar]
Mientras Rafael trabajaba en la estancia de la Signatura, Miguel Ángel estaba dando vida, en la bóveda de la antigua capilla Sixtina, al otro monumento fundamental de la pintura renacentista. La comparación entre las dos obras es inevitable, aunque a decir verdad ya en los años florentinos Rafael había tenido ocasión de razonar sobre la interpretación miguelangeliana de la forma, extrayendo eficaces sugerencias. Pero en Roma, algunas figuras de la bóveda de la stanza della Segnatura, en particular las personificaciones de las Virtudes, están concebidas según una monumentalidad nueva, plasmadas en gigantescos altorrelieves, articuladas en posturas construidas por líneas quebradas, alejadas del flujo armónico del ritmo clásico propio de Rafael. La cuestión es cómo el artista pudo ver la bóveda de Miguel Ángel, que fue descubierta después de la conclusión de la stanza della Segnatura. Vasari cuenta que Rafael, con la complicidad de Bramante, habría aprovechado una breve ausencia de Miguel Ángel para subir a los andamios de la Sixtina; otras versiones cuentan que el Papa Julio II permitió el acceso a Rafael a la sala. Pero el relato no es creíble; es más probable que las Virtudes fueran realizadas después de un descubrimiento parcial de la Sixtina. 90
Rafael y Durero[editar]
La Roma de los papas, donde Rafael ocupa una posición de gran prestigio, es el escenario ideal para que la obra del pintor supere los límites de su propia actividad y llegue a otros ámbitos más lejanos. En ese sentido debe considerarse la relación con el gran pintor alemán Alberto Durero, testimoniada por una serie de documentados intercambios epistolares, fechados en 1515. Ese año Rafael envía a Durero un dibujo para la Batalla de Ostia, sobre el que el propio Durero anota en alemán:
"Rafael de Urbino, que ha sido tan estimado por el papa, ha hecho estas figuras desnudas y las ha enviado a Alberto Durero a Nuremberg, para mostrarle un trabajo de su mano".

Alberto Durero
Entre los dos artistas se produce un intercambio de ensayos; de este modo, el pintor alemán envía un autorretrato a la grisalla y algunos grabados, que despiertan el interés de Rafael por esa técnica, en la que hizo especializarse a su alumno Marcantonio Raimondi. No se han documentado relaciones más precisas, pero el análisis de algunas obras de los dos artistas revela ese intercambio recíproco. 91
Influencia[editar]
Gozó de la admiración de sus contemporáneos, aunque su influencia en el desarrollo del arte en su siglo fue menor que la de Miguel Ángel. El manierismo, que comenzó más o menos en el tiempo de su muerte, y el barroco posterior, llevaron el arte en una «dirección completamente opuesta» a las cualidades rafaelinas;92 «con la muerte de Rafael, el arte clásico —el Alto Renacimiento—se hundió», según manifiesta Walter Friedlander.93 Sin embargo, pronto fue considerado como modelo ideal para aquellos que detestaban los excesos del manierismo:
La opinión ... generalmente mantenida a mediados del siglo XVI era que Rafael representaba el pintor idealmente equilibrado, universal en su talento, completo en todos los sentidos, y respetuoso con todas las reglas que supuestamente debían gobernar las artes, mientras que Miguel Ángel era el genio excéntrico, más brillante que otros artistas en su campo particular, el dibujo del desnudo masculino, pero desequilibrado y carente de ciertas cualidades, como la gracia y la contención, esenciales para un gran artista. Quienes, como Dolce y Pietro Aretino, que sostenían este punto de vista fueron generalmente los supervivientes del Humanismo Renacentista, incapaces de apoyar a Miguel Ángel por su deriva manierista.n. 16 95
Las composiciones de Rafael han sido siempre admiradas y estudiadas, y se han convertido en «joya» del arte académico. El período de mayor influencia se extendió desde finales del siglo XVII hasta finales del siglo XIX, en que fueron muy admirados tanto su perfecto equilibrio como su decoro. Fue visto como el modelo perfecto de la historia de la pintura, y al mismo tiempo era considerado como el más elevado de la jerarquía de géneros. Sir Joshua Reynolds, en su obra Discursos, alabó su «simple, grave y majestuosa dignidad» y dijo que «se sitúa como el principal de los primeros [sobre los mejores] pintores», especialmente por sus frescos (entre los que incluía los Cartones) , mientras que «Miguel Ángel reclama el siguiente lugar. No poseía tantas cualidades excelsas y descomunales como Rafael, pero las que poseyó eran del más alto nivel». Haciéndose eco de las opiniones del siglo XVI expresadas anteriormente, Reynolds concluye:
La excelencia de este hombre extraordinario radica en el decoro, belleza y majestad de sus personajes, la juiciosa organización de su composición, la corrección del dibujo, la pureza de gusto y la talentosa adaptación de contribuciones ajenas a sus propios objetivos . Nadie le superó en este juicio, en saber unir la propia observación de la naturaleza, la energía de Miguel Ángel y la belleza y simplicidad del arte antiguo. Por tanto, a la pregunta de quién debería ostentar el primer puesto, Rafael o Miguel Ángel, debería contestarse, que si fuese a concederse a quien posee cualidades en el arte superiores a cualquier otro, no hay duda de que Rafael es el primero. Pero si, según Longinos, lo sublime, considerado como la mayor obra que el hombre puede conseguir, compensa abundantemente la ausencia de cualquier otra belleza y neutraliza cualquier otra deficiencia, entonces Miguel Ángel pediría la preeminencia.96
Reynolds mostraba menos entusiasmo por las pinturas de caballete de Rafael, pero la ligera sentimentalidad que desprenden las hizo muy populares durante el siglo XIX: «Nos hemos acostumbrado a ellas desde la infancia, a través de un enorme número de reproducciones, cosa jamás hecha por algún otro artista...» escribió Wölfflin, quien había nacido en 1862, sobre la obra Las Vírgenes del florentino. En Inglaterra, en el siglo XIX, la Hermandad Prerrafaelista reaccionó explícitamente en contra de su influencia (y también en contra de la de sus admiradores, como «Sir Sploshua»), en busca de un retorno hacia los estilos anteriores a su «nefasta» influencia. Según John Ruskin:
La maldición de las artes en Europa vino de esta cámara [la Stanza della Segnatura], provocada en gran parte por las grandes cualidades del hombre que había marcado el inicio del declive. La perfección de la ejecución y la belleza formal características de su obra y de la de sus contemporáneos hicieron del acabado de la ejecución y la belleza de la forma del objeto clave de todos los artistas, y desde entonces la ejecución fue considerada más importante que la idea, y la belleza más importante que la verdad.
Y como os decía, estas son las dos causas secundarias del declive del Arte, siendo la primera de ellas la pérdida del propósito moral. Hay que expresarse claramente. En el arte medieval, la idea es el elemento principal, la ejecución en segundo lugar, en el arte moderno la ejecución es el elemento más importante, y la idea el segundo. Y nuevamente, en el arte medieval la verdad es el elemento más importante, la belleza va en segundo lugar, en el arte moderno la belleza es el elemento principal, y la verdad el segundo. Los principios medievales hicieron ascender el arte hacia Rafael, y los principios modernos lo hicieron descender desde él.97
Todavía en el siglo XX fue considerado por críticos como Bernard Berenson como el «más famoso y más querido maestro del Alto Renacimiento»,98 pero todo indica que en este siglo fue superado en aprecio por Miguel Ángel y Leonardo.

Ha recibido 33 puntos

Vótalo:

Gian Lorenzo Bernini (1598/1680)

8. Gian Lorenzo Bernini (1598/1680)

Gian Lorenzo Bernini (Nápoles, 7 de diciembre de 1598 - Roma, 28 de noviembre de 1680) fue un escultor, arquitecto y pintor italiano.1 Trabajó principalmente en Roma y es considerado el más destacado escultor de su generación, creador del estilo escultórico barroco.2 Bernini poseía la habilidad... Ver mas
Gian Lorenzo Bernini (Nápoles, 7 de diciembre de 1598 - Roma, 28 de noviembre de 1680) fue un escultor, arquitecto y pintor italiano.1 Trabajó principalmente en Roma y es considerado el más destacado escultor de su generación, creador del estilo escultórico barroco.2
Bernini poseía la habilidad de crear en sus esculturas escenas narrativas muy dramáticas, de captar unos intensos estados psicológicos y también de componer conjuntos escultóricos que transmiten una magnífica grandeza.3 Su habilidad para tallar el mármol llevó a que fuera considerado un digno sucesor de Miguel Ángel, muy por encima de sus coetáneos y especialmente de sus grandes rivales, Alessandro Algardi y Francesco Borromini. Su talento se extendió más allá de la escultura y fue capaz de sintetizar de manera brillante la escultura con la pintura y la arquitectura en un todo conceptual y visual coherente.4 Hombre profundamente religioso que puso su arte al servicio de la Contrarreforma,5 Bernini empleó la luz como un destacado recurso metafórico que completa sus obras, en ocasiones con puntos de iluminación invisibles que intensifican el foco de la adoración religiosa6 o amplifican el dramatismo de la narrativa escultórica.
Bernini fue también uno de los mejores arquitectos del barroco romano, junto con sus contemporáneos Francesco Borromini y Pietro da Cortona. Al principio de sus carreras, todos trabajaron en el Palacio Barberini, pero después compitieron por los encargos de grandes obras y desarrollaron una feroz rivalidad, particularmente Bernini y Borromini.7 8 A pesar de la indiscutible calidad de Borromini y Da Cortona, Bernini gozó del favor de los papas Urbano VIII (1623–44) y Alejandro VII (1655–65) y por tanto se aseguró el proyecto más importante de la Roma de su tiempo, la basílica de San Pedro del Vaticano. El diseño de la Plaza de San Pedro que se abre ante la basílica es uno de sus proyectos arquitectónicos más innovadores y alabados.
Durante su extensa carrera, Bernini recibió numerosos encargos de gran relevancia, varios de ellos por parte del papado. A temprana edad llamó la atención del cardenal nepote Scipione Caffarelli Borghese, sobrino del Papa, y en 1621, con sólo 23 años, fue nombrado caballero por el Papa Gregorio XV. Realizó las obras más destacadas durante el pontificado de Urbano VIII y aunque no tuvo tanta preeminencia durante Inocencio X, volvió a gozar del favor de los pontífices Alejandro VII y Clemente IX.
La reputación del legado de Bernini disminuyó durante el Neoclasicismo, que despreciaba el arte barroco. Hubo que esperar hasta el siglo XIX para que, durante la búsqueda de una comprensión del contexto en el que trabajó Bernini, se reconocieran sus logros artísticos y se restaurara su reputación. En opinión del historiador del arte Howard Hibbard, durante el siglo XVII «no hubo escultores o arquitectos comparables a Bernini».9
Índice [ocultar]
1 Orígenes y aprendizaje
2 Primeras obras y consagración
3 La protección de los papas
3.1 El papado Barberini
3.2 Inocencio X
3.3 Alejandro VII
4 Obra
4.1 El retrato
4.2 La restauración
4.3 Arquitectura
4.4 Monumentos
4.5 Esculturas
5 Museos que albergan sus obras
6 Referencias
7 Bibliografía
8 Enlaces externos
Orígenes y aprendizaje[editar]
Bernini nació en 1598 en Nápoles, ciudad natal de su madre, Angelica Galante. Su padre era el escultor Pietro Bernini, nacido en la Toscana, en la población de Sesto Fiorentino, que se había trasladado a Nápoles para trabajar en las obras de la Cartuja de San Martín. En la ciudad conoció a Angelica Galante, con la que se casó. La familia, cuando Gian Lorenzo tenía seis años, se trasladó a Roma, donde Pietro trabajaba bajo la protección del cardenal Scipione Caffarelli-Borghese, a quien muestra el precoz talento de Gian Lorenzo.
La Roma de inicios del siglo XVII era una ciudad de un fervor artístico excepcional, novedoso y revolucionario, que acogía artistas de toda Europa en una continua confrontación de ideas y experiencias artísticas. En este ambiente trabajaron maestros como Caravaggio, Annibale Carracci o Peter Paul Rubens, quienes abrieron la senda del Barroco.
Recibió las primeras enseñanzas de su padre, el escultor manierista Pietro, cuya influencia se notaría en las primeras obras de Gian Lorenzo. A su lado el joven Bernini aprendería la organización de un taller colectivo (en el futuro dirigirá muchos) y la fusión interna de un proyecto arquitectónico con la iconografía, la escultura y la pintura.
Pietro Bernini, se instaló en Roma el año 1605 para trabajar en las obras de Paulo V. Realizó, entre otras, el relieve de La Asunción de la Virgen en el baptisterio de la basílica de Santa María la Mayor. También participó en la construcción de la Capilla Paulina, proyectada por Flaminio Ponzio para albergar la tumba de los papas Paulo V y Clemente VIII.
Primeras obras y consagración[editar]

Apolo y Dafne (1622–25).
Las obras de Bernini revelaron ya desde un principio su enorme talento. En su primera fase estilística, Bernini demuestra un interés y un respeto absoluto por la escultura helenística, en obras que imitaban a la perfección el estilo antiguo.
Son de este período el Ángel con el dragón y el Fauno che scherza con gli Amorini. En cambio, obras creadas en solitario por Gian Lorenzo son La Cabra Amaltea en 1615, y los dos retratos en busto de Santoni y de Giovani Vigevano para sendas iglesias.
Entre 1621 y 1625 Bernini realizaría cuatro obras que lo consagrarían como un maestro de la escultura y le darían fama. Se trata de los cuatro Grupos Borghesianos, cuatro grupos escultóricos basados en temas mitológicos y bíblicos encargados por el cardenal Borghese.
Las obras en cuestión eran Eneas, Anquises y Ascanio, basado en la Eneida, el Rapto de Proserpina, el David y Apolo y Dafne. Son obras monumentales que marcarían una nueva dirección en la carrera de Bernini. Las cuatro permanecen actualmente en la Galería Borghese de Roma.
La protección de los papas[editar]
Durante su vida, Bernini gozó del favor y la protección de siete papas, para los que realizó numerosas obras. Sin embargo fueron tres los que mayores obras le encargaron.
El papado Barberini[editar]
1623 fue un año crucial para la suerte de Roma, también desde el punto de vista artístico. Maffeo Barberini fue elegido papa con el nombre de Urbano VIII, un pontífice ambicioso, amante de las artes y gran admirador de Bernini, al cual le otorgó el cargo de el arquitecto de Dios. Le consideraba el artista ideal para realizar sus proyectos urbanísticos y arquitectónicos, para dar forma y expresión a la voluntad de la Iglesia de representarse a sí misma con fuerza triunfante, a través de obras espectaculares, con un marcado carácter comunicativo, persuasivo y celebrativo.

Baldaquino de la Basílica de San Pedro.
El primer encargo de Bernini fue, en 1623, la estatua de Santa Bibiana, en la Iglesia de Santa Bibiana en Roma, que incluía el proyecto de la fachada y una estatua de la santa en un momento de éxtasis. Aquí se da un giro hacia una mayor expresividad, con efectos acentuados de claroscuro, que dialogan con la pintura de Pietro da Cortona, otro protagonista del Barroco romano.
La asociación artística de Urbano VIII con su artista predilecto, culminará en la Basílica de San Pedro: la basílica surgida sobre el lugar del martirio del apóstol San Pedro, que representaría el renacimiento de la Iglesia y su reivindicación moral y espiritual tras la crisis del siglo anterior.
El papa deseaba que el nuevo altar estuviese cubierto por un enorme baldaquino de bronce, construido entre los años 1624 y 1633, y coronado con el emblema barberiano. Se apoya en cuatro gigantescas columnas salomónicas, que acaban en volutas y racimos naturalísticos. Se inspiraba en baldaquinos provisionales utilizados durante la cuaresma u otras fiestas, pero esta vez plasmado en bronce de forma permanente.
En 1627 comienza la construcción del Mausoleo de Urbano VIII, terminado con varios años de retraso. Fue colocado en posición simétrica respecto al de Paulo III, el papa del Concilio de Trento, donde inició la reforma que el actual papa reclamaba haber concluido. Está inspirado en la Tumba Médicis de Miguel Ángel, con la estatua del papa en lo alto. La mayor innovación es que la muerte aparece representada como un esqueleto que rinde honores a la figura del papa.
En 1630 comienzan las obras del Palacio Barberini, comenzadas por Carlo Maderno. Contó con la colaboración de Francesco Borromini, que pronto se convertirá en su rival.
Inocencio X[editar]

Éxtasis de Santa Teresa (1647-1652), en la capilla Cornaro de la iglesia de Santa María de la Victoria de Roma.
En 1644 comienza el papado de Inocencio X, mucho más austero por la crisis económica de los Estados Pontificios tras el tratado de Westfalia. Ese mismo año sufriría la demolición del campanario de la fachada de la basílica de San Pedro, por problemas de estabilidad. Sus detractores le acusaron de incompetencia técnica, mientras el papa le daba su apoyo. Coincidiría también con el ascenso de artistas rivales como Francesco Borromini o Carlo Rainaldi.
En estos años realizaría una de sus obras cumbres, el éxtasis de Santa Teresa. También realizaría la famosa Fuente de los Cuatro Ríos, en la Plaza Navona de Roma, y la escultura La Verdad, actualmente en la Galería Borghese.
Alejandro VII[editar]
Con la elección de Fabio Chigi como Alejandro VII en 1655, vuelve a haber un papa humanista, que como Maffeo Barberini 30 años antes se rodea de arquitectos para la ejecución de ambiciosos proyectos urbanísticos, como la reordenación de la Piazza del Popolo.

Plaza de San Pedro.
En San Pedro termina la decoración interior con la espectacular Cátedra de San Pedro, situada en el fondo del ábside, un relicario que contiene la cátedra paleocristiana. Sostenida por estatuas de los Padres de la Iglesia Católica, como símbolo de la sabiduría y de la autoridad papal. La paloma simboliza el Espíritu Santo.

Gian Lorenzo Bernini en 1665, pintado por Giovanni Battista Gaulli.

Lapida de la tumba de Bernini en la Basílica de Santa María la Mayor.
Al exterior construye una columnata elíptica, espacio dedicado a ceremonias religiosas públicas, que representa el abrazo de la iglesia a todo el pueblo. Las obras de San Pedro culminaron con la Scala Regia, la entrada oficial al palacio apostólico, utilizando una columnata fugada que, flanqueando la escalinata, corrige la irregularidad del muro y crea la ilusión visual de una escalera de mayores dimensiones.
Para la familia Chigi construye dos iglesias: la colegiata de Ariccia y la de Castel Gandolfo. También edificó la Iglesia de Sant'Andrea en el Quirinal, encargada por Camilo Pamphili, una iglesia pequeña de planta elíptica con la entrada en el eje menor y un óculo en el centro.
Bernini era ya un artista de fama internacional, y en 1664 el ministro Colbert durante el reinado de Luis XIV, convence al papa para que le ceda a su artista predilecto. Así, en 1665 Bernini parte para Francia, con el encargo de reestructurar el palacio del Louvre. Fue recibido como un príncipe, sin embargo la experiencia francesa duró tan solo seis meses. Su estilo no gustaba a los comisionados franceses, que prefirieron encargar el trabajo a Claude Perrault. Sí que realizó, a pesar de todo, un Retrato ecuestre de Luis XIV.
Uno de los últimos grandes trabajos encargados por Alejandro VII, fue la escultura del Sepulcro de Alejandro VII, un monumento meditativo e íntimo que representa a Alejandro VII, arrodillado y humilde, acosado por La Muerte, figura que le muestra un reloj de arena, recuerdo de que algún día el tiempo se acabará. Contiene cuatro figuras alegóricas: la Caridad, la Verdad, la Prudencia y la Justicia.
Obra[editar]
El retrato[editar]

Autorretrato (c. 1635), Galería Uffizi.
A lo largo de su vida realizó numerosos retratos de papas, reyes y nobles, que le reportaron fama y riqueza. Les solía retratar a la heroica, realzando la expresión y magnificencia. Él mismo confesó inspirarse para ello en Rafael.
La restauración[editar]
La base de la formación artística de Bernini fue el estudio de la tradición grecorromana. Sus restauraciones revelan el gusto por la precisión, por la interpretación original del helenismo y el respeto por la integridad de la obra, como en el Hermafrodito. En la restauración de Ares Ludovidisi en 1627 se aprecia perfectamente la intervención de Bernini por el diferente color y tratamiento del mármol.
Arquitectura[editar]

Iglesia de San Andrés del Quirinal.
Es el arquitecto más representativo de todo el barroco italiano. Sus características como arquitecto barroco fueron:
Dar mucha importancia a lo decorativo, tanto en el interior como en el exterior.
Los elementos constructivos (columnas, pilastras, etc.) se multiplican, pero con función decorativa, siendo su único fin dar ritmo arquitectónico.
Frontones, entablamientos, etc. se rompen, las curvas se compenetran con líneas rectas, buscando siempre presiones dinámicas.
En las iglesias prefiere las plantas centralizadas, fundamentalmente la planta ovalada (pequeñas iglesias).
Plaza de San Pedro
Iglesia de Sant'Andrea en el Quirinal
Capilla del marqués Raimondi en San Pietro in Montorio, Roma
Colegiata de Ariccia
Iglesia de San Tomás de Villanova (Ariccia)
Palacio Montecitorio
Palacio Chigi Odescalchi
Scala Regia del Vaticano
Escalera convexa del Atrio de la Iglesia de San Francisco, en Quito (Ecuador)10
Monumentos[editar]

Fuente de los Cuatro Ríos.
El arte de Bernini estaba basado en la arquitectura, la escultura y el urbanismo, que se fundían en el teatro. Bernini fue un escenógrafo muy apreciado, utilizaba todos los recursos disponibles para sorprender al público con efectos ilusionistas, reutilizados después en su arquitectura. Esto se aprecia en conjuntos monumentales que combinan las figuras esculpidas, ubicadas en un escenario arquitectónico.
Baldaquino de San Pedro (1624) - Bronce, en parte dorado, Basílica de San Pedro, Ciudad del Vaticano
Sepulcro de Urbano VIII (1627-1647) - Bronce dorado y mármol, figuras a tamaño mayor que el natural, Basílica de San Pedro, Ciudad del Vaticano
Sepulcro de Alejandro VI
Cátedra de San Pedro
Elefante Obeliscoforo (1667-1669) - Mármol, Plaza de Santa Maria sopra Minerva, Roma
Capilla Chigi en Santa Maria del Popolo
Capilla Cornaro
Altar del Santísimo Sacramento
Capilla Raimondi
Fuente de los Cuatro Ríos (1648-1651) - Travertino y mármol, Plaza Navona, Roma
Fuente de la Barcaccia
Fuente del Tritón
Esculturas[editar]

Busto del cardenal Richelieu (1641). Museo del Louvre.

Éxtasis de la beata Ludovica Albertoni (1671-1674).

Busto del rey Luis XIV (1665). Palacio de Versalles.
En sus primeras obras Bernini respetaba fielmente los cánones clásicos, a la vez que se observaba la influencia manierista de su padre. Sin embargo, su estilo muestra una evolución en los cuatro grupos Borghesianos, donde aparece con fuerza la creatividad del artista.
En estas composiciones el artista plasma el momento culminante del drama, mostrando la gracia y la expresión de los personajes. Pero sobre todo, lo que fascina de estas obras es el virtuosismo, la naturalidad, el efecto de materialidad y de claroscuro. Por otro lado, resulta novedosa la relación de las esculturas con el espacio circundante, ya que están concebidas para ser observadas desde un punto determinado, no para ser rodeadas y vistas desde cualquier ángulo.
Como ejemplo de su maestría con la piedra, durante los trabajos del busto de Scipione Borghese, apareció un defecto en el mármol. Borghese aceptó no posar durante varios días, ignorando que en ese tiempo esculpiría un busto idéntico desde cero.
San Lorenzo de la Retícula (Martirio de San Lorenzo) (1614-1615) - Mármol, 66 x 108 cm, Colección Contini Bonacossi, Florencia
La Cabra Amaltea (1615) - Mármol, Galería Borghese, Roma
San Sebastián (h. 1617) - Mármol, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid (depósito de la sociedad Omicron)
Eneas, Anquises y Ascanio (1618-1619) - Mármol, altura 220 cm, Galería Borghese, Roma
Rapto de Proserpina (1621-1622) - Mármol, altura 295 cm, Galería Borghese, Roma
Apolo y Dafne (1622-1625) - Mármol, altura 243 cm, Galería Borghese, Roma
David (1623-1624) - Mármol, altura 170 cm, Galería Borghese, Roma
San Longino (1631-1638) - Mármol, altura 450 cm, Basílica de San Pedro, Ciudad del Vaticano
Busto de Scipione Borghese (1632) - Mármol, altura 78 cm, Galería Borghese, Roma
Busto de Costanza Bonarelli (h. 1635) - Mármol, altura 70 cm, Museo Nacional del Bargello, Florencia
Busto del Cardenal Richelieu (1640-1641) - Mármol, Museo del Louvre, París
La Verdad (1645-1652) - Mármol, altura 280 cm, Galería Borghese, Roma
Éxtasis de Santa Teresa (1647-1652) - Mármol, capilla Cornaro, Santa Maria della Vittoria, Roma
Daniel y el león (1650) - Mármol, Santa Maria del Popolo, Roma
Busto di Francesco I d'Este (1650-1651) - Mármol, altura 107 cm, Galería Estense, Módena
Constantino (1654-1670) - Mármol, Palacios Pontificios, Ciudad del Vaticano
Habacuc y el ángel (1655) - Terracota, altura 52 cm, Museo Sacro, Museos Vaticanos, Ciudad del Vaticano
Busto de Luis XIV (1665) - Mármol, altura 80 cm, Museo Nacional de Versalles, Versalles
Ángel con la corona de espinas (1667-1669) - Mármol, tamaño mayor que el natural, Sant'Andrea delle Fratte, Roma
Busto di Gabriele Fonseca (1668-1675) - Mármol, más grande que el natural, San Lorenzo in Lucina, Roma
Luis XIV a Caballo (1669-1670) - Terracota, altura 76 cm, Galería Borghese, Roma
Éxtasis de la beata Ludovica Albertoni (1671-1674) - Mármol, capilla Altieri-Albertoni, San Francesco a Ripa, Roma
Museos que albergan sus obras[editar]
Galería Borghese en Roma
Galería Uffizi de Florencia
Museo del Louvre
National Gallery de Londres
National Gallery of Art de Washington
National Gallery of Scotland de Edimburgo
Victoria and Albert Museum
Kunsthalle de Hamburgo
Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid
Museo Metropolitano de Arte de Nueva York

Ha recibido 29 puntos

Vótalo:

Leonardo da Vinci (1452/1519)

9. Leonardo da Vinci (1452/1519)

Leonardo da Vinci (Leonardo di ser Piero da Vinci Loudspeaker.svg escuchar) (nacido el 15 de abril de 1452 en Vinci2 y fallecido el 2 de mayo de 1519 en Amboise) fue un polímata florentino del Renacimiento italiano. Fue a la vez pintor, anatomista, arquitecto, paleontólogo,3 artista, botánico... Ver mas
Leonardo da Vinci (Leonardo di ser Piero da Vinci Loudspeaker.svg escuchar) (nacido el 15 de abril de 1452 en Vinci2 y fallecido el 2 de mayo de 1519 en Amboise) fue un polímata florentino del Renacimiento italiano. Fue a la vez pintor, anatomista, arquitecto, paleontólogo,3 artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista. Murió acompañado de su fiel Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos, diseños y pinturas.2 Tras pasar su infancia en su ciudad natal, Leonardo estudió con el célebre pintor florentino Andrea de Verrocchio. Sus primeros trabajos de importancia fueron creados en Milán al servicio del duque Ludovico Sforza. Trabajó a continuación en Roma, Bolonia y Venecia, y pasó los últimos años de su vida en Francia, por invitación del rey Francisco I.
Frecuentemente descrito como un arquetipo y símbolo del hombre del Renacimiento, genio universal, además de filósofo humanista cuya curiosidad infinita solo puede ser equiparable a su capacidad inventiva,4 Leonardo da Vinci es considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y, probablemente, es la persona con el mayor número de talentos en múltiples disciplinas que jamás ha existido.5 Como ingeniero e inventor, Leonardo desarrolló ideas muy adelantadas a su tiempo, tales como el helicóptero, el carro de combate, el submarino y el automóvil. Muy pocos de sus proyectos llegaron a construirse (entre ellos la máquina para medir el límite elástico de un cable),Nota 2 puesto que la mayoría no eran realizables durante esa época.Nota 3 Como científico, Leonardo da Vinci hizo progresar mucho el conocimiento en las áreas de anatomía, la ingeniería civil, la óptica y la hidrodinámica.
Su asociación histórica más famosa es la pintura, siendo dos de sus obras más célebres, La Gioconda y La Última Cena, copiadas y parodiadas en varias ocasiones, al igual que su dibujo del Hombre de Vitruvio, que llegaría a ser retomado en numerosos trabajos derivados. No obstante, únicamente se conocen alrededor de 20 obras suyas, debido principalmente a sus constantes (y a veces desastrosos) experimentos con nuevas técnicas y a su inconstancia crónica.Nota 4 Este reducido número de creaciones, junto con sus cuadernos que contienen dibujos, diagramas científicos y reflexiones sobre la naturaleza de la pintura, constituyen un legado para las sucesivas generaciones de artistas, llegando a ser igualado únicamente por Miguel Ángel.[cita requerida]
Índice [ocultar]
1 Biografía
1.1 Infancia
1.2 Formación en el taller de Verrocchio
1.3 En Milán y al servicio de Ludovico Sforza (1482-1500)
1.4 De Venecia a Florencia (1501-1508)
1.5 De Milán a Roma
1.6 Últimos años en Francia
2 Relaciones e influencias
2.1 Leonardo en Florencia: maestros y contemporáneos
2.2 Asistentes y alumnos
2.3 Vida privada
3 Obra
3.1 Pintura
3.1.1 Primeras obras
3.1.2 Década de 1480
3.1.3 Década de 1490
3.1.4 Década de 1500
3.1.5 Dibujos
3.2 Escultura
4 Leonardo como observador, científico e inventor
4.1 Libros de notas
4.2 Estudios científicos
4.3 Anatomía y medicina
4.4 Ingeniería e inventos
5 Véase también
6 Notas
7 Referencias
8 Bibliografía
9 Enlaces externos
Biografía
Infancia

Leonardo da Vinci.6
Nació el sábado 15 de abril de 1452 «en la tercera hora de la noche», es decir, tres horas después del Ave María: a las diez y media.7 No es seguro si su nacimiento tuvo lugar en el castillo de Vinci, ciudad a unos 25 km en línea recta de Florencia, o bien en la casa materna de Anchiano, una pedanía a unos dos kilómetros de Vinci.Nota 5 Leonardo, descendiente de una rica familia de nobles italianos, fue hijo ilegítimo: su padre, messer Piero Fruosino di Antonio —un notario, canciller y embajador de la República de Florencia—, dejó embarazada a Caterina, una humilde joven de familia campesina,8 9 de quien se dice que pudo ser una esclava de Oriente Medio.10
Leonardo, o Lionardo según su nombre de bautizo,7 fue bautizado y pasó sus cinco primeros años en la casa de su padre en Vinci,7 donde fue tratado como un hijo legítimo.11 Tuvo cinco madrinas y cinco padrinos, todos ellos habitantes del pueblo.7 En este lugar, Leonardo recibió instrucción, aprendió a leer y a escribir, y adquirió conocimientos de aritmética. Sin embargo, prácticamente no aprendió latín, base de la enseñanza tradicional. El hecho de que tuviese una ortografía caótica muestra que su instrucción no estuvo exenta de lagunas; en todo caso no fue la de un universitario.12
En aquella época, las convenciones modernas en los nombres de personas no se habían desarrollado todavía en Europa, por lo que únicamente las grandes familias hacían uso del apellido patronímico. La gente del pueblo solía ser designada por su nombre, al que se le adjuntan todo tipo de precisiones útiles: el nombre del padre, el lugar de origen, un apodo, el nombre del maestro en el caso de los artesanos, etc. Por consiguiente, el nombre del artista fue «Leonardo di ser Piero Da Vinci», cuyo significado es «Leonardo, hijo del maestro Piero De Vinci»; sin embargo, el término «Da» lleva una mayúscula para denotar que se trata de un apellido.7 El propio Leonardo firmaba simplemente sus obras como «Leonardo» o «Io, Leonardo» («Yo, Leonardo»), así que la mayoría de las autoridades atribuyen sus obras a «Leonardo» sin el «da Vinci». Es verosímil que se abstuviera de emplear el apellido de su padre porque era un hijo ilegítimo. «Vinci» proviene de «vinchi», denominación que reciben unas plantas similares a los juncos, que crecen en el entorno del arroyo Vincio y que eran utilizadas por los artesanos toscanos.7
En 1457, cuando Leonardo tenía cinco años, su madre se casó con Antonio di Piero Buti del Vacca da Vinci, un campesino de la localidad, con el que tuvo cinco hijos.7 Fue acogido entonces en la casa de la familia de su padre en el pueblo de Vinci. Entre tanto, el padre se había casado con una joven de dieciséis años proveniente de una familia rica de Florencia, Albiera degli Amadori.7 Ésta, al no tener hijos, volcó su afecto en Leonardo, pero murió siendo muy joven debido a complicaciones de parto, en 1464.7 Aunque era considerado plenamente desde su nacimiento como hijo de su padre, Leonardo nunca fue reconocido formalmente como un hijo legítimo. Su padre se casó hasta cuatro veces, dándole diez hermanos y dos hermanas menores legítimos.7 De estas relaciones, el pequeño Leonardo tuvo un muy buen vínculo con la última mujer de su padre, Lucrezia Guglielmo Cortigiani, afecto que se evidencia en una nota en donde se dirige a ella como «querida y dulce madre».7
Su abuela paterna, Lucia di ser Piero di Zoso, una ceramista próxima a Leonardo, fue probablemente la persona que le inició en las artes.7 Un conocido presagio refiere que un milano venido del cielo había hecho un vuelo estacionario sobre su cuna, tocando su cara con la cola.13 14 Giorgio Vasari, biógrafo del siglo XVI de los pintores del Renacimiento, cuenta en Le Vite (1568), la historia de un campesino local que pidió a ser PieroNota 6 que su talentoso hijo le pintara una imagen sobre una placa. Leonardo pintó entonces una representación de un dragón escupiendo fuego, tan bien realizada que ser Piero la vendió a un mercader de arte florentino, quien a su vez la revendió al duque de Milán. Tras haberse así beneficiado con la venta, ser Piero compró una placa decorada con un corazón atravesado por una flecha, la cual entregó al campesino.15
Formación en el taller de Verrocchio
Artículo principal: Andrea del Verrocchio

Bautismo de Jesús. Óleo sobre madera de Verrochio (1470–1480). Leonardo trabajó de manera particular en los ángeles del lado izquierdo.
El joven Leonardo era un amante de la naturaleza, que observaba con gran curiosidad. Dibujaba caricaturas y practicaba la escritura especular en dialecto toscano. Giorgio Vasari cuenta una anécdota sobre los primeros pasos en la carrera artística del gran artista: «un día, ser Piero tomó algunos de sus dibujos y se los mostró a su amigo Andrea del Verrocchio y le pidió insistentemente que le dijera si Leonardo se podría dedicar al arte del dibujo y si podría conseguir algo en esta materia. Andrea se sorprendió mucho de los extraordinarios dones de Leonardo y le recomendó a ser Piero que le dejara escoger este oficio, de manera que ser Piero resolvió que Leonardo entraría a trabajar en el taller de Andrea. Leonardo no se hizo rogar; y, no contento con ejercer este oficio, realizó todo lo que se relacionaba con el arte del dibujo». Fue así como, a partir de 1469, Leonardo entró como aprendiz a uno de los talleres de arte más prestigiosos bajo el magisterio de Andrea del Verrocchio, a quien debe parte de su excelente formación multidisciplinaria, en la que se aproxima a otros artistas como Sandro Botticelli, Perugino y Domenico Ghirlandaio.13 16 En efecto, a finales de 1468, aunque Leonardo estaba empadronado como residente del municipio de Vinci, viajaba muy a menudo a Florencia, donde su padre trabajaba.7
Verrocchio era un artista de renombre,17 y muy ecléctico. De formación era orfebre y herrero,16 pero además fue pintor, escultor y fundidor. Trabajó sobre todo para el poderoso Lorenzo de Médici.18 Leonardo trabajó también con Antonio Pollaiuolo, que tenía su taller muy cerca del de Verrocchio.
Después de un año dedicado a la limpieza de los pinceles y otras pequeñas actividades propias de un aprendiz, Verrocchio inició a Leonardo en las numerosas técnicas que se practicaban en un taller tradicional. Así, en este contexto, Leonardo tuvo la oportunidad de aprender las bases de la química, de la metalurgia, del trabajo del cuero y del yeso, de la mecánica y de la carpintería, así como de diversas técnicas artísticas como el dibujo, la pintura y la escultura sobre mármol y bronce.19 20 Igualmente, recibió formación en habilidades como la preparación de los colores, el grabado y la pintura de los frescos. Al darse cuenta del talento excepcional que tenía Leonardo, Verrocchio decidió confiarle a su alumno terminar algunos de sus trabajos.

Paisaje del valle del Arno. Este dibujo a pluma, el más antiguo que conservamos de Leonardo, está fechado de su puño y letra empleando escritura especular: «El día de Nuestra Señora de las Nieves, 5 de agosto de 1473».21 Se ha identificado la comarca reproducida en él como una región montañosa próxima a Vinci. Al dorso aparece la anotación «Estoy satisfecho [...]».21 Galería Uffizi, Florencia.
La formación recibida durante su aprendizaje en el taller de Verrochio va más allá y se extiende a otros ámbitos culturales. Estudió cálculo algorítmico y mostró el buen conocimiento que tenía citando a los dos abaquistas florentinos más relevantes, Paolo dal Pozzo Toscanelli y Leonardoo Chernionese.12 Posteriormente, Leonardo mencionó la Nobel opera de arithmética de Piero Borgi, impresa en Venecia en 1484, y que representa perfectamente el saber de estas escuelas de abaquistas.12
No se conoce la existencia de ninguna obra de Leonardo durante la época en que trabajó con Verrocchio. Según Vasari, únicamente colaboró en una pintura llamada Bautismo de Cristo (1472-1475).15 Por otra parte, según la leyenda, Verrocchio abandonó la terminación de la obra 22 cuando se sintió superado por la calidad del joven Leonardo, que dejó su toque magistral en un pequeño ángel presente en la obra.11 También, de acuerdo con la tradición de que era el aprendiz quien debía posar,8 Leonardo habría servido de modelo para el David de Verrocchio, una estatua en bronce. Del mismo modo, también se supone que es el retrato de Leonardo el que representa al arcángel Rafael en la obra Tobías y el ángel del taller de Verrocchio.8
En 1472, a la edad de veinte años, apareció registrado en el Libro rojo del Gremio de San Lucas, el gremio de los artistas y doctores en medicina, que en Florencia se agrupaba con la denominación de la "Campagnia de pittori". De esta época deriva uno de sus primeros trabajos conocidos, el Paisaje del valle del Arno o Paisaje de Santa Maria della neve (1473), un dibujo hecho con pluma y tinta.23 Fue así como comenzó su carrera de pintor con obras ya destacables como La Anunciación (1472-1475), y mejoró la técnica del sfumato hasta un punto de refinamiento nunca conseguido antes de él.
En el año 1476, siempre aparece mencionado como ayudante de Verrocchio, ya que, incluso después de que su padre le ayudase a tener su propio taller, él continuó colaborando con Verrocchio debido a que le profesaba un gran afecto.13 Durante este período, recibió encargos personales y pintó su primer cuadro, La Virgen del clavel (1476). El archivo judicial de este mismo año recoge el dato de que él y tres hombres más fueron acusados en un caso de sodomía, práctica que en aquella época en Florencia era ilegal, pero todos fueron absueltos.24 Este documento, que partía de una acusación anónima, no permite afirmar categóricamente que Leonardo fuera homosexual.24
Pronto Leonardo también destacó como ingeniero. En 1478, se ofreció para levantar la iglesia octagonal de San Juan de Florencia.12 En ese año Leonardo contaba con 26 años, y fue cuando se alejó de lado de su maestro después de haberlo superado brillantemente en todas las disciplinas. De esta manera se convirtió en un maestro pintor independiente.
En Milán y al servicio de Ludovico Sforza (1482-1500)

La Adoración de los magos (ca. 1481-1482). En marzo de 1481 Leonardo recibió el encargo de este óleo (hoy en la Galería Uffizi de Florencia) de los monjes de San Donato de Scopeto, en Florencia. El administrador del monasterio era el padre de Leonardo, y es muy probable que indujese a los monjes a contratar a su hijo.21
En 1481 el monasterio de San Donato le encargó la Adoración de los magos, pero Leonardo nunca acabó éste cuadro, probablemente decepcionado o humillado por no haber sido elegido por el papa Sixto IV para decorar la capilla Sixtina del Vaticano, en Roma, donde había una fuerte competencia entre varios pintores.25 El neoplatonismo, que en aquel tiempo estaba de moda en Florencia, pudo desempeñar también un importante papel en la decisión de su marcha a una ciudad más abierta, académica y pragmática como Milán.25 Probablemente en éste nuevo entorno estaba más en consonancia con su espíritu, que se basaba en un desarrollo empírico de sus múltiples experimentos.
Leonardo pintó La Virgen de las Rocas (1483-1486) para la confraternidad de la Inmaculada Concepción, que iría a la capilla San Francesco el Grande de Milán. Este cuadro fue el origen de un conflicto entre el autor y los propietarios que duró varios años.25 Leonardo obtuvo el derecho de poder copiar la obra, pero posteriormente se inició un problema legal con esto.26 El problema no se resolvió hasta que hubo decisiones judiciales y la intervención de algunos amigos, terminando con dos versiones de la obra.

Estudio de un caballo de Leonardo. Los dibujos o bosquejos hechos por él resaltaban su magnífico arte. Éste es considerado un predecesor del dibujo del valle Arno.25
En Florencia el trabajo de Leonardo no pasó inadvertido. Lorenzo de Médici se enteró de que Leonardo había creado una lira de plata en forma de cabeza de caballo. Impresionado por la calidad de su trabajo, envió a Leonardo con ella a Milán como emisario florentino, y también para que trabajara para el mecenas y duque de Milán, Ludovico Sforza. El objetivo de esta maniobra era el de mantener buenas relaciones con este importante rival.27 Probablemente fue acompañado por el músico Atalante Migliorotti.25 Además le escribió una carta al duque, carta que se encuentra en el Codici Atlántico, y en la que describe las numerosas y variadas habilidades de Leonardo en el ámbito de la ingeniería y le informa de que también es pintor.28 16 Por ello la principal ocupación de Leonardo a partir de entonces fue la de ingeniero, siguiendo la tradición de los ingenieros que le precedieron. Leonardo aparecía en la lista de los ingenieros de los Sforza y cuando fue enviado a Pavía, el 21 de junio de 1493, lo hizo con el título de «ingéniarius ducalis».12 Sforza le encargó la realización de diversas tareas, dándole el mítico título de «Apeles florentino», reconocimiento reservado únicamente a los grandes pintores.25 De esta manera se dedicó a «organizar fiestas y espectáculos con decoraciones suntuosas» en el palacio e inventando tramoyas que maravillaban al público, como en la boda de Ludovico Sforza y Beatriz de Este y para la de Ana Sforza y Alfonso I de Este. También pintó varios retratos de la corte de Milán. Este contacto de Leonardo con las élites ilustradas de Milán fue importante porque le hicieron darse cuenta de las lagunas que había en su formación.12
Se ocupó tanto del estudio para la cúpula de la Catedral de Milán, como de la realización de la versión en arcilla para el molde de «Il Cavallo», una imponente estatua ecuestre en honor de Francisco I Sforza, el padre de Ludovico Sforza. Iba a hacerse con setenta toneladas de bronce, hecho que constituía una verdadera proeza técnica para la época.29 La estatua permaneció inacabada durante varios años.13 Cuando Leonardo acabó la versión en arcilla para el molde y ya tenía hechos los planes para el proceso de fundición, el bronce fue utilizado para la fabricación de cañones, puesto que hubo que defender la ciudad de la invasión de Carlos VIII de Francia.16
En 1490 participó en una especie de congreso de arquitectos e ingenieros, reunidos para debatir algunos aspectos del acabado de la cúpula de la catedral de Milán. Allí conoció a un ingeniero de renombre, Francesco di Giorgio Martini, que le recomendó ir a Parma a consultar con Giovanni Antonio Amadeo y Luca Fancelli, para aclarar determinados aspectos de la construcción de la catedral.12 En esta época Leonardo reflexionó sobre proyectos técnicos y militares. Mejoró los relojes, el telar, las grúas y muchas otras herramientas. Estudió también el urbanismo y propuso planos de ciudades ideales. Se interesó por la disposición hidráulica y un documento de 1498 lo cita como ingeniero y encargado de los trabajos en ríos y canales.12 En 1495 una lista detallada de los gastos relativos a un funeral sugieren la muerte de su madre Caterina.30 13
Hacia 1490 creó una academia que llevaba su nombre, en la que durante unos años enseñó sus conocimientos, anotando todas sus investigaciones en pequeños tratados. Pintó el fresco de la La última cena (1494-1498) para el convento dominico de Santa Maria delle Grazie.13 En 1496 llegó a Milán Luca Pacioli y estableció una gran amistad con Leonardo, que realizó para él las tablas que se grabaron en su obra La Divina proportione.12 Un poco más tarde, en 1498, construyó el techo del castillo de los Sforza.25
En 1499 las tropas de Luis XII de Francia conquistaron el Ducado de Milán destituyendo a Ludovico Sforza, que huyó a Alemania con su sobrino Maximiliano I.31 El 6 de octubre entró en la ciudad Luis XII y reivindicó sus derechos a la sucesión de los Visconti.31 Leonardo se encontró una mañana con que los franceses estaban usando su modelo de arcilla a escala real del caballo de la estatua ecuestre de Francisco Sforza como blanco para sus entrenamientos de tiro, quedando totalmente destruida.32 Luis XII consideró la posibilidad de cortar el muro donde se encontraba La última cena para llevársela a Francia, como también lo pensó Napoleón Bonaparte siglos más tarde.25 Con la caída de los Sforza Leonardo quedó al servicio del conde de Ligny, Luis de Luxemburgo, que le pidió que preparase una relación sobre el estado de la defensa militar de la Toscana.12 El 14 de diciembre Leonardo hizo depositar 600 florines en el Hospital de Santa Maria Nuova de Florencia, que actuaba como banca. El retorno inesperado de Ludovico Sforza modificó sus proyectos y huyó de Milán con su asistente Salai y el matemático Luca Pacioli.

Leonardo creó La última cena, su mejor obra, la más serena y alejada del mundo temporal, durante esos años caracterizados por los conflictos bélicos, las intrigas, las preocupaciones y las calamidades. La dio por terminada, aunque él, eterno insatisfecho, declaró que tendría que seguir trabajando en ella. Fue expuesta a la vista de todos y contemplada por muchos. La fama que el «gran caballo»Nota 7 había hecho surgir se asentó sobre cimientos más sólidos. Desde ese momento se le consideró sin discusión uno de los primeros maestros de Italia, si no el primero. Los artistas acudían desde muy lejos al refectorio del convento de Santa Maria delle Grazie, miraban la pintura con detenimiento, la copiaban y discutían. El rey de Francia, al entrar a Milán, acarició la idea de desprender el fresco de la pared para llevárselo a su país. Durante su realización se tejieron innumerables leyendas en torno al maestro y a su obra. Los relatos de Bandello y Giraldi, dedicados por lo demás a temas radicalmente distintos, recogen también la génesis de La Última Cena.21 25 12 13
De Venecia a Florencia (1501-1508)
En marzo de 1499, Leonardo trabajó como arquitecto e ingeniero militar para los venecianos que querían construir protecciones en su ciudad.8 13 Por este motivo, elaboró sistemas para defender la ciudad de un posible ataque naval de los turcos y, entre sus propuestas, destaca la invención de un tipo de escafandra submarina con un casco rudimentario. Los turcos no atacaron y el invento nunca fue utilizado. A finales de abril, volvió a Florencia y allí, después de hacer un estudio sobre los cursos de agua en el Friuli, propuso un sistema de esclusas para hacer posible el levantamiento del curso del río Isonzo y así poder inundar toda una región que cubría las cercanías de Venecia.12

La batalla de Anghiari de Peter Paul Rubens es una de las copias de la obra original de Leonardo. Retoma «La lucha por el estandarte», parte central del fresco de Leonardo.
Regresó a Venecia en abril de 1500 para permanecer ahí durante un par de meses después de haber estado en Mantua en compañía del fraile matemático Luca Pacioli. En Mantua destacó por un retrato que hizo a Isabel de Este. Una carta del 4 de abril de 1501 en la que Pierre de Nuvola responde a la duquesa de Mantua, en relación a Leonardo afirma que «sus estudios matemáticos lo han alejado de la pintura»; Leonardo continuaba llevando a cabo grandes investigaciones.12 En 1501, recibe en el convento de la Santissima Annunziata la aprobación para hacer un boceto preparatorio de lo que sería La Virgen y el Niño con santa Ana y san Juan Bautista, una obra que provocó tal admiración que «hombres y mujeres, jóvenes y viejos» acudían a observarla «como si estuvieran participando en un gran festival».15 33 Realizó una breve estancia en Roma, en la villa Adriana, en Tívoli.31 Estuvo trabajando en la Virgen de los husos, un encargo de Florimond Robertet, el secretario de Estado de Luis XII de Francia.31
En 1502, fue solicitado por el príncipe César Borgia, duque de Valentinois e hijo del papa Alejandro VI, y obtuvo el cargo de «capitán e ingeniero general».8 Se quedó en las Marcas y en la Emilia-Romaña para inspeccionar las fortalezas y los territorios recientemente conquistados, llenando sus cuadernos de múltiples observaciones, cartas, croquis de trabajo y copias de obras consultadas en las bibliotecas de las ciudades que él visitaba.12 Allí se reencontró con Nicolás Maquiavelo, «espía» de Florencia al servicio de los Borgia.
El 18 de octubre de 1503, regresó a Florencia, donde ejerció las funciones de arquitecto e ingeniero hidráulico.12 Se volvió a inscribir en el gremio de San Lucas y le dedicó dos años (1503-1505) a la preparación y ejecución de La batalla de Anghiari, una pintura mural imponente de siete por diecisiete metros,8 31 mientras Miguel Ángel pintaba La batalla de Cascina en la pared opuesta.31 Las dos obras se han perdido. La obra de Miguel Ángel se ha conocido a partir de una copia de Aristotole da Sangallo de 1542,34 y la pintura de Leonardo la conocemos a partir de croquis preparatorios y de varias copias de la sección central, de las cuales sin duda la más destacada es la de Rubens.8 Parece ser que las causas de la alteración de la obra fueron el fuego que se utilizó para secar más rápidamente la pintura o la calidad del material usado; posteriormente fue recubierta, probablemente por un fresco de Giorgio Vasari.31
A menudo, se consultaba a Leonardo como experto, por ejemplo, para estudiar la estabilidad del campanario de San Miniato al Monte y en el momento de la elección del emplazamiento del David de Miguel Ángel,31 sobre lo cual su opinión se oponía a la de éste. Fue en este período cuando presentó a la ciudad de Florencia su proyecto de desviación del río Arno, destinado, por una parte, a crear una vía navegable capaz de conectar a Florencia con el mar y, por otra, a permitir el control de las terribles inundaciones.12 Este período fue importante para la formación científica de Leonardo.
De Milán a Roma

La Monalisa es el retrato que más literatura ha generado a lo largo de toda la historia del arte; ha dado origen a cuentos, novelas, poemas y hasta óperas. Fue una obra famosa desde el momento de su creación; el joven Rafael bebió en ella. Su sonrisa ha hecho correr ríos de tinta. Se ha visto en ella crueldad y se le ha considerado la sonrisa despiadada de la mujer que esclaviza al hombre. Otros se han sentido deslumbrados por su encanto, por su dulzura. Para Walter Pater simboliza el «espíritu moderno con todos sus rasgos patógenos».12 Existe también una explicación más prosaica, fundada en las propias anotaciones de Leonardo: el maestro hizo aflorar esa expresión a su modelo con el tañido del laúd.31 Citemos a Vasari: «Monalisa era muy bella y Leonardo, mientras pintaba, procuraba que siempre hubiese alguien cantando, tocando algún instrumento o bromeando. De esta manera, la modelo se mantenía de buen humor y no adoptaba un aspecto triste, fatigado [...]».15
En 1504, volvió a trabajar en Milán que, en aquella época, se encontraba bajo el control de Maximiliano Sforza gracias al apoyo de los mercenarios suizos. Muchos de los alumnos y los interesados en la pintura conocieron o trabajaron con Leonardo en Milán; entre ellos, cabe destacar a Bernardino Luini, Giovanni Antonio Boltraffio y Marco d'Oggiono.Nota 8 Su padre murió el 9 de julio y Leonardo fue apartado de la herencia debido a su ilegitimidad; sin embargo, más tarde su tío haría de él su heredero universal.31 El mismo año, Leonardo realizó estudios anatómicos e intentó clasificar sus innumerables notas. También es la época en que empieza a trabajar en La Gioconda (1503-1506, y después 1510-1515) obra habitualmente considerada como un retrato de Lisa Gherardini o, por el nombre de casada, Monna Lisa del Giocondo. Sin embargo, hay numerosas interpretaciones sobre este cuadro que aún son motivo de debate y discusión.
En 1505, se dedicó a estudiar el vuelo de los pájaros, y también redactó el Códice sobre el vuelo de los pájaros.35 A partir de entonces, observaciones, experiencias y reconstrucciones se sucedieron con mucha intensidad.12 Un año más tarde, el gobierno de Florencia le permitió reunirse con el gobernador francés de Milán, Carles d'Amboise, que lo retuvo con él pese a las protestas por parte de Florencia. Leonardo quedó en medio de disputas entre franceses y toscanos, y fue presionado por el tribunal para que acabara La Virgen de las rocas con su alumno Ambrogio de Predis, mientras se encontraba trabajando en La batalla de Anghiari.31
En 1507, Leonardo quedó como único heredero de su tío Francesco, pero los hermanos de Leonardo empezaron un procedimiento para modificar el testamento.31 Leonardo apeló a Charles d'Amboise y a Florimond Robertet para que intervinieran en su favor;31 Luis XII regresó a Milán y Leonardo se convirtió de nuevo en el organizador de las fiestas que se celebraban en la capital lombarda.
En 1508, vivió con el escultor Giovanni Francesco Rústica en casa de Piero di Braccio Martelli, en Florencia,36 pero luego se marchó y se fue a vivir a Milán, en la Porta Orientale, en la parroquia de Santa Babila.8 Luis XII volvió pronto a Italia y en mayo de 1509 entró en Milán. Pronto dirigió sus ejércitos contra Venecia y Leonardo siguió al rey en calidad de ingeniero militar, y asistió a la batalla de Agnadel.12 En 1511, murió el gobernador Charles d'Amboise y, en 1512, tras la batalla de Rávena, Francia se marchó del territorio italiano. Este segundo período milanés le permitió a Leonardo profundizar en sus investigaciones de ciencia pura. En 1509, la aparición de De expendentis te fugiendis rebus de Giorgio Valla tuvo una gran influencia sobre él.12
En septiembre de 1513, Leonardo da Vinci se fue a Roma, donde trabajó para el papa León X, miembro de la rica y poderosa familia de los Médicis. En aquellos momentos, en el Vaticano, Rafael y Miguel Ángel tenían mucho trabajo.8 Ante el éxito de Sangallo, Leonardo no recibió más que encargos modestos y parece que no participó ni en la construcción de las numerosas fortalezas romanas, poco relevantes, y ni en el embellecimiento de la capital. Tampoco tuvo éxito su pintura y se refugió en otra especialidad, quizá su preferida, la hidráulica, y realizó un proyecto de secado de las Lagunas Pontinas, que pertenecían al duque Juliano II de Médicis.12 En 1514, realizó la serie de los Diluvios, que fue una respuesta parcial a la gran obra que Miguel Ángel desarrolló en la bóveda de la Capilla Sixtina.
«Los Médici me han creado, los Médici me han destruido», escribió Leonardo, sin duda para subrayar las decepciones de su estancia en Roma. Pensó que nunca se le dejaría mostrar su capacidad con la realización de un encargo importante. Probablemente también era conocida su inestabilidad, su fácil desánimo y su dificultad para finalizar lo que había empezado.12
Últimos años en Francia

Anciano pensativo. Hay quien considera que este dibujo es el último autorretrato de Leonardo. Biblioteca Real, Windsor.
En septiembre de 1515, el nuevo rey de Francia, Francisco I, reconquistó Milán tras vencer en la batalla de Marignan.37 En noviembre del mismo año, Leonardo diseñó un nuevo proyecto sobre la disposición del barrio de Médici en Florencia. El 19 de diciembre, estuvo presente en la reunión entre Francisco I y el papa León X que se celebró en Bolonia.13 38 39 Francisco I le encargó a Leonardo un león mecánico que pudiera andar y con el detalle de que el pecho se abriera para mostrar la flor de lis.15 No se sabe para qué ocasión fue concebido este león, pero puede tener relación con la llegada del rey a Lyon, o con las conversaciones de paz entre el rey y el papa.Nota 9
En 1516 se marchó a Francia junto con su ayudante, el pintor Francesco Melzi, y quizás también con Salai;36 su nuevo mecenas y protector, el rey de Francia Francisco I, los instaló en la casa donde éste vivió en su niñez, el Castillo de Clos-Lucé, cerca del castillo de Amboise. Fue el «primer pintor, primer ingeniero y primer arquitecto del rey»,11 y recibió una pensión de 10.000 escudos.8 En la corte francesa estaban más interesados por el pintor que por el ingeniero, lo cual en Italia era lo más valorado.12 El hecho de que Francisco I le diera el castillo de Clos-Lucé se puede entender como un mensaje a Leonardo para que «hiciera lo que él quisiera». No fue el primer artista en recibir este honor, pues Andrea Solario y Giovanni Giocondo lo habían precedido unos años antes.36 El rey estaba fascinado con Leonardo y lo consideró como un padre. La casa y el castillo de Amboise estaban conectados por un paso subterráneo que permitía al soberano rendir visita al artista y hombre de ciencia con total discreción. Leonardo proyectó el palacio real de Romorantin, que Francisco I pretendía erigir para su madre Luisa de Saboya: sería una pequeña ciudad, para la cual previó el desvío de un río que la enriqueciera con agua y fertilizase la campiña vecina. En 1518 participó en las celebraciones del bautizo del Delfín y de las bodas de Lorenzo de Médici con una sobrina del rey francés. Ese mismo año Salai abandonó a Leonardo y retornó a Milán, donde más adelante (el 19 de enero de 1524) perecería en un duelo.12
El 23 de abril de 1519, Leonardo, enfermo desde hacía varios meses, redactó su testamento ante un notario de Amboise. Pidió un sacerdote para confesarse y recibir la extremaunción.15 Murió el 2 de mayo de 1519,8 12 15 31 36 en Cloux, a la edad de 67 años. La tradición cuenta que murió en brazos de Francisco I, pero probablemente esto se basa en una interpretación errónea de un epígrafe redactado por Giorgio Vasari:
LEONARDUS VINCIUS: QUID PLURA? DIVINUM INGENIUM, DIVINA MANUS, EMORI IN SINU REGIO MERUERE. VIRTUS ET FORTUNA HOC MONUMENTUM CONTINGERE GRAVISSIMIS IMPENSIS CURAVERUNT
Leonardo de Vinci, ¿qué más se puede decir? Su genio divino y su mano divina le merecieron expirar sobre el pecho de un rey. La virtud y la fortuna velan, premio a los grandes gastos, en este monumento que le corresponde.
Giorgio Vasari.15

Tumba de Leonardo da Vinci en la capilla de Saint-Hubert, en Amboise, Francia.
Este epígrafe, que nunca se ha visto escrito en ningún monumento, contiene las palabras sinu regio, que pueden significar, en el sentido literal «sobre el pecho de un rey», pero también, en un sentido metafórico, «en el afecto de un rey», y puede ser una alusión a la muerte de Leonardo en un castillo real.40 En esa época, la corte estaba instalada en el castillo de Saint-Germain-en-Laye, donde, el 31 de marzo, la reina Claudia de Francia dio a luz a Enrique; y el diario de Francisco I no indica ningún viaje del rey hasta el mes de julio. Por otro lado, Francesco Melzi, el discípulo de Leonardo, que heredó sus libros y sus pinceles y que fue depositario de su testamento, le escribió una carta al hermano de Leonardo donde cuenta la muerte de su amo. En ella, no hace ninguna alusión a la circunstancia mencionada, ni a la presencia del rey.41
Según su última voluntad, sesenta mendigos siguieron su séquito y fue enterrado en la capilla Saint-Hubert, en el recinto del castillo de Amboise. Leonardo no se casó nunca, y no tuvo ni esposa ni hijos; legó el conjunto de sus obras para que fueran publicadas por su discípulo preferido, Francesco Melzi, alumno desde los diez años. Le dio sobre todo sus manuscritos, cuadernillos, documentos e instrumentos. Francesco, después de haberlo acompañado durante su estancia en Francia, se quedó con Leonardo hasta su muerte, y administró su herencia durante los cincuenta años posteriores a la muerte de su maestro. Sin embargo, no publicó nada de las obras de Leonardo ni vendió ninguna de las numerosas pinturas, como por ejemplo La Gioconda, que se encontraba todavía en su taller. Los viñedos de Leonardo fueron divididos entre Gian Giacomo Caprotti da Oreno, otro alumno y discípulo muy apreciado por Leonardo que había entrado a su servicio a la edad de quince años, y su sirviente Battista di Vilussis. El terreno fue legado a los hermanos de Leonardo y su sirvienta recibió un bonito abrigo negro.42
La muerte de Leonardo es también el comienzo de la dispersión y la pérdida de dos tercios de los cincuenta mil documentos originales multidisciplinarios redactados en viejo toscano y codificados por él. Cada carné, manuscrito, página, croquis, dibujo, texto y nota fue considerado plenamente como una obra de arte. No han quedado más que unos trece mil documentos, de los cuales la mayoría se conservan en el archivo de la Ciudad del Vaticano. Veinte años después de la muerte de Leonardo, Francisco I le confesó al escultor Benvenuto Cellini:
Nunca ha habido otro hombre nacido en el mundo que supiera tanto como Leonardo, no tanto en pintura, escultura y arquitectura, sino en filosofía.

Mario Lucertini.43
Relaciones e influencias
Leonardo en Florencia: maestros y contemporáneos

Las Puertas del Paraíso de Lorenzo Ghiberti (1425-1452), orgullo de los artistas florentinos, y en la que unos cuantos más participaron.
Artículo principal: Renacimiento
En 1466, cuando Leonardo comenzó su aprendizaje con Andrea del Verrocchio, murió el escultor Donatello, a su vez maestro de Verrocchio. El pintor Paolo Uccello -que había experimentado con la perspectiva e influyó en el desarrollo de la pintura de los paisajes- ya era muy viejo, y los pintores Piero della Francesca y Fra Filippo Lippi, el escultor Luca della Robbia y el arquitecto y escritor Leon Battista Alberti tenían unos 60 años. Los artistas más famosos de la generación siguiente fueron Andrea del Verrocchio, Antonio Pollaiuolo y el escultor Mino da Fiesole.
La juventud de Leonardo se desarrolló en una casa de Florencia en cuyas paredes colgaban las obras de esos artistas y de los contemporáneos de Donatello, Masaccio (cuyos frescos figurativos y realistas están impregnados de emoción) y Lorenzo Ghiberti (cuyas Puertas del Paraíso muestran una gran complejidad compositiva, aunando el trabajo como arquitecto con el esmero en los detalles). Piero della Francesca había hecho un estudio detallado de la perspectiva, y fue el primer pintor en llevar a cabo un estudio científico de la luz. Sus trabajos, así como los tratados de Leone Battista Alberti debieron haber tenido un profundo efecto en los jóvenes artistas, y en particular en el observador Leonardo y en sus obras.44 45 46
La representación del desnudo de Masaccio en La expulsión de Adán y Eva del Paraíso, con un Adán cuyos genitales no estaban cubiertos con una hoja de parra, crea una imagen muy expresiva de las formas humanas que tendría una gran influencia en la pintura, sobre todo por estar representados en tres dimensiones gracias a un novedoso empleo de la luz y la sombra, que Leonardo desarrolló en sus propias obras. El humanismo del Renacimiento y su influencia a través del David de Donatello puede ser apreciado en las pinturas más tardías de Leonardo, en particular, en su San Juan Bautista.44
En aquel tiempo, Florencia estaba dirigida en esa época por Lorenzo de Médici y su joven hermano Juliano (1453-1478), muerto durante la conspiración de los Pazzi. Ludovico Sforza, que gobernó Milán entre 1479 y 1499, y a cuya corte fue enviado Leonardo como embajador de los Médici, era también su contemporáneo.44 45 Es también por intermediación de los Médici que Leonardo tomó contacto con los viejos filósofos humanistas como Marsilio Ficino, adscrito al Neoplatonismo, y Cristóforo Landino, autor de comentarios de obras clásicas. Giovanni Pico della Mirandola estuvo igualmente vinculado a la corte de los Médici.46 47 Leonardo escribió más tarde una nota marginal en su diario: «Los Médici me han creado, los Médici me han destruido»; el significado de ese comentario es todavía motivo de controversia.16
Si bien suelen citarse juntos a los tres gigantes del Renacimiento, Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael, no son de la misma generación. Leonardo tenía 23 años cuando nació Miguel Ángel, y 31 cuando nació Rafael. Rafael murió en 1520, un año después que Leonardo. Cuando falleció Miguel Ángel, Leonardo ya llevaba 45 años de muerto.45 46
Asistentes y alumnos
Artículo principal: Gian Giacomo Caprotti da Oreno

Salai sirvió de modelo para el San Juan Bautista, pintado entre 1513 y 1516. Se ha llegado a considerar que Leonardo tenía una relación con éste.8 15 Sin embargo, era uno de sus alumnos preferidos, lo cual le hacía estar con él casi todo el tiempo.16
Gian Giacomo Caprotti da Oreno,48 llamado «il Salaino» («el diablillo») o Salai, fue descrito por Giorgio Vasari como «un simpático y bello jovencito de cabellos finos y ensortijados, que encantaba a Leonardo».15 Salai entró al servicio de Leonardo en 1490 a la edad de 10 años. Su relación no fue fácil. Un año más tarde, Leonardo hizo una lista de las faltas del joven, y lo calificó de «ladrón», «mentiroso», «obstinado» y de «glotón». El «pequeño diablo» había robado dinero y objetos de valor en al menos cinco ocasiones, y había dilapidado una fortuna en ropa, llegando a comprar veinticinco pares de zapatos.49 Sin embargo, las anotaciones de Leonardo de los primeros años de su relación con el joven contienen numerosas imágenes del adolescente. Salai fue su oficial, sirviente y asistente durante los treinta años siguientes.8
En 1506, Leonardo tomó como alumno a Francesco Melzi, de 15 años, hijo de un aristócrata lombardo. Melzi se convirtió en compañero de la vida de Leonardo, y es considerado su alumno favorito. Permaneció en Francia con Leonardo y Salai, y estuvo con el maestro hasta su muerte.16 Salai abandonó Francia en 1518 y regresó a Milán, donde construyó una casa en el viñedo de una finca de Leonardo que finalmente el pintor dejó en herencia. En 1525, Salai murió violentamente, quizás asesinado o a consecuencia de un duelo.50
Salai ejecutó un cierto número de cuadros bajo el nombre de «Andrea Salai», pero, si bien Giorgio Vasari pretendió que Leonardo «le enseñó muchas cosas sobre la pintura»,15 su obra se considera menos valiosa que la de otros alumnos de Leonardo, como Marco d'Oggiono o Giovanni Antonio Boltraffio. En 1515, pintó una versión desnuda de La Gioconda, llamada «Monna Vanna».51 A su muerte en 1525, la Gioconda propiedad de Salai se tasó en 105 liras, lo que supone un valor excepcionalmente elevado para un retrato de talla pequeña.50
Giovanni Antonio Boltraffio y Marco d'Oggiono formaron parte del taller de Leonardo cuando éste regresó a Milán, teniéndose constancia de la existencia de numerosos alumnos, como Ambrogio de Predis, Bernardino dei Conti, Francesco Napoletano o Andrea Solario, estos últimos menos conocidos.
Vida privada
Artículo principal: Vida privada de Leonardo da Vinci

Estudio de un retrato de Isabel de Este, hacia 1500. Isabel parece haber sido la única amiga de sexo femenino de Leonardo.
Leonardo da Vinci tuvo muchos amigos que gozaron reconocimiento en sus respectivos campos o tuvieron una influencia importante en su época. Por ejemplo, el matemático Luca Pacioli, con el que colaboró en un libro, Cesar Borgia, a cuyo servicio pasó dos años, Lorenzo de Médici o el médico Marcantonio della Torre. Conoció a Nicolás Maquiavelo, con quien tuvo una estrecha amistad, y a su rival Miguel Ángel. Entre sus amistades también se encontraban Franchino Gaffurio e Isabel de Este. Leonardo no pareció haber tenido relaciones estrechas con ninguna mujer, salvo Isabel, de quien hizo un retrato en el transcurso de un viaje que le llevó a Mantua, retrato que parece haber sido la base para un cuadro, hoy perdido.16 Fue también amigo del arquitecto Jacopo Andrea da Ferrara hasta su asesinato.31
Más allá de la amistad, Leonardo guardó su vida privada en secreto. Su vida, sus capacidades extraordinarias de invención, su «excepcional belleza física», su «gracia infinita», su «gran fuerza y generosidad», la «formidable amplitud de su espíritu», tal y como las describe Vasari han despertado la curiosidad.15 Numerosos autores han especulado sobre los diferentes aspectos de la personalidad de Leonardo. Su sexualidad ha sido objeto de estudios y análisis. Esa tendencia comenzó a mediados del siglo XVI y se incrementó en el transcurso de los siglos XIX y XX, pudiéndose destacar entre los estudiosos a Sigmund Freud.52
Las relaciones más íntimas de Leonardo fueron con sus alumnos: Salai y Francesco Melzi. Melzi dejó escrito que los sentimientos de Leonardo eran una mezcla de amor y de pasión. Después del siglo XVI se han descrito esas relaciones como eróticas. A partir de entonces se ha escrito mucho sobre esa presunta homosexualidad y sobre el papel de ésta en su arte, en particular en la impresión andrógina que se manifiesta en su Baco, y más concretamente en alguno de sus dibujos.53
Leonardo fue un apasionado admirador de la naturaleza y los animales, hasta el punto de convertirse en vegetariano.54 y de comprar aves enjauladas para luego ponerlas en libertad.55 Fue también un excelente músico. Es bien conocido que Leonardo era zurdo, lo que explicaría la utilización que hacía de la escritura especular.31
Obra
Pintura
Véanse también: Categoría:Cuadros de Leonardo da Vinci y Cuadros de Leonardo da Vinci.

Cartón de Burlington House.
A pesar de la relativa toma de conciencia y la admiración que Leonardo despertó como científico e inventor en los últimos años, su fama ha descansado sobre sus creaciones como pintor de varias obras, autentificadas o que se le atribuyen, y que han sido consideradas como grandes obras maestras del patrimonio universal.56 Nota 10
Sus pinturas son célebres. Por un lado, han sido copiadas e imitadas por los estudiantes, y por otro han sido el centro de debate y controversia entre los especialistas. Entre las cualidades, cabe destacar las técnicas pictóricas innovadoras que empleó, el sentido de la composición y el uso sutil de los esfumados de colores, el conocimiento profundo de la anatomía humana y animal, de la botánica y la geología, la utilización que hacía de la luz, el interés por la fisonomía, la capacidad de reflejar la forma en que los humanos utilizan el registro de las emociones y las expresiones gestuales. Dominaba sobre todo la técnica del «sfumato» y la combinación de sombras y luces. Todas estas cualidades aparecen reunidas en obras como La Gioconda, La Última Cena y La Virgen de las rocas.57
Primeras obras

Anunciación (Leonardo, Uffizi).
El primer trabajo de Leonardo que se conoce es una parte del Bautismo de Cristo de Verrocchio y sus alumnos. Otra pintura que parece datar de este periodo, es La Anunciación. Uno de ellos es pequeño, 59 centímetros de largo y 14 centímetros de alto. Se trata de un «predela» para ir en la base de una gran composición, en este caso un cuadro de Lorenzo di Credi del cual se ha separado. El otro es un trabajo mucho más grande, 217 centímetros de largo.58 En estas dos Anunciaciones, Leonardo ha representado a la Virgen María sentada o de rodillas a la derecha de la imagen, y un ángel de perfil que se acerca a ella desde la izquierda. Gran parte del trabajo es realizado en el movimiento de la ropa y las alas del ángel. Aunque anteriormente dicho trabajo fue atribuido a Domenico Ghirlandaio, el trabajo es ahora casi universalmente atribuido a Leonardo.59 Entre 1478 y 1482, pintó Madona Benois, una obra que le ha sido atribuida pero es muy debatida en cuanto a su fecha de ejecución. Fechada hacia 1474-1476, otra pintura que ha sido atribuida al pintor florentino es un pequeño retrato, Ginebra de Benci. La Virgen del clavel, cuya fecha de ejecución se presume entre 1478 y 1480, es otra de sus obras de este periodo.
Década de 1480
En la década de 1480, Leonardo recibió dos grandes encargos y comenzó a trabajar para otra obra que fue igualmente de gran importancia en términos de composición. Desgraciadamente, dos de las obras nunca fueron terminadas, y la tercera fue sometida a un proceso de negociación para la finalización y el pago. Uno de estos cuadros fue el de San Jerónimo. Liana Bortolon, asocia este cuadro a un período difícil de la vida de Leonardo, los signos de la melancolía se pueden leer en su diario: «Pensaba que aprendía a vivir, aprendía sólo a morir».13 La fijación audaz e innovadora de la composición de San Jerónimo, con los elementos del paisaje y el drama personal, aparece igualmente en otra gran obra inacabada, la Adoración de los Magos, un encargo de los frailes de San Donato en Scopeto. Fue un cuadro muy complejo, y Leonardo realizó numerosos dibujos y estudios preparatorios, incluyendo uno muy detallado para la perspectiva lineal de una ruina de arquitectura clásica que sirve de fondo a la escena. En 1480, el pintor florentino hizo una obra que ha sido muy famosa, La dama del armiño. Pero, en 1482, a petición de Lorenzo de Médici, Leonardo marchó a Milán para ganar los favores de Ludovico Sforza. De tal manera que abandonó la creación de dicho cuadro.8 60 La tercera obra importante de este período fue La Virgen de las Rocas (de esta obra hubo dos versiones, ambas atribuidas a Leonardo61 ), que fue un encargo de la cofradía de la Inmaculada Concepción de Milán. La pintura serviría para rellenar un gran retablo ya construido,37 y tuvo una elaboración casi tan compleja como la Adoración de los Magos, pese a tener sólo cuatro personajes, y describe un paisaje en lugar de un fondo arquitectónico. El cuadro pudo ser terminado, se hicieron dos versiones de la pintura: la que ha quedado en la capilla de la cofradía, y una segunda versión hecha algunos años más tarde, con el añadido de las aureolas y el bastón de Juan Bautista.
Década de 1490
Entre 1495 y 1498 Leonardo pinta La Última Cena, que representa la última comida compartida por Jesús con sus discípulos; fue ejecutada directamente sobre un muro del convento de Santa Maria delle Grazie en Milán. Trabajaba del alba al crepúsculo sin detenerse para comer, para así dejar de hacerlo los tres o cuatro días siguientes,37 que topó con la incomprensión del prior del convento.31 Es una obra maestra en su concepción y caracterización,31 que ha recibido la admiración de artistas de la talla de Rubens y Rembrandt.25 La obra ha tenido que ser restaurada constantemente debido a la técnica utilizada por Leonardo;Nota 11 al cabo de un tiempo ya fue descrita por un testigo como una obra «totalmente dañada».8 A pesar de todo, es una de las obras de arte más reproducidas.Nota 12 Entre 1499 y 1500, Leonardo pintó Santa Ana, la Virgen, el Niño y san Juanito.
Década de 1500
Entre 1503 y 1506 trabaja en un pequeño retrato, La Gioconda,62 63 64 65 probablemente el cuadro más famoso de la pintura occidental.66 67 La obra representa a Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo. Fue un cuadro muy querido por Leonardo y que tuvo con él hasta su muerte. Su aspecto actual es engañoso debido a una gruesa capa de barnices oscurecidos, cuya eliminación se está demorando por los riesgos que implica. A pesar de ello, es una obra en estado de conservación inusual ya que no tiene ningún signo visible de reparaciones, sobrecapa o repintes, lo cual es un hecho muy raro en una pintura de esta época.8
Otra obra destacable es La Virgen, el Niño Jesús y santa Ana, pintada hacia el 1510, y que ha sido copiada muchas veces. La obra influyó sobre todo en Miguel Ángel, Rafael y Andrea del Sarto,8 y a través de ellos, en Pontormo y Antonio da Correggio. El estilo de la composición ha sido adoptado en particular por pintores venecianos como Tintoretto y Paolo Veronese. Una de las últimas pinturas de Leonardo fue la de San Juan Bautista, en la que usó como modelo a Salai.68
Dibujos

Dibujo preliminar de La Virgen, el Niño Jesús y santa Ana.
Leonardo no fue un pintor prolífico pero, en cambio, fue un dibujante muy productivo; llegó a llenar sus diarios de pequeños croquis y dibujos muy detallados para dejar constancia de todo lo que había atraído su atención. Además de sus notas, existen numerosos estudios de sus pinturas, del que algunas son bocetos preparatorios de obras como Adoración de los Magos, La Virgen de las Rocas y La Santa Cena.69 Su primer dibujo fechado fue Paisaje del valle del Arno de 1473, donde se puede observar el río, las montañas, el castillo Montelupo y, más allá, las explotaciones agrícolas hechas con gran detalle.13 69
Entre los dibujos más célebres está el Hombre de Vitruvio, un estudio de las proporciones del cuerpo humano, el Jefe del ángel, La Virgen de las Rocas y La Virgen, el Niño Jesús con santa Ana y san Juan Bautista, que fue un gran dibujo (160x100 cm) en yeso blanco y negro sobre un papel de color;69 en él utiliza la técnica sutil del «sfumato». Este tema de Santa Ana, junto con el de la Sagrada Familia, predominaría en la obra de Leonardo de 1500 a 1517.31 No parece que Leonardo hubiera hecho ninguna pintura a partir de este dibujo, pero un cuadro bastante próximo es La Virgen, el Niño Jesús y santa Ana.8
Entre otros dibujos de interés cabe destacar numerosos estudios «caricaturescos» que, aunque exagerados, parecen estar basados en la observación de modelos vivos. Vasari refiere que cuando Leonardo veía una persona que tenía una cara interesante, la seguía durante todo el día para poder observarla y dibujar con detenimiento.31 También existen numerosos estudios de jóvenes de gran belleza, con una cara poco habitual, característica del llamado «perfil griego», perfil característico de muchas estatuas griegas; las cuales se han asociado con Salai. Leonardo había pintado a Salai llevando diferentes trajes y disfraces, hay que recordar que Leonardo era famoso por haber creado decoraciones y vestimentas para procesiones tradicionales. Otros dibujos, a menudo minuciosos, muestran estudios sobre ropas. Otro ejemplo de la curiosidad de Leonardo es un dibujo de Bernardo di Bandino, uno de los asesinos de Juliano de Médici en la conspiración de los Pazzi, después de ser colgado en una de las ventanas del Palazzo del Capitano di Giustizia de Florencia, el 29 de diciembre de 1479.70
Escultura
No ha llegado a nuestros días ninguna de sus esculturas. El proyecto escultórico de Leonardo del que más se sabe es el de una estatua ecuestre que representara a Francisco Sforza, padre de Ludovico el Moro. Sobrepasaba en tamaño las otras dos estatuas ecuestres de bronce del Renacimiento: Gattamelata de Donatello en Padua y Bartolomeo Colleoni de Verrocchio en Venecia. Leonardo ejecutó en arcilla el modelo, conocido como el "Gran Caballo". Estaba previsto que fuera una estatua en bronce, de 8 metros de altura, y se alzaría en Milán. Se prepararon 70 toneladas de metal para moldearla. El monumento quedó sin acabar durante varios años, lo que no era inusual en Leonardo.71 En 1495 el bronce se usó para fabricar cañones para el Duque en un intento de salvar Milán de los franceses bajo el reinado de Carlos VIII de Francia en 1495. Por iniciativa privada, se construyó en 1999 en Nueva York una estatua construida según sus planos que fue donada a la ciudad de Milán, donde se erigió.
Leonardo como observador, científico e inventor
Libros de notas

Codex del vuelo de las aves, redactado con escritura especular, 1485-1490.
El humanismo renacentista no ve polaridades mutuamente excluyentes entre la ciencia y las artes. Los estudios de Leonardo en ciencias en ingeniería son tan impresionantes e innovadores como su obra artística, y fueron registrados en sus diarios y cuadernos de notas, que comprenden 13.000 páginas de texto y dibujos, asociando arte y filosofía natural (precedente de la ciencia moderna). Tales notas eran realizadas y puestas al día de manera cotidiana a lo largo de toda la vida y viajes de Leonardo. De manera constante se esfuerza por hacer observaciones del mundo que le rodea,72 consciente y orgulloso de ser, como él se definía, un «iletrado», autodidacta y lúcido observador de fenómenos naturales a menudo alejados de lo que se aprendía en la escuela.25
Estos diarios están en su mayor parte redactados usando escritura especular, también llamada "en espejo", lo que pudo haberse debido más a razones prácticas, por ser este método de escritura más rápido, que a razones de cifrado, como se ha sugerido tantas veces. Dado que Leonardo escribía con la mano izquierda, le resultaba más cómodo hacerlo de derecha a izquierda.
Sus notas y dibujos, estando fechados los más antiguos en 1475,73 muestran una gran variedad de intereses y de preocupaciones, incluso simples listas de la compra o de dinero prestado. Hay composiciones de cuadros, estudios de detalles y de tapices, estudios sobre las expresiones faciales, animales, disecciones, bebés, estudios de botánica y geología, máquinas de guerra, máquinas voladoras y trabajos de arquitectura.72
Estos carnets (inicialmente hojas volanderas de diferentes tamaños y tipos, regalados a su muerte por sus amistades) han encontrado su lugar en colecciones importantes como las expuestas en el Castillo de Windsor, en el Museo del Louvre, en la Biblioteca Nacional de España, en la Biblioteca ambrosiana de Milán, o el Victoria and Albert Museum y la British Library de Londres. La British Library ha puesto en internet una selección (BL Arundel MS 263). El Codex Leicester o Codex Hammer es el único gran trabajo de estas características que se encuentra en manos privadas. Fue comprado por Bill Gates por la cantidad récord de 30.802.500 dólares, en Christie's, Nueva York, 11 de noviembre de 1994
Los diarios de Leonardo parecen haber sido destinados a su publicación, dado que muchas hojas tienen una forma y un orden que facilitan la edición. En muchos casos, un solo tema, por ejemplo, el corazón o el feto humano, están tratados en detalle, tanto en el texto como en los dibujos, en una sola hoja.74 Este modo de organización minimiza igualmente las pérdidas de aquellas hojas que fueron posteriormente distribuidas. La razón por la que no fueron publicadas en vida de Leonardo es todavía desconocida,72 si bien se piensa que pudo deberse a que la sociedad de su época, y especialmente la Iglesia católica, no estaban preparadas para recibir los estudios anatómicos.
Estudios científicos

Estudio sobre las turbulencias.
El método científico de Leonardo se basaba fundamentalmente en la observación, «la ciencia fue el capitán, la práctica fue el soldado».25 Sus investigaciones científicas no se refieren exclusivamente más que a lo que ha estado acompañado de la práctica.12 Leonardo intentó comprender los fenómenos describiéndolos e ilustrándolos con mucho detalle, no insistiendo demasiado en las explicaciones teóricas. Sus estudios sobre el vuelo de los pájaros o el movimiento del agua son sin duda muy destacables. Como le faltaba formación básica en latín y en matemáticas, los investigadores contemporáneos ignoraron al sabio Leonardo; sin embargo, su sorprendente autodidactismo lo llevó a aprender latín solo.
En la década de 1490, estudió matemáticas al lado de Luca Pacioli y realizó una serie de dibujos de sólidos regulares en una forma esquelética para que formaran parte del libro Divina Proportione (1509).16 Estaba fascinado por la idea de lo absoluto y lo universal.25 Sin embargo, su cultura matemática era fundamentalmente práctica, con las limitaciones propias de los abacistes de su tiempo, con algunos conocimientos de la geometría euclidiana, de perspectiva y de mecánica, en la línea de lo que sabían los teóricos de su tiempo. Sin embargo, Leonardo concibió un instrumento con un sistema articulado destinado a permitir una solución mecánica para el problema de Alhazen, una cuestión esencialmente técnica, que testimonia un conocimiento profundo de las propiedades de la cónica.12
Su nivel de física fue bastante limitado, no fue nunca artillero y nunca formuló teoría alguna relativa a la balística. Sin embargo, como lo atestiguan algunos de sus esquemas, Leonardo pudo intuir, como se podía observar en un surtidor de agua, arguyendo que no existía parte rectilínea en la trayectoria de un proyectil de artillería, al contrario de lo que se creía en aquel tiempo. Pero no profundizó en una vía que Tartaglia y Benedetti desarrollaron y que culminó Galileo.12 De igual manera, estudió los temas relacionados con la luz y la óptica;12 y en hidrología, la única ley que llegó a formular tuvo relación con los cursos de agua. En cuanto al ámbito de la química, cabe destacar la puesta a punto de un alambique y algunas investigaciones sobre alquimia que practicó en Roma.31 Si, en arquitectura, Alberti o Francesco di Giorgio se preocuparon por la solidez de las vigas, no lo hicieron desde formulaciones matemáticas como Leonardo, que se interesó por el problema de la flexión y consiguió definir «leyes» aún imperfectas, por ejemplo, en relación a la línea elástica en el caso de vigas de secciones diferentes.Nota 13 Así, eliminaba el módulo elástico y el momento de fuerza al que había aludido Jordanus Nemorarius.12
Anatomía y medicina

Hombre de Vitruvio, dibujado alrededor de 1490

Estudio del embrión humano hecho entre 1510-1513.
La formación inicial de Leonardo sobre anatomía humana comenzó mientras aprendía con Andrea del Verrocchio, quien insistía en que todos sus alumnos tuvieran conocimientos de anatomía.Nota 14 Como artista, pronto fue un maestro de la anatomía topográfica, realizando numerosos estudios sobre músculos, tendones y otras características anatómicas visibles.
Puso las bases de la anatomía científica, diseccionando los cadáveres de los criminales bajo estricta discreción, para evitar la actuación de la Inquisición.Nota 15 Las condiciones de trabajo fueron particularmente penosas debido a los problemas de higiene y conservación de los cuerpos. Como artista reconocido, recibió la autorización para diseccionar cadáveres humanos en el hospital de Santa María Nuova de Florencia y, más tarde, en los hospitales de Milán y de Roma. De 1510 a 1511, colaboró con el médico Marcantonio della Torre y, juntos, compilaron un conjunto de investigaciones sobre anatomía con más de doscientos dibujos hechos por Leonardo; los cuales fueron publicados bajo el título engañoso de Tratado de pintura, en 1680.
Realizó muchos dibujos sobre anatomía humana, de huesos, músculos y tendones, del corazón y el sistema vascular, del sistema reproductivo y otros órganos internos, y gráficos sobre la acción del ojo. Estas observaciones contienen a veces inexactitudes debidas a los conocimientos de la época,11 por ejemplo un estudio hecho por él sobre el flujo sanguíneo.12 Realizó uno de los primeros dibujos de un feto dentro del útero,69 y la primera comprobación científica conocida de la rigidez de las arterias en respuesta a una crisis cardiaca. Como artista, Leonardo observó de cerca los efectos de la edad y de la emoción humana sobre la fisiología, estudiando en particular los efectos de la rabia. Dibujó igualmente numerosos modelos, algunos de ellos con importantes deformaciones faciales o signos visibles de enfermedad.16 69 También estudió la anatomía de numerosos animales. Diseccionó vacas, pájaros, monos, osos y ranas, con el único fin de comparar la estructura anatómica de estos animales con la del hombre. También hizo estudios sobre los caballos.
Ingeniería e inventos

El tornillo aéreo (arriba), 1486, considerado el antecesor del helicóptero. (abajo) Experimento sobre la fuerza de sustentación de un ala.
Cuántas biografías se habrán escrito que sólo mencionan esta actividad científica o técnica para mostrar la extensión de un saber que se pretende universal [...] Todo esto sólo pudo hacerse penosamente, por una búsqueda constante de lo que habían escrito los antiguos o los predecores inmediatos [...]Y a falta de conocer todo este pasado que lo había formado, se ha presentado a Leonardo como un inventor fecundo

Los ingenieros del Renacimiento, Bertrand Gille
Leonardo da Vinci se inscribe en la corriente tecnicista del Renacimiento y, como tal, tuvo predecesores inmediatos o más lejanos. Entre éstos se puede citar a Konrad Kyeser, Taccola, Roberto Valturio, Filippo Brunelleschi, Jacomo Fontana o Leon Battista Alberti, a quien probablemente le debe mucho.12
Algunos de ellos fueron personalidades más potentes, con un espíritu aún más completo y una curiosidad aún más amplia que los de Leonardo. Fue el caso, por ejemplo, de Francesco di Giorgio Martini, que fue su superior durante la construcción del Duomo de Milán y del cual Leonardo tomó muchas cosas.12 Probablemente por estar menos ocupado que Martini debido a una lista menor de pedidos, Leonardo fue a la vez más prolijo y sobre todo capaz de un cambio de método.
Junto a Herón de Alejandría, se considera a Leonardo un precursor importante de un cierto número de máquinas modernas. Sin embargo, más allá del asombro que provoca la imaginación prospectiva del autor, se puede constatar rápidamente que el funcionamiento real de las máquinas no debió ser su principal preocupación. Al igual que el monje Eilmer de Malmesbury, que en el siglo XI olvidó poner una cola a su máquina voladora, los inventos de Leonardo chocan con numerosas dificultades: el helicóptero habría girado sobre sí mismo como una peonza, el buzo se habría asfixiado y el barco de palas nunca habría podido avanzar [...]75 Sin embargo, se ha postulado también que Leonardo introdujo intencionalmente errores específicos en s

Ha recibido 29 puntos

Vótalo:

Arnolfo di Cambio  (1245/1302)

10. Arnolfo di Cambio (1245/1302)

Arnolfo di Lapo, también conocido como Arnolfo di Cambio, (1232 ó 1245 – 1310) fue un arquitecto y escultor florentino. Su obra arquitectónica incluye el proyecto de la catedral de Santa María del Fiore, en Florencia (1294) y la Basílica de Santa Cruz, en la misma ciudad; y la catedral de... Ver mas
Arnolfo di Lapo, también conocido como Arnolfo di Cambio, (1232 ó 1245 – 1310) fue un arquitecto y escultor florentino. Su obra arquitectónica incluye el proyecto de la catedral de Santa María del Fiore, en Florencia (1294) y la Basílica de Santa Cruz, en la misma ciudad; y la catedral de Orvieto en Italia.
Entre sus obra como escultor se cuentan:
Monumento al cardenal Annibaldi (1276)
Estatua de Robert Anjou (1277)
Fuente de los Sedientos, en Perugia, Italia
Tumba del cardenal de Braye, en San Domenico, Orvieto, Italia (1282)
Monumento al Papa Bonifacio VIII (en el Museo de la Opera del Duomo, Florencia)
Biografía[editar]
Se sabe poco tanto de la familia como de los orígenes de Arnolfo, pero parece ser que era hijo del Messer Lapo, notario en Colle di Val d'Elsa.
Arnolfo di Cambio se formó con Nicola Pisano y con él trabajó en el púlpito del Duomo di Siena (1265-1269). en el Arca di San Domenico en la Iglesia de San Domenico de Bolonia y por un periodo breve en la Fontana Maggiore de Perugia.
Después de haber dejado el taller en el 1276 ó 1277 va a Roma para trabajar bajo las órdenes de Carlos de Anjou. De estos años es probablemente el monumento fúnebre del sobrino del cardenal Annibaldi Riccardo Annibaldi.
En el 1282 crea el monumento fúnebre del Cardenal De Braye, fallecido ese mismo año, en la Iglesia de San Domenico en Orvieto.
En Roma el artista estuvo en contacto con las obras de la Antigua Roma, y absorbió las lecciones de los maestros de Cosmati, de los cuales reutilizará las partes decorativas en el baldaquino de la basílica de San Paolo (1285) y de Santa Cecilia in Trastevere (1293). En este periodo en Roma también trabaja en el pesebre de Santa Maria Maggiore, en la Iglesia de Santa Maria en Aracoeli, en el monumento al papa Bonifacio VIII (1300) y en la estatua de San Pedro de la Basilica di San Pietro.
Arnolfo di Cambio, sin querer, había ideado el primer portal de Belén esculpiendo en el 1283 ocho estatuillas que representaban a los personajes de la natividad y los Magos. Las esculturas del primer pesebre de la Historia, inicialmente insertadas en el monumento a Bonifacio VIII, en la Cripta de la Capilla Sixtina, se encuentran (aquello que todavía se conserva) en Roma, en la Basílica de Santa Maria Maggiore.
En el bienio 1294-1295 fue a Florencia, deonde desarrolla posiblemente su actividad como arquitecto. Giorgio Vasari le atribuye el proyecto urbanístico de la ciudad de nueva fundación de San Giovanni Valdarno.
En Colle di Val d'Elsa, su ciudad natal, no ha dejado ningún resto de su arte.

Ha recibido 28 puntos

Vótalo:

Donato Bramante (1444/1514)

11. Donato Bramante (1444/1514)

Donato di Pascuccio d'Antonio o Donato di Angelo di Antonio, conocido como Bramante (Fermignano, c. 1443/1444 - Roma, 1514) fue un pintor y arquitecto italiano, que introdujo el estilo del primer Renacimiento en Milán y el «Alto Renacimiento» en Roma, donde su obra más famosa fue el planeamiento... Ver mas
Donato di Pascuccio d'Antonio o Donato di Angelo di Antonio, conocido como Bramante (Fermignano, c. 1443/1444 - Roma, 1514) fue un pintor y arquitecto italiano, que introdujo el estilo del primer Renacimiento en Milán y el «Alto Renacimiento» en Roma, donde su obra más famosa fue el planeamiento de la Basílica de San Pedro.
Tuvo una formación quattrocentista pero su plenitud artística la alcanza en el siglo XVI. Su arquitectura está caracterizada por la severidad y el uso de planta central cubierta con cúpula.
Índice [ocultar]
1 Urbino y Milán
2 Carrera en Roma
3 Principales obras arquitectónicas
4 Enlaces externos
Urbino y Milán[editar]
Bramante nació en Monte Asdrualdo (hoy Fermignano), cerca de Urbino: aquí, en los años 1460, Luciano Laurana estaba añadiendo al Palacio Ducal un patio con arcos y otros elementos que parecen haber sido el verdadero toque de una antigüedad renacida para el Palacio ducal de Federico da Montefeltro.
La arquitectura de Bramante ha eclipsado sus habilidades como pintor: conoció bien a los pintores Melozzo da Forlì y Piero della Francesca, quienes estaban interesados en las reglas de la perspectiva y las características ilusionistas de la pintura de Mantegna. Alrededor de 1474, Bramante se trasladó a Milán, una ciudad con una profunda tradición arquitectónica gótica, y erigió varias iglesias en el nuevo estilo de la Antigüedad. El duque, Ludovico Sforza, le hizo virtualmente su arquitecto de corte, a partir de 1476, con encargos que culminaron en el famoso coro en trampantojo de la iglesia de Santa Maria presso San Satiro (1482–1486). El espacio era limitado, así que Bramante hizo un ábside teatral en bajorrelieve, combinando las artes pictóricas de la perspectiva con detalles romanos. Hay una sacristía octogonal, coronada por una cúpula.
En Milán, Bramante también construyó Santa Maria delle Grazie (1492-1499); otras obras tempranas incluyen los claustros de Sant'Ambrogio, Milán (1497–1498), y algunas otras construcciones menores en Pavía y Legnano. Sin embargo, en 1499, su patrón Sforza fue expulsado de Milán por el ejército francés invasor, y Bramante decidió marchar a Roma, donde ya era conocido por el poderoso cardenal Raffaele Riario.
Carrera en Roma[editar]

Templete de San Pietro in Montorio, obra de Bramante.
Sus obras más destacadas se encuentran en Roma. Allí fue pronto reconocido por el cardenal Della Rovere, que pronto se convertiría en el papa Julio II.
En la Ciudad eterna su primera obra es fruto del encargo de los Reyes Católicos, que para conmemorar la Toma de Granada (1492) deciden levantar una iglesia en honor a san Pedro apóstol. En el lugar en que se cree fue martirizado se construyó en 1502 el Templete de San Pietro in Montorio o tempietto. Este templete fue casi una especie de prueba por parte del papa Julio II. Está considerado uno de los edificios más armoniosos del Renacimiento. A pesar de su pequeño tamaño, la construcción tiene todas las proporciones rigurosas y la simetría de las estructuras clásicas, rodeado por finas columnas toscanas, con una cúpula por encima. Bramante planeó un patio con columnas que lo rodease, pero se pusieron en marcha planes más grandiosos: la Basílica de San Pedro.

Boceto de la planta de la Basílica de San Pedro, obra de Bramante.
En noviembre de 1503, es nombrado arquitecto pontificio, llevando a cabo dos intervenciones: el llamado Palacio de los Papas y la nueva Basílica de San Pedro del Vaticano, proyecto este último que solo llegó a comenzar y que sería más tarde continuado y modificado por Rafael, Antonio de Sangallo y Miguel Ángel, para ser concluido en el siglo XVII por Carlo Maderno.
En efecto, el papa Julio contrató a Bramante para la construcción de la obra arquitectónica europea más grande del siglo XVI: la completa reconstrucción de la Basílica vaticana. La primera piedra del crucero se colocó con ceremonia el 18 de abril de 1506. Sobreviven muchos dibujos de Bramante, y muchos más de ayudantes suyos, lo que demuestra la extensión del equipo que había reunido. La visión de Bramante para San Pedro, una planta de cruz griega que simbolizaba la sublime perfección para él y su generación (compárese con Santa Maria della Consolazione, en Todi, que influyó en la obra de Bramante), fue fundamentalmente alterada por la extensión de la nave después de su muerte en 1514. El plan de Bramante preveía cuatro grandes capillas llenando los espacios de las esquinas entre los transeptos de igual tamaño, cada uno de ellos cubierto por una pequeña cúpula rodeando a la gran cúpula sobre el crucero. Así que el plan original de Bramante era más romano-bizantino en sus formas que la basílica que en realidad se construyó. (Véase Basílica de San Pedro para más detalles.)
Ocupado con San Pedro, Bramante tenía poco tiempo para otros encargos. Entre sus primeras obras en Roma, antes de emprender la construcción de la basílica, están los claustros (1504) de Santa María della Pace, cerca de Piazza Navona. Las bellas proporciones le dan un aire de gran simplicidad. Las columnas de la planta inferior están complementadas por las de la primera planta, que alternan con columnas más pequeñas colocadas centralmente sobre los arcos inferiores. Bramante es también famoso por su revolucionario diseño para el Palacio Caprini en Roma. Este palacio, erigido en el rione de Borgo, ya no existe. Fue más tarde propiedad del artista Rafael, y desde entonces se le conoce como la Casa de Rafael.
Principales obras arquitectónicas[editar]
Santa Maria presso San Satiro, Milán, 1482–1486
Santa Maria delle Grazie (claustro y ábside); Milán, 1492–1498
Palacio Caprini (también llamado: 'Casa de Rafael'), Roma, 1501–1502 (no existente)
San Pietro in Montorio, Roma, 1502
Santa Maria della Pace (claustro); Roma, 1504
Basílica de San Pedro, Ciudad del Vaticano, Diseño 1503, excavaciones, 1506
Cortile del Belvedere, Ciudad del Vaticano, 1506.

Ha recibido 28 puntos

Vótalo:

Andrea Palladio (1508/1580)

12. Andrea Palladio (1508/1580)

Andrea Palladio o Andrés Paladio (castellanizado), de nombre Andrea di Pietro della Góndola (Padua, 1508 - Maser, 1580) fue un importante arquitecto italiano de la República de Venecia. Trabajó fundamentalmente en la ciudad de Vicenza y sus alrededores, y también en la misma Venecia. Se le... Ver mas
Andrea Palladio o Andrés Paladio (castellanizado), de nombre Andrea di Pietro della Góndola (Padua, 1508 - Maser, 1580) fue un importante arquitecto italiano de la República de Venecia. Trabajó fundamentalmente en la ciudad de Vicenza y sus alrededores, y también en la misma Venecia. Se le considera el arquitecto que tal vez «mejor supo actualizar la herencia de las formas clásicas con la realidad del momento central del Cinquecento».1 Sus villas campestres y otras obras han influido de manera importante en la arquitectura del Neoclasicismo.
Índice [ocultar]
1 Vida y obra
1.1 Los palacios
1.2 Las villas
1.3 Las iglesias
1.4 Arquitectura: cronología de trabajos
1.5 Los cuatro libros de la arquitectura. Ediciones en Castellano
2 Influencia
3 Galería de fotos
4 Véase también
5 Referencias
6 Bibliografía
7 Enlaces externos
Vida y obra[editar]

Retrato de Gian Girogio Trissino (1510)
Nació en Padua en 1508. Allí estudió junto a Giovanni Maria Falconetto, aunque la persona que más influyó en su formación fue el humanista y arquitecto aficionado Gian Giorgio Trissino, convertido en su más decidido valedor. Con él viajó a Roma en 1551.
[Palladio en Roma] se ve conmocionado por el hecho de que la arquitectura de los antiguos, altamente expresiva de contenidos ideales y y de sentimientos civiles, fuese también técnicamente perfecta, ofreciera una respuesta a las exigencias prácticas y se adaptara admirablemente tanto al lugar como a la función. [...] En toda la obra de Palladio aparecen bien claros estos dos momentos: el ideal clásico como suprema imagen de un modo de vida civil perfecto, y la respuesta a una exigencia práctica, el ceñirse a circunstancias específicas de lugar y de hecho como determinaciones de dicho ideal en los casos, siempre distintos, de la vida real.
Giulio Carlo Argan2
Los palacios[editar]
Durante sus estancias en Roma (a la de 1541, le siguieron dos más, en 1545 y en 1547)3 tomó muchos apuntes, no sólo de las ruinas romanas sino también de las obras de Bramante, algunos de los cuales fueron recogidos en sus I quattro libri dell'Architettura, obra publicada cuando tenía 62 años, y por la que se le ha relacionado con Leon Battista Alberti. Otra semejanza con Alberti (concretamente con su Templo Malatestiano de Rímini) fue la forma en que acometió la envoltura externa de la gótica Basílica de Vicenza destinada a la administración comunal.1

Basílica Palladiana, Vicenza.
[La solución de Palladio] consistió en rodear el núcleo medieval con una corona de pórticos en dos pisos con arcadas, volteadas airosa y rítmicamente, en la disposición de los vanos serlianos, como Sansovino había ya ideado para la biblioteca de San Marcos, y con éxito tal que, desde entonces, pudo llamarse también «motivo palladiano». La seración de columnillas y columnas, abajo toscanas y arriba jónicas, de dinteles y arcos sin demasiados apliques plásticos, salvo las estatuas míticas que, por encima de la cornisa, prolongan los ejes recortándose sobre el cielo, o la verde cubierta del artesón gótico, tienen tal énfasis musical y métrico que la arquitectura parece mecida a ritmo de baile y hasta se puede pautar como un poema yámbico.4

Fachada del Palacio Valmarana en Vicenza.
Según Giulio Carlo Argan, la solución adoptada por Palladio para la basílica se debió a su propósito de "dar a Vicenza dignidad y forma clásicas evocando su origen romano". "Transformar un palacio comunal gótico mediante una envoltura clásica haciendo de él una basílica civil romana implicaba, en el pensamiento del artista, imponer al núcleo vital de la comunidad urbana un asentamiento clásico y moderno a un tiempo. [...] La galería repite en la parte superior los vanos amplios y profundos del pórtico, pero la estructura que une las arcadas es más compleja, con mayor separación entre las medias columnas y las columnas laterales geminadas en profundidad. [...] Se trata de un espacio con intervalos claramente marcados según un ritmo trímetro yámbico: breve-larga-breve. Y en el mismo ritmo, más apretado, se encuentran en los llenos: columnita-media columna, columnita".5
La Basílica de Vizenza (comenzada en 1549 y finalizada en 1614, treinta años después de la muerte de Palladio) despertó el interés de las familias pudientes de Vicenza, que empezaron a encargarle la construcción de sus palazzos urbanos y de sus villas campestres. Se trataba de "una nobleza bien encuadrada en la estructura de la república, sin ambiciones de poder, culta y laboriosa, especialmente interesada, en ese momento, en desarrollar la producción agrícola, en administrar sabiamente las vastas haciendas que adquiere y en las que gusta de pasar una parte del año. La vida social, en suma, tiene un núcleo, la ciudad, y una vasta periferia, el campo: de ahí la distinción, y, a un tiempo, la relación entre los palacios urbanos y las villas".6

Palacio Chiericati.
Fue tal la cantidad de palazzos y otras construcciones civiles que realizó que Vicenza quedó identificada como la ciudad de Palladio, especialmente la vía mayor o Corso, que lleva su nombre. Allí se encuentra el palacio Chiericati (1551-1553), que destaca "por la novedad de las tribunas en los ángulos de un ancho pórtico toscano adintelado y sus acróteras plásticas y geométricas", y el palacio Valmarana, en el que utilizó pilastras de orden gigante al modo de Miguel Ángel en la basílica vaticana. El orden gigante también lo aplicó a las columnas de la loggia del Capitano (1571), o al inacabado palacio Porto.1
[Los palacios urbanos de Palladio] son, sobre todo, casas dignas pero sin fastuosidad, cuyo prestigio urbano se confía más bien a la nobleza de las formas que a la ostentación de la riqueza o del poder; elemento esencial es la fachada, con la que las grandes familias quieren contribuir, casi como se tratara de un deber, al noble aspecto de la ciudad. Los palacios privados de Palladio... son muy distintos para entendernos de la maciza y altiva ostentación de poder del Palazzo Farnese de Roma.[...] Muchos de los palacios de Palladio se establecen sobre la vía del Corso: sus fachadas forman las paredes de ésta, entendida como una arquitectura abierta y transitable cuyo techo es el cielo. Cronológicamente, se distribuyen a lo largo de un período de treinta años, y cada fachada presenta una forma propia, una originalísma compaginación de los elementos de la morfología clásica. [...] Concebidas en función de la calle... casi todas [las fachadas] presentan un primer orden rústico, casi un basamento, y sólo sobre éste, donde el vano de la calle se hace más luminoso, se alzan los órdenes de columnas y pilastras. [...] Compone sus fachadas, preferentemente, con un orden único, gigante, de columnas o pilastras, de tal modo que todas las profundidades y todos los resaltes, ya sean reales o puramente representados, se proyectan sobre una única superficie o, cuando menos, se compendian en una profundidad mínima.
Giulio Carlo Argan7
La identificación de Palladio con la cultura clásica, y singularmente con Vitrubio, alcanzó su zénit en el teatro Olímpico (acabado por Vincenzo Scamozzi), en el que reprodujo con gran fidelidad la escena de un teatro romano.1 Según Giulio Carlo Argan, esta última obra de Palladio es la prueba de "hasta qué punto la calle era para Palladio el lugar ideal de la vida urbana: en la escena monumental del teatro, se abren [tres] calles de noble arquitectura, en perspectivas muy amplias, huidizas".8
Las villas[editar]
Artículo principal: Villas palladianas

Fachada principal de Villa Foscari (1560).
En cuanto a las villas palladianas esparcidas en los campos inmediatos a la ciudad de Vicenza, destaca la villa Capra (1567-1569), también conocida como "La Rotonda", en la que "plantea cuatro pórticos de templos romanos con elevador estereobato y columnas dóricas en medio de jardines que acceden, por los cuatro puntos cardinales, a un cubo en cuyo centro se ha instalado un cuasi panteón romano: Naturaleza y Cultura no han encontrado mejor síntesis bajo tan limpio lenguaje clásico". Otra villas destacadas son la villa Foscari o "de la Malcontenta" (1560), de un solo pórtico, o la villa Barbaro de Maser, en cuya fachada aparecen tímpanos helénicos y relojes de sol, y que está decorada interiormente por Veronés.9
Con frecuencia las mismas familias que encargan a Palladio la construcción de su palacio en la ciudad le hacen construir también su villa en el campo: palacio y villa representan dos caras de la misma realidad social. La casa urbana se inserta en una condición espacial dada, la perspectiva de la calle; la villa se inserta en un ambiente paisajístico siempre distinto, abierto a todas direcciones. Con respecto a la calle, el palacio es una fachada, un plano frontal; con respecto al horizonte y al paisaje que la rodea, la villa es un organismo articulado, condicionado por la variedad de los puntos de vista, el carácter del emplazamiento, las pendientes del terreno, etc. [...] Palladio plantea el problema en términos claros: se trata de insertar una forma sólida, una construcción geométrica y volumétrica, en un espacio natural que es distinto en cada ocasión, y de encontrar entre estas dos realidades... una relación de armonía e incluso de perfecta equivalencia.[...] En la mayoría de los casos la fascinación de las villas palladianas consiste, precisamente, en esta concertada variedad de desarrollos temáticos: de la simplicidad de lo rústico a la solemnidad histórico-religiosa del templo, del carácter práctico de los cuerpos secundarios destinados a las necesidades de la hacienda agrícola a la refinadísima elegancia de los cuerpos centrales destinados a otras funciones sociales. Los parques y los jardines, como naturaleza "educada" o formada por el hombre, relacionan la arquitectura con amplios espacios cultivados, las colinas y los bosques...
Giulio Carlo Argan10
Las iglesias[editar]

San Giorgio Maggiore.
El clasicimso de Palladio también se aprecia, aunque con algún toque manierista en las iglesias que construyó en Venecia: San Giorgio Maggiore (1565), "de tres naves y profundo coro tras la capilla mayor, situada en la isla de su nombre y panorama obligado para el observador desde la piazzeta de San Marcos; la Iglesia del Redentor (1577), en la isla de Giudecca, que cuenta como la anterior, "con cúpulas y hastiales y columnas gigantes soportando nítidos frontones clásicos; y la iglesia de San Francesco della Vigna, y otros claustros y conventos.11
Las dos iglesias venecianas, San Girogio Maggiore y la del Redentore presentan notables novedades respecto a los esquemas tradicionales de la arquitectura religiosa. "Los interiores son grandes vanos luminosos, con los que se relacionan los espacios laterales, en un despliegue continuo de superficies blancas acentuadas por la mayor intensidad lumínica de las estructuras. Más que lugares de devoción, son espacios destinados a un rito que debe desarrollarse a la luz del sol, en presencia de la gente, sin sombra de misterio", dice Argan. Además, añade Argan, "la forma de las dos iglesias viene determinada por su situación en el espacio, en el paisaje urbano". San Giorgio Maggiore, está al otro lado del ancho canal de San Marcos, frente a la basílica de San Marcos que se encuentra enfrente. Así "el campanile y la cúpula ligera y transparente como una bola de vidrio de San Giorgio" se corresponden, a distancia, con las cúpulas de San Marcos "que parecen de madreperla y su altísimo campanile, rojo y blanco en el cielo". "El plano del muro que está a la vista, de color rojo claro, sirve de fondo a la fachada blanca que es como una barrera blanca, intensamente iluminada, entre el espejo del agua y el horizonte. [...] Dos planos rematados por tímpanos triangulares, uno más bajo y más ancho y otro, el central, más alto y estrecho".12
Arquitectura: cronología de trabajos[editar]

Uno de los primeros trabajos de Palladio, Villa Godi.
La cronología normalmente refiere al proyecto de las obras y no a su construcción.13
1531: Portal de la iglesia de Santa Maria dei Servi, Vicenza (atribuido)
1534: Villa Trissino a Cricoli, Vicenza (tradicionalmente atribuida, pero probablemente diseñada por Gian Giorgio Trissino)
1537-1542: Villa Godi (para Girolamo, Pietro y Marcantonio Godi), Lonedo di Lugo di Vicenza
1539 circa: Villa Piovene, Lonedo di Lugo di Vicenza, Provincia de Vicenza (atribuida)
1540-1542 circa: Palazzo Civena, Vicenza
1540 circa-1566 circa: Palazzo Pojana, Vicenza (atribuida)
1542 - Villa Valmarana, Vigardolo di Monticello Conte Otto, Provincia de Vicenza
1542-1556 circa: Palazzo Thiene, Vicenza (probablemente proyecto de Giulio Romano)
1542: Villa Gazzotti (para Taddeo Gazzotti), Bertesina, Vicenza
1542 circa: Villa Caldogno (para Losco Caldogno), Caldogno, Provincia de Vicenza (atribuida)
1542: Villa Pisani (para Vettore, Marco y Daniele Pisani), Bagnolo di Lonigo, Provincia de Vicenza
1542: Villa Thiene (para Marcantonio y Adriano Thiene), Quinto Vicentino, Provincia de Vicenza (probablemente una reelaboración de un proyecto de Giulio Romano)
1543: Villa Saraceno (para Biagio Saraceno), Finale de Agugliaro, Provincia de Vicenza
1544 circa-1552: Palazzo Porto (para Iseppo De' Porti), Vicenza
1546-1549: Loggias del Palacio de la Ragione (entonces denominada Basílica Palladiana), Vicenza (completada en 1614 después de la muerte de Palladio)
1546 circa-1563 circa: Villa Pojana (para Bonifacio Pojana), Pojana Maggiore, Provincia de Vicenza
1546 circa: Villa Contarini, Piazzola sul Brenta, Provincia de Padua (atribuida)
1547: Villa Arnaldi (para Vincenzo Arnaldi), Meledo di Sarego, Provincia de Vicenza (inacabada)
1548: Villa Angarano, Bassano del Grappa, Provincia de Vicenza (El cuerpo principal de la villa fue reconstruida más adelante por Baldassarre Longhena; el barchesse es parte del original)
1550-1557: Palazzo Chiericati (para Girolamo Chiericati), Vicenza (completado sobre 1680 después de la muerte de Palladio)
1550: Villa Chiericati (para Giovanni Chiericati), Vancimuglio di Grumolo delle Abbadesse, Provincia de Vicenza (completada en 1584 por Domenico Groppino después de la muerte de Palladio)
1552: Villa Cornaro (para Giorgio Cornaro), Piombino Dese, Provincia de Padua
1552 circa: Villa Pisani (para Francesco Pisani), Montagnana, Provincia de Padua
1554-1563: Villa Badoer denominada La Badoera (para Francesco Badoer), Fratta Polesine, Provincia de Rovigo
1554: Villa Porto (para Paolo Porto), Vivaro di Dueville, provincia de Vicenza (atribuida)
1554: Villa Barbaro (para Daniele y Marcantonio Barbaro), Maser, Provincia de Treviso
1554 ?: Villa Zeno (para Marco Zeno), Donegal di Cessalto, Provincia de Treviso
1555 circa: Palazzo Dalla Torre, Verona (solo parcialmente realizada. Una parte fue destruida por una bomba en 1945)
1556: Arco Bollani, Udine
1556 circa: Palazzo Antonini, Udine (alterada por posteriores reformas)
1556: Villa Thiene, Cicogna di Villafranca Padovana (inacabada; solo el barchessa permanece)
1557: Villa Repeta, Campiglia dei Berici (destruido por un incendio, posteriormente reconstruido)
1558: Fachada para la Basílica de San Pietro di Castello, Venecia (completada después de la muerte de Palladio)
1558: Villa Emo (para Leonardo Emo), Fanzolo di Vedelago, Provincia de Treviso
1558: Bóveda para la Catedral de Vicenza, Vicenza (destruida en un bombardeo durante la Segunda Guerra Mundial, posteriormente reconstruida)
1559: Villa Foscari denominada La Malcontenta, Malcontenta di Mira, Provincia de Venecia
1559: Casa Cogollo (para Pietro Cogollo), tradicionalmente conocida como Casa de Palladio, Vicenza (attributed)
1560-1563 circa: Claustro del ciprés y refettorio del monasterio de San Giorgio Maggiore, Venecia
1560: Convento della Carità, Venecia (sólo el claustro y el atrio, destruido en 1630 en un incendio)
1560: Palazzo Schio (para Bernardo Schio), Vicenza
1563 circa: Puerta lateral para la Catedral de Vicenza
1563 circa: Villa Valmarana, Lisiera di Bolzano Vicentino, Provincia de Vicenza
1564: Fachada de la iglesia de San Francesco della Vigna, Venecia
1564: Palazzo Pretorio, Cividale del Friuli (provincia de Udine) (proyecto atribuido)
1565: Basílica de San Giorgio Maggiore, Venecia (completada entre 1607 y 1611 después de la muerte de Palladio, con una fachada diferente proyectada por Vincenzo Scamozzi)
1565: Teatro en el patio Convento de la Carità, Venecia (destruido por un incendio en 1570)
1565: Palazzo del Capitaniato, Vicenza
1565: Palazzo Valmarana (para Isabella Nogarola Valmarana), Vicenza
1565: Villa Serego (para Marcantonio Serègo), Santa Sofia di Pedemonte (Provincia de Verona)
1565 circa: Villa Forni Cerato (para Girolamo Forni), Montecchio Precalcino, Provincia de Vicenza
1566: Villa Capra, la Rotonda(para Paolo Almerico), Vicenza (completada en 1585 por Vincenzo Scamozzi después de la muerte de Palladio)
1567 circa: Villa Trissino, Meledo di Sarego, Provincia de Vicenza (solo realizada parcialmente)
1568: Puente Vecchio, Bassano del Grappa, Provincia de Vicenza (reconstruida en 1748 y después de la Segunda Guerra Mundial)
1569-1575: Palazzo Barbaran da Porto (para Montano Barbarano), Vicenza
1569: Puente en Tesina, Torri di Quartesolo, Provincia de Vicenza (atribuido)
1570: Villa Porto (para Iseppo Porto), Molina di Malo, Provincia de Vicenza
1571: Palacio Porto en la Plaza Castello, Vicenza (sin terminar, completado en 1615 por Vincenzo Scamozzi)
1572 ?: Palazzo Thiene Bonin Longare, Vicenza
1574-1577: Habitaciones en el Palacio Ducal, Venecia
1574: Fachada para Basilica di San Petronio, Bolonia (proyecto)
1576 circa: Capilla Valmarana (para Isabella Nogarola Valmarana) en la iglesia de Santa Corona, Vicenza
1577: Iglesia de Il Redentore, Venecia
1578: Iglesia de Santa Maria Nova, Vicenza (proyecto atribuido, completada en 1590 después de la muerte de Palladio)
1579: Porta Gemona, San Daniele del Friuli, Provincia de Udine
1580: Iglesia de Santa Lucia, Venecia (dibujos para el interior; demolida)
1580: Iglesia (Tempietto Barbaro) de Villa Barbaro, Maser
1580: Teatro Olímpico, Vicenza (completado después de la muerte de Palladio por su hijo Silla y en 1585 por Vincenzo Scamozzi)
1580: Le Zitelle (Venecia)
Los cuatro libros de la arquitectura. Ediciones en Castellano[editar]
Artículo principal: Los cuatro libros de la arquitectura

Libro primero de la Arquitectura de Palladio (1625).
La obra escrita más importante de Palladio son Los cuatro libros de la arquitectura (I quattro libri dell'architettura, en italiano), un tratado de arquitectura publicado en Venecia en 1570 en cuatro secciones llamadas libros, escrito y abundantemente ilustrado de diseños, secciones, y detalles de elementos de arquitectura.
Andres Paladio. Los quatro libros de arquitectura ;de Andres Paladio, Vicentino, traducidos e ilustrados con notas por don Joseph Francisco Ortiz y Sanz. En Madrid, en la Imprenta Real, siendo regente D. Pedro Julian Pereyra... 1797.
Palladio, Andrea (2008). Los cuatro libros de la arquitectura de Andrea Palladio (1ª (1797) edición). Madrid: Akal. p. 512. ISBN 9788446028598..
Palladio, Andrea (2008). Las antigüedades de Roma (1ª edición). Madrid: Akal. p. 223. ISBN 9788446026976.
Influencia[editar]
Hasta mediados del siglo XVIII, la arquitectura inglesa estuvo bajo la influencia total del llamado palladianismo. Los propietarios burgueses y nobles, que habían adquirido una nueva conciencia de su propia importancia después de la implantación de la monarquía constitucional, fueron los primeros en Europa en abandonar el lenguaje formal barroco para construir sus residencias, y los primeros en buscar un ideal de creación más discreto y moderado, pero que no dejara de ser digno y solemne.
Lo encontraron en la arquitectura de Palladio, cuyas construcciones se caracterizaban por su sencillez y equilibrio, basado en la aplicación de una estricta simetría y un sistema lógico de proporciones. En el siglo XVII un importante arquitecto inglés, Iñigo Jones, había tomado ya sus obras como modelo, de modo que el palladianismo pasó a ser considerado un estilo inglés por excelencia, contrapuesto al recargado estilo barroco que predominaba en los países católicos y absolutistas del resto de Europa. En consecuencia, los arquitectos y propietarios ingleses elevaron el estilo arquitectónico de Palladio a la categoría de ideal, de norma de la que uno no podía desviarse. En esta concepción yacía la idea de que la belleza era algo absoluto, basado en leyes objetivas y de aplicación universal.
Así, en parte por la labor de lord Burlington -el mayor coleccionista de sus dibujos e introductor de su legado en Inglaterra- en la primera mitad del siglo XVIII Inglaterra se llenó de construcciones palladianas, formadas por cuerpos cúbicos claramente definidos y según un estricto sistema de proporciones, con una decoración exterior muy austera y fachadas acentuadas por un gran pórtico al estilo de un templo antiguo, es decir, edificado sobre un zócalo de obra rústica.
A mediados del siglo XVIII se vivió un segundo auge en la construcción de villas que originó la aparición, ante las puertas de Londres, de casas de campo de dimensiones más reducidas, propiedad de la burguesía adinerada, como la de Wrotham Park, construida en 1754 por Isaac Ware. El centro de esta casa lo forma el cubo de una villa palladiana, con cinco hileras de ventanas y un pórtico jónico tetrástilo con frontón (arquitectura) irregular. Posteriormente, esta tradición sería transmitida a las colonias de Norteamérica, donde la incipiente burguesía levantaría sus villas conforme a estos principios.

Ha recibido 27 puntos

Vótalo:

Pietro Lombardo (1435/1515)

13. Pietro Lombardo (1435/1515)

Pietro Lombardo (Carona, Lombardía, 1435 - Venecia, 1515) fue un escultor y arquitecto italiano del Renacimiento. Biografía[editar] Nació en la localidad lombarda de Carona (Ticino). Las primeras noticias que nos han llegado de su actividad datan del período comprendido entre julio de 1462 y... Ver mas
Pietro Lombardo (Carona, Lombardía, 1435 - Venecia, 1515) fue un escultor y arquitecto italiano del Renacimiento.
Biografía[editar]
Nació en la localidad lombarda de Carona (Ticino). Las primeras noticias que nos han llegado de su actividad datan del período comprendido entre julio de 1462 y mayo de 1463, cuando alquila en Bolonia un taller junto a la iglesia de San Petronio, donde probablemente trabajó en la reja de la Capilla Rossi. En 1464 se establece con su familia en Padua. Allí su trabajo más importante fue la tumba de Antonio Roselli (1464-1467). Su obra supone la introducción de la escultura renacentista en el Véneto, derivada a partir del estilo que Desiderio da Settignano marcó en sus trabajos florentinos.
A finales del siglo XV, Pietro Lombardo esculpió muchas tumbas en Venecia con la ayuda de sus hijos. Entre ellas están las del poeta Dante Alighieri, el Dogo Pasquale Malipiero y Pietro Mocenigo. Fue el arquitecto y escultor jefe de la Iglesia de Santa Maria dei Miracoli, también en Venecia (1481-1489). También realizó imágenes de santos y vírgenes en los muros de varias iglesias.
Se le menciona en la línea 27 del Canto XLV de Ezra Pound como el primero de una lista de artistas italianos del Renacimiento admirados por el escritor. No debe confundirse con el homónimo teólogo Pedro Lombardo (siglo XI)
Pietro fue el padre de Tulio Lombardo y Antonio Lombardo.

Ha recibido 26 puntos

Vótalo:

Giacomo/Jacopo Vignola (1507/1573)

14. Giacomo/Jacopo Vignola (1507/1573)

Jacopo (o Giacomo) Barozzi (Vignola (Italia), 1507 – Roma, 1573), conocido como Jacopo Barozzi de Vignola o, más común y simplemente como Vignola, por haber nacido en esta ciudad italiana próxima a Módena, fue un destacado arquitecto y tratadista del Renacimiento italiano. Índice [ocultar] 1... Ver mas
Jacopo (o Giacomo) Barozzi (Vignola (Italia), 1507 – Roma, 1573), conocido como Jacopo Barozzi de Vignola o, más común y simplemente como Vignola, por haber nacido en esta ciudad italiana próxima a Módena, fue un destacado arquitecto y tratadista del Renacimiento italiano.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Obras
2.1 Obra arquitectónica
2.2 Obras menores en el Lazio[1]
2.3 Obra teórica
3 Enlaces externos
Biografía[editar]

Traducción al castellano, 1593, de la obra de 1562 del arquitecto italiano Jacopo Barozzi, Jacopo Vignola , (1507 - 1573), por el arquitecto y pintor italiano residente en España desde 1567, Patricio Caxés, (Arezzo, Italia, circa 1544 - Madrid, España, 1611), padre del pintor nacido en España, Eugenio Caxés, (1577 - 1634)
Estudió pintura y arquitectura en Bolonia. Inició su formación como pintor y llegó a la arquitectura a través del estudio de la Antigüedad, siendo ayudante de Peruzzi. Influido por Leon Battista Alberti y por Antonio da Sangallo así como por la tradición renacentista, fue el máximo exponente del periodo de transición del renacimiento al Barroco, considerándosele manierista.
Tras una primera etapa profesional como arquitecto en la ciudad de Bolonia, se estableció en Roma a partir de 1530. Trabajó en el Vaticano con Peruzzi, y Sangallo el Joven, reconstruyendo algunos monumentos y convirtiéndose en secretario de la Academia Vitruviana. Fue el arquitecto de los Farnesio y participó en el proyecto de Villa Giulia en 1550 en colaboración con Giorgio Vasari y Bartolommeo Ammanati y de la Villa Farnesia en Caprarola (cerca de Viterbo), en 1559. Se trata de un edificio de planta pentagonal y patio interior circular, donde creó un conjunto en el que se combina la construcción de edificios con el diseño de jardines.
Discípulo de Miguel Ángel, le sucede tras su muerte en las obras de la basílica de San Pedro en Roma, añadiendo las pequeñas cúpulas laterales.
Vignola proyectó el nuevo modelo de iglesia inspirado tanto en los ideales de la Contrarreforma como en el espíritu de las nuevas órdenes religiosas. Este modelo fue la iglesia del Gesù, de Roma, el enclave fundamental de los jesuitas, un proyecto que fue adoptado por la inmensa mayoría de los países católicos. Esta iglesia, es de una sola nave de casi dieciocho metros de luz cubierta por bóveda de cañón sobre pilastras pareadas e iluminada por lunetos abiertos en la propia bóveda. El transepto no sobresale lateralmente.
Escribió el tratado Reglas de los cinco órdenes de la arquitectura. Publicado en 1562 y considerado uno de los grandes tratados de arquitectura del siglo XVI, ha sido objeto de traducción a numerosos idiomas y ha constituido un auténtico vademécum para estudiosos y proyectistas de edificios de estilo clásico. Compendía los cinco órdenes arquitectónicos diseccionados en todas sus partes, perfectamente modulados y trazados. Se basa en la obra de Vitruvio y en las construcciones romanas que él mismo pudo estudiar.
En 1973, sus restos mortales fueron trasladados al Panteón de Agripa, en Roma.
Obras[editar]

Palazzo Farnese, Caprarola

Villa Giulia, Roma

Iglesia del Gesù, Roma
Obra arquitectónica[editar]
1538–1545: Palacio Boncompagni, después Benelli (Vignola, Bolonia).
1545: Proyecto para la fachada de la Iglesia de San Petronio.
1545: Palazzo Bocchi (Bolonia)
1550: Villa Giulia, realizada por el papa Julio III del Monte, y con intervenciones sucesivas de Vasari y de Ammannati. Proyectada, a la manera manierista, como una secuencia de espacios dispuestos en niveles diferentes no visibles al mismo tiempo.
1550: Palazzo Farnese (Latera).
1554: La Castellina (Norcia);
1565–1568: Fachada del Palacio de los Bancos (Bolonia);
1566: Villa Gambara, después Lante, en Bagnaia, con dos pabellones gemelos insertos en un jardín a la italiana;
1559-1573: Palacio Farnesio (Caprarola). Se había iniciado siguiendo una planta pentagonal. Proyectó las fachadas, el patio interior circular y la ingeniosa distribución de las habitaciones;
1570: Proyecto de la Iglesia de Sant'Anna dei Palafrenieri, la planta y la cúpula oval inserta en un rectángulo, realizadas por su hijo Giacinto Barozzi, con una planta utilizada sucesivamente por muchos arquitectos barrocos;
1568: Iglesia del Gesù (Roma). Para esta iglesia, Vignola proyectó un edificio de planta basilical, de cruz latina, de una sola nave con capillas laterales, para que se pudieran celebrar simultáneamente varias misas, y en el que el espíritu misionero quedaba reflejado por la situación teatral de un púlpito a la altura de la intersección de la nave central en el crucero, de manera que el predicador pudiera dominar todo el escenario de la asamblea de los fieles. La fachadta es de Giacomo della Porta, mientras la decoración interna pertenece a la época baroca;
1552–1554: Iglesia de San Andrés en via Flaminia (Roma), con cúpula y tambor de forma oval sobre planta rectangular. Primera vez que se emplea la forma oval en arquitectura religiosa;
Trabajos en la Basílica de Nuestra Señora de los Ángeles (Assisi);
1576–1578: Iglesia de Santa Maria dell'Orto (Roma); solo la fachada es de Vignola;
Piazza Umberto I y Fontana delle Picche en Oriolo Romano;
1558–1568: Palazzo Farnese (Piacenza) iniciado según proyecto de Francesco Paciotto; Vignola reproyectó completamente el palazzo, que no fue después completado;
1568: Palazzo comunale (proyecto) en Grotte di Castro; alterado enseguida;
Villa Catena, en Poli; no está clara la parte atribuible a Vignola;
Roma: Orti Farnesiani al Palatino;
Iglesia de la Madonna del Piano, en Capranica;
Obras menores en el Lazio1 [editar]
Iglesia de San Marco, Ospedale di San Giovanni, Palazzo Pazziello e Palazzo Maviani (Caprarola);
Trabajos en la Abadía de Farfa consistente en una fuente y un mólino;
1562: Iglesia de los Santos Giacomo y Cristoforo (Isla Bisentina), realizzata dall'allievo Antonio Garzoni da Viggiù;
Castello en isla Farnesio;
Trabajos en el Monasterio de San Domenico (Nepi). Interventi di difficile individuazione, comprendenti opere idrauliche;
Palacio del Seminario (Rieti), ottenuto dalla trasformazione di preesistenze;
Iglesia de Sant'Antonio Abate (Rieti);
Iglesia de Santa Caterina dei Funari, capilla Ricci (Roma);
Trabajos en San Lorenzo in Damaso y portal de la Cancelleria (Roma);
Iglesia de Santa Maria in Transpontina (Roma);
1560/1561: Palacio Borghese (Roma), obra continuada por Martino Longhi, Flaminio Ponzio, Carlo Maderno, Giovanni Vasanzio y Carlo Rinaldi.
Palacio del Vignola en Piazza Navona (Roma);
Palacio Spada ;
1568: Iglesia di Santa Maria dell'Orto (Roma), fachada después completada por Francesco Capriani da Volterra
Iglesia de San Lorenzo en Sant'Oreste sul Soratte; la realizzazione non fu seguita dal Vignola e rispecchia solo in parte il progetto originario
Sacello funerario dei Santacroce en Vejano; capilla posta al centro del borgo medievale, di attribuzione incerta
Palazzo comunale de Velletri; con Giacomo della Porta
Porta Romana de Vetralla; de atribución incierta.
Castello Ruspoli de Vignanello; de atribución incierta
Fara Sabina: Tabernáculo de Sant'Antonio Martire
Viterbo: Porta Faulle y fuente de Piazza della Rocca; su committenza dei Farnese
Collevecchio: Palacio Pistolini
Categoría principal: Obras de Jacopo Vignola
Obra teórica[editar]
Regola delli cinque ordini d’ architettura, Roma (1562)[1]: la obra consta exclusivamente de grabados en cobre y los comentarios están integrados en los grabados.
Bibliografía: http://architectura.cesr.univ-tours.fr/Traite/Auteur/Vignole.asp?param=
Le due regole della prospettiva pratica, Roma (1583): publicado después de la muerte de Vignola por Ignazio Danti, quien incluye en el prefacio una biografía del arquitecto.

Ha recibido 23 puntos

Vótalo:

Antonio da Sangallo "El Joven" (1485/1546)

15. Antonio da Sangallo "El Joven" (1485/1546)

Antonio Cordiani, llamado Antonio da Sangallo el Joven (Florencia, 12 de abril de 1484 - Terni, 3 de agosto de 1546) fue un arquitecto del Renacimiento italiano. Se trasladó muy joven de su Florencia natal a Roma, ciudad en la que conocerá a Donato Bramante y donde vivirá y trabajará la mayor... Ver mas
Antonio Cordiani, llamado Antonio da Sangallo el Joven (Florencia, 12 de abril de 1484 - Terni, 3 de agosto de 1546) fue un arquitecto del Renacimiento italiano. Se trasladó muy joven de su Florencia natal a Roma, ciudad en la que conocerá a Donato Bramante y donde vivirá y trabajará la mayor parte de su vida. Alcanzó un gran prestigio profesional y recibió encargos de varios papas. Giorgio Vasari incluyó su biografía en Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori.
Nació en el seno de una familia de artistas. Era nieto del imaginero Francesco Giamberti, sobrino de los arquitectos Giuliano y Antonio da Sangallo el Viejo, primo del escultor Francesco da Sangallo y hermano del también arquitecto Giovanni Battista da Sangallo, con quien colaboró en numerosos proyectos. Antonio fue alumno de Donato Bramante en Roma. La influencia de Bramante es visible en Sangallo, que será un fiel continuador del estilo de su maestro.
Índice [ocultar]
1 Obras
1.1 Iglesias en Roma
1.1.1 Santa Maria di Loreto
1.1.2 San Giovanni dei Fiorentini
1.1.3 Montserrat de los Españoles
1.2 Otras iglesias menores
1.3 Villa Madama
1.4 Obras vaticanas
1.4.1 La Basílica de San Pedro
1.5 Obras para la familia Farnesio
2 Cronología de obras más importantes
2.1 Otras obras
3 Notas
4 Bibliografía
5 Enlaces externos
Obras[editar]
Iglesias en Roma[editar]
Santa Maria di Loreto[editar]

Iglesia de Santa Maria di Loreto de Roma, obra maestra de Sangallo.
De las obras que perduran de Sangallo sin adulteraciones posteriores se considera que la más lograda es la iglesia de Santa Maria di Loreto de Roma, una obra levantada en ladrillo y travertino de gran belleza de proporciones y sencillez de líneas, cuya planta central (cuadrada y luego desarrollada en octógono) se cubre con una elegante cúpula rematada en linterna (la linterna es un añadido posterior, ajeno a Sangallo). Pese a su reducido tamaño, la sensación interior de espacialidad es notable.
San Giovanni dei Fiorentini[editar]
Antonio da Sangallo diseñó la iglesia de San Giovanni dei Fiorentini1 de Roma, cuyas obras fueron iniciadas por Jacopo Sansovino. El exterior de esta iglesia está muy modificado por obras posteriores (al este, por el encauzamiento del río Tíber; al oeste por el añadido de una nueva fachada), pero el interior es muy representativo del estilo de Sangallo.
Montserrat de los Españoles[editar]
Artículo principal: Iglesia de Santa María de Montserrat de los Españoles
También diseñó la iglesia de Santa María de Montserrat de los Españoles, cuyas obras comenzaron en 1518 y sufrieron numerosas paralizaciones y retrasos. Aunque Antonio da Sangallo no dirigió la construcción final, los arquitectos que le sucedieron (Bernardino Valperga, Francesco da Volterra, etc.) respetaron las trazas originales.
Otras iglesias menores[editar]
En 1523 reedificó la pequeña iglesia de Santa Maria Portae Paradisi.2 Reconstruyó la iglesia del Santo Spirito in Sassia, iglesia del siglo XII que había sufrido graves desperfectos durante el Saco de Roma de 1527. También participó en la reconstrucción de la iglesia de San Marcello al Corso, que sufrío graves daños por una crecida del río Tíber que inundó la ciudad en 1530.
Villa Madama[editar]
Artículo principal: Villa Madama
A partir de 1520, fecha de la muerte de Rafael Sanzio, se encargó de continuar las obras en la Villa Madama de Roma, junto a Giulio Romano y Giovanni da Udine. Diseñó el ajardinamiento de las pendientes del monte Mario, obra que fue alabada por Giorgio Vasari.3 4
Obras vaticanas[editar]
En el Vaticano levantó las murallas y fortificaciones en la llamada ciudad Leonina. También se hizo cargo en 1540 de las obras de la cappella Paolina, situada en el Palacio Apostólico y comisionada por el papa Paulo III en 1538. Próxima a la capilla Sixtina (está separada de ella sólo por la Sala Regia), la función de la capilla Paolina era servir de parroquia y de capilla para los cónclaves. Está dedicada a la conversión de San Pablo, devoción predilecta del papa, quien encargó su decoración a Miguel Ángel, quien pintó La conversión de San Pablo y La crucifixión de San Pedro. También se conservan aquí pinturas de Lorenzo Sabbatini y Federico Zuccari y esculturas de P. Bresciano.
La Basílica de San Pedro[editar]

Proyecto para la Basílica de San Pedro del Vaticano
Artículo principal: Basílica de San Pedro
A la muerte de Rafael, Da Sangallo fue nombrado arquitecto jefe de la fábrica de San Pedro y en el año 1539 se realiza una maqueta según sus ideales. Se trataba de un compromiso entre la planta de cruz griega proyectada por Bramante y una ampliación rafaelesca de cruz latina con fachada monumental. Sin embargo las incoherencias eran evidentes:
la fachada quedaba desconectada de la iglesia;
la cúpula central, formada por dos tambores desiguales aparecía acompañada de dos cúpulas más pequeñas sólo en eje longitudinal, lo que dejaba al interior del monumento sombrío y oscuro;
el exterior del crucero, dividido en tres niveles, presentaba una desafortunada acumulación de logias y nichos;
la elevación de las torres de la fachada era muy artificial;
y, por si fuera poco, se eliminaban las pilastras de Bramante al elevar los cimientos debido al peso de la basílica.
Este proyecto fue criticado y enmendado luego por el arquitecto, pintor y escultor Miguel Ángel.
Obras para la familia Farnesio[editar]
Su obra más ornamentada es el patio del palacio Farnesio (obra completada posteriormente por Miguel Ángel). Este patio destaca por sus armoniosas proporciones, con sus galerías columnadas inspiradas en las del Coliseo.
Sobre las ruinas del antiguo castillo de Gradoli (en la actual provincia de Viterbo) Sangallo levantó un palacio-fortaleza para el cardenal Alejandro de Farnesio que, ya convertido en papa con el nombre de Pablo III, lo utilizará como residencia veraniega. Para este mismo papa construirá en la Via Giulia de Roma un palacio, hoy conocido como Palazzo Sacchetti por haber pasado posteriormente a ser propiedad de esta familia. La construcción actual ha sufrido enormes alteraciones respecto a la edificada originalmente por Sangallo.

Vista del Pozo de San Patricio, en Orvieto.
Tras el Saco de Roma (1527), Sangallo trabajó principalmente en otras ciudades, sobre todo en obras militares: diseñó, por ejemplo, las fortificaciones de Ancona y reformó la Fortezza da Basso de Florencia. Esta gran obra castrense fue iniciada por el arquitecto Pier Francesco da Viterbo en 1534 por orden del duque y señor de Florencia Alejandro de Médicis y la construyó en menos de seis meses, entre julio y diciembre de 1534. Se levantó con el objetivo de albergar un importante contingente de tropas y de servir de refugio para los gobernantes en caso de revueltas. Para acentuar la sensación de grandeza y monumentalidad, Antonio da Sangallo reformó la zona exterior que se ve desde la ciudad, confiriéndola un aspecto imponente.
Comisionado por el papa Clemente VII, construyó el profundísimo (62 metros) e ingenioso pozo de San Patricio en Orvieto, donde edificó una doble rampa en espiral.
Entre 1540 y 1543 diseñó y erigió en Ascoli Piceno el Forte Malatesta. Es una fortificación con planta de estrella en la que Sangallo aprovechó edificaciones preexistentes.
Cronología de obras más importantes[editar]

Palazzo Crispo-Marsciano en Orvieto
Las obras on recogidas en orden cronológico:
1507: Iglesia de Santa Maria di Loreto en Roma;
1508: Forte Michelangelo en Civitavecchia;
1512: Palacio Farnesio en Roma. El palacio fue completado, después de su muerte, por Michelangelo
Palacio Spada en Terni;
1515: Rocca di Caprarola, después trasformada en el Vignola en el palazzo Farnesio ;
1510-1515: Palacio Baldassini en Roma;
1515: Forte de Civitavecchia;
1518: Villa Madama en Roma;
1518: Modificación de la Iglesia de Nostra Signora del Sacro Cuore, entonces iglesia nacional del Reino de Castilla en Roma;
1518: Iglesia de Santa María de Montserrat de los Españoles en Roma;
1518-1522: Mura bastionate a merli curvi binati de Loreto;
desde 1520: arquitecto de las obras de la Basílica de San Pedro;
ca. 1520: Palacio del Banco di Santo Spirito;
1527-1537: Pozzo di San Patrizio en Orvieto;
1532: Ciudadela de Ancona;
1534: Reforma del Castello Alessandria, hoy conocido como Fortezza da Basso en Florencia;
1538-1545: Iglesia de Santo Spirito in Sassia en Roma;
1540-1543: Forte Malatesta en Ascoli Piceno;
1540: Rocca Paolina de Perugia;
1534-1540: Capilla Paulina en el Vaticano;
1542: Palazzo Sacchetti en Roma.
Otras obras[editar]
Excavación de la cava Paolina en la localidad de Marmore sobre el río Velino. Obra de ingeniería hidráulica iniciada en el 1545 y completada en 1547 después de la muerte de Sangallo;
Palacio Farnese comúnmente llamada Rocca en Ischia di Castro en la provincia de Viterbo
Palacio Farnese en Gradoli en la provincia de Viterbo
Iglesia de Santa Maria Portae Paradisi (Roma)
Iglesia de Santo Egidio (Cellere - VT)
Castello di Montalera (1534) (Panicale - PG). Fortezza de Braccio Baglioni construida por encargo del papa Paolo III.
Palacio Crispo Marsciano (Orvieto - TR)
Palacio Azzolino (Fermo)
Palacio Piacentini (Collevecchio - RI)
Palacio Cervini (Montepulciano - SI)
Capilla Cesi, en la Santa Maria della Pace en Roma.
Las tumbas de los papas León X († 1521) y Clemente VII († 1534) en la basílica de Santa Maria sopra Minerva en Roma.
San Giovanni dei Fiorentini, en Roma, a partir de un diseño de Jacopo Sansovino de 1519.
Fortificaciones de la Ciudad Leonina, en El Vaticano

Ha recibido 23 puntos

Vótalo:

Antonio Averlino "Filarete" (1400/1469)

16. Antonio Averlino "Filarete" (1400/1469)

Filarete (del griego Amigo de la Virtud), también conocido como Antonio Averlino, Antonio di Pietro Averlino o Antonio Averulino (Florencia, alrededor de 1400 - Roma?; 1469), fue un escultor, ingeniero, arquitecto y teórico de la arquitectura del Renacimiento. Índice [ocultar] 1 Trayectoria... Ver mas
Filarete (del griego Amigo de la Virtud), también conocido como Antonio Averlino, Antonio di Pietro Averlino o Antonio Averulino (Florencia, alrededor de 1400 - Roma?; 1469), fue un escultor, ingeniero, arquitecto y teórico de la arquitectura del Renacimiento.
Índice [ocultar]
1 Trayectoria
1.1 Sforzinda
2 Véase también
3 Referencias
4 Enlaces extrenos
Trayectoria[editar]
«Filarete», como es conocido universalmente, nació probablemente en Florencia y comenzó su carrera artística en la misma ciudad, seguramente en el taller de Lorenzo Ghiberti. El papa Eugenio IV le hizo su primer encargo como escultor, que le llevaría doce años: las puertas centrales de bronce para la Basílica de San Pedro. Lo llevó a cabo entre los años 1433 y 1445; en esta obra Filarete esperaba rivalizar con las grandes puertas de bronce de Ghiberti para el baptisterio de la catedral de Florencia. En el siglo siguiente, las puertas de Filarete se conservaron cuando se demolió la vieja basílica de San Pedro y se reinstalaron en la nueva.
Luego, recibiría encargos para mansiones en Florencia (1448) y Venecia de parte de personajes tan renombrados como Pedro de Cosme de Médici.
Dejó Roma para trabajar para Francesco Sforza en Milán. Allí construyó el Ospedale Maggiore (alrededor de 1456), que fue planeado racionalmente como una cruz dentro de un cuadrado, con la iglesia del hospital, de planta central, en el centro del plano. Las secciones originales que han sobrevivido de la estructura, muy reformada, muestran el detalle gótico de las tradiciones artesanales del Quattrocento milanés chocando con el diseño de Filarete all' antica (Murray 1963). También trabajó en el Castillo Sforzesco, y en la catedral de Milán.

Autorretrato en una medalla.
Filarete fue decisivo en el proyecto urbanístico desarrollado en Milán, plan que buscaba modificar el carácter medieval de dicha ciudad. Dicho plan y su muy signficativo Trattato d'architettura (Tratado de arquitectura), en 25 volúmenes, ratifican su importancia dentro de los arquitectos del Renacimiento.
Dicho Trattato d'architettura lo acabó en torno a 1465; tuvo una amplia divulgación en manuscrito. Un manuscrito profusamente ilustrado del Trattato —el Codex Magliabechiano, de hacia 1465, dedicado a Pedro de Médicis y conservado en Florencia—, sugiere que Filarete había perdido el favor en Milán poco después de completar este libro. El estilo que Filarete llamaba el «bárbaro estilo moderno», que instaba a los lectores a que abandonasen, es el estilo gótico del Norte de Italia.
Sforzinda[editar]
Gran parte de su Trattato, en el que favoreció la forma dialogada —aquí, entre el mecenas y su arquitecto— es un relato detallado de una ciudad imaginaria y en cierto modo mágica, Sforzinda, bautizada así en honor del mecenas de Filarete.

Plano de la ciudad ideal de Sforzinda, 1457.
La ciudad, que él comparaba con un cuerpo humano ideal, se inscribía dentro de una estrella de ocho puntas de muros inscritos dentro de un perfecto foso circular, el primero de muchos planos de ciudades ideales con forma de estrella que reaccionaron contra los espacios populosos e irracionales de la ciudad medieval. Ocho torres se colocan como bastiones en los puntos salientes de la estrella, y ocho puertas eran la salida de avenidas radiales, cada una de las cuales pasaba por una plaza de mercado, dedicadas a distintos géneros. Otras calles radiales tenían las iglesias parroquiales y los conventos.
Un sistema de canales conectados con el río y el mundo exterior, proporcionaba transporte para las mercancías. En el centro de Sforzinda estaba la piazza formalmente compuesta, un cuadrado doble que era un stadio de largo y medio stadio de ancho, con la catedral en su cabeza y una torre vigía. Los edificios de Sforzinda y su decorado altamente simbólico se describían detalladamente, junto con los cálculos astrológicos requeridos para la armonía, otras materias perfectamente prácticas como fortificaciones, al lado del descubrimiento de un Libro Dorado que detallaba los edificios de la Antigüedad.
Los aspectos de romance cortesano tardo-gótico de este tratado sobre la arquitectura no fueron del gusto del, más racional, siglo XVI: Giorgio Vasari despreció el tratado de Filarete como «el más ridículo y quizás el más estúpido libro que se haya escrito nunca». Sin embargo, su eco es tal que no ha podido desligarse de la Utopía de Moro.
La primera publicación del Trattato de Filarete tuvo que esperar a que el manuscrito del Codex Magliabechiano fuese editado por W. von Ottigen, en 1894.

Ha recibido 22 puntos

Vótalo:

Giuliano da Maiano (1432/1490)

17. Giuliano da Maiano (1432/1490)

Giuliano di Leonardo d'Antonio o Giuliano da Maiano (Maiano; 1432 - Nápoles; 1490); arquitecto, decorador y taraceador del Renacimiento italiano. Nacido en el pueblo de Maiano (cerca de Fiesole), tuvo como hermano mayor a Benedetto da Maiano. Giuliano fue muy influido por Filippo Brunelleschi... Ver mas
Giuliano di Leonardo d'Antonio o Giuliano da Maiano (Maiano; 1432 - Nápoles; 1490); arquitecto, decorador y taraceador del Renacimiento italiano.
Nacido en el pueblo de Maiano (cerca de Fiesole), tuvo como hermano mayor a Benedetto da Maiano.
Giuliano fue muy influido por Filippo Brunelleschi y Leon Battista Alberti. Trabajó primero en Florencia y luego en Siena, Faenza y Nápoles. Fue uno de los principales arquitectos que supieron difundir el llamado gusto florentino por la mayor parte de Italia e incluso otros países.
En sus diseños de elegantes líneas y clara sencillez no obstante el lujo (que se hace notar en el uso y tratamiento de materiales), frecuentemente tuvo la inspiración en las villas romanas de la Antigüedad. Ejemplo destacado, paradigmático para los arquitectos del siglo XVI, fue su villa de Poggioreale, abierta alrededor de un amplio patio porticado que de este modo resulta ser el núcleo central del edificio.

Ha recibido 22 puntos

Vótalo:

Mauro Codussi (1440/1504)

18. Mauro Codussi (1440/1504)

Mauro Codussi (Lenna, Lombardía, c.1440–Venecia, 1504) fue un arquitecto italiano del Renacimiento. Su actividad se desarrolló fundamentalmente en Venecia, donde renovó el lenguaje arquitectónico, apartándolo de las formas góticas e imponiendo un estilo mesurado y sobrio en sus construcciones... Ver mas
Mauro Codussi (Lenna, Lombardía, c.1440–Venecia, 1504) fue un arquitecto italiano del Renacimiento.
Su actividad se desarrolló fundamentalmente en Venecia, donde renovó el lenguaje arquitectónico, apartándolo de las formas góticas e imponiendo un estilo mesurado y sobrio en sus construcciones.
Índice [ocultar]
1 Actividad artística
1.1 Obras
2 Bibliografía
3 Enlaces externos
Actividad artística[editar]
Se desconoce prácticamente todo del período de aprendizaje de este artista. Se sabe que en el año 1468 se encontraba en Venecia, donde permaneció hasta su muerte. Su carrera en la Ciudad de los canales está marcada por la progresiva importancia de los proyectos arquitectónicos que se le encargan, lo que demuestra que su trabajo tuvo éxito y reconocimiento. Algunas de sus creaciones son hoy iconos insustituibles en el paisaje veneciano.
La Venecia de finales del siglo XV era una gran potencia en el campo de la economía, la milicia y también en las artes. Sin embargo, en lo referido a la arquitectura, se mantenía como un centro secundario, toda vez que el Gótico, estilo muy identificado con su imagen urbana (Palacio de los Dux, Ca' d'Oro) aún no había dejado paso a las novedades renacentistas que ya se habían impuesto en lugares como Florencia. Fue precisamente Codussi, junto a los hermanos Pietro y Tullio Lombardo, que trabajaban en Venecia en la misma época, los responsables de situar a la ciudad como un centro arquitectónico creativo en la Italia del Renacimiento.
Se ha señalado que el estilo de Codussi sigue de cerca la línea marcada por Leon Battista Alberti, artista conocido y estudiado en toda Europa ya que sus tratados teóricos (entre ellos, uno dedicado a la arquitectura, De re aedificatoria) alcanzaron gran difusión. Lo cierto es que a este influjo, indudable en ciertos aspectos (gusto por las fachadas planas, órdenes clásicos, sencillez y claridad esctructural) une Codussi ciertos elementos tomados bien de la tradición local, bien de su propia inventiva, que caracterizan y definen sus creaciones y singularizan la arquitectura renacentista veneciana. Quizá el más reconocible de estos elementos es el uso de remates semicirculares, casi siempre acompañados de aletones de perfil igualmente circular, en las fachadas de muchos de sus edificios.
Obras[editar]

Iglesia de san Michele in isola. La lisa y austera fachada de Codussi contrasta con la capilla Emiliana, añadida posteriormente.
La práctica totalidad de las obras de Mauro Codussi se sitúan en la ciudad de Venecia o en islas adyacentes. Las fechas que se citan para los edificios corresponden, salvo indicación contraria, al año de inicio de las obras.
Iglesia de san Michele in Isola (1469). Se trata de la primera gran obra encargada al artista en Venecia, y uno de los primeros edificios plenamente renacentistas de la ciudad. Formaba parte de un monasterio de monjes camaldulenses situado en una isla en medio de la laguna. Codussi emplea en este edificio soluciones de gran sencillez y belleza. El interior se estructura en tres naves separadas por arcos de medio punto sostenidos por elegantes columnas. La fachada es muy novedosa, e inaugura una tipología llamada a tener mucho éxito; la simetría preside la composición, caracterizada por el almohadillado irregular del primer cuerpo, dividido en tres calles separadas por pilastras. Dos ventanas de medio punto rasgan el muro. El acceso se realiza por una portada muy clasicista, rematada por frontón triangular. El segundo cuerpo de la fachada es liso, y presenta un grácil ritmo curvilíneo por la yuxtaposición de formas derivadas del círculo (rosetón, frontón, aletones laterales) así como una rica molduración, con frisos compuestos por dobles hileras de gotas con remate liso. La arquitecura de esta fachada es tan simple y armónica que casa perfectamente con elementos tan dispares como la capella Emiliana, adosada a ella en época posterior, y la portada goticista que se abre en un lateral.
Fachada de la iglesia de san Zacarías (san Zaccaria). Se trata de un gran edificio gótico situado en el centro de la ciudad. El arquitecto Antonio Gambello inició en 1458 la imponente fachada, que fue realizada no obstante en su mayor parte por Mauro Codussi. Repite aquí el arquitecto el módulo empleado en la iglesia de san Michele, dotándolo de mayor monumentalidad (presenta 4 cuerpos) y desnudez. La decoración es austera, pero el juego de volúmenes y la disposición de los vanos, así como la presencia de semicolumnas casi exentas, ofrecen un efecto de claroscuro y movimiento muy audaces.
Campanile de san Pietro di Castello. El edificio fue la antigua catedral de Venecia. El campanario se sitúa exento respecto al templo como es usual en Italia; su diseño presenta rasgos que recuerdan el estilo Románico, revisado desde la óptica renacentista, en una auténtica lección de integración con el edificio preexistente (modificado de todos modos en fechas posteriores).

Fachada de la Scuola Grande di San Marco, en Venecia, una de las obras más destacadas de Mauro Codussi.
Palacio Vendramin-Calergi (1481). La contribución de Mauro Codussi al avance de la arquitectura civil fue muy notable. En esta mansión nobiliaria, una de las más lujosas de Venecia, el arquitecto se muestra cercano a los presupuestos del Cinquecento, que serían desarrollados después por autores como Jacopo Sansovino en edificios similares. Destaca en la fachada la superposición de órdenes y la reiteración del módulo compuesto por una ventana bífora con óculo en el remate. En este palacio murió el músico Richard Wagner en 1883.
Scuola Grande di San Marco. Inmediato a la Basílica de los santos Juan y Pablo (san Zanipolo en dialecto veneciano), una de las más grandes y suntuosas y primera de la Orden de los Dominicos en Venecia, se levantó el edificio de esta scuola (especie de fraternidad o cofradía dedicada a obras de caridad, entre otros menesteres). El diseño de la nueva fachada había pasado por manos de diversos arquitectos, Pietro Lombardo entre ellos, pero finalmente se hará cargo de su finalización Mauro Codussi, que inició los trabajos en 1490. El edificio era un encargo de la máxima importancia por la relevancia social de la institución que daba cabida y la excelente ubicación del edificio, junto a una de las iglesias más concurridas de la ciudad. Codussi respondió a las expectativas creando una de sus obras maestras. Resalta en la fachada el efecto general de suntosidad, logrado por la combinación de relieves en stiacciato simulando perspectivas, placados de mármol y estatuas. Quizá la parte más llamativa es el remate, donde el artista toma el motivo del frontón semicircular, repetido rítmicamente.
Iglesia de santa María Formosa. En el año 1492 le fue encomendada la reedificación de esta iglesia, una de las más tradicionales de la ciudad. Codussi respetó la estructura básica del edificio medieval y dio al interior un aire sobrio y austero, resolviendo la separación entre naves mediante pilares prismáticos. La depuración formal y el contraste entre la piedra y las superficies enlucidas remiten claramente a ciertos diseños de Brunelleschi. Las dos fachadas del templo fueron terminadas después de la muerte del arquitecto.
Torre dell'orologio en la Plaza de San Marcos. Prueba del prestigio ganado por el arquitecto es el encargo en 1496 de uno de los edificios de la plaza principal de Venecia. El edificio repite las disposición rítmica de las formas curvas en el paño donde se encuentra la esfera del reloj y el gran arco que se sitúa debajo. El resto de la fachada se resuelve mediante la alternancia de vanos cuadrados y otros rematados con arcos de medio punto.
Iglesia de san Juan Crisóstomo (san Giovanni Crisostomo) (1497). Situada en el barrio (sestiere) de Cannaregio, fue una de las creaciones postreras del arquitecto. En la fachada retoma la composición de la iglesia de san Michele, despojándola de cualquier concesión decorativa. A la impresión de severidad y sencillez contribuye también el liso enfoscado que sustituye a la piedra de Istria que el arquitecto utilizó en casi todas sus obras.
Iglesia de Sant Iago en Sedrina, Lombardía.

Ha recibido 20 puntos

Vótalo:

Bartolomeo Michelozzo (1396/1472)

19. Bartolomeo Michelozzo (1396/1472)

Michelozzo di Bartolomeo (Florencia, 1396 – Florencia, 1472 ) (también conocido como Michelozzo Michelozzi, quizá por error), fue un arquitecto y escultor de Florencia (Italia). Hijo de un sastre, fue aprendiz de Ghiberti en su juventud y colaboró más adelante con Donatello. Como escultor... Ver mas
Michelozzo di Bartolomeo (Florencia, 1396 – Florencia, 1472 ) (también conocido como Michelozzo Michelozzi, quizá por error), fue un arquitecto y escultor de Florencia (Italia).
Hijo de un sastre, fue aprendiz de Ghiberti en su juventud y colaboró más adelante con Donatello.
Como escultor trabajó, sobre todo, el mármol, el bronce y la plata. La estatua del joven San Juan que se halla encima de la entrada de la catedral de Florencia, así como la que se halla detrás del baptisterio, fueron creadas por Michelozzo. También esculpió una bellísima estatua de San Juan Bautista, en plata, para el altar mayor de la iglesia de San Juan.
En 1428 junto con Donatello, construyó el púlpito, al aire libre, en la esquina de la catedral de San Estefano, en Prato.
El magnífico Palacio Médicis, en Florencia, (1444) construido para Cosme de Médici, fue proyectado por Michelozzo, una de las más notables empresas arquitectónicas que combina la levedad delicada, como característica tanto del gótico prematuro italiano, como con el estilo clásico riguroso. Esta obra constituye, todavía hoy, el arquetipo de un palacio florentino.
Su gran amigo y mecenas, Cosme de Médicis, le acompañó, durante un tiempo a Venecia en 1433; allí, Michelozzo construyó la Biblioteca de San Giorgio Maggiore, entre otros.
Michelozzo fue contratado, el 8 de mayo de 1461, por la República de Ragusa (Dubrovnik), para supervisar los trabajos de las fortificaciones de la ciudad. Sus aportaciones resultaron muy efectivas en las casernas cónicas y alargadas de Minceta, la principal torre defensiva, y son consideradas como una innovación de Michelozzo, precedente, veinte años más tarde, de las casernas elípticas realizadas en Rocca de Ostia por Baccio Pontelli.
Algunas obras[editar]
Villa Médicis, Trebbio (1427-1433)
Biblioteca de San Giorgio Maggiore, Venecia (1433)
Villa Médicis, Careggi (1435-1440)
Claustro y Biblioteca del Convento de San Marcos, Florencia (1436-1444)
Palacio Comunal, Montepulciano (1440)
Reforma de la Santísima Anunciación, Florencia (1444)
Palacio Medici Riccardi, Florencia (1444-1464)
Villa Médicis, Cafaggiolo (1450)
Restauración del Palazzo Vecchio, Florencia (1453)
Fortificaciones en Stagno (Croacia) (1461-1464)
Monumento funerario en mármol de Carrara de Bartolomeo Aragazzi, en el Duomo de Montepulciano

Ha recibido 20 puntos

Vótalo:

Bernardo Rossellino (1409/1464)

20. Bernardo Rossellino (1409/1464)

Bernardo Rossellino (Settignano -Toscana-, 1409 – Florencia, 1464) fue un escultor y arquitecto del Renacimiento italiano. Su nombre real era Bernardo di Matteo Gamberelli. Era hermano mayor del pintor y escultor Antonio Rossellino. Los cinco hermanos Gamberelli o Rossellino tenían formación de... Ver mas
Bernardo Rossellino (Settignano -Toscana-, 1409 – Florencia, 1464) fue un escultor y arquitecto del Renacimiento italiano. Su nombre real era Bernardo di Matteo Gamberelli. Era hermano mayor del pintor y escultor Antonio Rossellino. Los cinco hermanos Gamberelli o Rossellino tenían formación de cantería, aunque sólo Antonio y Bernardo fueron incluidos por Vasari en sus Vite.
Índice [ocultar]
1 Edificios en Arezzo, Florencia y Roma
2 Urbanización de Pienza
3 Palazzi en Siena
4 Monumentos funerarios
5 Otras esculturas
6 Notas
7 Enlaces externos
Edificios en Arezzo, Florencia y Roma[editar]
De joven fue pupilo y colaborador de Leone Battista Alberti, sobre cuyos esquemas y planos construyó el Palazzo Rucellai de Florencia (1446-1451), uno de los primeros ejemplos genuinos de palacio florentino del Renacimiento. Exhibe tres órdenes de pilastras planas inscritas en una fachada de almohadillado delicado y variado, bajo una cornisa sin friso.
En torno a 1453 intervino en la Basílica de Santa Croce de Florencia. La autoría de esta obra también es compartida. Parece haberse trazado por Filippo Brunelleschi (muerto en 1446), y probablemente Bernardo Rossellino fue el responsable de la ejecución. El pórtico de entrada fue obra de Benedetto da Maiano.1
En Arezzo aplicó una fachada all'antica ("a la antigua", es decir, con elementos grecorromanos) a la estructura gótico-flamígera del Palazzo della Fraternita della Misericordia o dei Laici, una cofradía benéfica (1435).2
Además de sus obras en Toscana, trabajó mucho en Roma para el Papa Nicolás V, obras entre las que se encuentran la ampliación del transepto y ábside de la Antigua Basílica de San Pedro (1452–55), que fue destruida en las siguientes reformas, o la renovación de la iglesia de planta centralizada de Santo Stefano Rotondo (ca. 1450) donde aún puede verse el altar debido a Rossellino.

Segundo claustro o "gran claustro" de la Basílica de Santa Croce de Florencia.



Fachada del Palazzo de la Fraternita dei Laici de Arezzo.



Interior de Santo Stefano Rotondo de Roma.

Urbanización de Pienza[editar]
La obra más completa de Rossellino fue la planificación idealizada de Pienza, en el antiguo distrito de Corsignano, donde el Papa Pío II (1458-1464) quería realizar un entorno monumental en su lugar natal, diseñado conforme a nuevos principios urbanísticos y arquitectónicos renacentistas. Concibió un centro con Piazza -plaza- y construcciones principales rodeadas por el resto de la pequeña ciudad: el Duomo -catedral-, el Palazzo Pubblico, comunale o signoria -ayuntamiento-, el Palazzo Vescovile -palacio episcopal- y el Palazzo Piccolomini, donde asumió la organización de la fachada del Palazzo Rucellai.3 También incluye uno de los más antiguos jardines nobiliarios de Italia.
Véase también: Centro histórico de Pienza

Planta de la Piazza de Pienza y sus edificios aledaños.



Duomo de Pienza.



Vista parcial del Duomo desde la entrada al Palazzo Piccolomini.



Palazzo Piccolomini de Pienza.



Palazzo Comunale de Pienza.



Palazzo Vescovile de Pienza.

Palazzi en Siena[editar]

Palazzo Piccolomini de Siena.
También para el papa Pío, Rossellino diseñó el palacio sienés de los Nerucci o "de la papisa"4 y el hermoso Palazzo Piccolomini de Siena.5
Monumentos funerarios[editar]
Innovó el monumento funerario con la tumba mural de Leonardo Bruni en la basílica de Santa Croce de Florencia (1444 – 1447),6 indocumentada, pero enseguida famosa. En ella representó al último canciller florentino yaciendo en reposo en un sarcófago, en un relieve que revela la delgadez del muro, dentro de un entablamento con arco soportado por pilastras, recordando la apertura central de los arcos triunfales romanos, con un relieve de la Madonna en el tímpano. Este tipo de tumba fue repetida por otros artistas, el primero de ellos un paisano de Rossellino: Desiderio da Settignano, y se convirtió en un modelo durante todo el Renacimiento temprano o Quattrocento.7

Tumba de Leonardo Bruni.



Tumba de Filippo Lazzari.



Tumba de la Beata Villana.



Tumba de Giuliano Davanzati.

Entre otras, diseñó la tumba de la Beata Villana (Villana de'Botti)8 en Santa Maria Novella de Florencia, y la del jurista Filippo Lazzari en San Domenico de Pistoia.9
Otras esculturas[editar]
Realizó numerosos encargos escultóricos en formato arquitectónico, entre los que se encuentran un pórtico de mármol ricamente ornamentado para el Palazzo Pubblico de Siena, y un panel de terracota con la Anunciación para la catedral de Arezzo.
Dos notables piezas, ambas con el tema de la Anunciación, son un tabernáculo en bajorrelieve de la iglesia de San Egidio de Florencia,10 y un grupo escultórico en la iglesia de San Esteban de Empoli,11 con la Virgen y el ángel en bulto redondo.

Ha recibido 20 puntos

Vótalo:

Luciano Laurana (1420/1479)

21. Luciano Laurana (1420/1479)

Luciano Laurana (croata: Lucijan Vranjanin) (Vrana (Dalmacia), c. 1420 - Pésaro (Italia), 1479) fue un arquitecto e ingeniero dálmata. Laurana influyó considerablemente el desarrollo de la arquitectura del Renacimiento. Su obra más famosa fue el Palacio Ducal de Urbino. Era pariente del escultor... Ver mas
Luciano Laurana (croata: Lucijan Vranjanin) (Vrana (Dalmacia), c. 1420 - Pésaro (Italia), 1479) fue un arquitecto e ingeniero dálmata. Laurana influyó considerablemente el desarrollo de la arquitectura del Renacimiento. Su obra más famosa fue el Palacio Ducal de Urbino. Era pariente del escultor Francesco Laurana.
Biografía[editar]
Laurana nació en Vrana, cerca de Zadar. En ese entonces, el área formaba parte de la República de Venecia debido a que Ladislao I de Nápoles había vendido sus derechos al reino de Dalmacia por 100.000 ducados en 1409. Existe poca información sobre los primeros años de Laurana. Su padre, Martin, era un cantero en Zadar y trabajó junto al escultor Giorgio da Sebenico en la Catedral de Santiago de Šibenik.

Catedral y Palacio Ducal de Urbino.
Cerca de 1465, colaboró con Leon Battista Alberti en Mantua. Entre 1466 y 1472, dirigió las obras de un nuevo palacio encargado por Federico da Montefeltro, duque de Urbino. Sin embargo, la contribución de Laurana en el diseño es disputada, ya que Francesco di Giorgio también participó en la construcción.
Posteriormente, Laurana trabajó en Nápoles para el rey Fernando II de Nápoles. A partir de 1472, se trasladó a Pésaro, en donde vigiló la construcción del Castillo (Rocca) hasta su muerte, en 1479.

Ha recibido 19 puntos

Vótalo:

Giovanni Antonio Amadeo (1447/1522)

22. Giovanni Antonio Amadeo (1447/1522)

Giovanni Antonio Amadeo (Pavía, c. 1447 - Milán, 28 de agosto de 1522) fue un arquitecto, ingeniero y escultor del Renacimiento. Trabajó fundamentalmente en el norte de Italia, en Milán y Lombardía, donde alcanzó gran reputación y fama, hasta el punto de influir en grandes maestros como Donato... Ver mas
Giovanni Antonio Amadeo (Pavía, c. 1447 - Milán, 28 de agosto de 1522) fue un arquitecto, ingeniero y escultor del Renacimiento. Trabajó fundamentalmente en el norte de Italia, en Milán y Lombardía, donde alcanzó gran reputación y fama, hasta el punto de influir en grandes maestros como Donato Bramante o Leonardo da Vinci.
Vida y actividad artística[editar]
Giovanni Antonio Amadeo nació en Pavía. Huérfano de padre a la edad de cuatro años, su madre le llevó a vivir con unos familiares a Milán. Desde 1460 se formó como aprendiz en el taller del arquitecto e ingeniero Giovanni Solari y su hijo, el escultor Francesco Solari. De 1463 a 1464 trabaja en las obras del Hospital Mayor de Milán, proyectado por Filarete, cuya dirección llevaba en esos momentos Guiniforte Solari, quien sería su maestro. El 1 de enero 1466 Antonio Amadeo obtuvo el título de maestro independiente.1
Ese mismo año se constata su participación en las obras de la Cartuja de Pavía, sirviendo a la familia Sforza: realiza esculturas para el claustro mayor, el lavabo del claustro pequeño y la portada del transepto sur del monasterio.
En 1470 recibió el encargo de Bartolomeo Colleoni para completar su capilla funeraria, un edificio adosado a la Basílica de Santa Maria Maggiore de Bérgamo. La capilla Colleoni había sido iniciada por sus maestros, los hermanos Guiniforte y Francesco Solari; Amadeo la completó con una rica decoración exterior con mármoles polícromos y numerosas esculturas, acompañadas de medallones, columnas, bustos y relieves; los temas fueron el Antiguo Testamento y la historia de Hércules.
En el interior de la capilla, Amadeo diseñó el monumento fúnebre a Bartolomeo Colleoni, una compleja estructura de mármol en la que se mezclan temas cristianos con detalles decorativos extraídos del repertorio grecorromano. El sepulcro se corona con una estatua del Condottiero a caballo, cobijada en un arco de medio punto sostenido por finas columnas. El artista también trazó y ejecutó el sepulcro de la hija de Colleoni, Medea, de factura similar aunque más sencillo en estructura y detalles; originariamente había sido concebido para la localidad de Urgnano pero fue trasladado a la capilla en 1842.

Fachada de la Cartuja de Pavía, diseñada y ejecutada en su mayor parte por Antonio Amadeo.
En la década de 1470, Amadeo fue comisionado por el duque Galeazzo Maria Sforza para trabajar de nuevo en la Cartuja de Pavía; durante los años 1473-1476, el artista ejecutó diversos relieves y esculturas para el cenobio. A la muerte de Guiniforte Solari en 1481, le sucedió como arquitecto jefe de la Cartuja, y fue el encargado de rehacer y culminar la fachada.
Esta incesante actividad continuó en la madurez del artista. Amadeo tomó parte en la decoración de la Catedral de Milán e intervino activamente en el debate sobre su terminación. En esta época colaboró con Donato Bramante en la fachada de Santa Maria presso San Satiro de Milán. En 1488 Amadeo fue elegido por el cardenal Ascanio Sforza para dirigir las obras de la nueva catedral de Pavía, teniendo como colaborador de nuevo a Bramante. Más adelante, fue nombrado ingeniero ducal de Ludovico el Moro, diseñando las fortificaciones de Chiavenna y Piattamale, así como la reparación de carreteras y puentes en Valtellina y algunas obras hidráulicas; para Ludovico también proyectó una loggia en el Palacio Ducal de Vigevano.
Desde 1495 Amadeo dirigió las obras de la iglesia de Santa Maria presso San Celso en Milán; a partir de 1497 asumió la dirección de las obras del Duomo milanés, donde ya había trabajado anteriormente; terminó el cimborrio en el año 1500, en un estilo mimético con el Gótico radiante del resto del edificio; lo que le valió numerosas críticas de sus coetáneos, que consideraban el Gótico un estilo anticuado y extranjerizante.
Ya en el siglo XVI, Amadeo retomó las obras de la Cartuja de Pavía, donde esculpió en 1501 los relieves de las "Historias de los cartujos" y la "Vida de San Bruno". En 1508 presentó un modelo para la torre de la catedral de Milán, que no fue ejecutado.
En el año 1982 se demostró documentalmente que el Santuario de Santa Maria alla Fontana de Milán, atribuido hasta entonces a Leonardo da Vinci, fue en realidad diseñado por Amadeo.2 También se considera obra suya la fachada de la Catedral de Lugano, considerada una obra maestra de la arquitectura renacentista.
Murió en Milán en 1522; el epitafio de su sepultura dice "1522 die XXVIII aug. Jo. Antonius Homodeus Venerande fabrice msi. architectus".

Ha recibido 19 puntos

Vótalo:

Antonio Abbondi (1465?/1549)

23. Antonio Abbondi (1465?/1549)

Antonio Abbondi conoce generalmente como Scarpagnino (muerto en 1549) fue un italiano, arquitecto del Renacimiento periodo, activa principalmente en Venecia. Nacido en Grosio, en Valtellina. En 1505, se convirtió en el superintendente de la reconstrucción para el Fondaco dei Tedeschi en Venecia... Ver mas
Antonio Abbondi conoce generalmente como Scarpagnino (muerto en 1549) fue un italiano, arquitecto del Renacimiento periodo, activa principalmente en Venecia.
Nacido en Grosio, en Valtellina. En 1505, se convirtió en el superintendente de la reconstrucción para el Fondaco dei Tedeschi en Venecia; tres años más tarde fue nombrado Proveditore del Sale ("curador sal") de la ciudad.
Después de un incendio destruyó muchos edificios en el Rialto el 10 de enero de 1514, jugó un papel en la reconstrucción, compitiendo con Alessandro Leopardi, Giovanni Celeste, y Fra Giovanni Giocondo. Se aceptaron los diseños de Abbondi para el Fabbriche Antiche, y la construcción se completó en 1522, incluyendo la recién creada Palazzo dei Dieci Savi. También reconstruyó fue la iglesia de San Giovanni Elemosinario. El 6 de octubre 1527 fue nombrado el proto-maestro para la Scuola di San Rocco, y diseñó el piso superior.
Referencias [editar]

Ha recibido 19 puntos

Vótalo:

Francesco Borromini (1599/1667)

24. Francesco Borromini (1599/1667)

Francesco Castelli, llamado Francesco Borromini1 (Bissone, Suiza, 25 de septiembre de 1599 - Roma, 3 de agosto de 1667) fue un arquitecto suizo-italiano, considerado uno de los máximos exponentes del barroco romano. Índice [ocultar] 1 Biografía 1.1 Carácter 1.2 Últimos días 2 Lenguaje... Ver mas
Francesco Castelli, llamado Francesco Borromini1 (Bissone, Suiza, 25 de septiembre de 1599 - Roma, 3 de agosto de 1667) fue un arquitecto suizo-italiano, considerado uno de los máximos exponentes del barroco romano.
Índice [ocultar]
1 Biografía
1.1 Carácter
1.2 Últimos días
2 Lenguaje arquitectónico
3 Obras
3.1 San Carlo alle Quattro Fontane
3.2 Santa Inés en Agonía
3.3 Sant' Ivo alla Sapienza
3.4 Oratorio de San Felipe Neri (Oratorio dei Fillipini)
4 Influencia
5 Comentarios sobre Borromini y su obra
6 Principales proyectos
7 Referencias
8 Bibliografía
9 Enlaces externos
Biografía[editar]

Trampantojo en el patio del Palacio Spada de Roma, obra de Francesco Borromini. El pasillo es mucho más corto y la escultura mucho menor de lo que parecen.
Nació en Bissone, cantón del Tesino (Suiza),2 hijo del cantero Giovanni Domenico Castelli y de Anastasia Garovo. Inició su carrera ayudando en la cantera a su padre, pero pronto se trasladó a Milán para estudiar y perfeccionarse. Allí se lo empezó a llamar con el sobrenombre de Bessone, en alusión a su pueblo natal, ubicado cerca de Lugano, en la región de lengua italiana de Suiza. Francesco trabajó en las obras del "duomo", la catedral de Milán.
En 1619 llega a Roma, donde cambia su apellido de Castelli a Borromini, y comienza a trabajar para su pariente lejano, Carlo Maderno en las obras de la Basílica de San Pedro. A la muerte de Maderno en 1629 se une al equipo de Gian Lorenzo Bernini en los trabajos de ampliación y refacción de la fachada del Palazzo Barberini.
Borromini trabaja allí como asistente de Bernini, pero luego de unos pocos años se produce entre ambos una enemistad que duraría toda la vida.
Durante el pontificado de Inocencio X (1644-1655) , gana la confianza del Papa, lo que le permite desplazar a su eterno rival en el puesto de arquitecto principal de Roma. Sin embargo, con el siguiente Papa, Alejandro VII (1655-1657) nuevamente renace la estrella de Bernini, acrecentando el enfrentamiento entre ambos arquitectos. A partir de allí Borromini se dedica a completar los interiores de la iglesia de Sant'Ivo alla Sapienza, de la actual Universidad romana, y a los trabajos en San Juan de Letrán. Adicionalmente, completa el basamento de la fachada de su primera obra independiente, la iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane en el Quirinal. La galería de Borromini en el Palazzo Spada juega con la perspectiva de tal manera que se va encogiendo, lo que la hace parecer más larga de lo que es.
Carácter[editar]
La genialidad siempre conlleva caracteres distintivos, circunstancia acentuada en este caso por el trágico final del artista. Así como Leonardo y Miguel Ángel han quedado grabados en la historia como hombres del Renacimiento, Borromini puede ser definido sin lugar a dudas como un hombre del Barroco.
Todos estos grandes artistas mostraron una motivación común por la investigación y la innovación, y plasmaron su búsqueda en infinidad de bosquejos y borradores. Borromini dejó a la posteridad su obra teórica "Opus Arquitectonicum", pero buena parte de sus escritos fueron destruidos por él mismo antes de su muerte.
Tenía reputación de honesto y poco interesado en las riquezas materiales, aunque posiblemente, como todo artista, sintiera necesidad de otras formas de reconocimiento. Daba especial relevancia a la plena libertad de diseño, negándose a "copiar" características u elementos estilísticos en sus proyectos,3 y llegando al extremo de resignar toda remuneración a cambio de tal libertad expresiva. Religioso practicante y devoto, transcurría su vida laica con votos de pobreza.4
Se dice que su carácter era huraño y solitario, aunque cultivó amistad con el cardenal Spada, el marqués de Castel Rodrigo y el pintor Nicolas Poussin. Su final, con un suicidio similar al de Catón el Joven, arrojándose sobre su propia espada, hicieron que la posteridad acentuara su estoicismo, que en vida demostró mediante una rigurosa carrera profesional. Posiblemente esta característica fue la que le granjeó enemistades y pérdida de encargos en una época donde el respeto por el ordenamiento clásico limitaba en gran medida la innovación artística.
Últimos días[editar]

Lápida de Borromini, bajo la de Carlo Maderno.
Los últimos días de Borromini lo muestran inmerso en una profunda depresión, fruto de desaires tardíos, posiblemente alguna enfermedad no diagnosticada, y un incremento en el carácter melancólico que lo acompañó toda su vida. Martin Raspe5 recuerda los principales acontecimientos de sus últimos días:
1 de julio de 1667: se toma la decisión de encargar la tumba de Alejandro VII a Bernini
22 de julio: desde esta fecha Borromini se siente enfermo y no vuelve a salir de su casa. Entrega un testamento para su guarda al notario Olimpio Ricci.
24 de julio: recibe la noticia de la repentina muerte de Fioravante Martinelli.
24 de julio: sale a San Juan de Letrán para asistir al jubileo (entronización de Clemente IX)
29 de julio: Borromini requiere al notario la devolución de su testamento, que posteriormente se pierde.
30 de julio: Borromini quema sus escritos y diseños.
1 de agosto: recibe a su sobrino Bernardo. A la noche comienza a escribir un nuevo testamento.
2 de agosto: al amanecer tiene una pelea con su sirviente, Francesco Massari, por causa de una luz para escribir sus notas, y se arroja contra su propia espada, resultando malherido. Dicta su testamento en favor de su sobrino Bernardo, con la condición que contraiga matrimonio con la nieta de Carlo Maderno.
3 de agosto: Borromini muere en su lecho alrededor de las 22.00.
Extractos de sus escritos posiblemente del día 2 de agosto, luego de producido el incidente mortal, presentan el hecho casi como un accidente:
Me he sentido muy afectado por esto desde alrededor de las ocho de esta mañana y te contaré qué sucedió.Me había estado sintiendo enfermo desde el banquete de Magdalena (el 22 de julio) y no había salido a causa de mi enfermedad excepto el sábado y domingo en que fui a San Giovanni (dei Fiorentini) para el jubileo. Ayer por la noche, vino a mí la idea de hacer mi voluntad y exteriorizarla por mi propia mano. Así que comencé a escribirte después de la cena, y escribí con el lápiz hasta cerca de las tres de la mañana. Messer Francesco Massari, mi criado joven, quien duerme en la puerta siguiente de mis aposentos ya se había ido a la cama. Viendo que seguía inmóvil escribiendo y no había apagado la luz, me llamó diciendo: -"Signor Cavaliere, debe Ud. apagar la luz e ir a dormir porque ya es muy tarde y el médico quiere que descanse". Contesté que tendría que encender otra vez la lámpara al despertar, y me dijo -"Apáguela, porque la encenderé cuando despierte". Así que paré de escribir, alejé de mí el papel, apagué la lámpara y me fui a dormir. Cerca de las cinco o seis de la madrugada desperté y llamé a Francisco para pedirle que encendiera la lámpara. Como se negó dado que no había dormido suficiente, me puse impaciente y pensé como hacerme algún daño corporal. Permanecí en este estado hasta cerca de las ocho, cuando recordé que tenía una espada en el respaldo de la cama, colgada entre las velas consagradas, y en mi impaciencia por tener una luz tomé la espada, que cayó de punta junto a mi cama. Caí sobre ella con tal fuerza que terminé atravesado en el piso. Debido a mi herida comencé a gritar, con lo que Francesco entró rápidamente al cuarto, abrió la ventana, y al verme herido, llamó a otros que me ayudaron a recostarme en la cama y quitarme la espada. Así es como resulté herido.
"Borromini, de Sir Anthony Blunt, libro biográfico
Inscripción en una placa conmemorativa del año 1955, sobre una columna de la Iglesia de San Juan de los Florentinos, Roma
FRANCISCVS BORROMINI TICINENSIS,EQVES CHRISTI,QVI,IMPERITVRAE MEMORIAE ARCHITECTVS,DIVINAM ARTIS SVAE VIM,AD ROMAM MAGNIFICIS,AEDIFICIIS EXORNANDAM VERTIT,IN QVIBUS,ORATORIVM PHILLIPINVM S. IVO S. AGNES IN AGONE,INSTAVRATA LATERANENSIS ARCHIBASILICA,S. ANDREAS DELLE FRATTE NVNCVPATUM,S. CAROLVS IN QVIRINALI,AEDES DE PROPADANDA FIDE,HOC AVTEM IPSVM TEMPLVM,ARA MAXIMA DECORAVIT,NON LONGE AB HOC LAPIDE,PROPE MORTALES CAROLI MADERNI EXUVVIAS,PROPINQVI MVNICIPIS ET AEMVLI SVI,IN PACE DOMINI QVIESCIT.6
Lenguaje arquitectónico[editar]
La obra de Borromini resulta muy original, sin precedentes claros salvo la influencia parcial de Miguel Ángel, a quien el arquitecto admiraba.Entre los principales elementos y criterios arquitectónicos utilizados en su obra, cabe destacar:
Orden gigante, utilizado en forma complementaria y alternada.
Planta central, que sería una tendencia distintiva de las iglesias barrocas
Dinamismo espacial
Uso de la luz
Incorporación de la escultura
Materiales simples y económicos
Esquema geométrico modular, superando al módulo aritmético de la arquitectura clásica.
Obras[editar]
San Carlo alle Quattro Fontane[editar]

Fachada de San Carlo alle Quattro Fontane.
Artículo principal: San Carlo alle Quattro Fontane
Entre 1634 y 1637 su primer encargo independiente fue la reconstrucción de la iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane , también llamada San Carlino. La fachada se terminaría mucho más tarde, al fin de su carrera, incrementando el valor arquitectónico de la obra. La iglesia está dedicada a San Carlos Borromeo y se la considera una obra maestra del barroco.
Borromini evitó la linearidad del clasicismo y eligió un esquema oval, que representara la cosmovision de ese entonces, en lugar de la más simple forma circular, utilizada en el Renacimiento, bajo una cúpula también oval estructurada mediante un sistema de cruces y octógonos que se van reduciendo hasta la linterna superior, fuente de toda la luminosidad del oscuro interior7 El edificio es pequeño, ya que la fachada entera podría caber en uno de los pilares de la Basílica de San Pedro.8
La forma oval de la nave se vé articulada y disuelta en un ritmo de convexidades y concavidades que muestran una de las cumbres de los interiores barrocos, tal como lo describen Trachtenberg y Hyman:
"Diseñó los muros en ondas entrantes y salientes , como si no fueran de piedra sino de un material flexible puesto en movimiento por un espacio energético, arrastrando consigo las profundas tablaturas, cornisas, molduras y frontones"
Lo intrincado de su geometría es mucho más osada y menos recargada en decoraciones figurativas9 que la iglesia de Sant'Andrea al Quirinale, obra de Bernini ubicada a pocos metros sobre la misma calle.
La obra de Bernini, cuya construcción se inició algunos años después, presenta un drama escultórico incrustado en la arquitectura. San Carlo, en cambio, ofrece una dramatización del espacio a través de la racionalidad y la geometría.
Los elementos ondulados de la fachada (1662-1667), unidos por una cornisa serpenteante y esculpidos con nichos, son así mismo piezas maestras10 que influirían con fuerza en la arquitectura de Nápoles y en el barroco siciliano.
Santa Inés en Agonía[editar]
En Santa Inés en Agonía, Borromini revirtió la planta original de Girolamo Rainaldi (y su hijo Carlo Rainaldi), comenzada en 1652 en el lugar en que santa Inés fue martirizada en el circo de Flavio Doniciano, convertida luego en la Plaza Navona. Su acceso principal en la Via si Santa Maria dell'Anima. La fachada se expandió para incluir partes del lindante Palazzo Pamphilii, ganando espacio para los dos campanarios.11
Borromini perdió el encargo antes de completarlo, debido a la muerte del papa Inocencio X en 1655. El nuevo papa, Alejandro VII, y el príncipe Camilio Phampilii volvieron a llamar a Rainaldi, pero este no hizo grandes cambios y la iglesia todavía es considerada como una expresión notable de los conceptos de Borromini.
Sant' Ivo alla Sapienza[editar]
Artículo principal: Sant'Ivo alla Sapienza

Sant'Ivo alla Sapienza, acceso y fachada.
Entre 1640 y 1650 Borromini trabajó en el diseño de la iglesia de Sant'Ivo alla Sapienza y sus jardines, cerca del palacio de la Universidad de Roma La Sapienza . Inicialmente había sido la iglesia del gimnasio romano. Borromini fue recomendado para el trabajo en 1632, por el después supervisor de las obras del Palazzo Barberini, Gian Lorenzo Bernini. El edificio, como muchos en la estrecha Roma, es modificado por las perspectivas exteriores; fue construido al extremo del largo patio diseñado por Giacomo della Porta.
La cúpula y la torre coclear son peculiares y reflejan la idiosincrasia de los motivos arquitectónicos que distinguieron a Borromoni de sus contemporáneos. El interior presenta una nave de inusual planta centralizada, en la que se alternan cornisas cóncavas y convexas, ascendiendo a una cúpula decorada con una matriz lineal de estrellas y puttis. La estructura muestra un esquema de estrella de seis puntas. Desde el centro del piso las cornisas asemejan dos triángulos equiláteros que forman un hexágono, aunque tres de las puntas tienen forma de trébol, mientras que las restantes terminan en concavidades.
Las columnas interiores se distribuyen sobre puntos de un círculo. La fusión entre los excesos febriles y dinámicos del barroco y la geometría racionalista constituyen un logro excelente para una iglesia perteneciente a una institución papal de altos estudios.
Oratorio de San Felipe Neri (Oratorio dei Fillipini)[editar]
La congregación de los filipinos tenía ya una de las iglesias mejor decoradas de Roma, y la orden, muy adepta a la expresión piadosa a través de la música, pensó construir un oratorio que incluía aposentos al lado de la iglesia de Santa Maria in Vallicella (Chiesa nuova), ubicada en pleno centro de Roma.
Borromini fue uno de los postulantes para la construcción del proyecto, entre los que se contaba a Paolo Maruscelli. Resultó empleado para el trabajo durante trece años que incluyeron varios períodos conflictivos. Para 1640 el oratorio estaba en uso, y en 1643 se completó la biblioteca. La llamativa fachada cercana a la entrada de la iglesia tiene poca semejanza con las estructuras interiores. Dentro del oratorio el espacio se articula mediante semicolumnas.
Influencia[editar]

El retrato de Borromini en la sacristía de San Carlo alle Quattro Fontane.
Borromini fue una importante influencia para el arquitecto piemontés Guarino Guarini y sus sucesores.
Comentarios sobre Borromini y su obra[editar]
Maderno, junto con Borromini y Carlo Fontana eran los líderes de una banda de artistas que conspiraron para sacar a la arquitectura de su tranquilo reposo (...), que sustituyeron por una turbulenta movilidad.
Karl Baedecker, 1883 en "Guía de Italia central"
Era usual verlo de humor melancólico o, como decían algunos de sus allegados, hipocondríaco, a causa de lo cual se enfermaba realmente, sumado a la continua especulación sobre las cosas de su arte, con el tiempo esta tendencia se profundizó y se convirtió en una actitud permanente, de tal forma que huía de las conversaciones para estar en soledad , ocupado solamente en el giro continuo de pensamientos turbulentos.
Filippo Baldinucci, historiador del arte (1624-1696)
Principales proyectos[editar]
La siguiente es una lista cronológica de las obras en las que participó Borromini como proyectista, ya sea en forma independiente o en colaboración con otros arquitectos:
1622 - Sant'Andrea della Valle, Roma.
1629-1631 - Palazzo Barberini, Roma.
1631-1633 - Baldaquino de San Pedro, Ciudad del Vaticano. Brindó asesoría técnica a su posterior antagonista, Gian Lorenzo Bernini.12
1637 - Oratorio de San Felipe Neri, Roma.
1638-1641 - San Carlo alle Quattro Fontane, Roma.
1642-1660 - Sant'Ivo alla Sapienza, Roma.
1645-1650 - Palazzo Pamphili, Roma.
1646-1667 - Colegio de Propaganda Fide, Roma.
1647-1650 - San Juan de Letrán (reconstrucción), Roma.
1652 - Santa Inés en Agonía, Roma.
1653-1665 - Sant'Andrea delle Fratte (exterior), Roma.
1659-1661 - Biblioteca Alessandrina en Sant'Ivo della Sapienza, Roma.
1662-1664 - Capilla de los Reyes Magos en el Colegio de Propaganda Fide, Roma.

Ha recibido 19 puntos

Vótalo:

Carlo Scarpa (1906/1978)

25. Carlo Scarpa (1906/1978)

Carlo Scarpa (1906, Venecia - 1978, Sendai, Japón), fue un arquitecto italiano. Diplomado en la Academia de Bellas Artes en 1926, su carrera estuvo constantemente influida por la búsqueda de la perfección en los detalles arquitectónicos que le permitieron realizar verdaderas obras de filigrana... Ver mas
Carlo Scarpa (1906, Venecia - 1978, Sendai, Japón), fue un arquitecto italiano. Diplomado en la Academia de Bellas Artes en 1926, su carrera estuvo constantemente influida por la búsqueda de la perfección en los detalles arquitectónicos que le permitieron realizar verdaderas obras de filigrana arquitectónica.
La mayor de las contribuciones de su obra consiste en la incorporación de los valores de la historia de la arquitectura italiana en sus obras arquitectónicas contemporáneas, tal y como lo realizó en el Castelvecchio en Verona, la tienda de exhibición de Olivetti en Venecia, el Banco popular de Verona entre otras.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Obras
2.1 Residencias
2.2 Monumentos
2.3 Museos
2.4 Edificios públicos
2.5 Edificios religiosos
2.6 Negocios
2.7 Esculturas
3 Enlaces externos
Biografía[editar]
Carlo Alberto Scarpa nació el 2 de junio 1906 en Venecia, donde regresó en 1919 después de pasar su infancia en Vicenza, para estudiar en la Academia de Bellas Artes, entorno en el que conoció y se convirtió en asistente del arquitecto veneciano Vincenzo Rinaldi, y acabó casándose en 1934 con su sobrina Onorina (Nini) Lazzari. Mientras todavía estudiaba en la Academia obtuvo su primer encargo profesional: comenzó a trabajar como diseñador con algunas cristalerias de Murano. En 1926 se graduó y ese mismo año se convirtió en profesor en la Escuela de Arquitectura de Venecia (IUAV), fundada ese mismo año, y al mismo tiempo, desde 1927 a 1930, trabajó para la cristalería artística de Murano MVM Cappellin & Co.
A finales de los años veinte diseño sus primeros muebles y empezó a asistir a los círculos artísticos e intelectuales de Venecia, donde conoció y se relacionó con artistas como Giuseppe Ungaretti, Carlo Carra, Lionello Venturi, Diego Valeri, Giacomo Noventa, Arturo Martini, Bice Lazzari y Felice Casorati. A partir de 1933 comenzó a trabajar con la fábrica de vidrio de Paolo Venini, una colaboración que duró hasta 1947. Su primera exposición tuvo lugar en la Bienal de Venecia de 1932 y dos años más tarde en la Trienal de Milán.

Negocio Olivetti en Plaza San Marco, Venecia
Al cumplir sus treinta años, entre 1935 y 1937, Scarpa hizo su primer trabajo de entidad, la adecuación de Ca' Foscari en Venecia, sede de la universidad: su intervención se produjo principalmente en las zonas más importantes, que albergaban el Rectorado y el Salón de Actos Académicos. Esta actuación, que el arquitecto veneciano modificó entre 1955 y 1957, resultó ser uno de los más innovadores proyectos de restauración de ese período. Las grandes ventanas con parteluz con vistas al Gran Canal, el elemento más interesante de la primera restauración, se confronta con la actuación más interesante de la segunda restauración, o la reconfiguración de la tribuna de madera que él mismo había diseñado veinte años antes, indican claramente la competencia alcanzada por el arquitecto, que en el primer caso siente la influencia de Le Corbusier y en el segundo la de Frank Lloyd Wright.
Su actividad no se interrumpió ni siquiera durante la Segunda Guerra Mundial, aunque, por supuesto, a partir de 1945 se reanudó de forma más activa. Destacar la realización del Pabellón del libro en los jardines de la Bienal al inicio de los años cincuenta, en el que son evidentes algunos ideas de Wright: se trata de un pequeño edificio de madera con grandes ventanales protegidos con aleros, en el que emergen una serie de elementos particulares, marcos de madera distorsionados y estructuras triangulares aéreas. Después de conocer a Frank Lloyd Wright en persona, se produjo una influencia aún mayor en sus obras posteriores, especialmente en el proyecto en 1953 de la Villa Zoppas en Conegliano.
En 1956 ganó el Premio Nacional Olivetti de Arquitectura y de la misma empresa le encarga el diseño de una sala de exposición de Olivetti en la Plaza de San Marcos de Venecia, pero en ese mismo año es acusado por el Colegio de Arquitectos de ejercer la profesión ilegalmente y llevado a los tribunales.
En 1978 recibió un doctorado honoris causa en arquitectura por el Instituto Universitario de Arquitectura de Venecia, poniendo así fin al debate sobre la legitimidad de sus actividades. Lamentablemente no pudo asistir a la ceremonia porque murió el 28 de noviembre en Japón debido a un accidente: Scarpa durante un paseo vio un escalón de mármol italiano trabajado de forma particular, se acerca para observarlo mejor pero tropezó y cayó de la escalera. Murió más tarde en el hospital por las consecuencias del golpe en la cabeza.
Obras[editar]
Residencias[editar]
Anexo a la casa de Benedetti-Bonaiuto, Roma, 1965-1972
Casa Balboni, Venecia, 1964-1974
Casa Bellotto
Casa Carlo Scarpa
Casa Curto
Casa y estudio Gallo
Casa y estudio Scatturin
Casa Giacomuzzi
Casa Golin
Casa Ottolenghi, Bardolino (Verona), 1974-1979
Casa Pelizzari
Casa para apartamentos
Casa Romanelli
Casa Simoncini
Casa Veritti, Udine, 1955-1961
Casa Zentner
Jardín de la casa Guarnieri
Villa Bortolotto
Villa El Palazzetto
Monumentos[editar]
Basamento de la escultura La Partigiana di Augusto Murer, Venecia, 1968
Basamento de la escultura La Partigiana di Leoncillo, Venecia, 1955
Tumba Brion, San Vito d'Altivole (Treviso), 1969-1978
Estela que conmemora el segundo aniversario de la masacre de la Piazza della Loggia de Brescia, 1974-1976, 1977
Tumba Capovilla, Venecia
Tumba Galli Genova, proyecto 1976-1978, realización póstuma (1981)
Tumba Rinaldo-Lazzari, Quero, 1960
Tumba Veritti, Udine
Tumba Zilio, Udine, 1960
Museos[editar]
Bienal XXV: Pabellón del libro, Venecia
Galería de arte moderno Il Cavallino Venecia
Galería de los Uffizi y Sala de dibujos y grabados de Florencia, 1953-1960
Galería de la Academia, Venecia
Jardín de las esculturas, Venecia
Gipsoteca Canoviana, Possagno (Treviso), 1955-1957
Museo Correr, Venecia, 1952-1953, 1957-1969
Museo de las armas en el Castillo de Brescia, 1971-1978, acabado póstumo.
Museo cívico de Castelvecchio, Verona, 1956-1964
Museo Revoltella en Trieste, 1963-1978, acabado póstumo.
Pabellón de Venezuela, Venecia, 1953-1956
Palacio Abatellis (Galería Regional de Sicilia), Palermo, 1953-1954
Edificios públicos[editar]
Aula Manlio Capitolo
Banca Católica del Veneto en Tarvisio
Banca Popular de Gemona del Friuli, Gemona (Udine), 1978 - 1984
Sede de la Banca Popular de Verona, Verona, 1973-1982 acabado póstumo.
Bienal XXVI: billetería y recinto, Venecia
Camping en Fusina, Fusina (Venecia), 1957-1959
Fundación Masieri, Venecia, 1968-1983
Fundación Querini Stampalia, Venecia, 1961-1963
Hotel Minerva, Florencia, 1958-1961
Entrada de la Facultad de Arquitectura IUAV - sede Tolentini (III proyecto), Venecia, 1966-1985
Palacio Chiaramonte-Steri, Sede del rectorado de la Universidad de Palermo, 1973-1978
Sala del Consejo, Parma, 1955-1956
Sede para la editorial La Nuova Italia
Universidad Ca' Foscari, restauración y aula Mario Baratto, Venecia, 1935-1937; 1955-1956
Universidad Ca' Foscari, sede de la Facultad de Letras y Filosofía (portal), Venecia, 1976-1978, realización póstuma.
Edificios religiosos[editar]
Iglesia de Nuestra Señora de Cadore, Borca di Cadore, 1956-1961
Iglesia de San Juan Bautista, Firenzuola, 1955-1966
Cementerio Brion, 1970-1975
Negocios[editar]
Cafè Lavena
Cantina del Instituto Enológico (zona de catas) San Michele in Adige, 1964 - 1966
Negocio a la piavola de franza (ropa), Venecia
Negocio Gavina, Bolonia, 1961-1963
Negocio Nobili, Guastalla, 1977
Negocio Olivetti, Venecia, 1957-1958
Negocio Salviati, Venecia, 1958 - 1960
Esculturas[editar]
Escultura Asta, Monselice (Padua), 1968
Escultura Crescita, Monselice (Padua), 1968
Escultura Diedro o Lente Contafili, Monselice (Padua), 1968
Escultura Erme, Monselice (Padua), 1968
Escultura la Meridiana, Monselice (Padua), 1968
En cuanto su Arquitectura basó su interés arquitectónico fue un tipo de Modernismo con algunas características en los detalles y en los valores del material, elaborados por sus artesanos sobre cerámica, mármol, su carpintería y metalurgia,

Ha recibido 19 puntos

Vótalo:

Aristotelés Fioravanti (1415/1486)

26. Aristotelés Fioravanti (1415/1486)

Aristóteles Fioravanti o Fieraventi, de nombre real Ridolfo Fioravanti, motejado Aristotile, y transliterado del ruso con las formas Фиораванти, Фьораванти, Фиеравенти, o Фиораванте (Bolonia c. 1415 o 1420 – c. 1486), fue un arquitecto e ingeniero italiano de la época del Renacimiento. Se sabe... Ver mas
Aristóteles Fioravanti o Fieraventi, de nombre real Ridolfo Fioravanti, motejado Aristotile, y transliterado del ruso con las formas Фиораванти, Фьораванти, Фиеравенти, o Фиораванте (Bolonia c. 1415 o 1420 – c. 1486), fue un arquitecto e ingeniero italiano de la época del Renacimiento.
Se sabe poco de sus primeros años, salvo su ciudad natal y que su familia era de arquitectos e ingenieros hidráulicos.
Se hizo famoso por las máquinas innovadoras que usó para la reconstrucción de las torres de los palacios de las familias nobles de su ciudad (Palazzo del Podestà, Palazzo Salaroli, Palazzo Felicini).

Palacio del Podestà (Bolonia)
Entre 1458 y 1467 trabajó en Florencia para Cosme de Médici el viejo, y en Milán, antes de volver a Bolonia. Allí diseñó los planos del Palazzo Bentivoglio, pero la construcción no se terminó hasta 1484-1494, por Giovanni II Bentivoglio. En 1467 trabajó para el rey de Hungría Matías Corvino.
En 1475 va a Rusia invitado por Iván III, y construye en el Kremlin de Moscú el Uspenski Sobor (la Catedral de la Dormición, 1475-1479), inspirado en la Catedral de la Dormición (Vladímir).
Según algunas fuentes, fue encarcelado por el zar cuando solicitó regresar a Italia, y murió en prisión. Según otras fuentes, participó como ingeniero militar y comandante de artillería en las campañas contra Nóvgorod (1477-1478), Kazán (1482) y Tver (1485).1

Ha recibido 18 puntos

Vótalo:

Giovanni Giocondo (1433/1515)

27. Giovanni Giocondo (1433/1515)

Fray Giovanni Giocondo (Verona, c. 1433 a 1515) fue un arquitecto, arqueólogo y estudioso de la antigüedad clásica italiano. Índice [ocultar] 1 Biografía 2 Obras 3 Vitruvio 4 Plinio el Joven 5 Referencias Biografía[editar] Porta Borsari, Verona. Ingresó a la Orden Dominicana a la... Ver mas
Fray Giovanni Giocondo (Verona, c. 1433 a 1515) fue un arquitecto, arqueólogo y estudioso de la antigüedad clásica italiano.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Obras
3 Vitruvio
4 Plinio el Joven
5 Referencias
Biografía[editar]

Porta Borsari, Verona.
Ingresó a la Orden Dominicana a la edad de dieciocho años, y se convirtió en uno más de los muchos miembros de esta orden que fueron pioneros del Renacimiento. Sin embargo, posteriormente se hizo franciscano. Comenzó su carrera como profesor de latín y griego en Verona donde tuvo como alumno a Julius Caesar Scaliger.
El joven fraile, informado arqueólogo y muy diestro en el dibujo, visitó Roma donde dibujó los edificios de la antigüedad, escribió la historia de sus grandes monumentos y completó e interpretó muchas inscripciones deterioradas. Estimuló el renacimiento del estudio clásico a través de colecciones de antiguos manuscritos, una de las cuales, terminada en 1492, la regaló a Lorenzo de Médicis. Pronto volvió a su ciudad natal, donde construyó puentes y proyectó fortificaciones para Treviso, haciendo de arquitecto y de ingeniero e incluso de director a pie de obra de sus proyectos.
Obras[editar]
Proyectó lo que se considera el edificio más bello de Verona y uno de los más perfectos de Europa, el Palacio del Consiglio, famoso por las decoraciones de sus logias , por pedido de Maximiliano I de Habsburgo. Thomas de Quincey le atribuye también la iglesia de Santa Maria della Scala. Entonces, Venecia lo convocó en compañía de otros famosos arquitectos para discutir sobre la protección de la laguna frente a los ríos. El plan de Giocondo para alterar el curso del río Brenta, desviándose hacia el mar, fue aceptado por los venecianos, y la obra fue un completo éxito.

Puente de Notre-Dame en París.
Entre 1496 y 1499 Giocondo fue invitado a Francia por Luis XII, y fue nombrado arquitecto real. Construyó un puente de gran belleza: el Puente de Notre-Dame (1500-1512) en París, e hizo el proyecto del palacio de la Chambre des Comptes , la Sala Dorada del Parlamento y el Chateau of Gaillon (Normandía), una portada que fue trasladada a París donde permaneció durante años en el patio de la École des Beaux-Arts para servir de modelo a los estudiantes de arquitectura, y que fue devuelto a su lugar original en 1977.
Vitruvio[editar]

Fondaco dei Tedeschi.
Entre 1506 y 1508 volvió a Italia, escribió cuatro disertaciones sobre las aguas y canales de Venecia y construyó el espléndido Fondaco dei Tedeschi (1508), decorado por Tiziano y Giorgione. En 1511, en Venecia, hizo una nueva edición de De Architectura , del escritor romano clásico Vitruvio, ilustrado con dibujos y dedicado al Papa Julio II . Este libro tuvo una gran influencia en el desarrollo de la arquitectura renacentista. Cuando se quemaron el Rialto y su alrededores del año 1513, Giocondo fue uno de los arquitectos que presentó proyectos para un nuevo puente y las infraestructuras adyacentes, pero abandonó Venecia para ir a Roma cuando la república eligió los proyectos de un rival. El Vaticano le dio la bienvenida el año 1514, y a la muerte de Donato Bramante supervisó (en compañía de Rafael y Giuliano da Sangallo) la construcción de la Basílica de San Pedro del Vaticano; fue Fra Giocondo quien mejoró y fortaleció los cimientos del edificio y los pilares que no habían sido correctamente diseñados para soportar la cúpula.
Plinio el Joven[editar]
En Francia, Giocondo descubrió un manuscrito de Plinio el Joven que contenía su correspondencia con Trajano. Lo publicó en París, con dedicatoria a Luis XII.
También publicó en Italia dos ediciones de lasEpístolasde Plinio, una de ellas impresa en Bolonia (1498) y la otra a la imprenta de Aldus Manutius (1508). Editó los Comentarios de Julio César e hizo el primer dibujo del puente de César sobre el Rin. Publicó las obras de Julius Obsequens, Aurelius Victor, así como De re rustica de Catón. Aparte de sus conocimientos sobre matemática y sobre la antigüedad clásica, fue profesor de teología escolástica. También fue autor de una famosa y muy citada carta, Carta a la Ilustrísima Condesa Allagia degli Aldobrandeschi, escrita en Navidad Anno Domini 1513. Su última obra fue, probablemente, la reconstrucción del puente de Verona (1521) porque en una carta enviada a Juliano de Médicis el año 1513, Giocondo aludía a sí mismo como "hombre viejo".

Ha recibido 18 puntos

Vótalo:

Simone del Pollaiolo "Il Cronaca" (1457/1508)

28. Simone del Pollaiolo "Il Cronaca" (1457/1508)

Simone del Pollaiolo conocido también como Il Cronaca (Florencia, 1457- ibid., 1508). Arquitecto, escultor y diseñador italiano del Renacimiento. Su apellido -o más bien apodo- Pollaiolo deriva de que Simone fue pariente de los, antes que él, ya célebres hermanos Antonio y Piero Benci quienes... Ver mas
Simone del Pollaiolo conocido también como Il Cronaca (Florencia, 1457- ibid., 1508). Arquitecto, escultor y diseñador italiano del Renacimiento.
Su apellido -o más bien apodo- Pollaiolo deriva de que Simone fue pariente de los, antes que él, ya célebres hermanos Antonio y Piero Benci quienes fueron conocidos por el apodo Pollaiuolo o Pollaiolo al haberse criado en las cercanías de un gallinero (pollaio en italiano). Simone fue entonces conocido como el tercero de los Pollaiolo hasta que luego recibió otro apodo: Il Cronaca (El Crónica).
El motivo de tal apodo tiene mucho que ver con su arte y es explicado por Il Vasari, Simone del Pollaiolo a fin de aprender más del arte arquitectónico marchó a Roma hacia 1470 para observar las antiguas ruinas. A su regreso a Florencia hacía minuciosos y muy razonados relatos y descripciones de lo que había observado. Dice el Vasari:
Contava le maraviglie di Roma e d'altri luoghi, con tanta accuratezza ch'e' lo nominarono da indi il Cronaca parendo veramente a ciascuno che egli fussi una cronaca di cose nel suo ragionamento.1 Contaba las maravillas de Roma y de otros lugares con tanta precisión que lo llamaron desde entonces il Cronaca [Crónica], pareciendo verdaderamente a cada cual que hubiera una crónica de cosas en su razonamiento.
Il Cronaca realizó en su ciudad natal numerosos edificios monumentales: En principio concluyó (ayudado por Giuliano da Sangallo) el importantísimo Palacio Strozzi que había sido iniciado por Benedetto da Maiano a pedido del comitente Filippo Strozzi "El Viejo". En tal obra Il Cronaca , en la cual laboró de 1488 a 1590, además de intentar seguir los modelos arquitectónicos de la antigüedad grecorromana plasmó otro objetivo, el de una sobriedad y severidad que intentaba transmitir como mensaje el anciano Filippo Strozzi; por este motivo -sin que tal edificio pierda gracia alguna- el Palacio Strozzi tiene un cierto aire de mausoleo en lugar de un aire risueño como se encuentra en la mayoría de los palacios italianos del Renacimiento.
Es totalmente obra de Il Cronaca la sacristía de planta octogonal llamada del Spirito Santo, este edificio se caracteriza por la armonía de sus proporciones y el detallismo con el cual está concretado. Otras valiosas realizaciones suyas son la iglesia de San Francesco dell'Osservanza y la de San Salvatore, todas en Florencia. Su principal discípulo fue Baccio d'Agnolo.
Referencias[editar]
Volver arriba ↑

Ha recibido 18 puntos

Vótalo:

Benedetto da Maiano (1442/1497)

29. Benedetto da Maiano (1442/1497)

Benedetto da Maiano, de verdadero nombre Benedetto de Leonardo, natural de Maiano, lugar próximo a Florencia (1442 - 24 de mayo de 1497) fue un destacado arquitecto y escultor de la escuela florentina. Altar de Santa Fina. Su obra encaja de un modo perfecto en el tono propio de la Florencia... Ver mas
Benedetto da Maiano, de verdadero nombre Benedetto de Leonardo, natural de Maiano, lugar próximo a Florencia (1442 - 24 de mayo de 1497) fue un destacado arquitecto y escultor de la escuela florentina.

Altar de Santa Fina.
Su obra encaja de un modo perfecto en el tono propio de la Florencia del siglo XV y, sin ser el mayor de los artistas del momento, cabe ser considerado como arquetipo; su sobriedad y reserva expresiva, su neto y puro concepto de la forma, su depurada elegancia es muy florentina. Su más perfecto y equilibrado ejemplo es el Palacio Strozzi que Benedetto hizo en el corazón de la ciudad.
Trayectoria[editar]
En los primeros tiempos colaboró con su hermano Giuliano de Maiano: las primeras obras de Benedetto fueron altares y tumbas en el interior de capillas realizadas por su hermano. El altar de Santa Fina (1475) en la capital de San Gimignano; el púlpito de Santa Croce de Florencia (terminado en 1475), de curiosa disposición en su escalera que atraviesa el pilar a que va adosada. De 1476 es la tumba de San Sabino en la catedral de Faenza. La tumba de María de Aragón, duquesa de Amalfi, comenzada por Bernardo Rossellino, para Santa Ana de los Lombardos en Nápoles fue concluida por Benedetto y en 1489 hizo el altar de Mastrogiudice en la misma iglesia. Para Santa María Novella llevó a cabo la tumba de Filippo Strozzi (1491).
Tenía por costumbre trabajar con bocetos, o modelos, ejecutados en tierra cocida. En el momento de su muerte abundaban en su taller este tipo de obras, entre ellas las realizadas para la Puerta Capuana de Nápoles, cuyas estatuas comenzó y no acabó. Sus retratos ofrecen relación con los bustos romanos antiguos, como ocurre destacadamente en el que hizo a Pietro Mellini (Museo Nazionale, Florencia), pero más característicamente florentinos y de la época son otros, de los que puede ser considerado ejemplo mayor el de Filippo Strozzi (Museo del Louvre), severo, elegante y con ese aire cortante, muy florentino; Benedetto, satisfecho de su obra,la firmó-
Como decorador, aparte de su labor en las capillas de su hermano, intervino en el Santuario de Loreto y en el Palazzo Vecchio de Florencia.
Su producción arquitectónica resplandece sobre todo en dos piezas de primer orden: el Palacio Strozzi, citado anteriormente, comenzado en 1489 y concluido después de su muerte por el Cronaca, quien hizo la magnífica cornisa; el edificio ha sido atribuido alguna vez a Giuliano da Sangallo, que influyó claramente en Benedetto; sin embargo, éste logra aquí una composición más monumental y simétrica, más equilibrada y perfectamente calculada en sus proporciones: altura y anchura, de los pisos entre sí y el acertado reparto de huecos y macizos. La otra obra es muy diferente y una de las más gráciles y bellas de todo el Quattrocento italiano: la logia de la iglesia de Santa María delle Grazie, en Arezzo, obra que partiendo de lo brunelleschiano alcanza una elegancia, un ritmo de proporciones, una exquisitez decorativa, pocas veces superada; la quebradiza finura y gracia, la casi inmaterialidad de las arquitecturas y pórticos que los pintores de la época nos ofrecen en los fondos de sus composiciones, se hacen aquí insospechada e insuperable realidad, gracias a una poco común sensibilidad poética y a una indudable sabiduría y maestría de oficio.

Ha recibido 17 puntos

Vótalo:

Giacomo della Porta (1540/1602)

30. Giacomo della Porta (1540/1602)

Giacomo della Porta (c. 1540 -Roma, 1602) fue un escultor y arquitecto italiano que trabajó en muchos edificios importantes en Roma, incluyendo la Basílica de San Pedro en el Vaticano. Biografía[editar] Della Porta nació en Porlezza, Lombardía. Colaborador de Miguel Ángel y alumno de Vignola... Ver mas
Giacomo della Porta (c. 1540 -Roma, 1602) fue un escultor y arquitecto italiano que trabajó en muchos edificios importantes en Roma, incluyendo la Basílica de San Pedro en el Vaticano.
Biografía[editar]
Della Porta nació en Porlezza, Lombardía. Colaborador de Miguel Ángel y alumno de Vignola, fue influenciado por ambos maestros. Después de 1563 trabajó sobre los planos de Miguel Ángel para la reconstrucción de los espacios abiertos de la capital: en la colina del Capitolio intervino en el diseño de la fachada y las escalinatas del Palacio senatorial.
Tras la muerte de Vignola en 1573, continuó la construcción de la Iglesia del Gesù, y en 1584 modificó su fachada con su propio diseño. Desde 1573 lideró la reconstrucción de la Basílica de San Pedro, y posteriormente, en colaboración con Domenico Fontana, completó la cúpula (1588-1590).
Della Porta completó la mayoría de las fuentes romanas del siglo XVI, incluyendo las de Neptuno y del Moro.
Principales obras[editar]
Oratorio del Santísimo Crucifijo (1562-1568)
Iglesia del Gesù (1571-1575)
Fuentes en el Palacio Borghese (1573)
Fuentes en la Plaza Colonna (1574)
Pequeña fuente en Piazza Navona (1574)
Una fuente en el Piazza della Rotonda
Palacio de los senadores del Capitolio (1573-1602)
Palazzo della Sapienza (1578-1602)
Palazzo Capizucchi (1580)
Santa Maria dei Monti (1580)
Sant'Atanasio dei Greci (1581)
Fachada de San Luis de los Franceses (1589)
Fuente de las tortugas (1584)
Santa Maria Scala Coeli
Palazzo Marescotti (1585)
Palazzo Serlupi (1585)
Trinità dei Monti (1586)
Fontana de la Piazza alli Monti (1589)
Cúpula de la Basílica de San Pedro (1588-90)
Fuentes en la Piazza di Santa Maria in Campitelli (1589)
Fuentes en Santi Venanzio e Ansovino (1589)
Fontana della Terrina (1590)
Escultura de Cristo entregando las llaves a san Pedro (1594), altar de la capilla San Pedro, Basílica de Santa Pudenciana.
Palazzo Fani (1598)
San Paolo alle Tre Fontane (1599).
San Nicola in Carcere (1599).
Palazzo Albertoni Spinola (1600).
Villa Aldobrandini, (1600-02) en Frascati.
Cappella Aldobrandini (1600-02) en Santa Maria sopra Minerva

Ha recibido 15 puntos

Vótalo:

Pellegrino Tibaldi (1527/1596)

31. Pellegrino Tibaldi (1527/1596)

Pellegrino Tibaldi, también llamado Il Pellegrini, (Puria, Valsolda, 1527 - Milán, 1596) fue un pintor y arquitecto italiano que también trabajó en España. Índice [ocultar] 1 Formación en Bolonia 2 Roma 3 Lombardía 4 El Escorial 5 Milán 6 Enlaces externos Formación en Bolonia[editar... Ver mas
Pellegrino Tibaldi, también llamado Il Pellegrini, (Puria, Valsolda, 1527 - Milán, 1596) fue un pintor y arquitecto italiano que también trabajó en España.
Índice [ocultar]
1 Formación en Bolonia
2 Roma
3 Lombardía
4 El Escorial
5 Milán
6 Enlaces externos
Formación en Bolonia[editar]
Se forma en Bolonia, como pintor en la escuela de Bagnacavallo y como arquitecto en un ambiente en el que dominan las ideas novedosas de Giulio Romano y de Sebastiano Serlio.
Roma[editar]

Fachada del Collegio Borromeo en Pavía.
Sin embargo, será fundamental para su personalidad artística la estancia en Roma entre 1547 y 1549, cuando conocerá la obra de Miguel Ángel y de otros artistas del Manierismo como Perin del Vaga. La influencia de estos se hace evidente ya en sus primeras obras, como la decoración del apartamento de Pablo III en el Castillo de Sant'Angelo.
Su asimilación del estilo miguelangelesco caracteriza las obras posteriores a su etapa boloñesa: así, los frescos sobre Ulises en el Palacio Poggi (1549) o los que realizó sobre 1555 en la capilla de los Poggi en San Giacomo Maggiore. Como arquitecto, algunos le atribuyen la obra del palacio y la capilla de los Poggi. Trabajó también como ingeniero militar en Ancona y Rávena.
Lombardía[editar]
Posteriormente se trasladó a Lombardía, donde recibió importantes encargos de Carlos Borromeo: el Colegio Borromeo de Pavía (1564) y, ya en Milán, el patio de la Canónica de los Ordinarios de la Catedral (1565), la iglesia de San Fedele (1569), prototipo de las iglesias contrarreformistas lombardas, el templo octagonal de San Carlos al Lazzaretto (1576-1592) y la iglesia de San Sebastián (1577).
Otras obras suyas de este momento son la Basílica de San Gaudenzio en Novara, 1577; la fachada de la Madonna dei Miracoli en Saronno, 1583 y el santuario de Rho, 1584). En todas ellas Tibaldi acentúa los caracteres de una arquitectura intelectual que modifica con mesurada libertad los modelos clásicos. Por decirlo con palabras de Giorgio Vasari emplea una "licenza... ordinata nella regola" ("licencia... ordenada de la regla"). Su arquitectura se distingue profundamente de la de sus contemporáneos, como por ejemplo, de la de Vignola, incluso en la aplicación del esquema de iglesia contrarreformista (así, contrasta el experimentalismo de la iglesia de San Fedele de Tibaldi comparada con el Gesù romano de Vignola).
En Milán también construyó edificios civiles, como el Palacio Erba-Odescalchi o el Palacio Spinola. Suyo es el diseño del Palacio de Prospero Visconti, aunque no dirigió su construcción. Nombrado arquitecto del Duomo de Milán, realizó numerosos trabajos para el templo, entre otras el baptisterio, 1567).
El Escorial[editar]
Reclamado como pintor por el rey Felipe II, Tibaldi lleva a cabo en España una importante obra en el Monasterio de El Escorial, pintando los frescos del claustro y de la biblioteca (1588-1595).

Biblioteca de El Escorial



«Salomón y la Reina de Saba», Biblioteca


«Presentación de la Virgen en el Templo», claustro


«Los desposorios de la Virgen», claustro


«Jesús ante los doctores», claustro
Milán[editar]
Los últimos años de su vida los pasó de nuevo en Milán, para cuya catedral proyectó una fachada monumental caracterizada por el orden gigante de las columnas, dos campanarios y un coronamiento de estatuas y obeliscos que nunca se llegó a construir.

Ha recibido 15 puntos

Vótalo:

Pietro da Cortona (1596/1669)

32. Pietro da Cortona (1596/1669)

Pietro da Cortona, cuyo auténtico nombre era Pietro Berettini (*Cortona, 1 de noviembre de 1596 – †Roma, 16 de mayo de 1669) fue un pintor y arquitecto italiano. Pietro de Cortona pertenece al período inicial del Barroco. Es conocido fundamentalmente por su trabajo en el terreno de los frescos... Ver mas
Pietro da Cortona, cuyo auténtico nombre era Pietro Berettini (*Cortona, 1 de noviembre de 1596 – †Roma, 16 de mayo de 1669) fue un pintor y arquitecto italiano.
Pietro de Cortona pertenece al período inicial del Barroco. Es conocido fundamentalmente por su trabajo en el terreno de los frescos decorativos y de la pintura. Durante el pontificado de Urbano VIII (de quien hizo un retrato), fue uno de los principales artistas establecidos en Roma, junto a Bernini y Borromini. Se puede decir que representa el máximo exponente del arte decorativo del Barroco pleno, haciendo olvidar a artistas anteriores como Giovanni da San Giovanni y oscureciendo a competidores como Giovanni Lanfranco.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Obra
2.1 Proyectos arquitectónicos más conocidos
2.2 Láminas de anatomía
2.3 Obras características
3 Referencias
4 Enlaces externos
Biografía[editar]
Pietro Berrettini fue discípulo del florentino Andrea Commodi hasta 1611, fecha en la que pasó al taller de Baccio Carpi. Se establece en Roma en 1612 y estudia y copia a los grandes maestros (Rafael, Annibale Carracci).
Empieza su carrera al servicio de la familia Sacchetti quien le confía en 1623 las obras de la villa de Pigneto.
En 1624 decora el Palazzo Mattei con El sacrificio de Polissena y El triunfo de Baco (hoy en los Museos Capitolinos de Roma). En el palacio Sacchetti conoce al caballero Marin y al cardenal Barberini, que se convierte en su protector. Gracias a él consiguió su primer gran encargo de pintura, el ciclo de frescos decorativos de Santa Bibiana en Roma (1624-1626), cuya fachada es obra de Bernini. El éxito obtenido le abre una carrera activa: en 1629 pinta El rapto de las sabinas que se convierte en el manifiesto de la pintura barroca romana.
En 1633-1639, lleva a cabo por encargo del papa Urbano VIII (Maffeo Barberini) su fresco más famoso: Alegoría de la Divina Providencia (conocida como Gloria de los Barberini), que se encuentra en el techo del gran salón del Palacio de los Barberini, en Roma. Se trata de una alegoría de la Providencia y del poder divino de los Barberini. Este gran fresco tiene mucho movimiento, cuenta con muchos personajes vistos desde un contrapicado extremado (de abajo hacia arriba), que caracteriza sus efectos ilusionistas. Se considera la obra cumbre del Barroco romano de este siglo.
Entre 1637 y 1647 decoró numerosas salas del Palacio Pitti de Florencia. En este trabajo contó como discípulo con Pierre Puget. En sus últimos años de vida decoró la Galería de Eneas en el Palacio Pamphili de la Piazza Navona (actual sede de la Embajada de Brasil) y las bóvedas de la nueva iglesia de los Filipenses en Roma.
Se convertirá en príncipe de la Academia de San Lucas.
Obra[editar]
Proyectos arquitectónicos más conocidos[editar]

San Lucas y Santa Martina. Cúpula de Pietro da Cortona.
Una de las mayores consecuciones arquitectónicas del Barroco es la Iglesia de San Lucas y Santa Martina cerca del Foro (1635-1650). Para la forma de cruz griega de esta iglesia tomó como punto de referencia la planta circular de Miguel Ángel en la Basílica de San Lorenzo de Florencia. Acentuó el espacio central, apeando la cúpula sobre columnas enteras, de modo que las capillas posteriores forman divisiones radiales, dejando un deambulatorio continuo. También es obra suya el notable embellecimiento del exterior de Santa Maria della Pace (1656-1667) su obra más completa por su ambientación en un entorno medieval, en la que colaboró con Carlo Fontana, y la fachada de Santa Maria in Vía Lata (hacia 1660) en cuyo pórtico realizó una disposición semejante a la de San Andrés en el Quirinal de Bernini y San Carlos al Corso (1668).
Pietro da Cortona es el autor de las pinturas de Castel Gandolfo tal y como lo conocemos hoy. De entre sus obras de carácter civil sólo se pueden apreciar los restos de la villa de Pigneto, que edificó cerca de Ostia en 1630 para el cardenal Barberini y el Casino al Pigneto del Marchese Sacchetti.
Láminas de anatomía[editar]
Antes de alcanzar fama como arquitecto, Pietro dibujó láminas anatómicas que no se publicarían hasta un siglo después de su muerte en el año 1741. Las láminas de Tabulae anatomicae (Tablas de anatomía) fueron elaboradas con toda seguridad hacia 1618. Las poses dramáticas y finamente estudiadas se encuentran en el estilo de otros artistas de este tipo del Renacimiento y del Barroco, pero son especialmente expresivas.
Obras características[editar]

Santa Maria della Pace, Roma.

Retrato de Urbano VIII
El triunfo de Baco, 1624, Museos Capitolinos, Roma
Paisaje con puente, 1625, Museos Capitolinos, Roma
El rapto de las sabinas, 1629, Museos Capitolinos, Roma
El triunfo de la Divina Providencia, 1633-1639, palacio Barberini, Roma
Venus cazadora se aparece a Eneas, 1630-1635, Museo del Louvre, París
Las cuatro edades de la humanidad, 1637-1641, palacio Pitti, Florencia
Rómulo y Remo recogidos por Fáustulus, 1643, Museo del Louvre, París
Cúpula de la iglesia de Santa María in Vallicella, llamada la Chiesa Nuova, 1648-1651, Roma
La historia de Eneas, 1651-1654, Palacio Doria-Pamphili, Roma
La Asunción de la Virgen, 1655-1660, Chiesa Nuova, Roma
La Natividad, h. 1656, pintada sobre venturina, Museo del Prado, Madrid
La visión de san Felipe Neri durante la construcción de la iglesia, 1664-1665, Chiesa Nuova, Roma
San Carlos llevando el santo clavo entre los apestados, 1667, iglesia de San Carlos ai Catinari, Roma

Ha recibido 15 puntos

Vótalo:

Giuseppe Terragni (1904/1943)

33. Giuseppe Terragni (1904/1943)

Giuseppe Terragni (Meda, 1904 - Como, 19 de julio de 1943) fue un arquitecto italiano que trabajó primordialmente bajo el régimen fascista de Mussolini, fue un pionero en el movimiento italiano bajo el nombre del racionalismo. Uno de sus trabajos más famosos es la Casa del Fascio, la cual fue... Ver mas
Giuseppe Terragni (Meda, 1904 - Como, 19 de julio de 1943) fue un arquitecto italiano que trabajó primordialmente bajo el régimen fascista de Mussolini, fue un pionero en el movimiento italiano bajo el nombre del racionalismo. Uno de sus trabajos más famosos es la Casa del Fascio, la cual fue comenzada en 1932 y completada en 1936. La casa fue construida originalmente bajo el Estilo Internacional de arquitectura en Como, un pueblo en el norte de Italia.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Aportaciones
3 Obras representativas
4 Referencias
5 Enlaces externos
Biografía[editar]

Casa del Fascio, en Como.

Monumento a los Caídos, en Como.

Asilo Sant'Elia, en Como
Giuseppe estudió en el Colegio Técnico de Como y luego terminó arquitectura en el Politécnico de Milán. En 1927, él y su hermano Attilio abrieron una oficina en Como que estuvo abierta hasta la muerte de Giuseppe durante la segunda guerra mundial.
Siendo un pionero en la arquitectura moderna en Italia, Terragni creo algunos de los edificios más importantes. Miembro fundador del fascista Gruppo 7 y líder del racionalismo Italiano, Terragni luchó para posicionar la arquitectura lejos del revivalismo neoclásico y neobarroco. En 1926, él y otros miembros del Gruppo 7 firmaron un manifiesto que los hizo líderes en su lucha contra el revivalismo.
En una carrera que solo duró 13 años, Terragni creó un pequeño pero importante grupo de proyectos; casi todos se encuentran en Como, el cual fue entonces el centro de la arquitectura italiana moderna. Estos trabajos formaron el núcleo del lenguaje del racionalismo italiano o arquitectura moderna. En sus últimos proyectos, Terragni alcanzó un marcado carácter mediterráneo a través de la fusión entre la teoría moderna y la tradición.
Aportaciones[editar]
Muro laminar: Concepto en que el muro es tratado como una lámina, una piel que se despliega del volumen original.
Vaciado: Terragni solía vaciar ciertas partes del volumen total, sin perder la referencia del objeto original.
Obras representativas[editar]
Casa del Fascio1 (Como, Italia) (1932-1936): Su obra maestra. De esta obra se desprende su inquietud creativa en el ámbito de sus "Ideales Racionalistas". Es un prisma perfecto, planta cuadrada con lado de 33,20 m y altura 16,60 m, que corresponde exactamente a la mitad. Las fachadas no son libres con respecto al armazón estructural, al contrario, se involucran para extraer una profundidad inherente al concepto.
Casa Bianca (Seveso, Milan) (1936-1937): Se abandona el objetivo de incorporar la fachada, y se concentra sobre todo en el espacio interior.
Monumento funerario a Roberto Sarfatti (hijo de Margherita Sarfatti) en la región de las Siete Comunas.
Edificio para Educación Básica, Sant'Elia (Como, Italia) (1936-1937): Destacan los ambientes destinados para actividades colectivas. Se caracteriza por el amplio uso de espacios al aire libre.

Ha recibido 15 puntos

Vótalo:

Pirro Ligorio (1510/1583)

34. Pirro Ligorio (1510/1583)

Pirro Ligorio, pintor, arquitecto, anticuario y paisajista italiano nacido en Nápoles en 1510 ó 1513 y fallecido en Ferrara el 30 de octubre de 1583. Biografía[editar] Villa d’Este en Tívoli obra maestra de Pirro Ligorio Ogro en el Parque de los monstruos de Bomarzo. En 1534 Ligorio se... Ver mas
Pirro Ligorio, pintor, arquitecto, anticuario y paisajista italiano nacido en Nápoles en 1510 ó 1513 y fallecido en Ferrara el 30 de octubre de 1583.
Biografía[editar]

Villa d’Este en Tívoli obra maestra de Pirro Ligorio

Ogro en el Parque de los monstruos de Bomarzo.
En 1534 Ligorio se fue a Roma, donde se interesó por las antigüedades y fue nombrado superintendente de los monumentos antiguos por los Papas Pío IV y Paulo IV. En 1549 comenzó las excavaciones en Villa Adriana en Tívoli y diseñó su obra maestra, los juegos de agua de Villa d'Este, para el Cardenal Hipólito II de Este. También diseñó las fuentes de Villa Lante en Bagnaia, en colaboración con Vignola.
En 1552, por encargo del Príncipe Pier Francesco Orsini termina el parque - jardín de la "Villa delle meraviglie" de Bomarzo (más conocido como el Parque de los monstruos de Bomarzo) que pretendía ser algo único en el mundo.
Su gusto Manierista también está presente en la Casina di Pio IV (conocida como Villa Pia) en el Vaticano (1559-1562).
A la muerte de Miguel Ángel en 1564, es nombrado arquitecto de la Basílica de San Pedro, y termina la cúpula en colaboración con Giacomo della Porta, pero al querer cambiar varios diseños y criticar a Miguel Ángel, es despedido en 1568 por el Papa Paulo V. Esto le empuja a dejar Roma y se va a Ferrara, donde fue huésped del Duque Alfonso II de Este.
Como erudito de antigüedades, una de sus más famosas publicaciones fue un mapa de la Antigua Roma (Antiquae Urbis Imago) de 1561.

Ha recibido 14 puntos

Vótalo:

Galeazzo Alessi (1512/1572)

35. Galeazzo Alessi (1512/1572)

Galeazzo Alessi, fue un arquitecto italiano nacido en Perugia en 1512 y fallecido en 1572 Discípulo de Miguel Ángel, fue uno de los primeros maestros del barroco. Autor de la Villa Cambiaso (Génova, 1549), la Basílica de Carignano (Génova, 1552) y el Palacio Marino (Milán, 1568). Basílica de... Ver mas
Galeazzo Alessi, fue un arquitecto italiano nacido en Perugia en 1512 y fallecido en 1572
Discípulo de Miguel Ángel, fue uno de los primeros maestros del barroco. Autor de la Villa Cambiaso (Génova, 1549), la Basílica de Carignano (Génova, 1552) y el Palacio Marino (Milán, 1568).

Basílica de Santa Maria di Carignano, Genova
Biografía[editar]
Tuvo influencias de Miguel Ángel, Bramante y Sangallo el Joven. Trabajó, a partir de 1548, para algunas grandes familias italianas, como los Sauli, Grimaldi, Flescari, etc. La organización y la rica ornamentación de sus palacios son elementos precursores de la arquitectura barroca.1

Portal Siberia, proyecto de Galeazzo Alessi.

Palacio Marino.
En 1542, regresó a Perugia, donde reemplaza a Sangallo en los trabajos de la Rocca. En 1548 se traslada a Génova, donde trabaja para la familia Sauli en la reconstrucción de la Basílica de Santa María di Carignano, en la que plantea una planta de cruz griega, como la que Bramante había elaborado para San Pedro. A partir de 1550 participa en la elaboración de los proyectos de la apertura de la Vía Nuova, más tarde conocida como vía Garibaldi, además de proyectar las villas Cambiaso y Sauli, donde aporta soluciones que fueron fundamentales para la renovación urbanística, arquitectónica y paisajística de Génova.
A partir de 1553 pasa algunas temporadas en Milán donde está al cargo de la construcción del Palacio Marino, la iglesia de San Barbana y la renovación de la fachada de Santa María presso San Celso. Alessi escribió en esta época el Libro dei Misteri, según el que se amplió el Sacro Monte di Varallo, un Via Crucis a escala real que terminaba en una reconstrucción del Templo de Salomón
En los últimos años de su vida regresa a Umbría, donde participa entre otros proyectos en la construcción de Santa María de los Ángeles en Asís.
Sus obras de Génova marcaran una importante influencia en ese entorno, con ellas introduce las formas articuladas y plásticas del Cinquecento romano, con importantes juegos de claroscuro.

Ha recibido 14 puntos

Vótalo:

Filippo Terzi (1520/1597)

36. Filippo Terzi (1520/1597)

Filippo Terzi (nacido en Bolonia en 1520 y fallecido en Setúbal en 1597) fue un arquitecto e ingeniero italiano. Con Tiburzio Spannocchi fue el más célebre arquitecto e ingeniero militar activo en la península ibérica durante el reino de Felipe II. Índice [ocultar] 1 Biografía 1.1 Italia 1... Ver mas
Filippo Terzi (nacido en Bolonia en 1520 y fallecido en Setúbal en 1597) fue un arquitecto e ingeniero italiano. Con Tiburzio Spannocchi fue el más célebre arquitecto e ingeniero militar activo en la península ibérica durante el reino de Felipe II.
Índice [ocultar]
1 Biografía
1.1 Italia
1.2 Portugal
2 Principales obras
3 Bibliografía
4 Enlaces externos
Biografía[editar]
Italia[editar]
Nacido en Bolonia, se transfirió a Pésaro con su familia desde temprana edad. En la ciudad adriática, ya entonces capital del Ducado de Urbino, Terzi estudió arquitectura y se dio a conocer y apreciar por el maestro Girolamo Genga, que lo llamó a colaborar con su hijo Bernardo en la reconstrucción de Villa Miralfiore. Todavía en Pésaro, Terzi trabajó también en el proyecto de la Cavallerizza (un tiempo establos ducales, luego transformados en teatro), los interiores de algunas iglesias y las ampliaciones de lo que hoy se conoce como Palacio Baviera. Terzi trabajó también en otros centros del ducado, como Fossombrone, donde proyectó el palacio comunal, Fano (iglesia de la Virgen de la Gracia) y Orciano (campanario). Gran resonancia tuvo también la rehechura integral y la nueva configuración del centro urbano de Barchi, considerado como su obra maestra italiana y que abrió a Terzi las puertas de Roma y de la corte pontificia desde 1576.
Portugal[editar]
La estadía en Roma del arquitecto fue breve: en abril del año siguiente se trasladó a Lisboa, por invitación del rey Sebastián I que lo acompañó en la expedición a África que concluyó con el desastre de Alcazarquivir, en el cual el soberano encontró la muerte y Terzi fue hecho prisionero. Tras volver a Lisboa y haber pagado el rescate para su libertad, fue uno de los arquitectos de confianza de Felipe II, que apenas había heredado la corona lusitana (1580), uniendo dinásticamente a toda la península ibérica. En una visita que realizó a Portugal en 1582, el rey quiso conocer personalmente a Terzi y le confió primero los trabajos de reestructuración y ampliación de las fortificaciones de la plazafuerte de Setúbal, luego las obras del claustro principal (conocido como Claustro de D. João III) del Convento de Cristo en Tomar.
En 1590, Felipe II nombró a Terzi superintendente general de todo el patrimonio inmueble de propiedad de la Corona y de todos los edificios, en construcción o proyecto, que pertenecieran al Estado portugués. Al arquitecto se le confió también la creación y la dirección de una escuela de arquitectura e ingeniería militar con sede primero en Lisboa, luego en la ciudad universitaria de Coímbra. Entre otras obras proyectadas y realizadas por Terzi en aquellos años se puede mencionar la iglesia de san Roque, en Lisboa, el Forte do Pessegueiro (en Sines) y el de Santiago de Barra (en Viana do Castelo). Murió en 1597, mientras estaba dirigiendo los trabajos de construcción del Forte de Sao Filipe, en la ciudad de Setúbal.
Principales obras[editar]

Iglesia de san Roque, proyectada por Filippo Terzi.
La actividad profesional de Terzi puede subdividirse en dos grandes períodos: el italiano y el portugués. El primero se caracteriza por proyectos y realizaciones de carácter casi exclusivamente residencial, civil y religioso, en el segundo prevalecen los relacionados con la arquitectura e ingeniería militar. Entre sus obras más significativas se cuentan:
Centro urbano de Barchi, que, por querer de Guidobaldo II della Rovere, fue completamente rediseñado por Terzi, quien tuvo la feliz intuición de cerrarlo completamente dentro del castillo, anexado poco antes al Ducado de Urbino.
Convento de Cristo, cuyo claustro principal, conocido como Claustro de Joao III, fue concluido por Terzi, quien impuso muchas modificaciones y reestructuraciones al cuerpo original, iniciado por Diego de Torralva. El claustro, situado dentro de lo que fuera un antiguo monasterio-fortaleza templario, es considerado como una obra maestra del tardo renacimiento portugués.
Iglesia de San Vicente de Fora en Lisboa. Concluida tras la muerte de Terzi, con elegantes formas renacimentales.
Forte do Pessegueiro, fortaleza situada en una isla cerca de Sines. Terzi quiso unirla al continente con un terraplén. Se ocupó de las obras hasta 1590, cuando fue llamado a cubrir el cargo de superintendente general de Felipe II. Obligado a volver a Lisboa confió la conclusión de los trabajos al arquitecto e ingeniero napolitano Alessandro Massai.
Forte de Santiago da Barra, fortificación de planta pentagonal, casi completamente rehecha por Filippo Terzi. Situada en las cercanías de la ciudad de Viana do Castelo.
Iglesia de san Roque, construcción repetidamente interrumpida desde antes que Terzi asumiera la dirección de los trabajos, que fueron completados en los años noventa del siglo XVI.
Fuerte de San Felipe de Setúbal, proyectado por Terzi, fue completado tras la muerte del arquitecto.

Ha recibido 14 puntos

Vótalo:

Domenico Fontana (1543/1607)

37. Domenico Fontana (1543/1607)

Domenico Fontana (Melide, Suiza, 1543 - Nápoles, 1607) fue un arquitecto italiano del renacimiento tardío. Índice [ocultar] 1 Biografía 2 Obras en Roma 3 Obras en Nápoles 4 Otras obras 5 Notas 6 Enlaces externos Biografía[editar] Nació en Melide, en el Ticino, cerca del Lago de Lugano... Ver mas
Domenico Fontana (Melide, Suiza, 1543 - Nápoles, 1607) fue un arquitecto italiano del renacimiento tardío.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Obras en Roma
3 Obras en Nápoles
4 Otras obras
5 Notas
6 Enlaces externos
Biografía[editar]
Nació en Melide, en el Ticino, cerca del Lago de Lugano, territorio actualmente perteneciente a Suiza. Viajó a Roma, antes de la muerte de Miguel Ángel (1564), donde realizó profundos estudios de la arquitectura antigua y de la época, y se convierte en confidente del cardenal Montalto, que en 1585 sería elegido Papa con el nombre de Sixto V. Este le encarga en 1584 la construcción de una Capilla Sixtina en la Basilica di Santa Maria Maggiore, que no debe ser confundida con la homónima del Vaticano.
Para el mismo cardenal, Fontana construye el Palazzo Montalto, cerca de la basílica. Después de su nombramiento como papa, Sixto V lo nombra arquitecto de la Basílica de San Pedro. En ese cargo, agrega la linterna de la cúpula y propone la prolongación del interior en una nave bien definida.

Re erección del obelisco en la Plaza de San Pedro, 1586.

San Juan de Letrán.

Palacio Real de Nápoles.

Sepulcro de Fontana en la Iglesia de Sant'Anna dei Lombardi, Nápoles.
De mayor importancia son las modificaciones que realiza en la Basílica de San Juan de Letrán (1586), donde agrega en la galería de la fachada norte una arcada doble de gran amplitud, y el pórtico de dos pisos de la "Escalera santa". Esta predilección por las arcadas constituye una característica fundamental de la arquitectura de Fontana, quien junto con su hermano Juan, traslada también al diseño de fuentes, en especial la Fontana dell'Acqua Paola, o la Fontana di Termini.
Entre sus diseños vernáculos, su estilo muy estricto, con influencias de la escuela de Vignola, puede ejemplificarse en obras como el Palacio de Letrán, comenzado en 1586.
Fontana también diseñó los brazos transversales que separan los patios del Vaticano. En 1586 erigió el obelisco de 327 toneladas en la Plaza de San Pedro. Esta prueba de ingeniería significó el esfuerzo de 900 hombres, 75 caballos, innumerables poleas y centenares de metros de cuerda.1
Fontana también utilizó sus conocimientos de estática, que lo hicieron famoso en su época, para la erección de otros tres antiguos obeliscos, en la Piazza del Popolo, Plaza de Santa María la mayor y Plaza de San Juan de Letrán, respectivamente.
Después de la muerte de Sixto V, continúó por algún tiempo prestando servicios para su sucesor, Clemente VIII. Sin embargo, en 1592 por insatisfacción con su estilo, envidias, y acusaciones de malversación de fondos públicos, se vio obligado a mudarse a Nápoles, donde estuvo al servicio del virrey español Conde de Miranda, ocupado en obras de gran importancia urbanística y de ingeniería, como los "Regi Lagni" (obra hidráulica de canales a Norte de Nápoles) y la red hídrica de la ciudad.
Las comisiones de mayor prestigio fueron el proyecto del nuevo Palacio Real, cuya construcción fue comenzada en 1600, la edificación del Palazzo Carafa della Spina y la realización de la Fontana del Nettuno (Fuente de Neptuno). Además fue encargado de la sistematización de los puertos de Nápoles y Bari y del trazado de las calles Chiaia y Santa Lucia.
En la arquitectura religiosa, reelaboró el Complejo de Jesús y Maria (con la construcción de la iglesia homónima), proyectó la ermita de los Camaldulenses, la iglesia de Santa Maria de la Estrella, la decoración escultórica de la Catedral y la cúpula de la Basílica de la Santísima Anunciada Mayor.
Al término del siglo XVI, durante las obras de construcción del canal entre el río Sarno y Torre del Greco, encontró numerosos vestigios de época romana: sin saberlo, había abierto una brecha en el corazón de la antigua Pompeya, ciento cincuenta años antes de las primeras excavaciones.
En 1606 participó en el concurso para la fachada de la Basílica de San Pedro, luego ganado por su connacional Carlo Maderno.
Fue enterrado en la iglesia napolitana de Sant'Anna dei Lombardi, en la capilla diseñada por él mismo.
Obras en Roma[editar]
Villa Montalto - Massimo, llamada también Villa Perretti (1570).
Sistematización de San Luis de los franceses (1589).
Fuente dell'Acqua Felice o de Moisés (1587).
Palazzo de Letrán con la Loggia delle Benedizioni - Scala Santa al Letrán (1586-1588).
Los palacios papales en el Vaticano (1587).
Erección de los obeliscos de: Plaza de San Pedro, Plaza del Pueblo, Plaza de San Juan y Plazoleta Esquilino.
Sistematización de las columnas: Columna de Trajano y Columna de Marco Aurelio.
Capilla Sixtina en la Basílica de Santa Maria la mayor.
Palacio del Quirinal (parte sobre la Piazza Montecavallo).
Construcción de la Via Felice con el cruce de las Quattro Fontane.
Obras en Nápoles[editar]
Recualificación urbana de la ciudad.
Palacio Real.
Complejo de Jesús y Maria (reelaboración).
Iglesia de Jesús y Maria.
Complejo de la Ermita de los Camaldulenses.
Iglesia de Santa Maria de la Estrella.
Fuente de Neptuno (dibujo).
Esculturas en la Catedral.
Palazzo Carafa della Spina.
Cúpula de la Basílica de la Santísima Anunciada Mayor.
"Regi Lagni", obra hidráulica de canales a Norte de Nápoles.
Otras obras[editar]
Villa Sforzesca, en los alrededores de Castell'Azzara (Grosseto) (1576).

Ha recibido 14 puntos

Vótalo:

Vincenzo Scamozzi (1548/1616)

38. Vincenzo Scamozzi (1548/1616)

Vincenzo Scamozzi (Vicenza, 2 de septiembre de 1548 - †7 de agosto de 1616) fue un arquitecto renacentista de fines del siglo XVI y principios del XVII. Trabajó en Vicenza y en la República de Venecia, donde fue la figura más importante después de Andrea Palladio y su colega Baldasarre Longhena... Ver mas
Vincenzo Scamozzi (Vicenza, 2 de septiembre de 1548 - †7 de agosto de 1616) fue un arquitecto renacentista de fines del siglo XVI y principios del XVII. Trabajó en Vicenza y en la República de Venecia, donde fue la figura más importante después de Andrea Palladio y su colega Baldasarre Longhena.
Según Scamozzi, la arquitectura -disciplina a la que dedicó toda su vida- debía ser una ciencia exacta, compleja, con reglas propias que se debían estudiar con atención y paciencia.
Índice [ocultar]
1 Resumen biográfico
2 La arquitectura como ciencia
3 Cronología de las obras
3.1 Obras de autoría incierta
4 Bibliografía
4.1 Textos de Scamozzi
4.2 Textos sobre Scamozzi
5 Véase también
6 Enlaces externos
Resumen biográfico[editar]
Nacido en 1548 en Vicenza, donde recibió una primera educación del padre Giandomenico, culturalmente ligado a Sebastiano Serlio , en 1572 se establece en Venecia, donde estudia el tratado de arquitectura de Vitruvio en la interpretación de Daniele Barbaro y de Andrea Palladio.
De vuelta en Vicenza, en colaboración con su padre realizó una serie de palazzi y villas en su ciudad natal y en la provincia, trabajando asimismo en la terminación de algunas obras de Palladio, a la muerte de este último, en 1580.
Su actividad tardía vuelve a estar en Venecia, donde se establece nuevamente en 1580, en Castelfranco Veneto y en Bérgamo.
La arquitectura como ciencia[editar]

Proyecto del teatro de Sabbioneta.
La figura de Scamozzi es relativamente poco conocida, aunque como arquitecto pudo mostrar una serie de "primicias": organizó con las estatuas de la República veneciana (de 1591 a 1593) el primer museo público de Europa. Proyectó y realizó el primer edificio de la edad moderna estudiado específicamente para un teatro, en Sabbioneta, Mantua, e importantes proyectos para el gobierno de Venecia, entre los cuales destaca la Procuraduría Nueva en la Piazza de San Marco.
Después de haber construido una importante cantidad de obras -especialmente villas en los alrededores de Vicenza- escribió uno de los más importantes tratados de la época, "La idea de la arquitectura universal" , en 1615 . que fue por largo tiempo adoptada como texto básico de los arquitectos de la época, y tuvo especial difusión en el norte del continente.
Scamozzi representó, en muchos aspectos, una figura moderna como arquitecto, estudioso e intelectual de su tiempo. Tuvo en cuenta la necesidad de reunir una notable biblioteca personal, coleccionando libros (en la época muy caros) de las más diversas disciplinas, desde matemática hasta física. Fue el primero en proyectar el funcionamiento de un museo, cuidando atentamente no sólo la disposición de las piezas, sino también estudiando la iluminación natural, aspecto muy avanzado para la época, que se encuentra asimismo en muchos de sus restantes proyectos.
La obra maestra de Scamozzi es sin duda la Villa Pisani, en Lonigo, Vicenza, llamada "La Rocca". Posee un tipología de planta central, que proyectó a la edad de 26 años. En esta obra no se limitó a imitar la célebre Villa Capra del gran Palladio (en esa época todavía en construcción), sino que utilizó una tipología inédita, con inspiración directa del Panteón de Roma.
Cronología de las obras[editar]

Villa Molin en Mandria, Padua.
1568-1575: Villa Ferramosca (para Girolamo Ferramosca), Vicenza) (con Giandomenico Scamozzi)
1569: Palazzo Godi, Vicenza (proyecto, alterado en la ejecución póstuma)
1572-1593: Palazzo Thiene-Bonin, Vicenza
1574-1615: Villa Verlato (para Leonardo Verlato), Villaverla (Vicenza)
1575: Palazzo Caldogno, Vicenza
1575-1578: Villa Pisani llamada la Rocca Pisana, Lonigo (Vicenza)
1576-1579: Palazzo Trissino-Trento (para Pierfrancesco Trissino), Vicenza (con Giandomenico Scamozzi)
1580: Villa Priuli (para Francesco Priuli), Castelfranco Veneto, Treviso) (ala norte)
1580-1584: Villa Nani Mocenigo en Canda, Provincia de Rovigo
1580-1592: Villa Capra, llamada La Rotonda, Vicenza (completó la construcción, proyecto de Andrea Palladio, reproyectando la cúpula y agregando los anexos)
1581-1586: San Gaetano Thiene, Padua
1581-1599: Procuraduría Nueva, Piazza San Marco, Venecia (continuada con un proyecto interior diferente al de Francesco Smeraldi y completada en 1663 por Baldassarre Longhena)
1582: Palacio cívico, Vicenza atribuido
1582-1591: Biblioteca de San Marco en Venecia (completó sobre proyecto de Jacopo Sansovino)
1584-1585: Teatro Olímpico, Vicenza (construcción del escenario)
1587-1596: Biblioteca de San Marco, Venecia (antesala)
1588: Villa Cornaro, Pueblo de Castelfranco (Treviso) (reconstrucción)
1588-1590: Teatro de Sabbioneta (para el Duque Vespasiano Gonzaga), Sabbioneta (Provincia de Mantua)
1590: Villa Contarini (para Girolamo Contarini), Loreggia (Padua)
1590-1595: Iglesia dei Tolentini, Venecia
1591-1593: Estatuario de la República de Venecia
1591-1594: San Gaetano Thiene, Padua (monastero)
1591-1595: Villa Cornaro (para Girolamo Cornaro), Piombino Dese (Padua) (completamiento) atribuido
1591-1597: Villa Duodo y Cappella di San Giorgio, Monselice (Padua)
1592: Palazzo Duodo, Venecia
1592-1616: Palazzo Trissino al Corso (para Galeazzo Trissino), Vicenza
1594-1600: Villa Bardellini (para Valerio Bardellini), Monfumo (Treviso) (destruida)
1596: Villa Ferretti (para Girolamo Ferretti) sobre la ribera del Brenta, Sambruson del Dolo (Venecia)
1596-1597: Villa Cornaro, Piombino Dese (Padua)
1597: Villa Molin (para Nicolò Molin), Mandria, Padua
1597: Villa Priuli, Carrara (Padua)
1597-1598: Villa Godi (Vicenza)
1601: Palazzo del Bo, Padua (fachada de la universidad)
1601-1606: San Giacomo di Rialto, Venecia (altar de la escuela de los orefices)
1601-1636: Iglesia y Hospedaje de San Lazaro dei Mendicanti, Venecia
1604-1612: Proyecto para la catedral de San Ruperto y Virgilio, Salzburgo, Austria (completado entre 1614 y 1628 por Santino Solari)
1605: Iglesia de San Pedro y San Pablo, Venecia (puerta de la sacristía; con Alessandro Vittorio)
1605-1616: Villa Duodo, Monselice (Padua
1607-1611: San Giorgio Maggiore (Venecia)(fachada)
1607-1616: Villa Cornaro al Paradiso, Venecia (pabellones gemelos)
1609: Villa Trevisan (para Domenico Trevisan), San Donà di Piave (Padua)
1609-1616: Palazzo degli Scrigni en Santrovaso sobre el Canal Grande, Venecia
1614: Palazzo Loredan Vendramin, Venecia (ala este; demolida en 1659 y reconstruida en 1660)
Obras de autoría incierta[editar]
Villa Morosini Mantovani llamada Ca' Morosini, Polesella .Provincia de Rovigo
Palazzo Grimani, Polesella (Rovigo) (destruido en 1892)

Ha recibido 14 puntos

Vótalo:

Renzo Piano (1937)

39. Renzo Piano (1937)

Renzo Piano (Génova, 14 de septiembre de 1937), es un arquitecto italiano, ganador del Premio Pritzker. Índice [ocultar] 1 Trayectoria 2 Obras 3 Premios 4 Bibliografía 5 Referencias 6 Enlaces externos Trayectoria[editar] Museo Nemo Ámsterdam, Países Bajos El famoso arquitecto... Ver mas
Renzo Piano (Génova, 14 de septiembre de 1937), es un arquitecto italiano, ganador del Premio Pritzker.
Índice [ocultar]
1 Trayectoria
2 Obras
3 Premios
4 Bibliografía
5 Referencias
6 Enlaces externos
Trayectoria[editar]

Museo Nemo
Ámsterdam, Países Bajos
El famoso arquitecto nació en Génova, Italia, en 1937, en el seno de una familia de constructores. Renzo Piano frecuentó la Facultad de Arquitectura en Florencia (1959 a 1960) y en Milán, graduándose del Politécnico de Milán en 1964; sus trabajos iniciales fueron con estructuras experimentales ligeras; trabajó con su padre y su hermano en la sociedad familiar. De joven, repasó uno a uno los edificios de Le Corbusier.1
Luego, aprendió proyectos con Franco Albini y, a continuación, durante cinco años (1965-1970), con Louis Kahn y Z.S. Makowsky. Esta es su etapa formativa. Nunca se ha desvinculado de su ciudad natal, Génova (ha remodelado su metro y su puerto).
Trabajó estrechamente con el arquitecto Richard Rogers desde 1971 hasta 1977; y entre sus proyectos conjuntos figura el famoso Centre Georges Pompidou en el corazón de París (1977). Es un edificio que tuvo un éxito de público decisivo para la difusión de su nombre, de modo que le encargaron remodelarlo posteriormente dado el desgaste experimentado por el uso multitudinario de ese edificio durante veinte años; fue reabierto en 2000. Hizo además edificios adjuntos.
Piano trabajó a continuación con el ingeniero Peter Rice, entre 1977 y 1981, bajo el nombre "L'Atelier Piano and Rice".
Pero seguidamente, en 1981, fundó el "Renzo Piano Building Workshop" (RPBW), que actualmente da trabajo a 150 empleados en sus distintas sedes de París, Génova y Nueva York. Precisamente Punta Nave, de Génova, donde tiene su gran estudio italiano, es una obra suya importante (1991); es un edificio que baja por peñascos siguiendo las terrazas de la colina Volpies, hacia el mar, muy cerca de su ciudad de origen, y está invadido por plantas y cañas. Como dice Piano: "Al trabajar aquí se logra un recogimiento especial, ligado a la sensación de contacto con la naturaleza, el clima y las estaciones; todos ellos son elementos inmateriales que la arquitectura ha capturado".2
Una obra muy llamativa, en parte de ingeniería, fue el Aeropuerto Internacional de Kansai, Osaka, concluida en Japón en 1994. La construyó sobre una plataforma o isla artificial; este edificio y sus pistas están unidos a tierra con miles de pilotes que soportan las conexiones terrestres a prueba de maremotos; se halla a dos horas de tren de Tokio.
En Suiza, ha hecho el Museo de la Fundación Beyeler, en Basilea (1999), así como el Centro Paul Klee, Berna (2005). Y, en Alemania, su intervención global en la antes vacía Potsdamer Platz de Berlín, destaca en el edificio Daimler-Benz (2000).
Piano ha dado clases en las universidades de Columbia y de Pennsylvania, en la Escuela de Arquitectura de Oslo, en la Politécnica de Londres así como en la Escuela de arquitectura de esta misma ciudad.
Actualmente está construyendo su primera obra en España, el Centro Botín de las Artes y la Cultura, en Santander.3
Algunas palabras aclaran su actitud:
Aspiro a una dignidad idéntica a la del arquitecto del siglo XVI, en tanto diseñador: el arquitecto como 'machinatore' que inventa y proyecta hasta los útiles para hacer lo que concibe.

Renzo Piano, Obras y proyectos, 1971-1989, Gustavo Gili, 1990, p. 239
Obras[editar]
Categoría principal: Obras de Renzo Piano

Museo Nemo (entrada y plazoleta) Ámsterdam, Países Bajos
Centro Georges Pompidou, (con Richard Rogers), París, Francia. 1971-1977; rehabilitado entre 1997 y diciembre de 1999
Museo de la Colección Menil, Houston, EE UU. 1982-1986
Aeropuerto Internacional de Kansai, Osaka, Japón. 1990-1994
Punta Nave, sede de su RPBW, Génova, Italia. 1989-1991
Cruceros "Royal Princess" y "Crown Princess", de Princess Cruises. 1989-1991
Centro Cultural Canaco J.M. Tjibaou en Noumea, Nueva Caledonia, Francia. 1991-1998
Iglesia de Peregrinaje Padre Pio, S. Giovanni Rotondo, Italia. 1991-2004
Museo de la Fundación Beyeler, Basilea, Suiza. 1992-1997
Reforma de la antigua fábrica de Fiat en Lingotto.
Reconstrucción de una sección de la Potsdamer Platz (Daimler-Benz), Berlín, Alemania. 1992-2000
Auditorio Parque de la Música, Roma, Italia. 1994-2002
Ampliación del High Museum of Art, Atlanta, EE UU. 1999-2005
Maison Hermès, Tokio, Japón. 1998-2001
Centro Paul Klee, Berna, Suiza. 1999-2005
Futura sede de The New York Times, Nueva York, Estados Unidos.
Astrup Fearnley Museum of Modern Art, Tjuvholmen, Oslo, Noruega (2002-)4

Weltstadthaus
Colonia, Alemania
Columbia University Manhattanville Campus Master Plan and Jerome L. Greene Science Center, New York City, Nueva York (2004-)
Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles, (2003-)
Sesto San Giovanni Plan, Milán, Italia (2004-)
Whitney Museum of American Art, Nueva York (2005-2015).
Pathé Foundation headquarters, París, Francia (2006-)
City Gate (Malta), Royal Opera House, Valletta, Parlamento de Malta, y Plaza de la libertad, Valletta, Malta (2009-)
Harvard Art Museums, renovación, Cambridge, Massachusetts (2009-)
Isabella Stewart Gardner Museum, ala, Boston, Massachusetts (2005-)
Kimbell Art Museum, ampliación, Fort Worth, Texas (2008-)
Central Saint Giles, edificio en Londres 2002-2010
Stavros Niarchos Foundation, Centro Cultural, Ópera y Biblioteca Nacional de Grecia Faliro, Atenas (2009-)
Centro de Arte Botín, Santander, España. 2012-2014.
Premios[editar]

Cubierta vegetal del California Academy of Sciences, museo y lugar de investigación en San Francisco (California).
1989: Medalla de Oro del RIBA (Real Instituto de Arquitectos Británicos)5
1990: Premio Kioto
1994: Embajador de Buena Voluntad de la Unesco para la arquitectura
1995: Premio Erasmus [2] por haber aportado a Europa una contribución excepcional en el mundo de la cultura.
1995: Praemium Imperiale, concedido por la Japan Art Association [3]
1998: Ganador del Premio Pritzker de arquitectura.
2002: Medalla de Oro UIA

Ha recibido 14 puntos

Vótalo:

Aldo Rossi (1931/1997)

40. Aldo Rossi (1931/1997)

Aldo Rossi (3 de mayo de 1931 - 4 de septiembre de 1997), arquitecto italiano, nacido en Milán. Su padre poseía una pequeña fábrica de bicicletas, cuya marca era "Rossi". Fue a dos colegios diferentes durante la Segunda Guerra Mundial y a continuación estudió arquitectura en el Politecnico di... Ver mas
Aldo Rossi (3 de mayo de 1931 - 4 de septiembre de 1997), arquitecto italiano, nacido en Milán.
Su padre poseía una pequeña fábrica de bicicletas, cuya marca era "Rossi". Fue a dos colegios diferentes durante la Segunda Guerra Mundial y a continuación estudió arquitectura en el Politecnico di Milano, donde se graduó en 1959.

Bonnefanten Museum en Maastricht
En 1963 inició su actividad docente, primero como asistente de Ludovico Quaroni (1963) en la Escuela de Urbanismo de Arezzo, posteriormente de Carlo Aymonino en el Instituto Universitario di Architettura di Venezia.
Rossi trabajó durante tres años para una revista de arquitectura, y en 1966 publicó su primer libro, La Arquitectura de la ciudad, en el que establecía sus teorías sobre el diseño urbanístico de las ciudades. Rossi se había interesado originalmente por el cine, pero se dedicó finalmente a la arquitectura. No obstante, en todos sus diseños están presentes de alguna forma los rasgos de los decorados teatrales. Realizó proyectos destinados al teatro y a la ópera. Para la Bienal de Venecia de 1979 diseñó un teatro flotante, el Teatro del Mondo. con capacidad para 250 espectadores sentados alrededor del escenario. Más recientemente diseñó también el edificio de la Ópera Nacional de Génova. Su primera obra en América fue asimismo un teatro, el Lighthouse Theatre, situado junto al lago Ontario en Toronto, Canadá.
En 1971 Rossi sufrió un accidente de automóvil, cuyas consecuencias le obligaron a permanecer en el hospital durante algún tiempo. En esa época, según él mismo manifestó, cambió su vida, ya que comenzó a pensar en la muerte. Surgió en su mente la idea de que las ciudades son lugares para los vivos y los cementerios lugares para los muertos, que también requieren una planificación y diseño. Así fue como ganó el concurso para el cementerio de San Cataldo en Módena.
De la misma época es su primer complejo de viviendas, diseñado para un barrio de la periferia de Milán, y denominado Gallaratese. Se trata de dos edificio iguales, separados por un espacio estrecho. Para Rossi la originalidad de este proyecto consistía sobre todo en que los dos edificios podían repetirse varias veces, sin que por ello el conjunto perdiese atractivo. A partir de entonces hizo numerosos proyectos residenciales, tanto viviendas y hoteles, como casas individuales.
A lo largo de su carrera, Rossi realizó también numerosos e importantes proyectos en los Estados Unidos. Uno de los primeros fue la casa unifamiliar en Mount Pocono, Pennsylvania. En Galveston, Texas diseñó un arco monumental para la ciudad, y en Coral Gables, Florida, recibió el encargo de proyectar la nueva Escuela de Arquitectura.
En 1990 Rossi recibió el prestigioso premio Pritzker de arquitectura, el equivalente a los Premios Nobel. Sus méritos no se limitaron al campo de la arquitectura, sino que fue también diseñador, teórico, profesor y autor. Uno de los miembros del jurado del premio Pritzker expresó su concepto de Rossi diciendo que era un poeta convertido en arquitecto.
Rossi fue profesor de arquitectura en la Escuela Politécnica de Milán, en el Instituto Universitario de Arquitectura de Venecia, en la Escuela Técnica Superior de Zúrich y en la escuela Cooper Unión de Nueva York.
Rossi fue uno de los grandes renovadores ideológicos y plásticos de la arquitectura contemporánea; con su poesía metafísica y el culto que profesó a la vez a la geometría y a la memoria, este milanés cambió el curso de la arquitectura y del urbanismo del último tercio del siglo XX.
Obras representativas[editar]

Edificio de viviendas (Berlín).

Museo del Mar de Galicia (Vigo).
Complejo Monte Amiata en el barrio Gallaratese en Milán (junto con Carlo Aymonino).
Escuela de enseñanza elemental Fagnano Olona
Teatro flotante Teatro del Mondo (Venecia)
Edificio de Viviendas en Friedrichstadt (Berlín)
Edificio Quartier Schützenstrasse (Berlín)
Cementerio de San Cataldo (Módena, Italia)
Centro Comercial Torri Commerciale (Parma, Italia)
Centro Direccional (Perugia, Italia)
Teatro Lighthouse (Toronto, Canadá)
Casa Pocono Pines (Mount Pocono, Pennsylvania)
Hotel Il Palazzo (Fukuoka, Japón)
Ópera Nacional (Génova, Italia)
Arco Monumental (Galveston, Texas)
Escuela de Arquitectura (Coral Gables, Florida)
Viviendas Villette (París)
Centro Comercial (Olbia, Italia)
Proyecto para el Rascacielos Peugeot (Buenos Aires, Argentina)
Teatro Paganini y la ordenación de la Piazza della Pilotta (Italia)
Teatro Carlo Felice (Génova)
Museo del Mar de Galicia (junto con César Portela; Vigo, España)
Monumento en Cuneo

Ha recibido 14 puntos

Vótalo:

Luigi Vanvitelli (1700/1773)

41. Luigi Vanvitelli (1700/1773)

Luigi Vanvitelli, nacido Lodewijk van Wittel (Nápoles, 12 de mayo de 1700 - Caserta, 1 de marzo de 1773) fue un pintor, ingeniero y arquitecto italiano. Su inicial estilo barroco, caracterizado por su sobriedad y academicismo, le sirvió para hacer la transición hacia el neoclasicismo, siendo el... Ver mas
Luigi Vanvitelli, nacido Lodewijk van Wittel (Nápoles, 12 de mayo de 1700 - Caserta, 1 de marzo de 1773) fue un pintor, ingeniero y arquitecto italiano. Su inicial estilo barroco, caracterizado por su sobriedad y academicismo, le sirvió para hacer la transición hacia el neoclasicismo, siendo el arquitecto oficial del papa Clemente XII. Su capacidad técnica y el elegante estilo escenográfico le llevaron a ser elegido por el rey de Nápoles Carlos VII de Borbón para construir el Palacio Real de Caserta. Este proyecto pretendía crear un centro cortesano y gubernamental para el Reino de Nápoles, siguiendo la estela del Palacio de Versalles y será su obra maestra.
Vanvitelli dedicó el resto de su vida a esta tarea, aunque la combinó con otros encargos en la ciudad, como la ampliación del Palacio Real y la construcción de algunas iglesias. En Nápoles ejercitó en gran medida su faceta de ingeniero, pues diseñó todo el sistema hidraúlico del Parque de Caserta, para el que construyó el famoso Acueducto Carolino.
En 1997, el palacio de Caserta y el acueducto de Vanvitelli fueron declarados Patrimonio de la Humanidad por la Unesco (con el nombre de «Palacio barroco de Caserta y jardines, acueducto de Vanvitelli y complejo arquitectónico de San Leucio»1 )
Índice [ocultar]
1 Biografía
1.1 Formación
1.2 Obras en Ancona y Las Marcas
1.3 Actividad en Roma
1.4 Reggia di Caserta
1.5 Actividad en Lombardía
2 Otras obras
3 Véase también
4 Notas
5 Referencias
6 Enlaces externos
Biografía[editar]
Formación[editar]
Nacido en Nápoles en una familia de artistas origaria de Amersfoort (Países Bajos), su apellido original (van Wittel) fue italianizado en Vanvitelli por su padre Gaspard van Wittel (Gaspare Vanvitelli), que emigrado a Roma en 1674, se desempeñó como pintor hasta 1736, convirtiéndose en el iniciador del vedutismo (la pintura de paisajes y vistas de ciudades). Luigi Vanvitelli inició su actividad como pintor, siguiendo el ejemplo de su padre, y más tarde se dedicó a la arquitectura para convertirse en uno de los más importantes arquitectos italianos de la época entre el barroco y el neoclasicismo.
Alumno en Roma del poco conocido Antonio Valeri, Vanvitelli se inspiró en la obra de algunos de los grandes arquitectos del barroco, como Gian Lorenzo Bernini, Francesco Borromini, Carlo Fontana o Filippo Juvarra y estudió cuidadosamente los tratados y las obras de los arquitectos de la antigüedad y el Renacimiento. En esos años de formación estableció una amistad duradera y colaboró con el afamado arquitecto Nicola Salvi y se afilió a la Accademia dell'Arcadia (con el nombre de Archimede Fidiaco2 ).
Se distinguió como un arquitecto participando en los concursos para la fachada principal de San Juan de Letrán —que ganó Alessandro Galilei— y para la Fontana de Trevi —finalmente adjudicado a su amigo Nicola Salvi, que la adosará a la fachada sur del Palazzo Poli —, concursos que marcarían el renacimiento artístico de los Estados Pontificios bajo el gobierno ilustrado del papa Clemente XII; los proyectos vanvitellianos, que seguían las nuevas tendencias neoclásicas,3 fueron muy apreciados en los ambientes más educados, pero el jurado tuvo a bien premiar proyectos que apoyaron el estilo barroco, aún plenamente vigente en Roma.
Obras en Ancona y Las Marcas[editar]
Véase también: Lazareto de Ancona

Lazareto de Ancona (1733-1738)

La fachada cóncava de la iglesia del Gesù de Ancona
Después de participar en los concursos romanos, el nombre de Vanvitelli era ya conocido y apreciado, y esto le valió al arquitecto su primer encargo importante, obtenido directamente del papa Clemente XII: rediseñar el puerto de Ancona para que fuese adecuado para actuar como puerto de Roma hacia oriente.
Como parte de los proyectos de Ancona, se recuerda especialmente el Lazareto (1733–1738), construido sobre una gran isla artificial en forma de pentágono, realizada en el puerto por el mismo Vanvitelli que, como buen holandés, sabía bien cómo arrebatar tierras al mar. La forma geométrica regular del gigantesco edificio en pentágonos concéntricos, el templete de San Rocco en el centro del patio, la genial técnica constructiva, la composición armónica de las diversas funciones, el rivellino que apunta hacia el mar abierto hacen del lazaretto anconitano una verdadera obra maestra.4
Además del Lazareto, en Ancona también diseñó el Muelle Nuevo, su monumental entrada (el Arco Clementino) y la iglesia del Gesù, que con su fachada cóncava y elevada sobre el mar, reasume la curvatura de todo el puerto.5 Con estas obras Vanvitelli rediseñó y reinterpretó personalmente la forma del puerto y de la ciudad. Así dio un anticipo de su gran habilidad como paisajista, la misma que desarrollará más adelante en el famoso Reggia di Caserta.3 En Ancona también trabajó en el Duomo (donde diseñó el edículo de la Regina de todos los santos) y en el Palazzo Ferretti (hoy Museo arqueológico nacional de las Marcas).
En los años treinta y cuarenta del Settecento, el artista trabajó en todas la región que hoy son las Marcas: diseñó el característico campanile de la Basílica de la Santa Casa de Loreto, la fachada y el interior de la iglesia de Nuestra Señora de la Misericordia de Macerata,6 la iglesia de la Magdalena de Pesaro.7
Por otra parte, durante la permanencia en Ancona para las obras portuarias, fue abordado por la Comuna de Ascoli Piceno para elaborar un dictamen sobre el proyecto de la nueva sala de teatro para llevar a cabo en el Palazzo Arringo; juzgando la estructura de madera de carácter bibienesco concebida por el tallador ascolano Giuseppe Gualtieri bien adaptada al gran vano destinada al propósito en el palacio, Vanvitelli culpó la moda bastante generalizada de imitar las bizarras salas de espectáculos de Bibiena.
La presencia de Vanvitelli y sus muchas obras en las Marcas influyó profundamente en la arquitectura de Ancona y de la región, donde dejó una multitud de seguidores.
Actividad en Roma[editar]
En Roma obtuvo el puesto de arquitecto de la Basílica de San Pedro en el Vaticano, que mantuvo toda su vida y tuvo que enfrentar las labores de estabilizar la cúpula. También pintó los frescos de la cappella delle Reliquie de la Basílica de Santa Cecilia en Trastevere. Realizó algunas intervenciones de ordenación, a la vista del Jubileo de 1750, en la iglesia de Santa María de los Ángeles y de los Mártires, obtenida de Michelangelo Buonarroti en las Termas de Diocleciano. En 1911 se demolió la fachada construida antes de las intervenciones de Vanvitelli, pero el interior es todavía el diseñado por Vanvitelli.
Además, como ya se mencionó, había participado sin éxito en el concurso de la fachada de San Juan de Letrán y de la Fontana de Trevi (1732).
Reggia di Caserta[editar]
Véase también: Reggia di Caserta

El Palacio Real de Caserta visto desde los jardines

La escalera de honor del Palacio de Caserta
En 1750 el rey de Nápoles Carlos de Borbón encomendó a Vanvitelli el proyecto de un nuevo palacio real que había pensado para la ciudad de Caserta, fácilmente accesible desde la capital de Nápoles, pero distante de ella, como lo estaba Versalles de París. El palacio, que se iba a construir cerca de una nueva ciudad (que se hizo más tarde en diferentes momentos, de forma caótica y sin tener en cuenta las ideas de Vanvitelli), era abastecido de agua por el monumental acueducto Carolino, diseñado por Vanvitelli siguiendo el modelo de las obras hidráulicas de la antigua Roma.
El Palacio Real de Caserta, definida como la última gran creación del barroco italiano,8 es sin duda su obra más importante. Cuidadísimo en los detalles y articulado sobre cuatro patios monumentales, el edificio está enfrentado a un parque escenográfico, que aprovecha la pendiente natural del terreno para articularse en una gigantesca cascada artificial, marcada por una serie de fuentes con estatuas de mármol. Las partes más pintorescas están a lo largo del atrio y de la escalera de honor y la capilla. Notable es el teatro de la corte, cuya sala en herradura bastante redondeada se vuelve solemne por el orden gigante de columnas, que disimula la típica grácil estructura de madera de los palcos. Desprovisto de las cuatro torres en las esquinas y de la cúpula central, que debería haber dinamizado la mole, el palacio es una especie de síntesis originalísima entre el Palacio de Versalles y El Escorial.
Después de su muerte9 los trabajos del palacio fueron continuados por su hijo Carlo (Nápoles, 1739-1821). En Caserta tuvo como ayudante a Francesco Sabatini, que será su futuro yerno al casarse con su hija Maria Cecilia, y que gracias a esos trabajos y su contacto con la familia real conseguirá que en 1760 Carlos de Borbón, ya rey de España desde 1759, le llamé a Madrid y se convierta allí en su arquitecto real.
Actividad en Lombardía[editar]
En los años napolitanos, Vanvitelli también consiguió algunos encargos en Lombardía. En Brescia, en ese momento territorio veneciano, diseñó un nuevo ático para la Loggia, mientras que en 1745 en Milán trató en vano de conseguir la comisión para la nueva fachada del Duomo, y también propuso un diseño para un nuevo palacio ducal, no ejecutado, que sin embargo fue la oportunidad para recomendar a la corte de los Habsburgo su alumno Giuseppe Piermarini.
Otras obras[editar]

Interior de la Basílica de la Santísima Anunciación Maggiore, Nápoles

Foro Carolino, hoy Internado Nacional, Nápoles

La statua a Luigi Vanvitelli en la homónima plaza de Caserta

La Fontana de Civitavecchia (1740)
1730 –Abacuc e l'angelo e Daniele nella fossa dei leoni: fresco en el presbiterio iglesia del Suffragio, Viterbo.
1731 – Fontana en el centro de la frazione de Vermicino, hecha construir por el papa Clemente XII.
1733-1738 – Lazareto de Ancona (Mole Vanvitelliana).
1740 – Fontana del Vanvitelli en el centro de las murallas del papa Urbano VIII en el puerto histórico de Civitavecchia hecha construir por el papa Benedicto XIV.
1743-1745 – Iglesia del Gesù de Ancona.
1747-1755 – Renovación completa de la Iglesia de San Agustín en Siena después de haber sufrido un gran incendio.
1749 – Decoración de la Basílica de Santa Maria degli Angeli en las Termas de Diocleciano en Roma.
1749 – Consolidación de la cúpula de Basílica de San Pedro en el Vaticano.
1750-1773 – Palacio Real de Caserta
1752 – Ciborio de la capilla del SS. Sacramento en el Duomo de Siracusa.
1754 – Sacristía de la basílica santuario de Santa María de Pozzano (1754).
1757-1759 – Cuartel de Caballería Borbónica en Nápoles.
1757-1765 – Foro Carolino (hoy piazza Dante) en Nápoles.
1757-1773 – Reconstrucción de la Basílica de la Santísima Annunziata Maggiore en Nápoles, tras sufrir un incendio en 1757, completada por su hijo Carlo.
1760-1773 – Palazzo Doria d'Angri en Nápoles, continuado por Ferdinando Fuga, Mario Gioffredo y finalmente Carlo Vanvitelli.
1761 – Villa Giulia (o De Gregorio de Santelia), en Barra, barrio de Nápoles, terminada en 1761.10
1763-1773 – Villa Campolieto en Ercolano, donde Vanvitelli se dedicaba desde 1763; la obra fue continuada por su hijo Carlo después de la muerte de su padre.
1765 – Convento de San Agustín en Roma (en particular salón de la Biblioteca Angelica terminado en 1765).
1775 – Iglesia en estilo neoclásico anexa a la Abadía de Santa Maria del Bosco entre las comunas de Contessa Entellina y Bisacquino.
Iglesia degli Olivetani de Perugia.
?-1760 – Iglesia de la Misión ai Vergini en Nápoles.
Villa Giulia (Nápoles).
Fachada de la iglesia de la Santissima Annunziata de Airola.
Fachada de la iglesia jesuita de San Vito en Recanati (atribución incierta).
Fontana dei pesci en Largo Campo en el centro histórico de Salerno.
Muelle Nuove (ahora parte central del Muelle Norte), el Arco Clementino y
Obras en el anexo Palazzo Apostolico de Loreto.
Fachada del Palazzo Odescalchi en Roma, en colaboración con Nicola Salvi.
Palazzo de Gemmis en Terlizzi.
Palazzo del Liceo Classico "Agostino Nifo" de Sessa Aurunca.
Palazzo Sforza-Fogliani en Castelnuovo Fogliani en la comuna de Alseno.
Nuestra Señora de la Misericordia en Macerata.
Palazzo Torri en Macerata (atribución tradicional).
Palazzo Vallelonga (hoy sede de la Banca di Credito Popolare de Torre del Greco) en perfecto rococó, en Torre del Greco (NA).
Ampliación y fachada de Villa Tuscolana en Frascati ahora Gran Hotel Villa Tuscolana.

Ha recibido 14 puntos

Vótalo:

Giuliano da Sangallo (1445/1516)

42. Giuliano da Sangallo (1445/1516)

Giuliano Giamberti, llamado Giuliano da Sangallo, o en español, Julián de Sangallo (Florencia h. 1445 - 1516), fue un arquitecto, tallista, ingeniero militar y escultor italiano, hermano de Antonio da Sangallo el Viejo y tío de Antonio da Sangallo el Joven, que encontró en Lorenzo de Médicis un... Ver mas
Giuliano Giamberti, llamado Giuliano da Sangallo, o en español, Julián de Sangallo (Florencia h. 1445 - 1516), fue un arquitecto, tallista, ingeniero militar y escultor italiano, hermano de Antonio da Sangallo el Viejo y tío de Antonio da Sangallo el Joven, que encontró en Lorenzo de Médicis un comprensivo protector.
La residencia de Lorenzo de Médicis en Poggio de Caiano, fue una de sus primeras obras (1480-1485); presenta una disposición con una parte baja con pórticos que sirven de base a la parte superior, de sencillas y límpidas fachadas, centrada la principal por una especie de pórtico de templo griego. Es, sin duda, el punto de partida de las obras de Andrea Palladio. A los cuarenta años emprende la que se considera como su obra maestra, la Basílica de Santa Maria delle Carceri (1485-91), en Prato, que es quizá, una de las primeras construcciones de plan central (con planta de cruz griega) de los tiempos modernos y en la que logra un poderoso efecto de unidad espacial; función y decoración se alían perfectamente con el empleo de los materiales, típicamente florentinos. Más tarde, en 1489-92, en la sacristía de Santo Spirito de Florencia, plantea un octógono que apenas es inferior en belleza a los de Prato. En 1493, Giualiano tardó 10 años en renovar la Villa Salviati. Otras obras de interés son: el patio del Palacio Gondi (Florencia 1490-94), admirable y refinado, el austero claustro de Santa María Maddalena dei Pazzi. Trabajó también en la Basílica de Santa María la Mayor por invitación del Papa, Alejandro VI, además de un buen número de fortificaciones.
Su hijo, Francesco da Sangallo, fue también un reputado escultor.

Ha recibido 13 puntos

Vótalo:

Jacopo Sansovino (1486/1570)

43. Jacopo Sansovino (1486/1570)

Jacopo d'Antonio Sansovino (Florencia, 2 de julio de 1486 - Venecia, 27 de noviembre de 1570) fue un arquitecto y escultor renacentista italiano, conocido sobre todo por sus obras alrededor de la Plaza de San Marcos en Venecia. Andrea Palladio, en el Prefacio de sus Quattro Libri opinaba que la... Ver mas
Jacopo d'Antonio Sansovino (Florencia, 2 de julio de 1486 - Venecia, 27 de noviembre de 1570) fue un arquitecto y escultor renacentista italiano, conocido sobre todo por sus obras alrededor de la Plaza de San Marcos en Venecia. Andrea Palladio, en el Prefacio de sus Quattro Libri opinaba que la Biblioteca Marciana de Sansovino era el mejor edificio erigido desde la Antigüedad. La Vita de Sansovino es la única de las escritas por Giorgio Vasari que imprimió separadamente.
Biografía[editar]
Nació en Florencia y fue alumno de Andrea Sansovino, cuyo nombre adoptó cambiando el suyo de nacimiento, Iacobo Tatti o Jacopo Tatti. En 1506 se trasladó a Roma donde se formó con Rafael y se inspiró en Miguel Ángel. En Roma llamó la atención de Bramante y de Rafael e hizo un modelo en cera de la Deposición de Cristo para que usase Perugino.
Regresó a Florencia en 1511 donde recibió encargos para esculturas en mármol de Santiago el Mayor para el Duomo y un Baco, hoy en el Bargello. Sus propuestas para esculturas que adornasen la fachada de la Basílica de San Lorenzo de Florencia, sin embargo, fueron rechazadas por Miguel Ángel, que estaba encargado del proyecto, a quien escribió una amarga carta de protesta en 1518.
Durante el periodo 1510-1517 compartió estudio con el pintor Andrea del Sarto, con quien compartió modelos. Como todos los arquitectos del siglo XVI, Sansovino dedicó considerable energía para elaborar estructuras temporales en relación con los rituales de la corte. La entrada triunfal del papa León X en Florencia en 1515 fue un punto álgido de este género.

La loggetta del Campanario de San Marcos, Venecia.

Iglesia de San Salvador (Venecia).

Biblioteca Marciana.
Posteriormente, volvió a Roma donde pasó nueve años más, hasta que el año del Saco de la misma (1527) abandonó la ciudad camino de Venecia, ciudad en la que terminó instalando su taller. Allí trasladó los modos de hacer romanos. En 1529 Sansovino fue nombrado primer arquitecto y superintendente de propiedades (Protomaestro o Proto) de los Procuradores de San Marcos, haciendo de él uno de los más influyentes artistas de Venecia. El nombramiento conllevaba un salario de 80 ducados y un apartamento cerca del campanario de San Marcos. En un año, su salario alcanzó los 180 ducados al año.1 Dicha posición le permitió actuar en la configuración de los alrededores de la Plaza de San Marcos, específicamente la zona en torno a la Zecca (la Ceca pública), la muy decorada Loggetta y sus esculturas junto al Campanario, y varias estatuas y relieves para la Basílica de San Marcos. También ayudó a construir y reconstruir una serie de edificios, iglesias, palacios, y edificios institucionales que incluían las iglesias de San Zulian, San Francesco della Vigna, San Martino, San Geminiano (hoy destruida), Santo Spirito in Isola, la iglesia de los Incurabili y la iglesia de San Salvador. Entre los palacios y edificios están la Scuola Grande della Misericordia (primeros planos), Ca' de Dio, Palacio Delfín, Palacio Corner, Palacio Moro, y las Fabbriche Nuove de Rialto.2
Mantuvo su privilegio como arquitecto de la ciudad hasta su muerte, marcando la influencia artística de la época en la arquitectura y escultura.
Su obra maestra es la Biblioteca de San Marcos, la Biblioteca Marciana, una de las estructuras renacentistas de Venecia más ricamente ornamentadas, que está enfrente del palacio de los Dogos, al otro lado de la piazzeta. La construcción se demoró durante cincuenta años, y costó más de 30.000 ducados.3 En ella logró hacer que el lenguaje arquitectónico del clasicismo, tradicionalmente asociado con la severidad y el comedimiento, fuese del gusto de los venecianos, con su amor por la decoración de superficies. Esto abrió el camino a la graciosa arquitectura de Andrea Palladio.
Murió en Venecia y su sepulcro está en el Baptisterio de la Basílica de San Marcos. Su seguidor más importante en el campo de la escultura fue Alessandro Vittoria.

Ha recibido 13 puntos

Vótalo:

Giulio Romano (1499/1546)

44. Giulio Romano (1499/1546)

Giulio Pippi más conocido como Giulio Romano (Roma, h. 1499 - Mantua, 1 de noviembre de 1546) fue un pintor, arquitecto y decorador italiano del Siglo XVI, prominente alumno de Rafael, cuyas innovaciones en relación al clasicismo del alto Renacimiento ayudaron a definir el estilo definido como... Ver mas
Giulio Pippi más conocido como Giulio Romano (Roma, h. 1499 - Mantua, 1 de noviembre de 1546) fue un pintor, arquitecto y decorador italiano del Siglo XVI, prominente alumno de Rafael, cuyas innovaciones en relación al clasicismo del alto Renacimiento ayudaron a definir el estilo definido como manierismo.
Los dibujos de Romano han sido muy buscados por los coleccionistas. Los grabados de la época sobre su obra fueron una contribución significativa para la difusión del estilo manierista en toda Europa.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Selección de obras
3 Referencias
4 Enlaces externos
Biografía[editar]
En su juventud, como joven asistente en el estudio de Rafael, Giulio Romano trabajó en muchos frescos de las Loggias (galerías) vaticanas, diseñados por su maestro, y también en las Estancias de Rafael de los palacios papales, en un grupo de figuras para el fresco Incendio del Borgo.1 También colaboró en la pintura de los cielorrasos de la Villa Farnesina.
Tras la muerte de Rafael en 1520, Romano ayudó a completar los frescos sobre la vida de Constantino en el Vaticano, así como obras inconclusas de Rafael, entre ellas Coronación de la Virgen y Transfiguración. En la ciudad de Roma, decoró la Villa Madama para el cardenal Julio de Médicis, luego papa Clemente VII. Los frescos de Romano carecen de la majestuosidad y serena simplicidad de las obras de Rafael.
Sus primeras obras arquitectónicas señalables fueron realizadas en Roma: la Villa Lante (1518 - 1521) edificada sobre la colina del Janículo para Baldasarre Tunni da Pescia, y el Palacio Stati-Maccarani (1521 - 1524).
Después del Saqueo de Roma en 1527 y la muerte de León X, el mecenazgo romano decrece. El pintor y cronista Giorgio Vasari cuenta cómo Baldassare Castiglione fue enviado por Federico II Gonzaga para conseguir que Romano creara pinturas y proyectos de arquitectura e ingeniería para el Ducado de Mantua. Romano aceptó tales ofrecimientos, y desarrolló el resto de su carrera en Mantua.
Su obra maestra de arquitectura y pintura de frescos se halla en un suburbio de aquella ciudad llamado Tè: es la residencia de verano de los duques de Mantua, el Palazzo Tè (1525-1534), con sus famosos frescos ilusionistas, como el conjunto llamado El Olimpo caracterizado por su estilo extravagante y pleno de énfasis. El Palazzo Te es una construcción articulada en torno a un patio central siendo una de sus principales características la armonía entre los diversos motivos clasicistas que la adornan (metopas, frisos, bandas lombardas, almohadillados, columbarios etc.). También allí ayudó a reconstruir el palacio ducal de Mantua, la catedral y diseñó además la iglesia cercana de San Benedicto. Varios sectores inundables de Mantua se desecaron bajo la dirección de Romano. Nunca le faltaron el apoyo y la amistad del duque; se dice que cobraba más de 1000 ducados al año. Su estudio se convirtió en una escuela de arte muy famosa.
Según la tradición renacentista, muchas obras de Romano fueron sólo temporales (efímeras):
Expresa el Vasari en "Vita": "Cuando Carlos V vino a Mantua, Giulio, por orden del Duque, construyó bellos arcos, escenas de comedia y otras cosas sin par; nadie como él para las mascaradas, o para hacer curiosos atuendos para justas, fiestas, torneos, que maravillaron al emperador y a todos los presentes. Para la ciudad de Mantua, en varios momentos diseñó templos, capillas, casas, jardines, fachadas, y era tan aficionado a decorarlas, que por propia iniciativa saneó sitios sucios, llenos de agua estancada y totalmente inhabitables, en lugares acogedores y agradables"
Romano también diseñó tapices, y el álbum erótico "I Modi", que fue expertamente grabado por Marcantonio Raimondi, quien sufrió prisión en Roma por atentar contra la moral de la época.
En 1546, cuando era nombrado arquitecto de la Basílica de San Pedro, Giulio Romano muere.
Guilio Romano tiene la distinción de ser el único artista del Renacimiento mencionado por William Shakespeare. En el acto V, escena II de "El cuento de invierno" , la estatua de la reina Hermíone está esculpida por "aquel raro maestro italiano, Julio Romano" . Significativamente, Romano no se dedicó a la escultura.
Selección de obras[editar]
Lapidación de San Esteban (Santo Stefano, Génova): "Giulio nunca hizo una obra más bella que ésta," dijo Vasari.
Domenico del Barbiere grabó la imagen, por lo que influyó en diseñadores que nunca vieron el original en Génova.
Fuego en el Borgo o El incendio en el Borgo, 1514, fresco (Estancias de Rafael en la Ciudad del Vaticano).
Adoración de los Magos, Museo del Louvre.
La Adoración de los pastores, óleo sobre tabla, 48 x 37 cm. Copia de su original perdido. En colaboración con Giovanni Francesco Penni. Museo del prado, Madrid.
Noli me tangere, óleo sobre tabla, 220 x 160 cm. Copia de su original perdido. En colaboración con Giovan Francesco Penni. Museo del Prado, Madrid.
Batalla de Constantino contra Majencio o también llamada Batalla del puente Milvio, 1520-1524.
Virgen con el Niño, 1522-1523, Roma, Palazzo Barberini, Galleria Nazionale d'Arte Antica.
Figuras alegóricas, pluma y tinta sepia sobre grafito (Museo de Bellas Artes de San Francisco).
Virgen con el Niño. Galería de los Uffizi, Florencia.
Sala de los gigantes, 1532-1535, frescos en el Palazzo Te, donde aplica una profundidad ilusionista experimental, con figuras grotescamente deformadas y el colapso de una grandiosa arquitectura, dando la impresión que el espectador va a ser enterrado bajo las ruinas y absorbidos por el torbellino del pavimento.
Triunfo de Tito y Vespasiano, 1537, Museo del Louvre.

Ha recibido 13 puntos

Vótalo:

Baldassarre Peruzzi (1481/1536)

45. Baldassarre Peruzzi (1481/1536)

Baldassarre Peruzzi fue un pintor y arquitecto italiano del Renacimiento, nacido en Siena el 7 de marzo de 1481 y muerto en Roma el 6 de enero de 1536. Trayectoria artística[editar] Como pintor, se forma en la ciudad de Siena en el estilo de Pinturicchio. Al trasladarse a Roma, su estilo... Ver mas
Baldassarre Peruzzi fue un pintor y arquitecto italiano del Renacimiento, nacido en Siena el 7 de marzo de 1481 y muerto en Roma el 6 de enero de 1536.
Trayectoria artística[editar]
Como pintor, se forma en la ciudad de Siena en el estilo de Pinturicchio.
Al trasladarse a Roma, su estilo madura en contacto con la obra de Giovanni Antonio Bazzi, El Sodoma y, sobre todo, con Rafael Sanzio.
En sus escenas figurativas hay una tendencia hacia las formas de Rafael, lo que no excluye un detallismo propio de la escuela sienesa, como se puede observar en los frescos de la capilla Ponzetti en la iglesia de Santa María della Pace de Roma. Esta tendencia se irá transformando en composiciones cada vez más artificiosas, de tono manierista, como en La presentación de la Virgen, de la misma iglesia, pintada en 1520. La misma inclinación por lo brillante y decorativo se observa en dos composiciones conservadas en el Museo del Prado, donde el artista parece remontar su inspiración a Perugino, maestro de Rafael, más que a éste último: La continencia de Escipión y El rapto de las sabinas.
Una evolución análoga caracteriza sus obras de arquitectura. Su primera gran obra es la Villa Farnesina, iniciada en 1509. Trabajará también en las obras de construcción de la nueva Basílica de San Pedro tras la muerte de Rafael, convirtiéndose en el director de las obras en 1532. Durante ese mismo año elabora gran cantidad de diseños arquitectónicos, estudios de monumentos antiguos y proyectos que tendrán una notable influencia en la tratadística de Sebastiano Serlio, y que constituyen una investigación inquieta y experimental. Punto culminante de tales investigaciones será la realización del Palacio Massimo alle Colonne, una de sus obras más logradas.
Tras el saqueo de Roma en 1527, vuelve a Siena, donde deja obras arquitectónicas y pictóricas como la construcción y decoración de la Villa Belcaro. Regresa a Roma entre 1530 y 1531 y, posteriormente, entre 1535 y 1536, donde deja las mejores muestras de su actividad.
Su obra es un ejemplo paradigmático de las inquietudes de un momento histórico en el que, llevado al extremo el estudio del clasicismo, se investigaban al mismo tiempo los límites y las posibilidades de la libertad, en una búsqueda formal revolucionaria y estimulante, aunque discontinua y no resolutiva.
Obras destacadas[editar]
Proyecto para la basílica de San Pedro del Vaticano
En su proyecto para la Basílica de San Pedro, Peruzzi toma la opción centralizada planteada por Bramante: una planta de cruz griega rematada con ábsides semicirculares e inscrita en un cuadrado. La cúpula sigue siendo el elemento nuclear y centralizador. Su proyecto aporta un aumento en el volumen de la cúpula y un intento de acercar las naves hacia la misma, con lo que se pretendía resolver los problemas técnicos que la construcción planteaba. Al mismo tiempo, introduce un claro elemento anticlásico: el remate de uno de los ábsides con un pórtico que sustituye a la fachada. Sus aportaciones, como las de otros maestros, no se vieron materializadas en el edificio definitivo, que fue encomendado finalmente a Miguel Ángel.
La Farnesina

Villa Farnesina.
Una de sus obras maestras es la villa construida para el banquero Agostino Chigi (hoy conocida como Farnesina por haber pasado posteriormente a ser propiedad de la familia Farnesio). Aquí Peruzzi aporta un modelo de villa suburbana que poco después será la inspiradora de Antonio da Sangallo el Joven en su Palacio Farnesio. Se trata de un edificio cerrado al exterior y abierto en la parte posterior, mediante la disposición de una planta en U. Las alas laterales se alargan hacia el jardín, permitiendo que arquitectura y naturaleza se fundan y adquieran un tratamiento unitario. En el tránsito entre la zona construida y la natural se inserta un patio, antecedente de los grandes patios de armas del siglo XVII. Al exterior, la mayor parte de los elementos son clásicos, utilizados según una sintaxis no clásica. La fachada se dispone mediante dos pisos, rematados y separados por un cornisamento: en cada uno se dispone un orden monumental de pilastras toscanas, en cuyos intercolumnios se disponen dobles huecos, un gran ventanal de iluminación rematado en cornisa y, sobre él, un pequeño hueco de ventilación. Su reacción a la ortodoxia de los órdenes se observa en el piso superior, donde se dispone un friso decorado con guirnaldas, antinormativo al orden toscano utilizado en las columnas: le corresponderían triglifos y metopas. En la fachada del patio ordena una gran logia de arcadas a modo de galería abierta, flanqueada por las alas del edificio que avanzan hacia el jardín.
Palacio Massimo alle Colonne de Roma
En el romano palacio Massimo, llamado alle Colonne por las llamativas columnas de la fachada, plantea una fachada revolucionaria, construida siguiendo la curvatura de la calle donde se encontraba ubicado. La fachada se va a adaptar a esta forma convexa. Esta solución será muy utilizada en el Barroco. La fachada se ordena en dos ámbitos distintos: dos pisos que se separan por una ancha cornisa que se funde con la balconada. En el piso superior se encuentran tres órdenes de huecos, que recuerdan a los ventanucos ya utilizados en la Farnesina y que no responden a ningún orden de columnas. Toda la fachada está almohadillada. El piso bajo tiene forma convexa y en él, un orden de columnas toscanas se superpone a un almohadillado caligráfico, similar al del piso superior. Se ordena mediante pares de pilastras entre cada hueco, y a medida que se acerca al centro, éstas son sustituidas por una pilastra y media columna, y luego por dos pares de columnas. Este juego gradual acentúa el carácter convexo de la fachada, donde todos los elementos que se utilizan son clásicos pero no la forma en que son ordenados. Ésta polémica se encuentra en todo el edificio.
En el pórtico que se dispone en esta fachada, aunque de pequeñas proporciones, se produce una sensación de profundidad, debido a la disposición de sus elementos, combinados para producir esa sensación ilusoria de espacialidad. El artesonado del techo se curva igual que la fachada, y las hornacinas aparecen decoradas con nervaduras abocinadas, lo que produce sensación de amplitud. En el patio del palacio dispone una sucesión de órdenes de forma anticlásica: orden toscano en el piso inferior, mientras que el jónico se sitúa en el superior. Rematando estos pisos se dispone un gran ático con huecos de ventilación, lo que da un mayor carácter longitudinal.
En esta obra, elementos clásicos se ordenan de forma totalmente anticlásica, con un criterio de utilización ficticio e irreal, produciendo la sensación de un espacio distinto del que se deriva de sus medidas reales. Éste tipo de recursos serán muy utilizados en el Barroco, y convierten a Peruzzi en uno de los primeros representantes de la arquitectura del Manierismo.

Ha recibido 13 puntos

Vótalo:

Benedetta Tagliabue (1963)

46. Benedetta Tagliabue (1963)

Benedetta Tagliabue (Milán, Italia 1963) es una arquitecta italiana establecida en España. Última compañera de Enric Miralles, es la actual jefe del "Estudio Miralles Tagliabue EMBT". Índice [ocultar] 1 Biografía 2 Actividad profesional 3 Selección de obras 4 Referencias 5 Enlaces... Ver mas
Benedetta Tagliabue (Milán, Italia 1963) es una arquitecta italiana establecida en España. Última compañera de Enric Miralles, es la actual jefe del "Estudio Miralles Tagliabue EMBT".
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Actividad profesional
3 Selección de obras
4 Referencias
5 Enlaces externos
Biografía[editar]
Estudió arquitectura en el Instituto Universitario de Arquitectura de Venecia, donde se graduó en 1989. Amplió sus estudios en Nueva York, pero al finalizar su tesis doctoral en 1989 se trasladó a Barcelona, el año 1991 empieza a colaborar con Enric Miralles, con quien se asocia más tarde para formar el estudio Miralles Tagliabue EMBT. Su colaboración les llevó a colocar su estudio entre los estudios de arquitectura de mayor prestigio y proyección internacional. El taller de arquitectura se caracteriza por el equilibrio entre una estética fragmentada y convulsa y el respeto por la tradición del lugar, una idea que Miralles supo transmitir a Benedetta y que ésta ha seguido plasmando. Tuvo dos hijos, Caterina y Domenec Miralles.
Actividad profesional[editar]
Junto a Enric Miralles ha desarrollado una gran labor arquitectónica, realizando proyectos tanto en Cataluña como en todo el mundo, haciendo una especial mención a la construcción del Parlamento de Escocia (1998-2004), que ganaron en un concurso internacional.
Tras la muerte inesperada de Miralles en el año 2000, Benedetta Tagliabue toma la dirección del estudio, continuando con los proyectos que ambos estaban construyendo, la Escuela de Música de Hamburgo (2000), el Ayuntamiento de Utrecht en Holanda (2000), el Parc Diagonal Mar en Barcelona (2002), el Campus Universitario de Vigo (2003), el Parlamento de Escocia (2004), el Mercado de Santa Caterina (2005) y el edificio de Gas Natural Fenosa (2007) .
En el año 2005 fue galardonada en la Bienal de Arquitectura Española, Premio Manuel de la Dehesa, por su proyecto del Parlamento de Escocia 2004 y el mismo año gana el prestigioso RIBA Stirling Prize, Mejor Edificio del 2005 por el Parlamento de Escocia, y con el Premio Nacional de Patrimonio Cultural concedido por la Generalidad de Cataluña por el mercado de Santa Caterina en 2001. El año 2009 ha recibido el Premio Ciudad de Barcelona en la categoría de proyección Internacional por el Pabellón de España de la Exposición Universal de Shanghái de 2010. En 2009 se le concedió el premio Fellowship RIBA de arquitectura, otorgado por el Royal Institute of British Architects (RIBA).1
Selección de obras[editar]

Mercado de Santa Caterina, Barcelona

Parlamento de Escocia, Edimburgo
1996 - 1999: Seis Viviendas en Borneo (Ámsterdam)
1999 - 2001: Parque de los colores (Mollet del Vallès)
1997 - 2002: Parque de Diagonal Mar (Barcelona)
1997 - 2000: Rehabilitación del Ayuntamiento (Utrecht, Países Bajos)
1997 - 2005: Mercado de Santa Caterina (Barcelona)
1998 - 2000: Escuela de Música en (Hamburgo, Alemania)
1999 - 2000: Escenografía para la ópera Don Quijote, Teatro del Liceo, Barcelona
1998 - 2004: Parlamento de Escocia (Edimburgo)
1999 - 2003: Campus de la Universidad de Vigo (Vigo)
1999 - 2006: Edificio de Gas Natural (Barcelona)
1997 - 2007: Biblioteca Pública "Enric Miralles" (Palafolls)
2002 - 2007: Marco Polo Platz, HafenCity Hamburgo, Alemania
2003 - 2007: Conjunto de 48 Viviendas de Protección oficial, (Figueras)

Ha recibido 13 puntos

Vótalo:

Baldassare Longhena (1598/1682)

47. Baldassare Longhena (1598/1682)

Baldassare Longhena (Baltasar Longhena en fuentes tradicionales en español) (Venecia, fin de 1596 o principios de 1597 - Venecia, 18 de febrero de 1682), fue un arquitecto y escultor italiano de la República de Venecia, entre los más famosos y representante de su tiempo. La actividad de... Ver mas
Baldassare Longhena (Baltasar Longhena en fuentes tradicionales en español) (Venecia, fin de 1596 o principios de 1597 - Venecia, 18 de febrero de 1682), fue un arquitecto y escultor italiano de la República de Venecia, entre los más famosos y representante de su tiempo.
La actividad de Longhena se centró principalmente en Venecia y sus inmediaciones, siendo sus obras más destacadas la Basílica de Santa Maria della Salute (1631-1650) y Ca' Rezzonico (1667-1682).
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Obras
2.1 Galería de imágenes
3 Véase también
4 Referencias
Biografía[editar]
Primogénito de Melquisedec y de Giacomina, es casi seguro que nació en Venecia a finales de 1596 y principios de 1597. La fecha de nacimiento no se conoce con precisión debido a que los documentos de la parroquia de San Provolo (donde muy probablemente fue bautizado) de este período se han perdido; en la lista de canteros de 1672, sin embargo, se le menciona teniendo setenta y cinco años y en los documentos sobre su muerte en 1682 se recoge como edad ochenta años. Tenía tres hermanos, Decio, Medea y Giovanni.
La crítica reciente ha revisado completamente las suposiciones negativas sobre su formación. Hasta los años 1950 , de hecho, se consideró válido el juicio de Tommaso Temanza (1778) que lo consideraba un humildísimo cantero privado de estudios que finalmente habría logrado alcanzar el rango de arquitecto de estado.
Ahora se sabe que se formó en el taller de su padre Melquisedec, que era mucho más que un modesto cantero y que se jactaba de relacionarse con personalidades como Alessandro Vittoria y Vincenzo Scamozzi. Contribuyeron a su educación artística también los estudios de Andrea Palladio y Sebastiano Serlio y con el mecenazgo de la familia Contarini. También trabajó en el campo más burocrático (preparación de letras, gestión de contabilidad) convirtiéndose en uno de los primeros ejemplos de un arquitecto profesional.1
Comenzó a destacar en su veintena con la reconstrucción del palacio Malipiero (1621-1622) y con la radical reestructuración del palacio Giustinian Lolin (1623).
En 1631 recibió el encargo de diseñar y construir la actual basilica de Santa Maria della Salute, su obra más importante y una de las grandes glorías del barroco veneciano e italiano. La basílica fue construida por un ex voto de los ciudadanos al final de una terrible epidemia de peste que asoló en 1630 Venecia y gran parte de la Italia septentrional. El cuerpo central, de forma octogonal, está coronada por una cúpula que destaca imponente en la Punta da Mar y que es claramente visible tanto desde el Gran Canal como de la Piazza San Marco. El severo clasicismo de su interior contrasta fuertemente con las audaces concepciones escenográficas del exterior que se diviarticula en formas ricas de movimiento de clara inspiración barroca. La construcción de la Santa María della Salute tomó más de medio siglo: el edificio, de hecho, sólo se inauguró en 1687, cinco años después de la muerte de su creador.
Longhena estuvo profundamente influenciado por dos grandes maestros del siglo XVI italiano, Jacopo Sansovino y Andrea Palladio. Totalmente insertó en la corriente barroca de su tiempo, el arquitecto fue capaz de dar algunas de sus obras una suntuosidad y efectos de claroscuro cargados de un profundo dramatismo, que se refleja sobre todo en la que fue su obra maestra indiscutible, Santa Maria della Salute.
Discípulos y luego colaboradores y epígonos suyos fueron Giuseppe Sardi (1630-1699), Bernardo Falconi de Bissone, Antonio Gaspari (1670-1738) y el altoatesino Peter Strudel. El primero, originario de Morcote, trabajó junto al gran maestro en la construcción de la iglesia dell'Ospedaletto, mientras Gaspari continuó los trabajos de construcción de Ca 'Pesaro después de la muerte de Longhena.
Obras[editar]
Entre sus obras principales, además de Santa Maria della Salute, destacan:
1633- : Duomo di Chioggia (destruida por un incendio en 1623 y reconstruida por Longhena a partir de 1633);
?-1640: Procuraduría Nueva, Venecia (dejada incompleta por Vincenzo Scamozzi y terminada por Longhena hacia 1640);
1641-1646: Escalinata de la biblioteca de San Giorgio Maggiore, Venecia;
1648-1660: Palacio Belloni Battagia, en Venecia;
1649: Capilla Vendramin en San Pietro di Castello, Venecia;
1656-1663: Santa Maria de Nazareth, más conocida como la Iglesia de los Descalzos, Venecia ;
1658-1675: Duomo, Loreo, provincia de Rovigo;
1659-1682: Ca' Pesaro, Venecia (terminado por Antonio Gaspari en 1710);
1665: Palacio Zane Collalto, Venecia (1665; la portada fue terminada por Gaspari);
1667-1678: Iglesia del Ospedaletto de San Giovanni e Paolo, Venecia;
1667-1682: Ca' Rezzonico, Venecia (antiguo Palazzo Bon, terminado por Giorgio Massari en 1756);
1679: Villa Paccagnella, Conegliano;
Villa Angarano, Bassano del Grappa (segunda mitad del siglo XVI), finalización del cuerpo central, a partir de la estructura cinquencentística de Andrea Palladio
También realizó la fachada de la iglesia de Santa Justina (1640), Colegio griego (1648), la fachada de la iglesia de San Salvador (1663) y el Seminario Patriarcal (1670).
Categoría principal: Obras de Baldassare Longhena

Ha recibido 12 puntos

Vótalo:

Guarino Guarini (1624/1683)

48. Guarino Guarini (1624/1683)

Guarino Guarini, (nombre completo Camillo Guarino Guarini) (Módena, 1624 - Milán, 1683) fue un sacerdote teatino, matemático, escritor y arquitecto italiano del siglo XVII. Fue al mismo tiempo estudioso de las matemáticas, profesor de literatura y filosofía en Mesina, y, desde los diecisiete... Ver mas
Guarino Guarini, (nombre completo Camillo Guarino Guarini) (Módena, 1624 - Milán, 1683) fue un sacerdote teatino, matemático, escritor y arquitecto italiano del siglo XVII.
Fue al mismo tiempo estudioso de las matemáticas, profesor de literatura y filosofía en Mesina, y, desde los diecisiete años, arquitecto del duque Filiberto de Saboya. Escribió una serie de libros de matemática en latín e italiano, entre los que su "Euclides adauctus" es uno de los primeros tratados de geometría descriptiva.
Diseñó muchos edificios públicos y privados en Turín —palacios para el duque de Saboya, la Iglesia real de San Lorenzo (1666-1680), la mayor parte de la capilla de la Santissima Sindone (1688), incorporando trabajos previos de Castellamonte, el Palacio Carignano (1679-1685)— y otros, públicos y eclesiásticos, en Módena, Mesina, Verona, Viena, Praga, Lisboa y París.
Recibió influencia estilística de Francesco Borromini y a su vez influyó en su alumno, Filippo Juvara, y en el alumno de éste, Bernardo Vittone.
Índice [ocultar]
1 Biografía
1.1 El periodo de formación
1.2 Una década de viajes
1.3 En Turín
2 Obras
2.1 Iglesia de la Santissima Annunziata
2.2 Capilla del Santo Sudario
2.3 Iglesia de San Lorenzo
2.4 Castillo Real de Racconigi
2.5 Palazzo Carignano
2.6 Otras obras en Italia
2.7 Otros trabajos
3 El Tratado de Arquitectura civil
4 Otros escritos
5 Notas
6 Referencias
7 Bibliografía
8 Enlaces externos
Biografía[editar]
El periodo de formación[editar]
Guarino Guarini entró en la Orden Teatina en 1639 y ese mismo año se trasladó para hacer el noviciado a Roma, donde estudió hasta 1647, teología, filosofía, matemáticas y arquitectura. En Roma conoció la arquitectura de Francesco Borromini, entonces todavía vivo, que más tarde influyó profundamente en su obra y, en particular en los primeros proyectos.1
En 1647 regresó a Módena donde fue ordenado sacerdote y nombrado profesor de filosofía en la casa de su Orden. También comenzó su trabajo como arquitecto participando en la construcción de la nueva Casa de la Orden y de la Iglesia, dedicada a San Vicente, para la que se ha sugerido su intervención proyectual.2 Fuera o no así, en esos años de Modena fue capaz de completar su formación con experiencia directa en obras.
En 1655, con solo treinta años, fue nombrado Superior (Preposito) de la Casa Teatina de Módena, pero de ese cargo se vio obligado a renunciar por el desfavor que le manifestó el futuro duque Alfonso d'Este III, por lo que Guarini dejó su ciudad natal.
Una década de viajes[editar]
Archivo:Mesina Santa Annunziata.jpg
La iglesia de la Santissima Annunziata en Mesina
El decenio comprendido entre 1655 y 1666 se caracterizó por los viajes fuera de Italia y un cambio continuo de sede en la orden, trabajando inicialmente como profesor de teología, filosofía y matemáticas, y luego también como arquitecto. Durante este período se familiarizó con las diferentes culturas arquitectónicas.
Estuvo primero en Parma y después en Guastalla, donde su presencia se ha documentado en 1655. No hay documentación para el período posterior hasta 1660, cuando publica en Mesina la tragicommedia morale La pietà trionfante. Se han hipotetizado viajes a Praga, Lisboa3 y España, de regreso del cual se habría detenido en Mesina, aunque podría haber estado en Mesina antes de 1660. Sin embargo, según los documentos disponibles estaba activo en Mesina a partir de 1660 a 1662, donde, además de enseñar en la escuela de los teatinos y d cultivar su interés por las matemáticas y la literatura, diseñó la finalización de la iglesia de la Santissima Annunziata, adyacente al Colegio de los Teatinos, aunque posteriormente se construyó la Iglesia de San Filippo Neri. Todos estos edificios fueron destruidos durante el terremoto de 1908.
En 1662 regresó momentáneamente a Módena, pero en el otoño de 1662 se fue a París, encargado de dirigir el trabajo de la iglesia teatina de Sainte Anne la Royale, cuya construcción había sido iniciado ya por otros arquitectos. Guarini cambió por completo el proyecto y, tras muchas dificultades, se encargó de él sin finalizarlo por completo; el edificio ahora perdido fue demolido en el siglo XIX.
En Francia amplió sus conocimientos manifestando interés en la arquitectura gótica, la obra de Mansart y la investigación en la geometría proyectiva de Girard Desargues. En París publicó el volumen Placita philosophica que le da notoriedad en el ambiente religioso y que da testimonio de la persistencia de sus estudios de filosofía y ciencia.
En referencia a otros dos proyectos de Guarini fuera de Italia, Santa Maria da Altötting en Praga y de Nuestra Señora de la Divina Providencia de Lisboa, ambos ya desaparecidos, no está claro si comportaron viajes en la península ibérica y en centroeuropa y ni siquiera es segura la época del proyecto.
En Turín[editar]
Se trasladó en 1666 a Turín, inicialmente llamado para ocuparse de la iglesia teatina de San Lorenzo. Pronto fue llamado a trabajar por la Casa de Saboya para la que realizó, entre 1667 y 1690, entre otras cosas, la Cappella della Sacra Sindone en el ábside de la catedral de Turín.
Obras[editar]
Iglesia de la Santissima Annunziata[editar]

Francesco Sicuro, Chiesa della Santissima Annunziata y casa de los Teatinos en Mesina, en Vedute e prospetti della città di Mesina, 1768
Con este edificio mesines, Guarini presentó, de hecho, el barroco en Sicilia para perplejidad de sus contemporáneos.4 El proyecto de Guarini debió de dar cuenta de un cuerpo preexistente que debío completar, y de la diferente orientación del espacio exterior, por lo que la fachada presenta un giro inusual, resuelta con la introducción de un campanario en posición asimétrica. La fachada, de varios órdenes superpuestos, muestra una silueta piramidal y una superficie que serán modelo para muchas iglesias de Sicilia en el siglo XVIII. El interior de la iglesia se caracteriza por una cúpula que anticipó las luego hechas en Turín.
Siempre en Mesina diseñó la iglesia de la padres Somascos, de planta hexagonal, que no se realizó5 y conocida gracias a las grabados de su tratado Architettura civile: el proyecto parece anticipar las grandes cúpulas nervadas realizadas después por Guarini en Turín, aunque la datación del proyecto 1660-1662 no parece ser fiable y podría ser posterior.
Capilla del Santo Sudario[editar]

Cúpula de la Capilla del Santo Sudario de la catedral de Turín
La capilla del Santo Sudario (en italiano: Cappella della Sacra Sindone)? se encuentra en el ábside de la catedral de Turín en contacto con el Palacio Real. En el cuerpo cilíndrico insertó tres pechinas que soportan el tambor donde están las ventanas que se alternan con nichos convexos; la propia cúpula se define por costillas que se entrelazan rompiendo la superficie de la cúpula y de la luz difusa a través de las numerosas ventanas que emergen curiosamente al exterior de la estructura, en el que el tambor está cerrado por una línea sinuosa que contiene las ventanas. De una gran originalidad es la culminación en forma de pagoda obtenido por la disminución gradual de los elementos concéntricos utilizados. Recientemente, el edificio sufrió graves daños por un incendio y fue objeto de una restauración reconstructiva particularmente difícil.
Iglesia de San Lorenzo[editar]
Artículo principal: Iglesia de San Lorenzo (Turín)

La iglesia de San Lorenzo vista desde la plaza Castello, Turín.

Cúpula de la iglesia de San Lorenzo, Turín
Entre 1668 y 1687 realiza para la Orden Teatina la Iglesia de San Lorenzo, de planta central octogonal, con los lados de forma convexa con un presbiterio elíptico dispuesto transversalmente que introduce un eje principal en la composición; el espacio, en el nivel inferior, se define por la presencia de grandes serlianas que delimitan las capillas laterales; la cobertura consta de una cúpula con nervios que se entrelazan para formar el octágono sobre el que descansa la linterna.
Castillo Real de Racconigi[editar]
Artículo principal: Castillo de Racconigi

La fachada norte, con vistas al parque, del castillo de Racconigi
A petición de Manuel Filiberto, llamado el Mudo, Guarino Guarini se comprometió a realizar la primera transformación radical de la fortaleza medieval de Racconigi en una Villa di delizie. A partir de 1676, hace el nuevo proyecto y la gran escalinata de la fachada septentrional del Castillo de Racconigi y proyecta la elevación de dos pabellones con techo de pagoda. En 1681, ampliar aún más la residencia mediante la cobertura del cortile (patio) medieval del castillo, creando un nuevo salón interior que, en la siguiente remodelación settecentesca, se convertirá en el Salone di Ercole [Salón de Hércules].
Todavía se pueden encontrar hoy en el interior rastro de su trabajo en las salas del Appartamento Cinese (chimeneas y cornisa) y en la Sala di Diana (chimeneas).
Palazzo Carignano[editar]
Artículo principal: Palazzo Carignano
De 1679 es el Palazzo Carignano, basado en una planta en forma de U, que tiene una monumental fachada que alterna partes cóncavas y convexas en una configuración tal vez inspirada en los proyectos de Gian Lorenzo Bernini para el palacio del museo del Louvre,6 en el palacio de Vaux-le-Vicomte7 y también en el Oratorio dei Filippini del admirado maestro Borromini, también con pilastras en la fachada y en el uso del ladrillo visto, tratado como materia plástica y moldeable.
Otras obras en Italia[editar]
La iglesia de Santa María de Araceli, en Vicenza, datada entre 1675 y 1680 y que se atribuye a Guarini como resultado de los estudios de Paolo Portoghesi,8 presenta una planta de doble elipse en la que un anillo de columnas delimita un deambulatorio completo alrededor del espacio central, en cuyo interior se separan cuatro fustes de columnas que forman un rectángulo que soportan cuatro arcos sobre los que descansa una cúpula, inervada con ocho costillas.
Otros trabajos[editar]
Después de San Lorenzo, Guarini diseñó otras iglesias de planta central y cúpula, no realizadas (San Gaetano en Niza, San Filippo en Casale, San Gaetano en Vicenza) y otras de planta longitudinal. Otras obras realizadas fuera de Turín, hoy perdidas, fueron:
Sant'Anne La Royale de París (1662), capilla de los teatinos de planta central; fue asperamente criticada por los clasicistas franceses,9 quedó sin terminar y posteriormente fue demolida;
Santa Maria da Altötting en Praga (1679), posteriormente demolida;
Santa Maria de la Divina Providencia de Lisboa (quizás entre 1679 y 1681),10 que fue destruida por un terremoto,11 caracterizada por un espacio interior muy plástico y ondulado en el que las pilastras internas son recorridas por de lesenas torcidas.
El Tratado de Arquitectura civil[editar]
Aunque muchas de las obras arquitectónicas de Guarini han desaparecido, en 1737 apareció una obra escrita póstuma suya, Architettura civile [Arquitectura civil], un tratado de arquitectura que ilustra los principios del autor y documenta con extensión también los proyectos no realizados y los edificios desaparecidos. A nivel teórico se observa a menudo que el tratado de Guarini es una de las primeras manifestaciones de interés por el gótico después de un largo período de abandono. Preparó la publicación del tratado, escrito en el último cuarto del siglo XVII, un seguidor y admirador de su obra, el también arquitecto Bernardo Antonio Vittone. Obras on line: http://architectura.cesr.univ-tours.fr/Traite/Auteur/Guarini.asp?param=
Otros escritos[editar]

Compendio della sfera celeste
En 1674 publicó en Turín un tratado sobre el Modo di misurare le fabbriche [Modo de medir las fábricas], que demuestra su interés por los restos del arte clásico. Además, Guarini también ha escrito varios libros sobre matemáticas tanto en latín como en italiano, entre ellos uno, Euclides adauctus, sobre geometría descriptiva, que fue uno de los primeros en Italia sobre este tema.
En 1665 publicó en París el tratado matemático-filosófico Placita Philosophica defendiendo la tesis del sistema geocéntrico del universo en contra de las teorías de Copérnico y Galileo.
Entre las obras de carácter fiilosófico y literario se recuerda La pietà trionfante, tragicommedia morale [La piedad triunfante, tragicomedia moral], 1660.

Ha recibido 10 puntos

Vótalo:

Carlo Fontana (1634/1714)

49. Carlo Fontana (1634/1714)

Carlo Fontana (Novazzano, 1634/1638 - 1714) fue un arquitecto y escultor italiano, en parte responsable por la dirección clasicista que tomó el barroco tardío en la arquitectura de Roma. Índice [ocultar] 1 Biografía 2 Trabajos 3 Referencias 4 Enlaces externos Biografía[editar] No... Ver mas
Carlo Fontana (Novazzano, 1634/1638 - 1714) fue un arquitecto y escultor italiano, en parte responsable por la dirección clasicista que tomó el barroco tardío en la arquitectura de Roma.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Trabajos
3 Referencias
4 Enlaces externos
Biografía[editar]
No aparece claro que perteneciera a la familia Fontana, entre cuyos miembros se encontraba Domenico Fontana. Viajó a Roma antes de 1655, donde trabajó como dibujante de Pietro da Cortona, Carlo Rainaldi y Gian Lorenzo Bernini. Este último le dio trabajo durante una década en diversos proyectos.

San Marcello al Corso.
Su primer trabajo independiente parece ser la iglesia de San Biagio en Campitelli, completada en 1665. Su fachada de San Marcello al Corso (1682/3) es citada como uno de sus más brillantes trabajos. Por deseo del Papa, Inocencio XI, su mecenas, construyó el inmenso edificio del Istituto Apostolico San Michele en Ripa Grande, estructurado alrededor de la iglesia; la capilla bautismal de la Basílica de San Pedro y unas ligeras modificaciones y finalización del Palazzo Montecitorio.
A petición del Papa Clemente XI construyó los graneros públicos (Olearie Papale) dentro de las ruinas de las Termas de Diocleciano, el pórtico de la Basílica de Santa María de Trastevere y el cuenco de la fuente del Templete de San Pietro in Montorio. Diseñó la librería Casanate de Santa Maria sopra Minerva, la estructura hemisférica de la cúpula de la catedral de Montefiascone, el casino del Vaticano y completó todos los modelos del edificio.
Trabajó sobre todo en Roma, con la ayuda de sus sobrinos Girolamo y Francesco Fontana, pero también afrontó otras tareas, como la preparación y envío de los planos de la catedral de Fulda y los de los reales establos de Viena. Asimismo diseñó los monasterios para los jesuitas de Loyola, España, justo en el lugar donde nació el fundador de la orden, San Ignacio de Loyola.
A pesar de ser un buen arquitecto y diseñador, le faltó el empuje creativo que tuvieron los primeros constructores del barroco, como Francesco Borromini y el propio Cortona, por la novedad del estilo. Por orden de Inocencio XI escribió una difusa historia del Templum Vaticanum, que incluía sus trabajos para completar la Basílica de San Pedro. En dicho trabajo aconsejó el derribo del abigarrado barrio medieval conocido como La Spina, que formaba una especie de islote entre el Puente Sant'Angelo y San Pedro, proyecto que no se ejecutó hasta la llegada del periodo fascista con Benito Mussolini mediante los Pactos de Letrán, a la que se le llamó la Via della Conciliazione. Calculó los costes totales de la basílica de San Pedro, desde sus inicios hasta 1694, en 46.800.052 coronas, sin incluir las maquetas. También publicó trabajos sobre el Coliseo, los acueductos, la inundación del Tíber, etc. Es más, veintisiete volúmenes con los manuscritos y bocetos escritos se conservan en la Librería Real del Castillo de Windsor.
Fue nombrado príncipe de la Accademia di San Luca en 1686 y en el periodo 1692-1700. Su estudio fue uno de los más activos en Europa, trabajando en diseños de tumbas, fuentes y altares que fueron muy imitados. Entre los discípulos que extendieron su fama por toda Europa se encontraban Giovanni Battista Vaccarini en Sicilia, Filippo Juvara y Nicola Michetti en Italia (el último también en Rusia) y España, James Gibbs en Inglaterra, Matthäus Daniel Pöppelmann en Alemania, Johann Lukas von Hildebrandt y Johann Bernhard Fischer von Erlach en Austria.
Trabajos[editar]
Del conjunto de su obra, destacan:
Palazzo Giustiniani: remodelación y resturación, junto a Francesco Borromini y otros.
Palazzo Montecitorio.
Fachada de San Marcello al Corso.
La iglesia de Santa Maria dei Miracoli y Santa Maria in Montesanto, en colaboración con Bernini.
La iglesia de San Biagio in Campitelli.
La restauración de la Basílica di San Clemente.
El interior de la Basílica dei Santi Apostoli.
La fuente izquierda de la Plaza de San Pedro.
La restauración de la fuente de Santa Maria in Trastevere.
La cúpula de Santa Maria del Popolo.
La capilla sixtina de la Basílica de Santa María la Mayor.
El Palazzo dal Duca Arcamone - Perteneciente al Duque de San Demetrio.
La capilla Ginetti de San Andrés della Valle.
La capilla Albani de la Basílica de San Sebastián de las Catacumbas.
La biblioteca Casanatense de Santa Maria sopra Minerva.
El gran complejo de San Michele a Ripa.
Las tumbas de los Papas Clemente XI e Inocencio XII.
La tumba de la reina Cristina de Suecia en la Basílica de San Pedro.
El santuario de Loyola sobre la casa natal de Ignacio de Loyola fundador de la Compañía de Jesús.

Ha recibido 10 puntos

Vótalo:

Ferdinando Sanfelice (1675/1748)

50. Ferdinando Sanfelice (1675/1748)

erdinando Sanfelice (1.675-1 4 1748) fue una tarde italiana barroca arquitecto y pintor. Sanfelice nació en Nápoles y murió allí. Fue uno de los principales arquitectos en Nápoles en la primera mitad del siglo 18. Él era un estudiante de Francesco Solimena. Sanfelice se conoce sobre todo para... Ver mas
erdinando Sanfelice (1.675-1 4 1748) fue una tarde italiana barroca arquitecto y pintor.
Sanfelice nació en Nápoles y murió allí. Fue uno de los principales arquitectos en Nápoles en la primera mitad del siglo 18. Él era un estudiante de Francesco Solimena.
Sanfelice se conoce sobre todo para exhibiciones temporales y su arquitectura civil. El primero muestra involucradas tales como las establecidas para las visitas reales y nacimientos, así como para las celebraciones religiosas; este último incluye un gran número de viviendas familiares en Nápoles, incluso del propio Palazzo Sanfelice, construido entre 1723 y 1728, y el Palazzo Serra di Cassano, terminó alrededor de 1730. Lo más notable en la arquitectura de Sanfelice son las escaleras; en lugar de ser elementos incidentales fijan a un lado de un patio, él les dio las posiciones centrales y prominentes por lo que se convirtieron en importantes características arquitectónicas por derecho propio, a menudo como dobles escaleras.
Sanfelice también trabajó en las iglesias de Nápoles, incluyendo San Lorenzo Maggiore, San Giovanni a Carbonara, y la capilla de la Nunziatella en la academia militar Nunziatella
Referencias [editar]

Ha recibido 10 puntos

Vótalo:

Giancarlo de Carlo (1919/2005)

51. Giancarlo de Carlo (1919/2005)

Giancarlo De Carlo (Génova, 12 de diciembre de 1919 - Milán, 4 de junio de 2005) fue un arquitecto italiano. Biografía[editar] Nació en Génova, Liguria en 1919, aunque la mayor parte de su infanció la pasó en Túnez. Entre 1942 y 1949 cursó los estudios de arquitectura. Fue miembro del Team 10... Ver mas
Giancarlo De Carlo (Génova, 12 de diciembre de 1919 - Milán, 4 de junio de 2005) fue un arquitecto italiano.
Biografía[editar]
Nació en Génova, Liguria en 1919, aunque la mayor parte de su infanció la pasó en Túnez. Entre 1942 y 1949 cursó los estudios de arquitectura. Fue miembro del Team 10, con el que participó de forma activa.

Ha recibido 10 puntos

Vótalo:

Adamo Boari (1863/1928)

52. Adamo Boari (1863/1928)

Adamo Boari (Marrara (Ferrara), Italia, 22 de octubre de 1863 - † Roma, Italia, 24 de febrero de 1928). Fue un arquitecto de origen italiano que tuvo una carrera muy activa en México. Se le conoce por la construcción de obras arquitectonicas imponentes en la capital de este país, entre las que... Ver mas
Adamo Boari (Marrara (Ferrara), Italia, 22 de octubre de 1863 - † Roma, Italia, 24 de febrero de 1928). Fue un arquitecto de origen italiano que tuvo una carrera muy activa en México. Se le conoce por la construcción de obras arquitectonicas imponentes en la capital de este país, entre las que sobresale el Palacio de Bellas Artes, el teatro nacional de México.
Sus estudios sobre arquitectura los realizó en las universidades de Ferrara y Bolonia, dónde obtiene el título de ingeniero civil en el año de 1886. Se le conocen varios diseños realizados para la exposición nacional de arquitectura en Turín. En 1889 se establece en Brasil, donde trabaja como encargado de los proyectos para una exposición universal, viajando más tarde a Buenos Aires y Montevideo. También trabajó en las ciudades estadounidenses de Nueva York y Chicago.
Hacia 1903, viaja a México, en donde bajo el régimen del Presidente Porfirio Díaz, y por el cual es invitado, realiza varios proyectos, entre los que destacan: La parroquia de Matehuala (1898), el Templo Expiatorio de Guadalajara(1899) y un monumento a Porfirio Díaz (1900). También diseñó su casa, ubicada en la colonia Roma de la Ciudad de México.
En la capital del país, trabaja en los proyectos que le dieran fama y reconocimiento, como: La Quinta Casa de Correos o El Palacio de Correos y el Palacio de Bellas Artes. Fue a este último edificio al que más tiempo le dedicó, trabajando en él aún tiempo después de haberse iniciado la Revolución mexicana (1916).
En 1916 vuelve a Italia y se establece en Roma, viajando a menudo a Ferrara. se menciona que desde Roma, enviaba aportaciones e ideas para la finalización del Palacio de Bellas Artes, y que escribió un libro sobre la construcción y diseño de teatros. Se piensa que apoyó a su hermano Sesto Boari para el proyecto del Teatro Nuevo de Ferrara, que guarda cierta semejanza con el de ya mencionado Teatro nacional de México.
Adamo Boari murió en Roma el 24 de febrero de 1928.

Ha recibido 10 puntos

Vótalo:

Adolfo Avena (1860/1937)

53. Adolfo Avena (1860/1937)

Adolfo Avena (Nápoles, 1860 - Nápoles, 1937) fue un ingeniero y arquitecto italiano. Activa principalmente en Nápoles, fue uno de los más grandes exponentes de la Libertad napolitana con los logros de muchas villas en especial en el distrito de Vomero. Índice [nascondi] 1 Biografía 2 Obras... Ver mas
Adolfo Avena (Nápoles, 1860 - Nápoles, 1937) fue un ingeniero y arquitecto italiano.
Activa principalmente en Nápoles, fue uno de los más grandes exponentes de la Libertad napolitana con los logros de muchas villas en especial en el distrito de Vomero.
Índice [nascondi]
1 Biografía
2 Obras
2.1 Palacios
2.2 Villas
3 Referencias
4 Otros proyectos
Biografía [editar | editar wikitext]
Se licenció en 1884 en Ingeniería, presentó acaba de graduar con Estanislao Sorrentino (ingeniero Tramvie napolitana) al municipio de Nápoles, un proyecto de un teleférico entre la calle Toledo y el Corso Vittorio Emanuele. El proyecto consistió en una armadura de hierro a largo viaducto que cortó el barrio español. Lo llevaron muy joven para el Ministerio de Educación de la que se convirtió en el director de la oficina regional de los Monumentos.
Cabe destacar su determinación de los edificios históricos que se mostrarán en la Exposición Nacional en Turín en 1898. A partir de 1910 se dedicó al diseño de las villas y palacios en la colina de Vomero, que se convertirán en el principal referente de vomerese libertad.
Su hijo, Gino Avena, siguió los pasos de su padre, convirtiéndose en un ingeniero y la planificación desde los años treinta muchos edificios (incluyendo algunas villas), especialmente en el Vomero.
Obras [cambio | editar wikitext]
Palacios [cambio | editar wikitext]
Edificio en Via Luigia Sanfelice, Vomero, Nápoles
Palacio acuerdo en Via Luigia Sanfelice, Vomero, Nápoles
Palacio "Avena" en la Piazza Fuga, uno mil novecientos veintisiete / veintiocho, Vomero, Nápoles
Ville [cambio | editar wikitext]
Villa Loreley en Via Gioacchino Toma, 1912, Vomero, Nápoles
Villa Ascarelli en Via Palizzi, 1 mil novecientos trece / 15, Vomero, Nápoles
Espera chalet en Via Tasso, 1922, Vomero, Nápoles
Catello pequeña villa en Via Domenico Cimarosa, 1918, Vomero, Nápoles
Referencias [cambio | editar wikitext]

Ha recibido 10 puntos

Vótalo:

Biaggio Rossetti (1447/1516)

54. Biaggio Rossetti (1447/1516)

Biagio Rossetti (Ferrara, 1447 - 1516) fue un arquitecto y urbanista italiano. Trabajó prácticamente toda su vida en la corte de los Este y proyectó y ejecutó la construcción de la célebre Addizione Erculea encargada por el duque Hércules I de Este en 1492. Gracias en particular a este... Ver mas
Biagio Rossetti (Ferrara, 1447 - 1516) fue un arquitecto y urbanista italiano.
Trabajó prácticamente toda su vida en la corte de los Este y proyectó y ejecutó la construcción de la célebre Addizione Erculea encargada por el duque Hércules I de Este en 1492.
Gracias en particular a este majestuoso proyecto, Rossetti puede ser considerado el primer urbanista que utilizó métodos modernos de explotación. Y Ferrara gracias a él y su Addizione es considerada la primera ciudad moderna de Europa.
Igualmente proyectó y dirigió el famoso Palazzo dei Diamanti, cuya principal característica es el sillar externo en mármol blanco.

Iglesia de San Cristóbal en el Cementerio de la Certosa.
Las principales obras diseñadas y construidas en Ferrara, además del Palazzo dei Diamanti, son:
La iglesia de San Cristóbal en el Cementerio de la Certosa;
El Palacio de Ludovico el Moro también llamado Palazzo Costabili;
La iglesia de San Francisco;
El campanario del Monasterio de San Jorge fuori le mura.
En Ferrara, le fue dedicada la FAF - Facultad de Arquitectura de Ferrara, fundada en 1992.

Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

Domenico da Cortona (1465/1549)

55. Domenico da Cortona (1465/1549)

Domenico da Cortona (Cortona, c. 1465-1470 - París, probablemente 1549) fue un arquitecto y tallista italiano, activo sobre todo en Francia, al servicio de la corte, donde fue conocido como «Boccador». Participó en la construcción de las residencias reales de Blois y especialmente en Chambord y... Ver mas
Domenico da Cortona (Cortona, c. 1465-1470 - París, probablemente 1549) fue un arquitecto y tallista italiano, activo sobre todo en Francia, al servicio de la corte, donde fue conocido como «Boccador». Participó en la construcción de las residencias reales de Blois y especialmente en Chambord y fue uno de los introductores del estilo renacentista en la corte francesa.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Obras
3 Notas
4 Enlaces externos
Biografía[editar]
Fue discípulo de Giuliano da Sangallo, que probablemente le sugirió, aún muy joven, ir Francia habiéndose invitado allí en 1495 por Carlos VIII durante su expedición a Italia. En ese momento la corte francesa era el destino de un gran grupo de artesanos y artistas, como por ejemplo fra Giocondo quien regresará a Italia después de unos años, a diferencia de Domenico da Cortona, ciudadano francés ya desde 1510, que permaneció allí hasta su muerte, al servicio de la corte.
Obras[editar]
Una parte de sus actividades tienen relación con la arquitectura efímera, maquetas en madera y arreglos tallados de los cuales hay testimonio e incluso muebles para los castillos y Blois y Amboise, donde vivió durante algún tiempo en la corte del reinado de Francisco I. En Amboise fue responsable del diseño de las festividades que marcaron el nacimiento del delfín en abril de 1518.
En el reinado de Francisco I conoció a Leonardo y participó en las obras del castillo de Blois y especialmente en las del castillo de Chambord (1519-1547), del que fue probablemente el diseñador original, a pesar de que muchos participaron en el trabajo. Su diseño para Chambord] representado en una maqueta de madera, sobrevivió hasta el siglo XVII1 pero la paternidad del diseño también se atribuye a Leonardo da Vinci, quien estaba en la corte real en el castillo de Amboise al mismo tiempo,2 La construcción actual, durante la cual se improvisó mucho, estaba bajo la supervisión en el lugar de Pierre Nepveu. El edificio tiene una implantación y carácter todavía medieval que Domenico da Cortona trató de esconder detrás de un rico aparato decorativo renacentista, desbordante en la extraordinaria cobertura.3
En 1532, emprendió en nombre del rey de la construcción del Hôtel de Ville de París, cuyo actual aspecto, sin embargo, se debe a una fuerte reconstrucción después de un desastroso incendio el 24 de mayo de 1871, durante la Comuna. El edificio tenía una inscripción que finalizaba «Domenico Cortonensi architectante».
Domenico es también acreditado como diseñador de la iglesia de San Eustaquio en París.4 También supervisó las obras de ingeniería militar en los castillos de Tournai y Ardres.
La monografía estándar es la de P. Lesueur, Dominique de Cortone dit Boccador (Paris) 1928.

Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

Guglielmo de Grigi (1480/1550)

56. Guglielmo de Grigi (1480/1550)

Guglielmo Bergamasco (también conocido como Guglielmo dei Grigi;. C 1485-1550) fue un italiano, arquitecto y escultor del Renacimiento período. Nació en Alzano Lombardo, cerca de Bérgamo, y más tarde se trasladó a Venecia. Él era un pariente de Pietro Bon, y tal vez aprendiz de él. Él diseñó y... Ver mas
Guglielmo Bergamasco (también conocido como Guglielmo dei Grigi;. C 1485-1550) fue un italiano, arquitecto y escultor del Renacimiento período.
Nació en Alzano Lombardo, cerca de Bérgamo, y más tarde se trasladó a Venecia. Él era un pariente de Pietro Bon, y tal vez aprendiz de él.
Él diseñó y ayudó a construir varias estructuras incluyendo el Venetian Palazzo dei Camerlenghi (desde 1525 hasta 1528) o la Puerta de Portello en Padua, construido en 1519.
El altar mayor de la iglesia de San Salvador se le atribuye. También ejecuta la Capilla Santa Ana en la iglesia de la Madonna della Grazia, en la isla de San Giorgio Maggiore.
Su hijo Giangiacomo fue también arquitecto y escultor, quien trabajó con Palladio.
Referencias [editar]

Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

Bernardo Buontalenti (1536/1608)

57. Bernardo Buontalenti (1536/1608)

Bernardo Buontalenti (Florencia, 1536 - 1608), uno de los más grandes artistas de Toscana, fue arquitecto, escultor y pintor. Aprendió a pintar con Vasari. Entró al servicio de los Médici cuando era joven y siguió con ellos el resto de su vida. En 1562 viajó a España. Su primera obra importante... Ver mas
Bernardo Buontalenti (Florencia, 1536 - 1608), uno de los más grandes artistas de Toscana, fue arquitecto, escultor y pintor. Aprendió a pintar con Vasari.
Entró al servicio de los Médici cuando era joven y siguió con ellos el resto de su vida. En 1562 viajó a España. Su primera obra importante, entre 1570 y 1574, fue el Palacio de Bianca Cappello en la Via Maggio de Florencia.

Escultura de Appennino en la Villa de Pratolino.
Sus obras más importantes fueron el proyecto de nueva ciudad de Livorno; la decoración del Palacio Pitti en Florencia; la ornamentación de los Jardines de Boboli (1583),; así como la Villa de Pratolino, con la colosal escultura de Appennino. En los Uffizi de Florencia construyó una nueva ala, durante el invierno de 1585- 1586, en el que preparó espléndidas fiestas. Además de Florencia, trabajó también como arquitecto, en Pisa, Prato y Siena.

Fuerte de Belvedere.
Su habilidad como ingeniero militar se mostró en las obras del puerto de Livorno, el Fuerte de Belvedere (1590-1595), las murallas de Pistoia, Grosseto, Prato, Portoferraio y Nápoles; también perfeccionó cañones y preparó un nuevo tipo de granada incendiaria.
Diseñó además trajes para las extravagancias de los Médici.
A pesar de sus notorios éxitos, su prodigalidad lo llevó a la ruina, sobreviviendo en sus últimos años gracias a una pensión que le otorgó el Gran Duque de Toscana.

Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

Carlo Maderno (1556/1629)

58. Carlo Maderno (1556/1629)

Carlo Maderno (1556 - 30 de enero de 1629) fue un arquitecto de origen italiano, nacido en Capolago, cantón del Tesino (Suiza). Perteneciente a una familia de canteros, se formó con su tío Domenico Fontana, en Roma, como cantero y estucador. Su primera obra importante es la fachada de Santa... Ver mas
Carlo Maderno (1556 - 30 de enero de 1629) fue un arquitecto de origen italiano, nacido en Capolago, cantón del Tesino (Suiza).
Perteneciente a una familia de canteros, se formó con su tío Domenico Fontana, en Roma, como cantero y estucador.
Su primera obra importante es la fachada de Santa Susana, realizada entre 1595 y 1603, en la que se utiliza el modelo de la fachada de la Iglesia del Gesù de Giacomo della Porta, aunque introduce una mayor volumetría que acentúa el claroscuro, precedente directo de lo que se hará en el barroco.
Bajo el pontificado de Pablo V, gana el concurso para la conclusión de la Basílica de San Pedro del Vaticano, en la que plantea, para dar una mayor cabida a los fieles, transformar el proyecto de Miguel Ángel de planta de cruz griega centralizada en una planta de cruz latina, longitudinal. La solución de Maderno debía ser un compromiso que no alterara el concepto fundamental planteado por Miguel Ángel, la cúpula, como elemento dominante y organizador del espacio, así al levantar la monumental fachada, esta se desarrolla en la medida de lo posible longitudinalmente y no en altura, pese a su gran monumentalidad.
La cúpula de Miguel Ángel, en cualquier caso queda desplazada hacia el fondo, debido a los nuevos volúmenes introducidos. Sin embargo, está reconocido el mérito de Maderno al haber obrado con un gran respeto por la obra de Miguel Ángel, y haber articulado el edificio, con todos los condicionantes que se le planteaban, teniendo muy en cuenta el espacio que lo precedía y preparando la gran solución urbanística dada por Bernini para la plaza.
Maderno participó en muchas de las grandes obras de su época (ver lista de obras).
Obras[editar]

Fachada de la Basílica de San Pedro (Ciudad del Vaticano), diseñada por Carlo Maderno.

Fachada de la Iglesia de Santa Susana (Roma), diseñada por Carlo Maderno.

San Andrés della Valle, Roma.
1598 – Capilla fúnebre de la Familia Caetani en Santa Pudenziana, iniciada por Francesco da Volterra, acabada por Maderno.
1598-1602 – Chiesa di San Giacomo in Augusta, Roma; iniciada por Francesco da Volterra, acabada por Maderno.
1602 – Capilla Aldobrandini en la iglesia de Santa Maria sopra Minerva, en Roma.
1602-1604– Villa Aldobrandini, en Frascati; iniciada por Giacomo della Porta, acabada por Maderno.
1593-1603 –Iglesia de Santa Susana, en Roma, decoración interior y fachada.
– Palazzo Lancelotti, en Frascati; iniciado por Francesco da Volterra, acabada por Maderno.
1598-1608– Palazzo Mattei, en Roma.
1607-1620 – Basílica de San Pedro en Roma, nave y fachada.
1608 – Basílica de San Andrés della Valle, a partir de 1608, la construcción de la fachada según planos de Maderno, acabada según Kuppel 1622.
1611-1614 – Gran altar de Santa Maria della Pace.
1613 – Villa Mondragone en Frascati, a partir de 1613 en colaboración con los arquitectos Giovanni Vasanzio, Flaminio Ponzio, Girolamo Rainaldi y Giovanni Fontana.
– San Giovanni de'Fiorentini, 8-seitige Vierungskuppel, 1614.
1615– :Palacio del Quirinal, en Roma, ampliación, portada y jardín, a partir de 1615.
1625-1629– Palazzo Barberini, en Roma, iniciada en 1625, acabada por Gian Lorenzo Bernini y Borromini.
– Palazzo Doria Pamphili, Roma.
1629– Palacio pontificio, en Castel Gandolfo, con la ayuda de sus asistentes Bartolomeo Breccioli y Domenico Castelli .

Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

Pier Luigi Nervi (1891/1979)

59. Pier Luigi Nervi (1891/1979)

Pier Luigi Nervi (21 de junio de 1891 - 9 de enero de 1979) fue un ingeniero Italiano. Estudió en la Escuela de Ingeniería civil de la Universidad de Bolonia y se graduó en 1913. Nervi enseñó como profesor de ingeniería en la Universidad de Roma entre 1946 y 1961. Es conocido por su brillantez... Ver mas
Pier Luigi Nervi (21 de junio de 1891 - 9 de enero de 1979) fue un ingeniero Italiano. Estudió en la Escuela de Ingeniería civil de la Universidad de Bolonia y se graduó en 1913. Nervi enseñó como profesor de ingeniería en la Universidad de Roma entre 1946 y 1961. Es conocido por su brillantez como ingeniero estructural y su novedoso uso de hormigón armado. Es uno de los máximos exponentes del movimiento de arquitectura racionalista de los años veinte y treinta.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Obras de ingeniería civil
3 Ingeniero y arquitecto
4 Proyectos internacionales
5 Obras
6 Premios
7 Enlaces externos
Biografía[editar]
Pier Luigi Nervi nació en Sondrio y acudió a la Escuela de Ingeniería civil de Bolonia, donde se graduó en 1913. Después de su graduación, Nervi se unió a la Sociedad para la Construcción en Hormigón. Nervi pasó varios años en el ejército italiano durante la Primera Guerra Mundial durante los años 1915-1918, cuando sirvió en el Cuerpo de Ingenieros. Su educación formal era bastante parecida a la que actualmente tendría un estudiante de ingeniería civil en Italia.
Obras de ingeniería civil[editar]
Nervi comenzó a practicar ingeniería civil después de 1923, y construyó varios hangares entre sus contratos. Durante los años 1940 desarrolló ideas para un hormigón armado que ayudó a la reconstrucción de muchos edificios y fábricas por toda Europa Occidental, e incluso diseñó el casco de un barco con hormigón reforzado como una promoción para el gobierno italiano.
Pertenece a una generación de ingenieros que desarrollaron una nueva estética constructiva, heredera de las decimonónicas torre Eiffel de París y The Crystal Palace de Londres y basada en las estructuras metálicas y en el hormigón armado.
A él se deben el método de cálculo llamado de sensibilidad estática y la invención del ferromento, sistema económico de prefabricación y utilización prácticamente universal que conocemos como hormigón armado.
Nervi también enfatizó que la intuición debe usarse tanto como las matemáticas en el diseño, especialmente con estructuras o armazones finos. Tomó prestados elementos tanto de la arquitectura romana como de la renacentista para crear estructuras agradables estéticamente, pero aplicó aspectos estructurales tales como forma de nervios y bóvedas a menudo basados en formas naturales. Hacía esto para mejorar la fuerza estructural y eliminar la necesidad de columnas. Tuvo éxito a la hora de hacer que la ingeniería se convirtiera en un arte usando una geometría simple y usando prefabricación sofisticada para encontrar soluciones de diseño directas en sus edificios.
Ingeniero y arquitecto[editar]
Pier Luigi Nervi fue educado y ejerció como un ingeniero de "edificios" (ingeniere edile)- en Italia, en aquella época (y en menor grado también hoy), un ingeniero de edificios puede también ser considerado un arquitecto. Después de 1932, sus diseños agradables estéticamente se usaron para grandes proyectos. Esto se debía al creciente número de proyectos de construcción en aquella época que usaban hormigón y acero en Europa y el aspecto arquitectónico había cedido ante el potencial de la ingeniería. Nervi logró con éxito hacer del hormigón reforzado el principal material de construcción de la época.
Proyectos internacionales[editar]
La mayor parte de sus estructuras construidas se encuentran en su nativa Italia, pero también trabajó en el extranjero. Su primer proyecto en los Estados Unidos fue la Estación de autobús del Puente George Washington. Diseñó el tejado, formado por piezas triangulares que fueron vertidas en el lugar. Este edificio aún se usa hoy en día por más de 700 autobuses y sus pasajeros.
Obras[editar]
Una de sus obras más conocidas y probablemente la más influyente es el Palazetto dello Sport de Roma (1957), un edificio circular rodeado por soportes inclinados en forma de Y, y coronado por una cúpula festoneada de hormigón armado, que se ha convertido en una de las principales obras de la arquitectura deportiva del siglo XX.
Otras obras destacadas suyas son:
Stadio Artemio Franchi en Florencia (1931).
Edificio de Exposición, en Turín, Italia, (1949).
Sede de la Unesco en París (1950) (en colaboración con Marcel Breuer y otros).
Torre Pirelli de Milán (1950) (en colaboración con Gio Ponti).
Palazzetto dello sport, (1957) (Video).
Estadio Olímpico en Roma (1960).
Palazzo del Lavoro, en Turín (1961).
Molino papelero en Mantua, Italia, (1962).
Estación de Autobús del Puente George Washington en Nueva York (1963).
Torre de la Bolsa en Montreal (1964).
Palazzo dello sport en el EUR, Roma (1956). En colaboración con Marcello Piacentini, el edificio se denominó posteriormente PalaEUR y tras su reforma, PalaLottomatica.
Casa de campo en Dartmouth College.
Catedral de Santa María de la Asunción de San Francisco (San Francisco, California, 1967), en colaboración con Pietro Belluschi.
Aula Pablo VI, sala de audiencias del Vaticano, construida por expreso deseo de Pablo VI (1971). Se la conoce popularmente como Sala Nervi.
Good Hope Centre en Ciudad del Cabo (1976) por Studio Nervi.
Norfolk Scope en Norfolk (Virginia) (1973).

Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

Antonio Sant´Elia (1888/1916)

60. Antonio Sant´Elia (1888/1916)

Antonio Sant'Elia (Como, 30 de abril de 1888 - Monfalcone, 10 de octubre de 1916)1 fue un arquitecto y urbanista italiano. Índice [ocultar] 1 Biografía 2 Referencias 3 Bibliografía 4 Enlaces externos Biografía[editar] Nació el 30 de abril de 1888 en la ciudad de Como, en la región... Ver mas
Antonio Sant'Elia (Como, 30 de abril de 1888 - Monfalcone, 10 de octubre de 1916)1 fue un arquitecto y urbanista italiano.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Referencias
3 Bibliografía
4 Enlaces externos
Biografía[editar]
Nació el 30 de abril de 1888 en la ciudad de Como, en la región italiana de Lombardía, hijo de Luigi Sant'Elia y Cristina Panzillo. En 1905 se tituló como capomastro (maestro constructor), en su ciudad natal, y al año siguiente finalizó la "Escuela de Artes de Oficios G. Castellini". Se trasladó a Milán en 1907 donde frecuentó la Academia de Bellas Artes de Brera hasta 1909. En dicho ambiente conoció a los pintores Carlo Carrà y Leonardo Dudreville.
En 1912 aprobó el examen que lo facultó como profesor de Diseño Arquitectónico, lo cual le habilitó para impartir clases en Bolonia. En dicho año, junto a G. Possamai formó el grupo Nuove Tendenze. A partir de 1913 comenzó a ejercer la docencia en Bolonia, y junto a un amigo abrió un estudio en Milán.
Se adhirió al futurismo publicando en 1914 el Manifiesto de la arquitectura futurista, en el cual expuso los principios de esta corriente. El futurismo de Sant' Elia se encontraba influenciado por las ciudades industriales estadounidenses y por los arquitectos vieneses Otto Wagner y Joseph Maria Olbrich. Sant'Elia concebía el futurismo como arquitectura en "movimiento", un espacio arquitectónico ligado al tiempo, en un proyecto sistémico de la ciencia tecnológica de las máquinas.
Le case dureranno meno di noi. Ogni generazione dovrà fabbricarsi la sua città. Questo costante rinnovamento dell'ambiente architettonico contribuirà alla vittoria del Futurismo.
Las casas durarán menos que nosotros. Cada generación tendrá que fabricarse su propia ciudad. Esta constante renovación del ambiente arquitectónico contribuirá a la victoria del futurismo.
Antonio Sant'Elia, Manifesto dell'architettura futurista, 1914. (Tedeschi, 1995, p. 179)
La "Città Nuova" (Ciudad Nueva), de 1913-1914, es el proyecto más importante de este arquitecto. En dicho proyecto se imagina, en una colección de bocetos y proyectos, la Milán del futuro.
Participó voluntariamente en la Primera Guerra Mundial, donde murió.

Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

Adalberto Libera (1903/1963)

61. Adalberto Libera (1903/1963)

Adalberto Libera (Villa Lagarina, cerca de Trento, 16 de julio de 1903 – 1963) fue uno de los más representativos arquitectos italianos, del movimiento moderno italiano, que no debe confundirse con el movimiento racionalista italiano, con el que tuvo sólo una breve relación. Biografía[editar... Ver mas
Adalberto Libera (Villa Lagarina, cerca de Trento, 16 de julio de 1903 – 1963) fue uno de los más representativos arquitectos italianos, del movimiento moderno italiano, que no debe confundirse con el movimiento racionalista italiano, con el que tuvo sólo una breve relación.
Biografía[editar]
Adalberto Libera nació en Villa Lagarina, cerca de Trento en el norte de Italia. Al estallar la Primera Guerra Mundial se trasladó a Parma. En 1925, después de estudiar matemáticas y arte, se inscribe en la Escuela Regia de Arquitectura de Roma. Se graduó en 1928 en la Scuola Superiore di Architettura de Roma. Tomó conocimiento del futurismo a través de su compatriota trentino Fortunato Depero. Incluso antes de graduarse era ya uno de los fundadores del M.I.A.R. («Movimento Italiano per l'Architettura Razionale» o Movimiento italiano por la arquitectura racional). Con sede en Roma, el MIAR fue una organización rival del «Gruppo Sette» (Grupo 7), que tenía su sede en Milán y Como. Fue invitado por Ludwig Mies van der Rohe a la Exposición Weissenhofsiedlung de Stuttgart de 1927, organizada por la Deutscher Werkbund, pero no llegó a participar.
Preparado para ser uno de los mayores partidarios e intérpretes del racionalismo, será promotor de las exposiciones MIAR de «Arquitectura Racional» (1928 y 1931); entre 1930 y 1932 fue elegido secretario nacional del MIAR.
A través de Gino Pollini entra en contacto con el "Grupo 7", en el que ingresa como miembro.
Un arquitecto creativo extremadamente capaz y con talento, estuvo más influido por el futurismo que por el racionalismo, y fue políticamente astuto. Su actividad como fundador y secretario del MIAR le permitió establecer una relación de trabajo muy estrecha con los altos cargos del régimen fascista en Roma, donde se tomaban todas las grandes decisiones sobre los programas de construcción pública, y que eran responsables del encargo de cientos de nuevos edificios públicos requeridos en los programas de modernización de Mussolini. Gracias a estas conexiones tuvo una prolífica carrera durante el régimen fascista y diseñó muchos edificios destacados durante los años 1930, algunos de los cuales son obras maestras del movimiento moderno internacional. Participó en el gran concurso del régimen, el E42. Al mismo tiempo, proyecta alguna de sus obras más notables, como la Villa Malaparte en la isla de Capri (1938-1943), aunque hay una continuada controversia sobre si el propio Malaparte fue el principal diseñador. Uno de los edificios más importantes es el Palazzo dei Congressi (Palacio de Congresos) en la EUR de Roma. Este edificio muestra la gran habilidad de Libera para diseñar ambiguamente en un lenguaje metafísica que se encuentra en el filo de la navaja entre el modernismo y el neoclasicismo. Su uso de la bóveda vaída en este edificio crean un espacio arquitectónico innovador.
Durante el periodo fascista, todos los arquitectos estaban legalmente obligados a unirse al partido; pero los de más éxito fueron más allá y se convirtieron en importantes miembros del partido. Como sus contemporáneos Giuseppe Pagano y Giuseppe Terragni, la buena suerte de Libera en este periodo se debió a sus estrechas relaciones con el partido.
Después de la caídad del régimen fascista y su derrota en la Segunda Guerra Mundial, Libera junto con todos los demás pasó por un periodo de crisis personal y profesional, pero después de vivir tranquilamente durante varios años en su ciudad natal de Trento, se recuperó y empezó otra vez a trabajar en numerosos proyectos, incluyendo edificios oficiales y viviendas públicas en un estilo nuevo que daba la espalda a los modelos de expresión fascistas. Durante la posguerra estuvo muy comprometido con la problemática de la reconstrucción masiva de viviendas para los más necesitados. En 1954–1962 diseñó y construyó el edificio del Gobierno Regional de la región del Trentino en Trento. Desde 1953 Libera se dedicará a la enseñanza universitaria, actividad que desarrolla hasta 1963, año de su muerte.
Obras principales[editar]
Palacio de Congresos en la EUR (años treinta)
Oficina de correos en via Marmorata en Roma (1932)
Villa Malaparte en Capri (1938)
Unidades de vivienda en Cagliari (1950-53)
El pabellón para la Cassa del Mezzogiorno en la Exposición de Cagliari (1953)

Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

Francesco Sabatini (1722/1797)

62. Francesco Sabatini (1722/1797)

Francesco Sabatini (n. Palermo; 1722 — f. Madrid; 19 de diciembre de 1797), conocido también como Francisco Sabatini, fue un arquitecto italiano que desarrolló la mayor parte de su trayectoria profesional en España al servicio de la Casa Real. Su estilo, que ha sido calificado de barroco... Ver mas
Francesco Sabatini (n. Palermo; 1722 — f. Madrid; 19 de diciembre de 1797), conocido también como Francisco Sabatini, fue un arquitecto italiano que desarrolló la mayor parte de su trayectoria profesional en España al servicio de la Casa Real.
Su estilo, que ha sido calificado de barroco clasicista cosmopolita, y que responde a su aprendizaje en Roma con Ferdinando Fuga y Luigi Vanvitelli,1 es identificable con la transición entre la arquitectura barroca y la neoclásica. Tiene un fuerte componente clasicista que, no obstante su interés por el estudio de las ruinas romanas, es más próximo a la arquitectura del renacimiento que a los rasgos puros del periodo posterior (representado por Juan de Villanueva).
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Obras
2.1 Madrid
2.2 Fuera de la Corte
3 Notas
4 Enlaces externos
Biografía[editar]
Natural de Palermo (en Sicilia, entonces parte del reino de Nápoles y Sicilia), estudió Arquitectura en Roma. Sus primeros contactos con la monarquía española se remontaban a su participación bajo la dirección de su suegro, Luigi Vanvitelli, en la construcción del Palacio Real de Caserta para el rey de Nápoles, Carlos VII, el futuro rey Carlos III de España. Entre 1745 y 1750 levantó la planimetría de las ruinas y templos de Paestum en el proyecto de investigación arqueológica dirigido por el conde Gazzola.
Al subir Carlos III al trono español, lo llamó a Madrid en 1760 y lo encumbró por encima de los arquitectos españoles más destacados de la época. Se le nombró Maestro Mayor de las Obras Reales, con rango de teniente coronel del Cuerpo de Ingenieros, a la vez que se le designaba como académico honorífico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.
Su talento como arquitecto y el favor que le profesaba el rey le reportaron numerosos trabajos y encargos. Su trayectoria profesional se vio premiada en repetidas ocasiones. Fue ascendido a teniente general del Cuerpo de Ingenieros, se le otorgó hábito de caballero de la Orden de Santiago, y tuvo acceso directo al círculo de confianza del rey tras su designación como gentilhombre de cámara.
Obras[editar]
Categoría principal: Obras de Francesco Sabatini
Madrid[editar]
Véase también: Arquitectura de Madrid
Entre sus numerosas obras destacan, en Madrid:
Sustituye a Sacchetti en las obras del Palacio Real de Madrid hasta su conclusión (1760-1764).
Realiza las Instrucciones de alcantarillado, empedrado y limpieza de la corte (1761-1765) para el adecentamiento de la ciudad de Madrid.
Construye la Real Casa de la Aduana en la calle de Alcalá (1761-1769), actual sede del Ministerio de Hacienda.
Realiza junto con Francisco Gutiérrez los sepulcros de Fernando VI y Bárbara de Braganza, que se encuentran ubicados en la iglesia de las Salesas Reales.
Construye el Convento de San Pascual de Aranjuez (1765-1770).
Dirige las obras de remodelación de la Cuesta de San Vicente (1767-1777).
Comienza la prolongación del ala sureste del Palacio Real (1772).
Reedifica el monasterio de las Comendadoras de Santiago (1773).
Proyecta y construye la Puerta de Alcalá (1774-1778).
Proyecta y construye la traza primitiva y la Puerta Real del Real Jardín Botánico de Madrid (1774–1781).
Construye la Puerta de San Vicente (1775).
Construye la Casa de los Secretarios de Estado y del Despacho (calle de Bailén, al noreste del Palacio Real), también conocida como Palacio del Marqués de Grimaldi y Palacio de Godoy (1776).
Continúa las obras (que había iniciado José de Hermosilla durante el reinado de Fernando VI) del Hospital General, un enorme edificio en la zona de Atocha, parte del cual ocupan hoy el Centro de Arte Reina Sofía, el Conservatorio y el Colegio de Médicos (1776-1781).
Finaliza la construcción de la Real Basílica de San Francisco el Grande (1776-1784). Su trabajo se centró en la fachada, pues la gran cúpula de Francisco Cabezas y Antonio Plo se había concluido en 1770.
Construye el convento de franciscanos de San Gil en el Prado de Leganitos (1786-1797), transformado poco tiempo después en Cuartel de Leganitos por Manuel Martín Rodríguez.
Cambia la orientación de la escalera principal del Palacio Real por deseo de Carlos IV.
Participa en las obras de reconstrucción de la plaza Mayor tras el incendio de 1790, junto a Juan de Villanueva.
Diversas obras en la Casa de Campo, entre ellas el Puente de la Culebra.
Como nota de interés, hay que decir que los Jardines de Sabatini (situados frente a la fachada norte del Palacio Real de Madrid, entre la calle Bailén y la cuesta de San Vicente) no fueron diseñados por él, sino que fueron creados en los años treinta del siglo XX en el lugar que ocupaban las caballerizas construidas por Sabatini para servicio del palacio.
Fuera de la Corte[editar]
Fuera de la corte:
La Real Fábrica de Armas de Toledo.
El cuartel de la Guardia Valona en la localidad madrileña de Leganés (actualmente parte de la Universidad Carlos III de Madrid).
El Real Monasterio de San Joaquín y Santa Ana (Valladolid).
El Convento de las Comendadoras de Santiago (Granada).
La Capilla de la Inmaculada en la Catedral del Burgo de Osma, también llamada de Palafox.
El Retablo de la Virgen de la Paz o retablo del altar mayor de la catedral de Segovia, en el último tercio del siglo XVIII (ya finalizado en 1775).

Ha recibido 9 puntos

Vótalo:

Paolo Portoghesi (1931)

63. Paolo Portoghesi (1931)

Paolo Portoghesi (Roma, 2 de noviembre de 1931) es un arquitecto italiano. Es autor de varios trabajos de una notoriedad importante para Italia, entre los que se encuentran la mezquita de Roma y la recuperación y restauración de la aldea pisana de Treja; ha estudiado y colaborado también en la... Ver mas
Paolo Portoghesi (Roma, 2 de noviembre de 1931) es un arquitecto italiano. Es autor de varios trabajos de una notoriedad importante para Italia, entre los que se encuentran la mezquita de Roma y la recuperación y restauración de la aldea pisana de Treja; ha estudiado y colaborado también en la búsqueda de la Historia Gráfica del campo y, actualmente, es crítico de arte.
Libros[editar]
2000 - Nature and architecture (Naturaleza y Arquitectura)
1985 - Opere (Opera)
1982 - After modern architecture (Después de la Arquitectura Moderna)
1971 - Roma del Rinascimento (Roma del Renacimiento)
1967 - Roma barocca: Storia di una civiltà architettonica (Roma Barroca: Historia de una civilización arquitectónica)
1967 - Borromini: architettura come linguaggio
1966 - Bernardo Vittone: Un architetto tra illuminismo e rococò

Ha recibido 8 puntos

Vótalo:

Cosimo Fanzago (1591/1678)

64. Cosimo Fanzago (1591/1678)

Cosimo Fanzago (Clusone c.1593- Nápoles 1678). Arquitecto y escultor italiano que descolló durante el barroco. Biografía[editar] Fanzago es considerado uno de los más grandes exponentes del barroco en Nápoles donde creó una originalísima versión local de tal "no-estilo". Nacido en el pueblo de... Ver mas
Cosimo Fanzago (Clusone c.1593- Nápoles 1678). Arquitecto y escultor italiano que descolló durante el barroco.
Biografía[editar]
Fanzago es considerado uno de los más grandes exponentes del barroco en Nápoles donde creó una originalísima versión local de tal "no-estilo". Nacido en el pueblo de Clusone cercano a la norteña ciudad de Bérgamo, en el seno de una familia de bronceros y arquitectos se radicó en Nápoles durante el año 1608, allí fue primero aprendiz de albañil (mazone) y se formó como escultor antes de establecer su atelier o "taller" y comenzar a realizar sus obras.
Durante su primera etapa napolitana se destacan sus realizaciones en donde desarrolla un barroco con riquísimas y abigarradas taraceas de mármoles que adornan estructuras aún permeadas de rigor manierista: La Guglia di San Gennaro (la aguja de San Genaro), una columna-capitel votiva en homenaje al santo patrono de Nápoles. Tal "aguja" es una especie de imitación de las grandes estructuras que se portan en las procesiones religiosas dedicadas a este santo. Esta columna-capitel fue modelo para otras dos llamadas "columnas de la plaga", una en Piazza del Gesù Nuovo y la otra en Piazza di San Domenico Maggiore (se les llama "de la plaga" porque se construyeron como ofrendas para evitar epidemias), así como ha sido arquetípica para otras guglie que se encuentran en todo el Mezzogiorno. También es importante otra columna llamada "La flecha de San Javier". Resulta importantísimo su gran trabajo: la Certosa di San Martino (Cartuja de San Martín) en la cual incluye un espectacular patio central con amplios pórticos y exornado por bustos de santos pertenecientes a la orden de los cartujos. Fanzago ha sido relevante en el diseño de las fachadas o parte de fachadas o detalles de varias iglesias, capillas y edificios cívicos entre los que se cuentan Santa Maria degli Angeli (vecina al Jardín Botánico napolitano) y el diseño de la iglesia de San Francesco Saverio (San Francisco Javier) (actualmente iglesia de San Ferdinando, San Fernando), frente a la plaza del Palacio Real. Asimismo se destaca Fanzago por sus altares dentro de iglesias como sucede en las de Santa Maria la Nova, Santo Severino e Sossio, Santa Maria di Constantinopoli y la iglesia de San Pietro a Maiella (esta última es hoy sede del Conservatorio Musical) o esculturas como la de San Brunone -fundida en plata y luego dorada- que se halla en la ya mencionada Certosa di San Martino. Toda la ciudad de Nápoles, su ciudad adoptiva, parece mantener el recuerdo de este artista, por ejemplo en las fuentes y fontanas, como aquella llamada La Gigante vecina a la iglesia de Santa Lucía y la gran fontana Sebeto en Mergellina.
Los trabajos de Cosimo Fanzago fuera de Nápoles son principalmente las obras de remodelación barroca que realizó para la célebre abadía benedictina de Montecassino y el altar en la iglesia veneciana de San Nicolò al Lido, además de trabajos en Avellino, en Pescocostanzo, así como en la Iglesia de la Purísima de Salamanca (España).
Al parecer se le encontró involucrado en la revuelta de Masaniello, motivo por el cual fue condenado a muerte y por el cual Fanzago huyó a Roma ciudad en donde trabajó por más de una década, principalmente restaurando las iglesias de San Lorenzo in Lucina y de Santa Maria en Via Lata.
Tras ser indultado pudo regresar a Nápoles, en esta segunda y última etapa napolitana diseñó la Iglesia de Santa María Egipcíaca en Pizzofalcone y Santa Teresa en Chiaia; su última gran realización fue la iglesia de Santa María Maggiore de Nápoles, la cual fue edificada entre 1633 y 1675.
Elenco de las principales obras de Fanzago[editar]
La decoración marmorea efectuada en la iglesia del Gesù Nuovo con los dos capillones de San Ignacio y San Francisco Javier y las estatuas de Jeremías y David.
Los dos capillones del trasecto de la iglesia del Gesù Vecchio.
Varios trabajos en la iglesia y el claustro de la cartuja de San Martino, quizás el lugar que mejor ejemplifica el estilo de Fanzago y el de todo el barroco napolitano (empero Fanzago tuvo desavenencias con los monjes cartujos y en su vejez fue desalojado de la certoza o cartuja).
Las fachadas de la iglesia de Santa Maria de Constantinopoli, San Giuseppe a Pontecorvo, Santa Maria degli Angeli nelle Crocce (Santa María de los Ángeles en las Cruces), Santa Teresa in Chiaia.
La iglesia de Santa María Egipcíaca en Pizzofalcone (de planta central, inspirada en la iglesia de Sant'Agnese in Agone de Borromini).
La iglesia de Santa Maria Maggiore (llamada La Piedrasanta).
La iglesia de San Giorgio Maggiore.
La redecoración barroca de la Abadía de Montecassino (destruida a fines de la Segunda Guerra Mundial y luego parcialmente restaurada).
La Guglia de San Genaro, -como se ha indicado- prototipo de numerosísimas realizaciones análogas en Nápoles y todo el Mezzogiorno.
Los claustros de las capillas de Santo Domenico, San Pietro en Maiella, San Severino y Sossio.
La capilla Firrao en San Paolo, la capilla de Santa Teresa agli Studi, la capilla de San Lorenzo en Cacace.
Los palacios de Zervallos, Maddaloni y Stigliano.
El llamado Palacio de Doña Ana en Possilipo.

Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Carlo Rainaldi (1611/1691)

65. Carlo Rainaldi (1611/1691)

Carlo Rainaldi ( 4 de mayo de 1611 – 8 de febrero de 1691) fue un arquitecto italiano del período Barroco. Nacido en Roma, Rainaldi fue uno de los arquitectos más influyentes del Siglo XVII. Inicialmente trabajó junto a su padre, Girolamo Rainaldi. Después de la muerte de su padre, se adhirió... Ver mas
Carlo Rainaldi ( 4 de mayo de 1611 – 8 de febrero de 1691) fue un arquitecto italiano del período Barroco.
Nacido en Roma, Rainaldi fue uno de los arquitectos más influyentes del Siglo XVII. Inicialmente trabajó junto a su padre, Girolamo Rainaldi.
Después de la muerte de su padre, se adhirió al monumental estilo Barroco, y ganó influencia después que el Papa Urbano VIII Barberini fue reemplazado por el gobierno más austero de Inocencio X Pamphili.

Principales obras[editar]
Entre sus trabajos se encuentran la fachada de San Andrés della Valle (1661-1665), que realizó junto con Carlo Fontana, las iglesias gemelas de Santa Maria dei Miracoli y Santa Maria in Montesanto en la Piazza del Popolo y también Santa María in Campitelli (1663-1667) considerada su obra maestra, que se caracteriza por su planta longitudinal con un espacio modificado por dos ejes transversales, y por las imponentes columnas exentas, tanto en el interior como en la fachada.
Inició junto con su padre la iglesia de Santa Agnese in Piazza Navona, pero fueron sustituidos al poco de iniciarla por Francesco Borromini que realizó la mayor parte de esta obra. Finalmente Carlo Rainaldi será llamado nuevamente para la finalización de la iglesia (en la que también había intervenido G.L. Bernini), modificando el proyecto de Borromini.
En 1660 envió un diseño al concurso del nuevo palacio real del Louvre en París, promovido por Luis XIV en el que también participaron Pietro da Cortona y Bernini, entre otros.
Además de edificios, Rainaldi diseñó también escenografías para eventos y ritos religiosos. En 1650 diseñó la escenografía del Quarant'ore (Oración de cuarenta horas) para la iglesia del Gesú. En 1665, el catafalco conmemorativo de Felipe IV de España.

Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Filippo Juvara (1678/1736)

66. Filippo Juvara (1678/1736)

Filippo Juvara o Juvarra, conocido en español como Felipe Juvara (Mesina, 7 de marzo de 1678 - Madrid, 31 de enero de 1736) fue un arquitecto y escenógrafo italiano. Índice [ocultar] 1 Biografía 2 Galería 3 Referencias 4 Enlaces externos Biografía[editar] Juvara nació en Mesina en una... Ver mas
Filippo Juvara o Juvarra, conocido en español como Felipe Juvara (Mesina, 7 de marzo de 1678 - Madrid, 31 de enero de 1736) fue un arquitecto y escenógrafo italiano.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Galería
3 Referencias
4 Enlaces externos
Biografía[editar]
Juvara nació en Mesina en una familia de orfebres y grabadores. Después de unos años de aprendizaje con su familia en Sicilia, donde diseñó los decorados festivos de Mesina para la coronación de Felipe V de España y Sicilia (1705), Juvara se trasladó a Roma en 1704; allí, a la vez que se formaba como sacerdote, fue aprendiendo la maestría de la arquitectura como discípulo de Carlo y Francesco Fontana.
Esta primera fase de su carrera independiente la ocupó con diseños para ceremonias y celebraciones y especialmente con diseños para teatros, en los que creó un nuevo tipo de espacio teatral de virtuoso ilusionismo para sustituir a las rigurosas perspectivas arquitectónicas frontales heredadas del siglo XVI. Diseñó también maquinaria y mecanismos teatrales, en el Teatro de San Bartolomé, Nápoles (1706), y en el establecido Teatro Capranica, Roma (1713). Trabajó igualmente como escenógrafo para teatros privados, en particular para el pequeño teatro en el Palazzo della Cancelleria del cardenal Pietro Ottoboni (1709) y un pequeño teatro para la Reina de Polonia en Palazzo Zuccari, ambos encargos muy destacados. En 1713 el proyecto de un teatro lo llevó hasta Génova.
En 1706 Juvara ganó el concurso para la nueva sacristía en San Pedro, organizado por el Papa Clemente XI, y se convirtió en miembro de la prestigiosa Academia de San Lucas. En 1708 creó su primer trabajo arquitectónico importante fuera del teatro y el único realizado en Roma: la Capilla Antamori en la iglesia de San Jerónimo de la Caridad.
Juvara fue también un grabador: su libro de grabados de escudos de armas esculpidos apareció en 1711, Raccolta di varie targhe fatte da professori primarii di Roma [1].
El período de actividad más intensa de Juvara comenzó en 1714, cuando después de una estancia en Mesina, se trasladó al Piamonte, donde Víctor Amadeo II de Saboya le empleó primero en un proyecto escenográfico y después nombró a Juvara el primer arquitecto de la corte. En Turín permaneció durante veinte años, realizando gran parte de su obra y construyendo todo tipo de edificios, de los que destaca la iglesia-monasterio de Superga (1717-1731) en lo alto de una colina sobre Turín, de planta rectangular con iglesia centralizada cubierta por cúpula y tambor de su misma altura, apoyado sobre la columnata rotonda que domina el espacio interior.
Para la familia real saboyana, erigió el decorado pabellón de caza o castillo-palacio llamado Palazzina di Stupinigi (1729–1731), un gran conjunto palaciego agrupado en torno a una sala elíptica.
Explorando más y más las tradiciones originales italiana y francesa, Juvara realizó la fachada y la teatral escalera de entrada del Palacio Madama en Turín (1718-1721).
Otras obras turinesas fueron:
Fachada de la iglesia de Santa Cristina (1715-1718);
Basílica de la Natividad;
Tercera ampliación de Turín hacia el oeste según un sistema ortogonal introducido por Ascanio Vitozzi y Carlo di Castellamonte: el proyecto incluía la construcción del palacio Martini di Cigala (1716), de Quartieri Militari (1716-1728) y más tarde de la iglesia del Carmine (1732-1736), donde el espacio se concentra alrededor de la sala central con el efecto escenográfico de la luz cayendo desde arriba.
La fama obtenida en Turín gracias a su talento y habilidades determinaron su posterior actividad en las cortes más ricas de Europa: en 1719 estaba en Portugal, donde proyecta la construcción del Palacio de Mafra para Juan V (1719-20), después de lo cual viajó a Londres y París.
Juvara y Johann Bernhard Fischer von Erlach se influyeron entre sí a través de los grabados.
En 1735 el arquitecto recibió una invitación del rey borbón de España, Felipe V, para quien proyectó la fachada del palacio de la Granja de San Ildefonso, el nuevo Palacio Real de Madrid y el Palacio Real de Aranjuez, ejecutados después de la muerte de Juvara por Giovanni Battista Sacchetti y otros alumnos. Otro arquitecto muy influido por Juvara fue Bernardo Vittone. Además de estos proyectos, Juvara realizó otros trabajos en Madrid, como el proyecto del nuevo Coliseo de la Cruz.
Juvara murió en Madrid en 1736. Su obra, como gran parte de la arquitectura barroca, perdió su atractivo con el auge del Neoclasicismo. En 1994, se celebró una gran exposición sobre sus diseños en Génova y en Madrid.

Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Giuseppe Sardi (1680/1753)

67. Giuseppe Sardi (1680/1753)

Giuseppe Sardi (1.680 - documentado hasta 1768) fue un italiano arquitecto activo en Roma. Él nació en Sant'Angelo in Vado, Las Marcas, que era entonces parte del Estado Pontificio. [1] Conocido sobre todo por su iglesia de Santa María del Rosario en Marino las afueras de Roma, su nombre ha sido... Ver mas
Giuseppe Sardi (1.680 - documentado hasta 1768) fue un italiano arquitecto activo en Roma. Él nació en Sant'Angelo in Vado, Las Marcas, que era entonces parte del Estado Pontificio. [1] Conocido sobre todo por su iglesia de Santa María del Rosario en Marino las afueras de Roma, su nombre ha sido vinculado con el diseño de la fachada de la iglesia de Santa María Magdalena en Roma aunque su implicación con este y con algunos otros proyectos de construcción sigue siendo incierto. Él no debe ser confundido con el arquitecto italiano suizo, Giuseppe Sardi (1624 hasta 1699), que estuvo activo en Venecia.
Carrera [editar]
En fuentes contemporáneas, Sardi se describe más a menudo como actuar en la capacidad de un capomastro o maestro constructor, más que como un arquitecto. Él diseñó y ejecutó una sola iglesia a partir de cero, la de Santa María del Rosario en 1712 en la familia Colonna feudo del Marino, en el colinas de Alban las afueras de Roma. El interior está centralmente planificada y tiene una cúpula inusual y elaboradamente decorado. Este es también su primera obra conocida.
Su trabajo como capomastro se documenta en las obras de construcción de Santa María en Trastevere (donde trabajó bajo la dirección de Recalcati en 1714), Santa María en Monticelli (donde trabajó bajo la dirección de Sassi en 1715, seis años antes de su conjeturada trabajar en San Paolo alla Regola, ubicada en la esquina) y al Santissima Trinità dei Pellegrini (bajo la dirección de Francesco de Sanctis en 1722 -. 23) [2] Sardi también se acredita con otra obra menor, la remodelación del baptisterio de San Lorenzo in Lucina, ejecutado entre 1713 y 1721. [3]

La fachada de Santa Maria Maddalena

Un detalle de la fachada de Santa Maria Maddalena

Un detalle de la fachada de Santa Maria Maddalena
Aunque el nombre de Sardi se ha relacionado con varias iglesias en los alrededores de Roma, uno de los mayormente segura compulsada de sus comisiones es la adición de una nueva fachada de la iglesia de Santa María en Cosmedin en el Foro Boario en Roma. [4] Esta fachada fue erigida en el lugar de la anterior románica fachada en 1718 y destruido en 1.896 a 1899, pero su aparición se registra en Giuseppe Vasi. 's Magnificenze di Roma (Lámina 56), así como en las fotografías [5] También confirmada es la autoría de Sardi de la fachada del Trastevere iglesia de Santi Quaranta Martiri (también conocido como San Pasquale Baylon) (1736-1739). [6] Esta fachada parece haber sido inspirada en la de Francesco Fontana para la iglesia de Santa María ad Nives, Roma ( Santa Maria delle Neve), situado cerca del Coliseo, y erigido alrededor de 1708. (referencia necesaria)
Más polémico son las contribuciones de Sardi a otras dos iglesias que tenían nuevas (o renovadas) fachadas terminadas en el período comprendido entre 1720 y 1740. El primero de estos proyectos fue la construcción de una nueva fachada de San Paolo alla Regola, una iglesia que había sido erigido alrededor de 1,687 a un diseño del Padre Giovanni Battista Bergonzoni (llamado Borgognone), un profesor de teología en la universidad unida a la iglesia. [7] Vasi afirma que la fachada fue el diseño de Giovanni Battista Conti, [8] mientras Titi atribuye a 'Ciacomo Ciolli' (Giacomo Cioli) y Sardi conjuntamente. [9] En suma, no hay consenso de los expertos sobre cómo exactamente se debe dividir el trabajo.
Un problema similar se refiere a la atribución a Sardi de la fachada de Santa María Magdalena, que es significativo como uno de un número limitado de fachadas en Roma mostrar el rococó estilo, [10] La fachada se inició a finales del siglo XVII y todavía estaba sin terminar en 1734. [11] Mercurio errante de Rossini (1741) y la edición 1745 de la guía de Roisecco no mencionan el diseñador, a pesar de que no llaman la atención sobre la fachada. [12] La primera mención de la participación de Sardi es en la edición 1750 de Roisecco de guiar libro. [13] Los estudiosos han sido durante mucho tiempo indecisa quién debe ser acreditado con este diseño que también se ha atribuido a Manuel Rodríguez Dos Santos. Muy poco del trabajo de Sardi sobrevive para permitir la atribución por razones estilísticas. [14]
Referencias [editar]
Jump up ^

Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Andrea Tirali (1657/1737)

68. Andrea Tirali (1657/1737)

Andrea Tirali (1657-1737) fue un arquitecto italiano que trabaja en Venecia y el Véneto. [1] Él es conocido por haber trabajado en Villa Duodo en Monselice y la Chiesa y Convento de San Nicolò en Tolentino. En Villa Duodo añadió a la obra del arquitecto Vincenzo Scamozzi. Tirali fue responsable... Ver mas
Andrea Tirali (1657-1737) fue un arquitecto italiano que trabaja en Venecia y el Véneto. [1] Él es conocido por haber trabajado en Villa Duodo en Monselice y la Chiesa y Convento de San Nicolò en Tolentino. En Villa Duodo añadió a la obra del arquitecto Vincenzo Scamozzi. Tirali fue responsable del diseño intrincado de la acera en la Plaza de San Marcos en Venecia, [2] por el elaborado tumba de la familia de Valier y de Santo Domingo de la capilla en la Basílica de los Santos Juan y Pablo, Venecia. También diseñó el pórtico a la tolentini de una idea de Scamozzi, la fachada del S. Vidal y la escalera de entrada de Ca 'Sagredo. Él fue el arquitecto de Villa Sceriman en Mira y Villa Morosini en Fiesso Umbertiano; de él el restauratiom de SS. Towerbell de Apostoli, Scuola de Angelo Custode a Santi Apostoli, Palazzo Venier y Ponte dei Tre Archi en Cannaregio, Palazzo Castelli en S. Marina ... todo eso en Venecia. De su la aechitect de San Vidal 's Vision Santuario en Pellestrina

Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Massimiliano Fuksas (1944)

69. Massimiliano Fuksas (1944)

Massimiliano Fuksas, arquitecto italiano. (Roma 1944- ) Torre en Viena. Vista del Admirant Entrance Building, finalizado en 2010 en el centro de Eindhoven. Nacido en Roma en 1944, Massimiliano Fuksas obtuvo su diploma en la Facultad de Arquitectura de Roma, en 1969. Fundó el estudio de... Ver mas
Massimiliano Fuksas, arquitecto italiano. (Roma 1944- )

Torre en Viena.

Vista del Admirant Entrance Building, finalizado en 2010 en el centro de Eindhoven.
Nacido en Roma en 1944, Massimiliano Fuksas obtuvo su diploma en la Facultad de Arquitectura de Roma, en 1969. Fundó el estudio de arquitectura "Gramma", con Anna Maria Sacconi (1969-1988). A finales de los años ochenta, y después de haber trabajado intensamente en Italia, adquiere notoriedad simultáneamente en Italia y Francia, gracias a proyectos como el nuevo cementerio de Orvieto (1990), el ayuntamiento y la biblioteca de Cassino (1990) y, en Francia, la mediateca de Rézé (1991) y la Escuela Nacional de Ingeniería de Brest (ENIB) (1992). En épocas más recientes, terminó la reestructuración de un edificio de la Rue Candie, París (1987-1993). Proyectos posteriores: lieceo técnico de Alfortville, Plaza de las naciones de Ginebra; torre de 150 metros de altura en Viena; un gran centro comercial en Salzburgo. En 2003 casas a la Plaza principal de Maguncia muy cercana al mercado histórico y a la catedral de Maguncia.1

Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Giovanni Battista Sacchetti (1690/1764)

70. Giovanni Battista Sacchetti (1690/1764)

Juan Bautista Sacchetti (o Sachetti), Giovanni Battista Sacchetti de nacimiento (Turín, 1690 – Roma, 3 de diciembre de 1764), fue un arquitecto italiano. Índice [ocultar] 1 Biografía 2 Referencias 3 Véase también 4 Enlaces externos Biografía[editar] Discípulo de Filippo Juvara, llegó a... Ver mas
Juan Bautista Sacchetti (o Sachetti), Giovanni Battista Sacchetti de nacimiento (Turín, 1690 – Roma, 3 de diciembre de 1764), fue un arquitecto italiano.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Referencias
3 Véase también
4 Enlaces externos
Biografía[editar]
Discípulo de Filippo Juvara, llegó a España en 1736 para trabajar en el Palacio de La Granja de San Ildefonso, pero poco después fue llamado por el rey Felipe V de España a la corte, para continuar con las obras del Palacio Real de Madrid tras la muerte de Juvara.1 Por este motivo, fue nombrado maestro mayor de las obras reales, cargo que desempeñó entre 1736 y 1760. También ocupó el cargo de director de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y maestro mayor de obras de la Villa y Corte de Madrid, desde 1742 hasta su muerte.
En estos años, emprendió la reforma del Teatro del Príncipe y el Teatro de la Cruz.2 Entre sus proyectos están también la Catedral de la Almudena, el viaducto de la calle Bailén y el Convento de las Salesas Reales, ninguno de los cuales llegó a desarrollar.

Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Gae Aulenti (1927/2012)

71. Gae Aulenti (1927/2012)

Gaetana Aulenti (Palazzolo dello Stella, Udine, 1927 - Milán, 31 de octubre de 2012) fue una arquitecta italiana.1 En 1954 se licencia en la Facultad de Arquitectura del Politécnico de Milán, y empieza su decenal colaboración con la redacción de la revista Casabella dirigida por Ernesto Nathan... Ver mas
Gaetana Aulenti (Palazzolo dello Stella, Udine, 1927 - Milán, 31 de octubre de 2012) fue una arquitecta italiana.1
En 1954 se licencia en la Facultad de Arquitectura del Politécnico de Milán, y empieza su decenal colaboración con la redacción de la revista Casabella dirigida por Ernesto Nathan Rogers.
Aulenti es una de las pocas mujeres que han dejado un profunda huella, a veces polémica, en la arquitectura internacional, así como en la escenografía teatral y en el diseño industrial. Entre sus proyectos arquitectónicos más destacados cabe señalar las reformas del Palazzo Grassi de Venecia y del Museo de Orsay de París, que propiciaron muchos encargos posteriores, como el Pabellón de Italia en la Exposición Universal de Sevilla 1992 y la reforma del Palacio Nacional de Montjuïc (Barcelona), actual sede del MNAC.

Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Carlo Mollino (1905/1973)

72. Carlo Mollino (1905/1973)

Carlo Mollino (Turín, 6 de mayo 1905 - 27 de agosto 1973) fue un arquitecto y diseñador italiano. Hijo de ingeniero, durante su juventud fue interesándose por otras disciplinas tan diversas como la arquitectura, el diseño de mobiliario, la fotografía, el esquí, los coches de carreras o la... Ver mas
Carlo Mollino (Turín, 6 de mayo 1905 - 27 de agosto 1973) fue un arquitecto y diseñador italiano.
Hijo de ingeniero, durante su juventud fue interesándose por otras disciplinas tan diversas como la arquitectura, el diseño de mobiliario, la fotografía, el esquí, los coches de carreras o la aeronáutica.1 2
A Mollino se le atribuye la frase: "Todo es permisible con tal de que sea fantástico",3 frase que pareció marcar su estilo en el trabajo. Su obra se caracteriza por el predomino de la línea sinuosa, casi aerodinámica, y por la reinterpretación moderna de las técnicas artesanales.4 El estilo arquitectónico de Mollino huye del racionalismo y está influenciado por las arquitecturas de Alvar Aalto y Erich Mendelsohn. Su estilo se ha definido como neobarroco o neoliberty.4
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Edificios
3 Mobiliario
4 Obras que no han sido realizada
5 Referencias
6 Enlaces externos
Biografía[editar]
Inició su carrera como arquitecto en 1930, diseñando una casa en Forte dei Marmi (Italia), por la que recibió el premio G.Pistono. Entre 1933 y 1948 trabajó con su padre y participó en varios concursos de arquitectura, ganando el del monumento al partisano, diseñado junto al escultor Umberto Mastroianni, y emplazado en el cimiterio generale de Turín. Entre 1936 y 1939, Mollino diseña, en colaboración con Vittorio Baudi di Selve, el edificio de la sociedad hípica de Turín.
Mollino fue un entusiasta del esquí, y escribió el libro "Trattato sul Discesismo", donde explica su particular técnica de esquí con abundantes ilustraciones. También diseñó casas de montaña como la Casa del Sole en Cervino o la estación de invierno (Slittovia) del Lago Nero en el Valle de Aosta, de 1948.4
En 1952 diseñó el auditorio de la RAI en Turín, restaurado en 2006. También diseñó el coche de carreras "bisoluro", con el que participó en las 24 horas de Le Mans en 1954.1
En la década de los 60 dirigió al equipo de arquitectos encargados del diseño del distrito INA-Casa de Turín. También diseñará en esa época los dos edificios que le harían famoso: la cámara de comercio y el Teatro Regio; ambos en Turín.
Edificios[editar]
Società Ippica Torinese, Turín (1937, destruido en 1960)
Slittovia del lago Nero, Sauze d'Oulx (1946)
Casa eb Agra plateau (1952)
Auditorio RAI, Turín (1952)
Casa del Sole, Cervinia (1955)
Ampliación del edificio del Aeroclub Torino, Turin (1958)
Cámara de comercio, Turín (1964)
Teatro Regio, Turín (1973)
Mobiliario[editar]

Scrivania cavour (1949).
En junio de 2005, una mesa de roble y vidrio diseñada por Carlo Mollino en 1949 para la Casa Orengo fue vendida en la casa de subastas Christie's de Nueva York por un precio de 3.824.000 dólares, estableciendo un récord para piezas de mobiliario del siglo XX.
Obras que no han sido realizada[editar]
1940 Reconstrucción del refugio Kind a Sauze de Oulx
1954: Ampliación del hospital de Rivoli (Torino)
1954: Capilla del instituto Luz Nueva de Giaveno (Torino)
1966: Llano regulador de Sauze de Oulx
1968: Dépendencia Branca (garaje con anexos servicios) Lignan - Saint Barthèlemy (Nus - Aosta)

Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Giuseppe Sommaruga (1867/1917)

73. Giuseppe Sommaruga (1867/1917)

Giuseppe Sommaruga (1867-1917) fue un italiano, arquitecto del Art nouveau movimiento. Él era el discípulo de Camillo Boito y Luca Beltrami a la Academia de Brera en Milán. Su arquitectura monumental ejerció alguna influencia [1] sobre el arquitecto futurista Antonio Sant'Elia. Algunas de sus... Ver mas
Giuseppe Sommaruga (1867-1917) fue un italiano, arquitecto del Art nouveau movimiento. Él era el discípulo de Camillo Boito y Luca Beltrami a la Academia de Brera en Milán. Su arquitectura monumental ejerció alguna influencia [1] sobre el arquitecto futurista Antonio Sant'Elia.
Algunas de sus obras:
Hotel Tre Croci en Campo dei Fiori, cerca de Varese (1909-1912)
Mausoleo Faccanoni en Sarnico (1907)
Palazzina Salmoiraghi en Milán
Palazzo Castiglioni en Milán (1901-1904)
Referencias [editar]
Jump up ^

Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Guido Cirilli (1871/1954)

74. Guido Cirilli (1871/1954)

Guido Cirilli (Ancona, 9 febrero 1 mil ochocientas setenta y un - Venecia, treinta 1 1.954) fue un arquitecto italiano. Trabajó principalmente en las tres ciudades del Adriático de Venecia, Ancona y Trieste, donde se enfrentó a cuestiones arquitectónicas y urbanas de gran importancia y tamaño... Ver mas
Guido Cirilli (Ancona, 9 febrero 1 mil ochocientas setenta y un - Venecia, treinta 1 1.954) fue un arquitecto italiano. Trabajó principalmente en las tres ciudades del Adriático de Venecia, Ancona y Trieste, donde se enfrentó a cuestiones arquitectónicas y urbanas de gran importancia y tamaño; También trabajó en el capital social, de Loreto y Monza, la ciudad donde continuó la obra de su maestro, Giuseppe Sacconi, el arquitecto diseña el Vittoriano.
Fue uno de los principales representantes de la última fase de la 'Eclecticismo arquitectura [1]
Índice [nascondi]
1 Biografía
1.1 Capacitación
1.2 continuatore obra de Sacconi en Roma, Monza y Loreto
1.3 Presidente de la Academia de Bellas Artes y director del Instituto de Arquitectura de Venecia
1.4 Director de la Oficina de Bellas Artes de Venecia Julia
1.5 Protagonista expansión de Ancona en el siglo XX
1.6 Herencia
2 Bibliografía
3 Obras y restauraciones
4 Notas
Biografía [editar | editar wikitext]
Formación [cambio | editar wikitext]
Nació en Ancona, una ciudad que siempre estuvo vinculado, aunque el trabajo lo había llevado a menudo a vivir y trabajar fuera. Se graduó en la Academia de Bellas Artes en Roma, donde fue instruido por Giuseppe Sacconi, de la que fue el alumno favorito. En la misma ciudad, en 1896 se graduó en arquitectura en la Escuela de ingenieros de aplicaciones. Para el notable talento en el dibujo, se acaba de graduar y fue llamado por Sacconi en 1897, seguido en el gran patio del Vittoriano. Heredó de amor de su maestro por la atención al detalle y la seguridad en el dominio, interpretación y también formas de reinventar la tradición arquitectónica de siglos anteriores [1].

Monza: la capilla expiatoria
Cuando el Sacconi cayó enfermo, el Cirilli le mantuvo cerca, involucrándolos en las elecciones que tuvieron que operar en el campo de la arquitectura. Después de la muerte del maestro, que se produjo en 1905, organizado para Ascoli Piceno una exposición que celebra las obras. Se hizo cargo de la Sacconi en las principales obras de construcción (pero no la del Vittoriano) a Roma a la tumba del rey de Italia Umberto I de Saboya en el Panteón y el alojamiento de la Piazza Venezia, en Monza que la capilla expiatoria a Umberto I Rey 'Italia, en Loreto le sustituyó en el papel de "arquitecto de la Santa Casa"; todos los proyectos fueron parcialmente reinterpretados por Cirilli durante su realización [1].

Roma: el palacio de la Assicurazioni Generali
Continuador de la Sacconi en Roma, Monza y Loreto [cambio | editar wikitext]
Como parte de la remodelación de la Plaza Venecia, así como dibujar la forma de la plaza de acuerdo con las instrucciones del profesor, en 1906 diseñó el Palazzo delle Assicurazioni Generali, junto con Arturo Pazzi y Alberto Manassei. El palacio fue construido de acuerdo con las directrices que dejan Sacconi, que habían predicho que sería repetir las características básicas del edificio que una vez que se puso delante de Venecia, incluyendo la torre de esquina. La fachada de Seguros se caracteriza por arcos en la planta baja, un curso de cuerdas friso pintado en claroscuro, por una larga serie de ventanas geminadas románica y rematado por un león del Cinquecento original, de San Marcos en un bastión de los muros de Padua [ 2].
En 1910 se abrió la tumba del Panteón, se encuentra la capilla expiatoria de Monza, hizo una mucho más delgada que la esperada de su amo; de este último monumento Cirilli también supervisó la inserción urbana, con Propileos, espacios verdes y artísticas eliminados (estos dibujos de Mazzucotelli) [1]. Al año siguiente, 1911, tuvo el honor de llevar el Pabellón de Las Marcas para la Exposición de las regiones etnográficas de 1911 preparados con motivo del quincuagésimo aniversario de la unificación de Italia.
Él era un arquitecto de la Santa Casa de Loreto 1905-26, año en el que la iglesia fue objeto de una amplia renovación y rediseño de las capillas, que se dedican a las principales naciones católicas. El Cirilli dio muchos diseños especialmente para la reconstrucción del coro de la capilla alemana y las capillas polacos y franceses, además del nuevo altar de la misma Santa Casa, que había sido dañado por un incendio en 1921.
Presidente de la Academia de Bellas Artes y director del Instituto de Arquitectura de Venecia [cambio | editar wikitext]

The Cottage Cirilli en Roma

La Catedral de Cavarzere
En 1913 diseñó su residencia romana, la casa Cirilli Viale Regina Margherita; Roma fue también el autor de villa Battistoni y otra colonia en el barrio de Monteverde. También en 1923 fue llamado, por renombre, a Venecia para enseñar arquitectura en la Academia de Bellas Artes, de la que fue una figura clave y llegó a ser presidente. En 1914 se construyó el Palacio de exposiciones internacionales de arte en los Giardini, sede de la Bienal; el edificio fue demolido en 1932 para adaptarlo a las nuevas corrientes artísticas. Proyectos de Venecia no se hicieron para el IUAV asientos al puente Scalzi y desde la estación de Santa Lucía [3].
En 1918 se trasladó a Trieste, pero regresó a Venecia en 1926 para fundar, con Giovanni Bordiga, la Escuela de Arquitectura, actual IUAV, de la que fue director hasta 1943. Sus vínculos con Venecia se evidencia por el hecho de que en este ciudad, en la Academia, se conserva hoy en día la mayoría de sus proyectos: 1.286 dibujos relacionados con los trabajos realizados o diseñados en Roma, Ancona, Venecia y Friuli Venezia Giulia [4]. En 1947 supervisó la reconstrucción de la catedral de Cavan, que había sido destruida durante la Segunda Guerra Mundial [5].
Director de la Oficina de Bellas Artes de Venecia Julia [cambio | editar wikitext]
En Venecia Julia tuvo durante seis años (1918-1914) el puesto de director de las Artes y Monumentos Bellas, también se trata de la protección de los monumentos.
En esta región numerosos espacios diseñados consagrados a la memoria de la Gran Guerra: a Aquileia el Cementerio de los Héroes (o "Tumba de los diez soldados desconocidos", las Bocas del Timavo el monumento al Lupi di Toscana, de Gorizia y San Dona di Piave [4] . En esta última ciudad construida el Monumento a la Piave, río sagrado de la Patria, un monumento de la Batalla de Piave. En 1921 supervisó la construcción de la carroza fúnebre de tren de soldado desconocido [6] [5].

Castillo de San Giusto Trieste y la zona arqueológica, en la disposición de Cirilli
En la región había planeado y llevado a cabo trabajos de restauración importantes en las provincias de Trieste, Udine y Pula: a Aquileia supervisó la disposición de la zona monumental, de Trieste planeó su reconstrucción del Castillo de San Giusto, que fue severamente dañado durante la Primera Guerra Mundial, y fue el autor del proyecto de la zona arqueológica de San Giusto; en Gorizia y Duino supervisó la restauración (en el caso de la reconstrucción Gorizia) de sus respectivos castillos, también dañados por la guerra; en Grado restauró la Basílica de Santa Eufemia; en Pula restauró el templo de Augusto, la iglesia de San Francisco y "Arco de Triunfo. También supervisó la restauración de los principales monumentos de Porec, la ciudad donde dirigió las excavaciones sacaron a la luz los mosaicos de la basílica y las excavaciones de la prehistoria [5].
En Trieste fue la estrella del debate sobre la construcción del Faro de la Victoria (desde 1919 hasta 1,927 mil), diseñado por Arduino Berlam: la Cirilli, que estaba supervisando la construcción, cambió el diseño Berlam, no encontrarlo afín al valor simbólico que el nuevo monumento fue tomar. En Gorizia, fue uno de los protagonistas de aquellos años, el cuidado de la reconstrucción de la Catedral, la restauración de la iglesia de San Ignacio y el proyecto para el museo provincial de historia y arte. A Zara era lugar autor del alivio y la restauración de la Iglesia de San Donato [5].
Se fue en 1924 el Venezia Giulia para ocupar el cargo de director del Instituto de Arquitectura de Venecia [7].
Expansión Protagonista del siglo XX de Ancona [cambio | editar wikitext]
En 1923 comenzó una serie de construcción en su ciudad natal, Ancona, donde fue un brillante intérprete del diseño urbano de la ciudad, que en ese momento se estaba expandiendo hacia el este. El Cirilli marcados con sus obras los puntos nodales del eje desde el puerto vuelve al mar, en el lado opuesto del promontorio sobre el que se alza la ciudad. Al final de la carretera de la arteria en 1923, de hecho, se plantea la primera piedra del monumento, que por su fuerza expresiva pronto se convirtió en un símbolo de la ciudad. En el punto donde la carretera de mar a mar cambia de orientación en lugar de eso se dio cuenta del monumental edificio de Correos y Telégrafos (1926), inspirado en 'Altar de Pérgamo como la victoriana; También estudió la totalidad del proyecto de desarrollo al lado del palacio, incluyendo un nuevo diseño para el siglo XIX Piazza Cavour, a continuación, hizo cambios. Este proyecto tiene fecha de diversas formas en varias fuentes: 1.912, "alrededor de 1.910", "veinte años". La ampliación Por último, en el punto donde el eje tiene su principio, en los muelles, en 1921 el Cirilli planeado y las nuevas perspectivas del Palacio del Banco de Italia, lamentablemente destruidos durante la Segunda Guerra Mundial.
A su ciudad natal en 1931 también hizo la sala principal del Palacio de la Provincia (ahora el Palacio del Rector), en 1938 un columbario del cementerio de Tavernelle, donde diseñó la tumba Santilli, y finalmente la Villa Ascoli Cesaroni. Obras Anconitane de Cirilli entonces destruidas por la guerra fueron: la capilla de los caídos en la Catedral y en la estación central, la sala de espera, el monumento a los trabajadores ferroviarios caídos y la sala de entrada [5].
Ancona también estaba a cargo de la restauración: que supervisó el Duomo y, en 1926, el Palazzo Benincasa, que trajo a las formas XV.
En otras partes de las Marcas
En el Marches, en 1923, también lo hizo la placa en honor a los caídos de la Primera Guerra Mundial de Recanati, colocado en Torre del Borgo, de Montecassiano, restaurando el Palazzo dei Priori (1937) y la Iglesia de la Anunciación (1938), un monumento a los caídos [8], y, en Osimo, la capilla del tratamiento dispensario provincial [5]. En la vecina región de Abruzzo se hizo cargo de la Catedral de Chieti, donde entre 1934 y 1937 supervisó la finalización de la fachada y la reconstrucción de la torre del campanario, que se derrumbó en 1703.
Herencia [cambio | editar wikitext]
Uno de sus alumnos fue el prestigioso arquitecto Carlo Scarpa, que trabajó en su estudio en Venecia en 1926 a uno mil novecientos treinta y un y luego unirse a él como profesor asistente. Zapato heredado de la atención de su maestro al detalle y la calidad de los materiales de construcción [9]. Sobre su relación con el profesor y con esta tradición del gran arquitecto veneciano dijo lo siguiente:
"Yo desciendo, tradiciones culturales, desde el monumento a Vittorio Emanuele II, en Roma. Yo estaba, de hecho, el mejor estudiante de mi profesor en la Academia, que a su vez era el mejor alumno del autor de ese monumento ... La pobreza espiritual de que era debido al hecho de que las academias de profesores bellas artes compartían el gusto ecléctico del siglo XIX. Para ello hemos tenido que hacer un esfuerzo para liberarnos de nuestra educación. »
(Carlo Scarpa Conferencia celebrada en la Academia de Bellas Artes de Viena, el 16 de noviembre de 1976)
Referencias [cambio | editar wikitext]
Corrado Balistrieri Tricanato, Guido Cirilli arquitecto de la Santa Casa de Loreto, en: Ileana Chiappini Di Sorio, Laura De Rossi, Venecia, Las Marcas y de la civilización Adriático: para celebrar el 90 aniversario de Peter Zampetti, Ediciones de la Laguna, 2003 (con detallada introducción sobre la vida y obra de Cirilli); volúmenes 17-19 del documento de Arte, ISSN 11210524
Fabricante de Claudia, el arquitecto Guido Cirilli entre instituciones y profesión (1896-1943), tesis en Historia de la Arquitectura, IUAV, Departamento de Historia de la Arquitectura, 2002-2003 curso académico, el ponente Guido Zucconi.
Fabio Mariano, Al atardecer Eclecticismo: Guido Cirilli arquitecto, en el Festival de las Artes de Ensayos en honor de Marcello frijol durante cincuenta años de estudios (por V. Cazzato, San Roberto, M. Bevilacqua), vol.. Yo, Gangemi Editore, Roma 2014, ISBN 978-88-492-2421-4.
Fabio Mariano, Eclecticismo edad. Arte y arquitectura en el Marche entre los siglos XIX y XX. Florencia, Nerbini Ediciones, 2004 (páginas 43-72).
Fabio Mariano, Guido Cirilli eclecticismo y la arquitectura en el Marche, "Los Cien Ciudades", 26, Ancona 2005.
Fabio Mariano, Arquitecto Guido Cirilli y eclecticismo en Italia Vive la '900. Collar Centofinestre; Centro Studi Antonelli, 2006.
Rebecca Spinsanti, El Palacio de Correos y Telégrafos de Ancona: el análisis y la hipótesis de la intervención, la tesis en Ingeniería de Edificación-Arquitectura de la Universidad Politécnica de Marche, Facultad de Ingeniería, el año académico 2007-2008, el altavoz Plácido Munafò, co Giacomo Moriconi
Paul Santoboni, Guido Cirilli y los problemas de la herencia cultural de la Julian (1919-1924), en "Archeografo Triestino", serie IV, LXXII (2012), pp. 219 a 291.
Evelina Piera Zanon - Diana Ferrara Archivo Guido Cirilli en la Academia de Bellas Artes de Venecia "Arquitectura en los archivos Guía de los archivos de la arquitectura en las Marcas.", De Antonello Alici y Mauro Tosti Croce, Roma, Gangemi Editorial , 2011, pp. 154-155., Pp. 154-155
Evelina Piera Zanon, proyecta Guido Cirilli mantiene en el Archivo Histórico de la Academia de Bellas Artes de Venecia, en el "Anuario de la Academia de Bellas Artes en 2011. Academia y Bienal de Venecia: pasado, presente y futuro", de Alberto Cassani, Padua, el polígrafo, 2012, pp. 365 a 381
Alberto Giorgio Cassani y Guido Zucconi (ed) Guido Cirilli: Arquitecto Academia (Catálogo de la exposición celebrada en el Almacén de Venecia Sal 3 en 2014), Padua, el polígrafo, 2014
Obras y restauración [cambio | editar wikitext]
En Roma
Conservatorio de Santa Cleta
el urbanismo de la Piazza Venezia
Palazzo delle Assicurazioni Generali
dirección de la obra de construcción de la tumba del rey de Italia Humberto I Panteón, después de la muerte de G.Sacconi
tumba de la reina Margarita de Panteón
Cottage Cirilli
En Venecia, en Venecia Julia, en Zadar
Aquileia
Cementerio de los Héroes
Tumba de los diez soldados desconocidos
Cavarzere
Catedral de San Mauro
Duino
restauración del castillo
Monumento a la Lupi di Toscana, las Bocas del Timavo
Gorizia
reconstrucción del castillo
remake del Duomo
restauración de la Iglesia de San Ignacio
Museo Provincial de Historia y Arte
Grado
restauración de la Basílica de Santa Eufemia
Porec
dirección de las excavaciones que sacó a la luz los mosaicos de la Basílica San Eufrasio
dirección de las excavaciones de la prehistoria
Pola
restauración del Templo de Augusto
restauración de la iglesia de San Francisco
restauración del 'Arco de Sergio
San Dona di Piave
Monumento Piave, río sagrado de la Patria
Trieste
cambio de diseño del faro de la Victoria (de Arduino Berlam)
restauración del Castillo de San Giusto
acomodación del foro romano en la colina de San Giusto
Venecia
Palacio de exposiciones internacionales de arte en el Giardini di Castello (demolido)
Zara
restauración de la Iglesia de San Donato
En las Marcas
Ancón
Monumento de la guerra, el Passetto, 1923-33
Palacio del Correo Real, ahora el edificio de Correos, 1926
la restauración de la fachada del Palazzo Benincasa, 1926
Palacio del Banco de Italia (destruido durante la Segunda Guerra Mundial)
Salón de Honor del Edificio Provincial, ahora el Palacio del Rector
restauración de la Catedral de San Ciriaco
Iglesia cementerio de Tavernelle
Fuente de la Plaza Stamira
Santilli tumba en el cementerio de Tavernelle
Capilla de los caídos en la Catedral (demolido)
Estación Central: la sala de espera, el monumento a los trabajadores ferroviarios caídos y sala de entrada (destruido durante la Segunda Guerra Mundial)
Villa Ascoli Cesaroni
Chiaravalle
Monumento a los Caídos
Loreto
la restauración general de la Basílica de la Santa Casa, y en particular:
altar dentro de la Santa Casa
Capilla polaca, capilla alemana, capilla francesa
Montecassiano
restauración del Palazzo dei Priori
rehabilitación de la Iglesia de la Anunciación en memoria de la guerra
Recanati
Villa Gigli
Placa conmemorativa a la Torre de la aldea
San Benedetto del Tronto
FUENTE ahora situado en la Piazza Nardone
En Chieti
restauración de la Catedral de San Justino, 1920-1936
En Monza
dirección de obra de la capilla expiatoria en memoria de Umberto I, después de la muerte de G.Sacconi, Monza 1905 a 1910
Proyectos no realizados
Catedral de Nueva Delhi, India
Faro en la memoria de Cristóbal Colón, Santo Domingo
proyecto para la entrada del 'Arco de Trajano, Ancona
proyecto para la Iglesia de los Salesianos Ancona
proyecto de Piazza Roma, Ancona
Monumento a los Caídos de Offagna

Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Pietro Fenoglio (1865/1927)

75. Pietro Fenoglio (1865/1927)

Pietro Fenoglio (Turín, 1865 - Corio, 1927) fue un arquitecto italiano, de estilo modernista. Su obra se encuentra principalmente en Turín, donde es considerado uno de los principales artistas locales. Inició su trabajo con edificios de estilo clásico. Posteriormente incorporó la ruptura... Ver mas
Pietro Fenoglio (Turín, 1865 - Corio, 1927) fue un arquitecto italiano, de estilo modernista.
Su obra se encuentra principalmente en Turín, donde es considerado uno de los principales artistas locales.
Inició su trabajo con edificios de estilo clásico. Posteriormente incorporó la ruptura estética del estilo arquitectónico de profusa decoración de moda en Europa a finales de siglo, conocido como art nouveau o jugendstil. En concreto Fenoglio se caracterizó por el uso de bay windows.
Participó activamente en la Prima Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna de 1902, celebrada en Turín.
Estuvo entre los fundadores y principales colaboradores de la revista L’architettura italiana moderna.
Obras[editar]
Casa Avezzano;
Casa Fenoglio-La Fleur (1902 - 1903), 6 corso Francia (11, via Principi d'Acaja);
Casa Florio;
Casa Maffei;
Villino Raby, (1901), 8 corso Francia;
Palazzina Rossi;
Palazzina Scott, (1902), 57, corso Giovanni Lanza (aparece profusament en la película Les Frissons de l'angoisse de Dario Argento)

Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Giuseppe Valadier (1762/1839)

76. Giuseppe Valadier (1762/1839)

Giuseppe Valadier, (Roma, 14 de abril de 1762 - Roma, 1 de febrero de 1839) fue un arquitecto, urabanista, arqueólogo y orfebre italiano. Fue junto a Giovanni Battista Piranesi el máximo exponente del neoclasicismo en la ciudad de Roma. Su obra más importante fue la remodelación de la Piazza del... Ver mas
Giuseppe Valadier, (Roma, 14 de abril de 1762 - Roma, 1 de febrero de 1839) fue un arquitecto, urabanista, arqueólogo y orfebre italiano. Fue junto a Giovanni Battista Piranesi el máximo exponente del neoclasicismo en la ciudad de Roma. Su obra más importante fue la remodelación de la Piazza del Popolo.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Obra
3 Estilo
4 Véase también
Biografía[editar]
Hijo del orfebre Luigi Valadier (1726-1785), Giuseppe Valadier se interesó por la arquitectura desde temprana edad. Con tan sólo trece años ganó el primer premio de segunda clase en el concurso Clementino otorgado por la Accademia di San Luca en 1775.
Valadier trabajó principalmente en Roma y en los Estados Pontificios, pero la mayoría de sus trabajos se quedaron en proyectos. Fue nombrado architetto camerale de los Estados pontificios por Pío VI en 1786.
Enseñó en la Accademia di San Luca y fue uno de los primeros arquitectos que se interesó por la arqueología y la restauración.
Sus obras más famosas se realizaron durante la ocupación napoleónica, cuando realizó la Piazza del Popolo de Roma.
Obra[editar]
Su obra más importante, la Piazza del Popolo se construyó entre 1809 y 1812 durante la etapa napoleónica. Cobraron importancia en su intervención las vías Babuino, Corso y Ripetta, con sus iglesias gemelas y proyectó la Puerta del Popolo entre edificaciones nuevas y la iglesia de Santa María del Popolo. Por un lado se crea una perspectiva de terrazas que suben hasta el Pincio que recuerdan a los jardines pintorescos ingleses.
En los jardines del Pincio, edificó también la Casina Valadier en 1807, que recuerda a Palladio y a la arquitectura campesina.
También recuerdan a Palladio la iglesia de San Rocco en Roma y la reforma de la catedral de Urbino (1789), realizada después del terremoto de 1789. En ambos edificios se intersecan en fachada dos templos clásicos, de forma similar a las iglesias palladianas.
Respecto a la restauración, su obra más importante es la restauración del Arco de Tito en Roma en el año 1819. También restauró el Ponte Milvio en 1805.
La mayoría de sus obras y proyectos se publicaron en:
Raccolta di diverse invenzione (1796)
Progetti architettonici (1807)
Opere di Architettura (1833)
Estilo[editar]
Si bien el sistema de composición durante la época del Renacimiento y del Barroco consistía en una coherencia y unidad de las partes que conformaban la edificación, la llegada del Neoclasicismo implica la yuxtaposición de las partes, manteniendo la autonomía de cada una de las piezas y evitando la jerarquía.
Piranesi es el primero que barrunta esta situación por medio de sus grabados, pero no es hasta la llegada de Valadier, cuando esto se hace notablemente visible. Esta situación de cuerpos contrastados por su autonomía también se puede apreciar en la obra de Étienne-Louis Boullée o de Juan de Villanueva.

Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Alessandro Antonelli (1798/1888)

77. Alessandro Antonelli (1798/1888)

Alessandro Antonelli (14 jul. 1798-18 oct. 1888) era un italiano arquitecto del siglo 19. Sus obras más famosas son la Mole Antonelliana en Turín (llamado así por él) y tanto la catedral de Novara y la Basílica de San Gaudencio en Novara. Biografía [editar] La cúpula de la Basílica de San... Ver mas
Alessandro Antonelli (14 jul. 1798-18 oct. 1888) era un italiano arquitecto del siglo 19. Sus obras más famosas son la Mole Antonelliana en Turín (llamado así por él) y tanto la catedral de Novara y la Basílica de San Gaudencio en Novara.
Biografía [editar]

La cúpula de la Basílica de San Gaudencio, símbolo de Novara, es de 121 metros de altura.
Antonelli nació en Ghemme, cerca de Novara. Estudió en Milán y Turín, y durante años trabajó en las oficinas de planificación territorial del Estado. Después de ganar un concurso de arquitectura en la Accademia Albertina, se trasladó a Roma en 1828, donde estudió en la geometría descriptiva profundo.
Elaboró ​​un ideales funcional de la arquitectura, lo que le inspiró con un ambicioso plan de renovación del centro histórico de Turín. Cuando regresó allí en 1836 (que queda hasta 1857), se convirtió en profesor de la Academia Albertina. También fue diputado en el Reino de Cerdeña Parlamento 's, y un miembro del consejo comunal de Turín y de la Provincia de la propia Novara. En este período él diseñó numerosas obras: varias residencias, la seta común y el Santuario de Boca (cuya cúpula nunca fue terminado debido a los riesgos se desmoronan), una villa en Romagnano Sesia, el Hospicio de Huérfanos en Alessandria, los planes de regulación de Ferrara y Novara, la iglesia de San Clemente y el Asilo de Medici en Bellinzago Novarese. La iglesia de Borgolavezzaro (1858-1862) también se terminó sin la cúpula, debido al alto costo.
Cabe destacar la Basílica de San Gaudencio en Novara, terminado en 1887. Es una construcción audaz en ladrillo, de pie 121 m de altura. Además de él en Novara son la Casa Bossi y el Cathadral.
La obra más famosa de Antonelli es la Mole Antonelliana, símbolo de Turín, que lleva su nombre y que comenzó en 1863 como una sinagoga judía. Fue terminado en 1897 por el consejo de la ciudad como el Risorgimento Museum. La torre, demolido por un chaparrón violento acompañado de un tornado en 1953, fue reconstruida en 1961 según los planos originales.
Antonelli murió en 1888 y fue enterrado en el cementerio de la familia de Maggiora.

Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Pietro Cantini (1847/1929)

78. Pietro Cantini (1847/1929)

Pietro Cantini (Florencia, 20 de febrero de 1847 - Suesca, 22 de enero de 1929) fue un arquitecto italiano que vivió 49 años en Colombia, en donde realizó buena parte de su obra. Algunas de sus obras han sido declaradas Monumento Nacional en Colombia. Por recomendación suya viajaron otros... Ver mas
Pietro Cantini (Florencia, 20 de febrero de 1847 - Suesca, 22 de enero de 1929) fue un arquitecto italiano que vivió 49 años en Colombia, en donde realizó buena parte de su obra. Algunas de sus obras han sido declaradas Monumento Nacional en Colombia. Por recomendación suya viajaron otros artistas y arquitectos europeos a dicho país como Luigi Ramelli y Césare Sighinolfi y fue profesor de otros grandes arquitectos colombianos en la Escuela de Arquitectura fundada por él.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Obras
2.1 Capitolio Nacional de Colombia
2.2 Teatro de Cristóbal Colón
2.3 Templete del Libertador
2.4 Hospital San José
2.5 Otras obras
3 Bibliografía
4 Enlaces externos
Biografía[editar]
Nació en la ciudad de Florencia el 20 de febrero de 1847, hijo de Michele Cantini y Elisabetta Loi, fue el menor de 13 hermanos y fue bautizado con el nombre de Pietro Doménico Antonio Francesco Cantini. A los 20 años realizó sus estudios de ingeniería en el Colegio Militar y posteriormente se especializó en arquitectura en la Escuela de Bellas Artes de Florencia en donde también fue profesor.
En 1879 su compañero Césare Fortini le informa que en Colombia (entonces Estados Unidos de Colombia) se está requiriendo de un arquitecto para la construcción del Palacio de Gobierno. Viaja a París en donde firma un contrato con el Vice-Cónsul colombiano Rafael García por 5 años, el 2 de noviembre de 1880.
Se trasladó al puerto de Saint-Nazaire en donde tomó el vapor "El Labrador" el 6 de noviembre, llegando al puerto de Sabanilla (actualmente en Puerto Colombia). A su llegada a Bogotá, el presidente Rafael Núñez ratificó su contrato. Desde entonces, los Estados Unidos de Colombia fueron su país de residencia, conservando su nacionalidad de origen, y solo se ausentó brevemente en 1888. En ese país conoció a la italiana Pía Sighinolfi, hija del escultor Césare Sighinolfi con quien contrajo matrimonio el 4 de junio de 1883 en la Iglesia de Las Nieves de Bogotá y con quien tuvo dos hijos. También fue profesor de arquitectura en la Universidad Nacional de Colombia y fundó una Escuela de Arquitectos en octubre de 1886, la cual se integró años más tarde a la Escuela de Bellas Artes de la ciudad.
Obras[editar]
Capitolio Nacional de Colombia[editar]
Artículo principal: Capitolio Nacional de Colombia

Capitolio Nacional en la Plaza de Bolívar de Bogotá.

El teatro de Cristóbal Colón en La Candelaria.

Templete del Libertador en el Parque de los Periodistas de Bogotá.

Hospital San José en la localidad de Los Mártires.

Cúpula de la iglesia de Santo Domingo.
El Capitolio Nacional se comenzó a construir el 20 de julio de 1848 bajo el gobierno de Tomás Cipriano de Mosquera, el diseño inicial fue del arquitecto danés Thomas Reed. Las continuas guerras civiles obligaron a suspender las obras durante mucho tiempo. A su llegada a Colombia, Cantini retoma su construcción después de varios años de estar suspendida, pero en el análisis de la primera etapa decide reformar el frontis del edificio.
Ante este cambio en el proyecto, el escritor Rafael Pombo publicó unas críticas en los diarios nacionales y a su vez presentó dos contraproyectos, los cuales son consultados ante la Academia de Bellas Artes de San Lucas en Roma, inclinándose por la propuesta de Cantini.
Las obras se desarrollan normalmente hasta 1885, cuando se tiene lugar a una guerra civil que limitó el presupuesto hasta el punto de la suspensión de todos los trabajos de construcción. Posterior a ello, Pietro Cantini se dedica a la construcción del teatro nacional y cuando se reanudan los trabajos del Capitolio en 1891 se designó a Antonio Clopatofsky quien se basó en los planos de Cantini para continuar la obra, seguido años después por el francés Gastón Lelarge. No obstante, más adelante sería nuevamente interrumpido el trabajo y solo hasta el 7 de agosto de 1926 se inauguró el Capitolio, 78 años después de su iniciación.
Teatro de Cristóbal Colón[editar]
Artículo principal: Teatro Colón de Colombia
El Presidente de la República confió a Cantini la construcción del Teatro Nacional en el sitio donde antiguamente estaba el Teatro Maldonado para el cual expidió el decreto 601 del 14 de septiembre de 1885. El diseño elaborado por el arquitecto contemplaba la expropiación de algunos terrenos aledaños ya que se requería un área de 2.400 m². La primera piedra se puso el 5 de octubre de 1885 y como inspector general Cantini nombró a Eufenio Moreno, quien se hizo cargo de las obras durante el viaje de Cantini a Italia. Aunque en marzo de 1889 terminó el contrato firmado con el gobierno, trabajó gratuitamente hasta 1891, cuando firmó un nuevo contrato. El teatro se inauguró el 12 de octubre de 1892 como parte de las celebraciones del IV centenario del Primer desembarco de Cristóbal Colón, por lo cual se le otorgó el nombre de Cristóbal Colón. Las obras de ornamentación continuaron sin embargo hasta el 26 de octubre de 1895 cuando estrenó oficialmente con la ópera Ernani de Giuseppe Verdi. Cantini no fue invitado y solo treinta años más tarde se le realizó un homenaje en el teatro. El Teatro Colón fue declarado Monumento Nacional.
Templete del Libertador[editar]
El 24 de julio de 1883 la ciudad festejó el centenario del nacimiento de Simón Bolívar con la construcción del parque Centenario, ubicado en el sector de San Diego. En él fue colocada una estatua de Simón Bolívar dentro de un templete para cuyo diseño fue encomendado Pietro Cantini, quien se inspiró en el Templo de Vesta en Roma. La estatua fue elaborada por la Casa Desprey de París basado en el boceto de Alberto Urdaneta y sobre el templete se colocó una estatua de un Cóndor de los Andes también elaborado por Desprey.
La ornamentación estuvo a cargo del suizo Luigi Ramelli. La estatua posteriormente fue reemplazada por una elaborada por Ricardo Acevedo Bernal que permaneció hasta 1958. Durante 15 años el templete estuvo sin estatuas en su interior. Cuando se construyó la actual Avenida El Dorado, el templete se trasladó al Parque de los Periodistas en la Avenida Jiménez. La estatua que actualmente se encuentra en el templete fue elaborada por el artista peruano Gerardo Benítez el 25 de mayo de 1973.
Hospital San José[editar]
El hospital San José se construyó a partir del 14 de agosto de 1904 en un terreno de Los Mártires donado por el general Juan Valderrama a la Sociedad de Cirugía de Bogotá. En él, Pietro Cantini trabajó en forma gratuita elaborando los planos y dirigiendo su construcción basado en el hospital Policlínico Universitario de Roma. Fue el segundo hospital de la ciudad después del San Juan de Dios. Se inauguró el 8 de febrero de 1925.
Otras obras[editar]
En Bogotá:
Remodelación del edificio de la Biblioteca Nacional de 1881.
Diseño de algunas calles de 1883.
Cúpula de la iglesia de Santo Domingo de 1888.
Primer circo de toros de la ciudad 1890.
Capilla de Santa Isabel en la Catedral Primada de 1890.
Colegio Sagrado Corazón de 1904.
Primer edificio de la Academia Colombiana de la Lengua en la calle Diecinueve con carrera Séptima de 1916.
Fuera de Bogotá:
Palacio Municipal de Suesca.
Hospital de Nemocón.
El 25 de diciembre de 1892 el gobierno italiano le otorgó la "Orden de la Corona de Italia" en el grado de Caballero y en el grado de Gran Oficial el 2 de septiembre de 1923.
Murió el 22 de enero de 1929 en Suesca, en el departamento colombiano de Cundinamarca. Sus restos se encuentran en el cementerio de dicha población, en un mausoleo diseñado por él y adornado con una estatua elaborada por Colombo Ramelli.

Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Giuseppe Jappelli (1783/1852)

79. Giuseppe Jappelli (1783/1852)

Giuseppe Jappelli (Venecia, 14 de mayo de 1783 - ídem, 8 de mayo de 1852) fue un arquitecto e ingeniero italiano. De formación neoclásica, estudió en la Accademia Clementina de Bolonia. Trabajó como ingeniero militar al servicio de Eugène de Beauharnais. Durante un viaje por Francia y Gran... Ver mas
Giuseppe Jappelli (Venecia, 14 de mayo de 1783 - ídem, 8 de mayo de 1852) fue un arquitecto e ingeniero italiano. De formación neoclásica, estudió en la Accademia Clementina de Bolonia. Trabajó como ingeniero militar al servicio de Eugène de Beauharnais. Durante un viaje por Francia y Gran Bretaña (1836-1837) contactó con las corrientes arquitectónicas europeas, especializándose en arquitectura paisajística y jardinería. Sus obras principales se efectuaron en Padua: el Matadero (1812-1824, actual Instituto de Arte), la Cárcel (1822), la Ciudad Universitaria (1824), la Logia Amulea (1825) y el Caffè Pedrocchi (1826-1831); parques y jardines: Jardín Sommi en Torre de' Picenardi (1814), Villa Vigodarzere en Saonara (1816), Villa Torlonia en Roma (1838-1840).

Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Giuseppe Mengoni (1829/1877)

80. Giuseppe Mengoni (1829/1877)

Giuseppe Mengoni (23 de noviembre de 1829, en Fontanelice - 30 de diciembre 1877) fue un italiano, arquitecto. Él diseñó la Galleria Vittorio Emanuele II en Milán. También diseñó el Palazzo di Residenza de Bolonia Saving Bank (Carisbo). Él murió por accidente, cayendo desde el techo de la... Ver mas
Giuseppe Mengoni (23 de noviembre de 1829, en Fontanelice - 30 de diciembre 1877) fue un italiano, arquitecto. Él diseñó la Galleria Vittorio Emanuele II en Milán. También diseñó el Palazzo di Residenza de Bolonia Saving Bank (Carisbo). Él murió por accidente, cayendo desde el techo de la galería que había construido.

Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Giuseppe Sacconi (1854/1905)

81. Giuseppe Sacconi (1854/1905)

Giuseppe Sacconi (*Montalto delle Marche, 5 de julio de 1854 – †Pistoya, 23 de septiembre de 1905), fue un arquitecto italiano reconocido por haber diseñado el Monumento a Víctor Manuel II, ubicado en la ciudad de Roma, en Italia. El monumento fue construido en medio de elogios extravagantes y... Ver mas
Giuseppe Sacconi (*Montalto delle Marche, 5 de julio de 1854 – †Pistoya, 23 de septiembre de 1905), fue un arquitecto italiano reconocido por haber diseñado el Monumento a Víctor Manuel II, ubicado en la ciudad de Roma, en Italia. El monumento fue construido en medio de elogios extravagantes y algo de consternación. El también diseñó la construcción de la Capilla Expiatoria de Monza ((en italiano) Cappella Espiatoria).
Sacconi también se desempeñó como diputado entre 1884 y 1902, periodo transcurrido durante el reinado de los reyes Humberto I y Víctor Manuel III, respectivamente.
Murió a los 51 años de edad, en Pistoya, el 23 de septiembre de 1905.

Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Joaquín Toesca (1745/1799)

82. Joaquín Toesca (1745/1799)

Joaquín Toesca y Ricci (originalmente Gioacchino Toesca; Roma, Estados Pontificios, 1745 - Santiago, Chile, 11 de junio de 1799) fue un arquitecto italiano que trabajó al servicio del Imperio español, fundamentalmente en Chile. Índice [ocultar] 1 Biografía 2 Principales obras 3 Referencias... Ver mas
Joaquín Toesca y Ricci (originalmente Gioacchino Toesca; Roma, Estados Pontificios, 1745 - Santiago, Chile, 11 de junio de 1799) fue un arquitecto italiano que trabajó al servicio del Imperio español, fundamentalmente en Chile.
Índice [ocultar]
1 Biografía
2 Principales obras
3 Referencias culturales
4 Referencias
5 Enlaces externos
Biografía[editar]
Hijo de Giuseppe Toesca y Maria Ricci, empezó sus estudios de arquitectura en el ejército, en el taller de Francesco Sabatini. A los quince años viajó con Sabatini a la corte de Madrid. Toesca estudió matemática en Barcelona.
En 1780 viaja a Santiago de Chile, a petición del gobernador Agustín de Jáuregui y el arzobispo de Santiago Manuel de Alday y Aspée, con el encargo de finalizar la construcción de la Catedral de dicha ciudad. Además de esta obra, también se ocupó de diseñar los planos de la Casa de Moneda de Chile, (que posteriormente seria utilizada como residencia presidencial y sede del poder ejecutivo), de corregir los errores de construcción de la Catedral de Concepción, los Tajamares del Río Mapocho y el Hospital San Juan de Dios, y otras obras de menor importancia.1
Toesca contrae matrimonio en 1782 con Manuela Fernández de Rebolledo, pero su esposa acaba ingresando en un convento, tras un intento de asesinato de su marido.
Joaquín Toesca prosiguió sus trabajos y tuvo numerosos discípulos. Su influencia en la ciudad de Santiago de Chile es muy notable.
Principales obras[editar]

Elevación del Palacio de la Moneda en Santiago de Chile, realizada por Toesca.
Palacio de La Moneda, 1805, Santiago, Chile.
Catedral de la Santísima Concepción, 1788, Concepción, Chile.
Basílica de la Merced, 1795, Santiago, Chile.
Palacio de los Tribunales de Justicia, 1802, Santiago, Chile.
Catedral Metropolitana de Santiago, 1780, Santiago, Chile.

Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Luigi Cagnola (1762/1833)

83. Luigi Cagnola (1762/1833)

Luigi Cagnola (Milán, 9 de junio de 1762 - 14 de agosto de 1833)1 fue un arquitecto italiano. Biografía[editar] Nacido el 9 de junio de 1762 en Milán, fue enviado con catorce años al Colegio Clementino de Roma, para estudiar más tarde en la Universidad de Pavía.1 En principio estaba encaminado... Ver mas
Luigi Cagnola (Milán, 9 de junio de 1762 - 14 de agosto de 1833)1 fue un arquitecto italiano.
Biografía[editar]
Nacido el 9 de junio de 1762 en Milán, fue enviado con catorce años al Colegio Clementino de Roma, para estudiar más tarde en la Universidad de Pavía.1 En principio estaba encaminado a una carrera relacionada con el Derecho, pero su pasión por la arquitectura fue demasiado fuerte y terminó compitiendo por la construcción de la Porta Orientale, en Milán.1 Sus diseños fueron elogiados, pero no fueron seleccionados a causa de los gastos que habrían supuesto.1 En aquellos años Cagnola se dedicó ya en exclusiva a la arquitectura.1 Después de la muerte de su padre, pasó dos años en Verona y Venecia, estudiando estructuras arquitectónicas en dichas ciudades.1
En 1806 se le pidió que diseñara un arco triunfal para el matrimonio de Eugène de Beauharnais con la princesa de Baviera.1 El arco era de madera, pero era de tal belleza que se decidió construirlo en mármol.1 El resultado fue el Arco della Pace en Milán, superado en dimensiones a principios del siglo XX sólo por el Arco del Triunfo de París.1 Entre otros trabajos ejecutados por Cagnola se encuentran la Porta de Marengo en Milán, el campanario en Urgnano y la capilla de Santa Marcellina en Milán.1 Murió en 14 de agosto de 1833, cinco años antes de que se completara el Arco del Sempione, que diseñó para su ciudad natal.1

Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Marcello Piacentini (1881/1960)

84. Marcello Piacentini (1881/1960)

Marcello Piacentini (Roma, 8 de diciembre de 1881 - Roma, 19 de mayo de 1960) fue un arquitecto y urbanista italiano. Durante la época fascista trabajó intensamente en toda Italia y se consolidó su imagen de arquitecto favorito de Benito Mussolini y del Fascismo. Fue en Roma donde tuvo sus... Ver mas
Marcello Piacentini (Roma, 8 de diciembre de 1881 - Roma, 19 de mayo de 1960) fue un arquitecto y urbanista italiano. Durante la época fascista trabajó intensamente en toda Italia y se consolidó su imagen de arquitecto favorito de Benito Mussolini y del Fascismo. Fue en Roma donde tuvo sus encargos de mayor importancia: sus intervenciones modificaron notablemente el aspecto de la ciudad. Los edificios de Piacentini se caracterizan por su monumentalidad de inspiración clásica. Creó un estilo que podría denominarse Neoclasicismo simplificado, a mitad de camino entre los presupuestos estéticos del grupo de arquitectos Novecento (Muzio, Lancia, Gio Ponti, etcétera) y los del racionalismo arquitectónico italiano del Gruppo 7 e MIAR de Giuseppe Terragni, Giuseppe Pagano o Adalberto Libera.
Índice [ocultar]
1 Inicios y años del Fascismo
2 Años de la posguerra
3 Desprestigio y posterior revalorización póstuma
4 Cronología de las obras arquitectónicas de Piacentini
5 Bibliografía
6 Enlaces externos
Inicios y años del Fascismo[editar]
Hijo del arquitecto Pio Piacentini, Marcello conoció el éxito profesional muy pronto: con sólo veintiséis años (en 1907) participó en el concurso para reordenar el centro urbano de Bérgamo (que llevará a cabo entre 1922 y 1927). Entre los encargos más prestigiosos que recibió Piacentini destacan la dirección general de los trabajos y la coordinación urbanístico-arquitectónica de la Ciudad Universitaria de Roma (1935) y la supervisión de la arquitectura, los parques y jardines del E42, terrenos de la Esposizione Universale Roma (Exposición Universal de Roma) que debía haberse celebrado en 1942. En este proyecto trabajaron también los arquitectos Luigi Piccinato, Giuseppe Pagano, Luigi Vietti y Ettore Rossi). En el caso de la Ciudad Universitaria, Piacentini permitió a los jóvenes arquitectos que trabajaban a sus órdenes (como Giovanni Michelucci, Gaetano Rapisardi y otros) cierta libertad de expresión personal, en el caso del E42 prevalecieron los criterios de Piacentini y se adoptaron las soluciones más monumentales, características de su estilo. Con todo, los avatares políticos y las continuas revisiones del proyecto de la Exposición Universal hicieron que, a la postre, el resultado final variara considerablemente del planteamiento original de Piacentini.
En los planes de reforma urbanística de Livorno siguió los principios de la arquitectura racionalista italiana entonces en vigor: concebía el centro de las ciudades con funciones comerciales y administrativas y trazaba las calles buscando el realce de los edificios. En otras ocasiones siguió criterios muy discutibles, demoliendo barrios enteros para limpiar los alrededores de los edificios singulares de los centros históricos o creando vías radiales en las ciudades. Entre las reformas urbanísticas más discutidas de Piacentini se encuentra la demolición de los edificios de la Spina di Borghi en el Vaticano para abrir la Via della Conciliazione, proyecto elaborado en 1936 y llevado a término en 1950 junto al arquitecto Attilio Spaccarelli.
Años de la posguerra[editar]
Piacentini fue profesor de Urbanismo en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de La Sapienza, si bien fue apartado brevemente de la docencia por sus simpatías fascistas. Se jubiló siendo catedrático de Arquitectura en 1955. En esos años se encarga de proyectos como la reforma del Teatro de Ópera de Roma, cuya poco afortunada fachada el arquitecto Ludovico Quaroni ha atribuido en una entrevista al periódico Il Messaggero a un colaborador anónimo de Piacentini. Su última obra arquitectónica fue el Palazzo dello Sport (actualmente llamado Palalottomatica) en el Eur (1960), diseñado junto a Pier Luigi Nervi.
Su última intervención urbanística consistió en la regulación del plano urbano de Bari (1950), proyecto firmado por Piacentini junto a Giorgio y Alberto Calza Bini. Formó parte también de una primera comisión elaboradora del plan regulador de Roma que finalmente será adoptado en 1962, en la que defendió los principios urbanísticos que mantenía desde los tiempos del fascismo. En este caso, sin embargo, no pudo imponer su criterio.
Desprestigio y posterior revalorización póstuma[editar]
Tras una larga enfermedad, Piacentini murió en 1960. El prestigio de su obra decayó mucho y se la juzgó muy peyorativamente. Bruno Zevi afirmó que Piacentini, como arquitecto, había muerto en 1911. Con todo, últimamente se han reconocido algunos de sus méritos, como la ampliación de la Via Roma de Turín (1936) o el proyecto urbanístico original para el Eur de Roma.
Cronología de las obras arquitectónicas de Piacentini[editar]
1910, Bruselas: pabellón italiano de la Exposición Universal.
1912-1928, Mesina: Palacio de Justicia.
1913, Roma: Villetta Rusconi.
1915-1917, Roma: Cinema Corso.
1916-1918, Roma: Villa Nobili.
1922, Florencia (en colaboración con Ghino Venturi): Cine-Teatro Savoya (hoy conocido como Odeón), en el Palazzo dello Strozzino.
1925, Roma: Restauración de la Villa Madama.
1926-1958, Roma: reformas en el Teatro de la Ópera de Roma.
1928, Bolzano: Monumento a la Victoria.
1931, Roma: Palazzo delle Corporazioni, situado en Via Veneto (actualmente sede del Ministero dello Sviluppo Económico).
1931, Génova: Arco de la Victoria, dedicado a los genoveses caídos durante la Primera Guerra Mundial.
1932-1941: Reggio Calabria: Museo Nazionale della Magna Grecia.
1933, Milán: Palacio de Justicia.
1935-1940, Génova: Torre Piacentini.
1936, Roma: Rectorado de la Universidad de La Sapienza.
1938, Livorno: Proyecto de reforma urbanística del centro histórico y de la Piazza Grande.
1938-1942, Roma: planificación del E42 (EUR).
1939-1940, Nápoles: reestructuración de la sede del Banco di Napoli.
1941, Roma: demolición de las spina di Borgo para la apertura de la Via della Conciliazione.

Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Mario Palanti (1885/1979)

85. Mario Palanti (1885/1979)

Mario Palanti (Milán, 1885 - Milán, 1978) fue un arquitecto y pintor italiano. Comenzó su formación artística en 1905 cuando estudió pintura en la Academia de Brera, para después graduarse de arquitecto en la Escuela de Arquitectura del Politécnico de Milán. Llegado a la Argentina en 1909... Ver mas
Mario Palanti (Milán, 1885 - Milán, 1978) fue un arquitecto y pintor italiano. Comenzó su formación artística en 1905 cuando estudió pintura en la Academia de Brera, para después graduarse de arquitecto en la Escuela de Arquitectura del Politécnico de Milán.
Llegado a la Argentina en 1909, trabajó primero en el estudio de Arturo Prins y Oskar Razenhofer, para los cuales colaboró por ejemplo en el diseño de la nueva sede de la Facultad de Derecho, un icónico edificio del estilo neogótico. Entre sus primeros trabajos independientes se destacan por su singular decoración dos cercanos edificios, ambos en la Avenida Rivadavia y construidos en 1914: uno, por los dos atlantes que sostienen los balcones del segundo piso, y el otro por su fachada conformada por tres robustos arcos de cuatro pisos de altura. Entre sus obras más importantes figura la construcción del Palacio Barolo, en la Ciudad de Buenos Aires y su edificio gemelo, el Palacio Salvo en la ciudad de Montevideo.
Entre otros trabajos se destacan el Hotel Castelar en la Avenida de Mayo, el edificio residencial de Avenida Santa Fe y Callao, el concesionario de Resta Hermanos con pista de pruebas en la azotea en la Avenida Figueroa Alcorta (transformado en edificio residencial por MSGSSS) y la casa matriz en Buenos Aires del Banco Francés e Italiano para la América del Sur (luego Banco Sudameris, actual Banco Patagonia).
Obras destacadas[editar]
1914: Edificio de los Atlantes. Avenida Rivadavia 1916, Buenos Aires.
1914: Edificio de viviendas, propiedad de Bernardo Vila. Avenida Rivadavia 2625, Buenos Aires.
1914: Cine Presidente Roca. Avenida Rivadavia 3736, Buenos Aires.
1915: Chalet propiedad de Alberto Grimoldi. Avenida Rivadavia 5050, Buenos Aires. (Demolido)
1919/23: Palacio Barolo, propiedad de Luis Barolo. Avenida de Mayo de 1370, Buenos Aires.
1919/24: Edificio de viviendas, propiedad de Juan Uboldi. Avenida Rivadavia 2460, Buenos Aires.
1919/24; Palacio Comercial, propiedad de Emilio Valsechi. San José esq. Adolfo Alsina, Buenos Aires.
1919/24: Casa Matriz del Banco Francés e Italiano para la América del Sur. Teniente General Perón esq. San Martín, Buenos Aires.
1920: Edificio de viviendas, propiedad de Andrés Rocatagliata. Avenida Santa Fe esq. Avenida Callao, Buenos Aires.
1921: Edificio de viviendas, propiedad de Andrés Rocatagliata. Avenida Santa Fe 1769/71, Buenos Aires.
1922: Residencia particular. Eduardo Costa 3079/99, Buenos Aires. (Asociado: Alguier)
1922: Palacio Salvo, propiedad de los hermanos Salvo. Avenida 18 de Julio entre Plaza Independencia y Andes, Montevideo.
1927: Tienda London París entre calles Av. 18 de Julio, Zorrilla de San Martín y Rincón. Paysandú, Uruguay
1927: Palacio Automotor, propiedad de Resta Hermanos. Avenida Figueroa Alcorta 3351, Buenos Aires.
1927/8: Hotel Excelsior (actualmente Castelar Hotel). Avenida de Mayo 1142, Buenos Aires.

Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Benedetto Alfieri (1699/1767)

86. Benedetto Alfieri (1699/1767)

Benedetto Innocenzo Alfieri (1699 a 9 12 1767) fue un italiano, arquitecto, un representante de la tarde- barroco o rococó estilo. Biografía y obras [editar] Nacido en Roma, era el ahijado del Papa Inocencio XII, y un miembro de la familia notable Alfieri del piamontés origen (el conocido... Ver mas
Benedetto Innocenzo Alfieri (1699 a 9 12 1767) fue un italiano, arquitecto, un representante de la tarde- barroco o rococó estilo.
Biografía y obras [editar]
Nacido en Roma, era el ahijado del Papa Inocencio XII, y un miembro de la familia notable Alfieri del piamontés origen (el conocido dramaturgo Vittorio Alfieri fue su sobrino). En Roma, Benedetto fue educado en matemáticas y diseño de los jesuitas; Luego se mudó a Piamonte (que vive en Turín y Asti) para practicar tanto como abogado y como arquitecto. Fue frecuentemente frecuentado por Carlos Manuel III de Cerdeña, que le encargó el diseño del Teatro Real de Turín; el teatro (que fue probablemente su obra maestra) se quemó en 1936.
También completó la torre del campanario de la iglesia de Santa Anna en Asti y Palazzo Gilini en Turín; ayudado a completar la fachada de la catedral de Vercelli (1757 a 1763); ayudó en la decoración del interior de la basílica del Corpus Domini en Turín y la decoración del Palazzo Chiablese, al lado del Palacio Real de Turín. También contribuyó adiciones y extensa decoración de la Palazzina di Caccia de Stupinigi. Él diseñó el campanario de la Basílica de San Gaudencio en Novara. También completó la fachada de la iglesia de San Pietro in Génova. El rey le hizo conde de Sostegno.
Colaboró ​​durante su larga carrera con artistas como Luigi Acquisti, Giovanni Battista Borra, y Emilio Usiglio entre muchos. Murió en Turín.

Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Antonio Rinaldi (1710/1794)

87. Antonio Rinaldi (1710/1794)

Antonio Rinaldi (nacido en 1710 - murió el 10 de abril de 1794 en Roma) es un arquitecto italiano del siglo XVIII, alumno de Luigi Vanvitelli, que trabajó principalmente en Rusia a partir de de 1751. Fue arquitecto de la Corte Imperial desde 1754 a 1784. Biografía[editar] Rinaldi (1782) Fue... Ver mas
Antonio Rinaldi (nacido en 1710 - murió el 10 de abril de 1794 en Roma) es un arquitecto italiano del siglo XVIII, alumno de Luigi Vanvitelli, que trabajó principalmente en Rusia a partir de de 1751. Fue arquitecto de la Corte Imperial desde 1754 a 1784.
Biografía[editar]

Rinaldi (1782)
Fue a instancias del conde Cirilo Razoumovski (1728-1803), hermano del Conde Alekséi Razumovski, él mismo uno de los favoritos de la emperatriz Isabel Petrovna, por lo que Antonio Rinaldi llegó a Rusia para decorar las residencias del conde. De esa fecha data la construcción de la Catedral de la Resurrección en Potchep cerca de Briansk y la Catedral de Santa Catalina de Jamburg (actualmente Kingisepp). Rinaldi adaptó el estilo barroco italiano a las exigencias de la Iglesia Ortodoxa Rusa, con sus cúpulas características.
Nonstruyó el castillo del conde Vorontsov Novoznamenka y en 1754 se convirtió en el arquitecto de la Corte.
Fue el arquitecto de Oranienbaum el palacio de Pedro III (1758-1760), del palacio Chino (1762-1768) y de la Ópera y el pabellón de Hielo ( 1762-1774).
Desde 1770, estuvo al servicio del Conde Orlov, favorito de Catalina la Grande y evolucionó hacia el estilo neoclásico. Construyó el magnífico Palacio de Mármol a la orilla del Neva en San Petersburgo y el inmenso Palacio Gátchina, que pasó a ser propiedad de la Pablo I a la muerte del conde Orlov. También diseño el proyecto de la «puerta de Orlov», el obelisco de Kagoul en el parque del palacio de Catalina, y la columna Tchesmé en Tsarskoe Selo. Terminó también la construcción (iniciada por Vallin de La Mothe) de la Iglesia Católica de Santa Catherine, en la perspectiva Nevsky.
Los últimos trabajos de Rinaldi se caracterizan por un decorado interior rococó y las fachadas en estilo neoclásico (conocido en Russian como Imperio). diseñó los planos de la antigua Catedral de San Isaac, hoy día demolida y reemplazada por la actual catedral, construida por Montferrand, así como los de la Catedral de San Vladimir.
En 1783 construyó el primer teatro Bolshoi Kamenny hoy demolido y que albergó la compañía de Ballet Imperial y el elenco de la Ópera Imperial.
En 1784, Rinaldi dimitió de su cargo para acabar sus días en Italia.
Obras[editar]
Palacio de Mármol, San Petersburgo
Teatro Bolshói Kamenny (1783)

Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Giuseppe Piermarini (1734/1808)

88. Giuseppe Piermarini (1734/1808)

Giuseppe Piermarini (Foligno, 18 de julio de 1734 – ibídem, 18 de febrero de 1808) fue un arquitecto italiano, autor del Teatro de la Scala en Milán y de la Villa real de Monza, entre otras obras destacadas. Bibliografía[editar] Piermarini nació en Foligno, en los Estados Pontificios en 1734... Ver mas
Giuseppe Piermarini (Foligno, 18 de julio de 1734 – ibídem, 18 de febrero de 1808) fue un arquitecto italiano, autor del Teatro de la Scala en Milán y de la Villa real de Monza, entre otras obras destacadas.
Bibliografía[editar]
Piermarini nació en Foligno, en los Estados Pontificios en 1734. Se formó como arquitecto en Roma donde trabajó con Luigi Vanvitelli entre 1756 y 1764 y en Caserta entre 1765 y 1768. Se trasladó posteriormente a Milán en 1770 y fue nombrado arquitecto regio imperial e inspector de las fábricas de toda Lombardía.
Fue profesor de la Academia de Brera que fundó María Teresa y amigo de Panini y Ugo Foscolo.
Tras la invasión francesa, se retiró a Foligno entre 1798 y 1799 hasta que se volvió a ocupar de decoraciones de la Fiesta de la Federación al crearse la República Cisalpina. Murió en Foligno en 1808.
Obra[editar]
Piermarini construyó un gran número de obras, de entre las cuales las más conocidas son:
Palacio ducal de Milán (1773–1778)
Palacio Belgioioso (1772–1781)
Teatro de la Scala de Milán (1776–1778)
Villa ducal de Monza (1776–1780)
Palacio Greppi de Milán (1772–1778)
Iglesia de los Santos Gervasio y Protasio de Parabiago (1780).

Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Nicolau Nasoni (1691/1773)

89. Nicolau Nasoni (1691/1773)

Nicolau Nasoni (originalmente Niccoló Nasoni) (2 de junio de 1691 - 30 de agosto de 1773) fue un arquitecto y pintor italiano, que trabajó casi toda su vida en Portugal. Se convirtió en el Siglo XVIII en una de las figuras más influyentes en la arquitectura barroca portuguesa y la arquitectura... Ver mas
Nicolau Nasoni (originalmente Niccoló Nasoni) (2 de junio de 1691 - 30 de agosto de 1773) fue un arquitecto y pintor italiano, que trabajó casi toda su vida en Portugal. Se convirtió en el Siglo XVIII en una de las figuras más influyentes en la arquitectura barroca portuguesa y la arquitectura rococó.
Biografía[editar]
Nacido en San Giovanni Valdarno, Toscana, recibió su educación de 1713 a 1720, en Siena del maestro Giussepe Nicola Nasini. Durante este primer período, construyó un catafalco de Fernando de Médici y el arco triunfal en la catedral de Siena, para la recepción del nuevo arzobispo. Al mismo tiempo, estudió arquitectura y pintura al trabajar con su maestro de la Opera del Duomo de Siena.
Fue empleado, primero como pintor en Roma en 1723 y después viajó a Malta. Nasoni recibió el encargo del nuevo Gran Maestre de la Orden de Malta, de pintar los techos y pasillos del Palacio Magistral de La Valletta. Su obra fue muy apreciada y pronto se hizo famoso como pintor decorativo. Por invitación de Jerónimo de Távora e Noronha, el Decano de Oporto, se trasladó a la ciudad portuguesa en 1725, donde permanecería hasta su muerte en 1773.

Palacio Episcopal de Oporto visto desde el rio Duero
Sus primeras obras registradas en Oporto fueron frescos en las paredes de la catedral en 1725, aquí introdujo a Portugal los efectos ilusionistas típicos de este período, llamados quadratura. Se le dio la tarea de redecorar y modernizar esta catedral, aún de estilo románico. Añadió el pórtico de granito (1736) de la fachada norte y la logia con la azulejos. Su retablo de plata, con ángeles que vuelan, guirnaldas, hojas de acanto y columnas salomónicas en estilo manuelino. También diseñó los dos órganos. Decoró el ábside de la catedral y el claustro (1733-1736) con una rica variedad de adornos.
En 1734 diseño la construcción del gran Palacio Episcopal de Oporto, junto a la catedral. Su fachada tiene 58 metros de largo. La construcción no comenzó hasta 1741. Sólo una parte del palacio se completó durante su vida.
En 1729 se casó con Isabel Castriotto Rixaral, un napolitana de ascendencia noble. Ella murió al año siguiente a causa de las complicaciones del parto, teniendo usu primer hijo, llamado José.
En 1731 se casó nuevamente, esta vez con una mujer portuguesa, Antonia Mascaranhas Malafaia, de la cual tuvo 5 hijos: Margarita, Antonio, Jerónimo, Francisco y Ana.
Ese mismo año hizo el diseño de la espectacular iglesia y la torre de granito de São Pedro dos Clérigos en Oporto. Esta sería, según los estudiosos, su obra más importante (1732-1763). Se convertiría en la construcción más importante en la renovación de Puerto durante la primera mitad del Siglo XVIII, junto con sus otras realizaciones, que transformaría a Oporto en la mayor ciudad del barroco portugués.
Su especialidad era la dourada Talha, una técnica para decorar la madera con hojas de oro. Estas esculturas de madera dorada se convirtieron en lo más típico en el arte barroco portugués. Esta técnica se aplicó a los altares, retablos , esculturas y baldaquinos dando una impresión abrumadora de la opulencia al entrar en una iglesia. Durante la Contra-Reforma esta riqueza de la ornamentación se animó a impresionar a los creyentes con la riqueza de la fe católica.
Nicolau Nasoni introdujo en Portugal la forma cóncava del retablo y el arco ondulante en la parte superior. Ejerció una gran influencia en sus contemporáneos con su escultura de madera. Un buen ejemplo es el retablo en el altar mayor de la iglesia de San Ildefonso en Oporto, donde se utilizan los mismos elementos decorativos temáticos que en sus diseños arquitectónicos (conchas asimétricas, hojas de acanto, volutas y hojas, con la adición de los ángeles que vuelan) . En sus diseños para la plata eclesiástica, utilizó estos mismos motivos una vez más: los ángeles alados, hojas de acanto y guirnaldas (retablo de plata en la catedral de Oporto). Y de nuevo en las barandillas de hierro y las puertas del arco del presbiterio en la misma catedral. En 1743 ingresó en la Hermandad de los Clérigos. Fue enterrado, a petición suya, en una tumba sin nombre en la cripta de la Iglesia de los Clérigos. Como arquitecto y pintor, dejó una enorme influencia en la zona norte de Portugal, uno de sus sucesores fue el pintor y arquitecto José de Figueiredo Seixas , que había trabajado bajo su dirección.
Obras importantes en Oporto y el norte de Portugal[editar]

Palacio de Freixo en Oporto

Palacio de Mateus en Vila-Real
Palacio Episcopal de Oporto
Iglesia y Torre de los Clérigos
Logia de la Catedral de Oporto.
Palacio de São João o Novo (1723-1733) (Oporto) (en la actualidad alberga el Museo Etnográfico e Histórico).
Catedral de Lamego (1738-1743): reconstrucción de la catedral y la pintura de las falsas cúpulas de la nave, utilizando quadratura técnicas.
Fuente y escalinata del Santuario de Nossa Senhora dos Remédios, en Lamego
Frescos que representan la gran tribulación (1739, destruida) en el techo de la nave de la Iglesia Santa Eulalia en Cumeeira, en la provincia rural de Trás-os-Montes.
Iglesia do Bom Jesús (1743), una magnífica iglesia barroca en Matosinhos , al norte de Oporto. A continuación añadió un elemento de la horizontalidad (bastante raro en la arquitectura portuguesa).
Quinta do Chantre (1743): muros de los jardines con fuentes a lo largo de un eje central, que conduce a la casa con una torre central.
Iglesia de Santa Marinha (1745), Vila Nova de Gaia (al otro lado del río Duero, frente a Porto)
Retablo de la Igreja de Santo Ildefonso (1745).
La Chafariz de San Miguel monumento-fuente construida en el centro histórico de Oporto.
Diseños para el orfanato de Nuestra Señora de la Esperanza (1746).
Quinta de Ramalde (1746): la adición de estilo neogótico elementos decorativos tales como almenas de la torre central.
Fachada de la Iglesia de la Misericordia (1749) (Oporto).
El Palacio de Freixo (1750) (Oporto).
La parte central del Palacio de Mateus (Solar de Mateus) (atribuido a Nasoni por razones estilísticas, terminado en 1750) (Vila Real).
Quinta da Prelada (terminado antes de 1758): uno de sus diseños más teatral, llena de fantasía, como la fuente de granito de la Tortuga (pero no completado).
Capela Nova (Vila Real).

Ha recibido 5 puntos

Vótalo:

Taddeo Gaddi (1300/1366)

90. Taddeo Gaddi (1300/1366)

Taddeo Gaddi (h. 1300-1366); pintor y arquitecto italiano del estilo italo-gótico. Como pintor, creó altares y murales y ante todo destaca como alumno y seguidor de Giotto. Como arquitecto, se le atribuye el diseño del Ponte Vecchio. Vida y obra[editar] Hijo de Gaddo Gaddi, un artista del que... Ver mas
Taddeo Gaddi (h. 1300-1366); pintor y arquitecto italiano del estilo italo-gótico. Como pintor, creó altares y murales y ante todo destaca como alumno y seguidor de Giotto. Como arquitecto, se le atribuye el diseño del Ponte Vecchio.
Vida y obra[editar]
Hijo de Gaddo Gaddi, un artista del que poco se sabe, la educación artística de Taddeo le viene principalmente por ser alumno y asistente del pintor Giotto di Bondone. Cennino Cennini se refirió a Taddeo llamándolo ahijado de Giotto y dice que su relación duró 24 años.1
Los primeros trabajos, como La estigmatización de san Francisco (h. 1325-1330, témpera sobre panel de madera) demuestra un sutil remodelado del estilo de Giotto.
Quizá sus obras más famosas son la serie de frescos que representan las vidas de la Virgen y de Cristo en la Capilla Giugni (antes Capilla Baroncelli) en la Basílica de Santa Cruz en Florencia (1328-38). La anunciación a los pastores (a la derecha) ilustra el interés de Taddeo en la luz y sus efectos. Su estudio de los eclipses solares en particular le llevarían con el tiempo a una seria lesión ocular en 1339.2
Como arquitecto, Taddeo Gaddi se le atribuye el diseño del Ponte Vecchio en Florencia, así como el Ponte Trinita, que fue destruido en el siglo XVI.3
Dos hechos apuntan a la importancia de Taddeo Gaddi como artista florentino:
Giorgio Vasari incluyó una biografía suya en las Vidas.
El nombre de Taddeo aparece en lo alto de una lista de 'los mejores maestros de pintura que hay en Florencia'.1
Taddeo Gaddi tuvo cuatro hijos, tres de los cuales fueron artistas conocidos: Giovanni, Agnolo y Niccolò. Ninguna evidencia demuestra que su cuarto hijo, Zanobi, fuera alguna vez un artista serio.
Su presencia en museos españoles es muy reducida: La Adoración del Niño del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. Dos tablas del Museo del Prado, que se le atribuían (legado de Francesc Cambó), se asignan ahora al anónimo Maestro de la Madonna de la Misericordia, seguidor suyo.

Ha recibido 4 puntos

Vótalo:

Filippo Calendario (1300?/1355)

91. Filippo Calendario (1300?/1355)

Filippo Calendario (muerto 16 de abril 1355 en Venecia, Italia) fue un arquitecto, un diseñador del siglo 14 Palacio Ducal, Venecia. Fue ejecutado por traición. Contenido [hide] 1 Diseño del Palacio Ducal 2 Conspiración y ejecución 3 Referencias 4 Enlaces externos Diseño del Palacio... Ver mas
Filippo Calendario (muerto 16 de abril 1355 en Venecia, Italia) fue un arquitecto, un diseñador del siglo 14 Palacio Ducal, Venecia. Fue ejecutado por traición.
Contenido [hide]
1 Diseño del Palacio Ducal
2 Conspiración y ejecución
3 Referencias
4 Enlaces externos
Diseño del Palacio Ducal [editar]
A finales del siglo 13 del Palacio existente Ducal en Venecia necesitaba ampliar. La reconstrucción se inició alrededor de 1340, [1] aunque interrumpido durante varios años a causa de la peste. [2]
Calendario es atribuida por algunas fuentes como el primer arquitecto o, al menos, un colaborador. Calendario aparece por primera vez en los registros oficiales en 1340, cuando se le describe como un maestro de dos pequeñas embarcaciones, que se utiliza para el transporte de la piedra para la construcción. Por 1341 él era el dueño de cinco barcos. Esto hace que sea probable que él también era un cantero. [2]
El nuevo edificio fue en el gótico veneciano estilo, bajo y rechoncho para hacer frente a las malas condiciones del terreno. [3] Sin embargo, el Palacio está construido notablemente en dos fases y esto se cree que es debido a que, en 1355, de Calendario fue ejecutado. [ 3]
Conspiración y ejecución [editar]
El nuevo dux de Venecia, Marino Faliero (elegido 1354), tenía ambiciones de convertirse en señor de Venecia. Sin embargo, el complot fue descubierto y los conspiradores arrestados. Calendario fue uno de los culpables de traición y, con el líder de la conspiración Bertuccio Israello, condenado a la horca el 16 de abril 1355. Ambos fueron ahorcados desde el balcón del nuevo Palacio, según los informes, con gags en la boca. Hijo del Calendario estaba también entre los hombres culpables y más tarde también fue colgado del edificio. [4]
Referencias [editar]
Jump up ^

Ha recibido 0 puntos

Vótalo:

Bienvenido

Con las Listas de 20minutos.es puedes crear tu propio top y leer y votar los del resto de usuarios. Ver más

Crear una nueva lista

Encuentra una lista al azar

Busca una lista

Conectados recientemente

Comentarios
Haz tu comentario aquí

© 2013-2016 - Listas de 20minutos.es | Ir a la versión móvil